Die Muster- knaben - Rondo

Das 

Klassik 

& Jazz 

Magazin 

3/2013 

Philharmonie 

Luxembourg 

Die Musterknaben 

Cecilia Bartoli 

Norma von vorn 

Piotr Beczala 

Operette sich 

wer kann! 

Bobby McFerrin 

stellt sich die 

Gretchenfrage 

Immer samstags aktuell 

www.rondomagazin.de

Mai 2013 – aus der RONDO-Website wird … 

rondomagazin.de 

das Portal für Klassik 

und Jazz 

Freuen Sie sich auf ein 

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Im unserem frei zugänglichen Online-Archiv 

finden Sie bereits jetzt 8000 Rezensionen, 

dazu in Kürze die Kolumnen und Interviews 

sämtlicher vergangener Magazinjahrgänge. 

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Durch die Einbindung des starken „Spotify“- 

Musikdienstes können Sie nun die neuen CDs 

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direkt und in voller Länge anhören – und 

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2

Themen 

Pasticcio: 

Meldungen und Meinungen 

aus der Musikwelt 4 

Leserreise: 

Zermatt 5 

Philharmonie Luxembourg: 

Die Musterknaben 6 

Belcanto-Bekehrung: 

Norma von vorn 8 

100 Jahre „Le sacre“: 

Prähistorischer Jazz 10 

Blind gehört: 

Folkert Uhde 12 

Comics: 

So oder ähnlich – 

Musikgeschichte in Bildern 14 

Max Reger: 

Wertvoller „Mist“ 15 

Musiktheater: 

Operette sich wer kann! 16 

David Bates: 

Niemand ist eine Insel 18 

Festivals: 

Neu-Heidelberg, Du Feine 27 

Da Capo: 

Gezischtes Doppel der 

RONDO-Opernkritik 28 

Leserreise: 

Beethovenfest Bonn 30 

Doktor Stradivari: 

Musik-Krimi 31 

CDs, Bücher & 

Sammlerboxen 

RONDO-CD: 

Abonnenten kriegen 

was auf die Ohren 32 

Klassik-CDs 

mit der „CD des Monats“ 33 

Vokal total: 

Neuerscheinungen 

für Stimmfachleute 34 

Jazz-CDs 

mit dem „Meilenstein“ 38 

6 

Philharmonie Luxembourg: 


12 

Blind gehört: 

Folkert Uhde 

16 

Lust auf Klassik? 

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Sommerliche 

Musiktage 

Hitzacker 

27.07.–04.08.13 

Hitzacker 

@ Christoph Mannhardt 

Dobrinka Tabakova: 

Vergangenheit mit Folgen 18 

10 Jahre Genuin: 

Aus zwei mach neun 19 

Hörtest: 

Biber „Rosenkranzsonaten“ 20 

Bobby McFerrin: 

Glaubensbekenntnis 22 

Bücher: 

Musik für Leseratten 40 

Magazin: 

Schätze für den 

Plattenschrank 41 

Boulevard: 

Bunte Klassik 42 

Musiktheater: 

Operette sich wer kann! 

18 

Klosterkonzerte 

Maulbronn 

09.06.–22.09.13 

Maulbronn 

Tomasz Stanko: 

Graues Licht, 

strahlende Sonne 23 

Termine 

Termine: 

Opernpremieren 44 


Vergangenheit mit Folgen 

Oper, Festival, 

Konzerte 

Musikstadt: 

Pesaro 24 

Fanfare: 

Proben, Pleiten 

und Premieren aus Oper 

und Konzert 26 

Termine: 

Konzerte Klassik 45 

Termine: 

Konzerte Jazz 49 

Impressum 50 

Zugabe: 

Nettigkeiten von den 

Hinterbühnen dieser Welt 51 

23 

Tomasz Stanko: Graues 

Licht, strahlende Sonne 

Silbermann-Tage 

04.–15.09.13 

Freiberg, Dresden u. a. Städte 

www.reservix.de 

3 

Karten für 30.000 Veranstaltungen.

Pasticcio 

Meldungen und Meinungen der Musikwelt 

4 

Preisträgerin: 

Kaija Saariaho 

Verstummt: 

János Starker 

Ari Hoenig 

Quartet 

Preiswürdiges Nordlichtfunkeln 

Die Finnin Kaija Saariaho hat mit ihrem umfangreichen Schaffen gezeigt, 

dass hochgradige Komplexität und zart funkelnde Sinnlichkeit 

sich keinesfalls ausschließen müssen. Rasch fand sie aus den Insiderzirkeln 

in die Belle Etage der internationalen Festivals und Opernhäuser. 

Die New Yorker und Berliner Philharmoniker haben bei ihr Werke bestellt. 

Und gleich mit ihrer ersten Oper „L’Amour de loin“, die 2000 bei 

den Salzburger Festspielen von Kent Nagano uraufgeführt wurde, 

legte sie den Grundstein für weitere Musiktheater-Erfolge u.a. an der 

Pariser Bastille-Oper. Die 1952 in Helsinki geborene Komponistin, die 

in Freiburg bei Brian Ferneyhough und Klaus Huber ihr Kompositionsstudium 

fortsetzte, ist nun mit dem alternativen Nobelpreis für Musik, 

dem schwedischen „Polar Music Prize“ ausgezeichnet worden. Der einzige 

Wermutstropfen ist jedoch, dass Saariaho sich wie auch ihre Vorgänger 

Boulez, Stockhausen und Ligeti das Preisgeld von 234.000 Euro 

mit dem obligatorisch zweiten Gewinner teilen muss. In ihrem Fall ist es 

der senegalesische Sänger Youssou N’Dour. 

gf 

Ein Cello-König ist abgetreten 

Schon in ganz jungen Jahren war János Starker ein Wunderkind am 

Cello, wie es im Buch steht. Mit elf Jahren besuchte er in seiner Heimatstadt 

Budapest die Franz-Liszt-Musikakademie, wo u. a. Zoltán Kodály, 

Béla Bartók und Ernst von Dohnányi seine Lehrer waren. Schnell 

machten die ersten Vergleiche mit Pablo Casals und Emanuel Feuerbach 

die Runde. Doch erst nach seiner erzwungenen Übersiedlung in 

die USA begann die eigentliche Karriere Starkers. Er wurde 1. Solo-Cellist 

an der New Yorker Metropolitan Opera und beim Chicago Symphony 

Orchestra. Und während er 1958 eine Professur an der Indiana University 

übernahm, die er bis 2001 innehatte, mehrte er mit zahlreichen 

Einspielungen und Konzerten seinen Ruf als einer der besten Cellisten. 

Als „hell, schwerelos, geschmeidig, nie derb auftrumpfend, technisch 

makellos“ hat einmal der Cello-Experte Harald Eggebrecht Starkers Spiel 

beschrieben. Nun ist es endgültig verstummt. Am 28. April verstarb 

János Starker im Alter von 88 Jahren in Bloomington. 

gf 

BMW Welt Jazz Award 2013 für Ari Hoenig 

„Leading Drums“ war heuer das Motto des von BMW mit BR Klassik, 

der Stadt München, der Jazzzeitung und Ludwig Beck ausgelobten 

Münchner Wettbewerbs. Aus sechs Sonntags-Matinéen mit sechs 

Ensembles waren das New Yorker Ari Hoenig Quartet und das in Berlin 

probende Quartett des Schweizers Samuel Rohrer als Finalisten hervorgegangen. 

Aktueller amerikanischer traf so auf europäischen Hauptstadtjazz. 

Das Los ließ Ari Hoenig den Vortritt. New Yorker Relaxtheit, 

aberwitzig virtuose Präzision, ausgebuffte Metren, kühne dynamische 

Abstufungen, überraschende harmonische Wendungen und eine für 

Überraschungen stets offene Spielhaltung hielten das Auditorium in 

ihrem Bann. Vor der amerikanischen Folie kamen die Europäer nicht 

über den Status eines hochinteressanten notenbasierten Projekts 

hinaus; 5.000 Euro Preisgeld waren ihr Trost. Ari Hoenig dagegen bekam 

neben Trophäe und 10.000 Euro Preisgeld noch den mit einem Aufenthalt 

auf Schloss Elmau dotierten Publikumspreis. 

tf 

Leserbriefe 

Zum Interview mit Ian Bostridge 

in RONDO 2/13 

Die Fragen an Ian Bostridge 

und die Antworten darauf, finde 

ich etwas irritierend. Anno 

1947 brach te die Städt. Oper Berlin 

[Brittens „Albert Herring“] 

mit großem Publikumserfolg zur 

Aufführung. Britten’s damaliger 

„Sommernachts traum“ […] brachte 

gleichen Jahres in der Fritz Genschow’ 

Inszenierung im Park des 

Hauses am Waldsee, Argentinische 

Allee, 30, wahres Entzücken. 

Insofern also, ließe sich resümieren, 

daß Benjamin Britten 

in Deutschland durchaus sicheren 

Anklang fand; zumal seine 

„Simple Symphony“ sich bis heute 

größter Sympathien erfreut! 

Christoph Anden, Neuss 

Zu Matthias Kornemann, „Lorbeer 

& Zitronen 2012“ auf www. 

rondomagazin.de 

Man kann sich HJ Lim[s Beethoven 

sonaten] in Proskynese nähern 

oder sie kompromisslos 

ver dam men, mag ihre Gesamteinspielung 

als Beethovenrauschdroge 

benutzen oder ihre CDs wie 

[Rondo-Autor] Matthias Kornemann 

blasphemisch im Müll eimer 

entsorgen. Eins steht jedoch fest! 

HJ Lim […] ist ge gen wär tig wohl 

eine der begab testen, revolutionärsten, 

spon tans ten, natürlichsten 

und tech nisch brillantesten 

Phänome ne der jungen Pianistenszene 

[…]. 

Hans Ulrich Behner, Mainz 

Anm. der Redaktion: Wir finden 

es prima, wenn Musik Menschen 

polarisiert und begeistert, und 

unsere Kritiker können Widerspruch 

vertragen. Die Kommentarfunktion 

auf rondomagazin. 

de steht jederzeit für den Austausch 

über Ihre Lieblingsaufnahme 

zur Verfügung! 

Erratum 

In Ausgabe 02/2013 hat der 

Fehlerteufel zugeschlagen: 

Die Notenausgabe von Pergolesis 

„Septem verba a Christo“ ist im 

Breitkopf & Härtel-Verlag erschienen, 

nicht – wie im Artikel angegeben 

– bei Bärenreiter.

— 

22 

bis 

8 

—9 

8 

›neugier‹ 

www.musikfest.de . 0711 61 921 61 

Leserreise 

Zermatt 

Raue Gipfel, grüne Matten und die so 

charakteristisch mit durch Steine 

beschwerten Holzschindeln gedeckten 

Häuser – das Wallis ist einer 

der schönsten Kantone der Schweiz, und am 

schönsten vielleicht gerade im Spätsommer, 

wenn das Zermatt-Festival Besucher aus ganz 

Europa anzieht. Der Gegensatz zwischen der 

hochalpinen Landschaft und Meisterwerken 

der klassischen Musik, aber auch die entspannte, 

familiäre Atmosphäre bei Musikern 

und Publikum machen Zermatt zu einem 

würdigen Abschluss der sommerlichen Festspielsaison. 

Im Zentrum der Leserreise, zu der Sie 

RONDO-Chefredakteur Carsten Hinrichs begleitet, 

stehen natürlich Konzerte des Zermatt- 

Festivals. Dazu gibt es gemeinsame Ausflüge 

in die Region rund um die wild-romantisch 

gelegene Alpenstadt. Das Matterhorn, den 

charakteristischsten Gipfel der Schweiz haben 

die Teilnehmer direkt im Blick beim Käsefondue 

auf dem Restaurant Riffelberg, in 

2.585 m Höhe. Eine Weinprobe bei Brot und 

Käse in der St. Jodern Kellerei rundet die 

kulinarische Seite des Besuchs ab. 

Wenn Sie sich für die RONDO-Leserreise 

interessieren, fordern Sie unverbindlich 

die Reiseunterlagen an unter fernweh@ 

rondomagazin.de oder postalisch unter: 

Kunst- und Kulturpublikationen RONDO 

GmbH, Am Johannisplatz 3, 81667 München. 

Die Teilnehmerzahl ist auf 20 Personen begrenzt, 

unser Reisebüro „Cadenza Tours“ ist 

Ihnen auf Wunsch bei der Organisation der 

Anreise oder einer Verlängerung behilflich. 

Die Reise im 

Überblick: 

Donnerstag, 5.9.: 

Anreise nach Zermatt, Begrüßung, 

Abendessen 

Freitag, 6.9.: 

Dorfrundgang, Besuch der Musikerakademie, 

Konzert in St. Mauritius (Salieri, Beethoven, 

Brahms/ Scharoun Ensemble) 

Samstag 7.9.: 

Weinprobe, Konzert in St. Mauritius 

(Mendelssohn, Beethoven/ Braunstein, 

Zermatt Festivalorchester) 

Sonntag, 8.9: 

Konzert in der Riffelalp-Kapelle (Dvořák, 

Britten, Farrenc/ Braunstein, Fassbender, 

Kelly, Scharoun Ensemble), anschließend 

Käsefondue auf dem Riffelberg 

Montag, 9.9.: 

Heimreise oder Verlängerung 

5

Wo Profis 

spielen dürfen: 

„Drumblebee“ 

mit Quatuor Beat 

Philharmonie 

Luxembourg 


Wunschkonzert: kein Musentempel, sondern ein 

Ort, der die Musik der Gesellschaft widerspiegelt. 

In Luxemburg wagt man ein vielversprechendes 

Experiment. Von Carsten Hinrichs 

Wie in das Innere einer 

Schnecke, so tastet man sich 

durch den gebogenen Gang 

in den Kammermusiksaal der 

Philharmonie, der in einer Kehre über die Zuschauerterrassen 

auf das Podium führt, überwölbt 

und akustisch unterstützt von einem 

großen, weich abgerundeten Schirm. Kein 

Glück für Zuspätkommer, der ganze Saal kann 

einen anblicken, während man sich über die 

6 

Galerie bewegt. Für Musiker muss es sich hingegen 

herrlich anfühlen, sich so geborgen 

in das Adagio eines Streichquartetts zu versenken. 

Oder in die zarten Klangkaskaden 

einer Jazzimprovisation, wie sie das Michel 

Reis Trio gerade verströmt. Ein intimer 

Rahmen, im besten Wortsinn. Für 320 entspannte 

Zuhörer. 

2005 wurde die Philharmonie, der Konzertsaal 

des Großherzogtums Luxembourg er- 

öffnet, in Anwesenheit des Regenten. Dabei 

gaben die zentrale Lage und europäische Ausrichtung 

des Landes mit seinen zahlreichen 

Behörden im Kontrast zur tatsächlichen Bevölkerungszahl 

von damals rund 470.000 Einwohnern 

dem 2003 bestallten Intendanten 

Matthias Naske keine leichte Aufgabe. Die 

Strahlkraft des Programms musste internationalem 

Anspruch genügen und sich trotz 

der schwierigen geografischen Lage rechnen. 

Immerhin waren all diese Schwierigkeiten 

schon in die Planung eingeflossen, denn 

Wunschkandidat Naske bekam mit dem Gebäude 

sozusagen ein Wunschkonzert: Die zu 

bauenden Säle richteten sich nach dem geplanten 

Programm, nicht umgekehrt. Ein 

Glücksfall für den Kulturmanager. 

Zu Verdanken hat das Land seinen Vorzeige-Konzertsaal 

der Beharrlichkeit von Erna 

Hennicot-Schoepges, die seinerzeit als Kulturund 

Bauministerin aus der musikalischen 

Utopie ein realpolitisches Projekt machte. 

Nun, da Naske das Haus nach insgesamt zehn 

Jahren als Intendant übergeben wird, ist aus 

dem Projekt ein eingespieltes Haus geworden, 

und zwar eins mit Mut zum experimentellen 

Risiko. Denn es war erklärtes Ziel, nicht das 

x-te Prachtfestspielhaus für elitäre Zirkel aus 

dem Boden zu stampfen, sondern den Spielplan 

auf den Musikgeschmack der Gesellschaft 

zu erweitern. Im Klartext heißt das, dass sich 

große Sinfonik das Haus mit Jazz und Weltmusik 

teilt, dass neben Starauftritten mit René 

Foto: Sébastien Grébille/Philharmonie

Foto: Jörg Hejkal 

Fleming und Anne Sophie Mutter auch Filmlivekonzerte 

und Crossover-Projekte eigene 

Reihen bekommen. In Luxembourg hat man 

sich die Besucher zur Neugier erzogen. Und ein 

eigenes Kellerlabor dafür eingerichtet. 

Im „Espace Decouverte“, einer Black Box im 

Untergeschoss, finden die wirklich ungewöhnlichen 

Projekte der Philharmonie statt. Der 

Raum kann sowohl mit klassischen Rängen bestuhlt, 

als auch komplett leer geräumt werden. 

Diese Offenheit ist auch eine Herausforderung 

an die Kreativität der Musikschaffenden. 

Jedenfalls reagieren die Techniker hier auch 

auf abseitige Anfragen wohl nie mit 

Stirnrunzeln. Heute verzaubert ein 

kleines schwarzes Theaterstück junge 

Zuhörer zwischen 5 und 9 Jahren. 

Und die dazugehörigen Eltern. Zur 

gar nicht so heiteren Geschichte 

von einem tyrannischen Kind, das 

erst zum Schluss aus der Einsamkeit 

seiner immer größer werdenden 

Wünsche befreit wird, hat sich der 

Bandoneonist Jacques Trupin eine 

zeitlose Musik ausgedacht und die 

sanft melancholische Klangfarbe 

seines Instruments mit einem Streichquartett 

gemischt. Die Kinder dürfen 

auf Sitzkissen lümmeln oder liegen, 

dennoch herrscht konzentrierte 

Spannung. Was die jungen Zuschauer 

da wohl stärker in seinen Bann zieht, 

die Mäander der melodischen Linien 

oder die verblüffenden Tricks des 

schwarzen Theaters, das einfache 

Moosgummirohre täuschend echt 

zum Leben erweckt? 

Im Prinzip spiele das keine große 

Rolle, meint Pascal Sticklies, der 

Education Manager. Natürlich kann 

man einwenden, dass das Ereignis bei 

manchen Produktionen stärker wiegt als die 

Musik. Aber es geht auch darum, Kinder von 

klein auf Musik in angenehmer, positiv erinnerter 

Atmosphäre erleben zu lassen. Denn 

das kann das Erlebnis Konzerthaus für’s Leben 

verankern. Und darum fängt das Musikvermittlungsprogramm 

in Luxembourg schon 

maßgeschneidert bei den 0–3jährigen an. Für 

die 3–5jährigen gibt es „Loopino“, eine Reihe, 

die von ihrer Frontfrau lebt. Luisa Bevilacqua 

(ab der nächsten Spielzeit abgelöst von Milla 

Trausch) schlüpft in die gleichnamige Rolle, 

begleitet die Kinder durch’s Geschehen, steht 

aber auch den Künstlern hilfreich zur Seite, die 

hier auf das wahrscheinlich jüngste Publikum 

ihrer bisherigen Karriere treffen werden. Und 

das ist kritisch: Längen im Ablauf werden 

schonungslos durch Lautstärke beantwortet. 

Manch erfahrener Bühnenstar möchte sich 

diesem Urteil lieber nicht aussetzen, doch gehört 

es zum Ehrgeiz des Hauses, gerade hier 

dieselben großen Namen zu verpflichten, 

wie für die Erwachsenen und keine Musik- 

zirkustruppe. Tenor Ian Bostridge und Blockflötist 

Maurice Steger haben ihre Feuerprobe 

bravourös bestanden, erzählt man. Noch 

experimenteller wird es in der neuen Reihe 

„Bout’chou“, die sich eine grenzenlose Verschmelzung 

von Kunst- und Musikpädagogik 

vorgenommen hat. Sind aus Kindern dann 

erst Konzertfans (und Teenager) geworden, 

ist das quer durch alle Musikstile angelegte 

Jugendabo „iPhil“ Einstieg und Plattform für 

den Austausch zugleich. Denn hier stehen 

den Jugendlichen nur noch hauseigene Scouts 

zur Seite, geringfügig ältere „Ehemalige“, die 

Weit, hoch, 

herrlich: 

Das Foyer 

Fragen zur Musik beantworten oder dabei 

helfen, Gruppenaktivitäten zu organisieren. 

Ein so breit aufgestelltes Education- 

Programm hätten viele Häuser gerne, es muss 

den Machern aber auch ein großes Stück vom 

Budget-Kuchen wert sein, der dann für die 

traditionellen Konzerte fehlt. Gut 10 % lässt 

man sich in Luxembourg die Sparte kosten, 

Geld, dem Sticklies nicht nachweint. Sein Ehrgeiz 

ist es, die Education-Sparte durch Umwegfinanzierungen 

ökonomisch zu halten. Das 

Projekt „Drumblebee“, ein verrücktes, präzise 

durchchoreografiertes Konzert für vier Schlagzeuger, 

verschlang 45.000 Euro, das ist mehr, 

als mancher Konzertsaal für die ganze Vermittlung 

zur Verfügung hat. Aber durch gezielte 

Bewerbung an anderen Spielstätten hat 

sich das Projekt inzwischen acht Mal verkauft 

und seine Kosten wieder reingespielt. Nun 

freuen sich vielleicht auch bald Fünfjährige in 

Amerika darüber. Nicht zuletzt muss die Vermittlung 

in Luxembourg auch Sprachgrenzen 

überwinden. Das komplette Programm 

teilt sich nochmals in Veranstaltungen 

in Französisch und Lëtzebuergesch. Oder 

am besten gleich ganz ohne Worte, wie die 

Geschichte vom trotzigen Kindkönig. 

Im Drei-Länder-Eck bringt es die Philharmonie 

Luxembourg inzwischen auf gut 

14.500 Abonnements, und das trotz nicht 

gerader zentraler Lage im geschäftigen Büro- 

Edelquartier Kirchberg (zum Vergleich: das 

Berliner Konzerthaus bringt es inmitten einer 

Metropole auf gut 12.000 Abonnements). 

Das funktioniert auch durch intensive Anbindung 

an die Nachbarn in Frankreich und 

Operndorf im 

Säulenwald 

In Deutschland ist der Architekt Christian de Portzamparc 

für die Französische Botschaft in Berlin 

be kannt, in der Musikwelt für die Pariser Cité de la 

Musique. Die Philharmonie Luxemburg erscheint 

in der Draufsicht mandelförmig wie ein Auge, 823 

Säulen tragen das Dach über dem lichtdurchflu teten 

Foyer. In dessen Mitte steht – kunterbunt und 

wie aus Häuschen zusammengesetzt – der Block 

der Verwaltungsräume, die auch bei schlechtem 

Wetter umwandelt werden können und in ihrer 

Mitte den Großen Konzertsaal beherbergen. Auch 

hier bilden die hölzernen Logen vor schwarzen 

Wän den den Eindruck eines italienischen Dorfplatzes 

– die Musik steht symbolisch im Mittelpunkt 

des Gemeinschaftsgeschehens. 

Deutschland. Ein frühzeitiger Handschlag mit 

dem Trierer Oberbürgermeister sorgte dafür, 

dass inzwischen zu allen Konzerten Shuttlebusse 

fahren. So empfindet auch eine eingeschworene 

Besuchergemeinde aus Deutschland 

die Philharmonie als „ihr“ Haus. 

Natürlich gibt es auch acht Jahre nach dem 

Start immer noch genug Nüsse zu knacken. 

So ist der verwaltungstechnische Zusammenschluss 

zwischen Konzerthaus und dem 

Orchéstre Philharmonique du Luxembourg inzwischen 

erfolgreich in einen gemeinsamen 

Alltag überführt worden, dennoch wartet an 

dieser Nahtstelle auch zukünftig noch genug 

Arbeit auf den Nachfolger Stephan Gehmacher, 

der vom Symphonieorchester des Bayerischen 

Rundfunks nach Luxemburg wechselt. Dafür 

übernimmt er einen eingespielten, wohlbestallten 

Saal. Und Matthias Naskes nächste 

Baustelle heißt: Wiener Konzerthaus. 

www.philharmonie.lu 

7

Feuriges Ende 

verrümpelter 

Aufführungstraditionen 

(Salzburger 

Pfingstfestspiele 

2013: Bartoli, 

Osborn) 

Belcanto-Bekehrung 

Norma von vorn 

Eine „Norma“ in historischem Klanggewand beweist: 

Belcanto-Opern des frühen 19. Jahrhunderts sind viel 

besser als ihr Ruf. Von Carsten Niemann 

Im Grunde hat man es ja 

schon immer geahnt, dass 

etwas nicht stimmen kann 

mit der Oper des Belcanto. 

Denn auch wenn Rossini, Bellini 

und Donizetti, deren Werke man 

als erstes mit dem Begriff verbindet, 

in jedem Opernführer und 

fast jedem Opernhaus zum Kernrepertoire 

gehören, so scheinen 

doch viele ihrer ersten Hauptwerke 

im Vergleich zu Mozart 

oder zum späteren Verdi an 

einem merkwürdigen Mangel 

an dramatischer Glaubwürdigkeit 

zu leiden: Wie oft ist man 

abgestoßen von der sterilen 

Stimmakrobatik, die sich über 

8 

dürftigen Orchesterakkorden entfaltet, 

wie oft zuckt man innerlich 

vor stählernen Spitzentönen 

zusammen und wie peinlich ist 

man dann wiederum berührt, 

wenn sich Gefühl in schmierigen 

Kantilenen ergießt. Gehört man 

nicht gerade zu jenen fanatischen 

Stimmverkostern, die Lautstärke, 

Timbre oder Brillanz eines außergewöhnlichen 

Organs völlig losgelöst 

von der dramatischen 

Situation genießen können, dann 

kann man zu der Auffassung gelangen, 

dass die Zeit des Belcanto 

trotz ihrer zündenden Melodien 

und staunenswerten Anfor derungen 

an Stimme eine Zeit der 

dramatischen Verflachung gewesen 

sein muss. Was ein fataler 

Fehlschluss wäre. 

Opfer der Tradition 

In Wahrheit nämlich sind 

die Hauptwerke des Belcanto 

Opfer moderner Aufführungstraditionen 

geworden. Und 

die haben mit dem Ideal des 

„schönen Gesangs“, der den 

Schöpfern der Belcanto-Opern 

vorschwebte, nur noch sehr wenig 

zu tun. Doch nun deutet sich endlich 

eine Wende an. Unterstützt 

von der Musikwissenschaft hat 

sich eine Reihe von Musikern angeschickt, 

den Belcanto von jener 

dicken Patina zu befreien, die 

sich in den letzten 150 Jahren angesammelt 

hat. Immer größere 

Säle und Orchester, die damit einhergehende 

Bevorzugung von 

Brillanz und Kraft gegenüber 

Farbe und Ornament und eine 

naturalistischere Auffassung von 

Musikdramatik haben dazu geführt, 

dass das Wissen um die 

Aufführungspraxis des Belcanto 

beinahe völlig verloren ging. 

Hinzu kommt, dass sich auch die 

Stellung des Sängers grundsätzlich 

wandelte: Während Rossini, 

Bellini und Donizetti noch damit 

rechnen konnten, dass die Sänger 

ihre Partien mit improvisierten 

Verzierungen und ungeschriebenen 

Vortragsnuancen berei chern 

und die Partitur bei jeder Aufführung 

gewisserma ßen neu vollenden 

würden, sind die meisten 

heutigen Sänger zu bloßen Interpreten 

geworden. Was bleibt, ist 

der nackte, unvollendete Notentext. 

Doch zu retten ist die 

Belcanto-Opern nur, wenn man 

sich ihr nicht vom Puccini und 

dem späten Verdi, sondern aus 

der Perspektive des 18. Jahrhunderts 

nähert. Denn die Gesangskunst 

der Kastraten, welche 

der Barockoper zu ihrem bis heute 

ausstrahlenden Glanz verhalf, 

hat auch die Praxis der Belcanto- 

Opern entscheidend geprägt. Es 

Foto: Hans Jörg Michel

liegt daher auf der Hand, dass die 

Wiederentdeckung des ursprünglichen 

Belcanto-Ideals nur mit 

Hilfe von starken Sängerpersönlichkeiten 

gelingen kann, die 

neben dem historischen Wissen 

auch die Ausstrahlung und das 

kreative Potenzial ihrer Vorbilder 

besitzen. 

oder größere Italienischkenntnisse 

folgen zu können glaubt. Ein 

weiteres Anliegen der Einspielung 

ist es, die originalen Stimmfarben 

zu verwenden: So wird die 

Partie der Norma nicht von einem 

Sopran, sondern mit Bartoli selbst 

von einer Mezzosopranistin gesungen 

–eine Entscheidung, 

die es erlaubt, die menschliche, 

mütterliche Seite dieser scheinbar 

so unnahbaren Figur wiederzuentdecken. 

Normas junge 

Nebenbuhlerin Adalgisa wird 

hingegen nicht wie so oft von 

einem Mezzosopran, sondern 

von einem Sopran gesungen, der 

die Jugendlichkeit dieser Figur 

BayeriSche 

StaatSoper 

Giuditta Pasta (1797–1865) 

Hohepriesterin des 

Belcanto 

Wie problematisch die Anwendung 

moderner Stimmfachgrenzen auf 

historische Partien ist, das zeigt 

das Beispiel von Giuditta Pasta. Der 

italienischen Sopranistin, die für ein 

gutes Jahrzehnt als die bedeutendste 

Sängerin Europas galt, wurden so wichtige 

Partien wie Bellinis „Norma“ oder Donizettis „Anna Bolena“ auf 

den Leib geschrieben. Viele der Rollen, welche die Pasta aus der 

Taufe hob, sind heute zu beliebten Streitrössern für dramatische 

Koloratursoprane geworden. Von den Zeitgenossen hingegen 

wurde die Pasta jedoch als ein Mezzosopran wahrgenommen, 

der auch Noten, die jenseits der eigentlichen Grenzen dieses 

Stimmfaches liegen, eine große dramatische Intensität zu verleihen 

vermochte. 

Spektakuläre Wiederbelebung 

Den spektakulärsten Versuch 

zu einer Wiederbelebung des 

Belcanto hat nun Cecilia Bartoli 

gestartet: Zusammen mit dem 

auf historische Aufführungspraxis 

des 19. Jahrhunderts spezialisierten 

Orchester La Scintilla 

unter dem Alte-Musik-Experten 

Giovanni Antonini hat sie eine 

Neuaufnahme von Vincenzo 

Bellinis „Norma“ vorgelegt, die 

Operngeschichte schreiben soll 

– und es wohl auch tun wird. 

Während die auf entspannte 

430 Herz gestimmten Originalinstrumente 

der Partitur ihre 

differenzierte, an Caspar David 

Friedrich gemahnende Farbigkeit 

zurückgeben, zeichnen Bartoli 

und ihre Sängerkollegen die Gefühlsregungen 

der Prota gonisten 

mit so klarer Deklamation und 

so intelligent und differenziert 

eingesetzten Verzierungen und 

Klangfärbungen nach, dass man 

der Handlung sogar ohne Libretto 

betont. Und weil auch ihr gemeinsamer 

Geliebter Pollione 

mit einem flexiblen Tenor besetzt 

ist, gerät das oft so wuchtige 

Drama wieder ins Lot. Auch wenn 

das neue Klangbild mit manchen 

liebgewonnenen Gewohnheiten 

bricht – wenn sich Norma am 

Ende des Dramas in die Flammen 

wirft, dürfte sie zuvor eine große 

Anzahl Belcanto-Verächter von 

ihrem Irrglauben bekehrt haben. 

Neu erschienen: Bellini: Norma 

(mit Bartoli, Jo, Osborne, Pertusi; 

Antonini, Orchestra La Scintilla), 

Decca/Universal 

Abonnenten-CD: Track 3 

9 

Partner der Uraufführungen 

der Bayerischen Staatsoper 

Written on 

Skin 

GeorGe Benjamin 

Festspielpremiere 

23.07.2013 

prinzregententheater 

Festspielkasse der Bayerischen staatsoper 

marstallplatz 5 80539 münchen 

t 089.21 85 19 20 www.staatsoper.de

Le sacre du 

printemps: 

Rekonstruktion 

im Mariinsky 

Theater 2008 

Le sacre du printemps 

Prähistorischer Jazz 

Vor 100 Jahren wurde in Paris Igor Strawinskis „Le sacre 

du printemps“ uraufgeführt – mit einem der größten 

Skandale der Musikgeschichte. Von Guido Fischer 

Am 31. März 1913 

wurde auf der Pariser 

Nobel-Avenue Montaigne 

Nr. 15 das 

Théâtre des Champs-Elysées mit 

einem Festkonzert eingeweiht. 

Auf dem Programm stand Hector 

Berlioz´ „Benvenuto Cellini“. Und 

auch der anwesende europäische 

Hochadel zeigte sich hellauf begeistert. 

Der Eröffnungstusch für 

die „Grande Saison“ war also geglückt. 

Doch Intendant Gabriel 

Astruc ahnte da noch nicht, dass 

sein schmucker Art Déco-Tempel 

bereits knapp zwei Monate später 

in seinen Grundfesten erschüttert 

werden sollte. 

Dabei hatte Astruc bei seiner 

Saisonplanung zumindest formal 

10 

alles richtig gemacht, als er Igor 

Strawinski und die „Balletts 

russes“ für den Mai einlud. Denn 

dank der erfolgreichen Uraufführungen 

von Strawinskis 

Balletten „Der Feuervogel“ (1910) 

und „Pétrouchka“ (1911) galten 

der Komponist und die Kompanie 

in Paris als neue Sensation. „Aller 

guten Dinge sind drei“, dachte 

sich Astruc und engagierte nun 

das Erfolgsteam, um Strawinskis 

„Le sacre du printemps“ in der 

Choreografie von Waslaw Nijinski 

auf den Brettern des Théâtre des 

Champs-Elysées aus der Taufe zu 

heben. Bei der Generalprobe verlief 

noch alles ruhig. Am 29. Mai 

1913 aber, am Premierenabend, 

erlebte das Haus eine einzige 

Publikumsexplosion. „Schon bald 

nach dem Aufgehen des Vorhangs 

begann man zu miauen und laut 

Vorschläge für den Fortgang der 

Vorstellung zu machen“, so der 

Musikkritiker Carl van Vechten. 

„Ein junger Mann, der hinter mir 

in der Loge saß, stand während 

des Balletts auf, um besser zu 

sehen. Die starke Erregung, unter 

der er litt, verriet sich darin, dass 

er regelmäßig mit seinen Fäusten 

auf meinen Kopf trommelte. 

