Orkus! Diary of Dreams (Vorschau)

NEUES + GUTES FÜR DIE SZENE 

O rkus 

O rkus 

Nr. 03 · März 2014 

! 

Neues Wagnis: 

Intim & ehrlich: 

Aesthetic Perfection + Butcher Babies + Alcest + Crematory + Laibach 

Alfahanne + Gabi Delgado + Clan Of Xymox + Lyronian + THYX 

Eisenstein und Der Zar + Enter & Fall + Mantus + Lay Down Rotten 

State of the Union + Metsatöll + Spiritual Front + Vanishing Point 

Nachtmahr + Terrolokaust + Ignis Fatuu + SEA + AIR 

Night Nurse + Fear Of Domination + Paulina Cassidy 

Maerzfeld + Seabound + The Beauty of Gemina 

Incura + Diodati + Die KAMMER + Thyrien + God Module 

Frequency Drift + Elysion + Harpyie + Welle: Erdball 

Tuomas Holopainen

+ 

NEUES + GUTES + FÜR DIE SZENE 

O Nr. 

Nr. 

02 

03 

· 

· 

Februar 

März 2014 

2014 

rkus 

! 

Neues Wagnis: 

Diary of Dreams + Butcher Babies + Alcest + Crematory + Laibach 

Alfahanne + Gabi Delgado + Clan Of Xymox + Lyronian + THYX 

Eisenstein und Der Zar + Enter & Fall + Mantus + Lay Down Rotten 

State of the Union + Metsatöll + Spiritual Front + Vanishing Point 

Nachtmahr + Terrolokaust + Ignis Fatuu + SEA + AIR 

Night Nurse + Fear Of Domination + Paulina Cassidy 

Maerzfeld + Seabound + The Beauty of Gemina 

Incura + Diodati + Die KAMMER + Thyrien + God Module 

Frequency Drift + Elysion + Harpyie + Welle: Erdball 

Tuomas Holopainen

Titelstorys 

Diary of Dreams 104 

Welle: Erdball 28 

Aesthetic Perfection 48 

Orkus!-Newcomer des Monats 

Butcher Babies 20 

Orkus!-Act des Monats 

Subway to Sally 68 

Interviews & Storys 

Alcest 90 

Alfahanne 26 

Beata Beatrix 65 

Black Ferry 34 

Blaudzun 74 

Paulina Cassidy 71 

Clan Of Xymox 76 

Crematory 80 

Gabi Delgado 32 

Diodati 109 

Eisenstein und Der Zar 44 

Elysion 102 

Enter & Fall 88 

Fear Of Domination 96 

Frequency Drift 31 

God Module 45 

Harpyie 72 

Tuomas Holopainen 84 

Ignis Fatuu 92 

Incura 98 

Jovian Spin 73 

Kuolemanlaakso 94 

Laibach 36 

Lay Down Rotten 35 

Lyronian 22 

Maerzfeld 95 

Mantus 46 

Metsatöll 89 

Nachtmahr 52 

Nahtaivel 34 

Night Nurse 75 

Profane Omen 99 

SEA + AIR 41 

Seabound 42 

Spiritual Front 66 

State of the Union 100 

Terrolokaust 23 

The Beauty of Gemina 24 

Thyrien 38 

THYX 86 

Vanishing Point 101 

Specials 

Soundtrack of my life 

Paradise Lost: Greg Mackintosh 40 

Was wäre, wenn... 

Luci van Org 40 

Wortschatz 

Mantus: Chiara Amberia 40 

Labelportrait 

30 Jahre ZTT 54 

In eigenen Worten 

Die KAMMER: Marcus Testory & Matthias Ambré 78 

Orkus! Compilation 96 82 

Service 

short cut 8 

Album des Monats & Top 5 56 

Plattentipps 57 

Buchtipps 64 

Jahrestage 65 

Kleinanzeigen 110 

Abo 111 

Tourdates 112 

Impressum 114

DROP - Ab 28.02.2014 im Handel. 

Tying Tiffany gehört die Nacht. Sie verkörpert auf „Drop“ 

mit ihren treibenden Rhythmen, ihrem gefühlvoll-lasziven Gesang 

und jener unerreicht verloren-nächtlichen Atmosphäre all das, 

was ein jeder von uns mit der perfekten Nacht verbindet: 

Sex, Spaß, Sinnlichkeit. In Ewigkeit.

Debut Album ‘Waiting for Harpies’ 

Hallo liebe Leserin, lieber Leser, 

so langsam kehrt bei mir nach meiner Herz-OP immer 

mehr und mehr Alltag wieder ein. 

Vielen Dank noch mal für all das herzliche Feedback 

Eurerseits. Ja, ich gehe alles etwas ruhiger an... Auch, weil 

es gar nicht anders geht. Obwohl die Ursache für den 

Eingriff nicht Stress oder Ähnliches gewesen ist, sondern 

ein angeborener Herzfehler. Jahrelang hat er mich nicht 

gekümmert, da er zwar vorhanden war, aber keinerlei 

Auswirkungen hatte. Doch plötzlich ging es recht schnell. 

Erst sah es noch so aus, als würde mich in zehn bis 15 

Jahren eine Operation erwarten, dann verschlechterte 

sich mein Zustand so rasant, dass aus zehn bis 15 Jahren 

sieben Monate wurden. Während der OP wurde dann auch 

sichtbar, dass das Ganze mit mir nur noch wenige Wochen 

gedauert hätte... Wie heißt es manchmal: „So schnell kann 

es gehen...“ 

orkus 04.02.2014 19:24 Uhr Seite 1 

OUT 

NOW! 

www.black-ferry.com 

Anzeige_Orkus_105x99.indd 1 07.02.2014 13 

Tja, dadurch wird einem natürlich noch mal ganz besonders 

klar, wie intensiv und bewusst man jeden Tag (er-) leben 

sollte. Klar, in gewisser Weise habe ich ja schon so eine 

Art Traumberuf beim Orkus! Magazin und darf mich jeden 

Tag mit schönen Dingen beschäftigen. Dafür bin ich sehr 

dankbar! Und Schönes haben wir auch wieder in unserer 

März-Ausgabe 2014. Genieße sie einfach. Und: genieße 

Dich! Atme! Lächle... 

Beste Grüße, 

Claus Müller 

out 7th of March on CD, 

LP plus CD and digital 

Eindringlich. Von tief drinnen. Zerbrechlich und sanft, kämpferisch und 

wehmütig. So klingen die Songs von Johannes Sigmond und seiner 

sieben-köpfigen Band alias Blaudzun. Die Musik Blaudzuns geht unter 

die Haut: die Melodien berühren, die Instrumentierung überrascht 

und dann immer wieder diese unglaubliche Stimme…ein absolutes 

Highlight im Bereich Indie-Folk/Indie-Pop! 

On Tour: 21.03.2014 DE - Köln - Stadtgarten • 22.03.2014 CH - Düdingen - Bad Bon 

23.03.2014 CH - Zürich - Papiersaal 24.03.2014 DE - München - Kranhalle 

25.03.2014 AT - Wien - Chelsea • 26.03.2014 DE - Berlin - Privat Club 

27.03.2014 DE - Hamburg - Prinzenbar 11.04.2014 DE - Osnabrück - Popsalon 

GLITTERHOUSE RECORDS • Grüner Weg 25 • D-37688 Beverungen 

E-mail: info@glitterhouse.com • www.glitterhouse.com 

Follow us on Facebook: www.facebook.com/GlitterhouseRecords

Das neue Album erscheint am 14.03.2014 

An Autumn For 

Crippled Children 

Shoegaze und Black Metal 

kollidieren und werden zu 

etwas Neuem. Die Formation, 

die sich weder auf Photos noch 

auf Bühnen zeigen möchte, 

macht momentan mehr und 

mehr als Tipp unter Freunden 

die Runde. Kein Wunder, ist 

ihr Album Try Not To Destroy 

Everything You Love ja auch wirklich außergewöhnlich. Ein klein 

wenig konnten wir die Band in unserer Februar-Ausgabe schon 

vorstellen. 

Equatronic 

The Imperial – so der Titel des Comebackalbums dieses Electro 

Pop-Duos – hat inzwischen bereits mancher Kenner in seinem 

Besitz. Im Rahmen einer Depeche Mode-Party werden in 

der Koblenzer Druckluftkammer am 21.03.2014 neue Stücke wie 

auch alte Klassiker zum Besten gegeben. Natürlich hoffen wir auf 

weitere Konzerttermine! 

EHRENGAST 

APRIL 

3. HAMBURG DOCKS // 4. MAGDEBURG ALTES THEATER 

5. LEIPZIG WERK 2 10. FRANKFURT NEUE BATSCHKAPP 

11. MÜNCHEN MUFFATHALLE // 12. WIEN ARENA 

24. BERLIN HUXLEYS // 25. HANNOVER CAPITOL 

26. ROSTOCK MOYA // 27. OSNABRÜCK HALLE GARTLAGE 

29. KÖLN E-WERK // 30. WÜRZBURG POSTHALLE 

MAI 

02. LOSHEIM AM SEE HEXENTANZ-FESTIVAL 

03. ERFURT STADTGARTEN 

Tickets unter www.extratix.de 

WWW. SUBWAYTOSALLY.COM 

DAS SHIRT ZUR TOUR 

AB JETZT IM SHOP! 

PRÄSENTIERT VON 

Aeons Confer 

Der Planet Saturn übt seit jeher eine besondere Faszination auf 

die Menschheit aus. Das Hamburger Sextett hat mit Symphonies 

Of Saturnus ein Werk veröffentlicht, das jenem Planeten gewidmet 

ist. Moderner, symphonischer Dark Metal für Liebhaber des 

Saturn und von gewaltiger, düsterer Musik... Derzeit besteht große 

Hoffnung, die Formation auch live erleben zu dürfen. 

Franky Demon 

Kürzlich erschien ein Promoclip als 

Vorbote zur Maxisingle Träne aus Blut 

des Shock Rockers Franky Demon. Die 

Erlöse gehen komplett an die Opfer 

des Lagerhallenbrandes in Hamburg- 

Hamm. Betroffene sind unter anderem 

diverse lokale Bands und die Hammer 

Studios. Erhältlich sein wird die Single 

ausschließlich digital via iTunes, Google 

Play, amazon et cetera. Dieses Release ist 

aufgrund der Spendenaktion von einer 

Veröffentlichung bei Spotify, Deezer, 

simfy & Co. ausgenommen.

Bloodsucking Zombies From Outer Space 

Die österreichische Schockformation präsentierte mit 

Radio Active soeben ein Video, das die Welt und Musik 

des neuen Albums Toxic Terror Trax herrlich visualisiert! 

Im April hat man außerdem Gelegenheit, das Gespann 

bei Konzerten zu hören und sehen – sicherlich ein 

Erlebnis! 

MEIN TICKETPORTAL 

INGRIMM 

Ohne Frage sollte man bei einer Band vorsichtig sein, die ihr Album Henkt Ihn! betitelt. Wer sich 

trotzdem daran wagt, wird bestimmt große Freude mit dem neuen Werk haben. Und vereinzelt 

kann man die Truppe auch live antreffen. So beispielsweise in nächster Zeit in Gießen, Köln, 

München, Bad Salzungen, Gera, Dortmund... 

19.03. Wiesbaden, Schlachthof 

20.03. Losheim, Alte Eisenbahnhalle 

21.03. Bielefeld, Ringlokschuppen 

22.03. Leipzig, Haus Auensee 

26.03. Ludwigsburg, Forum am Schlosspark 

27.03. Wuppertal, Historische Stadthalle 

28.03. Berlin, Huxleys-Neue-Welt 

29.03. München, Backstage 

Welle: Erdball-Kassette! 

Der Sender Welle: Erdball und die Plattenfirma Synthetic Symphony/SPV machen allen Orkus!- 

AbonnentInnen in Form einer Welle: Erdball-Kassette ein Geschenk. Orkus! wünscht viel Spaß 

damit, auch wenn uns kurzfristig noch folgende Nachricht erreichte: 

Leider hat sich im C=64-Datassetten-Spiel im Rahmen der Musikkassette Die Liebe der 3. Art ein 

Fehler eingeschlichen. Das Spiel ist in vorliegender Form NICHT spielbar! 

VOR dem Start des Programms durch RUN (+ RETURN) muss aber einfach nur eine 

Programmzeile eingegeben werden, um das Spiel „spielbar“ zu machen. 

Allgemeines: 

Laden: 

Spulen Sie die zweite Seite der Kassette an den Anfang des C=64-Datensegmentes (genau nach 

dem Ende des ersten Liedes). 

Legen Sie die Kassette in die Datassette Ihres Commodore 64, schalten Sie Ihren Rechner an und 

geben Sie LOAD ein. 

Nach der Meldung PRESS PLAY ON TAPE drücken Sie die PLAY-Taste der Datassette. 

Nach einigen Sekunden erscheint die Meldung „FOUND DIELB3RT- I/X-_I’“ (die sinnlosen 

Zeichen spielen keine Rolle). Drücken Sie nun SPACE (Leertaste), nach circa einer Minute 

meldet sich der Rechner mit LOADING READY. (Sollte dies nicht der Fall sein, wiederholen 

Sie den Vorgang.) 

WICHTIG – FEHLERKORREKTUR: 

Bevor Sie nun das Programm mit RUN starten, geben Sie bitte Folgendes ein (exakte Schreibweise 

beachten!): 

40 IF PEEK(V+30)=239 AND ET>=3 THEN 80 

Drücken Sie nach der Eingabe die RETURN-Taste. Starten Sie nun das Programm mit RUN (+ 

RETURN-Taste). 

Falls Sie diesen Vorgang nicht wiederholen wollen, speichern Sie vor dem Start das Programm auf 

eine andere Kassette mit SAVE„DIE LIEBE DER 3 ART“ ab. 

IGNIS FATUU 

28.02. Bochum, Matrix 

07.03. Nürnberg, Hirsch 

21.03. München, Spectaculum Mundi 

29.03. Hameln, Sumpfblume 

04.04. Bad Salzungen, KW 70 

05.04. Gera, Sächsischer Bahnhof 

12.04. Pratteln, Z7 Konzertfabrik 

23.05. Frankfurt, Das Bett 

24.05. Hamburg, Markthalle 

DIARY OF DREAMS & 

IN STRICT CONFIDENCE 

02.04. 

03.04. 

04.04. 

05.04. 

06.04. 

08.04. 

09.04. 

10.04. 

11.04. 

12.04. 

Nürnberg, Hirsch 

Reutlingen, Franz.K 

Leipzig, Werk 2 

Erfurt, Gewerkschaftshaus 

München, Backstage 

Frankfurt, Batschkapp 

Bochum, Zeche 

Hannover, MusikZentrum 

Berlin, C-Club 

Hamburg, Markthalle 

GABI DELGADO 

28.02. Krefeld, Kulturfabrik 

01.03. Berlin, K17 

06.03. Hannover, Engel 07 

07.03. Bremen, Lila Eule 

08.03. Dresden, Strasse E 

...und 40.000 weitere Veranstaltungen! 

Tickets auf www.ADticket.de

Gelangweilt vom Musikfernsehen? Dann nichts wie ab zu ! 

Der digitale Musik-TV-Sender iM1 hat sein Programm um eine 

überaus dunkle Facette erweitert: In Kooperation mit unserem 

Magazin präsentiert er 

– wöchentlich eine volle Stunde 

Musikvideos für die düstere Generation. Klassiker, aktuelle Clips, 

Weltpremieren und mehr – immer mittwochs um 23.00 Uhr, in der 

beliebten und ganz besonderen „Stunde vor Mitternacht“... 

Empfangbar über: 

ASTRA – 19,2 Grad Ost 

DVB-T Berlin – Kanal 56 

DVB-T Hessen – Kanal 52 

Unitymedia – Kanal 29 

Kabel BW – Kanal 57 

primacom – Kanal 65 

T-Entertain – Kanal 96 

Vodafone TV – Kanal 50 

Tele Columbus – DigitalTV Basic 

www.iM1.tv 

Mooncry 

Dark Melodic Metal der besonderen Art hält das neue Werk A Mirror’s Diary parat! 

Das Album konnte mancherorts sogar die maximale Punktzahl erreichen. Was jetzt 

noch fehlt, ist ein besonderer Videoclip... Doch auch an diesem wird bereits fieberhaft 

gearbeitet! 

Parralox 

Mit dem YouTube-Hit Eye In The Sky wurde eindrucksvoll gezeigt, dass eine Cover- 

Version tatsächlich auch mal besser sein kann als das Original! Wer den Song bisher 

noch nicht kennt, sollte dies rasch nachholen... 

Der Höllenbote von Edward Lee 

Ein neues Werk aus dem Festa Verlag: Es ist kein Geist. 

Kein Dämon. Es ist etwas Schlimmeres. 

Möchtest Du manchmal jemand anderes sein? Nun, jemand 

anderes ist dabei, Du zu werden. Er wird in Dein Herz und 

Deinen Verstand eindringen, wird Dich in Verzückung 

versetzen – und Dich auf ein Schlachtfest mitnehmen. So, 

wie Gott seinen Boten hat, so hat auch der Teufel seinen. 

Und dieser Bote ist hier, jetzt, in Deiner Stadt..

Sündenklang 

Selten schlug ein Debut so ein wie Tränenreich von Sündenklang. 

Wie die Review in der Orkus!-Februar-Ausgabe verkündete: „Dieses 

Album hat unserer Szene wirklich gefehlt!“ Im März kann man die 

Lieder nun auch live erleben. Termine findest Du bei den Tourdaten 

auf Seite 113! 

r.evolver – Pol Pot Polka 

Der Wiener Independentverlag 

EVOLVER BOOKS wurde im 

Frühjahr 2010 gegründet – als 

„Fachverlag für Pulp-Thriller, 

Horror & Science Fiction“ und 

Liebeserklärung an die Pop- 

Kultur. Ein ganz besonderer 

Tipp ist Pol Pot Polka. Es beginnt 

dort, wo The Nazi Island Mystery 

aufhörte. Die sexy Agentin Kay 

Blanchard sieht sich wieder 

einmal mit einem mörderischen 

Setting mitten im Feindesland 

konfrontiert... und dabei 

pflastern nicht nur Leichen 

ihren Weg. Ohne Beischlaf, 

Drogen und Rock’n’Roll geht 

bei Kay nämlich gar nichts – 

so viel Zeit muss sein, genauso wie für hardboiled Action. In der 

dekadenten Lifestylehölle Kambodschas lauern hinter jeder Ecke 

sadistische Nazis, mörderische Mutanten, brutale Killernonnen und 

natürlich die berüchtigten Roten Khmer. Sie alle machen der mit 

Abstand ungewöhnlichsten Mitarbeiterin des britischen MI6 – sehr 

zum Vergnügen des Publikums – das Leben schwer... 

The Veil 

Retrofuturistischer Alternative Dark Rock wurde mit dem Werk 

An Electrical Sun veröffentlicht. Zurzeit wird geprüft, ob die Band 

nicht ein paar Festivals in Deutschland spielen kann. In Frankreich 

hat das Ensemble gerade eine große Tour absolviert.

Mit Zähnen und Klauen von Craig DiLouie 

Ein neuer Horrorthriller aus dem LUZIFER-Verlag möchte entdeckt 

werden. Wie die Welt enden wird? Nicht mit einem Knall, nicht mit 

einem Wimmern, sondern in einem 

Gemetzel. 

Als eine neue Pest in Form eines 

Tollwutvirus Millionen Menschen 

infiziert, holt Amerika seine 

Streitkräfte aus der ganzen Welt 

zurück, um Krankenhäuser und 

andere wichtige Gebäude zu 

schützen. Die Opfer werden extrem 

gewalttätig, sind aber relativ leicht 

in Schach zu halten – jedenfalls 

so lange, bis sich Krankheit und 

Gewalt unkontrollierbar ausweiten. 

Lieutenant Todd Bowman führte 

seine Einheit durch die Schrecken 

des Krieges im Irak. Jetzt muss er 

seine Männer in New York durch 

einen Sturm der Gewalt führen, um eine Forschungseinrichtung zu 

sichern, die ein Heilmittel verspricht. Um zu retten, was zu retten 

ist, sehen sich die Männer der Charlie Company einer schrecklichen 

Schlacht mit einer furchtlosen und endlosen Horde gegenüber... einer 

Horde Untoter, bewaffnet mit Zähnen und Klauen. „WAR IS HELL“ – 

dieses Sprichwort bekommt für die Jungs der Charlie Company in dieser 

Zombieapokalypse eine ganz neue Bedeutung! 

Lacuna Coil 

Am 28.03.2014 erscheint unter dem Titel Broken Crown Halo ein 

neues Lacuna Coil-Album. Dem ersten Vernehmen nach dürfte 

es auch all jenen wieder gefallen, die mit den Songs aus den 

Anfangstagen der Band glücklich waren. Wir gehen der Sache nach... 

Dark Dance Treffen 

Am 15.03.2014 findet das inzwischen schon 46. Süddeutsche Dark 

Dance Treffen statt: mit Tuxedomoon, Leæther Strip, 

Whispers in the Shadow, Felix Marc und anderen. Wer 

vor allem in letzter Zeit mal bei dieser Veranstaltung mitgefeiert hat, 

weiß, dass sie immer ein ganz besonderes Erlebnis bietet!

LIGHTS 

Mediadaten 

Auflage: 5.000 

Format: 

DIN A6 

Seiten: mind. 12 

Farbe: 

4c 

Preise 

1/2 Seite quer 105mm x 74mm + 1mm Beschnitt an allen Seiten = 107mm x 76mm 

1/2 Seite längs 148mm x 52,5mm + 1mm Beschnitt an allen Seiten= 150mm x 53,5mm 

80,00€ zzgl. gesetztlicher MwSt. 

1/1 Seite 105mm x 148mm + 1mm Beschnitt an allen Seiten = 107mm x 150mm 

Umschlagseite: 180,00€ zzgl. gesetzlicher MwSt. 

Innenseite: 150,00€ zzgl. gesetzlicher MwSt. 

Stopper quer 90mm x 30mm ACHTUNG Endformat, ganze Fläche kann genutzt werden 

25,00€ zzgl. gesetzlicher MwSt. 

Druckunterlagen per Mail an j.chudzinski@noise-connection.de 

Formate: PDF/ X-3:2002 

TIF 

Auflösung: 

Farbprofil: 

300 dpi 

ohne 

Bereits gebuchte Anzeigen die nicht fristgerecht eintreffen, werden trotzdem wie gebucht 

berechnet. 

Auf Innenseiten besteht kein Anspruch auf Platzierungswünsche. 

Falls Anzeigen nicht den angegebenen Maßen entsprechen werden sie soweit wie möglich 

abgeändert. 

Alle weiteren Infos: www.helter-skelter.de oder www.msconnexion.com 

Mediadaten 

Auflage: 5. 0 

Format: DIN A6 


Farbe: 4c 

Preise 

80, 0€ zgl. gesetztlicher MwSt. 

Umschlagseite: 180, I nenseite: 150, 0€ zgl. gesetzlicher MwSt. 

25, 0€ zgl. gesetzlicher MwSt. 

Druckunterlagen per Mail an j.chudzinski@noise-co nection.de 

Formate: PDF/ X-3:2 02 

Auflösung: 3 0 dpi 

Farbprofil: ohne 

TIF 

berechnet. 

Auf I nenseiten besteht kein Anspruch auf Platzierungswünsche. 

abgeändert. 

Mediadaten 

Auflage: 5. 0 

Format: DIN A6 


Farbe: 4c 

Preise 

1/2 Seite quer 105 m x 74 m + 1 m Beschni t an a len Seiten = 107 m x 76 m 

80, 0€ zgl. gesetztlicher MwSt. 

Umschlagseite: 180, I nenseite: 150, 0€ zgl. gesetzlicher MwSt. 

25, 0€ zgl. gesetzlicher MwSt. 

1/1 Seite 105 m x 148 m + 1 m Beschni t an a len Seiten = 107 m x 150 m 

Druckunterlagen per Mail an j.chudzinski@noise-co nection.de 

Formate: PDF/ X-3:2 02 

Auflösung: 3 0 dpi 

Farbprofil: ohne 

TIF 

berechnet. 

Auf I nenseiten besteht kein Anspruch auf Platzierungswünsche. 

abgeändert. 

WWW.HELTER-SKELTER.DE 

46. süddeutsches 

Dark dance 

ance 

treffen 

WWW.HELTER-SKELTER.DE 

SA. 01.03.2014 

EINLASS 19.00 

BEGINN 20.00 

TICKETS: WWW.ALTESEILEREI-MANNHEIM.DE, BEI IHRER TAGESZEITUNG, 

TEL.: 0180/ 50 40 300* (7 TAGE/24 H) & ALLEN BEKANNTEN VVK STELLEN! 

*(14CT./MIN AUS DEM DT. FESTNETZ | MAXIMAL 42CT./MIN AUS DEM MOBILFUNKNETZ) 

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Tanzwut 

Reisen und umherziehen, das Volk unterhalten, der Tradition der Spielleute treu 

bleiben und das finstere Mittelalter für uns klanglich lebendig halten. Das ist das Ziel 

der Musiker von Tanzwut. Kaum ein halbes Jahr nach der Veröffentlichung ihrer Rock- 

CD Höllenfahrt sitzen sie wieder gemeinsam im Studio, um zwölf Stücke einzuspielen, 

welche auf der nächsten, rein mittelalterlichen CD am 06.06.2014 erscheinen sollen. 

