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ennpunkt
3/2013 4,00 Euro 29. Jahrgang Magazin für Fotografie
Juli bis September 2013
Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene
Portfolio Nadine Dinter

FÜR ORIGINALE
2 brennpunkt 3/2013
„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen
Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal
zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere
mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen
oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke
mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de
P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .

Impressum:
brennpunkt
Magazin für Fotografie
Erscheint vierteljährlich,
erhältlich in Fotogalerien,
Geschäften, Buchhandlungen
und über Abonnement.
Jahresabo 13,50 Euro
Einzelpreis 4,00 Euro
Konten:
Postbank Berlin
Konto-Nr. 3751 06-104
BLZ 100 100 10
Redaktionsschluss:
jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat
Herausgeber:
edition buehrer
c/o Dietmar Bührer
Odenwaldstraße 26
12161 Berlin
Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27
e-Mail: buehrer-berlin@t-online.de
Internet: www.edition-dibue.de
Copyright bei Edition
Druck:
schöne drucksachen
Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin
Redaktion:
Dietmar Bührer V.i.S.d.P.
Michael Gebur
Klaus Rabien
Manfred Kriegelstein
Udo Rzadkowski
Hinweis:
Für unverlangt eingesandte
Manuskripte und Fotografien
wird keine Haftung übernommen.
Galerien
Ute Behrend »Conifer Club / Second Glance« ................................................... 5
CAMERA WORK rocks ...................................................................................... 6
Lutz Matschke »Schaufenster Berlin« ................................................................. 8
AnnA J. Franken »Versunken« ............................................................................. 9
Janos Frecot »Die Jahre mit der Kamera« ........................................................... 10
Arnd Weider »Foucault´sche Interieurs« ............................................................. 12
Marek Požniak »Berlin-London-New York« ....................................................... 14
Christian Reister »BERLIN TRILOGIE« ................................................................ 16
125 Jahre NATIONAL GEOGRAPHIC ................................................................ 19
Kristin Maria Hachenberg »WASSER - SPIEGEL« ................................................. 20
Lutz Müller-Bohlen »Faces of Rock« ................................................................... 21
Frank Machalowski / Thomas Graichen »laut & leise« ......................................... 22
Schidlowski, Sperling, Sundheim, Tschirner, Warmuth ........................................ 23
Efraim Habermann »Berlin und auch Wilmersdorf« ............................................. 24
Shooting Kitty – neun Fotografen, ein Model ...................................................... 26
Ingo Porschien »Someone’s going to win the Lottery. Just not you.« .................. 28
Calin Kruse »Raunen« ........................................................................................ 29
Klassenausstellung »9Blickwinkel« ...................................................................... 30
Harakiri / alles wird gut ...................................................................................... 32
Dietmar Bührer »Grauzone Knast« ..................................................................... 33
Bastienne Schmidt »Rituale« ............................................................................... 34
Sameer Makarius »Buenos Aires in the Sixties« ................................................... 36
The Flood Wall II – Projektion und Ausstellung um das Fotobuch ....................... 37
Karin Idelson & Anke Schüttler »Privado« / »Book of Life« .................................. 38
Galeriebesprechungen
Mixed Pixels (Klaus Rabien) ............................................................................... 39
Ausstellungen in Berlin ............................................................................................ 43
Ausstellungen
Justine Wodtke »Jenseits der Schärfe« ................................................................. 44
Ursula Kelm »weit draußen und tief drinnen« ...................................................... 45
Weege »The Famous« ........................................................................................ 46
Ono Ludwig »Ikonen und Helden Werkschau« .................................................. 48
about – 16 fotografische Positionen ..................................................................... 50
Portfolio
Nadine Dinter ..................................................................................................... 52
Fotoszene
UPON PAPER ..................................................................................................... 42
Pepper & Winfried Bullinger ............................................................................... 62
Efraim Haberman »zum 80.« ............................................................................... 64
brennpunkt AWARD 2013 .................................................................................. 66
Michael Gebur, Ulrich Meyer »Leben am Mekong« ............................................ 67
Dietrich Oltmanns »Arche bauen ...« .................................................................. 67
Edition Carpentier ............................................................................................... 67
Kann man einem Bild trauen? (Manfred Kriegelstein) .......................................... 68
Andy Warhol & Weegee, o.J. © Weegee/
Institut für Kulturaustausch, Tübingen 2013
Buchbesprechungen
Harald Hauswald »Ferner Osten« ...................................................................... 58
Der große Fotokurs ............................................................................................ 69
Fotografie als Meditation ................................................................................... 69
Naturfotografie – die große Fotoschule ............................................................... 69
Vorschau 4-2013 ..................................................................................................... 70
brennpunkt 3/2013
3

Galerien
Ute Behrend
»Conifer Club /
Second Glance«
Ute Behrend arbeitet mit Bildpaaren,
die sich wie in ihren in der Alfred Ehrhardt
Stiftung gezeigten Serien »Second
Glance« und »Conifer Club« zu Bilderzählungen
zusammenfügen. Ihre
Zusammenstellungen schaffen Assoziationsräume,
die über das Einzelbild
hinaus weisen. Dabei berücksichtigt
die Künstlerin, dass das visuelle Assoziationsvermögen
dem Sprachsystem
voraus geht. Anders als die Sprache
oder die Schrift greift die Fotografie als
sehr direktes Mitteilungsmedium offensiv
in die Vorstellungswelt ein. Die poetische
Kraft ihrer Bilder beruht darauf,
dass sie Gefühle von Berührtsein oder
Unbehagen auslösen, die sich nicht
erklären lassen. Für Ute Behrend sind
»Intuition und die Suche nach Klarheit«
die wichtigsten Parameter ihres künstlerischen
Schaffens.
Ute Behrend, 2011,
47,7 x 60 cm, Fine Art Print, © Ute Behrend, (Original in Farbe)
In der eigens für die Alfred Ehrhardt Stiftung
konzipierten Serie »Conifer Club«
untersucht die Künstlerin ein gesellschaftliches
Phänomen und seine Institutionalisierung:
dass Koniferen als
Platzhalter und Projektionsflächen für
private oder öffentliche Inszenierungen
ihrer Freiheit beraubt und »verschönert«
werden. Die gestutzten Bäume
und Hecken bezeugen auch »das vorprogrammierte
Scheitern der rührenden
Bemühung, dem eigenen Dasein vielleicht
doch so etwas wie Größe zu verleihen«
(Ute Behrend). Koniferen sind
oft in bestimmten Dörfern und Stadtvierteln
anzutreffen, wo sie von einem
erkennbaren Willen zur Gestaltung
zeugen. Die Sehnsucht des Hausbesitzers
nach einer leicht zu reinigenden
Außenanlage führt manchmal zu Tristesse.
Koniferen erscheinen als ideales
Mittel, dem abzuhelfen. Außerdem
bieten sie Sichtschutz, garantieren Privatheit
und kommen dem Bedürfnis
nach Sicherheit entgegen. Für die Fotografin
war es daher nicht immer einfach,
diese Serie zu fotografieren. Sie wurde
Ute Behrend, 2011, 47,7 x 60 cm, Fine Art
Print, © Ute Behrend,
(Original in Farbe)
misstrauisch beäugt, zur Rede gestellt,
ihre Autonummer wurde notiert, sie
wurde beschimpft und zu guter Letzt
- Ironie der Sache - hat man sie auch
fotografiert. »Bleibt die Frage nach
der Pflanze: Mögen unsere schönen
Brüder und Schwestern dies, was man
mit ihnen tut? Schwer zu sagen, aber
eines ist sicher, sie wehren sich gegen
die Form. Sie sind nur an Licht interessiert
und dahin geht ihr tägliches Streben.
Zur wahren Größe eben«.
Ute Behrend
Eröffnung:
Freitag, 5. Juli 2013 um 19 Uhr
in Anwesenheit der Künstlerin
Ute Behrend, 2012,
47,7 x 60 cm, Fine Art Print, © Ute Behrend,
(Original in Farbe)
6. Juli bis 22. September 2013
Alfred Ehrhardt Stiftung
Auguststraße 75
10117 Berlin-Mitte
Di – So 11 – 18 Uhr
Do 11 – 21 Uhr
www.alfred-ehrhardt-stiftung.de
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5

Galerien
CAMERA WORK
rocks
© Ellen von Unwerth, Rihanna, 2009
Die eigenkuratierte Ausstellung zeigt
mit über 100 Photoarbeiten der bekanntesten
Künstler der Welt eine Auswahl
an herausragenden Porträts der einflussreichsten
Musiker der vergangenen Jahrzehnte.
Zwischen Selbstverwirklichung und
Selbstinszenierung Bedeutsame Porträtphotographien
können ein Leben
erzählen, das Persönlichkeitsbild und
die Reputation in der Öffentlichkeit
prägen, ein Image kreieren oder manifestieren
und sich letztlich im kollektiven
Bewusstsein verankern. Ein visuelles
Bild korreliert mit dem Denkbild
des Rezipienten und vervollständigt den
Blick auf und die Meinung über die Persönlichkeit.
Die Darstellung eines Musikers
in der Photographie ist differenziert
zu betrachten: Paparazzi-Aufnahmen,
Dokumentar- oder On- Stage-Photographien
besitzen sowohl einen individuellen
ästhetischen als auch inhaltlichen
Charakter und dienen jeweils
anderen Verwendungszwecken. Alleinig
der Photokunst bleibt es aber vorbehalten,
eine Symbiose zwischen
dem Photographen und dem Porträtierten
entstehen zu lassen und das Bestreben
beider nach künstlerischer Selbstverwirklichung
umzusetzen. Nur dieses
gemeinsame »Spiel« der Protagonisten
lässt künstlerische Arbeiten entstehen,
die sich durch eine herausragende Bildsprache,
eine besondere Ausdruckskraft
und Wirkung sowie einen teilweise inszenierenden,
narrativen und stets faszinierenden
Inhalt auszeichnen – und
»CAMERA WORK rocks« gibt Einblick in
diese Sphäre. Photographen wie Richard
Avedon, Anton Corbijn, Annie Leibovitz,
Gered Mankowitz oder Albert Watson
haben viele der berühmtesten Musiker
und Bands aus der Geschichte des
Rock und Pop zu Symbolen eines Lifestyles
geformt und mit ihnen gemeinsam
einen bedeutenden Teil zur Prägung der
Photokunst beigetragen.
Queens, Bad Boys und Chamäleons
Dementsprechend nicht als Chronik
der Musikgeschichte, sondern als
exklusive Auswahl herausragender Porträts
der Photokunst aus über fünf Jahrzehnten
zeigt »CAMERA WORK rocks«
insgesamt über 100 Arbeiten mit mehr
als 30 Musikern und Bands, photographiert
von über 20 der berühmtesten
Photokünstler. Unter den ausgestellten
Arbeiten befinden sich u.a. die legendäre
Beatles-Serie von Richard Avedon,
berühmte Porträts von Johnny Cash oder
Tom Waits von Anton Corbijn, eines
der bekanntesten Jimi-Hendrix-Porträts
aller Zeiten von Gered Mankowitz
oder eine moderne Photomontage im
Panoramaformat von Kanye West des
Künstlers Ralph Mecke. Auch Meister
der Selbstinszenierung und Enfant Terribles
wie die Rolling Stones – photographiert
von Sante D’Orazio, Peter Lindbergh
oder Terry O’Neill – und Iggy Pop
sind Teil der Ausstellung, die auch zahlreiche
weltbekannte Photographien von
David Bowie präsentiert. Brian Duffys
großformatiges Porträt von Bowie, welches
1973 für sein Album »Aladdin
Sane« gemacht wurde oder Albert Watsons
surreal anmutendes Bild des Sängers
offenbaren die Wandelbarkeit und
6 brennpunkt 3/2013

Galerien
© Anton Corbijn, Patti Shmith
© Olaf Heine, Snoop Dog, Los Angeles, 2004
© Herb Ritts, Elton John, WITH TOP HAT, Los Angeles, 1989
das verinnerlichte Kunstverständnis des
»Chamäleon des Pop«. Zwischen fantasievoller
Eigendarstellung und selbst
kreierter Kunstfigur bewegen sich nicht
nur die Porträts von David Bowie. Auch
Lady Gaga oder Boy George entfalten
vollends ihr Dasein als extravagante
Schöpfungen in den Werken Ellen
von Unwerth oder Michel Comte und
erhalten ihre gerahmte Würdigung bei
»CAMERA WORK rocks«.
Dabei ist es nicht immer der exzentrische
Wahnsinn und stereotypisierte
»Sex, Drugs and Rock’n’Roll«-Lebensstil,
der von Musikern nach außen
getragen werden muss. Ein provokatives
Madonna-Porträt von Herb Ritts,
ein laszives Gruppenporträt der Pussycat
Dolls von Martin Schoeller oder ein
pittoresker Ganzkörperakt der Sängerin
Rihanna von Russell James reihen sich
in bedächtige, melancholische und feinfühlige
Darstellungen ein. Der Rapper
Snoop Dogg in kriegerischer Pose, photographiert
von Olaf Heine, oder eine
Darstellung von Sting mit der bekannt
sinnlichen Bildästhetik von Paolo
Roversi offenbaren ruhige Stimmungen
und zeigen eine weitere Facette
der emotionalisierten Inszenierung von
Musikern in der Photokunst.
Künstler in der Ausstellung
Richard Avedon, Harry Benson, Michel
Comte, Anton Corbijn, Michelangelo
Di Battista, Sante D’Orazio, Brian
Duffy, Bob Gruen, Olaf Heine, Dominique
Issermann, Russell James, Nadav
Kander, Astrid Kirchherr, Steven Klein,
Robert Lebeck, Annie Leibovitz, Peter
Lindbergh, Gered Mankowitz, Elaine
Mayes, Ralph Mecke, Romney Müller-
Westernhagen, Eugenio Recuenco,
Terry O’Neill, Bettina Rheims, Herb
Ritts, Paolo Roversi, Jerry Schatzberg,
Martin Schoeller, Ellen von Unwerth,
Albert Watson, u.a.
bis 17. August 2013
Galerie Camera Work
Kantstraße 149
10623 Berlin-Charlottenburg
Di – Sa
11– 18 Uhr
Homepage:
www.camerawork.de
Facebook:
www.facebook.com/cameraworkberlin
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7

Galerien
Lutz Matschke
»Schaufenster Berlin«
Was ist wirklich? Was spiegelt wen?
Angezogene Puppen hinter Glas. Lutz
Matschke fotografierte in Berlin die
Resultate einer Textilindustrie, der
Modebranche, inszeniert in Schaufenstern.
Das Zur-Schau-Gestellte sucht
stetig unseren Blick. Wir stehen an der
Seite des Fotografen und blicken von
Außen. Wir behaupteten, wir wären
achtlos an den Schaufenstern vorüber
gegangen und ahnen doch, dass das nur
die halben Wahrheit ist.
Diese Fenster sind Teil einer Stadtkultur.
Sie üben ihren Einfluss aus, haben
Showcharakter, sind gegebenenfalls
Event. Hier wird nicht aufgeklärt; hier
wird geprägt. Das Geschäft ist dabei
längst gemacht.
Was wird dabei wem versprochen oder
gehen wir mit dieser Frage bereits allem
auf den Leim? Nicht zu übersehen: Individualisierungsverpflichtung
als Chimäre
eines Konsumversprechens. Die
Folie: ein temporäres Ideal. Subjektivität,
die ihre Zeit hat und auf der Haut
getragen wird. Massenkonsum als Lieferant
der Selbstinszenierung. Werbung
als Verheißung, dass dies auf diesem
Wege möglich sei (als schlössen sich
Masse, Konsum und Subjekt nicht aus).
Und schließlich: nicht selber sehen aber
gesehen werden. Fassaden scheinbarer
Bewegung. Moralischer Verschleiß.
So viel Haut – und dennoch entsteht
keine Erotik, nichts Amouröses. Es sind
Oberflächen und diese werden zu
Markte getragen; sie sind glatt, steril,
aseptisch. Hinter den Scheiben Atmosphären
von lauwarm bis kalt.
Die Fantasie der Hersteller trifft auf die
Fantasie der Werbegestalter, die nicht
zwangsläufig eine freiwillige sein muss.
Es wird nicht denunziert. Die Abhängigkeiten
sind zu klar. Meinung ist nicht
gefragt. Spannend wäre es allerdings.
Alle funktionieren – und das sieht man
- bis zum nächsten Mal.
Die Fotografien deuten an, dass diese
Räume ein Gegenüber haben; es muss
irgendwo eine Gesellschaft geben. Bestenfalls
ist sie es, die diesen Stillstand
aufhebt und die dem Schein ein Ende
macht. Uwe Warnke, Mai 2013
© Lutz Matschke, »CHANEL Berlin«, June 2011, LM 0128, (Original in Farbe)
© Lutz Matschke, »STOFFHAUS Berlin«,
Friedrichshain, March 2011, LM 0126,
(Original in Farbe)
bis 18. Juli 2013
unterwegs
Antiquariat & Galerie
Torstraße 93
10119 Berlin-Mitte
Di – Fr
Sa
15 – 19 Uhr
12 – 15 Uhr
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Galerien
AnnA J. Franken
»Versunken«
AnnA J. Franken begann während ihres
Stipendiums vom Fonds voor Podiumkunsten
für Tangogesang in Buenos Aires
(2011-2012) die Arbeit ihrer Musikerkollegen
fotografisch zu dokumentieren.
Ihr Fokus lag hierbei auf dem Einfangen
der faszinierenden Atmosphäre von
Konzerten: geprägt von den schummrig
bis grellen Lichtverhältnissen der Theater,
Bars, Spelunken und Wohnzimmer
der Tangueros, dem Lebensgefühl der
Menschen die den Tango erleben und
dieses durch individuelle Mimiken und
Gesten ausdrücken.
© AnnA J. Franken
© AnnA J. Franken, (Original in Farbe)
© AnnA J. Franken
Gesichter waren und sind der Schwerpunkt
ihres fotografischen Tuns. Die
Sängerin sucht das Gespräch mit der
Person die sie portraitiert, sei es der
Violaspieler im Café bei Probenpausen,
die Journalistikstudentin inmitten
ihrer viel zu kleinen Einzimmerwohung
oder das Liebespaar das den Moment
ihrer ersten Begegnung Revue passieren
lässt. Es entstehen intieme Momentaufnahmen
von Menschen die Geschichten
aus ihrem Leben erzählen.
© AnnA J. Franken, (Original in Farbe)
bis 6. September 2013
Caritas Galerie Berlin
Residenzstraße 90
13409 Berlin-Wedding
Mo – Do 8 – 17 Uhr
Fr 8 – 15 Uhr
und nach Vereinbarung
Telefon 030 666 331 044
www.caritas-spenden-berlin.de
www.facebook.com/caritas.
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Galerien
Janos Frecot
»Die Jahre mit der
Kamera«
© Janos Frecot, Berlin 1965/66
Manche Wunden des Krieges in Berlin
waren bereits geheilt, als Janos Frecot
zwischen 1964 und 1966 mit seiner
Kamera durch die Stadt flanierte, ganz
im Geiste Franz Hessels. Er interessierte
sich für die steinernen Brachen, für die
Denkmäler auf der leeren Bühne, die der
Bombenkrieg und die Trümmerbeseitigung
geschaffen hatten. In dieser Zeit
entwickelte Frecot einen genauen und
sachlichen Blick für die Berliner Architektur
und stadtplanerische Details. So
entstand in kürzester Zeit ein autonomes,
konzeptionelles Werk einer provisorischen
Stadtlandschaft fast ohne
Menschen. Dabei konzentrierte er sich
auf einen Teil Berlins rund um die südliche
Friedrichstadt sowie auf Hausfassaden
und Brandwände, die er mit
all ihren Zeitspuren und großflächigen
Schattenwürfen in unvergleichlichen
Grauwertabstufungen wiedergab. Eine
genaue Lokalisierung der Aufnahmestandpunkte
ist für den heutigen Bildbetrachter
schwer, mitunter unmöglich,
zumal alle Bilder der Serie pauschal
den schlichten Titel »Berlin 1965/66«
tragen.
Janos Frecot wurde im Nachkriegsberlin
geprägt, nicht nur visuell. Dem jungen
Mann, geboren 1937 in Freidorf, einem
Stadtteil des westrumänischen Timisoara,
und aufgewachsen in Erkner bei
Berlin, wurde die Handhabung einer
Kamera von seinem Vater vermittelt.
Doch bis zu den ersten relevanten Aufnahmen
war es noch ein weiter Weg.
1957, kurz nach dem Abitur, kaufte er
sich eine gebrauchte Balgenkamera und
richtete sich bald danach eine eigene
Dunkelkammer ein. Doch erst die Aufnahmen
des Bildhauersymposiums
im österreichischen St. Margarethen
von 1964 bewertet er selbst als erste
inhaltlich und künstlerisch akzeptierte
Sequenz im eigenen Werk. Sie stehen
formal den etwa gleichzeitig entstandenen
Stadtaufnahmen in Berlin nahe. Eine
Auswahl von 20 Berlin-Motiven publizierte
er bereits 1965 unter dem schlichten
Titel »Mauern« in kleiner Auflage im
Berliner Madgalinski Verlag.
Janos Frecot war in den wenigen Jahren
als Fotograf nicht am schnellen, politischen
Tagesgeschehen interessiert, sondern
an den langsamen, schleichenden
Veränderungen im Gefüge der Stadt. So
fokussierte er seinen Blick auf die häufig
ruinöse Gründerzeitarchitektur, gleichsam
auf das Skelett der kriegsversehrten
Stadt. Wir entdecken nur marginale
Hinweise auf das sich langsam normalisierende
Leben in dieser aufgeräumten
Trümmerwelt, etwa auf den Zirkus Sarrasani,
eine Tankstelle oder das winzige
Schild eines Fotoateliers, das als einziges
inmitten von Kriegsruinen zahlende
Kunden anlocken sollte. Mauern und
die Lücken zwischen den Ruinen mit
all ihren Zeitspuren blieben bei Frecot
in den meisten Fällen Hauptmotive: So
wird auch die Leere zum Motiv, vielleicht
zum Symbol für die Hoffnung
auf den visionären Architekturentwurf.
Frecot nimmt mit seiner Fotografie keine
Wertung vor, sondern zeigt schlicht den
Ist-Zustand – und legt mit seinen Bildern
der stummen, steinernen Zeugen den
Finger in die noch offene Wunde der
schwierigen, lange währenden Kriegsbewältigung.
Viele der Aufnahmen zeigen fleckige
Oberflächen der Brandwände, die auch
Zeitzeichen und Zeitschichten sind, wei-
10 brennpunkt 3/2013

Galerien
© Janos Frecot, Berlin 1965/66
terhin Risse, an manchen Stellen abgeplatzter
Putz, wodurch das Ziegelmauerwerk
sichtbar wird, oder verwitterte
Werbeschriften, mit denen für Waschmittel,
Leihhäuser und Beerdigungsinstitute
geworben wird. An manche
Hauswände haben Kinder mit Kreide
ein Fußballtor aufgezeichnet; die freie
Fläche zwischen den Häusern wird zu
einem Rückzugsort kindlichen Spiels,
es kommt zu einer Rückeroberung und
Umwidmung städtischen Raumes.
Stets ist es ein Spiel mit Oberflächen, mit
hermetischen und blickdichten Wänden
und architektonischen Außenhäuten,
die keinen Blick auf das Dahinterliegende
zulässt. Manche urbane Freifläche
verwandelt sich trotz ihrer Weite in
eine klaustrophobische Enge.
Verblüffend bleibt, dass die Berliner
Mauer, die für nahezu alle damals nach
West-Berlin reisenden Fotografen zu
einem wichtigen Bildmotiv wurde, bei
Frecot überhaupt keine Rolle spielte,
ebenso wenig die Architektur der Grenzanlagen
mit Stacheldraht und Wachtürmen.
Dabei war Frecot immer wieder
auch in der Nähe der Mauer unterwegs;
er unterschied nicht zwischen Hauptwegen
und Nebenwegen auf seinen Streifzügen
über die Insel West-Berlin. Ihm
ging es nicht um eine lückenlose und
beispielhafte Charakterisierung seines
Hauptaufnahmeortes, vielmehr um eine
teilweise kaum zu lokalisierende, aber
typische Architektur der Stadt. Auf diese
Weise verschob er traditionelle Charakteristika
der Stadtfotografie.
Seine fotografische Position bleibt ungewöhnlich
und solitär. Die legendäre
Aufnahme des einflussreichen Grenzgängers
Arno Fischer, der »Riss in der
Mauer« eines Wohnhauses in Berlin-
Wedding von 1953, steht am Anfang
dieses grundsätzlichen wie sinnbildhaften
Mauer-Themas – und wird 1965 von
Frecot mit ähnlicher Radikalität einer
Detailansicht unbewusst paraphrasiert.
Das was wir auf seinen Bildern nicht
sehen (können), ist die Begeisterung für
das Werk einiger Kollegen, stattdessen
äußerte er seine Zuneigung in Gesprächen
mit Studenten oder in Form von
Essays: Die Freude etwa mit Blick auf
manche Aufnahmen von Herbert Tobias,
mit denen dieser eine zugleich freudige
und melancholische Stimmung einfing,
die wohl nur derjenige verstehen und
erspüren konnte, der damals in ähnlichen
Verhältnissen in Berlin lebte und
auf diese Stadt schaute. Wer Frecot
bei seinen Vorträgen oder Seminaren
erlebte, kam in den Genuss eines tiefen
Verständnisses und einer grundlegenden
Kenntnis um das Medium Fotografie
– jenseits kunsthistorischer oder bildwissenschaftlicher
Terminologie.
Nach den Stationen Werkbund-Archiv
© Janos Frecot, Berlin 1965/66
und Akademie der Künste folgte 1978
eine Position, die indirekt auch die
Beschäftigung mit der eigenen Fotografie
weiterführte, die er zwölf Jahre zuvor
aufgegeben hatte: Für die Berlinische
Galerie, das Landesmuseum für Bildende
Kunst, baute er unter den Direktoren
Eberhard Roters und Jörn Merkert
eine fotografische Sammlung auf, die
nicht nur in Berlin ihresgleichen suchte
und die er bis zur Pensionierung im Jahr
2002 leitete. Die immer weiter wachsende
Sammlung wurde in zahlreichen
thematischen oder monografischen
Ausstellungen im Martin-Gropius-Bau,
dem früheren Kunstgewerbemuseum,
gezeigt – und zwar zu einem Zeitpunkt,
als es für die Fotografie in Berlin kaum
andere Ausstellungsorte gab.
So entstand ein bedeutendes Lebenswerk,
aktiv und vermittelnd, von dem
ein wichtiges Kapitel, eine in nur drei
Jahren entstandene subjektive Zeitgeschichte
Berlins in Bildern, nun endlich
wiederzuentdecken ist.
Matthias Harder
Zur Ausstellung erscheint ein Katalogbuch
im Nicolai-Verlag:
Janos Frecot
Die Jahre mit der Kamera
Fotografien aus Berlin 1964–1966
ca. 120 Seiten, ca. 75 Abbildungen im
Duotone, ca. Euro 39,95
25. August bis 29. September 2013
Kommunale Galerie
Hohenzollerndamm 176
10713 Berlin-Wilmersdorf
Di – Fr
Mi
So
10 – 17 Uhr
10 – 19 Uhr
11 – 17 Uhr
brennpunkt 3/2013
11

