Goetz zum Dritten - Die Deutsche Bühne

Schwerpunkt
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Goetz zum Dritten
Zum 25. Mal präsentierten die
Mülheimer Theatertage die
Stücke der Saison. Zum 25. Mal
wurde der Mülheimer Dramatikerpreis
vergeben und – ein
Novum – zum dritten Mal ging
er an denselben Autor: Rainald
Goetz.
Lutz Hennrich
Deutlicher als in den Jahren zuvor
präsentierte sich in der Jubi -
läumsspielzeit eine junge Generation
von Dramatikern. Mit Ausnahme
von Rainald Goetz (Jahrgang 1954) sind
die nach Mülheim eingeladenen Autoren
alle in den 60er Jahren geboren, allein
vier Dramatiker entstammen den Jahrgängen
1966 und 1967. Die bekannten
Namen der inzwischen über 50-Jährigen,
wie Elfriede Jelinek, Botho Strauß, Peter
Turrini oder Thomas Hürlimann, die
noch im letzten Jahr die Auswahl prägten,
fehlten diesmal völlig. Das entspricht
durchaus dem Eindruck, der sich bei der
Durchsicht aktueller Spielpläne einstellt.
Die jetzt junge Dramatiker-Generation ist
in ihrem ästhetischen Programm jedoch
keineswegs so homogen, wie es vielleicht
die Autoren der 70er Jahre waren. Themen
und Schreibweisen könnten kaum
unterschiedlicher sein. Die Wahrnehmung
der Zuschauer wird so auf sehr
unterschiedliche Weise herausgefordert.
Es gehört zu den Mülheimer Gepflogenheiten,
dass den einzelnen Aufführungen
Diskussionen folgen, an denen das Publikum
oft lebhaft teilnimmt. Auch die Diskussion
der Jury zur Vergabe des mit 20
000 Mark dotierten Preises ist öffentlich.
Die Zuschauer können ihre Bewertung
durch die Abgabe von Stimmkarten artikulieren.
So zeichnen die Theatertage
nicht nur ein Bild vom Stand der Gegenwartsdramatik,
sondern spiegeln auch die
Rezeptionshaltung des Publikums.
Roland Schimmelpfennigs „Vor langer
Oliver Mallison und Nina Kunzendorf
in Stefan Bachmanns Hamburger
„Jeff Koons“-Inszenierung.
Die Deutsche Bühne 8/2000
Foto: Matthias Horn
Zeit im Mai“ hatte bei den Juroren und
beim Publikum keine Chance. Seine 81
kurzen Szenen erzählen keine Geschichte
im traditionellen Sinne mehr, sondern
zeigen den sentimentalen Erinnerungsversuch
eines Paares, das sich nach langen
Jahren wieder begegnet. Nicht die
Figuren, sondern der Vorgang des Erinnerns
ist Gegenstand des Stückes. Die
Dialoge beschränken sich im Wesentlichen
auf die Variation von Fragen nach
seinem alten Fahrrad und dem Inhalt
ihres Koffers. Dazwischen schneidet
Schimmelpfennig meist stumme Szenen,
die in ebenfalls variierenden Wiederholungen
verschiedener Bildstränge vier
Männer und vier Frauen zeigen, mal mit
Koffer, mal mit Fahrrad, mal einzeln, mal
zu Paaren zusammengeführt. Barbara
Freys Berliner Schaubühnen-Inszenierung
öffnet mit diesen präzisen Bildfolgen
einen suggestiven Gedankenraum,
den jeder Zuschauer mit eigenen Assoziationen
und Erinnerungen füllen kann
und muss. Das trug Schimmelpfennigs
Stück den Vorwurf der Beliebigkeit ein.
Für ein Festival, das Dramen in den Mittelpunkt
stellt, bedeutet die Abkehr von
traditioneller Erzählweise eine ernst zu
Foto: Klaus Lefebvre
nehmende Gefahr. Je stärker schon die
Autoren ihre Texte als Material begreifen
und so gestalten, dass in einer Inszenierung
andere Elemente mit gleicher Notwendigkeit
hinzutreten müssen, desto
schwieriger wird es, den Anteil des
Regisseurs aus bildmächtigen Inszenierungen
herauszufiltern und den Text als
solchen zu bewerten. Es bleibt abzuwarten,
wie das Festival in den nächsten Jahren
auf den sich wandelnden Stückbegriff
reagieren wird.
