en escena - Casa de la Danza

DanZa
en escena
REVISTA DE LA CASA DE LA DANZA _ Nº 22 OCTUBRE-DICIEMBRE de 2008
Víctor Ullate
HECTOR NAVARRO / ÁNGEL CORELLA / CARMEN CORELLA / DANZA EN MADRID / YOLANDA CORREA Y JOEL CARREÑO

SUMARIO
4 EDITORIAL
Marcelino Izquierdo Vozmediano
5 Un paraíso para disfrutar del teatro
y la danza
Perfecto Uriel
6 PORTADA: Víctor Ullate
Iratxe de Arantzibia
11 Los periodistas opinan:
La pasión de Ullate
Marta Carrasco
Para muchos “el maestro”, para mi,
además, un amigo
Nèlida Monés i Mestre
12 La generación de Ullate tiene la palabra
Iratxe de Arantzibia
14 ENTREVISTA: Hector Navarro
Mercedes Albi
16 Verano en danza en Madrid
Víctor M. Burell
18 ENTREVISTA: Ángel Corella
Iratxe de Arantzibia
19 ENTREVISTA: José Luis Vázquez
Mercedes Albi
20 ENTREVISTA: Carmen Corella
Iratxe de Arantzibia
23 100 años del Teatro Maipo
en Buenos Aires
cumple 100 años
Danza en escena
24 The Iceland Dance Company
Perfecto Uriel
26 CRÍTICA: Pina Baus en en Liceo
Nélida Monès i Mestre
27 CRÍTICA: Ana Karenina
Iratxe de Arantzibia
28 El Ballet en Cuba:
pasado y presente
Célida P. Villalón
30 Yolanda Correa y joel Carreño
Mercedes Albi Murcia
32 Panorama parcial de la
danza en Galicia
Afonso Becerra de Becerreá
34 ENTREVISTA: Proyecto Cre.Art
36 CON MOIVOS: Pedagogía y
coreografía para la danza
Inma Álvarez
38 Acercando la danza a los jóvenes
con discapacidad en Paraguay
Brigitte Colmán
40 Puro Yoga
Elena Ferrari
41 MEDICINA Y DANZA:
La danza como poder cutativo
Antonio Díaz Pérez
42 Recuerdo a Mario Maya
Marta Carrasco
42 El Ballet Chonchoi
Fredy Rodríguez
43 Libros
43 Actividades de la Casa de la Danza
44 CALENDARIO
45 VITRINAS ABIERTAS:
Eva Yerbabuena
Ana Isabel Elvira
46 BREVES
Pag.6
Pag.34
Pag.38
Pag.20
Pag.16
Pag.14
Pag.30

editorial
El coronel no tiene quien le baile
Por Marcelino Izquierdo Vozmediano, Periodista
DanZa
en escena
Nº22
OCTUBRE_ NOVIEMBRE_ DICIEMBRE_ 2008
EDITORA: Mila Ruiz
Muchas cosas han cambiado en este país, en esta ciudad,
apenas veinticinco años después. Recién licenciado en la
Autónoma barcelonesa, a principios de los años 80, encaré
el servicio militar con la resignación del reo que apura su condena.
Era una época de cambio en lo político, en lo económico, en lo
social y, para mí, también en lo personal. Conocí a mucha gente en
el cuartel; cada uno de su padre y de su madre. Con algunos hice
amistad, a otros me limité a soportarlos.
Se llamaba Pablo -por desgracia no recuerdo el apellido, si es que
me lo dijo- y era batidor del coronel, o sea, el que le hacía los
recados. Era un chaval amable, educado, ni alto ni bajo, delgado
pero fibroso, que ocultaba su rostro tras un poblado bigote muy al
gusto de la época y del lugar. Como en los cuarteles el tiempo
pasaba despacio, hablábamos y hablábamos durante horas, pues a
mí -¡quién lo diría!- me habían elegido como escolta del mismo
coronel. Un día le pregunté: -¿Tú qué has estudiado?- Pablo dudó
unos instantes. Recorrió con su mirada los 360 grados que le rodeaban
y no habló hasta que estuvo seguro de nuestra soledad. -Soy
bailarín -contestó a media voz- Ah, te gusta bailar. -No, no es eso;
soy bailarín profesional. -¿De ballet?- Pero no lo digas muy alto.
-¿Por qué? -¿Te imaginas cómo me tratarían si supieran que hago
ballet?-
Por aquél entonces, mi única relación con el ballet había sido en
aquel maravilloso escaparate que era el Festival de Teatro de
Logroño, primero en La Tabacalera, en sillas plegables, y después
en el Auditorium Municipal, donde entre Shakespeare, Paco Nieva
y Dario Fo, se colaba algún montaje de danza. Pero las cosas, como
decía al principio, cambian. Cuando el Teatro Bretón se reinauguró,
allá por la primavera de 1990, el espectáculo elegido para recibir
a la Reina Doña Sofía estuvo a cargo del Ballet Nacional de
España, dirigido por José Antonio. Pablo no estaba en el escenario,
pero seguro que le hubiera gustado.
Por suerte, la danza es una disciplina que, poco a poco, va ganando
adeptos entre los españoles, gracias a su madurez social y cultural
y al trabajo que desde hace tiempo llevan a cabo cualificados
profesionales.
COORDINADOR: Perfecto Uriel
CONSEJO DE REDACCIÓN: Mercedes Albi, Iratxe de
Arantzibia, Victor M. Burell, Ana Isabel Elvira,
Nélida Monès, Fredy Rodríguez, Mila Ruiz y Delfín
Colomé (miembro honorífico)
COLABORADORES: Inma Álvarez, Alonso Becerra de
Becerreá, Marta Carrasco, Brigitte Colmán, Antonio
Díaz Pérez, Elena Ferrari, Marcelino Izquierdo,
Célida P. Villalón
FOTOGRAFÍA: Mercedes Albi, Inma Álvarez, Jacobo
Bugarín, Enrique Cidoncha, Víctor Cucart, Golli,
Sandra Navarro, Víctor Ribera Jove, Javier del Real,
Enrique del Río, Mila Ruiz, Rafael Ruiz, Gene
Schiavone, Javier Valdez
ILUSTRACIONES:
Sol Undurraga.
IMPRENTA: ABZ Impresores.
MAQUETACIÓN Y PUBLICIDAD:
Rampa Ediciones Culturales.
DIRECCIÓN: Casa de la Danza,
Rua Vieja 25, 26001 Logroño (La Rioja)
Telf: 941 246 365
Fax: 941 246 749
MAILS:
Mila Ruiz: danzaenescena@gmail.com
Perfecto Uriel: revista@casadeladanza.com
DL: LR-249-2005
(Las colaboraciones son gratuitas y responsabilidad
de sus autores)
*Danza en escena puede adquirirse de forma
gratuita en la Casa de la Danza
PORTADA: Víctor Ullate ©Enrique Cidoncha
FOTO CONTRAPORTADA : Museo de la Casa de la Danza
©Mila Ruiz

Un paraíso para disfrutar
del teatro y la danza
Por Perfecto Uriel
Del 11 al 14 de septiembre,
Tárrega se convierte en un mercado
de teatro y danza. El pueblo
entero se transforma en un enorme
mostrador al que acuden programadores
de teatro, directores de festivales,
productores y público en general para
disfrutar de las nuevas propuestas para
la temporada.
Con sus 28 años de vida, tiempo más
que suficiente para hacerse un hueco
en el panorama internacional. Éste
fenómeno sociocultural, festivo y popular
-junto a otras ferias un poco menos
conocidas- es el que mueve los hilos de
la industria de las artes escénicas en
España.
Hablar de Tárrega es hablar de teatro
y de fiesta en la calle. Tárrega siempre
ha tenido en consideración los espectáculos
de danza y sería injusto olvidar
esos momentos, ya históricos, de compañías
como: "Mar Gómez" o "Las
Malqueridas" o "Corchero", por citar a
unos pocos. Es cierto que siempre eran
propuestas de calle y por tanto un poco
menos formales que cuando se trata de
una programación de interior, sea cual
sea su condición.
Diez compañías nacionales e internacionales
-de las 80 que participan en la
feria- han traído a Tárrega sus últimos
montajes que, con la danza como elemento
principal, también beben de
otras disciplinas como el circo, los
audiovisuales o la performance.
Un buen ejemplo de esta mezcla de disciplinas
la pudimos ver en la compañía
de las Islas Baleares, Au Ments, con su
montaje Accions/Reaccions, a caballo
entre el teatro visual, la performance y la
danza.
Así mismo, la compañía catalana Senza
Tempo, con un lenguaje mestizo y más
allá de la danza, su montaje de calle
A+, cosas que nunca te conté, nos ha
hablado de la utopía, de la libertad y
del nomadismo.
A medio camino entre la danza contemporánea
y el circo, Claire trajo su Barco
de Arena, un solo de danza que recoge
el espíritu del montaje De paseo (2004).
Danza y humor se mezclaron en el
espectáculo de calle Un poco Carmen,
de la compañía belga La Guardia
Flamenca. Una curiosa formación de
majorettes flamencas de Flandes
(Bélgica) que teatralizan el mito de
Carmen en un montaje itinerante y festivo.
Los franceses Osmosis Cie. traspasan los
límites de la danza con el montaje
Alhambra Container. A medio camino
entre la danza y el teatro físico, es una
gran coreografía concebida para tres
bailarines, tres carretillas elevadoras y
tres contenedores de mercancías sobre
los que se proyectan imágenes de las
interpretaciones de tres cantantes creadas
para la ocasión. El espectáculo
habla de fronteras, de división, de movimientos
migratorios, del exilio. Es un
canto a la esperanza, la reivindicación
de un sueño.
La pintura se mezcló con la danza
robándole el protagonismo en el montaje
El pintor y la modelo, del andaluz
Roberto Martínez Losa. Un pintor baila
y pinta encima del escenario
en una tela. Una reflexión
sobre el arte y la realidad
de un creador multidisciplinar
formado en las
bellas artes.
La música clásica (con
músicos procedentes de la
Orquesta Sinfónica de
Tenerife y de la Filarmónica
de Galicia) y la danza contemporánea
establecen un
diálogo en la creación Suite
Nómada, de la compañía
canaria Nómada.
El teatro gestual y la danza
son los protagonistas del
montaje de calle El jardí de
les meravelles, de la compañía
Factoria Mascaró,
una sátira sobre el hombre
y su entorno natural y
urbano.
Danza, circo y humor convergen
en Gira, el espectáculo
de Jorge Albuerne i
Cecilia Colacrai.
Los aragoneses Teatro Che
y Moche presentaron
Metrópolis, un espectáculo
multidisciplinar, que amalgama
música y danza,
cinema, vídeo y teatro.
Basado en la mítica película
de Fritz Lang, la compañía lleva a los
escenarios una superproducción con
una banda sonora original de Víctor
Rebullida grabada por la orquestra
Enigma (Orquesta de Cámara del
Auditorio de Zaragoza).
Resumido en pocas palabras, estas son
algunas de las sinopsis de los espectáculos
que me dio tiempo a ver. Aunque
algunos no fueron para tirar cohetes, la
verdad es que siempre es interesante
ver como la danza empieza a formar
parte de las propuestas de ferias y festivales.
Estamos tan acostumbrados a no
encajar en programaciones, festivales y
otros eventos que es causa de gran júbilo
cuando nos dejan participar en las
ferias de artes escénicas. De cualquier
manera siempre será más provechoso
abrir puertas que cerrarlas. La interdisciplinaridad
nos dará buenos resultados
en un futuro no muy lejano.
“Un poco de Carmen”, La Guardia Flamenca
Danza en Escena 5
nº22_2008

Víctor Ullate
Voluntad y tesón por y para la danza
Por Iratxe de Arantzibia
Víctor Ullate en su casa con Copo
Disfrutando del plácido y merecido
descanso del guerrero, no parece
tan fiero el león como lo pintan.
Dos infartos son los responsables del
punto de inflexión vital de este artista
polivalente, cuya seña de identidad
habría de ser la del tesón y fortaleza
frente a las dificultades. A sus 61 años,
Víctor Ullate (Zaragoza, 1947) ha descollado
las facetas de bailarín, maestro,
director y coreógrafo. Hablar con él
supone desempolvar una parte de la historia
de la danza con nombres tan influyentes
como Maurice Béjart, Antonio 'El
Bailarín' o María de Ávila. A su vez, como
eslabón intergeneracional, Ullate es el
cordón umbilical de gran parte de toda
esa fantástica pléyade de bailarines
españoles que triunfan en la actualidad
como Lucia Lacarra, Ángel Corella o
Tamara Rojo, entre otros muchos. En la
actualidad, muy reconocido y respetado
en su faceta de maestro, parece que
quedan lejos su éxitos como bailarín,
6 Danza en Escena
nº22_2008

PORTADA
Víctor Ullate, bailarín, maestro y eslabón necesario en la historia de la danza en España
pero como todo tiene un principio, éste
habría de encontrarse en la zaragozana
escuela de María de Ávila (Barcelona,
1920). "Tengo que decir que si María no
hubiese existido, yo tampoco hubiese
existido. Ahora mismo, no hubiese sido
quien soy, porque María nos dio una
base muy, muy sólida en la danza y nos
hizo amar la danza. Era una gran pedagoga,
que nos contaba esas historias
que todos los niños queremos saber.
Esos cuentos eran historias de la compañía
del Marqués de Cuevas, de
Markova, de Alicia Alonso... Nos contaba
tales historias que vivíamos en un
mundo mágico, en el que todos nos
sentíamos bailarines y nos sentíamos
que éramos seres especiales, y, es verdad,
María es una mujer que transmitía
lo que sentía", recuerda de manera
entrañable el bailarín zaragozano.
Su primera oportunidad profesional le
vino de la mano de Antonio 'El Bailarín'
(1922-1996), en 1961. "Para mí, fue
todo un lujo, porque ver cada noche a
un monstruo de esas características…
siempre lo he comparado con Rudolf
Nureyev. Es de esas personas que tienen
esa magia sobre el escenario, tienen
una luz, un aura impresionante,
sobresalían de los demás. Cada noche,
ver a Antonio era un acontecimiento.
Entonces, yo estaba entre cajas y no me
perdía ni una noche de verle bailar".
Deseoso de prosperar en la compañía
de Ruiz Soler, un buen día, Ullate le pidió
una oportunidad bailando flamenco.
"Un domingo, yo le había dicho a
Antonio: "si quieres que yo me quede en
tu compañía, me tienes que poner a
bailar flamenco. Me gusta el flamenco,
mírame como a un bailarín más". Al día
siguiente, me había puesto en "Los cuatro
muleros"; me había puesto en todo.
Yo creo que lo hizo un poco a mala
leche- ríe-, porque no me sentía preparado,
pero me sacó y yo traté de defenderme
lo mejor posible. Ese domingo
habíamos tenido ensayos los flamencos
y en el camerino, nada más terminar,
oigo a un bailarín que dice:"está la
compañía de Béjart aquí y han contratado
a varios españoles". Y así es como
se cruzó en su camino otra relevante personalidad
con la que iba a tratar:
Maurice Béjart (1927-2007).
La perseverancia de Béjart
Si la casualidad hizo que Ullate se enterara
de la selección de bailarines para el
Ballet del Siglo XX, no menos accidentada
fue la prueba de acceso a la compañía.
"Cogí mis bártulos y fui a ver qué
pasa. Claro, yo no sabía que había
cogido gente para la figuración de
"Bolero", yo creía que era para la compañía
- ríe-. Me presento a él. No lo
conocía, pero me dio la intuición de que
tenía que ser esa persona. Un señor con
unos ojos como gatos, como tigres, una
mirada angelical y diabólica, al mismo
tiempo, y pregunté: "¿usted es Béjart?".
"Pues sí", contestó él. "Pues yo soy bailarín.
Yo bailo y vengo aquí, porque me
gustaría que usted me viese bailar" -
ríe-. Dice él: "vamos a empezar la función".
"¿No podría verme usted un
segundo para decirme si valgo o no?".
"Sube al segundo piso del Teatro de la
Zarzuela y si tengo tiempo, voy a verte".
A los cinco minutos ya estaba arriba, me
vio bailar y me dijo: "no te cambies,
baja que quiero que te vea mi compañía
bailar". Delante de toda la compañía
bailé y me dijo: "ya está bien, no te
canses". Total que tuve ovación, me
aplaudió la compañía y yo me sentía
feliz. "Ve la función y, después, si tengo
tiempo, ya hablaremos". Después de la
función voy a donde Béjart y le digo:
"me ha encantado la función, pero me
gustaría saber si tengo sitio o no. ¿Qué
es lo que usted ha pensado?". Me dice:
"es que tengo ya el cupo cubierto, no
puedo coger ya ningún bailarín, además,
eres bajito" y antes de terminar le
dije: "ya verá usted lo que el bajito va a
dar qué hablar" y se echó a reír. Le caí
en gracia. Después de esa conversación,
me dijo: "en 15 días, tienes tu contrato".
De esta manera, se inició la etapa
de Víctor Ullate como bailarín del Ballet
del Siglo XX (1964-1978).
Del genial Béjart, destaca la perseverancia
por el trabajo. "Como profesional, le
debo todo. Él me ha enseñado a saber
estar, a saber dirigir, a tener amor por
mi trabajo, a esa dedicación que él ha
tenido. La danza ha sido su vida. Él
nunca ha estado enfermo. Es esa perseverancia,
esa dedicación plena, ese respeto
hacia la danza, eso lo tengo de él,
porque nos lo ha enseñado. Siempre
estaba ahí presente, en todos los ensayos.
Nunca faltó, nunca. Nunca lo he
visto enfermo, porque enfermo o no,
estaba ahí. Ha podido estar griposo,
con fiebre y ahí. Un hombre muy severo,
muy profesional. No te dejaba marcar,
quería que siempre lo hicieras.
Tenías que ir a tope en los roles.
Siempre te pedía más. De un día a otro,
siempre tenías que mejorar ese papel,
sino había otros. Si tú no dabas la talla,
había 3-4 detrás que lo iban a hacer.
Tenías que estar al pie del cañón. Me
enseñó a tener amor a la música, aunque
a mí me gustaba la música, pero él
me cultivó en cuanto a la música, en
cuanto a la ópera, en cuanto a interesarme
por las cosas. Conocer a Béjart
en esa época fue todo un lujo, porque
no había compañía de tanta envergadura,
tan vanguardista, tan actual, tan
moderna. Una compañía que, por
donde íbamos, nos recibían con bandas
de música, como en México, los mariachis
desde el aeropuerto hasta el hotel,
nos acompañaron, tocando rancheras.
Por donde ibas, era una compañía que
todo el mundo quería recibirla y rendir-
Víctor Ullate en el portal de casa de sus padres
Danza en Escena 7
nº22_2008

“Gaite Parisienne”
le honores. Béjart era un hombre que
ha impactado en el mundo. La gente
iba a ver a Béjart, porque era un acontecimiento.
Ya no porque le gustara la
danza o le dejara de gustar, sino porque
era un intelectual. Ir a ver Béjart era un
lujo", añade.
No es oro todo lo que reluce. En esos
casi quince años junto a Béjart, también
hubo altibajos. "Hubo un momento de
mi vida en el que quise dejar la compañía,
porque yo no me sentía bien conmigo
mismo. "Maurice, me pasa esto.
Estoy deprimido. Quiero dejar de bailar.
Me han pasado muchas cosas en mi
vida. Tengo daño en el talón de Aquiles
y quiero tomarme un tiempo". Y me
dijo: "tómatelo, pero no te rompo el
contrato". Sin embargo, coincidió con la
invitación de Rudolf Nureyev (1938-
1993) para bailar "La Bella Durmiente".
"Resulta que, en esa época, tenía mal el
pie y había pedido parar. Salgo al escenario
y me partí el tendón de Aquiles. Es
la vida. Tengo un libro que me escribió
Rudolf, en el que, muy cariñoso, me
dice que no me preocupe, que ya tendré
tiempo de hacer su Pájaro Azul". Y a
modo de canto del cisne, el propio Béjart
le habría de ofrecer la oportunidad de
despedirse de los escenarios por la puerta
grande con el montaje autobiográfico
"Gaité parisienne" (1978). "Al volver a
Europa, estando en Bruselas, me
encuentro a Béjart por la calle: "pero
¿dónde te metes? Estoy pensando un
ballet y estoy pensando en ti. Te he buscado
y no te he encontrado, así que,
ahora, quiero que sepas que voy a
hacer un ballet contigo, sobre mi propia
vida". "Pues hasta que no lo hagas, no
me lo voy a creer". Empezó el lunes. Fue
muy bonito, porque los ensayos eran
aparte y trabajó conmigo aparte. Fue
todo un lujo, porque era para mí. Metía
gestos de él. Fueron momentos preciosos.
Él me dio mucho de él y yo le di
mucho de mí, y se produjo esa cosa que
tiene que haber entre creador y bailarín.
Se reía conmigo, haciendo la clase
con la maestra en plan cómico. Fue el
papel que a mí me hizo sentirme otra
vez bien conmigo mismo. Tuve muchas
felicitaciones. En Nueva York, me vinieron
a ver Baryshnikov, Robbins, mucha
gente importante…en Londres, Ninette
de Valois. De pronto, de no ser nadie,
me convertí en alguien. Fue muy importante,
lo cual siempre se lo deberé a
Maurice, porque, gracias a él, pude
sentir eso. La verdad es que no sé cómo
agradecérselo", recuerda Ullate con sinceras
muestras de gratitud.
La agridulce experiencia del Ballet
Nacional de España Clásico
Una gira por España es la que volvió a
situar a Víctor Ullate en el lugar adecuado,
en el momento justo. Así fue como
le ofrecieron dirigir el Ballet Nacional
de España Clásico (1979-1983), etapa
que la recuerda de manera agridulce.
"Vinimos a bailar a España en la fiesta
de la embajada de Bélgica, al día
siguiente del estreno, y, aquella mañana
dudé si ir o no. Fui y estaba el
Duque de Alba, Jesús Aguirre [entonces
Director General de Música del
Ministerio de Cultura]. Paso por allí y
me llama un señor de gafas y dice "soy
Jesús Aguirre y quiero ofrecerte el
Ballet Nacional. Quiero que tú seas el
creador del Ballet Nacional". Antes de
contestarte, son cosas que hay que
hablar muy profundas. "Yo termino el
domingo. El lunes, si quiere puedo ir al
Ministerio de Cultura y hablamos". En
esa conversación, les dije: "tengo amistad
con gente y no quiero usurpar el
puesto a nadie. Tengo que tener muy
claro que el puesto no iba a ser para
ellos, que si no es para mí, es para
otros.". Me contestó León Ara. "Si tú no
quieres ese puesto, nosotros ya sabremos
a quién dárselo. ¿Sí o no?", muy
seco".
Muchas fueron las dudas e inseguridades
a las que se tuvo que enfrentar el
entonces bailarín. "Como bailarín,
había tenido muchos problemas, podía
haber seguido bailando, pero se hacía
costoso por los dolores, también había
una razón y es que España no tenía
compañía de ballet, pero yo también
tenía muchas inseguridades, yo no
había dirigido, no sabía si lo iba a
hacer bien o mal. Fue, de pronto,
muchísima responsabilidad, porque
tenía que dar una identidad a la compañía.
Tenía que coreografiar y yo
nunca había pensado ser coreógrafo",
añade Ullate. "Soy el peor crítico que
puede haber, pero, a veces, veo algo y
pienso: "eso ¿lo he hecho yo? Ay, °qué
bien está!". Me he torturado mucho,
pero lo bueno que tiene es que cuando
llegas a una edad te vuelves más benévolo.
Lo ves todo de otra manera, es
otra cosa. Cuando eres más joven, tie-
8 Danza en Escena
nº22_2008

