kult! Tipp-Kick (Vorschau)

kult! 

www.goodtimes-magazin.de 

60er · 70er · 80er 

D: € 6,50 

Österreich € 7,50 

Luxemburg € 7,50 

Schweiz CHF 12,70 

Ausgabe 1/2014 (Nr. 9) 

mit 

Poster 

mit 

DVD! 

Catherine Deneuve 

DT-Control 

geprüft: 

Nicht jugendbeeinträchtigend 

Bilitis 

Catweazle · Captain Future · James Bond 

· Das Jahr 1973 · Michael Landon · Abi Ofarim · Olsenbande

AUS DER TV-WERBUNG! 

3 CD-BOX 

AUCH DIGITAL ERHÄLTLICH 

DAS ORIGINAL 

ZUR RTL NITRO SHOW! 

JETZT ÜBERALL ERHÄLTLICH! 

TV TIPP 

3 DVDs 

Formel Eins - 30 Jahre 

mit Peter Illmann 

ab 19.10. immer Samstag 

auf RTL NITRO

IMPRESSUM 

Anschrift: 

NikMa Verlag 

Fabian Leibfried 

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71665 Vaihingen/Enz 

Tel: 0 70 42/37660-160 

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Jens-Uwe Berndt, Horst Berner, Kirsten 

Borchardt, Lothar Brandt, Michael Fuchs- 

Gamböck, Hans-Jürgen Günther, Peter 

Henning, Christian Hentschel, Teddy Hoersch, 

Hugo Kastner, Andreas Kötter, Frank Küster, 

Bernd Matheja, Helmut Ölschlegel, Thorsten 

Pöttger, Alexander Querengässer, Philipp Roser, 

Roland Schäfl i, Oliver Schuh, Ulrich Schwartz, 

Eckhard Schwettmann, Christian Simon, 

Alan Tepper, Jörg Trüdinger, Claudia Tupeit, 

Uli Twelker, Peter Verhoff, Thomas Wachter, 

Jürgen Wolff 

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siehe Seite 71 

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kult! ist auf umweltfreundlichem, chlorfrei 

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nur mit der Zustimmung des Herausgebers 

gestattet. 

Gerichtsstand: Stuttgart 

Willkommen bei kult! 

Von den beiden griechischen Worten nostos" (Rück- oder Heimkehr) 

und algos" (Schmerz) leitet sich der Begriff Nostalgie ab. 

" 

" 

Der ist heute leider oft mit einem allzu negativen Beigeschmack 

belegt, den er gar nicht verdient – denn warum ist eine Rückkehr, 

eine Besinnung auf Vergangenes unbedingt etwas Schlechtes? ?Gerade in derart 

schnelllebigen Zeiten wie heute tut es manchmal gut, ein wenig innezuhalten, zurückzublicken, 

sich zu erinnern. Zumal der Mensch meist mehr und intensiver an 

schöne Erlebnisse zurückdenkt. Einfach um den Augenblick der Erinnerung zu genießen 

– oder aber auch, um daraus Kraft und Motivation für die Gegenwart und vor 

einem Liegendes zu schöpfen. 

Positive Nostalgie wollen wir Ihnen mit unseren kult!-Heften liefern: Ältere wollen wir 

an längst vergangene Zeiten und die Dinge erinnern, die diese zurückliegenden Ären ausgemacht 

haben. Jüngere können so erfahren, was ihre Eltern und Großeltern mit geprägt 

hat, womit diese ihre Jugend verbrachten, als es nur drei Fernsehkanäle, aber noch keine 

Computer, Handys und sonstige moderne Kommunikationsmittel gab. Unterstützung leistet 

hier auch die jüngste Tochter unserer Zeitschriften-Familie: Zu GoodTimes und kult! 

ist nun auch unsere neue Fernsehzeitschrift TVkult! getreten. Noch 

ein TV-Magazin auf einem ohnehin überfluteten Markt? Ja, denn 

wir meinen, dass die spezielle Ausrichtung der Neugründung dies 

rechtfertigt und angebracht erscheinen lässt. Denn TVkult! legt den 

Schwerpunkt auf Kultfilme und Kultsendungen der 30er bis 80er 

Jahre. Allzu oft gehen diese Klassiker in der Unübersichtlichkeit t 

der gängigen Programmzeitschriften unter. Wir wollen Sie damit 

auf besondere Filme, Serien und Sendungen wie Bonanza", High 

" " 

Chaparral", die Hitparade", Disco", Winnetou", Dick & Doof" 

" " " " 

gezielt hinweisen – also Werke und ihre Protagonisten, die wir in kult! l! vorstellen, weil sie 

längst Kultstatus genießen. 

Und auf noch etwas wollen wir Ihr Augenmerk richten: auf die DVD-Beilage. Auf ihr finden 

Sie satte 13.500 Titelbild-Abbildungen alter Science-Fiction- und Fantasy-Romane! 

Viel Spaß beim nostalgischen wie schmerzfreien Schmökern wünscht Ihnen 


-Herausgeber/Chefredakteur- 

mit 

Poster 

kult! Nr. 10 

erscheint am 17.4.2014 

GoodTimes 1/2014 ■ Seite 3

Ausgabe Oktober 2013 

1/2014 (Nr. 9) 

INHALT 

RUBRIKEN 

3 Editorial/Impressum 

4 Inhaltsverzeichnis 

5 Top 5: 80er Serien 

6 News from the past 

Altes neu ausgepackt 

21 kult! Shop 

25 kult! Verlosung 

71 kult! Abo-Bestellschein 

47 Elvis Presley/The Who 

Riesenposter 

31 DVD-Beilage 

13.500 Titelseiten-Abbildungen 

alter Science-Fiction- & Fantasy-Romane 

Seite 18 


60er · 70er · 80er 

Seite 14 

Seite 26 

14 Porsche 911 

Der Rennwagen für die Straße 

18 Bilitis 

Softsex unterm Weichzeichner 

20 Formel Eins 

Rückkehr auf den Bildschirm – 

zum 30-jährigen Jubiläum 

22 Literatur als Comic 

Von Homers Odyssee" bis 

Stieg Larssons " 

Millennium" 

" 

26 Mein Name ist Nobody 

Niemand zog schneller" – Leones Versuch, 

komisch 

" 

zu sein 

28 Matchbox Superfast 

Die Antwort auf die Hot Wheels 

32 Der Himmel ist leer 

Ufologen stecken in einer Krise 

34 Pan Tau 

Der Held aller Kinder 

36 Kultbücher 

Geschätzt, geliebt, gelobt 

38 Tipp-Kick 

Bei Knopfdruck Tor 

40 Johannes Mario Simmel 

Der Weltverbesserer" oder eine Empfehlung, 

" 

Johannes Mario Simmel wieder zu lesen 

42 Captain Future 

1980 noch ein Fall für die Zensur 

44 Blueberry 

Ein Westmann wird 50 

46 Catweazle 

Salmei, Dalmei, Adomei 

55 Sunkist 

Von der Sonne geküsst 

Seite 65 

Seite 62 

Seite 66 

Seite 82 

Seite 55 

Seite 34 

56 TV-Serien der 80er (Teil 3) 

Fernsehen mit Suchtgefahr 

60 Die Gladbach-Story 

Wie der " 

Fohlen"- Mythos zustande kam 

62 Hanni und Nanni 

Sardinenpicknick im Mondschein 

65 Asterix 

Neue Mentoren für die Gallier 

66 Fischertechnik 

Spielerisch zu technischer Präzision 

68 James Bond 

Made in Switzerland – Ein Wegweiser zu 

18 Bond-Locations in der Schweiz 

72 Grundig Kugellautsprecher 

Rundum-Schlag 

74 Das Jahr 1973 

Kein Öl, ein Klo, viel Klimbim 

78 Catherine Deneuve zum 70. 

Sexsymbol mit Understatement 

82 Mode-Serie – 60er Jahre (Teil 2) 

Zauberwort Vintage: 

Im 60s-Look durch das Heute 

86 Ben Sherman – 50 Jahre 

Der Stil der Subkulturen für den Mann 

88 Die Olsenbande 

Mächtig gewaltig! Die Bande gaunert 

sich durch Europa 

90 Abi Ofarim 

An die " 

Kinder von gestern" das Herz verloren 

92 Michael Landon 

Little Joe wird zum großen Star 

96 Zuckersüße Träume 

Kindheitserinnerungen 

aus Schoko und Karamell 

98 Joachim Fuchsberger 

Mit dem Frosch hat alles angefangen 

Seite 4 ■ GoodTimes 1/2014

TOP 5 


80 e r TV-Serien 

1. Formel Eins 

2. Dallas 

3. Magnum 

4. Alf 

5. Miami Vice 


1. Magnum 

2. Eine schrecklich nette Familie 

3. Alf 

4. Bill Cosby Show 

5. Die fliegenden Ärzte 

Oliver Schuh 

1. Remington Steele 

2. Fackeln im Sturm 

3. Mein Freund Winnetou 

4. Sledge Hammer 

5. Knight Rider 

Jens-Uwe Berndt 

1. Irgendwie und sowieso 

2. Der Fahnder 

3. Monaco Franze 

4. Alf 


Ulrich Schwartz 

1. Tatort 

2. Kir Royal 


4. Sketchup 


Horst Berner 


2. Ein Fall für Zwei 

3. Miami Vice 

4. Inspector Gadget 

5. Matlock 

Eckhard Schwettmann 

1. Tatort mit Schimanski 

2. Denver Clan 

3. Eine schecklich nette Familie 

4. Alf 

5. Miami Vice 

Lothar Brandt 

1. Dallas 

2. Magnum 

3. Tatort 

4. Ein Fall für Zwei 


Christian Simon 

1. Mit Schirm, Charme und Melone 

2. Solo für U.N.C.L.E. 

3. Immer wenn er Pillen nahm 

4. Cobra übernehmen Sie 

5. Department S 

Peter Henning 


2. Magnum 

3. Dallas 

4. Aktenzeichen XY ... ungelöst 

5. Ein Colt für alle Fälle 

Christian Stronczek 


2. Kir Royal 

3. Der Fahnder 

4. Tatort mit Schimanski 

5. Liebling Kreuzberg 

Teddy Hoersch 

1. Magnum 

2. Drei Engel für Charlie 

3. Quincy 

4. Raumschiff Enterprise – Das nächste Jahrhundert 

5. Die Profis 

Alan Tepper 

1. Miami Vice 

2. Hart aber herzlich 



5. Die Wicherts von nebenan 

Andrea Leibfried 

1. Captain Future 

2. Knight Rider 

3. Alf 

4. Magnum 

5. Miami Vice 

Jörg Trüdinger 

1. Alf 

2. Der kleine Vampir 

3. Die Fraggles 

4. Simon & Simon 

5. Remington Steel 

Thorsten Pöttger 

1. Hart aber herzlich 

2. Dallas 

3. Golden Girls 


5. Alf 

Claudia Tupeit 

1. Miami Vice 



4. Lindenstraße 

5. Meister Eder und sein Pumuckl 

Philipp Roser 

1. Raumschiff Enterprise – Das nächste Jahrhundert 

2. Muppet Show 

3. Lou Grand 

4. MacGyver 

5. Magnum 

Jürgen Wolff 

1. Magnum 

2. Rudis Tagesshow 


4. Miami Vice 

5. Eine schrecklich nette Familie 


2. Das Model und der Schnüffler 

3. Magnum 


5. Muppet Show 

Roland Schäfli 

GoodTimes 1/2014 ■ Seite 5 

Blank & Jones 

(DJ- und Produzenten-Team)

from the past 

EDITH PIAF 

Von Charles Dumont 

2013, edel Books 

ISBN 978-3-84190-230-6 

256 Seiten; 300 Abbildungen; 36,00 Ð 

Sie brauchte die Liebe. Sie sang nur gut, 

" 

wenn sie entweder überschwänglich oder gebrochen 

war", so charakterisierte der große 

französische Chansonnier 

und Schauspieler 

Yves Montand Edith 

Piaf. Ihr schicksalhaftes 

Leben, ihre ungewöhnliche 

Karriere begeistern 

bis heute die Massen, mit 

unbändigem Durchsetzungswillen 

gelang dem 

Spatz von Paris" der schwierige i Weg von 

" 

der Straßensängerin zum gefeierten Weltstar. 

Diesen Weg zeichnet dieser großformatige 

Bildband anhand von zahlreichen, teilweise 

sehr seltenen Archivbildern, handschriftlichen 

Dokumenten sowie Noten und Chansontexten 

nach. Die kommentierten Fotografien zeigen 

sie privat, auf der Bühne sowie mit prominenten 

Zeitgenossen wie Marlene Dietrich, 

Alain Delon, Yves Montand oder Georges 

Moustaki, mit den beiden Letztgenannten verband 

Edith Piaf auch eine private Beziehung. 

Am 10. Oktober diesen Jahres hat sich ihr 

Todestag zum 50. Mal gejährt, der passende 

Anlass für den französischen Autor und Komponisten 

Charles Dumont (von dem u.a. die 

Melodie von Piafs wohl berühmtesten Chanson, 

"Non, Je Ne Regrette Rien", stammt), mit 

diesem Bildband an eine einmalige Künstlerin 

zu erinnern. 

BONANZA 

DIE KOMPLETTE 10. STAFFEL 

Auch in der zehnten Staffel der erfolgreichen 

amerikanischen Westernserie Bonanza" lebt 

" 

Ben Cartwright (Lorne Greene) immer noch 

mit seinen Söhnen auf der Ranch Ponderosa. 

Pernell Roberts, der bis Folge 195 Sohn Adam 

spielte, war da schon aus der Serie ausgestiegen 

(in der Serie verließ er die Ponderosa, um in St. 

Louis Medizin zu studieren) und wurde durch 

David Canary in der Rolle des Candy ersetzt. 

In den 30 Episoden dieser Stafel (Folgen 304 

bis 333) erweitert die Serie ihr Spektrum, zeigt 

teilweise auch ungewohnte 

Seiten und wechselt die 

Kulisse – mal in eine 

Schneelandschaft, mal in 

die Wüste. Inhaltlich geht 

es neben den gewohnten 

Bonanza-Themen wie 

Viehdiebstahl, Selbstjustiz, 

Falschspieler, Betrug 

und Grenzstreitigkeiten auch mal um Dinge 

wie Naturschutz oder das Selbstbestimmungsrecht 

eigenwilliger Frauen. Wie gewohnt gibt 

es neben der deutschen Synchronisation auch 

eine Spur mit dem Originalton, eine Option, 

die dem Ganzen dann noch einen Schuss mehr 

Authentizität verleiht, mit der man noch tiefer 

in diese Kultserie eintauchen kann. 

(Studiocanal, 1973, 8 DVDs, 1456 Min.) 

LOUIS DE FUNÈS 

Von Marc Halupczok 

2013, U Books 

ISBN 978-393923-948-2 

237 Seiten; 14,95 Ð 

Tief verbeugt sich dieses 

Buch vor einer unsterblichen 

Legende! Der 

wohl liebenswürdigste 

Choleriker der Filmgeschichte, 

einer der 

größten französischen 

Komiker und – nicht zu 

vergessen – ein großartiger Schauspieler: Louis 

de Funès hat sich in rund 150 Filmen seinen 

Kultstatus redlich verdient. Autor Marc Halupczok 

lebt und arbeitet als Journalist, Autor und 

Übersetzer in Braunschweig, ist gleichzeitig 

absoluter Kenner und Liebhaber von Funès' 

Filmen, deren denkwürdigste Momente er in 

diesem Buch noch einmal Revue passieren 

lässt. Mit zahlreichen O-Tönen von Kollegen, 

Fans und Weggefährten wird so ein Stück Kinogeschichte 

wieder lebendig. 

DAS GROSSE DINGS BEI 

BRINKS 

Boston im Jahr 1950. Der kleine Ganove 

Tony (Traumrolle für Peter " 

Columbo" Falk) 

überfällt mit seiner Bande 

einen Geldtransporter. 

Doch seltsamerweise wird 

dieser Raub in den Medien 

gar nicht aufgegriffen. 

Als Tony der Sache auf 

den Grund geht, stellt 

sich schnell heraus, dass 

die Geldtransportfirma 

Brinks etwas zu verbergen 

hat. Denn die Sicherheitsmaßnahmen 

dieser renommierten Firma sind alles andere 

als gründlich, woraufhin Tony und seine Bande 

beschließen bei Brinks " 

das ganz große 

Ding" zu drehen. Kurz darauf erleichtern sie 

den Brinks-Hauptsitz um sagenhafte 2,7 Millionen 

Dollar! Doch wiederum bleibt die erhoffte 

Presse aus, und selbst das FBI tappt im 

Dunkeln, hält die Kommunisten für die Täter. 

Dieser Film entstand 1978 frei nach einer wahren 

Begebenheit, für Authentizität sorgte dabei 

einer der echten Räuber, der als Berater für 

Regisseur William Friedkin ( " 

Der Exorzist") 

fungierte. 

(Breu Media/edel, 103 Min.) 

BUSTER KEATON XXL 

Zusammen mit Charlie Chaplin und Harold 

Lloyd gehört Buster Keaton zu den erfolgreichsten 

Stars der Stummfilmzeit. 

Wegen seines bewusst 

ernsten, stoischen Gesichtsausdrucks 

wurde er in 

den USA The Great Stoneface" 

(in Deutschland Der " 

" 

Mann, der niemals lachte") 

genannt. Aus den Jahren 

1920 bis 1928 stammen die 

Filme dieser zwei DVDs, 

auf denen man den amerikanischen Komiker in 

zahlreichen seiner Paraderollen erleben kann. 

Als Extra gibt es noch eine Bildergalerie, Trailershow 

sowie die Biografie Keatons. 

(Starmovie/edel, 2 DVDs, 372 Min.) 

MARKS OF EXCELLENCE 

Von Per Mollerup 

2013, Phaidon Press Limited 

ISBN 978-0-71486-474-7 

296 Seiten, Englisch; 45,95 Ð 

Neu aufgelegt und behutsam modernisiert bleibt 

dieser dicke Wälzer das Maß der Dinge, wenn 

es um Markenzeichen geht. Beginnend mit der 

Heraldik des Mittelalters 

zeigt Marks " 

Of Excellence", wie 

sich Wappen und 

Monogramme zu den 

ersten Markenzeichen 

entwickelten, 

beleuchtet ausführlich 

deren Funktion, 

Aussage und Design, 

liefert dazu eine schier unerschöpfliche Palette 

an Beispielen. Kurze Erläuterungen zu jedem 

Thema, zu jedem Markenzeichen, liefern den 

theoretischen Hintergrund, doch seine Faszination 

bezieht dieses Buch vor allem von seiner 

Optik. Es zeigt, wie sich Marken im Laufe der 

Jahre entwickelten, wie sich ihre Corperate " 

Identity", ihr Außenauftritt veränderte, ohne die 

eigentliche Botschaft, den Kern der Marke zu 

verlieren. Nach diesen einführenden Grundlagen 

werden dann alle unterschiedlichen Arten von 

Markenzeichen ausführlich und mit zahlreichen 

Beispielen vorgestellt. Von allen möglichen 

Grafiken, Bildern, Figuren und Metaphern über 

Akronyme wie Nasa, IBM oder Ikea bis zu 

einem breiten Spektrum an Motiven wie Tieren 

(... der Lufthansa-Kranich, der Firefox-Fuchs), 

Kreuzen (Bayer, Swissair, Malteser), geometrischen 

Figuren (Deutsche Bank, Mitsubishi). 

Dazu Motive aus Natur (Adidas, Air Canada), 

Musik (das Horn der Deutschen Post, die Harfe 

der Brauerei Guinness) und Mythologie (Nike, 

Goodyear). Ein großartiges Nachschlagewerk, 

bei dem man darüber hinaus noch richtig viel 

dazulernen kann! 


ENNIO MORRICONE 

2013, edel earBooks 

ISBN 978-3-943573-02-2 

120 Seiten, 4 CDs; 39,95 Ð 

Jeder kennt seine Melodien, ohne die Klassiker 

wie Spiel mir das Lied vom Tod" oder The 

" " 

Mission" nicht das wären, was sie heute sind, 

sein Gesamtwerk ist so umfangreich wie kaum 

ein anderes – und trotz seiner fast 85 Jahre wird 

Ennio Morricone nicht 

müde, selbst neuen Hollywood-Streifen 

(aktuell wieder 

dem Tarantino-Film 

Django Unchained") seinen 

speziellen Sound mit 

" 

ins Kino zu geben. Das 

Earbook Ennio Morricone" 

zollt ihm und seinem beeindruckendem 

" 

Werk nun auf besondere Art und Weise Tribut: 

Filmfotografien und -Plakate, unterschiedliche 

Portraits von Morricone, Texte über seine wichtigsten 

Werke und vor allem vier CDs voller 

(Film-)Musik ergeben ein interessantes, vielschichtiges 

und kurzweiliges Bild dieses großartigen 

Komponisten, der mit seiner Musik eine 

fast unglaubliche Liste an Filmen veredelte, von 

" Zwei glorreiche Halunken" über Es war einmal 

" 

in Amerika" bis zu Cinema Paradiso". 

" 

DIE 3 MUSKETIERE 

EINER FÜR ALLE, ALLE FÜR EINEN 

Eine ungewöhnliche Adaption von Alexandre 

Dumas' Romanvorlage, die Hollywood 1933 in 

die arabische Wüste verlegte. e. Ein junger 

John 

Wayne verdient sich hier an 

der Seite der späteren Leinwand-Helden 

Lon Chaney 

und Noah Beery erste Sporen, 

spielt einen treuen Soldaten 

der Fremdenlegion, 

der zusammen mit seinen 

beiden Waffenkameraden 

Kopf und Kragen riskieren 

muss, um den Schurken El Shaitan ausfindig 

zu machen, damit dieser keinen weiteren Schaden 

anrichten kann. Eine ebenso gewagte wie 

interessante Weiterentwicklung des bekannten 

Mantel- und Degenstoffes mit vergnüglichen 

Ausblicken auf spätere Schauspiellegenden. 

(Starmovie/edel, 168 Min.) 

PARODI 

EIN LITERARISCHES KARTENSPIEL 

VON EUGEN OKER 

2012, Georg Olms Verlag 

ISBN 978-3-48708-515-9 

19,95 Ð 

Mit geflügelten Worten, die von Moses, den 

Gebrüdern Grimm, Shakespeare oder Brecht 

stammen, spielt man " 

Parodi". Dabei sind den 

kreativen Ideen, wie man die Zitatkärtchen einsetzt 

– also welche Variante man spielen möchte 

– schier unerschöpflich. Beim 

so genannten Primitiv-Parodi 

muss jeder Mitspieler versuchen, 

seine zehn Kärtchen zu 

neuen kurzen oder langen Gedichten 

zusammenzubauen" 

" 

– 

ob dieses neue Gedicht dann 

allerdings anerkannt wird, 

entscheidet das Auditorium auf klassisch-römische 

Art: Daumen hoch oder Daumen runter! 

Beim Sonder-Parodi gibt es – natürlich 

auf Antrag und durch Votum – Sonderpunkte 

für echte Reime und für besonders gelungene, 

verblüffende oder sinnreiche Sprüche, beim 

Mixed-Parodi müssen Zitate in gerader und 

kursiver Schrift streng aufeinanderfolgen, und 

auch alleine lässt sich Solo-Parodi spielen; geübten 

und langjährigen Spielern wird es nicht 

schwer fallen, schnell eigene Versionen dieses 

Spieles zu entwickeln. Wer gerne mit (fremden) 

Worten spielt, wer aus lauter Lust Schiller 

mit Bibelzitaten und Kinderreimen kombinieren 

möchte, für den dürfte Paroli ohne Frage 

ein lohnender Zeitvertreib sein ... 

PERRY RHODAN 

DIE CHRONIK BAND 3, 1981–1995 

Von Hermann Urbanek 

2013, Hannibal Verlag 

ISBN 978-3-85445-342-0 

656 Seiten; 29,99 Ð 

Mit einer Gesamtauflage von 

über einer Milliarde sind die 

Perry-Rhodan-Romane ohne 

Zweifel die erfolgreichste 

Science-Fiction-Serie (vielleicht 

sogar) unseres Universums, 

über 50 ausnahmslos deutschsprachige 

Autoren erzählen seit Anfang der 60er Jahre die 

Abenteuer von Major Perry Rhodan. Der dritte 

Chronikband, dessen Inhalt die Jahre 1981 bis 

1995 abdeckt, liefert die gewohnt ausführliche 

Betrachtung des Gesamtkunstwerkes Perry " 

Rhodan", zeigt mit Hintergrundinformationen 

und Briefwechseln auch die bislang größte 

Krise der Serie, als Chefautor William Voltz 

Anfang der 80er an Krebs erkrankte und 1984 

starb. Sehr interessant ist auch zu lesen, welche 

Anstrengungen sein Nachfolger Ernst Vlcek 

aus Wien unternahm, um die erfolgreiche Romanserie 

auf Kurs zu halten. Entscheidend dabei 

auch, dass man erkannt hatte, dass es dem 

modernen" Publikum schon lange nicht mehr 

" 

genügt, jede Woche einen neuen Roman zu lesen; 

Bücher, Hörbücher, Computerspiele und 

der dazu passende Internetauftritt, das musste 

genauso gestemmt werden, wie man darauf zu 

achten hatte, dass die Roman-Geschichten ihr 

gewohntes Niveau hielten. Aufgelockert wird 

der voluminöse Wälzer durch Interviews, Cover-Abbildungen, 

Fotos und zahlreiche Kurzportraits 

der Perry-Rhodan-Autoren. 

DIE SCHÖNSTEN FRAUEN IN 

HOLLYWOOD 

Marilyn Monroe, Ava Gardner, Judy Garland, 

Ingrid Bergmann, Senta Berger, Hildegard 

Knef und Rosalina Russell: Sie sind 

laut DVD-Titel Die schönsten Frauen in 

" 

Hollywood". In rund zehn Stunden Spielzeit 

präsentieren zwei DVDs jeweils einen Film 

dieser Diven, Ernest Hemmingways Schnee " 

am Kilimandscharo" mit Ava Gardner und 

Gregory Peck, der auch 

in Ingrid Bergmanns Ich " 

kämpfe um dich" die männliche 

Hauptrolle innehatte. 

Senta Berger und Giuliano 

Gemma sieht man im kultigen 

Als die Frauen noch 

" 

Schwänze hatten", Judy 

Garland und Frank Sinatra 

im klassischen Hollywood-Streifen 

Till The Clouds Roll By", 

" 

Marylin Monroe und Jeffrey Lynn in Headline 

Story" sowie Rosalina Russell und Cary " 

Grant, die in der 1940er Screwball-Komödie 

Sein Mädchen für besondere Fälle" ihr komisches 

Talent zeigen dürfen. 

" 

(Starmovie/edel 2 DVDs, 600 Min.) 

JOHN WAYNE COLLECTION 

VOL. 4 + DIE GRÖSSTEN 

WESTERNHELDEN 

In der vierten Ausgabe der JOHN WAYNE 

COLLECTION gibt es weitere fünf Filme des 

bärig-kauzigen Westernstars aus den 30er Jahren 

zu sehen. Eine klassische Geschichte über 

hinterlistige Morde, in der Wayne als unbestechlicher 

Rächer in seiner Paraderolle agieren darf, 

erzählt Flussabwärts" aus dem Jahr 1934. Ein 

" 

Jahr später entstand Desert Trail" (dt. Titel: 

" 

Der Rodeo-Raub), in dem John Wayne einen 

Rodeoreiter spielt, der sich mit allen Mitteln 

gegen falsche Anschuldigungen wehren muss. 

Im selben Zeitraum entstand mit Das Gold von 

" 

Texas" ein Film mit ähnlicher Geschichte, dieses 

Mal muss der Held aber 

seine Unschuld im Goldgräbermilieu 

beweisen. In Unter 

dem Himmel von Arizo- 

" 

na" verhilft John Wayne der 

kleinen Nina, die nach dem 

Verschwinden ihres Vaters 

Anrecht auf ein wertvolles 

Ölfeld hat, zu ihrem Recht. 

Auch die Story von Film Nummer Fünf, Im 

" 

Tal des Regenbogens", ist ein gutes Stück entfernt 

vom klassischen Western. Hier muss sich 

Wayne, der als verdeckter Ermittler in einer 

Kleinstadt einen Überfall auf den Postboten vereitelt, 

als Straßenbauer bewähren. Hart bedrängt 

wird er dabei von seinem früheren Kumpel 

Butch (gespielt von Buffalo Bill Jr.), der den Bau 

der Straße mit allen Mitteln verhindern möch- 


from the past 

te. Mit zwei Filmen von 

Roy Rogers ( " 

The Days 

Of Jesse James" und " 

Billy 

The Kid kehrt zurück"), 

sowie je einem Streifen von 

John Wayne ( " 

US Marshal 

John") und von Clayton 

Moore ( " 

Buffalo Bill") 

liefert die Doppel-DVD " 

Die Größten Westernhelden" 

klassisches Western-Material zu 

kleinem Preis, und als Clou gibt es noch die 

oben bereits vorgestellten fünf Filme der " 

John 

Wayne Collection Vol. 4" als Bonus dazu – da 

kann man nun wirklich nicht meckern ... 

(Starmovie/edel, 263 Min. + 500 Min.) 

HALLO TANKWART 

WO DAS WIRTSCHAFTSWUNDER 

FAHRT AUFNAHM 

Von Alexander F. Storz 

2013, Motorbuchverlag 

ISBN 978-3-61303-535-5 

176 Seiten; 19,95 Ð 

Nach dem überaus gelungenen Band So rollten " 

die Fünfziger" widmet sich Alexander F. Storz 

nun den Tankstellen, die die durstigen Karossen 

mit Öl und Sprit versorgten und wo der nette 

Tankwart dem Kunden auch mal schnell die 

Windschutzscheibe reinigte. Neben den Texten, 

mit denen der Autor die Zeit von den 50er bis 

Ende der 70er Jahre dokumentiert, sind es die 

liebevoll ausgewählten 

Fotos, Postkarten und 

Reklameschilder, 

die 

einen starken Eindruck 

der Entwicklung in den 

Jahren 

vermittelten. 

Nicht nur Aufnahmen 

von Tankstellen und Reisenden 

regen zum nostalgischen 

Schmunzeln an, nein, auch die Automodelle 

(und die Pop-Farben) entführen den Betrachter 

in eine längst vergessene Zeit. Der Fiat 

500, der klassische Käfer, uralte Mercedes oder 

ein Porsche 911 L 2.0 Targa – ja, das waren noch 

Autos, die liefen und liefen, ohne dass ständig 

irgendwelche elektronischen Bauteile versagten. 

Exzellenter Gesamteindruck. 

CAVEMAN 

DER AUS DER HÖHLE KAM 

Endlich gibt es diesen Kultstreifen auch als 

Blu-ray. Anarchischer Humor im Stile von 

Monty Python und Mel Brooks ist garantiert in 

dieser Geschichte, in der sich 200.000 Jahre vor 

Christus der Höhlenmensch Atouk (gespielt 

elt 

vom Ex-Beatle Ringo Starr) 

unsterblich in die schöne 

Lana (Barbara Bach) – Frau 

seines Sippenhäutlings Tonda 

– verliebt. Daraufhin aus 

der Sippe verbannt, trifft er 

in der Wildnis die hübsche Tala (Shelley Long) 

mit ihrem einfältigen Begleiter Lar (Dennis 

Quaid). Zusammen bestehen sie jede Menge 

Abenteuer und kämpfen gegen allerlei prähistorische 

Dinos. Entdecken dazu noch hilfreiche 

Dinge wie den aufrechten Gang, das 

Feuer, das Rad, die Musik und vieles mehr. 

Und wie das Leben eben so spielt, verliebten 

sich Ringo Starr und Barbara Bach während 

der Dreharbeiten 1980 wirklich ineinander, so 

dass sie ein Jahr darauf heirateten ... 


DER MÜDE THEODOR 

Erstmals auf DVD ist nun diese Filmkomödie 

aus dem Jahr 1957 mit Heinz Erhardt in 

der Hauptrolle erschienen. Als Marmeladenfabrikant 

hat Theodor Hagemann leider keinerlei 

Sinn fürs Geschäft, 

verschleudert sein Geld 

lieber als Sponsor verkannter 

Künstler. Was seine 

Tochter Jenny (Karin 

Baal), die in einen glücklosen 

Komponisten verliebt 

ist, zwar freut, aber 

seine strenge Gattin und 

Geschäftsführerin Rosa 

(Loni Heuser) dafür umso mehr zur Verzweiflung 

treibt. Als Hagemann dann wirklich pleite 

geht und einen Job als nächtlicher Zimmerkellner 

in einem Nobelhotel annehmen muss, 

zeigt er eindrucksvoll, dass er auch dort alles 

andere als eine Idealbesetzung ist. Dafür sieht 

man aber, dass so eine Geschichte natürlich 

nichts anderes als eine Paraderolle für Heinz 

Erhardt darstellt. Mit Schauspielern wie Ralf 

Wolters, Wolfgang Neuss, Peter Weck und Renate 

Ewert sind auch die Nebenrollen hervorragend 

besetzt. Als Bonus kommt diese DVD 

mit einer zusätzlichen Audio-CD mit 20 Heinz- 

Erhardt-Liedern ("Ach wenn ich doch im Lotto 

...", "Skat Polka", "Baby es regnet doch", "Herr 

Meier wird verlangt" ...). 

(Hoppe Entertainment, 90 Min. plus CD) 

DAS GROSSE MÄRCHEN- 

BUCH 

Von Ruth und Martin Koser-Michaëls 

2013, Knaur 

ISBN 978-3-42665-344-9 

480 Seiten; 19,99 Ð 

Nach einer vorzüglichen Ausgabe von 

Grimms Märchen", bei der besonders die 

" 

wunderschönen Aquarellbilder gefielen, erscheint 

mit Das große Märchenbuch" eine 

" 

empfehlenswerte Anthologie, die in die Tage 

der Kindheit zurückführt. Neben den Texten 

an sich begeistern erneut die Bilder von Ruth 

und Martin Koser-Michaëls, nicht nur wegen 

der geschmackvollen Farbigkeit, sondern auch 

aufgrund des Ausdrucks. Und auch Neues gibt 

es zu entdecken, denn zusätzlich zu den Klassikern 

von Jakob und Wilhelm Grimm (unter anderem 

Rotkäppchen", Rumpelstilzchen" 

oder Frau Hol- 

" 

" " 

le"), darf man sich von Hans 

Christian Andersen verzaubern 

lassen ( Die wilden Schwäne", 

" 

Die Schneekönigin" bzw. 

" 

Die Nachtigall") oder Ludwig 

Bechstein und vor allem 

" 

Wilhelm Hauff, dessen Märchen 

Der Zwerg Nase", Die 

" " 

Geschichte von dem kleinen Muck" oder Die 

" 

Geschichte vom Kalif Storch" auch heute noch 

wirken. Hervorragend! 

GULLIVERS REISEN 

Am 5. November 1699 erlitt der Seemann Gulliver 

in einem schweren Orkan Schiffbruch und 

wachte erst am Strand von Liliput wieder auf. 

Dort hatten ihn die Liliputaner – ein Volk von 

winzigen Menschen – gefunden. Panik brach 

aus, ein Riese am Strand. Die Tochter von König 

Little, Prinzessin Gloria, sollte den Sohn von 

König Bombo von Blefusko – dem Nachbar- 

Königreich – heiraten. König Little bestand auf 

dem seit Jahrhunderten bei Hochzeiten gespielten 

Lied "Treue", doch König Bombo wollte 

unbedingt, dass "Forever" gespielt werden 

sollte. So platzte die Hochzeit, 

und es wurde der Krieg 

zwischen den Völkern ausgerufen. 

Dank Gulliver kam 

es letztlich aber doch zum 

Frieden und zu einer schönen 

Hochzeit ... Dieser Oscarnominierter 

Zeichentrickfilm 

von Star-Produzent Max 

Fleischer war 1939 einer der weltweit ersten 

Zeichentrick-Hauptfilme und die erste Nicht- 

Walt-Disney-Produktion überhaupt. Er entstand 

wie spätere Klassiker des Genres in den renommierten 

Fleischer Studios (u.a. Betty Boo", 

" 

" Superman", Popeye") und punktet heute immer 

noch mit seinem ganz eigenen Charme. 

" 

Extras: Zwei Kurzfilme plus Dokumentation. 

(Interpathe/edel, 76 Min.) 

ÄFFLE & PFERDLE 

ZUSAMMA ISCH'S OIFACH 

SCHEENER! 

Von Heiko Volz und Roman Lang 

2013, Esslinger Verlag 

ISBN 978-3-48023-103-4 

64 Seiten; 12,95 Ð 

Zusamma isch's oifach scheener!" ist bereits 

" 

der dritte Band, der mit neuen Geschichten 

(und altbewährter Herzlichkeit) die Lebensweisheiten 

der beiden schwäbischen Kultfiguren 

des (ehemals) Süddeutschen Rundfunks 

präsentiert. Ob in den Schweizer Bergen, auf 

dem Volksfest (natürlich auf dem Cannstatter 


Wasen ...), beim Campen, 

beim Konzert in der Stuttgarter 

Liederhalle oder bei 

Trips nach Tübingen, Freiburg 

und Heidelberg – zu 

zweit macht alles gleich 

doppelt so viel Spaß! 

Und natürlich hlassen einen die beiden wieder 

teilhaben an ihren sinnvoll sinnlosen Gesprächen, 

stellen (in stilechtem Schwäbisch); klar, 

dass man warme Stiefel nicht für kalte Tage, 

sondern für warme Füße braucht, und dass es 

halt oft wie im wirklichen Leben ist: Die einen 

" schwätzet", die anderen schaffet". So isch's! 

" 

A TRIBUTE TO ROBERT 

CRUMB 

2013, Edition 52 

ISBN 978-3-93522-984-5 

100 Seiten; 20,00 Ð 

Robert Crumb, dieser geniale 

Maler, Musiker und 

Illustrator aus dem amerikanischen 

Philadelphia, 

hat vor allem in der Comicszene 

einen legendären 

Ruf. Dabei scheute der 

Underground-Künstler selbst im prüden Amerika 

der 60er Jahre nie vor politisch und sexuell 

anzüglichen Cartoons zurück, war in seiner Direktheit, 

ja in seiner Deutlichkeit Vorreiter und 

Wegbereiter für zahlreiche junge Kollegen. Mit 

A Tribute To Robert Crumb" zahlen ihm einige 

" 

dieser Künstler nun eine Kleinigkeit zurück, 

mal mehr oder weniger werkgetreu, mal stilistisch 

anbandelnd oder völlig frei, mal mit und 

ohne Text zeigen Comiczeichner wie Fil (von 

dem auch das Vorwort stammt), Tom Bunk, 

Ralf König, Eckart Breitschuh, Robert Platzgumer, 

Lars Fiske, Ivo Kircheis, Denis Kitchen, 

Gilbert Shelton oder Martin Perscheid, mit welchen 

Augen sie Robert Crumb (und sein Werk) 

sehen, liefern so eine kurzweilige Hommage 

an einen wahrlich außergewöhnlichen Kollegen 

ab. 

DER VERRAT 

Von Val McDermid 

2013, Droemer 

ISBN 978-3-42619-969-5 

512 Seiten; 19,99 Ð 

Val McDermid zählt zu den 

beliebtesten Krimi- und 

Thriller-Autorinnen Großbritanniens 

und wurde bereits 

mit zahlreichen Preisen 

geehrt, wie zum Beispiel dem Diamond Dagger". 

Mit ihrem aktuellen Roman betritt sie Neu- 

" 

land und schickt das beliebte Ermittlerteam Tony 

Hill und Carol Jordan kurzfristig in den Urlaub. 

Der Roman handelt von Stephanie Harker, einer 

Ghostwriterin, die momentan für eine Celebrity- 

Star tätig ist. Sie will mit ihrem Adoptivsohn 

Jimmy verreisen, wird kurzfristig durch einen 

Alarm am Metalldetektor des Flughafens aufgehalten 

und muss zusehen, wie ihr Sohn von einem 

Fremden entführt wird. In dem darauffolgenden 

Verhör mit einer FBI-Agentin erzählt sie ihre Geschichte 

und bietet somit auch einen Einblick in 

die vermeintliche Glitzerwelt ihrer Klientin. Die 

anschließende Suche nach Jimmy konfrontiert 

die beiden mit einer unerwarteten Wendung. Es 

mag sein, dass der aktuelle Roman nicht ganz so 

spannend ist wie einige der erstklassigen Vorgänger, 

dafür präsentiert Val McDermid hier eine 

bissige Gesellschaftskritik und hinterfragt den 

penetranten Promikult. Empfehlung. 

DIE HECKPARADE 

MEINE LIEBLINGSHITS – UNSERE 

NR.1-HITS – MEINE HITPARADEN- 

JAHRE 

In Anlehnung an seine erfolgreichste TV- 

Sendung, die ZDF-Hitparade", überschreibt 

" 

Dieter Thomas Heck seine drei CD-Boxen mit 

Musik aus dieser Zeit mit DIE HECKPARDE. 

Thematisch unterteilt er sie in drei Kategorien, 

präsentiert auf MEINE HITPARADEN- 

JAHRE das Beste aus den 

" ZDF-Hitparade"-Jahren 

1969 bis 1984. Somit liefert 

dieser Streifzug eine 

breite Palette an deutschem 

Schlager, ergänzt 

um die ersten NDW-Hits 

von Falco, Nena oder Geier Sturzflug, die ab 

Anfang der 80er in diese Sendung einzogen. 

Auf UNSERE NR.1- 

HITS liefert Heck dann 

einen Querschnitt durch 

die Top-Platzierten der 

deutschen Single-Charts 

von Ende der 60er bis 

heute, reicht die Auswahl 

von Mireille Mathieu ("La Paloma ade") über 

Modern Talking ("You're 

My Heart, You're My 

Soul") bis zu Tim Bendzko 

("Nur noch kurz die 

Welt retten"). Eine ganz 

persönliche Auslese traf 

der Moderator dann für 

MEINE LIEBLINGSHITS, sie reicht von Top- 

Hits wie Howard Carpendales "Deine Spuren 

im Sand" und "Über sieben Brücken musst 

du gehen" von Karat über Kultmaterial wie 

"Im Wagen vor mir" von Henry Valentino mit 

Uschi und Binos "Mama Leone" bis zu Volksmusik 

wie "Herzilein" von den Wildecker 

Herzbuben und "Patrona Bavariae" vom Original 

Naabtal Duo. Tolle Boxen, die sich ihre 

Klasse vor allem durch eine breite Stilpalette 

verdienen. 

(Ariola/Sony Music, jeweils 3 CDs) 

FASHION: BOX 

MODEKLASSIKER UND IHRE STARS 

– VON DER JEANS BIS ZUM 

KLEINEN SCHWARZEN 

Von Isabella Dothel 

2013, DuMont 

ISBN 978-3-83219-347-8 

480 Seiten; 19,99 Ð 

In dem vorzüglichen Fotoband mit mehr als 

400 Fotografien und Filmstills dokumentiert 

Isabella Dothel 60 

Jahre Modegeschichte. 

Vom Kleinen Schwarzen 

und dem Bleistiftrock 

über die Hotpants 

und dem Bikini bis hin 

zur Caprihose und dem 

Minirock werden die 

maßgeblichen Stile anhand 

exemplarischer Fotos dargestellt. Dabei 

wurden nicht nur die obligatorischen Starfotos 

ausgewählt, sondern auch die sogenannten 

Stills aus bekannten Filmen. Marlene Dietrich 

(Trenchcoat), Raquel Welch und Sharon Stone 

(Minirock), Marilyn Monroe und Jane Russell 

(Korsage – aus " 

Blondinen bevorzugt"), Jessica 

Alba und natürlich Ursula Andress (Bikini) 

oder Claudia Cardinale (Das Kleine Schwarze) 

stehen stellvertretend für Mode-Epochen. 

Zwar stehen die Accessoires im Vordergrund, 

doch das überwältigende Staraufgebot beeindruckt 

gleichermaßen und entführt in einer 

Zeit, in der Schauspieler und Musiker noch 

einen Vorbild- und Vorläufercharakter hatten. 

BLOOD ON THE SUN 

James Cagney spielt in diesem Film aus dem 

Jahr 1945 einen amerikanischen Journalisten, 

der in den 20er Jahren Wind vom Plan Japans 

bekommt, die Weltherrschaft zu übernehmen. 

In einem Artikel schreibt er über diesen Plan 

und bringt damit ungewollt eine Lawine ins 

Rollen, erste Todesopfer sind seine Frau und 

ein Journalistenkollege. Zusammen mit der 

von Sylvia Sidney gespielten Iris Hilliard 

versucht er, die Dokumente, die den größenwahnsinnigen 

Plan Japans beweisen können, 

außer Landes zu schmuggeln. g Ein Film, der 

mit seiner moralischen 

Schwarz-Weiß-Zeichnung 

der Charaktere sicherlich 

stark von der US-Kriegspropaganda 

nach dem japanischen 

Angriff auf Pearl 

Harbour beeinflusst ist, aber 

mit einem stark agierenden 

Hauptdarsteller sowie mit 

klasse Hintergrundbildern (Oscar für Beste " 

Ausstattung") vor allen Freunden von hochklassigen 

Hollywood-Actionfilmen der Vorkriegszeit 

zusagen dürfte. 



from the past 

VINTAGE & CLASSIC STYLE 

GUIDE 

Von Jos Bendinelli Negrone und 

Michael Köckritz (Hrsg.) 

2013, edel earBooks 

ISBN 978-3-94357-305-3 

240 Seiten; 49,95 Ð 

Dieser in einem Pappschuber erhältliche großformatige 

Prachtband entführt in eine Zeit, in 

der das Design eines Produkts unverfälscht 

und höchst originell 

war. Von Schreibmaschinen 

(Olivetti) über 

Autoklassiker (Lamborghini 

Miura) und 

Kameras (Leica, Rolex) 

bis hin zu Spielsachen 

(Matchbox-Autos, 

Flipper) und Gegenständen des täglichen 

Gebrauchs (Plattenspieler, Braun-Rasierapparat) 

sind vergessene oder noch nie gekannte 

Kultobjekte zu bestaunen. Neben den erstklassigen 

Fotos erhält der Leser in dem kurzen 

Text (dt./engl.) wissenswerte Informationen. 

Eine stilecht beigelegte 10"-Vinylplatte enthält 

Stücke von unter anderem Miles Davis, 

dem Dave Brubeck Quartet und Louis Armstrong 

And His Hot Five. Herrlich! Warum 

allerdings die die Kapitel einleitenden Zitate 

nur in Englisch verfasst wurden und von den 

jeweiligen Produkten auch nur die englischen 

Markennamen verzeichnet sind, bleibt ein 

Rätsel (ein deutscher Verlag hat diesen Titel 

veröffentlicht). Bei dem Preis sollte man so 

etwas erwarten dürfen. 

NIGHT OF THE LIVING DEAD 

Barbara – sie kommen und holen dich!", 

" 

dieser Satz, den Johnny seiner Schwester im 

Scherz auf dem Friedhof 

zuruft, ist schon wenige 

Augenblicke später 

grausame Wirklichkeit. 

Ein mysteriöser Fremder 

greift sie an, und Barbara 

kann in letzter Sekunde 

fliehen. Zusammen mit 

einigen wenigen Überlebenden 

verschanzt sie sich in einem einsamen 

Haus, das schon kurz darauf von aus den Gräbern 

gekrochenen Untoten belagert ist, verrückt 

danach, ihren unbändigen Hunger nach 

Menschenfleisch zu stillen. Scheinbar gibt es 

für die Eingeschlossenen keine Hoffnung auf 

Rettung, unaufhörlich kratzen die Totenhände 

an Fenster und Türen, nichts kann sie aufhalten 

... 1968 erschuf Regisseur George A. Romero 

mit Night Of The Living Dead" einen der ersten 

Zombie-Filme, inzwischen ein absoluter 

" 

Klassiker der Horrorszene, der noch Jahrzehnte 

später weniger durch blutrünstige Bilder als 

durch subtile Gruseleffekte, Gänsehaut-Filmmusik 

und verstörende Bilder zum Alptraum 

schlechthin wird. Zusätzlich zum Originalfilm 

(wahlweise deutsch oder englisch) gibt es noch 

massenhaft Bonus-Material wie Audiokommentar, 

Bildergalerie, Hintergrund-Doku zum 

Film sowie Interviews mit Regisseur George A. 

Romero und Schauspieler Duane Jones. 

(Starmovie/edel, 91 Min. & 100 Min. 

Bonus-Material) 

DAS SCIENCE-FICTION 

JAHRBUCH 2013 

Von Sascha Mamczak / 

Wolfgang Jeschke (Hrsg.) 

2013, Heyne 

ISBN 978-3-453-53445-5 

992 Seiten; 36,99 Ð 

Der Heyne-Verlag hat in diesem 

Jahr die anspruchsvollen 

Science-Fiction-Fans mit 

der Publikation des bahnbrechenden 

Werks 2312" " 

von Kim Stanley Robinson 

beglückt. Nun folgt das obligatorische 

Jahrbuch, in dem 

wirklich alles Wissenswerte zum Genre zu erfahren 

ist. Neben den wichtigen theoretischen 

Artikeln (zum Beispiel ein Aufsatz zum Tode 

von Jack Vance, eine Abhandlung über Herberts 

Wüstenplaneten und dessen Folgen oder einem 

Interview mit Daniel Suarez) sind es erneut 

die Reviews, die einen großen Teil des Schinkens 

ausmachen. Buch, Hörspiele, Filme oder 

Spiele – hier werden alle Neuheiten kompetent 

und zudem auch kritisch vorgestellt. Nach dem 

obligatorischen Marktbericht, der für die Fantastik 

allgemein positiv ausfällt, werden noch 

die aktuellen Preisträger der verschiedensten 

internationalen Preise genannt. Kompetent, 

sachkundig und überaus informationsreich – 

was will man mehr? 

RUHE SANFT GMBH 

Mit Vincent Price, Peter Lorre und Boris Karloff 

hatte Regisseur Jacques Tourneur 1963 drei 

gestandene Horrormimen zur Verfügung, mit 

denen er eine schwarzhumorige Horror-Persiflage 

erschuf. Dabei dreht sich alles um das 

ehemals florierende Bestattungsunternehmen 

Hichley, deren Leiter Waldo 

Turnbull nicht einmal mehr 

die anstehende Jahresmiete 

bezahlen kann. In dieser Not 

entsteht die geniale Idee, sich 

durch Morde (zahlungskräftige) 

Kundschaft zu verschaffen, 

doch einerseits zeigt es 

sich weitaus komplizierter als 

gedacht, jemanden die Lebenslichter auszublasen, 

andererseits sorgen zusätzliche familiäre 

Verwicklung für jede Menge Chaos ... 


DANIEL BOONE 

TRAIL BLAZER 

Den Originalklassiker aus dem Jahr 1956 über 

den berühmten Jäger Daniel Boone gibt es nun 

erstmals in deutscher Sprache 

als DVD. Bruce Bennett 

( Tarzan", Der Schatz der 

" " 

Sierra Madre") spielt dabei 

den legendären Fallensteller 

und Jäger, der die ersten 

Siedler nach Kentucky führt, 

um dort neues Land zu gewinnen. 

Doch bald werden 

sie in Kämpfe mit den dort lebenden Indianern 

verwickelt, die von einem Franzosen aufgestachelt 

wurden, den friedlichen Siedlertreck unter 

Boones Führung zu überfallen. Neben dem 

Ex-Leichtathleten Bennett (1928 Silber im Kugelstoßen) 

ermöglicht Daniel Boone" auch ein 

" 

Wiedersehen mit Lon Chaney Jr. ( Dracula vs. " 

Frankenstein") als Häuptling Blackfish sowie 

mit Countrysänger Faron Young. 


CORNELIA FROBOESS + 

VICKY LEANDROS + 

JOHANNA VON KOCZIAN 

DIE NEUEN LIEDER + ICH LIEBE DAS 

LEBEN + DAS BISSCHEN HAUSHALT 

... SAGT MEIN MANN 

Conny Froboess kennt man vor allen durch die 

" Badehose", die sie 1951 einpackte", sowie 

" 

durch zahlreiche Schlagerduette, die sie in den 

frühen 60ern mit Rex Gildo, Peter Alexander 

oder Peter Kraus aufnahm. Fast vergessen wurden 

darüber DIE NEUEN 

LIEDER (14/40:33), ihr 

musikalisch anspruchsvolles 

Schlageralbum aus 

dem Jahr 1967, auf dem 

sie mit Kompositionen 

von Francis Lai und Alyn 

Ainsworth sowie einem vertonten Gedicht von 

Francois Villon eine ganz andere, ungemein facettenreiche 

Seite ihrer Persönlichkeit zeigen 

durfte. Von außen sieht die CD genauso aus 

wie die damalige LP, der Inhalt wurde remastert 

und um zwei Bonus-Tracks erweitert. Die 

gleiche hochwertige Behandlung – allerdings 

mit vier Zusatztracks, darunter zwei englisch 

gesungene Titel – erhielt ICH LIEBE DAS 

LEBEN (15/56:46), der Longplayer von Vicky 

Leandros aus dem Jahr 1975, der neben dem 

erfolgreichen Titeltrack mit "Ja, ja der Peter 

der ist schlau", "Drehorgelmann" und "Weißt 

du woraus die Träume sind" noch drei weitere 

Singles in den Charts 

platzieren konnte. Definitiv 

Kult ist zwischenzeitlich 

Johanna von 

Koczians Hausfrauen- 

Hymne "Das bisschen 


Haushalt macht sich von 

allein ... sagt mein Mann". 

Wer mehr von der wandlungsfähigen 

Schauspielerin 

und Sängerin hören 

möchte, kann sich jetzt 

als remasterte CD-Erstveröffentlichung DAS 

BISSCHEN HAUSHALT ... SAGT MEIN 

MANN (14/44:49) aus dem Jahr 1977 zulegen. 

Mit dem kleinen Haushalt-Nachfolge-Hit 

"Aufsteh'n ist schön" sowie "Der Kater lässt das 

mausen nicht" gibt es auch hier zwei Bonus- 

Tracks dazu. 

(Polydor/Universal, 3 CDs) 

DIE LIEBHABER MEINER 

TÖCHTER 

Von Kati Naumann 

2013, Knaur Taschenbuch 

ISBN 978-3-426-51258-6 

270 Seiten; 9,99 Ð 

Stellen Sie sich vor, Sie sind 

Mutter von drei wohlgeratenen 

Töchtern, die so langsam 

flügge werden. Doch 

halt: Eigentlich haben Sie 

nun sechs Kinder, denn die 

jeweiligen Freunde richten 

sich allmählich auch bei Ihnen ein, es ist ja so 

nett – und so bequem: Das Essen steht auf dem 

Tisch, die Wäsche wird gewaschen, und eine 

Schulter zum Ausweinen ist auch immer da. 

Und dann passiert eines Tages das Unglaubliche: 

Eine nach der anderen machen die Töchter 

mit ihren Liebhabern Schluss! Das haben 

diese armen Kerle doch nicht verdient, oder? 

Wie können die Mädels nur so herzlos sein? 

Rund um diesen Plot erzählt die in Leipzig und 

London lebende Autorin Kati Naumann mit 

dem auch als Hörbuch erhältlichen Roman Die " 

Liebhaber meiner Töchter" eine ebenso witzige 

wie intelligente Geschichte vom ganz normalen 

(?) Alltag einer modernen Frau zwischen Job, 

Haushalt, Mann, Töchtern und gebrochenen 

Herzen, lässt den Leser mitfühlen, mitlachen 

und mitweinen – und präsentiert dazu noch ein 

Ende, mit dem niemand gerechnet hätte ... 

SHERLOCK HOLMES 

Mit einem Detektiv, der seine Fälle mit detailgenauer 

Beobachtungsgabe und messerscharfen 

Schlussfolgerungen löst, begründete Arthur 

Conan Doyle 1886 mit seiner ersten Sherlock- 

Holmes-Geschichte ein neues 

Genre. Schnell faszinierte der eigenwillige 

Charakter mit Pfeife 

und Tweedmütze Generationen 

von Krimifans, wurde zusammen 

mit seinem Assistenten 

Dr. Watson zu einem der populärsten 

Duos der Krimiliteratur. 

Mitte der 50er Jahre verkörperte 

der britische Schauspieler Howard Jones 

den Meisterdetektiv in einer amerikanischen 

TV-Serie. 15 dieser Schwarz-Weiß-Folgen (sowie 

zwei neuere in Farbe) gibt es nun auf einer 

Dreifach-DVD zu sehen, insgesamt über zwölf 

Stunden klassisches Krimimaterial, also genau 

das Richtige für die nun kommenden, langen 

Herbst- und Winterabende. 

(Best Entertainment, 3 DVDs, 730 Min.) 

MEINE HITPARADEN-JAHRE 

Schier unerschöpflich scheint das Reservoir, 

aus dem Dieter Thomas Heck für die Zusammenstellung 

seiner" Hitparadenerinnerungen 

" 

schöpfen kann. Auf jeweils 

3x Buch " 

Die Ducks in Deutschland": 

zwei DVDs (inkl. 60-seitigem 

Begleitbuch) geht es 

– Ullrich Löser, Lüdingshausen 

– Andreas Krisch, Fulda 

mittels dreier Boxen chronologisch 

durch die Jahre 

– Matthias Kirchheim, Neumünster 

1969 bis 1974, 1975 bis 

5x DVD " 

Kitty und die große Welt": 

1979 und 1980 bis 1984. 

– Elena Hagemann, Viernheim 

Kult neben den zahlreichen 

– Marion Meister, Hemhofen 

Schlagerstars (... wo hatten 

– Angelika Ronneberger, 

die damals nur diese Klamotten her?!?) vor Gummersbach 

allem Hecks kurz prägnante – man war ja in – Reiner Tschernowsky, Niedernhall 

dieser Sendung immer in Zeitnot – Anmoderationen: 

Gitte, bitte!". Klasse bei diesen drei 

" 

– Christian Fleischer, Berlin 

Zusammenstellungen auch die breitgefächerte 3x DVD-Box " 

Formel Eins": 

Auswahl der Titel, bei weitem unterscheidet – Markus Thum, Wemding 

sich diese von so vielen anderen ähnlich daherkommenden 

DVDs, selbst ausgemachte – Otger Wagner, Wenden 

– Monika Hofscheier, Griesheim 

Schlagerkenner werden hier noch so manches 

Unbekanntes (oder wohl eher Vergessenes?) 3x Buch " 

Krieg der Knöpfe": 

entdecken können. Beispiele? – Rolf Svensson, Hamburg 

Frank Farians "Gold in Acapulco", 

die "Liechtensteiner – Horst Müller, Murrhardt 

– Dieter Flack, Berlin 

Polka 29" von Tina York, 

Gaby Baginskys "Diebe 3x Hörbuch " 

Krieg der Knöpfe": 

kommen am Abend", "Silver 

Bird" von Tina Rainford, – Renate Just, Röhrmoos 

– Sandra Weil, Herborn 

"Die Dinosaurier" von Lonzo – Sharon-Sara Heße, Hamburg 

oder Phil & John mit "... denn 

3x DVD 

seit mehr als 1000 Jahren" – bis auf die letzten 

" 

New York Express": 

Jahre auch noch alles live gesungen! Natürlich – Sascha Richter, Mudersbach 

gibt es auch die großen Hits aus diesen Zeiten – Peter Helmes, Hilchenbach-Müsen 

zu sehen, von Jürgen Marcus' "Schmetterlinge – Hans-Rolf Haybach, Büttelborn 

können nicht weinen" über "Komm in meinen 

3x Heft 

Wigwam" von Heino bis zu "Moskau" von 

" 

Yps": 

– Manfred Birkenbeul, Solingen 

Dschinghis Khan. Stark auch die 60-seitigen 

Begleitbücher, die jeweils 

– Uwe Oster, Gelsenkirchen 

einen kurzen zeitgeschichtlichen 

Abriss aus Sport, Po- 

– Daniela May-Van Brackel, Köln 

2x DVD 

litik, TV, Kino und Mode 

" 

Detektiv Rockford": 

– Herbert Raubbach, Wiesbaden 

liefern, dazu die Songlisten 

– Thorsten Hauffe, Halle 

aller Hitparaden-Folgen 

(inkl. Gewinner und Neuvorstellungen), 

zahlreiche 

– Andreas Wischer, Potsdam 

3x DVD-Box " 

Meine Hitparaden-Jahre": 

Cover-Abbildungen sowie 

– Josy Goergen, Rosport (Luxembourg) 

klasse Fotos aus der Sendung. Tolle Boxen, 

– Corinna Sawall, Halberstadt 

klasse Musik – und immer noch zeitlos gut! 