Auch Sibylle Bergs Romandramatisierung
„Ein paar Leute suchen das Glück
und lachen sich tot“, vom Theater Oberhausen
in der Inszenierung Klaus Weises
vorgestellt, entwickelt aus der Glücksuche
der Figuren keine Handlung mehr.
Längst gestorben und in einem Raum jenseits
des Todes versammelt, reflektieren
sie ihre Geschichte. „Undramatisch“ lau-
tete das bezeichnende Verdikt eines
Zuschauers. Dies gilt auch für Werner
Fritschs „Steinbruch“-Monolog aus dem
Jahre 1983, der Erfahrungen des Autors
mit der Bundeswehr thematisiert. Für die
Inszenierung des Mannheimer Nationaltheaters
wurde der Text auf fünf Spieler
verteilt und von Regisseur Patrick
Schimanski mit soldatischen Körperaktionen
arrangiert. In diesen Bildrealismus
eingebettet, wirkte der Text häufig platt
und konstruiert. Wenn Fritsch „Sprache
im Zustand äußerster Aufladung“ vorführen
wollte, so hat hier die theatralische
Umsetzung nicht funktioniert.
Ganz anders gelang Stefan Bachmann die
Inszenierung von Rainald Goetz’ Künstlerdrama
„Jeff Koons“ (Siehe DDB
2/2000). Auch hier liegt ein Text ohne
Rollenzuweisungen vor. Doch
Foto: Susanne Messmer
lassen sich aus diesem Sprachmaterial
durchaus einzelne Figuren herausarbeiten.
Unbeschadet der Tatsache, dass
andere Inszenierungen zu anderen Figuren-Text-Zuordnungen
gelangen, wurde
in der Jury-Diskussion positiv betont,
dass sich schon für einen Leser des Textes
einzelne Charaktere geradezu aufdrängen
würden.
Das Bedürfnis nach wirklichen Menschen
auf dem Theater spielte auch bei
der Bewertung von Dirk Dobbrows
„Legoland“ eine Rolle, dessen deutlicher
Realitätsbezug an das Aufklärungsthea-
SAISONBILANZ V
Zum dritten Mal mit dem Mülheimer Dramatikerpreis geehrt: Rainald Goetz (links).
Aus der Sicht des Publikums auf Platz 1: Albert Ostermaier.
ter vergangener Jahrzehnte erinnerte.
Erkennbar ist der Versuch des Autors,
mit Hilfe sprachlicher Mittel die Figuren
anzureichern. Doch die wenig inspirierte,
unentschieden wirkende Inszenierung
des inzwischen ge schlossenen Kleist
Theaters Frankfurt/Oder kam kaum über
den Realismus einer Milieustudie über
Jugendliche im sozialen Brennpunkt
einer Hochhaussiedlung hinaus.
Die gesellschaftliche Relevanz des Themas
Kindesmissbrauch in Thomas
Jonigks „Täter“ war weitgehend unbestritten.
Sein entschieden parteiisches
Albert Ostermaiers „The Making Of. B-Movie“ in Volker Hesses Kölner Inszenierung mit Ernst-
August Schepmann als Müller-Schuppen (Bildmitte) und Joachim Meyerhoff als Andree.
Foto: Isolde Ohlbaum

Schwerpunkt
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Soap
Soap-opern gibt es nicht nur im
Fernsehen. Der Boom schwappte jetzt
auch auf die Theater über.
In einer Zeit, in der breite Bevölkerungsschichten
dazu neigen, die künst liche
Realität der Medien für die Wirklichkeit
zu halten, läuft auch ein politisch ambitioniertes
Theater Gefahr, die Kritik an den
Verhältnissen durch bloße Medienkritik
zu ersetzen. Folgerichtig ist das deutsche
Theater im vergangenen Jahr von einem
wahren Soap-Boom erfasst worden. Die
relativ theaternahe Ästhetik des Genres
Seifen oper, das aus Gründen sparsamster
Fließ bandproduktion meist auf aufwendige
spezifisch filmische Mittel wie
Montage, atmo sphärische Beleuchtung
oder gar Tricks und Effekte verzichtet,
kam der Experimentierfreude der Bühnen
sehr entgegen.