Galerien
Arnd Weider
»Foucault’sche
Interieurs«
Die Räume, die Arnd Weider in Berlin
und anderswo in Szene setzt, haben es
(im wahrsten Sinne des Wortes) in sich:
Denn sie tragen etwas in sich oder auf
den sie begrenzenden Wänden, etwas
Auratisches, Metaphysisches. Weider
ist mit seiner Architekturphotographie
auf der Suche nach dem Foucault’schen
Begriff der Heterotypien. Dies sind, so
der französische Philosoph Michel Foucault,
wirksame Orte, in die die Gesellschaft
hineingezeichnet ist – es seien tatsächlich
realisierte Utopien.
Und Weider wird auf dieser Suche immer
wieder fündig. Der Flughafen Tempelhof
entspricht beispielsweise diesem
Schema. Ausgestattet mit dem »Tempelhof-Schöneberger
Fotostipendium«
fotografierte er dort vor zwei Jahren
ausgiebig – und nennt die Bildserie
»Das Provisorium«. Vieles in der Berliner
Architektur (aber nicht nur hier)
gleicht einem Provisorium. »Zwischennutzung«
ist nicht nur zu einem geläufigen,
ja inflationären Begriff geworden,
faktisch ist sie eine aus der Not
geborene Tugend. Und Flughäfen sind
genuin transitorische Orte, Schleusen
zwischen den kaum fassbaren Zeitstufen
Nicht-Mehr und Noch-Nicht.
Der Tempelhofer Flughafen hat bekanntlich
eine wechselvolle Geschichte: Er
war nach seiner Eröffnung 1923 einer
der ersten großen Flughäfen in Europa,
steht aber auch für die verbrecherische
Ideologie der Nationalsozialisten sowie
später, zu Zeiten der so genannten Luftbrücke,
für die Hoffnung einer ganzen
Stadt. In mehreren Bauabschnitten,
zuletzt während des NS-Regimes, entstand
eines der größten Gebäude der
Welt. Der zivile Luftverkehr lief dort (auf
recht niedrigem Niveau) immer weiter
und wurde erst vor fünf Jahren eingestellt.
Inzwischen gastiert dort in einigen
Gebäudeteilen mal eine Modemesse,
mal eine Kunstmesse. Es gibt viele Vorschläge
für eine zukünftige Nutzung
© Arnd Weider, Flughafen Tempelhof, Eingangsbereich, aus der Serie: Das Provisorium,
Berlin 2011, (O.i.F. )
(oder Zwischennutzung), vielleicht wird
auch das Alliiertenmuseum dort eines
Tages untergebracht.
Arnd Weider sucht in den Gebäuden
und Räumen des ehemaligen Flughafens
nach Zeitspuren, die die unterschiedlichen
politischen Systeme, die
unterschiedlichen Gebäudefunktionen
und die vielen Menschen dort hinterlassen
haben. Im Idealfall existiert im
finalen Bild nicht nur das Provisorische
oder Zeitspezifische sondern auch ein
Nebeneinander der Zeiten.
Zeitspuren und Zeitschichten existieren
fast überall, in Kirchen und Bürgerhäusern,
in Sportstadien oder Arbeitsämtern.
Doch Arnd Weider spürt mit
seinem Werk besondere Orte auf, in
denen eine besondere atmosphärische
Stimmung herrscht, die er kongenial ins
Bild übersetzt. Möglicherweise würden
wir diese Stimmung, die wir in der Aufnahme
spüren können, im realen Raum
nicht empfinden. In diesem Fall wäre
Weiders photographischer Blick mehr
als eine Übersetzung, vielmehr eine
Stilisierung oder Inszenierung.
12 brennpunkt 3/2013

Galerien
Mal besticht in seinen Aufnahmen die
kühle Funktionalität in Axel Schultes
Krematorium, mal die klinische Reinheit
im Krankenhaus Moabit – Räume
mit zartem Lichteinfall oder überstrahlten
Fenstern. Dann wiederum begegnet
uns das noch heute erhaltene propagandistische
Menschenbild in Form
eines Flachreliefs im Berliner Olympiapark
und schließlich immer wieder auch
pure, schlichte Räume, nach mehreren
Renovierungsschritten zeitlos, ohne
Verortung. Der leere, schmucklose
Raum ist dann nurmehr bloße Hülle.
Der Flughafen Tempelhof wird von
Weider hingegen in überraschenden,
unterschiedlichen Blickwinkeln porträtiert:
Dem Photo der Glasfassade im
Eingangsbereich sieht man keineswegs
die enorme Größe der dahinter liegenden
repräsentativen Halle an und in den
technischen Räumen des Flugzeugbaus
entdeckt man an den Wänden zahlreiche
Schleifspuren oder Staubablagerungen.
Dieses flächige Bild besteht eigentlich
nur aus der rückliegenden Wand,
einem Stück Boden und Decke; eine
raumkonstituierende Ecke existiert hier
nicht. Die Funktionalität des Stahlträgers,
jenseits seiner statischen Bedeutung,
erschließt sich uns nicht mehr, und
das angeschnittene Verkehrsschild am
rechten Bildrand lässt den Ort weder
eindeutig als Außen- oder Innenraum
erscheinen. Weider zwingt uns grundsätzlich
zum genauen Hinschauen und
Nachdenken.
Die völlige Aufhebung früherer Funktionen
fällt schließlich auch beim Bild des
ehemaligen Flughafenhotels ins Auge:
Weider wählt ein einfaches Zimmer und
blickt dort in eine Raumecke mit halbzugezogenem
Fenster. So entsteht auch
hier unweigerlich ein Dualismus zwischen
Innen und Außen, selbst wenn
die freiliegende Fensterhälfte hell überstrahlt
und insofern blind bleibt. Die früheren
Nutzer des Hotelzimmers sind
kaum mehr zu imaginieren. Alle diese
Orte sind aufgegeben, verblasst, vergessen
und haben höchstens in einer radikalen
Umnutzung eine Zukunft. Durch
das Bild wird der Ort dem Vergessen
entrissen, jedoch nur exemplarisch und
nur für einen kurzen Moment.
© Arnd Weider, Flughafenhotel, aus der Serie:
Das Provisorium, Berlin 2011, (O.i.F.)
Der Photograph arbeitet in Serien, und
er arbeitet mit seinen Mittel- und Großformatkameras
formal und inhaltlich auf
sehr hohem Niveau. Es sind auch soziologische
Studien, kritische Bestandsaufnahmen,
die wie jede Photographie
zugegebenermaßen subjektiv bleiben.
Weider untersucht unsere Lebensräume
inklusive ihrer Effizienzkriterien,
dies wird besonders deutlich in der
Sequenz mit dem Titel »Aisthesis«, entstanden
über einen Zeitraum von sechs
Jahren, zwischen 2005 und 2011. Er
zeigt dort Außenräume und Naturelemente,
etwa blickdichte Hausfassaden
und einzeln stehende Bäume. Auch hier
fehlt der Mensch, der die Architektur
gebaut und die Natur domestiziert hat:
Es sind Abwesenheitsnotizen, gemeinhin
Stellvertreter.
Mitunter überrascht, ja verstört die radikale
Leere und Stille der menschenleeren
Räume. Photographieren ist für ihn
ein kontemplativer Moment, ein Verschmelzen
äußerer und innerer Wahrnehmung;
insofern spiegeln seine Aufnahmen
auch eine innere Weltsicht
wieder – und entsprechen vielleicht
einer Art Selbstportrait.
Mit bewusst gewählten Kameraperspektiven
und im Wechselspiel zwischen
Dokumentation und Inszenierung kreiert
Weider diese Räume erst für unsere
Rezeption. Insbesondere mit der Aisthesis-Bildserie
thematisiert er Wahrnehmung,
eine Verbindung sinnlichen und
kognitiven Erfassens. Vor seiner Photographieausbildung
unter anderem an
der Ostkreuzschule studierte er unter
anderem Philosophie – und inzwischen
verbindet er konsequent und intelligent
diese unterschiedlichen Interessensgebiete.
Dem eigentlichen photographischen
Werk vorgeschaltet ist die Suche nach
einem geeigneten Ort sowie die Recherche
und Analyse dieses Ortes als Untersuchungsgegenstand.
Die jüngste Bildserie
entstand in Prora unter dem Titel
»Schichtungen« – noch ein Relikt aus
der NS-Zeit mit ihrer damaligen architektonischen
Großmannssucht. Heute
gleicht dieses völlig überdimensionierte
Ferienlager an der Ostsee, dessen Bau
zu Kriegsbeginn gestoppt und dennoch
später unterschiedlich genutzt wurde,
einer Märchenlandschaft, wie Weider
es nennt. Es sind Häuser, die langsam
zerfallen, eingebettet in einen geradezu
mystischen Wald. So entsteht in seinen
Aufnahmen eine unentwirrbare Melange
aus Vergangenheit und Gegenwart, aus
Wirklichkeit und Illusion, kurzum: die
Verdichtung deutscher Geschichte und
der unterschiedlichen Ideologien der
vergangenen acht Jahrzehnte.
Arnd Weider ist natürlich nicht der erste
Photograph, der sich selbst, ohne Auftrag,
solche gesellschaftlich relevanten
Themen setzt, aber er formuliert es mit
seiner Kamera autonom, ungewöhnlich
und überzeugend.
Matthias Harder
bis 26. Juli 2013
Rathaus Tempelhof
Tempelhofer Damm 165
12099 Berlin-Tempelhof
Mo – Fr
9 – 18 Uhr
brennpunkt 3/2013
13

Galerien
Marek Požniak
»Berlin – London –
New York«
Photographien
von 1985 bis 2010
Lichtstrahlen fallen durch ein Loch in
einen dunklen Kasten und erzeugen
auf der gegenüber liegenden Fläche ein
Abbild der Außenwelt. Das Prinzip der
»Camera obscura« war lange bekannt,
bevor es den Pionieren der Photographie
gelang, diese Zeichnungen des
Lichts auf Bildträgern zu fixieren. Joseph
Nicéphore Niépce hielt 1826 den Blick
aus seinem Arbeitszimmer in Le Gras
auf die umliegenden Gebäude und
die Landschaft fest. Das früheste erhaltene
Papiernegativ aus dem Jahre 1835
von Sir William Henry Fox Talbot zeigt
ein Erkerfenster in Lacock Abbey, und
Louis Jacques Mandé Daguerre gelang
schließlich 1838 eine detailreiche Photographie
vom Boulevard du Temple
in Paris. Aufgrund der langen Belichtungszeit
werden die bewegten Fußgänger
und Pferdekutschen in Daguerres
Aufnahme unsichtbar, nur zwei Personen
sind dank ihrer ruhigen Körperhaltung
sichtbar geblieben: ein Schuhputzer
und sein Kunde. Marek Požniaks
Photographien erinnern an diese Magie
der Anfänge. Wo Dauerhaftigkeit und
flüchtiger Moment zusammenkommen,
Formen sich hier verdichten und dort
im Licht vergehen, entstehen Kompositionen
von faszinierender Schönheit.
Požniak verführt uns zum Sehen. Er
zeigt was wir zu kennen glauben, Menschen
mit Rucksäcken und Sonnenbrillen,
die flanieren, zur Arbeit gehen, telefonieren
oder in den Straßencafés sitzen.
Zugleich erscheinen die Protagonisten
seiner Bilder herausgelöst aus dem Fluss
der Zeit; der Musikant auf der Brücke,
die Wartenden an den Bahnsteigen
ebenso wie die Skulptur im Park, das
abgestellte Fahrrad, die Zuckerdose auf
dem Tisch – Spuren menschlicher Präsenz,
die in Požniaks Aufnahmen wie
in unserem Gedächtnis Abdrücke hinterlassen.
© Marek Požniak, Berlin-Schöneberg
Berlin, London, New York: Tausendfach
sind uns die Ansichten dieser Metropolen
vertraut, in denen das Leben vermeintlich
nie stillsteht. Požniak durchwandert
sie mit dem Blick eines guten
Freundes, der ihre maskierten und
unmaskierten Gesichter kennt – und
beide Seiten liebt. Er folgt den alltäglichen
Wegen der Menschen, den belebten
Straßen, dem Verlauf der Stadtbahnen,
Brücken und Tunnels, den gläsernen
Gewölben der Bahnhofshallen
und Shopping Malls. Leise Melancholie
schwingt mit, wenn er unscheinbare
und doch eigenwillige Orte aufspürt,
den verlassenen Vergnügungspark,
den versteckten Winkel zwischen
Graffiti und Ziegelmauern. Der Photograph
nimmt sich Zeit, um die Motive
in seinem Inneren sichtbar werden zu
lassen, bevor er die Kamera einsetzt.
Dem Aspekt des Offensichtlichen, des
schnellen Zugriffs setzt er ein Moment
der Verzögerung entgegen, den subtilen
Einsatz der künstlerischen Mittel,
der auch den kleinen und beiläufigen
Dingen Bedeutung zugesteht. Unter
dem Deckmantel des Vertrauten führen
Marek Požniaks Bilder ein zauberisches
Eigenleben.
14 brennpunkt 3/2013

Galerien
© Marek Požniak, The Museum of Modern Art, New York
© Marek Požniak, Flatiron Building
Er arbeitet mit Unschärfen und Spiegelungen,
mit den Wirkungen des Lichts,
das Strukturen schafft und Räume öffnet,
das einerseits präzisiert und beleuchtet,
andererseits verbirgt und verwischt.
Mit Bedacht wählt er Standort und Ausrichtung
seiner Kamera, bestimmt die
Komposition durch räumliche Tiefenwirkung,
perspektivische Linienführung
oder angeschnittene Gegenstände.
Andere Motive sind in verschiedenen
Bildebenen gestaffelt, geometrisch flächenhaft
gestaltet oder ziehen an uns
vorüber, während wir aus dem Fenster
eines fahrenden Zuges schauen.
Die Wirklichkeit ist auch eine Frage
der persönlichen Wahrnehmung, und
Požniaks Photographien machen dies
deutlich. Wenn die im Schaufenster
eines Ladens ausgestellten Schuhe
scheinbar zu laufen beginnen, wenn
die Stammkneipe zu einem geheimnisvollen
Ort wird, dann spiegelt sich in
diesen Bildern das Staunen über eine
Welt, die es neu zu entdecken gilt, eine
Welt voller Codes, an denen wir uns orientieren,
ohne uns dessen bewusst zu
sein. Požniak macht diese Regeln sichtbar,
indem er sie bricht. In ungewohnter
Untersicht richtet er im New Yorker
Museum of Modern Art sein Kamera-
Auge auf Andy Warhols weltberühmte
Pop Art Sequenz der Campbell-Suppendosen.
Schon der Verlust der bekannten
plakativen Farbigkeit bewirkt Erstaunliches,
unsere Seh-Erwartungen werden
© Marek Požniak, Berlin-Kurfürstendamm
ebenso außer Kraft gesetzt wie die von
Warhol intendierte Gleichförmigkeit.
Die einfache photographische Technik,
die Ungleichmäßigkeit des Lichts
und die Schatten der vorübergehenden
Museumsbesucher verleihen dem
Kunstwerk, dem wir bereits einen festen
Platz zugewiesen haben, ein neues
Dasein in der Zeit.
Požniak nutzt abstrahierende und vereinfachende
wie verfremdende und
irritierende Elemente, um sowohl die
Realität, als auch deren Transformation
ins Bild zu setzen. All dies geschieht
in unmittelbarer Nähe zum Betrachter,
alles steht zu ihm in Beziehung, denn
letztlich ist es unsere Vorstellungskraft,
die hier auf besondere Weise aktiviert
wird. Indem er auf photographische
Urformen zurückgreift, berührt Marek
Požniak verborgene Erinnerungsbilder,
angedeutete Erzählungen, die zur individuellen
Fortsetzung freigegeben sind.
Susanne Schmid
© Marek Požniak, London
Zur Ausstellung erscheint ein
Katalog:
Marek Požniak
»Berlin - London - New York«
Photographien von 1985 - 2010
Hrsg. Johanna Breede
PHOTOKUNST
mit Textbeiträgen von Enno Kaufhold
und Susanne Schmid
Berlin 2013
bis 11. August 2013
Johanna Breede
PHOTOKUNST
Fasanenstraße 69
10719 Berlin-Charlottenburg
Di – Fr
Sa
11 – 18 Uhr
11 – 16 Uhr
brennpunkt 3/2013
15

Galerien
Christian Reister
»BERLIN TRILOGIE«
Berlin kann ganz still sein. Auch wenn
alle so tun, als befinde sich die Stadt
in einem ewigen Bedeutungsrausch aus
Kreativität, Party und Umsturz, finden
sich doch immer genug Nischen, in
denen eigentlich gar nichts wichtiges
passiert. In diesen Ecken stöbert Christian
Reister die ganz normalen Menschen
auf: Alte und Junge, Tagträumer und
Nachtschwärmer, graue Mäuschen und
affektierte Selbstdarsteller. Sie bewegen
sich am Rande des Geschehens, tun oft
nichts und verfangen sich doch immer
wieder in Situationen von wunderbar
abseitiger Skurrilität. So werden sie
auf Reisters Fotos festgehalten, die
unter ihrer oft humorvollen Oberfläche
immer auch ein wenig Melancholie
in sich tragen und einen besonderen,
subjektiven Blick auf das Leben im
heutigen Berlin werfen.
Die Ausstellung »Berlin Trilogie« in
der traditionsreichen Photogalerie im
Café Aroma vereint Fotografien der
Arbeiten ALEX (Berlin, Alexanderplatz
2008-2010), NACHT (seit 2001, work
in progress) und Straßenfotografie aus
den letzten acht Jahren.
Das Interview ist in seiner ursprünglichen
und ungekürzten Fassung im Mai
2013 auf http://blog.pepperproject.de
erschienen.
Christian Reister im Gespräch mit
Pepper.
Pepper: Du hast Dich in Deiner Arbeit
als Fotograf vor allem auf die Street
Photography konzentriert. Wie hat sich
das entwickelt?
Christian Reister: Ich kam zur Fotografie
in einer Zeit in der ich sehr stark in
meinen Brotjob als Webdesigner eingebunden
war. Ende der Neunziger war
ich Ende zwanzig und saß quasi Tag und
Nacht am Computer. Da haben sich als
© Christian Reister, Berlin 2010, (Original in Farbe)
analoge Gegenbewegung drei Dinge
in mein Leben geschlichen: die Lust an
langen Spaziergängen, vor allem auch
nachts, häufiger eine Reise in irgendeine
Stadt und die Fotografie als künstlerisches
Ausdrucksmittel. Alles drei passt
ja wunderbar zusammen. Mit der Zeit
habe ich begonnen, mich ernsthafter
mit Fotografie zu beschäftigen. Aus der
spaßigen Freizeitbeschäftigung wurde
Passion und da ich diese schon immer
hauptsächlich auf der Straße betrieben
habe, haben mich dann auch bald
die Meister dieses Genres am meisten
beeindruckt: Frank, Winogrand, Klein,
Erwitt... all diese New Yorker Fotografen.
Aber auch Martin Parr war für mich
damals eine ganz große Entdeckung.
Bis ich mich selbst an Menschen rangetraut
habe, hat es einige Zeit gedauert
und letztlich habe ich mir das auch
alles nicht überlegt sondern habe in
erster Linie immer einfach gemacht.
Irgendwann wurde der Begriff »Street
Photography« dann wieder populär und
ich dachte, super, da kannste dich einreihen,
da haste nen Label, das passt
schon irgendwie, Erklärung ende. Auch
wenn ich mich im Detail wenig für die
Definition oder Abgrenzung zu anderen
Genres interessiere und ich vieles,
was unter »Street Photography« läuft,
gähnend langweilig finde, glaube ich
doch, dass in den ungestellten, spontan
erfassten Momenten aus dem öffentlichen
Leben einen gewisse Urkraft der
Fotografie liegt, die mir so unendlich
mehr gibt und über unsere Gesellschaft
verrät, als die aufwändigsten Inszenierungen.
Einfach weil nichts planbar ist
und ich am Ende des Tages – wenn es gut
läuft – ein Bild mit nach Hause nehme,
das mir die Welt ein bisschen anders
zeigt, als ich sie bisher gesehen habe.
Pepper: Du hast in London und New
York Einheimische fotografiert, aber
eher im klassischen Portraitbereich, in
Berlin hast Du Dich intensiv mit dem
Treiben der Menschen auf dem Alexanderplatz
beschäftigt. Sind es bestimmte
Städte und dort bestimmte Orte, die
Dich vor allem anziehen, oder hast Du
Deine Kamera grundsätzlich bei Dir
und benutzt sie auch tagtäglich; ist es
also eher ein Zufall, dass durch Deine
aktuellen Publikationen und Ausstellungen
der Eindruck einer sehr gezielten
Location-Suche entsteht?
Christian Reister: Nun, es ist schon so,
dass ich die Kamera immer dabei habe
und laufend am »einsammeln« bin. Eine
gezielte Locationsuche gibt es daher
eher nicht. Die Projekte entstehen da,
wo ich eben bin. Meistens ist das Berlin.
New York und London sind Städte, die
mir von mehreren Aufenthalten und
wahrscheinlich auch von der Mentalität
her recht vertraut sind. Die Grundlagen
für die angesprochenen Arbeiten
16 brennpunkt 3/2013

Galerien
Christian Reister: Beides.
Pepper: Gibt es Situationen, Motive, in
bzw. bei denen Du eine Technik bevorzugst?
Was sind die jeweiligen Vorteile
der einen Technik gegenüber der
anderen, wenn man Street Photography
betreibt?
© Christian Reister, Berlin 2012
sind alle mehr oder weniger spontan auf
der Straße entstanden. Wobei die Straßenportraitserien
jeweils in drei Tagen
fertig waren, ALEX hat mich dann zwei
Jahre beschäftigt.
Pepper: Was hat Dich am Alexanderplatz
gereizt?
Christian Reister: Seit ich 1997 nach
Berlin gekommen bin, bin ich meist
mehrmals die Woche am Alex, meist
einfach nur um von der einen Bahn
in die andere umzusteigen, kurz eine
Erledigung zu machen oder sonst wie
durchzuhuschen. So wie es alle anderen
in aller Regel auch machen. Bemerkenswert
an diesem Platz ist ja, dass er
allgemein als ziemlich hässlich und
unwirtlich wahrgenommen wird. Städtebauliche
Maßnahmen haben zumeist
zur Folge, dass er danach noch unschöner,
grauer und grauseliger daherkommt
als vorher. Das sind so Phänomene, die
mich staunen lassen. Wie kann das
denn eigentlich sein, dass in der Mitte
von Berlin-Mitte, die gerne für das trendigste
und yuppihafteste gehalten wird,
was die Haupststadt zu bieten hat, der
größte und bekannteste Platz derart unelegant
daherkommt? Mit allerhand Festivitäten
wird immer mal wieder versucht,
ein wenig Gemütlichkeit auf den Platz
zu zaubern. Dann werden die immergleichen
Buden notdürftig dem jeweiligen
Anlass entsprechend umdekoriert –
ob Oktoberfest oder Weihnachtsmarkt
macht kaum Unterschied... Kurz: das ist
dort alles irgendwie so uncharmant mit
all seiner Antiästhetik, dass es bei mir
ein gewisses »jetzt erst recht« hervorruft.
Wer sind die Menschen da? Was
machen die da? Und siehe da – ich habe
mich dann auch immer mal wieder
dabei ertappt, wie ich dort fröhlich zur
Bulette mein Bier getrunken habe und
durchaus auch mal zu dem ein oder
anderen Schlager mitgesummt habe,
der dort über die Betonplatten weht. Na
also, geht doch.
Pepper: Mir gefällt Dein Buch mit den
Alex-Fotos ziemlich gut. Mit was für
einer Kamera hast Du hier gearbeitet?
Christian Reister: Mit einer recht unspektakulären
Kompaktknipse. Neu für mich
war damals die 24 mm Brennweite und
die Bildproportion 16:9. Beides benutze
ich sonst nicht und hat der Arbeit einen
besonderen Stempel aufgedrückt.
Pepper: Was benutzt Du denn sonst?
Also, was für Kameras.
Christian Reister: Kommt aufs Projekt
an. Meist Kameras, die in die Jackentasche
passen. 35 mm, nichts ungewöhnliches.
Pepper: Analog, digital, oder beides?
Christian Reister: Farbarbeiten digital,
die neue Serie NACHT allerdings war
von vornherein als schwarz/weiss und
grobkörnig angedacht, da arbeite ich
dann lieber mit Film als Digitalbilder
umzuwandeln. Obwohl das natürlich
auch ein völlig legitimes Mittel ist, ich
bin da kein Dogmatiker. An der Arbeit
mit Film schätze ich u. a. auch, dass
man das Ergebnis nicht immer gleich
sieht und ich lasse die Filme gerne lange
liegen, bevor sie entwickelt werden.
Das entschleunigt die Arbeitsweise und
trennt die Bilder besser vom persönlich
Erlebten zum Zeitpunkt der Aufnahme.
Pepper: Was heißt, lange liegen lassen?
Gleich mehrere Monate oder einfach
nur ein paar Tage?
Christian Reister: Ruhig ein paar
Monate.
Pepper: Wieso denkst Du, dass der
noch vorhandene Eindruck des gerade
erst Erlebten Dich in einer objektiven
Beurteilung der gemachten Aufnahmen
beeinflussen könnte? Als Seherfahrener
Mensch kannst Du doch die Spreu
vom Weizen trennen.
Christian Reister: Naja, kühne Behauptung.
Ich kenne keinen Fotografen, der
bei der Beurteilung der eigenen Arbeit
nicht seine Schwierigkeiten hat, das Bild
von der erlebten Realität zu trennen. Das
ganze Drumrum, die Geräusche, die
Gerüche, die Atmosphäre eines Ortes,
die eigene Verfassung etc. schwingen ja
aus der Erinnerung mit, wenn ich mein
eigenes Bild betrachte. Das Bild selbst
klingt und riecht aber nicht. Hat noch
nicht mal eine dritte Dimension. Das ist
einfach nur ein flaches Oberflächenabbild,
bei dem es ja auf ganz andere Kriterien
ankommt als im »richtigen« Leben.
Um das klarer sehen zu können, hilft
es mir, die Bilder zeitlich getrennt vom
Geschehen zu betrachten. Das habe ich
brennpunkt 3/2013
17

