Art Matter Avis Issue 01 Efterår 2025

56 begejstrede sider

om sæsonens kunst

ISSUE 01 — EFTERÅR 2025

ART MATTER

Interview:

Larissa Sansour & Søren Lind

Julie Quottrup Silbermann

Uffe Isolotto

Julie Leopold

Marie Munk

Asger Harbou Gjerdevik

Spot:

Hesselholdt & Mejlvang

Kirstine Roepstorff

Mie Olise Kjærgaard

Guide:

Sæsonens udstillinger

2

Indhold

ART MATTER

Interview

Larissa Sansour

6

Glæd dig!

Gallery Weekend Aarhus

12

Interview


14

Interview

Uffe Isolotto

18

Interview

Julie Leopold

24

Sæson

Kommende udstillinger

28

Spot

Hesselholdt & Mejlvang

38

Spot

Kirstine Roepstorff

40

Spot

Mie Olise Kjærgaard

42

Interview

Marie Munk

46

Interview

Asger Harbou Gjerdevik

50

Kolofon:

Redaktør: Jan Falk Borup

Grafisk koncept: FUHR STUDIO

Layout & Illustrationer: Nicolas Fuhr

Tekst: Ole Bak Jakobsen, Lærke Kartvedt,

Elisabeth Julie Kier

Trykkeri: Sjællandske Medier

Oplag: 5.000 eksemplarer

Forsidefoto:

Uffe Isolotto: Mælkeøje, 2025.

Foto: David Stjernholm

Annoncer:

Mikkel Ludvigsen

2545 6078 - mikkel@artmatter.dk

Emil Schou Andresen

3158 5313 - emil@artmatter.dk

3

Photo Jonty Wilde

4

Scan QR-koden og

besøg artmatter.dk

ART MATTER

Velkommen til Art Matter!!

Vi lever og ånder for at dele den kunst,

som får os til at se verden med andre øjne.

Følg os på artmatter.dk

5

Første -

håndsindtryk

Gauguin & Kihara

ART MATTER

Degas ’

besættelse

Edgar Degas

I to mindre udstillinger viser Glyptoteket nye sider

af to af fransk kunsts største mestre. Degas’ besættelse

afslører nye historier om et gådefuldt værk

gennem banebrydende forskning, mens Gauguin

& Kihara – Førstehåndsindtryk kaster nyt lys på

Gauguins kunst i dialog med samtiden.

Glyptoteket

Stor udstilling på Kunsthal Charlottenborg åbner op for nye

måder at reflektere over nedarvede traumer. Larissa Sansour

er palæstinenser, og selvom det ikke kun handler om Palæstina,

er situationen i hjemlandet altid til stede i hendes værker, der

skabes med hendes mand og samarbejdspartner Søren Lind.

6

Interview

ART MATTER

Af Ole Bak Jakobsen

Larissa Sansour er født i Østjerusalem og

opvokset i Betlehem på Vestbredden, og

selvom hun siden hun var 15 år gammel

har opholdt sig i Danmark, USA og England,

handler det altid om Palæstina.

Dog i en udvidet, ’tidløs’ forstand, hvor

Palæstina også betragtes som en tilstand.

“Som palæstinenser er det næsten utænkeligt

ikke at beskæftige sig med, hvad

der foregår derhjemme.”

”Det har altid fyldt meget, og med det

tragiske folkemord i Gaza og eskalerende

bosættervold på Vestbredden fylder det

mere end nogensinde,” forklarer Larissa

Sansour, der blandt andet er uddannet på

kunstakademiet i København, har dansk

statsborgerskab og er gift med den danske

forfatter og kunstner Søren Lind.

“I starten var mit fokus dokumentaristisk,

et forsøg på at skildre og dokumentere

den socio-politiske situation i Palæstina.

Men snart blev jeg interesseret i fiktionen

og dens muligheder for at skabe nuancer

og bearbejde de begreber, der indimellem

går tabt i dokumentarens skildring af en

som regel meget akut virkelighed.”

Science fiction er et godt greb.

Kunstnerskabet har derfor udviklet sig,

og i dag arbejder hun tæt sammen med

Søren Lind, som skriver manuskripterne

og er medinstruktør til de æstetisk udsøgte

filmiske værker, der har et meget

højt produktionsniveau.

Som et helt særligt greb anvender parret

fortællemetoder fra fiktive genrer

– primært science fiction – for at åbne

for dybere måder at reflektere over en tilstand,

der er formet af årtiers fordrivelse,

besættelse, vold, nedarvede traumer og

uvis fremtid.

Søren Lind forklarer: ”Futurismen giver

mest af alt en frisættende afstand til det

bestående. Når handlingen ligger mange

år fremme i tiden, står det os frit for kun

at tage med os, hvad vi føler, at det er

nødvendigt for os at udforske, mens andre

er langt bedre til at fortælle de

vigtige historier om, hvad der foregår her

og nu.”

“Ingen af os var nogensinde science

fiction-entusiaster som sådan, og de film,

vi laver, er nok heller ikke klassisk science

fiction,” fortsætter Larissa Sansour. “Men

science fiction er et godt greb til forståelse

af den palæstinensiske psyke,”

“For i Palæstina er samtlige tidsaldre på

spil samtidig – fortid, nutid og fremtid.

Fordrivelsen af hundredtusindvis af

palæstinensere i 1948 ligger altid som en

grundsten i fortællingen, ligesom håbet

om en fremtidig stat gør det.”

” Nutiden er på ethvert givent tidspunkt

spændt ud mellem fortiden og fremtiden,

ikke mindst fordi nutiden i sig selv opfattes

som et slags venteværelse, en kronisk

tilstand af at kende sin svære fortid og

ikke vide, om fremtiden byder på noget

bedre.”

“Ja, som regel er fortid, nutid og fremtid

netop aktiveret samtidig i vores film,”

supplerer Søren Lind. “Vi benytter os ofte

af arkivmateriale, gamle optagelser, som

forankrer fortællingen og samtidig udstikker

en narrativ ramme for den fremtid,

vi skaber.”

Hvem har retten til historien?

Tidlige filmværker var mere direkte kommenterende

i forhold til den politiske situation

i Palæstina – og også mere (sort)

humoristiske.

Installationen Monument for Lost Time blev første gang vist i den Danske Pavilion på Venedig Biennalen i

2019 og tager et psykologisk objekt fra filmen In Vitro og omdanner det til en fysisk imponerende realitet.

Kuglen er malet i Black 4.0, en nuance så sort, at der ikke reflekteres noget lys. Foto: Ugo Carmeni

Larissa Sansours scienc

kredser om den palæst

7

“Det altoverskyggende tema i vores værker er

situationen i Palæstina. Som palæstinenser er

det næsten utænkeligt ikke at beskæftige sig

med, hvad der foregår derhjemme.”

Larissa Sansour

e fiction-fortællinger

inensiske psyke

Scan QR-koden og læs

mere om kunstneren

8

Som A Space Exodus (2009), der beretter

om en palæstinensisk astronaut, der

planter Palæstinas flag på månen –

endelig et Iand til de statsløse!

Eller Nation Estate (2012), hvor den

palæstinensiske befolkning er ‘genhuset’

i en mægtig skyskraber, hvor hver

etage rummer replikafragmenter af en

palæstinensisk by.

Kompleksiteten stiger i In the Future They

Ate From the Finest Porcelain (2016),

hvor ‘narrative terrorister’ nedkaster

porcelænsskår i jorden, så potteskårene

– det ultimative fortidslevn – engang

i fremtiden vil blive fundet og ‘bevise’

deres folks nationale og historiske

rettigheder til jorden.

Palæstinakonflikten er som mange andre

konflikter en konflikt om fiktioner, om

retten til historien.

Hvad skal man med minder, der ikke er

ens egne?

Senere er tonen blevet mere dystopisk i

takt med, at værkernes finish nærmer sig

spillefilmens kvalitet, og som følge af, at

kunstnerne har gravet dybt i emnerne for

filmene.

Tokanalsværket In Vitro, som kunstnerne

skabte til den danske pavillon i Venedig i

2019, er som de fleste af parrets værker

arabisksproget – et statement i sig selv.

Handlingen foregår i en underjordisk

arkitektur under Betlehem i kølvandet på

en øko-katastrofe.

En ældre kvinde husker livet oppe på

jorden og har grundlagt en underjordisk

frugthave med henblik på at kunne

genplante jorden ovenover i fremtiden.

Hun har også sørget for genetisk materiale

til et kloningprogram.

Den unge kvinde er født under jorden

“Vi er især optaget af

epigenetik, som giver en

forklaring på nedarvede

traumer som et genetisk

fænomen”.

Søren Lind

ART MATTER

Still fra filmen In Vito fra 2019, som er en arabisksproget sci-fi-film, der

foregår i kølvandet på en miljøkatastrofe i den bibelske by Betlehem.

“Futurismen giver mest af alt en frisættende afstand til

det bestående. Når handlingen ligger mange år fremme i

tiden, står det os frit for kun at tage med os, hvad vi føler,

at det er nødvendigt for os at udforske.”

Søren Lind

9

Lokomotivværkstedet

10

netop som en del af dette kloningprogram

og har aldrig set byen, hun er bestemt

til at genopbygge. Men hvad skal hun

med minder og fortællinger, som ikke er

hendes egne?

“Vi er især optaget af epigenetik, som

giver en forklaring på nedarvede traumer

som et genetisk fænomen,” siger Søren

Lind. “Selv uden mundtlige overleveringer

mellem generationer går traumer i arv

ved at hægte sig til den genetiske overlevering

fra mor til barn.”

“Forklaringspotentialet er enormt interessant,

når det gælder befolkningsgrupper

med en voldsom historie. Uanset hvor

meget man forsøger at skåne sine børn

for de triste historier, sniger de sig ind på

et plan langt under bevidstheden.”

En sang om sorg

Spørgsmålet om epigenetik er også et

afsæt for operaværket As If No Misfortune

Had Occurred in the Night (2022),

som er hovedværket på udstillingen i

København, og som præsenterer en arie

fremført af den palæstinensiske sopran

Nour Darwish.

Arien mikser to musiktraditioner og to

sange om tab, nemlig Mahlers Kindertotenlieder

og en traditionel palæstinensisk

sang, der oprindeligt handlede om en

kvindes sorg over, at hendes elskede blev

hvervet til den osmanniske hær for at

kæmpe i 1. Verdenskrig.

Sidenhen har sangen udviklet sig til at

omfatte andre traumatiske tab, og i denne

ånd har Sansour/Lind tilføjet nye vers.

En kloningfarm

Selvom det filmiske er i højsædet, arbejder

Sansour/Lind også med skulptur og

installation. Ofte er det ‘rekvisitter’ fra

filmene, der træder ud i det konkrete rum

som fuldgyldige skulpturer.

Det gælder eksempelvis skulpturen

Monument for Lost Time (2019) – en

kæmpestor sort kugle, der indgik i filmen

In Vitro, symboliserende erindringer, der

ikke var den unge piges egen.

Skulpturen er med på udstillingen på

Charlottenborg ligesom et nyt installatorisk

værk, From the Remains of Those We

Lost. To store mystiske dråber hænger fra

loftet – indeholder de mennesker, er det

en futuristisk kloningfarm?

Vi bliver overraskede

“Vores proces starter som regel med en

løs idé og så månedsvis af konceptudvikling,”

beretter Larissa Sansour.

“Når vi så endelig har fået stillet skarpt

på grundideen, arbejder jeg videre på det

visuelle udtryk, mens Søren går i gang

med manuskriptet”.

“Når vi så begge er klar med en serie skitser

og udkast, udveksler vi dokumenter

og bliver som regel meget overraskede

over, hvilken retning den anden er gået i.”

”Gradvis får idéerne så lov til at bundfælde

sig, og mine visuelle idéer ender med

at inspirere ændringer i manuskriptet,

mens Sørens tekster skaber nye visuelle

idéer.”

To store dråber hænger fra loftet. Er det en del af en

kloningfarm? From the Remains of Those We Lost.