PORTADA
nes más dudas. Ahora, ¿qué voy a
hacer? Me llena de satisfacción ver
cómo la gente disfruta de mis coreografías,
de mi trabajo, de mis clases. El
mejor premio que me pueden dar es
que un bailarín me diga: "°qué bonita
clase nos has dado!", reflexiona. Pero
aquella historia no estaba llamada a terminar
bien. "El cese fue muy duro, porque
todas las personas que me habían
hecho la pelota y que yo creía amigos,
resulta que cuando me cesaron, se alegraron
de ello. Ves que todo lo que has
hecho, lo que has dado, no ha servido
para nada. Tengo esa satisfacción de
haber hecho bien. Hay gente que son
como verdaderos monstruos. Es una
cosa enfermiza. Siempre he respetado
mucho la opinión de los demás. No me
puedo olvidar de esas personas que, en
un momento dado, me han echado
una mano". Se cerró una puerta, pero se
abrió una ventana. La Escuela de Víctor
Ullate (1983), que habría de formar a
casi todos los mejores bailarines españoles
de la actualidad
El maestro de las estrellas
Las enseñanzas de Víctor Ullate es lo
que tienen en común Lucia Lacarra
[Bailarina Principal del Ballet de la
Ópera de Munich], Ángel Corella
[Bailarín Principal del ABT y director del
Corella Ballet-Castilla León], Tamara
Rojo [Bailarina Principal del Royal
Ballet], Igor Yebra [Bailarín Estrella del
Ballet de la Ópera de Burdeos], Joaquín
de Luz [Bailarín Principal del New York
City Ballet], Carlos López [Solista del
ABT], Carlos Pinillos [Bailarín Principal
de la Companhia Nacional de Bailado
de Portugal]…"Al principio, fue complicado
porque hubo gente que tenía en
contra y que decía que yo torcía espaldas
como maestro y cuando lo que yo
siempre he pretendido es que una vértebra
estuviese bien, en vertical, bien
recta. De mí, se dijeron muchísimas
cosas. Fue muy duro y siempre ha sido
muy duro. La prensa especializada ha
sido dura conmigo, no ha sido comprensiva.
Di que yo tengo una fuerza
de voluntad y tesón, que he podido
estar muy hundido. Yo me he acostado
muchas noches muy triste y muy penoso,
con los ojos llorosos. Pero al día
siguiente me levantaba y me decía que
había que seguir. Yo he sentido muchísimo
cuando han dicho de mis alumnos:
"sí son muy jóvenes, pero les falta
mucho". Y cuando han bailado fuera ya
eran maravillosos bailarines. Tamara
cuando estaba aquí bailaba igual o
mejor que ahora; y Ángel Corella tenía
la misma técnica que ahora; y Joaquín
de Luz ha bailado igual que baila
ahora. El paso del tiempo les ha dado
experiencia, pero técnicamente…", dice
con cierto tono de reproche, ajustando
cuentas con sus detractores.
Él es el artífice de, probablemente, la
mejor generación de bailarines españoles.
"Había muchos niños que querían
bailar. La danza era fomentada por el
programa "El Kiosko. Hay gente que ha
conseguido bailar sin tener unas condiciones
excepcionales como ha podido
tener Lucia Lacarra. Ángel tampoco es
una explosión de condiciones. Ángel
gira mucho, tiene buen salto, pero condiciones
físicas, no. Tenía más condiciones
físicas Jesús Pastor que Ángel, pero
eso no ha quitado para que Ángel sea
una explosión de vitalidad, técnica y
alegría de bailar. Las condiciones también
están en el talento, en el cerebro,
en la inteligencia que tú puedas tener.
Ese talento no estriba en tener unos
pies cavos, unas rodillas hundidas,
medir un metro ochenta…Lucia es la
que más condiciones ha tenido. Pero ha
habido de todo en la escuela", asegura.
Más cauteloso se muestra al definir las
características de su sello como maestro.
"Para mí, es difícil especificar ese sello.
Es una forma determinada de colocación,
es una forma determinada de
abordar los pasos, los ejercicios, es
toda una escuela. Le he dado mi propia
personalidad a mi trabajo. Soy muy
meticuloso en la mano. Me gustan las
manos y los brazos de una determinada
manera. Voy esculpiendo los cuerpos.
Siempre digo que el maestro tiene
que ser como un fisioterapeuta".
“Nijinski clown”, 1972 con Jorge Donn.
“Bakhti”
Víctor Ullate y Mijail Baryshnikov
Danza en Escena 9
nº22_2008

PORTADA
Muchos son los alumnos que han pasado
por las aulas del zaragozano, a todos
ellos guarda cariño, aunque elude
decantarse por uno/a, pese a evidenciar
su especial afecto hacia algunos/as. "En
todos ellos, estoy presente, como, para
mí, lo están también. Hay bailarines
que son más afectuosos que otros, pero
no quiere decir que a lo mejor te quieran
más. Sí es cierto que yo siempre
hablo de Lucia, porque con Lucia tuve
un trato especial. Ella no tenía padre y
yo, muchas veces, me he sentido un
padre para ella. También te puedo decir
que Joaquín es muy rico. A Ángel también
le he querido mucho y le sigo queriendo.
Con Tamara me emocioné
cuando la vi en el Real. Todos tienen
algo que yo les quiero muchísimo. Unos
tienen un carácter mejor, otros peor.
Lucia, para mí, es… Itziar [Mendizabal,
Bailarina Principal del Ballet de Leipzig]
también es una alumna que me ha
dado muchas satisfacciones. Conmigo
ha sido muy rica. Gente que ha bailado
y que no ha llegado, para mí, sí han
sido. No han tenido el nombre. Ana
Noya y Eduardo Lao; Eduardo ha sido,
para mí, la persona que ha estado
desde el principio, desde que tenía 18
años, me ha ayudado en las clases y en
los ensayos, con ellos. Eduardo siempre
ha sido mi amigo del alma", se emociona
al recordar a tantos y tantos que han
pasado por sus manos durante 25 años
como docente.
Veinte años de su compañía
El Teatro Arriaga de Bilbao acogió el 28
de Abril de 1988 el debut del Ballet de
Víctor Ullate, conformado por veintidós
bailarines. Gran parte de su ilustre
alumnado se estrenó en los escenarios
en esta compañía que, en 1996, pasó a
denominarse Ballet de la Comunidad de
Madrid-Compañía Víctor Ullate. La
dureza de tanto sacrificio es lo que destaca
el maestro y coreógrafo zaragozano.
"Ha sido muy duro, pero ha merecido
la pena, porque la danza me ha
dado mucho y yo he tratado de corresponderla.
He tratado de ser generoso
con ella. Muy duro como bailarín y muy
duro como maestro, como director.
Ahora, también es cierto que he pasado
mi vida, mi juventud trabajando. Yo
he disfrutado trabajando. Sí tengo el
reconocimiento, pero, a nivel humano,
ha sido demasiado esfuerzo. Digamos
que estoy un poco cansado de ver que
todavía falta, la danza no tiene el puesto
que merecería. Muchas veces dices
"ya está bien". Siempre que hablan los
políticos de las artes, hablan de todo,
menos de la danza. La danza la dejan
de lado. Me da mucha pena que
teniendo 61 años no haya conseguido
que la danza tenga su posición".
Tampoco son ajenos los galardones a la
intensa trayectoria profesional de Ullate.
Entre ellos, destacan el Premio Nacional
de Danza (1989), la Medalla de Oro de
las Bellas Artes (1996), el Premio de la
Cultura de la Comunidad de Madrid
(2003) y el Premio Max de Honor
(2008). "Agradezco muchísimo, sobre
todo, el Max ha sido en un momento de
mi vida, que lo he agradecido, porque
han sido los profesionales de la danza.
El Premio Nacional de Danza o la
Medalla de las Bellas Artes también me
han halagado, pero a la hora de darme
la Medalla el discurso que me dieron,
se hicieron un lío. No sabían porqué
me lo habían dado, si por mi trabajo al
frente del Ballet Clásico Nacional o por
mi trabajo como maestro. Se me vino
abajo un poco la Medalla. Soy sincero.
Me halagó, pero me podía haber halagado
más, si hubiese sabido porqué
me lo daban. A mí, cuando me dan
algo, tengo que sentir que lo dan de
corazón".
La Fundación para la Danza Víctor
Ullate, creada en 2000, es una de las
ilusiones que tiene, porque "creo que ya
he hecho mi labor. Seguiré dando clases,
seguiré formando gente, con mi
Fundación, tratando de ayudar a chavales.
Creé la Fundación después de los
infartos, porque pensé que me iba a
morir sin hacer lo que yo quería hacer".
La Compañía de Víctor Ullate
Y añade: "Sé que ahora hay mucha
gente que puede dar, que ya no estoy
solo, lo cual me hace sentirme muy
tranquilo y muy bien. Me llena de satisfacción.
Simplemente yo estaré allí.
Tamara quiere formar compañía, Ángel
va a formar compañía, les deseo todo
el éxito del mundo. Ojalá les vaya muy
bien, ojalá pueda haber muchas compañías,
ojalá sea un éxito, que España
tenga muchas compañías, grupos de
danza, mucha gente con esta inquietud
por este arte. Yo quiero tomarme las
cosas con más tranquilidad", finaliza
Víctor Ullate, bailarín, maestro, coreógrafo
y director. Toda una vida por y
para la danza, que busca ceder el testigo,
mientras disfruta de su merecido
descanso.
“Lago de los Cisnes”, Festival fin de curso
María de Avila ,1958
10 Danza en Escena
nº22_2008

LOS PERIODISTAS OPINAN
La pasión de Ullate
Víctor Ullate es un apasionado.
Para él no se trata de estar en la
vida por una simple afición; ni
siquiera porque le gustaba bailar desde
pequeño, y sus padres consintieron llevarle
a clase de danza y le buscaban
por su ciudad de Zaragoza alguien que
le hiciera unos botos a su medida; tampoco
es porque se encontrara con
María de Ávila primero, y luego ingresara
en el Ballet de Antonio para terminar
siendo uno de los discípulos predilectos
de Maurice Béjart, el padre de la
danza del siglo XX. No, por todo ello y
por mucho más.
Víctor Ullate es un hombre con pasión y
sólo así ha conseguido transmitir esa
misma pasión a quienes hoy se reparten
por el mundo haciendo algo tan
hermoso y efímero como bailar.
La verdadera vida de un creador está
en su obra. Ullate lega con enorme
generosidad dos tipos de obras para las
futuras generaciones: una, tangible, en
forma de coreografías; otra intangible e
impagable, en forma de personas.
La verdadera creación de Víctor Ullate
han sido sus alumnos; ha sido generar
una escuela que ha creado los mejores
bailarines de las últimas generaciones
en España y que hoy ocupan los primerísimos
puestos de los elencos de
muchos ballets del mundo. Ahí están,
Ángel Corella, Lucía Lacarra, Tamara
Rojo, Jesús Pastor, Ruth Miró, Ana
Noya..., y tantos nombres que podríamos
hacer una gran producción sólo
con ellos.
Ullate ha legado a la historia de la
danza española un gran número de
importantes creaciones, como "Arrayan
Daraxa", "Entre Sevilla y Triana",
"Samsara", "El amor Brujo", "Jaleos",
"Ven que te tiente", "Seguiriya", "El Sur",
"Volar hacia la luz"..., aunque lo más
importante de Ullate está relacionado
con su papel como maestro, una de las
palabras más hermosas que existen
porque es sinónimo de generosidad.
El que el coreógrafo haya sabido transmitir
lo que él mismo recibió de personalidades
tan destacadas como con las
que compartió su vida, es lo que le hace
merecedor de la admiración de todos,
porque eso es al final lo que engrandece
a una sociedad, el aprendizaje, que
en este caso está mezclado con la
pasión, lo que lo hace invencible.
Marta Carrasco
Para muchos "el maestro", para mi, además, un amigo
¿Cómo nos conocimos?. No lo
recuerdo muy bien, pero fue a través
de Marta Carrasco a mediados
de los 90. Con Marta, sí recuerdo la
fecha exacta de nuestro encuentro,
verano del 92, año insigne en nuestro
país: Olimpiadas en Barcelona, Expo
de Sevilla, Madrid capital Cultural...Fue
en los cursos de verano de El Escorial,
organizados por la Universidad
Complutense de Madrid. A las dos nos
becaron para asistir al curso dirigido
por Delfín Colomé. El curso se llamaba
"El siglo de la Danza".
Con Marta me une ya una amistad
para-profesional y con Víctor, gran
amigo de ella, también. Al principio,
cuando iba por Madrid, recalaba en los
ensayos de la compañía de Ullate,
donde su maestría me hacían disfrutar y
aprender; aprender de la enseñanza de
la danza, de cómo se modela un bailarín,
escultura humana delicada, pero
Víctor sabe exactamente donde está la
frontera, lo que se puede exigir, perfeccionar
esta herramienta tan frágil que
es el cuerpo humano para expresarse
artísticamente. También sabe quien va a
llegar y quien no, y por muy duro que
sea, siempre es mejor la verdad, en el
escenario no se engaña.
Después, en mis viajes, cuando voy a
los teatros a ver danza clásica, casi
siempre hay en el elenco, alguno de sus
alumnos/alumnas con un sello particular:
elasticidad, eje, naturalidad, precisión,
potencia, energía, expresividad....el
sello Ullate, y crear esto es más
difícil de lo que se cree y muy pocos
maestros llegan a ello.
En los cursos de la Universidad de
Altea, como profesora en el desaparecido
título de Danza, impartía la asignatura
Movimientos, tendencias y escuelas
de danza y con los alumnos en las clases
estudiábamos las diferentes escuelas,
pues allí estaría la de Víctor Ullate
entre el Royal Ballet, la Opera e París...
Su sello, no sólo lo ha marcado la técnica,
ya que su paso por la danza española
le ha dado una pátina autóctona
con idiosincrasia propia y única a su
estilo, que hace que se le distinga,
aprecie y respete en los teatros de todo
el mundo y el público le aclame con
entusiasmo.
¿Y de su cantera de bailarines magníficos
en un mundo feminizado, donde
son muy escasos y apreciados?... hay
mucho que decir. El potencial masculino
en escena de los bailarines de
Ullate es equiparable a los del gran
maestro, y su maestro, Maurice Béjart.
De sus muchos alumnos que luego han
volado y de todos son conocidos y bailan,
ahora, en las mejores compañías,
me confiesa que cuando Lucia Lacarra
se fue, no podía dormir. A veces, la
complicidad entre alumno y maestro es
tan fuerte que cuando se rompe, duele,
pero de forma positiva. Ahora tiene a
otro alumno, Josué, recién estrenada
su adolescencia, que promete como
uno de los mejores príncipes que ha
tenido: seguro que le espera un futuro
brillante. Serà Albrecht, Siegfreid,
Désiré... Yo no le he visto bailar, pero sí
brincar y saltar en el campo: condiciones
le sobran.
De sus colaboradores, Eduardo Lao
siempre ha estado a su lado, trabajando,
trabajando y trabajando, incluso
en los momentos difíciles o de estados
de ánimo bajos. Esto es lealtad.
Creo que los artistas que se crecen con
las dificultades, y Víctor ha tenido
muchas (nada le ha sido fácil: ni bailar,
ni coreografiar, ni dirigir...) transmiten
algo más al público, y cuando el éxito
y el reconocimiento llegan, llegan de
verdad.
Nèlida Monés i Mestre
Danza en Escena 11
nº22_2008

LA GENERACIÓN ULLATE TIENE LA PALABRA
"Danza en Escena" ha cumplido cinco años en sus manos. Durante este lustro, muchos han sido los bailarines,
coreógrafos y maestros que han desfilado por nuestras páginas. Con motivo del vigésimo aniversario de la
creación del Ballet de Víctor Ullate, hemos querido rescatar los comentarios que gran parte de sus distinguidos
alumnos, aquellos que forman la llamada 'Generación Ullate', han realizado sobre el maestro aragonés.
Por Iratxe de Arantzibia
MARÍA GIMÉNEZ
(Madrid, 1971), ex bailarina y profesora
de danza
"Yo creo que Víctor nos dio dedicación
en su momento. Y luego se trabajaba
muy fuerte, porque había muchas cosas
que él nos inculcaba, unas muy buenas
para mantenerlas siempre, otras muy
malas para no hacérselas nunca a
nadie. Cada uno hemos ido sacando
nuestra experiencia y a cada uno le
habrá ido calando de una manera diferente.
Estaba muy reciente que él acababa
de dejar de bailar. Has tenido que
ser una gran estrella para poder seguir
reviviendo eso y poder comunicárselo a
los demás. Nosotros lo teníamos en primera
persona acabadito de cerrar el
telón y venirse a la escuela. Son varios
factores que hacen que sea un momento
social en el que muchos puntos confluyen
en algo. Y luego, sin lugar a
dudas, había talento en los alumnos,
porque de donde no hay, se puede
sacar, pero no tanto".
FERNANDO MEDINA-
GALLEGO (Madrid, 1971),
Bailarín/a de los Ballets Trockadero de
Monte-Carlo
"¿Cómo definir a Víctor como maestro?
Para empezar, disciplina, no sólo por
parte de él, sino también una disciplina
interna que terminas aprendiendo, que
no basta con lo que te digan, sino que
eres tú responsable de tu propia disciplina.
Segundo, un gran amor por el
ballet. Danza de todo tipo, por el ballet
clásico en particular. También un gran
conocimiento. Él es una persona que
María Gimenez
Igor Yebra
Tamara Rojo
ha estudiado muchísimo, que no se ha
parado en lo que le han dicho. Es
capaz de transmitir todo eso; él y sus
maestros, porque con él he trabajado
poco tiempo, porque he trabajado,
sobre todo, con sus maestras.
Maravillosas, con un velado sentido del
humor, del que renegaba, del que no
quería hacer demasiada gala, pero
está ahí. No sólo la disciplina de la
danza clásica, sino la parte artística y
emocional que hay que poner en el
escenario. Eso lo he aprendido de él. El
amor por el detalle. Podías estar
haciendo el ejercicio más difícil de
acrobacia, con el pie en la oreja, y
pasaba a tu lado y te colocaba la
mano. 'No sacrifiques lo uno por lo
otro. Es difícil levantar la pierna, pero
tiene que parecer que no estás haciendo
nada' "
IGOR YEBRA
(Bilbao, 1974), Étoile del Ballet de la
Ópera de Burdeos
"En aquel momento, la escuela que más
nombre tenía, la más importante, lo
más desarrollado era la Escuela de
Víctor Ullate. Además que Víctor daba
clases desde 9 de la mañana hasta 9 de
la noche. Por eso salió un grupo de
gente tan fuerte como el que ha salido.
Actualmente, después de ese grupo, no
es que no hayan seguido saliendo
generaciones. Fue un momento generacional,
también fue un momento en el
que Víctor estaba más concentrado en
la escuela".
TAMARA ROJO
(Montreal, 1974), Bailarina Principal
del Royal Ballet de Londres
"La razón de la explosión de tanto talento
se encuentra en que a Víctor Ullate lo
echaron del Ballet Lírico Nacional y él
se propuso crear la mejor compañía del
mundo. Víctor es muy testarudo y sí creó
una gran generación de bailarines"
12 Danza en Escena
nº22_2008

© Mila Ruiz
Carmen Corella
Lucía Lacarra
CARMEN CORELLA
(Madrid, 1974), Bailarina Principal del
Corella Ballet-Castilla León y subdirectora
de la compañía
"Víctor te ponía muchas veces en la tesitura
de pensar si realmente querías
dedicarte a la danza. La fase del respeto,
la fase psicológica, fueron muy
importantes, ya que potenciaba el
deseo de bailar. Te hacía recapacitar
sobre si querías seguir ahí en el estudio
para llegar a bailar. También me transmitió
el amor que tenía hacia la danza.
Con Víctor, estar en el estudio significaba
que querías estar, amor por aquello
que hacías y pensar a fondo que es lo
que realmente querías hacer"
ÁNGEL CORELLA
(Madrid, 1975), Bailarín Principal
Invitado del American Ballet Theatre y
director del Corella Ballet-Castilla León
"Víctor ha sido mi maestro cuando yo
era chiquitito. Para la base a gente joven
es fantástico. Lo recuerdo con cariño,
aunque no fui feliz en su compañía. Le
deseo todo lo mejor, porque sé lo difícil
que es estar en esta profesión".
JOAQUÍN DE LUZ
(San Fernando de Henares, 1976),
Bailarín Principal del New York City
Ballet
"Siempre nos decía que tenía que haber
un puente entre el bailarín y el público.
Es decir, tender un puente de conexión
con el público. Explicarle eso a un niño,
cómo vender, cómo expresar, no es
fácil. A un niño le puedes decir cómo se
salta, cómo se gira, pero eso es lo más
importante que me enseñó".
© Enrique del Río
Ángel Corella
CARLOS LÓPEZ
(Madrid, 1976), Solista del American
Ballet Theatre
"Una de las enseñanzas que más recuerdo
del aprendizaje con Víctor, entre
otras cosas buenas, fue la disciplina que
nos inculcó desde pequeños hacia la
danza. Esa disciplina siempre me ha
servido, con el paso de los años, para
mantenerme en forma, con tantos viajes
y para recuperarse de lesiones. Él siempre
nos decía: 'Cuando tú no tomas una
clase, no pierdes sólo una clase, pierdes
dos: la que no has tomado y la que
podías haber aprovechado' ".
CARLOS PINILLOS
(Madrid, 1977), Bailarín Principal de la
Companhia Nacional de Bailado de
Portugal
"Lo más importante que Víctor me ha
enseñado es a poner la mano en la
barra cada día, por muy cansados que
estuviésemos y a dejarnos los dientes.
Conclusión: amar la danza. Lo más
importante que Víctor ha hecho conmigo
es que yo con él he aprendido a
amar la danza. Y quizás este pequeño
detalle sea lo que en algunos momentos
marca la diferencia. Cuando hablo
de danza, cuando hago la danza,
cuando pienso la danza, lo hago con
Carlos Pinillos
mucho amor. Cuido mucho el trabajo,
lo que doy al público que va a ver un
espectáculo, cuido mucho lo que hago
en el día a día que no tenga un espectáculo,
aunque sólo tenga que hacer
una clase. Esto es lo que Víctor me ha
transmitido"
LUCIA LACARRA
(Zumaia, 1975), Bailarina Principal del
Ballet de la Ópera de Munich
"Me dio la base sólida que es necesaria
para que un bailarín pueda tener una
carrera versátil. Me inculcó la disciplina,
rigor y seriedad en el trabajo. Lo que
nunca he olvidado y me ha ayudado a
llegar donde estoy. Me hizo comprender
que, por muchos éxitos que tenga un
bailarín, todas las mañanas, debe colocarse
en la barra y trabajar como si
fuera un estudiante. Es el único secreto
para seguir progresando siempre.
Además, Víctor fue la primera persona
que confió en mí, hasta el punto de
ponerme a bailar profesionalmente en
su compañía con tan sólo quince años.
Y eso es algo que no olvidaré nunca"
ITZIAR MENDIZABAL
(Hondarribia, 1981), Bailarina Principal
del Ballet de Leipzig
"Víctor me ha enseñado miles de cosas.
Mencionar piruetas, saltos, etcétera, me
parece innecesario. Me enseñó a crecer
y a aceptar mis responsabilidades, me
enseñó que nadie puede hacer las
cosas por ti y que si realmente quieres,
puedes. Víctor es un magnifico maestro
y te empuja a tus limites, nunca es suficiente
y eso hace que trabajes muy
duro. Él reconoce el talento e intenta
sacártelo al máximo".
Danza en Escena 13
nº22_2008

