seitenbühne Nr. 19 - Staatsoper Hannover

seitenbühne 05.06 

Das Journal der Staatsoper Hannover

oper Proszenium 

Tanz ohne Dis-Tanz, bitte! 

Blättert man in einem Programmheft eines Ballettabends, sieht man, dass die Tänzerinnen 

und Tänzer meist nicht aus der lokalen Umgebung des Theaters kommen, sondern aus den 

unterschiedlichsten Regionen der Erde mit den verschiedensten Temperamenten und Lebensgewohnheiten. 

Auf allen Kontinenten wird getanzt, gibt es professionelle Ballettausbildung, Tänzer und 

Tanzkompanien. In verschiedenen Regionen hat der Standard der Ausbildung interessante 

Ursprünge. Zum Beispiel kommen viele sehr gut ausgebildete Tänzer aus Südamerika, was 

damit zusammenhängt, dass die Ballets Russes von Sergei Diaghilev ihre letzte Tournee dort 

abbrechen mussten, weil sie in finanzielle Nöte kamen. Einige der Kompaniemitglieder blieben 

dort und bauten eine Struktur von Schulen auf, die bis heute weiterwirkt. 

Das Ballettnetz spannt sich über die ganze Welt und ist eng geknüpft. Die Wege der Tanzschaffenden 

kreuzen sich immer wieder an entscheidenden Punkten, bei Choreographen, 

Kompanien, auf Tourneen oder auch manchmal Sommerkursen. 

Für Tänzer ist Sprache als Arbeits-Kommunikations-Notwendigkeit nicht vorrangig. Unsere 

Arbeit vermittelt sich direkt über den Körper, was uns die Freiheit gibt, unabhängig von 

Nationalitäten grenzüberschreitend zusammenzuarbeiten. 

In ihrer Arbeit sind Tänzer einander sehr nah, sowohl körperlich als auch emotional. Sie sind 

aufeinander angewiesen und tragen füreinander große Verantwortung, da sie selbst bei 

einer kleinen Unachtsamkeit den Partner verletzen könnten. 

Einerseits müssen Tänzer, wie Sänger oder Schauspieler, ihre Persönlichkeit auf der Bühne 

zeigen, aber anders als in den anderen Sparten müssen sie sich auch extrem unterordnen 

können, denn im Ensemble ist jeder kleine Fehler sofort sichtbar und wirkt sich auf die 

ganze Gruppe aus. Die Spanne zwischen Egozentrik und Gleichklang verlangt Flexibilität 

von jedem einzelnen. Es ist immer wieder spannend zu sehen, wie die Zusammenarbeit all 

dieser unterschiedlichen Künstler funktioniert, um eine gemeinsame Vision zu erschaffen: 

einen Ballettabend. 

Die Vielfalt und Internationalität des Tanzschaffens können Sie einmal mehr im Juni erleben, 

wenn fast alle Kompanien und viele freie Gruppen aus Braunschweig, Bremen, Bremerhaven, 

Hamburg, Kiel, Oldenburg, Osnabrück und Hannover im Rahmen des »8. Norddeutschen 

Tanztreffens« zusammenkommen. 

Erleben Sie Tanzproduktionen unterschiedlichster Stilrichtungen auf den Bühnen Hannovers! 

Ihr 

Jörg Mannes 

Ballettdirektor

02. 03 Ballett 

Hannover 

begrüsst 

den Tanz aus 

dem Norden 

Vom 13. bis 19. Juni 2010 ist 

das 8. Norddeutsche Tanztreffen 

– Tanzplan Bremen in allen 

Spielstätten der Staatstheater 

zu Gast. 

SO, 13. Juni 

ab 10 Uhr Einschreiben 

ab 11 Uhr Beginn, Opernplatz 

»Grösste Ballettklasse 

der Welt« 

Das 8. Norddeutsche Tanztreffen 

wird mit einem großen Fest 

DI, 15. Juni 

10.30 + 12.30 Uhr, Ballhof Zwei 

seven up 

Tanztheater für alle ab 6 

Den Tanz im norddeutschen 

auf dem Opernplatz eröffnet – 

Ballett der Staatsoper Hannover 

Raum in all seinen Ausprä 

mit Musik, Tanz und einem 

Choreographie Pantelis Zikas 

gungen und Facetten zu 

Weltrekordversuch! Um 10 Uhr 

erschließen, darzustellen, zu 

vernetzen und damit in einen 

Dialog miteinander zu bringen, 

eröffnet Ballettdirektor Jörg 

Mannes das Festival mit dem 

Ziel, 2000 Teilnehmer zur 

18 Uhr, Ballhof Eins 

Darkland 

steptext dance project, Bremen 

ist die Grundidee des »Nord 

»Größten Ballettklasse der Welt« 

Choreographie Helge Letonja 

deutschen Tanztreffens – 

Tanzplan Bremen«. 

Das 8. Norddeutsche Tanztreffen 

wird vom 13. bis 

19. Juni 2010 von der Staats 

zu versammeln. Alle Hannoveraner, 

ob jung oder alt, mit 

Tanzerfahrung oder ohne, sind 

dazu eingeladen, das Tanzen 

an der Ballettstange zu 

MO, 14. Juni 


Bacon 

Tanztheater Osnabrück 

20 Uhr, Schauspielhaus 

Endstation Sehnsucht 

BallettVorpommern 

Choreographie und Inszenierung 

oper Hannover ausgerichtet. 

probieren! 

Choreographie Nanine Linning 

Ralf Dörnen 

Spielstätten sind das Opern 

Nominiert für den Deutschen 

haus, Schauspielhaus, Ballhof 

Eins und Zwei. 

In der Festivalwoche werden 

zahlreiche städtische und 

Staatstheater-Tanzensembles 

14.30 Uhr, Probebühne 2, 

Opernhaus 

Die Reise ins Land der 

Träume 

Club XS der Staatsoper 

20 Uhr, Opernhaus 

Macbeth 

Tanztheater Braunschweig 

Konzept, Choreographie und 

Inszenierung Eva-Maria Lerchen 

Theaterpreis DER FAUST 2009 

sowie Ensembles der freien 

Hannover, für alle ab 6 

berg-Thöny nach William 

Szene aus dem norddeutschen 

Shakespeare 

Raum zu sehen sein – mit 

Einführungen jeweils 30 

Minuten vor der Vorstellung. 

Darüber hinaus wird ein 

18.30 Uhr, Opernhaus 

Ein Stück Zeit/ 

Walking Mad 


Rahmenprogramm mit Events, 

Choreographie Jörg Mannes/ 

Ausstellungen sowie Tanzwork 

Johan Inger 

shops angeboten.

Ballett 

Mi, 16. Juni 

16 Uhr, Start: Hauptbahnhof 

Tanz unterm Schwanz 

Leitung Günther Grollitsch 

18 Uhr, Ballhof Zwei 

2 Choreographien an 

einem Abend: 

The way to get mad 

Ballett des Stadttheaters 

Do, 17. Juni 

18 Uhr, Ballhof Zwei 

Luna 

Tanztheater für alle ab 14 

steptext young artists, Bremen 

Konzept, Leitung Augusto Jaramillo 

Sa, 19. Juni 


Tanz aus der Reihe 

Ein Tanzfest für und mit 

Kindern und Jugendlichen 

Bremerhaven 

Choreographie Sergei Vanaev 

insich 

artblau-Tanzwerkstatt, 

Braunschweig 

Choreographie Zufit Simon 

Pineda 


Gestrandet – Four 

Pieces 

Ballett Kiel 

Ausstellung 

Tanzstadt Hannover II 

Plakatieren verboten! 

13.–26. Juni, vor und nach den 

Vorstellungen, Foyer Opernhaus 


CLOSE TO PARADISE 

Commedia Futura, Hannover 

Choreographie Felix Landerer 

Choreographie Mario Schröder, 

Silvana Schröder, Itzik Galili 

22 Uhr, Laves-Foyer Opernhaus 

Party 

Fr, 18. Juni 


New Steps Spezial 

Junge Choreographen 

Mediathek 

13. – 18. Juni, vor und nach 

den Vorstellungen, Foyer 

Opernhaus 

21.30 Uhr, Ballhof Zwei 

3 Choreographien an 

einem Abend: 

...should have a chair 

20.30 Uhr, Schauspielhaus 

Voice 

nordwest/Tanztheater Bremen 

Choreographie Urs Dietrich 

EINTRITTSPREISE 

Opernhaus/Schauspielhaus 

15 Euro / erm. 7,50 Euro 

Ballhof Eins und Zwei 

Choreographie Wesley D’Alessandro 

Peering 

Compagnie Fredeweß, Hannover 

Choreographie Hans Fredeweß 

Miniaturen 

10 Euro / erm. 7,50 Euro 

Das ganze Festival mit 

einer Karte: PLUSKARTE 

für alle 13 Vorstellungen 

Choreographie Gilles Welinski 

55 Euro / erm. 35 Euro 

(nur an der Kasse erhältlich)

04. 05 oper 

Ulrich Lenz 

Wilde Weiber, freie Frauen 

Die Walküre – ein Stück Emanzipation 

»Aller musikalischer Organismus ist seiner Natur nach aber – 

ein weiblicher. Die Musik ist ein Weib. Die Natur des Weibes ist 

die Liebe.« 

Richard Wagner, Oper und Drama 

War die Welt des Rheingold ganz bestimmt von der Selbstgefälligkeit 

der Männer und ihrer Gier nach Macht und Anerkennung, um 

die sich vor allem die beiden Widersacher Alberich und Wotan, aber 

auch die Brüder Fafner und Fasolt streiten, begleitet vom plumpen 

Imponiergehabe Donners und Frohs und den opportunistischen 

Schachzügen Loges; blieben die Frauen im ersten Teil des Ring also 

zumeist nur Anhängsel einer prahlerischen Männerwelt oder schlimmer 

noch Objekte von deren persönlichem oder politischem Tatendrang, 

so sind es in der Walküre drei Frauen, die das Geschehen in 

nicht unerheblichem Maße beeinflussen: Sieglinde, Fricka und Brünnhilde. 

Es scheint nicht aus der Luft gegriffen, den zweiten Teil von 

Wagners Der Ring des Nibelungen als »weiblichstes« Stück der gesamten 

Tetralogie zu sehen. 