Anette Olzon 

Am 28.03.2014 wird Shine veröffentlicht, das Solo-Debut der früheren Nightwish- 

Sängerin. Unsere Februar-Ausgabe bot ja bereits ein großes Interview mit ihr, in 

welchem sie auch viel Persönliches preisgab: „So geht es nun mal zu, wenn man sich 

scheiden lässt.“ Doch jetzt spricht erst mal ihre Musik... 

Weltenesche Eschenwelten von Voenix 

Was für ein Werk! 608 Seiten, 

natürlich gebunden, im praktischen 

17x24-Format. Außerdem über 

90 Abbildungen! Ein detaillierter 

Einblick in das mythische 

Pantheon der Germanen. Mit 

zahlreichen Entsprechungen 

wie beispielsweise Bäume und 

Pflanzen, Götter anderer Kulturen, 

Runen oder Tarot. 

Neuentdeckung: Stoneman 

Am 25.04.2014 erscheint eine neue CD. Das wäre an sich nichts Besonderes. Aber 

dieses kommende Album ist etwas Besonderes. Das Quartett unter dem Namen 

Stoneman werden wir von nun an ausführlich begleiten. Für den Track Mord ist Kunst 

wurde schon ein Video gedreht, das es bald auch bei Orkus! TV sowie auf www.orkus. 

de zu sehen gibt. Sei gespannt und lass Dich überraschen... 

16 - Orkus!

Clan Of XymoX 

Matters of Mind, Body and Soul 

Das brandneue Studioalbum. Eine Verbeugung vor all dem, was klassischen Gothic 

so besonders macht: Der mystische Zauber, die ausladende Melodieführung, 

die neblige Atmosphäre und jener Sinn für düster-tragische Romantik. 

Ein zeitloses, spirituelles, zutiefst gefühlvolles Gothic-Album, welches jetzt schon 

zu den ganz großen Meilensteine des Genres gezählt werden kann und eines verdeutlicht: 

Clan Of Xymox sind noch immer die großen Gothic-Ideengeber. 

Ab sofort erhältlich!

FEINDBILD. das neue album. 

limitierte erstausgabe im comic-sonderformat. 

„leidenschaft und Vision beugen sich nicht 

den unwissenden und neidvollen stimmen 

weniger, sondern erblühen erst 

vollends im Gegenwind.“ 

- Thomas rainer - 

Jetzt erhältlich! 

aKTuelle liVe TerMiNe 2014 

22.02. sursee (ch) - Kulturwerk 118 

28.02. Nürnberg - rockfabrik 

15.03. München - Garage (dJ set) 

09.05. dresden - reithalle 

10.05. berlin - K17 

26.07. Köln - amphi Festival 

www.NachTMahr.aT

Neues MerchaNdise zuM albuM „FeiNdbild“! 

T-shirt „Feindbild“ 

(Größe s - XXXl) 

T-shirt „alptraumkrieger“ 

(Größe s - XXXl) 

army-hemd „Nachtmahr“ 

(Größe s - XXl) 

Girlie-shirt „Fräulein Nachtmahr“ 

(Größe s - Xl) 

heckscheibenaufkleber 

WELTMACHT ODER NIEDERGANG 

Poster 

ab soForT bei www.FaNToTal.de

„Ein gehöriges FUCK YOU...“ 

Dass diese zwei Granaten deftigen Metal produzieren, würde man beim ersten Anblick gar nicht erwarten. Doch sie haben es faustdick 

hinter den Ohren! Ihr Debut Goliath steht frisch in den Läden und wird garantiert viele vom Hocker blasen... Wir haben mit Heidi 

Shepherd und Carla Harvey über ihre Musik, Erfahrungen beim amerikanischen „Playboy“ und das Entfernen von Nippeltapes 

gesprochen. 

Orkus: Warum habt ihr euch entschieden, Metal zu spielen? 

Heidi Shepherd: Ich hegte schon immer eine Leidenschaft für 

Metal. Als ich ein kleines Mädchen war, haben sie mir verboten, Hard 

Rock zu hören. Oft hab’ ich mir von Freunden Metal-Platten geborgt 

und sie heimlich in meinem Schrank gehört. KoRn waren die erste 

Band, die mich wirklich angesprochen hat. Sie haben mich als Mensch 

geformt. So was gibt mir einfach keine Pop-Musik. 

Carla Harvey: Ich kann mich an einen ganz bestimmten Moment 

erinnern: Früher hörte ich mir eigentlich alles an, was so im Radio lief 

– bis ich begonnen habe, Guns N’ Roses zu hören. Diese Band und das 

Gefühl, das ich hatte, wenn ich mir ihre Musik als gerade mal Elfjährige 

reinzog, legten den Grundstein für meine Rock’n’Roll-Liebe. Über die 

Jahre hörte ich immer härtere Bands. Phil Anselmos Schreie gaben 

meinen Teenagerängsten eine Stimme. 

O: Wie seid ihr auf euren Bandnamen gekommen? 

HS: Der Name ist eine Ode an Wendy O. Williams und ihre Plasmatics. 

Sie hatten mal eine Butcher Baby betitelte Single. Sie hat den Weg für 

uns Frauen in der Metal-Szene geebnet. Sie gab Mädchen wie uns eine 

Stimme. Sie hat uns gelehrt, zu tun, was wir wollen, ohne darauf zu 


achten, was andere sagen. Auszusehen, zu klingen und zu 

machen, was wir wollen, ohne Rücksicht auf gesellschaftliche 

Normen. 

O: Ihr habt auch bereits Erfahrungen mit dem „Playboy“ 

gesammelt. Erzählt ihr uns etwas darüber? 

HS: Ich war eine Weile lang DJane für die Morgenshow beim 

Playboy Radio auf Sirius Satellite. Ich würde sagen, das war die 

unprofessionellste und schrecklichste Joberfahrung, die ich je 

gemacht habe. Furchtbarer Verein! 

CH: Und ich war TV-Moderatorin beim Playboy Channel. 

Dort war ich Entertainmentreporterin für eine Newssendung. 

Und ich hatte eine Interviewreihe namens e-Rotic. Seit ich ein 

kleines Mädchen war, ist es ein Traum von mir gewesen, mal 

für den „Playboy“ zu arbeiten. Aber um ehrlich zu sein, blicke 

ich nicht gerne auf jene Zeit zurück. Es war eine sehr armselige, 

nichtswürdige Phase in meinem Leben. Ich habe diese Branche 

dann verlassen. 

O: Und vom „Playboy“ hieß es gleich ab in die Leichenhalle? 

CH: (lacht) Ja, so ungefähr. Nachdem ich für den „Playboy“ 

gearbeitet hatte – in einem Bereich, wo das einzig Wichtige dein 

Aussehen ist –, war es toll, wieder etwas zu machen, bei dem man 

sich selbst wichtig fühlen kann. Im Bestattungsunternehmen 

habe ich direkt mit betroffenen Familien gearbeitet und ihnen 

durch die dunkelsten Zeiten ihres Lebens geholfen. Das sind 

die wichtigen Dinge im Leben. Nicht, mit den Wimpern zu 

klimpern für den „Playboy“. Fuck that! 

O: Eure Konzerte sind sehr heiß und spektakulär. Wie seid ihr 

auf die Idee mit den Nippeltapes gekommen? 

HS: Auch das hat mit Wendy O. Williams zu tun. Sie trug 

während ihrer Hochphase ebenfalls welche, und wir wollten ihr 

dadurch Respekt erweisen. 

O: Das dürfte besonders den männlichen Gästen im Publikum 

gut gefallen... 

HS: Jeder, der eine Show von uns gesehen hat, kann sehr gut 

bestätigen, dass unsere Auftritte im Grunde gar nicht sexy sind. 

Es ist pure Kraft. Eher ein gehöriges „FUCK YOU“ an die 

Musikindustrie. 

O: Mal ehrlich: wie schmerzhaft ist das Entfernen? 

HS: Oh, nicht wirklich angenehm. Deshalb haben wir auch 

aufgehört, sie zu tragen. 

O: Merkt ihr bei den Reaktionen Unterschiede zwischen 

Männern und Frauen? 

HS: Da gibt es kaum Unterschiede. Um genau zu sein, stehen 

bei unseren Konzerten eigentlich mehr Frauen in den ersten 

Reihen als Männer. 

CH: Es ist echt verrückt, wie viele junge Mädchen wir als Fans 

haben. Ich hätte mir in meiner Jugend eine solche Band wie 

unsere gewünscht, zu der ich hätte aufschauen können. Mädchen 

brauchen starke Frauen als Vorbilder. 

www.facebook.com/ButcherBabiesMusic 

Manuela Ausserhofer 

Line-Up: 

Heidi Shepherd – Gesang 

Carla Harvey – Gesang 

Henry Flury – Gitarre 

Jason Klein – Bass 

Chris Warner – Schlagzeug 

DAS NEUE ALBUM INCL. DER 

SINGLE „SHADOWMAKER“. 

AB 21.02.2014.! 

DELUXE BOX - DIGIPAK - 2LP 

CD - DOWNLOAD 

CREMATORY Live 2014: 

22.02. Forst - Manitu 

01.03. Karlsruhe - Substage 

04.04. Siegburg - Kubana 

26.04. Geiselwind - Music Hall Strohofer 

16.05. Glauchau - Alte Spinnerei 

05.07. Mühlheim - Castle Rock 

02.08. Wacken - Wacken Open Air 

20.09. Cham - LA 

24.10. Bad Salzungen - KW 70 

25.10. Alsfeld - Feuer & Eis Festival 

www.crematory.de 

/steamhammeroffi cial 

/SPV

„Aber wenn man weiß, 

wie ich bin und wie man mich nehmen muss...“ 

Vor wenigen Tagen erschien die Vorabauskopplung Silver Arrow des kreativen Alex Warwick Kern, der schon seit etwas über zehn 

Jahren unter dem Namen Lyronian Musik veröffentlicht. Die Anzahl der Veröffentlichungen ist eher rar, aber dafür umso gehaltvoller. 

Orkus: Als Vorbote zum Album CRISIS erschien die Single Silver Arrow. 

Wie ist die Wahl auf dieses Stück gefallen? 

Alex Warwick Kern: Wir wollten einen Track nehmen, der sich 

recht gut an das Vorgängeralbum anfügt. Da CRISIS ja partiell doch 

etwas „rockiger“ ist, ist dies ein guter Übergang zu dem düsteren Synth 

Pop mit wenig(er) Gitarren und CRISIS. Außerdem dachten wir, einen 

repräsentativen Track zu nehmen, der tanzbar und gleichzeitig eingängig 

ist und zu dem man auch ein Video drehen kann. Die ganze Katze aus dem 

Sack lassen wollten wir auch noch nicht... 

O: Dazu wurde ja auch ein hübsches Video gedreht... 

AWK: Jap, wir haben zwischen drei Songs geschwankt. Silver Arrow, 

denke ich, war hier der beste Kompromiss für alle. 

O: Ach, noch zum Thema „hübsch“: Viele fragen sich, wer deine hübsche 

Mitspielerin in dem Clip ist... Kannst du dies nun verraten? 

AWK: Na klar, das Fräulein heißt Sarka. Sie ist eine gute Bekannte 

von mir. Musikalisch ist sie nicht Teil des Projekts, aber die Gute 

moderiert eine Spielshow auf einem TV-Sender, ähnlich wie 9Live. Sie

ist kameraerfahren und hatte Lust, mitzumachen. Die 

besten Voraussetzungen also für ein Video, das innerhalb 

von zwei Tagen gedreht sein muss. 

O: Was kannst du noch zum textlichen Inhalt von Silver 

Arrow verraten? 

AWK: Es geht um eine Zwischenwelt. Oder, besser 

gesagt: um mehrere Parallelwelten. Zumindest ist das 

das Storyboard zum Video. Es geht um Beständigkeit 

von Gefühlen und wie sie sich verändern. Also, wie man 

zum Beispiel einen Umstand oder eine Situation mal 

wahrgenommen hat. Und wie man heute darüber denkt. 

Aber auch, was man vergisst, wie die Vergangenheit in 

den Erinnerungen „verblassen“ kann. Aber auch die 

persönliche Auffassung zu Dingen ändert sich im Laufe 

der Zeit („Perception changes over time“ im Songtext). 

Wenn man in der Lage ist, sich dieses wieder 100 Prozent 

vor Augen zu führen und im Idealfall auch genau so zu 

fühlen, kann man aus Vergangenem deutlich Positives 

ziehen. Etwas metaphorischer und doch konkreter 

gesprochen: Du spürst es erst, wenn du den Pfeil bereits 

in dir hast, oder du bist schnell genug und kannst den 

Angriff noch abwenden. Da wären wir wieder beim 

Inhalt: Man kann lernen, sehen und SPÜREN, bevor 

jemand zusticht. Und dafür Sorge tragen, dass es 

nicht noch mal so weit kommt oder du einfach anders 

damit umgehst! Vergangene Ereignisse und wie sie 

sich in deinen Gedanken manifestieren, werden dich 

in deinem zukünftigen Handeln, Denken und Fühlen 

beeinflussen. Du hast die Wahl, ob zu deinen Gunsten 

oder gegen dich. 

O: Würdest du dich als sensibel bezeichnen? 

AWK: Ja. Leider kann dir das manchmal zum Verhängnis 

werden, und man muss genau darauf achten, mit wem 

man das teilt. Aber es hat neben den Schattenseiten auch 

Positives, was man sich daraus zunutze machen kann. 

Zum Beispiel einen Song schreiben. Manchmal fühle 

ich mich absolut nicht sensibel; wenn ich dann aber 

anfange, Musik zu machen, werde ich es automatisch. 

Es ist ein Wechselspiel. Die Musik macht etwas mit 

dir, oder du machst die Musik – so, wie es unter deiner 

„Fassade“ aus dir spricht. Ein Grund, wieso ich nie 

geplant einen „massenkompatiblen“ Song machen 

könnte. So, wie es im „bewussten“ oder, besser gesagt: 

„geplanten“ Mainstream sehr oft der Fall ist. 

O: Was, denkst du, sagt man dir generell nach? 

AWK: Ich bin sehr gastfreundlich. (strahlt) Wenn mich 

Freunde nach Rat fragen, höre ich sehr oft, dass sie meine 

Tipps und Einschätzung von Situationen sehr schätzen 

und ich im Nachhinein vieles richtig erkannt habe, was 

ich vielleicht gar nicht so genau wissen konnte. Also 

den Blick „über den Tellerrand“... Aber auch, dass ich 

manchmal extrem direkt bin. Fast schon zu sehr... Das, 

gepaart mit meinem Zynismus, macht es für viele nicht 

immer einfach... Aber wenn man weiß, wie ich bin und 

wie man mich nehmen muss, bin ich sehr umgänglich 

und einfühlsam. (lächelt) 

Warum das am 28. März erscheinende Album den Titel 

CRISIS trägt, was Lyronian und das Orkus! Magazin 

schon früher verbunden hat, wobei Alex immer wieder 

niederknien muss und noch so einiges mehr kannst Du 

in unserer kommenden Ausgabe lesen! 

www.lyronian.com 

Marc Frei 

Discographie (Alben): 

Side Scan (2009) 

CRISIS (2014) 

„Nein zu den Heuchlern...“ 

Nur selten kommt heutzutage eine Band, die sich dem düsteren Electro 

verschrieben hat, mit frischem Wind um die Ecke. Terrolokaust aus Spanien 

haben allerdings durch ihr Hammeralbum Spit The Poison Out genügend 

Wind im Rücken, um einige prestigeträchtige Supportgigs an Land zu ziehen 

und mit dem electrorockigen Scars That Never Heal die zweite Single zu 

präsentieren. „2013 war wahrlich ein tolles Jahr für uns. Zunächst spielten 

wir im Vorprogramm von Icon of Coil, dann waren wir auf diversen Festivals 

in Deutschland, Frankreich oder auch Russland unterwegs, und bald 

steht die Tour mit Aesthetic Perfection und Faderhead vor der Tür. Diese 

Tour wird sicher eine der besten Erfahrungen unserer Karriere und Grund 

genug, weiterhin gute Musik abzuliefern, denn die Show muss schließlich 

weitergehen“, erzählt Javi Ssagittar begeistert. 

Trotz eines nach Erfolg klingenden Jahres scheint ihm dieses Pflänzchen 

noch zu zart zu sein, um es hochleben zu lassen: „Es ist doch immer ein 

wenig riskant, von Erfolg zu sprechen. Einerseits kann es ganz schnell wieder 

vorbei sein, andererseits ist Erfolg etwas Subjektives, sieht man von den 

Verkaufszahlen ab. Unser Ziel ist es einfach, bestmögliche Arbeit abzuliefern, 

und wir haben auch bereits ein paar grundlegende Ideen für das nächste Werk 

gesammelt. Mal schauen, welche Erfahrungen wir nach der Tour noch in den 

Songs unterbringen... die ganze Zeit im Bus aufeinanderzuhocken, ist gut für 

den kreativen Output.“ 

Zunächst sollte man aber auch mit der aktuellen Single zufrieden sein – neben 

dem an sich schon grandiosen Titeltrack findet man mit dem Tanzflächenfeger 

Two-Faced Leader und dem eher orchestralen Condemned To Be Free gleich 

noch zwei weitere, bisher unveröffentlichte Kracher. „Two-Faced Leader ist 

unsere Art, Nein zu sagen. Nein zu den Heuchlern, die im Fernsehen jeden 

Tag aufs Neue versuchen, ihre zerstörerischen Krallen in die Demokratie und 

die Regierung zu schlagen. Im alltäglichen Familienprogramm wird so lange 

manipuliert, bis man vor lauter Aggressivität das eigentliche Ziel aus den 

Augen verliert. Wir sind der Meinung, dass der Kampf um soziale Absicherung 

ohne politische Untertöne auskommen sollte und man seine Seele dafür ganz 

bestimmt nicht an globale und kapitalistische Mächte verkaufen muss“, redet 

sich Javi in Rage. Hoffen wir, dass wenigstens Terrolokaust ihre eigenen Ziele 

nicht aus den Augen verlieren, denn die wären laut Javi: „Dem Dubstep 

fernbleiben und einige andere, explosive Ideen umsetzen.“ 

www.terrolokaust.com 

Lars Schubert 

Photo: Inga Nomada 


Gas (2006) 

God Loves The Violence (2011) 

Spit The Poison Out (2013) 

Line-Up: 

Javi Ssagittar – Gesang, Texte 

Indio – Synthesizer, Programmierung 

Orkus! - 23

„Hochzeitslieder, 

welche auch ideal zu Beerdigungen passen würden.“ 

Wahrhaftigkeit und Individualität, Selbstbestimmtheit und Aufrichtigkeit. Mit diesen Lebensüberzeugungen und einer gehörigen Portion 

Kreativität haben sich The Beauty of Gemina weit über die Grenzen ihrer schweizerischen Heimat hinaus einen hohen Bekanntheitsgrad 

erspielt. Auf Ghost Prayers thematisieren sie Fragen nach Ewigkeit und Vergänglichkeit sowie Gedanken des Einzelnen abseits institutioneller 

Vorgaben. Zusammen mit Michael Sele, dem Kopf der Band, haben wir einige der neuen Lieder näher beleuchtet. 

Orkus: Es scheint, inmitten eurer Rockigkeit 

hat jetzt auch der Folk zu euch gefunden. Und 

mit Down By The Horses macht ihr ja keinen Hehl 

daraus. Gab es dafür einen besonderen Anlass, 

oder war der Folk eigentlich schon immer da? 

Michael Sele: Der war schon immer da. Es 

ist tatsächlich so, dass mich die großen Singer/ 

Songwriter Bob Dylan, Neil Young oder auch 

Leonard Cohen mein ganzes Leben begleitet 

und dadurch sicher auch inspiriert haben. Mit 

der Akustikversion von Dark Rain haben wir seit 

Längerem einen Song im Live-Setup, welcher fast 

immer zu den Höhepunkten der Konzerte zählt. 

Darauf zu verzichten, ist im Moment undenkbar. 

O: Die aktuelle Auskopplung heißt Hundred 

Lies. Um welche Art von Lügen geht es darin? 

MS: Es geht um die Tatsache, dass man im 

Herzen oft etwas ganz genau weiß oder fühlt, 

aber es manchmal sehr lange dauern kann, bis 

man es sich auch wirklich zugesteht. Während 

dieser oft schmerzhaften Zeit lässt es sich meist 

nicht vermeiden, dass man sich selbst betrügt und 

dadurch auch seinen Partner oder nahestehende 

Menschen im Umfeld ebenso belügt... sei es 

bewusst oder aus schlechtem Gewissen oder aus 

Angst, die möglichen Konsequenzen zu tragen. 

O: Die wenigsten Menschen wollen belogen 

werden. Würde denn aber deiner Meinung nach 

eine Welt funktionieren, in der jeder immer 

jedem die Wahrheit sagt? 

MS: Mir persönlich ist Ehrlichkeit wirklich 

sehr wichtig. Ich würde sie sogar als zentralen 

Nährboden bezeichnen, aus dem sich Vertrauen, 

Wertschätzung und Respekt und letztlich wahre 

Zuneigung und Liebe entwickeln können. Ich 

bin mir ziemlich sicher, dass unsere Welt besser 

funktionieren würde, wenn die Menschen 

im Grundsatz ehrlicher und somit auch 

verantwortungsvoller handeln würden. 

O: Welche Art von Lügen kannst du selbst 

überhaupt nicht ausstehen, und welche findest 

du vielleicht gar nicht so schlimm? 

MS: Ich sehe für mich keine großen Unterschiede. 

Damit Menschen frei entscheiden können, 

müssen sie die dazu nötigen Informationen 

bekommen. Was nutzt es mir zum Beispiel, 

wenn mir der Arzt eine schlechte Diagnose 

verheimlicht? Nichts! Im Gegenteil, er raubt mir 

die Wahl meiner frei bestimmten Reaktion oder 

Antwort. Leider bauen viele politische Konzepte 

auf der Basis von Unwahrheiten auf, mit oft 

widerwärtigen Konsequenzen für die Menschen. 

O: In welchem Bezug zu den Stücken oder dem 

Albumtitel steht das doch recht romantisch 

anmutende Coverbild des – obwohl gesichtslosen 

– Hochzeitspaars? 

MS: Einfach zusammengefasst, handelt es sich 

bei den Liedern auf Ghost Prayers eigentlich um 

einen kleinen Songreigen mit Hochzeitsliedern, 

welche gleichzeitig auch ideal zu Beerdigungen 

passen würden. Im Zusammenhang mit dem 

Cover und der ganzen Photowelt im Booklet hat 

das Album also einen sehr stark konzeptionellen 

Charakter. Die Braut Mariannah ist eine wichtige 

Protagonistin, sie gibt dem Thema des Albums 

Gesicht und Identität. 

O: Für manche Paare ist eine Heirat der 

folgerichtige Schritt, wenn sie sich lieben und 

zusammenbleiben möchten, andere finden diesen 

Weg altmodisch. Wie denkst du darüber? 

MS: Ich finde das ganz und gar nicht 

altmodisch, aber ich bin sicherlich im Kern auch 

ein hoffnungsloser Romantiker. 

O: Songs wie All Those Days machen musikalisch 

einen gelösteren, weniger schwermütigen 

Eindruck, als euch gemeinhin zugeschrieben 

wird. Stehen Musik und Lyrics auf Ghost 

Prayers etwas konträr zueinander, oder siehst du 

mittlerweile die Welt ein bisschen abgeklärter 

und tatsächlich mit weniger Schwermut? 

MS: Das Aufbauende in der Musik hat sicher mit 

den treibenden Rhythmen und diesem gewissen 

Drive zu tun. Ich wollte hier auch neue Wege 

gehen und Beats einbauen, welche es so noch 

nie von uns zu hören gab. Generell hat dadurch 

das Schlagzeug eine etwas andere Gewichtung 

bekommen. Ich habe während der Aufnahmen 

meinen Jungs immer wieder gesagt, dass sie 

spielen sollen, als wenn sie irgendwo in einem 

überfüllten englischen Pub an einer steinigen 

Küste sitzen würden, laut und roh. Ich wollte 

die Songs in einem gewissen Sinne ungeschliffen 

haben. Die Texte sind wahrscheinlich die 

emotionalsten und persönlichsten, welche ich je 

geschrieben habe, aber dennoch, im Gesamten 

betrachtet, weniger schwermütig als in der 

Vergangenheit. Sie sind versöhnlicher und auch 

zuversichtlicher. 

O: Ein weiterer neuer Track heißt Dancer 

On A Frozen Lake – was ich erst einmal, ganz 

unabhängig vom Text, ein sehr schönes Bild 

finde. Wem aus eurem Bandgefüge wäre das am 

ehesten zuzutrauen: einfach das Hier und Jetzt zu 

genießen, alles Drumherum zu vergessen und auf 

einem gefrorenen See zu tanzen? 

MS: Lass mich zuerst ein paar Worte zum Song 

sagen, da er eine Art Schlüsselsong des Albums 

ist. Im Text nehme ich auch bewusst Bezug auf 

den Albumtitel: „I pray and praise ghost prayers.“ 

Musikalisch vereint er eine gewisse Intimität, 

Melancholie, aber auch Aufbruch, er hat diese 

gewisse Leichtigkeit und diese treibende Energie, 

dass es, egal was auch immer passiert, immer 

weitergehen wird, dass es niemals aufhören 

wird. Das ist die Kernaussage des Albums. Ich 

denke, dass wir uns alle recht gut mit diesem Bild 

identifizieren können. 

O: Das letzte Stück heißt Darkness, und ihr 

räumt diesem Thema mit dem Lied einen großen 

Platz auf dem Werk ein. Wie empfindet ihr 

persönlich Dunkelheit? Als beschützend? Als eher 

furchteinflößend...? 