HÉCTOR NAVARRO
UN ESPAÑOL EN EL BALLET BÉJART
Texto: Mercedes Albi
Fotografías: Mercedes Albi y Sandra Navarro
El verano siempre es una buena oportunidad para que nuestros bailarines en el extranjero puedan regresar a
casa. Algunos, como Lucía Lacarra y Joaquín de Luz, nos deleitaron con su arte. Otros, como Héctor Navarro
-que durante cuatro años ha interpretado papeles de principal y solista en el Ballet Béjart de Lausanne- han
aprovechado las vacaciones para colaborar en la formación de los bailarines del futuro. Y lo ha hecho impartiendo
una semana de clases magistrales en el Centro Internacional de Danza de Tenerife, fundado por su
padre, Miguel Navarro, director artístico de los Ballets de Tenerife, porque a Héctor la danza le viene por herencia.
En el talento de este joven bailarín de 25 años se recogen, pasado, presente y un prometedor futuro.
¿Cuánto tiempo llevas en el Ballet
Béjart de Lausanne?
Ya llevo cuatro años.
¿Cómo habéis vivido en la compañía
el fallecimiento de Béjart?
Ha sido muy duro. Sabíamos que estaba
enfermo. Pero cuando alguien muere
es como si al principio te resistieras a
pensar que se ha ido para siempre. No
te lo llegas a creer.
¿Llevaba mucho tiempo enfermo?
Bueno, fue un proceso lento que comenzó
con una dolencia en la rodilla, y que
después fue a más. Al principio se vio
obligado a caminar con muletas, pero
luego, y a pesar de los tratamientos
recibidos, terminó en silla de ruedas.
Esto hundió su ánimo. No soportaba la
inmovilidad a la que vivía sometido. Él,
que siempre fue movimiento…
Pero a pesar de encontrarse anímicamente
deprimido, tengo entendido
que seguía creando nuevas coreografías.
¿Cómo lo hizo?
Su última coreografía, "Le tour du
monde dans quatre minutes", comenzó
dirigiéndola él, pero la enfermedad le
obligó a internarse. Entonces, todas
las noches, Giles Roman iba a verle, y
Béjart le daba instrucciones sobre lo
que quería hacer, indicándole aquellas
partes de sus anteriores ballets que
deseaba incluir, porque "La Vuelta al
Mundo en Cuatro Minutos", además de
poseer un componente geográfico, es
también un viaje a lo largo de toda la
coreografía de Maurice Béjart, por su
propio mundo creativo.
¿Consideras este ballet como su testamento?
Sí.
14 Danza en Escena
nº22_2008

ENTREVISTA
¿Vamos a poder verlo la próxima temporada
en España?
No sé. Tal vez en el Festival de Granada,
pero aún no te lo puedo asegurar.
Parece que tu trayectoria profesional
siempre ha estado muy unida a la
figura de Béjart, ya que primero estuviste
en la compañía de Víctor Ullate,
uno de sus más destacados discípulos.
Sí, yo estuve un año en la escuela de
Víctor antes de incorporarme a su compañía.
Significó mucho para mí, y siempre
le estaré agradecido. ¿Sabes cuál
fue la primera vez que pise un escenario?
No, ¿Cuál?
Fue precisamente en el Teatro Real, y
con el espectáculo de Víctor: "Soirée
Béjart". Sí, no sé porqué, pero siempre
ha habido algo de Béjart en mi vida. Me
encanta bailar en esta compañía.
Existen rumores de problemas en el
Ballet Béjart después de su muerte
¿Puedes contarnos lo que sucede?
Sinceramente, vivimos en la incertidumbre.
Imagínate que al día siguiente del
fallecimiento aparecieron las declaraciones
de un político en prensa diciendo
que "ahora que ha muerto Béjart, °No
tiene sentido seguir amamantando a 37
bailarines!"
°Qué poca sensibilidad! Decir una
cosa así cuando aun se están celebrando
los funerales… Yo creía que
esas cosas sólo sucedían en España.
Además, el Ballet Béjart es una compañía
rentable. Hacemos 110 representaciones
al año, y nos contratan en todos
los países del mundo.
¿Y cuál es la situación en estos
momentos?
No sabemos qué sector político apoya al
ballet y cuál no. No sabemos nada.
Estamos unidos, pero sentimos miedo.
Esta próxima temporada será definitiva
para saber si continuamos o no. Béjart
se preocupó de nuestro futuro, lo dejó
todo atado y bien atado para que cuando
muriese, sus bailarines no nos quedásemos
en la calle de la noche a la
mañana. Y pactó que el ballet debería
perdurar al menos tres años desde su
fallecimiento. Tenemos gracias a él y a
su preocupación por nosotros tres años
de seguridad. Pero la próxima temporada
será decisiva y sabremos con mayor
certeza que es lo que puede pasar.
Pienso que si el Ballet Bejart desapareciera
sería un crimen para la danza,
porque al ser una compañía de autor se
perdería la mayor parte del repertorio
de uno de los mejores coreógrafos de
todos los tiempos.
Espero que no vaya a suceder algo
así. Pero tú eres muy joven y, en cualquier
caso, no tendrás problemas.
Siempre te resultará fácil encontrar
otra compañía. Si se diera el caso,
¿En que otra compañía te gustaría
bailar?
Es muy difícil salir de Béjart. Al principio
te cuesta adaptarte, pero una vez que te
metes en la gran riqueza de su planteamiento
coreográfico, lo demás te parece
estrecho, lleno de límites. Béjart es
pura emoción. Todo tiene mensaje.
Puedes bailar sus personajes, y si ese
día estás triste o contento, puedes interpretarlo
de diferente manera, dejando
traslucir tu propio sentimiento. Esto es
algo que no se encuentra fácilmente.
Por el momento, me cuesta plantearme
otra compañía, aunque, claro, si me
veo obligado a ello, no tendré más
remedio.
¿Pero esto que te sucede a ti, también
les pasa al resto de bailarines de
la compañía?
Parece raro, pero así es. Te pongo un
ejemplo: un 80 % de los bailarines que
dejaron la compañía de Béjart no lo
hicieron para incorporarse a otra, no
están bailando para otra compañía,
sino que han emprendido su propio proyecto,
su propia compañía.
¿Qué personaje del repertorio clásico
te gustaría bailar?
Pues quizá me gustaría hacer Basilio,
del Quijote. °Ojo! Que a pesar de lo
feliz que soy en la compañía de
Lausanne, soy también un amante del
clásico, y la base técnica del Ballet
Béjart es clásica. Yo creo que sí podría
hacer Basilio, aunque por el momento
aún no he tenido la oportunidad.
¿Te planteas volver a España?
Me gustaría poder volver, pero no a
dirigir una compañía, sino como bailarín.
El director es mi padre, él sí que
tiene una grandísima experiencia. Es la
persona a la que más admiro en el
mundo. Cuando veo la dedicación con
que dirige los Ballets de Tenerife, sin
ninguna ayuda pública, y sobreponiéndose
a tantos años de sabor amargo sin
arrojar la toalla, vengo aquí para ayudar.
Yo deseo hacer todo lo posible
para que la situación mejore, y pongo
mi granito de arena.
Danza en Escena 15
nº22_2008

REPORTAJE
VERANO EN DANZA EN MADRID
Por Víctor M. Burell
Ángel Corella y Paloma Herrera en “La Bayadère”
Parodiando a Luis XIV -la crítica soy
yo- arranco esta temporada para
ratificar mi independencia apoyado
por este formidable medio. Aunque no
me muevo de la butaca, en los intermedios
se arraciman a mi alrededor detractores
y entusiastas para cotejar criterios
que casi nunca comparto. No suelo leer
nada sobre lo que escribo anterior al
hecho y, cuando lo hago persisto con
más frecuencia en mis teorías casi siempre
perplejo.
Pues bien, explicado este egotismo que
no me avergüenza, paso a escribir por
fortuna, sobre danza, danza, danza; tres
veces danza casi olvidada en la vorágine
del verano y que demuestran la calidad
de lo español fuera de nuestras fronteras,
con lo que eso tiene de vergonzante.
ANGEL CORELLA Y LA RACANERÍA DE "EL REAL"
¿Quién puede poner en duda el nombre de Corella como
genio de la danza clásica? El Real, dando paso a su supertemprana
y magra temporada de ballet, ha iniciado con su
Bayadera, la apertura de telón.
¿Por qué La Bayadère? Comprendo esa sensitiva disculpa de
muchos al hablar del trabajo inconmensurable de una compañía
recién creada; pero el proyecto me parece disparatado
el proyecto y por lo mismo inviable e inoportuno. Si el
genio debe primar sobre la humildad, la "realidad- irrealidad"
es en arte el único concepto válido.
La creación de una gran compañía clásica es por el momento
una obligación no encarada hasta el presente a pesar de
las previsiones y las mafias. Cuando Castilla-León parece
haber dado el paso emergente -arruinando la cultura de la
Comunidad- aparece el "Corella Ballet" (Castilla-León resulta
casi ilegible por debajo de esta denominación en la portada
del programa), y nos apercibimos que un elenco bisoño
(aunque entusiasta) fue completado por algunas figuras
del American que después regresarán a casa (como William
Murphy, que desde luego fue la estrella). ¿Dónde está pues
el verdadero embrión de esta criatura que parece haber
sobrepasado con mucho el millonario presupuesto? ¿A
dónde irán las salpicaduras de la incompetencia directiva de
la neocompañía?
16 Danza en Escena
nº22_2008

REPORTAJE
donde la sorpresa pesa tanto como el fervor por las tradiciones.
El "franchute"- como él mismo se denomina con humorsabe
lo que baila, pero se despega del tópico con un perfume
de finura europea que ritma con sabiduría con nuestra
historia bien asimilada.
Sí, una historia de amor preside esta obra fronteriza llena de
color en la que Gaona, abalanzándose sobre su "saber
hacer", canta los grandes franceses, sobre todo Piaff, para
concentrarnos en un espíritu inolvidable. Pascal, con Sonia
Cortés y veinte artistas más entre bailarines y músicos, ha
abierto la puerta a un mundo donde "lo español" puede tejer
nuevas telas prodigiosas.
JOAQUÍN DE LUZ
Joaquín de Luz en “Fancy Free”
Con la rapidez de un "huracán" pasaron por Madrid (Patio
del Conde Duque) artistas del New York City Ballet, entre los
que sería solista nuestro Joaquín de Luz, por lo que la palabra
entrecomillada está bien empleada. Fancy Free fue la
estrella de la noche, tanto por la calidad de la coreografía de
Robbins como por lo poco prodigado de la misma. Bernstein-
Robbins formaron entonces, (1944), un binomio espectacular
que se repetiría para la inmortalidad con West Side Story. El
día libre de tres marineros desencadena con humor la aventura
a la manera más táctil pero esencializada del musical
americano, y De Luz atesora todos los resortes que hacen fascinante
este baile de tres protagonistas hipnóticos. Claro que
él es siempre noticia.
Bayadera, teñida del falso orientalismo de la época y con un
argumento insostenible sufre, sobre todo, de la terrible música
circense de Minkus, excepto en su acto lírico, que ha ido
recortando su extraordinario aspecto espectral de 48 a la
mitad de bailarinas. El "reino de las sombras" (con su repetido
arabesque penchée, cambrée derrière y tres pasos), ha de
parecer una procesión inacabable de figuras "ad infinitum".
Aquí sí están presentes Doré y el Dante es "La Divina
Comedia".
El resto, más de dos horas, desprenderá siempre olor a naftalina
si la producción no es un prodigio y se consideran ciertos
cambios que Makarova no ha tenido en cuenta. Ni Petipa
despertaría hasta Tchaikovsky, ni Minkus lo haría jamás a la
sombra de Reyer. Los parias reptando, el monumental cartón-piedra
de los decorados del Colón de Buenos Aires y la
persistente liturgia de tanto mimo apolillado hicieron pasar
los minutos con una Nikiya poco atractiva para el día 6 y un
Solor (Ángel Corella) mal vestido y algo perdido en la monumental
escena. Esto daría lugar a muchas e interesantes
incluso a posibles responsabilidades legales, además de calificar
el estreno como un error incomprensible; y eso si pensamos
bien.
PASCAL GAONA
No hablamos de un español; pero como si lo fuera. Este
artista, desvelado ahora en toda su dimensión en el Teatro
Nuevo Apolo con su Fl@menco.fr, ocupó el puesto de primer
bailarín en la compañía de Najarro durante bastantes años y
hoy da la replica con la propia en un musical flamenco
Pascal Gaona en “Fl@menco.fr”
Danza en Escena 17
nº22_2008

ENTREVISTA
ÁNGEL CORELLA
UN ÁNGEL ALCANZANDO UN SUEÑO
Director del Corella Ballet-Castilla León y Bailarín Principal del ABT,
genera ilusión con su compañía de ballet clásico
Por Iratxe de Arantzibia
Esta historia tiene lugar a mediados
del cálido mes de agosto. Pocas
semanas restan para que Ángel
Corella (Madrid, 1975) materialice un
sueño largamente acariciado: estrenar
con todos los honores su compañía clásica
en España. La sede del Corella
Ballet-Castilla León, ubicada en la localidad
segoviana de La Granja de San
Ildefonso, es un hervidero. Nadie es
ajeno a la expectación que suscita el
parto de esta nueva criatura. Tampoco
lo es el artífice y cabeza visible de este
proyecto. Su luminosa sonrisa se empeña
en ocultar una mezcla de responsabilidad
y cansancio. Sabe que es la
hora cero y debe dar el todo por el
todo. Esto no es nuevo para él, no en
vano se ha enfrentado a un abarrotado
Metropolitan en innumerables ocasiones,
cosechando grandes éxitos como
Bailarín Principal del American Ballet
Theatre, compañía en la que debutó en
1995.
Numerosos galardones jalonan su
carrera profesional, entre ellos, el
Premio Benois de la Danse (2000), el
Premio Nacional de Danza (2002) y el
Premio Positano (2007). ¿Qué necesidad
tiene una estrella de este calibre en
complicarse la vida creando una compañía
en el páramo español?, se preguntaría
cualquier lego en la heroica
materia de la danza en este país. "La
verdad es que no sé porqué. Fue porque
quería volver a mi país. Adoro mi
país, mi familia, mis amigos. Cuando
fui a EE.UU., fue porque mi sueño era
bailar. ¿Por qué? Quizás, para que no
suceda lo mismo al resto de bailarines,
porque ya era hora de que, después de
20 años, el público español pueda ver
una compañía clásica española. Han
sido siete años de trabajo externo.
Nadie sabe del tiempo, dinero y
esfuerzo invertidos. Ni se lo imaginan.
Esto no viene de la noche a la mañana.
Hay que hacer entender a las instituciones
la importancia de tener una
compañía clásica, encontrar el sitio
adecuado, los miles y millones de reuniones
con empresas privadas…me
sorprende cuando sólo dicen que hay
que crear una compañía clásica. El
Corella Ballet- Castilla León es una
compañía ya formada, con un nivel
bestial, con una producción supervisada
por Natalia Makarova, con un elenco
de cincuenta bailarines. "La
Bayadera" es la prueba de que la compañía
va en serio", asegura el intérprete
madrileño.
Sabe que su proyecto, con un largo proceso
de gestación, ha despertado suspicacias
y escepticismo. Para todos ellos,
Corella tiene una respuesta clara. "Me
ha costado mucho entender. Tenía
apoyos de todas las partes del mundo,
menos de mi país. Empecé protestando
y criticando la situación de la danza
clásica en España. Pero lo único válido
era cerrar el pico y trabajar, perder
dinero y tiempo. Así consigues lo que
quieres. Procuramos ignorar y bloquear,
ir a lo nuestro, no escuchamos
lo que se dice en los foros, porque el
mundo de la danza está lleno de
muchas envidias. Después de la presentación
en el Teatro Real, va a ser
demasiado obvio. Espero que después
del 4 de septiembre se diluya el escepticismo
de la gente y de las instituciones;
después, ¿cuál va a ser la excusa?
En el Real, se va a ver la misma producción
que el Royal Ballet, los bailarines
tienen la misma calidad, por lo
tanto, no hay excusa", señala el laureado
bailarín.
Situación con el ABT
En la actualidad, Ángel Corella continúa
con el ABT, pero en calidad de artista
invitado, para poder compatibilizar su
carrera neoyorquina con la dirección
artística del Corella Ballet-Castilla León.
"Acabo de terminar con ABT la temporada
de primavera/verano. Nuestra
sede está aquí en La Granja y yo procuraré
pasar aquí la mayor parte del
año. Estoy extremadamente orgulloso
de los bailarines que tenemos, de gente
como Adiarys Almeida, Ian Mackay,
Carmen Corella, Herman
Cornejo…También es impresionante el
cuerpo de baile. He tenido el placer de
bailar en casi todas las compañías
importantes del mundo, y ésta tiene un
nivel comparable a ellas. No voy a
dejar aparcada mi carrera, pero necesito
pasar tiempo aquí, aunque tengo
un equipo muy fuerte. Siempre que
estoy en La Granja, pongo muchísima
pasión en lo que les explico a los chicos,
como director de la compañía". Se
le nota orgulloso de la paternidad de la
nueva compañía e incluso se atreve a
formular un deseo futurible sobre la
situación del Corella Ballet-Castilla
León, en el plazo de diez años. "Espero
y me gustaría que fuera una compañía
reconocida a nivel nacional, ubicada
en Castilla-León, gracias a esta comunidad
y a su visión. Me gustaría tener
una temporada fija en el Real y que,
constantemente, tuviésemos giras por
toda España. Ser una compañía clási-
Ángel Corella y Paloma Herrera en Bayadere ABT
©Gene Schiavone

ENTREVISTA
ca, abierta al neoclásico y al contemporáneo,
con cuatro o cinco producciones
(2-3 programas neoclásicos-contemporáneos,
y 2 de repertorio). Me
gustaría tener una plantilla de 70-80
bailarines y tener suficientes cantidades
de espectadores. En 10 años, habré
dejado de bailar".
La apuesta es fuerte; incluso su hermana
Carmen ha abandonado su plaza
como Solista del ABT por el proyecto de
La Granja. Ella también ha formado
parte de todo este proceso de gestación.
Desde pequeños, ambos han
desarrollado una gran complicidad y
han compartido muchas cosas por su
profesión, como sus primeros pasos en
un estudio de ballet, su formación con
Víctor Ullate o su etapa estadounidense.
"Carmen tiene una pasión muy distinta
por el baile. Yo tengo una pasión más
visceral. Yo soy más alocado, me lanzo
más sin pensar. Para Carmen, no hay
pasión sin organización; en el trabajo
del cuerpo de baile, es fenomenal. Ella
está mucho más organizada como persona.
Ella siempre es extrema para
todo. Yo he tenido una pasión más
natural. He querido hacerle partícipe
de esa transición, porque siempre
hemos estado muy unidos; hemos tenido
un mismo entendimiento".
Ángel Corella es consciente de la
importancia de no dar un traspié en la
presentación de la compañía en el Real.
Para ello, no ha dudado en seleccionar
la versión completa que Natalia
Makarova creara para el ABT en 1980.
Sabe que él mismo es un icono de la
compañía neoyorquina, como, en su
día, fue el recién retirado Julio Bocca,
con quien parte de su trayectoria guarda
cierto paralelismo. "Julio Bocca ha
representado a ABT durante muchísimos
años y yo también estoy ahora en
esa misma tesitura. La compañía que
ha hecho él es chiquitita y con un
saber hacer las cosas con gusto. En su
última época, Bocca ha ganado mi respeto.
Le he admirado muchísimo en su
técnica, pero no me llegaba a emocionar,
salvo en sus últimos diez años.
Compartir con él ha sido fantástico. A
mí, también me ha sucedido. Cuando
era joven, me fijaba en su parte técnica,
en un giro nuevo, en algo que
podía añadir al carácter. A partir de los
30-31, se nivela la parte técnica y
artística. No sé si España tiene esa cultura
de la danza que hay en Argentina.
Allí está el Teatro Colón de Buenos
Aires y el público sabe disfrutar del
ballet. En España, se necesita volver a
reanimar la llama de la danza clásica.
Es tanto un tema político como de
inversión. ¿Por qué el deporte está tan
en auge? Hay que nivelar los recursos,
porque el arte necesita apoyo. Hace
poco ha habido en televisión un programa
como "Fama", que ha aportado
un poco más de visión", concluye dispuesto
a pulir más aún su Solor en un
estudio del Corella Ballet-Castilla León,
aquel sueño a punto de materializarse,
días después, con un exitoso estreno en
el madrileño Teatro Real.
©Víctor Cucart
ENTREVISTA A
JOSÉ LUIS VÁZQUEZ
Alcalde del Real Sitio
de San Ildefonso
Por Mercedes Albi
¿Es su deseo que La Granja se convierta
en un lugar de referencia en el
arte de la danza?
Es incuestionable la importancia que
tiene para el Real Sitio, al igual que lo
fue en el siglo XVIII, convertirse, en la
actualidad, en una referencia mundial
de la danza, y tener la oportunidad de
contar con el mejor embajador, Ángel
Corella, es garantía de éxito, siempre y
cuando las Administraciones estemos a
la altura de lo que significa un objetivo
de esta dimensión.
¿Cómo han ido los festivales que se
celebraron en pasado verano?
Fueron cuatro los Festivales
Internacionales, el primero, muy selecto,
con cinco conciertos ofrecidos por el
prestigioso Jordi Savall, el segundo, un
éxito de la diversidad que disfrutamos
en los once del Festival Internacional
de "Los conciertos de las Noches de
Verano", la potencia mediática del
Festival Internacional de "Noches
Mágicas", en el que la Junta de Castilla
y León, Patrimonio Nacional y
Ayuntamiento hacen un verdadero ejercicio
de eficaz coordinación, y en el que
Corella, Lacarra, Silvia Torán y
Bocanegra lucieron con verdadero
esplendor, y para finalizar; el "Festival
Internacional de Música y Danza del
Real Sitio", Pitingo, Dulce Ponte y
Estrella Morente, Vivancos, Sara Baras y
Luz Casal, completaron el programa.
Gran esfuerzo para una pequeña, pero
ambiciosa comunidad convencida de
que la cultura es una gran oportunidad
de desarrollo y generadora de riqueza,
riqueza en todos los órdenes y en su
más amplio sentido.
¿Les gusta tener a Ángel Corella como
vecino?
Es un honor y un placer, pues es tan
prestigiosa y reconocida su trayectoria en
todo el mundo, como humilde y gran
persona es en la convivencia cotidiana
con el resto de sus convecinos. El, su
familia y el resto de los miembros de la
compañía forman ya parte del Real Sitio
de San Ildefonso, de La Granja y de
Valsaín.
¿Cuántos bailarines viven aquí?
Son más de sesenta, de diferentes países
del mundo, pueden imaginar los
lectores de "Danza en escena", la
atmósfera que se empieza a crear
cuando junto a estos jóvenes, se unen
los de la Escuela Superior del Vidrio, las
diferentes universidades, reuniones,
cursos, conferencias o congresos, exposiciones
de arte, galerías y museos del
Real Sitio, etc., puede ser cierto que
entre todos logremos que la cultura, en
mayúsculas, protagonice e invada este
pequeño, pero hermoso lugar tan próximo
a la capital de España.
Danza en Escena 19
nº22_2008