Galerien
ja aber nicht erfunden, Henry Wessel
z.b. ist ein bekannter Vertreter dieser
Methode.
Pepper: In dem bisher Gesagten
beziehst Du Dich ausschließlich auf
Amerikaner, die in der Street Photography
aktiv waren oder es im hohen Alter
eventuell noch sind. William Klein allerdings
lebt und arbeitet in Paris. Was
aber ist mit deutschen Fotografen? Da
gibt es niemanden, der Dich interessiert?
Hier gab und gibt es doch auch
Straßenfotografen - klingt merkwürdig
auf Deutsch, ich weiß - die einiges
geleistet haben. Ist es, weil die deutschen
Fotografen eher mit einem dokumentarischen
Ansatz an die Sache ran
gegangen sind, und nicht mit diesem
experimentellen Ansatz, wie er beispielsweise
von Winogrand und Klein
gepflegt wurde?
Christian Reister: Ja – das mit dem
»eher dokumentarischen Ansatz« trifft
es sicherlich. Trotzdem gibt es natürlich
auch hier viel zu entdecken. Friedrich
Seidenstücker mag ich für seinen
liebevollen Humor, Harald Hauswand
schätze ich wegen seiner authentischen
Geradlinigkeit und Gundula Schulzes
frühe Arbeiten – Berlin in einer Hundenacht
– sind großartig. Letztere würde
man gemeinhin aber nicht als Straßenfotografin
bezeichnen. Vielleicht sind die
Deutschen einfach auf anderen Bereichen
erfolgreicher. Becher, Gursky etc.
- das ist ja eine völlig andere Welt. Und
sehr deutsch.
Pepper: Meinst Du, die Deutschen sind
eher für die Verwaltung und geordnete
Archivierung von Motiven gut? Die
Bechers mit ihren Wassertürmen, Candida
Höfer, die die Pariser Oper oder
Bibliotheken dokumentiert, usw.?
Christian Reister: Deine Formulierung
ist lustig. Da grinse ich mir eins und
lasse das gerne so stehen.
Pepper: Wenn die deutsche Fotografie
in Deinen Augen ihre ganz speziellen
Eigenarten hat, wie sieht es dann
mit der Rezeption von Fotografie in
Deutschland aus. Ist diese nach Deinen
Erfahrungen auch anders als beispielsweise
in den USA, also vor allem im
© Christian Reister, Berlin-Mitte, 2011
Bereich Street Photography, um wieder
auf unser eigentliches Thema zurückzukommen?
Gibt es hier andere Interessen
seitens der Kritik, der Galerien,
der Medien etc. Was für Erfahrungen
hast Du hier?
Christian Reister: Sicher - die Fotografie
und vor allem die Straßenfotografie hat
in Amerika seit je her einen ganz anderen
Stellenwert. Die gehört da einfach
zur Kultur und war ja auch schon viel
früher eine anerkannte Kunstform.
Ich beklage das aber nicht. Es gibt in
Deutschland, besonders in Berlin, genug
Raum, das auszuleben, sowohl was das
Fotografieren angeht als auch die Ausstellungsmöglichkeiten.
Im ersten Halbjahr
2013 habe/hatte ich Ausstellungen
in Kneipen, Off-Galerien, einem Hotel,
einem italienischen Restaurant und – in
Wien – in einen »Schauraum für Mode
und Fotografie«. Das sind alles keine
subventionierten Kunstadressen und
das ist doch großartig! In gewisser Weise
hängen die Bilder dort wo sie herkommen.
Ich würde mich nicht gegen eine
Ausstellung in einem Museum wehren,
aber notwendig ist das nicht. Neue
Wege der Zurschaustellung der eigenen
Arbeit bietet das Internet und es ist
immer einfacher, selbst Künstlerbücher
zu produzieren und auch ein Publikum
dafür zu finden.
Pepper: Wie benutzt Du das Internet
um Deine Arbeit zu verbreiten?
Christian Reister: Ich habe eine Website
mit den wichtigsten Arbeiten darauf
(reister-images.de) und betreibe ich
einen Blog (blog61.com), auf dem ich
hin und wieder Fotos poste, ein bisschen
aus dem Nähkästchen plaudere
und auf Fotografen, Veröffentlichungen
oder Ausstellunge hinweise, die
ich gerade bemerkenswert finde. Nach
langer Verweigerungshaltung nutze ich
mittlerweile auch Facebook.
Und: Ich vertreibe meine Bücher über
meine Website. Ohne Verlag, ohne
Dealer, alles direkt vom Erzeuger. Dafür
gibt es ein weltweit überschaubares
aber sehr interessiertes Publikum.
bis 6. Oktober 2013
Café Aroma Photogalerie
Hochkirchstraße 8
10829 Berlin-Schöneberg
Mo – Fr 18 – 24 Uhr
Sa + So 14 – 24 Uhr
und nach Vereinbarung
18 brennpunkt 3/2013

Galerien
125 Jahre NATIONAL
GEOGRAPHIC
Der Freundeskreis Willy-Brandt-Haus
und National Geographic Deutschland
präsentieren im Berliner Willy-Brandt-
Haus eine Auswahl der faszinierendsten
Fotografien aus der 125-jährigen
Geschichte des legendären Magazins
mit dem gelben Rahmen: 55 außergewöhnliche
Bilder, die Expeditionen und
Reportagen des Magazins der National
Geographic Society von der Gründung
im Jahr 1888 bis heute widerspiegeln.
© Dieter Schonlau, Wurzel eines Urwaldbaums, Borneo, 2011, Original in Farbe
© Steve McCurry, Afghanisches Mädchen in
einem pakistanischen Flüchtlingslager, 1984,
Original in Farbe
© George Steinmetz, Karawane in der Wüste, Niger, 1999, Original in Farbe
Zu sehen ist unter anderem das wohl
bekannteste National Geographic -
Titelmotiv: das berührende Porträt
eines afghanischen Flüchtlingsmädchens,
fotografiert von Steve McCurry.
National Geographic-Fotograf Carsten
Peter entführt die Betrachter in bizarre
mexikanische Kristallhöhlen, mit Emory
Kristof geht es zum Wrack der Titanic.
Außerdem umfasst die Jubiläumsausstellung
Bilder von Jodi Cobb, David
Doubilet, Annie Griffiths, Paul Nicklen,
Joanna Pinneo, Norbert Rosing, Chris
Johns und vielen weiteren Fotografen.
National Geographic Deutschland ist
das Magazin der National Geographic
Society, einer der größten gemeinnützigen
Wissenschaftsorganisationen weltweit.
Die US-amerikanische Gesellschaft,
die 2013 ihr 125-jähriges Bestehen
feiert, hat seit ihrer Gründung mehr
als 10.000 Forschungsprojekte gefördert.
Unter dem Motto »Inspiring people
to care about the planet« berichtet das
Magazin mit dem gelben Rahmen fundiert,
authentisch und unterhaltsam
über Naturwissenschaften und Astronomie,
Geschichte und Archäologie, ferne
Länder, Klimawandel und Nachhaltigkeit.
Das Magazin erscheint seit 1999
auch in Deutschland.
Eröffnung:
11. Juli 2013, um 19:30 Uhr
12. Juli bis 14. August 2013
Freundeskreis Willy-Brandt-Haus
Willy-Brandt-Haus
Stresemannstraße 28
10963 Berlin-Kreuzberg
Di – So
12 – 18 Uhr
brennpunkt 3/2013
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Galerien
Kristin Maria
Hachenberg
»WASSER - SPIEGEL«
Fotografische Impressionen aus Berlin,
Potsdam, Mali, Taiwan und Venedig
Durch wechselnde Lichtintensität, Wind
oder Fließbewegung wird die Wasseroberfläche
zur Projektionsebene für ungewöhnliche
Bildschöpfungen.
Neue flüchtige sich ständig verändernde
Reflexionen entstehen, die durch ihre
grafische Wirkung oder die unerwartete
Farbigkeit faszinieren.
Sie existieren jedoch nur für einen
kurzen Moment und schaffen einmalige
verfremdete Abbilder der Realität.
© Kristin Maria Hachenberg, »Aufstrebend«, Taschkent 2012, Original in Farbe)
© Kristin Maria Hachenberg, »Sich auflösend V«,
Venedig 2011, Original in Farbe)
Geboren und aufgewachsen in Berlin.
Architekturstudium TU Berlin, Freiberufliche
Tätigkeit im Bereich Städtebau
/ Architektur in Berlin, Essen, Hannover
und Stuttgart, Fotografie, Freihandzeichnen
sowie Verfassen von
Prosa als berufsbegleitende künstlerische
Tätigkeiten,seit 1990 Vertiefung
der künstlerischen Fotografie, Mitglied
im Stuttgarter Künstlerbund e.V.,
im Württembergischen Kunstverein,
im Deutschen Verband für Fotografie
(DVF) und der Gesellschaft für Fotografie
(GfF).
20 brennpunkt 3/2013
Lebt in Berlin und Stuttgart, seit 2007
zahlreiche Fotografieausstellungen
(Einzel- und Gruppenausstellungen in
Berlin, Plochingen, Solingen, Stuttgart,
Tübingen, Zürich)
© Kristin Maria Hachenberg, »Nur ein Moment I«,
Berlin 2008, Original in Farbe)
bis 31. August 2013
Galerie Altes Rathaus Steglitz
Schlossstraße 37
2. OG
10165 Berlin-Steglitz
Mo – Fr
8 – 18 Uhr
www.fotokunst-kristinhachenberg.de

Galerien
Lutz Müller-Bohlen
» Faces of Rock«
Lutz Müller-Bohlen genannt Gramm,
geboren am 21.1.1962 in Flensburg
mit dänisch/polnisch/deutschen Wurzeln
lebt seit 10 Jahren in Berlin, Prenzlauer
Berg.
Das Abseitige, Ungewöhnliche, aus
dem Strom des alltäglichen Herausstechende
ist es, was sowohl den Künstler
als auch den sozial engagierten Menschen
Müller-Bohlen interessiert, reizt,
herausfordert.
Schnell und handwerklich sicher arbeitet
der gelernte Fotograf. Hier wirken
sich auch 20 jährige leitende Tätigkeiten
im psychiatrischen Bereich (»wir
heilen eigentlich durch Liebe«) und als
langjähriger sozialmedizinischer Sachverständiger
unmittelbar aus: der intensive
Umgang mit Menschen, die Beobachtung
von Gefühlen, Gesten, Betonungen,
Nuancen und seine unverrückbare
Überzeugung, dass jedem Menschen
eine einzigartige Schönheit zu
eigen ist..
Die Fähigkeit zum würdevollen Raumlassen,
trotz intensivster Nähe, ist das
unverwechselbare Markenzeichen
seiner Portraits: alle Details der Gesichtslandschaften
– Hautporen, Falten, Tränensäcke
– sind messerscharf gezeichnet
und überdeutlich zu erkennen. Und
fügen sich doch zu einem ausdrucksstarken
menschlichen Antlitz von Schönheit
zusammen. Und so ergänzen sich
in idealer Weise die menschlichen, die
künstlerischen, sowie die handwerklichen
Qualitäten Müller-Bohlens Er
findet das Besondere und hat die Fähigkeit,
den Betrachter in seine Sicht auf
Menschen einzufangen.
© Lutz Müller-Bohlen, Les Holroyd - Barclay James Harvest, (O. i. F.)
© Lutz Müller-Bohlen, Nigel Kennedy, (Original in Farbe)
Lutz Müller-Bohlen erstellt seine
Künstler-Portraits und Bühnenfotos für
online-portale, Radio- und Fernsehsender,
sowie die Deutsche Presseagentur,
die seine Arbeiten weltweit vermarktet.
Der zweite Schwerpunkt seiner künstlerischen
Tätigkeit ist die klare, eindeutige
Positionierung gegen Ausgrenzung,
Unterdrückung und Ausbeutung
des Individuums. Große Anerkennung
finden seine Arbeiten zum Thema Antifaschismus
und seine seit inzwischen
7 Jahren laufende fotografische Dokumentation
von Konzenterationslagern
Kai Müller
Vernissage
5. September 2013, 19 Uhr
6. September bis 4. Oktober 2013
Fotogalerie Friedrichshain
Helsingforser Platz 1
10243 Berlin-Friedrichshain
Di, Mi, Fr, Sa
Do
14 – 18 Uhr
10 – 18 Uhr
brennpunkt 3/2013
21

Galerien
Frank Machalowski
Thomas Graichen
»laut & leise – zwei
Sichten auf Berlin«
Die Stadt schläft nicht. Sie schweigt
nicht. Sie gibt sich stets lärmend, lebhaft
und ruhelos. Sie wird beherrscht von der
Geräuschkulisse des urbanen Lebens,
von Stimmen, Schritten und Motoren.
Doch gibt es in der Stadt auch verschwiegene
Winkel, versteckte Oasen
der Stille, Orte, die sich dem hektischen
Treiben entziehen, Orte, an denen die
Stadt schlummert und ruht.
Diesen Blickwinkeln folgend präsentieren
Frank Machalowski und Thomas
Graichen unter dem Titel »Laut & Leise«
ihre zwei Sichten auf Berlin.
Die Fotografien Frank Machalowskis
konzentrieren sich auf das laute Berlin,
auf Orte und Plätze mit regem Geschehen.
Nicht selten sind seine Motive über
die Stadtgrenzen hinaus bekannt und als
touristische Attraktionen das Ziel zahlloser
Besucher. Die Menschen werden
in seinen Bildern jedoch zu bloßen
Schatten. Sie überlagern und vervielfachen
sich zu einem stetigen Strom, zu
einer fließenden Spur in der Zeit. Was
bleibt sind die Bauwerke. Sie bilden die
Konstanten. Die Gebäude, Gebilde und
Skulpturen sind aus verschiedenen Perspektiven
aufgenommen, ebenso wie die
unterschiedlichen Besucher sie betrachten,
deren Blicken Frank Machalowski
fotografisch folgt. Die Multiplikation
und Intensivierung der Positionen und
Blickfelder scheint die Bauwerke zu verzerren
und auf ihren Kern zu reduzieren.
Sie vibrieren regelrecht unter dem
Versuch, die Zeit selbst in den Bildern
einzufangen.
Die Fotografien Thomas Graichens hingegen
beleuchten die leisen Seiten der
Stadt. Es sind versteckte und unbekannte
Orte, manchmal nicht weit vom pulsierenden
Leben der Stadt entfernt, manchmal
nur über lange und labyrinthische
Spaziergänge zu erreichen. Jeder
© Thomas Graichen
© Frank Machalowski
dieser stillen abgelegenen Orte wurde
von Menschenhand geformt, bearbeitet,
betoniert, bebaut, beschnitten, umzäunt,
beschriftet, begrenzt, in sein Regelwerk
gezwungen und schließlich sich selbst
und der Zeit überlassen. Das vermeintliche
Schweigen des Raumes und der
Objekte birgt somit seine ganz eigenen
Geheimnisse. Es wirft unausgesprochene
Fragen auf – nach den menschlichen
Abdrücken, nach ihren Spuren
vielleicht und nach den Geschichten,
die diese Orte erzählen wollen. Diese
Fragen, Geheimnisse und Geschichten
sind die Fährten, denen Thomas Graichens
Bilder folgen und den Betrachter
mitnehmen auf eine Reise zur stillen
Seite der Stadt.
Vernissage:
9. August 2013, 19 Uhr
© Frank Machalowski
© Thomas Graichen
© Thomas Graichen
10. August bis 1. September 2013
aff Galerie
Kochhannstraße 14
10249 Berlin-Friedrichshain
Sa + So 14 – 17 Uhr
www.aff-galerie.de
22 brennpunkt 3/2013

Galerien
Arno Schidlowski
Kim Sperling
Jens Sundheim
Kathrin Tschirner
Marco Warmuth
Masterklasse Ute Mahler und Vincent
Kohlbecher
Im September 2013 zeigt die aff-Galerie
Arbeiten der ersten Masterklasse von
Ute Mahler und Vincent Kohlbecher an
der HAW Hamburg. Die Ausstellung
vereint die unterschiedlichen Positionen
von fünf Fotografen, alle mit differenzierter
Herangehensweise und Bildsprache
aber dem Drang und Bestreben,
selbst frühere Arbeiten in Frage zu
stellen und dem kuratorischen Blick der
Ostkreuz-Fotografin Ute Mahler und der
Erfahrung des früheren STERN- Fotografen
Vincent Kohlbecher auszusetzen.
Die Ergebnisse dieser mehr als zweijährigen
Zusammenarbeit spiegeln die
Vielfalt, Standpunkte und Sichtweisen
der Teilnehmer wider. So reicht das
Spektrum der ausgestellten Themen von
naturphilosophischer Tierfotografie über
die Entwicklung städtischer Räume bis
hin zu fantastischen Modewelten.
© Jens Sundheim, (Original in Farbe)
© Arno Schidlowski, (Original in Farbe)
© Jens Sundheim (Original in Farbe)
© Kathrin Tschirner, (Original in Farbe)
© Kathrin Tschirner (Original in Farbe)
Vernissage:
14. September 2013, 19 Uhr
© Marco Warmuth (Original in Farbe)
Dieses spannende Zusammenspiel führt
dem Betrachter sowohl die Möglichkeiten
moderner Ablichtung als auch traditionell
analogen Ausdrucks vor Augen,
lässt ihm Raum für Interpretationen und
überrascht mit neuen künstlerischen
Ansätzen. So stellt die von Ute Mahler
© Marco Warmuth (Original in Farbe)
kuratierte Ausstellung ein eindrucksvolles
Beispiel selbstbewusster und kreativer
deutscher Nachwuchsfotografie
dar.
15. September bis 6. Oktober 2013
aff Galerie
Kochhannstraße 14
10249 Berlin-Friedrichshain
Sa + So 14 – 17 Uhr
www.aff-galerie.de
brennpunkt 3/2013
23

Galerien
Efraim Habermann
«Berlin und auch
Wilmersdorf«
In dem Film »Hitchcock« von 2012,
in dem es um die Entstehung des Psychothrillers
»Psycho« geht, sagt Alfred
Hitchcock alias Sir Anthony Hopkins
über sich selbst: »Ich bin nur der
Mann in der Ecke mit der Kamera, der
zusieht«.
Der Mann, den ich Ihnen heute vorstellen
will, ist kein Regisseur, sondern
ein Fotograf, der seit fast einem halben
Jahrhundert mit der Fotokamera zusieht:
einem Berlin, wie es keiner kennt, Venedig,
wenn die Gondeln Trauer tragen,
oder Jerusalem, wenn die Sonne ihre
gleißenden Strahlen auf die Holocaust-
Gedenkstätte Yad Vashem wirft. Am 19.
Juni 1933 in Berlin geboren, floh Efraim
Habermann wegen seiner jüdischen
Abstammung 1939 mit seinen Eltern
über Triest nach Palästina und lebte
dann in Jerusalem. 1957 kehrte er an
die Spree zurück, seit ca. 1970 wohnt
er im Ortsteil Wilmersdorf, der zu seiner
zweiten Heimat wurde. Zunächst war
er bei Berliner Senatsbehörden als graphisch-technischer
Zeichner tätig und
fand dann den Weg zur Fotografie, für
die er sich schon immer interessiert hat:
Ende der sechziger Jahre war er einer der
Ersten im Westen der Spree-Metropole,
der Kunstfotografien an Tageszeitungen
verkaufte. Seine Arbeiten erschienen in
Tageszeitungen, Fachzeitschriften und
Büchern, einige befinden sich in privatem
wie öffentlichem Besitz. Auch Ausstellungen
haben sein Schaffen gewürdigt,
so 1975 im Jüdischen Gemeindehaus
an der Fasanenstraße, 1976 in Paris
im Maison de la France, 1983 in der
Berliner Neuen Nationalgalerie oder
2011/2012 hier in der Kommunalen
Galerie.
Die knapp 50 Fotografien, die Sie
heute erleben, waren bis jetzt noch
nicht öffentlich zu sehen. Sie entstanden
1982, als das Kunstamt Wilmersdorf
Efraim Habermann los schickte,
© Efraim Habermann, » Fahrrad vor der Neuen
Nationalgalerie«, Berlin
(Anm. der Redaktion: Mit diesem Fahrrad
unternahm der Fotograf seine Fototouren durch
Berlin)
um den Bezirk zu fotografieren. Doch
heraus kamen keine touristenfreundlichen
oder dokumentarisch exakten
Fotos von markanten Orten und Architekturen,
keine um Glamour und Effekt
bemühten Bilder von einer Stadt, die
mit etwa zwei Millionen Einwohnern
bis 1989 eine Insel für politische Utopisten,
Wehrdienstverweigerer, Glücksritter,
gesellschaftliche Losers und Outsiders
inmitten eines feindlich gesonnen
Landes war, das aber die gleiche Sprache
sprach. Den Fall der Mauer hielt
damals noch kaum einer für möglich.
Habermann suchte nicht nach Motiven,
er fand sie - auf den Straßen von Wilmersdorf,
das damals knapp 140.000
Einwohner hatte und 2001 mit den Ortsteilen
Halensee, Schmargendorf und
Grunewald zum Bezirk Charlottenburg-
Wilmersdorf fusionierte. Ursprünglich
eine Ansiedlung von Bauern und
Fischern durch die Markgrafen von Brandenburg,
entwickelte sich das Dorf Ende
des 19. Jahrhunderts im wirtschaftlichen
Boom der Gründerzeit zum Wohnort
und zur Sommerfrische für betuchte
Berliner und Stadtflüchtlinge und erhielt
1906 das Stadtrecht. 1920 nach Groß-
Berlin eingemeindet, lebten in Wilmersdorf
auch viele Intellektuelle und Künstler
wie Harry Graf Kessler, Walter Benjamin,
Rilke, Stefan George, Heinrich
Mann, Walter Leistikow oder Max Pechstein;
der Anteil der jüdischen Bewohner
war bis 1933 relativ hoch.
Habermann fotografierte 1982 Wilmersdorf
als eine Art von überzeitlichem
Berlin, das er, der gebürtige Berliner
und Heimkehrer, aus einer ihm eigentümlichen
Distanz beobachtete: einer
Distanz, die weder verurteilt noch glorifiziert,
sondern Vorgefundenes nochmals
neu entdeckt. Es ist ein Berlin, das
aber auch nur hier, in Berlin, stattfinden
kann. So gibt es auf seinen Bildern
die berlintypischen maroden Mauern,
auf denen er in einer leeren Kartusche
neben den Graffitis ironisch seine Signatur
setzt, oder die er zur Sehdiagonalen
einer Aufnahme macht, die in einem
der damals für Wilmersdorf noch charakteristischen
Hinterhöfe mit Kleingewerbe
mündet – heute sind sie weitgehend
wegsaniert. Es gibt bei Habermann
die prunkvollen Architekturen des
Viertels wie den neobarocken Palast der
Universität der Künste, dessen einstiger
Glanz mittels der Kamera durch Licht-
Schatten-Wirkungen zum Mythos wird.
Oder es gibt die verwunschenen Winkel,
wie die unter Schnee begrabene Figur
des Hasen für die Hasensprungbrücke
zwischen Diana- und Königssee
in Grunewald, oder den noch nicht
von Hunden und ihren Herren irritierten
Grunewaldsee, den Habermann in
einem traumvollen Schwarz-Weiß versinken
ließ. Stets treten seine Fotografien
leise auf, auch, wenn der Mensch, meist
als Einzelperson, innerhalb der Historie
der Stadt ins Blickfeld gerät: die junge
Frau, die auf den nackten Bänken eines
Gartenlokals, womöglich ein Vorgänger
des heutigen Parkcafés am Fehrbelliner
Platz, die Sonnenstrahlen genießt, stört
nicht die Idylle, die Licht und Schatten
auf das Holz zaubern.
Eine Habermannsche Spezialität sind
die Brechungen des Motivs in Fenstern
und Verglasungen, war doch sein
erstes wichtiges Foto 1968 die Spiegelung
der Matthäuskirche in den Scheiben
der Neuen Nationalgalerie Berlin.
Vor dem Museum stand sein Fahrrad,
mit dem er seine Streifzüge durch die
Stadt unternahm.
24 brennpunkt 3/2013