Meine Aufregung war so groß, 

dass ich die Schläge eine Zeit lang 

gar nicht spürte.“ Je länger die 

Vorstellung dauerte, desto mehr 

ging man auf die Barrikaden. Hier 

duellierte man sich mit Schirmen. 

Dort ohrfeigte eine feine Dame 

einen jungen Herrn. Der Skandal 

war perfekt. 

Von dem Tumult von einst hat 

sich das edle Haus in der Avenue 

Montaigne natürlich längst erholt. 

Und Strawinskis Werk zählt 

zu den meisteingespielten Evergreens 

der klassischen Moderne 

(aktuell führen die CD-Kataloge 

rund 130 Einspielungen). Angesichts 

seiner tiefen Verwurzelung 

in der russischen Volksmusik 

sowie der fehlenden Komplexität 

in der Harmonik hinkte „Le 

sacre du printemps“ zu seiner 

Entstehungszeit eigentlich 

schon hinter den Revolutionen 

her, die Claude Debussy und die 

Wiener Zwölftonkollegen ausgelöst 

hatten. Doch mit seiner 

„Emanzipation des rhythmisch 

Percussiven“ schuf er Musik 

von einer geradezu primitiven 

Urgewalt, die das Archaische 

im Menschen anzusprechen 

scheint. Bei aller komplexen Polyrhythmik, 

auf die später ebenfalls 

Bartók, Varèse und Xenakis 

setzten, wird man instinktiv 

vom scheinbar Vertrauten angezogen. 

Wohl auch deshalb gilt 

Strawinskis „Frühlingsopfer“ als 

zeitloser Meilenstein der Musikgeschichte, 

der dementsprechend 

anlässlich des 100. Jahrestages 

seiner Uraufführung umfassend 

vom CD-Markt gewürdigt wird. 

Foto: Bel Air

Dass dabei allein zehn verschiedene 

Aufnahmen eines einziges 

Werks in einer 10 CD-Box 

gebündelt werden, spricht für 

den Sonderstatus von Strawinskis 

ekstatischem „Massacre du 

printemps“ (Debussy). Von 1929 

(mit Leopold Stokowski) über 

den Uraufführungsdirigenten 

„Das Stück ist 

eine Art prähistorischer 

Igor 

Strawinski 

Jazz und 

handelt von 

Sex und Fortpflanzung.“ 

Leonard Bernstein 

seiner ersten Einspielung mit 

dem „Youth Orchestra of Great 

Britain“ sowie dem „Sacre“- 

Projekt „Rhythm Is It!“ nun noch 

einmal live aus der Berliner Philharmonie 

zu Wort. Im November 

2012 folgten ihm seine Philharmoniker 

mit einer spieltechnisch 

schier unglaublichen 

JAZZHIGHLIGHTS 

KAT 

EDMONSON 

WAY 

DOWN 

LOW 

Die Nr. 1 aus den USA – jetzt auch in Deutschland. Mit ihrem selbstfinanzierten 

Debütalbum schaffte es die junge amerikanische Singer-Songwriterin auf Anhieb 

an die Spitze der Jazzcharts in den USA und begann so kometenhaft ihre 

Karriere. Die ersten Konzerte waren innerhalb kürzester Zeit ausverkauft. Ihre 

gefühlvollen Songs berühren Fans und Fachpresse gleichermaßen. „Eines der 

besten Gesangsalben, die ich je gehört habe“ The Boston Globe Ab 12.7. erhältlich 

Monteux (1951) bis zu Pierre 

Boulez (1969) und Michael 

Tilson Thomas (1996) reichen 

die unterschiedlichen, mal 

elektrisierenden, mal streng 

analytisch angelegten „Sacre“- 

Konzepte. Und Strawinskis 

phänomenale Aufnahme von 

1960 gibt es zudem im Doppelalbum 

„Strawinski Conducts“, 

auf dem der Komponist auch 

den „Feuervogel“ dirigiert. Mehr 

als nur historisch wertvoll ist die 

gleichermaßen wieder aufgelegte 

Einspielung Leonard Bernsteins 

von 1958. Bernstein zog mit den 

überragenden New Yorker Philharmonikern 

alle Register, um 

die irrwitzige Drastik und Brutalität 

dieser Musik unter Hochspannung 

zu setzen. 

Reichlich Dampf aus dem 

Kessel nimmt dagegen in seiner 

Neueinspielung Daniele Gatti 

mit seinem Orchestre National 

de France. Dafür besitzt er zumindest 

jenes exquisite Gespür 

auch für das irisierend-impressionistische 

Kolorit, das 

Boulez in seiner Aufnahme 

von 1991 beherzigte (diese Einspielung 

gibt es in der 4 CD- 

Box „A History of Le sacre du 

printemps“). Last but not least 

meldet sich Simon Rattle nach 

Coolness durch eine Partitur, von 

der man nicht vermutet hätte, 

dass man in ihr noch so viele 

faszinierende Entdeckungen 

machen kann. 

Neu erschienen: 

Simon Rattle, Berliner Philharmoniker, 

EMI Classics 

Daniele Gatti, Orchestre 

National de France, Sony 

100th Anniversary Collection: 

Aufnahmen mit Stokowski, 

Strawinski, Boulez, Salonen u. a. 

(10 CDs), RCA/Sony 

Leonard Bernstein, New York 

Philharmonic, Sony 

A History of Le sacre du 

printemps: Aufnahmen von 

Boulez, Chailly, Gergiev u. a. 

(4 CDs), Decca/Universal 

Strawinski Conducts (2 CDs), 

Sony 


Einen Eindruck der Nijinski- 

Choreografie von 1913 vermittelt: 

Strawinski & Les Ballets Russe 

(DVD), Bel Air/harmonia mundi 

11 

MARIO 

BIONDI 

SUN 

Mario Biondi gilt als einer der charismatischsten Soul-Jazz-Sänger der Gegenwart. 

Mit seiner dunklen, rauchzarten Stimme spannt er den Bogen vom Broadway-Swing 

über R’n’B bis hin zu Soul und Blues. Für sein neues Album Sun hat 

er sich mit dem Star-Produzenten Jean-Paul „Bluey“ Maunick zusammengetan. 

Feat. Chaka Khan, Leon Ware, Incognito, Al Jarreau u.v.m. 

BOB JAMES 

& DAVID 

SANBORN 

QUARTETTE 

HUMAINE 

Nach 25 Jahren und ihrem legendären Album Double Vision, haben die Jazzgrößen 

und Grammy Gewinner Bob James und David Sanborn ihr zweites gemeinsames 

Album aufgenommen. Neben neuen Eigenkompositionen ist Quartette 

Humaine – mit Steve Gadd am Schlagzeug und Hames Genus am Bass – zugleich 

eine Reminiszenz an den kurz vor der Aufnahmesession verstorbenen Dave 

Brubeck und erinnert an den Sound des Brubeck Quartets mit Paul Desmond. 

www.sonymusicclassical.de

Blind gehört 

Folkert Uhde 

Vom Fernsehtechniker zum Festspielleiter. 

Was Uhde am besten kann: mit Ideen zur Tat 

schreiten. Von Arnt Cobbers 

Saxofon. Ist das eine Erfindung der Firma Universal? 

Ah, „Timeless“ – die Platte habe ich nie 

gehört. Einige Leute werden sich das wegen 

Philip Glass gekauft haben und wurden dann 

mit Merula konfrontiert. Das hat seine Berechtigung. 

Meist finde ich den Mix der 

Instrumentarien problematisch. Merula muss 

mitteltönig gespielt werden, mit sehr tiefen 

Terzen. Das funktioniert aber nicht bei Philip 

Glass, da braucht es enharmonische Verwechslungen. 

Ich finde, man verliert beim 

Kompromiss zu viel vom Kern dieser Musik. 

Reubke 

Der 94. Psalm 

Er war elf Jahre lang Manager und 

Dramaturg der Akademie für Alte 

Musik Berlin, war Partner einer 

Künstleragentur und gründete 2006 

gemeinsam mit Jochen Sandig das RADIAL- 

SYSTEM V, den innovativen Konzert- und 

Veranstaltungsort in Berlin. Aus dem Tagesgeschäft 

hat sich Folkert Uhde nun zurückgezogen, 

um sich ganz aufs Entwickeln 

und Umsetzen neuer Programme und 

Konzeptionen zu konzentrieren. Seit diesem 

Jahr ist der 48-Jährige, der zuerst Radio- und 

Fernsehtechniker gelernt und dann Musikwissenschaft 

und Barockgeige studiert hat, 

künstlerischer Leiter der Internationalen 

Orgelwoche Nürnberg. 

Purcell 

Dido und Aeneas 

Pudwell, Harvey, Le Concert Spirituel, 

Niquet; 2000, Glossa/Note 1 

Ich kann diese Ouvertüre nicht 

hören, ohne das von Sasha Waltz 

erfundene Wasserbecken in 

meinem Kopf zu sehen und das 

Plätschern des Wassers zu hören. Das war ja 

meine erste Zusammenarbeit mit Sasha Waltz 

und Jochen Sandig … Interpreten-Raten ist 

mein Hobby, aber von Purcell gibt es so unglaublich 

viele Aufnahmen. Erstaunlicherweise 

wird nur bei relativ wenigen 

Ensembles die Idee eines eigenen Stils, eines 

eigenen Klanges, eines eigenen Umgangs mit 

dem Repertoire erkennbar. (Wir hören in 

mehrere Sätze hinein.) Hier kann ich nichts 

Spezifisches identifizieren. Ich denke, es sind 

englische Musiker, die Sänger sind jedenfalls 

Muttersprachler … Eine gute Aufnahme muss 

mich klanglich anspringen, ich muss in den 

ersten fünf Sekunden gebannt sein. Sie muss 

eine Mischung von sehr gutem Raumklang, 

der zum Repertoire passt, und klanglicher 

Plastizität sein. Der Rest ist Geschmack. Das 

hier reißt mich nicht vom Hocker. Es ist, „wie 

12 

man das so macht“, es ist ok … 

Ich war so lange der Akademie für 

Alte Musik Berlin als Bratscher und 

Manager verbunden, das prägt schon sehr. 

Überraschenderweise gibt es inzwischen eine 

ganze Reihe Aufnahmen, die mir bekannt vorkommen, 

die aber nicht von der Akademie 

sind. Bestimmte Aufnahmen waren stilbildend, 

auch generell die Art und Weise, mit 

Musik umzugehen, da ist manches kaum vom 

Original zu unterscheiden. Ich habe schon eine 

sehr präzise Vorstellung von vielen Stücken, 

aber ich lasse mich auch gern überraschen. 

Was ich allerdings nicht ertragen kann, sind 

Intonationsschwächen, vor allem, wenn ich 

merke, die Musiker haben das Intonationssystem 

nicht begriffen. Es gibt eine unglaubliche 

Standardisierung in der Alten Musik, 

dabei gibt es aus meiner Sicht noch viele 

offene Fragen, gerade was die Besetzungen angeht. 

Es gibt Musiker, die sich damit im Detail 

auseinandersetzen, dass man eine Corelli- 

Sonate nicht auf der gleichen Geige mit den 

gleichen Saiten spielen sollte wie eine Bach- 

Sonate. Aber es gibt einen Mainstream, dass 

man zum Beispiel alles auf dem Stimmton 

415 Hz spielt, was historisch Unsinn ist. Man 

meint vieles zu wissen, was man aber doch 

nicht weiß … Das ist Hervé Niquet? Den schätze 

ich sehr für französisches Repertoire. Ich finde, 

es müsste französischer klingen. Interessant, 

dass die Franzosen es sehr „englisch“ spielen. 

Glass 

The Windcatcher/Merula: 

La Lusignola 

„Timeless“, Lautten Compagney; 2008, 

dhm/Sony 

Das eine ist italienisch, 17. Jahrhundert, 

aber das andere kenne 

ich nicht. Was spielt da überhaupt, 

ein Zink und ein Marimbafon? 

(wir hören in andere Stücke – im Wechsel 

Merula und Glass – hinein) Das ist doch ein 

Christoph Schoener an der Ladegast-Orgel, 

Schwerin; 1992, Mitra 

In Orgelmusik arbeite ich mich 

gerade intensiv ein, da kenne ich 

mich noch nicht gut aus – obwohl 

ich mit Orgelmusik groß geworden 

bin. Ich habe im Kirchenchor gesungen, 

und die Kantorin bei uns in Wilhelmshaven 

war eine herausragende Organistin und 

Improvisatorin. Die Internationale Orgelwoche 

Nürnberg ist ja längst ein Festival vor 

allem auch für geistliche Musik, der Orgelpart 

wird vom Orgelwettbewerb geprägt, der einen 

eigenen künstlerischen Leiter hat. Ist das 

Reubke? Ein tolles Stück. Und eine schöne 

Aufnahme, die spricht mich klanglich sofort 

an. Ich habe hobbymäßig in jungen Jahren 

viel Aufnahmeleitung gemacht und war 

später bei sehr vielen CD-Produktionen 

dabei, oft mit dem ehemaligen Cheftonmeister 

der VEB Deutsche Schallplatte, 

Eberhard Geiger. Der hat interpretatorisch 

viel Einfluss genommen, 

von ihm habe ich viel gelernt. 

Misirlou 

traditionell / Dick Dale, 

„Fiction“ 

Quatuor Ebène; 2009, 

Virgin Classics/EMI 

Das ist nett und hat 

seine Berechtigung, 

aber interessiert mich 

nicht. Auch zu Popsongs 

gehört ein bestimmter 

Klang. Wenn man sie für Streichquartett 

arrangiert, ist diese 

Aura, die manche Aufnahmen 

haben und die ich toll finde, 

verschwunden. Wenn Bands 

Klassik- und Jazzelemente in ihre Musik 

einweben und wenn da Neues entsteht, finde 

ich das interessant. Aber sogenanntes „Crossover“ 

finde ich fürchterlich. 

Foto: André Rival

A Worcester Ladymass 

Trio Mediaeval; 2010, ECM/Universal 

Das ist das Trio Mediaeval, kein 

anderes Ensemble hat diesen 

Klang. Es gibt viele a-cappella- 

Gruppen, die Beatles-Songs genauso 

singen wie Byrd-Motetten. Alles mit 

dem gleichen Klang, ohne Ecken und Kanten. 

Das finde ich furchtbar! Die Norwegerinnen 

singen unglaublich rein, es klingt wunderschön, 

aber es ist nicht 

glatt – diese Mischung 

finde ich 

fas zinierend … 

Natürlich verstehen 

wir den 

Kontext eines 

Folkert 

Uhde 

solchen Stückes aus dem 13. Jahrhundert, das 

ja Teil einer Messe war, nicht mehr. Mir liegt 

schon daran, zu zeigen, worum es in dieser 

Musik inhaltlich geht. Darum habe ich auch 

für das Festival 2013 ein Thema, einen Fokus 

gesetzt: den Begriff der Gnade. Aber auch 

wenn wir nicht wirklich verstehen, worum es 

in der Musik geht – ich glaube, man kann, 

wenn man einer Stunde dieser Musik zugehört 

hat, eine gewisse Kraft mitnehmen in 

sein Alltagsleben. Das fasziniert mich an 

dieser Musik. Und das wünsche ich mir 

generell von einem guten Konzert. Wir 

machen diese Musik in Nürnberg in der 

Frauenkirche, der Raum hat die nötige Aura. 

Ich möchte das gar nicht in einem modernen 

Konzertsaal hören. Diese wunderbaren 

Kirchenräume in Nürnberg zu bespielen, 

Korrespondenzen herzustellen zwischen der 

Musik und der Architektur und dadurch das 

Publikum stärker zu berühren, reizt mich sehr. 

Scelsi 

Tre canti sacri 

New London Chamber Choir, James Wood; 

1998, Accord/Universal 

Diese Musik fasziniert mich 

sehr. Die Tre canti sacri 

haben eine ganz eigene 

Aura durch diese eigenwillige 

Tonalität, und wenn das so 

gut gesungen wird wie hier, dann 

klingt es wie Glaskristall, so klar 

und plastisch und vielfältig. Das 

ist wahnsinnig schwer zu singen. 

Saugut! Und es ist nicht der 

RIAS Kammerchor, den würde 

ich erkennen … Früher war ich 

eine Art Alte-Musik-Nerd, 

aber inzwischen höre ich 

total unterschiedliche 

Sachen, auch viel Neue 

Musik. Ich bin immer 

weniger überzeugt von 

diesem Spartendenken. Ich 

mag keine reinen Alte- oder 

Neue-Musik-Festivals mehr. 

Ich finde, die Wirkung der 

einzelnen Stücke entfaltet sich 

viel mehr, wenn man sie 

kontrastiert – auf eine klangsinnliche 

Art und Weise. Ich finde es 

großartig, wenn es einen inhaltlichen 

roten Faden gibt, aber ein 

Konzert muss vor allem eine starke 

sinnliche Erfahrung sein. Eine Erfahrung, 

die hilft, den Alltag hinter sich 

zu lassen. 

Brillante 

hochauflösende 

Bilder und ein 

unvergleichlicher 

Sound garantieren 

echten Genuss 

großer klassischer 

Musik! 

UNSERE EMPFEHLUNG 

 

LERA AUERBACH 

THE LITTLE MERMAID 

John Neumeiers Ballett 

von der kleinen Meerjungfrau 

gewann 2012 

den ECHO ® Klassik. 

Mit dem San Francisco 

Ballet und Martin West. 

C MAJOR 708704 

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13 

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Grosse Momente der Musikgeschichte (36) 

Joseph Haydn zog als armer junger Mann für mehrere Jahre in eine Dachkammer 

des „großen Michaelerhauses“. Dieses wurde nach einem Brand von 

den Barnabiten als Zinshaus direkt neben der Michaelerkirche um 1720 erbaut. 

Pietro Metastasio hatte einen oberen Stock im Jahr 1735 bezogen und wohnte 

darin bis zu seinem Tod 1782. Auch eine Fürstin Eszterházy logierte dort, Nicola 

Porpora und auch die Familie Martines, deren Spross Marianna eine wunderbare 

Musikerin war, die von Haydn und Metastasio unterrichtet wurde. Warum 

sich Metastasio nicht für Haydn verwendete, ist nicht bekannt. 1751 gewann 

der beliebte und geachtete Theaterprinzipal Josef Felix Kurz, nach der von ihm 

stets verkörperten komischen Figur Bernardon genannt, Haydn für die Musik 

zu seinem Stück Der krumme Teufel. Er belohnte ihn dafür reichlich, wie der 

Haydn-Biograph Griesinger überliefert, dem wir auch die Anekdote über dessen 

mangelnde szenische Fantasie (oder vielleicht sein blankes Entsetzen über die 

Direktheit der sogenannten Theaterkunst) verdanken. 

14 

* Schlussmoral aus „Der krumme Teufel“

Max Reger 

Wertvoller „Mist“ 

2016 jährt sich der 100. Todestag von Max Reger. 

Bis dahin hat Bernhard Buttmann Regers Orgelwerk 

eingespielt und mit manchen Klischees 

aufgeräumt. Von Guido Fischer 

Foto: Dorothee Falke 

RONDO: Max Regers Orgelschaffen gehört 

zumindest für deutsche Organisten zum 

festen Repertoire-Pfeiler. Können Sie sich 

noch an Ihr erstes Reger-Erlebnis erinnern? 

Bernhard Buttmann: Als Jugendlicher hatte 

ich die Introduction & Passacaglia d-Moll 

WoO gehört und war sofort von dieser Musik 

fasziniert. Und mit 

diesem Stück, das nun 

ebenfalls auf der ersten 

Folge der Reger-Gesamtaufnahme 

zu hören ist, 

habe ich mich dann erstmals 

auch als Organist 

beschäftigt. Trotz seiner 

eigentlich kurzen Spieldauer 

offenbart es den 

ganzen, geballten Reger. 

Und im Gegensatz zu 

anderen Werken ist es 

zudem von einer leidlichen 

Spielbarkeit. 

Regers Bewunderung 

für Bach ist legendär – 

was ihm bisweilen den 

Ruf des neo-barocken 

Epigonen eingebracht 

„In 

seinen 

frühen 

Orgelwerken 

hat er 

hat … 

Es war der Reger-Freund Karl Straube, der 

schon früh darauf hingewiesen hat, dass die 

Beziehung Regers zu Bach nicht so eng war 

wie man heute annimmt. Natürlich war er 

bei Bach zutiefst beheimatet. Mein Ansatz ist 

aber ein ganz anderer. Ich versuche, Reger als 

ein Kind des späten 19. Jahrhunderts zu begreifen. 

Seine musikalische Herkunft ist von 

Beethoven, Schumann und nicht zuletzt von 

Brahms und auch von Wagner bestimmt. Und 

gerade in seinen frühen Orgel-Werken hat er 

sich enorm aus dem Fenster gelehnt, was die 

Harmonik angeht. 

Trotzdem hat Reger gerade seine Werke von 

op. 1 bis op. 20 einmal als „vollendeten Mist“ 

abgetan. 

sich harmonisch 

enorm aus dem 

Fenster gelehnt.“ 

Dementsprechend werden sie auch wahrgenommen. 

Ich habe etwa die Drei Stücke op. 

7 und die Suite e-Moll op. 16 erst durch das 

Reger-Projekt kennengelernt. Und ich habe 

festgestellt, dass es nichts Hartnäckigeres 

gibt als angelesene Vorurteile. Gerade die 

wunderbare e-Moll-Suite, die mit ihrer Spieldauer 

von rund 45 

Minuten natürlich 

Bernhard 

Buttmann 

ein unglaublich überspanntes 

Stück ist, 

war für mich eine 

große Entdeckung. 

Und dass das Präludium 

& Fuge 

C-Dur eine Bach- 

Kopie sein soll, gehört 

für mich ebenfalls 

zu den weiter 

geschriebenen Vorurteilen. 

Für mich hat 

die Fuge ganz starke 

Anklänge an die 

„Händel-Variationen“ 

von Brahms, die 

Reger nachweislich 

gespielt hat. 

Für die erste Folge Ihrer Gesamteinspie lung 

haben Sie gleich vier Orgeln ausgewählt … 

Ich wollte Instrumente der Reger-Zeit verwenden, 

aber auch neuere Instrumente, die 

die Reger´sche Klangvorstellung abbilden. 

In Wiesbaden, wo Reger die e-Moll-Suite 

komponiert hat, habe ich diese sowie das 

Opus 7 eingespielt. Und neben der wichtigen 

Reger-Stätte München mit ihrer in St. Rupert 

aufgebauten Maerz-Orgel durfte natürlich 

nicht die Weidener Kirche St. Michael fehlen, 

wo Reger Orgel gespielt hat – wenngleich an 

einem Instrument, das längst Geschichte ist. 

Neu erschienen: Reger: Das gesamte Orgelwerk 

Vol. 1 (4 CDs), Oehms Classics/Naxos 


15

Operettenhauptstadt: 

An der Komischen 

Oper wird das Genre 

vom Tüll befreit 

Musiktheater 

Operette sich wer kann! 

Borstig, kitzlig und verpönt: Die Operette, lustigste Abart 

der Oper, kehrt zurück. Von Robert Fraunholzer 

Auf „Lara’s Theme“, das 

berühmte Hauptthema 

in „Doktor Schiwago“, 

kam der Operettenkomponist 

Robert Stolz in seinen 

Memoiren zu sprechen: „Ich will 

keineswegs unterstellen“, so Stolz, 

„dass jemand mir das Thema gestohlen 

hat – aber um alle Zweifel 

zu zerstreuen, muss ich doch 

sagen, dass ich es gut vierzig 

Jahre, bevor Doktor Schiwago entstand, 

geschrieben habe.“ Und 

zwar in Gestalt des Liedes „Vater 

Strauß, schau runter und hör’ den 

Applaus“. Die Ähnlichkeiten zu 

Maurice Jarres „Lara“-Thema sind 

tatsächlich frappant. Robert Stolz 

nahm’s, wie es seiner Zunft gebührt: 

mit Humor. 

16 

Die Operette, eine stark vom 

Aussterben bedrohte Spezies, 

ist die wohl am meisten ausgeweidete, 

verlachte und vertriebene 

Gattung des Musiktheaters. 

Sie konnte sich nie 

wehren, weil sie ja zum Lachen 

auf die Welt gekommen war. Sie 

enthält einige der triftigsten 

philosophischen Wahrheiten 

der Musikgeschichte: „Ganz 

ohne Weiber geht die Chose 

nicht“ oder auch: „Glücklich ist, 

wer vergisst, was nicht mehr zu 

ändern ist“. Sie wollte immer nur 

amüsieren, leicht sein und Spaß 

machen. Und hat dabei, nebenbei 

gesagt, den Verhältnissen 

dreist auf der Nase herumgetanzt 

und ins Gesicht gespuckt. Aber 

ernst nehmen, das durfte sich die 

Operette selber nicht. 

So wurde sie vom Zeitgeist 

übel untergebuttert. Am 

schlimmsten dort, wo man ihr zu 

schmeicheln behauptete. In den 

60er und 70er Jahren zum Beispiel, 

als man der Operette mit Haarspray, 

gerüschten Abendfummeln 

und Anneliese Rothenberger ein 

zeitgemäßes Fernseh-Image verpassen 

wollte. Oder noch früher, 

in den 50ern, als Rudolf Schock 

den Witz mit Pomade festzukleben 

verstand. Das war alles 

gut gemeint – und zuweilen sogar 

wirklich gut (z.B. in „Zigeunerliebe“ 

mit Schock oder im „Walzertraum“ 

mit Rothenberger). Aber 

den Sinn der Operette, der immer 

borstig und kitzlig und pieksend 

war, traf es nicht. 

Wer erfahren will, was 

Operette will, höre die legendäre 

Fritzi Massary mit „Warum soll 

eine Frau kein Verhältnis haben“ 

(aus Oscar Straus’ „Eine Frau, die 

weiß was sie will“). Oder Richard 

Tauber, wenn er „Das Leben 

durchs Champagnerglas betrachtet“ 

(„Zwei Märchenaugen“ 

aus der „Zirkusprinzessin“ von 

Emmerich Kálmán). Und Alt- 

Legenden wie Jan Kiepura, Vera 

Schwarz und Peter Anders. Ihre 

Hits sagten dem kategorischen 

Imperativ des Spießbürgertums 

den Kampf an. Sie waren die Apotheose 

eines neuen Bürgertums 

aus dem Geiste der Unbürgerlichkeit. 

Unspießig, frivol und 

alles andere als philiströs. Diese 

Tradition ist verlorengegangen, 

leider. Der Grund ist nicht einmal 

komisch. 

Die Nazis waren Schuld. Das 

laszive Treiben besonders der 

„silbernen“ Operette (also alles 

nach Strauß, Suppé, Millöcker 

und Zeller) war ihnen – obwohl 

sonst so unterhaltungsversessen 

– suspekt. Zwar galt die 

„Lustige Witwe“ als Hitlers Lieblingswerk. 

Doch schon deren 

Komponist Franz Lehár konnte 

seine jüdische Frau nur mit 

knapper Not vor dem Zugriff der 

Foto: Iko Freese/drama-berlin, Anja Frers

v 

v 

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v 

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Gestapo schützen. Alle maßgeblichen 

Operetten-Stars mussten 

emigrieren. Die Librettisten Fritz 

Löhner-Beda („Das Land des 

Lächelns“) und Fritz Grünbaum 

(„Die Dollarprinzessin“) wurden 

im KZ ermordet. Unliebsame 

Werke wie Ralph Benatzkys „Im 

weißen Rössl“ oder Kálmáns „Die 

Csárdásfürstin“ tauschte man 

gegen arische Ersatzwerke aus 

(gegen Fred Raymonds biedere 

„Saison in Salzburg“ und Nico 

Dostals „Ungarische Hochzeit“). 

Auf dem Kamm der bundesdeutschen 

Fett- und Wohlstandswelle 

rutschte die Operette 

danach in den Kartoffelkeller. 

Selbst an Operetten-Orten wie 

Mörbisch, Baden (bei Wien) oder 

an der Staatsoperette Dresden befreite 

sie sich nie mehr vom Ruch 

einer gewissen Ranzigkeit. 

Bis jetzt. Christian Thiele- 

mann setzt in letzter Zeit wieder 

Das gesamte 

stark auf Orgelwerk das Vol. 1 Genre. Auch an 

Frühe Werke 

Berlins Max Komischer Reger Oper plant 

Bernhard Buttmann, Orgel 

Barrie Kosky eine Wiederauferstehung. 

Und mit Tenor Piotr 

Beczała nimmt es jetzt erstmals 

jemand mit einem Vorgänger auf, 

CD 1 

CD 2 

CD 3 

CD 4 

Walcker-Sauer- 

Maerz-Orgel, 

Max-Reger-Orgel, Steinmeyer-Orgel, 

gegen Oberlinger-Orgel den St. Rupert, man München eigentlich St. Michael, Weiden St. Blasius nicht in Weiler 

der Evangelischen & Max-Reger-Orgel, in der Oberpfalz 

im Allgäu & Maerz- 

Marktkirche 

St. Michael, Weiden 

Orgel, St. Rupert, 

zu Wiesbaden 

der Oberpfalz 

München 

gewinnen kann: Richard Tauber. 

4 CDs | OC 851 

Lustiger Heldenmut! Muss j 2012 OehmsClassics belohnt 

werden. 

i 2013 

Musikproduktion GmbH 

in Co-Production with 

Bayerischer Rundfunk 

OehmsClassics 

4 260034 868519 

Neu erschienen: Piotr Beczała 

– Mein ganzes Herz (Richard 

Taubers größte Erfolge), DG/Universal 


Die nächsten Termine 

von Piotr Beczała: 

26./30.05./ 

09.07. 

21./25./ 

28.06. 

Was macht Operette so 

schwierig? 

v 

Musikproduktion GmbH 

All logos and trademarks 

are protected 

Made in Germany 

www.oehmsclassics.de 

München, Staatsoper 

„La traviata“ 

Wien, Staatsoper 

„Romeo et Juliette“ 

4 CDs | OC 851 

Das gesamte 

Orgelwerk Vol. 1 

Max Reger 

Orgelwerk 

Max 

Reger 

Das 

gesamte 

Vol. 1 

Bernhard 

Buttmann 

Max Reger zum 

hundertsten Todestag: das 

Bernhard Buttmann 

Das gesamte 

Orgelwerk Vol. 1 CD 1 

Max Reger 


v 

Das gesamte 


Max Reger 


Gesamtwerk 

für Orgel 

Ausführliches, 56seitiges 

Booklet mit Beiträgen in 

deutsch und englisch 

Das gesamte 


Max Reger 


Das gesamte 

Orgelwerk Vol. 1 

Max Reger 


Das gesamte 


Max Reger 


v 

Fragen an den Tenor Piotr Beczała 

Herr Beczała, auf Ihrer Tauber-CD singen Sie sogar im Duett mit 

Ihrem Idol. Ist er Ihnen so wichtig? 

Ja, Richard Taubers extreme Ausdrucksmittel machten ihn zu einem 

Pop-Star seiner Zeit. Die Schluchzer hat man ihm ebenso wenig zum 

Vorwurf gemacht wie Michael Jackson sein Fisteln. Tauber war einfach 

einmalig – und extrem. 

Warum ist Operette generell so schwer? 

Weil die Bandbreite der Dynamik und der Stimmungen größer ist als bei 

der Oper. Viele Tenöre haben Schwierigkeiten mit der Flexibilität in den 

Duetten und mit dem Wechsel zur Sprechstimme. Außerdem muss die 

Besetzung auf höchstem Niveau sein, sonst fliegt die Sache auf. 

Zu Taubers Spezialität gehörten Schluchzer und Tränen-Drücker. 

Sind die heute noch erlaubt? 

Tränen gehören zu Ausdrucksmitteln, auf die kein Tenor verzichten 

sollte. Wenn man sie nur richtig anwendet! Es darf nicht in Jammerei 

ausarten. Und eine Schluchz-Attacke auf dem ersten Ton 

wäre auch verfehlt. In dieser Hinsicht hat gewiss Fritz 

Wunderlich vorbildlich geschmackssicher gesungen. 

Auf der Bühne haben Sie kaum Gelegenheit, 

Piotr 

Operette zu singen, oder? 

Beczała 

Ich habe meine Karriere in Linz mit Auftritten 

im „Vogelhändler“, in der „Fledermaus“ und in 

„Lustige Witwe“ begonnen. Auch in Zürich war es 

noch gute Sitte, jede Spielzeit eine Operette anzusetzen. 

Heute ist das schwieriger. Als wir in Dresden mit 

Christian Thielemann Kálmán aufgeführt haben, habe ich wieder bemerkt, 

wie ernst man die Operette nehmen muss, damit es lustig wird. 

Sind Ihnen Operetten-Erfahrungen in der Oper von Nutzen? 

Ganz gewiss. Man lernt, wie man eine einfache Melodie zum Blühen 

bringt. Ich singe besser Oper, wenn ich vorher Operette gesungen habe. 

 

KLK 

17 

Ein ambitioniertes Projekt 

unter der Schirmherrschaft 

von Staatsminister 

Wolfgang Heubisch: 

Max Reger: 

Gesamtwerk für Orgel 

Vol. 1: Frühe Werke 

Bernhard Buttmann, Orgel 

4 CDs · OC 851 

www.oehmsclassics.de 

Im Jahr 2016 jährt sich zum 

hundertsten Mal der Tod 

des 1873 in der Oberpfalz 

geborenen Komponisten, 

Organisten und Pianisten 

Max Reger. Aus diesem 

Anlass spielt Bernhard 

Buttmann in Kooperation 

mit dem Bayerischen 

Rundfunk bis 2016 das 

gesamte Orgelwerk von 

Max Reger auf CD ein. 

OehmsClassics bringt 

insgesamt vier luxuriöse 

Boxen mit jeweils 4 CDs 

heraus. 

v

David Bates 

Niemand ist eine Insel 

David 

Bates 

In Großbritannien ist die Alte-Musik-Szene 

bekanntlich so alt ist wie die Alte Musik 

selbst – schließlich führte man hier schon im 

Barock Werke vergangener Epochen auf. Doch 

ebenso groß wie die Tradition ist inzwischen 

auch die Verführung, sich auf den Lorbeeren 

der historischen Aufführungspraxis auszuruhen. 

Denn während etwa die alte Tradition 

des englischen Kathedralgesangs half, die 

romantische Aufführungspraxis zu hinterfragen, 

so ist sie andererseits nicht immer hilfreich, 

wenn es beispielsweise darum geht, die 

Emotionalität des aus Italien kommenden 

barocken Belcanto zu erfassen. 