Oft war der Begriff „Soap“ allerdings
kaum mehr als ein modisches Etikett:
Bei dem in Fortsetzungen servierten
Mammuttext „Die Celestina“ des
barocken Spaniers Fernando de Rojas im
Berliner Tacheles gelang es dem Regisseur
Matthias Merkle so immer hin, eine
sperrige Ausgrabung geschickt einem
zeitgenössischen Publikum zu verkaufen.
Die Ehre, der Trendsetter gewesen zu
sein, gebührt dem Hamburger Kiez-
Theater Schmidt. Dessen „Pension
Schmidt“, die seit dem März vergangenen
Jahres in zunächst monatlichen Folgen
Typen von der benachbarten Reeperbahn
komödiantisches Gastrecht gewährte, ist
auch das aufwändigste und erfolgreichste
Projekt des neuen Soap-Booms. Das
Ensemble um Gerda, den alternden Trans -
vestiten (dargestellt vom Schmidt-
Prinzipal Corny Littmann), variiert
lustvoll und lustmachend wiedererkennbare
Schlüsselreize: Auf Gestalten wie die
Foto: Friedrun Reinhold
Schmidt-Prinzipal Corny Littmann und
die Kiez-Opera „Pension Schmidt“ mit
Kerstin Mäkelburg, Bernhard Hofmann
und Corny Littmann (v. l.)
singende Pastorenwitwe Erdmute („die
Heulboje Gottes“) oder den debilen
Polizisten Hotte freut sich das Stammpublikum
schon, bevor der Vorhang sich
öffnet – und genauso auf die „Werbeblöcke“,
in denen die Pro dukte per
Zuschauerabstimmung festgelegt werden
und das Ensemble dann die Re klame
improvisiert. Bei aller kritischen Distanz
ist die Absicht natürlich diesselbe wie bei
einer Fernsehsoap: Eine treue Fan -
gemeinde soll mit einem süchtig machenden
Produkt regelmäßig wieder vor den
Guckkasten gelockt werden, ohne dass
dessen Interesse wie sonst für jede neue
Aufführung wieder neu geweckt werden
muss. Nebenbei spart man Bühnenbilder
und kann beim Buch erprobte Muster
variieren.
Im Idealfall wird das Ereignis irgendwann
zum „Kult“, d. h. zu einer ritualhaften
Foto: Stephan Pflug
Rauscherfahrung, bei der die schwankende
Qualität der künstlerischen
Anlässe überhaupt nicht mehr wahrgenommen
wird. Das Prinzip der Reihenbildung
ist so neu nicht: Es wurde schon
immer mal wie der dort erprobt, wo man
Theater und Lite ratur als Geschäft
betrachtete. Im fran zösischen Boulevard
des 19. Jahrhunderts war der Serientypus
alltäglich. Es waren wohl auch eher
finanzielle als künstlerische Gründe, die
Shakespeare bewogen, seinen populären
Falstaff in den „Lustigen Weibern von
Windsor“ ein zweites Mal auftreten zu
lassen. Heute würde man so etwas ein
„Spin-Off“ nennen. Und seine Königsdramen
kann man ohnehin als fortlaufende
Seifenoper lesen und spielen –
„Gute Zeiten, schlechte Zeiten“ in den
Häusern York und Lancaster.
Direkt aus dem Produktionsumfeld jener
Soap, die in Deutschland der Inbegriff
des ganzen Genres ist, stammt der Autor
Patrick Schuckmann, der das Göttinger
Junge Theater mit Texten für dessen
„Soap Total“ mit dem schönen Titel
„Herzen ohne Rast“ beliefert. Schuckmann
beherrscht selbstverständlich die
Klischees („Er braucht jetzt absolute
Ruhe“) locker und hat gleichzeitig große
Freude daran, den Wahnsinn, der allen
Soap-Figuren innewohnt, endlich einmal
sichtbar zu Tage zu fördern. So einer wie
sein Doktor Stukenbrock, in dem sich
geniale ärztliche Fähigkeiten und eine
zerstörerische, vor nichts zurück -
schreckende Libido vereinen, ist
eigent lich eine echte dramatische Figur,
die gut der Titelheld eines engli schen
Stückes mit dem Titel „Operieren &
Kopulieren“ sein könnte. Auch der
Dilettantismus wird in Göttingen auf die
Spitze getrieben: Die Schauspieler lesen
ihre Texte vom Teleprompter, Regisseur
Christian Sedelmayer mischt sich per
Mikro ins Geschehen ein, lässt das
Ensemble gelegentlich verunglückte
Szenen wiederholen.
