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DIE BESTE ZEIT
Das Magazin für Lebensart
Wuppertal und Bergisches Land
Ausgabe 20, 2013 - 3,50 Euro
Archipel
Ausstellung Von der Heydt-Kunsthalle
Himmel auf Erden
Sammlung Von der Heydt-Museum
Bilder einer Ausstellung
Jubiläumskonzert des Sinfonieorchesters
Wolfgang Schmidtke
Im Jazz muss man sich selbst finden
Das Schlupfloch zur Freiheit
Karl Otto Mühls späte Prosa und Gedichte
Von Beckmann bis Schmidt-Rottluff
Ausstellung im Museum Solingen
Immer wieder neu
Historische Parkanlage Hardt
Kunst in der Sparkasse
Ausstellung Kairos
Annika Boos
und ihre glückliche Reise
ISSN 18695205
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Editorial
Liebe Leserinnen, liebe Leser,
Sie halten heute die 20. Ausgabe des Kulturmagazins Die Beste Zeit in Ihren
Händen - ein kleines Jubiläum.
Seit Oktober 2009 und inzwischen im 5. Jahrgang informieren wir regelmäßig
über das kulturelle Leben unserer Region. Leider werden die Zeiten immer
schwieriger, ein solches Format auf Dauer in Wuppertal zu etablieren, und
so bin ich jedesmal erleichtert, wenn wieder eine Ausgabe in die Welt gesetzt
ist. Ganz besonders möchte ich mich an dieser Stelle bei den Unternehmen
bedanken, die das Projekt regelmäßig mit ihren Anzeigen unterstützen, aber
auch bei den Autoren, die für das Magazin schreiben, dafür recherchieren und
ihr Fachwissen einsetzen. Ohne ihr fundiertes Engagement wäre es mir nicht
möglich, das Magazin in dieser Kontinuität und Qualität erscheinen zu lassen.
In erster Linie sehe ich mich als Macher der Besten Zeit, stelle das Heft im
Dialog mit den Redakteuren inhaltlich zusammen, layoute, produziere und
scheitere im Allgemeinen an der Anzeigenakquise oder dem Vertrieb. Unser
Format ist noch immer zu wenigen kulturinteressierten Bürgern in Wuppertal
und im Bergischen Land bekannt.
Ein generelles Problem liegt also in der Verbreitung. Indes wird der Aufwand,
der hinter jeder Ausgabe steckt, nicht weniger, und oftmals stelle ich mir - bei
allen schönen Reaktionen und bei aller Zustimmung, die ich erfahre - die
Frage, ob eine Stadt wie unsere ein solches Magazin neben der normalen Tagespresse
braucht. Dabei war es mir von Anfang an ein Anliegen, hier eine Lücke
zu schließen und ausführlicher, farbiger und informativer aus dem kulturellen
Leben unserer Region zu berichten, ihre Vielfalt und ihren Reichtum vorzustellen
und immer wieder auch Ereignisse und Persönlichkeiten zu würdigen,
die ansonsten - völlig zu Unrecht - ein Schattendasein führen. Dazu gehören
Erstveröffentlichungen von Literaten, ausführliche Rezensionen von Schauspielund
Opernaufführungen, ein offenes Ohr für die Jazzszene, der Blick in die
Ausstellungen und in die Ateliers selbst und auch die Vorstellung von kulturell
engagierten Institutionen in Wuppertal. Wir hoffen, damit ein wenig zur Vitalität
der Kulturszene beizutragen, und träumen davon, dass mit jeder Ausgabe,
ja, mit jedem Bericht unser Magazin etwas bekannter und schließlich vielleicht
sogar in unserer Region selbstverständlich, unverzichtbar wird.
Von meiner Seite schwanke ich immer wieder mit der Frage „weitermachen“
oder aber „aufhören“.
Bislang habe ich mich voller Hoffnung engagiert für das Weitermachen
entschieden. In diesem Sinne wünsche ich Ihnen viel Freude beim Lesen dieser
Ausgabe.
Herzliche Grüße
Ihr HansPeter Nacke
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Impressum
Die Beste Zeit erscheint in Wuppertal und im Bergischen Land
Erscheinungsweise: alle zwei Monate
Verlag HP Nacke Wuppertal - Die beste Zeit
Friedrich-Engels-Allee 122, 42285 Wuppertal
Telefon 02 02 - 28 10 40, E-Mail: verlag@hpnackekg.de
V. i. S. d. P.: HansPeter Nacke
Ständige redaktionelle Mitarbeit: Frank Becker, Thomas Hirsch,
Ulrich Dohmen, Susanne Schäfer
Darüber hinaus immer wieder Beiträge von: Marlene Baum,
Heiner Bontrup, Antonia Dinnebiert, Beate Eickhoff, Fritz Gerwinn,
Klaus Göntzsche, Johannes Vesper und weiteren Autoren
Erfüllungsort und Gerichtsstand Wuppertal
Nachdruck - auch auszugsweise - von Beiträgen innerhalb der gesetzl.
Schutzfrist nur mit der ausdrücklichen Genehmigung des Verlages.
Gastbeiträge durch Autoren spiegeln nicht immer die Meinung des
Verlages und der Herausgeber wider. Für den Inhalt dieser Beiträge
zeichnen die jeweiligen Autoren verantwortlich.
Kürzungen bzw. Textänderungen, sofern nicht sinnentstellend, liegen
im Ermessen der Redaktion. Für unverlangt eingesandte Beiträge kann
keine Gewähr übernommen werden.
Trotz journalistischer Sorgfalt wird für Verzögerung, Irrtümer oder
Unterlassungen keine Haftung übernommen.
Bildnachweise/Textquellen sind unter den Beiträgen vermerkt.
Abbildung Cover, Ausschnitt:
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ISBN 978-3942043-81-6, 19,80 Euro
Verlag HP Nacke KG
Friedrich-Engels-Allee 122
42285 Wuppertal -
Telefon 0202 - 28 10 40
verlag@hpnackekg.de
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Inhalt
Ausgabe 20, 5. Jahrgang, April 2013
Archipel
Ausstellung Tatjana Valsang
In der Von der Heydt-Kunsthalle Seite 6
Die Vielfalt der Möglichkeiten
Tatjana Valsangs „Archipel“ gibt der
Phantasie Raum, von Frank Becker Seite 11
Himmel auf Erden
Ausstellung aus der Sammlung des
Von der Heydt-Museums Seite 12
Verdis Maskenball in Wuppertal
Sängerfest und solide Inszenierung,
von Fritz Gerwinn Seite 14
Bilder einer Ausstellung
Jubiläumskonzert des Sinfonieorchesters
Wuppertal, von Johannes Vesper Seite 18
Im Jazz muss man sich selbst finden
Der Saxophonist und Komponist Wolfgang
Schmidtke, von Marlene Baum Seite 22
Projekt Moving Art Box
Die Abschlusspräsentation
im Neuen Kunstverein Wuppertal Seite 28
Immer wieder neu
Historische Parkanlage Hardt,
von Antonia Dinnebier Seite 32
Das Schlupfloch zur Freiheit
Karl Otto Mühls späte Prosa und Gedichte,
von Torsten Krug Seite 37
Frau mit Gipsbein
von Karl Otto Mühl Seite 41
Von Beckmann bis Schmidt-Rottluff
Die Sammlung Frank Brabant im
Museum Solingen, von Rolf Jessewitsch Seite 43
Wuppertal hat Gute Karten
Die Bürgerinitiative „(M)eine Stunde
für Wuppertal“ Seite 53
Ein Pferd ist ein Pferd
von Wolf Christian von Wedel Parlow Seite 55
Kunst in der Sparkasse
Kairos – Vom Umgang mit dem günstigen
Augenblick, von Gisela Elbracht-Iglhaut Seite 58
Annika Boos
und ihre glückliche Reise…,
von Klaus Göntzsche Seite 64
Paragraphenreiter
Interessantes zu den Themen Steuern und
Recht, von Susanne Schäfer Seite 66
tanz nrw 13 in Wuppertal
Die nordrhein-westfälische Tanzszene,
von Katja Roters Seite 67
Für Ulle Hees
Nachruf im Ort, 20. Juli 2012,
von Klaus Harms Seite 69
Konrad Hupfer (1935 – 2013)
Nachruf auf den Komponisten,
von Ulrich Klan Seite 73
für dich
Gedicht von Angelika Zöllner,
Foto „Im Nebel“ von E. Heinemann Seite 74
Wie ein Bad im Klang und Raum der Zeit
Von Pérotin bis Pärt Teil V – Konzertreihe,
von Magdalene Zuther Seite 76
Neue Kunstbücher
Vermessung einer Region,
vorgestellt von Thomas Hirsch Seite 78
Das indische Tuch
TiC-Theater-Aufführung sehr frei nach
Edgar Wallace, von Frank Becker Seite 48
Geschichtsbücher, Buchgeschichten
porträtiert von Matthias Dohmen
Seite 80
Der Hochglanzprospekt
Gedanken über eine Geldanlage,
von Dorothea Renckhoff Seite 49
Kulturnotizen
Kulturveranstaltungen in der Region Seite 81
5

„Tatjana Valsangs Kunst feiert Farbe, Bewegung und Licht,
die staunenswerten Strukturen in der vorfindbaren Welt, den Augensinn,
der sie erschließt, die Rätsel, die bleiben, die Kräfte, die wirken und
zeugen, die Formen, die wandlungsfähig sind, unerschöpft und
überraschend.“
Kirsten Voigt
(aus dem Ausstellungskatalog)
6

Tatjana Valsang
Noch bis zum 26. Mai 2013
in der Von der Heydt-Kunsthalle
im Haus der Jugend Barmen
Archipel
linke Seite: Tagsüber, 2010, 120 x 100 cm
Foto: Frank Becker
rechts: Kongogrün, 2009, 220 x 140 cm
Tatjana Valsangs abstrakte Malerei
inszeniert ein komplexes Zusammenspiel
von Farbe, Form und Bildraum.
In ihren neuen Arbeiten sind es häufig
von klar umrissenen Formen überlagerte
Wellenformationen, die den
Bildraum organisieren, ihm Tiefe,
Bewegung und Dynamik verleihen.
Es werden ihre großformatigen Bilder
aus den Jahren 2009–2012 gezeigt.
7

8
Kairo, 2010, 240 x 160 cm

Die Frage nach dem Verhältnis zwischen
dem, was man sieht, dem, was der
Künstler mit seiner besonderen Beobachtungsgabe,
seiner Sensibilität und seinem
ästhetischen Bewusstsein erkennt, und
dem, was er gestaltet, hat bereits Künstler
wie Cézanne und Klee tief beschäftigt,
mit dem Ergebnis: Parallel zur Natur
oder analog zu ihr schafft der Künstler
oder die Künstlerin etwas gänzlich Neues
und Unbekanntes. Unter den Bildern,
die Tatjana Valsang für die Räume der
Kunsthalle ausgewählt hat, rufen manche
vielleicht Formen aus der Natur wie Vögel,
Blüten oder Blätter in Erinnerung. Bevor
der Betrachter sich auf völlig Unbekanntes
einlässt – zu dem diese Bilder eigentlich
einladen –, sucht er noch Hilfe bei benennbaren
Formen aus Flora und Fauna.
Denn wie ein Dichter sein Gedicht
schreibt oder der Komponist sein Lied,
genau in dieser Weise setzt Tatjana Valsang
als Malerin Farbe und Leinwand ein, um
in ihrer Sprache Neues zu schaffen und der
Welt damit etwas hinzuzufügen. Der polyfokale
Raum, die geordnete Strichführung,
die gegenläufige Bewegung, der Rhythmus,
der lang gezogene Ton, die Melodie oder
die amöbenartige Form, die den Betrachter
durch unbekannte Räume geleitet – unversehens
fühlen wir uns in eine Zwiesprache
versetzt: Ich und das Bild.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog
Tatjana Valsang. Maltext
Texte von Martin Engler, Gerhard Finckh,
Durs Grünbein und Kirsten Voigt.
Deutsch/Englisch, 144 Seiten,
ca. 40 Abbildungen
StrzeleckiBooks, Köln
im Buchhandel: 29,80 Euro, 42,– CHF
im Museum: 20,– Euro
Passage, 2011, 170 x 220 cm
Öffentliche Führungen:
Mittwoch, 27. März, 11.15 Uhr
Samstag, 13. April, 16.00 Uhr
Sonntag, 26. Mai, 11.30 Uhr
Kosten 6 Euro inkl. Eintritt
Von der Heydt-Kunsthalle
im Haus der Jugend Barmen
Tel. 0202 563 6231, Fax 0202 563 8091
Geschwister Scholl Platz 4 – 6
42275 Wuppertal
von-der-heydt-kunsthalle.de
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Artikel, 2002, 180 x 140 cm

Die Vielfalt der Möglichkeiten
Tatjana Valsangs „Archipel“ gibt
der Phantasie Raum
Das weite Feld der Kunst ist immer wieder
für Überraschungen gut. Eine ganz
besonders erfreuliche ist die Entdeckung
des außergewöhnlichen Œuvres der Wuppertaler
Malerin Tatjana Valsang, deren
erste Museumsausstellung überhaupt
der Leiter des Von der Heydt-Museums,
Dr. Gerhard Finckh mit sicherem Blick
für das Besondere an sein Haus geholt
hat. Ab Sonntag sind in der Kunsthalle
Barmen in einer von Dr. Beate Eickhoff
kuratierten Werkauswahl 33 überwältigend
schöne, großformatige Arbeiten zu
sehen, die sich in bestechender Ästhetik
jedem naseweisen Vergleich entziehen.
Mit zwei Galerie-Präsentationen war
die 1964 geborene Schülerin von Dieter
Krieg erstmals vor zwei Jahren in die
Öffentlichkeit gegangen, obwohl sie
bereits über Jahrzehnte ihr Auge geschärft
und ihre Technik vervollkommnet hat:
„Ich übe ja noch“, äußert sie in charmanter
Bescheidenheit. Nachdem Gerhard
Finckh auf die solitäre Schönheit ihrer
Malerei aufmerksam wurde, Zitat: „… ihr
scharfer Sinn für Qualität“, tritt sie nun
in der seit über 100 Jahren der Moderne
verpflichteten Kunsthalle mit ungemein
effektiver zarter Wucht in die Spuren,
die innovative Künstler wie Franz Marc,
Alexej von Jawlensky, Emil Nolde, Adolf
Erbslöh und August Macke dort gelegt
haben. Tatjana Valsang malt mit großem,
oft übergroßem Pinsel mit Acrylfarben
auf großzügig dimensionierte liegende
Leinwände. Die zwar konzipierten, doch
beim Entstehungsprozeß eine Eigendynamik
entwickelnden Bilder zeigen, was
so noch kein Maler gezeigt hat, sie haben
„… keinen Punkt, an dem man sich festhalten
kann“ (Gerhard Finckh). „Ich bin
oft selbst verblüfft“, kommentiert Tatjana
Valsang ihre zauberhaften Bilder, deren
Titel nicht unbedingt ein Schlüssel sind:
Passage, Zug, Kahn, Transit, Sammlung,
Barmen, Malsatz, Leutkirch, Stufen, Taj
Mahal, Fuge, Archipel… Und doch,
ein Bild, das „Sechs“ heißt, zeigt sechs
Flächen. Zufall?
In den Eigenleben offenbarenden
Arbeiten, die aus den letzten vier Jahren
stammen, zeigt sich viel vom Wesen der
Künstlerin, die sich als bemerkenswert
uneitel, äußerst humorvoll, offen und
liebenswert präsentiert. Die sinnliche
Ästhetik und Heiterkeit von Werken
wie Ostwind, Fuge, Forum, Archipel,
Antrieb, Bergschatten und Hall geht
unmittelbar auf den Betrachter über, sorgt
für die Magengrube kitzelnde überraschte
„Aaahs“, entzieht sich der Interpretation
und macht, indem sie einfach nur schön
ist, glücklich. Was wir in den letzten
düsteren Monaten an Licht und Sonne
vermißt haben, wird von Tatjana Valsangs
Bildern kompensiert. Nur ein Grund, sich
die Ausstellung unbedingt anzuschauen.
Weitere Informationen:
www.strzelecki-books.com
Frank Becker
Tatjana Valsang vor „Taj Mahal“ (2010) Foto: Frank Becker
11

Die Sammlung des
Von der Heydt-Museums
14. April. bis 1. September 2013
Himmel auf Erden
Das Museum bleibt in Bewegung. Es zeigt
immer wieder neue Ausschnitte aus seiner
bedeutenden Sammlung. Jede Werkauswahl
setzt andere Schwerpunkte: Einzelne Gemälde
oder Skulpturen werden herausgestellt,
selten gezeigte Schätze ganz besonders zur
Geltung gebracht, wichtige Neuerwerbungen
erstmalig präsentiert. Unterschiedliche
Orte, neue Perspektiven, wechselnde
Zusammenhänge gewähren überraschende
Blicke auf die weltberühmten Highlights des
Museums.
Im Anschluss an die große Rubens-
Ausstel lung ordnet sich das Von der Heydt-
Museum neu. Im Frühjahr/Sommer 2013
konzentrie rt es sich ganz auf die Sammlung.
Im Zwi schengeschoss werden Highlights des
19. und frühen 20. Jahrhunderts gezeigt,
im 1. Stock eine Auswahl Alter Meister von
Dürer bis Goya und im 2. Stock wird neu
präsentiert: „Himmel auf Erden“ − Kunst
des 20. und 21. Jahrhunderts.
Marc, Macke, Kandinsky, Munch,
Kirchner, Beckmann – für die Kunst des
Expressionismus ist die Von der Heydt-
Samm lung bekannt. Auch die Kunst der
1920er Jahre ist mit welt berühmten Bildern
wie Otto Dix, „An die Schönheit“ oder den
„Industriebauern“ von Georg Scholz, die
ebenfalls jetzt wie der im 2. Obergeschoss des
Museums zu sehen sind, bes tens vertreten.
Darüber hinaus hat die Nachkriegsmoderne
in Wuppertal immer viele begeisterte
Anhänger gefunden, so dass die Museumssammlung
durch Ankäufe, Schenkungen
und Stiftungen stetig und außergewöhnlich
erweitert wer den konnte.
Die aktuelle Präsentation legt hier
einen zweiten Schwer punkt: Neben den
Highlights aus der ersten Hälfte des 20.
Jahrhunderts werden bekannte Künstler
des Informel, des Konstruktivismus und
August Macke, Mädchen mit dem Fischglas, 1914, Von der Heydt-Museum Wuppertal
12

der Farbmalerei gezeigt. Und viel Raum
wird auch jüngsten Neuerwerbungen
gegeben, dazu gehören Arbeiten von Bettina
Pousttchi, Jan Albers, Daniel Lergon, Brad
Downey.
Das Von der Heydt-Museum unterstützt
überdies mit 39 Leihgaben die Ausstellung
„Von Buddha bis Picasso – Der Sammler
Eduard von der Heydt“ (20.4.-18.8.2013)
im Museum Rietberg Zürich. Ab Oktober
2015 wird die Ausstellung hier im Von der
Heydt-Museum in Wuppertal zu sehen sein.
Von der Heydt-Museum
Turmhof 8, 42103 Wuppertal
Telefon 0202 - 563 6231
von-der-heydt-museum@stadt.wuppertal.de
Cornelius Völker, Hände, 2003, Von der Heydt-Museum Wuppertal,
VG Bild-Kunst, Bonn 2013
Wassily Kandinsky, Riegsee – Dorfkirche, um 1908, Von der Heydt-Museum Wuppertal
13

Sängerfest und solide Inszenierung
Premiere am 24. Februar 2013
Weitere Aufführungen:
am 2., 14., 22., 30. März, 7. April, 6., 8.,
16., 22. Juni im Opernhaus Wuppertal
Verdis Maskenball in Wuppertal
Kaum waren die ersten Takte des Vorspiels
erklungen, da konnte man schon
ahnen, dass die musikalische Qualität
dieses Abends besonders hoch sein
würde. Der Dirigent Florian Frannek
begann zwar ungewöhnlich langsam,
dadurch wurde aber fast leitmotivisch
herausgestellt, welche Motive zu wem
gehören. Die nervige Piccoloflöte ließ
an der zu erwartenden Tragik keinen
Zweifel, hier wie an vielen anderen
Stellen wurden aber die Verbindungslinien
zwischen den einzelnen Teilen
der Oper besonders deutlich gemacht.
Das Vorspiel steht nicht für sich, sondern
geht bruchlos in die erste Szene
der Oper über, die Motive werden
auch später wieder aufgenommen. Einerseits
wurde auf diese Verbindungslinien
geachtet, andererseits wird aber
auch das Gegenteil klar: wenn z. B. in
der Ulrica-Szene ständig Überraschungen
vorkommen, Kontraste zwischen
laut und leise, Dissonantem und
Konsonantem, rhythmischen Prestound
fast tempolosen Adagio-Passagen,
Melba Ramos, Kay Stiefermann
linke Seite:
vorne: Melba Ramos, Felipe Rojas Velozo
hinten: Chor, Extrachor und Statisterie der
Wuppertaler Bühnen
15

ernsten und lustigen Abschnitten, so
wird das, was in der Musik steckt,
konsequent aufgenommen und sinnfällig
dargestellt. Ein großes Lob also
für Florian Frannek und das Wuppertaler
Orchester.
Hervorragend waren auch die Leistungen
der Sänger, allerdings mit einer
Einschränkung. Der Sänger des Riccardo,
Felipe Rojas Velozo, war, wie
vorher angesagt, erkältet, hielt aber
sein Rolle durch, obwohl er einige
Passagen oktaviert singen musste, ließ
aber an etlichen Stellen doch hören,
dass er gesund den Genuss des Gesanges
noch weiter erhöht und damit
abgerundet hätte. In den weiteren
Aufführungen wird er dies sicher tun.
Melba Ramos als Amelia, vielen Wuppertalern
noch als äußerst beliebtes
ehemaliges Ensemblemitglied in Erinnerung,
erhielt für ihre Leistung schon
bei ihrem ersten fulminanten Auftritt,
und später noch mehrfach, Szenenapplaus.
Überzeugend ebenso Zdravka
Ambric als Ulrica, mit besonders
faszinierenden tiefen Tönen. Mehrfachen
Szenenapplaus erhielt auch Kay
Stiefermann als Renato, der als Warner
und Rächer viele Forte-Stellen zu
singen hatte, aber im ersten Bild des 3.
Aktes besonders durch seine nuancenreichen
Pianostellen überzeugte. Die
Naivität und fast nervige Fröhlichkeit
des Pagen Oskar, der nichts kapiert
von der Tragik der Ereignisse, war
sängerisch und darstellerisch bei Elena
Fink in besten Händen. Auch die
kleineren Rollen, so als Verschwörer
Martin Js. Ohu und Olaf Haye, und,
besonders auffallend, Miljan Milovic
als Matrose waren hervorragend
besetzt. Der Chor, verstärkt durch
den Extrachor, war ein ebenso großer
Garant für die hohe musikalische
Qualität wie das Orchester.
Die Inszenierung, durch Opernchef
Johannes Weigand, war eher kammerspielartig,
betonte die kleinen Gesten,
war aber z. T. doch eher statisch, wobei
zugute zu halten ist, dass, zumindest
in den ersten drei Bildern, eher wenig
Gelegenheit zu großer Aktion zu finden
ist. Die Typisierung der Personen
ist aber gelungen und nachvollziehbar,
besonders deutlich bei Riccardo, wo
die leicht arrogante Leichtlebigkeit
und der damit verbundene Glaube
an seine Unverletzlichkeit sehr schön
ausgespielt wird. Immerhin werden
die wenigen Möglichkeiten zur Aktion
ausgenutzt, wenn etwa im ersten Bild
der Page Oskar den sturen Oberrichter,
der Ulrica ausweisen lassen will, in sei-
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ner Verteidigung gestisch nachäfft. Im
zweiten Bild werden die sich ständig
ändernden Vorgaben der Musik vor
allem durch die Personenregie ausgedrückt.
Szenisch reichhaltiger sind die
beiden letzten Bilder gestaltet, dort
passiert ja auch viel mehr als im ersten
Teil. Sehr gelungen ist die Tanzszene
im letzten Bild, in der auch fünf
Musiker des Orchesters auf der Bühne
erscheinen und als Banda zum Tanz
aufspielen. Dass Weigand aber auch
hier nicht auf Aktionismus setzt, zeigt
die Szene direkt nach dem Attentat,
wenn der Chor nicht chaotisch durcheinander
läuft, sondern sich sorgsam in
zwei Reihen aufstellt, während der Musikmeister
mit einem großen Taktstock
die Musiker zum Weiterspielen anhält.
Das Bühnenbild von Moritz Nitsche
ist minimalistisch karg, vor allem im
ersten Teil. So bleibt der Friedhof
im dritten Bild nur als große graue
Treppe in Erinnerung. Im zweiten
Teil wird dagegen häufiger und
erhellender mit Lichtregie gearbeitet.
So verliert das Grün des Vorhanges in
den ersten Szenen des dritten Aktes
immer mehr die Farbe, je mehr der
Mordplan Gestalt annimmt, und
im letzten Bild wird sehr geschickt
mit rotem Licht in unterschiedlicher
Form gearbeitet.
Erst in der letzten Szene wird klar,
dass die „amerikanische“ Fassung der
Oper gespielt wird. Die sehr kreativen
Kostüme (Judith Fischer) verlegen sie
in jedem Fall in das 18. Jahrhundert.
Wo die Oper spielt, scheint aber nicht
so wichtig, weil es auf die Geschichte
und die Darstellung der Gefühle
ankommt.
Also: Kammerspielartige Inszenierung,
ein Fest der Stimmen und eine
intelligente, sinnfällige musikalische
Darstellung! Äußerst empfehlenswert!
Fritz Gerwinn
Fotos: Uwe Stratmann
linke Seite:
v.l.n.r. Olaf Haye, Kay Stiefermann,
Martin Js. Ohu
unten:
v.l.n.r.: Elena Fink, Felipe Rojas Velozo,
Kay Stiefermann
17

Jubiläumskonzert des
Sinfonieorchesters Wuppertal mit
Abonnenten in der
Historischen Stadthalle
Bilder einer Ausstellung
In diesem Jahr begeht das Sinfonieorchester
Wuppertal das 150. Jahr seiner Gründung.
Bemerkenswert, dass das Orchester
also älter ist als die Berliner Philharmoniker
(gegründet 1882) oder auch als
die Essener Philharmoniker (gegründet
1899). Zur Geschichte des Orchesters
hat Werner Wittersheim, Leiter der
Programmgruppe Musik beim WDR 3,
in den Programmen der Sinfoniekonzerte
dieser Saison und auch im Jubiläumsband
interessante Beobachtungen mitgeteilt.
Aus Anlaß des Jubiläums in Wuppertal
fand am 2. Februar 2013 ein in seiner Art
einzigartiges, sensationelles Konzert statt.
Das Orchester hatte nämlich seine Abonnenten
eingeladen, mit ihm gemeinsam
zu spielen. Ca. 60 Musiker aus Kreisen
der Abonnenten hatten seit November
2012 zusammen mit den Musikern des
Sinfonieorchesters zunächst unter der
Federführung Tobias Deutschmanns die
„Bilder einer Ausstellung“ von Modest
Mussorgsky in der farbigen Orchesterfassung
von Maurice Ravel erarbeitet.
18

Am Konzertabend erlebte das äußerst
interessierte Publikum in der gut besetzten
Historischen Stadthalle Wuppertal
zunächst eine Probe unter Chefdirigent
Toshiyuki Kamioka. Seine lebendige Mimik
und intensive Gestik wurden auf eine
Großleinwand übertragen und - für jeden
hörbar - seine Kommentare zu Werk
und Aufführungspraxis über Mikrophon
in den Saal übertragen. Dabei wurde
die Zahl der Luftnoten, mit denen der
erfahrene Dilettant zunächst durch die
Hektik der vertrackten Orchesterstimmen
hastet, bald vermindert. Nach der Pause
erlebten die Konzertbesucher, unterbrochen
von sachkundigen Hinweisen des
Schlagzeugers Martin Schacht zum Werk
und ergänzt durch die Projektion der
musikalisch dargestellten Bilder, das ganze
Werk mit den 150 Musikern. Herrliches
Blech (Gänsehaut in den Katakomben),
flinke, flotte, hörbar gackernde Holzbläser
beim Tanz der Küken, erschütterndes
Pianissimo der Geigen im Gespräch der
Toten und nach dem wilden Tanz der
Baba Yaga dann der mächtige Choral im
„Großen Tor von Kiew“. Da hielt es das
Publikum, das immmer wieder bereits
Zwischenapplaus gegeben hatte, nicht auf
den Sitzen, man gab anhaltende stehende
Ovationen.
Das Konzert spiegelte zwischen Traditionspflege
und Musikvermittlung in seiner
Resonanz die Bedeutung eines Sinfonieorchesters
für die Stadtgesellschaft am
positiven Beispiel Wuppertals (siehe auch
die Beiträge von Lutz-Werner Hesse und
Michael Okroy im Jubiläumsband). Ein
großer Abend.
Johannes Vesper
Fotos: Karl-Heinz Krauskopf
Redaktion Frank Becker
21

Im Jazz muss man sich selbst finden
Der Saxophonist
und Komponist Wolfgang Schmidtke
Das Pferd mit Wolfgang Schmidtke beim
10. Wuppertaler Jazzmeeting 2012
Zum 65. Geburtstag seines Kollegen Peter
Brötzmann hat Wolfgang Schmidtke ein
Stück geschrieben, in welchem vierzehn
Musiker nach einem auskomponierten
Notentext spielen, während der Solist
improvisiert. Schon diese Komposition
zeigt, dass weniger einzelne Gattungen und
Stilarten den Saxophonisten und Komponisten
Wolfgang Schmidtke fesseln, als
gerade die Zwischentöne und die Zwischenwelten.
In der Musik ist es z.B. das
Oszillieren zwischen Notation und Improvisation,
zwischen Ton und Geräusch. Die
Freude am Experiment mit künstlerischen
Disziplinen und musikalischen Stilarten,
Vielseitigkeit und Offenheit sind charakteristisch
für die Arbeit dieses Künstlers: „Ich
neige nicht zur Dogmatik, für mich ist Karl
Poppers Gedanke ‚Lasst Ideologien anstelle
von Menschen sterben’ sehr wichtig, diese
Idee findet in der Kunstwelt viel zu wenig
Beachtung.“
Folglich bleibt Schmidtke nicht nur beim
Jazz. Gemeinsam mit der Künstlerin
Christine Haller erdachte er anlässlich der
Eröffnung des neuen Konzertsaales für die
Wiener Sängerknaben eine Art Gesamt-
kunstwerk: Die Künstlerin errichtete aus
Baumaterialien wie Bauschutt, Metallen
oder Glassplittern ein großes Portal, in welchem
vier Lautsprecherpaare so installiert
waren, dass die Konzertbesucher, während
sie es passierten, zunächst Baustellengeräusche
wie Bohren und Hämmern hörten,
die allmählich rhythmisiert und schließlich
in Klänge transformiert wurden, bis als
Steigerung die Singstimme der in Wuppertal
lebenden farbigen Jazzsängerin Brenda
Boykin hinzutrat. Für diese Klangcollage
hat Schmidtke zum ersten Mal elektronische
Mittel verwendet. Er selbst spielte in
diesem Stück sein zweites Instrument, die
Bassklarinette. Und der zahlreichen Wuppertalern
als Schauspieler in Erinnerung
gebliebene Jörg Reimers hat als begeisterter
Hobbyschreiner beim Aufbau geholfen!
Seit fünf Jahren leitet Schmidtke gemeinsam
mit dem Schlagzeuger Peter Weiss den
„Jazz Pool NRW“. Auch in diesem Projekt
arbeitet der Musiker flexibel und undogmatisch.
Er komponiert und arrangiert Stücke
für jährlich neu zusammengestellte Ensembles
aus wechselnden Partnerländern in
ganz Europa. Damit entspricht er genau der
23

