kult! Formel Eins (Vorschau)

kult! 

www.goodtimes-magazin.de 

60er · 70er · 80er 

D: € 6,50 

Österreich € 7,50 

Luxemburg € 7,50 

Schweiz CHF 12,70 

Ausgabe 2/2013 (Nr. 8) 

mit 

Poster 

Heimatfil 

Heimatfilme 

Mode 

Poesie- 

Album 

Romy Schneider · Marlene Dietrich · Marie Versini · Das Jahr 1963 · Nino de Angelo · Volker Lechtenbrink · 300

The legendary 

music TV show - now with 

restored and remastered sound + vision! 

Double value: 

DVD + CD set 

(in practical standard 

2CD size pack) 

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viewing pleasure 

CD to play on your HiFi, 

portable or in-car 

Region free. 

Audio selection of 

Mono, Stereo and 

5.1 Surround Sound 

THE BLUES BAND: 

‘Live At Rockpalast’ 1980 

REP 5283 

Just for A Thrill 

REP 5246 Digipak 

Live 

REP 5247 Digipak 

ALVIN LEE & 

TEN YEARS LATER: 


REP 5285 

MICKEY JUPP: 


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Expertly remastered. Superb vision. 

Outstanding sound. The best in the business! 

CLIMAX BLUES BAND: 


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IMPRESSUM 

Anschrift: 

NikMa Verlag 

Fabian Leibfried 

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71665 Vaihingen/Enz 

Tel: 0 70 42/37660-160 

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Herausgeber und Chefredakteur: 


Mitarbeiter: 

Jens-Uwe Berndt, Horst Berner, Lothar 

Brandt, Michael Fuchs-Gamböck, Hans- 

Jürgen Günther, Peter Henning, Christian 

Hentschel, Teddy Hoersch, Hugo Kastner, 

Frank Küster, Bernd Matheja, Helmut Ölschlegel, 

Thorsten Pöttger, Philipp Roser, Roland 

Schäfl i, Oliver Schuh, Ulrich Schwartz, Eckhard 

Schwettmann, Christian Simon, Alan Tepper, 

Jörg Trüdinger, Claudia Tupeit, Uli Twelker, 

Peter Verhoff, Thomas Wachter, Jürgen Wolff 

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siehe Seite 89 

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nur mit der Zustimmung des Herausgebers 

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Willkommen bei 



-Herausgeber/Chefredakteur- 

Das 30-jährige Jubiläum der TV-Musiksendung Formel Eins" 

" 

spielt in dieser kult!-Ausgabe eine wichtige Rolle, symbolisierte 

sie doch Anfang der 80er Jahre eine wichtige Zeitenwende in der 

Musikwelt. Diese neuartige Präsentation von Liedern mit Hilfe 

von Videoclips hatte ein Jahr zuvor mit dem Start von MTV auf fbreiter Front tbe- 

gonnen, war über die bis dahin nur gelegentliche Form der Visualisierung von Songs 

hinausgegangen. In Deutschland trat sie dank Formel Eins" und Moderator Peter 

" 

Illmann – die Bezeichnung VJ (Video-Jockey) kam erst später auf – ihren Siegeszug 

an. In den ersten Jahren nach der Jahrtausendwende spielten Videos dann eine immer 

geringere Rolle, sie gewannen erst wieder mit dem Erfolg von youtube wieder an 

Bedeutung. Was aber eine ganz andere Geschichte wäre ... 

Anfang der 80er Jahre veränderten Videos die Wahrnehmung von Songs radikal. 

"Video Killed The Radio Star" war der Song, den die Buggles (Geoff Downes, Trevor 

Horn) bereits 1979 kreiert hatten und der zum Sendestart von MTV am 1. August 

1981 um 0.01 Uhr als Videoclip über die Bildschirme flimmerte. Dieses Stück brachte 

(bei aller Übertreibung des Titels) die Entwicklung metaphorisch auf den Punkt: 

Bis zu diesem Zeitpunkt hatte man Lieder im Radio gehört, in der eigenen Fantasie 

Bilder dazu entwickelt. Man verband bestimmte persönliche Jugenderlebnisse (erster 

Kuss, wilde oder sanfte Party-Erlebnisse und dergleichen) mit bestimmten Liedern. 

Santanas Schmuse-Instrumental "Samba Pa Ti" beispielsweise dürfte für viele Heranwachsende 

in den 70er Jahren unvergesslich bleiben ... 

Doch mit dem Aufkommen von Videos hörte man Lieder nicht mehr, man sah" sie. " 

Hast du schon die oder jene Nummer gesehen" gehörte damals schnell zur Alltagssprache. 

Man hatte nicht mehr die selbst entworfenen Bilder vor dem geistigen Auge, 

" 

sondern diejenigen, die mehr oder weniger einfallsreiche Videokünstler mit den Tönen 

mitlieferten. Wie dies zu bewerten ist, müssen Sie, liebe Leserinnen und Leser, 

für sich selbst beurteilen – aber darüber kurz mal nachzudenken, ist die Sache wert. 

Ich wünsche Ihnen bei der Lektüre der neuen kult!-Ausgabe viel Vergnügen, Schwelgen 

in Erinnerungen – und lassen Sie uns wissen, welche Themen Sie in einem der 

nächsten Hefte gerne aufgegriffen sähen! 

mit 

Poster 

kult! Nr. 9 erscheint 

am 18.10.2013 

GoodTimes 2/2013 ■ Seite 3

Ausgabe April 2013 

2/2013 (Nr. 8) 

INHALT 


60er · 70er · 80er 

RUBRIKEN 

3 Editorial/Impressum 

4 Inhaltsverzeichnis 

5 Top 5: Formel Eins-Hits 

Mitarbeiter 

6 News from the past 

Altes neu ausgepackt 

13 kult! Shop 

89 kult! Abo-Bestellschein 

47 Marilyn Monroe/Formel Eins 

Riesenposter 

Seite 14 

Seite 21 

Seite 26 

Seite 24 

14 Tarzan 

Der Unsterbliche aus dem Dschungel 

18 Hugo Kastner 

Der Mann, der dem Wilden Westen Gesichter gab 

21 ZDF-Hitparade 

Heck und die Hitparade: spartanisch, aber live 

23 Dieter Thomas Heck 

Interview 

24 Buck Danny 

Seit 65 Jahren am Steuerknüppel und kein 

bisschen grauer 

26 Formel Eins 

Jede Woche Clips aus einer Anarcho-Kulisse 

28 Peter Illmann 

Interview 

30 Alfa Romeo 

Als der Autofahrer sein Herz an Giulia" verlor 

" 

32 Nino de Angelo 

Interview 

34 Kultbücher 

Geschätzt, geliebt, gelobt 

36 Marlene Dietrich & Romy Schneider 

Deutschlands größte Filmdiven – 

Als Marlene Romys Dealer wurde 

40 

" 300" und Der Löwe von Sparta" 

" 

Auf den Spuren von König Leonidas 

44 U-Comix 

Der Underground mischt die Superhelden auf 

70er 

TV-Serien 

Seite 56 

Seite 30 

Seite 72 

Seite 82 Seite 36 

Mode 

Seite 44 

Seite 40 

56 TV-Krimi-Serien der 70er (Teil 2) 

Fernsehen mit Suchtgefahr 

60 Marie Versini 

Interview 

62 Heimatfilme 

Verschmäht und geliebt 

68 Spaghetti-Western 

Als Spaniens Süden der Wilde Westen war 

72 Sennheiser 

Generation Gelb: 

Der Siegeszug eines Kopfhörers 

74 Das Jahr 1963 

Postraub, Buli, JFK 

78 Sammelbilder 

Vom Kaufanreiz zum Objekt der Begierde 

80 Volker Lechtenbrink 

Interview 

82 Mode-Serie – 50er Jahre (Teil 1) 

Petticoat & Pomade wieder heiß begehrt 

86 The Beat Generation 

Provokation – Umwälzung – Freiheit 

90 Die Geschichte des Poesiealbums 

Edel sei der Mensch, hilfreich und gut" 

" 

92 Mission: Impossible 

Unmöglicher Auftrag: 

Seit 46 Jahren wird ermittelt 

94 Caroline Munro 

Die Schöne und die Biester 

96 Ronnie Scott's Jazz Club 

Frühbucher haben die besten Karten 

98 Alfred Biolek 

Interview 

Seite 4 ■ GoodTimes 2/2013

TOP 5 


HITS 

1. Billy Idol – White Wedding 

2. Flash & The Pan – Early Morning Wake Up Call 

3. New Order – Blue Monday 

4. Slade – My Oh My 

5. Alice Cooper – Poison 


1. Ray Parker Jr. – Ghostbusters 

2. Jennifer Warnes & Joe Cocker – Up Where We Belong 

3. Billy Ocean – When The Going Gets Tough The Tough Gets Going 

4. Michael Jackson – Thriller 

5. Berlin – Take My Breath Away 

Roland Schäfli 

1. Queen – I Want It All 

2. Einstürzende Neubauten – Engel der Vernichtung 

3. W.A.S.P. – Blind In Texas 

4. REO Speedwagon – Can't Fight This Feeling 

5. Ixi – Detlef 

Jens-Uwe Berndt 

1. Chris Isaak – Dancin' 

2. Jimmy Nail – Love Don't Live Here Anymore 

3. Pasadenas – Riding On A Train 

4. Will Downing – A Love Supreme 

5. Cure – Lullaby 

Oliver Schuh 

1. Rolling Stones – She Was Hot 

2. Pete Townshend – Face To Face 

3. Honeydrippers – Good Rocking At Midnight 

4. B.B. King – Into The Night 

5. Rio Reiser – König von Deutschland 

Horst Berner 

1. Wall Of Voodoo – Mexican Radio 

2. Tears For Fears – Mad World 

3. Whodini – The Haunted House Of Rock 

4. Righeira – Vamos A La Playa 

5. VOF. de Kunst (The Art Company) – Susanna 

Ulrich Schwartz 

1. Chris Isaak – Wicked Game 

2. Vaya Con Dios – Nah Neh Nah 

3. George Michael – Freedom 

4. Prince – Bat Dance 

5. Ärzte – Bitte Bitte 

Lothar Brandt 

1. Pat Benatar – Love Is A Battlefield 

2. Herbie Hancock – Rockit 

3. Elvis Costello – Everyday I Write A Book 

4. Geier Sturzflug – Bruttosozialprodukt 

5. Billy Idol – White Wedding 

Eckhard Schwettmann 

1. America – The Last Unicorn 

2. Joachim Witt – Märchenblau 

3. Kraftwerk – Tour De France 

4. Police – Wrapped Around Your Finger 

5. Spandau Ballet – Only When You Leave 

Michael F.-Gamböck 

1. Righteous Brothers – Unchained Melody 

2. Dire Straits – Money For Nothing 

3. Tina Turner – Steamy Windows 

4. Elton John – Club At The End Of The Street 

5. Paul McCartney – Happy Birthday 

Christian Simon 

1. Joe Jackson – Steppin' Out 

2. Spandau Ballet – Gold 

3. Cyndi Lauper – Time After Time 

4. Sade – Smooth Operator 

5. Sister Sledge – Lost In Music 

Peter Henning 

1. Cure – Pictures Of You 

2. John Lee Hooker – The Healer 

3. Tracey Ullman – Breakaway 

4. Bill Withers – Ain’t No Sunshine 

5. Paul McCartney – Figure Of Eight 

Alan Tepper 

1. Michael Jackson – Beat It 

2. David Bowie – Fame 90 

3. Was (Not Was) – Papa Was A Rolling Stone 

4. Robert Palmer – You're In My System 

5. David Bowie – China Girl 

Teddy Hoersch 

1. Mike Oldfield – Moonlight Shadow 

2. Van Halen – Jump 

3. Kraftwerk – Musique Non Stop 

4. Pet Shop Boys – It's A Sin 

5. Murray Head – One Night In Bangkok 

Jörg Trüdinger 

1. Erasure – Ship Of Fools 

2. Frankie Goes To Hollywood – The Power Of Love 

3. Foreigner – I Wanna Know What Love Is 

4. Pet Shop Boys – West End Girls 

5. Patrick Swayze – She's Like The Wind 

Andrea Leibfried 

1. Falco – Jeanny 

2. Madonna – Like A Virgin 

3. David Bowie – Let's Dance 

4. Patrick Swayze – She's Like The Wind 

5. Vanessa Paradis – Joe Le Taxi 

Claudia Tupeit 

1. Black – Everything's Coming Up Roses 

2. Cutting Crew – (I Just) Died In Your Arms 

3. Billy Joel – The Downeaster Alexa' ' 

4. T'Pau – Heart And Soul 

5. Duran Duran – The Wild Boys 

Thorsten Pöttger 

1. Robert Palmer & UB 40 – I'll Be Your Baby Tonight 

2. Hollies – Stop! In The Name Of Love 

3. Linda Ronstadt & Aaron Neville – Don't Know Much 

4. Agnetha Fältskog – Wrap Your Arms Around Me 

5. Roger Chapman & The Shortlist – How How How 

Uli Twelker 

1. Whitesnake – Here I Go Again 

2. Pretenders – Back On The Chain Gang 

3. Geier Sturzflug – Bruttosozialprodukt 

4. Sigue Sigue Sputnik – Love Missile F1-11 

5. Robert Palmer – Addicted To Love 

Philipp Roser 

1. Jennifer Warnes & Joe Cocker – Up Where We Belong 

2. Geier Sturzflug – Besuchen Sie Europa 

3. Tracey Ullman – My Guy 

4. Wolf Maahn & Die Deserteure – Fieber 

5. Die Toten Hosen – Hier kommt Alex 

Jürgen Wolff 


from the past 

1001 COMICS, DIE SIE 

LESEN SOLLTEN, BEVOR 

DAS LEBEN VORBEI IST 

Von Paul Gravett 

2012, Edition Olms 

ISBN 978-3-28301-157-4 

960 Seiten; 29,95 Ð 

In der vorzüglichen 1001"-Reihe sind bislang 

" 

unter anderem Bände über Filme, Alben, Gemälde 

oder Bücher erscheinen. Mit der aktuellen 

Publikation, für 

die 68 Experten aus 

verschiedenen Ländern 

Texte verfassten, wird 

ein Medium geehrt, das 

sich trotz aller Trends 

einen beständigen Fankreis 

bewahrt hat – die 

wunderschöne, meist 

kunterbunte Welt der 

Comics. Von den allerfrühesten Anfängen bis in 

das Jahr 2011 führt die Reise, bei der tatsächlich 

1001 Comics vorgestellt werden. Da es sich um 

eine britische Publikation handelt, die übersetzt 

wurde, liegt der Schwerpunkt natürlich bei den 

anglo-amerikanischen Titeln, wobei aber nicht 

die belgisch-französische Szene, Japan oder 

Deutschland vergessen werden. Neben einem 

umfangreichen Text zu jedem Titel begeistern 

die exakten Quellenangaben. Die Fantastischen 

Vier, Nick Knatterton, Fritz The Cat, Asterix, 

Marvel und DC – sie alle werden hier gewürdigt. 

SHERLOCK HOLMES 

FÄLLE 1–3 

Mit Christian Rode als 

Sherlock Holmes und Peter 

Groeger als Doctor Watson 

sind diese Hörspiele aus 

dem Hause Romantruhe sozusagen 

die Weiterführung 

der Maritim"-Krimireihe, die sich von 2003 

" 

bis 2011 auf Top-Niveau den klassischen Abenteuern 

der beiden Kult-Detektiven widmete. 

Beim ersten Fall, Besuche eines Gehenkten", 

" 

bittet der ehrbare Buchdrucker Alan Fenwick 

die beiden Kriminalisten um Hilfe, weil er 

nachts von einem ruchlosen Raubmörder, der 

allerdings schon vor Jahren hingerichtet wurde, 

heimgesucht wird. Fall zwei, Die Gesellschaft 

des Schreckens", 

führt Holmes und Watson 

mitten hinein in eine ebenso 

geheimnisvolle wie mörderische 

Vereinigung. Um die 

" tödlichen Rätsel rund um 

diese Gesellschaft aufzulösen, 

müssen die beiden 

ihr eigenes Leben aufs 

Spiel setzen. Der neueste 

Fall, Die betrogenen 

" Titanic-Passagiere", spielt 

DAS GROSSE LEGO BUCH 

in Southhampton. Hier soll einmal der Stolz 

" Neukolorierte Ausgabe 2013" im Impressum. Sergeant Dennis Becker, 

der White-Star-Reederei, die Titanic, zu ihrer 

Jungfernfahrt auslaufen. Noch ist das Schiff 

nicht fertiggebaut, da scheinen einige Familien 

aus armen Verhältnissen einem gewieften und 

gewissenlosen Schwindler auf den Leim gegangen 

zu sein, hat der sich ihr mühsam Erspartes 

Von Joachim Klang und Oliver Albrecht 

2012, Heel Verlag 

ISBN 978-3-86852-542-7 

400 Seiten; 19,99 Ð 

Legosteine gehören auch heute noch zum Inventar 

jedes Kinderzimmers. Und selbst so 

– und damit ihr Startkapital für ein Leben in mancher Erwachsene 

der neuen Welt – dreist unter den Nagel gerissen. 

Doch natürlich hat er seine Rechnung ohne 

Sherlock Holmes und Doctor Watson gemacht! 

(Romantruhe/Rough Trade, 95 Min. + 

100 Min. + 70 Min.) 

ist den bunten Steinen 

immer noch verfallen 

und lässt sich von seinen 

Kindern oder Enkeln 

zum kreativen Bauen animieren. 

Doch landen die 

ASTERIX 

ALLE BÄNDE NEU KOLORIERT 

Von René Goscinny und Albert Uderzo 

2013, Egmont Ehapa Verlag 

je 48 Seiten; 6,50 Ð 

Steine beim Aufräumen 

irgendwann mal in der 

großen Kiste, dann fehlt 

meist das, was die beiden Lego-Experten Joachim 

Klang und Oliver Albrecht in ihrem umfangreichen 

Buch zusammengetragen haben: 

Wir befinden uns im Jahre 50 v. Chr. Ganz 

" 

Gallien ist von den Römern besetzt ... Ganz Ideen! So liefert Das große Lego Buch" eine 

" 

Gallien? Nein! Ein von unbeugsamen Galliern Fülle von Vorschlägen, um aus dem zusammengewürfelten 

bevölkertes Dorf hört nicht auf, dem Eindringling 

Widerstand zu 

leisten. Und das Leben 

ist nicht leicht für die römischen 

Legionäre, die 

als Besatzung in den befestigten 

Lagern Babaorum, 

Aquarium, Laudanum 

und Kleinbonum 

liegen": So beginnen 

seit 1968 (im französischen 

Original seit 1961) alle Asterix-Bände. 

Zahllose Abenteuer hat der clevere Gallier 

seither bestanden, tatkräftig unterstützt von 

Freunden wie dem Hinkelstein-Fabrikanten 

Obelix, dem Dorfchef Majestix, Miraculix 

(der für den Zaubertrank verantwortlich ist) 

Sammelsurium eine völlig neue 

Welt entstehen zu lassen. Mit Hilfe detaillierter 

Aufbauanleitungen (inkl. Stückliste) widmen 

sich die Autoren zunächst kleinen Modellen wie 

Autos, Bagger, Lastwagen oder E-Loks, zeigen, 

wie man das notwendige Beiwerk wie Laubund 

Nadelbäume zusammenbaut, um dann 

bei den richtig großen Gebäuden – wie einem 

pompösen Kaufhaus oder einem Bahnhof – zu 

landen. Keine Frage, dass hier mit etwas Erfindungsreichtum 

der Fantasie keine Grenzen 

gesetzt sind. Die Königsdisziplin für alle Lego- 

Baumeister wartet dann am Ende des dicken 

Wälzers. Dort kann man seine Fähigkeiten an 

den Step-by-Step-Anleitungen zahlreicher Profimodelle 

erproben – vom Ferrari Testarossa 

über einen Monstertruck mit verchromtem Tank 

oder der (seit dem Band Tour de France") und voluminösen Auspuffrohren, ein charakteristisches, 

gelb-schwarzes New Yorker Taxi 

" 

unverzichtbaren Mithilfe des Hündchens 

Idefix. Sie besuchten dabei ferne Länder wie 

Ägypten, Griechenland, Spanien, Korsika 

bis zu einem wunderschönen amerikanischen 

Cabrio aus den 50er Jahren. 

oder das Morgenland, wagten in einer großen 

Überfahrt sogar den Sprung nach Amerika, 

nur um am Ende jedes Bandes wieder glücklich 

zu Hause anzukommen und das gerade 

bestandene Abenteuer mit einem rauschenden 

Bankett – Hauptspeise: Wildschwein am Spieß 

– zu feiern. Nun hat der Egmont Ehapa Verlag 

alle 35 Bände neu aufgelegt. Neben der 

Umstellung auf digitale Drucktechnik wurden 

manche Farben angepasst, einige sogar neu 

koloriert und die Umschlagbilder der Bände 

1,5 und 9 von Uderzo neu gestaltet. Das Buchstabenbild 

wurde dem französischen Original 

angeglichen, die Übersetzung 1:1 von den 

ursprünglichen Bänden übernommen. Insgesamt 

wirken die neukolorierten Alben farblich 

wesentlich frischer und moderner. Die neukolorierten 

Hefte erkennt man an dem Zusatz 

DETEKTIV ROCKFORD 

THE ORIGINAL MOVIES 1+2 

James Scott Rockford, meist nur kurz Jim genannt, 

verbrachte fünf Jahre unschuldig im 

Knast in San Quentin. Nach seiner Entlassung 

verdient er sich seine Brötchen als Privatdetektiv. 

Er wohnt am Strand von Malibu, Paradise 

Cove Road 29, in einem Wohnwagen – 

gleichzeitig auch sein Büro. 

Bei seinen Ermittlungen 

unterstützen ihn sein Vater 

Rocky, seine Freundin 

(und Rechtsanwältin) Beth 

und sein ehemaliger Mithäftling 

Angel. Sein alter 

Freund, der stets überarbeitete 

und genervte Polizist 


hilft – obwohl ständig um seinen 

Job besorgt – Rockford 

immer wieder, lässt ihn zur 

Not auch mal einen Blick in 

die polizeilichen Ermittlungsakten 

werfen. Für ein Honorar 

von 200 Dollar pro Tag plus 

Spesen hilft Rockford seinen 

Klienten – doch oft können 

seine Kunden ihm nicht einmal 

diesen Betrag bezahlen. Das ist der Plot, um 

den Mitte der 70er in den USA die Krimiserie 

The Rockford Files" ausgestrahlt wurde, in 

" 

Deutschland lief die Serie unter dem Titel Detektiv 

Rockford – Anruf genügt". Mit James " 

Garner (Rockford), Joe Santos (Becker), Stuart 

Margolin (Angel) und Gretchen Corbett 

(Beth) war diese Serie mit tollen Charakteren 

besetzt. In zwei separaten Boxen (mit jeweils 

vier einzeln verpackten DVDs) erscheinen 

jetzt die acht Serien-Specials in Spielfilmlänge, 

die zwischen 1994 und 1999 in der Originalbesetzung 

(bis auf den verstorbenen Noah 

Beery, der Rockfords Vater spielte) entstanden 

sind. Natürlich bietet diese längere Spielzeit 

pro Folge wesentlich größere Möglichkeiten, 

die Kriminalfälle zu entwickeln, ein Potenzial, 

das James Garner & Co. hervorragend 

ausnutzten ... 

(Explosive Media/Alive, Spr.: Deutsch, 

Englisch, 349 Min. + 348 Min.) 

DER SCHATZ IM SILBERSEE 

EINE ERFOLGSGESCHICHTE DES 

DEUTSCHEN FILMS 

Von Reinhard Weber und Solveig Wrage 

2012, Reinhard Weber Fachverlag 

ISBN 978-3-94312-701-0 

98 Seiten; 21,00 Ð 

Gewohnt ausführlich, 

fachlich fundiert und 

kurzweilig widmet sich 

der Fachverlag für Filmliteratur 

der Erfolgsgeschichte 

eines der berühmtesten 

deutschen 

Filme der Nachkriegszeit, 

dem Schatz im Silbersee". 

Mit dem Schöpfer der Romanvorlage, 

mit einem Kapitel zu Karl May, beginnt dieses 

" 

Buch. Führt dann über den Produktionsvorlauf, 

in dessen Zuge man erfährt, dass es nicht wenige 

gab, die diesem Projekt ein glorreiches Scheitern 

vorhersagten, über die Auswahl der Schauspieler, 

die Dreharbeiten in Jugoslawien bis zur 

Filmanalyse. Also bis zu jener riesigen Erfolgswelle, 

die Der Schatz im Silbersee" verdientermaßen 

auslöste. Neben der puren Faktenfülle 

" 

dieses Buches sind es die äußerst lesenswerten, 

oft nebensächlichen Anekdoten, die einen von 

Beginn an fesseln: Wie Horst Wendlandts Sohn 

Matthias seinen Papa dazu auffordert, mit Karl 

May " 

endlich mal was anderes als die ewigen 

Edgar-Wallace-Filme" zu drehen, wie sich in 

den ersten Drehtagen herausstellt, dass Pierre 

Price (Winnetou) nicht reiten kann, wie Lex 

Barker sich darüber beschwert, dass seine Filmfigur 

Old Shatterhand viel zu viel spricht, welche 

weiteren Auswirkungen sich Ralf Wolter 

von seiner Rolle als Sam Hawkens verspricht ... 

Kurz und knapp: ein tolles Buch! 

KILLING KENNEDY 

DAS ENDE DES AMERIKANISCHEN 

TRAUMS 

Von Bill O’Reilly mit Martin Dugard 

2013, Droemer 

ISBN 978-3-42627-612-9 

400 Seiten; 19,99 Ð 

J.F. Kennedy galt als die amerikanische 

Hoffung und stand für ein modernes und offenes 

Amerika. Das am 

22. November 1963 in 

Dallas auf ihn verübte 

Attentat hat die USA in 

ihren Grundfesten erschüttert 

und wird auch 

heute noch von mehr 

oder weniger glaubwürdigen 

Verschwö - 

rungstheorien umrankt. 

Der Doku-Thriller schildert 

die darauf zulaufenden Ereignisse, beginnend 

im Zweiten Weltkrieg, dokumentiert 

die Kuba-Krise und beschreibt die politischen 

Verhältnisse im letzen Lebensjahr Kennedys. 

Die gelungene Verflechtung von Fakten, Originaltönen, 

Fotomaterial, Landkarten und dem 

erzählend angelegten Text lässt die damalige 

Zeit plastisch wiederauferstehen. Ein spannendes 

Kapitel der modernen Geschichte, das 

eigentlich jeder kennen muss, um das aktuelle 

Zeitgeschehen zu verstehen. 

DIE DUCKS IN 

DEUTSCHLAND 

2013, Egmont Ehapa Verlag 

ISBN 978-3-7704-3720-7 

130 Seiten; 9,99 Ð 

Quer durch Deutschland führt die Familie 

Duck die Suche nach dem sagenumwobenen 

Schatz der Gräfin von Tarn und Tuxis. Die 

Spur führt sie in acht Kapiteln von Berlin über 

Hamburg, das Ruhrgebiet, et, München, Frankfurt, 

Köln, Stuttgart und 

Dresden wieder zurück 

nach Berlin. Wird sie 

das Wettrennen gegen 

den Dauerrivalen Klaas 

Klever gewinnen? Im 

August 2012 startete 

die Serie Die Ducks 

" 

in Deutschland" im 

Micky-Maus-Magazin. 

GoodTimes 2/2013 ■ Seite 7 

Die Entenfamilie reis te durchs Land – und 

ihre Fans reisten mit! Jetzt gibt es das komplette 

Abenteuer erstmals in einem Band, 

aufgestockt um zusätzliches Comic-Material 

und exklusive Einblicke in die Entstehungsgeschichte 

dieser Comicserie. 

DRECKIGE SPAGHETTI 

DIE GLORREICHE GESCHICHTE DES 

ITALO-WESTERN 

Von Uwe Lilling 

2012, Hannibal Verlag 

ISBN 978-3-85445-382-6 

245 Seiten; 49,99 Ð 

Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Charles Bronson, 

Henry Fonda, Franco Nero, Sergio Leone, Duccio 

Tessari, Sergio Corbucci, Quentin Tarrantino 

– der Sound von Ennio Morricone. Der Italo-Western 

ist und war weit mehr als nur eine kurzzeitige 

Randnotiz der Kinogeschichte, er hat überall 

seine Brandzeichen in unserer populären Kultur 

hinterlassen. Natürlich in stilechtem Breitwandformat 

ist dieses herrliche Buch die wohl schönste 

– und noch dazu eine äußerst umfangreiche – 

Hommage an Filme wie Spiel mir das Lied vom 

" 

Tod", Für eine Handvoll Dollar" oder Django". 

" " 

Rund 500 Filme entstanden in der Blütezeit des 

Spaghetti-Westerns, ein fast unüberschaubares 

Panorama an Klassikern, aber auch bizarren Außenseitern 

– raue Bastarde, mutige Experimente 

und zahllose, verborgene Perlen. Über die Historie, 

den Stil, 

den Helden und 

Frauen geht es 

bis zum Mythos 

dieser Filme, 

im umfangreichen 

Lexikon 

werden die 

wichtigsten Personen und Begriffe, aber auch 

Phänomene und Randgeschichten aufgelistet. 

In einem Interview erzählt Regisseur Quentin 

Tarrantino über seine (Italo-Western-)Vorbilder, 

eine herrlich anzusehende Bildergalerie liefert 

Szenenbilder, Plakate und Raritäten. Eine tolle 

Idee auch der beiliegende Nachdruck des historischen 

Programmheftes Illustrierter Film- 

" 

Kurier", das 1965 zur Deutschland-Premiere von 

Für ein paar Dollar mehr" erschienen ist. Eine 

" 

großartige Hommage! 

INVASION VON DER WEGA 

Im ZDF wurde diese Serie ( " 

The Invaders") 

von Larry Cohen zwischen April 1970 und Januar 

1971 jeweils dienstags um 21.05 Uhr ausgestrahlt. 

Im amerikanischen Original bestand 

sie aus 43 Folgen, für die damals knapp die 

Hälfte – 20 Stück – fürs deutsche Fernsehen 

synchronisiert wurde. Diese Folgen gibt es 

nun zusammengefasst auf sechs DVDs in einer 

Box, deren 16-seitiges, deutsches Booklet 

mit der ausführlichen Geschichte hinter die-

from the past 

ser Serie sowie kurzen Zusammenfassungen 

zu jeder Folge aufwartet. Dabei geht es um 

den Architekten David Vincent (gespielt von 

Roy Thinnes), der auf 

der Heimfahrt von einer 

Geschäftsreise dazu gezwungen 

ist, in einer abgelegen 

Gegend im Auto 

zu übernachten. Diese 

Nacht ist der Auftakt 

eines Alptraumes, den 

er nie vergessen wird: 

Von blinkenden Lichtern 

aus dem Schlaf gerissen, wird er Zeuge, wie 

ein fremdartiges, scheibenförmiges Objekt 

aus dem All auf der Erde landet. Als er dies 

am nächsten Morgen bei der Polizei meldet, 

sind alle Spuren verschwunden, und selbst 

die mysteriösen Ereignisse, die kurz darauf 

beginnen, führen nicht dazu, dass die Behörden 

ihm Glauben schenken. Als dann auch 

noch Vincents Freund und Geschäftspartner 

Alan Landers von den vermeintlichen Aliens 

getötet wird, schwört er sich, keine Sekunde 

zu ruhen, bis er Beweise für die Invasion der 

Außerirdischen findet. Neben den 20 Folgen 

(nicht synchronisierte Szenen wurden mit Untertiteln 

versehen) gibt es mit US-TV-Trailer, 

einer Langfassung der Pilotfolge, Audiokommentar 

von Larry Cohen und einem Interview 

mit Hauptdarsteller Roy Thinnes noch reichhaltiges 

Bonus-Material. 

(Spelling Entertainment/Alive, 1000 Min.) 

GANGSTER SQUAD 

KNALLHARTE COPS, DIE MAFIA 

UND DIE SCHLACHT UM L.A. 

Von Paul Lieberman 

2013, Hannibal Verlag 

ISBN 978-3-85445-405-2 

496 Seiten; 19,99 Ð 

Anfang dieses Jahres 

lief in allen Kinos der 

Film Gangster Squad", 

" 

der auf der akribischen 

Recherche des Journalisten 

Paul Lieberman 

basierte. Allerdings 

wurde – wie bei fast 

allen Hollywoodstreifen 

– die Realität kräftig 

zurechtgebogen. Das Buch hhingegen ist ein 

ungemein spannender True-Crime-Reißer, 

gespickt mit Wissen. Er schildert die illegal 

operierende Gangster Squad in den 40er und 

50er Jahren des letzten Jahrhunderts, insgesamt 

acht Cops, die dem berüchtigten Mafioso 

Mickey Cohen das Handwerk legten – wofür 

sie allerdings einige Jahre brauchten. Die Geschichte 

der Stadt der Engel", der berühmten 

" 

Filmstudios und des organisierten Verbrechens 

wurde bislang noch nie so detailgetreu, 

aber trotzdem unterhaltsam präsentiert. 

Eigens für Maschinengewehre hergestellte 

Geigenkoffer (gab es tatsächlich), Auftragsmorde 

der Mafia zu Beginn des Jahrhunderts, 

verübt auf einem Fahrrad (so geschehen) oder 

korrupte Beamte, die ihre Puffmutter besser 

kennen als die eigene Frau (da gab es einige) 

tragen zu einem schillernden Bild bei. Ein 

künftiger Klassiker! 

LEE MARVIN 

Von Robert J. Lentz 

2012, Reinhard Weber Fachverlag 

ISBN 978-3-94312-702-7 

192 Seiten; 29,00 Ð 

35 Jahre lang war Lee Marvin als Schauspieler 

tätig (bei seiner ersten Hauptrolle war er 

schon 40 Jahre alt!) und drehte 60 Filme. 

Einige davon sind Klassiker, die meisten 

wenigstens qualitativ 

gut, und nur wenige 

sind ziemlich dürftig. 

Als Schauspieler 

war Marvin bei seinen 

Kollegen und beim Publikum 

gleichermaßen 

hochgeachtet, denn 

wenngleich man ihn oft 

mit der Aussage zitiert, 

dass 

" Schauspielern 

eine alberne Art ist, sich seinen Lebensunterhalt 

zu verdienen", nahm er jede Rolle ernst 

und hatte ein untrügliches Gespür dafür, was 

man vor der Kamera zeigen und was man besser 

lassen sollte. Wie von den hervorragenden 

Büchern aus dieser Reihe gewohnt, begibt 

sich auch der Lee-Marvin-Band zunächst auf 

eine chronologische Reise durch alle Filme 

Marvins. Inklusive aller Beteiligten vor und 

hinter der Kamera, ausführlicher Filmstory 

sowie Kritiker- und Publikumsresonanz. Er 

begann seine Karriere in einer Militärrolle, 

in seinem zweiten Film Teresa" ist er genau 

" 

fünf Sekunden im Bild zu sehen, im dritten 

Film Hongkong" dürfte die Sequenz sogar 

" 

noch etwas kürzer sein! Doch dann ging es 

über Spionagethriller, erste Western, Krimis 

und Kriegsfilme steil bergauf mit seiner Karriere. 

Immer öfter wurde Marvin für Rollen 

in den ganz großen Hollywood-Produktionen 

wie Die Caine war ihr Schicksal", Der 

" " 

Mann, der Liberty Wallace erschoss" oder 

Cat Balou – Hängen sollst du in Wyoming" 

" 

ausgewählt. Bis er dann in Filmen wie Lawinenexpress", 

Gorky Park" oder Yukon" 

" " 

" 

mit seinem charakteristischen, unspektakulären 

Stil ganze Filme dominierte. Mit zahlreichen 

Szenebildern und Filmplakaten, einer 

detaillierten Auflistung seiner Bühnen- und 

Fernsehauftritte und umfangreichem Personenregister 

wird dieses äußerst informative 

Buch hochwertig abgerundet. 

DER TOD KOMMT NACH 

PEMBERLEY 

Von P.D. James 

2013, Droemer 

ISBN 978-3-42619-962-6 

384 Seiten; 19,99 Ð 

P.D. James zählt zu den eher 

konservativen britischen 

Krimi-Autoren, was bei der 

aktuellen Blutrünstigkeit 

des Genres durchaus positive 

Aspekte hat. Nun hat 

sie, basierend auf dem Klassiker Stolz und " 

Vorurteil" von Jane Austen, einen historischen 

Roman verfasst, bei dem die Personen ihrer 

Lieblingsschriftstellerin wieder auftauchen 

und deren Geschichte weitergeführt wird. Darcy 

und Elizabeth sind mittlerweile verheiratet 

und haben zwei Söhne. Vor dem Herbstball 

geschieht ein Unglück. Elizabeths Schwager 

wird blutüberströmt im Wald gefunden, neben 

sich eine Leiche. Plötzlich gerät die gutbürgerliche 

Welt ins Wanken. Eine originelle Idee, 

verknüpft mit James’ Schreibkunst, steht für 

ein spannendes und unvorhersehbares Werk, 

das fesselt – auch wenn die Autorin den historischen 

Aspekt ein wenig stärker hätte betonen 

können. 

KULTSPASS.DE 

KULTIGES IM INTERNET 

Eines Tages, so besingt es Asaf Avidan in seinem 

Hit "One Day", werden wir alt sein und 

uns an die Geschichten erinnern, die wir hätten 

erzählen können. Diese Tatsache hat sich 

ein unterhaltsamer Blog im Internet zum Motto 

gemacht. Auf www.kultspass.de gibt es jede 

Menge Kultiges von einst. Und natürlich von 

jetzt, denn Kultiges findet man überall und 

immer. Weil, so die Macher: Heute ist die Zeit, 

von der unsere Kinder irgendwann als die " 

gute alte" schwärmen werden! Aber was Kult 

ist 

(oder 

im Begriff 

ist, es zu 

werden), 

beschäftigt 

die Menschen, unterhält sie. Und allein das 

ist aller Ehren wert. Und das – das Unterhalten 

– ist letztendlich auch Ziel von kultspass.de. 

Da geht es um Bonanza" wie ums Dschungelcamp", 

um den Eurovision Song Contest 

" " 

und die Oscar-Verleihung wie um Deutschland 

sucht den Superstar". Um 50 Jahre Bun- 

" 

desliga, 50 Jahre Rolling Stones oder 50 Jahre 

James Bond ebenso wie um Dallas", Stirb 

" " 

Langsam", die Simpsons, Roy Black oder Krümel-Gate", 

den Keksdiebstahl von Hannover, " 

der das Krümelmonster ins Zwielicht rückte. 

Und selbst die Rücktrittsankündigungen von 

Königin Beatrix (mit Nachfolger-Vorschlag!) 

und von Papst Benedikt (mit Buchtipps zum 


Thema Papsttum) wurden ironisch-kreativ 

aufgegriffen. Witziges, Verrücktes, Polarisierendes 

– und Nützliches: Buchempfehlungen 

ebenso wie Hinweise auf kultige DVDs, Fernsehserien 

oder Zeitschriften – ja, auch kult! 

haben – natürlich – ihre Hommage abbekommen. 

Mit viel Herzblut geschrieben, mit vielen 

persönlichen Erinnerungen und legendären 

Video-Einspielungen gewürzt. Ein Leser (oder 

muss man User sagen?) brachte es via Facebook 

(www.facebook.com/Kultspass.de) auf 

den – von den Machern um Werner Jünzig, 

Kind der 60er Jahre – erhofften Punkt: " 

Tolle 

Artikel, man erinnert sich gerne an die schönen 

alten Zeiten zurück." 

STUKENBROK 

HAUPT KATALOG 1915+1931 

VON JOHN WILCOCK 

2012, Olms Presse, Hildesheim 

ISBN 978-3-487-08399-5 / 

978-3-487-08305-6 

178 / 238 Seiten; je 15,80 Ð 

Die Firma August Stukenbrok Einbeck wurde 

1888 als zweiter Versandhandel Deutschlands 

gegründet. Zunächst beschränkte sich die junge 

Firma auf Fahrräder (mit dem Markennamen 

Deutschland-Fahrrad"), nach und nach 

" 

wurde das erhältliche 

Warensortiment erweitert. 

Wie groß der Hunger 

der wirtschaftlich aufstrebenden 

Bevölkerung 

auf die verschiedensten 

Waren damals war, zeigt 

sich an den vielen unterschiedlichen 

Produkten, 

die es in den dicken 

Stukenbrok-Hauptkatalogen 

zu sehen 

und zu bestellen gab. 

Neben einem breiten 

Sortiment an Zweiradzubehör 

(von Klingeln 

über Gaslaternen bis 

zu Hundepeitschen 

für Radfahrer) gab es 

Nähmaschinen, Haushaltswerkzeug, Damen- 

Handtaschen, hochfeine Parfüms, Ausrüstungsgegenstände 

für Wandervögel, Pfadfinder, 

Jugendwehren, Waschmaschinen, zusammenklappbare 

Kindersportwagen, Tennis-Rackets, 

Rodelschlitten und Skier, Taschenuhren, 

echt goldene Damen- und Herrenringe in feiner 

Ausführung, Schallplatten, Guitarre- und Harfenzithern, 

Trommeln, Pfeifen und Trompeten, 

Revolver, Puppenstuben, Schaukelpferde 

sowie Spielkarten, Brettspiele, Würfelspiele 

und Roulettes – und das ist nur eine kleine 

Auswahl! Das alles mit entsprechenden Abbildungen, 

wortreichen Erläuterungen, Preisen 

und Bestellnummern – kurz und knapp: eine 

äußerst fesselnde Lektüre, die einen, hat man 

einmal mit dem Blättern begonnen, nicht mehr 

so schnell loslässt ... 

VARIOUS ARTISTS 

NARRENSCHLAGER 2 

Das waren noch Zeiten, als man Nachbarn, 

Freunde und Bekannte zur Faschingsparty zu 

sich nach Hause einlud. Die Männer wahlweise 

mit geringeltem Seemanns-T-Shirt 

oder mit 

aufgemaltem Bärtchen, 

Halstuch und Cowboyhut, 

die Damenwelt in 

exotischen Fantasie-Gewändern 

oder im französischen 

Can-Can-Outfit, das Wohnzimmer 

mit Girlanden und Luftschlangen geschmückt: 

So feierte man Anfang der 70er Jahre in vielen 

Haushalten die närrischen Tage. Auf dem Plattenteller 

drehten dabei die üblichen Verdächtigen 

ihre Runden, doch statt "Ich bin verliebt 

in die Liebe" verteilte Chris Roberts "Kesse 

Küsse", statt "Merci Chérie" widmete sich Udo 

Jürgens "Cara-Caramel, Choco-Chocolat", 

statt "Deine Spuren im Sand" besang Howard 

Carpendale "Das schöne Mädchen von Seite 

1". Dazu France Gall mit "A Banda (Zwei Apfelsinen 

im Haar)", Bill Ramsey mit dem unverwüstlichen 

"Pigalle", Caterina Valente feierte 

mit "Fiesta Cubana", Gus Backus mit "Da 

sprach der alte Häuptling der Indianer", Ralf 

Bendix mit dem "Babysitter-Boogie", Dorthe 

schmetterte ihr unvergessliches "Wärst du doch 

in Düsseldorf geblieben". NARRENSCHLA- 

GER 2, eine CD voller herrlicher Erinnerungen 

an (aus heutiger Sicht) unbeschwerte Tage – ob 

man heute auch noch solche Partys auf die Beine 

stellen könnte? 

(Koch/Universal, 22/55:41) 

NEW YORK EXPRESS 

Mit Rock Hudson, Claudia Cardinale, Jack 

Warden und Anne Seymour klasse besetzt, 

liefert dieser Film ein weiteres Beispiel dafür, 

wie populär Mitte der 

60er Jahre die Hollywood- 

Verbindung aus Spionage, 

James Bond und Liebeskomödie 

war. Dabei wird 

ein friedlich lebender 

Psychiater urplötzlich in 

eine geheime Staatsaffäre 

verwickelt, will nur seine 

staatsbürgerliche Pflicht 

erfüllen und wird auf einmal von allen Seiten 

aller möglichen Verbrechen verdächtigt. Als 

dann auch noch echte Gangster auftauchen und 

sich die temperamentvolle Vicky (Paraderolle 

für Claudia Cardinale) partout nicht davon abhalten 

lässt, nach der Wahrheit zu suchen, muss 

der Psychiater all seine Gewitztheit und seinen 

Mut aufbringen, um Geheimdienst, Gauner und 

verliebte Frauen in Schach zu halten. Extras: 

umfangreiche Fotogalerie sowie Kino-Trailer. 

(Explosive Media/Alive, 98 Min.) 

PERRY RHODAN ILLUSTRA- 

TOR JOHNNY BRUCK 

Von Frank G. Gerigk 

2013, Joh. Brendow & Sohn Verlag 

ISBN 978-3-94317-218-8 

318 Seiten; 39,95 Ð 

Der gigantische Erfolg der Perry Rhodan"- 

" 

Serie ist ohne Frage auch sein Verdienst: 

Johnny Brucks lebendige und faszinierende 

Illustrationen stellten oft den ersten Kontakt 

des Lesers zu diesen Science-Fiction- 

Abenteuern her. Auf mehr als 5000 farbige 

Arbeiten schätzt man Brucks Gesamtwerk, er 

war verantwortlich für unterschiedlichste Titelbilder, 

von Felix Graf Luckners Seeteufel 

über Tarzan, Conan und Billy Jenkins bis zu 

den Serien Utopia", Terra" und Atlan". Sein 

" " " Hauptwerk aber ist die 

wöchentliche 

" Perry- 

Rhodan"-Romanserie, 

die er 35 Jahre lang illustrierte. 

Schon zu Lebzeiten 

war der 1995 bei 

einem Verkehrsunfall 

ums Leben gekommene 

Zeichner eine Legende, 

zwischenzeitlich haben 

seine Zeitgeist-geprägten und retrofuturistischen 

Darstellungen Kult-Status erreicht. 

Natürlich bilden unzählige Abbildungen dieser 

Titelbilder den Kern dieses großformatigen 

Buches, höchst interessant aber auch die Erläuterungen 

dazu, die Kurzbiografie, die Einführung 

in die künstlerischen Wurzeln Brucks, 

Erinnerungen von Autoren, mit denen er zusammengearbeitet 

hat, sowie zahlreiche Statistiken 

über Schauplätze, Hauptpersonen und 

Hintergründe. Am Ende des Buches widmet 

sich dann sogar noch ein komplettes Kapitel 

dem Erbe" Johnny Brucks. Anhand von nach 

" 

1995 entstandenen Titelbildern lässt sich dabei 

ersehen, wie stark seine Nachfolger immer 

noch vom Brucks Stil beeinflusst sind, wie sein 

Werk auch über den Tod hinaus Bestand hat. 

KITTY UND DIE GROSSE 

WELT 

Kitty und die große Welt" gilt bis heute als 

" 

rarster aller Romy-Schneider-Filme. Jahrzehntelang 

war sein Verbleib 

unklar, erst vor kurzem 

wurde eine vollständig 

erhaltene s/w-Kopie des 

Filmmaterials entdeckt. 

Am Rande der Weltgeschichte 

spielt diese zauberhafte 

Liebesromanze, 


from the past 

die 1956 unter der Regie von Alfred Weidemann 

(Drehbuch: Herbert Reinecker) frei nach dem 

Theaterstück " 

Kitty und die große Weltkonferenz" 

entstand. Romy Schneider spielt darin 

Kitty, eine moderne junge Dame, die durch ihre 

Bekanntschaft mit einem Minister (O. E. Hasse) 

plötzlich in die " 

große Welt" gelangt. Dabei verliebt 

sie sich in den jungen, gut aussehenden 

Diplomaten Robert Ashlin, dargestellt von Karlheinz 

Böhm. Alles in allem ein typischer 50er- 

Jahre-Liebesfilm, bei dem sich die beiden Liebenden 

erst mit allerlei Irrungen und Wirrungen 

auseinandersetzen müssen, bevor sie sich am 

Ende glücklich in den Armen liegen dürfen ... 

(Hoppe Entertainment, 90 Min.) 

WESTERN HIGHLIGHTS 

In frisch restauriertem Bild und Ton sowie 

mit neuem Booklet versehen erscheinen 

nun vier Wiederveröffentlichungen 

von klassischen 

Western-Filmen 

aus den 60/70er Jahren. 

1967 drehte Regisseur 

Sergio Sollima den Film 

Der Gehetzte der Sierra 

" 

Madre" (106 Min.), in 

dem Lee Van Cleef als 

Kopfgeldjäger Jonathan 

Corbett den mexikanischen Herumtreiber 

Cuchillo Sanchez – gespielt von Tomas Milian 

– praktisch über die gesamte Filmlänge 

durch die Sierra Madre hetzt. Wie so oft passen 

Bilder und Filmmusik 

hier genial zusammen, 

kein Wunder, war doch 

Ennio Morricone dafür 

verantwortlich. Auch bei 

Von Angesicht zu Angesicht" 

(107 Min.) stand 

" 

im selben Jahr das nahezu 

identische Team vor und 

hinter der Kamera, bis auf 

Lee Van Cleef, dessen Hauptrolle diesesmal 

von Gian Maria Volonté übernommen wurde. 

1968 entstand unter der Regie von Andrew 

McLaglen der Film Bandolero" (106 Min.). 

" Mit James Stewart, Dean 

Martin und Raquel Welch 

stand hier die erste Riege 

an Hollywood-Stars zur 

Verfügung, die aber nicht 

verhindern konnte, dass 

der Mischung aus klassischem 

US-Western und 

Italo-Western öfter mal 

die Puste ausgeht. Definitiv 

Kult-Status hat 

inzwischen der 1971 

entstandene Film Hannie 

Caulder – In einem " 

Sattel mit dem Tod" (85 

Min.) erreicht. Raquel Welch zeigt sich hier 

als laszive Rächerin – legendär das Hochschlagen 

ihres Ponchos, wenn sie ihren Colt 

zieht –, die zusammen mit einem Kopfgeldjäger 

(gespielt von Robert Culp) und unter 

der Mithilfe eines Büchsenmachers (Christopher 

Lee) die drei Clemens-Brüder (Ernest 

Borgnine, Jack Elam, Strother Martin), die 

ihren Mann getötet haben, bis zum bleischweren 

Ende verfolgt. 

(Explosive Media/Alive) 

DON CAMILLO 

ALLE FILME AUF BLU-RAY 

Es war eine andere Welt: sowohl die beschriebene 

als auch die Art, sie zu beschreiben. 

Das Norditalien der 

späten 40er Jahre mit 

seinen kaltkriegsgeprägten 

Gegensatz 

zwischen christlichem 

Konservatismus und 

utopischem Kommunismus 

haben wohl 

kaum jemals wieder 

solch eigensinnige, 

verrückte, sympathische he Dickköpfe verkör- 

pert wie Giovanni Guareschis Roman-Streithammel, 

der leidenschaftliche Priester Don 

Camillo und der etwas aufgeblasene kommunistische 

Bürgermeister Potazzi alias Peppone. 

Insgesamt fünf wunderschöne Schwarzweißfilme 

wurden 1951 bis 1965 Jahren um das so 

schlagkräftige wie herzensgute Duo gedreht: 

" Don Camillo & Peppone", Don Camillos 

" 

Rückkehr", Die große Schlacht des Don 

" 

Camillo", Hochwürden Don Camillo" und 

" 

Genosse Don Camillo". Die liebevoll inszenierten 

Geschichten leben von der Extraklasse 

" 

der Hautpdarsteller Fernandel (Don Camillo) 

und Gino Cervi, bei denen man hinter jedem 

cholerischen Ausbruch doch immer das Herz 

auf dem rechten Fleck durchsieht, egal ob es 

für die Liebe Gottes oder die kommunistische 

Partei schlägt. Die spätere Haudrauf-Adaption 

mit Terence Hill als Don Camillo wirkt dagegen 

wie eindimensionales Dumpfbacken-Kintopp. 

Alle fünf Originale – die ersten beiden 

noch im 4:3-Format – sind aufwändig restauriert 

und in voller Länge auf Blu-ray in einer 

preisgünstigen Box erschienen. Die wenigen 

Schnitte der alten deutschen Synchronfassungen 

wurden wieder eingefügt, so dass man 

in diesen untertitelten Kurzpassagen auch die 

Originalstimmen von Peppone, Don Camillo 

und Jesus, mit dem der Herr Pfarrer regelmäßig 

Zwiesprache hält, hören kann, natürlich 

in zeittypischem Mono. Als Extras gibt es die 

Trailer und kleine Fotogalerien. Fünf Komödienklassiker, 

die eine kleine und womöglich 

bessere Welt heraufbeschwören. 

(Studiocanal, 5 Blu-rays, etwa 524 Min.) 

VINTAGE STYLE 

Von Sarah Kennedy 

2012, Schwarzkopf & Schwarzkopf 

ISBN 978-3-86265-157-3 

188 Seiten; 24,95 Ð 

Marilyn Monroe, Audrey 

Hepburn, Jackie O und 

Debbie Harry waren Stil- 

Ikonen ihrer Zeit und 

inspirieren Designer bis 

heute; 25 dieser unvergesslichen 

Stil-Ikonen des 

20. Jahrhunderts werden 

in diesem Buch vorgestellt. 

Dabei wird jedem 

dieser faszinierenden 

Looks, von Grace Kellys kühler Schönheit" 

" 

über Twiggys Stil der Swinging Sixties" bis 

" 

zur Extravaganz" von Kate Bush, in einem 

" 

eigenen Kapitel voller Bilder, Style-Guides, 

Beauty-Tipps und allerlei weiterer Infos ausführlich 

Platz eingeräumt. Wertvolle Tipps für 

das Stöbern in Second-Hand-Läden, die passenden 

Accessoires zum Outfit sowie leicht 

verständliche Anleitungen für Frisuren und 

Make-up machen das Nachstylen des Vintage- 

Lieblingslooks ganz einfach. Das ideale Nachschlagewerk 

für alle, die den Glanz vergangener 

Epochen und großer Stars mit dem eigenen 

Stil verbinden wollen. 