Diesen Live-Charakter des Soap-Genres
betonte auch der Autor und Regisseur
René Pollesch bei seiner Soap „Java
in a Box“ im Luzerner Theater. Im
wöchentlichen Rhythmus ließ Pollesch
Figuren mit mediengenerierten Sekundärnamen
wie Heidi Hoh, John Infante
oder Bambi Sickafossee durch ihre vom
Terror der Ökonomie hervorgebrachten
Neurosen surfen. Auch sein Trick ist
ganz alt: Man bedient sich eines volkstümlichen
Genres und füllt es mit
politischen Inhalten. Da kann plötzlich
der Alt-68er im Publikum, der Soaps
normalerweise verachtet, ebenso lachen
wie das gepiercte Twen-Pärchen, das
vermutlich gar nicht merkt, dass ihm hier
solide altmodische Kapitalismuskritik im
modernsten Gewand serviert wird.
Matthias Heine
Die Deutsche Bühne 8/2000
Zum zweiten Mal war das Kleist-Theater Frankfurt/Oder in Mülheim dabei,
diesmal mit Dirk Dobbrows „Legoland“ – das letzte spektakuläre Gastspiel des
inzwischen abgewickelten Theaters.
Stück ist grell, plakativ und vermeidet
jegliche Psychologisierung der Figuren.
Dadurch wird es dem Zuschauer schon
im Ansatz unmöglich, durch Figurenausdeutung
Verständnis für die Täter zu entwickeln.
Die Rechtfertigungs ideologie
wird gerade durch das Phrasenhafte der
Sprache dekuvriert. Stefan Bachmanns
Baseler Inszenierung, die in einem
Wohnraum
spielt, der die
Künstlichkeit
eines Ausstellungsraumes
in
einem Möbelhaus
ausstrahlt,
erschien manchenZuschauern
als zu direkt.
Die Frage der
Wahrnehmung
thematisiert Al -
bert Ostermaiers
„The
Making Of. B-
Movie“. Ein
Künstler im
Medienzeitalter
wird gemacht,
Erwartungshaltungen
des Pu -
blikums werden
zielgerichtet
bedient. Das
Stück, eine Auftragsarbeit
zum
Brecht-Jahr
1998, spielt mit „Baal“- und „Dickicht“-
Motiven und vermischt gekonnt unterschiedliche
Realitätsebenen. In Mülheim
war statt der Münchener Uraufführung
die bemerkenswerte Kölner Inszenierung
von Volker Hesse zu sehen, die in
Die Deutsche Bühne 8/2000
Foto: Sebastian Hoppe
Foto: Anette Höfer
Zusammenarbeit mit der Kölner Kunsthochschule
für Medien über die Projektion
von Live- und Videobildern den
medialen Aspekt augenfällig machte.
Die Diskussion der Jury konzentrierte
sich zunehmend auf diese drei letztgenannten
Autoren, die bereits in früheren
Jahren in Mülheim gewesen waren, und
die diesmal
auch in der
Gunst der Zu -
schauer vor ne
lagen. Das Pu -
blikum vo tierte
für Ostermaiers
„The Making
Of. B-Mo vie“.
Die Jury entschied
sich aber
mehr heitlich für
„Jeff Koons“.
Rainald Goetz,
der den Preis
bereits 1988 für
„Krieg“ und
1993 für „Katarakt“
erhalten
hatte, ist damit
der bisher einzige
Autor, der
bei den MülheimerTheatertagen
dreimal
erfolgreich war.
So wurde dann
doch eher das Bewährte prämiert. Die
junge Autorengeneration ist zwar unübersehbar
geworden, aber noch weit
davon entfernt, durchgesetzt zu sein.
Kathrin Welisch in der Baseler Inszenierung
von Thomas Jonigks „Täter“.
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