Tradition des Jazz, der von Anfang an ein
Melting Pot aus verschiedenen Nationalitäten
und musikalischen Stilarten gewesen ist.
Nur geht diese Bewegung nicht von Amerika
nach Europa, sondern die erarbeiteten
Projekte werden in verschiedenen Ländern
des Kontinents aufgeführt: „Da reisen wir
weit herum. Wenn die Leute hören, dass
wir aus Wuppertal kommen, treffen wir
sofort auf offene Ohren, weil Wuppertal
international als Stadt des Jazz gilt. Als ich
in Lissabon das Theater Sao Luiz betrat, sah
ich dort als erstes eine Fotografie von Pina
Bausch!“
Bis heute ist Schmidtke dem ehemaligen
Generalintendanten der Wuppertaler
Bühnen, Holk Freytag, verbunden, für den
er seit fünfzehn Jahren Bühnenmusiken
schreibt. Freytag ist Leiter der Festspiele in
Bad Hersfeld. Er hat den Musiker beauftragt,
für die Festspiele in Bad Hersfeld
2013, William Shakespeares „Der Sturm“
als Musical zu vertonen, das Mitte Juni
uraufgeführt werden soll. Die Textfassung
erstellt der ehemalige Theaterdramaturg der
Wuppertaler Bühnen, Gerold Theobald.
Das ist nicht das erste Musical, bereits 2010
hat Schmidtke „Carmen – ein deutsches
Musical“ für die Festspiele in Bad Hersfeld
geschrieben, Judith Kuckart hat dazu den
Text verfasst. Das sind nur einige wenige
Beispiele für das vielfältige Schaffen von
Wolfgang Schmidtke.
Immer wieder ist Wuppertal der Angelpunkt.
Dabei stammt der Musiker aus dem
Sauerland; schon als Kind spielte er Klavier,
Posaune und E-Gitarre. Wie damals üblich
war die Ausbildung klassisch, doch die
jugendliche Begeisterung galt der Rockmusik,
besonders Jimi Hendrix hatte es ihm
angetan. Doch dann kam das Schlüsselerlebnis:
„Ich war 15 Jahre alt, als ich in einer
Radiosendung von Joachim Berendt (Das
Jazzbuch) „My Favorite Things“ von John
Coltrane hörte. Am nächsten Tag bin ich
in ein Musikaliengeschäft gegangen und
habe meine E-Gitarre in ein Alt-Saxophon
umgetauscht.“
Die Eltern hatten nie Zweifel hinsichtlich
der musikalischen Vorlieben des Sohnes.
Dieser verdankt seiner Klavierlehrerin, einer
Kantorin, Entscheidendes, denn sie trug
dem Schüler auf, jede Woche eine neue
oben: Wolfgang Schmidtke mit Gunnar Plümer
unten: mit Channel Crossing
24

Kadenz in einer anderen Tonart zu komponieren.
Wahrscheinlich war damit die Basis
für den späteren Komponisten Wolfgang
Schmidtke gelegt: „Heute ist die sogenannte
Musiktheorie sehr unbeliebt, doch sie ist
unerlässlich zum Verständnis der Architektur
von Musikstücken.“
Wolfgang Schmidtke studierte zunächst in
Münster Musikwissenschaften. Dann lernte
er Axel Jungbluth kennen, der in Boston Jazz
studiert hat und Verfasser der ersten deutschsprachigen
Harmonielehre für Jazz ist. Da
Jungbluth an der Musikhochschule Wuppertal
lehrte, wechselte Schmidtke in diese Stadt:
„Hier lebe ich noch immer sehr gern!“
Für den Komponisten Schmidtke dürften
die von der Klavierlehrerin aufgegebenen
Kadenzen eine wichtige Grundlage gewesen
sein, für den Jazzmusiker war es die Begegnung
mit „My Favorite Things“ von John
Coltrane.
Im Jazz kommt es in erster Linie auf den
ganz persönlichen Ausdruck, die individuelle
Tongebung, oder, wie man es nennt, das
spezielle Feeling des Interpreten an. „Einem
Orchestermusiker ist es vergleichsweise
ziemlich klar, wie ein Ton klingen muss,
das Klangmaterial ist zu 90% durch die
Tradition definiert. Der Jazzmusiker muss
für sich selbst herausfinden: Wie willst du
klingen? Dazu kann man sich z.B. mit dem
Instrument vor eine Wand stellen und einen
bestimmten Ton aushalten, um dessen
klanglichen Schattierungen auszuprobieren.
Große Jazzmusiker wie Louis Armstrong
oder Miles Davis erkennt man nicht an
einer Phrase, sondern daran, wie sie einen
einzigen Ton gestalten. Wenn ich nicht so
klinge, dass man mich von allen anderen
unterscheiden kann, habe ich keine Chance.
In der Improvisation spielt man so, wie
man in diesem Augenblick kann und will,
nur so steigert sich das Niveau.“
Wie kein anderer Stil erlaubt der Jazz dem
Interpreten so eminent viel Freiheit zur Gestaltung
des Klanges, und der ist Wolfgang
Schmidtke am wichtigsten. „Das Instrument
ist gleichsam die Verlängerung der
eigenen Stimme und damit der Seele. Wenn
ich den Wunsch habe, mich durch Töne zu
äußern, dann liefert die eigene Stimme die
höchste Intensität des Ausdrucks. Wenn ich
die nicht in der Stimme habe, kann ich sie
auch nicht auf das Instrument übertragen.
Wolfgang Schmidtke mit Peter Brötzmann
25

So lasse ich meine Schüler Melodien, die
sie nicht verstanden haben, singen, dann
spüren sie, wo sie atmen müssen. Auch wir
Musiker verständigen uns singend – ohne
Singen ist keine Kommunikation möglich.“
Für das Saxophon hat Schmidtke sich
durch John Coltrane erwärmt. „Dieses
Instrument ist besonders obertonreich und
daher hell und laut, es kann sogar aggressiv
klingen. Die Bassklarinette ist dagegen
wunderbar warm.“
Seit dreißig Jahren arbeitet Wolfgang
Schmidtke immer wieder mit dem Sinfonieorchester
zusammen, nicht nur als
Orchestermusiker. Besonders gern erinnert
er sich an die Saisoneröffnung 1999, als
im Rahmen von „Jazz Meets Classic“ das
„Concerto for Jazzband and Orchestra“
von Rolf Liebermann unter der Leitung
von George Hanson aufgeführt wurde, und
Schmidtke und seine Bigband gemeinsam
mit dem Sinfonieorchester der Stadt Wuppertal
musiziert haben.
Seit 1997 leitet Wolfgang Schmidtke
das „Nachtfoyer“: „Als ich jung war, gab
es noch keine Hochschulen, an denen
Jazz gelehrt wurde, sondern man fuhr zu
Workshops. Mein erster Jazz-Workshop
war in Dortmund, geleitet hat ihn Peter
Kowald. Da war ich noch Schüler und lebte
im Sauerland. 1997 haben Peter Kowald
und ich dann beim allerersten „Nachtfoyer“
im Schauspielhaus Wuppertal gespielt –
ausschließlich Stücke von John Coltrane.
Die Grundidee für das „Nachtfoyer“ ist,
Konzerte zu kreieren, die nur an diesem
Abend, an diesem Ort stattfinden.“ Hier
treten bekannte nationale und internationale
Jazz-Musiker auf. Wenn Wolfgang
Schmidtke den Abend gestaltet, komponiert
er für dieses jeweilige Konzert das
gesamte Programm!
Seit 2003 ist Wolfgang Schmidtke Vorsitzender
der Peter Kowald Gesellschaft. „Der
Kontrabassist Peter Kowald hatte die Gabe,
Menschen zu motivieren und zusammenzubringen,
er war ein Künstler, der vorbildhaft
Grenzüberschreitungen gelebt hat, und
deshalb ist die Arbeit im ‚Ort’ so wichtig für
uns alle.“
Der Künstler Tony Cragg hat der Peter
Kowald Gesellschaft für eine Ausstellung
Mappen mit Lithographien „Das Waldzimmer“
zur Verfügung gestellt, deren Erlös
der Gesellschaft zugedacht ist. Auch an
diesem Beispiel zeigt sich, wie bereichernd
im schönsten Sinne die Kunstszene in
Wuppertal ist.
Wenn Ende dieser Spielzeit das Schauspielhaus
endgültig geschlossen werden
wird, gibt es bis zur Eröffnung einer neuen
Spielstätte Überlegungen zu einem anderen
Spielort für das beliebte „Nachtfoyer“. Der
Künstler bleibt positiv „trotz des enormen
Kulturverlustes durch den Tod von Pina
Bausch und das Debakel um die Schließung
des Schauspielhauses.“ Kaum jemand
könnte besser beurteilen als er, wie stark
und wie vernetzt die Kulturszene dieser
Stadt inzwischen ist, „zumal sich hier,
obgleich oder gerade weil geographisch zwischen
Ruhrgebiet und Nordrhein-Westfalen
isoliert, ein sehr eigenständiger kreativer
Geist entwickelt. Das sollte man nicht nur
im Ausland zur Kenntnis nehmen“, meint
Wolfgang Schmidtke.
„Im Jazz muss man sich selbst finden“, doch
gerade in der Freiheit, deren musikalischer
Ausdruck der Jazz ist, kann man auch den
anderen finden.
Marlene Baum
Fotos:
Karl-Heinz Krauskopf
Auftritt mit:
Bert Fastenrath, Harald Eller und Peter Weiss
26

Wolfgang Schmidtke
(* 24. Dezember 1956 in Lüdenscheid)
Schmidtke erhielt ersten musikalischen
Unterricht am Piano, mit 16 Jahren kam das
Saxophon dazu. Nach dem Abitur studierte er
zunächst Musikwissenschaft an der Westfälischen
Wilhelms-Universität in Münster; er
wechselte dann an die Hochschule für Musik
Köln, Standort Wuppertal, wo er Saxophon
studierte.
Zunächst spielte er in einem Improvisationsensemble
um Harald Bojé; dann wirkte
er in der Fusionjazz-Band „Das Pferd“, die
unter anderem mit Harry Beckett, Marilyn
Mazur, Chris McGregor sowie Peter Kowald
zusammenarbeitete, und unternahm Tourneen
mit Ginger Baker, Randy Brecker, Horace
Parlan, John Lindberg und Bobby McFerrin,
aber auch mit Georg Danzer, Lydie Auvray,
Karlheinz Stockhausen und sinfonischen
Orchestern. 1998 gründete er das „Wolfgang
Schmidtke Orchestra“, das unter anderem mit
Markus Stockhausen, Lee Konitz, Steve Lacy
und Alexander von Schlippenbach arbeitete.
Weiterhin spielt er im Projekt „African Sketchbook“
(unter anderem mit Arkady Shilkloper).
Als Komponist und Produzent wirkte er an
fünf CDs des Essener Sängers Tom Mega mit.
Für den WDR organisierte Schmidtke eine
Reihe von Produktionen, deren übergeordnetes
Konzept die Verbindung von Genres
und Stilistiken ist, die normalerweise nicht
kombiniert und zusammen präsentiert
werden: Beispielsweise die Gegenüberstellung
eines gemischten Chores mit einem Bläserensemble
und einem Perkussionisten im Rahmen
des Rheinischen Musikfestes 1989 oder die
Produktion „Tango Westfalica“, eine Verbindung
von mittelalterlichen Musiken mit der
Welt des Tango, an der Hans Reichel, Stephan
Meinberg, Achim Fink und Christian Thome
mitwirkten (2005). 2008 komponierte er ein
dreisätziges Septett für Klavier und Streicher,
dessen Klavierpart von Simon Nabatov bestritten
wurde. 2010 schrieb er die Musik zu
„Carmen - ein deutsches Musical“.
Schmidtke unterrichtete Saxophon und
Jazzimprovisation am Fachbereich Wuppertal
der Musikhochschule Köln. Seit 2002 ist er
künstlerischer Leiter des Wuppertal Musikfests
„Die 3. ART“ und des „Nachtfoyers“, des musikalischen
Nachtprogramms der Wuppertaler
Bühnen. Weiterhin ist er der Vorsitzende der
Peter Kowald Gesellschaft.
27

Die Künstlergruppe 6PACK
startete im März 2012 ihr
aktuelles Projekt MOVING ART
BOX und lud Künstler in ganz
Europa ein, auf die allein reisende
Kunstkiste zu reagieren.
Nach über einem Jahr kehrt nun
die 1 m³ Kunstkiste an ihren
Ursprungsort Wuppertal
zurück.
Projekt Moving Art Box
Gestartet in Wuppertal mit 17 Künstlern
aus den Sparten Bildende Kunst, Musik,
Film und Tanz ging die Reise über
Sunderland /GB, Bedburg-Hau/D,
Amsterdam/NL, Otterlo/NL, Antwerpen/B,
Gießen/D, Cala Figuera,
Mallorca/E und Wroclaw/PL.
Erlaubt und gewünscht war, in vielfältiger
Weise auf die Kunstkiste und deren Inhalt
zu reagieren. Allen beteiligten Künstlern
ging es um die Idee des gemeinschaftlichen
künstlerischen Agierens und Kommunizierens,
der Auseinandersetzung über künstlerische
Prozesse, Impulse aufzunehmen,
neue weiterzugeben, zu experimentieren.
Die Abschlusspräsentation vom 26.
April bis 12. Mai 2013 im Neuen
Kunstverein Wuppertal führt nun
erstmalig die beteiligten Künstler und
die Kunstkiste zusammen, dazu reisen
über zwanzig europäische Künstler aus
ihren Heimatländern an. Mit einem
umfangreichen Programm wird ein
Querschnitt der unterschiedlichen
Beiträge vorgestellt und Möglichkeiten
und Grenzen der gemeinsamen
(Weiter)Entwicklung künstlerischer
Strategien befragt.
28

linke Seite:
Studenten der Justus-Liebig-Universität
Gießen arbeiten zur Kunstkiste mit fotografischen
Mitteln (Foto: Marcus Recht)
unten:
Moving art box – die Kunstkiste in
Künstlerhand
(Foto: Michael Odenwaeller)
Neben skurrilen, witzigen Vorgehensweisen,
fantasievollen Aktionen, provokativen
Eingriffen, fotografischen Experimenten,
Film- und Soundprojekten,
gibt es auch die leisen, intensiven Töne,
überraschende neue Arbeiten, die erst
durch die Ankunft der Kunstkiste
angeregt und nun in Wuppertal erstmals
vorgestellt werden.
MOVING ART BOX war eine Herausforderung,
der sich die über 80 beteiligten
Künstlerinnen und Künstler mit Mut
und Freude gestellt haben. MOVING
ART BOX hat im wahrsten Sinne viel
bewegt. Auf der projekteigenen Website
können umfangreiche Informationen zu
dem bisherigen Verlauf der Reise und
zu den beteiligten Künstlern eingesehen
werden.
www.movingartbox.de
29

linke Seite:
In seinem Atelier in Antwerpen baute der
Künstler Mark Swysen eine Installation als
Antwort auf die Kunstkiste
(Foto: Mark Swysen)
unten links:
Moving art box in Amsterdam – kleed
(Foto: Guda Koster)
rechts oben:
Moving Art Box – die Kunstkiste in England
(Foto: Jörg Lange).
rechts unten:
Moving art box – Zwischenstopp (Foto:
Michael Odenwaeller).
Eröffnung Freitag 26. April 2013, 19 Uhr
Neuer Kunstverein Wuppertal,
Hofaue 51, 42103 Wuppertal
Öffnungszeiten:
Mi – Fr 17 – 20 Uhr, Sa – So 15 – 18 Uhr
www.neuer-kunstverein-wuppertal.de
Es gibt im öffentlichen Stadtraum Kunstaktionen
von den Künstlern (aktuelle
Ankündigung beachten).
Großzügig gefördert wurde dieses Projekt
von der Sparkassen-Stiftung der Rheinlande,
der Jackstädt-Stiftung, der Stadtsparkasse
Wuppertal, dem Kulturbüro der
Stadt Wuppertal, von Karoline Becker,
i.i.d.open. In Zusammenarbeit mit dem
Internationalen Begegnungszentrum
Caritasverband Wuppertal/Solingen e.V.,
Freundschaftsverein Liegnitz/Legnica e.V.
Verantwortliche Künstler:
Wuppertal Künstlergruppe 6PACK,
Regina Friedrich-Körner, Renate Löbbecke
u. a.) – Sunderland Lothar Götz,
James Hutchinson – Bedburg-Hau Claus
van Bebber, Marijke Schlebusch
Amsterdam Guda Koster – Otterlo
Marian Mijnhardt – Antwerpen Mark
Swysen – Gießen Carl-Peter Buschkühle,
Marcus Recht – Cala Figuera Peter Marquant,
Josefina Pino – Wroclaw Dagmara
Angier-Sroka, Bartlomeij Sroka
Kontakt: Regina Friedrich-Körner
0202 4698160 und Renate Löbbecke
0202 86038
31

Historische Parkanlage Hardt
Immer wieder neu
Die Hardt ist eine der bekanntesten Parkanlagen
in Wuppertal, die viel Platz für
unterschiedliche Aktivitäten bietet. Beinahe
alle suchen sie gern auf: Junge wie Alte,
Botaniker und Blumengucker, Promenierende
und Jogger, Hundeausführer und Wiesenbelagerer,
Cafébesucher und Musikfans,
Bergbesteiger und Busbenutzer.
Neue Hardt:
Liegewiesen auf dem Rücken des Berges
32

Als große Grünfläche inmitten der Stadt
steht die Hardt unter Landschaftsschutz,
die Hardthöhlen stehen unter Naturschutz.
Wegen ihrer historischen Bedeutsamkeit
ist die Anlage außerdem als Baudenkmal
geschützt, übrigens bislang als einziger Park
Wuppertals. Die 54 ha große Anlage birgt
beachtlichen gartenkünstlerischen und
stadthistorischen Reichtum. Immer wieder
wurde der Park erweitert, aktuellen Bedürfnissen
angepasst und hat neue gestalterische
Impulse erfahren.
Schon der erste Blick in die Geschichte
des Parks zeigt, dass das Neue hier so einige
Vorgänger hat. Abgekürzt lautet die Bilanz
der Geschichte: Alte Hardt, Alte neue Hardt,
Neue Hardt und Neuer Garten auf der
Hardt. Hinter der prosaischen Namensgebung
verbergen sich große räumliche,
stilistische und soziale Veränderungen.
Bemerkenswert neu war einmal die
Anlage eines Parks auf dem Gelände, das
Anfang des 19. Jhs. in einem Zustand war,
den man heute als Brache bezeichnet. Die
Wertigkeit des Ortes befand sich damals auf
dem Tiefpunkt. Der einstige Bergwald, den
der Name „Hardt“ bezeichnet, war abgeholzt.
Eine kahle Öde außerhalb der Stadt
war geblieben, schlecht genug für Schindanger
und Ziegenweide. Übrig war der Fels,
den die Bürger in mehreren Steinbrüchen
abbauten. Um 1800 handelte es sich bei der
Hardt also um ein wüstes Gelände ohne
positives Image.
Dann kam die erste Runde der Erneuerung:
Der Wundarzt Johann Anton Stephan
Diemel stellt 1807 im Stadtrat den Antrag,
gerade hier eine Promenade anzulegen. Der
Magistrat stimmt zu, und Diemel sammelt
erfolgreich Geld. Während es andernorts
die Fürsten waren, die den Bürgern Zutritt
zu ihren Gärten gewährten, schafften sich
die Elberfelder aus eigener Kraft einen
Park. Die wenigen Vermögenden jener
Zeit waren offenbar trotz hereinbrechender
Kontinentalsperre willig, einen Bürgerpark
zu finanzieren. Schon wenige Jahre später
berichtet ein Reisender: „Aber man hat dort
kunstvoll, und ich sage durchaus auch mit
Geschmack, mehrere Rundwege angelegt,
damit sich hier an den Sonntagen jene
zahlreichen Grüppchen von ehrbaren und
arbeitsamen Familien treffen können, die
herkommen, um den Anblick des von ihnen
selbst geschaffenen Werkes zu genießen, um
ihren Kindern die Häuser, die Gärten, die
33

Rasenplätze, die Werkstätten, die Fabriken
und Geschäftshäuser dieses gewerbetreibenden
Volkes zu zeigen, das auf eigne
Rechnung arbeitet und das eines Tages von
seinen Kindern wiederum Sorgfalt, Umsicht
und vorbildhaftes Verhalten verlangen wird.“
(Sokolnicki 1810)
Was Diemel tat, nennen wir heute
bürgerschaftliches Engagement. Im 19. Jh.
wurde es eine Stärke Wuppertals und lief
„im Grünen“ zu Höchstform auf. Bevor
staatliche oder kommunale Wohlfahrtseinrichtungen
existierten, erfanden Elberfelder
Bürger so Einiges, das wir inzwischen als
öffentliche Aufgabe zu betrachten gewohnt
sind. Der Begriff Frühindustrialisierung
deutet in Kürze den Hintergrund dafür an.
Bei der vergleichsweise frühen Entstehung
industrieller Strukturen sammelte sich im
Tal erheblicher Reichtum und zugleich
überdurchschnittlich große Armut. So wuchs
auf der einen Seite die Notwendigkeit von
Fürsorge für diejenigen, auf deren Schultern
der Wohlstand der anderen lastete. Auf der
anderen Seite drängte das Bürgertum nach
Darstellung seiner Potenz, die politisch noch
hinter der tradierten Stellung des Adels zurückstand.
Sozialistische Ideen waren kaum
im Spiel, als die führende Klasse öffentliches
Grün für jedermann einführte und auf
eigene Kosten finanzierte.
Um es zusammenzufassen: Neu in der
ersten Phase der Hardt ist die Schaffung
einer öffentlichen Parkanlage und das
bürgerschaftliche Engagement, dem sie
sich verdankt. Der Anlagenteil, der damals
entstand, erhielt in der nächsten Phase den
Namen Alte Hardt.
Die zweite Runde der Erneuerung
vergrößerte das Parkgelände nämlich um die
„Neue Hardt“. Auch sie fußte wesentlich
auf bürgerschaftlichem Engagement, doch
nun war es bereits organisiert: Initiative
und Geld brachten der Elberfelder Verschönerungsverein
und der eigens gegründete
Hardtverein mit. Es waren reiche Vereine,
in denen demokratische Gepflogenheiten so
selbstverständlich waren, wie die Tatsache,
dass Fabrikanten und Bankiers den Ton angaben.
Vorreiter im Tal war 1863 der Barmer
Verschönerungsverein gewesen.
Die Elberfelder holten 1870 auf und
gründeten ebenfalls einen Verschönerungsverein,
der mit Entschlossenheit die
Höhenzüge um die Stadt als Freiraum
sicherte und begrünte. Im Tal explodierte
Elisenturm
Elisenhöhe - Villa Eller mit Kriegsschäden
Alte neue Hardt - Heinrich Siesmayers gestaltete das schwierige Gelände
34

Elisenturm - Ausblick
Botanischer Garten
Neuer Garten auf der Hardt - Neue Mitte der Parkanlage
die Bevölkerung - sie verzehnfachte sich seit
1800 fast -, die hygienischen Verhältnisse
waren katastrophal. Die Betuchteren zogen
an den Stadtrand, wo Neubauviertel bessere
Luft und grünes Ambiente versprachen.
Auch dem Proletariat wurde - bei anständigem
Benehmen - wochenendliche Erholung
in der Natur inklusive „Luftkur“ angeboten.
Die in kürzester Zeit in Angriff genommenen
Wald- und Parkanlagen sind von einem
Umfang, der deutschlandweit einmalig sein
dürfte. Selbstverständlich engagierte sich der
Elberfelder Verschönerungsverein auch auf
der Hardt. In gemeinsamer Anstrengung mit
dem Hardtverein und der Stadt Elberfeld
wurde die Größe der Parkanlage vervielfacht.
Mit der Gestaltung der „Neuen Hardt“
beauftragte man einen der meist beschäftigten
Gartenarchitekten dieser Zeit, den
bekannten Heinrich Siesmayer. Er schaffte
einen Landschaftsgarten, der weite Wiesen,
geschwungene Wege und frei wachsende
Bäume meisterlich in das topografisch komplizierte
Terrain hineinkomponierte. Der
Stil der Zeit verlangte allerdings mehr: Zum
historistischen Landschaftsgarten gehören
neben den unregelmäßigen oder englischen
Anlagen auch solche, die regelmäßig
gestaltet sind und an den französischen Stil
des Barockgartens anknüpfen. Ort dieser
Gestaltung auf der Hardt war das „Bergische
Haus“, das den einfachen Biergarten mit
Ansprüchen der vornehmen Gesellschaft
verband. Es bildete das Zentrum der Parkanlage
und darf getrost mit dem adeligen
Schloss verglichen werden. - Bürgerliche
Selbstdarstellung lehnte sich noch immer an
adelige Repräsentationsformen an. - Siesmayer
positionierte das „Bergische Haus“ am
Hang mit Blick über Elberfeld. Üppig, reich
ornamentiert und bunt muss man sich die so
genannten „Teppichbeete“ vorstellen, die es
umgaben. Die Wirkung des Baus erhöhten
drei vorgelagerte Terrassen, die durch
Treppen und Kutschenvorfahrt verbunden
waren.
Neu in der zweiten Phase der Hardt war
die Tätigkeit der Verschönerungsvereine
mit ihrer großflächigen Sicherung der noch
unbebauten Hangflächen, die man bald als
„grünen Kranz“ um das Tal bezeichnete. Die
Verschönerungsvereine bereiteten die grünen
Aufgaben vor, die um die Jahrhundertwende
die kommunale Verwaltung übernahm.
In der dritten Runde der Erneuerung
legte Stadtgärtner Thomas Ruprecht auf
35

Nachbargrundstücken einen Schulgarten
und die Stadtgärtnerei an. Die Ulmen
gesäumte Reichsallee führte nun vom Park
nach Barmen. Auf der Grenze beider Städte
entstand 1907 der Bismarckturm, mit dem
der Denkmalskult in seinen nationalistischen
Zenit trat. Erstmals fanden Spielplätze in den
Parkplänen Berücksichtigung. Julie Eller-
Vogdt stiftete auf einem ihrer angrenzenden
Grundstücke das Bürger-Krankenhaus, auf
einem anderen gründete sich der private
„Hardt Tennis-Club“. Wenig später zog im
ehemaligen Privatgarten Eller der zum Botanischen
Garten qualifizierte Schulgarten ein.
Neu in der dritten Phase der Hardt war
die Differenzierung der Nutzung. Nicht
mehr nur Sehen und Gesehen werden, Promenieren
und Aussicht genießen, bildeten
die Aufgaben der Grünanlage. Hinzu trat
eine ganze Palette von Funktionen: Belehrung
und Gartenbau, Verkehr und politische
Symbolik, Gesundheit, Spiel und Sport. Neu
war auch der Übergang planerischer und gestalterischer
Aufgaben an einen Stadtgärtner,
der sich später Gartenbaudirektor nannte.
Die vierte Runde der Erneuerung brachte
wieder eine „Neue Hardt“. Nach Beseitigung
der großen Schäden aus dem 2. Weltkrieg
folgte die Einbeziehung des Höhenrückens
in die Parkanlage. Die Hardt reichte nun
bis zum Bismarckturm und schloss damit
an den Hardtbusch, einen Waldrest am
Unterbarmer Südhang, an. Rechts und links
der Reichallee entstanden Liegewiesen mit
wunderbaren Ausblicken zu beiden Seiten.
Auf dem Gelände des früheren Schulgartens
wurde der Rosengarten angelegt, der die
Verbindung zwischen der Neuen Hardt und
der Alten neuen Hardt herstellte.
Neu in der vierten Phase der Hardt war
der Verlust des gesellschaftlichen Zentrums
durch die Kriegszerstörung des „Bergischen
Hauses“, auf dessen Wiederbau verzichtet
wurde. Ebenso musste die Hardt jetzt ohne
bürgerschaftliches Engagement auskommen.
Hardtverein und Elberfelder Verschönerungsverein
waren durch die nationalsozialistische
Gleichschaltung zerfallen und lösten
sich nun auf. Die Stadtverwaltung schien sie
entbehrlich gemacht zu haben. Neu war aber
auch die Eroberung des Rasens, der seither
betreten, belagert und bespielt wird.
Der „Neue Garten auf der Hardt“ bildet
die fünfte Phase der Erneuerung. Mit ihm
schaffte die Regionale 2006 ein neues Raumgefühl
in der Mitte und für die Mitte des
Parks. Sie war seit der Nachkriegserweiterung
Richtung Barmen durch die Stadtgärtnerei
mehr oder weniger blockiert gewesen. Nun
öffnete sich der Kern der Grünfläche und
verbindet seither die Anlagenteile miteinander.
An dieser Stelle sind die Glashäuser
entstanden und übernehmen ein Stück weit
die Aufgabe des verlorenen Gesellschaftshauses.
Der neue Garten gibt dem Park ein
neues Zentrum. Diese Aufgabe kann das
Gebäude nicht durch Pflanzenzucht allein
ausfüllen, das große Glashaus ist vielmehr für
den Besuch der Öffentlichkeit gedacht und
für Veranstaltungen konzipiert. Die ebenfalls
erneuerte Gastronomie liegt zwar nicht im
gleichen Gebäude, aber in unmittelbarer
Nachbarschaft. Die Elisenhöhe ist also das
neue Zentrum der Parkanlage Hardt.
Die Geschichte brachte der Hardt viele
Neuigkeiten, nur die Bezeichnung „neu“,
die ist richtig alt. Künftige Neuerungen
sollten die wertvolle alte Substanz stärken
und besser zur Geltung bringen. Hier gibt
es einige Schätze zu heben, die in Vergessenheit
geraten sind: manches Denkmal
sollte wiederhergestellt, die noch immer
kriegsbeschädigte Villa Eller in Stand gesetzt
werden. Fantastische Ausblicke können
hinzugewonnen, die romantische Konzeption
der Alten Hardt wieder herausgearbeitet
werden. Schließlich fordert der Umzug der
Justizvollzugsschule die Neustrukturierung
der freiwerdenden Fläche.
Die Aufnahme der Parkanlage Hardt in
die Route der Gartenkultur im Rheinland
war ein erster Schritt, einen der ältesten Bürgerparks
in Deutschland auch überregional
stärker ins Bewusstsein zu bringen. Neuerdings
hat die Hardt sogar übernationale Anerkennung
im Europäischen Gartennetzwerk
gefunden. Man darf daher mit steigender,
auch touristischer Bedeutung des Grüns in
Wuppertal rechnen.
In diesem Jahr rückt die Veranstaltung
„Gartenkunst in Wuppertal - Heinrich
Siesmayers Gärten“ eine Epoche der Hardt
in den Fokus der Öffentlichkeit. Im Sommer
wird die Ausstellung „Heinrich Siesmayer.
Gartenkünstler der Gründerzeit“ im
Glashaus zu sehen sein, begleitet von einem
umfangreichen Programm, in dem auch der
Zoo eine wichtige Rolle spielt.
Antonia Dinnebier
Denkmal als Aussichtsturm - Bismarckturm
Alte Hardt - Felsenkante des ehemaligen
Steinbruchs mit Gärtnerhaus
Hardtstein – 50 Jahre Hardtverein 1880-
1930
36

