Homosexual's Film Quarterly - Sissy

sissy Ausgabe 

Homosexual’s Film Quarterly 

eins · März bis Mai 2009 · kostenlos 

s Cinema of Dreams: Tilda Swinton und Mark Cousins erfinden das Filmfestival neu s Reich mir Deine Hand: Zwillinge aus Frankreich 

s Bruce LaBruce: Gloria Swanson in Male Drag s Monika Treut: Drei Frauen. Zwei Kulturen. Eine Liebe. s Frisch ausgepackt: Alle neuen 

nicht-heterosexuellen DVDs s Landpartie: „Rückenwind“ von Jan Krüger s Film-Flirt mit Tim Staffel

Drei Frauen. Zwei Kulturen. Eine Liebe. 

Inga Busch Huan-Ru Ke Ting-Ting Hu 

Preview in der L-Filmnacht · Kinostart am 30. April · www.l-fi lmnacht.de · www.salzgeber.de 

Sissy eins 

Unser Titelfoto zeigt Tilda Swinton und Mark Cousins im schottischen 

Nairn vor einer angemieteten Bingohalle, in der die beiden im 

Sommer 2008 ihr Festival Cinema of Dreams veranstalteten. Tilda 

trägt den Kilt in den traditionellen Familienfarben und eine Jacke 

aus dem lokalen Gebrauchtklamotten-Charity-Shop. Es könnte auch 

umgekehrt gewesen sein. Mark ist ein ganz bemerkenswerter Charakter 

und ein unermüdlicher Kämpfer für ein anderes Kino. Jemand, 

der das Kino immer wieder neu erfindet. Mark Cousins wird in diesem 

Jahr mit dem Manfred-Salzgeber-Preis ausgezeichnet und über 

Tilda und Mark ist ab Seite 28 mehr zu lesen. 

Wer oder was eine Sissy ist – das mit der österreichischen 

Kaiserin lassen wir jetzt mal weg 

– dürfte bei FilmfreundInnen kein Geheimnis 

sein. Diese in Hollywood erfundene Nebenfigur 

versinnbildlicht seit Stummfilmzeiten, 

dass die Personnage eines guten Films im besten 

Fall aus mehr als nur einem romantischen 

Hetero-Liebespaar bestehen muss. Sie ist eine 

glamuröse, sich verschleudernde Alternative. 

Oder wie es die glbtq-Enzyklopädie ausdrückt: 

„Die Sissy steht für eine begehrenswerte Welt 

aus Raffinesse und purem Vergnügen, weit entfernt 

vom langweiligen Status Quo.“ 

In der SISSy stellen wir vierteljährlich die 

kommenden nicht-heterosexuellen Kinofilme 

vor und erlauben uns gleichzeitig einen Blick 

zurück auf schon erhältliche nicht-heterosexuelle 

DVD-Erscheinungen. Dazwischen bleibt Gefunden: Kenneth Anger in Nairn. 

für uns und unsere Autoren genug Raum für 

freiere Erkundungen der homosexuellen Filmkultur – und verstoßen 

damit gerne gegen jeden Trend. Film ist eben mehr als nur Lifestyle 

und Unterhaltung, und garantiert verschonen wir unsere Leser mit 

Fitnesstipps, Kosmetik, dem passenden Auto zur Frisur oder sonstigen 

Anleitungen zur Metrosexualität. 

Nicht-heterosexuelle Filmkultur heißt etwas anderes: Blicke über die 

Grenzen der Konventionen zu werfen, nach neuen Erzählformen zu 

suchen, Impulse an das Weltkino auszustrahlen, Denkweisen infrage 

zu stellen, das Spektrum dessen zu vergrößern, was erzählt werden 

kann. 

Achten Sie auf die Nebenfiguren – Viel Spaß mit der ersten SISSy! 

vorspann 

3

mein dvd-regal 

Franz Dinda, Schauspieler 

4 

pRiVAT 

5

kino 

EDiTion SALZGEbER 

geiSter 

von Silvy Pommerenke 

Mit „Ghosted“ kommt endlich ein neuer Spielfilm von Monka Treut in die 

Kinos. Ein portrait der Regisseurin. 

s Die deutsche Regisseurin Monika Treut ist überwiegend 

als Dokumentarfilmerin bekannt und hat sich 

bereits in den achtziger und neunziger Jahren mit Themen 

wie Transgender, Bondage oder SM filmisch auseinandergesetzt. 

Das, was heute in den Blättern der yellow 

Press kaum noch für Aufsehen sorgt, verstörte vor zwanzig 

Jahren die Öffentlichkeit, und Monika Treut hat mit 

ihrem bisweilen surrealistischen – aber immer humorvollen 

– Stil diese Verstörung noch zusätzlich gefördert. 

Sie hatte immer schon ein Händchen für die originelle 

Darstellung von Menschen jenseits des Mainstreams. 

Beispielsweise produzierte sie den ungewöhnlichen 

Dokumentarfilm Didn’t Do It for Love über Eva Norvind 

aka Mistress Ava Taurel aka Eva Johanne Chegodaieva 

Sakonskaya: Adlige, Schauspielerin, Sexsymbol, Domina 

und Universitätsdozentin. Ein Leben, wie es eigentlich 

nur in einem Roman erfunden werden kann, und das 

Monika Treut wie keine Zweite in eindrucksvollen Bildern 

nacherzählte. Es tat gut, zu sehen, dass es solche 

unangepassten Menschen wie Eva Norvind gab, die sich 

bewusst gegen gesellschaftliche Zwänge stellten und 

ihr Leben kreativ und grenzüberschreitend inszenierten. 

Genau so individuell gestaltete sich allerdings auch 

der Tod der Dominatrix, denn sie ertrank eine Woche 

nach ihrem 62. Geburtstag an der Küste Mexikos, die für 

einige Jahre ihre Wahlheimat war und der sie sich immer 

zugehörig gefühlt hatte. 

Monika Treut hatte durch ihre internationale Arbeit 

– wobei die USA hier ihr bevorzugter Tummelplatz war 

– immer die Gender-Nase vorn, denn sie bearbeitete 

das Thema Trans* zu einem Zeitpunkt, als es hier in 

Deutschland in feministischen Kreisen eine absolute No- 

Go-Area war. Während ihr Dokumentarfilm Female Misbehavior 

dank eines geschickt eingesetzten Spekulums 

den tiefen Einblick in Annie Sprinkle gewährte, erklärte 

Schnellrednerin, Quasselstrippe und Frauentheoretikerin 

Camille Paglia: „Haltet euch raus aus unserem Sexualleben!“, 

und F2M Max Valerio war gerade mitten drin, 

sich zum Mann umbauen zu lassen. Sieben Jahre später 

konnte man in Gendernauts erfahren, dass in Los Angeles 

ein reger Transgender-Tourismus eingesetzt hatte, 

und bei Max wenigstens schon die Brüste ab waren, auch 

wenn der Schwanz erst eine Länge von fünf Zentimetern 

erreicht hatte – aber die Länge ist ja bekanntlich nicht so 

wichtig. Ach, und natürlich nicht zu vergessen die schrägen 

Spielfilme Die Jungfrauenmaschine oder My Father Is 

Coming. Was haben wir gelacht! 

Gerade hat Monika Treut ihren neuen Spielfilm Ghosted 

im Berlinale Panorama vorgestellt. Wie bereits in ihrer 

letzten Arbeit, Den Tigerfrauen wachsen Flügel, beschäftigt 

sie sich mit Taiwan, und plötzlich hat man das Gefühl, 

Treut ist sehr, sehr reif geworden. In schönen, bisweilen 

asketischen Bildern lässt sie ein Beziehungsdrama zwischen 

Hamburg und Taipeh, zwischen der Vergangenheit 

und der Gegenwart entstehen, das als Mixtur aus Krimi, 

Liebesfilm und Mystery-Thriller inszeniert ist. Erstaunlich 

brav werden hier zwar die Sexszenen zwischen der 

Video-Künstlerin Sophie Schmitt (Inga Busch) und der 

jungen Taiwanesin Ai-Ling (Huan-Ru Ke) gezeigt, die 

absolut nichts mit Bondage, SM oder Pornographie zu 

tun haben, aber das ist nicht weiter schlimm, denn Treut 

scheint sich an diesen Themen in der Vergangenheit mehr 

als abgearbeitet zu haben. Stattdessen ist ein spannender 

Spielfilm entstanden – Treut reloaded, aber mit anderer 

Munition. Die sieht nämlich eine zarte und dennoch leidenschaftliche 

Beziehung von zwei Frauen vor, die sehr 

märchenhaft und klischeehaft schön dargestellt wird. 

Allerdings trübt sich bald der Himmel voller Geigen, da 

Ai-Ling besessen von der Suche nach ihrem leiblichem 

Vater ist, und Sophie die Art ihres Zusammenlebens bald 

zu eng wird. Hier prallen unterschiedliche kulturelle 

Lebensentwürfe aufeinander, die auch durch die tiefe 

Liebe kaum aufgehoben werden können. Westlicher Individualismus 

versus östlichem Gemeinschaftsgefühl führt 

die beiden Liebenden in ihre erste große Krise. Während 

Sophie vor der einengenden Symbiose flieht, versucht Ai- 

Ling sich in ihrer neuen – ungewollten – Freiheit zurechtzufinden. 

Ein Ausflug in eine Lesbenbar lässt sie auch 

direkt auf die blondierte Rechtsanwältin Katrin Bendersen 

(Jana Schulz) treffen, die sofort von ihr entflammt ist. 

Auf dem gemeinsamen Heimweg geschieht jedoch etwas 

Unfassbares, und Sophies Anruf auf der Mailbox ist das 

Letzte, was Ai-Ling noch zu hören bekommt … 

Die neue Monika Treut tut richtig gut, und sie vermittelt 

– neben der spannenden und mystischen Rahmenhandlung, 

die die Grenze von Fiktion und Realität 

manches Mal verwischt, – ein tiefsinniges Porträt von 

Taiwan, das zwischen Moderne und Tradition hin- und 

hergerissen ist. Trotz aller kultureller Unterschiede zeigt 

der Film jedoch vor allem eines: Liebe ist universell und 

kümmert sich nicht um gesellschaftliche Normen. 

Monika Treut 

Monika Treut studierte in Marburg 

Germanistik und politik (Staatsexamen 

1978) und promovierte 1984 mit der 

Dissertation „Die grausame Frau. Zum 

Frauenbild bei de Sade und Sacher 

Masoch“. im selben Jahr gründete sie 

mit der Regisseurin und Kamerafrau 

Elfi Mikesch die Hyäne Filmproduktion 

in Hamburg. nach einer Theaterregie- 

Assistenz bei Werner Schroeter am 

Düsseldorfer Schauspielhaus lebte 

Monika Treut von 1989 bis 1992 in 

new York, wo u.a. der Spielfilm „My 

Father is Coming“ entstand. ihre 

Spiel- und Dokumentarfilme erhielten 

preise in italien, brasilien, England 

und Griechenland. Retrospektiven 

haben bisher in Cambridge, bologna, 

Los Angeles, Toronto, Mexiko City, 

Lissabon, Thessaloniki, Sao paolo, 

Helsinki, Taipeh, Warschau und prag 

stattgefunden. Sie unterrichtet an 

Universitäten in Kalifornien und new 

York und schreibt beiträge für bücher 

und Zeitschriften. Monika Treut 

ist inhaberin der produktionsfirma 

Hyena Films in Hamburg. 

ghosted 

von Monika Treut 

D/TW 2009, 89 Min, OmU 

Edition Salzgeber, 

www.salzgeber.de 

im Kino 

Bundesstart 30. April 2009 

L-Filmnacht im April 

www.l-filmnacht.de 

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kino

kino 

„Für mich ist der Reiz beim Dokumentarfilm immer das Abenteuer, eine Reise mit 

ungewissem Ausgang anzutreten.“ 

sissy: Du hast Dich in den letzten Jahren ganz auf Deine Dokumentarfilmarbeit 

konzentriert. Warum hast Du Dich jetzt für einen Spielfilm 

entschieden? 

Monika treut: Für mich ist der Reiz beim Dokumentarfilm immer das 

Abenteuer, eine Reise mit ungewissem Ausgang anzutreten. Weil 

der Dokumentarfilm in Deutschland in den letzten Jahren durch die 

Fernseh-Sender – ohne deren Beteiligung ja fast nichts mehr geht – 

sehr formatisiert wurde, hatte ich wieder Lust im Spielfilmbereich 

zu arbeiten. Im Moment scheint mir im Low-Budget-Spielfilm mehr 

Freiheit zu sein, ungewöhnliche Geschichten zu erzählen. 

Wie entstand die Idee zu „Ghosted“? 

Die Idee zu Ghosted ist durch eine der Protagonistinnen meines Dokumentarfilms 

Den Tigerfrauen wachsen Flügel – die Schriftstellerin Li 

Ang aus Taiwan – an mich herangetragen worden. Li Ang hatte mich 

mit taiwanesischen Geistergeschichten bekannt gemacht und regte 

an, dass ich einen Roman von ihr verfilme. Das Projekt hat sich dann 

zerschlagen. Zurück in Hamburg ergab es sich durch eine glückliche 

Fügung, dass die junge Autorin Astrid Ströher mir eine Idee für eine 

Doppelgänger-Geschichte gab. Daraus hat sich etwas sehr Spannendes 

entwickelt: eine Vermischung des asiatischen Geistermotivs mit dem 

Motiv des Doppelgängers, das aus der deutschen Romantik stammt. 

Kannst Du das Motiv der asiatischen Geistergeschichten noch ein bisschen 

ausführen? 

In Asien, speziell auch in Taiwan, gibt es sehr viele Geistergeschichten. 

Sie beruhen auf der Ahnenverehrung. In Taiwan gibt es in fast 

allen Wohnungen Altäre mit Fotos der Ahnen. Sie werden besonders 

im Geistermonat geehrt. Dann versammeln sich die Familien mit 

Freunden und Nachbarn, um Geistergeld zu verbrennen und Opfergaben 

für die Verstorbenen darzureichen, Speisen und Früchte, die 

alle eine bestimmte Bedeutung haben. Es wird den Ahnen etwas 

gegeben, sodass sie friedlich gestimmt sind. Der Hintergrund für 

diese Rituale ist eine große Angst. Es ist die Angst, den Vorfahren 

nicht genug Liebe gegeben zu haben, sich nicht genug um sie gekümmert 

zu haben, die Angst, dass die Verstorbenen als Geister zurückkehren, 

um die Lebenden zu verfolgen und sich zu rächen. Mich 

fasziniert auch das Ritual des Verbrennens von Geistergeld. Es wird 

nicht nur taiwanesisches Papiergeld verbrannt, sondern auch chinesisches 

Festlandsgeld, falsche amerikanische Dollars und andere 

Währungen, die der verstorbene Geist benötigen könnte, um in seiner 

Zwischenwelt zu existieren. 

Die Geschichte von „Ghosted“ spielt auf verschiedenen Zeitebenen, die 

ineinander geschoben werden. Warum hast Du Dich für diese Struktur 

entschieden? 

Es geht es um den Tod einer Figur und es geht darum, wie die anderen 

damit umgehen. Wir beginnen mit der Vergangenheit der jungen 

Taiwanesin Ai-ling und springen dann mit Sophie in die Gegenwart, 

nachdem der Todesfall geschehen ist. Die Erinnerungen an die Tote 

kehren wie ein Trauma zurück und unterbrechen die Struktur der 

linearen Erzählung. Die Grenzen von Gegenwart, Vergangenheit und 

Zukunft werden dadurch aufgehoben und in einen Schwebezustand 

versetzt. Durch die Figur der geheimnisvollen Journalistin Mei-li 

entsteht zusätzlich etwas Mehrdeutiges und Geheimnisvolles, was 

sich nicht restlos aufklären lässt. 

Die Geschichte dreht sich aber auch um die Liebe. Aus Sophies 

westlicher Sicht geht es um den Verlust der Geliebten und dass ihr 

erst dadurch bewusst wird, was sie ihr bedeutet hat. Es geht um Versäumnisse 

und die Trauer, die aus der Erkenntnis entsteht, etwas 

nicht gelebt zu haben. Die asiatische Perspektive hat eher mit dem 

Tod zu tun: Ai-ling ist jung gestorben, sie hat in ihrem Leben noch 

nichts hinterlassen. Der „Geist“, der sich auf die Spur von Sophie 

heftet, möchte herausfinden, ob diese junge Frau geliebt wurde. 

Am Ende des Films werden dann beide Aspekte zusammengeführt, 

sodass der „Geist“ wieder entschwinden kann: Sophie hat den Prüfungen 

des Geistes standgehalten – sie hat sich nicht verführen 

lassen – und der biologische Vater bekennt sich endlich zu seinem 

Kind. Nun kann die Tote in Frieden ruhen und der „Geist“ hat seine 

Aufgabe erfüllt. Und die deutsche Sophie kann von ihrer Geliebten 

Abschied nehmen und hat etwas von der fremden Kultur in sich aufgenommen. 

War es schwierig, die Liebesszenen zu drehen? 

In Taiwan gibt es ein spezielles Verhältnis zur Sexualität, und das war 

beim Drehen der Liebesszene besonders virulent. „Frontal nudity“ 

war ein Reizwort bei den taiwanesischen Schauspieler-Agenten. Es 

ging immer sofort darum: Was ist mit „frontal nudity“, was müssen 

die Schauspielerinnen hier zeigen? Das war immer ein ganz heißes 

Eisen. Es hat zum Teil mit dem Konfuzianismus zu tun. Man zeigt 

seinen Körper nicht. Erotik und Sexualität spielen sich sehr privat ab, 

sehr intim. Man kann sich vorstellen, dass die Liebesszene, so zart sie 

in ihren Andeutungen ist, für die junge Schauspielerin Huan-Ru ein 

Problem darstellte. Inga Busch hat dann sehr geholfen mit ihrer entspannten 

Haltung zu ihrem Körper, aber dennoch war es eine Schwierigkeit. 

Wir hatten ein „closed set“, wir haben ohne Ton gedreht, weil 

die beiden Tonmänner nicht dabei sein durften. Wir haben es so einfach 

wie möglich gemacht für die junge Schauspielerin aus Taiwan, 

die vorher große Angst hatte. 

Du gehörst zu den wenigen Filmemachern, die von Drehbuch über Produktion 

bis zur Regie alle Funktionen übernehmen. Lassen sich Deine 

Filme nur so realisieren? 

Es ist aus der Not geboren, diese Personalunion zu übernehmen in 

diesem Fall, weil die Zutaten des Films – die taiwanesischen Co-Produzenten, 

die taiwanesischen Mitarbeiter und Schauspieler, die ganze 

deutsche Seite und auch die Schwierigkeiten bei der Finanzierung – 

für den normalen deutschen Produzenten viel zu viel Arbeit gewesen 

und viel zu wenig honoriert worden wären. Und die Durststrecken, 

die man dabei zu überwinden hat, sind auch nur dann durchzustehen, 

wenn man von ganzem Herzen überzeugt ist, dass man einen solchen 

Film machen möchte. Also für junge Leute auf keinen Fall zu empfehlen 

und für die Älteren… Naja es gibt wahrscheinlich gar nicht mehr 

viele, die sich auf so etwas einlassen. Ich hab’s nicht bereut. Es gab 

schon ein paar extrem schwierige Situationen, aber ich bin mit dem 

Film sehr zufrieden und bin allen dankbar, die sich auf dieses Experiment 

eingelassen haben. Interview: Doris Bandhold s 

www.hyenafilms.com 

Honey in Action 

von Stefanie Denkert 

Endlich erscheint Lizzie bordens „born in Flames“ auf DVD und ist im Februar in der L-Filmnacht 

wiederzuentdecken. 

s Der nun endlich ab März erhältliche lesbisch-feministische 

Klassiker Born in Flames von Lizzie Borden 

aus dem Jahre 1983 zelebriert den Kampfgeist und autonomen 

Aktionismus, wie wir ihn von den mutigen Frauenrechtlerinnen 

kennen, die ihren Protest in den späten 

1960ern auf die Straße trugen. Born in Flames entwirft 

allerdings ein utopisches Amerika, das zehn Jahre nach 

einer Revolution nun in einer sozialistischen Demokratie 

lebt. 

