klaus g. gaida - MINORITEN KULTUR Graz, herzlich willkommen ...

g r a z 

Programmzeitung sePtember oktober 2010 

g a l e r i e l i t e r at u r n e u e m u s i k r e l i g i o n j u n g e a u g e n z e i ta n a ly s e ta n z

inhalt 

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editorial 

g a l e r i e n 

RELIQTE / ein museum, das sich in der zeit realisiert 

klaus g. gaida / die mittel der malerei 

neue untersuchungen zu carotos Bild: knaBe mit kinderzeichnung 

neue Bilder in kunst und literatur 

l i t e r a t u r 

dead or aliVe / themenslam „mutter“ 

paul pizzera / mieze medusa / frank klötgen / julian heun / etta streicher 

Poetry slam 

vorschau: lesefest / lust in translation 

literatur. ost>

14 naturpigmente, farbenleim, tinte, nessel 

03 

ein museum, das sich in der zeit realisiert 

„reliQte“, unsere im sommer gezeigte präsentation 

der „reste“ aus dem letzten jahrzehnt, die 

mit dem understatement eines „museums für 

gegenwartskunst und religion“, welches sich 

in der zeit realisiert, untersetzt war, hat eine 

hohe resonanz gefunden, vor allem jenseits 

der grenzen. durch vernetzung über vorträge, 

symposien, persönliche kontakte mit künstlerinnen 

und künstlern und galerien ist mit dem 

kulturzentrum bei den minoriten in graz ein 

klima entstanden, das nicht bloß eine „marktlücke“ 

bedient, sondern eine nische bespielt, 

die eine ganz eigene sogwirkung entwickelt. 

nach und nach kommen werke in unsere sammlung, 

die wir – vor allem zwischen den größeren 

ausstellungen – präsentieren werden. parallel 

dazu wird dieser ansatz in den kommenden jahren 

erweitert und in einem Buch publiziert, neuerdings 

auch zusätzlich unterstützt durch den 

„verein ausstellungshaus für christliche kunst in 

münchen“, der in deutschland die ganz großen 

projekte im spannungsfeld von kunst und religion 

ermöglicht und finanziert. dadurch wird es 

möglich werden, einen systematischen und einen 

mit theoretischer nachreflexion versehenen 

überblick über die ausstellungsarbeit bei den minoriten 

im letzten jahrzehnt zu werfen. 

g a l e r i e n 

klaus g. gaida, 

die mittel der malerei 

neue untersuchungen zu carotos Bild: knabe mit kinderzeichnung 

januar 1999 bis januar 2002 

maße: 6 x höhe 179,5 cm x Breite 140 cm, 1 x höhe 202,5 cm x Breite 155 cm, 

sammlung für gegenwartskunst des kulturzentrums bei den minoriten in graz 

klaus g. gaida 


neue untersuchungen zu carotos Bild: knaBe mit kinderzeichnung 

minoriten galerien, mariahilferplatz 3/i, graz 

ausstellungsdauer bis 30. september 2010 

öffnungszeiten mo – fr / 9.00 uhr – 17.00 uhr 

eintritt frei 

den auftakt dieser sonderpräsentation bildet der 

siebenteilige werkblock: „die mittel der malerei“ 

des belgisch-deutschen künstlers klaus g. gaida, 

der seit 8. september in unseren räumen gezeigt 

wird. 1999-2002 entstanden, setzt er sich mit 

der ureigensten macht der Bilder auseinander, 

ausgehend vom renaissancebild „knabe mit kinderzeichnung“ 

von giovanni francesco coroto 

(1520). 

dieses verfahren, einerseits mit der überraschung 

der Bestände zu rechnen, und anderseits 

genau darauf mit der kraft der gegenwart dagegen- 

und weiterzuzeichnen, ist eine gemeinsame 

schnittfläche des künstlers klaus g. gaida mit 

dem, was uns hier am Bilderzeigen im kulturzentrum 

bei den minoriten antreibt: was freilich 

zu weltauslegungen führen kann, die sich weder 

dem kunstbetrieb samt seinen inhärenten mechanismen 

noch einem wie auch immer gearteten 

ideologiebetrieb unterwerfen. das „vermögen“ 

des Bilderzeigens wird in dieser serie vielmehr 

an der kinderzeichnung exemplifiziert – und das 

ausgerechnet in einer zeit, wo der geniekult zur 

hochblüte getrieben wurde. dieser wird freilich 

am lachen des knaben subtil unterlaufen und 

schließlich vom künstler in detailaufnahmen 

augenzwinkernd hochgeladen: „hochwertige 

farbfalle“, „wirkungsvolle mischtechnik“, „maximaler 

Beschäftigungswert“, „vereinfachte Binnenmodellierung“, 

„undurchsichtige deformation“, 

„kompatible unangemessenheit“, „anarchistischer 

arm“ sind die hintergründigen titel, die 

sich aus den details des ursprungsbildes, gemalt 

mit naturpigmenten, ergeben. 

parallel zu dieser erstpräsentation in unserer 

sammlung ist mit einem text von jo schultheis 

ein Buch des künstlers erschienen, in der auflage 

von 25 stück, jedes von ihnen ist nummeriert 

und handsigniert. der hochreflexive text ist teil 

des kunstwerks und lotet die andere seite des 

Ästhetischen mit den kategorien der spekulation 

aus. gemeinsam mit drei weiteren Büchern des 

künstlers bildet der text im ersten raum das entree 

der ausstellung.

u t t e r 

04 05 


das kulturzentrum bei den minoriten in graz widmet sich in seinem 

schwerpunkt im Herbst 2010 dem thema mutter in kunst 

und literatur. einflüsse und transformationen des madonnenmotivs 

auf zeitgenössische darstellungen von mutter und kind, 

existenzielle grenzsituationen des mutterseins zwischen glück, 

intimität und Prekariat, sowie neue aspekte von veränderten und 

fehlenden mutterbildern heute werden in einer ausstellung mit 

22 heimischen und internationalen künstlerinnen und künstlern, 

kuratiert von johannes rauchenberger und roman grabner, einer 

künstlerischen untersuchung unterzogen. 

im verwandelten slam-Format „dead or alive“ werden alte und 

neue texte zu „mutter“ bisher ungekannt aufeinander treffen, 

hohe Poesie von einst und slam von heute werden dem beliebten 

Voting unterzogen. 

das neue themenheft „mutter unser“ des kunstmagazins „kunst 

und kirche“ (springer-Verlag wien), gestaltet von johannes rauchenberger 

und thomas erne, erscheint parallel zur ausstellung. 

künstlerinnen 

siegfried anzinger, veronika dirnhofer, marlene 

dumas, BarBara eichhorn, manfred erjautz, valie 

export, ewa haraBasz, el · zBieta jaBło ńska, gudrun 

kampl, iris kettner, lena knilli, ronald kodritsch, 

julia krahn, almagul menliBayeva, shirin neshat, 

ulrike rosenBach, susanne sehn-Baumhakel, annsofi 

sidén, alec soth, annelies strBa, jitka teuBalová, 

toBias trutwin, silke weinsheimer, daphna weinstein, 

judith zillich 

Vernissage: mittwocH 13. oktober / 19.30 uhr 

ausstellungsdauer 14. oktober bis 12. dezember 2010 

öffnungszeiten di bis fr / 10.00 bis 17.00 uhr, sa und so / 11.00 bis 16.00 uhr 

eintritt € 4,– / € 3,– 

führungen für gruppen und schulklassen nach voranmeldung: tel 0316 / 711133 27 

email: kathrin.immervoll@kultum.at 

führungspreise für gruppen inkl. eintritt € 4,– / für schulklassen inkl. eintritt € 3,– 

kuratoren johannes rauchenBerger / roman graBner 

kuratorenführungen 

donnerstag, 21. oktober 2010 / 17.00 uhr 

samstag, 13. november 2010 / 11.00 uhr 

dienstag, 30. november 2010 / 17.00 uhr 

sonntag, 12. dezember 2010 / 11.00 uhr 

mutter, fundamental für das eigene leben wie für den aufbau 

einer gesellschaft, ist keineswegs eine stereotype oder 

verlässliche ressource. dazu wurde und wird sie bis heute 

immer wieder zu sehr missbraucht. in jeder gesellschaft 

zirkulieren leitbilder des mütterlichen, die orientierung 

geben mögen. die mutterrolle, ausgespannt zwischen lebensüberschuss 

und überforderung, glück und last, muss 

sich immer wieder neu erfinden, wiewohl in jeder gesellschaft 

leitbilder des mütterlichen zirkulieren. an diesem 

reservoir der Bilder und an den neuen herausforderungen 

arbeitet auch die kunst beständig weiter, unzeitgemäß 

erschien „mutter“ lange auch im kontext kunst, was sich 

in den letzten jahren durchaus geändert hat. leistungsfeindlich 

bleibt sie in gewisser hinsicht, so lange nicht 

neue Bilder entgegengestellt werden. aber auch im langen 

schatten der verzweckung durch ideologien und religionen 

stellen sich die auseinandersetzungen neu, denn die 

populationsängste der europäischen ethnien gehen an 

diesem thema nicht spurlos vorüber: uns gehen die (eigenen?) 

kinder aus. debatten um geschlecht und gender, 

human design, aber auch noch immer nicht ad acta gelegte 

ideologiekonflikte und rollendiffusionen sind weitere 

Begleiterinnen der „neuen mütter“, aus denen dann auch 

das alltägliche politische kleingeld gedruckt wird. Bewusst 

war der fokus der Bildersuche für diese ausstellung auch 

immer wieder abgelenkt von einem motiv, das in der kunst 

ziemlich lange inspirierend war: jenem der madonna mit 

dem kind. kann – und wenn wie – seine schönheit gerettet 

werden, ohne vor kitsch zu triefen? durch welche spiegel 

ist es in der aktuellen kunst gebrochen, wie wird es gebraucht 

und mit welchen geistern auch neu belebt? 

Parallel zur Ausstellung gestalteten Johannes 

Rauchenberger und Thomas Erne das 

neueste Themenheft von „Kunst und Kirche“ 

(Springer Verlag Wien). Beiträge von Johannes 

Rauchenberger, Thomas Erne, Charlotta 

Kotik, Johanna Schwanberg, Roman Grabner, 

Brigitte Boothe, Barbara Vinken, Elfriede 

Wiltschnigg, Dieter Thomae, sowie Interviews 

mit der Kuratorin Signe Theill und den 

Künstlerinnen Julia Krahn und Judith Zillich 

setzen Schwerpunkte im Schnittfeld von 

Kunstgeschichte, Gegenwartskunst, Psychotherapie, 

Philosophie und Literatur. Es 

ist um 13 Euro im Kulturzentrum erhältlich 

oder unter: journals@springer.com 

siegfried anzinger 

Felsgrottenmadonna, 1997 

leimfarbe auf leinwand , 130 x 100 cm 

sammlung für gegenwartskunst, 

Benediktinerstift admont 

vor rund 15 jahren hat siegfried anzinger 

mit seiner serie der madonnenbilder die 

damalige schallmauer der herkömmlichen 

ikonografieverweigerung durchbrochen. 

für ihn, den erzählfreudigen maler aus 

der generation der „neuen malerei“ in 

den 80-er jahren, war das madonnamotiv 

einfach mittel zum zweck. es war die pure 

lust der malerei. religiöse zusammenhänge 

bestritt er damals auch. die figuren 

auf dem Bild haben sich dabei immer 

mehr verselbständigt. der hase, der fichtenwald, 

der stausee, die taubenscheiße 

sind nur einige der titel aus der serie. die 

madonna mit dem kind wird in farblasuren 

eingetaucht, die als malerei zu leben 

im stande sind, jenseits der assoziationen 

ihrer möglichen Bedeutungsnuancen, die 

sich aus der titelei ergeben, aber auch 

uneingeschlossen im motiv, das sie malerisch 

geworden sind. anzingers madonnen 

sind keine huldigung an mutterschaft. 

die sperrigkeit ihres ambientes bricht die 

idylle der renaissancemadonnenbilder 

auf in eine idylle zweiten grades: es gibt 

hier keine priorität der geschichte, keinen 

vorrang der figur, sondern alles beginnt 

erst im Bild zu leben und darin seinen 

besonderen stellenwert für andere zu 

erhalten. der glanz der madonna mit dem 

kind wird dabei nicht ausgelöscht, im 

gegenteil.

u t t e r 

dead or aliVe 

themenslam „mutter“ 

06 07 

paul pizzera, österreich 

mieze medusa, österreich + 

julian heun, deutschland + 

frank klötgen, deutschland + 

etta streicher, deutschland 

freitag, 22. oktober 2010 / 20.00 uhr / kleiner minoritensaal 

eintritt 3,00 

moderation: markus köhle 

das format „dead or alive“ geht aus den spoken-word dichterschlachten 

hervor, die das publikum im kulturzentrum bei den minoriten 

nun seit jahren begeistern. im herbst 2010 werden die poeten 

mit literatur aus dem jenseits konfrontiert: aus bereitgestellten 

texten wählten 5 eingeladene spoken-word-aktivistinnen aus dem 

deutschen sprachraum einen text aus und leihen ihre stimme und 

performanceskills einer verstorbenen literatin, einem verstorbenen literaten 

auf der Bühne bei den minoriten. zudem performen sie einen 

eigenen text, der thematisch Bezug nimmt auf den aus dem literaturkanon 

gewählten: schlagfertige antworten aus dem diesseits und neu 

beleuchtete klassiker bieten einen poetischen kampf der epochen, den 

graz noch nicht gesehen hat. 

es gelten die regeln der poetry slam-tradition: keine requisiten oder 

gesang, es zählen der text und die performance! ob tot oder lebendig, 

jedem bleiben nur 5 minuten, um ruhm und ehre zu verteidigen. über 

sieg und niederlage im duell der zeiten entscheidet das publikum. 

motHer’s Finest 

es gibt halt nicht so viel, hat herbert piwonka, der sich auf die suche 

nach geeigneten mutter-texten im literaturkanon begeben hatte, bei 

jeder Besprechung gesagt. nein, es gibt im deutschsprachigen literaturkanon 

wahrlich nicht viele texte, die sich mit dem thema mutter 

auseinandersetzen. zu selbstverständlich, könnte man sagen, über 

luft wurde ja auch nicht allzu viel geschrieben (das thema scheint 

der gegenwart und zukunft reserviert), keine möglichkeit für frauen 

zu schreiben, könnte man sagen, (fast) kein interesse von seiten der 

schreibenden männer, sich mit mutter-themen herumzuschlagen, der 

(kriegerische) konflikt und das eigene Begehren waren allemal attraktiver, 

könnte man sagen. sagen muss man allerdings, dass das nichtthematisieren 

sehr viel mit regeln, tugend, anstand, geschmack zu 

tun hatte. die männlich gedachte welt war/ist zweigeteilt, in eine 

öffentliche, die polis, die res publica und in eine private, den oikos, 

den haushalt samt frauen, kindern und sklavinnen. getrennt wurde 

sorgfältig. und legitimiert wurde das konstrukt ontologisch, das sei 

nun mal so. Natürlich, sagte man dazu. 

aristoteles: 

Es ergibt sich ..., dass das Herrenverhältnis und das staatsmännische 

Verhältnis nicht identisch sind, und dass überhaupt nicht alle Formen 

Veronika dirnhofer 

denken und Handeln, 2009 

kohle und acryl auf leinwand, 

zweiteilig, je 170 x 100 cm 

courtesy of the artist 

die reflexion des weiblichen 

selbst und das ausloten seiner 

darstellungsmöglichkeiten angesichts 

der flut an medienbildern können 

als markante charakteristika von 

dirnhofers schaffen gelten. in 

der auseinandersetzung mit der 

gesellschaftlichen erinnerungskultur 

und dem kollektiven gedächtnis ist ein 

komplex an arbeiten entstanden, der 

sich mit der frage nach den formen und 

strukturen des erinnerns und vergessens 

beschäftigt. wie traumsequenzen wirken 

diese Bilder, frei gesetzte pinselstriche 

verbinden sich mit zarten und 

feingliedrigen figurativen zeichnungen, 

um sich im dickicht von farbschlieren 

wieder zu verlieren. aus dem wechselspiel 

von fragiler zeichnung und wuchtigen 

farbbahnen und der erfahrung der 

eigenen mutterschaft entwickelt dirnhofer 

ein zeitgemäßes und zugleich zeitloses 

porträt einer selbstbewussten mutter. 

marlene dumas 

motHer & cHild, 1989-1993 

öl auf leinwand, 90 x 180 cm 

private collection, courtesy zeno x gallery 

marlene dumas führt in ihren gemälden 

fragen der hautfarbe, der herkunft, des 

geschlechts und der sozialen identität 

zusammen, um, verbunden mit ihren 

eigenen persönlichen erfahrungen und 

kunsthistorischen vorläufern, eine herausragende 

und -fordernde perspektive 

auf virulente themen der gegenwart 

einzunehmen. die wechselwirkungen 

zwischen kunst und weiblicher schönheit, 

kunst und pornographie, weiblichen 

models und modellen der kunst sind dabei 

eine konstante in ihrem bildnerischen 

schaffen. 