Galerien
Fotografie ist für Habermann nicht reine
Ablichtung des Gesehenen, sondern
wird zur Frage nach Realität und Abbild,
letztendlich nach dem, was hinter den
Dingen steckt, die für uns scheinbar
die Wirklichkeit bedeuten. Seine Aufnahmen
entschleunigen eine immer
schneller werdenden Welt, gefrieren
sie ein zum Moment eines Stilllebens,
das - auch im Sinne der alten »Vanitas«
- an die Vergänglichkeit allen irdischen
Seins erinnert. So spontan die Aufnahmen
wirken, so sind sie doch entstanden
durch bewusstes Kalkül hinsichtlich
Komposition, Ausschnitt und Lichtwirkung,
die im Prozess der Filmentwicklung
nochmals gefiltert wurden. Indirekt
lehrt Habermann den Betrachter dabei
ein neues Sehen, gerne auch ironisch:
was schon allzu bekannt erscheint, wird
durch seine Linse verfremdet, um so
auch die Historie des Ortes nochmals
unter die Lupe zu nehmen und - bloß
zustellen. Oft muss man genau hinsehen,
um das Motiv zu dechiffrieren –
was manchmal spannend wird: Michelangelos
muskelstrotzender »David«,
zwar zur Statuette einer Schaufensterauslage
im Dämmerlicht reduziert, aber
immer noch David genug, verweist nur
durch die hingekritzelte Telefonnummer
auf eine Adresse, über die vielleicht
Auskunft zu erlangen ist über den Herrn
im Adamskostüm.
© Efraim Habermann
Kaum lassen sich Vorbilder aus der Fotografiegeschichte
ausmachen. Eher entdeckt
Efraim Habermann Analogien zu
bereits bekannten Motiven: so erinnert
die im spitzen Winkel aufgenomme
Ansicht des Gebäudes an der U-Bahnstation
Spichernstraße, in den 1970ern
errichtet, damals Sitz der Wohnungsbaukreditanstalt,
heute der Investitionsbank
Berlin, an New York, nämlich an
das Flat Iron Building. Wie Sie sehen,
kann, wenn wir mit Efraim Habermanns
Augen denken, Manhatten auch an der
Spree liegen. Lassen wir außer Acht, dass
heute der Tiergarten bei den Skycrapers
des Potsdamer Platzes auch Ähnlichkeit
zum Central Park in Manhattan aufweist,
aus dem richtigen Blickwinkel betrachtet,
nur mit dem historischen Unterschied,
dass der Tiergarten älter ist als
der New Yorker Rasen.
Fazit: der Mann mit der Kamera, der
zusieht und am liebsten sich selbst
fotografieren würde, hat keine Vorbilder,
nur eines vielleicht, wie er zugibt:
Paul Cézanne, für ihn der »Verdi der
Malerei«. Begonnen hat Habermann
seine fotografische Karriere mit einer
Kodak Retina Reflex, seit 1978 benützt
er bevorzugt die Leica Spiegelreflexkamera,
doch ist das Modell für ihn nicht
so wichtig: »es ist ja auch egal, ob ein
Schriftsteller mit der Feder oder der
Schreibmaschine schreibt«, sagt er. Zu
seinen Motiven zählen neben seinen
Lieblingsstädten Venedig und Berlin
© Efraim Habermann
auch Frauen, die, um seinen Ansprüchen
an die Frau als Frau zu genügen,
alle Efraim Habermann heißen müssten.
Feind der Raffinessen und Rapiditäten
der heutigen digitalisierten Bilderwelt,
fotografiert Habermann ausschließlich
in Schwarz-Weiß und entwickelte
bis vor Kurzem seine Aufnahmen
noch selbst, jetzt überlässt er es
einem Fachlabor. Dafür hat er seit einigen
Jahren begonnen zu malen - kleinformatige
Aquarelle, die mit den konstruktivistisch-suprematistischen
Bildwirklichkeiten
eines Piet Mondrian
oder Kasimir Malewitsch ein ironischbuntes
Spiel treiben. Sie sind derzeit in
der Galerie Carlos Hulsch zu sehen.
Habermann ist einer jener Stadtflaneure
der Wirklichkeit, die schon im Aussterben
begriffen sind. Korrekt gekleidet mit
Anzug und Krawatte, das Kavalierstuch
von passender Farbe in der Brusttasche
und die Hornbrille als Markenzeichen,
tritt der avancierte Tee- und Kaffeetrinkerr
gegen eine gewisse Unkultur von
Heute an, die sich dem City-Cycling
und dem Coffee-to-Go verschrieben hat
und nicht daran denkt, für den Abend
noch einmal das T-Shirt oder Hemd zu
wechseln. Auch plädiert der passionierter
Raucher für separierte Smoking-
Areas in seinen Stammlokalen, in denen
der Fotograf, der ursprünglich einmal
Maler oder Opernsänger werden wollte,
auch gerne Verdi-Arien singt - oft zum
Ergötzen der Gäste. Hoch versiert in der
jüdischen Geschichte, ist Efraim Habermann
auch zu Gesprächen über die
Frauenquote, die Ähnlichkeit zwischen
Jazz und Renaissance-Musik, den Preisboom
auf dem Kunstmarkt oder Fußball
bereit und wettert als bekennender
Cineast über das Fernsehprogramm, das
er gerne eintauscht gegen DVDs aus der
Traumfabrik Hollywood.
Sein nächstes Ziel? Die in Berlin lebende
Literaturnobelpreisträgerin Hertha
Müller im close-up. Zum 80. Geburtstag:
nochmals: alles Gute! - Und Ihnen
viel Vergnügen mit einem Wilmersdorf,
wie es keiner kennt.
Dr. Angelika Leitzke, Berlin, Juli 2013
siehe auch Seite 64 / 65
Galerie Carlos Hulsch
80 Jahre Erfraim Habermann
7. Juli bis 29. September 2013
Kommunale Galerie
Hohenzollerndamm 176
10713 Berlin-Wilmersdorf
Di – Fr
Mi
10 – 17 Uhr
10 – 19 Uhr
brennpunkt 3/2013
25

Galerien
Shooting Kitty –
neun Fotografen, ein
Model
Der Sommer ist immer gut für Experimente.
So hält es auch die Carpentier
Galerie in Berlin, die im August neun
Fotografen und Fotografinnen bzw.
Künstler eingeladen hat, gemeinsam
eine Ausstellung zu bestreiten mit Fotos,
die sie von dem Berliner Model Kitty
Wild gemacht haben.
Es ist ja kein neues Phänomen, dass sich
mehrere Kreative unabhängig voneinander
dazu entscheiden, mit ein und
demselben Model zusammenzuarbeiten.
Man denke da nur an Kiki aus Paris,
die vor allem in den 1920er und 1930er
Jahren viele Künstlerfreundschaften
pflegte, einigen Künstlern Muse und
Geliebte war und sich unter anderem
von Man Ray, Berenice Abbott, André
Kertesz und Jean Cocteau fotografieren
ließ. In heutiger Zeit könnte man Kate
Moss als Beispiel anführen, die freilich
berufsbedingt vor vielen Kameralinsen
stand, aber einigen Fotografen wohl
ebenfalls Muse war.
Kitty Wild ist nun kein Weltstar wie die
Moss und auch noch nicht Kunstgeschichte
wie Kiki, aber sie lebt in Berlin,
das nach wie vor Kreativhauptstadt
Deutschlands ist und in dem Menschen,
die künstlerisch arbeiten, die experimentieren
und sich ausleben wollen
ein fruchtbares Gelände finden. Unter
anderem als Burlesquetänzerin tätig ist
Kitty in den vergangenen Jahren zahlreichen
Fotografen und Künstlern begegnet,
von denen einige darum baten, sie
fotografieren zu dürfen. So wurde sie
auch Model und hat inzwischen etliche
Fotoshootings absolviert. Eine Auswahl
der Fotografen, die in den vergangenen
zwei Jahren mit ihre gearbeitet
haben, stellt die Carpentier Galerie
jetzt aus und präsentiert so ein Spektrum
von Bildern das von Glamour über
Portrait und Akt bis hin zu frei inszenierten
Themen reicht. Insgesamt neun
Fotografen und Fotografinnen sind so in
dieser aufregenden Sommerausstellung
zu sehen. In alphabetischer Reihenfolge
© Jan Sobottka, (Original in Farbe)
© Philipp Hille, (Original in Farbe)
sind dies: Julija Goyd, Philipp Hille, Fay
Nolan, pepper, Wolfgang Petrick, Rio
Schmidt, Jan Sobottka, Benita Suchodrev
und Ivan Toskanelli.
Zwei von ihnen hatten gerade erst Einzelausstellungen
in der Carpentier Galerie
gehabt; so Jan Sobottka, der vor allem
als Chronist der Berliner Kunstszene
bekannt geworden ist und seit nunmehr
acht Jahren auf seiner Homepage catonbed.de
Aufnahmen von Künstlern, Ausstellungen
und anderen Veranstaltungen
publiziert, als auch der auf erotische
Portraits spezialisierte Neuling in
der Szene pepper, der bevorzugt einfache
analoge und digitale Kameras
für seine Arbeit verwendet. Der Maler,
Zeichner und Bildhauer Wolfgang
Petrick ist der wohl ungewöhnlichste
Teilnehmer dieser Ausstellung, denn
seine Aufnahmen von Kitty und anderen
Models dienten ihm zunächst lediglich
als Material für seine Arbeit. Seit
einiger Zeit werden diese wild inszenierten
Fotografien allerdings auch als
eigenständige Werke in Ausstellungen
26 brennpunkt 3/2013

Galerien
© Pepper, (Original in Farbe)
Suchodrev, die in letzter Zeit vor allem
mit ihrer Bildserie Woman in Heat, Portraits
und Akte von Frauen über 40, in
Ausstellungen und Medien präsent war,
sowie die ehemalige Finanzmanagerin
und jetzt erfolgreiche Fotografin und
Filmemacherin Julija Goyd runden mit
ihren Studio- beziehungsweise Außenaufnahmen
von Kitty diese Ausstellung
in perfekter Weise ab.
Es macht Spaß zu sehen, wie
unterschiedlich neun Menschen ein und
dasselbe Model sehen und ins Bild
setzen. Shooting Kitty ist ein Must-See
für jeden Fotoenthusiasten im August.
© Wolfgang Petrick, (Original in Farbe)
© Julija Goyd, (Original in Farbe)
und Publikationen gewürdigt und neuerdings
von dem Kurator und Sammler
Rik Reinking promoted.
Fay Nolan und Rio Schmidt gehören
zu den jüngeren Teilnehmern der
Schau und stehen kurz vor der Beendigung
ihrer Ausbildung zum Fotografen
am Berliner Lette Verein. Beide haben
bereits mit eindrücklichen Werkzyklen
berechtigte Aufmerksamkeit auf
sich gelenkt und entwickelten zusammen
mit Kitty Wild extra für die Ausstellung
extra neue Portraitideen. Philipp
Hille aus Dresden hingegen ist bereits
seit langer Zeit mit Kitty Wild befreundet
und begleitet diese Freundschaft seit
jeher auch mit der Kamera.
Der in Toyko lebende Werbe- und
Modefotograf Ivan Toskanelli, der
bereits mehrfach mit Kitty zusammengearbeitet
hat, deckt den Glamourbereich
in dieser Ausstellung ab. Benita
Vernissage:
9. August 2013, ab 19 Uhr
traditionelles Sommerfest
10. August bis 31. August 2013
Carpentier Galerie
Meinekestraße 13
10719 Berlin-Wilmersdorf
Do – Fr 14 – 18 Uhr
und nach Vereinbarung
www.carpentier-galerie.de
brennpunkt 3/2013
27

Galerien
Ingo Porschien
»Someone’s going to
win the Lottery.
Just not you.«
Die Fenster sehen aus wie Türen, wie
die Austritte aus Waben, und der Platz
davor mit den ansteigenden Treppen und
den wie Schneckenmuster eingerollten
Enden der Handläufe an den Geländern
wirkt wie leer gefegt. Zwei altertümliche
Laternen ragen auf, zwei fünfstöckige
Häuser stehen im rechten Winkel
vor der großen, nach oben auslaufenden
Fassade und gleichen zwei seitlich
aufgestellten Schuhkartons. »City Hall«
heißt das Bild, eine Schwarz-Weiß-
Fotografie als Barytabzug im Format 50
x 60 cm, die aus der Serie »New York
City 1999« stammt. Die Aufnahme ist
menschenleer, doch das Plakat, das
die Wand einer der beiden Hauskästen
bespannt, spricht alle an: »Someone‘s
going to win the Lottery. Just not you.«
Seitdem er während eines mehrmonatigen
Aufenthalts in New York City dieses
Motiv entdeckte, zieht es sich wie ein
Motto durch das fotografische Werk des
Schriftstellers und Fotografen Ingo Porschien,
so dass auch die Ausstellung in
der Galerie Carpentier konsequenterweise
diesen und keinen anderen Titel
trägt, obschon neben der beschriebenen
Aufnahme keine weiteren Bilder aus der
New Yorker Serie gezeigt werden. Der
Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf
neueren Aufnahmen aus Berlin, wo der
Autor seit drei Jahren überwiegend lebt,
ergänzt um eine kleine Auswahl aus
dem Südwesten der USA.
Ingo Porschien arbeitet analog und
schwarz-weiß. Bei seinen Arbeiten handelt
es sich um klassische streetphotography,
dem Dokumentarischen verpflichtet,
auch wenn er nach dem Besonderen
sucht, das die Fotografie aus der Bilderflut
und dem Zeitfluss heraushebt. Im
Motiv, im Ausschnitt und in der Perspektive
fokussiert sich das Uferlose. ‚Epiphanie‘
habe Joyce eine solche Verdichtung
des Alltäglichen genannt, meint der
Autor, und so treffen sich Literatur und
Fotografie dann doch, die er ansonsten
© Ingo Porschien, »City Hall«, New York City, 1999
© Ingo Porschien, »Die Tram«, Berlin, 2012
scharf voneinander getrennt betrachtet
wissen möchte. Teilweise ist der fotografische
Blick ironisch, teilweise fragend,
doch immer deckt er etwas auf.
Der Lebensraum bestimmt die Suche
der Abgebildeten und oft scheinen sie
etwas zu erwarten oder etwas verloren
zu haben.
Während der Ausstellung wird Ingo Porschien
an zwei Tagen aus seinem jüngsten
Roman »Judith« lesen. Dies erklärt
die kleine Auswahl an Bildern aus USA
Südwest. Die Auszüge, die Porschien
für diese Lesungen ausgewählt hat, sind
dort angesiedelt.
Die Lesungen finden statt am:
15. und 29. Septrember 2013 jeweils
ab 16 Uhr.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog als
Band Nr. 9 in der ‚Edition Carpentier‘.
Eröffnung:
Freitag, 6. September 2013, 19 Uhr
7. September bis 12. Oktober 2013
Carpentier Galerie
Meinekestraße 13
10719 Berlin-Wilmersdorf
Do – Fr 14 – 18 Uhr
und nach Vereinbarung
www.carpentier-galerie.de
28 brennpunkt 3/2013

Galerien
Calin Kruse
»Raunen«
Calin Kruse ist in der Fotografie- und
Kunstszene der vergangenen Jahre vor
allem durch sein bemerkenswertes
Magazin »dienacht« in Erscheinung
getreten. Mit außerordentlichem verlegerischen
Mut hat er darüber hinaus in
dem gleichnamigen Verlag zahlreiche
weitere Publikationen, vor allem mit
zeitgenössischer Fotografie herausgegeben.
Kleine anspruchsvolle Auflagen,
bei denen er oft auch das Layout und
den kuratorischen Prozess verantwortete.
Das Gespür für das Medium Fotografie
findet gewiss auch in den eigenen
fotografischen Arbeiten Impulse, mit
denen Kruse zunehmend die Öffentlichkeit
findet.
Wir zeigen in unserer Galerie unter dem
Titel »Raunen« Fotografien von Calin
Kruse, die wie die Ränder eines Tagebuches
von Begegnungen mit jungen
Frauen erzählen. Es sind Frauen, die sich
dem Fotografen auf teils intime Weise
in Porträts und Aktportraits offenbaren,
an Orten, die in ihrer vermeintlichen
Unwirtlichkeit einen weiteren Kontext
von Vertrautheit und Hingabe erzeugen.
Kruse fotografiert oft aus kurzer Distanz,
als trüge er die Kamera fortwährend am
Kopf. Die abgebildeten Frauen spielen
mit der Nähe in subtilen Provokationen.
Ein Geschmack von ewiger Jugend und
Abschied klebt an den Sujets. Doch alles
ist unaufgeregt. Kruse, ein ernster Flaneur,
bleibt durch die passiv wirkende
Kommunikation mit den Models sichtbar
ohne etwas zu inszenieren. Es ist
eine Bildsprache, die ein wenig an die
Arbeiten von Nobuyoshi Araki erinnert:
intime Nähe auf der einen Seite,
fortwährende innere Distanz auf der
anderen. Die ausgestellten Fotografien
könnten durchaus als Solitäre stehen.
Sie sind gleichwohl durch die Aura der
analogen Farbigkeit und durch die Wiederkehr
der Sujets atmosphärisch miteinander
verwoben.
© Calin Kruse
Vernissage:
19. Juli 2013, ab 19 Uhr
19. Juli bis 5. September 2013
Galerie »Alles Mögliche«
Odenwaldstraße 21
12161 Berlin-Friedenau
täglich außer Mittwoch und Donnerstag
und nach Vereinbarung:
0173 342 80 83
www.alles-moegliche.de
www.cargocollective.com/calin
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29

Galerien
Klassenausstellung
»9Blickwinkel«
Abschlussarbeiten der
imagofotoklasse 32, unter der Leitung
von Oliver S.Scholten
Diese Jahresabschlussausstellung der
nun bereits sage und schreibe zweiunddreissigsten
Fotografieklasse insgesamt,
der nunmehr zehnten unter meiner Leitung
bei imago Fotokunst, zeigt wieder
einmal, wie breit gefächert das Medium
Fotografie sich darstellen kann. Natürlich
ist dabei noch lange nicht Alles ausgereizt.Wichtig
dabei ist mir jedoch zu
vermitteln, dass anspruchsvolle Fotografie
eben nicht das schnelle Handeln
und das abgleichen mit vorgefertigten
allgemeinen Bildvorstellungen ist, angelehnt
an lediglich immer perfektioniertere
Technik.
Manchmal sogar das Gegenteil. Aktuell
scheint sich häufiger eine Sehnsucht
nach der einfachen Handlung jenseits
von immer weiterentwickelteren Photoshopmutationen
zu formulieren.
Die Technik ist nie mehr als Mittel zum
Zweck und das Medium eben nur das
Medium, um einen Inhalt oder einer
ästhetische Position zu vertreten. Niemals
Selbstzweck. Das unterscheidet
das aussagekräftige Bild von reiner
Dekoration oder vom Klischee.
Inwieweit die Teilnehmer sich dem
annähern konnten, soll dem geneigten
Betrachter wie immer zur Diskussion
verführen. Was oft unterschätzt wird,
auch beim Betrachten von Fotografie,
ist ein Faktor, der durch nichts zu ersetzen
ist, weder durch Informationsüberlastung,
noch durch beschleunigende
Technik: Zeit.
Denn sich Zeit nehmen beim Fotografieren
ebenso, wie beim Betrachten heißt,
sich mit den Dingen auseinanderzusetzen.
Und das ist immer auch eine Auseinandersetzung
mit sich selbst. Manchmal
gelingt dies.
Oliver S. Scholten
© Myrja Thal, (Original in Farbe)
© Thorsten Behrend
© Nadja Siegl, (Original in Farbe)
© Maren Glockner, (Original in Farbe)
30 brennpunkt 3/2013

Galerien
© Anna Schatt
© Detlef Eckardt, (Original in Farbe)
© Anke Wilde
© Anke Wilde, (Original in Farbe)
© Nicolas Balcazar
17. August bis 14. September 2013
imago fotokunst
Linienstraße 145
10115 Berlin-Mitte
© Aline Vater
Vernissage:
16. August 2013, ab 19 Uhr
Di – Fr
Sa
12 – 19 Uhr
14 – 18 Uhr
brennpunkt 3/2013
31

Galerien
Harakiri / alles wird
gut.
Aktueller Anlass zum Titel ist die
Vertreibung aus dem erst vor zwei
Jahren im Wedding mit großem
Aufwand ausgebauten Werkatelier
von position.fotografie. Nun schlägt
Ausbauwahn und Gentrifizierung auch
hier zu und zeigt das neu geschminkte,
doch unschöne Gesicht dieser Stadt,
die Künstlern nur noch wenig Platz zu
beständiger Arbeit lässt, entgegen aller
offizieller Verbalisierungen. Temporär
scheint das neue Zauberwort leerer
Versprechen zu sein.
© O.S.Scholten, »Harakiri«, (Original in Farbe)
© O.S.Scholten, »O Credit«, (Original in Farbe)
Dementgegen steht die Prasxis Stolze &
Schönberg mit Ihrem Anliegen, der Kunst
über längere Zeit einen präsentablen
anderen Ort zu bieten und zeigt mit
Harakiri/Alles wird gut in einer eigens
für diesen Ort zusammengestellten
vorläufigen Dauerausstellung einen
streiflichtartigen Überblick über das
vielfältige fotografische Schaffen
O.S.Scholtens der letzten zehn Jahre.
Kritik an inneren und äusseren
Zuständen ist bei O.S.Scholten wie
immer Programm.
Humor inclusive.
Lee Revos
© O.S.Scholten, »EGO Blumen an mich selbst (bye, bye)«, (Original in Farbe)
Vernissage:
13. Juni 2013, 19 Uhr
14. Juni 2013 bis 30. Juni 2014
Praxis Schönberg & Stolze
im Forum Köpenick
Bahnhofstraße 33
12555 Berlin-Köpenick
Mo – Fr 7 – 20 Uhr
Sa 9 – 16 Uhr
32 brennpunkt 3/2013

Galerien
Dietmar Bührer
»Grauzone Knast«
Ein Fotograf – ein Ort in Berlin! So lautet
das Konzept des Berliner Salons für
Fotokunst. Hier werden Arbeiten von
Fotografen gezeigt, die weit über konventionelle
Dokumentarfotografie hinausgehen,
sonder den Betrachtern vielmehr
subjektive Perspektiven aufzeigen
und neue Blickwinkel eröffnen.
© Dietmar Bührer
© Dietmar Bührer
Dietmar Bührer arbeitete als Werkmeister
in der Druckerei/Setzerei der JVA Berlin-
Tegel. Mit diesen Bildern beschreibt er
auf eindringliche, intensive Weise den
Ort: Gefängnis.
Die Schwarzweißfotos des Autors sind
von einer kühlen Schönheit, die lange
nachwirkt. Sie zeigen Gefängnisflure, -
gänge, -treppen, Zellentüren, Mauern
mit Schriftzeichen versehene Wände,
Fassaden des Gefängnisses, Ausblicke
aus Fenstern, hin und wieder einen Baum.
Und Menschen in ihrer nichtalltäglichen
Umgebung. Nüchtern, schnörkellos sind
die Fotos, die die Stille einer Justizanstalt
vermitteln.
Alle Bilder entstanden zwischen 1990-
1992 in der Justizanstalt Berlin-Tegel
Dr. Elvira Schönow
Vernissage: 6. September 2013
19 Uhr
© Dietmar Bührer
© Dietmar Bührer
11. September bis 24. Oktober 2013
Berliner Salon für Fotokunst
Kulturhaus Schöneberg
Kyffhäuserstraße 23
10781 Berlin-Schöneberg
Mi 14 – 19 Uhr
Do 12 – 17 Uhr
und nach Vereinbarung
Telefon 0179 591 351 6
brennpunkt 3/2013
33

Galerien
Bastienne Schmidt
»Rituale«
1961 geboren in München als Tochter
eines Archäologen.
1969-79 lebt mit ihrer Familie in Athen,
Griechenland, besucht dort die Schule
1980 Studium der Ethnologie an der
Ludwig Maximilian Universität, München;
Arbeit an der psychiatrischen
Abteilung eines Krankenhauses.
© Bastienne Schmidt, Florida, 1993
© Bastienne Schmidt, Cleveland, Ohio
© Bastienne Schmidt, Guatemala, 1991 © Bastienne Schmidt, New York City, 1987 © Bastienne Schmidt, Bogota, Kolumbien, 1991
1983 Studium der Malerei und der Fotografie
an der Accademia di Belle Arti in
Perugia, Italien.
1987 Bachelor of Fine Arts Degree;
Umzug nach New York City, arbeitet
am International Center of Photography
und für den Fotografen Ralph Gibson.
1989-95 Reisen nach Guatemala,
Mexiko, Kolumbien, Bolivien, Peru,
Brasilien, Kuba, beginnt ihre Arbeit am
Buchprojekt »Vivir la Muerte« (Stemmle
Verlag, Zürich), regelmäßige Beiträge
für Magazine, z.B. Frankfurter Allgemeine
Zeitung, New York Times, The
New Yorker, New York Magazine.
1992-97 USA-Reisen; Arbeit an ihrem
Projekt: »American Dreams«.
1998 Grant der George Soros Foundation
für »American Dreams«, Stemmle
Verlag, Zürich.
2004 ihr drittes Buch – »Schatten-
Heimat / Shadow Home« Jovis Verlag,
Berlin erhält div. Preise, u.a.: den Deutschen
Fotobuch Preis, div. Ausstellungen.
Int. Fotoforum Frankfurt, Deutsches
Haus, New York und University
of Austin, Texas.
34 brennpunkt 3/2013

Galerien
© Bastienne Schmidt, Bogota, Kolumbien, 1991
2011 Das Buch »Home Stills« erscheint
im Jovis Verlag, Berlin.
Ihr neuestes Buch- und Ausstellungsprojekt
trägt den Titel »Topography of
Quiet« (Die Topography der Stille). Es
ist ein vielschichtiges Projekt mit Mitteln
der Fotografie und Malerei.
Bastienne Schmidts fotografische Arbeiten
wurden in über 60 Ausstellungen
präsentiert, wie z.B. 2010 im Houston
Center of Photography und 2012 im
Manege Museum in St. Petersburg.
Ihre Fotografien sind in zahlreichen
internationalen Sammlungen vertreten
Bastienne Schmidt lebt und arbeitet in
Bridgehampton, New York.
bis 10. August 2013
Galerie argus fotokunst
Marienstraße 26
10117 Berlin-Mitte
Mi – Sa
14 – 18 Uhr
brennpunkt 3/2013
35