THE BRADY BUNCH 

Unter dem Titel 3 Mädchen und 3 Jungen" begeisterte 

The Brady Bunch auch in Deutschland 

" 

das jugendliche Fernsehpublikum. Begonnen 

hatte die Erfolgsgeschichte der zusammengewürfelten 

Großfamilie bereits Ende der 60er 

Jahre in den USA. Drei Jungs bringt der verwitwete 

Architekt Mike Brady mit, heiratet die 

ebenfalls alleinerziehende Carol Martin mit ihren 

drei Töchtern – Haushälterin Alice und Hund 

Tiger vervollständigen den bunten Haufen. 

Liebevoll erzählt und voller Situationskomik 

sorgt diese Familienserie nicht nur für haufenweise 

Spaß, sondern gibt 

auch einen (nostalgischen) 

Einblick in die Art und 

Weise, wie sich Sitcoms 

dieser Art seither, bis hin 

zu Serien wie The Bill " Cosby Show" oder Two " And A Half Men", entwickelt 

haben. 25 Folgen, in 

deutscher Synchron- oder 

englischer Originalfassung, Booklet mit Folgenguide, 

deutsche Vor- und Abspänne sowie 

ein Original-Feature ( Coming Together Under 

" 

One Roof") liefert diese schöne 4-DVD-Box, 

deren Cover noch dazu mit den sich abwechselnd 

anschauenden, sich bewegenden Köpfen 

(wie im Originalvorspann) glänzt. 

(CBS/Alive, 625 Min.) 


DEMIS ROUSSOS + TONY 

FOREVER AND EVER + MÄDCHEN 

MIT ROTEN HAAREN 

1973 erschien die LP FOREVER AND EVER 

im Original, die darauf versammelten hymnischen 

Popsongs in englischer Sprache – exotisch 

garniert mit griechischer Folklore – wurden 

schnell zum Markenzeichen von Demis 

Roussos, zusammen mit 

dem Keyboarder Vangelis 

Ende der 60er Gründer der 

griechischen Rockband 

Aphrodite's Child. Auch 

heute noch begeistert sein 

Stilmix mit zeitlosem 

Charme, allen voran 

das bittersüße "Goodbye 

My Love Goodbye". Für 

seine eigene Sangeskarriere 

verpasste sich der 

Hamburger Produzent, 

Komponist und Texter Manfred Oberdörffer 

den Künstlernamen Tony, unter dem er 1972 

die LP MÄDCHEN MIT ROTEN HAAREN 

veröffentlichte. Neben typischen 70er-Jahre 

Schlagern wagte es sich aber auch an Cover- 

Versionen von John Fogerty ("Hey, heut 

Nacht"), Doug Sahm ("Nuevo Laredo"), Jimmy 

Cliff ("Reise ins Märchenland") oder Herb 

Alpert ("Jerusalem"), die natürlich in krassem 

Gegensatz zu seinen Eigenkreationen wie 

"Dschungelmann", "Renata" oder "Mamma 

Magdalena" stehen. Eine höchst lohnenswerte 

(Wieder-)Entdeckung ... 

(Koch/Universal, 15/55:01 + 15/45:32) 

WAS GIBT’S ZU SEHEN 

Von Will Gompertz 

2013, DuMont 

ISBN 978-3-83219-710-0 

448 Seiten; 25,00 Ð 

Der Untertitel 150 Jahre moderne Kunst auf 

" 

einen Blick" könnte den Inhalt dieses hervorragenden 

Bandes kaum trefflicher zusammenfassen. 

Will Gompertz, BBC-Korres pondent und 

Leiter der Abteilung Medien der Londoner Tate 

Gallery, lädt zu einer kurzweiligen und spannenden 

Reise durch die 

jüngste Kunstgeschichte 

ein, wobei er die Essenz 

der verschiedenen Stile 

(zum Beispiel Impressionismus, 

Surrealismus, 

Symbolismus oder Pop 

Art) am Beispiel der 

wichtigsten Vertreter und 

ihrer Kreationen erläutert. 

Gegenüber akademischen 

Lehrwerken, die meist 

am übermäßigen Gebrauch möglichst vieler 

Fremdwörter leiden, schreibt er unterhaltsam 

und leicht verständlich. Das Buch eignet sich 

als fundiertes Nachschlagewerk, kann aber 

auch in einem Rutsch gelesen werden. Selten 

hat Bildung so viel Spaß gemacht. 

MECKI 

GESAMMELTE ABENTEUER 

JAHRGANG 1956 

2012, Esslinger Verlag 

ISBN 978-3-48022-919-2 

72 Seiten; 14,90 Ð 

Mecki – wer kennt ihn 

nicht? 1949 tauchte 

der verschmitzte Igel 

zum ersten Mal in der 

Programmzeitschrift 

Hörzu" auf. Es dauerte 

" 

nicht lange, bis die Leser 

dieses Magazins seinen n 

wöchentlichen Abenteuergeschichten 

entgegenfieberten; der sympathische 

Held und seine Freunde – allen voran 

Charly Pinguin und der Schrat – eroberten 

die Herzen der kleinen und großen Leser im 

Sturm. Die Erlebnisse der stacheligen Kultfigur 

wurden zu einer der beliebtesten und 

erfolgreichsten Comicserien und begeistern 

auch heute noch Jung und Alt. Zum ersten 

Mal gibt es nun alle Mecki-Geschichten aus 

VERLOSUNG 

GoodTimes kult! verlost unter allen Teilnehmern 

Stichwort: kult!-Verlosung 

(gerne zusätzlich mit Angabe des gewünschten Artikels) 

Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

Einsendeschluss ist der 15. Juli 2013 

NikMa Verlag 

Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz 

Fax: 0 70 42/37660-188 · email: goodtimes@nikma.de 

3x Heft 

je 1x DVD 

Detektiv Rockford Teil 1+2 

3x DVD-Box 

5x DVD 

3x DVD-Box 

inkl. 4 Doppel-CDs 

3x Buch 

5x DVD 

Kitty und die große Welt 

3x Buch 

3x DVD 

10x kult – CD-Box: 

3x Hörbuch 


Unsere Gewinner der Verlosung 

aus kult! Heft 7 – 1/2013: 

– Günter Klemm, Münster 

– Eckhard Kohnke, München 

– Udo Mischke, Stuttgart 

– Annemarie Lange, Ulm 

– Victoria Mc Evilly, Hameln 

– Volker Klein, Neunkirchen 

– Werner Hartmann, Herborn 

– Jürgen Brückner, Bottrop 

– Manfred Segelken, Bremen 

– Udo Schwärig, Feldkirchen 

Herzlichen 

Glückwunsch! 

Stichwort " 

kult!-Verlosung" 

– Sharon-Sara Heße, Hamburg 

– Stefan Speck, Hildesheim 

– Rainer Schuran, Hannover 

– Sylvia Röhrs, Walsrode 

– Gregor Mensing, Metelen 

– Rolf Klinger, Witten 

– Gerd Welke, Walsrode 

– Peter Liegau, Greifswald 

– Wolfgang Schönfeldt, Hamburg 

– Mike Olsen, Neundorf 

– Heino Oje, Bordesholm 

– Claudia Rolfsmeyer, Spenge 

– Igor Sobczak, Hamburg 

– Frank Winterhalter, Marbach 

– Rainer Resch, Wesseling

from the past 

dem Jahr 1956 versammelt in einem Band, 

von Mecki und die Hamsterchen" bis zu 

" 

Das Bastelwunder". Die Geschichten dieses 

" 

Bandes entstanden in einer Zeit, die geprägt 

war vom Wirtschaftswunder und dem damit 

verbundenen Wohlstand. Neben dem wirtschaftlichen 

Aufschwung waren es aber auch 

Ereignisse aus der Welt des Sports, der Musik 

und der Mode, die diese Kurzgeschichten entscheidend 

beeinflussten, was sie aus heutiger 

Sicht weit über den Horizont simpler Comics 

hinauswachsen lässt, was sie zu einem Stück 

Zeitgeschichte macht. 

YPS 

AUSGABE 1/2013 

2013, Egmont Ehapa Verlag, Berlin 

98 Seiten; 5,90 Ð 

Yps" ist wieder da! Innerhalb kürzester Zeit war 

" 

Ende letzten Jahres die erste Ausgabe des neuen 

Yps" vergriffen, na klar, gibt es jetzt die nächste 

Fortsetzung des kultigen Magazins. Wie ge- 

" 

wohnt ist der Themenmix äußerst bunt und vielschichtig, 

von Formel-1"-Held Peter Illmann 

" 

über eine tolle Autogalerie 

(vom 1974er Opel Manta 

über den 80er Jahre Audi 

Quattro bis zum Lancia 

Delta HF Integrale) und 

einen Rückblick auf die 

Materialschlacht zwischen 

Sega und Nintendo 

bis zu einem ausführlichen 

Feature über Roboter aller Art. Klasse 

auch, wie die Autoren in diesen Beiträgen immer 

wieder Bezüge zu den alten Yps"-Heften 

" 

herstellen. Und natürlich wäre Yps" nicht Yps", 

" " 

wenn es auf das obligatorische Quiz, zahlreiche 

unterschiedliche Comics oder auf den typischen 

Üps-Humor" verzichten würde. Ach ja, selbstverständlich 

wartet auch die neueste Ausgabe 

" 

mit einem Gimmick auf, nach den Urzeitkrebsen 

der letzten Ausgabe gibt es dieses Mal, man 

glaubt es kaum, Die Maschine, die viereckige 

" 

Eier macht"! 

DIE KLASSISCHE WELT 

Von Robin Lane Fox 

2013, Klett Cotta 

ISBN 978-3-60894-842-4 

730 Seiten; 19,99 Ð 

Erinnert man sich noch 

gerne an die Geschichtsstunden, 

in denen der 

Lehrer mit monotoner 

Stimme Daten herunterrasselte 

und von längst 

vergangenen Ereignissen 

berichtete, die kaum jemanden 

interessierten? 

Wohl kaum. Allerdings hat man leider auch 

viel verpasst! Robin Lane Fox unterrichtet an 

der Universität von Oxford und weiß zu begeistern 

– trotz der hohen Faktendichte, die 

manchmal ein wenig den Lesefluss stört. Die 

griechische Welt, hellenistische Welten, die 

römische Republik und der daraus resultierende 

Imperialismus sind die Themenschwerpunkte, 

die sachkundig vermittelt werden, 

wobei der Autor nie den Bezug zur Moderne 

vergisst. Besonders die Beschreibung der 

Glaubenswelten und Götter verdient hohe 

Anerkennung, denn dieser Aspekt kommt in 

der heutigen " 

Schwuppdiwupp"-Bildung viel 

zu kurz. 

PETZI TRIFFT MUTTER 

BARSCH 

Von Carla und Vilhelm Hansen 

2012, Esslinger Verlag 

ISBN 978-3-48023-012-9 

40 Seiten; 12,90 Ð 

Seit Generationen begeistern die Petzi"-Bücher 

Kinder (und deren Eltern und Großeltern). " 

In der gleichen 

Ausstattung wie 

in der deutschen 

Erstausgabe aus 

dem Jahr 1954 

gibt es jetzt den 

dritten Band der 

Klassiker-Reihe, 

Petzi trifft Mutter Barsch". Ideal für alle, die 

" 

mit Petzi groß geworden sind oder die den 

drolligen Bären samt seinen Freunden – dem 

klugen Pelikan Pelle, dem fleißigen Pinguin 

Pingo, dem faulen Seebären, dem Froschmännchen 

und der lustigen Schildkröte – jetzt 

neu kennen lernen möchten. 

EIN KULT FÜR ALLE FÄLLE 

Von Niklas Hofmann und Klaus Raab 

2013, Suhrkamp 

ISBN 978-3-51846-423-6 

206 Seiten; 7,99 Ð 

Kultig und preiswert 

– was will man mehr? 

Niklas Hofmann und 

Klaus Raab, beides junge 

Autoren, die die Fernsehwelt 

der Achtziger 

nur als Kinder erlebten, 

haben mit " 

Ein Kult für 

alle Fälle" eine informatives, 

mit vielen Details 

gespicktes Buch verfasst, 

das an die Zeiten erinnert, in denen sprechende 

Autos, Technik-Freaks und Hawaiihemden- 

Träger (mit Oberlippenbart) noch zum guten 

Stil gehörten. Von Beschreibungen der insgesamt 

zwölf ausgewählten Serien über Zitatensammlungen 

und eine Dokumentation der 

Drehorte reicht das von den Autoren sorgfältig 

recherchierte Sammelsurium. Und die Serien? 

" 

Airwolf", Das " 

A-Team", " 

MacGyver", 

" Magnum"!!!, " Trio mit vier Fäusten", " Miami 

Vice" oder " 

Ein Colt für alle Fälle" sind nur einige 

der kultverdächtigen 80er-Knüller. Witzig, 

informativ und humorvoll. Da stellt sich schnell 

eine dringende Frage: Wann kommen die Siebziger 

und die Sechziger an die Reihe mit den 

unvergesslichen " 

Drei Engel für Charlie", " 

Die 

Straßen von San Francisco" bis hin zu " 

Flipper" 

oder " 

Daktari"? Mega-Kult. 

VARIOUS ARTISTS 

12 POINTS VOL. 2 

Ein Volltreffer war die letztes Jahr erschienene 

CD 12 POINTS, auf der zahlreiche Songs aus 

der langen Geschichte des 

Eurovision Song Contests in 

ihren deutschen Versionen zu 

hören waren. Mit der Anfang 

Mai erscheinenden zweiten 

Ausgabe (12 POINTS VOL. 2) 

dieser Reihe wird dieser kultige 

Rückblick fortgeführt, hört man die eingedeutschten 

ESC-Lieder von Originalinterpreten 

wie Cliff Richard, Vicky Leandros oder Nana 

Mouskouri neben längst in Vergessenheit geratenen 

Cover-Songs von Künstlern wie Maggie 

Mae, Waterloo & Robinson, Mary Roos, Peter 

Alexander, Severine, Wolfgang Ziegler oder 

Ireen Sheer. 

(Koch/Universal, 2013) 

ALLERLEIRAUH 

In diesem weniger bekannten Märchen der 

Gebrüder Grimm geht es um das Schicksal der 

Prinzessin Lotte, deren verwitweter Vater seiner 

Gemahlin versprochen hatte, erst dann wieder 

zu heiraten, wenn er eine 

Frau findet, die genauso 

schön ist wie sie – und die 

einzige Person, die diese 

Bedingung erfüllt ist – Lotte! 

Fassungslos versucht 

die Prinzessin alles, um 

den König von seinem Plan 

abzubringen, stellt ihn vor 

unlösbare Aufgaben, doch 

erst nach Flucht und nachdem sie in einem den Wald einen jungen König kennengelernt hat, 

frem- 

bahnt sich langsam ein Happy End an. Mit erstklassigen 

Schauspielern (u.a. Henriette Confurius, 

Ulrich Noethen und Fritz Karl), wunderschönen 

Drehorten und Kostümen sowie wunderbar 

dazu passender Filmmusik von Peter W. Schmitt 

gehört dieses Märchen zu den Highlights dieses 

Genres. Die Erstausstrahlung von Allerleihrauh" 

fand am zweiten Weihnachtsfeiertag " 

2012 in der ARD statt. Als Extra gibt es noch das 

15-minütige Feature Wie ein Rauhtierchen zur 

" 

Prinzessin wird". 

(Telepool/KNM Home Entertainment, 

60 Min.) 


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Der Unsterbliche aus dem Dschungel 

Foto 

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VIDS 

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Als Johnny Weissmüller am Ende seines 

Lebens fotografi ert wurde, auf die 

Knochen abgemagert, an den Rollstuhl 

gefesselt, da sorgte das Bild für weltweite 

Betroffenheit: Wie konnte dieser 

Körper dem Mann den Dienst versagen, 

ein Körper, der stets wie eine gemeißelte 

Marmorstatue war, kräftig, strahlend, strotzend 

vor Gesundheit? Die fiktive Figur des 

Tarzan hatte sich im kollektiven Bewusstsein 

komplett über jene des Schauspielers gelegt, 

der lediglich eine Rolle – im wahrsten Sinne – 

verkörpert hatte. Johnny Weissmüller konnte 

sterben wie jeder Mensch, Tarzans Tod hingegen 

steht noch immer aus. 100 Jahre 

dauert die Regentschaft des Königs des 

Dschungels nun schon. 

Von Roland Schäfli 

Obwohl der Tod ihm im Filmtitel manchmal sogar 

direkt gegenüberstand – „Tarzans Kampf ums 

Leben" oder „Tarzans Todesduell", um nur zwei 

zu nennen – war uns, dem Publikum, doch bei jedem 

Abenteuer klar: Tarzan würde 

nicht sterben. Auf uns wartete 

ein Happy End, auf ihn seine 

Jane. Und Cheetah würde wie 

immer kurz vor der Abblende 

einen Purzelbaum schlagen. In 

26 Romanen und über 30 Filmen 

ist Tarzan nicht nur alterslos geblieben. 

Er ist auch unverwundbar 

geworden. Seine Unsterblichkeit 

als Heldenfigur rührt von der 

Fähigkeit, sich im Zeitenwechsel 

anzupassen. An neue Geschmäcker, 

an 

neue Generationen. Wie kaum 

eine Filmfigur hat Tarzan überlebt – 

nicht nur Treibsand, böse weiße Männer oder den Zauber eines 

fanatischen Medizinmanns – nein, Tarzan hat 

den Übergang vom Stumm- zum Tonfilm 

überlebt (was damals manchen Star die 

Karriere kostete), den Übergang vom 

Kino- zum Fernsehzeitalter (was 

wiederum zahlreiche Kinohelden 

arbeitslos machte), er hat sogar 

zahllose Parodisten schadlos überstanden, 

die aus dem Mythos 

Kapital schlugen. 

Jeder Generation ein eigener 

Tarzan 

Jede Generation entdeckt den Herrn des Dschungels 

neu. Während die Kinoserie mehr als ein Dutzend 

Darsteller verschliss, kamen die Produzenten mit schöner 

Regelmäßigkeit auf die ursprüngliche Genesis zurück 

– sein Debüt in „Tarzan Of The Apes". Und als Disney 

schließlich 1999 Tarzan endlich in sein Universum 

beliebter Zeichentrick-Figuren aufnahm, erschloss der 

Mäusekonzern den Urwaldmenschen einer weiteren neu 

heranwachsenden Generation, just zur Jahrtausendwende. 

Für die Jugend war der „Sohn 

der Affen" seit jeher Symbol 

der Selbstverwirklichung. Denn n 

Tarzan ist unabhängig (trotz 

Eheweib), gescheit (trotz fehlender 

Schulbildung), von adliger Geburt 

(trotzdem im Baumhaus hausend), 

und mit Bestimmtheit zahlt er auch 

keine Steuern. 

Im Laufe der Jahrzehnte ist Tarzan 

so zur Projektionsfläche des Zeitgeists 

geworden. Das äußerte sich nicht nur 

in der Länge seines Lendenschurzes, der 

kürzer oder länger wurde, je nachdem, 

welche moralische Instanz gerade das 

Sagen hatte. Das zeigte sich auch in den Handlungen. n In den 30er 

Jahren, zur Zeit der großen Depression, als Safaris tatsächlich ein Sport 

der Reichen waren, kam kaum ein Tarzan-Film ohne die „verschollene 

Tarzan-Abb.: Bildarchiv Hallhuber 


Safari" aus, deren weiße Jäger stetst 

von der Lust nach Gold und Elfenbein ein 

getrieben waren. In den 40er Jahren 

meldete sich Tarzan – ein amerikanischer r 

Star, obwohl „gebürtiger" Engländer – 

natürlich zum Militärdienst: In „Tarzan’s 

Desert Mystery" (1943) bekommt es 

der Affenmensch doch tatsächlich 

mit den Herrenmenschen 

zu tun. In der Wüste 

Sahara gilt es, Nazis 

zu bezwingen (Jahre 

später dann auch 

in Deutschland 

unter dem Titel Patchwork-Familie mit Adoptivsohn und 

Haustier: die Tarzans. 

„Tarzan, Bezwinger 

der Wüste" herausgebracht). Und als im 

konservativen Amerika kirchliche Kreise e 

monierten, dass Tarzan und Jane in wilder 

Ehe zusammenlebten, die sogar einen 

unehelichen Sohn hervorbrachte (in den 

Romanen „Korak" genannt, im Film 

einfach „Boy"), sorgte dieser Sturm im 

Wasserglas für eine landesweite Debatte 

(obwohl der Autor seinen Helden tatsächlich 

schon im zweiten Roman verehelicht 

ht 

hatte, um 

Sitten und Anstand 

im Dschungel zu 

wahren). Als endlich 

in den 60ern 

das Zeitalter der 

sexuellen Befreiung 

Bo Derek machte Jane zur Hauptfi gur und 

anbrach, da war 

Tarzan zum bloßen Sexobjekt. 

Tarzan plötzlich 

nicht mehr monogam, da wurde Jane flugs aus der Handlung und 

dem Muskelmann wechselnde Damen zur Seite geschrieben. Es 

passte also gewissermaßen zum natürlichen Lauf der Dinge, 

dass Tarzan-Darsteller Nr. 16 im Jahr 1981 dann endlich 

den Sex entdeckte: Mit „Tarzan, Herr des Dschungels" 

kam ein Erotikabenteuer in die Kinos, was auch in 

deutschen Landen eine aufgeregte Diskussion über die 

Altersfreigabe auslöste. Denn erstmals war der Titelheld 

nicht die Hauptfigur – alle Augen ruhten auf Bo Derek als 

Jane, die Tarzan zum bloßen Sexsymbol degradierte. 

Tarzan, der Analphabet 

Im Lauf der Jahre durfte auch Tarzans Intellekt 

zunehmen. War Johnny Weissmüller zu Anfang 

noch auf den wilden Primitiven abonniert, so 

interpretierte sein Nachfolger Lex Barker 

den Tarzan schon als artikulierten 

Aristokraten. 

Doch Barker hatte verbissen 

um die Anzahl 

seiner Dialogzeilen zu 

streiten. Als er in einem 

Film 137 Mal sprechen durfte, 

strich sein Produzent die 

Anzahl der Sätze für den nächsten 

prompt auf 83 zusammen, „weil er sich sonst 

zu Tode quatscht". Und als Weissmüller 

Foto: Bildarchiv Hallhuber 


Lex 

Barker 

einmal 

den Satz „Jane go!" spontan auf „Jane 

go 

fast!" erweiterte, da brach der Regisseur die 

Aufnahme ab, um seinem Star zu erklären, 

dass Tarzan nicht so viel reden sollte. Erst 

Mike Henry durfte ab Mitte der 60er Jahre 

den Herrn des Dschungels als Herrn von Welt 

interpretieren: In „Tarzan am großen Fluss" 

kommt der Titelheld per Flugzeug und im 

eleganten Anzug in Acapulco an und spricht 

selbst im Busch noch wie ein englischer 

Gentleman. Doch stets, wenn die Tarzan-Saga 

sich 

weit von ihrem Ursprung entfernt hatte, 

fand der Herr des Urwalds wieder auf alte Pfade 

zurück: 

Mit „Greystoke" 

folgte 1984 die 

Verfi lmung, die der 

literarischen Vorlage 

am nächsten kam. 

Gleichzeitig führte sie 

mit Christopher Lambert 

den vorläufig letzten 

Tarzan ins Feld. Nun 

harrt die Urwald-Saga 

ihrer Wiederentdeckung. 

Wenn Tarzan erneut Nur als Highlander" noch unsterblicher 

das Licht der Leinwand als Tarzan: " 

Christopher Lambert. 

erblicken wird, dürfte er eine weitere Metamorphose durchlebt 

haben. Für eine Generation, die der Zivilisation müde geworden 

ist 

und sich nach der ursprünglichen Natur sehnt, wäre Tarzan 

der 

geradezu ideale Prototyp. Bio-Essen direkt im Dschungelladen 

inklusive. 

Evolution eines Helden 

Im Oktober 1912 war erstmals in gedruck- 

ten Lettern der Name „Tarzan" zu lesen – 

in einem Groschenroman, Pulp Fiction mit 

dem Titel „A Romance Of The Dschungle". 

Besonders romantisch stimmte das Titelbild 

aber nicht; es zeigt den frischgebackenen 

Helden (mit Stirnband) im Kampf gegen 

g 

einen zähnefletschenden 

n 

Löwen. 700 Dollar strich ein gewisser 

Edgar Rice Burroughs für die Story 

ein – und ahnte nicht, dass er damit 

den Grundstein für ein literarisches s 

Imperium legte, das heute noch – 

vom Hauptsitz Tarzana aus – weltweite 

Lizenzrechte verwaltet. Einen 

literarischen Anspruch 

hatte der Autor nicht: 

„Ich schreibe, um zu 

entfliehen – um der 

Armut zu entfliehen." 

Burroughs 

war weitsichtig 

genug, sich im ersten Vertrag die alleinigen 

i 

Rechte zu sichern und Tarzan bereits 1913 als 

Markennamen einzutragen. Dass sich seine 

Figur stark an Mogli anlehnte – das Kind, 

das in Kiplings „Dschungelbuch" ebenfalls von 

Tieren des Urwalds aufgezogen wird –, schien 

keine Plagiatsklagen zu motivieren. Stattdessen 

klopfte Hollywood an seine Tür. Nur vier Jahre nach 

der Erstveröffentlichung lief am Broadway die erste 

Verfilmung: „Tarzan Of The Apes". Erster Träger 

des legendären Lendenschurzes war ein Mann ohne 

Schauspielerfahrung, Elmo Lincoln, womit er auch 

Foto: DAVIDS/Bildarchiv Hallhuber 


gleich eine Tradition 

begründete: 

Im 

Casting 

sollten stets 

Aussehen 

und sportliche 

Qualitäten 

wichtiger sein als 

Ausdruckskraft. 

Dass 

Elmo 

Lincoln 

als 

erster Tarzan in die 

Filmgeschichte 

eingehen 

durfte, hatte er dem Ersten Weltkrieg 

zu verdanken. Denn es stand bereits 

seit 

mehreren Drehtagen ein anderer 

Elmo Lincoln 

Schauspieler vor der Kamera, als der 

Kriegszustand ausgerufen wurde, und dieser sich in einem Anfall von 

Patriotismus freiwillig zum Militär meldete. 

Tarzan vergrößert sein Revier 

1931 erweiterte Tarzan sein Territorium: Burroughs produzierte eine 

Reihe von Schallplatten; fürs Radio wurden 364 Episoden von 15 

Minuten Länge hergestellt, und so kam der Urwaldmensch erstmals 

flächendeckend in die Wohnstuben der Amerikaner. Und schon im Jahr 

darauf lancierte der umtriebige 

Burroughs Tarzan in Comicform: 

Er schloss einen Vertrag mit 

United Feature Syndicate, die 

Comicstrips, also Bilderfolgen 

in Streifen, international vertrieben. 

So kam Tarzan in 

141 Tageszeitungen auch 

auf den amerikanischen 

Frühstückstisch, 

als 

Fortsetzungsgeschichten 

mit 

Suchtpotenzial. 

Zeichner wie Hal Foster, 

der später mit 

seinem 

„Prinz 

Eisenherz" selbst 

zu 

Weltruhm 

kommen sollte, 

machten 

den 

Abenteurer 

zum Helden 

der 

Sonntagsblätter; 

insgesamt 156 sonntägliche 

Zeitungen 

brachten 

Tarzan 

ganzseitig und farbig. 

1947 spreng- 

te Tarzan den 

engen Rahmen der 

Zeitungsabenteuer, 

als er seine eigene 

Comicserie 

Gordon 

erhielt. Ab 1951 

Scott 

erschien monatlich 

ein neuer 

Comicband. 

Die 

Bilderge schichten wurden ab 

den 50er Jahren auch von deutschen 

Verlagen übernommen, 

etwa vom Stuttgarter Ehapa- 

Verlag. Da Tarzan als Comic- 

Held nicht gerade zimperlich mit seinen 

Antagonisten umging, die Zeichner das 

Blut großzügig fließen und gern auch 

leichtbekleidete Amazonen auftreten ließen, war das Heft den 

Sittenwächtern ein Dorn im Auge. 1954 setzte die neugeschaffene 

Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Schriften 

als erstes einen Tarzan-Comic auf den Index. 

Seit den 30er Jahren 

flossen allein durch die 

Comics monatlich gute 

5000 Dollar in Burroughs’ 

Kasse. Wann immer 

Tarzan erwähnt wurde, 

Burroughs erhielt seinen 

Anteil. Er lizenzierte 

an mehrere 

hundert Hersteller, die Merchandise 

produzierten, vom einfachen T-Shirt 

über die Tarzan-Armbanduhr bis zum 

Tarzan-Kaugummi. 1939 gründete 

Burroughs sogar einen Kinderclub, 

von dem er hoffte, den Pfadfindern 

Konkurrenz zu machen, den „Tarzan 

Clan Of America". Eintrittsgebühr: 

1 Dollar. Bis zu seinem Tod 1950 

hatte Burroughs 26 Tarzan- 

Romane verfasst, die in 31 

Sprachen übersetzt wurden 

und sich 36 Millionen Mal 

verkauften. Er hatte mit einer 

Hatte in jedem Film eine 

andere Jane: Lex Barker 

Dynastie von Kindern und dem Aufbau eines wahren Imperiums dafür 

gesorgt, dass Tarzan seinen geistigen Vater überleben würde. 

Akkordarbeiter im Lendenschurz 

Mit dem Tonfilm kam der Tarzan-Schrei, und mit Johnny 

Weissmüller der erste Ton-Tarzan. Er sollte 1932 als Erster die 

weltberühmten Erkennungsworte sprechen „Tarzan – Jane". 

Weissmüller, bis heute mit zwölf Filmen in 15 Jahren der 

Langlebigste der Filmdarsteller, war ein Glücksfall: Er logierte 

im selben Hotel wie der Drehbuchautor, der dort das Script 

des geplanten nächsten Streifens in die Schreibmaschine 

hämmerte und am Pool zufällig beobachten konnte, 

wie der Gewinner von fünfmal Olympia-Gold 

und 67 Weltmeister-Titeln seine Bahnen kraulte. 

Die Produzenten engagierten ihn ohne Probe- 

Aufnahmen vom Fleck weg, so wurde der Sportler 

hauptberuflicher Lianen-Schwinger. Johnny 

unterschrieb einen Sieben-Jahres-Vertrag, der 

ihm 500 Dollar wöchentlich einbrachte, was auf 

2000 die Woche gesteigert wurde. Nach zähen 

Lohnverhandlungen wurde Weissmüller schließlich 

im 43. Lebensjahr, als er als jugendlicher Held 

schon nicht mehr vollends überzeugen konnte, 

vom 29-jährigen Lex Barker abgelöst. Den hatte der 

Produzent – wiederum zufällig – in der Polo-Lounge 

des Beverly Hills Hotels angetroffen. Erneut war die 

athletische Figur maßgebend: Der arbeitslose Barker bekam 

den Job dank einer Fotografie in Badehose am Strand. Er sollte 

seine Wahl zum König des Dschungels jedoch bald bedauern. 

Als ambitionierter Schauspieler wollte Barker auch andere Rollen 

spielen. Doch wer einmal Tarzan ist, der bleibt Tarzan – so 

will es ein ungeschriebenes Hollywood-Gesetz. Barker dankte 

als Dschungelfürst nach fünf Abenteuern ab, um in Europa 

sein berufliches Glück zu suchen – und sich wiederum als 

Serienheld in den Euro-Western zu verdingen. 

Mit Gordon Scott wird’s bunt 

Auf der Suche nach Tarzan Nummer elf wurden die 

Produzenten einmal mehr an einem Pool fündig: Gordon Scott 

war Bademeister eines Las-Vegas-Hotels. Auch er sollte den 



darchiv Hallhuber 

DA VIDS 

/ 

Lendenschurz für genau fünf Filme überstreifen und der erste Farbfilm- 

Tarzan werden. So lange blieb keiner der nachfolgenden 

Darsteller noch, und keiner blieb dem Publikum lange im 

Gedächtnis. Als Mike Henry vom Affen ins Gesicht gebissen 

wurde, quittierte der letzte Kino-Tarzan den Dienst. 

Doch zu diesem Zeitpunkt liefen bereits mit Hochdruck die 

Vorbereitungen zur Eroberung jenes Mediums, das für den barfüßigen 

Waldläufer noch Neuland darstellte: das Fernsehen. 

1966 

bekam 

Ron Ely 

als Tarzan 

Nummer 

15 seine Chance, 

im Lenden schurz zu 

reüssieren. Dieser schlaksigste 

aller Tarzane 

sprach, dem Zeitgeist 

entsprechend, eher wie 

ein 

hipper kalifornischer 

Surfer denn wie ein 

Affenmensch. f 

Burroughs 

Erben hatten allerdings 

ihre 

Freude daran, denn 

der 

Autor hatte sich seine 

Figur nie als Analphabeten 

im 

Stil eines unartikulierten 

Johnny 

Weissmüller vorgestellt. 

Bis 

1968 wurden 

über 

40 

TV- 

Folgen mit 

respektabler 

Einschalt quote 

ausgestrahlt, 

bis Tarzan wieder 

vom Äther 

verschwand. 

Jedoch nicht 

für lange: 

1976 lief 

auf CBS die 

erste Zeichentrick-Adaption 

des Stoffs, 

die 

1978 unter 

dem 

Titel 

„Tarzan – Herr 

des 

Dschungels" auch im 

deutschen ZDF gesendet 

wurde und die Saga 

immerhin um psychedelische 

Themen und die 

Begegnung mit UFOs 

bereicherte. Immerhin 

vier Staffeln und 36 

Folgen währte das kunterbunte 

Glück der Fans. 


Tarzan, der 

Sparsame 

Die Filme waren in der 

Regel einträglich, wenn 

man sie auch nicht als 

Kassenschlager bezeichnen 

könnte. Sie galten 

in Hollywood als 

B-Movies, als zweitklassige 

Produktionen, 

und ihre Regisseure mussten mit 

moderaten Budgets auskommen. 

Tatsächlich folgten die Tarzan-Filme 

jenem legendären Ausspruch eines 

Hollywood-Produzenten: „A tree is a tree, 

shoot it in Griffith Park", übersetzt etwa: ein 

Baum ist ein Baum, das Kinopublikum wird 

den Unterschied nicht merken, ob in Afrika 

oder im Park von Los Angeles gedreht wurde. 

Während der Reihe mit Lex Barker wurde ein 

kläglich scheiternder Versuch unternommen, 

tatsächlich am Fuße des Mount Kenia zu 

filmen. Niemand hatte einberechnet, dass 

dort unter dem Äquator Regenzeit herrschte. 

Das Filmteam flüchtete sich alsbald ins 

kalifornische Klima zurück, wo Tarzan weiter 

den Retter des Urwalds vor künstlicher 

Botanik mimte und lediglich kostengünstige 

Rückprojektionen den Darsteller in den 

Dschungel versetzten. Erst die Reihe der 

Farbfilme mit Gordon Scott wagte Jahre später 

nochmals den Sprung auf den schwarzen 

Kontinent, weil der Regenwald 

sich in Farbe nicht überzeugend 

rekonstruieren ließ. Davor hatten 

die Produzenten diese 

„Atmosphäre" mehr oder 

weniger erfolgreich vermittelt, 

indem sie 

einfach Tier- und 

Naturaufnahmen aus 

dem Archiv in die 

Handlung einbauten, 

was aufgrund unterschiedlicher 

Filmkörnung doch recht augenscheinlich 

war. Der Geiz gewisser 

Produzenten ging so weit, dass 

eine Unterwasser aufnahme eines 

Kampfs zwischen Weissmüller 

und einem Krokodil in insgesamt 

fünf Tarzan-Filmen Verwendung 

fand – selbst in einen Farbfilm 

schnitt man die Schwarzweiß- 

Szene kurzerhand hinein, blau 

eingefärbt. 

Die Fans haben den Tarzan-Filmen 

derart lachhafte Tricks, hölzerne 

Schauspieler und Statisten in 

Affenkostümen immer wieder verziehen. 

Anders als die Reihe jenes anderen 

langlebigen Filmhelden, James Bond, 

war die Tarzan-Serie nie darauf aus, 

sich selbst stets von Neuem mit noch aufwändigeren 

Knüllern zu übertreffen. Tarzan war Fließbandware. 

Die als solche aber vom Publikum hüben wie drüben 

im höchsten Maß goutiert wurde. 

Johnny 

Weissmüller 

Foto: DAVIDS/Bil 


Hugo Kastner 

Das uramerikanische Genre des Western ist 

seit den 50er Jahren ein Massenphänomen. 

Kinofilme wurden in Hollywood am Fließband 

gedreht, zahlreiche TV-Serien kamen hinzu, 

von denen viele im deutschen Fernsehen 

gezeigt wurden. Und es gab Westernromane 

als Groschenhefte oder Leihbücher in riesigen 

Auflagen. Hugo Kastner hat mehr als 1000 

Illustrationen für die Titelbilder von Serien 

wie G.F. Unger, „Lassiter , „Rauchende Colts 

oder „Santana gemalt und die Bildsprache 

mehr als 30 Jahre lang maßgeblich mitgeprägt. 

Von Hugo Kastner jr. 

Der Mann der dem Wilden 

Westen Gesichter gab 

Titelbildentwürfe waren bis Ende der 60er Jahre sehr gut bezahlt, 

ebenso Westerngeschichten. Die meist männlichen Leser faszinierte 

offenbar die träumerische Ferne des Wilden Westens. 

Der Western war gleichsam ein Spiegelbild der verklärten, 

fast romantischen Sicht des durch Fort, Saloon, Indianer und weite 

Landschaften geprägten Lebens der amerikanischen Pionierzeit. Der 

tapfere Cowboy, der einsame Sheriff, der skrupellose Gangsterboss, 

die unschuldige Frau – die Klischeefiguren dieses Genres sind Legion. 

Und Hugo Kastner prägte als Pionier der deutschsprachigen Western- 

Titelbildillustrationen dieses Zeitalter mit. 

Als Sohn des „Zeichners", dessen Schaffenszeit das volle Leihbuchzeitalter 

umfasste, dann noch die großen Jahre des Western-Heftromans, 

betrachte ich mich gleichzeitig als Nachlassverwalter seines gewaltigen 

Oeuvres. Und ich habe die Entstehung von Westernillustrationen in jungen 

Jahren hautnah erlebt. Seit Anfang der 50er Jahre hat Hugo Kastner 

fast 1000 Titelbilder für Leihbücher 

bei der C.S. Dörner-Verlagsanstalt, 

beim Hermann Borgsmüller-Verlag 

und beim Hugo Alfred Kastner Mülbüsch- 1958 

Verlag entworfen. Weitere circa 

500 Originalbilder folgten für die 

Western-Heftromane des Mülbüsch- 

Verlags, dazu gab es mehr als 1000 

Nachdrucke früherer Titelbilder für 

diverse Romanheft-Reihen. Ab Ende 

der 70er Jahre entstanden dann 

noch einmal über 100 Original- 

Illustrationen für Bastei und Kelter. 

Hugo Kastner wurde am 5. Mai 

1921 in Kärnten geboren, lebte aber 

mit seiner Frau sowie den beiden 

Söhnen Hugo und Ronny in Wien. 


Am 27. April 2004 verstarb er. Hugo Kastner 

war 

zeitlebens Hugo Kastner 1972 

freischaffender 

Graphiker, 

der 

nach dem Zweiten 

Weltkrieg neben 

einem 

begonnenen 

Englischund 

Geschichtestudium 

Porträtzeichnungen 

und 

diverse 

Auftragsarbeiten 

für Galerien 

annahm. Ab Mitte 

der 50er Jahre schuf er erste Titelbilder 

für den Isabella-Verlag (Wien-Berlin) und 

den Falken-Verlag für die Serien „American 

Stories", „Blitz", „Kibi Williams" und „Colt 

Story". Warum Western? Seine ganz persönliche 

Antwort: „Der Western hat mir immer 

Platz zum Träumen gelassen. Es macht einfach 

Spaß, diese Bilder zu malen. Und der 

Western kommt meinem Zeichenstil stark 

entgegen." 

g 

Im 

Herbst 1954 begann für Hugo Kastner 

beim Verlag C.S. Dörner eine Mehrfachkarriere 

als Autor, Zeichner und Übersetzer. Drei 

Westernromane („Alles oder nichts", „Das 

Ende der Circle C", „Der Unbezwingliche") 

und zwei Übersetzungen aus dem 

Amerikanischen in der Reihe „Classic 

Western" („Eine harte Zeit", 

„Silver City") wurden bereits 

1955 als Leihbücher unter dem 

Pseudonym Emery Scott auf 

ben bis acht Ölbilder im Format A0, also 

in Plakat-Größe. Üblicherweise kamen von 

Verlagsseite extrem kurze Anweisungen: 

„… Männer sitzen um ein Feuer", „… berittene 

Pferde unter Sternenhimmel", manchmal 

– vor allem bei neuen Aufträgen für 

Bastei oder Kelter – auch detaillierte 

Angaben: „… links oben auf einem 

Pferd, groß abgebildet, ein junger 

Nordstaatler. Unten, klein abgebildet, 

ein ehemals prächtiges Herrenhaus 

den Markt gebracht. Das 

der Südstaaten, inzwischen 

Pseudonym lehnt sich an 

die Straße an, in der er 

geplündert. Auf der Veranda 

ein toter alter Mann im 

damals mit seiner Familie lebte. 

Schaukelstuhl." Um die 

Alle Titelbild-Illustrationen zu 

diesen Büchern schuf Hugo 

Bewegungsstudien korrekt 

skizzieren zu können, 

Kastner gleich selbst. Anfang 

verwendete er 

der 60er Jahre folgte mit „Der 

meist Bilder aus den 

Gehetzte" ein letztes 

damals in österreichischen 

Leihbuch als „Roman aus 

Kinos 

dem Wilden Westen" aus 

der Feder Emery Scotts. 

Für das Verlagshaus 

Pabel/Zauberkreis 

(Serien Pabel-Western, 

ausgegebenen 

Heftchen „Illustrierter 

Film-Kurier" oder „Neues 

Film-Programm". Manchmal 

behalf er sich sogar mit 

Silber-Western 

und 

selbst zusammengeklebten 

Western-King) sowie 

Collagen aus diver- 

für Merceda, den 

sen Illustrierten und 

Indra-Verlag, Hallberg/Schälter und Conny 

Cöll fertige Hugo Kastner ebenfalls einige 

Titelbilder an. Hugo Kastners zeichneri- 

Zeitungsbeilagen. In einzelnen Entwürfen 

verstecken sich auch die Gesichtszüge damaliger Hollywood-Größen, 

wie etwa die John Waynes, später bei Kelter der in den 70ern allge- 

sches Talent und die daraus resultierenden 

Verdienstmöglichkeiten 

führten 

aber sehr bald 

dazu, dass er sich auf 

Titelbildillustrationen 

konzentrierte. 

Kastner kam bei seinen 

Illustrationen, 

bei denen naive, ikonenhafte 

Figuren und 

Kopfporträts dominierten, n, 

auch die in der damaligen 

Zeit Zit ungeheuer kritische Sichtweise e 

gegenüber jeder Art von „jugendgefährdender" 

Trivialliteratur entgegen. Nicht 

Revolverduelle oder blutrünstige Szenen n 

zierten die Titelbilder, sondern vielmehr 

waren ruhige Landschaften mit dem 

„schwebenden" Porträt des Cowboys 

oder seiner Liebsten gefragt. In seinem 

nur neun Quadratmeter kleinen 

Arbeitszimmer entstanden monatlich sie- 


genwärtige Winnetou, verkörpert von 

Pierre Brice. Für die Vermarktung waren 

Ähnlichkeiten mit Filmhelden durchaus 

erwünscht. 

Die Umrisse der Figuren wurden mit Hilfe 

eines Pantographen (Storchenschnabel) 

auf ein großes Zeichenblatt übertragen, 

lose angedeutet und als Hilfslinien für 

die eigentliche Zeichnung. Für manche 

Bildmotive, für die keine passenden 

Filmfiguren vorlagen, fertigte er 

auch Bleistiftzeichnungen im A4-Format 

an, meist mit kleinen Kritzeleien am 

Bildrand versehen, die sich auf den 

Schriftzug bezogen. Der Normalfall war 

jedoch eine Kohlevorzeichnung, die 

dann mit „Fixativ" vor Abrieb ge schützt 

wurde. Danach 

erfolgte zunächst 

mit der Technik 

der Ölmalerei eine Durcharbeitung 

der Haupt figur, gefolgt von der 

Hintergrundskizzierung. Dieser 

Prozess zog sich in mehreren 

Arbeitsgängen direkt an der 

Staffelei über einen Zeitraum 

von circa drei bis vier Tagen 

hin. Zuletzt fügte er den Titel 

(besser: das Schriftbild) ein. 

Bei der Endkontrolle musste 

wegen der langen Trockenzeit 

der Ölfarben immer wieder einmal 

ein letzter Strich mit dem 

Plakatpinsel ausgebessert werden. 

Der Versand erfolgte dann 

in langen Rollen, in die jeweils 

vier Entwürfe gepackt wurden. 

Um die Produktivität möglichst 

hoch zu halten, erfolgten alle 

Arbeitsschritte mehr oder weniger 

gleichzeitig. 

Mit Hilfe meines Sammlerfreundes 

Jörg Hoeßle ist es in monatelanger 

Kleinarbeit gelungen, 

auf der Homepage 

www.hugo-kastner.at 

eine e 

relativ exakte zeitliche Zuordnung 

sämtlicher Illustrationen, Umtitelungen und 

Neuauflagen zu machen, insgesamt ein weit über 

2800 Daten umfassendes Werksverzeichnis. 

Die meisten Bilder des während des Leihbuchzeitalters 

vermutlich 

ak tivsten 

Western-Titelbild 

illus trators 

entstanden 

für den Verlag 

Alfred Mülbüsch 

in 

Castrop- 

Rauxel. 

Über 

einen Zeitraum 

von 

zwei 

Jahrzehnten, 

von 1955 bis 

Herbst 1977, 

insgesamt 679 

Illustrationen: 

Pro 

Monat 

zunächst bis in 

die frühen 60er 

Jahre 

jeweils 

vier Werke für 

Leihbücher, 

danach sporadische 

Arbeiten, 

bis zur endgültigen 

Einstellung 

der Leihbuchproduktion 

im 

Februar 1976. 

Ab dem Jahr 

1962 wurden 

parallel 

neue 

Illustrationen 

sowie 

seit 

circa 1970 

überwiegend 

Umtitelungen 

für die Heftserien Top Western 

und Western Express (beide 

auch im Vertrieb Rodeo, Pabel 

und Indra) angefertigt. Beide 

Heftreihen erreichten immerhin 

eine Rekordzahl von über 

1000 Romanen. 1974 wurde in 

einem bereits engen Markt mit 

„Weiter Westen" nochmals eine 

neue Mülbüsch-Reihe gestartet, 

zunächst mit Originalzeichnungen, 

dann mit Zweit- und Drittauflagen 

älterer Arbeiten. Anfang der 

60er Jahre schuf er nebenher 

auch einige Titelbildillustrationen n 

für die Hermann Borgsmüller r 

Verlagswestern. 

Am Ende seiner aktiven Zeit, zwischen 

1978 und 1983 – Dörner 

und Mülbüsch waren inzwischen 

bereits vom Markt verdrängt – 

machte Hugo Kastner an die 

fünfzig 

Titelillustrationen 

für den Westernbereich des 

Bastei-Verlags (G.F. Unger, 

„Lassiter", „Rauchende Colts", 

Robert Ullmann, „Santana", Texas-Western, 

Western-Hit, Wildwest-Roman) und zeitlich 

parallel zwischen 1980 und 1984 eine ähnliche 

Anzahl Titelbilder für die verschiedenen 

Westernserien des Kelter-Verlags („Apache Cochise", Axel 

Berger, „Die Blauröcke", Die großen 

Western, „Die harten Vier", Classic 

Western, „Ferner Westen", G.F. Barner, 

G.F. Waco, „Halleluja Reverend", „Major 

Carson", U.S.Western). Die meisten 

dieser Titelbilder wurden aus Kostenund 

Zeitgründen mit Ölkreiden und 

Wasserfarben im mittlerweile viel kleineren 

Format A1 erstellt und im Falle des 

Bastei-Verlags teilweise als Fotorepros 

ausgeliefert. Serienname und Hefttitel 

wurden längst nicht mehr gemalt, sondern 

in Kopf- und Fußzeilen gedruckt. 

Alles in allem umspannt die Schaffenszeit 

von Hugo Kastner eine Periode von 

ungefähr 30 Jahren – die goldene Zeit 

des Westernromans. 


Von Jens-Uwe Berndt 

Die ZDF-Hitparade" 

" 

war eine Institution. 

In den 70er Jahren dürfte 

sie mal locker die populärste 

Unterhaltungssendung im deutschen 

TV gewesen sein – erst recht, 

wenn man den Beliebtheitsgrad in 

der DDR hinzurechnet. Denn wer 

die Schlagersause im Osten empfangen 

konnte, verpasste keine 

Folge. Und zu Dieter Thomas 

Heck in das Studio 4 der Berliner 

Union Film kam alles, was im 

deutschsprachigen Sektor 

der leichten Muse Rang 

und Namen hatte. 

Man kann es drehen und wenden wie man will: Die „ZDF- 

Hitparade" mit Dieter Thomas Heck als Moderator ist Kult. 

Selbst heute, wo der Fernsehzuschauer gewöhnt ist, in einer 

Unterhaltungsshow im 30-Sekunden-Takt mit immer wieder neuen 

Eindrücken bespaßt zu werden, zieht einen die geradezu spartanisch 

Nicht nur auf dem Foto: Stars und Moderator 

waren in der Hitparade wie eine große Familie. 

arrangierte Wertungssendung in den Bann. Die Kulisse beschränkte 

sich auf Publikum und Anzeigetafel, die Sänger boten bar jeglicher 

Showeffekte zum Halbplayback live gesungene Lieder dar, und Heck 

ratterte durch knappe Ansagen. Das war’s. Und eben auch nicht. 

Beginnen wir mit dem Moderator. Der war gerade 31 Jahre alt 

geworden, als er mit sonorer Stimme am 18. Januar 1969 die erste 

Hitparade ankündigte. Sein „Hier ist Berlin!" ging in den Fundus geflügelter 

Worte ein, das geschmetterte „Zett Deeh Äff" avancierte zur am 

häufigsten imitierten oder parodierten Buchstabenaneinanderreihung. 

Dieter Thomas Heck sah aus wie jemand, den man heute als Nerd 

bezeichnen würde. Dessen ungeachtet führte der erfahrene Radiosprecher 

von der ersten Hitparade an forsch durch die Sendungen. Meist charmant, 

manchmal frech, provozierte er Sekunden-Dialoge mit den Stars oder 

reagierte fix auf Regungen im Publikum. Selbst die Interaktion mit den 

Leuten hinter der Kamera wusste er zu kultivieren. Heck wirkte immer 

gehetzt. Es schien, als wollte er den Sendestoff einer Stunde unter allen 

Umständen in die zur Verfügung stehenden 45 Minuten quetschen. Und 

von Zeit zu Zeit tat er das wohl auch. Allerdings musste Dieter Thomas 

Heck dem enormen Tempo seiner Show auch ab und an Tribut zollen. 

Mal sagte er Titel falsch an, verwechselte Orte und Daten oder verhaspelte 

sich und redete einfach mal ein bisschen Blödsinn. Geschenkt. Selbst, 

dass er Nena bei ihrem 

Sieg in der 162. Sendung 

am 28. Februar 1983 

mit "99 Luftballons" als 

„Nicole und Band" aufrief, 

nahm ihm niemand 

übel. Außer vielleicht 

Nena, die den sympathischen 

Irrtum Hecks mit 

hochnäsigem Gekicher 

beantwortete. 

Wo wir bei den Stars 

sind. Die rekrutierten 

sich bis circa 1982 fast 

ausschließlich aus der 

Rex Gildo (r.) hatte nach 1972 in der 

Hitparade keinen Hit mehr. 

Schlagerszene. Und Interpreten wie Roy Black, Rex Gildo, Karel Gott, Bata 

Illic, Siw Malmkvist oder Peter Orloff, die bei der Premiere auftraten, stan- 

Fotos: © DAVIDIS/Bildarchiv Hallhuber/Zill 


den zehn Jahre 

Nase vorbeihuschte, während 

später immer 

er gerade moderierte. 

noch mehr oder 

weniger regelmäßig 

auf der 

Programmliste. 

Sein Umgang mit den 

Hitparaden-Besuchern 

wurde mit den Jahren 

zurückhaltender. Diese 

Die Live- 

Veränderung ging einher 

Atmosphäre 

mit einem wachsen- 

sorgte für 

den Selbstbe wusstsein der 

die nötige 

Fans, die im Studio längst die 

Spannung. 

Hoheit über den Raum erobert 

Nicht jeder 

hatten. Wer sein Idol bestürmen 

wollte, der tat es. Auch 

Sangeskünstler 

Chris Roberts 

war der 

Heck fand sich ein ums 

Drucksituation gewachsen. Während Ricky Shayne Textunsicherheiten 

hatte, rutschte Milva das Mikrofon aus der Hand und gewährten vor allem 

Neulinge unter ihren Achseln Blicke auf landkartenartige Schweißflecke. 

Im Allgemeinen regierte allerdings ein hoher Qualitätslevel. Chris Roberts 

– eigenartigerweise einer der Wenigen mit einer eher bescheidenen 

Stimme – war allein bis 1977 mit acht Nummer-eins-Hits (zum Teil 

mehrfach) der König unter den Schlagerhelden. Jürgen Marcus brachte 

im selben Zeitraum fünf Titel auf die Spitzenposition, und Michael Holm 

schaffte es mit vier Nummern nach ganz oben, ebenso wie Howard 

Carpendale (bis 1979). Für den omnipräsenten Rex Gildo war mit "Fiesta 

Mexicana" schon im Dezember 1972 Schicht im Schacht. Danach gab es 

für ihn nie wieder ein Siegerlied. 

Mit den wechselnden Moderatoren änderte sich später eklatant das 

andere Mal von Anhängern mit kleinen 

Geschenken oder Schnittblumen 

bedacht. 