dumas weiß um die politik des Blicks 

und die politischen implikationen von 

repräsentation. die position der figur 

in ihrem gemälde „mother & child“, ein 

liegender körper in einem lang gezogenen 

Querformat ist eigentlich weiblichen 

akten oder toten vorbehalten. das nackte 

subjekt hat jedoch nichts weibliches an 

sich und wird nur durch den titel als 

„mutter“ ausgewiesen. der bleiche, sehnige 

körper, das weiße tuch, das über ihn 

gelegt ist, evoziert vielmehr eine morbide 

grundstimmung. alleine die angespannte 

armhaltung der frau verstört. sie ist kein 

passiver charakter. was trägt sie, stützt 

sie oder hält sie fern? oder greift dumas 

ein motiv aus dem pornographischen 

Bildvokabluar auf, eine frau, die sich beim 

geschlechtsverkehr an der rückseite des 

Bettes abstützt? Bild wie frau wirken 

zweigeteilt: das kreidefarbene subjekt 

als objekt sexueller Begierde, auf das von 

rechts oben ein bleiches licht fällt, und 

die mutter mit ihrem schlafenden kind, 

das aus dem vordergrund von einem 

warmen licht angeleuchtet wird. das kind 

scheint seelenruhig und zufrieden auf ihr 

zu schlafen, aber worauf liegt die frau? 

die unterlage wirkt roh und hart, der sie 

umgebende raum kahl und ungemütlich. 

dumas untersucht mit malerischen 

mitteln das verhältnis der geschlechter, 

stellt viel mehr fragen als sie antworten 

gibt und evoziert durch ihre räume und 

maskenhaften gesichter stimmungen von 

leere und tod. 

barbara eichhorn 

Passage, 2010 

mehrteilige wandarbeit: acryl, Bleistift, 

collage auf wand, maße variabel 

ausstellungsansicht lentos kunstmuseum 

linz, triennale 1.0, 2010 

courtesy christine könig galerie, wien 

Barbara eichhorns zeichnerisches 

oeuvre besteht aus großen thematischen 

Blöcken, mit denen sie sich über lange 

zeiträume hinweg beschäftigt: der wald, 

die stadt, die familie, die haustiere. mit 

der geburt ihres ersten sohnes wurden 

die mutterschaft und damit verbundene 

themenfelder inhalt ihrer künstlerischen 

arbeit. hinter ihrer serie „kindheitsmuster“ 

stand die überlegung, „dass man sich 

oft an die stoffe der kindheit erinnert, ja, 

dass manche stoffe direkt kindheitserinnerungen 

hervorrufen“. die decke im Bett, 

der Bezug des kinderwagens, die schürze 

der oma, die Bluse der mutter, sie alle rufen 

erinnerungen wach und führen direkt 

in das reich der kindheit zurück. in ihrer 

mehrteiligen arbeit „passage“ verknüpft 

eichhorn diese erinnerungen mit dem 

zunehmenden Älterwerden ihrer eigenen 

mutter. in fragmentarischen zeichnungen 

spannt sie einen ephemeren erinnerungsteppich 

auf und umreißt die fragilität 

und vergänglichkeit jener geborgenheit 

und sicherheit eines kindes in den armen 

seiner mutter. die temporäre wandzeichnung 

im zentrum der installation zeigt 

einen krankenhausflur als sinnbild für die 

passage des lebens. 

manfred erjautz 

sHelter (Falling star), 2007/08 

schaufensterpuppe, textilien, reißverschluss 

und abschleppseil, 163 x 102 x 50 cm 

courtesy galerie nikolaus ruzicska, 

salzburg 

manfred erjautz©vBk, wien 2010 

mit seiner arbeit „falling star“ hat 

manfred erjautz seinem polyvalenten 

figurenensemble eine weitere, verstörende 

Bildfindung hinzugefügt. ganz in weiß 

gehalten, mit einer transparenten 

wäscheleine umwickelt, und ein kind 

zwischen den Beinen baumeln lassend, 

blickt uns eine jungen frau herausfordernd 

an. erjautz hat, vordergründige 

geburtsassoziationen beiseite lassend, 

eine singuläre allegorische darstellung der 

unzertrennlichen Bindung einer mutter 

an ihr kind geschaffen. als verbindende 

nabelschnur fungiert ein abschleppseil, 

ein Bergsteigerseil, das nicht zerreißbar 

ist und selbst schwerste lasten mühelos 

aushält. erjautz hat es aufgelöst und mit 

den einzelnen fasern das kind umwickelt. 

jede faser dieser reißfesten Bande 

umfängt das kind wie ein sicherheitsnetz, 

lässt es zwar augenscheinlich hängen, 

aber niemals fallen.

u t t e r 

08 

der Regierung einander gleich sind, wie einige meinen. Die eine besteht 

über von Natur aus Freie, die andere über Sklaven; die Hausverwaltung 

ist eine Monarchie – denn jedes Haus wird von einem Einzigen regiert 

„ich begann zu verstehen, dass das Bild der madonna ein visuelles zeugnis der göttlichkeit und der macht der ‚natur‘ ist (mehr noch als der ausdruck 

von religiosität)… während ich mit meinem kind durch parks und wäldern spazierte wurde ich der formen von pflanzen und deren wachsen 

gewahr, entsprechend meinem eigenen wachsen und meiner entwicklung. als mutter verändert sich meine perspektive, der prozess des lebens ist 

unvermeidlich mehr sichtbar…“ 

09 

-, die Staatsverwaltung ist dagegen eine Herrschaft über Freie und 

Gleichgestellte. (aristoteles: politik. münchen 1973, dtv. s. 56.) 

oder: 

Diejenigen, die so weit voneinander verschieden sind wie die Seele vom 

Körper und der Mensch vom Tier ... sind Sklaven von Natur, und für sie 

ist es ... besser, auf die entsprechende Art regiert zu werden.“ „Desgleichen 

ist das Verhältnis des Männlichen zum Weiblichen von Natur so, 

dass das eine besser, das andere geringer ist, und das eine regiert und 

das andere regiert wird. (ebd., s. 53.) 

Lena Knilli an die New Yorker Kuratorin Charlotta Kotik (Brooklin Museum), das in der jüngsten Ausgabe von „Kunst und Kirche 3/2010 abgedruckt ist. 

die natürliche ordnung, diese himmelschreiende dichotomie: hier 

männlich-geistige freiheit im staat, dort weiblich-körperlicher dienst 

im haushalt, wurde über jahrhunderte nicht in frage gestellt. aber – 

himmelschreien bleibt nicht folgenlos manchmal oder: ausnahmen 

bestätigen die regel – da war die jungfrau, die ein kind von einem 

gott bekam. und die war ganz schön öffentlich. ihre empfängnis, ihre 

schwangerschaft, ihre mutterschaft, mit dem fokus eher auf dem 

stillen und weniger auf dem windelwechseln, aber immerhin. diese 

vip war das begehrteste sujet in der kunst, diese vip wurde verehrt, 

besungen, auf altäre gestellt, durch gassen getragen, diese vip wurde 

angebetet und mit unzähligen anliegen konfrontiert. Maria mit dem 

Kinde lieb, uns allen deinen Segen gib. was wunder, dass männer, die 

über mutter und mütter schrieben, gerne auf muster zurückgriffen, 

die zur huldigung der vip maria entwickelt wurden. solche nun profane 

mütter beschreibende und besingende und überhöhende texte 

finden sich quer durch die jahrhunderte, besonders in der romantik 

– und im nationalsozialismus. texte von novalis und texte von weinheber 

haben wir den slammerinnen in den textpool gestellt. 

was ist mit dem minnesang, werden sie vielleicht fragen. der hatte 

mit müttern nichts am hut, mütter waren im minnesang ähnlich willkommen 

wie taranteln am kinderspielplatz. in der höfischen literatur 

gibt es jedoch - nicht im minnesang, sondern in der epik - eine mutterfigur, 

die erstaunlich aktuell geblieben ist: herzeloyde, die aufgrund 

leidvoller erfahrungen den nicht gerade biophilen tugendkodex der 

ritterwelt ablehnt und sich mit ihrem sohn parzival in die wälder zurückzieht, 

um ihn in quasi-paradiesischer unschuld und unwissenheit 

aufzuziehen. dem versuch herzeloydes haftet etwas widerständiges 

an, das weit über bloße sozialromantik hinausgeht und nichts weniger 

ist als die verwirklichung eines den herrschenden normen zuwiderlaufenden 

gegenmodells darstellt – so gehörig es auch daneben 

gehen mag. parzival wird sich auf den weg zum artushof machen, 

sobald er rittern begegnet, und herzeloyde kann es nicht verhindern. 

eine andere wiederholt literarisierte – und extrem aus der norm fallende 

frauenfigur, die antipodin herzeloydes auf archetypischer ebene, 

könnte man sagen, ist medea. im deutschen sprachraum hat grillparzer 

zu Beginn des 19. jahrhunderts seine version der medea veröffentlicht, 

in der die protagonistin verspottet, gedemütigt, rechtlos 

gemacht und aller würde beraubt, die gewalt gegen ihre kinder und 

gegen sich eskalieren lässt. christa wolf bearbeitete den medea-stoff, 

indem sie auf Quellen, die vor euripides liegen, zurückgreift – aber 

christa wolf scheidet (zum glück) als stimme aus dem jenseits aus. 

der oikos in griechenland bezeichnete nicht den kleinhaushalt, den 

wir heute kennen, er umfasste alles soziale und wirtschaftliche. das 

lena knilli 

beine, blatt, baby, 2004 

industrypainter, lackstift und klebestreifen 

auf transparentpapier und papier, 

50 x 40 cm 


die wahrnehmung der nie enden wollenden 

veränderung in der kindlichen 

entwicklung und die Beachtung von 

parallelen zur botanischen welt sind 

wesentliche elemente in der arbeit von 

lena knilli. in dem schichtenden und 

reflektierenden arbeitsprozess, der zu den 

gezeichneten collagen führt, thematisiert 

sie die „vorgaben“ für eine individuelle 

menschliche entwicklung und entfaltung 

– organische, soziale, kulturelle codes 

gleichermaßen. neben Blättern, die den 

uterus umschließen, sind es stängel, die 

als drittes Bein der frau fungieren: ist das 

menschenbaby aus einem Blatt geboren? 

dann sind auch immer wieder kreise ein 

wesentliches gestaltungselement ihrer 

collagen: sie sind samenkorn, geheimnis, 

großes los, niete, mantelknopf, energie, 

druckknopf, schalter, planet und universum. 

die kreise stellen die figur in relation 

zum ganzen. 

knilli ist eine primär figurative künstlerin, 

für die Qualitäten der linie wesentlich 

sind. die eigene mutterschaft bedeutete 

für die künstlerin eine sehr starke spirituelle 

erfahrung, die sie mit der kraft der 

natur und ihren genetischen vorgaben in 

verbindung bringt. gleichzeitig sind ihre 

Babys von einer vertrauensvollen obhut 

getragen, was den besonderen zauber 

ihrer klaren arbeiten hervorruft. 

• 

elzbieta 

jabłońska 

suPermotHer, 2002 

c-print auf aluminium, 100 x 150 cm 


die oft als postfeministische bezeichnete 

kunst von elz • 

bieta jabłońska bietet einen 

charmant ironisch kommentar zum 

status und der rolle der frau in einer 

traditionellen gesellschaft heute, indem 

sie alltägliche handlungen von frauen 

in kunst transformiert. sie verwendet 

stereotypen und klischees von traditionellen 

und feministischen frauenbildern, 

um ein intelligentes spiel voller humor 

und wärme mit ihnen zu treiben. seit der 

geburt ihres sohnes hat sie die typischen 

aufgaben einer mutter und hausfrau in 

ihren kunstkosmos integriert. in ihrer 

serie „supermother“ posiert die künstlerin 

als comic-superheld mit ihrem sohn 

gleich einer madonna mit kind in ihrer 

wohnung. superman, Batman und spiderman 

haben nicht nur ihr geschlecht 

gewechselt, sondern setzen ihre übernatürlichen 

kräfte für eine scheinbar alltägliche 

aufgabe ein: die kindererziehung, 

die im übrigen nach mehr als nur einer 

heroischen tat verlangt. 

gudrun kampl 

madonnenbild, 2002 

samt, foto, 10 x 70 cm 

courtesy galerie judith walker 

der ausgangspunkt von gudrun kampls 

künstlerischer arbeit ist der menschliche 

bzw. der weibliche körper einerseits, seine 

übersetzung in oberfläche und ornament 

andererseits. sie beschäftigt sich in ihrer 

kunst mit der Bedeutung von kleidung, 

ihrem gebrauch und ihrem haptischen 

mehrwert. in ihrem madonnenbild blickt 

man wie durch ein schmiedeeisernes 

fenstergitter in einen geschützten raum, 

in dem eine mutter ihr kind auf dem 

schoß hält. das Bild ist verschwommen, 

scheint weit weg, die eisenornamente des 

gitters sind durch rote samtherzen ersetzt, 

umrahmen das Bild und relativieren 

schutz und sicherheit. die mittelalterlich 

anmutende szenerie eines hortus conclusus 

wird haptisch erfahrbar, vielleicht nur 

mehr haptisch erfahrbar. 

iris kettner 

m#6, 2008 

kleidung, textilien, accessoires, klebeband, 

folie, metallgerüst, höhe ca. 165 cm 

courtesy galerie römerapotheke 

iris kettner hat mit ihren seit 2002 entstandenen 

puppenkörpern der wegwerfgesellschaft 

ein neues gesicht gegeben. 

ihre figuren sind aus gesammelten 

altkleiderlumpen geformt, die mit klebeband 

über holzkonstruktionen gebunden 

sind und mit gebrauchten kleidungsstücken 

angezogen sind. die ausführung 

ist bewusst roh, viel ist mit klebeband 

umwickelt, bandagiert und geflickt und 

die groben nähte scheinen auf das soziale 

flickwerk gesellschaft selbst zu verweisen. 

kleidungsstücke sind signifikate der 

lebenswelt der sie tragenden personen, 

von denen der passant bzw. der Betrachter 

bereits ein vorgefertigtes Bild mit sich 

herumträgt. die durch ihre kleidung stigmatisierten 

unterprivilegierten führen uns 

an die randbereiche einer auf erfolg und 

wohlstand getrimmten gesellschaft und 

erinnern uns an die implikationen eines 

lebens, in der es das selbstverständliche 

nicht gibt. 

kettner stellt nicht nur jene in den 

mittelpunkt, die es in den randbereichen 

am schwersten haben, nämlich alleinerziehende 

mütter, sondern setzt die kleidung 

in ihrer ursprünglichen funktion als 

sicherstellung von schutz, scham und 

schmuck ein und verweist durch diese 

grundlegende, schützend-umhüllende 

funktion auch durch das material auf den 

Bereich der mutterschaft.

u t t e r 

bedeutete, frauen waren zwar aus der polis, der res publica ausge- 

ich glaube deine lügen, mama, ich glaube deine lügen, mama, ich glaube deine lügen, mama, ich glaube deine lügen, mama, ich 

14 10 schlossen, nicht aber aus der wirtschaft. meist stellten die männer 

glaube deine lügen, mama, ich glaube deine lügen, mama, ich glaube deine lügen, mama, ich glaube deine lügen, mama 11 

her und die frauen verkauften auf dem markt oder arbeiteten auf den 

höfen; der haushalt, die kinder liefen nebenher. zur trennung von 

haus- und erwerbsarbeit kam es erst mit der industrialisierung, wobei 

proletarische frauen von anfang an in textilfabriken arbeiteten, unter 

oft unsäglichen Bedingungen und die bürgerlichen frauen zu hause 

näharbeiten verrichteten (um respektabel zu bleiben). näharbeit, die 

erbärmlich schlecht bezahlte arbeit bürgerlicher frauen, wird eindrücklich 

von wanda sacher-masoch im spannungsfeld einer mutter-tochter-Beziehung 

beschrieben, auch das einer der texte im pool. 

frauen, die sich mit der Brüchigkeit und doppelmoral bürgerlicher gesellschaft 

um 1900 konfrontiert sahen, stellte arthur schnitzler in einer 

neuen erzähltechnik und in auseinandersetzung mit den erkenntnissen 

sigmund freuds dar. den fokus legt schnitzler auf fein gesponnene 

lügen in zwischenmenschlichen Beziehungen und auf die 

Ronald Kodritsch 

libido der figuren, was ihm wiederholt pornografie-vorwürfe eintrug. 

die nicht allzu häufig modellierten mutterfiguren stehen zwischen 

bürgerlich-patriarchal definiertem rollenverständnis und eigenem 

Begehren, was zum konflikt, zur katastrophe - und zu emanzipatori- 

almagul menlibayeva 

cHildren and Peri, 2008 

produktionsfotografie aus dem film „exodus“ 

hd einkanal-dvd, 1:21 min 

schen ansätzen und aufbrüchen führt. 