Schon die mit dem bestimmten Artikel versehenen Titel der beiden 

Werke scheinen die Fokusverschiebung hin zum Weiblichen anzudeuten: 

Nennt Das Rheingold den Gegenstand männlicher Begierde 

– also das Gold, aus dem der Macht verheißende Ring geschmiedet 

wird – so rückt Die Walküre jenes »weibliche Prinzip« in den Mittelpunkt 

des Betrachters, das in diesem zweiten Teil der Tetralogie tatsächlich 

Gestalt annimmt und in der Figur Brünnhildes auch die 

weiteren Teile des Dramas entscheidend mitprägen wird. 

Und nicht nur Brünnhilde und ihre Auflehnung gegen den dominanten 

Vater macht Die Walküre zu einem Stück über weibliche Emanzipation. 

Selbst die gemeinhin als traditionsverbunden und fortschrittsfeindlich 

interpretierte Fricka hat sich von einer ihren Unwillen eher 

wirkungslos vortragenden, zur Erlangung ihrer eigenen Interessen 

den Gatten zumeist umschmeichelnden Begleiterin im Rheingold zu 

einer entschieden ihre moralischen Vorstellungen und deren Einhaltung 

einfordernden Kontrahentin in der Walküre emanzipiert. 

Dass sie mit den aus ihrer Sicht durchaus nachvollziehbaren Forderungen 

so unsympathisch wirkt, mag nicht zuletzt daran liegen, dass 

auch ihr Schöpfer Wagner – darin durchaus ein Kind seiner Zeit – 

sich schwer tat mit dem Bild einer freien, unabhängigen Frau. 

»Die Natur des Weibes ist die Liebe«, heißt es in Oper und Drama. 

»Aber diese Liebe ist die empfangende und in der Empfängnis rückhaltlos 

sich hingebende. Das Weib erhält die volle Individualität erst 

im Momente der Hingebung.« Das klingt wie die Quadratur des Kreises, 

der verzweifelte Versuch einer Vereinigung von patriarchalischer 

Dominanz und weiblicher Emanzipation. Die weiblichen Figuren in 

Wagners Tetralogie sind denn auch – anders als noch Senta, Elisabeth 

oder Elsa – alles andere als »rückhaltlos sich hingebende« Frauen. 

Fast gewinnt man den Eindruck, als lehnten sie sich gegen ihren

oper 

eigenen Schöpfer auf! »Die Frauen im Ring bersten ausnahmslos 

vor Aktivität – Freia, ohne deren Äpfel die Tetralogie 

schon am Vorabend zu Ende ginge, Erda, die den 

Lauf der Tragödie zu einem frühen Zeitpunkt aufzuhalten 

versucht, Sieglinde, die treibende Kraft bei der Vereinigung 

mit Siegmund, Fricka, die Wotan zwingt, Dinge zu 

tun, die er lieber lassen wollte, und schließlich Brünnhilde, 

die in jeder Hinsicht das letzte Wort behält.« (Silke 

Leopold) 

Und der Tatendrang der Frauen macht auch vor der Sexualität 

keinen Halt. Liebe wird gerade in Wagners Tetralogie 

immer auch als körperliche Liebe verstanden, und 

mehr noch: Die im Ring thematisierte Sexualität zwischen 

Mann und Frau droht immer wieder alle gesellschaftlichen 

Normen zu sprengen. Ehe und Liebe kommen im 

Ring selten zu einer Deckung, und nicht zufällig bleiben 

die Ehen von Fricka und Wotan, Sieglinde und Hunding, 

Gutrune und Siegfried, Brünnhilde und Gunther kinderlos. 

Nachkommen entstammen ausnahmslos dem Ehebruch, 

wie Siegmund und Sieglinde oder Hagen; Brünnhilde ist 

das Ergebnis einer Vergewaltigung, Siegfried der Spross 

einer inzestuösen Verbindung. Der gesellschaftliche 

Sprengstoff, der Ende des 19. Jahrhunderts in einem derartigen 

Bühnengeschehen liegen mochte, war nicht nur

0. 0 oper 

einer Fricka bewusst. Einmal mehr jedoch ermöglichte der Rückgriff 

auf den Mythos einen freieren Umgang mit derart brisanten Themen. 

Die neue Freiheit und Unabhängigkeit müssen sich Wagners Bühnenheldinnen 

aber ebenso wie die Frauen seiner Zeit erst noch erkämpfen. 

Von Wotans Gemahlin Fricka einmal abgesehen, sind alle 

anderen Frauen in der Walküre Unterdrückte, den Männern Ausgelieferte: 

Sieglinde lebt in Furcht vor Hunding, die Walküren fürchten 

sich vor Wotans Zorn; und scheinen allen Grund dazu zu haben, 

denn die Strafe des Vaters für die ungehorsame Tochter ist grausam, 

will sie Brünnhilde doch gerade in ihrer Weiblichkeit demütigen 

und erniedrigen: Im Schlaf soll sie wehrlos jedem Dahergelaufenen 

ausgeliefert sein. Einzig und allein Brünnhildes eindringliches Flehen 

vermag die Strafe zu mildern: Wohl bleibt sie dem Diktat eines 

zukünftigen Mannes ausgeliefert, aber der Feuerkranz um ihre 

Schlafstatt trifft zumindest eine selektive Auswahl, wer sich ihrer 

bemächtigen wird. 

WOTAN 

Was keinem in Worten ich künde, 

unausgesprochen bleib´ es denn ewig: 

mit mir nur rat´ ich, red´ ich zu dir. 

sondern auch der entschlossene Verzicht Siegmunds auf alle Wonnen 

und Freuden Walhalls – aus Liebe zu Sieglinde. Utopische Momente 

einer neuen Zuteilung der Geschlechterrollen, einer Verschmelzung 

von Weiblichem und Männlichem jenseits von 

Sexualität. 

»Wenn wir jetzt von ›Mensch‹ reden, sind wir allerdings so lieblos 

dumm, unwillkürlich uns immer nur den Mann zu denken. 

Allein, der wirkliche Mensch ist Mann und Weib, und nur in der 

Vereinigung von Mann und Weib existiert erst der wirkliche 

Mensch.« (Wagner an August Röckel, 25. Januar 1854) 

Sowohl Sieglinde als auch Brünnhilde lehnen sich gegen das Diktat 

des Mannes auf. Sieglindes Ehebruch mit dem eigenen Bruder ist 

zunächst und vor allem ein Akt der Befreiung aus der Unterdrückung 

durch den Ehemann. Davon spricht auch die stets unruhig und unaufhaltsam 

vorwärts drängende Musik des gesamten 1. Aktes der 

Walküre. Brünnhilde, die »Wunschmaid«, die bisher nur dem Willen 

ihres Vaters folgte, emanzipiert sich von ihrer Abhängigkeit, widersetzt 

sich dem väterlichen Befehl und handelt, indem sie ihren Willen 

dem Wotans entgegenstellt, zum ersten Mal wirklich eigenständig 

und unabhängig. 

Zwischen diesen beiden Polen von Weiblichkeit scheint Wagners 

Walküre aufgespannt zu sein: Begegnet uns im 1. Akt der Oper die 

leidenschaftlich liebende Frau, die dem neu erwählten Mann bedingungslos 

folgt, so eröffnet ein Heer kriegerischer, männliche Gewalt 

und Aggression förmlich herausschreiender Frauen den 3. Akt. Und 

wie Wagner in seiner Musik für Sieglinde immer neue zarte Töne der 

Holzbläser findet, so entfesselt das Blechbläser-geschwängerte Orchester 

für den berühmten Walkürenritt seine ganze geballte Kraft. 

Im Rausch des Klanges erscheinen die Walküren mit ihren kraftvoll 

herausgeschleuderten »Hojotoho!«-Rufen fast wie antike Mänaden. 

Zwischen diesen beiden Akten aber steht nicht nur Wotans langes 

Gespräch mit Brünnhilde, dessen Beginn eine innere Wesenseinheit 

von Vater und Tochter heraufbeschwört: 

Die Walküre 

Oper von Richard Wagner 

Erster Tag der Tetralogie Der Ring des Nibelungen 

Musikalische Leitung Wolfgang Bozic Inszenierung Barrie Kosky Bühne und 

Licht Klaus Grünberg Kostüme Klaus Bruns Dramaturgie Ulrich Lenz 

Siegmund Vincent Wolfsteiner Hunding Albert Pesendorfer Wotan Robert Bork 

Sieglinde Kelly God Brünnhilde Brigitte Hahn Fricka Khatuna Mikaberidze 

Gerhilde Nicole Chevalier/Karen Frankenstein ORtlinde Carmen Fuggiss 

Waltraute Monika Walerowicz Schwertleite Sandra Fechner Helmwige Arantxa 

Armentia Siegrune Mareike Morr Grimgerde Valentina Kutzarova Rossweisse 

Julia Faylenbogen 

Einführungsmatinee Sonntag, 16. Mai 2010, 11 Uhr 

Premiere Sonntag, 23. Mai 2010, 16 Uhr 

Die Premiere wird live im Radio übertragen auf NDR Kultur. 

Wagner und die »Völsungar«. Isländische Quellen in »Der Ring des Nibelungen«. 

Vortrag des isländischen Forschers Árni Björnsson. 

Samstag, 8. Juni 2010, 19.30 Uhr, Laves-Foyer 

In Zusammenarbeit mit dem Europäischen Informations-Zentrum Niedersachsen. 

Symposium »Musikalische Räume bei Richard Wagner« 

Sonntag, 9. Juni 2010, 13.15–17.30 Uhr, Hochschule für Musik und Theater 

BRÜNNHILDE 

Zu Wotans Willen sprichst du, 

sagst du mir, was du willst; 

wer bin ich, wär´ ich dein Wille nicht? 

Mit freundlicher Unterstützung von 

Hauptsponsor

Kantinenplausch 

Marian Joel Küster 

Zusammen schmeckt’s am besten! 