Galerien
Sameer Makarius
»Buenos Aires in the
Sixties«
Bildender Künstler und einer der bekanntesten
Fotografen Argentiniens, wurde
1924 als Sohn eines ägyptischen Vaters
und einer deutschen Mutter in Kairo
geboren. Seine Kindheit und Jugend
verbrachte er in Ägypten, Deutschland
(Berlin) und Ungarn. Dort studierte er
Malerei und Bildhauerei.
Als abstrakter Maler der geometrischkonstruktivistischen
Schule engagierte
er sich in der Budapester Kunstszene
und stellte als Gründungsmitglied der
ungarischen Gruppe konkreter Kunst
1944 seine Bilder in der ersten Ausstellung
nicht-figurativer Kunst in Budapest
aus.
Er lebte in der Schweiz und in Paris. Als
Dreißigjähriger wanderte er 1953 nach
Buenos Aires aus und wurde dort Teil der
abstrakt-avantgardistischen Kunstbewegung
der fünfziger Jahre. 1956 gründete
er die Gruppe AFNA Artistas No Figurativas
Argentinos und die Gruppe der
zeitgenössischen Fotografen (Grupo de
fotógrafos contemporáneos).
Der Schwerpunkt seiner Arbeit lag seit
Beginn der 50er Jahre auf dem Gebiet
der Fotografie. In zahlreichen Artikeln
und Essays beleuchtete er die vielfältigen
Aspekte der Fotografie und recherchierte
ihre Geschichte. Sein herausragendes
Werk »La fotografia en la Argentina,
1840 - 81« gilt als Pionier-Arbeit.
Besonders bekannt sind seine Fotobücher
über Buenos Aires, die Stadt
und ihre Menschen: Buenos Aires y
su gente, 1960, und Buenos Aires mi
ciudad, 1961.
Seine Fotografien - insbesondere seine
herausragenden Portraits und seriellen
Arbeiten über Buenos Aires - wurden
in zahlreichen Ausstellungen gezeigt, in
Buenos Aires, Zürich, New York, Budapest,
Madrid u.a. (Academia Nacional
de Bellas Artes, Mueseo Arte Moderno,
Museo de Bellas Artes, Museo de Arte
Decorativo, Kunsthaus Zürich, Foto
Forum, New York)
Sameer Makarius starb 2009 in Buenos
Aires.
© Sameer Makarius
© Sameer Makarius
© Sameer Makarius
© Sameer Makarius
© Sameer Makarius
Vernissage
6. September 2013, 19 – 21 Uhr
7. September bis 26. Oktober 2013
Galerie argus fotokunst
Marienstraße 26
10117 Berlin-Mitte
Mi – Sa
14 – 18 Uhr
36 brennpunkt 3/2013

Galerien
The Flood Wall II
Projektion und
Ausstellung um das
Fotobuch
Die im letzten Jahr bei exp12 – Raum für
Fotografie - erfolgreich gestartete Slide-
Show-Reihe »The Flood Wall« wurde
auch in diesem Jahr mit einer Projektion
am 21. Juni fortgesetzt, verbunden mit
einer Ausstellung. Neben den Bildern
liegt der Schwerpunkt diesmal auf der
Präsentation von Künstlerbüchern und
anderen Veröffentlichungen der zahlreichen
internationalen Gäste und der
exp12-Fotografen.
Nüchtern und ungewöhnlich sind die
Orte und Themen auf den ersten Blick,
mit denen sich die Künstler auseinandergesetzt
haben: bei Grégoire Eloy ist
es ein Labor für Astrophysik; bei Marina
Gadonneix und Sarah Pickering sind es
Übungsräume der Feuerwehr, bei Alexandre
Maubert ein ehemaliges Gefangenenlager.
Dorothee Baumann widmet
sich der Gehirnforschung, Alexander
Gehring nimmt sich ein Fotolabor vor
und Hélène Schmitz einen Ort, wo
Schmetterlinge gezüchtet werden. Mit
ihrer minimalistischen Herangehensweise
gelingt es diesen Fotografen pure
Abbildungen der Wirklichkeit in Poesie
zu verwandeln.
Um die persönliche Auseinandersetzung
mit der eigenen Identität als Frau
geht es sowohl bei Anni Leppalä und
ihren märchenhaft farbigen Bildern
als auch bei Virginie Otth, die mit Bildern
ein Tagebuch zusammenstellt. Die
Schwarzweiß-Serie »Exuvies« von Anais
Boudot ist eine Metapher auf den Prozess
der Häutung. Cristina Nunez vereint
Selbstporträts aus verschiedenen
Phasen ihres Lebens. Bei Zhe Chen sind
die Spuren auf der Haut, seien es Pickel
oder Wunden, ein Spiegel der Seele.
Die Beziehung des Menschen zu seiner
Umgebung bildet einen weiteren Themenkomplex.
Isabelle Pateer befasst
sich metaphorisch mit den Konsequenzen
industrieller Expansion am Beispiel
junger Menschen. Sasha Rudensky zeigt
© Anni Leppälä, (Original in Farbe)
© Pierre Liebaert, (O. i. F.)
eine ernüchternde Reportage aus dem
heutigen Russland. Pierre Libaert erzählt
von der engen Beziehung eines Sohnes
zu seinen Eltern in einem Landhaus.
Martina Hoogland Iwanow besticht
durch ihre dunklen poetischen Aufnahmen.
Bei André Cepeda findet sich
Nacktheit neben grauen Detailansichten
von Objekten und urbanen Orten.
Die Auswahl erfolgte unter der Prämisse,
neue Arbeiten von anerkannten Künstlern
neben Newcomern unterschiedlicher
kultureller Herkunft und mit unterschiedlichen
fotografischen Herangehensweisen
zu präsentieren. So ist auch
der eher dokumentarische Ansatz vertreten
wie bei den Bergen von Richard
Petit, der Kirche von Anne Guillin und
den Orten von Anna Leader. Mit der
© Anais Boudot
© André Cepeda
Ästhetik der Farbe befassen sich Dominique
Dubois und Arno Schidlowski.
Emil Salto erschafft abstrakte und geometrische
Bilder. Nelli Palömaki zeigt in
ihrem kürzlich bei Hatje Cantz erschienenen
Buch »Breathing the same air«
stille Schwarzweiß-Porträts.
Zu sehen sind auch neue Arbeiten der
Mitglieder des exp12-Kollektivs, nämlich
von Isabel Kiesewetter, Dagmar
Kolatschny, Claire Laude, Anna Meschiari,
George Papacharalambus, Ulrike
Schmitz und Nicole Woischwill.
bis 28. Juli 2013
exp 12 / exposure twelve
Greifswalder Straße 217
10405 Berlin-Prenzlauer Berg
Sa 16 – 20 Uhr
So 14 – 18 Uhr
www.exp12.com
brennpunkt 3/2013
37

Galerien
Karin Idelson &
Anke Schüttler
»Privado« / »Book of
Life«
»Book of Life« und »Privado« sind die im
Dialog entstandenen Arbeiten von Anke
Schüttler in Berlin und Karin Idelson in
Buenos Aires. Im Laufe des Jahres 2011
haben die Künstlerinnen gemeinsam
und durch die räumliche Distanz doch
jede für sich ihr Projekt entwickelt. Sie
haben dabei Bilder und Ideen ausgetauscht
und jeweils in Bezugnahme auf
ihre Heimatstädte erarbeitet. Die Fotografien
sind speziell für dieses gemeinsame
Ausstellungsprojekt entstanden
und wurden erstmals im Dezember
2011 in der Galerie La Ira de Dios in
Buenos Aires gezeigt.
Die argentinische Fotografin und Videokünstlerin
Karin Idelson erkundete in
Buenos Aires die intime Seite des öffentlichen
und urbanen Raumes der Cybercafés.
Erklärende Panoramaansichten
bewusst vermeidend tauchte sie in die
Details ein, folgte dem schummrigen
Licht der Bildschirme, beschäftigte sich
mit der Farbe der Wände und dem Blickfeld
der Webcam. Ihre abstrahierenden,
atmosphärisch dichten Bilder erzählen
vom privaten Erleben im öffentlichen
Raum und von dem, was von flüchtigen
Begegnungen übrig bleibt. Die Berliner
Fotografin Anke Schüttler ließ sich auf
der Suche nach ihrer eigenen Erzählung
über Berlin mit dem Ausgangspunkt der
Kartografie von visuellen Codes leiten.
Sie beschäftigte sich mit einer Sprache
bestehend aus Buchstaben, Ziffern und
Symbolen. Mit der Kamera die eigene
Stadt kartierend trug sie die einzelnen
Seiten zu einem ungewöhnlichen Lexikon
zusammen, das dem Unverständlichen
eine Stimme gibt.
In der Ausstellung »Privado« / »Book of
Life« verbinden sich diese persönlichen
Bereiche.
Beide Künstlerinnen haben sich dabei
bewusst für die analoge Technik entschieden,
gewissermaßen um den Akt
des Fotografierens zu zelebrieren und
der Flüchtigkeit der digitalen Welt entgegenzuwirken.
© Karin Idelson, (Original in Farbe)
© Anke Schüttler, (Original in Farbe) © Anke Schüttler, (Original in Farbe)
Vernissage:
10. August 2013, 19 Uhr
www.ankeschuettler.com
www.karinidelson.com
11. August bis 7. September 2013
exp 12 / exposure twelve
Greifswalder Straße 217
10405 Berlin-Prenzlauer Berg
Sa 16 – 20 Uhr
So 14 – 18 Uhr
www.exp12.com
38 brennpunkt 3/2013

Galeriebericht
Mixed Pixels
Gemeinhin vergeht in Berlin kaum ein
Quartal ohne die Präsentation eines
bedeutenden fotografischen Lebenswerks.
Diesmal waren Gruppenevents
angesagt, jeweils unter einem Motto,
und auch die Solisten widmeten sich
begrenzten Themen. Im Vergleich mit
Mauerzeiten genießen wir jetzt eine
schillernde Vielfalt, einmal durch das
deutsch-deutsche Zusammenwachsen,
zum anderen durch den globalen
Austausch. Die »zerstörte Vielfalt«
durch die Nazis nach 1933 ist gerade
Gegenstand des Themenjahres 2013.
Mir scheint, dass wir auf gutem Wege
sind sie wieder herzustellen. Die inflationäre
Verbreitung der digitalen Fotografie
trägt sicher dazu bei, allerdings oft
auf einem Niveau, das vielen Galeristen
und Kuratoren Sorge macht. So Norbert
Bunge von der galerie argus fotokunst:
»Die jungen Leute wissen ja gar nicht
mehr, was ein gutes Foto ist«.
Einer, der es wusste und dieses Wissen
als Lehrer und Mentor mit großer Achtsamkeit
weitergab, war Arno Fischer.
Sein legendäres Urteil »Siehste, jeht
doch« war Anerkennung und Ansporn
für seine Schüler, die in ihm auch einen
großen Menschen verehrten. Er starb am
13. 9. 20011. Sein Name taucht immer
wieder auf in den Lebensläufen aus Ost
und West. Der eigene führte ihn in den
Fünfzigern aus Westberlin in die DDR.
Er wurde der vielleicht bedeutendste
Fotograf der DDR. Thomas Honickel
sagt im Katalog zur Kölner Ausstellung
von 2004 »Utopie und Wirklichkeit«:
»Für Fotografen war die DDR ein verstecktes
Paradies, wäre alles so reich
und vielfältig gewesen wie ihre fotografische
Kultur, wäre sie nicht untergegangen«.
Zweiunddreißig Meisterschüler seines
letzten Jahrgangs an der Ostkreuzschule
haben sich zusammen getan,
und Fischers langjähriger Kurator Matthias
Flügge hat ihre Ausstellung und den
schönen Katalog betreut. Flügge schreibt
darin: »Wenn nun der letzte Jahrgang
seiner Meisterschüler eine gemeinsame
Ausstellung eröffnet, so ist das zuerst
eine Hommage an Arno Fischer. Es ist
zugleich aber auch ein Nachweis dafür,
wie viele originäre Begabungen sich
um ihn versammelt haben, die mittlerweile
selbst unser Bildgedächtnis und
die Diskurse um die Fotografie bereichern«.
Für diese Begabungen ist der
Respekt für das Medium Fotografie mit
seiner 174-jährigen Geschichte und
seiner künstlerischen und gesellschaftlichen
Relevanz selbstverständlich. Das
unterscheidet sie wohltuend von der
verbreiteten Verflachung und Beliebigkeit,
die wir tagtäglich ertragen müssen,
von der digitalen »Verwurstung« ganz
zu schweigen. Arno Fischer hatte dafür
einen schlichten Ausdruck: »Ich sticke
nicht«. Pauschal abgelehnt hat er die
digitale Fotografie keineswegs, hat sie
auch gelehrt.
© Eva Brunner
Bei dem hohen fotografischen Niveau
der Ausstellung will ich nur einige
Autoren nennen, deren Botschaft mich
besonders berührt hat. Es sind die, die
mir vom Menschen erzählen, seinen
Spuren, Erinnerungen und Sehnsüchten.
So der Schweizer Mischa Christen mit
der mutigen Geschichte vom Alleinsein,
Eva Brunner mit Erinnerungsräumen, in
denen wir unsere eigene Story in und
hinter den Bildern finden können, Uta
Protzmann mit einem zarten Gespinst
von Nostalgie, Birgit Krause, deren
»unbewusste Wirklichkeiten« in ihrem
Heute nach der Jugend suchen, und sehr
viel konkreter Eric Schütt, der in unseren
Landen die letzten »Frauen in Tracht«
© Birgit Krause
© Janine Fritsch
besucht hat mit Tonband und Kamera.
Anna Thiele beobachtet die Menschen
in den übermächtigen Architekturen des
Regierungsviertels. In unserem Portfolio
im Heft 4 – 2012 haben wir ihre Farbbilder
mit dem Titel »Verdichtung/Verortung«
in schwarzweiß vorgestellt. Im
Mai gehörte Anna Thiele zu den achtundzwanzig
Siegern des »Architekturbild
2013« in Frankfurt/Main.
Auch Joern Dudek ist durch Arno
Fischers Schule gegangen und zeigte
im AXEL- Hotel seine großen SW-Prints
vom Neuen Berlin, edel auf Baryt.
brennpunkt 3/2013
39

Galeriebericht
An einem märchenhaften Lehrgangsthema
haben sich fünf Frauen
und ein Mann an der Neuen Schule für
Fotografie versucht: »Rotkäppchen«. In
den »grimmigen« Hausmärchen steckt
ja viel Zündstoff, Gewalt, Angst, der
Kampf von Gut und Böse. Die Eleven
lüpften das rote Käppchen in ihren Beiträgen
nur zaghaft. Meike Sieverking
und Janine Fritsch fanden am ehesten
den Zugang.
Um bei den Schulen zu bleiben: imago
fotokunst (www.imago-fotokunst.de)
hat sich seit vielen Jahren bestens eingeführt,
mit Dozenten wie Ulla Kelm,,
Torsten Andreas Hoffmann, Enno Kaufhold
und vielen anderen. Dass sie keine
Schlagzeilen macht, hat, so scheint mir,
einen sympathischen Grund: Den Leitern
Manuela Schäwe und Mathias
Richter ist die Fotografie eine Herzensangelegenheit.
Der wirtschaftliche
Erfolg zählt erst in zweiter Linie.
Im Mai hingen im alten Kellergewölbe
der Galerie die musikalischen Straßenszenen
von Matthias Klages (Jahrgang
59), analog fotografiert und aufs Feinste
handvergrößert.
© Matthias Klages
Auch Oliver S. Scholten lehrt noch klassische
Labortechnik und unterhält ein
Werkatelier (www.position-fotografie.
de). Er ist sehr vielseitig und hat Marotten,
die einem Künstler wohl anstehen.
Eine davon ist eine ganz gegenständliche
Versuchsanordnung, kürzlich in der
Gruppenausstellung EGO in der Fotogalerie
am Friedrichshain zu bewundern.
Da verkabelt er leibhaftig seinen
Schädel mit einer monströsen Plattenkamera.
Das ist Philosophie zum Anfassen,
ebenso anschaulich wie humorvoll. Mit
von der lustigen Partie: Katja Schrader,
deren schrille Selbstdarstellungen auf
ihre Tätigkeit am Theater und im Journalismus
verweisen. Fotografisch ist das
alles eine Augenweide.
Noch ein paar Perlen säumten meinen
Weg durch die Galerien, so die Porträts
aus der Berliner Kunstszene von Jan
Sobottka bei Manfred Carpentier. Mehr
im letzten »brennpunkt« und unter
www.catonbed.de. Nicht weit davon,
in der Fasanenstraße, Johanna Breedes
»Frauen«, eine wunderbare Auswahl der
bekanntesten Fotografen aus den letzten
50 Jahren. Herbert Lists schöne Studie
von Anna Magnani zierte unsere letzte
Ausgabe.
Bei Pavlov’s Dog waren die Wände vollgehängt
mit 50 x Berlin von 50 Fotokünstlern,
allzu viel Vielfalt auf engstem
Raum. Das Auge kommt nicht zur
Ruhe.
Klar gegliedert hat Christian Reister
seine Berlin-Trilogie für das Café
Aroma.
Ein bunter Fries mit quicklebendigen
Streiflichtern vom Alex führt wie ein
Film um den ersten Raum, im zweiten
sind es gerahmte Stadtlandschaften, alle
mit einem gewissen Pfiff, und im dritten
frönt Reister seinem schwarzweißen
Faible für das Berliner Nachtleben,
das er uns schon im Kabinett des Hotels
Bogotá näher gebracht hat. Hier waren
im Saal die nicht eben aufregenden
Werke von Bernadette Ypso und Charlotte
K zu sehen, die mit ihrer Anonymität
kokettieren, obwohl Joachim Rissmanns
Photoplatz bisher von der Aura
der großen Namen gelebt hat. Leider
wurde ihm zum 30. März 2014 gekündigt,
und die wechselvolle Kulturgeschichte
des Hauses seit Yva und ihrem
Schüler Helmut Newton wird damit
wohl in Vergessenheit geraten. Da wird
auch das Engagement von Harald Martenstein
im Tagesspiegel nicht helfen.
Rissmann kann es kaum trösten, dass
demnächst c/o Berlin im alten Amerikahaus
am Zoo die City West aufwerten
wird.
Da ist er wieder, der lange Schatten der
Berliner Mauer. Die Galerie Camera
Work versucht ein Spagat. Ihre glamourösen
Stars amerikanischer Prägung vor
und hinter der Kamera sind in der Kantstraße
genau richtig, immer spektakulär
und selten unter 10.000.- zu haben.
Bei Michel Comtes Meisterstücken
steigert sich das für die splitternackte
Carla Bruni von 1993 auf 36.000.- Euro.
Besser gefällt mir das Konterfei von Geraldine
Chaplin, die in Clownspose ihren
Papa Charlie herrlich treffend karikiert
und ihm dabei so verblüffend ähnlich
© Michael Comte
sieht, dass man an einen fröhlichen
Spuk aus dem Jenseits denkt. Bewegend
ein intimes Porträt der Louise Bourgois
aus New York 1996, deren kluge klare
Augen in einem Meer von Falten das
ganze Jahrhundert spiegeln.
In der Dependance Ost, CWC in der
Auguststraße, triumphiert mit Jean Baptiste
Huynh die reine Form. Fast alle
Motive sind exakt mittig ausgerichtet
im Quadrat, die betenden Hände, ein
Messer, eine Lotusknospe, eine Kerzenflamme,
exotische Porträts. Cool. Nein,
das ist eiskalte Ästhetik. Man muss das
mögen. Muss man?
Die Alfred Ehrhardt Stiftung, schräg
gegenüber von CWC, hat es auch mit der
Ästhetik, aber im Geiste ihres Namenspatrons
mit der biologischen. Hier fragt
Frank Darius mit der Serie »Low« verwegen:
»Was ist Natur wirklich?«
und reduziert sie auf haarfeine schwarze
Linien auf großer weißer Fläche.
40 brennpunkt 3/2013

Galeriebericht
© Frank Darius © Lutz Dille
Der Philosoph Andreas Weber sieht
darin ihre poetische Dimension. Auf die
verstanden sich die Romantiker besser.
Bei Darius denkt man eher aktuell, an
ihr Verschwinden.
Am selben Ort als starker Kontrast die
bunten Wasserlandschaften »nach der
Natur« von Hanns Zischler, aus der
Rigby-pin-hole 4 x 5 inch, einer Lochkamera
also, mit Blende 164. Dieses
Eichenholzmöbel liefert recht malerische
Bilder, mit dem typischen Lichtabfall
zu den Rändern. Ein Loch kann man
nicht korrigieren, das Ergebnis aber
mit einem lyrischen Titel verklären wie
»Rauchquast über Schreberland«. Zischler
ist als preisgekrönter Publizist und
Schauspieler bekannt. Wir verdanken
ihm den brillant boshaften Text »Berlin
ist zu groß für Berlin« über das Werden
der Hauptstadt aus Sumpf und Sand (bei
Galiani).
Der Pole Marek Pozniak hat immerhin
eine einfache Linse in seiner Black Box
von 1887. Schon kurios, was die digitale
Perfektion an Gegenstrom erzeugt.
Bei ihm steht ein künstlerisches Konzept
dahinter, das den Ablauf von Zeit auf
mehreren Ebenen sichtbar und begreifbar
macht. Enno Kaufhold und Susanne
Schmid haben das im Katalog klug analysiert.
Schmids Text ist auch in unserem
letzten Heft abgedruckt, zu einigen
Bildern. Die bei Johanna Breede bis
24. August ausgestellten Originale sind
zum Teil Unikate, weil die zugehörigen
Negative vernichtet wurden. Ein echter
Kunst-Griff zur Wertsteigerung, neben
der aufwendigen Lith-Entwicklung und
Tonung der speziellen Papiere. Dabei
arbeitet Pozniak im »richtigen Leben«
durchaus digital.
Die Liebe zur analogen Technik ist
auch für Norbert Bunge Programm.
Für seine Galerie argus fotokunst hat
er lauter Kostbarkeiten zur »Faszination
Paris« zusammengetragen. Mit
dabei Sibylle Bergemann, René Burri,
Bunge selbst, Paul Almasy und George
Friedmann, der uns zuvor daselbst mit
seinen »Novelas Argentinas« amüsiert
hat. Mit »Paris« feiert Bunge seine hundertste
Ausstellung seit 1996. Ein Foto
muss für den erfahrenen Dokumentarfilmer
eine Geschichte erzählen, und
zwar möglichst als Handvergrößerung
auf Barytpapier.
Besonders liegt ihm die ostdeutsche
Fotografie am Herzen, auch die Wiederentdeckung
fast vergessener Autoren
des 20. Jahrhunderts.
Einer, der sich seine Landschaften selbst
erfindet, ist Thomas Wrede. Die großen
Tableaus in der Galerie Wagner + Partner
nennt er »Katastrophe und Idylle«,
nicht zu verwechseln mit »Idylle und
Desaster« des unsäglichen Bogomir
Ecker im letzten Monat der Fotografie.
Wrede versetzt schon länger typische
Merkmale unserer modernen Zivilisation
in urtümliche Gegenden für seine
»Real Landscapes«, mit verblüffender
Wirkung. Diesmal stellt er die Verwüstungen
von Fukushima und New
Orleans modellhaft nach und lässt die
Bauruinen an der Costa im Meer versinken.
Die Preisliste weist für so ein grandioses
»Lambdaprint Diasec« in 140 x
200 cm 12.600.- Euro aus, bei einer Auflage
von 5 Stück.
Mit Arnd Weider kehren wir zur relativen
Wahrheit in der Fotografie zurück. Er
gibt uns eher mit der Wahl seiner Räume
Rätsel auf. Am Rathaus Tempelhof sind
seine »Heterotopien« noch bis 27. Juli
zu sehen. Weider meint damit – in Anlehnung
an den Philosophen Michel Foucault
– »andere« Orte, die in besonderer
Weise für Situationen stehen, die wir im
Alltag verdrängen oder nicht auf unsere
Person beziehen. Er findet sie in Kliniken,
Anstalten, Gefängnissen und im
Krematorium, Lokalitäten, deren Betreten
an bestimmte Rituale gebunden ist,
und schöpft nach eigener Aussage aus
»erlebtem Umgang mit Krankheit und
Tod«. Groß-und Mittelformat unterstützen
mit ihrem Detailreichtum die eindringliche
Aufforderung des Autors, die
innere Abwehr zu überwinden und sich
seinem Thema zu öffnen. 2010 war er
Preisträger am Haus am Kleistpark und
erhielt ein Arbeitsstipendium. Sein Rüstzeug
holte er sich bei Arno Fischer an
der fas und an der Ostkreuzschule.
Die engagierteste Arbeit des Quartals
fand ich in der kleinen aff-Galerie in
Friedrichshain: Helena Schätzles »9645
Kilometer Erinnerung«. Für die junge
Autorin (Jahrgang 83) waren es vier
Jahre anstrengender Reisen und intensiver
Beschäftigung mit der selbstgestellten
Aufgabe, der Suche nach den Spuren
des schrecklichen 2. Weltkriegs in Osteuropa,
in den Fußtapfen des Großvaters,
der als deutscher Soldat in neun
Ländern gekämpft hat. Fast erdrückt
wurde sie von Hunger, Leid und Tod in
den Erinnerungen der Menschen, die sie
aufsuchte.
Ihre sensiblen Porträts erzählen davon,
aber auch von Momenten großer Vertrautheit
und Dankbarkeit für die Anteilnahme.
Die Landschaftsbilder von
heute, karg, winterlich, manchmal noch
mit den Wunden des Krieges,
verstärken die mahnende Wirkung
dieser ergreifenden Reportage.
Zum Schluss aber zwei heitere Tipps für
den Rest des Sommers:
Bis 20. Juli bei Petra Rietz am Koppenplatz
die reizvollen »Kleider aus Licht«,
die Heinrich Heidersberger in den 40-er
Jahren auf bloße Körper zauberte (siehe
brennpunkt 2/13), und die vielen meist
malerisch oder neckisch inszenierten
Nackedeis beiderlei Geschlechts von
der vorletzten Jahrhundertwende, unter
dem dummen Titel »Die nackte Wahrheit
und anderes«, bis 25. August im
alten Kaisersaal des Museums für Fotografie,
über Helmut Newtons auch nicht
gerade prüder Bilderwelt.
Klaus Rabien
brennpunkt 3/2013
41