Auch in dieser angeblich gerechteren Gesellschaft 

sind Sexismus und Rassismus weiterhin im alltäglichen 

Leben fest verankert. Eine Krise auf dem Arbeitsmarkt 

macht das besonders deutlich: Die ersten, die entlassen 

werden, sind Frauen und Angehörige ethnischer Minderheiten. 

Eine militante Gruppe, die sich als die „Army“ 

bezeichnet, hat sich bereits formiert, um für den Schutz 

von anderen Frauen zu sorgen. Sie patrouillieren in den 

Städten auf Fahrrädern und stellen sich den Tätern sexueller 

Übergriffe in den Weg. Fotos von Vergewaltigern 

veröffentlichen sie auf Plakaten in der ganzen Stadt, 

Gebäudemauern besprühen sie mit Wahrheiten über die 

Unterdrückung von Frauen. 

Zum zehnten Jahrestag der sozialistisch-demokratischen 

Revolution soll jedoch der Anschein einer glücklichen 

Bevölkerung öffentlich demonstriert werden. Der 

Regierung ist die selbstjustizübende Gruppe somit ein 

Dorn im Auge, schließlich zeigen die als „Terroristinnen“ 

denunzierten Frauen die Fehler im System auf. Als 

deren Anführerin jedoch unter dem Druck der Regierung 

zusammenbricht und sich im Gefängnis das Leben nimmt, 

begreifen viele erst, wie ernst die Lage ist. 

Eine stetig wachsende Anzahl von Frauen will nicht 

mehr nur darauf hoffen, dass eines Tages Gleichberechtigung 

in allen Köpfen verankert sein wird, sondern aktiv 

werden. Immer mehr Frauen schließen sich daher den 

Aktionen der „Army“ an und beginnen, mit ihnen zu 

demonstrieren. Die Regierung versucht derweil, gegen 

die wachsende Unruhe mit einem neuen Programm 

anzugehen und schlägt als Lösung für die Massenarbeitslosigkeit 

von Frauen die Entlohnung von Hausarbeit vor. 

Die Frauen wollen sich jedoch nicht an den Herd zurückdrängen 

lassen. 

Mittlerweile sind Radiomoderatorin Honey und ihre 

Anhängerinnen auch davon überzeugt, den Kampf gegen 

die Machtinhaber aufnehmen zu müssen. Für Honey als 

lesbische Afroamerikanerin aus armen Verhältnissen 

steht dabei fest: Im Kampf gegen Unterdrückung müssen 

Frauen aller Hautfarben, sozialer Schichten und sexueller 

Orientierungen sich solidarisch vereinen. Die Revolution 

beginnt… 

Lizzie Borden ist es gelungen, einen feministischen 

Science-Fiction-Film zu drehen, der sämtliche Kritikpunkte 

innerhalb und außerhalb der Neuen Frauenbewegung 

behandelt. Es ist bemerkenswert, wie mit pointierten 

Dialogen und aussagekräftigen Bildern Rassismus, 

Klassismus, Sexismus und Heterosexismus thematisiert 

werden, ohne dass dabei nur an der Oberfläche gekratzt 

wird. Als Low-Budget-Produktion hat Born in Flames den 

authentisch anmutenden Look eines Zeitdokuments, der 

durch seinen dokumentarischen Stil weiter unterstrichen 

wird. Das utopische Setting des Films ermutigt die 

ZuschauerInnen, mit einem frischen Blick den Stand der 

Gleichberechtigung in der Gesellschaft, in der sie leben, 

neu zu betrachten und zu überdenken. 

Es überrascht nicht, dass Born in Flames großen 

Einfluss auch auf spätere Filmemacherinnen hatte. Beispielsweise 

beschäftigte sich der amerikanische Independentfilm 

A Gun for Jennifer (1996) mit Deborah Twiss 

ebenfalls mit feministischer Selbstjustiz. Darin schließt 

sich die Protagonistin Jennifer einer Frauen-Gang an, die 

es sich zur Aufgabe gemacht hat, Vergewaltigungsopfer 

zu rächen. Und zuletzt hat sich Jamie Babbit mit ihrem 

Politmärchen Itty Bitty Titty Committee, das 2008 in die 

deutschen Kinos kam, direkt auf Born in Flames bezogen. 

Babbit erklärte der L-Mag: „Ich liebe diesen Film. Und 

sie [Lizzie Borden] ist jemand, die lange vor mir kam und 

mich total inspiriert hat.“ 

Itty Bitty Titty Committee greift den revolutionären 

Gedanken aus Bordens Klassiker auf und setzt dabei feministischen 

Aktivismus äußerst unterhaltsam in Szene. Im 

Zentrum des Films steht die radikalfeministische Frauengruppe 

C(I)A. (Clits in Action), deren post-adoleszente 

Mitglieder mit jugendlichem Eifer den Kampf gegen das 

Patriarchat aufnehmen, um ein selbstbestimmtes Leben 

zu führen. Wie auch Babbits Film zeigt, kann man leider 

nur zu dem Schluss kommen, dass die Thematik von Born 

in Flames immer noch hochaktuell ist und auch heute 

noch zum Aktivismus inspirieren kann. s 

Born in Flames 

von Lizze Borden · USA 1983, 

80 Minuten, OmU 

itty Bitty tity Committee 

von Jamie Babbit · USA 2007, 

87 Minuten, OmU 

Beide Edition Salzgeber, 


Lizzie Borden 

1958 als Linda Elizabeth borden 

geboren. borden machte ihren 

Abschluss am Wellesley College 

in Massachusetts, bevor sie nach 

new York zog, um als Künstlerin 

und Kritikerin zu arbeiten. 1976 

entstand „Regrouping“, das erste 

Werk der Autodidaktin, doch erst mit 

„born in Flames“ (1983) gelang ihr 

ein publikumshit. Drei Jahre später 

erschien „Working Girls“, ein Film 

über die lesbische Fotografin Molly, 

die als prostituierte arbeitet, um 

ihren Lebensunterhalt zu bestreiten. 

nach einigen Arbeiten für die 

Horrorfernsehserie „Monsters“ ging 

borden nach Hollywood und filmte mit 

Sean Young „Love Crimes“ (1991), der 

sich mit erotischen Fantasien befasst. 

Die weibliche Sexualität erkundete 

sie ebenfalls in der Serie „inside 

out“, einer playboy produktion, 

sowie in dem Filmsegment „Let’s 

Talk About Sex“ über eine Angestellte 

einer Telefonsex-Hotline. 

A gun for Jennifer 

von Todd Morris · USA 1996, 

91 Minuten, FSK 18 

Indigo, www.goodmovies.de 

8 9 

kino

kino kino 

LANDPArtie 

von thomaS abeltShauSer 

Mit „Rückenwind“ kommt der neue Spielfilm des berliner Regisseurs Jan Krüger ins Kino. 

SiSSY hat sich mit ihm getroffen. 


s Johann und Robin, zwei Berliner Jungs, 

fahren mit dem Zug nach Brandenburg, um 

ein paar Tage durch die einsame Waldlandschaft 

zu radeln und das Zelt aufzuschlagen, 

wo es ihnen gerade gefällt. Es ist Sommer, die 

Luft ist lau und das Leben ist ein Spiel. Zwischen 

Nacktbaden und Herumtollen wird ihr 

Ausflug bald zum Abenteuer, je tiefer sie in 

den Wald eindringen. Dort, wo Fuchs und 

Hase sich Gute Nacht sagen, passieren merkwürdige 

Dinge. Plötzlich sind ihre Räder 

weg, trotz Landkarte verlieren sie immer 

mehr die Orientierung. Sie nehmen es sportlich, 

lassen sich treiben, erkunden stattdessen 

ihre Körper, mal zärtlich, mal wild. Vor 

allem Robin testet, wie weit er gehen kann – 

und Johann liefert sich ihm lustvoll aus. Zu 

Fuß erreichen sie irgendwann einen alten 

Gutshof, den eine Mutter mit ihrem jugendlichen 

Sohn bewohnt. Überraschend freundlich 

werden sie willkommen geheißen und 

bleiben eine Weile, essen, trinken, erzählen 

sich Geschichten und machen kleine Ausflüge. 

Die Welt da draußen ist ganz weit weg, 

hier gibt es nur die vier. Als die drei Jungs 

mit dem Boot am Steg anlegen, isst Johann 

ein paar Beeren, die ihm die Wahrnehmung 

verschwimmen lassen. Was ist wirklich, was 

seine Fantasie? Wie nah kommen sich Robin 

und der Junge da im Gestrüpp? Fiebrig und 

eifersüchtig zieht sich Johann immer mehr 

zurück. Die Idylle scheint ein jähes Ende zu 

finden. Oder ist alles nur ein Spiel? 

Jan Krügers zweiter Langfilm nach dem 

preisgekrönten Unterwegs ist eine Reise mit 

leichtem Gepäck, ein Roadmovie mit kleinem 

Budget. In einer faszinierenden Mischung 

aus realistischen Alltagsbeobachtungen und 

märchenhaft anmutenden Momenten erzählt 

Rückenwind von einer schwulen Beziehung in 

einer Auszeit jenseits des Großstadtdschungels. 

Kurz vor der Weltpremiere auf der Berlinale 

und inmitten der Postproduktion hat 

sich Jan Krüger Zeit für ein Gespräch mit 

SISSy genommen. 

sissy: Wie ist die Idee zu RüCKenWInD 

entstanden? 

Jan Krüger: Das erste Exposé war noch sehr 

viel weniger narrativ, ich wollte ganz impressionistisch 

Bilder und Szenen eines Ausflugs 

parallel mit Aufnahmen aus der Großstadt 

zeigen. Im Club, nachts am Märchenbrunnen, 

so eine Art Reigen, aber ohne durchgehende 

Geschichte. Die erste Idee war auch 

gar nicht, einen Spielfilm mit geschlossener 

Handlung zu erzählen, sondern eher eine 

offene Collage, einfach aus der Not heraus, 

mit wenig Geld und Zeit einen Film zu drehen. 

Als zweite Ebene hätten Zeitungsausschnitte 

und Tagebucheinträge den Film 

zusammengehalten. Das will ich auch noch 

mal probieren, aber so auf halbem Weg 

merkte ich, dass das über eine Länge von 70, 

10 11

EDiTion SALZGEbER (2) 

kino 

80 Minuten nicht trägt. Also habe ich angefangen, die Ausflugsgeschichte 

weiterzuspinnen. Da kamen dann das Haus und die anderen 

Figuren dazu und auch die Idee, den Film so psychedelisch enden zu 

lassen. Es wurde mir auch schnell klar, dass die Rückblenden in die 

Stadt irgendwie bemüht gewirkt hätten und ich habe sie dann ganz 

weggelassen. Ich habe mich mehr auf die Geschichte verlassen und 

auch auf das, was auf so einer Reise mit den Schauspielern passiert. 

Das hat so eine eigene Kraft entwickelt, dass die ganz abstrakten 

Momente – ursprünglich sollte man auch mal zehn Minuten nur Wassertropfen 

und krabbelnde Tierchen sehen, dazu Tagebuchaufzeichnungen 

vorgelesen – fast gar nicht mehr drin sind. 

Das ende ist aber noch ein überbleibsel von diesem ursprünglichen 

Konzept, oder? 

Ein bisschen, ja. Es gibt einen Roman von Hervé Guibert, „Das Paradies“, 

den ich in Motiven schon in dem Kurzfilm Hotel Paradijs verwendet 

habe. Eine magische Geschichte, die mit dem Tod der imaginierten 

Freundin beginnt und dem Versuch, diese Liebesgeschichte 

zu rekonstruieren. Und dabei löst sich die Gewissheit auf, dass das 

alles so passiert ist. Daraus hatte ich die Idee, die Geschichte nicht von 

A bis Z zu erzählen und auch diese Realitätsverschiebung am Ende. 

Wie detailliert war das Drehbuch? 

Es gab ein Treatment von 30 Seiten, mit großem Zeilenabstand. Das 

war nicht viel. Zu Beginn standen noch nicht mal alle Drehorte fest. 

Bei einer größeren Produktion wäre mir der Arsch noch mehr auf 

Grundeis gegangen, aber wir waren nur fünf Leute und ich habe auch 

schlecht geschlafen, aber ich wusste, ich muss nicht alles kontrollieren, 

sondern kann es auch mal laufen lassen und kucken, was passiert. 

Das Drehbuch war sehr fragmentarisch und es gab auch keinen Ausstatter, 

wir mussten also die Orte so nehmen, wie wir sie vorfanden 

und uns darauf einstellen. Da muss man schon ein Risiko eingehen 

und vertrauen, dass es am Ende zusammenpasst. 

Warum war es zeitlich und finanziell so knapp? 

Die Produktionskosten waren so niedrig, weil wir den Ehrgeiz hatten, 

einen wirtschaftlichen Film zu machen, also einen Film, der sich 

durch die Kino- und DVD-Erlöse rechnet. Das hieß in diesem Fall 

40.000 Euro. Und das bedeutet eine große Einschränkung, aber auch 

die große Freiheit, dass einem keiner reinredet und man keinen konventionellen 

Spielfilm erzählen muss. Ein Kompromiss war, dass es 

kein fertiges Drehbuch gab, denn das hätte mehr Zeit und auch mehr 

Geld gekostet. Ich habe dafür mehr Zeit fürs Casting verwendet. 

Mittlerweile habe ich dieses Selbstvertrauen, so zu arbeiten. 

Wie hast Du die Darsteller gefunden? 

Ich verfolge schon deutsches Kino und Fernsehen 

und da fallen mir Leute auf, die ich toll 

finde. Und ich kucke viel bei Casting-Agenturen. 

Jetzt hatte ich zunächst den Eindruck, 

dass ich mit diesem unfertigen Drehbuch 

und der schwulen Geschichte, in der es auch 

Nacktszenen geben sollte, Schwierigkeiten 

haben würde, gestandene Jungstars dafür zu 

finden. Die haben ja was zu verlieren und dem 

Druck wollte ich mich nicht auch noch aussetzen. 

Deswegen habe ich zuerst Laien gesucht, 

per Anzeige und im Internet, da haben sich 30 

Leute gemeldet und davon haben wir 20 eingeladen 

und Probeaufnahmen gemacht. Aber das 

war schwierig, so ganz ohne Erfahrung. Also 

habe ich bei Schauspielschulen Leute angeschaut 

und bei kleineren Agenturen. Sebastian 

Schlecht, der den Johann spielt, habe ich an der 

HFF Potsdam gefunden, wo er im zweiten Jahr 

Schauspiel studiert, und Eric Golub ist mir in 

einem Musikvideo aufgefallen. Ich habe sie 

dann eingeladen und im Park rumtoben und 

Tango tanzen lassen. Da zeigt sich schon sehr viel, ob jemand einen 

anderen, den er nicht kennt, souverän anfassen kann. Das ist keine 

Kleinigkeit. Und die beiden konnten das, das war eine gute Kombination, 

auch in ihrer Unterschiedlichkeit. 

Wussten sie, wie weit sie gehen müssen? 

Sie wussten, dass es um eine schwule Beziehung geht. Wir haben 

das Drehbuch zusammen gelesen und uns dann überlegt, dass sie 

seit 6 Wochen zusammen sind, also schon oft miteinander geschlafen 

haben. Und diese Vertrautheit sollte man auch vor der Kamera 

sehen, da mussten sie innerhalb von ein paar Tagen hinkommen. Sich 

küssen und anfassen können, wie zwei Jungs, die schon oft zusammen 

im Bett waren. Ich will keinen steifen Schwanz sehen, habe ich 

gesagt, aber ich will schon, dass ihr euch auch mal nackt auszieht und 

berührt, weil das zur Geschichte gehört. Da muss man einfach sehr 

konkret sein, dann verschwindet auch das Anrüchige daran. Ich habe 

sie sich vorher nackt fotografieren lassen. Das hat eine Nähe geschaffen 

und den beiden auch Selbstvertrauen gegeben. 

Wie schaffst du die Gratwanderung zwischen authentischer Intimität 

und Ausbeutung? 

Das muss jeder für sich entscheiden, denke ich. Man muss bestimmte 

Grenzen akzeptieren, wenn es den Beteiligten unangenehm ist. Ganz 

wichtig ist auch sich selbst einzubringen. Zu erzählen, wie es mit 

dem eigenen Freund ist, zum Beispiel. Man darf nicht glauben, dass 

man die Schauspieler vorschicken kann und selbst schön in Sicherheit 

bleibt. Im Gegenteil, man muss sich zumindest im Gespräch entblößen 

und damit ein paar Tabus brechen. Und sehr genau hinschauen 

und sie auch ein bisschen pushen. Und den Schauspielern Feedback 

geben, ihnen sagen, was sie schon gut machen, um so Vertrauen zu 

schaffen. 

Und deine eigenen Grenzen? 

Ich könnte in meinen Filmen sicher noch viel weiter gehen, auch 

im sexuellen Bereich. Es gab in den letzen Jahren ja einige renommierte 

Regisseure, die echten Sex gezeigt haben, ob Lars von Trier 

oder Michael Winterbottom. Da ist aber nicht viel übrig geblieben, 

finde ich. Sex als expliziter Akt war weder ein ästhetischer Durchbruch 

noch eine besondere Befriedigung beim Kucken. Larry Clark 

hat immer was Schlüpfriges, aber auch sehr Hochglanz, diese glatten 

Jungs, wie eine Art Dirty-„Bravo“. Ich bin noch ziemlich weit davon 

entfernt, Leute bei echtem Sex zu zeigen. Es hat für mich auch nichts 

mit Schauspiel zu tun, sondern mit der Kontrolle von Körperfunktionen. 

Ist das die große Herausforderung? Ich will keine erigierten 

Schwänze sehen und nichts, was irgendwo reingesteckt 

wird. Man kann auch ohne das erotisch erzählen. Der 

Schlüssel liegt doch darin, spielerischer zu sein, auszuprobieren 

und nicht darin, immer noch expliziter zu werden. 

Wie bist du überhaupt zum Film gekommen? Du hast zuerst 

ein sehr unschwules Physikstudium absolviert. 

Ach ja? Da müsstest du erstmal eine statistische Erhebung 

in einem Physikjahrgang machen! Ich habe schon immer 

gern gelötet – falls du einen Kalauer für die Überschrift 

brauchst. Im Ernst: Zu Beginn des Studiums hatte ich mein 

Coming-Out und es hatte viel mit Sendungsbewusstsein 

zu tun, sich auseinanderzusetzen und mitzuteilen. Es war 

dann aber eher Zufall, dass ich von der Kunsthochschule 

in Köln hörte. Die Bewerbung war ziemlich aus dem Bauch 

heraus und auch blauäugig, weil ich zuvor noch nie was 

mit Film gemacht hatte. Ich glaube, ich wurde ausgewählt, 

weil ich bereit war, mich sehr persönlich einzubringen. 