Foto: Larissa Sansour og Søren Lind

ART MATTER

Fakta

Larissa Sansour (f. 1973) er en

palæstinensisk/dansk kunstner/instruktør.

Bor og arbejder i London.

Hun er uddannet fra New York

University, USA, 2000, Det Kgl.

Danske Kunstakademi, København,

1999, BFA. Maryland Institute College

of Art, Baltimore, USA, 1995.

I 2019 repræsenterede hun

Danmark på Venedig Biennalen.

Hun arbejder hovedsageligt med

film, men producerer også

installationer, fotos og skulpturer.

Søren Lind (f. 1970) er en dansk

forfatter, instruktør og manuskriptforfatter.

Med en baggrund i filosofi skrev

Lind bøger om sind, sprog og forståelse.

Sidenhen har han udgivet

romaner, novellesamlinger og flere

børnebøger.

Han har i mange år samarbejdet

med Larissa Sansour. Han skriver

manuskripter og instruerer sammen

med Larissa Sansour.

11

“Ingen af os var nogensinde

science fiction-entusiaster som

sådan, og de film, vi laver, er

nok heller ikke klassisk science

fiction.”

Larissa Sansour

ART MATTER

Operaværket As If No Misfortune Had Occurred in the Night præsenterer en

arie fremført af den palæstinensiske sopran Nour Darwish og er i centrum på

efterårets udstilling på Charlottenborg. Foto: Larissa Sansour og Søren Lind

Kunsthal Charlottenborg

Udstilling

Dato: 26 sep 2025- 15 feb 2026

Fernisering: Torsdag 25 sep

Adresse: Kongens Nytorv 1, 1050 København K

Oplev Larissa Sansours værker på udstillingen These Moments Will

Disappear Too, som er den største udstilling til dato af den palæstinensisk-danske

kunstner.

12

Oplev kunst i verdensklasse

til Gallery Weekend Aarhus

19.–21. september!

Foto: Kun Contemporary

Aarhus emmer af kreativ energi, når Gallery Weekend

Aarhus for første gang løber af stablen. I tre dage forvandles

byen til en levende kunstscene med et program spækket med

ferniseringer, omvisninger og kunst i det offentlige rum.

Foto: Annika Nuttall Gallery

Foto: Charlotte Fogh Gallery

Foto: Jacob Bjorn Gallery

ART MATTER

4 af byens topgallerier – Charlotte Fogh

Gallery, Jacob Bjørn Gallery, Annika Nuttall

Gallery og Galleri Lene Bilgrav – åbner

dørene med helt nye udstillinger og præsenterer

cutting-edge samtidskunst fra

både danske og internationale kunstnere.

Den unge platform Kun Contemporary

er særligt inviteret med og bidrager med

friske stemmer og eksperimenterende

formater, der taler direkte til nye generationer

af kunstelskere. Uanset om du er

ny i kunstverdenen eller garvet samler, er

der garanti for inspiration og oplevelser i

særklasse.

Sæt kryds i kalenderen og oplev Aarhus,

når kunsten rykker ud i byrummet og åbner

op for tankevækkende møder mellem

værk, kunstner og publikum!

Foto: Jacob Bjorn Gallery

Foto: Lene Bilgrav Galleri

Gallery Weekend Aarhus

Kunstweekend

Dato: 19 sep - 21 sep 2025

Adresse: artmatter.dk/galleryweekend

Aarhus har en lang og stolt tradition for gallerier. Gallery Weekend

Aarhus samler en håndfuld af byens vigtigste gallerier og præsenterer

både dansk og international kunst.

13

ART MATTER

OVARTACI

JEG BEGYNDTE

SOM PARADISFUGL

20.09.25

- 01.03.26

Ovartaci, uden titel, uden år, privat eje. Fotografering: Ole Akhøj

14

”CHART vil

gøre kunsten så

inkluderende

ART MATTER

som muligt”

Interview med direktør for kunstmessen

CHART Art Fair, Julie Quottrup Silbermann.

Interview

Af Ole Bak Jakobsen

CHART Art Fair blev grundlagt i 2013

af fem københavnske gallerier: Galleri

Susanne Ottesen, Galleri Bo Bjerggaard,

V1 Gallery, Andersen’s Contemporary og

David Risley Gallery.

Efter i mange år at have deltaget i den

mere bredt anlagte kunstmesse Art

Copenhagen ønskede de fem gallerier

at prøve kræfter med et nyt format, som

samlede – hvad man kaldte for – ’de førende

gallerier fra de nordiske lande’, Danmark,

Sverige, Norge, Finland og Island.

Dette nordiske fokus er stadig messens

særkende, og messen afholdes hvert år

på Kunsthal Charlottenborg, hvilket giver

den en aura af ‘almindelig kunstudstilling’,

idet galleri-præsentationerne ikke opdeles

i de kendte messestande, men i højere

grad blander sig med hinanden.

Det kunsten gør ved os

Siden 2022 har Julie Quottrup Silbermann

som direktør ledet det store arbejde med

at organisere messen.

Egentlig læste hun i sin tid fransk på universitetet

og fandt altid undskyldninger

for at rejse til Paris, men kunsten sneg sig

ind på hende, og snart skiftede hun det

franske ud med studier i kunsthistorie og

en kandidat i Moderne kunst og kultur.

“Det rum, kunsten skaber, synes jeg er

meget interessant at træde ind i,” fortæller

hun over en kop kaffe på en fortovscafé

i den indre by.

“Altså, det kunsten gør ved os, de følelser

den kan sætte i gang. Den måde, den

stiller spørgsmål til vores samtid. Man

kan undre sig, blive begejstret og rørt af

kunsten.”

Før direktørposten for CHART havde

Julie i mange år fingrene dybt nede i den

danske kunstbranche som galleridirektør

i en række gallerier:

“At være en del af et galleri betyder, at

man kommer meget tæt på nogle meget

CHART Art Fair

Kunstmesse

Dato: 28 aug - 31 aug 2025

Adresse: Charlottenborg, Kongens

Nytorv 1, 1050 København K

På CHART Art Fair på Charlottenborg præsenteres et udvalg af

samtidskunst fra adskillige gallerier i Norden, suppleret af et offentligt

program med talks, performances, musik, arkitektur og en skulpturel

udstilling i Tivoli.

15

Foto: Joakim Züger

Foto: Joakim Züger

ART MATTER

Foto: Joakim Züger

Scan QR-koden og

læs mere om messen

“Hvert galleri lægger i puljen. For os

handler det om at skabe fællesskab

og hjælpe hinanden”


Kunsten opfører sig ikke altid pænt. Her værket What If You

Were My Sabine? af den grønlandske kunstner Inuuteq Storch.

Foto: Inuuteq Storch og Wilson Saplana Gallery

16

kreative mennesker. Man er med i kunstnernes

processer, hører om deres tanker

og visioner for en værkproduktion eller en

udstilling, og er med til derfra at formidle

det ud til samlere og museer osv.”

“Jeg synes, jeg har en viden om, hvad det

er, man som deltagende galleri har behov

for for at få det optimale ud af den investering,

man foretager, når man deltager

på en kunstmesse. For det er en investering.

Galleriet køber sig en stand, vælger

kunstnere og sætter værker i produktion.

Uden at kende til udfaldet – får man rent

faktisk solgt noget?”

Hvem er det, der køber kunst i dag?

“Der er nogle meget veletablerede

samlere, som støtter branchen bredt. De

køber kunst af kunstnere, de har samlet

på i mange år, men udvikler også deres

samlinger og vil gerne være first movers

og investere i en kunstner på et tidligt

tidspunkt.”

“Men generelt er der en utrolig diversitet

blandt kunstkøbere i dag, aldersmæssigt

og fagmæssigt. Man ser også, at mange

virksomheder investerer i kunst og bygger

samlinger op som en del af virksomhedens

vision og værdier.”

Hvad glæder du dig selv mest til under

CHART?

“For det første glæder jeg mig til bare at

åbne messen. Vi har arbejdet hårdt hen

imod det, og det er en forløsning, at nu

sker det. ”

”Og så er der jo udstillingen i Tivoli. Otte

kunstnere præsenterer femten værker.

At udstille i en ramme, hvor man skal konkurrere

med rutsjebaner og springvand,

er en sjov præmis, men det kommer der

noget helt fantastisk ud af.”

Det er messens opgave, fortæller Julie, at

trække et godt publikum ind, ”et rigtigt

publikum”, og hun peger på, at gallerierne

her bliver eksponeret for hinandens

netværk:

ART MATTER

“Hvert galleri lægger i puljen. For os

handler det om at skabe fællesskab og

hjælpe hinanden. Altså, vi ser det ikke

som dine og mine samlere, vi ser det som

‘vores samlere’.”

Kunsten breder sig ud i det

offentlige rum

CHART har årligt omkring 22.000 gæster.

Det kræver entré at komme ind på selve

messen, men CHART satser også i år på

et stort offentligt program, hvor publikum

kan opleve performances, artist talks,

paneldiskussioner, et musikprogram

samt en samlet scenografi i gårdene på

Charlottenborg.

Der vil også være en udstilling i Tivoli,

hvor en række kunstnere, som er tilknyttet

de deltagende gallerier, vil præsentere

værker i samspil med det særlige miljø

i den gamle forlystelsespark.

“Vi vil gerne gøre kunsten så inkluderende

som overhovedet muligt. Der er

mange, der synes, at kunsten er en lidt

elitær verden, der er svær at forstå og

træde ind i. Her giver vi folk mulighed for

at opleve performances, når de går hen

over Kongens Nytorv eller rejser med

metroen. Hvad sker der i det møde? Det

synes jeg er ret interessant.”

“Det rum, kunsten skaber,

synes jeg er meget interessant

at træde ind i. Altså, det

kunsten gør ved os, de følelser

den kan sætte i gang.”


Dette mere festivalprægede program

henvender sig vel i høj grad til et andet

publikum end dem, der traditionelt

køber kunst på et kunstgalleri. Hvad er

ideen med det, set fra galleriernes perspektiv?

De unge har for eksempel ikke

mange penge?

“Nej, men det får de jo nok en dag,” smiler

Julie.

“Vi kan mærke, at mange unge studerende

gerne vil spare sammen til at have noget

unikt i deres hjem i stedet for at have

en plakat hængende. På sigt bliver de den

næste generation af kunstsamlere, og

galleristerne er jo også interesserede i at

forny sig og have en stærk samtidskunstscene,

der er inkluderende for alle.”

“Generelt er der en utrolig

diversitet blandt kunstkøbere

i dag, aldersmæssigt og

fagmæssigt.


Julie Quottrup Silbermann. Foto: Joakim Züger

17

ART MATTER

18

Uffe Isolotto har indrettet

et hovedkvarter for en

mystisk kult

ART MATTER

Installationsview. Foto: David Stjernholm

”Der er filterbobler i tiden, der føles kultiske,” mener Uffe

Isolotto, der kalder sin altomsluttende installation på

Holstebro Kunstmuseum ’retro-futuristisk’.

Interview

Af Ole Bak Jakobsen

Du er formodentlig lidt desorienteret.

Du har bevæget dig gennem Holstebro

Kunstmuseums komprimerede samling af

malerier og skulpturer, som umiskendeligt

og trygt bekræfter dig i, at du faktisk

befinder dig på et kunstmuseum.

Men idet glasdørene glider til side, og du

træder ind i museets såkaldte Færchfløj,

ankommer du til en anden verden. Her er

en ‘reception’, et ’omklædningsrum’, en

‘arbejdsstation’ og en ‘beboelsesafdeling’.

Lamper, møbler og genstande minder

om noget fra fortiden, men også om en

fremtid, du endnu ikke har mødt.

Træd nu ind i det centrale rum, der i

forvejen (som mange kunstudstillingsrum)

har sakral karakter, men som nu er

understreget af opstillede kirkebænke og

omvendt pyramideformede lamper.