Karl Otto Mühls späte
Prosa und Gedichte
Vortrag im Februar 2013 im Rahmen des
Symposiums an der Bergi schen Universität
zum Werk von Karl Otto Mühl anlässlich
seines Neunzigsten Geburtstages
Torsten Krug, Foto: Mariann Menke
Das Schlupfloch zur Freiheit
Als ich vor einigen Jahren zusammen mit
einem Freund einen kleinen Musik-Clip
für die Oper Gelsenkirchen drehte, war ich
auf der Suche nach einem möglichst alten
Mann. Dieser sollte als Protagonist dieses
Musik-Clips zunächst in ganz alltäglichen
Situationen gefilmt, sodann mittels einer
Arie aus Manon Lescaut an eine ferne
Vergangenheit erinnert werden. Kapazitäten
dieser Stadt verwiesen mich für diese
Aufgabe an Karl Otto Mühl, dessen knorriger
Bass mir schon am Telefon sympathisch
war, und der sofort zusagte. Wir könnten
den ganzen Tag filmen. Als wir in der
vereinbarten Wohnung ankamen - seine
Schreibwohnung oder sein „Büro“, wie er
sie gerne nennt - waren wir vollkommen
verblüfft: kein Locationscout hätte eine
solche Wohnung finden, kein Bühnenbildner
sie so perfekt nachbauen können, wir
traten in eine Wohnung, welche nahezu
komplett in den Siebziger Jahren stehengeblieben
war. Sie bot das perfekte Umfeld
für unsere kleine Geschichte: Ein Mann
bleibt nach einer großen Liebe in jungen
Jahren allein zurück und lebt ein langes
Leben lang weiter, doch er bleibt immer an
diese eine große Liebe und die Erinnerungen
daran gebunden. Jetzt, beim Erarbeiten
dieses Vortrages, musste ich erneut an diese
Konstellation denken.
Wir filmten Karl Otto Mühl also beim
Griff in eine Keksdose, beim Tippen am
Computer, beim Blick aus dem Fenster,
beim Wandeln durch diese wie aus der Zeit
gefallenen Räume. Ich traf auf einen Mann,
der versonnen vor sich hin brummte, sobald
- wie beim Drehen üblich - kleinere Pausen
entstanden, zwischendurch zeigte er mir Fotos
an den Wänden seines Schreibzimmers
- Tankred Dorst, Hanna Jordan, und viele
andere, von denen ich nur die Namen kannte,
und - ich stutzte - Bilder seiner Töchter,
alle drei deutlich jünger als ich. Einmal, als
wir ihn schlafend im Bett filmten, schlief er
tatsächlich ein, wachte im entscheidenden
Moment erfrischt wieder auf und bot uns
erneut Nüsse und Äpfel an. Schließlich
filmten wir ihn vor dem Badezimmerspiegel
beim Hören der Puccini-Arie. Große Nahaufnahmen
seines Gesichtes, einer Erinnerungslandschaft
gleich.
Dies alles ließ dieser Mann mit einer
Seelenruhe geschehen, hatte zwischendurch
offensichtlich Freude und Interesse an
uns Jungen, stellte immer wieder Fragen
37

nach unserem Leben, unseren Arbeitsmöglichkeiten
als Künstler, unseren Familien.
Während der zwei Tage, die wir mit
ihm und bei ihm drehten, entstand eine
gemeinsame, bisweilen beinahe tranceartige
Ruhe, und wir vergaßen die Zeit. Seither
sind wir Freunde.
Ich habe diese etwas launige Anekdote zum
Einstieg erzählt, weil ich merke, dass diese
erste Begegnung mit Karl Otto Mühl für
mich beinahe alles enthält, was ich wenig
später in seinen Texten und vor allem
in seiner neuesten Prosa so ausgeprägt
wiedergefunden habe. Seither habe ich drei
seiner Veröffentlichungen lektorieren und
z.T. gestalten können und durfte so sein
Schreiben der letzten Jahre begleiten.
2001 überrascht Karl Otto Mühl, der
„stille Beobachter“ und „sanftbissige
Chronist des Angestelltenlebens“, wie ihn
Jörg Aufenanger in seinem Vorwort nennt,
mit der Veröffentlichung einer Sammlung
von Gedichten, welche Ende der neunziger
Jahre entstanden sind. Obwohl Mühl
schon als Jugendlicher Gedichte schreibt,
mag man diese Veröffentlichung mit dem
Titel „Inmitten der Rätsel“ bemerkenswert
finden. Ein lyrisches Ich meldet sich
da, welches deutlicher, intimer, zugleich
rätselhafter von sich selbst erzählen
möchte, ja: sich selbst erlebbar machen
möchte. Streng genommen, so bemerkt
auch Aufenanger, war es schon immer da,
dieses Ich: Fast alle seine Romane - mit
Ausnahme vielleicht von „Fernlicht“,
seinem einzigen Ausflug in den Bereich
des Jugendbuches - folgen der erlebten
Wirklichkeit des Kriegsheimkehrers
Mühl (in „Siebenschläfer“), des leitenden
Angestellten (in „Trumpeners Irrtum“
und in „Hungrige Könige“), der eigenen
Kindheit und Jugend im Dritten Reich (in
„Nackte Hunde“), der Auseinandersetzung
mit der eigenen Vergangenheit (in „Die
alten Soldaten“). Immer geht es um dieses
Ich, das sich selbst reflektiert, auch und
gerade in der Beobachtung und Analyse
der anderen. Dennoch scheint hier, mit
der ersten größeren Veröffentlichung von
Gedichten, ein neuer Raum eröffnet. Ein
neuer Ton klingt an, welcher sich 2008 -
nach den beiden späten Romanen „Hungrige
Könige“ und „Nackte Hunde“ (beide
2005) - in einem weiteren Gedichtband
mit dem Titel „Lass uns nie erwachen“
fortsetzt. Mühls späte Prosa, die Bände
„Stehcafé“ von 2010 und „Die Erfindung
des Augenblicks“ von 2012 (und in gewisser
Weise auch seine mittlerweile zwei
Aphorismenbände), knüpfen an dieser
Entwicklung an. In dieser Prosa sind die
lyrische Gestimmtheit und das selbstreflexive
Ich nunmehr ständig präsent, ist das
Alter Ego, welches jetzt durchweg „Ich“
sagt, kaum oder gar nicht vom Autor
Mühl zu unterscheiden.
Seit etlichen Jahren kann man Karl
Otto Mühl morgens gegen halb neun in
einem winzigen Stehcafé im Domagkweg
in Wuppertal antreffen. Kein Wiener
Kaffeehaus, nicht einmal eine wirkliche
Sitzgelegenheit gibt es, lediglich ein Dreieckstisch
in der Ecke bietet einen gewissen
Halt in dem kleinen Raum; vor der Theke
mit Backwaren findet sich ein schmaler
Schlauch mit einigen Stehplätzen. Hier
gehen sie ein und aus, die Anwohner der
Gegend rund um den Mirker Hain, Handwerker
kommen für ihre Pause vorbei,
Hundebesitzer, junge Frauen, die im nahen
Wald ihre Runden laufen, „Geschiedene“,
so Mühl, „Getrennte, Einsame, Singles,
Verwitwete, Analphabeten, gefügige
Lehrlinge mit ihren Meistern, Gärtner,
ein Kraftfahrer, der über seine sechs
unehelichen Kinder berichtet“ - und eben
auch, angelockt durch Karl Otto Mühl,
Schriftstellerkolleginnen und -kollegen,
emeritierte Professoren, Politikerwitwen,
Künstler oder Lehrer. Es ist ein perfekter
Ort für den Autor Karl Otto Mühl, ein
Menschenpark, ein Umschlagplatz für
kleine und große Schicksale, für Informationen,
Gerüchte, Halbwissen und scheinbar
Unbedeutendes. Jedes Gesicht, jede fremde
Erscheinung läßt Schicksale erahnen oder
erfinden. Hier findet Mühl, was er sucht
und braucht, entfaltet sich seine Gabe zur
genauen Beobachtung und befriedigt sich
seine Neugier. Alles kann hier zum Anlaß
werden für eine philosophische Reflexion,
eine Einsicht, eine Erkenntnis oder auch:
eine persönliche Erinnerung. Ganz nahe
an diesem Stehcafé, das einfacher und
bescheidener nicht sein könnte, liegt der
Wald des Mirker Hain, der mindestens
ebenso bedeutend für das Szenario dieser
späten Prosa ist. Die Natur spricht auch,
wenn die Menschen schweigen, und bildet
eine „Sinfonie lautloser Ereignisse“, wie es
in dem kurzen Text „Donnerstagmorgen
mit einem Zufriedenen“ heißt:
„Wieder ein regennasser Morgen. Andere
Läufer und Geher scheinen heute wenig Lust
zu haben. Die Waldwege sind menschenleer;
bis zum Ende der Strecke, von wo sich
die bunten Gestalten sonst, langsam größer
werdend, nähern, ist niemand zu sehen.
Dafür spricht der Wald umso mächtiger und
deutlicher zu mir, fast scheint es, als richteten
sich die Bäume jäh vor mir auf und lächelten
dann gutmütig, weil sie mich erschreckt
haben. Die Luft ist feuchtkalt. Es ist ja Herbst
mit einer Prise Winter darin. Rechts am Wegrand
liegt ein großer Stapel dicker, gefällter
Stämme, krumme und gerade übereinander
getürmt. Die hellbraunen Schnittflächen
leuchten, die gestürzten Riesen türmen sich
wie gigantische Muskelpakete, noch immer
bersten sie vor Kraft. Ich weiß nicht, wo ich in
dieser Sinfonie der lautlosen Ereignisse zuerst
hinschauen soll.“ (aus: Stehcafé)
Durch dieses Szenario - das Stehcafé als
Sinnbild einer Gesellschaft, umgeben
von der belebten Natur - mäandert das
Alter Ego dieser späten Prosa. Man kann
sie kaum Geschichten oder Erzählungen
nennen, eher Reflexionen, Beobachtungen,
Miniaturen oder auch Meditationen.
„Man schreibt, um sich selbst erlebbar zu
machen“, lautet eine frühe Selbstaussage
Mühls. Die Bäckerei und der Wald werden
zu den Orten dieser Bemühung:
„Heute ist Montag. Ein ganz anderes Gefühl
habe ich heute; kein Vergleich zu gestern
morgen, als ich auch durch den Wald lief.
Sonntags besteht ja immer die Gefahr, dass
ich von der Welt vergessen werde. An Sonntagen
bemerkt sie mich nicht, die Welt, ob sie
nun im Sonnenlicht schweigt oder ob sie unter
Regengüssen versinkt oder den Morgennebel
wie eine Decke über den Kopf zieht. Erst in
der Bäckerei werde ich schließlich bemerkt.“
(aus: „Stehcafé“)
Oft werden Geschichten nur angedeutet,
selten wird eine wirkliche Handlung,
ein Ereignis zu Ende erzählt, sondern im
Gegenteil: hinter jeder Biegung leuchten
die zahllosen anderen Lebensmöglichkeiten
hervor, und hinter jedem Satz stehen unzählige
andere, welche den soeben gesagten
ins Unendliche vertiefen. Es ist diese Vielstimmigkeit,
diese Verschachtelung ganz
heterogener Ebenen, welche diese späte
Prosa zu einem originären literarischen
Genre machen.
Literarische Vorbilder hierzu finden sich
am ehesten in der Romantik. „Indem ich
38

dem Gemeinen einen hohen Sinn“, heißt
es in der wohl prägnantesten Definition des
Romantischen bei Novalis, „dem Gewöhnlichen
ein geheimnisvolles Ansehen, dem
Bekannten die Würde des Unbekannten,
dem Endlichen einen unendlichen Schein
gebe, so romantisiere ich es.“ In diesem
Sinne läßt sich Mühls späte Prosa lesen
als ein lyrisch gestimmter, tagebuchartiger
Bericht und zum Teil eine Überhöhung
des Alltäglichen. „Der romantische Geist“,
schreibt Rüdiger Safranski in seinem
Buch über die Romantik, „ist vielgestaltig,
musikalisch, versuchend und versucherisch,
er liebt die Ferne der Zukunft und der
Vergangenheit, die Überraschungen im
Alltäglichen, die Extreme, das Unbewusste,
den Traum, den Wahnsinn, die Labyrinthe
der Reflexion. Der romantische Geist bleibt
sich nicht gleich, ist verwandelnd und widersprüchlich,
sehnsüchtig und zynisch, ins
Unverständliche vernarrt und volkstümlich,
ironisch und schwärmerisch, selbstverliebt
und gesellig (...)“ (aus: „Romantik. Eine
deutsche Affäre“). All dies läßt sich in
Mühls später Prosa finden.
Ein Bericht von einem Elektrotechniker,
der seinen Kunden nur noch so viel abverlangt,
wie sie zu zahlen bereit sind, gerät
dem Autor zum Märchen, was er auch
umgehend selbst reflektiert:
„Ich merke jetzt, dass ich diese Geschichte
wie ein Märchen erzählt habe. Man kann
ja auch heiter und beschwingt dabei werden,
alles vergessen. Ich zum Beispiel meinen
Onkel Karl, der bei Kriegsende in Rumänien
als Gefangener in einem Schuppen lag, mit
einem Sack zugedeckt, und endlich sterben
durfte; ich denke an Krankheiten und an
die Geschwindigkeit, mit der wir durch
das Leben getrieben werden. Und dass ich
immer denken muss: Irgendwann sehe ich
den oder die nicht wieder. Oder anders: Dass
die Wirklichkeit hinter meinem Bericht viele
Schichten hat, und dass durch alle geschehenen
Fakten hindurch Kräfte wirken, die wir
nicht sehen (...); es erklingen Melodien, die
wir nicht hören. (...) Eigentlich suchen wir
aber das Schlupfloch zur Freiheit.“ (aus: „Die
Erfindung des Augenblicks“)
Diese Musik hinter den Dingen, diese
Melodien hinter der Melodie sind auch
dem Trauma der Generation des Autors geschuldet:
Als Kriegsheimkehrer gehört er zu
denen, die überlebten. Ein „Rätsel“ mithin
seither schon die Frage, warum man noch
lebt und ein anderer nicht. Das „Schlupfloch
zur Freiheit“ hieße ein Ankommen,
ein Moderieren der unerträglich aufeinander
prallenden Empfindungen. „Inmitten
der Rätsel“ enthält ein Gedicht mit dem
Titel „Das Unerträgliche“:
Eigentlich könnt ich
nur leben
wenn ich die Hölle vergäße
in der andere sind
vielleicht morgen ich
Sie rufen und strecken
die Hände empor
Ich lebe trotzdem
ich glaube
die Musik
ist zu laut
Wenn die Musik zu laut ist, wenn die
Melodien hinter den Dingen, die Erinnerungen
an Unfassbares oder die Vorahnung
von Unfassbarem, zu laut werden, ist
das Leben unerträglich. Dieser Umstand
erfordert Widerstand, Lebenswillen und
die Lust, kleine Dinge zu beachten, sie in
den Rang einer unerhörten Begebenheit
zu erheben, kurz: seine eigene Melodie zu
singen.
Das lyrische Ich braucht Ermutigung, holt
sie sich beim ersten Blick in die Zeitung:
Der Morgen
fängt gut an.
Ich lese die Todesanzeigen,
und ich bin nicht dabei.
Die Tatkraft, das Knorrige, Selbstbewusste,
und der Humor bilden das Gegengewicht
zur romantischen Auflösung oder Vertiefung;
die alltägliche Organisation, das
„Erledigen“ wird zum „Tagewerk“, wie es
in einem der Texte heißt. Und doch ist die
Vergänglichkeit, die eigene inbegriffen,
fast immer präsent. „Der Herbst“, heißt
es zu Beginn einer Aufzeichnung aus dem
ersten Stehcafé-Band, „ist mein Nachbar
geworden“:
„Nachts weckt er mich auf mit tosenden
Windböen, mit Blitz und Donner, morgens
verstellt er das Außenthermometer auf unvorstellbare
sechs Grad, vor der Haustüre ragt
mir sein braunes, nasses Gesicht entgegen. Er
reißt mir den Wunsch nach Promenadenfröhlichkeit
und Leichtfertigkeit aus der Hand, er
erinnert unbarmherzig daran, wie rasch die
letzten zehn und mehr Jahre vergangen sind,
und, schreit er, das sollte mit den letzten paar
Jahren nicht auch so gehen?“ (aus: „Stehcafé“)
Auch hier sind die Naturbilder metaphorisch
aufgeladen, steht der Jahreskreislauf
für den Lauf des Lebens. „Der Herbst
räumt sie weg, die alten Freunde“, heißt es
am Ende desselben Textes. Und: „Wohin
immer ich jetzt gehen werde, es wird nur
vorläufig sein“.
Dieses Bewußtsein für die eigene Endlichkeit
ist, wie gesagt, nicht neu für den
kriegserfahrenen Mühl. Ein Gedicht aus
dem Band „Inmitten der Rätsel“ berichtet
von einer Einsicht des jungen Mannes:
Kriegsgefangenentransport
Führ er doch schon zurück,
unser eiserner Wurm!
Unsere Köpfe
wackeln im Takt.
Durch verstepptes Land,
wie eine karge
Glatze bewachsen,
donnert unser gestohlenes Leben.
In jeder Kurve
drängt in uns hoch,
daß wir gedankenlos waren.
Wir schmissen es weg, das Leben,
das uns liebte.
Dieses „gestohlene Leben“ ist durchaus
mehrdeutig: Zum einen meint es ein Leben,
das in die Hände der Feinde gefallen und
insofern gestohlen ist; zum anderen war es
schon vorher gestohlen - und das wird dem
lyrischen Ich nun klar: es sind die gestohlenen
Jahre der Jugend und des jungen Mann-
Seins einer ganzen Generation. Doch rückblickend
hat dieses „gestohlen“ noch eine
dritte Konnotation: Karl Otto Mühl wird
nicht müde zu betonen, dass die Kriegsgefangenschaft
und damit der frühe Austritt
aus den Kriegshandlungen sein größtes
Glück und seine Rettung waren. Und so
lebt er in gewisser Weise dieses gestohlene
Leben fort, während es zahllosen anderen,
darunter Freunden, genommen wurde. Das
gestohlene ist auch ein geschenktes Leben.
Dieses memento mori, welches seine späten
Texte wie ein roter Faden durchzieht, führt
jedoch nicht oder selten zu einer Schwere,
39

einer Verdunklung bis hin zu Düsternis,
sondern es erscheint aufgefangen oder sublimiert
durch eine Form der Romantischen
Ironie. Diese bedeutet, so schreibt Friedrich
Schlegel um 1800, „im ursprünglich Sokratischen
Sinn (...) eben nichts andres, als
das Erstaunen des denkenden Geistes über
sich selbst, was sich oft in leises Lächeln
auflöst“. Dabei könne sich, so Schlegel, infolge
der Selbstdistanz durchaus das Gefühl
von Komik einstellen - verstanden als eine
wichtige Voraussetzung für eine „höher
liegende Ernsthaftigkeit“.
Einen letzten bemerkenswerten Aspekt dieser
späten Prosa möchte ich noch herausheben.
Sowohl die beinahe ständige thematische
Präsenz der Vergänglichkeit als auch
die lyrische Gestimmtheit in diesen Texten
führen nicht selten zu einer erzählerischen
Verdichtung auf einen Augenblick hin.
Schon im Gedichtband „Inmitten der
Rätsel“ sind das Erleben des Augenblicks
und die Unmöglichkeit, ihn in Worte zu
fassen, Thema:
Rätsel
Da hat ein Gesicht
durch die Tür gespäht;
nur einen Spalt,
dann ging sie zu.
Voll solcher stummer
Augenblicke
ist mein Leben.
Sie sagen niemals,
wer sie sind.
Hör hin, wenn Glas zerspringt,
sieh zu, wenn Efeu erschauert.
Sie sagen die Wahrheit,
beide.
Beide sagen
die Wahrheit.
„Die Wahrheit“ ist mithin etwas, an das
die Sprache nicht reicht, die Wahrheit
ist ein Rätsel. Und so nähert sich Mühls
späte Prosa immer wieder einem solchen
Augenblick, umkreist ihn, erinnert ihn,
versucht ihn zu fassen, doch es ist immer
ein „Danach“ und in diesem Sinne eine
„Erfindung des Augenblicks“.
In einem kurzen Text aus dem gleichnamigen
Prosaband überquert das Alter
Ego Mühls eine Straße, „in einigen
hundert Metern Entfernung werden
Autos sichtbar“, heißt es, „Zeit ist aber
noch genug“.
„Da passiert etwas. Der Asphalt hat Risse,
und ich stolpere, kurz bevor ich die andere
Straßenseite erreiche. Mit einer Hand fange
ich den Sturz ein wenig ab, doch spüre ich,
wie ich über den rauen Asphalt schramme.
Für Sekunden muss ich nichts gedacht, gespürt
oder gefühlt haben. Dies war ein seliger
Augenblick mit dem Gefühl des Nichtseins.
Ich erinnere mich heute, es war, als ob sich ein
Vorhang nach beiden Seiten öffnete, Luft und
Licht wurden dünn und blass, aber dennoch
überglänzt. Es war nichts mehr vorhanden,
nicht einmal ich, aber dennoch gab es mich
und alle, die ich kenne, es gab die Freunde,
die toten und die lebendigen; keiner zu
sehen, aber jeder gegenwärtig als Idee seiner
selbst. Nichts war zu sehen, aber alles voller
Freundlichkeit vorhanden und ich mitten
darin. Ein Auto bremst einige Meter vor mir.
In diesem Augenblick rolle ich mich aber
bereits zum Bürgersteig hin, stehe auf und
klopfe den Staub ab.“ (aus: „Die Erfindung
des Augenblicks“)
„Was bleibt“, fragt sich der Erzähler an
anderer Stelle, „wenn sich herausstellt, dass
es Vergangenheit und Zukunft real gar
nicht gibt? Was sind wir dann?“ Nicht nur
der Asphalt, sondern die Realität hat Risse.
In ihnen - Heidegger würde sagen: im
Ereignis, im Nicht Ableitbaren - offenbart
sich unsere Existenz.
Und so gerät diese späte Prosa - und auch
manch spätes Gedicht - an ihren glücklichsten
Stellen in eine ganz eigene Art des
Schwebens zwischen Oberfläche und Tiefe,
zwischen schalkhaftem Witz und empfundener
Tragik, zwischen knorriger Alltagsbeschreibung
und philosophischer Reflexion.
Die Romantische Ironie bietet hierbei ein
„Schlupfloch zur Freiheit“, eine Möglichkeit,
zwischen umfassenderen Sinnstiftungen
einerseits und alltäglich auszuhaltenden,
meist banalen oder auch frustrierenden
Lebensumständen andererseits im aktuellen
Hier und Jetzt zu vermitteln.
Karl Otto Mühls literarische Produktivität
ist ungebrochen. Wöchentlich, manchmal
täglich erreichen seine Freunde E-Mails mit
Texten - Fragmente zumeist, Anfänge oder
Augenblicke, kleine Szenen, tagebuchartig,
skizzenhaft eingefangen; „zu einem
Roman“, sagte er einmal zu mir, „spüre ich
nicht die Kraft“. Ein neues, noch unvollendetes
Manuskript trägt den Arbeitstitel
„Mein Leben als Greis“. Es beginnt mit
dem durchaus ironischen Satz: „Vielleicht
ist dies mein letztes Buch. Schonungslos
werde ich die Wahrheit sagen, über alles
und jeden, ausgenommen mich selbst.“
Ganz in diesem Sinne möchte ich mit
einem Gedicht enden, das auch uns Junge
mit einbezieht:
An die Alten
Nur alte Säcke ringsumher,
silbernes Haar, Freskengesicht,
knochiger Hintern, schlaffe Haut,
ausgestreut wie Abfall am
Rand des Lebens.
Wehrt euch, ihr grauen Dämmergestalten,
wehrt euch.
Nicht mit Krähen und Keifen,
aber mit deutlichem Blick,
mit stillem Schlurfen ins Dunkel,
mit lichten Gedanken
und Freundlichkeit.
Seht nur, wie die Jungen
da schmatzend vorüberziehn,
und neidisch schaun sie auf euch.
Torsten Krug
ist Theaterregisseur, Musiker und Autor
und lebt in Wuppertal. Er studierte Neuere
deutsche Literatur, Musikwissenschaft und
Philosophie in Tübingen. Danach war er
u. a. Assistent von Katharina Thalbach.
Seit 2006 ist er freischaffend tätig und
inszenierte u. a. in Chemnitz, Rudolstadt,
Berlin, Regensburg, Heilbronn sowie an
der bremer shakespeare company. Er war
Gastdozent an der Hochschule für Musik
und Theater Leipzig sowie am Institut für
Schauspiel-, Film- und Fernsehberufe ISFF
in Berlin.
40

Karl Otto Mühl wurde am 16. 2. 1923 in
Nürnberg geboren. 1929 folgte der Umzug der
Familie nach Wuppertal. Dort Ausbildung zum
Industriekaufmann. 1941 Kriegsdienst in
Afrika, Gefangenschaft in Ägypten, Südafrika,
USA, England.
Im Februar 1947 Rückkehr nach Wuppertal,
wo er sich der Künstlergruppe »Der Turm« anschließt,
der auch Paul Pörtner angehört. Erste
Kurzgeschichten werden 1947/48 veröffentlicht.
Am Carl-Duisberg-Gymnasium holt er 1948
das Abitur nach, danach Werbe- und Verkaufsleiter
in Maschinen- und Metallwarenfabriken.
Erst in der Mitte der 60er Jahre gelingt es ihm
wieder, kontinuierlich zu schreiben. Zwischen
1964 und 1969 entsteht der Roman »Siebenschläfer«
(veröffentlicht 1975), mit den
Theaterstücken »Rheinpromenade«, »Kur in
Bad Wiessee«, »Die Reise der alten Männer«
gelingt ihm der Durchbruch.
Seitdem veröffentlichte Karl Otto Mühl dreizehn
Theaterstücke, zahlreiche Fernsehfilme,
Hörspiele und Romane.
Die Stadt Wuppertal verlieh ihm 1975 den
Eduard von der Heydt-Preis.
Karl Otto Mühl, Foto: Frank Becker
Frau mit Gipsbein
Ich schreibe heute am Küchentisch. Hier
ist von der Westseite her guter Lichteinfall,
und es bleibt länger hell. Das spart Licht
und damit Strom, worauf ich weitaus mehr
achte als andere.
Damit wäre ich schon bei einer meiner
Eigenschaften, denn die sind es, die ich
gerade hier formulieren muß, weil ich diese
Kontaktanzeige zu verfassen suche, die
mein Kollege Fabian Brösel ins Internet
stellen wird, wie er sagt. Ich werde mich
vor der Fülle von Zuschriften kaum mehr
retten können, sagt er. Nur, ich muß die
Eigenschaften, die ich habe, deutlich
darstellen. Das geht nicht so leicht, weil
ich gegen meine Bescheidenheit verstoßen
muß. Ich dränge mich nie in den Vordergrund.
Ich überlegte vorhin, ob ich mich bei der
Anzeige zunächst auf die Angabe meiner
wichtigsten Eigenschaften beschränken
sollte, nämlich: Sparsamkeit, Sauberkeit
und Ordnungsliebe. Alle drei scheinen mir
gleich wichtig zu sein, und trotzdem wird
es darauf ankommen, was jede einzelne von
den Leserinnen am meisten schätzt. Ich
muß es darauf ankommen lassen. Schließlich
bin ich bisher immer gut damit gefahren.
Obwohl ich schon Sechsundfünfzig
bin, habe ich damit Aussichten, denke ich,
eine verständnisvolle Partnerin zu finden,
die sie zu schätzen weiß, die Eigenschaften
und natürlich, so hoffe ich doch, deren
Inhaber, also mich.
Selbst für die Erfüllung eines Kinderwunsches
wäre es noch nicht zu spät. Ein Kind
würde genügen, vorausgesetzt, es würde so
verständig, dass es meine Ratschläge und
Lebensregeln annehmen und beherzigen
könnte.
In der Sparkasse, in der ich beschäftigt bin,
weiß man, so denke ich manchmal, meine
Eigenschaften zu schätzen. Noch kürzlich
sagte Frau Tilly, die in der Revision
arbeitet, zu mir: „Sie sind aber ordentlich!“
Dabei hatte ich nur einige Krümel von
ihrem Schreibtisch entfernt.
Aber niemand hat mich so geschätzt wie
meine Mutter, glaube ich. Zuletzt, als sie
schon sehr schwach war, sagte sie einmal zu
mir: „Du meinst es gut, Rolfi. Ich weiß das.
Laß die anderen über dich reden, was sie
41

Katrin Schoenian, Matthias Aprath
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DAS ERGEBNIS ALLER
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EIN SACHGERECHTES
UND
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WELCHEM UNSERE
KUNDEN UND DIE
WEITEREN ADRESSATEN
VERTRAUEN.
NACHHALTIG GUT BERATEN.
wollen. Du weißt ja, die reden manchmal
so daher.“
Das nenne ich Mutterliebe. An ihrem
Todestag bringe ich noch heute Blumen zu
ihrem Grab, genau um die Stunde, in der
sie gestorben ist. Es war um sechzehn Uhr
dreiundzwanzig.
Es ist ein gutes Gefühl, in meinem Alter
immer noch die freie Auswahl unter
möglichen Ehepartnerinnen zu haben, also,
sozusagen den Rücken freizuhaben. Das
wäre nicht so, wenn einige Dinge anders
gelaufen wären. Ich meine die Beziehung
zu Nora.
Ich muß sagen, dass mit ihr am Anfang alles
sonnenklar zu sein schien, also auch eine
etwaige lebenslange Verbindung. Sie schien
mir von allen Frauen, die ich kannte, am
verträglichsten und verständigsten zu sein;
und kleine Fehler oder auch Fehlverhalten
von ihr konnte ich immer korrigieren und
fand bei ihr auch Bereitschaft dafür. Die
Schwierigkeit für unsere Beziehung kam
völlig unerwartet von einer ganz anderen
Seite.
Wir waren am Sonntagnachmittag in der
Gaststätte „Margaretenhof“ im Siebengebirge
gewesen, hatten Kaffee getrunken und
bezahlten nun. Ich hatte schon befürchtet,
sie würde erwarten, dass ich ihren Verzehr
bezahle. Das soll es ja geben. Aber bei ihr
war das nicht so, sie zog rechtzeitig ihre
Börse aus der Handtasche. Wir machten uns
auf den Weg zum Bus.
Und nun geschah es. Wir hatten erst ein
paar Schritte gelegt, da stolperte sie über
einen Stein, stürzte unglücklich, stöhnte mit
schmerzverzerrtem Gesicht: „Ich glaube, da
ist etwas gebrochen.“
Ich konnte sie überzeugen, dass sie zwar
in eine Klinik müsse, dass aber der Transport
dahin, wenn nicht mit dem Bus, so
doch mit einem Taxi erfolgen könne, und
nicht etwa mit einem unerschwinglichen
Krankenwagen. Wir fuhren also mit dem
herbeigerufenen Taxi zur Unfallklinik.Während
ich ihre Hand hielt – nur, um sie zu
beruhigen -, erklärte ich ihr, dass ich für die
Taxikosten selbstverständlich in Vorleistung
treten würde.
Der Rest geschah nun ohne mein Zutun.
Sie mußte einige Tage in der Klinik bleiben.
Dann holte ich sie ab und sah, dass sie bis
über das Knie hinaus mit einer Gipsmanschette
versehen war. Ich muß sagen, der
Anblick war ein Schock für mich. Ich begleitete
sie bis zu ihrer Wohnungstür, an der
sie bereits von ihrer Mutter erwartet wurde.
Mir war unterwegs längst klar geworden,
dass ich mich nicht mit einer behinderten
Frau belasten konnte. Zu groß waren die Risiken,
nicht absehbar die Folgekosten, und
das alles für mich wegen eines Menschen,
der mir bis vor Kurzem völlig gleichgültig
gewesen war, ja, den ich nicht einmal
kannte.
Natürlich sagte ich ihr dies alles nicht mit
solcher Deutlichkeit. Ich schrieb ihr nur,
dass sich mein Kindheits-Asthma wieder
gemeldet habe und ich eine Zeit lang völlig
zurückgezogen leben wolle, vielleicht auch
sparsam leben müsse, um eventuelle außergewöhnliche
Behandlungskosten auffangen
zu können.
Manchmal habe ich in den vergangenen
Jahren an sie zurückgedacht. Ich hoffe nicht,
dass sie unter meinem Verlust gelitten hat.
Dazu kannte sie mich vielleicht nicht genug.
Übrigens hatte die Beziehung noch ein
Schlußkapitel. Vor zwei Monaten rief sie
mich an, ja, sie lebe noch. Ja, sie sei verheiratet,
mit einem Brasilianer, aber der habe sich
seit zwei Jahren nicht gemeldet. Sie habe
auch nie gewußt, was der Mann dachte.
Er sei undurchsichtig, ganz anders eben als
ich.
Wir haben uns getroffen. Das Wiedersehen
war herzlich und offenherzig. Wir gingen
in ein Café und suchten uns ein Tischchen
in der Ecke aus. Es gab da eine Sitzbank
und zwei einzelne Stühle. Ich halte das hier
genau fest, denn solche Einzelheiten vergißt
man später schnell.
Nora setzte sich, blickte zu mir auf, klopfte
mit der Hand auf den Platz neben sich und
sagte: „Hier, setzen Sie sich. Ja! Direkt hier!“
Es wäre dort eher eng gewesen. Und sie
wollte, dass ich mich neben sie setze, Hüfte
an Hüfte.
Das habe ich nicht gemacht.
Karl Otto Mühl
42