Das waren dann vier nicht leichte Jahre, weil ich künstlerisch 

nicht vorgebildet war. Ich habe mich dann aber 

ganz bewusst gegen die Technik entschieden, ich habe bis 

heute glaube ich nie einen Special Effect verwendet. Ich 

wollte ja eben nicht Ingenieur werden und das sieht man 

als Gegenbewegung auch meinen Filmen an. 

Deine Filme handeln oft von schwulen Beziehungen, die 

ambivalent sind. Was interessiert dich daran? 

Ich lasse sie oft wie bei einem Laborversuch durch eine 

dritte Person in Frage stellen, will sehen, was da passiert. 

Ich versuche, in Menschen reinzukucken, auch in die 

Schauspieler selbst, lege auch ihre Gefühle jenseits der 

Figur offen. Die sind oft sehr nah an ihnen selber, teilweise 

tragen sie ihre eigenen Klamotten. Vielleicht auch, 

um es mit mir abzugleichen. Das Zeigen von schwulen 

Beziehungen hat wie ich finde auch eine politische Komponente, 

da steht schon eine gesellschaftliche Haltung 

dahinter. Schwules Leben ist in der öffentlichen Darstellung 

und Wahrnehmung furchtbar normiert. Als müsste 

man einen Glücksbeweis antreten, aus der Kränkung des 

Coming-Outs heraus. Aber es schränkt total ein, wenn 

man immer stark und selbstbewusst sein muss in seinem 

Auftreten. Auch als Schwuler hat man Schwächen und 

Krisen, selbst wenn man in einer funktionierenden Beziehung 

ist. Aber dahinter kuckt man im populären Film 

nicht, da endet es eben damit, dass zwei zusammenkommen, 

aber was danach passiert, wird selten gezeigt. Mir 

geht es nicht darum zu zeigen, dass es keine Diskriminierung 

mehr gibt – das würde ich auch nie behaupten. Aber 

es interessiert mich ganz persönlich mehr, was nach einer 

ersten ‚Befreiung‘ kommt. Was für spezifische Themen 

und Schwierigkeiten es auch in ‚emanzipierten‘ schwulen 

Beziehungen gibt. 

Zum Beispiel? 

In Rückenwind sind es zum Beispiel zwei Jungs, die ihre 

Rollenverteilung finden müssen. Die gleiche Geschichte 

mit einem Jungen und einem Mädchen würde vielleicht 

anders aussehen. Ich glaube, Fragen der Macht und Überlegenheit 

werden unter Jungs anders verhandelt. Oder 

Sex. Es gibt z.B. kaum Geschichten, in denen es darum 

geht, dass zwei Jungs vielleicht ganz unterschiedlich Lust 

auf Sex (oder Lust auf unterschiedlichen Sex) haben. Das 

sind spezifische Themen jenseits der Frage, ob es richtig 

und gut ist, schwul zu sein. s 

www.jank-home.de 

rückenwind 

von Jan Krüger 

D 2009, 75 Min 



im Kino 

Bundesstart 4. Juni 2009 

Gay-Filmnacht im Mai 

www.gay-filmnacht.de 

Verführung von engeln 

Kurzfilme von Jan Krüger 

D 1998–2007, 70 Min 

Unterwegs 

von Jan Krüger 

D 2004, 80 Min 

Jan-Krüger-Box 

beide DVDs im Schuber 



Jan Krüger 

Der am 23. März 1973 in Aachen 

geborene Jan Krüger studierte 

zunächst Elektrotechnik, physik 

und Sozialwissenschaften an der 

RWTH Aachen, bevor er sich an 

der Kunsthochschule für Medien 

Köln bewarb, wo er ab 1996 Film-/ 

Fernsehregie bei Horst Königstein 

studierte. Sein erster Kurzfilm 

„Verführung von Engeln“ war ein 

Musikvideo mit Udo Lindenberg, 

der das bekannte Gedicht von 

bertold brecht vertonte („verzieh 

ihn einfach in den Hauseingang, 

steck ihm die Zunge in den Hals…“). 

Sein Abschlussfilm „Freunde“ 

(2001) über zwei 16-jährige Jungs, 

deren Freundschaft zunehmend 

erotische Züge annimmt, lief auf 

dem internationalen Filmfest in 

Venedig und wurde dort mit dem 

„Silbernen Löwen“ als bester 

Kurzfilm ausgezeichnet und war für 

den Deutschen und Europäischen 

Filmpreis nominiert. Für seinen ersten 

Langspielfilm „Unterwegs“ (2004) 

über ein junges Heteropärchen, das 

beim Zelten im Sommer einen Jungen 

kennen lernt, der für kurze Zeit ihr 

Leben auf den Kopf stellt, erhielt er 

den „Tiger Award“ des internationalen 

Filmfestivals in Rotterdam. Sein 

gesammeltes Werk mit weiteren 

Kurzfilmen wie „Tango Apasionada“ 

über das Ende einer schwulen 

beziehung (oder auch nicht?) und 

„Hotel paradijs“ über einen jungen 

Deutschen in Amsterdam, der 

aus seiner schwulen beziehung 

ausbricht, als er ein Mädchen trifft, 

ist als Doppel-DVD-box in der 

Edition Salzgeber erschienen. 

12 13 

kino

geschichte film-flirt 

Harvey Milk – ein Leben für 

die Community 

von Randy Shilts 

Bruno Gmünder, 

www.brunogmuender.com 

the times of Harvey Milk 

von Robert Epstein 

und Richard Schmiechen 

USA 1984, 90 Min, OmU 



Harvey, die erste 

von Paul Schulz 

Die ganze, die wahre Geschichte über den offen schwulen Stadtverordneten 

Harvey Milk erscheint im März auf DVD. 

Harvey Milk: Eitel, medienhörig, jähzornig, starrsinnig – und liebenswürdig. 

s The Times of Harvey Milk gewann 1985 den Oscar 

für „Best Documentary“. Damals wurden Oscars noch 

„gewonnen“ und „gingen“ nicht einfach an jemanden. 

Während Produzent Richard Schmiechen die Dankesrede 

hielt, stand Regisseur Rob Epstein lächelnd hinter 

ihm auf der Bühne und freute sich wohl schon auf den 

Fortgang seiner Karriere: Er erhielt nur fünf Jahre später 

für Common Threads: Tales from the Quilt seinen zweiten 

Acadamy Award und seitdem viele, viele weitere Filmpreise, 

unter anderem zwei TEDDys für The Celluloid 

Closet und Paragraph 175. 

Dass Epstein als Dokumentarfilmer nicht so berühmt 

geworden ist wie Michael Moore, liegt wohl an seinen 

Themen: Alle seine Filme handeln von der Sichtbarkeit 

schwulen Lebens oder deren Notwendigkeit, egal ob in der 

Politik, im Alltag oder im Medium Film selbst. Zusammen 

mit seinem Produktionspartner Jeffrey Friedman dreht 

Epstein seit 20 Jahren kulturelle und historische Steine 

um, unter denen schwules Leben zum Vorschein kommt. 

The Times of Harvey Milk war Epsteins erste Großtat. 

Der Dokumentarfilm über den ersten offen schwulen 

Mann der Welt in einem bedeutenden politischen Amt ist 

auch heute noch beeindruckend und von erstaunlicher 

Aktualität. Große Teile von Milk mit Sean Penn lassen 

sich direkt auf Epsteins Rekonstruktion zurückführen, 

was Milk-Mastermind Gus van Sant unumwunden zugibt: 

„Ohne Epsteins Film wür de es meinen wahrscheinlich 

nicht geben“, sagte der Oscarkandidat in Interviews. 

Eigentlich wollten Schmiechen und Epstein 1978 eine 

Dokumentation über Milks Kampf gegen „Proposition 6“ 

drehen, einen Zusatz zur San Franciscoer Stadtverordnung, 

der es möglich gemacht hätte, offen schwule Stadtangestellte, 

Lehrer und Erzieher auf Grund ihrer sexuellen 

Orientierung fristlos zu entlassen. Dass die Mehrheit 

der Bevölkerung letztendlich gegen den Zusatz stimmte, 

war ursächlich Harvey Milks Verdienst und ist sein politisches 

Vermächtnis. Den Mann dahinter auf Zelluloid 

zu bannen, machte sich Epstein zur Aufgabe, als Milk erschossen 

wurde. Das scheint für die Ewigkeit gelungen. 

Wo van Sant in Milk seinen Hauptprotagonisten zu 

einem kämpferischen Helden stilisiert, der sich für die 

Seinen umbringen lässt, blitzen in The Times of Harvey 

Milk auch die anderen Seiten des Mannes auf: seine Eitelkeit, 

seine Medienhörigkeit, sein Jähzorn, sein Starrsinn, 

aber auch sein Sinn für Humor und seine Liebenswürdigkeit. 

Milk ist ein Denkmal, The Times of Harvey Milk ein 

Dokument, das Milks Leben in einen größeren Zusammenhang 

stellt. s 



Der Moment 

von Tim STaffel 

Tim Staffel, geboren 1965, ist Schriftsteller und Theaterregisseur. Zuletzt von ihm erschienen: 

„Jesús und Muhammed. Eine Liebesgeschichte.“ 

s Seattle. Nick sitzt im Sessel, hat sein T-Shirt ausgezogen, die Jeans 

noch an. Sieht in Richtung der Tür, die zum Bad führt, aus dem Jesse 

kommt, nackt. Hat sich geduscht, hält sich das Handtuch vor. Nicks 

Augen können nirgendwo hin, nur zu Jesse. Jesse wendet sich ab, das 

Handtuch fällt auf den Boden. Jesse zieht sich Shorts an, tut so, als 

gäbe es Nicks Augen, als gäbe es Nick nicht. Dabei ist seine Selbstverständlichkeit 

nicht selbstverständlich; Jesse ist verschämt, weil Jesse. 

Nick liegt so gut es geht im Sessel, fragt nach einer Decke, zieht sie 

über sich. Nicks Blick umarmt Jesse. Der nimmt es nicht wahr. Als 

wäre da nichts oder nie, doch Nicks Augen sind nicht stumm. Nur 

still. Jesse liegt auf dem Bett. Nicks Augen legen sich zu ihm. Nichts 

passiert. Neuer Tag. 

Nick sprayt. Lebt in Portland, manchmal in einer Wohnung, vielleicht 

seiner. Nick ist der Graffiti Artist, sonst zählt nichts. Sprayen. 

Schreiben. Rapture sein Zeichen, seine Schrift. Und später dann, da 

hat er Jesse schon getroffen, ELUSivE. Jesse ist Flip, und Jesse hat 

Geld, eine Mutter, bei der er lebt, auch noch eine Wohnung in Seattle 

von der Mutter für ihn und eine vorstellung davon, wie das abzulaufen 

hat, mit dem Durch-die-Nacht-laufen. Die Nacht sprayen, den Tag mit 

seinen Tags beschriften. innerhalb der Ordnung. Gefahr berechenbar. 

Ziel ist Kunst. Kunst hat einen Rahmen, ist käuflich. Kunst macht 

keinen Ärger. Jesse will keinen, ist beschützt durch seine vorsicht, 

durch sein Einverständnis. Jesse ist mit Nick in einem Skateboard- 

Laden, da sind sie schon in Seattle. Nick soll sich ein Skateboard aussuchen. 

Jesse schenkt es ihm. Nick klaut Lebensmittel, da ist er noch 

in Portland, hat Jesse noch nicht getroffen. Wenn er Hunger hat, 

besorgt er sich das, was er braucht. Wenn er Farben braucht, besorgt 

er sich Farben. Wenn er die Nacht gesprayt hat, schläft er oft auf dem 

Boden, draußen, dort, wo er müde wird. Nick ist allein, vielleicht 

weiß er es nicht, kennt das Gefühl überhaupt nicht, aber dann sieht 

er Jesse. Reist wie Jesse nach Seattle. Entdeckt Jesse in Seattle, ruft 

ihm hinterher. Jesse wartet auf Nick, dann ziehen sie zusammen los, 

und Nick besorgt ihnen das, was sie brauchen, wenn sie hungrig sind, 

wenn sie sprayen wollen. Jesse staunt, findet es aufregend und fürchtet 

die Gefahr, respektiert die Ordnung, die Nick durchbricht. ‚Weil 

er nur so leben kann‘, denkt Jesse nicht. Keine Ahnung, ob Jesse Nick 

liebt, als er ihn berührt, aber Nick liebt Jesse, auch als der ihn nicht 

mehr berühren will. Liebt ihn mit seinen Augen, nur dass der Blick auf 

einmal traurig ist. vielleicht, weil Nick auf einmal weiß, was traurig 

ist. Und einsam. Jesse soll es erklären, längst ist jeder für sich zurück 

in Portland. Warum er ihn wie Scheiße behandelt, warum Nick nicht 

mehr für ihn existiert, selbst wenn er vor ihm steht. Weil du lebst 

wie du lebst, sagt Jesse. Weil Nick nicht zahlt für Nicks Leben. Wenn 

Jesse sprayt und skatet, hat ihn das nicht gewählt. Er atmet noch, 

auch ohne Farben, ohne Board. Was bleibt. Nicks Augen. Jesse, der in 

der Menge untergeht. Nick, der sich umdreht, vor einer Wand steht, 

mit den Farben in der Hand, FREE ART, sein Leben zeichnet. verzückung, 

Freudentaumel, nenn mich RAPTURE. ich bin ELUSivE, 

flüchtig, schwer zu fassen. ich hinterlasse mich, siehst in meine 

Augen – nichts. Hast keine Ahnung, Antrag schreiben, du darfst, 

darfst nicht, wirst sanktioniert, weil du dich sanktionierst. ich träum 

nicht von verträgen, bin öffentlich, wo, wann immer ich will. Meine 

Hand auf jeder Wand, freie Fläche, hab dich mal gekannt, dachte ich, 

warst einer von mir, bin immer noch hier. Du surfst durchs Wohnzimmer 

deiner Eltern, zeichnest den Gehaltscheck gegen, auch wenn 

du keine Arbeit hast. Myspace, facebook, zähl deine Freunde, kennen 

sich alle, keiner erkennt dich, Stromausfall. Bist dabei, solange keiner 

sich beschwert. Freies Netz, spray mal das Netz, idiot. Stellst deine 

digitalen Bilder rein, bist digital, ich leg die Decke über dich, auch 

wenn du mich nicht willst, das ist real. Stromausfall. FREE ART. Bist 

immer schön korrekt. Und gut bezahlt, was denn, deine Arbeit? Kunst 

ist elitär, machen sie dir weis, bist borniert und intellektuell, weil sie 

dich nicht verstehen. Will nicht für mich bezahlen, bin also kriminell. 

FREE ART. Kunst hat mit verstehen nichts zu tun. Warum kapierst 

du’s nicht? Weil du nichts kapierst. ist deine Ordnung, schon kapiert. 

Schön. Affirmativ. irgendwo muss das Fressen ja herkommen. Schon 

okay, FLiP. verhunger nicht, mein Herz. Fragst dich, was ist in fünf 

Jahren, oder zehn. Frag mich danach. Kannst nicht lesen, bin nicht 

im Netz, hab keine Freunde, die Programme für mich zählen. Hab 

keine Jahre. Gibt Sprachen, die benutzen dasselbe Wort für gestern 

und morgen. Meine Augen. Was ist mit deinen? Hängen als Ausdruck 

an der Tapete deiner Mutter. Dreh dich nicht um. Bin schon weg. 

Hast mich nie gesehen. Bin flüchtig wegen dir. An meinem Fenster 

klebt ein Zettel, von außen. Kam angeflogen, ist hängengeblieben‚ ein 

roter Stempel drauf – „Mach’s online! Einfach schnell und sicher“. 

Stromausfall. irgendwann werden sie uns beide kriegen. Sind nicht 

schnell genug, haben sie zu spät gesehen. Werden übermalt, weggewischt, 

gesäubert. Als hätt’s uns nie gegeben. War trotzdem hier. Bin 

immer noch da. Keine Ahnung, wo du bist. s 

the graffiti Artist 

von Jimmy Bolton 




Jesús und Muhammed 

von Tim Staffel 

Transit Verlag, www.transit-verlag.de 

14 15

film-flirt 

GM FiLMS 

Lizzie Borderline 

von Paul Schulz 

Eine Hommage an einen Helden des internationalen independentfilms. 

Den Kanadier bruce Labruce. 

s Ein moderner Held ist einer, dem der Rest der Menschheit eher fremd ist. Ausgestattet 

mit abnormalen, geheimnisvollen Kräften und in voller, wenn auch meist nach außen hin gut 

getarnter Kenntnis seiner völligen Absonderlichkeit, durchstreift er die Gegenden der Welt, 

in die Normalsterbliche aus Angst vor Verletzung nie vorzudringen wagen. Schon früh entwickelt 

er dabei eine ganz eigene Sicht der Dinge, weil es ihm durch seine Fähigkeit zum geistigen 

Höhenflug gelingt, Blickwinkel auf das Leben einzunehmen, die dem Rest der Menschheit 

nicht gegeben sind. Versucht er, seine Ansichten mit anderen zu teilen, wird er oft missverstanden. 

Nicht mit Absicht, sondern einfach, weil die ihm zugängliche Erfahrungsregion halt 

nur von seinesgleichen vollständig nachvollzogen werden kann. Das macht Helden einsam. 

Mehrwert erzeugende Gesellschaften und ihre künstlerischen Zweige, dürstet nach nichts 

so sehr wie nach Helden. Obwohl die, die am lautesten nach dem außergewöhnlichen, ganz 

und gar einzigartigen Individuum schreien, wohl am Besten wissen, wie unfähig sie in Wirklichkeit 

sind, mit der Nichtnormiertheit und Monstrosität echten Heldentums umzugehen. 

Und wie weit sie selber davon entfernt sind. Das, was sie aushalten, sind Ersatzhelden, die 

man verpacken, vermarkten und verarbeiten kann. Alles andere geht nicht gut. Denn die so 

genannten „Normalen“ stehen dem echten Helden genauso furchtsam gegenüber, wie der Held 

ihnen. Sie wissen, sie können ihn nicht begreifen und werden ihn irgendwann genau dafür 

hassen. Und er weiß, dass er ihre Zuneigung aus genau diesem Grund fürchten sollte, obwohl 

er nichts mehr ersehnt als von der breiten Masse geliebt zu werden. Die das auch tut, bis sie 

ihn mit ihrer Zuneigung erdrückt hat oder lange und oft genug Zugang zu seiner besonderen 

Beschaffenheit hatte, um den Helden in einem geistig osmotischen Akt Teil ihrer Normalität 

werden zu lassen. Daran gehen Helden dann ein, weil sie aufhören, ihre eigene Sprache zu verstehen 

und glauben, sie wären jetzt wirklich normal. Weil es ihnen andauernd gesagt wird. Sie 

begreifen: Erfolg auf breiter Basis nivelliert immer auch. Dann werden Helden Säufer, Zyniker 

oder Wim Wenders. 

Damit ihnen das nicht passiert, verbringen schlaue Helden ihre Zeit mit den Ihren. In der 

Gemeinschaft der gesellschaftlichen Missfits wird das Ungewöhnliche zum Maßstab. Wer 

nicht abnormal ist, verirrt sich nie hierher und täte er es, er wandte sich in unverständigem 

Grauen ab. Einige merken aber auch erst, dass sie Helden sind, wenn sie auf einen anderen 

Helden treffen. Das ist dann schön für alle Helden, sie sind einer mehr. 

Bruce LaBruce ist ein großer moderner Held. 