(Sony Music, 3 x 2 DVDs, 241 Min., 

265 Min, 287 Min.) Herzlichen 


Unsere Gewinner der 

Verlosung aus kult! 

Heft 8 – 2/2013: 

5x DVD Heinz Erhardt 

" 

Der müde Theodor": 

– Willy Mayerl, Iffeldorf 

– Klaus Feldmann, Haßloch 

– Siegfried Patzer, Lemförde 

– Mario Eduard, Grünstadt 

– Claus Pless, Hamburg 

Glückwunsch!

from the past 

KRACH MIT DER KOMPANIE Ustinov als Nero, Ivanhoe – Der schwarze Ritter" 

" 

Als Varieté-Künstler bringen Vic Puccinelli (Dean (1951) mit Elizabeth Taylor oder Der Schatz des 

" 

Martin) und Alvin Korwin (Jerry Lewis) jeden Gehenkten" (1957) mit Richard Widmark. 

zeitlose Kinohits wie Die Kameliendame" (1936) Längst überfällige DVD-Veröffentlichung des 

" 

mit Greta Garbo, Broadway Melodie" (1938) mit Danny-Kaye-Films Wonder Man" aus dem 

" " 

Judy Garland, Der unbekannte Geliebte" (1946) Jahr 1945, ursprünglich in Deutschland als 

" 

mit Katharine Hepburn und Robert Mitchum, Der Wundermann" bekannt – allerdings gab es 

" Quo Vadis" (1950) mit dem unvergessenen Peter " 

nach unseren Recherchen wohl nie eine (deut- 

Abend das Publikum zum Lachen. Auch privat 

verstehen sich die beiden ausgezeichnet. Das ändert 

sich allerdings, als sie zum Militärdienst eingezogen 

werden: Puccinelli 

nämlich bringt es schnell zum 

Feldwebel, während Korwin 

als ein einfacher Schütze im 

Schlamm robben darf oder 

HANNI & NANNI 3 

Mit zwischenzeitlich schon zwei Fortsetzungen 

ist die Verfilmung der Hanni & Nanni-Jugendbücher 

von Enid Blyton ohne Frage zum Erfolgsmodell 

geworden. Mit Jana und Sophia Münster in 

den Titelrollen sowie Katharina Thalbach, Heino 

Ferch, Suzanna von Borsody und Hannelore Elsner 

Küchendienst schieben 

standen für die drei Kinofilme Top-Schau- 

muss. Als ob das nicht Grund 

genug für Scherereien wäre, 

taucht eines Tages auch noch 

Puccinellis Ex-Freundin auf. Und da dieser sich 

inzwischen weit mehr für die charmante Helen 

interessiert, ist in dieser Militärkomödie aus dem 

Jahr 1950 der Ärger programmiert ... 


spieler zur Verfügung, die die 

Abenteuer der Zwillinge im 

Mädcheninternat Lindenhof 

zur besten Unterhaltung für 

Jung und Alt werden lassen. 

Schon länger waren die ersten 

beiden Teile als DVD 

erhältlich, jetzt, Anfang Oktober, 

ist endlich auch der 

ROBERT TAYLOR 

EINE BIO- UND FILMOGRAFIE 

Von Sofia Tchernomordik, Reinhard 

Weber, Birte Wrage und Solveig Wrage 

dritte Teil erhältlich. Vor allem die Wandlung, die 

Hanni und Nanni im Laufe der Zeit durchleben, 

ist klasse dargestellt. Zuerst sind die beiden noch 

kindlich verspielt, doch dann wachsen sie im dritten 

Teil zu richtigen" Teenies heran, erste Lie- 

" 

2013, Reinhard Weber Fachverlag 

für Filmliteratur 

ben, Zickenkriege und die üblichen pubertären 

ISBN 978-3-94312-704-1 

196 Seiten; 34,00 Ð 

Schon fester Bestandteil 

dieser Rubrik sind die Bücher 

des Reinhard Weber 

Themen inklusive. Neu dabei im dritten Teil auch 

Liedermacher Konstantin Wecker, der mit seiner 

Gastrolle als Professor Kästner wieder einmal 

seine schauspielerische Klasse beweisen darf. 

(Universal, 83 Min.) 

Fachverlages für Filmliteratur 

aus Landshut. 

Wer sich ausführlich mit 

dem Gesamtwerk eines 

Schauspielers oder eines 

DER GENERAL 

Während des amerikanischen Bürgerkriegs fühlt 

sich der Lokomotivführer Johnnie Gray (Buster 

Keaton) gleichermaßen zu seiner Braut Annabelle 

(Marion Mack) und zu seiner Lokomotive The " 

Regisseurs befassen möchte, der kommt an den 

zahlreichen Themenbüchern dieses Verlages einfach 

General" hingezogen. Sein Dilemma löst sich erst 

nicht vorbei. Die neueste Ausgabe widmet 

sich mit Robert Taylor einem der wohl perfektesten 

Schauspieler, den die Traumwelt Hollywood 

auf, als beide von Truppen der Union gefangen 

bzw. beschlagnahmt werden. Johnny setzt nun 

alles daran, sowohl Annabelle als auch seine Lok 

je hervorgebracht hat. Wie gewohnt liefern die 

zurückzubekommen, 

doch 

ersten Seiten des Buches die Biografie Taylors, 

der sich vom einfachen Landjungen – geboren in 

Nebraska – zum begehrten Filmstar entwickelte, 

wie gewohnt wird sie mittels zahlreicher Fotos 

und Filmplakate sowie durch Zitate von Kollegen, 

Freunden und Weggefährten aufgelockert. Akkurat 

und detailliert auch die darauf folgende Filmografie, 

in der jeder Film, in dem Taylor auftrat, mit 

Regisseur, Drehbuchautor(en), Produktionsinfos, 

Schauspielern und seiner Handlung genügend 

Platz findet. Auch Kritikerstimmen, Publikumsreaktionen 

sowie wichtige Rand- und Nebenerscheinungen 

erst nach einer turbulenten 

Eisenbahn-Verfolgungsjagd 

mit zahlreichen, spektakulären 

Zwischenfällen gelingt 

es ihm, seine geliebte Braut 

zurückzuholen. Dieser Film 

aus dem Jahr 1926 gehört zu 

Buster Keatons bekanntesten 

und erfolgreichsten Werken, sein hohes Tempo 

sowie das Timing der Gags sorgen auch heute 

noch für kurzweiliges Sehvergnügen! 


werden erwähnt. In der Rückschau 

bleibt ein eindrucksvolles (Film-)Werk, bleiben MIRACLE MAN 

sche) Kinoversion. Als Kronzeuge gegen einen 

Gangsterboss hat der Komiker Buzzy Bellows 

nur eine äußerst geringe Lebenserwartung und 

wird dementsprechend schnell und skrupellos 

aus dem Weg geräumt. Doch Buzzy kehrt wieder 

zurück, erscheint seinem Zwillingsbruder 

Edwin Dingle als 

Geist. Er überredet den schüchternen 

und unscheinbaren Bücherwurm, 

in die Rolle seines 

glamourösen Bruders zu 

schlüpfen, um die Gangster zu 

Rechenschaft zu ziehen. Das ist 

natürlich genau die Story, die 

ein Komiker wie Danny Kaye braucht, um all 

seine Stärken auszuspielen ... 


SIEBEN FÄLLE FÜR PATER 

BROWN 

Von Gilbert Keith Chesterton 

ISBN 978-3-89964-485-2 

Zwischen 1910 und 1935 veröffentlichte der britische 

Autor Gilbert Keith Chesterton zahlreiche 

kurze Geschichten über Pater Brown, einen katholischen 

Geistlichen, dessen Hobby ungelöste 

Kriminalfälle sind. Vor allen durch die 60er- 

Jahre-Verfilmungen, bei denen Heinz Rühmann 

dem Geistlichen in seiner unnachahmlichen Art 

ein charakteristisch verschmitztes 

Gesicht gab, 

wurden die Pater-Brown- 

Kriminalfälle Kult. Auf 

sieben CDs hat nun das 

mdr-Kulturradio Figaro 

sieben Kriminalhörspiele 

in einer Box zusammengefasst, die von Horst 

Bollmann (Pater Brown), Jürgen Holtz (Erzähler) 

sowie Hilmar Eichborn, Herbert Fritsch und 

Peter Groeger in weiteren Rollen in Szene gesetzt 

wurden. 

(mdr Figaro/Audiobuch Verlag, 7 CDs, 354 Min.) 

CHARLIE CHAPLIN 

KLAMOTTENKISTE XL 

Er zählt zu den einflussreichsten Komikern des 

20. Jahrhunderts, mit seiner Darstellung eines 

Landstreichers in The Tramp" kreierte er schon 

" 

früh einen Charakter, der sich in vielen seiner 

Filme wiederfand, ja, die Figur mit dem Zweifingerschnauzer 

(auch Chaplin-Bart genannt), 

übergroßer Hose und Schuhen, viel zu enger Jacke, 

Bambusstock in der Hand und Melone auf 

dem Kopf wurde zur Filmikone. In zahlreichen 

Episoden ermöglicht die Klamottenkiste XL" 

" 

einen nostalgischen Blick zurück auf viele Höhepunkte 

aus der Stummfilmzeit, 

zeigt noch einmal eindrucksvoll, 

warum Charlie Chaplin 

auf seine unnachahmliche Art 

zum Weltstar wurde. 



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Der Rennwagen für die Straße 

Wer Sportwagen meint, der hat den Porsche 911 im Sinn: Traumauto auto aller Männer 

und nicht weniger Frauen. Dieses Jahr feiert der " 

911er" seinen 50. Geburtstag. 

Von Jürgen Wolff 

Der Porsche 911 sieht erbarmungswürdig aus. Der – nun ja – 

rote Lack ist von einer stumpfen Mattigkeit und von üppigem 

Rostfraß gezeichnet. Schon mit bloßem Auge lassen sich ein 

gutes Dutzend Stellen ausmachen, die von der braunen Pest befallen 

sind. Gar nicht auszudenken, was auf der Hebebühne noch alles herauskäme. 

„Garagenfund" nennen 

das die Oldtimerfans. Gleich neben 

dem armen 911er liegen in einem 

Holzverschlag diverse zum Auto 

gehörende Einzelteile, wild gestapelt 

und in Pappkartons verpackt. 

Das „Bitte nicht berühren"-Schild 

an der Seitenscheibe erscheint 

angesichts des jämmerlichen 

Zustandes eher wie Ironie – oder 

wie eine Warnung: Das Teil könnte 

bei der leisesten Berührung in sich 

zusammenfallen. 

Doch Mitleid ist nicht angebracht: 

Der Schrott-Porsche, 

„mostly complete", ging bei einer 

britischen Versteigerung edler Oldtimer im Sommer dieses Jahres für 

über 30.000 Pfund weg. Doch wie meistens bei einem Autoklassiker 

macht die Geschichte hinter dem Wagen einen großen Teil seines 

Wertes aus: Das marode Porsche 911S SWB Coupé aus dem Jahre 1966, 

ursprünglich einmal weiß, ist der erste Porsche, der als Rechtslenker auf 

die britische Insel geliefert wurde. Kennzeichen: LYY 911D. 

Alte Porsche sind derzeit gefragt auf dem Markt und erzielen 

Traumpreise. Denn das Zuffenhausener „Sportgerät" hat einen runden 

Jahrestag: Die Internationale Automobil Ausstellung (IAA) in Frankfurt 

ist 1963 die Geburtsstunde des Porsche 911. Zunächst heißt er 901. 

Bei der Namensgebung g orientiert sich Porsche an den Ersatzteil- 

Nummernkreisen von Volkswagen. 

Wegen einer möglichen künftigen 

Kooperation mit dem VW-Werk soll 

der neue Porsche bereits kompatibel 

zu den dortigen Nummernkreisen 

sein. Da in Wolfsburg die 900er 

Zahlen noch nicht belegt sind, entscheidet 

man sich in Zuffenhausen 

für die Projektbezeichnung 901 bei 

der Sechszylinder-Variante und 902 

für einen späteren Vierzylinder. 

Doch dagegen haben die 

Franzosen etwas: Peugeot hat sich die 

dreistelligen Zahlenkombinationen 

Garagenfund 911er: mit der Ziffer 0 in der Mitte schon 

heruntergekommen, aber wertvoll 

1929 markenrechtlich gesichert. So 

wird der Porsche 901 eilig in 911 umbenannt. Immerhin wurden noch 

13 Prototypen als Porsche 901 gebaut. Der Grund für die legendäre 

Ziffernfolge 9-1-1 ist ein ganz pragmatischer: Prospekte, Preislisten 

und Betriebsanleitungen sowie die Typ-Bezeichnung auf dem Heck 

und Handschuhkasten waren bereits in der Endphase der Vorbereitung, 

so dass die doppelte Verwendung der bereits existierenden Schrifttype 


innenbelüftete Scheibenbremsen, geschmiedete Magnesiumfelgen von 

Fuchs (die „Fuchsfelgen") und goldene Schriftleisten mit. 

Den vorläufigen Höhepunkt der PS-Protzerei setzt 1972 kurz 

vor dem Modellwechsel der Porsche Carrera. Er wird Deutschlands 

schnellstes Serienauto, hat einen 2,7 Liter großen Boxer im Heck, einen 

seitlichen Carrera-Schriftzug als Kriegsbemalung und natürlich den 

Entenbürzel-Spoiler auf dem Heckdeckel. 

Ein weniger bekanntes Kapitel der 911-Historie ist der 912. Der 

Wagen kommt 1965 als günstige Alternative zum 911 auf den Markt. 

Der Vierzylinder-Boxer des 912 stammt vom Porsche 356 C, hat 1582 

Kubikzentimeter Hubraum und 90 PS. Das sind 40 Pferdestärken weni- 

1 schlicht die einfachste Lösung ist. Um einen neuen Zifferntyp oder 

gar einen Namensschriftzug zu produzieren, ist keine Zeit vorhanden. 

Nach dem großen Erfolg auf der IAA kommt die erste Generation 

des Porsche 911 auf den Markt. Anders als der in die 

Jahre gekommene Porsche 356, der in Karosserie 

und Fahrwerk noch auf dem VW Käfer basierte, 

hat der 911 eine selbst tragende Karosserie und 

Radaufhängungen mit Dreiecksquerlenkern und 

Dämpferbeinen vorn und Schräglenkern hinten. n. 

Dazu kommt eine Zahnstangenlenkung mit zweimal 

abgewinkelter Sicherheitslenksäule. 

Die Produktion startet im September 1964. 

Zunächst nicht ohne Tücken: Verarbeitungsprobleme 

Das Porsche 911 S Coupé 

und Ventilschäden verärgern die Kundschaft. Die 

aus dem Jahr 1970 

Ventilprobleme werden ab 1965 durch einen Drehzahlbegrenzer 

verhindert. Ab 1966 sorgen neue Dreifachvergaser er von Solex für mehr 

Zuverlässigkeit. Immerhin ist das Geräusch des luftgekühlten Motors Der Ur-911 wird von einem luftgekühlten Sechszylinder-Boxermotor 

mit Trockensumpfschmierung bereits der unverwechselbare Klang des mit zwei Litern Hubraum und oben liegenden Nockenwellen angetrieben. 

Ein Fünfganggetriebe übernimmt die Kraftübertragung. Der Motor 

911. Im ersten Modelljahr 1965 werden insgesamt 230 Wagen des 911er 

produziert. 

ist eng mit den Achtzylinder-Porsche-Rennaggregaten verwandt. 

In Zeiten, als 60 PS schon für einen kraftvollen Auftritt sorgten, 

geht der erste 911 mit 96 KW/130 PS an den Start. Die 

Höchstgeschwindigkeit liegt bei 210 km/h, den imageträchtigen Spurt 

von 0 auf 100 km/h schafft das Auto in 9,1 Sekunden. Heute schafft 

das locker jedes mittelprächtige Auto aus Korea. Damals reichte das zur 

Rennmaschine. 

Seine Motorsportgene sind dem 911 jedoch nicht nur durch Motor 

und Antriebskonzept in die Wiege gelegt. Um bei einem Autorennen 

mit klassischem Le-Mans-Start – beim Startschuss müssen die Piloten 

erst zu ihren Autos rennen – wertvolle Sekunden zu sparen, wird das 

In den 60er Jahren wird die Grundlage zur Legende des Porsche 

Zündschloss auf die linke Seite vom Lenkrad platziert. Dort sitzt es 

911 gelegt. Seit dieser Zeit gilt er als Auto der Schönen und Reichen. noch heute. 

Für das Design zeichnet Ferdinand Alexander Porsche verantwortlich. Technisch betritt der Porsche 911 ebenfalls Neuland. Die pendelnden 

Angeblich hatte er für den Entwurf der Karosserie unter anderem die Halbachsen des Porsche 356 werden von einer McPherson-Vorderachse 

Maßgabe, mindestens ein Set Golfschläger im Kofferraum unterbringen abgelöst. Zudem gibt es Schräglenker und Doppelgelenk-Antriebswellen. 

zu können. Denn das hatte die typische 

Für die exzellenten Fahreigenschaften sorgen 

neben Fahrwerk und Heckmotor die 

Porsche-Kundschaft beim 356er vermisst. 

Auch der Heckmotor hinter der Hinterachse 

Sicherheitszahnstangenlenkung und der 

ist ein festes Kriterium im Pflichtenheft. 

kurze Radstand. Mit 62 Litern Tankinhalt 

Das erste Modell im Maßstab 1:1 wird 

sind keine großen Sprünge drin, denn der 

Ende 1958 fertiggestellt. Es zeigt bereits 

erste 911 genehmigt sich im Schnitt satte 

die typische 911er-Kontur, die bis heute 

15 Liter Treibstoff auf 100 Kilometern. Ab 

unverwechselbar geblieben ist. Charakteristisch sind die fließenden August 1967 steht auf Wunsch eine Halbautomatik zur Verfügung – 

Linien, die markanten Kotflügel und der Motor im Heck. Damit imitiert doch besonders beliebt wird die „Sportomatic" nicht, zumal sie bei der 

der 911 das Grundkonzept seines berühmten Vorgängers 356, aber auf Beschleunigung von 0 auf 100 eine Sekunde frisst. In diesen Kreisen 

ungleich modernere Weise. 

zählt zumindest auf dem Papier jede Zehntelsekunde. 

Der erste 911er bietet Platz für zweimal zwei Personen. Das Im August 1966 legen die Zuffenhausener eine Schippe drauf: 

Armaturenbrett bekommt die typische „Uhrensammlung" mit fünf Der 911 S holt aus dem gleichen Hubraum 160 PS und verbessert die 

Rundinstrumenten, der Pilot dreht an einem schmucken Holzlenkrad. Beschleunigung um eine Sekunde. Erst bei 220 Sachen stoppt die 

Der Preis liegt anfangs bei 21.900 D-Mark. Das entspricht – inflationsbereinigt 

– in heutiger Währung 42.500 Euro. 

behaupten. Zusätzlich zu den Extra-Pferdestärken bringt das 

Tachonadel – das können in den 60er Jahren nicht viele Autos von sich 

S-Modell 

Das macht einen Teil des 911er-Mythos aus: Er ändert sich – aber er sieht nie wirklich anders aus. 

Peter Falk war über 30 Jahre in der Entwicklung des Porsche 911 

tätig: „Wir haben früher alles gemacht. Bremsen, Fahrwerk oder Motor 

– eben alles, was getestet werden musste. Wir hatten anfangs für alle 

Tests gerade mal zehn Autos. Heute sind es ein paar Hundert." 

800.000 Porsche 911 wurden im Laufe der vergangenen 50 Jahre 

verkauft. Rund drei Viertel aller Modelle fahren heute noch – ein einmaliger 

Wert in der Automobilgeschichte, den allenfalls noch Land 

Rover mit dem unkaputtbaren Defender toppen kann. „Der Rennsport 

war schon immer die beste Erprobung", erinnert sich Peter Falk. „Was 

bei den Rennen gut funktionierte, das hat es oft auch bei uns in die 

Serie geschafft." 


ger als beim damaligen 911er mit zwei Litern Hubraum. Im Vergleich 

zum 911 S mit 160 PS sieht der 912 geradezu schwachbrüstig aus. 

Immerhin ist der 912 etwas leichter als sein potenter Bruder, statt 1095 

bringt er nur 995 Kilogramm auf die Waage. Doch die Fahrleistungen 

sprechen für sich: 13,5 Sekunden braucht der 912 für den Spurt 

von 0 auf 100 km/h, der 911er knackt die 100er Marke je nach 

Modell und Getriebe schon nach acht bis elf Sekunden. Während die 

Sechszylinder-Porsche spielend die 200 km/h-Latte überspringen, endet 

der Vorwärtsdrang des 912 bei 183 Sachen. 

Doch Leistung ist selbst in den 60er Jahren nicht alles, als sich 

Playboys am Porsche-Volant noch keine Gedanken über Spritverbrauch 

und Tempolimit machen müssen. Der 912 macht den Traum vom 

schicken Sportwagen etwas erschwinglicher, denn er kostet bei seiner 

Markteinführung im April 1965 „nur" 16.250 D-Mark. Bis zur Einstellung 

der Produktion im Jahr 1969 laufen mehr als 30.000 Porsche 912 vom 

Band, davon 2544 Targa- 

Versionen. Zeitweilig überflügelt 

die 912-Produktion die 

des 911er um das Doppelte. 

Der amerikanische Rennfahrer 

Mark Donohue vergleicht 

für die Zeitschrift „Car & 

Driver" den 912 mit seinem 

großen Bruder 911 und ist 

nicht nur vom Handling des 

Wagens begeistert: „Man 

muss Porsche dafür bewundern, 

dass sie so viel aus so 

einem relativ kleinen Motor 

herausholen." 

Das Ende des 912 läutet 

Porsche mit dem 911 

T ein, der 1967 erscheint 

und eine auf 110 PS abgespeckte 

Version des 911er darstellt – aber immerhin mit Sechszylinder- 

Boxer samt entsprechender Soundkulisse. Mit 19.000 D-Mark ist der 

Neuling 1967 nicht viel teurer als ein 912, dessen Preis mittlerweile 

auf 17.000 gestiegen ist. Es ist also keine Überraschung, dass das 

Interesse am Vierzylinder-Porsche schnell abebbt und man das Modell 

in Zuffenhausen schließlich ganz aus dem Programm kippt. 

Bevor in den 70er Jahren die G-Serie einen weiteren Meilenstein der 

911er-Geschichte setzt und Porsche das 911 Cabrio einführt, schneiden 

die Zuffenhausener ihrem Kultauto das Dach ab – jedenfalls teilweise. 

Natürlich gibt es einen ernsten Grund für den Targa (italienisch 

„Schild"). Seit der amerikanische Verbraucherschützer Ralph Nader mit 

seinem Buch „Unsafe At Any Speed" die schlechte Sicherheitsausstattung 

amerikanischer Autos zum Thema gemacht hat, steht in den 60ern für 

viele Hersteller die Zukunft ihrer Cabrios ernsthaft auf der Kippe. Der 

Targa mit seinem Überrollbügel kommt da genau richtig. Als „erstes 

serienmäßiges Sicherheitscabrio der Welt" bewirbt Porsche denn auch 

den Wagen auf der Frankfurter IAA. Das herausnehmbare Faltdach 

kann man im Kofferraum verstauen und die Heckscheibe („Softwindow" 

genannt) herunterklappen. Der Name leitet sich von der Targa Florio ab, 

dem Langstreckenrennen auf Sizilien, das Porsche von 1956 bis 1965 

fünfmal gewann. Der Aufpreis für einen Targa beträgt zu Beginn 1400 

D-Mark. 

Der Ur-911 wird bis zum Jahr 1973 gebaut. Für die sportliche 

Ablösung sorgt im gleichen Jahr die G-Serie, die 16 Jahre lang der 

Legende Porsche 911 neues Leben einhaucht. Das Markenzeichen dieser 

911er-Generation sind die dicken Stoßfänger mit Faltbälgen auf beiden 

Seiten und das durchgehende Leuchtenband mit Porsche-Schriftzug 

am Heck. Alle Modelle bekommen zunächst den 2,7-Liter-Motor. Der 

Sechszylinder leistet im Basismodell 150 PS und beschleunigt den 

Wagen in neun Sekunden von 0 auf 100. Das S-Modell steigert die 

Leistung auf 175 PS, der Carrera prahlt mit 210 PS – und rennt in 

damals geradezu Formel-1-verdächtigen 6,5 Sekunden von 0 auf 100 

km/h. Auch die Preise für Porsches Sportwagen legen einen Sprint hin. 

Im August 1973 kostet ein 911 noch 27.000 D-Mark, bis zum Februar 

1977 steigt der Preis um satte 10.000 Mark. Der Werbeslogan der 70er 

Jahre hat sich bis heute gehalten: „Keiner braucht ihn – jeder will ihn." 

Highlight der erfolgreichen G-Serie ist der 1974 vorgestellte 911 

Turbo. Er ist der erste Seriensportwagen mit Abgasaufladung. Durch die 

Turboaufladung, die bis dahin fast ausschließlich bei Rennfahrzeugen 

eingesetzt wurde, quetschen die Zuffenhausener aus drei Litern 

Hubraum eine Leistung von satten 260 PS heraus. Von 0 auf 100 km/h 

donnert der zwangsbeatmete 911er in beeindruckenden 5,5 Sekunden, 

die Höchstgeschwindigkeit liegt jenseits der 250 km/h-Marke. So ist der 

1,2 Tonnen schwere Porsche 911 Turbo mit seinem charakteristischen 

Heckflügel eines der schnellsten Serienfahrzeuge der Welt. Wie schon 

beim sportlichen 911 Carrera RS sind die vorderen und hinteren Räder 

unterschiedlich breit – vorne sieben Zoll, hinten acht Zoll. Bei seiner 

Markteinführung kostet der Turbo 65.800 D-Mark – dieser Preis wird 

sich bis zum letzten Produktionsjahr 1989 mehr als verdoppeln. 

Den 912 E gibt es nur in den USA und von 1975 bis 1976. Sein 

Boxer leistet magere 87 PS. Es braucht schon den amerikanischen 

Way Of Drive mit gemütlichem 

Cruisen bei 55 Meilen 

pro Stunde (89 km/h) – so 

schnell darf man damals 

im Sonnenstaat Kalifornien 

noch fahren –, damit nicht 

auffällt, was für eine lahme 

Ente das E-Modell ist. Den 

Motor leiht sich der Wagen 

vom Porsche 914, in dem 

die Zuffenhausener ebenfalls 

Sportlichkeit mit vier Töpfen 

verbinden. 

Neben dem Targa wagt 

Porsche in den 80ern erstmals 

auch die völlige Offenheit: 

Das Cabriolet wird 1982 auf 

dem Genfer Salon vorgestellt 

und 1983 ausgeliefert. 1986 

bekommt bk tder Freiluft-Flitzer Flit für 4000 Mark Aufpreis ein elektrisches 

Verdeck. Der ungewöhnlichste Vertreter der G-Serie ist jedoch der 

Speedster. Er wird 1989 nur ein halbes Jahr lang gebaut und bleibt einer 

der seltensten Vertreter seiner Art – genau wie sein legendärer Vorgänger 

Porsche 356 Speedster. Das Fahrzeugkonzept folgt einer Devise von 

Ferry Porsche: „Fahrspaß wird nicht durch Komfort erzeugt", glaubte 

der Sportwagen-Konstrukteur. So war der erste Speedster von 1954 ein 

Porsche in Reinform: 760 Kilo „Lebendgewicht", leichte Schalensitze, 

Kunststoff-Seitenscheiben. Eine superkurze Windschutzscheibe und ein 

flatterndes Notverdeck konzentrieren die Aufmerksamkeit des Piloten 

allein auf die Straße. 

Danach sollte es mehr als 30 Jahre dauern, bis Porsche wieder 

einen Speedster auf die Räder stellte. 1989 bauen die Zuffenhausener 

die Speedster-Variante des 911 Carrera. Eine geduckte Silhouette 

durch die flachere Windschutzscheibe, Sportsitze und der 231 PS 

starke Boxermotor machen den Wagen zu einer recht komfortablen 

Fahrmaschine. Das ungefütterte Verdeck muss man in einer genau 

festgelegten Prozedur unter einer Abdeckung aus leichtem Kunststoff 

verstauen, sonst drohen Kratzer. Der Verdeckdeckel präsentiert sich mit 

einer dicken Doppelhutze, die dem Speedster seine charakteristische 

Optik verleiht. Den Speedster der G-Serie gibt es in zwei unterschiedlich 

breiten Karosserieformen. Die schmale Form basiert auf dem Cabrio, die 

breite Variante auf der Karosserie des 911 Turbo. 

Optisch unterscheidet sich die G-Serie des 911er kaum von der 

Nachfolge-Generation 964, die Ende 1988 vorgestellt wird. Etwas rundlicher, 

etwas moderner, dickere Stoßfänger mit breiten Blinkern – das 

war es schon. Doch auch der neue Porsche 911 ist ein typischer 911er. 

Allein die Elektronik hat mittlerweile Einzug gehalten. 

Der 964 ist der erste Serien-Porsche, der mit einem permanenten 

Allradantrieb zu bekommen ist. Der 250 PS starke Porsche 911 Carrera 

4 setzt ein Zeichen und ist bis heute bei Kennern besonders beliebt. 

Neben dem optionalen Allradantrieb bekommt die dritte Generation des 

911er ein neu entwickeltes Fahrwerk, eine verbesserte Innenausstattung 

und einen automatisch ausfahrbaren Heckspoiler. 

Besonderen Einfluss auf die Entwicklung des Porsche 964 hat der 

Technologieträger 959. Diese streng limitierte Serie setzt Mitte der 80er 


Jahre Maßstäbe in Sachen Aerodynamik, Antrieb und Fahrwerk. Neben 

einem variablen Allradsystem ist der 959 mit 450 Turbo-PS und einem 

variablen Fahrwerk unterwegs. Unter anderem gewinnt er im Jahr 1986 

die Rallye Paris-Dakar. 283 Modelle werden gebaut, Stückpreis 420.000 

D-Mark. Die meisten verschwinden auf Nimmerwiedersehen in privaten 

Sammlungen. 

Heute ist Allradantrieb nicht mehr aus der 911-Modellpalette wegzudenken 

– die 4 am Heck steht dafür. In den 80ern betritt Porsche 

damit Neuland – wenn man einmal von Exoten wie dem 1953 vorgestellten 

„Jagdwagen" absieht. Unter der werksinternen Bezeichnung 

Typ 953 entstehen im Winter 1983 drei Allrad-Rallyeboliden mit dem 

Namen 911 Carrera 4x4. Im Heck der Fahrzeuge tobt sich der altbekannte 

Sechszylinder-Boxermotor mit 3,2 Litern Hubraum aus. Erstmals 

kommt eine digitale Motorelektronik zum 

Einsatz. Die Verdichtung 

des Boxers müssen 

die Ingenieure allerdings 

reduzieren, damit 

der Motor die schlechte 

Benzinqualität in vielen 

Ländern verträgt. Die 

Leistungsausbeute des 

Boxers ist deshalb mit 225 

PS ziemlich mager. 

Die Rallye-Siege bringen 

den Zuffenhausenern 

schließlich ihren erhofften en 

PR- und Erkenntnisgewinn. nn. 

„Als das Ziel erreicht war, 

hörte Porsche auf, wie sie 

es immer tun", erinnert sich 

Jacky Ickx, der in den 80er 

Jahren Rallye-Pilot bei Porsche 

war. „Bei denen hat Rennsport 

letzten Endes immer nur einen technischen hi h Hintergrund." d" 

Doch der Allradantrieb bekommt auch Gegenwind. Viele e 

Porsche-Fans wollen Ende der 80er einen dynamischen 911er nur 

mit Heckantrieb akzeptieren. Unbestritten ist, dass der Carrera 

4 im Grenzbereich leichter zu beherrschen ist und seine Kraft 

souveräner auf die Straße bringt. Wer Heckantrieb will, kann den 

beim 964 in Form des Carrera 2 jedoch ebenfalls bekommen. Sowohl 

Carrera 2 als auch Carrera 4 sind als Coupé, Targa und Cabrioversion zu 

haben. Die Preise reichen kurz nach der Markteinführung von 103.500 

D-Mark (Carrera 2) bis 131.000 Mark (Carrera 4). Der Turbo kommt im 

März 1990 und bringt für 178.500 Mark 320 PS auf die Straße. 

Bereits drei Jahre später kommt die schnelle Ablösung. Optisch 

hat sich 1993 besonders an Front und Heck einiges getan. Die Front 

ist flacher, die Scheinwerfer sind nicht mehr derart erhaben wie bei 

den Vorgängerserien. Das Hinterteil zeigt sich bulliger als bisher. Der 

Innenraum ist dagegen nahezu unverändert. Selbstverständlich gibt es 

wieder Sportversionen wie den Carrera 4, den Carrera 4S oder den Turbo. 

Die Targaversion hat kein herausnehmbares Dach mehr, vielmehr lässt 

sich das übergroße Schiebedach elektrisch hinter die Rücksitze fahren. 

Der Sechszylinder leistet zunächst 300 und danach 320 PS bei 6800 

U/min und ein maximales Drehmoment von 370 Newtonmeter (Nm) 

bei 4250 U/min. Die Höchstgeschwindigkeit liegt bei 285 km/h. Neben 

den deutlich verbesserten Fahrleistungen präsentiert sich der 996 auch 

sparsamer als seine potenten Ahnen. 

Für die entsprechende Kühlung des Motors sorgt erstmals Wasser. 

Die langjährige Luftkühlung ist verschwunden, die Lüftungsgitter am 

Heck nicht. Die einstige Heckschleuder zeichnet sich bereits seit dem 

993 durch ein Fahrwerkspotenzial und Sicherheitsreserven aus, von 

denen man bis zu den späten 80er Jahren nur träumen konnte. 

Wer sich mit den Standard-911ern nicht zufriedengeben mag, der 

wird von der Porsche-Rennsportabteilung glücklich gemacht. Auf den 

Le-Mans-erprobten Porsche 911 GT 1 folgt die Straßenversion des 911 

GT 2. Dank Doppelturbolader bringt er nicht nur die Konkurrenz auf 

den Rennstrecken dieser Welt zum Staunen. Aus 3,6 Litern Hubraum 

holt das Sportgeschoss 462 PS. Ein maximales Drehmoment von 

620 Nm und eine Höchstgeschwindigkeit von 316 km/h sprechen 

eine deutliche Sprache. Von 0 bis Tempo 100 vergehen rund vier 

Sekunden. Ebenfalls auf die Rennstrecke abgestimmt: Keramikbremsen, 

Sportfahrwerk und Rennsportschaltung. 

Ähnlich sportlich ist der etwas zahmere Porsche 911 GT 3. Er leistet 

immerhin 381 PS. Die Höchstgeschwindigkeit sprengt ebenfalls die 

300er-Grenze. Als erstes Serienfahrzeug der Welt knackt der GT 3 die 

Acht-Minuten-Marke auf der Nordschleife des Nürburgrings. 

Der 996 ist eine langlebige 911er-Generation. Erst 2004 schreibt der 

997 die Geschichte der Sportwagenlegende weiter und ist dennoch eine 

konsequente Weiterentwicklung des 996. Eine modifizierte Optik unterscheidet 

ihn stärker von den PS-schwächeren Boxster-Modellen. Er vereint 

Elemente der Generationen 964, 993 und 996. Bei Markteinführung ist 

der 997 als Carrera und Carrera S mit Leistungen von 325 und 355 PS zu 

bekommen. Neu ist die aktive Dämpfereinstellung, die für ein Höchstmaß 

an Agilität sorgt. 

Der 911 Targa kommt etwas später und verfügt nach wie vor über 

ein sich weit öffnendes Schiebedach, das Luft und/oder Licht in den 

Innenraum des Zweisitzers bringt. Serienmäßig ist das Targamodell nur 

mit Allradantrieb zu bekommen. Immer mehr Kunden entscheiden sich 

denn auch für einen vierradgetriebenen 

911er. 

Zur Modellpflege 2008 

gibt es neue Motoren mit 

Direkteinspritzung. Der Normverbrauch 

des nun auf 345 PS 

erstarkten 

3,8-Liter-Triebwerks 

sinkt erstmals unter die Zehn- 

Liter-Marke. Die immer wieder 

als zu unsportlich kritisier- 

te Getriebeautomatik Tiptronic 

hat ausgedient. Sie wird 

von einem neu entwickelten 

Doppelkupplungsgetriebe mit dem 

Kürzel PDK ersetzt. Der Erfolg ist 

riesig. Mittlerweile entscheiden 

sich in vielen Ländern mehr als 

80 Prozent für die Kombination 

aus Fahrspaß, automatischem und 

manuellem Schalten sowie niedrigem 

Verbrauch. 

Anders sieht es bei biden Sportversionen aus. Modelle wie GT3, GT3 

R oder GT2 RS setzen nach wie vor auf kompromisslosen Fahrspaß auf 

Rundkursen und Landstraßen. Die Sportmodelle von Porsche werden 

wie gehabt per Handschaltung auf Touren gebracht. Nach vielen Jahren 

legt Porsche erstmals auch wieder einen Speedster auf, eine Version 

mit manuellem Dach und flacher Windschutzscheibe. Ebenso wie die 

Sondereditionen des Carrera GTS und Carrera GTS 4 wird auch er von 

einem auf 408 PS erstarkten Sauftriebwerk befeuert. 

Topmodell bleibt jedoch auch beim überarbeiteten Porsche 997 das 

Führungsdoppel aus 997 Turbo und 997 Turbo S, 500 beziehungsweise 

530 PS stark. Highlight beim Turbo-Doppel sind nicht die pure Leistung und 

Höchstgeschwindigkeiten von rund 320 km/h, sondern ein Torque Vectoring 

und ein besonders fahraktiver Allradantrieb. Das weiterentwickelte Porsche 

Traction Management (PTM) besteht aus einem aktiven Allradantrieb mit 

elektronisch gesteuerter Lamellenkupplung unter Einbeziehung des automatischen 

Bremsendifferenzials und der Antriebsschlupfregelung. 

Für Baureihenleiter August Achleitner ist der 991 der „Übervater 

des 911er und das Rückgrat unseres Unternehmens". 150 Millionen 

Euro hat Porsche in neue Designstudios, einen Windkanal und das 

Integrationszentrum in Weissach investiert. „Wir hatten bei der 

Entwicklung des 991 deutlich mehr Freiheiten als bisher, wir haben 

wirklich auf einem weißen Blatt Papier angefangen", sagt Achleitner. 

Neue Plattform, größere Abmessungen, effizientere Motoren, konsequenter 

Leichtbau, ein komplett neues Cockpit – die jüngste 911er- 

Generation gleicht nur auf den allerersten Blick ihrem Vorgänger wie 

ein Ei dem anderen. Mittlerweile hat das Ausrollen der neuen 991er- 

Baureihe begonnen. Die Versionen Carrera und Carrera S erfreuen sich 

ebenso großer Beliebtheit wie die Allradversionen. Als nächstes können 

sich die Porsche-911-Fans auf die 475 PS starke GT3-Sportversion 

freuen. Auf der IAA stand zum 50. Ehrentag dann die Turboversion. 


Bilitis 

Softsex 

unterm 

Weichzeichner 

Von Thorsten Pöttger 

Mann und Frau haben es nicht leicht, wenn es sich während der 

intensiven Phase ihrer Pubertät ums Erwachsenwerden dreht. Das 

gilt für die heutige Zeit voller verliebter Vampire unverändert wie 

für die vor über 30 Jahren, als die sexuelle Revolution der 68er 

schon vorüber war. Dennoch grübelten nach Orientierung suchende 

Teenager Mitte bis Ende der 70er offensichtlich nach wie vor 

über sinnstiftende Dinge wie " 

natürliche" Romantik. Fündig wurden 

sie in Fotos, aber auch Puzzles und Bettwäsche mit Motiven des 

David 

Hamilton 

frankophilen britischen 

Fotografen 

David Hamilton. 

Der im April 1933 

in London geborene 

Künstler hatte 

nämlich neben der 

Côte d’Azur eine 

weitere Vorliebe, 

wie 1977 auch sein 

Filmdebüt " 

Bilitis" 

zeigte. 

Die Feinheit ihrer Beine, die Zartheit ihres Körpers und vor allem 

ihr Katzengesicht, ihre katzenhaften Augen, auf die leicht ihre 

„ oberen Augenlider fielen. Wie ich sie so ansah, wusste ich 

schon, was für eine Schönheit sie werden würde." Mit diesen Worten 

schildert Hamilton in seinen Erinnerungen ein Schlüsselerlebnis 1966 an 

einem Strand in Bournemouth, als er ein Mädchen beim Spiel mit der 

jüngeren Schwester beobachtete. Zwei Jahre später nahm er von dem 

„Objekt der Begierde" Schnappschüsse auf, nachdem er bei der Mutter 

artig angefragt hatte. Ein Bild aus dieser Session erschien prompt 1970 in 

Hamiltons erstem Fotoband mit dem bezeichnenden Titel „Träume junger 

Mädchen". Die Gestaltung des Albums war von Leonard Cohens Song 

"Suzanne" inspiriert, indem der dazugehörige Text als Bildunterschriften 

fungierte. Hamilton persönlich machte nie einen Hehl daraus, dass 

junge Mädchen sein allseits beherrschendes Markenzeichen gewesen 

sind. Angesprochen auf seine Lieblingsmotive, äußert er sich über 

„Fragestellungen ihres Alters", die durch seine Fotografie zum Ausdruck 

gebracht werden könnten; vielleicht sogar mit der Möglichkeit, darin 

einige „Antworten" zu finden. Warum die Modelle außer jung bevorzugt 

blond oder rothaarig waren, erklärt er mit der „Durchsichtigkeit ihrer 

Haut", mit Hilfe derer sie sich besser ins Gesamtbild einfügen ließen. 

1969 befand sich der Fotograf zu Arbeiten für Yves Saint Laurent 

auf den Kanarischen Inseln und hatte dort eine weitere schicksalhaf- 

Seite 18 n GoodTimes 1/2014

te Begegnung, nämlich die mit seiner künftigen 

ersten Ehegattin. Von Mona Kristensen, der 

in 

Worten des Künstlers „schönsten Frau, der 

ich 

je begegnet bin", machte Hamilton mehr 

Fotos als von jedem anderen Modell. Sie 

käme „der körperlichen Vollkommenheit 

so nahe, wie es selten zu sehen ist". Dass 

sie auch deswegen in seinem erstem 

Film mitspielen würde, galt seit Beginn 

ihrer Partnerschaft als ungeschriebenes 

Gesetz. Und so kam es dann auch. 

Eines unbekannten Tages mitten 

in den 70ern trat der Drehbuchautor 

Jacques Nahum an Hamilton heran, zum 

ersten mit der 1894 in Paris von Pierre Louys 

veröffentlichten erotischen Gedichtsammlung 

„Les Chansons de Bilitis", und zum zweiten mit 

dem Vorschlag, daraus einen Film zu machen. Das in 

der Vorlage beschriebene „sexuelle Erwachen" der 

weiblichen 

Protagonistin ist aber auch schon alles, was sie mit ihrem Äquivalent 

im Kino gemeinsam hat. Aus der griechischen Schäferin zu Beginn des 

sechs ten Jahrhunderts vor Christus im Buch wurde im Film eine zeitgenössische 

französische Internatsschülerin, zu dessen Beginn auf den antiken 

Ursprung (aber auch auf die Unschuld der Titelfigur) angespielt wird: 

Bilitis probt samt weißer Tunika und Lorbeerkranz ein für ein Schulfest 

geplantes Theaterspiel, vergisst aber ihren Text. 

In die Rolle der Bilitis war die amerikanische Schauspielerin Patti 

d’Arbanville geschlüpft. Exakt, jene „Lady D’Arbanville", an die wenige 

Jahre zuvor Cat Stevens eine Ode in Form seines gleichnamigen 

Evergreens verfasst hatte. Dass sie zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 

mit Mitte 20 bereits deutlich älter als die von ihr gespielte 17-jährige 

Schülerin war, fiel nicht weiter auf. Spötter würden sagen, dass der Grund 

dafür Hamiltons auch aus seinen Fotos bekannte Weichzeichner-Optik 

war, die eh keinen Platz für Falten ließ. Doch zeitgenössische Kritiker 

der schreibenden Zunft fanden für die Hauptdarstellerin angesichts ihrer 

gefühlvollen Spielweise durchaus auch lobende Worte. 

Bilitis kommt über die Sommerferien an den Strand von Saint Tropez, 

das Hamilton als junger Mann wie ein „vollkommen neues Universum" 

kennen gelernt hatte. Auch ohne vorher zu wissen, dass die Handlung 

in Südfrankreich stattfindet, wird dies dem Betrachter anhand der idyllischen 

Bilder sehr schnell klar. Hamilton wäre nach eigenen Aussagen 

nie auf die Idee gekommen, den Film woanders als in der Provence zu 

produzieren – allein schon aus Gründen der Bequemlichkeit, um nicht 

zu weit entfernt von seinen eigenen vier Wänden arbeiten zu müssen. 

Gedreht wurde in dem verlassenen Schloss Saint- 

Amé, das zu einem Studio umgebaut wurde. Mit 

dem Bühnenbildner Eric Simon fand Hamilton 

einen kongenialen Partner, der seine Vorstellungen 

von Möbeln, Formen und Farben genauestens 

umsetzte – und die entsprachen mehr oder weniger 

einer Kopie seines Hauses. Für ihn war „Bilitis" ein 

„sehr hübscher Film", in dem das Publikum die 

Schönheit seiner Fotos wiederentdecken konnte. 

Kritiker warfen ihm vor, er habe ein künstliches 

Pastellfarben-Paradies erschaffen. Dabei betonte 

der Fotograf stets, kein einziges seiner veröffentlichten Bilder sei 

jemals 

mit Hilfe künstlicher Beleuchtung entstanden. 

Doch zurück zu der zugegebenermaßen überschaubaren Handlung 

des Films: Bilitis wohnt während der Ferien bei Melissa (Mona 

Kristensen), der Tochter einer Freundin ihres Vaters. Einerseits schwärmt 

sie für einen – wer hätte das gedacht – jungen Fotografen (Bernard 

Giraudeau), ohne dies sich (und ihm) eingestehen zu wollen. Andererseits 

ist sie schnell von ihrer eleganten älteren Freundin fasziniert und schämt 

sich vor ihr. Die wiederum lässt sich auch davon nicht aus der Ruhe 

bringen, dass ihr Ehemann Pierre sie mit Gewalt zum Geschlechtsverkehr 

zwingt, wie Bilitis eines Nachts von draußen durch die Fensterscheibe 

beobachtet. Dabei wollte sie ihr neues Idol doch nur beim Auskleiden 

beobachten … Sie findet ebenfalls heraus, dass Pierre offensichtlich 

ein Verhältnis mit einer seiner Reitschülerinnen hat. Als er mit dieser 

zu einem Rennen nach Monte Carlo fährt, kommt es zwischen den 

beiden jungen 

Frauen zu einer kurzen, aber innigen 

Liebesaffäre, 

die von Melissa freundlich, aber 

bestimmt 

beendet wird. Daraufhin begibt 

Bilitis 

sich mit ihrem Fotografenfreund auf 

die Suche 

nach einem geeigneten Mann 

für 

Melissa. Diese Frühform des Castings 

geht 

folgendermaßen vonstatten, dass 

auf 

offener Straße spontan von Bilitis 

für 

geeignet gehaltene Kandidaten 

geradewegs 

abgelichtet und Melissa zur 

Musterung 

vorgelegt werden. Vielleicht 

gab 

es vor dem Fotohandy-Zeitalter 

noch 

kein Recht am eigenen Bild. Es 

kommt 

zu einem Fest, bei dem auch Bilitis’ 

favorisierter 

Anwärter für den Posten an 

Melissas 

Seite aufkreuzt, dargestellt vom jun- 

gen Matthieu 

Carrière. Obwohl (oder weil?) diesem 

die Rolle des nonchalanten 

Freigeistes hervorragend 

zu Gesicht steht (Zitat 

über ihn: „Ich glaube, dass er nie zu 

jemandem gehören wird"), funkt es zwischen ihm und Melissa nicht. 

Schließlich erkennt Bilitis, wer am Ende warum zusammengehört, und 

legt wortwörtlich die Schicksale ihrer älteren Freundin und des ebenfalls 

anwesenden Fotografen in beider gegenseitige Hände. Die beiden finden 

letztlich zueinander, während Bilitis tränenüberströmt das Weite sucht. 

Somit ist die Handlung am Ende zwar insgesamt nach wie vor weichgezeichnet, 

aber keinesfalls weichgespült. Um einige Erfahrungen reicher 

– um nicht zu sagen „erwachsener" 

– wird Bilitis nach den Sommerferien 

in 

das Internat zurückkehren. Der Backfisch hat 

zwei 

geliebte Menschen zueinandergeführt, salopp 

und 

unsensibel gesprochen: sich letztlich irgendwie 

selbst 

in die Pfanne gehauen. 

David Hamilton blieb nach seinem erfolgrei- 

chen 

Filmdebüt bis Mitte der 80er dem von ihm 

selbst 

mit zum Leben erweckten Genre des roman- 

tischen 

Softsexfilms treu, bis er sich erneut schwer- 

punktmäßig 

der Fotografie zuwandte. „Zärtliche 

Cousinen" 

(u.a. mit Anja Schüte) wurde 1981 ein 

ähnlich 

großer Erfolg. 

Bezogen auf 

„Bilitis" 

ist außerdem ein auch im Internet kursierendes 

Gerücht um einen angeblich zu Beginn der 90er geplanten zweiten 

Teil namens „Bilitis 2 – My Love" erwähnenswert. Ob der deutschamerikanisch-schweizerische 

Film 1991 überhaupt fertiggestellt oder 

während der Dreharbeiten im Streit zwischen den Produzenten abgebrochen 

wurde, kann nicht mit Gewissheit gesagt werden. Co-Regisseur 

– neben Hamilton selbstredend – war der tschechische Drehbuchautor 

Karel Kachi^na, angebliche Hauptdarstellerin eine mysteriöse Dame 

namens Patricia Van Haaren. Angesichts allgemein leidiger Erfahrungen 

mit zweiten Teilen wird es seine Gründe haben, dass die Fortsetzung 

bislang nicht das Licht der Öffentlichkeit erblickt hat. Bis dies entgegen 

aller Erwartungen einmal der Fall sein könnte, besteht freilich weiterhin 

die Gelegenheit, sich von Bild und Ton des Originals samt samtweichen 

Soundtracks von Francis Lai (weltweit über fünf Millionen verkaufter 

Exemplare!) betören zu lassen. 

GoodTimes 1/2014 n Seite 19

Blank & Jones – 

Kult-Produzenten im 

Dienste der Kult-Sendung 

Natürlich gehört zu einer so spektakulären „Wiederauferstehung“ wie der der Kultsendung „Formel 

Eins“ die passende „Begleitmusik“. Für die sorgen Piet Blank und Jaspa Jones, besser bekannt als 

das DJ- und Produzentenduo Blank & Jones, die für die „so80s“-Ausgabe für die „Formel Eins“ 

tief in die Archive tauchten, ihre Verbindungen zu Musikerkollegen spielen ließen und den Sound 

vieler Songs für diese spezielle CD kräftig aufpolierten – und zugleich für ein „Formel Eins“-Novum 

sorgten. Man lese nur, was die beiden nach getaner Arbeit im Tonstudio eigens für die Leser von 

kult! zu Papier gebracht haben. 

Genau 30 Jahre nach dem Start der TV Show „Formel Eins" freuen 

" 

wir uns, dieses ehrwürdige Jubiläum mitgestalten zu dürfen. Als 

die Musikshow mit Video-Clips und Bandauftritten 1983 auf Sendung 

ging, war es für uns Teenager eine wahre Offenbahrung. MTV gab es 

in Deutschland noch nicht, und immer nur bei „Bio's Bahnhof" oder 

g 

„Bananas" auf die Musik zu warten, die wir gut fanden, war sehr 

mühsam. Mit „Formel Eins" bekam eine ganze Generation quasi ihre 

eigene, neue Sendung, die auch ihre eigenen neuen Popstars hervorbrachte. 

Plötzlich gab es neben der „Bravo" und dem Radio eine weitere 

wöchentliche Quelle, in der man neue Musik entdecken konnte. 

Die Sendung hat uns komplett durch unsere Jugend begleitet, und die 

gespielten Clips bzw. Studiogäste waren auch immer Thema auf den 

Schulhöfen. 

Als wir nun Anfang 2013 mit dem Mastering und der Archivsuche für 

die vier Jubiläumseditionen anfingen, kam uns bald der Gedanke, doch 

d d h i b ll s 

eine ganze 

so8os 

[so 

eighties] 

Ausgabe dieser 

Kultshow 

zu 

widmen. 

Schnell 

war 

klar, was auf 

jeden 

Fall 

nicht 

fehlen 

durfte: 

Alle 

„Formel 

Eins 

Fahren gemeinsam " 

Formel Eins": 

Christian Stronczek (Sony Music) und Peter Illmann 

Themes", 

die 

im Laufe der 

Jahre erstellt 

wurden. 

Angefangen bei den Go Go's über Jaap Egermont, Jonzun Crew, Harold 

Faltermeyer bis hin zu Yello. Komischerweise gab es alle Titelmelodien 

im Laufe der Jahre noch nie gemeinsam auf einem Album. Einige sind 

sogar noch nie auf CD erschienen. Um die Tracks in bestmöglicher 

Qualität zu bekommen, kontaktierten wir teilweise die Künstler selber, 

und siehe da, Boris Blank von Yello fand in seinem Archiv 

gleich zwei Versionen von "The Race", die damals exklusiv für 

„Formel Eins" angefertigt wurden. Zum einen die legendäre endäre 

TV-Version, mit der die Show eröffnet wurde, zum anderen 

noch eine extra Edit, mit der Yello damals nur bei 

„Formel Eins" auftraten. Auch Harold Faltermeyer ließ 

uns netterweise seine Original-Mastertapes zukommen, 

wodurch wir neben der Single-Version auch 

erstmalig die komplette 12"-Version seines „Formula One"- 

Tracks auf dieser so8os Ausgabe präsentieren können. n. 

Seite 20 ■ GoodTimes 1/2014 

Blank 

& 

J 

one 

es s(DJ- 

und dProd 

roduze 

nten-T 

n-Team 

nTeam 

eam) 

Ein weiterer Traum von uns war es, den legendären Soundtrack zum 

„Formel Eins"-Kinofilm von 1985 endlich auf CD zu veröffentlichen. 

Denn über die Jahre gab es den Film zwar mal auf DVD, der Soundtrack 

erschien jedoch nur auf Vinyl. Dank des hervorragenden EMI-Archivs 

gelang g es uns tatsächlich, das Mastertape 

des kompletten 

Soundtracks zu 

orten und ebenfalls 

in Spitzenqualität 

zu überspielen. Dass 

aber auch in den 

80er Jahren leider 

auch schon mal hier 

und da scheinbar alles „schnell, schnell" gehen musste, merkten wir 

dann, als wir uns ans Remastering des Soundtracks setzten. Die Titel 

von Falco und Jimmy Nail waren tatsächlich Vinylüberspielungen auf 

dem „Formel Eins"-Master. Natürlich haben wir diese auf der nun vorliegenden 

Version durch die echten Master ersetzt. 

Auf der ersten CD findet ihr einen nonstop so8os DJ-Mix, der gleich 

mit einer kleinen Sensation startet: Als Michael Jacksons "Billie Jean" 

erstmalig bei „Formel Eins" vorgestellt wurde, war der weltweite Hype 

um ihn und sein THRILLER-Album zwar schon in vollem Gange, aber 

es machte seinen Moonwalk über Nacht auch in Deutschland berühmt. 

Dass wir Michael Jackson nun auf einer so8os-Veröffentlichung haben, 

macht uns sehr stolz, denn sein Management bzw. Erben erteilen nur 

sehr selten Freigaben für Compilations. 

Aber auch Modern Talking dürfen hier nicht fehlen, denn rückblickend 

saßen Thomas Anders und Dieter Bohlen gefühlt jede zweite Woche 

am Ende der Sendung mit Peter, Ingolf, Stefanie oder Kai auf dem Sofa 

und erhielten wieder irgendein Autoteil als Belohnung für den nächsten 

Nr.-1-Hit. Auch die Hit Factory von Stock/Aitken/Waterman ist gebührend 

vertreten. Ihre hier versammelten 12"-Versionen für Mel & Kim, 

Kylie Minogue, Princess, Rick Astley oder Bananarama sind alle samt 

extrem rar und gar nicht oder nur in schlechten Vinylüberspielungen 

auf CD erhältlich. 

Wir hoffen, mit dieser Box sowohl allen Komplettisten als auch Fans 

dieser prägenden TV-Show eine ebenso große Freude zu machen wie 

uns selbst, und wünschen Euch jetzt viel Spaß bei 

der Zeitreise in die bunten und kreativen 80er! 

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Von Homers 

Odyssee" bis 

" 

Stieg Larssons 

" Millennium": 

Literatur als Comic 

wurde weltweit, auch in Deutschland, eine gewaltige Resonanz zuteil. 

Der 1948 in Stockholm geborene Künstler hatte die Lebensgeschichte 

seiner Familie, die Grauen des Konzentrationslagers, in eine grafische 

Erzählung gefasst und wählte dafür Tiere 

als Metaphern: Nazis als Katzen, Juden 

als Mäuse. Spätestens mit dieser auf 300 

Seiten abgehandelten „Geschichte eines 

Überlebenden" zeigte das Medium, dass 

es auch zur Darstellung ganz anderer 

Inhalte taugte. Komisch 

im Sinn des Wortes Comic 

war daran nun wirklich 

gar nichts mehr. 