MS: Die Dunkelheit ist im lyrischen Kontext 

natürlich eine wunderbare Metapher für so 

viele Dinge. Sie kann alles sein, das macht das 

Wort auch so inspirierend. Ich verwende auf 

dem Album das Wort in verschiedenen Formen. 

Beim Song Dragon beispielsweise kommt die 

Dunkelheit als schützender Begleiter vor, beim 

finalen zwölfminütigen Epos ist es aber im 

negativen, bedrohlichen oder eben auch Dinge 

beendenden Sinn gemeint. 

www.thebeautyofgemina.com 

Axel Schön 


Diary of a Lost (2006) 

A Stranger to Tears (2008) 

At the End of the Sea (2010) 

Iscariot Blues (2012) 

The Myrrh Sessions (2013) 

Ghost Prayers (2014) 

Line-Up: 

Michael Sele – Gesang, Gitarre, Keyboard 

Marco Gassner – Gitarre 

Dave Meier – Bass 

Mac Vinzens – Schlagzeug 



Hart, brutal ... 

Wenn Lesen zur 

Mutprobe wird … 

„Wir hassen einfach nur die Menschheit.“ 

Literarische 

Körperverletzung ... 

Das Haus 

des Horrors 

www.Festa-Verlag.de 

(Leseproben, Infos und mehr) 

Ohne Rücksicht auf Verluste. Treffender 

lässt sich das Motto dieser Kapelle nicht 

zusammenfassen. „Alfahanne“ bedeutet 

„Alphatier“ – und diese Stellung wissen die 

erfahrenen Schweden rund um Fronter Pehr 

Skjoldhammer perfekt zu nutzen. „Alfahanne 

ist eine Art, unsere Gedanken über die 

menschliche Dummheit und den Verfall der 

Welt auszudrücken. Versteht mich nicht falsch. 

Alfahanne ist keine politische Band, und 

Menschenrechte sind uns komplett egal. Wir 

hassen einfach nur die Menschheit. Alles, was 

Alfahanne macht, bildet ein eigenes Konzept, 

und dieses lautet: Fuck the world! Alfahanne tut, 

was Alfahanne tun will. Ohne Rücksicht auf 

Trends oder die Meinung anderer“, berichtet 

Schlagzeuger Niklas Åström. 

Auch stilistisch lassen sie sich keine Grenzen 

weisen: „Wir sind große Fans von Achtziger- 

Synth Rock. Es gibt einfach keine Black 

Metal-Band, die jene Dunkelheit erreichen 

kann, welche man dort in einigen Stücken 

noch findet. Doch natürlich lieben wir auch 

Transilvanian Hunger von Darkthrone. Warum 

also nicht beide Einflüsse verbinden? Wir teilen 

alle dieselben Visionen und Ideen, wenn es 

darum geht, gute Musik zu schreiben. Da gibt 

es keine Ausnahmen. Bei Alfahanne führt nur 

ein Weg hinein, aber keiner mehr heraus!“ 

Gerade wurde Alfapokalyps veröffentlicht. 

Das Debut bietet auch Kollaborationen mit 

spannenden Gästen. Hier sollte jeder Fan 

deftigen Schwarzmetalls näher hinhören. So 

erklingen gemeinsame Nummern mit dem 

schmerzverliebten Shining-Sänger Niklas 

Kvarforth, dem in der Szene legendären Hoest 

(Taake) sowie mit Vgandr von Helheim. 

„Alfapokalyps aufzunehmen, fiel wirklich leicht. 

Fast alles, was Du hören kannst, sind erste 

Takes. Wir kümmern uns nicht darum, perfekte 

Musik zu machen. Es geht ums Gefühl. Wir 

haben das Album in unserem eigenen Studio 

eingespielt. Und es war toll, mit den dreien 

zu arbeiten; mit Niklas sind wir schon länger 

befreundet. Wir sind sehr zufrieden mit dem 

Ergebnis.“ 

Selbiges liefert eine Kombination aus Black 

Metal, Hard Rock, Punk, ein bisschen 

New Wave und einer Prise Goth Rock. 

Alle Beteiligten sind keine Neulinge im 

Musikbereich. Ein paar Mitglieder kennt man 

unter anderem bereits von Vinterland oder den 

frühen Maze of Torment. Doch versuchen sie 

mit Alfahanne, gegründet 2010, nicht alten 

Projekten nachzueifern, sondern etwas völlig 

Neues zu entwerfen. Und um ihren Stücken 

die gewisse Authentizität zu verleihen, sind 

alle Texte in ihrer Muttersprache geschrieben. 

Nur so können sie der Menschheit einen 

Spiegel vorhalten, um darin die wachsende 

Dummheit unserer verdorbenen Gesellschaft 

zu manifestieren. 

Alfahanne sind direkt, brutal, energisch und 

gnadenlos. Aber genau das ist es, was dieses 

Ausnahmeprojekt ausmacht. Unbedingt mal 

ein Ohr riskieren, es lohnt sich! 

www.facebook.com/alfahanneofficial 

Manuela Ausserhofer


Welle: Erdball sind aus dem musikalischen Kosmos nicht mehr wegzudenken. Zu schade wäre es, wären sie nicht 

gewesen. Wie viele schöne Stunden haben wir zu Hause und bei Konzerten mit dieser besonderen Formation 

schon verbracht. Nun endlich: ein neues Album! Und zu diesem gibt es einiges zu fragen und zu erzählen... 

Orkus: Eine neue Sendung – mit dem Titel Tanzmusik für Roboter – ist 

bei Erscheinen unseres Interviews soeben erstmalig ausgestrahlt worden. 

Was erhoffen Sie sich von dieser Sendung? 

Honey: Na ja, die Arbeit des Senders ist genau mit dem Verlassen der 

Sendung aus dem Funkhaus getan, das Kind ist geboren und geht nun 

seine eigenen Wege. Unser Erhofftes ist somit erfüllt, das Kind ist wohlauf, 

taugt (!) (lacht) und ist eine vollwertige, qualitätsgeprüfte Sendung mit 

Litern an Herzblut des Senders. Nun liegt das Erhoffen eher bei der 

Plattenfirma, die mindestens auf eine Goldene Schallplatte, Milliarden 

verkaufter Exemplare, Füllhörner mit sprudelndem Geld und das ewige 

Leben hofft... und damit haben dann alle, inklusive des Hörers, was sie 

wollen! 

O: Was ist an dieser Sendung ganz besonders? 

H: Das klingt jetzt vielleicht etwas anmaßend, entspricht aber der 

Wahrheit, wenn ich sage: ALLES! Die erste wirkliche und absolute 

Welle: Erdball-Sendung nach sieben Jahren, ohne Wenn und Aber. Neue 

Moderatorin, neues Konzept, neue Klangerzeuger, neue Ideen. Jedes 

Stück ist mit einem ganz speziellen Tongenerator erschaffen (MB Senso, 

Game Boy, Nintendo DS... natürlich auch der C=64), dieses Mal hat 

der Commodore 64 sogar einen Text geschrieben. Zu einem Viertel der 

Stücke haben wir Videoclips gedreht, die auch in der Sendung enthalten 

sind. Bei einem Lied singen circa 14.000 Menschen, das Publikum des 

Amphi Festivals 2013, mit. Die Sendung erscheint in vier verschiedenen 

Versionen, darunter sogar 12“-Vinyl, eine spezielle Sammlerbox mit 

T-Shirt und eine Musikkompaktkassette mit einem C=64-Spiel für Ihre 

Datassette. Wie Sie sehen, haben wir uns diesmal ganz BESONDERS den 

Arsch aufgerissen. 

O: Welche Teile der Sendung sind aufgrund des textlichen Inhalts ganz 

besonders hervorzuheben? 

H: Dass ein 30 Jahre alter Heimcomputer mal einen Text schreibt, ist 

wohl schon „besonders“. Ich weiß zwar nicht ganz genau, was er mir 

mit diesem Text sagen will, bin mir aber sicher, dass genügend Hörer 

hier konform gehen werden. Ihre Frage ist aber sehr am Puls der Zeit, 

da wir bei Tanzmusik für Roboter sehr viel Fokus auf die Texte gelegt und 

Floskeln, Gesülze und Dekoration fast total ausradiert haben... hier gibt 

es ganz klare Ansagen. 

O: Gesellschaftskritik wird nicht immer kleingeschrieben bei Welle: 

Erdball. Was haben die Moderatoren letztes Jahr selbst erkannt oder 

gelernt? 

H: Erkanntes und Erlerntes bezieht sich bei uns wohl eher auf andere 

Gebiete als auf Gesellschaftskritisches. Von was für einer Gesellschaft 

sprechen wir denn? Wenn ich sage, dass Sie sich Ihr Umfeld nach dessen 

Fernsehkonsum aussuchen sollen, ist das dann „Gesellschaftskritik“? 

Ich habe auf jeden Fall gelernt, dass man für gute Arbeit auch gute Zeit 

benötigt. Zeit, die einem nach jeder Sekunde In-die-Glotze-Schauen 

doppelt fehlt. 

O: Was ist für die Moderatoren stets das Aufregendste und Spannendste, 

eine neue Sendung zu erstellen? 

H: Die folgenden Interviews mit dem Orkus! sind schon recht spannend. 

(zwinkert) Ganz oben steht natürlich die Resonanz des Hörers, denn 

genau für ihn prostituieren wir unsere Sendungen. Aufregend ist definitiv 

die angeschlossene Tournee, die zeitgleich mit dem Erscheinen der 

neuen Sendung beginnt und sich bis in den Sommer durch ganz Europa 

hinziehen wird. Wir haben viel vor und sind gespannt, wie unser Vorhaben 

und unsere Ideen beim Publikum ankommen werden. 

O: Welches bisherige Geheimnis kann an dieser Stelle über beide oder 

wenigstens eine der beiden Moderatorinnen gelüftet werden? 

H: Nach Ausschreibung, vielen Bewerbungen, vielen sogenannten 

Castings und einem „Voting“ mit circa 4.000 Teilnehmern hat Welle: 

Erdball nun endlich wieder eine neue, gute und vollwertige Moderatorin, 

die in der Tanzmusik für Roboter auch gleich in Bild und Ton zu vollem 

Einsatz kommt. Die Dame wird sich natürlich auch bei jedem Konzert 

dem Hörer vorstellen. 

O: Welche Anforderungen stellt der Sender an eine Moderatorin/einen 

Moderator? 

H: Das ist schon recht viel, was Welle: Erdball voraussetzt. Und die 

erforderten Kenntnisse erstrecken sich weit über musikalische Gebiete. 

Jede der Bewerberinnen musste sogar, neben Ton- und Bildaufnahmen, 

eine Art IQ-Test auf dem C=64 absolvieren. Weiteres fragen Sie am besten 

direkt die neue Moderatorin, eventuell in einem folgenden Interview. Ich 

glaube, die Dame hat jetzt schon reichlich zu erzählen. 

O: Tanzmusik für Roboter... Was war die Tanzmusik, zu der die 

Moderatoren selbst erstmalig Schritte auf der Tanzfläche vollführten? 

H: Der aktuelle Grundstab des Senders, sprich: A.L.F. und ich haben 

unsere musikalischen Wurzeln ganz klar in den Achtziger Jahren, wir 

haben uns sogar durch den Tausch beziehungsweise das Ausleihen von 

Depeche Mode-Schallplatten kennengelernt und sind dann durch die 

Discotheken in ganz Deutschland, zusammen mit einem silbernen Käfer 

(Gruß an Malte und seine „Silver Machine“), gepilgert. Auf der Tanzfläche, 

zum Beispiel im Zwischenfall, bewegten wir immer gerne unsere Beine 

zu „Zwischenfall-Flucht“, Grauzone oder allen anderen „Indie-NDW“- 

Klängen. 

O: Die zehnte Sendung ist nun erschienen („Best Of“-Zusammenschnitte 

mal ausgenommen). Gratulation! Was soll unter dem Namen Welle: 

Erdball noch alles geschehen? Gibt es noch besondere Träume? 

H: Vor 20 Jahren ist ein recht großer Plan von Welle: Erdball erschaffen 

worden, die Sendung Tanzmusik für Roboter stand da natürlich, wie auch 

alle anderen Sendungen und viele der Texte und Ideen, fest. Auf diesem 

Plan stehen noch einige Dinge aus, die wir noch abfrühstücken müssen. 

Das Thema „Film“ ist erst recht spät für den Sender interessant geworden, 

aber genau hier haben wir auch noch einige Aufgaben zu erfüllen. 

O: Wer sollte die Sendung Tanzmusik für Roboter nun auf keinen Fall 

verpassen? 

H: Die Sendung ist, wie der Name schon sagt, ein absolutes MUSS für 

jeden Roboter, Computer und jede Maschine. Ob der profane, poplige 

Mensch dem etwas abgewinnen kann, wird wohl eher ein Indikator seines 

Gehirnes sein. (grinst) 


Vorsingen einen Intelligenztest bestehen musste, welcher natürlich 

mit dem Commodore 64 durchgeführt wurde. (lacht) Und ich war 

völlig beeindruckt vom Funkhaus-Studio... Dort werden wirklich alle 

Kindheitserinnerungen und -träume erfüllt. 

O: Wenn Sie an die kommenden Reisen und Auftritte denken..., was 

fühlen Sie? 

LL: Herzklopfen! Ich freue mich enorm auf die vielen Städte und endlich 

auf der Bühne zu stehen, um die neue Sendung vorzustellen. Ich bin aber 

natürlich auch sehr nervös, da dies meine erste Konzerttournee ist, und 

bin total auf die Reaktionen der Hörer gespannt. 

O: Wir wissen eigentlich noch gar nichts über Sie. Erzählen Sie bitte 

mal... Was sind drei positive Eigenschaften von Ihnen? 

LL: Wenn ich nach dem Urteil meiner Mitmenschen gehe, bin ich 

ehrgeizig und kämpfe für meine Träume. Wenn’s irgendwo brennt, kann 

man sich in jedem Fall auf mich verlassen, und ich habe ein riesengroßes 

Herz für Tiere. 

O: Und zum Ausgleich bitte noch drei negative Eigenschaften... 

LL: Ich habe einen großen Hang zum Perfektionismus, was für mich 

selbst, aber auch für andere Situationen oft kompliziert macht. Und ich 

kann wirklich sehr ungeduldig sein, wenn ich auf etwas warte. Jetzt kann 

sich jeder mal eben kurz vorstellen, wie die Zeit, bis die Entscheidung 

über die neue Moderatorin fiel, ausgesehen hat. (lacht) Was ich auch als 

negative Eigenschaft werte, ist meine Tollpatschigkeit, die ich einfach 

nicht loswerde. 

O: Wenn Sie groß sind, wollten Sie schon immer mal...? 

LL: ... zum Mond fliegen! Mich fasziniert das Universum, seit ich 

denken kann, und da ich erst knapp 165 Zentimeter bin, habe ich ja 

noch ein bisschen Zeit, um großzuwerden und mir diesen Wunsch zu 

erfüllen. (grinst) 

O: Hat ein Commodore 64 etwas Erotisches? 

LL: Die Klänge des C=64 können einen schon mal in Wallung bringen. 

Wir beide hatten während der Produktionsphase für die neue Sendung 

schöne Stunden miteinander. 

Sehr verehrte Damen und Herren, sehr verehrtes Publikum: 

bitte heißen Sie Lady Lila, die neue Welle: Erdball-Moderatorin, 

herzlich willkommen... 

Orkus: Herzlichen Glückwunsch zu Ihrer neuen Aufgabe als 

Moderatorin bei Welle: Erdball! Wie kam es dazu, dass Sie sich dafür 

beworben haben? 

Lady Lila: Vielen lieben Dank! Ich habe mich schon als kleines 

Mädchen stundenlang mit meinem Kassettenrekorder beschäftigt und 

aufgenommen. Als ich dann erfahren habe, dass mein Lieblingssender 

Welle: Erdball eine neue Moderatorin sucht, habe ich die Chance 

genutzt und gehofft, dass ich mich im Funkhaus vorstellen darf. 

O: Ganz ehrlich: haben Sie damit gerechnet, die Stelle zu bekommen? 

LL: Also, ganz ehrlich: NEIN. Es gab ja unzählige Bewerbungen, und 

ich hatte mich überhaupt schon riesig gefreut, als ich die Einladung ins 

Funkhaus bekommen habe. 

O: Wann sind Sie in Ihrem Leben das erste Mal mit Welle: Erdball in 

Kontakt gekommen? 

LL: In meiner damaligen Stammdisco lief Starfighter F-104G rauf 

und runter, wozu ich jedes Mal getanzt habe. Nachdem ich dann vom 

DJ erfahren habe, welche Band dahintersteckt, wurde ich zur treuen 

Hörerin. 

O: Und wie war das allererste Treffen mit Honey und A.L.F.? 

LL: Das war auf jeden Fall sehr aufregend und lustig. Ich wurde 

sozusagen auf Stimme und Köpfchen getestet, da ich zusätzlich zum 

O: Nun dürften bald noch mehr Männer auf Sie aufmerksam werden. 

Wie möchten Sie sich gerne verführen lassen? 

LL: Fragen Sie dazu doch einmal den Commodore 64. (zwinkert) 

O: Was möchten Sie unseren Leserinnen und Lesern gerne noch 

mitteilen? 

LL: Erst einmal möchte ich ein riesen „Danke schön“ an alle sagen, die 

mir ihre Stimme gegeben haben!! Frl. Plastique hat einmalige Fußstapfen 

hinterlassen, die keinesfalls ersetzt werden sollen. Ich wünsche mir, dass 

die Hörer Welle: Erdball treu bleiben, und freue mich auf zahlreiches 

Erscheinen und Kennenlernen bei den kommenden Konzerten. 

www.welle-erdball.info 

Claus Müller 

Photos: Alex Hein 


Frontalaufprall (1994) 

Alles ist möglich (1995) 

Tanzpalast 2000 (1996) 

Der Sinn des Lebens (1998) 

Die Wunderwelt der Technik (2002) 

Chaos Total (2006) 

Die Abenteuer von Commander Laserstrahl (2009) 

Operation: Zeitsturm (2010) 

Der Kalte Krieg (2011) 

Tanzmusik für Roboter (2014) 

Line-Up: 

Honey – Musik, Texte, Sprache 

A.L.F. – Planung, Konzept, Recherche 

Frl. Venus – Stimme, Weiblichkeit, Design 

Lady Lila – Stimme, Weiblichkeit 

C=64 – Klänge, Sprache, Motivation, Texte 


THE 

BALTIC 

SEA IS 

BOILING 

„Surreal, traurig 

und gleichzeitig sehr schön...“ 

14-03 

PROFANE OMEN: 

RESET 

Grooving like a bloody 

maniac! Thrashing like 

there’s no tomorrow. As 

the volume goes up, your 

IQ goes down! Yes, they are 

from Lahti, Finland... 

Auch auf ihrem fünften Studioalbum ist es Frequency 

Drift wieder gelungen, einen eigenen Klangkosmos 

zu kreieren. Bandgründer Andreas Hack erklärt, wie 

der Sound entsteht: „Bei uns stehen Instrumente 

im Vordergrund, die für Rockmusik oder selbst 

Art Rock sehr außergewöhnlich sind, zum Beispiel 

Harfe, Cello, Flöte, Duclar oder Wavedrum. 

Damit lassen sich neue Klangfarben in die Musik 

integrieren. Gleichzeitig ist es uns wichtig, 

dass auch diese Instrumente nicht in Klischees 

verharren, die man vielleicht mit ihnen verbindet. 

Beim ersten Track Run kannst du ein Gemshorn 

hören, das aber so bearbeitet wurde, dass es nicht 

mehr mittelalterlich klingt, sondern modern. Und 

neben warm klingenden, folkig angehauchten 

Cello- und Harfenparts gibt es auch einige sehr 

spacige E-Harfen-Teile. Die Möglichkeiten dieser 

Instrumente auszuloten, ist wesentlicher Bestandteil 

unseres Sounds.“ 

Lyrische Konzepte im Sinne einer 

zusammenhängenden Geschichte gibt es derweil 

nicht. „Bei uns haben die Melodien und Sounds 

Priorität; außerdem legen wir großen Wert auf 

ein interessantes und originelles Artwork. Die 

Texte dienen dazu, die Atmosphäre der Musik 

zu unterstreichen, beispielsweise über bestimmte 

Schlüsselwörter.“ Wobei auffällt, dass alle Liednamen 

aus nur einem Wort bestehen. Zumindest hier 

ließe sich ein Hintergedanke vermuten... „Na ja, 

Sagittarius A* sind fast zwei Wörter“, lacht Hack. 

„Wir mögen es, wenn unsere Songtitel mehrdeutig 

sind und Freiraum zum Assoziieren lassen. Das 

funktioniert mit Ein-Wort-Titeln besser als mit 

kompletten Phrasen.“ 

Insgesamt hat Over einen traurigen, fast 

pessimistischen Touch. Doch Andreas will sich nicht 

in die Ecke der Schwarzmaler drängen lassen. „Auch 

für den Titel gilt: Over kann viele Bedeutungen 

haben. So viel darf ich verraten – der Titel bedeutet 

nicht, dass unsere Band sich auflöst! Das Album 

ist auch nicht pessimistisch im Sinne von Der 

Weltuntergang steht bevor, aber die Musik und 

Stimmung sind schon sehr melancholisch.“ Das von 

der Photographin Alina Rudya stammende Cover 

strahlt ebenfalls eine ungeheure Traurigkeit aus. Laut 

Hack eine Zufallsbegegnung. „Wir sind über einen 

Zeitschriftenartikel auf Alina aufmerksam geworden. 

In dem Artikel wurde über ihr Projekt Prypyat mon 

Amour berichtet, also Photos, die sie in ihrer seit der 

Tschernobyl-Katastrophe verlassenen Geburtsstadt 

Prypjat aufgenommen hat. Wir fanden, dass die 

Bilder das perfekte visuelle Gegenstück zu unserer 

Musik sind, weil sie surreal, traurig und gleichzeitig 

sehr schön sind.“ Womit Over ein rundes Bild ergibt 

und den Bayreuthern Glück bringen sollte. Selbst 

wenn – inklusive Gästen – genau 13 KünstlerInnen 

an dem Werk beteiligt waren. Andreas lacht. 

„Ist dem so? Das würde erklären, warum unser 

komplettes Equipment plötzlich versucht hat, sich 

aus dem Fenster zu stürzen, und ständig dieser Rabe 

vor der Studiotür stand.“ 

www.frequencydrift.com 

Marc Halupczok 


Personal Effects (part one) (2008) 

Personal Effects (part two) (2010) 

ghosts... (2011) 

... laid to rest (2012) 

Over (2014) 

Line-Up: 

Isa Fallenbacher – Gesang 

Christian Hack – Gitarre, Flöte, Duclar, Wavedrum 

Tino Schmidt – Bass 

Andreas Hack – Keyboard 

Ulrike Reichel – Geige, Bratsche 

Sibylle Friz – Cello 

Nerissa Schwarz – Harfe 

Jasper Jöris – Gemshorn, Marimba 

07-03 

METSATÖLL: 

KARJAJUHT 

The Estonia’s finest are 

back. The unique sound of 

this pagan horde scythes 

through all your defenses. 

28-03 

DYNAZTY: 

RENATUS 

The Swedes shed their skin, 

resulting extremely catchy, 

melodic & hard rocking 

metal. The steel bar is now 

raised to new heights! 

www.spinefarm.fi

„Donner und Blitzen 

war mein erster Zugang zur deutschen Sprache...“ 

Ohne die Deutsch Amerikanische Freundschaft, ihre epochalen drei Alben Alles ist Gut, Gold und Liebe und Für immer und darauf 

enthaltene Sequenzertracks wie Der Mussolini hätte es Bands wie Nitzer Ebb, Front 242, And One und Hunderte andere Epigonen 

in ihrer jetzigen Form nicht gegeben. DAF – als Duo aus Robert Görl und Gabi Delgado – waren bereits Anfang der Achtziger ein 

Blueprint des EBM; ihr radikaler Minimalismus, Gabi Delgados unvergleichlich knappe, dabei provokante und philosophische Lyrics 

sind bis heute ohne Parallelen. 

Kurz nach dem ersten Split von DAF veröffentlichte Gabi Delgado 1983 sein durch ungewöhnlich farbige und multikulturelle Klänge 

geprägtes Solo-Debut Mistress, welchem 1986 das ähnlich orientierte DAF-Album (der zweiten Phase) 1 st Step to Heaven folgte. In den 

Neunzigern übernahm der heute als Schauspieler bekannte Wotan Wilke Möhring kurzfristig die Rolle Görls für das Projekt DAF/ 

DOS. Erst 2003 erfolgte die zweite DAF-Reunion mit Fünfzehn neue DAF Lieder und einer bis heute andauernden Spielfreude auf 

den Bühnen dieser Welt. Ehe ein neues DAF-Album erscheint, gehen Delgado und Görl nach Jahren wieder Solo-Aktivitäten nach. 

Schon vor der Veröffentlichung des neuen Oeuvres 1 kündigte Delgado an: „Es ist das Beste, was ich seit Alles ist Gut gemacht habe.“ 

Ein Statement, das er zu Beginn unseres Gesprächs noch mal unterstreicht... 

Gabi Delgado: 1 ist weitaus besser als zum Beispiel Für immer, mein erstes 

Solo-Album oder die DAF/DOS-Geschichten. Ich würde es auch als mein erstes 

richtiges Solo-Album bezeichnen, denn mit Mistress hat es musikalisch nichts zu 

tun. Doch 1 steht auch für die Vereinigung, für die Einheit. Und es wird damit 

bereits angedeutet, dass es eine Fortsetzung geben wird. 