Was wenig verwundert, wenn man weiß, dass er Kanadier ist. Ein Land, das es in nur 

wenigen Jahrzehnten schafft, Margaret Atwood, Pamela Anderson, Leonard Cohen, Douglas 

Coupland, Keanu Reeves, Jeremy Podeswa, k.d. lang und Holly Cole hervorzubringen, ist 

nichts Anderes als die ideale Heldenbrutstätte der modernen Popkultur. 

„Canadians could easily dominate the world. But why would you want to do something 

that boring, when you can paint instead?“ bestätigt Joni Mitchell eine Vermutung, die sittsame 

Menschen nur hinter vorgehaltener Hand äußern: Wollten sie es, Kanadier könnten mit ihren 

ungewöhnlichen Fähigkeiten die Welt beherrschen, aber sie haben Besseres zu tun: Kunst. 

Und sie sind, wie alle echten Helden, egozentrisch und selbstzufrieden genug, sich dafür vor 

niemandem zu rechtfertigen. 

LaBruce bringt noch eine andere wichtige Vorraussetzung zum Heldentum mit: er ist 

schwul und ein bisschen tuntig. Was der moderne Held immer ist, außer er ist eine Frau. (Die 

Ausnahme ist Tilda Swinton, die einzig Erbberechtigte von Quentin Crisps Vermächtnis. Die 

ist schwul, ein bisschen tuntig und eine Frau: also das perfekte Lebewesen.) Und er heißt 

Bruce. (Wayne, anyone?) 

16 17 

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Otto: Von der kulturellen Interpretationsmaschine verschluckt. Regisseur Bruce LaBruce: Gloria Swanson in male drag. 

Flatterhafte Lebewesen sind auf dem Vormarsch. Sexualität und 

Geschlecht sind die letzten echten Schlachtfelder. Weil heterosexuelle 

Männer sich ihres Sieges an diesen Fronten immer sicher sind, 

werden sie letztendlich verlieren. Sie sind zu faul geworden, um aus 

der Haut zu fahren, geschweige denn, sich nach gelungener Häutung 

in Spantex und Cape zu werfen, um die Welt zu retten. Deswegen 

wird sich ihre heterosexuell maskuline Ganzkörperkostümierung 

irgendwann um sie schließen und sie werden, darin gefangen, bei 

lebendigem Leibe verrotten. Vielleicht werden sie als metrosexuelle 

Zombies wieder auferstehen. Bis dahin jedoch sind Zombies schwul 

und ein bisschen tuntig, wie bei LaBruce. 

In dessen Werk gibt es keine waschechten Heterosexuellen. Deren 

Körper und Selbstbild wäre gar nicht formbar genug, um dem Meister 

Genüge zu tun. Der heterosexuellste Mann in einem von LaBruces 

Filmen ist Tony Ward, ein Exgeliebter von Madonna, der seine ersten 

bescheidenen Lorbeeren damit verdient hat, sich als Jugendlicher vor 

der Linse von Männern auszuziehen, die sehr nett zu ihm waren. 

Seine Hauptrolle in Hustler White machte Ward weltweit zu einem 

schwulen Helden, so heterosexuell er auch sein mochte. Schuld war 

Bruce LaBruce, der das Männermodel als hübsches, freundliches und 

sehr nacktes Stück Fleisch in das Schaufester seines ersten Underground-Hits 

gehängt hatte. Hustler White ist Sunset Boulevard auf 

Speed. LaBruce schrieb das Drehbuch, führte Regie und spielte auch 

die zweite Hauptrolle: Gloria Swanson in male drag. Mit seiner zutiefst 

unwichtigen Handlung, aber angefüllt mit spektakulären sexuellen 

Abweichungen und einem Geschwader schwuler Pornostars, hatten 

der Film und sein Regisseur vor allem Eins: Spaß am Werteverfall in 

der westlichen Welt, der sich auf’s Publikum übertrug. Hustler White 

wurde im Fahrwasser von Indie-Hits wie My own private Idaho auch 

ein kommerzieller Erfolg für LaBruce. 

Als der Kanadier damit zum Underground-Star geworden war, 

hatte er schon ein heldenhaft künstlerisch unabhängiges Stück Leben 

hinter sich. Sein amerikanischer Wikipedia-Eintrag gibt bekannt, 

er wäre als „Bryan Bruce“ geboren worden, der deutsche nennt den 

Namen „Justin Stewart“. (Was stimmt? Warum ist Ihnen das nicht 

völlig egal?) Der Held studierte an der Filmhochschule Toronto Regie 

ohne Abschluss und in New york Filmtheorie. Irgendwann begann 

er seine erste Karriere: Er wurde Fotograf. Während er das queere 

Punkzine „J.D.s“ herausbrachte, schlief sich sein Auge, immer auf 

GM FiLMS 

der Suche nach dem originellsten Schmutz, im Blätterwald vergnügt 

nach oben. Heute rufen der englische „Guardian“ und das New yorker 

„index“-Magazin genauso bei LaBruce an, wenn sie gute Fotos interessanter 

Körper brauchen, wie „Honcho“ oder „Inches“, zwei sehr 

bekannte schwule Pornohefte. 

Was Prüde als Wahllosigkeit begreifen würden, betrachtet 

LaBruce als größtmögliche künstlerische Freiheit: Sein Geschmack 

und sein künstlerischer Output ignorieren die Pornografie-Grenze 

geflissentlich und bewusst. 

Wofür John Cameron Mitchell 2006 mit Shortbus gefeiert wurde, 

hatte LaBruce schon 1999 mit Skin Flick/Skin Gang vorgemacht: echter 

Sex als erzählerisches Mittel. Das kam nur deshalb nicht so spektakulär 

gut beim heterosexuellen Feuillton an wie Mitchells Film, weil es 

in Skin Flick nicht um die Orgasmusschwierigkeiten und Seelennöte 

der New yorker Bohème, sondern um die Politik hinter Sex und die 

durch deren Strukturen erzeugte Gewalt unter Männern geht. Kein 

Stoff für Weichlinge. Dass der Film außerdem eine Satire ist, die mit 

den Symbolen des Nationalsozialismus hantiert wie andere Filme mit 

Stadtansichten und Sonnenuntergängen, machte die Sache nicht einfacher. 

Skin Flick/Skin Gang ist, wie fast alles, was LaBruce macht, 

eine bewusste Provokation, die mehr Spaß am Fragenstellen als am 

Antwortengeben hat. 

Spätestens an dieser Stelle seiner Berufsbiografie wurde Bruce 

LaBruce von den Seinen auf breiter Front als Held erkannt und freudig 

schwanzwedelnd vom queeren Underground als die sexuell aktive 

Version von Andy Warhol adoptiert. 

Den bisherigen Höhepunkt seines Schaffens lieferte der Kanadier 

2004 mit The Raspberry Reich ab: Eine ungeduldige und etwas 

schlampige RAF-Parodie, für die sich der Bilderstürmer eine Horde 

deutscher schwuler Pornostars von seinem Produzenten Jürgen Brüning 

auslieh. Die durften dann, angeleitet von der furchtlosen Susanne 

Sachße als Gudrun, hübsch kämpferische Texte aufsagen und die 

sexuelle Revolution ad absurdum führen, indem sie den Klassengedanken 

nieder zu vögeln versuchen. Das Feuillton war begeistert und 

Filmfestivals rissen sich um den Streifen und seinen Regisseur. 

Mit The Raspberry Reich erregte LaBruce genügend weltweite Aufmerksamkeit, 

um für seinen letzten Film, der jetzt auf DVD erscheint, 

zum ersten Mal Filmförderung von der kanadischen Regierung zu 

erhalten. Er hat sich von der Finanzierung durchs Establishment aber 

The Raspberry Reich: Schlampige RAF-Parodie mit einer Horde schwuler Pornostars. 

nicht einfangen lassen. Otto; Or, Up with Dead People ist ein (wieder 

von Jürgen Brüning produzierter) schwuler Zombiefilm. Keine reine 

Parodie, sondern auch die vielleicht logischste Fortführung des Genres 

seit langer Zeit. Die Geschichte um Otto, einen jungen Zombie, 

der sich in einem unwirklich inszenierten Berlin auf die Suche nach 

seiner Todesursache begibt und dabei fast von der kulturellen Interpretationsmaschine 

geschluckt wird, ist ein wahres Heldenepos. Das 

Publikum dringt in Welten vor, die ganz vertraut aber doch unwirklich 

erscheinen, und kann nie sicher sein, was der Künstler eigentlich 

genau sagen will, ob es den Film falsch versteht oder ob man Otto… 

überhaupt richtig verstehen kann. Und ob es nicht vielleicht einzig 

und allein um das shock-value der Bilder geht, wenn LaBruce seinen 

essgestört dürren, aber ätherisch schönen Hauptdarsteller an scheinbar 

echten Hasenleichen herumnagen lässt oder Untote sich in erst 

durch Verwesung entstandene Körperöffnungen hinein begatten. 

So sieht heldenhafte Konsequenz aus: für Durchschnittsaugen eben 

immer auch ein bisschen nach Lizzie Borderline. 

Schön ist: Mit der Adaption des Horrorgenres, dessen Fans ohnehin 

gesellschaftlich nicht gelitten sind, gibt der Held den seinen wieder 

einmal etwas zurück und wird dafür mit Verehrung überhäuft. 

Schlecht ist: Wie alle Filme von LaBruce ist auch Otto… so begeistert 

von den eigenen guten Ideen, dass er sie nicht immer zu Ende denkt. 

Aller Anfang ist schwer, aber das heißt ja nicht, dass man aufhören 

kann, wenn man den geschafft hat. Der Held wird weitermachen 

müssen, bis er irgendwann mal fertig ist mit der Weltrettung. Das ist 

eine gute Sache. s 

Otto; or, up with… 

von Bruce LaBruce 

D/CA 2008, 94 Min, OmU 

GM Films, www.gmfilms.de 

Skin Flick 

von Bruce LaBruce 

D/CA 1999, 67 Min, OmU 

Pro-Fun Media, www.pro-fun.de 

18 19 

GM FiLMS (L); JüRGEn bRüninG FiLMpRoDUKTion (R)

kino 

BrUDer² 

von thomaS abeltShauSer 

Roadmovie auf Französisch: Regisseur pascal-Alex Vincent schickt in „Reich mir deine Hand“ 

ein Zwillingspaar auf eine gemeinsame Reise zu sich selbst. 


s Antoine und Quentin sind 18 Jahre alt und Zwillingsbrüder, die 

sich fast zum Verwechseln ähnlich sehen. Gemeinsam hauen sie von 

zu Hause ab, um nach Spanien zur Beerdigung ihrer Mutter zu trampen, 

die sie nicht gekannt haben. Vom Norden Frankreichs, wo sie 

bei ihrem Vater, einem Bäcker, aufgewachsen sind, fahren die beiden 

Jungs per Anhalter, als blinde Passagiere auf einem LKW und im Zug 

Richtung Süden. Doch ihre Reise verläuft alles andere als harmonisch, 

immer wieder kriegen sich die zwei grundverschiedenen Brüder in 

die Haare, provoziert einer den anderen. Diese Aggressionsausbrüche 

wechseln sich ab mit Momenten der tiefen Verbundenheit, die ganz 

ohne Worte auskommt. Wenn einer vom Laufen müde ist, trägt der 

andere ihn ein Stück auf dem Rücken. Sie sind Rivalen und Vertraute, 

vereint in inniger Hassliebe. Lange Zeit erwecken sie den Eindruck, 

als bräuchten sie nur sich auf der Welt. 

Zugleich üben sie auf die Mädchen, Jungs und Männer, denen 

sie begegnen, einen eigenartigen Reiz aus. So wie Clementine, das 

Mädchen, mit dem Quentin im Laderaum eines LKWs schläft, während 

Antoine vorne bei der Fahrerin sitzt und schmollt. Abends, am 

Lagerfeuer, als Quentin verschwindet, schläft Clementine auch mit 

Antoine. Was zwischen den Brüdern läuft, ist von außen nicht klar 

zu erkennen. Als Antoine am nächsten Tag nackt im Fluss badet, 

beobachtet ihn Quentin dabei. Sie lernen weitere Menschen kennen, 

haben flüchtigen Sex mit Mädchen, streiten und vertragen sich wieder, 

bis Antoine keine Lust mehr hat zu trampen und sie schließlich 

bei einer Heuernte mithelfen, um Geld für ein Zugticket zu verdienen. 

Ein anderer Erntehelfer, Hakim, flirtet mit Quentin, der sich darauf 

einlässt. Als sie nachts miteinander schlafen, beobachtet sie Antoine 

heimlich dabei. Am nächsten Morgen schweigen sich die Brüder an, 

die letzte Nacht wird nicht thematisiert. In einer Kneipe wird Antoine 

von einem Mann angemacht und Antoine bietet ihm für 100 Euro Sex 

mit dem nichtsahnenden Quentin, der auf der Toilette von dem Alten 

überrumpelt wird und flüchtet. Antoine findet nur noch den Rucksack 

seines Bruders. Er fährt allein weiter nach Spanien, trifft im Zug eine 

mysteriöse Frau (Katrin Saß in ihrer ersten Nebenrolle in einem französischen 

Film) und kommt gerade noch rechtzeitig zur Beerdigung 

der Mutter. Dort sieht er Quentin wieder, der verändert wirkt. Später, 

am Strand, versucht Antoine seinen Bruder zur Rückkehr zu überreden, 

sie prügeln sich wieder. Doch Quentin weiß, dass ihr Bündnis ein 

Ende hat, für ihn ist es Zeit zu gehen. 

Reich mir Deine Hand, das poetisch-atmosphärische Langfilmdebüt 

des französischen Filmemachers Pascal-Alex Vincent, ist auch 

eine Hommage an die amerikanischen Filme der 70er Jahre, dem 

so genannten „New Hollywood“, und wie diese ein Roadmovie. Das 

Unterwegssein der Figuren ist dabei ganz wörtlich zu verstehen: Sie 

gehen auf eine Reise, sind auf der Suche – nach Liebe, nach Orientierung, 

nach Glück, nach dem Leben und nach sich selbst. Am Ende 

werden die Erfahrungen sie verändert haben. Wie bei jedem Roadmovie 

geht es nicht um das Ziel der Reise, sondern um die Reise selbst, 

geprägt von zufälligen Begegnungen und Erlebnissen. Die Landschaft 

wird fast zu einer dritten Hauptfigur, die die Reisenden einverleibt, 

abstößt, ihre Gefühle spiegelt und sie immer wieder herausfordert. 

Die beiden Jungs müssen sich selbst behaupten und hinterfragen, 

gegen den anderen durch- und absetzen. „Wer bin ich?“ – diese Frage 

wird für die beiden auf dieser Reise existenziell. Auf der Suche nach 

einer Antwort werden sie ein Stück weit erwachsen. 

Reich mir Deine Hand ist geprägt von der ambivalenten, widersprüchlichen 

Beziehung der Zwillingsbrüder, die zwischen wortlosem 

Vertrauen und dem Wunsch nach Emanzipation vom Anderen 

pendelt und dabei immer wieder gewaltsam aufbricht. Zwillinge 

üben auf ihr Umfeld oft eine eigenartige Faszination aus, zumal 

wenn sie eineiig sind, sich also sehr ähnlich sehen. Für viele, wie die 

Mädchen oder den Mann in der Kneipe, sind sie eine erotische Fantasie. 

Aus schwuler Sicht kommt noch ein weiterer Aspekt dazu: Das 

Brüderpaar spiegelt in Vielem Aspekte einer Beziehung zwischen 

20 21 

kino

kino 

zwei Männern – den Wunsch, im Anderen sich selbst zu entdecken, 

Gemeinsames zu teilen und sich dabei trotzdem nicht selbst aufgeben. 

Überhöht wird das Zwillingsthema, etwa im schwulen Porno, dann 

sogar zum Fetisch. Zwei Jungs, die sich bis aufs Haar gleichen, verheißen 

zumindest in der Fantasie auch doppelten Genuss. Und es kommt 

noch etwas dazu: Der Reiz des Verbotenen, die Möglichkeit, dass die 

beiden Jungs einander begehren. 

Zwillinge sind ein Mythos – im doppelten Sinn. In der griechischen 

Sagenwelt z.B. Castor und Pollux, die Söhne Ledas, von denen 

aber nur Pollux der Sohn des Zeus und somit unsterblich ist. Als Castor 

stirbt, bittet Pollux seinen Vater, ebenfalls sterblich und so im 

Tod mit seinem geliebten Bruder vereint zu sein. Zeus ist so gerührt 

von dem Wunsch, dass er Castor ins Leben zurückholt und die beiden 

unzertrennlich zwischen Hades und Olymp wandern lässt. Die 

Verbundenheit ist also weniger eine biologische als eine emotionale, 

nicht das Blut verbindet sie, sondern die Liebe zueinander. 

Vor diesem Hintergrund entwickelte Pascal-Alex Vincent die 

Geschichte seines ersten langen Spielfilms. Am 18. Oktober 1968 im 

französischen Montargis geboren und in Rochefort an der Atlantikküste 

aufgewachsen, studierte Pascal-Alex Filmgeschichte in Paris 

und arbeitete im Anschluss bei einem Filmverleih für japanisches 

Kino in Frankreich. Ab 2001 drehte er sechs Kurzfilme, darunter Far 

West, mit dem er 2003 beim Kurzfilmfest in Oberhausen den Nachwuchspreis 

gewann, Candy Boy, einem 15-minütigen Anime als Hommage 

an die japanische Kultserie Candy der Siebziger Jahre und Baby 

Shark, der auf dem Filmfest in Cannes Premiere feierte und in dem 

bereits Victor und Alexandre Carril, die Hauptdarsteller aus Reich 

mir Deine Hand, mitspielen. In diesen Jahren entwickelt Pascal-Alex 

Vincent seine Themen, denen er nun auch in seinem Kinodebüt treu 

bleibt: Das Erwachsenwerden, sexuelles Erwachen und schwules 

Begehren. Und auch sein Faible für Animationen findet sich im Film 

wieder: Reich mir Deine Hand beginnt mit einer Zeichentricksequenz, 

in der die Brüder von zu Hause ausreißen. Und wie sich später herausstellt, 

sind sie auch ein Verweis auf die Comics, die Quentin zeichnet. 

Pascal-Alex, der auch das Drehbuch geschrieben hat, hat sich dabei 

von der Bruderbeziehung seiner Hauptdarsteller und ihren Erfahrungen 

inspirieren lassen. Die 1988 geborenen eineiigen Zwillinge Victor 

und Alexandre sind in Paris aufgewachsen, in der Nachbarschaft von 

Pascal-Alex, wo sie mit ihren lautstarken und gewalttätigen Auseinandersetzungen 

berühmt-berüchtigt waren. SISSy hat die beiden 

Brüder und ihren Regisseur in Berlin getroffen. 

Pascal-Alex, Du hast mit „Reich mir Deine Hand“ einen Film über 

das intensive, oft problematische Verhältnis zweier Zwillingsbrüder 

gedreht, von denen einer schwul ist. Was hat Dich an dem Thema so 

gereizt? 

Pascal-Alex: Mich interessiert die Frage, warum zwei Brüder, die 

genau gleich aufgewachsen sind, die gleiche Erziehung, dieselben 

Eltern haben, so grundverschieden sein können. Bei Zwillingen ist 

das noch deutlicher, es war also ein Glücksfall, dass ich Victor und 

Alex gefunden habe. Schon 2005 habe ich einen Kurzfilm mit ihnen 

gedreht, Baby Shark, und ich wurde immer wieder auf die beiden 

angesprochen, die Leute waren genauso fasziniert von den Zwillingen 

wie ich. Und ich lasse mich von ihnen inspirieren, von ihren Persönlichkeiten, 

ihren Erlebnissen. 