Her møder du en ung pige med knaldrødt

hår, siddende på gulvet. Den hyperrealistiske

skulptur har blinde mælkeøjne, som

uudgrundeligt vender mod en ‘altertavle’

i form af tre flapskilte, der med mellemrum

flapper og viser nye kombinationer af

bogstaver og tegn.

Du befinder dig i Uffe Isolottos udstilling

Mælkeøje, som er kunstnerens nye

projekt, efter at han repræsenterede

Danmark på Venedig Biennalen i 2022

med den meget omtalte udstilling We

Walked the Earth, hvor hele pavillonen var

omformet til en postapokalyptisk scene

for et sært kentaur-drama.

Kunstneren, der for år tilbage udskiftede

efternavnet Holm med det mere

eksotiske Isolotto (italiensk for holm), er

uddannet ved Det Kgl. Danske Kunstakademi

i 2007 og ikke helt nem at indfange

som kunstner. Han udtrykker sig nemlig

på mange forskellige måder og mixer frit

materialer, formater og kategorier inspireret

af it-alderens pixellerede billedverden,

fantasy, filosofi, mytologi og eventyr.

Koldkrigsstemning og filterbobler

“Man kan se det som et center eller

et hovedkvarter for en kult – en fiktiv

organisation, der er dedikeret til rituelle

handlinger og demontering af sprogets

logik,” forklarer Uffe Isolotto, da jeg møder

ham i udstillingssalene på Holstebro

Kunstmuseum.

“Mens jeg arbejdede på at udtænke udstillingen,

skete der mange ting globalt,

hvor jeg fik følelsen af, at der voksede en

koldkrigsstemning frem. Ideen med kulten

opstod, fordi jeg fornemmede, at der

er ting i tiden, der føles kultiske. Fornemmelsen

af, at mennesker eksisterer i en

slags filterbobler.”

Udstillingen udspringer på flere måder af

den feedback, han fik efter sin udstilling

på Venedig Biennalen, hvor mange i en

form for fanfiction udviklede nye historier

om det univers, kunstneren havde fremkaldt

i Den Danske Pavillon.

“Jeg er interesseret i, hvordan det narrative

anslag i en udstilling kan skabe en

kultisk – eller i hvert fald en form for dedikeret

– opfølgning, når folk tager noget

til sig og begynder at tænke og arbejde

videre med det.”

Har du et manuskript for den her situation,

vi går ind i?

“Jeg har et materielt manuskript. Jeg

tager udgangspunkt i materialiteten

af nogle symboler, og så er der en eller

anden form for overordnet tanke i den

her ramme. Men ellers tænker jeg, at der

ligger en stor kraft i selve den medproduktion

eller medforskningsevne, der

ligger hos publikum.”

Udstillingens kurator, den canadiske forfatter

Stephanie Cristello, antyder i små

fiktionstekster (i en pamflet, der findes i

udstillingen) den kultiske logik, mens der

i selve udstillingen er tegn på, at der skal

udføres forskellige handlinger og ritualer:

Logoet i receptionen – en hånd, der

holder en spiralformet appelsinskal –

fungerer som et symbol på, at man skal

19

Fotos fra Uffe Isolottos Mælkeøje, en omfattende totalinstallation skabt specifikt til Holstebro Kunstmuseum.

Museet er blevet forvandlet til hovedkvarteret for en mystisk kult. Udstillingens fiktive verden er inspireret af

æstetikken fra 1970’ernes kollektiver og retrofuturistisk teknologi. Foto: David Stjernholm


mere om kunstneren

“Jeg mener at kunne spore

en genopblomstring af det

religiøse i tiden.”

Uffe Isolotto

20

skrælle nogle lag af sig selv for at træde

ind i dette univers, ligesom man i omklædningsrummet

må aftage sit hverdagstøj

for at iføre sig kultens kapper.

Man skal sikkert også søge at opsnappe

vigtige meddelelser i kirkerummet, siddende

sammen med den blinde rødhårede

pige.

Den markante og centralt placerede

skulptur er skabt i samarbejde med

maskør Thomas Foldberg, inspireret af

filmkarakterer, skulpturer og prærafaelitiske

malerier:

“Jeg ønskede en stærk karakter, hvor

det røde hår er som ild, mens den lyse

hud signalerer sårbarhed, og ansigtet er

meget åbent, fordi hun er blind.”

Bevidstheden i maskinen?

Pigens ansigt er vendt mod de skiftende

og gådefulde tegnkombinationer.


ART MATTER

“Lige nu står der LM5,” siger Uffe Isolotto

og peger på flapskiltene, der fungerer som

et gudebillede i rummet, men hvis skiftende

bogstavs- og tegnkombinationer er

styret af en computer ud fra et tilfældighedsprincip.

“Jeg mener at kunne spore en genopblomstring

af det religiøse i tiden, og i udstillingen

vil jeg gerne skabe en fornemmelse

af en søgen efter svar. At svarene måske

er baseret på tilfældigheder, men at det er

viljen til svar, der giver mening. Sagt på en

anden måde: Det er alment gyldigt, at vi

leder efter svar, men det kan være meget

forskellige svar, vi finder.”

“Det er ofte sproget, der danner en kult.

Kulten har sit eget sprog, som skaber en

forskel til dem udenfor, der ikke forstår det.

Så sproget er ligesom med til at bekræfte

de her lukkede rum. Indenfor i kulten er der

en egen logik, et system.”

Centralt i udstillingen står en skulptur af en pige – et mix af alter og avatar. Hendes slørede blik og kobberrøde hår

gør hende til en profetisk figur, hvor fortid og fremtid flyder sammen. Foto: David Stjernholm

Et pyramideformet TV og en KGB-telefon

I samme ånd har kunstneren designet et

modulært møbelsystem til udstillingen

– kirkebænke, stole, køjeseng, lamper,

hyldestativer m.m. – som er bygget op

over kvadratstrukturer, der understreger

Færchfløjens arkitektur, der netop har kvadratet

som ledetråd og eksempelvis har

kvadratiske fliser, loftsmoduler og vinduer:

“Hele det grundlæggende fundament

for udstillingen er en form for system,”

siger Isolotto, som desuden har indsamlet

genstande fra hele verden, der er med

til at understrege fortællingen: ungarske

kaffemaskiner og et pyramideformet TV,

eksempelvis.

Et par steder står der ældre russiske

telefoner uden tastatur – et billede på

envejskommunikation – ligesom materialelisten

også tæller en KGB-lampe. Der er

et element af kontrol og overvågning, der

anslås flere steder i udstillingen.

Retro-futurisme

Udstillingen er orkestreret med en aura

af fortid – måske er det især 1970’erne,

21

PLADS TIL

KUNST

PLADS TIL

DIG

Udvid din forestillingsverden, skab nye relationer

og udfold dine kunstneriske evner!

Højskoleophold med kunsten i fokus.

4 – 5 mdr.

Forår: januar – maj

Efterår: august – december.

kunsthøjskolen.dk

22

der popper op i tankerne – men virker

samtidig futuristisk. Isolotto bruger selv

begrebet ”retro-futurisme” som en overskrift

for udstillingen:

“Retro bliver ofte brugt, når man skal

sælge noget på Den Blå Avis, men jeg

er blandt andet optaget af Zygmunt

Baumans begreb retrotopia, som handler

om, at vi er løbet tør for utopier og derfor

genbruger fortidige utopier – for at genoplive

mislykkede og glemte potentialer,

der ligger der. Det er måske den tid, vi

befinder os i?”

“Jeg er interesseret i at se lidt dybere

ind i det. Hvad er det i vores tid, der gør,

at vi pludselig synes, at det, der skete i

1930’erne, er interessant? Når der sker et

teknologisk opsving, så kigger vi måske

tilbage på 60’erne og 70’erne, hvorfor gør

vi det? Måske fordi vi kan se, at der skete

noget lignende, og fordi vi er interesserede

i, hvordan man håndterede det

dengang?”

For de her fiktive verdener taler om vores

aktuelle verden, men gør det på en lidt

forskudt måde. Det er for nemt at afskrive

det som eskapisme. Måske er det

noget, vi lærer noget af?”

Hvad kan vi lære?

“Man zoomer lidt ud og kan bedre se sig

selv udefra.” Det er en klassisk dannelsesog

erkendelsesrejse, hvor man fjerner sig

fra det, man måske er smeltet for meget

sammen med, for rigtigt at kunne se. Når

man rejser ud i verden fra en lille by og

kommer tilbage til den, kan man bedre se

den og måske sætte pris på det, man er

flygtet fra.”

“Jeg tænker, at det er et almindeligt præmis

for det at være et dannet menneske,”

slutter Uffe Isolotto.

“På en måde bruger jeg historien som en

form for spejling. Ikke mindst fordi jeg er

interesseret i at snakke om fremtiden.

Det er jo en almindelig sandhed, at skal

man lære noget om fremtiden, så kigger

man på fortiden.”

ART MATTER

Udstillingen er din anden såkaldt immersive

eller altomsluttende udstilling.

Hvad er det, du finder spændende ved

det scenografiske greb?

“Jeg er interesseret i immersive udstillinger,

men også i andre formater, hvor man

kan dykke ind i en særlig verden. Det kan

være sci-fi, computerspil og film, men litteraturen

er også en klassiker i forhold til

at lade sig nedsynke i en anden verden.

Detalje fra Uffe Isolotto: Mælkeøje, Holstebro

Kunstmuseum. Foto: David Stjernholm

Fakta

Uffe Isolotto er født i 1976 og bor

og arbejder i København.

Han er uddannet på Det Kongelige

Danske Kunstakademi og tog

afgang i 2007.

Uffe Isolotto har deltaget i udstillinger

på blandt andet ARKEN

Museum for Samtidskunst, Den

Frie Udstillingsbygning, Nikolaj

Kunsthal, Tranen – Rum for

Samtidskunst, O – Overgaden og

Malmö Konsthall. Hans værker har

hjemsted i de permanente samlinger

på Statens Museum for Kunst

og Holstebro Kunstmuseum.

I 2022 præsenterede Uffe Isolotto

We Walked the Earth til den danske

pavillon som en del af den 59.

Venedig Biennale.


Holstebro Kunstmuseum

Udstilling

Dato: 7 jun - 30 nov 2025

Adresse: Museumsvej 2A,

7500 Holstebro

Holstebro Kunstmuseum præsenterer den hidtil største museumsudstilling

af den danske billedkunstner Uffe Isolotto (f. 1976). Udstillingen

Mælkeøje er hans første kommissionerede projekt, siden han repræsenterede

Danmark på den 59. Venedig Biennale i 2022.

Jenkin

van Zyl

Lost

23

21.06.2025–

06.04.2026

♥♥♥♥♥

Et hysterisk appellerende videoværk

Politiken

Property

Se aktuelle åbningstider på aros.dk

24

”Enter Art Fair

er et ærligt spejl af

kunstmarkedet”

Scan QR-koden og

læs mere om messen

ART MATTER

Over 20.000 publikummer forventes at komme forbi messen over de fire dage, hvor man kan opleve

kunst i Lokomotivværkstedet. Et særligt VIP-program sørger for, at danske og internationale samlere

får gode muligheder for at komme tæt på den nye kunst. Foto: Enter Art Fair

25

”Kunstmessen som fænomen er et fascinerende

paradoks: på én gang en kommerciel platform og et kulturelt

samlingspunkt,” mener Julie Leopold, stifter og direktør for

kunstmessen Enter Art Fair.

Interview

Af Ole Bak Jakobsen

Julie Leopolds vej ind i kunsten har ikke

været fuldstændig klassisk, men det har

måske netop givet hende lysten til at

tænke tingene lidt anderledes.

Hun er uddannet inden for erhvervsøkonomi

og -jura og har arbejdet med messer

i mange år, før hun i 2019 etablerede

kunstmessen Enter Art Fair. Herigennem

har hun udviklet en stærk interesse for,

hvordan samtidskunsten bevæger sig

– både æstetisk, socialt og ikke mindst

markedsmæssigt.