Orkus: Im Grunde führt 1 die DAF-Tradition weiter: Sequenzertracks, kurze, 

treffende und stechende Texte, die Themen „Sex“, „Tanzen“, „Liebe“, „Rebellion“. 

Was ist der Unterschied? 

GD: Rein musikalisch bin ich hier weniger puristisch. Ich weiß, dass es einen 

großen Hype um die alten analogen Synthesizer gibt, aber ich bin ein Freund der 

neuen modularen Systeme. Die Beats sind moderne House- und Electro-Beats; 

es ist mehr aus der aktuellen Clubwelt eingeflossen. 

O: Ohne Zweifel ist 1 eine absolut gelungene Mischung aus den vertrauten 

Elementen und Zitaten, die aber so komprimiert und clever platziert wurden, 

dass das runde Gesamtbild erhalten bleibt. Wie zum Beispiel die unterschwelligen 

Italo-Disco-Flächen in der Single Nebelmaschine. 

GD: Die beiden Platten, die mich am meisten beeinflusst haben, waren I Feel 

Love von Donna Summer und God Save The Queen von den Sex Pistols. Am 

Punk mochte ich die Energie und das Freche. Gleichzeitig war ich großer Disco- 

Fan. Das hat sich bis heute nicht geändert. Wenn ich heute privat Musik höre, 


dann meist Old School-Disco und House. Und ich bin immer 

neugierig geblieben und immer noch auf der Suche nach 

neuen, aufregenden Klängen. 

O: Die Texte von 1 gehören zu den besten, die du je geschrieben 

hast. Oft bestehen sie nur aus einzelnen Sätzen wie: „Die 

Arroganz von Bach liegt in der Sucht nach Harmonie.“ Wie 

ein guter Cartoonist, benötigst du nur wenige Striche, um 

Wesen und Charakter auf den Punkt zu bringen und in 

knappen Zeilen ein Universum einzufangen. 

GD: Dichtung ist letztendlich Verdichtung. Es bringt nichts, 

die Dinge zu verschnörkeln und damit Wasser in den Wein zu 

gießen. Je weniger Worte man braucht, etwas auszudrücken, 

umso größer ist die Leistung. 

O: In Die Zukunft singst du: „Der Nutzen der Historie war 

niemals wirklich klar. Vergangenheit ist einfach, was früher 

einmal war...“ 

GD: Das ist ein Nietzsche-Zitat über das unhistorische 

Bewusstsein, das ich, sagen wir mal: populärwissenschaftlich in 

einen Text gefasst habe. Alle Berichte über die Vergangenheit 

sind letztendlich immer nur eine Interpretation dessen, 

was es nicht mehr gibt. Wenn man zum Beispiel 2014 eine 

Eighties-Party feiert, ist es eben keine Party wie damals, allein 

weil der gesellschaftliche Kontext nicht stimmt und alle ein 

Smartphone dabeihaben. 

O: Obwohl du Spanier bist und auch wieder in Spanien lebst, 

gehst du intelligenter mit der deutschen Sprache um als viele 

Muttersprachler. 

GD: Gerade weil ich so viel gereist bin und mir die 

Außenperspektive bewahrt habe, gehe ich anders mit der 

Sprache um. Als kleines Kind habe ich in Spanien Kriegscomics 

gelesen, in denen den Deutschen nur Wörter wie „Donner 

und Blitzen“ in den Mund gelegt wurden. Das war mein erster 

Zugang zur deutschen Sprache und hat mich offensichtlich 

sehr geprägt. 

O: DAF haben seit den frühen Achtzigern Generationen von 

Musikern beeinflusst. Mit welchem Blick schaust du heute auf 

deine Kinder und Enkel? 

GD: Mit großem Wohlwollen. Meine Lieblingskinder sind 

nach wie vor Nitzer Ebb. Doch das Schöne ist, dass uns sehr 

unterschiedliche Musiker, auch aus der Dark Wave- oder 

House-Szene, als Einfluss nennen. 

www.gabidelgado.com 

Ecki Stieg 


Mistress (1983) 

1 (2014)

„Ein unglaublicher Affront...“ 

Der Dark Electro Industrial Horror-Meister kehrt 

nach Midnight Sessions (2011) nun mit Pon Farr 

zurück. Wem der Titel kein Begriff sein sollte, der 

möge jetzt die Chance nutzen, sich Star Trek und 

den besonderen Eigenschaften der Vulkanier näher 

zu widmen. Wer „Pon Farr“ genau definieren kann, wird 

wissen, dass man es hier mit den tiefsten Abgründen der Seele 

zu tun bekommt, die einem das Blut durch den Leib peitschen. Emotionales 

und körperliches Befinden im Ausnahmezustand. Dem muss man sich erst 

mal gewachsen fühlen! 

Oder befreien Nahtaivels Klänge vielleicht selbst vom psychischen und 

somatischen Leid? Jedenfalls setzt der brasilianische Künstler hämmernde 

Beats, wirren, düster-atmosphärischen Sound und Vokaltöne ein, die für 

Gänsehaut sorgen. Das gleicht dem Effekt von Fingernägeln auf einer Tafel, 

welcher einen aus der eigenen Versunkenheit erlöst. Doch es geht nicht 

nur brachial daher... und das ist gut so. Fernando Nahtaivel ist seit dem 

Erscheinen von Opus 93 (2006) oder auch Killer Speaks (2008) in dieser 

Musikkategorie anzutreffen. Er überzeugt mit seinem Stil, Black Metal, Dark 

Electro sowie EBM/Industrial unter einen Hut zu bringen und etwas Neues 

entstehen zu lassen, das sich abhebt und immer wieder überrascht. 

www.nahtaivel.com 

Elena Winter 

AntI-PoP! 

Der Neustart 

der legendären 

Reihe! 

edItIon 

„Wer die Schwarze Fähre ist, tja?! Eine düstere Vision vielleicht... Das 

Gefährt, was Dich eines Tages ins Totenreich bringt, wie schon so viele 

andere zuvor“, erklärt Gerald Munier (Gitarre) den Bandnamen, und 

Sängerin Sarina Haun fügt humorvoll hinzu: „Ich denke an Charon, 

den Fährmann aus der griechischen Mythologie, der die Seelen der 

Toten über den Styx bringt. Zwar verschiffen wir keine Leichen und 

haben das in nächster Zeit auch nicht vor, aber in gewisser Weise 

kann man wohl sagen, dass wir zumindest Botschaften überbringen 

wollen.“ Doch nicht nur grenzüberschreitende Botschaften soll ihr 

Debut vermitteln. Nein, auch einen Traum gilt es zu erfüllen. 

Das erste Stück des Konzeptalbums Waiting for Harpies heißt Pico’s 

Dream. Genau jener, unter vollem Namen Giovanni Pico della 

Mirandola, träumte nun nicht davon, als Musikkünstler auf der 

Bühne zu stehen, aber er wollte bereits als junger Mensch Dinge 

bewegen und verändern. Die Bielefelder Düsterrocker erwecken den 

Philosophen aus dem 15. Jahrhundert jetzt ein klein wenig wieder zum 

Leben. Wie wird man auf solch eine beeindruckende Persönlichkeit 

aufmerksam? „Das ist vermutlich Geralds reichhaltigem Wissen als 

Historiker“ – Einwurf Gerald: „Im Zweitberuf!“ – „zu verdanken. 

Seine Story ist wirklich ziemlich interessant“, erzählt Vokalist 

Alexander Burgdorf und gibt das Wort weiter an Gerald: „Dieser 

Pico war ein toller Bursche... stellt sich mit 24 Jahren hin und lädt 

alle Philosophen und geistigen Größen seiner Zeit nach Italien ein, 

um mit ihnen die Weltlage zu diskutieren. Er billigte als einer der 

ersten Denker des ausgehenden Mittelalters dem Menschen so etwas 

wie einen freien Willen zu – ein unglaublicher Affront gegen die 

katholische Kirche, die ihn dann ja auch verfolgen und vermutlich 

sogar vergiften ließ.“ 

Doch nicht nur über diesen geschichtlichen Aspekt soll gesprochen 

werden, sondern auch von den eigenen Anfängen der Gruppe und 

den Umständen ihres Zusammentreffens. „Ich erinnere mich an 

eine Situation in einer alten Wohngemeinschaft von mir. Gerald war 

zu Besuch, und ich habe ihm einige meiner Songs vorgespielt. Sie 

schienen ihm zu gefallen, denn er hat dann vorgeschlagen, dass ich 

mal bei einer Probe vorbeikommen könnte. So bin ich eingestiegen. 

Thomas Lingner, der schon in der Formation spielte, hat irgendwann 

seinen Bruder Andreas mitgebracht. Sarina kannte Gerald und mich 

zwar bereits länger, ist aber erst 2011 dazugestoßen. Seitdem ist die 

Black Ferry mit vollständiger Mannschaft auf Kurs“, blickt Alex laut 

zurück. Sarina war eine Schulfreundin von Geralds Nichte. „Die 

beiden Mädels habe ich schon als 14-Jährige mitgeschleppt auf ein 

Konzert von Paradise Lost. Das kam irgendwie einer Initialzündung 

gleich“, führt Gerald schmunzelnd aus, und Sarina ergänzt: „Ich 

habe noch eine Schlüsselerfahrung in Bezug aufs Musikmachen... als 

ich 14 war, bei einem Spaziergang mit meinem Bruder. Er legte mir 

nahe, dass es spätestens mit 15 höchste Zeit ist, eine Schülerband zu 

gründen. Ich hatte vorher nie darüber nachgedacht – aber er hatte 

recht!“ 

www.black-ferry.com 

Kerstin Müller 

mit teils exklusiven Geschichten von 

Ramona Ambs, Ina Brinkmann, Stiff 

Chainey, Oliver Flesch, Markolf Hoffmann, 

Alexander Kaschte, Andreas 

Kurz, Boris Koch, Christoph Straßer, 

Luci van Org und Christian von Aster 

Infos unter www.ulIne-store.de 


„Selbst ein Rollstuhlfahrer 

drehte seine Runden im Pit...“ 

Mehr als 15 Jahre Bestehen, sieben Studioalben und 

unzählige Gigs zeichnen Lay Down Rotten aus. 

Das aus Hessen stammende Quintett gehört zu den 

Meilensteinen des Death Metal und darf sich ohne 

Zweifel in die Reihe der ganz Großen einordnen. 2012 

erschien Mask of Malice, nun folgt Album Nummer 

sieben, diesmal über eine neue Plattenfirma. „Unser 

Vertrag bei Metal Blade ist ausgelaufen, Apostasy 

Records haben Interesse signalisiert, und da mussten 

wir nicht lange überlegen. Wir kannten Tomasz 

Wisniewski vom Label schon länger durch gemeinsame 

Konzerte und Partys. Er ist einfach eine coole Sau, 

der sich sehr für seine Bands einsetzt. Uns hat die 

persönliche, aufgeschlossene Art und der Enthusiasmus 

sehr gefallen“, erklärt Frontmann Jost Kleinert. 

Ein besonderes Charakteristikum sind ihre 

energiegeladenen Live-Auftritte. Seit der Gründung 

(1999) tourten Lay Down Rotten bereits mit vielen 

Szene-Größen, darunter Dismember, Hatesphere, 

Disbelief, Legion of the Damned – ein Highlight war 

natürlich die Reise mit Cannibal Corpse und Aborted. 

Jost kann sich noch an eine spezielle Show erinnern: 

„Wir spielten vor ein paar Jahren in Portugal bei einem 

Open Air. Während des Konzerts fragte ich die Leute, 

ob sie auch einen Circlepit kennen, und dann brach 

die Hölle los. Ich durfte ja schon einige Pits betrachten, 

aber das war ein Hurrikan... da wurde alles mitgerissen. 

Selbst ein Rollstuhlfahrer drehte seine Runden im Pit... 

pure Gänsehaut!“ 

Deathspell Catharsis bietet garantiert neues Material, 

das sich perfekt auf der Bühne umsetzen lässt. 

„Mein Bruder Elmar und ich haben die Texte für 

die letzten fünf Alben geschrieben. Sie basieren auf 

unserer antichristlichen Einstellung und behandeln 

hauptsächlich Themenschwerpunkte wie Anarchie, 

Kriegstreiberei, Korruption, Umweltzerstörung und 

die Macht der Politik im Kontext der Auswirkungen 

auf die Erfahrungen jedes einzelnen Individuums“, 

erläutert Jost. Deathspell Catharsis soll ihre Leidenschaft 

für den Death Metal zum Ausdruck bringen; jene 

Passion durchzieht als roter Faden das gesamte Werk. 

„Wir haben eine gute Balance zwischen melodischen 

Parts und kompromisslosem Riffing gefunden. Und 

auch die gezielten Tempowechsel innerhalb der Songs 

schlagen gut in die Magengrube. Auf der Platte kann 

man uns in allen Facetten und Stimmungen erleben. 

Ein weiterer Schritt in die richtige Richtung.“ Dieses 

Mal ist noch etwas ganz Besonderes enthalten – das 

erste deutschsprachige Stück! Schädelberg erzählt vom 

Berg Golgatha, dem Bestattungskult im Monotheismus 

sowie der Angst vor dem Tod. 

Im Mai werden Lay Down Rotten die legendäre 

Death Metal-Band Massacre als Support bei einigen 

Gigs unterstützen. Genauere Infos hierzu und mehr 

natürlich immer auf ihrer Homepage. 

www.laydownrotten.com 



„Wir gründen eine internationale Geisterpartei...“ 

Ein neues Laibach-Album ist immer etwas ganz Besonderes. Man weiß vorher nie so recht, wohin die Reise dieses Mal gehen wird. 

Überraschend geradlinig, mit faszinierendem – Entschuldigung für das hier eher unpassende Wort – „Hitpotenzial“ und absolut auf 

der Höhe der Zeit präsentiert sich Spectre. In der Regel spricht ein Künstler davon, dass das neue Werk sein bestes ist. Hier möchte 

dies der Autor sagen. Laibach beantworten Interviewfragen stets nur schriftlich. Umso mehr waren wir auf ihre Antworten gespannt... 

Orkus: Was ist aus der Sicht der Erschaffer des Werkes Spectre das ganz 

Besondere, das andere? 

Laibach: Jede Zeugung eines Kindes ist ein Wunder, egal wie oft wir 

miteinander Sex haben und welche verschiedenen Stellungen wir nutzen. 

Das Leben auf der Erde ist ein Wunder. Das Universum ist ein Wunder. Ob 

Spectre auch für alle anderen etwas Besonderes ist und nicht nur für seine 

Schöpfer, liegt im Auge des Betrachters. 

O: Wie kam es zur Idee, das Albumcover so zu gestalten, wie es nun final ist? 

L: Das war ebenfalls ein Wunder; wir suchten nach etwas „Geisterhaftem“, 

das ein Gespenst, ein Phantom oder Phantasma darstellen könnte, ein 

mentales Bild von einem körperlosen, entkörperten Geist, welches für 

Menschen sichtbar (und hörbar) werden kann. 

O: In der Presseinfo steht: „Das Album handelt von Politik und der Bildung 

politischen Bewusstseins, sagen Laibach. Die Menschen haben genug vom 

politischen und ökonomischen Establishment und wollen die Macht in die 

eigenen Hände nehmen, um Würde und Solidarität in ihr tägliches Leben zu 

bringen.“ Ist dies in allen europäischen Ländern der Fall? 

L: Wir glauben, das gilt für 99 Prozent der Menschen auf der ganzen Welt. 

O: Welche zwei Dinge würden wohl als Erstes verändert? Wären es die 

richtigen für eine friedliche Zukunft? 

L: Radikal gesprochen, würden wir sagen, dass zuerst die Menschheit 

ausgelöscht und neu erschaffen werden sollte, mit sorgfältig konstruiertem 

Genom. Aber das wäre – obwohl durchaus möglich – ein unpopuläres 

Vorgehen. Also müssen wir den schwierigen Weg wählen – Respekt und 

Solidarität für jedes menschliche Wesen verbreiten, einschließlich Tieren 

und Pflanzen. Allgemeiner Respekt und Solidarität würden zum Ende aller 

Kriege führen, Hunger, Sklaverei und Ausbeutung beenden, und dann sind 

wir nicht mehr allzu weit vom irdischen Paradies entfernt. 

O: Ebenso steht im Pressetext: „Die Menschen in Europa brauchen eine neue 

Identität, die für sie Bedeutung hat und sie Begeisterung für die Zukunft spüren 

lässt. Die Revolution muss von den Straßen in Hamburg und Berlin, Paris und 

Athen, Istanbul, Kiew, Barcelona oder Ljubljana kommen. Die Antwort auf die 

Krise muss internationalistischer und universeller sein als die Universalität des 

globalen Kapitals.“ In der Tat, absolut! Gibt es dazu einen konkreten Vorschlag, 

der an dieser Stelle präsentiert werden kann? Denn die Tagespolitik versagt 

hier wohl vollkommen. Zumindest in Deutschland. 

L: Wir sind ziemlich sicher, dass die Mehrheit aller Länder auf der Welt 

liebend gern ihre Probleme gegen die von Deutschland tauschen würde... 

Zuallererst müssen sich die Leute auf lokaler Mikroebene organisieren 

und dann mit anderen Communitys und international zusammentun. In 

Zeiten des Internets und effektiver Kommunikationsnetzwerke sollte es 

heutzutage kein Problem sein, auf internationaler Ebene zu operieren, alle 

möglichen Quellen und Medien auszuschöpfen, inklusive der Pop-Kultur. 

Darum hat Laibach beschlossen, eine Partei zu gründen, eine internationale 

„Geisterpartei“, die dabei hilft, weltweit Menschen mit ähnlichen Ideen, 

Problemen und Lösungen zu verbinden und vereinen. Wir können sie aktiv 

unterstützen und diverse lokale und internationale Aktionen und Kämpfe für 

die bessere Zukunft koordinieren. Es wird ein langer Marsch, aber irgendwo 

müssen wir beginnen. 

O: Warum ist wohl die Theorie oftmals so weit entfernt von der Praxis? 

L: Weil Perfektion langweilig ist und weil wir im Leben die treibende Kraft 

brauchen, das utopische Ziel, das wir praktisch nie wirklich erreichen 

können, obwohl es theoretisch durchaus möglich ist. Doch wir alle wissen, 

dass nur theoretisch kein Unterschied zwischen Theorie und Praxis besteht. 

Der Kampf zwischen Theorie und Praxis ist schlicht die Kraft des Lebens. 

O: Was wünscht sich Laibach für Europa im Jahr 2020? 

L: Wir wollen Europa vom Atlantik zum Pazifik. Falls das ein „No-Go“ ist, 


wollen wir Europa wenigstens in Europa. Und Nordwesteuropa sollte 

sich aktiver und radikaler mit dem südöstlichen Teil des Kontinents 

vermischen, um ihre Säfte auszutauschen und ihre Gene anzureichern, 

um ein gutes Gleichgewicht herzustellen. 

O: Wann ist Vergangenheit heilend? 

L: Wenn wir anfangen, „unsere Symptome zu genießen“, können wir 

auch das historische Trauma in ein Heilmittel verkehren. 

O: Was ist Kunst? Gibt es dafür einen Anfang, ein Ende, eine Grenze? 

L: Kunst ist Ausdruck menschlicher kreativer Fähigkeiten und 

Vorstellungskräfte, die nach Bedeutung streben und sich zugleich 

jeglicher sinnvollen Definition entziehen. Eine beliebte solche 

Definition lautet, dass Kunst der uneingeschränkte Ausdruck von 

Freiheit ist (und Freiheit für Künstler die ultimative Sklaverei). 

Aber künstlerische Freiheit ist eine Illusion. Kunst wird einem 

System von Werten und Autoritäten unterworfen, und die erste und 

stärkste Autorität ist der persönliche Geschmack. Jede Kunst ist auch 

Gegenstand politischer Manipulation, außer sie spricht selbst die 

Sprache jener Manipulation. 

O: Angenommen, Laibach würde für eine Jahreszeit stehen – welche? 

L: Die Weihnachtszeit? 

O: Was war bisher das originellste Gerücht, das Sie über Laibach 

gehört oder gelesen haben? 

L: Dass wir nicht wirklich existieren und nur ein Konstrukt sind, eine 

Illusion, ein „Gespinst“ sozusagen. Wer weiß – vielleicht stimmt das 

sogar. 

O: Welches bisherige Geheimnis über Laibach können Sie heute für 

uns lüften? 

L: Wir können das Geheimnis lüften, dass wir nie irgendwelche 

Geheimnisse hatten. 

O: Ist es stets eine große Herausforderung, ein neues Werk auf die 

Bühne zu bringen? Inwiefern – und wie sehen die Vorbereitungen aus? 

L: Das ist es; ein Album aufzunehmen, ist gewöhnlich bloß die 

Startphase, um es auf der Bühne zu performen. Die Arrangements 

sind live anders, und wir proben sehr intensiv dafür. Doch Konzerte 

und Touren sind eigentlich die beste Übung. 

O: Laibach konnte bereits viele besondere Projekte und Auftritte 

Realität werden lassen. Was sind noch Träume für Laibach, die 

ausgesprochen werden dürfen? 

L: Wir haben viele Pläne und Ideen, zu viele, um sie hier aufzuzählen. 

Wir können nur verraten, dass wir schon jetzt an den nächsten drei 

oder vier Alben arbeiten. 

O: Wem möchten Sie Spectre nun ganz besonders ans Herz legen? 

L: Den Blinden, den Tauben, den Armen und Hungrigen, Dummen 

und Reichen, jenen, die denken, sie seien klug... mit anderen Worten: 

dem gesamten Spektrum verlorener Seelen im Universum. 

www.laibach.org 

Claus Müller 


Laibach (1985) 

Rekapitulacija 1980–84 (1985) 

Nova Akropola (1985) 

The Occupied Europe Tour 1985 (live, 1986) 

Opus Dei (1987) 

Slovenska akropola (1987) 

Krst pod Triglavom–Baptism (1987) 

Let it be (1988) 

MacBeth (1990) 

Kapital (1992) 

Ljubljana–Zagreb–Beograd (live, 1993) 

NATO (1994) 

Occupied Europe NATO Tour 1994–95 (live, 1996) 

Jesus Christ Superstars (1996) 

WAT (2003) 

Volk (2006) 

LAIBACHKUNSTDERFUGE (2008) 

Monumental Retro-Avant-Garde (live, 2012) 

Spectre (2014) 


„Es besteht kein Zweifel, 

wer der Stärkere von beiden ist.“ 

Denkt man an Finnland, denkt man 

gezwungenermaßen an Winter, Kälte und 

Schnee. Doch Skandinavien sticht auch durch 

wunderschöne Landschaften und seine teils noch 

sehr unberührte Natur hervor. Und musikalisch 

ist es unumstritten auf einem ganz hohen Level! 

Mit Hymns of the Mortals – Songs from the North 

präsentieren die Jungs um Fronter und Gitarrist 

Oskari Koivisto jetzt ihr Debutalbum, welches 

sich irgendwo zwischen Black, Death und Folk 

Metal ansiedelt. Inhaltlich geht es (wie könnte 

es anders sein?) um die Rauheit und Kälte 

des Nordens. „Unsere Lieder handeln vom 

fortwährenden Kampf der Menschheit gegen 

die Natur, und es besteht kein Zweifel, wer 

der Stärkere von beiden ist“, erklärt Drummer 

Sakari Martikainen. Ausschlaggebend für diese 

Themenwahl war wohl nicht zuletzt ihre Heimat. 

„Im Winter wird es hier sehr kalt und auch sehr 

dunkel“, berichtet Sakari weiter, „das ist aber 

kein Nachteil. Ich glaube, das ist wahrscheinlich 

der Grund, warum es hier so viele gute Metal- 

Bands gibt.“ 

Fast alle Texte schrieb Bassist Jere Sjögren; für das 

Artwork – eine kunstvolle Darstellung der Natur 

im Wechsel der Jahreszeiten – zeichnet kein 

Geringerer verantwortlich als Kris Verwimp, 

der schon unzählige Cover entworfen hat. Seine 

Kreationen konnte man unter anderem bei 

Arch Enemy, Debauchery, Enthroned, Fejd, 

Marduk oder SuidAkrA bewundern, um nur 

einige wenige zu nennen. „Wir hatten ein paar 

Ideen für ein Artwork, haben uns dann jedoch 

entschieden, Kris bloß die Lyrics zu geben. Er 

folgte bei der Gestaltung also keinerlei Vorgaben. 

Das Resultat hat niemanden enttäuscht...“, freut 

sich Sakari. Wer nun glaubt, dass hinter Thyrien 

eine typisch nordische Geschichte steckt, täuscht 

sich allerdings. Jener Name wurde seitens der 

Gruppe gewählt, weil als „passend und cool“ 

empfunden. 

Außerdem haben Thyrien bereits mit Emmi 

Silvennoinen, der Keyboarderin von Ensiferum, 

kooperiert: „Als wir das Album aufnahmen, 

hatten wir keinen, der für die Synthelemente 

zuständig war, darum mussten Oskari und 

unser Produzent Olli das übernehmen. Letzterer 

hat früher mit Emmi zusammen in einer Band 

gespielt und fragte sie einfach, ob sie nicht mal 

vorbeikommen und den beiden ein bisschen 

helfen möchte. Sie sagte zu und hat ihren eigenen, 

persönlichen Touch in die Stücke gebracht. Mit 

ihr zu arbeiten, fiel sehr leicht“, plaudert Sakari. 