Von Beckmann bis Schmidt-Rottluff
Die Sammlung Frank Brabant
Im Kunstmuseum Solingen bis
zum 5. Mai 2013
Conrad Felixmüller, Frühlingsabend in
Klotzsche, 1926,
Öl auf Leinwand,75 x 90 cm
Das Kunstmuseum Solingen zeigt als
Auftaktausstellung des in Gründung
befindlichen „Zentrums für verfolgte
Künste“ bis Anfang Mai 2013 101 Bilder
aus einer der bedeutendsten Privatsammlungen
Deutschlands.
Frank Brabant ist ein Sammler aus
Leidenschaft. 1958 hatte der Schweriner
in der ehemaligen DDR den Entschluss
gefasst, „in den Westen zu machen“. In
Wiesbaden war er geschäftlich erfolgreich.
1964 besuchte er „eher zufällig“ eine
Galerie. Er kaufte einen Holzstich von
Max Pechstein. „Der Name sagte mir
damals nichts. Picasso ja, aber Pechstein?“
300 Mark zahlte er – und das bei einem
Monatsgehalt von 350 Mark.
Mit diesem Kauf wurde er zum Sammler,
der sich nun über Pechstein kundig
machte und so der Kunst verfiel. Erspartes
für den Traum von einem VW-Käfer
setzte er dann doch in ein Aquarell von
Ernst-Ludwig Kirchner um.
Viele weitere Käufe von Bildern und
Büchern folgten im Laufe der Jahrzehnte:
expressionistische Meisterwerke von
Alexej von Jawlensky, Wassily Kandinsky,
Emil Nolde, August Macke, Franz Marc,
Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel
oder Karl Schmidt-Rottluff aber auch Bilder
heute nahezu unbekannter Künstler
wie beispielsweise Ernst Fritsch, Harry
Deierling, Elfriede Lohse-Wächtler, Heinrich
Richter-Berlin, Siegfried Donndorf,
Carl Gunschmann, Josef Scharl und
Fritz Schaefler – bis hin zur Kunst der
Gegenwart. Dabei wurde der Sammler
zum Kenner. Sein Geld wollte er nicht in
Autos anlegen. Es folgten fast 500 weitere
Kunstwerke.
Der Schwerpunkt der Präsentation in
Solingen liegt auf den Künstlern der Klas-
43

echts: Alexej von Jawlensky
Madame Curie, 1905, Öl auf Karton,
50 x 38 cm
rechte Seite: Hermann Max Pechstein
Rote Häuser mit Windmühle, um 1922,
Öl auf Leinwand, 70,5 x 80,5 cm
sischen Moderne. Die Künstler gerieten
von einer unberechenbaren Monarchie
über einen Ersten Weltkrieg, die entbehrungsreiche
Weimarer Zeit in den Naziterror
und in die absolute Katastrophe des
Zweiten Weltkrieges.
Ihre farben- und ideenreichen Bilder sind
in dieser Zeit der Aufbruch der Expressionisten,
die kritische Infragestellung der
Gesellschaft und die Suche nach einer
Neuen Sachlichkeit.
Neben Bildern von Maria Caspar-Filser,
Elfriede Lohse-Wächtler und Otto Möller
begeistern die Künstler aus der ersten
Reihe. Ludwig Meidners „Betrunkene
Straße“ (1915) zeigt die Apokalypse der
Städte, Lyonel Feiningers „Pariser Häuser“
(1920) den Weg zur Abstraktion.
Auch die Künstler der „Brücke“ sind
vertreten: Kirchner, Heckel, Schmidt-
Rottluff, auch die später hinzugekommenen
Max Pechstein, Emil Nolde und Otto
Müller.
Die Kontakte dieser Künstler nach München
zum „Blauen Reiter“ sind vielfältig
und diese bekannte Künstlergruppe um
August Macke, Franz Marc, Wassily
Kandinsky und Alexej von Jawlensky
wiederum lockte Helmut Macke, William
Straube und Heinrich Richter-Berlin an.
Auch diese Bekannten und Unbekannten
sind mit sehenswerten Bildern in Solingen
vertreten.
Eine ganze Reihe von Gemälden von
Alexej von Jawlensky aus verschiedenen
44

Nolde Tappert
Schaffensphasen ist alleine die Anreise
wert:
An der Petersburger Kunstakademie
lernte er ab 1890 kurz beim bedeutendsten
Vertreter des russischen Realismus,
Ilja Repin, dann langfristig bei Marianne
von Werefkin. Sie zog 1896 mit Jawlensky
und ihrem Dienstmädchen, Helene
Nesnakomoff, nach München.
Ein charakteristisches Ölbild dieser Zeit
ist das im Bild signierte und 1900 datierte
ganzfigurige Porträt der fünfzehnjährigen
Helene im spanischen Kostüm. Stilistisch
weist es mit seinen im „Lenbachbraun“
gehaltenen Farbtönen auf seine vorausgegangenen
realistischen Gemälde, um
gleichzeitig den Anfang zu weiterem
„Arbeiten mit breiten Linien“ der kommenden
Jahre zu markieren. 1903 reiste
Jawlensky nach Paris. Er traf dort Henry
Matisse und Marie Curie. Ihr Porträt
aus diesem Jahr bestätigt einen frühen
Einfluss van Goghs. Marie Curie (1867
- 1934) war eine Physikerin polnischer
Herkunft, die in Frankreich wirkte. Sie
untersuchte die 1896 von Henri Becquerel
beobachtete Strahlung von Uranverbindungen
und prägte für diese das Wort
„radioaktiv“. Im Rahmen ihrer Forschungen,
für die ihr 1903 ein Nobelpreis für
Physik und 1911 der Nobelpreis für
Chemie zugesprochen wurde, entdeckte
sie gemeinsam mit ihrem Ehemann Pierre
Curie die chemischen Elemente Polonium
und Radium. Marie Curie ist bisher die
einzige Frau unter den vier Mehrfach-Nobelpreisträgern
und neben Linus Pauling
die einzige Person, die Nobelpreise auf
zwei unterschiedlichen Gebieten erhalten
hat.1906 war sie die erste Frau, die an der
Pariser Universität Sorbonne lehrte.
Im Sommer 1908 kam es zur Zusammenarbeit
zwischen Jawlensky, Werefkin,
Kandinsky und Münter. 1908
hatten Werefkin, Jawlensky, Adolf
Erbslöh und Oscar Wittenstein die Idee,
die Neue Künstlervereinigung
München zu gründen. 1909 wurde
Kandinsky zum ersten Vorsitzenden gewählt.
1910 zur zweiten Ausstellung der
Neuen Münchner Künstlervereinigung
kam Franz Marc. Auch August Macke
besuchte Jawlensky und Werefkin. Dann
45

kam Kandinsky aus Russland
zurück. Schließlich traf Franz
Marc ein, zusammen mit
Helmuth Macke, dem Vetter
von August Macke. Im Herbst
1912 lernte Jawlensky, Emil
Nolde auf der Ausstellung in
München kennen. 1917 zogen
Jawlensky und Werefkin in die
Schweiz, wo er seine Reihe der
Mystischen Köpfe zu malen
begann. Als Inspiration diente
ihm nunmehr das menschliche
Gesicht. In der Regel handelt es
sich um Frauenköpfe.
Alle genannten Künstler sind in
der Ausstellung vertreten.
Rolf Jessewitsch
Drei Kataloge werden im
Museumsshop zur Ausstellung
angeboten.
Kunstmuseum Solingen
Wuppertaler Straße 160
42653 Solingen
www.kunstmuseum-solingen.de
Öffnungszeiten:
Di – So 10 – 17 Uhr
linke Seite: Ivo Hauptmann
Zwei Segelboote, 1912, Öl auf
Leinwand, 91,5 x 64,5 cm
Max Beckmann
Stillleben mit grüner Kerze,
1941, Öl auf Leinwand,
95,5 x 55,5 cm
47

TiC-Theater-Aufführung
sehr frei nach Edgar Wallace
Der Fall der verängstigten Dame
oder: Das Geheimnis des
Wandschranks
Das indische Tuch
„Hier spricht…“ - nein nicht Edgar Wallace,
sondern ein dank des jüngsten Streichs des
Wuppertaler TiC-Theaters vergnügter Rezensent.
Am Freitagabend, zur besten Krimi-Zeit,
hatte nämlich eine dort von Intendant Ralf
führen. Wer aber ist der Unhold, der Nacht für
Nacht mit Heimtücke durch die Gänge des
Schlosses schleicht? Das verraten wir hier natürlich
nicht, auch nicht, wer seine Opfer sind
und wann er zuschlägt. – Oder ist es eine Sie?
„Edgar Wallace hat mehr Frauen nachts
wach gehalten als jeder andere Mann –
und das ganz ohne Sex.“
(Focus).
Infos und Termine: www.tic-theater.de
v. l.: Andreas Wirth, Carsten Müller, Dilara Baskinci, Klaus Hasbach. Foto: Martin Mazur
Budde inszenierte Bühnenfassung des Klassikers
„Das indische Tuch“ (sehr frei nach dem
legendären englischen Krimi-Autor) Premiere.
Premiere auch für einige der Darsteller, denn
das TiC hat seit dem jüngsten Casting neue,
vielversprechende Talente hinzugewonnen.
Darstellerische Schwergewichte und Säulen
der Aufführung sind allerdings drei bewährte
und wie die anderen Charaktere hervorragend
besetzte altgediente TiC-Schauspieler: Torsten
Kress brillant als herrlich fieser Dr. Leicester
Amersham, Andreas Wirth köstlich in der Rolle
des verklemmten Lord Willie Lebanon und
souverän seriös Carsten Müller als Inspektor
Bill Tanner. Handlungsort: das alte Schloß
Marks Priory der Lebanons in ländlicher
englischer Umgebung, von Iljas Enkaschew
genial auf kleinstem Raum mit allen notwendigen
Andeutungen von Treppen, Gängen,
Park zu greifbaren Illusionen gestaltet. Kerstin
Faber hat dazu passend die zeitlos stimmigen
Kostüme gestaltet, Heike Kehrwisch die Maske.
Story: auf Marks Priory, dessen undurchsichtige
Bewohner in feindlicher Atmosphäre
nebeneinander her leben, geht ein Mörder um.
Sein Werkzeug ist ein rotes Seidentuch, mit
dem er einer alten indischen Tötungsmethode
folgend seine Opfer erdrosselt. Die Spuren
führen zurück in die koloniale Vergangenheit
der männlichen Mitglieder der etwas skurrilen
Gesellschaft. Es gibt - na klar - Leichen, Schuss -
waffen, Motive und Wendungen und obendrein
diverse Mordversuche, die nicht alle zum vom
meuchelnden Mörder gewünschten Erfolg
Ralf Budde beherrscht das musikalisch auf den
Punkt untermalte Verwirrspiel, er legt falsche
Fährten und läßt mal diesen, mal jene verdächtig
erscheinen. Klaus Hasbach gibt bei dem
Verwirrspiel den unheimlichen Butler Gilder
in bester Wallace-Tradition, Dennis Gottschalk
den unbekümmerten Chauffeur Studd und
den eifersüchtig schießwütigen Parkwächter
John Tilling sowie Isabel Bartnik des letzteren
laszive Frau Joan, die einige kinowürdige große
Auftritte hat. Ralf Budde spielt elegant mit Klischees,
was dem Stück den ironischen Anstrich
mancher Alfred Vohrer-Inszenierung gibt.
Überhaupt sind die Damen hier die
interessanten Entdeckungen des Ensembles:
Erika Klein-Ejupi gibt als Lady Jane Lebanon
eine würdige Flickenschildt-Kopie ab, Dilara
Baskinci die etwas mysteriöse Sekretärin Isla
Crane (einfach göttlich die Kußszene mit…
- verraten wir auch nicht! – in der sie mit fein
gezirkelter Armbewegung die Brille absetzt)
und eben Isabel Bartnik, die ihren Sex-Appeal
fein dosiert einzusetzen versteht.
Sie sehen schon, der Kritiker schreibt unentwegt
um den heißen Brei herum, denn anders
als weiland Wolfgang Neuss vor 51 Jahren
beim Fernsehkrimi „Das Halstuch“ wollen wir
Ihnen ja nicht durch „Geheimnisverrat“ die
Spannung nehmen. Gehen Sie hin, lassen Sie
sich für gut zwei Stunden köstlich unterhalten
und vertrauen Sie auf die seit über 60 Jahren
gültige Werbung des Wilhelm Goldmann
Verlages: „Es ist unmöglich, von Edgar Wallace
nicht gefesselt zu werden!“ Frank Becker
48

Zum ersten Mal machte ich mir
Gedanken über eine Geldanlage.
Dorothea Renckhoff
Studium Theater- u. Literaturwissenschaft,
Theorie des Films Ruhr-Universität Bochum;
Praktika an Theatern u. als Kulturjournalistin
Erstes Engagement am Schauspielhaus
Bochum bei Peter Zadek (Assistentin Regie/
Dramaturgie), später Dramaturgin Freie
Volksbühne Berlin, Regieassistentin u. Autorin
WDR-Fernsehen, Leitende Dramaturgin
Rheinisches Landestheater, Chefdramaturgin
Städtische Bühnen Münster.
Beendigung der Theaterkarriere, da eine
führende Position am Theater mit den
familiären Anforderungen (verheiratet, zwei
Kinder) nicht mehr vereinbar war.
Seitdem freischaffend in Köln als Autorin
und literarische Übersetzerin.
Seit 2008 Mitglied im PEN-Club.
Dorothea Renckhoff, Foto: Frank Becker
Der Hochglanzprospekt
Das Haus meiner Großeltern hatte
verkauft werden müssen; es sollte einem
öffentlichen Bauprojekt weichen. Die
Erbengemeinschaft bereitete den Erwerb
eines anderen Objekts vor, aber ich war
die Streitereien um Reparaturen und
Instandhaltungskosten leid und ließ mir
meinen Anteil auszahlen.
Das Geld als Finanzierungsgrundlage für
eine größere Wohnung zu nutzen, kam
für mich nicht in Frage; ich hatte keine
Lust, mich auf Jahre hinaus zu verpflichten,
und mit dem Appartement, das
meine Mutter mir geschenkt hatte, war
ich völlig zufrieden.
Eine Anlageberaterin meiner Bank stellte
mir eine Liste von Vorschlägen zusammen,
wie mein Portefeuille, wie sie es
nannte, sicher und dennoch gewinnbringend
strukturiert werden könnte. Sie war
eine schöne üppige Frau, und ihre Ausführungen
wirkten durchdacht. Da mein
kleines Kapital aus einem Hausverkauf
stammte, gefiel mir der Gedanke, dass ein
größerer Teil der Summe für Immobilienfonds
verwendet werden sollte.
Sie informierte mich über Ertragssituation,
Wertschwankung, Ausschüttungen
und vieles andere, und erst dann legte
sie den Hochglanzprospekt des Fonds
vor mir auf den Tisch. Ich war bereits
entschlossen, mich ganz auf ihre Sachkenntnis
zu verlassen, und blätterte das
Heft nur aus Höflichkeit durch, doch die
leuchtenden Farbfotos nahmen meine
Aufmerksamkeit sofort gefangen. Es
handelte sich um Beispiele für die Liegenschaften,
in denen die Gelder des Fonds
in aller Welt angelegt waren.
Die Bilder übten einen merkwürdigen
und stetig wachsenden Sog auf mich aus.
Ich hatte mit einem Schlag das dringende
Bedürfnis, vor diesen Gebäuden zu
stehen, ihre wirkliche Gestalt vor mir
aufragen zu sehen, sie zu betreten, die
schimmernden Mauern, die Glasfassaden
zu berühren und in die Tiefe ihrer
Räume einzudringen, von denen mir der
Prospekt nur das äußere Bild zeigte. Es
war eine Sehnsucht wie ein brennender
Durst, und ohne lange zu überlegen, verringerte
ich meine Anlagesumme, um mir
49

eine Reise zu einigen der Objekte leisten
zu können, von denen mir nun bald, wie
ich es mir vorstellte, ein Steinchen, ein
Klümpchen Beton oder ein Zweig im
Vorgarten gehören sollte.
Wenig später befand ich mich in Paris
und war unterwegs zu einem achtstöckigen
Bürogebäude, dessen Abbildung sich
in der Werbebroschüre in meiner kleinen
Mappe befand. Ich hatte mir klar gemacht,
dass ich nicht alle Schauplätze der
abgedruckten Fotos würde besuchen können,
aber ein rasch erbetener und gewährter
Urlaub von vierzehn Tagen sollte mich
über Paris und London nach Florida, ins
Silicon Valley und nach Tokyo und Seoul
führen. Je nach meinem Befinden und
dem Zustand meiner Finanzen würde ich
eventuell auf dem Rückweg noch eine
Bank in Budapest und ein Hotel in Wien
besichtigen.
Es war noch früh am Nachmittag, aber
die Dezembersonne stand tief hinter
schweren Wolken. Die Straßenlaternen
brannten schon, und Cafés, Auslagen
und Büros, alle Fenster waren hell erleuchtet.
Ich blieb vor einem Delikatessgeschäft
stehen, um meinen Prospekt aus
der Tasche zu holen, und in dem Lichtschein,
der durch die gläserne Tür nach
draußen fiel, betrachtete ich noch einmal
das Foto, dessen Vorbild in der Wirklichkeit
ich suchte: ein hoch aufragender,
langgestreckter Körper, wie in einer vorwärts
drängenden Bewegung erstarrt, ein
schlanker Riesenelefant mit Hunderten
strahlender Fenster am ganzen Leib, ein
kraftstrotzendes Wesen im perlfarbenen
Dunst der Großstadt.
Im Weitergehen hielt ich das Heft in der
Hand; ich war im richtigen Stadtteil,
es konnte nicht mehr weit sein. Und
unvermittelt stieg es vor mir in die Höhe,
mein Bürogebäude, das erste Ziel meiner
Pilgerfahrt. Ich stand ganz still und sah zu
ihm auf, und sehr langsam rieselte durch
meine Augen etwas in mich ein, das als
Erstaunen begann und sehr schnell zu
Schrecken wurde.
Die vielen großen Fenster an seinen
Flanken, an Brust und Bauch waren
dunkel. In allen Gebäuden ringsum war
Licht und Leben, aber in diesem wurde
in keinem Büro gearbeitet. Am frühen
Nachmittag eines Werktages wurde hier
nicht gearbeitet. Ich suchte und fand den
Haupteingang, er war verschlossen. Nicht
ein einziges Firmenschild war neben der
Tür angebracht. Nicht mal ein Notlicht
brannte in dem weitläufigen Vestibül,
dessen dämmernde Leere sich hinter den
Glasscheiben breitete.
Ich fragte in der Nachbarschaft, in Läden
und Restaurants, aber mein Französisch
ist schlecht, und ich erhielt keine
verständliche Antwort. Immer wieder sah
ich zu dem eleganten Koloss auf, der es
wagte, sich an einer exponierten Pariser
Straßenkreuzung in Dunkel zu hüllen.
Erst als ich die Kreuzung überquert
hatte und mich ein Stück entfernte, um
zu überprüfen, ob wirklich alle Fenster
dunkel waren, sah ich hoch oben an der
schmalen Stirnseite ein einziges Licht. Das
kleine helle Quadrat war längs unterteilt
durch einen schwarzen Balken und starrte
auf mich herunter wie das Auge eines
Reptils mit seiner senkrechten Pupille.
Mühsam wandte ich mich ab und ging
fort. In den Kronen der kahlen Bäume
am Straßenrand rieselten die silberblauen
Tropfen der Weihnachtsbeleuchtung mit
derselben Kälte wie das eisige Erschrecken
in mir. Dieser Schrecken war mehr als die
Sorge um mein Kapital. Ich hatte das Gefühl,
auf dem gedruckten Bild in meinem
Prospekt hätten sich schwarze Löcher
aufgetan, um mich durch das Papier in
einen Abgrund zu reißen.
Ich versuchte, meine Fassung wieder zu
gewinnen, und während ich das Reptilienauge
noch im Nacken spürte, griff ich
nach meinem Mobiltelefon und wählte
die Nummer meiner Anlageberaterin. Ich
erreichte sie nicht; sie war im Kundengespräch;
man würde ihr meinen Anruf
ausrichten.
Bedrückt kehrte ich in mein Fünfsternehotel
zurück. Ich dachte an die Rechnung
und ärgerte mich über meinen Leichtsinn.
Dennoch ging es mir schon wieder
etwas besser, und plötzlich fiel mir ein,
dass das dunkle Bürogebäude vielleicht
von nur einer einzigen Firma gemietet
war, den Namenszug konnte ich übersehen
haben, und möglicherweise war die
ganze Belegschaft auf dem jährlichen Betriebsausflug,
oder bei einer vorgezogenen
Weihnachtsfeier. Der Gedanke beruhigte
mich. Überprüfen konnte ich ihn nicht,
denn für den nächsten Tag hatte ich
bereits die Besichtigung eines Objekts in
London eingeplant, eines Geschäftshauses
im Finanzdistrikt, schlank und stolz
wie ein riesiges Schiff aus blaugrünem
Glas, als hätte der König des Meeres sich
aus Wellen eine Handelsniederlassung
gebaut.
Als ich mir durch Hunderte von Banken
meinen Weg zu dieser architektonischen
Schönheit suchte, hatte ich alle Sorgen
vergessen. Ich hielt mein Heft in der
Hand wie einen Kompass, aufgeklappt
bei dem Bild, nach dessen Wirklichkeit
ich suchte. Ich fand es ohne Schwierigkeit.
Da lag mein Flaggschiff vor dem
Wind und zerteilte mit seinem schön geschnittenen
Bug die Straßen des Börsenviertels.
Aber es war ein Schiff, das dem
Abwracker in die Hände geraten war. Es
kam mir vor wie eine groteske Karikatur
auf das schimmernde Schmuckstück, das
ich gesucht hatte.
Es war eine Ruine. Im Herzen von Londons
Finanzimperium spreizte sich ein
riesiges Gebäude aus rostigen Skeletten
mit blinden Fenstern und zerbrochenen
Scheiben. Der Haupteingang stand offen,
die Türen schlugen im Wind. Ich trat ein
und erschrak über ein allgegenwärtiges,
rasselndes Geräusch, bis ich begriff, dass
der Luftzug Unmengen trockener Blätter
hereingeweht hatte und auf den langen
Fluren vor sich hertrieb. Von irgendwoher
quoll ein fauliger Geruch. Überall lagen
Scherben, und als ich durch die gesprungenen
gläsernen Wände hinaus blickte,
bot sich die gesamte Architektur ringsum
meinen Augen als Trümmerlandschaft dar;
die ganze Londoner City schien zermürbt,
zerbröckelt und verfallen.
Ich stürzte nach draußen, und sofort
stand der Finanzdistrikt wieder unversehrt
vor mir. Nur mein herrliches
Haus aus blauem Glas blieb ein elendes
Gespenst seiner selbst. Mit zitternden
Fingern wählte ich die Nummer meiner
Beraterin. Dies Mal meldete sie sich,
50

wollte nicht glauben, was ich erzählte.
Vielleicht hielt sie mich für betrunken.
Doch dann wurde sie sehr ernst und versprach,
der Sache nachzugehen. Sie würde
mich wieder anrufen.
Sehr bedrückt trat ich die Weiterreise
an. Das Unglück blieb mir treu. Alle
Flüge nach Florida waren gestrichen. Ich
beschloss, Florida zu überspringen, und
versuchte stattdessen, so schnell wie möglich
nach Kalifornien zu kommen. Meine
Beraterin rief mich nicht zurück. Ich
versuchte immer wieder, sie zu erreichen,
aber die Leitung war tot.
Alle Hoffnungen setzte ich jetzt auf die
große Appartementanlage im Silicon
Valley, deren Bild mich von Anfang an
fast am meisten von allen bezaubert hatte,
wie ein Traum aus dem Paradies. Eine
Gruppe weißer Bungalows mit Veranden
und Pergolasäulen, blütenumrankt und
unter alten Bäumen geborgen; jedes der
Häuser unterschied sich ein wenig von
den andern, und alle sahen sie aus wie
nach dem Goldenen Schnitt gebaut.
Es war Spätnachmittag, als ich vor meinem
Ziel aus dem Mietwagen stieg. Die
Anlage wirkte auf den ersten Blick sehr
gepflegt. Ich atmete auf: keine Ruinen,
keine Scherben, keine leeren Fensterhöhlen.
Ich ging auf den Haupteingang zu
und betätigte den nostalgischen Klingelzug
an der Mauer. Drinnen erklang ein
lange anhaltendes melodisches Läuten
von vielen kleinen und großen Glocken.
Darauf folgte ein Wispern und Flüstern
von vielen hundert Stimmen, das am
Tor begann und ins Innere davon lief.
Es waren keine Worte zu verstehen, und
erst, als das letzte Zischeln in der Ferne
verklungen war, öffnete sich ein Türchen
in der Wand, und eine alte Frau bat mich
herein. Sie hatte ein zartes Gesicht voller
tief eingegrabener Runzeln und führte
ein kleines Kind an der Hand. Als sie
sich umwandte, um mir voran in ihre
Portiersloge zu gehen, sah ich, dass ihre
grauen Haare ihr über den Rücken bis
zu den Knöcheln der Füße hingen, doch
es waren keine einzelnen Strähnen oder
Locken zu erkennen, alles war zu einer
dicht verwobenen Matte zusammengewachsen,
aus der man Filzpantoffeln hätte
herstellen können, und tatsächlich trug
sie welche an den Füßen.
Sie empfing mich in einem Raum, wo
eine medizinische Schautafel an der
Wand und ein großer ausgestopfter
Alligator unter der Decke hingen. Wir
nahmen in holzgeschnitzten Sesseln
vor einem leeren Kamin Platz, und das
Kind saß auf ihrem Knie und sah mich
mit ruhigem Blick unverwandt an. Ich
erzählte ihr, ich sei seit kurzem an dem
Fonds beteiligt, dem die Anlage gehöre,
und wolle mir gerne ein reales Bild von
den Liegenschaften machen. Zwischen
ihren Runzeln tat sich ein mädchenhaftes
Lächeln auf, es sei schön, sagte sie, dass
einmal jemand von uns vorbeikomme.
Dann stellte sie das Kind auf den Boden,
reichte ihm einen Finger und begann,
mich durch das gesamte Anwesen zu
führen.
Alles schien in bester Verfassung, die
Häuser blumenüberrankt unter blühenden
Bäumen, wie ich es auf dem Foto gesehen
hatte, kleine Brunnen plätscherten
an sauberen Wegen, und die Abendsonne
spiegelte sich in klaren Fensterscheiben.
Aber alles war still, nirgendwo zeigte sich
ein Bewohner, kein Hund bellte, und die
eleganten Rattanmöbel auf Veranden und
Terrassen blieben leer. Nur ein einziges
Mal strömte aus einem der Bungalows
eine singende Männerstimme wie ein
goldener Strahl aus einem Brunnen, und
das Kind zeigte mit dem Händchen und
sagte: ‚Papa‘.
Die Anlage war viel größer, als es auf der
Abbildung den Anschein gehabt hatte,
und die Alte führte mich immer tiefer
hinein. Tatsächlich glich kein Haus dem
andern, aber dennoch hätte ich schon
bald den Rückweg ohne Hilfe nicht
mehr finden können. Das kleine Kind
ging unverdrossen auf bloßen Füßchen
mit, und ich fragte mich, ob unter den
Pflanzen keine Schlangen und Skorpione
lauern konnten, aber die Alte schien ganz
unbesorgt.
Nach und nach begann ich die Folgen der
Reise und der Aufregungen der letzten
Tage zu spüren; meine Schritte wurden
langsamer, und meine Aufmerksamkeit
ließ nach. Die Alte merkte es; sie bat
mich in die nächstgelegene Veranda und
lud mich ein, die Nacht im dazu gehörigen
Bungalow zu verbringen, das sei
Sitte hier, sagte sie, wenn einmal einer der
Anteilseigner käme. Sie bot mir an, mein
Gepäck zu holen und mir etwas zum
Essen zu bringen, und ich war so müde,
dass ich das Angebot gerne annahm. Erschöpft
sank ich auf ein bequemes Sofa;
das Kind blieb bei mir und kratzte mit
dem Fingerchen in den Fugen zwischen
den Bodenplatten herum. An der Wand
sonnte sich eine große grüne Eidechse.
Es war warm und die Luft sehr feucht,
und das, obwohl es doch ganz in der
Nähe eine Wüste gab. Einen Augenblick
lang glaubte ich, ich wäre trotz allem in
Florida gelandet, und der Alligator in der
Portierslounge sei aus den nahen Everglades
hergebracht worden, aber dann
schreckte ich hoch und erkannte meinen
Irrtum.
Die Alte kam mit meinem Köfferchen
und einem Picknickkorb zurück und
zeigte mir mein Haus für die Nacht. In
einem großen Raum standen ein elegantes
hochbeiniges Bett und ein riesiger
alter Schrank einander gegenüber. Die
Eidechse war mit hereingekommen und
sah sich wartend um. Die Alte bewirtete
mich, aber ich entschuldigte mich bald,
und sie verschwand mit dem Kind auf
dem Arm. Draußen war es dunkel geworden,
und ich ließ die Lampe im Zimmer
brennen und stieg in das schöne Bett.
Als ich erwachte, saß die grüne Eidechse
an der Wand gegenüber. Sie schien
gewachsen zu sein. Neben ihr hockte ein
großer Leguan. Sie beobachteten mich,
und als sie merkten, dass ich wach war,
krochen sie hinter den Schrank. Es war
mir unangenehm, die Tiere im Zimmer
zu wissen. Mir schoss der Gedanke durch
den Kopf, ich könnte mich geirrt haben,
und vielleicht war hier im Raum kein
Leguan, sondern ein kleiner Alligator,
wie sie oft von ihren Besitzern ausgesetzt
werden, um in der Freiheit zu wachsen
und zur Gefahr für Mensch und Tier zu
werden. Doch ich war zu schlaftrunken,
um mir ernsthafte Gedanken zu machen.
51