ENTREVISTA
CARMEN CORELLA
LA REINA DE LAS SOMBRAS
ex Solista del ABT y subdirectora del Corella Ballet-Castilla León
Por Iratxe de Arantzibia
Iain Mackay y Carmen Corella ©Fernando Bufalá
Su corazón está dividido entre
Nueva York y La Granja. Carmen
Corella (Madrid, 1974) ha abandonado
en la Gran Manzana su plaza
como Solista del American Ballet
Theatre y, lo más importante, ha puesto
un océano de por medio en su feliz
matrimonio con Herman Cornejo
(Principal del ABT), bailarín que compatibiliza
sus obligaciones con la formación
estadounidense con su compromiso
con el Corella Ballet-Castilla León,
también en la máxima categoría.
Ahora, su vida transcurre en la localidad
segoviana, en la que ejerce como
subdirectora de la nueva compañía. Allí
se desplazó "Danza en Escena", en
fechas previas al gran debut de "La
Bayadera" en el Teatro Real. Este proyecto
es la rotunda apuesta de una
mujer con las cosas muy claras, tanto
como para dejar una de las cinco grandes
compañías de danza del mundo.
"Parte de la idea de que nunca tuve en
mi mente estar en ABT, porque mi decisión
de bailar no era tanto personal, ni
en mi forma de pensar estaba el deseo
de ser la más grande. Hay un cúmulo
de circunstancias: ver cómo Ángel disfrutaba
bailando, estar juntos…Nueva
York me llama la atención porque
Ángel está allí. Antes de bailar, yo
jugaba al baloncesto. Cuando descubrí
el ballet, nunca estuvo en mi mente llegar
a una compañía concreta. Para mí,
la compensación era estar con Ángel,
conocer a mi marido; era un cúmulo
de circunstancias que me compensaba
y que era ABT. Cuando se desarrolló el
proyecto, apareció la oportunidad de
bailar en España más a menudo. Pasó
de ser un espectáculo suelto, a ser casi
la misma cantidad de espectáculos en
Nueva York y en España. Para que el
proyecto adquiriera la fuerza e importancia
y confianza era lo mejor que
podría pasar. No quiero ser ejemplo
para otros proyectos y compañeros. Yo
como Carmen Corella entendí que si
era nuestro proyecto, había que darlo
todo. Dejé a Ángel, a mi marido, esa
estabilidad del ABT. Si hay que confiar
en el proyecto, yo soy la primera".
Fe absoluta en el proyecto es lo que
rezuma por los cuatro costados la bailarina
madrileña. "Este proyecto es una
apuesta muy grande. Se hace en lo
sentimental, monetario, también con
el trabajo, se hace con todo", asegura.
No buscó formar parte de ABT, como
tampoco buscó la subdirección del
Corella Ballet-Castilla León, con la que
está muy implicada, y es que Carmen
no conoce las medias tintas. "No era la
intención que fuera la subdirectora,
pero Ángel necesitaba una persona de
suma confianza, que, con su autoridad,
estuviera siempre aquí. Ángel y yo
hemos desarrollado todo el proyecto
hasta llegar aquí. Queríamos que la
gente viera que está organizado, que
la gente tenga una imagen seria. Así,
nos sentamos y decidimos que yo fuera
la subdirectora. Puede que la gente se
pregunte qué voy a hacer o puede que
valoren la apuesta. Ese reflejo se
encuentra por encima de cualquier
envidia. He sentido que la gente ha
respondido estupendamente. Es una
gozada la libertad; sentir que mis ojos
son los suyos. Es una unión que existe
entre Ángel y yo. Sólo mirándonos
existe una compenetración total. Eso
facilita el ritmo del trabajo. Se gana el
respeto cuando se respeta a los bailarines.
Entre Ángel y yo hay un entendi-
20 Danza en Escena
nº22_2008

ENTREVISTA
miento fluido y se ha desarrollado un
respeto hacia todos los bailarines.
También la gente valora el hecho de
que Ángel y yo nos hayamos involucrado
tanto. En muchas compañías, estás
a tu bola y es tu responsabilidad, porque,
a mí, con 17-18 años, me hubiera
encantado que me trataran así. Me
encanta ver cómo Ángel dedica su
tiempo a explicar hasta los detalles
más pequeños a los chicos", señala la
intérprete madrileña.
Parir un proyecto
Desde las primeras fases de gestación
del Corella Ballet-Castilla León,
Carmen se ha involucrado al 100%,
sabedora de la mala situación de la
danza en España. "La pena es la oposición
tan fuerte de ciertas personas y/o
instituciones, por desconocimiento. Si
nos caemos, nos caemos todos. No
entiendo muy bien porqué. Tengo la
sensación de protección o desconocimiento.
Existen reconocidas escuelas y
buenos bailarines. Fríamente, para los
bailarines, las instituciones y el público,
Ángel es la persona adecuada para
Ángel y Carmen Corella ©Fernando Bufalá
que la danza en España pueda cambiar.
Es el momento del cambio, porque
Ángel tiene carisma, fondo,
paciencia, dedicación y la danza es su
prioridad en la vida. Lo ha dado todo
por su carrera. La ambición de Ángel
era bailar y que la gente le viera.
Bailar era algo que le hacía feliz y provocaba
una reacción en la gente",
reflexiona sobre el panorama del ballet
en este país.
Ahora, el proyecto ya ha germinado en
una compañía a la que desea que
"mantenga la limpieza del enfoque".
Para ello, han contado con un presupuesto
estimado en 1,3 millones de
euros de la Junta de Castilla y León.
Cómo no, en la conversación, ha de
salir el escabroso tema del dinero. "Con
esa cantidad, se crea la compañía.
Esperamos que, tras las actuaciones
del Teatro Real, se provoque una reacción.
Aquí está todo. Nos hemos dejado
toda la carne en el asador; hemos
estirado cada euro que hemos recibido.
El 80% de los bailarines proceden
de España. Ángel no tenía ninguna
necesidad de hacer esto. Éste es el
planteamiento hasta el siguiente presupuesto
de la Junta de Castilla-León.
Con esto se paga la mayor parte del
gasto que se centra en puntas y hoteles.
Se mira muy bien el dinero, porque
es de la única manera en que lo hemos
proyectado. El estreno del 4 de septiembre
es muy importante, por
muchas cosas, como todo lo que
hemos luchado para obtener la producción
del Teatro Colón de Buenos
Aires. Estamos emocionadísimos. Más
allá no puedes soñar. Se puede aportar,
jugar, arriesgar, cruzar los dedos y
esperar que las cosas salgan como lo
hemos esperado. De la única forma
que compensa es cuando tus expectativas
están cubiertas".
Más tiempo habrá de esperar la fundación
de la Escuela del Corella Ballet-
Castilla León, que habrá de rehabilitar
el segoviano Palacio de Santa Cecilia,
cedido por Patrimonio Nacional, para
su puesta en pie. Ése es el pilar del proyecto
que se encuentra más lejano.
Primero, se formó la compañía, luego
vendrá la escuela. "Por dos motivos. El
primero es el momento activo de
Ángel. No tenía sentido formar la compañía
esperando a cuando Ángel no
bailara. Ángel está en la plenitud de su
carrera, porque para que la gente se
enamorara del resultado (público,
gobierno y bailarines) era necesario
que vieran dicho resultado. Poco a
poco, la compañía va a ir creando un
estilo. Es el paso de los años que irá
creando el estilo, porque ahora hay
bailarines de diferentes lugares y
escuelas y es difícil de homogeneizar,
aunque también se nutre la compañía
de muchos sabores, que hay que ir
acoplando. La intención inicial no era
abrir una escuela. Estamos comprometidos
con el proyecto 24 horas al día.
Es tu hijo. Son todo pasos que hemos
soñado hasta crear el Corella Ballet-
Castilla León. Lo esencial para la
escuela es la infraestructura, unas
aulas y unos dormitorios. Se hará una
preselección más intensa, porque es
esencial que el candidato esté respaldado
por una unidad familiar, que
haya gente capacitada en el proyecto
de la escuela, que se compatibilice un
sistema de becas y con alumnado de
cobro. No lo veo como una estructura
del estilo de la Escuela de la Ópera de
Paris. Mi sueño es ver la estabilidad de
la compañía, ver la escuela en pie, ver
rehabilitado el Palacio de Santa
Cecilia. Es difícil porque es un poco
Danza en Escena 21
nº22_2008

ENTREVISTA
Carmen Corella
complicada la rehabilitación. La escuela
es un cerdito-hucha en el que vas
echando los euros que te sobran. Eso
no se puede perder. La compañía y la
escuela son cosas paralelas".
Una coraza contra comparaciones
Sabe que la alargada sombra de la
celebridad de su hermano Ángel le
cobija, pero no considera haber estado
nunca en segundo lugar. "No siento
haber sido la sombra de mi hermano
en ninguna compañía. No existe un
sentimiento más intenso que provoque
otra cosa. Cuando entré en ABT, la primera
pregunta que me hicieron era a
ver si hacía treinta piruetas como
Ángel. He aprendido a desarrollar una
coraza y sé que esa comparación entre
él y yo es inmediata. Para muchas personas,
sí ha sido una sorpresa positiva
conocerme. Lo que me hace más feliz
es ver los ojos de mi hermano y de mi
marido. Lo enfoco mucho más hacia
mi interior, porque sé que me protege;
yo controlo mi felicidad. Salimos de
Colmenar Viejo a Manhattan. Cuando
tus expectativas son medias, cualquier
cosa te puede hacer feliz. Porque la
danza es un mundo muy jodido y lo
descubres cuando ya estás muy dentro.
Primero, el ballet y luego, Nueva York.
No necesito probar la droga para
saber que no me interesa", confiesa.
Hablar con Carmen y mencionar a
Ángel es todo uno. Se le ilumina la
mirada cada vez que menciona a su
hermano. Delata fervor de hermana en
cada alusión. "Si no tuviera ni idea de
ballet y viera un espectáculo con
Ángel, saldría con una sensación de
disfrutar de ver cómo alguien se expresa
a través de la danza. Me pasó también
con Farruquito, en el flamenco.
Como espectadora, tenía la sensación
de que no quería que eso se acabara.
Me hizo olvidarme de todo. Eso es un
artista. Ángel ha nacido para bailar y
los demás para disfrutarlo". Aunque
paralelas, sus trayectorias profesionales,
así como su concepción de la danza
es diferente. "La proyección de energía
que tiene Ángel, de lo que es él, es su
forma de entender el baile. Lo entiende
como un sentimiento que hace
moverte. Esa forma que tiene él de
bailar, ese cúmulo de sensaciones que
hace moverte. Para mí, bailar significa
continuamente ampollas en la piel,
una constante memoria para el cuerpo
de lo que hiciste ayer", asegura.
Del baloncesto al ballet
Diez años ha permanecido Carmen
Corella en el ABT (1998-1008), formación
en la que recaló tras su etapa en el
Pennsylvania Ballet (1996-1997) y en la
que fue elevada al rango de Solista
(2003) hace un lustro. Sus inicios en la
danza fueron casuales. "Mi hermana
mayor hacía ballet. Yo hacía baloncesto
por mi altura, cosa que facilitaba las
canastas. A Ángel le llamaban la atención
los espejos de las clases de ballet.
Era el chico que hacía de principito en
las funciones y tenía a todas las chicas
a su alrededor. Dejamos de ir a
Colmenar Viejo y como tenían que llevar
a Ángel a Madrid a las clases de
Víctor Ullate, la danza provocó mi interés.
Ayudó que era delgadita y alta.
Ángel ha sido crucial en esta carrera y,
por eso, el proyecto es tan crucial".
Menos conocida que otras figuras moldeadas
por la mano de Víctor Ullate,
pertenece a esa generación de estrellas
que copan el Olimpo del ballet internacional.
"Víctor está viviendo una etapa
que debía haber vivido con nosotros.
Ángel y yo estamos en activo y eso
ayuda a no provocar frustraciones. No
está en mi mano que esa persona
haga más. Es importante cerrar etapas.
Yo estoy en activo y tengo una
energía interna, más allá del puro
estado físico. Siempre y cuando tengas
ganas y visión responsable, vale la
pena, pero siempre es necesario cerrar
etapas contigo mismo. Víctor, desde su
lesión de rodilla, siempre aspiró a
entrar en el Ballet Lírico Nacional,
siempre buscó la fama que respaldara
lo buen bailarín que fue. Víctor fue un
bailarín muy capacitado pero que no
tuvo la repercusión de Fernando
Bujones o Mikhail Baryshnikov. En este
sentido, EE.UU. tiene la facilidad de
hacer algo grande. La fama es muy
relativa, te protege, y te da el privilegio
de poder bailar donde y como tú quieras",
asegura.
Ahora, parte de su labor consiste en
enseñar a los jovencísimos miembros
del Corella Ballet-Castilla León. Se percibe
su mano en cada pequeño detalle
del llamado 'Reino de las Sombras' de
"La Bayadera". No quiere imitar a sus
profesores, pero se encuentra feliz compatibilizando
ambas facetas, la de bailarina
y la de docente. Se encuentra en
una "fase genial para bailar, porque
tengo tranquilidad para bailar.
Además, tengo muchísimas ganas, me
encanta llevar clases y ensayos. Ahora
mismo estoy en las nubes, viviendo mi
etapa de bailarina", concluye Carmen
Corella, quien, por las malas pasadas
del destino, no pudo participar en la tan
soñada "La Bayadera" del Teatro Real,
debido a una importante lesión. Pero
ella es una mujer paciente y con coraje,
que sabe ocupar un discreto segundo
plano, aquel que siempre quiso adoptar,
como una reina atrapada bajo el
embrujo del seductor carisma de su
hermano, Ángel Corella.
22 Danza en Escena
nº22_2008

100 AÑOS DEL TEATRO MAIPO DE BUENOS AIRES
Por Danza en escena
…ya más señora y dueña, sos Corrientes la que manda
y en la esquina de Esmeralda, bajo las luces que sueñan,
presentás tu línea media:Maipo, Odeón, Tabarís,…
(Héctor Gagliardi, Argentina 1909-1984)
Argentina llegó a fines del siglo XIX
con una marcada abundancia
monetaria. Los resultados económicos
a favor de la exportación de granos
indicaban sin lugar a dudas una
prosperidad creciente.
El circulante existente y la fuerte atracción
que el teatro ejercía sobre los habitantes
de Buenos Aires, hicieron que
entre 1880 y las primeras décadas del
siglo XX se inauguraran elegantes y
suntuosas salas teatrales en la ciudad,
no sólo en el centro sino también en
algunos barrios.
Una muestra viviente del preludio de
esa época es el Teatro Liceo -el más
antiguo de los que quedan aún en pie
en Buenos Aires. Fue inaugurado en
1872 con el nombre de "El Dorado" el
cual fue modificado en diferentes ocasiones
hasta llamarse en la actualidad
Liceo.
El Teatro Maipo se encuentra entre las
pocas salas teatrales que no sólo sobrevivieron
a la barbarie de la extinción
que produce la picota, si no que en
varias oportunidades se cuestionó su
importancia. El Maipo tiene una ubicación
estratégica, está en pleno centro de
la ciudad -en la calle Esmeralda a unos
pocos pasos de la calle Corrientes -
esquina porteña por antonomasia.
El 7 de mayo del 2008 el Teatro Maipo
(Scala-Esmeralda-Maipo) cumplió 100
años, periodo estrechamente ligado a
la historia argentina. Por su escenario
desfilaron las más diversas manifestaciones
teatrales y consagrados artistas.
Estas han sido las tres fundamentales
conversiones del edificio:
SCALA. En 1908: Se inaugura como
Teatro Scala y se mantiene hasta el 30
de septiembre de 1915.
ESMERALDA. En 1915: Scala cambia
por Esmeralda, denominación que
surge en referencia a la calle en la cual
está emplazado, hasta el 14 de agosto
de 1922.
MAIPO. En 1922: Esmeralda cambia
por Maipo el 15 de agosto de 1922.
El año 2008 ha marcado los cien años
de vida del Teatro Maipo y, es por ello
que, para los festejos que se desarrollan
durante todo el año, este emblema
cultural porteño, testigo de la última
centuria, ha sido sometido a una profunda
remodelación y mejora de sus
instalaciones. En todos los casos, se ha
tenido en cuenta conservar sus rasgos
distintivos a la vez que se han realizado
reparaciones y una actualización tecnológica
del equipamiento de la sala.
Esta puesta a punto del Teatro Maipo
además de embellecer la sala y el edificio
en su conjunto también servirá para
mejorar el servicio brindado a nuestros
espectadores, a la vez que dota a la ciudad
de Buenos Aires de un lugar donde
florece la cultura.
Desde los 90 el Teatro Maipo ha cobrado
una notoriedad incomparable gracias
a las producciones que se han realizado.
De la mano de Julio Bocca y Lino
Patalano, como directores, el Maipo ha
ampliado su repertorio de obras y
espectáculos: comedias, musicales, dramas,
ballet clásico y contemporáneo,
teatro leído, teatro semi montado,
ópera y géneros musicales como el jazz,
clásico, blues, tango, entre otros.
Danza en Escena 23
nº22_2008

THE ICELAND DANCE COMPANY
un regalo que viene de las tierras altas
Texto: Perfecto Uriel
Fotografías: Golli
“Practice paradise”
“Screensaver”
“Screensaver”
“Screensaver”
La República de Islandia, es un país
localizado en el extremo noroeste
de Europa, cuyo territorio abarca la
isla de Islandia y algunos pequeños
islotes adyacentes en el Océano
Atlántico norte, entre el resto de Europa
y Groenlandia. En enero de 2006
superó la cifra de 300.000 habitantes y
en 2008 el país tenía una población de
313.376 personas. Su capital y ciudad
más importante es Reikiavik, con
117.898 habitantes. El asentamiento
humano en Islandia data del año 874,
si bien otros pueblos la visitaron con
anterioridad pasando los inviernos en
ella. Una población de origen nórdico y
gaélico se asentó en Islandia en los
siglos siguientes dependiendo básicamente
de la pesca y la agricultura.
Desde 1262 a 1944 formó parte de los
reinos noruego y después danés.
Hoy en día, Islandia es un país desarrollado,
el quinto en términos de PIB
a nivel mundial y el primero en desarrollo
humano. El país se basa en una
economía de libre mercado donde los
servicios, la pesca, las finanzas y varias
industrias son los principales sectores.
El turismo también es una actividad
económica importante a causa de la
popularidad de Islandia como un destino
exótico entre visitantes de todo el
mundo. Estos son algunos detalles de
la amplia información que podemos
encontrar en Wikipedia sobre las tierras
altas, sus moradores y su forma
de vida.
Posiblemente sea esta dependencia de
los reinos de las tierras altas,
Dinamarca es tierra de grandes figuras
pioneras en el campo profesional de la
danza, lo que haya sido determinante
para que Islandia cuente con una brillante
compañía, desconocida en latitudes
del sur.
La Compañía de Danza de Islandia
(ID) es la Compañía Nacional de
Islandia. Es una institución pública
24 Danza en Escena
nº22_2008