“Enter blev skabt med ønsket om at

etablere en platform, hvor gallerier og

publikum kan mødes i et rum, der både

er professionelt og inviterende,” fortæller

Julie Leopold. “En kunstmesse, der

tør være ambitiøs uden at være ekskluderende

– og som præsenterer kunsten

i hele dens spændvidde af udtryk og

energier.”

“For mig handler det om at skabe åbenhed

og vække nysgerrighed. At inspirere

flere til at engagere sig i kunsten – og

tage skridtet til at købe den. Målet er at

invitere alle ind, uanset forudsætninger,

og tilbyde en oplevelse af kunst på højt

niveau, med respekt for den baggrund

og det perspektiv, den enkelte møder op

med.”

Plads til kunstens diversitet

Enter Art Fair finder sted på Lokomotivværkstedet,

lige ved siden af Københavns

Hovedbanegård og tæt på Kødbyen.

Industribygningen spillede engang

en afgørende rolle i vedligeholdelsen af

Danmarks lokomotiver.

Gallerierne ansøger og udvælges af en

ekstern udvælgelseskomité, som udover

Julie består af en sammensat gruppe

af danske og internationale gallerister,

samlere og repræsentanter fra kunstinstitutioner.

ART MATTER

“Det er vigtigt for os at sikre en vis diversitet

i både udtryk og kunstneriske positioner,

så messen ikke fremstår ensartet.

Det giver også plads til nye og yngre

gallerier, som ellers måske ikke ville få

muligheden i de større messeformater.”

Lokomotivværkstedet spillede engang en afgørende rolle i vedligeholdelsen af

Danmarks lokomotiver. Nu huser bygningen adskillige messer og events, blandt

andet Enter Art fair. Foto: Julie Nymann og Frida Gregersen

“Det er lidt som første

skoledag – en blanding af

spænding, kaos og glæde.”

Julie Leopold

26

“Salg eller placering af kunst er i højsædet,

men vi lægger også vægt på at skabe

rum for kunstoplevelser, der går ud over

det rent salgbare. Værkerne fylder ofte

godt i rummet, og mange af dem inviterer

til fysisk eller mental bevægelse.”

“I år glæder jeg mig blandt andet til de

større installationer og til vores skulpturhave,

som på hver sin måde åbner messeformatet

op og gør det mere levende.”

Hvorfor denne tradition i kunsten for

messer? Hvad ‘kan’ en kunstmesse?

“Kunstmessen er i sig selv et fascinerende

paradoks: på én gang en kommerciel

platform og et kulturelt samlingspunkt.

Og måske er det netop denne dobbelte

natur, der gør den så fascinerende.”

“Her samles et helt økosystem af gallerier,

kunstnere, samlere, kuratorer og

nysgerrige besøgende under ét tag – og

det skaber en intensitet og energi, man

sjældent møder andre steder. Når deltagerne

samtidig kommer fra hele verden,

tilføjes endnu en dimension af perspektiv

og dynamik.”

“En stærk kunstmesse kan være en katalysator

for samtidskunsten. Den kan åbne

døre, skabe forbindelser, inspirere – og give

kunstnere mulighed for at blive set i nye

sammenhænge. Der er også noget særligt

ved den midlertidige karakter: et helt landskab

bygges op, leves intenst, og forsvinder

igen. Som et levende snapshot af, hvor

samtidskunsten befinder sig lige nu.”

“Den uafhængige kunstmesse bliver på

den måde et spejl af kunstmarkedets

aktuelle bevægelser – relativt uforstyrret

af politiske dagsordener. Den giver et

ærligt indblik i de tendenser, der udspringer

af reelle behov og interesser hos

både institutioner, samlere og dedikerede

kunstkøbere.”

Foto: Julie Nymann

ART MATTER

Vil du pege på nogle af de arrangementer,

du særligt glæder dig til under

messen?

Julie Leopold har længe arbejdet med messer, blandt andet den store kunstmesse

Art Copenhagen i Forum. Siden 2019 har hun stået i spidsen for Enter Art Fair, som

kan opleves i Lokomotivværkstedet. Foto: Rytter & Denke

“I år har vi skruet markant op for vores

talks-program. Vi har blandt andet en

talk, der handler om Kunstens kommercielle

verden, hvor vi tager et kig ind i det

økosystem, der udgør den kommercielle

kunstverden. En anden talk har en helt

anden tone og tager udgangspunkt i

Kunst i privaten – en humoristisk samtale

om, hvad der sker, når kunst og personlig

smag møder hverdagsliv.”

“Og så glæder jeg mig, som jeg gør hvert

år, til det øjeblik, hvor galleristerne ankommer

og begynder at installere.” Det

summer af energi. Det er dér, messen

for alvor begynder at tage form – når

værkerne kommer op, og man kan mærke,

hvordan rummet skifter karakter.”

”Det er lidt som første skoledag – en

blanding af spænding, kaos og glæde. Og

det er altid ret særligt.”

Enter Art Fair

Kunstmesse

Dato: 28 aug - 31 aug 2025

Adresse: Lokomotivværkstedet

Otto Busses Vej 5A, 2450 København SV

På den firedage lange Enter Art Fair vil 94 gallerier fra hele Europa og

endda lande som Japan og Sydafrika præsentere kunstværker fra alle

medier, herunder malerier, tegninger, skulpturer, keramik, video, fotografi

etc. Desuden vil et et eventprogram kunne opleves.

27

NØRREBRO TEATER

ART MATTER

PROMETHEUS

20.09.25 - 11.10.25

MEDVIRKENDE CHRISTOPHER FOEYOH NALLO, JOEN HØJERSLEV, NANNA FINDING KOPPEL & NICOLAI JØRGENSEN INSTRUKTION EMIL ROSTRUP

SCENOGRAFI & KOSTUMER MIKKEL ROSTRUP TEKSTFORFATTER AMALIE SMITH LYSDESIGN MIA JANDJE WILLETT LYDDESIGN KEVIN EAGLE OLIVER

RAVNSBORGGADE 3, 2200 KØBENHAVN N

WWW.NBT.DK

28

Sæson Intro

Den kommende kunstsæson byder på vilde sanseoplevelser,

dybe refleksioner og overraskende perspektiver. Så find kalenderen

frem, sæt krydser, og gør dig klar til at opleve kunsten folde sig ud i

hele sin mangfoldighed – fra paradisfugle og psykedeliske universer

til skrøbelige materialer og stærke stemmer.

Scan QR-koden og se

vores online kalender

Portræt af Evren Tekinoktay. Foto: Simon Baunsgård

ART MATTER

“Jeg begyndte som paradisfugl,” sagde

den aarhusianske kunstner Ovartaci

engang fra sit værksted på Psykiatrisk

Hospital – en sætning, der rummer både

poesi og en dyb længsel efter transformation.

Og netop transformation,

identitet, natur og vores eksistens i

verden er temaer, der bliver ved med at

fylde – både i samfundet og i samtidskunsten.

I takt med at verden forandrer

sig, kaster kunstnere nye blikke på det at

være menneske i en kompleks, kaotisk og

forunderlig tid.

I denne sæson kan du se frem til en perlerække

af udstillinger, hvor kunstnere dykker

ned i alt fra det intime og kropslige til

det storslåede og spektakulære. Vi guider

dig til nogle af de mest spændende udstillingsåbninger

i de kommende måneder

– og der er noget for enhver smag.

Glæd dig blandt andet til værker, der

leger med erotikkens former og fantasier,

og til lyskunst i neon og spejle, hvor insekter

bliver til glitrende, sanselige skulpturer

i enorme skalaer. Mød kunstnere, der

skaber håndsyede bøger med personlige

fortællinger, og som tager dig med ind i

universer fyldt med både humor, alvor og

æstetisk overskud.

André Derain: Woman in a Chemise, 1906. Foto: SMK

Ovartac: Uden Titel. Foto: Ovartaci Museet

29

TOVE STORCH

S K I B E T

FERNISERING

23/8 13-16

Nyt 17 meter langt kunstværk udfor Enghavevej 158.

Kom til fernisering med taler, kage og musik.

Områdefornyelse Bavnehøj

Foto: Mathias Løvgreen

30

Det skal du se

ART MATTER

Ivan Andersen: The Three

Stooges, 2024.

Foto: Bo Bjerggaard

Alia Farid: Palm Orchard, 2022.

Foto: Ron Amstutz og Alia Farid

Karim Boumjimar: Uden Titel, 2024. Keramik

Foto: O–Overgaden

Portræt af Evren Tekinoktay. Foto: Simon Baunsgård

Karim Boumjimar

Ivan Andersen: How

to get there from here

Evren Tekinoktay:

BOOGIE

Alia Farid

O–Overgaden Galleri Bo Bjerggaard

Nikolaj Kunsthal Glyptoteket og Copenhagen Contemporary

Dato: 30 aug - 26 okt 2025

Fernisering: Fredag 29 aug kl 17-21

Adresse: Overgaden Neden Vandet 17,

1414 København K

Karim Boumjimars værker lader motiverne

flyde frit og ofte erotisk mellem figurer

– en blanding af dyr, venner, kendte og

mytologiske væsener. Værkerne fremstår

som intuitive, kropslige eksperimenter,

der skaber drømmelignende verdener.

På sin soloudstilling på O – Overgaden

viser Boumjimar nye, store vaser og et

stedsspecifikt vægmaleri, hvor hans

fabulerende og grænseoverskridende

univers breder sig ud.

Dato: 27 aug - 27 sep 2025

Fernisering: Onsdag 27 aug kl 16-19

Adresse: Sankt Knuds Vej 23C,

1903 Frederiksberg

Ivan Andersens praksis undersøger maleriets

foranderlige og ustabile egenskaber.

Han manipulerer og strækker mediet

(nogle gange bogstaveligt) og arbejder

med dets materielle potentiale for at afdække

underliggende visuelle strukturer

og mønstre.

Ofte forener han realisme og abstraktion i

samme værk, hvor motiverne spænder fra

figuration til landskaber og arkitektoniske

rum, præcist og sikkert udført.

Dato: 28 aug 2025 - 11 jan 2026

Fernisering: Onsdag 27 aug kl 16

Adresse: Torvet 3, 5600 Faaborg

Evren Tekinoktays soloudstilling præsenterer

et sanseligt univers af neonværker,

tæpper og collager, der inviterer til

intuitive oplevelser. Hun bevæger sig frit

mellem kunst, design, parfume og lingeri

og væver lagdelte fortællinger om identitet

og kultur.

Neonens lys og collagens historier danner

kernen i hendes praksis, hvor kunsten

også træder ind i hverdagens rum og

søger at forny sig gennem modstand og

nysgerrighed.

Dato: Glyptoteket fra 2 okt 2025

Adresse: Dantes Plads 7 1556 Kbh K

Dato: Copenhagen Contemporary fra 3 okt

Adresse: Refshalevej 173A, 1432 Kbh K

Glyptoteket og Copenhagen Contemporary

åbner dørene for Alia Farids første

soloudstilling i Danmark. Med base i

både Kuwait og Puerto Rico skaber Farid

fængslende værker, der blander det industrielle

med det håndlavede.

Hendes værker – fra drikkefontæner

til amuletter og film - kaster nyt lys på

globale spørgsmål, kulturarv og tilhørsforhold

– og udfordrer vores forståelse af

verden på tværs af tid og sted.

31

Scan QR-koden og

find flere udstillinger

på Sjælland og øerne

ART MATTER

Esben Weile Kjær: FLASH!

Foto: Rønnebæksholm

Marianne Bitsch: Når jeg er vred, tegner jeg ulven.

Foto: Marianne Bitsch

Hannah-Toticki: Regenter. Foto: David Stjernholm

Kollage af kunstnerkollektivet KUP.

Marianne Bitsch:

Når jeg er vred, tegner

jeg ulven

Esben Weile Kjær:

FLASH!

Kupilæum -

The Dinner Party

Hannah Toticki:

Regenter i Korsør

c4 projects Rønnebæksholm

KUNST-Doseringen Kongegaarden

Dato: 30 aug - 27 sep 2025


Adresse: Dybbølsgade 60,

1721 København V

Udstillingen viser, hvordan sanseindtryk

og følelser fra barndommen lagres og

kan vækkes igen gennem billeder og ting.