Der kroatische Tenor Ivan Turšić 

Wenn man Ivan Turšić nach seinem Lieblingsessen 

aus seiner Kindheit fragt, so muss 

er erst einmal kurz überlegen. »Es gab so 

viel, was ich gern mochte«, sagt er. »Meine 

Mutter hat immer sehr gut gekocht.« Doch 

am liebsten war ihm das traditionelle nordkroatische 

Weihnachtsessen: gebackene Pute 

mit einem speziellen Weizenteig. Er erinnert 

sich noch genau an die Weihnachtsfeste, an 

die Stimmung und die innige Gemeinschaft, 

die an diesen Tagen herrschte. »Morgens 

gab es Geschenke, dann gingen wir in den 

Gottesdienst. Mutter blieb zu Hause und 

kochte, und als wir wiederkamen, saßen wir 

alle zusammen und aßen die Pute. Es waren 

schöne Tage voller Entspannung. Wir wussten, 

nach dem Essen konnten wir tun was 

wir wollten – und später gab es Kaffee und 

Kuchen.« Ivan Turšić liebte es, als Kind zu 

malen und zu zeichnen, doch auch seine Legosteinsammlung, 

aus der er immer wieder 

neue Bauten errichtete, war beachtlich. Oft 

sagte man ihm: »Ivan, du wirst mal Architekt!« 

Doch alles sollte anders kommen, 

denn neben seiner Leidenschaft für die Architektur 

war er immer schon musikbegeistert. 

Er sang im Kirchenchor, spielte Akkordeon 

und hatte sogar ein Abonnement bei 

der Zagreber Oper. 

In der Zeit, als er im Kirchenchor sang, war 

einer seiner guten Freunde Organist und 

Leiter des Kirchenchors, und Ivan Turšić 

stand oft bei ihm, um ihm die Noten umzublättern. 

Irgendwann begann er, zu der Musik 

Psalmen zu singen. Als das positiv von 

der Gemeinde aufgenommen wurde, weiteten 

sich die Gesangseinlagen des jungen 

Tenors aus. Seine Naturstimme wurde gern 

gehört und so sang er alsbald auf vielen 

Hochzeiten. »Manchmal hatten wir bis zu 

sechs Hochzeiten an einem Wochenende, in 

den Neunzigern wurde wohl gern geheiratet 

...«, schmunzelt er. Zwar wurde er nicht 

reich mit dem Hochzeitsgesang, doch konnte 

er gut 50 Euro am Wochenende verdienen. 

Nach seinem Abitur studierte er zunächst 

Bauwissenschaft und schloss das Studium 

mit einem Diplom ab. Doch schon während 

des Studiums wurde ihm klar, dass er nur 

singen wollte. So schrieb er sich anschließend 

an der Musikakademie in Zagreb ein. 

Schon während seiner Ausbildung stand er 

in verschiedenen Rollen auf der Bühne des 

Nationaltheaters Zagreb. Ab 2003 setzte er 

sein Gesangsstudium bei Dunja Vejzović an 

der Musikhochschule in Stuttgart fort und 

beendete es im Februar 2007 mit Auszeichnung. 

Dort war er dann auch an der Jungen 

Oper und der Staatsoper tätig und kam im 

Sommer 2007 nach Hannover. 

Wenn er jetzt an seine Heimat denkt, so 

denkt er immer an Zagreb, doch Heimweh 

beschleicht ihn erst, wenn ihm das Ferienhaus 

seiner Familie am Meer in den Sinn 

kommt. Und ab und an setzt er sich dann vor 

seinen Computer, öffnet Google Earth und 

schaut sich das Ferienhaus von oben an. 

»Man sollte sich immer einen kleinen Hafen 

schaffen«, sagt Ivan Turšić. Zu diesem Satz 

fällt ihm seine Zeit in Stuttgart ein und die 

Inszenierung von Erwin, das Naturtalent, in 

der er selbst mitwirkte. »In jedem steckt ein 

kleiner Erwin – und man sollte so wie er 

auch immer auf seine eigene kleine Insel 

zurück gehen können.« Einen Hafen schafft 

Ivan Turšić sich mal mit einem leckeren Essen, 

doch eher mit seiner Familie. »So lange 

man zur Ruhe kommt, um sich dann auf bestimmte 

Dinge zu konzentrieren, kann einem 

nicht viel passieren«. Wichtig ist für ihn die 

Gemeinschaft, sei es die der Familie oder die 

der Kollegen am Opernhaus. Sein Vater hat 

viele Zwetschgen- und Birnbäume, berichtet 

er, und daraus brennt er Schnaps. Aber 

auch Wurst macht der Vater selbst. »Und 

wenn man dann nach einem langen Arbeitstag 

zusammen sitzt, hole ich den 

Schnaps oder die Wurst aus meiner Tasche, 

denn: Zusammen schmeckt’s am besten!« 

Pute mit Plinsen 

(Purica s mlincima) 

Zutaten: 

Eine Putenhälfte___Gewürze___Nudelteig oder Lasagneblätter 

Ein beliebtes Gericht rund um Zagreb ist »Purica s 

mlincima« (Pute mit Plinsen). Dies ist eine mit Salz 

und Gewürzen eingeriebene Putenhälfte, die im Ofen 

gebraten wurde. Hinzu kommt in Stücke gerissener 

dünner Nudelteig, der kurz in sprudelnd kochendes, 

leicht gesalzenes Wasser gegeben wurde. Die abgetropften 

Mlinci werden dann in eine Bratensoße 

gelegt und mit der gebratenen Pute serviert.

Brigitte Knöss 

Nimm dir Zeit 

Zur Uraufführung des Balletts Ein Stück Zeit von Jörg Mannes 

Auch wenn der Zeiger steht, die Zeit vergeht. 

Sprichwort 

Sekunden, Minuten, Stunden – für die Physik 

ist die Zeit eine Größe zur Erfassung der 

Dauer von Vorgängen oder Ereignissen. Die 

Einheiten des Maßsystems sind von der Erdumdrehung, 

die annähernd 24 Stunden beträgt, 

abgeleitet. Vor der Erfindung exakter 

Messinstrumente wie der Uhr orientierte 

sich das Zeitempfinden der Menschen allein 

am Beobachten und Erleben – dem Wechsel 

zwischen Tag und Nacht, den Jahreszeiten, 

dem Werden und Vergehen in der Natur, 

dem Älterwerden. Das Phänomen Zeit als 

physikalische Größe formulierte Isaak Newton 

Ende des 17. Jahrhunderts: »Die absolute, 

wahre und mathematische Zeit verfließt 

an sich und vermöge ihrer Natur gleichförmig 

und ohne Beziehung auf irgendeinen 

äußeren Gegenstand.« Aber Jetzt ist nicht 

Jetzt: Blitz und Knall eines Schusses werden 

aus unmittelbarer Nähe als gleichzeitig erlebt, 

von weitem werden Blitz und Knall getrennt 

wahrgenommen. Zwei Beobachter 

nehmen ein Ereignis nur aus gleicher Entfernung 

von diesem als gleichzeitig wahr. 

Physikalisch gehören deshalb Zeit und Raum 

zusammen. Albert Einsteins Spezielle Relativitätstheorie 

von 1905 widerlegt Newtons 

absoluten Zeitbegriff, indem sie den Bewegungszustand 

des Beobachters und der Veränderbarkeit 

der Masse durch ihre Beschleunigung 

berücksichtigt, und führt den Begriff 

der Raumzeit ein. Obwohl die Forschung zu 

immer weiter reichenden Erkenntnissen 

führt, bleibt das menschliche Empfinden davon 

nahezu unbeeinflusst: Die Zeit vergeht 

und lässt sich nicht umkehren. 

Einszweidrei, im Sauseschritt 

läuft die Zeit, wir laufen mit. 

Wilhelm Busch 

Philosophisch betrachtet ist die Zeit an die 

Veränderung gekoppelt. Aristoteles sieht die 

Zeit als eine Kontinuität, in der das Jetzt wie 

ein Punkt auf einer Linie in die Zukunft läuft 

und die Gegenwart hinter sich lässt. Zeit 

und Raum sind für Gottfried Wilhelm Leibniz 

lediglich gedankliche Konstruktionen, um 

die Beziehung zwischen Ereignissen zu beschreiben. 

Keine Realität haben Zeit und 

Raum nach Immanuel Kant, sind aber als 

unmittelbare menschliche Welterkenntnis 

untrennbar mit unserem Dasein verbunden. 

Verweile doch! Du bist so schön. 

Johann Wolfgang von Goethe 

Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sind 

mit individueller Erinnerung, Befindlichkeit 

und Erwartung verknüpft. Zwischen subjektiv 

wahrgenommener und objektiv messbarer 

Zeit besteht ein oft deutlicher Unterschied. 

Die Alten Griechen benutzten für 

letztere – die äußere Zeit – den Begriff Chronos, 

während sie das unregelmäßige innere 

Zeitgefühl mit Kairos bezeichneten. Unaufhaltsam 

läuft die Zeit, manchmal scheint sie 

uns endlos, dann wieder vergeht sie ›wie im 

Flug‹. Ereignisreiche Zeitspannen erleben 

wir als kurz, in der Erinnerung erscheinen

sie dann allerdings lang, während sich ereignisarme 

Zeiträume zu dehnen scheinen, 

im Rückblick aber kurz wirken. 

Sie litten alle unter der Angst, keine Zeit 

für alles zu haben, und wussten nicht, 

dass Zeit haben nichts anderes heißt, als 

keine Zeit für alles zu haben. 

Robert Musil 

Ein Stück Zeit 

Der reine Tanz in Relation zu einem Element 

stand schon in Jörg Mannes´ Ballett Lux im 

Zentrum. Nach dieser sowohl tänzerisch als 

auch visuell subtilen und überraschenden 

Auseinandersetzung mit dem Licht umkreist 

Jörg Mannes jetzt die Zeit. Mit den Mitteln 

der Bühne und der Choreographie wird 

dieses Phänomen in seiner neuen Arbeit Ein 

Stück Zeit ästhetisch überhöht und neu erfahrbar. 

Jörg Mannes: Die Zeit ist eines der großen 

Mysterien, wir können sie in gewisser Weise 

messen, aber nicht wirklich erfassen. 

Wie schon bei Lux arbeite ich in Ein Stück 

Zeit eher assoziativ, greife einzelne Aspekte 

heraus und umspiele sie. In diesem reinen 

Tanzstück spielt die Lust an der Bewegung 

eine große Rolle, und immer stellen sich feine 

Bezüge zum Thema Zeit her. Dabei suche 

ich nicht so sehr nach allgemein gültigen 

Aussagen, sondern gehe eher mit den realen 

Gegebenheiten der Bühne und der 

Tänzer um. 

Das Zeitempfinden ist individuell unterschiedlich, 

aber gerade im Ballett kommt es 

häufig darauf an, als Gruppe und mit dem 

Orchester im Gleichklang zu sein. 