Die Produktion besorgten übrigens Olli Mattila 

und Jarno Hänninen gemeinsam. 

In den nächsten Monaten will das Gespann 

weiter an seiner Musik feilen, viel proben und 

erste Gigs organisieren. Noch sind die Finnen 

ganz am Anfang. Wir wünschen ihnen einen 

guten Start und hoffen, dass sie bald auch 

unsere Gebiete mit ihrem bombastischen Sound 

überrollen. 

www.facebook.com/Thyrien 


Zum 15-jährigen Jubiläum von ASP endlich erhältlich: 

Die lang überfällige Vinyl-Edition des ASP Album-Klassikers 

„Zaubererbruder - Der Krabat Liederzyklus“ 

• Edles, schwarzes 3x12“ Vinyl (180gr audiophiles Vinyl) 

• Vier rare Bonus Tracks aus „Von Zaubererbrüdern Live“ u.a. 

„Mein Herz erkennt Dich immer“ feat. Lisa Pawelke 

• Spezielles und sehr massives Gatefold mit eigens entwickelter Falttechnik 

• 24-seitiges Booklet im 12“ Format 

• Booklet inklusive allen Texten 

• Bedruckte Innenhüllen 

• Doppelseitig bedrucktes Fold-Out Poster (ca. 60 x 90 cm) 

• Streng limitiert auf 666 Exemplare weltweit 

21.03.2014 

Endlich ist Es so wEit! Asps Von ZAubErErbrüdErn 

kommEn in Acht dEutschE städtE! 

19. März 2014 Wiesbaden, Schlachthof 

20. März 2014 Losheim, Alte Eisenbahnhalle 

21. März 2014 Bielefeld, Ringlokschuppen 

22. März 2014 Leipzig, Haus Auensee 

AUSVERKAUFT 

AUSVERKAUFT 

26. März 2014 Ludwigsburg, Forum 

27. März 2014 Wuppertal, Historische Stadthalle 

28. März 2014 Berlin, Huxleys Neue Welt 

29. März 2014 München, Backstage AUSVERKAUFT 

AUSVERKAUFT 

Tickets unter www.AspsWeltEn.de/shop oder www.adticket.de 

Weitere Infos unter www.vonzaubererbrüdern.com

Soundtrack of my life 

Was wäre, wenn... 

Luci van Org 

Stell’ dir vor, du wärst... 

Greg Mackintosh (Paradise Lost) 

Candlemass 

Epicus Doomicus Metallicus 

(1986) 

Ohne dieses Werk würden 

Paradise Lost nicht existieren. 

Großartiger Doom Metal. Das 

Solo von Crystal Ball ist seither 

mein allerliebstes Einzelspiel. 

Celtic Frost 

Morbid Tales (1984) 

Ton und Stil dieses Albums sind 

ein ziemlich genaues Abbild 

meiner Generation. 

... eine Farbe? Rouge Noir... wäre ich gern. Aber ich glaube, ich bin in Wirklichkeit 

eher so straßenköter-schlammfarben – aber mit Glitzerdingern drin... 

... ein Tier? Ein Bär. Kurzsichtig, verfressen und sehr dickfellig – solange man mich 

nicht reizt. 

... ein Planet? Erde. Ich mag’s hier... 

... ein Lied? Dmitri Schostakowitschs Walzer Nr. 2 – es lebe das Pathos! 

... eine Blume? Eine Stockrose. Weil ich es rührend und nachahmenswert finde, dass 

die Dinger auch auf Sperrmüllhalden und vollgekackten Baumscheiben noch die 

schönsten aller Blüten zeigen. 

... ein Edelstein? Ein Kiesel unten am Fluss (in dem die Leichen meiner Feinde an 

mir vorüberziehen... har har!). 

... eine mythologische Figur? Ein Galsterweib – also eine Frau, die zaubern kann 

mithilfe von Gesang. Versuche ich zumindest täglich... 

... ein Buch? Der Greif und der jüngste der Domherren, ein Kinderbuch von Frank R. 

Stockton mit Zeichnungen von Maurice Sendak. Weil es beweist, dass sich ganz 

viel Liebe und ganz viel menschenfressendes Monster ganz wunderbar miteinander 

vertragen, wenn man nur will. 

... ein Film? Braindead! Ganz viel Blut, noch mehr Gemetzel, aber mindestens 

genauso viel Lachen und sogar ein bisschen Rührung... schnüff... Ich LIEBE diesen 

Film! (Und für alle, die ihn noch nicht kennen: bitte NIE... wirklich NIE und auf 

KEINEN Fall die FSK 16-Fassung gucken!!!!) 

... eine Jahreszeit? Spätherbst mit Sturmwind – aber in warmer Jacke. 

... eine Stadt? Berlin! Für immer! Womit wir wieder beim Straßenköter- 

Schlammfarbenen wären... aber in Kombination mit ganz viel Herz und Lachen! 

Carnivore 

Retaliation (1987) 

Die Platte habe ich immer 

gehört, bevor ich samstagabends 

ausgegangen bin. Wütender 

Hardcore mit amüsanten Lyrics. 

Ich fühle mich geehrt, Pete 

gekannt zu haben. RIP. 

Wortschatz 

Dead Can Dance 

Within the Realm of a Dying Sun 

(1987) 

Dieses Album enthält zutiefst 

epische, traurige Musik. Lisa 

Gerrards Stimme jagt einem 

Schauer über den Rücken. 

Jesus Christ Superstar 

(Filmsoundtrack, 1973) 

Ich hasse Musicals, doch dieses 

hier ist einfach überwältigend. 

Ted Neeley, der Jesus spielt, 

hat eine unglaubliche Stimme. 

Mir war sogar mal das Glück 

vergönnt, mit ihm zu sprechen. 

Chiara Amberia (Mantus) 

Lieblingsbücher sind ein weites Feld, zumal es so viele wundervolle Bücher gibt... 

Eins meiner liebsten Bücher seit Jugendzeiten ist Fool on the Hill von Matt Ruff: ein 

phantastisches Epos, welches die Geschichte des Jungschriftstellers S.T. George erzählt, 

der einen Drachen steigen lässt, sich in die schönste Frau der Welt verliebt und schließlich 

sich selbst und die wahre Liebe findet. Nebenbei rettet er die Welt vor dem Bösen, das 

der Büchse der Pandora entschlüpfte und beispielsweise eine beseelte Gummipuppe in 

seinen Diensten hat. Er erhält dabei kompetente Hilfe der auf dem College-Campus 

ansässigen Elfen (die alle Namen aus Shakespeares Mittsommernachtstraum tragen), der 

abgefahren-coolen Studentenverbindung „Bohemier“ und des kleinen Hunds Luther, 

der dem Geruch des Himmels von New York bis nach Cornell folgt. Das Buch ist 

eine genreübergreifende Mischung aus Coming of Age, Fantasy, Horrorsplatter und 

Liebesgeschichte und gefällt mir jetzt immer noch so gut wie beim ersten Lesen mit 15. 

Stark beeinflusst hat mich auch das Buch Kassandra von Christa Wolf, die die 

Geschichte Trojas aus der Sicht der großen Seherin erzählt, die in ihrem inneren 

Monolog eine Haltung zum repressiven und patriarchal geprägten Herrschaftssystem 

Trojas und damit letztlich eine sehr kluge Form des Feminismus entwickelt. 


„Kannst du singen? – Höchstens schreien.“ 

SEA + AIR sind ein überaus vielfältiges, graziles und vollkommen harmonisches Musikprojekt, welches mit einfühlsamen und 

multifacettenreichen Klangelementen unter die Haut geht und das Herz berührt. Wie tiefgründig dieses Stuttgarter Ehepaar Herz 

und Seele erobert, erklärt schon der Titel des Debutwerks My Heart’s Sick Chord. Ein Interview über eine deutsch-griechische 

Zusammenkunft – ehrlich, herzlich und ganz persönlich. 

Orkus: Daniel, was war das Erste, was dir an Eleni aufgefallen ist, als 

du sie zum ersten Mal gesehen hast? 

Daniel Benjamin: Sie war wie keine Person, die ich vorher oder 

seither getroffen habe. Ich habe an der Art, wie sie sich durch die 

Menschen bewegt hat, sofort gewusst, dass sie rhythmisch begabt ist. 

Und singen kann. Man trifft nur wenige Male im Leben jemanden, bei 

dem man sofort das Gefühl hat, man kennt den Geist, der in der Hülle 

steckt. Und in ihrem Fall hatte ich recht. 

O: Eleni, was hast du gedacht, als du Daniel zum ersten Mal begegnet 

bist? 

Eleni Benjamin: Mein Blick blieb direkt an ihm haften: „Groß, 

gefällt mir.“ Ich hab’ mich sofort zu ihm hingezogen gefühlt, weil er 

Ruhe ausgestrahlt hat. Auch heute noch kann ich ihn innerhalb von 

Sekunden aus einer Menschenmasse ausfindig machen. Und das liegt 

nicht nur an seiner Größe. 

O: Wann habt ihr gemerkt, dass es Zeit ist, 

musikalisch etwas gemeinsam zu machen? 

EB: Bevor wir ein Paar wurden, gründeten 

wir unsere erste Band: Jumbo Jet. Wir 

kannten uns kaum; ich glaube, es war 

bei unserem zweiten Treffen, als er mich 

fragte: „Kannst du singen?“ Ich verneinte 

und meinte noch im Scherz: „Höchstens 

schreien.“ Es folgte die erste Bandprobe. Das 

war vor 15 Jahren. Es war ein Experiment, 

bei dem wir beide nicht wussten, was 

herauskommen würde. Es wurde Punk. 

Wir hatten Glück, dass wir uns schon in 

jungen Jahren gefunden hatten und uns 

gemeinsam entwickeln konnten. 

O: Und wie verband sich letztlich deutscher 

und griechischer Charme, um SEA + AIR 

entstehen zu lassen? 

DB: Gibt es deutschen Charme? (lacht) 

Ich würde behaupten, es ist einerseits eine 

explosive Mischung aus Extremen, die 

uns Energie gibt. SEA + AIR eben. Frau/ 

Mann. Meer/Luft. Heiß/kalt. Rhythmus/ 

Melodie... Zum anderen kommen wir 

besonders gut miteinander aus, weil jeder 

auch genug Merkmale des anderen in sich trägt. Je nachdem, wie uns 

Leute charakterisieren, die uns nicht kennen: Hätten sie einen anderen 

Tag erwischt, würden sie das Bild zu 100 Prozent umkehren. Und genau 

das, in Musik gepackt, ergibt SEA + AIR. Der Soundtrack zu unseren 

multiplen Persönlichkeiten. 

O: Welche Erinnerung aus Kindheitstagen hast du, Daniel, in SEA + 

AIR einfließen lassen? 

DB: Meine ersten Erinnerungen haben alle mit Musik und Geräuschen 

zu tun. Und obwohl man sich mit der Zeit natürlich weiterentwickelt, 

geht es immer noch um dieselben Gefühle. Meine erste Erinnerung an 

ein Freiheitsgefühl beispielsweise ist der Mittwochnachmittag im Juli, 

als nach dem ersten Schuljahr die Sommerferien begannen. Ich nahm 

nach dem Essen eine Wolldecke mit nach draußen, legte mich ins Gras 

und schaute nach oben. Plötzlich spürte ich ein Gefühl von Weite, das 

ich bisher nicht gekannt hatte. Der Geruch der Decke, der Klang des 

kleinen Flugzeugs über mir, die Aussicht auf damals unvorstellbar lange 

sechseinhalb Wochen Ferien mit all den 

Plänen, die ich hatte. Freiheit! Genau das 

Gefühl, das gute Musik seither täglich in mir 

ausgelöst hat. 

O: Jeder Mensch besitzt eine Gabe. Welche 

ist deine, Eleni, die SEA + AIR als ein 

Standbein des Projektes fest damit verbindet? 

EB: Musik erfahre ich am intensivsten 

durch Bewegung. Das gehört für mich 

zusammen. Wir Griechen tanzen sehr viel 

und leidenschaftlich. Deswegen haben wir 

ein natürliches Rhythmusgefühl. Das fließt 

in unsere Musik ein. Natürlich bin ich mir 

dessen bewusst, dass jeder eine andere Art 

hat, Musik zu erfahren. Während Musik 

für mich sehr körperlich ist, ist sie für viele 

sehr visuell. Ich kann unsere Musik in diese 

visuelle Sprache übersetzen, indem ich mir 

Gedanken um die Hülle mache: den Look, 

die Graphik. So können auch diejenigen 

vielleicht unsere Musik verstehen, die nicht 

sofort in die Klänge eintauchen können, 

sondern andere Reize benötigen. 

www.seaandair.net 



„Wahrscheinlich ist das unserer guten 

deutschen Erziehung geschuldet...“ 

Sonderlich gute Einzelhändler werden Martin Vorbrodt und Frank M. Spinath wohl nicht mehr. Nicht nur, dass 

ihre Lieferfrist mit über sieben Jahren fast schon an sozialistische Zeiten erinnert, in denen man mindestens ebenso 

lange auf ein Auto warten musste. Nein: selbst wenn die Ware in Form von Speak In Storms endlich eintrifft, ist 

man beinahe geneigt, den einen oder anderen Track zu reklamieren. Doch bereits während man sich überlegt, 

auf welchem Wege man das Gehörte beanstanden will, ist es um einen geschehen – spätestens nach dem dritten 

Durchgang nisten sich die Stücke unweigerlich im Ohr ein. 

Frank M. Spinath: Man braucht tatsächlich ein wenig 

Anlaufzeit, um das Album in seiner Gänze zu erfassen. Es ist, 

als ob wir das Album in ein Schaufenster legen, und der Hörer 

möchte gern in das Geschäft, um es zu kaufen, denn die Lieder 

wollen unbedingt gehört werden. Leider aber hat der Laden 

geschlossen. Es ist immer ein wenig, als ob man Seabound 

zunächst nur durch eine Scheibe hören würde, während man 

darauf wartet, dass endlich Einlass gewährt wird. 

Orkus: Eine sehr schöne und passende Metapher, doch 

du hattest ja auch sieben Jahre Zeit, dir etwas zu überlegen. 

Warum hat es bis zum Release von Speak In Storms so lange 

gedauert? 

FMS: Da kamen eine Menge Gründe und Ereignisse 

zusammen, aber der Hauptgrund ist wohl, dass Martin in die 

Staaten ausgewandert ist. Sein komplettes Leben umzutopfen 

und sich zunächst in Los Angeles eine Existenz als Anwalt 

aufzubauen, dauert einfach seine Zeit. Darüber hinaus hat 

es später auch noch eine Menge zusätzliche Zeit in Anspruch 

genommen, bis Martin sein ganzes Equipment über den 

Großen Teich geschippert hatte. 

O: Es war also zum Glück nie die Rede davon, das Kapitel 

„Seabound“ zuzuschlagen? 

FMS: Nein, überhaupt nicht, denn instinktiv wussten wir 

beide, dass es irgendwann weitergehen wird. Und es war ja 

auch nicht so, dass wir gar nicht aktiv gewesen wären. Wir 

haben seit Double-Crosser einige Shows mit Iris oder auch De/ 

Vision gespielt, haben ein Live-Album veröffentlicht, und 

ich hatte darüber hinaus noch meine Alternativspielplätze 

mit Edge Of Dawn und Ghost & Writer. Und auch wenn 

von Martin hin und wieder ein neuer Track oder eine neue 

Idee kam, so nahmen die Arbeiten zu Speak In Storms doch 

vor allem im letzten Jahr richtig an Fahrt auf, denn man kann 

einfach kein homogenes Album veröffentlichen, für welches 

man gerade mal zwei Songs pro Jahr geschrieben hat. 

O: Dank Internet heutzutage zwar kein Problem mehr, 

aber trotzdem interessant: Wie managt ihr den Prozess des 

Songwritings bei der großen Distanz? 

FMS: Das ist natürlich eine ganz andere Vorgehensweise als 

beispielsweise bei Edge Of Dawn, denn Mario (Schumacher 

– Anm.d.Verf.) und ich sitzen oft zusammen und daddeln 

so lange, bis etwas Ansprechendes dabei herauskommt. Das 

funktioniert bei Seabound nun naturgemäß nicht mehr, aber 

da hat auch jeder sein Feld – mein Feld sind die Texte und 

der Gesang, Martin ist für die Musik verantwortlich. Natürlich 

mischen wir uns auch gegenseitig ein, aber dem Grunde nach 

hat jeder seinen Freiraum. Ich denke, das ist eines der Rezepte, 

warum es mit Seabound so gut funktioniert und warum unsere 

Zusammenarbeit auch noch nie so entspannt und respektvoll 

wie bei Speak In Storms war. Das Interessante ist, dass wir beide 

so perfektionistisch veranlagt sind, dass wir eigentlich keinerlei 

Ausschuss produzieren. Wahrscheinlich ist das unserer guten 

deutschen Erziehung geschuldet: Das Werkstück muss zu Ende 

bearbeitet werden! Wenn also etwas Ausschuss werden könnte, 

dann wird es gleich in die Tonne geschmissen, und ansonsten 

wird so lange herumgefeilt, bis es passt. 

O: Wie man an Speak In Storms hören kann, scheint ihr den 

richtigen Weg gefunden zu haben, und der erwähnte Freiraum 

hat der Qualität der Lieder absolut nicht geschadet. 

FMS: Also, wenn ich Martin zu 100 Prozent Freiraum 

gewähren würde, hätten wir jetzt ein Album voller getragener 

und elegischer Songs und Balladen. (lacht) Aber hin und 

wieder tut Martin mir den Gefallen und bastelt auch was 

für die Tanzfläche, denn auch wenn Seabound wohl eher der 

introvertierte Bruder von Edge Of Dawn sein mag, sollte die 

Mischung doch stimmen. 

O: Neben der Musik gibt es wieder viele kleine, fiese und böse 

Geschichten. Welche ist dir besonders ans Herz gewachsen? 

FMS: Ich glaube, das ist wohl Black Feathers. Die Grundbilder 

zu diesem Song sind mir nach einem Interview mit Clive Barker 

gekommen. Man kennt ihn als Autor und Regisseur, aber seine 

eigentliche Berufung ist das Malen. Wenn man sich seine 

Gemälde und Bilder so anschaut, ist man durchaus geneigt, 

dem zuzustimmen, auch wenn er schon eine Menge grandioser 

Filme gedreht und Bücher geschrieben hat. So richtig ist mir 

der Song dann aber durch den Remix, den HECQ für uns 


angefertigt hat, wieder aufgefallen. Der ist zwar überaus traurig geraten, 

aber auf der anderen Seite auch extrem kraftvoll, und zusammen mit 

dem Opener For Life bilden diese beiden Songs eine überaus passende 

Klammer für dieses erwachsene Album. 

O: „Erwachsen“ ist ein gutes Stichwort. Ein wenig ruhiger sind Seabound 

schon geworden, oder? 

FMS: Mit den ersten Sachen kann man Speak In Storms sicher nicht 

vergleichen, denn da war ich noch am Songwriting beteiligt und hatte 

die irrwitzige Idee, die neuen Camouflage werden zu wollen. Aber auch 

wenn man im Herzen noch immer der 16-Jährige sein mag, hat man 

doch als Familienmensch inzwischen eine ganz andere Sicht der Dinge 

und muss sich mit andersgearteten Konflikten herumplagen. Die allzu 

düstere Grundstimmung mag zwar inzwischen verflogen sein, aber an 

ihrer Stelle steht nun eine subtilere, weniger greifbare Atmosphäre, bei 

welcher auch ich nicht immer weiß, was am Ende herauskommen wird. 

O: Und manchmal kann man solch einen Konflikt nicht so einfach lösen 

und muss vielleicht lauter reden, um gehört zu werden... 

FMS: ... oder man frisst es in sich hinein, und wenn es irgendwann 

rausmuss, dann aber richtig. Das ist in etwa der Grundtenor von Speak 

In Storms, aber allzu hoffnungsfroh ist er leider nicht geworden, denn es 

gibt ein Bild im Booklet, von welchem ich glaube, dass es alles aussagt. 

Auf diesem Bild steht ein Lautsprecher direkt am Meer und kämpft 

sozusagen gegen die Brandung an. Aber gegen die Gewalt des Meeres 

hat ein Lautsprecher, ganz gleich auf welche Lautstärke er aufgedreht ist, 

natürlich keine Chance. 

www.seabound.de 

Lars Schubert 

Photo: Claudia Schöne 


No Sleep Demon (2001/2004) 

Beyond Flatline (2004) 

Double-Crosser (2006) 

Come Forward (live, 2008) 

Speak In Storms (2014) 

Line-Up: 

Frank M. Spinath – Gesang, Texte 

Martin Vorbrodt – Musik 

Daniel Wehmeier – Live-Schlagzeug 


„Auch tot geglaubte Träume 

können sich wieder erheben...“ 

Eisenstein und Der Zar, das sind Uwe Schnelle und Thorsten 

Mönch, die sich in einem Wiesbadener Gothic-Laden über den Weg 

liefen. „Kennengelernt haben wir uns wohl 2009/2010, und dass 

wir menschlich gut miteinander können, haben wir recht schnell 

herausgefunden. Zeitweise sprach der eine die Gedanken des anderen 

aus. Dies war teilweise schon erschreckend. Das Musikalische kam erst 

wesentlich später zur Sprache“, dokumentiert die Bandstimme und fährt 

fort: „Eines Morgens erhielt ich einen Anruf von Uwe, ob wir nicht 

zusammen ins Tonstudio wollen, um Probeaufnahmen zu machen. So 

entstand unser erster Titel Ein anderer Mensch. Wir haben dann schnell 

festgestellt, dass da noch mehr Potenzial ist. Also begannen wir, unser 

Album aufzunehmen. Es folgte der Song Herzpanzer. Und als wir zuletzt 

Wir tragen Schwarz aufnahmen und somit unser Debut Aufgewacht zum 

Abschluss brachten, sind doch eineinhalb Jahre ins Land gegangen.“ 

Doch wer glaubt, dass das alles ist, was dieses Gespann in Sachen Liebe 

zur Musik zu sagen hat, der täuscht sich. Bereits von 1999 bis 2001 

war Thorsten aktiv. „Dieses Projekt zerbrach aber aufgrund persönlicher 

Differenzen. Ich begrub den Traum des Musikers erst einmal“, erklärt 

der Sänger nachdenklich und fügt an: „Nun, auch tot geglaubte Träume 

können sich wieder erheben, wie man sieht – und hört. Es war ein 

wirkliches Erwachen. Eine echte Chance, das zu tun, wovon ich seit 

Jahren träume.“ So ist Aufgewacht mehr als nur ein Versuchsobjekt. Um 

Eisenstein und Der Zar der Schwarzen Szene zu präsentieren, braucht es 

mehr als nur Verbundenheit zu ihr. Man muss dabei sein, um das Gefühl 

leben, aufnehmen und weitergeben zu können: „In der Schwarzen 

Szene bewege ich mich schon seit über zwei Jahrzehnten. Ich habe vieles 

gesehen und erlebt in dieser Zeit. So bin ich mir und meiner Schwarzen 

Community treu geblieben und denke, jetzt all dies in Form der Musik 

weiterzugeben. Klingt wahrscheinlich ein wenig nach Testament... das 

stimmt vielleicht auch. Denn wer macht sich nicht gern ein Stück weit 

unsterblich? Ich denke, Uwe sieht das ähnlich. Auch er hat ein Leben 

gelebt, das wir auf unsere Art gerne erzählen möchten. Ich glaube nicht, 

dass ich etwas zurückgeben möchte, aber ich möchte etwas weitergeben 

von dem, was ich erfahren habe. In dieser Szene fand und finde ich 

immer noch jene Menschen, die immer ein bisschen anders sind als die 

anderen. Dies war auch der Hintergrund für Wir tragen Schwarz. Es ist 

absolut ernst gemeint und keinesfalls ironisch“, beschreibt Thorsten die 

Herzensessenz, welche allen Mitgliedern von Eisenstein und Der Zar, 

egal ob im Studio oder live, sowie ihrem Debut selbstredend zugrunde 

liegt. „Es gab viel positive Resonanz auf unseren Erstling. Es macht mich 

ein Stück weit stolz darauf, was wir bis hierher geleistet haben, und gibt 

mir den Mut, für Euch alle weiterzumachen. Somit bleibt das schönste 

Kompliment Eure Aufmerksamkeit, die jeder Einzelne mir und unserem 

Projekt entgegenbringt.“ 

www.facebook.com/EisensteinDerZar 


Photos: Daniela Vorndran (www.black-cat-net.de) 

Line-Up: 

Thorsten Mönch – Gesang, Arrangements 

Uwe Schnelle – Arrangements 

Hansi Boer – Live-Schlagzeug 


album – 24.01. 

„Lieder über Menschen, 

die Wasser predigen und Wein trinken.“ 

album – out now 

Vor nicht allzu langer Zeit schnappten sich God 

Module ihr Ouija-Brett und hielten eine angenehm 

spukige, dunkel-elektronische Séance ab. Wer aber 

glaubt, dass Jasyn Bangert jetzt wieder in die gleiche 

Kerbe haut, wird überrascht, kommt doch False Face 

mit einer Menge straighter Beats daher, welche näher 

am Eurodance der Neunziger als an den Horror 

Disco-Sounds des letzten Albums liegen. Empfiehlt es 

sich denn, das Publikum so zu verwirren? „Inzwischen 

ist es doch gerade für Bands in der Schwarzen Szene 

traurige Normalität geworden, Platten abzuliefern, 

die dem Vorgänger ziemlich ähneln. Auch einige 

meiner Lieblingsbands sind in diese Falle getappt, 

und die Folge war, dass ich das Interesse an ihrer 

Musik verloren habe. Für mich muss jedes meiner 

Alben sein eigenes Wesen haben. Sollte dem nicht 

so sein, sähe ich keinen Grund, weiterzumachen. 