Fotoszene
UPON PAPER
magazine #03
LOVERS
Als definiertes »objet de désir« ist das
UPON PAPER magazine prädestiniert
dafür, diese Leidenschaft in seiner dritten
Ausgabe wörtlich zu nehmen und
das Thema Lovers bildmächtig umzusetzen.
So zeigt UPON PAPER #03 ein
herausragendes Line-up an internationalen
Kontributoren wie James Franco,
Jeff Burton, Larry Clark, James Gallagher,
René Groebli, Rosa Loy und
Hans Peter Adamski. Viele der gezeigten
Arbeiten sind speziell für UPON
PAPER #03 entstanden. Sie erzählen
von den unterschiedlichsten Formen
menschlicher Zuneigung, emotionaler
Bindung und Zweisamkeit. Auch das
Lieben und geliebt werden, die Amour
Fou, Selbstliebe (bis hin zum Narzissmus),
First Love, die Liebe zur Kunst und
zur Architektur sowie die Abwesenheit
und das Enden von Liebe sind Themen,
die die neueste Ausgabe des UPON
PAPER magazine behandelt und damit
berührt, erinnert und mitfühlt.
Es geht um Ver- und Geliebte wie z.B.
in Groeblis Serie Das Auge der Liebe,
welche er in den 1950er Jahren während
der Hochzeitsreise mit seiner Frau
inszenierte oder Kate Bellms Zyklus
Lover, der ihren Freund Edgar Lopez
auf den verschiedensten Stationen
einer gemeinsamen Weltreise zeigt. Des
Weiteren öffnete der Berliner Künstler
Hans Peter Adamski sein Archiv erotischer
Papierarbeiten, die von historischen
asiatischen Zeichnungen inspiriert
wurden, und teilt diese intimen
Einblicke mit dem Leser. Und auch mit
den Malereipositionen Rosa Loy und
James Franco überzeugt die neue Ausgabe
des Magazins: Während Loy mit
ihren Werken an die pure Weiblichkeit,
Fürsorge und Poesie appelliert, zelebriert
das Multitalent Franco die eigene
Persönlichkeit mit selbstreflektorischen
und oftmals selbstironischen Zitaten.
Neben etablierten Künstlerpositionen
sind auch junge Talente wie die erst 19-
jährige New Yorker Fotografie-Studentin
Jordan Tiberio und die Wahlberlinerin
Kandis Williams wichtiger Bestandteil
René Groebli, Untitled, 1953, © René Groebli,
courtesy PINTER & MILCH, Galerie für
Fotografie
des Portfolios von UPON PAPER #03.
»Once upon a Trip«: UPON PAPER präsentiert
erstmalig eine Kollektion von 8
Fotografien und Malereien des künstlerischen
Zusammenwirkens von Maler und
Filmemacher Julian Schnabel und May
Andersen, Model und Fotografin. Speziell
für die dritte Ausgabe von UPON
PAPER magazine haben sie jeweils 4
ihrer Arbeiten, die auf einem gemeinsamen
Ausflug nach Ocracoke in North
Carolina, USA, entstanden sind, zusammengestellt
und editiert - als ein Manifest
der Liebe für: »LOVERS«!
Upon Paper steht im Allgemeinen für
das Zelebrieren von Farbe, Form und
Text. In der dritten Ausgabe des Upon
Paper magazines gewährt die sogenannte
Dunkelkammer Einblick in die
dunklen Seiten des Themas Liebe: abgesetzt
auf schwarzem Hintergrund stehen
erotische Zeichnungen von Francisco
de Goya Seite an Seite mit der Fotografie
eines zärtlichen Moments zwischen
John Lennon und Yoko Ono, während
eine klassische Aktfotografie von Frank
Eugene durch die Szenerie eines Sexkinos
kontrastiert wird. Die Dunkelkammer
befindet sich, einem Kleinod
gleichend, in der Mitte/im Inneren des
Heftes und hebt sich nicht nur durch ihr
spezielles, besonders haptisches Papier
vom restlichen Heft ab.
GRUPPENAUSSTELLUNG LOVERS
Die Ausstellung begreift sich als Überführung
des Leitthemas LOVERS in
den dreidimensionalen Raum. Über
die bereits im Heft vertretenen Künstler
hinaus präsentiert LOVERS weitere
Kreative und ihre Positionen zu diesem
Thema. Bis zum 27. Juli werden Arbeiten
von Hans Peter Adamski, Kate Bellm
& Edgar Lopez, Larry Clark, James
Franco, James Gallagher, Bill Henson,
Claire Kurylwoski, Matt Lambert, Philip
Loersch, Jordan Tiberio, Camille Vivier,
Gavin Watson und Kandis Williams
gezeigt.
DAS UPON PAPER PROJECT
UPON PAPER besteht aus drei sich
ergänzenden Bereichen: Das großformatige
UPON PAPER magazine (490
x 690 mm) ist zweisprachig Deutsch/
Englisch und widmet sich in jeder Ausgabe
einem Leitthema. Das international
mehrfach ausgezeichnete Design
und die aufwändige Produktion machen
das Magazin von Chefredakteur Holger
Homann, Creative Director Helder Suffenplan
und Editorial Director Paul Hetherington
zu einem Sammler-Objekt mit
starker physischer Präsenz. Der UPON
PAPER space in Berlin-Mitte inszeniert
Ausstellungen im Raum und die thematisch
korrelierende Websitewww.uponpaper.com
begleitet die Ausstellungen
und Magazine im Netz.
UPON PAPER ist eine Initiative von
Hahnemühle FineArt. Ausgangspunkt
ist die Leidenschaft für Papier als ein
die Zeiten überdauerndes Medium,
um Ideen, Träume und Visionen fest zu
halten und Diskussionen anzustoßen:
Die 1584 gegründete Hahnemühle
FineArt ist ein weltweit führender Anbieter
hochwertiger Papiere für Künstler,
Fotografen und das grafische Gewerbe,
sowohl für traditionelle Kunsttechniken
wie Aquarell oder Zeichnung (Traditional
FineArt) als auch für digitale Verarbeitung
von Fotografie (Digital Fine-
Art). Hahnemühle hat über die Jahrhunderte
eine ausgeprägte Firmenkultur von
Qualität und Innovation entwickelt und
bedient aus der kleinen Stadt Dassel in
Niedersachsen heraus mit seinen 150
Mitarbeitern Künstler und Kreative auf
fünf Kontinenten.
bis 27. Juli 2013
UPON PAPER space
Max-Beer-Straße 25
10119 Berlin-Mitte
Di – Fr 12– 18 Uhr, Sa 12–16 Uhr
42 brennpunkt 3/2013

Ausstellungen
Museum für Fotografie
27. Sept. 2013 bis 5. Januar 2014
Brasiliens Moderne 1945-1961
Thomaz Farkas, Hans Gunter Fleig,
Marcel Gautherot, Jose Medeiros
Jebensstraße 2
10623 Berlin-Charlottenburg
Di–So 10–18 Uhr
Do 10–22 Uhr
ifa-Galerie
27. September bis 22. Dezember 2013
Kulturtranfers #7:
The Space between us
Fotografie Afrika
Linienstraße 139/140
10115 Berlin-Mitte
Di–So 14–19 Uhr
Haus am Kleistpark
bis 11. August 2013
Torsten Warmuth
»Die Rückeroberung der Freiheit«
Grunewaldstraße 6-7
10823 Berlin-Schöneberg
Di–So 10–19 Uhr
Berlinische Galerie
bis 30. September 2013
Tobias Zielony
»Fotografien 2008–2012«
Alte Jakobstraße 124-129
10969 Berlin-Kreuzberg
Mi–Mo 10–18 Uhr
Galerie Jette Rudolph
25. Oktober bis 30. November 2013
Samuel Henne
Strausberger Platz 4
10243 Berlin-Friedrichshain
Di–Sa 12–18 Uhr
Podbielski
Contemporary
14. September bis 9. November 2013
Thomas Jorion
Koppenplatz 5
10115 Berlin-Mitte
Di–Sa 12–18 Uhr
Instituto Cervantes
bis 6. September 2013
Leopoldo Pomés
Carlos Sauro
»Porträts«
Rosenstraße 18-19
10178 Berlin-Mitte
Mo–Do 9–13 Uhr, 14–18 Uhr
Fr
9–13 Uhr
KICKEN Berlin
bis 31. August 2013
Martin Kippenberger
Linienstraße 161a
10115 Berlin-Mitte
Di–Sa 14–18 Uhr
Deutsches
Historisches Museum
13. Dezember 2013 bis 4. Mai 2014
Farbe für die Republik
Fotoreportagen aus dem Alltagsleben
der DDR
Ausstellungshalle I. M. Pei
Hinter dem Zeughaus
Unter den Linden 2
10117 Berlin-Mitte
täglich 10–18 Uhr
Wagner + Partner
bis 27. Juli 2013
Natascha Stellmach
»I dont´t have a Gun«
Strausberger Platz 8
10243 Berlin-Friedrichshain
Di–Sa 13–18 Uhr
CWC Gallery
bis 24. August 2013
»Selection«
Nick Brandt, Jean-Baptiste Huynh, Helmut
Newton, Herb Ritts, Yoram Roth,
Camera Work CWC Gallery
Auguststraße 11-13
10117 Berlin-Mitte
Di–Sa 11–19 Uhr
Swedish Photography
bis 20. Juli 2013
DIFFERENT DISTANCES
Denise Grünstein, Julia Hetta, Martina
Hoogland Ivanov, Julia Peirone, Elizabeth
Toll
7. September bis 19. Oktober 2013
Inka Lindergard & Niclas Holmström
»Becoming Wilderneso«
Karl-Marx-Allee 62
10243 Berlin-Friedrichshain
Mi–Sa 12–18 Uhr
Helmut Newton
Stiftung
bis 19. Oktober 2013
Helmut Newton
»World without Men / Archives de
Nuit«
François-Marie Banier
»Porträts«
Jebensstraße 2
10623 Berlin-Charlottenburg
Di–So 10–18 Uhr
Do 10–20 Uhr
brennpunkt 3/2013
43

Ausstellungen
Justine Wodtke
»Jenseits der Schärfe«
Fotografische Impressionen
Irritation wird das Erste sein, das
Sie empfinden. Aber dann gewöhnt
sich das Auge an das Gebotene, die
Befremdlichkeit verschwindet und Sie
beginnen, das Gesehene zu interpretieren,
mit Ihrer Phantasie zu füllen, zu
gestalten und schließlich in das Bild
einzutauchen, Ihren Gefühlen Raum
zu geben und die gegenständliche
Welt für einen Augenblick zu verlassen,
vielleicht sogar zu träumen.
Und genau das ist die Intention der
Fotografin Justine Wodtke: Abbildungs-,
Betrachtungs- und Wahrnehmungsgewohnheiten
infrage zu stellen.
»Fotografieren bedeutet für mich
seit meiner Kindheit, die Welt so abzubilden
wie ich sie wahrnehme, empfinde
und erlebe«.
In den fotografischen Impressionen
»Jenseits der Schärfe« werden Formen
vereinfacht, teilweise aufgebrochen,
aufgelöst, Farbnuancen verschwinden
zugunsten intensiverer Farbgebung
einzelner Objekte. Hierdurch entstehen
Überzeichnungen bzw. Hervorhebungen
wichtiger Bildelemente
und somit auch gleichzeitig Reduzierungen
auf Wesentliches. Unwesentliches
wird vernachlässigt bzw. gar
nicht mehr abgebildet.
Die vermeintlich objektive Betrachtungsweise
wird zugunsten einer
bewußt subjektiven und somit emotionaleren
Wahrnehmung ersetzt, da
das fotografierte Objekt erst seitens
der Betrachtenden anhand der reduzierten
und somit verfälschten Bildinformationen
wieder entstehen muß.
Dieser Prozeß ist eine aktive Interaktion
zwischen dem Interpreten und der
Fotografie.
© Justine Wodtke, (Original in Farbe) © Justine Wodtke, (Original in Farbe)
© Justine Wodtke, (Original in Farbe)
Diese intensive Auseinandersetzung
mit minimalistischen, teils uneindeutigen
Bildelementen, die erst durch die
Phantasie und Kreativität der betrachtenden
Person zu einem ganz eigenen,
privaten Bild zusammengefügt
werden - ist nichts anderes wie das,
was wir tagtäglich aufgrund minimalistischer
Informationen machen: Wir
schaffen uns jeweils unsere eigene
Realität, unseren ureigenen Blick auf
die Welt.
Faszinierend bei dieser Form der
Rezeption ist, daß bei jedem erneuten
Betrachten des Dargestellten immer
wieder neue Bilder entstehen können
und sich somit auch ein wesentlich
intensiverer Kontakt zum Bild aufbaut.
© Justine Wodtke, (Original in Farbe)
Justine Wodtke
»Zwar schon im Ruhestand, aber alles
andere als ruhig. Immer noch hibbelig,
immer noch neugierig auf das Leben
und die Welt«.
Fotografin aus Leidenschaft, Autodidaktin,
Absolventin der Fotoklasse 23 von
Ursula Kelm bei imago-fotokunst Berlin.
Unternehmensberaterin, IT-Systementwicklerin
Vernissage:
2. Juli 2013, 17 Uhr
2. Juli bis 31. Juli 2013
Rathaus Würzburg
Rückermainstraße 2
97070 Würzburg
täglich von Montag bis Freitag
www.justine-wodtke.com
justine.foto@web.de
44 brennpunkt 3/2013

Ausstellungen
Ursula Kelm
»weit draußen und tief
drinnen«
Bilder der Nacht
Dunkelheit oder Mangel an (natürlichem)
Licht hat Künstler stets fasziniert.
Die Nacht ist ein Zustand, aber gewissermaßen
auch eine Haltung, sie ist
Mythos und Sehnsucht, Einschränkung
und Option, Stille und Rausch. Sie ist
dort - weit draußen - und hier - tief drinnen,
u.a. aus »Apollo Theatre«, Harlem
2013.
© Ursula Kelm, Original in Farbe
© Ursula Kelm, Original in Farbe
© Ursula Kelm, Original in Farbe
Teilnehmer:
Claire Hooper, London (Video), Esther
Horn, Berlin (site specific painting),
Gabriele Horndasch, Düsseldorf
(Video), Ursula Kelm, Berlin (Fotografie),
Johannes Kersting, Nürnberg (Fotografie),
Mathias Otto, Nürnberg (Malerei),
Gerhard Rießbeck, Bad Windsheim
(Malerei), Yukara Shimizu, München
(Fotografie)
Es erscheint ein Katalog von Ursula
Kelm.
© Ursula Kelm, Original in Farbe
© Ursula Kelm, Original in Farbe
15. September bis 27. Oktober 2013
kunst galerie fürth
Königsplatz 1
90762 Fürth
Mi – Sa
So
13 – 18 Uhr
11 – 17 Uhr
brennpunkt 3/2013
45

Ausstellungen
Weegee
»The Famous«
Fotografie
Arthur Fellig (1899-1968), der sich selbstbewusst
Weegee – The Famous nannte,
gehört zu den ungewöhnlichen Positionen
der amerikanischen Fotografie der
1930er, 40er und 50er Jahre. Er wurde
berühmt durch seine nächtlichen Fotos
zu Brandkatastrophen, Unfällen und
Morden sowie seinen Beobachtungen
von Obdachlosen und Outlaws. Eine
harte Lichtführung mit erschreckender
Unmittelbarkeit und drastischem Realismus
zeichnet die Bilder aus. »The
Critic« (1943) zählt zu den meist publizierten
Fotografien und stellt in überzeichneter
Weise eines seiner zentralen
Themen - die Klassenunterschiede
zwischen der New Yorker High Society
und der Arbeiterbevölkerung dar. Ironischerweise
wird das Bild im Zweiten
Weltkrieg auch von den Nazis zu Propagandazwecken
genutzt.
Zehn Jahre arbeitet Weegee in den Manhattan
Headquarters und macht nach
eigenen Angaben über 5.000 Fotografien
von den Randgruppen der Gesellschaft.
Diese Arbeit lässt ihn zu einem
der berühmtesten Bildchronisten dieser
- noch schwarz-weißen - brutalen Epoche
werden. 1945 erscheint sein erstes Buch
Naked City, das ihm auch internationalen
Ruhm einbringt und das zwei Jahre
später in Hollywood verfilmt wird.
Den Namen Weegee verdankt er laut
eigener Aussage dem Gerücht, er habe
telepathische Fähigkeiten. Denn ausgestattet
mit dem Polizeifunk ist er meist
der erste am Unfallort und so sind seine
Fotos schon in der Zeitung, da ist die
Nachricht ansonsten noch niemandem
bekannt. So gab man ihm den Spitznamen
nach einer damals sehr populären
spiritistischen Alphabettafel, dem
»Ouija«-Board. Er selbst überlegte
hierzu die »englische« Schreibweise
Weegee und bemerkte selbstbewusst:
»Ein besserer Name oder ein besserer
Photograph ist mir nie begegnet«.
Straßenhändler, o.J. © Weegee / Institut für Kulturaustausch, Tübingen 2013
In über 100 Fotografien stellt die
Ausstellung diesen für viele nachfolgende
Fotografen sowie Regisseure und Filmer
vorbildhaften und prägenden Realisten
vor. Die Oberhausener Schau vereint
neben den Bildern zu Tatorten und
Tätern auch solche zu Celebrities und
Stars wie Jackie Kennedy oder Salvador
Dali.
Die Ausstellung entsteht in Kooperation
mit dem Institut für Kulturaustausch
Tübingen. Sie wird gefördert
durch die Peter und Irene Ludwig Stiftung,
die Stadtsparkasse Oberhausen
und WDR3.
Ostersonntag in Harlem, 1940
© Weegee / Institut für Kulturaustausch,
Tübingen 2013
46 brennpunkt 3/2013

Ausstellungen
Santana in G-Strings, 1950 © Weegee / Institut für Kulturaustausch, Tübingen 2013
Charles Sodokoff und Arthur Webber, 1942
© Weegee / Institut für Kulturaustausch,
Tübingen 2013
bis 8. September 2013
Ludwiggalerie - Schloss Oberhausen
Konrad-Adenauer-Allee 46
46042 Oberhaus
Kritik, 1943 © Weegee / Institut für Kulturaustausch, Tübingen 2013
Di – So
11 – 18 Uhr
brennpunkt 3/2013
47

Ausstellungen
Ono Ludwig
»Ikonen und
Helden Werkschau
15 Jahre analoge
Portraitfotografie«
»The Divinity«
Bei der analogen Fotoserie »Divinity«
frönt der Berliner Kunstfotograf Ono
Ludwig dem Terrain der inszenierten
Fotografie und antichambriert damit alle
anderen Serien aus den letzten Jahren.
Interessanter Weise handelt es sich bei
den Modellen ausnahmslos um Freundinnen
und Freunde oder Bekannte aus
dem persönlichen Umfeld des Künstlers.
Es geht ihm dabei weniger um die Menschen,
die aufgrund ihres Bekanntheitsgrades
bereits in irgendeiner Form prominent
sind, genau die interessieren ihn
hier weniger. Vielmehr versetzt er wie
zufällig die Personen in eine Euphorie
und bringt sie dazu aus sich herauszugehen,
ohne grotesk und albern zu
wirken. Die Authentizität der Abgebildeten
bleibt erhalten – gerade wegen
ihres Ausdrucks, der sich speist aus einer
inneren Spannung oder Zerrissenheit
oder einem unbequemen Lebensentwurf
entspringt.
© Ono Ludwig, Chloé, (Original in Farbe)
Die Lebensfreude steckt an, die Situationen
sind energetisch aufgeladen. Der
Selbstdarstellung folgt der Fotograf mit
dem Objektiv und erhöht sie mit den
Mitteln der Fotografie auf sehr subtile
Weise. Im realistischen Ausdruck erinnern
die Fotografien an einen Meister
des italienischen Frühbarocks: Caravaggio
hätte seine helle Freude daran
gehabt.
Franz Werner, Berlin 2010
»Heroes«
Angesichts der inflationären Suche in
den Massenmedien nach Superlativen,
egal ob Stars und Sternchen, Nannys
und Dschungelkönige und der einhergehenden
Armada von allzu selbstsicheren
und peinlichen Dilletanten, die
die Warholsche Halbwertszeit von fünf
Minuten meist über Gebühr überschreiten,
ist es eine reine Wohltat, wenn der
Berliner Fotograf Ono Ludwig einen
ganz anderen Weg geht. Er widersetzt
sich den Gesetzen des durchschaubaren
Marktes, indem der Marktwert eines
Fotografen mit der Anzahl der Celebrity-Portraits
und der Veröffentlichungen
steigt.
Seine Helden und Heldinnen sind von
einem ganz anderen Kaliber, vielleicht
nicht konsumierbar für die Masse, aber
dafür mit umso größerer sozialer Kompetenz.
Alle haben eine Geschichte zu
erzählen, hinter allen stecken persönliche
Geschichten, alle hat er – auch
um eine Objektivität zu erhalten – mit
dem gleichen handwerklichen Können
inszeniert, ohne die subjektive Wirkung
der Portraits abzuschwächen.
Glamour, Protz und aufgemotzte
Gefühlsduselei sucht man bei seinen
analogen Bildern vergebens und wer
sich darauf einlassen kann, für deren
oder dessen Augen werden diese stillen
fast impressionistischen Bildwerke eine
Wohltat in ihrer Poesie und Ernsthaftigkeit
sein. Vielleicht sogar den reizüberfluteten
Blick schärfen für noch weitere
Heldinnen und Helden – es gibt sie tatsächlich!
Da muss man oft nicht lange
suchen.
Franz Werner, Berlin 2008
© Ono Ludwig, Joe, (Original in Farbe)
© Ono Ludwig, Nadja, (Original in Farbe)
»Attitude«
Ich definiere, das Portrait über die Einbettung
des Individuums in bestimmte
Kontexte: räumliche und zeitliche, historische
oder politische, mediale oder
wirtschaftliche. Das Portrait ist ein Spiegel:
von individuellen Wünschen bist zu
gesellschaftlichen Visionen zeigt es uns,
was wir waren, wer wir sind und wie
wir werden können. Ich habe bewußt
diese Männner in Dreiviertelprofil fotografiert.
Immigranten, politisch Verfolgte, anders
Denkende, jegliche Gesellschaftsschichten.
Das Leben hat mehrere
Abschnitte, wir verwandeln uns immer
wieder aufs Neue. Haltung zum Leben,
Haltung zur Freiheit, Haltung in Rand-
48 brennpunkt 3/2013

Ausstellungen
© Ono Ludwig, Claudia
gruppen. Wie sieht die nächste Generation
aus die sich zur Politik und der
Gesellschaft stellt.
Gibt es eine Freiheit zu denken, sagen
und zutun was man will? Kann man dies
schon an der Kleidung erkennen oder an
den Gesichtszügen junger Männer? Was
sagen Portraits von jungen Männern
aus? Mit der Kamera kommentiere ich
und fordere heraus, Männlichkeit als
eine Form der Identität. Die kulturelle
Sehnsüchte und Gegebenheiten
spiegeln: Fragen nach Identität, nach
Lebensweisen oder - Möglichkeiten
oder nach dem Wunsch einer besseren
Welt.
One Ludwig, Berlin 2008
»Ikonen im leeren Raum«
Thema meiner analogen fotografischen
Arbeit ist die Auseinandersetzung
mit den Menschen als »Ikonen im
leeren Raum«. Ikonen sollen inspirieren.
Ikonen sind anbetungswürdig. Zu
Ikonen schaut man hoch. Mein kreatives
Input entwickelte sich aus der Portraitierung.
Die Pose, als Stellung des Körpers
zum Raum und zum Gegenüber, ist ein
elementares Instrument der Selbstdarstellung.
Unter diesem Titel verstehe ich
die Reduzierung auf das Wesentliche.
Meine Protagonisten sind das Wichtigste.
Ich erzeuge eine fokussierte Konzentration
auf sie selbst als Personen.
Sie haben einerseits eine stark ästhetische
Komponente und sind andererseits
eine persönliche Kommunikationsform.
Die Protagonisten sind keine Stars, sie
© Ono Ludwig, Der blinde Indianer
sind keine prominenten Persönlichkeiten,
und sie haben auch im Leben nicht
immer den Status des Besonderen. Es
sind Menschen, die ich auf der Straße
treffe und die mich magisch anziehen.
Hinter der sichtbaren Fassade steckt
mehr als nur ein fremdes unbekanntes
Individuum. Die Pose, so egozentrisch
sie auch manchmal erscheinen mag, ist
dabei immer angewiesen auf den Blick,
von mir als Fotograf oder dem Betrachter.
Die Pose kann sowohl Schutzschild als
auch Offenbarung von Wunsch, Traum
und Wirklichkeit sein. Ohne die Spiegelung
im Auge des Anderen und die
damit einhergehende gesteigerte narzisstische
Selbstwahrnehmung, bleibt
die Pose bedeutungslos für das Modell.
Ono Ludwig, Berlin 2005
»Die Auserwählten«
Der Darstellung von Heiligen/Helden in
der Kunst und im Kultbild gehe ich mit
meiner analogen Kamera nach. Über
die ursprünglichen Namenspatronen
oder deren Geschichten und Legenden
weiß man oft wenig. Auch die Darstellung
vieler dieser Heiligen in der Kunst
bleiben oft rätselhaft für den Betrachter.
Normalen Sterblichen bleibt die Gedanken-
und Gefühlswelt seliger und heiliger
Menschen mitunter verschlossen.
Der Mensch und sein Streben nach
Ewigkeit. Wie das Streben nach Ewigkeit
sich in den Religionen und in der
Kunst ausdrückt wird in meiner Kunst
visuell angedeuetet. Eine Annäherung
in analogen schwarz/weiß Fotografien
sollen meine Heiligen Ikonen visuell
neu Interpretiert werden. Durch meine
eigene Bildprache werden meine Heiligen
in den Mittelpunkt gehoben.
Ich verfolge die unterschiedlichsten
Ausprägungen dieser universalen
Figuen und spüre diese in allen Weltkulturen
und Epochen nach. Meine Protagonisten,
gehören allesamt zu diesen
Grenzgängern, leben in einer besonderen
Sphäre und bringen Menschliches
mit Übermenschlichem in Verbindung.
Während die absolute Notwendigkeit
des Andersseins für das Funktionieren
menschlichen Lebens in der alltäglichen
Betrachtung häufig aus dem Blickfeld
gerät, rücken meine Fotografien die
Randfiguren ins Licht und unterstreicht
die vitale Bedeutung ihrer Aufgabe.
Ono Ludwig, Berlin 2011
Vernissage:
Sonntag, 7. Juli 2013, 16 Uhr
Die Friedrich-Hundt-Gesellschaft e.V.
präsentiert in einer Einzelausstellung,
angelegt als Werkschau der vergangenen
15 Jahre, Portraits verschiedener
Serien.
bis 8. September 2013
Stadtmuseum Münster
Salzstraße 28
48143 Münster (Westfalen)
Di – Fr
Sa + So
10 –18 Uhr
11 – 18 Uhr
Website:
http://www.ono-ludwig.de
brennpunkt 3/2013
49