Als David Bates vor fünf Jahren das 

Ensemble „La Nuova Musica“ gründete, nahm 

er sich daher vor, es sich nicht einfach auf 

der Insel bequem zu machen. „In den letzten 

zehn Jahren hat sich auf dem Kontinent viel 

bewegt“, sagt Bates, „und ich habe das Gefühl, 

dass manche Ensembles ein bisschen 

den Anschluss verpassen.“ Es sei daher gut, 

sich an die multinationalen Einflüsse zu erinnern, 

welche das britische Musikleben 

im 17. und 18. Jahrhundert geformt hätten: 

„Wie die Elstern“ seien die Briten damals gewesen: 

„Wir haben uns das Beste aus den verschiedenen 

Nationen zusammengepickt und 

in unser Nest getragen“. Genau das tat David 

Bates auch – und bringt mit dem europäisch 

zusammengesetzten Ensemble La Nuova 

Musica frischen Wind in die Szene: Einerseits 

frönt das Ensemble mit Klarheit, Präzision 

und dem Verzicht auf vordergründige Effekthascherei 

sehr wohl traditionellen britischen 

Tugenden. Ungewöhnlich ist dagegen die Entschiedenheit, 

mit der Bates und seine Musiker 

die rhetorische Bildhaftigkeit, die Emotionalität 

und die dramatische Seite der Musik des 

Barock und der Renaissance zulassen und 

dabei auch die einzelne Sängerpersönlichkeit 

wieder stärker ins Zentrum rücken. Dass Bates, 

der seine Karriere als Countertenor begann, 

mit Sängern von Lucy Crowe bis hin zu Tim 

Meads eine ganze neue, junge Generation von 

„barocken Belcantisten“ um sich versammeln 

konnte, spricht dafür, dass womöglich eine 

neue wichtige Aufführungstradition aus 

seinem Elsternest entstehen könnte. 

Neu erschienen: Händel, Vivaldi: Dixit 

Dominus (mit Lucy Crowe, La Nuova Musica), 

harmonia mundi 


Dobrinka Tabakova 

Vergangenheit mit Folgen 

Seit ihrem elften Lebensjahr lebt 

die Bulgarin Dobrinka Tabakova 

in London. Also mittlerweile zwei 

Drittel ihres Lebens. Und in dieser 

Zeit hat die heute 33-Jährige 

nicht nur an den renommierten 

Musik-Colleges Komposition, Klavier 

und das Dirigentenhandwerk 

studiert. Den letzten Feinschliff 

bekam sie in Meisterklassen 

selbst von den radikalen 

An tipoden John Adams und Iannis 

Xenakis. Die musikalisch westliche 

Sozialisation hört man dementsprechend 

Tabakovas äußerst 

umfangreichem und mit Preisen 

ausgezeichnetem Werkkatalog 

mehr als nur vordergründig an. 

Aufge peitscht von minimalistischem 

Furor zieht etwa der Solist 

in ihrem Cellokonzert seine Bahnen. 

Und auch das Streichersep tett 

„Such Different Paths“ entwickelt 

über rhythmisches Dauerpulsieren 

einen geheimnisvollen Sog. 

18 

Schon diese beiden Stücke 

deuten an, dass hier eine zeitgenössische 

Komponistin nicht 

mit dem Kopf durch die Neue 

Musik-Mauer will, sondern wachrüttelnde 

Energien auch aus 

tonalen Reibungen zu erzeugen 

versteht. „Meiner Meinung nach 

kann jeder Komponist etwas Neues 

schaffen, wenn er sich Vertrautem 

einfach aus einem anderen Blickwinkel 

nähert.“ Dieser Satz sagt 

einiges über Tabakovas unverkrampftes 

Verständnis von 

aktueller Musik aus. Und damit ist 

sie nicht zuletzt bei Gidon Kremer 

auf offene Ohren gestoßen, der 

die Komponistin etwa bei seinem 

Lockenhaus-Festival protegiert 

hat. Dort hörte auch der Gründer 

des ECM-Labels, Manfred Eicher, 

ihre neoklassizistische „Suite In 

Old Style“ und fasste daraufhin den 

Plan, Tabakova eine Porträt-CD zu 

widmen. 

Nun ist sie erschienen: Die 

allesamt weltersteingespielten 

Stücke stammen aus dem Zeitraum 

2002-2008. Und bereits zu 

Beginn wird einem bei dem tiefmelancholischen 

Streichtrio 

„Insight“ klar, warum Dobrinka 

Tabakova von den Schnittke- und 

Kancheli-Fans Kremer und Eicher 

in ihren Seelenverwandtenkreis 

aufgenommen worden ist. Denn 

wenngleich sie seit 22 Jahren in 

London zuhause ist, ist ihre osteuropäische 

Herkunft unüberhörbar 

geblieben. Und so sind es 

diese archaische Askese sowie 

meditative Strenge, die das 

eigentlich faszinierende Herz- 

Rhythmus-System von Tabakovas 

Musik bilden. Guido Fischer 

Neu erschienen: 


String Paths (Rysanov, 

Jansen, Lithuanian 

Chamber Orchestra u. a.), 

ECM/Universal 

Dobrinka 

Tabakova

Blitzsaubere 

Klangwerkstatt: 

German 

Hornsound 

10 Jahre Genuin 

Aus zwei mach neun 

Foto: Graeme Robertson, Sussie Ahlburg /ECM Records 

Einen runden Geburtstag feiert 

man üblicherweise ein bisschen 

größer und üppiger. Statt 

Asti Spumante darf es dann 

schon mal Champagner sein, 

statt Mettschnittchen reicht man 

eher Lachscanapés. Das Label 

Genuin in Leipzig allerdings setzt 

seinen Gästen und Gratulanten 

zum Zehnjährigen ein ganz besonderes 

Menü vor: ein dreigängiges 

Opernfragment als Verneigung 

vor den beiden anderen 

großen Jubilaren des Jahres 2013. 

„Siegfried und Violetta“ ist 

nicht nur eine liebevolle Hommage 

an Richard Wagner und Giuseppe 

Verdi, es ist auch das letzte große 

Projekt des im vergangenen 

September verstorbenen Herbert 

Rosendorfer, an dessen Sprachraffinesse 

sich auch RONDO-Leser 

immer wieder erfreuen durften. 

Zusammen mit seinem Studienfreund 

Karl Dietrich Gräwe verfasste 

Rosendorfer ein Libretto 

um drei fiktive Zusammentreffen 

der Komponisten im Caffè Florian 

in Venedig, angereichert mit 

sehr geschickt für Hornquartett 

arrangierter und von diesem 

virtuos dargebrachter Musik der 

beiden Maestri. 

Doch wer sind eigentlich die 

Herrschaften, die an ihrer Geburtstagstafel 

andere hochleben 

lassen? Holger Busse und 

Alfredo Lasheras Hakobian 

heißen die beiden Tonmeister, 

die nach ihrem Studium in 

Detmold beschlossen, sich beruflich 

auf eigene Beine zu stellen, 

und so 1998 die Genuin Musikproduktion 

gründeten. Nachdem 

sie sich fünf Jahre auf Aufnahmen 

und Produktionen für andere beschränkten, 

entschlossen sie sich 

2003, ein eigenes Label ins Leben 

zu rufen. Eine angesichts der 

damaligen Marktsituation mehr 

als mutige Entscheidung. Doch 

eine, die sich ausgezahlt hat. 

2005 übersiedelte man nach 

Leipzig, im Jahr darauf stieß mit 

Michael Silberhorn ein weiterer 

Tonmeister als dritter Geschäftsführer 

dazu. Mittlerweile ernährt 

Genuin zusätzlich zur 

Füh rungstrias noch sechs Mitarbeiter. 

Eine Erfolgsgeschichte, 

zweifellos. Was sich auch am 

Labelkatalog ablesen lässt: Schon 

250 Aufnahmen finden sich 

darin, mit klassischer Musik aus 

allen Epochen und in allen Besetzungen. 

Man darf schon jetzt 

gespannt sein, wie die Tafel 

für die Feierlichkeiten zum 

20. Geburtstag bereitet wird. 

 

Michael Blümke 

Neu erschienen: Siegfried und 

Violetta, oder: List, Last, Lust 

und Lunge (Opernfragment für 

vier Hörner und Sprecher, mit 

german hornsound, Karl Dietrich 

Gräwe), Genuin/Note 1 


19

erzbischof persönlich widmet. Denn dieser ist 

ein glühender Verehrer der Rosenkranzandacht 

und darüber hinaus auch ein Gründer der 

frommen „Rosenkranzbruderschaft. Virtuose 

Musik also, mit den besten Empfehlungen. 

Hörtest 

Biber: „Rosenkranzsonaten“ 

Verstimmt, in Gottes Namen: 15 Sonaten 

und eine Passacaglia bilden das wohl größte 

Kompendium des Violinspiels vor Bach. 

Von Carsten Hinrichs 

Es kommt zu einem von langer Hand 

vorbereiteten Skandal: statt in die 

heimatliche Residenz Kremsier 

zurückzukehren, begibt sich der 

Olmützer Kapellmeister Biber, gerade auf der 

Rückreise vom Besuch beim Tiroler Geigenbauer 

Jakob Stainer, direkt nach Salzburg und 

nimmt dort den Dienst auf. Der Olmützer Erzbischof 

kocht vor Wut. Und Bibers Aufstieg 

am Hof des Salzburger Fürsterzbischofs Max 

Gandolf Graf Khuenburg gelingt in beein- 

20 

druckender Geschwindigkeit – hier weiß einer, 

wo er hinwill: ganz nach oben. 1684 sticht er 

seinen schärfsten Konkurrenten Georg Muffat 

aus, und der ehemalige Nobody wird Hofkapellmeister. 

Sogar seine Kammermusik scheint Biber 

im Kampf um das höchste musikalische Amt 

des Erzstifts eingesetzt zu haben. 1676 entsteht 

eine maßgeschneiderte Sammlung (später 

unter dem Namen „Mysterien-„ oder „Rosenkranzsonaten“ 

bekannt), die Biber dem Fürst- 

Himmelfahrtskommando für 

Violine 

Die 15 Mysterien aus dem Leben der Jungfrau 

Maria, die zusammen den Rosenkranz bilden, 

finden sich auch als kleine Kupferstiche zu 

Anfang eines jeden Werkes im Manuskript – 

von Mariä Verkündigung bis zur Krönung als 

Himmelskönigin. Widmung und Vignetten 

weisen die Sammlung als eine Art Meditationsmusik 

für die fürsterzbischöfliche Privatandacht 

aus. Spieltechnisch handelt es sich hingegen 

um ein echtes Himmelfahrtskommando: 

Biber zeigt seine Meisterschaft in allem, was 

die süddeutsche und norditalienische Violinschule 

seiner Zeit an Virtuosität aufbringen. 

Dazu gehört Drei- und Vierstimmigkeit auf 

einem einzigen Instrument und Spiel bis 

hinauf in die siebte Lage, außerdem setzt er 

seinem Können mit einem relativ neuen Verfahren 

ein klingendes Denkmal, der Skordatur, 

dem bewussten Umstimmen der Saiten. Auch 

dies eine versteckte Visitenkarte, – denn wer 

außer Biber selbst hätte die Werke dem Fürsterzbischof 

vorspielen können? 

Inwieweit sich die „15 Mysterien“ auch 

programmatisch in der Musik abbilden, lässt 

sich nicht mehr restlos klären. Aus der ersten 

Sonate („Verkündigung“) meint man das 

Rauschen der Engelsflügel Gabriels herauszuhören. 

In der sechsten Sonate („Christus am 

Ölberg“) bringt Biber das Leiden Christi durch 

einen Lamento-Bass zum Ausdruck, also eine 

absteigende Basslinie. Unzweifelhaft deuten 

harte Akkordschläge und die rollenden Bewegungen 

der zehnten Sonate („Kreuzigung“) 

auf das Einschlagen der Nägel und das Erdbeben 

nach Jesu’ Tod hin. Höhepunkt der 

Sammlung ist aber die Passacaglia für unbegleitete 

Violine, die am Schluss dieses 

Oratoriums ohne Sänger steht. Ihre 65 Wiederholungen 

bieten der Violine abschließend 

noch einmal Gelegenheit, sich solistisch 

konzentriert darzustellen. Wie notierte Improvisation 

wächst der tastend langsame 

Beginn über sich hinaus, schießt auf zu 

Läufen, gebrochenen Akkorden, einer durch 

Doppelgriffe erzeugten Mehrstimmigkeit. 

Wie stets bei Barockmusik unterscheiden 

sich die vorgestellten Aufnahmen nicht nur 

durch die Virtuosität der Solisten, sondern 

auch durch viele Entscheidungen bis hin zur 

Besetzung des Continuo. Dürfen (und können) 

sich die Mitspieler improvisatorisch im 

Vordergrund sehen lassen? Und welche Klangästhetik 

verfolgt der Violinist – vibratoarmes 

Spiel oder romantische Klangsinnlichkeit? 

Um gleich auf den letzten Punkt einzugehen: 

John Holloway ist ein Violinist,

Die Novizin und die Oberin 

Die Spitze teilen sich eine Altmeisterin und 

ein Geheimtipp. Monica Huggett verleiht mit 

ihrem Instrument dem Kosmos dieser Sonaten 

einen souveränen, großen Atem. Ihre Spezialidessen 

nur von Violoncello und Laute gestütztes, 

angriffslustiges, raues Spiel zu einem karrie 

rebewussten Kapellmeister gut passen 

würde. Zu hören gibt es keine edle Klangrede, 

sondern eine Gardinenpredigt. Die Schläge 

der Kreuzigung kann man körperlich mit vollziehen. 

Gestalterisch und technisch prä sentiert 

er sich souverän, was der Einspielung für lange 

Zeit Referenzstatus gab. Aber inzwischen ist 

nicht mehr nachvollziehbar, warum lange 

Noten so hohl und metallisch nachgezogen 

werden. Das verpasst Sonate Nr. II „Mariä 

Heimsuchung“ eine ganz neue Bedeutung. 

Dazu kommt ein unangenehm halliger Raumklang. 

Auch Altmeisterin Marianne Rônez 

neigt leider dazu, da nutzt es gar nichts, dass 

sie sich für ihre Einspielung gleich sieben 

historische Geigen zurechtlegt. Begleitet wird 

sie von der klassischen Dreifaltigkeit aus 

Gambe, Theorbe und Truhenorgel. 

Andrew Manze beginnt sein Werk schon 

deutlich wärmer im Klang. Dickes Plus: Als 

einziger hat er den großzügigen Platz einer 

zweiten CD genutzt für eine kurze Erläuterung 

der Skordatur mit Klangbeispielen (auf 

Englisch). Allerdings neigt er in Doppelgriffen 

zuweilen zu unschönem Nachbalancieren. 

Richard Egarr – nicht Groupie, sondern Partner 

– beschränkt die Begleitung auf Cembalo oder 

Truhenorgel. Diese konzentrierte Aufnahme 

fände auch bei Calvinisten Applaus. 

Aber wir sind ja im Salzburg des Hochbarock, 

es darf also ein bißchen mehr sein! 

Auch Annegret Siedel spielt im neusten Beitrag 

zum Werk gleich auf acht verschiedenen 

Violinen, die sehr ansprechend dem Charakter 

der Sonaten entgegenkommen, von eher 

schlank-fahl bis golden. Dennoch erwächst der 

Eindruck, dass Siedel lieber Kammermusikerin 

ist als mit virtuosen Ellbogen hantiert. Bei der 

leichtfüßigen Allamanda der „Auffindung im 

Tempel“ schnauft sie zudem wie ein Küster, 

statt sich in federndem Tanzschritt zu wiegen. 

Insgesamt eine passable, aufnahmetechnisch 

sauber eingefangene Einspielung, und auch 

als CD sehr liebevoll gestaltet: ihr liegt ein Faksimile 

vom Handzettel der Rosenkranzbruderschaft 

mit den Vignetten bei. 

Für seinen Wurf hat sich Daniel Sepec 

auf drei Stainer-Geigen beschränkt, aber 

die haben Profil. Dass er sich außerdem 

Kollegen wie Hille Perl, Lee Santana und 

Michael Behringer an die Seite holt, lässt 

improvisatorischen Schlagabtausch erwarten. 

Und man wird nicht enttäuscht. Das 

geht soweit, dass Santana das alpenländische 

Glockenecho des Ostermorgens mit ein paar 

countryartigen Vorhalten nach Texas verlegt. 

Sicher Geschmackssache, aber eine lebendige 

und zündende Gruppenleistung. 

Von Walter Reiter werden die wenigsten 

bisher gelesen haben, gehört haben sie 

ihn sicher. Der Violinist war Konzertmeister 

der großen Barockorchester unter 

Christie, McCreesh, Robert King und Harry 

Christophers. Sein geradliniges, vibratoarmes 

Spiel ist zugleich leicht und doch selbstbewusst 

geführt; sein Ton, dabei niemals 

verhungert, scheint silbern zu leuchten. 

Das Ensemble Cordaria (am Cembalo 

Timothy Roberts!), wartet mit dem größten 

Instrumentarium auf, nutzt dieses aber zur 

milden Farbigkeit von Kirchenfenstern, nicht 

zu greller Effekthascherei. Dem Spiel entspricht 

die Aufnahmetechnik: bestes Klangbild, 

nah und scharf gezeichnet, dabei 

warm und mit sympathischem, eben nicht 

hallendem Raumeindruck. 

tät sind die trotz rasantem Tempo niemals 

rauen Läufe, dazu kommt ihre geschmackvolle, 

gestische-federnde Phrasierung. Das Continuo 

ist zusätzlich mit exotischeren Farben wie 

Lirone, Barockgitarre und Harfe pikant-weltlich 

abgeschmeckt, doch die Violine bleibt der 

Star. Ein gegensätzliches Konzept prägt die 

Aufnahme von Alice Piérot: Vom ersten Ton an 

spielt das Continuo hier – und nur hier! – auf 

Augenhöhe mit der Solistin. Dabei muss sich 

der feine Violinklang Piérots keineswegs verstecken, 

am allerwenigsten vor technischen 

Klippen. So webt man gemeinsam vor ganz 

leichtem Hall und wie improvisiert einen 

kostbaren Teppich aus Saiteninstrumenten. 

Atemberaubend! 

Zu fürstlicher Andacht: Alice Piérot/Les 

Veilleurs de nuit – 2002, 2CDs, alpha/Note 1 

Monica Huggett/Ensemble Sonnerie – 2004, 

2CDs, Gaudeamus/Naxos 

Auf die Kirchenbank: Walter Reiter/ 

Cordaria – 2000 (VÖ 2007), 2CDs, Signum/ 

Note 1 

Andrew Manze (mit Egarr, McGillivray) – 

2004, 2CDs, harmonia mundi 

Daniel Sepec (mit Perl, Santana, Behringer) 

– 2010, 2SACDs, Coviello/Note 1 

Siedel, Annegret/ Bell’arte Salzburg – 2013, 

Berlin Classics/Edel 

Ab in den Beichtstuhl: John Holloway (mit 

Moroney, Stubbs) – 1989, 2CDs, Virgin/EMI 

Marianne Rônez (mit Jochem, Freimuth, 

Kubitschek) – 1998, 2CDs, Winter&Winter/ 

Edel 

mozart@augsburg 31.8. – 14.9.2013: Weltklasse in 10 Konzerten 

Künstlerische Leitung: Sebastian Knauer 

Mozart Eröffnungsgala 

Wiener Concert Verein, Philippe Entremont (Leitung) 

Sophia Brommer (Sopran) | | Martina Gedeck (Rezitation) 

Sebastian Knauer (Klavier) 

Samstag, 31.8.2013 | | 19.00 Uhr | | Ev. St. Ulrichkirche 

Emerson meets Beaux Arts 

Emerson String Quartet & Menahem Pressler (Klavier) 

Sonntag 1.9.2013 | | 17.00 Uhr | | Ev. St. Ulrichkirche 

Meisterpianisten 

András Schiff (Klavier) 

Dienstag, 3.9.2013 | | 20.00 Uhr | | Kleiner Goldener Saal 

Nur noch Restkarten 

Chamber Music Society of Lincoln Center New York 

Benjamin Beilmann (Violine) | | Paul Neubauer (Viola) 

David Finckel (Cello) | | Wu Han (Klavier) | | Sebastian Knauer (Klavier) 

Donnerstag, 5.9.2013 | | 20.00 Uhr | | Herrenhaus Bannacker 

Perlen der Kammermusik 

Mozart UNPLUGGED 

Christian Tetzlaff (Violine) | | Tanja Tetzlaff (Violoncello) | | Lars Vogt (Klavier) 

Klaus Maria Brandauer (Rezitation) | | Daniel Hope (Violine) | | Sebastian Knauer (Klavier) 

Freitag, 6.9.2013 | | 20.00 Uhr | | Kleiner Goldener Saal 

Samstag, 14.9.2013 | | 20.00 Uhr | | Ev. St. Ulrichkirche 


Grosse Streichquartette 

Artemis Quartett 

Samstag, 7.9.2013 | | 20.00 Uhr | | Mozartkirche Biberbach 

In einem Weltmeer von Harmonie 

Hannelore Elsner (Rezitation) | | Sebastian Knauer (Klavier) 

Sonntag, 8.9.2013 | | Picknick ab 14.00 Uhr | | Konzert 17.00 Uhr 

Zedernsaal Fuggerschloss Kirchheim 

Concertos 

Zürcher Kammerorchester 

Daniel Hope (Violine) | | Sebastian Knauer (Klavier) 

Mittwoch, 11.9.2013 | | 19.00 Uhr | | Ev. St. Ulrichkirche 

Thomaskantor & Götterliebling 

Jan Vogler (Cello) | | Sebastian Knauer (Klavier) 

Solisten der Bayerischen Kammerphilharmonie 

Freitag, 13.9.2013 | | 20.00 Uhr | | Galerie Noah im Glaspalast 


Jetzt Tickets sichern! Alle Infos unter www.mozartaugsburg.com 

Kartenvorverkauf: EVENTIM-Vorverkaufsstellen oder unter: 01805/570 00 70 01* 

* Kosten Festnetz: 0,14 Euro pro Minute, Kosten Mobilnetze: max. 0,42 Euro pro Minute 

KV 2013 

21 

Beatrice Schmucker | www.redhood.de

Bobby 

McFerrin 


Glaubensbekenntnis 

Das neue Album der Ikone des Jazz-Gesangs ist eine 

Rückkehr zu den Wurzeln: ein Werkgespräch. 

Von Thomas Fitterling 

Ein altersbedingtes Home - 

coming? Na ja!“, meint 

der 63-jährige Bobby 

Mc Ferrin zu seinem 

neuen Album. Schon seit den 

mittleren 80er Jahren habe er vorgehabt, 

eine CD mit Spirituals einzuspielen. 

Aber erst jetzt habe 

sich das konkretisiert, als er beschlossen 

habe, sich an dem 

legendären Spiritual-Album Deep 

River seines Vaters von 1957 zu 

orientieren. Dazu muss man 

wissen, dass Robert McFerrin 

sen. der erste afroamerikanische 

Sänger war, der an der New 

Yorker Met ein Festengagement 

hatte. Als Aufnahmen eines 

schwarzen klassischen Sängers 

mit klassischer Klavierbegleitung 

hatte seine LP damals eine ungeheure 

Breitenwirkung. 

Ein zentrales Motiv für 

den Sohn war nun, dass ihm 

SpiritYouAll – so der bezeichnende 

Titel der neuen CD – die Chance 

bot, seinen christlichen Glauben 

zu bekennen. Mit Nachdruck 

unterstreicht er, dass er in der Tat 

davon überzeugt sei, dass Jesus 

die Dinge zum Guten wende, wie 

es in seinem eigenen Original 

Jesus Makes It Good zum Ausdruck 

komme. 

Das Bekenntnis zu seinem 

Glauben im Wort ergänzt der 

Sänger in der Auswahl der 

Instrumentierung mit einem Bekenntnis 

zur amerikanischen 

Folk Music. Für ihn ist Blue 

Grass aus der irischen Tradition 

neben Spiritual, Gospel und 

Blues integraler Teil der 

amerikanischen Volkskultur 

oder „Americana“. „Ich liebe Blue 

Grass, und ich mochte schon 

immer Musik mit diesem Blue 

Grass Feeling. Als wir die Band 

für das Album zusammenstellten, 

wollte ich diese elektrische Folk 

Gitarre, Slide-Gitarre, Mandoline, 

Zitter, Geige usw. in der Band. 

Larry Campbell, der all diese 

Instrumente spielt, war der 

perfekte Mann dafür. Überhaupt 

wollte ich ein akustisches Band- 

Album machen. Es war nie als A- 

cappella-CD geplant. Gil Gold- 

stein, der Arrangeur, E-Pianist 

und Akkordeonspieler sowie 

meine Managerin Linda Goldstein 

haben die Combo entsprechend 

zusammengestellt.“ 

Und dann schwärmt er von 

Esperanza Spalding, die sich auf 

drei der dreizehn Tracks den Gesangspart 

mit ihm teilt und auf 

vier Titeln den Kontrabass spielt: 

„Esperanza ist so eine liebenswerte 

Person, so kreativ und dabei 

doch so scheu und gleichzeitig 

höchst geistreich und lebhaft.“ 

Und natürlich kommt mit 

einem deutschen Interviewpartner 

das Gespräch auch auf 

den Vocal Summit von 1982, der 

McFerrins Karriere so nachhaltig 

beflügelt hat. „Das war eine großartige 

Zeit, etwas vom Schönsten, 

das ich musikalisch erleben 

durfte. Das A-cappella-Konzept 

galt es erst noch durchzusetzen. 

Im Hotel in Baden-Baden hatte ich 

eine Suite mit einem riesigen Bad. 

Stimmungsvoll bei Kerzenschein 

übten wir dort bis zum Umfallen 

– Jeanne Lee, Urszula Dudziak, 

Jay Clayton, Lauren Newton und 

ich. Mit all den Fliesen war die 

Akustik einfach gigantisch.“ 

Angesichts dieser natürlichen 

Freude am Musikmachen ist 

schwer vorstellbar, dass McFerrin 

noch Lampenfieber haben könnte, 

und seine Antwort auf die entsprechende 

Frage lautet denn 

auch: „Lampenfieber habe ich 

nie gekannt. Vor Publikum aufzutreten 

ist für mich das reinste 

Vergnügen, und ich genieße es in 

vollen Zügen.“ 

Neu erschienen: Bobby 

McFerrin: SpiritYouAll, Sony 


Bobby McFerrin auf Tournee: 

06.06. Dortmund, Konzerthaus 

07.06. Pforzheim, Congress 

Centrum 

08.06. Würzburg, Congress 

Centrum 

09.06. München, Philharmonie 

Foto: Carol Friedman 

22

26.08. – 20.09.2013 

28 YEARS 

südtirol classic festival 

MERANER MUSIKWOCHEN 

Tomasz Stanko 

Graues Licht, 

strahlende Sonne 

Die Lyrikern Wisława Szymborska war keine 

Freundin großer Worte. Tomasz Stanko hat nun 

ein Doppelalbum nach ihr benannt. 

Von Werner Stiefele 

Szymborska sei ein „Mozart der Poesie“, 

lobte sie 1996 das Nobelpreis-Komitee. 

Sie beobachtete scheinbar Alltägliches, 

doch die Art, wie sie diese 

Bilder zusammenfügte, riss sie aus dem Vertrauten, 

verlieh ihnen neuen Sinn, machte sie 

zu Symbolen für Tieferes. 

Dasselbe gilt für das New York Quartet 

des Trompeters Tomasz Stanko. In dessen 

offenem, kommunikativem Spiel gibt es 

keine festgeklopften Aussagen. Ihre unterschiedliche 

Herkunft macht die Mitglieder 

zu Individualisten. Der Pianist David Virelles 

wurde in Kuba ausgebildet. „Kuba, das ist 

die russische Schule des Romantizismus“, 

skizziert Stanko. „Dazu kommen Davids Jazzwurzeln. 

Und die kubanischen Rhythmen.“ 

Den Bassisten Thomas Morgan lobt er als 

„Typ, der alles über die Tradition des Jazz 

weiß – und extrem einzigartig spielt“, und 

am Schlagzeuger Gerald Cleaver schätzt er, 

dass sich dieser „mit der europäischen Art 

von Rhythmen auskennt und seine afroamerikanischen 

Wurzeln einbringt.“ 

Stanko selbst stammt aus Polen. „Natürlich 

prägt das meine Stimmung“, sagt er und meint 

damit weniger, dass sich die polnische Folklore 

in seinem Spiel spiegle. „Ich habe mich nie 

ernsthaft mit Volksmusik befasst. Aber das 

Licht diktiert auf eine gewisse Art meinen Ausdruck 

und die Ästhetik. Wir haben in Polen 

unser graues Licht – und daraus resultiert 

eine gewisse Melancholie.“ New York hingegen 

steht für „strahlende, sonnige Tage.“ 

Aus dieser Konstellation entstehen 

Reibungen, die mit europäischen Musikern 

kaum möglich wären, betont er. Zu den Aufnahmesessions 

hatte er Themen beigesteuert, 

die er zur musikalischen Umrahmung einer 

Lesung von Wisława Szymborska entwickelt 

hatte. „Mit einem enormen Flow wurde daraus 

eine neue transkulturelle Musik.“ 

An die Gedichte Szymborskas dachten 

sie währenddessen nicht mehr. Die kamen 

Stanko und dem Produzenten Manfred Eicher 

erst wieder in den Sinn, als sie die Titelfolge 

der Aufnahmen festlegten. „Wisława“, erinnert 

er sich an gemeinsame Auftritte und eine 

polnische Plattenproduktion, „war schon über 

85 Jahre alt, und sie wirkte sehr, sehr jung. Und 

frisch. Und sie war voll Kreativität.“ Dies sollte 

das Album spiegeln. Sie war eine großartige 

Frau, und ich wollte ihr einfach etwas widmen.“ 

Gehört hat es die Wortkünstlerin nicht mehr. 

Sie ist am 1. Februar 2012 gestorben. 

Neu erschienen: Tomasz Stanko New York 

Quartet: Wisława, ECM/Universal 

23 

26.08. ROTTERDAM PHILHARMONIC ORCHESTRA 

YANNIK NEZET-SEGUIN 

ANNA CATERINA ANTONACCI 

Tschaikowsky, Wagner, Prokofi ev 

29.08. NHK SYMPHONY ORCHESTRA TOKIO 

CHARLES DUTOIT - VADIM REPIN 

Lalo, Tschaikowsky 

03.09. DANIEL HOPE & FRIENDS 

OF THE CHAMBER MUSIC SOCIETY 

OF LINCOLN CENTER 

BENJAMIN BEILMAN - PAUL NEUBAUER 

DAVID FINCKEL - WU HAN 

Dvorak, Brahms 

04.09. INFRA & VIVALDI RECOMPOSED 

DEUTSCHES KAMMERORCHESTER BERLIN 

DANIEL HOPE & MAX RICHTER 

05.09. DEUTSCHES KAMMERORCHESTER BERLIN 

RUNDFUNKCHOR BERLIN 

SIMON HALSEY – DANIEL HOPE 

05.09. DANIEL HOPE 

MUSICA UNIVERSALIS FÜR VIOLINE SOLO 

Westhoff, Biber, Penderecki, Schnittke, 

A Paganini, Bach 

07.09. DANIEL HOPE, SEBASTIAN KNAUER 

& KLAUS MARIA BRANDAUER 

Mozart UNPLUGGED: Mozart, Beethoven, Brahms … 

09.09. TCHAIKOVSKY SYMPHONY ORCHESTRA 

MOSCOW - VLADIMIR FEDOSEYEV 

Rachmaninoff, Schostakowitsch 

12.09. POLNISCHE KAMMERPHILHARMONIE 

WOJCIECH RAJSKI - RAGNA SCHIRMER 

Haydn, Händel, Schubert 

16.09. PHILHARMONIA ORCHESTRA LONDON 

ESA PEKKA SALONEN 

Beethoven, Berlioz 

20.09. MOZARTEUM ORCHESTER SALZBURG 

BACHCHOR SALZBURG 

Joseph Haydn: Oratorium „Die Jahreszeiten“ 

INFO: 

www.meranofestival.com 

info@meranofestival.com 

photo: Harald Hoffmann

Musikstadt 

Pesaro 

Gewitzte 

Verfremdung: 

Ciro in 

Babilonia im 

Stummfilmlook 

2012 

Adriagrill und Rossinis Belcanto-Paradies dicht 

bei dicht: Seit 33 Jahren lohnt sich nicht nur für 

Raritätensammler die hochsaisonale Fahrt in die 

Hügel der Marken. Von Matthias Siehler 

Seien wir ehrlich: Der Adriaort Pesaro 

ist im Hochsommer nicht unbedingt 

ein Traumziel. Zwar rösten sich hier 

schon lange nicht mehr die Urlauber 

aus Wanne-Eickel am notorischen Teutonengrill. 

Der Strandstreifen von Rimini, über 

Riccione, Cattolica, Fano, Senigallia bis Ancona 

ist längst fest in italienischer Familienhand. 

Die toben und lärmen in 16 militärisch festgelegten 

Liegestuhlreihen, fahren inzwischen 

nicht immer sicher mit dem Fahrrad durch die 

Innenstädte. Idyll sieht anders aus, auch wenn 

es die prachtvolle Villa Imperiale gibt, den 

alten Palast der Herzöge mit einer schönen 

Gemäldegalerie, ein Fayencenmuseum, den 

restaurierten Dom und die Backsteinwälle des 

Forts. 

Aber die Massen sind tagsüber am Strand. 

Und da stehen auch deren Hotels. Mehr Ghetto 

geht fast nicht. Denn man kann herrlich in 

den Hügeln wohnen und wunderbare Ausflüge 

nach Urbino, Jesi, Macerata, Recanati 

oder Loreto machen. Auch das Essen ist hier 

nicht das Schlechteste. Denn es gibt eben 

einen gewichtigen Grund, mitten in der Hochsaison 

in diese Touristenhochburg zu fahren: 

das Rossini Festival, eines der wenigen, die 

neben Wagner und Händel sowie sehr wenig 

Donizetti in Bergamo einem Komponisten gewidmet 

sind. Und wie der Sachse mit Halle, 

Göttingen und Karlsruhe gleich dreimal gefeiert 

wird, so ist auch der 1792 hier geborene 

„Schwan von Pesaro“ doppelt beglückt: Sogar 

im Schwarzwälder Bad Wildbad feiert man ihn. 

Bald 101 Richard-Wagner-Festspielen 

seit 1876 in Bayreuth stehen nun immerhin 

33 Rossini-Opera-Festivals in Pesaro 

seit 1980 gegenüber. Und während auf dem 

Grünen Hügel nur zehn sanktionierte Opern 

im Wechsel gespielt werden, stehen in dem 

Ort zwischen den Hügeln – mit allen Umarbeitungen, 

Bühnenmusiken und durchaus 

szenisch aufführbaren Huldigungskantaten – 

etwa 40 Werke zur Auswahl. 