Auch wurden die Reaktionen differenzierter. 

Wurden in den frühen 

Hitparaden-Jahren alle Auftretenden 

mit der gleichen Intensität beklatscht 

(zumindest gab es keine Ausreißer nach 

unten), konnte der TV-Zuschauer mit Einzug 

der deutschen Popwelt schon am Applaus erkennen, 

wie die Sympathien im Studio verteilt 

waren. Hubert Kah wurde nach seinem 

Sieg mit "Sternenhim mel" in der 

Konzept der Sendung. Unter Viktor 

Worms (1985 bis 1990) wurden 

159. im 

Sendung 

November 

englischsprachige Produktionen aus 

Deutschland und das Vollplayback 

1982 Beispiel 

zum 

heftig 

eingeführt, und mit Uwe Hübner 

ausgebuht. 

(1990 bis 2000) wurde die 

Nena 

wiederfuhr 

Hitparade zu einer ausufernden 

Unterhaltungsshow mit Interviews, 

Quiz, Rückblenden, Porträts usw. 

Allerdings wandte sich die TV-Reihe 

im Februar 

1984 Ähnliches, als 

sie mit "Fragezeichen" 

gewann, ihren Auftritt 

wieder dem deutschen Schlager zu. 

wegen 

technischer 

Und ab 1992 mussten die eingeladenen 

Künstler erneut live singen. 

Probleme aber in 

den Sand gesetzt 

Das Publikum machte einen wesentlichen 

Teil des Charmes der „ZDF- 

Hitparade" aus. Natürlich wurde in 

den 70ern noch vor allem brav applaudiert. Allerdings sorgten die Fans 

einzelner Künstler von Anfang an für reichlich Kuddelmuddel, wenn sie 

ihren Liebling mit Blumen beglückten. Da wurde dann nicht nur manchmal 

der Singende aus seinem Vortrag gerissen, auch der Gang „durch die 

Kamera" gehörte zu den ungeplanten Ereignissen. Dieter Thomas Heck 

reagierte darauf zwischenzeitlich durchaus etwas genervt, 

vor allem wenn jemand an seiner 

Heck und Howard Carpendale: Dialoge 

waren in der Show kurz und bündig. 

hatte. Heck reagierte 

auf diese 

Unmutsbekundungen 

nicht. Überhaupt wirkte 

er zu Zeiten der NDW inmitten der 

ausgeflippten Jungspunde deplatziert. 

Vermutlich spürte er das selbst, weshalb 

er 1984 die Segel strich. 

Howard 

Carpendale 

Michael Holm 

Katja Ebstein 

Roy Black 

Jürgen 

Marcus 

Christian 

Anders 

Lena 

Valaitis 

Seite 22 ■ GoodTimes 2/2013 

Ricky 

Shayne

DIETER THOMAS HECK 

Ohne Zweit- und 

Drittligisten wär’s 

langweilig gewesen 

Dieter Thomas Heck ist der Vater der " 

ZDF-Hitparade" und moderierte die TV-Sendung 

fast 16 Jahre lang. Ende des vergangenen Jahres feierte er seinen 75. Geburtstag. Jens- 

Uwe Berndt nahm das Jubiläum zum Anlass, mit Dieter Thomas Heck auf die Hitparade 

zurückzuschauen. 

Die Hitparade ist praktisch Ihr Kind. War Ihnen mit Beginn der 

Showreihe bewusst, dass sich die Hitparade zu einer der wichtigsten, 

wenn nicht gar zur bedeutendsten Musiksendung im 

deutschen Fernsehen entwickeln würde? 

Natürlich war allen Beteiligten, mich eingeschlossen, am Anfang nicht 

klar, dass sich diese Sendung zu einem langjährigen Dauerbrenner 

entwickeln würde. Meine Erwartungen an dieses Format bestanden 

zunächst darin, dem deutschsprachigen Schlager eine Plattform 

im Fernsehen zu verschaffen. Dass sich daraus so schnell eine der 

beliebtes ten Sendungen bei den Zuschauern entwickeln würde, hatte – 

glaube ich – keiner in der Form vorausgesehen. 

Wenn Sie die Sendung präsentierten, vermittelten Sie den 

Eindruck, mit Leib und Seele Schlagerfan zu sein. Welche musikalischen 

Präferenzen hatten Sie tatsächlich? 

Natürlich war ich mit Leib und Seele Schlagerfan. Sonst wäre es sicherlich 

auch nicht so glaubwürdig beim Zuschauer angekommen. Sicherlich 

haben mir die vorgestellten Titel mal besser, aber auch mal weniger gut 

gefallen. Das liegt in der Natur der Dinge. Aber ich habe mich immer 

bemüht, allen Künstlern die gleiche gute Plattform zu bieten. Meine 

musikalischen Präferenzen waren in etwa identisch mit der Musik, die in 

der Sendung vorgestellt wurde – nur wesentlich weitgefächerter. 

Was war für den deutschen Schlager die beste und kreativste Zeit? 

Der deutsche Schlager hat immer wieder eine kreative und erfolgreiche 

Zeit. Ändern tun sich lediglich durch Zeitgeist 

der musikalische Stil und die Texte. Wenn Sie 

zum Beispiel jetzt einmal die Charts anschauen, 

werden Sie feststellen, dass immer mehr deutsche 

Produktionen in den Vordergrund rücken. 

Darüber freue ich mich sehr. 

Über die Jahre wurden die unterschiedlichsten 

Methoden ausprobiert, das Publikum 

mitentscheiden zu lassen: Postkarte, angeforderte 

Stimmkarte oder TED. Welche 

Variante war für Sie die repräsentativste, 

welche hat am meisten Spaß gemacht? 

Das beste und sicherste – und vor allem spannendste – Wertungssystem 

war der TED. Vor allem dadurch, dass am Ende der Sendung die ersten 

Drei bereits feststanden. 

Ende der 70er Jahre bekam man als Hitparaden-Zuschauer 

den Eindruck, dass die Schlagerszene bestenfalls aus vier, fünf 

Flaggschiffen bestand. Trog dieses Bild, oder vermittelte die 

Sendung den tatsächlichen Zustand der Branche? 

Die Gegenfrage. Was verstehen Sie unter Flaggschiffen? Das wäre für 

meine Begriffe die „Königsklasse". Wie man beim Fußball sagen würde. 

Aber ohne die Zweit- und Drittligisten wäre es langweilig. Auch Ende 

der 70er Jahre waren immer wieder Neuentdeckungen in der Sendung, 

die dann populär wurden. Eine der populärsten Künstlerinnen hat uns 

immerhin als Teenager die Nummer eins beim Grand Prix beschert: 

Nicole mit "Ein bisschen Frieden". Und ich könnte davon noch eine 

ganze Menge nennen. 


Als die NDW aufkam, wurde 

die Hitparade mehr zu 

einer Popshow. War diese 

Veränderung Ihr Ding? 

Die NDW – also die Neue Deutsche 

Welle – hat, wie Wellen das tun, 

eine ganze Menge musikalisch an 

den Strand gespült. Das Gute ist geblieben, der Rest wanderte zurück ins 

Meer. Ich empfand die NDW als eine gute Bereicherung der deutschen 

Musikszene. Man darf dabei aber auch nicht vergessen, dass zur selben 

Zeit ein Andy Borg mit mehreren Hits in die Oberliga kam, dass ein Nino 

de Angelo mit "Jenseits von Eden" einen Jahrhunderthit startete und 

Roland Kaiser, von dem ich von den vielen Hits nur einen herausgreifen 

will, "Santa Maria" zur selben Zeit ein großes Publikum eroberte. 

Der " 

Musikladen" wurde 1984 eingestellt, Sie nahmen im selben 

Jahr Abschied von der Hitparade. Das wirkte wie ein 

Großreinemachen der Öffentlich-Rechtlichen. Warum sind Sie 

damals gegangen? 

Der Grund meines Abschiedes nach 15 Jahren und elf Monaten war 

ein ganz einfacher: Ich machte damals schon seit Ende der 70er 

neben der Hitparade auch die „Pyramide", und auf meine Anfrage 

nach einer großen Abendshow mit Musik antwortete mir der damalige 

Hauptabteilungsleiter Show: „Herr Heck, was wollen Sie denn 

noch alles machen? Dann müssen Sie sich 

von einer Sendung trennen." Und da die 

Hitparade ein wohlgestalteter Teenie war, der 

die Fürsorgepflicht des Vaters nicht mehr benötigte, 

habe ich mich von ihr getrennt. 

Nach Ihnen erlebte die Hitparade ein 

ständiges Hin und Her. Plötzlich sangen 

immer mehr Interpreten englisch, 

wurde zum Playback gemimt, gab es 

Studiogäste. Hat Ihnen die Entwicklung 

Ihres Kindes noch gefallen? Was hätten 

Sie anders gemacht? 

Mir hat die musikalische Entwicklung der Hitparade insofern nicht 

mehr so gut gefallen, weil auf einmal zwar „deutsche" Copyrights im 

Mittelpunkt standen, die englisch gesungen wurden – wie übrigens alle 

Produktionen von Frank Farian oder Dieter Bohlen. Für den Zuschauer 

waren sie als deutsche Produkte nicht mehr nachvollziehbar. Ich wäre 

dabei geblieben, weiterhin – für den Zuschauer verständlich – nur 

deutschsprachige Titel zuzulassen. 

Der deutsche Schlager ist immer noch da und hat zum Teil 

hervorragende Vertreter. Hätte eine Sendung wie die Hitparade 

Ihrer Meinung nach heute noch eine Chance im TV? 

Natürlich ist die deutschsprachige Musikszene immer noch da, und 

ich finde, erfolgreicher denn je, nur im aktuellen Gewand des neuen 

Jahrzehnts. Das gefällt mir unendlich gut, und aus diesem Grunde wäre 

es wunderbar, wenn es für diese musikalische Vielfalt eine Plattform 

gäbe. Das hätte sicherlich eine gute Chance. 

Fotos:© Bildarchiv Hallhuber/Zill


Seit 65 Jahren am Steuerknüppel 

und kein bisschen grauer 

Es war ein schulfreier Donnerstag in Belgien, und 

das Jahr 1947 war noch ganz neu. An diesem 

2. Januar fanden die Leseratten in ihrem 

Comic-Magazin " 

Spirou" einen amerikanischen 

Helden par excellence. Ausgestattet 

mit einem Granitkinn, den Schultern eines 

Möbelpackers und einem ausgesprochen 

männlichen Namen: Buck. Buck Danny. 

Ein untadeliger Pilot, so amerikanisch wie 

Apfelkuchen, aus der Feder eines belgischen 

Comic-Teams? Nicht so abwegig, 

wenn man bedenkt – erst der Einmarsch 

der Amerikaner beendete die Entbehrungen n 

der belgischen Bevölkerung. Kaum ein Junge, 

der nicht davon träumte, als todesmutiger Pilot 

durch die Wolken zu rauschen. Texter Jean- 

Michel Charlier und Zeichner Victor Hubinon 

ließen ihren Buck Danny die damals noch allen 

präsenten Kriegsjahre erneut durchleben. Das 

erste Abenteuer setzt 1941 ein. „Wir brauchen 

einen fähigen Mann für unsere Werft in Pearl lHarbor", sagt tjemand, 

worauf Buck sich pflichteifrig meldet, und natürlich war damals jedem 

Leser klar, mit dieser Destination würde Danny unmittelbar den Angriff 

der Japaner erleben. Auf den folgenden Seiten sollte er erstmals eine 

Maschine schrotten, „Bruch machen", wie es im Pilotenjargon on heißt, ein 

Flugzeug bruchlanden – es sollte nicht das letzte bleiben. 

Im Zeitgeist der 40er Jahre 

Schon auf Bild neun steckt unser Idol sich seine erste 

Zigarette an – die erste von vielen. Und noch etwas lässt sich 

für heutige Leser nur mit dem damaligen Zeitgeist erklären: 

Buck Danny ist Rassist. Zumindest, wenn es um „die Japsen" 

geht. Die Gelben sind tatsächlich so gelb, wie die Farbe aus 

der Tube kommt. In jenen Zeiten mussten die Guten besonders 

gut, die Bösen daher besonders schlecht sein, und diese 

undankbare Rolle kam den Japanern zu. Das Hassbild blieb 

auch nach dem Sieg erhalten, nicht zuletzt durch solche Publikationen. 

Buck schimpft die Gegner „Mondgesichter", „Zitronenfratzen" und 

„verdammte Zwerge". Charlier hat später einmal ausgeführt, 

dass der Massenmord von Hiroshima 

damals noch niemanden belastete. 

Die Väter von Buck Danny scheuten 

sich nicht, amerikanisches Heldentum 

zu verklären und den jungen Verehrern 

zur Nachahmung zu empfehlen, auf manchen 

Sonderseiten auch „Abzeichen der amerikanischen 

Luftwaffe" darzustellen. Eigentlich 

Propaganda der billigen Sorte, nur mit dem 

Unterschied, dass keine Regierung sie dazu 

angestiftet hatte. Es war nur so: Hubinon und 

Charlier verehrten selbst die US-Piloten über alle 

Maßen. Vom ersten Geld, das Buck Danny ihnen einbrachte, absolvierten 

die beiden ihre Pilotenscheine für Sportflugzeuge. Als Amateurpiloten 

schafften sie es bis zur Berufslizenz. Einige Jahre arbeiteten sie im 

richtigen Leben als Piloten und in der Fantasiewelt an Buck Dannys 

Geschichten – die Kunst imitierte das Leben. Und wie ihre Figuren blieben 

auch sie vor Bruchlandungen nicht verschont. 

Berufssoldat von ganzem Herzen 

Nach dem japanischen Angriff meldet sich Buck als aufrechter Patriot 

ohne Umschweife zur Air Force. Und da wird er Zeit seines Comic- 

Lebens auch 

bleiben, alters- und anspruchslos, was sein Privatleben 

angeht. Nur einmal wird er seinen 

Abschied nehmen, allerdings 

nur so lange, um sich davon zu 

überzeugen, dass er im Zivilleben 

nicht glücklich wird und sich eine 

Seite später schon wieder auf der 

Rekrutierungsstelle wiederfindet. 

Buck Danny ist Berufssoldat, er 

kann nicht ohne die Air Force. 

Glücklicherweise geht bei der 

Air Force auch nichts ohne Buck 

Danny. 


In deutschen Landen hob Danny erstmals 1973 im Bastei-Verlag ab. 

Der traute dem Vornamen „Buck" offenbar 

nicht und benannte die Serie flugs 

in „Rex Danny" um (außerdem verzichtete 

Bastei auf die Veröffentlichung einiger 

Nummern mit Kriegshandlungen). 

Chronologisch korrekt brachte das erst 

der Carlsen-Verlag auf die Reihe. Zur Zeit 

der deutschen Erstveröffentlichung waren 

Überschallflieger freilich schon ein alter Hut. 

Als Buck Danny in Belgien die Bühne 

betrat, brach das Jet-Age gerade an, das 

Zeitalter des Düsenflugzeugs machte aus 

den Männern, die die Schallmauer durchbrachen, 

die Helden der Stunde, und schon bald sollten am Himmel über 

Korea Düsenflieger gegeneinander antreten. Der aus heutiger Sicht interessanteste 

Zyklus der Comic-Reihe beginnt erst bei Album 10 im Jahr 

1952 (was der Bastei-Verlag seinerzeit wohl auch so empfunden haben 

muss und seine Serie erst mit dieser Nummer startete): Buck meldet sich 

als Testpilot, um neue Prototypen zu fliegen. Mit dieser Ausgabe war die 

Handlung nicht mehr in der Vergangenheit angesiedelt, sondern in der 

Gegenwart angekommen. Die aufgeregten Leser hatten den Eindruck, 

mitten ins aktuelle Geschehen der amerikanischen Navy und Air Force 

gezogen zu werden. 

Realismus bis ins kleinste Detail 

Dabei zeichnet sich die Serie stets durch eine akribische, fast schon 

besessene Liebe zum Detail aus, was umso erstaunlicher ist, da den 

Autoren diese technischen Informationen nicht einfach zugänglich 

waren. Charlier hat seine Dokumentationen aus den Mülleimern der in 

Belgien stationierten US-Army gerettet oder sich „vor den Toren der 

Kasernen herumgedrückt, um ein paar Militärzeitungen zu ergattern". 

Doch sind es gerade diese technischen Einzelheiten, die die 

authentische Atmosphäre der Storys ausmachen. Wenn die 

abenteuerlichen Fabeln die Grenzen der Glaubwürdigkeit 

überschreiten, was ein Buck Danny alles erleben und überleben 

kann, so verleiht die genaue Abbildung der Maschinen 

der Erzählung ihre Wahrhaftigkeit. 

Auch Buck selbst, der in den ersten Bildern noch ganz 

unfertig wirkte, ja grobschlächtig, hatte nun dreidimensionalere 

Züge angenommen. Die Erzählform der ersten Person 

hatte man schnell wieder aufgegeben, die Abenteuer von 

Buck Danny sollten nicht in der Ich-Form, sondern aus der 

Perspektive des gespannten Zuschauers erlebt werden. Dafür htt hatten die 

Autoren Buck seine Weggefährten zur Seite gestellt: Tumbler, einfach 

„Tumb" genannt, und Sonny Tuckson. Dem kleingewachsenen Sonny 

kam dabei der Part des komischen Sidekicks zu, für immer und ewig für 

die Erheiterung der Leser zuständig. Die Drei waren die besten Freunde 

der Welt und standen an vorderster Front, wenn ein Admiral Freiwillige 

suchte. Zum Teufel mit dem Risiko! Darin sahen die Jungen, aus der sich 

die Leserschaft vor allem zusammensetzte, 

das Erstrebenswerteste überhaupt. 

In ihren Anfängen lebten Hubinon und Charlier r 

in einer Baracke, die davor allen Armeen, die 

durch Belgien gezogen waren, als Unterkunft t 

gedient hatte. Sie ernährten sich hauptsächlich 

von Nudeln, „weil das ungefähr alles war, 

was wir uns leisten konnten", erinnerte sich 

Charlier an diese heroische Epoche. Fast ein 

bisschen so, wie wenn ihre Comic-Figuren allen 

Entbehrungen zum Trotz die freie Welt retten 

wollen, egal ob sie dabei am Nordpol stationiert i t sind oder auf einem 

Flugzeugträger fern der Heimat, die ihnen als Privatpersonen eigentlich 

nicht viel bedeutet – außer, dass sie für sie ihr Leben aufs Spiel setzen. 

Nicht einmal der Tod kann ihn stoppen 

Selbst Frauen konnten das eingeschworene Trio nicht auseinanderbringen 

(nur Sonny erwärmte sich ab und zu für einen Flirt, was aber stets in 

einer Peinlichkeit endete). Die einzige weibliche Figur, die Buck je hätte 

„gefährlich" werden können, und dies in doppeltem Sinn, ist „Lady X", 

eine auffällig attraktive Fliegerin, die aber als Spionin für die Gegenseite 

arbeitet und darum Bucks geschworene Erzfeindin werden muss. Keine 

Frau hätte einen Kerl wie Buck je von seiner Pflicht abhalten können. 

Eines der Abenteuer endet mit seinen Worten: „Ich will meine Mutter 

besuchen. Denn gleich nach dem Urlaub erwartet mich ein wichtiger 

Einsatz." Was gäbe es da schon mehr zu sagen? 

Nicht einmal der Tod von Zeichner Hubinon 1979 konnte 

Buck Danny am Boden halten. Charlier legte den Zeichenstift 

in die Hände von Francis Bergèse. Als der berühmte Texter 

(der auch den „Leutnant Blueberry" ins Leben gerufen hatte) 

selbst 1989 verstarb, sollte es zwar vier Jahre dauern, bis mit 

Jacques de Douhet ein neuer Szenarist gefunden war, doch 

Buck Dannys Überleben war gesichert. Mit dem Tod des 

früheren Herausgebers Georges Troisfontaines 2007 endete 

auch ein jahrelanger Rechtsstreit um den Abdruck der ersten 

Abenteuer. So hat Buck Danny in bisher 52 Bänden nicht nur 

einen Weltkrieg, den Koreakrieg, den Kalten Krieg sowie alle 

Einsätze in gegenwärtigen Kriegsregionen wie Afghanistan 

unbeschadet überlebt, sondern auch alle seine Väter. Nur er selbst bleibt 

immer alterslos, während seine Maschinen immer moderner und immer 

schneller werden. 


Jede Woche 

Clips aus 

einer 

Anarcho 

I 

Jedem Jahrzehnt seine TV-Musik-Show: Der Beat-Club" revolutionierte 

die 60er, Musikladen" und Disco" beherrschten die Dekade 

" " 

" 

danach, und die quietschig-schrillen 80er wurden von Formel Eins" 

" 

geprägt. Vor genau 30 Jahren wurde die erste deutsche Videoclip- 

Sendung in den Münchener Bavaria Studios produziert – und sie sollte 

fortan das Lebensgefühl einer neuen Generation repräsentieren. 

Kulisse 


Was mit puren Werbefilmchen begann, hatte sich in der Duran oder Pink Floyd wurde diese Ehre zuerkannt. Die Zeit, diesen 

zweiten Hälfte der 70er Jahre zu einer ernstzunehmenden 

Form der 

niemand genommen. Denn 

Fakt tatsächlich einmal zu recherchieren, hat sich bisher allerdings 

Präsentation von Musik 

auch das Beatles-Filmchen 

entwickelt. Der Videoclip 

zeigte oft nicht mehr nur 

war damals nicht das erste 

seiner Art. 

die bei einem imaginären 

D 

Auftritt abgelichtete Gruppe. 

ie Macher der damals 

Manchmal wurden in einem 

für Deutschland bahnbrechenden 

Kurzfilm Geschichten 

Sendung hatten 

erzählt, dann wieder expressionistische 

Bilder zu ungewöhnlichen 

Klängen erfunden. 

Es ist amüsant zu sehen 

kaum Vorbilder für „Formel 

Eins". Sicher, es gab seit 

1981 bereits den amerikanischen 

MTV-Kanal, für die 

oder zu lesen, wie sich in 

deutschen TV-Zuschauer 

den Medien seit Jahren die 

Schlaumeier darin überbieten, 

dem Publikum weiszu- 

musste allerdings ein neues 

Konzept gestrickt werden, 

sollten in nur 45 Minuten 

machen, wer denn nun mit 

doch die Entwicklungen auf 

Vier auf einen Streich: die Moderatoren-Gilde von Formel Eins" 

dem ersten echten Videoclip 

" mehreren en 

um die Ecke kam. Die berühmtesten und damit am häufigsten 

genannten angeblichen Pioniere des Genres sind die Beatles mit 

"Strawberry Fields Forever" (läge nahe) und Queen mit "Bohemian 

Rhapsody" (eher unwahrscheinlich). Aber auch schon Abba, Duran 

relevanten Musikmärkten untergebracht werden. 

Produzent wurde der im Musikgeschäft erfahrene 

Andreas Thiesmeyer. Als Regisseur trat der 

versierte Michael Bentele auf – mit Vorlieben 


© Pressefotos 

für deutsche Avantgarde-Acts. Und als erster Moderator 

ging Peter Illmann aus einem Casting hervor. Wenngleich 

der junge Mann manchmal etwas verkniffen rüberkam 

und die Ansagen dann eher steif statt jugendlich frisch 

(siehe Interview) abspulte, gilt Illmann als das „Formel 

Eins"-Gesicht schlechthin. 

Das mag zum einen 

Peter Illmann 

daran liegen, dass sich 

mit ihm die Show etablierte 

(April 1983 bis 

Dezember 1984), es wird 

aber auch nicht unwesentlich 

davon beeinflusst 

worden sein, 

Ingolf Lück 

dass der gebürtige 

Dortmunder 

durchweg 

mit 

einem 

enormen 

Wissen über 

Bands, 

Stile, 

Szenen 

und 

Branche punkten 

konnte. 

Ähnliche Qualitäts merkmale gingen 

seinen Nachfolgern ab. 

Ingolf Lück (1985) gab von Anfang 

an den Clown. Im Gegensatz zu 

seinem Vorgänger schien der 

hyperaktive Lück von der 

Tarantel gestochen zu 

sein, was er mit allerlei 

Aktionen zu kompensieren 

versuchte. Dazu 

Stefanie Tücking 

gehörten 

auch 

seine 

Parodien 

internationaler 

Künstler, was nicht 

nur Freunde fand. 

Stefanie Tücking (1986 

und 1987) wollte zwar 

immer musikalisches Fachwissen 

raushängen lassen, fiel aber vor 

allem durch ihr in der Sendung 

Kai Böcking ständig wechselndes Outfit auf. 

Meist lustig: Ingolf Lück parodierte die Stars 

Und Kai Böcking (1988 bis 1990) gilt den meisten als der 

„schleichende Tod" einer vormals maßgeblichen TV-Sendung. Der 

Niedergang des einst Subversiven setzte allerdings schon unter 

Tücking ein – spätestens als am 4. November 1986 Bundespräsident 

Richard von Weizsäcker Ehrengast der Sendung war. Mit dem 

Anarcho-Image der ersten Jahre hatte das nichts mehr zu tun. 

Videoclips zu präsentieren hätte so einfach sein können. Die 

TV-Musikkanäle bewiesen dies später, als sie ihre Moderatoren 

vor langweilig gestalteten Deko-Wänden die Beiträge anmoderieren 

ließen. Die jeweiligen 45 Minuten „Formel Eins" hatten 

hingegen eine Produktionszeit von fast einer Woche. 

Gedreht wurde in der Halle 10 der Bavaria Studios, 

wo die Ausstattung nicht nur von Show zu Show 

wechselte. Selbst innerhalb einer Sendung machte 

man sich manchmal die Mühe, das gesamte 

Drumherum völlig auf den Kopf zu stellen. Und 

da ging es dann nicht etwa 

um das Verschieben 

von bunt bemalten 

Pappwänden: Die 

„Formel Eins"-Kulisse 

gab es praktisch in 3D. Mal 

Schrottplatz, mal Hinterhof, dann 

wieder Autowerkstatt, Künstleratelier 

oder Probenraum – an irgendetwas 

dieser Art erinnerte die scheinba- 

re 

Unordnung immer. Nicht 

Nena 

selten war die Ausstattung den 

ins Studio eingeladenen Künstlern 

angepasst. 

Dabei ging es vor allem 

darum, den jugendlichen 

Zuschauern per 

Videoclips die aktuellen 

Charts aus den USA, 

Großbritannien 

und 

Deutschland zu präsentieren. 

Logisch, dass sich dadurch Falco 

eine immense Stilvielfalt entwickelte. 

Schlager konnte man bei 

„Formel Eins" ebenso erleben 

wie brachialen Heavy Metal. 

Von 1983 bis 1987 lief die 

Sendereihe wöchentlich auf 

Kim Wilde 

Modeikone und Kind ihrer Zeit: Stefanie Tücking 

allen dritten Programmen 

meist zwischen 18.30 und 

21 Uhr. Ab 1988 bekam „Formel 

Eins" einen Stammplatz in der ARD 

zur „besten Sendezeit": immer sonnabends 

um 15 Uhr. 

Roxette

Peter Illma n n 

Sie war schnell, laut und aufregend: Die 

" 

Formel Eins" machte als erste Videoclip- 

Show im deutschen Fernsehen ihrem Namen 

alle Ehre. Vor 30 Jahren ging sie auf Sendung, 

etablierte neue Gesichter und machte einen 

neuen, manchmal schrillen Moderationsstil 

salonfähig. " 

Formel Eins" wurde die Mutter 

sämtlicher Chart-Shows, die heute geradezu 

inflationär die Abendprogramme der 

Privaten bereichern. Mit dem ersten VJ des 

deutschen TV, Peter Illmann, sprach Jens- 

Uwe Berndt über die Show, den Anspruch 

von Videoclips und die wahren 80er Jahre. 

Foto: © Monique Wüstenhagen 

Sie haben im Fernsehen und im Radio eine Menge 

gemacht. Erinnert sei da nur an " 

P.I.T. – Peter Illmann 

Treff" oder " 

Peters Pop-Show". Stört es Sie, scheinbar 

nur auf " 

Formel Eins" reduziert zu werden? 

Das bleibt nicht aus. Immerhin war „Formel Eins" eine aufsehenerregende 

Sendung. Auch ein Dieter-Thomas Heck wird immer zuallererst 

mit der „ZDF-Hitparade" in Verbindung gebracht. Insofern 

stört es mich nicht, wenn man bei meinem Namen vor allem an 

„Formel Eins" denkt. 

Waren Sie für die Moderation von 

Anfang an die erste Wahl? 

Oh, es wurden zig Leute gecastet. Nur hieß 

das damals noch nicht so. Dass man sich für 

mich entschied, hing vermutlich vor allem 

mit meiner Radio-Erfahrung zusammen, 

die ich damals schon hatte. Es wurde ein 

Moderator benötigt, der auch ohne vorgegebenen 

Text schnell und spontan reagieren 

konnte. 

Wer gestaltete das jeweilige Konzept 

Peter Illmann in der ersten 

" 

Formel Eins"-Sendung 

einer Sendung? 

Dafür war das gesamte Redaktionsteam verantwortlich. 

Einige Elemente waren festgelegt, 

wie die aktuellen Charts zum Beispiel. Neuvorstellungen und 

Tipps brachte jeder individuell ein. Ich stand mehr für den soliden 

Bereich. Regisseur Michael Bentele war extremer, der holte einige 


obskure deutsche Bands ins Studio, die lediglich mit Ketten rasselten, 

was man kaum noch als Musik bezeichnen konnte. 

Die erste Sendung begann ausgerechnet mit Rainhard 

Fendrich und "Es lebe der Sport". Für ein neues Format, 

das den Zeitgeist bedienen wollte, vielleicht etwas öde?… 

Echt, war das so? Das lag wohl daran, dass es sich um eine Chart- 

Platzierung in Deutschland handelte, einen Neuzugang in den Hot 

100. Wir wollten die erste Sendung nicht mit einem Tipp, sondern 

mit den Charts anfangen. Und es gab damals wirklich Schlimmeres 

als Rainhard Fendrich. Von den deutschsprachigen 

Sängern war er noch einer der guten. 

In einer Rückschau auf Formel Eins" 

im Internet ist sinngemäß " zu lesen, dass 

das, was damals eine Sensation gewesen 

sei, nämlich Videoclips zu zeigen, heute 

total langweile. Sind Clip-Shows heutzutage 

wirklich ein Garant für öde Nachmittage? 

Das glaube ich nicht. Das Problem sind die Clips 

selbst. Aktuell werden die meisten längst nicht 

mehr so aufwändig produziert wie damals. Gut 

gemachte Clips sieht man heute noch gern, wenn 

ich da nur an "Wild Boys" von Duran Duran 

denke – oder "Thriller" von Michael Jackson. 

Außerdem fehlen TV-Sendungen, die so etwas zeigen. 

Mit dem Computer kann mittlerweile eine Menge gemacht 

werden, was die Videomacher reichlich nutzen. Und nicht

selten sehen diese Kurzfilme dann recht opulent aus. 

Diese Computertricks nutzen sich ab. Wir haben uns längst an 

diese Bilder gewöhnt, sie sind Standard geworden. Heute möchte 

man wieder überrascht 

werden. Nicht Effekte e 

zählen, sondern Ideen. 

Wenn es davon wieder 

mehr gäbe, wären die 

Clips auch wieder interessanter. 

Von daher ist es 

im Moment doch schon 

irgendwie 

langweilig, 

eine Videoclip-Sendung 

zu sehen. 

MTV und selbst Viva 

hatten über Jahre 

großartige Sendekonzepte. Warum, glauben 

Sie, gibt es dort kaum noch Clip-Shows? 

Skurrile Übergabe: Illmann geht zum ZDF 

und Lück kommt zur Clip-Show 

Vielleicht dachte man dort, mit all dem anderen Kram wie Reality- 

Shows und Trickfilmen mehr Leute zu erreichen. Ich bin mir sicher, 

dass heute ein Sender mit einer gut gestalteten Video-Hitparade eine 

echte Chance hätte. 

1983 ging Formel Eins" auf Sendung. Nachdem sich Ilja 

Richters Disco" " 1982 verabschiedet hatte, wurde 1984 

auch der " Musikladen" eingestellt. Waren Videos und dann 

" 

Formel Eins" als neues Format aus der Konserve mitverantwortlich 

dafür, dass die großen TV-Live-Shows von der 

" 

Mattscheibe verschwanden? 

Nein, das glaube ich nicht. Es wurde den Sendern einfach zu teuer, 

all die großen Künstler zu holen. Im kleinen Format haben die Live- 

Shows ja noch funktioniert. Meine „Pop-Show" lief zum Beispiel 

noch bis in die 90er Jahre. Es bleibt etwas Besonderes, den Künstler 

auf der Bühne zu sehen. Damals haben sich solche Auftritte mit 

den Videoclips ergänzt. Manch ein Musiker entfaltete erst auf 

der 

Bühne seine ganze 

Ausstrahlung. Anderen, 

die live nicht so gut 

waren, haben die 

Videos enorm geholfen. 

Was waren Ihre 

aufregendsten 

Momente 

bei 

Formel Eins" ? 

" Divine 

"Di 

zu begegnen. 

Auf der Bühne war 

sie diese korpulente, 

ausladende Dame, privat 

war er der nette 

ältere Herr. Diese 

Verwandlung mitzuerleben, 

war sehr 

interessant. t Und 

dann der Auftritt der Toten 

Hosen mit "Eisgekühlter Bommerlunder". Die Band brachte eine 

ganze Horde Punk-Kinder mit, die haben im Studio die Wände 

beschmiert. Alkohol spielte da auch eine große Rolle. Damals 

waren die Toten Hosen noch richtig wild, was sie heute ja nicht 

mehr sind. 

Und die größte Herausforderung? 

Die Technik. Manchmal musste ich bei einer Moderation 

fast unbeweglich an einer Stelle stehen, nur weil das 

Licht genau richtig fiel. Das war überhaupt nicht mein 

Ding, da ich beim Reden lieber herumgestikulierte. 

Warum haben Sie 1985 " 

Formel Eins" verlassen? 

Ich wollte eine Live-Sendung. Ich war mit Thomas 

Gottschalk befreundet und habe mit seiner Hilfe die 

Möglichkeit bekommen, im ZDF „P.I.T." zu machen. Der 

ARD hat das überhaupt nicht gefallen, dass ich zum ZDF 

gegangen bin. Und im Nachhinein sage ich mir, dass ich 

das auch hätte eleganter lösen können. 


Was war die Ursache für das Ende von " 

Formel Eins" 1990? 

Es gibt mehrere Gründe. Natürlich MTV, wo ständig Videos liefen. 

Außerdem wollte die ARD kein Geld mehr in die Sendung investieren, 

die mittlerweile mit Sonnabend nachmittag auf einem unmöglichen 

Sendeplatz versauerte. Auch war „Formel Eins" zu einer 

unsäglichen Reisesendung verkommen. Kai Böcking moderierte 

aus Fantasialand oder Disneyland und konnte die Clips nicht 

mehr direkt ansagen, weil er bei der Aufzeichnung der Show gar 

nicht wusste, welche Songs sich wo platziert hatten. Also hieß 

es 

zum Beispiel lediglich: Und jetzt Platz zwei der Charts. Dafür 

konnte Kai Böcking nichts. Das war das neue Konzept. Und das 

hat mir überhaupt nicht mehr gefallen. 

In Chart-Shows oder Lifestyle-Sendungen ergehen sich 

Halb-Promis und Moderatoren derzeit darin, die 80er 

als tristes, bestenfalls kitschiges Jahrzehnt zu beschreiben. 

Ich wundere mich, was über die 80er gesagt und geschrieben 

wird. Es wurden irgendwann Klischees aufgebaut, die regelmäßig 

wiedergegeben werden. Dabei hatten wir es mit einem bunten 

Jahrzehnt zu tun, in dem alles erlaubt war. Es war eine optimistische 

Zeit des Aufbruchs. Ich fand auch in der Mode nicht alles peinlich. 

Wer weiß, wie man in einigen Jahren über die großen schwarzen 

Brillen lachen wird, mit denen jetzt so viele herumlaufen. Es gab 

musikalisch gesehen sehr viele gute Sachen. Nicht umsonst sind die 

Songs der 80er heute noch gefragt. Auch neue Bands orientieren 

sich daran. Nehmen wir die Killers – die klingen praktisch wie eine 

Band aus den 80ern. 

Würde man heute eine Sendung wie " 

Formel Eins" im TV 

platzieren – wie müsste die aussehen? 

Eigentlich ähnlich wie damals. Wir haben damals TV-Geschichte 

geschrieben, indem wir nicht aus einem sauberen Studio, sondern aus 

einer Schrotthalle sendeten. Das war eine andere Art von TV. Auch 

heute müsste solch eine Sendung jung sein. Sie wäre schon wegen 

des reichhaltigen musikalischen Angebots vielfältiger. Sie sollte 

sich aber an den Charts orientieren. Dann müsste das 

klappen. Aber natürlich würde die Produktion nicht mehr 

so aufwändig sein, denn dafür ist kein Geld mehr da. 

Jubiläen und runde Geburtstage geben Anlass zu 

besonderen Aktionen. Was erwartet die Fans der 

Sendung " 

Formel Eins" in diesem Jahr? 

Wir – das sind Verantwortliche von Sony Music und 

ich – denken über eine „Formel Eins"-Tour nach. 

Wir müssen mit Tourneeveranstaltern reden, uns 

die Hallen raussuchen und vor allem die Künstler 

auswählen. Es darf nicht peinlich sein. Wir wollen 

keine Leute auf die Bühne stellen, die 

nicht mehr können und wollen. Es sollen aber 

auch keine Cover-Bands auftreten. Dieses 

Jahr wird für die Vorbereitungen draufgehen. 

Darüber hinaus werde ich bei Lanz und bei 

Raab sein, um über „Formel Eins" zu reden. 

Und wenn es zu der Tour kommt, muss die 

Atmosphäre stimmen. Wir wollen etwas qualitativ 

sehr Hochwertiges auf die Beine stellen. 

Foto: © Monique Wüstenhagen

Giulia Coupe TZ 1963-1967 

Als der Autofahrer 

Von Jürgen Wolff 

sein Herz an „Giulia“ verlor 

1962 . 

Giulia Coupe 1300 GTA Junior Corsa 1968-1972 

In England formieren sich die Rolling Stones, die 

Beatles nehmen ihre erste Single "Love Me Do" auf. Im Münchner 

Stadtteil Schwabing gibt es erste Jugendkrawalle und in der ARD die 

erste Folge von „Bonanza". Jon Bongiovi (Bon Jovi) wird geboren 

und Max Raabe. William Faulkner stirbt im Juli und Marilyn Monroe 

im August. Georges Pompidou wird Premierminister Frankreichs, und 

in Augsburg wird die erste e Autowaschanlage zum 

Patent angemeldet. Vor allem aber: In Italien lädt 

Alfa Romeo die Fachpresse in den königlichen 

Park von Monza, um den jüngsten 

Wurf der Autoschmiede 

zu präsentieren – die Giulia 

1600 TI, eine Kreuzung aus 

Mittelklasse-Limousine 

und Sportwagen. Sie ist 

Nachfolgerin der Giulietta, von 

der sie den Namen übernimmt 

– ohne die Verniedlichungsform. 

Giulia Spider 1962-1965 

Ob als Rennwagen, Familienkutsche oder als Einsatzfahrzeug der Polizei: 

Alfa Romeos Giulia hat überall eine „bella figura“ gemacht. 16 Jahre 

lang lief das Modell in zahlreichen Varianten vom Band. 

Die Giulietta, von ihren deutschen Besitzern meist liebevoll 

„Julchen" genannt, war in den 50ern die erste auf Großserie ausgelegte 

Modellreihe von Alfa Romeo – und gleich ein großer Erfolg: Sie 

war als erster Alfa auch für größere Bevölkerungskreise erschwinglich. 

Ab 1962 wurde die Giulietta nach und nach durch die Giulia abgelöst. 

Das erste Giulia-Coupé ist nicht viel mehr als eine Giulietta mit größerem 

Motor. Das Cabrio bekommt eine Lufthutze auf der Motorhaube 

und wird verlängert. 

„Julia" kommt sportlich knackig daher: Mit seinen 68 kW/92 PS 

liegt der Wagen leistungsmäßig auf dem Niveau eines Porsche 

356. Mit ihren vier Türen, zwei durchgehenden Sitzbänken und 

Platz für sechs Passagiere gibt sich die Giulia dabei aber auch 

durchaus familientauglich. Die Karosserie des neuen Produkts aus 

der Mailänder Autoschmiede mutet dabei auf den ersten Blick gar 

nicht besonders windschnittig an. Aber Alfas Aerodynamiker haben 

lange an Giulias Blechkleid getüftelt und gefeilt und es im Windkanal 

optimiert. 

Mit einer breiten Sicke bildet der Kofferraum ein so genanntes 

Kamm-Heck, benannt nach dem Kraftfahrzeugforscher und 

Aerodynamik-Pionier Wunibald Kamm, der in den 30er und 40er 

Jahren Versuchswagen für BMW entwickelt hatte. Die Alfa-Ingenieure 

konnten den Cw-Wert auf 0,34 minimieren. Anfang der 60er ist das 

eine Sensation, die den Hersteller veranlasst, sein neues Modell mit 

dem Slogan „Vom Wind modelliert" zu bewerben. 

Das Triebwerk unter Giulias Haube hat seinen 

Ursprung im Motorsport. Block 

und Zylinderkopf sind 

aus Aluminium gegossen. 

Zwei von einer 

Doppel kette angetriebene 

Nockenwellen 

steuern die Ventile. 

Ein Doppelvergaser 

sorgt für ein heiser röchelndes 

Ansauggeräusch, das den Alfisti 

jener Jahre wohlige Schauer über den 

Rücken jagt und auch heute noch für Verzückung sorgt. 

Das Fahrwerk entspricht weitgehend dem der Vorgängerin Alfa Romeo 

Giulietta, der Baureihe 101 aus der Alfa-Schmiede. Doch etliche Details 

wurden verbessert. So kommen an der Vorderachse zusätzliche obere 

Querlenker zum Einsatz. Die Hinterachse wird von neugestalteten 


Längslenkern und einem T-förmigen Reaktionsdreieck wirkungsvoller 

unterstützt. 

Es dauerte nicht lange, da tauchte die Mailänder 

Schönheit auf den ersten Rennstrecken n auf. 

Ein Jahr nach der Premiere stellte Alfa 

Romeo eine Sportversion vor, die 

Giulia 1600 TI Super mit einem von 

zwei Doppelvergasern auf 113 PS 

gepeitschten Motor, sie fuhr bis zu 

190 

km/h schnell. Lenkradschaltung 

und die vordere Sitzbank mussten einem 

auf dem 

Mitteltunnel positioniertem Schalthebel 

und zwei 

getrennten Schalensitzen weichen. Die 

Felgen waren aus einer extraleichten Magnesium- 

Aluminiumlegierung, die 

aus dem Flugzeugbau 

stammte. Insgesamt war 

die Sportversion 100 

Kilogramm leichter als 

die zivilere Version – und 

kostete mehr als doppelt 

so viel. „Auto Motor und 

Sport" notierte verschreckt 

eine „Überlegenheit, die 

man nur mit Maßen ausnutzen 

darf, wenn man nicht die übrigen Verkehrsteilnehmer ängstigen 

will". Die Giulia 1600 TI Super wurde in überschaubarer Stückzahl produziert. 

Exakt 501 Exemplare liefen vom Montageband. Heute werden 

für gut erhaltene Exemplare Preise bis zu 50.000 Euro gezahlt. 

1964 ging die Giulia 1300 an den Start und rundete die Baureihe 105 

nach unten ab. Das 78 PS starke Herz erwies sich allerdings als etwas 

zu schwach. Ab dem folgenden 

Jahr wurde ein 

82-PS-Aggregat unter die 

Haube der 1300er Version 

gesteckt. Die „Giulia 

Super" kam 1965 und 

beeinflusste maßgeblich 

die Legende der rassigen 

Giulia. Mit einem Doppelnockenwellenmotor 

leistete 

sie dank zweier Flachstromvergaser 98 PS – genug für eine Spitze 

von 175 km/h. Da sie darüber hinaus deutlich an Chromschmuck 

zugelegt hatte und einen edleren Innenraum bekam, verkaufte sie 

sich vom Start weg glänzend. Von 1970 an lieferte ein 88 PS starkes 

Triebwerk in der Giulia 1300 Super überzeugende Antriebskraft. Ab 

1976 boten die Italiener ihre Giulia auf dem heimischen Markt erstmals 

auch mit einem allerdings wenig spritzigen 50-PS-Dieselmotor 

des britischen Herstellers Perkins an. 

Die technische Basis des Modells war so variabel, dass auf dem Chassis 

der Limousine etliche weitere Ableger entstanden. Das Designstudio 

Bertone etwa entwickelte das Coupé Sprint GT – einen rassigen 

Zweitürer, der heute in der Oldtimerszene schlicht als „Bertone" bekannt 

ist. Die Ingenieure der Motorsportabteilung Autodelta konstruierten eine 

Ultraleichtbau-Version, für deren Karosserie eine Aluminiumlegierung 

verwendet wurde und die als GTA Tourenwagen Rennkarriere machte. 

Ausdem Giulia-Baukasten stammte auch die auf einem Gitterrohrrahmen 

basierende Giulia TZ, die für die Rennpiste ausgelegt und nur noch 

bedingt straßentauglich war. Nicht bei Alfa, sondern in der Schmiede 

des Karosserie- und Designspezialisten Pininfarina wurde ab 1966 der 

Alfa Romeo Spider gebaut. Der offene Zweisitzer, dessen Urversion im 

Film „Die Reifeprüfung" als Auto von Jungstar Dustin Hoffmann zur 

Legende wurde, ist ein Giulia-Ableger. 

Aus dem italienischen Straßenbild der 60er und 70er Jahre war 

die Limousine mit den sportlichen Genen schon bald nach ihrem 

Erscheinen nicht mehr wegzudenken. Familienväter schätzen den 

dynamischen Untersatz. Polizei und Carabinieri machten ebenfalls gern 

mit der weiß-blau lackierten Giulia mobil. 

Die starke Nachfrage nach dem Modell überforderte die Kapazitäten 

des 1906 eröffneten Alfa-Stammwerks in Portobello. In Arese, nördlich 

von Mailand, brachte der Autobauer deshalb eine neue Fabrik an den 

Start. Innerhalb von 16 Jahren rollten hier knapp 300.000 Exemplare 

verschiedener Giulia-1300-Versionen vom Band, dazu kamen rund 

260.000 Exemplare mit 1600er Motor. 1978 war dennoch Schluss mit 

Giulia: Nach 572.646 Fahrzeugen lief die Produktion aus. Eine weitere 

Giulietta trat die Nachfolge des variantenreichen Erfolgsmodells an. 

Doch wie bei vielen lebenslangen Liebesgeschichten war auch das nur 

ein Abschied auf Zeit: 2013/2014 soll eine neue Giulia den Alfa Romeo 

159 ablösen. Die Geschichte geht also weiter. Und mal ehrlich: Was 

wäre Romeo ohne Giulia? 

Giulia Coupe GT Junior Z 1969-1975 

Giulia 1600 GTC 

Cabriolet 1964-1966 

Giulia Coupe 1300 GTA Junior 1968-1975 


NINO DE ANGELO 

Von Christian Simon 

Wenn Gott eine Tür 

zuschlägt, öffnet 

er ein Fenster 

Nino de Angelo (48) heißt eigentlich Domenico Gerhard 

Gorgoglione. Er wurde bereits mit 18 Jahren zum Schlagerstar. 

Sein größter Erfolg: "Jenseits von Eden". Er erkrankte zweimal 

an Krebs, ging 2005 wegen 1,5 Millionen Euro Schulden 

in die Privatinsolvenz, unternahm drei Selbstmordversuche. 

De Angelo war dreimal verheiratet, lebt jetzt in Scheidung und 

hat zwei Kinder: Louisa-Marie (24) und Luca (20). Vergangenes 

Jahr erschien das neue Album von Nino de Angelo: DAS LEBEN 

IST SCHÖN. 

FÜR DICH WAR DAS LEBEN NICHT 

IMMER SCHÖN. ES WAR VON SCHULDEN, 

TRENNUNGEN UND KRANKHEITEN 

BESTIMMT. ZULETZT GAB ES EINE SIE- 

BENJÄHRIGE ZWANGSPAUSE ... 

Das ist richtig. Die letzten sieben Jahre zu 

überstehen, war eine schwere 

Phase. Mein Album heißt ja nicht 

umsonst DAS LEBEN IST SCHÖN. 

Ich war schon ziemlich weit unten. 

Sonst wäre ich in den letzten 

Jahren auch nicht krank 

gewesen. Aber das ist vorbei. 

Ich bin ein Mensch, 

der nach vorne sieht 

und im Hier und Jetzt 

lebt, der Visionen von 

der Zukunft hat. Wenn 

ich mich betrachte 

und sehe, was aus mir 

geworden ist nach all 

der Scheiße, bin ich froh. 

WAS SIND DEINE VORSTELLUNGEN VON 

DER ZUKUNFT? 

Ich bin sehr glücklich, dass ich wieder singen 

kann. Nach der Stimmbandlähmung, einer 

Vorstufe von Kehlkopfkrebs, haben die 

Ärzte gesagt: Man weiß nicht, wie viel 

Stimme Sie zurückkriegen. 90 Prozent 

des Stimmvolumens ist zurückgekommen. 

Deshalb bin ich sehr, sehr glücklich, 

denn das ist die Voraussetzung, dass ich meinen 

musikalischen Weg weitergehen kann. Solche 

Schicksalsschläge muss man als Chance nutzen, 

um neu anzufangen. Irgendwie bedeutet jedes 

Ende einen neuen Anfang. Wenn der liebe Gott 

einem die Tür zumacht, macht er einem das 

Fenster auf. Er sperrt dich nicht ein. 

S 

SEIT 30 JAHREN STEHST DU NUN 

SCHON AUF DER BÜHNE ... 

Vor 30 Jahren fing meine Karriere als Nino de 

Angelo an. Davor habe ich mit 14 Jahren in 

einer Pianobar in Köln Songs von Elvis Presley 

und Adriano Celentano gesungen. Es dauerte 

nicht lange, da wurde ich entdeckt. Den ersten 

Plattenvertrag muss te noch meine Mutter 

unterschreiben. So begann die Karriere. Ich 

habe erst mal zwei Singles als Nino gemacht. 

Das war weniger erfolgreich. Aus Nino wurde 

Nino de Angelo. Die erste Platte war sofort ein 

Erfolg. Keine Ahnung, es wurden 50.000 Stück 

verkauft. Das war damals ein Achtungserfolg. 

Nino de Angelo bei Formel Eins" 1984 

" Dann kam Drafi Deutscher in mein Leben: "Ich 

sterbe nicht noch mal." Und ab "Jenseits von Eden" weiß jeder, wer 

Nino de Angelo ist. 

1989 war ich mit Dieter Bohlen im Studio 

und habe zwei Alben gemacht: FLIEGER 

und SAMURAI waren sehr erfolgreich. Nach 

dieser Zeit, als ich mich von Dieter getrennt 

hatte, habe ich versucht, etwas Rockigeres zu 

machen, was aber nicht funktioniert hat. Der 

Erfolg blieb aus. Es fing die Orientierungssuche 

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201

an. 1996 bin ich das 

erste Mal an Krebs 

erkrankt. Seitdem 

sind 14 Jahre vergangen. 

In den 

Jahren 

danach 

ging es ständig 

weiter 

bergab. 

Als ich dachte, 

ich bin weit genug 

unten angekommen, 

stand da einer mit der 

Schaufel und sagte: 

Weitergraben! 14 

Jahre Talfahrt. 

W 

WELCHE ROLLE 

SPIELTE PETER 

MAFFAY AY IN DEINEM EM LEBEN? 

Der war sehr wichtig. 1996 durfte ich mit 

auf seine Tabaluga-Tournee. Ich war immer 

schon ein Fan von Peter Maffay. Ich mag 

seine Musik und seine Ernsthaftigkeit als 

Künstler. Als ich angefangen habe, Rockmusik 

zu machen, habe ich die mit seinen Musikern 

aufgenommen. Die Band hat mich dann für 

Tabaluga vorgeschlagen. Ich sang bei Peter 

Maffay vor und war dabei. Wir haben bis 

heute ein herzliches Verhältnis. 

WELCHE GEDANKEN MACHT MAN 

SICH NACH SO HARTEN SCHICKSALS- 

SCHLÄGEN? UND FRAGT MAN NACH 

DEM WARUM? 

Ja, schon. Ich glaube, dass jeder auf die Welt 

kommt, um eine Mission zu erfüllen. Um zu 

lernen, um auf den richtigen Weg zu kommen. 

Das 

Ziel ist, gegen en 

Ende des Lebens 

anzukommen. Das ist meine Überzeugung. 

Ich bin auf vielen Wegen gewandelt, ich 

habe mich oft verirrt. Aber alles war 

sehr wichtig und hat seinen Sinn n 

gehabt. Ich musste durch gewisse e 

Täler, um das Leben auch schätzen 

zu können. Man erfährt Ehrfurcht 

und Dankbarkeit, wenn man so viele 

schwere Dinge hinter sich hat. Man 

sieht dann plötzlich alles anders. Erst 

im Laufe des Lebens lernt man zu 

erkennen, was einen belastet. Das Leben ist 

ein Lernprozess. Man darf nicht aufgeben, 

muss an das Gute und auch an sich selber 

glauben. Im Evangelium des Matthäus heißt 

es: Gehet hinein durch die enge Pforte. Der 

Weg, der zum Leben führt, ist schmal. Das 

ist die Aufgabe des Lebens. 

WOVON HAST DU GELEBT IN DER ZEIT, 

ALS DU KRANK WARST? 

Vom Eingemachten. 1996, beim ersten 

Krebs, vor der ersten Scheidung, habe ich 

gelebt von dem, was da war. Wenn das nicht 

mehr geht – deswegen musste ich Insolvenz 

anmelden –, dann lebt man davon, was man 

zugeteilt kriegt. Ich habe sieben Jahre hinter 

mir, wo ich ganz bescheiden gelebt habe. 