Mit „Maus" – dessen 

deutschen 

Erstdruck 

1989 der Rowohlt Verlag 

besorgte – gelangte nicht 

nur ein gehobener Inhalt 

zur Publikation, die schwarz-weißen Bildfolgen l präsentierten 

sich auch zwischen zwei Buchdeckeln und 

nicht wie bis dahin meist üblich in der Form eines 

großformatigen Comic-Albums. Im Grunde folgte diese 

Vorgehensweise mit dem Anspruch, „eine Erzählweise zu 

finden für intime Themen", einer Überlegung des ame- 

Verne, Defoe, Cervantes, Homer, Dickens, Kipling, 

Cooper, Hugo, Flaubert – jeder einzelne Autor ist 

ein Schwergewicht der Literaturgeschichte. Doch 

die Wenigsten werden behaupten können, dass sie 

deren bekannteste Werke gelesen haben. Der Griff 

zum Comic kann da Abhilfe schaffen. Die 

Brockhaus Literaturcomics" etwa sind 

" 

eine dieser Serien, 

mit denen derlei 

Klassiker in derter Form auf 

bebil- 

den 

Punkt 

gebracht 

werden. 

Und im besten en Fall 

machen sie Appetit 

auf die Lektüre des 

Originals. 

Noch vor einigen Jahrzehnten, speziell jedoch in den 50er 

und 60er Jahren, standen die Comics hier zu Lande im Ruf 

von Schundliteratur. Besorgte Kritiker befürchteten in den 

„Heftchen" mit der gestrichelten Bilderware die Bankrotterklärung 

für den Bildungsstand und nannten sie schon mal „Opium fürs 

Kinderzimmer". Demgegenüber wurde die hehre Literatur gelobt, die sich 

den jugendlichen Lesern im „guten Buch" erschloss. Vieles, um nicht zu 

sagen alles, hat sich seit jenen Tagen geändert. Längst sind die Comics 

mit ihrer inhaltlichen Vielfalt als eigene Literaturform anerkannt, und 

ein beständig wachsender Leserkreis in allen Altersklassen 

erfreut sich an der aufregenden Mischung aus ausgefallener 

Textgestaltung und persönlich gefärbtem Artwork als 

kurzweilige Lektüre. „Donald Duck", „Peanuts", „Asterix", 

„Lucky Luke", „Tim und Struppi", „Spirou und Fantasio", 

„Die Schlümpfe", „John Difool", „Prinz Eisenherz", 

„Batman", „Spider-Man", „Watchmen", „Akira" und viele 

andere faszinierende Charaktere haben die verschlackten 

Vorurteile nach und nach weggefegt. 

Als im Jahr 1992 der im New Yorker Stadtteil 

Manhattan beheimatete Art Spiegelman für sein 

Werk „Maus" als erster Comic-Autor mit dem Pulitzer-Preis 

ausgezeichnet wurde, markierte das abermals eine veränderte 

Sicht auf die Comics. Spiegelman und seinem Werk 



rikanischen Altmeisters Will Eisner (1917–2005). 

Der veröffentlichte seine „Mietshaus-Stories aus 

New York" im Oktober 1978 unter dem Titel „A 

Contract With God" und bezeichnete das Ergebnis 

als „Graphic Novel". Wie schon bei „Maus" war es 

zunächst keiner der typischen Comic-Verlage, der 

die erste deutsche Ausgabe publizierte: „Ein Vertrag 

mit Gott" erschien 1980 bei Zweitausendeins. 

E inen frühen Versuch, den Comics zu einem besseren Image zu verhelfen, 

startete der US-Verleger Albert Lewis Kanter (1897–1973). Im 

Oktober 1941 gab er mit „The Three Musketeers" („Die drei Musketiere") 

nach dem Roman von Alexandre Dumas 

die erste Ausgabe einer Serie heraus, in 

der bekannte Werke der Weltliteratur zu 

Bildergeschichten umgestaltet wurden. 

Ursprünglich als „Classic Comics" begonnen, 

erwuchs daraus unter dem bedeutsameren 

Titel „Classics Illustrated" eine internationale 

Erfolgsstory. Selbst zu Zeiten, als 

die amerikanische Comic-Industrie sich heftiger 

Kritik ausgesetzt sah, angefacht durch 

das 1954 erschienene Buch „Seduction Of 

The Innocent", in dem der deutschstämmige 

Psychiater und Autor Fredric Wertham 

(1895–1981) die schädlichen Einflüsse der Comics auf das jugendliche 

Gemüt beschwor, blieben die „Classics Illustrated" davon nahezu ausgenommen. 

Manche Pädagogen nutzten sogar bereits damals die Hefte 

in der Schule als Hilfsmittel für den Unterricht. Im Zeitraum 1941 bis 

1962 wurden allein in den USA 167 Titel kreiert, die ihren Weg auch 

nach Deutschland fanden. n. Mit großem Erfolg gab der Bildschriftenverlag 

von Januar 1956 bis 

Juli 1972 die Reihe 

heraus, die hier zu 

Lande als „Illustrierte 

Klassiker" 

bekannt 

wurde. Als literarische 

Vorlagen dienten in 

erster Linie populäre 

Abenteuerromane, 

etwa von Jules Verne 

(„20.000 Meilen unter 

dem Meer"), Herbert George Wells („Der Krieg Ki der Welten"), Alexandre 

Dumas („Der Graf von Monte Christo") oder Walter Scott („Ivanhoe"). 

Selbstverständlich durften auch klassische Jugendbücher wie Stevensons 

„Schatzinsel", Defoes „Robinson Crusoe", Coopers „Der Letzte Mohikaner" 

und Twains „Tom Sawyer" in dieser Sammlung von „farbenprächtigen 

Nacherzählungen" nicht fehlen. 

Die „großen Werke der Weltliteratur" waren dagegen am ehesten mit 

den Bearbeitungen von Schillers „Wilhelm Tell", Goethes „Faust", 

Shakespeares „Hamlet" oder Hugos „Die Elenden" vertreten. Zu einer 

festen Größe in „Illustrierte Klassiker" wurde der stets am Ende einer 

Ausgabe vermerkte Ratschlag: „Jetzt hast du die Illustrierte Klassiker 

Ausgabe gelesen. Versäume auf keinen Fall, dir die Original-Ausgabe 

dieses Buches zu besorgen. Es wird sicher in jeder guten Buchhandlung, 

Leihbücherei oder städtischen Bücherei vorrätig sein." Die anhaltende 

Beliebtheit dieser Kultreihe veranlasste den Norbert Hethke 

Verlag zwischen 1991 und 2002 zu einem kompletten Nachdruck 

von insgesamt 206 Nummern. Damit nicht genug, legt nun der neue 

Bildschriftenverlag in Hannover seit dem 

Jahreswechsel 2012/13 auch noch jene Titel 

auf, die einst zwar angefertigt wurden, in 

Deutschland aber nie erschienen sind. Aktuell 

liegen zehn Ausgaben vor. 

Allemal wegweisend waren die „Illustrierte e 

Klassiker" mit ihrem Versuch, Literatur in 

gezeichneter Form zu adaptieren. Unzählige 

Beispiele lassen sich bis zum heutigen Tag 

nennen, die direkt oder indirekt von dieser 

Erfolgsreihe inspiriert sind. In Anlehnung an 

das große Vorbild bewegte sich die zu Beginn 

der 1970er Jahre von Bastei verlegte Serie 

„Berühmte Geschichten", in der „Meisterwerke 

aller Zeiten in vielen bunten Bildern nacherzählt" 

wurden. Das Experiment blieb allerdings 

genauso bescheiden wie die 13 Alben der Reihe 

„Classicomics", die der Verlag Schwager & 

Steinlein bis 1978 auflegte. 

Nicht besser erging 

es 

den kurz darauf 

erschienenen Titeln in den beiden Reihen 

„Illustrierte Bestseller von Pelikan" und 

„Illustrierte Klassiker", wobei letztgenannte 

Serie nichts mit dem Original zu tun hatte, 

sondern neukreiertes Material aus Spanien 

zeigte. In Serie eher ein Flop, blieben Comic- 

Bearbeitungen von Literaturvorlagen als 

Einzeltitel in den Verlags- 

Programmen aber stets ein 

schmuckes, weil interessant 

zu vertretendes Beiwerk. Aus 

der fast unüberschaubaren 

Menge früher Beispiele 

seien „Nora" von Cinzia 

Ghigliano nach Henrik 

Ibsen, „Fliegenpapier" von 

Hans Hillmann nach Dashiell 

Hammett, „120, Rue de la 

Gare" von Jacques Tardi 

nach Léo Malet, „Kaputt 

in der City" von Matthias 

Schultheiss nach 

Charles Bukowski oder 

der erste „Peter Pan"- 

Band von Régis Loisel 

nach James Matthew 

Barrie in Erinnerung 

gerufen, die zwischen 

1981 und 1991 in den 

Handel kamen, heute 

zum Teil aber nur noch 

antiquarisch erhältlich 

sind. Besonders originell 

muten die beiden Bücher 

„Comic-Zeichner präsentieren 

Werke der Weltliteratur" 

und „100 Meisterwerke e 

der Weltliteratur" aus den 

Jahren 1993 und 2009 an. 

Darin abgedruckt finden n 

sich 1 38 höchst eigenwillige Interpretationen 

t ti 

von „Alice im Wunderland" nach Lewis Carroll 

bis hin zu „Wir sind alle Kinder der Götter" nach hEih Erich von Däniken, die 

auf eine Seite komprimiert und in Schwarz-Weiß-Illustrationen dargestellt 

sind. 

Ermutigt 

von 

Spiegelmans „Maus" 

brachten viele andere 

Autoren biografisch 

gefärbte Werke zu Papier. 

Am bekanntesten ist 

sicher Marjane Satrapi 

– 1969 im Iran geboren, 

in Teheran aufgewachsen 

und seit 1994 in 

Frankreich heimisch –, die ab 2000 einen Riesenerfolg fl mit „Persepolis" 

landete. Die deutsche Fassung erschien 2004/05 in der Edition Moderne. 

Ihre darin geschilderte Kindheit und die Jugendjahre im Iran zu Zeiten 



der islamischen Revolution von 1979 und 

des Krieges mit dem Irak wurden 2007 als 

Zeichentrickfilm umgesetzt, der im Jahr 

darauf als bester nicht-englischsprachiger 

Film bei der Oscar-Verleihung nominiert 

war. Nicht zuletzt „Maus" und „Persepolis" 

bewirkten in der hiesigen Comic-Szene 

ein Umdenken. en. Verlage mit ambitionierten 

Programmen 

wie Reprodukt 

und 

Avant in Berlin, Carlsen in Hamburg, 

Edition 52 in Wuppertal und die bereits 

erwähnte Edition Moderne in Zürich 

regten an, derlei grafische Erzählungen 

fortan mit dem Siegel der Graphic Novel 

zu 

versehen. 

Damit wollte 

man sich einerseits 

bewusst 

von den herkömmlichen h Comics absetzen 

und andererseits dem Buchhandel und den 

Lesern, die dem Medium bisher womöglich 

eher distanziert gegenüberstanden, die 

neuen Qualitäten veranschaulichen. Alles 

spricht derzeit dafür, dass dieses Konzept 

aufgeht. Eine Fülle von spannenden Titeln, 

sehr oft auch von deutschsprachigen 

Künstlern geschaffen, fand in der jüngeren 

Vergangenheit den Weg zum Publikum. 

Ob „Heute ist der letzte Tag vom Rest deines Lebens” von Ulli Lust, 

„Baby’s In Black – The Story Of Astrid Kirchherr & Stuart Sutcliffe” 

von Arne Bellstorf oder „Die Sache mit Sorge – Stalins Spion in 

Tokio” von Isabel Kreitz – die Ergebnisse können sich sehen lassen, 

und sie kommen gut an. Auch bei Kritikern in der Zeitung, im Radio, 

Fernsehen und Internet. Einen guten Überblick dessen, für was eine 

„Graphic Novel" heute steht, gibt die gleichnamige Kollektion, die von 

der „Süddeutschen Zeitung" herausgegeben wird. Die mittlerweile 28 

von der Feuilletonredaktion ausgewählten 

Titel liefern faszinierende Belege für diese 

neue Variante der Vermengung aus Text und 

Zeichnung zu stilvoller Literatur. Ständig 

aktualisierte Informationen zum Phänomen 

Graphic Novels gibt es im Übrigen auch auf 

dem 

verlagsübergreifenden 

Internet- 

Portal www.graphicnovel.info 

m Zeichen der 

IGraphic Novels 

finden natürlich auch 

literarische Vorlagen 

ihre 

Bearbeitung. 

„Der Boxer" von 

Reinhard Kleist nach 

Hertzko Haft, „Stadt aus Glas" von Paul 

Karasik und David Mazzucchelli nach Paul 

Auster oder „Pinocchio" von Winshluss nach 

Carlo Collodi sind Paradebeispiele für gelungene 

Adaptionen. Da 

diese Titel in erster 

Linie ein erwachsenes 

Publikum 

ansprechen, bedienen 

sich deren 

Macher darin schon 

mal einer eher etwas 

unkonventionellen 

Bildsprache. Auf die 

Spitze treiben das 

Flix in „Don Quijote" nach Miguel de Cervantes und Nicolas Mahler in 

„Alice in Sussex" nach Lewis Carroll und H.C. Artmann, wo nicht nur 

dem grafischen Experiment gefrönt wird, sondern auch die literarische 

Vorlage eine ideenreiche, sehr moderne 

Interpretation erfährt. 

Wem das alles zu mutig erscheint, 

dem bietet eine konventioneller 

gestrickte Bilderware aber noch genügend 

anderen Stoff. Das reine Lesevergnügen 

garantieren „Die Odyssee" in der Fassung 

von Pérez Navarro und Martin Sauri und 

„Der Glöckner von Notre-Dame" von 

Robin Recht und Jean Bastide. Gleiches 

lässt sich von „Verblendung" behaupten, 

dem Einstiegsband in die sensationelle 

„Millennium-Trilogie" des schwedischen 

Schriftstellers Stieg Larsson, der kurioserweise 

in einer Version von Denise Mina, Leonardo 

Manco und Andrea Mutti Anfang des Jahres 

bei Panini herauskam und im Mai 2013 in 

einer weiteren Interpretation von Sylvain 

Runberg und José Homs bei Splitter erschienen 

ist. Mit ihren realistischen Bildfolgen 

und einer nah am Original ausgerichteten 

Textfassung wissen auch die bislang 15 Titel 

der Reihe „Brock- 

haus Literatur-rcomics" 

zu gefallen. 

Wenn gleich 

die Bearbeitungen 

klassischer Vorlagen 

der Weltliteratur 

nicht von den ganz 

großen Namen in 

der Branche ausgeführt wurden, liefern die 

beteiligten Zeichner dieser in Frankreich entwickelten 

Serie doch grundsolides Handwerk 

ab. In Ergänzung mit den Nachworten, die 

Informationen zum Autor, zum Werk und 

zur Entstehungszeit liefern, hat sich die 

Reihe schon nach kurzer Zeit als förderliche 

Arbeitsunterlage in der Sekundarstufe I und 

II erwiesen. Eigentlich an Jugendliche ab 

zehn Jahren gerichtet, werden sich wohl auch 

etliche Comic-Fans nicht zurückhalten und 

besonders gelungene Titel wie „In 80 Tagen 

um 

die Welt" von 

Chrys Millien nach 

Jules Verne, „Das 

Dschungelbuch" 

von Djian und 

TieKo nach 

Rudyard Kipling, „Quo vadis?" von Patrice ti 

Buendia und Cafu nach Henryk Sienkiewicz 

oder „Eine Weihnachts geschichte" von 

Patrice Buendia und Jean-Marc Stalner nach 

Charles Dickens ihrer Sammlung zuführen. 

Horst Berner 

© Die Rechte für die Abbildungen liegen bei den Verlagen und den jeweiligen Autoren. 



Große Literatur im Comic-Format: 

30 Titel, deren Lektüre sich lohnt 

1. Art Spiegelman: Die vollständige Maus" 

" 

(Fischer Verlag) 

2. Will Eisner: Ein Vertrag mit Gott" (Carlsen Verlag) 

" 

3. Alfred Sundel, Norman Nodel: Faust" " 

(Norbert Hethke Verlag) 

4. Cinzia Ghigliano: Nora" " 

(Schreiber & Leser) 

5. Hans Hillmann: Fliegenpapier" 

" 

(Zweitausendeins) 

6. Jacques Tardi: 120, Rue de 

" 

la Gare" (Edition Moderne) 

7. Matthias Schultheiss: Kaputt " 

in der City" (Heyne Verlag) 

8. Régis Loisel: Peter Pan" " 

(Ehapa Comic Collection) 

9. Comic-Zeichner präsentieren 

Werke der Weltliteratur: 

Alice im Comicland" 

" 

(Edition Moderne) 

10. Moga Mobo präsentiert: 100 Meisterwerke" 

" 

der Weltliteratur (Ehapa Comic Collection) 

11. Marjane Satrapi: Persepolis" (Edition Moderne) 

" 

12. Ulli Lust: Heute ist der letzte Tag vom Rest 

" 

deines Lebens" (Avant Verlag) 

13. Arne Bellstorf: Baby’s In Black – The Story Of 

" 

Astrid Kirchherr & Stuart Sutcliffe" (Reprodukt) 

14. Isabel Kreitz: Die Sache mit Sorge – Stalins 

" 

Spion in Tokio" (Carlsen Verlag) 

15. Peer Meter, Barbara Yelin: Gift" " 

(Süddeutsche Zeitung Bibliothek) 

16. Joe Sacco: Palästina" " 


17. Robert Crumb: Robert Crumbs Genesis" 

" 


18. Keiji Nakazawa: Barfuß durch 

" 

Hiroshima" (Süddeutsche 

Zeitung Bibliothek) 

19. Jon J. Muth: M – Eine Stadt 

" 

sucht einen Mörder" 


20. Reinhard Kleist: Der Boxer" " 

(Carlsen Verlag) 

21. Paul Karasik, David Mazzucchelli: 

Stadt aus Glas" (Reprodukt) 

" 

22. Winshluss: Pinocchio" " 

(Avant Verlag) 

23. Flix: Don Quijote" 

" 

(Carlsen Verlag) 

24. Nicolas Mahler: Alice in Sussex" 

" 

(Suhrkamp Verlag) 

25. Pérez Navarro, Martin Sauri: Die Odyssee" 

" 

(Ehapa Comic Collection) 

26. Robin Recht, Jean Bastide: Der Glöckner von 

" 

Notre-Dame" (Splitter) 

27. Denise Mina, Leonardo Manco, Andrea Mutti: 

Verblendung" (Panini Verlag) 

" 

28. Sylvain Runberg, José Homs: Verblendung" 

" 

(Splitter) 

29. Djian, TieKo: Das Dschungelbuch" (Brockhaus) 

" 

30. Patrice Buendia, Cafu: Quo vadis?" (Brockhaus) 

" 

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Von Alexander 

Querengässer 

en 

Mitte der 60er Jahre überschwemmte 

eine Flut von Italowestern den europä- 

ischen 

Kinomarkt. Ausgelöst worden war 

die Modewelle vom Erfolg der „Dollar „ - 

Trilogie von Sergio Leone, die ihn und 

seinen 

Hauptdarsteller Clint Eastwood 

zu 

Stars gemacht hatten. Obwohl das 

gesamte Genre oft als Abklatsch 

der Originale Leones verspottet 

wurde, brachte eine Reihe anderer 

Regisseure mit charismatischen 

Hauptdarstellern noch sehr unterhaltsame, 

coole und brutale Filme auf die 

Leinwand. 

1966 wurde Franco Nero mit Sergio Corbuccis „Django" zu dem 

Western-Antihelden schlechthin, während Giuliano Gemma in 

Duccio Tessaris „Eine Pistole für Ringo" oder in Michele Lupos 

„Arizona Colt" bereits als strahlender Sonnyboy glänzen durfte. 

Sergio Sollimas „Der Gehetzte der Sierra Madre" lenkte das Augenmerk 

auf den proletarischen Helden, den armen mexikanischen Peone 

Cuchillo, gespielt von Tomas Milian. Ein eher klassisches 

Westernthema, die Meister-Schüler-Beziehung, inszenierte 

Tonino Valerii, ein Protegé Leones, in „Der Tod 

ritt dienstags" mit Gemma und Lee Van Cleef in den 

Hauptrollen. Die guten Regisseure explodierten geradezu 

vor Kreativität, die in Dutzenden guter Filme bis 1968 

mündete. Danach wendeten sich viele vom Western 

ab, so dass weniger talentierte Klone nachrutsch- 

ten. Andere erreichten schlicht und einfach 

den alten Zenit nicht mehr. 

Der 

Italowestern flachte künstlerisch 

ab, und amerikanische Western 

wie Sam Peckinpahs „Wild Bunch" und George 

Roy Hills „Butch Cassidy und Sundance Kid", 

oder 

Actionfilme ilme 

wie Arthur Penns 

„Bonny und 

Clyde" eroberten 

den Markt zurück. 

„Niemand zog 

schneller „ – 

Leones Versuch, 

komisch zu sein 

Der Italowestern schien eines natürlichen Todes zu sterben, bis 1970 

Enzo Barbonis „Die rechte und die linke Hand des Teufels" zum 

Überraschungshit in Europa avancierte. Die beiden Protagonisten Terence 

Hill und Bud Spencer 

waren bereits populäre 

Stars in Italien, dank 

einer Western-Trilogie 

von Giuseppe Colizzi, 

welche im Erfolg nur 

den Filmen Leones nachstand. 

Barbonis Film verhalf 

ihnen zum europaweiten 

Durchbruch, den 

sie mit der noch erfolgreicheren 

Fortsetzung 

„Vier Fäuste für 

ein 

Halleluja" leluja 

1971 

nachhaltig alti 

untermauerten. Die neuen 

Western Barbonis verzichteten auf blutige Pistolenduelle und setzten auf 

slapstickhafte Prügeleien. Das gab es zwar schon vorher, aber Barboni 

hatte ein besonderes Talent für Komödien. Dies und die Popularität seines 

Duos verhalfen seinen Filmen zum großen Erfolg, dem eine Welle von 


Westernparodien folgte. Doch auch der harte Italowestern erhielt noch 

mal Auftrieb, wenn auch überwiegend nur noch drittklassige Regisseure 

solche Filme machten. 

Für Sergio Leone, dessen Name bisher untrennbar mit dem Genre 

verbunden war, stellte der Erfolg der „Trinity"-Filme einen Schlag ins 

Gesicht dar, besonders da „Vier Fäuste für ein Halleluja" seinen eigenen 

„Für ein paar Dollar mehr" als bis dato kommerziell erfolgreichsten Film 

Italiens verdrängt hatte. Obwohl Leone dem Western bereits den Rücken 

gekehrt hatte, um an seinem Traumprojekt eines Gangsterfilms zu arbeiten, 

beschloss er, sich noch einmal seinen Thron zurückzuerobern. 

Schließlich entschied er sich aber dafür, nicht selbst bei dem Film Regie 

zu führen, sondern als Produzent im Hintergrund die Fäden zu ziehen. 

Eine Geschichte hatte er auch schon. Immer wieder hatte der dickliche 

Römer darauf verwiesen, dass die griechischen hen Epen 

die 

besten 

Drehbücher für Italowestern lieferten. Eine bekannte Szene 

aus der Odyssee schwebte ihm vor, als Odysseus seus 

den 

Zyklopen Polyphem austrickste, indem er behauptete, 

te, 

sein Name sei „Niemand". Als er ihm das Auge stach und der Riese seine Brüder um Hilfe fragte, 

wollten diese wissen, wer ihn verletzt habe. 

„Niemand" antwortete Polyphem. Ein listiges 

Wortspiel, dachte auch Leone und versuchte e 

aus- 

ursprünglich, eine Art Remake von „Im Winde 

verweht" darum zu konstruieren, ehe nach 

etlichen Anläufen ein ganz anderes Drehbuch 

entstand, eine Schwanengesangs-Geschichte e 

auf den Western: „Mein Name ist Nobody." Sie 

handelte von dem alternden Revolverhelden Jack 

Beauregard, der heimlich den Westen verlassen 

will, da die Leute nur noch darauf aus sind, sich mit 

seiner Ermordung einen großen Namen zu machen. 

Doch dann taucht ein jugendlicher Fremder auf, der nichts 

unversucht lässt, um seinem Kindheitsidol einen glänzenden 

Abgang zu verschaffen: Er soll die wilde Horde, 150 Mann, erledigen 

und dann gegen ihn selbst antreten. Beauregard schafft das Unmögliche 

und wird dann von Nobody im finalen Duell überlistet. Sein Tod ist nur 

fingiert, so dass er nach Europa auswandern und von sich behaupten 

konnte „Nobody (Niemand) zog schneller"... 

Leones Film ist voller Zitate und Querverweise auf alte Western: 

Beauregard, der von anderen Killern gejagt wird, die sich mit seinem 

Tod einen großen Namen machen wollen, erinnert an Gregory Peck in 

„Der Scharfschütze", die wilde Horde ist eine Anlehnung an Peckinpahs 

„Wild Bunch", erinnert in der Inszenierung aber auch an Sam Fullers 

Duell zwischen ihm und Nobody, 

als beide auf die Hüte schießen, 

aus „Für ein paar Dollar 

mehr" übernommen wurde. Wie 

Clint Eastwood in „Für eine 

Handvoll Dollar" ist Nobody der 

mysteriöse Fremde, der ständig 

zwischen Jack und einer 

Bande steht. Das Zitatespiel 

kann fast endlos weiterbetrieben 

werden. Aus hunderten 

Versatzstücken setzten Leone 

und Drehbuchautor Ernesto 

Gastaldi den Film zusammen. 

Auch der Hauskomponist des 

Maestros, Ennio nio Morricone, one lieferte 

e mit seinem em Score 

einen n Querschnitt 

seines es bisherigen 

Westernschaffens ab, zitiert t aber auch andere 

musikalische Vorbilder. So erinnert das Thema der 

wilden Horde an Wagners „Ritt der Walküren". 

Leone besetzte die Hauptrolle des Beauregard 

mit Henry Fonda und den Youngster Nobody 

mit Terence Hill. Der eine verkörpert den 

alten Westernstar Leones, der andere ist das 

Gesicht der Komödien Barbonis. Ursprünglich 

wollte Leone Beauregard zum alleinigen Helden 

machen und Nobody eher negativ inszenieren. 

Als Regisseur wurde schließlich Tonino Valerii ein- 

gesetzt, der mit „Der Tod ritt dienstags" ja bereits ein 

ähnliches Thema aufgegriffen hatte. Gedreht wurde im 

spanischen Almeria (siehe auch Story in kult Nr. 8), aber auch 

in New Mexiko und New Orleans. Und da geschah es: Valerii begann, 

einen sehr guten Film zu drehen, und Leone fürchtete plötzlich, dass 

sein Name gar nicht mehr damit in Verbindung gebracht werden würde. 

Also begann er den Drehplan seines Schützlings auseinanderzupflücken 

und nun selbst etliche Szenen zu drehen: die Eingangssequenz, den 

Kampf mit der wilden Horde und etliche Szenen mit Hill, die zwar witzig 

sind, aber die Story nicht vorantreiben. Die Stimmung am Set war sehr 

angespannt, und die Freundschaft zwischen Leone und Valerii zerbrach 

schließlich über der Fertigstellung des Films. 

Es zieht sich eine sehr melancholische Stimmung durch „Mein Name 

ist Nobody", die vom Ende des Westens und des Westerns kündet und 

die mehrheitlich auf Valeriis Szenen zurückgeht. Leones Momente mit 

Hill sind zwar sehr komisch, reißen diesen Faden aber immer wieder 

auseinander. Bis heute streiten Filmhistoriker darüber, wie viele Szenen 

des Films tatsächlich von Leone stammen. Valerii sieht ihn immer noch 

als sein Produkt. 

In Italien war „Mein Name ist Nobody" mit 3,5 Millionen Zuschauern 

zwar ein Hit, reichte aber nicht an „Vier Fäuste für ein Halleluja" heran. 

In ganz Europa erreichte der Film trotz seiner fehlenden inhaltlichen 

Stringenz schnell Kultstatus. Leone und Hill versuchten 1975, eine weitere 

Western-Komödie im Stil des George-Roy-Hill-Hits „Der Clou" zu produzieren. 

Der Film wurde in Deutschland als Fortsetzung mit „Nobody ist 

der Größte" betitelt, war auch kommerziell erfolgreich, blieb aber hinter 

den Erwartungen aller zurück. Es war Leones letzter Western. 

„Vierzig ig Gewehre". ehre 

Wie 

Joel McCreas Figur in Peckinpahs „Sacramento" 

trägt Beauregard eine Brille. Mit der Eingangssequenz, in der Beauregard 

drei Killer tötet, zitiert Leone seinen eigenen Film „Spiel mir das Lied 

vom Tod". Dass er dabei beim Barbier sitzt, erinnert stark an Edward 

Dmytrycks „Warlock" (einen von Leones Lieblingswestern), während das 

Terence Hill redet heute in geradezu schwärmerischer Verehrung über 

Leone und bezeichnet „Nobody" als seinen besten Film. Das Kostüm, 

der weiße Hut und der lange helle Staubmantel blieben Teil all seiner 

künftigen Westernfiguren. 

Obwohl Leone seinen Erfolgsdurst nicht befriedigen konnte, eines 

gelang ihm: Als komischer Westernheld ist sein Nobody noch mehr im 

Gedächtnis geblieben als Barbonis Trinity. 


Matchbox Superfast - 

Die Antwort auf die Hot Wheels 

Von Jörg Trüdinger 

Bist 

" du Matchbox-Superfast-Fan, -Fan oder stehst du 

eher auf die Heißen Räder' von 

' 

Mattel?" Anfang der 70er Jahre war das unter Jungs eine Frage, die häufig gestellt 

wurde. Sie war damals enorm wichtig, und die Antwort konnte durchaus mitentscheiden, 

ob man eine Freundschaft weiter vertiefte oder nicht. Heutzutage, nachdem 

Matchbox längst von Mattel aufgekauft wurde, ist diese Frage irrelevant, zumal 

Spielzeugautos für die Kinder 

nicht mehr das Statussymbol 

sind, das sie einst waren. 

BMC 1800 Pininfarina 

Dodge Charger 

MK III 

Opel Diplomat 

Dodge Dragster 


Porsche 910 

Maserati Bora 

Datsun 126X 

Saab Sonett III 

Display, wie es in vielen Tabak- und Spielwarengeschäften in den 70er Jahren an der Wand hing. 

Fotos: © Jörg Trüdinger 

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Der Himmel ist leer 

Ufologen 

stecken in 

einer Krise 

Der Weltraum – unendliche Weiten." So heißt es seit fast fünf Jahrzehnten, 

" 

wenn die Enterprise – die Mutter aller TV-Raumschiffe – mal wieder ihre 

Bahn über die Mattscheibe zieht. Der Blick über den Tellerrand unseres 

Planeten beschäftigte und faszinierte die Menschen aber schon viel länger. 

Filme zum Thema gibt es nach wie vor in rauen Mengen. Und dennoch ist das 

Interesse der Grenzwissenschaftler an möglichem Leben außerhalb unseres 

Vorstellungskreises offenbar etwas erlahmt. Woran kann das liegen? 

Sanft gleitet das monströse Mutterschiff über die 

Bergkuppe und landet behutsam auf dem Boden 

der Forschungsstation. Die Kontaktaufnahme 

beginnt. Aus dem Raumschiff wird eine Rampe abgesenkt, über die 

dutzende Menschen aus verschiedenen Epochen – kaum gealtert – das 

Ufo verlassen. Darauf erscheinen zahlreiche Außerirdische auf dem hell 

erleuchteten Abstieg, und der Größte von ihnen breitet seine Arme in 

einer freundschaftlichen Geste aus. Roy Neary schließlich wird ausgewählt, 

das Raumschiff zu betreten, das daraufhin mit ihm in eine ferne 

(oder nahe?) Zukunft abhebt. Tränen der Zurückgebliebenen. Filmende. 

Steven Spielbergs „Unheimliche Begegnung der dritten Art" ist einer der 

wenigen Science-Fiction-Filme, in denen Ufos keine Bedrohung für die 

Menschheit darstellen. Zuvor und danach mussten unzählige Menschen 

durch Angriffe von Außerirdischen auf der Leinwand ihr Leben lassen. 

Ufos haben die Menschheit immer fasziniert. Der Gedanke, nicht alleine 

auf einer blauen Kugel im All zu leben, lieferte mannigfaltig Stoff für 

Geschichten, die wohl der Fantasie entsprungen sind. Oder sind die doch 

wahr? 

Die vermehrte Sichtung der so genannten unbekannten Flugobjekte 

oder auch unidentifizierbaren fliegenden Objekte (englisch: Unidentified 

Flying Objects) insbesondere in den 50er, 60er und 70er Jahren ist 

zurückzuführen auf die in eben jenen Jahrzehnten 

grassierende Angst vor den möglichen Folgen 

des Kalten Krieges, ähnlich wie in Japan Figuren 

wie Godzilla den Atomkrieg verarbeiten helfen sollten. 

So gesehen macht es Sinn, dass „Unheimliche Begegnung der 

dritten Art" 1977 erschien – zu einer Zeit, da US-Präsident 

Jimmy Carter begonnen hatte, ein erstes Tauwetter zwischen 

den Großmächten einzuleiten. Spielberg versteht 

seinen Film noch heute als Botschaft, miteinander 

zu kommunizieren und sich auf das Unbekannte 

einzulassen. 

Jahrelang hatte die so genannte Ufologie eine stetig wachsende Schar 

von Interessierten und Grenzwissenschaftlern in ihren Bann gezogen. Die 

Nachkriegsjahre mit der Entwicklung von Raketen, Hubschraubern und 

des Düsenantriebs sowie dem Durchbrechen der Schallmauer ließ viele 

Menschen glauben, dass alles am Himmel möglich sei. Warum sollte es 

also keine interstellaren Reisen geben? 

Zu dieser sich verbreitenden Frage trug in nicht geringem Maße auch die 

Heimlichtuerei der Großmächte bei. Die Verteidigungsministerien der USA 

sowie Großbritanniens richteten Kommissionen und Arbeitsgruppen ein 

(Project Blue Book sowie Flying Saucer Working Party), und auch die CIA 

errichtete Planstellen für die Erfassung der Ufo-Phänomene. 

An Geschichten mangelte es nicht. Die werden 

nach wie vor zum Teil von Wichtigtuern 

und Träumern verbreitet, sind aber in manchen 

Fällen noch bis heute unerklärlich. Die Legende vom 

Roswell-Zwischenfall 1947 ist eine, die sich am hartnäckigsten 

hält. Demnach sollen nahe der gleichnamigen Stadt in New Mexico 

Flugobjekte am Himmel gesichtet worden sein, die der amerikanische 

Pilot Kenneth Arnold mit folgenden Worten beschrieb: 

„Die Dinger flogen wie Untertassen, die man flach über das 

Wasser springen lässt." Diese Aussage gilt als Ursprung für den 

Begriff der Fliegenden Untertasse. 


Anderen Quellen zufolge sollen eines dieser Ufos damals abgestürzt 

und die Insassen von Angestellten einer nahegelegenen 

Luftwaffenbasis abgeholt worden sein. Es gibt da 

dieses ominöse Foto von einem Außerirdischen 

auf einer Bahre, und die Aussage eines Militärs 

„Was immer es war, es kam nicht 

von dieser Welt" wird auch 

heute noch kolportiert. 

Beweise wurden 

jedoch nie erbracht. 

Seit den 80er Jahren 

ist die Anzahl der Ufo- 

Sichtungen sowie der Berichte 

über Unerklärliches deutlich zurückgegangen. In der Zeit von 1988 

bis heute ist sie um erstaunliche 96 Prozent gesunken. Dadurch 

ist die gesamte Ufologie-Bewegung in eine schwere Krise geraten. 

1990 berichteten einige Zeitungen von mehreren Ufos am belgischen 

Himmel, die angeblich von tausenden Menschen gesehen wurden. 

Piloten bestätigten, dass die Objekte in der Luft stillgestanden und 

plötzlich auf circa 1800 Stundenkilometer beschleunigt 

hätten. Dies soll in der Nacht auf den 31. März geschehen 

sein, was einen Aprilscherz nahelegt. Tatsächlich 

outete sich im Jahr 2011 ein Fotograf, der die entsprechende 

Montage in Umlauf gebracht haben will. 

Selbst einer der Sprecher der Ufologen, Dave Wood, hegt 

mittlerweile Zweifel an der Existenz von Ufos: „Es ist 

möglich, dass das ganze Thema in zehn Jahren tot ist. Das 

Fehlen einschlägiger Ereignisse lässt die Vermutung zu, 

dass es da draußen nichts gibt." 

Ob dem wirklich so ist, kann jeder für sich selbst entscheiden. 

Websites mit Bildern von Himmelsphänomenen gibt es ohne Ende. 

Sie würden vielleicht seriöser wirken, wenn sie nicht mit esoterischer 

oder bombastischer Musik untermalt wären. 

Tatsache ist, dass die ersten 

Beobachtungen aus dem 

Ägypten der Zeit von circa 

1400 v. Chr. überliefert 

sind. Hier wird von „Kreisen aus 

Feuer" berichtet, die sich tagelang am 

Himmel zeigten. Aus dem römischen Buch der Vorzeichen 

(prodigorium liber) stammen Schilderungen von 

Schiffen am Himmel, runden Schilden 

und einem goldenen Globus aus Feuer, 

der vom Himmel gefallen, wieder aufgestiegen 

und weggeflogen sei. 

Auch die frühe Neuzeit hat etwas zu bieten: 

In Nürnberg wurden 1561 von mehreren Menschen 

Röhren, Kreuze, Scheiben und Kugeln am Firmament gesichtet, die 

miteinander zu kämpfen begonnen haben sollen, bevor sie sich nach 

einer Stunde in Rauch auflösten. Nur fünf Jahre später das Gleiche in 

Basel: Hier waren es schwarze Kugeln, die extrem flink 

und in schnellem Kurvenflug miteinander gestritten 

haben sollen, bis sie rot erglühten und verloschen. 

Die Tabu-Schwelle ist hoch. Laut der amerikanischen 

Lee-Studie gaben damals nur 13 Prozent der Menschen 

mit Sichtungserfahrungen an, diese an eine offizielle 

Stelle gemeldet zu haben. 40 Prozent hielten sie für 

unbedeutend, und 19 Prozent hatten Angst, verspottet 

zu werden. Der Rest wusste nicht, an wen man sich 

wenden sollte, oder ging davon aus, auf Desinteresse 

zu stoßen. 

Was würden Sie tun? 

Oliver Schuh 

Jetzt 

im Handel 

Jetzt auch die grosse John Wayne Box 

mit 18 weiteren Klassikern aus seiner 

glorreichen Fruhzeit. 

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Der Held 

aller Kinder 

Wenn ich einem Kind begegne, glimmt in unseren 

Augen das gemeinsame Erkennen", sagte 

" 

Ota Simánek einmal in einem Interview. 

Und tatsächlich hatte der tschechoslowakische 

Schauspieler eine unvergleichliche Art, sich in 

seiner Rolle als Pan Tau in die Kinderseelen 

hineinzuspielen. Und nicht nur in die. 

Generationsübergreifend ist der 

Mann eine Legende. 

Pan Tau ist eine der ungewöhnlichsten Serienfiguren: ein 

eleganter Herr im Frack mit weißer Nelke im Knopfloch und 

einem Regenschirm in der Hand. Seine Anziehungskraft auf 

Kinder ist enorm. Er kommt in einem Raumschiff angeflogen, 

kann 

zaubern 

und vermag 

so wahre 

Wunder zu 

bewirken. 

Kindertr 

äume werden 

wahr, 

und sei es 

nur einer 

wie der, 

dass der 

Großvater 

endlich einmal 

Zeit 

Pan Tau hat für jeden ein offenes Ohr 

für seine 

Enkelin Claudia hat, seine Firma sausen lässt und mit dem Mädchen 

(und Pan Tau) einfach mal als Landstrei cher durch die Gegend zieht. 

Ansonsten können in dieser Serie Karpfen plötzlich sprechen, einem 

Kaktus wachsen Haare, Opas Bierglas wird geleert, ohne dass er 

etwas trinkt, eine Ziege steht im Treppenflur und und und … 

Er muss stets aufmerksam sein 

Pan Tau (zu 

Deutsch Herr 

Hut) kommuniziert 

ohne 

Sprache, ein 

Blick genügt. 

Ein schönes 

Pendant zu 

den unablässig 

plappernden 

und 

quatschenden 

Erwachsenen, 

die den Kindern 

das Leben 

manchmal schwermachen und über ihren eigenen Tellerrand 

nicht hinaussehen können. Und ebenso ein hervorragender 

Gegenentwurf zu den ganzen amerikanischen Kinderserien, die 

schon damals – noch vor der bösen Brut des Privatfernsehens 

– die Bildschirme zukleisterten. Pan Tau steht bis heute für 

Geborgenheit und Zuverlässigkeit. 

Er passt in eine Aktentasche, denn wenn er ganz sanft auf 

seinen Zauberbowler klopft und elegant mit den Fingern an 

der Hutkrempe entlangstreicht, wird aus ihm plötzlich eine kleine 

Handpuppe, die sich leicht verstecken lässt. Auf diese Weise 

kommt er kaum einem Erwachsenen unter die Augen. Die haben 


sowieso für alles eine wissenschaftliche 

Erklärung, streiten oft und haben keine 

Fantasie. Genau dort holt Pan Tau die 

Kinder und die 

Junggebliebenen 

ab – weil er das Kind 

in sich bewahrt hat. 

Nie weiß man, wo er herkommt, wie lange 

er bleiben wird, und wann er wieder 

geht. Meist ist Letzteres natürlich der Fall, 

wenn die Wogen geglättet, die Familie intakt 

und die Kinderseelen im Lot sind. Manchmal 

bleibt er auch länger, wie bei der chaotischliebenswerten 

Familie Urban in Prag (mit dem 

wunderbaren Schauspieler Vladimir Mensik 

als Oberhaupt). In deren Haushalt bringt er 

einiges durcheinander, weil man ihn dort für 

den verschollenen Onkel Alfons hält. Der sollte 

eigentlich in der Milchfabrik mitarbeiten, hat 

vorübergehend aber das Leben auf Achse und 

schließlich einer einsamen Insel vorgezogen, 

weil er seinem Bruder früher mal drei Murmeln 

geklaut und die 20 Mark für die Klavierlehrerin 

anderweitig ausgegeben hat. 

des Herrn Tau". Das Autorenteam Ota 

Hofman (Drehbuch) und Jindrich 

Polák (Regie) zauberte im Laufe der 

folgenden Jahre weitere Highlights des 

Kinderfernsehens aus dem Hut. Wir erinnern 

uns an „Die Märchenbraut", „Luzie, der Schrecken 

der Straße", „Der fliegende Ferdinand", „Die Rückkehr der 

Märchenbraut" und vieles andere. In vielen dieser Filme dabei: Ota 

Simánek. 

Er war ein Glücksfall für die Rolle 

des Pan Tau. Mühelos überwand er 

Zeit und Raum, und seine Art, die sich 

ihm bietende Szenerie mal mit mildem 

Lächeln, mal mit ungläubigem Staunen 

zu betrachten, war schwer zu überbieten. 

1988 schlüpfte Simánek noch einmal 

in die Rolle des Kinderverzauberers. In 

„Pan Tau – Der Film" rettet er – natürlich 

wieder in einer Doppelrolle – den 

Film sowie den abgehalfterten und leicht 

versoffenen Ex-Star Karasek (der laut 

Drehbuch damals Pan Tau gespielt haben 

soll), indem er als Lumpensammler Novak 

mit seinem eigentümlicherweise auf den 

Namen „Mensch" getauften Hund den 

ehemaligen Star wieder in die Spur bringt. 

... und um den Zusammenhalt 

der Familie bemüht 

Immer korrekt gekleidet ... 

Schwierig wird es erst, als Pan Tau seinen Doppelgänger im 

Fesselballon zur Familie zurückholt, und dieser Ballon landet 

natürlich mitten im Garten. Die Slapstick-Szenen haben absolutes 

„Laurel & Hardy"-Niveau. Ota Simánek spielte natürlich auch den 

Alfons und durfte endlich auch einmal sprechen. Und das nicht zu 

knapp. 

In der Rolle des Pan Tau hingegen kommuniziert er auf eine tänzerische 

und pantomimische Weise. Erst in den späteren Folgen 

beginnt der bislang so stille Held ansatzweise zu reden, wird sozusagen 

zu einem realistischeren Pan Tau, was der so vertrauten Figur 

nicht unbedingt gut bekommt. 

Die Serie war mit 33 Folgen eine der langlebigsten, die je im tschechoslowakischen 

Fernsehen produziert wurde, und gleichzeitig der 

Beginn einer wunderbaren Freundschaft mit dem WDR. Der Bambi 

in Silber 1974 sowie der Adolf-Grimme-Preis 1976 waren wohlverdiente 

Auszeichnungen für die Pionierarbeit des westdeutschen 

Fernsehens. In der DDR lief die Serie unter dem Titel „Die Abenteuer 

Ota Simánek war erkennbar ausgebildeter 

Pantomime und unterrichtete am 

Prager Konservatorium in eben diesem 

Bereich. Zudem war er Mitglied des 

Prager Stadttheaters, an dem er auch 

in klassischen Rollen („König Lear", 

„Pygmalion" etc.) brillieren konnte. 

Auch in den bereits erwähnten Hofman/ 

Polák-Produktionen war er Dauergast. 

Ota Simánek starb am 8. Mai 1992 im 

Alter von 67 Jahren. Auch über 20 Jahre 

später ist seine märchenhafte Erscheinung 

unvergessen. Kinder glauben, was sie sehen 

– leider auch an den ganzen Dreck, den es 

heute im Fernsehen gibt. Umso mehr: An Pan 

Tau glauben sie noch heute, und es ist gut, 

dass die Serie immer mal wiederholt wird. Sie 

ist jederzeit aufs Neue einzigartig. 

Oliver Schuh 


kult! Bücher 

Von Alan Tepper 

Kultbücher – Geschätzt, geliebt, gelobt 

In den USA spielen sich momentan ungeheuerliche 

Marktkämpfe ab. Nachdem führende Internet- 

Versandhäuser aufgrund der fehlenden Buchpreisbindung 

jahrelang mit Dumping-Angeboten Mitbewerber 

vom Markt gefegt hatten, ziehen jetzt die Preise kräftig 

an, besonders im Segment Fachliteratur, die für viele 

unumgänglich ist. Und Neuerscheinungen in der Belletristik? 

Oft nur noch als Lesegerät-Ausgabe und nicht 

mehr " 

physisch" erhältlich. Maximaler Profit bei minimalen 

Kosten. Buchhändler, Autoren, Lektoren, Übersetzer 

und Literaturagenten müssen nun für Hungerlöhne arbeiten. 

Gelobt sei da die deutsche Buchpreisbindung, 

die einen angemessenen Standard ermöglicht, der Kulturschöpfern 

zumindest ein Existenzminimum sichert. 

Henry James – 

Preston & Child – 

" Die Kameliendame" " 

Die dunklen Gassen des Himmels" 

Fear: Grab des Schreckens" 

Das Durchdrehen der Schraube" 

Alexandre Dumas – 

Tad Williams – 

D" as Autorenteam Douglas Preston und Lincoln Child hat sich durch 

Beständigkeit und einen unerschöpflichen Ideenvorrat einen 

Namen gemacht. Neben den Wissenschaftsthrillern 

und der aktuellen, leider nicht sehr starken Gideon- 

Crew-Reihe, sind es die Romane um den FBI- 

Spezialagenten Pendergast, die für Furore sorgen. 

Nach dem überaus gelungenen „Formula" (2003) 

und der spannenden Trilogie „Burncase" (2005), 

„Dark Secret" (2006) und „Maniac" (2007) ist der 

aktuelle Kultroman der letzte Teil der so genannten 

Helen-Trilogie. Pendergast erfährt, dass seine Frau 

noch am Leben 

ist, aber in dunkle Machenschaften 

verstrickt war, die bis in die Zeit 

des Nationalsozialismus zurückführen. 

Nach einem kurzen Wiedersehen wird 

Helen entführt, woraufhin sich der 

FBI-Mann auf eine spektakuläre Jagd begibt, die ihn schließlich bis 

nach Südamerika führt. Dort kommt er dem unfassbaren Geheimnis auf 

die Spur. Zwar wirkt der Roman an einigen Stellen recht konstruiert, 

doch insgesamt kann er wegen der Spannung überzeugen. 

Nein, Bücher wie „Die drei Musketiere" oder „Der Graf von 

Monte Cristo" stammen nicht von dem „Kameliendame-Dumas", 

sondern von seinem gleichnamigen Vater. 

Alexandre Dumas d. J. (27. Juli 1824 – 27. 

November 1895) hat mit seinem zentralen 

Roman ein Werk mit einem ähnlich hohen 

Stellenwert verfasst, das mehrfach verfilmt 

(unter anderem mit Greta Garbo und Robert 

Taylor) und von Giuseppe Verdi vertont 

wurde. In dem auch noch heute aufwühlenden 

Roman beschreibt er die Liebe des 

aus gutem Elternhaus 

stammenden Armand 

Duval zur Kurtisane 

Marguerite 

Gautier, 

die sich von mehreren 

Männern aushalten lässt. Die beiden verlieben 

sich ineinander und beginnen ein neues Leben. 

Duvals Vater empört sich über die Entscheidung 

seines Sohnes und drängt Marguerite – obwohl sie den Mann von 

ihrer ehrlichen Liebe überzeugt –, seinen Sohn zu verlassen, den 

diese Entscheidung tief verletzt. Erst auf dem Sterbebett enthüllt sie 

ihm den wahren Grund für die Trennung. Intensiv, vielschichtig und 

immer noch aktuell. 

" 

Henry James (15. April 1843 – 28. Februar 1916) zählt zu den amerikanischen/britischen 

Autoren, die sowohl von den Kritikern als 

auch vom Publikum geschätzt werden. Neben 

realistischen Werken wie „Bildnis einer Dame" und 

sozialkritischen Arbeiten („Daisy Miller") hat er 

sich gelegentlich dem Schauerroman zugewandt. 

Allerdings setzte James hier nicht auf vordergründige 

Effekte, sondern kreierte eine durchgehend 

subtil-unheimliche Atmosphäre, die die Frage nach 

der Natur des Bösen anregt. In 

dem 1898 publizierten Roman 

beschreibt er das Erlebnis einer 

Gouvernante, die auf einem englischen Gut zwei 

Waisenkinder (Flora und Giles) betreuen soll. Kurz 

nach ihrer Ankunft bemerkt sie die Wiedergänger 

ihrer Vorgänger Miss Jessel und Peter Quint, die 

kurz vor ihrem Tod im häufigen Kontakt zu den 

Kindern standen. Nun scheint ihre schemenhafte Anwesenheit das 

Leben der Kleinen zu bedrohen. Obwohl der Roman schon über 100 

Jahre alt ist, erzeugt er eine unvergleichliche Atmosphäre, die nichts an 

Wirkung eingebüßt hat. 

Tad Williams (geb. 14. März 1957) wird schon seit einigen Jahren zu 

den ganz Großen der modernen Fantasy-Literatur gezählt. Zyklen 

wie „Otherland" oder „Shadowmarch" haben 

zahlreiche Leser gefunden, die sich von den 

eher konservativen Ausprägungen des Genres 

entfernen und neue Themen bevorzugen. In 

seinem aktuellen Buch widmet er sich der 

so genannten Urban Fantasy, integriert aber 

auch Elemente des Krimis und der vor einiger 

Zeit einen kurzen Boom erlebenden „Engel"- 

Romane. Williams beschreibt die Geschichte 

von 

Bobby 

Dollar, einem 

Anwalt der 

Engel, der mit der „Gegenseite", also 

der Hölle, um jede Seele kämpft. Er 

unternimmt Dienstreisen zur Erde 

und führt ein meist angenehmes 

Leben in den himmlischen Bars. Das 

ändert sich, als ihm eines Tages eine Seele abhandenkommt. Wer 

steckt hinter dieser vermeintlichen Entführung? Ist es eine Intrige? 

Williams hat mit dem Roman einen unterhaltsamen und spannenden 

Text verfasst, der niemals blasphemisch wirkt, sondern die exakt passende 

Portion Humor vermittelt. 


Ernest Hemingway – " 

Fiesta" 

Ernest Hemingway (21. Juli 1899–2. Juli 1961) zählt zu den ganz 

großen amerikanischen Autoren des 20. Jahrhunderts. Seine zahlreichen 

Bücher wurden häufig verfilmt, wie zum 

Beispiel „Schnee am Kilimandscharo" (mit Gregory 

Peck und Hildegard Knef), „Wem die Stunde schlägt" 

(mit Gary Cooper und Ingrid Bergman) und natürlich 

„Der alte Mann und das Meer" (mit Spencer 

Tracy). Auch „Fiesta" kam mit Starbesetzung unter 

dem Titel „Zwischen Madrid und Paris" 1957 in die 

Kinos. Der Pulitzer- und Nobelpreisträger führte 

ein unstetes Leben, reiste viel, war Großwildjäger, 

Hochseefischer und Kriegsberichterstatter, wobei 

zuletzt lttgenannte Tätigkeit einen großen Einfluss auf sein Schaffen hatte. 

Im Gegensatz zu Zeitgenossen, wie zum Beispiel William Faulkner, zeichnete 

sich Hemingways Erzählstil durch knappe, unprätentiöse Sätze aus, 

die dem Leser einen leichten Zugang zu seinen 

Schriften ermöglichen, die thematisch wichtige 

Aspekte und Extremsituationen des letzten 

Jahrhunderts widerspiegeln. Der Autor gehört 

zur so genannten verlorenen Generation, ein 

von der Schriftstellerin Gertrude Stein geprägter 

Begriff, der die durch den Ersten Weltkrieg entwurzelten und ihrer 

Ideale beraubten Menschen beschreibt. Der in den 20er Jahren in Paris 

entstandene Roman, zu der Zeit eine für angloamerikanische Schriftsteller 

wie zum Beispiel Henry Miller bedeutende Stadt, ist in drei Teile gegliedert. 

Im ersten Buch schildert Hemingway das Leben der Emigranten, das von 

Sinnsuche, Liebschaften und Unbeständigkeit bestimmt wird. Der zweite 

und längste Teil beschreibt eine Reise nach Pamplona, wo eine siebentägige 

Fiesta gefeiert wird, bei der der explizit dargestellte Stierkampf 

und der Alkohol eine große Rolle spielen. Im letzten Abschnitt offenbart 

sich die Tragik des Protagonisten, dem das Schicksal eine erfüllende 

Liebesbeziehung versagt und der ein „Treibender" und „Gebrochener" 

im Strom der verlorenen Generation bleiben wird. Ein unnachahmliches 

Gesellschaftsporträt der 20er Jahre. 

Richard Matheson – " 

Ich bin Legende" 

Als Richard Matheson (20. Februar 1926–23. Juni 2013) vor wenigen 

Monaten verstarb, erinnerte sich in Deutschland kaum jemand an 

seine Arbeiten. Das lag vermutlich an der geringen 

Popularität hier zu Lande, denn die Bedeutung 

seines Lebenswerks wurde bislang wenig beleuchtet. 

Matheson hat nicht nur bedeutende Beiträge 

zur Science Fiction geliefert, unter anderem das 

Buch „The Shrinking Man", das 1957 unter dem 

Titel „Die unglaubliche Geschichte des Mr. C" verfilmt 

wurde, sondern auch den Horrorklassiker „Hell 

House" und den faszinierenden Zeitreise-Liebesroman 

„Somewhere In Time" (verfilmt mit Jane Seymour). 

Darüber hinaus war er als Drehbuchautor einer der wichtigsten Schreiber 

von vielen Kultfilmen. Die von Roger Corman umgesetzten „Der Untergang 

des Hauses Usher" (1960) und „Das Pendel des 

Todes" (1961), eine Hammer-Produktion („Die 

Braut des Teufels", 1968) sind nur einige Titel 

einer langen Filmografie. Auch „Ich bin Legende" 

kam in die Kinos – sogar dreimal! 1964 spielte 

der unvergessene Vincent Price die Hauptrolle 

in „The Last Man On Earth", 1971 gefolgt von 

Charlton Heston in „Der Omega-Mann", wohingegen Will Smith 2008 in „I 

Am Legend" auftrat. Der Roman spielt im Los Angeles des Jahres 1976. Die 

Menschen wurden durch das Virus zu Vampiren, die das Haus von Robert 

Neville, dem letzten Überlebenden, jede Nacht belagern. Dieser ist einer 

ständigen Gefahr ausgeliefert. Tagsüber tötet er seine Kontrahenten und 

beschafft sich Vorräte, nachts ist er in seinem Haus eingesperrt. Eine Frau 

scheint nicht an dem Virus zu leiden, doch wie sich herausstellt, gehört 

sie zu einer mutierten Spezies, die die Weltherrschaft übernimmt und 

ihn – den Anormalen - exekutieren will. Die Fusion von Science-Fiction- 

Elementen, Horror und dem klassischen Vampirroman, nicht zu vergessen 

die schriftstellerische Raffinesse, heben „Ich bin Legende" auf ein hohes 

Niveau, das erst in den letzten Jahren erkannt wurde. Die aktuelle Heyne- 

Ausgabe erscheint mit zusätzlichen zehn Kurzgeschichten. 

Die Sprechblase 

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2013 

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BEI KNOPFDRUCK TOR 

Seit es Tipp-Kick-Spieler gibt, hält sich die Faszination, mit ihnen zu spielen. Fußballfeld, 

Tor, Torwart und Figuren sind schnell aufgebaut, ein spannender Zweikampf auf dem 

Fußboden oder Tisch kann beginnen. So klein das Spiel, so groß die Namen der Fans: Die 

bekanntesten sind Franz Beckenbauer und Campino von den Toten Hosen. Tipp-Kick spielt man aber 

nicht nur am heimischen Herd. Es gibt organisierte Spieler, eine Bundesliga und zahlreiche Turniere. 

Von Eckhard Schwettmann 

ereits 14 Jahre nach der Firmengründung 1924 wurde mit der 

TFG Hildesheim 1938 der erste Verein gegründet. Aktuell sind 

im Deutschen Tipp-Kick-Verband (DTKV) knapp 100 Klubs registriert. 

Daneben gibt es welche im Schweizer Tipp-Kick-Verband (STKV) und 

auch einige in Österreich. 

Tipp-Kick ist ein Spiel für zwei Personen. Das Spielfeld besteht 

dabei aus einer Spielplatte, zwei Toren, zwei Torhütern und zwei 

beliebig positionierbaren n 

Feldspielern sowie einem 

zweifarbigen, zwölfeckigen 

Ball. Die Spielfiguren 

werden auf dem Spielfeld 

bewegt. Durch das Drücken 

des Kopfes der Spielfigur, 

Tipp-Kick-Schachtel der Jahre 1923 –1948. 

bewegt sich der Fuß und 

kickt den Ball. Das Schießen ist eine Wissenschaft für sich. 

Die Stärke des Drückens in Verbindung mit dem Abstand 

und der Winkelstellung des Fußes zum Ball sind die wichtigsten 

technischen Elemente. Der Schussfuß wird von den 

Profis mit einer Feile manchmal so bearbeitet, dass er den 

Ball bei geschickter Handhabung in Drehung versetzt. 