“Kuart”
“Happy New Year”
“In our name”
“Screensaver”
independiente, cuya residencia está
ubicada en el Teatro de la ciudad de
Reikiavik, uno de los teatros de Europa
mejor preparados para la danza. La ID
tiene la responsabilidad de difundir,
desarrollar, crear y suministrar coreografías
contemporáneas. Pone especial
interés en las nuevas creaciones coreográficas
así como en el desarrollo de
intercambios y colaboraciones con
otros sectores artísticos, particularmente
los musicales. Está considerada una
compañía de danza contemporánea
de reconocido prestigio en el mundo y
la forman entre nueve y catorce bailarines,
todos ellos con una base muy
consistente en ballet clásico.
La compañía siempre ha creado un
repertorio coreográfico tomando como
referentes a los coreógrafos contemporáneos
más destacados de Europa
desarrollando una relación muy interesante
con cada uno de ellos hasta el
punto de que, todos y cada uno, regresan
con frecuencia para seguir creando
nuevas producciones para la compañía.
En paralelo, la ID lidera el desarrollo
coreográfico islandés alimentando
el talento de sus coreógrafos
nativos quienes han llamado mucho la
atención en los círculos profesionales.
Esta combinación de criterios ha colocado
a esta compañía en una posición
privilegiada en el mercado internacional.
Se mantiene un repertorio coreográfico
europeo alternándolo con trabajos
de emergentes coreógrafos
islandeses y esto proporciona elementos
de sorpresa y búsqueda en un mercado
receptivo a las nuevas propuestas
con talento creativo.
Rui Horta, Jirí Kylián, Didy Veldman, Jo
Stromgren, Jochen Ulrich, Richard
Wherlock, Itzak Galili, Stijn Celis, Rami
Be'er, Jorma Uotinen, Ina Christel
Johannessen y Alexander Ekman son
algunos de los coreógrafos con los que
han trabajado durante estos años en
producciones especialmente creadas
para la compañía. También se encuentran
entre ellos reconocidos coreógrafos
islandeses tales como Erna Ómarsdóttir,
Lára Stefánsdóttir y Ólöf
Ingólfsdóttir, por nombrar a algunos.
La Compañía de Danza de Islandia ha
actuado y realizado muy remarcables
actuaciones en la mayoría de los teatros
y festivales internacionales del
mundo entero entre los que cabe destacar:
Holland Dance Festival, VIA
International Arts Festival en France,
Les Hivernales en Avignon, Tanz im
August, Berlin, Impulztanz, Vienna y en
Harbourfront en Toronto así como en
importantes ciudades como: Beirut,
Praga, Copenhague, Bruselas,
Glasgow, Shangai, Pekín, Nueva York,
Ginebra, Viena y Berlín. En total, ha
actuado en más de 32 países, 46 ciudades
y ha realizado unas 70 representaciones
desde 2001. La compañía
ofrece, cada año, una temporada de
representaciones en el Teatro de la
Ciudad y también tiene como tarea la
coordinación de talleres coreográficos
entre los jóvenes para incentivar, descubrir
y ayudar a los nuevos coreógrafos
emergentes.
Danza en Escena 25
nº22_2008

Críticas
Pina Bausch en el Liceu de Barcelona
Fecha: 10/09/2008
Lugar y fecha: Gran Liceo de Barcelona
La Partitura de La Consagración se presta más a la libre
interpretación si la comparamos a otras partituras de
Stravinsky como Firebird (El Pájaro de Fuego ) o Petrushka,
también ballets; por esto muchos coreógrafos se han sentido
atraídos por esta posible libertad que anhela cualquier
artista.
“Consagración de la Primavera”
Para inaugurar la temporada 2008-2009, El Gran Teatre
del Liceu de Barcelona ha contado con la compañía de
Pina Bausch al frente del Tanztheater Wuppertal con el
programa: El Café Muller y La Consagración de la
Primavera.
¿Qué tendrá La Consagración que no tengan las otras? Es
algo que siempre me he preguntado. Cierto es que la partitura
me inspira respeto, admiración y alteración. Cuando la
escuchas, la música, y más si la ves coreografiada, uno se
siente alterado, inquieto, con el ritmo en la sangre y el cuerpo,
pero, ¿porqué ciertos coreógrafos, entre ellos Georges
Balanchine, que tanto colaboró con Stravisky, y sí hizo un
Pájaro de Fuego memorable, no se atrevió con la
Consagración? Y otros fracasaron, como el mismo Mats Eks
reconoce...
Lo cierto es que desde que se estrenó en 1913 en París con
la coreografía de Nijinsky, ese gran artista autista incomprendido,
ya ha pasado casi un siglo. Versiones hay muchas,
pero memorables pocas. La de Nijinsky es suprema, la de
Béjart también, la de Bausch rompe esquemas y la de Paul
Taylor, estrenada en 1980, es más narrativa.
La música del ballet tiene dos partes:
Primera parte: Adoración a la tierra
Introducción, Augurio de la primavera y baile de las jóvenes
bailarinas, Ritual de la aducción, Vuelta a la primavera,
Ritual de las tribus, Procesión de los sabios, El sabio, Danza
de la tierra
Segunda parte: El sacrifició
Introducción, Círculos mágicos de las jóvenes bailarinas,
Glorificación de la escogida, Evocación de los ancestros,
Ritual de los ancestros, Danza del sacrificio de la escogida
La de Bausch es un coreografía muy visceral, uno siente el
cuerpo con las convulsiones, espasmos y temblores provocados
por la protagonista, la escogida; el cuerpo en trance,
fuera de control llevado por la música hasta la extenuación,
el éxtasis, la muerte. También los pasajes con los grupos,
muy rítmicos, ayudan a que la comunicación entre bailarines
y el público, que sube de tono, poco a poco, como la música,
llegue a la armonía. Y los sabios, ancestros, en sus movimientos,
con este ritmo casi africano, terrestre, primitivo
completan la coreografía.
La Consagración de la Primavera sigue en el repertorio del
Tanztheater Wuppertal desde su estreno en 1975 y sólo la
compañía de la Ópera de París lo ha representado fuera del
contexto bauchsiano. Es una obra de las primeras de Bausch
en Wuppertal, creada en un contexto donde los problemas
de género empiezan a tener relevancia, sea en la literatura
o en los escenarios. Es una obra que se contextualiza perfectamente
con la década de los 70.
Nèlida Monés i Mestre
26 Danza en Escena
nº22_2008

Críticas
El último tren de Anna
Fecha: 22 de octubre de 2008
Lugar y fecha: Auditorio del Palacio Euskalduna (Bilbao)
La Asociación Bilbao Ballet Elkartea inauguró la temporada
2008/2009 con la programación del espectáculo
"Anna Karenina" de la compañía rusa Eifman
Ballet Theatre. Avalado por el Premio Benois de la Danse
2006, el espectacular montaje basado en la novela
homónima de León Tolstoi -publicada en 1877-, con una
duración cercana a las dos horas, sobrecogió al numeroso
público congregado, dada la intensidad tanto coreográfica
como dramática de la historia. La trama es simple:
la dama de la alta sociedad rusa Anna Karenina se
enfrenta a la diatriba de continuar con su rutinaria vida
de casada, cuyo único aliciente es su hijo, o romper con
todo, entregándose al amor del guapo oficial Vronsky,
provocando su ostracismo social. Nina Zmiievets encarnó
con brillantez a la torturada protagonista, dotándola de
gran cantidad de matices expresivos, sumados a su excelente
nivel técnico. El hierático y sobrio Karenin cobró
vida de la mano de Sergey Volobuiev, mientras que Oleg
Gabyshev interpretó al enamoradizo Vronsky. Si bien
ellos representaban el trío principal, una treintena de bailarines
de impecable factura dancística conformaron el
cuerpo de baile del Eifman Ballet Theatre. Muy armónicos
y con un excelente dominio técnico, el resultado fue
extraordinario.
El coreógrafo Boris Eifman buscaba huir de los rígidos
corsés del academicismo ruso cuando fundó su compañía
en 1977. De esta manera, su estilo bebe del clásico,
se enriquece con el contemporáneo y se convierte en un
sello personal cuando se incluye una fuerte expresividad
dramática. No hay nada gratuito en cada una de las
escenas compuestas en "Anna Karenina", ni en los exquisitos
pasos a dos, con unos portés de grandísima complejidad,
ni en las majestuosas escenas corales. De todas las
escenas corales, hay tres momentos de gran intensidad:
el elegante baile veneciano de disfraces, el sobrecogedor
ataque de celos de Anna y el impactante suicidio ferroviario
de la protagonista. En todos los cuadros grupales
resulta evidente el amplio dominio escénico del coreógrafo
ruso, así como el hábil manejo de iluminación,
sugerente a veces, cruda en otras ocasiones. Además, en
la actuación bilbaína, debido a las grandes dimensiones
del escenario del Euskalduna, la maquinaria de efectos
visuales de Eifman pudo desplegar todos sus artificios,
consiguiendo una gran espectacularidad en la totalidad
de sus cuadros. No en vano, el Eifman Ballet Theatre es
considerado la mejor compañía rusa de la actualidad, tal
y como lo demostró en la concurrida actuación bilbaína,
en la que el trío de protagonistas estuvo sublime en su
interpretación, el elenco de la compañía demostró una
solvencia fuera de dudas y la historia de amor y celos de
Anna Karenina emocionó, sobrecogió y encandiló al respetable,
que premió tan soberbio espectáculo con más
de cinco minutos de aplausos.
Iratxe de Arantzibia
Danza en Escena 27
nº22_2008

EL BALLET EN CUBA
PASADO Y PRESENTE (II PARTE)
Por Célida P. Villalón
El pilar del más alto exponente
de la cultura universal,
Pro-Arte, continuó su
marcha triunfal hasta 1959,
cuando el recién establecido
régimen totalitario de Cuba,
comenzó a llevar a cabo la destrucción
sistemática de las instituciones
que representaban gustos
elevados.
Como primer golpe, el Banco Nacional,
por disposición de su presidente,
Ernesto "Ché" Guevara, negó a la organización
el acceso a los dólares necesarios
para abonar los honorarios de los
artistas extranjeros bajo contrato.
Seguidamente, el 31 de diciembre de
1960, el teatro Auditórium (conocido
desde marzo de 1961 como teatro
Amadeo Roldán), y la casona colonial
adjunta que albergaba las oficinas y la
escuela de baile de la institución, fueron
intervenidas por fuerzas de la milicia, y
entregados a la Orquesta Sinfónica y a
la directora del Ballet Nacional, respectivamente.
La gentileza de la Sociedad Infantil de
Bellas Artes (SIBA) para con Pro-Arte, al
permitirle compartir sus oficinas y estudio
de baile, hizo posible a la entidad proartina
continuar subsistiendo. Las clases
siguieron funcionando con las profesoras
del Cueto, Finita Suárez Moré e Hilda
Canosa - todas residiendo actualmente
en el exilio -. A la misma vez, la directiva
de la organización, tratando de mantener
viva la chispa del buen arte en Cuba,
concertaba actos culturales para sus asociados
(reducidos de cinco mil, a quinientos,
en 1961), en pequeñas salas
teatrales de la capital, con artistas locales.
El último recital de la escuela se celebró
en julio de 1961, y el último concierto
para los asociados, con la Coral de
Alfredo Levy, tuvo lugar el 23 de septiembre
de 1967. Días después, Pro-Arte fue
disuelta por decreto presidencial. Como
un triste acápite, es necesario añadir que
el hermoso teatro Auditórium fue pasto
de las llamas en 1977. Su reconstrucción
finalizó en 1999, por más que la sala
tiene ahora solamente 800 asientos,
donde antes se contaban 2.500.
Con el triunfo del castrismo, los cofres
del tesoro nacional se abrieron de par en
par para revivir el Ballet de Cuba, que
cambió su nombre por Ballet Nacional
de Cuba (BNdeC). El régimen no tardó
en comprender la importancia que para
el prestigio nacional podría significar en
el extranjero el nombre de Alicia Alonso,
de reconocimiento mundial, como representante
de una compañía cubana en un
arte tan refinado como el ballet.
Y para la estrella (o "assoluta", como
ahora es llamada), podría representar,
por otra parte, gran poderío, y la posibilidad
de perpetuarse en los escenarios,
hasta bien pasada la edad de la jubilación.
De su última presentación escénica
en EE.UU., en el festival "United We
Dance" (San Francisco, mayo de 1995),
un importante crítico de ballet escribió
lo siguiente (y traducimos) "…fue posible
ver a quien una vez fuera la espléndida
Alicia Alonso, rodeada de una pléyade
de bailarines envejecientes, en una escena
que parecía una fiesta geriátrica al
aire libre"(Dance Magazine, Attitudes,
Clive Barnes, Julio, 1995).
A partir de 1959, la Academia de Ballet
Alicia Alonso es llamada Escuela
28 Danza en Escena
nº22_2008

Cubana de Ballet. Instalada en un principio
en los terrenos del campo de golf
del antiguo Country Club de La Habana,
fue bautizada con el nombre de
Cubanacán. Pocos años después, por el
deterioro del edificio, la Escuela fue trasladada
a otros locales, entre estos, el
antiguo estudio de la escuela de Pro-
Arte, donde además se construiría un
nuevo salón en el piso alto del inmueble,
que también se usa para ensayos.
Hoy, bajo la dirección de la profesora
Ramona de Sáa -quien en la década del
50 comenzó su entrenamiento con
Fernando Alonso y fue miembro del
Ballet por largo tiempo- la Escuela
Cubana está situada en un edificio
recientemente reconstruido cerca del
antiguo Paseo del Prado, donde la danza
florece, y da esperanza de una vida
mejor al enorme alumnado que en ella
estudia, guiado por una plantilla muy
amplia de maestros/as.
A pesar de los éxitos que la danza clásica
en Cuba reclama para sí
desde 1959, la escuela cubana de ballet
- una mezcla de la técnica norteamericana
y soviética, con algún vestigio de la
italiana -, no ha producido ningún coreógrafo
de reconocimiento mundial, a
excepción de Alberto Méndez, ya jubilado.
Merece la pena mencionar aquí que
ninguno de sus trabajos se incluye en el
presente en el repertorio del BNdeC, formado
mayormente por antiguas obras
clásicas, "recicladas" a gusto y capricho
de Alicia.
El afán por aprender ballet en Cuba no
es de extrañar, ya que pertenecer a ese
ambiente artístico, no es sólo motivo de
ilusión para quien lo practica, sino que
significa una vida más atractiva que la
de los otros ciudadanos. Pero sobre
todo, significa el boleto de salida para
marcharse de la isla.
La simbiosis del matrimonio Alonso y el
castrismo quedó consolidada al crearse,
con la anuencia de ambos, el primer
comité Pro-Defensa de la Revolución, en
el local de la Escuela Provincial de Ballet,
el 14 de mayo de 1960 (Órbita del Ballet
Nacional de Cuba/1948-1978, Miguel
Cabrera, Editorial Orbe, Ciudad de La
Habana, 1978). Esos comités que existen
en cada bloque de residencias a través
de la isla, espían a los vecinos constantemente
para evitar actividades contrarevolucionarias.
En 1974, Fernando y Alicia se divorciaron
y como resultado, Fernando fue
marginado y enviado a dirigir la compañía
local de Camagüey. Por su parte, la
colaboración de Alicia con el régimen
marxista-leninista de Cuba ha continuado
dando frutos hasta el presente. Ya sea
como bailarina, como directora del
BNdeC, o como coreógrafa, el férreo
control del ballet en la isla, desde ese
año de 1974 está en sus manos.
Actualmente gravita entre Cuba y
España, donde ha establecido un
Instituto Superior de Danza en Madrid,
que lleva su nombre y organiza cursos
adscritos a la Universidad Rey Juan
Carlos I. Últimamente también ostenta el
título de Embajadora de Buena Voluntad
de la UNESCO.
El BNdeC se presenta asiduamente en el
dilapidado escenario del Teatro García
Lorca, del antiguo Centro Gallego (hoy
Gran Teatro de La Habana), del cual los
bailarines se quejan por los huecos que
aparecen en el suelo del escenario, amenazándolos
con accidentes de trabajo.
Además, la compañía celebra festivales
de ballet cada dos años en La Habana,
así como otras actividades, y con frecuencia
lleva a cabo giras por el extranjero,
que terminan con la desaparición
de bailarines que se arriesgan a escapar,
solicitando el asilo político que les
permita continuar sus carreras libremente.
Sin embargo, el exilio no es el camino
que todos los bailarines escogen
para vivir fuera del país. Hay otros que
salen con la bendición de Alicia, y pasan
varios meses en el extranjero, hasta que
una vez desaparecen del "radar" administrativo,
quedan permanentemente
fuera de Cuba. A estos últimos la suspicacia
de sus coterráneos fuera de Cuba
los identifica como "los quedados", o
"bailando con el enemigo".
¿Qué motiva la continua fuga de bailarines
cubanos? No todos están dispuestos
a explicar los motivos, aunque es fácil
deducir que la represión artística existente,
y los bajos salarios que devengan.
Hasta el presente, hay alrededor de cuarenta
bailarines fuera del país, que han
solicitado y obtenido asilo político,
comenzando con los diez primeros
desertores en 1966, que se asilaron en
París, creando la primera crisis política
de la dictadura cubana. El número de los
"quedados", por otra parte, pasa de
treinta y cinco. Sin embargo, entre ese
grupo, hay unos más privilegiados que
otros: estos últimos pueden visitar Cuba
cuantas veces lo deseen, si como explica
un artículo (que traducimos):
"….deben pagar el 10% de impuesto
sobre sus ganancias al BNdeC, para
mantenerse a bien con la compañía.
Mientras cumplan con esta regla, los
bailarines pueden ir y venir de Cuba
como les plazca"(Dance Magazíne,
Letters from Havana, Neil Okrent, abril
de 1998).
La dinastía Alonso perdió su primer
miembro recientemente: Alberto Alonso
falleció inesperadamente el pasado 31
de diciembre, en Gainesville, donde residía
tras obtener asilo político en EE.UU.
en 1993, y trabajaba como maitre y
coreógrafo residente del Santa Fe
Community Collage, Florida. Fernando
Alonso vive retirado en Cuba, aunque
presta sus servicios, tanto en Cuba como
en el extranjero, cada vez que estos son
solicitados. Alicia Alonso continúa rigiendo
con mano de hierro la compañía
nacional, mientras a la misma vez procura
que su nombre sea noticia en cualquier
parte del mundo, además de aparecer
prominentemente en los programas
de la compañía, cosa que no sucede
ni con los que montan las obras, ni
con los bailarines que actúan en ellas.
Aquí va un deseo nuestro muy sentido:
Que al finalizar una era, porque todo en
la vida termina un día, esperamos que la
antorcha de la danza clásica en Cuba
sea llevada adelante por una nueva
generación de bailarines, ajenos a la
política, y por lo tanto, libres para seguir
sus carrera, igual en su patria que en el
extranjero, como lo están haciendo
desde 1991 sus contrafiguras del antiguo
bloque soviético.
Plumilla de Juan Lopetegui (artista cubano residente en
Nueva York) de Alicia Alonso. Del archivo de C.P. Villalón.
Danza en Escena 29
nº22_2008

YOLANDA CORREA Y JOEL CARREÑO
PRESENTE Y FUTURO DEL BALLET NACIONAL DE CUBA
Por Mercedes Albi
Con motivo de la exitosa gira
que el Ballet Nacional de
Cuba ha realizado por
varias ciudades de España, conversamos
con dos de sus más destacados
bailarines: Yolanda
Correa y Joel Carreño.
Yolanda es hermosa, delicada, frágil,
sensible… Joel, visto de cerca, tiene la
misma apostura de la que hace gala en
los escenarios y una sonrisa que
envuelve. Ella y él forman una pareja
de esas que merecerían el calificativo
de "pareja de cine", dado que curiosamente
no existe la acepción "pareja de
danza" con el mismo significado. Pero
el hecho de que el amor surja en la
vida real entre los mismos protagonistas
de las historias que contemplamos
en los escenarios, nos recuerda aquella
frase del director R. Mamoulian, cuando
en la película "Cristina de Suecia"
dirigió a Greta Garbo y a Jonh Gilbert
en la cumbre de su pasión: "Son como
arcilla para modelar".
Yoli nos cuenta lo que significa Joel
para ella. "Además de ser un excelente
bailarín y partenaire, para mi es
ese gran compañero de trabajo por el
que siento admiración y respeto, y una
emoción infinita al compartir escenarios
con él, emoción, que me encantaría
sentir más a menudo, he aprendido
mucho de él, siempre ha estado
observando mi baile haciéndome ver
que se puede hacer más y mejor. Es
muy detallista y al igual que yo, busca
la perfección. El hombre con el que
comparto mi vida, es simplemente
Joel, un hombre maravilloso y sencillo,
al que amo incondicionalmente. Debo
confesar que ese sentimiento me hace
desear bailar aun más con él".
Y es que avanzar de la mano de Joel,
uno de los grandes bailarines de la
saga de los Carreño, es un privilegio.
Le pregunto a Joel si considera que
puede haber algo genético que determine
la existencia de tanto talento para
la danza en su familia. "Pues no sabría
decirte, igual sí. Yo sólo sé que nosotros
los cubanos, nos caracterizamos
por llevar un ritmo interno y un gusto
por el baile que sobresale de la media
de personas de otros países. No quiero
decir con esto, que nos creamos
mejores que nadie. Sólo que llevamos
la música y el baile en la sangre, y eso
se nota. En mi familia es así, pero
generalizo, porque en el 99 % de los
cubanos es igual".
Joel siente que pertenecer a la estirpe
de los Carreño le ha supuesto una gran
30 Danza en Escena
nº22_2008

esponsabilidad más que una ventaja.
"Me ha ayudado a exigirme más día a
día. Tratar de llegar a donde ellos han
llegado, a trabajar incesantemente
cada día. Intentar lograr la perfección
en cada paso, en cada interpretación,
es bastante duro y sacrificado". Hace
una pausa y sonríe: "Pero creo que ha
valido la pena".
Yolanda está en los albores de su
carrera. Todo se despliega ante ella y
ante los ojos del público que la admira
como un abanico lleno de matices y
grandes posibilidades. Relata con emoción
lo que siente bailando Giselle. "No
me lo creí hasta que estuve en la escena,
nunca pensé que llegaría a bailar
un ballet como ese, cuando entré en
la compañía me veía muy lejos de bailar
algo así, aunque nunca deje de
soñar ni de trabajar para alcanzar tal
meta. Giselle es para mi uno de los
roles mas grandes con el que pueda
soñar una bailarina. Y después de
haberlo bailado, puedo decir que
valió mucho la pena todo ese esfuerzo,
emoción, tristeza, alegría, felicidad,
y a la vez dolor… Todo eso se
siente bailando Giselle".
Ambos coinciden en que su ballet
favorito es Giselle, porque ¿qué se
puede decir del "Albrecht" de Joel? Ella
misma destaca la gran entrega con
que Joel interpreta. "Es muy técnico y
virtuoso además de elegante y fresco,
pero sobre todo, ese ángel que tiene
al bailar, que hace que le disfrutes
tanto." Aunque tengo que tocar el espinoso
tema de las deserciones de bailarines
formados en la compañía, ellos
no disimulan el afecto que sienten
hacia sus compañeros, a pesar de que
no compartan sus acciones. Y Joel
opina que "cada cual es responsable
por sus actos. Si ellos decidieron que
ese era su camino, yo lo respeto como
compañero. Les deseo la mejor de las
suertes"; y ella, en el mismo sentido,
comenta: "No me siento con el derecho
de juzgarlos, son sus carreras y
sus vidas, si alguno de ellos ha sido
mi compañero o amigo, no dejará de
serlo porque haya tomado esa decisión,
ya sea o no correcta, lo mas que
puedo hacer, es desearle lo mejor".
Yolanda y Joel son el presente, y también
el futuro de esa mina de grandes
bailarines que es el Ballet Nacional de
Cuba. "Tenemos muchos talentos en
Cuba, cada vez hay mejores bailarines
graduados de la escuela, por eso,
pienso que el Ballet Nacional, siempre
estará con muy buen nivel artístico
y técnico, aunque no es menos
cierto que el talento, también necesita
de una buena guía", opina Yolanda, y
Joel asiente: "la cantera de bailarines
es inagotable. Sólo por eso, habrá
siempre esperanzas para el futuro".
La devoción por el ballet que ellos viven
se percibe durante la conversación en
cada uno de sus gestos. A Yoli le
encantaría bailar "Romeo y Julieta" porque
adora la música de Prokofiev; y a
Joel le encantaría también interpretar
nuevos roles de ballets neoclásicos y
contemporáneos. Aman lo que hacen,
aman a su compañía y sienten un enorme
respeto hacia la labor que se realiza
con la danza en Cuba.
Están muy contentos, pero algo cansados
al término de la gira. Todo ha salido
muy bien. El colofón de gala
Homenaje a Alicia Alonso que tuvo
lugar en El Escorial fue algo muy hermoso.
"Siempre es un gusto bailar aquí, en
España, cada vez que venimos nos
acogen con mucho cariño, y muy
agradecidos por cada una de nuestras
funciones. Todos los públicos son diferentes,
pero todos nos demuestran lo
mismo siempre que bailamos en cualquier
parte del mundo… admiración",
dice Yolanda. "Cada escenario es un
nuevo reto para nosotros, y cada
nuevo publico, igual. En el caso del
público español, pienso que disfrutan
bastante nuestro arte, y eso se siente.
Yo por mi parte, les agradezco sus
aplausos…", se despide Joel.
El placer es nuestro, queridos amigos.
Los momentos con que nos habéis
obsequiado han sido algo que nunca
podremos olvidar, y un motivo de
anhelo para el próximo regreso del
Ballet Nacional de Cuba a los escenarios
españoles, que esperamos no se
haga de rogar. Hasta siempre.
Danza en Escena 31
nº22_2008