OBWOHL DU IN DER INSOLVENZ WARST, 

HAST DU WEITERHIN OBDACHLOSE 

UNTERSTÜTZT. 

Ja, das habe ich immer. Ich fühle mich 

verpflichtet. Ich kann nicht jedem Geld 

geben, sonst kann ich bald wieder Insolvenz 

anmelden. Aber es ist ganz wichtig, dass 

man Menschen, die sich selbst nicht helfen 

können, unterstützt, so gut man kann. Das 

ist unsere Pflicht. 

DEN ERSTEN DURCHBRUCH HAT- 

TEST DU 1983 MIT "JENSEITS VON 

EDEN". DU SAGST ABER, DER WAHRE 

DURCHBRUCH KÄME ERST NOCH? 

Richtig. Ab jetzt quasi, weil Nino da ist, 

wo er immer hin wollte. 1983 war ich nur 

zur richtigen Zeit am richtigen Ort. Ich war 

ein junger Sänger, der eine tolle Stimme 

hatte und einen Song 

interpretiert hat – 

mit Leichtigkeit. Das 

war mein Erfolg. 

Letztendlich war es 

dann eine Entwicklung 

bis heute. Der wahre 

Durchbruch kann erst 

jetzt kommen, der des 

erwachsen 

gewordenen 

Künstlers Nino de 

Angelo. 

D 

DU WOLLTEST DOCH 

EINE AUTOBIOGRAFIE 

SCHREIBEN. 

WIE 

IST DA DER STAND 

DER DINGE? 

Abgehakt, weil die 

Verlage immer nur 

irgendwelchen 

Mist 

wollen. Da 

müsste st 

ich vielen, vielen 

Menschen auf die Füße treten. Die wollen 

kein Buch haben, in dem niemand 

namentlich verletzt wird. 

Das kann man abhaken. 

Ich schreibe kein 

Buch, und ich brauche 

auch kein Buch schreiben. 

Mein Album DAS 

LEBEN IST SCHÖN ist wie 

eines. Jeder Song hat mit 

meinem Leben zu tun. 

Foto: © 7daysmusic 

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kult! Bücher 

Von Alan Tepper 

In den letzten Monaten hat sich der Trend der " 

Political 

Correctness" und des Regulierungswahnsinns 

auch in den Verlagshäusern manifestiert. Fieberhaft 

suchen Lektoren nach Wörtern, die in irgendeiner 

Weise und in irgendeinem Zusammenhang eine 

Minorität verunglimpfen könnten. Ottfried Preußler 

wurde " 

gesäubert", und ihm werden wahrscheinlich 

Kultbücher – Geschätzt, geliebt, gelobt 

noch viele folgen. Sind Bücher plötzlich nicht mehr 

wertvolle zeithistorische Dokumente? Müssen sie 

den jeweiligen Befindlichkeiten ständig angepasst 

werden? Nein! Es sollte der Intelligenz und dem 

Einfühlungsvermögen der Leser überlassen bleiben, 

sich davon ein eigenes Bild zu machen, statt 

von oberster Stelle zu lenken. 

Cordwainer Smith – 

" Hadschi Halef Omar im Wilden Westen" Das Geisterhaus" 

Was aus den Menschen wurde" 

I Ging – 

Das Buch der Wandlungen 

Karl Hohenthal – 

Isabel Allende – 

C" ordwainer Smith ist das Pseudonym von Paul Myron Anthony 

Linebarger (11. 

Juli 1931 – 6. August 1966), der zu den 

Ausnahmeerscheinungen in der Science-Fiction- 

Literatur zählt. In einer Zeit, in der die technische 

Komponente noch eine große Rolle in dem Genre 

spielte, entwarf Smith eine Reihe von Kurz geschichten, 

in denen er 15.000 Jahre Menschheitsgeschichte 

beschreibt – beginnend 

in der Zukunft bis in 

die ferne Zukunft. Der in der 

Reihe „Meisterwerke der Science 

Fiction" veröffentlichte Band 

enthält 27 Kurzgeschichten, bei denen psychologische, 

soziale, kulturelle und religiöse Themen 

angeschnitten werden. Doch es zieht sich ein roter Faden durch 

die Erzählungen. Es ist die so genannte Instrumentalität, ein kaltes 

Herrschaftssystem, das sich auf das Verhältnis der Menschen zu 

anderen Lebewesen auswirkt und dieses unberechenbar beeinflusst. 

Anspruchsvoll? Ja! Aber gerade in dem hypothetischen Fabulieren liegt 

einer der größten Reize dieser Literatur, die allzu häufig mit billigen 

„Raketengeschichten" verwechselt wird. 

Ein deutscher Ghostwriter, der aber unerkannt bleiben wollte und 

sich so eines der vielen Pseudonyme Karl Mays zulegt, verfasste 

einen Roman im Stil des beliebten Schriftstellers und fabuliert drauflos. 

Kann so etwas funktionieren? Ja, aber mit einer Einschränkung, 

denn „Karl Hohenthal" schreibt in einigen Passagen etwas langatmig 

und lässt Hadschi Halef Omar erst nach über 

der Hälfte des Romans in die USA reisen, dabei 

ignorierend, dass die Geschichten aus dem 

„Wilden Westen" viel höher in der Gunst des 

Lesers stehen als die „Orient"-Erzählungen. 

Insgesamt hat der Autor aber ein Buch verfasst, 

das sprachlich dem Ausdruck Mays sehr nahe 

kommt. 

Auch 

die Story fesselt, 

denn 

Hadschi 

Halef Omar muss 

nach zahlreichen 

Abenteuern in seiner Heimat Kara Ben 

Nemsi in Amerika suchen, der dort 

unter den Namen Old Shatterhand 

bekannt ist. Dabei trifft er natürlich 

auch Winnetou und begleitet beide auf einer Expedition durch die 

Rocky Mountains. Überleben die drei die Angriffe der blutrünstigen 

Schoschonen? 

Das aus China stammende I Ging zählt zu den bedeutendsten Werken 

der Weltliteratur. Sein Alter wird auf circa 3000 Jahre geschätzt, 

und es gilt als Basis für den Konfuzianismus und 

den Taoismus. Viele Leser interpretieren es als 

Weisheitsbuch, aber gleichzeitig auch als Orakel. 

Mit Hilfe von Schafgarben oder Münzen werden 

die so genannten Hexagramme ermittelt, die 

Entwicklungsmöglichkeiten, 

Zustände oder Wandlungen andeuten. 

Insgesamt 64 Hexagramme 

beschreiben den Weg vom 

Schöpferischen bis zur Vollendung 

und alle erdenklichen Facetten und Nuancen. Seit der 

meisterhaften Übersetzung des Buches von Richard 

Wilhelm aus dem Jahr 1924 (im anglo-amerikanischen Sprachraum war 

das Buch erst ab den 50ern erhältlich) wird es auf Grund der Einführung 

in das zyklische Denken geschätzt, das den westlichen und kausalen 

Denkmustern teilweise widerspricht. Psychologen wie C.G. Jung, Autoren 

wie Hermann Hesse oder Musiker schätzen das Werk, aber auch Leser, 

die sich auf eine neue Sinnsuche begeben und alte Denkmuster ablegen 

wollen. 

I" sabel Allende wurde am 2. August 1942 in Lima als Tochter eines 

chilenischen Diplomaten geboren. In ihrer Heimat engagierte sie 

sich für Frauenrechte, verfasste Kindergeschichten und war für die 

Welthungerhilfe tätig. Kurz nachdem der Diktator General Augusto 

Pinochet an die 

Macht gelangt war 

und dabei ihren 

Onkel Salvador 

Allende ermordet 

hatte, ging 

sie ins Exil und 

schrieb ab 1980 

den 1993 verfilmten 

Roman „Das Geisterhaus" (unter anderem 

mit Meryl Streep und Winona Ryder). In dem 

Buch schildert sie das Schicksal der Familie 

des Patriarchen Esteban Trueba und seiner Frau Clara über vier 

Generationen parallel zu den politisch-gesellschaftlichen Ereignissen 

in Chile. Besonders der Kontrast zwischen Stadt- und Landleben, die 

poetische Charakterisierung der Hauptfiguren, feministische Untertöne, 

Elemente des Märchens und die dramatischen Wendungen machen 

„Das Geisterhaus" zu einem bewegenden Buch und widersprechen den 

Vorwürfen, dass Allende lediglich eine „Light-Version" von Gabriel 

García Márquez sei. 


Oliver Sacks – 

Mark Twain – 

" Drachen, Doppelgänger und Dämonen" " 

Tom Sawyer & Huckleberry Finn" 

W y 

Der in London geborene Neurologe und Schriftsteller Oliver Sacks 

(9. Juli 1933) zählt neben Paul Watzlawick zu den in Deutschland 

beliebten Vertretern des Infotainments mit dem Wissensschwerpunkt 

Psychologie. Während Watzlawick 

(„Anleitung zum Unglücklichsein") im 

lockeren Plauderton hauptsächlich individualpsychologische 

Themen behandelt, ist 

das Interesse von Sacks breiter gestreut. 

Titel wie „Der Mann, der seine Frau mit 

einem Hut verwechselte", „Migräne", „Das 

innere Auge", „Awakenings – Zeit des 

Erwachens" (wurde mit Robin Williams und 

Robert De Niro verfilmt) oder „Der einarmige 

Pianist" sprechen für sich. Eine wichtige 

Gemeinsamkeit beider Schriftsteller 

besteht in der gelungenen Gratwanderung, 

schwierige Sachverhalte plastisch und 

leicht verständlich darzustellen und nie den Humor bei den jeweiligen 

Fallgeschichten zu vergessen, ohne dabei aber die Würde der Betroffenen 

zu verletzen oder sie der 

Lächerlichkeit preiszugeben – 

und das sind Charakteristika, 

die immer seltener anzutreffen 

sind. In seinem neuesten 

Buch beschäftigt sich 

der in New York lebende 

Autor mit den mannigfaltigen 

Erscheinungsformen der 

Halluzination. Natürlich geht 

er dabei auch auf bewusstseinsverändernde 

Drogen wie Cannabis, Mescalin oder LSD ein, doch 

im Vordergrund stehen die individuell erlebten Sinnestäuschungen, 

und die kommen in mannigfaltigen Ausprägungen vor. Fast jeder 

hat schon Erfahrungen mit visuellen Halluzinationen gemacht, doch 

Geruchshalluzinationen, sensorische Gespenster, Doppelgänger, akustische 

Halluzinationen, bei denen die Betroffenen zusätzlich die korrekten 

Noten vor ihrem geistigen Auge sehen, muten schon aberwitzig an. 

Neben Fallbeispielen aus seiner alltäglichen Praxis schildert Sacks auch 

klassische Fälle bekannter Persönlichkeiten wie Aldous Huxley, Robert 

Hughes oder Siri Hustvedt. Sacks aktuelles Werk bietet ein Füllhorn 

interessanten Wissens auf hohem Niveau, das sowohl den Psychologie- 

Interessierten begeistern wird wie auch den ganz normalen Leser. 

er hat nicht als Kind oder Jugendlicher die Abenteuer von 

Tom Sawyer und Huck Finn mit Begeisterung verschlungen? 

Es waren klassische – man nannte sie 

früher noch „Lausbubengeschichten" – 

mit viel Humor, Wortwitz und einer 

dichten Stimmung, die das Leben am 

Mississippi in die Neuzeit transportierte. 

Aber heute? Kann man diese beiden 

Bücher, die bei dtv in einer meisterhaft 

neu übersetzten Ausgabe erhältlich 

sind, überhaupt noch lesen? Ja, denn es 

sind eben nicht nur Kinderbücher, sondern 

Bücher voller Sozialkritik, Angriffe 

auf das herrschende System und die 

Behandlung der Schwarzen in den USA, 

Initiationsromane und Werke, in denen 

Mark Twain seine nicht zu unterschätzen- 

de Lebensweisheit eisheit verarbeitete. Der als Samuel Langhorne Clemens (30. 

November 1835 – 21. April 1910) geborene 

Schriftsteller führte vor seiner eigentlichen 

Karriere ein buntes Leben und 

verdiente sich den Lebensunterhalt als 

Steuermann eines Mississippidampfers, 

Goldgräber und Journalist, bis ihn die 

Heirat mit Olivia Langdon aus finanziellen 

Schwierigkeiten erlöste. Von diesem 

Zeitpunkt an konzentrierte er sich vornehmlich 

auf das Schreiben. Sein wohl 

populärstes Werk „Die Abenteuer von 

Tom Sawyer" erschien 1876. Der Roman 

spielt im fiktiven Ort St. Petersburg in Missouri und erzählt von den 

täglichen Erlebnissen des Jungen Tom Sawyer. In den Nebenrollen 

Tante Polly, der gefürchtete Indianer-Joe, seine Jugendliebe Becky 

und – in der zweiten Hauptrolle Huck Finn. Unvergessen die Szene, 

als Tom zur Strafe einen Zaun anstreichen muss und sich so geschickt 

„vermarktet", dass andere Kinder für die Arbeit bezahlen wollen. „Die 

Abenteuer des Huckleberry Finn" erschienen in den USA 1885 und 

sind als Fortsetzung zu verstehen, jedoch mit anderer Intention. Hier 

wird das Leben eines Außenseiters porträtiert, der mit einem Sklaven 

auf dem Mississippi flüchtet (und natürlich viele Abenteuer erlebt) 

und dabei eine neue Weltanschauung kennen lernt. Meisterwerke der 

amerikanischen Literatur, die nichts an Ausstrahlung verloren haben. 

DAVID BOWIE - ALADDIN SANE 

40th Anniversary Limited Edition Remaster 

Als CD, Download und Stream! 

www.davidbowie.com

Deutschlands größte Filmdiven 

Foto: © DAVIDS/Bildarchiv Hallhuber 

Als Marlene 

Romys Dealer wurde 

„Neben Marlene Dietrich gehört sie international zu 

den größten Kinostars, den der deutschsprachige 

Raum hervorgebracht hat.“ So oder so ähnlich fangen 

Berichte in den Medien über Romy Schneider oft an. 

Sie wird nicht mit der Dietrich verglichen, sondern 

auf eine Stufe mit ihr gestellt. Zwei Diven des Filmund 

Showbusiness, die mehr als nur die beinah 40 

Jahre Altersunterschied trennte. Romy, die Sanfte, 

die Sensible, die ihr wahres Leben in scheinbar 

jeder Leinwandsequenz darstellte. Und Marlene, die 

Kühle, die selbst erschaffene Legende, die vor der 

Kamera ihre vom Regisseur zugedachte Rolle spielte. 

Zwei Frauen, so unterschiedlich und doch mit so 

vielen Parallelen. Eine Spurensuche. 

Romy Schneider dreht „Das alte Gewehr" („Le Vieux 

1975: Fusil") mit Philippe Noiret. Ein Film, der mit drei 

Millionen Zuschauern ihr bis dahin größter Erfolg werden sollte. 

Außerdem kommt am 21. Februar ihre Meisterleistung in „Nachtblende" 

(„L'important, c'est d'aimer") an der Seite von Jacques Dutronc, Fabio 

Testi und dem deutschen Enfant terrible Klaus Kinski in die Kinos. 

La Schneider, wie sie in Ehrfurcht vor 

ihrer wunderschönen, charismatischen 

Erscheinung genannt Romy Schneider 

wird, mimt Nadine Chevalier, eine 

Schauspielerin, die – ganz entgegen 

der realen Situation der Aktrice – auf 

dem absteigenden Karriere-Ast ist 

und sich mit Softpornos über Wasser 

halten muss. Dieses Wesen zwischen 

Tristesse und Stärke stellt Schneider 

so eindrucksvoll dar, dass sie ein Jahr 

später den César, den nach wie vor 

wichtigsten französischen Filmpreis, 

als beste Schauspielerin erhält. Es 

ist ein wichtiges Jahr für Rosemarie 

Magdalena Albach, so ihr vollständiger 

Name, den schon bald nach ihrer 

Geburt am 23. September 1938 in 



Wien kaum noch jemand ruft. Doch es wäre falsch, es als Schneiders 

Höhepunkt zu bezeichnen. Die vielen weiteren herausragenden 

Leistungen vor und nach dieser Zeit würde der Begriff sonst in den 

Schatten stellen. Aber es war ein sehr glückliches Jahr. Es endete mit 

ihrer zweiten Eheschließung am 18. Dezember in Berlin, wo sie ihrem 

einstigen Sekretär Daniel Biasini das Ja-Wort gab. 

Auf der gegenüberliegenden Seite des Erdballs, in Sydney, Australien, 

steht die andere international so erfolgreiche Filmgöttin aus dem 

deutschsprachigen Raum auf der Bühne 

und schreit: „Vorhang runter! Runter!" 

Nein, es waren nicht die Abschiedsworte 

der Dietrich an ihr Publikum. Es war der 

– ungeplante – Beginn, ihren Mythos 

der Grande Dame vor der Öffentlichkeit 

zu konservieren. Im Orchestergraben 

beendete Marlene Dietrich im September 

ihre Karriere. Mit einem schlimmen 

Oberschenkelbruch nach einem 

Alkoholabsturz – im wahrsten Wortsinn: 

In den 70er Jahren war sie dem Gesöff 

bereits sehr zugeneigt und mit ihren 73 

Jahren schaffte es die torkelnde Diva 

zwar nicht mehr, sich zu stützen, dafür 

aber, sich zu schützen. Vor den Klicks 

der Paparazzi, vor den Augen der Fans, 

sicher auch vor dem Mitleid. Im Dunst des 

Marlene Dietrich in 

Hochprozentigen hilflos da liegend, so 

„Schöner Gigolo, armer Gigolo“ 

sollte sie niemand sehen. Abrupt trat die 

Dietrich ab. Und kehrte nur noch einmal vor die Kameras zurück. 1978 

elle Weise verführt haben soll. 

In ihrer Garderobe habe er sie 

nach der Uhrzeit gefragt. Lasziv 

habe sie ihr Kleid hochgezogen, 

am Bein ein Strumpfband mit 

befestigter Uhr präsentiert und 

ihm angeboten, dort nach seiner 

Antwort zu suchen. 

Noch viele mehr und min- 


Marlene Dietrich 

in „Der große Bluff“ 

der 

intensive 

Beziehungen, 

Liebeleien und 

Schwärmereien 

folgen. 

Nur 

einem 

Mann 

bleibt Marlene 

Zeit ihres Lebens treu – auf dem Papier. Mit dem 

Tod von Rudi Sieber 1976 wird Marlene gar zur 

Witwe. Wenn sie in den 53 verheirateten Jahren auch 

nur kurz Liebe und Leidenschaft verbunden haben 

mögen, so war die Ehe neben ihrer heute 88-jährigen 

Tochter die einzige Konstante im bewegten Leben der 

Schauspielerin, Sängerin und Autorin. 

Mit ihrer Geburt am 27. Dezember 1901 in 

Schöneberg verlängert Marie Magdalene Dietrich 

ihrer Mutter die Weihnachtsfreude. Die gut bürgerliche 

Frau, nun mit zwei Töchtern gesegnet, aber bald 

schon ohne Mann, hat sicherlich nicht im Traum daran 

gedacht, was aus ihrem pummeligen, dunkelhaarigen Mädel einst 

in „Schöner Gigolo, armer Gigolo" an David Bowies Seite. Gedemütigt werden sollte. Anders als das Mädel selbst. Mit zwölf Jahren kritzelt 

von den Kritikern zog sie sich anschließend wie einst Heinrich Heine in sie neben deutscher Grammatik und Rechenaufgaben den Namen 

ihre Pariser Matratzengruft zurück. 

„Marlene" und beschließt, 

A 

sich fortan so zu nennen. 

Die Signatur übt 

ls „Der blaue Engel" sang, tanzte, spielte sich 

Marlene Dietrich 1930 in die Herzen des deutschen 

Publikums und in das ihres Regisseurs Josef 

in ihren Schulheften. Bis 

Marlene mit der Feder 

von Sternberg gleich mit dazu. Von Kopf bis Fuß auf 

zur Perfektion. So war 

Liebe eingestellt ist sie, als sie ihre Liaison mit „Jo" 

sie eben schon damals. 

beginnt. Doch wie die „fesche Lola" aus dem Film 

„Preußisch" beschreibt es 

mag sich die Schauspielerin nicht auf einen Mann 

ihre eigene Tochter Maria 

festlegen. Sie ist noch mit Rudolf „Rudi" Sieber 

Riva Jahrzehnte später. 

verheiratet, dem Vater ihrer im Dezember 1924 

Diese von Kindheit anerzogene 

Lebenseinstellung 

geborenen Tochter Maria, als sie mit von Sternberg 

zu Beginn der 30er Jahre in die USA geht. Nur 

– stets alles exakt zu 

Marlene Dietrich in „Der blaue Engel“ 

mit einer Unterbrechung dreht sie ihre ersten 

machen, ehrgeizig und 

Tonfilme mit ihm. Neben dem blauen Engel unter anderem 

arbeitsam zu sein, aber vor allem folgsam – beeinflusst die Arbeit 

„Die scharlachrote Kaiserin" („The Scarlett Empress", 1934), der Dietrich an den Filmsets dieser Erde. In der Dokumentation von 

den „Shanghai-Express" 1932 und „Marokko" („Morocco"), ihr 

Maximilian Schell, „Marlene", die er trotz widriger Umstände – Marlene 

verweigerte kurz vor Beginn der Dreharbeiten die zugesagten 

Aufnahmen – 1983 vorstellen konnte, sagt eine 

stark gealterte Marlene Dietrich mit rauer Stimme: „Ich 

war eine folgsame Schauspielerin. Ich habe immer das 

getan, was der Regisseur wollte." Auf Schells Nachfrage, 

ob sie nie improvisiert habe, reagiert sie empört. „Alles 

Quatsch!", herrscht ihn die Diva nicht nur bei diesem 

Dialog an. Aber Schell, der an ihrer Seite im „Urteil 

von Nürnberg" („Judgment At Nuremberg", 1961) eine 

solche Meisterleistung als Staatsanwalt hingelegt hatte, 

dass er einen Oscar als bester Hauptdarsteller bekam, 

verteidigt das Gespür eines Schauspielers, Drehbücher 

auch interpretieren zu können. 

Vielleicht eine Generationenfrage, denn Romy Schneider 

mimt ihre großen Rollen in den 60er und 70er Jahren 

Marlene Dietrich und 

Regisseur Josef von Sternberg 

mit einer Intensität, einer Wahrhaftigkeit, dass der 

Zuschauer förmlich spürt, wie sich dieses zarte Wesen 

erster Hollywoodfilm und die einzige i Rolle, die mit allem, was es hat, in die jeweilige Rolle hineinbegibt. Natürlich 

ihr eine Nominierung für den Oscar einbringt. wollte Schneider ihren Regisseuren gefallen und setzte Anweisungen 

Ihr Partner ist Gary Cooper, den sie nach um. Aber der Rolle etwas von der eigenen Persönlichkeit verleihen, ein 

Erzählungen von Vertrauten auf sehr spezi- 

bisschen improvisieren, ist ja nicht gleichzusetzen mit einer Rebellion 

Foto: © DAVIDS/ 

Bildarchiv Hallhuber 




Foto: © DAVIDS/Bildarchiv Hallhuber

Reif und gelöst: 

Romy Schneider zu Frankreich-Zeiten 

am Set. Es lässt sich 

ganz gut so beschreiben: 

Schneider hätte wohl 

nach jedem abgeschlossenen 

Film einen Urlaub 

gebrauchen können, weil 

sie sich unglaublich verausgabte, 

um eine Figur 

darzustellen. Marlene 

nicht. Die Dietrich verließ 

sich zusehends 

auf ihre Erfahrungen, 

auf Altbewährtes. Der 

Schlafzimmerblick funktionierte 

schließlich in 

jeder romantisch-knisternden 

Szene. Und 

irgendwann war es derselbe 

Blick, die gleiche 

Spielart – nur für 

unterschiedliche Filme. 

Als sie das erste Mal 

bewusst ihre schauspielerischen 

Fähigkeiten 

reflektieren, über ihre 

Leinwandpräsenz nachdenken 

muss, ist sie 

als Kassengift an den 

US-Kinos (und bei den 

Produzenten) verschrien. 

Sie vollzieht einen 

Imagewandel. Erfolgreich. 

Es ist 1938. Dietrich hat 

keinen Vertrag mehr 

bei Paramount. Sie ist zurück in Europa, aber nicht, um Ufa-Star zu 

werden. Nach Berlin, zu Hitler – das will sie nicht. An der französischen 

Riviera urlaubt sie mit ihrem Gefolge – bestehend aus Tochter Maria, 

Ehemann Rudi, dem aktuellen Liebhaber und Schriftsteller Erich Maria 

Remarque und später sogar noch der Ex-Geliebte Jo von Sternberg 

– genießt sie die Augustsonne im Hôtel du Cap. Der „Dietrich-Clan", 

wie ihn Cari Beauchamp in ihrem „Vanity Fair"-Beitrag „It Happened 

at the Hôtel du Cap" liebevoll-ironisch nennt, sorgt bei den anderen 

Gästen für hochgezogene o ene Augenbrauen. Einen interessiert der unangepasste 

Lebensstil des 

Hollywoodstars 

auf 

besondere Weise: Joseph 

P. Kennedy, der Vater 

von JFK und Bobby – 

beide bekanntlich in 

den 60ern erschossen 

–, ist von der schönen 

Dietrich 

beeindruckt 

und beginnt mit ihr laut 

Cari Beauchamp eine 

Affäre. Obwohl er ebenfalls 

seine Familie dabei 

hat. Und wer weiß, vielleicht 

gab ihr diese neue 

Liaison einen Antrieb, 

Marlene Dietrich und 

der sie an der Seite von 

Tyrone Power 1957 in 

„Zeugin der Anklage“ 

James Stewart in der 

coolen Westernkomödie 

„Der große Bluff" („Destry Rides Again", 1939) eine neue, eine frische 

Marlene Dietrich sein lässt. Ausgelassen, schlagfertig, im Cowgirl-Look 

tritt die mittlerweile 38-Jährige auf. Unvergessen, als „Frenchy" auf dem 

Saloontresen tanzt und bei „Boys In The Backroom" im Refrainteil die 

Haut an ihrem Kehlkopf hin- und herzieht, um eine natürliche Vibration 

in der Stimme zu erzeugen. Marlene ist wieder da. Bei Universal feiert 

sie ihr Comeback. 


Rund 20 Jahre später muss eine andere Schauspielerin ebenfalls 

einen Imagewandel vollziehen. Allerdings nicht, weil sie als 

Kassengift verschrien ist. Vielmehr, weil sie ähnlich wie Marlene als 

der ewig „blaue Engel" nicht länger als die ewige „Sissi" abgestempelt 

werden will, sondern wahrgenommen als das, was sie nun mal ist: 

die großartige, vielseitige, mondäne und zerbrechliche Schauspielerin 

Romy Schneider. Sie war ihr Schicksal, diese Rolle der österreichischen 

Kaiserin. Dreimal gespielt, dreimal gelitten, dreimal eine etwa sieben 

Kilo schwere Perücke auf dem kleinen Kopf. Ein Schicksal, das ihr 

auferlegt wurde. Denn Schneider stammt aus einer Schauspielerfamilie, 

und ihre Mutter hat Ambitionen, seit die Tochter auf der Welt ist. 

Die Eltern, das Schau spielerpaar 

Magda Schneider 

und Wolf Albach-Retty, 

werden Romy nicht lange 

als Duo erhalten bleiben. 

Ihr „Papili" hat bei der 

Erziehung spätestens nach 

der Trennung von Romys 

ehrgeiziger Mutter 1943 

wenig zu melden – und versucht 

es wohl auch nicht. 

Ihr Vater, er fehlt Romy. 

Der schmierige, kontrollverrückte 

Geschäftsmann 

Hans Herbert Blatzheim, 

den Magda Schneider 

1953 heiratet, ist keine Willy Fritsch, Magda Schneider 

Alternative, sondern eine 

und Romy Schneider in 

„Wenn der weiße Flieder wieder blüht“ 

Qual. Er will mit Romy 

Geld scheffeln, die Mutter will durch hdie Tochter weiter Engagements 


erhalten. Am Anfang, 1953 in Romys erstem Kinofilm „Wenn der weiße 

Flieder wieder blüht" und danach an der Seite der großen Lilli Palmer in 

„Feuerwerk", ist Romy die Unbekannte. Spätestens mit dem ersten Teil 

als Kaiserin von Österreich läuft Romy ihrer Mutter den Rang ab. Sie 

ist der Star. Aber Mutter und Stiefvater wachen über Romy – „wie über 

eine Henne, die goldene Eier 

legt", beschreibt es der französische 

Journalist Jean-Pierre re 

Lavoignat in seinem 2012 bei 

Edel erschienenen Bildband 

mit dem schlichten Titel 

„Romy". Wunderschöne Fotos 

zeigen die große Schauspielerin eri 

– weitab von der zuckersüßen 

Sissi –, wie sie gern gesehen en werden 

wollte: facettenreich. Gemeinsam mit Romys 

Tochter Sarah Biasini ist es ihm gelungen, gen, auch 

die Traurigkeit und Zerrissenheit der Filmikone 

darzustellen. 

Letztere Gefühlsstände zeigen sich 

bei 

Schneider schon Ende der 50er Jahre. 

Das 

Publikum in Deutschland, aber auch in anderen 

Ländern, Filmleute, Mutter, Stiefvater und selbst 

der Bildungsminister drängen n auf 

weitere 

Sissi- 

s Teile. Zu einem dritten Part muss die 19-Jährige 

bereits gezwungen werden. Immerhin hatte sie 

zu 

diesem Zeitpunkt längst Klassiker siker wie „Monpti" 

mit Horst Buchholz und „Scampolo" mit 

Paul Hubschmid abgedreht – alle 1957. 

Gebraucht hat sie Sissi nicht mehr. Aber die 

weiterhin kriegsgebeutelten Menschen 

und die Produzenten, die brauchten 

diese heile Welt. Sie war ja rentabel. 

Romys Widerstand gegen einen 

n 

geforderten vierten „Sissi"- 

s Teil trägt Früchte. Aus Sicht der 

Deutschen verschmäht sie ihre Fans. 

Auch, weil sie nach Paris geht. Sie will 

Romy Schneider 


leben, spielen, lernen und lieben. Und das 

so weit 

weg 

wie möglich, weg von der Mutter und vor allem 

von deren Mann, der den jungen, schönen 

Filmstar sexuell bedrängt haben soll. Bei 

den Dreharbeiten zu „Christine" lernt 

sie 1958 Monsieur Alain Delon kennen. 

Einen schnittigen Typen, der 

vor Lässigkeit strotzt, ein charmanter 

Rebell, erst angehender Star in 

Mutter. Harry Meyen heißt der Glückliche, mit dem 

sie 1966 den vermeintlichen Bund fürs Leben 

schließt. Er ist der Vater ihres im Dezember des 

gleichen 

en Jahres geborenen Sohns David. 

Für die Kamera – und offiziell auch nur 

für sie – werden Romy und Alain noch 

einmal zum Liebespaar. Es knistert, es 

gibt Sexszenen – bis der Regisseur 

„Cut" ruft. Und laut Schneiders 

seinem Land – Frankreich. Er ist 

Tagebuchaufzeichnungen habe 

das Gegenteil von dem, was Romy 

kennt. Anders als ein 22 Jahre 

älterer, gestandener und ohne 

Frage attraktiver Curd Jürgens. Im 

sie nichts mehr empfunden für 

die einst große Liebe. Es sei so 

gewesen, als ob sie eine Mauer 

umarme. 

Fokus hat dessen Nachlassverwalter r 

N 

Gunter Fette eine „kurze, aber 

ach Dietrichs letzten großen 

intensive Liebesbeziehung" (im 

Rollen, „Zeugin der Anklage" 

Sommer 1957) zwischen den beiden 

enthüllt. Mit ihrer naiven Art habe 

er aber nichts anfangen können. n. Der 

junge Delon dafür umso mehr, nachdem 

anfängliche Vorurteile – sie fand ihn arrogant, roga 

er hielt sie für ein dummes Gänschen – über Bord 

geworfen waren. 

Romy Schneider in „Sissi“ 

(„Witness For The Prosecution", 1957) 

sowie „Urteil von Nürnberg", glänzt 

die Diva Anfang der 70er Jahre mit wei- 

ßem Pelz 

und Paillettenrobe als gefeierte 

Sängerin auf großen Bühnen. Während es 

für Marlene das 

Jahrzehnt ihres Karriereendes ist, 

ist es für Romy das bedeutendste ihres Filmlebens. Sie 

G 

überzeugt in Frankreich r mit Frauenrollen, für die sie ernstgenommen 

wird und Anerkennung erhält. Als Prostituierte in „Das Mädchen 

enau wie Marlene Dietrich in den 40er Jahren mit Jean Gabin hat 

auch Romy Schneider in Frankreich mit einem Franzosen ihre große und der Kommissar" („Max et les Ferrailleurs", 1970), als in einer 

Liebe gefunden. Sie kann ihre schauspielerischen Leistungen voll aus sich 

herausholen, er entwickelt seine Fähigkeiten und wird zum Star. Und was 

Marlene bereits knapp 30 Jahre zuvor getan hat, macht nun auch Romy: 

Sie verlässt Deutschland, will nicht mehr in Konventionen passen müssen. 

Dreiecksbeziehung zwischen Yves Montand und Sami Frey gefangenen 

Rosalie in „César und Rosalie" von 1972, als „Wildes Schaf" 1973 oder in 

Claude Sautets „Eine einfache Geschichte" („Une histoire simple", 1978), 

wofür sie ihren zweiten César einheimst. 

Und wie Marlene wird Romy als Vaterlandsverräterin beschimpft. 

D 

Nur dass es bei der einen um die Unterstützung amerikanischer Soldaten ie 70er sind auch das Jahrzehnt, in dem sich die beiden großen 

ging, und bei der anderen wieder einmal um „Sissi". Jean-Pierre Schauspielerinnen persönlich begegnen. So beschreibt Cathrin 

Lavoignat beschreibt es im Bildband „Romy" so: 

„Es 

dürstet sie nach 

Kahlweit in ihrem Buch „Jahrhundert-Frauen" von 2001 eine Szene in 

dem Absoluten." Das findet 

Schneider zwar bereits 

den Star auf dem Karrierehöhepunkt, trifft. Die Schneider 

der Pariser Orangerie, wo der scheidende Star auf Romy, 

Romy Schneider 

in der sehr anspruchsvollen 

Rolle der gespaltenen, 

sich in ihre Lehrerin verliebenden 

Internatsschülerin 

Manuela von Meinhardis 

in „Mädchen in Uniform" 

(1958), wieder an der Seite 

der von ihr so verehrten Lilli 

Palmer. Und nach einem 

lässt der Dietrich über einen Kellner eine Kette überreichen, 

und laut Daniel Biasini, Romys zweitem Ehemann, sind die 

Diven ins Gespräch gekommen – mit ungeahnten Folgen. 

Marlene erweist sich später als Nachschublieferantin für 

Romys Medikamentensucht. Da Romys Lebenspartner sie 

diesbezüglich überwachen, kommt sie nicht ohne weiteres 

an Pillen. Die erfinderische Dietrich höhlt Bücher aus, legt 

Packungen hinein und lässt die „Präsente" per Boten bei 

Romy abgeben. 

kurzen Ausflug zurück 

S 

in die Reifröcke – wobei 

chneider macht in den 70ern nicht mehr nur mit tollen 

Rollen von sich reden. Private Schicksalsschläge, 

„Katja, die ungekrönte 

Kaiserin" („Katia", 1959) 

an der Seite des einsti- 

etwa die Scheidung von Harry Meyen 1975 mit dem 

einhergehenden Verlust ihres halben Vermögens, um sich 

gen Kurzzeitliebhabers 

damit das Sorgerecht für David zu erkaufen, machen 

Curd Jürgens rein gar 

ebenso Schlagzeilen wie ihre zunehmende Tabletten- und 

nichts gemein hat mit der 

Puderzuckerwelt von „Sissi" 

– darf sich Schneider im 

Alkoholsucht. Ein Lichtblick ist die Geburt von Tochter 

Sarah im Juli 1977. Doch das Jahrzehnt endet genauso 

schwarz (Romys zweite Ehe scheitert, Ex-Mann Harry 

Episodenwerk „Boccacio 

Meyen erhängt sich 1979), wie das nächste beginnt. Ihr 

70" (1961) als erwachsene 

Frau auf der Leinwand präsentieren. 

Aber ihr richtiges schauspielerisches h Vermögen offenbart sich in den 

späten 60er und vor allem 70er Jahren. Nachdem sich Delon 1963 

von Romy, wie einst Gabin von der Dietrich (übrigens der einzige ihrer 

Liebhaber, der diesen Schritt wagte) während ihres Ausflugs nach 

Hollywood getrennt hat, ist sie zwar am Boden zerstört, doch nach 

einem versuchten Selbstmord erscheint sie stärker denn je. Selbst als 

sie 1968 wieder auf Delon trifft. Wie schon für die Dreharbeiten zu 

„Christine" holt er sie zehn Jahre später für den Erotikthriller „Der 

Swimmingpool" („La Piscine") vom Flughafen ab. Romy ist eine wunderschöne, 

fast 30-jährige Frau, Ehefrau um genauer zu sein. Und 

Körper macht nicht mehr mit, und so muss ihr 1981 eine 

Niere entfernt werden. Noch in der Erholungsphase und 

mit neuer Rolle als „Spaziergängerin von Sans-Souci" auf 

Halde, erleidet Romy den größten Schicksalsschlag, den eine Mutter 

erleiden kann: Sohn David spießt sich am 5. Juli 1981 an einem spitzen 

Zaun auf und stirbt. Der einzige Halt ist der Film, von dem zu 

diesem Zeitpunkt keiner ahnt, dass es ihr letzter werden sollte. Am 29. 

Mai 1982, Pfingstsonnabend, findet Romy Schneiders Lebenspartner 

Laurent Pétin sie zusammengesunken am Schreibtisch vor. Ihr gebeuteltes 

Herz konnte dieser erst 43 Jahre jungen Mimin einfach keine 

Kraft mehr geben. Es hörte auf zu schlagen – wie genau zehn Jahre 

später in derselben Stadt bei Marlene Dietrich am 6. Mai 1992. 

Claudia Tupeit 


Foto: © DAVIDS/Bildarchiv Hallhuber

Auf den Spuren von König Leonidas 

300" UND 

Der Lowe 

.. 

von Sparta" 

" 

" 

Schädel bersten unter Schwerthieben, 

aus klaffenden Wunden 

ergießen sich Ströme von Blut, 

mit einem Streich trennen blitzende 

Stahlklingen Häupter von 

den Rümpfen – 300 Griechen 

kämpfen heldenmütig gegen 

ein persisches Millionenheer 

und halten diesem stand. Erst 

feiger Verrat kann die Tapferen 

bezwingen, die sehenden Auges 

stolz in den Tod gehen. 


So will es die Legende. Und genau so erzählt der 

Hollywood-Streifen „300" die Geschichte von König 

Leonidas, der 480 vor Christus mit 300 Spartanern 

bei den Thermopylen zwischen dem Kallidromos- 

Gebirge und dem Malischen Golf einer zigfach überlegenen 

Streitmacht die Stirn bot. Für ein freies 

Sparta, für die Ehre der Hellenen. 

Noch heute, 2500 Jahre später, ist dieses 

Ereignis vor allem in Mittel- und Südgriechenland 

allgegenwärtig. Ob man in Souvenirläden 

auf gusseiserne Miniaturausgaben des 

Speer werfenden Leonidas trifft, sich 

in Spielzeuggeschäften mit den aus 

Kunststoff nachgebildeten Helmen der 

Spartanern schmücken kann oder vom 

kindgerechten Bildband bis zur historisch fundiert anmutenden 

Abhandlung Literatur in diversen Buchläden 

ersteht e – Leonidas und die Schlacht bei den Thermopylen 

sind ein Verkaufsschlager bei den Touristen. Das 2007 in die 

Kinos gekommene und zu einem der erfolgreichsten Filme 

des Jahres avancierte Schlachtengemälde „300" mit Gerard 

Butler in der Hauptrolle hat der Popularität dieses an sich 

schon denkwürdigen Moments griechischer Geschichte 

durchaus Vorschub geleistet. Denn mittlerweile bieten 

Händler T-Shirts und Pullover mit den unterschiedlichsten 

Sparta- und Leonidas-Motiven an, bei denen historischer 

Hintergrund und filmische Symbolik verschmelzen. 

Das war 1961 noch ganz anders. Da ging die Leinwand- 

Adaption des Stoffes nicht nur an der Kinokasse unter. 

Wenngleich der Streifen „Der Löwe von Sparta" („The 300 

Spartans") sich tatsächlich um historische Genauigkeit 

bemühte. Aber dazu später mehr. Bleiben wir vorerst bei 

„300" und starten eine Spurensuche in jenem Land, 

dem man die Erfindung der Demokratie zuschreibt. 

Ein Blick auf die Karte Griechenlands offenbart 

zwischen Sparta und den Thermopylen eine beträchtliche 

Entfernung. Mit dem Auto muss man – je nachdem, 

ob sich der Fahrer für die kostenfreie Landstraße 

oder die gebührenpflichtige Autobahn entscheidet 

– zwischen 350 und 450 Kilometer zurücklegen. 

Leonidas wird mit seinen Männern einst Wochen 

gebraucht haben, um über Land jenen Engpass zu 

erreichen, an dem man das feindliche Heer aufhalten 

wollte. Und was dem Herrscher Spartas ein strapaziöser 

Fußmarsch war, gestaltet sich für den Griechenland- 

Urlauber heute als entspannte Entdeckungstour, für die 

man sich allerdings Zeit nehmen sollte. 

Sparta, Hauptstadt Lakoniens und im Süden der 

Peloponnes-Halbinsel gelegen, hält nichts von dem, 

was der klangvolle Name dem historisch interessierten 

Reisenden verspricht. Die mit Palmen bestandene 

Hauptstraße ist hübsch anzuschauen und vermittelt 

den Eindruck einer geschäftigen Kleinstadt, in den

parallel angelegten Nebengassen tut sich allerdings herzlich 

wenig. Die ältesten Gebäude Spartas datieren aus den 30er 

Jahren des 19. Jahrhunderts, als die Stadt neu gegründet 

worden war. Trotzdem wird der Leonidas-Suchende 

fündig: Am Ende der breiten Ladenmeile trifft man auf 

das Denkmal des heroischen Königs. Den Schild vorm 

Körper, ist er mit dem Kurzschwert in der Rechten 

bereit zuzustoßen. Die Augen muten puppenhaft 

an, sorgen allerdings dafür, dass selbst von dieser 

steinernen Maske eine hypnotische Wirkung ausgeht. 

Hält man sich vor der Statue stehend links, gelangt 

man nach wenigen Metern an eine Hinweistafel, die 

einem das „Alte Sparta" verkündet. Davon sind allerdings 

nur noch Fundamentfragmente geblieben. Es 

ist eine immense Vorstellungskraft vonnöten, um in 

diesem Ruinenfeld Atmosphäre zu tanken. 

Das Leonidas-Denkmal an den Thermopylen. 

Die Spartaner werden ihre Heimat gen Norden verlassen haben. In 

diese Richtung geht es ohne Umwege nach Tripolis. Die Straße führt zum 

Teil durch Gebirgswelten erhabener Weite. Typisch sind Serpentinen, 

die den ungeübten Kraftfahrer vor enorme Herausforderungen stellen. 

Die Griechen sind diese Strecken gewöhnt und scheinen jede noch so 

unübersichtliche 180-Grad-Kurve zu kennen. Wer sich allerdings von 

Foto: © Jens-Uwe Berndt 

der filigransten Art feilgeboten und stoßen Souvenirjäger r auf 

Mitbringsel, die es so woanders vermutlich nicht zu finden gibt. 

In den Abendstunden erklingen an der stimmungsvoll ausgeleuch- 

u teten Hafenpromenade typisch griechische Weisen, en, 

laden unzählige 

Gaststätten zum Verweilen ein. 

Wollte sich Leonidas vom Orakel in Delphi ein 

gutes Omen 

für die Schlacht gegen die Perser ausstellen lassen sen oder 

nicht? Die Überlie ferung jedenfalls sieht den König den einstigen 

„Mittel- 

punkt 

der Welt" 

aufsuchen. 

Die 

Weissag 

ung soll 

schlecht 

ausgefallen 

sein, was den 

Krieger allerdings 

nicht 

daran hinderte, 

mit seinen 

Männern 

Das Schlachtfeld an den Thermopylen, 

wie es heute aussieht. 

trotzdem gegen die Eindringlinge zu ziehen. Heute ist Delphi – von 

Korinth weiter gen Norden zweieinhalb Autostunden entfernt – eine 

der meistbesuchten antiken Stätten Griechenlands überhaupt. Man 

spricht von jährlich über einer Million Gäste, die es zum Apollon- 

Heiligtum zieht. Der Tourist wird an diesem Ort geradezu einer Flut 

von Eindrücken und Bildern ausgesetzt, die an einem Tag kaum aufzunehmen 

sind. 

Bis zu den Thermopylen sind es von hier aus noch gute 70 Kilometer. 

Sicher wären die in eineinhalb Stunden mit dem Pkw locker zu schaffen. 

Allerdings bieten sich dem Reisenden gerade entlang der Straße 

zum Malischen Golf über Amfissa die wundervollsten Landschaftsbilder, 

dass Stopps am Wegesrand zwangsläufig eingelegt werden müssen. 

In Bilderbuchtälern, 

zwischen 

Bergen, 

deren Ausläufer 

wie 

erstarrte 

Lavaströme 

in 

die Senke reichen, 

liegen 

winzige weiße 

Dörfer. Manche 

sind 

von 

Olivenplantagen 

Serpentinen 

unweit Nafplion 

Der Berg, der zum Schicksal der Kämpfer aus Sparta wurde. 

Über ihn umgingen die Perser Leonidas Streitmacht. 

aufblitzenden Scheinwerfern oder ungeduldigem Hupen aus der Ruhe 

bringen lässt, lebt angesichts manch steilen Abhangs gefährlich. 

Auf dem Weg zur Landenge 

Korinth, die Peloponnes und 

umschlossen, andere leuchten – auf einem Plateau errichtet t – über die 

Ebene hinweg. In diesen Orten findet der Tourist selten Zerstreuung. 

So wie die Natur schweigt, geht 

auch von den 

Restgriechenland verbindet, 

Dörfern eine 

locken Nafplion – als „schönste 

Stadt Griechenlands" – am 

tiefe 

aus. 

Stille 

Argologischen Golf und die antike 

Zirka 15 Kilo- 

Ausgrab ungsstätte Mykene, 

meter 

südlich 

zirka 25 Kilometer nördlich. 

Lamias 

befinden 

Während die Festungsreste durchaus 

sich die 

dem Charakter der Leonidas- 

Tour entsprechen, entführt das 

Thermopylen. 

Als Leonidas und 

Hafenstädtchen Nafplion eher in 

seine 

Truppen 

die Welt der größten Griechenland- 

Klischees. In bezaubernden Gassen, 

480 vor Christus 

für drei Tage den 

von Blumenbögen gekrönt, reiht 

Soldaten 

von 

sich ein Schmuckgeschäft an 

Xerxes I. verlustreiche 

Kämpfe 

Das alte Sparta - ein Ruinenfeld 

das nächste, wird Kunstgewerbe 

bescher- 


ten, waren zwischen 

den hart aufsteigenden 

Bergen und dem Steilufer 

im Durchschnitt gerade 

mal 15 Meter Platz. 

Der Historiograf und 

Völkerkundler Herodot 

hinterließ in seinen 

„Historien" die umfassendste 

Schilderung der 

legendären Schlacht. 

Zwar erfährt man 

schon bei Herodot, dass 

Leonidas’ Streitmacht 

inklusive aller verbündeter Mannschaften um die 4500 Soldaten 

gezählt habe, Xerxes Armee bläst er jedoch zu einem 2,5-Millionen- 

Ungetüm auf, was die Leistung der Spartaner vermutlich ins 

Übermenschliche steigern sollte. Aktuelle Militärhistoriker sprechen 

allerdings von einem Kräfteverhältnis von zirka 5000 bis 7000 

Mann auf der Seite der Verteidiger und 50.000 bis 

120.000 unter dem Kommando des Perserkönigs. 

Die 

heroische Tat des Sparta-Königs, der nach 

einer Umgehung durch die Perser mit seinen 

300 Auserwählten den Rückzug der 

Griechen deckte, schmälert das nicht. Das ihm 

unweit des Kampfplatzes gewidmete großflächige 

Denkmal wird mittlerweile selbst in 

der Vor- und Nachsaison von Reisegruppen 

im 

15-Minuten-Takt frequentiert. Den meis- 

ten 

Rundfahrt-Touristen bleibt tatsächlich nur 

diese knappe Viertelstunde, um von dem 

einen Speer schleudernden, muskelbepackten 

Superhelden Fotos zu schießen. Die seitlich 

angebrachten Schautafeln, die den historischen 

Hintergrund erläutern und den Verlauf 

der Schlacht dokumentieren, finden nur wenige. Und die, die es bis 

dahin schaffen, fotografieren die Aufsteller schnell, um sich das Ganze 

eventuell zu Hause am Computer durchzulesen. 

Ohne Reisegruppenzwang bietet der mythische 

Ort weit mehr als lediglich die toten Steine 

der Gedenkstätte. Sicher, aus den 15 Metern von 

vor 2500 Jahren sind durch Versandung bis zu 

den Ufern des Malischen Golfs mehrere Kilometer 

geworden, eine Vorstellung von den landschaftlichen 

Gegebenheiten von einst bekommt allerdings 

jeder, der am Fuße der Berge die unmittelbare 

Gegend erkundet. 

Angesichts des gigantischen Gebirgsmassivs, 

mit dem zu Stein gewordenen Ebenbild des Königs 

im Rücken, sind die Bilder aus dem Hollywood- 

Hit „300" wieder da. Man sieht Schauspieler 

Gerard Butler als personifizierten Leonidas reihenweise 

Perser niedermachen, hört das lärmende 

Kriegsgetümmel. Gleichzeitig wird einem bewusst, 

dass es hier um Größeres geht, als nur an ein blutiges 

Gemetzel zu erinnern. Die Griechen setzten 

Heldenmut, Opferbereitschaft und Freiheitswillen 

ein Denkmal. 

Die Comic-Verfilmung „300", die vor allem mit einer Flut an 

überwältigenden Bildern wuchert und fast ausschließlich auf 

Szenen vor 

green 

en 

und 

blue screens basiert, ist 

von einer er historischen 

i Genauigkeit – so diese 

bei diesem eher mythologischen 

Thema überhaupt 

möglich ist – weit 

entfernt. Dem Erfolg 

des Blockbusters, der 

bei 65 Millionen Dollar 

Produktionskosten weltweit 

über 450 Millionen 

Dollar einspielte, tat dieser 

Fakt keinen Abbruch. 

Leonidas verabschiedet sich von Frau und Sohn. 

Um Geschichts unterricht auf der Leinwand waren vorher 

bereits andere bemüht. Unter Rudolph Maté entstand 1961 der 

Monumentalfilm „Der Löwe von Sparta". Richard Egan (er spielte 

in „Love Me Tender" an der Seite von Elvis Presley dessen älteren 

Bruder Vance Reno) verkörperte König Leonidas. Gegenspieler 

Xerxes wurde von David Farrar dargestellt, der mit dem Griechen- 

Die Mitglieder des Rates von Sparta lassen ihren 

König im Stich. 

Epos seine Schauspielerkarriere beendete. Auch bei Maté stehen 

die 300 Spartaner im Mittelpunkt, allerdings bekommen die verbündeten 

Griechen – unter anderem die Thespier – weit mehr 

Raum, so dass das Schlachtengemälde nicht 

wie in „300" einer Superhelden-Mär gleicht, 

sondern als Wiedergabe einer bedeutenden 

Episode der Weltgeschichte rüberkommt. 

Auch wird den politischen Hintergründen jene 

Aufmerksamkeit zuerkannt, die nötig ist, um 

die Zusammenhänge zu verstehen, die die 

damaligen Ereignisse forcierten. 

Richard Egan, per se eine stattliche 

Erscheinung, macht als Leonidas eine gute 

Figur. Interessanterweise hatte der Mime für 

„Der Löwe von Sparta" doch glatt die Seiten 

gewechselt, denn nur knapp zwei Jahre zuvor 

war er für den von Italien produzierten 

Historienschinken „Das Schwert von Persien" 

(„Esther And The King") neben Joan Collins in 

der Rolle der titelgebenden Esther als Xerxes I. 

vor der Kamera gestanden. 

„Der Löwe von Sparta" bietet ein Heer 

von Statisten auf, schwelgt in bezaubernden 

n 

Landschaftsaufnahmen, n, ist verschwitzt t und 

staubig. Die USA-Produktion passte in den Spät-50ern und 60ern 

vorherrschenden Boom der Monumentalfilme, me, war aber nur mäßig 

erfolgreich. Heute ist der Streifen weitestgehend ehend vergessen, 

wenn- 

n- 


gleich er für die 

Entstehung des 

Hollywood-Hits 

„300" eine maßgebliche 

Rolle 

spielte: 

Frank 

Miller ließ sich durch 

„The 300 Spartans" zu 

seinem 1998 entstande- 

nen Comic-Roman „300" inspirieren. 

Hier schließt sich der Kreis. 

Angesichts des äußerst spartanischen(!) 

Umgangs mit dem Thema in der Welt 

des Films ist es durchaus bemerkenswert, 

dass „300" in den USA ebenso wie in 

Europa massenweise das Kinopublikum 

begeisterte. Mit diesem Erfolg ändert sich 

nun offenbar auch die zurückhaltende 

Betrachtung der Figur des Leonidas: Wie 

seit einem Jahr durch einschlägige 

ge 

Kinoportale geistert, wird an einem 

„300"-Prequel gearbeitet, das den 

Titel „300: Battle of Artemisia" tragen 

soll. Gerard Butler hat seine 

Teilnahme bereits abgesagt. Angeblich 

soll ihm das Drehbuch nicht gefallen 

haben. 