Den Torwart überlisten und trickreich Tore erzielen, 

darum geht es im Tipp-Kick – ganz wie beim echten 

Fußballspiel. 

wie heute gespielt: Mit einer Blechfigur, deren Fuß sich auf 

K(n)opfdruck bewegen ließ, galt es, einen zweifarbigen 

Korkwürfel in ein Tor zu schießen. Wegen der geringen 

Masse des Blechspielers war das nicht einfach, deshalb 

ließ Edwin Mieg die Figuren aus Blei gießen. 

Auf dem Treppenabsatz vor dem Eingang zu den 

Leipziger Messehallen baute Mieg 1926 sein 

Spiel erstmals auf, ließ die interessierten 

Besucher Tipp-Kick spielen und fand viele 

Käufer. Der Erfolg nahm seinen Lauf: 

1938 baute Edwin Mieg ein Werk in 

Zink-Spielfi gur aus 

dem Jahr 1956. 

Bis 1938 wurden die 

Tipp-Kick-Figuren aus 

Blei gefertigt. Dadurch 

hatten sie mehr Masse 

als die Blechfi guren, die 

in den Anfangsjahren 

hergestellt wurden. 

1923, als der Exportkaufmann Edwin Mieg die indische 

Verkaufsniederlassung der Firma Junghans-Uhren 

übernehmen sollte, wurde die Grundlage für Tipp-Kick 

gelegt. Junghans vergab die Stelle an einen anderen 

Bewerber, und Edwin Mieg wechselte von der Uhrenzur 

Spielwarenindustrie. Er machte die ebenso 

einfache wie geniale e 

Spielidee des Stuttgarter r 

Möbelfabrikanten 

Karl Mayer zu einem 

marktreifen Produkt und 

machte sich mit Tipp-Kick bereits ein Jahr später 

selbstständig. Schon mit dem Prototyp wurde 

Auslieferung in den 

1950er Jahren. 

seiner Heimatstadt Schwenningen am Neckar. Die neuen Kicker aus 

Zink konnten nun in der eigenen Fabrik gegossen werden. 

Als Firmengründer Edwin Mieg 1948 verstarb, führten seine Söhne Peter 

und Hansjörg Mieg die Erfolgsgeschichte 

weiter. Im Weltmeisterschaftsjahr 1954 

kam es zu einer Innovation und zum 

großen Durchbruch: 180.000 Spiele 

wurden in diesem Jahr in Deutschland 

verkauft – und Peter Mieg entwikkelte 

den fallenden Torwart namens 

Tipp-Kick-Schachtel der Jahre 1964–1968. 

Die 2. Generation: Peter Mieg präsentiert 

seine Tipp-Kick-Kollektion. 

Fotos: © Edwin Mieg OHG 


durch Betätigung der Knöpfe zu bedienen, 

besteht dann aber nicht mehr. 2011 kamen 

die ersten weiblichen Tipp-Kick-Spielfiguren 

auf den Markt. 

Mit solchen 

Korkbällen wurde 

bis 1954 gespielt. 

Mit solchen Torhütern aus Blei 

wurde bis 1938 gespielt. 

„Toni". Bis heute kaum verändert, kann dieser auf Knopfdruck nach 

rechts oder links fallen. Sonst ist seither 

kaum etwas anders geworden. 

Mit dem Beginn der Fußball-Bundesliga 

1963 wurden die Mannschaften auch 

als Tipp-Kick-Spieler produziert. Schon 

1967 wurde ein bis dahin unbe- 

kannter junger Fußballspieler lspieler auf 

Turnier in den 60er Jahren 

der Verpackung abgebildet: b Für 

1000 Mark Honorar erhielt die 

Firma Mieg die Rechte 

am Namen und an 

der Abbildung des 

Stürmers Gerd Müller. 

1978 wurden textile 

Netztore eingeführt und 

vier Jahre später der 

Star-Keeper – ein 

Torwart, der sich 

zusätzlich nach 

vorne hechten 

Tipp-Kick-Figur 

heute 

kann – 

vorgestellt. 

Turnier in den 70er Jahren 

Rund um die klassische Ausstattung gibt es noch viel 

Zubehör: Zur korrekten Zeitmessung (ein Tipp-Kick- 

Torwart in den 60er Jahren. Spiel dauert in der Regel zweimal fünf Minuten) gibt 

es daher auch eine Uhr, mit der gleich der Spielstand 

festgehalten werden kann. Mit einer Flutlichtanlage 

kann abends gespielt werden, 

Masten mit jeweils sechs LED- 

Lichtern beleuchten dabei 

das Spielfeld. Es 

gibt natürlich auch 

passende 

T-Shirts, 

Verpackung 1970–1980 mit Gerd Müller in Aktion 

Tassen, Pins, Kappen 

Die heutigen Inhaber des Familienunternehmens, 

Mathias (l.) & Jochen 

Mieg (r.) 

Tipp-Kick-Turnier in einer Sporthalle heute 

Blick in die heiligen Hallen 

der Tipp-Kick-Fabrikation. 

Franz Beckenbauer gewann schon 

einmal 2:0 gegen Bobby Charlton. 

Tipp-Kick-Bälle 

1954–1970 

Typischer Ball 

ab 1970 

Zweifarbige Bälle 

aus Plastik in ihrer 

heutigen Form. 

und Taschen, sogar 

ein Tipp-Kick-Bärchen 

als Maskottchen von 

Steiff. 

„Wir spielen Tipp- 

Kick" ist der Titel 

einer Audio-CD, die 

von der Zeitschrift „11 

Freunde" empfohlen 

wird. Darauf sind 18 

Musikstücke versammelt, 

von den Toten 

Hosen über Blackmail bis zu den Mimmis. 

Natürlich drehen sich alle Musikstücke um 

das Thema Tipp-Kick oder Fußball. 

Auch passende Lektüre zum Thema ist 

erschienen: Die Autoren Katrin Höfer und 

Peter Hesse von „Das große Tipp-Kick 

Buch" haben viele Informationen zur 

Geschichte, Herstellung, zu Spielmaterial, 

Regeln und Klubs zusammengetragen. 

„Aus der Tiefe des Raumes" ist ein skurriler 

Kinofilm aus dem Jahr 2004, der 

auch auf DVD erhältlich ist. Der Inhalt 

Eine Besonderheit 

zeichnet Tipp-Kick aus: 

Die „Bälle" sind nicht 

rund, sondern zwölfeckig 

und zur einen 

Hälfte schwarz und zur 

Campino von den Toten Hosen ist 

anderen Hälfte weiß bekennender Tipp-Kick-Fan. 

gekennzeichnet. Sie 

wurden ursprünglich aus Kork hergestellt, sind heute aber aus Plastik. 

Die Spielfiguren sind aus Metall, handbemalt in den aktuellen 

Trikotfarben der beliebtesten Vereine und mit einem 

zusätzlichen Gewicht in der Standplatte versehen. Dazu gibt 

es einen spitzen Fuß für gefühlvolle Heber. Die echten „Tipp- 

Kick-Profis" haben neben dem Spielerfuß 

auch ihren Torwart umgearbeitet, 

so dass aus dem 

Bedienungskasten nur 

noch eine starre Stange 

herausragt, an der der 

Torwartkörper befes tigt 

ist. Die Möglichkeit, 

den Torwart 

Seit dem Jahr 2011 gibt es 

auch weibliche Spielfi guren. 

WM 2006: Angela Merkel 

prüft die Mechanik einer 

übergroßen Spielfi gur. 

in Kurzform: Hauptfigur ist ein Kfz-Lackierer, der das Tipp-Kick- 

Spiel perfekt beherrscht. Bei einem Turnier lernt er eine hübsche 

Zeitungsfotografin kennen. Die beiden verlieben sich, aber bei einem 

Rendezvous verwandelt sich seine Tipp-Kick-Figur durch ein Bad in 

Fotochemikalien in einen richtigen Menschen, der nach und nach 

Gestalt und die Rolle des Fußballspielers Günter Netzer annimmt. 

Das ist typisch für Tipp-Kick: Der Hauch der 70er Jahre umweht 

dieses kultige 

Spiel! 

Die Aktuelle 

Tipp-Kick-Edition zur WM 

in Brasilien 2014.

Der Weltverbesserer" 

" 

oder eine 

Empfehlung, 

Johannes 

Mario Simmel 

wieder zu 

lesen 

Von Peter Henning 

Als er im Jahr 2009 85-jährig in seinem Schweizer Domizil 

Zug verstarb, trat er als Auflagenmillionär ab: Johannes 

Mario Simmel, der Mann, der weltweit 75 Millionen 

Bücher verkaufte – und sich bis zuletzt mit grimmiger 

Entschlossenheit in der Rolle des Weltverbesserers sah; 

einer, der seinen Lesern Romane mit Titeln wie Liebe " 

ist nur ein Wort", Hurra, wir leben noch" oder Der 

" " 

Stoff, aus dem die Träume sind" schenkte, die ganze 

Lesergenerationen prägten. Und der nicht müde wurde, 

darin immer neu drohende Apokalypsen wie den Atomtod 

und die Umweltzerstörung wortreich zu beschwören. 

Simmels Bücher repräsentieren – als Gesamtwerk betrachtet – das 

weit gespannte Unheilspanorama eines passionierten Aufklärers 

und Schwarzsehers 

in der Maske 

des Schriftstellers, der 

die drohenden Gefahren 

der Gentechnik und des 

Computerwahns ebenso 

visionär thematisierte 

wie die gefahrvolle 

Korruption des Einzelnen 

durch Macht, Geld und 

politische Verirrung. 

Gleichzeitig aber waren 

seine Schnurren immer 

auch große Liebesromane, 

in welchen die Liebenden 

stets über dünnes Eis wandelten. 

Kurzum: Es waren 

Stoffe, die geradezu prädestiniert für die Kinoleinwand schienen. 

Zwischen 1958 und 1974 allen voran von Alfred Vohrer filmisch adaptiert, 

tummelte sich in den Verfilmungen das einstige Who is who der 

deutschen Schauspielkunst. Angefangen bei Doris Kunstmann, Senta 

Berger, Margot Werner und Hans Christian Blech bis hin zu Karin 

Dor, Herbert Fleischmann oder Horst Frank. Simmel-Verfilmungen 

waren Kassenschlager, gekonnt aufs große Publikum zugeschnittene 

Adaptionen seiner Romane. 22 Verfilmungen mehrten nicht nur Simmels 

Ruhm als Erzähler, sondern zementierten zugleich auch seinen Ruf des 

engagierten Moralisten, der sich in seinen Büchern bis 

zuletzt als zivilisationskritischer Skeptiker gerierte. 

Beschlich ihn auch am Ende seines Lebens das 

ungute, ja selbstzweiflerische Gefühl, womöglich 

„in Wasser geschrieben und in den Wind gesprochen" 

zu haben, weil ihm die Weihen des bürgerlichen 

Feuilletons trotz aller Anstrengungen bis zuletzt t 

versagt blieben, so ist ihm sein Platz im Olymp der 

gehobenen deutschen Unterhaltungsliteratur trotz 

allem nicht zu nehmen. 

Denn Simmel, der lange als Journalist, Filmkritiker für die Wiener 

Tageszeitung „Welt am Abend" und Drehbuchschreiber unterwegs 

war, ehe nach einer Novellensammlung 

1949 sein erster Roman „Mich wundert, dass 

ich so fröhlich bin" 

im Wiener Zsolnay 

Verlag erschien, 

traf mit all seinen 

Arbeiten jeweils 

den Nerv seiner 

Zeit. Und als 1960 

in dem Magazin 

„Quick" sein 

wahrhaft furioser 

Schelmenroman „Es 

muss nicht immer 

Kaviar sein" als 

Fortsetzungsroman erschien, ging der Stern 

des 1924 in Wien als Sohn eines jüdischen 

Chemikers und einer Schneiderin geborenen Autors hellstrahlend über 

Literatur-Deutschland auf. Kurz darauf erschien im Schweizer Druckund 

Verlagshaus 

die Buchausgabe 

des Romans – und 

Simmels einzigartige 

Erfolgsgeschichte 

begann. 

Denn der Mann, 

der 

nach 

dem 

Krieg 

zunächst 

als 

Dolmetscher 

und 

Übersetzer 

für die 

US-Regierung arbeitete, t ehe er für die „Quick" Reportagen aus 

Übersee schrieb, vollbrachte in seinem ebenso episodenmächtigen 

wie rasant vorangetriebenen Roman das Kunststück, filmisches 

Erzählen mit burleskem, wild wucherndem Anekdotenreichtum zu 

verschmelzen. 


Im Zentrum des ruhelos zwischen den 

Schauplätzen hin- und herpendelnden 

Geschehens steht Thomas Lieven, ein 

ebenso ausgekochter wie abenteuerlustiger 

Filou, der, auf schöne Frauen und 

gutes Essen abonniert, schon mal auf 

engstem Raum und kleinster Flamme 

ein schmackhaftes Fünf-Gänge-Menü aus 

dem Hut zaubert, ehe er lustvoll ebenso 

glücksengelhaft wie James-Bond-gleich 

ganze Heerscharen von Geheimdiensten n 

gegeneinander ausspielt und an der 

Nase herumführt. Das Buch wurde ein riesiger 

Verkaufserfolg, und Simmel legte fleißig Buch 

um Buch nach. 

Es folgten nicht minder erfolgreiche Romane 

wie „Bis zur bitteren Neige" (1962), „Liebe 

ist nur ein Wort" (1963), „Lieb Vaterland 

magst ruhig sein" (1965) und „Alle Menschen 

werden Brüder" (1967). Und spätes tens mit 

Erscheinen des Romans „Und Jimmy ging zum 

Regenbogen" im Jahr 1970 fand sich Simmel 

auf dem Höhepunkt seines Schaffens. Die klug 

gewählten Titel seiner Bücher avancierten zu geflügelten 

Worten – und wer seinerzeit mitreden wollte, wenn die 

Gespräche sich um Genmanipulation, den Kalten Krieg, atomare 

Bedrohung oder ums Waldsterben drehten, der kam an 

der Lektüre der Simmel-Romane nicht vorbei. 

Doch was war das 

Geheimnis von Simmels 

Bestsellern? Was hatten seine 

Bücher, das andere nicht hatten? 

Eine besondere literarische 

Qualität, eine spannende 

Geschichte, ein gutes Thema 

– oder einfach nur ein üppiges 

Marketingbudget? Auf den 

ersten Blick von allem etwas. 

Doch was Simmels Bücher 

seinerzeit aus der Masse 

erscheinender Romane heraushob, 

war ihr unanfechtbarer 

moralischer Anspruch. Simmel, 

lange vom Hochfeuilleton als 

Malte Thorsten, Judy Winter 

1971 in " 

Liebe ist nur ein Wort" 

„Bestseller-Mechaniker" und „Trivialautor" Ti i geschmäht, verpackte seine 

nicht selten massive Gesellschaftskritik geschickt in flotte, massenkompatible 

Plots, deren Grundlage 

jeweils ernsthafte journalistische 

Recherche war. Er agitierte, ohne 

aufdringlich zu sein, mahnte, ohne 

den platten Besserwisser zu geben. 

Dabei erwies sich der gebürtige 

Wiener nicht selten als ein literarischer 

Visionär, der gesellschaftliche 

Brennpunkte und Umbrüche früh 

erzählerisch vorwegnahm. So stieß 

der fröhliche Apokalyptiker mit der 

Präzision eines Schweizer Uhrwerks 

seine ziegelsteindicken Bücher hervor 

– mitreißende Schnurren mithin, 

die immer neue Kritiker auf den Plan 

riefen, die sich anschickten, das früh 

gefällte Urteil über Simmel als nicht Harald Leipnitz und Doris 

ernstzunehmenden Trivialautor neu Kunstmann 1973 in Alle " 

zu überdenken. 

Menschen werden Brüder" 

Doch selbst eine späte Verneigung des obersten Richters in literarischen 

Geschmacks- und Qualitätsfragen, Marcel Reich-Ranicki, der 

Simmel „einen fabelhaften Blick für Themen, Probleme, 

Motive" attestierte, führte am Ende nicht dazu, ihn vom 

Makel des bloßen „Unterhalters" zu befreien. Simmel 

selbst trug's mit Fassung – und schraubte weiter ungerührt 

an seinen literarischen, stets im wahren Leben 

wurzelnden Apokalypsen. Unverändert getrieben vom 

Ehrgeiz, die „Welt zu verbessern". In einem Interview 

im Jahr 2000 bemerkte er dazu: „Ich bin 

maßlos in meiner Empörung, und ich werde 

nicht aufhören, Unrecht anzuprangern. 

Und wenn ich könnte, würde ich sämtliche 

Ideologen abschaffen. Denn erst in den 

Händen von Ideologen wurden die großen 

Ideen zu mörderischen Werkzeugen." Sich 

selbst beschrieb Simmel als einen Menschen, 

der „ein paar gute Eigenschaften hat, allem 

voran ein Gefühl für Unrecht. Und wenn es 

einen Stärkeren gibt, bin ich auf der Seite des 

Schwächeren." 

Diese Haltung gab er bis zu seinem Tod im Jahr 2009 

nicht auf. Warum auch? Man hatte ihn jahrzehntelang 

geschmäht und ihm die zweifellos vorhandenen 

literarischen Qualitäten abgesprochen. Am Ende aber, alt 

geworden und von milder Resignation erfasst, nachdem 

seine Frau Lulu, die große Liebe seines Lebens, gestorben 

war, konnte er derlei Anwürfe lässig mit den Worten, „ich 

war früher arm und musste alles schreiben, jetzt aber kann 

ich sagen: Leckt mich am Arsch" kontern. Und wer heute 

nach einem Roman wie „Es muss nicht immer Kaviar sein" 

greift und sich ernsthaft darauf einlässt, der wird sein 

hellblaues literarisches Wunder erleben, denn dieser 

Roman ist nicht nur ziemlich gut recherchiert und 

noch besser geschrieben, sondern darüber hinaus 

ein schlagender Beweis dafür, dass sich erkennbare 

literarische Qualität und der Furor eines geborenen 

Unterhalters keineswegs 

gegenseitig 

ausschließen müssen. 

Denn das ist 

das wahre Simmel- 

Wunder: in seinen 

Büchern Figuren zu 

begegnen, die trotz 

drohender und am 

Ende vielleicht alles 

vernichtender Katastrophen nicht 

gewillt sind, ihren einmal begonnenen 

Kampf für 

eine bessere Welt 

einzustellen. Dieses 

furchtlose, heldenhafte 

„Dennoch", das seine Bücher auch heute, 

Jahrzehnte nach ihrem Erscheinen, lesenswert macht: 

Romane, die oszillieren zwischen Stern und Spinoza, 

zwischen Boulevard und Bloch. Denn wie sagte er 

doch noch kurz vor Ende seines Lebens mit Blick 

auf sein Lebenswerk: „Ich habe nie Stil-Experimente 

gemacht, und ich kann einfach keine Bücher lesen, 

die auf Stil aufgebaut sind. Meine Romane sind das, 

was Norman Mailer einmal Faction nannte." 

So schrieb er bis zuletzt an gegen 

Hoffnungslosigkeit, die er für „das Unhaltbarste, 

das ganz und gar den menschlichen Bedürfnissen 

Zuwiderlaufende" hielt; der Mann mit den viel zu 

großen Brillen, durch die er schon damals mehr sah 

und wahrnahm, h als die meisten seiner Zunft es heute tun. Wir bräuchten 

einen wie ihn. Einen solchen Unbeirrbaren. Gerade jetzt. Deshalb 

werden seine Bücher weiter gelesen werden. Stil hin oder her. 

Foto: © DAVIDS/Bildarchiv Hallhuber 

Foto: © DAVIDS/Bildarchiv Hallhuber 


Captain Future 

1980 noch 

ein Fall für 

die Zensur 

Wenn 

auf den einschlägig bekannten Internet plattformen 

für eine Box mit vier DVDs regelmäßig Sammlerpreise von 

über 100 Euro bezahlt werden, dann ist es in einer Zeit der 

ständig weiter verfallenden DVD-Preise durchaus erstaunlich. 

Die beiden 

Boxen mit allen Ausgaben der Science-Fiction- 

Zeichentrickserie „Captain Future“ sind allerdings nicht bil- 

liger zu haben. Was ist an dieser Serie so besonders, dass 

viele Sammler beim Kauf kaum aufs Geld schauen? 

Captain Future 

Von Jörg Trüdinger 

Als am 27. September 1980 im ZDF 

die erste Folge von „Captain Future" im deutschen 

Fernsehen ausgestrahlt wurde, hatte man die ursprünglich 

für jugendliche Fernsehzuschauer konzipierte Serie ins deutsche 

Kinderprogramm verbannt und die japanische Originalfassung 

stark zerstückelt. Die vorliegende Bearbeitung war nach Ansicht 

der Programmgestalter des ZDF passend für Kinder, auch wenn 

man damit bewusst Brüche in den Geschichten hinnahm. Vor 

allem Szenen, die dem ZDF entweder zu gewalttätig oder zu 

langatmig erschienen, hatte man einfach herausgeschnitten. 

Trotz der umfangreichen Bearbeitungen blieb die 

Serie vor 32 Jahren umstritten, und es gab 

nicht wenige Sittenwächter, die sie gerne e 

aus dem Kinderprogramm verbannt hätten. 

Wenn man die Serie heute anschaut 

und mit dem aktuellen Kinderprogramm 

vergleicht, erscheint einem die damalige 

Diskussion geradezu als lächerlich. 

Für die meisten Leser bildet sich bei dem Begriff 

„Captain Future" im Kopf sicher gleich das 

Bild eines braunhaarigen, athletischen 

Zeichentrickhelden der Fernsehserie der späten 

70er Jahre. Dass „Captain Future" ursprünglich 

Cosmoliner (Japan) 

eine amerikanische Romanheftserie 

war, die der Autor Edmond Hamilton 

1940 erschuf, ist sicher nur wenigen 

bekannt. Als Edmond Hamilton 

1940 seine Romane schrieb, tobte 

in Europa längst der Zweite Weltkrieg, und in 

Amerika gab es große Diskussionen, ob man in 

den Krieg eintreten sollte, um die alliierten 

Streitkräfte im Kampf gegen Deutschland 

und seine Verbündeten zu unterstützen. 

Das war genau die Zeit, in der die Leserer 

nach Superhelden verlangten, n, nach 

Menschen, die sich vorbehaltlos dem 

Kampf gegen das Verbrechen widmeten und 

die stets moralisch einwandfrei handelten. en. 

Der auf dem Mond geborene Curtis 

Newton, der später zu Captain Future 

wurde, war ein solcher Prototyp 

des nahezu perfekten Menschen. 

Als Waisenkind aufgewachsen – seine 


Eltern wurden vom Kriminellen Victor Corvo ermordet 

–, widmete er sich als junger Erwachsener r dem 

Kampf gegen das Verbrechen. Bei diesem 

Kampf halfen ihm der Wissenschaftler 

Professor Simon Wright, dessen Gehirn 

in einem durchsichtigen Glasbehälter 

aufbewahrt wurde, der von seinen 

Eltern erschaffene Roboter Grag und 

der ebenfalls von seinen Eltern entwickelte 

Androide Otho. Weitere wichtige 

Personen sind Joan Randall und Ezra Gurney, 

beide Mitarbeiter der Planetaren Polizei, und 

Ul 

Comet (Japan) 

Quorn, in der deutschen Fassung Vul Kuolun, der Sohn 

Victor Corvos und Gegenspieler von Captain Future. ure. 

Nach Veröffentlichung der Romane dauerte es über 

40 Jahre, bis sich das japanische Trickfilmstudio 

Toei Doga der Serie annahm und auf Grundlage 

von 13 Geschichten der 40er Jahre eine aus 52 

Teilen bestehende Trickfilmserie produzierte. Die 

Erstausstrahlung in Japan startete am 7. November 

1978 und endete im Dezember 1979. In Japan an 

lief die Sendung im Vorabendprogramm und 

nicht wie in Deutschland im nachmittäglichen 

Kinderprogramm. Bis zur Ausstrahlung 

im Fernsehen war die Serie „Captain Future" 

hier zu Lande nur absolut eingefleischten 

Science-Fiction-Fans bekannt, was sich aber 

sehr schnell änderte. 

All diese Rahmendaten können allerdings nicht 

erklären, warum „Captain Future" zu solch 

einer Kultserie wurde. Vor allem stellt sich die 

Frage, warum die Serie gerade e in 

Deutschland so erfolgreich war und 

nach wie vor unzählige Fans hat? 

Wie 

immer gibt es sicher verschiedene 

Antworten, ein Grund für 

Grag 

den großen Erfolg ist ganz 

und 

sicher die von Christian 

Yiek 

Bruhn speziell für die 

deutsche Fassung komponierte 

Musik. Dieser Soundtrack ist 

absolut zeitlos, und man kann ihn bis 

heute anhören. Ein weiterer Grund ist, 

dass mit „Captain Future" erstmals 

im Nachmittagsprogramm eine Serie 

für Jugendliche lief, sie unterschied 

sich doch stark von den anderen en 

Serien zu dieser Sendezeit wie 

„Sindbad", „Wickie" oder „Biene 

Maja". Kein Wunder, dass sie vor 

allem bei den meist männlichen n 

Zuschauern einen absolut blei- 

benden Eindruck hinterließ. Da die 

Zuschauer weder das Original kannten 

noch wussten, was herausgekürzt 

war, spielte die Verstümmelung melung 

Otto 

keine Rolle. Auch die verschiedenen edenenn 

weiteren Charaktere der Serie waren gut gewählt 

und boten für jeden Zuschauer etwas. Das reichte 

vom lustigen Androiden bis zur hinreißend 

aussehenden Polizistin. Abweichend end 

von der Romanserie wurden für die 

Zeichentrickfilme verschiedene weitere ere 

Figuren eingeführt oder ihre Funktion 

verändert. Auf Seiten von Captain 

Future stehen dabei wie im Original 

Ken 

Simon Wright und Roboter Grag, mit 

neuem Namen versehen wurden Android Otto sowie die 

Polizistin Joan Landor und ihr alter und 

langgedienter Kollege Eszella Garnie. Viele 

Leser erinnern sich auch sicher noch an den Mondhund 

Yiek und das Weltraum-Chamäleon Oak. Diese beiden wur- 

den für die Fernsehserie ganz neu 

eingeführt. 

Das Phänomen „Captain Future" 

fand in den frühen 80er Jahren 

allerdings 

nicht 

nur im Nachmittagsprogramm 

des Fernsehens statt, 

es war vielmehr ein geradezu allumfassender 

medialer Rundumschlag, der den 

Kindern und jungen Erwachsenen geboten 

wurde. Für die etwas älteren Fans war die 

Taschenbuch-Reihe gedacht, die zwischen 

1981 und 1984 im Bastei-Verlag erschien, lei- 

der wurden damals nur 15 der ursprünglich 17 

Originalromane veröffentlicht, ein Versäumnis, 

das der Golkonda-Verlag zwischenzeitlich 

behoben hat. 

Wesentlich erfolgreicher als die Taschenbücher er 

waren allerdings die Comics. Ebenfalls 

der Bastei-Verlag veröffentlichte zwischen 

1980 und 1983 insgesamt 80 

Hefte der Eigenproduktion „Captain 

Future". Heute, rund 30 Jahre nach der 

Erstveröffentlichung, sind vor allem die frühen 

Nummern in sehr guter Erhaltung hochgehan- 

delte Sammlerstücke. Weniger bekannt ist, dass s 

bei Bastei auch 18 „Captain Future"-Comic-- 

Taschenbücher erschienen. Leider legte man 

bei Bastei damals wenig Wert auf Qualität und 

produzierte nur möglichst schnell und billig, 

was zur Folge hatte, dass die Comics in keiner Weise 

an die Qualität der Fernsehserie heranreichten und sich 

schon bald nach Auslaufen der Serie im Fernsehen 

Absatzschwierigkeiten einstellten. Darum ist es umso 

erstaunlicher, dass 80 Hefte produziert wurden. Es 

gab aber noch eine ganze Anzahl weiterer, die Serie 

begleitender Merchandising-Artikel. Bei ASS erschienen enen 

ein „Captain Future"-Brettspiel und ein Quartett. tt. Der 

für seine Sammelbilder bekannte Panini-Verlag hatte 

ein Klebebilderalbum im Angebot. Von Sammlern 

ganz besonders gesucht sind die Hörspiele, welche 

Polydor 1980 und 1981 veröffentlichte. Es gibt sie als 

Hörspielkassette und als Langspielplatte. 

Am begehrtesten auf dem Sammlermarkt dürf- 

ten heute jedoch die verschiedenen Spielsachen 

sein, die begleitend zur Serie produziert wurden. Die 

Hauptakteure gab es einerseits als Hartgummifiguren 

mit eingeschränkter Beweglichkeit. Und da es 

kein passendes Raumschiff gab, kann auch der 

Spielwert nur als sehr begrenzt bezeichnet werden. 

Ganz anders sieht es dagegen bei den beweg-eglichen 

Spielfiguren von Popy aus, die zwar spar- 

sam bemalt waren, aber zusammen mit dem äußerst 

gelungenen Modell des 

Raumschiffs Cosmoliner für 

stundenlangen Spielspaß 

sorgten. Aus Hongkong-ong- 

noch 

Produktion gab es weitere „Captain Future"-ure"- 

Figuren, die deutlich besser 

als die Spielzeuge von Popy 

gestaltet waren. 

Joan 

Randall 


Ein Westmann wird 50 

Das erste Mal, dass 

die Leser einen Blick auf 

ihn werfen konnten, war am 31. 

Oktober 1963, im untersten Panel der 

Seite eins: Frech und siegesgewiss grinste 

er aus dem Bild. Das war Blueberrys erste 

Nahaufnahme", übersetzt man die Filmsprache 

" 

in die Bildsprache der Comics. Unser neuer 

Held hat seinen ersten Auftritt am Spieltisch 

(wie übrigens im Kino kurz davor auch James 

Bond). Augenblick, Gentlemen", spricht er 

" 

via Sprechblase, ich muss euch leider 

" 

enttäuschen." Und hält triumphierend 

seine Pokerhand hoch: 

einen Flush. 

Unnötig zu erwähnen, dass das bisher friedliche Pokerspiel dadurch 

in die typische Saloon-Schlägerei 

ausartet. Und schon auf Seite 

zwei übersteht dieser Blueberry seine 

erste Schießerei, seiner Schnelligkeit mit 

dem Sechsschüsser sei gedankt. Gedruckt 

war dieses erste Abenteuer „Fort Navajo" 

als Fortsetzungscomic im französischen 

Magazin „Pilote", das schon 

Geburtshelfer für Figuren wie „Asterix" 

und „Gaston" war. Nun feiert „Leutnant t 

Blueberry" seinen 50. Geburtstag. Bei 

seinem gefährlichen Lebensstil hätte man 

ihm das nicht zugetraut. Seine Eltern, 

Zeichner Jean Giraud (1938–2012) und 

Texter Jean-Michel Charlier (1924–1989) hat er bereits 

überlebt. Doch das Raubein reitet immer noch. 

Eine Familie von Comic-Göttern 

René Goscinny, Texter von „Lucky Luke" und „Asterix", 

und Jean-Michel Charlier, bereits durch die Piloten-Serie 

„Buck Danny" (siehe auch Story in kult Nr. 8) zu Ruhm 

gekommen, hatten „Pilote" 1959 gegründet und waren 

sich einig: Ihr Magazin könnte einen harten Western vertragen. 

Sie wandten sich an einen alten Weggefährten, den 

großen Comic-Maestro Joseph Gillain, Jijé genannt (1914– 

1980). Der galt mit seinem Westernhelden „Jerry Spring" 

als Wegbereiter er 

der franko-belgischen Westerntradition. 

Vor Jerry Spring hatte es im europäischen Comic keine halbwegs realistische 

Annäherung an das Genre gegeben. Doch 

der chronisch überbeschäftigte Jijé lehnte ab. 

Allerdings kam es nur dank seiner Vermittlung 

überhaupt zum Dreamteam der Blueberry- 

Kreatoren. Jijé verwies Charlier nämlich an 

seinen Assistenten: Jean Giraud, der seine 

Zeichnungen mit „Gir" signierte. Nun war dieser 

Gir noch ein im wahrsten Sinne unbeschriebenes 

Blatt. Doch „Blueberry" zu zeichnen, war 

für ihn das Ticket zum Weltruhm. Auch unter 

dem Pseudonym „Moebius" sollte Gir zum 

stilbildenden französischen Comic-Zeichner per 

se werden. 

Blueberry: ein Antikonformist 

Früh stand fest, dieser Blueberry sollte ein raubeiniger, 

grobschlächtiger Charakter sein, ein Anti-Held eigentlich, 

der sich jeder Autorität verweigert, der es auch im 

Gegensatz zum stereotypen Helden nie darauf anlegt, 

Gerechtigkeit herzustellen, sondern der sich vor allem um 

seine eigenen Angelegenheiten kümmert. Ungekämmt, 

unrasiert, ständig pleite, mit breitgeschlagener Nase, 

und zum Ärger aller im Fort schlecht Trompete blasend. 

Ein Antikonformist und Zyniker, wie ihn die Comic- 

Szene zumindest im Western noch nicht erlebt hatte. 

Als Blueberry die deutschen Kioske erreichte, ritten da 

noch immer die herausgeputzten Westernhelden des 


Bastei-Verlags. Wäre man je auf die Idee gekommen, 

den braven Andy Cayoon mit der blonden Haartolle aus 

„Bessy" gegen Blueberry antreten zu lassen, es wäre 

bestimmt unschön für den netten Andy ausgegangen. 

Wanderer zwischen den Zeiten 

Seine Väter einigten sich auf den Namen Blueberry und 

nahmen sich das Aussehen Belmondos zum Vorbild, 

„der damals für die Jungs 

in meinem Alter eine 

Art Symbol war", erinnerte 

sich Giraud, und 

Blueberry sollte dieselbe 

Leck-mich-Haltung 

an 

den Tag legen. Die zweidimensionale 

Comic-Figur spiegelte 

den Zeitgeist. Tobte in der 

realen Welt der Vietnamkrieg, 

sah Blueberry sich im Westen 

von den vorgesetzten Militärs 

verraten. Als Leutnant war 

er für seine Vorgesetzten im 

Fort Navajo ohnehin hi 

nur tragbar, weil er als einziger mit 

den Rothäuten konnte. Oft genug hat man seine Nähe 

zu den Ureinwohnern ausgenutzt, einen Friedensvertrag 

einzufädeln, den die Säbelrassler dann prompt brachen. 

Charlier schlug sich verhältnismäßig früh auf die Seite 

des Spätwestern, als historische Figuren wie 

General Custer oder Wyatt Earp schon nicht mehr 

zu Legenden verklärt, sondern als fehlerhafte 

Menschen enttarnt wurden. 

Die Evolution eines Stils 

Gir gelangte mit Blueberry zur zeichnerischen n 

Reife. Präzise Strichführung, die dennoch locker, 

nie verkrampft wirkt, zeichnete Giraud aus. Mit der 

Zeit wurden seine Pinsel sensibler, die Panoramen n 

kraftvoller, die Prügeleien härter. Der experimentierfreudige 

Giraud gestattete eine zunehmend 

expressionistischere Kolorierung, immer öfter fand 

Blueberry sich in einem wahren Farbenrausch 

wieder. 

Der frühere Lehrling von Jijé überflügelte bald den 

Meister. Jijé war sich nicht zu schade, das einzugestehen: 

„Einmal musste ich für Giraud einspringen, 

während er verreist war. Ich lieferte 20 Blueberry-Seiten 

und muss gestehen, dass ich dabei eine Menge gelernt 

habe." Gleichzeitig dachte sich Szenarist Charlier immer 

verschachteltere Plots aus, nicht mehr in einem Album 

abgeschlossen, sondern ganze Zyklen über mehrere 

Nummern einnehmend. Literarischer Anspruch wurde 

erhoben, Charlier zog seine Sprechtexte über ganze 

Panels. Blueberrys Welt wurde zunehmend komplexer. 

Ihm stellten sie Aufgaben, die selbst er nicht mehr einfach 

mit einem Schuss aus der Hüfte lösen konnte. 

Charlier: „Der Comic ist von seinen Stilmitteln und 

dem Seriencharter her ein Unterhaltungsroman." 

Wie im Western-Kintopp 

Blueberry stand dem Kino stets nahe. Die ersten 

Abenteuer des Kavalleristen lehnten sich stark an die 

Kavallerie-Trilogie von John Ford an, der Band „Der 

Sheriff" leiht sich die Handlung von „Rio Bravo". 

Charlier/Giraud sprachen eine filmische Sprache, 

etwa mit „Regietricks" wie der Stimme aus dem 

„Nichts", aus dem „Off", die jemanden erschreckt, bis 

erst im nächsten Bild (also nach einem „Filmschnitt") 

aufgeklärt wird, um wen es sich da handelt. Auch 

dem klassischen Cliffhanger blieben sie verpflichtet, indem das letzte 

t 

Bild der rechten Seite die Spannung auf die Höhe treibt, 

bevor umgeblättert wird. Tatsächlich wirkten Blueberrys 

Taten stets so filmisch, dass man sich wundern kann, 

warum erst 2004 eine Filmadaption in Angriff genommen 

wurde, ein französischer 

Western, gedreht 

in Spanien und glücklicherweise 

schnell in 

Vergessenheit geraten. 

Vincent Cassel mimte 

den Blueberry. Man 

hätte sich den frühen 

Belmondo gewünscht. 

Blueberry 

hat 

nicht nur diese 

unglückliche Verfilmung 

überlebt, 

sondern auch die Untiefen des Verlagswesens. 

Mehrmals war „Leutnant Blueberry" Gegenstand 

von Gerichtsverhandlungen. Auch in Deutschland 

wurde die Serie durch verschiedene Verlage gereicht. 

Sein deutsches Debüt feierte der Leutnant mit 

der schlechten Moral 1968 im „MV-Comix". Dann 

führte „Zack" die Serie ab 1972 fort. Erstmals brach- 

te 

dann der Koralle-Verlag die Albenreihe heraus, 

beginnend 1978 mit „Der Einsame Adler". Wobei die 

Leser jedoch nicht beim ersten Abenteuer einsteigen 

konnten, sondern mitten in einem Zyklus, der sich über mehrere 

Bände hinzog. Um das Chaos perfekt zu machen, führte 

der Delta Verlag ein Jahr darauf die Serie fort, indem er eine 

neue Reihe unter dem Namen „Edelwestern" lancierte. All diese 

Nummerierungen wirkten eher, als ob Blueberry seine Spuren 

verwischen wollte. Erst seit 1989 bringt der Ehapa-Verlag 

Ordnung ins Universum, indem er die Reihe in der Werkedition 

„Die Blueberry Chroniken" herausgibt. 

Waisenkind mit neuen Eltern 

Als Charlier 1989 überraschend in die ewigen Jagdgründe 

abberufen wurde, war der nächste Band „Arizona Love" erst 

bis Seite 22 gediehen. Zeichner Gir musste selbst in die Tasten 

greifen, um es zu Ende zu bringen, allerdings nicht ohne 

sich mit den Erben Charliers einen juristischen Showdown 

zu liefern. Nun ist 2012 auch der große Giraud von 

der Bühne abgetreten. Andere erstklassige Zeichner wie 

Colin Wilson, William 

Vance und Michel Blanc 

Dumont führen die Serie 

weiter, haben dazu teilweise 

sogar ihre eigenen 

Comic-Figuren 

aufgegeben, um an 

Blueberrys Legende weiterzustricken. 

Es wartet 

Band 50 auf seine 

Veröffentlichung. Doch 

noch etwas hebt Charlier/ 

Giraud von anderen Comic- 

Eltern ab: Wo Tim und 

Struppi alterslos bleiben und Gaston nie einen Tag älter wird, 

da weist Blueberry, schließlich im Jahre 1888 am historischen 

O.K. Corral angekommen, nicht nur graue Schläfen auf, sondern 

auch mannigfaltige Verschleißerscheinungen. Doch auch 

als gealterter Mann ist er kein Deut weniger zynisch. Noch 

immer versucht er vergeblich, sich jeglichem Ärger fernzuhalten, 

keinesfalls freiwillig einzuschreiten. Bis er schließlich dem 

Genre-Gesetz folgend und aufs Neue losziehen muss, einmal 

mehr das Böse zu besiegen. Seine Anhänger, selbst in die 

Jahre gekommen, danken es ihm. 


Abb.: © Dargaud by Charlier, Giraud 

A 


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Salmei, Dalmei, 

Adomei 

Glühbirnen sind kleine Flaschen, die das 

Sonnenlicht mit dem „Elektriktrick" einfangen, 

und bei einem Telefon handelt es sich um 

einen „sprechenden Zauberknochen". Diese 

und viele andere Erklärungen verwirrender 

Dinge sind es, die die „Catweazle"- 

Serie Anfang der 70er Jahre Kultstatus 

erlangen ließen. 

Von Oliver Schuh 

Bayldon entwickelte mit Hilfe seines rauen Yorkshire-Dialektes eine 

ganz eigene Interpretation der alten englischen Sprache. Die Reaktion 

darauf in England war formidabel. Etwas unglücklich an der deutschen 

Synchronisation ist sicher die leichte, vermutlich gedankenlose Anlehnung 

an einen schnauzbärtigen Teufel der deutschen Geschichte. Das Beispiel 

eines Catweazle-Zitates: „Morrgen frrüh, da will ich neue Hexenkunst 

errlerrnen." 

Auch im wahren Leben war der Schauspieler ein absoluter Technikfeind. 

Später einmal auf CDs, Computer und Mobiltelefone angesprochen, entgegnete 

er, dass er deren Funktionsweise überhaupt nicht verstehe und es 

wie Catweazle vorziehe, in das 11. Jahrhundert zurückzukehren und sich 

den Normannen zu stellen. Diesen Gegner hätte er nach eigener Aussage 

leichter bezwingen können. 

Geoffrey Bayldon, 1928 geboren und bei Entstehung dieser Zeilen 

immer noch gut zu Fuß, ist und war ein Bühnenschauspieler par 

excellence. Doch wer genau hinsieht, erkennt ihn zudem in diversen 

TV- und Kino-Produktionen. Er wirkte mit bei „Mit Schirm, Charme und 

Melone", „Geheimauftrag für John Drake" („Danger Man") sowie „Simon 

Durch den Zauberspruch „Salmei, Dalmei, Adomei" wird ein schrulliger, 

verwahrloster und zerzauster angelsächsischer Zauberer auf der 

Flucht vor den ins Land einfallenden Normannen aus dem Jahr 1066 in 

das England des Jahres 1970 katapultiert. Hier lernt er den Farmersohn 

Harold Bennet kennen, der ihm hilft, die Tücken der Technik in der 

modernen Welt zu ver- und zu überstehen. „Heule nicht auf, du magischer 

Kriegswagen", ist das erste, was der Zauberer zu einem Traktor sagt. 

Und als Harold das Licht im Schuppen anmacht, sinkt Catweazle vor ihm 

auf die Knie und spricht in den Staub: „Meister der magischen Kräfte, 

lass mich dir dienen." 

13 Folgen lang begeisterte die erste Staffel Zuschauer in diversen 

Ländern und verlangte umgehend nach einer Fortsetzung. Die London 

Weekend Television ließ sich nicht lange bitten und Catweazle einen 

weiteren Zeitsprung machen, dieses Mal auf den Landsitz der kurz vor der 

Pleite stehenden Adelsfamilie Collingford und ihres Sohnes Lord Cedric, 

der gerade seine Internatsferien in dieser langweiligen Umgebung antritt. 

Zusammen mit dem zwölfjährigen „Eulengesicht" (Cedric sieht aus wie 

ein vorweggenommener Harry Potter) findet Catweazle einen verborge- 

nen Schatz, der den Fortbestand des Schlosses se 

s sichert. Dabei macht er 

unangenehme Erfahrungen mit Wasserhähnen, Fernsehern, Zahnpasta 

etc. Das Chaos ist programmiert. 

Der sich ständig wiederholende Kulturschock, dem der stets neugierige 

und staunende Catweazle – begleitet von seiner Kröte Kylwalda 

– 

immer wieder ausgesetzt ist, machte den unerwarteten Erfolg dieser 

Serie aus. Drehbuchautor Richard Carpenter schrieb dem an sich klassischen 

Theaterschauspieler Geoffrey Bayldon diese begnadete Rolle auf 

den Leib. Beide kannten sich von der Bristol Old Vic Theatre School, 

1947 gegründet von Sir Laurence Olivier, der Bayldon frühzeitig mit 

dem Shakespeare-Virus angesteckt hatte. Aber als dieser das Angebot 

von Carpenter erhielt, ließ er in 26 Folgen regelrecht die Sau raus. 

Templar", und in der 

grandiosen 1967er „James Bond"-Parodie o „Casino 

Royale" spielte er den Waffenmeister. Bei Interesse sollte man auch noch 

mal bei „Born To Boogie" reinschauen: Regisseur 

Ringo Starr hat Bayldon hier als Kellner besetzt. Marc 

Bolan und die Beatles waren nämlich Catweazle-Fans. 

Bayldon erinnert sich gerne an einen gemeinsamen 

Auftritt mit dem „äußerst sympathischen und 

zuvorkommenden Mr. Bolan. Wir saßen in dieser 

Limousine auf weißen Ledersitzen, und als wir ausstiegen, 

kreischten alle möglichen Fans, und Bolan rief: 

‚Ja, ja, Leute, ich bin es, Marc Bolan, aber das hier ist 

Catweazle!’" 

Geoffrey ey Bayldon 


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kult!


The Who 

© Pressefoto Polydor/Terry O‘Neil

Von Andreas Kötter 

Es war zu einer Zeit, als Wellness noch nicht erfunden 

war. Sogenannte Wohlfühl-Getränke, bei denen 

Geschmacksrichtungen wie Weißtee und Birne längst 

zur Normalität gehören und die in immer wilderen 

Mixturen wie Black Tea, Ginseng, Peach, Acai in den 

Regalen der Supermärkte auftauchen, existierten damals 

noch nicht einmal in der Fantasie der Marketing- 

Strategen. Kurzum: Es war die Zeit, als Sunkist" " (nicht nur) für alle kleinen Indianer der ganz 

große Durstlöscher war. 

Sunkist" war ein eigenartiger Name. Gedanken, n, was es damit 

„ wohl auf sich haben könnte, machte ich mir gegen e Ende 

der 60er Jahre aber nicht. Erst viele Jahre später sollte 

ich erfahren, dass „Sunkist" eine Verkürzung von „Sun- 

Kissed" darstellte, was soviel heißt wie „von der Sonne 

geküsst". Und von einer höheren Macht auserwählt 

schienen mir die Orangen damals wirklich, die 

schnöden Apfelsinensaft wie von Zauberhand 

in das köstliche „Sunkist" verwandelten. 

Tatsächlich aber war die Sache weit weniger geheimnisvoll. Bereits 

Ende des 19. Jahrhunderts hatten sich in Kalifornien und Arizona 

Zitrus-Farmer zu einer Erzeugergemeinschaft zusammengeschlossen, 

um bessere Preise erzielen zu können. Später begann man, selbst Säfte 

zu produzieren, und schließlich gelangte die „Sunkist"-Lizenz auch 

nach Deutschland, wo die Hamburger Rickertsen Getränke Vertrieb 

Gmbh & Co. KG alsbald ihr eigenes Fruchtsüppchen kochte. 

Das alles aber konnte ich damals natürlich noch nicht wissen. 

Und wahrscheinlich hätte es mich auch gar nicht interessiert. Denn 

das, was ich zu wissen glaubte, reichte mir völlig aus. War mir dieses 

fruchtig-süße Orangen-Saftgetränk in der eigenwilligen, pyramidenförmigen 

Verpackung doch weit mehr als nur ein köstlicher Durstlöscher. 

„Sunkist" war für mich beinahe schon ein Versprechen. Ein Versprechen 

darauf, dass im Leben alles möglich sein müsste, wenn doch schon in 

einer solch kleinen Papppackung so viel pralle Exotik stecken konnte. 

Und im Gegensatz zu den zuckerwässrigen Limonaden der Zeit war 

„Sunkist" auch den Müttern der ideale Nektar für ihren Nachwuchs. 

Ich erinnere mich noch sehr gut daran, dass kein Kurzausflug in 

den Zoo oder ins Phantasialand und schon gar keine längere 

Bahnreise ohne zwei, drei „Sunkist" im Gepäck angetreten n 

wurde. 

Als mit Zitrone und Kirsch schon bald 

zwei weitere 

Geschmacksrichtungen folgten und 

so auch für frisch-fruchtige Abwechslung gesorgt war, 

schien mir und meinen Freunden „Sunkist" endgül- 

tig unersetzlich. Kein Wunder also, dass Rickertsen 

mit diesem Pfund wucherte: „Überall auf der Welt löschen Kinder den 

Durst am liebsten mit ,Sunkist'", lautete der Text zu einer Werbeanzeige 

in „Die tollsten Geschichten von Donald Duck". Gezeigt wurden drei 

Jungen, deren Physiognomie deutlich verriet, dass sie ganz offensichtlich 

aus den verschiedensten Teilen der Welt stammten, die sich aber 

schon deshalb zu verstehen schienen, weil „Sunkist" ihnen ein köstliches 

Gemeinschaftserlebnis bescherte. 

Gelebte Völkerverständigung hier, frühe Markenbindung dort: 

Mit einem Malwettbewerb forderte man alle „ABC-Schützen und 

Puppenmütter, Cowboys und Sheriffs, Häuptlinge und Astronauten – alle 

Kinder bis 15 Jahre!" auf, „mit Buntstiften, mit Tusche, mit Bleistiften" ein 

„Sunkist"-Bild zu malen, das zeigen sollte, wo Häuptlinge, Puppenmütter 

und Co. „Sunkist" in der Dreieckstüte am liebsten tranken. Vielleicht in 

der Schulpause? Oder am Strand? Oder ... oder ... oder? Der Erfolg von 

„Sunkist" schien für kurze Zeit unaufhaltsam. 

Und doch erkaltete irgendwann auch diese Liebe. Vielleicht 

schon, als man sich 1977 entschied, mit einem quaderförmigen 

Pack 

eine zweite Verpackungsform einzuführen. Spätestens 

aber, als dieser Quaderpack das Dreieck in den frühen 80ern 

endgültig ablöste. „Sunkist" hatte sein Alleinstellungsmerkmal 

verloren. Ein Alleinstellungsmerkmal, das „Sunkist" in meiner 

kleinen Welt nicht nur zu (m)einer Marke, sondern zu einem 

Gattungsbegriff für Fruchtsaft per se gemacht hatte. Ähnlich 

wie es „Tempo" für Papiertaschentücher oder „Nivea" für 

Handcreme bis heute sind. Ohne das Dreieck war „Sunkist" nur 

noch ein Fruchtgetränk unter vielen. Und ich hatte ohnehin 

längst andere reizvolle „Säfte" entdeckt. Die Zeit von „Sunkist" 

war endgültig vorbei. 


TV-Serien der 

80 e r 

Teil 3 

Foto: © Kir Royal, Davids/Bildarchiv Hallhuber 

Fernsehen mit Suchtgefahr 

Popper, Punks, Yuppies, Reagan und Kohl, Atari 

und der Apple-Würfel, Tschernobyl-Katastrophe und 

Challenger-Explosion, die Ermordung von John Lennon 

und der Fall der Berliner Mauer. Abgesehen von 

den Ereignissen in Politik, Wirtschaft und Kultur 

gelten die 80er Jahre allgemein als das Jahrzehnt 

des schlechten Geschmacks. Kein Wunder: schlimme 

Frisuren wie der Vokuhila-Schnitt, grelle Farben, 

Mode und Accessoires, die Augenkrebs verursachen, 

ziemlich viel schrecklich belanglose Musik. Aber wo 

Licht ist, da ist halt auch Schatten, und die 80er sind 

vor allem in puncto Fernsehen viel besser als ihr Ruf. 

Intelligenter fernsehen dank 

Helmut Dietl 

1 

984 gehen die ersten privaten Fernsehsender an den Start: Am 1. 

Januar Sat.1, damals noch als Programmgesellschaft für Kabelund 

Satellitenrundfunk, und einen Tag später RTL plus. Die 

Vorherrschaft der öffentlich-rechtlichen Anstalten ist Vergangenheit. 

Das Geschmacksdiktat 

von gebührengestütztem 

Fernsehen gerät in 

Gefahr. Hugo Egon Balder 

verteilt Länderpunkte 

für nackte Titten. Alle 

Sündenfälle angloamerikanischen 

Bezahlfernsehens 

werden lizenziert und in 

Hugo Egon Balder verteilt bei Tutti Frutti" 

Deutschland als absolute 

" 

Länderpunkte – wofür eigentlich? 

Neuheit verkauft. Tägliche 

Gameshows wie das „Glücksrad" (ursprünglich: „Wheel Of Fortune") 

schaffen den Rahmen für Werbe-Inseln. Aufgeschreckte Moralwächter 

sehen den Niedergang des Abendlandes kommen, aber Dr. Thoma, 

damals uneingeschränkter Alleinherrscher bei RTL, macht Kritiker mit 

typisch österreichischem Schmäh mundtot. „Der Köder muss dem Fisch 

schmecken", lässt er verlauten, „nicht dem Angler." Oder: „In seichtem 

Wasser kann man nicht ertrinken." Wohl wahr. Dass es noch viel 

schlimmer kommen kann, als selbst übellaunigste Bedenkenträger sich 

damals vorstellen konnten, ist heute Gewissheit. „Dschungelcamp", 

„Bauer sucht Frau", „Promi Big Brother" – damals in den 80ern wurde 

der Grundstein für das Prekariatsfernsehen heutiger Prägung gelegt. 

Aber, klar, mit dem Abstand von fast 30 Jahren kann man gut klugscheißen. 

Seinerzeit sah es nach Öffnung, nach Demokratisierung des Mediums 

aus, die Claims wurden neu abgesteckt, das Bärenfell neu verteilt. Aber 

wer ein Hirn hatte, begriff 

schon damals: Das wird 

nicht besser! Im Gegenteil. 

Fernsehen wurde eine 

saulangweilige, saublöde 

Sache, vor allem dann, als 

die Öffentlich-Rechtlichen 

aufgrund von Quotendruck 

anfingen, den Blödsinn 

der Privaten zu imitieren. 

Gameshows, Flirtshows, 

Datingshows, Kuppelshows, Talkshows ... es war zum Fremdschämen 

schlimm. Seifenoper anders gab’s ab dem 8. Dezember 1985 

dann vom öffentlich-rechtlichen WDR: Hans Wilhelm Geißendörfer, 

Regisseur, Autor und Produzent, lancierte nach dem Vorbild der britischen 

Dauerbrenner-Sendung „Coronation Street" eine Seifenoper 

namens „Lindenstraße", die wöchentlich läuft und größer wurde 

als das Leben selbst. Die Figur der dauerbesorgten „Mutter Beimer" 

zum Beispiel machte aus 

Marie-Luise Marjan einen 

Star. Der Bezug zu aktuellen 

gesellschaftlichen 

Themen – homosexuelles 

Coming Out, Drogenkonsum und Cannabis-Freigabe, i b Stalking, 

Tierrechte, Vegetarismus, Arbeitslosigkeit, Integrationsproblematik – 

war gesetzt, und die Einarbeitung zeitgenössischer Ereignisse gelang 

ein ums andere Mal. Für die einen ist der sonntägliche Blick in die 

Lindenstraße um 18:50 Uhr Kult, ich zappe – mit allem Respekt vor 

dieser Soap – weiter, sobald ich die Erkennungsmelodie höre. 

Ein Fernsehereignis der ganz besonderen Art kam 1986 auf den 

Bildschirm – die sechsteilige, vom Kölner WDR produzierte, in München 

spielende Miniserie „Kir Royal (Aus dem Leben eines Klatschreporters)". 

Mit dieser hochkarätig besetzten, höchst amüsanten Persiflage auf die 


Bussi-Gesellschaft der Isar-Metropole etablierte sich Regisseur und 

Autor Helmut Dietl endgültig als einer der intelligentesten Chronisten 

bundesdeutscher Wirklichkeit. Die Figuren, die Dietl zusammen mit seinen 

Unruh (Ruth-Maria Kubitschek). Als Dame von Welt hält sie eigentlich 

wenig bis nichts von Babys Klatschgeschichten, aber wenn’s Auflage 

macht, dann sei’s s halt drum, und außerdem, dem virilen Charme des 

Autoren Patrick Süskind („Das 

Schimmerlos kann auch sie sich nur schwer ent- 

Wo Baby ist, ist Party und was nettes Blondes 

Parfum") und Kurt Raab (Folge 4) 

ziehen. In einer denkwürdigen Szene zeigt sie, auf 

entwickelte, waren komödiantisch 

zwar krass überzeichnet, aber dann 

wieder so lebensnah inszeniert, dass 

man aus dem Lachen nicht mehr 

herauskam. Fans von „Kir Royal" 

können ganze Textpassagen des 

großkotzigen Industriellen Heinrich 

Haffenloher – wunderbar prollig 

gespielt von Mario Adorf – Wort für 

Wort nachsprechen. Berühmtester 

One-Liner des geltungs- und promisüchtigen 

Generaldirektors: „Ich scheiß' dich sowas von zu mit meinem 

dem Tisch stehend, den Rock sehr hoch ziehend 

und ihre Beine entblößend, wie ein Phlebologe ihre 

Krampfadern veröden wird. Die Rache der versammelten 

Baby-Frauen kommt – seine vernachlässigte 

Mutter stirbt bei dem Versuch, einen TV-Auftritt 

ihres Sohnes mit dem VHS-Rekorder aufzuzeichnen 

(zum Heulen traurig!), Mona verlässt den Hallodri 

und wird, gegen seinen Willen, Schlagersängerin; 

die Verlegerin kündigt ihm in Abwesenheit. 

Aber der Reihe nach. „Kir Royal" ist, was Architektur, 

Inhalt und Inszenierung angeht, genau jene 

Mischung, die großes Kino ausmacht und große Gefühle auslöst. Die 

Geld." Gleich die erste Folge vom 22. September 1986 setzt den Ton Geschichten sind bekloppt genug, um nicht vorhersagbar, und lebenswirklich 

genug, um wahr zu sein. Heißt: Die Spannung bleibt erhalten. 

für das großartige, 

Preiswürdig: 

später mit dem Die Storys haben Gewicht. Sie haben etwas mit unserem Leben, mit 

Billie Zöckler als 

Babys großäugige 

Grimme-Preis 

in deutscher Wirklichkeit, mit dem Geist der Zeit zu tun. Der Klebstoff- 

Sekretärin Edda 

Gold ausgezeich- 

Millionär mit Faible für die Münchner Schickeria; die aufopfernde Mutter, 

Pfaff 

nete Dietl-Oeuvre. 

die einem auf die Nerven geht, aber dann unter so tragisch-traurigen 

Umständen stirbt, 

Dreamteam: Senta Berger als Mona, 

dass es einen 

Franz-Xaver Kroetz als Baby und Dieter 

rührt; die wütende, 

mit einem 

Hildebrandt als Fotograf Herbie 

Messer 

bewaffnete 

Geliebte, 

die mit dem 

Vorsatz, 

ihren 

untreuen 

Lover 

zu lynchen, einen 

Filmempfang 

besucht und es 

dann doch nicht 

fertigbringt, den 

Allein die Konstellation ti der Hauptfiguren ist it ein 

Geniestreich. Da ist der rastlose, großspurige, immer 

heulenden Sohn, 

der gerade die 

auch etwas einsam wirkende Baby Schimmerlos, 

Nachricht 

vom 

Klatschreporter der „Münchner Allgemeinen 

Tageszeitung" (Matz), ein Mann aus kleinen Verhältnissen, den die 

Großkopferten jetzt hofieren, weil sie in seiner Kolumne auftauchen 

Tod seiner Mutter 

erhalten hat, zu erstechen – das alles ist hochverdichtete h Satire, die 

leicht daherkommt und doch die richtig schweren Themen im Gepäck 

möchten. 

hat. Dietl, wohl 

Arme Mona – 

Franz-Xaver 

sie hatte unter ihrem Baby zu leiden 

auch ein tiefer, 

Kroetz gibt dieser, 

trauriger 

Mann, 

dem ein- 

ist ein Meister 

zigen 

wahren 

dieses Genres. Er 

Michael Graeter 

nachempfun- 

serviert locker mit 

links, was man 

denen 

Figur 

kaum mit beiden 

den 

granteligen 

Händen zu 

Ton, das 

Striezi-hafte, 

aber auch das 

packen bekommt 

– 

das Bittere, die 

Peinlichkeit, das 

Bodenständige. 