ewa Harabasz 

courtesy of priska c. juschka fine art 

das morden und metzeln im zwanzigsten jahrhundert und der wie- oHne titel, 2007 

shirin neshat 

deraufbau der gesellschaft bringen (zwingen) frauen dazu, verantwortung 

zu übernehmen, rechte einzufordern, ihr nachdenken öffentlich 

zu machen, sich zu vernetzen. christa reinig, trümmerfrau, 

poetin, feministin, lebte und schrieb dies exemplarisch vor. ihr gedicht 

digitalprint, vergoldung, öl auf leinwand, 

holz, 122 x 61 x 7,5 cm 

courtesy of the artist und le guern 

gallery, warschau 

ronald kodritsch 

mama, 2010 

kasachstan ist ein land, in dem sich 

unterschiedliche kulturelle einflüsse, 

schamanische mythen, rituale mongolischer 

einwanderer und islamische 

oHne titel, 1995 

s/w-print, 166 x 122 cm 

neue galerie graz am universalmuseum 

joanneum 

„wo ist mutter“ ist eine lakonische wie radikale anklage gegen ein du, 


traditionen begegnen und auch miteinan- 

das als männlich, als männliches prinzip, identifiziert werden kann, 

welches die mutter, das mütterliche, demütigt, ausbeutet, verheert, 

tötet. die anklage, das macht das radikale des textes aus, richtet sich 

verhalten aber auch gegen die mutter, das mütterliche, das die ver- 

in ihrer serie „icons“ hat ewa harabasz 

bekannte Bilder aus den tagesnachrichten, 

sogenannte ikonen der kriegs- und 

dokumentarfotografie aus new orleans, 

Bagdad oder Beslan in der tradition der 


„ich glaube deine lügen, mama, ich 

glaube deine lügen, mama“, immer wieder 

verbinden. in ihren fotografien und 

videoarbeiten konfrontiert die künstlerin 

die alten kasachischen kulturen mit 

aktuellen westlichen einflüssen, wobei 

die idee einer weiblichen identität ganz 

shirin neshat setzt sich in ihren arbeiten 

kontinuierlich mit fragen des fundamentalismus, 

der religion und der komplexität 

der weiblichen existenz bzw. der rolle der 

frau im islam und in islamischen gesellheerung 

umdeutet, entschuldigt. 

orthodoxen ikonenmalerei überformt. die 

der wie eine strafaufgabe auf die weiße wesentlich ist. menlibayeva selbst spricht schaften auseinander. sie selbst versteht 

der patriarchale konsens einer zweiteilung der welt in männlich- fotografien sind die ikonen einer säku- 

leinwand in den schemen einer madonna im zusammenhang mit der synthese von ihre arbeit „als bildlichen diskurs zum 

geistige freiheit in der öffentlichkeit und weiblich körperlichen dienst 

zu hause wurde von den feministischen Bewegungen in der zweiten 

hälfte des zwanzigsten jahrhunderts wirksam erschüttert. die zielsetzungen 

dabei waren unterschiedlich: zum einen versuchten die 

laren gesellschaft, die die erfüllung ihrer 

spirituellen Bedürfnisse und hoffnungen 

von den zu stars erkorenen personen der 

medienwelt abhängig macht. 

die „schöne“ und zugleich verführerische 

mit christuskind geschrieben. das werk 

von ronald kodritsch entbehrt nicht eines 

gewissen ab- und auch tiefgründigen 

humors. er treibt sein ironisches spiel mit 

anspielungen und zitaten aus der kunst- 

zentralasiatischen und europäischen traditionen 

von „romantischem punk schamanismus“. 

damit wird auch ein gewisser 

rebellischer charakter angesprochen, den 

man wahrscheinlich braucht, wenn man 

thema feminismus und zeitgenössischer 

islam“. unter dem eindruck ihrer ersten 

reise in den iran nach der islamischen 

revolution entstand die fast schon 

ikonisch zu nennende fotoserie „women 

Bewegungen – sich als interessenvertretung verstehend - ein konzept oberfläche zieht uns über das Bildgeschegeschichte, 

der populärkultur, der medial in einem muslimischen land die nacktheit of allah“. sie hat sich dabei selbst im ta- 

von gleichheit zu verwirklichen, das (welch ironie!) von der bekämpfhen in einen soziopolitischen kontext, der 

vermittelten wirklichkeit und der comic- weiblicher personen zelebriert. sie konschador fotografiert und die unbedeckten 

ten patriarchalen ordnung entwickelt worden war. zum anderen werden 

körperlichkeit, gefühl, natur, weiblichkeit ins zentrum gesetzt, 

ohne die herkömmliche zweiteilung selbst in frage zu stellen. teile 

der Bewegung arbeiten - kultur evolutionierend - für eine aufhebung 

in seiner schwer durchdringbaren komplexität 

vom glanz des goldes verdeckt wird 

und nur helden und heilige übriglässt. 

harabasz’ ikonen schließen uns psychologisch 

mit ein, verwickeln uns ethisch 

kultur. mit seiner strategie der ironie und 

dekonstruktion gelingt es ihm jedoch 

immer wieder gesellschaftliche situationen 

auf den punkt zu treffen. die abhängigkeit 

des schutzbedürftigen kindes von 

trastiert die raue landschaft kasachstans 

mit Bildern stillender frauen. und diese 

frauen der steppe versinnbildlichen nicht 

nur die weibliche dynamik in den kulturen 

und gesellschaften dieser region, sondern 

stellen mit zeitgenössischer lyrik in farsi 

überschrieben, die themen wie sexualität 

oder Begehren anspricht, in einer zeit, 

als sich niemand traute diese Bereiche zu 

berühren. 

der zweiteilung als solcher und benennen die zusammenhänge zwi- und konfrontieren uns philosophisch mit 

seinen eltern, sein ausgeliefertsein an 

fungieren auch als mythische Bewah- 

das islamistische regime verlieh ausschen 

sexismus, naturzerstörung, militarismus und armut. auch die einer zeitgenössischen konstruktion des 

die verantwortung und fürsorge seiner rerinnen der tradtition und trägerinnen schließlich der weiblichen kleidung 

tatsache, dass ein lieber oder weniger lieber gott als legitimierungs- 

heiligen. die mutter mit kind ist madon- 

mutter, das stete auseinanderwachsen neuer werte. in atmosphärischen Bildern eine politische und religiös-moralische 

instanz für diese dichotomisierung herhalten musste, wurde kritisiert 

und ein vernunftbegriff entlarvt, der so herrlich neutral daherkam, in 

wirklichkeit aber männlich konnotiert war. 

literarische texte, die von diesen positionen angestoßen und motina, 

heilige, heldin, flüchtling, opfer, frau 

und in jeder ihrer zuschreibungen immer 

konstruktion der medien. 

die sakralisierung jener zufallshelden ist 

sowohl bewegend als auch ironisch und 

bis hin zur völligen emanzipation des 

sprösslings und dem infragestellen der 

eigenen erziehung und der mitgegebenen 

werte, dies ist der spannungsbogen, den 

kodritsch mit seiner für die ausstellung 

stellt uns die künstlerin starke frauenfiguren 

vor, wie umai, die alles-ernährende 

mutter-göttin der turk-siberer oder die 

peri, engelsgleiche lichtwesen aus der 

persischen mythologie. „mythen sind rea- 

dimension. der tschador bildet die 

schnittstelle einer kulturellen differenz, 

jede abweichung in kleidung, jedes 

individuelle verhalten wird sanktioniert 

und als regeimkritik geahndet. die 

viert sind, finden sich nicht im textpool – sie fließen in arbeiten noch dekonstruiert die aufmerksamkeitssys- 

angefertigten arbeit umreißt. dass dabei litäten unser psychischen fähigkeiten.“ fotografien shririn neshats beziehen ihre 

lebender autorinnen und autoren ein, die laut regeln nicht zur verteme der medienlandschaft. die darge- 

auch die ironie gegenüber dem marienkult göttin, lichtwesen und stillende mutter ungebrochene faszination aus dem verfügung 

stehen, wohl aber, und das macht das spannende des abends 

aus, die aktuell geschriebenen mutter-texte der sprechperformer und 

sprechperformerinnen inspirieren. 

Birgit Pölzl 

stellten menschen sind keine heiligen, sie 

hatten in ihrem leiden und erleiden keine 

wahl. die frau, die ihr kind trägt, ist keine 

heilige madonna, sie ist „nur“ eine mutter, 

die ihr kind schützt. 

und seinem ideologisch verbrämten ideal 

der „guten mutter“, sowie den nationalkonservativen 

missionarinnen von radio 

maria nicht zu kurz kommt, versteht sich 

dabei von selbst. 

sind urbilder des menschlichen lebens, 

chiffren eines ewigen kreislaufs zwischen 

welt und kosmos, natur und vorstellung, 

leben und tod. 

störenden moment, dass sie spannungen 

zwischen religion und gewalt, sexualität 

und verhüllung offen lassen und keine 

vorschnellen aktivierung eingefahrener 

denkmuster zulassen.

u t t e r 

12 

„wir sind in frauen- und männer-rollen gewachsen, die schwer koexistieren können, und so führt mancher individualismus nicht nur zur selbstverwirklichung, sondern zu selbst verwirklichter leere und einsamkeit. 

gerade in mailand, wo ich lebe, scheinen familie und kinder als Behinderung empfunden zu werden und nicht als ein geschenk. die neuen werte sind uneingeschränkte freiheit, flexibilität und selbständigkeit und dies 

scheint unvereinbar mit einer familie zu sein, außer man kann sich einen 24 stunden Babysitter leisten. das kind wird zum statussymbol, und der eigentliche hintergrund einer familie wird einfach ausgeblendet. 

eine mutter ist nicht eine, die ein kind gebärt, sondern eine, die diesem kind alles geben will, was möglich ist. das ist meiner meinung nach auch eine familie. und deswegen denke ich, wir sind wirklich eine generation, 

die amputiert ist, oder vielleicht nicht amputiert ..., behindert wäre das richtige wort. im italienischen heißt es „handicappato“, und drückt stärker dieses handicap aus. da fehlt eine zukunft bei uns, glaube ich. 

13 

Aus dem Interview: „Selbstverwirklichte Leere. Die Künstlerin Julia Krahn über „Mutterschwere“ im Gespräch mit Roman Grabner“, das im neuen Heft von „Kunst und Kirche“ (Mutter Unser) abgedruckt ist. 

julia krahn 

mutter, 2009 

Bubble-print auf aluminium, 40 x 32,3 cm 


in ihrem fortlaufenden projekt zum thema 

und der person der mutter rückt julia 

krahn die ambiguität zwischen spirituellen 

Bedürfnissen und emotionalen unsicherheiten 

ins zentrum ihrer arbeit. dabei 

setzt sie ihren körper als symbolische 

repräsentation sozialer unstimmigkeiten 

ein und tariert die spannungen zwischen 

anspruch und realität mit ihrem eigenen 

körper aus. ihre selbstinszenierungen zielen 

auf verloren gegangene und ins hintertreffen 

geratene werte in gesellschaft, 

familie und religion, die sie mit neuer 

kraft und poetik erfüllt, um ihr fehlen 

umso stärker ins Bewusstsein zu holen. 

sie greift dabei auf christliche motive und 

ikonografien zurück, die die spirituelle 

dimension menschlicher Beziehungen und 

gesellschaftlichen zusammenlebens umso 

einprägsamer wiedergeben. 

“the staged portrait series ‘her’ reflects my longstanding interest in connecting human subjects and figurativeness with conceptual work. in this concrete case i was struck by the aesthetics of popular 

‘holy’ images of madonnas, their supersaturated or shifted colours and a certain naiveté. inspired by my own experience as a mother, i decided to make use of some of these elements in depictions 

of women who are either presently mothers or as yet childless, but carrying within the potential miracle of the creation of a new life and all that comes with it. in addition, the images reflect and 

combine the influences from the religious iconography of western art, for example of the renaissance, , which popular imagery also draws from. however, the madonnas themselves interest me more 

than from a religious perspective, as a sociocultural phenomenon with its concomitant connection of people.” 

ulrike rosenbach 

mutterliebe, 1978 

video, 4 min 


ulrike rosenbach hat sich bereits in den 

ersten jahren ihres künstlerischen schaffens 

mit der frage ihrer eigenen doppelrolle 

als künstlerin und ehefrau und 

mutter auseinandergesetzt. die pionierin 

der deutschen performance, video- und 

medienkunst hat vor allem bis 1973 sehr 

stark autobiografisch gearbeitet, sich 

mit ihrer eigenen weiblichen identität 

beschäftigt und folgerichtig auch mit dem 

eigenen körper gearbeitet. es entstehen 

arbeiten über ihre mutter, über ihre eigene 

rolle als mutter und das muttersein 

an sich. in ihrer videoarbeit „mutterliebe“ 

sieht man den halb geneigten kopf eines 

kindes, der immer wieder von der mutter 

geküsst wird. mit fortschreiten der zeit 

wird das gesicht zunehmend bedeckt von 

den roten lippenstiftspuren der mutter, 

und das zeugnis der liebesbekundung 

erhält die assoziation von Brandmalen 

oder anderen verletzungen. in der arbeit 

„einwicklung mit julia“ sitzt die tochter 

der künstlerin auf dem schoß und wird 

zur musik von atemtönen ihrer mutter 

mit transparenten mullbinden an sie 

gebunden. „wir sind sowieso untrennbar 

miteinander verbunden.“ 

susanne sehn-baumhakel 

oHne titel 

lärchenholz verkohlt, ca. 145 cm hoch 


susanne sehn-Baumhakels künstlerische 

Bearbeitung des mutterthemas entspringt 

den persönlichen veränderungen des 

mutterwerdens, der familiengründung 

und der erfahrenen verlustsituationen 

bisheriger autonomie bzw. der freiheit 

allein für die kunst leben zu können. 

persönliche Bilder von mutter-kind 

relationen setzt sie auf skizzen, notizen 

auf papier und leinwand, in holz und 

ton gearbeitete klein- und großplastiken 

um, um formales und inhaltliches auf 

das wesentliche zu reduzieren. immer 

wieder sind es mutter-kind-figuren, die 

an die madonnendarstellungen mit kind 

anknüpfen: erinnerungen, die als umrisse, 

fragmente oder schatten, nachgefühltes 

oder erloschenes in neuen gedankenräumen 

ihren platz einnehmen. 

ann-sofi sidén 

in Passing, 2007 

6-kanal video installation, synchronisiert, 

mit sound und säule, 14 min 

courtesy christine könig galerie, wien 

sidén entführt den Betrachter in ihren 

filmischen installationen immer wieder 

in räume, die er oder sie in schweigender 

übereinkunft vorzieht nicht zu kennen 

bzw. zu verdrängen. in ihrer auseinandersetzung 

mit der für die schwedin 

unbekannten einrichtung der Babyklappe 

konstruiert die künstlerin eine situation 

um den entscheidenden moment, wenn 

eine mutter ihr kind aussetzt. die Babyklappe, 

für die es nach wie vor keine 

gesetzliche grundlage gibt – ein ort also, 

den es so nicht geben dürfte – ist ein 

künstlicher ersatz für den wärmenden und 

schützenden schoß der mutter, wird als 

dieser jedoch zur trennenden schnittstelle 

zwischen mutter und kind. 

alec soth 

aus der serie: niagara: 

rebecca, 2005 

chromogenic print, 76,2 x 61 cm 

courtesy loock galerie, Berlin 

alec soth ist shooting star einer neuen 

generation amerikanischer fotografen, 

die in der tradition der sozialdokumentarischen 

fotografie eines walker evans oder 

robert frank stehen. seine unprätentiösen 

fotografien gewähren tiefe einblicke in 

das seelenleben einer ganzen gesellschaft 

und ihrer individuen. in seiner 2006 

entstandenen fotoserie „niagara“ geht 

er der frage nach, warum menschen ihre 

flitterwochen so gerne an diesen gewaltigen 

wasserfällen verbringen. sind die 

niagara-fälle eine geeignete metapher für 

liebe und leidenschaft? seine Bilder idealisieren 

nicht, sind eher von sachlichem 

zweifel durchdrungen und evozieren eine 

ahnung von den schattenseiten von liebe 

und leidenschaft. 

Aus einem Email von Jitka Teubalova über ihre Serie “Her” 

jitka teubalová 

santaanenska 

ona s ditetem 

farbfotografie auf aluminium, 79,5 x 52 cm 


teubalovás fotoserie „ona (her)“ verknüpft 

die Ästhetik von populären heiligenbildchen 

der mutter gottes mit den eigenen 

erfahrungen der künstlerin als junge 

mutter. das Bild der madonna interessiert 

sie weniger von einem religiösen standpunkt 

aus, als vielmehr als soziokulturelles 

phänomen. in lateinamerika zirkulieren 

diese „Bildchen“ nicht nur in kirchen, 

sondern in straßenbahnen, zügen, Bussen, 

parks; es sind öffentliche Bilder und Bilder 

von öffentlichem interesse. 

parallel zu den fotografien hat jitka 

teubalová eigene heiligenbildchen 

angefertigt, die sie in einer performance 

in prag und in Buenos aires an passanten 

verteilt hat, um ihre Bilder aus dem 

galerienraum ebenso in den öffentlichen 

raum zu tragen.

u t t e r 

14 

Du bist vor zwei Jahren selbst Mutter geworden. Hat diese veränderte Situation, diese neue Verantwortung Deine Arbeit in irgendeiner Weise verändert bzw. beeinflusst? 

sicherlich gelangte dieses thema in meine arbeit, wenn auch nicht immer auf direkte weise. aber ich fürchte mich mehr und habe natürlich auch viele neue dinge gelernt. in einem neuen projekt arbeite ich daran zu 

meinen kulturellen wurzeln zurückzugehen. ich habe mich selbst öfter als zuvor dabei beobachtet, über das konzept von daheim im unterschied zum konzept von zuhause nachzudenken. Bisher war mein leben 

bestimmt von den auswirkungen des reisens und der kulturellen veränderung. jetzt stellt sich mir die frage nach der notwendigkeit des Bleibens, aber warum? und vor allem wo? 