© Pressefotos 

Eleonas bei Amfissa. Ein typisches Bild auf dem 

Weg zu den Thermopylen.

Der Under - 

ground mischt 

die Superhelden 

auf 

U- Comix 

Von Jörg Trüdinger 

In unserer heutigen, so schnelllebigen, vom 

Takt des Internets und der Globalisierung 

bestimmten Zeit sind anderthalb Jahre eine 

kleine Ewigkeit. Die Zeit reicht, dass mehrere 

Trends ihren Weg rund um den Globus zurücklegen 

und wieder abebben. In den 60er Jahren 

dagegen benötigte ein Trend, der in den USA 

entstanden war, fast die gleiche Zeit, nur um nach 

Deutschland zu kommen und wahrgenommen zu werden: 

der Underground-Comic. 

Anlässlich eines Straßenfestes am 23. Februar 1968 an 

der legendären Ecke Haight Street/Ashbury Street in San 

Francisco verkaufte Robert Crumb „Zap Comix Nr. 1”. Das 

war eine neue Art von Comic, das sich nicht an die alten 

Regeln hielt, nicht immer jugendfrei war und politische Botschaften 

jenseits des „amerikanischen Traums" verkündete. Dieses eine Heft 

löste geradezu eine Lawine an Nachahmern aus, so dass es in den USA 

bald jede Menge junger Comic-Zeichner und unglaublich viele Comics 

nach Crumbs Vorbild gab, womit eine neue Comic-Gattung geschaffen 

war: die Underground-Comics oder kurz U-Comix. 

Als sich Mitte der 60er in San Francisco 

und Umgebung die Flower-Power- 

Bewegung entwickelte, kamen mit ihr 

Ideen auf, die zum Teil bis heute auf viele 

gesellschaftliche Bereiche wirken. Warum 

die jungen Leute, darunter sehr viele 

Studenten, nicht mehr so leben wollten 

wie ihre Eltern, hatte unzählige Gründe. 

Ein ganz wichtiger Auslöser für den neuen 

Generationenkonflikt war sicherlich der 

Vietnamkrieg, auch spielte vermutlich der 

Kampf um die Gleichberechtigung der 

Frauen und der Farbigen eine große 

Rolle sowie die Erkenntnis, dass 20 Jahre 

nach Ende des Zweiten Weltkrieges der 

Wirtschaftsboom abebbte. Das Leben der 

Jugendlichen der 60er Jahre wurde geprägt 

durch den Kalten Krieg, die Kubakrise 

und so genannte Stellvertreterkriege auf 

der halben Welt. Sie waren umgeben 

von politischen und gesellschaftlichen 

Konflikten, was sie nach einem alles vereinnahmenden 

Frieden suchen ließ. Das 

neue Lebensgefühl durchdrang sämtliche 

vorherrschenden Kunstformen, beeinflusste 

sie oder stellte sie gleich mal ganz auf 

den Kopf. 

In diesem spannenden und äußerst anregenden 

Umfeld entstanden die ersten 

U-Comix als Reaktion auf die heile Welt 

der anderen amerikanischen Comic-Serien, 

die damals wie heute von den moralisch 

einwandfreien und für die amerikanischen 

Ideale stehenden Superhelden dominiert 

wurden. Superhelden, die stellvertretend 

für die USA stets gegen das Böse kämpften 

und am Ende immer als strahlende Sieger 

da standen. Ganz bewusst wurde das x im 

Namen der Comix eingeführt, um sich von 

all den anderen Comics schon im Namen 

deutlich zu unterscheiden. 

Wichtige und bis heute bekannte 

Zeichner der frühen U-Comix waren 

Gilbert Shelton, dessen „Freakbrothers" 

nach wie vor fast weltweit verkauft werden, 

Robert Crumb, Herausgeber und 

Zeichner von „Zap Comix Nr. 1", S. Clay 

Wilson oder Vaughn Bodé. 

Die ersten deutschen U-Comix 

erschienen über ein Jahr nach „Zap 

Comix". Deutscher U-Comix-Pionier 

war Raymond Martin aus Nürnberg, in 

dessen Verlag UPN – „Undefinierbare 

Produktionen aus Nürnberg" – 1969 das 

deutsche „U-Comix Nr. 1" erschien. Auf 

billigem Papier und in schlechter Qualität 

druckte Martin amerikanische Serien unter 

anderem von Gilbert Shelton und S. Clay 


Wilson sowie einige 

Eigenproduktionen 

von eher zweifelhaftem 

künstlerischem 

Wert. 

Interessanterweise 

war die deutsche 

Szene sehr viel politischer 

geprägt als 

die Bewegung in den 

USA, und viele der im Bereich U-Comix aktiven Personen kamen 

aus der Studentenbewegung. Da gerade in diesen Kreisen eine Art 

Allgemeingutmentalität herrschte, ähnlich der heutigen Diskussion 

über Urheberrechte im Internet, war es gewissermaßen nur konsequent, 

dass man die amerikanischen Serien abdruckte, ohne Lizenzen 

zu bezahlen. In den folgenden 15 Jahren war Raymond Martin eine 

der schillerndsten Figuren der deutschen Comic-Szene und hatte mit 

seinem aus den UPN hervorgegangenen Volksverlag über längere Zeit 

durchaus wirtschaftlichen Erfolg. Vor allem sind seine Verdienste im 

Bereich der Erstveröffentlichung amerikanischer und franco-belgischer 

Serien für erwachsene Comic-Leser unumstritten. Viele dieser Serien 

erschienen in deutscher Sprache erstmals im Volksverlag, und wer weiß, 

ob sich heute Menschen jenseits des Grundschulalters trauen würden, 

Comics zu lesen, wenn es nicht Wegbereiter wie den Volksverlag in den 

70er Jahren gegeben g hätte. 

Es war aber nicht nur 

Raymond Martin, der 

Ende der 60er Jahre auf 

die amerikanischen U-Comix 

aufmerksam wurde. Im 

Frankfurter März Verlag 

erschien 1970 „Head Comix" 

von Robert Crumb, ein absoluter 

U-Comix-Klassiker und 

bereits damals in erstaunlich 

guter Qualität gefertigt. 

Herausgeber und 

Übersetzer war Bernd Brummbär, der wirklich so hieß 

und nicht für die noch etwas 

schmuddeligen Comics einen 

Künstlernamen angenommen 

hatte. Im Jahr darauf 

erschien bei Brumm Comix 

„Die Militanten Panthertanten", 

ein Comicreader mit deutschen 

Erstveröffentlichungen vieler 

amerikanischer Serien. Für diesen 

Band war ebenfalls Bernd 

Brummbär zusammen mit Herbert 

Grenzwart verantwortlich. 

Aufgrund des nicht immer jugendfreien Materials, 

das in den U-Comix abgedruckt wurde, war die 

Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Schriften ständig 

aktiv und setzte viele der frühen Hefte auf den Index. 

Damit war es nicht mehr erlaubt, die Hefte an Jugendliche 

zu verkaufen. Um Ärger mit der Bundesprüfstelle zu vermeiden, 

findet sich in den frühen Ausgaben darum nur 

sehr selten ein konkreter Hinweis auf den Verlag. Ein 

Verlagsname und eventuell ein Ort mussten reichen, eine 

konkrete Adresse gab es nicht. Da der Verkauf meist über 

Headshops und Flohmärkte lief, war es nicht so wichtig, 

eine Adresse im Heft zu haben. Um den Behörden aus dem 

Weg zu gehen, war es sehr gut, einigermaßen anonym zu 

bleiben. 

Es wurden aber nicht nur in den Hochburgen Frankfurt 

und Nürnberg U-Comix verlegt, auch im hohen 

Norden war man aktiv. Im Bremer Verlag Schoengeist 

erschien 1971 der Sammelband „Gung-ho", auch in diesem dominierten 

wieder die Nachdrucke amerikanischer Comix das Heft. Dass 

man ständig Comix von Zeichnern wie 

S. Clay Wilson, Robert Crumb oder 

Gilbert Shelton in Heften 

verschiedener Verlage findet, 

die fast zeitgleich 

gedruckt wurden, zeigt, 

wie locker man es mit den 

Urheberrechten nahm. Nach 

und nach entwickelten sich 

dann auch einige recht gute 

einheimische Künstler. Ganz 

wichtige deutsche Texter 

und Zeichner der Frühzeit 

der U-Comix sind Mali und 

Werner, Bernd Reiche, Erich Rauschenbach und 

Peter 

Pfarr. Das erste Heft deutscher Underground-Zeichner 

war „AF Comix", das bereits 1970 herauskam und 

Arbeiten unter anderem von Mali und Werner sowie Erich 

Rauschenbach enthielt, allerdings wurde das Heft bereits 

nach drei Ausgaben wieder eingestellt. 

Auch heute, über 40 Jahre nach der Erstveröffentlichung, 

sind viele U-Comix nach wie vor inhaltlich aktuell 

und brisant, vor allem Themen wie Emanzipation 

oder Unterdrückung Andersdenkender 

oder Andersaussehender 

beschäftigen unsere 

Gesellschaft nach wie vor. 

Andererseits hat sich die Welt 

seither doch sehr stark verändert, 

und die Zeit der Hippies 

ist längst vorbei, eine Pilgerreise e 

nach Indien löst bei den meisten 

Menschen nur noch ein 

müdes Lächeln aus, und bei den 

Jugendlichen haben Smartphone 

und Spielkonsole die Comics 

aller Art längst verdrängt. Wer 

sich aber für die Zeit der 68er 

interessiert und diese prägenden 

Jahre auch in der Gesamtschau 

verstehen möchte, sollte neben 

der Musik und der Politik ruhig 

auch die U-Comix analysieren. Für alle anderen gilt: 

Setzen Sie sich ganz gemütlich in einen Sessel, öffnen 

Sie ein kaltes Bier, drehen Sie die Grateful Dead auf volle 

Lautstärke auf und fangen Sie an, die „Freakbrothers" zu 

lesen – mehr Entspannung geht nicht. 


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TV - K 

Krim - 

i i S 

i - er en 

Serien e 

der70 e r 

Teil 2 

Fotos: © Davids/Bildarchiv Hallhuber 

Fernsehen mit Suchtgefahr 

Die bewegten 70er Jahre hatten Krimistars, die 

Charakter besaßen: Da waren der Kommissar aller 

Kommissare, Erik Ode, der unruhige Jungspund 

Inspector Steve Keller (Michael Douglas) und der 

stets zerknautschte aber weise Vorgesetzte, Detective 

Lieutenant Mike Stone (Karl Malden) aus " 

Die Straßen 

von San Francisco" und viele andere, die uns vor der 

Mattscheibe fesselten. 

kernden Fingerzeigen wird beim Wiedersehen mit diesem Highlight 

deutscher TV-Krimikunst eines klar: In jeder Folge, in jedem Profil 

– seien es die von Akteuren, Tätern oder Opfern – hat sich ein Stück 

Bundesrepublik verkapselt wie die berühmte Fliege im Bernstein. 

So geht Fernsehnostalgie heute: Als ich unlängst einem Freund von 

diesem zweiten Teil über 70er-Jahre-Kult-Krimi-Fernsehserien 

erzählte, tischte er mir sofort folgende Anekdote auf. Erik Ode – 

mit bürgerlichem Namen Fritz Erik Signy Odemar – musste in seiner 

Rolle als Kommissar Herbert Keller einmal spät nachts raus. Es goss wie 

aus Kannen. Odes Serienweib Franziska (Rosemarie Fendel) gestattete 

sich die Bemerkung, er solle doch seine Galoschen überziehen. Keller 

beugte sich zu ihr runter, küsste 

die zu Füßen Kniende und 

sagte in etwa: „Du bist lieb, aber 

dumm." Die Passage ist sehr 

bezeichnend für diese Krimireihe 

in Schwarzweiß, deren erste 

Folge im Januar 1969 im damals 

bereits farbigen ZDF ausgestrahlt 

wurde. 96 weitere Episoden sollten 

bis 1975 folgen, und sie 

zeigen bis heute nicht nur, dass 

die Kriminaler halbwegs liebenswerte 

Machos waren, sondern 

auch, dass die Herren Ermittler 

soffen und qualmten, was Assistentin it ti Rhbi Rehbein (von 

Keller verniedlichend Rehbeinchen genannt) kredenzte 

und die Tabakindustrie offerierte. Wer will, kann sich 

auf der amüsanten Website www.kommissar-keller.de 

genaues tens über den heute undenkbar gedankenlosen 

Umgang mit Alkohol und Nikotin informieren. Dort wird 

unter anderem statistisch genau aufgedröselt, wer wie 

viel schluckte, welche Sendung die hochprozentigste 

war, und wer sich was in welcher Folge hinter die Binde 

gekippt hat. Abgesehen von solchen eher augenzwin- 

Fangen wir mal mit der zentralen Figur an: Kommissar Keller. Er ist 

unbestritten der Boss, obwohl man seinerzeit wohl eher Chef sagte. 

Der 

kleinwüchsige 

Ode hatte was 

von einer Vaterfigur. 

Streng, aber gerecht. 

Ein Geläuterter, der 

nie die Contenance 

verliert und eigentlich 

auch nicht laut 

wird, sondern – 

wenn es sein muss 

– bestimmt, nachdrücklich. 

Seine 

Meinung ist Gesetz. 

Ein Mann, der jeglichen Experimenten und unabwägbaren 

Abenteuern abgeneigt ist, im Privaten 

wie im Beruf. Keller ist seit elf Jahren mit der 

jüngeren Franziska verheiratet. Die Ehe ist kinderlos 

und das Verhalten der Partner von stiller 

Übereinkunft geprägt. Man kommt gar nicht auf 

die Idee, dass die beiden noch Sex haben könnten. 

Alles ist geregelt und genauso langweilig, wie 

sich die Wirtschaftswunder-Generation ein friedliches 

Zusammenleben vorstellt. Sie 

wohnen in einem bürgerlich eingerichteten 

Reihenhaus mit Resopal-Sekretär, 

Ohrensessel und Bügelmaschine. Er 

trägt in der Freizeit – genau wie 

mein Vater – bevorzugt gemütliche 

Strickjacken, sammelt Briefmarken und 

hat im Büro ein Aquarium. Er fährt 

einen Opel Rekord (noch eine Parallele 

zu meinem Erzeuger) und raucht Kette. 

Der Mann, der seinen Kollegen meist 

einen Gedankenschritt voraus ist, hat 


nicht die wanstige, rundgefressene „Wir sind wieder wer"-Wirtschaftswunder-Physiognomie 

eines Heinz oder Ludwig Erhardt, aber in den 

bewegten Spätsechzigern verkörpert er alles, was bald gestrig sein 

wird – eine fest gefügte Männergesellschaft, in der es keinen herrschaftsfreien 

Dialog, keine Widerworte und keine Andersdenkenden 

gibt. Seine Frau Franziska verschwindet nach gut 20 Folgen ebenso 

wie die Kriminalassistentin Helga Lauer. Danach sind die Herren wieder 

ganz unter sich. Keller ist, im Merkel'schen Sinne, alternativlos, zwar 

mausoid grau und eigentlich langweilig wie ein Leitz-Aktenordner. 

Aber man kann bei den mit hochkarätigen Kollegen (Curd Jürgens, 

Lilli Palmer, Götz George, Maria Schell usw.) besetzten und von ebenso 

hochkarätigen Regisseuren (Wolfgang Staudte, Helmut Käutner 

usw.) inszenierten Mordgeschichten stets auf ihn zählen. Und wenn 

durch eine Gewalttat der bürgerliche Frieden gestört wurde – egal 

ob an sozialen Brennpunkten wie in den seinerzeit noch exotischen 

Beatschuppen oder im großbürgerlichen Ambiente –, dann löst Keller 

den Fall, macht die Mörder dingfest und stellt die Ordnung wieder her. 

Dass man alle 97 Folgen in dem heute so nostalgisch anmutenden 

Schwarzweiß abdrehte und keine Zugeständnisse an die immer bunter 

werdende Breitwand-Rock’n’Roll-Gesellschaft machte, spricht für die 

Qualität dieser Serie. Horst Tappert übernahm 1974 den Stab von 

Serienkommissar Keller/Ode und wurde, wie man weiß, als „Derrick" bis 

nach Japan glubschäugiger Krimi-Kult. 

Eine Art amerikanischer Kommissar Keller war Karl Malden, der al s 

Lieutenant Mike Stone zusammen mit Inspector 

Steve Heller (man machte wegen oben genanntem 

Herbert Keller, und um Verwechslungen 

vorzubeugen, aus Steve Keller [Michael 

Douglas] hier zu Lande einen Heller) von 1972 

bis 1977 in den „Straßen von San Francisco" 

ermittelte. Stone hatte ein Gesicht wie eine 

Kampfzone, eine wuchernde Ex-Boxer-Nase, 

großporige Haut, pastoralen Dackelblick. Wenn 

Heller übers Ziel hinausschoss – und das 

war eine seiner hervorstechendsten 

Eigenschaften –, holte Stone den 

hyperaktiven Jungspund zurück 

auf den Boden der Tatsachen 

und Gesetze. Stone war für Heller eine Vaterfigur, ebenso wie der 

deutsche Herbert K. für seine Ermittler. Nur dass in Amerika ein 

anderer Wind, ein anderes Tempo vorherrschten. Hier gab’s und gibt’s 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber 

eine Golden Gate Bridge, die Bay Area und die für Verfolgungsjagden 

bestens geeigneten steilen Straßen. Hier war – im Gegensatz zum 

beschaulichen München – eine echte Metropole der Backdrop für die 

Verbrechensbekämpfung. Und dieses urbane Umfeld und die dort agierenden 

Gangster sorgten für coole Stories und authentische Spannung. 

Malden und Douglas haben, so wird’s zumindest kolportiert, einige Zeit 

beim echten San Francisco Police Department (SFPD) hospitiert, um der 

an Originalschauplätzen gedrehten Drama-Serie die realistische Note zu 

geben. Und die „Kollegen" mochten die Fernsehdarsteller und halfen, 

wo sie konnten. Heute undenkbar: Damals wurden ganze Straßenzüge 

von SF für die Dreharbeiten abgeriegelt. Einer der Hauptgründe für 

den Erfolg der Serie, von der das ZDF 100, teilweise unsinnig gekürzte 

Folgen ausstrahlte, war 

das Zusammenspiel der 

beiden Protagonisten, 

die eine Art Vater- 

Sohn-Verhältnis hatten, 

im Leben wie auch 

auf der Leinwand. 

Malden, ein altgedienter 

Hollywood- 

Veteran, der alle 

Gefühlsregungen des 

Zerknirschtseins oder 

Zornes mimisch drauf 

hatte, spielte den 

damals noch relativ 

unbekannten Partner Michael Douglas perfekt an. „Die Straßen von 

San Francisco", basierend auf der Detektivromanvorlage „Poor Poor 

Ophelia" von Carolyn Weston, markierte den Durchbruch für Michael 

Douglas, dessen nervöser Sex-Appeal besonders auf pubertierende 

Zuschauerinnen großen Eindruck machte. 

Als er in der zweiten Episode der fünften 

Staffel angeschossen wurde und aus dem 

aktiven Polizeidienst ausschied, um an 

der Polizeiakademie zu unterrichten, 

war die Magie dahin. Mit 

seinem Ersatz Richard Hatch als 

Inspector Dan Robbins begann die 

Erosion der Zuschauerzahlen, und aufgrund 

von „low ratings" war nach der 

fünften Staffel dann auch Schluss. 

Aber an guten Plots und guten 

Typen herrschte im amerikanischen 

Fernsehen nie Mangel. Eine meiner 

Lieblingsfiguren, weil positiv chaotisch 

und so ganz anders als die 

in der strengen Hierarchie des Polizeiapparats agierenden Cops, ist 

der Privatdetektiv. Oft agiert er ja im Graubereich der Gesetze und scheut 

hie und da auch nicht vor illegalen Methoden zurück. Im Gegensatz 

zu den bestellten und stets schwer bewaffneten Exekutiv-Vertretern, 

die ständig mit ihren goldenen Dienstmarken herumfuchteln und aus 

der gesicherten Deckung des Polizeiapparates ermitteln, muss der 

Privatdetektiv charmieren, antichambrieren, seine Fantasie einsetzen, 

geschickt sein, trickreich improvisieren. Das macht ihn so sympathisch 

und menschlich. Ganz weit vorne auf der Liste dieser schlamperten 

Helden steht Jim, eigentlich James Scott, Rockford, der von 1974 bis 

1980 in Malibu für ein Tageshonorar von 200 Dollar plus Spesen sein 

(Un-)Wesen trieb. Der von James Garner schmissig gespielte Detektiv 

(Originaltitel: „The Rockford Files") konnte per Telefon („Detektiv 

Rockford – Anruf 

genügt") aktiviert 

werden. 

Diese nervigen 

Maschinen waren 

seinerzeit noch 

eine Seltenheit, 

besonders in 

Deutschland. 

Wohl auch deswegen 

wurde 

der Anrufbeantworter 

während der Eröffnungssequenz in Großaufnahme gezeigt. Die 

Ansage, die man hörte, lautete: „Hier ist Jim Rockford. Bitte nennen 

Sie Ihren Namen, Ihre Nummer, ich rufe zurück …" Das Besondere an 

Rockford war nicht nur seine Laidback-Lässigkeit, sondern auch seine 

Historie. Er hatte fünf Jahre unschuldig im Knast von San Quentin 

gesessen und sich nach seiner Entlassung am Strand von Malibu als 


Detektiv niedergelassen. Niedergelassen ist vielleicht ein bisschen zu 

viel, denn Rockford hauste in einem Wohnwagen, den er auch als 

Büro nutzte. Man durfte also 

getrost davon ausgehen, dass 

Rockford nicht gerade ein linientreuer 

Verfechter von „law 

& 

order" war. Im Gegenteil. Er 

war ein Schlawiner, der sich 

auch mal gerne mit getürkten 

Businesscards eine falsche 

Identität zulegte, wenn er so 

den Fall lösen konnte. Klar, 

dass auch Rockfords „Personal" nicht den üblichen Crime-Kriterien 

entsprach. Die Rechtsanwältin Beth, zugleich auch Jims Freundin, 

sein Dad Rocky, sein Ex-Mithäftling Angel und der dauergenervte und 

gestresste Polizist Dennis Becker helfen der cleveren Spürnase bei seiner 

Arbeit. Oft widerwillig, wie Cop-Freund Becker, der aber Jim letztlich 

immer die Polizei-Infos 

zukommen lässt, die der 

gerade braucht. Denn, 

das wird durch diese 

Figur in jeder Minute 

klar, Rockford ist einen 

Tick klüger und findiger 

als die meisten 

Berufspolizisten. 

Aufgehübscht durch 

zahlreiche prominente 

Gaststars – unter anderen 

Lauren Bacall, Isaac 

Hayes, James Woods –, 

vorangetrieben durch 

kluge Plots und eine 

coole Inszenierung, aber vor allem durch die schauspielerischen 

i h 

Fähigkeiten von James Garner, wurde „Detektiv Rockford – Anruf 

genügt" zu einem Highlight der 70er-Jahre-Serien-Unterhaltung. 

Selbst heute beim Wiedersehen gibt’s wenig Grund zum Fremdschämen 

wie bei anderen so genannten Kult-Klassikern. Rockford, der seine 

Knarre – um sie vor der Unbill des salzigen Meerwasser-Klimas zu 

schützen – in einer Kaffeedose aufbewahrte und selten mitnahm, wirkt 

auch heute noch charmant, pfiffig, zeitgenössisch. 

Eine andere beliebte Figur im Detektivkosmos ist der Anwalt. 

Er kämpft für die Unschuld seiner Mandanten und nutzt dazu, 

man denke zum Beispiel an „Ein 

Fall für zwei", gerne die Dienste 

eines Privatermittlers. Wenn der 

Rechtsanwalt gut ist, kann er die 

Charme, lebt mit seiner Frau in einem Wohnwagen in der Wüste am 

Rande von San Remo und arbeitet leider oft genug pro bono. Also für 

Nullinger, denn seine Klienten entstammen – ebenso wie er – meist 

aus einfachen Verhältnissen, wo Geld Mangelware ist. Petrocelli, in den 

nur 45 Folgen dargestellt von Barry Newman, ist kein Staranwalt in 

feinem Zwirn und mit einer Kanzlei, wo tiefflorige Teppiche die Schritte 

dämpfen. Er ist das ganze Gegenteil. Er poltert. Er ist laut. Er ist leidenschaftlich 

und oft 

auch nicht gerade 

zimperlich. Dass 

er die ganze Serie 

hindurch ein festes 

Haus bauen will, 

mit der Betonung 

auf „will", und 

das nie schafft, 

zeigt, dass in dieser 

Anwaltsserie 

nichts schöngezeichnet 

und aufgehübscht 

wurde. 

Keine Frage: „Petrocelli" steht heute nicht so glanzvoll ll da wie andere 

70er-Jahre-Produktionen –, aber die Dramareihe brachte ein gerüttelt 

Maß an Realität auf den Bildschirm. Vielleicht war auch deswegen nach 

nur zwei Staffeln Schluss mit so viel unlustiger Wirklichkeit. Fußnote 

am Rande: Die Musik für „Petrocelli" verantwortete niemand Geringerer 

als Lalo Schifrin. 

Auf fünf Jahre, 

118 Folgen 

und weit mehr 

Ruhm und 

Ehre (Golden 

Globes, Emmys) 

brachten es 

dagegen der 

Lollis lutschende 

Glatzkopf 

Kojak und sein 

„Einsatz in 

Manhattan". 

Von 1973 bis 

1978 ermittelte 

der griechisch- 


Unschuld seines Klienten beweisen 

und den Rechtsfrieden wiederherstellen. 

Ein solcher Typ 

ist der von fast missionarischem 

Eifer beseelte Petrocelli, 

eine Gestalt, die dem Film 

„The Lawyer" entstammte. Der 

nicht wirklich gut aussehende 

Petrocelli, wie der Name schon 

zeigt ein Italo-Amerikaner, 

agiert mit zerknautschtem 

stämmige New Yorker Lieutenant t Theodoros Kojak 

gegen das Böse, wo immer es sich auf seiner Insel 

zeigte. Für den kahlköpfigen Telly Savalas, der bereits 

in hochkarätig besetzten Hollywoodstreifen sein 

schauspielerisches 

Können 

unter 

Beweis 

gestellt 

hatte, 

bedeutete 

Kojak die 

Rolle seines Lebens, Weltruhm. 

Sein viriler Sex-Appeal und sein 

schnoddriger, zuweilen zynischer 

No-Bullshit-Humor machten die 

Kojak-Figur zu einer festen Größe 

in der Fernsehwelt. Savalas wirkte 

wie ein linksgedrehter, etwas grober 

Wiedergänger von Yul Brynner, 

zumindest was seine Ausstrahlung 

auf Frauen anging. Die Mixtur aus aufreizend schlechtem ht Geschmack 

in punkto Dresscode, zuckriger Lollis, der frech-sympathischen, in 


den kollektiven 

Sprachgebrauch 

eingehenden 

Sprüche erhob 

Savalas in den 

Rang eines 

Stars. Die 

Tatsache, dass 

der New Yorker 

Cop auch vor 

den Reichen 

und Schönen 

Manhattans nie haltmachte, ht wenn sie das Gesetz gebrochen hatten, 

brachte zusätzliche Bonuspunkte. Wenn man heute, fast 40 Jahre 

nach Serienstart, in „Kojak" reinschaut, wirkt vieles übertrieben, 

pomadig und gestelzt. Aber eins fällt auf: Viele spätere Zelluloid- 

Helden – unter ihnen Richard Gere, Harvey Keitel, Christopher Walken, 

Sylvester Stallone – gaben hier ihre Visitenkarten ab. Und unterhaltsam 

war’s, lustig, 45 Minuten Auszeit vom Alltag. 


Schwere Kost dagegen kredenzte 

acht Jahre lang, von 1967 bis 1975, 

Robert T. Ironside, in Deutschland 

als „Der Chef" bekannt, den 

Krimi-besessenen Zuschauern. 

Raymond Burr verkörperte 

darin den Polizisten 

Ironside, der seit einer 

Schussverletzung 

an den Rollstuhl 

gefesselt ist. Aber 

mit Hilfe seiner 

Mitarbeiter – 

Detective Sergeant 

Ed Brown (Don 

Galloway) und 

Officer Eve Whitfield 

(Barbara Anderson), 

später Officer Fran 

Belding (Elizabeth 

Baur) – bleibt Chief 

Ironside der Schrecken 

aller Gangster in und 

um San Francisco. Mit einem speziell für ihn umgerüsteten Van und 

betreut von Mark Sanger (Don Mitchell), den Ironside einst ins Gefängnis 

brachte, nur um ihn später für die gute Sache zu begeistern, gelangt 

der Chef an die Tatorte 

und leitet umsichtig und 

nicht nur aufgrund seiner 

Behinderung mit 

Sondervollmachten ausgestattet 

die Verbr echens 

bekämpfung. Ironside 

ist, wiewohl ein 

Konservativer, der Denker 

unter den Cops. Einer, der 

die Ermittlungen wie ein 

gigantisches Schachspiel 

antizipiert und seine 

Spiele gegen die Bösen 

und das Böse dann stets 

bravourös gewinnt. Bei 

aller raumgreifenden 

Wucht, mit der dieser 

Behinderte „auftritt", bleibt dem Mann etwas Fragiles. Der Schuss, der 

ihn traf und zum Querschnittsgelähmten, zum Krüppel machte, reduziert 

ihn auf ein menschliches Maß. Einsicht: Auch ein Ironside ist eben 

verletzlich, aber er erträgt sein Schicksal mit stoischem Gleichmut. So 

gehört er, lange bevor es politisch korrekt war, eine behindertengerechte 

Welt zu erschaffen, auch in die Ahnengalerie der Sonderfälle, der freakigen 

Privatdetektive, engagierten Rechtsanwälte und Andersartigen. Der 

Chef gibt dem Zuschauer, ebenso wie es Kommissar Keller immer tat, die 

Gewissheit, dass das Gute erreichbar, machbar und wert ist, erhalten zu 

werden. Und er wirkt wuchtig in seinem Rollstuhl, mit breiten Schultern 

und stets korrekt gekleidet – ein Garant dafür, dass Recht und Ordnung 

gottgegeben sind und von den Menschen nicht gestört werden dürfen. 

Manchmal vergaß man beim Schauen glatt, dass der Mann im Rollstuhl 

saß, so erhaben und aufrecht wirkte er. 


Eine Gruppe, die nicht ganz ins Krimi-Konzept passt, sondern dies 

trans zendiert, sind die Geheimagenten. Nicht wirklich Kriminaler, 

sondern eben Agenten im Auftrag eines Geheimdienstes, haben 

sie den Nimbus unbesiegbarer Cartoon-Helden, ein wenig unwirklich 

und immer siegreich. Männer mit 

Einstecktuch und guten Manieren, die 

trotz diplomatischen Schliffs gerne 

austeilen und allesamt Abklatsch sind 

von dem berühmtesten Vertreter dieses 

Genres, Martini-Trinker James „Shaken, 

not stirred" Bond. Von 1968 bis 1970 

hatte Al Mundy – mit dem Goodlooker 

Robert Wagner als 

Hauptfigur – seinen 

Auftritt. Im Original 

hieß die Serie „It 

Takes A Thief", 

und folgerichtig 

mimt 

Wagner einen 

fingerflinken, 

listenreichen 

Dieb, der meist 

ohne Waffe, 

aber mit lustigen Tricks und schrulligem Mummenschanz seine 

Aufträge erledigt. Der elegante Bonvivant und Berufslangfinger 

wird dabei ab und an von Papi (Fred Astaire) unterstützt, was 

zu dem operettenhaften Flair der Serie stark beitrug. Obwohl 

eingestuft als Drama und nicht ohne Spannung, konnte man 

Al nie so richtig ernstnehmen. 

Mithin die berühmteste Titelmelodie hat „Kobra, übernehmen 

Sie", die Serien-Vorlage für die mit Tom Cruise 

so erfolgreich aufgelegte Blockbuster- 

Reihe „Mission: Impossible" (siehe extra 

Story in diesem Heft). Sie, die 

Musik, stammt aus der Feder 

von Lalo Schifrin, der uns ja 

schon häufiger begegnet ist; die 

Idee zu dieser Actionreihe 

kam von Bruce Geller. Es 

geht um schier unmöglich 

anmutende Aufträge, die 

ein Expertenteam, eben die 

„Impossible Missions Force", 

übernimmt und entgegen 

jeder Wahrscheinlichkeit 

auch erledigt. Daniel 

Briggs (erste Staffel) und 

danach Jim Phelps erhalten 

sich selbst zerstörende 

Tonband-Nachrichten mit 

dem Hinweis, dass man 

nichts von dem Auftrag 

wisse, wenn irgendetwas schiefgeht. „Viel Glück, Jim. Kobra, übernehmen 

Sie!" Das Team, das Jim dann zusammenstellt, ist super-intelligent, 

super-smart, super-gutaussehend, super-sportlich und supererfolgreich. 

Und das ist ja letztlich das Schöne an dieser Fernsehwelt: 

Nichts ist unmöglich, der Mensch ist eigentlich gut, Lügen haben kurze 

Beine, und Verbrechen zahlt sich nicht aus. In diesem Sinne ... 

Teddy Hoersch 



Marie Versini 

Ich habe mir etwas von 

Nscho-Tschi bewahrt 

Beginnen wir aktuell. Was machen 

Sie heute? 

Diese Frage ist für mich die wichtigste. 

Mein Mann, Pierre Viallet, und ich 

haben ein Buch veröffentlicht: „Puck – eine e 

Hündin erzählt." Das sind wunderschöne e 

Hundegeschichten, geschrieben von einem 

Hund. Das ist wirklich mal etwas Neues. 

Und Puck hat so viel zu erzählen… Als Kind 

wohnte ich mit meinen Eltern mitten in 

Paris, und da war es unmöglich, einen Hund 

zu halten. Aber später hatten mein Mann n 

und ich dann vier Irish Setter – Puck war der 

letzte. Er ist der Autor. Von jedem verkauften 

Buch geht ein Betrag direkt an den Tierschutz. Dazu geben Pierre und 

ich 25 Prozent unserer Tantiemen. Wir wollen mit diesem Buch den 

Tieren helfen. Wir wollen sie schützen und den Menschen deutlich 

machen, wie unendlich reich die Tierwelt ist, da sie aus Liebe besteht. 

Und das gilt es zu erhalten. Nicht nur durch Spenden, sondern durch 

ein umfassendes Verständnis für nötige Hilfe und Liebe zur Tierwelt. 

Das ist in unserer heutigen Zeit sehr, sehr wichtig! 

Wie kamen Sie auf den Namen Puck? 

Puck ist der kleine Kobold in Shakespeares „Sommernachtstraum", 

den ich 1969 an der Comédie Francaise in Paris gespielt habe. 

Bleiben wir noch bei den aktuellen Dingen. 2010 0 haben Sie in einem Film Ihres Mannes über Clara 

a 

Schumann mitgewirkt ... 

Zu dieser Rolle und zu diesem Film habe ich eine ganz besondere 

Beziehung. Die wunderbare Liebesgeschichte zwischen Clara und 

Robert Schumann fasziniert mich. Das ist wie bei Pierre 

und mir. Ich habe meinen Mann vor 50 Jahren kennen 

gelernt und bin mit ihm 38 Jahre verheiratet. Zu 

der Zeit machte er eine Filmserie über die großen 

Komponisten wie Bach oder Beethoven. Und ein 

Porträt drehte er über Robert Schumann, aber aus 

der Sicht von Clara. Clara war für Robert alles, Clara 

war sein Leben. Ich spielte die Clara und bin die einzige 

Darstellerin in diesem Film, der übrigens damals 

beim Filmfestival in Venedig mit einem Preis ausgezeichnet 

wurde. Zum 200. Geburtstag von Robert 

Schumann wurde mein Mann dann gebeten, erneut 

einen Film über ihn zu machen. Er hat da raufhin 

einen sehr originellen Film im Stil von Jean Cocteau gedreht, 

mit dem er viel gearbeitet hat. Die Übersetzung der großen 

Liebe von Robert und Clara mit all ihren Problemen, die 

Krankheit von Robert bis hin zum Wahnsinn. Und er 

tat es unter Verwendung des alten Filmmaterials aus 

den 60er Jahren, in dem ich die Clara spiele. Im 

neuen Film lese ich nun auch Briefe der 

Foto: © Roelen/Bildarchiv Hallhuber 

Schumanns und aus den Tagebüchern. Clara ist 

von 

ihrem Charakter her für mich eine wichtige 

Persönlichkeit, und ich bewundere sie 

als 

Frau und Pianistin. Als Martin Böttcher 

den Film gesehen hat, rief er mich sofort an: 

„Meine arme Marie, mit solchem wunderschönen 

Film wirst du Schwierigkeiten mit 

den Musiklobbys bekommen!" Und er hatte 

leider vollkommen Recht. Clara und Nscho- 

Tschi sind meine liebsten Rollen. 

Nun zu Karl May – Sie kannten seine 

Bücher schon in Ihrer Kindheit? 

Ja, mein Vater war Germanist und hat in 

Deutschland die Werke von Karl May ent- 

deckt, die 

in Frankreich niemand kannte. Er hat uns 

jeden Abend 

die Geschichten von Winnetou und Old 

Shatterhand vorgelesen. Schon damals habe ich Nscho- 

Tschi geliebt und 

wollte immer die Schwester von Winnetou 

sein. Mit sieben 

Jahren hatte ich ein Nscho-Tschi-Kostüm 

und habe mit meinem Bruder am Strand in der Normandie 

Winnetou gespielt. 

Aber bis zum Kinofilm hat es dann noch 

einige Jahre gedauert. Meine erste Filmrolle spielte ich mit 16 

in „Der Schatten" und wurde dann für sieben Jahre an 

der Comédie Francaise engagiert. 

Foto: © Roelen/Bildarchiv Hallhuber

Sie haben sehr viele Filme gedreht. Stört es Sie, dass Sie 

meist nur auf Ihre Rolle als Nscho-Tschi angesprochen 

werden? 

Wenn Orson Welles irgendwohin ging, spielte man immer die Musik 

von „Der dritte Mann". Wenn man über Romy Schneider 

spricht, redet man immer von Sissi, obwohl sie die tollsten 

Filme in aller Welt gedreht hat. Und in Deutschland bin ich 

eben die Nscho-Tschi. Und das ist gut für mich. Natürlich 

möchte man manchmal auch über all die anderen Filme sprechen, 

die ich gedreht habe. Über meine Arbeit mit Curd Jürgens oder Jean 

Paul Belmondo. „Bebel" ist für mich der schönste Mann der Welt, ein 

exzellenter Schauspieler und ein sehr guter Freund. Er ist der netteste 

Mensch, den ich kenne. Aber es ist doch etwas Besonderes, nach den 

vielen Jahren immer noch als Nscho-Tschi bekannt zu sein, und das 

in einer Zeit, in der die Leute vieles schnell wieder vergessen. 

Haben Hb Sie noch Kontakt zu den älteren Kollegen? 

Immer weniger. Da ich mit 15 angefangen habe, waren die Kollegen 

meist etwa 20 Jahre älter. Viele von ihnen sind leider nicht mehr unter 

und sie war im Kasten. Das 

lag wohl auch mit daran, 

dass mein Mann mir vor 

Drehbeginn gesagt hat: 

„Du darfst Nscho-Tschi 

nicht spielen, du musst sie 

sein! Du musst Treue und 

Liebe verkörpern, dann 

hast du gewonnen." Und 

er hat Recht behalten. Was 

ich damals natürlich nicht 

realisiert habe, ist, dass 

diese Filme für so lange 

Zeit einen so großen Erfolg 

haben würden. Ich hatte in 

Deutschland „Das schwarzweiß-rosa 

Himmelbett" mit 

Thomas Fritsch gedreht, 

und ich bekam daraufhin 

das Angebot Nscho-Tschi 

zu spielen. Ich habe mich 

darüber sehr gefreut, auch auf die Arbeit mit Pierre Brice und Lex 

Barker. Aber niemand dachte auch nur im Traum daran, dass die Filme 

50 Jahre später immer noch laufen und zum Kult werden würden. 

Autogrammkarte: Norbert Arndt 

Wie waren denn Pierre Brice und Lex Barker zu Ihnen? 

Haben Sie sich mal in einen oder beide verliebt? 

Oh, die waren sehr nett zu mir. Wissen Sie, wenn man eine Liebesszene 

spielt, ist es für mich normal, dass man zum Filmpartner eine gewisse 

Beziehung aufbaut. Ich habe gelernt, „echt" zu sein, nicht zu spielen. 

Ich muss auch im Film ich selber sein. 


uns. Mit Pierre Brice treffen en wir uns ab und zu. Mein Mann 

und ich wohnen nicht nur in Paris. Wir haben auch 

ein Haus auf einer kleinen en Insel im Atlantik, und oft 

sind wir in New York. Da lebt eine Enkelin meines 

Mannes und arbeitet dort als bekannte Malerin. Wir 

sind sehr gerne in Amerika. Da bleibt dann nicht 

viel Zeit für andere Verabredungen. 

Zurück zu den Karl-May-Filmen. Ihr 

allererster Drehtag zu „Winnetou I" war 

etwas spektakulär .... 

Oh ja! Es waren eigentlich nur ein paar Reitszenen 

vorgesehen. Doch dann kam der Regisseur, Harald 

Reinl, zu mir und sagte: „Marie, es tut mir leid, 

aber ich habe ein Problem mit deinem Pferd. 

Wir drehen jetzt zuerst deinen Tod." Ich war 

total überrascht. Reinl sagte: „Santer (Anm. 

d. Autors: Mario Adorf) hat dich schon 

erschossen und du liegst in den Armen 

von Lex Barker, öffnest noch einmal 

die Augen und sagst ihm auf indianisch 

‚Du weißt, ich liebe e dich'. Ok, 

können wir … wir können nen … 

Klappe!" Dann haben wir die 

Szene nur einmal gedreht, 

Foto: © Roelen/Bildarchiv Hallhuber 

Nun gab es nach „Winnetou I" auch die Orient-Filme. 

Waren die für Sie von gleicher Wertigkeit? 

Nach „Winnetou" kam erst einmal „Kennwort Reiher" mit Peter van 

Eyck. Eine schwierige Rolle, aber ein sehr guter Film. Es folgte „Der 

Schut", und ich spielte die Rolle der Tschita. Danach „Durchs wilde 

Kurdistan" und „Im Reiche des silbernen Löwen". Da habe ich die 

indische Prinzessin Ingdscha gespielt. Nach Nscho-Tschi war das etwas 

komisch, und es war ganz anders – da war viel Action, viel Reiten … Es 

war auch sehr schön und hat Spaß gemacht, aber in meinem Inneren 

werde ich mir immer etwas von der kleinen Nscho-Tschi bewahren, die 

so voller Liebe war. 

Möchten Sie den kult!-Lesern noch etwas sagen? 

Ja. Bereits 1964 hat mein Mann Pierre Viallet für das fran- 

zösische Fernsehen eine Indianerserie gedreht – „Mato, 

der Indianer". 1965 liefen die Filme auch in der ARD. 

Im Gegensatz zu Karl May, der seine Geschichten 

„erträumt" hat, ist die 

Story von Mato sehr 

nah an der Realität, 

und die Geschichten 

sind wahr und nacherzählt. 

Dazu noch 

etwas Privates: In der 

Serie spielt das Pferd 

„Pastis" eine wichti- 

ge Rolle, und dieses 

Pferd war wirklich ein 

Schauspieler … Nach 

den 

Dreharbeiten hat 

mein Mann „Pastis" 

gekauft, und es 

lebte noch zwölf 

Jahre mit uns. „Mato, der Indianer" war ein großer 

Erfolg, und nun gibt es die komplette Serie 

auf drei DVDs, erschienen bei Pidax Western- 

Klassiker. Das ist auch echter Kult! 

Christian Simon 











Sehen Sie nun den großen deutschen Film des einstigen Traumpaares Sonja 

" 

Ziemann und Rudolf Prack zum ersten Mal im Fernsehen." So kündigte Ansagerin 

Beate Menner am 12. September 1980 gegen 20.20 Uhr in der ARD den größten deutschen 

Kino-Erfolg der 50er Jahre" an. Grün ist die Heide" eröffnete zur besten Sendezeit 

" 

" 

die Reihe Heimatfilme" – und bescherte dem Ersten Deutschen Fernsehen 15 Millionen 

" 

Zuschauer. 

Von Thorsten Pöttger 

Fünf Minuten zuvor war ein Werbespot der Unionsparteien zur Bundestagswahl 

gesendet worden – mit dem bayerischen Ministerpräsidenten 

Franz Josef Strauß als Kanzlerkandidaten. Ob das Zufall war oder ein 

Zusammenhang zum anschließenden Programm bestand, mag jeder 

für sich entscheiden. Wie sonst hätte jedenfalls ein Film mit dem Titel 

„Grün ist die Heide" eingeläutet werden sollen als mit einem Lied aus 

der Feder des deutschen Heimatschriftstellers Hermann Löns, dem 

Heidedichter schlechthin? Dass sein Roman „Der Wehrwolf" als geistiger 

Nährboden des Nationalsozialismus 

gilt, interessierte 1951, als „Grün 

ist die Heide" in die Kinos kam, 

keinen Beteiligten – auch nicht die 

drei lustigen Musikanten, die nach 

dem Vorspann des Films an einer 

Herde possierlicher Heidschnucken 

vorbei ins Bild marschierten. Durch 

ihre gesungenen Worte „Auf der 

Lüneburger Heide, in dem wunderschönen 

Land, ging ich auf 

und ging ich unter …" wusste 

jeder Zuschauer sofort über den 

Handlungsort Bescheid. Und die 

Lüneburger Heide war farbenfroh und unbeschädigt, im Gegensatz ensa 

zu den 

zertrümmerten Städten, sechs Jahre nach Ende des Zweiten Weltkriegs. 

Aber konnte dieser Wohlfühlfaktor allein ausreichen, um in den 50ern 19 

Millionen Kinobesucher in die Lichtspielhäuser für ein Remake zu locken, 

20 Jahre nach der Produktion einer gleichnamigen ersten Version? 

Regisseur Hans Deppe und sein Drehbuchautor Bobby E. Lüthge, der 

bereits 1932 für das Skript des weitgehend unbekannten Originals verantwortlich 

gezeichnet hatte, änderten für ihre Variante der „grünen Heide" 

die Ursprungsmotive von 

Hermann Löns ab. Ihre 

Maßnahme dürfte nicht 

unwesentlich für den 

Erfolg des Films in der 

Nachkriegszeit verantwortlich 

gewesen sein. 

Indem sie die Person des 

verwitweten Vaters der weiblichen ic 

Hauptfigur ur als 

Heimatvertriebenen ertr 

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iebe 

schilderten, 

wurde ein aktueller Zeitbezug hergestellt. Auf diese Art und Weise 

baute „Grün ist die Heide" stärker als die meisten anderen Heimatfilme 

auf den politischen und sozialen Zuständen in Nachkriegsdeutschland auf. 

Lüder Lüdersen (Hans Stüwe) ist ein vertriebener Gutsherr aus Schlesien, 

der zusammen mit seiner Tochter Helga (dargestellt von Sonja Ziemann) 

in der Lüneburger Heide bei Verwandten in einem Schloss wohnt und sich 

dort höchstens geduldet fühlt. Seine melancholischen Gefühle aufgrund 

der erlittenen Verluste versucht er zu bewältigen, indem er im Heidewald 

wildert. Nach Abschuss eines Tieres wird er vom Gemeindeförster Walter 

Rainer (Rudolf Prack) verfolgt, der lediglich wahrnehmen kann, wie der 

Wilddieb ins Wasserschloss flieht. Dort begegnet dem Förster Helga 

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Lüdersen, die ihm gegenüber vehement abstreitet, dass an diesem 

Ort ein Krimineller wohnen könnte. 

Zu diesem Zeitpunkt des Filmes trafen vor den Augen der Zuschauer 

uer 

ein Jahr nach ihrem Überraschungserfolg mit „Schwarzwaldmädel", de 

l", der 

ebenfalls unter Deppes Leitung gestanden hatte, erneut zwei Stars des 

deutschen Nachkriegsfilms aufeinander: Sonja Ziemann und Rudolf Prack, 

beide jeweils – wie passend in diesem Zusammenhang – mit einem Bambi 

ausgezeichnet. Während der Dreharbeiten zu „Grün ist die Heide" waren 

sie bundesweites Gesprächsthema geworden. Dass Prack 

20 Jahre älter als seine Kollegin war, wurde allerdings 

nicht thematisiert. Die schwierigen Verhältnisse in der 

Familie Lüdersen hin oder her, im Mittelpunkt steht die 

Liebesgeschichte zwischen der Tochter und dem Förster, 

unterstützt von einer Liaison zwischen dem ortsansässigen 

Amtsrichter (Willy Fritsch) und der Zirkusreiterin 

Nora (Maria Holst), die nach Amerika will. Dies wird 

deutlich in einer rührseligen Szene, als während eines 

Heidespaziergangs von Helga und Walter Rainer die drei 

umherstreifenden Künstler vom Filmbeginn (Zitat: „Wir 

schlafen im Moos und decken uns mit dem Himmel zu") 

hinter einem Baum hervortreten und das Titellied spielen, 

angestimmt vom Sänger mit dem bezeichnenden Namen 

Nachtigall. Der im 

Text heraufbeschworene Kuss muss warten, denn noch 

ist Helga Lüdersen hin- und hergerissen zwischen der Zuneigung zum 

Weidmann und der Loyalität zu ihrem Vater. Dessen illegalen Aktivitäten 

sind ihr erst klar geworden, nachdem die drei Musikanten, die ihn bei seiner 

letzten Untat erkannten, ihr das Gewehr ausgehändigt haben, das er 

auf seiner Flucht abgelegt hatte. Getreu den drei Affen sehen, hören und 

sagen die Vagabunden aber nichts. Und als es mit dem Kuss dann doch 

fast so weit ist, fällt erneut ein Schuss: Ein Gendarm ist erschossen worden. 

Lüder Lüdersen gerät 

unter Mordverdacht, wird 

vom Förster wegen dessen 

Zuneigung zu seiner 

Tochter aber nicht angezeigt. 

Um Schlimmeres zu 

verhindern, plant Helga 

den gemeinsamen Umzug 

mit ihrem Vater in die 

Stadt. Die Verabschiedung findet auf einem 

Schützenfest statt. Lüder Lüdersen möchte ein letztes Mal durch den 

Wald gehen, stellt dabei den wahren Mörder r 

und wird dadurch rehabilitiert. Die endgültige e 

Versöhnung zwischen Walter und Helga findet 

unter Ausschluss des vom Gangster angeschossenen 

Herrn Lüdersen vor seiner Krankenzimmertür r 

statt. Das gestaltet das Happy End zwar nicht 

perfekt, aber nicht so unvollkommen wie eine 

erneute Verfilmung von „Grün ist die Heide" 

weitere 20 Jahre später, mit Roy Black in der 

männlichen Hauptrolle. 

Foto 

: Bildar 

chiv Hallhub 

uber 

Seite 66 ■ GoodTimes odTi 

2/2013 

201

Die Silberwald-Serie 

Hauptrollen spielen 

Flora und Fauna 

Die der Mannschaft der Bundesrepublik Deutschland vom österreichischen Team 1978 

bei der Fußball-WM zugefügte " 

Schmach von Córdoba" ist allgegenwärtig. Aber wer 

hat schon mal einen Österreicher erlebt, der sich darüber lustig gemacht hätte, dass 

es sich bei dem mutmaßlich publikumsträchtigsten Kinofilm in Deutschland aller 

Zeiten um eine Produktion aus der Alpenrepublik im Jahr 1954 handelt? 

Fotos: Bildarchiv Hallhuber 

Weit über 20 Millionen Menschen haben bis 1958 in deutschsprachigen 

Lichtspielhäusern Der Förster vom Silberwald" 

" 

gesehen. Auf diese Weise fand auch Österreich (dort lief der Streifen 

unter dem Titel „Echo der Berge") in Anita Gutwell und Rudolf Lenz 

sein Traumpaar des Nachkriegsfilms. 

Dabei wird „die limonadensüße 

Liebeshandlung" (Zitat Kurzkritik der 

Katholischen Filmkommission) zwischen 

der Wiener Künstlerin Liesl 

und einem Jäger von eindrucksvollen 

Natur- und Tieraufnahmen in 

den Hintergrund gerückt: Da lugt 

der Dachs aus seinem Bau hervor, 

grüßt der Auerhahn die Morgenröte 

und huschen die Rehe über eine fast jungfräuliche 

Schneedecke. Wären diese Szenen zusammengeschnitten 

und statt mit schmetternden Hörnerfanfaren und 

umschmeichelnder Streichermusik mit erläuternden 

Worten von Professor Grzimek unterlegt worden, hätte 

das Ganze eine gelungene Dokumentation abgeben 

können – und zu einem solchen Film hatte ursprünglich 

die Idee bestanden. Österreichs Landschaften sollten als 

ein schützenswertes Biotop aufgezeigt werden. „Mein 

Ball ist draußen im Revier", lässt dementsprechend konsequent 

Weidmann Gerold auf einer 

Tanzveranstaltung durchblicken. Somit 

übte „Der Förster vom Silberwald" 

einen starken Einfluss auf die Machart 

späterer Heimatfilme aus. Es lässt sich 

durchaus voller Naturverbundenheit 

von einer Lawine sprechen. 

In bewusster Anlehnung an den 

„Silberwald" entstand erneut mit 

Gutwell und Lenz ein Jahr später Die " 

Sennerin von St. Kathrein". Denn 

dort gibt es nicht nur Schnaps, wie Mitte der 80er von Stephan Remmler 

in einem seiner Schlager beobachtet, sondern auch bildhafte Bekenntnisse 

zur Heimat. Die ortsfremde Sennerin Liesl (Filmemacher nahmen damals 

sehr viel Rücksicht aufs Namensgedächtnis des Publikums) ist 

Feuer und Flamme für einen Gestütsbesitzer, der aber wiederum 

ins Beuteschema der reichen Wirtstochter fällt. Bis diese 

sich zurückzieht, wird das Gedeihen der Liebe zusätzlich durch 

Liesls wildernden Bruder erschwert. 