Ausstellungen
about - 16 fotografische
Positionen
Am 31. Oktober 2010 starb der Fotograf
und Hochschullehrer Prof. Heinrich
Riebesehl. Auf der Trauerfeier
begegneten sich viele seiner Studentinnen
und Studenten. Manche sahen
sich zum ersten Mal, andere erinnerten
sich gemeinsamer Projekte; alle teilen
die Freude daran, Heinrich Riebesehl
als Vorbild und unbestechlichen Begleiter
der eigenen Entwicklung erlebt zu
haben. Ein Lehrer, der seinen künstlerischen
Prozess offen zeigte- seine
Position war klar und eindeutig, aber nie
dogmatisch. Qualität konnte ihn immer
begeistern.
© Godehard Erichlandwehr, (O.i.F.) © Gunnar Bernskötter, (O.i.F.)
Mit großem Respekt vor diesem Menschen
und seinem Werk zeigen 16 Riebesehl-
Schülerinnen und -Schüler eine
Übersicht, einen farbenreichen Großakkord
fotografischer Sichtweisen.
16 Fotokünstlerinnen und -künstler
bezeugen mit eigenwilliger Fotografie
die Qualität der 24 jährigen Lehrtätigkeit
eines der großen deutschen Fotografen
unserer Zeit und präsentieren
einen Ausschnitt aus ihrem Schaffen:
Die städtische Galerie KUBUS zeigt
Fotoarbeiten von Aenne Langhorst,
Antonia Jacobsen, Anja Teske, Christoph
Bartolosch, Dido Baxevanidis, Godehard
Erichlandwehr, Gunnar Bernskötter,
Kai Wetzel, Kurt Schapper, Kwanho
Yuh, Ludger Paffrath, Michael Plümer,
Matthias Koch, Mathias Philipp, Petra
Kaltenmorgen und Raimund Zakowski.
© Aenne Langhorst, (Original in Farbe) © Dido Baxevanidis, (Original in Farbe)
© Kai Wetzel, (Original in Farbe)
© Kurt Schapper © Matthias Koch, (Original in Farbe)
50 brennpunkt 3/2013

Ausstellungen
© Michael Plümer, (Original in Farbe)
© Anja Teske, (Original in Farbe)
© Ludger Paffrath, (Original in Farbe)
© Raimund Zakowski, (Original in Farbe)
© Christoph Bartolosch, (Original in Farbe)
© Kwanho Yuh
© Petra Kaltenmorgen, (Original in Farbe)
7. September bis 6. Oktober 2013
Galerie KUBUS
Theodor-Lessing-Platz 2
30001 Hannover
© Antonia Jacobsen, (Original in Farbe)
Vernissage:
7. September 2013, 11 Uhr
Di – Fr
Sa, So, feiertags
11 – 18 Uhr
11 – 16 Uhr
brennpunkt 3/2013
51

Portfolio Nadine Dinter
Nadine Dinter
Ihre erste Kamera bekam die in Berlin
lebende Fotografin Nadine Dinter
(*1975) von ihrem Großvater geschenkt.
Inspiriert durch Isolde Ohlbaum, folgen
Reisen durch Europas Metropolen. Es
sind insbesondere die Skulpturen der
dortigen Friedhöfe, die ihr fotografisches
Interesse wecken.
Mit der Zeit entwickelt Nadine Dinter
eine ganz spezielle Art, den in Wahrheit
unbeweglichen Statuen eine
verstörende, teilweise erschreckende
Lebendigkeit zu verleihen. Spuren der
Zeit wie verwitterte Stellen oder Rost
wirken dabei auf den Betrachter wie
Tränen oder Verletzungen, während die
aufgenommenen Körper durch ungewöhnliche
Perspektiven und Bildkompositionen
aus dem Stein herauszutreten
scheinen. Beinahe schwebend und
ohne Bindung zur Umgebung erlangen
sie ein Eigenleben.
»Pere Lachaise«, Paris, 2012,
© nadine dinter - photography
»Douglas Gordon«, Schottischer Multi-Media Künstler, Berlin, 2008, © nadine dinter - photography
Parallel zur Skulptur-Fotografie
spezialisierte sich Nadine Dinter auf
das Portraitieren von internationalen
Künstlern, wie beispielsweise Douglas
Gordon, Damián Ortega und Mathilde
ter Heijne. Eine Verbindung beider
fotografischer Genres, Skulptur- und
Portraitfotografie, gelang ihr 2012
während der Zusammenarbeit mit
dem bekannten amerikanischen Modell
Benjamin Godfre. Die entstandenen
Aufnahmen sind eine Hommage und
zugleich Neuinterpretation von Warhols
»Torso Series« aus den 1970er- Jahren.
Weitere Informationen unter:
www.nadine-dinter.de
52 brennpunkt 3/2013

Portfolio Nadine Dinter
»Ives Maes«, Belgischer Konzeptkünstler, Berlin, 2008, © nadine dinter - photography
brennpunkt 3/2013
53

Portfolio Nadine Dinter
»Benjamin Godfre«, Amerikanisches Modell und Performance Artist, Berlin, 2012, © nadine dinter - photography
»Audubon Park«, New Orleans, 2002, © nadine dinter - photography
54 brennpunkt 3/2013

Portfolio Nadine Dinter
»Marco Nizzoli«, Italienischer Illustrator und Comiczeichner, Berlin, 2012, © nadine dinter - photography
brennpunkt 3/2013
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Portfolio Nadine Dinter
Stoned Immaculate
»I‘ll tell you this...
No eternal reward will forgive us now
For wasting the dawn.
Back in those days everything was simpler and more confused
One summer night, going to the pier
I ran into two young girls
The blonde one was called Freedom
The dark one, Enterprise
We talked and they told me this story
Now listen to this...
I’ll tell you about Texas radio and the big beat
Soft driven, slow and mad
Like some new language
Reaching your head with the cold, sudden fury of a divine
messenger
Let me tell you about heartache and the loss of god
Wandering, wandering in hopeless night
Out here in the perimeter there are no stars
Out here we IS stoned
Immaculate.«
Homage to Warhol´s »torso series«, featuring Benjamin
Godfre, Berlin, 2012, © nadine dinter - photography
the doors
56 brennpunkt 3/2013

Portfolio Nadine Dinter
»Alte Nationalgalerie«, Berlin, 2005,
© nadine dinter - photography
»Pere Lachaise«, Paris, 2012,
© nadine dinter - photography
brennpunkt 3/2013
57

Buchbesprechung Harald Hauswald
Harald Hauswald
»Ferner Osten«
Die letzten Jahre der
DDR
Fotografien 1986-1990
Herausgegeben von Mathias Bertram
Mit einem Vorwort von
Christoph Dieckmann
176 Seiten mit 155 Farbfotografien
24 x 27 cm, Festeinband,
Schutzumschlag, Fadenheftung
ISBN 978-3-942473-50-7
29,90 Euro (D), 30,90 Euro (A), 39,90 sFr
Lehmstedt Verlag, Hainstraße 1
Barthels Hof, 04109 Leipzig
Fon: 0341-4927366
Mail: info@lehmstedt.de
Wie nahezu alle ostdeutschen Fotorealisten
verdankt auch Harald Hauswald
seinen Ruf ungeschönten und eindringlichen
Schwarz-Weiß-Aufnahmen. Um
so mehr erstaunt, daß er – bedingt durch
seine »illegale« Arbeit für westliche
Medien – schon in den letzten Jahren
der DDR mehrere tausend Farbaufnahmen
machte. Wie die von Mathias Bertram
ausgewählten Fotografien erkennen
lassen, erweist er sich dabei nicht nur
einmal mehr als genauer, oft sarkastischer
Chronist des Alltags, sondern auch
als ein bislang kaum wahrgenommener
Meister der Farbkomposition. Die
stimmungsvollen Bilder vergegenwärtigen
die »Welt von gestern« stärker und
intensiver als die vertrauten Aufnahmen
in Schwarz und Weiß, lassen sie aber
gerade dadurch auch fremder und ferner
denn je erscheinen.
»Wo Anspruch und Wirklichkeit des SED-
Staats bildkräftig zusammenstießen, fing
Hauswald diese Kollisionen ein, mit sarkastischer
Sensibilität. Er blickte in die
Risse und Klüfte der Gesellschaft. Oft
zeigte er Schattengeschöpfe des Lebens,
doch er schoß die Menschen nicht ab.
Seinen Spott reservierte er für die Narrheit
und den Pomp der Macht. Harald
Buchcover, Friedrichstraße, Berlin-Mitte
Hauswalds Bilder hüten unsere Welt
von gestern. Das freie, ungelogene Erinnern
sei unsere eigene Kunst.«
(Aus dem Vorwort von Christoph Dieckmann)
»Es gilt hinzusehen, wenn man das erste
Erstaunen über die bunte Welt des Sozialismus,
die wir als Grau in Grau abgespeichert
hatten, hinter sich hat«.
(Andreas Platthaus, Frankfurter Allgemeine
Zeitung, 30. März 2013)
»Jetzt kann das Land noch einmal in
Farbe begutachtet werden. Farbecht.
Ein Glücksfall. Die Fotos sind eine Wiederentdeckung.
Die Wiederentdeckung
auch einer Zeit, die anders tickte - auch
wenn sie schon längst aus den Fugen
war. Manche Fotos wirken wie Gemälde,
durchkomponiert wie ein echter Liebermann,
ein Spiel mit Nuancen, wie es
heute gar nicht mehr möglich wäre, weil
schrille Werbung auch noch in den letzten
Winkel vordringt«.
(Ralf Julke, Leipziger Internetzeitung,
1. März 2013)
»Eindrucksvolle Bilder in einer Qualität,
als sei es erst gestern gewesen. Fotos, die
den Betrachter auf eine spannende Zeitreise
mitnehmen«.
(SuperIllu, 21. März 2013)
»Der Titel des Bildbandes ist gut gewählt.
Denn dieses Land DDR ist inzwischen
tatsächlich fern, besetzt mit den verschiedensten
Erinnerungen und Erzählungen,
die Menschen mitunter weniger
verbinden als trennen. Es mag in
© Harald Hauswald, Kastanienallee,
Berlin-Prenzlauer Berg (Original in Farbe)
© Harald Hauswald, Die Sängerin und Bassistin
Tatjana Besson der Punkband »Die Firma« bei
einem Auftritt auf dem Gelände »Am Zirkus«,
Berlin-Mitte (Original in Farbe)
des auch an der Farbigkeit der Fotos
liegen, dass die versunkene Welt dieses
Gemeinwesens hier überaus lebendig
wirkt«.
(Irmtraut Gutschke, Neues Deutschland,
14. März 2013)
»Hauswald, der landauf, landab fahrende
Reporter, ein Jack Kerouac der
Ost-Fotografie. Motto: »On the Road«.
Er zeigt, was ihm auffällt: Poesie und
Gegen-Politik. Unverstellte Wirklichkeiten.
Im Nachhinein malerisch schön«.
(Christian Eger, Mitteldeutsche Zeitung,
9. März 2013)
Der Fotograf und Autor:
Harald Hauswald (geboren 1954) kam
nach der Ausbildung zum Fotografen
1977 nach Berlin. Er arbeitete in verschiedenen
Jobs und ab 1983 als Fotograf
für die evangelische Stephanus-Stiftung.
Seine Aufnahmen vom DDR-Alltag
entstanden alle im Eigenauftrag bzw. ab
1986 auch für westliche Medien.
1989 gehörte er zu den Gründern der
Agentur Ostkreuz.
1997 erhielt er das Bundesverdienstkreuz.
www.harald-hauswald.de
58 brennpunkt 3/2013

Buchbesprechung
© Harald Hauswald, Pferdemarkt in Havelberg, Brandenburg, (Original in Farbe)
© Harald Hauswald, Pferdemarkt in Havelberg, Brandenburg, (Original in Farbe)
brennpunkt 3/2013
59

Buchbesprechung Harald Hauswald
© Harald Hauswald, Warteschlangen von beiden Seiten vor der Fleischerei Dufft in der Oderberger Straße, Berlin-Prenzlauer Berg (O.i.F.)
© Harald Hauswald, Landstraße in Brandenburg, (Original in Farbe)
60 brennpunkt 3/2013

Buchbesprechung
© Harald Hauswald, Im Oderbruch (Original in Farbe)
© Harald Hauswald, Im Oderbruch (Original in Farbe)
brennpunkt 3/2013
61

Fotoszene
» Afrikanische Portraits«.
Ein Gespräch mit dem
Fotografen Winfried
Bullinger über seine
Arbeit.
Pepper: Zum Jahreswechsel warst Du
zum wiederholten Mal in Äthiopien um
dort beheimatete Volksgruppen aufzusuchen
und die Menschen und ihr
Leben fotografisch zu dokumentieren.
Was interessiert Dich an Äthiopien?
Winfried Bullinger: Äthiopien beherbergt
völlig unterschiedliche Kulturräume.
Mich interessieren dabei für
meine Arbeit gerade die Grenzgebiete.
Das Wüstenvolk der Afar im Nordosten
an der Grenze zu Eritrea oder die Völker
im Westen an der Grenze zu Sudan und
Südsudan. Die Menschen leben dort in
autonomen Gesellschaften, die sich
jetzt teils im Umbruch befinden. Sieben
Aufenthalte dort und im Sudan haben
es mir ermöglicht, meine Portraits zu
konzentrieren und eine Entwicklung zu
verfolgen.
Pepper: Welche Entwicklung hast Du
beobachten können?
Winfried Bullinger: Das Interesse verlagert
sich hin zu einem Kernbereich, auf
den sich die photographische Arbeit
dann konzentriert. Nach den vielen Aufenthalten
lenkt mich wenig ab. Ich konzentriere
mich auf die Person – ich portraitiere
sie wie ich dich portraitieren
würde. Alles »exotische« geht verloren.
Die Bildfolgen werden so stringent.
Pepper: Damit unterscheidest du dich
auch wohltuend von Fotografen die
eben nur wegen der Exotik afrikanische
Volksgruppen aufsuchen. Deine Arbeit
hat, so wie du sie machst, eine ethnologische
Komponente. Das gefällt mir.
Winfried Bullinger: Im Mittelpunkt
steht ein reichhaltiges Portrait, das über
Spuren kulturelle Verknüpfungen offen
legt. Das ist in der Tat ein ethnologischer
Aspekt. Das Bild einer Nuer Frau aus
dem Süden beispielsweise verrät die
Verbindung zum arabischen Nordsudan,
aus dem ihr Kleid stammt. Zugleich
müssen die Bilder eine abstrakte Qualität
aufweisen – sie müssen losgelöst
von ihrem Kontext als Werk “funktionieren”.
Pepper: Hattest du bei den portraitierten
Personen durch Vorgespräche auch
Zugang zu deren privatem Schicksal, so
dass die Fotos nicht nur geografische
und historische Korrelationen aufzeigen,
sondern ganz explizit auch Ausdruck
individueller Lebensumstände
sind ?
»Nuer«, 2011
Winfried Bullinger: Es bleibt das Bild
selbst, das über den Lebensweg der
portraitierten Person etwas aussagt. Ich
konzentriere mich auf das Bild. Mein
Gegenüber gibt mir für die Begegnung
ein bestimmtes Maß an Zeit. Die Aufnahme
mit der Großformatkamera unter
Feldbedingen braucht meine ganze Aufmerksamkeit.
Manchmal folgt dem Portrait
ein Gespräch, übersetzt durch den
lokalen Guide, manchmal zieht die
Person beschäftigt weiter. Immer recherchiere
ich für ein anstehendes Projekt
die Lebensbedingungen und politischen
Zusammenhänge. Vor Ort ergeben
sich Gespräche meist zwischendurch.
Ich fertige aber über die portraitierte
Person keinen Text an.
Pepper: Wie offen sind die Menschen
in den Regionen, die du bereist deinem
Ansinnen gegenüber sie zu portraitieren?
Winfried Bullinger: Fast immer besteht
die Bereitschaft, meiner Einladung zu
einer Portraitsitzung zu folgen. Der Aufnahmeprozess
mit der Großformatkamera
hat etwas rituelles, wofür die Portraitierten
empfindlich sind. Sie behalten
die Kontrolle über ihr Selbstbild. Schwierig
war es für mich, in Ruanda und Ostkongo
Portraitaufnahmen zu machen.
Die Menschen dort waren gegenüber
Portrait-Fotografie skeptisch.
Pepper: Ach, warum das? Angst vor
Okkultismus?
Winfried Bullinger: Die Skepsis hängt
dort mit dem Völkermord in Ruanda
im Jahr 1994 und den nachfolgenden
Konflikten zusammen. Die Bevölkerung
scheut jede Form der Registrierung. Ich
habe das respektiert.
Pepper: Kannst du mir erzählen, wie
dein Interesse daran in Afrika zu fotografieren
entstanden ist? Du hast Ende
der 1980er Jahre in Kapstadt studiert.
Ist das der Beginn deiner Leidenschaft
für diesen Kontinent?
Winfried Bullinger: Das Interesse reicht
lange zurück. Mich hat zunächst die
Radikalität afrikanischer Skulpturen
berührt. Hinzu kamen Filme und Fotografien,
die ich in den achtziger Jahren
gesehen habe. 1987 habe ich dann ein
Jahr lang Kunst an der UCT in Kapstadt
studiert. In der Malereiklasse waren
Schwarze und Weiße zusammen. Die
Apartheid in Südafrika ging ihrem Ende
zu. Es war eine Zeit des Umbruchs und
die Reisen in die Nachbarländer Südafrikas
haben damals meinen Plan wachsen
lassen, künftig an einer Aggregation
von Bildnissen zu arbeiten. Ich
fühle mich mit dem afrikanischen Kontinent
und den Menschen dort verbunden
– ich denke, das ist eine wichtige
Voraussetzung für meine bildnerische
Arbeit.
Pepper: Was veranlasst dich in digitalen
Zeiten analog und in schwarz/weiß
zu arbeiten?
62 brennpunkt 3/2013

Fotoszene
»Nomade mit Gewehr«, 2009
Winfried Bullinger: Am Ende der Kette
steht der analog vom 4 mal 5 inch Negativ
gefertigte Print mit der Größe 180
cm mal 145 cm auf Barytpapier, dessen
Qualität ich liebe. Ich halte die Entscheidung,
die Bildnisse schwarz/weiß aufzunehmen,
nicht für anachronistisch.
Es ist eine Form, die Bilder zu gestalten.
Ich benutze bei meiner Produktion übrigens
stets moderne Technik.
Pepper: Fotografen wie Sebastiao Salgado
oder James Nachtwey bevorzugen
ebenfalls den analogen Schwarz/
Weiß-Film. Zumindest Salgado bedauert
allerdings, dass sich das analoge
Filmmaterial verändert, schlechter
wird. Ich meine mich zu erinnern, dass
er den geringeren Silberanteil genannt
hat, wodurch er nicht mehr die von ihm
gewünschten Grauabstufungen erzielt.
Was für Erfahrungen hast du mit dem
von dir verwendeten Filmmaterial?
Winfried Bullinger: Ich benutze Fuji
Acros 100 Film, der bisher in unveränderter
Form hergestellt wird. Der 4 mal
5 inch Film ist aber in Europa nicht zu
haben. Ich decke mich deshalb in New
York damit ein. Klassische Schwarz/
Weiß-Filme wie der Kodak TriX sind
aber am verschwinden.
Pepper: Könntest du dir vorstellen in
Farbe zu fotografieren?
Winfried Bullinger: Ja, andere Bildfolgen
nehme ich in Farbe auf. In den neunziger
Jahren habe ich überwiegend Farbfilm
benutzt. Allerdings verwende ich in
den letzten Jahren vorwiegend Schwarz/
Weiß-Planfilm. Die Filmwahl folgt dem
bildnerischen Plan. Es gibt aber keinerlei
dogmatische Festlegung.
Pepper: Welche Kamera bzw. welche
Kameras benutzt du?
Winfried Bullinger: Ich benutze eine
Linhof Technika Master 2000, zwei Hasselblads
(503 und 501), eine Leica MP
und eine Nikon F3, letztere seit 1989.
Pepper: Für die Portraits über die wir
eingangs sprachen nimmst du die
Linhof, oder?
Winfried Bullinger: Ja, die Portraitserie
entsteht mit der Linhof-Kamera.
Pepper: Hast du Unterstützung von
Assistenten, wenn du deine Reisen
unternimmst?
Winfried Bullinger: Die Fotoprojekte
führe ich wie eine kleine Filmproduktion
durch. Es gibt stets einen Guide,
der die Expedition leitet und Englisch
spricht. Es gibt dann immer einen lokalen
Guide, der sich mit den Personen,
die ich portraitieren möchte, verständigen
kann. Es gibt einen Koch und teilweise
einen oder mehrere Begleiter, die
für die Sicherheit sorgen. Hilfe brauche
ich für das Licht: ich benutze einen
großen weißen Reflektor, um Schatten
milde aufzuhellen. Ich vermeide Blitzlicht,
das die Figur herauslöst.
Pepper: Wie viele gültige Fotos hast du
von deiner letzten Reise mitgebracht,
also Fotos, von denen du Prints machen
wirst?
Winfried Bullinger: Die Zahl ist noch
offen. Der Projektaufenthalt endete
am 9. Januar, so dass sich die Auswahl
immer noch weiter verdichtet. Rund 15
Portraits sind jetzt in der näheren Auswahl.
Die Planfilmnegative werden für
die Auswahl und Archivierung digitalisiert
und anschließend auf etwa A4-
Größe gedruckt. Weiter projiziere ich
die Bilder mit einem Beamer in der späteren
Originalgröße. Der letzte Schritt
sind dann Probestreifen quer durch das
gesamte Bild, die Jochen Rohner, mit
dem ich bei den endgültigen, analogen
Prints zusammenarbeite, herstellt.
Alles muss stimmen. Bei einem analogen
Print dieser Größe lässt sich nichts
verbergen – schummeln ist ausgeschlossen.
Vom Projekt bis zum ersten großen
Print vergehen ein bis zwei Jahre.
Pepper: Du legst dich auf eine ja recht
große Printgröße fest. Die Wirkung ist
bei dem beinahe lebensgroßen Format
natürlich phantastisch. Aber der Kundenkreis
für deine Arbeit ist dadurch
auch begrenzt. Deine Fotografien in
unterschiedlichen Größen herzustellen
widerstrebt dir aus künstlerischen
Gesichtspunkten?
Winfried Bullinger: Die Größe der Bilder
ist wichtig und Teil des Konzepts. Der
Betrachter kann das Portrait als Ganzes
nahezu lebensgroß erfassen. Es gibt aber
auch die Nahsicht: Strukturen, Materialien,
Narben von Wunden oder Skarifaktionen
– das sind erhabene Narbentätowierungen
die durch Ritzen und
anschließendes, bewusstes Verschmutzen
der Wunden entstehen – werden
sichtbar und lassen sich erfahren.
Pepper: Du verwendest Metallrahmen,
damit die Wirkung der Bilder sich bestmöglich
entfaltet.
Winfried Bullinger: Ja, der Rahmen ist für
die Portraitbilder festgelegt. Ich benutze
einen an den Ecken geschweißten Aluminiumrahmen.
Das Bild als dreidimensionales
Objekt wird auch durch den
Rahmen geprägt.
Pepper: Du hast deine Arbeiten zuletzt
in einer Einzelausstellung in der Schweiz
gezeigt. Wo werden sie als nächstes zu
sehen sein?
Winfried Bullinger: Von mir waren
gerade drei Portraitbilder in einer von
Christoph Tannert im Berliner Künstlerhaus
Bethanien kuratierten Gruppenausstellung
zu sehen. Und dann wird
es in diesem Jahr eine Ausstellung in der
Galerie von Sassa Trülzsch geben.
© Pepper
Weitere Informationen:
www.winfried-bullinger.com
http://blog.pepperproject.de/?p=190
brennpunkt 3/2013
63