24 

Was immer noch zu Überraschungen 

führt, auch wenn man bis auf zwei Stücke 

jetzt alle zumindest einmal vorgestellt hat. 

Doch während Wagners Musikdramen 

längst ihren Siegeszug durch die Welt abgeschlossen 

haben, waren vor Pesaros Siegeszug 

mit gutem Willen höchstens zehn Rossini- 

Opern Allgemeingut. Insbesondere dessen 

ernste Werke traten von hier aus wieder ins 

Licht diverser Musikbühnen und tun dies inzwischen 

mit schöner Regelmäßigkeit. 

Da nach wie vor zeitgleich die einst 

von Claudio Abbado angestoßene kritische 

Rossini-Notenausgabe entsteht, die erst die 

Initialzündung für die szenische Überprüfung 

im niedlich provinziellen Teatro Rossini, 

im klassizistischen Saal des Conservatorio 

Rossini wie in diversen, akustisch passablen 

Sporthallen am Geburtsort gab, 

finden sich bisher fast jede Saison 

noch Novitäten – bei einem 

gut gemixten Spielplan aus 

höchstens drei Premieren, eine 

davon eine Wiederaufnahme. 

Rossini-Renaissance 

Die blühende Rossini-Renaissance, 

vor allem bei den Jahrhunderte 

lang vernachlässigten, 

von musikalischen Kostbarkeiten 

überquellenden Seria-Opern, 

ist inzwischen ein weltweites 

Phänomen. Die hier radikal 

als monomanische Mission 

durchgezogene Aufklärungsarbeit 

hat es 

vermocht, dass wir 

inzwischen gelernt 

haben, was für ein 

kühner Experimentator 

Rossini vor allem 

in seinen ernsten 

Opern etwa der neapolitanischen 

Periode ist. Da 

prallen Koloraturkulinarik und Laborversuch 

unmittelbar aufeinander. Zudem wird es 

Es ist angerichtet 

Das 34. Rossini-Festival präsentiert zwischen dem 10. 

und 23. August wieder drei Opern. Zum zweiten Mal gibt 

es den diesmal ungekürzten „Guillaume Tell“ mit Nicola 

Alaimo, Juan Diego Flórez, Simone Alberghini und Marina 

Rebeka. Michele Mariotti dirigiert die Neuproduktion 

von Graham Vick. Im Teatro Rossini gehen bei „L’Italiana 

in Algeri“ José Ramón Enicar musikalisch und Davide 

Livermore szenisch ans Werk. Anna 

Goryachova und Alex Esposito 

singen. Und als Wiederaufnahme 

gibt es ein Rendezvous 

mit einem Pesaro- 

Klassiker: Jean-Pierre 

Ponnelles vergnügliche 

Visualisierung 

der frühen Farce 

„L’occasione fa il ladro“ 

– „Gelegenheit macht 

Diebe“ mit dem köstlichen 

Baritonbuffo Paolo 

Bordogna. 

Foto: Amati Bracciardi

so immer aufregender zu hören, wie Rossini 

erfolgreiche Modelle und Melodien variiert 

und verändert, sich aus seinem eigenen Baukasten 

bedient hat, Partikel aus komischen 

Werken plötzlich in ernsten Stoffen wie verwandelt 

erscheinen. 

Das wird von einem international anreisenden 

Publikum goutiert, wie sonst 

nirgendwo in Italien. Und dieses trägt ein 

völlig verwandeltes Rossini-Bild in die Welt 

hinaus, das eine radikale Neubewertung bewirkt 

hat wie bei kaum einem Komponisten 

in den letzten Jahrzehnten. Sängerspaß bereitet 

es zudem. Während in den Pionierjahren 

hier vor allem berühmte Amerikaner 

gastierten, bäckt und schult man sich jetzt 

die Rossini-Stars von morgen in der eigenen 

Akademieküche. Diese Rezeptur funktioniert 

glänzend. Und wirkt besonders sympathisch 

im skurrilen Mit- und Gegeneinander dieser 

Parallelwelten aus italienisch dominierter 

Mittelklasse-Badekultur am übervollen 

Adriastrand und globalen Operngourmets 

wie Raritätensammlern im wenige hundert 

Meter entfernten Theater: Wasserwonne und 

Rossinisonne liegen hier an einer einzigen 

Straße, ebenso übrigens das bescheidene Geburtshaus, 

heute ein originelles Museum. 

Weiterhin dient das entzückende (aber 

sichtbehinderte) Teatro Rossini 

als Hauptquartier; aber 

meist werden zwei der 

Produktionen in der 

mit einer raffinierten 

Doppelbühne geteilten 

Adriatic Arena, einer 

klotzigen Basketball- 

Sporthalle am Stadtrand, 

gespielt, wo 

mehr Karten zu verkaufen 

sind. Schließlich 

hat der Staat seine Subventionen 

deutlich gedrosselt. 

Was nicht ohne Folgen 

blieb: Man widmet sich mehr dem 

kargeren Regietheater, während hier früher 

vornehmlich von den Herren Ronconi und 

Pizzi nur teuer dekoriert wurde. 

Der heute vielgefragte, immer noch sehr 

junge Italiener Damiano Michieletto begeisterte 

in Pesaro mit einer intelligentabstrakten 

„Diebischen Elster“ und verlegte 

den düsteren „Sigismondo“ gleich ins 

Irrenhaus. Graham Vick entfesselte kürzlich 

mit einem in den Gazastreifen verlegten 

„Mosè“ fast einen Skandal samt Eklat im Zu- 

schauerraum. Im letzten Sommer aber entzückte 

Davide Livermore mit dem biblischen 

Frühwerk „Ciro in Babilonia“, das er ganz aus 

dem augenrollenden Geist des Monumentalstummfilms 

gestaltete. Auch die hier endlich 

szenisch debütierende Ewa Podles als 

derzeit führender Koloratur-Kontraalt hatte 

ihren Spaß. Zudem koproduziert man verstärkt. 

Lange schon mit dem Teatro Comunale 

Bologna, das jedes Jahr auch das Hauptfestivalorchester 

stellt. 

Akademie statt Jet-Set-Karussell 

Die teuren Singvögelchen, die die Rossini- 

Botschaft inzwischen über den Globus getragen 

haben, flattern nur noch selten 

ein. Pesaro hat in der Frühzeit Stars angezogen 

– wie Marilyn Horne, Montserrat 

Caballé, René Fleming, Rockwell Blake, Chris 

Merritt, William Matteuzzi, die junge Cecilia 

Bartoli und Samuel Ramey –, aber immer 

auch welche gemacht. Neben Patrizia Ciofi 

und Daniela Barcellona ist hier seit 1996 

Juan Diego Flórez der am hellsten strahlende 

Stern. Man setzt inzwischen aber größtenteils 

auf den hauseigenen, von dem grandiosen 

Belcanto-Spezialisten Alberto Zedda in der 

Festivalakademie stilistisch lupenrein heran 

gezüchteten Nachwuchs als „neue“ Rossini- 

Sängergeneration – komme die nun aus Italien, 

Spanien, Russland, Deutschland, China. Oder 

gar aus Peru, wie Flórez, der selbst als weltweit 

führender Belcanto-Tenor weiterhin fast allsommerlich 

Pesaro die Treue hält. Er hat, wie 

einst Luciano Pavarotti, sogar ein Haus in den 

Hügeln. Hier im Rossini-Sommer gibt er sich 

höchst unkompliziert, man kann ihm sogar 

beim Pizza-Essen zusehen. 

Man konnte in Pesaro erstmals 

Joyce DiDonato begegnen 

oder der so 

hübschen wie begabten 

Russin Olga 

Peretyatko, die sogar 

Michele Mariotti, 

den dirigierenden 

Sohn des Festival- 

Intendanten betörte. 

Als Paar machen sie 

gerade Weltkarriere – mit 

Basis Pesaro. Alex Esposito 

bewährte sich hier als flexibler 

Bariton. Francesco Meli, Antonino 

Siragusa sowie die beiden Russen Maxim 

Mirov und Dmitry Korchak haben sich hier 

als Rossini-Tenöre bewährt. Auch die Mezzos 

Sonia Ganassi und Marianna Pizzolato sind 

feste Größen. Das Belcanto-Paradies liegt also 

weiterhin an der Adria, wo man sich jeweils 

drei Tage in Folge im Hochsommer an Operntrüffeln 

à la Rossini delektieren kann. 

www.rossinioperafestival.it 

25

Fanfare 

Proben, Pleiten und Premieren: 

Höhepunkte in Oper und Konzert 

Von Roland Mackes 

Wiener Staatsoper: 

Anna Netrebko in 

„Eugen Onegin“ 

26 

Manchmal muss man die Wiener Staatsoper 

richtig lieb haben. Nicht nur, dass sie 

unter der bisher eher gemütlichen Leitung 

des Elsässers Dominique Meyer langsam auch 

bei den Premieren in Fahrt kommt. Da gab es 

doch vor kurzem im normalen Repertoirealltag, 

ohne PR-Tamtam und erhöhte Wahnsinnspreise, 

einmal die letzten Vorstellungen des 

wohl längsten „Don Carlos“ der Welt in der 

französischen Fassung – nicht nur im Verdi- 

Jahr ein absolutes Alleinstellungsmerkmal, 

auch wenn die (kürzere) Ur-Inszenierung Peter 

Konwitschnys nach wie vor den Hamburger 

Opernspielplan ziert. 

Dann sangen hier in „Werther“ das 

Traumduo Roberto Alagna und Elīna 

Garanča. Zudem war das Hausdebüt des 

neuen russischen Sopransternchens Olga 

Peretyatko zu feiern. Zwar ist die dafür auserwählte, 

pappendeckelreiche „Rigoletto“- 

Inszenierung Sandro Sequis von 1982 nur 

zwei Jahre jünger als sie selbst, aber nach all 

den aktuell missglückten Regieversuchen von 

München bis Berlin in ihrer historistischen, 

zumindest die Handlung verständlich nachbuchstabierenden 

Kulissengemütlichkeit fast 

schon eine Wohltat. Simon Keenlyside ist ein 

buckliger Hofnarr mit Schellenstab wie aus 

dem Kostümbilderbuch, spielt sich einen Wolf 

und hat doch überhaupt kein Timbre und nicht 

die schwarze Fülle für diesen prototypischen 

Verdi-Vater. Dafür ist die Gilda der Peretyatko 

ein zart vertschilptes Koloraturvögelchen der 

sehr liebenswerten Art, noch ein wenig gehemmt 

vielleicht, aber sich manierlich verströmend 

beim Erlösungstod im Jutesack vor 

angegilbtem Mantua-Panorama. 

Doch worauf nicht nur die Wiener Stehplatz-Verrückten 

stundenlang ausharrten, 

das war natürlich das Rollendebüt von 

Anna Netrebko als Tatjana in Peter Tschaikowskis 

„Eugen Onegin“. Die beharrlich berühmteste 

Sopranistin der Welt, die die wohl 

traditionsreichste Sopranpartie des russischen 

Repertoires mit viel Pomp und weltweiter 

Kinoübertragung im September zur Saisoneröffnung 

der New Yorker Metropolitan 

Opera neuerlich singen wird, hat sich für diese 

erste Gipfelerkundung bequemerweise ihren 

gegenwärtigen Lebensmittelpunkt Wien ausgesucht. 

Und da stand sie nun, in Falk Richters 

vier Jahre alter, kühl modernistisch-minimalistischer, 

dauerbeschneiter Inszenierung. 

Wie festgewurzelt, nur langsam fortgerissen 

in einem nie gekannten Gefühlssturm, der in 

der nächtlichen Briefszene, dem immer noch 

schönsten erotischen Erwachen der ganzen 

Opernliteratur, wie eine Naturgewalt aus ihr 

herausbrach. Netrebkos dunkel glühende 

Stimme mit dem festen Kern und dem angenehm 

sich verbreitenden Höhenvibrato 

scheint dafür ideal geeignet. Sie hat sich Zeit 

gelassen mit der Tatjana, jetzt schon ist sie 

ganz die ihre. 

Das hörte man spätestens in der Petersburger 

Ballszene, in eleganter Robe auf 

schimmernden Treppenstufen. Jetzt war sie 

die Königin der Gesellschaft, immer noch in 

den hyperblasierten, auch nach 20 Jahren im 

Onegin-Geschäft grandios fiesen sibirischen 

Silbertiger Dmitry Hvorostovsky verliebt, 

aber ihn aus bürgerlichem Kalkül abweisend. 

Das steigerte sich im vokalen Finalduell bis 

zum Schrei – schön, wohlig, verzweifelt und 

doch gefasst. 

Ein grandioser Netrebko-Triumph, eingerahmt 

und verschönt von einem fast 

komplett russisch sprechenden Ensemble. 

Und am Pult der nicht nur bei den Holzbläsern 

motivierten Wiener Philharmoniker 

streichelte Andris Nelsons diese herrliche 

Partitur als lyrische, auch emotional zupackende 

Herzensangelegenheit. 

Könnte man Ähnliches doch aus der angeblichen 

Opernhauptstadt Berlin berichten: 

Da wärmte die Lindenoper Philipp Stölzls 

bilderprächtige, aber bei näherer Draufsicht 

im Sein- und Scheinspielen etwas konfuse 

„Holländer“-Inszenierung aus Basel von 2009 

auf. Da steigt der Seefahrer aus einem Bild 

in die Bibliothek, und die träumende Senta 

schneidet sich am Ende die Pulsadern auf. 

Neben einer wenig tollen Besetzung, aus der 

Michael Volle in der Titelrollen bassbaritonprächtig 

hervorragte, war das Bemerkenswerteste, 

dass erstmals seit 21 Jahren bei einer 

Wagner-Premiere der Staatsoper zwar ein 

Daniel dirigierte, der aber nicht Barenboim, 

sondern Harding hieß – und einen eher sachlichen 

Pultjob verrichtete. 

Berlin Lindenoper: 

„Der fliegende 

Holländer“

Fotos: Michael Plöhn, Matthias Baus 

Festivals 

Neu-Heidelberg, 

du Feine 

Das „Festival von morgen“ – 

am Neckar wird’s Ereignis. 

Von Michael Blümke 

Seine 17. Saison hat er 

gerade erfolgreich beendet. 

Als Thorsten 

Schmidt 1997 eine Konzertreihe 

ins Leben rief, hätte 

wohl nicht einmal er selbst damit 

gerechnet, dass sich der „Heidelberger 

Frühling“ von der Anfangs 

lokalen bis leicht regionalen Ausstrahlung 

binnen weniger Jahre 

zu einem in ganz Deutschland bekannten 

Fixpunkt der Festivallandschaft 

entwickeln würde. Bis 

heute leitet der gebürtige Oldenburger 

die Geschicke des „Heidelberger 

Frühling“ als geschäftsführender 

Intendant, ist somit 

unmittelbar für dessen Erfolgsgeschichte 

verantwortlich. Und 

um eine solche handelt es sich 

zweifellos: Von Jahr zu Jahr lockt 

er mehr Besucher in die Neckarstadt, 

knapp 35.000 waren es 

dieses Mal (ein neuer Rekord!), 

und sie kommen von immer 

weiter her. Denn der Musikliebhaber 

wird nicht nur mit den 

eigentlichen Konzerten verführt, 

sondern auch mit einer Reihe 

von höchst attraktiven Zusatzangeboten. 

Weshalb die Gäste nicht 

mehr nur im März und April anreisen, 

sondern mittlerweile auch 

im Januar. Das Streichquartettfest 

wurde so erfolgreich, dass 

man es als eigenständige Ver- 

anstaltung ausgegliedert hat. Das 

– inzwischen auf fünf Wochen angewachsene 

– Hauptprogramm 

ergänzen und bereichern weiterhin 

die Lied Akademie, die 

Kammermusik Akademie und die 

Akademie junger Komponisten 

(das ehemalige „Heidelberger 

Atelier“). Gerade die Erstgenannte 

liegt in der Publikumsgunst besonders 

hoch im Kurs, gibt sich 

dafür doch Star-Bariton Thomas 

Hampson regelmäßig ein Stelldichein. 

In diesem Jahr erhielt 

er Unterstützung von Thomas 

Quasthoff, dessen Meisterklassen 

sich durch einen enorm 

hohen Unterhaltungswert für 

das Publikum und einen nicht 

minder hohen Erkenntniswert auf 

Sängerseite auszeichneten. 

Doch weil sich auch ein erfolgreiches 

Festival Gedanken über 

die Zukunft machen muss, hat 

man 2013 darüber hinaus zu einer 

Tagung eingeladen. „Festivals 3.0 

– eine Möglichkeit, Zukunft zu 

gestalten?“ fragte man und rief 

eine illustre Schar von Festivalund 

Kulturverantwortlichen in 

der Stadthalle Heidelberg zusammen. 

In drei Panels diskutierte 

man über das Publikum 

im Informationszeitalter, die Aufgaben 

und Chancen von Festivals 

und deren Finanzierung. Das 

sind nun keine wirklich neuen 

Themen, und entsprechend 

rechnete wohl auch niemand mit 

revolutionären Erkenntnissen. 

Einigkeit bestand darin, dass 

trotz der digitalen Überfütterung 

das Live-Erlebnis durch nichts 

zu ersetzen ist, von „auratischer 

Qualität“ sprach Markus Hinterhäuser, 

künftiger Intendant 

der Wiener Festwochen. Auch 

herrschte Konsens darüber, dass 

es bei der Programmauswahl und 

-zusammenstellung keine Anbiederung 

geben dürfe, sondern 

es vielmehr darum gehe, das 

eigene Konzept umzusetzen und 

zu vermitteln: „Ein Festival muss 

sein Publikum selbst kreieren“, 

brachte es Gerard Mortier, Leiter 

des Teatro Real in Madrid, auf den 

Punkt. 

„Wir sind 

der Bullshit- 

Detektor.“ 

Eine ungemein belebende 

Wirkung, sowohl auf das 

Publikum als auch auf die Diskussionsrunde, 

übte Steven Wal ter 

aus. Der 26-jährige Cellist stellte 

mit ansteckendem Enthu siasmus 

das von ihm 2009 ins Leben gerufene 

Podium Festival Esslingen 

vor. Menschen zu erreichen, die 

sonst nie in klassische Konzerte 

gehen würden, war die Motivation 

für dieses Kammermusikfestival, 

bei dem man an ungewöhnlichen 

Orten Wandelkonzerte 

auf mehreren Ebenen, Nachtkonzerte 

im Liegen oder Matineen 

mit Frühstücksbuffet genießen 

kann. Zudem erfüllen die jungen 

Macher nach eigener Aussage eine 

entscheidende Zusatzfunktion: 

„Wir sind der Bullshit-Detektor für 

die eingeführten traditionellen 

Musikinstitutionen.“ Das sahen 

wohl alle so, denn dafür gab es 

den größten Applaus – sogar von 

den Verantwortlichen eben dieser 

Institutionen. 

27 

24. AUGUST BIS 14. SEPTEMBER 2013 

24 

08 

25/27 

08 

AUG 

SEPT 

28 

08 

31 

08 

01 

09 

06 

09 

07 

09 

10 

09 

11/12 

09 

13 

09 

14 

09 

HIGHLIGHTS 

SA / 24. AUG / AB 19.30 UHR / ERÖFFNUNG – 

24 Konzerte rund um den Marktplatz 

EINE GROSSE NACHTMUSIK 

mit Rotterdam Philharmonic Orchestra & 

Yannick Nézet-Séguin, Gli Incogniti, 

Salzburger Bachchor, Georg Nigl, 

Neil Cowley Trio, Ibrahim Maalouf u.a. 

SO / 25. AUG / 18 UHR / DI / 27. AUG / 19 Uhr 

Musical Theater Bremen 

Les Musiciens du Louvre Grenoble 

Solisten / Salzburger Bachchor 

MOZART: »LUCIO SILLA« 

Marc Minkowski, Leitung 

SO / 25. AUG bis SO / 01. SEPT 

Spielstätten im gesamten Nordwesten 

ARP-SCHNITGER-FESTIVAL 

Konzerte mit Oltremontano, Marcin Szelest, 

Els Biesemans, Harald Vogel, Sette Voci und 

Pier Damiano Peretti 

MI / 28. AUG / 20 UHR / Die Glocke 

L’Arpeggiata & Gesangssolisten 

CHRISTINA PLUHAR Leitung 

»Mediterraneo« 

SA / 31. AUG / 20 Uhr / Die Glocke 

Gianni Fabbrini, Klavier 

EVA MEI Sopran & FRIENDS 

Lieder von G. Rossini und L. Giordigiani 

SO / 01. SEPT / 20 Uhr / Die Glocke 

City of Birmingham Symphony Orchestra 

KristĪne Opolais, Sopran 

ANDRIS NELSONS Dirigent 

Werke von G. Verdi, A. Dvořák u. a. 

FR / 06. SEPT / 20 UHR 

Unser Lieben Frauen Kirche 

Le Concert des Nations 

JORDI SAVALL Gambe & Leitung 

J. S. Bach: »Ein musikalisches Opfer« 

SA / 07. SEPT / 20 UHR / Die Glocke 

Metropole Orkest 

KURT ELLING Gesang 

Jules Buckley, Leitung 

DI / 10. SEPT / 20 UHR / Die Glocke 

Klavierabend 

RAFAŁ BLECHACZ Klavier 

Werke von J. S. Bach, F. Chopin u. a. 

MI / 11. SEPT / DO / 12. SEPT / 20 Uhr 

BLG-Forum Überseestadt 

PETER BROOKS »THE SUIT« 

Regie, Adaption & Musik: Peter Brook, 

Marie-Hélène Estienne & Franck Krawczyk 

FR / 13. SEPT / 20 UHR / Die Glocke 

Eric Schneider, Klavier 

CHRISTINE SCHÄFER Sopran 

Lieder von J. Brahms und R. Strauss 

SA / 14. SEPT / 18 UHR / Die Glocke 

Accademia Bizantina & Solisten 

OTTAVIO DANTONE Dirigent 

A. Vivaldi: »L’incoronazione di Dario« 

TICKETS & INFO: 

0421.33 66 99 

www.musikfest-bremen.de 

AUG/SEPT 

2013

Da Capo 

Gezischtes Doppel: Premieren notizen 

der RONDO-Opernkritik 

Die Feen. Solisten, 

Kinderkomparsen und 

Chor der Oper Leipzig 

Wagner-Urschlamm 

Oper Leipzig 

Richard Wagner: „Die Feen“ 

Wie ist es möglich, dass ein musikalisches Ass 

wie Wagner eine dermaßen fürchterliche Oper 

schrieb?! Wirre Handlung. Endlos mäandernde 

Matsch-Lawinen. Und Partien, bei denen sich 

die sattelfestesten Sänger die Stimme verrenken. 

Nichts gegen Wagner generell! Aber „Die Feen“ – 

ähnlich dem anderen verstoßenen Frühwerk 

„Das Liebesverbot“, aber nicht so schlimm wie 

„Rienzi“ – sind ein Lehrstück dieses Wagner- 

Jahrs: gerade deswegen, weil man um eine 

Erklärung ringt für diesen Bauchklatscher. 

Die Aufführung in Leipzig ist nicht Schuld. 

Sondern tut, was man vermag. Szenisch aufwendig 

auf diverse Ebenen verteilt und mit unzähligen 

Szenenwechseln aufgehübscht, sorgt 

Regisseur René Doucet (früher Choreograf und 

Coach von Alfredo Kraus und Mirella Freni) für 

Buntheit und Variation. Das Fantasy-Biedermeier 

der Schürzchen, Bausch-Röckchen 

und Elefantenärmel bildet einen märchenhaften 

Gegensatz zum Spukmittelalter der 

Feldherren und Zofen. König Arindal ist ein 

Radiohörer von heute, der sich – so will es 

das Inszenierungskonzept – von einer Rundfunk-Übertragung 

live aus der Oper Leipzig 

anstecken und in die Handlung hineinziehen 

lässt. Niedliche Sache. Der man die Not freilich 

anmerkt, etwas Neues zu schaffen und gleichzeitig 

keine liebe Seele im (diesmal stets ausverkauften!) 

großen Haus der Leipziger Oper 

zu verschrecken. 

Arnold Bezuyen ward die Krafttenor- 

Hauptrolle des Arindal gewiss nicht an der 

28 

Wiege gesungen. Er stemmt sich beachtlich 

von Ton zu Ton. Christiane Libor (Ada) 

muss vokal wehrhaft militant und schreckhaft 

lyrisch zugleich bleiben. Respekt! Dirigent 

Ulf Schirmer spielt mit souverän ordnender 

Hand den Schupo in diesem permanenten 

Stoß- und Kreisverkehr. Die hingebungsvolle 

Leistung bringt einen überhaupt erst zu der 

Erkenntnis: dass Wagner wohl das einzige 

Genie der Musikgeschichte war, das sich dermaßen 

aus dem Urschlamm der eigenen Eingebungen 

hervor gewühlt hat. Anlässlich der 

Wagner-Feierlichkeiten dieses Jahres reist 

die Produktion dahin, wo diese Einsicht hingehört: 

nach Bayreuth. Robert Fraunholzer 

Kaufhaus 

statt Kartoffel 

Petersburg 

Eröffnung des „Mariinsky II“ 

Theatertechnik auf der Höhe der Zeit im 

prestigeträchtigsten kulturellen Neubau seit 

der Zarenära. 4000 Quadratmeter iranischer, 

von LED-Technik hinterleuchteter Onyx, 

brasilianischer Marmor, Buche aus Deutschland, 

ebenso die vibrierend warme Akustik. 

Nach innen gewandte Schlichtheit, doch 

zielsicheres Geltungsbewusstsein. Auf der 

Bühne Plácido Domingo, Anna Netrebko, der 

deutsche Bass René Pape und ein Vorabausschnitt 

aus Sasha Waltz’ neuem „Sace du 

printemps“, im Graben einer der führenden 

Dirigenten unserer Zeit. Das alles im größten, 

produktivsten Musiktheaterkomplex der Welt. 

Vor zwei Dekaden hätte solche harte Fakten 

in Russland keiner von einem Opernhaus zu 

träumen gewagt. 

Eigentlich müsste gleich hinter dem 

Krjukov-Kanal in St. Petersburg das alte 

pistaziengrüne Mariinsky-Theater von einer 

Goldenen Kartoffel überragt werden. Eine 

solche hatte nämlich vor zehn Jahren der 

Architekt Dominique Perrault geplant. Es 

wurde aber eine Kaufhauskiste von dem 

Kanadier Jack Diamond, denn dem übermächtigen 

Musikzaren Valery Gergiev hatte 

der erste Entwurf nicht behagt. Und da er anschaffte 

und der andere Zar, sein Freund 

Vladmir Putin, zahlte, steht da jetzt zehnstöckig 

eine unproportioniert monströse Jurastein-, 

Stahl- und Glaskiste, die als Mariinsky II 

für über 534 Millionen Euro zu den teuersten 

Theaterbauten der Welt zählt. 

An seinem 60. Geburtstag, 25 Jahre nachdem 

er hier angefangen hat und einen Tag 

nachdem er vom Präsidenten mit vier anderen 

zum „Held der Arbeit“ geadelt worden war 

(zum ersten Mal seit 20 Jahren wurde der einst 

stalinistische Titel wieder verliehen), eröffnete 

Gergiev in dessen Anwesenheit seine neueste 

Bühne mit einem so vergnüglich wie feinsinnig 

komponierten, die unhörbaren Fähigkeiten 

der deutschen Bühnentechnik vortrefflich 

ausspielenden Galaprogramm. 

Valery Gergiev regiert nun über zwei 

Opernhäuser sowie den nahen, ebenfalls 

Musiktheater anbietenden Mariinsky Konzertsaal. 

Über 2500 Mitarbeiter herrscht er, allein 

das Orchester wird jetzt auf 250 feste Musiker 

aufgestockt, die vier Aufführungen gleichzeitig 

meistern sollen. 1000 Vorstellungen 

im Jahr sind geplant. Nur wer soll die alle besuchen? 

Roland Mackes 

Fotos: Kirsten Nijhof

BESONDERE 

HÖREMPFEHLUNGEN 

VON SONY CLASSICAL 

VOLODOS 

PLAYS MOMPOU 

Arcadi Volodos präsentiert auf 

seiner langerwarteten neuen 

CD einen Querschnitt durch das 

Klavierwerk des spanischen 

Komponisten Frederic Mompou 

– kleine, farbenreiche Stücke voller magischer Schönheit. „Klar wie kleine 

Glasperlenspiele. Brillant!“ Interpretation & Klang ★★★★★ Fono Forum 

www.volodos.com 

L’ARTE DEL MONDO 

LA FINTA 

GIARDINIERA 

Die Weltersteinspielung der Oper 

von Anfossi durch das Ensemble 

l’arte del mondo zeigt welch 

außergewöhnlicher Komponist 

dieser war. Das Werk war bereits 

bei seiner Uraufführung 1773/74 

in Rom ein großer Erfolg und ist 

völlig zu Unrecht in Vergessenheit geraten. Mit Nuria Rial, Krystian Adam, 

María Espada, Katja Stuber, Miljenko Turk, Florian Götz und Monika Reinhard. 

www.lartedelmondo.de 

NIKOLAUS 

HARNONCOURT 

HÄNDEL TIMOTHEUS 

Im November 2012 feierte der 

Wiener Musikverein 200. Geburtstag. 

Beim festlichen Konzert 

dirigierte Harnoncourt das 

Programm des Eröffnungskonzertes 

von 1812: Unter dem Titel „Timotheus oder Die Gewalt der Musik“ 

stand – wie vor 200 Jahren – Mozarts Bearbeitung von Händels „Alexander’s 

Feast or The Power of Music“ auf dem Programm. 

LEONARD BERNSTEIN 

LE SACRE 

DU PRINTEMPS 

Leonard Bernsteins Interpretation 

des Le Sacre du Printemps 

mit den New Yorker Philharmonikern 

aus dem Jahre 1958 begeisterte 

sogar Stravinsky selbst 

und gilt nach wie vor als eine 

Referenzeinspielung des Werkes. Diese spektakuläre Aufnahme wurde auf Basis 

der Original-Bänder völlig neu remastert und erscheint mit einem umfangreichen 

Booklet im Originallook der damaligen LP. 

GIUSEPPE VERDI 

GREAT RECORDINGS 

Diese hochwertige und preisgünstige 

Edition mit 30 CDs 

in Originaloptik enthält das 

Beste von Giuseppe Verdi: 

Gesamtaufnahmen seiner bekannten 

Opern Macbeth, Luisa 

Miller, Rigoletto, Ernani, La 

Traviata, Simon Boccanegra, Il 

trovatore und I vespri siciliani 

sowie musikalische Höhepunkte 

aus den Opern Don Carlo, Aida und Ein Maskenball. Außerdem Rezitale 

berühmter Verdi-Interpreten wie Enrico Caruso, Renata Scotto und Katia 

Ricciarelli, Arien-Raritäten mit Montserrat Caballé und eine seltene Aufnahme 

des Requiems mit Plácido Domingo, Montserrat Caballé und dem New York 

Philharmonic unter Zubin Mehta. 

BRUNO WALTER 

THE EDITION 

Diese hochwertige und limitierte 

Sonderedition im LP-Format enthält 

auf 39 CDs Bruno Walters 

späte Studioaufnahmen, die in 

den letzten 20 Jahren seines 

Lebens mit dem Columbia Symphony 

Orchestra und dem New 

York Philharmonic entstanden 

sind, sowie ein großformatiges 

Begleitbuch mit ausführlichem 

Essay und vielen Bildern. Mit den kompletten Sinfonien-Zyklen von Beethoven 

und Brahms sowie weiteren Sinfonien von Bruckner, Mahler, Mozart u.a. 

www.sonymusicclassical.de 

29

Guillaume Tell 

Guglielmo Tell 

Wilhelm Tell 

25. Festival · 11.–21. Juli 2013 

Der ganze (!) Tell ... steht zum 25. Jubiläum des Belcanto 

Opera Festivals ROSSINI IN WILDBAD auf dem Programm: ohne 

all die Kürzungen und Umstellungen, die bereits vor der Uraufführung 

eingesetzt hatten. 

Der ganze (!) Tell ... ist eine sehr lange, aber niemals langatmige 

Oper. Wir beginnen am Nachmittag und enden nach drei 

Pausen gegen 23 Uhr: am 13., 16., 18. und 21. Juli. 

Leserreise 

Beethovenfest 

Bonn 

Den Musikrevolutionär kann man 

alljährlich feiern – in seiner 

Geburtsstadt. 

Außer dem ganzen (!) Tell ... gibt es Ricciardio e Zoraide 

(Rossini) und Le Chalet (Adam), zwei echte Raritäten! Dazu 

Konzerte, Lesungen und Vorträge. 

Information, Tickets, Hotel 

Touristik Bad Wildbad GmbH 

König-Karl-Str. 3–5, 75323 Bad Wildbad 

touristik@bad-wildbad.de 

Tel. +49 (0)7081 102-84, Fax -90 

AZ_rondo_109x150_AZ_golfclubs_105x163 07.05.13 13:27 Seite 1 

www.rossini-in-wildbad.de 

Den Großteil seines 

Lebens hat Ludwig 

van Beethoven bekanntermaßen 

in 

Wien verbracht. Doch in 

Bonn ist er bis heute 

allgegenwärtig geblieben. 

Hier kann man 

sein Geburtshaus besuchen. 

Und auf dem 

Münsterplatz steht das berühmte 

Beethoven-Denkmal von 

1845. Zudem findet alljährlich 

das Beethovenfest statt, das sich 

unter der Leitung von Intendantin 

Ilona Schmiel zu einem der 

international renommiertesten 

Klassik-Festivals entwickelt hat. 

Auch im Jahrgang 2013 liegt 

Beethovens Werk natürlich nur in 

den allerbesten Händen. 

Und schon deshalb ist Bonn 

jetzt eine Reise wert. Denn 

an einem Wochenende kann 

man nicht nur tagsüber auf 

Beethovens Spuren wandeln 

und die wunderschöne Rheingegend 

erkunden. Abends 

stehen in der Beethoven- 

Halle gleich zwei 

spektakuläre Konzerte 

auf dem Programm. 

Der Ungar András 

Schiff unterstreicht mit 

drei späten Klaviersonaten 

seinen Ruf als aktuell vielleicht 

bedeutendster Beethoven-Pianist. 

Dann tritt Paavo Järvi ans Pult der 

Deutschen Kammerphilharmonie 

Bremen, um Beethovens Oper 

„Fidelio“ in einer halbszenischen 

Allstar-Aufführung zu dirigieren. 