15 

Auszug aus einem Interview mit Daphna Weinstein, das auf www.kultum.at/galerien/2010/mutter nachzulesen ist. 

daphna weinstein 

engliscHe mutter, 2010 

papier, einmachglas, ca. 26 cm 


die israelische künstlerin daphna 

weinstein arbeitet vorwiegend auf und 

mit dem medium papier. dabei ersetzt sie 

die spitze des stiftes durch die klinge des 

messers und schneidet ihre zeichnungen 

in das weiße material. vor zwei jahren 

entstand so das großformatige cut-piece 

„eine halbe stunde später“, in dem sie sich 

selbst auf sechs knapp hintereinander 

hängenden papierbögen mit ihrem gerade 

entbundenen sohn einschnitt. 

in einer ihrer neuesten serien stellt sie 

kleine (aus)geschnittene Bilder von müttern 

aus unterschiedlichen religionen und 

kulturen in einmachgläser. den überwältigenden 

gefühlen der mutterschaft folgen 

nun der alltag und die schwierigkeiten 

der existenz. „... die mütter aus verschiedenen 

lebensabschnitten und kulturen 

blicken aus den gläsern. jedes gefäß ist 

eine welt für sich, kein hineinkommen, 

kein herauskommen!“ die einmachgläser 

greifen zudem auch die klassisch-konservative 

rollenverteilung als der frau hinter 

dem herd wie den aspekt der vermehrt 

in anspruch genommenen in-vitrofertilisation, 

der zeugung im glas auf. 

festgeschrieben stereotype mutterbilder 

werden von weinstein aufgeschnitten, 

auseinandergenommen und zur konservierung 

abgelegt ohne deren verzahnung 

mit der gegenwart auf poetisch-kritische 

art sichtbar zu machen. 

das interessante am „kinder-kriegen“ war für mich als künstlerin das herauskippen aus einem leistungsorientierten, geradlinigen, kopflastigen leben (immer/besser/mehr) in eine körperliche, unkalkulierbare, 

verlangsamte, von sinnlichen Bedürfnissen und Begrenzungen bestimmte zeit, wobei ich aber an der leistung des regelmäßigen malens festgehalten habe. gebären und stillen sind etwas archaisches, 

subversives, tierisches, unkultiviertes – in vielerlei hinsicht ein reicher fundus für kunstschaffende. zugleich aber sind diese tätigkeiten auch unzeitgemäß und leistungsfeindlich. die gesellschaft 

scheint ihnen auszuweichen – im gegensatz beispielsweise zu darstellungen von pornographie und gewalt, die ihren platz in ausstellungen und museen gefunden haben. 

tobias trutwin 

suPeruscHi, 2006 

glas, 80 x 64,1 cm 

courtesy tzr galerie kai Brückner 

das Bild „superuschi“ ist ein dreifaches 

selbstportrait auf der Basis von jean 

fouquets „jungfrau und kind, umgeben 

von engeln“ (1450, koninklijk museum 

voor schone kunsten, antwerpen). mit der 

computertechnologie des morphings verwandelte 

er sein eigenes portrait in jenes 

der jungfrau, des kindes und des einen 

engels, der den Betrachter ansieht. doch 

was er an diesem auch für zeitgenössische 

augen ziemlich verschrobenen Bild der 

madonna aus der mitte des 15. jahrhunderts 

mit perlmutterweißen hautfarbe 

und offenem Busen umgeben von rotblauem 

engelchor in seinen künstlerischen 

theoriekosmos hebt, ist die metapher des 

Bildgefäßes, welches sich im künstler als 

schöpfer (madonna), als geschaffener 

(kind) und als kommunikation mit dem 

Betrachter (engel) vollzieht. das erkennenwollen 

des geschaffenen, das sich hier 

durch künstler und madonna vollzieht, ist 

teil der Bildrezeption. 

Valie exPort 

erwartung, 1976 

körperstellung: nachstellung nach 

sandro Botticellis „madonna mit dem 

granatapfel“ (1487) 

silbergelatine auf fotopapier, 60 x 50 cm 

neue galerie graz am universalmuseum 

joanneum 

valie export hat in ihren künstlerischen 

arbeiten der 1960er und 1970er jahre 

nicht nur feministische fragestellungen 

vorweggenommen, sondern sich kontinuierlich 

der analyse gesellschaftlicher 

repräsentations- und machtstrukturen 

gewidmet. in ihren fotocollagen nach 

berühmten vorlagen aus der kunstgeschichte 

fragt sie nach dem ideologischen 

gehalt religiös determinierter 

ikonografien, nach deren fortleben in 

traditionellen rollenbildern und nach der 

gesellschaftlich konstruierten identität der 

frau. der überhöhung des leidens und der 

idealisierung der frau als mutter setzt sie 

den kruden realismus des alltags einer 

hausfrau entgegen. 

Auszug aus dem Interview mit Judith Zillich, das in der parallel zur Ausstellung erscheinenden Ausgabe von „Kunst und Kirche“ abgedruckt ist. 

silke weinsheimer 

oHne titel, 2004 

c-print auf aluminium, 120 x 90 cm 


die junge deutsche fotografin silke 

weinsheimer nähert sich in ihrem 

„selbstporträt“ einem alltagsproblem, 

mit dem die meisten frisch gewordenen 

mütter konfrontiert sind – dem leichten 

milchfluss, nachdem man das kind 

gestillt hat. selbstbewusst blickt sie in 

die kamera und präsentiert sich auf 

den zweiten Blick als stolze mutter. mit 

dem gewählten körperausschnitt und 

der starren frontalität greift sie auf die 

tradierten madonnendarstellungen der 

kunstgeschichte zurück, transformiert 

diese aber, indem sie das vielgepriesene 

kind nicht zeigt, sondern durch dessen 

folgen offenbart. die milchflecken auf 

ihrem oberteil weisen sie als stillende 

mutter aus, als eine zeitgenössische mater 

lactans, die somit viel von sich preisgibt, 

aber ihr kind noch nicht dem Blitzlicht der 

öffentlichkeit aussetzt. 

annelies strba 

dawa, 2001 

video, 53,21 min 

courtesy of the artist und galerie eigen 

+ art, Berlin 

strbas film „dawa“ ist mit einer ruhigen, 

minimalistischen und repetitiven melodie 

hinterlegt, die sich ebenso unmerklich 

verändert wie die Bilder des films. das 

video zeigt aufnahmen der beiden töchter 

strbas mit deren kindern, die sie mit 

landschaftsszenen und Blumenbilder verschränkt. 

ihre arbeitsweise mit extremen 

fehlfarben verleihen den sequenzen eine 

unwirkliche und sphärische stimmung 

und lassen die bekannten formen und 

ikonografien zu einer assemblage bunter 

flecken und flächen verschwimmen. wie 

von wärmebildkameras aufgenommen 

bewegen sich die familienmitglieder 

in zeitlupe durch die irrealen szenerien. 

durch zeitlupe, unschärfe und 

konturverlust werden die personen und 

Beziehungen aufgelöst und gerinnen 

zu unscharfen erinnerungen an räume, 

menschen und Bande. was bleibt, ist die 

spur einer ikonografie im gegenlicht von 

farbe und erinnerung. 

judith zillich 

stillbild, 2005 



in der stillphase mit ihren beiden kindern 

malte die seriell arbeitende wiener 

künstlerin judith zillich täglich ein abbild 

mit ihren Babys. es entstanden mehr als 

250 solcher ölgemälde. sie sind von einer 

berührenden intimität gezeichnet. geben 

und nehmen, nähe und distanz setzt die 

künstlerin am thema der haut malerisch 

um. distanz, reflexion, infragestellung 

der mutterrolle scheinen ganz fern zu 

sein. die urerfahrung des stillens und 

schlafens ihrer kinder bearbeitet sie als 

unzeitgemäße und leistungsfeindliche 

gegenbilder für eine gesellschaft, der das 

archaische des anfangs fremd geworden 

erscheint und die sich dem funktionierenmüssen 

immer mehr ausliefert.

16 

konzert “fatima spar and the freedom fries” 


stockwerk, jakominiplatz 18 

lesung 

sonntag, 7. november 2010 / 16.00 uhr 

imcubus, mariahilferplatz 3/i 

17 

foto: a. frank 

iteratur 

mc markus köhle und mieze medusa 

fixstarter renato kaiser, schweiz 

freitag, 1. oktober 2010 / 20.00 uhr / kleiner minoritensaal / eintritt € 3,- 

Der Eintritt geht zur Gänze an den Sieger bzw. die Siegerin des Poetry Slams. 

Diese Veranstaltung wird unterstützt durch die Kulturvermittlung Steiermark. 

vorgetragen wird ein selbstverfasster text, ob zarte dichtung, 

explosiver rap oder die eigene lebensgeschichte im 

zeitraffer - jeder slammer hat seine eigenen 5 minuten im 

rampenlicht. poetry slam ist enthusiasmus, ist adrenalin, 

ist live! 

es gibt eine vor- und eine finalrunde (also 2 texte mitbringen), 

den sieger oder die siegerin kürt die publikumsjury. zu 

gewinnen gibt’s ruhm, applaus und überraschungspreise! 

im mittelpunkt stehen der slammer mit seinem text und 

die performance. nicht erlaubt sind hilfsmittel wie kostüme 

oder instrumente, textblätter zum ablesen aber schon. 

fremdsprachige texte und gruppenperformances sind 

ebenso auf der Bühne willkommen, aber es bleibt bei 5 minuten 

pro auftritt. 

das Beste aber am poetry slam: jeder darf mitmachen! 

wie? anmelden kannst du dich vor ort ab 19.30 uhr. die 

reihenfolge der auftritte wird ausgelost. 

lesefest 

lust in translation 

Barbi marković, Belgrad / wien 

julya raBinowich, st. petersburg / wien 

hamid sadr, teheran / wien 

zehra Çirak, istanbul / Berlin 

lesung der deutschsprachigen texte martina stilp 

moderation alexandra millner 

konzept helga mitterBauer, robert reithofer 

und catherine t. nicholls 

eintritt frei 

Eine Veranstaltung in Kooperation mit ISOP und dem Internationalen Haus 

der AutorInnen Graz. Unterstützt durch die Kulturvermittlung Steiermark 

als nischenphänomen kategorisiert, als gastarbeiterliteratur 

abgestempelt. literatur von migrantinnen 

ist „anders“, muss doch auch ganz 

anders sein. nach drei generationen literarischen 

schaffens mangelt es der deutschen literatur 

nicht an Benennungen, dafür umso mehr an der 

fähigkeit, die richtigen fragen zu stellen. nach 

antworten suchen vier vertreterinnen der sogenannten 

„fremden literatur“, in deren schreiben 

sich die eigenen wurzeln auf unterschiedlichste 

weise manifestieren. poetisch, kritisch, dekonstruktivistisch 

finden zwischen den zeilen migration, 

identitätsfragen und zweisprachigkeit 

ästhetischen ausdruck. 

während die Berliner dichterin zehra Çirak, die 

in istanbul geboren wurde, schon immer in deutscher 

sprache schreibt, hat hamid sadr, der wegen 

aktivität in der iranischen studentenbewegung 

und seines eintretens für die legalisierung 

des schriftstellerverbands im iran ins politische 

exil getrieben wurde, erst mit mitte vierzig begonnen, 

in wien zu publizieren. 

julya rabinowich, malerin und schriftstellerin, 

arbeitet mit flüchtlingen zusammen und beschreibt 

sich als aus russland „entwurzelt & umgetopft 

nach wien“. 

eine gleich doppelte übersetzung findet bei Barbi 

marković statt, die ihren lebensmittelpunkt 

irgendwo zwischen wien und Belgrad definiert. 

aus thomas Bernhards klassiker „gehen“ wird 

„ausgehen“, überführt sie einzelne sätze nicht 

nur aus dem deutschen ins serbische, sondern 

zugleich aus Bernhards kaltem wien ins Belgrader 

nachkriegsnachtleben.

i t e r a t u r 

als reise man an einen unBekannten ort 

shamshad aBdullaev, usbekistan und andreas unterweger, österreich 

18 

moderation + üBersetzung peter deutschmann, karl franzens universität graz 

lesung der übersetzung: steffi krautz 

19 

montag, 27. september 2010 / 20.00 uhr / imcubus, mariahilferplatz 3/i, 8020 graz 

eintritt € 6,50 / € 3,50 

Eine Veranstaltung in Kooperation mit ISOP, dem Internationalen Haus der AutorInnen Graz und der Karl Franzens 

Universität Graz/Institut für Slawistik. Unterstützt durch die Kulturvermittlung Steiermark 

literatur ost-west stellt zwei autoren vor, deren schreiben sich durch leichtigkeit auszeichnet, durch 

eine spezifische form von sanftheit, die den geduldigen, genauen, lebenszugetanen Blick auf menschen 

und landschaften übt. 

shamshad abdullaev etwa zeichnet in momentaufnahmen ein eindrückliches Bild von dem in der 

sengenden mittagshitze wie erstarrt daliegenden fergana-tal. in kurzeinstellungen fängt er die 

landschaft mit ihrem steppengras, dem muslimischen friedhof, den feigen-, Quitten- und aprikosenbäumen 

ein, verzeichnet die verschiedenen geräusche im haus der großfamilie und arbeitet in 

dieses usbekische panorama höchst kunstvoll die gedankenwelt der hauptfigur hinein. 

andreas unterweger beschreibt urbane kontexte, schreibt über Beziehungen, über das schreiben, 

über musik, auch darüber, wie sich landschaften, erinnert, ins städtische schieben. es ist das kleine, 

unbedeutende, alltägliche, das liebevoll ironisch literarisiert wird und assoziationen, erinnerungen 

und reflexionen anstößt. kein pathos, keine große inszenierung: das kleine wird in der literarisierung 

leicht und schwebend und dadurch nobilitiert. 

“… als gliederte man eine nicHt-existenz wieder ein” 

shamshad aBdullaev im gespräch mit Birgit pölzl 

Birgit Pölzl: Sie gehören zu den wichtigsten Schriftstellern Usbekistans 

und schreiben auf Russisch. Warum? Wo liegen die 

Vor- und Nachteile? 

shamshad abdullaev: ich betrachte mich nicht als schriftsteller. 

ich versuche einfach – und das nicht allzu häufig – 

etwas zu papier zu bringen – vielleicht ein reines, ungekünsteltes 

schreiben so wie ein reines, unverfälschtes ereignis. 

natürlich kreiert und diktiert diese nicht wahrnehmbare literarische 

arbeit nicht meine Biographie oder mein existenzielles 

verhalten, die auf einer anderen vorgeschichte basieren 

– ohne vor- und nachteile... 

Birgit Pölzl: Sabit Madaliev, der vor zwei Jahren Gast des Internationalen 

Haus der Autorinnen und Autoren Graz war, 

berichtete von einer sprachlich dramatischen Situation in 

Usbekistan: Vier Mal sei in den letzten hundert Jahren das Alphabet 

geändert worden. Schätzen Sie die Situation ähnlich 

wie Sabit Madaliev ein? 

shamshad abdullaev: ich stimme sabit madaliev nicht zu. 

unsere gesellschaft reagiert, so weit ich das sehe, gleichgültig 

auf die veränderungen, die langsam und schmerzlos vor 

sich gehen. 

Birgit Pölzl: Ich würde Gleichgültigkeit als Folge dieser leidvollen 

Veränderungen interpretieren. 

shamshad abdullaev: o.k. einverstanden. 

Birgit Pölzl: Wie würden Sie Ihr literarisches Verfahren beschreiben? 

Ich habe „Sonntagslicht“ gelesen und war überrascht. 

Sonntagslicht ist ein postmoderner Text mit Bezügen 

und Zitaten, ein Text, würde ich sagen, der sich seiner intertex- 

tuellen Möglichkeiten bewusst ist und östliche und westliche 

Traditionen miteinander verknüpft. Wie würden Sie Ihre Arbeit 

beschreiben? 

shamshad abdullaev: ich bevorzuge eine antinarrative methode, 

die wirklichkeit nicht erklärt, sondern lebendig: vital 

macht, eine methode, die eine reale landschaft mit kulturellen 

anspielungen verbindet. in diesem Brief („sonntagslicht“) 

gibt es eine Balance zwischen dem zweifel des distinktiven 

und dem nicht-zweifel des instinktiven. es scheint so, als 

reise man an einen unbekannten ort oder gliederte den konkreten 

objekten eine nicht-existenz wieder ein. 