Med håndskrevne tekster og udvalgte

hverdagsobjekter undersøges, hvordan

stemninger – mere end klare minder –

påvirker, hvordan vi oplever verden.

Objekterne er ikke illustrationer, men

vækker følelser og sansninger, der peger

på det, vi ikke kan sætte ord på.

Dato: 15 aug - 19 okt 2025


Adresse: Rønnebæksholm 1,

4700 Næstved

FLASH! af Esben Weile Kjær er en spektakulær

totalinstallation, hvor Laden på

Rønnebæksholm forvandles til et scenisk

univers af lys, lyd og spejlinsekter.

Udstillingen tematiserer biodiversitet,

klimakrise og menneskets ansvar, mens

lysrefleksioner danser i mørket og skaber

et hypnotisk insekt-rave, der vækker både

fascination og eftertanke.

Dato: 30 aug - 26 okt 2025

Fernisering: Onsdag 30 aug kl 13-16

Adresse: Dosseringen 6,

4850 Stubbekøbing

KUP – kvindeligt univers i provinsen er et

kollektiv af kunstnere, som er tilknyttet

den såkaldte provins. Udstillingen tager

udgangspunkt i Judy Chicagos ikoniske

værk The Dinner Party fra 1970erne, hvor

hun dækkede op til 39 kvinder.

Samtidig er det fem år siden, at KUP blev

stiftet på Sydsjælland, som et sted at

skabe og vise kunst fra.

Dato: 3 okt - 30 nov 2025

Adresse: Algade 25, 4220 Korsør

Hannah Toticki udstiller sin serie Regenter

samt nye værker i glaseret stentøj,

tekstil og plast.

Hendes keramiske skulpturer er farvemættede,

ornamenterede og gakkede.

Nogle glinsende og med reference til

kommerciel vareæstetik, der vækker

forbrugerens begær. Andre låner formsprog

fra smykker og accessories, og

flere balancerer mellem det dekorative og

det fjollede.

32

Det skal du se

ART MATTER

Tshepiso Moropa: Who Knows Where the

Time Goes, 2025. Foto: Galleri Image

HuskMitNavn: New Horizons, 2025.

Foto: Charlotte Fogh Gallery

Isaac Julien: Diasporic Dream-Space No. 2

(Once Again... Statues Never Die), 2022.

Foto Jessica Silverman

Isaac Julien:

Once Again...

(Statues Never Die)

HuskMitNavn:

New Horizons

André Derain: Woman in a Chemise, 1906.

Foto: SMK

Rejsen fra Paris

From the Ground Up

ARoS

Charlotte Fogh Gallery

SMK Thy

Galleri Image

Dato: 6 sep 2025 - 7 jun 2026

Adresse: Aros Allé 2, 8000 Aarhus C

ARoS præsenterer Once Again …

(Statues Never Die) af Sir Isaac Julien

– en storstilet filminstallation og et nyt

hovedværk i museets samling. Værket

portrætterer filosoffen Alain Locke

og hans relation til samleren Albert C.

Barnes.

Julien ønsker at aktivere museet som et

rum for kritisk refleksion og rejse vigtige

spørgsmål om europæiske museers

håndtering af afrikansk kulturarv.

Dato: 19 sep - 25 okt 2025

Fernisering: Fredag 19 sep kl 16-19

Adresse: Åboulevarden 43C,

8000 Aarhus C

HuskMitNavns nye udstilling består

udelukkende af malerier i alle tænkelige

størrelser og udstillet i et vægudsmykket

rum som en totalinstallation.

Temaerne er klassiske HuskMitNavnmotiver

- det nære og velkendte liv indfanget

på lærredet i den karakteristiske

streg. Fra barn til voksen, hjemlige scener

og udlængsel. Hverdagens travlhed med

familie og arbejde og om at finde ro,

dyrke det uventede og drømme om nye

horisonter.

Dato: 30 aug - 2 nov 2025


Adresse: Lille Fjordstræde 7, 7760 Hurup

Når SMK Thy slår dørene op igen, bliver

det med en præsentation af ikoniske

værker fra SMK’s fornemme samling af

moderne fransk kunst.

Udstillingen Rejsen fra Paris udfolder

historien om, hvordan værker skabt

af nogle af det 20. århundredes mest

visionære kunstnere – heriblandt Henri

Matisse, André Derain, Pablo Picasso,

Georges Braque, Raoul Dufy og Suzanne

Valadon – fandt vej til København og blev

del af samlingen på SMK

Dato: 22 aug - 10 okt 2025


Adresse: Vestergade 29, 8000 Aarhus C

I From the Ground Up undersøger seks

internationale kunstnere forbindelsen

mellem natur og kultur og vores behov

for at genetablere bånd til fortiden.

Værkerne afspejler, hvordan tabet af

fortidens visdom hænger sammen med

biodiversitetens forandringer.

Gennem fotografi, video, collage og

performance belyses komplekse

relationer mellem samfund og natur,

og hvordan disse påvirker kunst, kultur,

ligestilling og økosystemers overlevelse.

33

Scan QR-koden og


i Jylland

Melanie Kitti: a way to go astray.

Foto: Helene Toresdotter

Calli Ryan: Saint Albans Street, 2025.

Foto: Calli Ryan

ART MATTER

Stillbillede fra videoen Rubber Pencil Devil af

den amerikanske kunstner Alex Da Corte.

Louise Lawler: Portrait, 1982. Foto: Louise Lawler og

LeWitt Collection

Melanie Kitti

Alex Da Corte:

Mr. Dream

Animal Farm

Calli Ryan: I will Arise

and Go Now

Skal Contemporary KUNSTEN

Institut Funder Bakke HAGD Contemporary

Dato: 3 okt - 16 nov 2025

Fernisering: Fredag 3 okt kl 15-17

Adresse: Fyrvej 36, 9990 Skagen

Glæd dig til soloudstilling af billedkunstner

og forfatter Melanie Kitti. Kitti arbejder

i sin praksis med freskoen som medie,

hvor maleriet og det skulpturelle smelter

sammen som en fundamental og narrativ

byggeklods.

Udstillingen tager udgangspunkt i freskoens

udtryk og tradition i relation til

Nordjylland, hvor kalkmalerier fra senmiddelalderen

er kendt for sine usædvanlige

motiver for sin tid.

Dato: 25 sep 2025 - 22 feb 2026

Adresse: Kong Christians Allé 50,

9000 Aalborg

Træd ind i Alex Da Cortes teatralske

og surrealistiske univers – en farverig

eksplosion af det absurde og banale

hverdagsliv. Her møder du velkendte

figurer som Eminem og Den Lyserøde

Panter, spillet af kunstneren selv.

Med humor og alvor blander Da

Corte populærkultur, identitet og

samfundskritik i værker, der trækker

på amerikansk kulturtradition og

forbrugersamfundets visuelle sprog.

Dato: 13 sep - 23 nov 2025

Fernisering: Lørdag 13 sep kl 16-19

Adresse: Æbeløvej 20, Funder Bakke,

8600 Silkeborg

Udstillingens præmis er enkel: Her vises

udelukkende værker med dyr som motiv:

en hund i keramik, en mærkelig hest, en

bronzegylden sparegris, et termometer

der viser den indre temperatur i en kanin

mv.

Ude i skoven ved Institut Funder Bakke

installeres Louise Lawlers Birdcalls, hvor

en fugl sidder og synger navnene på en

hel række hvide mandlige kunstnere.

Dato: 13 sep - 4 okt 2025

Fernisering: Lørdag 13 sep kl 11-14

Adresse: Boulevarden 42, 9000 Aalborg

Oplev den unge amerikanske kunstner

Calli Ryan i Aalborg. Hendes værker handler

om andres liv og verdener – steder,

man ikke selv hører til, men drømmer sig

ind i.

Som en flue på væggen, et altseende øje

eller en nysgerrig nabo skildrer hun små

glimt af livet udenfor én selv. Små øjeblikke,

man måske ellers ville gå glip af.

34

Scan QR-koden og


Det skal du se på Fyn

ART MATTER

Gudrun Hasle: Øvelser i håb.

Foto: Skitsehandlen

Værk af Ovartaci Louis Marcussen: Uden Titel.

Foto: Ovartaci Museet

Stefan Backman: We, the myceleomoebick.

Foto: albert contemporary

Kristian Mainz: Dykkende Sule.

Foto: Johannes Larsen Museet

Dobbelt Solo

Gudrun Hasle:

Øvelser i håb

Triennale for

fuglekunst

Ovartaci: Jeg begyndte

som paradisfugl

albert contemporary Skitsehandlen

Johannes Larsen Museet Kunstmuseum Brandts

Dato: 9 aug - 5 sep 2025

Fernisering: Lørdag 9 aug kl 17

Adresse: Brandts Passage 31c,

5000 Odense C

Galleri albert contemporary, tæt på

Kunstmuseum Brandts, viser ung dansk

og international kunst. I august præsenteres

en dobbelt soloudstilling med Anne-

Sofie Overgaard og Stefan Bakmand.

Overgaard arbejder med vævning som et

medie til at fastholde minder og øjeblikke.

Bakmand kombinerer tegning, grafik og

tekst med arkivmateriale for at undersøge

mystik, eksistens og menneskets

åndelige lag.

Dato: 13 sep - 1 nov 2025

Fernisering: Lørdag 13 sep kl 12

Adresse: Torvet 3, 5600 Faaborg

I en tid præget af kriser og uro minder

Gudrun Hasles udstilling Øvelser i håb

os om, at håb kræver træning. Gennem

nye håndsyede bøger med akvareller og

personlige tekster undersøger hun håbet

som en sårbar, men livsnødvendig praksis.

Hos Gudrun Hasle er håb ikke passivt –

det er en aktiv handling og et bevidst valg

om at forestille sig en bedre fremtid. En

øvelse, der kræver vilje og vedholdenhed.

Dato: 13 sep 2025 - 11 jan 2026

Fernisering: Lørdag 13 sep kl 14

Adresse: Møllebakken 14,5300 Kerteminde

Fugl 2025 er tredje udgave af triennalen

for fuglekunst på Johannes Larsen Museet,

der siden 2019 har vist værker udvalgt

via et åbent ’fuglekald’. Udstillingen præsenterer

nutidens bedste fuglekunst og

afspejler, hvordan kunstnere i dag bruger

fuglen som motiv.

Fuglen har altid haft en særlig plads i

museets historie – ikke mindst gennem

Johannes Larsen, der skildrede fugle og

blev kendt som Fuglemaleren.

Dato: 20 sep 2025 - 1 mar 2026

Adresse: Amfipladsen 7, 5000 Odense C

Kunstmuseum Brandts fortæller i efteråret

2025 historien om Ovartaci (1894-

1985), der brugte kunsten som frirum

og livline i et liv præget af ensomhed og

drømme om forandring. Ovartaci kæmpede

for respekt – både for kunsten og

som menneske.

De seneste år er interessen vokset, og

i 2022 fik kunstneren sit internationale

gennembrud med deltagelse i hovedudstillingen

på Venedigbiennalen, The Milk

of Dreams.

35

chartartfair.com

CH

Art Fair,

AR

Design, Talks,

Architecture &

Performances

ART MATTER

T

Copenhagen

Charlottenborg

28 —31 Aug

2025

36

Udstillingsview fra udstillingen Almost not spoken yet

på Horsens Kunstmuseum. Foto: Jacob Friis-Holm Nielsen

SPOT: Intro

ART MATTER

Kom med Art Matter på en sprudlende og

tankevækkende kunsttur gennem Øst- og

Sydjylland – en rejse fyldt med stærke

sanseindtryk, store idéer og kunst, der

både rører og overrasker. Vi besøger tre

markante udstillinger, hvor samtidskunsten

åbner nye perspektiver og skaber

forbindelser mellem det nære og det

uendelige.