Zum Sängerensemble gehören 

immerhin Sopranistin Mojca 

Erdmann und Bariton Evgenij 

Nikitin. Und als Rezitator in den 

Zwischentexten von Walter Jens 

ist Ulrich Tukur zu erleben. 

Die Reise im Überblick: 

violeta urmana 

sophie koch mezzosopran peter seiffert tenor u. a. 

schleswig-holstein festival orchester 

1.8. lübeck, muk wagner: tristan und isolde (2. akt) 

www.shmf.de 

karten: 0431-237070 

schleswig-holstein musik festival 

Samstag, 28.9. Anreise nach Bonn, Begrüßung, Abendessen, Klavier- 

Recital mit András Schiff 

Sonntag, 29.9. Stadtführung auf den Spuren Ludwig van Beethovens 

und Besuch des Beethovenhauses, Schifffahrt nach 

Königswinter, Fahrt mit der Drachenfelsbahn zur 

Drachenburg, Aufführung des „Fidelio“ (Paavo Järvi, 

Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Mojca Erdmann, 

Ulrich Tukur) 

Montag, 30.9. Heimreise oder Verlängerung 

Wenn Sie sich für die Rondo-Leserreise interessieren, fordern Sie unverbindlich 

die Reiseunterlagen unter fernweh@rondomagazin.de 

an, oder postalisch: Johannisplatz 3a, 81667 München. Unser Reisebüro 

„Cadenza Tours“ ist Ihnen auf Wunsch bei der Organisation der 

Anreise oder einer Verlängerung behilflich. 

30

Doktor Stradivari 

Musik-Krimi 

Folge 3: Das Versteck der Newski-Brüder 

Von Oliver Buslau 

Wir haben es mit einer außergewöhnlichen 

Bande von Drogenhändlern 

zu tun“, erklärte 

Hauptkommissar Reuter. „Sie 

werden schon sehen. Oder vielmehr hören.“ 

Der Kripomann und Doktor Stradivari 

fuhren durch die nächtliche Vorstadt. Es 

ging in eine Seitenstraße, dann hielt Reuter 

vor einem abseits gelegenen Haus. Es lag im 

Dunkeln. Als der Hauptkommissar die Seitenfenster 

öffnete, war Musik zu hören. Doktor 

Stradivari erkannte das Werk sofort. Die 

Interpretation war großartig, die Linien der 

Instrumente gut unterscheidbar. Violoncello 

und ein sehr virtuos 

gespieltes Cembalo 

sorgten für eine 

kompakte Continuobegleitung. 

„Dort wohnen 

die Newski-Brüder“, 

sagte der Hauptkommissar. 

Sie haben 

allesamt Musik in St. 


ermittelt – und 

Sie können 

gewinnen! 

Was war Stradivari aufgefallen? Wenn 

Sie’s wissen, schreiben Sie die Lösung 

an stradivari@rondomagazin.de oder 

postalisch an RONDO, Johannisplatz 3a, 

81667 München – Ihre Kontaktdaten 

nicht vergessen! Unter allen Zuschriften 

verlost Rondo in Kooperation mit Naxos 

5 Exemplare der Aufnahme von Johann 

Sebastian Bachs „Musikalischem Opfer“. 

Einsendeschluss ist der 26. Juli. 

Petersburg studiert, 

sind aber leider auf 

kriminelle Abwege geraten. 

Statt Konzerte 

zu geben, handeln 

sie mit Drogen. In 

diesem Haus proben 

sie immer. Wir haben 

ermittelt, dass sie 

hier auch Unterlagen 

über ihren illegalen Handel versteckt haben. 

Vielleicht sogar die Drogen selbst. Wir werden 

es herausfinden. Wir durchsuchen das Haus, 

sobald die Brüder weggefahren sind.“ 

Er platzierte den Wagen ein wenig abseits, 

aber so, dass man den Zugang zum Haus 

sehen konnte. 

Sie lauschten den Klängen, die herüber 

wehten. „Sie kennen das Stück sicher, oder?“, 

fragte der Kommissar, der, wie Doktor Stradivari 

wusste, keine Ahnung von klas sischer 

Musik hatte. 

„Es ist die Triosonate aus Bachs ‚Musikalischem 

Opfer‘“, sagte Doktor Stradivari. 

„Ein Trio. Ich verstehe.“ 

„Sie spielen es wirklich gut. Die Brüder 

hätten Chancen, Karriere zu machen. Das 

Cembalo klingt wunderbar. Sicher ist es ein 

sehr wertvolles Instrument.“ 

„Es wäre vielleicht auch ein gutes Versteck. 

Es ist doch so was wie ein Klavier, oder?“ Der 

Kommissar hob die Hand. „Achtung. Die 

Musik hat aufgehört.“ 

Schweigend horchten sie in die Nacht. Die 

Probe schien beendet zu sein. Schließlich sah 

man drei Männer, die das Haus verließen und 

in drei am Straßenrand abgestellte Wagen 

stiegen. Der Kommissar und Doktor Stradivari 

duckten sich, als sie 

wegfuhren. Dann 

öffnete der Polizist die 

Tür. „Die drei sind weg“, 

sagte er. „Die Luft ist 

rein.“ 

„Ist außer den 

Musikern nicht noch 

jemand im Haus?“ 

„Nein. Sie haben 

viele Immobilien. Und 

diese hier nutzen sie 

nur für die Musik. Und 

als Versteck.“ 


schüttelte den Kopf. 

„Es sind nicht alle gegangen“, 

sagte er. „Wir 

müssen noch hier 

bleiben. Sonst erleben 

wir eine böse Überraschung. Der vierte Mann 

hat vielleicht in einer Garage geparkt. Warten 

wir noch ein bisschen.“ 

Woher weiß Doktor Stradivari, dass noch ein 

vierter Newski-Bruder im Haus sein könnte? 

www.oliverbuslau.de 

Auflösung aus Magazin 02/2013: 

Händel war zwar ein paar Jahre in Italien, 

aber im Jahr der Handschrift 1711 hatte er 

Venedig verlassen und feierte bereits Erfolge 

an der Themse. 

31 

10. – 25. august 2013 

Composer-in-residenCe: 

Wolfgang Rihm 

Künstler: nicola Benedetti, midoRi, 

nils mönkemeyeR, alice saRa ott, 

kRistian Bezuidenhout, Jan VogleR, 

miRa Wang, nicolas altstaedt, daniel 

ottensameR, Juliane Banse, PeteR 

BRuns, antti siiRala, kai VogleR u. a. 

tiCKets & information: 

tel. +49 (0)351 810 54 95 

fax +49 (0)351 810 54 96 

WWW.moRitzBuRgfestiVal.de 

WiR danken unseRem kooPeRationsPaRtneR:

Das 

Klassik 

& Jazz 

Magazin 

3/2013 

plus 

All rights reserved. 

For promotion only. 

Not for sale. 

#57 

#57 

Hörbeispiele aus aktuellen CDs 

Die RONDO-CD ist die ideale Ergänzung zur 

Heftlektüre. Wenn Sie diese CD mit Hörproben 

auch gerne regelmäßig erhalten möchten, 

bestellen Sie einfach ein Abonnement unter 

www.rondomagazin.de 

1 Finley, Harnoncourt u. a. | Händel (Arr. Mozart): „Bacchus, ewig jung und schön“ 4:53 2 Schorn, Minetti 

Quartett | Mozart: Klarinettenquintett A-Dur KV 581, Larghetto 6:25 3 Bartoli, Antonini u. a. | Bellini: 

„Casta Diva“ 5:00 4 Chiaroscuro Quartet | Beethoven: Quartett f-Moll op. 95, Allegretto ma non troppo 

6:54 5 Ottensamer, Nézet-Séguin u. a. | Debussy (Arr. Koncz): „La fille aux cheveux de lin“ 2:54 6 Bates, 

La Nuova Musica | Händel: „De torrente in via bibet“ 3:55 7 Oberlinger | Telemann: Fantasie Nr. 3 

h-Moll 3:41 8 Oliver Schnyder Trio | Schubert: Klaviertrio Nr. 1 B-Dur D. 898, Scherzo. Allegro 

6:31 9 German Hornsound | Wagner/Verdi: Siegfried und Violetta 3:50 10 Florio | 

Wagner (Arr. Rubinstein): „Karfreitagszauber“ (Ausschnitt) 6:02 11 Machaidze, Gatti 

u. a. | Puccini: “Quando me’n vò” aus „La Bohème“ 2:26 12 Beczała, Berlin 

Comedian Harmonists u. a. | Romberg: „Overhead The Moon Is Beaming“ 

3:28 13 Strawinski, Columbia Symphony Orchestra | „Danse 

de la terre“ 1:15 14 Buttmann | Reger: Passacaglia d-Moll 

WoO IV/6 6:41 15 McFerrin und Band | McFerrin: 

„Gracious“ 2:34 

Gerald Finley, Concentus 

1 Musicus Wien, Nikolaus 

Harnoncourt u.a. 

Händel (Arr. Mozart): 

„Timotheus 

oder die Gewalt 

der Musik“ (Sony), 

„Bacchus, ewig 

jung und schön“ – 4:53 

Matthias Schorn, Minetti 

2 Quartett 

Klarinettenquintette 

(hm/Cavi), 

Mozart: Klarinettenquintett 

A-Dur 

KV 581, 

Larghetto – 6:25 

Cecilia Bartoli, Giovanni 

3 Antonini, Orchestra La 

Scintilla 

Bellini: „Norma“ 

(Universal/Decca), 

„Casta Diva“ (Ausschnitt)– 

5:00 

Chiaroscuro Quartet 

4 

Beethoven, Mozart: 

Streichquartette 

(hm/aparte), 

Beethoven: 

Streichquartett 

f-Moll op. 95, Allegretto ma non 

troppo – 6:54 

32 

Hörbeispiele aus aktuellen CDs 

Andreas Ottensamer, Yannick 

Nézet-Séguin, Rotter- 

5 

dam Philharmonic Orchestra 

Portraits: The 

Clarinet Album 

(Universal/DG), 

Debussy (Arr. Stephan 

Koncz): „La 

fille aux cheveux de lin“ aus den 

Préludes – 2:54 

David Bates, La Nuova 

6 Musica 

Dixit Dominus 

(hm), Händel: Dixit 

Dominus HWV 

232, „De torrente 

in via bibet“ – 3:55 

Dorothee Oberlinger 

7 

Telemann: 

Fantasien (Sony), 

Fantasie Nr. 3 

h-Moll – 3:41 

Oliver Schnyder Trio 

8 

Schubert: The 

Piano Trios (Sony/ 

RCA), Klaviertrio 

Nr. 1 B-Dur op. 99 

D. 898, Scherzo. 

Allegro – 6:31 

German Hornsound 

9 

Siegfried und Violetta 

(Note 1/genuin), 

Verdi: Preludio 

zum 3. Akt von „La 

traviata“; Wagner: 

Vorspiel zum Ersten Aufzug von 

„Lohengrin“ – 3:50 

Jan Florio 

10 

R. W.: Venezia 

(PMY), Wagner 

(Arr. Joseph Rubinstein): 

„Karfreitagszauber“ 

(Ausschnitt) – 6:02 

Nino Machaidze, Daniele 

11Gatti, Orchestre National 

de France 

Arias and Scenes 

(Sony), Puccini: 

„La Bohème“, 

„Quando 

me‘n vò“ – 2:36 

Piotr Beczała, Berlin 

12Comedian Harmonists, 

Lukasz Borowicz, Royal Philharmonic 

Orchestra 

Richard Tauber 

– Mein ganzes 

Herz (Universal/ 

DG), Romberg: 

„Overhead The 

Moon Is Beaming“ – 3:28 

Igor Strawinski, 

13Columbia Symphony 

Orchestra 

Strawinski Conducts 

„Le sacre du 

printemps“ (Sony), 

„Danse de la terre“ 

– 1:15 


14 

Reger: Orgelwerke 

1 (Note 1/Oehms), 

Passacaglia d-Moll 

WoO IV/6 – 6:41 

Bobby McFerrin und Band 

15 

Spirityouall (Sony), 

Bobby McFerrin: 

„Gracious“ – 2:34

K 

KLASSIK 

Ludwig van Beethoven 

Diabelli-Variationen op. 

120, Bagatellen op. 119 

●●●●● 

Daniel-Ben 

Pienaar 

Avie/Musikwelt 

(68 Min., 9/2011) 

Wer hören wollte, konnte seit der 

spektakulären Aufnahme der Klaviersonaten 

Mozarts in Daniel- 

Ben Pienaar einen der aufregendsten 

Pianisten seiner Generation 

erkennen, aufregend, weil da einer 

Mozarts theatralische Gesten mit 

einer allen Stilkonventionen spottenden 

Freiheit ausspielte, ohne 

sich in diesem atemberaubend 

weiten Ausdruckskosmos im Beliebigen 

zu verlieren. Und so gerät 

auch sein Weg durch den Raum 

der Diabelli-Variationen zu einem 

regelrechten Abenteuer, so rücksichtslos 

folgt der Südafrikaner 

den jähen Bewegungsumschwüngen 

und erzeugt in jeder Variation 

unerhört interessante Gegenwart, 

völlig ungerührt, ob er damit irgendeine 

hypothetische stilistische 

Konsistenz zerstören könnte. 

Wir aber erkennen zunächst 

nur Einzelnes, Verblüffendes; 

wie Lavageschosse fliegen einem 

die Akkorde der Nr. 10 um die 

Ohren, nicht minder elektrisierend 

gerät der Presto-Galopp der 

Nr. 15, in deren Basslinie wunderbar 

platzierte „Sprengsätze“ zünden. 

Gegensätze werden ins Extreme 

– und extrem Schlüssige! 

– getrieben, wenn er mächtig federnde 

Bassoktaven zum gewaltsam 

treibenden Motor der Nr. 

17 macht, die folgende Variation 

(„poco moderato“) indes bedächtig 

ausbreitet wie ein Brahmssches 

Intermezzo – und so geht 

das auch weiter. Technisch bravourös 

(man höre die haklige Nr. 

19) werden Bewegungsmuster herausgeschält, 

deren Richtung uns 

verwirrt. In seinem der pianistischen 

Qualität ebenbürtigen Begleitessay 

sagt es Pienaar sehr 

schön: „So haben wir also oft das 

Gefühl, dass, egal wie stark eine 

Variation vorwärts strebt, die allgemeine 

Richtung auch aufwärts 

führt: ein Rausch nach oben, eine 

enorme Anstrengung, ein leichtes 

Klettern (…) oder ein plötzlicher 

Spurt.“ In diesem Geist wirft 

er uns bis an die Grenzen dieses 

unermesslichen musikalischen 

Kosmos. Das mag uns unbehaglich 

sein, anstrengend, allzu rücksichtslos. 

Aber wir müssen wieder 

hören. Er zieht uns in dieses Werk. 

Könnte Interpretation Größeres 

leisten? Matthias Kornemann 

Ludwig van Beethoven, 

Robert Schumann 

Variations (Eroica-Variationen 

op. 35, Sinfonische 

Etüden op. 13 u. a.) 

●●●●● 

Emanuel Ax 

Sony 

(72 Min., 6/2012) 

Emanuel Ax’ Karriere verläuft seit 

Jahrzehnten in derart solide-unaufgeregten 

Bahnen, dass man 

fast vergessen könnte, was für ein 

großer Pianist er doch ist. So mag 

es einem auch mit dieser CD gehen. 

Verglichen mit donnernd 

selbstgewissen Versionen wirken 

seine „Eroica-Variationen“ geradezu 

gefällig, gezähmt und plüschig. 

Dieses Stück kommt meist als 

trotzig gehämmerter Kraft-Beethoven 

daher, dessen schattenlose 

Architektur das Publikum mit 

einem gewissen Interesse, aber 

ohne sonderliche Freude durchwandert. 

Dem setzt Ax eine Welt 

des Dämmerlichts und der Zweifel 

entgegen, zart um jenen Dominantseptakkord 

entworfen, auf 

dem das Thema im dreizehnten 

Takt einfach stehenbleibt. Das unerhört 

abwechslungsreich komponierte 

„Echo“ dieser Fermate 

wird so etwas wie Ax’ fein ausgesponnener 

roter Faden durch dieses 

Werk. Von der allerersten, nur 

die Bassstimme abhandelnden 

Klassik-CD des Monats 

Vincenzo Bellini 

Norma 

●●●●● Cecilia Bartoli, Sumi Jo, John Osborn, Michele Pertusi, 

Giovanni Antonini, Orchestra La Scintilla, Decca/Universal (2CDs, 142 

Min., 2012) 

Nichts weniger als eine Revolution ist es, die 

Cecilia Bartoli und ihr Team mit dieser Aufnahme 

versprechen: Erstmals sei Bellinis 

Erfolgsoper aus dem Jahre 1831 im Originalklang 

zu hören. Und dazu gehören nicht nur 

historische Instrumente wie etwa eine Holztraversflöte 

für die berühmte Arie „Casta 

Diva“, sondern vor allem auch die ursprünglich 

vorgesehenen Stimmfarben. Schließlich 

war die erste Norma, Giuditta Pasta, nach heutigen Begriffen ein Mezzosopran, 

während ihre Nebenbuhlerin Adalgisa von einem hellen, jugendlich 

klingenden Sopran gesungen wurde. Die Partitur wurde wiederum 

von Maurizio Biondi und Riccardo Minasi neu ediert, wobei neben dem 

Entfernen von späteren Retuschen insbesondere auch die originale 

Orchestrierung und die ursprünglichen Temporelationen wiederhergestellt 

wurden. Deklamation und die üppigen Verzierungen wiederum 

sollen die Emotionen der Protagonisten in ihren Schattierungen nachzeichnen. 

Das ambitionierte Konzept geht auf allen Ebenen auf: Bellinis Orchestersatz 

glänzt nicht nur in den vielfältigsten romantischen Farben, 

sondern wirkt auch wesentlich komplexer, transparenter und differenzierter, 

als dies in Einspielungen mit modernen Klangkörpern der Fall 

ist. Und all das ist nur ein Spiegel des Gesangsstils, der sich hier in einer 

ungeahnten Textverständlichkeit und einer Überfülle von fein abgestuften 

Emotionen entfaltet und sofort begreiflich werden lässt, warum Bellinis 

Belcanto der missing link zwischen der Kunst der barocken Kastraten 

und der kantablen Dramatik eines Giuseppe Verdi ist. Cecilia Bartoli, 

die in barocken Partien nicht immer frei von Manierismen wirkte, 

ist hier ganz in ihrem Element: Hier gibt es keinen Spitzenton, der nicht 

auch eine individuelle emotionale Färbung besäße und kein Portamento 

ohne dramatische Berechtigung – kurz: eine Norma, die in jedem Ton 

nicht nur ganz Diva, sondern auch ganz Mensch ist. Carsten Niemann 


33

Klassik 

Vokal total von Michael Blümke 

Faustina Bordoni ist derzeit groß in Mode. Erst vor wenigen 

Monaten veröffentlichte Vivica Genaux eine Hommage 

an die berühmte venezianische Sängerin (siehe 

„Vokal total“ 1/2013), jetzt zieht Roberta Invernizzi mit „I 

viaggi di Faustina“ nach. Doch während Genaux Werke 

von Händel und Bordoni-Ehemann Hasse präsentierte, spart Invernizzis 

Programm genau diese beiden aus und konzentriert sich auf die 

heutzutage weniger populären Zeitgenossen Vinci, Mancini und Porpora. 

Ein sehr viel abwechslungsreicheres Programm also, und ein entschieden 

ergiebigeres, anregenderes. Auch und besonders, was die 

sängerische Seite anbelangt. Eine Sopranistin wie Invernizzi sieht sich 

in Bordoni-(Mezzo-)Partien nicht mit unbequemen Höhen konfrontiert, 

allerdings gibt es enorme Anforderungen an die Beweglichkeit und Koloraturfähigkeit. 

Selbst die großen Intervallsprünge in der hochvirtuosen 

Nachtigallen-Arie aus Mancinis „Traiano“ meistert sie absolut 

sauber. Glossa/Note 1 

Wie Bordoni stammte auch Benedetto Marcello aus Venedig. 

Der Spross einer Patrizierfamilie war zwar so etwas 

wie ein Berufspolitiker, widmete sich aber dennoch 

zeitlebens sehr intensiv der Komposition. Allein 84 Duetti 

da camera gehen auf sein Konto, sieben davon finden 

sich auf einem Konzertmitschnitt aus Brixen vom August 2010 mit 

Silvia Frigato und Sara Mingardo. Mingardo, die übrigens ebenfalls 

Venezianerin ist, verströmt wie immer verführerisch samtige Alttöne. 

Ihre Kollegin allerdings erweist sich, wie wohl technisch nicht zu beanstanden, 

als monochrom und einfallslos. Zudem verhärtet sich ihr Sopran 

in der Höhe zunehmend, bekommt dort einen immer unschöneren, 

penetranteren Klang. Dadurch harmonieren die beiden Stimmen nicht, 

vermischen sich nicht. Es ist, als würde man Essigessenz statt Balsamico 

über die Erdbeeren träufeln. Und so wird trotz 1a-Mingardo-Qualität 

leider kein leckeres Dessert daraus. fra bernardo/Note 1 

Nach ihrer Marietta Marcolini gewidmeten CD mit Raritäten 

des frühen 19. Jahrhunderts (siehe „Vokal total“ 

6/2012) kehrt Ann Hallenbetrg zurück zu ihrem Kernrepertoire, 

dem Barock. Seltsamerweise entstand „Hidden 

Handel“ bereits im Sommer 2010, also noch deutlich vor 

ihrer im vergangenen Jahr als Solodebüt gehandelten Marcolini-Aufnahme. 

Doch wie dem auch sei, dieses Programm mit Händelschen Alternativarien 

ist ein wahres Juwel. Obwohl die Schwedin seit vielen 

Jahren ausnahmslos erstklassige Leistungen bietet, zeigt sie sich hier 

von der ersten Arie an noch gelöster, noch begeisternder als sonst. Das 

zieht sich durch die gesamte CD – entspannt und mit selbstverständlicher 

Souveränität reiht sie eine Perle (musikalisch wie stimmlich) an 

die nächste. Ihr weicher, schlanker Mezzo hat in diesen zwölf Arien, 

von denen neun Ersteinspielungen sind, eine ganz besonders cremige 

Note, führt aber beispielsweise in „Vinto è l‘amor“ aus „Ottone“ auch 

ihre leichtgängige Agilität vor. naïve/Indigo 

Zum Abschluss noch mehr Händel. Alle seine Opern 

wurden mittlerweile eingespielt, so macht man sich 

jetzt an seine Pasticci: „Giove in Argo“ ist das dritte und 

letzte Werk dieser Gattung, 1739 uraufgeführt. Eigentlich 

handelt es sich dabei eher um eine abendfüllende Pastorale, 

weshalb das Werk nicht ganz so zündet wie Händels dramatischer 

angelegte Opern. Der Hingabe des guten bis sehr guten Solistenensembles 

(u.a. Ann Hallenberg, Karina Gauvin und Anicio Zorzi Giustiniani) 

tut dies aber keinen Abbruch. Virgin Classics/EMI 

34 

Variation an lässt Ax die Es-Dur- 

Energien mit einer detailverliebten 

Behutsamkeit verebben, die 

uns neugierig macht, wie Beethoven 

diese zweifelnden Gegenkräfte 

wohl verwandeln wird. Viele 

Pianisten zelebrieren diese Momente 

um der Kontrastwirkung 

willen – sehr schön und sinnvoll 

auch das –, bei Ax aber wird dieser 

„Innehalt“ allmählich zu einer 

Art verborgenem Gegenthema. 

Schon in der versonnenen fünften 

Variation hält er die Fermate 

so lange, bis wir beunruhigt 

aufhorchen müssen, sei das Umfeld 

noch so unverbindlich klangschön 

und poliert, und in der großen 

Moll-Variation lässt er ahnen, 

dass diese Mächte melancholischen 

Stillstandes einmal siegen 

könnten. 

Aber alles wird gut: Mit der 

geradezu euphorisierend klangschön 

und kontrolliert aufgebauten 

Fuge stellen Ax und Beethoven 

die heile Welt wieder her. Es 

ist ein Vorgriff auf das Wunder 

des Opus 110, und Ax führt uns 

das Erlösungsereignis schlüssig 

vor Ohren: Im Abgesang der Coda 

sind die hemmenden Kräfte des 

ominösen Dominantseptakkords 

abgebaut, glücklich fließt die Melodie 

über diese Schwelle hinüber. 

Jetzt ist leider gar kein Platz 

mehr für ein paar Schumannund 

Haydn-Komplimente übrig. 

Aber glauben Sie mir, auch das 

wird betörend gediegen geboten. 

Bleibt nur meine dringende Empfehlung, 

diese Perle aus dem ganzen 

Neuerscheinungen-Schrott 

herauszufischen. Man wird reich 

und anhaltend belohnt! 

Matthias Kornemann 

Franz Danzi 

Flötenquartette op. 56 

●●●●○ 

Karl Kaiser, 

Ardinghello 

Ensemble 

MDG/Codaex 

(59 Min., 10/2012) 

[…] Dass sich das Ensemble auf 

die historisch informierte Interpretation 

der Romantik spezialisiert 

hat, hört man nicht nur seinem 

Namen an, der sich von Wil- 

helm Heinses 1787 erschienenen 

Roman „Ardinghello“ herleitet. 

Die Musiker vermeiden sowohl 

die Fehler hochromantisch 

geprägter Musiker, bei denen die 

klassisch angehauchten Partien 

bei Danzi oft zu schwer und undurchsichtig 

werden; andererseits 

widerstehen sie aber auch 

der Versuchung, das „Historische“ 

durch allzu barocke Artikulation, 

raue Tongebung oder peitschende 

Sturm-und-Drang-Gesten überzubetonen. 

Ob virtuose Belcanto-Seligkeit, 

romantische Sehnsucht 

nach dem Landleben, klassischer 

Idealismus oder Momente 

von Selbstvergessenheit und Caprice 

– all dies fügen die Interpreten 

mit klarem Formbewusstsein 

bei detailreicher Artikulation 

und einem besonders feinen Gespür 

für harmonische Schattierungen 

zu einem luziden Ganzen, 

das zum hörenden Mitmusizieren 

einlädt. Als systematische Erkundung 

der Ausdruckscharaktere 

der Flöte im gleichberechtigten 

kammermusikalischen Dialog mit 

den Streichern dürfte gerade diese 

Werkfolge dazu beitragen, dass 

Danzi endlich wieder die ihm gebührende 

Wertschätzung erfährt. 

 

Carsten Niemann 

Diverse 

„vom küsslichen Mund“ – 

Lieder der Mozart-Zeit 

●●●●○ 

Markus Schäfer, 

Christine 

Schornsheim 

Crystal/Delta 

Music 

(66 Min., 12/2009) 

[…] Der frisch entdeckte „Volkston“, 

das Strophenlied und die 

tändelnde, manchmal auch leicht 

moralisierende Idylle bilden den 

Hintergrund, vor dem sich die 

Wiener Liedkunst zu Mozarts Zeit 

entfaltete, doch strecken viele 

Komponisten bereits hörbar die 

Fühler nach der Romantik aus. 

Hier und da schielt der eine oder 

andere von ihnen auch mal mit 

einer Koloratur nach der Oper oder 

belebt die Naturbeschreibungen 

mit Tonmalereien, die Christine 

Schornsheim mit viel Geschmack,

Witz und Virtuosität plastisch umzusetzen 

weiß. Und weil Mozarts 

Wiener Kollegen gute Dichter wie 

Hölty, Goethe, Bürger, Matthisson, 

Klopstock und Schiller für ihre 

Vertonungen auswählten und 

Markus Schäfer neben seinem 

flexiblen Tenor auch Sinn für 

feinsinnige, lebendige und 

humorvolle Deklamation mitbringt, 

kann man die Scheibe 

als tönendes Lyrikbändchen genießen, 

bei dem sich die von ihren 

Schöpfern angestrebte Einheit 

von Gedichtvortrag und Musik auf 

ganz natürliche Weise von neuem 

herstellt. Carsten Niemann 

Froberger, D’Anglebert, 

J. C. F. Fischer, L. Couperin, 

Clérambault 

Pour passer la mélancolie 

●●●●● 

Andreas Staier 


(75 Min., 2/2012) 

[…] Zwischen den beiden 

Froberger-Werken leuchtet er 

ein enormes Farbenspektrum 

der Melancholie an einer Reihe 

klug zusammengestellter Werke 

französischer und französisch 

beeinflusster Komponisten aus: 

Knappe, konzentrierte Fugen und 

Ricercare stehen neben feierlichen 

Tombeaus und virtuosen, aber in 

sich kreisenden Chaconnen und 

Passacaglien. Zum Reiz der Aufnahmen 

trägt das ausgewählte 

Instrument bei: Es handelt sich um 

ein erst kürzlich restauriertes und 

zum Teil rekonstruiertes Cembalo 

aus dem 17. Jahrhundert, dessen 

Klaviatur 1749 von Joseph Collesse 

erweitert wurde. Es verbindet 

die sprachliche Präzision und 

funkelnde Pracht französischer 

Instrumente mit einer gewissen 

dunklen Wärme. Und Staier nutzt 

diese Farbmöglichkeiten bestens 

aus: So etwa in der c-Moll-Suite 

von Clérambault, die mit einer fast 

täuschend echten Lautenimitation 

beginnt, zur Courante hin festlich 

aufblüht und sich mit einer überraschenden 

„Petite Reprise“ mit 

leiser Melancholie vom Hörer verabschiedet. 


Gershwin, Copland, 

Bernstein, Milhaud u.a. 

In Rhythm 

●●●●○ 

Sebastian Manz, 

Martin Klett 

CAvi/harmonia 

mundi 

(69 Min., 7 & 8/2012) 

[…] Der Drive sitzt perfekt und 

kommt doch vital, wie angeboren 

daher. Dann wieder geben sich die 

beiden jungen Ausnahmemusiker 

als coole Boys, die dauerflirtend 

über den Broadway schlendern. 

Und selbst wenn Manz zwischendurch 

seine Klarinette richtig 

„dirty“ in Stellung bringt, wirkt 

selbst das nicht wie eine schlechte 

Parodie auf den Jazz-Jargon, 

sondern einfach lässig aus dem 

Ärmel geschüttelt. Hier wie überhaupt 

in fast allen Stücken hat 

es sich somit mehr als nur ausgezahlt, 

dass Manz und Klett 

musikalisch nie eingleisig gefahren 

sind. Der aktuelle Solo- 

Klarinettist des RSO Stuttgart hat 

das ABC des Jazz in Big Bands 

gelernt. Und sein langjähriger 

Klavierpartner nimmt sich trotz 

vieler kammermusikalischer Verpflichtungen 

immer wieder die 

Zeit, sich speziell mit dem Tango 

zu beschäftigen. 

Alles besitzt daher nun Klasse 

und Stil. Magisch sanft kosten 

Manz & Klett da einen Blues 

des walisischen Wahl-Amerikaners 

Alec Templeton aus. In der 

Duo-Fassung von Aaron Coplands 

Klarinettenkonzert spannt man 

den Bogen von Erik Satie´schem 

Charme bis zum maschinenhaften 

Groove, den Sebastian Manz 

im rhythmisch soghaften Solo 

„New York Counterpoint“ von 

Steve Reich mit Raffinement und 

elegantem Atem fortspinnt. Und 

selbst ein Stück von Astor Piazzolla 

oder Darius Milhauds „Scaramouche“ 

kommen einfach unbeschwert 

unterhaltsam und endlich 

nicht verkrampft originell 

rüber. 

Guido Fischer 

Justin Heinrich Knecht 

Grande Symphonie (Orchesterwerke 

und Arien) 

●●●●○ 

Sarah Wegener; 

Frieder Bernius, 

Hofkapelle Stuttgart 

Carus/Note 1 

(48 Min., 11/1997, 4/2008 & 2/2011) 

[…] So sehr man Knechts pastorales 

„Portrait musical de la 

nature“, das wie die meisten 

anderen dargebotenen Stücke 

erstmals auf einem Tonträger 

erscheint, als Vorläufer von 

Beethovens „Pastorale“ verstehen 

darf, so klar ist doch auch, dass 

dieses Werk eben wirklich nur 

ein Vorgeschmack auf Beethoven 

ist. Will sagen: Ohne Bernius’ 

fast fanatische Liebe zum Detail, 

durch die selbst jede kleine Überleitung 

zum Ereignis wird, durch 

die aber auch etwa jenes nette 

kleine „harmonische Labyrinth“ 

im zweiten Satz, mit dem sich 

das herannahende Unwetter ankündigt, 

unbestechlich klar und 

sauber zum Erklingen gebracht 

wird, könnte man Knechts Musik 

beinahe für ein ganz klein wenig 

belanglos halten … 

Aber wir wollen nicht den 

Interpreten vom Werk isolieren: 

Bernius bietet Knecht mit bedingungslosem 

Engagement dar, und 

zwar nicht nur seine „Pastoral- 

Sinfonie“, sondern auch eine kleine 

Auswahl seiner Arien. […] 

 

Michael Wersin 

Leevi Madetoja 

Sinfonie Nr. 2, Kuulervo 

op. 15, Elegie op. 4 Nr. 1 

●●●●○ 

John Storgårds, 

Helsinki Philharmonic 

Orchestra 

Ondine/Naxos 

(62 Min., 5/2012) 

Eine achte Sinfonie und eine 

abendfüllende Oper ist Jean Sibelius 

der Welt bekanntlich schuldig 

geblieben. Für beide Unterlassungen 

entschädigt uns sein Schüler 

Leevi Madetoja (1887–1947). Zu- 

nächst hörbar im Banne des Übervaters 

stehend, fand er auf dem 

Höhepunkt seines Schaffens zu 

einem eigenen Stil – wobei seine 

groß angelegte zweite Sinfonie, 

die unter dem Eindruck des finnischen 

Bürgerkriegs entstand, 

in dem unter anderem auch Madetojas 

Bruder getötet wurde, geradezu 

die Geschichte dieser Loslösung 

zu erzählen scheint. In 

den herrlich weitflächigen Naturschilderungen 

der ersten Sätze erinnern 

noch etliche Motive und 

auch Details ihrer Entwicklung 

an Sibelius. Die endgültige Wende 

bringt der dritte Satz, den Madetoja 

mit differenziertem rhythmischem 

Gefühl als einen Ausbruch 

von zwingender, sich rauschhaft 

steigernder Gewalt gestaltet, die 

im Augenblick höchster Erregung 

überraschend in eine ergreifende 

Elegie umschlägt. 