Hast Du selbst Geschwister? 

Pascal-Alex: Eine jüngere Schwester. Aber unsere Eltern ließen sich 

früh scheiden und haben beide neue Familien gegründet. Wir sind 

also eine große Patchworkfamilie. Nur ich bin der einzige Schwule, 

was mich schon auch beschäftigt. Warum gerade ich? Warum nicht 

auch meine Schwester? Ich finde das spannend. 

Alex und Victor, könnt Ihr diese Faszination verstehen, die Zwillinge 

auf viele ausüben? 

Alex: Versteh ich gut, weil es mich selbst fasziniert, was für eine Bindung 

ich zu meinem Zwilling habe. Unser Verhältnis ist so tief, dass 

vieles selbst uns ein Geheimnis bleibt. 

Victor: Eine der ersten Fragen, die uns Leute stellen, ist: Was unterscheidet 

euch? Darauf haben wir selbst noch keine Antwort. 

erkennt Ihr euch im Film wieder? Oder sind eure erfahrungen ganz 

andere? 

Victor: Es ist eher eine Mischung aus dem, was wir sind und welches 

Bild sich Pascal-Alex von uns macht. Vieles stimmt, in einigen Teilen 

erkennen wir uns aber gar nicht wieder. 

Was ist wahr daran? 

Victor: Im Film ist Alex’ Figur sehr viel selbstbewusster, er ist der 

Anführer der beiden. Im realen Leben ist es viel ausgeglichener, eher 

wie bei einer Waage: Wenn einer mal dominanter ist, lässt sich der 

andere mitziehen. 

Lebt Ihr zusammen? 

Alex: Ich habe das letzte Jahr in Buenos Aires Architektur studiert. Es 

war die längste Zeit, die wir jemals getrennt waren. Mir hat das richtig 

gut getan, mich mal auf mich zu konzentrieren. Ich bin dadurch 

gewachsen. 

Victor: Die Trennung war für uns beide wichtig, aber nach einer Weile 

habe ich gemerkt, wie mir die Kräfte schwinden, weil mein Bruder so 

weit weg war. Ich musste ihn wieder sehen. 

Alex: Als er mich dann nach sechs Monaten besuchen kam, half er mir 

bei einem Projekt, das ich alleine so gar nicht geschafft hätte. Wir 

ergänzen uns perfekt. 

Inwiefern? 

Victor: Alex hat immer tausend Ideen, aber er weiß nicht, wie er sie 

umsetzen soll. Ich bringe da Struktur rein. 

Der Kreative und der Rationale? 

Victor: Ja. 

Alex: Nein. 

Seid Ihr euch oft uneinig? Im Film kriegt Ihr euch ja regelmäßig in die 

Haare. 

Pascal-Axel: Die beiden wohnen in meiner Nachbarschaft und dort 

sind sie berühmt-berüchtigt für ihre lautstarken Streitereien und brutalen 

Kämpfe. 

Victor: Die Fights im Film sind nichts dagegen. 

Ist das der Mythos, den Ihr euch zurechtgelegt habt, um noch interessanter 

zu wirken? 

Alex: Nein, das ist alles wahr. 

Pascal-Alex: Die Nachbarn haben richtig Angst, wenn sie kämpfen, 

weil es wirklich gefährlich wird. Sogar ihre Eltern machen sich große 

Sorgen, dass mal etwas furchtbar schief läuft. Einmal hat Victor 

seinen Bruder mit einer Schere angegriffen und sie ihm ins Genick 

gerammt. Alex hat heute noch eine Narbe dort. 

Ihr kommt mir vor wie ein altes ehepaar, das nicht mit und nicht ohne 

einander kann. Ist da überhaupt Platz für jemand anderen? 

Victor: Jeder macht auch sein eigenes Ding. Im Grunde sind wir doch 

wie alle Geschwister, die sich mal in die Haare kriegen. 

Alex: Aber weil wir Zwillinge sind, ist alles ein bisschen größer und 

dramatischer. 

Pascal-Alex, siehst Du Dich als eine Art großer Bruder der beiden? 

Pascal-Alex: Das sagen ihre Eltern auch immer. Sie sind froh darüber, 

dass ich den Film mit ihren Söhnen gemacht habe, denn seitdem 

kämpfen sie nicht mehr so viel. Ich kenne sie einfach seit Jahren, wir 

wohnen alle im schwulen Viertel von Paris, im Marais, und sie gehen 

bei mir ein und aus, fragen mich um Rat. 

Wie habt Ihr euch kennen gelernt? 

Pascal-Alex: Sie waren einfach die bildhübschen Zwillingsbrüder im 

Viertel, die sich dauernd prügeln. Ich habe eines Tages meinen Mut 

reich mir deine Hand 

von Pascal-Alex Vincent 

FR/D 2008, 80 Min, 

DF oder OmU 



im Kino 

Bundesstart am 26. Februar 

Gay-Filmnacht im Februar 


Jungs von nebenan 

schwule Kurzfilme 

D, F, NOR, USA 2002–2003, 

61 Min, dt. OF und OmU 

Mit „Far West“ 


Junge rebellen 

schwule Kurzfilme 

FR/D/AU/USA/UK 2005– 

2006, 83 Min, 

dt. OF und OmU 

Mit „Baby Shark“ 


Beide Edition Salzgeber, 


zusammengenommen und sie angesprochen. Und sie haben einfach 

„Ja, klar!“ gesagt. 

Hattet Ihr Bedenken wegen der schwulen Geschichte? 

Alex: Wir sind hetero, aber wir sind im Marais aufgewachsen. Das war 

nie ein Problem. 

Pascal-Alex: Aber es war ein Riesending, wer von beiden den schwulen 

Bruder spielen soll. 

Wer hat es entschieden? 

Pascal-Alex: Ich natürlich! Ich habe die Rolle Victor gegeben, weil er 

ein bisschen weicher, sensibler wirkt als sein Bruder. Die beiden sind 

straight, aber sie werden dauernd auf der Straße angesprochen. Vielleicht 

haben sie ihre Erfahrungen, aber darüber reden wir nicht. 

Hat einer von euch eine Beziehung außerhalb? 

Alex: Klar, so symbiotisch sind wir auch nicht. Wir haben unterschiedliche 

Freundeskreise. 

Braucht ihr bei einer ernsthaften Liebesbeziehung die Zustimmung des 

anderen? 

Victor: Wenn ich jemanden liebe, ist mir egal, was mein Bruder davon 

hält. 

Alex: Das stimmt doch überhaupt nicht! 

Im Film tauscht Ihr mal Rollen und gebt euch für den anderen aus. 

Macht Ihr das im realen Leben auch, um etwas oder jemanden zu 

bekommen? 

Alex & Victor: Nein! 

Alex: Was der andere hat, kann man nicht stehlen. Aber man kann teilen. 

Victor: Aber nicht alles. 

Im Film geht es viel um eifersucht. Seid Ihr auch oft neidisch auf das, 

was der andere hat oder macht? 

Alex: Das Wichtigste für uns ist, das wir gleichberechtigt sind, es muss 

immer eine Balance herrschen. Es wird sofort zum Problem, wenn 

einer von uns etwas hat oder macht und der andere nicht. 

Treibt euch das an oder behindert es euch eher? 

Alex: Mit der Eifersucht wird erst Schluss sein, wenn einer von uns 

beiden irgendwann einmal völlig unabhängig vom anderen seine 

eigene Identität entwickelt hat und glücklich ist. 

Victor: Das wird nicht passieren, denn dann wird der andere kommen 

und seinen Anteil daran haben wollen. Einer allein kann nicht glücklich 

werden. 

Alex: Da hast Du Recht. s 

22 23 

kino

pRo-FUn MEDiA 

kino 

Women, have more drama! 

von Sharon aDler 

„out at the Wedding“ von Lee Friedlander in der L-Filmnacht. 

s Dieser Film ist beste Screwball-Comedy. Regisseurin Lee Friedlander 

und ihre Autorin und Produzentin Paula Goldberg wissen 

genau, wie man sich in diesem Genre bewegt. Mittlerweile auf diversen 

großen Festivals weltweit gezeigt und preisgekrönt, wird das 

deutsche Publikum zur L-Filmnacht im März in den Genuss dieser 

filmischen und emotionalen Achterbahnfahrt kommen. 

Erzählt wird die rasante Story um Alex „Lexie“ Houston (Andrea 

Marcellus) und deren jüngere Schwester Jeannie (Desi Lydic). Einen 

nicht unwesentlichen Einfluss auf den Verlauf des Geschehens nehmen 

ferner der Verlobte der älteren Schwester, der frischgebackene 

Ehemann der jüngeren, der schwule Freund von Alex, schließlich der 

Familienclan der jeweils Beteiligten und deren skurrile Eigenarten. 

Allen voran aber eine äußerst anziehende lesbische Künstlerin! 

Eigentlich führt Lexie ein gesetteltes Leben, sie lebt in Manhattan, 

ist beruflich erfolgreich und unabhängig. Dass sie mit ihren 

dreißig Jahren noch nicht verheiratet ist, wird sich bald ändern, denn 

ihr Freund Dana steckt ihr beim Dinner im Restaurant überraschend 

einen Verlobungsring an den Finger und stellt die entscheidende 

Frage. 

Es könnte alles so schön sein. Wäre da nicht die Tatsache, dass 

Dana schwarz ist. Schlimmer noch: Er ist der Sohn eines Afroamerikaners 

und einer jüdischen Mutter. Felsenfest davon überzeugt, dass 

es zwischen seiner unkonventionellen New yorker und ihrer konservativen 

South-Carolina-Mischpoche nur Probleme geben wird, 

hat Lexie dem Verlobten gegenüber während ihrer immerhin schon 

dreimonatigen Beziehung ihre eigene Familie kurzerhand für tot 

erklärt. 

Richtig kompliziert wird es aber erst auf der Hochzeit von Lexies 

jüngerer Schwester Jeannie, zu der sie von ihrem schwulen Freund 

Jonathan begleitet wird. Ein kleiner Scherz reicht, und Lexie gilt in 

ihrer Familie plötzlich als Lesbe, Dana als ihre neue „Freundin“ und 

das Familienfoto hält eine äußerst pikiert dreinschauende Hochzeitsgesellschaft 

fest. 

Zurück in New york wird die unfreiwillig geoutete Hetera Lexie 

erneut mit ihrer vermeintlichen lesbischen Identität konfrontiert, 

denn Jeannie will sie nach ihrem Tahiti-Honeymoon besuchen und 

unbedingt ihren Lebensstil begutachten. Verzweifelt sucht Lexie 

nach einer Lösung und findet sie in Gestalt der attraktiven Risa, die 

ihr buchstäblich vor die Füße fällt und kurzerhand von Lexie und 

Jonathan als Alibi-Geliebte angeheuert wird. Risa, eine echte Vorzeigelesbe, 

liebt das Risiko und lebt das Motto „I can’t even think 

straight“. 

Die zwangsläufig folgenden Verwicklungen stellen alle vor große 

Herausforderungen, und ausgerechnet während ihres ersten ‚Ausflugs‘ 

als Lesbe läuft Lexie ihrem zukünftigen Schwiegervater in die 

Arme. Katastrophe! Da hilft nur eins: das Spiel mit noch größerem 

Einsatz weiterspielen… 

Geistreich, selbstironisch, turbulent, scharf beobachtend und 

herrlich schräg spielt Out at the Wedding mit Klischees und entlarvt 

genau diese äußerst charmant. Besonders deutlich wird dies, als Alex 

bei ihrem Debut in der Szene versucht, wie eine Lesbe auszusehen und 

dabei leider total danebenliegt. Wirklich dramatisch aber wird das 

Ganze, als Jeannie auf Risa trifft, und die beiden (un)glücklicherweise 

magnetisch voneinander angezogen werden… 

Bevor der Film auf sein fulminantes Ende und einen großartigen 

Showdown zusteuert, müssen noch einige Klippen umschifft und 

harte Schläge eingesteckt werden, bis am Ende alle etwas Elementares 

dazu gelernt haben und jede das bekommt, was sie immer schon 

wollte, auch wenn das nicht vorhersehbar war. 

Regisseurin Lee Friedlander hatte zuvor bereits mit dem genialen 

Survival-Guide für Lesben Die zehn Regeln (The Ten Rules) und der 

tragisch-komischen Liebesgeschichte Girl Play eindrucksvoll bewiesen, 

dass Dyke-Drama erstens zum (lesbischen) Leben dazu gehört, 

und dass das zweitens nicht unbedingt bierernst sein muss. 

Out at the Wedding funktioniert jedenfalls wie ein heißes Schaumbad 

im Winter: Man muss nur eintauchen und genießen. s 

Out at the Wedding 

von Lee Friedlander 


Pro-Fun Media 

www.pro-fun.de 

www.outatthewedding.com 

im Kino 

L-Filmnacht im März 


Kurz und gut. 

von eDina lautenSchläger 

Kurzfilme bei der L-Filmnacht. 

s Ein ganzer Abend mit Kurzfilmen, wollen das 

die Frauen sehen? Und dann das: eine komplett 

ausverkaufte Vorstellung, der Umzug in größere 

Säle und eine super Stimmung. Die Bilanz 

der ersten L-Filmnacht: 700 Berliner Lesben in 

einem Raum, wann hat man schon mal soviel 

Auswahl… 

Bevor es in die Sommerpause geht, findet 

im Mai die fünfte L-Kurzfilmnacht in den CinemaxX-Kinos 

statt. Das Programm, zusammengestellt 

von Mitarbeitern der L-Mag und der 

Edition Salzgeber, stand zum Redaktionsschluss 

noch nicht fest, aber man ist entspannt, denn 

man kann aus einer Fülle von Filmen auswählen 

und vielleicht auch den einen oder anderen Film 

frisch von der Berlinale mitbringen. 

Was ist so faszinierend an Kurzfilmen? Liegt 

es daran, dass für jeden Geschmack etwas dabei 

ist? Oder dass nicht ganz so gelungene Filme 

einfach schnell vorbei sind und der nächste 

gleich hinterher kommt? Kurzfilme erzählen 

ihre Geschichten im Idealfall frisch, kompakt 

und pointiert und verdienen es, als eigene Gattung 

begriffen zu werden. Wenn überhaupt, 

zeigt das Fernsehen Kurzfilme zu nachtschlafender 

Zeit und selbst Festivals fällt die 

Beschäftigung mit dem Genre immer schwerer. 

Groß war der Schock, als die Berlinale mit ihre 

Tradition, vor dem Langfilm einen Kurzfilm zu 

zeigen, brach. Meist am Anfang der Karriere 

gedreht, mit wenigen Mitteln, ist das Genre 

Kurzfilm auch ein Experimentierfeld, um den 

eigenen Stil zu entwickeln und eigene Themen 

aufzugreifen. Schwierig wird es allerdings, 

wenn gerade Frauen (die es in der Medienbranche 

immer noch schwerer haben als Männer) 

den gewünschten Schritt von der kurzen zur 

langen Form aus rein ökonomischen Gründen 

nicht schaffen. Aber das wäre ein ganz weites 

Feld, das wir sicherlich noch in einer der folgenden 

Ausgaben der SISSy aufgreifen werden. 

Bis auf weiteres darf sich die Besucherin einer 

L-Kurzfilmnacht als innovative Konsumentin 

begreifen, die sich völlig entgegen eines jeden 

Marktgeschehens verhält und sich hoffentlich 

einfach an guten, spannenden und eben kurzen 

Geschichten erfreut. s 

24 25 

kino 

L-Filmnacht 

Das monatliche Filmevent für Lesben. 

Augsburg, berLin, bieLeFeLD, bremen, DresDen, essen, 

Freiburg, HAmburg, KieL, mÜnCHen, OLDenburg, 

regensburg, stuttgArt, trier, WuppertAL, WÜrzburg 

Karten unter www.cinemaxx.de 


gay-Filmnacht 

Das monatliche Filmevent für schwule. 

Augsburg, berLin, bieLeFeLD, bremen, DresDen, 

essen, Freiburg, HAmburg, KieL, mÜnCHen, mÜLHeim, 

OFFenbACH, OLDenburg, regensburg, stuttgArt, 

trier, WuppertAL, WÜrzburg 


Wir bedanken uns bei unseren partnern:

kino 

Dass auch Liebende ertrinken 

von Jan gymPel 

„Mit geschlossenen Augen“ von bodewijn Koole in der Gay-Filmnacht. 

s Die Suche nach dem verschollenen Vater 

scheint ein sehr bewegender Stoff zu sein. 

Jedenfalls sollte es allen Erfahrungen nach 

keine großen Probleme bereiten, öffentliches 

Geld zu erhalten für einen schönen, langen 

Film: Über die Suche nach dem Mann, 

der eigentlich nur Ihr Miterzeuger ist, und 

mit dem Sie nicht mehr verbindet als ein paar 

Gene. 

Da die Fahndung nach dem unbekannten 

Samenspender ein so beliebtes Kinothema 

ist, erwartet man von diesem fünfzigminütigen 

Werk des Niederländers Boudewijn 

Koole wenig Neues. Doch der Regisseur, der 

bislang mit Dokumentationen auf sich aufmerksam 

gemacht hat, schildert in seinem 

ersten Spielfilm eine ungewöhnliche Vatersuche 

auf ungewöhnliche Art. 

Felix, vermutlich in seinen frühen Zwanzigern 

und bei seiner Oma lebend, will vor 

Antritt einer langen, gefährlichen Motorradtour 

in ferner Fremde endlich seinen Vater 

kennenlernen und so eine Leerstelle in seiner 

Biographie ausfüllen – auf eigenwillige 

Weise, wie sich bald zeigt. Er weiß: Johan, 

der mit Felix’ verstorbener Mutter nur eine 

kurze Affäre hatte, führt eine kleine Kneipe, 

in der viel Jazz gespielt und dazu, wie es sich 

gehört, viel geraucht wird. Und er ist schwul, 

wohl im Gegensatz zu Felix, der zwischendurch 

mit einer Arbeitskollegin im Bett landet. 

Letzterer versucht, seinem alten Herrn 

– der von seiner Vaterschaft gar nichts weiß, 

geschweige denn, wer der junge Biker ist, 

welcher da seine Aufmerksamkeit erregen 

möchte – zunächst durch demonstratives 

Interesse an Jazz und alten Vinylscheiben 

nahezukommen. Und dann, als dies nicht 

recht fruchtet, ihn zu verführen. 

Oder ist vielleicht alles ganz anders? Boudewijn 

Koole erzählt seine Geschichte eher 

bruchstückhaft und deutet vieles nur an. So 

bleibt Raum für die Fantasie des Zuschauers, 

der andererseits womöglich auf falsche 

Fährten gelockt und dazu gebracht wird, 

Verbindungen herzustellen, die es gar nicht 

gibt, und sich Falsches zusammenzureimen. 

Ist Johan beispielsweise wirklich allein und 

will er dies womöglich bleiben, zumal nach 

dem zwanzig Jahre zurückliegenden Tod 

eines Jazzmusikers, mit dem er eng befreundet 

war – auf welche Weise auch immer? 