Als ich das nächste Mal erwachte, saßen
die Tiere wieder auf der Wand neben
dem Schrank. Der Leguan schien tatsächlich
ein Leguan zu sein, aber die Eidechse
war ein ganzes Stück gewachsen,
sie war bereits größer als ihr Gefährte
und sah eindeutig wie ein Alligator aus.
Ein fauliger Geruch hing im Zimmer.
Ich wäre gerne geflüchtet, aber ich
wusste nicht genau, wo meine Schuhe
waren und wagte nicht, mit nackten Füßen
auf den Boden zu treten, denn was
mochte unter dem Bett sitzen? In diesem
Augenblick erlosch das Licht. Mit einem
Schlag hatte ich Angst. Ich spürte, wie
die Tiere sich regten, hörte ein Schleifen
auf dem Boden wie von einem schuppigen
Schwanz, und plötzlich kam mir der
Gedanke, die in meinem Hochglanzprospekt
abgebildeten Orte könnten unter
der Oberfläche miteinander verbunden
sein, wie zuweilen weit voneinander
entfernte Brunnen und Bäche durch unterirdische
Wasseradern miteinander in
geheimer Beziehung stehen, und wenn
auch kein Flugzeug mich hatte nach
Florida bringen können, so krochen
hier vielleicht dennoch die Reptilien
aus den Everglades in mein Zimmer
im Silicon Valley. Sie waren durch den
Fonds ja alle untereinander verbunden,
das dunkle Bürogebäude an der Pariser
Straßenkreuzung, die Scherbenruine
in London, das Hotelressort mit der
Krokodilsfarm in den Everglades und die
Appartementanlage hier in Kalifornien –
genauso wie das Kaufhaus in Osaka und
der Büroturm in Seoul. Ich lag reglos im
Dunkeln und lauschte, aber trotz meines
Grauens schlief ich irgendwann noch
einmal ein.
Als ich zum letzten Mal erwachte, war
der Schrank verschwunden. An seiner
Stelle führen ein paar Stufen hinunter
in ein Bassin. Mein Bett ist in die Mitte
des Raumes gerückt und mein Oberkörper
von Kissen gestützt, so dass ich die
dunkle Wasseroberfläche sehen kann.
Sie bewegt sich von Zeit zu Zeit, und
manchmal reckt sich ein Stück von einem
Schuppenpanzer daraus in die Höhe.
Einmal erscheint der Kopf des kleinen
Alligators, er ist wieder größer geworden,
aber er verschwindet gleich wieder.
Der faulige Geruch ist unerträglich
geworden.
Jetzt öffnen sich zwei Türen im Raum,
und eine Masse zerlumpter Elendsgestalten
drängt herein. Sie scharen sich um
mich, aneinandergedrängt, eine lebende
Gefängnismauer. Als Letzte tritt die Alte
mit der Haarmatte ins Zimmer.
Das schwarze Wasser gerät in heftige
Bewegung, der kleine Alligator taucht
auf und verschwindet blitzschnell unter
meinem Bett. Hinter ihm hebt sich eine
riesige Gestalt im Schuppenpanzer aus
dem Bassin. Ein Maul mit Zähnen, so
spitz wie gefeilt. Ein gezackter Schwanz
peitscht das Wasser. Und das Wesen richtet
sich auf und geht auf zwei Beinen.
Die elenden Menschen sinken in die
Knie. Sie beginnen zu murmeln, es klingt
wie eine Litanei. Sie heben die nach oben
gewandten Hände wie eine Opferschale.
Wolken von Gestank wälzen sich über
mir zusammen: Das Schuppenwesen
nähert sich. Der Echsenschwanz gewinnt
eigenes Leben, er windet und wiegt sich
wie eine Schlange, und dann züngelt aus
seinem schmalen Ende etwas Dunkel-
Gespaltenes, das berührt mein Bein, zart
und saugend, wie ein Schmetterlingsrüssel.
Von hoch oben starrt mich das gelbe
Reptilienauge an, wie in Paris, bei meiner
ersten Begegnung mit der Realität hinter
den Fotos.
Ich werde das Kaufhaus in Osaka, das
Bürogebäude in Seoul nicht sehen. Ich
brauche auch die Bank in Budapest und
das Hotel in Wien nicht mehr aufzusuchen.
Ich kenne die Wirklichkeit hinter
den glänzenden Bildern. Sie heißt Elend
und Opfer.
Und dies Mal bin das Opfer ich.
Dorothea Renckhoff
Textilmarkt
Schloss Lüntenbeck
Tageskarte: 3 € | Dauerkarte: 5 € | Kinder bis 12 Jahre frei
9. – 12. Mai 2013, 11–18 Uhr
Modenschau täglich 12 Uhr
Tageskarte: 3 €, Dauerkarte: Schloss 5 Lüntenbeck €, Kinder bis | 42327 12 Jahre Wuppertal frei | www.schloss-luentenbeck.de
Schloss Lüntenbeck, 42327 Wuppertal, www.schloss-luentenbeck.de
52

Genau genommen sind es inzwischen 1200
Gute Karten. So viele Ehrenamtskarten
hat die Bürgerinitiative „(M)eine Stunde
für Wuppertal“ inzwischen herausgegeben.
„Wären wir eine Partei“, so Eva Möllers,
Mitglied des Gute Karte Teams, „dann
stünden wir bereits jetzt an zweiter Position.
Und wir werden wahrscheinlich bald an
der ersten Stelle stehen. Zumindest können
wir heute schon davon ausgehen, dass wir
Wuppertaler die Gemeinde mit den meisten
Ehrenamtskarten in ganz Deutschland sind!“
Nur eineinhalb Jahre nach dem Start der
Guten Karte ist das eine stolze Bilanz.
Foto: Till Brühne
Foto: Bundespräsidialamt
Wuppertal hat Gute Karten
Unbürokratisch und ehrenamtlich.
Woher kommt dieser Erfolg? Gudrun
Herrmann, Projektleiterin bei „(M)
eine Stunde für Wuppertal“, hat eine
einleuchtende Erklärung: „Wir in Wuppertal
machen die Dinge einfach etwas
anders, niederschwellig, unbürokratisch,
kostengünstig und natürlich ehrenamtlich“.
Getreu dem Motto der Initiative
ist jede Stunde wertvoll, die in der Stadt
ehrenamtlich geleistet wird. Wer sich für
andere einsetzt – und sei es für wenige
Stunden – erhält seine Gute Karte. Dafür
steht ein übersichtlicher Antrag auf www.
meinestundefuerwuppertal.de bereit.
Gute Karte drückt Anerkennung aus.
Und wofür ist die Gute Karte gut? Lohn
für die Mühen? Geld, Vergünstigungen?
Zahlreiche Gespräche mit Ehrenamtlern
haben gezeigt, dass es vor allem darauf
ankommt, Menschen, die aus eigenem
Antrieb für sich und andere Gutes tun,
eines zukommen zu lassen: Anerkennung.
Das ist daher auch der (einzige)
Zweck der Guten Karte. Inhaber der
Guten Karte werden in unregelmäßigen
Abständen zu Veranstaltungen eingeladen,
die Anerkennung in Form außergewöhnlicher
Erlebnisse zum Ausdruck
bringen.
Einladungen zu Events für
Gute Karte-Inhaber.
Organisationen und Unternehmen unterstützen
„(M)eine Stunde für Wuppertal“
und bieten exklusive Veranstaltungen an.
Sei es der Zoo, der nach Schalterschluss
zu einer exklusiven Führung einlädt;
eine Buchhandlung, die für Ehrenamtliche
eine exklusive Lesung organisiert;
der Intendant des Opernhauses, der zu
einer Führung hinter die Kulissen und
zu einer Probe persönlich einlädt; oder
ein Brauhaus, das zeigt, wie Hopfen und
Malz zusammenhängen. Opernintendant
Johannes Weigand bringt es auf den
einfachen Nenner: „Es ist mir einfach eine
große Freude, auf diesem Wege einmal
den Menschen Danke sagen zu können,
die im Hintergrund wirken und unendlich
wichtige Arbeit am Nächsten leisten.“
53

Initiative trägt viele Früchte.
Als „(M)eine Stunde für Wuppertal“ 2006
von Bürgern für Bürger gegründet wurde,
ging es vor allem darum, einfallsreich und
humorvoll auf das Ehrenamt aufmerksam
zu machen. Bald kam die Unterstützung
durch die Stadt hinzu, die eine Servicestelle
Ehrenamt einrichtete. Inzwischen wird
jährlich ein wertvoller, vom Wuppertaler
Künstler Frank Breidenbruch entworfener
und privat gestifteter Preis für besonderes
Engagement im Ehrenamt vergeben. Und
im Sommer 2011 folgte die Gute Karte. In
Kürze werden Bürger der Stadt gemeinsam
mit der Verwaltung eine Freiwilligenagentur
eröffnen, das „Zentrum für Gute Taten“.
Es gibt allen Grund, Wuppertal als Stadt
mit herausragenden Aktivitäten für das
ehrenamtliche Engagement zu bezeichnen.
Mit anderen Worten: Wuppertal hat Gute
Karten!
Mitmachen erwünscht!
„(M)eine Stunde für Wuppertal“ ist von
einer einfachen Initiative zu einer festen Organisation
in Wuppertal gewachsen und wird
von einer unabhängigen und gemeinnützi-
Vom Wuppertaler Künstler Frank
Breidenbruch entworfener Preis.
Foto: Till Brüne
gen „(M)eine Stunde für Wuppertal GmbH“
getragen, die in der Elberfelder Schokoladenfabrik
ihren Sitz hat. Dorthin können sich
alle Bürger oder Organisationen wenden, die
im Rahmen ihrer ehrenamtlichen Tätigkeit
das Logo von „(M)eine Stunde für Wuppertal“
übernehmen oder Anerkennungsevents
für Ehrenamtliche unterstützen möchten.
Und natürlich alle, die für ihr ehrenamtliches
Engagement in Wuppertal eine Gute Karte
erhalten wollen.
„(M)eine Stunde für Wuppertal“
Schokoladenfabrik,
Obergrünewalderstr. 8a, 42103 Wuppertal
Telefon 0202-42990884
E-Mail:
info@MeineStundefuerWuppertal.de
www.MeineStundefuerWupppertal.de
Persönlicher Service für Fragen rund um
die Gute Karte an jedem ersten Montag im
Monat, 16-19 Uhr in der Schokoladenfabrik.
Sparkassen-Finanzgruppe
„Wunderbar, dass unsere Sparkasse
einer der größten Kulturförderer
Wuppertals ist.“
Die Stadtsparkasse Wuppertal unterstützt Soziales, Kultur und Sport in Wuppertal mit rund 5 Mio. € pro Jahr. Wir sind uns als Marktführer unserer
Verantwortung für die Menschen und Unternehmen in unserer Stadt bewusst und stellen uns dieser Herausforderung. Mit unserem Engagement unterstreichen
wir, dass es mehr ist als eine Werbeaussage, wenn wir sagen: Wenn’s um Geld geht – Sparkasse
54

Wolf Christian von Wedel Parlow
ist 1937 in Prenzlau geboren, wuchs in
der Uckermark, Böhmen und Baden auf,
studierte in Heidelberg und Kiel Volkswirtschaftslehre,
Geschichte und Soziologie,
arbeitete als Wirtschaftswissenschaftler
am Osteuropa-Institut in Berlin,
an der Ökonomischen Hochschule in Prag
und der Universität Wuppertal und
lebt gegenwärtig in Wuppertal.
Im NordPark Verlag Wuppertal erschienene
Veröffentlichungen:
Deutschlandhymnus. Gedicht
Drahomira. Roman
Wolf Christian von Wedel Parlow,
Foto: Frank Becker
Ein Pferd ist ein Pferd
Froh, ihrem ständigen Spott, er habe
bisher noch nie auch nur einen Euro
zum gemeinsamen Haushalt beigetragen,
endlich etwas Handfestes entgegensetzen
zu können, reiste Friedrich
nach Nürnberg, wo er im schriftlichen
Nachlass Franz Marcs beim Germanischen
Nationalmuseum Schriftstücke zu
finden hoffte, die von der Franz-Marc-
Forschung bisher vernachlässigt worden
waren. Er war ehrgeizig, und sein
Ehrgeiz war es, das festgefügte Bild, das
die Wissenschaft von dem Künstler gezeichnet
hatte, durch seinen Beitrag zu
dem Ausstellungskatalog zu erschüttern.
In ein anerkennendes Staunen wollte er
die Kollegen versetzen, die das Forschungsfeld
besetzt hielten. Um endlich
aufgenommen zu werden in ihren Kreis.
Denn bisher war er ein Nichts in der
Hierarchie der Franz-Marc-Forscher,
zählte gerade einmal zum Fußvolk.
Der Archivbestand war seit seinem
letzten Besuch in Nürnberg durch
Neuzugänge erheblich gewachsen.
Zweimal nahm er sich die Akten
Stück für Stück vor − und musste sich
eingestehen, dass die Kollegen, die sich
vor ihm dieser Fron unterzogen hatten,
sorgfältig gearbeitet hatten. Es fand sich
nicht ein Hinweis, der den Stand der
Forschung korrigiert oder auch nur um
eine Schattierung ergänzt hätte. Er war
enttäuscht. Er würde sich nun auf das
Übliche beschränken müssen, Leben
und Werk des Künstlers darstellen,
vielleicht unter Einbeziehung neuerer
Veröffentlichungen. Mehr als ein konventioneller
Katalogbeitrag würde dabei
nicht herauskommen.
Ganz am Rande der Recherche war er
auf ein Schriftstück gestoßen, das ihn
inzwischen mehr beschäftigte als der
Katalogbeitrag. Es handelte sich um ein
Handschreiben an Franz Marc. Absender
war ein gewisser Andreas, Arnulf
oder Alexander – die Unterschrift ließ
sich bei bestem Willen nicht genauer
bestimmen. Der Verfasser – ob er
nun Andreas hieß oder einen anderen
Vornamen trug – schildert darin einen
Besuch bei Gabriele Münter und Wassily
Kandinsky, bei dem er Zeuge einer
heftigen Auseinandersetzung zwischen
den beiden wurde. Wer auch immer
dieser Andreas war, vermutlich niemand
55

Wassily Kandinsky, Improvisation 13,
1910, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe
© VG Bild-Kunst, Bonn, 2012
vom Fach, weder Künstler noch Kunsthändler
oder Kunstwissenschaftler, aber
vielleicht ein wohlhabender Freund und
Förderer sowohl Franz Marcs als auch
der Gastgeber, wer auch immer er war,
er war offensichtlich tief beeindruckt
von dem Streit, so tief, dass er meinte,
er müsse ihn Wort für Wort festhalten
in seinem Brief an den Freund.
Friedrich fand den Brief bemerkenswert
und begab sich sofort an die Transkription
des nur schwer lesbaren Schriftstücks.
Er tat sich immer noch schwer
mit dem Entziffern altdeutscher Handschriften,
aber wenn sie wie in diesem
Fall auch noch mit nachlässiger Hand
geschrieben waren, war es wirkliche
Schwerarbeit. Doch die Mühe lohnte
sich, wie er am Ende feststellte.
Lieber Franz, – so begann der unbekannte
Briefschreiber – unsere Freunde
haben mich sehr herzlich aufgenommen.
Am Abend floss für mich ungewohnt
viel Wein. Wassil las einen
Brief seiner Mutter vor. Seit dem blutig
niedergeschlagenen Aufstand von 1905
herrschen in Russland unglaubliche
Zustände. Hausdurchsuchungen, Denunziationen,
willkürliche Verhaftungen,
Verbannungen. Die herrschende
Klasse hat Angst, dass sich so etwas wie
der Aufstand von 1905 wiederholt. Sie
versucht deswegen, jegliche politische
Debatte zu unterdrücken. Wassil überlegt
sich allen Ernstes, ob sein Platz jetzt
nicht in Russland sein sollte. Gabriele
und ich versuchten, es ihm auszureden.
Der Wein trug sicher viel zu der aufgewühlten
Stimmung bei.
Am Morgen waren wir alle wie gerädert.
Wassil war sehr still. Er stellte eine
schon grundierte, große Leinwand auf
und begann mit heftigem Pinselstrich
irgendwelche für mich nicht identifizierbaren
Gebilde zu entwerfen. Ich
saß an der Wand und sah ihm zu. Wir
wechselten kein Wort. Irgendwann rief
er nach Gabriele und bat sie, uns Kaffee
zu machen.
Bald darauf stieß Gabriele mit dem
Ellenbogen die Tür auf und blieb mit
dem Tablett im Türrahmen stehen.
„Der Kaffee, Wassil, wie der Meister
befohlen.“
Wassily, knurrend: „Stell ihn hin!“
„Schade um die Leinwand. Den ganzen
Morgen bist du schon so aggressiv. Was
ist los mit dir?“
„Was ist los mit dir“, machte er sie nach.
„Hast du nicht gehört, was meine Mutter
geschrieben hat? Gestern Abend habe
ich dir den Brief vorgelesen. Mal du nur
56

weiter deine Stillleben, deine friedlichen
Dörfer. Dich berührt das alles nicht.
Russland, das ist so weit weg.“
„Und du meinst, du hilfst deinem Volk,
indem du Blut über die Leinwand fließen
lässt.“ Sie wandte sich zum Gehen.
„Bleib hier, Riele. Lass dir das erklären.
Auch du kannst nur darstellen, was in
deinem Kopf ist. Was steckt dort wohl
drin in diesem Moment? Doch sicher
wieder einmal ein Blumenstrauß. Hast
du nicht gerade wieder einen gepflückt?
Welcher Friede, welche Harmonie muss
in so einem Blumenstrauß stecken!“
Gabriele verschränkte die Arme, ganz
Ablehnung.
„Aber in meinem Kopf“, fuhr er fort,
„gibt es nichts Harmonisches mehr seit
dem Brief meiner Mutter. Kein Teich
mit Seerosen, keine Kathedrale von
Rouen. Sicher, das waren revolutionäre
Darstellungen, aber wie fern von der
gesellschaftlichen Situation. In meinem
Kopf ist nur Zerrissenheit, nur die kann
ich darstellen.“
„Dann mach eben mal eine Pause, du
Berserker. Komm, wir machen einen
Spaziergang.“ Sie legte ihm die Hand auf
die Schulter.
„Hebe dich hinweg, Verführerin!“ Er
drückte einen Klecks tiefrote Farbe auf
die Palette und mischte mit dem Pinsel
eine Spur giftiges Grün hinein.
„Schon die Farben, die du nimmst, da ist
nichts Wirkliches, nichts Erkennbares.
Ästhetik, die Kunst der Wahrnehmung.
Was soll, was kann der Betrachter auf
dieser Leinwand erkennen? Du machst
dir deinen Ruf kaputt, wenn du so weiter
machst.“
„Vielleicht denkst du da an deinen eigenen
Ruf, Riele. Dass du mit diesem Kerl
zusammen bist. Die Kunst der Wahrnehmung,
meine Güte.“ Er fasste sich an
die Stirn. „Du machst es dir zu einfach,
Riele. Es kann doch nichts Beliebiges
sein, was wahrgenommen werden soll.
Es geht um die Wahrheit in den Dingen,
in ihrer Darstellung, im Prozess ihrer
künstlerischen Wiedergabe. Es wäre eine
Lüge, wenn ich mich jetzt mit der Staffelei
vor die Kirche stellte und – wie der
unglückliche Sisley in Rouen – anfinge,
meine Impression von der Kirche auf die
Leinwand zu projizieren. Wahr ist nur das
Chaos in meinem Kopf. Nur das kann ich
in diesem Moment darstellen.“
„In diesem Moment. Niemand zwingt
dich, in diesem Moment zu malen.
Warum wartest du nicht einfach ab, bis
du die Dinge wieder siehst, wie sie sind.
Ein Baum ist ein Baum. Ein Pferd ist ein
Pferd. Ein Reiter ist ein Reiter. Und die
Zustände in Russland sind, wie sie sind.“
Sie drehte ihm den Rücken zu und sah
zum Fenster hinaus.
„Nun fehlt nur noch, dass du sagst, ich
sei krank. Krank, weil unfähig, in einem
Pferd ein Pferd zu sehen. Ich will es
dir einmal genau sagen: Ein Pferd als
Pferd darzustellen ist so überflüssig wie
ein Kropf. Man sieht das Tier doch alle
Tage. Das Pferd müsste schon irgendetwas
auslösen, ein Gefühl, . . . weil es
auf irgendetwas losgeht, weil es angreift.
Aber Pferde sind Fluchttiere. Sie passen
irgendwie zu deiner Harmoniesucht, die
ja auch nur eine Art Flucht ist, Flucht
vor der Wirklichkeit. . . . Jetzt bleib doch
hier, Riele, du musst nicht gleich beleidigt
sein, wenn ich mal ein kritisches Wort
verliere.“ Die Palette mit dem Pinsel
in der Linken, ging er zu ihr hin und
streichelte sie am Ohr. „Du hast mich da
auf etwas gebracht.“ Er sah auf die Straße
hinaus. „Ein Reiter könnte das Pferd
lenken, zum Angriff . . . oder wenigstens
zum Protest. Aber jetzt muss erst einmal
diese Arbeit fertig werden. Schau mal,
dieser schräge Strich könnte der Pferderücken
sein, ein Pferd, das sich aufbäumt
. . .“
„Kein Pferd hat einen so geraden Rücken!“
Sie sah immer noch zum Fenster
hinaus, mit verschränkten Armen.
„Es geht doch nur um eine Andeutung.
Wenn ich noch den Reiter hinzufüge,
wird dem Betrachter schon klar werden,
dass es sich hier verdammt nicht nur
um eine aus der Verzweiflung geborene
Komposition handelt. Natürlich ist alles
ein wenig improvisiert. Mensch, vielleicht
wäre Improvisation wieder einmal ein
passender Titel, die Nr. 13 meiner Improvisationen
. . . Schau nicht so verdüstert,
Riele, ist doch ein guter Tag heute.“
Ich glaube, ich brauche Dir nicht zu
erklären, warum ich den Wortwechsel
zwischen den beiden so ausführlich wiedergebe.
Es könnte manche Anregung für
Dich darin enthalten sein. Indiskret bin
ich nicht, meine ich. Ich hatte sie gefragt,
ob ich Dir von dem Streit berichten
dürfte.
Du erfreust Dich hoffentlich bester
Gesundheit und ungetrübter Schaffensfreude.
In alter Freundschaft Dein getreuer ...
Kein Wunder, dachte Friedrich, dass der
Brief keine Beachtung bei den Franz-
Marc-Spezialisten gefunden hatte. Er
betraf Franz Marc ja nur indirekt, hatte
ihn vielleicht beeinflusst, aber beweisen
ließ sich das nicht. Außerdem, was fing
man als gestandener Franz-Marc-Forscher
mit dem Brief eines Unbekannten an?
Das machte sich einfach nicht gut in
einem Fachbeitrag. Es hörte sich an, als
habe der Verfasser da etwas konstruiert,
den Brief vielleicht sogar erfunden. Die
genaue Quellenangabe diente, wer weiß,
vielleicht nur der Tarnung.
Für die Kandinsky-Forschung wäre das
Schriftstück natürlich ein Fest, aber die
schaute begreiflicherweise nicht in das
Franz-Marc-Archiv, sie hatte genug damit
zu tun, die schriftlichen Hinterlassenschaften
ihres eigenen Hausgottes zu sichten.
Und Friedrich hielt es für abträglich,
sich als Fachfremder auf das Gebiet der
Kandinsky-Forschung zu wagen. Man
hätte seinen Beitrag wahrscheinlich belächelt.
Er musste auf seinen Ruf achten.
Allzu leicht bekam man das Etikett eines
Dilettanten angehängt.
Aber totschweigen wollte Friedrich den
Brief des Unbekannten auch nicht.
Denkbar schien eine Veröffentlichung im
Feuilleton einer größeren Zeitung, vielleicht
einer Wochenzeitung. Er bekäme
damit ein weiteres Argument gegen den
Spott seiner Lebensgefährtin in die Hand.
Allerdings müsste er noch einen Vorspann
verfassen, am besten, indem er schildert,
wie er auf den Brief gestoßen ist. Ja, so
wollte er es machen.
Wolf Christian von Wedel Parlow
57

Kairos
Vom Umgang mit dem günstigen Augenblick
Klaudia Anosike, Kirsten Rönfeldt,
Anna Stöcker
Klaudia Anosike
Schlaraffenland 1, 4-teilig, 270 x 200 cm,
Acryl und Collage auf Leinwand
Kunst in der Sparkasse
Die Arbeiten von Klaudia Anosike, Kirsten
Rönfeldt und Anna Stöcker verbindet inhaltlich
kaum etwas miteinander. Im Gegenteil,
die Ideen, Intentionen und Konzepte der
Künstlerinnen scheinen vielmehr konträr
zu sein. Auch im biografischen Werdegang
finden sich keine Gemeinsamkeiten: Klaudia
Anosike hat Grafikdesign mit dem Schwerpunkt
Freie Grafik und Illustration an der
Folkwangschule in Essen studiert, Kirsten
Rönfeldt absolvierte den Studiengang Industrial
Design an der Bergischen Universität
und Gesamthochschule in Wuppertal
und Anna Stöcker verließ die Düsseldorfer
Kunstakademie als Meisterschülerin von
Frau Prof. Irmin Kamp nach ihrem Studium
der Freien Kunst und der Bildhauerei.
In der Verschiedenheit und Eigenständigkeit
der drei Künstlerinnen liegt die Stärke ihrer
gemeinsamen Ausstellung, die sie „Kairos“
genannt haben.
Kairos galt in der griechischen Mythologie
als Gott des günstigen Augenblicks. In der
Philosophie bezeichnet der Begriff den günstigen
Zeitpunkt für eine richtige Entscheidung,
den man nicht verstreichen lassen,
sondern beim Schopf packen sollte. Für
die Künstlerinnen, deren Arbeiten hier im
Mittelpunkt stehen, ist Kairos der Moment,
der für das Kunstschaffen essentiell und wesentlich
ist, weil ohne die entscheidende Idee
und Initialzündung keine Kunst entstehen
kann. Jede Künstlerin und jeder Künstler erlebt
diesen Augenblick individuell, niemand
kann ihn forcieren oder beschleunigen. Die
Angst vor der weißen Leinwand kennen
Maler ebenso wie Autoren die gefürchtete
Schreibblockade. In diesen leeren Situationen
wartet Jede und Jeder sehnsüchtig
auf Kairos. Der richtige und entscheidende
Moment kann sich unverhofft, plötzlich und
überraschend, abseits des Ateliers, einstellen.
Inspiration und Intuition, Idee und Gedanke
werden dann zum Initiator für neue
Werke. Kairos verbindet die Künstlerinnen
miteinander und steht für den Beginn und
Ursprung ihrer Werke, die sich unterschiedlich
entwickeln und individuell, autonom
und unabhängig nebeneinander stehen. Der
Reiz der gemeinsamen Präsentation liegt im
Gegensatz und in der Unterschiedlichkeit
der Bildaussagen und Darstellungsweisen.
Der Dialog der Exponate verdeutlicht
Differenzen und zeigt zugleich die Besonderheiten
und einzigartigen Merkmale und
Eigenschaften dreier spannender, außerordentlich
bemerkenswerter Positionen der
Gegenwartskunst.
58

Klaudia Anosike
Schlaraffenlandschaften
Klaudia Anosike liebt die Natur,
zeichnet und fotografiert im eigenen
Garten und nimmt dabei gerne
die Position eines Käfers ein, der
mittendrin im saftigen Grün einer
Wiese die Vielfalt und Übermacht der
Natur empfindet. Aber auch laufend
erkundet die passionierte Joggerin das
Bergische Land und erlebt, erspürt
und genießt die Wälder und ihren
Wandel im Verlauf der Jahreszeiten.
Das Hauptmotiv in den Bildern von
Klaudia Anosike gehört zum traditionellsten
Thema in der Geschichte
der Kunst: Die Landschaft steht im
Mittelpunkt der mehrteiligen Werke,
deren eindrucksvolle Bildwelten verschiedene
Medien kongenial miteinander
verbinden. Malerei, Fotografie,
Zeichnung und Collage dienen der
Künstlerin als technische Mittel, um
ihre scheinbar realistischen, beeindruckenden
und farbintensiven Phantasielandschaften
zu erfinden. Gräser
und Farne werden fotografiert und
am Computer vergrößert. Im Garten
entstandene Zeichnungen scannt
die Künstlerin ein, bearbeitet sie am
Rechner, verändert ihre Proportionen
und Farben und druckt das Ergebnis
aus. Die bearbeiteten Naturstudien
dienen als Collagematerial und
werden Teil der gemalten Leinwandbilder.
Klaudia Anosike konstruiert
in einem langwierigen Arbeitsprozess
zeitgenössische Ideallandschaften, die
sie „Schlaraffenland“ nennt. Malend
schafft sie eine grün und blau geprägte
Bühne für Gräser, Farne, Blüten und
Klaudia Anosike
Cutout 3, 107 x 78 cm, (geschnitten aus
aquarelliertem Büttenpapier)
Flechten, die den Bildraum definieren.
Die verschiedenen Bildelemente
werden Teil fiktiver Traumwelten, deren
Perspektive bewusst keiner Logik
folgt. Bestimmendes Gestaltungsprinzip
ist die Phantasie. Die künstlichen
Produkte wirken wie täuschend echte
Abbilder, deren Dimensionen den
Betrachter in das Bild hineinziehen.
Während des Entstehungsprozesses
wachsen die Bilder und werden
großformatig und mehrteilig fortgeführt.
So wird der Mensch, obwohl
er auf den erfundenen Orten niemals
sichtbar ist, integraler Bestandteil der
Landschaft. Die Natur dient auch als
Ideengeber für die Reihe „Cutouts“.
Die Künstlerin zeichnet mit dem
Bleistift florale Formen und ornamentale
Strukturen auf Büttenpapier,
färbt die Flächen grün und schneidet
diese anschließend mit dem Skalpell
aus. Diese filigrane Arbeit erfordert
Geduld, Akkuratesse, Konzentration,
Fingerspitzengefühl und kontemplative
Ruhe. Die Format füllenden
Pflanzengebilde wachsen scheinbar
grenzenlos in- und übereinander. Das
Auge des Betrachters taucht ein, verliert
sich im akribischen Gestrüpp des
paradiesischen Grüns und muss doch
sehr präzise schauen, um sich zu orientieren.
Dabei stößt der Betrachter
an die Grenzen des Sehens. Die Tiefe
59

des Bildraums lässt sich nicht umfassend
bis auf den Grund erobern.
Mensch und Natur nähern sich bei
Klaudia Anosike auf wunderbar
beglückende Weise: Sensibel und
feinfühlig präsentiert wird die Welt
nachdrücklich spürbar.
Kirsten Rönfeldt
Augenschmaus
Darstellungen zu Geschichten und beflügeln
inspirierend unsere Vorstellungskräfte. Als
zentrales Motiv des Surrealismus steht das
Auge als Metapher für die labile Zugeordnetheit
der Dinge und verweist darauf, dass
die Realität allein mit dem bloßen Auge
nicht zu erkennen sei. Die übergeordnete
Wirklichkeit galt als vieldeutig und nicht
entschlüsselbar. Das Auge gilt als Instrument
der sinnlichen aber auch der intellektuellen
Wahrnehmung. Es sieht, schaut, guckt,
gafft, zwinkert, blinzelt, beobachtet und
dient als wesentliches Mittel zur Erkenntnis.
Die Individualität des menschlichen Auges
und der damit verbundene Ausdruck höchster
Emotionalität fehlen den toten Tieren
in den Fotografien von Kirsten Rönfeldt.
Dennoch sind die animalischen Objekte
von merkwürdig anziehender, melancholischer
Schönheit und spiegeln das Licht
schillernd und bizarr wider. Die Künstlerin
schafft kraftvolle, märchenhafte Werke, die
uns zugleich abstoßen und anziehen. Kirsten
Rönfeldt stört unsere Sehgewohnheiten,
provoziert und bricht Konventionen. Ihre
poetischen Fotos handeln vom alltäglichen
Das Hauptmotiv in den Fotografien von
Kirsten Rönfeldt ist das Auge. Die Künstlerin
erhält Tierköpfe vom Schlachthof, greift
selbst zum Skalpell und pult die Augen der
Schweine, Schafe und Hühner eigenhändig
heraus. Sie ist fasziniert von der Ästhetik
der tierischen Sinnesorgane, die bei der
Erzeugung von Wurst- und Fleischwaren als
Abfallprodukte gelten. Schnelles Arbeiten
ist erforderlich, wenn die Künstlerin die
Lieferung des Schlachthofs erhält, denn
nach kurzer Zeit trübt sich die Iris des toten
Organs ein. Kirsten Rönfeldt verwendet
die Augäpfel für ihre Fotografien und
nahezu Ekel erregend glotzen die Tieraugen
zwischen Cornflakes, aus der Bratpfanne
oder auf dem Brotbelag hervor. Die surrealen,
disparaten Arrangements befremden,
erstaunen und irritieren den Betrachter.
Die Kombination der profanen Gegenstände
mit einer Menge seltsam homogen
starrender Augen wirkt grotesk, absurd und
abwegig. Bereiche des alltäglichen, bürgerlich
anmutenden, spießigen Wohnumfelds
werden zur hintergründig rätselhaften Kulisse.
Die Metaphorik der inszenierten drastischen
Milieustudien erschließt sich nicht.
Dennoch animieren die äußerst narrativen
60