Thematisch passend wird die 

Sinfonie von der 1913 entstandenen 

populären Elegie und von 

dem 1890 entstandenen Tongedicht 

„Kullervo“ ergänzt, das ein 

packendes, unabhängig von Sibelius 

gleichnamiger Jugendsinfonie 

entstandenes Porträt des tragischen 

Helden aus dem Nationalepos 

„Kalevala“ ist. Der kraftvoll, 

mit unsentimentaler Poesie und 

zugleich hintergründig dirigierende 

Storgårds sowie das zugleich 

brillant und warm timbrierte Philharmonische 

Orchester Helsinki 

mit seinen glasklar intonierenden 

Bläsern sind die Idealbesetzung 

für dieses Repertoire. Ein eigenes 

Lob verdienen auch die Tonmeister 

des Labels Ondine, die Madetojas 

grandiose Breitwandeffekte 

mit größter Transparenz und Tiefenschärfe 

eingefangen haben. 

 


Weitere Rezensionen 

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35

Klassik 

Wolfgang Amadeus 

Mozart 

Klaviermusik Vol. 4 

●●●●● 

Kristian Bezuidenhout 


(71 Min., 10/2011) 

Den satten, seiner knirschenden 

Geschichtlichkeit weitgehend entkleideten 

Klang, in den Kristian 

Bezuidenhout die vierte Folge seiner 

Mozart-Werkschau hüllt, erzeugt 

er mit einem Instrumententyp, 

dem Beethoven seine „Sturm- 

Sonate“ zugedacht hat – dem 

Nachbau eines Walter-Flügels von 

1805. Dank dieses historisch „informierten“ 

Anachronismus’ erfährt 

man etwas über die dramatische 

Evolution des Klavierbaus 

im Wien um 1800. Von einem solchen 

Brummer konnte Mozart nur 

träumen; der Flügel von 1795, den 

Bezuidenhout für die erste Folge 

wählte, wäre ihm wohl deutlich 

vertrauter vorgekommen. 

Hinter diesem instrumentengeschichtlichen 

Vorhang besticht 

Kristian Bezuidenhout erneut mit 

sehr gelöst und undogmatisch 

wirkendem Musizieren, frei in den 

Tempi, pointiert und geschmackvoll 

bei den eigenen Auszierungen 

und vor allem modern in der Würdigung 

des lange Zeit verschütteten 

opernhaften Geistes, der Mozarts 

Klaviermusik mit all ihren 

empfindsamen Drückern, Seufzern 

und gleißenden rhetorischen 

Wendungen durchzieht. Die D- 

Dur-Sonate KV 311 sprüht nicht 

nur im Geiste der Opera buffa, wir 

erkennen auch, welche orchestra- 

Gamben und Cembali durchforsteten. 

Doch es braucht eben Zeit, 

bis nicht nur das Spiel auf den 

Klang-Antiquitäten in Herz und 

Blut übergangen ist, sondern vor 

allem der Geist der Musik. Und 

erst dann beginnt sie wirklich zu 

atmen, zu duften, zu betören. Genau 

diese Qualität besitzt das 

Miteinander des jungen französischen 

Quartetts La Sainte Folie 

Fantastique. Bereits während 

ihrer Studienzeit haben sich der 

Violinist, die Gambistin, der Organist 

bzw. Cembalist und der Lautenist 

zusammengetan, um ihrer 

Passion für die Alte Musik nachzugehen. 

Nun liegt das Debüt- 

Album des Ensembles vor. Und 

wenngleich eigentlich das sich 

aus zahllosen Raritäten zusammensetzende 

Programm der Star 

sein sollte, sind es die vier Musiker. 

Was die Linienführung, Verve 

und Aufhellung der Satzstrukturen 

angeht, aber auch den Sinn 

fürs melodisch Umschmeichelnde 

und Seligmachende, schafft man 

an den scheinbar ewig jungen historischen 

Instrumenten aus dem 

Stand Großes, Bewundernswertes. 

Andererseits kann man sich 

vielleicht nur zu solchen Höchstleistungen 

aufschwingen, wenn 

die Noten die entsprechenden 

Steilvorlagen bieten. Erstaunlicherweise 

haben La Sainte Folie 

Fantastique nun Werke von Komponisten 

ausgegraben, die nur 

noch absoluten Insidern ein Begriff 

sind. Dazu gehören der deutsche 

Gambist Dietrich Stoeffken 

sowie die Engländer John Jenkins 

und Henry Butler. Von ihnen und 

weiteren Zeitgenossen wie Wilhelm 

Brad hat man Sonaten, Suitensätze 

und Solo-Stücke ausgele 

Klangvision der dünn wirkende 

Satz mit all seinen Farb- und Registerwechseln 

birgt. 

In der früheren G-Dur-Sonate 

K. 283 träumte Mozart noch 

nicht über die Holzrahmen seiner 

bescheidenen Instrumente hinaus. 

Bezuidenhout spielt das immer 

noch anfängergeschädigte 

Werk zurückgenommener, ja der 

marschhaft hingetüpfelte Beginn 

des C-Dur-Andantes scheint jedes 

Harmlosigkeits-Klischee zu bestätigen. 

Doch wollte schon Mozart 

seine Hörer ein wenig täuschen 

und führt sie in der Durchführung 

in unerwartet ernste, mollverdunkelte 

Verhältnisse. Bezuidenhout 

übersteigert diesen Effekt noch, 

indem er den geradezu extraterrestrisch 

entrückten E-Dur-Akkord 

subtil ergänzt, in den diese 

Durchführung mündet, bevor Mozart 

chromatisch-knirschend ins 

C zurück strebt. Das mag so nicht 

im Urtext stehen, aber es offenbart 

die kühne Poesie des längst 

noch nicht rehabilitierten frühen 

Klavierwerks. 

Matthias 

Kornemann 

My Precious Manuscript 

Barockwerke von Henry 

Butler, John Jenkins, 

Dietrich Stoeffken u.a. 

●●●●● 

La Sainte Folie 

Fantastique 

Alpha/Note 1 

(67 Min., 9/2012) 

Nichts gegen die Pioniere, die vor 

einem halben Jahrhundert auch 

die Kammermusik mit ihren 

wählt, die man vorrangig in dem 

sogenannten „Durham Manuscript“ 

entdeckt hat. Diese aus 44 

Stücken bestehende Notensammlung 

befindet sich in der Bibliothek 

der im Nordosten Englands 

gelegenen Kathedrale von Durham 

und wurde vermutlich zwischen 

1675 und 1680 angelegt. 

Dieses Konvolut ist nicht nur eine 

Fundgrube für Musikwissenschaftler, 

die sich mit den Schnittstellen 

zwischen der englischen 

und italienischen Musik im 17. 

Jahrhundert beschäftigen wollen. 

Wie La Sainte Folie Fantastique 

jetzt beweisen kann, ist es eine 

Goldgrube. Guido Fischer 

Franz Schubert 

Licht und Liebe – Lieder 

und Vokalquartette 

●●●●○ 

Marlis Petersen, 

Anke Vondung, 

Werner Güra, 

Konrad Jarnot, 

Christoph Berner 


(65 Min., 10/2011) 

Zum dritten Mal tritt das „All- 

Star-Quartett“ aus Marlis Petersen, 

Anke Vondung (bzw. Stella 

Doufexis), Werner Güra und Konrad 

Jarnot mit einem Ensemble- 

Programm in Erscheinung. Nach 

Brahms‘ „Liebesliederwalzern“ 

und Schumanns „Spanischen Liedern“ 

ist nun Franz Schubert mit 

Liedern und Vokalensembles das 

Thema – ein Repertoire, das (wie 

Beiheftautor Roman Hinke kritisch 

anmerkt) beliebte Schu- 

 

 

Franz Liszt 

R. W. - Venezia S. 201 

P M Y 

Frédéric Chopin 

Barcarolle Fis-Dur op. 60 

Mazurka f-moll op. 68/4 

Nouvelle Étude Nr. 2 As-Dur 

Berceuse Des-Dur op. 57 

Prélude cis-moll op. 45 

Nocturne H-Dur op. 62/1 

Wenn ich ein anderes Wort für Musik suche, 

so finde ich immer nur das Wort Venedig. 

Franz Liszt 

La lugubre gondola S. 200/2 

Friedrich Nietzsche 

R. W. - V E N E Z I A 

C H O P I N L I S Z T W A G N E R 

J A N F L O R I O P M Y 

Richard Wagner 

arr. Joseph Rubinstein 

Parsifal und die Blumenmädchen 

Karfreitagszauber 

Franz Liszt 

Am Grabe Richard Wagners S. 202 

R. W. - Venezia 

Jan Florio, Klavier 

PMY 102 / EAN 0610098109 

www.pmymedia.com 

36

ert-Klischees auf den Plan ruft. 

Dass man Schuberts Ensemblenummern 

indes kaum über einen 

Kamm scheren kann, beweist allein 

schon die große stilistische 

Spannweite zwischen dem ebenso 

launigen wie extravertierten 

Quartett „Der Hochzeitsbraten“ 

und dem innigen Duett „Licht und 

Liebe“. Beide sind, wie auch die 

anderen Ensemblestücke Schuberts, 

selten zu hören – wohl einfach 

deshalb, weil man sich im 

Konzertleben gewöhnlich auf sängerisch 

einfach besetzte Liederabende 

konzentriert. Umso dankenswerter 

die vorliegende Mixtur 

aus Soli und Quartetten nebst 

je einem Duett und Terzett und 

Quartett. 

Sängerisch gesehen ist hocherfreulich, 

dass Konrad Jarnot seinen 

Hang zum Brüllen, der wohl 

beinahe seine prachtvolle Stimme 

ruiniert hätte, mittlerweile zu 

zügeln versteht: Die zum Protzen 

animierende „Allmacht“ von Pyrker 

fällt weit dezenter aus als erwartet. 

Keine Sorgen muss man 

sich um die urgesunde Marlis Petersen 

machen: Sie verfügt über 

ein breites vokales Ausdrucksspektrum 

und kann sich zu großer 

Intensität steigern, ohne dabei 

aufdringlich zu werden, wie 

sie in „Delphine“ beweist. Werner 

Güra und Anke Vondung verstehen 

durch lyrischen Schmelz und 

berückendes Timbre zu punkten, 

bei Güra kommt eine außergewöhnlich 

ungezwungene Nähe 

zur Sprache hinzu. Besonders erfreulich 

ist aber, dass man diese 

durchaus individuell gepolten Solisten 

ohne weiteres im Ensemble 

genießen kann, weil jeder sich 

entsprechend zurückzunehmen 

versteht. Das klang in der vorigen 

Sängergeneration (man denke an 

Mathis, Fassbaender, Schreier und 

Fi-Di mit ihren für heutige Ohren 

kaum zu ertragenden Liebeslieder-Walzern) 

noch ganz anders. 

Irgendwie, so könnte man meinen, 

zieht das Alte-Musik-Ideal 

doch weite Kreise – immerhin 

spielt Christoph Berner auf dieser 

CD auch ein zeittypisches Fortepiano 

statt dem sonst allzu üblichen 

Steinway. Michael Wersin 

Johan Svendsen 

Violinkonzert, Sinfonie 

Nr. 1 

●●●●○ 

Marianne Thorsen, 

Neeme Järvi, 

Bergen Philharmonic 

Orchestra 

Chandos/Note 1 

(74 Min., 8/2012) 

Nur gut, dass es noch Labels wie 

Chandos gibt. Wenn schon Orchester, 

Dirigenten und Veranstalter 

außerhalb Skandinaviens die 

zwei Sinfonien von Johan Svendsen 

links liegen lassen – aus Unkenntnis 

natürlich, denn die musikalische 

Qualität ist definitiv 

nicht daran schuld –, so wird allen 

Neugierigen und Interessierten 

zumindest auf CD die Bekanntschaft 

mit diesen wunderbaren 

Werken gegönnt. 

Die dritte Folge seiner Gesamteinspielung 

der Orchesterwerke 

Svendsens legt Neeme Järvi 

mittlerweile vor, erneut erweist 

er sich dabei zusammen mit dem 

vorzüglichen Bergen Philharmonic 

Orchestra als fast idealer Anwalt 

des 1840 geborenen Komponisten. 

Die geringen Einschränkungen 

betreffen, wie schon bei 

der im vergangenen Jahr veröffentlichten 

Aufnahme der zweiten 

Sinfonie, das Scherzo, das Järvi 

auch hier etwas zu gemütlich angeht 

und dem er die nötige rhythmische 

Prägnanz schuldig bleibt. 

Lässt er sich im Scherzo mehr 

Zeit, so nimmt er – ebenfalls analog 

zur letztjährigen Folge – den 

langsamen Satz dafür etwas zügiger, 

ohne deswegen auf delikates 

Ausmusizieren und Schwelgen zu 

verzichten. 

Svendsens Violinkonzert gibt 

sich extrovertierter als sein fast 

zeitgleich entstandenes Cellokonzert. 

Trotzdem ist es kein Virtuosenstück, 

auch wenn der Solist 

seine Kunstfertigkeit deutlich 

stärker ausspielen darf. Marianne 

Thorsen unterstreicht mit ihrem 

weichen, empfindsamen Ton den 

insgesamt eher intimen Charakter 

des Werkes. 

Eine weitere Empfehlung für 

alle, die musikalische Entdeckungen 

lieben. Michael Blümke 

Antonio Vivaldi, Tomaso 

Albinoni, Antonio 

Caldara u. a. 

Venezia – Opera Arias Of 

The Serenissima 

●●●●● 

Max Emanuel 

Cencic, Riccardo 

Minasi, Il Pomo 

d’Oro 

Virgin/EMI 

(63 Min., 9/2012) 

[…] Mit durchschnittlich zehn Uraufführungen 

pro Jahr hielt man 

das anspruchsvolle Publikum der 

Serenissima bei Laune. Das ergibt 

ein Output von etwa 350 Werken 

allein für das erste Drittel des 18. 

Jahrhunderts. Und genau dieses 

hatte Max Emanuel Cencic bei der 

Zusammenstellung von “Venezia” 

im Blick. Knapp die Hälfte des Programmes 

machen Arien von Vivaldi 

aus (erfreulicherweise aber 

nicht die üblichen Verdächtigen), 

den größeren Teil bestreiten Albinoni, 

Caldara, Gasparini, Giacomelli, 

Porta und Sellitto. 

Eine perfekte Auswahl zur 

Demonstration von Cencics Kunst, 

die mittlerweile ein kaum zu übertreffendes 

Niveau erreicht hat. 

Trotz stärkster Konkurrenz darf 

man behaupten, dass der 36-jährige 

Kroate der derzeit führende 

Countertenor ist. (Auch wenn Kollege 

Jaroussky ätherischer schweben 

kann.) Schon die pure Schönheit 

und Sinnlichkeit der Stimme, 

der so gar nichts Anämisches 

oder Strohiges anhaftet, begeistert. 

Dazu wird sie weich und elegant 

geführt, kann aber auch 

energisch zupacken oder attackieren. 

Extreme technische Anforderungen 

meistert Cencic mit größter 

Selbstverständlichkeit, selbst 

schnellste Läufe sind stets sauber 

und geschmeidig, hohe Töne bindet 

er vorbildlich in die Linie ein, 

ohne den Fluss zu stören. Gleichzeitig 

erweist er sich auch auf gestalterischer 

Seite überlegen, 

weil er nicht wie etliche Stimmfachkollegen 

pauschal im Ausdruck 

bleibt, sondern Affekte und 

Stimmungen nachdrücklich und 

glaubwürdig vermittelt. Unbedingt 

empfehlenswert! 

 


Antonio Vivaldi, Georg 

Friedrich Händel, Henry 

Purcell, Francesco 

Cavalli und Claudio 

Monteverdi 

Enchanted Forest 

●●●●○ 

Anna Prohaska, 

Jonathan Cohen, 

Arcangelo 

DG/Universal 

(70 Min., 4 & 9/2012) 

[…] Für das mit „Zauberwald“ betitelte 

Album ist Prohaska in die 

Rollen von Nymphen (Daphne) 

Zauberinnen (Armida) und weiteren 

weiblichen Mythenwesen geschlüpft, 

die zumindest laut ihrer 

musikalischen Porträtisten aus 

den Sehnsüchten oftmals kein 

großes Spektakel gemacht haben. 

So schafft es Prohaska etwa in 

Henry Purcells trauertrunkenem 

„O Let Me Weep“ (aus „The Fairy 

Queen“) mit geradezu berückender 

Intensität, die Zeit stillstehen 

zu lassen. Und auch die pastorale 

Innigkeit von Händels „Felicissima 

quest´alma“ kommt mit einer 

Eleganz und Tonschönheit daher, 

dass man vor der gerade mal 

30-jährigen Ausdruckskünstlerin 

den Hut ziehen muss. 

Dass Prohaska aber doch noch 

nicht am Ende ihrer Möglichkeiten 

angekommen ist, zeigt sie zwischendurch 

immer wieder. Gerade 

in den eingestreuten Arien, in 

denen wie in Händels „Furie terribili“ 

das Temperamentsbarometer 

im roten Bereich ausschlägt, fehlt 

Prohaska das nötige Volumen und 

die Entspanntheit im technisch so 

Anspruchsvollen. Und auch in Vivaldis 

„Alma oppressa“ kann Prohaska 

trotz makelloser Stimmführung 

nicht mit dem furiosen 

Beben mithalten, das das von Jonathan 

Cohen geleitete Alte Musik-Ensemble 

Arcangelo auslöst. 

Dennoch ist die Sängerin schon 

auf dem allerbesten Weg: Wie sie 

schließlich in Monteverdis „Lamento 

della ninfa“ das Schmerzhafte 

und gleichzeitig die ungeheure 

Modernität dieser Musik 

bis in die letzte Pore auskostet, 

kommt einem goldenen Schuss 

mitten ins Herz gleich. 

 

Guido Fischer 

37

J 

Jazz 

Jack DeJohnette 

Special Edition 

●●●●● 

ECM/Universal 

(4 CDs, 174 Min., 

1979–1984) 

Auch mit siebzig ist Jack DeJohnette 

der jungenhafte Schlagzeuger, 

der in der Nachfolge von Tony 

Williams zum Fackelträger der afro-amerikanischen 

Trommeltradition 

wurde. […] Seine Gesamtbegabung 

entfaltete sich von 1979 

bis 1984 und ist bei ECM auf den 

LPs Special Edition, Tin Can Alley, 

Inflation Blues und Album Album 

dokumentiert. 

Mit einer CD-Box dieser vier 

Alben feiert ECM jetzt seinen großen 

Star. Der huldigte damals seiner 

Vorliebe für Bläser. Zum Einsatz 

kamen die Meister ihrer Instrumente. 

Das waren zunächst 

die Saxofonisten David Murray 

und Arthur Blythe, dann Chico 

Freeman und John Purcell. Letzteres 

Gespann wurde später um 

den Trompeter Baikida Carroll erweitert. 

[…] DeJohnette verstärkte 

seine immer geschmeidiger werdenden 

Bläsersätze à la Ellington 

mit der Melodica, und streng dosiert 

ist er als Pianist einer quasi 

ernüchterten Jarrett-Schule 

zu hören. Dank der Studiotechnik 

kann er sich dabei selber am 

Schlagzeug begleiten. Als die Jazzwelt 

innovative akustische Musik 

schon in fusionierten elektrischen 

Klangwogen untergehen 

sah, war Jack DeJohnette’s Special 

Edition Leuchtturm und Verheißung. 

Schön, dass sie wieder vernommen 

wird 

 

Thomas Fitterling 

In The Country 

Sunset Sunrise 

●●●●○ 

ACT/Edel 

(65 Min., 5/2012) 

Als Piano-Trio aus Skandinavien 

zu kommen, kann eine ziemliche 

Bürde sein. Weil man stets Gefahr 

läuft, mit dem legendären schwedischen 

Dreier e.s.t. verglichen zu 

werden. Das gilt für die Norweger 

von „In The Country“ im be- 

[…] Eins aber meidet die 

51-Jährige: den swingenden 

Combo-Jazz der 1950er. Ihrem 

„What Keeps Mankind Alive“ ist 

eine bedrohliche, unerbittlich 

rumorende Rock-Basis unterlegt, 

und der „Train To Heaven“ fährt mit 

kreischenden Nebengeräuschen 

auf pulsierenden Beats – und 

bricht ins Unbestimmte ab. Der 

„September Song“ bewegt sich 

zwischen perlenden Regentropfen-Tönen, 

und „Mack The 

Knife“ lebt in einer scheinbar 

heilen Krimi-Welt – allerdings 

stören diese ein stark verzögertes 

Echo und spitze Gitarrensounds. 

„Surabaya Johnny“ ist ihr nur ein 

paar Pfiffe wert, und im Titelsonderen 

Maße. Schließlich sind 

Pianist Morten Qvenild, Bassist 

Roger Arntzen und Schlagzeuger 

Pål Hausken mittlerweile bei 

ACT unter Vertrag, eben jenem Label, 

das Esbjörn Svensson und den 

Seinen einst den Durchbruch in 

Europa bescherte. 

Keine Ahnung, ob das gewollt 

ist oder nicht: Aber der „Birch 

Song“, der Auftakt von „Sunset 

Sunrise“, klingt mit dem schleppenden 

Besen-Groove sowie in der 

Melodieführung fast genauso wie 

„Believe Beleft Below“, der größte 

Balladen-Hit der schwedischen 

Superstars. Im späteren Verlauf 

verliert das Stück allerdings jegliche 

Ähnlichkeit mit der charakteristisch 

sonnigen e.s.t.-Melancholie. 

Das Klavier rutscht in einen 

Bass-Abgrund, merkwürdige Störgeräusche 

sind zu vernehmen, die 

sich wie das Zirpen eines elektronischen 

Totenvogels ausnehmen. 

Womit der eigentliche Grundton 

der Aufnahme angeschlagen 

wäre. 

„Sunset Sunrise“ wird ungeachtet 

seiner friedlich-meditativen 

Oberfläche von einer permanenten 

Spannung bestimmt. Oftmalige 

Klangverfremdungen und 

vom Klavier gehämmerte Achtel 

erzeugen eine düstere, bedrohliche 

Stimmung. Und selbst, wenn 

es mal etwas heiterer zugeht wie 

in dem skurrilen „Steelplants“, 

wähnt man sich keineswegs behaglich 

auf dem Lande, wie es 

der Bandname andeutet, sondern 

eher in einer fehlfarbenen Science-Fiction-Landschaft. 

e.s.t.-Epigonen? Von wegen. 

Mit „Sunset Sunrise“ beweisen „In 

The Country“, dass sie mehr mit 

Edvard Grieg oder Radiohead gemeinsam 

haben als mit Esbjörn 

Svensson 

Josef Engels 

Caroline Henderson 

Lonely House 

●●●●○ 

Sony 

(45 Min., kein Aufnahmedatum) 

Meilenstein 

John Coltrane 

Van- 

The Complete 1961 Village 

guard Recordings 

38 

Impulse!/Universal 

IMP 42322 

(11 /1961, 4 CDs) 

„COLTRANE: The 

Complete 1961 Village 

Vanguard Recordings“. 

Man beachte, wie die Rezeption 

durch diese Titelgebung gelenkt wird, die unauffällig 

ein wenig in die Irre führt. Denn gerade 

nicht die Fokussierung auf ein monomanisches 

Saxofongenie macht die eigentliche 

Bedeutung dieser Aufnahmen aus; sie sind 

vielmehr das wichtigste Dokument der Partnerschaft 

mit Eric Dolphy, der im Juni 85 Jahre 

alt geworden wäre. Er sollte eigentlich mit 

auf den Titel, denn anders als die Zusammenarbeit 

mit Johnny Hodges, die Coltrane noch 

als Anfänger ausweist oder die Union mit 

Pharoah Sanders, die letztlich ein Kräftemessen 

zwischen Lehrer und Schüler darstellt, 

handelt es sich hier um eine Begegnung mit 

einem gleichrangigen, stilistisch andersgearteten, 

aber nicht weniger innovativen und 

eigenständigen Saxofonisten. 

Sie erregte Aufsehen – und Kopfschütteln: 

Coltrane hatte mittlerweile alle traditionellen 

Vorstellungen saxofonistischen Schönklangs 

über den Haufen geworfen. Er schrie, 

raste, tobte, bebte mit einer selten zuvor so 

stark entwickelten Eruptivkraft auf dem Saxofon; 

sein Klang war beißend scharf geworden, 

trübte sich oder quäkte. Die sich überschlagenden 

Stimmen von Gospelpredigern, die Intensität 

von Schlangenbeschwörern spiegelten 

sich in seinem Tenor- bzw. Sopran-Sound. 

Dolphys Spiel zeugt kaum weniger von Besessenheit 

und Getriebenheit als das Coltranes. 

In rasenden Läufen voller unerwarteter 

Intervallsprünge, Wendungen und Atempausen 

hüpft und windet er sich scheinbar atonal 

durch harmonische Labyrinthe, die um ein 

Vielfaches komplexer sind als der vergleichsweise 

statische Hintergrund von der Rhythmusgruppe, 

die aus McCoy Tyner (p), Reggie 

Workman bzw. Jimmy Garrison (b), Elvin Jones 

bzw. Roy Haynes (dr) besteht. Dabei gackert, 

kreischt und blökt der quirlige Mann, 

der gern zum Zwitschern der Vögel übte, 

auf Altsax und Bassklarinette wie eine aufgescheuchte 

Menagerie. Dass der frei chromatisch 

empfindende Dolphy Coltranes Konzeption 

des modalen Jazz nicht ganz unterschreiben 

konnte – er improvisierte über 

hinzugedachte Harmoniegerüste – macht den 

Kontrast zwischen den beiden Saxofonisten 

besonders spannend. Marcus A. Woelfle

song „Lonely House“ schaffen 

reduzierte Kontrabassfiguren 

und schmatzende Digitalsounds 

eine mystische Einsamkeitsatmosphäre, 

über die sich die 

scheinbar unberührte Gesangsstimme 

hoffnungsvoll erhebt. 

Das Konzept, Weills Songs zu 

entstauben und in eine aktuelle 

musikalische Umgebung zu 

heben, funktioniert. Caroline 

Henderson gelang eine grundlegende 

Neu-Interpretation von 

Format. Werner Stiefele 

Nilson Matta 

Nilson Matta’s Black 

Orpheus 

●●●●○ 

Motéma/Membran 

(59 Min., 4/2012) 

Sich jahrelang gehegte Träume 

zu verwirklichen, ist nicht der 

schlechteste Anlass für eine Plattenaufnahme. 

Der Bassist Nilson 

Matta hörte 1956 den Soundtrack 

zum Theaterstück „Orfeo da Conceiçã“ 

und drei Jahre später die 

Musik zum Spielfilm „Black Orpheus“ 

– und diese beiden Schlüsselwerke 

für die Bossa-Nova-Welle 

der 1960er ließen ihn nicht mehr 

los. Nun hat er sie äußerst liebevoll 

in Jazz verwandelt, wobei ihm 

Größen wie der Trompeter Randy 

Brecker, die Pianisten Kenny Barron 

und Klaus Müller, die Sängerinnen 

Gretchen Parlato und Leny 

Andrade sowie der Klarinettist 

Anat Cohen zur Seite standen. 

Herausgekommen ist eine 

rundum schlüssige Neufassung, 

die hohes musikalisches Niveau 

mit den Anforderungen gepflegter 

Unterhaltungsmusik vereint. 

[…] Nilson Matta gönnt sich zwar 

einige dezent eingeklinkte Bassfeatures, 

bleibt aber stets ein Ensemblemitglied 

ohne Sonderstatus. 

In seinen Versionen entfalten 

die von Antonio Carlos Jobim und 

Luiz Bonfá komponierten Stücke 

ihr südamerikanisches Flair in 

einer typisch New Yorker Jazzumgebung. 

Werner Stiefele 

Emile Parisien 

Chien Guêpe 

●●●●● 

Laborie/edel 

(40 Min., 2011) 

Man kennt den 30-jährigen Saxofonisten 

Emile Parisien als Mitglied 

von Daniel Humairs aktueller 

Gruppe. Der Drummer-Leader 

hat auch Sylvain Darrifourcq 

gefördert, der an Schlagzeug und 

an Zither integraler Teil des Emile 

Parisien Quartet ist. Zu dieser 

Formation gehören noch der Pianist 

Julien Touéry und der Kontrabassist 

Ivan Gélugne. Bereits 

seit 2004 spielen die vier zusammen 

und verwirklichen ihrer Generation 

adäquat als Kollektiv, 

was Humair für den Jazz für heute 

fordert: dass man nämlich bereit 

sein müsse, eingefahrene Routine 

zu verlassen, auf Abwege zu 

geraten, die dann zu neuen, verfeinerten 

Aussagen führen können. 

Das Quartett tut dies aus dem 

Geist des Free Jazz, der aber so gar 

nichts mit teutonischer Bilderstürmerei 

zu tun hat, sondern sich 

dem Dadaismus und dessen humorvoller 

Seite verbunden weiß. 

Das kommt schon in den Titeln 

zum Ausdruck und findet seine 

Fortsetzung in der von der Pataphysik 

inspirierten Cover-Gestaltung 

inklusive Liner Notes. 

In der Musik schließlich wird 

dieser Ansatz zu episch lustvollem 

Erleben. Musiziert wird weitgehend 

kollektiv. Immer wieder 

mutieren geräuschhafte Phasen 

zu vielschichtig verwobenen 

Motiven. Selbst in hochenergetischen 

Passagen sind die vier Stimmen 

punktgenau aufeinander bezogen. 

Alles ist durchdrungen von 

einer clarté lucide, einer hellsichtigen 

formbewussten Klarheit. 

Abwege – wenn sie denn welche 

waren – werden zu sinnfälliger, 

verfeinerter Aussage, und Höranstrengung 

löst sich in beglückendem 

Erleben, das Intellekt und 

Seele gleichermaßen rührt. Bei 

der enormen Dichte an musikalischem 

Material bekommt der Hörer 

mehr Musik, als auf manch anderer 

Einspielung doppelter Länge. 

Thomas Fitterling 

Tingvall Trio 

In Concert 

●●●●● 

Skip Records/ 

Soulfood 

(79 Min., 10/2012) 

An manche Konzerte erinnert 

man sich immer wieder gern. So 

muss es auch gewesen sein, als 

das Tingvall Trio am 27. Oktober 

2012 beim Bad Wörishofener Festival 

„Jazz Goes To Kur“ und tags 

drauf im Innsbrucker Treibhaus 

sein Publikum in seinen Bann 

zog. Aus diesen beiden Auftritten 

kompilierten sie das randvolle 

Live-Album; die Veröffentlichung 

auf zwei LPs enthält darüber hinausgehende 

Bonus-Tracks. Das 

Repertoire umfasst ausschließlich 

Stücke, die sie bereits auf ihren Alben 

„Skagerrak“, „Vägen“, „Norr“ 

und „Vattensaga“ vorgelegt hatten. 

Die Auftrittsatmosphäre verleiht 

ihnen allerdings neue Frische; 

durch das jahrelange Zusammenspiel 

des Trios wirken sie zudem 

impulsiver und interaktiver als die 

ohnehin schon attraktiven Studioversionen. 

[…] „Movie“, und „Hajskraj“ 

halten mit Tempo, virtuosen Soli 

und wechselnden Klangfarben 

die Spannung hoch, bevor die Ballade 

„Utsikt“ zunächst Entspannung 

ankündigt, zwischendurch 

aber raffiniert Tempo und Intensität 

anzieht. Nach dem „Valsang“ 

steuern der Calypso „Mjau“ 

und das von harten Rhythmen geprägte 

Medley „Trolldans – Monster“ 

auf ein mitreißendes Finale 

hin. Die Ballade „Efter Livet“ und 

das von einer magischen Bassfigur 

durchzogene „Nimis“ sorgen 

dafür, dass sich das angenehme 

Konzerterlebnis verfestigt. Diese 

bestens dosierte Dramaturgie aus 

herrlichen Melodien, großartig 

aufgebauten Spannungsbögen 

und dynamischen Wechseln hebt 

das Album auf eine Ebene mit 

den Live-Klassikern „At The Pershing“ 

und „Concert By The Sea“ 

der Trios von Ahmad Jamal beziehungsweise 

Erroll Garner. 

 

Werner Stiefele 

09. Juni bis 

28. Juli 2013 

DIE 

BERNAU 

ERIN 

Musikalische Leitung: Christian von 

Gehren, Inszenierung: Marcus Everding, 

Bühne und Kostüme: Thomas Pekny, 

Orchester der Carl Orff-Festspiele 

Andechs, Andechser Festspielchor 

CARMINA 

BURANA 

Musikalische Leitung: Christian von 

Gehren, Lichtkonzeption: Marcus 

Everding, Orchester der Andechser 

ORFF ® -Akademie des Münchner 

Rundfunkorchesters, Carl-Orff-Chor 

Marktoberdorf 

ORFF & JAZZ 

Leitung: Ulf Schirmer, 

Münchner Rundfunkorchester 

KAMMER- 

KONZERTE 

Andechser ORFF ® -Akademie des 

Münchner Rundfunkorchesters 

Eintrittskarten 

Kloster Andechs 

Tel. (08152) 376 - 400 

München Ticket 

Tel. (089) 54 81 81 81 

www.carl-orff-festspiele.de 

Jetzt 

Tickets 

sichern! 

39

B 

Bücher 

Paul Hindemith 

Vorschläge für den 

Aufbau des türkischen 

Musiklebens 

Als Kemal Atatürk 

1923 die Türkische 

Republik ausrief, 

gehörte für ihn 

auch die kulturelle 

Annäherung an die 

westliche Moderne 

zu seinen wichtigsten Zielen. Und 

gerade die Erneuerung des Musikschul- 

und Konzertwesens lag ihm 

besonders am Herzen. Ab 1924 

lud er daher aus Deutschland und 

Österreich Pädagogen und Komponisten 

ein, Ausbildungskonzepte 

zu erarbeiten und am Aufbau 

etwa eines Konservatoriums und 

türkischen Opernlebens mitzuwirken. 

Über den Mittelsmann 

Wilhelm Furtwängler konnte so 

1934 Paul Hindemith für dieses 

ehrgeizige Projekt gewonnen werden. 

Vier Mal, von 1935 bis 1937, 

reiste er so für jeweils mehrere 

Wochen in die Türkei, um sich 

vor Ort über das Musikleben zu informieren. 

Und dass es eine Menge 

zu tun gab, dokumentieren die 

drei von Hindemith minutiös ausgearbeiteten 

Berichte, die jetzt als 

Faksimile veröffentlicht wurden. 

Die Orchesterinstrumente waren 

in einem katastrophalen Zustand. 

Der Unterricht war „tadelswert“. 

Und neben den wichtigen, 

aber mit enormen Zöllen belegten 

Unterrichtsmaterialien aus dem 

Ausland war Hindemith auch die 

exorbitante Besteuerung von Konzerten 

ein Dorn im Auge, die einen 

florierenden Konzertbetrieb nach 

westlichem Vorbild im Keim erstickte. 