Birgit Pölzl: Wo liegt der Fokus Ihrer Arbeit, auf Dramatik, Lyrik 

oder epischen und essayistischen Formen? 

shamshad abdullaev: ich denke, der schwerpunkt liegt auf 

der lyrik. lyrik integriert die meditativen elemente der epischen 

und essayistischen formen. 

Birgit Pölzl: Können Sie uns die aktuelle politische Situation in 

Usbekistan schildern? Was hat den Aufruhr verursacht? Wie 

gehen die Leute, vor allem Intellektuelle und Autoren damit 

um? 

shamshad abdullaev: ich bin eine unpolitische person. politik 

ist nicht mein ding. ich sehe um mich weder eine ideale gesellschaft 

noch die vision einer idealen gesellschaft, die mich 

inspirieren würde. klar, unser land hat viele schwer wiegende 

probleme… aber ich repräsentiere keine politische position 

noch hänge ich einer an. ich versuche lediglich meine eigene 

innere stille zu bewahren und meinen literarischen underground 

in einer welt der ideologischen versuchungen. 

Birgit Pölzl: Das Schwebende, die Leichtigkeit deiner Texte wird 

immer wieder betont. Auch der virtuose Einsatz postmoderner 

Verfahren. Wie würdest du selbst deine Arbeit beschreiben? 

andreas unterweger: wenn ich so etwas wie ein motto beim 

schreiben habe, dann jenes, das ich meinem roman „wie im 

siebenten“ vorangestellt habe. es ist ein zitat aus ernest hemingways 

paris-Buch und lautet: „alles, was du tun mußt, ist, 

einen wahren satz schreiben. schreib den wahrsten satz, den 

du weißt. so schrieb ich schließlich einen wahren satz hin, 

und von da an machte ich weiter.“ 

was das aber bedeutet: „ein wahrer satz“, darüber kann ich 

nur spekulieren. ich vermute, dass es mit musik zu tun hat. 

jedenfalls kommt es mir so vor, als ob ich beim schreiben 

einer melodie folgte, einem rhythmus, der schon vor dem 

fertigen text da gewesen zu sein scheint: wie die skulptur, 

die bereits im unbearbeiteten felsblock steckt und dann „nur 

noch“ freigelegt werden muss. 

und was die so genannten „postmodernen“ erzählverfahren 

betrifft: meine geschichten (sofern sie denn welche sind) 

auf die herkömmliche, marktfreundliche art und weise zu 

erzählen, erschien mir, so wie es aussieht, bislang zumindest 

einfach nicht als das wahre … 

Birgit Pölzl : „Wie im Siebenten“ ist dein erstes Buch. Ein Buch 

über das Schreiben, über die Liebe und die Musik, und wie sie 

sich gegenseitig bedingen. Ein Buch auch darüber, wie einfach 

und schön alles sein kann, auch dann, wenn es gar nicht so 

einfach und schön ist. Einfachheit also, da finden sich Anklänge 

zu östlichen Philosophien, ist etwas, das nicht per se 

existiert, sondern etwas, das man wahrnehmen bzw. kreieren 

muss. Einwand? Zustimmung? 

andreas unterweger: eine schwierige frage … sagen wir so: 

einfachheit ist in meinen augen etwas, das zwar immer da 

ist, das man aber nicht immer wahrnehmen kann: wenn es 

mir gut geht, ist alles ganz einfach – an schlechten tagen 

aber präsentiert sich schon der morgendliche weg vom Bett 

zum schreibtisch als unendlich kompliziert. 

ob das jetzt einen einwand oder eine zustimmung bedeutet, 

weiß ich nicht – dazu müsste ich mich wohl besser mit östlichen 

philosophien auskennen … 

Birgit Pölzl: Shamshad Abdullaev, den wir gemeinsam mit dir 

zu einer Lesung eingeladen haben, beschreibt sich vehement 

als unpolitischen Autor. Wie würdest du dein Verhältnis zum 

Politischen definieren? 

andreas unterweger: vielleicht so: sehr distanziert, aber doch 

vorhanden. zwar ist bisher niemand auf die idee gekommen, 

mich als politischen autor zu bezeichnen (ich auch nicht!) 

– dennoch scheint mir „wie im siebenten“ z. B. kein völlig 

unpolitisches Buch zu sein. so lässt sich etwa, wenn mich 

nicht alles täuscht, ein gewisses, womöglich teilweise sogar 

utopistisches engagement erkennen. wie dies im detail 

„icH Vermute, dass es mit musik zu tun Hat …“ 

andreas unterweger im gespräch mit Birgit pölzl 

aussieht, wäre aber eher eine aufgabe für eine (engagierte) 

literaturwissenschaftliche arbeit. 

Birgit Pölzl: Ironie/Selbstironie hat viele Volten und Tönungen, 

die von Heiterkeit auf der einen bis Zynismus auf der anderen 

Seite reichen. Wie faltest du Ironie in deiner Arbeit aus, welche 

Qualität hat sie? 

andreas unterweger: selbstironie halte ich für eine der Bedingungen 

von guter kunst – ebenso wichtig erscheint es mir 

aber (so widersprüchlich das auch klingen mag), dass man 

das, was man tut, auch vollkommen ernst meint. einfacher 

gesagt: leute, die nur blödeln und bluffen, wirken auf mich 

ebenso suspekt wie die, die gar keine selbstironie kennen. 

was meine eigene arbeit betrifft, so nehme ich an, dass sich 

darin, abgesehen vielleicht vom zynismus (den haben die 

politischen autoren nötiger …), zahlreiche variationen der 

vorwiegend heiteren ironie finden. der klappentext von „wie 

im siebenten“ etwa spricht von der „lässigen ironie der postmoderne“ 

– ein freundlicher kritiker wollte stattdessen „eher 

eine aufklärerische ironie im arouet´schen sinne“ (arouet: 

der bürgerliche name von voltaire) am werk sehen. ich weiß 

zu wenig über humor- und komiktheorie, um zu begreifen, 

wovon hier im detail gesprochen wird (ich bin schon froh, 

dass ich ergründen konnte, wer arouet ist …), kann mir aber 

vorstellen, dass sowohl das lässige als auch das aufklärerische 

im ironiekatalog des Buches ihren platz finden. 

interessanterweise haben immer wieder rezensenten passagen, 

die ich mit vollem ernst geschrieben habe, für ihre 

gelungene ironie gelobt – und dafür andere stellen, die für 

mich ganz offensichtlich ein ;-) tragen, bierernst genommen. 

daran, dass diese herrschaften dennoch zu einem (für mich 

sehr schmeichelhaften!) verständnis meines Buches gelangt 

sind, zeigt sich wieder einmal, dass es gar nicht so wichtig ist, 

was ich, sein autor, darüber denke … 

Birgit Pölzl: Laut Biografie auf deiner Homepage lebst du als 

Schriftsteller und Songwriter. Wie einfach ist das? 

andreas unterweger: mittlerweile (oder muss ich sagen: zurzeit?) 

ist es sehr einfach. seit mein erstes Buch erschienen ist, 

hatte ich sehr viel glück mit stipendien und preisen, die ich in 

aller angebrachten demut und dankbarkeit annehme. 

das zweite Buch, eine novelle mit dem titel „du bist mein 

meer“, erscheint übrigens ende jänner 2011, wieder bei 

droschl, dem verlag meines herzens. alles in allem hoffe ich, 

dass es mit dem schreiben (in jeglicher hinsicht) so gut weitergeht 

wie bisher. 

mit den songs hingegen verfolge ich andere ziele. derzeit 

singen meine frau und ich nur für unsere wunderschöne, 

zwei monate alte tochter … die selbstdefinition als songwriter 

bzw. rockmusiker ist für mich aber seit jeher sehr wichtig: 

als eine frage der lebenseinstellung. musik hat eben nicht 

nur viel mit wahrheit, sondern womöglich noch mehr mit 

freiheit zu tun.

i t e r a t u r 

hörgerede 

serie für neue literatur & gerÄusch. 

20 

eine kooperation mit “elevate - festival for contemporary music, 

arts and political discourse” (21. – 26. oktober 2010) 

21 

das genaue programm ist auf kultuM.at und auf 2010.elevate.at 

zu erfahren. 

kleiner minoritensaal und dom im Berg 

autonome kunst Für ein autonomes 

gemeinwesen? 

talycée. gemeinsam mit ihrer sängerin melita 

jurisic, die hier als sprachstellerin, texterin und 

schauspielerin auftritt, werden sie die grenzen 

sonntag, 24. oktober 2010 / 16.00 uhr 

kleiner minoritensaal 

die veranstaltungen im kulturzentrum bei den minoriten finden 

bei freiem eintritt statt. 

ist die kunst, die autonome Ästhetik ein rad, 

an dem es sich zu drehen lohnt? dass künstler, 

initiativen, kulturhäuser und verlage immer 

wieder den versuch wagen, an den eingerosteten 

überzeugungen und geisteshaltungen der 

von musik und sprache, von ton und gesang, 

nicht nivellieren und dennoch zum verschwinden 

bringen. 

der deutlich in der tradition dadaistischer wortund 

sinncollagen stehende dichter jopa von und 

konzept und idee: christian winkler 

gesellschaft zu rütteln, ist so löblich, wie es in zy prexa mit seinen selbst gebastelten instru- 

aller regel leider unabhängig von den realen inmenten aus olivenölkanistern, staubsaugerröhterventionschancen 

des künstlerischen passiert. ren und geigenbögen wird gemeinsam mit dem 

die künstlerinnen des hörgerede-festivals ver- Berliner perfomer und musiker krach der rosuchen, 

die Balance zwischen kunst und gesellboter eine laute, atonale und um nichts weniger 

schaft zu halten, ohne von der einen oder ande- stimmig schöne geräuschlandschaft zeichnen. 

ren seite dieser allzu flachen scheibe zu fallen. je weniger kunstkrach, mehr arrangement im 

eine autorin und eine musikerin bzw. eine Band klassischen sinn wird das hörstück des zither- 

das hörgerede-konzept als festival! 

von 21. bis 26.10.2010 findet im und um den grazer schlossberg das jährliche elevate – Festival 

für zeitgenössische Musik, Kunst und politischen Diskurs statt. erstmals seit dessen fünfjährigem 

Bestehen ist auch das kulturzentrum der minoriten eine austragungsstätte des festivals. in 

kooperation zwischen elevate, dem textbüro text+brot und dem Literaturressort des Kulturzentrums 

bei den Minoriten entsteht ein neu entwickelter programmschwerpunkt an der schnittstelle von 

sprachklang, literatur und geräusch. was im diesjährigen frühjahr als sprachexperiment im 

kulturzentrum bei den minoriten eröffnet wurde, ballt sich nun zu einem dreitägigen hörgeredefestival! 

je eine autorin und eine musikerin bzw. eine Band gestalten einen auftritt im zeichen 

lautästhetischer literaturkompositionen. 

unter dem titel „elevate civil society“ stellt sich heuer das elevate-rahmenprogramm der frage 

nach entmündigungsphänomenen der gegenwart. der neue literaturschwerpunkt reiht sich in die 

veränderungs- und innovationsbestrebungen des diskursiven wie des Ästhetischen ein - ein festival 

für literarischen lärm und poetische kunstgeräusche, eingebettet in das schlossbergfestival der 

stadt. 

führen jeweils ein eigens komponiertes bzw. improvisiertes 

hörstück auf, in dem die stimme 

ihren ausdruck in musik und geräusch sucht. 

die oben angeführten fragen werden gekonnt 

ignoriert. literatur ist nämlich zuerst sprache, 

wiederholung, Bruch, schnitt, stille, stopp. erst 

dann folgt der inhalt. genau wie in der musik; im 

klang, der sich wiederholt, bricht, still wird und 

stoppt. literatur, die man spricht, klingt. warum 

festhalten, wenn erst im fließen die grenzen verschwinden? 

eine ästhetisch anarchistische Buchstabensuppe 

der sonderklasse bringt der umtriebige kulturjournalist, 

autor, musiker und wohlbekannte 

fm4-sumpfist Fritz ostermayer gemeinsam mit 

spielers, fagottisten und komponisten christof 

dienz gemeinsam mit dem südtiroler dichter 

und poetik-dozenten oswald egger bieten. 

eggers lyrisches schaffen wurde erst unlängst 

mit einem preis ausgezeichnet, der an sich nur 

für komponisten vergeben wird – neben seinen 

zahlreichen zusammenarbeiten mit klangkünstlern 

ein deutliches indiz für dessen musikalität. 

grenzen zwischen klassik und pop verschwimmen 

auch während des auftritts von us-avantgarde-größe 

otto von schirach gemeinsam mit 

der sozialpolitisch wie sprachästhetisch höchst 

avancierten autorin und komponistin lisa spalt. 

während letztere primär arbeiten zum thema 

handeln in sprache verfasst, liegt der schwerpunkt 

bei otto von schirach einmal auf seiner 

dem hamburger avantgarde-dj und schallplat- arbeit als dj und produzent, ein andermal auf 

tenproduzent Felix kubin zum vorschein. dafür seiner hörgewohnheiten durch subtile atona- 

bitten sie einen kinderchor mit allerhand eleklitäten und rhythmus-schwankungen aufbre- 

„eleVate ciVil society“ 

tronischem klangspielzeug auf die Bühne und 

spüren politisch verfolgten publizisten der jahrhundertwende 

nach; sie eröffnen das gesamte 

chenden arbeit. 

einer intensiven textlichen, filmischen und klanglichen 

untersuchung eines „am Boden gefunde- 

durch die verstaubten gemäuer veränderungs- herrschenden umständen zu handhaben ist, 

elevate-festival 2010 mit ihrer performance. nen“ tagebuchs aus dem jahre schnee widmet 

scheuer köpfe bricht heutzutage einiges: der scheint die geisteshaltung westlicher gesell- 

die in japan geborene und seit einigen jahrzehn- sich der lautpoet jörg Piringer gemeinsam 

klimawandel, die hoch- und talfahrten an den schaften zu einen. allgemeine übereinkunft, 

ten in Berlin lebende autorin yoko tawada wird mit der einfrau-textperformance-gruppe elf- 

Börsen und märkten der welt, der technische besteht auch darin, veränderungstendenzen im 

zusammen mit dem schweizer jazzkomponisten friede.interdisziplinäre.aufzeichnensysteme. 

entwicklungsapparat, die sich gegenseitig ja- keim zu ersticken, gefährden sie den status Quo 

nik bärtsch einen auftritt im spannungsfeld mit allerhand effekten ausgestattet präsentiert 

genden krisenpakete – es ist nicht einfach, einen einer westlichen wohlstandsexistenz. 

präziser klangverdichtung und poetischer Bil- der für seine ernst jandl interpretationen be- 

schwindelfreien kopf zu behalten, wenn sich was aber, wenn es wenig anderes als genau jene 

derwelten uraufführen, ein bis in den letzen laut kannte saxophonist axel kühn zusammen mit 

ringsum alles biegt und wölbt, als gäb’s kein ges- unverhältnismäßigkeiten durchschnittlicher ge- 

durchkomponiertes hörstück für freunde von dem literaturwissenschaftler und autor michael 

tern mehr. Braucht es da ein festival, das versellschaften sind, die zu krisen führen? was, wenn 

neuer musik, lyrik und jazz. 

lentz im november dieses jahres, den abschluss 

änderung mit allen mitteln der kunst als lösung die glaubenssätze des wohlstands tiefe gräben 

neue musik im sinne der alten legenden findet des hörgerede-festivals mit kaskadenartigen, 

präsentiert? 

aufreißen, in denen müllberge verschwinden, 

sich als zentraler einflussfaktor auch in den ar- höchst musikalischen sprachtexten. 

die ansicht, dass eine krise als weckruf, als geisteslöcher verschüttet, obrigkeiten erschafbeiten 

der zur bemerkenswertesten Band öster- man darf gespannt sein! 

stoppschild gegenüber blindem festhalten an fen und niedrigkeiten toleriert werden? 

reichs der letzten dekade gewählten gruppe me- 

Christian Winkler 

johannes Baargeld, 1920, tusche, feder, montage, 

„das menschliche auge und ein fisch, letzterer versteinert“; new york

22 

unge augen 

gastspiel 

lille kartofler figurentheater 

HÄnsel und gretel 

figurentheater nach einem märchen der Brüder grimm für junge menschen ab 4! 

freitag, 15. oktober 2010 / 15.00 uhr 

samstag, 16. oktober2010 / 16.00 uhr 


eintritt € 7,- gruppenpreis € 5,-/person 

reservierungen mo bis fr / (0316) 71113327 

der bekannte deutsche puppenspieler matthias kuchta spielt mit lebensgroßen textilfiguren und 

wenigen requisiten das märchen, wie wir es alle kennen. nur das allernötigste ist dann vorhanden. 

das große feuer im Backofen besteht aus einer handvoll glitzerschnipsel, das hexenhaus ist ein alter 

stuhl, der später zum käfig wird. und immer sieht und spürt das publikum: da ist jemand, der spielt 

und aufpasst, dass das märchen nicht „aus dem ruder“ läuft, sondern wie seit jahrhunderten zu 

seinem guten ende findet. 

dauer 45 minuten spiel matthias kuchta figurenentwurf und -Bau: mechthild nienaber und matthias kuchta 

theater mundwerk 

„HaPP!“ 

ein stück ohne worte über eine pupsende maus und einen gefräßigen dinosaurier für kinder ab 5! 

sonntag, 17., 24. und 31. oktober 2010 / jeweils 11.00 uhr 




ein kleiner dinosaurier mit einem tragischen leiden: kaum hat er einen spielgefährten gefunden, 

frisst er ihn sogleich mit haut und haaren auf. der arme saurier leidet darunter beinahe mehr als 

seine opfer. erst eine findige maus bringt ihn mit list und körperlichen vorteilen (sie pupst!) dazu, so 

lange von ihr abzulassen, bis er sein fressbedürfnis unter kontrolle hat. einer echten saurier-mausfreundschaft 

fürs leben steht dann auch nichts mehr im weg. 

dauer 45 minuten spiel nadja Brachvogel und martin horn regie simon windisch Bühne christina weber 

kostüm markus Boxler technische einrichtung thomas Bergner 

holzmeister kaBas 

guten tag, kleines scHweincHen 

ein theaterstück nach dem gleichnamigen Bilderbuch von janosch für tigerkinder und Bärenfreunde ab 5! 


samstag, 23. oktober 2010 / 16.00 uhr 

freitag, 12. november 2010 / 15.00 uhr 





der kleine Bär und der kleine tiger sind dicke freunde, die zusammen wohnen. doch eines tages, als 

der kleine tiger im wald pilze suchte, hat er das kleine schweinchen getroffen. sie haben zusammen 

gespielt und kuchenteig geschlabbert, und dann ist der kleine tiger zum schweinchen gezogen. 