Leben, von der Vergänglichkeit und vom
Tod. Die ambivalenten Stimmungsbilder
bewegen sich zwischen Realität und Fiktion
und führen uns an reizvolle Abgründe von
Grauen und Schönheit.
Kirsten Rönfeldt, linke Seite:
Aus der Serie „Blauäugig“, 150 x 100 cm,
Fotoprint auf Alu-Dibond
unten:
Aus der Serie „Blauäugig“, 100 x 70cm,
Fotoprints
Anna Stöcker
Körperräume
Für ihre inszenierten Fotografiecollagen
steht Anna Stöcker selbst Modell. Das
Medium für ihre überaus tiefsinnige
Darstellung seelischer Befindlichkeiten ist
ihr eigener Körper. Reduziert, egalisiert
und anonymisiert negiert das eigene Ich
allerdings jede Individualität und wird zur
bloßen äußeren Hülle mit aussagekräftigem
Innenleben. Die menschliche Figur
steht dem Betrachter frontal gegenüber
und füllt den vertikalen Bildraum aus.
Das Abbild des Körpers wird nüchtern
und analytisch präsentiert, fast als solle
es der medizinischen Analyse dienen und
die Anatomie des Körpers thematisieren.
Die verletzlich erscheinende grazile Körperhülle
dient der Künstlerin jedoch zur
Vermittlung feinsinniger und bedeutsamer
Inhalte, die sich mit dem Seelenleben
des Menschen auseinandersetzen. Mittels
banaler Kinderschuhkartons, die hinter
die Fotografie montiert werden, schafft
die Künstlerin formale Bildräume, die
räumlich real und metaphorisch in die
Tiefe gehen. Kompositorisch stehen die
Innenräume im Fokus des Bildes und
zentral in der Mitte des Körpers. Sie sind
gefüllt mit alltäglichen Materialien, die
allegorisch für bestimmte emotionale
Zustände des Menschen stehen. Mullbinden
dienen als Sinnbild der Verletzlichkeit,
Steine symbolisieren die schwere
Last, die auf einem Menschen liegen
Anna Stöcker
Rote Quadrate, 2 x 200 x 200 cm
Filzstift auf Papier
61

Anna Stöcker
ganz oben:
Rote Quadrate, 2 x 200 x 200 cm
Filzstift auf Papier
Rote Quadrate
„Jeder Mensch ist ein Künstler. (…) Damit
sage ich nichts über die Qualität. Ich sage nur
etwas über die prinzipielle Möglichkeit, die
in jedem Menschen vorliegt.“
(Joseph Beuys)
Anna Stöcker hat Personen in der Öffentlichkeit
angesprochen und sie darum geoben:
Körperräume, Installation, 9-teilig,
je 50 x 30 cm
kann. Fast voyeuristisch blickt der
Betrachter in das Innere des gläsernen
Menschen und auf den Grund seiner
Seele. Anna Stöcker schafft beeindruckende
psychologische Portraits vom
Menschen, die individuell und zugleich
allgemeingültig sind: Sie treffen
und betreffen jeden von uns.
Stadt im Transit
Schaulustige Einblicke in die Privatsphäre
fremder Haushalte gewährt die Künstlerin
mit ihrer Arbeit „Stadt im Transit“.
Zahlreiche Milchtüten werden in einem
Holzcontainer neben- und übereinander
zu einer fiktiven Stadtansicht arrangiert.
Die Häuserzeilen erscheinen vollkommen
gleichförmig, denn das Format des
Tetra-Packs ist vorgegeben und wird
seriell aneinandergereiht. Uneinheitlich
dagegen fällt der Blick durch das simulierte
Fenster aus, das reale Wohnräume
zeigt. Anna Stöcker hat Wohnungen von
Freunden und Bekannten fotografiert
und die entstandenen Aufnahmen für
ihre Installation verwendet. Sie lässt den
Betrachter teilhaben am Blick hinter die
Fassade. Persönlicher Hausrat, Einrichtungsstil,
antikes Mobiliar oder Ikeasofa,
Chaos oder Ordnung – es gibt Hinweise
auf die Personen, die dort wohnen und
ihre Privatsphäre namenlos offenbaren.
Das Bewahren der Anonymität schützt die
Intimität der namenlosen Protagonisten.
Im Zeitalter sozialer Netzwerke, wo private
Momente demonstrativ gepostet werden,
ist das nicht selbstverständlich. Was aber
offenbaren die belanglosen Uploads im
World Wide Web über den Menschen?
Anna Stöckers Einblicke in alltägliche Küchen
und Wohnzimmer sind lebendiger
und spannender, weil hier die Sicht auf das
Selbst thematisiert wird. Die vermeintlich
subjektiven Bilder von fremden Wohnstätten
führen zu umfassenden tiefgehenden
Gedanken und Aussagen über den Menschen
und sein Zuhause.
62

eten, an einer Kunstaktion teilzunehmen.
Jeder, der zufällig gefundenen Akteure, sollte
ein Viereck von 10 x 10 cm Fläche mit
roten Stiften bemalen, die anschließend zu
einem großen Quadrat arrangiert wurden.
400 Menschen gestalteten auf diesem Wege
ein 2 x 2 Meter großes rotes Bild. Anna
Stöcker fotografierte die unprofessionellen
Zeichnerinnen und Zeichner, während sie
konzentriert und still, oder auch gestisch,
schnell und spontan agierend, ihre Aufgabe
umsetzten. Diese 400 fotografischen Dokumentationen
wurden, ebenfalls im Format
10 x 10 cm, zu einem weiteren Quadrat
kombiniert. Die Künstlerin hebt mit ihrer
Aktion bewusst Schranken auf. Der öffentliche
Raum wird zum Atelier. Menschen,
die sich vielleicht überhaupt nicht mit
Kunst auseinandersetzen, tragen entscheidend
zur Entstehung eines Kunstwerkes bei
und werden Teil einer konzeptuellen Aktion.
Anna Stöcker hinterfragt klug den gängigen
Kunstbegriff. Wo kann Kunst heute
stattfinden? Wodurch definieren sich Kunst
und Künstler? Eine endgültige Antwort
auf diese Fragen gibt die Künstlerin nicht.
Aber sie regt an, über solche Fragestellungen
nachzudenken. Dabei bezieht sie ganz gezielt
die Öffentlichkeit ein. Menschen, wie
Du und Ich, erhalten die Möglichkeit, aktiv
am Kunstprozess teilzunehmen. Kunst wird
vom Sockel gehoben und demokratisiert.
„Jeder Mensch ist ein Künstler“ und hat alle
Möglichkeiten, das Leben zu gestalten.
Körperräume, Installation, 9-teilig,
Details, je 50 x 30 cm
Fazit
Drei außergewöhnliche Künstlerinnen,
drei phänomenale Ansätze junger Kunst,
ein entscheidender Moment – Kairos! Das
Ergebnis: Unzählige Ideen, Gedanken,
Bilder, Betrachtungen, Reflexionen und
Fiktionen über das Leben. Klaudia Anosike,
Kirsten Rönfeldt und Anna Stöcker malen,
zeichnen, fotografieren, inszenieren, collagieren,
arrangieren, kolorieren, variieren,
komponieren und entwickeln unterschiedliche
Werke. Sie schaffen eine vielfältige und
unerschöpfliche, narrative oder meditative,
reale oder hypothetische Bildwelt. Sozialkritisch,
ästhetisch, konzeptuell, symbolisch,
subversiv, metaphorisch, sensibel und
individuell schaffen sie hinterfragend komplexe
Bedeutungsebenen. Sie lenken den
Blick sowohl auf globale Inhalte als auch
auf unsere eigene Identität und erweitern
unseren geistigen Horizont so maßgebend
und nachdrücklich.
Gisela Elbracht-Iglhaut
The art of tool making
63

und ihre glückliche Reise…
Annika Boos, Foto: Jessylee
Spielzeit 2012/13
Ensemblemitglied der Wuppertaler Bühnen
November 2012
Rolle der Monika in "Glückliche Reise",
Wuppertaler Bühnen
2007-2012
Gesangsstudium bei Prof.in Klesie Kelly-Moog
Seit 2008
Zusätzliches Studium
der Allgemeinen Musikerziehung
November 2012
3.Preis beim Bundeswettbewerb Gesang
Berlin und Preis für beste Darbietung
eines zeitgenössischen Stücks
Juni 2012
3.Preis beim internationalen
Robert-Schumann-Wettbwerb in Zwickau
März 2012
1.Preis Barmenia Musikwettbewerb
Mai 2011
1.Preis International
LiedDou Concours Enschede
September 2011
Nominierung als beste Nachwuchssängerin
in NRW von der Fachzeitschrift "Theater
Pur" für die Rolle der Margareta in "Der
Drache vom Dönberg"
Annika Boos
Mit herkömmlichen Inszenierungen war
und wird es immer schwierig sein, überregionales
Interesse zu wecken. Oft gehört
Mut dazu, auch selten aufgeführte Stücke
in den Spielplan zu nehmen. Wuppertals
Opernintendant Johannes Weigand
bewies diesen Mut, als er die seit 25 Jahren
nicht mehr aufgeführte lyrische Oper, die
Tragödie „Bluthochzeit“ mit der Musik
von Wolfgang Fortner seinem Publikum
präsentierte. Nicht nur die Wuppertaler
Medienlandschaft hat sich mit der „Bluthochzeit“
intensiv beschäftigt. Die renommierte
Fachzeitschrift „Opernwelt“ widmete
in der März/2013-Ausgabe der Wuppertaler
Inszenierung eine Doppelseite. Vor allem
die an vielen Häusern weltweit tätige Dalia
Schaechter wurde hochgelobt. Seit 1995 ist
die gebürtige Israelin an der Kölner Oper
fest engagiert. Aufgetreten ist sie an der Wiener
und der Berliner Staatsoper, in Bayreuth
und in der Carnegie Hall in New York mit
einer Vielzahl hochkarätiger Dirigenten.
In einer eher kleinen Rolle als Das
Kind/Ein Mädchen stand auch Annika
Boos bei dieser Inszenierung auf der Bühne.
Sehr konzentriert mit einem Seilchen
springend und die Bühne per Sturz verlassend
traf sie dennoch erstaunlich virtuos die
Töne (siehe letzte Ausgabe von Beste Zeit.)
In einer anderen Inszenierung im
Opernhaus spielte Annika Boos eine
der Hauptrollen. In der im Jahre 1932
im Berliner Kurfürstendamm-Theater
uraufgeführten Eduard Künneke-Operette
„Glückliche Reise“ brillierte sie in der
Rolle der Monika Brink. Und das als festes
Ensemblemitglied. Es ist in der jüngeren
Geschichte dieses Hauses nicht allzu oft
(wenn überhaupt) vorgekommen, dass
eine noch so junge, gebürtige Wuppertalerin
mit einem festen Vertrag belohnt
wurde. Dahinter steht die sehr besondere
Geschichte, als sich die Abiturientin des
Carl Duisberg-Gymnasiums im Jahre 2006
um eine Praktikantenstelle bei den Bühnen
bewarb und in einer rekordverdächtigen
und von vielen glücklichen Umständen
begleiteten Zeit in eine Regie-Assistentenrolle
schlüpfte und nicht minder schnell
auch ihre Gesangskünste beweisen durfte.
Sie sang im Extrachor, war die Margery im
„Drachen vom Dönberg“, die Papagena in
der „Zauberflöte“, die Ilse in der Uraufführung
der Kammeroper „Aufstand“ und
nun hat sie das Wuppertaler Publikum in
der „Glücklichen Reise“ begeistert. Sie hat
zu dieser Blitzkarriere gesagt: „Ich habe
einfach immer Glück gehabt.“ Behutsam
begleitet hat dieses Glück der von seinen
Mitarbeitern für warmherziges Teamwork
gemochte Intendant Johannes Weigand.
Annika Boos landete schon als Praktikantin
direkt bei ihm und als sich das Ensemble
und auch viele Besucher zur öffentlichen
Premierenfeier nach der „Glücklichen
Reise“ im Kronleuchter-Saal einfanden,
war dem nach der Spielzeit 2013/2014
scheidenden Intendanten eine Prise Stolz
anzumerken, als er die Solisten nach vorn
bat. Bei Annika Boos prophezeite er: „Ich
glaube, da kommt noch was…“
Zu den Premierengästen im Opernhaus
zählten neben der Mutter und der Tante
rechts
Annika Boos und ihre Mutter Christa
rechte Seite:
„Glückliche Reise“ mit Annika Boos und
Olaf Heye. Foto: Uwe Stratmann
64

Bei der Championatsehrung auf der Galopprennbahn in Dortmund. Foto: Klaus-Jörg Tuchel
Ruth Drees auch zwei Omas und ein Opa.
Alle mächtig stolz auf Annika, von der die
Frau Mama zu recht sagte: „Es war toll, wie
viel Charme sie auf der Bühne versprühte.“
Es war auch ihr Verdienst, dass die
„Glückliche Reise“ zu einem Erfolgsstück
dieser Wuppertaler Saison wurde. Allerdings
vermutete man selbst bei näherer Betrachtung
in dieser Rolle von Annika Boos keine
25-jährige. Da hatte das Team um Markus
Moser als Leiter der Maske Außergewöhnliches
geleistet, bei Elena Fink als Lona
Vonderhoff nicht minder. Mit der populären
und mittlerweile in Wuppertal vielfältig
verwurzelten Solistin und jungen Mutter
versteht sich Annika Boos bestens: „Sie ist
ein absoluter Profi und ich bin stolz, mit ihr
auftreten zu können.“
Die Basis dafür waren Auftritte mit
Musical- und Popsongs im CDG und der
Gospelchor der Gemeinde Unterbarmen-
Mitte. In der nicht mehr kirchlich genutzten
Bonhoeffer-Kirche ist sie vom späteren
Hessen-nassauischen Kirchenpräsidenten
Professor Dr. Peter Steinacker getauft und
von Sylvia Bukowksi konfirmiert worden.
Deren Ehemann Peter Bukowski, Leiter
des Theologischen Zentrums Wuppertal,
hat früh erkannt, welches Potenzial in ihrer
Stimme steckt. Christa Boos lässt keinen
Zweifel: „Er ist ihr eigentlicher Entdecker.“
Einen Wohnsitz hat die Wuppertalerin
Annika Boos noch in der Nähe des
Eigelstein-Viertels in Köln. An der Musikhochschule
der Domstadt hat sie studiert.
Derzeit trifft man sie aber häufig zu Hause
in der Nähe des Barmer Klinikums an. Und
wo geht die glückliche Reise der inzwischen
für zahlreiche Konzerte gebuchten Sopranistin
hin? Annika Boos nimmt es gelassen:
„Ich plane nichts. Vieles ist doch ohnehin
von Zufällen abhängig. Wenn es mit einer
großen Karriere nicht klappt, bin ich auch
für andere Dinge geerdet genug.“ Als
kleinen Ansporn hat Theaterfreunde-Chef
Günter Völker ihr das längst vergriffene
Rundschau-Buch „Sprungbrett Wuppertal“
überreicht. Ihre Mutter hat zum Thema
Karriere eine eigene Ansicht: „Ich wäre
schon mit einer kleinen Karriere zufrieden.
Sonst muss ich sie ja mit noch mehr anderen
Menschen teilen.“ Oder sich verstärkt
auf glückliche Reisen begeben.
Zunächst ist das aber nicht notwendig,
denn die nächsten Rollen im Opernhaus
sind fest terminiert. In „Don Quichotte“
singt und spielt Annika Boos die Rolle des
Pedro und im Musical „Evita“ die Mistress,
Perons Geliebte. In der Hauptrolle der
„Evita“ ist Banu Böke zu erleben, die sehr
anspruchsvolle Bass-Rolle des „Don Quichotte“
wird von John In Eichen gesungen.
Einen sehr speziellen Auftritt meisterte
Annika Boos am 30. Dezember 2012. Auf
der Galopprennbahn in Dortmund-Wambel
fand die Ehrung der Champions des
Jahres 2012 statt. Üblicherweise am Ende
mit der Nationalhymne „aus der Dose“
mehr schlecht als recht abgespielt. Weil der
Dortmunder Rennvereins-Ehrenpräsident
Hans-Hugo Miebach und seine Gattin
Jutta aber langjährige, leidenschaftliche und
weitgereiste Opernliebhaber sind, durfte der
Moderator aus Wuppertal „seine Sängerin“
mitbringen. Allerdings mit großen Bedenken
aufgrund der bekannt problematischen
Beschallung auf dem weitläufigen Geländen.
Doch Annika Boos nahm das alles
sehr gelassen. Einen Ständer mit Text zur
Sicherheit lehnte sie ab, legte eine grandiose
Vorstellung hin und begeisterte die
hartgesottenen Typen des Galopprennsports
mächtig. Der Jockey-Champion Andrasch
Starke: „Das war doch der eigentliche Höhepunkt
der Ehrung.“ Auch für den sehr
erleichterten Moderator aus Wuppertal.
Klaus Göntzsche
Weitere Informationen
www.annikaboos.de
www.wuppertaler-buehnen.de
65

Paragraphenreiter
Kann ich mit der Übertragung
von Kunstsammlungen Steuern
sparen?
Susanne Schäfer, Steuerberaterin
Geschäftsführerin der Rinke Treuhand GmbH
Wirtschaftsprüfungsgesellschaft/
Steuerberatungsgesellschaft
Theoretisch kann ich das. Eine Menge
schöne Dinge sind nicht nur schön, sondern
auch zur Reduzierung einer überhöhten
Abgabenlast durchaus geeignet. Kunstgegenstände
und Sammlungen zum Beispiel.
Speziell um deren Erwerb und Erhaltung
zu fördern, gibt es den § 13 Abs. 1 Nr. 2
ErbStG. Danach können Kunstgegenstände,
Kunstsammlungen oder wissenschaftliche
Sammlungen zu einem Großteil oder
sogar in vollem Umfang von der Erbschaftoder
Schenkungsteuer befreit werden, wenn
eine Anzahl von Bedingungen erfüllt ist.
Da das Hauptziel der Befreiung die
zusammenhängende Erhaltung wirklich
umfangreicher, wichtiger und wertvoller
Sammlungen und Kunstwerke ist, sind die
Bedingungen ziemlich zahlreich. Die wichtigsten
(aber noch längst nicht alle) sind,
1. dass die Erhaltung der Gegenstände
wegen ihrer Bedeutung für Kunst oder
Wissenschaft im öffentlichen Interesse
liegt,
2. dass die jährlichen Kosten der Erhaltung
in der Regel die erzielten Einnahmen
übersteigen,
3. dass die Gegenstände den Zwecken der
Forschung oder Volksbildung zugänglich
gemacht werden,
4. dass die Gegenstände sich seit mindestens
20 Jahren im Besitz der Familie
befinden oder im Verzeichnis national
wertvollen Kulturguts enthalten sind.
Und da wundert man sich dann manchmal
doch, welche Fälle so alle vor dem Bundesfinanzhof
landen, weil ein Steuerpflichtiger
die gesetzlichen Vorschriften ein bisschen
weit auslegt.
Zum Beispiel unter dem Aktenzeichen II
R 7/98 der Kläger, der seiner Tochter nicht
nur eine besonders wertvolle, im Vorjahr in
London ersteigerte handbemalte Postkarte,
sondern auch noch 20 weitere „Kunstgegenstände“
schenkte, deren Gesamtwert unstrittig
den schenkungsteuerlichen Freibetrag
(der für Kinder aktuell bei 400.000.Euro
liegt) überstieg, aber trotzdem schenkungsteuerfrei
bleiben sollte.
Schließlich sammele er ja schon seit über
20 Jahren so dies und das (Erfüllung von
Voraussetzung 4), was der Nachwelt erhalten
bleiben solle (Erfüllung von Voraussetzung
1), in seiner Wohnung eine Menge
Platz wegnahm und somit Miete kostete
(Erfüllung von Voraussetzung 2) und interessierten
Forschern auf Anfrage jederzeit zur
Ansicht zur Verfügung stehe (Erfüllung von
Voraussetzung 3).
Das sah der BFH naturgemäß anders. Insbesondere
die Übertragung einzelner, noch
nicht 20 Jahre im Familienbesitz befindlicher
Gegenstände aus einer schon länger
bestehenden Vermögensmasse, die vielleicht
auch die Bezeichnung „Sammlung“ verdient,
wurde von ihm beanstandet. Die schwierige
Frage, ob teure Postkarten forschungs- und
förderungswürdige Kulturgüter sind, musste
er damit gar nicht mehr beantworten.
Fazit: Die vielfältigen Ratschläge an
wohlhabende Väter, statt eines profanen
schenkungsteuerpflichtigen Aktiendepots
doch lieber eine schöne schenkungsteuerfreie
Kunstsammlung anzulegen und auf
ihre Kinder zu übertragen, klingen zwar
gut, sind aber in der Praxis eher schwierig
umzusetzen.
www.rinke.eu
„Am liebsten auf der Bühne,
und wer weiß wo sonst noch,
sind mir Sätze,
die man auch tanzen
könnte.“
KARL OTTO MÜHL
Zugelaufene Sprüche
Neu
Karl Otto Mühl
Zugelaufene Sprüche
„Das Leben ist sportlich:
Der, den du überholst, sitzt dir danach
im Nacken.“
„Mit guten Absichten überschminkt die
Seele ihre Pickel“
2013
Verlag HP Nacke Wuppertal
80 Seiten, 9.00 Euro
ISBN: 978-3-942043-90-8
„Das wäre ein wunderbares Leben
gewesen, sagte der Neunzigjährige, wenn
man vorher gewusst hätte, dass alles gut
geht.“
66

Die nordrhein-westfälische Tanzszene
ist vielseitig, spartenübergreifend und
international vernetzt. Einen umfassenden
Eindruck dieser beeindruckenden Tanzlandschaft
vermittelt alle zwei Jahre tanz nrw.
Auch in 2013 präsentiert das Festival
wieder eine Auswahl herausragender freier
Tanzproduktionen aus NRW.
Tanzinteressierten bietet es einen umfassenden
Überblick über aktuelle Entwicklungen
und individuelle Künstlerprofile in der
nordrhein-westfälischen Tanzszene.
Die nunmehr vierte Edition von tanz nrw
verbindet vom 27. April bis 7. Mai 2013
acht Städte NRWs (Bonn, Düsseldorf,
Essen, Köln, Krefeld, Münster, Viersen,
Wuppertal + Satellit Bochum)
zu einem regionalen Festival mit
internationaler Ausstrahlung.
Szu-Wei Wu, „Cernes“
Foto: Lena Hedermann
Der Choreograf und Tänzer Fabien Prioville
und sein Kollege, der Tänzer Pascal
Merighi, beide ehemalige Mitglieder des
Wuppertaler Tanztheaters, haben sich getanz
nrw 13 in Wuppertal
Das Wuppertaler Programm von tanz
nrw 13 steht ganz im Zeichen ehemaliger
Tänzer des Wuppertaler Tanztheaters
und Absolventen sowie Studierenden der
Folkwang Universität Essen. Am 2. Mai
zeigen Studierende und Absolventen des
Instituts für Zeitgenössischen Tanz ab
16 Uhr in der Reihe „Choreografische
Inseln“ erste Arbeiten im Café Ada.
Ebenfalls am 2. 5. um 20.30 Uhr im Café
Ada, provoziert die Renegade-Tänzerin
Szu-Wei Wu die Begegnung zweier
Pina-Pausch-Tänzerinnen mit einem
Breakdancer. Sie untersucht in ihrer
Debutinszenierung „Cernes“ die unterschiedlichen
Herangehens- und Sichtweisen
von Streettänzern und modernen
Tänzern. Können diese so unterschiedlichen
Tanzstile überhaupt miteinander
kommunizieren? Gibt es eine gemeinsame
Sprache?
fragt, ob es funktioniert, sich mit anderen
Akteuren auf einer virtuellen Plattform
zu treffen und im Modus der digitalen
Interaktion zu experimentieren. Inspiriert
vom Videochatroom chatroulette, in dem
sich Nutzer aus aller Welt präsentieren
und anderen per Zufallsgenerator begegnen,
fragen sich die beiden Tänzer, was
eigentlich genau den Reiz dieser virtuellen
Begegnungen ausmacht: „Experiment
on Chatting Bodies“ am 3. Mai, 18 Uhr,
Haus der Jugend Barmen. Diese Veranstaltung
ist auch Station der Tanz Tour 2,
die bereits um 18 Uhr per Bus in Köln
beginnt. Von Wuppertal geht’s weiter ins
Düsseldorfer tanzhaus nrw (Tchekpo
Dance Company „Three Levels“) und
anschließend zurück zum Kölner Hbf.
Überhaupt lohnt sich der Blick über die
Stadtgrenze hinaus: Zum Beispiel nach
Bonn, wo tanz nrw 13 am 27. April
von der Ministerin für Familie, Kinder,
Jugend, Kultur und Sport, Ute Schäfer,
dem Oberbürgermeister der Bundesstadt
Bonn, Jürgen Nimptsch, sowie der
Show „Three Levels“ der Tchekpo Dance
Company in den Kammerspielen Bad
67

Fabien Prioville Dance Company
„Experiment on chatting bodies“
Foto: Ursula Kaufmann
Godesberg eröffnet werden wird. Auch
Düsseldorf ist eine Reise wert.
Dort präsentiert das tanzhaus nrw am 28.
4. die NRW-Premiere von „Don’t Ask,
Don’t Tell“ von Ben J. Riepe in Zusammenarbeit
mit dem indischen Choreografen
Navtej S. Johar (auch am 2. 5., in der
Halle Kalk, Köln). Neuer Tanz zeigt in
der Orangerie/Marstall Schloss Benrath
„CHOR(E)OGRAPHIE / JOURNA-
LISMUS: „kurze stücke“ von VA Wölfl
(Version Paris) (1. 5.) und CHOR(E)
OGRAPHIE /JOURNALISMUS: „kurze
stücke“ von VA Wölfl (Version Benrather
Linie) (5.5.). Köln hat ebenfalls ein umfangreiches
Festivalprogramm. Zu sehen
sind u.a. Gudrun Langes Produktion mit
Jugendlichen „ich geschichtet“ (3. 5., Alte
Feuerwache), Raimund Hoghes „Pas de
Deux“ (4. 5., Halle Kalk) und „Rotlicht“
von Henrietta Horn in Zusammenarbeit
mit der Musikerin Dorothée Hahne (5. 5.,
Alte Feuerwache). In der Viersener Innenstadt
kann man 29. und 30. 4. die skurrile
site-specific-Installation „Dressing the City
und Mein Kopf ist ein Hemd“ von Angie
Hiesl und Roland Kaiser erleben und in
Essen sollte man sich zusammen mit dem
Choreografen Martin Nachbar auf einen
Spaziergang über das Gelände der Zeche
Zollverein begeben: „The Walk“ (4. 5.,
Pact Zollverein).
Karten gibt es über die einzelnen Veranstaltungsorte.
Das gesamte Programm findet
man unter:
www.tanz-nrw-13.de
Katja Roters
68

im Ort, 20. Juli 2012
Ulle mit Kater Lorbas
Für Ulle Hees
Ulle als Künstlerin und Person zu
würdigen, ist schwierig. Zu groß ihr
künstlerisches Schaffen, zu weit verzweigt
und vielfältig ihr Leben als Mitmensch,
als Freundin, Weggefährtin, Kollegin. Ich
beschränke mich daher auf den winzig
kleinen Ausschnitt aus ihrem Leben, den
ich mit ihr teilen durfte, die gelegentlichen
Begegnungen, die mich bewegten
und die ich nie vergessen werde.
Irgendwann bei ihr in ihrem Atelier. Ich
hatte Ulle um Ideen für ein CD-booklet
gebeten. Ihre Daphne fand ich so schön,
so schön verträumt, die sollte vorn auf das
Titelblatt. Aber Ulles Gedanken waren
völlig andere Wege gegangen. Lächelnd
schob sie mir ein kleines Blatt über den
Tisch, drauf in kräftigen Farben, in Grün,
Blau und Schwarz die wilde Skizze einer
springenden Katze.
„Was ist denn das?“, fragte ich verständnislos.
„Siehste doch! - ’n Katzensprung!“
„Katzensprung?!“
„Ja, ich hab Eure Musik gehört und das
jiddische Lied vom Katzensprung, das
find ich so toll.“
„Aber, aber die Daphne ...“, begann
ich noch einmal, „die ist doch so schön
verträumt.“
„Eure Musik ist aber nicht verträumt, und
jetzt heißt Eure CD eben Katzensprung.
Willste ’n Kaffee?“
So war sie, die Ulle, und sie hatte wie so
oft Recht. Die CD hieß Kaznschprung.
Als wir neulich abends in Ulles verwaistem,
dämmerigen Atelier saßen und zusammen
traurig waren, da gab es wieder
einen Katzensprung. Ulles verwirrte und
suchende Katze kauerte sich zusammen
und schnellte dann hoch auf meinen
Schoß. Suchte Zuflucht an einem Ort,
der nicht ihrer war, und verließ ihn bald,
um ziellos weiter zu suchen. Liebe Ulle,
wo bist du?, hörte man es lautlos fragen.
Kaznschprung! Das alte jiddische Lied
von Mordechaj Gebirtig fiel mir ein. Huljet,
huljet Kinderlech heißt es. Da singt
ein alter Mensch, der den Kindern beim
Spielen zuschaut.
Spielt, liebe Kinderchen, der Frühling
schon beginnt!
69

Oh, wie bin ich , Kinderchen, neidisch
auf Euch!
Freut euch, freut euch, Kinderchen,
solange ihr jung seid,
denn vom Frühling bis zum Winter ist es
ein Katzensprung.
Spielt, liebe Kinderchen, versäumt keinen
Augenblick.
Nehmt mich auch herein ins Spiel, vergönnt
mir auch das Glück.
Guckt nicht auf meinen grauen Kopf,
oder stört euch das im Spiel?
Meine Seele ist noch jung, wie zurück vor
vielen Jahren.
Meine Seele ist noch jung und vergeht vor
Sehnsucht.
Ach, wie gerne will sie aus dem alten
Körper heraus.
Spielt, spielt, liebe Kinderchen, versäumt
keinen Augenblick,
denn der Frühling endet bald, mit ihm
das höchste Glück.
Huljet, huljet Kinderlech, kol-sman ir
sent noch jung.
Ulles 1. Ausstellung, 1961
Wail fun friling bis zum winter is a kaznschprung.
Schaut man in die Photoalben, sieht
man die junge Ulle. Groß, schlank, lange
Beine in geringelten Strümpfen und
dieses offene, freundlich-schöne Gesicht,
dieser warme Regen an Zugewandtheit,
den sie einem schenkte. Die erste
Wuppertaler Frauengruppe, aus der eine
WG an der Briller Straße wurde, in der
auch einige Männer geduldet wurden.
Die feiernde, fröhliche Ulle. Der stille,
bedeutungsvolle Blick inmitten ihrer
Bilder und Skulpturen.
Viele, viele verblichene, alte Bilder.
Was sag ich – alt?
Mensch, das ist doch gerade erst gewesen.
Einundsiebzig Lebensjahre, über
fünfzig Künstlerjahre:
A Kaznschprung, wenn man sie von
rückwärts anschaut.
Das ist alles noch so nah und gegenwärtig,
als sei es eben erst geschehen.
Und wer sie in den letzten Jahren erlebt
hat, der fühlte, wie da eine noch junge
Seele in einem älter und schwächer werdenden
Körper wohnte.
Meine Seele ist noch jung wie zurück
von vielen Jahren. Huljet, huljet, Kinderlech.
Sie hat ihrem Körper viel zugemutet,
mehr als er verkraften konnte. Aber es war
eben ihr Weg und sie hat die Folgen in
Kauf genommen.
Sie lebte in einer Lebens- und Schaffensgemeinschaft
direkt am „schwarzen
Fluss“. Sie teilte den Fluss ihres Lebens
mit Euch. Aber sie schuf dort eine ganz
eigene Welt, die unverwechselbar die ihre
war.
Kein Wunder, denn wer außer Ulle hätte
in Ulles Welt wohnen können. Es ist
unausdenkbar und völlig ausgeschlossen,
dass in Ulles Atelier irgendetwas anderes
sein könnte als Ulles Atelier. Wer diesen
Raum betritt, der spürt, sie ist noch da.
Sie wohnt und lebt in der flimmernden
Vielfalt all dieser Millionen Einzelheiten,
die das Auge entführen, solange man sich
umschaut. Und diese Anwesenheit darf
nicht zerstört werden. Wer immer Hand
daran legt, sollte im Sinn haben, das
alles zu bewahren, zu katalogisieren, der
Nachwelt, wie wir sagen, zu erhalten, statt
es womöglich zu vermarkten.
70