Lieber nehme ich in Kauf, die Hörer ein wenig zu 

verwirren, als dass ich sie zu Tode langweile, wie es 

manche Künstler heutzutage gerne tun“, erklärt Jasyn 

den abermaligen Kurswechsel. 

Obwohl das neue Werk beim ersten Eindruck 

positiver anmutet, tun sich unter der Oberfläche 

weiterhin Abgründe auf: „Die Stücke bleiben auf 

einer persönlicheren Ebene noch immer sehr düster. 

Die Texte stehen für mich zwar nicht über der 

Tanzbarkeit, nehmen aber doch einen ähnlichen 

Stellenwert ein. Als ich anfing, das Material zu 

erarbeiten, habe ich mir keine Grenzen gesetzt. Weder 

wollte ich spukige Nummern schreiben, noch sollten 

die Tracks eingängiger werden. Mir war nur wichtig, 

jene Dinge musikalisch auszudrücken, welche mich 

im Moment beschäftigten, darum sind ein paar 

echt intensive und emotionale Songs entstanden. 

Natürlich ist False Face immer noch God Module, 

denn das bin immer noch ich.“ Den Anstoß für 

die Geschichten hat Jasyn durch seine Großmutter 

erhalten. „Sie stammt aus einem ländlichen Gebiet in 

den Appalachen von North Carolina. Früher hat sie 

mir oft erzählt, dass man Kinder, die zu Halloween 

Masken trugen, false faces nannte. Für mich war das 

Anlass genug, Lieder über Menschen zu schreiben, 

die Wasser predigen und Wein trinken. Leute, die aus 

den seltsamsten Gründen lediglich eine bestimmte 

Rolle spielen, anstatt einfach sie selbst zu sein. Man 

trifft speziell in der Musikindustrie jeden Tag eine 

Menge solcher Typen“, führt Jasyn aus. 

Bei aller Überraschung ob des geänderten Kurses ist 

er sicher, dass False Face endlich auch Europa erobern 

kann. Abgesehen von einer Handvoll Clubhits, 

scheinen God Module in hiesigen Playern bislang 

ein wenig unterrepräsentiert... „Traurigerweise gibt 

es genügend Menschen, die dem verrückten Trend 

zum Opfer fallen und sich erst für eine Band zu 

interessieren beginnen, wenn sie jemanden in einem 

Shirt herumlaufen sehen, anstatt sich vorab eine 

eigene Meinung zu bilden. Ich denke, mit unserer 

neuen Scheibe werden wir mehr Aufmerksamkeit auf 

dem europäischen und vor allem deutschen Markt 

bekommen als mit den letzten zweien. Je mehr Leute 

uns live sehen und hören, desto mehr werden merken, 

dass es noch andere Musik gibt als den alten Mist, den 

sie fast schon aus Gewohnheit immer wieder hören.“ 

Da mag Jasyn durchaus recht haben, und natürlich 

spielt die Qualität eine wichtige Rolle, wobei von 

False Face besonders jener Track im Gedächtnis 

bleibt, der am ehesten aus dem Rahmen fällt – bei 

Through The Noise steht Bühnenmitstreiter und 

System Syn-Mastermind Clint Carney hinterm 

Mikrophon. „Es war das erste Mal, dass Clint den 

Gesang übernommen hat, ohne dass Courtney oder 

ich mit von der Partie waren. Das Resultat ist wirklich 

fabelhaft, und wer mich kennt, weiß, dass ich gern 

ein Gegenstück zu meinen Vocals auf jedem Album 

habe, um etwaiger Monotonie vorzubeugen. Through 

The Noise gibt False Face noch mal eine ganz andere, 

bessere Balance.“ 

www.godmodule.org 

Lars Schubert 


Artificial (1999/2004) 

Empath (2003) 

Viscera (2005) 

Let’s Go Dark (2007) 

Séance (2011) 

False Face (2014) 

Line-Up: 

Jasyn Bangert – Gesang, Synthesizer, Programmierung 

Courtney Bangert – Gesang, Live-Keyboard 

Clint Carney – Gesang, Live-Keyboard 

album – 28.02. 

VANGUARD 

album – out now 

jetzt bestellen auf 

conzoomrecords.de

„Das auf sich selbst zurückgeworfene 

Individuum in einem absurden Kontext.“ 

Über gewohnte Routinen hinausdenken, sich dabei an die Grenzen des eigenen Geistes herantasten 

und noch den einen gedanklichen Schritt weiter wagen. Eine Herausforderung, ein Experiment mit 

interessantem Ausgang. In der Fortsetzung unseres Februar-Gesprächs mit Chiara und Martin soll es 

neben ihrem Portrait aus Wut und Trauer betitelten aktuellen Album um die für Mantus vielleicht etwas 

ungewöhnlichere, aber zu einer über Oberflächlichkeiten hinausdenkenden Szene gut passende Bonus- 

CD Grenzland gehen.

Orkus: Stellen Wut und Trauer für euch 

grundsätzlich negative Empfindungen dar, oder seht 

ihr im Wütendsein und im Traurigsein auch positive 

Aspekte? 

Martin Schindler: Aber sicher sehe ich darin 

positive Aspekte, allein schon, weil diese Gefühle 

Ausdruck eines Lebens sind, welches teilhaben möchte 

an der Welt und ihren Gestaltungsmöglichkeiten. 

Ich finde es wichtig, sich selbst und sein Umfeld 

sensibel betrachten zu können und die Fähigkeit 

nicht zu verlieren, seine Gefühle zuzulassen, danach 

zu handeln und sich zu behaupten. Jemand, der nicht 

wütend ist, wird an den Dingen auch nichts ändern 

können, und jemand, der nicht traurig ist, kann den 

Wert der Dinge nicht als etwas Wertvolles betrachten. 

Für mich persönlich haben Gefühle wie Wut und 

Trauer zudem die Bedeutung, dass sie mir Kraft 

spenden, mich sozusagen von innen reinigen, um 

der Welt in der Art gegenübertreten zu können, wie 

ich es für nötig erachte. Sie belasten mich also nicht 

so sehr, wie man annehmen könnte, weil selten ein 

konkreter Anlass dahintersteckt. Ich versuche die Welt 

als Ganzes zu betrachten. 

Chiara Amberia: Ich sehe gerade in Wut einen 

wichtigen Handlungskatalysator. Und auch Trauer hat 

ihre wichtige Berechtigung als Kehrseite der Medaille 

„Liebe“. Es gibt kein echtes Glück ohne die Fähigkeit 

zu wahrer Trauer. 

O: Eines eurer neuen Stücke heißt Tränenpalast, 

was zu Zeiten der DDR die Bezeichnung für die 

Ausreisehalle an der Grenzübergangsstelle im Berliner 

Bahnhof Friedrichstraße war. Hat euer Lied hierzu 

einen Bezug, oder geht es ausschließlich um den 

individuellen, inneren Tränenpalast? 

MS: Nein, mit dieser Verbindung hat es rein gar 

nichts zu tun. Aber jetzt habe ich auch noch etwas 

dazugelernt. (lächelt) 

O: Martin, die musikalische Ausrichtung des neuen 

Materials hat in puncto Härte und Metal-Elementen 

meines Erachtens noch einmal zugenommen. Ist 

das der Thematik „Wut“ geschuldet, oder entspricht 

es mehr und mehr dir persönlich, deiner Art, dich 

ausdrücken zu wollen – oder, mehr noch: dem Gefühl, 

wie es einfach aus dir rausmuss? 

MS: Ja, es ist eine Mischung aus all diesen Gründen. 

Im Laufe der letzten Veröffentlichungen hat sich die 

Musik von Mantus mehr in diese Richtung entwickelt, 

dass sie kraftvoller und manchmal auch wütender 

daherkommt. Speziell bei diesem Album sind einige 

schnellere Songs hinzugekommen, was bei Mantus ja 

nicht so häufig passiert. Das ist dem Konzept und den 

textlichen Inhalten geschuldet. Nach wie vor versuche 

ich mir allerdings alle Türen offen zu halten, und so 

kann es durchaus sein, dass ein nächstes Album wieder 

sehr ruhig und bedächtig ausfällt. Aber grundsätzlich 

stimmt es, dass mein Interesse an anspruchsvolleren 

Songstrukturen zugenommen hat, und diese drücke 

ich am liebsten durch harte Metal-Passagen im 

Zusammenspiel mit sehr ruhigen, traurigen Parts aus. 

O: Wir haben im ersten Teil unseres Interviews bereits 

ein wenig über die Bonus-CD Grenzland geredet, die 

ja von dir, Martin, alleine stammt. Siehst du denn 

einen Zusammenhang zwischen Grenzland und der 

auf dem regulären Album verarbeiteten „Wut und 

Trauer“-Thematik? Ich finde beides thematisch wie 

stilistisch sehr unterschiedlich. 

MS: Nein, da ist kein Zusammenhang. Jedes der 

beiden Werke steht für sich. Grenzland ist übrigens 

schon 2008 entstanden. Ich hatte bisher nur keinen 

passenden Rahmen für eine Veröffentlichung 

gefunden. 

O: Und wie kam dir damals die Idee zu Grenzland? 

Gab es einen konkreten Auslöser, ein Erlebnis oder eine 

Erfahrung? 

MS: Einen konkreten Auslöser gab es nicht. Ich 

beschäftige mich generell und viel mit dem Thema 

„Existenz“ – also das auf sich selbst zurückgeworfene 

Individuum in einem großen, undurchsichtigen und 

absurden Kontext. Grenzland ist der musikalische 

Versuch, an die eigenen einsamen und gottverlassenen 

Grenzen des Denkens vorzustoßen, um das Leben 

und den vermeintlichen (Un-) Sinn des Lebens 

herauszufordern, damit sich Einsichten herausbilden, 

die einem sonst vielleicht verschlossen bleiben. Das 

alles habe ich verbunden mit einem künstlerischen, 

also erschaffenden Menschen, um so persönlich wie 

möglich bleiben zu können. 

O: Inwiefern musstest du für Grenzland auch deine 

sonstige Arbeitsweise ändern? Was war eventuell eine 

besondere Herausforderung bei der Umsetzung der 

künstlerischen Ideen dahinter? 

MS: Die unterschiedliche Herangehensweise lag darin, 

dass ich mich vom grundsätzlichen Mantus-Sound 

befreit habe, um dieses Album zu machen. Es finden sich 

sehr viele ungewöhnliche Klänge von ungewöhnlichen 

Instrumenten auf dieser CD, weil die Atmosphäre im 

Vordergrund steht, und nicht die einzelnen Songs. 

Dann gibt es eine Reihe von elektronischen Klängen, 

die bei Mantus sonst nie zum Einsatz kommen würden 

und eher an Black Heaven erinnern. Ungewöhnlich 

war für mich auch die Einbindung von ausschließlich 

gesprochenem Text, der im Vorfeld nicht auf die Musik 

abgestimmt war. Das heißt, die einzelnen Stücke 

sind erst im Nachhinein zu einer Form gekommen. 

Ich wollte keine reinen Gedichtvertonungen 

aufnehmen, aber auch kein Hörspiel. Grenzland ist 

also ein Experiment, weil ich diese Art vorher noch nie 

gemacht habe. Vor knapp 15 Jahren war Mantus ein 

kopflastiges Studioprojekt, und die Lyrics standen klar 

im Vordergrund. Bei diesem Hörstück komme ich auf 

den ursprünglichen Charakter zurück. 

O: Warum wird dem Käufer von Portrait aus Wut und 

Trauer auch die Grenzland-CD gefallen? 

MS: Ehrlich gesagt, ich weiß wirklich nicht, ob 

dieses Album Anklang findet. Es ist für mich also sehr 

spannend. Ich glaube, manche werden es sehr mögen, 

und manche werden damit wenig anfangen können, 

weil sie keinen Zugang dazu finden. Daher war für 

mich die Form einer Bonus-CD auch sehr passend, 

da es einen weiteren, sehr persönlichen Einblick in 

den Mantus-Kosmos liefert, der aber bestimmt nicht 

jedermanns Sache ist. 

www.mantus.de 

Axel Schön 


Liebe und Tod (2000) 

Abschied (2001) 

Fremde Welten (2002) 

Weg ins Paradies (2003) 

Ein Hauch von Wirklichkeit (2004) 

Zeit muss enden (2005) 

Requiem (2009) 

Demut (2010) 

Die Hochzeit von Himmel und Hölle (2010) 

Zeichen (2011) 

Wölfe (2012) 

Portrait aus Wut und Trauer (2014) 

Line-Up: 

Martin Schindler – Texte, Musik, Gesang, Instrumente 

Chiara Amberia – Gesang

„Flughäfen und leere Flaschen, das ist meine Existenz.“ 

Daniel Graves meldet sich nach rund drei Jahren mit seinem vierten Studioalbum ’Til Death zurück: dem ersten, das er ohne fremde 

Hilfe geschaffen hat. Momentan ist der sympathische, aus Hollywood stammende Musiker mit Faderhead auf Tour und wird auch in 

Deutschland Halt machen. Wir sprachen mit ihm ausführlich über die Konzertreise und seine wiederkehrende Nervosität, über sein 

neues Werk und vieles mehr. 

Orkus: Hallo Daniel! Wie waren die letzten Monate für dich? 

Daniel Graves: Einfach verrückt. Ich kann mich gar nicht mehr an 

alles erinnern, was passiert ist. Aber es war in den letzten fünf Jahren 

kaum anders. Mein gesamtes Leben war so irre. Musik schreiben, auf 

Tour gehen, eine Flasche Wodka trinken, heimgehen, Musik schreiben, 

die Presse belügen, auf Tour gehen, Wodka trinken. Flughäfen und leere 

Flaschen, das ist meine Existenz. 

O: Aktuell ist ja auch eine sehr spannende Zeit. Die Tour mit Faderhead 

hat gerade begonnen. 

DG: Genau, wir sind im typischen Vor-der-Tour-Wahnsinn. Packen. 

Entscheiden, welche Songs wir spielen. Trinken. Sich von Familie und 

Freunden verabschieden. Noch mehr packen. Dann noch mehr trinken. 

Ich fliege morgen los, um mich bei der Tourparty in Hamburg einzufinden. 

Und dann geht es ab nach Antwerpen. 

O: Bist du bei bevorstehenden Tourneen noch aufgeregt? 

DG: Nein, ich habe Angst. Ich war seit so vielen Monaten nicht mehr auf 

Tour. Wenn ich daran denke, fangen meine Handflächen an zu schwitzen, 

und mein Herz beginnt zu rasen. Ich fühle mich immer so, wenn ich 

lange nicht auf der Bühne gestanden bin. Es wird auch immer schlimmer, 

besonders wenn die ersten Termine näher rücken. Beim ersten Auftritt, 

wenn das Intro erklingt, fühle ich mich richtig benommen, fast so, als 

müsste ich in Ohnmacht fallen. Aber wenn ich dann den ersten Schritt 

auf die Bühne setze und das Publikum sehe, den Rauch riechen und das 

Mikrophon in meiner Hand spüren kann, schmilzt all diese Angst dahin, 

und ich fühle mich, als wäre ich nach Hause gekommen. 

O: Hat es für dich mal einen ganz besonderen Moment bei einem Auftritt 

gegeben? 

DG: Mein Lieblingsgig war vor einigen Jahren auf dem Amphi Festival. 

Wir hatten bereits um 13 Uhr einen einstündigen Slot und Sorge, dass 

niemand kommen würde. Ich wachte auf, völlig fertig und gestresst. Ich 

kümmerte mich nicht mal darum, die Bühne zu checken. Ich hab’ mir 

nur eine Flasche Wodka geschnappt, um meinen Kater zu vertreiben. 

Als man uns aufrief, nahmen wir noch unseren traditionellen Wodka 

Shot. Wir wurden von mehr als 5.000 Fans begrüßt, und da wurde mir 

schlagartig klar, dass wir komplett falschgelegen hatten. Meines Erachtens 

spielten wir dort eine unserer besten Shows. Die Verbundenheit zwischen 

dem Publikum und mir war schier unglaublich. Dieser Moment hat sich 

für immer in mein Hirn eingebrannt. Davon werde ich bestimmt noch 

erzählen, wenn ich 80 bin. 

O: Bei der Produktion von ’Til Death gab es eine völlige Neuerung... 

DG: Ja, das ist das erste Album, an dem ich vollkommen alleine gearbeitet 

habe. Früher habe ich Profis und auch Freunde in meine Arbeit integriert, 

war jedoch nie ganz zufrieden. Ich will nicht behaupten, dass sie keinen 

guten Job geleistet hätten, aber ich musste immer Kompromisse schließen. 

Dieses Mal gab es keinen Kompromiss. Ich hab’ mich entschieden – ob das 

nun gut oder schlecht war, ist egal –, dass ich es selber mache und es meine 

Erfahrung werden lasse. Genauso trage ich allein die Konsequenzen. Und 

ich darf sagen: das Album ist zwar nicht perfekt – nichts kann das je sein 

–, aber in meinem Kopf doch so nah dran, wie es nur geht. 

O: Mach uns ein wenig neugierig: Was darf der Hörer erwarten? 

DG: Ich denke, wer Aesthetic Perfection kennt, weiß, dass er das 

Unerwartete erwarten muss. Wenn jemand eines meiner Alben zum ersten 

Mal hört, dann möchte ich, dass es sich anfühlt, wie wenn man in einen 

Pool voller Eiswasser springt. Es soll ein Schock sein, der ohne Vorwarnung 

überrascht. ’Til Death ist definitiv ein Werk, wie ich es noch nie zuvor 

gemacht habe. Es ist melancholisch und melodisch. Mein Markenzeichen, 

die Wut, schlägt Dir diesmal nicht direkt ins Gesicht, sie blubbert unter 

der Oberfläche. 

O: Versuch das Album bitte mit einem Satz zu beschreiben. 

DG: „Diese heftigen Entzückungen nehmen gemeiniglich ein plötzliches 

Ende, und sterben in ihrem Triumph; wie Feuer und Pulver, die sich, 

indem sie sich begegnen, verzehren.“ (William Shakespeare, Romeo und 

Julia) 

O: Erzähl’ uns etwas über die Titelwahl. Wie bist du darauf gekommen? 

DG: Im Jahr 2010 besuchte ich Mexico City. Als ich durch die Straßen 

lief, kam ich zu einem Basar, der jeden erdenklichen Krimskrams anbot. 

Eine Sache erregte meine Aufmerksamkeit: ein kleines Kästchen mit den 

Skelettfiguren eines Hochzeitspaares. Das fand ich romantisch und sehr 

schön. Ich hab’ die Schachtel als Geschenk für meine Frau gekauft. Sie 

stellte sie in unserer Wohnung auf, und während ich das neue Material 

schrieb, hatte ich das Pärchen immer im Blick. Das hat mich inspiriert 

und letztlich zum Namen ’Til Death geführt. Das Cover ist ein Bild von 

meiner Frau und mir. Wir haben diese Szene der heiratenden Skelette 

nachgespielt. 

O: Bist du privat eher der traditionelle Typ, oder könntest du dir eine 

etwas andere Hochzeit auch gut vorstellen? 

DG: Meine eigene Hochzeit war nicht traditionell. Ich bin kein 

traditioneller Typ. Ich schätze das Einzigartige. Vielleicht können meine 

Frau und ich unser Gelübde ja eines Tages erneuern, mit Schminke und 

Kostümen in einer riesigen Kiste. Da hast du mich auf was gebracht. Das 

ist wirklich keine schlechte Idee! 

O: Was kannst du über die Songinhalte verraten? 

DG: Mir scheint, es ist besser, die Musik für sich selber sprechen zu lassen. 

Lass die Stücke ihre eigene Geschichte erzählen. Oder, besser: lass sie die 

Geschichte erzählen, die Dein Geist kreiert, wenn er die Lieder hört. Bei 

Kunst gibt es keine eindeutige Erklärung, nur subjektive Interpretationen. 

Wie könnte ich sagen, dass Deine Interpretation falsch ist? Das ist gerade 

das Schöne... es kann sein, was immer Du willst. 

O: Die Texte stammen also alle von dir? 

DG: Ja. Ich würde aber nie behaupten, dass ich „Konzeptwerke“ schreibe. 


„Das ist gerade 

das Schöne... 

es kann sein, 

was immer 

Du willst.“ 

Ich bin ja nicht Pink Floyd oder David Bowie. Jedes 

Album ist ein Schnappschuss von dem Mann, der ich 

gerade in dem Moment war, als ich das Album gemacht 

habe. Ich arbeite genauso lange an den Lyrics wie an der 

Musik. Mir ist beides gleich wichtig. Ich hab’ versucht, 

über Phantasien oder Blödsinn zu schreiben, aber das 

funktionierte für mich nicht. Meine Inspiration ist mein 

Leben. 

O: Zu drei Tracks wurden bereits Videos gedreht. Triffst 

du die Entscheidungen? 

DG: Ja, für The Dark Half, Antibody und Big Bad Wolf. 

Ich möchte gerne behaupten, dass ich die Singles danach 

auswähle, wie ich sie empfinde. Doch das ist nicht wahr. 

Ich habe Antibody als erste Auskopplung erkoren, weil 

ich es zu jener Zeit für das „szenefreundlichste“ Stück 

von ’Til Death hielt. Ich wähle solche Lieder, von 

denen ich glaube, dass die Leute sie am meisten mögen 

werden. Die Ironie dabei ist, dass der Song auch mit 

viel Feindseligkeit aufgenommen wurde. Ich dachte, 

den Leuten würde der Track gefallen, weil er... na ja, in 

meinen Ohren... sehr „Industrial“ geklungen hat. Doch 

da lag ich wohl falsch. Aber ich denke trotzdem, dass 

es die richtige Wahl war. Denn etwas Kontroverses ist 

immer noch besser als Nummer sicher. 

O: Wir haben gehört, dass es noch ein zweites 

musikalisches Projekt von dir gibt? 

DG: Ich schreibe Musik unter einem Pseudonym, 

welches ich niemals jemandem verraten werde. Ich 

will mich in einer Art Vakuum entwickeln und keinen 

Erwartungsdruck aufkommen lassen. Ich habe ganz 

am Anfang begonnen. Ich genieße es, Shows vor einem 

Publikum zu spielen, das mich nicht kennt. Gut getarnt, 

sodass es jedem unmöglich ist, mich zu erkennen, selbst 

wenn er es sonst könnte. 

O: Jetzt wünschen wir dir alles Gute für die Reise und 

freuen uns auf die Konzerte in Deutschland. 

DG: Danke! Wir sind noch nie durch Europa getourt, 

ohne Deutschland zu besuchen. Das wäre schon fast ein 

Ding der Unmöglichkeit. Also werden wir auch dieses 

Mal zurückkehren! 

www.aesthetic-perfection.net 


Photos: Michelle Star 


Close to Human (2005) 

A Violent Emotion (2008) 

All Beauty Destroyed (2011) 

’Til Death (2014) 

Line-Up: 

Daniel Graves – Musik, Gesang 

Elliot Berlin – Live-Keyboard 

Tim Van Horn – Live-Schlagzeug 


Das germanische 

Götterorakel 

ab April 2014 im Handel! 

Voenix 

Weltenesche Eschenwelten 

Das germanische Götterorakel und Nachschlagewerk 

608 Seiten, 90 Abb., 17 x 24 cm, Gebunden, 25.00 € 

Ein ausführlicher Einblick in den mythischen Götterpantheon 

der Germanen. Mit zahlreichen Entsprechungen 

wie z.B. Runen, Tarot, Pflanzen, Götter anderer 

Kulturen etc. 

Edition Roter Drache, Haufeld 1, 07407 Remda-Teichel 

www.roterdrache.org

Immer wieder ein Thema für heiße Diskussionen ist Nachtmahr. Bei 

Erscheinen eines neuen Albums noch mehr. Das neue Album heißt Feindbild. 

Thomas Rainer stellte sich unseren Fragen. Darunter auch ein paar kritische 

und unbequeme... 

Orkus: Was ist aus Ihrer Sicht an dem neuen Werk Feindbild 

anders als bei den Vorgängerwerken? 

Thomas Rainer: Der Weg von einem Projekt, dessen Maxime 

es ist, die Leute tanzen zu sehen, zu einer ernst zu nehmenden 

Band mit wichtigen Inhalten, der mit Veni Vidi Vici begonnen 

wurde, findet mit Feindbild seinen Abschluss. Nachtmahr ist 

quasi „erwachsen“ geworden und aus dem Schatten der reinen 

Tanzflächenorientierung herausgetreten. Bei diesem Album lag 

ein noch deutlich stärkerer Fokus auf klassischem Songwriting, 

großer Abwechslung in der Harmonik sowie einem möglichst 

facettenreichen Gesang und Sounddesign, ohne natürlich die 

bandeigenen Attribute und Stärken zu vernachlässigen. Die „Härte“ 

dieses Albums ist wesentlich subtiler als 

bei seinen Vorgängern. 

O: Das Stück Die Fahnen unserer Väter... 

ist dies etwa ein Antikriegslied? 

TR: Es beschäftigt sich konkret mit 

dem österreichischen Widerstand gegen 

die deutsche Besatzungsmacht im 

Zweiten Weltkrieg und ist sowohl ein 

flammendes patriotisches Bekenntnis 

für meine Heimat als auch ein Statement 

gegen die Gräuel dieses Krieges. 