Ungerechte des 

Baby fährt Porsche, Geld ist immer Mangelware, und so richtig 

nett zu seiner herzkranken, überfürsorglichen Mutter ist er nicht. 

Auch seine schöne österreichische Freundin Mona fasst er nicht mit 

Glacéhandschuhen an. Er ist nicht treu (wie auch?), mault ständig 

rum, und Mona muss ein ums andere Mal als Babys Schmuckstück 

herhalten. Senta Berger spielt diese Frau mit so viel hintergründigem, 

verletztem, herzzerreißendem Charme, dass man dem Beziehungsrüpel 

am liebsten manchmal eine klatschen möcht’. Im Umfeld des rasenden 

Reporters: sein ständig quatschender Fotograf Herbie Fried (grandios: 

Dieter Hildebrandt), heimlich in Mona verknallt und darum oft wütend 

auf seinen Chef; dann die kuhäugige Sekretärin Edda Pfaff (sensationell: 

Billie Zöckler), ganz offensichtlich in Baby verschossen und stets 

bemüht, dessen Chaos, so gut es geht, zu organisieren. Im Hintergrund, 

als ständig präsente Übermutter, die üppige Verlegerin Friederike von 

Lebens. All das, 

was man nicht so 

richtig zu sagen 

wagt, aber was 

doch unser Dasein 

bestimmt. Satire 

ist der Ausweg: 

Man kann cool 

bleiben, unpeinlich, 

und doch 

alles einbringen, 

die Camus’schen 

Zweifel, die sisyphoshafte h Verzweiflung, den ganzen Scheiß, der 

einem das Lachen so oft im Halse erstickt. Der Klatschreporter und 




Foto Senta Berger: © Kir Royal, Davids/Bildarchiv Hallhuber 


Foto: © Kir Royal, Davids/Bildarchiv Hallhuber

seine Jagd nach der aktuellen, brisanten, der heißen Story werden 

Sinnbild für unser aller Getriebensein, die Not, die uns alle umtreibt, 

die Verwerfungen des Medienzeitalters, in dem wir inzwischen mit 

NSA-Abhörskandal, sozialen Netzwerken wie Facebook und „Promi Big 

Brother" bis Oberkante Unterlippe stecken. Dietl, seit „Monaco Franze" 

als Regisseur und Autor gesetzt, wurde mit „Kir Royal" zum Star. Sein 

Co-Autor Patrick Süskind, jener weltenscheue Schriftsteller, der keine 

Interviews gibt und ungern fotografiert wird, wird durch den 1985 aufgelegten 

Roman „Das Parfum" zum Millionenseller. Nach „Kir Royal" – 

ein Thema, das der Regisseur Jahre später, mit Benjamin von Stuckrad- 

Barre als Co-Autor, in dem zu Unrecht verrissenen Film „Zettl" wieder 

aufgreift – wandert Dietl ins Kino ab; er braucht für seine Ideen und die 

Riege der Stars, die er schon für „Kir Royal" engagiert hat, mehr Geld. 

Die „Kir Royal"-Serie, deren Einschaltquoten bei der Erstausstrahlung 

zu wünschen übrigließen, hatte mehr gekostet als normale TV-Ware. 

Erst die späte DVD-Auswertung bringt Nachhaltigkeit in den Kult um 

Baby Schimmerlos, und diejenigen, die manchmal nicht wissen, was 

anfangen mit einem langen Wochenende, sei an dieser Stelle das 

2004 erschienene Boxset empfohlen. Es garantiert ein unterhaltsames 

Weekend mit „Baby" und all den Stars des deutschen Films, die unter 

Dietls Regie brillierten. 

" Der Fahnder" , das " 

A-Team " und ein 

Dauerbrenner namens " 

Ein Fall für zwei " 

Was tat sich in den 80ern in der Abteilung „Crime"? Eigentlich bot 

die Realität die krasseren Fälle als die Drehbuchautoren, aber aus dem 

Fundus des Angebots stechen zwei Serien hervor. Na, sagen 

wir drei. „Ein Fall für zwei", seit 1981 am Start und 2013 

nach der Emission von 

Claus Theo Gärtner 

(alias Josef Matula) 

dazu: „style over substance". Sonnys Ray Ban Wayfarer wurde ebenso 

Stil-Accessoire wie sein T-Shirt-Anzug-Look ein Must Have der Saison. 

Die Serie beeindruckte auch durch 

schnelle Bildmontagen, rasante 

Kamerafahrten, Super Slomo, fetzige 

Videoclip-Ästhetik und große 

Gaststars, von James Brown bis 

vorübergehend eingestellt, 

Phil Collins, von Frank Zappa bis 

zählt zu den 

Formaten, die allein 

durch ihre Dauer – 300 

Folgen, 31 Staffeln – 

Miles Davis, von Liam Neeson bis 

Bruce Willis. Trotzdem oder gerade 

wegen des trendigen Looks und der 

ungewöhnlichen Gäste – mit dem 

Ehrfurcht einflößen. 

Abstand von jetzt 27 Jahren wirkt 

Das Gegensatz-Paar 

„Miami Vice" ziemlich verstaubt 

„Privatdetektiv und 

und pomadig. 

Rechtsanwalt im Kampf 

um Gerechtigkeit" 

Etwas affig und nicht ganz ernst- 

wollen wir aber hier 

nur streifen. Interessanter, t weil spannender inszeniert und 

gespielt: „Der Fahnder" mit Klaus Wennemann. Berühmt 

zunehmen war für europäische 

Augen auch „Das A-Team”, Anfang 

der 80er Jahre in den USA eine der 

geworden als Leitender Ingenieur, kurz LI, in Wolfgang 

erfolgreichsten Serien überhaupt, 

Miami Vice"-Vice-Ermittler Crockett und 

Petersens Buchheim-Verfilmung „Das Boot", gab der Theatererprobte 

Wennemann der Figur des Hannes Faber, Fahnder in 

Zuschauern. Der Ausgangsplot 

" mit Spitzenquoten von 20 Millionen 

Tubbs waren auch modisch Role Models 

hatte 

einer nicht näher bezeichneten deutschen Stadt, ein unverwechselbares 

Profil. Nicht der immer gerechte Übervater, der die durch Verbrecher 

gestörte gesellschaftliche Ordnung wieder herstellt, sondern auch als 

Ermittler durch und durch Mensch, der es mit den Vorschriften nicht 

immer so genau nahm. Seine Freundin Susanne (Barbara Freier) hat eine 

Kneipe namens „Treff", Faber fährt einen grünen Ford und läuft meist 

in Zivil rum. Zitat zum Erfolg der Vorabend-Krimiserie: „Als ,eigenwilliger 

und unverwechselbarer Polizist völlig neuen Typs' erreichte 

er dabei im Vorabendprogramm im Ersten Rekordeinschaltquoten." 

Die 50-Minuten-Folgen, nach einer Idee von Dominik Graf, setzten – 

ähnlich wie die Figur des „Schimanski", der ab 1981 seinen Dienst als 

„Tatort"-Kommissar aufnahm und natürlich der Kult-Kommissar per se 

ist – neue Maßstäbe 

und beförderten einen 

Realitätszuwachs in 

deutschen Krimis. 

Die Herren Ermittler 

sprachen wie normale 

Menschen (siehe 

Schimanski) und 

agierten wie normale 

Menschen. 

Der Fahnder" machte menschliche 

" 

Bullen salonfähig 

Wennemanns nervöse Umtriebigkeit als Fahnder Faber brachte der ARD 

an diesem Sendeplatz enorme Zuwächse. Nach 91 Folgen wanderte 

Faber mit Freundin nach Irland aus; Dieter Pfaff, bis dahin uniformierter 

Polizist, rückte als Otto Schatzschneider auf Platz zwei, neuer 

Kommissar wurde Jörg Schüttauf als Thomas Becker. „Der Fahnder" 

trug wie Schimanski dazu bei, dass Kriminaler nicht in einer fiktiven 

Parallelwelt ermittelten, sondern in einer quasi-dokumentarischen und 

dank Dominik Graf auch modern inszenierten TV-Welt. Viele damals 

noch junge Talente, von Uwe Ochsenknecht bis Edgar Selge, hatten 

beim Fahnder ein Forum. 

Nachhaltig Kult ist das, was oft und gern wiederholt wird oder nach 

erfolgreicher TV-Auswertung für die Kinoleinwand und einen Langfilm 

genutzt wird. Das 

gilt unter anderem 

für die ab Ende 1986 

in Deutschland ausgestrahlte 

US-Serie 

„Miami Vice". Deren 

verdeckte Ermittler, 

Don Johnson alias 

James „Sonny" 

Crockett und Philip 

Michael Thomas alias Ricardo „Rico" Tubbs, waren modische Role 

Models und wandelnde Product Placements, das kritische Stichwort 

ziemlich Comic-hafte Züge: Eine söldnerartige Task-Force-Truppe um 

Colonel John „Hannibal” Smith (gespielt von George Peppard) hilft 

Menschen, die in Not geraten sind, von Gangstern bedroht werden oder 

von der Polizei keinen Schutz erwarten können. Alle vier Hauptfiguren 

(zeitweise waren es auch fünf), darauf wurde im ursprünglichen Intro 

immer hingewiesen, gehörten einst einer militärischen Spezialeinheit 

an. Die vier Männer wurden wegen eines Verbrechens verurteilt, das 

sie nicht begangen hatten. „Seitdem werden sie von der Militärpolizei 

gejagt, aber sie helfen anderen, die in Not sind ..." Sie sind angesichts 

ihrer teils kriegsbedingten Gegensätzlichkeit pures Amerika, loyal, treu, 

teambewusst, dem Guten zugeneigt. Bei Licht besehen aber haben die 

vier Kriegsveteranen alle einen mächtigen Dachschaden. 

Smith trägt seinen Spitznamen in Anlehnung an den karthagischen 

Feldherrn. Stratege, Verkleidungskünstler, Troupier – Hannibal hat 

immer einen lockeren Spruch auf den Lippen, zwischen denen meist 

eine Zigarre steckt. Diese ist, neben seinen schwarzen Handschuhen, 

das Markenzeichen des waghalsigen Colonels. Er besucht – verkleidet 

– neue Klienten, reizt die Bösewichter mit markigen Sprüchen, dirigiert 

mit schrägem Humor seine merkwürdige Truppe und führt sie aus noch 

so hoffnungslosen Situationen immer zum Erfolg. Ihm zur Seite First 

Lieutenant Templeton Peck, von allen wegen seiner hübschen Fratze 


nur „Face" genannt. Der Schönling hat eine starke Ausstrahlung auf das 

weibliche Geschlecht, bezirzt aber auch männliche Zeitgenossen durch 

sein freundlich-naives, manipulatives Wesen. Face ist der Charmeur 

und Hochstapler der Vierer-Bande und möchte, obwohl aus armen 

Verhältnissen, gerne als mehr gelten. Ausdruck davon: seine gewählte 

Ausdruckweise, 

seine Abneigung 

gegen körperliche 

Gewalt (obwohl 

auch er zulangen 

kann), seine weiße 

Corvette. Das 

ganze Gegenteil 

von ihm ist Captain 

H.M. Murdock, 

genannt „Howling 

Mad". Baseball- 

Cap, Chucks, 

Flieger jacke, 

immer leicht etwas 

schmuddelig und 

eigentlich Insasse 

einer Nervenklinik 

für Veteranen. Der 

Vietnam-erfahrene 

Pilot hat einen an 

der Klatsche oder 

gibt das zumindest vor. Er grimassiert, i dreht schnell durch, spricht mit 

toten Gegenständen oder nicht vorhandenen Aliens, aber er kann so 

ziemlich alles fliegen – Hubschrauber, Flugzeuge, was immer abheben 

kann. Das macht ihn nicht gerade zum Freund von Master Sergeant 

Bosco Albert Baracus, genannt B.A., was einmal für seine Initialen 

steht, aber auch für „Bad Attitude", denn genau diese legt der dauergereizte 

Muskelberg, der mit seinem Iro und den Goldketten aussieht 

wie ein im Reagenzglas gezüchteter Rapper, an den Tag. Im Privatleben 

ist der Milchtrinker und Gesundheitsfanatiker Streetworker und hilft 

Kindern. Er ist der Elektronik- und Reparatur-Crack der Truppe und 

hat eine Achillesferse: panische Flugangst. Bei Aufträgen, die das 

Fliegen erforderlich machen, wird er trotz wüster Drohungen betäubt 

und ins Fluggerät verfrachtet. Er liegt, prima vista, im Dauerclinch mit 

Murdock, aber in wirklich brenzligen Situationen wird klar: Was sich 

liebt, das neckt sich. 

„Das A-Team" – seit 1987 auf deutschen Mattscheiben zu bewundern, 

zuerst bei der ARD, später bei RTL – ist pures, kunterbuntes Amerika. So 

sättigend wie Kaugummi, so verlockend wie die grellen Neonreklamen, 

die ständig „home made cooking" ankündigen und dann doch nur pappiges 

Fastfood servieren, so echt wie Disneyland ... Das Vaterland hat die 

Soldaten zwar verstoßen und krankgemacht, aber die Patrioten bleiben 

Patrioten, bleiben gut, helfen Menschen in Bedrängnis und tun stets das 

Richtige. Aber „Das A-Team" ist auch in puncto Gewalt und Sex meist nur 

Scharade. Gewalt ist keine richtige Gewalt, die niedergestreckten Gegner 

erheben sich nach wenigen Minuten ohne sichtbare Verletzung. Kugeln 

schwirren bei dem Geballere zwar dauernd durch die Gegend, aber wenn 

es mal ernst wird, wird abgeblendet. 

Blut, Mord, Totschlag 

werden à la Hollywood angedeutet, 

aber selten gezeigt. Nur eine 

Sache – die seinerzeit erhobenen 

Sexismusvorwürfe – konnten die 

Hannibal-Kumpane nicht recht 

entkräften. Die TV-Macker stehen 

in einem permanenten „Meiner 

ist länger!"-Konkurrenzkampf. 

Beide Frauenfiguren, die in die 

Serie reingeschrieben wurden, 

wurden ebenso schnell wieder 

rausgeschrieben. Peppard, der in 

„Frühstück bei Tiffany" als sanfter, 

schriftstellernder t Gigolo 

Hollywood-Ruhm erlangte, 

soll der Schauspielerin Marla 

Heasley, die kurz als Tawnia 

Baker eingeführt wurde, am 

Set gesagt haben, sie sei in 

der Männergesellschaft des 

A-Team eigentlich nicht 

erwünscht. Wie denn auch? 

Frauen würden sich nicht für 

ein Land aufreiben, das sie 

ohne Grund verfolgt, in die 

Nervenheilanstalt bringt, abschiebt bt ... Frauen taugen nicht als „soldiers 

of fortune". Darum hatten sie in dieser Kinderserie mit viel Stunts, 

Pyro und Tamtam auch nichts verloren. Peppard, der 1994 an einer 

Lungenentzündung verstarb, hat die Würdigung der TV-Serie als Film 

im Jahre 2010 nicht mehr erlebt. 

Im Teil 4 der Kult-TV-Serien der 80er Jahre: Liebling Kreuzberg, Die 

Schwarzwaldklinik, Dallas, Denver Clan, Fackeln im Sturm, MacGyver, 

Schrecklich nette Familie, Baywatch … 

Teddy Hoersch 

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1/2014 ■ Seite 59 

JOHANNA VON KOCZIAN 3733490

Die Gladbach-Story 

Wie der Fohlen"- 

Mythos zustande " kam 

Von Andreas Kötter 

Die Mönch englad 

bacher 

Borussia ist es 

Jupp Heynckes damals, die den Krösus 

aus München in der 

Liga gar übertrifft. Während die „Roten" im Laufe der Dekade „nur" vier 

Meistertitel sammeln, kommen die Borussen gar auf fünf. Fast noch wichtiger: 

Während sich längst nicht jeder Fußballenthusiast für die Erfolge 

der Bayern erwärmen kann, genießen die Gladbacher für ihren attraktiven 

Offensivfußball europaweit größte Sympathie und Bewunderung. 

Vater des Systems ist der legendäre Trainer Hennes Weisweiler, der 

Gladbach schon seit Mitte der 60er Jahre eine Ausrichtung gibt, die ein 

spektakuläres 4:3 allemal einem schnöden 1:0 vorzieht. Die heute vielbeschworene 

Null muss bei den 

„Fohlen", wie die Borussen ob 

der unbekümmerten Spielweise 

genannt werden, nicht stehen. 

„Erfunden" wird der „Fohlen"- 

Begriff – heute würde man 

wohl von Corporate Identity 

sprechen – übrigens bereits 

im Laufe von Borussias letzter 

Regionalliga-Saison, 1964/65, 

von einem Sportredakteur der 

„Rheinischen Post". 

Keine Frage, die 50. Bundesliga-Saison stand ganz im 

Zeichen des FC Bayern. Nicht nur, dass die Münchner in 

der Liga alle Rekorde brachen und die Dortmunder Borussia 

mit 25 Punkten Vorsprung geradezu deklassierten. Der 

Gewinn des ersehnten Triples setzte dieser Jubiläumssaison 

nicht nur aus Münchner Sicht die Krone auf. Und wenn in der 

Vergangenheit überhaupt einmal ein Team den Bayern Paroli 

bieten konnte – mal war es der HSV, mal Werder, mal 

wie zuletzt der BVB –, so war diese Vorherrschaft 

doch nie wirklich gefährdet. Nie? Doch! Einmal, 

in den 70er Jahren, da gab es ein kleines Dorf" " 

am Niederrhein, das den damals gar nicht übermächtigen 

Bayern auf lange Sicht mindestens 

ebenbürtig schien. 

Borussia Mönchengladbach – Teamfoto 1969/70 

Auch Rainer Bonhof, heute 

Vizepräsident des Klubs, gehört damals zur „Fohlen"-Herde. Der junge 

Gewinn des Uefa-Pokals auch der 

Bonhof, 1974 mit Deutschland auch Weltmeister, wird nicht nur wegen erste internationale Titel gelingt. 

seines unbändigen Kampfgeistes, sondern auch ob seiner knallharten Im ersten Spiel vom damals noch 

Freistöße gefürchtet. So besagt die Legende, dass Ray Clemence, Keeper in zwei Partien ausgetragenen gen 

des FC Liverpool, aus Wut über Bonhofs wahre Freistoßgeschosse einmal 

gar Tränen der Wut vergossen haben soll. Bonhof selbst mag sich gegen Twente Enschede im 

Wettbewerb erreicht man 

im Gespräch mit kult! zwar nicht an Tränen erinnern, erzählt aber, Düsseldorfer Rheinstadion 


dass Clemence durchaus Grund zum Unmut hatte. „Erst war da dieses 

Freistoßtor im Europapokal gegen Liverpool, als sich der Ball kurz vor 

seiner Schulter noch mal wegdrehte", so Bonhof. „Und nur eine Woche 

später habe ich ihm im Länderspiel gegen England einen Freistoß um 

die Mauer gedreht." „Bonhof schießt schneller als Wyatt Earp", jammert 

Clemence hinterher. „Ich glaube, das hat ihm damals wirklich zu schaffen 

gemacht", vermutet Gladbachs Vize, der sich auch heute noch ein 

Schmunzeln nicht verkneifen kann. 

Gut lachen haben Bonhof und die Borussen damals beinahe am laufenden 

Band. Ob nun in der Saison 1969/70, als die Elf um Günter Netzer, 

Herbert Wimmer, Berti Vogts und Wolfgang Kleff ausgerechnet im 70. 

Vereinsjahr den ersten Meistertitel holt (noch ohne Bonhof). Ob ein 

Jahr später, als man als erster 

Bundesligist den Titel verteidi- 

gen kann. Oder ob in der Saison 

1974/75, als 

mit dem

Fotos: © Horstmueller 

(dorthin zieht es die „Fohlen" wegen der 

beschränkten Kapazität des heimischen 

Bökelbergs bei internationalen Spielen) 

nur ein 0:0. Damit steht man vor dem 

Rückspiel gehörig unter Druck. Und spielt 

umso größer auf. 5:1 heißt es nach einer 

Lehrstunde in Sachen Konterfußball für 

die Weisweiler-Elf, für die ihr Goalgetter, 

der spätere Bayern-Trainer und Triple- 

Gewinner Jupp Heynckes, gleich dreimal 

trifft. 

Twente, das war Kontertaktik in Perfektion 

Deutscher Meister 1970: Borussia 

Mönchengladbach beim Autocorso 

und ein Triumph des Offensivfußballs. 

durch die Gladbacher Innenstadt. 

Ausgerechnet das wohl beste Spiel der 

Vereinsgeschichte überhaupt aber gerät schon Jahre zuvor zu einem 

b di W hl f ll 

Drama. Am 20. Oktober 1971 empfängt man im Achtelfinalhinspiel des 

Europapokals der Landesmeister, noch auf dem Bökelberg, mit Inter 

Mailand einen der damaligen Titanen des europäischen 

Fußballs. Borussia spielt sich in einen wahren 

Rausch und deklassiert Inter mit sage und schreibe 

7:1. Als „Mutter aller Borussen-Spiele" ist diese 

Offensivdemonstration in die Fußballgeschichte 

eingegangen. Ein Triumph, aus dem eine leere Cola- 

Dose (die heute in einer Glasvitrine im Borussia Park 

bestaunt werden kann) eine fußballerische Tragödie 

macht. Irgendein Dummkopf hatte die leere Dose 

gen Spielfeld geworfen und damit – vermeintlich 

– Roberto Boninsengna schwer am Kopf getroffen. 

Das zumindest muss der Schiedsrichter annehmen, 

als Inters Stürmerstar wie vom Blitz getroffen 

in eine tiefe 

Ohnmacht zu fallen scheint. 

Die Partie wird annulliert, und 

nach dem 2:4 in Mailand reicht 

das 0:0 im neu angesetzten 

Wiederholungsspiel in Berlin 

nicht fürs Weiterkommen. 

Borussias hellste Stunde ist 

damit gleichzeitig auch die dunkelste. 

Nicht ganz so dramatisch, für 

die Seele der Borussen aber 

kaum weniger schmerzlich, ist 

viereinhalb Jahre später das 

Trainer 

erneute Scheitern im Landesmeister- 

Hennes 

Weisweiler Wettbewerb. Mit der schweren 

Hypothek eines 2:2 aus dem Hinspiel 

reist die Borussia im März 1976 zum Viertelfinalrückspiel nach Madrid. 

1:1 heißt es bei Real nach 90 bitteren Minuten, die nach der bekannten 

Europapokal-Arithmetik um auf dem gegnerischen Platz erzielte Tore 

das Aus bedeuten. Die Art und Weise, wie dieses 1:1 aber zustande 

kommt, ist ein handfester Skandal. Der holländische Unparteiische 

Leonardus van der Kroft wird seiner Berufsbezeichnung in keiner Weise 

gerecht, bevorzugt klar die Heimmannschaft und verweigert den besseren 

Gladbachern die Anerkennung gleich zweier regulär erzielter Treffer! 

Der Autor dieser Zeilen, damals zwölf Jahre alt und glühender Borussen- 

Fan, heult vor Wut, und nicht wenige Borussen hätten es ihm an diesem 

Abend wohl am liebsten gleichgetan. Van der Kroft 

wird zwar nie wieder eine internationale 

Partie pfeifen, was aber selbst in der späten 

Rückschau kein Trost sein kann. 

Aber es gibt in diesen Jahren auch 

Fußballdramen, die ein gutes Ende für 

die Borussia nehmen. Zunächst noch 

sind die „Fohlen" nach den Erfolgen 

der Vorjahre im Juni 1973 zwischenzeitlich 

aber zurück auf dem Boden der 

Tatsachen. Denn in der Liga reicht es 

„nur" zu Platz fünf, und auch der erste 

Einzug in ein Uefa-Cup-Finale endet mit 

einer Enttäuschung. Im Hinspiel schießt 

der FC Liverpool ein 3:0 heraus, das 

den Engländern trotz zweier Heynckes- 

Treffer im Rückspiel reicht. Noch aber 

bleibt der Borussia das DFB-Pokalfinale 

gegen den rheinischen Erzrivalen aus 

Köln. Es soll ein Spiel werden, das bis 

heute untrennbar mit einem Namen 

verbunden ist. Mittelfeldregisseur Günter 

Netzer ist damals mit seiner blonden 

Mähne, den schnellen Autos und seiner 

Discothek Lovers Lane längst der erste 

Popstar des deutschen Fußballs. Nicht 

unbedingt zum Wohlgefallen seines Trainers. Hennes Weisweiler findet, 

dass Netzer im Training durchaus etwas mehr Eifer an den Tag legen 

und so ein paar Pfunde weniger auf den Rippen mit sich herumschleppen 

könnte. Als zehn Tage vor dem Finale auch noch 

bekannt wird, dass der Superstar nach Saisonende 

zu Real Madrid wechselt, ist Weisweiler endgültig 

bedient. Er stellt Netzer fürs Finale einen Bankplatz 

in Aussicht. Der wiederum sieht darin einen Affront 

und kokettiert mit dem Gedanken, sich das Spiel 

Netzer 

wechselt 

sich ein 

Schlussjubel Borussia v.l.: Herbert Wimmer, 

Berti Vogts und Günter Netzer 

lieber gleich von der Tribüne aus anzuschauen. Die 

Teamkollegen können ihm diese Torheit zum Glück 

ausreden, und der „Lange" (wie Weisweiler Netzer 

in wenigen zarten Momenten nennt) nimmt erst 

einmal Platz auf der harten Ersatzbank. 1:1 steht es 

nach 90 Minuten. Verlängerung! Und dann wird es 

dem „Blonden" doch 

zu viel. Kurzerhand 

wechselt sich Netzer 

für Christian Kulik 

selbst ein. Gerade 

einmal drei Minuten 

später ist eine der 

wundersamen 

Geschichten perfekt, 

die nur der Fußball 

schreibt. Einen einzigen 

gelungenen 

Doppelpass mit 

Bonhof braucht 

es, um Netzer in 

der 93. Minute in 

Schussposition zu bringen. Mit seinem legendären linken Fuß jagt er 

das Leder in den Winkel des FC-Tores. Ein unglaublicher Triumph, mit 

dem sich der zuvor Gedemütigte als glänzender Sieger nach Spanien 

verabschiedet. 

Wer denkt, mit der Borussia würde es nun bergab gehen, der sieht sich 

alsbald getäuscht. Drei Meisterschaften (1975, 1976, 1977) und zwei 

Uefa-Cup-Siege (neben dem schon erwähnten von 1975 klappt es 1979 

gegen Roter Stern Belgrad ein zweites Mal) sollen folgen. Lediglich der 

Triumph bei den Landesmeistern bleibt versagt. 1977 scheitert man im 

Finale erneut am Angstgegner aus Liverpool. Erst in den 80er Jahren, als 

der zu kleine Bökelberg die Borussia immer weiter ins finanzielle Abseits 

zwingt, verliert man zusehends den Rhythmus. Zweimal wird man später 

gar den bitteren Weg in die Zweitklassigkeit antreten müssen, bevor der 

heutige Sportdirektor Max Eberl und Trainer Lucien Favre 

in der Saison 2011/12 erstmals wieder ein 

Team aufs Feld schicken können, 

das den Namen „Fohlen- 

Elf" verdient. Oder wie Rainer 

Bonhof es ausdrückt: „Wir 

sind gesund, weil wir seriös 

arbeiten. Wenn ich das und 

unser Leistungszentrum sehe, 

dann kann man sagen, dass 

wir heute ein Vorzeigeverein sind." 

GoodTimes 1/2014 14 ■ Seite 61

Von Kirsten Borchardt 

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Lindenhof, das war eine fremde Welt, in 

der es aber genau um die Dinge ging, mit 

denen man sich als Zehnjährige tagtäglich 

herumschlagen musste: um Cliquenbildung 

in der Schule, Zickenkrieg, Anerkennung, 

Ausgrenzung, und, vor allem, um Freundschaft 

und Zusammenhalt. Aufregend war dabei, dass 

Hanni und Nanni weit weg von zu Hause 

lebten, in einer faszinierenden weiblichen 

Solidargemeinschaft, in der es außer einem sehr 

sporadisch auftretenden Hausmeister und vielleicht 

noch dem einen oder anderen am Rande 

erwähnten Vater oder Bruder keine Männer gab. 

Lindenhof war eine reine Mädchenschule, und 

schon allein das war für mich, wenn ich auf dem 

Schulhof von den blöden Jungs aus meiner eigenen n 

Klasse gerade Juckpulver in den Nacken gesteckt t 

bekommen hatte, eine paradiesische Vorstellung. 

Es unterrichteten dort auch nur Lehrerinnen, und 

die Direktorin, Fräulein Theobald, war unglaublich 

klug und immer gerecht. Sie erkannte stets, 

s, 

was ihren Schülerinnen Kummer bereitete und 

was wirklich in ihnen steckte, und davon hätte 

sich das pädagogische Personal meiner damaligen 

Grundschule gerne eine Scheibe abschneiden können. 

Dass Lindenhof im Vergleich zum deutschen Schulalltag der Mitt- 

70er etwas Exotisches anhaftete, lag daran, dass die Bücher um 

Hanni und Nanni aus der Feder der britischen Kinderbuchautorin Enid 

Blyton stammten und in Großbritannien bereits in den frühen 40ern 

erschienen waren. Dann hatte sie der Franz Schneider Verlag, der 1965 

die deutschen Rechte an der Reihe erwarb, stark überarbeitet, modernisiert 

und auch die Namen weitgehend eingedeutscht. Aus Patricia und 

Isabel O’Sullivan wurden Hanni und Nanni Sullivan, was nicht zu fremd, 

Mit zehn Jahren wollte ich unbedingt 

auf ein Internat. Die Vorstellung, 

die Nächte in einem Schlafsaal mit 

acht anderen Mädchen zu verbringen 

und den ganzen Tag über mit 

Gleichaltrigen zusammen zu sein, 

mitten in der Nacht heimliche Partys 

zu veranstalten und Streiche auszuhecken, 

erschien enorm verlockend, 

auch wenn ich im wahren Leben 

anderen Kindern eher aus dem Weg 

ging. Zu gern wäre ich in Lindenhof 

zur Schule gegangen. Die Lehrerinnen 

waren zwar oft furchtbar streng, und 

man musste dauernd Handball spielen 

– aber ich hätte Freundinnen haben 

können wie Hanni und Nanni. 

Enid Blyton 

aber auch nicht zu normal klang. Und 

Lindenhof war ein aufregendes, beinahe 

märchenhaftes Flair geblieben – zum 

Beispiel hatten die älteren Schülerinnen 

in 

ihren Zimmern Kamine, in denen 

sie Brot rösten konnten. Einmal ganz 

davon abgesehen, dass ich einen Kamin 

viel spannender fand als die klobige 

Rippenheizung unter dem Fenster mei- 

nes 

Jugendzimmers: Es gehörte auf 

Lindenhof zu den Aufgaben der jüngeren 

Mädchen, für die Sechstklässlerinnen die 

Zimmer einzuheizen. Mädchen, die nur 

ein kleines bisschen älter waren als ich, 

durften Feuer machen, während bei uns 

zu 

Hause unweigerlich der alte Spruch 

„Messer, Gabel, Schere, Licht sind für 

kleine Kinder nicht" erschallte, wenn 

ich 

auch nur eine Streichholzschachtel 

in die Hand nahm. 

Das war typisch für das Leben von 

Hanni und Nanni in ihrem Internat: 

Man traute dort den Mädchen allerlei 

zu 

und ließ sie viele Dinge selbstständig 

erledigen. Lindenhof war nicht nur 

eine männerfreie Gesellschaft, sondern 

auch eine weitgehend erwachsenenfreie: 

Konflikte klärten die Schülerinnen selbst, 

sie 

organisierten ihre geheimen Partys 

ebenso allein wie die Sportveranstaltungen 

oder 

bunten Abende an der Schule, sie 

wählten ihre Anführerinnen und halfen 

sich gegenseitig, wenn es Probleme gab. 


Nur im größten Notfall wandten Hanni und Nanni sich an 

die Direktorin. Natürlich spielten die Lehrerinnen eine Rolle, 

wie Fräulein Roberts, die alle Streiche sofort durchschaute, 

die aufbrausende, aber humorvolle Französischlehrerin 

Mamsell, das oberflächliche Fräulein Quentin oder die 

unfähige Geschichtslehrerin Fräulein Kennedy. Sie gaben 

Unterricht, waren manchmal streng, manchmal ungerecht, 

manchmal auch überraschend humorvoll und gütig, aber sie 

mischten sich nicht in die Belange der Mädchen ein, sondern 

erwarteten von ihnen, Probleme allein zu lösen. Dass s 

Hanni und Nanni das konnten, trug ihnen meine aufrichtige 

Bewunderung ein. 

Dabei wussten es die Sullivan-Zwillinge zunächst gar nicht 

zu schätzen, wie gut sie es in Lindenhof hatten. Im ersten 

Band, „Hanni und Nanni sind immer dagegen", sträuben sie 

sich noch mit Händen und Füßen gegen ihre neue Schule, 

weil es dort viel weniger schick zugeht als auf ihrem alten 

Internat. Sie finden zunächst einmal alles blöd, was ihnen bei 

ihren Mitschülerinnen ruckzuck den Spottnamen „die hochnäsigen 

Zwillinge" einträgt. Dazu kommt, dass sie in einigen 

Fächern im Stoff hinterherhinken und nicht mehr wie gewohnt 

zu den Besten in der Klasse gehören. Sie lehnen sich gegen 

die strengen Regeln auf, die in Lindenhof zu befolgen sind, 

drücken sich vor kleinen Arbeiten und verlassen unerlaubt das 

Schulgelände. Doch nach und nach bröckelt ihr Widerstand – 

sie holen einen Sieg für die Handballmannschaft und erweisen 

sich auch sonst als verlässliche, lustige Kameradinnen, die 

schließlich in ihrer Klasse und der ganzen Schule anerkannt 

sind. 

In den späteren Büchern waren es dann andere Mädchen, 

die neu nach Lindenhof kamen und zunächst durch 

ihre Art, ihre Herkunft oder besondere Umstände auffielen: 

Elli, die Cousine von Hanni und Nanni, die sich 

in ihrer Oberflächlichkeit immer wieder an die falschen 

Freundinnen hängt. Margot, die verschlossen und immer 

schlecht gelaunt jeden Kontakt ablehnt, bis ihr die Klasse 

alles Schlechte zutraut, und die ihren Mut beweist, als sie 

bei einem Brand eine andere Schülerin rettet. Carlotta, die 

als Kind in einem Zirkus aufwuchs und als Kunstreiterin 

auftrat. Oder die Italienerin Gina, die überstürzt ins Internat 

kommt, weil ihr Vater in Afrika verunglückt ist, und die 

lange braucht, um aufzutauen. Sie alle können sich dem 

guten Geist, der in Lindenhof herrscht, nicht verschließen und 

fügen 

sich schließlich in die Gemeinschaft ein, finden Freundinnen und erleben 

viele Abenteuer im Internat. 

In Lindenhof geschieht nämlich neben 

den kleinen Streichen mit Stinkbomben 

und zugenähten Pulloverärmeln auch 

allerlei Dramatisches: Sadie, eine reiche 

Amerikanerin, wird von Erpressern entführt 

und von Carlotta und ihren Freunden 

vom 

Zirkus wieder befreit; Mädchen verunglücken 

auf Ausflügen oder stürzen 

von 

Dächern, ängstigen sich um kranke 

Eltern oder werden aus den verschiedensten 

Gründen zu Diebinnen. Immer wieder geraten 

Mitschülerinnen in schwierige Situationen, können 

sich 

aber darauf verlassen, dass Hanni und Nanni zur 

Stelle sind, um ihnen aus der Klemme zu helfen. Im 

aktuellen Band versteckt sogar ein Verbrecher, der mit 

einem der Hausmädchen unter einer Decke steckt, die 

Beute aus einem Raub im Internat. Aber trotzdem haben 

die 

Mädchen auch viel Spaß: Bei geheimen Picknicks 

verzehren sie unglaubliche Sachen wie Sardinen mit 

Dosenmilch, sie kleben den älteren Semestern die 

Wanderschuhe mit Kaugummi auf dem Linoleum fest, 

verschaukeln immer wieder ihre Französischlehrerin 

oder gründen einen Klub. Zugegeben, verglichen 

mit Harry Potter, wo Trolle und Geister in den 

Schultoiletten lauern, geht es in Lindenhof weitaus 

beschaulicher zu. Aber genau wie in Hogwarts lernen 

die Schülerinnen, Verantwortung zu übernehmen, für 

eigene Fehler einzustehen, aufrecht, ehrlich, mutig 

und loyal zu sein. Denn nichts zählt auf Lindenhof 

mehr als die Gemeinschaft. 

Dabei war das Internat bei aller Freundschaft auch 

immer ein Haifischbecken: Wer sich nicht anpassen 

konnte oder wollte, bekam die ganze Palette 

sozialer Ächtung zu spüren und musste am Ende 

vielleicht sogar die Schule verlassen. Wenn auf einer 

Klassenversammlung beschlossen wurde, dass ein 

Mädchen geschnitten werden sollte, dann durfte bis auf 

weiteres eben niemand mit ihr reden – heute nennt 

man das Mobbing. Wenigstens war die körperliche 

Züchtigung mit Haarbürsten, die in Enid Blytons 

älteren „Dolly"-Büchern noch als probates Mittel zur 

Eingliederung renitenter Klassenkameradinnen galt, 

bei 

Hanni und Nanni schon tabu. 

Trotzdem – bis heute erfreut sich die „Hanni und 

Nanni"-Reihe bei Mädchen enormer Beliebtheit, 

und 

es erscheinen bei Schneider Buch, wie der Franz 

Schneider Verlag heute heißt, noch immer neue Bände. 

27 

sind es inzwischen, als Einzelbände erhältlich oder in 

verschiedenen Sammelbänden; seit 1972 erschienen die 

Geschichten auch als Hörspiele bei Europa. Damit ist die 

eigentliche Reihe abgeschlossen, wie Susanne George, 

die 

zuständige Redakteurin bei Schneider Buch erklärt: 

Ab 

jetzt sollen nur noch Sonderbände folgen, die sich 

nicht mehr an der Chronologie der Schullaufbahn orientieren, 

sondern einfach Episoden aus dem Internatsalltag 

erzählen. Die Illustrationen auf dem Einband stammen 

dabei immer noch vom Zeichner Nikolaus Moras, der den 

Zwillingen schon bei ihrem Deutschland-Debüt 1965 ihre 

spitzbübischen Gesichter und lustigen Pferde schwänze 

verpasste; er zeichnete die „Deckelbilder", wie man 

damals noch sagte, für zahlreiche weitere Schneider- 

Bücher und prägte mit seinem Stil das gesamte Erscheinungsbild 

des 

Verlags. Der 

inzwischen 

isch 

77-Jährige 

hat bereits für die 

Zukunft vorgesorgt, 

wie George berichtet: 

„Er hat auf seine eigene 

Anregung hin schon eine 

Reihe Bilder auf Halde 

gemalt, für die Zeit, wenn 

er einmal nicht mehr ist." 

Die Zeichnungen haben 

Kultcharakter: Echte 

Hanni-und-Nanni-Fans, 

sagt George, stricken sich 

sogar die Pullis von den 

Deckelbildern nach. 

© Schne 

chneider 

Buch 


Foto: © 2012 UFA Cinema GmbH 

Die Autorin Enid Blyton starb bereits 1968 und hatte lediglich die 

ersten sechs Bände selbst verfasst, die bei Schneider erschienen: Sie 

erzählten die Abenteuer der Zwillinge in den ersten beiden Klassen und 

berichteten dann noch einmal aus der fünften. Doch in Deutschland 

war die Serie so erfolgreich, dass man sich bei Schneider schon in den 

70er Jahren entschloss, bei heimischen Autorinnen Fortsetzungen in 

Auftrag zu geben, um die Lücke zwischen den Klassen zwei und fünf 

zu füllen. „Man hat sehr lange ein Geheimnis darum gemacht, von wem 

diese Bücher wirklich stammten", räumt George ein; im Impressum 

mogelte man sich damals mit „Deutsche Bearbeitung: Franz Schneider 

Verlag" durch. Das ist heute anders: „Es steht immer noch Enid Blyton 

vorn drauf, das ist wie ein Markenzeichen, aber inzwischen wird im 

Impressum auch die wahre Autorin genannt." 

Hanni & Nanni, Teil 1 

– die Filme 

HANNI UND NANNI 

2010 kamen Hanni und Nanni nach ihrer Karriere in Büchern und auf 

Schallplatten auch auf die große Leinwand. Die Titelrollen übernahmen 

die Zwillingsschwestern Jana und Sophie Münster, unterstützt von 

renommierten deutschen Schauspielern wie Katharina Thalbach, Heino 

Ferch oder Hannelore Elstner. Die Handlung war nun fest in Deutschland 

verortet und gründlich modernisiert, aber die Grundidee blieb erhalten: 

Zwei widerspenstige Mädchen gewöhnen sich langsam am auf einem Internat 

ein, das sie erst ganz schrecklich finden. Nach 

dem großen Erfolg des erstens Teils folgte 2012 

" 

Hanni und Nanni 2", bei dem tatsächlich auch 

ein Junge mitspielte: Der gut aussehende Neffe der 

Französischlehrerin Mademoiselle Bertoux mischt 

das Internat gründlich auf. 

Im dritten Teil geht es noch 

mehr um die Liebe: Als statt 

einer Mädchenklasse englischer 

Austauschschülerinnen 

eine Busladung Jungen eintrifft, 

verlieben sich Hanni 

und Nanni – ausgerechnet in 

Hanni & Nanni Teil 1–3 

denselben Jungen. 

sind auf DVD & Blu-ray 

erhältlich 

Klub" ein Essen für ihre Lehrerinnen rinn 

en veranstalten alte 

n und 

die Italienerin 

Gina etwas ganz Exotisches kocht, das kaum jemand von den Mädchen 

richtig auf die Gabel 

bekommt: Spaghetti 

standen anno 1971, 

als 

die Originalausgabe 

Dadurch wurden die Bücher über die Jahre immer „deut- 

erschien, eben noch 

scher" und moderner: Die Kamine verschwanden, die 

längst nicht so häufig 

Lehrerinnen wurden vom Fräulein zur Frau, und der Alltag 

auf deutschen 

der 70er und 80er Jahre hielt Einzug in Lindenhof, auch 

Speisezetteln 

wie 

wenn es eine Welt ohne Fernsehen und Telefon blieb. Und 

heute. Aber wahrscheinlich 

so genießen Hanni und Nanni auch nach fast 50 Jahren 

wird 

hier zu Lande immer noch ungebrochene Beliebtheit: 

Meine neunjährige Nichte hat sich über die Schulbibliothek 

bereits mit dem Lindenhof-Virus infiziert und freut sich 

auch sie insgeheim 

davon träumen, in 

Lindenhof zur Schule 

darauf, den Stapel 70er-Jahre-Originale vererbt zu bekommen, 

die ich für diesen Artikel vom Dachboden geborgen 

Kamin zu rösten, um 

Hanni & Nanni Teil 3 

zu gehen, Brot am 

habe. Vielleicht wird es ihr ein bisschen komisch vorkommen, men wenn 

die Schülerinnen am Schluss von „Hanni und Nanni gründen einen 

Mitternacht bei Mondschein Sardinen mit Dosenmilch zu essen und vor 

allem: Hanni und Nanni als Freundinnen zu haben. 

DOLLY – Hanni und Nannis große Schwester Mädchenbücher aus Kaisers Zeiten 

Dolly ging schon vor Hanni und Nanni auf ein Internat: auf Burg Hanni und Nanni lösten eine andere Generation von Mädchenbüchern 

Möwenfels, eine Schule direkt am Meer. Die Bände um die jähzornige, aber ab, die in den 70ern immer noch gern von Omas und Opas verschenkt 

großherzige und mutige Dolly schrieb Enid Blyton noch vor der Reihe um und weiterhin gern gelesen wurden: „Nesthäkchen" von Else Ury, 

die Zwillinge. Es gibt viele Parallelen: die Atmosphäre an der Schule, der „Der Trotzkopf" von Emmy von Rhoden 

Zusammenhalt der Mädchen und die Eingliederung von Außenseiterinnen, oder die Reihe um „Pucki" von Magda 

die gütige Direktorin und natürlich die vielen Streiche, die gerade den Trott, die aus der Zeit vor dem Ersten 

Französischlehrerinnen immer wieder gespielt werden. Dolly ist jedoch von Weltkrieg stammten. Sie erzählten über 

Anfang an begeistert von ihrer Schule und lebt sich schnell dort ein: Das verschieden viele Bände alle eine mehr 

störrische Problemkind ist ihre spätere beste Freundin Susanne, die sich oder weniger ähnliche Geschichte von dem 

von den Eltern abgeschoben fühlt, seit ihre kleine Schwester auf der Welt ungebärdigen kleinen Wildfang, der stets zu 

ist. Ähnlich wie bei „Harry Potter" gab es 

Streichen aufgelegt ist, dann aber in einem 

bei Dolly einen Band pro Jahrgangsstufe, bis 

Institut für höhere Töchter zur verantwor- 

Dolly ihren Abschluss macht und Abschied 

tungsvollen jungen Frau geschliffen wird, 

von Möwenfels nehmen muss. Für die deut- 

um schließlich brav zu heiraten, Kinder zu 

schen Leserinnen ließ der Schneider Verlag 

bekommen und liebevoll und ergeben ihren 

sie jedoch zurückkehren: In zwölf weiteren 

Gatten zu umsorgen. Hanni und Nanni, die 

Bänden, die zum großen Teil von Rosemarie 

immerhin auch aus den 40er Jahren stammten, hatte ihre 

Schöpferin 

Eitzert geschrieben wurden (sie verfasste 

vermutlich ein ähnliches Schicksal zugedacht, aber in ihrer ausschließlich 

weiblichen Internatswelt wirkten sie emanzipiert genug, um von 

unter anderem als Tina Caspari auch die 

Reihe „Tina und Tini") wurde Dolly erst 

den Mädchen akzeptiert zu werden, die schon mit Pippi Langstrumpf 

Erzieherin, dann Hausmutter und schließlich 

Direktorin. 

mach' mir die Welt, wie sie mir 

aufgewachsen waren und es mit deren berühmtem Motto hielten: Ich 

gefällt. 

Foto: © 2012 UFA Cinema GmbH 


Asterix und Obelix 

Von Horst Berner 

Neue Mentoren für 

die Gallier 

Asterix-Fans haben sich den 24. Oktober 2013 im 

Kalender rot angekreuzt, denn an diesem Tag bringt 

der Egmont Ehapa Verlag mit Band 35, Asterix 

" 

bei den P ikten", das neue Abenteuer der antiken 

Widerständler aus dem wohlbekannten gallischen 

Dorf in den Buch- und Zeitschriftenhandel. Das 

Besondere daran ist, dass es das erste Album ist, 

das nicht von den bisherigen Asterix-Autoren René 

Goscinny und Albert Uderzo gestal tet wurde. 

Ursprünglich hätte es einen derartigen Asterix- 

Band gar nicht geben sollen. Die Absicht der 

geistigen Väter von Asterix – Texter René 

Goscinny (bereits 1977 verstorben) und Zeichner 

Albert Uderzo (nach Goscinnys Tod auch als Texter 

aktiv, mittlerweile 86 Jahre alt und im Ruhestand) 

– war nämlich, dass es nach ihnen keine neuen n 

Comics mit dem gallischen Helden mehr geben wird. 

Dass es dann doch anders kam, ging einher mit der 

Veräußerung der Asterix-Rechte. Ab 2008 verkauften en 

nach und nach sowohl Albert Uderzo als auch Anne n 

Goscinny (Tochter von René Goscinny) und Sylvie Uderzo 

(Tochter von Albert Uderzo) ihre Anteile am Verlag 

Albert René an den französischen Branchenriesen 

Hachette, dem damit auch die Genehmigung eingeräumt 

wurde, die Bestseller-Reihe fortzuführen. 

Die beiden Neuen, denen man diese Großtat zutrau-ute, 

sind Texter Jean-Yves Ferri und Zeichner Didier 

Conrad, deren Geburt ins gleiche Jahr fällt wie die 

von Asterix: 1959. Diese Tatsache allein ist freilich 

nicht mehr als ein nettes Beiwerk. Die eigentliche 

Empfehlung erwarb sich das Duo durch seine bisherigen 

Leistungen als Urheber von beachtenswerten Comics. In 

Frankreich heimste beispielsweise Ferri für seinen „De Gaulle à 

la plage" viel Anerkennung ein. In diesem Album wirkt er als 

Texter und Zeichner und bietet subtilen Humor, der mitunter 

an den großen Filmkomiker Jacques Tati und eben an René 

Goscinny erinnert. Uderzo, von dem Ergebnis angetan, n, sagte 

dazu schlicht: „Der Junge hat Talent." Publiziert in deutscher 

Sprache gibt es derzeit von Ferri allerdings nur „Le Retour à 

la terre" als „Die Rückkehr aufs Land". Weitaus vertrauter sind 

dem hiesigen Publikum die Serien von Conrad: „Helden 

ohne Skrupel", „Bob Marone", „Donito", „Lucky Kid", 

„Cotton Kid", „Die 

Weiße Tigerin", „RAJ" oder „Marsu Kids". Das 

sind 

mit unverkennbarer 

Linienführung gefertigte Comics vol- 

ler Witz und Elan in 

der Tradition der klassischen franko- 

belgischen Schule. Erste freigegebene Bildbeispiele 

aus „Asterix bei den Pikten" lassen erahnen, dass 

der in Marseille geborene Künstler – seit 1996 

beheimatet 

et in der Nähe von Los Angeles, wohin 

ihn die Arbeit für DreamWorks führte – auch 

in Sachen gallische Spaß-Antike den richtigen 

Pinselstrich getroffen hat und als 

Uderzo-Nachfolger eine ausgezeichnete 

Wahl ist. 

Wenngleich die Geheimniskrämerei um den 

neuen Asterix-Band riesig ist – der Titel 

ist 

seit geraumer Zeit bekannt. Klar ist 

auch, dass der Comic (im französischen n 

Original: „Astérix chez les Pictes") am 

Erscheinungstag in nicht weniger als 23 

Sprachen gleichzeitig in den Verkauf geht. 

Das Abenteuer führt unsere gallischen Freunde 

nach Kaledonien, sprich ins antike Schottland, 

zu einem Volk, das seinen Namen den 

Römern verdankt. „Pikte" steht wörtlich 

für 

„bemalter Mensch". Des Weiteren ließ Ferri 

durchblicken, dass er sich für die von ihm erdachte 

„Art Liebesgeschichte zwischen einem Pikten und 

einem Mädchen, denen Asterix und Obelix zu Hilfe eilen", von der 

Debatte über die schottische Unabhängigkeitsbewegung anregen ließ. 

Dabei würden sie „auf Krieger und alte Clans stoßen, Whiskey entdek- 

ken, Dudelsäcke und das Monster von Loch Ness …" Sechs Monate hat 

Ferri an seinem Drehbuch für „Asterix bei den Pikten" geschuftet, um 

den hohen hen Ansprüchen gerecht zu werden, mit denen man 

sich 

als Nachfolger des genialen René Goscinny konfrontiert 

sieht. Conrad seinerseits hat bei der sich über neun Monate 

hinziehenden komplexen Zeichenarbeit im einmaligen Stil 

von Albert Uderzo nicht weniger als 18 Kilo verloren. Warum 

er diese Tortur auf sich genommen hat, erklärt seine Aussage: 

„Asterix ist ein Mythos. Dass ich Asterix zeichne, ist für 

mich ein 

außergewöhnliches Abenteuer. Damit geht ein 

Kindheitstraum in Erfüllung." 

Das alles klingt recht vielversprechend und nährt die 

Hoffnung, dass der „Pikten"-Band anders als die 

letzten Alben in der Reihe den Lesern wieder ein 

Mehr an Intelligenz und Pfiffigkeit bietet. Gerade 

diese Qualitäten haben Asterix in der Vergangenheit 

charakterisiert und hievten die gallische Saga in den 

Status einer Kultserie. Oder anders ausgedrückt: zum mit 350 Millionen 

Exemplaren – davon allein 130 in den französisch- und 120 in den 

deutschsprachigen Ländern – meistverkauften Comic auf der Welt, der 

in 110 Sprachen und Dialekte übersetzt ist. 

© Egmont Ehapa Verlag / 2013 Les Éditions Albert René 


Spielerisch zu 

technischer Präzision 

Selbst gebastelte Weihnachtsgeschenke eschenke sollen 

besser ankommen als fertig 

gekaufte. Das muss sich 

der Fabrikant Artur Fischer 

(Jahrgang 1919) Mitte der 

60er Jahre gedacht haben, als 

er die üblichen Verdächtigen 

in Sachen Firmenpräsente à 

la Kugelschreiber und Feuerzeuge 

leid war. Dass er dabei 

zunächst konkret an fantasieförderndes 

Spielzeug für 

die Kinder von Mitarbeitern 

und Geschäftsfreunden dachte, 

sagt auch etwas über seine 

Mentalität als Unternehmer aus. 

Begonnen hatte alles nach dem Zweiten Weltkrieg: Nachdem 

Fischer 1949 den Synchronblitz für Fotoapparate erfunden hatte, 

den er Jahrzehnte lang für Agfa produzierte, machte ab 1958 der 

so genannte S-Dübel den endgültigen g n Aufstieg der in Tumlingen im 

Schwarzwald beheimateten 

Fischerwerke zu einem 

Konzern von Weltformat 

mit Millionenumsätzen 

im wahrsten Sinne des 

Wortes fest. Das graue 

Nylonröhrchen wurde so 

erfolgreich, dass es oft einfach 

nur „Fischer-Dübel" 

genannt wird. Und damit 

sind 

an dieser Stelle nur zwei der mehreren tausend 

Patente angesprochen, die Artur Fischer hält. 

Mit der Zahl könnte er Thomas Edison, dem 

wahrscheinlich namhaftesten Erfinder überhaupt 

(unter anderem Glühbirne, Schreibmaschine), 

Konkurrenz machen. 

Der Spreizdübel verschaffte dem Firmenchef „spielerische" 

Freiheit zur Gestaltung seiner Vorstellung eines Baukastens, 

basierend auf dem von Märklin, mit dem er selbst als Kind 

gespielt hatte. Über die Weihnachtsfeiertage 1963 sägte er 

aus Polyamid einen Grundbaustein zurecht, auf den ebenso 

das Prinzip eines Dübels angewendet wurde: Bis heute ist 

der 

charakteristische schwarze Zapfen mit dem – ursprüng- 

lich 

– grauen Baustein durch einen Stahlstift verbunden. Die 

Idee hinter den Grundbauteilen 

lautet, sie ohne Schrauben oder 

Ähnliches ineinanderschieben zu 

können, so dass an all ihren 

sechs Seiten stufenlos angebaut 

werden kann. Auf diese 

Weise erschuf der Fachmann im 

Befestigungsbereich schlechthin 

ein kindgerechtes Abbild von 

seinem Befestigungselement. 

Zu besagtem Baustein gesellten 

sich Räder, Achsen, Naben 

und Zahnräder. Weihnachten 

1965 war der Fischertechnik- 

Konstruktionsbaukasten fertig. 

Die erste Serie wurde der 

Aktion Sorgenkind des Zweiten 

Deutschen Fernsehens zur 

Verfügung 

gestellt. 

Dass Artur Fischer, 

der selbst nie studiert 

hat, mit Hilfe seines 

Kinderspielzeugs eine 

ganze Generation von 

Ingenieuren zu ihrem 

Beruf inspirieren würde, 

ahnte zu dem damaligen 

Zeitpunkt noch 

niemand. Ein rasanter 

Erfolg 

über 

die deutschen Grenzen hinaus zeichnete ih sich allerdings 

schnell ab. 1970 wurde Fischertechnik in Frankreich 

mit dem „Oscar du Jouet" für den wissenschaftlich und 

pädagogisch wertvollsten Konstruktionsbaukasten zeichnet. 

ausge- 

Bereits Ende der 60er Jahre war das Interesse so 

groß, dass neue Bauteile wie Motoren und 

Getriebe sowie statische, elektromechanie 

intesche 

und elektronische Elemente 

griert wurden. 1968 analysierte an 

der Pädagogischen Hochschule 

Heidelberg eine aus Pädagogen 

und Didaktikern zusammengesetzte 

Arbeitsgruppe Technische 

Bildung (ATB Heidelberg) mehrere 

gängige Baukästen. Das Resultat 

ihrer Untersuchungen lautete, dass s durch Fischertechnik 


technisches Denken am stärksten gefördert werde und dass es das dazu 

am besten geeignete Arbeitsmittel sei. Dementsprechend kam eine 

Zusammenarbeit mit den Fischerwerken zustande. u-t 1 bzw. u-t 2 für 

Maschinentechnik (Kran, Seifenkiste, Gabelstapler und anderes) sowie 

u-t 3 bzw. u-t 3/1 entsprechend für Elektromechanik mit Glühlampen, 

Elektromagneten, Steckern usw. stellen nur zwei Beispiele für daraus 

entstandene Lernbaukästen dar. 

Schließlich wurde das Programm von Fischertechnik in Spielprogramm 

für Kinder ab sechs 

Jahre, Schulprogramm 

für alle Schularten 

und Schulstufen sowie 

Hobby-Programm 

für 

Jugendliche 

und Erwachsene 

unterteilt. 