Vi starter på Horsens Kunstmuseum, hvor

Hesselholdt & Mejlvang imponerer med

deres stærke og visuelt fængende udstilling

Almost not spoken yet. Her træder vi

ind i et kunstnerisk univers, hvor national

identitet, magt og kultur bliver undersøgt

med stor følsomhed og skarphed.

Dernæst går turen til Vejle Kunstmuseum,

hvor Kirstine Roepstorff tryllebinder os

med Neptune’s Lab 29° – et æstetisk

laboratorium fuld af mystik og meditation.

Her møder vi værker, der balancerer mellem

det spirituelle og det videnskabelige,

det intuitive og det analytiske.

Mie Olise Kjærgaard: Everything but Tennis, 2024. Foto: T2Studio

Sidste stop på turen er Trapholt, hvor

Mie Olise Kjærgaard folder sin monumentale

og energifyldte udstilling Agile

Aggressions ud i stor skala. Her rammer

vi et kunstnerisk højdepunkt, hvor farver,

former og fortællinger eksploderer i et

visuelt festfyrværkeri.

Tag med på en kunstnerisk

opdagelsesrejse, hvor vi bevæger os

fra tavshed til tale, fra indre dybder til

ydre galakser – og bliver mindet om,

hvor stærkt samtidskunsten kan tale

til både hjerte og hjerne.

Installationsview fra Kirstine Roepstorffs

udstilling Neptune’s Lab 29°. Foto: Davy Denke

37

ART MATTER

38

ART MATTER

SPOT: Hesselholdt & Mejlvang

på Horsens Kunstmuseum


mere om kunstnerne

Udstillingsview fra udstillingen Almost not spoken yet på

Horsens Kunstmuseum. Foto: Jacob Friis-Holm Nielsen

Den aktuelle udstilling med Hesselholdt & Mejlvang på

Horsens Kunstmuseum rammer en alvorlig nerve i en tid, hvor

globale kriser kalder på nye former for fællesskab og forståelse.

Med stærke, sanselige symboler insisterer de på, at vi må gentænke

vores tilhørsforhold – ikke kun til hinanden, men til hele kloden.

Horsens Kunstmuseum

Udstilling

Dato: 5 apr - 21 sep 2025

Adresse: Carolinelundsvej 2,

8700 Horsens

Udstillingen Almost not spoken yet er en sanselig og poetisk totalinstallation,

hvor visuelle, taktile og auditive elementer smelter sammen

til en helhedsoplevelse. I en tid præget af opdeling og fragmentering

stiller udstillingen skarpt på det fælles ’Vi’.

39

Af Ole Bak Jakobsen

Hesselholdt & Mejlvang er en kunstnerduo,

bestående af Sofie Hesselholdt (f.

1974) og Vibeke Mejlvang (f. 1976). De

har arbejdet sammen, siden de mødte

hinanden på kunstakademiet i begyndelsen

af 00’erne, og et vedholdende fokus

er deres – vi kan vist godt sige – dekonstruktive

behandling af nationalflagens

betydninger og symbolikker.

Og flagene dominerer da også på deres

aktuelle udstilling Almost not spoken yet

på Horsens Kunstmuseum.

Det klassiske nationalflag opdeler og

adskiller. Det er symbolet på et bestemt

slags sammenhold, for vi samles under

flaget, og roligans er klædt i rødt og hvidt.

Men det er også en form for fællesskab,

som er defineret af forskellen til de andre,

som flager med andre farver og mønstre.

I en tid, hvor klimaudviklingen kalder på

global bevidsthed og sammenhold, synes

dette indhegnede fællesskab flere steder

i verden at have fået en vis genopblussen.

Det er den problematik, kunstnerne taler

ind i.

Heroverfor retter Le Guin opmærksomheden

på samleren og bæreposen eller

krukken, hvori det indsamlede opbevares.

Det er en mere langsom, bæredygtig,

fællesskabsorienteret fortælling, som

jeg tænker også Hesselholdt & Mejlvang

abonnerer på.

Håbet er skrøbeligt

På førstesalen hænger der flere flagserier

– Between melting ice and rising tensions,

2025, og Flags for unwritten land,

2025. Sidstnævnte flugter med udstillingstitlen

Almost not spoken yet.

I museets centrale, højloftede sal hænger

seks store flaglignende værker på væghængte

stænger. De er syet sammen af

brugte tekstiler, kunstnerne har indsamlet

fra lande over hele verden.

Feminine flag?

Hvor det typiske nationalflag er struktureret

i klare farver og inddelinger

– korset, x-korset, de tre vandrette

eller lodrette inddelinger og så videre

– er disse patchwork-flag anderledes

vildtvoksende. Mindre geometriske og

bombastiske (mindre maskuline?). Mere

kropslige, mønstrede og organiske (mere

feminine?).

Alle levende væsener og økosystemer

Hesselholdt & Mejlvangs flag er ikke

symboler på den brutale kapitalismes

grænseløse frihandel, men bløde, globale

statements, som vil sammensy, ophæve

skel og fortælle, at vi altså hænger sammen

– ikke kun mennesker, men alle

levende væsener og økosystemer.

Broderede udsagn understreger det:

“Like one body a hybrid of plant animal

and human”. “The water and the wind

know no border”.

Lydsporet, der indsvøber udstillingen,

er sat sammen af optagelser af regn,

kirkeklokker, en hund der gør, korsang,

gadestøj, naturens susen. Lyde fra verden,

ikke fra en bestemt art eller geografi,

bare fra verden.

Bæreposeteori

De keramiske skåle og krukker, der står

på det halvcirkelformede podie i rummets

midte, taler samme sprog, for overalt i

verden er der brug for beholdere til opbevaring.

Karret, vasen, krukken står som et

aldeles konkret symbol på rummelighed

og vækker associationer i retning af det

hverdagslige, nære og hjemlige.

Der er mange krukker i samtidskunsten i

disse år, og brugen af krukker flugter med

Ursula Le Guins (1929-2018) berømte essay

Bæreposeteorien om fiktion fra 1986,

som søger et opgør med den grundfortælling,

vores samfund gennem årtusinder

har været præget af: jægerens,

erobrerens fortælling.

På et af udstillingens flag er der med

usikker formskrift broderet: The hopelessness

of hope.

For det er en porøs, endnu ikke helt født

eller formuleret global samhørighedsfortælling,

kunstnerne inviterer til. Håbefuld,

for håbet er der, selvom det er skrøbeligt.

Fakta

Hesselholdt & Mejlvang er en

dansk kunstnerduo, bestående af

Sofie Hesselholdt, født i 1976, og

Vibeke Mejlvang, født i 1976. De

bor og arbejder begge i København.

De tog afgang fra Det Kongelige

Danske Kunstakademi i 2006,

men begyndte allerede at arbejde

sammen i 1999. Deres praksis fokuserer

på stedsspecifikke, store

installationer, der undersøger

begreber som kollektiv identitet.

Deres arbejde er baseret på omfattende

research og indebærer

ofte performance og aktiv brug af

det offentlige rum.

ART MATTER

I stedet for at skabe forskel mellem nationer sammensyer

Hesselholdt & Mejlvang patchworkflag af indsamlede, brugte

stofstykker fra hele verden. Foto: Jacob Friis-Holm Nielsen

Kunstnerduens krukker peger på det nære og hjemlige, men

har også aktivistiske statements: Turn anger fear grief into

action, 2025. Foto: Ole Bak Jakobsen

40

ART MATTER

SPOT: Kirstine Roepstorff

på Vejle Kunstmuseum


mere om kunstneren

I den komprimerede udstilling Neptune’s Lab 29° på

Vejle Kunstmuseum hæver Kirstine Roepstorff blikket mod

astronomiske og astrologiske højder, idet hun orkestrerer en

gådefuld fortælling i skulpturer og billedobjekter.

Af Ole Bak Jakobsen

Kirstine Roepstorff er ikke for fastholdere.

Allerede i et tidligt kollageværk, If

balance stops and asks why, balance

will die fra 2006 – hvor en jonglør er i

gang med tre bolde foran et grandiost

landskab – ser vi, at det handler om at

være i bevægelse i en verden, der aldrig

står stille, men er i konstant opløsning og

tilblivelse.

Hun er en kunstner, der ikke er bange for

at bevæge sig ud på dybt vand og her

forsøge at formgive intuitive fornemmelser

om universelle fænomener. Som

da hun udstillede i Den Danske Pavillon

på Venedig Biennalen i 2017, hvor mørket

blev præsenteret som et modstykke til

vores overbelyste kultur. Som et ursted.

Et terræn for vegetation og ny skabelsesproces.

Kritiske grader

På Vejle Kunstmuseum har den aktuelle

udstilling fået titlen Neptune’s Lab 29°,

og her refereres til planeten Neptuns

overgang fra Fiskenes tegn til Vædderens

tegn i 2025 og 2026. Ifølge astrologien

skulle planetens indvirkning være særlig

kraftig, når planeten bevæger sig fra at

stå i 29 grader i det gamle stjernetegn

til 0 grader i det nye tegn (det kaldes

kritiske grader).

Fisken er et vandtegn, og Vædderen et

ildtegn, og overgangen betegner, siger

astrologerne, en bevægelse fra introspektion

til handling.

Roepstorff bruger dette alkymistiske

møde mellem vand og ild som et billede

på forvandlingskraft og som en produktiv

generator for sin værkskabelse, som nok

er gådefuld og fabulerende i sit afsæt,

men samtidig folder sig ud i en stram,

materialebevidst og knivskarp æstetik.

Fra vand til ild

Ifølge den logik er det måske Neptun i

vand og ild, vi møder i maleriet Navigation,

connection and expansion, 2023?

Den hvide kugle – planeten Neptun er en

is-gigant i rummet – er spejlet i det sorte

dyb nederst, mens den øverst er omkranset

af en lysfyldt glorie i form af en

plamage på det rå lærred.

Bevægelsen fra vand til ild finder man

muligvis også i den store stålplade, der,

idet den er buet forneden, rejser sig som

en bølge op ad væggen. Titlen på værket

er i hvert fald Water to fire. Overfladen er

slebet, så blikket svømmer, mens det ser

ud til, at en flammekaster har præget en

cirkel på ståloverfladen – en cirkel, der

skifter farve, alt efter hvordan man bevæger

sig i rummet.

Ligeledes udspiller der sig en form for

transformation i ‘køleskabsinstallationen’

Abundant emptiness awaiting future

now, hvor en montre er opdelt i to. Bagest

ser man snoede kobberrør, forrest er

de nu tilisede rør viklet omkring et hult

træstykke.

Kolber i det alkymistiske laboratorium

Udstillingen byder desuden på en række

malerier (pigment på ugrundet lærred)

og betonrelieffer, hvori der optræder

himmellegemer, samt en opstilling af tre

‘lynafledere’ i form af små, organisk snoede

og sortpatinerede bronzeskulpturer

(Light Rod #16, 17 og 18, 2025).

Og så er der en cirkel af glaskolber, effektfuldt

monteret på betonsokler. De

Vand og ild! Mon ikke Kirstine Roepstorff har været fascineret af den alkymistiske proces ved fremstillingen

af glas? Kunstneren bruger det astrologiske skift fra Fiskenes tegn til Vædderens tegn som

et spejl på, hvordan verden er midt i en højspændt forvandlingsproces. Foto: Davy Denke.

har taget navne efter stjernetegn (Virgo

Bode, Triangulum, Draco…) og ligner

noget, der er udgravet fra asken af en

vulkan eller opstået ud af Big Bang.

Mon ikke Roepstorff har været fascineret

af den alkymistiske – og ildsprudlende –

proces ved fremstillingen af glas?

Med disse mystiske og taktile kolber

må vi sande, at vi er i et laboratorium. I

Neptune Lab 29°, hvor man må tillade sig

den undersøgende åbenhed, undren og

nysgerrighed, der er forudsætningen for

alle sande laboratorier.

Tillade sig at søge og fare vild i et kosmos,

der ikke alene er uden ende, men

også altid er i forandring.