Dessen Ertrinken spielt an auf das Schicksal 

des bedeutenden Free-Jazz-Saxophonisten 

Albert Ayler, der 1970 aus New yorks East 

River gezogen wurde, wobei die näheren 

Umstände seines Ablebens nie geklärt werden 

konnten. Von Ayler gespielte Musik ist 

in Mit geschlossenen Augen zu hören, von 

einem ertrunkenen Liebespaar wird erzählt, 

William Butler yeats’ Gedicht „Die Nixe“ 

von Johan rezitiert. Andererseits trifft dieser 

sich wiederholt mit einem netten, nicht mehr 

ganz jungen Schwarzen. Nur auf geschäftlicher 

Basis? 

Letztendlich bleibt vieles offen in diesem 

Film und die Neugierde des Zuschauers 

in mancher Hinsicht ungestillt. Immerhin 

bekommt Felix nicht nur höchst intimen 

Kontakt mit Johan. Er kann auch erleben, 

wie dieser sich bei einem Mädchen aus der 

Nachbarschaft doch als guter Vater erweist, 

und so seine Suche zu einem befriedigenden 

Ende bringen. s 

Mit geschlossenen Augen 

von Bodewijn Koole 

NL 2007, 52 Minuten, OmU 



im Kino 

Gay-Filmnacht im März 


s Zu entspannten Gitarrenklängen rollt ein 

junger Mann mit seinem Skateboard durch 

eine amerikanische Vorstadtlandschaft. Hier 

und da bleibt er stehen und sprüht Graffiti an 

Hauswände – mit Hilfe einer Schablone, die, 

wie sich herausstellt, den Ausblick von dem 

Haus zeigt, in dem er lebt: auf die Vincent 

Thomas Bridge von San Pedro, im Hafenareal 

von Los Angeles. 

Diese Aussicht scheint allerdings auch 

schon das Schönste am Leben des jungen 

Mannes, weshalb sie im weiteren Verlauf 

des Films keine Rolle mehr spielt. Auch kann 

jener Zach nicht das Leben eines unbekümmerten 

US-Westküstenteenagers führen: Der 

kleine Junge im Haus ist zwar nur sein Neffe, 

doch Zachs Schwester hat mit Männern so 

ihre Probleme, deshalb hat ihr Bruder nicht 

nur häufig als Babysitter herzuhalten, sondern 

wird konsequenterweise von dem Kind 

auch als Vater betrachtet. 

Zachs Dasein, das dahindümpelt zwischen 

dem Job als Küchenhilfe in einem 

Diner, etwas mutlos verfolgten zeichen- 

Zuflucht 

von Jan gymPel 

„Shelter“ von Jonah Markowitz in der Gay-Filmnacht. 

künstlerischen Ambitionen und eben der 

ständigen Sorge um den Neffen, erfährt eine 

entscheidende Wendung, als er beim Surfen 

einen alten Bekannten trifft: Der große Bruder 

seines wohlhabenderen besten Freundes 

will in der alten Heimat Abstand von seinen 

Problemen als Autor finden. Eigentlich ist 

Zach gewarnt oder könnte es zumindest sein: 

Shaun, hat man ihn wissen lassen, steht auf 

Männer. Trotzdem hängt Zach viel mit ihm 

herum, und so geschieht schließlich, was 

unvermeidlich scheint, zumal nach einem 

langen Abend mit viel Bier. 

Zunächst reagiert Zach verstört, zumal 

er spürt: Was er für Shaun empfindet, ist 

etwas ganz anderes als die zunehmend lustlos 

verfolgte Beziehung zu seiner Freundin. 

Dann gibt er seiner frisch entfachten Leidenschaft 

nach. Und bei einem romantischen 

Abendessen, zu welchem Zach notgedrungen 

seinen Neffen mitbringt, erweist sich 

Shaun als hervorragender zweiter Ersatz- 

Daddy. Doch allzu lang bleibt die Romanze 

der beiden Männer ihrer Umgebung nicht 

verborgen. Und Zachs Schwester zeigt sich 

wenig begeistert von der neu entdeckten 

Neigung ihres Bruders, zumal dieser seinem 

Neffen als Vorbild dienen soll. Allerdings 

hat sie ihrerseits gerade einen neuen Mann 

gefunden und dieser bald darauf eine Stelle 

im fernen Oregon. 

Wie sich schließlich alles für alle Beteiligten 

trefflich fügt, mag man als große 

Gunst des Schicksals betrachten – oder auch 

als unbedingten Willen des Drehbuchautors 

Jonah Markowitz zu einem umfassenden 

Happy End. Doch darüber sieht man gern 

hinweg, nicht nur wegen der – zumal in 

den von Kulturkämpfen geschüttelten USA 

– ausgesprochen politischen Botschaft, derzufolge 

Familie und ein ideales Umfeld für 

Kinder nicht unbedingt aus Mama und Papa 

zu bestehen brauchen. Auch erzählt Markowitz 

in seinem Spielfilmregieerstling seine 

Geschichte von einem Coming out, generellem 

Selbstfinden und Erwachsenenwerden, 

Aufopferung und Verantwortung einfühlsam 

und mit einer schönen Balance aus Zurückhaltung 

und Direktheit. Am Ende können 

Zach und seine Schwester das enge, wenig 

behaglich wirkende Heim verlassen, welches 

nichtsdestoweniger Sicherheit vermittelte. 

Als Ort des Schutzes und der Zuflucht, von 

dem der Titel des Films spricht, hat nicht nur 

Zachs Neffe etwas Besseres gefunden. s 

Shelter 

von Jonah Markowitz 

USA 2007, 90 Minuten 

Pro-Fun Media, 

www.pro-fun.de 

im Kino 

Gay-Filmnacht im April 


26 27 

kino

wir verreisen 

tobi in 

Wonderland 

von tobiaS rauScher 

pathos und politik, Liebe und Lametta: Eine Liebeserklärung an das Filmfestival 

Cinema of Dreams von Tilda Swinton und Mark Cousins. 

Pretty in pink. Tilda Swinton beim TEDDY Award 2008 (links), unser Autor Tobias Rauscher in Nairn (rechts). 

s Am 14. August 2008 besuchen drei von vielen BesucherInnen aus aller Welt das erste Mal in ihrem Leben das Dorf 

Nairn an der schottischen Atlantikküste. Sie verlassen die sonnendurchflutete High Street, um an einer kleinen Straßenkreuzung 

zwischen einem Buchladen und einem schmucklosen Friseursalon ein altes viktorianisches Reihenhaus 

zu betreten, dessen Frontfenster mit langen Lamettafäden geschmückt sind. „Welcome“ ist an der Fassade in wehenden 

Plastikbuchstaben befestigt. „Das hat ein Pfund gekostet“, wird Mark Cousins später noch lachend erzählen und 

gibt schon vor Betreten des Ballrooms einen Eindruck von dem, was in den nächsten Tagen passieren soll: mit wenig 

Geld und einer Menge Begeisterung etwas schaffen, das auf den ersten Blick ziemlich provisorisch wirkt, aber danach 

seine volle Magie entfaltet. 

Mark Cousins ist Dokumentarfilmer, Filmkritiker, ehemaliger Leiter des Edinburgh Film Festivals, Filmjournalist 

und vor allem leidenschaftlicher Kinoliebhaber. Aufgewachsen in einer irischen Arbeiterfamilie hat er sich als kleiner 

Junge in das Kino verliebt. Dass Cousins mit „The Story of Film“ ein Standardwerk der Filmgeschichte verfasst hat 

und für die BBC mit seiner Interviewreihe Scene by Scene Maßstäbe für den Filmjournalismus gesetzt hat, spielt in den 

nächsten 8 ½ Tagen keine Rolle. Er ist vielmehr wieder der kleine Junge, dessen Augen bei jeder Filmvorführung aufs 

Neue funkeln. Sein Charme ist ansteckend und seine Energie wird höchstens noch von Tilda Swinton überboten. 

Als wir die Räume das erste Mal betreten und sich nach dem langen Eingangsflur der Hauptraum erstreckt, riecht 

es nach neuem Teppich und frischer Farbe. Eine Heerschar von freiwilligen HelferInnen schwirrt durch die Räume. 

John Byrne malt noch im Nebenraum in naiv-expressionistischer Manier die letzten Namen an die Wand, während 

bRiGiTTE DUMMER (L); SEHR pRiVAT (R) 

Staubsauger die letzten Sägespäne beseitigen und die riesigen Spiegelblitze 

an die bunten Wände geklebt werden. Am Ende des Raumes 

ist eine Leinwand aus Bettlaken aufgespannt, davor erstrecken sich 

drei Reihen aus großen Samtkissen und quietschbunten Sitzsäcken, 

Spenden von Ikea. Nach zwei Reihen mit gestreiften Strandliegestühlen 

beginnen die Plastikstuhlreihen, die auf einer kleinen mit silbernen 

Heliumballons geschmückten Erhöhung enden, wo Matt Lloyd, 

der einzige bezahlte Mitarbeiter und Festivalmanager, die Technik 

verwaltet. Björn und Stefan von der Edition Salzgeber installieren an 

der Decke einen riesigen Projektor, mit dessen Hilfe alle Filme in den 

nächsten Tagen zum Leben erweckt werden. Nach wenigen Minuten 

beginnt der Testlauf. Das Licht geht aus. Nur das rote Schimmern der 

chinesischen Lampions leuchtet noch matt von den Seiten. Gene Kellys 

Singin’ in the Rain strahlt durch den Raum. Das Bild wird kurz 

justiert, der Ton ist klar. „It’s fantaaaaastic!“ schallt es schrill durch 

den Raum. Nach einem Hund und zwei Kindern betritt eine mit Tupperdosen 

beladene Frau in alten Jeans, Holzfällerhemd, Turnschuhen 

und übergroßer weißer Strickjacke den Raum. 

Tilda Swinton ist Schauspielerin, nennt sich selbst aber lieber 

Aktivistin oder Performerin. Bekannt wurde sie durch Derek Jarmans 

Filme Caravaggio, edward II und The Last of england. Mit unabhängigen 

Filmemacherinnen wie Cynthia Beatt, Lynn Hershmann oder 

Sally Potter drehte sie Kunst- und Experimentalfilme. Später produzierte 

sie in den USA unabhängige Filme wie Thumbsucker oder Ste- 

„einen Lieblingsfilm zu haben, 

ist wie einen neuen Film zu 

entdecken, einer der wahren 

reichtümer des Lebens. egal in 

welchem Alter man ihn entdeckt 

und egal aus welchem grund. 

So ein Schatz währt ewig.“ 

phanie Daley. Mit den Chroniken von narnia oder Danny Boyles The 

Beach „spielte sie in Hollywood Spion“. Ach ja, und einen Oscar hat 

sie im letzten Jahr auch gewonnen – und ihn gleich an ihren Agenten 

verschenkt. Tilda Swinton gehört einer der ältesten Familien Schottlands 

an, studierte in Cambridge Politik- und Sozialwissenschaften 

und war 2009 die Präsidentin der Berlinale-Jury. Das alles spielt aber 

in den nächsten 8 ½ Tagen keine Rolle. Eher wirkt Tilda Swinton wie 

ein kleines Mädchen, wenn sie vor lauter Aufregung durch den Raum 

rennt und ihr Gesicht bei jeder Filmvorführung zu lächeln beginnt. 

Tildas positive Energie ist überwältigend, ihre Großzügigkeit und ihr 

Elan sind beneidenswert. 

Die Vorbereitungen laufen auf Hochtouren und man bekommt 

das Gefühl, als sei man mitten in die Generalprobe zu einer Schulfete 

geplatzt. Bis jetzt ist nicht klar, wie die nächsten Tage ablaufen werden. 

Dass fast jede Vorstellung ausverkauft sein und es beinahe täglich 

Zusatzvorstellungen geben wird, weiß momentan noch niemand. 

„I’m so excited“ ruft Tilda, „I feel a bit shaky, I feel a bit frightened“ 

antwortet Mark. John Byrne malt die letzten Buchstaben des „State 

of Cinema“-Schriftzuges auf eine blau-rote Stoffplane, die Tilda und 

Mark vor jeder Filmvorführung als Ersatz für einen richtigen Vor- 

hang fallen lassen. Dazu klettern sie auf zwei alte Leitern, die links 

und rechts vom weißen Laken aufgestellt sind und es bis zum Ende 

des Festivals auch bleiben werden. Der Charme des Improvisierten 

könnte nicht deutlicher strahlen als hier. Nichts ist perfekt und nichts 

soll perfekt sein. Als „big mish-mash“ bezeichnet Tilda später das 

Konzept der Inneneinrichtung und dieses große Mish-Mash trägt 

wesentlich zum Zauber dieses Filmfestivals bei, das auf alles verzichtet, 

was große Festivals in den Augen vieler auszeichnet: die neuesten 

Filme, der rote Teppich, Glamour und Glanz, Ego und Prestige, 

Stars und Preise. Zwei Dinge sind im „Cinema of Dreams“ wichtig: die 

Filme und die Menschen, die sie sehen und vor allem sehen wollen. 

Hier haben sich zwei Enthusiasten und Aktivisten einen Traum 

erfüllt, das wird schon vor dem ersten, oder besser gesagt „einhalbten“ 

Tag deutlich. Dass ein kleiner Traum vom großen Kino von so 

vielen Menschen und allen voran den BewohnerInnen eines kleinen 

Rentnerdomizils im schottischen Hochland so breite Unterstützung 

findet und ein kleines, kulturelles Großereignis als kommunales Projekt 

möglich ist, verlangt schon sehr viel ideellen Enthusiasmus. Und 

sicherlich eine große Portion Naivität, die das Träumen erst zulässt. 

Am 15. August 2008 werden die Pforten geöffnet. Die Spielregeln 

stehen fest und haben sich herumgesprochen: Wer keine drei Pfund 

oder ermäßigt zwei Pfund zahlen will, backt einen Kuchen und kommt 

umsonst rein. Früh bildet sich eine lange Schlange, die mit britischer 

Disziplin verharrt und ausgestattet mit Törtchen, Pies und Muffins 

auf Einlass wartet. Es wird voll und schließlich ausverkauft. Der erste 

Film am einhalbten Tag, Peter Ibbetson (1935) von Henry Hathaway 

mit Cary Grant, gibt gleich die Richtung für das Festival vor. Die 

magische Liebesgeschichte von zwei Menschen, die nicht zueinander 

dürfen und nur über Träume und halluzinoide Fantasien vereint werden 

können, stammt aus der frühen Zeit des Tonfilms und ist einer 

der Lieblingsfilme von Tilda Swinton. Die anfangs konventionelle 

Geschichte kippt in der zweiten Hälfte in einen surrealistischen Bildersturm, 

und macht gleich zu Anfang deutlich, welche Magie Kinobilder 

auf einer großen Leinwand entfalten können – selbst wenn der 

Film von einer DVD kommt und die Leinwand ein Bettlaken ist. 

Doch bevor der Film beginnt, als sich das Publikum endlich eingefunden 

hat, und die letzen Wartenden von Tilda und Mark vertröstet 

werden, beginnt die Prozedur, die sich zu jeder Filmvorführung und 

jeder Zusatzvorstellung wiederholen soll. Das Hauptlicht geht aus, 

ein Raunen erfüllt den Saal, das Licht der roten Lampions erlischt 

und Musik ertönt. Heute ist es Over The Rainbow, später sollen Space 

Oddity und sogar Personal Jesus von Marilyn Manson folgen. Hauptsache, 

die Lieder passen nicht zu gut zum entsprechenden Film, sagt 

Mark Cousins spätabends, als die Diskussionen um die Eröffnungssongs 

voller Ironie und Erleichterung über den ersten Tag in eine 

Grundsatzdebatte ausarten. 

An einer bestimmten Stelle jedes Liedes setzt dann ein schwerfälliger 

Scheinwerfer ein, der zuerst das Publikum und dann den Raum 

abtastet, dem richtigen Takt immer ein bisschen hinterher hinkt und 

schließlich bei Tilda und Mark stehen bleibt, die nie ganz unbemerkt 

auf ihre Leitern klettern können, um mit dem bemalten Vorhang das 

magische noch weiße Viereck zu verstecken. „Welcome to the State 

of Cinema“, sagt Tilda Swinton und hält heute – wie an allen anderen 

Tagen – eine kleine Begrüßungsrede, die von Mark Cousins übernommen 

und meist um einige historische Anekdoten zum Film ergänzt 

wird. 

Der „State of Cinema“ ist im Ballerina Ballroom zweideutig. Einmal 

ist es ein Staat, der keine Grenzen kennt und niemanden ausschließt. 

Die cineastische Utopie der Blackbox als Traumland, in 

dem alle willkommen sind und in das alle hinein können, wenn sie 

wollen. Sicherlich auch der Gedanke einer Gruppe, deren Identität 

sich über das Kino und ihre Liebe dazu definiert, nicht aber über 

Staatsbürgerschaft, Nationalität, Klasse, Rasse, Alter oder Sexualität. 

Betrachtet man die internationale Filmauswahl, das Weltkino, das in 

28 29 

wir verreisen

wir verreisen 

den nächsten Tagen präsentiert wird mit einer Parabel aus dem Senegal, 

einem Kinderfilm aus Kanada, einem ukrainischen Liebesdrama 

oder einem Thriller aus Japan, wird deutlich, dass wir uns im Land 

des Kinos befinden und mit den Filmen und in die Filme reisen. Zum 

anderen heißt „state“ Zustand und verweist damit auf eine Einstellung 

oder einen Seelenzustand. Dass es hier um die Seele des Kinos 

im romantischen Sinne gehen muss, ist allen Beteiligten spätestens 

nach Betreten des Ballerina Ballrooms klar. Dass es Tilda und Mark 

um die Erhaltung einer Seele geht, unterstreichen sie in den folgenden 

Tagen mehrfach. Denn so positiv das Festival in seiner altmodischen 

Essenz auch ist, geht es sehr deutlich und politisch auch gegen etwas. 

Gegen Multiplexe zum Beispiel und gegen hypermoderne, aseptische 

Kinosäle und Kino als Kommerzfest. Es geht um das gemeinsame 

Erleben und gegen eine anonyme, gewinnorientierte Industrie. Es 

geht um alte und vergessene Filme, und gegen den neuesten Blockbuster, 

der gesehen werden muss, um mitreden zu können. Es geht um 

das Genießen und gegen den Konsum. Es geht um die Liebe zum Kino 

und gegen das Profitieren am Kino. „Einen Lieblingsfilm zu haben, ist 

wie einen neuen Film zu entdecken, einer der wahren Reichtümer des 

Lebens. Egal in welchem Alter man ihn entdeckt und egal aus welchem 

Grund. So ein Schatz währt ewig“, steht einleitend auf jedem 

Programm. Das Pathos ist hier politisch, die Nostalgie nie konservativ 

und immer ernst gemeint. 

Mit ihrer Filmauswahl von yasujiro Ozu bis Bill Douglas über 

Roman Polanski zu Akira Kurosawa, Derek Jarman und Rainer Werner 

Fassbinder werden Tilda Swinton und Mark Cousins Bildungsbeauftragte 

in eigener Sache und Leidenschaft. 

Denn wer in Nairn wohnt, ist von Filmgeschichte weit entfernt. 

Vor circa 20 Jahren haben die beiden letzten Kinos geschlossen und 

neue wurden nicht eröffnet. Die Anekdote, die einem als Tourist hier 

ständig erzählt wird, von Charlie Chaplin, der regelmäßig in Nairn 

Kururlaub gemacht hat, wirkt fast wie blanker Zynismus angesichts 

des mangelnden Kulturangebotes im Ort. Gerade mal eine Videothek 

und eine Stadtbücherei gibt es, die nächst größere Stadt ist Inverness 

und begrüßt jeden Besucher mit einem Geschwür aus Shopping 

Malls, das dem amerikanischen Vorbild in nichts nachsteht. Multiplex 

inklusive. „Diese Stadt ist tot!“, sagt ein betrunkener Passant im 

Vorbeigehen, „Die Leute kommen hier doch zum Sterben hin!“ Und 

tatsächlich gibt es außerhalb der High Street kaum noch Straßenleben. 