PANORÁMICA PARCIAL DE LA DANZA EN GALICIA
(1ª parte)
Por Afonso Becerra de Becerreá
El panorama de la danza en
Galicia, desde hace unos pocos
años, ha mejorado ostensiblemente.
Hemos pasado de la hegemonía de
lo folclórico, representado con perfección
técnica por el extinto Ballet Galego
Rei de Viana, a la multiplicidad de propuestas
en la modalidad de danza contemporánea
y de danza-teatro. La
Consellería de Cultura, paralelamente
al CDG, Centro Dramático Galego,
unidad de producción teatral, creó el
CCG, Centro Coreográfico Galego,
que se ocupa de la creación, producción,
formación e investigación para el
desarrollo de la danza en Galicia. El
CCG se inauguró en la temporada
2006-2007 con "Vacuo", coreografía de
Maruxa Salas, un homenaje, desde el
lenguaje abstracto de la danza contemporánea,
al más genuino panteísmo
gallego, encarnado en un tributo a los
cuatro elementos: agua, fuego, tierra y
aire. La pasada temporada, 2007-
2008, "O kiosco das almas perdidas",
con coreografía de Roberto Oliván, pretendió
la interdisciplinariedad sumando
secuencias audiovisuales y sketch teatrales
a la danza. La música en directo
de Mercedes Peón, igual que la iluminación
de Baltasar Patiño, llenaron el
espacio de lirismo y pasión. Las bailarinas
y los bailarines demostraron un alto
nivel. Pero la coreografía abusó del
efectismo de los movimientos acrobáticos
y adoleció de contrapuntos al forte
fortissimo, aunque lo peor fue el "xambolismo"(1)
burdo de las secuencias teatrales.
Para la próxima temporada,
2008-2009, el catalán Cisco Aznar llevará
a escena una libre adaptación del
ballet clásico Giselle, con trece bailarines
y bailarinas y con la colaboración
de otros artistas gallegos. Además, el
CCG también se abre a coproducciones
anuales, prestando así su apoyo a
pequeñas compañías emergentes. En la
temporada 2006-2007, realizó dos
coproducciones. Una con la Cía.
ExperimentaDanza de A Coruña, con el
espectáculo titulado "Arte a escena",
Kiosco das almas perdidas ©Víctor Ribera Jove
Negro ©Jacobo Bugarín
dirigido por Carlota Pérez. Y la otra con
la Cía. Pisando Ovos, en colaboración
con Damián Muñoz, con el espectáculo
titulado "30.000", que fue de los más
vistos y aplaudidos. Con "30.000",
Pisando Ovos, de Rut Balbís, y hasta a
aquel momento también de David
Loira, alcanzó una consolidación artística
basada en su lenguaje próximo a la
expresión dramática, pero caracterizado,
fundamentalmente, por su originalidad
y sus propuestas de una alta densidad
energética y euforizante. Pisando
Ovos presenta estructuras coreográficas
que van desde la más pura abstracción,
a veces minimalista, a la estilización
caricaturesca de situaciones de la vida
cotidiana, como aquella secuencia de
las ovaciones y los saludos, en la que
los bailarines recrean hiperbólicamente
32 Danza en Escena
nº22_2008

el divismo y la egolatría exhibicionista
de algunos artistas. De ahí pueden
pasar a otra secuencia en la que saltan
repetitivamente, sin desplazarse del
mismo sitio, hasta la extenuación. O a
la deformación mímica, jugando con la
mueca expresionista. En la temporada
2007-2008, el CCG aumentó a tres el
número de coproducciones. Con la Cía.
Daniel Abreu de Madrid estrenó
"Negro", con dirección del propio
Daniel Abreu. "Negro" juega a partir de
oposiciones y contrastes, indagando en
situaciones cotidianas y en las sensaciones
que estas pueden suscitar, desde un
cierto tono intimista. Con la Cía. Nova
Galega de Danza, de A Coruña estrenó
"Tradicción", con dirección de Jaime
Pablo Díaz y Vicente Colomer. Esta es,
quizás, la compañía que con mayor
ímpetu y acierto ha sabido fusionar tradición
y vanguardia sin renunciar a
aquellos pasos, giros y "reviravoltas
tolas" que conservan fresco el olor a
"muiñeira". Su sello también se caracteriza
por la estrecha colaboración con
importantes músicos y compositores
gallegos, como Xosé Lois Romero y
Pedro Lamas. La tercera coproducción
del CCG nos hermana con nuestros
vecinos portugueses, al sumarse a la
prestigiosa Cía. Paulo Ribeiro y a
Culturgest de la Fundaçao Caixa Geral
de Depósitos. El fruto es "Femenine",
dirigido por el propio Paulo Ribeiro, que
se inspira en los textos de Fernando
Pessoa del Livro do desassossego y de
los Escritos autobiográficos, automáticos
e de reflexâo pessoal.
Al margen de esta actividad, promocionada
y abrigada bajo el paraguas institucional,
cabe lamentar profundamente
el desencuentro entre los organismos
oficiales y Matarile Teatro. Este año nos
hemos quedado sin uno de los festivales
de referencia en el panorama de la
danza contemporánea internacional,
En Pé de Pedra, de Santiago de
Compostela. Es una pena echar por la
borda la dinámica que ya se había creado
y que tenía multitud de seguidores
que, desde diferentes partes de aquí y
de fuera, acudían anualmente a esta
cita tan especial y única que buscaba la
simbiosis de la danza con espacios
urbanos de belleza y magia, en el
marco incomparable de Compostela.
En Pé de Pedra iba más allá del festival
o la muestra de diversos trabajos, buscaba
una interacción diferente, más
participativa y abierta entre espectadores
y escena. El espacio público, la
calle, las plazas, las fuentes, los parques,
las escalinatas, en Compostela
tienen nombre propio porque son joyas
únicas, con una personalidad y una
fuerza específicas: Bonaval y su cementerio,
donde Rosalía de Castro había
enterrado algún hijo, ahora convertido
en parque, Praterías con su fuente de
los caballos, la escalinata de San
Martiño Pinario, el Paseo de Bóveda en
la Alameda… La manera de integrar el
espacio con el movimiento coreográfico
era una de las experiencias más fascinantes.
Esperemos que la sabiduría de
Ana Vallés y Baltasar Patiño, impulsores
e ideólogos de En Pé de Pedra, sea
escuchada y respaldada por quienes
gestionan el dinero público destinado a
la cultura, de lo contrario estaríamos
perdiendo uno de los más valiosos
encuentros artísticos a los que se puede
asistir en Galicia.
(1) Deriva de Xan das Bolas, personaje estereotipo
del paleto pueblerino, ingenuo, que
hablaba un mal castellano con un exagerado
acento gallego. Xan das Bolas se prodigaba
en el cine de la época franquista y se erigió
en un tópico del "galleguiño" de a pie. Por
extensión también puede aplicarse a aquel
humor zafio y simplista, sin gracia, que recurre
a ciertos rasgos del estereotipo citado.

ENTREVISTA
PROYECTO CRE.ART
Por Danza en Escena
Guillermo Laporta y Tagore
González son los creadores y
directores de esta Joven compañía
nacida en 2006. Ambos tienen una
amplia trayectoria como músicos
habiendo estudiado en escuelas como el
Royal College of Music y Guildhall
School of Music and Drama en Londres
y actuado en salas como el Auditorio de
Tenerife, el Palacio de la ópera de A
Coruña, el Palacio Euskalduna de
Bilbao, el auditorio Kursaal de San
Sebastián, el Auditorio Príncipe Felipe de
Oviedo, el Auditorio Nacional de
España o el auditorio Manuel de Falla
de Granada. Y salas internacionales
como el Barbican Hall y Britten Theater
de Londres o el Tokio Bunka Kaikan de
Japón.
Desde el año 2006 Guillermo y Tagore
se han involucrado en la creación de
una compañía que reúne artistas de
varias disciplinas para realizar espectáculos
multidisciplinares.
Actualmente presentan su primera temporada
con 13 representaciones en
España y Portugal.
Guillermo y Tagore, ¿Nos podéis explicar
cómo comienza el Proyecto Cre.Art
y en qué consiste?
Desde que nos conocimos estudiando
juntos en San Sebastián, nos dimos
cuenta de una necesidad común por
sentirnos más identificados creativamente
en nuestros conciertos. Queríamos
salir al escenario con propuestas más
atractivas, dinámicas, rítmicas, con una
buena puesta en escena, etc…
Al ver que las ideas y las intenciones
eran muy parecidas, los dos supimos
valorar el potencial que podíamos
adquirir si nos embarcábamos en un
proyecto juntos.
Actualmente el Proyecto Cre.Art se ha
definido como Compañía Artística con
el objetivo de crear una estructura para
producir espectáculos multidisciplinares
de diversos estilos y formatos.
Supongo que lo más complicado es
dar el salto desde que uno tiene una
idea, hasta que la hace realidad, ¿ Fue
difícil el comienzo?
Un primer paso que nos ayudó mucho
fue hablar con todas las personas que
teníamos alrededor y que habían
comenzado cualquier tipo de proyecto
artístico, eso aportó muchas ideas y definió
bastante el proyecto, pero sobretodo
nos ayudó a concretar lo que "no" queríamos
hacer en el escenario.
Hablando de danza, ¿De dónde viene
ese interés por contar con danza contemporánea
en vuestra compañía?
Lo primero que nos faltaba en nuestros
conciertos era la parte más visual, necesitábamos
expresar algo más y vimos
que el movimiento que aporta la danza
era perfecto para el tipo de música que
estábamos planteando.
Sinceramente, era un mundo desconocido
para nosotros, pero el hecho de
mudarnos a Londres nos hizo aprender
mucho y saber seleccionar lo que realmente
queríamos, y poder conocer a
muchos artistas con ideas muy interesantes.
Uno de nuestros lugares favoritos en
Londres es "The Place", Escuela de
Danza Contemporánea, donde hemos
34 Danza en Escena
nº22_2008

podido aprender mucho con la cantidad
de propuestas que se presentan. Es ahí
donde nos presentaron al coreógrafo
portugués Pedro Pires, creador de su
propia compañía Codigo Dance Project,
con la que actualmente trabajamos.
En junio de 2008 os presentásteis
como compañía con el espectáculo
Cre.Art Project I, contadnos en qué
consiste.
En este tiempo hemos visto que Cre.Art
Project I es un propio reflejo de los inicios
de la compañía, donde se han
experimentado las posibilidades y el
potencial no solo artístico, sino también
a nivel de marketing, técnico y administrativo.
Este espectáculo nace como un concierto
de música de cámara al que se le
suma una gran importancia a la parte
visual y se le da una unidad como
espectáculo continuado, sobre todo sin
el protocolo de un concierto de música
clásica.
La idea de espectáculo multidisciplinar
estaba clara desde el primer momento,
para ello se partió de una música ya
compuesta, y se realizaron varios encargos:
a la danza, audiovisuales y composiciones
originales de música electroacústica.
La coreografía se encargó al portugués
Pedro Pires que afortunadamente, estaba
promocionando su propia compañía
en Europa y colaboró desde el principio
en este proyecto.
Otro creador fue Ángel Muñoz, máximo
responsable del estudio multimedia
Chopsuey5000 de Barcelona. También
estuvo desde el principio con nosotros y
aportó una idea muy personal de la
música con la que trabajó.
Finalmente, Sara Varas aportó nuevas
sensaciones a través de su música electroacústica,
dando más continuidad al
espectáculo.
¿Cómo financiasteis esta presentación?
Conseguimos una beca del Centro
Cultural Montehermoso de Vitoria que
ayudó a la presentación, aunque tuvimos
que pasar por muchas dificultades
pero realmente, la financiación más
importante fueron numerosos favores
de amigos y todos los artistas que confiaron
en el proyecto.
Y los futuros proyectos, ¿Cómo se
financiarán?
En este aspecto el futuro es muy incierto.
De momento pretendemos sustentar
el trabajo continuo con pequeñas aportaciones
a través de nuestro sistema de
"amigos" que hemos traído de Londres,
donde la mayor parte de las cosas se
financian con dinero privado y funcionan
de maravilla.
Trasladar esto a España es complicado
y encontrar un organismo o entidad
que financie de verdad el proyecto al
completo también. Lo importante ahora
es darnos a conocer, encontrar escenarios
interesantes, experimentar en el
escenario, involucrar a un público,
encontrarlo, y no dejar de aprender.
Hasta aquí todo es muy bonito, pero si
en un futuro próximo no se encuentra
una financiación mínima, será difícil
llevar proyectos en los que se involucre
a tantos artistas y que lleven tanto trabajo
de preparación.
A pesar de lo difícil que son los
comienzos y de actuar como vuestros
propios representantes, es increíble
que hayáis conseguido una temporada
con 13 representaciones, ¿Cómo
lo habéis hecho?
Lo más importante ha sido tomarse el
proyecto muy seriamente desde el principio
como si cada paso que das, por
pequeño que sea, tuviera una repercusión
enorme en todo tu trabajo. Esta
forma de pensar te hace ir con cuidado,
cometer menos errores y tomar
decisiones más inteligentes.
Elaboramos una buena carta de presentación
basándonos en lo que a nosotros
nos gustaría recibir y con un
buen dossier cuidado al detalle.
Después recorrimos puerta a puerta
muchos teatros y ayuntamientos con
muchísimas horas de ordenador y teléfono.
¿Qué nos mostrará el Proyecto
Cre.Art en el 2009?
"London", será el nombre de nuestro
segundo proyecto grande, de momento
ya tenemos el nombre, la temática, y
sobre todo una idea clara de lo que
queremos.
Intentaremos reflejar la visión que tenemos
nosotros sobre Londres en un
escenario, cada día que pasa en esta
ciudad está lleno de sorpresas, cosas
originales, atractivas, culturas diferentes,
nuevos estilos y tendencias.
Creemos que estos son unos ingredientes
muy buenos para un espectáculo y
queremos plasmarlo en un escenario a
nuestra manera.
Esperamos encontrar un equipo de trabajo
nuevo y más amplio, con artistas
de muy diversas culturas para hacer
algo realmente sorprendente para el
espectador, con música original del
Proyecto Cre.Art.
¿Cómo veis el proyecto dentro de 10
años?
Nuestra idea es conseguir tener varias
producciones de espectáculos en funcionamiento,
con diferentes artistas,
temáticas y de varios formatos, desde
pequeñas performances en salas de
reducido tamaño, espectáculos al aire
libre y teatros grandes.
Esa es nuestra meta y vamos a trabajar
todo lo posible para conseguirlo.
Danza en Escena 35
nº22_2008

CON MOTIVOS
Pedagogía y coreografía para la danza
(1ª parte)
Por Inma Álvarez
Mis inquietudes personales sobre
los problemas de la documentación
y la reconstrucción de la
danza me llevaron a descubrir la obra
de Rudolf Laban, el estudio de su análisis
del movimiento y su sistema notacional
para la danza. Pronto aprendí que
los esfuerzos de Laban destacan como
excepcionales no solamente por contribuir
al entendimiento de las posibilidades
del movimiento y las formas espaciales,
sino por esclarecer también
aspectos de su dinámica. Sin embargo,
las propuestas labanianas durante la
primera mitad del siglo XX, no hubieran
tenido la trascendencia que tienen hoy
en día sin la labor de otros que continuaron
elaborándolas y aplicándolas a
distintas disciplinas. Valerie Preston-
Dunlop, Lisa Ullmann, Albercht Knust,
Irmgard Bartenieff, Ann Hutchinson,
Warren Lamb son algunos de los que
tuvieron contacto directo con Laban y
contribuyeron enormemente al posterior
desarrollo de sus ideas originales.
La influencia de los conceptos labanianos
es también clara en la experimentación
práctica de coreógrafos contemporáneos
como Pina Bausch o William
Forsythe. Forsythe, quien está particularmente
interesado en la concepción
del espacio, ha explicado su descubrimiento
de Laban a comienzos de los 70
como revelador: "...siempre he visto las
cosas a través del filtro del análisis del
movimiento de Laban. A un nivel es
genial en su simplicidad, a otro nivel es
genial en su complejidad. Por eso básicamente
yo lo modifiqué. Lo adapté a
mi propia experiencia de la tradición
dancística, que era el ballet"(1).
La obra de Laban continúa inspirando y
conectado con el pensamiento de artistas
e intelectuales interesados no sólo en
la danza, sino también en otras disciplinas.
Un empeño central de la visión
labaniana fue la creación de una documentación
para la danza. Así, paralelamente
a su teoría y análisis del movimiento,
Laban trabajó en la creación de
un sistema para registrar la danza por
medio de símbolos escritos en un pentagrama,
algo parecido a lo que conocemos
en la música. Hoy en día este sistema
se conoce como Labanotación o
Cinetografía Laban. Notadores en todo
el mundo han registrado con este sistema
danzas de todo tipo, desde teatrales
Rudolf Laban con tres alumnas en Estados Unidos, 1956
a folklóricas y sociales, en un esfuerzo
por conservarlas para futuras generaciones.
Doris Humphrey, una de las
madres de la danza moderna americana,
apoyó la documentación de sus
coreografías en este sistema por lo que
muchas de sus obras pueden ser hoy
día reconstruidas a partir de su notación.
Al parecer cuando Humphrey vio
las partituras de sus piezas exclamó:
"Ahora estas obras ya no son leyenda;
son historia"(2).
El reconocimiento del valor de este
registro de la danza se ha visto reflejado
en las últimas décadas en su incorporación
como materia académica en universidades,
conservatorios y colegios
especializados. El papel de la labanotación
en la enseñanza se ha considerado
primordial para el análisis del movimiento
coreografiado, su documentación
detallada y su reconstrucción.
Por otro lado, la gran complejidad que
presenta el registro detallado de la
danza llevó a que se planteara la necesidad
de un proceso de escritura y lectura
más simple, más accesible y más flexible.
Esta necesidad hizo surgir una
práctica notacional que se conoce como
descripción de Motivos. Ann Hutchinson,
experta en temas de notación, cuenta
que en 1959 llegó a la conclusión, enseñado
a niños de primaria, de que la
labanotación estructurada y detallada
limitaba demasiado las tendencias
motoras a esta edad y concluyó que era
necesario un nuevo uso. Esta idea de
Hutchinson convenció a otra importante
notadora, Valerie Preston-Dunlop, quien
por entonces estaba enseñando los principios
de Laban a profesores de educación
física, de que era un enfoque acertado
para sus necesidades.
La libertad interpretativa de los Motivos,
la ausencia de un pentagrama prescriptivo,
el reducido alfabeto simbólico y la
facilidad en su escritura y lectura son
algunas de las ventajas que fueron rápidamente
percibidas y apreciadas por
muchos de los notadores activos. Los
Motivos se reconocieron especialmente
como con gran potencial para la educación
y el proceso creativo en la composición
de danzas.
36 Danza en Escena
nº22_2008