O: In welchem Zusammenhang 

oder Gegensatz stehen die Bilder im 

Artwork, da diese ja doch gewaltvoller, 

gewaltverherrlichend sind...? 

TR: Das Artwork ist im Kontext 

des Titels zu sehen. Ich wollte eine 

dystopische Vision dessen zeichnen 

(lassen), was geschehen würde, wären 

wir tatsächlich so durchtrieben 

böse, wie uns zugeschrieben wird. 

Es ist also eine durchaus ironische 

Selbstdämonifizierung, die auf den 

Bildern im Artwork stattfindet. Die bis 

zur Groteske überzeichnete Gewalt und 

Härte des Artworks ist mit einem Augenzwinkern zu sehen, ähnlich 

den Stilmitteln, die in Splatterfilmen verwendet werden. 

O: Welche zwei Stücke sind Ihrer Meinung nach inhaltlich die 

beiden tragendsten – und warum? 

TR: Natürlich wäre hier das Titelstück zu erwähnen, da in diesem 

textlich die wahren Motive derer, die uns in die Verdammnis 

wünschen, entlarvt werden, und Feindbild einen Erklärungsversuch 

liefert, wie Feindbilder an sich entstehen. Weiters möchte ich The 

Torch erwähnen, welches ein Bekenntnis zu unseren Fans darstellt 

und auf zahlreichen Zuschriften basiert, die auf eindrucksvolle 

Weise geschildert haben, wie ihnen die Musik von Nachtmahr in 

dunklen Stunden Kraft und Antrieb gegeben hat. 

O: Äußern Sie sich in Stehend sterben etwa konsumkritisch? 

TR: Nicht nur konsum-, sondern auch gesellschaftskritisch! Ich 

war immer jemand, der seinen eigenen Weg gegangen ist, obwohl 

es in vielen Lebenslagen wesentlich einfacher gewesen wäre, dem 

Herdentrieb zu folgen und blind dem nachzueifern, was einem 

vorgepredigt wird, was gut und richtig ist. In dieser Szene ist es 

leider mittlerweile nicht anders. Wer nicht dem Schema entspricht, 

das erwartet wird, der wird ausgegrenzt und angefeindet – genau 

das, was uns als Band auch passiert. 

O: In Feindbild singen Sie ja davon, dass Sie jemandes Feindbild 

sind. Wer ist Ihr Feindbild? 

TR: Ein Feindbild zu haben, ist definitiv nichts Erstrebenswertes, 

da die Erschaffung eines solchen auf Zuschreibungen basiert, die 

aus eigenen Unzulänglichkeiten entstehen. Es ist ein Zeichen 

davon, dass man die Schuld für die eigene unangenehme Situation 

oder das eigene Scheitern jemand anderem zuschreibt, anstatt die 

Gründe dafür in sich selbst zu suchen. Da 

ich ein sehr selbstkritischer Mensch bin, der 

immer zuerst die Schuld an Problemen bei 

sich selbst sucht, widerspricht dies in allen 

Maßen meinem Naturell. 

O: Werden Sie zukünftig noch Gastspiele 

in Berlin geben? Oder haben Sie einen Plan, 

wie Sie dank Ihrer Cover-Version von I 

Hate Berlin unversehrt aus der Konzerthalle 

wieder rauskommen wollen? 

TR: Wir spielen am 10. Mai in Berlin. Wer 

sich genau mit dem Text beschäftigt, wird 

schnell feststellen, dass sich hinter dem 

zugegebenermaßen provokanten Titel gar 

kein „Anti-Berlin“-Lied versteckt. Wäre 

dem so, hätte ich bestimmt auch meine 

Probleme gehabt, Frl. Plastique, die ja 

Wahlberlinerin ist, zu einem Duett zu 

überzeugen. 

O: Ihre Facebook-Seite ging kürzlich „off“? 

TR: Leider gibt es da draußen einige Bands 

und deren Fans, die uns den Erfolg aus 

verschiedensten Gründen nicht gönnen 

und es nicht wahrhaben wollen, dass wir 

ohne ihren Segen so weit gekommen sind. 

Das führte dazu, dass unsere Seite exzessiv bei Facebook gemeldet 

wurde, was zu einer routinemäßigen Sperrung – ohne vorherige 

Prüfung der Sachverhalte – führte. Gott sei Dank ließ sich das 

Problem aufgrund unserer hervorragenden Kontakte nach Silicon 

Valley schnell und unbürokratisch wieder beheben. 

O: Warum sollte man sich mit Feindbild beschäftigen? 

TR: Ich denke, dieses Album kann bei denen, die uns kritisch 

gegenüberstehen, für ein Umdenken sorgen, wenn sie sich näher 

damit beschäftigen. Für unsere Fans ist es eine bedeutende 

Weiterentwicklung der Band, die Facetten zeigt, die man selbst als 

interessierter Liebhaber von Nachtmahr so nicht erwartet hätte. 

www.nachtmahr.at 

Marc Frei 


Feuer frei! (2008) 

Alle Lust will Ewigkeit (2009) 

Semper Fidelis (2010) 

Veni Vidi Vici (2012) 

Feindbild (2013) 


„Da ist viel Glamour und Sex verloren gegangen.“ 

Es gab in den Achtzigern nur wenige Independentlabels, die das popmusikalische Geschehen so dominierten wie Zang Tuum Tumb 

(benannt nach einem Geräuschgedicht des Künstlers Filippo Tommaso Marinetti). 1983 gegründet von dem Produzenten Trevor 

Horn und dem Journalisten Paul Morley, wurde ZTT bald zum Synonym für perfekten Pop – seine Acts, wie Frankie Goes To 

Hollywood oder Propaganda, dominierten die Charts. Für das Bild und die Strategien des Labels war hauptsächlich Paul Morley 

verantwortlich. Zeit, zum 30-jährigen Jubiläum einen Blick zurück zu werfen. 

Orkus: Zu Beginn schien es so, als sei das Konzept wichtiger als die 

Künstler... 

Paul Morley: Ohne Zweifel ist da was dran. Es war anfangs eine 

Kombination aus dem Produzenten Trevor Horn, auf den ich vor allem 

wegen seines Albums für Malcolm McLaren aufmerksam wurde, und mir, 

dem kulturbeflissenen Journalisten und Theoretiker. Für mich war es eine 

einmalige Gelegenheit, meine Konzepte und Phantasien über Pop-Musik 

konsequent auszuleben. So hatten wir schon ziemlich genaue Vorstellungen, 

wie wir das Label gestalten, ehe auch nur eine einzige Band unter Vertrag 

genommen war. 

O: ZTT besaß von Anbeginn eine unverwechselbare Identität, zu der auch 

das perfekte Marketing (man erinnere sich an die diversen „Frankie“-T- 

Shirts) und ein philosophischer Überbau gehörten. Neben British Electric 

Foundation, 4AD oder Factory Records war es in den Achtzigern eines der 

wenigen streng konzipierten Labels, die Maßstäbe setzten. 

PM: Das Konzept war der Leitfaden. Ich habe von einem Label geträumt, 

das, ähnlich wie zum Beispiel Factory, als eine Multimediakooperation 

funktioniert. Zugleich war ich von der Idee begeistert, Pop-Musik als 

massentaugliches Transportmedium für ausgefallene, subversive Ideen 

zu benutzen. Mir gefiel der Mechanismus, wie Pop-Musik funktioniert. 

Und obwohl Trevor und ich sehr unterschiedliche Typen mit einem völlig 

verschiedenen Background sind, glaubten wir beide an die Kraft und 

Wirkung des Pop. Zugleich hatten wir das große Glück, dass zu jener Zeit 

gerade die ersten Sampler – etwa der Fairlight – auf den Markt kamen und 

wir die Möglichkeit hatten, dieses Instrument einzusetzen. Es war geradezu 

ideal, um meinen Phantasien Leben zu geben. Das Label hat sehr schnell eine 

eigene Identität bekommen, die Leute liebten oder hassten es. 

O: Als ZTT gegründet wurde, war „Pop-Musik“ nach Jahren wieder dabei, 

zu einem wertigen Begriff zu werden. Bands wie ABC, Soft Cell oder The 

Human League hatten bereits erfolgreiche Vorarbeit geleistet. Heute erinnern 

die Charts leider fatal an die Zeit vor der großen Pop-Revolution in den 

Achtzigern. Glaubst du, dass ein Konzept und Label wie ZTT heute noch 

funktionieren würde? 

PM: Ich war immer an Pop-Musik interessiert, die einerseits großspurig, 

auffallend ist, aber zugleich auch einen subtilen, intellektuellen Charakter 

besitzt. Es gibt heute viele Bands, die ich mir gut hätte auf ZTT vorstellen 

können. Daft Punk zum Beispiel besitzen diese Elemente. Sie sind clever, 

haben ein gutes Konzept und präsentieren sich auf ungewöhnliche Weise. 

Der Geist, Pop-Musik groß, aber surreal zu präsentieren, existiert nach wie 

vor, es gibt also eine Weiterentwicklung. Wenn wir damals das Internet 

gehabt hätten, wären wir noch effektiver gewesen; andererseits war unser 

Coverartwork wie eine akustische Website. Wir haben schon damals sehr viel 

mit Branding, Kommunikation und Style gespielt. Das Fatale ist, dass, als das 

Internet kam, die Vinyl-Platte fast völlig verschwand. Man kann nie beides 

haben. Ein anderer Punkt ist, dass für uns die Charts damals der Heilige 

Gral waren. Heute sind die Charts völlig irrelevant, es hat der Musikindustrie 

bloß noch niemand gesagt. Früher haben die Leute Platten gekauft und nicht 

heruntergeladen und auf ihrem Computer abgespeichert. Dadurch ist auch 

viel Glamour und Sex verloren gegangen. 

O: Dabei repräsentierte ZTT nie allein den puren Pop, sondern besaß mit 

seiner Hausband Art of Noise oder Andrew Poppy Künstler, welche durchaus 

der Avantgarde zugerechnet werden dürfen. 

PM: Es gab mehrere Aspekte, die wir verfolgten. Vom dreiminütigen Pop- 

Stück bis zur obskuren Avantgarde sollte alles abgedeckt sein, was sich 


unter dem Begriff „Pop“ vereinen lässt. Durch den großen Erfolg von 

Frankie Goes To Hollywood bekam ZTT schnell den Ruf, eine reine 

Hitmaschine zu sein, doch das war nie unsere Intention. So gesehen, 

waren wir froh über den Erfolg und das Renommee von Art of Noise, 

denn das war die Richtung, die wir wirklich verfolgten. Dank der 

neuen Technologie hatten wir die Chance, einen völlig neuen Typus 

von Band zu kreieren. Der massive Erfolg hat komischerweise auch 

verhindert, dass einige Künstler zu uns gekommen sind. Yello, Bronski 

Beat, DEVO, Front 242 oder Billy Mackenzie hätte ich gern auf ZTT 

gesehen. 

O: Die Hochphase von ZTT war spätestens mit der Veröffentlichung 

von Grace Jones’ Slave To The Rhythm (1985) vorbei. Zwar hatte das 

Label mit Seal, Tom Jones oder Lisa Stansfield auch danach noch große 

Hits, doch der Pioniergeist und das Konzept verschwanden mit dir... 

PM: Ich war nur bis circa 1985 an dem Label interessiert. Danach war es 

immer schwieriger, in meiner Rolle als Theoretiker den ursprünglichen 

Geist aufrechtzuerhalten. Die Essenz wurde in den ersten drei Jahren 

geliefert. So ist das beim Pop auch üblich. Während einer sehr kurzen 

Spanne brennt man vor Ideen und verwirklicht Konzepte, die schnell 

ihr Eigenleben entwickeln. Und dann ist die Luft raus. Ich wollte weg, 

bevor die Luft raus ist. 

www.ztt.com 

Ecki Stieg 

Discographie (Auswahl): 

Art of Noise Into Battle with the Art of Noise (1983) 

Frankie Goes To Hollywood Welcome To The Pleasure Dome (1984) 

Art of Noise (Who’s Afraid of?) The Art of Noise! (1984) 

Propaganda A Secret Wish (1985) 

Propaganda Wishful Thinking (1985) 

Frankie Goes To Hollywood Liverpool (1986) 

808 State ex:el (1991) 

808 State Gorgeous (1993) 

The Frames D.C. Fitzcarraldo (1995) 

808 State Don Solaris (1996) 

The Frames Dance the Devil... (1999) 

Claudia Brücken Combined (2011) 

The Art of the 12“ (2011) 

The Art of the 12“, Volume Two (2012) 

The Art of the 12“, Volume Three (2014) 

The Organisation of Pop (2014) 


Plattentipps 

Top 5 

... das Orkus!-Album 

des Monats 

Björn Springorum 

1. Sólstafir 

Runaway Train (Track) 

2. Alela Diane 

The Pirate’s Gospel 

Isabell Köster 

1. Villieläin 

Julma Satu 

2. Avatarium 

Avatarium 

3. Agnes Obel 

Aventine 

3. Kuolemanlaakso 

Tulijoutsen 

4. City and Colour 

The Hurry and the Harm 

4. Grand Magus 

Triumph and Power 

5. hundreds 

AFTERMATH 

5. Lumsk 

Det Vilde Kor 

Axel Schön 

1. Mantus 

Portrait aus Wut und Trauer 

Doreen Krase 

1. Die KAMMER 

Be Careful (Track) 

2. The Beauty of Gemina 

Ghost Prayers 

2. Birdy 

Wings (Track) 

3. Merciful Nuns 

Exosphere VI 

3. Diary of Dreams 

Elegies in Darkness 

4. Joy Shannon & the Beauty Marks 

The Oracle 

4. Lana Del Rey 

Summer Wine (Track) 

5. The Dresden Dolls 

Yes, Virginia... 

5. Cat Stevens 

If You Want To Sing Out, Sing Out (Track) 

Tuomas Holopainen 

The Life And Times Of Scrooge 

CD (Nuclear Blast/Warner) 

vorauss. 11.04.2014 

Anrührendes Soundtrackmeisterwerk 

Er ist mehr als nur ein bisschen zu beneiden: Tuomas Holopainen ist der wahre Peter Pan. Der 

Junge, der nie erwachsen werden muss und sich all die Wünsche erfüllen kann, welche er schon 

so lange in seiner Brust trägt. Der Nightwish-Kinofilm war solch ein Wunsch, dieses Projekt ist es 

noch viel mehr. Als einem der größten Disney-Fans auf diesem Planeten schwebte Holopainen 

bereits zum Ende des 20. Jahrhunderts die Vertonung eines ganz besonderen Comics vor: The Life 

and Times of Scrooge McDuck, ein Abenteuer rund um unser aller reichen Erpel Dagobert Duck. Für 

Tuomas das Buch, das er auf eine einsame Insel mitnehmen würde – und das dank seiner 

meisterhaften Hand jetzt auch einen umwerfenden Soundtrack erhält. In ausladenden, epischen 

Melodien präsentiert Holopainen die Geschichte, erweist sich als begnadeter Scoreschreiber und 

erschafft ein Werk, das mühelos jeden Hollywoodblockbuster untermalen könnte. So zahlreich die 

Instrumente, so zahlreich die Stimmungen auf dem Album. Schottische Dudelsäcke, Wildwestfeeling, 

düstere Chöre, Wälle von Streichern, markige Percussions, eine wettergegerbte Erzählstimme und 

jener spezielle Zauber, der seit jeher auch das Nightwish-Oeuvre umweht. The Life And Times Of 

Scrooge ist aber alles andere als ein rein orchestrales Nightwish-Album. Es ist ein Abenteuer für 

sich, ein Vorstoß in neue Welten, der Tuomas Holopainens wahres Genie zeigt. 


Claus Müller 

1. Laibach 

Spectre 

2. Aesthetic Perfection 

’Til Death 

3. Alfahanne 

Alfapokalyps 

4. SEA + AIR 

My Heart’s Sick Chord 

5. Frequency Drift 

Over 

Lars Schubert 

1. Oomph! 

Wunschkind 

2. Nils Frahm 

Spaces 

3. Aesthetic Perfection 

’Til Death 

4. THYX 

Super Vision 

5. Moonspell 

Wolfheart 

Nadine Ahlig 

1. Within Temptation 

Hydra 

2. Sonata Arctica 

Pariah’s Child 

3. Subway to Sally 

Mitgift 

4. Welle: Erdball 

Tanzmusik für Roboter 

5. Savatage 

Edge Of Thorns 


1. Lisa Morgenstern 

Amphibian 

2. Alcest 

Shelter 

3. The Unguided 

Fragile Immortality 

4. Placebo 

Loud Like Love 

5. Butcher Babies 

Goliath

Mitsing- und Ohrwurmcharakter. Day to Die, das 

schlichtweg unter die Haut geht und ein Liebling der 

„Repeat“-Taste wird. Aber auch Why oder No Good 

Place, die einem fast das Herz zerreißen. Lass Dich von 

der „Schwarzen Fähre“ in düstere Gefilde entführen. 

Es warten Spannung, Leidenschaft, Ausgelassenheit 

und ein wenig Melancholie! Die CD kann bei shop@ 

black-ferry.com bestellt werden. 


Alfahanne 

Alfapokalyps 

CD (Plastic Head/Soulfood) 

vorauss. 28.02.2014 

Ein gnadenloser Schlag aus 

Schweden 

Alfahanne könnte man als das lang ersehnte Baby der 

skandinavischen Metal-Szene bezeichnen. Oder 

vielleicht doch als die Geburt des befürchteten 

Antichristen? Sie sind gnadenlos, energisch und setzen 

sich keinerlei Grenzen. Sie vermischen Old School-Black 

Metal im Stil von Darkthrone mit Elementen aus dem 

Dark Wave, Gothic, Punk und auch Hard Rock 

beziehungsweise Heavy Metal. Dafür holen sie sich 

Unterstützung bei diversen Szene-Größen. So 

bereichert Hoest (Taake) Såld På Mörkret gekonnt durch 

seine Vocals. Auch Vgandr (Helheim) ist mit von der 

Partie und verleiht Indiehora seinen eigenen Esprit. 

Besonders spannend ist der Opener Bättre Dar, der 

Verstärkung durch Niklas Kvarforth von Shining genießt, 

mit denen Alfahanne bereits eine Split veröffentlicht 

haben. Alles in allem erwartet den Hörer originelles 

Material, welches eine perfekte Einführung in das 

Schaffen dieser Ausnahmetruppe um Fronter Pehr 

Skjoldhammer bietet. Wir wollen mehr! Sehr genial! 


Beata Beatrix 

The New Gothic Generation 

CD (Wave/Audioglobe) 

bereits erschienen 

Die ganze Bandbreite des Gothic 

Was als eine Idee im Jahr 2000 anfing, führte – nach 

einigen Umbesetzungen – 2010 zur Veröffentlichung 

des Debuts In the Garden of Ecstasy. Bandgründer 

Crowley werkelte mit Sängerin Hatria sowie Ricy Trix, 

der neben den Gitarren auch für die Arrangements 

zuständig ist, am Nachfolger The New Gothic 

Generation. Der Hörer wird hier auf eine Zeitreise 

mitgenommen, denn das Album beinhaltet die 

vergangenen 30 Jahre der Schwarzen Musik. Mal 

kommen zarte Gitarren und Glocken melancholisch zum 

Tragen, mal finden sich Electro-Beats oder schrammige 

Achtziger-Sounds. Durch den Gesang und die 

Kompositionen ist man bei einem Track im Gestern und 

beim nächsten schon wieder im Heute. Mit 

Tanzflächenstürmern und nachdenklichen Elementen 

ist The New Gothic Generation alles in allem eine 

wirklich runde Sache! 


Black Ferry 

Waiting for Harpies 

CD (Eigenproduktion) 


Düsterrock mit Tiefgang 

Die sechs Bielefelder – fünf Herren und eine Dame – 

präsentieren hier ihr Debut. Das Konzeptalbum besitzt 

nicht nur einen historischen Hintergrund (das Leben 

des Giovanni Pico della Mirandola, der vor über 500 

Jahren als junger Philosoph Italien aufrüttelte), sondern 

auch viel emotionale Kraft sowie Schlagzeug- und 

Gitarrenpower. Sarina Hauns rockiger Gesang ergänzt 

vorzüglich die maskuline, eingängige Stimme von Alex 

Burgdorf und die Vokalparts von Dr. Gerald Munier. Die 

Band klingt eingespielt, reagiert und agiert sehr gut 

miteinander. Anspieltipps: Your Time, mit sofortigem 

Blaudzun 

Promises of No Man’s Land 

CD (Glitterhouse/Indigo) 

vorauss. 07.03.2014 

Poppige Kriegsklagen 

Als „Kriegsklagen“ beschreibt Blaudzun die Songs auf 

Promises of No Man’s Land, und er hat damit nicht 

unrecht. Mal poppig, mal orchestral, schuf der 

niederländische Musiker eine Klangwelt, die ohne 

Zweifel auf einem Schlachtfeld vor oder nach dem 

großen Kampf die (bevorstehenden) Wunden und 

Verluste in Töne verwandelt. Ob mit lauten Waffen oder 

mit den leisen, die den Verlust eines geliebten 

Menschen herbeiführen, das spielt keine Rolle. 

Krankheit, Beziehung, Ungewissheit, das 

Niemandsland. Alternative Rock, irgendwo zwischen 

Indie und Folk, überzogen mit der leichten Schwere 

von Blaudzuns geübter Stimme. Euphoria, der 

sehnsüchtig suchende Opener, der Titeltrack mit 

poppiger Hook oder das orchestrale Halcyon sind 

Schlüsselpunkte und Essenz des Albums. Sie vermitteln 

zwischen dem Sensiblen, dem Bunten, dem Lauten und 

Plakativen. Der Longplayer erzählt eine Geschichte – 

eine mit vielen Rückschlägen, geprägt von Verlust und 

Flucht. Und doch schafft er es, anzukommen, die 

Veränderung anzunehmen und seinen Platz zu finden. 

Das ist nicht immer leicht, aber sehr befreiend. 

David Skrinjar 

Butcher Babies 

Goliath 

CD (Century Media) 


Ein hemmungsloses, 

explosives Debut 

Das erste Album der aus Los Angeles stammenden 

Butcher Babies ist wohl eines der aufregendsten 

Releases des Jahres. Heidi Shepherd und Carla Harvey, 

zwei Frauen, die ihre weiblichen Vorzüge in keiner 

Weise verbergen, sondern diese auch auf der Bühne 

offenkundig zeigen, können noch viel mehr, als pure 

Sexbomben zu sein. Sie können guten Metal machen: 

Goliath ist ein Geniestreich, der nur so staunen lässt. 

Das Stimmvolumen der beiden Grazien ist gigantisch, 

und manche Screams von Heidi brauchen sich nicht im 

Geringsten vor der Königin der weiblichen Schreihälse 

– Angela Gossow (Arch Enemy) – zu verstecken. Schon 

beim Opener I Smell a Massacre brettern Heidi und 

Carla mit ihrem starken Gesang los, untermalt durch 

griffige Gitarrenriffs, welche mit teils cleanen 

Textpassagen und melodischen Rhythmen ideal 

zusammen spielen. Das folgende Magnolia Blvd. ist eine 

der fetzigsten Nummern von Goliath und schöpft 

komplett aus dem Vollen. Ein Stück der Extraklasse. 

Alle elf Tracks ergänzen sich perfekt! Diese beiden 

Eyecatcher haben’s drauf... Mehr davon! 


Paulina Cassidy 

Sugar Wingshiver 

CD (Projekt/Cargo) 


Mystische Welten und Geschöpfe, 

musikalisch erlebt 

Die künstlerische Welt Paulina Cassidys wird von Elfen 

bevölkert, von Hexchen, spacigen Katzen, Werwölfen, 

Geistern, außerirdischen Schmetterlingen und

Mischwesen aus allen diesen Arten. Viele ihrer Ideen 

setzt sie textlich und optisch in Büchern, Kalendern, 

Tarotkarten um. Doch auch den musikalischen Weg 

beschreitet Paulina dafür. Mit Sugar Wingshiver ist nun 

ein Album erschienen, das zwar erneut von 

elektronischen Kompositionen lebt, im Gegensatz zum 

lebendigen, eher tanzgetriebenen Vorgänger Lost in Oz 

aber öfter ruhig und verträumt wirkt, den Hörer sanft 

zu den beschriebenen Geschöpfen und in die 

Geschichten leitet. Pianomelodien, Percussions, 

Harfenklänge und Paulinas vorwiegend ätherischer, 

sanfter Gesang schaffen hier eine zumeist 

hypnotisierende, entspannte Stimmung. Manche Stücke 

aber weisen, fast unbemerkt zunächst, den leichten 

Hauch eines mystischen Schauers auf, unterbrechen die 

Wohlfühlatmosphäre, lassen den Hörer unruhig werden. 

So bleibt das Album trotz seines stetigen musikalischen 

Flusses abwechslungsreich und spannend, scheinbar 

voller Leichtig keit, jedoch gleichzeitig anspruchsvoll. 