Allein dass 1956 das Liebespaar für Die Försterliesel" 

" 

ein weiteres Mal mit dem österreichischen Traumpaar besetzt 

wurde (es handelte sich im Übrigen um eine deutsche 

Produktion), verdeutlicht 

seine 

Verwandtschaft zum 

Vorbild. Blenden wir 

uns einfach in die 

letzte Szene ein: 

Die Sennerein von 

St. Kathrein 

Liesl: " 

Der eine wollt’ mich zur 

Großbäuerin machen, der andere in 

die Stadt mitnehmen – aber ich 

bleib' hier, da, wo ich hingehör’..." 

Entgegnung Toni: " 

...im Silberwald!" 


Ist es nicht schön, wenn 

sich 

die Handlung eines Films 

mit 

seinen letzten Worten zusammenfassen 

lässt? 

Auch Johannisnacht" von 

" Harald Reinl (genau, der „Winnetou"- 

Regisseur) stellte 1956 durch sentimen- 

e tale Landschaftsdarstellungen ein Tribut 

an 

den „Silberwald" dar. Ein Schlossbesitzer versteckt aus Kränkung seine 

fünfjährige Tochter auf einer Almhütte, weil 

seine Frau ihn verlassen 

hat. Als das Kind heimlichen Besuch bekommt, weiß es nicht, dass es 

sich um seine Mutter handelt. Die Katholische Filmkommission hegte 

Vorbehalte „wegen liberaler Eheauffassung, die mit Scheidung und 

Wiederverheiratung zu selbstverständlich umgeht". 

Im selben Jahr konnte der später ebenso 

Karl-May-erprobte Regisseur Harald Philipp 

noch so sehr beteuern, abgesehen vom Titel 

habe sein Debüt „Das alte Försterhaus" 

nichts mit dem Heimatfilm zu tun – selbst 

ungeachtet des gleichnamigen erfolgreichen 

Schlagers lag das besagte, zu sanierende 

Haus nun mal mitten in einem 

Wald. Es wird mit Hilfe einer Fernsehshow 

durch die Werbeleiterin einer Plattenfirma 

gerettet, die nebenbei das große Los mit 

dem Inhaber des Wirtshauses zieht. Drei 

vagabundierende Musikanten (siehe Schwarzwald- und Heidefilme) 

packen mit an. 

Wo die alten Wälder rauschen", da übernehmen über weite 

" Strecken Wald und Landschaft die eigentliche Hauptrolle, statt „nur" 

den schmückenden Hintergrund 

zu bilden. Auf diese Art und Weise 

kann ein Baustellenleiter gleichzeitig 

ein begeisterter Tierfotograf 

sein. Die unvollständige Familie 

besteht hier ausnahmsweise 

statt Vater und Tochter aus dem 

Vater, einem vielbeschäftigten 

Hamburger Unternehmer, und 

einem Sohn, der wenigstens in 

Wo die 

den Bergen Urlaub machen soll, wenn der Herr 

alten 

Papa denn schon keine Zeit für ihn hat. 

Wälder 

rauschen Im Lustspiel Dort in der Wachau" unternahmen 

1957 zwei Journalisten einen Streifzug 

entlang der Donau: die Dame zu Schiff, auf 

dem sie ihren bislang unbekannten Vater trifft, 

und der Herr auf dem Motorroller am Ufer 

entlang, wo schon die Liebe seines Lebens auf 

ihn wartet, deren Sohn Bumsi (!) sich unterdes- 

" sen als blinder Passagier auf dem Donaudampfer übt. Anlass zu der 

Geschichte war und ist jedoch die Landschaft der Wachau. 

Thorsten Pöttger


Bevor Spanien zum europäischen Problemfall 

wurde, war Almeria ein Glücksfall für die 

Filmemacher. Als die Billiglöhne noch nicht 

in Euro ausbezahlt wurden, sondern " 

für 

ein paar Dollar mehr", kamen Regisseure 

wie Sergio Leone und David Lean. Noch 

heute kommen Touristen – nicht wegen 

des Klimas, sondern wegen des Kinos. 

A ls Clint Eastwood an einem 

em Apriltag 1964 in 

Spanien eintraf, glich der ausgewählte Drehort, 

Almeria, eher einer Geisterstadt. Die spanische Crew 

hatte nämlich gerade beschlossen, für eine Handvoll 

Pesetas zu streiken. Der aus Hollywood importierte 

Amerikaner sollte bald merken, dass die Europäer 

eine gänzlich andere Vorstellung vom Filmemachen 

hatten. Der Streifen, für den Eastwood sich für die 

moderate Gage von 14.000 Dollar vor die Kamera 

stellte: Für eine Handvoll Dollar". Der Grund, 

" 

warum er ihn machte: ein Gratis-Trip nach Spanien. 

Das Resultat: ein nicht vorherzusehender Kult. Das 

Western-Genre sollte nach diesem Film nie mehr 

sein, was es vorher war. Und das spanische Almeria 

auch nicht. 

Eine Stadt, die alles sein kann 

Wer heute ins andalusische Almeria reist, vor dem dehnt 

sich die Stadt von der Küste aus bis hinauf zu den steinigen 

Hügeln aus. Der nordafrikanisch geprägte Ort wurde im 

Lauf der Jahrhunderte wegen seiner strategisch günstig gelegenen 

Mittelmeerbucht immer wieder gern von Neuem erobert. Die vielfältigen 

Einflüsse der verschiedenen Regenten sind der Grund dafür, 

dass ein mittelalterlicher „Conan" vor derselben maurischen Festung 

Alcazaba agieren konnte wie ein Indiana Jones, der sich im Marokko 

gerne, er sei der einzige 

männliche Schauspieler, 

der je mit Eastwood 

geschlafen habe). Als 

Broadway-Schauspieler 

In diesem 

Hotel 

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gangen 

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der 30er Jahre wähnte. 

Als in diesem Hafen 

erstmals nicht Krieger, 

sondern Schauspieler 

landeten, war 

Almeria freilich 

nicht mehr als ein 

Hafenstädtchen. 

Verhätschelte 

Stars, die gegen die grelle spanische 

Sonne blinzelnd nach den üblichen 

Annehmlichkeiten Ausschau hielten, 

fanden lediglich rudimentäre 

Unterbringungsmöglichkeiten. Als 

Eli Wallach und Clint Eastwood 

ankamen, gab es kein einziges 

passables Hotel. Sie teilten sich 

schließlich irgendwo ein Bett 

(und bis heute berichtet Wallach 

Foto: © Roland Schäfli 


Für eine handvoll Dollar" 

"


Aus einer mittelalterlichen Burg-Ruine machte Sergio Leone 

eine verfallene Kirche. Der Kirchturm ging schon lange beim 

Dynamit-Anschlag drauf. 

Wallach seinen 

Regisseur Sergio 

Leone fragte, wo 

denn die Toiletten 

zu finden seien, 

deutete der nur 

vage auf die Wüste 

und sagte: „Da!" 

Das Gran Hotel 

macht heute damit 

für sich Reklame, 

Die Wüstengegend des spanischen Tabernas als 

dass Schauspieler 

Äquivalent zur amerikanischen Prärie. 

von Charles 

Bronson bis 

Stewart Granger 

und Regisseure 

von David Lean bis 

Steven Spielberg 

hier abstiegen. Die 

Spanier nehmen es 

nicht so genau mit 

der Filmgeschichte. 

Das Gran Hotel 

wurde tatsächlich erst erbaut, als Eastwood schon seinen dritten und 

letzten Italo-Western hier abdrehte. Und doch ist Almeria aus denselben 

Gründen als Filmdrehort ausgewählt 

worden wie seinerzeit Hollywood: 

knapp 3000 Sonnenstunden pro Jahr, 

mehr Sonnentage als irgendwo im 

Land. Und vor allem: Lokationen in 

erreichbarer Nähe, die geologisch beinahe 

alles darstellen können – die 

Sahara, eine Piratenküste und eben 

auch den Wilden Westen Amerikas. 

Foto: © Roland Schäfli Foto: © Roland Schäfli 

Wie eine Fata 

Fantasien .. eines 

Morgana .. in der 

RöOmers 

Dass einem im Kintopp ausgerechnet 

amerikanische Heimaterde manchmal 

spanisch vorkommt, liegt an einem Italiener: Sergio Leone. Durch seine 

dicke Brille sah der Römer nicht spanische Steppe, sondern amerikanische 

Prärie. In seiner Fantasie wurden spanische Statisten zu mexikanischen 

Banditen, wurden Pferde der spanischen Hofreitschule zu indianischen 

Broncos. Er hatte drei europäischen Produktionsfirmen 200.000 

Dollar abgeschwatzt, sich auf eine zweifelhafte Westernproduktion 

einzulassen, und einen Seriendarsteller namens Eastwood überredet, 

sich als einsilbiger Fremder zu verdingen. Wortkarg waren die beiden 

auch im täglichen Umgang, g da Leone auf Englisch maximal „Good 

Der Tatort des blutigen Massakers aus " 

Spiel mir das Lied vom Tod": 

Heute werden hier nur noch Fliegen gekillt, die versehentlich ins Bier fallen. 

Morning" parlieren und Eastwood höchstens h mit „Arrivederci" i" parieren 

konnte. Das spielte keine Rolle, da die tolldreisten italienischen 

Filmproduktionen den Ton ohnehin nicht aufzeichneten. Denn in 

diesem ethnischen Potpourri sprach jeder so, wie ihm der Schnabel 

gewachsen war. Im Tonstudio wurden nachträglich die verschiedenen 

Landesfassungen synchronisiert. Sprachbarrieren hinderten Leone 

nicht, seinen Darstellern pantomimisch vorzuspielen, was sie zu tun 

hatten. Kein Wunder, dass Eastwood nach getaner Arbeit im festen 

Glauben abreiste, in einem unmöglichen 

Streifen mitgewirkt zu haben, der 

schnell in der Versenkung verschwinden 

würde. 

Erst ein Jahr später hörte er von 

einem italienischen Filmphänomen. 

Die Produzenten, ebenfalls nicht ans 

Potenzial dieses Anti-Westerns glaubend, 

hatten „Für eine Handvoll Dollar" 

in einem Florentiner Hinterhofkino 

gestartet. Doch von dort aus breitete 

sich der Ruf des Streifens per 

Mund-zu-Mund-Propaganda wie ein 

Flächenbrand aus. Der Spaghetti- 

Western hatte seinen ersten Klassiker 

und sollte in dieser Form hundertfach 

kopiert werden. Die Regisseure 

der Plagiate tauchten umgehend in 

Almeria auf, um sich dieselben natürlichen 

Kulissen zunutze zu machen. 

Was das Dreamteam Leone/Eastwood 

nicht ahnen konnte: Sie hatten den 

Schatten spendet um High Noon 

nur der Vorbau der windschiefen 

Wildwestkulisse. 

Grundstein für einen neuen Tourismuszweig gelegt. Der Kult war geboren. 

Die Fans sollten bis heute wiederkehren. 

Und die Filmemacher auch. Zuletzt hat hier Bully Herbig den " 

Schuh 

des Manitu" zum Leben erweckt. 

Denn die dortigen Ramblas, ausgetrocknete 

Flussbette nämlich, sind 

kinematografisch perfekt, da sie tiefer 

liegen als ihre Umgebung: Die Kamera 

kann sich um 360 Grad drehen, ohne 

dass Straßen oder Elektromasten ins 

Blickfeld geraten. 

WUüste 

" Schuh des Manitu" In halbstündiger Autofahrt ist das 

Dorf Tabernas zu erreichen, wo – 50 

Jahre, nachdem der hier beständig wehende Wind Leones Fußspuren 

verweht hat – der Westen noch immer wild ist. Am Straßenrand steht 

ein verwegen aussehender, unrasierter Banditendarsteller als lebende 

Werbesäule: Er lockt Autos von der Schnellstraße auf einen Schotterweg, 

der zur Kulissenstadt „Mini Hollywood" führt. Die quer über die Brust 

geschnallten Patronengurte sind der mexikanischen Revolution entlehnt; 

sein langer beiger Regenmantel ist von der Sorte, die 1968 durch 

„Spiel mir das Lied vom Tod" sogar kurzzeitig zur Fashion wurde. 

Hier, in der brütenden Hitze, scheint ein Mantel freilich absurd. Hätte 

er die Tugenden eines 

Westernhelden besessen 

und geschwiegen, man 

hätte dem Kleindarsteller 

die Maskerade abgenommen. 

Doch macht 

er den Mund auf, ist es 

mit der Illusion vorbei – 

kaum jemand spricht hier 

Englisch. 

In 

„Mini-Hollywood" 

gibt es die übli- 

Spiel mir das Lied vom Tod" 

" chen Attraktionen: 

eine Stuntshow, in der 

ein bemitleidenswerter id Desperado vom Vordach geschossen wird 

und glücklicherweise auf einer Matratze landen darf, dann das 

Fotostudio, in dem man sich, stilgerecht eingekleidet, in Sepia ablichten 

lassen kann, und, natürlich, den Saloon, wo die Serviererinnen wie 

Barmädchen kostümiert sind. Hier ordert man lässig die Cerveza, die 

dann aber nicht kinogerecht über den Tresen schlittern darf, sondern n 

ganz unspektakulär vor dem Kunden abgestellt wird. Jede Ecke kommt 

mt 

einem hier irgendwie bekannt vor – und das, obwohl die Kulissen nach- 


GoodTimes 2/2013 201 

■ Seite 69


gebaut werden mussten, als 1977 ein Sturm 

Namen, so holprig wie eine Postkutschenfahrt: 

den Bretterbuden den Garaus gemacht hatte. 

„Western Leone". „Das Haus wird noch in 100 

Ursprünglich hörte das Städtchen ja auch 

Jahren dort sein", hat der stolze Architekt 

nicht auf den wenig selbstsicheren Namen 

Carlo Simi vermerkt. Bis jetzt hat er Recht 

„Mini-Hollywood", sondern auf El Paso. Leone 

behalten. 

hatte es von seinem Produktionsdesigner 

„Mini-Hollywood", „Fort Bravo" und „Western 

Carlo Simi konstruieren lassen, als ihm der 

Leone" sind dabei lediglich die Kulissendörfer, 

Erfolg des ersten Dollar-Films ein ungleich Auf der Main Street von " 

Mini Hollywood" wurden die die instandgehalten werden. Dass man auf 

höheres Budget für die Fortsetzung Für ein Pistolenduelle in der Blütezeit des Spaghetti-Westerns Überreste von Filmbauten stößt, wo man geht 

" 

paar Dollar mehr" bescherte. Leone hatte 

dutzendfach ausgetragen. 

und steht, ist eine Eigenheit dieser Gegend. Auf 

Simi befohlen, ihm „die beste Westernstadt der Welt" zu bauen. einem Hochplateau über Tabernas finden sich noch heute die mittlerweile 

eingestürzten Attrappen des Burt-Lancaster-Westerns Valdez", " und nahe Cadiz, wo Leone für 

„Spiel mir das Lied vom Tod" sich 

selbst mit einer noch größeren 

Pionierstadt übertreffen wollte 

(70 Gebäude schlugen mit einer 

Viertelmillion Dollar zu Buche), 

bleichen vergessene Holzplanken 

in 

der Sonne. Mancher Drehort 

ist als solcher nicht mehr zu 

erkennen: Die Ruine des Hauses, 

Ursprünglich war sie in der Nähe von Madrid geplant. Doch das 

in 

dem Leone eine Schießerei 

von The Good, the Bad and 

" the Ugly" inszenierte, dient heute 

ganz profan einigen Ziegenhirten 

In " 

Für ein paar Dollar mehr" sprach an dieser Bar auch Klaus 

Kinski dem Alkohol zu, um bald darauf erschossen zu werden. 

Schicksal wollte es, dass es schneite, als Simi i dort rekognoszierte, 

weshalb es ihn gen Süden zog – nach Almeria, „wo es viel mehr Sonne 

gab". Für jeden weiteren Film ließ Leone 

ein weiteres Westerndorf aus dem Boden 

stampfen. Weshalb nun in unmittelbarer 

Nähe gleich drei Touristenattraktionen 

mit dem gleichen Angebot gegeneinander 

konkurrieren. Das ist mehr, als selbst 

ein sattelfester Westernliebhaber vertragen 

kann. 

In den FußsSStapfen von 

Henry Fonda 

In „Fort Bravo", wo zuletzt Til Schweiger 

sich 

als Lucky Luke versuchte, stößt man auf 

einen spanischen Darsteller, der aufgrund 

seiner Ähnlichkeit mit Henry Fonda für sich 

in 

Anspruch nimmt, von demselben in einer Drehpause gezeugt worden 

zu sein. Den Altstar konnte sich Leone damals endlich für seine vierte 

Pferde-Oper leisten, Spiel mir das Lied vom Tod". Damit zertrümmer- 

" te der 

Italiener einen weiteren Westernmythos, das Saubermann-Image 

eines Henry Fonda. In Erinnerung bleibt der weite Kameraschwenk, der 

enthüllt, lt dass es eben dieser blauäugige Fonda war, der soeben eine 

ganze Familie massakriert hatte. Der Mann, der im amerikanischen 

Film 

stets für das Gute stand, hatte die Seiten gewechselt, erschoss 

ein unschuldiges Kind so schnell, wie er braunen Tabaksaft ausspucken 

konnte. Diesem 

Mann traut man 

nun ohne weiteres 

auch einen 

illegitimen Sohn 

zu. 

Das solide 

Blockhaus, wo 

sich besagtes 

Blutbad abspielte, 

stellt die 

dritte Westernsiedlung 

dar, die 

es zu bestaunen 

gibt, mit einem 

als Unterkunft. Und wo Alain 

Delon in Rivalen unter roter 

" 

Sonne" einmal als Schurke in 

einer Höhle lauerte, wartet jetzt nur noch eine Tankstelle auf Opfer der 

Benzinknappheit. 

Das Pferd ist echt, der Cowboy nicht: 

Spanier spielen für Touristen amerikanische Gringos. 

Spiel mir das Lied vom Tod" 

" 

© Roland Schäfli 

Fotos: © Roland Schäfli 

Lawrence von Almeria 

Der Entdecker von Almeria als Film-Mekka war dennoch nicht Leone. 

Denn ein paar Jahre zuvor ging an diesem Hafen der Produktionsdesigner 

Eddie Fowlie an Land. Der hatte schon für den „Roten Korsaren" das 

italienische Ischia 

überzeugend in die 

Karibik versetzt und 

jeden im Kino glauben 

gemacht, die 

„Brücke am Kwai" 

stehe nicht in Sri 

Lanka, sondern in 

Burma. Nun plante 

er seinen größten 

Schwindel. Er suchte 

nach einer Einöde, die 

dem Kinozuschauer 

Diese Palmen, vor 50 Jahren für eine Oasen-Szene von Lawrence 

glaub haft als jordanische 

Wüste vorge- 

Stelle in Für ein paar Dollar mehr". 

von Arabien" gepflanzt, wachsen heute noch. Leone benutzte " 

die 

setzt werden konnte. 

" 

Im Naturpark Cabo de Gata, an Almeria grenzend, nd wurde Fowlie fündig. 

Dort liegt Europas einzige Wüste. Der Film: " 

Lawrence von Arabien". 

Hunderte von Einheimischen befreiten die Sanddünen in Fowlies 

Auftrag von Gewächsen, um die Ähnlichkeit mit Jordanien noch zu 



201


verstärken. Doch im Abspann sollte für alle 

Zeiten der Dank an die spanischen Gastgeber 

fehlen. Großzügige Erwähnung fand allein 

das jordanische Königreich; Spanien wurde 

bewusst unterschlagen, um den Effekt nicht 

zu verderben. Das hat Almeria nie verwunden. 

Aber die Produktionsbedingungen waren 

günstig, einheimische Arbeitskräfte billig zu 

haben. Im spanischen Diktator Franco hatten 

die Filmemacher zudem einen mächtigen 

Verbündeten, dem es schmeichelte, von Hollywood-Größen hofiert 

zu werden (für den Oscarfilm " 

Patton" stellte er später 1000 seiner 

Soldaten als Statisten). Und noch ein weiterer Grund war laut 

Fowlie ausschlaggebend für die Entdeckung des Filmlands Spanien: 

„Behördenvertreter waren leicht zu schmieren." So waren die 

Aus der Taverne, in der Clint Eastwood in " 

Für eine Handvoll Dollar" drei Gegnern beim 

Essen den Geraus machte, ist heute ein Restaurant geworden. Für eine Handvoll Euro 

sind heute nur noch die Preise zum Sterben, unschlagbar tief. 

" 

Lawrence von Arabien" 

„Strawberry Fields" geschrieben? Seguro. Die Spanier 

holen die Stars von gestern ern an die Schauplätze zurück; 

die Cardinale und Raquel Welch 

sind 

dem Ruf zu Retrospektiven 

schon gefolgt. Die „Rolling 

Roadshow Tour" führt als mobi- 

Italiener die Arbeitgeber und die Spanier 

Befehlsempfänger im eigenen Land (an 

les Freiluftkino die Leone- 

Western direkt am Ort des 

den Wochenenden rächten sie sich jeweils 

damaligen Geschehens 

für die Schmach – in Fußballspielen Crew 

auf. Der Friedhof mit den 

gegen Crew). Spanische Handwerker waren SPANIEN 

1000 

Kreuzen aus Zwei glorreiche 

Halunken" ist endlich markiert 

" 

es auch, die am Strand von Carboneras 

unter Fowlies Anleitung eine komplette 

worden: Die vormals anonyme 

arabische Stadt aufbauten, die Lawrence 

und seine Kamel-Armee im Handstreich 

nahmen. Dieser im Film so eindrucksvolle 

le 

Sandstrand wird heute beherrscht von einem 

Alm 

eri 

a 

Wiese e in 

der Nähe von Burgos 

heißt nun gemäß sorgfältig 

geschnitzter Holztafel ganz 

offiziell fi „Friedhof von Sad 

monströsen Hotelkomplex, der nie fertiggestellt wurde und seit 

nunmehr 30 Jahren als sein eigenes Denkmal für Fehlkalkulation 

dort steht. Eddie Fowlie entging die Ironie nicht: Seinerzeit hatte 

er für die Crew eine Zeltstadt 

zu errichten, weil es Hotels 

Hill". Doch das verschlafe- 

ne Kaff Los Albaricoques übertrifft 

ft 

sie 

alle. Lokale Enthusiasten haben die 

Gassen der weißgetünchten 

Flachdachhäuser neu getauft, 

in dieser Gegend noch 

haben die Straßen benannt 

nicht gab. Der bekannte 

nach den Stars von „Für ein 

Produktionsdesigner selbst 

paar Dollar mehr". Großzügige 

setzte sich in Carboneras zur 

Ruhe, errichtete das Hotel 

Dorado, schmückte es mit 

Film-Mementos und zählte 

Stars wie Anthony Quinn zu 

seinen Gästen, die immer dann 

bei ihm einkehrten, wenn in 

der Gegend wieder die Kameras 

surrten. Die Eingangspforten 

Schilder überall im Ort stellen 

die Orientierung her, wo Leone 

seine Kamera platziert hatte. 

Die Spuren des Showdowns 

prägen den Ort schließlich 

bis heute: Das Gemäuer, wo 

Clint von vier Kugeln verfehlt 

wurde, wird heute noch von 

jenen Einschusslöchern geziert. 

stammen aus Dr. Schiwago". 

Einen besseren Beweis findet 

man nirgends: Hier war's. 

" 

Der wurde ja auch nicht im 

Ural gedreht, sondern, jawohl, 

gleich hier um die Ecke, wo 

auch sonst. 

Außerhalb der Saison macht Mini Hollywood" jeder Geisterstadt Konkurrenz. 

" 

Nicht in Hollywood, sondern 

in Spanien. Im spanischen 

Hollywood eben. 

GoodTimes 2/2013 201 

■ Seite 71 

Alte Filmgeschichte, neu 

entdeckt 

Dass sowohl „Lawrence" als auch „Dr. 

Schiwago" nicht zu ihrer spanischen Herkunft 

stehen konnten und dass Andalusien ausgerechnet 

für Italo-Western bekannt wurde, mag 

der Grund sein, weshalb die Einheimischen 

sich lange nichts aus der Filmgeschichte 

machten. Erst seit kurzem ist der Tourismus 

dazu übergegangen, diese Identität herzustellen. 

Weisen Schilder auf Drehorte hin, kann man der „Las 

Rutas Del Cine" folgen, 

die den hoffnungsvollen 

Kultisten gezielt zu seinen 

Pilgerstätten führt. 

Tourguides wie „Tuco 

Tours" haben das neuerwachte 

Interesse erkannt 

und nehmen Filmverrückte 

mit auf die Reise in die 


Nicht immer bleibt ein Drehort der Nachwelt erhalten: en: 

Wo Sergio Leone eine Szene für " 

Zwei glorreiche e 

Halunken" aufnahm, werden keine Filmerinnerungen, en, 

sondern Ziegen gehütet. 

Vergangenheit. Kein besserer 

Ort für ein Picknick 

als El Oasis, jene künstliche 

Oase, die Eddie Fowlie für 

„Lawrence" angelegt hat, 

komplett mit eingepflanzten 

Palmen, die noch 50 Jahre später in den Himmel wachsen. 

Und die immer gleiche Frage, die den Hotelbetreiber des Blue 

Dolphin früher entnervt haben mag, erfüllt ihn jetzt mit Stolz: 

Hat John Lennon hier während der Dreharbeiten von Wie ich den 

" 

Krieg gewann" gewohnt? Si, er hat. Und hat er hier tatsächlich 

Foto: © Roland Schäfli

Von Lothar Brandt 

GENERATION GELB: 

EINES 

HÖRERS 

Das erinnert ein wenig an jenen Manager 

der Plattenfirma Decca, der eine junge 

Liverpooler Band einst ablehnte mit 

der Begründung, Gitarrenbands seien nicht 

mehr modern. Die Gruppe nannte sich The 

Beatles – und die Konkurrenz von der EMI 

verdiente später mit ihr Millionen. 

Doch die Entscheider bei Sennheiser hörten 

zum Glück nicht auf das Gequengel 

der vermeintlichen Marktexperten und 

gaben grünes Licht für den ersten kommerziellen 

„offenen" Kopfhörer. Der 

Halbpfünder mit den lustigen – zu Beginn 

übrigens noch blauen – Schaumstoff- 

Ohrpolstern löste eine wahre Kopfhörermanie 

aus. Ende 1969 – man trug bereits Kanariengelb 

– waren 100.000 Stück verkauft, die erste Million 

war 1974 erreicht, und bei Marktabtritt 1981 hatten 

sich rund zehn Millionen Menschen weltweit für den HD 414 

entschieden. Mehr hat kein anderes reines HiFi-Produkt – lassen wir 

Spielereien wie Apples i-er oder musiktaugliche Smartphones mal 

außen vor – jemals geschafft. 

In den frühen 70ern stand der 414 quasi für den Begriff Kopfhörer, so 

wie Tempo für Papiertaschentücher oder später Walkman für tragbare 

Kassettenspieler. Apropos: Als Sony den ersten Walkman lancierte, 

gehörten offene Kopfhörer zum Lieferumfang. Die Japaner hatten die 

Technologie lizenziert – und Patentinhaber Sennheiser freute sich bis 

1983 über eine weitere sprudelnde Geldquelle. 

Wie so oft hatte Gott Zufall auch hier seine Hände 

im Spiel. Sennheiser-Techniker Erhard Michaelis 

stieß eher nebenbei auf das Prinzip. Als er Mikrofone 

für Diktiergeräte bastelte, hielt er sich eines mal ans 

Ohr und stellte fest, dass die „so offen viel besser 

klingen als ein gängiger geschlossener Kopfhörer" . 

Mikrofone sind ja wie Kopfhörer nichts anderes als 

elektromechanische Wandler, die aus Schallwellen 

Selten 

hat sich eine 

Marketing-Abteilung 

so geirrt. Nicht mehr als 

500 Stück, so glaubte die 

Expertenrunde im Frühjahr 1968, 

würden sich von dem neuartigen 

Konstrukt pro Jahr verkaufen. 

" 

Kein Vorzeige-Effekt", lautete im 

Hannoveraner Hause Sennheiser 

das Verdikt gegen den HD 414. 

Ende 1969 waren hingegen 

schon 100.000 Kopfhörer 

über den Ladentisch 

gegangen. 

Strom machen 

können und 

umgekehrt. Die 

Werkstatt baute 

ihm einen Bügel für 

zwei Mikrofonkapseln, 

Michaelis polsterte sie mit 

Schaumstoff ab – der offene Kopfhörer war 

geboren. 

Gegenüber den damals üblichen Kopfschraubstöcken, 

welche die Ohren unter Luftabschluss buchstäblich 

zum Glühen brachten, bedeutete der Cabrio-Hörer einen 

Befreiungsschlag sondergleichen. Nicht nur im Komfort, auch der 

Klang hob in weit luftigere Sphären ab. 1973 schoss der HD 

414 dann in ultimative Höhen: Die Nasa bugsierte ihn zum 

Skylab in den Weltraum. Der Millionenseller war wirklich all-lgegenwärtig. 

Neben den klanglichen Qualitäten ließ vor allem der Preis 

eine ganze Generation von Musik- und HiFi-Fans Gelb 

tragen. Seinerzeit gab es ihn für 69 Deutsche Mark. Für 

einen auch nur annähernd so klangstarken Lautsprecher 

wäre in diesen Flegeljahren der „hohen Klangtreue" ein 

Vielfaches zu berappen gewesen. Auch 

dank des poppigen Sennheisers wurde 

High Fidelity zum erschwinglichen 

Volkshobby. 

Zahlreiche Plattengeschäfte installierten 

an ihren Abhörstationen – ja, so was gab 

es damals – den Volkshelden. Oder seine e 

„halbe" Version für ein Ohr, den HD 412. So 


machten viele Musikfreunde via HD 414/412 die erste Bekanntschaft 

mit Rock- und Popsongs, die heute Klassiker sind. Zum Beispiel 

mit "Smoke On The Water" von Deep Purples Jahrhundertalbum 

MACHINE HEAD. In dessen Klappcover Bassist Roger Glover und 

Sänger Ian Gillan doch tatsächlich auch noch mit Kopfschmuck 

abgebildet waren, der dem Kultkopfhörer auf dem eigenen Schädel 

aufs Haar glich. 

Déjà-Vu-Erlebnisse stellen sich wohl bei jedem ein, wenn er 

Sennheisers Museums-Modell in der Hand hält. „Wow, cool, den hatte 

ich auch" , „Die halbe Klasse hatte so einen" oder ähnlich dürften die 

meisten 40- bis 55-Jährigen schwärmen und sanft über den grauen 

Plastikbügel streicheln. Wenn gestandene HiFi-Profis das gute Stück 

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heute wieder überziehen, zollen sie dem knackig-höhenreichen Sound 

des Oldtimers Respekt, auch wenn aktuelle Spitzen-Hörer inzwischen 

detailreicher, impulsgenauer und bassgewaltiger tönen. Auch 

Professor Jörg Sennheiser, Sohn des legendären Firmengründers Fritz, 

verriet einst dem Autor, er „würde einen Kopfhörer heute nicht mehr 

so abstimmen". Doch davon abgesehen: Billigen Beipack-Stöpseln 

und auch vielen modernen Aufsitzern der 30-Euro-Klasse läuft der 

Held der Generation Gelb allemal den Rang ab. 

TIPPS 

ERSATZTEILE: Neue Ohrpolster gibt es zum Beispiel bei 

www.thomann.de/de/sennheiser_hd414_ohrpolsterpaar.htm 

Ab 4,99 Euro. Schwieriger zu beschaffen sind Ersatz- 

Anschlusskabel. Ausweg: Bei ebay einen defekten HD 414 

mit noch intakten Kabeln für maximal fünf Euro ersteigern. 

MP3-PLAYER: Hochohmig (600 Ohm) ausgelegt, kann der 

HD 414 mit den meisten Mobilplayern noch satte, ausgewogene 

Pegel erzeugen. 

ADAPTER: Umstecker von 6,3-Millimeter-Klinke auf die 

heute gängigen 3,5 Millimeter gibt’s im Handel für maximal 

vier Euro. 

GEBRAUCHTKAUF: Ein technisch und optisch einwandfreier 

HD 414 ist selten unter 15 Euro im Angebot. Deshalb: 

Im Zweifelsfall verschmutzte oder angefranste Ohrpolster 

akzeptieren und austauschen (siehe Ersatzteile). 

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DAS JAHR 1963 

Von Bernd Matheja 

Postraub, 

Buli, JFK 

Gentlemen bitten zur Kasse, 

das Milli ardengeschäft 

Fußball-Bundesliga rollt 

an, in Dallas wird ein politischer 

Hoffnungsträger r 

ermordet. Eine simpelgeniale 

Zeichnung grinst 

sich knallgelb um die Welt, 

der Grand Prix Eurovision 

verläuft britisch-skurril, 

und ein angesoffener Opa- 

Butler stolpert und stolpert t 

und stolpert. Viel los in diesem 

bewegten Jahr 1963 .... 

1963 

ZEITGESCHICHTE E 

Christine 

Keeler 

Am 26.6. hält US-Präsident John 

F. Kennedy (46) seine berühmte e 

Rede mit dem Kernsatz „Ich bin ein 

Berliner!" vor dem Schöneberger r 

Rathaus – am 22.11. wird der politische 

Hoffnungsträger in Dallas, 

Texas, ermordet (Nachfolger: 

John F. Kennedy: Rede in Berlin 

Vizepräsident Lyndon B. Johnson). 

Der Attentäter, Lee Harvey Oswald, stirbt ib zwei iT Tage 

später: 

erschossen 

im Keller des Polizeigebäudes vom Nachtclubbesitzer Jack Ruby. 

Beide Tötungsdelikte gelten bis heute als nicht eindeutig geklärt, 

es kursieren Verschwörungstheorien ohne Ende über Drahtzieher 

im Hintergrund. *** Zu einem der noch immer spektakulärsten 

Kriminalfälle kommt es am 8.8. beim englischen Sears Crossing: 

Eine etwa 15-köpfige Bande stoppt um 3.05 Uhr den Postzug von 

Glasgow nach London und raubt rund 2,6 Millionen Pfund, heute 

(Wertentwicklung eingerechnet) ca. 50 Millionen Euro. Kein Schuss 

fällt. Kleckerweise werden Täter verhaftet, sieben erhalten 30-jährige 

Haftstrafen. Die Story wird 1965 

als TV-Dreiteiler Die Gentlemen 

" 

bitten zur Kasse" von der ARD ver- 

das beste Ergebnis überhaupt: 99,95 Prozent (das „schlechteste" 

filmt – ein Straßenfeger, u.a. . mit Horst ost 

waren 1954 magere 99,46 Prozent ...). *** Zwei Staaten werden 

Tappert und Günther 

Neutze. *** Vom Wald 

aufs Lotterbett: Der englische 

Heeresminister John 

Profumo stürzt über den Körper des Models und Callgirls 

Christine Keeler (20): Sie hatte in Wechselschicht auch 

den russischen Marineattaché Jewgeni Iwanow beglückt 

– Verdacht auf Landesverrat. *** Am 28.8. spricht 

Bürgerrechtler Martin Luther King (34) vor 250.000 

Menschen in Washington D.C. die wegweisenden Worte 

„I 

have a dream ..." – Anlass: der Marschfü 

für 

Arbeit und Freiheit. King wird am 4.4.1968 

in Memphis erschossen. *** Premiere in der 

UdSSR: Als erste Frau fliegt Valentina 

Tereschkowa eschko 

(25) mit 

„Wostok 6" am 16.6. für zwei Tage, 22 

Stunden und 50 Minuten solo in den Weltraum 

und wird dafür international gefeiert. *** Am 

3.6. stirbt Angelo Giuseppe Roncalli, besser 

bekannt als Papst Johannes XXIII. 27 Tage 

später wird sein Nachfolger Giovanni Battista 

Montini als Papst Paul VI. eingesetzt. *** In der 

Bundesrepublik tritt am 15.10. der erste Kanzler 

Konrad Adenauer (87, CDU) zurück. Ihm 

folgt der bisherige Wirtschaftsminister Ludwig 

Erhard (66, CDU). *** In der DDR erreicht die 

SED bei den Volkskammerwahlen am 20.10. 

Martin Luther King 

Zugüberfall bei Sears Crossing 

Start der Fußball-Bundesliga: Timo Konietzka (r.) 

und Max Lorenz (Werder Bremen) 

unabhängig von Großbritannien: Singapur (1.9.) und 

Kenia (12.12.). *** Der Ex-Boxer, -Richter und Demokrat 

(!) George Wallace setzt am 2.9. als Gouverneur von 

Alabama die Nationalgarde in Marsch, um schwarze 

Kinder am Betreten von Gemeinschaftsschulen zu hindern. 

Der praktizierende Rassist („Rassentrennung heute, 

morgen und für immer!") wurde 1972 angeschossen, 

blieb gelähmt und wandelte sich zum wiedergeborenen 

Christen. *** In der Nähe von Salzgitter ereignet sich 

im Oktober/November das " 

Wunder von Lengede": 


Nach unfassbaren 14 Tagen werden 

elf verschüttete Bergleute mit einer 

Spezialkapsel („Dahlbusch-Bombe") aus 

58 Metern Tiefe zurück ins Leben gehievt. 

Anderes Rettungsgerät war schon auf 

dem Rücktransport nach Belgien, der 

Trauergottesdienst für die Opfer der 

Katastrophe bereits terminiert. Rund 

500 Medienvertreter vor Ort berichteten 

rund um die Uhr, das Live-Fernsehen 

erlebte eine frühe Sternstunde. *** Der 

Friedensnobelpreis geht am 10.12. in 

" Wunder von Lengede" Oslo an das Internationale Komitee des Roten Kreuzes. *** 

SPORT 

Olympische Sommer- und Winterspiele, Fußball-WM/-EM, Leichtathletik-EM 

– in diesem Jahr alles nicht auf dem Terminkalender. *** 

Dennoch gibt es ein nationales Ereignis, das sich schon sehr bald zu 

einem gigantischen Sport- und Wirtschaftsfaktor auswächst: Beginn 

der Fußball-Bundesliga! Ein DFB-Beschluss vom 28.9.1962 wird 

umgesetzt, 16 Mannschaften gehen an den Start. Ab 24.8. läuft die 

Premierensaison, das erste Tor erzielt Friedhelm „Timo" Konietzka 

beim Spiel Werder Bremen – Borussia 

Dortmund schon nach 58 Sekunden für 

die Westdeutschen. Zu früh fürs Fernsehen, 

der Treffer ist optisch nicht dokumentiert. 

*** Letzter Nicht-Bundesligameister 

in einem Endspiel werden die Dortmunder, 

sie besiegen den 1. FC Köln am 29.6. in 

Stuttgart mit 3:1. Den DFB-Pokal holt sich 

– durch drei Uwe-Seeler-Tore – der HSV 

beim 3:0 gegen die Borussen am 19.8. in 

Hannover. *** DDR-Oberligameister wird 

erstmals der FC Motor Jena, den FDGB- 

M. Kilius & 

H.-J. Bäumler 

Pokal gewinnt die BSG Motor Zwickau (3:0 

gegen BSG Chemie Zeitz). *** Skispringen: Die Vierschanzentournee 

1962/63 geht an den Norweger Toralf Engan nach Siegen in 

Oberstdorf, Innsbruck und Garmisch-Partenkirchen. In Bischofshofen 

wird er „nur" Vierter. *** Keinen Ausrutscher leisten sich Marika 

Kilius und ihr Partner Hans-Jürgen Bäumler: Sie werden am 

28.2. in Cortina d'Ampezzo Eiskunstlauf-Weltmeister der Paare. Bei 

den Herren muss sich Mitfavorit Manfred Schnelldorfer mit Rang 3 

hinter Donald McPherson (Kanada) und dem Franzosen Alain Calmat 

begnügen. Die Damenkonkurrenz gewinnt Sjoukje Dijkstra aus den 

Niederlanden. *** Box-Weltmeister im Schwergewicht bleibt Sonny 

Liston: Am 22.7. schlägt er Floyd Patterson in der ersten Runde k.o. 

– dem er am 25.9.1962 auf exakt dieselbe Weise den Titel abgeknöpft 

Sonny hatte. *** Ruhiger ist es 

Liston 

1963 

am Schachbrett: Die 

WM holt sich Tigran 

Petrosjan (UdSSR) gegen 

Landsmann Michail 

Botwinnik. *** Ebenfalls 

in die UdSSR geht einmal 

mehr der Welttitel 

im Eishockey. Die 

roboterhaft dominierenden 

Kufen-Sputniks 

siegen am 17.3. in Stockholm – auf den Plätzen: die Erzrivalen 

aus Schweden und der Tschechoslowakei. *** Zwei Radsport- 

Klassiker, zwei Siege für Einheimische: am 9.6. beendet der 

Italiener Franco Balmamion als Erster den Giro d'Italia; am 14.7. 

steht bei der Tour de France Jacques Anquetil (Frankreich) auf dem 

obersten Treppchen. Die Internationale Friedensfahrt gewinnt Klaus 

Ampler (DDR). *** Das Tennisturnier in Wimbledon entscheiden bei 

den Herren der Amerikaner Chuck McKinley (gegen Fred Stolle) und 

bei den Damen Margaret Court (Australien; gegen Billie Jean King) 

für sich. *** Sportler des Jahres/BRD: Gerhard Hetz, Ursel Brunner 

(beide Schwimmen) und die Hockey-Nationalmannschaft der Herren. 

Bei den Wahlen in der DDR stehen Klaus Ampler (Rad), Ingrid Krämer 

(Kunst- und Turmspringen) und die Fußball-Nationalmann schaft 

ganz oben. *** Fußballer des Jahres (BRD/DDR): Hans Schäfer 

(1. FC Köln)/Manfred Kaiser (SC Wismut Karl-Marx-Stadt). Den 

Europatitel greift 

sich der Torwart- 

Krake Lew 

Jaschin (Dynamo 

Moskau), seit 

1956 bis heute 

der einzige 

Keeper mit dieser 

Auszeichnung 

Lew Jaschin 

und „Welttorhüter des Jahrhunderts". h *** Die Europapokale gehen 

bei den Landesmeistern an den AC Mailand (2:1 gegen Benfica 

Lissabon) und bei den Pokalsiegern an die Tottenham Hotspurs (5:1 

gegen Atletico Madrid). *** 

FUNK & FERNSEHEN 

1963 

Technische Sensation: Am 3.1. meldet Walter Bruch sein neues 

PAL- Farbfernsehsystem (Phase Alternation Line) zum Patent an, 

Präsentation in Hannover. *** Der Sechsteiler Tim Frazer", erneut 

" 

nach einer Romanvorlage des Engländers Francis Durbridge, wird als 

Nachfolger von „Das Halstuch" zu einem gewaltigen Straßenfeger. 

Sogar der Boxkampf von Karl Mildenberger gegen Archie McBride wird 

verschoben, um nicht parallel zur letzten Krimifolge zu laufen. *** 

Spannende Unterhaltung bietet die Serie Sprung aus den Wolken", 

" 

die von 1961 bis 1963 in den USA 76 Mal als „Ripcord" gelaufen 

ist. Mit dabei: Ken Curtis, bekannt aus der Westernreihe „Rauchende 

Colts" („Gunsmoke"). *** Am 1.4. wird das TV-Programmangebot 

erweitert, um 19 Uhr geht das ZDF (Gründungsintendant: Prof. 

Karl Holzamer) an den Start. Gesendet wird zunächst aus scheddrigen 

Baracken in versiffter Umgebung g aus Eschborn bei Frankfurt/ 

Main – Rufname des 

Areals ist „Telesibirsk". 

Zu Dauerbrennern 

avancieren ab 2.4. die 

Mainzelmännchen 

Anton, Berti, Conni, 

Det, Edi und Fritzchen 

des Karikaturisten 

Wolf Gerlach im 

Werbeumfeld. 

Am 4.4. beginnt die erste Krimi-Serie des Senders, „Das 

Kriminalmuseum". *** Neuerungen in der ARD: Der „Weltspiegel" 

wird ab 5.4. zum Informations-Klassiker mit Filmmaterial der 

Auslandskorrespondenten; im (Inlands-)„Bericht aus Bonn" kündigt 

Bundeskanzler Konrad Adenauer seinen Rücktritt an. Zwei 

Tage später heißt es erstmals Pfarrer Sommerauer antwortet". 

" 

Dies macht der Geistliche in genau 100 Sendungen bis 1978. *** 

Bildungsfernsehen amüsant: „Walter & Connie", eingekauft von 

der BBC. Ein englisches Jungehepaar vermittelt in Spielszenen 

Sprachunterricht mit Sätzen wie „Dies ist ein Fernseher, ist es nicht?" 

– „Nein, Walter, dies ist ein Rasierapparat." *** Die Messung der 

Einschaltquoten beginnt: 1963–1974 durch Infratam. Später übernimmt 

die Teleskopie (1975–1984), 

seit 1985 ist die GfK (Gesellschaft 

für Kommunikationsforschung) tätig. 

*** Die Miss World des Jahres 1956, 

Petra Schürmann, wird Ansagerin 

beim Bayerischen Rundfunk. *** 

Abschied von einer legendären 

Unterhaltungsserie am 29.5.: 

Familie Hesselbach" (zuvor „Die 

" 

Firma Hesselbach"), mit Wolf Schmidt 

und Liesel Christ, hat ausgedient. *** 

In Berlin findet die Große Deutsche 

Funkausstellung statt: 153 

Petra Schürmann 

Aussteller präsentieren ihre Produkte 

417.500 interessierten i 

Besuchern. *** Top-Entertainer Peter 

Frankenfeld stellt am 3.5. seine neueste Fernsehshow vor: In „Und 


" Dinner For One" 

Ihr Steckenpferd?" Teil 1" – mit Pierre Brice, Lex Barker und Marie Versini; Musik 

geht es um Menschen 

mit nicht alltäglichen 

von Martin Böttcher – zieht Besuchermassen in die bundesdeutschen 

Lichtspielhäuser. *** Am 10.10. 

Hobbys. *** Ebenso hat Liebesgrüße aus Moskau" 

" 

kurzweilig gerät Premiere, nach „James Bond jagt 

die „Zwischenmahlzeit" 

Dr. No" aus dem Vorjahr der zweite 

rund ums Spielfilm um den Agenten „007". In 

Showgeschäft mit der Hauptrolle wiederum mit Sean 

Quasselstrippe Gisela Connery. *** Für Qualität und/oder 

Das aktuelle Sportstudio" 

" Schlüter. *** Teure hohe Zuschauerzahlen sorgen außerdem 

Hinweise i für Verbraucher: Pro Sendeminute Werbung verlangt das 

ZDF 25.000 Mark, das Erste (größere Verbreitung) ruft bereits 70.000 

Mark auf. *** Noch heute eine feste Größe im ZDF-Programm: 

„Das Mädchen Irma La Douce 

(mit Shirley MacLaine), „Flipper" 

(mit Chuck Connors), „Gesprengte 

Das aktuelle Sportstudio". Am 24.8. – mit Beginn der Fußball- Ketten" (mit Steve McQueen, Charles 

" 

Bundesliga – hat dieses neue Format Premiere in einem umgebauten Bronson und James Garner) und 

Schweinestall. Präsentatoren (bis heute: 25 feste) im Gründungsjahr Der rosarote Panther" (mit Peter 

" 

des Senders waren die inzwischen sämtlich verstorbenen Rainer Sellers und David Niven). *** In der 

Günzler, Wim Thoelke, Harry Valérien, Helmuth Bendt und Heribert 

Meisel. *** Ebenfalls ein noch immer überaus beliebter Kult-Klassiker, 

der zum Jahresende gezeigt wird: „Der 90. Geburtstag", ein knapp 

Bundesrepublik wird „Durchbruch Lok 234" (mit Maria Körber und 

Erik Schumann) zum Kultstreifen über eine reale Flucht per Dampflok 

aus der DDR, Freddy-Quinn-Fans erleben 

20-minütiger Sketch (Originaltitel: Dinner For One", 1953 vom 

ihr Idol in „Heimweh nach St. Pauli". *** 

" 

Briten Lauri Wylie geschrieben). In den Hauptrollen: Mary Warden 

Auch Musikfilme – mit mehr Handlung 

als „Miss Sophie" und 

oder weniger – wecken wieder großes Fan- 

Freddie Frinton als 

Interesse, darunter „Acapulco" und „Viva 

angesoffener, permanent 

Las Vegas" mit Elvis Presley, „Summer 

über einen 

Holiday" mit Cliff Richard, „Beach Party" 

Tigerschädel stolpernder 

mit Frankie Avalon und Dick Dale, „It's All 

Butler „James" 

Happening" mit UK-Rock'n'Roller Tommy 

Sean Connery 

sowie die imaginären 

Steele, „Country Music On Broadway" (u.a. 

Gäste „Mr. Pommeroy", 

mit Hank Snow, Skeeter Davis). *** Nationale und internationale Stars 

„Sir Toby", „Mr. 

in spe erblicken das Licht der Welt: Andrea Sawatzki (23.2.), Quentin 

Winterbottom" und „Admiral von Schneider". Erstausstrahlung am Tarantino (27.3.), Johnny Depp (9.6.), Brigitte Nielsen (15.7.), Heino 

8.7. in der Show „Guten Abend, Peter 1963 

Frankenfeld". 

*** 

Ferch (18.8.), Katja Riemann (1.11.) und Brad Pitt (18.12.). *** Aus 

der Hollywood-Garde der Großen verstirbt der Sänger, Schauspieler 

FILM 

und Regisseur Dick Powell (2.1.) mit 60 Jahren an Krebs – eventuell 

Weltpremiere eines faszinierenden Thrillers am 28.3. in den USA, 

ausgelöst durch Radioaktivität, die während der Aufnahmen von 

dessen Gruselwirkung Jahrzehnte überdauern wird: Die Vögel" „Der Eroberer" (1956) in einem Atomwaffentestgebiet in der Wüste 

" 

von Alfred Hitchcock, mit Rod Taylor und Tippy Hedren (Mutter Nevada auf ihn übertragen wurde. *** Weitere Todesfälle: Harry Piel 

von Melanie Griffith). Deutsche Uraufführung am 20.9. *** Für 

einen Skandal wegen zu großer sexueller Freizügigkeit sorgt 

" 

des schwedischen Regisseurs Ingmar Bergman. 

In der Hauptrolle: Ingrid Thulin. 

Erstaufführung am 23.9. *** Drei 

Monate zuvor prägten – kurz vor 

ihrer ersten Eheschließung – Elizabeth 

(*1892), Regisseur Ernst Marischka (*1893) und Gustaf Gründgens 

(*1899). *** 

MUSIK 

Eine Revolution nimmt allmählich Fahrt auf: Beat heißt das magische 

Wort. Nach (bzw. parallel zu) Rock'n'Roll, Twist, Instrumentals 

und Surf kommt aus Liverpool eine neue musikalische – und wirtschaftliche 

- Welle noch ungeahnten en Ausmaßes über Europa und den 

Liz" Taylor und Richard Burton 

" 

(als Marcus Antonius) den monumentalen 

Rest der Welt. Bands wie 

Historienfilm „Cleopatra" unter 

der Regie von Joseph Mankiewicz. *** 

die Beatles, Searchers, 

Gerry & The Pacemakers 

Am 15.11. wird in der Ost-Berliner 

bilden die britische 

Karl-Marx-Allee das Kino International 

Speerspitze einer quantitativ 

eröffnet. Das imposante Haus mit Platz 

explodierenden 

für rund 600 Besucher avanciert für 

(Jugend-)Bewegung, die 

viele Jahre zum DDR-Premierenkino. 

das kulturelle Leben von 

The Beatles 

*** Preise, Preise, Preise: Die Golden 

Grund auf verändert. *** 

Globes gehen in diesem Jahr an Zeitlich genau zu diesen Veränderungen passend, bringt der niederländische 

Elizabeth Taylor 

„Lawrence von Arabien" (Film), 

Philips-Konzern die ersten Kassettenrekorder auf den 

Gregory Peck und Geraldine Page (Darsteller) und David Lean 

(Regisseur); bei der Oscar-Verleihung gewinnt Anne Bancroft 

bei den Schauspielerinnen, die anderen Sieger in den genannten 

Kategorien sind identisch. *** Der Deutsche Filmpreis wird an „Die 

endlose Nacht" (mit Karin Hübner) und an „Das Feuerschiff" (mit 

Dieter Borsche, nach einer Erzählung von Siegfried Lenz) vergeben. 

Bei zwei Top-Filmen aus der DDR führt Frank Beyer Regie: „Nackt 

unter Wölfen" (u.a. mit Armin Mueller-Stahl) und „Karbid und 

Markt, eine kleinere (und schon bald transportable) Variante der eher 

sperrigen Tonbandgeräte. *** Erstes Großereignis des Musikjahres 

ist die achte Veranstaltung des Grand Prix Eurovision de la 

Chanson (heute ESC/European Song Contest). Auftrittsort ist am 

23.3. London. Ungewohnt: Künstler und Publikum befinden sich in 

separaten Räumen, was Zweifel am Live-Charakter des Spektakels 

aufkommen lässt. Die dänischen Sieger Grethe & Jörgen Ingman 

präsentieren ihr "Dansevise" und schlagen 

Sauerampfer". *** Die „Ottos" der Zeitschrift Bravo" erhalten Rock damit u.a. die Kolleginnen Esther Ofarim 

" 

Hudson (vor O.W. Fischer und Anthony Perkins) sowie Sophia Loren (Schweiz/2.), Francoise Hardy (Monaco/5.) 