Ulle und ökonomisches Denken, das war
immer ein unvereinbarer Gegensatz. Sie
tat so oft, was sich nicht rechnet, und
gerade das machte sie so attraktiv. Ein
Leben ohne Rendite und Wachstumsdiktat
– dass es das noch gibt! Dass das geht!
Das lässt hoffen in einer Zeit, in der die
großen Hoffnungen sich erschöpft haben.
Die großen Staatstheorien haben sich
erledigt, die Welt erstickt im Kommerz.
Die großen Religionen sind auf verhängnisvolle
Weise mit sich selbst beschäftigt
und driften ab in den Fundamentalismus.
Politiker schreiben Plagiate oder schmuggeln
Teppiche aus Kriegsgebieten am
Zoll vorbei, eine hoffnungslos auf Profit
ausgerichtete Welt. Eine Führungselite
mit Kleinkriminellen. Wo gäbe es da
Anlässe zum Hoffen? Vielleicht brauchen
wir in der Welt der großen, bedeutungslosen
Worte Eure Kunst, Ihr vielen
Künstler, die Ihr heute da seid, im Ort
in der Luisenstraße. Wir brauchen Eure
Kunst, die ohne große Worte Wahres sagt
und unbeeindruckt vom Kommerz innere
Prozesse unbestechlich Gestalt werden
lässt, von Herz zu Herz erzählt und wirkt,
im Kleinen Hoffnung, Mut, Oppositionsgeist
und Phantasie weckt.
Die Phantasie, habe ich in Ulles Atelier
gelernt, ist ein wilder Affe. Und wilde
Affen lassen sich nicht beherrschen.
Eine solche Wirkung wie eben beschrieben
ging von Ulle aus. Wer ihre Nähe
suchte, der wollte etwas abbekommen
vom wilden Affen, vom ungezähmten
Leben, das wir so bitter nötig haben. Von
der Sehnsucht und von der Courage.
Alte Menschen kamen zu ihr, angehende
Psychotherapeuten kamen als Gruppe,
Kunststudenten, Laienkünstler, die sich
manchmal erstaunlich schnell in ihrem
künstlerischen Schaffen steigerten. Und
nicht nur Erwachsene förderte sie.
Eines Tages war eine Gruppe hochbegabter
Kinder bei ihr zu Gast. Die sollten in
ihren künstlerischen Kompetenzen gefördert
werden. Als die Lehrerin die Kinder
am Ende des Nachmittages fragte, was
ihnen denn nun am Besten gefallen habe,
sagte eines völlig überraschend:
Der Tisch da – und zeigte auf Ulles Sofatisch.
Warum? Man muss dran gesessen
haben, um das zu verstehen. Umkränzt
von einem alten Sofa und einfachen
Holzstühlen türmt sich dort auf diesem
Tisch ein Kosmos von unterschiedlichsten
Fundstücken: Blumen, Gläser, Haribo
Lakritzen auf einer dreistufigen Etagere,
Herzen, Plastikspielzeug, Zigaretten,
Steinchen, Glasperlen, Sterne, Monde
in schrillen Farben und: mittendrin und
ein bisschen obenauf ein kleines, rotes
Kaleidoskop, Sinnbild für dieses uferlose
Gewimmel. Wer das Durcheinander
aber mit Abstand anschaut, gewahrt die
ordnende Hand, die schöpferische Gestaltung.
Irgendwie, fragt mich nicht warum,
ist dieses Chaos schön.
Es war ein Kind, das das bemerkte.
Vielleicht verstehen das auch am ehesten
Kinder, dass da ein Mensch in einer ganz
und gar eigenen chaotisch schönen Welt
lebt und in dieser Welt wirkt und arbeitet,
liebt und kämpft, genießt und leidet,
hofft und stirbt. Sie hätte mit all ihrem
Talent und einem Mehr an Disziplin ein
abgesichertes, bürgerliches Leben gestalten
können. Aber sie war zufrieden, wenn für
den täglichen, bescheidenen Bedarf gesorgt
war. Sie war in einem guten Sinne sorglos.
Das machte sie reich. Sie zeigte keine,
wie die Buddhisten sagen: Anhaftung an
bürgerliche Werte und Ziele. Das war ihre
große Freiheit. Und sie lebte achtsam,
mit dem Blick auf die kleinen Dinge, die
Nebensachen, die das Leben oft so charaktervoll
machen.
Ich habe sie großzügig erlebt. Sie schenkte
einem viel von ihrer Zeit. Viel von ihrer
Achtsamkeit. Wenn man mit ihr sprach,
bekam man ein Gefühl von eigenem
Wert. In ihrer Ansprache lag immer etwas
Förderndes, Wertschätzendes. Immer ging
ich ein wenig mutiger von ihr fort, als ich
gekommen war. Schon ihr Atelier machte
mir Mut. Das ist heute noch so. Mut zu
einem selbstgestalteten, unkonventionellen
Leben. Wer dieses Atelier betritt, bekommt
ein Stück von seinem Kinder-Ich zurück,
das Staunen, das Mit-großen-Augen-
Schauen, das Sich-überraschen-Lassen.
Eine Villa Kunterbunt, in der eine Frau
lebte, die ihre Stärke aus der Individualität
gewann. Sie konnte nicht nur ein Pferd
stemmen, sie konnte sich auch gegen den
Ulle auf ihrer Atelier-Schaukel, Karneval 1981
Ulle mit Großneffe Julian, 1990 (Foto: Hensel)
Ulle in der Galerie „Kunsthandel Schmidt“,
1991, v. l. n. r.: Zotos Zachariadis,
Peter Kowald, Detlef Schmidt, Ulle Hees
71

aunen Zeitgeist stemmen, der einst war
und der noch immer ist.
Sie war Beichtmutter für Viele. Mit ihr
konnte man ruhig und ohne Scham auf
das eigene, unvollkommene Leben schauen.
Erstaunlich viele Frauen sagen, Ulle
sei ihre beste Freundin. Und nicht nur
ihr nahestehenden Menschen ging das so.
Sie konnte auch Wildfremden bei Bedarf
zu Hilfe kommen. Wie oft hat sie Geld
verliehen, Bürgschaften übernommen,
Zivilcourage gezeigt.
Liebe Ulle, wo bist Du?
Ulle mit Freunden im Atelier anlässlich ihres 50. Geburtstags, 1991
Ulle und die Fotografin Ellen Auerbach in ihrer New Yorker Wohnung, 1998
Ulle im ort, April 2012, eines der letzten Fotos, links Cooper-Moore, rechts Jorgo Schäfer
(Foto: Helmut Steidler)
Der Oberbürgermeister dieser Stadt hat
gesagt, durch die Skulpturen, die Frau
Hees hinterlassen habe, bleibe sie der
Stadt wertvoll.
Nein, Herr Oberbürgermeister ! Eben
nicht ! Ulle kann man nicht auf die Wiedergabe
Wuppertaler Originale reduzieren.
Sie lebt nicht allein in der Wirkung
ihrer Plastiken. Sie lebt in all den Herzen,
die sie erwärmt hat. Sonst wären wir alle
heute nicht hier.
Oder ist sie etwa nicht lebendig in den
Begegnungen, die wir mit ihr hatten? Sehen
wir etwa nicht, wie sie da hinten mit
einem Glas Wein in der Hand lächelnd
zuhört, während wir hier ihrer gedenken?
Sie ist auf eine geheimnisvolle Weise
gegangen. Sie hat die Welt des Konkreten
– Vorfindlichen verlassen, um ihre Reise
nach Überall anzutreten. Sie ist wie so oft
eine Pionierin. Sie ist schon mal vorgegangen.
Und ist uns von dort aus so nah.
In weiter Ferne so nah.
A Kaznschprung, mehr trennt uns nicht
von ihr und den anderen da drüben.
Grüß schön, liebe Ulle, grüß Peter Kowald
und die Anderen und komm immer
mal wieder in unsere Runde, um uns Mut
zu machen, wir brauchen Dich.
Es ist ja gar nicht weit.
Und irgendwann, irgendwann kommen
wir ja nach.
Huljet, huljet Kinderlech, kol-sman ir
sent noch jung.
Wail fun friling bis zum
winter is a kazn-schprung.
Klaus Harms
72

Nachruf auf den Komponisten
Konrad Hupfer (1935 – 2013)
Den eigenen Weg gegangen!
Am 4. März 2013 starb der Komponist
Konrad Hupfer in seiner Geburtsstadt
Wuppertal. Mit ihm verliert die Kunst
und Musik der Gegenwart einen unbestechlich
innovativen, stillen, aber
richtungsweisenden Vordenker und
Pragmatiker. Längst bevor das „modern“
wurde, gelangte Konrad Hupfer in seiner
Klangkunst zu einer eigenständigen
Synthese aus „Universal denken und lokal
handeln!“. Begonnen hatte er als Jazz-
Pianist, -Komponist und -Arrangeur, ehe
er unübersehbare Zeichen setzte auf dem
Gebiet der Neuen Musik. Hier schuf er
erstaunliche eigene Werke – von innovativen
„Zeit-Raum-Klang“-Projekten,
oft mit regionaler Anbindung, wie der
Klangskulptur für das Redaktionshaus
der „Bergischen Blätter“, Wuppertal 1995
oder „ZeitRaumKlang2000“ zum 100jährigen
Jubiläum der Historischen Stadthalle
Wuppertal, bis hin zu Kammermusik,
Lyrik-Kompositionen u.a. zu Texten von
Baudelaire, Georg Werth, Else Lasker-
Schüler und Armin T. Wegner (2006)
und Orchesterwerken wie „Orchesterbild
mit Amadeus“ (1990). Als Begründer
des renommierten Nova Ensemble schuf
er einen engagierten Klangkörper, mit
dem er vielen Werken zeitgenössischer
Kollegen zur (Ur-)Aufführung und zum
Durchbruch verhalf. Das Nova Ensemble
wurde auch zum gediegenen Markenzeichen
der Uraufführung seiner eigenen
Werke.
Dass man die Musik Konrad Hupfers
nicht auf ein, zwei „schnelle Begriffe“
bringen kann, spricht für sie: Seine sensiblen
Klänge passten nicht in „Schubladen“,
und an „Populismus“ hatte er so
wenig Interesse wie an „breitgetretenen
Wegen“. Die Frage aus Schuberts „Winterreise“
könnte die seine gewesen sein:
„Was vermeid ich denn die Wege, die die
anderen Wandrer geh`n?“ Und dennoch
gelangen ihm unmittelbar sinnliche, direkt
zu Herzen gehende Klänge, wirkliche
Klangerlebnisse für viele, die ihm zuhörten.
Nicht zuletzt auch deshalb, weil er es
meisterhaft verstand, die Klangfarben der
Stimmen und Instrumente einzusetzen.
Konrad Hupfer setzte sich mit seinem
Werk auch für die Erinnerung an vergessene
und verdrängte Autor/inn/en oder
geistig-politische Strömungen ein. So
etwa für Georg Werth und für die demokratische
Revolution von 1848 / 49 in
„Hammer und Amboss sein - 7 Hörbilder
zur Revolution 1849 in Elberfeld“ (1995)
oder für die „großen poetischen Söhne
und Töchter“ aus dem Wuppertal, die
er zuweilen nicht angemessen gewürdigt
fand: Mit seinem impulsiven Else Lasker-
Schüler-Zyklus „Singe, Eva, dein banges
Lied“ und mit seinen beeindruckenden
Vertonungen des ebenfalls aus Elberfeld
stammenden Dichters Armin T. Wegner
- „Wolken“ für Bariton und Kammerensemble,
geschrieben 2006 im Auftrag der
Armin T. Wegner Gesellschaft, uraufgeführt
2008 vom Nova Ensemble und
nachhaltig hörbar auf der Armin T-Wegner-Doppel-CD
„Bildnis einer Stimme
/ picture of a voice“ (Wallstein Verlag,
Göttingen 2008).
Wie Konrad Hupfer überraschende neue
Konnotationen in „alten Stoffen“ fand,
die er selbst zu innovativem Musiktheater
gestaltete für Schauspieler/innen, Tänzer/
innen, Licht und Klänge, ist beispielhaft
zu sehen und zu hören an zwei abendfüllenden
Werken: „Der Schwarze Blick“
- mit neuem Blick auf die mittelalterliche
Pest und ihre gesellschaftlichen Folgen
(2006) – und „Verdammt, die Sirenen
singen nicht – Odyssee verkehrt“ (2009).
Manches davon ist in Aufnahmen für die
Nachwelt bewahrt – andere Werke warten
noch auf die Wiederaufführung und die
Einspielung als CD.
Konrad Hupfer ist mit zahlreichen Kompositionspreisen
ausgezeichnet worden,
unter anderen mit dem Musikpreis der
Stadt Marl (1971), dem Preis des Concours
International de Composition de
Musicale-Opera et Ballett, Genf (1975),
dem Preis der GEMA-Stiftung für
Orchester-Kompositionen (1984) oder
dem Preis der Weimarer Frühlingstage für
zeitgenössische Musik (2001).
Ulrich Klan
Foto: Frank Becker
73

74
Im Nebel, Foto: Elisabeth Heinemann

für dich
wenn du von uns gehst
irgendwann oder morgen
sind deine spuren gesät
verborgen noch
im geflüster der knospen
wiegen sie
das geheimnis der frucht
und wurzeln tiefer
jahr um jahr.
angelika zöllner
75

Wie ein Bad im Klang und Raum der Zeit
Von Pérotin bis Pärt Teil V –
900 Jahre geistliche Musiktradition
begegnet der Moderne
Inspirierend, reinigend, tröstend
Was ursprünglich als einmaliges
Konzert um ein Werk des zeitgenössischen
estländischen Sakralkomponisten Arvo
Pärt geplant war, hat sich inzwischen zu
einer der erfolgreichsten Konzertreihen
der freien Szene im Bergischen Land entwickelt.
Das diesjährige Auftaktkonzert
findet am 20. April in St. Laurentius,
Wuppertal-Elberfeld statt.
Der Pool der Instrumentalmusiker um die
vier Sänger der Wuppertaler Bühnen wurde
in diesem Jahr um ein Streichquartett, bestehend
aus Musikern des Wuppertaler Sinfonieorchesters,
erweitert. So werden die
fünf Veranstaltungen zum ersten Mal in
wechselnder Instrumentalbesetzung gespielt.
Nach Veranstaltungen in St. Maria
Magdalena, Wuppertal-Beyenburg, St.
Lambertus, Mettmann und einem Konzert
in der preisgekrönten Kölner Böhmkirche
St. Gertrud, findet die diesjährige Abschlussveranstaltung
am 26. Mai in Kooperation
mit dem 3. Bonner Orgelfest
statt.
Mit A-capella-Gesängen, Instrumental-
und Ensemblestücken verspricht das
neue musikalische Programm wieder einen
faszinierenden Gang durch 900 Jahre
geistlicher Musik vom Mittelalter bis zur
Moderne: Das „Viderunt omnes“ von
Pérotin ist ein Zeugnis der frühen mehrstimmigen
Kirchenmusik des Mittelalters,
dass den Ohren von heute sehr der minimal
musik von Steve Reich und Phillip
Glass verwandt scheint.
Mit Josquin Despréz und Johannes
Ockegehm sind zwei Tonmeister der Renaissance
vertreten. Das klagende „Mors tu
as navré“ von Ockeghem wird neben den
Gesangsstimmen in einer authentischen
Instrumentalbesetzung mit Gambe, Theorbe
und Orgel vorgestellt.
Ockeghems Schüler Desprez wird mit
Auszügen seiner „Missa pangue lingua“
präsentiert. Ein Werk, das in beeindruckender
Weise die Emotionen des latainischen
Textes zum Vorschein kommen lässt
und zu den großen Meisterwerken des
mehrstimmigen A-capella-Gesanges zählt.
Mit dem „Funeral canticle“ von John Tavener
ist ein ergreifendes Lamento, das der
Komponist zum Tode seines Vaters geschaffen
hat, im Programm. Er benutzt die
Tonsprache der byzantinischen Kultur und
spendet durch seine Komposition große
Kraft für die trauernde menschliche Seele.
Das „Agnus Dei“ aus der doppelchörigen
Messe von Frank Martin ist sicher als
eine der schönsten Mess-Vertonungen des
20. Jahrhunderts zu nennen.
Und von Arvo Pärt, einem der Namensgeber
dieser Konzertreihe und vielleicht
der bedeutendste zeitgenössische
Komponist für geistliche Musik, ist in diesem
Jahr unter anderem das „Da pacem
domine“ im Programm. Im Jahr 2004 hat
er es zum Gedenken an die Opfer des Terroranschlags
in Madrid komponiert.
Die Veranstaltungen beginnen mit einer
kurzen Führung durch den Kirchenbau.
Dauer ca. 100 min. Der Eintritt ist frei,
um ein Spende am Ausgang wird gebeten.
Mehr über die Konzertreihe unter
www.perotin-paert.de
Konzerte 2013:
Die Musiker
Marco Agostini, Tenor
Jochen Bauer, Bass
Nathan Northrup, Tenor
Javier Zapata Vera, Bariton
Heike Haushalter, Violine
Liviu Neagru-Gruber, Violine
Martin Roth, Violine
Petra Stalz, Violine
Momchil Terziyski, Viola
Michael Hablitzel, Violoncello
Gudrun Fuß, Gambe
Zorro Zin, Laute/Theorbe
Christoph Ritter, Orgel
Plakat zur Konzertreihe
76

Neue Kunstbücher
Die Vermessung einer Region
vorgestellt von Thomas Hirsch
Wie fassbar ist das Phänomen Kunst? Es
gibt immer wieder publizistische Versuche,
die Kunstlandschaft zu kartographieren,
rein statistisch zu definieren oder
Maßstäbe für Qualität zu entwickeln.
Berühmt ist der Kunstkompass, der vor
Jahrzehnten begründet wurde und auf
der Grundlage von Ausstellungen und
Auktionsergebnissen alljährlich eine
Rangliste der weltweit „wichtigsten“
lebenden Künstler veröffentlicht. Oder es
gibt in jüngerer Zeit gewichtige Bücher
etwa der Verlage Phaidon und Taschen,
welche Newcomer und Shooting Stars
der Kunstszene versammeln. Angesichts
einer immer größeren globalen Nachrichtendichte
und einer immer stärkeren Unübersichtlichkeit
sind diese Sammlungen
von Basisinformationen verständlich und
wahrscheinlich auch sinnvoll. Natürlich
spielen interne Verflechtungen wie bei
allen Arten der Präferenz und Ausstellung
im Kunstbereich, etwa die Positionierung
von Galeristen und deren Lobby-Arbeit,
eine wesentliche Rolle.
Fernab von jedem wertenden Ranking
ist nun ein dreibändiges Werk erschienen,
das innerhalb seines Interessenradius
absolut demokratisch vorgeht. Der
Düsseldorfer Publizist und Künstler
Wolfgang Funken hat in mehrjähriger
Recherche den öffentlichen Raum der
Landeshauptstadt durchkämmt. Sein
Titel „Ars Publica Düsseldorf“ ersetzt
ein ähnliches, aber konzentrierteres Buch,
welches vor einem Jahrzehnt Clemens
von Looz-Corswarem und Rolf Purpar
veröffentlicht haben. Geblieben ist die
Anordnung nach Stadtteilen; aber Wolfgang
Funken greift weiter aus. Er erfasst
nun auch viele unauffällige Skulpturen im
öffentlichen Raum, an öffentlichen und
auch privaten Bauten, auch Grabsteine
auf Friedhöfen und widmet sich allem
mit der gleichen Akribie und mit großen
Elan. Seine Darstellung hilft, Düsseldorf
und seine Geschichte etwas besser kennen
zu lernen, dazu tragen die vielen Kurztexte
im Plauderton bei, die eine Menge an
Informationen und Erkenntnissen liefern,
und man sollte das unruhige Lay-Out
und so manchen Verschreiber verzeihen.
Wolfgang
Funken, Ars
Publica
Düsseldorf, drei
Bände im Schuber, 1728 S. mit
zahlreichen farbigen Abb., geb. mit Schutzumschlag,
je 28,5 x 30 cm, Klartext, 159,- Euro
Denn so nahe kommt man der Kunst im
öffentlichen Raum sonst nicht. Es wäre
zu wünschen, dass sie auch in anderen
Städten mit dieser Leidenschaft und
Beharrlichkeit aufgearbeitet wird.
Ein Kompendium ganz anderer Art ist –
ebenfalls in Bezug auf Düsseldorf, aber
auch darüber – vor einigen Monaten neu
aufgelegt werden. 1958 und 1961 haben
Heinz Mack und Otto Piene drei Künstlerpublikationen
unter dem Titel ZERO
veröffentlicht. Als unverändertes Reprint,
zusammengebunden und mit einem
dafür entstandenen Anhang versehen,
sind diese Publikationen nun bei richter
| fey verlegt worden. Der vierte Teil
beleuchtet rückblickend die Bedeutung
der Gruppe ZERO und ihrer Publikationen,
veröffentlicht aber auch erstmals
einen Text von Daniel Spoerri, der für
ZERO 3 bestimmt war. ZERO, die später
berühmte Avantgarde-Bewegung um die
D. Pörschmann, M. Visser (Hg.), ZERO 4
3 2 1, 552 S., durchgehend bebildert,
Hardcover, mit Silberschnitt, 20 x 20 cm,
richter | fey, 49,- Euro
Düsseldorfer Mack und Piene, zu denen
später Günther Uecker stieß, versammelte
im Rahmen von Ausstellungen und
Aktionen herausragende Künstler aus
Deutschland und aus dem benachbarten
Ausland, die in ihrer Kunst einen Neuanfang
formulierten: Diese Kunst wirft den
Ballast des Gegenständlichen und alles
Expressive von sich, akzeptiert Farbe nur
als Monochromie, besonders als Weiß.
Sie interessiert sich für neue Technologien
und deren Materialien, handelt mit Licht,
setzt dazu Raster, Spiegel und Kinetik ein
und zielt – im Sinne einer gesellschaftlichen
Utopie – auf eine Erweiterung der
Lebensräume. Zum Symbol von ZERO
wird eine senkrecht aufsteigende Rakete.
Die drei Ausgaben, die in unterschiedlichem
Maße die Anmutung von Büchern
besaßen, waren nun eine reine Künstlersache
und dürfen als vorbildlich für alle
Formen von Künstlerpublikationen gewürdigt
werden. Die Beiträge von ZERO
1 bis 3 stammen neben Mack und Piene
von Yves Klein, Lucio Fontana, Manzoni
und vielen anderen Künstlern, welche das
Spektrum von ZERO um die Dimensionen
der Stille, der Leere und der Schwerelosigkeit
erweitern. Die Originalausgaben
sind natürlich längst Sammlerstücke, aber
das könnte mit dem vorliegenden Buch
irgendwann auch passieren: In seinem
„Look“ ist es zugleich ein eigenes Statement
zu ZERO – es ist unverzichtbar für
jeden, der sich mit dieser Kunstrichtung,
ihren Anfängen und ihrer Aktualität
beschäftigt.
So wie ZERO einmal Avantgarde war –
und die Künstler die Publikation ihres
Werkes hier selbst in die Hand genommen
haben – so gibt es immer wieder Versuche,
von außenstehender Perspektive die Avantgarde
von Morgen aufzuspüren und in
Ausstellungen und Katalogen zu bündeln.
Das ist im Grunde der Job etwa von Kunstvereinen.
Zunehmend entstehen davon
unabhängig Bücher, die den Überblick im
Bereich des noch nicht Verfestigten unternehmen.
Im Kontext mit Düsseldorf ist vergangenes
Jahr das dickleibige Buch „Rising
– Young Artists to keep an Eye on!“ zu
erwähnen. Es stellt 100 Künstler, die in den
1970er und 1980er Jahren geboren wurden,
auf jeweils vier Seiten vor: ganz klassisch,
mit einem einführenden Text und meh-
78

Olaf Salié (Hg.), Rising – Young Artists to
keep an eye on! 420 S. mit rund
500 Farbabb., geb. mit Schutzumschlag,
29 x 24,5 cm, daab, 65,- Euro
reren Werkabbildungen. Alles steht und
fällt natürlich mit den Juroren und mit der
Konsequenz des Konzeptes. Im vorliegenden
Buch sind ein Überhang von Künstlern
aus dem Umfeld der Düsseldorfer Kunstakademie
und aus einigen Galerien dieser
Stadt und ein punktueller Einbezug von
Künstlern des nahen und fernen Auslandes
zu konstatieren. Einige Künstler wiederum,
die nicht in diesen Galerien ausstellen, aber
doch im Rheinland eine wichtige Rolle
spielen, fehlen. Aber recht machen kann
man es niemandem. Ein guter Anfang ist
gemacht, der etliche herausragende Künstler
kompetent vorstellt und das Spektrum
zeitgenössischer Kunst umreißt.
Der Klassiker aller objektiven Nachschlagewerke
ist natürlich das „Allgemeine
Künstlerlexikon der Bildenden Künstler
aller Zeiten und Völker“, kurz: AKL, das
in der Tradition seiner Vorgängerwerke
Vollmer und Thieme-Becker steht. Und wie
schon Thieme-Becker ist das AKL ab 1983
mit den ersten Bänden zunächst bei E.A.
Seemann in Leipzig erschienen, ehe es 1992
vom Saur Verlag in München übernommen
und fortgesetzt wurde. Die Redaktion aber
blieb da noch in Leipzig. Das Konzept
ist genau definiert: Nach einem festen
Schema werden die überregional bekannten
Kunstschaffenden aller Gattungen mit ihrer
Vita und ihren Werken und Ausstellungen
vorgestellt, grundsätzlich ohne Abbildung,
aber noch mit einer knappen Werkbeschreibung.
Vor ein, zwei Jahren nun wurde
das Projekt von de Gruyter in München
übernommen und die Redaktion dorthin
und nach Berlin verlegt. Mittlerweile sind
wir bei Band 77 und dem Buchstabenbereich
IZ-JE angekommen, und einiges hat
sich mit dem Redaktionswechsel verändert.
Dies beginnt bei kleinen Äußerlichkeiten
(auf den Schutzumschlag wird mittlerweile
leider verzichtet) und setzt sich inhaltlich
fort. Klarer wird nun durch die definierten
Zeilenumfänge die inhaltliche Bedeutung.
Zugleich schreitet das Projekt in einem ganz
anderen Tempo voran. Aber es berücksichtigt
auch weiterhin Künstler der jüngeren
Generation, soweit sie im Ausstellungsgeschehen
präsent sind. Das AKL ist ein
Nachschlagewerk primär in Bibliotheken.
Es dient der ersten Orientierung zu einem
Künstler und teilt mit, wo sich weitere Informationen
zu ihm finden. Hier könnten
dann die drei anderen Bücher weiterhelfen.
Allgemeines Künstlerlexikon. Die Bildenden
Künstler aller Zeiten und Völker, zuletzt: Bd.
77 (Iza-Jer), 540 S. ohne Abb., Hardcover,
geb., 24 x 17 cm, de Gruyter, 279,- Euro
www.occhio.de
Frank Marschang e.K., Karlstrasse 37, 42105 Wuppertal
Tel 0202-24 43 440, www.lichtbogen-wuppertal.de
Di – Fr 10 –18 Uhr und 14 –18.30 Uhr, Sa 11–16 Uhr
79

Geschichtsbücher, Buchgeschichten
Vorgestellt von Matthias Dohmen
Ein Glücksfall.
Zum Start ausgewählter Werke in Einzelausgaben
legt der renommierte Göttinger
Wallstein-Verlag den Band „Der Knabe
Hüssein und andere Erzählungen“ von
Armin T. Wegner vor. Der gebürtige
Elberfelder, Jurist von Beruf, war in der
Weimarer Republik ein beachteter Autor,
schrieb 1933 Adolf Hitler einen Brief,
in dem er gegen die Judenverfolgung
protestierte, was ihm den Aufenthalt in
mehreren Konzentrationslagern einbrachte,
stand 1947 beim ersten Nachkriegs-
PEN-Kongress auf der Totenliste und
starb 1978 in Italien, wohin er 1934
exilieren konnte.
So richtig kam dieser große Poet im
Nach-1945-Deutschland nicht mehr auf
die Beine, weder im Osten noch im Westen.
Um so verdienstvoller ist die Arbeit
der Armin-T.-Wegner-Gesellschaft unter
ihrem rührigen Vorsitzenden Ulrich Klan
und das Engagement der Stadtsparkasse
Wuppertal, welche die Publikation finanziell
unterstützt hat. Die späte Rückkehr
eines Schriftstellers, dessen Werke 1933
auf dem Scheiterhaufen brannten.
Armin T. Wegner, Der Knabe Hüssein und
andere Erzählungen, Göttingen: Wallstein
2012. 311 S., 29,90 Euro
Ein Schwarzbuch.
Auch die Kemna ist auf der „Übersichtskarte
über die Konzentrationslager, Zuchthäuser
und Gefängnisse“ des Reprints des Buchs
„Das deutsche Volk klagt an. Hitlers Krieg
gegen die Friedenskämpfer in Deutschland
– Ein Tatsachenbericht“ verzeichnet. 1936
erschien das Werk mit Hunderten Fotos, Dokumenten
und Faksimiles in Straßburg. Heute
weiß man, dass die anonym erschienene
Dokumentation aus der Feder von Maximilian
Scheer alias Walter Schlieper stammt, der
im benachbarten Haan (und nicht Hahn,
wie es etwa auf S. 393 heißt) zur Welt kam.
Im Anhang finden sich biographische Skizzen
zu Willi Münzenberg und zu Scheer
sowie die Lagerordnung und die Disziplinarordnung
des Konzentrationslagers Esterwegen,
das wegen des Moorsoldatenliedes
vielen Antifaschisten ein Begriff ist. In den
mit dem 1. 8. 1934 datierten Dokumenten
heißt es, jedem „Schutzhaftgefangenen“ werde
Gelegenheit gegeben, entweder seine „innere
Einstellung gegen Volk und Vaterland“
zu ändern oder „für die schmutzige 2. oder
3.“ (vulgo die sozialdemokratische oder die
kommunistische) „Juden-Internationale
eines Marx oder Lenin zu sterben“.
Das deutsche Volk klagt an. Erweiterter Reprint
der in Deutsch erschienenen Originalausgabe,
Hamburg: Laika 2012. 405 S., 24,90 Euro
Ein Mythos wird entschleiert.
Den „Weltkrieg als Erzieher“ analysiert
Arndt Weinrich. Darin setzt er sich
ausführlich mit dem Langemarck-Mythos
auseinander, der als „Sieg der deutschen
Kultur“, als ein Triumph der „Ideen
von 1914“ über die „Ideen von 1789“
verkauft wurde (S. 248) und die faschistische
Ideologie der „Volksgemeinschaft“ zu
begründen half.
Der Zweck heiligt die Mittel: Heute
wissen wir, dass die „jungen Regimenter“
tatsächlich mehrheitlich aus gedienten
Männern bestanden und auch der Kern
des Langemarck-Mythos, der Gesang des
Deutschlandlieds beim Sturmangriff, „mit
großer Sicherheit nicht den historischen
Tatsachen“ entspricht sowie überdies,
alles in allem, der „Sieg von Langemarck“
militärisch-operativ belanglos war.
Weimar hieß der Feind: Die Feiern zum
11. November 1914 „lieferten mit dem
Bild der idealistischen ‚Opferjugend’ eine
heroische Gegenfolie zur November-
Revolution“ (S. 249).
Arndt Weinrich, Der Weltkrieg als Erzieher.
Jugend zwischen Weimarer Republik
und Nationalsozialismus, Essen: Klartext
2013 (= Schriften der Bibliothek für
Zeitgeschichte – Neue Folge, 27). 351 S.,
39,95 Euro
80