Verlassene Läden und verwahrloste Schaufenster an allen Ecken. 

Alte Menschen prägen das Stadtbild. 

Umso dankbarer zeigen sich die BewohnerInnen für ein bisschen 

Abwechslung und einen neuen Impuls. Viele der älteren BesucherInnen 

kennen die Filme wie All About eve oder I Know Where I’m Going 

noch von früher, sind aber umso begeisterter, alte Klassiker noch einmal 

auf einer großen Leinwand zu sehen. „Es ist so schön wie beim 

ersten Mal“, sagt eine Seniorin gerührt. 

Viele kennen den Ballerina Ballroom auch noch als Bingohalle 

oder Festsaal, in dem in den 1960ern und 70ern Pink Floyd und The 

Who spielten. 

„Das hier ist jeden Tag besser als Kirche!“ 

In den 8 ½ Tagen im August 2008 spielen hier Federico Fellini 

und Joseph Mankiewicz, Franceso Stefani und Michael Powell. Das 

Programm setzt sich aus persönlichen Lieblingsfilmen (The Adventures 

of Sherlock Holmes), und internationalem Arthaus („Shadows of 

Our Forgotten Ancestors / Feuerpferde“) zusammen. 

Am Tag 2 ½ wird für Tilda Swinton ein Traum war, wie sie später 

noch einem ungläubigen David Letterman vor laufenden Kameras 

erzählen wird. Das „Cinema of Dreams“ verspricht freien Eintritt 

für alle, die zur 10.30 Uhr Vorstellung von Miss Marple: Murder Most 

30 

Foul / Vier Frauen und ein Mord im Schlafanzug kommen. Den besten 

Preis verleiht Tilda schon vor dem finalen Gruppenfoto an zwei 

betagte Damen in aufwändigen Zweiteilern („Das beste, was Marks & 

Spencer zu bieten hat!“). Eine kleine Gruppe pastellfarben gekleideter 

Rentnerinnen versammelt sich vor dem Eingang und unterhält sich: 

„Nun Ethel, jetzt wissen aber alle, dass du heute nicht in der Kirche 

bist!“ – „Das hier ist jeden Tag besser als Kirche!“. 

Um die Flamme der Kinomagie über 8 ½ Tage am Lodern zu halten, 

denken sich Tilda und Mark noch weitere Sondervorführungen 

aus. Eine davon ist allerdings nicht abgesprochen. Am dreieinhalbten 

Tag steht plötzlich Kenneth Anger vor der Leinwand. Der Pionier des 

Underground Cinema, der als Zwanzigjähriger mit Fireworks (1947) 

queere Filmgeschichte schrieb und durch Experimentalfilme wie 

Scorpio Rising oder Invocation of My Demon Brother bekannt wurde, 

kam von einer Ausstellung in Dundee spontan vorbei und signierte 

im Gehen gleich noch die Ausgangstür mit den Worten „This is like 

Caligari in Technicolor“. Um am nächsten Tag sicher zu sein, dass sie 

es nicht geträumt haben, lackieren sich Tilda und Mark abends am 

Küchentisch noch einen Nagel mit Glitzerlack. 

Doch bevor das Programm am letzten Tag mit Fellinis Otto e 

mezzo / 8 ½ schließt, wird der siebeneinhalbte Tag – passend zu 

Angers Kommentar – zum Technicolor-Day erklärt. Um zwei Uhr 

nachmittags beginnen die Farbexplosionen auf der Leinwand mit 

dem deutschen Märchenklassiker Das singende, klingende Bäumchen 

/ The Singing Ringing Tree von 1957, in der deutschen Originalversion, 

über die aber eine englische Erzählstimme gelegt wurde, welche die 

Dialoge wiedergibt. „Das macht den Film noch merkwürdiger als er 

ohnehin schon ist“, merkt Mark Cousins dazu lachend an. Die Spezialeffekte 

zum Publikumsliebling Singin’ In the Rain / Du sollst mein 

Glücksstern sein am Abend werden von allen Beteiligten bereits am 

Vortag einstudiert. Pünktlich zu Gene Kellys Titelnummer positionieren 

sich Tilda und Mark neben der Leinwand und öffnen vor sich 

zwei Regenschirme, die von zwei Taschenlampen angeleuchtet werden. 

Das Publikum applaudiert wild. Lamettafäden wehen als Kunstregen 

ums Publikum und silbernes Konfetti regnet magisch auf die 

Zuschauerschar. Der charmante Dilletantismus des Filmfestivals hat 

seinen Höhepunkt erreicht und die sprühenden Funken der Filmliebe 

haben bei den BesucherInnen endgültig ein Feuer entfacht. 

Dementsprechend bedrückt ist die Atmosphäre am letzten Abend, 

nachdem ein wildgewordener Regisseur mit Identitätskrise über die 

Leinwand getobt ist und auf den Punkt bringt, worum es beim Film 

eigentlich geht: um alles und nichts. Mit 8 ½ findet das „Cinema of 

Dreams“ zu seinem Anfang zurück, zu seinem Titel, zur Reflexion 

über das Kino im Kino zum Film im Film über den Film und zu einer 

Dokumentation, die bereits am einhalbten Tag gezeigt wurde. The 

Right to Freedom of Thought von Tilda Swinton und Mark Cousins. 

Ein Film über die Entstehung des „Cinema of Dreams“ und gleichzeitig 

eine endgültige Liebeserklärung an das Medium, den Ort und 

seine Magie. Mit 8 ½ Jahren wurde Tilda Swinton von ihrem Sohn 

gefragt, wovon die Leute geträumt haben , bevor es Filme gab. Tilda 

antwortete in einem Brief, den sie vor laufender Kamera vorliest. 

Mark schreibt als Antwort einen Brief an sein achteinhalbjähriges Ich 

und liest den Brief ebenfalls vor. Zusammen haben sie sich überlegt 

die „8 ½ Foundation“ ins Leben zu rufen, um Kindern an ihrem achteinhalbten 

Geburtstag mit Hilfe einiger Kinderfilmklassiker auf DVD 

die Liebe zum Film und somit zum Kino zu wecken. 

Am Ende, lange nachdem Tilda Swinton gesagt hat, dass wir noch 

viele Ballerina Ballrooms in der Welt brauchen, und lange nachdem 

Überraschungsgast Brian Cox gefordert hat, das Kino zu den Menschen 

zurück zubringen, noch bevor die Musik laut wird und die ersten 

Weinkorken auf dem Boden liegen, sagt Tilda den entscheidenden 

Satz: „I don’t see this as an end, I see it as a beginning.“ s 

Neu auf DVD 

von Jan künemunD 

DREAM BOY 

USA 2008, Regie: James bolton, pro-Fun Media 

Das Schönste ist die 

erste halbe Stunde. 

Da verliebt sich der 

schüchterne Nathan in 

Roy, den Jungen von 

der Nachbarfarm. Roy 

fährt den Schulbus und 

sammelt jeden Tag die 

Kids in der schwülen 

Einöde North Carolinas 

ein. Und so haben die beiden am Anfang und 

am Ende eines jeden Schultages zwei verzauberte 

Momente allein in dem großen Bus. Wie 

sich das langsam aufbaut als Choreographie 

linkischer Gesten und heimlicher Blicke in den 

Rückspiegel, wie Nathan langsam von den hinteren 

Busreihen auf den Platz direkt hinter Roy 

aufrückt, wie sie Mathe- gegen Englischaufgaben 

tauschen, sich heimlich treffen, zum Sound 

von Grillenzirpen und Kirchengesängen – das 

ist schon ein ganz klein wenig herzzerreißend. 

Später dringt dann die ganze Schwere des Südstaatendramas 

in die zarte Romanze ein, der 

Soundtrack von Richard Bruckner erigiert und 

die schwülstige Sinnlichkeit der Natur kippt 

ins Gespenstische. Doch wie immer in den Filmen 

von James Bolton (eban und Charly, The 

Graffiti Artist – siehe S. 15) ist die Melancholie, 

die die Jungs umgibt, nicht ganz greifbar, nicht 

restlos zu entschlüsseln. Boltons Jugendliche 

leben in einem prekären Zustand, sind verletzlich, 

gefährdet, und haben kaum eine Sprache 

für ihre Welt. Ein fragiles Kino der Gesten und 

Blicke. Vorlage für Dream Boy ist der großartige 

Roman von Jim Grimsley. Und man sollte 

noch erwähnen, dass man in einer kleinen 

Rolle Ricky Lee Jones bewundern kann. 

FERFIÁKT – DER NACKTE JUNGE 

HU 2006, Regie: Károly Esztergályos, pro-Fun 

Media 

In diesem Drama aus 

Ungarn, bislang ein leerer 

Fleck auf der Landkarte 

des homoerotischen 

Films, betritt 

man eine vertraute, 

doch lange nicht mehr 

bereiste Welt – jene der 

feingeistigen Künstler, 

die ihre verheimlich- 

ten Gefühle in ihren Werken ausleben, sich in 

großbürgerlichen Verhältnissen einen Platz 

für ihr Doppelleben einrichten – und dann 

plötzlich vor einer erotischen Herausforderung 

kapitulieren. Der schöne Junge, der den 

beinahe 50-jährigen Schriftsteller aus seiner 

Welt aus Mann-Tagebüchern, Schubertliedern 

und Viscontischer Melancholie herausreißt, ist 

eine moderne Budapester Variante Tadzios, 

Franz Westermeiers und Helmut Bergers. Und 

so bricht all das über den Mann herein, was er 

vorher sorgsam künstlerisch sublimiert hatte. 

Regisseur Károly Esztergályos gehört noch 

einer Generation an, die weiß, welches Potential 

diese Geschichten einer nicht ausgelebten 

Homosexualität haben – und er ist klug genug, 

selbst nicht auf der sicheren Ebene feingeistiger 

Verschämtheit zu bleiben. Wenn der 

alternde Dichter dem Stricher, der ihn gerade 

oral befriedigt, laut aus dem „Tod in Venedig“ 

vorliest, dann ist das ein selbstironisches und 

dabei sehr komplexes Bild der schwulen Kulturgeschichte… 

FRISK 

USA 1995, Regie: Todd Verow, CMV Laservision, 

FSK 18 

Endlich ist dieser Film 

auf DVD raus, endlich 

kann man Todd Verows 

Bebilderung von Dennis 

Coopers Roman fernab 

seiner Skandalwirkung 

betrachten (bekanntlich 

gab es ja wüste 

Szenen anlässlich seiner 

Premiere beim SF 

G&L Film Festival 1996). Ein Versuch über 

die dunklen Aspekte der schwulen Sexualität, 

ein Set an wüsten Phantasien, das gleichermaßen 

unscharf mal als „cold porn“, mal als 

„queercore“ bezeichnet wurde. Dabei belässt 

es Verow genau wie Cooper in Andeutungen, 

die so kompliziert verschachtelt sind, dass man 

eben nie weiß, was davon Fantasie und was 

davon Serienkillerrealität sein soll. Worum es 

nämlich eigentlich geht, sind mit Sex, Gewalt 

und Geheimnissen aufgeladene Bilder, die man 

nicht mehr los wird. Und die mit einfachsten 

Mitteln eher heraufzubeschwören als zu 

zeigen, gelingt Verow in seinem Debüt ganz 

großartig. Dazu gibt es als Extras den schönen 

Kurzfilm nob Hill und den informativen 

Audiokommentar mit Produzent und Regis- 

frisch ausgepackt 

seur, der u.a. erzählt, dass er Coopers Roman 

beim ersten Lesen so widerwärtig fand, dass er 

ihn erst mal durch den Raum geschleudert hat. 

lIChT UND SChATTEN – 

BETwEEN SOMEThING AND NOThING 

USA 2008, Regie: Todd Verow, Edition Salzgeber 

Gleichzeitig zu seinem 

Erstling Frisk 

erscheint auch Todd 

Verows aktueller Film 

Licht und Schatten 

auf DVD. Und es ist 

schön zu sehen, dass 

da jemand bei seiner 

Underground-Ästhetik 

geblieben ist. Denn bei 

Verow hat die Verweigerung von Glätte und 

schöner Oberfläche System – der Ton ist direkt, 

das Licht ist natürlich, die Schauspieler sind 

Freunde und alles wird schnell abgedreht, 

damit erst gar keine filmischen Überhöhung 

der dreckigen kleinen Geschichte stattfinden 

kann. Man ist nah dran, und das ist hierbei 

insbesondere ein Geschenk, da Verow nach 

Vacationland zum zweiten Mal die Geschichte 

seiner eigenen Jugend erzählt – ein atemloses 

Dahintreiben zwischen Kunstakademie, 

Strich und Nachtleben, das sich genauso atemlos 

im Film überträgt. Man möchte hier nicht 

von „Authentizität“ sprechen – eher von einer 

sehr persönlichen Art, eine sehr persönliche 

Geschichte zu erzählen. 

BUTTERFlY – hU DIE 

Cn 2004, Regie: Yan Yan Mak, Edition Salzgeber 

Das ist ein bekanntes 

poetisches Bild für einen 

Emanzipationsprozess: 

den (gesellschaftlichen) 

Kokon aufbrechen und 

als schöner Schmetterling 

in die Welt hinausflattern. 

Das erzählt die 

junge Filmemacherin 

yan yan Mak in ihrem 

zweiten Spielfilm Butterfly – Hu Die. Verwoben 

ist das lesbische Coming-Out ihrer Heldin 

allerdings mit einer zweiten Zeitebene, in der 

ihr dieses Schmetterling-Werden nicht gelingt, 

und mit einer präzisen Kokon-Beschreibung, 

die auf allgemeine politische Unterdrückung 

und den Kampf um Menschenrechte verweist. 

31


Eine kritische Untersuchung Hongkong-chinesischer 

Verhältnisse, nach einer taiwanesischen 

Kurzgeschichte, eine doppelte lesbische 

Liebesgeschichte, die als Sinnbild für die 

Selbstverständlichkeit von Menschenrechten 

inszeniert ist – darin entwickelt Butterfly seine 

äußerst filmisch aufgelöste Komplexität, die 

nicht von ungefähr mit einer Einladung zu 

den Filmfestspielen von Venedig im Jahr 2004 

belohnt wurde. 

lANDlIEBE – JUNGS IN DER PROvINz 

CH & D 2004–2008, Edition Salzgeber 

Fünf deutschsprachige 

Kurzfilme, die eine Fantasie 

umkreisen – um in 

ihrer Unterschiedlichkeit 

und Vielschichtigkeit 

dann sehr konkret 

zu werden. Das Leben 

von Jungs außerhalb 

der schwulen Szenen ist 

ja aus der Großstadtperspektive 

oft unvorstellbar oder – wie in vielen 

Fällen – mit unangenehmen eigenen Erinnerungen 

verbunden. Aber wo die meisten dieser 

filmischen Peripheriebegehungen tatsächlich 

zu der Erkenntnis kommen, dass man als 

Schwuler dort, wo man aufwächst, zwar seine 

Freunde hat, für alles, was darüber hinaus 

gehen soll, aber dort weg muss – steigt Cowboy 

von Til Kleinert tief in die schwulen Projektionen 

einer versauten Landjugend ein – und 

geht dann weit über alles Vorstellbare hinaus. 

Da wo angeblich nichts passiert, ist in Wahrheit 

die Hölle los, kann man daraus schließen. 

Oder genau hinsehen, wie es die anderen Filme 

tun. Mit den Filmen Landleben (Lukas Egger), 

nachmittage (Nicholas Hessenkamp), Anfänger! 

(Nicolas Wackerbarth), Freunde die du 

hast (Haik Büchsenschuss) und Cowboy (Till 

Kleinert). 

ThE hOUSEBOY 

USA 2007, Regie: Spencer Schilly, bildkraft 

Ein kleiner aufregender 

Film, mit einfachsten 

Mitteln hergestellt. 

Über Ricky, der einem 

älteren schwulen Paar 

als Spielzeug dient und 

über Weihnachten ihr 

Haus hüten soll. Und 

eigentlich schon weiß, 

dass er bald durch 

einen neuen Jungen ersetzt wird. Jetzt sitzt er 

in einem mit bunter Weihnachtsdekoration aus 

allen Nähten platzenden Apartment, unter Katzen, 

Kaninchen, Schildkröten und Fischen, und 

bestellt sich ein gefühlloses Sexdate nach dem 

nächsten in das fremde Apartment. Eigentlich 

32 

sucht er nur etwas menschliche Wärme. Und 

beschließt schließlich aus lauter Enttäuschung, 

am Weihnachtsabend aus dem Leben zu scheiden 

(wobei seine eigentliche Traurigkeit daher 

rührt, dass es niemandem auffallen wird). Das 

alles ist tragisch und komisch zugleich, hingebungsvoll 

von Nick May gespielt, mit sehr 

vielen skurrilen Episoden angereichert und im 

Ton völlig originell. Ein Film, der wunderbar 

ohne großes Budget auskommt und dafür ganz 

bei sich bleibt. 

ANOThER GAY SEQUEl – 

GAYS GONE wIlD 

USA/D 2008, Regie: Todd Stephens, pro-Fun 

Media 

Noch ein schwuler Film, 

noch eine Film-Fortsetzung, 

another gay 

sunshine day. Zweite 

Runde für Nico, Andy, 

Jarod und Griff auf dem 

Spielplatz der schwulen 

Nischenproduktionen. 

Dieser Film ist, wie sein 

Vorgänger Another Gay 

Movie, der Versuch, SCHWUL SEIN in filmischen 

Großbuchstaben zu schreiben. Also hat 

ein Spektrum schwuler Jungs ein Spektrum 

an schwulem Sex, alle Nebenfiguren kommen 

aus der schwulen Kult-Ecke (Ru Paul, Amanda 

Lepore), es hagelt Zitate zu anderen schwulen 

Filmen – und das Ganze ist vor allem eins: eine 

Komödie. Eine, vor allem was die Ausstattung 

und die Präzision der geschriebenen Gags 

angeht, ziemlich liebevoll produzierte. Und 

sie ermöglicht die Befriedigung zweier Grundbedürfnisse 

des schwulen Mannes: über sich 

selbst zu lachen und 99 Minuten lang auf pralle 

Badehosen zu schauen. Die ‚unbeschnittene‘ 

DVD-Ausgabe hat sich die Mühe einer deutschen 

Fassung gemacht und kann außerdem 

umfangreiches Bonusmaterial bieten. 

IN ThE BlOOD – DIE DUNKlE GABE 

USA 2007, Regie: Lou peterson, Edition Salzgeber 

Ein neuer Aspekt des 

Queer Cinema ist, dass 

es nach und nach auch 

in die klassischen Filmgenres 

eindringt. Das 

Interessante an diesem 

Psychothriller mit seinen 

Mystery- und Horror-Elementen 

ist, dass 

er dort, wo er am tiefsten 

in den Genregesetzen steckt, seinen narrativen 

Auslöser in einem rein schwulen Thema 

findet. Es sind die Coming-Out-Probleme Cassidys, 

die bei ihm blutige Visionen auslösen 

und erst über den schwulen Sex kann er her- 

ausfinden, was es damit auf sich hat. Ansonsten 

werden hier Genre-Fans bedient – Serienkiller 

gehen um, mit unerwarteten narrativen Twists 

werden immer dann neue Aspekte präsentiert, 

wenn man sich schon zu sicher ist, und mit 

großer Lust verfolgt man, wie die kleine Welt 

eines College-Studenten in einem Strudel von 

Verdrängung, Wahn, Ängsten und Verdächtigungen 

versinkt. 