Tänzer sind diesbezüglich sehr feinfühlig, 

sie schöpfen ihr Zeitempfinden aus der Bewegung, 

und sie reagieren aufgrund ihrer 

Ausbildung und der langjährigen Praxis 

ganz instinktiv. Dabei stellt die Schwerkraft 

eine wichtige Konstante dar: Bei jedem 

Sprung weißt du, wie viel Kraft du aufgewendet 

hast, und es braucht eine gewisse 

Zeit, bis du wieder am Boden bist. Du spürst 

die Zeit förmlich ... 

Aus dem weiten Feld des Themas greift Jörg 

Mannes einige Aspekte der Zeit heraus und 

visualisiert sie durch Tanz. 

Verzögerung und Beschleunigung untersuche 

ich anhand wiedererkennbarer Bewegungsfolgen, 

um das Phänomen für das Publikum 

nachvollziehbar zu machen. Auch mit zeitlicher 

Begrenzung und Verschiebung arbeite 

ich. Das genaue Timing zwischen Tänzern 

spielt in gewissen Teilen dieser Choreographie 

eine besondere Rolle – etwa weil 

sie sich sonst verfehlen würden –, aber auch 

das zeitliche Auseinanderdriften verwende 

ich bewusst. Zudem mache ich gewisse szenische 

Setzungen, wie einen Kreis als Zeit- 

Raum und dessen Umfeld als nicht-zeitlichen 

Raum. Mir liegt daran, dem Mysterium Zeit 

mit den Mitteln der Kunst interessante Aspekte 

abzugewinnen und durch den Tanz 

die Zuschauer sehr spielerisch zu einer ungewohnten 

Sichtweise zu führen. 

Nimm dir Zeit, um zu träumen; das ist der 

Weg zu den Sternen. Irisches Sprichwort

Walking Mad 

Herausragende Werke international renommierter 

Choreographen sind ein fester Bestandteil 

im Programm des Balletts der 

Staatsoper Hannover. Nach Choreographien 

von Nacho Duato, William Forsythe und 

Mauro Bigonzetti wird die Reihe mit Walking 

Mad von Johan Inger fortgesetzt. 

Maurice Ravels Boléro erfährt in Johan Ingers 

Walking Mad eine eigenwillige und 

faszinierende Interpretation. Der Choreograph 

balanciert mit seiner verrückten Komödie 

zwischen reinem Tanz und theatralem 

Effekt. In die Begegnung dreier Frauen 

mit den Männern ihres Lebens mischt sich 

Witz mit einem ernsten Unterton. Die oft bizarren, 

surrealen Situationen werden bestimmt 

vom Rhythmus des Bolero, der die 

Tänzer erfasst und durch das Stück treibt. 

Johan Inger 

Der Schwede Johan Inger erhielt seine Ausbildung 

an der Royal Swedish Ballet School 

und der National Ballet School in Toronto, 

Kanada. Seine Laufbahn begann 1985 im 

Ensemble des Royal Swedish Ballet, wo er 

1989 zum Solisten avancierte. Inger folgte 

ein Jahr später dem Ruf Jiří Kyliáns nach 

Den Haag und entwickelte sich zu einem der 

profiliertesten Tänzer des Nederlands Dans 

Theater 1. Nach ersten Choreographien im 

Rahmen von Workshops des NDT hatte Inger 

sein offizielles Debüt als Choreograph beim 

Holland Dance Festival mit Mellantid, das 

ihm im Jahr 1996 den Philip Morris Finest 

Selection Award in der Kategorie Zeitgenössischer 

Tanz einbrachte. Im Jahr 2001 wurde 

das Stück für den Laurence Olivier Award 

in der Kategorie Best New Dance Production 

nominiert. Auf Mellantid folgten viele weitere 

Choreographien für die drei Ensembles 

des renommierten NDT, wie Sammanfall, 

Couple of Moments, Round Corners und Out 

of breath. Für seine Ballette Dream Play und 

Walking Mad erhielt Inger im Jahr 2001 den 

Lucas Hoving Production Award. Walking 

Mad – in der späteren Fassung für das 

schwedische Cullberg Ballett – wurde zudem 

mit dem Danza & Danza’s Award 2005 

ausgezeichnet. 

Im Jahr 2003 verließ Johan Inger das Nederlands 

Dans Theater, um die künstlerische 

Leitung des Cullberg Balletts zu übernehmen. 

In den folgenden sechs Jahren schuf er 

eine Vielzahl von Choreographien für diese 

Compagnie, wie Home and Home, Phases, 

In Two Within Now, As if, Negro con Flores 

und Blanco. Zum 40. Geburtstag des Cullberg 

Balletts kreierte Inger 2007 Points of 

eclipse. Im Sommer 2008 legte er seine 

Stelle als Künstlerischer Direktor nieder, um 

sich ganz der Choreographie zu widmen. 

2009 entstand Position of Elsewhere für das 

Cullberg Ballett. Im selben Jahr wurde Johan 

Inger Associate Choreographer des Nederlands 

Dans Theaters, zu dessen 50. Jubiläum 

er dissolve in this schuf. 

Ein Stück Zeit / Walking Mad 

Ballette von Jörg Mannes und Johan Inger 


Ein Stück Zeit 

Ballett von Jörg Mannes (Uraufführung) 

Musik von Alberto Iglesias, Michael Nyman, Dustin 

O’Halloran, Giovanni Sollima und anderen 

Choreographie Jörg Mannes Bühne Lars Peter Kostüme 

Heidi de Raad Licht Peter Hörtner Dramaturgie 

Brigitte Knöß 

Walking Mad 

Ballett von Johan Inger. Musik von Maurice Ravel 

Choreographie, Bühne und Kostüme Johan Inger 

Licht Erik Berglund 

Premiere 10. Juni 2010, 19.30 Uhr 

Weitere Vorstellungen 13. und 22. Juni 2010

Neue Presse, 12.04.10 

»So macht Rossini richtig Spaß!« 

Hannoversche Allgemeine 

Zeitung, 12.04.10 

»An diesem Abend wird der Wunsch zur Wirklichkeit: 

gute Unterhaltung!« 

Frankfurter Rundschau, 13.04.10 

»Die phantastische Musik von Rossini [wird] unter 

der Leitung von Gregor Brühl mit exquisitem 

Espressivo und, wo nötig, auch in vital-virtuoser 

Herrlichkeit vom Orchester interpretiert. ... Das 

zeigt uns wieder, wie einfach das Leben, die Liebe 

und besonders die komische Oper sein können, 

wenn man sie nicht hypertrophiert oder zersetzt, 

sondern einfach ihrem Esprit vertraut. Und wenn 

man, was in Hannover der glückliche Fall ist, ein 

Ensemble vereint, das unglaublich großen Spaß am 

eigenen Tun hat. Chapeau!« 

Il viaggio a Reims 

(Die Reise nach Reims) 

von Gioacchino Rossini 

in italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln 

Musikalische Leitung Gregor Bühl Inszenierung 

Matthias Davids Bühne Marina Hellmann Kostüme 

Leo Kulaš Dramaturgie Ulrich Lenz 

Corinna Karen Frankenstein/Dorothea Maria Marx 

La Marchesa Melibea Julia Faylenbogen/Monika 

Walerowicz La Contessa di Folleville Nicole Chevalier/Hinako 

Yoshikawa Madama Cortese Carmen 

Fuggiss/Ania Vegry Il Cavaliere Belfiore Ivan Turšić 

Il Conte di Libenskof Sung-Keun Park Lord Sidney 

Tobias Schabel Don Profondo Frank Schneiders Il 

Barone di Trombonok Shavleg Armasi Don Alvaro Jin- 

Ho Yoo/Stefan Zenkl Don Prudenzio Young Myoung 

Kwon Delia Anke Briegel Maddalena Mareike Morr 

Modestina Sandra Fechner Antonio Marek Durka/Peter 

Michailov 

Chor der Staatsoper Hannover 

Niedersächsisches Staatsorchester Hannover 

Die letzten Vorstellungen 7. und 9. Mai, 2. und 23. 

Juni 2010

12. 13 oper 

Sylvia Roth 

»Man muss es fühlen ...« 

Der neue 1. Kapellmeister Ivan Repušić dirigiert Rigoletto 

»Ich brauche mehr Proben mit den Sängern!« 

– das ist das erste, was Ivan Repušić sagt, 

als er voller Tatendrang in die Kantine der 

Staatsoper stürmt. Gestern Abend erst aus 

Kroatien in Hannover eingetroffen, hat er 

bereits eine zweistündige Korrepetition mit 

den Sängern hinter sich und verhandelt nun 

mit Studienleiter Robert Roche über zusätzliche 

Probenzeiten. Eine enorme Energie ist 

es, die er dabei verbreitet – und eine große 

Begeisterung für das, was er tut. Ab der 

kommenden Spielzeit wird der junge Dirigent 

als 1. Kapellmeister in Hannover engagiert 

sein; nun kann man ihn im Vorfeld 

bereits als musikalischen Leiter der Wiederaufnahme 

von Rigoletto erleben. 

Zwar dirigiert Repušić den Rigoletto zum 

ersten Mal (und mit ihm debütieren auch 

mehrere Sänger, so zum Beispiel Nicole Chevalier 

und Ania Vegry als Gilda), doch in seiner 

Position als Chefdirigent in Split hat er 

bereits zahlreiche Verdi-Opern geleitet. »In 

Split wird mehr italienisches als deutsches 

Repertoire gespielt«, berichtet er und äußert 

seinen großen Respekt vor Verdis Œuvre 

und insbesondere dem Rigoletto: »Man muss 

diese Partitur so ernst nehmen wie eine Beethoven-Sinfonie, 

denn das Ziel ist, sie vollkommen 

zu durchdringen.« Um den Verlauf 

der Geschichte zu intensivieren, sei es ihm 

wichtig, in seinem Dirigat eine Linie vom 

Anfang bis zum Ende zu ziehen: »Ich will, 

dass man das Schicksal, das in dem Stück 

drin ist, von der ersten Note an spürt«, erklärt 

er leidenschaftlich und schwärmt von 

der Reinheit, die in der Gilda-Partie zum 

Ausdruck komme, von den tragischen Momenten 

des Rigoletto, dem Freiheitsdrang 

des Duca und der Dramatik, die der Fluch 

des Monterone mit sich bringe. Verdi habe 

in den Phrasierungen der Gesangspartien 

alles notiert, was für die Interpretation der 

Charaktere wichtig sei – man müsse es nur 

finden, fühlen und interpretieren. Diesen 

Findungsprozess vollzieht Repušić gemeinsam 

mit den Sängern und er legt viel Wert 

darauf, dass das Orchester dabei nicht zur 

bloßen Begleitung degradiert wird, sondern 

ebenfalls vom Geist des Stückes durchdrungen 

ist. »Das Orchester spielt eine ebenso 

große Rolle wie die Sänger. Dirigieren bedeutet, 

Solisten, Chor und Orchester zu 

einem Klang zusammenzufassen.« 

Die Begeisterung für sein Metier hatte 

Repušić schon als 14-Jähriger, als er kurzerhand 

beschloss, die Leitung eines Kirchenchors 

seiner Heimatstadt Zadar an der kroatischen 

Küste zu übernehmen. »Das erfüllte 

mich mit sehr viel Glück«, erinnert er sich, 

»und ich merkte, dass ich das unbedingt beruflich 

machen will.« Also nahm er das Studium 

an der Hochschule in Zagreb auf und 

assistierte im Anschluss bei Kazushi Ono in 

Karlsruhe. Neugierig auf die Praxis, fing er 

schon mit 23 Jahren als Dirigent am Opernhaus 

in Split an, dessen Chefdirigent er von 

2005 bis 2009 war. Neben zahlreichen Gastdirigaten 

– auch im sinfonischen Bereich – 

hat er außerdem die künstlerische Leitung 

der Sommerspiele in Dubrovnic inne. 