Beinahe hätte er den kleinen Bären vergessen. aber nur beinahe, denn eines tages sehnte er sich 

danach, mit dem kleinen Bären wieder auf dem roten sofa zu sitzen. und er rannte hast-du-ihnnicht-gesehen… 

dauer 50 minuten schauspiel + regie elisabeth holzmeister + lorenz kabas ausstattung maria gruber 


Vom kleinen maulwurF der wissen wollte 

wer iHm auF den koPF gemacHt Hat 

nach dem gleichnamigen Bilderbuch von werner holzwarth und wolf erlbruch für kinder ab 3! 


freitag, 05. november 2010 / 15.00 uhr 




„als der kleine maulwurf eines tages seinen kopf aus der erde streckte, um zu sehen, ob die sonne 

schon aufgegangen war, passierte es: es war rund und braun, sah ein bisschen aus wie eine wurst – 

und das schlimmste: es landete direkt auf seinem kopf.“ 

so beginnt der leidensweg des kleinen maulwurfs, der diese schmach nicht auf sich sitzen lässt, 

sondern sich auf die suche nach dem übeltäter macht. auf diese art bekommt er vom hasenköttel bis 

zum pferdeapfel manches zu sehen, doch erst der rat der fliegen bringt die lösung an den tag. 

dauer 45 minuten schauspiel nadja Brachvogel + martin horn dramaturgie martina Breinlinger 

Bühne + kostüme Bianca fladerer regie miki malör 

illustrationen: christine kastl 

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eue musik 

ostraVská banda at graz 

mittwoch, 27. oktoBer 2010 / 20.00 uhr / minoritensaal 

eintritt € 11,– / € 7,– 

Hana kotkoVá, Violine 

Petr kotík, Leitung 

werke von 

luca Francesconi 

bernhard lang 

Petr kotík 

christian wolFF 

Paulina zalubska 

foto: ostravska Banda 

mit dem ensemble ostravská banda aus ostrava 

(tch) ist es uns gelungen, endlich wieder einmal 

ein größer besetztes ensemble für neue musik 

aus der internationalen szene zu begrüßen. vom 

wahl-new-yorker petr kotík gegründet, vereint 

es musiker aus amerika und europa, die die Begeisterung 

am spielen neuer musik vereint. in 

ostrava finden alle zwei jahre die „ostrava days“ 

statt, ein festival für neue musik, das unter verschiedenen 

schwerpunkten nicht nur in konzerten, 

sondern auch in lectures und symposien 

die verbreitung neuer musik nachhaltig fördert. 

Beim letzten mal stand der in graz lehrende 

Bernhard lang im mittelpunkt. die ostravská 

banda ist seit 2005 das „ensemble-in-residence“ 

des festivals und hat seither nicht nur viele kompositionen 

uraufgeführt, sondern sich auch ein 

beachtliches repertoire von „klassikern“ der späten 

moderne erarbeitet. in graz wird es werke 

von luca francesconi, Bernhard lang, petr kotík, 

christian wolff und paulina zalubska spielen. 

ostravská banda wurde als residierendes kammerorchester 

der “ostrava days” im august 2005 

gegründet. das ensemble besteht aus jungen 

musikern aus europa und amerika, die ein besonderes 

interesse an der aufführung zeitgenössischer 

musik verbindet. neben den verpflichtungen 

im rahmen der „ostrava days“ bestreitet das 

ensemble mittlerweile eine eigene konzertreihe. 

konzertreisen führte es unter anderem nach paris, 

new york, Berlin, utrecht und prag. neben 

dem künstlerischen leiter petr kotík spielte oB 

unter namhaften dirigenten wie peter rundel, 

roland kluttig oder ondřej vrabec. 

Christian Klein 

sHamsHad abdullaeV, 

geboren 1957 in Usbekistan. Als Lyriker, Prosaautor und Essayist ist er 

der Kopf einer Gruppe russisch schreibender Autoren, die islamische, 

zentralasiatische und chinesische literarische Traditionen mit Elementen 

der westlichen Postmoderne verbinden. 1993 erhielt er den renommierten 

Andrej-Belyj-Preis. Als Chefredakteur und Herausgeber der 

Internet-Literaturzeitschrift „Pripominajuschtschisja dom“ publiziert 

Abdullaev regelmäßig russische Übersetzungen zeitgenössischer amerikanischer, 

italienischer und deutscher Lyrik. 

siegFried anzinger, 

geboren 1953 in Weyer/OÖ, studierte an der Akademie der Bildenden 

Künste in Wien bei Prof. Maximilian Melcher und ist seit 1997 Professor 

für Malerei an der Kunstakademie Düsseldorf. Anzinger nahm 1982 an 

der Documenta Kassel und 1988 als Vertreter Österreichs an der Biennale 

in Venedig teil. Seine Werke wurden seither in Einzel- und Gruppenausstellungen 

in ganz Europa gezeigt. 1990 wurde der Künstler mit 

dem Preis der Stadt Wien ausgezeichnet. Seit 1982 lebt und arbeitet 

Anzinger in Köln. 

nik bÄrtscH, 

geboren 1971 in Zürich ist Pianist, Komponist und Produzent. Er erwarb 

ein klassisches Klavierdiplom an der Musikhochschule Zürich 

und studierte Philosophie, Linguistik und Musikwissenschaft an der 

Uni Zürich. 2000-2003 hatte Bärtsch einen Lehrauftrag für Praktische 

Ästhetik an der Musikhochschule ZH/Winterthur inne. Er ist Mitbegründer 

des Musikclubs EXIL. zuletzt erschien 2010 bei ECM seine CD 

„Nik Bärtschs Ronin ‚LLYRÌA’“. 

Peter deutscHmann, 

geboren 1968 in Graz studierte Russische und Deutsche Philologie an 

der Universität Graz und in Moskau. Deutschmann ist Assistent am 

Institut für Slawistik der Karl-Franzens-Universität Graz. Seine Forschungsschwerpunkte 

liegen im Bereich russischer und tschechischer 

Literatur des 19. und 20. Jahrhunderts, dem historischen Drama als 

Modell für Staatlichkeit in der tschechischen und russischen Literatur, 

sowie im Gebiet der Filmtheorie und Filmanalyse. 

cHristoF dienz, 

geboren in Tirol studierte an Musikuniversität Wien Fagott. Als Leiter, 

Komponist und Musiker des Ensembles „Die Knödel“ unternahm er 

Konzertreisen in Europa, Amerika und Japan. Seit 2000 ist Dienz als 

freiberuflicher Fagottist und Komponist tätig und spielt in verschiedensten 

Formationen unter anderem mit Marc Ribot, Zeena Parkins, 

DJ DSL, Wolfgang Puschnig, Hubl Greiner, Pavel Fajt und Lorenz Raab. 

Zudem existiert seit 2002 sein Soloprogramm ‚Dienz zithered‘ (Zither 

und Loopgenerator). 

Veronika dirnHoFer, 

wurde in 1967 in Horn/NÖ, geboren und studierte an der Akademie 

der bildenden Künste in Wien bei Markus Prachensky. Nach einem 

Studienaufenthalt an der school of visual arts in New York lehrte sie 

als Gastprofessorin an der Kunstuniversität Linz. Für ihre Arbeit erhielt 

sie u.a. den Anerkennungspreis des Landes Niederösterreich sowie den 

Kulturförderpreis des Landes Vorarlberg. 2006 arbeitete sie als artist 

in residence am Art Institute of Chicago. Derzeit lebt und arbeitet die 

Künstlerin in Wien und Berlin 

marlene dumas, 

wurde 1953 in Kapstadt geboren, studierte Bildende Künste an der 

Universität Kapstadt und emigrierte 1976 in die Niederlande. Dumas 

war mehrmalige Teilnehmerin der Biennale von Venedig, der documenta 

7 (1982) und IX (1992) in Kassel, der Biennale von São Paulo und 

vieler weiterer internationaler Ausstellungen. Ihre Werke befinden sich 

in den renommiertesten öffentlichen und privaten Sammlungen. 2008 

widmete ihr das Museum of Modern Art in New York eine Retrospektive. 

Die Künstlerin lebt und arbeitet in Amsterdam. 

oswald egger, 

geboren 1963, studierte an der Uni Wien Germanistik und Philosophie. 

Egger erhielt zahlreiche Preise und Auszeichnungen unter anderem 2008 

Biographie 

den H.C. Artmann Preis und 2010 den Oskar Pastior-Preis sowie den Karl 

Sczuka-Preis. 2003 hatte er eine Gastprofessor für Poetik an der Cornell 

University in Ithaca inne. Zu seinen jüngsten Publikationen zählen „Diskrete 

Stetigkeit. Poesie und Mathematik“ verlegt 2008 in der Edition Unseld 

und 2010 ebenfalls im Suhrkamp Verlag erschienen „Die ganze Zeit“. 

barbara eicHHorn, 

geboren 1965 in Freising, studierte an der Akademie der Bildenden 

Künste in Wien. 1996 war die Künstlerin Stipendiatin des Bundeskanzleramtes 

Wien in New York und New Delhi sowie 1998 in Frankfurt/ 

Main. Ihre raumgreifenden Zeichnungen wurden zuletzt in Salzburg, 

Wien, Perpignan (F), Benevento (I) sowie bei der Triennale Linz 1.0 gezeigt. 

Derzeit lebt und arbeitet Barbara Eichhorn in Wien. 

manFred erjautz, 

geboren 1966 in Graz, studierte an der Akademie der bildenden Künste 

in Wien und ist Mitglied des Forum Stadtpark und der Wiener Sezession. 

Erjautz war im Kulturzentrum bei den Minoriten (im Priesterseminar) 

erstmals in der Ausstellung „Ex Graz“ (2003) mit der Serie der 

„Shelter-Babies“ vertreten, später mit den „fliegenden Teppichen“ bei 

„Gestures of Infinity“ (2007) und 2010 bei der Wiedereröffnungsausstellung 

„Prometheus“ (2010). Der Künstler lebt in Wien. 

Valie exPort, 

wurde 1940 in Linz geboren und gilt als eine der wichtigsten internationalen 

Pionierinnen konzeptueller Medien-, Performance- und 

Filmkunst. Ihre Werke wurden in zahlreichen Städten der Welt gezeigt 

und in die Sammlungen bedeutender Museen wie z.B. der Tate Modern, 

London, oder dem MOMA in New York aufgenommen. Im Herbst 2010 

sind ihre Installationen im Belvedere in Wien und im Linzer Lentos zu 

sehen. Kürzlich wurde sie mit dem Großen Goldenen Ehrenzeichen für 

Verdienste um die Republik Österreich ausgezeichnet. VALIE EXPORT 

lebt und arbeitet in Wien. 

Valerie FritscH, 

geboren 1989 in Graz, studierte Germanistik und Rechtswissenschaft. 

Fritsch arbeitet auch als Fotokünstlerin und erhielt zahlreiche 

Stipendien und Preise, wie 2009 das Literaturstipendium des Landes 

Steiermark und den Literaturpreis der Akademie Graz. 2010 wurde ihr 

der Literaturförderpreis der Stadt Graz verliehen und sie erhielt ein 

Startstipendium des BMUKK. Fritschs Prosa beeindruckt durch hohes 

sprachliches Können und überzeugt durch eine unverwechselbare, literarische 

Handschrift. 

ingrid Hable, 

wurde 1965 in Wels/OÖ geboren und studierte einige Semester in Linz 

Technische Mathematik. Seit 1995 lebt Ingrid Hable in Graz, wo sie an 

der Karl Franzens Universität in der Verwaltung tätig ist. 2007 nahm 

Ingrid Hable ihr Studium der Germanistik an der Karl Franzens-Universität 

auf und wurde im Jahr 2008 mit dem 3. Preis in der Sparte Lyrik 

beim Minna Kautsky-Literaturwettbewerb ausgezeichnet. 

ewa Harabasz, 

wurde 1957 in Czestochowa (PL) geboren und arbeitete nach ihrem 

Kunststudium als Restauratorin in Polen und Italien. 1986 ging sie zum 

Kunststudium nach Detroit, USA. Nach ihrer Lehrtätigkeit für Zeichnen 

und Malerei an mehreren Universitäten in den USA übersiedelte sie 

2002 nach New York City. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Gruppen- 

und Einzelausstellungen gezeigt, u.a. in Warschau, Jerusalem, 

Peking und in New York City. Ewa Harabasz erhielt mehrere Preise und 

Stipendien, zuletzt The Pollock-Krasner Foundation Grant. 

julian Heun, 

geboren 1989 in Berlin, studiert derzeit Literaturwissenschaft und Germanistik 

an der FU Berlin. Er schreibt Lyrik für Slambühnen und Literaturzeitschriften, 

sowie Gedichte für die Nürnberger Pocket Opera, die 

Süddeutsche und den Spiegel Online. Seit 2007 tourt Heun durch den 

deutschsprachigen Raum. 2007 war er deutschsprachiger U20 Meister 

im Poetry Slam und Gast des Goethe-Instituts beim Other Words Festival 

in San Francisco. 2010 gewann Heun den Goldenen Stuttgarter 

Besen. 

25

26 

iographie 

Holzmeister kabas, 

gegründet von Elisabeth Holzmeister und Lorenz Kabas. Elisabeth 

Holzmeister ist Schauspielerin (Theater, Film) und Theaterpädagogin 

und seit 1994 Ensemblemitglied des „Theater im Bahnhof“, Graz. Der 

Schauspieler und Regisseur Lorenz Kabas ist Lektor an den Instituten 

für Schauspiel und Musikpädagogik der Kunstuniversität Graz und seit 

1989 Ensemblemitglied des „Theater im Bahnhof“, Graz. „Guten Tag, 

kleines Schweinchen’“von Janosch ist ihre erste gemeinsame Kindertheaterproduktion. 

elżbieta jabłońska, 

Wurde 1970 in Olsztyn, Polen, geboren und studierte an der Nicholas 

Copernicus University in Torun. Ihre Arbeiten, die in zahlreichen internationalen 

Ausstellung präsentiert wurden, bewegen sich zwischen 

den Bereichen Malerei, Zeichnung, Fotografie, Skulptur, Installation 

und Performances und werden oft als postfeministische Kunst bezeichnet. 

Immer wieder bezieht sie sich dabei auf die Figur einer archetypischen 

polnischen Mutter. Die Künstlerin lebt und arbeitet in 

Bydgoszcz, Polen. 

joPa (jopa jotakin von und zy prexa), 

geboren 1986, lebt in Wien. Jopa ist Mitglied des Kulturvereins „Einbaumöbel“ 

und der Theater-Tanz-Performance-Gruppe „Grillhendl 

Rotation Krew“. Seit 2004 ist er mit einem Lese- und Performanceprogramm 

unterwegs. Zuletzt erschien 2010 im Verlag „Das fröhliche 

Wohnzimmer“ „Angst!“, im Verlag edition ch „Ein Alphabet der 

Visuellen Poesie“ (Hg: Günter Vallaster) und im Verlag „Einbaumöbel“ 

„EINBAUMÖBEL Volxlesung remixed“. Ein Hörbuch. (Hg: Kulturverein 

Einbaumöbel/Reinhard Mader). 

melita jurisic, 

geboren in Kroatien. Die preisgekrönte Schauspielerin ist als Bühnen-, 

Film- und Radio-Performerin ein Multitalent. Im Jahr 1987 erhielt sie 

den internationalen Kritikerpreis für die beste Darstellerin bei den Filmfestspielen 

in Venedig für ihre Rolle als Ruby Rose im Film „The Tale of 

Ruby Rose. Im Schauspielhaus Wien war sie in zahlreichen Hauptrollen, 

unter anderem in Euripides Drama „Medea“ und in „Macbeth“ von 

Shakespeare zu sehen. Jurisic lebt in Wien und in Sydney. 

renato kaiser, 

geboren 1986 in Goldach (CH), studiert Geschichte und Germanistik in 

Fribourg. Er zählt zu den erfolgreichen Schweizer Poetry Slam Autoren. 