Kulturnotizen
Kunstmuseum Ahlen
Eduard Micus: Retrospektive
Malerei, Arbeiten auf Papier, Objekte
Ausstellung bis zum 5. Mai 2013
Eduard Micus: Fiesta Nr. 63, 1986, Acryl,
Papier auf Leinwand, 228 x 230 cm
© Nachlass Eduard Micus
Mit vielen seiner Werke versuchte der
1925 in Höxter geborene Eduard Micus
einen „Akkord des Kontrastes“ zu erzeugen.
Häufig teilte er seine Bilder in zwei Hälften,
von denen er eine mit Formen anfüllte, die
andere aber leer ließ. „Die Stille macht das
Gestörte stärker und das Gestörte oder Zerstörte
das Stille stiller, oder einfach: das eine
ergänzt das andere – beide Hälften ergeben
ein Ganzes“, schrieb der Künstler dazu in
einem Katalogtext von 1996. Das Prinzip
der Bildteilung, das Micus bereits Anfang
der 1950er Jahre entwickelte, behielt er bis
zu seinem Lebensende im Jahr 2000 bei
und veränderte es immer wieder aufs Neue.
Mit diesen „Kontrastkompositionen“
hat Eduard Micus einen einzigartigen
Beitrag zum Kunstgeschehen der deutschen
Nachkriegszeit geleistet. Als Grenzgänger
zwischen informeller und konstruktiver
Kunst stellte er sich bewusst an den Rand
wechselnder Moden des Kunstbetriebs.
Besonders seit seinem Umzug nach Ibiza
1972 nahm er buchstäblich Abstand zu
den Zentren der Kunst in Deutschland.
Die Retrospektive im Kunstmuseum Ahlen
unternimmt mit rund 100 Exponaten eine
umfassende Würdigung seines Werkes. Gezeigt
werden Malerei, Arbeiten auf Papier
und Objekte aus allen Schaffensphasen.
Mitte der 1940er Jahre kam Micus
durch Reinhard Schmidhagen, einem
Schüler von Käthe Kollwitz, zur Malerei.
Zunächst war er der impressionistischen
Malweise verhaftet, dann spürte er dem
Expressionismus nach, bevor er sich als
Schüler von Willi Baumeister an der
Kunstakademie Stuttgart (1948-1952) von
überkommenen Bildvorstellungen löste und
zu einer abstrakten Bildsprache gelangte.
Micus konzentrierte sich dabei zunächst
auf eine weitgehende Abkehr von der Form
zugunsten farblich einheitlicher Bildflächen.
1962 entwickelte er die so genannten „Coudragen“,
überwiegend weiße Leinwände,
die durch eine senkrechte Naht deutlich
sichtbar miteinander verbunden sind. Als
Mitglied der Künstlergruppe SYN (1965-
1970), zu der Klaus Jürgen-Fischer, Erwin
Bechtold, Bernd Berner und Rolf-Gunter
Dienst gehörten, strebte Micus eine Verbindung
der gegensätzlichen Ausdrucksweisen
von informeller und konstruktiver Kunst
an. Nach Jahren des angewandten Schaffens
für namhafte deutsche Zeitschriften und
Verlage siedelte Micus 1972 mit seiner Frau
nach Ibiza über. Dort experimentierte er
mit unterschiedlichsten Materialien und
bildnerischen Mitteln. Phasen zurückhaltender,
eher konstruktiver Bildlösungen
wechselten mit solchen, in denen eine
überbordende, zur Auflösung neigende
Gestaltung überwiegt, so dass im unermüdlichen
Schaffen ein facettenreiches Werk
entstanden ist.
Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher
Katalog im Wienand-Verlag (Hrsg.
Burkhard Leismann) mit zahlreichen
Abbildungen und Beiträgen von Stephan
N. Barthelmess, Susanne Buckesfeld, Erich
Franz und Ulrike Schaz.
Öffnungszeiten: Mi-Fr 14 -18 Uhr, Sa,
So, Feiertage 11 - 18 Uhr, Mo, Di geschl.
Kunstmuseum Ahlen
Museumsplatz 1 / Weststraße 98
59227 Ahlen, Tel.: 0 23 82 / 91 83 0
www.kunstmuseum-ahlen.de
Kreativ50plus
Lesen oder musizieren?
Literaturcafé und Bergische Orchestertage
bei kreativ50plus
Im Mai lädt die Akademie Remscheid
im Rahmen des Programms kreativ50plus
zweimal zum Mitmachen ein.
Das 2. Literaturcafé am Samstag, den 4.
Mai richtet sich an alle, die gerne schrei-
ben. Sie sind eingeladen, sich vom diesjährigen
Thema Mut inspirieren zu lassen.
Im Literaturcafé können Interessierte in
gemütlicher Atmosphäre ihre Geschichten,
Gedichte oder Essays vortragen. Aber auch
zum Zuhören und Austauschen im Literaturcafé
melden Sie sich bei der Akademie
Remscheid unter www.kreativ50plus.de an.
Ein paar Tage später, vom 8. bis 12.Mai
können Spätberufene und Wiedereinsteiger
bei den bergischen Orchestertagen
musizieren. Der Kurs richtet sich an Menschen,
die erst spät begonnen haben, ihr
Orchesterinstrument zu erlernen oder die
nach Jahren Pause die Freude am gemeinsamen
Musizieren wiederentdeckt haben.
Orchestererfahrung ist keine Voraussetzung.
Geübt und im Abschlusskonzert
am Sonntag vorgetragen wird die Sinfonie
Nr. 8, die „Unvollendete“ von Schubert.
Besetzung: Flöten, Oboen, Klarinetten,
Fagotte, Hörner, Trompeten, Posaunen
und Streicher.
Beide Veranstaltungen finden statt in der
Akademie Remscheid, Küppelstein 34.
Weitere Informationen unter:
www.kreativ50plus.de oder telefonisch
unter 02191-794 212.
81

Kulturnotizen
Ein gelungenes Zusammenspiel
„GERMAN SONG“, ein Multimedia-
Stück von Heiner Bontrup
Mit der „freien Szene“ zusammenzuarbeiten:
Das ist eine der Anforderungen,
die an die Kandidaten für die nächste
Schauspielintendanz in Wuppertal gestellt
werden. „GERMAN SONG“, ein
Multimedia-Gastspiel im Kleinen Schauspielhaus,
hat jetzt daran erinnert, daß das
schon geschieht – und daß der Vorwurf an
die bisherige Leitung, solche Kontakte versäumt
zu haben, schief ist; wie so mancher.
Heiner Bontrup, Wuppertaler Autor
und Kulturjournalist, hat gemeinsam mit
Ulrike Müller den Abend konzipiert; und
zur Realisierung zusammengekommen
sind: Die Musiker Dietrich Rauschtenberger
und Charles Petersohn, die Schauspieler
Caroline Keufen, Ralf Grobel und Andreas
Ramstein, die Schülerin und Sprecherin
Faith Iyere, die Videokünstlerin Wasiliki
Noulesa, die Tänzerin Chrystel Guillebaud.
Was dann das Publikum durch diese
Vielfalt erlebt (sofern man denn die enorme
Schlange an der Kasse noch glücklich mit
einer Karte in der Hand verlassen hat): Das
ist ein stark aufs Atmosphärische setzendes
Programm um Gewalt und Verantwortung
– ausgehend von literarischen Texten
von Else Lasker-Schüler, Paul Celan und
Gottfried Benn.
Wenn genre-übergreifende Kunst mehr
sein will als eine Collage, kann sie ein
verbindendes Gerüst gebrauchen. Und das
ist heute „Am Beispiel meines Bruders“ von
Uwe Timm, die autobiografische Erzählung
zur Verarbeitung der Naziverbrechen
anhand der Vergangenheit von Timms
Bruder in der Waffen-SS. Akustisch – visuell,
textlich – tänzerisch: Was die einzelnen
beteiligten Künstler heute zeigen, gruppiert
sich um Auszüge dieses Berichts, den an
Stelle des erkrankten Hans Richter der
Schauspieler Ralf Grobel liest.
Ständig präsent sind dabei die Beiträge
von Noulesa, Rauschtenberger und
Petersohn: Die Videokünstlerin wechselt
abstrahierte Aufnahmen aus der Natur ab
mit Personenportraits; und für die volle
Wirkung der Projektionen nutzt sie die
hintere Wandfläche in ganzer Breite. Dietrich
Rauschtenberger, als Pionier des Free
Jazz sicher mit der namhafteste Teilnehmer,
arbeitet mit Schlagwerk und Gongs in
verschiedenen Größen; er wirkt spielerisch
dabei und doch genau abgestimmt auf
all das, was sonst noch passiert auf der
Bühne. Gleiches gilt für Charles Petersohn,
Produzent, DJ und musikalischer Leiter des
Abends, der seine Klänge unauffällig, aber
durchgängig einmischt ins Geschehen.
Und es ist ja immer das Zusammenwirken,
das (neben dem Text-Gerüst)
eine Kooperation verschiedener Künste
unterscheidet von einer bloßen Revue aus
Einzeltalenten. Bei GERMAN SONG
mag sich tatsächlich ein Gesamteindruck
zwischen den Akteuren einstellen: Während
etwa Caroline Keufen vor besagtem Hintergrund
Passagen aus Celans „Todesfuge“
spricht, im Wechsel mit der 17-jährigen
Faith Iyere, die diese selbst [in die Sprache
ihrer afrikanischen Heimat?] übersetzt hat:
Da schwenkt Chrystel Guillebaud, zuvor
gestenreich in Bewegung, zuvor plötzlich
um und kauert sich auf den Boden – wie
ein trauernder Friedhofsengel? Vielleicht.
Vielleicht auch ganz anders. Kunst, die so
stark ans Unterbewußte appelliert wie der
heutige Abend, ist ja prädestiniert fürs freie
Assoziieren.
Neben solch inszenierter Kombination
der Künste ist auch spannend zu beobachten,
wie die Akteure aufeinander reagieren,
wenn eine der Kunstformen gerade „Pause
hat“. Etwa wenn Rauschtenberger an
seinen Instrumenten sichtbar „mitgeht“
mit all der Bewegung vor ihm. Oder
Stichwort „Lili Marleen“: jener Schlager,
den die Militärpropaganda zur Hymne des
deutschen Soldaten machte und der in Europa
und Nordafrika an allen Fronten lief.
Als die Melodie erklingt, wie eine zynische
Begleitmusik zum Tun auch von Timms
Bruder: Da hören Faith Iyere, die schwarze
junge Frau, ebenso zu wie Petersohn, der
jetzt einen Judenstern trägt: wach, aber
stumm.
Menschen aus verschiedenen Hintergründen,
die sich durchaus auch etwas
fremd bleiben dürfen: Das ist es wohl, was
den Reiz eines freien Projekts wie GER-
MAN SONG zum Gutteil ausmacht, wo
Kultur, Information und Unterhaltung im Internet
Täglich neu – mit großem Archiv
Literatur – Musik – Bühne – Film – Feuilleton – Museen – Comic – Fotografi e – Reise
Unabhängig, werbefrei und ohne Maulkorb
www.musenblaetter.de
82

die Akteure in dieser Konstellation nur zu
diesem Anlaß zusammenkommen. Mit
ihrem Ad-hoc-Charakter sind sie so gesehen
ja schon vom Ansatz etwas anderes als ein
Ensemble-Stadttheater (mit seinen eigenen
Vorzügen). Schön, wenn ein Theater sich
dem öffnet, wenn es denn paßt – wie heute.
Zur Offenheit der Bühnen Richtung Szene
nimmt Charles Petersohn auch Noch-
Intendant Christian von Treskow entschieden
gegen Vorwürfe in Schutz: „Er hat den
Kontakt zur Stadt, also zur freien Szene und
deren Community angestoßen. Er hat jeden
eingeladen, etwas zu realisieren, der etwas
Professionelles zu bieten hat.“
Martin Hagemeyer
kunsthochdrei
Die erfolgreiche Reihe „kunsthochdrei“
geht in eine neue Runde.
Die fünf bevorstehenden Programme aus
Musik, Literatur und Bildender Kunst
werden anders als bisher sämtlich im Von
der Heydt-Museum stattfinden. Weitere
Neuerung – und etwas paradox zur ersten:
Bei zweien der Veranstaltungen wird, trotz
des Ortes, nicht die Bildende Kunst im
Zentrum stehen.
Am 24. April ist der Ausgangspunkt
für das Treffen der Künste ein literarischer
Anlaß: der 250. Geburtstag von Jean Paul.
Jean Paul 1763 – 1825
Um die „Selberlebensbeschreibung“ des
Schriftstellers, gelesen einmal mehr von
Bernt Hahn, werden sich der Vortrag
zu Klassizismus und Biedermeier in der
Sammlung des Museums wie auch die
Musik von Robert Schumann thematisch
gruppieren. Ähnliches gilt für einen weiteren
gewichtigen Geburtstag dieses Jahres:
Zu 200 Jahren Richard Wagner gibt es am
5. Juni in erster Linie Musik des Komponisten
zu hören, mit Stefanie Krahnenfeld
(Sopran) und Jan Ehnes (Klavier), dazu
eine Einführung zu Wagner in der Bildenden
Kunst und Thomas Manns „Reden zu
Richard Wagner“.
Die drei weiteren Termine von „kunsthochdrei“
gehen indes wie bisher vom
Museum und damit von Schätzen der
bildenden Kunst aus. Den Anfang macht
am 6. März „Das Herz des Museums“:
die Einführung zur Sammlung des Hauses
durch Direktor Dr. Gerhard Finckh selbst,
während die gefeierte Schauspielerin
Barbara Nüsse, gerade 70 geworden, Thomas
Bernhard über „Alte Meister“ ätzen
läßt und Beethoven, vermutlich weniger
kon trovers, den musikalischen Teil des
Abends bestreitet. Und die neue Ausstellung
der Sammlung Jean Gigoux gibt
den vorerst letzten zwei „kunsthochdrei“-
Ausgaben ihr Gepräge: Am 4. September
geht es um den selbst malenden Sammler
und seine „Goldmedaille im Salon 1835“;
musikalisch wird dazu Felix Mendelssohn
Bartholdy zu hören sein, literarisch
Gustave Flaubert. Diese hochkarätige
Sammlung selbst wird schließlich am 16.
Oktober näher vorgestellt; Florence Millet
wird mit Debussy wieder am Klavier
das Treffen der Künste mitgestalten und
Bernd Kuschmann aus Viktor von Scheffel
lesen.
Es moderieren jeweils die Journalistin
Anne Linsel, Prof. Dr. Lutz-Werner Hesse
oder Hausherr Dr. Gerhard Finckh.
Erfolgversprechend also auch im
fünften Jahr die Reihe „kunsthochdrei“,
die dem Museumsdirektor ganz offensichtlich
eine Herzensangelegenheit ist:
Finckh ist es wichtig, daß man auch ins
Museum gehe, „um etwas zu lernen“, und
der Zuspruch der so gesehen lernwilligen
Besucher der Reihe zeigt ihm: „Diese
Synthese spricht die Menschen an.“
Prof. Dr. Lutz-Werner Hesse ist
hauptamtlicher Dozent, heute Professor,
der Hochschule für Musik und Tanz Köln
am Standort Wuppertal für die Fächer
Musikwissenschaft, Musiktheorie/Tonsatz
und Gehörbildung. Seit 2009 ist er Geschäftsführender
Direktor des Standorts
Wuppertal
Martin Hagemeyer
Müllers Maronetten-Theater
Des Kaisers neue Kleider
Theatermärchen von Günther Weißenborn
Manche Kleider sehen eben nur die
klugen Leute, behaupten deren Hersteller.
Na, wer will schon dumm sein? Also sind
alle von den neuen Kleidern des Kaisers
begeistert. Nur der kleine Mario, der lässt
sich nicht täuschen. Und wird deshalb
am Ende der Freund und Ratgeber des
Kaisers.
Aufführungstermine:
20., 21., 28. 4., 1., 4., 9. 5. jeweils 16.00
Uhr und am 24. 4. um 11.00 Uhr
Der Räuber Hotzenplotz
von Otfried Preußler
Hotzenplotz ist ein gemeiner Räuber.
Nicht einmal der Oberwachtmeister
Dimpfelmoser konnte ihn bislang fassen
und so klaut der Räuber, was er nur kann.
Als er eines Tages sogar der Oma die Kaffeemühle
raubt, beschließen Kaspar und
Seppel, den Dieb zu fangen. Dabei lassen
sie sich auf ein grosses Abenteuer ein!
Aufführungstermine:
9., 11, 20., 26., 30. 5., jeweils 16.00 Uhr
und am 15. 5. um 11.00 Uhr
26. 4. Wiederaufnahme: Der Vogelhändler
– Operette von Carl Zeller
24. 5. 30 Jahre Müllers Marionetten-Theater
– 20 Jahre Theater am
Neuenteich – Jubiläums-Varieté
www.muellersmarionettentheater.de
83

Kulturnotizen
Sa13. 4. 2013, 19:30Uhr //// Opernhaus
Don Quichotte
//// Heroische Komödie in fünf Akten
Jules Massenet, Dichtung von Henri Cain
nach dem Schauspiel Le chevalier de la
longue figure von Jacques Le Lorrain nach
Miguel de Cervantes Saavedra in französischer
Sprache mit deutschen Übertiteln.
1910 feierte Massenet den triumphalen
Erfolg der Uraufführung seiner letzten
Oper, die besonders die tragische Note
von Cervantes Roman betont. Zwischen
überschäumender Lebenslust und tiefer
Furcht vor Vergänglichkeit zeichnet der
Komponist feinfühlig-psychologisch seine
Protagonisten und führt in überwältigender
Klangpracht und feinster Instrumentationskunst
Grand Opéra und Opéra
comique zusammen.
24. 5. 2013, 19:30Uhr //// Premiere
Theater und Konzerthaus Solingen
Evita
//// Musical von Andrew Lloyd Webber
Libretto von Tim Rice
Schon zu Lebzeiten eine schillernde Legende,
erlangte Eva Perón nach ihrem tragisch
frühen Tod Kultstatus: aus ärmlichsten
Verhältnissen arbeitete sie sich durch ihre
Hochzeit mit General Perón in märchenhafter,
aber ebenso rücksichtsloser Art und
Weise zur First Lady Argentiniens empor.
Als Kämpferin für die Rechte des einfachen
Volkes wurde sie verehrt wie eine Heilige.
27. 4. 2013, 17:30Uhr
//// Premiere – JVA Wuppertal Ronsdorf
Macbeth – Schlaflos in Ronsdorf
//// Schauspiel nach William Shakespeare
Projekt mit der JVA Ronsdorf
Macbeth hält seinem König die Treue,
eigentlich. Aber er ist ein ehrgeiziger
Mann, will etwas machen aus seinem
Leben, das fordert auch seine Lady. Er soll
seinen Mann stehen. Angestachelt von
der Lady hilft Macbeth nach, beseitig den
König, und besteigt den Thron. Aber der
Tote gibt keine Ruhe. Überall wird geflüstert
und sogar der beste Freund wird zum
Problem. Er stellt Fragen, ist misstrauisch,
droht mit Verrat. Er mus weg, und auch
alle Anderen die einem irgendwann einmal
gefährlich werden könnten.
Mit jugendlichen Insassen der JVA
Wuppertal Ronsdorf wird Shakespeares
Tragödie als Kooperationsprojekt zwischen
der JVA Ronsdorf, der evangelischen Gefängnisseelsoge
des Kirchenkreises Wuppertalin
und den Wuppertaler Bühnen in den
Räumen der JVA auf die Bühne gebracht.
29. 5. 2013 20:00Uhr
//// Kleines Schauspielhaus
Viel Lärm um Nichts
//// Integratives Theaterprojekt nach
William Shakespeare
»Ich erlebe es noch, dich einmal ganz
blass vor Liebe zu sehen«, so Don Pedro zu
Beatrice. Vor Hunger vielleicht, entgegnet
diese und ganz bestimmt auch vor Zorn,
aber niemals vor Liebe. Von der hält die
spöttische Beatrice nämlich gar nichts und
Männer sind ihrer Meinung nach völlig
entbehrlich. In Zusammenarbeit mit:
Tanztheater Wuppertal Pina Bausch
Neueinstudierung
25., 26., 27., 29., 30. April und 1. Mai
2013 ////
Vollmond
7., 8., 10., 11., 12. Mai 2013 ////
Sinfonieorchester Wuppertal
Konzerte April/Mai 2013
Fr 5. 4. 2013 | 20:00 Uhr, Stadthalle,
Großer Saal
Procol Harum
trifft das Sinfonieorchester Wuppertal
& die Kantorei Barmen-Gemarke
Jo Ann Endicot, Bénédicte Billiet,
Alexandros Sarakasidis & Safet Mistele,
Special Guest, David Firman, Dirigent,
Procol Harum, Musik
Manche Songs begleiten Dich ein
Leben lang... und einer dieser Songs ist
mit großer Wahrscheinlichkeit »A whiter
shade of pale« der Engländer Procol Harum.
Die meisten hatten es geahnt und
seit 2008 ist es sozusagen amtlich, einer
Rangliste der BBC zufolge ist »A whiter
shade of pale« der meistgespielte Radiotitel
weltweit.
Deutschlandweit einmalig ist es nun
gelungen, Procol Harum zusammen mit
dem Sinfonieorchester Wuppertal und der
Kantorei Barmen-Gemarke an zwei Tagen
auf die Bühne zu bringen. Tänzerisch begleitet
wird das ca. 140-köpfige Ensemble
dabei von Jo Ann Endicott, Bénédicte
Billiet, Alexandros Sarakasidis und Safet
Mistele mit einem Ausschnitt aus „Kontakthof
für Jugendliche".
8. 4. 2013 | 20:00 Uhr | Stadthalle,
Mendelssohn Saal
5. Kammerkonzert
14. 4. 2013 | 18:00 Uhr
Stadthalle, Großer Saal
Orgel-Akzente (4)
28. 4. 2013 | 11:00 Uhr
Stadthalle, Großer Saal
8. Sinfoniekonzert
29. 4. 2013 | 20:00 Uhr
7. 5. 2013 | 10:00 Uhr
Stadthalle, Großer Saal
3. Schulkonzert
Mit Mozart zum Jupiter
7. 5. 2013 | 12:00 Uhr
13. 5. 2013 | 20:00 Uhr
14. 5. 2013 | 12:00 Uhr
20. 5. 2013 | 18:00 Uhr
Stadthalle, Mendelssohn Saal
6. Kammerkonzert
14. 5. 2013 | 10:00 Uhr
Stadthalle, Mendelssohn Saal
4. Chorkonzert
im Skulpturenpark Waldfrieden, Wuppertal
Freitag, 12. April, 19 Uhr, Pavillon
Anja Lechner & François Couturier
Impressions intimes
Anja Lechner, Cello | François Couturier,
Klavier
Die musikalische Affinität zwischen Anja
Lechner und François Couturier ist durch
ihr Zusammenspiel im Tarkovsky Quartet
längst deutlich geworden. Im Duo spannen
die deutsche Cellistin und der französische
84

Pianist einen weiteren musikalischen Bogen,
indem sie Stücke von G.I. Gurdiieff,
Frederic Mompou und Anouar Brahem
interpretieren, aber auch Kompositionen
von Couturier spielen.
Anja Lechner, François Couturier Foto:
Nadia Romanini
Freitag, 31. Mai, 19 Uhr, Pavillon
Aki Takase & Louis Sclavis
Yokohama
Aki Takase, Klavier | Louis Sclavis, Klarinette,
Bassklarinette, Sopransaxofon
Louis Sclavis ist einer der innovativsten
Musiker des europäischen Jazz. Im Duo
mit der herausragenden Improvisationskünstlerin
Aki Takase entwickelt sich ein
aufregender Dialog. Die beiden finden sich
in einem Balanceakt freier Improvisation,
der ihre Kompositionen und musikalischen
Welten verbindet.
Louis Sclavis, Aki Takase
Vorverkauf über westticket.de, an allen
Vorverkaufsstellen und im Skulpturenpark.
Am Dinner in der Villa Waldfrieden kann
man nur nach Voranmeldung teilnehmen.
Info und Reservierung über T 2501630
bzw. event@skulpturenpark-waldfrieden.de.
Friedrich-Spee-Akademie
Remscheid
• Die Akademie möchte in Kooperation mit
anderen Institutionen durch Kultur- und
Bildungsangebote den Menschen in der
zweiten Lebenshälfte Anregungen geben,
ihr Leben aktiv und lebendig zu gestalten
• Sie möchte dazu beitragen, dass sich die
wachsende Gruppe der älteren Bürger (innen)
am gesellschaftlichen Dialog beteiligt
• Das Angebot soll Anregungen geben für
diejenigen Mitbürger, die durch Engagement
und Aktivität als Teilnehmer,
Mitarbeiter und Referenten ihr Leben
nach ihrer Arbeitszeit als glücklichen
„Unruhestand“ gestalten wollen
• Miteinander den gesellschaftlichen
Dialog suchen.
Weitere Informationen und Programm:
http://www.fsa-online.eu/
Ausstellungen in Wuppertal
Renate Horn – Farbimpressionen
Acrylbilder der Wuppertaler Künstlerin
Renate Horn, Färberei, Stennert 8. Noch
bis zum 27. April
Die eine Kunst begleitet sie seit ihrer
Ausbildung, die andere entdeckte sie eher
zufällig für sich: Die Wuppertalerin Renate
Horn (53) hat sich sowohl der Musik als
auch der Malerei verschrieben. War die Musik
mehr als 20 Jahre lang auch beruflich der
Lebensinhalt der gelernten Lehrerin für Musik
und katholische Religion, so hat sie sich
der bildenden Kunst erst nach einem harten
Einschnitt in ihren Lebenslauf verschrieben.
Heute unterrichtet die Mutter von
Renate Horn
zwei Kindern nicht mehr, sondern lebt und
arbeitet als freischaffende Künstlerin. Musik
und Malerei sind für Renate Horn Wege,
ihren positiven Emotionen Ausdruck zu
verleihen: „In beiden Bereichen gehe ich
zum Inneren und zeige meine Seele“, sagt
die Künstlerin. Malerisch nutzt Horn dabei
verschiedene Stile und Techniken, vor allem
Acrylmalerei und Mischtechnik.
Gisela Kettner – Einfach nur Farbe
„Einfach nur Farbe“ – das Motto der
derzeitigen Ausstellung von Gisela Kettner
spiegelt sich schon auf den ersten Blick in
den Räumen des K1-Artcafés. Dort können
bunte Malereien begutachtet werden, von
denen manche sogar von der Decke hängen.
Sofort fällt die bunte Mischung der
(oft geometrischen) Formen und Farben
auf, die diese Ausstellung kennzeichnet –
die hellen, kräftigen Töne geben Hoffnung
auf einen baldigen Frühling.
„Einfach nur Farbe“ ist bis zum 23.
April im K1-Artcafé, Oststraße 12, zu
sehen – dienstags bis samstags von 17
bis 22 Uhr. Montag und Sonntag sind
Ruhetage.
Die sieben Schönheiten
der Wichlinghauser Straße
Die Ausstellung im Heine-Kunst-Kiosk,
Wichlinghauser Str. 29a, Wuppertal-
Oberbarmen ist noch bis zum 27. April
zu besichtigen – und/oder nach tel. Verabredung:
0202/475098 und 02191/73162
In Zusammenarbeit mit dem Bürgerforum
Oberbarmen e.V. und der Stadt
Wuppertal, vertreten durch Jutta Schultes,
Projektkoordination Soziale Stadt, wurde
dieses Fotoprojekt mit acht Jugendlichen
durchgeführt.
Sichtbar werden in der Vielfalt der
eingereichten 56 Fotos: Verwahrlosung,
Ordnung, Verletzung, Verfall, Schönheit
Weitere Ausstellungen der Fotografien
in Wuppertal sind in Vorbereitung. Kontakt:
Barbaraheld@netic.de und Boris.meissner@
freenet.de
Franziska, 13
Heine-Kunst-Kiosk: www.b-held-kunst.de
und www.bbk-bergischland.de
85

Kulturnotizen
Museum Ludwig Köln
Saul Steinberg: The Americans
noch bis zum 23. Juni 2013
Das Museum Ludwig zeigt erstmals
seit ihrer Entstehung zur Weltausstellung
in Brüssel im Jahre 1958 die vollständige
Wandarbeit The Americans von Saul Steinberg
– eine 70 Meter lange Collage.
Ergänzt wird die Präsentation durch
thematisch verwandte Zeichnungen und
Collagen aus den fünfziger Jahren sowie
zahlreiche Zeitschriftenillustrationen des
Künstlers, der die Grenzen zwischen freier
und angewandter Kunst immer wieder in
Frage stellte.
Der in Rumänien geborene Zeichner
und Karikaturist Steinberg (1914-1999)
emigrierte nach einem Architekturstudium
in Mailand in den frühen vierziger Jahren
nach New York, wo er vor allem mit seinen
Covergestaltungen für die Zeitschrift New
Yorker schon früh bekannt wurde.
www.museum-ludwig.de
The Americans. Main Street - Small Town
(Detail), 1958, Collage aus Packpapier, Tapete,
ausgeschnittenen und -gerissenen illustrierten
Zeitungsseiten, Klebeband, Wachskreide,
Pastell, Öl auf bedrucktem Fotopapier,
geklebt auf Karton und auf doppelt-dicker
Triplex-Platte befestigt, 24 Tafeln je 300 x 90
cm, 1 Tafel 300 x 44 cm Musées royaux des
Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles, The Saul
Steinberg Foundation / VG Bild-Kunst 2013
Variante der Titelfotografie der Vogue US,
15. März 1945 „Do your part for the red cross,
Digitaler C-Print, The Estate of Erwin Blumenfeld
(Henry und Yorick Blumenfeld)
Museum Folkwang Essen
Blumenfeld Studio
Farbe, New York, 1941 – 1960
bis zum 5. Mai 2013
Der in Berlin geborene Fotograf Erwin
Blumenfeld (1897–1969) zählt in den
1940er und 1950er Jahren zu einem der
international gefragtesten Porträt- und Modefotografen.
Aufgrund seiner ideenreichen
und eigenwilligen Bildschöpfungen wird er
von den führenden amerikanischen Magazinen,
wie Vogue, Harper’s Bazaar, Life und
Look engagiert. Die Werkschau veranschaulicht
die bislang kaum bekannte Geschichte
seines Fotoateliers am 222 Central Park
South in New York. Rund einhundert Farbaufnahmen,
Vintage-Abzüge in Schwarzweiß
sowie Orginalausgaben von Erwin
Blumenfelds Arbeiten in Modezeitschriften
geben Einblicke in diese für sein Werk bedeutende
künstlerische Phase. Zugleich stellt
die Ausstellung die methodische Frage nach
einer digitalen Rekonstruierbarkeit wichtiger
Formen analoger Fotografie wie es Blumenfelds
großformatige Ekta-Aufnahmen
darstellen.
Konrad Klapheck, Foto: Wolfgang Günzel
Museum Kunstpalast Düsseldorf
Konrad Klapheck
26. April – 4. August 2013
Das Museum Kunstpalast beleuchtet
mit einer Retrospektive das Werk eines
international bekannten Protagonisten der
Düsseldorfer Kunstszene: Konrad Klapheck
(*1935). Die gegenständliche Malerei
des seit den 1960er Jahren international
etablierten Künstlers lässt sich mit keiner
anderen vergleichen. Sein Werk bleibt eine
Ausnahmeerscheinung, seine Arbeiten -
mal dem Surrealismus, mal der Pop Art
zugeordnet - wurden bereits zu Lebzeiten
Klassiker. Bekannt geworden sind vor allem
seine Maschinenbilder, die er monumental
und überpräzise nachbildet, so dass
sie bedrohlich auf den Betrachter wirken
können. Seit 1997 erscheint die menschliche
Figur im Werk von Klapheck, meist
in erotischen Interieurs und in Porträts
berühmter Jazzmusiker.
Museum Kunstpalast, Kulturzentrum
Ehrenhof, Ehrenhof 4-5, 40479 Düsseldorf
www.smkp.de
The Americans. Downtown - Big City, 1958
Collage, 6 Tafeln je 300 x 90 cm, © The Saul
Steinberg Foundation / VG Bild-Kunst 2013
Erwin Blumenfeld – Rage for Colors
publiziert in Look, 15. Oktober 1958,
© The Estate of Erwin Blumenfeld
Die gekränkte Braut, 1957, Öl / Leinwand,
50 x 61 cm, im Besitz des Künstlers © Konrad
Klapheck, VG Bild-Kunst, Bonn 2013
86

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