Nun wechselt er also nach Hannover. »Man 

muss auch mal aus dem Heimatland raus 

und Erfahrungen im Ausland sammeln«, sagt 

er und freut sich auf das neue Opernhaus, 

denn er habe bei den Vordirigaten einen 

Eindruck vom exzellenten Niveau des Orchesters 

und der Sänger bekommen. Und 

nachdem er es tatsächlich geschafft hat, bei 

Studienleiter Roche noch ein paar Korrepetitionsstunden 

herauszuschlagen, eilt er 

schnell weiter zur nächsten Probe. Bei so 

viel Engagement besteht kein Zweifel, dass 

das Ergebnis hörenswert sein wird!

oper 

Orchester 

Darja Schäfer 

FESTLICHER 

OPERNABEND 

Als »führenden Verdi-Bariton seiner Generation« 

bezeichnete ihn das englische Fachmagazin 

Opera 2008, »wohl der einzig wirklich 

authentische Repräsentant dieser 

offensichtlich aussterbenden Spezies«: Der 

italienische Bariton Paolo Gavanelli debütierte 

1985; es folgten innerhalb von fünf 

Jahren Auftritte an der Metropolitan Opera 

New York, der Mailänder Scala, dem Gran 

Teatre del Liceu in Barcelona, der Bayerischen 

Staatsoper München und dem Teatro 

la Fenice in Venedig. Mit Verdis Titelhelden 

Nabucco, Macbeth, Simon Boccanegra, Falstaff 

und Rigoletto ist er berühmt geworden, 

letzteren wird er auch in Hannover verkörpern. 

An seiner Seite steht der italienische 

Tenor Roberto Aronica. Er ist im italienischen 

Fach auf allen großen Bühnen der Welt zu 

Hause und sang unter anderem an der Metropolitan 

Opera New York sowie an den 

Staatsopern in Wien, Dresden und München. 

mit Paolo Gavanelli (Rigoletto) und Roberto Aronica 

(Herzog) am 06.06.10 

Rigoletto 

Oper von Giuseppe Verdi 

Musikalische Leitung Ivan Repušić/Lutz de Veer 

Inszenierung Karsten Wiegand Bühne Bärbl Hohmann 

Kostüme Moritz Junge Chor Dan Ratiu 

Reingehört! 

Das imposanteste aller Instrumente ist es, das Ulrich 

Stamm seit 1991 im Niedersächsischen Staatsorchester 

Hannover spielt: die Tuba. Bereits im Alter von sechs Jahren 

begann Ulrich Stamm mit Klavierunterricht an der Musikschule 

seiner Heimatstadt Oldenburg, angeregt durch 

seine Eltern, die selbst gerne Musik hören. Jedoch sollte 

es nicht beim Klavier bleiben, da die Zuneigung zum Blasorchester 

schon immer bestand – vielleicht, weil der Vater 

in seiner Jugend ebenfalls ein Blechblasinstrument, die 

Posaune, spielte. So wechselte Ulrich Stamm mit 14 Jahren 

über Trompete und Horn zur Tuba, weil das Blasorchester 

der Musikschule einen Tubisten suchte. Unterricht 

bekam er durch den Tuba-Spieler des Theaters Oldenburg, 

er trat dem Landesjugendorchester Niedersachsen bei und 

wurde Bundessieger beim Wettbewerb »Jugend musiziert«. 

Darüber hinaus spielte Ulrich Stamm im Bundesjugendorchester und studierte an der Hochschule 

für Musik und Theater in Hannover von 1986 bis 1991 bei seinem Vorgänger im 

Niedersächsischen Staatsorchester, Clemens Pröpper. Zusätzlich absolvierte er ein Privatstudium 

in Stockholm bei Michael Lind. 

Bei so starkem Engagement in der klassischen Musik hört der verheiratete Vater zweier 

Kinder in seiner Freizeit zum Großteil lieber Jazz, populäre Musik und Rock. Die Blechbläsergruppe 

»Mnozil brass« gehört dabei zu seinen absoluten Favoriten. Die sieben Österreicher 

haben dabei ihren ganz eigenen Stil (»Wir spielen angewandte Blechmusik, und zwar für 

alle Lebenslagen«, so beschreibt die Band selbst ihre Musik) und schaffen jede Menge gute 

Laune. Außerdem macht Ulrich Stamm in seiner Freizeit in einem Blechbläser-Quintett sogar 

selbst Jazz-Musik. Trotzdem gehört auch zu seinen Lieblings-CDs ein klassisches Werk: die 

Live-Aufnahme der Bayreuther Festspiele mit Parsifal von Richard Wagner unter dem Dirigenten 

James Levine, den er selbst als Student erlebt hat. Aber sein persönlicher heiliger 

Gral ist und bleibt immer noch die Tuba ... 

Die Aufnahme 

Richard Wagner: Parsifal. Bayreuther Festspiele 1985. James Levine (Philips Classics) 

Der Herzog von Mantua Sung-Keun Park Rigoletto 

Nikola Mijailović Gilda Nicole Chevalier/Karen 

Frankenstein/Ania Vegry Graf von Monterone 

Shavleg Armasi/Young Myoung Kwon Sparafucile 

Shavleg Armasi/Albert Pesendorfer Maddalena 

Okka von der Damerau/Khatuna Mikaberidze 

Wiederaufnahme 29. April 2010 

Weitere Vorstellungen 4., 12., 16., 25. und 

29. Mai 2010 

Ein Leben für das Orchester 

Zum 1. Mai 2010 ist Orchesterwart Klaus Rothardt in den Ruhestand gegangen. Seit 1978 

hat er für das Niedersächsische Staatsorchester Hannover gearbeitet und in seiner Dienstzeit 

vier Intendanten und noch mehr Generalmusikdirektoren erlebt. Klaus Rothardt war ein 

Orchesterwart der zweiten Generation, bereits sein Vater hatte diesen Beruf ausgeübt – mit 

großer Zuverlässigkeit, viel Herz und Seele für seine Arbeit und für die Menschen am Opernhaus. 

Wir wünschen ihm alles Gute für seinen (Un-)Ruhestand!

14. 15 konzert 

Dorothea Hartmann 

Wanderer zwischen den Welten 

»Lange Nacht der Romantik« zum Abschluss der Spielzeit 

Die Kunst ist unendlich, endlich 

aller Künstler Wissen und 

Können. Caspar David Friedrich 

Als die »romantischste aller Künste« bezeichnete 

E. T. A. Hoffmann die Musik, denn die 

Klangkunst »schließt dem Menschen ein unbekanntes 

Reich auf«. Noch wenige Jahre 

zuvor hatten die Aufklärer dem Dunkel der 

Welt und jeglichem »unbekannten Reich« 

den Kampf angesagt: Rational und systematisch, 

mit Listen, Gleichungen und Gesetzen 

versuchten sie, die Vorgänge in Natur, 

Mensch und Gesellschaft zu verstehen. Den 

Romantikern schien kurz darauf an der 

Schwelle zum 19. Jahrhundert nichts mehr 

erklärbar. Als zu komplex und unübersichtlich 

nahmen sie die Welt wahr, als dass sie 

sie hätten in Systeme zwängen können. Und 

so stürzte man sich geradezu in »unbekannte 

Reiche« und interessierte sich für jene Bereiche, 

die der Aufklärung diametral entgegengesetzt 

waren: von der Logik zur Irrationalität, 

von der Vernunft zur Phantasie, von 

der Kausalität zur Assoziation, vom Licht zur 

Nacht, vom enzyklopädischen Versuch der 

Welterklärung zum Aphorismus und Fragment. 

»Nächstens mehr«, beendet Hölderlin 

seinen Roman Hyperion: Seine Erzählung 

von der Welt kann kein Ende finden. Der Roman 

bleibt Fragment und schließt durch den 

fehlenden Schlusspunkt alles Weitere nicht 

nur einer Welt, sondern unendlich vieler 

Welten mit ein. Ähnlich unabgeschlossen 

sind die romantischen Romane Heinrich von 

Ofterdingen von Novalis und Ludwig Tiecks 

Franz Sternbalds Wanderungen. Kein Wunder 

also, dass gerade die Instrumentalmusik 

den Frühromantikern, jenem Dichterkreis 

um Tieck, Novalis und die Brüder Schlegel, 

als die »romantischste« aller Künste erschien, 

entziehen sich doch auch die begrifflosen 

Töne der konkreten Definition, beinhalten 

sie doch ebenfalls unendliche Möglichkeiten 

und vermögen an »unbekannte Reiche« zu 

rühren. In diesem Sinne nahm E. T. A. Hoffmann 

etwa die Musik von Beethovens 5. 

Sinfonie wahr und schrieb in seiner berühmten 

Rezension: »Die Musik bewegt die 

Hebel des Schauers, der Furcht, des Entsetzens, 

des Schmerzes und erweckt jene unendliche 

Sehnsucht, die das Wesen der Romantik 

ist.« 

Verbindet sich die Musik mit inhaltlichen 

Ideen und der Sprache wie in der Oper, 

dann greifen die Romantiker nach Märchen 

und Sagen, beschwören Geister und Feen, 

tauchen ein in phantastische Welten und 

lassen diese mit dem Menschen in Kontakt 

treten. Webers Oberon verbindet das Wunderreich 

der Elfen mit der schillernden Folklore 

des Orients und einer mythischen Vergangenheit 

mittelalterlichen Rittertums. E.T.A. 