XXY 

AR 2007, Regie: Lucía puenzo, Kool 

Das junge argentinische 

Kino macht gerade sehr 

auf sich aufmerksam. 

In einer Gesellschaft, 

in der in den letzten 

Jahren fast sämtliche 

Sicherheiten ins Wanken 

gekommen sind, 

scheinen auch die Konzepte 

der Sexualität zu 

schweben (man denke an Glue von Alexis dos 

Santos oder La León von Santiago Otheguy). 

Der Festivalerfolg XXY ist ein außergewöhnlich 

sinnlicher Film über die Gefühlswelt von 

Teenagern, von denen eine(r) intersexuell ist. 

Mit diesem medizinischen Begriff sind Leidensgeschichten 

vieler Menschen verbunden, deren 

Geschlecht nach der Geburt operativ vereindeutigt 

wurde, auf Betreiben der Eltern und – indirekt 

– der Gesellschaft. Lucía Puenzos Zugang 

zu dieser Problematik führt tief in die Erlebniswelt 

der Jugendlichen, die sexuelles Erwachen 

mit dem Neuentdecken des eigenen Körpers in 

Einklang zu bringen versuchen. Und stellt die 

gewagte These auf, dass sich Menschen ineinander 

verlieben, nicht biologische Geschlechtsträger. 

Und die phänomenale Kamera von Natasha 

Braier stellt eine Nähe zu den nicht minder 

phänomenalen Gesichtern der Schauspieler her, 

die jeglichen medizinischen Identitäts-Diskurs 

lebensfremd erscheinen lässt. 

ChANSON DER lIEBE – 

lES ChANSONS D’AMOUR 

FR 2007, Regie: Christoph Honoré, pro-Fun 

Media 

Das fängt alles sehr 

nervig an – eine großbürgerliche 

Familie 

trifft sich und es wird 

bis zur Schmerzgrenze 

geplaudert. Ein junges 

Paar hat mit einem 

anderen Mädchen eine 

Dreierkiste (wie französisch!). 

Außerdem 

wird in diesem Film viel gesungen und gelesen. 

Doch plötzlich gibt es einen Riss. Eins 

der beiden Mädchen stirbt – und plötzlich ver- 

schieben sich die Konstellationen, die Gefühle 

und die bürgerlichen Grundfesten. Christoph 

Honorés Film ist ausgesprochen mutig in seiner 

Verbindung von Leichtigkeit und Ernst, von 

Pop und Drama. Er scheut weder Emotionen 

noch Kitsch. Alles dreht sich um die Frage (wie 

sie in einem Chanson gestellt wird), ob man 

bei der Liebe nicht immer in das Verliebtsein 

selbst verliebt ist. Und in seinen künstlichsten 

Augenblicken, wenn die heftigsten Gefühle auf 

die klarsten Bilder und die naivsten Poplieder 

treffen, ist Chanson der Liebe am meisten bei 

sich und genau so schön wie rätselhaft. 

SEBASTIANE 

UK 1976, Regie: Derek Jarman, Edition Salzgeber 

Man weiß das mittlerweile 

alles: Sebastiane 

ist das Debüt von 

Derek Jarman, der einzige 

jemals auf Latein 

gedrehte Film, ein 

Softporno, ein schwuler 

Kultfilm über einen 

schwulen Mythos. Wie 

bei Jarman üblich, 

wird kein Historiendrama inszeniert, sondern 

Vergangenes mit aktuellem Interesse aufgeladen. 

Ganze 70 Minuten davon langweilen 

sich die römischen Soldaten unter sengender 

Sonne und treiben laszive Späße miteinander. 

Dazwischen trifft der Sadist Severus auf den 

Masochisten Sebastian, der zeitgemäß seine 

Qualen als Zeichen göttlicher Liebe versteht. 

Wir lernen etwas über Männergruppen im 

Ausnahmezustand, sehen diese heute wieder 

so attraktiven 70er-Jahre-Männerkörper und 

verstehen, warum der Heilige Sebastian durch 

die schwule Bildertradition wandert. Einen 

schönen Vergleich bietet der Kurzfilm Saint 

von Bavo Defurne, als Bonusmaterial in der 

DVD enthalten. Ein nicht weniger ästhetisierender 

Zugang, in poetischem Schwarzweiß, 

in dem die Hinrichtung als geheimnisvolle 

Sexszene mitten im Wald inszeniert ist. Hier 

lassen die Soldaten im Angesicht von männlicher 

Schönheit sogar die Bogen wieder sinken 

und aus gewittrigem Himmel regnet es auf den 

nicht tot zu kriegenden Sebastian nieder. 

DEREK 

UK 2007, Regie: isaac Julien, Edition Salzgeber 

Dafür Sorge tragen, dass Derek Jarman nicht 

vergessen wird – das ist das Anliegen seiner 

ehemaligen Freunde, Mitstreiter und Nachfolger. 

Tilda Swinton, Isaac Julien, Colin McCabe, 

Simon Fisher Turner und andere haben ein 

Porträt über den 1994 verstorbenen Künstler 

gemacht, das weit über ein handelsübliches 

Biopic hinausgeht. Ein Medium wählen, es mit 

Wut, Liebe und Witz aufladen, die üblichen 

Produktionsbedingungen 

ignorieren, sich eine 

Familie suchen und einfach 

machen. Dass ist 

das, was dieser Film als 

den lebendigen Spirit 

des Künstlers herausarbeitet 

– und weiterträgt. 

Wie einst Jarman 

hält Tilda Swinton in 

ihrem Off-Kommentar ein pointiertes Pamphlet 

gegen die bürokratische Filmindustrie. 

Wie einst Jarman lässt Isaac Julien assoziative 

Bildmontagen den Filmrhythmus bestimmen, 

lädt die ‚guten alten‘ Jarman-Zeiten mit 

einem aktuellen Blick auf. Wie in Jarmans Filmen 

erzeugt Simon Fisher Turners Musik eine 

atmosphärische Tiefe, ist harmoniesüchtig und 

gebrochen zugleich. Dieses Jarman-Porträt ist 

voll und ganz in dessen Sinn. Es ist Erinnerung 

und Aufruf, Archiv und kreatives Störmoment 

zugleich. Aber vor allem: eine Liebeserklärung. 

ThE TIMES OF hARvEY MIlK 

USA 1985, Regie: Robert Epstein, Edition Salzgeber 

Rob Epsteins Dokumentarfilm 

war schon 

zu Milks Lebzeiten 

geplant. Seine Ermordung 

fiel in die Dreharbeiten 

und ließ den 

Film zu einem einflussreichen 

Porträt eines 

Helden der Schwulenbewegung 

werden – 

mittlerweile selbst schon ein filmgeschichtlicher 

Klassiker. Mehr dazu auf Seite 14. 

STRAIGhT 

D 2007, Regie: nicolas Flessa, Edition Salzgeber 

Wenn Deutschtürken 

und deutsche Schwule 

aufeinander treffen, 

kol lidieren traditionell 

die Vorstellungen von 

Männlichkeit. Vorurteile, 

Ängste, erotische 

Fantasien entstehen, 

wo man nah beieinander 

ist, sich aber trotzdem 

kaum kennt. In St. Georg oder Kreuzberg 

z.B. ist man im selben Kiez unterwegs. Nicolas 

Flessa siedelt seine Dreiecks-Liebesgeschichte 

um zwei Männer und eine Frau, um straighten 

und schwulen Sex, um drei verschiedene 

kulturelle Hintergünde in Berlin-Neukölln 

an. Meist nachts und auf der Straße, wo Blicke 

unterwegs sind und Fremde sich treffen. 

Und so hat ein Hetero plötzlich eine Affäre mit 

einem Mann, ist eine Frau mit zwei Liebha- 


bern plötzlich fünftes Rad am Wagen und ein 

deutschtürkischer Dealer erlebt etwas, das er 

seinen Kumpels verheimlichen muss. Großes 

Kapital des Films ist natürlich, dass Teenie- 

Idol Eralp Uzun sich auf eine solche Rolle 

einlässt. Aber darüber hinaus weiß auch der 

Regisseur, wie man eine solche Story erzählen 

kann: vor Ort, direkt, und mit Raum für Improvisation. 

(Inklusive Kurzfilm The City von 

Nicolas Flessa.) 

FRÜhSTÜCK MIT SCOT 

CA 2007, Regie: Laurie Lynd, pro-Fun Media 

Familienunterhaltung. 

Und Familie selbst ist 

auch das Thema. Allerdings 

wird hier in Form 

einer mainstreamigen 

Feel-Good-Komödie 

der Familienbegriff 

nicht nur erweitert (es 

geht um ein schwules 

Paar, das plötzlich Verantwortung 

für ein Kind übernehmen muss), 

sondern eigentlich ein rein schwules Problem 

thematisiert. Da sind zwei Männer, die ihr 

ganzes Leben damit verbracht haben, straight 

zu wirken, auf dem Eishockeyplatz und in der 

Anwaltskanzlei den Heteromännern gegenüber 

nicht zurückzustecken. Und dann steht 

da ein schwuler Junge auf der Matte, der sich 

offensichtlich selbst noch nie die Frage gestellt 

hat, ob er ausreichend männlich wirkt. Scot ist 

bunt, unangepasst und gender-resistent. Was 

prekärerweise dazu führt, dass die schwulen 

Ersatzeltern erst mal versuchen, einen richtigen 

Jungen aus ihm zu machen – bzw. zu dem, 

was sie darunter verstehen. Man enthüllt kein 

Geheimnis, wenn man verrät, dass der Erziehungsprozess 

schließlich umgekehrt verläuft. 

So erscheint das traditionelle Thema der fehlenden 

Akzeptanz von Homosexuellen in der 

heteronormativen Gesellschaft auf interessante 

Weise variiert: als schwule Selbstbespiegelung 

und Selbstkritik. Das gleichwohl produziert für 

ein so breit wie möglich gedachtes Publikum. 

BORN IN FlAMES 

USA 1983, Regie: Lizzie bordon, Edition Salzgeber 

Lizzie Bordons radikalfeministischerKlassiker 

aus einem revolutionär-utopischen 

US-Amerika erscheint 

nach seinem L-Filmnacht-Einsatz 

natürlich 

auch auf DVD. Mehr 

dazu auf Seite 9. 

33

service 

BeZUgSqUeLLeN 

Nicht-heterosexuelle DVDs erhalten Sie unter anderem in den folgenden Läden. 

Die Auswahl wird laufend ergänzt. Bitte helfen Sie uns dabei! 

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9 · PriNZ eiSeNHerZ BUCHLADeN Lietzenburger Straße 

9a, 030/3139936 · SAtUrN eUrOPACeNter Tauentzienstraße 9 · 

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Straße 17 DOrtMUND LitFASS Der BUCHLADeN Münsterstraße 

107, 0231/834724 DüSSeLDOrF BOOKxxx Bismarckstraße 

86, 0211/356750 · MeDiA MArKt Friedrichstraße 129–133 

· SAtUrN Königsallee 56 · SAtUrN Am Wehrhahn 1 FrANK- 

FUrt/MAiN OSCAr WiLDe BUCHHANDLUNg Alte Gasse 51, 

069/281260 · SAtUrN Zeil 121 HAMBUrg BUCHLADeN 

MäNNerSCHWArM Lange Reihe 102, 040/436093 · BrUNO’S 

Lange Reihe/Danziger Straße 70, 040/98238081 · CLeMeNS 

Clemens-Schultz-Straße 77 · eMPire MegAStOre Bahrenfelder 

Straße 242–244 · MeDiA MArKt Paul-Nevermann-Platz 

15 KöLN BrUNO’S Kettengasse 20, 0221/2725637 · MeDiA 

MArKt Hohe Straße 121 · SAtUrN Hansaring 97 · SAtUrN Hohe 

Straße 41–53 · ViDeOtAxi Ebertplatz 9 · ViDeOtAxi Salierring 42 

· ViDeOtAxi Hohenzollernring 75–77 MANNHeiM Der ANDere 

BUCHLADeN M2 1, 0621/21755 MüNCHeN BrUNO’S Thalkirchner 

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DeN Barerstraße 70, 089/2721205 · MAx & MiLiAN Ickstattstraße 

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Neuhauser Straße 39 StUttgArt BUCHLADeN erLKöNig 

Nesenbachstraße 52, 0711/639139 tüBiNgeN FrAUeNBUCH- 

LADeN tHALeStriS Bursagasse 2, 07071/26590 WieN BUCH- 

HANDLUNg LöWeNHerZ Berggasse 8, + 43/1/13172982 

KiNOS 

Nicht-heterosexuelle Filme können Sie unter anderem in den folgenden Kinos 

sehen. Die Auswahl wird laufend ergänzt. Bitte helfen Sie uns dabei! 

ASCHAFFeNBUrg CASiNO FiLMtHeAter Ohmbachsgasse 1, 

06021/4510772 AUgSBUrg CiNeMAxx Willy-Brandt-Platz 

2, 0821/3258080 BerLiN KiNO iNterNAtiONAL Karl-Marx- 

Allee 33, 030/24756011 · xeNON KiNO Kolonnenstraße 5–6, 

030/78001530 · CiNeMAxx POtSDAMer PLAtZ Potsdamer Straße 

5, 030/25922111 BieLeFeLD CiNeMAxx Ostwestfalenplatz 

1, 0521/5833583 BreMeN KiNO 46 Waller Heerstraße 46, 

0421/3876731 · CiNeMAxx Breitenweg 27, 0421/3010101 DreS- 

DeN KiD – KiNO iM DACH Schandauer Straße 64, 0351/3107373 

· CiNeMAxx Hüblerstraße 8, 0351/3156868 eSSeN CiNeMAxx 

Berliner Platz 4–5, 0201/8203040 eSSLiNgeN KOMMUNA- 

LeS KiNO Maille 4–9, 0711/31059510 FrANKFUrt/MAiN MAL 

SeH’N Adlerflychtstraße 6, 069/5970845 FreiBUrg KOM- 

MUNALeS KiNO Urachstraße 40, 0761/709033 · CiNeMAxx Bertholdstraße 

50, 0761/20281410 göttiNgeN KiNO LUMière 

Geismar Landstraße 19, 0551/484523 HAMBUrg MetrOPO- 

LiS KiNO Steindamm 52–54, 040/342353 · CiNeMAxx DAMMtOr 

Dammtordamm 1, 040/34847610 HANNOVer APOLLO StU- 

DiO Limmerstraße 50, 0511/452438 KieL Die PUMPe – KOM- 

MUNALeS KiNO Haßstraße 22, 0431/2007650 KieL CiNeMAxx 

Kaistraße 54–56, 0431/6618010 KöLN KöLNer FiLMHAUS 

Maybachstraße 111, 0221/2227100 KONStANZ ZeBrA KiNO 

Joseph-Belli-Weg 5, 07531/60162 LeiPZig PASSAge KiNO 

Hainstraße 19 a, 0341/2173865 MANNHeiM CiNeMA qUA- 

DrAt Collinistraße 5, 0621/1223454 MArBUrg CiNePLex 

Biegenstraße 1a, 06421/17300 MüHLHeiM CiNeMAxx Humboldtring/Parkplatz 

5, 0208/7807780 MüNCHeN NeUeS 

AreNA FiLMtHeAter Hans-Sachs-Straße 7, 089/2603265 · City 

KiNO Sonnenstraße 12, 089/591983 · CiNeMAxx Isartorplatz 

8, 089/21211411 MüNSter CiNeMA FiLMtHeAter Warendorfer 

Straße 45–47, 0251/30300 NürNBerg KOMMKiNO 

Königstraße 93, 0911/2448889 OFFeNBACH CiNeMAxx 

Berliner Straße 210, 069/80907210 OLDeNBUrg CiNe K 

Bahnhofstraße 11, 0441/2489646 · CiNeMAxx Stau 79–85, 

0441/21 77103 POtSDAM tHALiA ArtHOUSe Rudolf-Breitscheid-Straße 

50, 0331/7437020 regeNSBUrg WiNtergArteN 

Andreasstraße 28, 0941/2980963 · CiNeMAxx Friedenstraße 

25, 0941/7802121 SAArBrüCKeN KiNO iM FiLMHAUS 

Mainzer Straße 8, 0681/372570 SCHWeiNFUrt KUK – KiNO 

UND KNeiPe Ignaz-Schön-Straße 32, 09721/82358 StUttgArt 

CiNeMAxx AN Der LieDerHALLe Robert-Bosch-Platz 

1, 0711/22007978 trier BrOADWAy FiLMtHeAter Paulinstraße 

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0651/9774444 WeiterStADt KOMMUNALeS KiNO Carl- 

Ulrich-Straße 9–11 / Bürgerzentrum, 06150/12185 WUPPertAL 

CiNeMAxx Bundesallee 250, 0202/4930 1181 WürZBUrg 

CiNeMAxx Veitshöchheimer Straße 5a, 0931/3040140 

34 

edita gruberova in „roberto Devereux“ 

www.classica-im-kino.de – mehr dazu in der nächsten SiSSy. 

Impressum 

Herausgeber Björn Koll 

Verlag Salzgeber & Co. Medien GmbH 

Mehringdamm 33 · 10961 Berlin 

Telefon 030 / 285 290 90 

Telefax 030 / 285 290 99 

Redaktion Jan Künemund, presse@salzgeber.de 

Art Director Johann Peter Werth, werth@salzgeber.de 

Autoren dieser Ausgabe Thomas Abeltshauser, Sharon Adler, Doris Bandhold, Stefanie Denkert, Franz 

Dinda, Jan Gympel, Jan Künemund, Edina Lautenschläger, Silvy Pommerenke, 

Tobias Rauscher, Paul Schulz, Tim Staffel 

Lektorat Rut Ferner 

Anzeigenleitung Jan Nurja, nurja@salzgeber.de 

Druck Westermann, Braunschweig 

Rechte Digitale oder analoge Vervielfältigung, Speicherung, Weiterverarbeitung oder 

Nutzung sowohl der Texte als auch der Bilder bedürfen einer schriftlichen 

Genehmigung des Herausgebers. 

Verteilung deutschlandweit in den schwul-lesbischen Buchläden, in den CinemaxX-Kinos 

in Augsburg, Berlin, Bielefeld, Bremen, Dresden, Essen, Freiburg, Hamburg, 

Kiel, München, Mülheim, Offenbach, Oldenburg, Regensburg, Stuttgart, Trier, 

Wuppertal, Würzburg und weiteren ausgewählten Orten. 

Haftungsausschluss Für die gelisteten Termine und Preise können wir keine Garantie geben. 

Alle Angaben entsprechen dem Stand des Drucklegungstages. 

Bildnachweise Die Bildrechte liegen bei den jeweiligen Anbietern. 

Erscheinungsweise SISSy erscheint alle drei Monate, jeweils für den Zeitraum Dezember/ 

Januar/Februar – März/April/Mai – Juni/Juli/August – September/Oktober/ 

November. Auflage: 40.000 Exemplare (Druckauflage). 

Anzeigen Es gilt die Anzeigenpreisliste Nr. 1 vom Januar 2009. 

Abo Sie können SISSy kostenfrei abonnieren. E-Mail genügt: abo@sissymag.de 

Foto: iStockphoto 

• 1.200 Seiten 

• 22.000 Adressen 

• 126 Länder 

• 75 Stadtpläne 

• detaillierte Reiseinfos 

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Homosexual's Film Quarterly - Sissy

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