2007 gewann Kaiser den internationalen Poetry Slam im italienischen 

Bozen, zwei Jahre später den Fritznacht-Talentwettbewerb. Kaiser 

tourt seit 2009 mit seinem Soloprogramm „Er war nicht so – ein Nachruf“ 

durch die deutschsprachigen Länder. Eine Sammlung seiner Texte 

incl. CD ist im selben Jahr beim Sprechstation Verlag erschienen. 

gudrun kamPl, 

wurde 1964 in Klagenfurt geboren und studierte von 1983 bis 1990 

Malerei und Trickfilm an der Hochschule für Angewandte Kunst in 

Wien bei Maria Lassnig. Nach Abschluss des Studiums arbeitete sie im 

Rahmen von Studienaufenthalten in Paris, Brasilien, Indien, New York 

und Österreich. Derzeit lebt und arbeitet die Künstlerin in Wien. 

iris kettner, 

wurde 1968 in Mainz geboren und studierte nach ihrer Ausbildung als 

Gürtlerin in Köln an der Hochschule für Kunst und Design in Halle/S. 

Ihre Arbeiten, vorwiegend Zeichnungen und Skulpturen, waren in zahlreichen 

Einzel- und Gruppenausstellungen im deutschen Sprachraum 

zu sehen. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin. 

Frank klötgen, 

geboren 1968, studierte Kommunikationswissenschaften. 1998 wurde 

er für die Hyperfiction „Aaleskorte der Ölig“ von der ZEIT mit dem 

„Pegasus“-Preis für Internet-Literatur ausgezeichnet. 2004 erschien 

mit „Spätwinterhitze“ der erste deutschsprachige Hyperfiction-Roman 

auf CD-ROM. Klötgen schreibt den Stadtkind-Blog auf tagesspiegel.de 

sowie Kolumnen und Beiträge in diversen Magazinen, Anthologien und 

Zeitschriften. 2010 erschien sein Debütroman „Der Fall Schelling“ bei 

Voland & Quist. 

lena knilli, 

wurde 1961 in Graz geboren und ist in Berlin aufgewachsen. Sie studierte 

Malerei an der Hochschule der Künste in Berlin bei Prof. Diehl 

und an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien bei Prof. Lassnig. 

Sie verbrachte Studienaufenthalte in Europa und den USA und 

von 1991-2001 auch im Bereich Bühnen- und Kostümbild. Ihre Werke 

wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Europa 

gezeigt, zuletzt 2009 in Prag und 2010 in Wien und Olomouc. Nach 

einigen Jahren in Prag lebt Lena Knilli derzeit wieder in Wien. 

ronald kodritscH, 

wurde 1970 in Leoben geboren und erhielt nach dem Studium an der 

Akademie der bildenden Künste in Wien bei Prof. Gunter Damisch ein 

Stipendium am Chelsea College of Art and Design in London. Als Stipendiat 

des BMUKK in Wien verbrachte er Studienaufenthalte in Paris 

und China. Seine Werke wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen 

gezeigt, u.a. in Wien, St. Gallen, Peking, Bern und Phnom 

Penh. Der Künstler lebt hauptsächlich in Wien. 

markus köHle, 

geboren1975 in Nassereith, studierte in Innsbruck und Rom Germanistik 

und Romanistik, unterrichtete in Tunis Deutsch als Fremdsprache 

und war Forschungsprojektassistent an der Universität Innsbruck. 

Köhle ist Rezensionsredakteur des Feuilletonmagazins Schreibkraft 

und verfasst regelmäßig Buchbesprechungen für das Literaturhaus 

Wien und Innsbruck und das Magazin „thegap“. Zuletzt erschien seine 

Publikation gemeinsam mit Mieze Medusa „Doppelter Textpresso“ im 

Milena Verlag. 

Petr kotík, 

wurde 1942 geboren und studierte am Prager Konservatorium Flöte 

bei František Čech und danach an der Wiener Musikakademie bei Hans 

Reznicek. Von 1960 bis 1963 nahm er privaten Kompositionsunterricht 

bei Jan Rychlík in Prag, danach setzte er seine Ausbildung in Wien fort. 

1969 übersiedelte er in die USA und wurde dort vor allem als Interpret 

und Wegbegleiter der “New York School” berühmt. 2000 gründete er 

das “Ostrava Center for New Music” mit der Ostravská banda als fixes 

Kammerorchester. 

Hana kotkoVá, 

geboren 1967 in Tschechien, trat in ihrer Heimat als Solistin bei allen 

wichtigen Festivals wie Prager Frühling, Prager Herbstfestival, Dvořák 

Festival und dem Festival Karlovy Vary auf. Kotková spielte in Europa, 

Japan und den USA und machte zahlreiche Aufnahmen für das Radio 

und Fernsehen. Regelmäßig tritt sie bei den “Ostrava Days” als Interpretin 

neuer Violinliteratur und für sie komponierter Violinkonzerte 

auf. 

kracH der roboter, 

Der Berliner Acid-Hop Produzent gilt seit einigen Jahren als wichtige 

Größe im Bereich experimenteller Klangarbeit. Bekannt geworden ist 

er vor allem durch seine innovativen Beiträge im Genre des circuit bandings, 

einer relativ jungen Sparte experimenteller Musik, deren Augenmerk 

auf der gezielten Manipulation von Soundchips in elektronischen 

Kinderspielsachen liegt. Zuletzt erschien 2009 „Hello World! – CD // 

monochrom“ und „All Clear! – EP // Autark”. 

julia kraHn, 

Fotografin und Fotokünstlerin, lebt in Mailand. 2007 stellte sie im Ludwigforum, 

Aachen aus, 2010 wurde sie auf der VOLTA 6 in Basel von 

der Galerie Magrorocca präsentiert. 2008 wurde sie für die besten Kinderfotografien 

in Italien von Tau Visual prämiert, im selben Jahr folgte 

die Teilnahme an der Biennale von Tehran (Istabul). Sie gewann mehre 

internationale Fotopreise und zeigte ihre Arbeiten 2010 an der Fondazione 

Bevilacqua La Masa, „Suspence” in Venedig. 

steFFi krautz, 

geboren in Räckelwitz/Sachsen, absolvierte eine Berufsausbildung 

mit Abitur in der Landwirtschaft. Von 1988 bis 1990 war sie Souffleuse 

am Theater Senftenberg/Lausitz und absolvierte anschließend 

ihre Schauspielausbildung an der Hochschule für Musik und Theater 

in Rostock. Steffi Krautz war unter anderem am Volkstheater Rostock, 

in Paderborn, am Kampnagel Hamburg, am Innsbrucker Kellertheater 

engagiert. Seit 2006 ist sie als fixes Ensemblemitglied am Schauspielhaus 

Graz. 

Felix kubin, 

geboren 1969 in Hamburg ist Komponist, Medienkünstler, Dadaist und 

Kurator. 1987 gründete er gemeinsam mit Tim Buhre die Noise-Gruppe 

„Klangkrieg“. Zusammen mit der „Liedertafel Margot Honecker“ organisierte 

Kubin künstlerische und politische Aktionen. 1998 folgte die 

Gründung des Independent Labels „Gagarin Records“. Kubin komponierte 

Film- und Theatermusik, unter anderem für Christoph Schlingensief 

und Schorsch Kamerun. Zahlreiche Workshops führten ihn 

durch Europa und Amerika. 

axel küHn, 

geboren 1963 in Darmstadt, studierte an der Musikhochschule Graz 

(Fach Jazz und Klassik) und war 1986 –1988 Student von Jürgen Seefelder 

in München. Kühn ist Mitglied mehrerer Big Bands mit Tourneen, 

Aufnahmen und Konzerten in ganz Deutschland und Europa. Mit dem 

Schriftsteller Michael Lentz leitet er das Projekt Sprechakte Xtreme, 

spielte 2007 beim Festival für neue Musik in Donaueschingen und 

schrieb zusammen mit ihm 2008 die Komposition Boxgesang für das 

Musica Viva Festival in München. 

micHael lentz, 

geboren 1964 in Düren, ist Lautpoet, Schriftsteller, Literaturwissenschaftler 

und Musiker. Er studierte Germanistik, Philosophie und Geschichte. 

Mit seinem Text „muttersterben“ gewann Lentz den Bachmann-Preis 

2001, außerdem ist er Träger des Preises der Literaturhäuser 

2005. Er ist Professor für literarisches Schreiben am Deutschen 

Literaturinstitut Leipzig und hat seit 2008 auch eine Poetikdozentur an 

der FH Wiesbaden inne. Zuletzt erschien im S. Fischer Verlag „Offene 

Unruh. 100 Liebesgedichte“. 

lille kartoFler FigurentHeater, 

gegründet 1982 von Matthias Kuchta. Der mittlerweile international 

bekannte deutsche Puppenspieler wurde1949 geboren. Er absolvierte 

ein Studium der Slawistik, Geschichte, Kunstgeschichte und Pädagogik 

in Hamburg und besuchte von 1979-1982 das Figurentheaterkolleg 

des Deutschen Instituts für Puppenspiel in Bochum. Kuchta wohnt in 

Langenfeld im Rheinland. Seine Figurenwerkstatt und sein Atelier befinden 

sich in Radegast an der Elbe. 

almagul menlibayeVa, 

wurde 1969 in Kasachstan geboren und studierte an der Art and Theater 

University of Kasachstan in Almaty. Ihre Werke, vorwiegend Video- 

Arbeiten, wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen 

u.a. in Bishek, Tashkent und Almaty wie auch in New York, Philadelphia, 

Mumbay, Bologna, Berlin, Madrid und Rotterdam gezeigt. 2010 erhielt 

sie beim Festival Signes de Nuit in Paris den Prix de la Nuit für ihren Film 

„Exodus“. Menlibayeva lebt und arbeitet in Berlin und Amsterdam. 

metalycée, 

wurde 2003 von den Wiener Klangkünstlern Armin Steiner und Nik 

Hummer gegründet. Seit 2008 ist die Band mit Schlagzeuger Bernhard 

Breuer, Bassist Matija Schellander und der Schauspielerin Melita Jurisic 

national und international unterwegs. Das preisgekrönte Album „It 

Is Not“ verbindet Dub-, Noise- und HipHop-Elemente mit Traditionen 

Neuer Musik. Zuletzt erschien 2009 “It Is Not” bei mosz und 2010 “Tell 

me” bei Dilemma. 

mieze medusa, 

geboren 1975 zählt zu den fixen Größen der österreichischen HipHop- 

und Slam-Szene. Sie organisiert den monatlichen Poetry Slam „textstrom“ 

und ist als Herausgeberin von Slam-Anthologien tätig. Mieze 

Medusa gewann 2002 den FM4 Wortlaut Literaturwettbewerb und 

2007 den FM4 Protestsongcontest. 2008 erschien ihr erster Roman 

„Freischnorcheln“ im Milena Verlag, wo sie zuletzt gemeinsam mit 

Markus Köhle „Doppelter Textpresso“ publizierte. Mieze Medusa lebt in 

Biographie 

Innsbruck, Linz, London und Wien.sHirin nesHat, 

wurde 1957 in Qazvin, Iran, geboren und studierte in den USA. Sie schuf 

zahlreiche Fotoarbeiten, bevor sie sich Mitte der Neunziger Jahre der 

Filmkunst zu widmen begann. In ihrer Arbeit setzt sie sich insbesondere 

mit der Lage von Frauen in der muslimischen Welt auseinander. Ihre 

Arbeiten wurden in zahlreichen Städten der Welt gezeigt. Shirin Neshat 

erhielt 1999 den Internationalen Preis der 48. Biennale von Venedig 

und wurde 2009 bei den Filmfestspielen von Venedig für ihren Spielfilm 

„Women without Men“ mit dem Regiepreis geehrt. 

Fritz ostermayer, 

geboren 1956, ist Kulturredakteur beim FALTER und Musikredakteur 

beim STANDARD. Viele Jahre war er als freier Radiomacher und Moderator 

in diversen ORF-Kulturreihen tätig. Nach Gründung des Radiosenders 

FM4 begann er dort als Sendungsgestalter zu arbeiten und ist 

in den Sendungen „Im Sumpf“, „Graue Lagune“ und (das mittlerweile 

eingestellte) „Doppelzimmer“ gemeinsam mit seinem Kollegen Thomas 

Edlinger zu hören. Speziell die wöchentliche Radiosendung „Im Sumpf“ 

auf FM4 ist Quelle für den Bekanntheitsgrad Ostermayers. 

jörg Piringer, 

geboren 1974, absolvierte ein Studium der Informatik. Er arbeitet als 

freier Künstler und Wissenschafter in den Bereichen elektronische 

Musik, Radiokunst, Lautpoesie, visuelle Poesie und Videokunst. Piringer 

ist Gründungsmitglied des Instituts für transakustische Forschung 

und des ersten Wiener Gemüseorchesters. Er nahm bei zahlreichen 

nationalen und internationalen Ausstellungen und Festivals teil. 2003 

erhielt er gemeinsam mit elffriede das Mira Lobe-Stipendium. Piringer 

lebt in Wien. 

Paul Pizzera, 

geboren 1988, studiert Germanistik und Philosophie an der Universität 

Graz und avancierte ausgehend vom Grazer Minoritenslam zum 

Senkrechtstarter der österreichischen Slamszene. Er belegte 2008 

Platz 3 und 2009 Platz 2 beim Ö-Slam, der österreichischen Poetry 

Slam-Meisterschaft. Paul Pizzera tourt seitdem slammend durch den 

deutschsprachigen Raum, daneben arbeitet er als Sozial- und Lernbetreuer 

für MigrantInnenkinder beim Pflegeelternverein Steiermark. 

soPHie reyer, 

geboren 1984 in Wien, studierte Germanistik in Wien und Komposition 

an der Musikuniversität Graz. Seit 2009 ist sie Mitglied der Redaktion 

der Literaturzeitschrift “Lichtungen”. Neben Gedichtbänden publizierte 

Reyer in diversen Literaturzeitschriften und Anthologien. 2007 erhielt 

sie den Literaturförderungspreis der Stadt Graz, 2009 den Manuskripte-Förderungspreis 

und das Österreichische Startstipendium. Texte von 

Reyer wurden ins Serbische, Polnische und Spanische übersetzt. 

ulrike rosenbacH, 

wurde 1943 in Bad Salzdetfurth (D) geboren und studierte Bildhauerei 

in Düsseldorf bei Karl Bobeck, Norbert Kricke und Joseph Beuys. In 

den Siebziger-Jahren entstanden ihre ersten Video-Arbeiten. 1975/76 

lehrte sie in Kalifornien feministische Kunst und Medienkunst. Sie gilt 

als eine der ersten und bedeutendsten Performance- und Videokünstlerinnen 

Deutschlands und nahm 1977 und 1987 an der documenta 

in Kassel teil. 1989 - 2007 war Ulrike Rosenbach Professorin für Neue 

Künstlerische Medien an der Hochschule der Bildenden Künste Saar in 

Saarbrücken und lehrte u. a. am California Institute of Arts, Los Angeles. 

Sie wurde mit mehreren Preisen ausgezeichnete, u.a. 2004 mit dem 

Gabriele-Münter-Preis. 

otto Von scHiracH, 

geboren 1978 in Miami, Florida ist Komponist und Musiker und zählt 

zu den wichtigsten Vertretern des US-Avantgarde und der Intelligent 

Dance Music, einem Genre der Elektronischen Musik. Otto von 

Schirachs Arbeit ist stark beeinflusst von der musique concrète. Zuletzt 

erschien sein Album „Magic Triangle“, das den experimentellen Höhepunkt 

seines bisherigen Schaffens darstellt. 

27

28 

iographie 

susanne seHn-baumHakel, 

wurde 1970 in Lebring, Stmk., geboren und studierte nach der Meisterklasse 

für Bildhauerei an der Ortweinschule in Graz an der Akademie 

der Bildenden Künste in Wien Bildhauerei bei Prof. Ölzant. Früh erhielt 

sie öffentliche Aufträge und gelangte in öffentliche Sammlungen, u.a. 

ist sie seit 2001 beim LandArt Projekt Gleinstätten „Skulptur/Natur“ der 

Akademie Graz mehrfach beteiligt. 2002 schuf sie das Glasportal für 

das Bischofspalais in Graz und war an internationalen Ausstellungen 

in Krakau und Florenz beteiligt. Nach der Geburt ihrer beiden Kinder 

und dem Familienumzug lebt Susanne Sehn-Baumhakel seit 2007 in 

Oldenburg/Norddeutschland. 

ann-soFi sidén, 

wurde 1962 in Stockholm geboren und studierte an der Hochschule der 

Künste in Berlin, an der Skohegan School of Painting and Sculpture in 

Maine, USA sowie am Royal University College of Fine Arts in Stockholm. 