Hoffmanns Undine erzählt von der Verbindung 

eines Wassergeistes mit einem menschlichen 

Wesen und damit von der romantischen 

Sehnsucht nach der Vereinigung 

von Mensch und Natur. Grenzgänger bevölkern 

diese Opern: Getriebene und Zerrissene, 

die die eigenen Grenzen zu sprengen 

versuchen und auf Erlösung in einer anderen 

Welt hoffen. Die bekanntesten Vertreter 

dieser Wanderer zwischen den Welten schuf 

Richard Wagner in seinen sogenannten »romantischen 

Opern« mit dem Fliegenden Holländer, 

Tannhäuser und Lohengrin. Ebenfalls 

ein Unbehauster ist Heinrich Marschners 

Vampyr, der den Blick lenkt auf die schwarzen 

und schauerlichen Grenzbereiche der 

menschlichen Existenz, auf das Triebhafte, 

Caspar David Friedrich: Der Wanderer über dem Nebelmeer (1817/18)

konzert 

Exzessive und Tödliche. Die romantischen 

Opern künden von der beunruhigenden Einsicht, 

dass der von Begierden, Sehnsüchten 

und Verdrängungen getriebene Mensch nicht 

Herr im eigenen Haus ist. 

Auch in der Instrumentalmusik wie etwa in 

Schuberts Unvollendeter bricht sich eine 

grundlegend neuartige musikalische Haltung 

Bahn: Nicht mehr das dualistische, affirmative 

Prinzip der Wiener Klassiker bestimmt 

die Struktur, sondern schweifende, in sich 

kreisende und suchende Elemente. Das 

Fragment wird zum wesentlichen Moment 

– unabhängig davon, ob man die Unvollendete 

nun äußerlich als abgeschlossen betrachtet 

oder nicht. Offen und fragmentarisch 

ist etwa der geheimnisvoll sprechende 

Beginn in den tiefen Streichern, der zu keinem 

klaren Ende findet, sondern im Ungefähren 

eines langen Liegetons endet. Schuberts 

Musik erzählt in assoziativen Feldern 

von Heimatlosigkeit und Gebrochenheit, von 

Erinnerung und Sehnsucht, von der Vergangenheit 

und von einer zerklüfteten und von 

düsteren Einbrüchen durchsetzten Gegenwart. 

Ganz im Sinne von Schlegels Idee der 

romantischen Literatur als einer »progressiven 

Universalpoesie« ist auch Schuberts 

Musik eine fortschreitende, nichts ausschließende, 

immer wieder Räume ins Unendliche 

öffnende Kunst. 

Als einen Romantiker unserer Zeit könnte 

man den 1947 geborenen italienischen Komponisten 

Salvatore Sciarrino bezeichnen. 

Denn auch er macht sich immer wieder auf 

zu den Grenzbereichen der menschlichen 

Existenz: In seinem Musiktheater, das äußerlich 

oft handlungsarm, entwicklungslos 

und statisch erscheint, spielen sich die 

Dramen im Innern der Figuren ab – ganz im 

Sinne von Novalis’ »Nach innen führt der geheimnisvolle 

Weg«. Auch die Vorliebe für 

das Dunkle und Geheimnisvolle der Nacht 

teilt Sciarrino mit den Romantikern: Immer 

wieder komponiert er Nachtstücke und 

nennt sie Claire de lune, Il paese senz’alba 

(Das Land ohne Sonnenaufgang), Che sai tu, 

guardiano, della notte? (Was weißt du, 

Wächter, von der Nacht?) Introduzione all´ 

oscuro (Einführung ins Dunkel), Nocturnes, 

De la nuit oder die sich auf Felix Mendelssohn 

Bartholdys beziehende Komposition 

Allegoria della notte. In diesem 1985 entstandenen 

Werk erobert sich nach originalen 

Fragmenten aus Mendelssohns Violinkonzert 

die wunderbare Welt von Sciarrinos 

Musik der Stille den Raum: musikalische 

Flächen, die nur aus Luft und Geräusch zu 

bestehen scheinen, kaum wahrnehmbare, 

fahle Klänge und gehauchte Flageoletts der 

Solovioline, die sich mit luftigen Flötentönen 

mischen und kaum voneinander zu unterscheiden 

sind. Fetzenhaft blitzen Tongebilde 

auf und haben sich, kaum angedeutet, schon 

wieder aus der Welt verflüchtigt. Dabei 

schaffen diese leisen und ungemein präzisen 

Figuren eine beredte und emotionale 

Klangsprache. Sie reagieren aufeinander 

und lassen als feinste Schwingungen der 

Luft die Grenze zwischen innerem und äußerem 

Hören verschwinden. Sciarrinos Allegoria 

della notte ist eine fragmentarische 

und assoziative Musik, die sich nicht entwickelt, 

nie lautstark und affirmativ behauptet, 

sondern im Sinne der Romantiker einen 

Raum aufspannt, der immer offen bleibt für 

unendlich viele Räume dahinter. 

Konzertfest zum 

8. Sinfoniekonzert 

Lange Nacht der Romantik 

26. und 27. Juni 2010 

Sa 19 Uhr / So 17 Uhr 

Große Bühne 

8. Sinfoniekonzert 

Carl Maria von Weber: Ouvertüre zu Oberon 

Felix Mendelssohn Bartholdy: Konzert für Violine und 

Orchester e-Moll op. 64 

Salvatore Sciarrino: Allegoria della notte 

für Violine und Orchester 

Franz Schubert: Sinfonie Nr. 7 h-Moll 

(Unvollendete) D 759 

Solistin Baiba Skride (Violine) 

Dirigent Wolfgang Bozic 

Sa 21 u. 22.30 Uhr / So 19 u. 20.30 Uhr 

Marschner-Saal 

Rendezvous mit einem Vampyr 

Auszüge aus Heinrich Marschners Der Vampyr 

Mit Dorothea Maria Marx, Brian Davis, 

Young Hoon Heo, Tobias Schabel 

Laves-Foyer 

Am Brunnen vor dem Tore – 

Romantische Männerchöre 

Mit Mitgliedern des Opernchores 

Garderoben 

Romantische Kammermusik 

Mit Musikern des Niedersächsischen Staatsorchesters 

Romantische Gedichte 

Mit Moritz Dürr 

Sa 21.45 Uhr / So 19.45 Uhr 

Mendelssohn: Schottische 

Felix Mendelssohn Bartholdy: 

Sinfonie Nr. 3 a-Moll (Schottische) 

Niedersächsisches Jugendsinfonieorchester 

Dirigent Alexander Rumpf 

Sa 23.15 Uhr / So 21.15 Uhr 

Romantische Filmnacht 

Frühlingssinfonie (1983) von Peter Schamoni, mit 

Herbert Grönemeyer als Robert Schumann und 

Nastassja Kinski als Clara Schumann

16. 17 Kinder und Jugendliche 

Eva Bessert-Nettelbeck 

Das Royal Basement Ensemble bei open stage 2010 

Auch in dieser Spielzeit haben junge Musiker 

die Möglichkeit, sich und ihre Musik im 

Rahmen von »open stage« im Opernhaus zu 

präsentieren. 

Unter den 22 ausgewählten Gruppen befinden 

sich fünf junge Musiker, die seit zweieinhalb 

Jahren unter dem Namen Royal 

Basement Ensemble nicht nur eigene Kompositionen 

sondern auch einen ganz eigenen 

Musikstil entwickeln. Nach eher poppigen, 

funkigen Stücken zu Beginn hat sich 

mit der Weiterentwicklung in Richtung Jazz 

auch die Besetzung erweitert: Mit Klavier 

(Valentin, 18), Schlagzeug (Robin, 17), E- 

Bass (Sebastian, 19), Trompete (Philipp, 19) 

und Saxophon (Sven, 18) beweist die überaus 

musikalische Combo, dass auch ohne 

Gesang und Gitarre ein packender Mix aus 

U- und E-Musik entstehen kann. 

Momentan konzentrieren sich die Fünf darauf, 

Neues zu komponieren und dabei den 

eigenen musikalischen Stil zu festigen. »Wir 

machen zusammen Musik, weil wir uns verwirklichen 

wollen. Weil wir Musik machen 

wollen, die uns voll entspricht!«, konstatiert 

ein Bandmitglied selbstbewusst. Keinesfalls 

möchten sich die klassisch ausgebildeten 

Musiker einer bestimmten Musikrichtung 

anpassen, sondern vielmehr ihren eigenen 

Weg gehen. 

Ihr ganz persönlicher Stil entsteht nicht zuletzt 

durch Improvisation – was die sympathischen 

Jungs bei Live-Auftritten in einen 

Zwiespalt führt: »Einerseits möchte man die 

Zuhörer beeindrucken, sie mit der Musik berühren, 

und andererseits möchten wir einfach 

unsere Musik rüberbringen, ohne vorher 

jeden Ton genau festzulegen.« Denn erst 

das spontane Miteinander macht die besondere 

Wirkung aus: Während einer Session 

entsteht diese gewisse Lebendigkeit erst 

durch die intuitive musikalische Kommunikation 

miteinander. 

Das Klischee, Jazz sei etwas für ältere Leute, 

lässt sich mit diesem jungen und mitreißenden 

Ensemble nachhaltig entkräften: So 

ist es dem Royal Basement Ensemble ein 

Anliegen, mit ihrer Musik möglichst vielen 

jungen Leuten etwas von ihrer eigenen Begeisterung 

für Jazz mitzugeben und ihnen 

etwas von dem Spaß zu vermitteln, den sie 

selber daran haben: Im Idealfall sollte das 

Publikum sehen können, wie die Musiker 

jeden einzelnen Ton leben – »denn genau 

da ist der Punkt, an dem man das Publikum 

berührt: Wenn es durch Schauen und Hören 

gewahr wird, was die Musiker dabei fühlen, 

wenn sie Musik machen.« 

Jugendkonzert »open stage« 

Freitag, 28. Mai 2010, 18.00 Uhr 

Niedersächsisches Staatsorchester Hannover 

Dirigent Lutz de Veer 

Mit 7 Inches Besides, Big Band der Goetheschule, 

Big Band der Käthe-Kollwitz-Schule, Cellibration, 

Cindy MacKensen, Danderline, Das Gehölz, Der 

große Trommelwirbel, JackWrack, Klangstabn Peine, 

La Winds, Knox & Ikarus, onewayticket, Orchester 

des KWR, Riverpilots, Rockmobil-Band, Royal Basement 

Ensemble, Sincap, Sinfonieorchester der Goetheschule, 

Sinfonisches Jugendblasorchester Sarstedt, 

Swing´n´ Ska Project, The Little Allegation 

Förderer des Kinder- und Jugendprogramms

Kinder und Jugendliche 

gundel gebauer 

»Klappe, die erste! Und Action!« 

Jugendliche Darsteller bei der Probenarbeit zu »Rheingold – der Film« 

Rheingold – Der Film, ein Gemeinschaftsprojekt 

des MusikZentrum Hannover, der Staatsoper 

Hannover und TVN GROUP Film- und 

TV-Production ist in vollem Gange: Seit Februar 

treffen sich 40 Jugendliche mehrmals 

wöchentlich und an Wochenenden zu Proben. 