Vejle Kunstmuseum

Udstilling

Dato: 10 apr 2025 - 15 feb 2026

Adresse: Flegborg 16-18, 7100 Vejle

Udstillingens titel, Neptune’s Lab 29°, refererer til planeten Neptuns

overgang fra Fiskenes tegn til Vædderens tegn i 2025 og 2026. Denne

sjældne astrologiske begivenhed markerer de sidste grader af Neptuns

130-årige evolutionscyklus, inden den begynder forfra.

41

Installationsview. Foto: Davy Denke

ART MATTER

Kirstine Roepstorff: Water to fire. Foto: Davy Denke

Fakta

Kirstine Roepstorff er født i 1972.

Hun bor og arbejder i Danmark.

Roepstorff studerede ved Det

Kongelige Danske Kunstakademi

fra 1994 til 2001 og ved Rutgers

University, Mason School of Fine

Art i USA i 2000.

I 2017 repræsenterede Roepstorff

Danmark på den 57. Venedig Biennale

med udstillingen Influenza.

Theater of Flowing Darkness.

Hendes værker er inkluderet i

samlinger som Museum of Modern

Art i New York, Saatchi Gallery i

London og Nasjonalmuseeti Oslo.

Roepstorffs ‘lynafledere’ fabulerer over en magtfuld

og mystisk energi, der udspiller sig mellem vores jordiske

verden og universets kosmiske kræfter. Foto: Davy Denke

42

SPOT: Mie Olise

Kjærgaard på Trapholt

ART MATTER

På Trapholt er Mie Olise Kjærgaard

på plakaten med udstillingen Agile

Aggressions, og her slippes voldsomme

kræfter løs.


mere om kunstneren

Af Ole Bak Jakobsen

Det er nogle ret vilde typer, der befolker

Mie Olise Kjærgaards billeder. Eller skulle

jeg rettere sige type i ental? For det er,

som om det er den samme kvindeskikkelse

– iklædt t-shirt og shorts, med skrå

(aggressive?) øjenbryn, insisterende

blik og rasta-lignende, vildt flagrende

hår – der multipliceres i kunstnerens ofte

meget store malerier.

I et billede står de på skateboards i et

virvar af udstrakte arme og ben og i

positurer lige før styrtet. Så spiller de

jazz i klipklappere (en med sokker på), så

bassen næsten ikke kan være i billedet,

trompeten er hævet, og trommeslageren

ét med stikker og trommesæt.

I storskala-maleriet Everything but Tennis

spiller de tennis – og dog, det gør de så

måske ikke alligevel, jævnfør titlen.

Godt nok er der en netkant og et par

ketchere, men det er attituderne, der

dominerer, idet figurerne i forgrunden af

billedet stirrer koncentreret og fokuseret

efter den næste bold, som var det et

spørgsmål om liv og død. For i tennis er

det muligt for kvinder at råbe af dommeren

eller at stønne, når baghånden slås.

Hvad er aggression?

“Når omstændighederne er gunstige for

aggressionen, og de modstående sjælelige

kræfter, der ellers hæmmer den, er

faldet bort, ytrer den sig også spontant

og afslører mennesket som et vilddyr,

der står fremmed over for at vise skånsel

mod sin egen art.”

Således skrev psykoanalysens fader,

Sigmund Freud, i 1930 i Kulturens byrde,

og den østrigske læge og neurolog er

kommet til at stå som en af hovedeks-

Trapholt

Udstilling

Dato: 16 jan - 23 nov 2025

Adresse: Æblehaven 23,

6000 Kolding

Oplev soloudstillingen Agile Aggressions af den danske kunstner Mie

Olise Kjærgaard. Udstillingen præsenterer blandt andet en totalinstallation,

hvor Kjærgaard udforsker grænserne mellem maleri, narrativ og

sansning gennem sit kraftfulde maleriske formsprog.

43

Aggressivt? I hvert fald så livkraftigt, at det flagrende hår ikke lader sig begrænse af

billedets ramme. Mie Olise Kjærgaard: Everything but Tennis, 2024. Foto: T2Studio

ponenterne for den opfattelse, at vold og

aggression er et uudryddeligt og destruktivt

træk ved selve den menneskelige

natur.

I Mie Olise Kjærgaards kunstneriske

univers er aggression fremstillet anderledes

positivt. Som en agil størrelse (agil =

hurtig, let, smidig).

Som et selvtillidsboost af den anden verden,

som minder om barnets, der netop

er blevet lokal verdensmester ved at køre

på cykel uden hænder. En fandenivoldsk,

kraftfuld drivkraft eller indre energi, der

skubber til grænser for, hvad vi tror, vi

kan, hvordan vi ser og fremstiller os selv.

Figurerne i Mie Olises billeder er så fyldt

af denne energi, at de næsten bryder

billedets begrænsning, og håret flagrer

da også ud på væggen i Everything but

Tennis-maleriet.

Gestikken i centrum

Malerisk folder hun scenarierne ud i

brede malerstrøg og heftig gestik. Den

lange tradition for ekspressiv malerkunst

spiller selvfølgelig med, helt tilbage fra

de tidlige ekspressionister i begyndelsen

af 1900-tallet over den evigt populære

COBRA-kunst.

Og selve gestikken bliver i udstillingen

sat i centrum i en række værker på papir,

hvor figurationen er nedtonet, og hvor

vildskaben mere vil manifestere sig i

selve måden, billedet er skabt på.

Ligesom kunstneren også har skabt en

installation, hvor man kan gå ind i og blive

helt omsluttet af et maleri.

Fakta

Mie Olise Kjærgaard er født i 1974,

uddannet fra Central St. Martins

i 2008. Hun bor og arbejder i

København.

Gennem sine værker bryder hun

med traditionelle kvindeportrætter

og fremstiller kvinder i kraftfulde,

aktive roller, der bryder med den

historiske opfattelse af den kvindelige

kunstner som stilfærdig.

Kjærgaard har udstillet bredt i

både USA og Europa og findes i

samlinger som MFAH, Houston,

JP Morgan Chase, Ny Carlsbergfondet,

Sammlung Philara og

Düsseldorf.

ART MATTER

Mie Olise Kjærgaard: Focused Restless and Quite Alright, 2024. Installationen

med et spejlende gulv og et stort maleri hængende ovenover. Foto: T2Studio

44

Nanna

Abell

ART MATTER

Artist talk

og finissage

31.08 kl. 14.

Køb billet på

gammelstrand.dk

22.05.-31.08.25

gammelstrand.dk

Gammel Strand 48 1202 København K

45

Janus la Cour

Stilhed

ART MATTER

23.8.25–4.1.26

46

Til kunstbiennalen OpenArt i den svenske by Örebro flød

Marie Munks store værk i Sorteåen. Foto: Sofie Isaksson

ART MATTER

Marie Munk vil forskyde

vores forståelse af kroppen

Marie Munks kunst er som et laboratorium, hvor hun

konstant undersøger og udfordrer den menneskelige krops

form og funktion: “Jeg vil gerne vise, hvordan vores forståelse

af kroppen er i konstant forandring, og hvordan vi som

mennesker forsøger at forstå os selv midt i det hele.”


mere om kunstneren

47

Interview

Af Lærke Kartvedt

Marie Munk arbejder dér, hvor krop og

teknologi smelter sammen og går i opløsning.

Hendes praksis er drevet af en indre

uro – en fornemmelse af kropslig fremmedgørelse

i en verden, hvor teknologiske

fremskridt konstant forskyder vores

selvforståelse.

Gennem storskala installationer, skulpturer

og performative elementer skaber

hun sanselige, ofte absurde fremtidsscenarier,

hvor silikone, sci-fi og menneskelige

instinkter kolliderer.

7 meter høj skulptur

Da jeg møder hende, er hun i gang med

flere projekter på Statens Værksteder for

Kunst, hvor hun både udvikler værker til

hendes nærtstående solo-udstilling på

Galleri Maria Friis og en 7 meter høj og 6

meter bred installation til det forestående

Golden Days i København i september.

Med et sprog, der balancerer mellem det

nuttede og det urovækkende, inviterer

hun os til at stille spørgsmål ved vores

mest grundlæggende forestillinger om

os selv.

Indre uro

”Min kunstneriske praksis er i høj grad

drevet af en indre uro,” fortæller Marie

Munk. ”En følelse af, at jeg i stigende grad

fremmedgøres fra mit eget kød og blod i

en verden, der i stigende grad udfordrer

vores fysiologis relevans gennem teknologiske

fremskridt.”

”Fremskridt, der brager frem med accelererende

hast, og tvinger os til at re-kalibrere

vores kropslige selvforståelse og

kødelige forankring i verden med samme

tempo. Med et urovækkende visuelt

sprog diagnosticerer jeg vores samfund

gennem vores forhold til kroppen. Jeg

undersøger ambivalensen i vores kødelige

natur – en balancegang mellem det

nuttede og det groteske, det forførende

og det frastødende,” siger Marie Munk,

og fortsætter:

”Gennem storskala installationer, der

kombinerer skulptur, bevægelse, lyd og

interaktion, skaber jeg surrealistiske

fremtidsscenarier fyldt med humor og

sci-fi-stemning. Mit mål er at vække

folks fantasi og udfordre de normative

forestillinger om kroppen i en tid, hvor

teknologisk innovation og effektivitet

i stigende grad former og kontrollerer

både vores adfærd og vores fysiske

kroppe. Jeg søger at bearbejde vores

kropslige rodløshed og pege på en

universel, kropslig forbundethed mellem

mennesker.”

Inspiration og arbejdsproces: En

konstant udforskning

Marie Munk beskriver sin kunst som

et laboratorium, hvor hun konstant

undersøger og udfordrer den

menneskelige krops form og funktion.

Inspirationen til hendes værker kommer

fra en bred vifte af kilder – både interne

og eksterne. Fra det fysiske rum til de

nyeste videnskabelige opdagelser, alt

bliver bearbejdet og omdannet til værker,

der inviterer beskueren til at se på verden

på en ny måde.

”Jeg finder inspiration mange forskellige

steder,” forklarer Munk, og fortsætter:

“Jeg mener at kunne spore

en genopblomstring af det

religiøse i tiden.”

Øverst: Et udsnit af

installationen Big Energy på

Gl. Holtegaard i 2022. Foto: David Stjernholm

Scan QR-koden og

læs det fulde portræt

Til venstre: Marie Munk foran værket

Placenta på Roskilde Festival. Foto: Thomas Olsen

48

”I mig selv, mine omgivelser og i det,

jeg læser og ser – fra forskning og

bøger til dokumentarer, tendenser og

hypoteser. Det er ofte en blanding af

det umiddelbare og det, der er mere

abstrakt. For mig er det spændende at

trække på alle de indtryk, jeg har, og

bruge dem til at skabe noget nyt.”

Når Munk arbejder på sine værker, følger

hendes proces ikke altid en fast opskrift.

Det afhænger af projektet. På mindre

værker som dem til Radical Purge bruger

hun en mere fysisk tilgang i atelieret, hvor

materialerne og hendes hænder leder

processen.

På større projekter, som hendes arbejde

til Golden Days Festival, er det skitser og

samarbejde med eksterne fabrikanter,

der sætter rammen for værkets udvikling.

Kroppen som laboratorium

For Munk er kroppen ikke bare en

biologisk størrelse. Den er et spejl

for samfundets normer, teknologiske

drømme og vores forsøg på at fastholde

os selv midt i en tid, der er præget af

konstant forandring.

Hendes værker fungerer som et

laboratorium, hvor hun adskiller og

samler kroppen i nye former – et sted,

hvor det uskyldige og det urovækkende

konstant mødes.

”Der er ofte utroligt mange tanker og

overvejelser bag et værk. Jeg håber,

at man oplever en meget umiddelbar

reaktion – måske en følelse af at være

genkendt, men også at man bliver

udfordret og undrer sig. ”

”Jeg håber, at mine værker kan være med

til at sætte nogle tanker i gang – at man

tager noget med derfra: et nyt perspektiv,

en undren, en irritation, en åbenbaring

eller bare et anderledes input.”