Noch 

heute sind die 

Bauelemente für 

lassen. Obwohl seine Elemente von den Grundbauteilen abweichen, 

können sie problemlos in das „gewöhnliche" Fischer-System integriert 

werden. Anstöße zum Modellbau lieferten seit Ende der 60er 

regelmäßig erscheinende Clubhefte. Insgesamt haben sich in über 40 

Jahren 90 Ausgaben angesammelt. Wer 

diese Fundgrube durchforsten möchte, 

dem hilft das Internet, das für 

Anhänger eines technischen Spielzeugs 

kein Neuland darstellen dürfte. Ein 

Verzeichnis sämtlicher Modelle aus 

den Clubheften vom Flammenwächter 

über Nonsens wie den singenden n 

Hamster bis zum Katapult ist in einer 

Ausgabe von ft:pedia zu finden. Mit 

dieser seit 2011 unentgeltlich erscheinenden 

Quartalszeitschrift haben die 

Herausgeber Dirk Fox und Stefan Falk 

sich es zum Ziel gesetzt, Kinder und 

den gesamten naturwissen- 

schaftlich-technischen Unterricht bis hinauf 

zu den Hochschulen geeignet. Maschinen aus der Großtechnik 

und Funktionsabläufe in komplexen Produktionsanlagen können 

reproduziert werden. Der Sinn des womöglich intelligentesten technischen 

„Spielzeugs" erschöpft sich jedoch nicht im maßstabsgerechten 

Nachbau technischer Geräte zu Demonstrationszwecken. 

Genauso geht es um die Förderung 

der Fantasie und des logischen 

Denkens: Umgekehrt können an 

einem Fischertechnik-Modell künftige 

Arbeitsabläufe geprobt werden, 

so dass auch Firmen die Bausteine 

längst für sich entdeckt haben – und 

das nicht nur zur Erprobung, son- 

dern auch zum Einsatz als Arbeitsgerät. 

Beispielsweise baute bereits zu Beginn der 

70er Jahre eine Arzneimittelfirma ein 

Rührwerk für Blutuntersuchungen 

aus Fischertechnik, weil andere 

Geräte auf dem Markt größer 

und teurer waren. 

Doch 

zurück unter den 

Weihnachtsbaum und von 

dort in die Kinderzimmer, denn dort 

wurde die Basis für einen bis heute 

anhaltenden Erfolg von 

Fischertechnik 

gelegt, der sich unter anderem in einem 

vom Unternehmen selbst unterstütz- 

ten Fanclub mit über 30.000 Mitgliedern 

äußert. Mitte der 70ern kam 

für Kleinkinder 

das „3 bis 6"-System zum Spielen und Lernen 

zu Hause oder im Kindergarten dazu, aus dem sich 

zum Beispiel eine Eisenbahn oder Flugzeuge bauen 

Erwachsene für Technik zu begeistern – auch weil sie sich im Medien- 

Zeitalter in Anbetracht der konkurrierenden Angebote für Kinder wie 

Fernsehen und Computerspielen gewisse Sorgen um die künftige 

Innovationsfähigkeit Deutschlands machen. Auch in ft:pedia geben 

Autoren Anregungen zu Modellen, beispielsweise il i von der Wuppertaler tl 

Schwebebahn oder einem Planetarium. Es gibt vermutlich nichts, was 

sich mit Fischertechnik grundsätzlich nicht nachbauen ließe, sei es ein 

Morseapparat oder ein Blitzlichtgerät in Anlehnung an die Erfindung 

von Artur Fischer, die Fischertechnik wahrscheinlich überhaupt erst 

ermöglichte. Die anscheinend grenzenlosen Variationsmöglichkeiten 

machen mit Sicherheit eine Seite der Faszination aus. Auf 

der anderen Seite sind die Bauelemente unglaublich präzise. 

Angesichts dieser Erfolgsgeschichte erstaunt die 

Information, dass mit Fischertechnik lange Zeit kein Geld 

verdient wurde: Noch zu Beginn des 21. Jahrhunderts 

handelte es sich dabei um ein Zuschussgeschäft, wie 

Fischer in einem Porträt verriet: „Ich habe mir die Freiheit 

genommen, von dem Geld, das ich mit Dübeln verdient 

habe, die Fischertechnik abzuzweigen." Denken Sie ehrfürchtig 

daran, wenn Sie das nächste Mal eine Schraube in 

einen Dübel drehen. 

Thorsten Pöttger 


Made in Switzerland 

Ein Wegweiser zu 

18 Bond-Locations 

in der Schweiz 

Während die Schweiz vom Geheimdienstskandal erschüttert 

wird und Bankdaten von Informanten an fremde Länder verkauft 

werden, ist mitunter die Rede von der " 

James Bond Manier", in 

der Whistleblower geheime Daten übergeben. Kein Wunder: 007 

ist ein halber Schweizer. Seine Mutter war Schweizerin. Und sein 

geistiger Vater, Ian Fleming, hat das Alpenland zum Reich der 

Supergangster erklärt. Eine Spurensuche. 

I 

n „Die Welt ist nicht genug" betritt Bond in Spanien eine 

Bank – eine Schweizer Bank. Bevor das Geschäftliche 

geregelt wird, muss Pierce Brosnan sich filzen lassen. Sein 

Kommentar ist so trocken wie sein Martini: „Was wäre das für eine Welt, 

in der man nicht einmal einem Schweizer Bankier vertrauen kann?" Die 

geschäftliche Angelegenheit endet mit Betrug und Tod. Die Wahrheit 

ist: In James Bonds Welt sind die Schweizer Bankiers die Handlanger 

der Bösewichte. Wenn Bond, nun als Daniel Craig, in „Casino Royale" 

Geschäfte mit der Filiale der (fiktiven) Basler Bank in Venedig macht, 

dann lauern auch hier Betrug und plötzlicher Tod. Das ist das geistige 

Erbe von Ian Fleming. Der ließ sein Alter Ego, den Geheimagenten mit 

der Doppelnull-Nummer, immer wieder in der neutralen Schweiz gegen 

die Mächte des Bösen operieren. Und auch die Filmemacher nutzten 

die alpine Kulisse als Land, in dem nur scheinbar Frieden und Eintracht 

herrschen. Darum finden Fans der populärsten Filmserie aller Zeiten 

noch heute in dieser Drehscheibe Europas die Spuren des Kosmopoliten 

mit der Lizenz zum Töten. 

Goldfinger 

Location 1: Mit „Goldfinger" begann die besondere Liaison der 

Filmemacher mit Helvetien. Der Aston Martin verfolgt die Luxuskarosse 

seines Gegenspielers und taucht zuerst in Genf auf der Rue de Lausanne 

auf (beim Botanischen Garten). 

Location 2: Durch das Wunder des Filmschnitts befindet sich Bond in der 

nächsten Einstellung 

bereits auf dem hochalpinen 

Furkapass. 

Der silbergraue Aston 

Martin, das wohl 

berühmteste Fahrzeug 

der Filmgeschichte, ist 

zu sehen, wie er das 

Dorf Realp im Kanton 

Uri verlässt. 

Location 4: Bond, damals noch 

Sean Connery, stoppt auf dem 

Pass in der Haarnadelkurve bei der 

Kilometermarke 49 und entgeht 

um Haaresbreite dem Schuss aus 

einem Scharfschützengewehr. 

Location 5: 007 bringt das erste 

Gimmick seines Geheimagenten-Vehikels hik zum Einsatz: den legendären 

Pneu-Schredder. Die Einstellung, wie der Aston Martin damit ein Auto 

zum plötzlichen Halt zwingt, wurde auf der Furkastraße zwischen Realp 

und Zumdorf gedreht (auf Höhe des heutigen Campingplatzes). 

Location 6: Bond lässt seine Beifahrerin an der Tankstelle Aurora in 

Andermatt aussteigen. 

Der Betreiber 

der Tankstelle 

kann dem britischen 

Spion für 

den Zwischenstopp 

danken: Noch heute 

halten hier regelmäßig 

Touristen, um 

sich vor dem eher 

unüblichen Fotosujet teiner Benzinzapfsäule fotografieren fi zu lassen, und 

natürlich wird dann auch gleich „aufgetankt". 

Location 3: Goldfingers Weg führt am Rhône-Gletscher und dem 

bekannten Hotel Belvédère vorbei. Erwähnenswert, dass der Gletscher 

zum Zeitpunkt der Aufnahmen 1962, verglichen mit heute, wesentlich 

weiter ins Tal herunterragte. 


Location 7: Bond beobachtet, wie Gert Fröbe in seiner Fabrik ankommt. 

Im Roman lebt Gauner Goldfinger im Waadtländer Städtchen Coppet – wo 

Ian Fleming im Jahr 1931 tatsächlich wohnte. Für sein filmisches Domizil 

wählten die Produzenten die noch heute existenten und im Flugzeugbau 

äußerst aktiven 

Pilatuswerke 

im luzernischen 

Stans aus (Stans 

liegt am Südfuß 

des Bürgenstocks, 

einer 

hochgelegenen 

VIP- 

Siedlung, 

die 

unter 

anderem 

lange die Heimat 

von Mel Ferrer und seiner Frau Audrey Hepburn war). Connery beobachtet 

diese Werkhallen von einem Hügel aus. Der Ausblick ist bis heute 

unverändert. 

Location 8: In Andermatt, wo heute ein Supermillionär ein Alpen-Ressort 

aus dem Boden stampft, logierte damals die Goldfinger-Filmcrew. 

Connery nächtigte 

im Hotel Bergidyll, 

das im heutigen 

Zustand kaum 

als Adresse von 

Superstars in Frage 

käme. In Zimmer 21 

allerdings, so will es 

die lokale Legende, 

soll Connery 

dann in seinen 

Drehpausen mit dem 

Zimmermädchen 

gleich noch 

Überstunden als 

Aufgeräumte Stimmung nach Drehschluss: Heini Holzhauser (rechts), 

seinerzeit Hotelpage im Andermatter Bergidyll, in illustrer Gesellschaft 

mit Bondgirl Tania Mallet (3. von rechts) und 007 himself. 

Verführer gemacht haben. 

Der damalige Hotelpage 

Heini Holzhauser erinnert 

sich mit diebischem 

Vergnügen, wie er dem 

bärenstarken Ringer 

Harold Sakata zeigte (er 

schleudert im Film einen 

tödlichen Zylinder), wo 

der Bartel den Most holt: 

Er schlug Sakata in der 

urchigen Disziplin, ein 

Spiel Jasskarten zu zerreißen. 

Im Geheimdienst Ihrer Majestät 

Location 9: Die Idee zur Alpenfestung eines weiteren größenwahnsinnigen 

Gangsters kam Fleming während seiner Weihnachtsferien 

im Engadin: Im 

Hotel Kronenhof- 

Bellavista erdachte 

er „Im Geheimdienst 

Ihrer Majestät". Sein 

Einfall, den Schurken 

Blofeld auf einer 

Bergspitze logieren 

zu lassen, stellte die 

Filmemacher freilich 

vor ein großes logistisches 

Problem. Es war 

für den Schweizer 

Tourismus und für 

die 007-Macher ein 

wahrer Glücksfall, dass just 1967 ein Bergrestaurant t in den Berner Alpen 

geplant war, auf 

dem fast 3000 

Meter hohen 

Schilthorn – es 

ist der einzige 

bis zum heutigen 

Tag real existierende 

Bond- 

Set (denn was 

am Ende in die 

Luft fliegt, ist 

lediglich li ein täuschend echtes Modell). Die Produzenten finanzierten 

den Bau mit 

und durften 

dadurch 

architektonisch 

eingreifen 

(so 

legten sie 

etwa einen 

Helikopter- 

Landeplatz 

an). Die 

Aargauer 

Firma De Sede lieferte die Möbel fürs Interieur, und Bond-Freunde 

d 

können sich bis heute daran erfreuen, 

Teile des Filmsets in Augenschein 

zu nehmen. So ist die Verkleidung des 

Treppenaufgangs unschwer wiederzuerkennen, 

und an prominenter Stelle hängt 

Blofelds „Familienwappen". Die Schweizer 

waren clever genug, sich das Recht einzuräumen, 

mit dem 007-Logo Werbung zu 

betreiben – einen solchen Deal sind die 

Bond-Produzenten nie mehr eingegangen. 

Location 10: 

Bond, jetzt als 

George Lazenby, 

wird am Bahnhof 

Lauterbrunnen im 

Pferde schlitten 

abgeholt. Bis auf 

einige bauliche 

Veränderungen ist die 

Station so ursprünglich wie damals. 

Location 11: Bond entledigt sich eines Gegners, indem er ihn 

die markante Mürrenflüh-Felsspalte hinabstürzt, heute eine 

gefragte – und gefährliche – Location für Basejumper. 


Location 12: Bonds 

Flucht vom Schilthorn 

führt ihn zu einer 

Schlittschuh-Bahn. 

Der Eiskarneval und 

das Stockcar-Rennen 

wurden im bernischen 

Grindelwald gedreht. 

Location 13: 007 versucht, mit London zu 

telefonieren, wird aber in der Telefonkabine 

beschossen. Der Tatort ist noch heute einfach 

zu finden: gleich beim alten Schulhaus von 

Lauterbrunnen. 

George Lazenby mit 

den Bond-Girls in 

Mürren 1969. 

007-Produzenten ist zurückzuführen, das in Mürren heute noch 

Nachkommen jener lebhaften Drehtage leben: die „Bond-Babys", wie 

sie im Volksmund genannt werden. 

Im Angesicht des Todes 

Location 16: Bond, jetzt sieht 

er schon aus wie Roger Moore, 

entflieht russischen Häschern 

in Sibirien i auf Skiern – tatsächlich ttähli h 

wurde im Engadin gedreht, auf dem 

Morteratsch-Gletscher (der auch 

Drehort des Sean-Connery-Streifens 

„Five Days One Summer" war). 

Goldeneye 

Location 17: 007, nunmehr als Pierce 

Location 14: In einer ruhigen Minute von „Im 

Geheimdienst Ihrer Majestät" steigt George 

Lazenby aus dem Auto seiner Geliebten, um 

in Bern ein Anwaltsbüro aufzusuchen. Die 

Brosnan, riskiert den Bungy-Sprung 

von einer russischen Staumauer. Erneut 

doubelt die Schweiz für Sibirien: 

Am Verzasca-Staudamm im Kanton 

Fahrt führt vorbei an der damals populären 

Touristenattraktion, dem „Bärengraben", und 

endet an der Berner Adresse Bollwerk 15. 

Bond stiehlt geheime Unterlagen und übergibt bt seine Beute auf dem 

Balkon des Hotels Schweizerhof (diese Sequenz fiel in der Kinofassung 

Tessin kann heute, 

wer für einmal den 

der Schere zum Opfer, ist aber in den digitalen Versionen wieder eingefügt 

Adrenalin-Kick des 

worden). 

Super-Agenten spü- 

ren will, den „James- 

Location 15: Die Dreharbeiten 

Bond-Sprung" am 

am Schilthorn 

Gummiseil wagen. 

wurden durch die 

Wetterverhältnisse stark 

Location 18: Auf der 

verzögert. Cast und 

Flucht aus Sibirien 

Crew lebten im nur per 

stürzt 007 auf seinem 

Seilbahn erreichbaren 

Motorrad über 

Kurort Mürren. Lazenby 

eine Klippe, nur um in 

war, seinem Bond- 

ein Flugzeug umzu- 

Status entsprechend, 

im Grand-Hotel Htl 

steigen: Diese spekta- 

kuläre Sequenz wurde 

am Tällistock aufgenommen, wiederum id im Berner Oberland. 

untergebracht 

(das mittlerweile 

schlie- 

ßen 

musste), 

Bösewicht 

Telly 

Savalas 

im Jungfrau, 

während 

Regisseur 

In der letzten Szene von „Skyfall" 

erleuchtet ein Feuer gespenstisch einen en 

Grabstein mit der Inschrift „Monique 

Delacroix": James Bonds Mutter. 

Gestorben ausgerechnet beim Ski- 

Unfall in der Schweiz. Ihr reales Vorbild 

war Monique Panchaud de Bottens. 

Fleming traf sie als junger Diplomat in 

Peter 

Hunt 

Genf – sie blieb die große, aber unerfüllte 

im Chalet Uhu und 

Liebe seines Lebens. Zeit seines 

Bond-Girl Diana 

Lebens kehrte der Schriftsteller immer 

Rigg 

im Chalet 

wieder zurück in die Schweiz, um 

Am 

Rauft wohn- 

ten. 

In der Tächi- 

Bar 

des Eigerweltbekannte 

Zeitgenossen zu treffen, 

dem Alpinsport zu frönen und seiner 

Verflossenen nachzutrauern. In seinen 

Hotels hängt 

Romanen ließ er die Verwalter dubioser 

bis heute ein 

Vermögen auftreten, die Schweiz stell- 

Dankesschreiben 

te er als Paradies für Spione dar. Fleming pflegte wahrlich h ein 

der Bond-Pro du zenten. Auf die Durch mischung 

ambivalentes Verhältnis zu diesem Land. Und Bond, James Bond, hat 

mit der Dorfbevölkerung und vielleicht auch auf dieses Misstrauen von ihm geerbt. 

den 

reichlichen Alkoholausschank auf Kosten der 



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Kugellautsprecher – 

Rundum-Schlag 

Audiorama 7000 

Mit 

den kugeligen 

Audiorama-Laut sprech 

ern gelang Grundig in den 

70ern ein highfideler Coup. 

Die runden Boxen aus Fürth 

sahen cool aus und klangen 

einzigartig. 

Von Lothar Brandt 

Deutschland, Ende der 60er Jahre: So ganz langsam begann sich der 

spießige Mief aus Köpfen, Wohnstuben und Erziehung zu verziehen, 

allmählich wich der braune Untertanengeist in Westdeutschland dem 

Mut, mehr Demokratie zu wagen. In der verklärenden Rück-Sicht scheint 

„68" immer die gesamte Gesellschaft beherrscht zu haben. Pustekuchen. 

Bis ein freieres, aufgeklärteres, lebensfroheres Denken e den Laden ganz 

durchdrungen hatte, sollten allerdings Jahre 

vergehen. 

Nichtsdestotrotz – einige begannen, sich zu trauen. 

Zum Beispiel Lautsprecher in Kugelform zu 

bauen. Das war auch so ein bisschen revolutionär. 

Denn der deutsche Schallwandler hatte viereckig, 

möglichst versteckt hinter Gardinen oder 

Möbeln seine Pflicht zu erfüllen. Nun wagte 

sich ausgerechnet Grundig, jenes erzbundesdeutsche 

Vorzeige-Unternehmen unter Patriarch 

Max Grundig, einen Lautsprecher anzubieten, 

der nicht nur kugelrund war, sondern der auch 

als Blickfang im Zimmer stehen oder gar – auch 

das nahezu umstürzlerisch – hängen durfte. Genauer: sogar sollte. Und 

Grundig war nicht die erste und nicht die einzige Firma; auch JVC aus 

Japan oder Telefunken aus Deutschland zum 

Beispiel gaben den Kunden die Kugel. 

Aber nur Grundig verschaffte seinen 

Lautsprechern den Ruf und kommerziellen 

Erfolg, so dass heute fast nur noch die 

Franken aufgerufen werden, wenn es darum 

geht, wer den Stein ins Rollen brachte. Das 

mag auch an dem griffigen Namen gelegen 

haben: Audiorama. Die lustige Verbindung von 

Audio (lateinisch: ich höre) und Panorama wurde 

zur Marke. Wer Kugellautsprecher sagte, meinte 

Grundig Audiorama. 

Es kursieren unterschiedliche Versionen, wann es mit 

den Audioramas losging. Der oft genannte Ursprung, der 

„Kugelstrahler 700" von 1969, hieß offiziell noch nicht Audiorama, 

strahlte mittlere und hohe Töne aber schon in mehr oder weniger in alle 

Richtungen ab, darf also als veritabler Urahn gelten. So richtig rund lief 

die Sache ab 1970/71. Da kam mit der Audiorama 7000 

die erste und in den Augen vieler Fans einzig wahre 

Kugelbox auf den Markt. Die kostete pro Paar 1600 

Mark, damals ein kleines Vermögen. 

Man darf nicht vergessen: Die frühen 70er waren 

auch hinsichtlich High Fidelity eine andere Zeit. 

Die heute nahezu entsorgte deutsche HiFi-Norm 

DIN 45500 war das Maß der Dinge. Kaum ein 

Verstärker leistete mehr als 100 unverzerrte Watt 

pro Kanal, die meisten Schallplattenspieler frästen 

die Vinylscheiben eher, als dass sie sie abtasteten, kaum 

ein Lautsprecher übertrug tiefste und höchste Frequenzen so 

unverzerrt und kraftvoll, wie man 

das heute schon von kleinen, feinen 

HighEnd-Boxen gewohnt ist. Ein 

Irrtum war damals so präsent wie 

noch oft heute: Die Prospekte versahen 

Lautsprecher mit einer Watt- 

Zahl – und der geneigte Käufer 

schloss darauf auf den maxima- 

len 

Radau, den er damit machen 

konnte. Dabei war es de jure lediglich 

eine Angabe darüber, wie viel 

Leistung man in den Speaker jagen 

konnte, ohne dass er kaputtging. 

Dass schwache, h an der Leistungsgrenze stramm verzerrende 

Transistorverstärker eine Box viel eher zerstören können 

Audiorama 7000 


Audiorama 4000

als kraftvolle, mit Reserven gesegnete Exemplare oder viele Röhren- 

Amps, dass der Wirkungsgrad für die tatsächlich erzielbare Lautstärke um 

Faktoren wichtiger war als die Belastbarkeit, verschwieg man getreulich. 

Also auch Grundig. Die Familie der Audioramas nannte sich nach der DINadäquaten 

Wattzahl plus zwei Nullen hintendran. Die Audiorama 7000 

vertrug also 70 Watt. 

Es ist wundervoll, dazu im zeitgenössischen 

Prospekt heute folgende 

Beschreibung zu lesen: 

„Diese Kugel mit 12 hochwertigen 

Lautsprechern und einem 

supermodernen Styling verspricht 

ein völlig neues Klangerlebnis. 

Naturgetreue Rundumstrahlung 

aller Töne des angegebenen n 

Übertragungsbereiches. Deutliche, 

saubere Höhen, kräftige ausgeglichene 

Mitten und runde, weiche Bässe. Bestmögliche 

Beschallung auch in schwierigen akustischen Fällen. 

Universelle Verwendbarkeit für Disotheken, Hotels, 

Konzerträume und zu Hause. Ein elegantes Fußgestell 

und eine dekorative Kettenaufhängung werden mitgeliefert." 

Na, das ist doch was. Zu lesen im Grundig- 

Prospekt 1970, als der Lautsprecher zwar fertig war, 

aber der Preis noch nicht feststand. 

Für die dann 1971 aufgerufenen 798 D-Mark 

pro Stück Audiorama 7000 gab es ja auch viel: 

Die angelieferte Musikleistung verteilte jeder 

Lautsprecher wirklich auf sage und schreibe 

zwölf Schallwandler intern, schön symmetrisch 

verteilt auf beide Halbkugeln. Vier 

Tieftöner und acht Hochtöner übernahmen 

den angegebenen Übertragungsbereich von 

45 bis 20.000 Hertz, wobei die Hochtöner 

so bei etwa 3500 Hertz übernahmen. Die 

45 Hertz entsprechen etwa der tiefsten Saite 

eines Kontrabasses, die 3500 Hertz liegen weit 

oberhalb des so genannten Grundtonbereichs schon im klangentscheidenden 

Obertonspektrum von Musik, die 20.000 Hertz markieren die 

obere Hörgrenze eines gesunden Kleinkindes. 

Versetzen wir uns noch einmal in die zeitgenössische Hörkultur. 

Den Schall auf mehrere so genannte Wege zu verteilen – eine 

Frequenzweiche splittete das vom Verstärker gelieferte Vollbereichssignal 

–, war schon gang und gäbe. Großflächige Membranen kamen leichter 

mit tiefen Frequenzen zurecht, kleine und leichte besser mit hohen. 

Okay, nichts Neues bei Grundig. Aber seinerzeit wurden fast ausschließlich 

Konusse verwandt, also nach innen gezogene Trichter, auch 

für die Hochtöner. Die hatten aber den unangenehmen Effekt, 

zu höheren Frequenzen immer stärker zu bündeln. Das 

führte eben erstens dazu, den Stereohörer im gefürchteten 

„Stereodreieck" an einen bestimmen Hörplatz zu fesseln, 

sollte der alles mitbekommen. Und zweitens vernahm der 

Lauscher – das menschliche Ohr leistet das Richtungshören 

über die Obertöne – die Musik doch sehr direkt aus den Boxen 

mit sehr strenger Links-Rechts-Trennung, ohne echte Mitte, was nicht 

sehr naturnah ist. Mit den später aufkommenden Kalotten-Hochtönern 

– eine nach außen gewölbte Halbkugel-Membran übernahm da die 

Abstrahlung – wurde das Bündelungsproblem abgemildert, aber die 

hatte Grundig noch nicht zur Verfügung. 

Und so verteilten die Fürther eben rundum. US-Konkurrent Bose hatte 

mit der 901 schon länger einen „Direct Reflecting"-Brüller am Markt, der 

acht Neuntel des Schalles nach hinten/seitwärts abstrahlte und so für 

verblüffend räumliche Klangbilder sorgte, freilich aus einem noch eckigen 

Gehäuse. Doch die Grundig Audioramas machten eine wahrhaft runde 

Sache draus. Der Autor erinnert sich noch gut an jene ersten Erlebnisse im 

Wohnzimmer eines Klassenkameraden, dessen begüterter Papa HiFi- und 

Musikfan war und die Grundig-Kugeln als einer der ersten im Heimatort 

besaß. Wow – das war doch was anderes als aus der Musiktruhe 

bei Vattern, als Jethro Tulls "Locomotive Breath" durchs ganze 

Zimmer fauchte. Und man wusste wirklich nicht genau, woher 


der Wind wehte, der Tull-Schall schien völlig losgelöst von den Boxen. 

Und bei klassischer Musik füllte das Orchester nun wirklich eine imaginäre 

Bühne und einen Saal, statt verdruckst aus zwei Ecken zu plärren. 

Keine Frage, Grundig war ein großer Wurf gelungen. Aber zu einem 

satten Preis, den nur wenige Deutsche damals für Lautsprecher zu zahlen 

bereit waren. Ein VW Käfer 1302 kostete anno 1970 schließlich 5745 

D-Mark, gerade dreieinhalbmal ein Paar Audiorama 7000 – und 

das heilige Blech rangierte deutlich höher in der Wertschätzung als 

Musikwiedergabe. Nochmals: Der Durchbruch auch der musikindustriellen 

Revolution stand in Deutschland ebenso noch bevor wie die 

japanische Invasion mit bezahlbarer Elektronik und der Sprung von 

High Fidelity auf Platz 3 im Schulhofsgesprächsranking unter Jungs 

nach den Dauerbrennern Fußball und Mädels. 

Grundig sah das Problem und ersann Abhilfe mit der Audiorama 

4000, ab 1973 verkauft und nur noch 800 D-Mark pro Paar teuer. 

Sie 

war mit einem Durchmesser von 25 

Zentimetern und damit einem Volumen von 

etwa sieben Litern merklich kleiner als die 

7000 mit 31 Zentimetern Durchmesser. Auch 

leichter (6,8 gegenüber 13,5 Kilogramm), was 

auch daran lag, dass intern pro Stück nur vier 

Chassis werkelten: zwei Tieftöner und zwei 

immerhin schon Kalottenhochtöner. Mit 

angegebenen 40 Watt Belastbarkeit zielte 

sie auf kleinere Verstärker, kleinere Räume 

und kleinere Geldbeutel – was ihr schließlich 

auch den Rang eines Klassikers einbrachte. 

Es kamen noch mehrere weitere Audioramas 

nach ihr, unterschiedlich groß, unterschiedlich gut, 

unterschiedlich teuer und höchst unterschiedlich 

erfolgreich. Doch nur die 7000 und die 4000 gelten 

als 

die „richtigen". Nur sie haben echten Kultstatus. 

Grundig, längst aus Familienbesitz durch viele Hände 

gewandert und inzwischen in türkischem Besitz 

gelandet, versuchte 2009 davon zu profitieren. Mit 

der Audiorama 9000 brachte die Firma ein Remake 

mit zeitgemäßer Technik in freilich nicht mehr kugelrunder, 

sondern leicht ellipsoider Gestalt. Auch wieder in Schwarz oder 

Weiß lieferbar, auch wieder mit Fuß (nur diesmal kein Trompetenfuß 

oder Dreibein, sondern Stab auf Platte) oder mit Deckenhalterung zu 

haben. Um 1200 Euro Paarpreis ohne Fuß, ein Kalottenhochtöner pro 

Box strahlte nach oben auf einen Diffusor-Kegel – Preis und räumliches 

Klangbild stimmten. Die HiFi-Journaille und natürlich die Trendhechler 

stürzten sich auf das Objekt; und zumindest die HiFi-Tester mit dem 

nostalgischen Herz auf dem rechten Fleck bewerteten gnädig. 

Doch viel spannender ist natürlich, eine originale Audiorama heute zu 

hören. Ein Zürcher Freund des Autors ist nicht nur Sprachgenie 

und Weinkenner, sondern auch Vintage-HiFi-Fan. Als solcher 

hat er vor Jahren eine exzellent erhaltene Audiorama 4000 

erworben, die nun in seiner mit 70er-Jahre-Equipment 

prunkenden „Zweit"-Anlage, besser seiner „Gute-Zeit"- 

Anlage läuft. 

Apropos: Wer sich heute eine Audiorama via Ebay oder sonstwie 

gebraucht kauft, sollte auf folgende Schwachstellen achten: originaler 

Fuß ohne (an-)gebrochene Schraube? Anschlusskabel noch original 

oder abgeschnitten? Beulen oder Dellen in den Halbschalen? Ist das 

Grundig-Wappen noch am „Nordpol"? Ist der Alu-Zierring am „Äquator" 

noch intakt, desgleichen die abdichtenden Gummiringe? Irgendwelche 

„Ranks"-Geräusche bei Musik? Wenn alles okay ist, kann man auch 

gerne bis zu 400 Euro für eine 7000 oder 250 Euro für eine Audiorama 

4000 in Topzustand investieren. 

Mit der bevorzugten Musik des angesprochenen Freundes, Reggae aus 

den obskursten karibischen Quellen, hatten wir jedenfalls schon verdammt 

viel Spaß. Ein im strengen Vergleich mit heutigen HighTech-Züchtungen 

etwas magerer, auch unpräziser Bass – na und? Im wiegenden Reggae- 

Rhythmus hebt das eher noch den Coolness-Faktor. Ein wenig schlappe 

Höhen – he, wir sind hier nicht im Präzisionslabor. Aber dieser raumfüllende, 

geradezu spacig-losgelöste Sound, der unaufdringlichsanfte 

Wellengang der Musik: Die Art Rundumschlag lässt man 

sich noch heute gerne gefallen. 

Remake Audiorama 9000

DAS JAHR 1973 

.. 

Kein Ol, 

ein Klo, viel 

Klimbim 

Von Bernd Matheja 

Sportfans darbten: keine Fußball-WM und 

-EM, Olympische Spiele weder im Sommer 

noch Winter. Speziell in der tristeren Jahreszeit 

drohte weitere Abkühlung: Öl wurde radikal verknappt 

und damit brutal teurer. Nur gut, dass es 

da wenigstens für dringende Freiluftgeschäfte e 

neue Rückzugsflächen mit schützendem Dach 

gab. Und für weitere Erwärmung sorgte eine e 

komplett durchgeknallte Fernseh-Familie. 

ZEITGESCHICHTE 

1973 

Am 27.1. schließen Nordvietnam und die USA ein 

Waffenstillstandsabkommen. *** Mit Beginn des Jahres tritt in der 

Bundesrepublik die Verkürzung des Wehrdienstes auf 15 Monate (zuvor 

18) in Kraft. Am 1.7. wird er außerdem 

juristisch dem Zivildienst gleichgestellt. 

*** Amerikanische Indianer 

wehren sich: Am 27.2. besetzen sie 

die Ortschaft Wounded Knee in 

South Dakota. *** Die Mehrheit 

der Nordiren (57%) entscheidet 

sich in einem Referendum am 8.3. 

Wounded Knee 

für die weitere Zugehörigkeit zu 

Großbritannien. i Abgelehnte lh Alternative: Irland. *** Die größte Hubbrücke 

der Welt wird am 21.3. in Hamburg dem Verkehr übergeben ( " 

Kattwyk- 

Brücke"). *** Eröffnung des World Trade Centers in New York am 

4.4.; die beiden über 400 Meter hohen Türme („Twin Towers") sind 

terroristisches Attentatsziel am 

11.9.2001 (mehr als 3000 Tote). 

*** Watergate-Skandal und kein 

Ende: Die Nixon-Handlanger 

Gordon Liddy und James 

McCord gehen wegen Einbruchs 

in den Knast, die Berater John 

Kattwyk-Brücke 

Ehrlichman und Bob Haldeman 

treten zurück, Jurist John Dean wird gefeuert. Der Präsident bleibt 

weiter im Amt. *** Am 8.5. treten Mitglieder der RAF (Rote Armee 

Fraktion) aus Protest gegen die Haftbedingungen in einen unbefristeten 

Hungerstreik. *** Start der Weltraumstation „Skylab" am 

14.5. *** Willy Brandt besucht als erster Bundes kanzler Israel (7.6.). 

Helmut *** Fünf 

Kohl 

T a g e 

später 

w i r d 

Helmut 

Kohl in 

Bonn 

mit 86,6% der Si Stim men zum CDU- 

Vorsitzenden gewählt; er löst Rainer 

Barzel ab und behält das Amt 25 Jahre 

lang. *** Am 1.7. wird in Chile der 

Salvatore Ausnah me ezustand ausgerufen. Das 

Allende Militär unter der Leitung von Augusto 

Pinochet putscht am 11.9., der demokratische 

Regierungschef Salvatore 

Allende nimmt sich während des 

Angriffs auf den Präsidentensitz das 

Leben. *** Milliardärs-Enkel John Paul 

Getty III. wird am 15.7. in Rom entführt. 

Si Sein Großvater verweigert eine Lösegeldzahlung, bis die Täter ihm ein 

Ohr des Opfers schicken. Der alte Herr drückt die geforderte Summe von 

17 auf 3 Millionen Dollar. *** Die X. Weltfestspiele 

der Jugend und Studenten mit Delegierten aus 142 

Nationen finden vom 28.7. bis 5. August in Ost- 

Berlin statt. Besucherzahl: rund acht Millionen. *** 

Heinz Alfred „Henry" Kissinger aus Fürth tritt sein 

Amt als Nachfolger von US-Außenminister William 

Rogers am 22.8. an. *** Die Bundesrepublik 

und die DDR werden als Mitglieder Nr. 133 

und 134 in die Vereinten Nationen aufgenommen 

(18.9.). *** Flächendeckende Einführung der 

John Paul Getty III 


Notrufnummern 110 und 112 in der BRD 

am 20.9. *** Der DDR-Staatsratsvorsitzende 

Walter „Niemand hat die Absicht, eine Mauer zu 

bauen" Ulbricht stirbt am 1.8.; sein Nachfolger 

Willi Stoph nimmt am 3.10. die Amtsgeschäfte auf. 

*** Jom-Kippur-Krieg: Am 6.10. greifen Syrien und 

Ägypten auf den Golanhöhen Israel an. *** Nächster 

Krach im Weißen Haus: Vizepräsident Spiro Agnew 

geht am 10.10. (Vorwürfe: Steuerhinterziehung, 

Bestechung). Ihm folgt Gerald Ford im Amt nach. 

Rufe nach einer Amtsenthebung für Präsident Nixon 

mehren sich. *** Ölkrise nahezu weltweit: Die Opec-Staaten erhöhen 

die Preise um 70 Prozent, senken 

zugleich die Fördermenge um 25 

Prozent, gezielte Lieferboykotte 

– u.a. gegen die USA – folgen. 

Grund für die Maßnahmen: Die 

Israelis sollen arabische Gebiete 

verlassen. Folge der Verknappung 

in der BRD ab 25.11.: vier 

Opec-Konferenz 

Sonntagsfahrverbote werden 

erlassen, um Sprit zu sparen. *** Am 17.11. wird in Athen ein 

Studentenaufstand gegen Giorgios Papadopoulos' Militärregime blutig 

niedergeschlagen. *** 23.11.: Die bundesdeutschen Fluglotsen beenden 

ihren halbjährigen Streik. *** 

1973 

SPORT 

In Kingston auf Jamaika wird George Foreman am 22.1. 

Boxweltmeister im Schwergewicht. Er besiegt mit dem siebten 

Niederschlag in nur zwei Runden Joe Frazier durch technischen 

Knockout. *** Erste Leichtathletik-Weltmeisterin der Geschichte wird 

Paola Cacchi am 17.3. im belgischen Waregem. Sie gewinnt den Crosslauf. 

*** Kaum Neues bei der Eishockey-Weltmeisterschaft in Moskau 

vom 31.3. bis zum 15.4.: Die lokalen Kufenroboter beenden das Turnier 

mit 20:0 Punkten und 100:18 Toren. Platz 6 und damit Absteiger aus 

Gruppe A ist die Bundesrepublik (2:18/19:82). Das B-Turnier gewinnt 

die DDR und steigt auf. *** Bei den beiden Radsport-Großereignissen 

gibt es in diesem Jahr vier verschiedene Teilnehmer aus ebenso vielen 

Nationen auf den Rängen 1 und 2. Beim Giro d'Italia setzt sich am 

9.6. Eddy Merckx (Belgien) gegen 

den Italiener Felice Gimondi durch. Die 

Tour de France beendet am 22.7. der 

Spanier Luis Ocana als Sieger und verweist 

Bernard Thévenet aus Frankreich 

auf Rang 2. Den Titel des Querfeldein- 

Weltmeisters hatte sich bereits am 24.2. 

Billie Klaus-Peter Thaler geholt. Dies gelingt 

Jean 

dem Siegerländer 1976 ein weiteres Mal. 

King 

*** Ebenfalls im Juli werden die All 

England Championships hi im Tennismekka Wimbledon entschieden: 

Der Tschechoslowake Jan Kodes siegt in einem Ostblockfinale bei 

den Herren gegen Alex Metreweli (UdSSR), das US-amerikanische 

Endspiel der Damen entscheidet Billie Jean King ggg 

gegen g Chris Evert 

für sich. *** Am 29.7. verunglückt 

der englische Formel-1-Rennfahrer 

Roger Williamson beim Großen Preis 

der Niederlande in Zandvoort tödlich, 

er verbrennt in seinem Auto. 

Weltmeister wird am 7.10. zum dritten 

und letzten Mal der Schotte 

Jackie Stewart. Auf den Plätzen: 

Jackie Stewart 

Emerson Fittipaldi (Brasilien) und der 

Schwede Ronnie Peterson, der 1978 in Monza sein Leben verliert. *** 

Fußball: BRD-Meister wird Bayern München vor dem 1. FC Köln und 

Fortuna Düsseldorf. Die Bayern stellen mit Gerd Müller den Saison- 

Torschützenkönig (38 Treffer). Die Kölner unterliegen am 23.6. auch 

im denkwürdigen DFB-Pokalfinale im Düsseldorfer Rheinstadion (1:2 

gegen Borussia Mönchengladbach), bei dem sich Günter Netzer 

in der Verlängerung selbst einwechselt und in der 94. Minute das 

Siegtor erzielt. *** DDR-Meister 1972/73 wird 

Dynamo Dresden vor dem FC Carl Zeiss Jena 

und dem 1. FC Magdeburg; den FDGB-Pokal 

holen sich die Magdeburger durch ein 3:2 

gegen Lokomotive Leipzig am 1.5. in Dessau. 

*** Fußballer des Jahres werden Günter 

Netzer (BRD) und der Dresdner Hans-Jürgen 

Kreische (DDR). Auf europäischer Ebene 

erhält Spielmacher Johan Cruyff von Ajax 

Günter Netzer 

Amsterdam die Auszeichnung. *** In den Cup- 

Wettbewerben b siegt bei den Meistern die Cruyff-Truppe am 30.5. in 

Belgrad mit 1:0 gegen Juventus Turin; Pokalsieger wird der AC Mailand 

in Thessaloniki (16.5.) mit 1:0 gegen Leeds United; der Uefa-Cup geht 

nach Hin- und Rückspiel (3:0 und 0:2 gegen Mönchengladbach) am 

23.5. an den FC Liverpool. *** In der Bundesliga setzt die finanziell 

angeschlagene Eintracht aus Braunschweig die Trikotwerbung durch. 

Das „Jägermeister"-Emblem des Fabrikanten und Sponsors Günter 

Mast wird nach anfänglichem Widerstand des DFB als Kompromiss 

ins Vereinswappen integriert. *** Sportler des Jahres: In der BRD 

holen sich Speerwerfer Klaus Wolfermann, Turnerin Uta Schorn und der 

Bahnradvierer die begehrten Titel. Die Schwimmer Roland Matthes und 

Kornelia Ender sowie Dynamo Dresden bei den Mannschaften sind die 

Ausgezeichneten in der DDR. *** Zwei legendäre Leichtathleten sterben: 

die Langstreckenläufer Paavo Nurmi, neunfacher Olympiasieger 

(Finnland; 2.10.), und Abebe Bikila (zweimal Olympia-Gold, Äthiopien; 

25.10.). *** Geburten: Marathon-Star Haile Gebrselassie (18.4.), die 

Tennis-Profis Barbara Rittner (25.4.) und Monica Seles (2.12.), die 

Fußballer Jan Koller (30.3.), Oliver Neuville (1.5.), Frank Rost (30.6.), 

Bernd Schneider (17.11.) sowie Radrennfahrer Jan Ulrich (2.12.). *** 

FUNK & FERNSEHEN 

Nach einem Reformentwurf des 

Lebensmittelrechts (und Selbstbeschränkungsdiskussionen 

der Industrie) 

soll bereits ab 1.1.1973 Tabakwerbung 

in Hörfunk und Fernsehen unterbleiben. 

Es dauert bis zum 18.6.1974, dann 

1973 

wird ein Gesetz daraus. *** Start für die 

Sesamstraße" am 8.1.: Ernie, Bert, 

" Ernie & Bert 

Tiffy, das Krümelmonster & Co. sind 

anfangs nur in überarbeiteten US-Originalfolgen l zu sehen; einmal 

mehr Gift für das Bayerische Fernsehen, das lieber „Das feuerrote 

Spielmobil" zeigt. *** Am 15.1. klinkt sich der Bayerische Rundfunk 

erneut aus, als die ARD den Rosa-von-Praunheim-Film „Nicht 

der Homosexuelle ist pervers, sondern die Situation, in der er lebt" 

ausstrahlt. *** Bahnbrechende Neuerung mit inzwischen extremer 

Nachhaltigkeit auf der Krimi-Schiene im Ersten: Acht einstündige 

Folgen lang ist im deutschen Fernsehen (hier: ARD) erstmals eine 

Ermittlerin auf Ganovenjagd. Katinka Hoffmann spielt ab 4.4. die 

Oberkommissarin Vetter in der Serie 

„Frühbesprechung". *** Preisgekrönter, 

über vier Millionen D-Mark teurer 

Mehrteiler (fünf Folgen) aus der Zeit der 

Weimarer Republik ab 23.4., Bauern, " 

Bonzen, Bomben" nach Hans Fallada 

und mit Ernst Jacobi in der Hauptrolle. 

Der NDR dreht in Neumünster, wo aus 

Gründen der Authentizität massenhaft 

Hans Rosenthal 

Fernsehantennen von den Dächern entfernt 

werden müssen. *** Ein Kult-Ratespiel in spe geht am 13.5. 

im ZDF-Vorabendprogramm auf Sendung. 

153 Mal präsentiert Showmaster Hans 

Rosenthal (1925–1987) bis zum 11.9.1986 

die Original-TV-Version von " 

Dalli Dalli". 

Luftsprünge werden dabei zu seinem 

Markenzeichen. *** Auch im Sport führt 

jetzt eine Frau durch einen Klassiker: 

Ebenfalls für die Mainzer präsentiert 

Carmen Thomas „Das aktuelle Sportstudio". 

Carmen Thomas 


In der Ausgabe vom 21.7. unterläuft ihr ein für Fußballfans vermeintlich 

unentschuldbarer Lapsus, den sie nie mehr los wird, als sie von 

Schalke 05" (statt „04") spricht. Häme ohne Ende ergießt sich, 

" 

schon 1974 zieht sich die Moderatorin aus der Sendung zurück. *** 

Großer Erfolg für eine zumindest im BRD-TV neue Comedy-Form ab 

24.7.: Klimbim" wird zum Knaller, absurd-frivoler Klamauk, u.a. mit 

" 

Ingrid Steeger, Elisabeth Volkmann und Wichart von Roell als durchgeknallte 

Familienmitglieder. In fünf Staffeln werden bis 22.3.1979 insgesamt 

30 Folgen vom WDR produziert. Die Zahl illustrer Gäste reicht 

von Jerry Lewis über Maria Schell und Dieter Hildebrandt bis zu Gilbert 

Becaud und Gustav „Bubi" Scholz. *** Beim ZDF wird der spätere ARD- 

„Tagesthemen"-Star Hanns Joachim 

Friedrichs neuer Sportchef des 

Senders. *** Ausstrahlungsverbot, 

ausgesprochen per letztinstanzlichem 

Urteil vom 5.6. durch das 

Bundesverfassungsgericht: Das auf 

Fakten basierende, bereits 1972 

Otto 

gedrehte Dokumentarspiel Der " Soldatenmord d von Lebach" darf vom ZDF nicht gezeigt werden. 

Grund: Verletzung der Persönlichkeitsrechte der Täter, die vier 

Wachhabende ermordet hatten. Die Sperrung besteht noch heute. *** 

Eine mächtige Komiker-Karriere nimmt ihren Lauf, wird durch sieben 

TV-Specials noch intensiviert: Die erste „Otto-Show" kommt am 27.8. 

ins ARD-Programm. *** Vier Tage später beginnt die „Internationale 

Funkausstellung" in Berlin. 

Fast 603.000 Besucher strömen 

bis zum 9.9. an die 

Stände von 253 Ausstellern 

in 23 Hallen. Premieren: 

VCR-Recorder (Philips), TED- 

Bildplatten (AEG/Teldec), 

Farbfernseh-Portables 

(Grundig), Kunstkopf- 

Prinzessin Anne & Mark Phillips 

Stereofonie, Infrarot-Kopfhörer 

für TV-Geräte. *** Das ZDF startet am 5.10. einen Info-Dauerbrenner: 

Das „auslandsjournal" ist noch heute Bestandteil des Angebots. *** 

Royales zieht das TV-Publikum in seinen Bann: Am 14.11. heiratet 

die britische Prinzessin Anne den Captain Mark Phillips. ARD und 

ZDF übertragen die Zeremonie live. Über Eurovision schauen insgesamt 

rund 300 Millionen Menschen zu. *** Prominenter Gastauftritt 

im Zweiten: In Wim Thoelkes Donnerstags-Familienshow 3 x 9" " 

singt Bundesaußenminister Walter Scheel am 6.12. (per Playback) das 

Volkslied "Hoch auf dem gelben Wagen". Mit der gleichnamigen Single 

erreicht das Kabinettsmitglied 1974 

1973 

Platz 5 der offiziellen deutschen 

Hitparade. *** Bekannte deutsche TV-Gesichter in spe melden sich auf 

dem Planeten an: die Moderatorinnen Tine Wittler (2.4.), Sonya Kraus 

(22.6.) und Nova Meierhenrich (25.12.). *** 


nicht weniger als 15 Uraufführungen in zwölf Monaten. Später 

populär p gewordene Darsteller versuchen noch Jahrzehnte später, 

diese „Jugendsünden" 

aus ihren Arbeits nachweisen 

zu tilgen ...*** International 

starten Filme, die bis heute 

im Gespräch (oder zumindest 

im Gerede) blieben und/ 

oder einen hervorragenden 

Ruf genießen, darunter 

Der Clou" 

" „Papillon" (Steve McQueen, 

Dustin Hoffman), „Wenn die Gondeln dl Trauer tragen" (Julie Christie, 

Donald Sutherland), Der Clou" (Robert Redford, Paul Newman), 

" 

„Paper Moon" (Ryan & Tatum O'Neal), „Das große Fressen" (Michel 

Piccoli, Marcello Mastroianni) und „Der Exorzist" (Linda Blair). 

*** Deutsche Produktionen mit Niveau: Wildwechsel" (nach 

" 

Franz-Xaver Kroetz, mit Eva Mattes), „Der Lord von Barmbeck" 

(Martin Lüttge als historisch authentischer 

Berufsverbrecher), „Die Legende 

von Paul & Paula" (DDR-Produktion; 

Angelica Domröse, Winfried Glatzeder) 

und Roland Klicks Milieu-Thriller 

„Supermarkt" – mit Eva Mattes und 

einem jungen „Marius West" als 

Musikinterpret (Single: "Celebration") 

und außerdem Synchronsprecher des 

Hauptdarstellers. *** Auch die Legenden 

Bob Dylan und Kris Kristofferson sind 

tätig („Pat Garrett jagt Billy The Kid"), 

„Jesus Christ Superstar" (komponiert 

von Andrew Lloyd Webber) feiert Erfolge, Musik ohne Ende prägt 

ferner American Graffiti" mit Richard Dreyfuss und einem 

" 

noch unbekannten Harrison Ford.*** Um Fußball-„Kaiser" Franz 

Beckenbauer geht es in „Libero", gepflegte Unterhaltung bieten 

„Die drei Musketiere" (Oliver Reed, Raquel Welch), die Johannes- 

Mario-Simmel-Verfilmung 

„Alle Menschen werden 

Brüder" (Doris Kunstmann) 

und „Mein Name ist Nobody" 

mit Terence Hill. *** Am 27.3. 

werden im Dorothy Chandler 

Pavillion von Los Angeles 

Lex Barker 

zum 45. Mal die begehrten 

Oscars vergeben. Als 

bester Vorjahresfilm wird „Der Pate" ausgezeichnet, ebenso sein 

männlicher Hauptdarsteller Marlon Brando. Liza Minnelli erhält 

die Trophäe für „Cabaret", und der Ehrenpreis geht an den großen 

Edward G. Robinson. *** Auch bei den bundesdeutschen " 

Bravo"- 

Ottos sind Schauspieler unter den Preisträgern, Roger Moore und 

Uschi Glas. *** Von Bühne und Leinwand verabschieden sich für 

immer u.a. Viktor de Kowa (8.4.), „Old Shatterhand"-Darsteller 

Lex Barker (11.5.), Veronica Lake (7.7.), Robert Ryan (11.7.), Jack 

Hawkins (18.7.), „Kung Fu" Bruce Lee (20.7.), „Miss Marple"-Partner 

1973 

Stringer Davis (29.8.), Anna Magnani (26.9.) und der schwäbische 

FILM 

Auch hier drei neue, noch eher zerknautschte 

Gesichter, die Schauspielerinnen 

Nadeshda Brennicke (geboren am 21.4.), 

Tori Spelling (16.5.) und Anna Thalbach 

Mundartkomiker Willy Reichert (8.12.). *** 

(1.6.) sowie Regisseur Fatih Akin (25.8.). 

*** Auf bundesdeutschen Leinwänden 

beginnt die Hoch-Zeit so genannter 

MUSIK 

Nadeshda Brennicke 

Reports, die alle nur eine Stoßrichtung 

Das Jahr beginnt mit einem Großereignis: 

haben – unterhalb der Gürtellinie: nach den Schulmädchen h (seit 

Aloha From Hawaii". Das Elvis-Presley- 

" 

1970) trifft es jetzt u.a. die Bademeister, Hausfrauen, Frühreifen, Konzert findet am 14.1. im Convention 

Blitzmädchen, 

Frauenärzte, 

Center von Honolulu statt, wird als erster 

Auftritt eines Solisten per Satellit übertragen. 

Studentinnen und 

Geschätzte Zuschauerzahl welt- 

– ausnehmend weit: rund 1,3 Milliarden. Eine Top- 

" Papillon" geschmackvoll – sogar 

Witwen (!): durchweg 

sinnfreier, pseudowissenschaftlicher 

Softsex-Klamauk mit 

Band, angeführt vom Gitarristen James 

Burton, begleitet den Sänger. *** Zu einem 

Mega-Rock-Spektakel avanciert auch der 

Summer Jam At Watkins Glen" am 

" 

28.7. im US-Bundesstaat New York. Vor 

Bruce Springsteen

der (für ein Tagesereignis) gewaltigen Livekulisse von über 650.000 

Fans spielen Grateful Dead (über fünf Stunden am Stück), The Band 

und die Allman Brothers. *** Zu einer wichtigen Clubgründung 

kommt es im Dezember in der Bowery in New York City: das CBGBs 

(Country, Bluegrass, Blues) öffnet die Türen bis ins Jahr 2006. Die 

stilistische Ausrichtung verschiebt sich schnell, neue und unangepasste 

Bands und Solisten wie die Ramones, Patti Smith, Mink DeVille, 

Talking Heads, Modern Lovers, Television, 

Blondie und Johnny Thunders stehen 

für die Wegbereitung des „American 

New Wave"-Sounds. *** Von bald schon 

etablierten Interpreten kommen Debüt- 

LPs auf den Markt, u.a. von Bruce 

Springsteen (GREETINGS FROM 

ASBURY PARK, N.J. und THE WILD, THE 

INNOCENT & THE E STREET SHUFFLE), 

Mike Oldfield (TUBULAR BELLS), Queen 

(QUEEN), Cockney Rebel (THE HUMAN MENAGERIE) und Aerosmith 

(AEROSMITH). *** Viele Karriereschritte weiter sind bereits Pink Floyd 

(DARK SIDE OF THE MOON), Led Zeppelin (HOUSES OF THE HOLY) 

und The Who (QUADROPHENIA). *** Nach ihren vielleicht fünf 

besten Alben beenden die Rolling Stones mit GOAT'S HEAD SOUP 

die seit 1968 bestehende Zusammenarbeit mit dem amerikanischen 

Produzenten Jimmy Miller. *** Um leichtere 

Kost geht es bei der 18. Auflage des 

Grand Prix Eurovision (heute ESC). Am 

7.4. gewinnt in Luxemburg die Französin 

Anne-Marie David (129 Punkte) mit "Tu 

te 

reconnaitras" für das Gastgeberland. 

Platz 2 geht an Mocedades aus Spanien 

("Eres tú"; 125) vor Favorit Cliff Richard, 

dessen "Power To All Our Friends" (123) 

ein internationaler Riesenhit wird. Für die BRD landet die Dänin Gitte 

(Haenning) mit "Junger Tag" und 85 Zählern auf Rang 8. Sie hatte 

sich im nationalen Vorentscheid mit lediglich einem Punkt Vorsprung 

gegen Tonia ("Sebastian") durchgesetzt. *** Euro-Pop, Kopplungen 

und ein Hund – Überschrift für die besten 

Notierungen in den BRD-Charts des 

Jahres. Die Erfolgssingles 1973 sind "Get 

Down" (Gilbert O'Sullivan), "Ich wünsch 

mir eine kleine Miezekatze" (Wums 

Gesang) und Suzi Quatros "Can The Can". 

20 POWER HITS, STARS UND HITS FÜR 

DAS ROTE KREUZ sowie zweimal James 

Last (NON STOP DANCING 73/2 und SING 

MIT) sind die Kauffavoriten bei den LPs. 

*** Im UK dominieren Sweet ("Blockbuster") und Slade ("Merry Xmas 

Everybody") mit 45ern, Dauerbrenner bei den Alben sind Elton John 

(DON'T SHOOT ME, I'M ONLY THE PIANO PLAYER), David Bowie 

(ALADDIN SANE und PIN UPS) und der Soundtrack THAT'LL BE THE 

DAY. *** Die Amerikaner favorisieren "Killing Me Softly With His Song" 

(Roberta Flack), Dawns "Tie A Yellow 

Ribbon Round The Ole Oak Tree" und 

"My Love" von Paul McCartney & Wings 

bei den Singles. LP-Kaufknüller sind 

GOODBYE YELLOW BRICK ROAD (Elton 

John), BROTHERS AND SISTERS (Allman 

Brothers), George Harrisons LIVING IN 

THE MATERIAL WORLD und NO SECRETS 

von Carly Simon. *** Die Musik-Grammys 

in den USA gehen an Roberta Flack ("The 

First Time Ever I Saw Your Face") und ans CONCERT FOR BANGLA 

DESH. Sänger: Helen Reddy und Harry Nilsson, neuer Künstler: das 

Trio America. *** In der BRD werden in diesem Jahr rund 37 Mio. 

Singles, 60 Mio. LPs und 5 Mio. MusiCassetten verkauft. *** Geburten: 

die Sänger Peter André (England; 27.2.), Rea Garvey (Irland; 3.5.) 

und Rufus Wainwright (USA; 22.7.). *** Abschied: Country-Größe 

Tex Ritter (2.1.), Grateful-Dead-Keyboarder Ron McKernan (8.3.), die 

Byrds-Mitglieder Clarence White (14.6.) und Gram Parsons (19.9.), 

Orgelerfinder Laurens Hammond (3.7.), Blues-Lady Lizzy Douglas 

1973 

alias Memphis Minnie (6.8.), Singer/Songwriter Jim Croce (20.9., 

Flugzeugabsturz), Jazzdrummer Gene Krupa (16.10.), Shadows- 

Gitarrist John Rostill (26.11.) und Sänger Bobby Darin (20.12.). *** 

VERMISCHTES AUS ALLER WELT 

Der in Deutschland ansässige Amerikaner Fred Edwards gründet in Velbert 

die Firma Port San Ser. Er führt damit in Europa das aus den USA bekannte 

System der vermietbaren Mobil-Klos ein. Markenname: Dixi. *** Auch 

mobil, aber für höhergelegene Körperregionen: Mitnahme-Telefone, 

in Deutschland schon bald mit der international völlig unbekannten 

Bezeichnung Handy" bedacht, schleichen sich an: Der Elektro-Ingenieur 

" Martin Cooper (*1928) aus Chicago reicht seine Erfindung am 17.10. zum 

Patent ein, das 1975 erteilt wird. Gewicht der ersten Geräte: rund 1,6 

Kilogramm. *** Der Eisvogel erhält den Titel „Vogel des Jahres" (Wiederwahl 

2009). *** Am 9.2. stirbt der US-Farmer Max B. Yasgur, der 1969 sein 

Gelände für das Woodstock- 

Musikfestival vermietet hatte. 

Namentlich verewigt ist er in den 

Songs "Woodstock" (Joni Mitchell) 

und "For Yasgur's Farm" von 

Mountain. *** Mit Wirkung vom 

1.5. nimmt in Dortmund die ZVS 

ihre Arbeit auf, die bundesweite Zentralstelle ll für die Vergabe von 

Studienplätzen. *** Alk am Steuer: Am 26.7. wird die Promillegrenze 

von 1,3 auf 0,8 (als Ordnungswidrigkeit) gesenkt. *** Die Franzosen Marcel 

Bich (1914–1994) und Edouard Buffard (1908–1996) gründen in Clichy die 

Firma BIC – der weltweite Siegeszug der Einwegfeuerzeuge beginnt. 

Beide Industrielle hatten sich ab 1945 bereits um die Weiterentwicklung 

erster Kugelschreibermodelle verdient gemacht. *** Zum „Auto des Jahres" 

wird der Audi 80 B1 gewählt. *** In Schweden stirbt König Gustav VI. Adolf. 

Nachfolger wird am 15.9. Carl XVI. Gustaf, der am 19.6.1976 die deutsche 

Olympia-Hostess Silvia Sommerlath heiratet. *** In Istanbul weiht der türkische 

Staatspräsident Fahri Korutürk am 30.10. die Bosporus-Brücke ein, 

die Asien und Europa verbindet. 