Die bekannte Filmregisseurin Franziska 

Stünkel (Vineta) hat gemeinsam mit ihrem 

Kreativteam, dem musikalischen Leiter 

Christoph van Hal (Trompeter bei »Wir sind 

Helden«), Choreographin Katrin Helmerichs- 

Naujok, Schlagzeuger Oliver Schmidt und 

den Kostüm- und Setdesignern Anja Lütgens 

und Mira Rommel, schon viele Elemente der 

vier entstehenden Musikvideoclips geprobt, 

deren Grundlage Richard Wagners Das 

Rheingold ist. Musiktheaterpädagogin Gundel 

Gebauer hat nach einer Probe Stimmen 

eingefangen. 

Friederike (Streetdrumming) Ich bin eigentlich 

nicht der große Wagnerfan, aber 

ich finde es toll, in diesem Projekt mit Leuten 

in Kontakt zu kommen, die ich sonst nicht 

kennen gelernt hätte. Und mein Traum ist 

es, später auf Opernbühnen zu singen. Ich 

nehme schon eine Weile Gesangsunterricht, 

und in dieser Talentschmiede kann ich noch 

viel lernen. Mit solchen Projekten bekommt 

man doch auch junge Leute ins Opernhaus. 

Das finde ich einfach klasse! Helen (Choreographie/Wasserballett) 

Ich freue mich jedes 

Mal auf das Wasserballett. Denn ich liebe es 

zu schwimmen, und Wasser ist einfach mein 

Element! Das Tanzen macht mir auch viel 

Spaß. Da kann ich einfach glücklich sein 

oder anders gesagt: Ich kann mein Glücklichsein 

durch das Tanzen auch anderen 

zeigen, und das finde ich schön. Ron (Streetdrumming) 

Ich habe noch nie so einen Industrial-Sound 

gemacht wie auf diesen Fässern, 

und Ketten. Das sind geile Klänge! Ich weiß 

zwar vom Rappen, wie ich meine Stimme 

einem Beat anzupassen habe, aber jetzt 

muss ich meine Füße und Hände gleichzeitig 

koordinieren und im Rhythmus bleiben. Das 

fällt mir echt schwer, aber bis zu den Drehs 

kriege ich das hin. Marleny (Choreographie/Wasserballett) 

Ich war auch schon bei 

der Rapoper dabei und finde es toll, dass 

wir dieses Mal einen Film drehen. Das ist 

einfach noch mal was ganz Anderes, vor der 

Kamera zu stehen. Ich glaube, es ist auch 

ein bisschen leichter, als auf der großen 

Opernbühne zu spielen, denn wenn man einen 

Fehler macht hat, kann man es ja einfach 

wiederholen. Manchmal gluckere ich 

übrigens noch im Wasser unter, hoffentlich 

passiert mir das nicht mehr beim Dreh. Lisa 

(Streetdrumming) Ich hatte damals viel von der 

Rap-Oper gehört und wollte dieses Mal unbedingt 

dabei sein. Helena (Choreographie/ 

Wasserballett) Ein Musikvideoclip zu drehen, 

so richtig mit einem kompletten Kamerateam 

und professioneller Regie, das ist einfach 

fett! Ich habe übrigens immer Lampenfieber. 

Aber wenn ich dann auf der Bühne bin, bin 

ich einfach in meinem Element. Und ich 

glaube, so wird es vor der Kamera auch sein. 

Duke (Streetdrumming) Ich war noch nie im 

Opernhaus, aber ich wollte immer schon 

mal wissen, wie es da ist. Marlene (Choreographie/Wasserballett) 

Theater oder Film liefert 

einen Selbstfindungsprozess, und das 

finde ich toll. Ich glaube, dass man durch die 

Schauspielerei sich selbst besser kennen 

lernt und an sich Seiten entdeckt, die man 

an sich noch nicht kannte! 

REISE INS LAND DER TRÄUME. 

Eine Musiktheaterproduktion des Kinderclubs XS. 

12. (15 Uhr) und 13. Juni 2010 (14.30 Uhr), 

Probebühne 2

18. 19 Aus den Abteilungen 

Yvonne Götzl 

Rauchende Colts und blutende Messer 

Der Beruf des Rüstmeisters 

Ritterliche Rüstungen, smaragdsteinbesetzte 

Totenschädel, Regale voller Helme und Waffen 

aller Jahrhunderte: Wir befinden uns 

mitten im Rüstfundus des Opernhauses, den 

man auch die »Schatzkammer des Rüstmeisters« 

nennen könnte. Markus Ahrenstedt leitet 

seit 25 Jahren den Fundus und seit Januar 

2009 auch die Rüstwerkstatt, in der jegliche 

Waffen und metallene Sonderanfertigungen 

für Produktionen der Oper und des Schauspiels 

hergestellt werden. »Es gibt nichts, 

was wir nicht machen könnten«, strahlt Felix 

Fleischer, die rechte Hand des Meisters. 

Seit zweieinhalb Jahren ist er Rüstgeselle 

bei Markus Ahrenstedt. Der gelernte Metallbauer 

wollte eigentlich Maschinenbau studieren, 

doch durch einen Aushilfsjob in der 

Rüstwerkstatt kam er zu seinem eigentlichen 

Berufswunsch: Rüstmeister. Gerade hat er 

Militär-Orden aus Blei für die Schauspielproduktion 

Trollmanns Kampf gegossen. 

Die Rüstwerkstatt befindet sich im Kellergeschoss 

des Opernhauses und könnte ein 

ganz normaler kleiner Metallverarbeitungsbetrieb 

sein – wären da nicht der waffengesäumte 

Korridor am Eingang und die Ritterrüstungen 

auf dem Schrank. »Es ist einfach 

spannend und schön«, sagt Felix Fleischer 

und deutet auf ein massives Schwert vor 

sich auf dem Tisch: »Solche Sachen, die wir 

hier fertigen, die macht man sonst nirgendwo. 

Von dem Schwert hier machen wir noch 

ein zweites, das zerbrechen kann!« Es handelt 

sich um Nothung, das Schwert aus dem 

Ring des Nibelungen. 

Neben der Herstellung ist aber auch der Gebrauch 

der Waffen Teil des Berufs. Wenn auf 

der Bühne geschossen wird, wie bei der Inszenierung 

von Rossinis Il viaggio a Reims, 

ist der Rüstmeister gefragt. Sicherheit ist 

hier die oberste Maxime: Geschossen werden 

darf auf der Bühne nur aus drei Metern 

Abstand, auch wenn nur Platzpatronen verwendet 

werden. Den zweiten Schuss bei Il 

viaggio a Reims feuert daher der Rüstmeister 

auf ein Zeichen des Inspizienten von der 

Seitenbühne aus ab. Der Sänger erhält nur 

einen sogenannten »Dummy«. »Echte Waffen 

gibt es im Rüstfundus und der Rüstwerkstatt 

keine, die Colts und Pistolen sind alle 

Schreckschusswaffen«, bestätigt Felix Fleischer. 

»Auch die Messer mit integrierter Blutfunktion 

sind alle stumpf.« An der Säule in 

der Werkstatt hängt mahnend ein Artikel 

»Unfall bei Selbstmordszene im Wiener 

Burgtheater – Messer war echt«. So echt soll 

es dann doch nicht sein! 

Die traditionellen Kniffe des Berufs hat Felix 

Fleischer mittlerweile verinnerlicht: »Alles, 

was ich gelernt habe, hat mein Meister mir 

beigebracht«. Wenn Markus Ahrenstedt mal 

in Rente geht, wird der Gehilfe seinen Posten 

übernehmen. »So ist das immer, denn 

den Beruf des Rüstmeisters gibt es als Ausbildung 

gar nicht mehr«, erklärt der Meister. 

Deutschlandweit gibt es nur noch um die 

100 Rüstmeister, fast alle sind an Theatern 

beschäftigt. Eine kleine Zunft, die ihr Handwerk 

mit großer Sorgfalt und Freude weiterführt. 

Beim Verlassen der Rüstwerkstatt klingelt 

ein Türglöckchen, und Felix Fleischer lacht: 

»Das haben wir auch selber gemacht!«

Foyer 

Eva Bessert-Nettelbeck 

Oper gehört einfach zur Woche dazu 

Leoni Kießling ist vierzehn alt und bereits 

seit vielen Jahren regelmäßige Operngängerin. 

Im Schnitt kann man sie zwei Mal im 

Monat – meist zusammen mit ihren Eltern 

– bei Vorstellungen im Opernhaus antreffen. 

In ihren Augen entspricht das Genre 

ganz und gar nicht dem Klischee, dass Oper 

eher was für ältere Menschen sei, wie vielleicht 

einige ihrer Klassenkameraden meinen: 

»Dieses Zusammenspiel aus Theater 

und Musik ist doch so vielseitig, da ist für 

jede Generation was dabei!« 

Die 13-jährige Nika Heuveldop ist derselben 

Meinung. Ihre erste Oper ist auch zugleich 

ihre und Leonis Lieblingsoper: Mozarts 

Zauberflöte. Sie finden das Werk 

»einfach atemberaubend, mit dieser fantasievollen 

Story und den abstrakten facettenreichen 

Figuren.« Es war das Gesamtpaket, 

das Nika auf Anhieb zum Opernfan 

gemacht hat: »Dieses riesige Bühnenbild 

und diese Leute, die so hoch singen können 

… das fand ich sofort toll!« Regelmäßige 

Opernbesuche mit der Familie ergänzt Nika 

seit diesem Schuljahr mit einem Schülerabo. 