”Jeg forsøger at bearbejde vores kropslige

rodløshed og pege på en universel,

kropslig forbundethed mellem mennesker.

Jeg håber, mine værker kan være

med til at fostre en følelse af samhørighed.”

En bouillonterning

Udstillingen Radical Purge på Galleri

Maria Friis kredser om idéen om radikal

kropslig udrensning, fortæller kunstneren:

“Jeg serverer en absurd bouillonterning

af det menneskelige destillat.”

Sideløbende med Radical Purge arbejder

Marie Munk også på en midlertidig

offentlig installation til Kongens Nytorv

under Golden Days Festival, der i år har

valgt Kærlighed som tema.

”Med værket My Heart Will Go On and

On iscenesætter jeg det romantiske løfte

om evig kærlighed og undersøger dets

kropslige, klichéfyldte og symbolske

betydninger i en tid, hvor grænserne

mellem menneske og teknologi

forskydes.”

Marie Munks arbejde, kan også opleves

på dette års Enter Art Fair, hvor hun udstiller

to værker i skulpturhaven.

Sidst, er der en udstilling, du ser frem til

at se?

”Jeg bor ikke i Danmark til daglig, men følger

jo stadig med i, hvad der sker. Så der

er faktisk mange udstillinger, jeg gerne vil

se, men som jeg desværre ikke har haft

tid til at besøge endnu.

Jeg håber især at kunne nå forbi Soft

Robots på Copenhagen Contemporary,

blandt mange andre.”

Fakta

Marie Munk er født i Danmark i

1988 og bor og arbejder i øjeblikket

i Atlanta, Georgia (USA).

Hun modtog sin kandidatgrad

fra Royal College of Art i London

i 2016.

Marie Munk er en tværfaglig

kunstner, der arbejder med

skulptur, installation, video og

performance.

Hun udstiller internationalt, enten

solo eller i samarbejde med kunstneren

Stine Deja.

ART MATTER

”Jeg forsøger at bearbejde vores kropslige

rodløshed og pege på en universel, kropslig

forbundethed mellem mennesker. Jeg håber,

mine værker kan være med til at fostre en

følelse af samhørighed.”

Marie Munk

Marie Munk har et mangeårigt samarbejde med den danske

kunstner Stine Deja. Her ses den fælles udstilling Divine Desires

på Alba Gallery i Wien i 2022. Foto: kunstdokumentation.com

Galleri Maria Friis

Udstilling

Dato: 15 aug - 27 sep 2025


Adresse: Store Kongensgade 116B,

1264 København K

Udstillingen udforsker menneskehedens vedvarende stræben efter

kropslig optimering. Grænserne mellem krop og maskine begynder at

opløses. Hvad er der tilbage, når de sidste, ineffektive rester af kød er

blevet renset bort?

49

RASMUS

SIDSTE CHANCE

31.08.2025

ART MATTER

MYRUP

50

ART MATTER

Asger Harbou Gjerdevik:

“En udstilling er som en kabale,

der skal gå op.”

Kunstnerens eget foto.

På legende vis danner det

fragmentariske og repetitive grobund

for Asger Harbou Gjerdeviks afsøgning af

massekultur og den moderne tilværelses

vilkår. Art Matter har taget en snak med

ham om skabelsesprocesser, ikonografi

og hans udstilling In motion på Alice

Folker Gallery.


mere om kunstneren

Foto: Jakob Storm

51

Af Elisabeth Julie Kier

En uge før ferniseringen står Asger Harbou

Gjerdeviks atelier halvtomt. Værkerne,

der skal indgå i udstillingen In Motion

på Alice Folker Gallery i København, er

for nylig blevet afhentet, så lokalet i den

gamle industribygning fremstår lysere og

ved første øjekast også mere anonymt,

end det plejer.

I midten af lokalet står en modelbygning

af udstillingen tilbage, ligesom skitser,

udprintede logoer og indtørrede malerpletter

udgør spor af processen.

I året op til udstillingen har atelieret været

fuld af liv. Her har pulserende fransk

hiphop og store armbevægelser sat

dagsordenen for den kreative proces og

de undersøgelser, som Gjerdevik har gjort

sig på de udspændte lærreder.

Som at lægge kabale

Det store atelierrum har været opdelt i

afdelinger for forskellige forstudier og

produktionsetaper, og Gjerdevik fortæller,

hvordan dette har givet de rette omstændigheder

for værkernes tilblivelse:

”Jeg har haft én del af mit atelier, hvor jeg

har undersøgt billedmateriale. Her har

jeg haft en form for projektionsrum eller

fremkalderrum – et mørkekammer, vil jeg

næsten kalde det”

Kunstnerens eget foto.

Andre steder er der blevet testet kompositioner,

farvekombinationer og motiver,

mens den største væg har været dedikeret

til malerkunsten og været dér, hvor de

definitive valg er blevet taget.

Asger Harbou Gjerdevik. Foto: Jakob Storm

Asger Harbou Gjerdevik: Unreal City - Fiorucci. Foto: Jakob Storm

ART MATTER

For Gjerdevik har denne opdeling ageret

grobund for en organisk undersøgelsesog

udvælgelsesproces, hvor adskillige

studier har kunnet sameksistere, påvirke

hinanden og i fællesskab vokse sig større.

“Det er lidt som en kabale, der skal gå op,”

siger Gjerdevik og fortsætter:

Asger Harbou Gjerdevik: Sign O’ The Times. Foto: Jakob Storm

“Det ene kan afføde det næste, og det

gør det ofte i sådan en proces. Så tester

man f.eks. et motiv, der er spændende,

nogle farver eller en komposition på ét

værk, og vælger derefter at tage det med

over i et andet værk for at bruge det på

en anden måde. På den måde opstår der

nye muligheder eller problemer, der skal

løses. Som en slags evig kabale.”

En ikonografisk diskografi

Gjerdevik ser sine udstillinger som individuelle

musikalbum, hvor værkerne, ligesom

sange, både kan stå alene, men også

er en del af en større og samlet fortælling.

Ved at arbejde på flere ad gangen danner

der sig i værkerne et fælles sprog – et

sammenkog af de inspirationskilder og

livsbegivenheder, som Gjerdevik har omgivet

sig med under produktionsperioden.

52

For Gjerdevik er en del af skabelsesprocessen

at indsamle og studere allerede

eksisterende billeder, herunder især grafiske

produktioner som logoer, mønstre,

teksttyper og ikoniske motiver af andre

kunstnere.

Foto: Jakob Storm

Fakta

“Jeg synes, det er spændende at betragte

så meget som muligt som materiale,

jeg kan bruge i mine billeder,” siger han.

Når In motion åbner på Alice Folker Gallery

fredag den 15. august, vil velkendte

motiver som MTV-logoet, Munchs Skriget

og de glansbilledlignende Fiorucci-engle

derfor være til at spotte i Gjerdeviks

kompositioner.

“Vi bliver eksponeret for så mange

referencer og symboler, og jeg tror, der

er en ekstremt stor signalværdi i, hvad

de her ting står for eller repræsenterer.

Både helt konkret, men også fordi alle har

deres egen individuelle tilgang og forhold

til dem.”

Asger Harbou Gjerdevik er født

i 1986. Han bor og arbejder i

København.

Gjerdevik arbejder med maleri,

skulptur, collage og tegning. Hans

værker er skabt i en proces, der involverer

kontinuerlige tilføjelser af

materialer, indskudte referencer,

transformationer og overlejringer.

Gjerdevik er uddannet i 2014 fra

Central Saint Martins College of

Art and Design, London, med en

BA (Hons) i Fine Art – 2D Pathway

og i 2017 fra Royal College of Art,

London med en MFA i maleri.

Magtfulde motiver

Om Edvard Munchs Skriget fortæller

Gjerdevik: ”Det er jo så kitsch, som det

kan være, men det er også et motiv, som

jeg synes er fuldstændig fantastisk. Det

er blevet et eviggyldigt motiv - du kan

finde det alle steder. Det bliver brugt som

emoji. Man har endda overvejet at indgravere

det på kapsler med atomaffald.”

ART MATTER

Gjerdevik forklarer, hvordan det i Finland

blev foreslået, at netop Skrigets ængstelige

ansigtsfolder kunne agere nonverbalt

skræmmebillede på nedgravet atomaffald,

idet man mente, at værkets følelsesmæssige

indvirkning – og dermed også

afkodningen af motivets foruroligende

budskab – ville holde flere tusinde år ud i

fremtiden.

Beretningen eksemplificerer, hvordan

visuelt materiale effektivt kan formidle

budskaber på tværs af sprogbarrierer,

kulturer og generationer. For Gjerdevik

viser det, hvorfor det netop kan være

interessant at gøre brug af disse ladede

og universelle motiver, fordi de bringer

et prædisponeret og etableret narrativ

med sig.

Spor af identitet

Et andet letgenkendeligt motiv, der er

blevet bearbejdet i Gjerdeviks billeder, er

fingeraftrykket. Selvom der her ikke er

tale om et ikon eller en specifik reference,

er fingeraftrykket et universelt mønster,

som alle kan identificere.

”Det er måske det mest basale, man kan

bruge som menneske. Det er individuelt,

det peger præcis på én person, men det

er også noget, som vi alle sammen har.”

Fingeraftrykket kan ikke mindst fungere

som identitetsmarkør – et emne som

Gjerdevik tydeligst behandler i værket

Papillon, der refererer til den autobiografiske

roman af samme navn.

I bogen bliver en mand (angiveligt)

fejlagtigt dømt for et mord, han ikke har

begået, og netop fingeraftrykket står tilbage

som det kendetegn, hovedpersonen

har tilbage, når alle andre personlighedstræk

gradvist bliver frarøvet.

Asger Harbou Gjerdevik. Foto: Elisabeth Julie Kier

”Der er mange lag i fingeraftrykket. Jeg

tror faktisk, det er det, jeg synes er sjovt.

Men det ligger også på grænsen mellem

at være rigtig dybt og rigtig banalt,”

forklarer Gjerdevik og nævner, hvordan

fingeraftrykket bliver brugt i overvågningskultur

og som registrerings- og

identifikationsmetode, men også hvordan

hånden og fingrene, helt basalt, er det

nemmeste og hurtigste redskab, man

som menneske har adgang til.

På den måde agerer motivet både reference

til træk i det moderne samfund,

men også til mennesket og kunstneren

som skaber – foruden kunstnersignaturens

ophøjede betydning og Gjerdeviks

egen eksistens.

Asger Harbou Gjerdevik: In Motion. Foto: Jakob Storm

Alice Folker Gallery

Udstilling

Dato: 15 aug - 26 sep 2025


Adresse: Esplanaden 14, st. th.,

1263 København K

At træde ind i billedkunstner Asger Harbou Gjerdeviks kunst er som at

bevæge sig ad en snoet sti, gennem et net af tæt vævede referencer,

der veksler mellem fortrolighed og fremmedhed, eftertænksomhed og

impulsivitet.

53

Kunst

Er det dig?

ART MATTER

Studiestart

31. august

⁄ 16 uger

www.kunstærø.dk Tlf.: 62581660

KUNST

HØJSKOLEN

PÅ ÆRØ

54

ART MATTER

Mød spændende kunstnere

og andre gode mennesker fra

kunstens verden på @artmatter.dk

Scan QR-koden og besøg

vores Instagramprofil

55

20.06.2025 — 11.01.2026

BERLINGSKE

HHHHH

KRISTELIGT DAGBLAD

HHHHH

FREDERIKSBORG AMTS AVIS

HHHHH

KULTURKUPEEN

HHHHH

KULTURINFORMATION

HHHHHH

INFORMATION

Vidunderlig udstilling om

den danske strandkant

DEN

HIRSCHSPRUNGSKE

SAMLING

ART MATTER

Plante

Verden i

vindueskarmen

3.9.2025

11.1.2026

feber

Én udstilling. To museer. I samarbejde med ORDRUPGAARD

Art Matter Avis Issue 01 Efterår 2025

Transform your PDFs into Flipbooks and boost your revenue!

Delete template?

Save as template ?