1998 erhielt sie den 1. Preis im Statens Kunstrad Public Sculpture 

Contest Stockholm. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen europäischen 

Städten ausgestellt, zuletzt in Stockholm, Venedig, Helsinki, Rom, Madrid 

und Winterthur. Sie lebt in Berlin. 

cordula simon, 

geboren 1986 in Graz, studiert seit 2004 deutsche und russische Philologie 

an der Universität Graz. Seit 2005 ist Simon Koordinatorin der 

Jugendliteraturwerkstatt im Literaturhaus Graz. 2009 erhielt die junge 

Autorin den 1. Preis beim Zeit-Campus Literaturwettbewerb. Cordula 

Simons Text überzeugte die Jury durch ihre ausgefeilte Form. In diesem 

Jahr folgten Einladungen zum Workshop der Akademie Graz und zum 

Prenzlauer Berg Literaturpreis. Cordula Simon lebt in Hainersdorf. 

alec sotH, 

wurde 1969 in Minneapolis, Minnesota, geboren, wo er auch derzeit 

lebt und arbeitet. Seine fotografischen Arbeiten wurden in zahlreichen 

Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, u.a. 2004 bei der Sao Paulo 

und der Whitney Biennale, 2008 in Paris und Winterthur (CH), zuletzt 

2010 im Walker Art Center, USA, und sind in großen privaten und öffentlichen 

Sammlungen wie dem San Francisco Museum of Modern 

Art oder dem Museum of Fine Arts in Houston vertreten. 2003 erhielt 

der Künstler den Santa Fe Preis für Fotografie. 

lisa sPalt, 

geboren 1970, hat zahlreiche Publikationen im Bereich Experimentelle 

Literatur veröffentlicht. Zuletzt erschien im Czernin Verlag „Blüten. Ein 

Gebrauchsgegenstand“. Mit dem Komponisten Clemens Gadenstätter 

hat Spalt den Text „tag day - ein schreibspiel“ geschrieben. Daneben 

entstand das Stück „Ballade 1“ für Stimme und Klavier und das Hörspiel 

„wir müssen einzelne irgendwann bitten, alle jetzt aufzupassen“. 

Spalt war Herausgeberin der Edition ch und ist Mitglied der Grazer Autorenversammlung. 

annelies Štrba, 

wurde 1947 in Zug geboren. Nach Atelieraufenthalten auf Gomera, in 

London und Paris arbeitete sie als visiting artist in London und Paris 

und auf Reisen durch Polen, Japan, Großbritannien, New York und 

Paris. Ihre Werke, vorwiegend Leinwand- und Videoarbeiten, wurden 

in zahlreichen Städten der Welt gezeigt, u.a. in Wien, Berlin, Cordoba, 

Aleppo (Syrien), New York und Haworth (GB). Annelies Štrba lebt in 

Richterswil am Zürichsee und Melide. 

etta streicHer, 

geboren 1977 in Deutschland ist freischaffende Schauspielerin, Poetin 

und Moderatorin. Sie absolvierte eine Ausbildung in Clownerie und ist 

seit 2001 Mitglied des teatro d’arte scarello mainz. Seit 2003 ist Streicher 

beim Theater „Die Kiste“ engagiertr und absolvierte unzählige 

Auftritte bei Poetry Slams und auf Lesebühnen im gesamten deutschsprachigen 

Raum. 2004 erschien ihre Programm CD „Augenlieder“, 

Piano und Poesie mit Christof Waibel. 

yoko tawada, 

geboren 1960 in Tokyo/Japan, lebt seit 1982 in Deutschland und seit 

2006 in Berlin. Sie absolvierte ein Studium der Literaturwissenschaft in 

Tokyo und in Hamburg und promovierte bei Sigrid Weigel. Tawada erhielt 

zahlreiche Preise und Stipendien. Die gebürtige Japanerin schreibt 

und publiziert auf Deutsch und auf Japanisch. zuletzt erschien 2008 

ihr Roman „Schwager in Bordeaux“ im konkursbuch Verlag Claudia 

Gehrke. 

jitka teubaloVa, 

wurde 1975 in Ivanřice (ehemalige Tschechoslowakei) geboren und 

studierte an der Masaryk-Universität in Brno sowie am Creative Photography 

Institute in Opava, Tschechien. Ihre fotografischen Arbeiten 

wurden in zahlreichen europäischen Städten sowie in Buenos Aires 

ausgestellt. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Buenos Aires. 

tHeater mundwerk, 

gegründet 2004 von Nadja Brachvogel und Martin Horn. Die gebürtige 

Mainzerin absolvierte ihre Schauspielausbildung in München und 

ist seit 2000 als freie Schauspielerin an verschiedenen Bühnen tätig. 

Martin Horn, ebenfalls in Mainz geboren, machte seine Schauspielausbildung 

in den USA und in Frankfurt am Main. 2000 kam er als festes 

Ensemblemitglied an das Grazer Schauspielhaus. Die mittlerweile mit 

vielen Preisen ausgezeichnete Theaterformation zeigt professionelles 

Kinder- und Jugendtheater. 

tobias trutwin, 

wurde 1964 in Bonn geboren und studierte Kommunikationsdesign an 

der Universität Essen sowie freie Kunst an der Hochschule für Graphik 

und Buchkunst Leipzig. Nach einem 15jährigen Aufenthalt in Paris 

kehrte er 2005 nach Deutschland zurück und lebt seither in Berlin. 

Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland 

gezeigt, in den Minoriten Galerien bei der Ausstellung „lichtmesz“ 

2008. 2010 hatte er eine umfassende Einzelausstellung in der Galerie 

Kai Brückner in Düsseldorf. 

andreas unterweger, 

geboren 1978 in Graz, studierte Deutsche Philologie und Französisch. 

Der junge Schriftsteller, Gitarrist und Sänger der Rockband „ratlos“ 

veröffentlichte zahlreiche Prosa- und Lyriktexte in Literaturzeitschriften. 

2007 erhielt Unterweger den manuskripte Förderpreis, 2009 den 

Preis der Akademie Graz. Sein Roman „Wie im Siebenten“ erschien 

2009 bei Droschl. Im selben Jahr wurde beim Brucknerfest Linz sein 

Musiktheater mit Wim van Zutphen „lost brains“ uraufgeführt. 

silke weinsHeimer, 

wurde 1975 in Viersen, Deutschland, geboren und studierte Kommunikationsdesign 

und Fotodesign in Potsdam und Dortmund sowie an der 

Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam. Ihre Fotografien wurden in Die 

Zeit, dem Zeit Magazin, Neon, Stern und vielen anderen Zeitschriften 

veröffentlicht. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin. 

daPHna weinstein, 

geboren 1971 in Tel Aviv, Israel, erhielt sie ihre künstlerische Ausbildung 

an der Wimbledon School of Art sowie am Chester College der Liverpool 

University. Ihre Werke, vorwiegend aus dem Bereich Graphik, wurden in 

Großbritannien, Österreich, Japan und zuletzt in Russland ausgestellt. 

2007 war die Künstlerin Stipendiatin des Landes Steiermark im Atelier 

Rondo, seither lebt und arbeitet Daphna Weinstein in Graz. 

juditH zillicH, 

wurde 1969 in Graz geboren, aufgewachsen ist sie in Salzburg. Von 

1992 bis 1995 studierte sie Philosophie und Kunstgeschichte an der 

Universität Wien; von 1994 bis 2000 an der Hochschule für angewandte 

Kunst, Wien, 1999 erhielt sie ein Auslandsstipendium für die Ecole 

Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Paris; 2000 gewann sie den 

Theodor-Körner-Preis; 2001 erhielt sie ein Atelierstipendium Budapest, 

2002 ein Jahresstipendium des Landes Salzburg. Sie ist Mutter zweier 

Kinder. Zahlreiche Ausstellungen. 

zum thema des wettBewerBs 

Im Namen des Vaters und des Sohnes und des Heiligen 

Geistes: mit dieser formel wird in allen christlichen kirchen 

die taufe gespendet. und un zählige male wurde 

im laufe der geschichte stirn, mund und Brust berührt 

und diese formel geflüstert. die trinität gottes ist eine 

zentrale aussage im christlichen glauben; sie stellt den 

monotheistischen ansatz gleichsam dialektisch auf die 

probe. die christen nennen das Mysterium, und sie 

sagen im glaubensbekenntnis: Ich glaube an Gott, den 

Vater,… ich glaube an Gott, den Sohn,… ich glaube an 

Gott, den Heiligen Geist. 

kirchenlehrer, allen voran aurelius augu stinus (340- 

435), der acht Bücher De Trinitate verfasst hat, haben 

im frühen christentum versucht, die vorstellung der 

trinität denkerisch zu durchdringen; der hymnendichtung 

zwischen dem 12. und 18. jahrhundert lag die 

gleichung dreifaltigkeit = drei-einheit als topos zu 

grunde. danach herrschte bis auf das gemurmel von 

formeln weitgehend schweigen. oder die auseinandersetzung 

fand unter neuen prämissen in anderen 

– profanen – kontexten, man denke an hegels Phänomenologie 

des Geistes, statt. 

die Bildkunst hat atemberaubende, inspiriertende aber 

auch irreführende Bilder der trinität ins kulturelle gedächtnis 

eingespeist. 

allen Bildern, metaphern, visionen, allen philosophisch-theologischen 

systematisierungsversuchen 

liegt die archetypische potenz der zahl 3 zu grunde. 

sie meint vielfalt, schöpferinnenkraft, wachstum, vorwärts 

gerichtete Bewegung, überwindung von dualität, 

ausdruck, synthese. die drei ist die erste zahl, 

auf die das wort „alles“ zutrifft. oder wie aristoteles 

schreibt, „die triade ist die zahl des ganzen, insofern 

sie einen anfang, eine mitte und ein ende hat“. 

die einreichungen sind anonym in vierfacher ausfertigung 

und mit einer vierstelligen kennzahl (literatur) 

und einer fünfstelligen kennzahl (Bildende kunst) versehen 

an folgende adresse zu senden: 

kulturzentrum bei den minoriten 

mariahilferplatz 3/1 , a-8010 graz 

nähere informationen: tel +43/316/711133 sowie 

laufend aktualisiert auf www.kultum.at/trinitaet 

kunstpreis 

der altmeister der liturgiewissenschaft, Philipp Harnoncourt, hat aus anlass 

seines bevorstehenden 80. geburtstages 2011 ein auf den ersten Blick 

völlig zum scheitern verurteiltes projekt an das kulturzentrum bei den minoriten 

herangetragen: er möchte einen kunstpreis zur „trinität“ stiften. (wir 

haben ihn gewarnt: das gehe nicht.) doch er findet: die christlichen kirchen 

hätten ihr zentrum aus dem Blick verloren, oberflächlichkeit und langeweile 

seien die folge: „trinität deshalb, weil der eine gott kein langeweiler ist.“ 

das störrisch-sympathische festhalten von philipp harnoncourt an einem zentrum 

fasziniert an diesem projekt. das ist der grund, warum das kulturzentrum 

bei den minoriten diese buchstäbliche unmöglichkeit unterstützt. ziel ist auf einem 

möglichst hohen niveau zu scheitern. 

foto: j. rauchenberger 

ausschreiBung 

1+1+1=1 trinitÄt 

sparte literatur: 

das thema 1+1+1=1 trinitÄt ist frei 

interpretierbar. einschränkung: es werden weder 

theo logische abhandlungen noch moralisierende 

oder missionierende texte gesucht. 

einzureichen sind selbst verfasste und bisher 

unveröffentlichte texte im umfang von max. 12.000 

zeichen. die texte sollen in der originalsprache 

sowohl digital (per e-mail) als auch analog (auf dem 

postweg) bis zum 1. märz 2011 übermittelt werden. 

alle gattungen sind willkommen. die texte können 

in der originalsprache eingereicht werden. 

der wettbewerb ist mit insgesamt € 8.000,- dotiert, 

gestiftet von prof. dr. philipp harnoncourt. 

1.preis: € 4.000,- / 2.preis: € 2.500,- / 3.preis: € 1.500,- 

die jury entscheidet durch mehrheitsentschluss 

sowohl über die vergabe der preise wie auch über 

die aufnahme der texte in das katalogbuch zum 

vorliegenden projekt. 

sparte bildende kunst: 

einzureichen ist bis zum 1. märz 2011 ein konzept 

für ein werk, das in einer möglichen ausstellung 

realisiert werden kann. 

interessentinnen sind aufgefordert, bis zum 1. 

november ihre mögliche teilnahme am wettbewerb 

bekannt zu geben und erhalten dann weitere 

informationen zum thema und zur durchführung 

des wettbewerbs. 

der kunst-wettbewerb ist mit insgesamt € 10.000,- 

dotiert. 

1.preis: € 5.000,- / 2.preis: € 3.000,- / 3.preis: € 2.000,- 

die jury entscheidet durch mehrheitsentschluss 

sowohl über die vorauswahl, die aufnahme der 

werke in das katalogbuch zum vorliegenden projekt 

als auch über den/die preisträgerinnen. 

die preisverleihung findet am 20. (literatur) und 21. 

juni (Bildende kunst) 2011 statt. 

das Programm wird unterstützt von diözese graz-seckau, Bundesministerium für unterricht, 

kunst und kultur, kultur steiermark, stadt graz kultur. 

unsere kooPerationsPartner im septemBer/oktoBer 2010: 

caritas der diözese graz-seckau, isop, ihag, kulturvermittlung steiermark, textBüro text+Brot, elevate, 

karl franzens universitÄt graz, institut für slawistik graz, lille kartofler figurentheater, 

theater mundwerk, holzmeister kaBas, hunger auf kunst und kultur, ö1 

29

e i t t a f e l 

septemBer / oktoBer 2010 

03 bis 30. september 2010 

ausstellung 

klaus g. gaida 


neue untersuchungen zu carotos Bild: knabe mit 

kinderzeichnung 

kulturzentrum bei den minoriten, mariahilferpl. 3/i 

ausstellungsdauer bis 30. september 2010 

öffnungszeiten mo – fr / 9.00 uhr – 17.00 uhr 

18 

16 

04 

22 

22 

mo, 27. september 2010 / 20.00 uhr 

literatur ost-west 

als reise man an einen unBekannten ort 

shamshad abdullaev, usbekistan + 

andreas unterweger, österreich 


fr, 1. oktober 2010 / 20.00 uhr 

minoritenpoetryslam 

mc: markus köhle und mieze medusa 

fixstarter: renato kaiser, schweiz 


mi, 13. oktober 2010 / 19.30 uhr 

vernissage 

ausstellung 



ausstellungsdauer bis 12. dezember 2010 

öffnungszeiten di-fr 10.00 uhr -17.00 uhr, 

sa + so 11.00 uhr -16.00 uhr 

fr, 15. oktober 2010 / 15.00 uhr 

sa, 16. oktober 2010 / 16.00 uhr 

lille kartofler figurentheater 

hÄnsel und gretel 

figurentheater nach einem märchen der 

Brüder grimm für junge menschen ab 4! 


so, 17. + 24. + 31. oktober 2010, jeweils 11.00 uhr 


„happ!“ 

ein stück ohne worte über eine pupsende maus 

und einen gefräßigen dinosaurier für kinder ab 5! 


Pbb., GZ 02Z032870 M. Nr. 4 / Verlagspostamt 8020 Graz 

04 do, 21. oktober 2010 / 17.00 uhr 

kuratorenführung 


23 

06 

20 

24 

23 

17 

fr, 22. oktober 2010 / 15.00 uhr 

sa, 23. oktober 2010 / 16.00 uhr 

fr, 12. november 2010 / 15.00 uhr 

sa, 13. november 2010 / 16.00 uhr 

holzmeister kaBas 

guten tag, kleines schweinchen 

ein theaterstück nach dem gleichnamigen Bilderbuch 

von janosch für tigerkinder und Bärenfreunde ab 5! 


fr, 22. oktober 2010 / 20.00 uhr 

dead or alive 

themenslam „mutter“ 

paul pizzera, österreich + mieze medusa, österreich + 

julian heun, deutschland + frank klötgen, deutschland + 

etta streicher, deutschland 


did 

so, 24. oktober 2010 / 16.00 uhr 

hörgerede – serie für neue literatur & gerÄusch 

eine kooperation mit elevate - festival for contemporary 

music, arts and political discourse 


mi, 27. oktober 2010 / 20.00 uhr 

ostravská banda at graz 

hana kotková, violine 

petr kotÍk, leitung 

minoritensaal 

fr, 29. oktober 2010 / 15.00 uhr 

fr, 05. november 2010 / 15.00 uhr 


vom kleinen maulwurf der wissen wollte 

wer ihm auf den kopf gemacht hat 

nach dem gleichnamigen Bilderbuch von werner 

holzwarth und wolf erlbruch für kinder ab 3! 


vorschau 

so, 7. november 2010 / 16.00 uhr 

lesefest: lust in translation 

Barbi marković, Belgrad / wien 

julya rabinowich, st. petersburg / wien 

hamid sadr, teheran / wien 

zehra Çirak, istanbul / Berlin 

imcubus, mariahilferplatz 3/i

klaus g. gaida - MINORITEN KULTUR Graz, herzlich willkommen ...

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