Fotoszene
Efraim Habermann
»zum 80.«
Schwarzweiß-Fotografien & Aquarelle
Nicht immer hat eine Galerie das Glück,
einen Künstler doppelt auszustellen: als
Maler und als Fotografen.
Charles Baudelaire war vor gut 150
Jahren der Ansicht, dass die Fotografie
zu Unrecht als Kunst eingeschätzt
wird. Für den französischen Kritikerpapst
bedrohte sie die Malerei, zumal
ein technisches Gerät wie die Kamera
die Fantasie verhindere. Fanatsie war
für ihn aber die Voraussetzung für echte
Kunst.
Hier sehen Sie heute Abend anhand
von knapp 25 Fotografien und mehreren
Aquarellserien von Efraim Habermann,
dass Malerei und Fotografie einander
nicht ausschließen, vielmehr
Baudelaires These aushebeln, dass die
Fotografie die Zuflucht der verkrachten
bzw. schlechten Maler sei. Immerhin
darf Efraim Habermann in seinem 80.
Lebensjahr auf eine fotografische Karriere
von fast einem halben Jahrhundert
zurückblicken, auch wenn er ursprünglich
lieber Maler oder Sänger geworden
wäre. Seine Biografie hatte aber anderes
mit ihm vor.
Am 19. Juni 1933 in Berlin geboren,
floh er wegen seiner jüdischen Abstammung
1939 mit seinen Eltern über Triest
nach Palästina und lebte dann in Jerusalem.
1957 kehrte er an die Spree
zurück; in West-Berlin war er zunächst
bei Senatsbehörden als graphisch-technischer
Zeichner tätig und fand dann
den Weg zur Fotografie, für die er sich
schon immer interessiert hat: Ende der
sechziger Jahre war er einer der Ersten
in West-Berlin, der Kunstfotografien an
Tageszeitungen verkaufte. Seine Arbeiten
erschienen in Tageszeitungen, Fachzeitschriften
und Büchern, einige befinden
sich in privatem wie öffentlichem
Besitz. Auch Ausstellungen haben sein
Schaffen gewürdigt, so 1975 im Jüdischen
Gemeindehaus an der Fasanenstraße
in Berlin, 1976 in Paris im Maison
de la France oder 1983 in der Berliner
© Efraim Habermann
Neuen Nationalgalerie, in den letzten
Jahren in den Galerien Raab, Carpentier
und Carlos Hulsch. Ab Juli sind seine
Fotografien von Berlin-Wilmersdorf in
der Kommunalen Galerie am Fehrbelliner
Platz zu sehen.
Carlos Hulsch zeigt Ihnen heute in den
Jahren von ca. 1980 bis 2006 entstandene
Aufnahmen von Berlin, Venedig
und last not but least vom weiblichen
Geschlecht: es wurde für Habermann
bevorzugt als »Frau im Bild« zum Modell
vor Werken aus Berliner Museen. Aufgenommen
mit einer Leica Spiegelreflexkamera
und auf Aqua-Papier abgezogen,
gibt es von jedem Foto eine Auflage von
maximal drei Stück.
In Venedig portätierte sich der Lebensund
Überlebenskünstler Efraim Habermann
selbst vor der historischen Architekturkulisse;
ebenfalls in den 1980ern
kreierte er in seiner Berliner Wohnung
an der Fasanenstraße ein Selbstporträt
in Gary Cooper-Pose, indem er ein Foto
von sich ausschnitt, es in ein Glas auf
dem Fensterbrett mit Blick auf die Berliner
Baumlandschaft stellte und dieses
Szenario ablichtete. Die Ironie ist nicht
zu verkennen, die auch in anderen
seiner Arbeiten ihre Früchte trug. Sie
potenziert sich gewissermaßen, weiß
man um eine von Habermanns Lieblingssentenzen
Bescheid: »Der Vorzug
des Fotografen ist es, von einem Negativ
ein positives Bild zu machen«.
In Venedig schuf Habermann »positive
Bilder« von der Stadt mit den tausend
Gesichtern: von den Kanälen und den
alten Hausfassaden, deren Rustika und
Baudekor wie den Maskarons (Fratzenmasken)
über den Tür- und Fensterbögen
er durch die Wahl seines Standortes,
durch Licht-Schatten-Wirkung und eine
entsprechende eigenhändige Bildbearbeitung
zu einem fast gespenstischen
Eigenleben verhalf. Er zeichnete mit
der Kamera die Fluten unter Venedigs
Brücken nach und ließ Gondeln hinter
dem Anlegesteg im Wasser verschwinden.
Abbröckelndes Mauerwerk wurde
ihm zur Tiara für den Surrealisten-Papst
Salvador Dali, der auf einem Ausstellungsplakat
posiert. Man beachte: der
Schwung des Dali-Schnurrbartes und
des Stockknaufes treten in kompositorische
Beziehung zur Rundung der steinernen
Krone.
Neben Venedig wurde Berlin für Habermann
Lieblingsschauplatz: doch auch
hier ist es ein Berlin, das nicht jeder kennt:
der Blick über den Rand der Großen
Granitschale auf das Alte Museum am
Lustgarten macht aus dem Schinkel-Bau
mit seiner antikisierenden Säulenfront
64 brennpunkt 3/2013

Fotoszene
Variante eines Konstruktivismus in der
Art von Piet Mondrian bzw. der niederländischen
Künstlergruppe De Stijl oder
von einigen Bauhaus-Künstlern. Hier
sei noch anzumerken, dass Mondrian
selbst ein Verehrer von Cézanne war.
© Efraim Habermann © Efraim Habermann
ein Rätsel, das der Erklärung hinsichtlich
seines Standortes bedarf. Das bronzene
Reiterstandbild für König Friedrich
Wilhelm IV. von Preußen auf der Freitreppe
der Alten Nationalgalerie Berlin
erhält, betrachtet zwischen den Säulen
der Kolonnaden am Rande des Museums,
ein geradezu martialisches Aussehen.
Die Kunst des Sehens, d. h. Vorhandenes
neu und anders zu betrachten,
ist, wie Habermann auch beteuert, eben
nicht erlernbar, sie ist das Charakteristikum
des Fotografen, der zwar nur das
aufnimmt, was er leibhaftig sehen kann,
aber durch das Gesehene zu Neuem
inspiriert wird wie der Maler durch
eine schöne Frau, einen Blumenstrauß
oder eine besondere Lichtstimmung zu
einem Gemälde.
Fast schon Ikone ist bei den Berliner
Fotos und für Habermann-Fans die
1968 entstandene Aufnahme des eigenen
Fahrrades vor der Glasfront der
Neuen Nationalgalerie am Kulturforum,
in deren Scheiben sich die Silhouette
der St. Matthäuskirche spiegelt.
Aber auch stilllebenhafte Arrangements
im urbanen Milieu gehören zum Berliner
Themenkreis: eine Rose im Glas
auf einem Vorsprung, dessen steinerne
Struktur unter Habermanns fotografischem
Auge zum Leben erwacht. Ein
Obststillleben auf einem Steinplateau
gerät zum Bild à la Cézanne, für
Habermann als »Verdi der Malerei« ein
großes Vorbild. Eine Postkarte von Vermeers
berühmtem Gemälde »Mädchen
mit dem Perlenohrring« (1666, Mauritshuis
in Den Haag) wird vor die leere
Kartusche einer Mauerfront gesetzt, die
plötzlich die Funktion eines Bildrahmens
erhält. In Habermanns open-air-
Museum wird Kleines, Unbedeutendes
groß und bedeutsam, Bekanntes, Vertrautes
erscheint in neuem Gewand.
Zugleich erzeugt Efraim Habermann
mit den technischen Mitteln der Bildentwicklung
eine Ton-Malerei, die den
ästhetischen Effekt der reinen Erscheinung
der Dinge akzentuiert, wenn
nicht gar zum Thema macht. So wirken
seine Motive materiell und immateriell
zugleich, versöhnen ihre Vergänglichkeit
mit ihrer gegenwärtigen Präsenz.
Schließlich wurde es auch eine weitere
Spezialität von Efraim Habermann,
Frauen vor Gemälden abzulichten,
wobei neue Sinnzusammenhänge entstehen
können. Das junge Mädchen mit
dem verführerischen Rückendekolleté
scheint 2002 den Sprung in Gustave
Courbets »Welle« (1870) aus der Alten
Nationalgalerie Berlin zu wagen, die
wie eine Urgewalt auf den Betrachter
zurollt. Die Frau und nicht der Mann
als Voyeur betrachtet 1979 in der Neuen
Nationalgalerie Berlin-West kritisch das
edle Hinterteil des nackten »Orangenpflückers«
- eine lebensgroße Ölstudie,
die der Deutschrömer Hans von Marées
1876 für die berühmten Fresken in der
Bibliothek der »Zoologischen Station«
von Neapel malte. Warum Habermann
den Kopf des jungen Adonis aussparte,
bleibt der individuellen Interpretation
des Betrachters überlassen.
Von der Fotografie, deren Aufnahmen
er in seinem selbst eingerichteten Labor
in seiner Berliner Wohnung bis vor
Kurzem selbst entwickelte, kam Habermann
in den letzten Jahren zur Malerei:
wie kleine Meditationen wirken seine
postkartengroßen Aquarelle, in denen
er, einzeln oder als Serie, geometrische
bunte Konstruktionen auf weißes
Papier applizierte: eine spielerische
Efraim Habermann kombinierte Kreise
und Halbkreise, Quadrate, Recht- und
Vierecke, Rhomben, Balken und Punkte
zu kleinen delikaten Kompositionen, in
denen die Primärfarben Rot, Gelb und
Blau eine tragende Rolle spielen. Dabei
beließ er es je nach Einfall und Laune
bei einer rein flächigen Konstruktion
oder weitete diese aus zu Anordnungen,
die durchaus eine plastische Wirkung
zeigen bzw. eine gewisse Gegenständlichkeit
suggerieren können. Diese
Aquarelle halten sorgsam und auf witzige
Weise alles in der Schwebe, sie
laden den Betrachter unaufgeregt dazu
ein, mitzupielen im bunten Baukasten
der konstruktivistischen Malerei. Fotografie
kann hier auch nicht, um nochmals
zu Baudelaire zurückzukehren,
die Malerei bedrohen, hat sie doch eher
auf Habermanns Schwarz-Weiß-Aquarelle
vielleicht retour gewirkt. Und auch
die stille Poetik von Habermanns »positiven
Bilder«, seiner Fotografien, findet
sich in diesen Miniaturen, die zu nichts
lautstark aufrufen und dem Beschauer
keine intellektuelle Dechiffrierungsarbeit
aufbürden. Sie wollen einfach da
sein und betrachtet werden.
Zum achtzigsten Geburtstag: nochmals
Happy Birthday! Und Ihnen, liebe
Freunde der Galerie Carlos Hulsch, viel
Freude bei Efraim Habermanns Kunst!
Dr. Angelika Leitzke, Rede zur Ausstellung
»Efraim Habermann zum 80.
Geburtstag«, Galerie Carlos Hulsch,
Berlin, Juni 2013
bis 16. August 2013
Galerie Carlos Hulsch
KUDAMM-KARREE
Eingang: Lietzenburger Straße 80
10719 Berlin-Charlottenburg
Di – Fr 15 – 19 Uhr
und nach Vereinbarung
brennpunkt 3/2013
65

Fotoszene
brennpunkt
AWARD 2013
Anlässlich des jährlichen browse fotofestival
findet der brennpunkt AWARD
statt.
Der brennpunkt, renomiertes Fotomagazin
seit 29 Jahren, verlieh Auszeichnungen
für die beste per Mal eingesandte
Schwarz-Weiß-Serie. Der Preis ist ein
Portfolioabdruck im Magazin brennpunkt
2013/2014. Ziel des AWARDS
ist es, dass der Fotograf eine Serie mit
zehn thematisch zusammenhängenden
Fotos einreicht. Alle Bilder müssen
akzeptabel sein, mit nur wenigen guten
Bildern erreicht der Autor sein Klassenziel
nicht. Es zählt die Gesamtleistung
jedes Fotografen.
Auch in diesem Jahr erreichten uns aus
aller Welt sehr interessante Portfolios.
Leider auch Einsendungen, die den Teilnahmebedingungen
nicht entsprachen.
Sei es Einsendungen von nur fünf Bildern
oder weniger und gemischt mit
Farbbildern.
Die brennpunkt Jury suchte aus den
zahlreichen Einsendungen acht Portfolios
aus. Wir haben auf eine Platzierung
verzichtet, alle kommenden Veröffentlichungen
sind gleichgestellt.
© Annette Lofy, »citykids«
© Christian Werner, »Charoal Children«
© Klaus Lundi, »blanco y negro«
© Nils Stelte, »breathing deeply«
© Manfred Carpentier, »cuban-coffee«
© Yan Boechat, »Taken in Angola«
© Birgit Bergmann, »Maybachufermarkt«
© Charlotte Thömmes, »Memory & Imagination«
Herzlichen
Glückwunsch
und vielen Dank
66 brennpunkt 3/2013

Fotoszene
Michael Gebur
Ulrich Meyer
»Leben am Mekong«
Am 8. September wird im Rahmen
des Mekong-Ländertages in der Albert-
Einstein Volkshochschule Tempelhof-
Schöneberg auch eine Fotoausstellung
eröffnet. Die beiden asienerfahrenen
Fotografen Michael Gebur und Ulrich
Meyer zeigen dokumentaristische Fotos,
die Einblicke in das Leben der Menschen
am Mekong außerhalb der touristischen
Höhepunkte geben. Zu sehen
sind Fotos aus den Ländern Vietnam,
Kambodscha, Laos, Thailand, Myanmar
und China, die auf verschiedenen
Reisen der Fotografen entstanden.
bis 25. Oktober 2013
Albert Einstein Volkshochschule
Barbarossaplatz 5
10718 Berlin-Schöneberg
© Michael Gebur, (Original in Farbe)
© Michael Gebur, (Original in Farbe)
© Ulrich Meyer, (Original in Farbe)
Mo – Fr 8 – 21 Uhr
(in den Ferien 9 bis 16 Uhr)
Sa + So 10 – 14 Uhr © Michael Gebur, (Original in Farbe)
© Ulrich Meyer, (Original in Farbe)
Dietrich Oltmanns
»Arche bauen – Lauben & Gärten in
Leipzig 1990«
mit einem Text von Katrin Arrieta
ISBN 978-3-925935-69-5 (2013)
132 Seiten, 17 x 21 cm,
127 Farb-Abbildungen, Fadenheftung,
Klappenbroschur
Euro 24,90
»In Leipzig hat das Schrebergartenwesen
als Teil der europäischen Kleingartenbewegung
seinen Anfang genommen.
Die ältesten und sonderbarsten Blüten
dieser Bewegung werden bis heute fortwährend
mit stillem Stolz gehegt. Es
lohnt sich, nach ihnen zu suchen – nicht
zuletzt, um sich den Quellen jener Lust
zu nähern, die die Menschen in solch
ein labyrinthisches Diesseits und Jenseits
von Zäunen, Umfriedungen, Mäuerchen
und Bretterwänden zieht, wo
ein winziger Mikrokosmos neben dem
Buchcover
anderen sich in einer Unzahl ähnlicher
zu verlieren droht«. (Katrin Arrieta)
Dietrich Oltmanns hat die Fotografien
1990 aufgenommen. Heute sieht er in
ihnen seine persönliche Erfassung des
damaligen Zustands, dessen faszinierende
Ausstrahlung sich durch den Einfluss
der westlichen Konsumgesellschaft
schnell zu verändern begann.
Edition Carpentier
Anläßlich des 80sten Geburtstags von
Efraim Habermann erscheint in der
Edition Carpentier das Heft Nr. 8
Efraim Habermann
»Venedig«
24 Fotografien
Hrsg. von Manfred Carpentier
und Franziska Rutishauser
Berlin : Das Foto, 2013
(Edition Carpentier : 8)
ISBN 978-3-944637-08-2
Efraim Habermann
»Berliner Stilleben«
Hrsg. von Manfred Carpentier
Leipzig : Lehmstedt, 2011
ISBN 978-3-942473-13-2
brennpunkt 3/2013
67

Fotoszene
Kann man einem Bild
trauen?
Na ja, kommt darauf an, was Sie erwarten
liebe Leser.
Wenn es zum Beispiel um Authentizität
geht, würde ich die Erwartung nicht
zu hoch schrauben.
Das Gewinnerfoto von Paul Hansen
beim World Press Photo Award 2013
hat mich sehr beeindruckt. Es ist einfach
perfekt - zu perfekt?
Das Bild besitzt ein Traumlicht, eigentlich
zu schön um wahr zu sein...
In seiner Ausgabe 19 vom 6. Mai 2013
hat sich auch »DER SPIEGEL« dieses
Themas angenommen und äußert seine
Bedenken über den Grad der Nachbearbeitung
bei diesem Siegerbild. Süffisant
weisen die Autoren des Artikels
darauf hin, dass Hansen nicht wie versprochen,
die Original RAW Datei zum
Vergleich vorweisen konnte - angeblich
vergessen...
Vergleichsweise eine Enthüllung dagegen
ist der Slogan an der Eingangstür:
»You press the button. We do the rest -
better«. Sie erinnern sich jetzt sicherlich
auch an die alte KODAK-Werbung.
Wenn man den Recherchen des SPIE-
GEL-Artikels glauben darf, so werden
die Dienste von Herrn Palmisano von
der internationalen Journalistenbranche
gerne und häufig in Anspruch genommen...
Ich will das jetzt gar nicht werten. Die
Geschichte der technischen Entwicklung
zeigt aber, daß das was möglich
ist, auch gemacht wird.
Da sind moralische oder ethische
Bedenken allenfalls Anfangshürden -
die werden in der Regel aber schnell
überwunden!
Wenn wir mal ehrlich sind, Photographie
war doch noch nie authentisch. Es
wurde beim Entwickeln und Belichten
in der Dunkelkammer gemogelt und
manipuliert was das Zeug hielt. Ich
erinnere mich noch selbst an abenteuerliche
Konstruktionen aus Draht und
zu tun, sie sind photographische Kunstwerke
- im eigentlichen Wortsinn.
Man sieht die Welt eben nicht in
schwarz/weiß - es sei denn, man hat
einen massiven Augenfehler!
Schon immer hat das Gehirn des
Betrachters die Wirklichkeit in Bildern
interpoliert, es fiel nur niemandem auf.
Es muss ja nicht nur die Schwarz/Weiß-
Reduktion der analogen Zeit oder das
»Post-Processing« (irgendwie gefällt mir
das Wort) der heutigen Zeit sein, was
die Authentizität der Photographie in
Frage stellt, nein alleine der künstlerische
Anspruch des Photographen führt
doch schon zu einer Interpretation der
Realität!
Setzen Sie drei gute Photographen auf
das gleiche Objekt an - Sie werden drei
verschiedene Bilder bekommen. Und
das ist auch selbstverständlich, weil
jeder Photograph seine eigene Handschrift
hat.
»Photographie ist Subjektivierung der
Umwelt«. Und da wir alle unterschiedliche
Individuen sind, werden unsere
»Schwäne«: Trauen Sie diesem Bild? Na ja, zumindest Ihr erster Gedanke ist falsch - keiner der Schwäne ist reinkopiert. Aber ansonsten...
Interessant ist im weiteren Verlauf des
Beitrages der Hinweis auf Herrn Palmisano,
ein Meister des so genannten »Post-
Processing« - so wird in journalistischen
Fachkreisen die digitale Bearbeitung der
Bilder etwas kryptisch umschrieben.
Das Geschäft von jenem Herrn Palmisano
residiert in Rom und trägt den
unauffälligen Namen »10b Photography«
- was mehr über die Hausnummer
des Firmensitzes, als über deren
Tätigkeit aussagt.
Pappe, die zum Zwecke der Manipulation
in dem Lichtstrahl des Vergrößerungsgerätes
bewegt wurden.
Bei einer Diskussion über dieses Thema,
bedauerte neulich ein Kunsthistoriker
mir gegenüber den Verlust von »Wahrheit«
in der Photographie und verwies
auf die gute alte analoge Photographie
zu Zeiten Ansel Adams.
Na also, nun ausgerechnet der!
Ansel Adams, zugegebenermaßen hervorragende
Landschaftsbilder haben ja
mit der Wirklichkeit nun absolut nichts
Umgebung auch unterschiedlich interpretieren
und zu unterschiedlichen Bildern
des gleichen Motives kommen.
Wollen Sie wissen, welche Photographie
noch am authentischten ist?
Die ganz banale Urlaubs-und Familienknipserei,
Blitz an, raufhalten und
anschließend printen beim Supermarkt
- führt garantiert zum »Aha« des Wiedererkennungseffektes!
Manfred Kriegelstein
68 brennpunkt 3/2013

Buchbesprechung
Der große Fotokurs
Besser fotografieren lernen
Jacqueline Esen
Verlag: Galileo Design
ISBN: 978-3-8362-2030-9
439 S. Komplett in Farbe,
2. Aktualisierte Auflage
19,90 Euro
Fotografie als Meditation
Eine Reise zur Quelle der Kreativität
Torsten Andreas Hoffmann
Verlag: dpunkt.verlag
ISBN: 978-3-86490-031-0
260 Seiten, komplett in Farbe,
Festeinband
36,90 Euro
Naturfotografie - Die große
Fotoschule
Naturmotive gekonnt in Szene setzen
Hans-Peter Schaub
Verlag: Galileo Design
ISBN: 978-3-8362-1936-5
397 S. Komplett in Farbe,
2. Aktualisierte Auflage
39,90 Euro
Nun mal wieder etwas für Anfänger -
sorry, politisch korrekt: Einsteiger!
Frau Esen ist freiberufliche Fotografin
und Autorin diverser Werke zu Fotografie
und Fototechnik. Schon aus der Tatsache,
dass dieses Werk jetzt schon für die
zweite Auflage aktualisiert wurde kann
man ablesen, dass ein großer Bedarf an
dieser kompakten Wissensvermittlung
vorhanden ist. Mir ist auch schon bei
diversen Fototreffen in der Amateurszene
aufgefallen, dass es in den letzten
Monaten viele gibt, die Ihr Interesse an
der Fotografie entdeckt haben. Für diese
Zielgruppe ist das Buch eine absolute
Empfehlung.
Ohne viel Schnickschnack kommt die
Autorin auf den Punkt und vermittelt
alles was man als Grundlage zur Fototechnik,
Bildgestaltung und digitaler
Bearbeitung wissen sollte.
Übrigens auch sehr informativ und dennoch
kurzweilig stellt sich die Internetpräsentation
der Autorin dar. Werfen Sie
mal einen Blick darauf:
www.fotonanny.de
Manfred Kriegelstein
Warum fotografieren wir eigentlich?
Na klar, um zu guten Bildern zu kommen
- so werden jedenfalls die meisten antworten.
Aber ist nicht der Akt des Fotografierens
an sich schon ein sinnliches
Erlebnis?
Oder umgekehrt, hat nicht jeder schon
einmal bemerkt, dass Fotos nicht gelingen,
wenn man »nicht gut drauf ist«?
In diesem Zusammenhang hat mich das
Buch »Fotografie als Meditation« von
Torsten Andreas Hoffman fasziniert.
Der Autor zeigt uns den engen Zusammenhang
zwischen japanischer Zen-
Philosophie und der künstlerischen
Fotografie. Er weist an Hand von vielen
Bildbeispielen nach, wie wichtig der
Seelenzustand des Fotografen für das
Gelingen seiner Bilder ist.
Der geneigte Leser dieses Magazins
wird mich sicherlich nicht verdächtigen
besonders esoterisch zu sein, dennoch
hat mich diese andere Sichtweise
von Herrn Hoffman doch sehr beeindruckt
- insbesondere durch seine philosphischen
Bildanalysen.
Manfred Kriegelstein
Wir kommen nicht daran vorbei, dass
Landschafts-und Naturbilder sicherlich
einen großen, wenn nicht sogar den
größten Teil der deutschen Fotoszene
beherrschen. Das liegt sicherlich zum
einen Teil daran, dass insbesondere für
Anfänger das Ablichten von Personen
noch eine gewisse Hemmschwelle darstellt.
Ich denke aber, dass die innere
Naturverbundenheit vieler Menschen
der Hauptgrund für diese große fotografische
Affinität ist. Wie auch immer,
das aktualisierte Werk von Schaub hilft
allen Naturfotografen zu besseren Bildern
zu kommen.
Von Makroaufnahmen über Landschaftsund
Tierfotografie wird alles gut erklärt
und mit diversen tollen Bildbeispielen
untermauert.
Mir ist besonders sympathisch, dass
der Autor in seinen Lektionen nicht auf
perfekte aber langweilige Biologiebuch-
Illustrationen zielt, sondern sich auch
umfassend der kreativen Umsetzung
dieses Themas widmet.
Für Naturfotografen eine absolute Empfehlung!
Manfred Kriegelstein
brennpunkt 3/2013
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Vorschau 4/2013
brennpunkt 4-2013
erscheint am
4. Oktober 2013
Leserfotos
Browse Fotofestival
2013
Foto-Marathon Berlin
2013
© Thomas Lingens, »Rudolf Holtappel«, 2013
© Thomas Lingens, »Thomas Hoepker«, 2013
Portfolio
Beide Fotografinnen leben und arbeiten
in Berlin. Mit unterschiedlicher
Sichtweise gehen sie an die Fotografie
heran.
Diese beiden Portfolios sind das Ergebnis
des brennpunkt AWARDS 2013, anlässlich
des »browse Fotofestival Berlin«.
In den nächsten brennpunkt Ausgaben
werden wir weitere Portfolios der
Gewinner veröffentlichen.
© Birgit Bergmann © Charlotte Thömmes
Birgit Bergmann
»Maybachufermarkt«
Was bedeutet die Fotografie für mich?
Fotografieren ähnelt in meinen Augen
einem Gespräch. Statt zuzuhören, beobachte
ich. Statt zu reden, fotografiere
ich.
Gute Fotografie entsteht nur im Dialog
zwischen Fotograf und Fotomotiv. Die
Kunst dabei ist es zu beobachten und
zuzuhören – im richtigen Moment zu
reden … und im richtigen Moment zu
schweigen und zu fotografieren.
Charlotte Thömmes
»Memory & Imagination«
In meiner Serie »Memory & Imagination«
zeige ich fragmentarische Momente,
Bruchteile von Sekunden, die sich vor
meinem Auge ausdehnten. Traumartige
Sequenzen, in denen ich die Flüchtigkeit
des Lebens festzuhalte.
Fotografie ist Abbild der Vergangenheit,
gelebte Zeit, dennoch versuche ich in
meinen Bildern nicht mein subjektives
Konstrukt der Realität einzufangen,
sondern möchte den Betrachter anregen,
seine Wahrnehmung zu hinterfragen.
Absichtlich jeder Verortung entrissen,
gebe ich dem Rezipienten die Möglichkeit
eigenen Assoziationen hervorzurufen.
70 brennpunkt 3/2013

Vorschau 4/2013
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Galerien
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