(vor den deutschen Stars Ruth Leuwerik und Liselotte Pulver). *** Ab 

11.12. erweist sich – nach „Der Schatz im Silbersee" von 1962 – erneut 

ein Karl-May-Stoff als Supererfolg an den Kinokassen: Winnetou, 

" 

und Nana Mouskouri (Luxemburg/8.). Für 

Deutschland endet Heidi Brühl mit "Marcel" 

auf Platz 9 von 16 Teilnehmern, sie erhält ledig- 

1963 


lich fünf Punkte aus Monaco und Norwegen. Deutscher Kommentator 

ist der spätere ARD-„Tagesthemen"-Moderator Hanns-Joachim 

Friedrichs. *** Zum dritten Mal findet ein nationaler Wettstreit statt, 

die Deutschen Schlager-Festspiele am 15.6., Schauplatz ist 

Baden-Baden. Die eher altbackenen 

Künstler Anita Traversi und 

Gerhard Wendland haben keine 

Chance gegen den Siegertitel "Ich 

will 'nen Cowboy als Mann", intoniert 

von Konkurrentin Gitte. *** 

Klangsensation in Vorbereitung: 

Der amerikanische Tüftler Ray 

Dolby (geboren 1933 in Portland, 

Oregon) entwickelt die Grundzüge 

eines völlig bahnbrechenden 

Rauschunterdrückungsverfahrens 

für Tonaufnahmen. Das nach ihm 

benannte System wird drei Jahre 

später marktreif eingeführt und setzt sich ih 

weltweit in Profistudios 

und auf dem allgemeinen Konsumentenmarkt durch. Das aktuelle 

Vermögen des Erfinders wird auf 2,7 Milliarden Dollar geschätzt. *** 

Zu den populärsten Hitparadentiteln der USA werden "Sugar Shack" 

von Jimmy Gilmer & The Fireballs und "He's So Fine" (Chiffons) 

gekürt. Bei den LPs liegt Andy Williams mit DAYS OF WINE AND 

ROSES klar vor Vaughn Meader und THE FIRST FAMILY. In England 

– der Beat schlägt hier schon massiv durch 

– stehen die Beatles mit "From Me To You" 

und "I Want To Hold Your Hand" an der 

Spitze, in den LP-Hitparaden überflügeln 

sie mit PLEASE, PLEASE ME auf Anhieb 

Cliff Richards SUMMER HOLIDAY. 

Auf dem deutschen Markt rangiert weiterhin 

Erprobtes an der Spitze: Neben Freddy 

Quinn, dessen Gassenhauer "Junge, 

komm bald wieder" aus dem Vorjahr 

auch 1963 noch wochenlang punktet, 

marschieren die Dänin Gitte ("Ich will 'nen 

Cowboy als Mann") sowie Gitte mit ihrem 

Gesangspartner Rex Gildo ("Vom Stadtpark 

die Laternen") voran. Im LP-Bereich 

mühen sich Solisten und Orchester vergeblich: 

Es führt kein Weg an der deutschen 

Originalaufnahme des beliebten 

Musicals My Fair Lady" vorbei. *** Die 

" 

Single- und Langspielplattenverkäufe in 

der Bundesrepublik erreichen in diesem Jahr neue Bestmarken mit 

15 beziehungsweise 30 Millionen abgesetzten Exemplaren. *** 

1963 

VERMISCHTES AUS ALLER WELT 

Am 8.1. wird das Bundesurlaubsgesetz verkündet. *** Der 

Dramatiker Rolf Hochhuth thematisiert in seinem Stück " 

Der 

Stellvertreter" schonungslos die Rolle der Kirche während der 

NS-Zeit und sorgt für einen Sturm der Entrüstung. *** Am ersten 

Volkslauf in der Bundesrepublik nehmen am 13.10. in Bobingen 

(Naturpark Augsburg) 1654 Menschen teil. *** Auf Bali bricht am 18.2. 

der Vulkan Agung aus, rund 1500 Menschen verlieren ihr Leben. *** Die 

Firma Pentel in Japan lässt es quietschen, e sie bringt Filzstifte auf den 

Markt. *** USS Thresher 

E i n e 

OP-Weltsen 

sation 

in den 

USA: Am 

1.3. wagt 

der Mediziner Dr. Thomas Starzl in Denver, Colorado, die erste 

Lebertransplantation an einem Menschen. *** Die Western Electric 

Company stellt am 2.3. in den USA ihr neuartiges Tastentelefon 

vor. *** Bei Tauchtests vor Cape Cod sinkt am 10.4. das amerikanische 

U-Boot USS Thresher mit 129 Besatzungsmitgliedern. *** Die 

beliebtes te Sportzeitung der DDR, das „Sportecho", erscheint jetzt 


täglich. *** Coca-Cola 

wirbt mit einem seiner 

bekanntesten und einfachsten 

Slogans: „Viel 

Erfrischung für wenig 

Geld". *** Eine starke 

Maschine hebt am 6.2. 

erstmals ab, die legendäre 

Boeing 727. Es 

Erdbeben in Skopje 

werden insgesamt 1832 

der 39.780-kg-Jets für je 131 Passagiere gebaut, Indienststellung für 

den Linienverkehr am 1.2.1964. *** Am 23.5. wird die SPD, einst 

gegründet als Allgemeiner Deutscher Arbeiterverein, 100 Jahre alt. *** 

Naturkatastrophe im ehemaligen Jugoslawien: Bei einem verheerenden 

Erdbeben in Skopje sterben am 26.7. über 1100 Menschen. 

*** Bei der Internationalen Automobilausstellung (IAA) in Frankfurt/ 

Main wird ein zukünftiger Kultsportwagen vorgestellt, der Porsche 

911. *** Harvey Ball (42), Grafiker in Diensten einer Werbeagentur 

in Worcester, Massachusetts, zeichnet für erfolgreiche Angestellte 

Porsche 911 

einer Versicherung 

in Ohio mit ein 

paar Strichen einen 

Klassiker – den 

Smiley". Weil er 

" 

die weiteren Folgen 

nicht erkennt, lässt 

er sich die Rechte daran nicht schützen ... *** Am 14.5. wird die 

nunmehr lückenlose Verkehrsverbindung zwischen Hamburg und 

Kopenhagen eröffnet; sie erhält den Namen Vogelfluglinie. *** 

Schriftsteller Heinrich Böll bringt eines seiner bekanntesten 

Bücher auf den Markt, Ansichten eines 

" 

Clowns". *** In der britischen „Daily Mail" 

erscheint am 8.7. der erste Comic Strip mit 

Bassethund Wurzel". *** In Moskau unterzeichnen 

am 5.8. die Außenminister der " 

USA, 

Großbritanniens und der UdSSR ein Abkommen 

über den Stopp aller Atomwaffentests in der 

Atmosphäre, unter Wasser und im Weltraum. *** Seit 

1959 wurde daran getüftelt – erst jetzt lässt sich Ermal Fraze aus dem 

US-Bundesstaat Indiana das Ringpull-System für Getränkedosen 

patentieren. *** Am Kemperplatz in Berlin-Tiergarten wird die 

Philharmonie eröffnet. Baukosten: etwa 17,5 Millionen Mark. 

Zur Feier am 15.10. dirigiert Herbert von Karajan die 9. Sinfonie 

von Beethoven. *** Bürgerkriegsähnliche g Auseinandersetzungen ab 

Elmore James 29.12. auf der Insel Zypern zwischen 

griechischen und türkischen 

Zyprioten. *** Neu auf Erden: 

Basketball-Ikone Michael Jordan 

(17.2.), Popstar George Michael 

(25.6.), Violinistin Anne-Sophie 

Mutter (29.6.), Metal-Gitarrist 

Yngwie Malmsteen (30.6.), 

Skispringer Matti Nykänen (17.7.), 

Sängerin Whitney Houston (9.8.), 

Schauspielerin Anne Bennent 

(13.10.), Sänger Eros Ramazzotti 

(28.10.), Stabhochsprung- 

Überflieger Sergej Bubka (4.12.). *** Abschied für immer: 

US-Schriftstellerin Sylvia Plath (*1932; 11.2.), Country-Sängerin Patsy 

Cline (*1932; 5.3.), Blues-Legende Elmore James (*1918; 24.5.), 

Europapolitiker Robert Schuman (*1886; 4.9.), Chansonette Edith 

Piaf (*1915; 11.10.), Schriftsteller 

Aldous Huxley (*1894; 22.11.), 

Altbundespräsident Theodor 

Heuss (*1884; 12.12.), SPD-Chef 

Erich Ollenhauer (*1901; 14.12.). 

*** 

1963 

Edith Piaf

Sammelbilder 

Vom Kaufanreiz zum 

Objekt der Begierde 

Von Peter Henning 

Die Anfänge des Bildersammelns reichen bis 

in die Mitte des 19. Jahrhunderts zurück: Der 

Kölner Schokoladenfabrikant Franz Stoll werck 

ließ um 1845 erstmals Sammelbilder in seine 

Schokoladentafeln mit einwickeln. Hersteller 

wie die Firma Justus Liebig, deren würzigem 

Fleischextrakt ebenfalls Sammelbildchen beigefügt 

waren, zogen nach – und die Bildersammelei 

wurde schlagartig populär. 

T 

iere, Sagen- oder Märchenmotive kamen zuerst auf den 

Markt, aber auch Serien mit deutschen Kriegsschiffen und 

Heerführern 

aus dem Krieg von 

1870/71 oder Motive aus 

den deutschen Kolonien waren abgebildet. 

1892 brachte 

Liebig die ersten 

Fußballmotive heraus, 

Stollwerck zog 

wenig später nach. 

Die Firma Sanella 

schickte gleich mehrere 

Sammelreihen 

ins Rennen. Ihre Themen: 

„Deutsche Geschichte", „Erde 

& Weltall" und „Wilde Tiere, 

fremde Länder" – und die 

Deutschen sammelten, was das 

Zeug hielt. 

Bald lagen auch in den 

Zigaret tenpackungen 

Bilder bei, die allerdings 

nicht mehr so 

hochwertig gedruckt 

waren. Für die Firmen 

waren die Bildchen nicht nur ein wichtiges 

Werbemittel, sondern sie sorgten gleichzeitig 

dafür, dass der Kunde, wenn er eine 

Bilderserie komplett wollte, stets die gleiche Kaffee-, 

Margarine- oder Schokoladenmarke kaufen musste. Den 

Sammlern waren die Verkauftricks der Hersteller in der 

Regel egal. Sie 

kannten 

nur 

ein Ziel: ihr 

Album 

möglichst 

schnell 

vollzubekommen. Genau wie ich damals, 1968. Da war ich neun. 

Auch die Nazis hatten die Liebe der Deutschen zu den kleinen 

Sammelbildern genutzt: In den Kolonialbildern, 

die seinerzeit im Umlauf waren, spiegelte sich 

die rassistische Einstellung jener Zeit wider; 

Bilder mit Kriegsschiffen und Heerführern 

sollten für den Krieg begeistern. In Goebbels' 

Propagandaministerium gab es gar eine 

eigens dafür eingerichtete Prüfstelle, die jedes 

Sammelalbum vor der Veröffentlichung begutachtete 

und notfalls zensierte. Das Ministerium 

nahm auch Einfluss auf die Themen, um die 

nationalsozialistische 

Herrschaft zu festigen. 

Alben zeigten Bilder von 

Propagandamärschen und widmeten 

sich vor den Olympischen 

Spielen 1936 ausführlich der 

angeblichen Überlegenheit 

der Deutschen. Hitler nutzte 

Sammelbilder außerdem, um sich 

dem Volk als Staatsmann t zum Anfassen zu präsentieren. So ließ er sich 

etwa beim Füttern von Rehen abbilden. 

1942 war es mit den Sammelbildern und -alben erst einmal vorbei: 

Nazi-Deutschland hatte andere Sorgen als das Sammeln kleiner, bunt 

bedruckter Kartons. 

Mitte 

der 50er Jahre aber, nachdem Deutschland sich von den 

Kriegsfolgen erholt und halbwegs wieder konsolidiert hatte, kamen 

die Sammelbilder wieder in Mode – allen voran Fußballbildchen. 

Und mit Einführung der Bundesliga mit der Saison 1963/64 

waren die Sammelbilder ein Muss für alle echten Fußballfans. 

Anfangs noch nahezu postkartengroß und aus stabilem Karton 

gefertigt, wurden die Bilder mit Uhu-Kleber in den Alben des 

Bergmann Verlags in Unna oder W-S-Verlags in Wanne-Eickel 

eingeklebt. Inzwischen blättern Romantiker satte 250 Euro für 

Alben aus jenen Jahren hin – spiegelt sich doch in ihnen eine 


der spannendsten Phasen ihrer Jugend wider. 

Denn das Sammeln und Tauschen verfolgte 

nicht wenige jugendliche Sammler bis in ihre 

Träume. 

Ein Klassiker unter den Fußballalben ist das 

gelbe Bergmann-Album der Bundesliga- 

Spielzeit 1966/67 – von Fußballnostalgikern 

viel ge sucht und leider kaum gefunden. Denn 

wer das gelbe Album, dessen Umschlag die 

Dortmunder Europa Cup-Sieger Mannschaft 

mit Größen 

wie Reinhard 

„Stan" Libuda, 

Hans Tilkowski 

und 

Lothar 

Emmerich 

schmückt, noch aus Kinder tagen besitzt, 

gibt es nie mehr her. Ebenso wenig das 

der Bundesliga-Spielzeit 68/69, dessen 

Umschlag der junge Franz Beckenbauer ziert. 

Denn jene Spielzeiten, in denen noch Größen 

wie Gerd Müller, Uwe Seeler, Jupp Heynckes 

und der junge Günter 

Netzer den grünen Rasen 

dominierten, markierten 

die Geburtsstunden, 

in denen Deutschland 

zu alter fußballerischer r 

Größe zurückfand. 

Die WM 1970 gilt bis 

heute als die schönste 

und spannendste, der WM-Sieg von 1974 als der Triumph der vielleicht 

spielstärksten deutschen Mannschaft aller Zeiten. 

Inzwischen aber, mehr als 40 Jahre später, hat das Sammeln etwas 

Inflationäres bekommen. Neben Fußballsammelbildern sind Tierbilder 

ebenso dauerhaft im Rennen wie selbst klebende Motive von den 

Simpsons. 

Die Lust am Sammeln 

indes scheint ungebrochen. 

Und musste man 

Anfang der 70er Jahre 

noch 25 Pfennige 

für ein Tütchen mit 

fünf Bilder berappen, 

so findet sich 

inzwischen in jedem 

Duplo-Riegel und 

jeder Hanuta-Waffel 

ein Sammelbildchen – allerdings meist briefmarkengroß 

und in miserabler Druckqualität. 

Mit dem Sam m ler von 

früher, der für das Bild 

der Torwartlegende e 

Petar Radenkovic von 

1860 München wahrscheinlich, 

ohne mit 

der Wimper zu 

zucken, seinen 

besten Freund 

verraten hätte, hat der heutige Sammler 

kaum mehr etwas 

gemein. Damals, 

1970, waren 

wahre Sammler 

die glücklicheren en 

Menschen. Denn wo 

Nichtsammler ihre 

Freizeit mit drögen Brettspielen oder beim 

Tischtennistraining vergeudeten, da erlebten 

die meist 13 oder 14 

Jahre alten Bilderjäger 

die fantastischsten 

emotionalen Aufs und 

Abs: Jedes wochenlang 

gesuchte und 

endlich ergatterte Bild 

ließ die persönliche 

Adrenalinkurve nach 

oben schnellen. 

Bildersammeln 

war damals 

eben eine echte 

Passion – und 

kein unterhaltsames 

Nebenbei. 

Zudem hat sich das Bildersammelgeschäft in 

ein Millionengeschäft verwandelt, in dem die Firma Panini den Markt 

fast komplett erobert hat – und ehemalige Konkurrenten, etwa die 

Firma Bergmann, die sich Ende der 60er Jahre zum Marktführer in 

Deutschland entwickelt hatte, längst verdrängt. Schade eigentlich. Aber 

mein gelbes 66er Album kann mir gottlob keiner nehmen. 


Volker Lechtenbrink 

Akzeptiere Dein 

Alter und mache 

das Beste draus 

Er wurde mit dem Antikriegsfilm „Die Brücke" 1959 

berühmt, wurde zu einem unverzichtbaren Gesicht in zahlreichen 

TV-Serien, besang mehrere eigene LPs, schrieb für 

Peter Maffay maßgebliche Texte und schaute in seinem 

Buch „Gib die Dinge mit Grazie auf" auf seine beeindruckende 

Karriere zurück. Jetzt, mit 68 Jahren, hat Volker 

Lechtenbrink noch einmal Blut geleckt: Vielleicht gibt es 

schon bald eine neue CD von ihm. 


Du bist Schauspieler, künstlerischer Leiter, Intendant, Sänger, Texter 

und Autor. Auf allen Gebieten wirst Du akzeptiert. Wie bist Du dem 

Schubladendenken entkommen? 

Indem ich einfach gemacht habe. Die Schubladen waren ja da. Oft 

wurde ich gefragt: „Sind Sie Sänger oder Schauspieler?" Dagegen habe 

ich mich immer gewehrt. Ich bin sowohl als auch. In jedem Land gibt 

es das. In Frankreich die Chansonniers wie Charles Aznavour oder sogar 

Rockstar Johnny Hallyday waren Schauspieler und haben hervorragende 

Filme gemacht. In Amerika ist es sowieso gang und gäbe. Nur bei uns 

wollte man immer in Schubladen denken. Dazu gab es immer auch 

noch diese Unterscheidung zwischen E und U, also bist Du ein ernster 

Schauspieler, oder gehörst Du zum Boulevard. Aber das ist doch alles 

ein und derselbe Beruf. Und wenn man ihn 

kann und die Möglichkeit hat, sich auszuprobieren, 

dann soll man es machen: den 

Prinz von Homburg spielen und bei RTL 

moderieren – das ist doch erfrischend. 

1959 hast Du den Klaus Hager in Bernhard 

Wickis Antikriegsfilm Die Brücke" gespielt. Ist 

" 

dieser Film besonders eng mit dir verbunden, 

oder ist er nur ein Stück Nostalgie? 

„Die Brücke" ist prägend für mein ganzes 

Leben gewesen, ein „Sesam öffne Dich" 

für meinen Beruf. Überall, wo ich hinkam, 

wurde ich mit offenen Armen empfangen. 

Ich werde heute noch oft gefragt: „Ist das 

nicht schlimm für Sie, nach so langer Zeit immer noch auf diesen Film 

angesprochen zu werden?" Nein, das ist wunderbar. Stell dir mal vor, 

mein erster Film wäre „In der Lederhose wird gejodelt" gewesen, und 

ich würde daraufhin jetzt 50 Jahre angesprochen werden. Das wäre 

unangenehm. Aber nicht für 

den besten Antikriegsfilm 

aller Zeiten. 

Film und Theater sind zwei völlig 

verschiedene Spielwiesen. 

Fühlst Du Dich auf beiden gleichermaßen 

wohl? 

Ich bin vom Blut her mehr 

" 

Die Brücke" mit Volker 

Lechtenbrink (2.v.l.) dem Theater verbunden. Aber 

es war für mich immer eine Erholung und eine große Freude, nach 

Theaterarbeiten wieder zu drehen. Ich habe wahnsinnig gerne Inga 

Lindström und Rosamunde Pilcher gedreht. Das waren nette Teams, sehr 

schöne Locations, gute Rollen, und es war Unterhaltung für Millionen. 

Ich finde diese Wechselbäder zwischen Theater und Film sehr aufregend. 

Möchtest Du noch einmal jung sein und von vorne anfangen? 

Nee, von vorne anfangen nicht, aber ich hätte nichts dagegen, 20 Jahre 

jünger zu sein. Aber ich weiß, dass ich alles wieder so 

machen würde, wie ich es gemacht habe. Ich bereue nichts, 

auch wenn ich Fehler gemacht habe. Na klar, manchmal 

wünscht man sich nach einer Premiere, wenn der ganze 

Druck abfällt, mal wieder so richtig zu feiern. Aber da gibt 

es den tollen Satz von Walter Giller, mit dem ich noch kurz 

vor seinem Tod telefoniert habe. Er meinte, wir sollten uns 

doch mal auf ’ne Tasse Kaffee treffen, 

und ich fragte: „Walter, was wollen wir 

trinken?" „Ja, ich weiß schon", sagte er, 

„eher ein Glas Bier. Aber Du weißt doch 

– 

früher haben wir eine Woche gefeiert, 

uns dann unter die kalte Dusche 

gestellt und waren wieder fit. Heute 

feiern wir einen Tag, stellen uns dann sieben Tage 

unter die Dusche, und es nützt immer noch nichts." 

Vier gescheiterte Ehen gehören auch zu Deinem 

Leben... 

Das Wort „gescheitert" lasse ich überhaupt nicht 

gelten. Ich hatte vier Ehen, die melancholisch zu 

Ende gegangen sind. Wir haben festgestellt, das 

ist nicht mehr das, worunter wir angetreten sind. 

Ich bin mit meiner ersten Frau, mit der ich ja auch 

eine mittlerweile 45-jährige Tochter habe, seit fast 

50 Jahren in herzlichster Verbindung. Und genauso 

geht es mir mit fast allen meinen Ex-Frauen. Es 

war nie Hass oder ein anderer Mensch im Spiel. Es 

ging immer zu Ende, weil die Luft raus war und 

man sich etwas anderes vorgestellt hatte. 

ll 

Fotos: © Bildarc darchiv 

Hallhube huber/Zill 


Du hattest eine sehr erfolgreiche Zeit als Sänger und hast dann 1989 

in der TV-Sendung Showkolade" überraschend Deinen Abschied vom 

" 

Gesangmikrofon verkündet. Was war der Grund? 

Es hat gereicht. Ich hatte das Gefühl, jetzt kommst Du nicht weiter, 

obwohl ich gerade zu diesem Zeitpunkt 

einen Hit hatte ("Irgendwann", ein 

Titelsong aus der ZDF-Serie „Ein Fall für 

Zwei", Anm. d. Autors.). Aber ich habe 

mich nicht mehr wohlgefühlt, denn ich 

sollte jedes Jahr eine CD rausbringen 

und mich dem Strom anpassen, hier 

rockiger, da schlagermäßiger – das wollte 

ich ja gar nicht. Ich wollte Balladen 

machen mit guten deutschen Texten. 

Und das ist mir ja schließlich auch jahrelang 

gelungen. 

Vermisst Du heute die Musik? 

Ich habe 20 Jahre konsequent nicht 

gesungen, obwohl viele immer wieder Volker Lechtenbrink 1980 

nach dem Motto „mach bei mir doch mal ’ne Ausnahme" angefragt 

haben. Vor einem Jahr hat mich dann Carmen Nebel gefragt. Die war so 

charmant und nett. Da habe ich dann zugesagt und "All das mag ich" 

gesungen. Da hat es mich doch wieder gejuckt. Jetzt spiele ich mit dem 

Gedanken, eventuell doch wieder eine CD zu machen – meinem Alter 

und meiner Einstellung entsprechend. Aber erst mal machen, anhören 

und dann entscheiden, ob es veröffentlicht werden soll. 

Du hast vor zwei Jahren Deine Erinnerungen als Buch veröffentlicht und 

es toll betitelt: Gib die Dinge der Jugend mit Grazie auf." Was hast Du 

" 

aufgegeben? 

Oh, wahrscheinlich so einiges. Der Titel soll aber auch als Vorschlag 

verstanden werden, denn ich finde es schlimm, wenn man als älterer 

Mensch der Jugend hinterherläuft. Ein schönes Beispiel: Ich lach’ mich 

immer tot, wenn im feinen Hamburg-Eppendorf sich ein alter Herr aus 

dem Porsche zwängt, den Kaschmirpullover locker um die Schultern 

gewickelt zum Italiener reinstelzt und ruft „Hey Luigi, noch ’ne Latte 

bitte". Das ist für mich die Karikatur eines älteren Herrn. Er kommt sich 

ungeheuerlich jung vor, dabei ist er für mich nur albern. Du musst Dein 

jeweiliges Alter akzeptieren und das Beste daraus machen. 

Ein Song von Dir heißt "Leben so wie ich es mag". Lebst Du heute so, wie 

Du es magst? 

Zu den Liedern, die ich damals für mich und auch für Peter 

Maffay geschrieben habe, stehe ich noch zu 95 Prozent. In 

dem Lied heißt es ja auch: „Ich hass die Selbstgerechten, diese 

echten Schlechten, die ihre Kinder heut’ noch hau’n ..." oder 

„Dafür liebe ich die Raren, die sich ihren Stolz bewahren, denen 

kann man noch vertrau’n ..." – das gilt ja alles noch. Ich habe 

drei prima Kinder, eine wunderbare Lebensgefährtin, in meinem 

Beruf offene Türen, und ich kann das machen, was ich möchte. 

Ich bin dankbar, dass ich lebe und soviel erleben durfte. Ich bin 

sehr dankbar für mein Leben. 

Du hast einen Titel verliehen bekommen: Ehren-Alster- 

Schleusenwärter. Das musst Du uns erklären. 

Da bin ich ganz stolz drauf. In Hamburg gibt es seit 30 

Jahren 

jedes 

Jahr einen Hamburger, 

der durch ein Gremium 

zum Ehren-Alster- 

Schleusenwärter 

gewählt wird. Diesen 

Titel bekommt nur 

ein Hamburger, der 

das Ansehen der Stadt 

in der Welt vermehrt 

hat. Auch James Last, 

Jan Fedder und ein 

paar Politiker haben 

den Titel. Das ist in 

Hamburg mit die größte 

Ehre, die man Dir 

erweisen kann. 

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Von Claudia Tupeit 

Petticoat & 

Pomade wieder 

heiß begehrt 

J 

an Wilker (29) und Jette 

Pittelkow (28) leben 

die 50er Jahre voll aus. 

Klamotten, Einrichtung, 

Attitüde – alles ist auf 

das Jahrzehnt von Elvis, Diners, 

Nierentisch und Co. ausgerichtet. 

Passend zu Carl Perkins' "Blue Suede 

Shoes" schwingt die fesche Jette im 

Takt keck die Hüfte, während sie den 

Kaffee aus der stilechten, bauchigen Kanne 

in die bunten Becher gießt. Ihr Schatz Jan 

sitzt lässig in umgekrempelten Jeans, Karohemd 

und mit perfekt gegeltem Haar an dem kleinen 

" Vintage" 

und Retro" sind die 

" 

Modeworte der Stunde. Die 

Klamottentrends von heute haben 

Bubikragen der 50s, Miniröcke im 60er-Stil, 

Schlaghosen und Plateauschuhe kommen 

aus dem Jahrzehnt von Abba, und breite 

Schultern, Neonfarben und Chinohosen 

sind ein Relikt der verrückten 80s. Wer 

heute in" sein will, hat die vergangenen 

" 

Dekaden nicht nur im Kleiderschrank, sondern 

auch auf dem Plattenteller und im DVD- 

Player. kult! widmet sich den Trends von 

damals, die heute schon wieder für viele 

zum Lebensgefühl gehören. Den 

Anfang machen die 50er 

Jahre. 

Tisch und genießt den ersten Schluck. Jette trägt 

Netzstrümpfe, Haarreif, Peep 

Toes und grellrot geschminkte Lippen, 

ihre Kurven betont die Blondine mit 

geschnürter Taille und ausgestelltem 

Rock. Ist hier etwa mitten in 

einem Rostocker Szeneviertel bei 

einem Pärchen die Zeit stehengeblieben? 

Nein. Jan Wilker und Jette 

Pittelkow sind einfach total vernarrt 

in das spannende Jahrzehnt von 

Bettie Page 

Rock'n'Roll, Petticoats und ersten 

Pin-up-Modellen. 

Die 50er 

– das war längst kein 

Jahrzehnt bloßer Spießigkeit. Im 

Gegenteil. Mädchen kreischten beim 

lasziven Hüftschwung von Elvis Presley, 

schwarze Musiker feierten irre Erfolge 

(darunter Sammy Davis Jr. und Chuck Berry 

mit seinem berühmten und vielfach gecoverten 

"Roll Over Beethoven"), der rebellische James „Jimmy" 

Dean wurde mit nur drei Filmen zur Legende, bis er viel 

zu früh mit seinem Auto tödlich verunglückte. Frauen 

wie Marilyn Monroe oder Elizabeth Taylor schrieben 

mit Minitaillen und üppigen Dekolletés 

Geschichte. Kaum ein Halbstarker, der nicht 

seine Haare mit Pomade, einem gut riechenden 

Fett, in Form brachte. Markant für 

die 50er ist ebenso die Entenschwanzfrisur, 

deren berühmtester Träger Elvis war. Nicht zu 

vergessen als Inbegriff der 50s: das berühmte Pin- 

Foto Kleid: 

© petticoatkleid.de 


Fotos: © Marlenes Töcher by Class of Berlin / St. Anchor Graphics 

up-Girl Bettie Page. „Eines meiner 

Vorbilder", verrät Jette. „Sie trug 

immer so tolle Dessous und hat 

Fetisch salonfähig gemacht." 

Bettie Page war DIE Ikone 

des Jahr zehnts jugendlichen 

Aufbruchs. Im noch heute konservativen 

US-Bundesstaat Tennessee 

1923 geboren, hatte die Amerikanerin 

zunächst mit einer schwierigen 

Kindheit zu kämpfen. Die Familie zog 

ständig um, und Bettie musste sich 

um die jüngeren Geschwister kümmern. 

Hinzukam, dass sie als kleines 

Mädchen von ihrem Vater sexuell 

missbraucht worden war. Vielleicht 

lebte die hübsche und kurvige Bettie 

auf Grund dieser traumatischen 

Lebensjahre ihre Reize und Sexualität 

in den 50ern so offensiv aus. Man 

schen großen Punkte. 

Die 50s in 2013: Jan Wilker und Jette Pittelkow stylen sich nicht 

Neben dem 

nur im Stil des Jahrzehnts. Sie lieben auch das Lebensgefühl, die V-Ausschnitt war 

Musik und Möbel von damals. 

der Bubikragen 

damals – wie jetzt 

darf sie nämlich mit Fug und Recht als eines der ersten Sexsymbole im wieder – in. Dunkelblaue Kleider im Look der Marine haben 

klassischen Sinn bezeichnen: ein toller Körper, der in sexy und engen bei Bettie Page by Tatyana einen eng um den Hals genähten 

Klamotten steckte, üppige, leicht gewellte Haarpracht, die sie offen trug. Kragen, der flach auf dem Kleid aufliegt und dessen Ecken 

Dazu der verführerische Blick. Sie blieb dabei trotzdem so 

nicht spitz, sondern abgerundet sind. Und weiße Blusen, 

echt, dass sie bis heute inspiriert. Zum Beispiel Comic- 

die leicht transparent und somit sexy-verspielt wirken, 

Figuren oder die Burlesque-Szene. Dort gerade die 

bekommen eine strenge Note durch einen Bubikragen in 

Vertreterin des New-Burlesque, Dita von Teese, die unter 

Schwarz. Im Sortiment findet frau neben den Kleidern auch die 

anderem durch ihre erotischen Tanzeinlagen im Riesen- 

mega-engen und hoch-taillierten Röcke, die knapp unterm Knie 

Champagnerglas be kannt geworden ist. Von Teese, die eine 

enden und eine rattenscharfe Silhouette zaubern. Die (Film-) 

kurze Ehe mit Schockrocker Marilyn Manson führte, könnte nte 

Schönheiten Marilyn Monroe und Liz Taylor trugen die Röcke 

optisch glatt die Enkelin ihres berühmten Idols Bettie sein. 

in Schwarz oder Weiß und kombinierten dazu karierte oder unifarbene 

Kurzarmblusen. Diese endeten kokett geknotet 

A 

ber nicht nur in der Erotik polarisierte Bettie Page, 

direkt am Rockbund oder waren hineingesteckt. 

die ab den 60er Jahren stark zurückgezogen lebte 

Klar, dass bei solch populären „Bleistiftrock"- 

und 2008 in Los Angeles nach einem Herzinfarkt starb. So 

Trägerinnen die Schaufensterpuppen ppen im 

beeinflusst das Pin-up-Girl mit seiner Kleidung bis heute 

„Bettie"-Laden heute den gleichen Look 

die Mode-Industrie. In den USA hat sich beispielsweise 

haben. Im stets fortschrittlichen hen 

das Label Bettie Page by Tatyana etabliert. Die Filialen 

Bluse im Marine-Look von der auf 

und modisch meist auf der 

50s-spezialisierten US-Marke Collectif 

sprießen – in Metropolen wie L.A. und der Glitzerstadt 

Vorreiterwelle schwimmenden 

Las Vegas. Und selbst in Philadelphia, Minneapolis und Salt Lake City Nordamerika sieht man längst die Mode der 

Klassiker 

hat die Marke junge wie ältere Frauen in ihren Bann gezogen. Eine 50s an den Körpern junger Frauen. Stars wie unter den Schuhen – 

Verkäuferin in San Francisco, wo sich der Laden im einstigen Hippie- die bereits erwähnte Dita von Teese, aber auch 

heute wieder trendy: Peep Toes, 

hier vom Bettie-Page-Shop 

die Rocksängerin Pink, Chaka Khan 

Models zeigen den Look des Labels " 

Marlenes Töchter by Class of Berlin“. Klassiker wie der 

Bubikragen, hohe Taillen und kniebedeckende Rockteile sind auch 2013 alles andere als spießig. 

Hochburg-Viertel Haight-Ashbury befindet, bringt es auf den Punkt: 

„Bettie war so cool und hat die Weiblichkeit aus sich herausgeholt. Sie hat 

Busen und mehr Hüfte salonfähig gemacht. Durch ihren Style inspiriert 

sind jetzt echt tolle Teile entstanden." 

© Claudia Tupeit 



Diese tollen 

Teile der 

Marke sind 

zum Beispiel 

Kleider mit 

eng geschnittener 

Taille, die gern mit schmalem 

Bindegürtel zusätzlich 

betont werden 

und deren Rockteile 

weit ausgestellt sind. 

A-Linie nennt man 

das. Mal haben sie 

große Blumen- oder 

Schmetterlingsprints, 

mal sind es die typi- 

und Schauspielerin Penelope Cruz tragen im Alltag und auf 

dem roten Teppich Outfits der Retrofashion-Marke. 

In Deutschland bietet für den modischen 50s-Fan der 

Berliner Laden Marlenes Töchter by Class of Berlin feminine 

Teile, inspiriert vom „Schmiss der 50er", wie es die Besitzer 

selbst bezeichnen, für (fast) jede Gelegenheit an. Aber nicht nur 

für die holde Weiblichkeit, sondern auch für Kinder und – für 

den Mann. In Zeiten, in denen viele Männer stärker denn je auf 

ihr Erscheinungsbild Wert legen, darf die Industrie ihn nicht 

außer Acht lassen. Und nichts könnte mehr en vogue sein, als 

sich neben seiner Herzensdame ebenfalls in typischen Klamotten 

der 50er Jahre blicken zu lassen. 

Das Rostocker Pärchen Jette und Jan 

macht es vor. Das wirkt keineswegs lächerlich. 

Schließlich ergeben die Klassiker 

von damals richtig kombiniert jetzt 

einen heißen Look auch für Männer. 

Die trugen damals schmal geschnittene 

Blue-Jeans, unten einmal umgekrempelt. 

Karohemden wurden dazu 

locker reingesteckt. Einige hatten noch 

so genannte Fliegerjacken aus Stoff drüber. Elvis 

stand auf der Bühne in Sakkos oder eng taillierten 

Jacken mit schrägem Saum. Beides trug der Sänger 

zu leicht weiten, unten wieder enger werden- 

© Claudia Tupeit


den Hosen, die 

ob ihrer Länge 

heute durchaus 

als Hochwasserhosen 

bezei ch net 

werden könnten. 

Hervorlugten 

weiße Socken 

aus schwarzen Lederslip pern. Aber 

auch Ringel söckchen und vorn 

spitz zulaufende Schuhe waren bei 

den Herren an ge sagt. 

All das findet sich nun wieder bei 

einschlägigen Marken. Genau wie 

ein männliches Kleidungsstück, das 

seither jedes Jahrzehnt bis 2013 

überlebt hat und in immer wieder 

neuen Schnitten und Kombinationen weiterhin getragen wird: die 

ultracoole schwarze Lederjacke. Ja, genau, die stammt aus den 50er 

Jahren und wurde von den damals heißesten Typen überhaupt 

getragen: Marlon Brando und James Dean. Unter den mit 

Reißverschlüssen und Saumgürteln verzierten Jacken hatten 

beide simple, weiße T-Shirts, die ihre durchtrainierten Oberkörper 

umspielten. Was nie fehlen durfte, war die Fluppe im Mundwinkel, 

was betont lässig wirkte. Der Look von Schauspieler Brando aus dem 

Film „The Wild One – Der Wilde" von 1953 machte ihn unsterblich, als 

er zu der Lederjacke noch eine Ballonmütze schräg aufsetzte und 

so auf einem Motorrad posierte. 

Und wer hätte gedacht, dass – bewusst oder ungewollt – ausgerechnet 

Schauspieler Charlie Sheen in seiner Rolle als Charlie Harper 

in „Two And A Half Men" einen der früheren 50s-Trends spazieren 

tragen würde: Bowlinghemden. en. 

Die flatterhaften Oberteile mit kurzen 

Ärmeln zeichnen sich durch meist 

zwei verschiedene Farbtöne aus, wobei oft 

Knopfleiste, Kragen und Ärmel in einer 

Farbe sind und der mittlere, restliche Teil 

in einer anderen. 

Wer sich mit der 

im höheren 

Preissegment liegenden 

Kleidung der Retro- 

Marken nicht komplett 

ausstaffieren kann, 

stöbert im Schrank der 

Oma. Und mittlerweile 

sind auch Massenlabels 

James Dean 

wie C&A, Topshop und Vero Moda auf den Trendzug 

aufgesprungen. Neben Kleidern und Blusen im 50s-Stil 

finden sich in den Regalen High-waist-Jeans, also mit 

hochsitzender Taille. 

Neben diesen 50s-Klamotten, die früher und jetzt 

wieder gern in der Freizeit getragen werden, brachte 

das Jahrzehnt ein echtes Sahnehäubchen unter den Ausgeh-Outfits 

Ausgeh-Outfits 

hervor: Petticoatdresses – die Tanzkleider der 50er. Von den alltagstauglichen, 

eng taillierten Kleidern mit weitem Rockteil unterscheiden sie 

sich nicht nur durch elegantere Stoffe und verspielte Details 

wie Schleifenbänder, sondern vor allem durch den circa eine 

Handbreit hervorlugenden Unterrock. Der ist bauschig 

und weit aus versteiftem Material mit Rüschensaum. In 

Deutschland können Frauen, die mit solchen Kleidern auf 

Partys auffallen möchten, zum Beispiel auf der Homepage 

von www.petticoatkleid.de fündig werden. 

Dann fehlen zum finalen – zumindest optischen – 50er- 

Flair noch Frisur und Make-up. Männer machen sich je 

nach Haarstruktur eine Tolle wie Elvis oder „klatschen" 

das Vorderhaar einfach nach hinten. Natürlich nicht mit 

irgendeinem Gel, sondern stilecht mit Pomade. Und da 

dieses Fett nicht nur gut riecht, sondern auch wirklich 

jedem Wetter standhält, kehrt dieser 

Trend in die Läden zurück. 

Ein gutes Sortiment präsentiert 

die in Ottobrunn bei München 

ansässige Firma SoldanMarketing 

in ihrem Webshop www.pomadeshop.eu, 

wo bunte Dosen mit 

ulkigen Namen à la „Schmiere", 

„Mr. Ducktail" und „Beaver Cream" 

angeboten werden. Dazu gibt es 

Haarwasser, Rasierseifen und – 

damit am Ende nichts schiefgehen 

kann – eine Anleitung für die perfekte 

Entenschwanzfrisur. 

Die Damen tragen zum 50s-Outfit 

zum Beispiel eingedrehte Haare, 

kunstvolle Hochsteckfrisuren oder 

hinten zusammengesteckte Lockenpracht, die mit einem 

Haarband mit Knoten aufgepeppt wird. Aber keine Angst vor zu 

viel Eigenaufwand: Längst haben in Großstädten Frisuren künstler 

die trendigen 50er-Jahre-Frisuren wiederentdeckt. Männer und 

Frauen können sich also bequem zurücklehnen und sich beispielsweise 

im Leipziger Salon Kopf und Kragen mit passen- 

den Pflegeprodukten frisieren las- 

sen. Und Bettie Page wäre ja keine 

Stilikone gewesen, wenn sie 

nicht auch neben Kleidung 

und Schminke einen Trend 

in Sachen Haaren geliefert 

hätte: den halbrundgeschnittenen 

Pony. 

Rote Lippen, unendlich 

lange Wimpern, ein bisschen 

Rouge für die Wangen und 

den dramatischen Lidstrich bekommen 

Damen mit ein wenig Übung 

allein vor dem Spiegel hin. Am 

besten aus den 

Tuben und Töpfen 

der 

US-Marke 

Benefit, die seit 

den 70er Jahren existiert. 

Das Design von Mascara, Lidschatten und Co. erinnert 

stark an die 50er Jahre: pastellfarben, niedliche 

Namen mit fantasievollen Schriftzügen, häufig zieren 

die Packungen Frauenköpfe, die aus den 50s entsprungen 

sein könnten. 

Für Jan Wilker und Jette Pittelkow sind aber 

längst nicht nur die Outfits maßgeblich. Ein 

Großteil ihres Lebens ist auf das Jahrzehnt ausgerichtet. 

Sie sind zum Beispiel auch entsprechend eingerichtet: 

Farbige Polsterstühle, Serviettenbox 

und Leuchtreklame an der Wand erin- 

nern an die Einrichtung eines 

Original American Diner der 

50s. Tapeten, Küche und Deko 

könnten direkt aus einem deutschen 

50er-Jahre-Haushalt importiert 

sein. 

Was vor einigen Jahren gern von 

jüngeren Leuten noch als spießig 

und omahaft abgetan wurde, ist nun 

der Renner in den eigenen vier Wänden 

und daher auch in Onlineshops und 

Möbelhäusern. So erlebt zum Beispiel 

die Tütenlampe ein Revival. Sie erhielt 

ihren Namen, na klar, weil das die 

Glühbirne umschließende Gefäß der 

Form einer Tüte ähnelt. Der Klassiker 

Foto: © Claudia Tupeit 

Foto: © Kopf & 

Kragen/Hagen Wolf 

50s-Revival auf den Köpfen: Auch Friseurläden wie Kopf und Kragen in Leipzig 

konzentrieren sich auf das Jahrzehnt. Mit stilechten Produkten und Schnitten. 

Marlon Brando 




Foto: © petticoatkleid.de 

ist eine Stehlampe mit drei Schirmen in verschiedenen 

Farben. Diese Art von Lampe wurde 

damals nicht en gros produziert. Wer also eine originale 

50er-Jahre-Tütenlampe ergattern möchte, muss die Wertsteigerung 

mit einkalkulieren. Vor allem aber darf man sich nicht 

wundern, wenn bei echten Exemplaren braune Flecken 

entdeckt werden: Die Schirme damals hielten der Hitze 

durch die Birne selten stand, und so schmorten sich die 

Flecken in das Gehäuse. Früher ärgerlich, heute kultig. 

Nach tollen Designs aus dem stilprägenden und 

revolutionären Jahrzehnt können 

Anhänger und solche, die 

es werden wollen, bei 

stö- 

die-wohngalerie.de 

bern. Dort finden 

sich zum Beispiel 

die bequemen und 

damals in wohl jedem 

Wohnzimmer gestandenen en 

Cocktailsessel und Nierentische. e. 

Die Sitzgelegenheit ist nicht ausufernd 

groß, aber dennoch gemüt- 

lich. Die Stoffe sind oft in satten 

Heute wieder in“ 

zum Ausgehen: " das Farben, meist gemustert oder mehrfarbig 

gestreift. Mal mit Armlehnen, 

mal ohne. Daneben sollte der Nierentisch für die 

Petticoatkleid 

im 50s-Stil eingerichte Wohnung nicht fehlen. Der, wie der Name 

schon vermuten lässt, die Form unseres Entgiftungsorgans besitzt. 

Doch nicht nur aus den Zimmern des Zuhauses ist die typische 

Einrichtung heute wieder angesagt. Die gerade für die 

rebellischen Halbwüchsigen und jungen Erwachsenen so wichtigen 

Ausgehorte prägten das Bild der 50er enorm. In den Diners, 

typisch für die USA, waren die halbrunden 

Sitzecken, Barhocker und 

Stühle aus glattem Polster 

und oft ein farbenfroher 

Mix – mal pastell, mal 

knallbunt – die übliche 

Ausstattung. 

Und was in keinem 

„Schuppen" der 

Jugendlichen fehlen 

durfte, war die 

Jukebox. Eine Anlage, 

die heute wieder feilgeboten 

wird und 

als DER Kultgegenstand tand gilt. Mit 

einem „coin" und dem 

Drücken der (richtigen) 

Taste wollten 

die Jungs damals ihrer 

Angebeteten imponie- 

Die Autorin 

züchtig im 

50s Bettie Page 

Outfit in 

Las Vegas 

ren und sie zum Tanzen animieren. n. 

Schließlich hatte nicht jeder Bursche bereits einen Schlitten, 

etwa einen schnittigen Cadillac, mit dem man(n) posen konnte. 

Die Diner, die noch immer in den USA enorme Beliebtheit genieman 

etwa in Los Angeles in einen Laden der Kette Mel's Drive-in ein 

– die Restaurants vermehren sich seit den 40er Jahren –, bleiben en 

ßen, sind nach wie vor sehr stilbewusst eingerichtet. Kehrt 

Hektik und Modernität der Millionenmetropole draußen, und 

Kellner in niedlichen Uniformen kommen mit Bleistift hinterm 

Ohr, Strahlelachen und Silbertablett herbeigehuscht, weisen en 

einen (Polster-)Platz zu – und schon ist man mittendrin in der Zeitreise. 

Zu Burgern, Fritten und Cola dudeln "Rock Around The Clock" und 

"Brown Eyed Handsome Man" aus der Jukebox. 

Und was für die Ami-Jugend das Diner, war für die deutschen 

Jugendlichen in Ost und West die Milchbar. Dorthin wurden damals 

die Mädchen noch von feschen Burschen abgeholt. Auf dem Moped oder 

mit dem Drahtesel warteten die Heranwachsenden 

vor dem elterlichen Haus. In den beschriebenen 

Petticoats oder mit weitschwingendem Rock und 

unifarbener Bluse gaben die jungen Damen ihren Herzbuben einen 

Handschlag oder ein Küsschen auf die Wange. Wilde Knutscherei auf 

der Straße – vielleicht gar vor den Eltern – war im 

Gegensatz zu heute nicht an der Tagesordnung. 

In der Milchbar wurde in den 50er Jahren 

tatsächlich, wie es der Name vermuten lässt, 

Milchiges geschlemmt: Eis, Milchgetränke, 

Shakes. Die Milchindustrie wollte ihre 

Produkte verstärkt unters Volk bringen. 

Via Gastronomie. Die Läden waren oft eleganter gestaltet als 

eine klassische Eisdiele. Barhocker, Theke und Polster wurden 

zum 

zweiten Zuhause der jungen Generation. Es wurde erzählt, 

geschlürft, Musik gehört – die natürlich gern aus der Jukebox 

kam 

– und dezent gebalzt. Nach Deutschland schwappte 

der Trend der revoltierenden jungen Menschen – wie er in 

den USA in den 50s langsam begann – etwas später über. 

D as Miteinander, auch diese immer noch dominierende 

Spießigkeit in den 50ern, das war cool", nennt der 29-jährige 

Jan schwärmend einen Grund, warum er sich diesem Jahrzehnt 

so nah fühlt. Mit seinen markanten Gesichtszügen und dem 

50s-Styling könnte man auch ein Schwarzweiß-Bild von ihm in 

eine Zeitschrift von damals setzen. Keiner würde den Unterschied ed 

zu 

den echten Stars merken. „Ich nehme die klassische Pomade 

für meine Haare, ziehe gern typische Klamotten wie etwa eine 

Levi's, natürlich umgekrempelt, und klassische Workerhemden 

an", verrät Jan, der im Berufsalltag zur See fährt. 

„Es gab damals so gewisse Regeln. Das war gut", findet 

Bürokauffrau Jette und spricht damit auch das Verhalten von 

Jungs und Mädels beim Ausgehen an. Wie ihr Liebster teilt Jette die 

Leidenschaft für die 50er Jahre bereits seit frühester Jugend. „Etwa als 

ich 14 war, hat es angefangen", erinnert sich die hübsche 28-Jährige. 

Die Mucke der 

50s in einer Kneipe sei der Auslöser 

gewesen. Die beiden lernten sich bei einem Konzert 

2007 kennen. Und die neue Angebetete etete wurde 

beim ersten Date stilecht abgeholt. Jan 

fuhr in seinem alten Chevrolet vor, 

allerdings Baujahr 1982. „Da er 

mächtig Sprit frisst, immerhin merhin 

20 Liter auf 100 Kilometer, nehme 

ich ihn nur zu speziellen Anlässen", 

erklärt Jan, der bei dem Paar die 

klassische 50s-Seite vertritt, wäh- 

rend Jette diese mit Psychobilly 

mischt. Für beide sei es ein echtes 

Lebensgefühl. „Nicht nur ein 

Trend, den wir mitmachen", meint Jan, 

der mit seinem Look immer wieder 

nette Begegnungen hat. „Vor allem 

bei Omis kommt unser Auftreten 

gut an", sagt er lachend. 

Neben mehr und 

mehr Kleidung im typischen 

50s-Look (Jan wünscht sich eine ginale Pilotenlederjacke) möchte das 

Paar als nächstes die Einrichtung der 

Wohnung im 50er-Stil weiter vorantreiben. Unter anderem 

ori- 

mit einer typischen Minibar von damals. „Da kommt für 

mich immer dieses Südseeflair auf", sagt 

Jan, der auf eigenen Partys gern den 

Snack-Klassiker seiner Epoche ser- 

viert: Toast Hawaii – das Schinken- 

Käse-Ananas-Sandwich. 

Und gegen eine waschechte Jukebox, die 

von Elvis bis zu Jans und Jettes Favoriten, 

Buddy Holly, alles auflegt, hätten beide 

auch nichts einzuwenden. 

Fotos Möbel: 

© Die Wohngalerie 

50s-Stilikone 

Liz Taylor 

Revival 

von Minis und 

Hippie-Outfits 

– kult! instyles 60s – 

in der kommenden 

Herbstausgabe. 


The 

Beat Generation 

Allen Ginsberg 

Jack Kerouac 

Provokation 

Umwälzung 

Freiheit 

William S. 

Burroughs 

beanspruchten einige wenige Twens 

aber zunehmend, ihre eigene Sicht 

der Dinge öffentlich 

darzulegen. Rasse, 

Religion i und auch Sexualität sollten keine Tabuthemen mehr sein. 

Der Beatnik-Autor William S. Burroughs hat den Zustand des Landes 

in einem Interview – von der Wortwahl her etwas abgeschwächt – so 

dargestellt: „In den USA der 50er durftest du eher eine Kuh schänden 

als schwul sein." 

Ein kleiner Schlenker: Avantgarde – ein Begriff, bei dem 

sich so mancher einen Haufen Menschen auf einer 

Vernissage vorstellt, die mit abgespreiztem kleinem 

Finger ein Champagnerglas in der Hand halten und über 

den linearen Duktus des ausstellenden Künstlers eloquent 

zu parlieren wissen. An sich stammt das Wort aus dem 

Vokabular des französischen Militärs und steht für die so 

genannte Vorhut, welche zwangsläufig als erster Teil der 

Truppe Feindberührung hat. 

Den Übergang in den kulturellen Bereich gab es erst später. 

Es geht immer noch um die Rolle der Vorreiter, nur 

jetzt darum zu dokumentieren, dass man als Avantgardist 

innovative Bewegungen erkannt hat, die die gesellschaftseliche 

Entwicklung möglicherweise nachhaltig beeinflussen 

können. 

Die Beat Generation war Avantgarde. Und sie nahm der über 

ein Jahrzehnt folgenden Hippie-Bewegung einige Themen en vorweg: 

Pazifismus, Buddhismus, freie Liebe, Drogen und das eigene 

Leben als ein fortwährendes Experiment. Was sie allerdings von 

den Hippies unterschied, war die ständige Rastlosigkeit, eine ande- 

Jack Kerouac, Allen Ginsberg 

und William S. Burroughs ughs stehen 

für The Beat Generation. Ein 

Begriff der 50er Jahre, der insbesondere 

die literarischen und 

in Folge zwangsläufig auch musikalischen 

Veränderungen in der Welt 

umriss. Plötzlich war nichts mehr 

so wie vorher. 

Die USA hatten gerade einen heißen Krieg gewonnen, den kalten 

im Tausch dafür bekommen, und in Korea wurde schon 

wieder gekämpft. Es gab diskriminierende Rassengesetze, 

der Rock’n’Roll setzte sich durch, die eigenen Eltern wurden so 

manchem Halbstarken zu bieder, Ehefrau mit Job ging gar nicht, 

Autokino war ganz groß, die ersten Computer hatten den Umfang 

eines Einfamilienhauses und brachten es doch nur auf die Leistung 

eines heutigen Taschenrechners. Und während in Deutschland die VW 

Käfer zusammengeschraubt wurden, cruiste man in den USA mit dem 

Straßenkreuzer herum. Petticoat und Haartolle hier, Weltmacht und 

Raumfahrt da. 

Der schwelende Generationenkonflikt begann, die Gesellschaft 

in den USA zu spalten. Von Enthemmtheit noch weit entfernt, 


e Art von Suche nach der ultimativen 

Lebenserfahrung. Die Beatniks waren 

trotz aller Zugedröhntheit kopflastiger. 

Die Namensschöpfung Beat 

Generation geht auf Jack Kerouac 

zurück, den neben Allen Ginsberg und 

William S. Burroughs nam- 

haftesten Schriftsteller der 

Bewegung. Stand in den 

Nachkriegsjahren 

der 

Begriff beat noch für 

„niedergeschlagen" 

oder „besiegt", so ver- 

sah Kerouac ihn mit 

einem aggressiveren 

und euphorischeren Anstrich (zum 

Beispiel upbeat). 

Sein autobiografischer Roman „On The 

Road" (deutscher Titel „Unterwegs") 

steht wie kein anderer für die oben 

erwähnte Unruhe, die den Beatniks innewohnte. Es heißt, der Roman 

sei neben anderen das Vorbild für Dennis Hopper und Peter Fonda für 

ihren Film „Easy 

Rider" 

gewesen. 