Aber Hindemith legte eben 

nicht nur den Finger in die zahllosen 

Wunden, sondern erarbeitete 

genauso viele Verbesserungsvorschläge, 

von denen selbst heute 

noch hiesige Kulturpolitiker etwas 

lernen können. 

Guido Fischer 

Staccato, 200 S., € 30,00 

Karl Löbl 

Der Balkonlöwe 

1998 stand Karl 

Löbl ein letztes Mal 

auf dem Balkon 

eines Wiener Musentempels 

und 

sprach aus dem 

Stand heraus seine 

Premieren-Kritik in die Kamera 

des ORF-Fernsehens. Elf Jahre 

lang hatte Löbl diese Kunst der 

Spontan-Rezension beherrscht, 

bei der er in zweieinhalb Minuten 

topquotenträchtig Fachkenntnis 

mit Gespür fürs unterhaltsam 

Pointierte verknüpfte. Bevor Löbl 

1987 auf TV-Sendung ging, war er 

in Österreich als Musik- und Theaterkritiker 

längst eine Institution, 

die branchenüblich geliebt und 

gehasst wurde. Heute ist der gebürtige 

Wiener bereits über Achtzig 

und hat dementsprechend einiges 

zu berichten aus seinem 

weiterhin aktiven Chronistenleben. 

Und auch in seiner Autobiographie 

hat sich Löbl den völlig 

uneitlen, zuweilen äußerst saloppen 

Ton bewahrt, der ihn wohltuend 

von manchem selbstverliebten 

Starkritiker-Kollegen unterscheidet. 

Löbl schreibt da genauso 

offenherzig, aber nie mit nachträglich 

ausgefahrenen Ellenbogen 

über so manche Niederlagen 

wie über seine großen Vorbilder 

im Journalismus und aktuellen 

Lieblingssänger. Und selbst seine 

Rückblicke hinter die Opern-Kulissen 

und Erinnerungen an die 

Begegnungen mit allerlei Prominenz 

von Bernstein über Will 

Quadflieg bis Anja Silja und Karajan 

bieten keinerlei Stoff für skandalgierige 

Schlüssellochgucker. 

Vielmehr schwingt immer das 

durch, was sich Löbl über Jahrzehnte 

hinweg bewahrt hat: es ist 

schlicht und einfach seine Liebe 

zur Musik. Guido Fischer 

Seifert, 216 S., € 24,90 

Gottfried Wagner 

Du sollst keine anderen 

Götter haben neben mir 

Ich höre sie schon 

aufschreien. All die 

Wagner-Adepten, 

die ihr Idol durch 

dieses Buch beschmutzt 

und besudelt 

wähnen. Wo 

doch der in diesem Jahr so überreichlich 

gefeierte Bayreuther 

Meister dafür recht gut selbst 

sorgte. Urenkel Gottfried Wagner 

schlüsselt es nur auf. Hatte er in 

seiner 1997 erschienenen Autobiografie 

„Wer nicht mit dem Wolf 

heult“ die Fehden, Ränke und Lebenslügen 

seiner Familie und ihre 

Verflechtung mit dem NS-Regime 

in den Vordergrund gestellt, so 

nimmt er jetzt als Musikhistoriker 

die Weltanschauung seines Urgroßvaters 

genauer unter die 

Lupe. Keine Biografie mithin, sondern 

eine nach unterschiedlichen 

Aspekten wie „Der Zocker und 

Schnorrer“, „Der Karrierist und Intrigant“, 

„Der Frauenverächter“, 

„Der Rassenantisemit“ (um nur 

einige zu nennen) geordnete Wesensanalyse, 

ein scharfsichtiger 

Charaktereinblick. Der Komponist 

wird vom Podest gehoben, um ihn 

aus der Nähe betrachten zu können, 

es wird Klartext geredet und 

nichts beschönigt oder verklärt. 

Das ist sehr erfrischend, ein wahrer 

Genuss, endlich einmal keine 

Hagiografie vorgesetzt zu bekommen. 

Menschen sind nun einmal 

keine Heiligen, noch viel weniger 

geniale Künstler, bei denen Egomanie 

oftmals eine Voraussetzung 

ist, um Außerordentliches 

schaffen zu können. Warum sollte 

gerade Wagner eine Ausnahme 

bilden? Wer liebt, verträgt auch 

die Wahrheit. Und die hat bekanntlich 

immer zwei Seiten. 

Weshalb es nicht verkehrt ist, eine 

weitere Meinung einzuholen. 

Aber die erste sollte die von Gottfried 

Wagner sein. Pflichtlektüre 

für jeden, der sich ernsthaft mit 

Wagner auseinandersetzen möchte 

– und definitiv der wichtigste 

Beitrag zum Jubiläumsjahr. 

 


Propyläen, 304 S., € 19,99 

Rainer Hüls/Martin 

Schaarschmidt 

Hearing Stories – Geschichte, 

Gespräche und 

Gedichte über das Hören 

„Sie haben Ohren 

und hören nicht“, 

heißt es im Buch 

der Psalmen. Vielleicht 

ist es ein Zitat 

wie dieses, das die 

Autoren Rainer 

Hüls und Martin Schaarschmidt 

zu dem großen Streifzug durch die 

Welt des Hörens inspirierte. Wir 

erleben lesend die Welt von Klangkünstlern 

und Stimmtrainern, 

von Geräuschemachern und Komponisten. 

Legendäre Schicksale 

wie Beethovens Taubheit fehlen 

nicht, es gibt auch interessante 

Einblicke in die Hörwelt anderer 

großer Persönlichkeiten: So erfahren 

wir, dass die Schauspielerin 

Jodie Foster nach einer Virusinfektion 

mehr als die Hälfte ihres Hörvermögens 

verlor und stolz ein 

Hörgerät trägt, dass der Dirigent 

Wilhelm Furtwängler vor Angst 

Beethovens Schicksal zu erleiden, 

vergeblich versuchte, mit Hilfe 

technischer Unterstützung zu dirigieren 

– und sich dann absichtlich 

eine tödliche Lungenentzündung 

zuzog. Immer wieder trifft 

man beim Lesen auf die Verherrlichung 

des Hörens, wie es in vielen 

Gedichten, von der Frühromantik 

bis Hesse und darüber hinaus in 

Worte gefasst wird. Und wer angesichts 

so schöner Worte über das 

„Horchen auf die vielerlei Stimmen“ 

(Hesse) ein Gefühl des unwiederbringlichen 

Verlustes empfindet, 

dem sei das Interview mit 

dem Hörkünstler Sam Auinger 

ans Herz gelegt, der eine neue Kultur 

des Hörens einfordert und mit 

seinen Arbeiten umsetzt. Manche 

Völker haben ja den emotionalen 

Bezug zum Hören nie verloren. 

Zum Beispiel die Italiener: Bei ihnen 

ist „Hören“ und „Fühlen“, dasselbe 

Wort – „sentire“. Ich höre, 

also fühle ich – und umgekehrt. 

 

Oliver Buslau 

Innocentia Verlag, 390 S., € 16,90 

40

Fotos: Raffaello Raimondi 

M 

Magazin 

Im Dienste der Musik 

Sein Brahms war herb bis konzessionslos schroff 

und ernst. Bei Mozart verbannte er jede rokokohafte 

Eleganz. Und wo andere bei Bruckner Stimmungen 

entdeckten, legte er aus dem Notentext Entwicklungsbögen 

und motivische Zusammenhänge frei. Jede Aufnahme 

von Otto Klemperer ist ein Bekenntnis zur klaren 

Ausdeutung, ein Versuch der Objektivität, der architektonischen 

Transparenz – auch wenn in den letzten 

Jahren seine Tempi gefährlich in die Breite gingen. Am 6. 

Juli jährt sich zum 40. Mal der Todestag dieses unerbittlichen 

Dieners in der Sache. Und mit gleich drei unterschiedlich 

bestückten CD-Boxen ist jetzt die „Klemperer 

Edition“ komplett, die 2012 mit Einspielungen von Mozart- 

Opern, Beethoven und Brahms eröffnet wurde. Alle Aufnahmen 

sind mit jenem London Philharmonia Orchestra 

entstanden, das er von 1954 bis fast zu seinem Lebensende 

dirigierte. Und selbstverständlich fehlen nicht Klemperers 

ungemein gestrafften, die dramatischen Proportionen freilegenden 

Mahler-Interpretationen – darunter auch das 

„Lied von der Erde“ mit den Solisten Christa Ludwig und 

Fritz Wunderlich als absolutem Höhepunkt. Als erfrischend 

durchgeputzt, fernab neo-romantischer Barockpflege, erweisen 

sich dagegen Bachs Orchestersuiten und Brandenburgischen 

Konzerte (kein Wunder, dass Nikolaus Harnoncourt 

den Bach-Dirigenten Klemperer enorm schätzte!). 

Der Rundgang durch die klassische Moderne beginnt 

bei Strawinskis impulsiv genommener „Sinfonie in drei 

Sätzen“ und präsentiert selbst den Komponisten Klemperer 

in seiner 2. Sinfonie als versierten Mahler-Jünger. Als 

Bonus gibt es ein Radiofeature von Jon Tolansky, bei dem 

nicht nur Weggefährten Klemperers zu hören sind, sondern 

auch dessen knorrige Stimme. 

Guido Fischer 

Klemperer-Edition: Bach, Rameau, Händel, Gluck, Haydn 

(8 CDs), Mahler (6 CDs), Hindemith, Klemperer, Strawinski, 

Weill (4 CDs), EMI 

Der Edelmann 

Das berühmteste Pulttitanen-Treffen der Musikgeschichte 

fand 1929 in Berlin statt und wurde glücklicherweise fotografiert. 

Rechts außen stand Wilhelm Furtwängler. Und 

um fast zwei Köpfe überragte Otto Klemperer da 

Erich Kleiber, Arturo Toscanini und – ganz links – 

den gutmütig lächelnden Bruno Walter. Natürlich 

gehörte der Berliner in diesen Kreis der Großen. 

Auch wenn manche seiner Kollegen auf Walter 

nicht immer gut zu sprechen waren. So schimpfte 

Toscanini ihn gar einen „sentimentalen Narren“, da 

Walter unerschütterlich an den sittlichen und göttlichen 

Mächten der Musik festhielt. 

Angesichts der historisch dunklen Zeiten, die auch 

ihn 1939 ins amerikanische Exil trieben, mag Walters 

ethisches Credo rückblickend tatsächlich etwas weltfremd 

erscheinen. Hört man aber seine zahllosen Aufnahmen, 

die er in den USA mit dem Columbia Symphony Orchestra 

und den New Yorker Philharmonikern einspielte, mag man 

dem harmoniesüchtigen Musiker nicht widersprechen. 

Denn allein sein Mozart besaß einen beseelten Zauber 

und natürlichen Atem, der einen an die überirdischen 

Kräfte der Musik glauben lassen möchte. Ähnliche Erlebnisse 

hat man bei „seinen“ Brahms und Bruckner, die er 

im hohen Alter geradezu liebenswürdig schlicht dirigierte. 

Und selbst in den Sinfonien seines Freundes Gustav Mahler 

bewahrte Walter sich seine ästhetische Integrität, die mehr 

auf Schönheit und Versöhnung denn auf Zerrissenheit und 

Seelenqual aus war. An all diese wertvollen Sternstunden 

erinnert die schwergewichtige CD-Edition mit Aufnahmen 

aus Walters letzten zwanzig Schaffensjahren. Und das, was 

Leonard Bernstein kurz nach Walters Tod 1962 über den 

Menschen gesagt hat, trifft gleichermaßen auf den Musiker 

zu: „Er war ein Mann voller Freundlichkeit und Wärme, Güte und 

Hingabe.“ 

Guido Fischer 

Bruno Walter: The Edition (39 CDs), Sony 

Ein überzeugter Klangdemokrat 

Am Ende, nach dem Es-Dur-Schlussakkord, bricht er aus. 

Ein einziger Jubelchor. Und selbst, als sich die Musiker des 

Lucerne Festival Orchestra freundschaftlich untereinander 

verabschiedet und daraufhin das Podium verlassen 

haben, steigert sich das Publikum nochmals, 

als Claudio Abbado zurückkehrt und mit 

einem Blumenregen bedacht wird. Am 21. 

August 2003 feierte man ihn, den Geburtsvater 

des eben frisch gegründeten, mit 

allerlei Prominenz bestückten Lucerne 

Festival Orchestra. Und nicht zuletzt war 

man immer noch gefesselt, wie hier ein 

sinfonisches Schwergewicht unter Hochspannung 

gesetzt worden war. Kurz zuvor 

hatte der von einer schweren Krankheit genesene 

Abbado seinen 70. Geburtstag gefeiert. 

Und bald können die sich „Abbadiani“ nennenden 

Abbado-Fans ihm zu seinem Achtzigsten gratulieren – am 

26. Juni! Zur Einstimmung gibt es schon jetzt einen dicken 

CD-Würfel, der sämtliche sinfonischen Einspielungen von 

Abbado für die Deutsche Grammophon umfasst. Dazu gehören 

selbstverständlich die schon sagenumwobenen 

Mahler-Aufnahmen wie alle Neune von Beethoven, bei 

denen der Italiener über quellenkritisches Partiturstudium 

für ungemein moderne Inneneinsichten sorgte. Auch 

hier dirigierte Abbado seine Berliner Philharmoniker, mit 

denen er ab 1989 eine Ära einläutete, von der selbst sein 

Nachfolger Simon Rattle zehrte. Wenn es zudem einen 

Star-Dirigenten wider Willen gegeben hat, der zudem für 

frischen Wind in der Orchesterlandschaft gesorgt hat, dann 

Abbado. Und so begegnet man bei Mozart, Haydn, Schubert 

und Mahler seinen sofort erwachsenen Prachtkindern, 

dem Mozart Orchestra, dem Chamber Orchestra of Europe 

sowie dem Lucerne Festival Orchestra. Guido Fischer 

Claudio Abbado: The Symphony Edition (41 CDs), 

DG/Universal 

41

Boulevard 

Ein Schuss Jazz, eine Prise Film, ein 

Löffel Leichtigkeit: Bunte Klassik 

Vorgestellt von Oliver Buslau 

Bresche für einen klassischen 

Klang-Exoten 

Als Adolphe Sax 1846 das nach ihm benannte 

Saxofon patentieren ließ, dachte er nicht im 

Traum daran, dass das Instrument vor allem 

in der Unterhaltungsmusik Karriere machen 

würde. Mittlerweile kehrt es zur Klassik zurück 

– etwa in diesen Werken des klassisch vorgebildeten 

Filmmusikstars John Williams, des 

Minimalisten Michael Nyman und des 1925 

geborenen Russen Andrei Esphai. Ein von 

Klangfülle und stilistischer Vielfalt geprägter 

Beitrag zum Repertoire für einen Exoten unter 

den Soloinstrumenten – hervorragend gespielt 

von der Neuen Philharmonie Westfalen und 

Jan Schulte-Bunert. 

Escapades: Saxofonkonzerte von John Williams, 

Michael Nyman und Andrei Esphai, 

Solo Musica/Naxos 

German Brass: 

Wagner 

Wagners Blech 

Wagner hat zwar die Wagner-Tuba erfunden 

und war auch sonst den Blech blasinstrumenten 

sehr zugetan, aber kann es 

gutgehen, wenn man seine berühmten Werke 

nur mit Trompeten, Posaunen, Hörnern und 

Tuba spielt? Es kann – wenn die Arrangements 

stimmen und durch und durch virtuose Blechspieler 

musizieren, wie hier. German Brass hat 

nicht nur Renner wie den „Einzug der Gäste“, 

„Pilgerchor“ oder das „Lohengrin“-Vorspiel 

„verblecht“, sondern auch Unerwartetes wie 

das Wesendonck-Lied „Im Treibhaus“ oder 

Wagners Klavierpolonaise. 

German Brass: Celebrating Wagner, Berlin 

Classics/edel 

Wolkensteins Welt 

„Zum Schlafen lasst uns walzen! Klopft bei 

der Hausmagd an, ob frisch gebettet sei! Das 

Kraut hat sie versalzen, dazu den guten Brei 

…“ Oswald von Wolkenstein war zwar noch ein 

Zeitgenosse des Mittelalters, aber mit weltfremder 

Minnelyrik hatte er nichts im Sinn – 

dafür dichtete er auf seinen Reisen durch ganz 

Europa derb weltlich, mit Bezug zu seinem Alltag. 

Der Lautenist und Sänger Joel Frederiksen, 

die Sopranistin Sabine Lutzenberger und der 

Saxofonist Bernd-Oliver Fröhlich blicken auf 

die Werke des alten Ritters zurück und verbinden 

sie mit freien Improvisationen, sodass 

sich Mittelalter und Neuzeit begegnen. 

Oswald von Wolkenstein: Reflektionen/Reflections, 

dhm/Sony 

Zum Tee für zwei mit 

Happy-End 

Iberts überraschend virtuoses „Divertissement“, 

Elgars „Salut d’amour“, ein Blockflötenkonzert 

des Beethovenzeitgenossen Anton 

Heberle (mit Maurice Steger), Schosta kowitschs 

„Tea-For-Two“-Bearbeitung „Tahiti 

Trott“ bis hin zu Peter Heidrichs Variationen 

über „Happy Birthday“. Aber als ob 

das Programm nicht schon originell genug 

wäre, wollen die Musiker – das Orchestra 

della Svizzera italiana unter Howard Griffiths 

– es als musikalische Liebesgeschichte verstanden 

wissen. Tatsächlich klingt Mendelssohns 

„Hochzeitsmarsch“ bei Ibert an – und 

das Happy End besteht in der Ankunft des gemeinsamen 

Nachwuchses … 

Tea For Two: A Selection Of European Delicacies, 

Berlin Classics/edel 

Wolkenstein- 

Porträt: Joel 

Frederiksen 

Foto: Thomas Zwillinger 

42

14 CDs & 2 DVDs 

DEUTSCHE GRAMMOPHON PRÄSENTIERT 

EIN EREIGNIS! THIELEMANNS RING-ZYKLUS 

VON DER WIENER STAATSOPER. 

AB 21. JUNI IM HANDEL! 

8 DVDs oder 

5 BLU-RAY DISCs 

JONAS KAUFMANN 

BRYN TERFEL 

JAMES LEVINE 

ROBERT LEPAGE 

GRAMMY 2013 

BESTE OPERN- 

EINSPIELUNG 

6 CDs & als Download 

HISTORISCHE AUFNAHMEN MIT 

IKONEN DES WAGNER-GESANGS 

43 CDs 

SÄMTLICHE OPERN WAGNERS IN 

LEGENDÄREN AUFNAHMEN 

LIMITIERTE BOX 

1 CD 

DAS WAGNER ALBUM DES GRÖSSTEN 

WAGNER-TENORS UNSERER ZEIT 

WWW.WAGNER-200.COM 

43

Termine Oper/Klassik 

Hapag-Lloyd Kreuzfahrt „Stella 

Maris“: Zum 5. Mal veranstaltet Hapag- 

Lloyd-Kreuzfahrten auf der MS Europa den Gesangswettbewerb 

„Stella Maris“. Im Rahmen 

einer nordischen Sommerreise (30.6. – 18.7.), 

die von Hamburg über Island bis nach Spitzbergen 

führt, treten acht hochtalentierte 

Nachwuchssänger gegeneinander an. Die 

künstlerische Leitung übernimmt Star-Tenor 

Michael Schade. Über den mit 15.000 Euro dotierten 

Preis entscheidet aber das Publikum. 

www.hl-kreuzfahrten.de 

Service-Telefon: (0 40) 3070 3070 

Musikfest Bremen: Das 24. Musikfest Bremen 

(24.8. – 14.9.) versetzt die Hansestadt und 

die nordwestdeutsche Region mit 35 Konzerten 

rundherum in Schwingungen. Und gleich 

beim Eröffnungsabend treten das Rotterdam 

Philharmonic Orchestra unter Yannick Nézét- 

Séguin sowie die Ibrahim Maalouf Band auf. 

Weitere Höhepunkte sind Mozarts Oper „Lucio 

Silla“ mit Marc Minkowski und Rolando Villazón 

sowie die Deutschland-Premiere von Peter 

Brooks „The Suit“. 

www.musikfest-bremen.de 

Tickets: (04 21) 33 66 99 

Schleswig-Holstein Musik Festival: 

Auf 120 Konzerte kommt das Schleswig-Holstein 

Musik Festival (6.7. – 25.8.). Und da der 

Schwerpunkt in diesem Jahr auf dem Baltikum 

liegt, kann man zuhauf großartige Künstler wie 

Gidon Kremer, Organistin Iveta Apkalna und 

die Skride-Schwestern erleben. Zudem ehrt 

man ausführlich den Esten Arvo Pärt. Aber 

auch Maurizio Pollini oder die Wiener Philharmoniker 

(Lorin Maazel) sorgen für reißenden 

Absatz bei den rund 110.000(!) Eintrittskarten. 

www.shmf.de 

Tickets: (0 431) 23 70 70 

Aachen 

Theater 

(02 41) 4 78 42 44 

Rossini: Der Barbier 

von Sevilla 

(09.06.2013), ML: 

Volker Hiemeyer, R: 

Joan Anton Rechi 

Amsterdam 

Nederlandse 

Opera 

00 31 (0) 2 06 25 54 55 

Van der Aa: Sunken 

Garden 

(03.06.2013), ML: 

André de Ridder, R: 

Michel van der Aa 

Wagner: Die Meistersinger 

von Nürnberg 

(04.06.2013), 

ML: Marc Albrecht, 

R: David Alden 

Britten: Death In Venice 

(03.07.2013), 

ML: Edward Gardner, 

R: Deborah Warner 

Augsburg 

Theater 

(08 21) 3 24 49 00 

Korngold: Violanta 

(31.05.2013), ML: 

Rune Bergmann, R: 

Markus Trabusch 

Berlin 

O 

oper 

Komische Oper 

(0 30) 47 99 74 00 

Abraham: Ball im 

Savoy (09.06.2013), 

ML: Adam Benzwi, R: 

Barrie Kosky 

Staatsoper im 

Schillertheater 

(0 30) 20 35 45 55 

Martin: Le vin herbé 

(25.05.2013), ML: 

Franck Ollu, R: Katie 

Mitchell 

Purcell/Oehring: 

The Fairy Queen 

(16.06.2013), ML: 

Michael Boder/Benjamin 

Bayl, R: Claus 

Guth 

Aperghis: Récitations 

(20.06.2013 

R: Elisabeth Stöppler 

Hosokawa: Hanjo 

(22.06.2013), ML: 

Günther Albers, R: 

Calixto Bieito 

Bern 

Stadttheater 

00 41 (0) 3 13 29 52 52 

Händel: Il trionfo del 

tempo e del disinganno 

(26.05.2013), 

ML: Sébastien Rouland, 

R: Calixto Bieito 

Düsseldorf- 

Duisburg 

Deutsche Oper 

am Rhein 

(02 11) 8 90 82 11 

Zemlinsky: Eine florentinische 

Tragödie 

(15.06.2013), ML: 

Jonathan Darlington, 

R: Barbara Klimo 

Dresden 

Sächsische 

Staatsoper 

(03 51) 4 91 17 05 

Wagner: Der fliegende 

Holländer 

(15.06.2013), ML: 

Constantin Trinks, R: 

Florentine Klepper 

Frankfurt/ 

Main 

Oper 

(0 69) 1 34 04 00 

Händel: Teseo 

(30.05.2013), ML: 

Felice Venanzoni, R: 

Tilmann Köhler 

Verdi: Die sizilianische 

Vesper 

(16.06.2013), ML: 

Pablo Heras-Casado, 

R: Jens-Daniel 

Herzog 

Cavalieri: Rappresentazione 

di anima 

e di corpo 

(29.06.2013), ML: 

Michael Form, R: 

Hendrik Müller 

Freiburg 

Theater 

(07 61) 2 01 28 53 

Weill: Aufstieg und 

Fall der Stadt Mahagonny 

(08.06.2013), 

ML: Johannes Knapp, 

R: Tom Ryser 

Hannover 

Staatsoper 

(05 11) 99 99 11 11 

Wagner: Die Meistersinger 

von Nürnberg 

(08.06.2013), 

ML: Karen Kamensek, 

R: Benedikt von 

Peter 

Kassel 

Staatstheater 

(05 61) 1 09 43 33 

Britten: The Turn 

Of The Screw 

(15.06.2013), ML: 

Alexander Hannemann, 

R: Paul Esterhazy 

Köln 

Opernhaus 

(02 21) 22 12 84 00 

Offenbach: Orpheus 

in der Unterwelt 

(13.06.2013), ML: 

Raimund Laufen, R: 

Elena Tzavara 

Verdi: Attila (konzertant) 

(21.06.2013), 

ML: Claude Schnitzler 

Mainz 

Staatstheater 

(0 61 31) 2 85 12 22 

Verdi: Macbeth 

(09.06.2013), ML: 

Hermann Bäumer, R: 

Tatjana Gürbaca 

München 

Bayerische 

Staatsoper 

(0 89) 21 85 19 20 

Verdi: Simon Boccanegra 

(03.06.2013), 

ML: Bertrand de Billy, 

R: Dmitri Tcherniakov 

Verdi: Il trovatore 

(27.06.2013), ML: 

Paolo Carignani, R: 

Olivier Py 

Nürnberg 

Staatstheater 

(01 80) 5 23 16 00 

Rameau: Platée 

(08.06.2013), ML: 

Hervé Niquet, R: Mariame 

Clément 

Oldenburg 

Staatstheater 

(04 41) 2 22 51 11 

Strawinski: The 

Rake’s Progress 

(31.05.2013), ML: 

Thomas Dorsch, R: 

Markus Bothe 

Saarbrücken 

Saarländisches 

Staatstheater 

(06 81) 3 22 04 

Britten: The Turn 

Of The Screw 

(08.06.2013), ML: 

Thomas Peuschel, R: 

Beate Baron 

Salzburg 

Landestheater 

00 43 (0) 6 62 87 15 

12 21 

Turnage: Greek 

(26.05.2013), ML: 

Leo Hussain, R: Andreas 

Gergen 

Wagner: Tristan und 

Isolde (31.10.2013), 

ML: Leo Hussain, R: 

Eike Gramss 

St. Gallen 

Theater 

+41 (0) 7 12 42 05 05 

Mitterer: Faust 

– Ein Requiem 

(01.06.2013), ML: 

Wolfgang Mitterer, R: 

Stephan Müller 

Stuttgart 

Staatstheater 

(07 11) 20 20 90 

Rossini: La cenerentola 

(30.06.2013), 

ML: Josè Luis Gomez-Rios, 

R: Andrea 

Moses 

Wien 

Theater an der 

Wien 

(00 43) (01) 5 88 85 

Verdi: Attila 

(07.07.2013), ML: 

Riccardo Frizza, R: 

Peter Konwitschny 

Staatsoper 

(00 43) 15 14 44 22 50 

Wagner: Tristan und 

Isolde (13.06.2013), 

ML: Franz Welser- 

Möst, R: David McVicar 

Volksoper 

(00 43) 15 14 44 36 70 

Lincke: Frau Luna 

(06.06.2013), ML: 

Gerrit Prießnitz, R: 

Peter Lund 

Zürich 

Opernhaus 

(00 41) 12 68 66 66 

Bellini: La straniera 

(23.06.2013), ML: 

Fabio Luisi, R: Christof 

Loy 

Alle Termine 

finden Sie 

auch unter 


Fotos: Janis Peshiks, Musikfest Bremen fotoetage, Hapag-Lloyd Kreuzfahrten GmbH 

44

Fotos: Rene Gaens 

K 

Klassik 

Pierre-Laurent 

Aimard 

29.06. Graz (A), Stefaniensaal 


04.07. Graz (A), Helmut 

List-Halle 

25.07. Salzburg (A), 

Mozarteum 

Nicolas Altstaedt 


Mozarteum 

29.05. Vervey (CH), 

Théâtre de 

Vevey 

10.06. Augsburg, 

Kongresshalle 


Kongresshalle 

17.06. Bad Kissingen, 

Regentenbau 

21.06. Echternach 

(LU), Trifolion 

29.06. Berlin, Konzerthaus 

Piotr Anderszewski 

18.06. Schwarzenberg 

(A), Angelika-Kauffmann-Saal 

26.06. Berlin, Philharmonie 



Regentenbau 

Giovanni Antonini 

24.05. Cremona (I), 

Auditorium G. 

Arvedi 

14.06. Laufen 

15.06. Muri, Klosterkirche 

16.06. Luxembourg 

(LU), Philharmonie 

Valer Barna- 

Sabadus 


Jakobuskirche 

Cecilia Bartoli 

29.05. Frankfurt, 

Alte Oper 

31.05. Essen, Philharmonie 

02.06. Bremen, Die 

Glocke 

04.06. Hamburg, 

Laeiszhalle 

06.06. Hannover, 

Kuppelsaal im 

HCC 

08.06. Ludwigsburg, 

Forum am 

Schlosspark 


Regentenbau 


Haus für Mozart 







Piotr Beczala 

23.05. München, 

Nationaltheater 

24.05. Wien (A), 

Burgtheater 





21.06. Wien (A), 

Staatsoper 

25.06. Wien (A), 

Staatsoper 

28.06. Wien (A), 

Staatsoper 



13.07. Linz (A), Domplatz 


Gr. Festspielhaus 





Daniel Behle 


Laeiszhalle 

04.06. Solingen, 

Konzertsaal 

05.06. Remscheid, 

Teo Otto Theater 

10.06. Garmisch- 

Partenkirchen 

16.08. Zofingen (CH), 

Hirzenberg 

Festival 

24.08. Stuttgart 


Alte Oper 


Alte Oper 


Alte Oper 

Kolja Blacher 

24.05. Mainz, 

Staatstheater 

25.05. Mainz 


Haus der 

Kunst 

Ian Bostridge 


Residenzhof 


Großes Festspielhaus 


(A), 

Kaufmann- 

Saal 

Rudolf Buchbinder 

26.05. Wien (A), 

Konzerthaus 

30.05. Wien (A), 

Konzerthaus 

31.05. Wien (A), 

Konzerthaus 

02.06. Zürich (CH), 

Opernhaus 

03.06. Schweinfurt 

04.06. Würzburg, 

Residenz 


Residenz 


12.06. Heilbronn 

27.06. Linz (A) 

29.06. Bad Kissingen 

30.06. Leipzig, Gewandhaus 




Festspielhaus 


Festspielhaus 


Festspielhaus 

18.08. Grafenegg (A) 

Khatia Buniatishvili 


Regentenbau 

22.07. Verbier (CH), 

Festival 


Festival 

26.07. Saanen (CH) 

27.07. Saanen (CH) 


Festival 


Festival 

02.08. St. Moritz 

(CH) 

24.08. Villach (A), 

Congresscenter 

25.08. Grafenegg (A), 

Schloss 

18.09. Bern (CH), 

Zentrum Paul 

Klee 

20.09. Ingolstadt 

21.09. Ingolstadt 

Joseph Calleja 


Alte Oper 

30.05. Dortmund, 

Westfalenpark 


Alte Oper 

05.06. Berlin, Deutsche 

Oper 


Oper 


Oper 


Regentenbau 


Philharmonie 

im Gasteig 


Philharmonie 

im Gasteig 


Bayerische 

Staatsoper 


Bayerische 

Staatsoper 


Bayerische 

Staatsoper 

Cuarteto Casals 


12.06. Pullach, Bürgerhaus 

13.06. Gauting, 

„Bosco“ Kulturhaus 

15.06. Vaterstetten, 

Lichthof des 

Rathauses 

16.06. Vaterstetten, 

Lichthof des 

Rathauses 

18.06. Pullach, Bürgerhaus 

07.08. Ossiach (A) 

13.08. Rougemont 

(CH), Romanische 

Kirche 

15.08. Geisenheim, 

Schloss Johannisberg 

16.08. Machern, 

Kloster Machern 

Ray Chen 


Laeiszhalle 

20.07. Lübeck, Kongresshalle 

29.08. Luzern (CH) 

Lucy Crowe 

29.05. London (GB), 

Barbican Centre 

20.06. Birmingham 

(GB), Symphony 

Hall 

Xavier de Maistre 


Regentenbau 



16.08. Potsdam, 

Schloss Sanssouci 

25.08. Saint-Prex 

(CH), Festival 




Schloss 

Moritzburg Festival: 1993 begann die 

Erfolgsstory eines der international renommiertesten 

Kammermusikfestivals. Unweit 

von Dresden gründete Star-Cellist Jan Vogler 

das Moritzburg Festival. Vom 10. – 25. August 

feiert man nun den 20. Geburtstag mit prominenten 

Freunden wie Bratscher Nils Mönkemeyer, 

Cellist Nicolas Altstaedt und den 

Pianisten Alice Sara Ott und Kristian Bezuidenhout. 

Zum Composer-in-Residence ist 2013 

Altmeister Wolfgang Rihm geadelt worden. 

www.moritzburgfestival.de 

Tickets: (03 51) 486 66 66 

Rossini in Wildbad: 1856 ließ Gioachino 

Rossini in den fürstlichen Thermen des Kurortes 

Bad Wildbad Füße und Seele baumeln. 

Und seit 1989 ist der Schwan von Pesaro hier 

wieder anzutreffen. Dank des Festivals „Rossini 

in Wildbad“, das sich zu einem Muss für 

Belcanto-Fans entwickelt hat. In diesem Jahr 

(11. – 21.7.) lockt man mit Rossinis „Guillaume 

Tell“ in der ungekürzten(!) Fassung sowie mit 

seiner Rarität „Ricciardo e Zoraide“ von 1818. 

www.rossini-in-wildbad.de 

Tickets: (0 70 81) 102 84 

Münchner Opernfestspiele: Im Rahmen 

der diesjährigen Münchner Opernfestspiele 

präsentiert die Bayerische Staatsoper 

die Deutsche Erstaufführung von George Benjamins 

Oper „Written On Skin“ (Premiere: 23.7.). 