DANZA CON MOTIVOS
Los Motivos (Motifs) son un conjunto de
conceptos básicos sobre los aspectos
esenciales del movimiento humano que
se representan con símbolos. La simbología
está tomada en gran parte de la
labanotación permitiendo una libertad
interpretativa mayor. Al expresarse por
medio de un lenguaje simbólico, los
Motivos facilitan el entendimiento universal.
Los conceptos detrás de cada Motivo
no solamente ayudan a una experiencia
física consciente del movimiento, sino
que también aspiran al entrenamiento
de una cuidadosa observación.
En la tradición pedagógica de la danza
encontramos que el papel de la experiencia
y observación en la formación
del bailarín se mantiene como suficiente,
como capaz de contribuir a ella considerablemente.
Por ejemplo, el famoso crítico
de danza, John Martin, apuntaba
que: "Cuando [el joven], en la clase,
hace la función de espectador y no de
bailarín, su experiencia del movimiento y
de los problemas de la composición le
darán una capacidad de respuesta creciente
por los canales de la imitación
interna y adquirirá automáticamente una
facilidad en la interpretación de lo que ve
directamente en términos de acción y,
por tanto, en la forma más profunda de
entendimiento"(3). Por contraste, la metodología
educativa desarrollada por
Hutchinson en torno a los Motivos no
asume esta automaticidad y defiende
una posición educativa en donde el
conocimiento del movimiento no se
adquiere simplemente por experiencia,
Partitura de Motivos con indicaciones de traslados
en distintas direcciones y planos del suelo, Ejercicio
de lectura 5, Your Move, Ann Hutchinson.
© Inma Álvarez
Valerie Farrant del Centro del Lenguaje de la Danza dando una clase de Motivos, Londres, 2008.
sino que debe aclararse conceptualmente,
y estos conceptos pueden representarse
por escrito simbólicamente. De este
modo, la filosofía de los Motivos defiende
que es la articulación explicita de los
conceptos y su formulación en símbolos
la que facilita la conciencia de los elementos
integrantes del movimiento así
como su entendimiento intelectual, y es
este conocimiento el que apoya e informa
la observación, la evaluación, la
interpretación y la discusión del movimiento.
En palabras de Hutchinson: "El
ojo debe entrenarse para saber qué es lo
que tiene que buscar; es necesario un
marco de referencia. Un buen sistema de
notación del movimiento, proporciona la
codificación de los elementos del movimiento,
un paso esencial para entender
la estructura de cualquier serie de movimientos"(4).
Los Motivos, al igual que la labanotación,
se pueden estructurar secuencialmente
en un pentagrama. La organización
de los Motivos contribuye a la aclaración
de posibilidades físicas así como
a la exploración y creación de ideas
coreográficas. El aumento en complejidad
de las partituras en Motivos lleva de
manera evolutiva a la comprensión de la
composición de partituras complejas en
labanotación. Una de las ventajas de la
introducción de este enfoque en la educación
es su énfasis en el análisis de las
posibilidades del movimiento y no de un
género o estilo dancístico particular, esto
también hace que el método sea pertinente
para la exploración de cualquier
actividad corporal más allá de la danza,
como el mimo o el teatro. La escritura de
Motivos aspira en última instancia a la
alfabetización en las disciplinas preocupadas
o implicadas en el movimiento
del cuerpo humano, a un lenguaje
común a todas ellas.
En la educación infantil la introducción
del vocabulario básico de Motivos ayuda
a afianzar los conceptos de movimiento
más básicos y la coordinación física en
el espacio. Los Motivos también contribuyen
a establecer relaciones entre el
movimiento y la expresividad. Los
Motivos les ofrecen una manera alternativa
de aprendizaje físico y conceptual y
sus símbolos les permiten tomar control
inmediato en la composición del movimiento.
El niño aprende a reconocer
acciones y posiciones comunes y a experimentarlas
con una conciencia mayor
de sus componentes.
Los Motivos se pueden utilizar también
con gran efectividad con niños y jóvenes
discapacitados, ya que su utilización no
depende de la articulación verbal para
pensar en términos de movimiento y
poder realizar propuestas coreográficas.
Su realización más importante se ha
consolidado en lo que se conoce como
el Simpson Board, un material educativo
que combina conceptos de movimiento
con diagramas, palabras y Motivos.
La pedagogía de los Motivos es de gran
utilidad para estudiantes de danza, profesores
de danza, coreógrafos, profesores
y alumnos de educación física, terapeutas
de movimiento, invitando al
desarrollo del análisis crítico y la creatividad.
Los beneficios del aprendizaje de
los Motivos han sido reconocidos en el
programa oficial de enseñanza secundaria
de danza y educación física del
Reino Unido y de los Estados Unidos.
(1) New York Times, Septiembre 2003. / (2) Citado por Elizabeth Burtner en "Dance notation makes legend into history", en The Dance Experience, a cargo de M. Howard
Nadel y C. Nadel Miller, 1978. / (3)John Martin, Introduction to the Dance, Dance Horizons, 1975. / (4) Ann Hutchinson, Dance Notation, Dance Books, Londres, 1984.
Danza en Escena 37
nº22_2008

ACERCANDO LA DANZA A LOS JÓVENES
CON DISCAPACIDAD EN PARAGUAY
Texto: Brigitte Colmán
Fotografías: Javier Valdez
Cuando llega el miércoles, los chicos
ya no quieren dar clases de
matemáticas o comunicación.
Ansiosos, sólo esperan a que lleguen los
profes, para comenzar a bailar.
Esto sucede en Guarambaré, una ciudad
ubicada a una hora de la capital
de Paraguay, en el Centro de
Educación Especial San Miguel. Aquí,
estudian 62 niños y niñas con diferentes
discapacidades, y desde hace un
año, se desarrollan los talleres de
danza del proyecto Alas Abiertas.
"Hace un año que estamos con este proyecto
en la escuela, nosotros solicitamos
ser parte de él y por suerte nos aceptaron",
dice Nimia Fernández de Enríquez,
directora del centro educativo. Y opina
que las clases de danza ayudan muy
positivamente a los chicos.
"Ojalá pudiéramos seguir, me parece
muy importante, porque es el modo en
que ellos pueden demostrar sus habilidades,
porque para la danza y el teatro,
son muy habilidosos", agrega.
A MOVERSE
Los profesores Sergio Núñez y Laura
Melgarejo son bailarines que integraron
el Ballet Nacional, y ahora, junto con
Silvia Cañete y Gustavo Jara, también
bailarines, coordinan los talleres.
Moverse, con la armonía y el ritmo que
se pueda, pero moverse y divertirse, esa
parece ser la consigna.
Lo talleres se desarrollan una vez por
semana, con una hora de duración, en
turnos de mañana y tarde.
"El proyecto Alas Abiertas pretende favorecer
la igualdad en el acceso a la cultura
para todos los jóvenes", explica
Sergio Núñez, y agrega que la práctica
de la danza en centros de atención a
personas con discapacidad puede ser
una fuente de formación y enriquecimiento
personal, tanto en el ámbito
individual como en el social.
Al Centro de Educación Especial San
Miguel acuden niños y niñas con síndrome
de down, con parálisis cerebral, con
retraso mental y otras afecciones. En
total actualmente en este centro, asisten
unos 62 niños, divididos en dos turnos,
desde el inicial hasta el tercer nivel.
"Realmente es fortalecedor porque el ser
humano siempre quiere tener logros,
anhelamos los grandes logros, y en educación
especial, cada día, por más
pequeñitos que sean los logros, parecen
demasiados, entonces conforta", afirma
Nimia Fernández.
El proyecto de acercamiento a la danza
que propone Alas Abiertas se inició en
julio de 2007 y logró integrar a más de
125 jóvenes con diversas discapacidades.
Actualmente el proyecto trabaja en
38 Danza en Escena
nº22_2008

cuatro instituciones educativas de
Paraguay: la Fundación Solidaridad a
través de su programa educativo PEN-
DIF, el Colegio Cristo Rey y la Fundación
Saraki , en Asunción; y el Centro de
Educación Especial San Miguel, en
Guarambaré.
El proyecto Alas Abiertas culmina en el
mes de Julio, y en el final habrá una
muestra de los Talleres de Danza, donde
60 chicos van a poder mostrar sus avances
logrados durante el año; una exposición
fotográfica "Prohibido llover en
Primavera: Una mirada a la discapacidad
en Paraguay", del fotógrafo Javier
Valdez, y un Curso de Formación de
Formadores: Arte y discapacidad.
Experiencias para la educación. La
Muestra de Talleres de Danza tendrá
lugar el 5 de julio en el Centro Cultural
de España Juan de Salazar. Para el mes
de Agosto tendrá lugar la presentación
de un video danza realizado por la Cía
Intermitente que incluirá a algunos jóvenes
seleccionados durante el proceso
del proyecto.
Alas Abiertas nació para llevar la danza
a sectores que no tienen acceso a ella,
porque saben que el arte no solamente
facilita la expresión de sentimientos,
ideas, sueños, sino que -al mismo tiempo-
tiene el poder de llevar a las personas
más allá de sus discapacidades.
LA DANZA NO DISCRIMINA A NADIE
"Personalmente es un trabajo que me
llena el alma, yo disfruto mucho, me
siento privilegiado trabajando con
ellos", dice Sergio Núñez, coordinador
del taller.
Explica que la idea de Alas Abiertas es
llevar la danza a sectores que no tienen
acceso a ella, porque "la danza no discrimina
a nadie", agrega Sergio y apunta
que "la gente baila desde que llega a
este mundo: no solo bailan los bailarines,
o la gente que tiene un cuerpo privilegiado,
todo el mundo se puede mover",
puntualiza.
Tanto Sergio Núñez como Laura
Melgarejo son ex bailarines del Ballet
Nacional. Ahora integran la Compañía
Intermitente.
"Nosotros como bailarines o como coreógrafos
siempre tendemos a la perfección
del movimiento. Esto es todo lo contrario:
no es perfección del movimiento
lo que buscamos, sino la satisfacción de
los chicos a través de sus propios movimientos,
de lo que ellos pueden lograr",
apunta Laura.
UN PROYECTO QUE BUSCA INTEGRAR Y DIVERTIR
Alas Abiertas es un proyecto de acercamiento a la danza
a personas con discapacidad, ofreciéndoles alternativas
de ocio y permitiendo que puedan incluirlo entre
posibilidades de participación cultural y artística.
Para Alas Abiertas, la danza es un medio para el
desarrollo de capacidades, facilita la expresión personal y
la integración en el grupo, abre la comunicación y mejora
las capacidades físicas y psicológicas de las personas.
Los talleres de danza duran un año, al final del cual
presentan una muestra del trabajo. Será en julio de 2008
en el Centro Cultural de España Juan de Salazar, donde
también se presentará una exposición de fotografías y
videos.
Este proyecto es dirigido y gestionado desde España por
Mercedes Pacheco, y coordinado en Paraguay por la
Asociación Cultural Crear en Libertad (ACCEL) a través de
Compañía Intermitente. Está financiado por la Agencia
Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo
(AECID), y el Ministerio de Cultura de España.
Danza en Escena 39
nº22_2008

PURO YOGA
¿Qué hace una bailarina como yo en una práctica como esta?
Por Elena Ferrari
Los bailarines ya sabemos hacer
yoga… ¿o va a ser que no?.
"La verdad es que estas posturas ya las se
hacer yo,… y si además saco mis impresionantes
empeines y giro un poco "en
dehors" la pierna serían más bonitas"….
Que levante la mano -sin mentir- el bailarín
o bailarina que no haya pensado
así al ver un libro de yoga…
Pero para sorpresa de no pocos bailarines
y deportistas de élite, las primeras
clases de yoga suelen ser bastante
molestas, "encorsetadas"…
"Yo puedo ir más lejos, me puedo estirar
mucho más".
Esta sensación puede llegar a ser verdaderamente
frustrante, sobre todo para
profesionales de la danza o el deporte
que tienen dominio corporal por muchos
años de trabajo pero no en la dirección
que propone el yoga basado en la tradición
Iyengar.
¿En todo caso, qué nos puede ofrecer
el yoga?
Si esta persona "flexible" consigue superar
ese primer impacto de sentir disminuida
su capacidad innata al "estiramiento"
y continúa asistiendo a las clases,
pronto se verá "recompensada".
Comenzará a notar "vida" y espacios en
zonas de su cuerpo que hasta el momento
no había accedido. Se sorprenderá,
tanto más cuanto mayor sea su bagaje
corporal. Naturalmente, se ha de pagar
un precio. Se necesita, mucha disciplina
constancia, coherencia, rigor y capacidad
de observación…. "Vamos bien, de
eso sabemos" -pensarán seguramente
los bailarines-as que hayan sido capaces
de leer hasta aquí..
Pero además, para practicar yoga hace
falta madurez y mucho sentido del
humor. Capacidad de reírnos y de disfrutar
de nuestras propias limitaciones,
que por cierto, todos sin excepción, tenemos.
Esto es muy difícil cuando se tienen
20 años, y además poco natural.
“Kurmasana”
En el yoga, al igual que en la danza, el
cuerpo es una herramienta muy potente.
Sin embargo, el trabajo tiene un enfoque
diferente. El arte del movimiento es
creativo e indirectamente puede ser liberador,
pero el yoga persigue insistentemente
esa liberación del propio cuerpo y
por lo tanto de las presiones que nuestra
mente nos impone. Tiene un fin terapéutico.
Van desapareciendo las necesidades
que provocan estrés. La necesidad
de reconocimiento, el aplauso o la valoración
por lo que hacemos se transforma
en distintas búsquedas que nos conduzcan
al bienestar con uno mismo a través
del autoconocimiento.
Somos humanos, y cuando practicamos
yoga también nos gusta el reconocimiento
o la aprobación, pero es algo
secundario, un divertimento para hacer
menos árido el proceso. Es un proceso
en cierta medida inverso al de otras
prácticas corporales, en el que desde un
trabajo serio y riguroso sobre la forma
externa -o si se quiere desde las asanasvamos
armonizando poco a poco hacia
el interior, hacia nosotros mismos y para
nosotros mismos, hasta que la forma se
desprenda de la forma.
Sin duda, la forma es importante, es la
llave que nos permite "abrir la casa".
Pero en yoga deja de ser el objetivo, el
fin se convierte en medio. Y para el bailarín
puede ser muy "liberador" : Ya no
existe la presión por alcanzar "llegar al
público" "expresar a través del cuerpo",
"ser bellos a la par que sensibles e interesantes".
No hay metas impuestas, no
hay premura de tiempo. Es una actitud.
Porque el yoga es ante todo -al menos
para nosotros-, una práctica personal,
un refugio, que cada uno, en función de
sus necesidades y habilidades, se va
©Rafael Ruiz
construyendo su medida. Por lo que
podemos "desdramatizar" y quitar
importancia a muchos problemas de
nuestra vida cotidiana:
¿Qué nos lesionamos? pues seguimos
practicando yoga, adaptándolo a las
nuevas circunstancias de nuestro cuerpo.
Ello nos ayudará a recuperarnos
antes y a tener mejor ánimo. Además,
seguro que nos sorprenderemos de lo
que aprendemos de nuestro cuerpo y
de nuestra práctica de yoga gracias a la
lesión.
¿Qué el mundo se alía contra nosotros
y nos cuesta ver un poco de luz al final
del túnel? pues nos regalamos una
sesión de recuperación y "mimo doble"
con nuestra asanas favoritas.
¿Qué nos sentimos con ganas de
comernos en mundo? pues a por la
sesión "dinámica" con saludos al sol o
estiramientos hacia atrás de gran recorrido.
¿Qué nos hablan de la enésima terapia
sanadora con efectos milagros?, ¿qué
nos bombardean con teorías variopintas
sobre los distintos tipos de yoga?,
Echamos el cerrojo y disfrutamos de
nuestra práctica. "Puro yoga".
El yoga es una práctica milenaria, que
de forma casi imperceptible va adentrándose
en nuestras vidas, en nuestro
"continente" y en nuestro "contenido".
¿Dé que modo? Sólo hay un modo de
saberlo, practicando. Y a nosotros nos
gusta, y mucho. Pero seamos honestos,
tiene un problema, que engancha, y
mucho.
40 Danza en Escena
nº22_2008

MEDICINA Y DANZA
LA DANZA COMO PODER CURATIVO
Por Antonio Díaz Pérez
Médico Especialista en Traumatología y Cirugía Ortopédica
El movimiento, siempre el movimiento.
El cuerpo al ponerse en
movimiento, sea bailando, caminando
o haciendo algún tipo de deporte
expresa y comunica. Y quizás sea el
baile o la danza una de las maneras
más armoniosas de comunicar e incluso
una forma de contrarrestar enfermedades,
practicar una actividad aeróbica y
equilibrar el organismo. La conducta
motora viene determinada por un conjunto
de sistemas que interactúan dinámicamente
para producir el movimiento.
El movimiento humano no es el simple
resultado de la contracción de algún
músculo, sino un acto voluntario orientado
con una finalidad determinada,
con un objetivo planificado y una intencionalidad
que se halla en el entorno.
VENTAJAS DE LA DANZA
De una manera resumida, los beneficios
o ventajas que puede conseguir la
danza son:
- Proporcionar movilidad muscular y
articular.
- Incrementar elasticidad de tendones y
músculos.
- Mejorar la fuerza muscular y otorgar
mayor capacidad de movimiento.
- Mantener el cuerpo en un peso adecuado,
quemar calorías, disminuir el
colesterol y aumentar la capacidad cardiorespiratoria.
- Es una gran herramienta contra los
problemas óseos y articulares.
- Disminuyen la fatiga muscular y
aumenta la fuerza muscular.
- Mejora las relaciones interpersonales.
TIPOS DE DANZA
Existen gran cantidad de tipos de danza
que pueden ser realizados de acuerdo al
gusto y preferencias de cada uno y más
cercanas a sus capacidades físicas y destreza.
Se puede practicar jazz, danza del
vientre, baile afrobrasileño, danza contemporánea,
danza clásica, flamenco,
baile español, etc. Cada uno de ellas
requiere de determinadas destrezas y exigencias,
pero todas tienen un objetivo en
común: el movimiento del cuerpo y dejar
de lado el sedentarismo. Hoy día ciertas
danzas o ciertos bailes, además de ser
excelentes maneras de trabajo corporal,
funcionan como terapias. Y así:
- Danza del vientre. Este tipo de danza
es altamente recomendada para combatir
el stress y expresarse interiormente.
Proviene en parte de la cultura egipcia,
turca y árabe y antiguamente debido a
la sensualidad que pone en juego era un
gran modo de comunicar. Se decía que
a través de este baile se podían manifestar
todas las emociones como los celos,
la depresión, el amor, la tristeza, el odio,
el orgullo, la alegría.
- Biodanza. Este baile conjuga los
potenciales de la persona y la afectividad,
y en este trabajo corporal se realizan
ejercicios con música, canto, expresiones
emocionales, etc. El objetivo es
aumentar aquellas sensaciones y vivencias
asociadas con la vitalidad, la creatividad
y el placer para, gradualmente,
acrecentar los aspectos saludables y disminuir
los patológicos.
- Bailes yorubas y africanos. Indicados
para liberar tensiones porque se realizan
movimientos muy enérgicos; muchos
bailes de origen africano tienen una alta
relación con danzas religiosas, por eso
sus significados trascienden lo corporal.
- Danza terapéutica. Este tipo de danza
trabaja particularmente sobre la imagen
y el esquema corporal, y como terapia
intenta conseguir que la persona
adquiera una imagen de su cuerpo y sus
posibilidades más cercanas a la realidad.
En los Estados Unidos se ha definido
este sistema como la utilización terapéutica
del baile, al tomar la danza
como un proceso orgánico en el cual se
busca la integración psicofísica.
- Psicoballet. Nació en Cuba, producto
del intento de trabajar los problemas
psicológicos en niños; se mezcla el baile
con la expresión corporal, el mimo y la
pantomima, el vestuario y los ejercicios
físicos intensos. Este tipo de danza es
complicado de realizar, por lo que
requiere de aquellos que lo practican
una alta disciplina para realizar los objetivos.
UN EJEMPLO DEL BENEFICIO
DE LA DANZA
Como ejemplo vamos a tomar el caso
de la diferencia de altura de los hombros.
La elevación anatómica de un
hombro, o al revés, el descenso del otro
está causada por una tensión muscular
desigual o por una debilidad muscular.
Generalmente, la existencia de una
escoliosis puede ser causa de la elevación
de un hombro en el examen médico
previo o inicial al que deberá someterse
el bailarín. También la diferencia
de longitud de las piernas se puede
reflejar en forma de un hombro en altura
distinta, además de una inclinación
pélvica. La desigualdad en el dehors
provoca un balanceo hacia atrás de un
lado de la pelvis, una alteración contralateral
del tórax y frecuentemente una
alteración de la altura del hombro de un
lado.
La danza juega un papel terapéutico
importante: hay que recopilar y programar
una serie de ejercicios para corregir
la postura. Si la diferencia de altura
de los hombros es un defecto aislado,
la danza tratará de compensar la debilidad
y el desequilibrio a nivel de la
parte inferior del tronco, musculatura
glútea, isquiotibiales, aductores, cuádriceps
y músculos de la parte inferior
de la pierna.
Danza en Escena 41
nº22_2008

Recuerdo a Mario Maya
Por Marta Carrasco
El bailarín, compositor y coreógrafo
de flamenco Mario Maya Fajardo
(Córdoba, 1937) falleció en su
domicilio de Sevilla tras una larga
enfermedad.
Mario Maya obtuvo la Medalla de Oro
de Andalucía en 1986 y tres años antes
fundó el Centro de Actividades Mario
Maya, en Sevilla, para la enseñanza del
baile flamenco, danza clásica y jazz, y
además ha realizado grabaciones en
disco, dos cortometrajes y una película.
Aunque nacido en Córdoba, se inició
en su arte en las cuevas del Sacromonte
granadino bailando para los turistas, y
fue acompañante de Manolo Caracol y
componente del ballet español de Pilar
López.
Entre sus espectáculos destacan
"Ceremonial" (1974), "Camelamos
naquerar" (1976), "Áy! jondo" (1977),
"Amargo" (1986) y "El amor brujo”
(1987) con los que realizó giras nacionales
e internacionales.
La pintora inglesa Josette Jones le hizo
un retrato al óleo, con el que obtuvo en
un concurso un premio, cuyo importe
de 200.000 pesetas le envió desde
Londres, para que estudiara en Madrid.
En la capital, en 1955, frecuentó el
madrileño Colmao Villa Rosa, hasta
realizar unas actuaciones con Manolo
Caracol e ingresó en el cuadro del
©ABC de Sevilla
Tablao Zambra, junto a Rosa Durán,
Pericón de Cádiz, Perico el de Lunar,
Rafael Romero, Juan Varea, El Culata y
otros destacados intérpretes.
A partir de 1956 y hasta 1958 perteneció
al ballet de Pilar López, recorriendo
diversos países extranjeros en distintas
giras, y en 1959 se incorporó al tablao
madrileño "El Corral de la Morería",
para formar pareja con "La Chunga",
con quien debutó en la sala de fiestas
"El Biombo Chino", de Madrid, y llevó a
cabo gira por Venezuela, Cuba, Puerto
Rico, Estados Unidos, Argentina y
Colombia.
En 1965 se trasladó a Nueva York,
donde al año siguiente ofreció su primer
concierto, tras el cual fue contratado
por la Columbia Artist Management,
y desarrolló una gran actividad de recitales.
De nuevo en España, creó con Carmen
Mora y "El Güito" el "Trío Madrid" y obtuvo
los premios de Danza y Coreografía
Vicente Escudero de Valladolid, en
1976, y el Premio Nacional de Baile de
la Cátedra de Flamencología y Estudios
Folclóricos Andaluces de Jerez de la
Frontera en 1977.
Su espectáculo "Ceremonial" con texto
de Juan de Loxa, realizado en 1974, es
el primer intento de crear un nuevo teatro
flamenco, y en 1976, estrenó en
Granada "Camelamos naquerar", con
texto de José Heredia Maya, montaje
que constituyó un gran éxito y con el que
recorrió España y numerosos países.
Al siguiente año consiguió en el VIII
Concurso Nacional de Arte Flamenco
de Córdoba los Premios Pastora
Imperio de bulerías y Juana La
Macarrona de alegrías, y escenificó con
coplas y poemas de Juan de Loxa el
espectáculo "°Ay! Jondo", con el que
participó en la Bienal de Arte Flamenco
Ciudad de Sevilla y en los festivales
internacionales de Arlés, Berlín,
Fraiburs y Venecia, entre otros.
Otro de sus montajes con los que dio la
vuelta al mundo es "Amargo", con poemas
de Federico García Lorca, estrenado
en el Festival de Chateauvallon en
1980, año en el que le fue otorgado el
Premio Giraldillo del Baile de la II
Bienal de Arte Flamenco Ciudad de
Sevilla.
Por Fredy Rodríguez
Fredy
42 Danza en Escena
nº22_2008