»Das geniale an einem Abo ist, dass man 

sich auch mal Stücke anguckt, auf die man 

von alleine gar nicht gekommen wäre.« 

Ihre Begeisterung für Musiktheater leben 

Leoni und Nika nicht nur als Zuschauer aus: 

Schon seit einigen Jahren kommen die beiden 

regelmäßig zu den Jugendclubproben 

ins Opernhaus, um zusammen mit anderen 

theaterbegeisterten Menschen ihres Alters 

ein Musiktheaterstück auf die Beine zu stellen, 

das jeweils am Ende einer Spielzeit vor 

Publikum auf der Probebühne 2 aufgeführt 

wird. Beide beteuern, dass der Opernclub 

für sie sehr viel mehr ist als nur ein Hobby. 

Deshalb treffen sie sich sogar in den Ferien, 

um sich intensiv mit ihren Rollen auseinanderzusetzen. 

Thematisch kreist der Club XM in dieser 

Spielzeit um absurdes Theater im Allgemeinen 

und Becketts Warten auf Godot im Besonderen. 

Die Grenzen des Sprechtheaterstücks 

werden aufgelöst und durch alt 

bekannte Gassenhauer und solche, die es 

werden wollen, musikalisch erweitert. Nun 

schon im zweiten Jahr mit von der Partie ist 

Komponist Peter Francesco Marino, der in 

der Rolle des musikalischen Leiters, in diesem 

Jahr erstmals im Rahmen des Jugendclubs 

ein Musikstück für eine der Rollen 

komponiert hat. Darüber hinaus werden 

verschiedene Musikgenres miteinander vermischt, 

so dass auch diejenigen, die sonst 

nicht so viel mit Oper zu tun haben, einen 

leichteren Zugang bekommen: »Bei unseren 

Stücken trifft eine Opernarie auf ein Stück 

aus einem Musical, und dann wieder auf einen 

Song aus den Charts. Es ist gut, wenn 

Modernes und Oper miteinander verschmelzen, 

denn dann wird der Bezug zur eigenen 

Gegenwart deutlicher«, erklärt Nika mit 

Überzeugung. 

Am besten gefällt den Mädchen, dass das 

diesjährige Stück des Club XM Alle warten 

auf Godot so realitätsnah ist: »Im Grunde interessiert 

sich jeder immer nur für die eigenen 

Belange. Die meiste Zeit reden alle aneinander 

vorbei. Auf die Frage ›Wie geht es 

Dir?‹ wollen die wenigsten eine ehrliche 

Antwort haben.« 

Die Probe des Clubs gehört für Leoni und 

Nika »zur Woche dazu«: Dabei ist es mehr als 

nur ein Hobby, sondern vielmehr eine regelmäßige 

Verabredung mit Freunden, mit denen 

man zusammen etwas Großes auf die 

Beine stellt. Am meisten genießen sie die 

Endprobenphasen, »wenn sich die Spannung 

so richtig aufbaut«. Der aufregendste 

Moment ist jedes Jahr wieder der, wenn 

man bei der Premiere ein neues Stück zum 

ersten Mal dem Publikum präsentiert: »Wenn 

wir dann als Gruppe vor den Zuschauern 

stehen und gemeinsam singen und gemeinsam 

Theater spielen, verschmilzt man irgendwie 

auf geheimnisvolle Weise miteinander 

zu einem großen Ganzen. Das ist ein 

geniales Erlebnis!«

20 fundus 

Hannoperaner unterwegs 

Lesetipps 

Die Sängerinnen und Sänger des Ensembles 

waren und sind auch in der Spielzeit 

2009/10 an zahlreichen Bühnen zu Gast. 

Die amerikanische Sopranistin Nicole Chevalier 

singt im Juni noch einmal in ihrer 

früheren küstlerischen Heimat Kassel: die 

Marguérite in Charles Gounods Faust. Die 

Mezzosopranistin Julia Faylenbogen wird 

in der kommenden Spielzeit in der Rheingold-Premiere 

an der Oper Halle als Erda auf 

der Bühne stehen. Carmen Fuggiss, Sopran, 

hat in der Wiederaufnahme der preisgekrönten 

hannoverschen Produktion Al gran 

sole carico d’amore in der Inszenierung von 

Peter Konwitschny an der Oper Leipzig im 

Herbst 2009 gastiert. Im Februar 2010 sang 

sie die Premiere der Oper Doctor Atomic von 

John Adams am Staatstheater Saarbrücken 

– die musikalische Leitung hatte Andreas 

Wolf, ehemals 2. Kapellmeister in Hannover. 

Kelly God bleibt ihrer niederländischen 

Heimat in Gastengagements verbunden: Die 

Sopranistin sang an der Nationale Reisopera 

Anfang 2010 Amelia in Verdis Un ballo in 

maschera; im Herbst 2010 wird sie dort 

auch als Sieglinde in Wagners Walküre zu 

erleben sein. Dorothea Maria Marx hingegen 

zieht es in den Süden: Im Mai singt sie 

die Königin der Nacht in der Premiere der 

Zauberflöte am Staatstheater am Gärtnerplatz 

in München. In noch wärmeren Gefilden 

gastierte Bariton Stefan Adam im Februar 

2010: In Catania auf Sizilien sang er 

den Orest in Richard Strauss’ Elektra; im Oktober 

wird er an seine frühere Wirkungsstätte 

Kassel zurückkehren in der Titelpartie 

der Wiederaufnahme Der fliegende Holländer. 

Wetterabhängiger wird Bass Shavleg 

Armasi die Theaterferien verbringen: Bei 

den Schweriner Schlossfestspielen wird er 

als Padre Guardiano in Verdis La forza del 

destino auf der Open-Air-Bühne im Alten Zwei Publikationen sind erschienen, die ihren 

Ursprung an der Staatsoper Hannover 

Garten zu erleben sein. Sein Fachkollege Albert 

Pesendorfer wird erst später aus den haben: Die Vorträge des Symposions Tanz 

Theaterferien nach Hannover zurückkehren: im Musiktheater – Tanz als Musiktheater, 

Im Spätsommer 2010 gastiert er als Hans das anlässlich der Ballettproduktion Molière 

Sachs am Landestheater Linz. Ebenfalls nach im Herbst 2006 am Opernhaus stattfand, 

Österreich zieht es Bariton Stefan Zenkl, sind Ende 2009 als 22. Band der Thurnauer 

den wir zur kommenden Spielzeit in Richtung 

seiner Heimat verabschieden müssen men. Im Band 147 der Reihe Musik-Kon- 

Schriften zum Musiktheater herausgekom 

(aber noch als Gast in Hannover begrüßen zepte sind die Vorträge des Symposions zu 

dürfen): Zenkl und Pesendorfer werden sich Karl Amadeus Hartmanns Simplicius Simplicissimus 

nachzulesen, das anlässlich der In 

ab Ende Juli bei den Opernfestspielen St. 

Margarethen als Papageno und Sarastro in szenierung von Frank Hilbrich 2008 veranstaltet 

der Zauberflöte begegnen. 

wurde. 

Opernrätsel 

Bei der gesuchten Oper handelt es sich um ein Werk, das der französische Komponist selbst 

nie komplett auf der Bühne gesehen hat. Sie gleicht einem Mammutunternehmen in fünf 

Akten, das auch in zwei Teilen aufgeführt werden kann. Erst 1969, zum 100. Todestag des 

Komponisten, kam es zu einer weitgehend vollständigen Aufführung beider Teile. 

Mit Themen wie Liebe, Aufbruch, Trennung, Katastrophe, Untergang, Mythos, Schicksal, 

Verzweiflung, Tod und Selbstzerstörung ist sie wahrlich eine Grand opéra. Zwei Frauengestalten 

bilden den Mittelpunkt des dramatischen Geschehens. Schöne Heldinnen im Spektrum 

leidenschaftlicher weiblicher Gefühlswelten. Zwei Frauen, zwei Völker – und am Ende 

stehen Assimilation und Suizid. 

Der Hang zum Monumentalen wird anhand der kolossalen Tableaux aus Aufzügen, Festen, 

Balletten, Liebesszenen, Duetten, Arien, Chören, großen Ensembles und kultischen Zeremonien 

deutlich. Ein farbenreiches musikalisches Feuerwerk entzündet sich über mehr als vier 

Stunden Spieldauer. Bereits in den fünfziger Jahren des 19. Jahrhunderts erwies sich dieser 

Stoff als zu sperrig für den Geschmack des Publikums, so dass dieses oft unterschätzte Meisterwerk 

leider nie sein Bayreuth fand. Dafür schaffte es die gesuchte Oper, besser eine Sonate, 

nach Hollywood – »Locutus of Borg: Resistance is futile.« 

Unsere Frage Wie heißen Komponist und Oper? Ihre Lösung schicken Sie bitte auf einer 

Postkarte bis Dienstag, den 01.06.10 an die Staatsoper Hannover, Presse- und Öffentlichkeitsarbeit 

. Opernplatz 1 . 30159 Hannover. Vergessen Sie nicht Ihren Absender! 

Unter allen richtigen Einsendungen verlosen wir 5 x 2 Karten für die letzte Vorstellung von 

Gioacchino Rossinis Oper Il viaggio a Reims am Mittwoch, den 23.06.10 im Opernhaus. 

Die Lösung des letzten Opernrätsels in der seitenbühne 03/04.2010: Giuseppe Verdi, Macbeth. 

Impressum Herausgeber Niedersächsische Staatstheater Hannover GmbH, Staatsoper Hannover, Opernplatz 1, 30159 Hannover Intendant Dr. Michael Klügl Redaktion 

Dramaturgie, Öffentlichkeitsarbeit Gestaltung María José Aquilanti, Birgit Schmidt Druck Steppat Druck Fotos Yvonne Götzl (18), Thomas Huppertz (13), Thomas M. 

Jauk (4-6, 19), Marek Kruszewski (1, 7), Jörg Landsberg (11), Pablo Mendizábal (16/17), Thilo Nass (12), Norddeutsche Theater und freie Compagnien (2/3), Gert Weigelt 

(Titel) und privat Titelbild Gefährliche Liebschaften, Karine Seneca (Tourvel), Denis Piza (Valmont)

seitenbühne . Mai / Juni 2010

seitenbühne Nr. 19 - Staatsoper Hannover

Erfolgreiche ePaper selbst erstellen

Template löschen?

Als Template speichern?