*** In Japan werden 

erste Flüssigkristall- 

Displays entwickelt und 

der Öffentlichkeit vorgestellt. 

*** Der amerikanische 

Ingenieur Henry 

Flugauto 

Smolinski baut aus einem umgearbeiteten bi Ford Pinto sowie Flügel- und 

Propellerteilen einer Cessna Skymaster ein Flugauto („AVE Mizar"). Sein 

Testflug am 11.9. endet im Desaster: Absturz, Erfinder tot. Die Kreation 

wurde 1974 zum (animierten) Vorbild für das Fahrzeug im James-Bond- 

Film „Der Mann mit dem goldenen Colt". *** Neue, technisch deutlich verbesserte 

Geldautomatenmodelle werden am 4.6. patentiert. *** Entführung 

in München am 13.11.: Opfer ist Evelyn Jahn, Tochter des „Wienerwald"- 

Gründers Friedrich Jahn. Er zahlt drei Millionen D-Mark Lösegeld, die 

Tochter kommt frei, die Täter werden gefasst und verurteilt. *** Feuer 

an Bord: dramatische Bruchlandung einer Boeing 707-320C der brasilianischen 

Luftfahrtgesellschaft Varig am 11.7. unmittelbar vor Erreichen 

des Pariser Flughafens Orly. 122 Tote, zehn Besatzungsmitglieder und ein 

Passagier überleben die Rauchhölle. *** Den Friedensnobelpreis erhalten 

am 10.12. in Oslo zu gleichen Teilen 

der US-Sonderbotschafter (und inzwischen 

amtierende Außenminister) Henry Kissinger 

und der nordvietnamesische Politiker Le 

Duc Tho. Der Asiate lehnt die Auszeichnung 

ab. *** Trauer um: Ex-US-Präsident Lyndon 

B. Johnson (22.1.) und den ersten israelischen 

Premierminister David Ben Gurion 

Pablo Picasso 

(1.12.); die Schriftsteller(innen) Pearl S. 

Buck (6.3.), Noel Coward (26.3.), J.R.R. Tolkien (2.9.), Pablo Neruda 

(23.9.), Ingeborg Bachmann (17.10.) und Ezra Pound (1.11.); die renommierten 

Filmregisseure Robert Siodmak (10.3.), Jean-Pierre Melville 

(2.8.) und John Ford (31.8.); ferner sterben der spanische Maler Pablo 

Picasso (8.4.), der südafrikanische Tänzer John Cranko (26.6.), der chilenische 

Sänger Victor Jara (11.9.; vom Militär ermordet) und der spanische 

Cellist Pablo Casals (22.10.). *** 


Catherine 

Deneuve 

zum 70. 

Von Claudia Tupeit 

SEX- 

Catherine Deneuve in " 

Ekel" 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber 

SYMBOL 

mit Understatement 

Sie gilt als kühl und unnahbar. Sie ist so schön, dass ein Film 

mit ihr ohne Geschichte auskommen würde, wie Regisseur 

François Truffaut einst befand. Sie ist die wohl berühmteste 

französische Schauspielerin über die Heimatgrenze hinaus. Die 

Kettenraucherin, die Designer-Muse, das Chanel-Gesicht, die 

Hollywood-Verweigerin und Hitchcock-Verpasserin, die " 

Belle 

de Jour" – die 70-Jährige. Sie ist Stil-Ikone, Film-Ikone, überhaupt 

eine der größten Ikonen des Diesseits. Sie hat David 

Bowie und Susan Sarandon den Kopf verdreht – in einem 

der besten Vampirfilme aller Zeiten. Sie war die entfl ohene 

Braut, Theaterbesitzerin zur Besatzungszeit, alkoholkranke 

Diamantenhändlerin, Lesbe, Plantagenbesitzerin in Indochina, 

Tristana, das Schmuckstück, die affektierte Gaby unter acht 

Frauen. Im realen Leben hatte sie prominente Liebhaber, war 

Ehefrau, ist zweifache Mutter und fünffache Oma. Und Catherine 

Deneuve ist vor allem eins: herrlich unaufgeregt, was die eigene 

Person angeht. kult! nähert sich dem Phänomen Catherine 

Deneuve an. 

Es ist der Blick! Eindeutig. Ein Hauch Erotik, eine 

Prise Zurückhaltung, überhaupt nicht fordernd. 

Die braunen Augen blicken wach, aber doch 

geheimnisvoll, gar verträumt. Wie die junge 

Schauspielerin Catherine Deneuve (geboren wurde 

sie am 22. Oktober 1943) am Anfang ihrer Karriere vor fünf Dekaden: 

schüchtern und verführerisch zugleich. Blick und Augen von Madame 

Deneuve werden nicht 70. Letzteres biologisch vielleicht. Aber ansonsten 

ist beides irgendwann zwischen „Die Regenschirme von Cherbourg" 

(„Les parapluies de Cherbourg", 1964) – ihr filmischer Durchbruch – 

und „Das Geheimnis der falschen Braut" („La Sirène du Mississippi", 

" 

Das Geheimnis 

der falschen Braut" 



" 

Das Geheimnis der falschen Braut" 

1969) stehengeblieben. Nach ihrer Leistung in dem Musicaldrama 

von Jacques Demy – als sanfte, engelsgleiche g Regenschirmverkäuferin 

Geneviève, die durch 

" 

Bettszenen" mit Catherine Deneuve 

Intrigen ihrer Mutter die gibt es häufig. 

große Liebe gegen einen 

reichen Ehemann eintauscht 

und am Ende des 

Films mit ihrem einst so 

geliebten Guy für eine der 

rührendsten Finalszenen 

sorgt – brilliert sie knapp 

zwei Jahre später unter 

Roman Polanski in „Ekel" 

(„Repulsion", 1965). Es ist 

die erste englischsprachige 

Produktion für die junge 

Deneuve, die damit auch 

in den USA und England 

bekannt wird. In dem 

Schwarzweiß-Streifen ist 

sie die Belgierin Carole 

Ledoux, die mit ihrer 

" 

Belle de Jour" 

Schwester Sh in einem Apartment t wohnt ht und nur Hass und Ekel 

Männern gegenüber empfindet. Der Film beginnt und endet mit 

einer Nahaufnahme ihrer Augen. Die schauen schüchtern und doch 

verstört. Ein Blick, der unter die Haut geht, der auf be drückende 

Weise fasziniert. Weil sie in ihren Halluzinationen gefangen den 

besorgten und in sie verliebten Colin erschlägt und starr vor 

Abschaum den nach ihr lechzenden Hausverwalter tötet. Weil sie wirr 

und völlig verängstigt auf dem Bett liegt. Ein beklemmender Film, 

der in Deutschland bis vor Kurzem keine Jugendfreigabe hatte. 

Mitte der 60er ist sie Sexsymbol mit Understatement. Ganz anders 

als ähnlich erfolgreiche Kolleginnen wie Sophia Loren, Gina 

Lollobrigida oder Brigitte Bardot, mit der sie indirekt mehr verbindet 

als nur das gleiche Business. Denn Bardot war die erste Ehefrau von 

Roger Vadim, dem ukrainischen Regisseur und Frauenheld. 1961 – 


mit 17 Jahren – lernt Catherine den damals 33-Jährigen kennen 

und lieben. Sie zieht zu ihm, wird schwanger. Ein Wunschkind, 

wie sie später sagt. Mit erst 19 Mutter zu werden, sei allerdings 

schwer gewesen. Zumal Vadim nur einen Monat nach der Geburt 

von Christian (heute erfolgreicher Komiker) im Juli 1963 wieder aus 

Catherines Leben verschwindet und sich Jane Fonda zuwendet. 

In " 

Straßen der Nacht" spielt sie an der Seite 

von Burt Reynolds eine Prostituierte. 

Die Rolle einer jungen, treusorgenden Mutter wie im wahren 

Leben bekommt Catherine nicht. Noch nicht. Stattdessen spielt 

sie in „Belle de Jour" – der Film, der fast überall als Erstes mit ihr 

in Verbindung gebracht wird. 1967 ist das. Luis Buñuel lässt sie aus 

ihrem Trott der gelangweilten Hausfrau ausbrechen. Ihre Fantasien 

von Lust, Obsession und dem speziellen Kick lebt sie nach einer 

Anregung durch einen Mann im Bordell bei Madame Anaïs aus, die 

ihr den Namen „Belle de Jour" verleiht. Wegen ihrer Schönheit und 

weil sie jeden Tag kommt. Zum Nachmittagsvertreib. 

Wenig mütterlich auch ihre darauffolgenden Rollen: eine unglückliche 

Affäre in „La Chamade" („Herzklopfen", 1968), Sex-lastig 

geht es weiter bei „Manon 70" (1968) und als das blonde Gift, eine 

dreiste, undurchschaubare Verführerin und Betrügerin an der Seite 

von Jean-Paul Belmondo in „Das Geheimnis der falschen Braut". 

Als Mutter tritt sie 1971 in Er schei nung. Depressiv und völlig verzweifelt 

nach dem Tod des Babys ist ihre Rolle in „Das passiert immer 

nur den anderen" („Ça n’arrive qu’aux autres") an der Seite von Marcello 

Mastroianni. Auch privat ist sie mit dem italienischen Schauspieler 

liiert. Ihre 1965 geschlossene Ehe mit dem britischen Modefotografen 

David Bailey (Trauzeuge 

" 

Die letzte Métro" 

war Mick Jagger) ist 

gescheitert, ebenso die 

kurze Affäre mit Clint 

Eastwood. In den Armen 

von Mastroianni findet 

sie Halt, Romantik, 

Liebe. Mit ihm bekommt 

sie ihr zweites Kind, eine 

Tochter, Chiara, im Mai 

1972 geboren, heute 

selbst Schauspielerin. 

Sie drehen weitere drei 

Filme zusammen. Er sei 

großzügig gewesen, voller 

Humor, er habe sie 

sehr gut behandelt, aber 

ein so ausschweifendes Leben geführt, sagt sie. Trennung 1975. Doch 

ihre Zuneigung zueinander reicht bis zu Mastroiannis Tod 1996, den 

Catherine an seinem Bett in Paris erlebt. 

Nach der seichten Komödie mit Jack Lemmon, „Ein Frosch in 

Manhattan" bzw. auch als „Darling, lass dich scheiden" bekannt 

(„April Fools", 1969), spielt Catherine einmal mehr in Hollywood. 

In „Straßen der Nacht" („Hustle", 1975) mit Burt Reynolds ist sie 

die Prostituierte Nicole Britton, deren Kunde ausgerechnet ein 

Tatverdächtiger in einem mysteriösen Todesfall ist. Erschwerend 




Catherine Deneuve 1983 

in " 

Begierde", einem der besten 

Vampirfilme aller Zeiten. 

kommt hinzu, dass der Polizeiermittler i ittl ihr Lebenspartner Lb ist. it Der 

Film spielte über zehn Millionen Dollar ein, mehr als das Dreifache 

seines Budgets. Dennoch fasst Catherine Deneuve auch nach diesem 

Streifen nicht Fuß in der Traumfabrik. „Zu wenig interessante Rollen." 

Dafür würde sie sich liebend gern in den Kreis der Blondinen einreihen, 

mit denen der legendäre Alfred Hitchcock so 

gern arbeitet. Das Drehbuch habe sie bereits gehabt, 

aber bevor das Ganze ins Rollen kommen konnte, 

ist „Hitch" gestorben. Statt im Horrorfilm des Briten 

glänzt sie 1980 im Drama eines Franzosen. „Die 

letzte Métro" („Le dernier métro") nennt François 

Truffaut eines seiner letzten Meisterwerke (er starb 

1984). Als Marion Steiner versucht sie im besetzten 

Frankreich in den 40er Jahren das Theater zu retten, 

in dem das ganze Herzblut ihres Mannes steckt, des 

Juden Lucas (exzellent gespielt von Heinz Bennent). 

Er hält sich im Keller versteckt und entwirft von 

dort aus die Stücke für das Ensemble, zu dem seine 

Frau gehört – und der aufstrebende, wilde Bernard 

Granger (herrlich: Gérard Depardieu). Einer von 

unzähligen Filmen, in denen Catherine Deneuve 

neben Depardieu spielt. Oft sind es Geschichten über eine gemeinsame 

Liebe. Besonders rührend interpretiert in „Changing Times" („Les 

temps qui changent", 2004), besonders augenzwinkernd in „Das 

Schmuckstück" („Potiche", 2010). 

Ihre erste und bisher einzige Nominierung als beste Schauspielerin 

bei den Oscars erhält sie allerdings für eine ganz andere Rolle. In 

„Indochina" („Indochine", 1992) ist sie die reiche Plantagenbesitzerin 

Éliane, die ein vietnamesisches Mädchen, Camille, adopiert hat und 

es vor einem ihr angehängten Mord beschützen will. Später zieht 

sie mit dem Kind ihrer Adoptivtochter nach Frankreich, da Camille 

zeitweilig im Gefängnis sitzt. 

Die Art, ihre Gefühle in dem Epos auszudrücken, mit Blicken, mit 

flammenden Reden, mit ihrer bloßen Präsenz, hat die Oscar-Jury 

beeindruckt. Ihre Gefühlsregungen zeigt Deneuve zurückhaltend, 

nicht dauerschreiend, nicht dauerheulend. Vielleicht wird sie heute 

scheinbar stärker denn je als die Unnahbare empfunden, weil in einer 

Gesellschaft – in der manch' Reality-TV-Show à la „The Kardashians" 

oder „Die Geissens" höhere Einschaltquoten einfahren als wundervolle 

Filme – die völlige Offenbarung der Persönlichkeit erwartet 

wird, um nicht als abgehoben wahrgenommen zu werden. Zwei 

Monate ohne Klatsch? Für viele Stars und Sternchen unvorstellbar, 

für Catherine Deneuve aber Alltag. Interviews? Ja, gern, aber über 

den aktuellen Film, nicht den aktuellen Liebhaber. Homestories? Sie 

ist leidenschaftliche Gärtnerin, läuft zu Hause unglamourös in Shirt 

und Jeans oder in langem Blumenkleid herum. Sie geht gern ins Kino, 

besucht Ausstellungen und würde gern öfter Zeit haben, ihre Enkel 

zur Schule zu bringen. Das war's. Keine Exzesse, keine unvorteilhaften 

Paparazzi-Bilder. Höchstens beim Anstecken einer Fluppe. Und 

da die seit Jahrzehnten überall kettenrauchende Catherine Deneuve 

solche Aufnahmen wenig charmant findet, raucht sie ab sofort auf 

Pressekonferenzen nicht mehr. Ihren Blick einfangen zu können ohne 

die slim cigarettes ist ja auch viel schöner. 

Und an diesem Blick schraubt sie sehr gern. Als grandiose 

Schauspielerin beherrscht sie das aus dem Effeff. 

Herausfordernd und giftig guckt sie zum Beispiel in „8 

Frauen" („8 femmes", 2002). In flaschengrünem Kleid, 

Leopardenmantel und mit fast schon gelb gefärbtem Haar 

spielt sie Gaby: Ehefrau, Luxusweib, natürlich mit vielen 

Geheimnissen. In dem Musicalfilm von François Ozon, der in 

den 50ern spielt, treffen acht Frauen in einem eingeschneiten 

Haus aufeinander. Sie alle verbindet etwas mit dem 

Hausherren Marcel, Gabys Ehemann. Als er leblos in seinem 

Bett gefunden wird, entbrennt ein Streit um Gunst und 

Erbe. Es geht um Verflechtungen unter den acht Frauen, 

die sich im Laufe des Films auflösen und die tatsächliche 

Todesursache des einzigen 

Manns im Hause hervorbringen. 

Catherine Ct Deneuve spielt darin 

auf eine wunderbar amüsante Weise 

eine herzlose Sprücheklopferin, die es 

zu genießen scheint, ihre Schwester 

Augustine (brillant gespielt von Isabelle 

Huppert) zu demütigen 

und sowohl 

ihre 

Haushälterin 

(Emmanuelle 

Béart) 

als auch die ältere 

Tochter (Virginie 

Ledoyen) zu bevormunden. Was aber für die größte 

Aufmerksamkeit sorgt, ist eine Szene mit Fanny 

Ardant, die die Schwägerin von Gaby mimt. Nach 

einer Kappelei rollen sich die Grazien auf dem Boden 

– und küssen sich. 

Nicht die erste Szene, in der Deneuve sich – wenn 

auch kurz – zu einer Frau hingezogen fühlt. Im 

großartigen Vampirfilm „Begierde" („The Hunger", 

1983) hat sie eine Beziehung mit Susan Sarandon, 

was wiederum id David Bowie ganz verrückt macht. In „Diebe der 

Nacht" („Les Voleurs", 1997) spielt sie eine Professorin, die eine 

Liaison mit einer Studentin eingeht. Schon häufig wurde sie deshalb 

gefragt, ob sie auch privat eine lesbische Neigung habe, was sie stets 

verneint, da es alles Rollen seien und nichts mit ihr persönlich zu 

tun hätten. 

Ebenso gern wird bei Interviews und Pressekonferenzen danach 

gefragt, ob sie eine Diva sei. Und es gibt Journalisten, die diesen 

Status an ihrem Auftreten in der Öffentlichkeit festmachen. Tatort 

Berlinale 2002. Zur Pressekonferenz für „8 Frauen" erscheint sie 

eine halbe Stunde zu spät und bringt die wartenden Reporter in 

Rage. Diva-Verhalten, unken alle. 

Und außerdem habe ihre Kleiderwahl 

gezeigt, wie viel Diva in la Deneuve 

stecke: Schließlich habe sie zu einem 

orangeroten Blazer eine royalblaue 

Satinbluse kombiniert und smaragdgrüne 

Ohrringe. Heute nennt die 

Fashionwelt diesen Style „colourblocking" 

und kann gar nicht genug 

vom Trend bekommen. Die Deneuve 

– eine Vorreiterin. Sicher eigenwillig. 

Aber wen wundert's: Über 

Jahrzehnte die immer gleichen 

Fragen beantworten zu müssen, die 

teils ohne jegliche Vorrecherche h hervorgebracht werden. So wollte 

eine Journalistin bei der Präsentation ihres aktuellen Films „Elle s'en 

va" (es soll der 115. in ihrer Karriere sein) während der Berlinale 2013 

wissen, ob Madame Deneuve denn rauche. Eine wirkliche Diva hätte 

diese Journalistin angeschrien, mit Vorwürfen der Unkenntnis bombardiert, 

ignoriert, des Saales verwiesen oder gleich alles zusammen. 

Die Deneuve guckt einfach verdutzt und antwortet völlig selbstverständlich: 

„Ja, natürlich, jede Menge." 

Foto: © Georges Biard, 2011 

Foto: © Georges Biard, 1995 


MODE-SERIE 

D I E 

instyles 


ZWEITER TEIL 


Im 60s-Look 

durch das Heute 

Vintage" und Retro" sind 

die 

" 

Modeworte der 

" 

Stunde. Die 

Klamottentrends von heute haben 

Bubikragen der 50s, Miniröcke im 

60er-Stil, Schlaghosen und Plateauschuhe 

kommen aus dem Jahrzehnt von Abba, 

und breite Schultern, Neonfarben und 

Chinohosen sind ein Relikt der verrückten 

80s. Wer heute in" sein will, hat 

die vergangenen Dekaden " 

nicht nur im 

Kleiderschrank, sondern auch auf dem 

Plattenteller und im DVD-Player. 

kult! widmet sich den Trends von 

damals, die heute schon wieder für viele 

zum Lebensgefühl gehören. Weiter geht's 

in der Serie mit den Swingin' Sixties". 

" 

Zauberwort Vintage- 

Audrey 

Hepburn 

ist mit 

ihrer 

knabenhaften 

Figur 

und dem 

Look ok das 

60s-Vorbild 

schlechthin. 


Etuikleider, schmale Anzüge und Krawatten, 

Ballerinas, kniehohe Stiefel, Op-Art-Muster: 

Willkommen in den Swingin' Sixties. Enge 

Taillen, Petticoats und Peeptoes aus den 50ern 

werden bei den Damen abgelöst von klaren Linien, 

flacheren Schuhen und – vor allem – sehr kurzen 

Röcken. Auch die Herrenmode verwandelt 

sich: von Männern in weiten, hochsitzenden 

Stoffhosen, Slippern und mit Pomadehaar in 

ein Meer von Pilzkopffrisuren, Skinhead- und 

Mod-Klamotten, später Schlaghosen und langen 

Haaren. Der modisch gesehen oft niedliche 

Charme der 50er Jahre, in denen die weiblichen 

Früher Kult-Model, 

heute erfolgreiche Sängerin: Twiggy. 

Stilvorbilder Eieruhrfiguren à la Marilyn Monroe, Sophia 

Loren und Elizabeth Taylor hatten, geht langsam vorüber. 

Die 60s bieten Sexyness mit geradlinigen, aber 

auch weiten Schnitten. Ballerinas erobern die 

Füße der Frauen, Kittenheels sind „in", also vorn 

meist spitze Schuhe mit dünnem, aber kurzem 

Absatz. Grafische Drucke lösen die verspielten 

Blümchenmuster ab, Mini-Pünktchen von 

einst sind nun große Kuller. Streifen sind 

angesagt und wilde Muster von Paisley 

bis Op-Art. Statt Pastelltönen hängen in 

den Schaufenstern Klamotten in gedeck- 

© Pressefoto 


ten Farben wie Grau, Schwarz und 

Weiß oder in intensivem Rot, Gelb, 

Grün und Orange. Getragen wird das 

Ganze von Mädchen mit knabenhaften Figuren und wenig 

Busen, wie etwa dem ultimativen 60s-Model Twiggy, der Andy- 

Warhol-Muse Edie Sedgwick und den Stilvorbildern Jacqueline 

Kennedy Onassis und Audrey Hepburn. 

Dieser Teil der 60s-Epoche sorgt vor allem seit zwei, drei 

Jahren wieder für Furore: im Klamotten-Sortiment großer 

Ketten wie H&M, Topshop, Esprit, Zara, Mango und Forever 

21, auf den Laufstegen internationaler Designer – und in 

der Musik. Mit den deutschen iMás Shake! zum Beispiel. Die 

Scheiben der Vierercombo sollte jeder Fan von Beat-Mucke und 

60s-Flair im Plattenschrank haben – oder sie schleunigst dort 

reinstellen. iMás Shake! versetzen einen sofort in die Ära der 

Beatles, von dunklen Clubs mit wahnsinnig heißen Rhythmen. 

Sie bringen einem das Flair des Jahrzehnts ins Ohr. Nicht als 

Cover-Band der „Fab Four", sondern mit einem einzigartigen Projekt: 

Das Quartett rockt mit 60s-Beatstücken aus Südamerika. Ja, ganz recht. 

Originalmusik aus den 60ern von Bands aus Peru, Argentinien, 

Kolumbien und Uruguay. Das kommt nicht von ungefähr, 

denn einer der musikalischen Köpfe der Gruppe ist ein 

gewisser Rod Gonzáles, Jahrgang '68, Musiker mit 

Leib und Seele, in Chile geboren, als kleiner Junge 

nach Deutschland gekommen, absoluter 60er-Jahre- 

Liebhaber. Ein Tausendsassa, der 

seine Leidenschaft sonst als Bassist 

bei den Ärzten oder als Gitarrist 

bei Abwärts auslebt. Seit drei Jahren 

bildet er gemeinsam mit Katy Del 

Carmen (voc/keys), Michell Gutiérrez 

Gómez (voc/b) und Tomás Fuentes 

(dr) die South American Beat 

Invasion From Berlin. Sie wollen 

mit iMás Shake! den Europäern die 

südamerikanischen Einflüsse in 

der Beatmusik näherbringen. Die 

lassen sich laut Rod zum Beispiel in der Melodieführung 

finden, zum Teil in der Rhythmik, die sich zwar stark an 

den englischen Vorbildern orientiere, „aber die Stücke 

haben auch Bossa-Nova-Einflüsse". 

Die erste Veröffentlichung der Gruppe heißt 

"Break It All" und erscheint 2011. 

Eine EP als 7''. Stilecht eben wie früher 

in den 60s. Die Scheibe soll schon innerhalb 

kürzester Zeit vergriffen gewesen sein 

(was ja auch irgendwie 60er-typisch ist). 

Während sie tausenden Leuten in der ganzen 

Republik, aber auch auswärts in der 

Schweiz live auf der Bühne zeigen, welch 

musikalische Schmankerl in den Gefilden 

Südamerikas in den 60er Jahren schlummerten, 

bringen sie 2012 wieder eine 7'' 

heraus: "What A Love", genau wie "Break 

It All" eine Single der Los Shakers. Eine der 

wenigen im Beatles-Fieber entstandenen 

Bands in Südamerika, die auch über die 

Landesgrenzen hinaus bekannt wurden. 

Die im September 2013 erschienene 7''-EP 

"Demolición" (die Single ist ein Cover einer 

peruanischen Band) hat wiederum auch 

psychedelische und garagige Einflüsse. 

Im Interview mit kult! berichten Rod 

und Katy von einer sehr aufwändigen 

Materialsuche, bevor eine ihrer EPs voll 

werden kann. „Ich durchsuche meinen 

Riesenfundus von lateinamerikanischem 

Heute wieder so angesagt wie damals 

in den 60ern: Streifen- & 

Musterkleider, wie hier von H&M. 

60er-Jahre-Kram, 

arrangiere die 

Songs zunächst 

so, dass sie für 

mich funktionieren, 

also Text, 

Akkorde. Davon 

mache ich Demos 

und spiele es den 

anderen vor", 

erklärt Rod die 

Vorgehensweise 

und einen seiner 

Hauptparts in der 

Band. 

Sämtliche Originale 

werden 

Die Beatles waren auch optisch mit Anzügen, schmalen 

Krawatten und Pilzkopffrisur in den 60s Vorbilder. bearbeitet. Zum 

Beispiel müssen die Songs so umgestaltet werden, dass sie für die 

Stimmen von Rod, Michell und Katy passen. Auch die Arrangements 

vereinfacht die Band. Doch eine Hürde bleibt: „Es gibt ja keine Live- 

Aufnahmen der Originalbands, nur die EPs. Deshalb können 

wir nur abstrahieren, wie das damals live geklungen haben 

könnte", sagt Rod. Die Vorstellungskraft der Vier ist aber 

prima. Live und „on tape" klingen 

sie so authentisch, als hätten 

sie eine Zeitmaschine erfunden oder 

wüssten sich zu beamen. 


© Claudia Tupeit 

Kein Wunder, denn das echte 60s-Flair 

zu verkörpern, fällt Michell, Katy, 

Tomás und Rod leicht. Von Haus sind 

sie seit eh und je Anhänger der Dekade. 

Katy und Michell spielten schon vor iMás 

Shake! gemeinsam in der Band Petting, die 

60s-Pop- und Garagenmusik macht. Die Keyboarderin kannte 

wiederum Rod und wusste von seinen Ambitionen, eine südamerikanische 

Beatcombo gründen zu wollen. Nachdem Katy 

und Michell bei Petting ausgestiegen waren, taten sie sich mit 

Rod zusammen. Bassist Michell sorgte dafür, dass die Band 

komplett wurde. Er brachte Schlagzeuger Tomás vorbei, der wiederum 

in anderen 60s-Bands gespielt hatte. Was von Anfang 

an klar feststand: Es wird kein „Soloding-von-Rod-von-den- 

Ärzten" sein, sondern eine Band von vier echten 60er-Jahre- 

Liebhabern. 

© Pressefoto 

Spielt heute 

südamerikanischen 

60s-Beat 

und macht 

Fotoshootings 

mit 60s-Flair: 

die Berliner 

Combo iMás Shake!. 

© tbc/Apple Corps Ltd 

Meine ganze Kindheit bestand aus den 

60s", sagt Rod. „Es begann mit den 

Beatles und hört bei psychedelischen Raritäten 

auf." Die findet er übrigens auch auf einer 

Samplerreihe aus Amerika, die sich „Soft Sounds 

For Gentle People" nennt. „Vier Volumes mit 

unglaublichen Sachen aus den 60ern von der 

Westküste, unfassbar lustige Sachen, liebevoll 

gemacht, aber auch psychedelischer Unsinn", 

sagt Rod lachend. 

Und Katy, Jahrgang 1976, habe schon als 

Teenie gern ein Mod-Mädchen sein wollen. 

„Was in einer westdeutschen Kleinstadt natürlich 

nicht so einfach war wie in Berlin Ende 

der 80er, Anfang der 90er", merkt die sympathische 

Blondine an. Heute ist Katy mit 

ihrem Look ein absoluter Hingucker: auf der 

Bühne am Keyboard, als 

Background-Sängerin 

und natürlich bei den 

Fotoaufnahmen 

mit 

der Band. Die typischen, 

leicht weiten 

Minikleider, kniehohe

Stiefel, der Schwarz-Weiß-Stil – gängige Elemente 

bei Katys Style. Auch total 60s ist ihr Make-up. 

„Ohne Lidstrich würde ich, glaube ich, nicht auf die 

Bühne gehen", sagt die Designerin. Der größte Unterschied 

bei Katys Klamotten im Gegensatz zu den klassischen Outfits 

aus den 60ern sind die Schuhe. Anfang und Mitte der 60er – vor der 

Plateausohlen-verliebten Hippiebewegung – sind die Absätze ziemlich 

flach. Das weibliche Mitglied von iMás Shake! trägt jedoch hohe Absätze. 

Nicht, um sich größer zu machen, denn mit ihren 1,70 könnte sie die 

flachen Treter locker tragen. „Aber ich stehe halt auf Stöckelschuhe." 

Mary 

Quandt 

Um die eigene Kleiderkollektion zu erweitern, hat Katy früher 

viel auf Flohmärkten gestöbert oder Originale in Second-Hand- 

Läden abgegriffen. Die meisten „echten" Teile hätten aber einen 

Makel: „Sie sind oft aus weniger schönen 

Materialien", findet Katy. Da aber mittlerweile 

viele junge, aktuelle 

– und auch bezahlbare 

– Marken auf den 60s-Modetrend aufspringen, wird Katy 

fast überall fündig. „Hier mal ein Blüschen, da mal ein 

Röckchen. Die Mode der 60er ist ja heute total stark 

vertreten. Ob bei H&M oder Fred Perry – man kann 

an sehr vielen Orten solche Sachen bekommen." Und 

für Inspirationen oder Tipps, wie man was trägt, müsse 

man nur eine aktuelle „Vogue" aufschlagen. „Da sind fast immer 

60s-Modestrecken drin", sagt Katy. 

Ganz groß wieder da ist seit einigen Monaten zum Beispiel der 

Schwarz-Weiß-Look. Die weiße Bluse mit schwarzem Stoffstreifen 

an der Knopfleiste, Kleider mit weißem Oberteil und schwarzem Rockteil, 

schwarz-weiß gemusterte Röcke und Hosen, Pullis, ja sogar Stiefel mit 

schwarz-weißem Hahnentrittmuster. Wem der Zwei-Farben-Trend zu 

simpel ist, kombiniert zum rot-karierten Rock einen senfgelben 

Strickpulli. Noch auffälliger und wilder sind die 

Trends aus der psychedelischen Phase der 60er Jahre, 

die auch mit der Veröffentlichung der Beatles-LP SGT. 

PEPPERS LONELY HEARTS CLUB BAND 1967 eingeläutet 

wird. Keine stilbewusste Frau ging damals ohne 

Muster aus dem Haus. Paisley (eine Variante, die stets 

an das Muster eines orientalischen Teppichs erinnert), 

Op-Art, Schottenkaro, Ringelpullis, bunte-gestreifte 

Kleider. Heute angesagter denn je und in so ziemlich jeder 

Kollektion gut sortierter Modelabels zu finden. 

Doch ein Mode-Unternehmen hat sich 2013 ganz und 

gar den Swingin' Sixties verschrien – zumindest in 

einer Sonderkollektion: Die Rede ist von der amerikanischen 

Marke Banana Republic. Die 1978 in Kalifornien 

gegründete Firma hat sich bei den Entwürfen von keinen 

Geringeren als den Figuren der US-Erfolgsserie 

„Mad Men" (die ersten Staffeln liefen hier bisher 

auf ZDFneo) inspirieren lassen. In der dreht sich 

alles um Charaktere (übrigens nicht nur – wie der 

Name vermuten ließe – Männer), die im New 

York der 60er Jahre Liebe, Leid, Skandale und 

Krisen bewältigen. Privat – und beruflich in der 

fiktiven Werbeagentur Sterling Cooper. Neben 

dem Lebensstil, dem Hang zu Zigaretten und 

Alkohol und der Sicht auf die Geschlechter sind 

©D 

Davids 

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Bild 

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iv 

Hall 

hube 

uber 

Brigitte 

Bardot 

auch die Klamotten der Darsteller absolut 

stilecht. Typen wie Womanizer Don und Roger 

tragen schmale Anzüge und Krawatten mit 

Blockstreifen, aber auch karierte Jacketts. 

Die Frauen hüllen ihre Körper in die berühmten 

Klassiker, wie das gerade geschnittene 

und doch figurbewusste Etuikleid, greifen zu 

Tweedkostüm und Kastenjacke. 

Gemeinsam mit der Kostümdesignerin der 

Serie (mittlerweile steht in den USA die siebte 

Staffel bevor), Janie Bryant, hat Banana 

Republic für 2013 die Rolle der Megan Draper 

(Dons zweite Frau) zum Stilvorbild erkoren. 

E 

in 

Mustern, ebenso schmale 7/8-Hosen. 

Jackie 

Kennedy 

Entstanden sind so Minikleider mit langen Ärmeln 

in leuchtenden Farben und mit geometrischen 

D 

ie „Mad-Men"-Darstellerinnen rufen auch in 

Erinnerung, welche Accessoires damals (und 

teils heute wieder) trendy waren: Joan, Peggy, 

Betty und Co. tragen Lederhandschuhe, trapezförmige 

Handtaschen, Perlenkette und Brillen in 

Katzenaugen-Form. Ein weiteres Vorbild in Sachen 

Accessoires aus dieser Zeit spielt auch in der Serie in 

gewisser Weise eine Rolle. Kein Gesellschaftsdrama, 

das sich so intensiv den 60ern hingibt, würde schließlich ohne Jacqueline 

Kennedy Onassis auskommen, die ebenso schlicht wie stilvoll auch kurz 

als Jackie O bezeichnet wird. Sie liebte große Sonnenbrillen, Chanel- 

Kostüme, Ballerinas und natürlich Hüte. Was wäre die einstige First Lady 

und spätere Witwe des griechischen Reeders Aristoteles Onassis nur ohne 

ihren Pill-Box-Hut? 

Zu den zeitlosen Schönheiten und Ikonen à la Jackie Kennedy (sie 

starb 1994) gesellt sich eine ebenfalls dunkelhaarige Frau mit 

Knabenfigur: Audrey Hepburn. Der Schauspielstar ist bis heute 

Inbegriff für den typischen Stil von Anfang bis Mitte der 60er. 

Breite Brauen, große Kulleraugen, Kurzhaarschnitt. Das hat 

ungefähr zur selben Zeit viele tausend Kilometer weiter 

östlich ein weiteres Mädchen geboten, das den noch prüden 

Rocklängen amerikanischer Frauen den Kampf angesagt 

hat: das dünne Model Twiggy von der Insel. Ob Kleid oder Rock, 

Twiggy zeigt ihre schlanken Beine ausschließlich im Mini. Viele Ketten 

dazu, lange Wimpern, kecker Kurzhaarschnitt, flache Schuhe und Stiefel. 

Ein Look ist geboren. Den größten Anteil daran hat jedoch eine andere: 

Die Britin Mary Quandt hat schließlich die neue Kürze erfunden. Ein 

Meilenstein in der Modegeschichte. 1962 zeigt sie die ersten Modelle in 

der Londoner Kings Road. Doch erst als Designer André Courrèges 1965 

den Mini bei den Haute-Couture-Schauen in Paris zeigt, wird er salonfähig. 

Angeblich habe es dann sogar im britischen Königshaus die Erlaubnis 

gegeben, am Hofe „Mini" zu tragen. 

Zu diesem Zeitpunkt haben zwei weltberühmte Französinnen den 

Trend längst für sich entdeckt: die 60s-Stilikonen Brigitte Bardot 

und Catherine Deneuve (ein Porträt zu ihrem 70. Geburtstag 

finden Sie in dieser Ausgabe). La Deneuve hat daneben noch 

ein anderes Faible: für Trenchcoats bzw. Regenmäntel. Der 

klassisch-geschnittene aus dem englischen Traditionshaus 

Burberry wird zum Hype, zudem freuen sich nun etliche 

Damen über das berüchtigte Regenwetter in 

London. Schließlich können sie glänzende 

Regenmäntel in den knalligsten Farben 

ausführen – und liegen damit absolut im 

Trend. Indes macht eine gewisse Edie 

Sedgwick – quasi die „Twiggy in Übersee" 

– in den USA auf sich aufmerksam. 

Bekannt wird sie als Andy-Warhol-Muse 

und „Factory Girl", besungen (angeblich) 

in Songs von Bob Dylan und 

The Velvet Underground. Das New 

Yorker High-Society-Mädchen trägt 

zu seinem Pixie lange Ohrringe, 




kombiniert zu Minikleidern viele Ketten – ein erster 

Vorläufer typischer Hippie-Mode. Mit der geht es so richtig 

'67/'68 los. Der Stil der Mamas and the Papas ist angesagt, ebenso der 

vom End-Sechziger-Stilvorbild Grace Slick, legendäre 

Sängerin von Jefferson Airplane und den diversen 

späteren Ablegern. Mädchen tragen Wallekleider, 

tiefe Ausschnitte, große Flower-Power-Muster, 

Schlaghosen, bauchfreie Spaghettiträgertops 

mit Rüschen. Es ist die Zeit psychedelischer 

Mucke, von Hasch und sonstigen, härteren 

Drogen. Es ist die Zeit, in der runde 

Sonnenbrillen auf der Mitte des Nasenhügels 

sitzend getragen werden. Es ist die Zeit von 

Festivals wie Monterey und – natürlich – 

Woodstock '69. Männer laufen mit langen 

Haaren, in Schlaghosen und mit 

Plateauschuhen durch die Straßen 

und halten Peace-Zeichen in die Luft. 

Der gleiche Stil gilt für Mädchen: Auch sie haben ihre 

Mähnen offen – so, als ob sie sie nach dem Aufstehen nicht 

gekämmt hätten –, auch sie stolzieren in Plateaustiefeln 

durch die Gegend und haben Hosen an, deren Saum so weit 

und lang ist, dass sie den Gehweg rundherum damit putzen 

könnten. Aber hey, was soll's. Das Motto lautet „Make love, not war", und 

daran halten sich zumindest die Hippies. 

Mamas and the Papas 

Oft vergessen 

viele Leute, 

dass auch dieses 

Lebensgefühl und 

die Modetrends 

schon ab 1967 

zu den „Swingin' 

Sixties" dazugehören. 

Im ausgeprägtesten 

Sinne ist 

das Hippie-Fieber 

jedoch erst in den 

letzen zwei iJh Jahren der Dekade Dkd ausgebrochen. Bis zu dieser Hippie- 

Periode mit bunten Blumen und Schlagjeans haben in der Männermode 

Mods, Skinheads und Rocker den Ton angegeben. Und in diesen 

Subkulturen gibt es radikale Unterschiede: auf der einen Seite die 

Pilzköpfe à la Beatles, feiner Zwirn, Pullunder überm Hemd. Daneben 

die „Bürstenkopf-Frisierten" mit Doc Martens, Bomberjacke, 

Hosenträgern zu engen, umgeschlagenen Jeans. Die Rocker 

liebten ihre Maschinen genau wie die coolen Lederjacken. Dann 

die Mods, die Rebellischen, die Unangepassten, die 

Kinks-, Small-Faces- und The-Who-Fans. Mit 

ihren taillierten Sakkos, den schmalen, schon 

röhrenmäßigen Hosen und dem Army-Parka. 

Ideal geeignet für die Fahrt auf dem Roller. 

E 

in solches Standard-Fortbewegungsmittel der 

60s besitzen auch die Mitglieder von iMás 

Shake!. So fährt Rod eine blaue Vespa, nach eige- 

nen 

Angaben eine „alltagstauglichere PX 200". Sein 

Modell von '68 habe er an Bassist Michell Gutiérrez 

Gómez verkauft. 

Sich einen Roller leisten, abfeiern, coole Musik hören 

– und Keith Moon, das gehört für Rod definitiv zu 

den 

schönen Seiten der Mod-Kultur. Wie sehr er den 

1978 

verstorbenen Who-Schlagzeuger verehrt, wird auf 

seiner Single "Quadrophenia" klar, die auf einer der jüngsten Ärzte-EPs 

erschienen ist. Eine Huldigung nicht nur an den Briten, sondern eben 

auch an die tollen Seiten des Mod-Seins. 

Für das komplette Mod-Lebensgefühl ist Rod zu alt, findet er. Gott sei 

Dank sieht er das nicht so in puncto Mod-Style. In uniform-ähnlichen 

Jacketts, schmal geschnittenen Anzügen oder mit engen Hosen zum 

Foto: © Jens-Uwe Berndt 


schlichten Shirt tritt Rod nämlich gern auf die Bühne und passt damit 

bestens zum 60s-Look der anderen Bandmitglieder. Doch während Katy 

als Frau das Glück hat, einzelne 60s-Look-Teile in gängigen Kaufhäusern 

zu finden, ist das für den 60s-Style des Mannes schon schwieriger. 

Das kennt auch Rod und erzählt von aufwändigen Suchen nach 

Klamotten. Meist stöbere er sehr lange, vor allem in englischen 

Onlineshops. Wo genau, will er nicht verraten. „Sonst kaufen das ja 

alle", sagt er und lacht. 

Eine gute Adresse zum Eindecken mit Button-down-Hemden, 

engen Jeans, Hosenträgern, Boots und sonstigen 60s-Teilen ist 

für den Mann in jedem Fall die britische Marke 

„Ben Sherman" (siehe auch eigener Artikel 

auf nachfolgender Seite), die bisher auch 

zwei Geschäfte in Deutschland hat, in 

Berlin und Köln. In London gibt es 

sogar immer noch einen Laden in 

der in den 60s berühmt-berüchtigten 

Carnaby Street. 

Wer doch lieber ein Vintage- 

Stück abgreifen möchte, dürfte 

definfitiv online fündig werden. 

Ein Wahnsinns-Repertoire bietet zum 

Beispiel „Atom Retro", stilecht im United 

Kingdom angesiedelt. Auf der Suche nach 

dem klassischen Beatles-Chelsea-Stiefel, einem 

Jefferson 

Parka, Etuikleidern, Paisley-Hemden oder auch 

Airplain 

Accessoires kann man übersichtlich aus einem em breiten 

Angebot auswählen. Es gibt Marken, die auf Retro-Mode der 60er (und 

70er) spezialisiert sind, und es gibt die echten Unikate von damals. Wer 

Glück hat, erwischt ein Original von Yves Saint Laurent (vielleicht eines 

seiner berühmten Safari-Look-Kleider?) oder das Nonplusultra: einen 

Mini von der Erfinderin, Mary Quandt. 


ModCloth - der Name sagt's schon – ist auf Vintage-und Retro- 

Kleidung spezialisiert. Gegründet von zwei Amerikanern am 

College als eine Art privates Outlet, ist der Onlineshop mittlerweile extrem 

erweitert worden. Die Eigentümer arbeiten mit jungen, bisher noch unbekannten 

Designern zusammen und haben so eine vielfältige Auswahl vom 

Partykleid über Winterpullis bis zu Schuhen und Accessoires zusammengestellt. 

Die „ModStylists" beraten Kunden beim Auswählen oder auch 

beim Kombinieren ihrer neuen Lieblingsteile. 

Nicht ganz so weit entfernt ist eine wahre Fundgrube für Männer 

und Frauen, die den 60s-Stil suchen und tragen wollen: die 

„SchwarzeTruhe" in Berlin. Sowohl im Laden selbst als auch 

online kann wunderschöne Vintage-Mode erstanden werden, zu 

Geldbeutel-freundlichen Preisen. Und da der Begriff „Vintage" 

ernstgenommen wird in seiner Bedeutung, dass es sich dabei 

um Kleidung handelt, die deutlich älter ist als 20 Jahre (also 

Originale), lassen sich echte Raritäten abstauben. 

Schnell auffindbar für Damen und Herren, da 

alles in Rubriken wie Brautkleid, Oberteile, 

Die Autorin 

im 60er-Look: 

Minikleid in 

Trapezform 

mit Kragen, 

kniehohe Stiefel, 

Kurzmantel. 

Glam-Glitter, 

Plateaus und der 

Schmuddelstil der Punks: 

kult! instyles 70s" in der 

" 

kommenden Frühjahrs - 

aus gabe. 

Röcke, etc. eingeteilt ist. Und: Was 

nicht im eigentlichen Sinne unter 

„Vintage" läuft, wird auch so gekennzeichnet. 

Ganz besonderer Service: Für 

Mottopartys oder ähnliches darf man 

sich etwas ausleihen. Außerdem können 

Teile, die man online entdeckt hat, im 

Laden anprobiert werden. Einfach 

die Artikelnummer notieren, 

den Rest erledigen die 

Mitarbeiter 

Geschäft. 

im 

Was 

sie in 

den 60s 

trug, ist heute 

wieder angesagt: 

Audrey Hepburn 

im karierten 

Mantel im 

Trenchcoat-Stil.

Foto: © Ben Sherman erman 


ngefangen hat alles ganz bodenständig in England. Dort 

wird Arthur Benjamin Sugarman 1925 in Brighton geboren. 

Dass er einmal eine Legende für stilbewusste Männer 

sein wird, die authentische Qualitätsmode wollen, die nicht jeder Zweite 

trägt, ahnt damals niemand. Er am wenigsten. 

Die Jugend in den Kriegswirren verbracht, zieht es ihn im Alter von 

20 Jahren in die USA. Dort, im San Fernando Valley, beginnt er, in der 

Bekleidungsfabrik seines Schwiegervaters zu arbeiten. Er ändert seinen 

Namen in Ben Sherman. Ben nennen ihn sowieso alle in der Familie, und 

Sherman klänge solide und amerikanisch, meint er. 

Solide, das ist überhaupt eine durchaus zutreffende Bezeichnung 

für alles, was den Briten betrifft. „Haltbar, qualitätsvoll, lebendig und 

robust" – mit solchen Attributen erklärt der Duden das Adjektiv. Also 

nicht nur die passende Umschreibung für den neuen Namen, sondern 

auch für die Mode und natürlich für den Geschäftssinn von Ben 

Sherman. 

ls seine Mutter in England erkrankt, kehrt Sherman zurück nach 

Brighton. Im Gepäck hat er jede Menge Ideen aus Übersee. 

Zudem viel Eifer 

und Energie für 

etwas Neues. 

Seine Erfahrung 

nutzt er, um eine 

eigene Fabrik zu 

eröffnen. Den 


50 JAHRE 

Der Stil der Subkulturen für 

den Mann 

Groß, hell, viel Holz, wenig Schnickschnack, Ordnung und 

absolut stylishe Verkäufer: Das Betreten eines Ben-Sherman- 

Geschäfts sorgt für ein Aha-Erlebnis bei Männern. Und das ist 

beim starken Geschlecht inmitten weiblich dominierter Auslagen 

großer Bekleidungsanbieter eher selten. Beim britischen Herren- 

Label klopft das Männerherz schneller, vor allem bei Ersttätern. 

Shirts, Hemden, Jacken, Hosen, Schuhe, Taschen – alles wird 

übersichtlich präsentiert. Und die (männlichen) Verkäufer zeigen 

gleich mal, wie das ein oder andere Stück angezogen tatsächlich 

aussehen könnte. Ob in New York, San Francisco, Berlin, Sydney, 

Singapur, Kapstadt oder Moskau: Der Brit-Chic ist Trend. 

Niederlassung in der Berliner Rosenthaler Straße 

Ärmelaufschläge in anderen Farben und Mustern 

gehören zu den feinen Details der Marke. 


Typisch Ben Sherman: helle 

Verkaufsräume mit viel Holz 

und geordnetem Sortiment. 

Foto: © Ben Sherman 

Anfang macht er mit Hemden. Er 

entwirft sie und bringt schließlich 

1963 das erste auf den Markt. Seine 

Inspiration? Die Oberteile der Jungs 

an amerikanischen Elite-Unis. Und die 

Jazzstars, die Anfang der 60er Jahre zu 

Auftritten nach England kommen und 

diese „button-down-shirts" tragen, die 

es in Geschäften wie Brooks Brothers 

gibt. Solche Hemden mit Extraknöpfen 

am Kragen will Sherman fertigen. 

Natürlich in anderen Versionen, mit 

anderen Farben 

und Mustern. Pastellfarben, 

also Rosa, helles Gelb, helles 

Blau sollen für zusätzliche 

Hingucker sorgen. 

Teilweise setzt er noch eins 

Unifarben, kariert, Paisleymuster: Ben Sherman 

hat alles, was das Männerherz begehrt. 

drauf und kombiniert dazu 

bonbonfarbene Streifen. Anfang der 60er Jahre wird 

seine Farbpalette jedoch skeptisch aufgenommen. 

Zunächst. Er bleibt am Ball, revolutioniert sogar 

das Verpacken der Ware, weil er jedes Hemd 

einzeln in Papier einwickeln lässt. Das gab's so 

vorher nicht. 


en Shermans Geist (er ist bereits 1987 mit 

nur 62 Jahren gestorben) lebt weiter. Zwar 

kann der stilbewusste Mann sich längst von 

Kopf bis Fuß nur von der Firma Ben Sherman 

einkleiden. Aber ein Blick in die Läden zeigt, 

dass es vor allem immer noch Hemden gibt. In den 

berühmten und einst verpönten Pastelltönen. Hinzukommen 

die karierten und die mit Muster. Und die unifarbenen. Alle 

sind mit feinen Details versehen. Das hebt sie ab vom Mainstreamhemd. 

Foto: © Ben Sherman 

Foto: © Claudia Tupeit

Foto: © Claudia Tupeit 

Zum Beispiel hat das eigentlich in Rot- und 

Blautönen karierte Hemd seitlich am Saum einen 

kleinen Einsatz mit dunkelblau-weißen Karos im 

Miniformat. Oder das psychedelisch wirkende 

Oberteil mit dem braun-weißen Paisleymuster, 

dessen Ärmelsaum neckisch umgekrempelt das 

Muster mit hellblau-weißen Karos bereichert. 

Stets dabei: der eingestickte Labelname. 

Und wenn Suche und Anprobe erfolgreich 

gewesen sind, knistert es immer noch, wenn 

die Verkäufer die Hemden verpacken. Denn 

wie früher beim Erfinder selbst landen die 

neuen Oberteile eingehüllt in Papier in der 

Einkaufstasche. 

ie Marke Ben Sherman hat seit 1963 viele Leute stilistisch beeinflusst 

und angezogen. Im Jubiläumsbuch „50 Years Of British 

Style Culture" von Josh Sims zum Geburtstag des Labels werden acht 

Subkulturen von der Insel näher betrachtet. Für Mark Maidment, 

seit über zehn Jahren kreativer Chef bei Ben Sherman, sind es die 

besten Subkulturen überhaupt. Ins Buch passten sie als Auszug diverser 

Strömungen deshalb so gut, weil sie alle unglaublich „maskulin 

und legendär" waren. Viele der Szene-Anhänger waren die „working 

class heroes", also hart arbeitende junge 

Männer, die ihren Platz in der Gesellschaft 

behaupten wollten. Heute erinnere man 

sich vor allem an den Style, der die verschiedenen 

Bewegungen ausmachte, und 

auch an den Gedanken der Rebellion, 

die vielen Mythen, die sich um die 

Gruppierungen ranken. Aber noch bedeutender 

als all das ist laut Mark Maidment 

die echte Vorreiterrolle. Dass die jungen 

Herren (und Damen) in den 60er, 70er, 

80er Jahren Pioniere von etwas waren, 

was zuvor so nicht dagewesen ist. Allen 

Klassische Harrington-Jacke mit dem limierten 

Beatles-Köpfe-Print auf dem Innenfutter. 

voran natürlich die Mods mit ihrem 

Faible für Kleinkariertes, aber auch – wie 

oft von The Who getragen – für T-Shirts 

mit Target-Symbol, für Parkas, Röhren 

und eng geschnittene Anzüge. Vorreiter 

waren die Teddy Boys, die – inspiriert von 

den Dandies der „Edwardian-Epoche" – 

als erste (Mode-)Subkultur nach dem Zweiten Weltkrieg in England 

für Aufmerksamkeit sorgten. Im Ben-Sherman-Jubiläumsbuch (auch 

auf Deutsch erhältlich) werden neben diesen Subkulturen Rocker, 

Punks, Skinheads, Northern Soul, Two Tone und Casuals mit ausführlichen 

Infos und tollem Fotomaterial bedacht. 

berall auf der Welt betreibt die Marke mittlerweile eigene Läden 

und verkauft Kollektionen in namhaften Kaufhäusern. Eigene 

Niederlassungen in Deutschland gibt es bisher in Berlin und Köln. 

Im Heimatland England existieren sechs, allein vier davon in London. 

Nach wie vor ist ein Laden in der berühmten und früher berüchtigten 

Carnaby Street, ein weiterer mit riesigem Sortiment ist im 

beliebten Covent Garden zu finden. Wer Ben Sherman trägt, sollte 

unbedingt einen der Läden im Mutterland der Marke ansteuern. 

Die englischen Verkäufer haben diese gewisse Attitüde, die einen 

beim Betreten in die 70er Jahre zurückversetzt. Die Preise sind ohne 

Auslandsverkauf-Aufschlag. Das Flair an diesen beiden Standorten 

Foto: © Derek Ridgers 

© Joseph McKeown/Picture Post/Getty Images 

Teddy 

Boy in 

London 

1954 

Skinheads 1979 

ist sowieso unbezahlbar – und es gibt einfach jedes Teil 

aus den diversen Kollektionen: „Plectrum", deren aktuelle 

„Spirit Of Union"-Serie inspiriert ist vom Geist des industriellen 

Nordens von England, umgesetzt mit moderner r 

Farbpalette und moderneren Schnitten. Zur „British Wardrobe 

Staples" und „The Duke Street Foundry" gehören Klassiker 

wie die Harrington-Jacke und Button-down-Hemden mit 

typischen Mod-Karos. „Tailoring" bietet 

schick geschnittene Anzüge. Coole Chino- 

Hosen in so ziemlich jeder denkbaren Farbe 

sind unter „EC1" zusammengefasst. Jetzt 

neu: Cordhosen in trendigen Farben von 

Weinrot bis Senfgelb. 

Two Tone – Terry Hall und 

Lynval Golding von The Specials 

1981 in Montreux. 

Jungs im Casual-Stil 1982 bei einer 

Londoner Party. 

Foto: © Mark Charnnock/PYMCA 

Foto: © Adrian Boot/Urban Image 

eit 2004 gehört das Unternehmen Ben 

Sherman der amerikanischen Oxford 

Industries. Am Stil ändert das (bisher) 

wenig. Die Marke ist weiter beliebt, weil 

sie den Mann (und mittlerweile mit ein 

paar Stücken auch die Frau) stylish und 

modern kleidet, Traditionen 

aber erhält. Erkennbar 

auch am besonderen 

Kundenwunsch von 

Paul Weller (The Jam, Style 

Council), den er 2007 an das 

Label heranträgt. Der Sänger 

möchte unbedingt ein für 

ihn legendäres Hemd von Ben 

Sherman nachgemacht bekommen, 

das er trug, bis es förmlich auseinandergefallen 

war. Wellers Bitte verführt die Firma 

dazu, dem Briten eine Kollektion zu widmen. Weller 

bringt eigene Ideen ein. Dickere Knöpfe, ein Kragen 

so breit wie vier Finger und ein extra Knopfloch am 

Bündchen, um das Hemd enger machen zu können. 

Berühmt wird auch die Idee, vier der wohl berühmtes ten Köpfe 

der Welt auf Hemden und Jacken zu drucken: Paul, John, George and 

Ringo – kurz: The Beatles. Ein Oberhemd mit kurzen Ärmeln ganz 

und gar bedruckt mit den bunten Porträts. Der gleiche Stil findet sich 

ebenso im Innenfutter von Übergangsjacken im Harrington-Stil. So 

mancher Boy wird sie vermutlich eher selten anziehen, sondern lieber 

mit dem Innenfutter nach außen überm Arm hängend präsentieren. 

Mit der Combo Madsen folgt eine weitere Zusammenarbeit 

mit Musikgrößen. Und just im September 2013 bringt das Label 

eine Geburtstagskollektion heraus, bei der fünf große Künstler 

für jedes der Ben-Sherman-Jahrzehnte ein eigenes, auf je 250 

Stück limitiertes Hemd designt haben. Für die 60er gibt es eins im 

Union-Jack-Style von The Whos Roger Daltrey, Pop-Art-Künstler 

(und Lehrer von Ian Dury) Peter Blake hat sich für die 70er etwas 

überlegt, stellvertretend für die 80er steht das schwarze Hemd 

von Bernard Sumner, ehemaliger Gitarrist und Keyboarder von 

Joy Division, später New Order. In 

einem Hellblau-Ton ist das Oberteil 

von Jarvis Cocker (gründete 1978 die 

Brit-Popband Pulp). Vervollständigt 

wird die Dekaden-Runde von einem 

Smiley-Hemd vom Künstler-Duo Jake 

& Dinos. Sämtliche Netto-Erlöse der 

Designerin Vivienne Westwood (r.) 

und weitere Punks an einer Londoner 

Telefonzelle 1977. 

Foto: Condé Nast Archive / Corbis 

„The Icons (Shirt for TCT)" gehen an 

den Teenage Cancer Trust, einer vom 

Label unterstützten Organisation für 

an Krebs erkrankte Jugendliche und 

junge Erwachsene. Wer noch keins 

ergattert hat – ranhalten! Vielleicht 

ist in einem Laden noch das ein oder 

andere zu finden. Und wenn nicht: 

Die nächste, ultracoole Kollaboration 

ist im Hauptquartier sicher schon in 

Planung. 



OLSENBANDE 

DIE 

Von Christian Hentschel 

Mächtig 

gewaltig! 

Die 

Olsenbande 

gaunert sich 

durch Europa 

Foto: © Nordisk Film 

Der Drehbuchautor Henning Bahs und der Regisseur Erik Balling trafen sich einmal jährlich für wenige 

Wochen in Paris. Hier gingen die zwei dänischen Filmemacher einem ganz besonderen Projekt nach – sie 

schrieben jeweils ein neues Drehbuch über die Olsenbande. 

Die Idee dazu hatte Bahs, der seine Filmkarriere in den 50er 

Jahren in der Requisite begann, dann als Szenenbildner 

arbeitete und seit den 60ern auch Drehbücher verfasste. 

Mit „Die Olsenbande" wollte er einen komödiantischen 

Gegenentwurf zu James Bond und Lemmy Caution, einem Bruder 

im Geiste von Bond und Jerry Cotton, entwickeln. Jedoch 

ging es nicht um platten Ulk, 

vielmehr sollte die 

Geschichte von Ganoven 

mit ganz nor- 

malen Alltagsproblemen erzählt wer- 

den. Balling war 

sofort begeis- 

tert, schrieb an 

den Büchern 

mit und führte 

Regie. Schon 

sein erster Spielfilm „Adam 

Og Eva" aus dem Jahr 

1954 wurde 

mit dem 

Bodil, dem 

bis heute 

wichtigsten 

Filmpreis 

Dänemarks, 

ausge- 

zeichnet. 