Libros
¿QUÉ ES LA CASA DE LA DANZA?
Es un proyecto activo cuyo objetivo es acoger,
estudiar y difundir el arte de la Danza en cualquiera
de sus expresiones. Un espacio abierto
y versátil, que alberga: una biblioteca, una
videoteca, un amplio fondo sonoro y una sala
de exposiciones-museo (colecciones permanentes
y temporales) donde los profesionales,
los aficionados, los estudiantes o los simples
paseantes pueden descubrir aspectos nuevos
así como el profundizar en las variadas técnicas
y dimensiones de la propia Danza.
Esta iniciativa, nacida al amparo de una
Asociación sin ánimo de lucro -En Escena- y
con el firme apoyo del Excmo. Ayuntamiento
de Logroño, también tiene que encontrar su
verdadero motor de funcionamiento en el
decidido apoyo social.
Haciéndote ''AMIGO DE LA CASA DE LA
DANZA'' participarás en este proyecto cultural
colaborando en el mantenimiento de su
estructura. La aportación que tu elijas se
canalizará hacia campos puramente divulgativos
de la Danza.
ACTIVIDADES:
“Tardes con la Danza ”. Durante los meses
de octubre, noviembre y diciembre se proyectará
en la Casa de la Danza una selección de
danza clásica y contemporánea los lunes,
miércoles y viernes de 19h a 20h.
VISITAS:
Los escolares de primero, segundo, tercero y
cuarto de primaria pueden disfrutar de los
fondos del museo. Concertar en el teléfono:
941 246 365.
Días: martes y jueves de 10 a 12.
EXPOSICIÓN:
“Los 32 fouetées me dan risa” , caricaturas de
Fredy Rodríguez. Del 17 de octubre al 16 de
enero.
Para hacerte amigo de la Casa de la
Danza, envía tu nombre dirección , teléfono,
y mail a La Casa de la Danza
c/Rua Vieja 25, 26001 Logroño (LA
Rioja)
*Todos los datos de esta solicitud serán tratados
de forma estrictamente confidencial. Y en
cualquier momento tienen derecho a acceder,
rectificar o cancelar sus propios datos (Ley
Orgánica 15/1999 de 13 de Diciembre)
escribiendo a: C/Ruavieja, 25. 26001
Logroño. La Rioja.
La Danza española
de Trini Borrull
Manuales Meseguer (4ª Edición)
Ediciones Meseguer Editores
Primera obra sobre este tema de la
autora, eminente bailarina. No es una
Historia de la Danza, sino que está
dedicada principalmente, siguiendo las
normas que orientan la presente colección
de manuales, a la técnica de tan
bello y sugestivo arte. Como puede
verse, en la obra están descritas las
danzas más populares de todas las
regiones españolas, y constituye una
importante aportación para el mayor
conocimiento de nuestro folklore.
La Danza y el Ballet
de Adolfo Salazar
Colección Breviarios "4ª Edición"
Edición Fondo de Cultura Económica
(México-Buenos Aires)
El musicólogo español Adolfo Salazar
(1890-1958) ofreció en estas páginas
el primer libro en castellano, ricamente
ilustrado, sobre la historia del ballet.
Comienza por exponer la evolución y
transformaciones del elemento fundamental
de este arte, su materia específica,
es decir, la danza. Esa misma
danza que más tarde, una vez conformado
y vuelto clásico el ballet, intervendrá
en él de nuevo y lo revolucionará.
Ballets de ayer y de hoy
de Claude Baigneres
Colección Mozart (1ª Edición)
Ediciones AVE Barcelona
He aquí un libro que hará las delicias
de los balletómanos. Con gran conocimiento
de la materia, el autor nos da
perfecta idea de unos cincuenta ballets
entre los más representados, combinando
la exposición del argumento de
cada uno de ellos con su interpretación
musical. Su lectura es una introducción
ideal a una sesión de ballet,
pues nos prepara para gozar plenamente
de estas obras de arte.
*Estos libros y Cd’s se pueden consultar en la biblioteca de la Casa de la Danza
Danza en Escena 43
nº22_2008

CALENDARIO DE OCTUBRE, NOVIEMBRE Y DICIEMBRE DE 2008
23.10.08 a 23.10.08
Vigo
ESTRELLAS EN DANZA
Ballet Argentino
Teatro Ensalle
26.10.08 a 26.10.08
Murcia
ANNA KARENINA
Eifman Ballet de San Petersburgo
Auditorio
02.11.08 a 02.11.08
Mataro
MIS PIES TE CONTARÁN
MEGALÓ Teatro móvil
Teatre Monumental
08.11.08 a 09.11.08
Girona
BIN & GO
Marta Carrasco y Llibert Fortuny
Sala La Planeta
30.11.08 a 30.11.08
Girona
HE VISTO CABALLOS
Mal Pelo
Teatre Municipal de Girona
23.10.08 a 26.10.08
Valencia
Compañía
La Coja Dansa
Espacio Inestable
23.10.08 a 26.10.08
Alcalá de Henares (Madrid)
DES-HIELO DE RECUERDOS
Losdedae
Teatro Cervantes
23.10.08 a 02.11.08
Madrid
EN TRÁNSITO 08
La casa encendida
24.10.08 a 24.10.08
Altea (Alicante)
AMOR BRUJO
Ballet de Teatres de la Generalitat
Palau de Altea
24.10.08 a 24.10.08
Palma de Mallorca
ANNA KARENINA
Eifman Ballet de San Petersburgo
Auditorio
25.10.08 a 25.10.08
Becerril de la sierra (Madrid)
NANAS PARA DESPERTAR
Compañía Malucos Danza
Centro Cultural
25.10.08 a 25.10.08
Sonseca (Toledo)
NOCHE ESPAÑOLA
Laura Hormigón y Oscar Torrado-
Danzarte Ballet
Auditorio
25.10.08 a 26.10.08
Zaragoza
DESPACITO
Andrés Corchero
Teatro de la Estación
26.10.08 a 26.10.08
Banyeres de Mariola (Alicante)
EFEKTOS
Ballet Español Fusión
Teatro Principal
29.10.08 a 29.10.08
Barcelonsa
MUCHO QUE PERDER
La Coja Dansa
Casa Elizalde
29.10.08 a 31.10.08
Leganes (Madrid)
Gnawa, Insected, Without Words
CND2
Auditorio Padre Soler
30.10.08 a 30.10.08
Gijón (Asturias)
¿POR QUIÉN LLORAN MIS
AMORES?
L'Explose (Colombia)
Teatro Jovellanos
30.10.08 a 30.10.08
Alicante
ESMERALDA Y EL JOROBADO
DE NOTREDAME
Ballet del Teatro Nacional
de Ópera de Luviv
Teatro Principal
30.10.08 a 30.10.08
Jerez de la Frontera (Cadiz)
NOCHE ESPAÑOLA
Laura Hormigón y Oscar Torrado-
Danzarte Ballet
Teatro Villamarta
30.10.08 a 09.11.08
Barcelona
Setembre
RES DE RES
Mercat de les Flors
31.10.08 a 31.10.08
Viladecans (Barcelona)
L’Home, la Dona i l’altra Dona
SENZA TEMPO
Teatro Atrium Viladecans
01.11.08 a 01.11.08
Girona
INMEDIACIONS
Raravis
Sala La Planeta
01.11.08 a 02.11.08
Las Palmas de Gran Canaria
DE CABEZA
Teresa Nieto
Teatro Cuyas
02.11.08 a 02.11.08
Terrasa (Barcelona)
DANZA AFRICANA
Georges Momboye
Centro Cultural Caixa Terrassa
03.11.08 a 09.11.08
Zaragoza
GOYA
Miguel Ángel Berna
Teatro Principal
05.11.08 a 09.11.08
Barcelona
QUARTET
Cia Búbulus/ Carles Salas
Mercat de les Flors
06.11.08 a 06.11.08
Gandía (Valencia)
TODO POR HACER
La Coja Dansa
Teatro Serrano
06.11.08 a 07.11.08
Bilbao
'Pression' y 'InCanto dall Orlando
Furioso'
ATERBALLETTO
Teatro Arriaga
06.11.08 a 09.11.08
Zaragoza
MUDEJAR
Miguel Ángel Berna
Teatro Principal
07.11.08 a 07.11.08
Pamplona
CARMEN
Compañía Sara Baras
Baluarte
08.11.08 a 08.11.08
Rivas-Vaciamadrid (Madrid)
Nanas para despertar
Compañía Malucos Danza
Centro Cultural
08.11.08 a 08.11.08
Manzanares (Ciudad Real)
NOCHE ESPAÑOLA
Laura Hormigón y Oscar Torrado
Danzarte Ballet
Gran Teatro
08.11.08 a 09.11.08
Bilbao
A man's touch
Mikel Aristegui
La FuNdicIOn A R E T O A
14.11.08 a 14.11.08
Madrid
Requiem al 33
D_KRAMA
Centro Cultural Alfredo Kraus
15.11.08 a 15.11.08
Pozuelo de Alarcón (Madrid)
JAZZING FLAMENCO
Antonio Najarro
Teatro Mira
15.11.08 a 15.11.08
S. S. de los Reyes (Madrid)
CND2
Teatro-Auditorio Adolfo Marsillach
18.11.08 a 30.11.08
Madrid
BAILE DE MÁSCARAS
Nuevo Ballet Español
Teatro Albéniz
21.11.08 a 22.11.08
Sevilla
“THE OTHER SIDE"
Cía. de Danza Fernando Hurtado
Teatro Central
21.11.08 a 23.11.08
Vigo
NO TAN POCO
Cía. Igor Calonge
Teatro Ensalle
27.11.08 a 30.11.08
Madrid
NOCHE ESPAÑOLA
Laura Hormigón y Oscar Torrado
Teatro Fernan Gomez
28.11.08 a 30.11.08
Vigo
EL PRIVILEGIO DE MORIR
Cía. Provisional Danza
Teatro Ensalle
29.11.08 a 30.11.08
Pamplona
EL CASCANUECES
Ballet Acrobático de Dalian
Baluarte
02.12.08 a 13.12.08
Bilbao
CARMEN
Compañía Sara Baras
Teatro Arriaga
04.12.08 a 31.12.08
Madrid
LA VIDA ES SUEÑO
Compañía Siglo de Oro de la
Comunidad de Madrid.
Teatro Albéniz
05.12.08 a 09.12.08
Sa Mániga
CND2
Auditorio de Sa Mániga
10.12.08 a 15.12.08
Madrid
2 YOU MAESTRO
Víctor Ullate Ballet - Comunidad
de Madrid
Teatro Real
11.12.08 a 21.12.08
Madrid
CENICIENTA
Ballet de Carmen Roche
Teatro Fernán Gómez
12.12.08 a 13.12.08
Gijón
CND
Teatro Jovellanos
16.12.08 a 16.12.08
Alicante
AMOR BRUJO
Ballet de Teatres de la Generalitat
Teatro Principal
25.12.08 a 11.01.09
Madrid
EL PATITO FEO (estreno)
Ballet de Carmen Roche
Teatro Fernán Gómez
27.12.08 a 28.12.08
Valladolid
CORELLA BALLET-CASTILLA
LEON
Teatro Calderón
FESTIVALES EN OCTUBRE, NOVIEMBRE Y DICIEMBRE DE 2008
01.10 al 05.10
TARRASA:
TENSDANSA
www.tensdansa.org
05.10 al 17.11
BILBAO:
DANZALDIA
www.danzaldia.com
13.10 al 16.11
MADRID:
FESTIVAL DE OTOÑO
www.madrid.org
18.10 al 25.10
LAS PALMAS:
13 MASDANZA
www.masdanza.com
24.10 al 02.11
BILBAO
FESTIVAL DE TEATRO Y DANZA
www.badbilbao.com
31.10 al 23.11
SEVILLA:
MES DE LA DANZA
www.trans-forma.es
44 Danza en Escena
nº22_2008
Ilustración: Sol Undurraga

Vitrinas abiertas
Eva Yerbabuena
Por Ana Isabel Elvira
Su nacimiento en Frankfurt
(Alemania) en 1970 fue accidental,
porque Eva la Yerbabuena es de la
tierra de sus padres, granaina de pura
cepa. Con doce años comenzó a estudiar
flamenco con Enrique "El
Canastero", Angustillas "La Mona",
Mariquilla y Mario Maya, y en 1983 se
trasladó a Sevilla para estudiar arte dramático
de la mano de Juan Furest y
Jesús Domínguez.
Sus inicios como profesional fueron tempranos.
Con sólo 15 años participó en la
gira europea del espectáculo Diquela de
la Alambra con la compañía de Rafael
Aguilar, y siguió su andadura trabajando
en varios espectáculos de la compañía
de Paco Moyano. Poco a poco fue
ampliando sus contactos artísticos, lo
que le llevó a colaborar con Javier
Latorre en La fuerza del destino en 1990,
y en 1991 con Manolete en Amor Brujo y
con Merche Esmeralda en Mujeres. Por
aquella época también trabajó junto a
Joaquín Cortés en Jóvenes Flamencos y
participó en el día de la Hispanidad en
Nueva York formando pareja con Javier
Barón en su creación Flamenco.
1994 fue el año de su participación en la
VIII Bienal de Flamenco de Sevilla junto
con José Fernández, festival al que ha
vuelto en varias ocasiones a lo largo de
su trayectoria profesional. En dicho festival
estrenó, el primer espectáculo de su
propia compañía, Eva Yerbabuena Ballet
Flamenco, al que bautizó con su nombre,
Eva (1988). Ese mismo año fue llamada
por el Ballet Nacional de España
como artista invitada. Para esta compañía
creó e interpretó A mi niña Manuela
en dos grandes cosos teatrales: el City
Center de Nueva York y el Teatro Real de
Madrid.
Desde entonces ha creado para su agrupación
otros cinco espectáculos 5
Mujeres 5 (2000), La Voz del Silencio
(2002), A Cuatro Voces (2004), El Huso
de la Memoria (2006) y Santo y Seña
(2007). Con ellos ha girado por todo el
mundo y ha alcanzado un gran reconocimiento
nacional e internacional, tanto
por su calidad artística y como por sus
composiciones coreográficas.
Ha recibido, entre otros, los siguientes
premios: el Premio Flamenco Hoy, en la
categoría de mejor Bailaora, los años
1999, 2000 y 2001; el Premio Nacional
de Danza en 2001; los Premios
Giraldillos de la XII Bienal de Flamenco
de Sevilla, como mejor Intérprete y
Bailaora, en 2002; de la XIV Bienal de
Flamenco al mejor baile, en 2006; el
Premio Time Out, como mejor intérprete
femenina de danza, 2003; los Premios
Max de las Artes Escénicas como mejor
Intérprete Femenina de Danza, y como
Mejor Espectáculo de Danza, por su
obra Eva: A cal y canto, 2005; y el
Premio Max de las Artes Escénicas como
mejor Intérprete Femenina de Danza de
2006 en la coreografía A Cuatro Voces.
También ha recibido Medalla de
Andalucía, como reconocimiento a su
exitosa trayectoria profesional en 2007.
A lo largo de su carrera como bailaora
ha colaborado con artistas tan prestigiosos
como Pina Bausch, Carolyn Carlson,
Mikhail Baryshnikov y Marie-Claude
Pietragalla, además de trabajar junto al
bailarín Patrick de Bana en varios de sus
espectáculos, y ha compartido actuaciones
con Nuria Espert, Carmen Linares,
Irene Papas, Ana Laguna y Silvie
Guillem. También ha realizado sus pinitos
en el arte de la cinematografía. Su
primer contacto con el cine tuvo lugar en
1997 con Flamenco Women del director
británico Mike Figgis, con el que volvió a
repetir más tarde en 2001. En esa ocasión
compartió su experiencia artística
con el actor John Malkovich en el largometraje
Hotel.
Desde luego, con una trayectoria artística
tan impresionante, nadie puede
dudar cuando se la considera como una
de las grandes figuras del baile flamenco
en la actualidad, pero todavía ha de
sorprendernos, pues aun no ha abandonado
las tablas y le queda mucho por
ofrecer.
“En el Museo de la Casa de la
Danza se puede ver: El delantal
de organdí que fue utilizado en
la coreografía que se interpretó
en la "XII Bienal de Flamenco de
Sevilla" en el año 2002 cuando
le fue entregado el galardón
"Giraldillo" a la mejor intérprete
y bailaora.”
©Danza en escena
Danza en Escena 45
nº22_2008

Breves
PINA BAUSH, recibe el Premio Goethe por su
creatividad en la danza.
La coreógrafa Pina Bausch fue galardonada con el
Premio Goethe alemán, en reconocimiento a su creatividad
en la danza moderna y por ser "la inventora de
un nuevo arte", como lo definió en la ceremonia celebrada
en Fráncfort el cineasta Wim Wenders. "La obra
de Bausch es monumental, memorable, grandiosa", dijo
Wenders al entregarle el prestigioso premio en la histórica
Iglesia de San Pablo. Es la primera vez que el galardón
es entregado a alguien del mundo de la danza. La
coreógrafa de 68 años, que desde 1973 dirige la compañía
de la ciudad de Wuppertal, llevó "a la danza a su
culminación", explicó el jurado su elección. El premio
cultural se entrega cada tres años y está dotado con 50
mil euros (73 mil dólares). Desde 1945, Bausch es apenas
la tercera mujer en recibir el Premio Goethe, después
de la escritora alemana Annette Kolb (1955) y la
poeta polaca Wislawa Szymborska (1991).
ÁNGEL CORELLA, embajador de Segovia 2016.
La distinción de Embajador
la otorga la Oficina
Segovia 2016, gestora de la
candidatura de Segovia como
Capital Europea de la Cultura
para ese año, a reconocidas
personalidades del mundo de
la cultura que tengan una
especial vinculación con esta
ciudad, mostrando respeto y
colaboración hacia ella como
Ciudad de la Cultura, y que
despierten admiración y simpatía entre su población.
Segovia 2016 ha querido reconocer con este nombramiento
la labor que Corella está realizando en favor del
desarrollo de la danza especializada en clásico en nuestro
país por medio de varias iniciativas, así como la difusión
que está haciendo del nombre de Castilla y León y
Segovia por los escenarios.
ALEJANDRO CHÁVEZ, ganó el concurso
internacional Burgos-Nueva York.
El coreógrafo mexicano Alejandro Chávez ganó el primer
lugar en el VII Certamen Internacional de
Coreografía Burgos-Nueva York, en la categoría de
danza moderna, con la obra Triángulo, de su autoría.
Más de 160 grupos de Europa y América participaron en
el certamen internacional que premia a los mejores trabajos
presentados en las categorías de danza moderna,
nuevas tendencias, dúos y solos, hip hop y danza vertical,
que se celebró del 26 de julio al 1 de agosto y contó
con un jurado presidido por la coreógrafa japonesa
Kazuko Hirabayashi. El premio para la categoría de
danza moderna, la de mayor antigüedad en dicho certamen,
fue dotado con nueve mil euros.
© Mila Ruiz
ALEIX MARTÍNEZ recibe el premio Positano 2008.
El joven bailarín catalán Aleix Martínez Juan, de 16 años, ha obtenido
en Italia el premio Positano 2008 'al mérito' Leonide
Massine per l'Arte della Danza, uno de los máximos reconocimientos
internacionales en este ámbito.
Aleix Martínez, que a principios de año ganó el Concurso
Internacional de bailarines Prix de Lausana (Suiza), se inició en el
mundo de la danza a los cinco años en la Escuela de ballet David
Campos e Irene Sabas. Su rápida progresión hizo que en 2004
debutara a los 12 años, en la Compañía de ballet de Santa Coloma
de Gramenet-David Campos, en el 'El Cascanueces'. Tras haber
estudiado en la escuela de ballet de Colette Armand de Marsella
(Francia), ahora Martínez Juan cursa sus estudios de danza en la
escuela del ballet de la ópera de Hamburgo (Alemania).
IV Festival de Danza solidario FEAPS.
La iniciativa tiene un doble objetivo. Por una parte, sensibilizar y
dar a conocer a la sociedad las potencialidades de las personas
con discapacidad intelectual, la utilidad del papel social que desempeñan
y sus aportaciones positivas. Y, por otra, recaudar fondos
para apoyar económicamente los programas y actuaciones que
desarrolla FEAPS para mejorar la calidad de vida de estas personas
y sus familias. El espectáculo cuenta, con la participación del grupo
de danzaterapia de FEAPS La Rioja, que abrió la primera y la segunda
parte del Festival e interpretó interesantes coreografías.
LAURA ÁLVAREZ consigue 9.000 euros para ir a Zurich.
En el Hotel Castillo Son Vida se realizó una subasta a beneficio de
esta joven promesa de la danza. La cantidad recaudada asciendió
a cerca de 9.000 euros. El dinero ha sido conseguido gracias a
Rotary Club Calvià, Grupo Bendinat, Minker & Partner y más de 20
particulares a través de la subasta y donativos. A pesar de que este
importe supone la mitad del coste de un año, la Tank Akademie
Zurich ha animado a Laura Álvarez a iniciar el curso, con la intención
de a través de la propia escuela o de organismos gubernamentales
de Zurich intentar becarla para continuar sus estudios.
La joven mallorquina fue admitida gracias a su talento, en esta
escuela, una las más prestigiosas en Europa que cada año escoge
a un alumnado muy selecto.
Mueren MARGARITA NARANJO y NADIA NERINA.
La maestra de ballet clásico Margarita Naranjo de Saá ha muerto
en su casa de Mexico. De origen cubano, impartía clases desde
hace 10 años en la Escuela Municipal de Ballet Clásico. Hija de
Ramona de Saá, directora de la Escuela Nacional de Ballet de Cuba,
país donde se le considera una destacada figura del ballet.
También nos dejó la bailarina surafricana Nadia Nerina de
Beaulieu-sur-Mer el 6 de octubre a los 80 años. Había nacido en
Bloemfontein (Cap Town, Suráfrica) y se puede decir que era una de
las más brillantes bailarinas británicas de todos los tiempos, que tuvo
una de las técnicas más depuradas. Fue la primera bailarina anglosajona
que viajó sola a la Unión Soviética. En 1968 , un año antes
de su retiro de la escena, bailó la Sylvia de Ashton. Durante varios
años perteneció a la dirección de la Cecchetti Society de Londres.
46 Danza en Escena
nº22_2008

ANGULO
NUEVAS INSTALACIONES en Dr. Múgica, 22
Telf: 941 223 939 LOGROÑO - LA RIOJA