„On The Road" 

beschreibt das rastlose 

Reisen zweier 

Beatniks durch die 

USA und Mexiko, 

als Hobos, Tramper 

oder 

Greyhound- 

Passagiere, 

in 

geklauten 

Autos 

oder auf einer Lkw- 

Alles völlig von der Rolle ... 

Ladefläche. Die beiden 

Hauptfiguren 

Dean Moriarty (in Wahrheit Kerouacs Kumpel Neal Cassady) und Sal 

Paradise (Kerouac als Erzähler) fahren quer durchs Land von New York 

nach Kalifornien, um dort festzustellen, dass der Pazifik ihnen auf der 

Weiterfahrt im Wege ist. Also wieder zurück nach New Orleans und 

von da aus weiter nach Mexiko – doch der innere Frieden mag sich 

nicht einstellen. 

Man merkt dem Buch an, dass es in einem Rutsch geschrieben wurde. 

Es gibt keinen Spannungsbogen, wie es immer so schön heißt, und 

nicht wenige Leser sind der Meinung, dass hier eigentlich gar nichts 

passiert. Kerouac schrieb und schrieb, korrigierte nichts und benutzte 

auch keine einzelnen Din-A-4-Blätter. Der ganze Roman ist in einem 

Stück auf einer dicken Papierrolle entstanden. 

Bis die Welt reif war, sich diesem Werk zu stellen, verging allerdings 

einige Zeit. Erst 1957, sechs Jahre nach seiner Entstehung, wurde das 

Buch veröffentlicht. Es wurde ein Riesenerfolg. Der nun einsetzende 

plötzliche Rummel war Gift für den labilen Kerouac. Nach jahrelanger 

Ablehnung plötzlich auf den Olymp der Beat Generation gehoben zu 

werden, bekam seiner Gesundheit nicht. 

Im selben Jahr, also 1957, wurden 

Allen Ginsbergs „Howl And Other 

Poems" von der Polizei beschlagnahmt 

und Verleger Lawrence Ferlinghetti angeklagt. 

Der Vorwurf: Obszönität. 

Fürwahr kann man sich vorstellen, dass 

eine Zeile wie „who let themselves be 

fucked in the ass by saintly motorcyclists, 

and screamed with joy" (auf Deutsch: 

„die sich in Arsch ficken ließen von heiligen 

Motorradfahrern und vor Freude 

schrien") im puritanischen Amerika nicht 

besonders gut ankam. Der Prozess sorgte 

für landesweite Schlagzeilen, und nach Anhörung diverser Literatur-wissenschaftler 

entschied der Richter, dass es sich bei dem wuchtigen 

Mammutgedicht „Howl" um ein Werk von herausragender Bedeutung 

handle, was zur 

Folge hatte, dass 

es nun weltweit 

bekannt wurde. 

Für 

Freunde 

von 

kurzen 

und 

knappen 

Sätzen ist es 

nicht geeignet: 

Teil eins enthält 

über 60 aufeinander 

folgende 

Relativsätze, die 

sich lesen, als 

habe 

Ginsberg 

das Gedicht in einem Rauschzustand heruntergeschrieben. h Tatsächlich 

hat er Monate daran gesessen, und dennoch hat man den Eindruck, er 

sei innerlich regelrecht explodiert. 


Dylan and the man 

Ein guter Freund Ginsbergs war übrigens Bob Dylan, mit dem 

zusammen er als Backgroundsänger auf Leonard Cohens "Death 

Of A Ladies' Man" zu hören ist. Mit Dylan sowie Phil Ochs, Patti 

Smith, The Fugs und gar The Clash stand er auf der Bühne. 

Auch William S. Burroughs' literarisches Wirken wurde vor 

amerikanische Gerichte gezerrt. „The Naked Lunch" von 

1959 wurde später mehrfach verboten, unter anderem von einem 

US-Gericht in Massachusetts mit der Begründung, dem „literarischen 

Abschaum" entströme 

„ein widerlicher Geruch 

ununterbrochener Perversion". 

Tatsächlich ist die Mischung 

aus Pädophilie samt Kindsmord, 

Gewalt, Psychiatrie und vielen 

anderen Zutaten auch heute 

nicht von jedem leicht zu goutiemendren. 

Der im Roman vorkommende 

Stahldildo verhalf später Steely Dan 

zu ihrem Namen, und auch Soft 

Machine bedienten sich 19666 bei 

Burroughs Wortschöpfung. 

Der Sinnzusammenhang von „The 

Naked Lunch" muss sich nicht jedem 

erschließen. Die Handlungsstränge 

sind mal mehr, mal weniger leicht 

zu durchschauen, h weil gänzlich ineinander verwoben. Grund dafür 

ist die von Burroughs angewandte Cut-up-Methode, bei der die 

Manuskriptseiten 

einfach zerschnitten 

(cut-up = 

Schnipsel) 

und 

ohne Plan neu 

zusammengesetzt 

werden. 

Man 

kann mitten im 

Buch 

anfangen 

und sich seinen 

Text 

erarbeiten. 

Freiheit eben. Die 

Hauptfigur 

ist 

überall fremd, und 

überall muss sie 

sich unter größter Vorsicht schnell orientieren. Wie ist Geld, wie sind 

Drogen zu beschaffen? 

Allein mit Geschichten von Harvard-Absolvent Burroughs lassen 

sich Hunderte von Seiten füllen: angefangen von seinem schon 

fast skurrilen Todesschuss auf seine Frau 1951, als er ihr wie Wilhelm 

Tell einen Apfel vom Kopf schießen wollte (aber leider volltrunken 

war), über die in ihn verliebte Patti Smith sowie seine kurzzeitige 

Mitgliedschaft bei den Scientologen bis hin zu seiner kongenialen 

Zusammenarbeit mit Tom Waits und Robert Wilson beim „Black Rider" 

im Hamburger Thalia-Theater 1990. 

Dem an einer völlig lig absurden, 

aber wahren (?) Lebensgeschichte 

Interessierten sei seine drogengeschwängerte 

und beklemmende 

Autobiografie „Junkie" ans Herz 

gelegt. Es gibt nichts, was Burroughs nicht konsumiert 

hätte: Opiate, Barbiturate, Haschisch, ch, 

Kokain, Chloral, Benzedrin, Banisterin – 

die Liste ist lang. Er war ein wandelndes 

Drogenlexikon. 

Die Wege dieser drei herausragenden 

Autoren des Genres kreuzten sich 

immer wieder. Burroughs (spät bekennend nd 

homosexuell) und Kerouac lebten mit ihren 

Frauen zusammen in einem New Yorker 

Apartment. Allen Ginsberg (früh bekennend nd 

homosexuell) mit Kerouacs „On The Road"- 

Freund Neal Cassady. Burroughs baute 

in 

Texas Marihuana an und musste nach 

Mexiko 

flüchten, als die Polizei eine Lieferankündigung an Allen 

Ginsberg abfing. Geschichten gibt es viele. 

Den Tod trafen die drei auf recht unterschiedliche Weise: 

Burroughs trotz langer Drogensucht erst im Alter von 

unfassbaren 83 Jahren an Herzinfarkt, Ginsberg – der gesünder 

gelebt hatte – ebenfalls 1997 mit 71, und Jack Kerouac knappe 30 

Jahre zuvor volltrunken vor dem Fernsehapparat. Zum Zeitpunkt 

seines Todes 1969 war der Urheber der Beat Generation zur desil- 

Unerfüllte Liebe: Burroughs und Patti Smith 

lusionierten i und nicht mehr so rastlosen Couch-Potato tt geworden. Ud Und 

da die Hippies nicht sein Ding waren, war er in den letzten Jahren ein 

bekennender Verfechter des Vietnam-Krieges. Eine schlüssige Biografie 

sieht anders aus. 

Kerouac-Tochter Jan sagte einmal in einem Interview: „Die so genannte 

Beat Generation war ein Haufen Leute jeglicher Nationalität, die zu 

dem Schluss gekommen ist, dass diese Gesellschaft beschissen ist." Das 

war vielleicht in jeder seiner Lebensphasen so. 

Oliver Schuh 

„Gib dich jedem Eindruck hin! Öffne dich! Lausche! Sei in dein Leben 

verliebt! Wenn du etwas Unergründliches schreiben willst, hole es aus dem 

Grunde deiner Seele empor! Gehe mit dem Schatz deiner Erinnerungen 

hausieren! Erzähle die wahre Geschichte der Welt im inneren Monolog! 

Bleibe jedem Tag auf der Spur. Sein Datum schmücke deinen Morgen wie ein 

Wappenschild. „ 

(Jack Kerouac) 


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Edel sei der Mensch, 

" 

hilfreich und gut " 

Die Geschichte 

des Poesiealbums 

Von Oliver Schuh 

Heute haben wir Facebook und bekommen 

zum Geburtstag Glückwünsche von 

154 Leuten, von denen wir gerade mal sieben 

kennen. Alle nennen sich „Freunde". 

Früher war ja sowieso alles anders, klar. 

Der Freundschaftsbegriff auch, er müsste 

neu erfunden werden. Wer jemals einen en 

ernsthaften Eintrag in ein Poesiealbum ealbum 

verfasst oder bekommen hat, der weiß, was 

länger währt. Und in der 

Breite muss man feststellen, 

dass Deutschland 

zu jeder Zeit mehr Dichter 

als Denker hatte. 

Das Poesiealbum war für den lebenslangen 

Gebrauch bestimmt. Fast immer ging es 

um die besten Wünsche für das weitere Leben, 

das Wohlergehen, die Zuversicht (die wir damals 

allesamt noch hatten) und natürlich auch um 

die unzerrüttbare Freundschaft, die ein Leben 

lang währen sollte. Unzählige Kinderhände haben sich auf diese 

16 x16-Zentimeter-Bücher gestürzt, um alles zwischen Zuneigung, 

Hoffnung und Verzweiflung loszuwerden. Und das nicht erst seit 

unserer Schulzeit. 

Die Geschichte des Poesiealbums reicht zurück bis in das auslaufende 

15. Jahrhundert. Bei höfischen hen Festen en und 

Turnieren pflegte man sich bei Adels dort einzutragen, 

n, 

damals aber noch mit Geschlechterwappen (das 

war 

bei mir die Pril-Blume) und Devise (bei mir: 

„Ich hab' Dich gern"). Natürlich war all l 

das damals Männersache, auch im folgenden 

Jahrhundert, wenn die natürlich wieder männli- 

nli- 

Es war in der vierten Klasse, und ungeachtet aller späteren 

Schulreformen waren die Lehrkräfte schon damals froh, 

wenn wir Schüler schreiben konnten. Und das konnten wir 

in heute kaum gekannter schöner klarer Schreibschrift. Meine geheime 

große Liebe Wanda ging in den großen Pausen reihum und legte 

jeder Schülerin und jedem Schüler ihr Poesiealbum der Reihe 

nach vor. Alle hatten sich vorbereitet und schrieben fleiim 

Kopf und die Pril-Blumen in der Hand, um die linke 

der beiden Seiten stilvoll zu bekleben. 

ßig ihr Sprüchlein hinein. Auch ich hatte meines 

Leider zog sie mir das Buch unter meinen zitternden 

Händen weg mit den Worten „Nee, du 

nicht!" Ich war Klassenbester, lauter Einser und 

nur eine Drei in Sport. Das reichte. Ein unbeweglicher 

Streber durfte in das Album nicht rein. Und 

dabei hatte ich nach meinem Spruch sooo lange 

gesucht: 

Rosen sind rot 

Veilchen sind blau 

Ich hab Dich gern 

Das weiß ich genau. 

Wanda wird ihr Poesiealbum sicher noch irgendwo verwahren, 

so, wie es Statistiken zufolge zwei Drittel der Deutschen (nur 

Ex-Mädchen?) tun. Telefon und Fax, Computer inklusive Internet mit all 

seinen Möglichkeiten – nichts hält dem wahren (!) Freundschaftsbuch 

stand, dessen Sinn der darin enthaltenen Weisheiten häufig erst der 

erwachsen gewordene Besitzer begreift. 

Den Vorwürfen Deiner Feinde 

kannst Du entfliehen, 

denen Deiner Freunde nicht. 


chen 

Studenten ihre Uni wechselten 

en 

und ihre Professoren und geneig- 

ten 

Kommilitonen ehrfürchtig 

um ein paar Zeilen baten. 

Romantik und Biedermeierzeit 

warteten dann mit 

filigranen Bastelarbeiten auf, was 

einem schon so langsam das Gefühl 

gibt, dass die ganze Geschichte in Frauenhände nde 

überging. Es gab nur selten das gebundene Buch, 

vielmehr war es eine lose Blattsammlung, die in 

schmuckvollen Kästen aufbewahrt wurde. 

Als die Blütezeit des Poesiealbums darf man 

das 19. Jahrhundert bezeichnen. Und all 

die Jahrzehnte h ging es um die Bewahrung der 

Tugenden („Sei wie das 

Veilchen im Moose, sittsam, 

bescheiden und rein, nicht wie 

die stolze Rose, die immer bewundert 

will sein"), die Versicherung des ewigen 

Andenkens („Rosen, Tulpen, Nelken, alle 

Blumen welken, nur die eine nicht, die 

heißt Vergissmeinnicht" – damals noch mit 

„ß"). Dagegen macht sich ein Erhardt'scher 

Nonsens-Spruch – „Das Reh springt hoch, 

das Reh springt weit, das kann es auch, es hat 

ja 

Zeit" – schon anders aus. Das hat mir mein 

Schulfreund Karsten als Lebensmotto hinterlassen, 

und noch einen druntergesetzt: „Auf einem 

Baume saß ein Specht. Der Baum war hoch, dem Specht war schlecht." 

Irgendwie waren die Mädels besser auf ein Poesiealbum eingestellt. 

Politisch ist dieses Phänomen nur in wenigen Phasen der deutschen 

Geschichte gewesen, vorrangig im Dritten Reich („Sei 

tapfer, treu und edel, mit einem 

Wort: ein deutsches Mädel." – 

okay, das waren drei Worte) sowie 

in den 80ern, wenn wir Pennäler 

zu Hause etwas über Atomkraft und 

Abrüstung aufgesaugt hatten („Willst 

Du auch Sonne statt Reagan, dann lass 

uns was bewegen!"). 

Und noch 

wichtigere Dinge waren mittlerweile 

auf dem Markt: der Tintenkiller der Firma 

Kreuzer und der später in Konkurrenz gehende 

Tintentiger von Pelikan. Fröhlich konnte korrigiert 

und rumgeschmiert werden, was dem 

Erscheinungsbild der jeweiligen Seite nicht 

immer gut bekam. 1990 trugen die Diddl-Maus 

(ursprünglich ein Känguru), der Reisehase e 

Felix sowie die 

mittlerweile boomenden 

Freundschaftsbücher – eine Art Mikrozensus für 

die 

Jüngsten – zum weitgehenden Untergang g 

des Poesiealbums bei. 

Den finalen Todesschuss versuchte das 

Internet abzufeuern. Heute posten die Kiddies ie 

lieber ein „Boah ey krass Alda", als ein „Ins Album 

schreib' ich gern hinein, denn ich will nie vergessen sein, doch 

lieber will ich im Herzen stehen, weil's Album kann verlorengehen" 

ins Büchlein zu schreiben. 

Dem Vernehmen nach holen immer mehr Nostalgiker die wertvolle 

Erinnerungskladde hervor. Also, Wanda, geh' auf den Dachboden 

und suche dein Poesiealbum! Eine Seite ist frei. Das ist unumkehrbar. 

Ich verzeihe dir. 

Dein Oliver 

Epilog: 

„Trinke Milch und esse 

Quark, dann kommst 

Du nie zu früh in' Sarg." 


MISSION: 

IMPOSSIBLE 

Von Michael Lange 

Unmöglicher Auftrag: 

Seit 46 Jahren wird ermittelt 

Wenn irgendwo in einem fiktiven Land ein Diktator diskreditiert, 

eine wertvolle Statue gestohlen oder ein verräterischer 

Spion enttarnt werden sollte, dann war das 

geheime IMF-Team unterwegs. Ganze 168 Folgen lang, 

von 1966 bis 1973, wurde die von Bruce Geller erdachte 

Serie " 

Mission: Impossible" produziert und gesendet. In 

Deutschland hieß es: " 

Kobra, übernehmen Sie!" 

Die erste „Kobra" hieß Daniel Briggs und wurde von dem 

Schauspieler Steven Hill dargestellt. Ihm offerierte eine namenlose 

Stimme über Tonband oder Schallplatte 

das Problem. Anschließend gab es den 

Hinweis, dass dieser Auftrag gefährlich und 

eigentlich unmöglich sei und dass das Team 

dabei draufgehen könnte. Und wegen der 

Unmöglichkeit der Aufgabe dürfe die eigene 

Regierung von der Aktion nichts wissen, 

weshalb Briggs und seine Kollegen quasi auf 

eigene Faust handelten. Ginge etwas schief, 

gäbe es keine Rückendeckung. Nachdem die 

Aufnahmen geendet hatten, gingen 

das Abspielgerät und auch das dazugehörige 

Fotomaterial in Rauch auf. 

In einem Appartement begann Teamchef 

Briggs, einen Plan auszuarbeiten. 

Zu seiner rekrutierten Mannschaft 

gehörten Greg Morris als der technikversierte 

Barney, Peter Lupus als wortkarger 

Willy, Martin Landau als Rollin Hand und seine Frau, Barbara Bain, als 

Cinnamon Carter. Zeitweilig kam der eine oder andere „echte" Spezialist 

wie ein Arzt oder Psychologe hinzu. 

Dann ging es zur Sache. Diese „Impossible Mission Force" (IMF) 

benutzte keine Waffen, war leise und hatte einige Werkzeuge zur 

Hand, die man nicht im Laden um die Ecke 

zu kaufen bekam. So entwickelte Barney 

eine Art Pulversauger, der auf der einen 

Seite gefährliches Rauchgift einsog und auf 

der anderen lautlos ein harmloses Pulver 

ausstieß. Die ganze Vorrichtung passte in 

die Jacke von Jim Phelps (Peter Graves), der 

ab der zweiten Staffel die Rolle des Chefs 

übernahm. 

Gaststars sorgten in den einzelnen 

Folgen für Aha-Effekte: 

Peter 

Anthony Zerbe, William Shatner, 

Graves 

Albert Paulsen und Pernell Roberts oder auch die sportliche 

Eartha Kitt halfen dem Team oder gaben den fiesen 

Gegenpart. Manchmal tauchten die Gäste im Laufe der 

Serie in verschiedenen Rollen mehrfach auf. 

In Deutschland 

kam die Serie 1969 auf die deutschen 

Mattscheiben mit den Stimmen von 

Joachim Cadenbach (Phelps), Manfred 

Schott (Barney) und Erik Schumann 

(Rollin). Mit der Zeit wurde die Serie 

mehrfach neu synchronisiert. Die Bavaria- 

Film erzeugte den deutschen Ton für 

die ARD-Erstausstrahlung. Aus irgendwelchen 

bislang nicht nachvollziehbaren 

Gründen wurde die Serie seinerzeit um circa fünf Minuten gekürzt und 

sogar ein neuer Vorspann kreiert. Nachdem die Lunte abgebrannt war, 

wurde eine rote Tafel mit dem Namen der Mitwirkenden eingeblendet, 


während es im Original noch erst die Bilder der Darsteller in den Worten 

„Mission" und „Impossible" gab. Auch das spätere Zusammenstellen 

des Teams wurde weggeschnitten. 

Mit einem Streichholz 

wurde eine Lunte angezündet, 

und damit setzte 

auch die von dem in 

Argentinien geborenen Lalo 

Schifrin komponierte, spannende 

Musik ein. Während 

die Lunte abbrannte, wurden 

in schnellem Wechsel 

Szenen aus der jeweiligen 

Folge gezeigt. Anfangs 

schrieb Schifrin den gesamten 

Score, bis später andere 

Komponisten halfen. 

In einem Interview sagte 

Schifrin einmal, dass die 

Titelmusik zu einem Kinofilm eine Art Brief ist. Die Titelmusik 

ik 

zu einer TV-Serie allerdings 

ein Telegramm. Der 

Zuschauer, der sich vielleicht 

im Zimmer nebenan 

befindet, muss sofort wissen, 

dass jetzt „Mission" 

oder „Mannix" anfängt. 

Nachdem sich Briggs – 

oder später auch Phelps 

– einen Plan erdacht 

hatte, suchte er aus 

einer Fotomappe das Team zusammen. Die 

Farbabbildungen zeigten in jedem Fall das 

Stammteam. Die eventuellen Helfer waren 

auf Schwarzweiß-Fotos zu sehen. Ab der dritten 

Staffel entfiel das ständige Aussuchen. 

Sieben Staffeln 

lang wurde das 

Team 

gefordert. 

Ab der zweiten 

Staffel übernahm 

Peter Graves den 

Part von Steven 

Hill. Nach der dritten t Staffel stiegen Martin 

Landau und seine Frau Barbara Bain aus der 

Serie aus, und Leonard Nimoy als Paris kam 

neu hinzu. In Staffel 5 stiegen Lesley Ann 

Warren und Sam Elliott mit ein. In Staffel 

6 gingen Nimoy, Warren und Elliott wieder. Dafür kam Lynda Day 

George für die Rolle der Casey. In der letzten Staffel übernahm Barbara 

Anderson die Rolle als Mimi Davis. 

In den späten 80ern Jahren wurde die Serie neu erfunden. Statt des 

Tonbandes kam nun ein CD-Spieler daher, der den Vorteil hatte, nach 

Eingabe einer speziellen Zahlenkombination die CD freizugeben, auf 

der die Widersacher in Bewegung zu sehen waren. Der sichtlich gealterte 

Jim Phelps wurde für die Neuauflage reanimiert. Sein neues Team 

setzte sich diesmal aus Phil Morris als Elektronikgenie und Barneys 

Sohn Grant Collier, Thaao Penghlis, als Nicholas Black, Tony Hamilton 

als Haudrauf Max Harte und als weiblicher Hingucker Terry Maxwell als 

Casey Randall zusammen. 

Noch immer waren die Fälle unlösbar, und noch immer wollte 

der Minister nichts von diesen Aufträgen erfahren, und noch immer 

war die Musik spannend, wenn auch von John E. Davis komponiert. 

Das neue IMF-Team: v.l.: Thaao Phenglis, 

Phil Morris, Peter Graves, Tony Hamilton, und Terry Maxwell 

Steven Hill als Dan Briggs 


Davis übernahm die Titelmusik und motzte sie gewaltig auf. Da das 

Team feststand, entfiel das Aussuchen, und der Fall konnte nach 

dem Briefing gleich beginnen. 

Allerdings waren der 

Neuauflage nur ganze 

zwei Staffeln gegönnt. 

Bereits nach der ersten 

stieg Terry Maxwell aus, 

und Jane Badler kam als 

Shannon Reed hinzu. Nach 

35 Folgen war dann endgültig 

Schluss. Die Filme 

wurden aus Kostengründen 

in Australien gedreht, nicht 

weiter schlimm, bis auf die 

teilweise sichtbar schlechten 

Spezialeffekte. 

Auch in Deutschland 

wurde die Neuauflage 

gesendet, wieder mit einem 

neuen Vorspann, hier hieß sie „Unmöglicher Auftrag" und wieder um 

einige Szenen gekürzt. Wie auch schon während der Ur-Serie wurden 

hier nicht alle Folgen ausgestrahlt. Episoden, die an die dunkle braune 

Vergangenheit Deutschlands erinnerten, wurden von der ARD nicht 

eingekauft. 

Erfreulich, wenn auch mit einem traurigen Hintergrund, war, dass Greg 

Morris' richtiger Sohn, Phil Morris, in die Fußstapfen seines Vaters trat und 

in zwei Folgen der Neuauflage neben seinem Vater spielte. Greg Morris 

verstarb später mit 61 Jahren, Peter Graves verstarb 2010. Er wurde 84. 

Mittlerweile hat es die Serie auf die große Leinwand geschafft. Brian 

de Palma wagte sich 1996 an den Stoff heran und drehte mit Tom Cruise 

als Teamchef den Film „Mission: Impossible". 

Jon Voigt übernahm die Rolle 

des Jim Phelps, und Cruise 

war Ethan Hunt. Dieser Film 

kann tatsächlich als direkter 

Nachfolger der Serie gesehen 

werden, operierte doch 

auch hier die IMF lautlos und 

unspektakulär, wenngleich de 

Palma auch die Fans gegen 

sich aufbrachte, da er ausgerechnet Jim Phelps als 

Verräter darstellte, der ein unrühmliches Ende fand. 

Die folgenden drei Kinofilme waren alles andere 

als Nachfolger. Nichts war mehr lautlos, es gab nur noch Explosionen 

und Krach. Das war nicht mehr im Sinne des Erfinders Bruce Geller, der 

kurz vor Drehbeginn des ersten Kinofilms bei 

einem Unfall ums Leben kam. 

Seit 2007 gibt es alle Folgen der Ur-Serie 

auf DVD, mit Original vorspann und deutschem 

Ton. Leider gibt es kein Bonus-Material. 

Erst jetzt bekam der deutsche Zuschauer zu 

sehen, was ihm in 

den 60ern „dank" der 

ARD entgangen war. 

Mittlerweile gibt es die Kinofilme auf DVD 

oder als Blu-ray-Disc. Die Musik ist auf CD 

erhältlich. Der wohl berühmteste Ableger 

der Titelmelodie ist die Version von U2 zum 

ersten Kinofilm. Bis heute gibt es über 40 

verschiedene Interpretationen. Der Original- 

Soundtrack zur Neuauflage von John Davis existiert ebenfalls auf CD. 

Mit dabei sind auch einige Tracks aus der alten Serie.

Caroline 

Munro 

Sie wird als die " 

First Lady Of Fantasy" bezeichnet 

und stand mit Vincent Price, Christopher Lee, Peter 

Cushing, Roger Moore und Curd Jürgens vor der Kamera. 

Unvergessen ist ihre Rolle in " 

Sindbads gefährliche 

Abenteuer". Science-Ficon, Horror, Fantasy und Krimis 

– alles Genres, in denen sich die arakve Caroline 

Munro mühelos bewegt. Munro hat bis heute ihren 

guten Ruf gepflegt, was nicht zuletzt an ihrer unvergleichlichen 

Liebeswürdigkeit liegt: Alan Tepper im 

Gespräch mit einer charmanten und engagierten Frau ... 

Von Alan Tepper 

Du wolltest eigentlich Kunst studieren ... 

Ja, aber dann fragte mich ein Freund, ob er einige Fotos von 

mir machen könnte, die er – mit der Erlaubnis von Mama, da ich 

erst 17 war – bei dem Wettbewerb „Face Of The Year" einreichte. 

Unerwarteterweise gewann ausgerechnet mein 

Foto, was dann zu einer Modelkarriere führte. Ich 

zog nach London und arbeitete für die „Vogue" 

und ähnliche Magazine. Mein Aussehen war in 

den späten Sechzigern gefragt, was mir viele 

Aufträge aus der Werbung einbrachte. 

Mit der James-Bond-Parodie „Casino Royale" 

von 1967 kam auch die erste Filmrolle. 

Ich hatte vorher schon Statistenrollen gespielt, 

aber dieser Film war besonders wichtig für mich. 

Überall diese wunderbaren Schauspieler um mich 

herum – um dieses kleine, schüchterne Mädchen. 

Ich bat den Regisseur um Erlaubnis, beim weiteren 

Dreh zusehen zu dürfen. Ich habe keine 

reguläre Schauspielausbildung genossen, sondern 

durch das Beobachten gelernt. Und bei einem 

Film mit unter anderem Ursula Andress, Orson 

Welles, Woody Allen und Deborah Kerr kann man 

wirklich viel lernen. Später spielte ich in dem 

Western „A Talent For Loving", konzentrierte 

mich dann aber wieder auf den Modeljob. 

Eine Plakatwerbung änderte dein Leben? 

Ja, ich hatte bei Lamb’s Navy Rum einen zehnjährigen Werbevertrag 

unterschrieben. Sir James Carreras, damals der Geschäftsführer von 

Hammer Films, sah eines der Plakate und bot mir nach Probe- 

Aufnahmen direkt ein Engagement an. 

Doch davor hattest du schon einen Auftritt mit Vincent Price, dem 

Meister des Grusels, in „Das Schreckenskabinett des Dr. Phibes" ? 

Genau, aber ich durfte nicht unter meinem Namen auftreten, da ich 

schon an Hammer gebunden war. Ich spielte in dem Film die Rolle 

der toten Ehefrau Victoria Phibes, musste also gar keinen Text lernen, 

sondern unbeweglich im Sarg ruhen. Doch das 

war für mich ein großes Problem, denn ich bin 

allergisch gegen Federn und durfte nicht niesen. 

Die Mühe war es wert, denn welche Frau kann 

schon von sich behaupten, zusammen mit dem 

großen Vincent Price in einem Sarg gelegen zu 

haben? Ich spielte auch in der Fortsetzung, „Die 

Rückkehr des Dr. Phibes". Vincent war ein großartiger, 

charmanter und sehr gebildeter Mann, 

der zudem gerne kochte und die gesamte Crew 

versorgte. 

Dann hast du eine für dich wichtige Rolle 

in „Dracula A.D. 1972" gespielt, der in 

Deutschland unter dem kitschigen Titel „Dracula 

jagt Minimädchen" lief. 

Ich war unglaublich stolz bei Hammer Horror 

mitmachen zu dürfen. Es war eine einzigartige 

Firma, die weit über 100 Filme produzierte, die 

Munro zu Beginn alle eine ganz besondere Atmosphäre ausstrahlen. 

In Großbritannien ist Hammer heute noch 

der Modelkarriere 

Kult. Sie haben mit einem geringen Budget 

großartige Werke geschaffen, weil sich alle Beteiligten so viel Mühe 

gaben und viel Liebe in ihre Arbeit investierten. Das lässt sich nicht 

mit den aktuellen, einfach abgekurbelten Billigversionen vergleichen. 

Und mit Christopher Lee zu spielen – das hätte ich nicht missen wollen. 

Christopher hat eine beeindruckende Stimme, wie fast alle meiner 

Schauspielpartner, darunter Vincent oder auch Curd Jürgens als 


Stromberg in „James Bond". Bei den Aufnahmen 

fällte ich die Entscheidung, meine schauspielerischen 

Ambitionen konkreter zu verfolgen, 

was mir auch glücklicherweise in den folgenden 

Jahren gelang. 

In „Sindbads gefährliche Abenteuer" aus dem 

Jahr 1974, einem Film, der besonders in 

Deutschland sehr beliebt ist, warst du in der Rolle 

der Sklavin Margiana zu sehen. Ähnlich der 

Erstverfilmung von „Die Zeitmaschine" (1960) 

zeichnet sich der Film durch eine magische, traumähnliche 

und leicht surreale Stimmung aus. 

Da stimme ich zu, denn die Produktion wurde mit 

viel Detailverliebtheit umgesetzt, was natürlich 

durch den britischen Hang zum Orientalismus 

Du warst noch in dem Science-Fiction-Film 

„Star Crash – Sterne im Duell" mit David 

Hasselhoff zu sehen und in weiteren Horrorfilmen, 

wie zum Beispiel „Maniac", hast dann aber 

längere Engagements in den USA abgelehnt. 

Ein Fehler? 

In professioneller Hinsicht kann man das als 

Fehler bezeichnen. Allerdings bin ich ein sehr 

familiärer Mensch. Das ständige Reisen hätte 

mich zu lange von meinen Lieben getrennt, und 

so habe ich in Großbritannien TV-Shows und 

Ähnliches gemacht. 

In deinem Leben spielte die Musik immer eine 

wichtige Rolle. In den Achtzigern hast du für das 

Gary-Numan-Label die in Italien sehr erfolgreiche 

begünstigt wird. Großen Dank schulden wir alle 

Ray Harryhausen, dem unumstrittenen Meister " 

Dracula jagt Mini-Mädchen" 

der Special Effects, der seine ganz persönliche Note einbrachte. Ich 

habe ihn kürzlich noch bei seiner 93. Geburtstagsfeier getroffen. 

Ray spielt immer noch mit verrückten Ideen rum. 

Nach „Captain Kronos – Vampirjäger" mit Horst Janson hast du 

bei Hammer aufgehört. Warum? 

Man hatte mir zuvor eine Rolle in „Dr. Jekyll und Sister Hyde" angeboten 

und später in „Frankensteins Höllenmonster" und dem niemals 

gedrehten „Vampirella". Allerdings sollte ich Nacktszenen spielen, 

wofür ich keinen Grund sah. Zu der Zeit erhielt ich viele Angebote 

Single " Pump Me Up" in den Abbey Road 

Studios aufgenommen. 

Nein, die haben wir bei ihm 

mitgeschnitten. Doch ich war 

schon mal in den Abbey Road 

Studios, und zwar 1966. Mein 

Dad kannte einen Boss von 

der Decca, und der vermittel- 

te mich zur Aufnahme einer 

Single mit Ginger Baker, Eric 

Clapton, Jack Bruce – also 

von Männermagazinen, darunter auch dem „Playboy", Nacktfotos In den Klauen von Christopher Lee Cream – und Steve Howe, der 

zu machen. Ich habe das abgelehnt, denn ein 

später bei Yes Gitarre spielte. 

kleines Geheimnis sollte immer bleiben. Erst das 

Leider gibt es davon nur eine Promo- 

Rätselhafte bringt die Spannung, und ich glaube, 

dass ich durch diese Einstellung noch immer angesehen 

bin, im Gegensatz zu Kolleginnen, die viel 

zu früh viel zu viel von sich preisgegeben haben. 

Du hattest noch mal, nach den beiden „Phibes"- 

Filmen, das Glück, mit Peter Cushing, neben 

Christoper Lee, dem wohl 

Ausgabe, die unter Sammlern sehr begehrt 

ist. Die Songs hießen "Tar And Cement" und 

"This Sporting Life". Ich bin da sehr stolz 

drauf. Mein Vater hat mich natürlich begleitet, 

und ich fragte ihn, wer denn an diesem 

Tag noch in den Studios gewesen war. Dad 

meinte, er hätte sich mit vier netten Jungen 

bekanntesten 

Hammer- 

aus dem Norden unterhalten, die gar keine 

Schauspieler, in dem 

so 

üble Musik machten. Da dämmerte es mir 

Fantasy-Streifen 

„Der 

– 

es waren die Beatles. Mein Gott, was hätte 

sechste Kontinent" zu 

Roger Moore mit zwei! Bondgirls 

ich für ein Autogramm von meinen Idolen 

arbeiten. Dann kam 

gegeben! Ich war dann eine kurze Zeit mit 

„James Bond 007 – Der Spion, der mich 

liebte" mit Roger Moore ... 

Ja, Roger – immer ein ungezogener Junge, 

der während der Drehpausen allen Mädchen 

ungezogene Streiche spielte. Ich trat in der 

Rolle der Naomi, seiner Kontrahentin, auf, 

die von ihm getötet wird. Da fällt mir 

eine Anekdote ein. Ich habe den Film 

mit einer meiner Töchter gesehen 

– ich weiß nicht mehr, ob es 

Georgina oder Iona gewesen ist. 

Sie war gerade erst fünf. Wir 

saßen zusammen auf dem Sofa 

und sahen, wie Bond eine 

Rakete zündete und mich 

im Hubschrauber abschoss. 

Mein Gott, sie begann loszuheulen, 

da sie meinte, ich 

wäre 

wirklich tot. Ich muss- 

te sie erst mal drücken 

und sagte: „Hey Kleines, 

keine Angst, Mama ist 

doch hier." Nach einigen 

Minuten verstand sie es 

Colin Blunstone von den Zombies zusammen. Ein wirklich süßer Junge. 

Nach der Trennung hat er mir auf seinem 71er-Album ONE YEAR den 

Song "Caroline Goodbye" gewidmet. In den Achtzigern bin ich noch in 

den beiden Videoclips von Adam Ants "Goody Two Shoes" und Meat 

Loafs "If You Really Want To" aufgetreten. 

Dein Bekanntheitsgrad scheint ungebrochen zu sein. Erst kürzlich 

erschien in Deutschland der Band „Die James Bond Girls" von 

Frederic Brun, der dir einige Seiten widmete und auch in der 

englischsprachigen Ausgabe „Cinema Sex Sirens" von Lee 

Pfeiffer bist du zu finden. Was machst du heute? 

Seit einigen Jahren werde ich häufig zu Horror- und 

Fantasy-Conventions eingeladen, wo ich Interviews 

und Autogramme gebe und oft Kollegen von früher 

wiedersehe. Wie schon erwähnt, gibt es speziell 

um Hammer einen richtigen Kult. Ich reise aber 

auch in die USA, nach Italien oder Spanien, wo 

meine Person gefragt ist. Ich war sogar schon in 

Deutschland, und zwar in Bottrop. Na ja, und um 

meine Familie muss und will ich mich auch kümmern. 

Zusammen mit meiner Managerin unterstütze 

ich darüber hinaus ein Tierheim, in dem 

wir oft Versuchstiere, von der pharmazeutischen 

Industrie und ähnlich geschundene Kreaturen aufpäppeln. 

Den Erlös durch den Verkauf meiner DVD 

glücklicherweise. Seitdem 

und der Autogramme spende ich zu diesem Zweck. 

hat sie einen Satz immer 

parat: „Ich hasse James Bond!" 

Das ist zwischen uns ein richtiger 

Insiderscherz geworden. 

Alles in allem kann ich sagen, dass es das Leben mit 

mir wirklich gut gemeint hat. 

www.carolinemunro.org 

Mit den Waffen einer Frau 


Frühbucher 

haben die 

besten Karten 

Von Ul 

i Tw 

elker 

You got a reservation, Sir?" Besser wäre es. So leicht 

" 

kommt man nicht an den schwarz livrierten Security- 

Muskelmännern, den Bouncers", vorbei, die das Jazz- 

" 

Etablissement im Herzen von Londons Amüsierviertel 

Soho bewachen. Reservierung heißt, dass man 

lange vorher einen Tisch bestellt hat und essen 

möchte. Es bedeutet vor allem, dass man 

schnell reagiert, wenn man von einem Gig 

erfährt. Denn Ronnie Scott's Club ist eine der 

heißesten Adressen. 

Spielt etwa das New Yorker Vocalese-Quartett 

Manhattan Transfer nur für zwei Tage, oder kommt 

nach langer Zeit Ginger Baker mal wieder für drei 

Nächte, so können die Tische in Minuten belegt sein – per 

Telefon oder Internet. Tritt Georgie Fame eine ganze Woche 

auf, gibt es keineswegs länger Karten. 

Hier mutet nicht nur die Security dunkel an. Wird man von 

einer der eleganten Ladies zum Tisch geführt, sieht man 

sofort: alle Wände schwarz, Tischlämpchen wie zu Zeiten des 

„Blauen Engel". 

Cocktail-Preise 

können astronomisch 

sein; das 

Risotto ist okay, 

etwas übersichtlich. 

Die Musik 

dagegen ist oft 

sensationell. Damit 

diese auch ungefiltert das interessierte Publikum erreicht, bittet 

der Moderator zu Beginn: „Please keep your conversation to a minimum." 

Was Georgie Fame schon mal mit „You can talk as much as 

you like" beantwortet: „Quatscht, soviel ihr wollt!” Bald schleichen 

Serviererinnen und Chefkellner während der Performance durch die 

schmalen Nischen zwischen den Tischlein im British-Rail-Format und 

hauchen „Ssssh" – es ist diese Atmosphäre, die Ronnie Scott's Club 

unvergleichlich macht. 

Es gibt Soho-Musiklokale, die sind legendär, weil es sie nicht mehr 

gibt. Viele erinnern sich an den bluesig-rockigen Marquee Club, wo 

die Who begannen. Oder den Flamingo Club – auch schon in kult! zu 

Ronnie Scott 

Ehren gekommen 

–, in dem anfangs vor allem 

Modern-Jazz- und Bebop-Könner er 

wie die Jazz Couriers spielten, mit 

begabten Saxofonisten wie Tubby by 

Hayes und Ronnie Scott. Bald öff-fnete 

man sich dem R&B – für Alexis 

Korner's Blues Incorporated, Geno 

Washington & The Ram Jam Band, 

Chris Farlowe & The Thunderbirds, 

Zoot Money's Big Roll Band und 

natürlich Georgie Fame und seinen 

Blue Flames. 

Phil Seaman 

Foto: © Peter Schneiders 


Georgie Fame

Ronnie Scott's bleibt: Tenorsaxer 

Ronnie Scott (1927–1996) war 

der erste Brite, der durch Charlie 

Parker beeinflusst wurde. Schon 

in den 40er Jahren arbeitete Scott 

auf den Salonbühnen des Schiffes 

Queen Mary, um in den USA 

seinen geliebten Jazz aus erster 

Hand zu hören. Die Jazz-Clubs 

in Manhattans 52nd Street hatten 

es ihm dabei besonders angetan 

– unvergesslich war sein Erlebnis, 

Dizzy Gillespie mit Miles Davis spielen 

zu hören, der damals noch für 

Charlie Parker arbeitete. 

Scotts Traum war ein eigenes Etablissement. Ihm selbst wurde eine 

große Karriere jenseits des Atlantiks vorausgesagt. Neben seiner 

hervorragenden Live- und Studio-Arbeit eröffnete Scott – dank 1000 

Pfund Darlehen seines Stiefvaters – am Freitag, dem 30. Oktober 1959, 

mit dem ehemaligen Tenor-Saxofonisten Pete King seinen 

eigenen Club – Ronnie Scott's – im Keller der im 

Süden Sohos gelegenen 39 Gerrard Street: also mitten 

in Chinatown. 

Eigentlich war das Basement, als ehemaliger Taxi- 

Warteraum und Tee-Eckchen bei vielen Musikern 

wohlbekannt, zum Jammen gedacht. Erster richtiger 

Livegast des neuen Ladens war der Alt-Saxer Peter 

King, nicht verwandt oder verschwägert mit dem Club- 

Co-Manager Pete King. Von Beginn an bis heute gibt 

es eine renommierte Hausband. Anfangs garantierte 

sie, dass US-Berühmtheiten spielen konnten, die von 

der britischen Musikergewerkschaft gezwungen wurden, 

ohne Band zu reisen. Andererseits musste die berüchtigte 

American Federation Of Musicians erst mal dazu gebracht 

werden, Ami-Jazzern überhaupt Auftritte im Königreich 

zu gestatten – Pete King gelang das. 

Zur 

Hausband 

gehörte lange 

Pete King, Phil Seamen, 

Mike Senn and Pete Pitterson 

der legendäre Phil Seaman, dessen 

Fertigkeiten ihn zum wohl großartigsten 

Schlagzeuger des britischen Jazz 

machen, dessen Spektrum von Cilla 

Black bis Ginger Baker's Air Force 

reichte und 

der festes 

Mitglied von Georgie 

Fame & The Blue Flames 

war, ehe er wegen seiner 

Heroinabhängigkeit 

ausgetauscht wurde. 

Heute leitet Pianist James 

Pearson die Ronnie Scott's 

All Stars. Zoot Sims war 

der erste US-Star, der ins „Scott's" gelangte – dafür durfte das Tubby 

Hayes Quartett im New Yorker Half Note auftreten: im November 1961. 

Stan Getz, Benny Golson und Wes Montgomery gehörten zu den zahlreichen 

Legenden, die ihm folgen sollten. 

Ronnie Scott 

Nach sechs Jahren war der 

Club so erfolgreich, dass sich 

ein Umzug in bald ebenso dunkle, 

aber größere Räumlichkeiten 

der 47 Frith Street lohnte aber 

nicht rechnete. Ronnie Scott lieh 

sich von Konzertpromoter Harold 

Davison 35.000 Pfund (ergaben 

damals in deutschem Geld fast 

eine halbe Million). Statt ordentlich 

Kasse zu machen, ließ man 

den Pachtvertrag des alten Clubs 

zwei Jahre auslaufen, um jungen 

Talenten dort eine Chance zu 

geben – musikalischer Gewinn bei 

finanziellem Verlust. Georgie Fame's Blue Flames gehören gleichzeitig 

zu jenen, die damals bis heute in dem Club auftreten und während der 

80er und 90er Jahre locker drei Wochen Konzerte hintereinander ausverkauften 

– schwarze Zahlen, die immer dringend gebraucht wurden. 

Ronnie Scott selbst war berühmt-berüchtigt als 

Conférencier und Erzähler dubiosester Witze. Er 

behielt aber auch immer flinke Hände und leistungsfähige 

Lungenflügel in der Musik. So spielte er etwa bei den 

Beatles-Sessions von "Lady Madonna" 1968 das Saxofon, 

war jedoch entsetzt, wie wenig von seinem intensiv 

ausgespielten Solo auf die Single geriet. Im gleichen 

Jahr wurde ein Gebäude dazugekauft, es gab nun einen 

Talentschuppen im ersten Stock und unten Sitzplätze für 

250 Fans. Dazu errichtete man eine Bar – eine weitere 

findet sich heute Upstairs At Ronnie's. 

Das Erlebnis ließ Scott dennoch den Club für die 

Rockmusik öffnen: The Who führten im Frühjahr 1969 

im 

„Scott’s" ihre TOMMY-Oper ein. Auch die Supergroup 

von Steve Marriott und Peter Frampton, Humble Pie, 

debütierte hier im August des gleichen Jahres – ihre 

inspirierte Ausarbeitung von Dr. Johns "Walk On Gilded 

Splinters" sollte sich eines Jazz-Clubs würdig erweisen, 

war sie doch vom Anspruch her meilenweit vom gerade 

chartenden "Natural Born Boogie" entfernt. Wie weit 

man das Attribut Jazz ziehen kann, beweist auch, dass Elkie Brooks, Eric 

Burdon oder Peter Green's 

Zoot Money 

Splinter Group eine Chance 

im Ronnie Scott’s Club bekamen 

– Green immerhin näher 

an seiner Top-Form der 

Brit-Blues-Sixties als in den 

letzten Jahren. 

1 

981 bekam Ronnie Scott 

den OBE-Orden von 

Queen Elizabeth für seine 

„Services To Jazz", 15 

Jahre vor seinem Ende mit 69. Nach Thrombose, Beinoperationen und 

für ihn als Saxer unerlässlichen Zahnimplantaten, für die er Brandy 

mit „Painkillern" (Schmerzmittel) kombinierte. Tödlich! Pete King 

führte den Laden für weitere neun Jahre, ehe er 2005 an die Theater- 

Managerin Sally Green verkaufte, die bereits als Kind von ihrem Vater 

in den Club eingeführt worden war. Geleitet wird der Club heute von Leo 

Green, einem weiteren Saxer (Jerry Lee Lewis, Van Morrison, Bob Dylan). 

Wollt ihr Billy Cobham? Terry Reid? Van Morrison? Früh buchen! 

Viele Soho-Besucher möchten sich lieber nicht ablichten lassen, 

daher die leeren Stühle. Oder war es ein Free-Jazz-Ausrutscher? 

GoodTimes 2/2013 ■ Seite So 97 hell ist es im Ronnie Scott's sonst nie! 

© Pressefotos

Alfred Biolek 


Heute würde ich nicht 

" 

zum Fernsehen gehen" 

Auf dem Bildschirm war er in seiner Art einzigartig und machte nach eigenen Worten " 

Unterhaltung 

mit Haltung": Alfred Biolek. " 

Bios Bahnhof", " 

Boulevard Bio" und " 

Alfredissimo" waren Höhepunkte 

deutscher Fernsehunterhaltung. Auf dem Zenit seiner Karriere verabschiedete sich der promovierte 

Jurist von seinen Zuschauern und talkt heute nur noch auf kleinen Theaterbühnen mit seinen 

Gästen. Kürzlich zog er wieder von Berlin in " 

seine" Stadt Köln. 

Du bist nach Köln zurückgekehrt. Bist du jetzt sozusagen wieder zu Hause? 

Ja, das kann man sagen. Köln war schon eine sehr wichtige Station 

für mich, weil ich hier alle meine großen Sendungen gemacht habe. 

Und den Anfang machte ich hier im Senftöpfchen, wo ich die erste 

Talkshow ohne Fernsehen gemacht habe, die dann zum „Kölner Treff" 

geführt hat. 

Kürzlich hattest du einen bösen Unfall. Was ist passiert? 

Ich war bei einem Bekannten zum Abendessen und habe mich verabschiedet. 

Dann bin ich die Treppe runtergefallen. Statt sie runterzugehen, 

bin ich drei Stockwerke hinuntergestürzt. Da habe ich mir die 

Schulter gebrochen und war dann insgesamt sehr reduziert. Ich musste 

in die Reha-Klinik. Aber es ist alles vorbei, alles wunderbar. 

Du machst auch wieder eine Talkshow? 

Ich mach’ zwei, eine in Bonn und eine in Düsseldorf. 

Wer sind deine Gäste? 

Ganz unterschiedlich. In Bonn war es der frühere WDR-Intendant 

Friedrich Nowottny zusammen mit zwei anderen politischen 

Journalisten. Aber es waren auch Schauspieler da, zum Beispiel welche 

aus der „Lindenstraße". Auch Heino mit seiner Frau hatte ich eingeladen. 

Also sehr unterschiedlich. Es hat immer etwas mit der Stadt zu 

tun, wenigstens im weitesten Sinne. 

Apropos Gäste. Du hast in all den Jahren viele Menschen kennen gelernt. Welche Persönlichkeiten, 

denen du begegnet bist, haben dich am meisten beeindruckt? 

Ich kann die Frage so nicht beantworten. Schau, wenn ich den Dalai 

Lama, Herrn Putin oder Herrn Kohl gehabt habe, dann war das sehr 

eindrucksvoll. Aber schon in der nächsten Woche hatte ich ein junges 

Mädchen, das mir von seiner furchtbaren Krankheit erzählt hat, wie sie 

damit umgeht und damit lebt. Das hat mich genauso mitgenommen 

oder beeindruckt wie ein Sammy Davis Jr. oder ein Bundeskanzler 

Schröder. Also ich kann nicht sagen, wer der Eindruckvollste war. 

Bei mir war das immer eine totale Mischung, das war ja auch das 

Besondere an meinen Sendungen. Hochkarätige Prominente gab es 

ebenso wie völlig Unbekannte. 

Du hast nicht nur Stars getroffen, sondern auch welche entdeckt ... 

Ja. Anke Engelke zum Beispiel, aber viele 

andere auch. Aber das sollen die selber erzählen, 

wenn sie es ebenso sehen wie ich. 

Du hast von dir gesagt: Ich habe Unterhaltung mit Haltung 

" 

gemacht." 

Genau. Das vermisst man heute etwas im 

deutschen Fernsehen. 

Würdest du heute gerne noch einmal auf dieser Bühne, dem 

deutschen Fernsehen, mitspielen? 

Eher nein. Unter den Umständen, 

wie heute Fernsehen gemacht 

wird, würde ich nicht mitspielen. 

Ich kann mir kaum vorstellen, 

dass ich heute, auch wenn ich 

jung wäre, zum Fernsehen wollte. 

Die Quote war zu unserer Zeit 

völlig unwichtig. Man war offen, 

man war frisch und frei. Wenn ich 

mir nur vorstelle, wen ich in „Bios Bahnhof" alles eingeladen habe ... 

ganz wenige deutsche populäre Schlagersänger. Gut, Udo Jürgens und 

Udo Lindenberg waren da, aber ansonsten internationale Stars aus allen 

Ländern. Das wäre in dieser Form heute kaum mehr möglich. 

Ein Satz von dir ist mir besonders aufgefallen: Man braucht im Leben die nötige Balance zwischen 

" 

Disziplin und Genuss." 

Ja, das ist sozusagen eines der Hauptthemen meines Leben. Ich habe 

immer versucht, Disziplin und Genuss zu mischen. Nicht zu viel Genuss, 

aber auch nicht zu viel Disziplin, beides zu viel ist nicht gut. Die Balance 

macht’s, das Gleichgewicht. Das gesunde Mittelmaß hält einen gesund. 

Stichwort Genuss – kochst du noch gerne? 

Jaaa!!! 

Du bist ja auch bekannt für deine Einladungen, du hast gerne für Freunde gekocht. Hast du das 

beibehalten? 

Nein, nur noch in kleinem Rahmen. Das war auch einer der Gründe, 

warum ich von Berlin wieder nach Köln gezogen bin. Das wurde mir 

alles zu viel. Ich habe in Berlin zu viele große Einladungen gehabt. 

Das wollte ich nicht mehr weitermachen. Dazu habe ich mich einfach 

zu schwach gefühlt. In knapp zwei Jahren werde ich 80. Da will man 

nicht mehr für 40 oder 50 Leute kochen. Ich hab’ für die Berliner 

Filmfestspiele gekocht, für 70 Leute ... für die aus Hollywood, auch 

der Kanzler war da, und ich weiß nicht mehr, wer alles ... Das ist aber 

jetzt vorbei. 

Noch ein wichtiger Begriff in deinem Leben ist das Wort Humor. Du hast einmal gesagt, Humor ist 

eine Lebenseinstellung. 

Na ja, man soll nicht alles so todernst sehen, man soll auch die heitere 

Seite suchen. Alles, was im Leben passiert, hat 

irgendwo ’ne Mischung. Oft lässt man das Heitere 

weg und konzentriert sich auf das Ernste. Ich habe 

immer versucht, auch das Heitere zu sehen und 

hervorzuheben. Dann wird alles ein bisschen leichter 

und lustiger. 

Worüber kannst du lachen? 

Über gute jüdische Witze. 

Das ist jetzt aber kein Witz, wenn ich sage, dass du kein Handy hast. 

Nein. Das heißt, ich habe eines, das ich aber nie 

benutze. e. Ganz selten, wenn ich mal irgendwo hinreise, wo’s 

kein Telefon gibt. 

Welchen Ratschlag würdest du den heutigen Fernsehmachern mit auf den Weg 

geben? 

Dass man wissen muss, wann man aufhören sollte. Das 

war schon bei Kulenkampff so. Als der mit seiner großen 

Erfolgssendung aufhörte, hat der noch drei- oder viermal 

Mist gemacht – gar nicht gut. Als ich gemerkt habe, jetzt 

bin ich alt genug, habe ich einfach aufgehört. 

Foto: © INTERFOTO / amw 


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Foto: Bildarchiv Hallhuber

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