Nur drei 

Jahre 

später wurde 

Ballings 

fünfter Spielfilm 

„Qivitoq", 

ein Drama über 

die 

Modernisierung Grönlands 

und die damit verbundenen Probleme, für den Oscar nominiert. Das 

war in jenem Jahr, als Erik Balling mit nur 33 Jahren den Posten 

des Direktors der Firma Nordisk Film übernahm. 

Vermutlich auch für 

die denn Nordisk bewilligte die Budgets. Kostete 

Olsenbande-Filme ein nützlicher Umstand, 

der erste Olsenbande-Film „nur" etwa 

eine Million Kronen, verschlang Film 

Nummer 13 bereits das Zehnfache. 

Wenngleich „Die Olsenbande" (1968) 

und 

„Die Olsenbande in der Klemme" 

(1969) 

nach dem Filmstart ihren 

Siegeszug 

antraten (und bis heute 

sehenswert 

sind), waren sie noch 

ein 

wenig unentschieden. Erst mit 

dem 

dritten Teil „Die Olsenbande 

fährt 

nach Jütland" (1971) gelang 

der 

endgültige Charme, der alle fol- 

genden 

Filme ausmacht. Besonders 

faszinierend 

sind die liebenswerten 

Figuren. 

Da ist zunächst die Olsenbande 

selbst. Benannt 

nach ihrem Kopf Egon 

Olsen, wunderbar 

gespielt von Ove Sprogøe. 

Die Filme beginnen meist damit, dass Olsen 

Foto: © Nordisk Film 

Seite 88 n GoodTimes 1/2014

das Staatsgefängnis Vridsloseville vor den Toren Kopenhagens verlässt, 

um am Ende dort wegen einer neuen Sache wieder einzurücken. Das 

war so prägend, dass der Weg vor dem Gefängnis mittlerweile tatsächlich 

Egon-Olsen-Straße heißt. Abgeholt wird Olsen immer von seinen 

oder weil die ostdeutsche Synchronisation auf ausgeklügelte Dialoge nah 

Compagnons Benny und Kjeld, dargestellt von Morten Grunwald und 

Poul Bundgaard. Während 

am Original 

setzte. Zwar lässt sich nicht jede Defa-Filmsynchronisation 

in den Himmel loben, doch hier wurde mit viel 

Egon ein Gentleman- 

Liebe fürs Detail gearbeitet. 

Gangster alter Schule ist, 

ist der treue Benny der 

Fahrer der Bande – ganz 

egal, ob Auto, Lokomotive 

oder gar Panzer. Seine 

Markenzeichen sind sein 

1974 sollte übrigens nach den genannten drei 

Filmen 

sowie „Die Olsenbande und ihr gro- 

ßer 

Coup" (1972) und „Die Olsenbande läuft 

Amok" 

(1973) mit „Der (voraussichtlich) letzte 

Streich 

der Olsenbande" (1974) erst einmal 

Schluss 

sein, doch bis 1981 ging es Schlag 

tänzelnder Gang und 

auf 

Schlag weiter. Mit großem Erfolg starteten 

seine ewige Zustimmung 

„Die 

Olsenbande stellt die Weichen" (1975), 

„Mächtig gewaltig". 

„... 

sieht rot" (1976), „... schlägt wieder zu" 

„Mächtig gewaltig" ist 

(1977), 

„... steigt aufs Dach" (1978), „... ergibt 

übrigens eine Erfindung 

des Dialogbuchautors 

Wolfgang Woizick, denn 

im dänischen Original sagt 

Benny stets „Skide Godt", 

das so viel wie „Scheiße 

gut" bedeutet. Kjeld, der 

Dritte im Bunde, ist der 

Schisser in der Runde und 

will überhaupt nicht kriminell 

sein. Andererseits bringt 

er es in „Die Olsenbande fährt 

nach Jütland" auf den Punkt: 

„Alles ist so teuer geworden, 

mit Mehrwertsteuer und so. 

Nirgendwo gibt es noch etwas 

Mit dem liebenswerten Gangstertrio unsterblich 

geworden: die dänischen Schauspieler (v.l.n.r.) 

Morten Grunwald, Ove Sprogøe und Poul Bundgaard. 

auf Pump." Zudem muss 

er den verschwenderischen So liebt man die Olsenbande: Egon (Mitte) 

sich 

nie" (1979) und „... fliegt über die 

Planke" 

Lebensstil seiner Frau Yvonne erläutert Benny und Kjeld seinen Plan. 

(1980). 

Im vorerst letzten Teil „Die Olsenbande 

gewährleisten, der er es nur 

fliegt über alle Berge" (1981) geht es nach Paris 

selten rechtmachen kann. Gespielt wurde Yvonne von Kirsten Walther, 

und von Film zu Film wurde ihre Rolle der notorisch nörgelnden Ehefrau 

größer und bedeutender. 1987 verstarb sie völlig unerwartet nur 53-jährig 

an Herzversagen. Jes Holtso war zehn Jahre alt, als er erstmals als 

Filmsohn Borge von Yvonne und Kjeld bei der Olsenbande auftauchte. 

Mit langem, zotteligem Haar, dicken Brillengläsern und rotem Pullover 

war er schon von weitem zu erkennen und erwies sich als gewiefter 

Handlanger für seinen Vater und dessen Kollegen. Im wirklichen Leben 

verfolgt der inzwischen 56-Jährige die Laufbahn eines Bluessängers, so 

erreichte er 2009 das Finale von „Talent 09", 

dem dänischen Ambivalent 

des „Supertalents". Vor wenigen Monaten 

hatte Holtso in Greifswald sein 

erstes Deutschlandkonzert. 

Unvergessen ist auch Dynamit- 

Harry, der trinkfreudige 

Sprengmeister, der sich nüch- 

tern nichts traut, und Bruder 

von Benny – verkörpert vom 

bereits 1981 verstorbenen 

Schauspieler Preben Kaas. Oder 

das „Dumme Schwein", ab Teil 

sechs ständiger Widersacher des 

Gaunertrios, dargestellt von Ove 

Werner Hansen, der in seiner Heimat auch als Sänger und 

Fernsehkoch bekannt ist. Und nicht zuletzt die Kommissare 

Mortensen, Jensen und Holm. 

Schnell machte die Olsenbande auch außerhalb Dänemarks Furore. 

Die Filme wurden nach Jugoslawien, Polen, Ungarn, Rumänien, 

Österreich, in die Schweiz und die Türkei sowie die BRD und DDR 

lizenziert. Norwegen begann schon 1969, eigene Olsenbande- 

Filme zu drehen (teilweise in der dänischen Originalkulisse), 

und 1981 zog auch Schweden mit der „Jönssonligan"-Serie ins 

Rennen. Kultstatus erlangten die Filme neben Dänemark vor 

GoodTimes 1/2014 n Seite 89 

allem im Osten Deutschlands. Im Westteil des Landes dagegen liefen die 

Filme nicht sonderlich erfolgreich. Über die Gründe wird viel spekuliert, 

vielleicht weil sie im Überangebot der Westkinos einfach untergingen 

(dem Drehbuchentstehungsort), Yvonne trennt sich von Kjeld, und Egon 

landet schlussendlich in der Psychiatrie. In den Folgejahren wurde über 

eine weitere Fortsetzung nachgedacht, doch mit dem frühen Tod der 

Yvonne-Darstellerin Kirsten Walther schien es abwegig. Erst 1998 wurde 

noch einmal ein weiterer, jedoch nicht so erfolgreicher Film gedreht: 

„Der (wirklich) allerletzte Streich der Olsenbande". Obendrein waren die 

Dreharbeiten von tragischen Ereignissen überschattet. So verstarb Kjeld- 

Darsteller Poul Bundgaard im Juni 1998 und musste für die noch nicht 

fertiggestellten Szenen gedoubelt werden. Es blieb nicht bei diesem 

Todesfall: Benny Hansen, der den Krankenpfleger spielte, der neu engagierte 

Regisseur Tom Hedegaard (Erik Balling konnte aus gesundheitlichen 

Gründen weder am Drehbuch mitschreiben noch Regie führen) verstarben 

während der Dreharbeiten, Bjorn Watt-Boolsen (seit 1974 in der Rolle 

des Schurken Hallandsen) wenige Tage nach der Premiere. Inzwischen 

sind auch Bahs (2002), Sprogøe (2004) und Balling (2005) gestorben, 

doch die Olsenbande bleibt unsterblich. Es gibt eine Kinderversion, 

Theaterstücke, Comics, Bücher, einen 

Animationsfilm und die 

guten, alten Originale in 

bester HD-Qualität auf 

DVD sowie nach und nach 

auf Blu-ray. 

Fotos: © Nordisk Film

Abi Ofarim 

Je oller, desto doller! Auf kaum einen trifft dieser 

Spruch mehr zu als auf Abi Ofarim: Der gebürtige 

Israeli mit deutschem Pass, der in den 60er 

Jahren mit seiner damaligen Gesangspartnerin und 

Ehefrau Esther weltweit 59 goldene Schallplatten und zahlreiche 

h 

Awards abräumte und seither immer wieder mal für Schlagzeilen 

gut war, hat am 5. Oktober seinen 76. Geburtstag gefeiert. Doch 

zu bremsen ist der Mann, der sich nach eigener Aussage wie ein 

Teenager" fühlt, in keinster Weise: Er tritt nicht nur beachtlich " 

oft live auf und arbeitet an einer neuen CD, sondern er hat sich 

seit geraumer Zeit einem sehr ambitionierten, für einen Promi 

aus dem Showbusiness eher ungewöhnlichen Projekt verschrieben, 

und das mit Haut und Haaren, Leib und Seele: Kinder von 

gestern" heißt der Verein, den er mit Seelenverwandten " 

gegründet 

hat, um noch in diesem Jahr ein Jugendzentrum für Senioren" zu 

eröffnen. Im Gespräch mit " 

kult!-Mitarbeiter Philipp Roser präsentiert 

er sich voller Elan, als er über dieses Vorhaben berichtet 

– aber er blickt auch zurück in die Vergangenheit. 

Abi, wie kam es zu deinem Projekt Kinder von gestern", und 

was verbirgt sich dahinter? " 

Vor einem Jahr habe ich ein Poster für den Kältebus in München 

gemacht, bin auch mit ihm unterwegs gewesen, als er bei frostigen 

Temperaturen bei den Obdachlosen vor Ort war. Da habe ich unglaubliches 

Elend gesehen. Wir sind ein so reiches Land, und dennoch frieren 

Menschen auf der Straße. Viele Leute 

sind gezwungen, ihre Wohnungen zu 

verlassen, weil sie am Ende des Monats 

nicht genug Geld haben, um die Miete zu 

zahlen. Ich habe zum Beispiel eine Frau 

getroffen, die lebt den ganzen Monat 

von Toast und Ketchup, um ihre Miete 

bezahlen zu können. Ich habe immer viele 

Wohltätigkeitssachen für Kinder und Tiere 

gemacht – dann habe ich eine Doku gesehen, 

die die Situation unserer Seniorinnen 

und Senioren in Deutschland zeigte. Viele 

werden abgeschoben nach Rumänien, weil 

die Heime da billiger sind. Die Aussage eines es Sohnes, der seine Mutter in 

einem solchen Heim untergebracht hat, hat mich besonders schockiert. 

Da sie an Demenz leidet, ist er der Meinung, sprachliche Barrieren seien 

kein Hindernis, sie verstehe sowieso nichts. Einfach unglaublich! Da kam 

mir die Idee zu „Kinder von gestern" – ich habe mit Gleichgesinnten 

den Verein gegründet, um Leuten zu helfen, die 40, 50 Jahre schwer 

gearbeitet und das Land in seinen heutigen Zustand gebracht haben, 

denn Kinder sind wir doch alle. Viele werden allerdings vergessen, werden 

behandelt wie Abfall der Gesellschaft. Sie sind nicht nur finanziell 

Foto 

:©Phil 

ipp 

Rose 

r 

schlecht gestellt, sondern häufig auch sehr einsam. Da kam ich auf den 

Gedanken für das „Jugendzentrum für Senioren". Wir richten in einem 

früheren Schlecker-Markt ein Treffpunkt ein, wo diese Menschen hinkönnen, 

um ihrer Einsamkeit für ein paar Stunden zu entkommen. Dort 

können sie Kaffee und Tee trinken, Schach oder Karten spielen, stricken, 

nähen, Freunde finden. Wir haben Leute, die ihnen den Umgang mit 

dem Computer beibringen, haben Handys für ältere Leute. Wir machen 

Lesungen, eine Tanzschule hat uns angeboten, einmal in der Woche 

Tanztees zu veranstalten. Auch Schuldnerberatung ist geplant. 

Du redest dich regelrecht in Begeisterung – da erübrigt sich 

fast die Frage, warum du dir all den Stress antust in einem 

Alter, in dem andere Leute ihren Ruhestand genießen. 

Wie alt sehe ich aus? 

Jünger! 

Ich fühle mich auch jünger, ich habe die Kraft, und ich bin ein Vorbild 

für die Leute. Ich wurde am 5. Oktober 76, fühle mich konditionell und 

stimmlich fitter denn je. Warum tue ich mir das an? Das gibt mir Kraft, 

das gibt mir die Möglichkeit zu helfen. Natürlich hilft mein Name, aber 

die richtige Hilfe bin ich selbst. Und ich möchte den Leuten eine innerliche 

Sonne bringen – und ich kann das! 

Ich kann das, und ich motiviere andere 

Leute. Im Moment bin ich fitter als vor 10 

oder 20 Jahren, als es mir nicht gut ging. 

Ich weiß, wie das ist, wenn man richtig 

tief unten ist, wenn man kein richtiges 

Zuhause hat. 

So ein Projekt kostet viel Geld ... 

Wir haben viele tolle Sponsoren, das 

Sozialreferat der Stadt München hilft 

uns sehr, und ich sammle bei meinen 

Auftritten. Da erzähle ich von dem Projekt 

und gehe mit dem Hut herum. Und ich 

gebe Benefizkonzerte 

– beim ersten in der Münchner Emmauskirche 

kamen 14.000 Euro zusammen. Allerdings leidet im Moment meine 

Musik darunter, denn ich sollte eigentlich an meiner neuen CD Abi 

Ofarim & Friends arbeiten, der Arbeitstitel heißt FAVOURITES – meine 

favorisierten Künstler und meine Lieblingslieder, dazu auch ein paar neue 

Songs. Ich wollte sie eigentlich dieses Jahr fertigmachen, musste es aber 

auf nächstes Jahr verschieben. Denn „Kinder von gestern" liegt mir so am 

Herzen, und ich bin froh, dass ich die Möglichkeit habe zu helfen. Und 

jede Hilfe, mit der man uns hilft, damit wir helfen können, ist gigantisch. 

Die Gitarre ist immer griffbereit: Abi Ofarim im September 2013 

© Pr 

esse 

se 

foto 


Das Helfen zieht sich durch dein Leben, wie 

man deiner Autobiografie Licht & Schatten" 

von 2010 entnehmen kann. " 

Ende der 60er, 

Anfang der 70er Jahre hast du hier in der 

Münchner Musikszene einigen Leuten bei ihrer 

Karriere maßgeblich geholfen, als Produzent, als 

Songschreiber. 

Als die Staatsoper Margot Werner am Ende ihrer Karriere 

als Ballerina abschieben wollte, machten sie ihr dort 

das Jobangebot, Karten zu verkaufen. Sie wollte auch 

schon einwilligen, doch dann habe ich ihr angeboten, 

sie aufzubauen. Ich habe viele Hits für sie geschrieben 

und produziert. Sie hatte drei Goldene Schallplatten! Ich habe mit der 

Gruppe Can gearbeitet und sie großgemacht. 

Wie kam es denn zu dieser ungewöhnlichen Zusammenarbeit? 

Ich war immer ein Rocker. In meiner Teenagerzeit war Elvis mein Idol. 

Aber mit Esther durfte ich das nicht ausleben. Als wir uns getrennt 

hatten, kamen Can zu mir. Niemand wollte die Band haben. Ich habe 

die Musik gehört und bekam Magenschmerzen. Beim zweiten und 

dritten Hören hat mein Körper wieder rebelliert, aber ich habe gesagt: 

Das ist stark, und es gibt so viele Masochisten auf der Erde. Ich fing 

an, das zu mögen, und dann habe ich sie vermarktet und gemanagt. 

Ich hatte eine philanthropische 

Firma, die 

hieß Prom, und da habe 

ich junge Musiker wie 

Peter Petrel, Suzanne 

Doucet und etliche 

Newcomer produziert 

und sehr viel Geld reingesteckt, 

von dem ich 

wenig wiedersah. Aber 

das hinderte mich nicht 

daran, Leute aufzubauen, 

Leuten zu helfen. 

Ich mache viel, und ich 

versuche zu helfen. 

Du warst musikalisch 


lange weg von der Bühne, 27 Jahre lang – wie kam es, dass 

du vor einigen Jahren wieder angefangen hast, Musik zu 

machen? 

Ich war zwar weg von der Bühne, aber nicht von der Musik. Ich 

habe produziert, gemanagt, geschrieben. So habe ich auch meine 

Jungs großgemacht. Im wahrsten Sinne des Wortes. Ich war und 

bin ein leidenschaftlicher Papa, habe aber auch ihre musikalischen 

Karrieren maßgeblich begleitet. Dann habe ich Kirsten (Schmidt) 

kennen gelernt, meine heutige Managerin und Lebenspartnerin. Sie 

kam jedes Wochenende aus Kiel, wo sie arbeitete. Ich habe ihr neue 

Songs vorgespielt, und sie sagte, ,Bist du noch ganz dicht? Du bist 

besser als alle Künstler, für die du schreibst und die du produzierst 

– warum gehst du nicht selbst wieder auf die Bühne?' Sie hat mich 

genervt, bis ich sagte: Nehmen wir an, dass ich auf die Bühne gehe 

– da habe ich ein Problem, ich habe keinen Manager. Da sagte sie, 

dass sie das machen würde. Sie hat mir ein Engagement auf der 

MS Europa verschafft, einem Kreuzfahrtschiff der Extraklasse, dann 

2009 mein erstes Konzert im Schlachthof in München, dem die CD 

TOO MUCH OF SOMETHING folgte – und die Reaktionen waren 

immer riesig. Das Tolle ist übrigens, dass viele meiner alten Fans mir 

die Treue gehalten haben, aber auch viele junge Leute zu meinen 

Konzerten kommen. 

Stolz bist du auch auf deine Söhne Gil und Tal, die selbst 

bereits veritable Karrieren als Musiker vorzuweisen haben. 

Tal macht gerade das, was Gil auch gemacht hat: Er ist bei „The Voice 

Of Germany" dabei. Gil war in der Show sehr erfolgreich. Das hat ihm 

und seiner Band Acht einen Riesen-Push nach vorne gebracht. Tal hat 

schon drei Hürden genommen. Ich bin stolz auf meine Kinder, denn 

die machen echte Rockmusik – also das, was ich selbst früher gerne 

gemacht hätte. Heute mache ich eine Kombination aus Rock, Pop, 

Folk und Singer/Songwriter, aber mit mehr Rhythmus im Rücken. 

In den Zeiten mit Esther hattet ihr Kontakt zum Beatles- 

ssefoto 

© Pr 

esse 

Manager Brian 

Epstein, der 

damals starb, kurz 

bevor er auch euer 

Management übernehmen 

konnte? 

Richtig! Der hatte uns 

in der Musikhalle in 

Hamburg gesehen und 

lud uns nach England 

1968 trafen Abi & Esther Queen Elizabeth II. 

ein. Wir waren bei ihm, 

haben einen Vorvertrag 

gemacht, und zwei Wochen später starb er. In Deutschland waren wir 

schon bekannt, aber wir wollten auch England erobern. 

Und dann kam Robert Stigwood, der spätere Manager von 

Abba und Eric Clapton? 

Ja. Robert managte die Bee Gees, die neu und in Deutschland noch 

unbekannt waren. Wir haben bei ihm unterschrieben, und er hat uns 

mit den Bee Gees zusammengebracht – wir sollten ihnen helfen, in 

Deutschland berühmt zu werden, und sie uns in England. Wir haben 

"Morning Of My Life" und ”Garden Of My Home" gesungen, die 

sie geschrieben hatten. Ich habe ihnen dann geholfen, die Songs 

noch so zu bearbeiten, dass sie für uns passten. Die 

Mit "Morning 

Of My Life" 

Journalisten hier in Deutschland waren nicht begeistert 

und fragten: Wie können die Ofarims Lieder einer 

war das Duo 

im TV zu 

Rockgruppe singen? Bis wir Nummer eins waren – 

sehen. 

da war dann alles okay. In England passierte aber 

nichts, bis ich sagte, wir wechseln vom Label Philips 

zu Polydor – dann haben wir "Cinderella Rockefella" 

gemacht, und danach brauchten wir Stigwood nicht 

mehr. Wir waren fünf Wochen lang Nummer eins, das 

Lied war der Favorit von Königin Elizabeth II., wir 

haben eine Royal Performance für sie gegeben, und 

dann gingen wir in Amerika auf Tournee, traten in der 

Carnegie Hall und in der Hollywood Bowl auf. Aber 

ich empfinde meine Konzerte heute viel intensiver 

als die damals – es ist wie ein 

Bumerang: Es kommt unglaublich 

viel von den Leuten zu 

mir auf die Bühne zurück, 

was ich ihnen dann wiederum 

zurückgeben kann. Und noch 

etwas ist anders: Damals war 

es ein Muss, eine Ofarim-LP zu 

haben, heute ist es kein Muss. 

Wenn jemand Abi Ofarim kauft, 

dann weiß er, was er kauft. Das 

freut mich, das hält mich fit. 

Nervt es nicht, immer wieder 

auf die Vergangenheit 

angesprochen zu werden? 

Nein, auch wenn ich heute 

nach vorne blicke, das gehört 

ja 

auch zu mir, ist Teil meiner 

Ab 1965 feierte das 

Geschichte. Und ich bin ja auch 

Paar einen Erfolg 

nach dem anderen 

stolz darauf. Ich war letztes 

Jahr in der „Charts Show", da 

ging es um „50 Jahre LP-Charts Number One in Deutschland", da war 

ich als einziger mit drei LPs ganz vorne vertreten. 

Abi, du bist Fußballfan? 

Ich bin Fußballfan, wie es nur geht – Kirsten leidet darunter, mittwochs 

und am Wochenende flippt sie fast aus. Ich bin schon unruhig 

eine Stunde, bevor es losgeht. Meine beiden Söhne hier und da (links 

und rechts neben ihm, Anm. d. A.), wenn die Bayern spielen – das ist 

ein Film für sich. Ich habe selbst Fußball gespielt, als ich sehr jung war, 

damals in Israel bei Maccabi Haifa. Ich habe auch geboxt, war mit 15 

Jugendmeister. Aber ich war auch am Theater, ich habe Modern Ballet 

getanzt und dann später Musik gemacht. Das ging nicht gleichzeitig 

mit Modern Ballet und Fußball. Aber ich verpasse heute kaum ein 

Fußballspiel. 



Michael L andon 

Little Joe 

wird zum 

großen 

Star 

Sein Name 

stam mte aus dem 

Telefonbuch. Aber 

Michael Landon 

war 

ein Original. Der 

unglückliche Junge, 

der 

eigentlich Eugene 

Orowitz hieß und 

gern träumte, erfand 

sich selbst. Und 

ließ eine ganze 

Fernsehgeneration 

mitträumen. 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber, " 

Bonanza" 

Sein Leben war 54 Jahre kurz, doch in dieser Zeitspanne war 

er 14 Jahre der ungestüme Little Joe von der Ponderosa, 

zehn Jahre der tüchtige Familienvater von der „kleinen Farm" 

und schließlich sechs Jahre der rührige Engel, unterwegs auf 

dem „Highway To Heaven" – ein Fernsehvermächtnis, das seinesgleichen 

sucht. Als unheilbarer Krebs diagnostiziert wurde, berief Michael 

Landon eine Pressekonferenz ein. Nicht, um sich zu verabschieden, 

sondern um eine Kampfansage zu machen: „Der Krebs wird kämpfen 

müssen um mich zu kriegen." Kampf war er gewohnt. Erkämpfen hatte 

dieser Mann sich alles müssen, von früher Kindheit an. 

Seine Kindheit war traumatisch. Zum sechsten Geburtstag erklärte 

seine Mutter – die er später oft als „off the rocker", also plemplem, 

beschrieb –, sie möge ihn nicht mehr, weil sie kleine Jungs nicht leiden 

könne. Die neurotische Mutter hasste seinen beruflich erfolglosen 

Vater mit einer kaum zu überbietenden Inbrunst. Selbstmordversuche 

waren Bestandteil dieses Milieus. „Ich war schon zehn Jahre alt", 

sagte Landon später, „als mir aufging, dass der Gasofen nicht dazu da 

ist, seinen Kopf hineinzuhalten." Hatte er ins Bett gemacht, hängte 

Mutter die Laken draußen für jedermann sichtbar auf. Dass er noch 

als Teenager Bettnässer war, machte er als Star öffentlich, um anderen 

Kindern mit demselben Problem zu helfen. Seine psychologischen 

Narben jedoch trug er sein Leben lang. Und dass er in New Jersey mit 

Antisemitismus aufgrund seiner jüdischen Herkunft konfrontiert wurde, 

machte seine Kindertage auch nicht einfacher. 

In der Highschool setzte er alles daran, seinen schmächtigen 

Körper in den eines Athleten zu verwandeln – und stellte einen 


nationalen Highschool-Rekord im Speerwerfen auf. Das brachte ihm 

ein Sportstipendium an der University Of Southern California in Los 

Angeles ein. Der Bibel-Film „Samson und Delilah" hatte einen bleibenden 

Eindruck hinterlassen: Eugene glaubte fest daran, dass langes Haar 

auch ihm Kraft verleihen könnte. Je länger sein Schopf wuchs, desto 

weiter flog sein Speer. Die Hairdresser der Ponderosa sollten später alle 

Hände voll zu tun haben, um Landons langes Haar zu bändigen, während 

die buschigen Koteletten ungehindert unter seinem Cowboyhut 

hervorwucherten. An der Universität jedoch, in den ultra-konservativen 

50er Jahren, schoren ihn seine Mitschüler kahl. Worauf die Stärke ihn 

prompt verließ. Was ihn das Speerwerfer-Stipendium kostete – rückblickend 

betrachtet aber zum Film brachte. 


Bonanza" 

Ständige Adresse: Ponderosa-Ranch. 

Obwohl die Kulisse gleich an drei Orten aufgebaut war. 

eine gute Beziehung aufgebaut. Landon verarbeitete seinen Schmerz 

als Schauspieler. „Ich kann das benutzen. Ich brauche nur an ihn zu 

denken, schon weine ich." Diesen tiefen Brunnen in Landons Inneren 

lotete auch Dortort aus, was dem Jungschauspieler letztlich die Rolle 

des Little Joe eintrug. „Ich spürte eine Tiefe in Mike und ein Potenzial 

für schauspielerisches Wachstum." Der Produzent setzte gegenüber 

dem Sender den unbekannten Michael Landon durch. 

Der 24-Jährige spielte den Little Joe anfänglich als hitzköpfigen 

Teenager, noch nicht trocken hinter den Ohren. Joe Cartwright und 

Michael Landon wurden vor den Augen eines Millionen-Publikums 

erwachsen. Allerdings war der Cartwright-Family nicht gleich beim 

ersten Ausritt der Quotenerfolg beschieden. Erst der gewagte Entscheid, 

die Sendung 1961 auf den Sonntagabend zu verlegen, bescherte 

„Bonanza" die größte Aufmerksamkeit der Fernsehgeschichte. Die 

Show war fast Woche für Woche in den Top Ten der quotenstärksten 

Sendungen zu finden. Von 1964 bis 1967 war die Serie über den 

Großgrundbesitzer Ben und seine drei Söhne Adam, Hoss und Joe sogar 

die meistgesehene in ganz Amerika. Es heißt, der damalige Präsident 

Lyndon Johnson habe auf Fernsehansprachen am Sonntagabend verzichtet, 

um nicht gegen den Cartwright-Clan antreten zu müssen. Und 

Queen Elizabeth II. verriet Lorne Greene, der „Pa" Cartwright verkörperte, 

„Bonanza" sei im Buckingham Palast das wöchentliche Must-See. 

Dan Blocker und Lorne Greene 

firmierten unter ihren bürgerlichen 

Namen – nur Eugene legte sich einen 

Künstlernamen zu. " 

Michael Landon" 

entnahm er einfach dem Telefonbuch. 

Er hielt sich mit harten Gelegenheitsjobs über Wasser. Er entlud 

gerade einen Lastwagen, da forderte ein Mitarbeiter ihn auf, ihn 

zu einem Casting zu begleiten. Eugene machte mit – nur so zum 

Spaß. Sein hübsches Äußeres brachte ihm Kurzauftritte im Fernsehen 

ein. Und aus Eugene Orowitz wurde Michael Landon – nur das 

Telefonbuch stand Pate. Schon vor „Bonanza" hatte er sich die Sporen 

in TV-Western verdient. Im Jahr 1959 flimmerten in den USA sage und 

schreibe 32 Wildwest-Serien über den Bildschirm. Amerika brauchte 

noch einen Western so dringend wie eine Kugel zwischen die Augen. 

Was Michael Landon nicht wissen konnte: Er war dem Produzenten 

David Dortort aufgefallen, der für NBC eine neue Serie plante. 

Allerdings sollte nicht einfach eine weitere Pferde-Oper kostengünstig 

fürs Pantoffelkino heruntergekurbelt werden. Sondern die allererste 

Serie fürs Farbfernsehen. Der rein wirtschaftliche Hintergrund dieser 

ambitiösen Rechnung: Die NBC war die Tochterfirma von RCS, dem 

führenden Hersteller von Farbfernsehern, der die Amerikaner von der 

Anschaffung der Farbgeräte zu überzeugen suchte. Am 12. September 

1959 schlug einer Fernsehfamilie die Geburtsstunde, die als Cartwrights 

in einer Farbexplosion von Technicolor erstmals durch die brennende 

Landkarte ritten. 

Doch einmal mehr überschattete ein Schicksalsschlag Landons 

Freude: Zwei Tage, nachdem der künftige Weltstar den „Bonanza"- 

Vertrag unterschrieben hatte, starb völlig unerwartet sein Vater. Er 

hatte sich endlich von seiner Frau scheiden lassen und zum Sohn 

„Bonanza" war der erste der so genannten Property Western. Wie 

in den späteren Serien „High Chaparral" und „The Big Valley" ging es 

um ein amerikanisches Urthema: den Großgrundbesitz. Die Cartwrights 

wenden in früheren Episoden auch mal Gewalt an, um ihre Scholle zu 

verteidigen, und fordern ungebetene Gäste unter vorgehaltener Waffe 

auf, ihr Territorium zu verlassen. Damit entsprach „Bonanza" ganz der 

amerikanischen Politik jener Tage und nahm sogar die Reaktion der 

USA in der Kuba-Krise vorweg. Die Serie, die sich in einem scheinbar 

endlosen Sommer abspielte, hob sich von Konkurrenz-Western 

durch hohes Produktionsniveau ab und war dennoch klar ein Produkt 

für die kleine Glotze. So wurde zumindest in den Anfängen nie „on 

location" gedreht. Das Innere der Ponderosa sowie ihr Vorhof waren 

Bühnenbauten im Atelier der Paramount, und Virginia City war 


Bonanza" 


Stuhl von unserem Frühstückstisch und teilten das Geld unter drei statt 

unter vier auf." 


Unsere kleine Farm" 

gleich auf 

dem 

Backlot des Studios zu finden. n Die 

Handlung spielte zwar am Lake Tahoe in Nevada, die 

Aufnahmen fanden hingegen meist in Hollywoods weiterer 

Umgebung statt. Was aussieht wie der Westen der 

Pioniere, ist der immer gleiche Canyon in unmittelbarer r 

Nähe des Hollywood-Schriftzugs, ein stark abgenutzter er 

Drehort. Um die Illusion der blauen Seen und grünen n 

Tannen von Nevada aufrechtzuerhalten, reiste die Crew 

einmal jährlich zum Lake Tahoe für Außenaufnahmen. 

n. 

Dabei wurden vor allem Motive der reitenden Cartwrights ts 

aufgenommen, die dann nach Belieben in die Handlung ng 

eingesetzt werden konnten. Da die Familienbande so gut 

wie nie die Klamotten wechselte, konnte im Schnittraum 

kein Anschlussfehler passieren. Und es fiel nur besonders 

ers 

aufmerksamen Pony-Liebhabern auf, dass die hübschen 

Flecken auf Joes Schecken nicht immer dieselben waren, 

weil er mehr als ein Pferd ritt. Ebenso in Stein gemeißelt elt 

war die Filmfibel, gemäß der die Ponderosa-Erben keine 

feste Beziehung eingehen durften. Wenn Little Joe sich 

verliebte und verlobte, dann wusste der Zuschauer: Das ist 

der Todeskuss für die reizende junge Dame, und die Autoren 

schrieben ihr bis zum Ende der Episode einen plötzlichen 

Tod oder die schnelle Abreise mit der Postkutsche zu. Die 

Junggesellen der Ponderosa blieben für alle Zeiten von 

Weiberröcken verschont. 

Als Pernell „Adam" Roberts die Show 1965 verließ, hatte Michael 

Landon keine Probleme damit. Während die Handlung vorschrieb, 

dass die Brüder sich immer wieder das Leben retten, empfanden sie 

im wirklichen Leben wenig brüderliche Liebe füreinander. Roberts hat 

später darüber nachgedacht: „Ich versuchte, ihm klarzumachen, dass er 

sein Potenzial nicht voll ausschöpfte. Ich wollte lediglich erklären, dass 

er sich nicht entwickle. Irgendwie hat er das als persönlichen Angriff 

missverstanden und nie vergessen. Es tut mir leid." Landon weinte 

Roberts keine Träne nach: „Nachdem er weg war, entfernten wir einen 


Unsere kleine Farm" 

Ans große Geld zu kommen, das spielte für den kleinen Joe eine 

große Rolle. 500 Dollar Wochengage strich er anfänglich ein, sie sollte 

auf mehr als 20.000 klettern. Und er holte sich den Stuntman-Bonus 

ab, indem er viele Schlägereien – und davon gab's reichlich – und waghalsige 

Aktionen, die eigentlich den Kaskadeuren vorbehalten waren, 

selbst machte. Allein 1964 legte er eine Viertelmillion Flugmeilen 

zurück, um gutbezahlte Personal Appearences wahrzunehmen, 

Einweihungen von Supermärkten, Eröffnungen von Rodeos. Selbst 

als Sänger machte er ein paar Dollar nebenbei, obwohl Filmbruder 

Dan Blocker sagte, Mike könne keinen Ton halten. Candlelight 

Records, die Popularität nutzend, nahm eine Platte mit schmalzigen 

Lovesongs auf. Workoholic Landon ging sogar mit Jerry Lee Lewis 

auf Tour. Erst ein „Vater-Sohn-Gespräch" mit „Pa" brachte ihn zur 

Vernunft. In Lorne Greene sah er den echten Vater-Ersatz. Gemeinsam 

mit seiner Filmfamilie investierte Landon in Geschäftsideen wie eine 

Sicherheitsgurt-Firma. Während Joe seinen Pa um Erlaubnis bitten 

musste, wenn er mal kurz in die Stadt reiten wollte, war Michael 

Landon Teilhaber eines 400.000-Dollar-Landdeals mit Lorne Greene 

und Dan Blocker. Gemeinsam erwarben sie eine halbe Meile Strand 

in Malibu – ein heute unglaubliches Immobiliengeschäft. Als Little 

Joe seine Sporen nach 14 Staffeln an die Wand hängte, war Eugene 

Orowitz Multimillionär. 

Als „Bonanza" 1973 von der Bildfläche verschwand, war Michaels 

Fangemeinde in 87 Ländern auf 400 Millionen Zuschauer angewachsen. 

Die Filmproduzenten standen Schlange, der Sprung auf die 

große Leinwand wäre ein leichter gewesen. Doch Landon hatte andere 

Pläne. Ihm schwebte eine 

Familienserie mit hehren 

Auf der kleinen Farm" lehrte Landon die 

TV-Nation " 

Bescheidenheit und Integrität. Werten vor, in der er selbst 

nun die Rolle des Patriarchen 

übernehmen würde: „Unsere 

kleine Farm". Die Reihe 

wurde unter seiner Regie 

von 1974 bis 1984 zur 

Top-Show von NBC. Lange 

vorbereitet hatte er sich 

auf die Verantwortung, 

nicht nur mitzuspielen, 

sondern zu inszenieren, 

die Drehbücher zu schreiben 

und die gesamte 

Produktion zu leiten. Er 

hatte zur „Bonanza"- 

Saga 30 Scripts beigetragen 

und in einem 

Dutzend Folgen Regie 

geführt. An diesen künstlerischen 

Fertigkeiten 

hatte er hart gearbeitet, 

endlose Stunden im 

Schnittraum verbracht 

und sich von „Bonanzas" 

Chef-Kameramann 

Ted Voightlander in 

die Geheimnisse der 

Beleuchtung einweihen 

lassen. In den letzten 

fünf f Jahren auf der Ponderosa war Michael zunehmend fordernder 

geworden. „Es gab endlose Besprechungen über fast jeden Dialog, jede 

Szene, jede Kameraeinstellung", klagte sein Entdecker David Dortort, 

„es wurde zunehmend schwerer gegen Ende." Selbst „Pa" konstatierte: 

„Mike ist ein wirklich netter Typ. Aber extrem störrisch." Landon spürte 

ein brennendes Verlangen nach künstlerischer Kontrolle. Als er sie 

hatte, gab er sie nie mehr aus der Hand. Und er zog seine Ersatzfamilie 

nach: Die Crew der „kleinen Farm" setzte er aus den Kollegen vom 

„Bonanza"-Set zusammen. 


Als 1984 auch „Little House On The Prairie" Güte und Anstand so dringend wie ein 

ausgelaufen war, 

Diabetiker 

sein 

schlug Landon dem 

Insulin 

braucht." 

NBC-Boss Brancon 

Dass ausgerechnet 

Tartikoff umgehend 

diese Vaterfigur des 

eine neue 

Bildschirms in ech- 

Serie vor, in der er 

ten 

Beziehungen 

einen Engel spielen 

mehrmals 

schei- 

würde. „Man 

terte, tat sei- 

wird dich Jesus von 

nem Ansehen als 

Malibu nennen", 

Über-Vater keinen 

warnte Tartikoff. 

Abbruch. Als 

Doch von Kritikern 

er eine Affäre mit 

ließ sich Landon 

der 

Make-Uplängst 

nicht mehr 

Artistin von „Little 

beeinflussen, 

House" 

eingestehen 

sie waren stets 

musste, da 

unfreundlich gewesen. 

sollte die hässliche 

Oft genug 

Scheidung über ein 

hatte er erklärt, 

Fernsehkritiker 

„schreiben sowieso 

lieber über meine 

Jahr dauern. Erst 

in der dritten Ehe 

fand Landon Ruhe 

und Zeit für seine 

Frisur als über 

große Familie. Als 

meine Arbeit". 

Glaubte auch privat an eine höhere Macht: 

„Highway" 1989 an 

Michael Landon. 

Auch mit „Highway 

sein Ende kam, entwickelte 

To Heaven" verfolgte er die Absicht, eine 

inspirierende iriere 

rend 

nde Serie e ins Leben zu rufen 

– was 

er ohne Pause ein neues Projekt, eine 

Serie e über einen en Vater, der die Familie wieder 

er 

Foto: © Alan Light 

seine Kritiker oft mit moralisierend i verwechselten. 

„Ich will, dass die Zuschauer uer lachen 

und weinen, nicht nur dasitzen und 

den 

Bildschirm anstarren. Vielleicht leic 

icht 

bin 

ich altmodisch, aber ich glaube, 

Zuschauer hungern nach 

Shows, in denen die Figuren 

etwas Bedeutungsvolles 

es 

sagen." Fünf Saisons s 

waren 

das Resultat – in der kurzlebigen 

TV-Welt erneut e 

eine 

e 

Sensation. 

Orson Welles 

sagte über ihn: 

„In einer Welt, in 

der das Fernsehen 

all diese fürchterlichen 

Dinge in 

unsere Wohnstuben 

bringt, brauchen wir 

Michaels wöchentliche 

Injektion von 

zusammenbringen will. Die ersten Szenen 

waren im Kasten, als starke Magenschmerzen 

auftraten und im April 1991 Magenkrebs 

diagnostiziert wurde. Michael machte die 

Krankheit öffentlich und versprach seinen 

Fans, sie nach Kräften zu bekämpfen. Doch 

nur drei Monate später war er tot. Eugene 

Orowitz, der als Michael Landon zum Vorbild 

von Millionen ione 

geworden war, starb auf seiner 

Ranch in Malibu, am 1. Juli 1991. 

Die 

Popularität von TV-Stars 

wird 

in den USA seit jeher 

daran gemessen, wie oft 

sie auf dem Cover von „TV 

Guide" erscheinen, der 

Bibel des amerikanischen 

Fernsehpublikums. 

Lucille 

Ball l schaffte es 29 Mal 

aufs Titelbild. An zweiter 

Stelle folgt mit 

22 Titelgeschichten 

Michael Landon. 

40 Jahre ist es her, 

dass er das letzte Mal 

durch die verbrennende 

Landkarte Nevadas 

preschte. Es scheint 

wie gestern zu sein. 


Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber

Zuckersüße Träume – 

Kindheitserinnerungen aus 

Schoko und Karamell 

Aus Raider wird Twix!" Für manch einen dürfte diese Nachricht 1991 im ersten Moment einer kulinarischen Katastrophe gleichgekommen 

sein. Auch der zweite Teil des Marken-Claims ... sonst ändert sich nix" half da zunächst wenig. Schließlich hatte 

" 

" 

das durchschnittliche bundesdeutsche Schleckermaul bereits 

seit 1976 den Geschmack von Raider – der Pausensnack" liebgewonnen. 

Und an solch lukullischer Liebe hält man nur allzu 

" 

gern fest. Schon gar, wenn es ums Naschen geht. Tatsächlich 

aber war die Aufregung, ausgelöst durch einen frühen Fall von 

Globalisierung (der deutsche Markenname sollte an den international 

gebräuchlicheren angepasst werden), spätestens nach 

einer ersten Geschmacksprobe überflüssig. Denn die Rezeptur 

des Keks-Schokoriegels mit Karamellfüllung" blieb auch nach 

" 

der Namensänderung unverändert. 

W 

eitaus tragischer für den gemeinen 

Leckerschmecker ist es, wenn die Süßware 

seines Vertrauens plötzlich überhaupt nicht 

mehr im Supermarktregal aufzufinden ist. Im Einzelfall kann 

das wohl gar zu einem Zuckermangelschock führen. Und 

gerade „Leckerschmecker" ist hier ein gutes Stichwort. Denn 

„Leckerschmecker" von Storck (heute unter anderem „Toffifee", 

„Merci" und „Nimm 2") war ein solcher Schokoriegel (oder besser 

ein geflochtener Schokozopf), der irgendwann einfach verschwunden 

war aus dem Sortiment der Märkte. Ein Schicksal, 

das „Leckerschmecker" chme 

er 

mit seinemem süß-zähklebrigen Karamell- 

Klon, dem vom US-Hersteller Mars 

Inc. (unter anderem 

„Twix", „Milky Way", 

„Bounty") vertriebenen 

Konkurrenz-Produkt kt „3 

Musketiers" teilte. Was 

den Verlust wenigstens 

Ähnlich wie Leckerschmecker" und heute noch 

einigermaßen erträglich 

" 

in Großbritannien erhältlich: Curly Wurly". 

" 

machte, war die Tatsache, 


dass mit der ohnehin nicht zur Haute cuisine 

der Schokoriegel zählenden Kaumasse auch 

die – nicht nur aus heutiger Sicht – ziemlich 

einfältigen Werbeslogans aus dem Bewusstsein 

verschwanden. Weder „,Leckerschmecker' 

hört nie auf – lecker, lecker, lecker" und 

„,Leckerschmecker' schmeckt so lecker, weil 

,Leckerschmecker' länger schmeckt" auf der 

einen, noch „Lang wie ein Degen, süß wie eine 

Prinzessin" auf der anderen Seite zählen wohl 

zu den Highlights der Marketingkunst. Und 

man darf vermuten, dass für die ausführenden 

Agenturen Preise ähnlich dem in Deutschland 

erst später eingeführten „EFFIE", der Preis der 

Werbe- und Kommunikationsbranche für effiziente 

Markenkommunikation, k wohl nur ein Wunschtraum geblieben 

sein dürften. 

Im Übrigen lag bei „Leckerschmecker" und „3 Musketiers" wie eigentlich 

bei allen karamellhaltigen Schokoprodukten die – nicht ganz

ernstgemeinte – Vermutung nahe, der 

jeweilige Hersteller könnte einen Exklusivvertrag 

mit der Bundes-Zahnärztekammer 

geschlossen haben. Denn gegen Karamell, 

diese durchaus gaumenschmeicheln- 

de, 

aber eben auch zähklebrige Masse, 

ist bis heute kein Kraut, pardon, keine 

Zahnfüllung gewachsen. Ein ähnli- 

cher 

Plombenkiller war auch das heute 

längst vergessene „Caravelle", ein Riegel, 

der 

„Weichkaramell in Knusperreis- 

Vollmilchschokolade" versprach, aber 

recht schnell wieder vom Markt verschwunden 

war. 

Weitaus zahnfüllungsverträglicher 

gab sich aufgrund seiner leichtlockeren 

Füllung das klassische „Milky 

Way" (wird auch heute noch angebo- 

ten, 

allerdings in mehrfach veränderter 

Rezeptur und zudem in Variationen wie 

„Milky Way Crispy Rolls" oder „Milky Way 

Berries And Cream"). Seit den späten 60er 

Jahren war „Milky Way" so etwas wie der 

Schokoriegel des guten Gewissens. Dabei 

war „Milky Way" nichts anderes als ein 

„Mars", allerdings ohne die zähe Karamellschicht l 

ht – und damit beson- 

ders 

leicht. So leicht, dass Hersteller Mars Inc. sich brüsten konnte: 

„Milky Way ist so leicht und locker und schwimmt sogar in Milch." Ein 

echter Volltreffer in Sachen Marketingstrategie, verstärkt noch durch 

den günstigen Preis von 20 Pfennigen. Den Machern war damit 

so etwas wie die Quadratur des Kreises es gelungen: g n: eine Süßigkeit 

respektive ein Schokoriegel, den Mutti ti 

den 

lieben 

Kleinen guten Gewissens und jederzeit 

erlauben konnte. „Mutti ... ich 

weiß 'ne Schokolade, die man auch 

vor dem Essen darf!", lautete dann 

auch das Credo von „Milky Way". Und 

weiter: „,Milky Way' stillt das natürliche 

Verlangen nach Süßem – aber 

verdirbt nicht den gesunden Hunger! 

Denn die feine Candycrèmefüllung ist 

leicht, leicht und locker geschlagen – 

mehr als 10.000 Mal – und mit feiner, 

leckerer Vollmilchschokolade überzogen. 

,Milky Way' ist Favorit – schadet 

nicht dem Appetit!" Mir jedenfalls ls 

konnte dieser ernährungs-phsycholo-ogische 

Taschenspielertrick, den heute 

„Nutella" ähnlich nutzt, nur recht sein. Schließlich h 

war das „gesunde" 

e" 

„Milky Way" doch der Süßigkeitenfavorit auch meiner Mutter. 

Favoritenstatus erreichte bei mir auch „Milka Lila Pause", ein Riegel 

mit „Milka"-Schokolade, der 1986 auf den Markt kam. Kein Wunder, 

ist mir „Milka" doch 

bis heute die liebste Schokolade. Einige süße 

Jahre lang galt der Claim 

„Die schönsten Pausen 

sind lila" dann auch als 

in 

Schokolade gegossenes 

Gesetz. Ob in der 

Geschmacksrichtung 

„Nougat", „Erdbeere" 

oder „Alpenmilch", um 

nur einige i zu nennen, die „Lila Pause" war ein echtes Highlight der 

Schokokultur. Mein persönlicher Favorit aber war das Modell „Korn- 

Crisp", das dank „knuspriger Crispies" wirklich Biss hatte. Trotzdem 

muss die Begeisterung irgendwann nicht nur bei mir peu à peu 

nachgelassen haben. Bis es 2007 vorerst vorbei war mit der lilafarbenen 

Schoko-Euphorie. 2011 aber tauchte die „Lila Pause" wieder 

auf, in den Geschmacks richtungen „à la Caramel", „Erdbeer-Joghurt" 

und „Nougat-Crème". Und was zunächst 

nur als „Für kurze Zeit zurück"-Edition 

gedacht war, setzte sich erneut durch und 

liegt in der „Erdbeer-Joghurt"-Variante 

im Schokoriegel-Beliebtheitsranking bei 

Versender Amazon aktuell auf einem 

ordentlichen 21. Platz. 

Noch weit besser platziert allerdings 

sind dort die Schokolinsen „M&M’s". 

Während die „Choco"-Variante bei den 

Schokonüssen auf Platz vier liegt, rangieren 

die „Peanut-M&M’s", die Schoko- 

Erdnüsse, gar auf Platz eins. Was dieser 

Jetzt-Zustand mit kult! und kultiger 

Vergangenheitsbewältigung zu tun hat? 

Eine ganze Menge, sind „M&M’s" doch 

nichts anderes als die Fortführung bunter 

Kindheitsfreuden unter anderem Namen. 

Von „Treets" und von „Bonitos" ist hier 

die Rede, wobei „Treets" „die einzigartigen 

Schokoklicker mit dem Erdnusskern! 

– Kerngesund!" und „Bonitos" die 

Schokovariante waren. Ganz ähnlich wie 

„Milky Way" als vermeintlich besonders 

gesunde Süßspeise, machte auch „Treets" 

alle Mütter froh, wenn auch nicht zwingend nd 

in Sachen 

Gesundheit, 

eit, 

sondern vielmehr unter 

dem Aspekt der Sauberkeit 

ihrer Sprößlinge. „Treets 

schmelzen im Mund, nicht 

in der 

Hand" lautete 

der 

Werbeclaim, mit dem sich Jahre später 

auch die „M&M’s"-Schokolinsen schmückten. 

Kein Wunder, schließlich war und 

ist der Hersteller aller drei Schokolinsen- 

Produkte ein und derselbe, die im Schoko- 

Wunderland unvermeidbare Mars Inc. 

Z um Schluss 

sei 

allen, 

die von Schokoriegeln 

nicht nur als handfester, 

sondern auch als virtueller 

Nervennahrung nicht 

genug bekommen können, 

als informativ-unterhaltsamer 

Verbrauchertipp 

noch schoko-riegel.com 

ans Herz gelegt. Die Seite 

„Für alle Fans der süßen 

Köstlichkeit" verspricht 

mit Rubriken wie „Kleine 

Geschichte des Schokoriegels" 

oder „Anleitung 

zum Selbermachen" zwar 

zunächst mehr, als diese halten können. „Von A–Z" aber ist bemerkenswert 

akribisch recherchiert, nennt Hersteller, Inhaltsstoffe und 

Nährwertangaben und glänzt mit Fotos von Werbe-Anzeigen vergangener 

Schokoträume. 

Andreas Kötter 


Joachim Fuchsberger 

Mit dem Frosch 

hat alles angefangen 

Von Christian i Simon 

Er war das markanteste Gesicht des Gesetzes in den 

Edgar-Wallace-Filmen: Joachim " 

Blacky" Fuchsberger. 14 Mal 

tauchte der Schauspieler in die Abgründe des Verbrechens 

hinab und wurde dadurch zum Star des deutschen Kinos. 

Erinnern Sie sich noch an Ihren ersten Edgar-Wallace-Film? 

Aber natürlich. Das war 1959 „Der Frosch mit der Maske". Der Film war, 

ehrlich gesagt, ein Experiment. Jeder von uns vor der Kamera war von 

dem Stoff begeistert. Wir hatten auch ein sehr gutes Drehbuch, aber 

die allgemeine Erwartung war nicht gerade hoch. Und dann wurde es 

ein riesiger Erfolg. Daraus resultierte natürlich, dass man sofort an eine 

Fortsetzung dachte, und wie immer haben alle gesagt, das geht nicht 

gut, da brechen sie sich den Hals. „Der rote Kreis" war der zweite Wallace, 

und er wurde ein noch größerer Erfolg. Leider ohne mich, aber beim dritten, 

es war „Die Bande des Schreckens", spielte ich den Chefinspektor 

Long. Und daraus wurden dann insgesamt 31 Edgar-Wallace-Filme, bei 

14 habe ich mitgespielt. 

Was machte den Erfolg dieser Filme aus? 

Da kamen ein paar Punkte zusammen. Eines der großen Geheimnisse, 

was die echten Wallace-Filme ausmachte, war schwarz-weiß. Damit 

erreichten wir das Unheimliche – denk mal an die düsteren Straßen, den 

Nebel, die Gestalten … Es war weniger Psychologie als das Gebilde eines 

Irrgartens – die Zuschauer wussten nie, wer jetzt wer ist. 

Es gab ja auch immer ziemlich skurrile Szenen … 

Oh ja, ich denke da an „Die toten Augen von London" (Anm. d. Autors: 

1961). Ich drehte zusammen mit meiner geliebten Karin Baal. In einer 

Szene sollte ich sie aus einer gigantischen, mit Wasser gefüllten Glocke 

retten. Dafür haben sie die Karin in eine Waschmaschine gesteckt, die 

dann langsam mit Wasser gefüllt wurde. Ihr stand das Wasser im wahrsten 

Sinne des Wortes bis zum Hals. Wir haben oben gespielt und uns 

geprügelt, und unten in der Glocke dachte Karin, sie müsse ertrinken. Wir 

sind immer an die Grenzen gegangen. Wir haben immer versucht, die britische 

Skurrilität in die Filme einzubringen. Das machte sie glaubwürdiger. 

Apropos glaubwürdig. In England wurde doch nur sehr wenig 

gedreht, vielmehr entstanden die Aufnahmen auch in Dänemark 

und besonders in den Berliner CCC-Studios. 

Ja, das stimmt. Unser Produzent Horst Wendlandt hat die CCC von 

Arthur Brauner damals gemietet. Übrigens, der Brauner r hatte einen 

Spitznamen: „zahlt ziemlich zögernd" (lacht). Brauner hat 

dann später angefangen, selber Wallace-Filme zu produzieren, 

nur keine Edgar-Wallace-Filme, sondern Stoffe 

von Bryan Edgar Wallace – das war der Sohn von Edgar 

Wallace. Er kopierte die Wendlandt-Filme bis ins kleinste 

Detail, trotzdem waren es aber nie die echten. 

Sie haben den Produzenten Horst Wendlandt 

erwähnt. War er der Macher? 

Einer davon, der andere war der Regisseur Alfred Vohrer. Er 

prägte die Filme, er schuf die echten Wallace-Klassiker. Er 

war einarmig und wollte allen beweisen, dass dies bei der 

Arbeit keine Rolle spielte – im Gegenteil, er wollte mehr 

tun als alle anderen. Klaus Kinski war ein Liebling von 

ihm. Die beiden konnten so grotesk sein und wahnwitzige 

Dinge in die Filme einbringen. Unglaublich. 

Aber Horst Wendlandt engagierte die Schauspieler, 

die Stars … 

Er hatte es mitunter leicht. Die alten Ufa-Stars kamen 

alle händeringend zu Horst Wendlandt und baten ihn, sie 

in den Wallace-Filmen mitspielen zu lassen. Alle wollten 

mitmachen – Lil Dagover, Rudolf Forster, Elisabeth Flickenschildt, Fritz 

Rasp … Rasp war für mich einer der ganz Großen. Vor dem hatte man 

sogar ein bisschen Angst, wenn er ins Studio kam – der hatte so etwas 

Geheimnisvolles. Aber neben den Altstars waren die Filme auch ein 

Sprungbett für junge Kollegen, die durch Wallace teilweise erst bekannt 

wurden. Denke an Klausjürgen Wussow, Siegfried Rauch, Hansjörg Felmy, 

Barbara Rütting, Eddi Arent und natürlich auch Klaus Kinski. 

Man hat ja so ein Bild von Klaus Kinski … Wie war er? 

Er war das Enfant Terrible, und er wusste das auch. Er hat gesagt: „Wenn 

die das so wollen, dann kriegen sie es auch." Klaus war hochintelligent 

und beim Dreh ein äußerst präziser Arbeiter. So viele Eskapaden er sich 

außerhalb geleistet haben mag, im Studio war er immer 100-prozentig. 

Er konnte seine Texte in- und auswendig und hatte mitunter blendende 

Ideen die Filme betreffend. 

Und trotz des großen Erfolges der Filme sind Sie dann mal 

ausgestiegen. 

Das war später, die Filme waren schon in Farbe, und es wurden so 

genannte zeitgemäße Elemente von Sex & Crime eingearbeitet. Ich 

merkte, dass es in eine Richtung geht, für die ich mich nicht mehr 

verantwortlich machen wollte. Letztendlich sind es ja dann doch immer 

wir, die ihre Köpfe in die Kamera halten und hören müssen: „Der letze 

Film war aber nix". 

Aber 1971 haben Sie dann doch noch einen Wallace gedreht … 

Ja, mit Karin Baal zusammen habe ich noch „Das Geheimnis der grünen 

Stecknadel" gemacht. Aber da ist nicht mehr viel in meinem Hirn 

hängengeblieben. Irgendwas klingelt da noch … Nach Wallace kam eine 

lange, lange Pause. Im deutschen Filmgeschäft lief so gut wie nichts 

mehr, bis Leute wie Rainer Werner Fassbinder kamen, die dann ihre Filme 

mit neuen, jungen Leuten gemacht haben. Auch gut, aber eben anders. 

Fraglich, ob die in 50 Jahren auch noch so laufen wie 

heute die Edgar-Wallace-Filme. 

Damit liefern Sie mir ein Stichwort - die Wallace- 

Filme werden immer noch im Fernsehen wiederholt … 

Keiner von uns, die damals an diesen Filmen beteiligt 

waren, kriegt auch nur einen Cent für die andauernden 

Wiederholungen. Das Zweite ist, dass die Filme damals für 

ein ganz bestimmtes Medium gemacht wurden, nämlich 

fürs Kino. Und wenn man fürs Kino arbeitet, arbeitet man 

anders als fürs Fernsehen. Deswegen bin ich überrascht, 

dass im 

Fernsehen die Attraktivität der Wallace-Filme 

nicht nachgelassen hat. Riesenleinwand, kleiner 

Bildschirm … Das ist ein Phänomen, das ich 

nicht erklären kann. Das einzige, was man davon 

ableiten kann, ist die Tatsache, dass die Filme 

anscheinend doch so gut gemacht wurden, dass 

sie in der Zwischenzeit zu Klassikern geworden 

sind und man sie sich nach 50 Jahren aufgrund 

ihrer Machart auch heute noch immer wieder 

anschauen kann. Edgar Wallace – das ist Kult! 

Foto: © Interfoto / Moore 


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