Das 2012 beim Festival d’Aix-en-Provence uraufgeführte 

Werk des Engländers basiert auf 

einer alten provenzalischen Sage und ist eine 

vielschichtige Parabel über die Grenzen der 

Macht. Kent Nagano dirigiert das Klangforum 

Wien; Regie führt Katie Mitchell. 

www.bayerische.staatsoper.de 

Tickets: (0 89) 21 85 19 20 

45

Termine Klassik 

Meraner Musikwochen: Die Gartenstadt 

Meran kann nicht nur mit mediterranem Klima 

aufwarten. Mit dem Jugendstil-Kurhaus von 

1914 besitzt man einen der schönsten Konzertsäle 

des Alpenraums. Dieses Schmuckstück 

steht auch bei den 28. Meraner Musikwochen 

(26.8. – 20.9.) im Mittelpunkt, die vom Rotterdam 

Philharmonic Orchestra (Yannik Nézet- 

Séguin) eröffnet werden. Und als „Artist in 

Residence“ gibt Star-Geiger Daniel Hope gleich 

sechs facettenreiche Konzerte. 

www.meranofestival.com 

Tickets: (00 39+ (0) 473) 21 23 70 

Innsbrucker Festwochen der Alten 

Musik: Countertenor-Gott Andreas Scholl 

sowie Il Giardino Armonico sind nur einige 

der prominenten Alte Musik-Spezialisten, die 

der künstlerische Leiter und Dirigent Alessandro 

De Marchi für die Innsbrucker Festwochen 

der Alten Musik eingeladen hat (2.8. – 25.8.). 

Opern-Ereignisse gibt es natürlich auch. Rinaldo 

Alessandrini dirigiert Caccinis „L’Euridice“ 

und De Marchi Mozarts „Titus“ in der im 19. 

Jahrhundert beliebten Fassung. 

www.altemusik.at 

Tickets: (00 43+ (0)1)88 0 88 

Semperoper Dresden: Untrennbar ist die 

Musikstadt Dresden mit Richard Wagner verbunden: 

Hier war er Kreuzknabe und später 

Hofkapellmeister. Das Festjahr der Semperoper 

beleuchtet daher vor allem die Dresdner 

Jahre Richard Wagners. Am 15.6. gibt es einen 

neuen „Fliegenden Holländer“ (Regie: Florentine 

Klepper). Und mit Halévys „La Juive“ (12.5., 

Regie: Jossi Wieler & Sergio Morabito) sowie 

Spontinis „La vestale“ (30.6.) sind zwei Werke 

zu erleben, die Wagner sehr bewunderte. 

www.semperoper.de 

Tickets: (0 351) 49 11 705 

15.09. Moselfestival, 

Kloster Machern 

Simone Dinnerstein 

16.06. Leipzig, Bachfest 

22.06. Magdeburg, 

Johanniskirche 


14.07. Rheingau Musik 

Festival, 

Kloster Eberbach 

Plácido Domingo 

21.06. Wien (A) 

25.06. Wien (A) 

28.06. Wien (A) 

30.06. Sankt Goarshausen, 

Lorelei Freilichtbühne 


Festspiele 


Festspiele 


Festspiele 

Gustavo Dudamel 

07.06. Köln, Philharmonie 

23.06. Berlin, Schillertheater 






St. Peter 


St. Peter 



Quatuor Ebène 

18.06. Kempen, 

Kulturforum 

Franziskanerkloster 



28.07. Verbier (CH) 



29.08. Meinier (CH), 

Grange de la 

Touvière 

Benjamin Engeli 

01.06. Thun (CH) 

02.06. Thun (CH) 

07.06. Sent (CH) 

09.06. Zürich (CH) 

22.06. Rheinfelden 

(CH) 

23.06. Hertenstein 

(CH) 

Scharoun Ensemble 


Mozarteum 

Isabelle Faust 


Friedrich- 

Ebert-Halle 


Laeiszhalle 



Schloss 

23.06. Burgrieden, 

Villa Rot 


Schloss 


Konzerthaus 


Konzerthaus 

12.07. Saarbrücken, 

Congresshalle 

13.07. Amsterdam 

(NL), Concertgebouw 

14.07. Wiesbaden, 

Kurhaus 

03.08. Ansbach, 

Orangerie im 

Hofgarten 

Till Fellner 

29.05. Winterthur 

(CH), Musikkollegium 

30.05. Winterthur 

(CH), Musikkollegium 

31.05. Chur (CH) 

Julia Fischer 






Prinzregententheater 


Regentenbau 

12.07. Weilburg, 

Schloss 

Renée Fleming 

20.06. Wien (A), 

Staatsoper 

24.06. Wien (A), 

Staatsoper 

27.06. Wien (A), 

Staatsoper 

Joel Frederiksen 

31.05. Bad Arolsen, 

Residenzschloss 


Bayerisches 

Nationalmuseum 

20.06. Wasserburg, 

Pfarrkirche St. 

Georg 

Sol Gabetta 

01.06. Olsberg (CH) 

02.06. Olsberg (CH), 

Klosterkirche 


Herkulessaal 

09.06. Baden-Baden, 

Festspielhaus 

14.06. Muri (CH) 

15.06. Laufen, Kirche 


Solsberg-Festival 


Solsberg-Festival 


(CH), Kirche 


(CH), Kirche 

07.07. Schwerin, 

Festspiele 

Mecklenburg- 

Vorpommern 

09.07. Rolandseck, 

Stiftung Arp 

Museum 

10.07. Rolandseck, 

Stiftung Arp 

Museum 

20.07. Dresden, 

Frauenkirche 

21.07. Brandenburg, 

Brandenburgische 

Sommerkonzerte 

27.07. Gstaad (CH) 

06.08. Eltville, Kloster 

Eberbach 

08.08. Ansbach 

09.08. Ansbach 

11.08. Gstaad (CH), 

Kirche Saanen 

13.08. Lenzburg (CH) 

21.08. Johannisberg, 

Rheingau Musik 

Festival 

28.08. Wiesbaden 

30.08. Gstaad (CH) 


(CH), 

Schubertiade 

18.09. Dellemont 

(CH) 

19.09. Schaffhausen 

(CH) 

20.09. Eisenstadt, 

Haydn-Festival 

Daniele Gatti 













01.09. Luzern (CH), 

KKL 


KKL 



Wolkenturm 

Christian Gerhaher 

26.07. Johannisberg, 

Schloss 




Festspiele 

05.09. Berlin 

07.09. Berlin 

09.09. Berlin 

18.09. Coburg 

22.09. Hohenems 

Kirill Gerstein 

03.08. Nürnberg, 

Luitpoldhain 

Vadim Gluzman 

24.05. Wien (A), Musikverein 


Schloss 


27.05. St. Pölten (A), 

Festspielhaus 

14.06. Baden (A), 

Grand Casino 

16.06. Wien (A), 

Stadttheater 

Wiener Neustadt 




Staatsoper 

Nelson Goerner 

24.05. Berlin, Philharmonie, 

Kammermusiksaal 

Anna Gourari 


Parktheater 

Martin Grubinger 

27.05. Essen, Philharmonie 


Alte Oper 

03.06. Regensburg, 

Auditorium 

Maximum 


Nikolaus 

Harnoncourt 



22.06. Graz (A), Helmut-List-Halle 





Fotos: Innsbrucker Festwochen / Rupert Larl 

46

Foto: Mozart@Augsburg, Stephen Ristau, Holger Schneider 


06.07. Stainz (A), 

Pfarrkirche 

07.07. Stainz (A), 

Pfarrkirche 










Felsenreitschule 

Thomas 

Hengelbrock 


Laeiszhalle 

07.06. Lübeck, Musik- 

und Kongresshalle 


Laeiszhalle 






Mozarteum 


Mozarteum 


Mozarteum 

24.07. Kaufungen, 

Stiftskirche 


Lutherkirche 


Wolkenturm 

Manfred Honeck 



29.06. Wolfegg, Wolfegger 

Konzerte 

30.06. Wolfegg, Wolfegger 

Konzerte 

11.07. Ossiach (A), 

Carinthischer 

Sommer 

Daniel Hope 

02.06. Fürth, Stadttheater 

13.06. Fürth, Stadttheater 

28.06. Bleckede, 

Schloss 

29.06. Dargun, Klosterruine 

Maximilian 

Hornung 


Schlosshof 

25.07. Oberstdorf, 

Musiksommer 


Lukaskirche 

Janine Jansen 


Schloss 


Konzerthaus 

03.06. Aschaffenburg, 

Stadthalle 




Festival 

Paavo Järvi 


Alte Oper 


Alte Oper 


Schloss 


Konzerthaus 


Stadthalle 


Alte Oper 


Alte Oper 


Eberbach 


Eberbach 

Sharon Kam 

26.05. Aachen, Eurogress 

27.05. Aachen, Eurogress 

06.08. Arle, Kirche 

09.08. Festival Carinthischer 

Sommer (A), 

Stiftskirche 

Ossiach 



Kim Kashkashian 

02.07. Detmold, 

Konzerthaus 

der Musikhochschule 

09.07. Meiringen 

(CH), Michaelskirche 







15.07. Weimar, Musikhochschule 

Amir Katz 


Laeiszhalle 



Allerheiligen- 

Hofkirche 


Jonas Kaufmann 


Bayerische 

Staatsoper 


Bayerische 

Staatsoper 


Bayerische 

Staatsoper 


Bayerische 

Staatsoper 

Nigel Kennedy 

21.06. Linz (A), Neues 

Musiktheater 

Simone Kermes 

01.06. Dresden, Musikfestspiele 

19.07. Torgau, 

Schloss Hartenfels 






Frauenkirche 

Magdalena Kožená 


04.07. Kiedrich, 


Festival 


Kissinger 

Sommer 

07.07. Ulrichshusen, 

Festspielscheune 

Alexander Krichel 

11.06. Freiburg, 

Historisches 

Kaufhaus 

14.06. Meerbusch 

22.08. Rostock, Festspiele 

Mecklenburg-Vorpommern 

07.09. Eisenach, 

Wartburgkonzerte 

Lang Lang 

07.07. Stuttgart, 

Jazz Open 

09.07. Gütersloh, 

Theater 

Yo-Yo Ma 


Philharmonie 


Philharmonie 

Nino Machaidze 

21.06. Wien (A), 

Staatsoper 

25.06. Wien (A), 

Staatsoper 

28.06. Wien (A), 

Staatsoper 

Mischa Maisky 

13.06. Bergisch 

Gladbach, 

Bürgerhaus 

15.06. Papendorf, 

Villa Papendorf 

Nils Mönkemeyer 



28.06. Plauen 

29.06. Würzburg 

06.07. Wismar, Heiliggeist 

Kirche 


17.08. Zofingen 

21.09. Reutlingen 

Concerto melante 

01.06. Potsdam, 

Schloss Sanssouci 

02.06. Wien (A), 

Konzerthaus 

07.07. Rheingau 

Musik Festival, 

Kloster St. 

Hildegard 

Alexander Melnikov 


Stattkino 


St. Charles 

Hall 


St. Charles 

Hall 


Philharmonie 


Philharmonie 


Philharmonie 

Anna Netrebko 


Festspielhaus 


Festspielhaus 


Festival 









Dorothee Oberlinger 

18.07. Graz (A) 

30.07. Hofheim, 


Festival 

03.08. Oberschleißheim, 

Schloss 

04.08. Gstaad (CH), 

Yehudi-Menuhin 

Festival 

05.08. Schleswig 

Holstein Musik-Festival 

08.08. Weimar, 

Schloss 

Musikfest Stuttgart: Das von der Stuttgarter 

Bachakademie veranstaltete MUSIKFES- 

TUTTGART läutet eine neue Ära ein: Hans-Christoph 

Rademann tritt auch als Festivalleiter die 

Nachfolge von Helmuth Rilling an. Und unter 

dem Titel „Neugier“ (22.8. – 8.9.) kommt es zu 

spannenden Begegnungen etwa mit Daniel Barenboim 

und dem West-Eastern Divan Orchestra. 

Zudem gastieren neugierige Hochkaräter 

wie Carolin Widmann, das Hilliard Ensemble 

und das Concerto Köln mit Kent Nagano. 

www.musikfest.de 

Tickets: (07 11) 61 921 61 

Samos Young Artists Festival: Seit 

2010 findet auf der griechischen Insel Samos 

das „Young Artists Festival“ statt, bei dem 

hochtalentierte Musiker einen Bogen von 

Klassik bis Weltmusik schlagen. Unter freiem 

Himmel hat man im antiken Theater auch eine 

spektakuläre Aussicht auf das Meer und die 

Hafenstadt Pythagorion. Auch in diesem Jahr 

(7. – 13.8.) steht die Völkerverständigung im 

Mittelpunkt. Und diesen Geist verkörpert exemplarisch 

das griechisch-türkische Tetraktys 

Streich-Quartett. 

www.samosfestival.com 

Mozart@Augsburg: Immer wieder besuchte 

Wolfgang Amadeus Mozart Augsburg, 

die „vatterstatt meines papa“ Leopold. Und 

genau hier hat jetzt Pianist Sebastian Knauer 

mit „mozart@augsburg“ ein neues Festival 

gegründet. Für die Premiere (31.8. – 14.9.) hat 

der Spiritus Rector prominente Musikerkollegen 

wie András Schiff, das Emerson String 

Quartet und Daniel Hope eingeladen. Und sie 

werden an jenen „Original-Schauplätzen“ konzertieren, 

die schon Mozart bespielt hat. 

www.mozartaugsburg.com 

Tickets: (0 821) 777 34 10 

47

Termine Klassik/Jazz 

10.08. Liebenberg, 

Schloss 

01.09. Magdeburg 

07.09. Trigonale (A) 

15.09. Bonn, Beethovenfest 

21.09. Flawil (CH) 

David Orlowsky 

31.05. Karlsruhe, 

Evangelische 

Stadtkirche 

Verlosung 


Mozartfest 

16.06. Wörth am 

Main 


Schlossfestspiele 

28.06. Memmingen, 

Antonienhof 

09.07. Kiel, Schleswig 

Holstein 

Musik-Festival 

Digital Concert Hall der Berliner 

Philharmoniker 

Seit fast fünf Jahren können Musikfreunde in 

aller Welt die Konzerte der Berliner Philharmoniker 

im Internet erleben – rund 40 Mal 

pro Saison und in bester HD-Videoqualität. 

Im Videoarchiv lassen sich die Übertragungen 

auch nachträglich abrufen: Konzerte mit 

allen großen Werken der klassischen Musik 

und den berühmtesten Musikern unserer Zeit, 

vom künstlerischen Leiter Sir Simon Rattle 

bis hin zu namhaften Gastdirigenten und Solisten. 

Hinzu kommen vielfältige Bonusfilme, 

Dokumentationen und Künstlerinterviews. 

Jetzt verlost RONDO 3 x 12-Monatstickets, 

mit denen Sie ein ganzes Jahr lang bei den 

Online-Konzerten der Berliner Philharmoniker 

zu Gast sein können. Schreiben Sie uns einfach 

mit dem Betreff BERLIN an verlosung@ 

rondomagazin.de oder postalisch (Absender 

nicht vergessen!) an RONDO, Johannisplatz 3, 

81667 München. Viel Glück! 

10.07. Pronstorf, 

Schleswig 

Holstein Musik-Festival 

27.09. Leverkusen 

Alice Sara Ott 

30.06. Bonn, Beethoven 

Halle 

Sophie Pacini 


Schlosskonzerte 


Schlosskonzerte 


Nymphenburger 

Sommer 

René Pape 

06.07. Dresden, Albertinum 

07.07. Dresden, Albertinum 


Bayerische 

Staatsoper 


Bayerische 

Staatsoper 


Bayerische 

Staatsoper 

Antonio Pappano 













Murray Perahia 


01.06. Freiburg 

03.06. Köln 

04.06. Wuppertal 

30.09. Stuttgart, Liederhalle 

Olga Peretyatko 


Staatsoper 


Staatsoper 


Staatsoper 


Philharmonie 


Kurhaus 


Festspiele 


Festspiele 


Festspiele 


Festspiele 

25.08. Bremen, Musikfest 


Hille Perl 

21.06. Bad Harzburg 

27.06. München 

28.06. München 

30.06. Passau 

05.08. Tübingen 

06.08. Wunstorf 

08.08. Tübingen 

14.09. Emden 

15.09. Kloster Wittenburg 

29.09. Markkleeberg 

Patricia Petibon 


Bayerische 

Staatsoper 



Maurizio Pollini 

11.06. Wien (A), 

Konzerthaus 

Anna Prohaska 






Jerusalem Quartet 

24.05. Bonn, Beethoven-Haus 


Tonhalle 

Pacifica Quartet 


Tokyo String 

Quartet 



24.06. Zierenberg, 

Stadtkirche 

29.06. Steensgard 

(DK), Stoense 

Church 

Artemis Quartett 

29.05. Bremen, Die 

Glocke 



08.06. Bensheim, 

Parktheater 

09.06. Waldshut, 

Stadthalle 




Hagen Quartett 


Mozarteum 


Mozarteum 


Mozarteum 


Mozarteum 








Mozarteum 


Mozarteum 





Kuss Quartett 

05.06. Seeshaupt, 

Seeresidenz 

Alte Post 

08.06. Tübingen, 

Kloster Bebenhausen 



18.08. Ossiach (A), 

Stiftskirche 

Mandelring 

Quartett 



15.06. Mettlach, Alte 

Abtei 

16.06. Mettlach, Alte 

Abtei 

22.06. Bad Harzburg, 

Bündheimer 

Schloss 

Minetti Quartett 


30.07. Füssen, Kaisersaal 

Minguet Quartett 

06.06. Kassel 

07.06. Bad Münder 

08.06. Herrenchiemsee 

16.06. Leipzig 


Alle Termine finden Sie auch 

unter www.rondomagazin.de 

48

Notos Quartett 


Residenz 


Museum 

14.06. Wasserburg 

am Inn, Historischer 

Rathaussaal 

25.07. Waging am 

See, Katholische 

Kirche 

28.07. Stolpe, Pferdestall 

Jean-Guihen 

Queyras 

04.07. Bochum, 

Schauspielhaus 

05.07. Bochum, 


Sir Simon Rattle 



03.06. Wien (A), 

Konzerthaus 

04.06. Wien (A), 

Konzerthaus 

05.06. Wien (A), 

Konzerthaus 

06.06. Wien (A), 

Konzerthaus 




22.06. Berlin, Waldbühne 










Lucerne Festival 


Lucerne Festival 

Christine Schäfer 

02.06. Berlin, 

Staatsoper 


Staatsoper 


Staatsoper 

12.06. Halle, Moritzkirche 


Staatsoper 

21.06. Ludwigsburg 


Staatsoper 

04.09. Traunstein, 

Klosterkirche 


(A), An- 

gelika-Kauff- 

mann-Saal 



17.09. Bonn, Beethovenfest 

Olga Scheps 



Festival 

15.07. Mühlheim, 

Klavierfestival 

Ruhr 

31.07. Budenheim 

Andreas Scholl 

25.05. Halle/Saale, 

Martin-Luther-Universität 




Sankt Reinoldi 

Erwin Schrott 

01.06. Düsseldorf, 

Tonhalle 

04.06. Berlin, Admiralspalast 


Herkulessaal 


Kongresshaus 


12.06. Wien (A), 

Konzerthaus 



Martin Stadtfeld 


23.06. Rommersdorf, 

Abtei 


Schlosskirche 


Regentenbau 

28.07. Bad Lauchstädt, 

Goethe 

Theater 

24.08. Festspiele 

Mecklenburg- 

Vorpommern 




20.09. Villingen- 

Schwenningen 


Mozarteum 


Mozarteum 

Bryn Terfel 


Opernhaus 


Opernhaus 


Bayerische 

Staatsoper 

ATOS Trio 

26.05. Meersburg, 

Neues Schloss 

08.06. Bronnbach, 

Kloster 

03.07. London (GB), 

Wigmore Hall 

Rolando Villazón 


18.06. Nürnberg, 

Meistersingerhalle 

Jan Vogler 


Semperoper 

21.06. Stuttgart 


Festspielhaus 

26.07. Ingolstadt, 

Audi-Sommerkonzerte 

Klaus-Florian Vogt 







Regentenbau 


Fürstliches 

Schloss 

02.08. Bayreuth, 

Festspiele 


Festspiele 


Festspiele 


Festspiele 


Festspiele 


KKL 


Yuja Wang 

29.05. Wien (A), 

Konzerthaus 

Alisa Weilerstein 

07.06. Wien (A), 

Konzerthaus 

08.06. Wien (A), 

Konzerthaus 

J 

Jazz 

Pete Alderton 

29.05. Paderborn, 

Kulturwerkstatt 

30.06. Paderborn, 

Lenz 

Adam Baldych 



Klazz Brothers 

25.05. Stolpen, Burg 



28.07. Berlin, Köpenick 

Rathaus 

03.08. Hohenkammer, 

Schloss 

Verlosung 

Klaus Florian Vogt 

23.08. Wien (A), 

Theater am 

Spittelberg 


Colos- 

Saal 

19.09. Eggenfelden, 

Theater an der 

Rott 

20.09. Simbach am 

Inn 

29.09. Coswig, Villa 

Teresa 

Lily Dahab 

22.06. Pforzheim, 

Kulturhaus 

Osterfeld 

Dieter Ilg 

15.06. Wolfsburg, 

Festival 


Moods 

04.10. Gütersloh, 

Theater 

05.10. Göppingen, 

Odeon 

08.10. Biberach, 

Stadthalle 

16.10. Hamm, Jazzforum 

02.11. Lörrach, 

Burghof 

03.11. Langenau, 

Pflegehof 

09.11. Weimar, Meloslogos 

Äl Jawala 


Club Community 

01.06. Fürstenwalde, 

Frühlingsfest 

07.06. Dachau, Jazz 

in allen Gassen 

14.06. Rostock, Zwischenbau 

15.06. Flensburg, 

Kühlhaus 

22.06. Ortenberg, 

Altstadt Pur 

05.07. Ebermannstadt, 

Soundfeel 

Festival 

13.07. Burtenbach, 

Sunrise Festival 


Hoffest am 

Stein 

29.07. Solothurn 

(CH), Uhuru 

Festival 

Barrelhouse 

Jazzband 

07.06. Brugg (CH), 

Salzhaus 

08.06. Baldham, 

Marktplatz 

Mit den Audi Sommerkonzerten 2013 veranstaltet der Ingolstädter 

Automobilhersteller bereits zum 24. Mal ein hochkarätiges Klassik- 

Festival. Und gleich beim Eröffnungskonzert am 26. Juni gibt sich 

mit Klaus Florian Vogt einer der bedeutendsten Tenöre in Ingolstadt 

die Ehre. Der in der Kategorie „Sänger des Jahres“ ausgezeichnete 

ECHO-Klassik-Preisträger hat vor allem als Wagner-Tenor nicht nur in 

Bayreuth für Furore gesorgt. Jetzt präsentiert er zusammen mit der 

Sopranistin Emily Magee Arien und Duette aus Dvořáks Oper „Rusalka“ 

und aus „Die tote Stadt“ von Erich Wolfgang Korngold. Begleitet 

werden die Sänger von der Staatsphilharmonie Nürnberg unter der 

Leitung von Patrick Lange. 

Für diese Opern-Gala verlost RONDO jetzt 3 x 2 Tickets. Schreiben 

Sie uns einfach mit dem Betreff VOGT an verlosung@rondomagazin. 

de oder postalisch (Absender nicht vergessen!) an RONDO, Johannisplatz 

3, 81667 München. Viel Glück! 

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Termine Jazz 

09.06. Bad Vilbel, 

Wasserburg 

Jacob Karlzon 


Jazz in Motion 

Festival 

Joachim Kühn 


Zirkuszelt im 

Schlosspark 

19.07. Rottenburg 

30.08. Marienthal, 

Festspiele 

12.10. Murnau, Festival 

Grenzenlos 

19.10. Esslingen, 

Dieselstraße 

15.11. Dornbirn, 

Spielboden 

16.11. Offenburg, 

Reithalle 

Nils Landgren 

06.07. Baden Baden, 

Festspielhaus 

Nguyên Lê 

23.06. Duisburg, 

Traumzeitfestival 

10.07. Klagenfurt 

(A), Festival 

02.09. Hamm 

02.10. Hamm, Kurhaus 

13.10. Murnau, Festival 

Grenzenlos 



Konzerthaus 

07.06. Pforzheim, 

Congress Centrum 


Congress Centrum 


Philharmonie 

Christian Muthspiel 

03.06. Wien (A), Porgy 

& Bess 


Jazzclub Unterfahrt 

06.06. Innsbruck (A), 

Treibhaus 


Jazzit 


Jazzclub 

14.06. Wuppertal, 

Skulpturenpark 

11.09. Graz (A), Minoritensaal 

13.09. Chur (CH), 

Jazzclub 

14.09. Dornbirn (A), 

Spielboden 

18.09. Fürstenfeldbruck, 

Veranstaltungsforum 

19.09. Schaffhausen, 

Kammgarn 

Marius Neset 


Elbjazz 

Cécile Verny 

Quartet 

07.06. Hildesheim, 

Bischoffsmühle 

08.06. Agathenburg, 

Schloss 



16.06. Duderstadt, 

Stadtpark 

Iiro Rantala 



Festival 



Matthias Schriefl 

01.06. Hilden, Jazztage 

13.07. Betzigau, 

Gasthaus Mittelallgäu 

23.10. Konstanz, 

Jazzherbst 

Viktoria Tolstoy 



Tingvall Trio 


Schloss Jazzfestival 

16.06. Berlin, Jüdisches 

Museum 

22.06. Johannesburg 

(ZA), The 

Lyric Theatre 

06.07. Greifswald, 

Festival 

09.07. Stuttgart, 

Jazz Open 

20.07. Zelena Voda 

(SK), Open 

Jazz Festival 

21.07. Keitum/Sylt, 

Teekontor 

26.07. Bad Dürkheim, 

Burgruine 

Limburg 

03.08. Hochheim, 


Festival 

27.09. Neumünster, 

Kunstflecken 

29.09. Kassel, 



Tempel 

01.10. Illingen, Illipse 


Fabrik 

Zodiak Trio 

24.05. Velbert, Theater 

Fischereihafen 

01.06. Heilbronn, 

Cave 61 

08.06. Duisburg, Die 

Säule 

Klaus Paier & Asja 

Valcic 

15.06. Völkermarkt 

(A), Step 

08.11. Graz (A), 

Stockwerk 

Ulf Wakenius 



Festival 

Verlag: Kunst- und Kulturpublikationen 

RONDO GmbH, Johannisplatz 3a, 81667 

München, Tel. 089/614 658 53, Fax 089/614 

658 57, E-Mail post@rondomagazin.de 

NEU – Büro Berlin: 

Kurfürstendamm 211, 10719 Berlin, 

Tel. 030/414 781 761, Fax: 030/414 781 713 

Internet: www.rondomagazin.de 

Herausgeberin: Verena von der Goltz 

Chefredakteur: Carsten Hinrichs (ch) 

Redaktionsassistentin: Anna Vogt 

Autoren dieser Ausgabe: Michael Blümke 

(mb), Arnt Cobbers (ac), Oliver Buslau, 

Josef Engels (joe), Guido Fischer (gf), 

Thomas Fitterling (tf), Robert Fraunholzer 

(rfr), Matthias Kornemann (mk), Reinhard 

Lemelle (rl), Roland Mackes, Carsten Niemann 

(cn), Matthias Siehler, Werner Stiefele (ws), 

Michael Wersin (mw), Marcus A. Woelfle 

Hinweise Oper, Festival, Konzert: 

Guido Fischer 

Comic: Helga Utz (Idee und Text), Thomas 

Thiesen (Zeichnung) 

Bildredaktion: Oliver Tenhoven 

Termine: Anna Vogt 

Art Director: Arndt Knieper 

Produktion: Rüdiger Kern 

Abo + Vertrieb: Susanne Lanzinger 

(Tel. 089/614 658 80), 

s.lanzinger@rondomagazin.de 

Anzeigen Tonträger: Marike Hasler 

(Tel. 08137/ 63 28 722), 

m.hasler@rondomagazin.de 

Anzeigen Veranstalter: 

Julian & Roman 

Wasserfuhr 


Jazzclub Tonne 

31.05. Wuppertal, 

Bandfabrik 


Romanfabrik 

14.06. Singen, Kulturzentrum 



20.09. Jüchen, 

Schloss Dyck 

Büro Berlin: Ulrike Oertel 

(Tel. 030 / 414 781 760 / Fax 030 / 414 781 713 / 

mobil 0160 / 73 74 624), 

u.oertel@rondomagazin.de 

Büro Köln: Anna Metternich und Martin Dietz 

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Marketing), (Tel. 040 / 53 27 13 85 / mobil 0177 / 

772 12 62), h.winter@rondomagazin.de 

Nils Wülker 


Elbjazz 

Michael Wollny 



Festival 

06.07. Baden Baden, 

Festspielhaus 

10.08. Worms, Jazz 

& Joy 

Druck: ADV Schoder, Augsburger Druck- u. 

Verlagshaus GmbH 

RONDO erscheint sechsmal jährlich. 

Abonnement für ein Jahr: Inland 28 €, 

Ausland 56 € – Bitte bei Bestellung Bankverbindung 

für Lastschrifteinzug angeben. 

Das nächste RONDO erscheint am 

Donnerstag, 29. August 2013. 

50

Foto: Tanja Niemann, Cristina Ligia Enasescu 

Zugabe 

Namen, Nachrichten, Nettigkeiten: 

Neues von der Hinterbühne 

Von Robert Fraunholzer 

Dramatische 

Koloratur-Mutter: 

Sopranistin Diana 

Damrau 

Auf den Hund 

gekommen: 

Kiri Te Kanawa 

Die deutsche Sopranistin Diana Damrau 

findet, dass nach der vor einem halben Jahr 

erfolgten Geburt ihres zweiten Sohnes (Colyn) 

die Stimme „wärmer und runder“ geworden 

ist. „Das kann passieren“, so Damrau an 

ihrem Wohnort Zürich. „Ich habe jetzt mehr 

dramatische Farben, und trotzdem ist die Höhe 

noch da.“ Sie wolle sich stärker dem Belcanto 

zuwenden. „Jetzt kann ich’s wagen.“ 

Auch Kiri Te Kanawa (69), eine der beliebtesten 

Sängerinnen der 80er und 90er 

Jahre (gegenwärtig in einer Nebenrolle von 

Donizettis „La fille du régiment“ zurück auf 

der Bühne in Wien, London und New York), 

hat die Welt der Oper mit der Welt der Hunde 

vertauscht. „Schluss mit der Oper! Her mit 

den kleinen Hunden“, sei ihre Parole, so Te 

Kanawa bei einem Interview in Wien. Sie führt 

zwei Pommersche Zwergspitze an der Leine. 

„Designer dogs“, so Te Kanawa. Betont jedoch, 

diese seien immerhin „in Glyndebourne“ geboren. 

Die kanadische Pianistin Janina Fialkow 

ska (62), einzige große Schülerin von 

Arthur Rubinstein, hat fast zehn Jahre nach 

ihrer Krebs-Erkrankung ihre Konzert-Karriere 

auch in Deutschland wiederaufgenommen. 

2001 wurde bei ihr ein Tumor im linken Arm 

diagnostiziert, der sie zum Abbruch ihrer 

Karriere zwang. Nach mehreren Muskelverpflanzungen 

musste sie neu Klavierspielen 

lernen. „Ich wünschte, niemand wüsste 

darum, doch das kann ich nicht mehr ändern“, 

so Fialkowska. „Alle Künstler wollen beweisen, 

dass sie zu Recht auf der Bühne sind“, 

so Fialkowska. „Ich muss zusätzlich beweisen, 

dass man mir nicht aus Mitleid applaudiert.“ 

Alle neueren CDs der Pianistin haben ausgezeichnete 

Besprechungen erhalten. 

Tenor Roberto Alagna, frisch geschiedener 

Ehemann von Angela Gheorghiu, 

ist mit der polnischen Sopranistin Aleksandra 

Kurzak liiert. 

Pianisten-Legende Dmitri Bashkirov (81), 

Lehrer von Arcadi Volodos, Nikolai Demidenko 

und Elena Bashkirova (sowie Schwiegervater 

von Daniel Barenboim), mokiert sich über 

junge Pianisten von heute. „Lang Lang ist sehr 

musikalisch“, so Bashkirov bei einem Meisterkurs. 

„Aber bei ihm ist der Zirkus-Anteil zu 

groß. Auch hat er mir stolz verkündet, dass 

er noch nie im Leben ein Buch gelesen habe.“ 

Das Schlimmste aber, so Bashkirov, sei Khatia 

Buniathishvili. „Total geschmacklos, total 

übertrieben. Und total ordinär“, so Bashkirov. 

„Sie hat das schlimmste Chopin-Konzert 

meines Lebens gespielt.“ 

In die Internet-Diskussion um Sänger, 

die immer teurer und immer unzuverlässiger 

werden, hat sich jetzt auch der ehemalige 

Intendant der Wiener Staatsoper, Ioan 

Holender, eingeschaltet. „Festengagierte 

Ensemblemitglieder werden immer schlechter, 

gastierende Sänger immer besser bezahlt“, 

so Holender in einem Beitrag in der Tageszeitung 

„Die Welt“. „Jeder Sänger versucht folglich 

so schnell wie möglich aus einem Festvertrag 

wegzukommen und als Freischaffender zu 

wirken, um keine der sich bietenden Auftrittsmöglichkeiten 

zu versäumen.“ So ruinierten 

sich die Sänger vorzeitig. Auch gebe es immer 

weniger Theaterleiter, die über das Knowhow 

verfügten, Sänger für längere Zeit fest 

zu binden. „Intendanten, die keine Nähe zur 

Vokalkunst haben, werden sich hüten, Festverträge 

zu machen. Denn dann haben sie 

Permanentkosten für 3 Jahre.“ So würden 

immer mehr Sänger auf den freien Markt geworfen. 

Der sie allzu rasch verschleißt. 

Die neue Intendantin der Seefestspiele 

Mörbisch, Dagmar Schellenberger, kann die 

Gerüchte nicht mehr hören, sie habe ein Mitglied 

der Findungskommission besser gekannt 

als andere Bewerber. „Unterstellungen dieser 

Art kamen nur aus einer einzigen Richtung, 

von jemandem, der es nicht geworden war“, 

sagte sie in Wien. Schellenberger, eine der 

Sänger-Protagonistinnen der Ära von Harry 

Kupfer an der Komischen Oper Berlin, galt als 

Überraschungssiegerin um die Nachfolge beim 

größten Operetten-Festival der Welt. Sie startet 

mit Millöckers „Bettelstudent“. Im nächsten 

Jahr folgt „Anatevka“. 

Kristian Bezuidenhout (33), Pianist, 

Cembalist und Hammerklavier-Spieler mit 

Wohnsitz in London, ist nicht wiederzuerkennen. 

Nicht nur hat er die Schubert- 

Brille, die früher sein Markenzeichen war, 

abgesetzt. In den letzten vier Jahren habe 

er, so Bezuidenhout in Berlin, „55 Kilo abgenommen“. 

Alagnas Neue: 

Die Sopranistin 

Aleksandra Kurzak 

Kritisiert die 

Engagementpolitik: 

Ioan Holender 

Vorher und 

nachher: 

Kristian 

Bezuidenhout 

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