Axel Schön 

Gabi Delgado 

1 

CD (GoldenCore/ZYX) 

vorauss. 28.02.2014 

Die pure Essenz 

Er kann es immer noch! Mehr als 30 Jahre nach seinem 

Debut Mistress ist 1 das zweite Solo-Album des DAF- 

Frontmanns Gabi Delgado-López. Dazwischen liegen 

zwei DAF-Reunions, das Projekt DAF/DOS und unzählige 

Auftritte. 1 ist eine Rückbesinnung auf die DAFtypischen 

Komponenten, zugleich ein sehr modernes 

Werk, das geschickt aktuelle Trends zitiert, komprimiert 

und minimalisiert, sodass die pure Essenz erhalten 

bleibt. Konform damit gehen die großartigen, oft nur 

einzeiligen Texte, wie gewohnt hedonistisch, sexgeladen 

und gezeichnet von gerechter Wut, aber auch Frische 

und Kraft. Trotz seines mittlerweile gesetzten Alters 

war Gabi nie authentischer, direkter, treffender; allein 

durch seine Persönlichkeit vermeidet er jegliche 

Anhaftung von Nostalgie oder Retroflair. Für Delgado 

ein locker ausgeübter Spagat, den Kollegen wie Die 

Krupps (der Vergleich sei erlaubt!) so sauber nicht 

hinbekommen haben. Die große Kunst zeichnet sich 

dadurch aus, dass das Schema der insgesamt 18 neuen 

Tracks nahezu identisch und vertraut ist, die 

minimalistischen Facetten jedoch derart subtil ausgefeilt 

wurden, dass 1 dennoch zu einem variationsreichen, 

vielschichtigen und mit etlichen Spannungs bögen 

versehenen Album geraten ist. So markiert 1 in der Tat 

einen Neuanfang, der – wie immer bei Delgado – von 

Neugier und Drang geprägt ist. Dieses Werk bildet 

zudem bloß das erste Kapitel: Bereits im April soll es 

einen nur online erhältlichen Nachfolger geben, der auf 

www.gabidelgado.com kostenlos herunter geladen 

werden kann. 

Ecki Stieg 

der größten deutschen Dichter zu vergleichen, doch 

haben sie eines mit ihnen gemein: auch sie verstehen 

sich vorzüglich auf Klagegedichte. Moderner interpretiert 

und jenseits literarischer Normen, und doch nicht minder 

berührend. „Sag, dass es irgendwann besser wird! Lass 

es vorbei gehen! Lass mich vergessen, neu anfangen!“ 

Gedanken, die beinahe jeder schon einmal hatte und 

die hier immer wieder mal mit zart, geradezu vorsichtig 

einleitenden Klavierklängen in Erinnerung gebracht 

werden, um dann förmlich zu explodieren. Da sind sie 

wieder – die Verzweiflung, der Schmerz, die Traurigkeit 

und die schier unermessliche Wut, die so vielen Stücken 

der Formation zu eigen sind. Bei a day in December, 

Dream of a Ghost oder a dark embrace noch 

vergleichsweise sanft oder doch zumindest auf 

irgendwie vertraute Art; bei anderen Stücken dagegen 

fast schon übermächtig. Allem voran die 

deutschsprachigen Stücke, die bewusst und mit einem 

gewissen Zusammenhang stilistisch ausbrechen und 

– hier darf Mastermind Adrian Hates einmal zitiert 

werden – nicht streicheln, sondern ohrfeigen. Recht 

gesprochen, denn Malum, die Gassen der Stadt oder 

auch Daemon zielen direkt auf das Emotionszentrum. 

Und sie verfehlen ihr Ziel nicht. Zurück bleibt schließlich 

ein nachdenklicher, von einer durchaus angenehmen 

Schwermut gepackter Hörer, der ob der Vielseitigkeit 

des Albums und der immer wieder überraschenden 

Momente irgendwie nicht anders kann, als Elegies in 

Darkness noch einmal durchlaufen zu lassen. 

Doreen Krase 

Diodati 

Susurrus Lake 

CD (Körperschall) 


Einmalige Avantgarde-Neo-Klassik 

Diodati, das sind Gwydion Enbarr, Max „Svyati“ 

Sellmeier und Dr. Elias Wonka. Die drei verbindet ihre 

Leidenschaft für Musikkunst, und bei dieser 

Veröffentlichung verhält es sich genauso. Ausgewogene, 

harmonische Kompositionen, gespickt mit Feingefühl, 

aufbrausendem Temperament, Herz und Melancholie. 

Literatur von Georg Trakl und Michael Ende verschmilzt 

mit klassischer Musik wie der des Klaviers, Cellos und 

Kontrabasses. Im Reifeprozess fanden zudem noch 

Schlagzeug, Gitarre oder auch Synthesizer Zugang und 

bieten dem Hörer ein Werk, das gleichfalls im Heute 

präsent ist. 13 Titel gilt es hier zu entdecken und zu 

erforschen. Gwydions Stimme weist dem Geist den Weg, 

die eingesetzten Instrumente führen das Herz in 

ungeahnte Tiefe. Um Susurrus Lake in all seinen 

Facetten erfassen zu können, heißt es weg vom 

stressigen Alltag, hinein in eine Welt der Emotionen und 

körperlichen Ruhe. Was dabei die eigene Seele 

empfängt, das darf selbst herausgefunden werden! Und 

als besonderes Bonbon: Die Hurenkönigin, unterstützt 

durch Sonja Kraushofer (L’âme Immortelle, Persephone, 

Coma Divine). 


und dramatischen Keyboardflächen, während Nils 

Molins klare, hohe Stimme weitere Highlights setzt. 

Fans von Pink Cream 69, den Pretty Maids oder 

Nocturnal Rites sollten hier unbedingt mal reinhören, 

es lohnt sich! 


Eisenstein und Der Zar 

Aufgewacht 

CD (E.Z. Digital) 


Electro mit Herz, Hand und Fuß 

Aufgewacht heißt das Debutalbum der nahe und in 

Hessens Hauptstadt lebenden Electro-Musiker. Ihre elf 

Lieder kommen klar strukturiert, absolut aufrichtig und 

deutlich beim Hörer an und werden ganz und gar auf 

Deutsch erzählt. Die Lyrics sprechen für sich! Komm 

Heraus, Wir tragen Schwarz oder Nachtflug sind nur ein 

paar Beispiele der Titel, die Aufgewacht so stark 

machen. Ein kraftvolles, tanzbares, absolut club- und 

heimtaugliches Werk, mit jener Schwermut bepackt, 

welche so charakteristisch für die Schwarze Szene ist. 

Vom Tempo her schwingt Aufgewacht genau dort mit, 

wie sich auch das Herz gerade fühlt. Harmonische, 

schnelle und Midtempo nummern sorgen dafür, dass 

man nie den Boden unter den Füßen verliert, weil der 

Takt einfach stimmt. Höre es Dir an. Aber mal kurz 

reinzappen is’ nicht. Das geht gar nicht, da man viel zu 

neugierig gemacht wird, wohin einen ein jeder Song 

führt. 


Enter & Fall 

ISOLATION 

CD (emmo.biz) 


Ein Gefühl des Geborgenseins 

Am Valentinstag erschien das thematisch zu jenem 

Ereignis mehr als passende zweite Album von Enter & 

Fall. Der Titel mag zwar etwas anderes als zwischenmenschliche 

Gefühle verheißen, aber schon beim ersten 

Anspielen wird man eines Besseren belehrt. Wer einen 

eingehenden Blick auf die Orkus! Compilation 95 

geworfen hat, entdeckte bereits das Stück Shattered 

auf der Tracklist und konnte sich schon mal einen 

Eindruck verschaffen. War das Debut Push Enter And 

Fall Down noch stark von treibender Kraft nach vorne 

geprägt, begibt sich ISOLATION mit Nummern wie I need 

you here, Believe oder Hold on to you auf Seitenwege, 

die düster-poppig und sphärisch-elektronisch, getragen 

von männlichem und weiblichem Gesang, zum wahren 

Seelenschmeichler werden. Ein Album für alle 

Lebenslagen. 

Marie-Luise Henke 

Dictator), die ein schauriges Horrorszenario kreieren. 

Fetzige Drums, elektronische Rhythmen und zerrende, 

gekonnt gesetzte Riffs sowie perfekt ausbalancierter 

Gesang von Saku Solin – zwischen Screams und 

cleanen Passagen. Die zwölf Tracks dauern insgesamt 

rund eine Stunde. Besonders intensiv und spannend ist 

Parasite, welches sich durch ruhige Töne ankündigt und 

mit einer viel ruhigeren, beklemmenderen Atmosphäre 

aufwartet. Meisterhaft inszeniert mit fein gehauchten 

weiblichen Elementen, fühlt man sich hier beinahe in 

eine völlig fremde Welt entführt. Ein schönes Highlight, 

das sich vom Rest abhebt. Ein sehr abwechslungsreiches 

und gelungenes Album! Fetzt! 


Frankie Goes To Hollywood 

Frankie Said 

CD + DVD (Union Square/Soulfood) 


Alter Wein in neuen Schläuchen 

Die Zahl der Frankie Goes To Hollywood-„Best Of“s ist 

kaum mehr überschaubar... Nach nur zwei regulären 

Alben (das erste epochal, das zweite durchwachsen) 

wurde jeder Ton der Band zigfach ausgewertet, remixt 

und recyclet. Frankie Said erschien schon 2012 als 

einfache CD, die „Deluxe Edition“ ist jetzt – passend 

zum 30. Geburtstag des Labels ZTT – um eine DVD 

erweitert worden. Auch retrospektiv betrachtet, sind 

FGTH ein Phänomen, dessen Erfolg von diversen, 

perfekt harmonierenden Komponenten geprägt war: 

Eine gute, provokante Band mit einem charismatischen 

Frontmann, ein geniales Marketing (verantwortlich 

dafür: Paul Morley, siehe Interview in dieser Ausgabe) 

und einer der innovativsten Produzenten der Achtziger, 

nämlich Trevor Horn. FGTH waren dabei nie eine 

Albumband, sondern eine der ersten Formationen, 

welche die Medien Video und 12“-Singles clever und 

einzigartig nutzten: Die „Extended Versions“ von Relax 

und Two Tribes waren eben keine willkürlich und bemüht 

gestreckten Varianten oder Remixe der kompakten 

Versionen, sondern in sich stimmige, facettenreiche, 

überbordende Symphonien. Vor allem der annihilation- 

Mix von Two Tribes ist auch nach Jahrzehnten zeitlos, 

modern und beispielhaft. Daneben finden sich 

Fassungen von Relax, The Power of Love, Warriors of 

the Wasteland oder Welcome to the Pleasuredome, wie 

sie einst auf den Singles veröffentlicht wurden. Für all 

jene, die bereits im Besitz der regulären Alben und der 

Reload!-Compilation sind, ist Frankie Said somit keine 

zwingende Anschaffung, wäre nicht die DVD: Hier 

vertreten sind sämtliche Clips in allen Versionen, zudem 

Ausschnitte aus Fernsehsendungen wie Top of the Pops. 

Letztere sind wohl nur für den beinharten Sammler 

interessant, das seinerzeit politisch brisante Video von 

Two Tribes hingegen führt noch einmal vor Augen, wie 

sehr sich die Welt inzwischen verändert hat... 

Ecki Stieg 

Diary of Dreams 


CD (Accession/Indigo) 

vorauss. 14.03.2014 

Eine musikalische Klage 

auf höchstem Niveau 

Goethe konnte es, Schiller konnte es, ebenso Brecht 

und Rilke. Vielleicht, nein: sehr wahrscheinlich ist es 

etwas zu hoch gegriffen, Diary of Dreams mit einigen 

Dynazty 

Renatus 

CD (Spinefarm/Universal) 

vorauss. 28.03.2014 

Melodische Qualitätsware 

aus Schweden 

„Melodischer Metal aus Skandinavien“ ist ein 

Gütesiegel, dem die Jungs von Dynazty auch auf ihrem 

vierten Album mehr als gerecht werden. Schon der 

Einstieg mit Cross the Line fällt leicht, denn die Nummer 

sägt sich sofort ins Ohr, ohne dabei in kitschige Gefilde 

abzudriften. Gleiches gilt für die Hymne Dawn of your 

Creation, das von der Melodieführung an Magnum 

erinnernde The Northern End, das dramatische Salvation 

oder den Rausschmeißer und gleichzeitigen 

Albumhöhepunkt A Divine Comedy. Dynazty wahren 

geschickt die Balance zwischen knackigen Gitarrenriffs 

Fear Of Domination 

Distorted Delusions 

CD (Inverse) 


Shock Industrial Metal aus Finnland 

Der Inhalt dieser CD wird definitiv überraschen, und das 

auf positive Weise. Denn schon der Opener PaperDoll 

macht klar, dass die Finnen ihr Handwerk beherrschen 

und mit diversen Musikgenres spielen. Das Endergebnis 

nennen sie selbst „Shock Industrial Metal“. Grund für 

diese Bezeichnung sind nicht zuletzt äußerst makabre 

und blutige Texte (siehe Organ Grinder oder The Great 

Frequency Drift 

Over 

CD (Gentle Art Of Music/Soulfood) 


Ein Ritt durch diverse Genres 

Selbst für Prog-Verhältnisse ist das fünfte Album von 

Frequency Drift ein harter Brocken. Die Bayreuther 

mixen hier Rock und Metal mit klassischen Ansätzen 

sowie melancholische Passagen, Welt- und Filmmusik 

zu einem Gesamtkunstwerk, das nicht immer leicht zu 

verdauen ist. Die manchen Tracks innewohnende 

dezente Sperrigkeit hat weniger mit den klaren Stimmen 

von Isa Fallenbacher und Gastsängerin Agathe Labus 

zu tun. Es sind vielmehr die krassen Breaks, welche 

Bandboss Andreas Hack immer wieder einbaut. Dabei 

wechselt er nicht nur Rhythmus und Geschwindigkeit, 

sondern häufig genug auch das Genre. Das verwirrt 

zuerst, gibt den Stücken aber gleichzeitig eine 

unglaubliche Tiefe. Wer sich einmal in Lieder wie das 


fast fröhlich tönende Wander oder das zehnminütige 

Highlight Memory reingehört hat, wird so schnell nicht 

davon loskommen. Kopfhörer sind in diesem Fall 

allerdings Pflicht, um die vielfältige Instrumentierung 

genießen zu können. 


God Module 

False Face 

CD (Metropolis/Soulfood) 

vorauss. 14.03.2014 

God Module lassen die 

Eurodance-Puppen tanzen 

Jasyn Bangert scheint sich mit seinem neuen Album 

musikalisch eng an dessen Titel zu orientieren, denn 

den Dark Electro-Tracks der letzten Jahre hält er 

kurzerhand eine eingängige und mitunter auch etwas 

eintönige Eurodance-Maske vors Gesicht. Und so 

benötigt das Werk vor lauter Tanzbarkeit einige 

Durchläufe, bis man erkennt, wohin God Module wollen. 

Die initiale Zündung ist wohl Through The Noise. Hier 

überlässt Bangert seinem Live-Mitstreiter Clint Carney 

das Mikrophon, und die cleanen Vocals stehen dem 

Ohrwurm erstaunlich gut. Auf Songs wie Black And Blue, 

welcher zunächst an 2 Unlim!ted gemahnt, oder Nothing 

But Mine mit seinen Hardfloor-Anleihen muss man sich 

erst einlassen, um sie gut zu finden, aber gibt man False 

Face eine Chance, entdeckt man die Substanz hinter 

den Stücken und begrüßt einen neuen Begleiter auf 

seiner Playlist. Der straight ballernde Titeltrack wird uns 

bald ebenso sicher auf der Tanzfläche begegnen, wie 

auch The Mark seinen Weg zu den DJs finden dürfte. 

Obschon diese Kurskorrektur ihren ganz eigenen Charme 

hat, sollte nicht unerwähnt bleiben, dass Faith Is Fragile 

oder Destroy The Day recht monoton aus den Boxen 

blubbern und lediglich Jasyns Gesang ein wenig 

Dynamik in die Lieder bringt. 

Lars Schubert 

Spiel mit dem Feuer, wenn ausgerechnet Sänger oder 

Sängerin wechseln. Dies kann nach hinten losgehen, 

den Charme einer Band ändern – oder aber frischen 

Wind hineinbringen und der Musik neuen Aufschwung 

geben. Ignis Fatuu haben sich mit P.G. als neuem 

Frontmann nicht die Finger verbrannt, und mit 

Gitarrist Peter Pathos (Ex-Fiddler’s Green, Ex-Ski’s 

Country Trash) als sechstem Mitglied holte die Band 

einen erfahrenen Künstler an Bord, der den Songs 

mehr Schwung verleiht und Platz zum 

Experimentieren lässt. Diese Entwicklung macht sich 

sofort beim Opener Glaube bemerkbar. Schon hier 

wird klar: Da hat sich einiges getan! Unendlich viele 

Wege ist kein Vergleich zu den früheren Alben Es 

werde Licht und Neue Ufer. Die mittelalterlichen 

Instrumente sind etwas in den Hintergrund gerückt, 

dennoch verlieren Drehleier, Flöte und Dudelsack nicht 

ihre gewichtigen Positionen und schmücken 

zwischendurch gekonnt die Kompositionen aus. Die 

Songs sind rockiger geworden, verspielter, und die 

druckvollen Gitarrenriffs harmonieren sehr gut mit 

den folkigen Elementen. Auch P.G.s Stimme trägt 

dazu bei, dass die Lieder abwechslungsreich klingen. 

Er singt heller und weicher als sein Vorgänger und 

verleiht den Stücken somit mehr Gefühl. Der Band ist 

in neuer Besetzung eine ausgereifte Produktion 

gelungen, die den Fans des Genres ein authentisches 

Hörvergnügen bereiten wird. Mit ihrem dritten Werk 

haben sich Ignis Fatuu nun einen musikalischen Weg 

geebnet, von dem man hoffen darf, dass sie ihn so 

weitergehen. 

Bettina Pudmensky 

Incura 

Incura 

CD (Inside Out/Universal) 


Progressiver Rock ohne Kitsch 

Hypnotisch, intensiv, süchtig machend. So lässt sich 

die Musik dieser jungen kanadischen Band 

umschreiben, ohne dabei auch nur im Ansatz in Worte 

kleiden zu können, wie genau sich die Truppe anhört. 

Knackiger Metal trifft auf progressiven, alternativen 

und klassischen Rock, wobei Sänger Kyle Gruninger 

mit seiner dezent quäkigen Stimme manchmal auch 

Harmonien verwendet, die an alte Hits von Michael 

Jackson oder Queen erinnern. Klingt verwirrend, passt 

aber hervorragend zusammen, zumal die Jungs ein 

unglaubliches Händchen für Arrangements beweisen. 

Stücke wie das heftige Get The Gun, das 

melancholische I’m Here Waiting, die theatralische 

Hymne Who You Are oder das brutale Here To Blame 

springen den Hörer regelrecht an und transportieren 

großartige Melodien, die meilenweit von Banalitäten 

oder Kitsch einiger Kollegen entfernt sind. Wer zum 

Harpyie 

Willkommen im Licht 

CD (Metalville/Rough Trade) 


Mittelalter Rock 

der etwas anderen Art 

Das zweite Album der siebenköpfigen deutschen Kapelle 

geht völlig eigen ständige Wege und kennt dabei keine 

Grenzen. Die Truppe kreiert ihre eigene Mischung aus 

mittelalterlichen Elementen und vielen modernen, 

neuen Details. Keine in dieser Szene heimische Band 

lässt sich mit Harpyie vergleichen. Denn ihr Sound ist 

einzigartig, humorvoll, spannend, und die Texte sind 

bestens zum Mitsingen und Feiern geeignet. Ein 

Highlight stellt auch das epische, prächtige Booklet mit 

Hochglanzbildern dar, die alle Liedtexte perfekt 

untermalen. Ein kleines Bilderbuch der Extraklasse, das 

außerhalb jeglicher Konkurrenz steht. Musikalisch 

erwarten den Hörer 14 Tracks, welche sämtlich 

überzeugen können. Aus den Schatten leitet die 

Geschichte instrumental ein, bevor mit Der letzte Held 

– eine Zusammenarbeit mit Hauptmann Feuerschwanz 

– alles wirklich beginnt. Weitere Anspieltipps sind 

Ausgebrannt, Mädchen im Wasser oder Sturmvögel. Wer 

offen für Neues ist, ist hier richtig! 


Ignis Fatuu 

Unendlich viele Wege 

CD (Trollzorn/Soulfood) 

vorauss. 07.03.2014 

Aller guten Dinge sind sechs 

Es war sehr ruhig in den letzten Jahren, sodass die 

Gerüchteküche um Ignis Fatuu immer mehr brodelte. 

Man munkelte sogar von Auflösung. Doch weit 

gefehlt. Im Gegenteil bekam die Familie Zuwachs; 

zudem wurde der Gesangsstab weiter gereicht und 

fleißig am neuen Album gebastelt. Es ist immer ein

www.kulturfabrik-krefeld.de 

Dießemer Str. 13, 47799 Krefeld 

Beispiel auf den Ausnahmesound von Joey Eppards 

Band 3 steht, die vor Jahren mit All that Remains 

einen kleinen Hit hatte, wird Incura lieben. 


Kuolemanlaakso 

Tulijoutsen 

CD (Svart/Cargo) 

vorauss. 28.02.2014 

Finnische Brachialromantik 

Ursprünglich von Bandkopf und Gitarrist Markus Laakso 

als Solo-Projekt geplant, präsentieren die Death Doomer 

mit dem klingenden Namen Kuolemanlaakso jetzt ihr 

tiefgründiges Zweitwerk. Tulijoutsen enthält acht 

vielschichtige Lieder voller atmosphärischer Dunkelheit, 

berührendem Klargesang, fiesen Growls und brachialer 

Gitarrenwucht. Dabei machen Kuolemanlaakso keine 

Kompromisse, in ihrem Sound gibt es nur Extreme: Die 

Gitarrenwände klingen tatsächlich tonnenschwer und 

die Vocals entweder tief melancholisch oder voll 

abgrundtief böser Schwärze. Stücke wie das epischdüstere 

Me vaellamme yössä oder das vor 

phantastischen Melodiebögen und expressivem Gesang 

nur so strotzende Tuonen tähtivyö faszinieren schon 

beim ersten Hören und ziehen unaufhaltsam in ihren 

Bann. Zwischendurch bemerkt man punktuell eine 

starke Ähnlichkeit mit den Kompositionen von Swallow 

the Sun, was natürlich einerseits am ähnlichen Stil und 

andererseits daran liegt, dass der talentierte Mikko 

Kotamäki für beide Bands als Sänger agiert. Mit 

Tulijoutsen haben die Finnen auf jeden Fall ein starkes 

Album mit extrem viel Biss und voller Originalität 

geschaffen. 


Lay Down Rotten 

Deathspell Catharsis 

CD (Apostasy/Edel) 


Das siebte Album 

der Death Metal-Heroen 

Die aus Hessen stammenden Death Metal-Granaten sind 

aus dieser Szene einfach nicht mehr wegzudenken. Ihr 

2012 veröffentlichtes Album Mask of Malice konnte 

nicht ganz an die vorigen Erfolge anschließen, Grund 

dafür war sicherlich der damalige Line-Up-Wechsel. 

Umso gespannter war man nun. Was erwartet den 

Hörer? Noch dazu beim neuen Label? Das Ergebnis ist 

ein ordentlicher Schlag in die Magengrube, ein Tritt in 

die Weichteile und damit ein Death Metal-Werk, wie 

man es sich nur wünschen kann. Kein unnötiger 

Schnickschnack, keine experimentellen 

KuFa Programm 

Einziges Konzert in NRW 

28.02. GABI DELGADO (DAF) 

„eins“ Dates 2014 

06.03. SALTATIO MORTIS + special guest 

- ausverkauft - 

22.03. Dr. MARK BENECKE 

22.03. DEPECHE MODE-PARTY Ice Machine 

Besucher von Mark Benecke 

haben freien Eintritt!!! 

 

 

 

Neuorientierungen, sondern einfach das, wofür man sie 

liebt: leidenschaftliche Musik, die keinen stillsitzen 

lässt. Eine Neuerung muss trotzdem erwähnt werden 

– mit Schädelberg findet sich hier nach rund 15 Jahren 

der erste deutschsprachige Track der Jungs. Spannend 

ist auch Blood on wooden crosses, doch fällt es bei 

diesem Album schwer, einzelne Songs herauszupicken. 

Ein Gesamtkonzept, durchzogen von musikalischer 

Leidenschaft. Sehr gut! 


Special-Tipp des Monats 

Lyronian 

CRISIS 

CD (Deep Symmetry/AL!VE) 

vorauss. 28.03.2014 

Gemeisterte Krisen 

faszinierend vertont 

Alex Warwick Kern und Mike Kennedy schufen elf 

Stücke, die voller Gefühl stecken. Das Erleben und 

Verarbeiten von unterschiedlichsten Krisen, die das 

Leben so parat hält, ist so authentisch vertont, dass man 

als Hörer noch mehr erlebt als lediglich besonderen 

Musikgenuss – wobei dieser, wenn er so wie hier 

ausfällt, völlig ausreichend wäre. Die im Klangbild 

eingeflochtenen Gitarrensounds stehen den in erster 

Linie elektronisch aufgenommenen Kompositionen sehr 

gut, und Alex’ angenehme Stimme zieht einen magisch 

an. Vom wachrüttelnden Tanzflächenbrenner bis hin zur 

zarten Ballade reicht die Spannweite dieses Klangfluges. 

Immer wieder faszinierend ist auch die Single Silver 

Arrow, zu der ein wunderschönes Video gedreht wurde. 

Dennoch fällt es schwer, auf CRISIS (s)ein Lieblingslied 

zu finden, da jeder Song ein ganz besonderes Juwel ist. 

Ein Album, ganz nach dem Motto: „Wo sind sie, die 

Krisen des Lebens? Lasst sie uns meistern!“ 

Marc Frei 

Maerzfeld 

Fremdkörper 

CD (südpolrecords/Rough Trade) 


Deutschrock mit Substanz 

Fremdkörper nennt sich das zweite Werk von Maerzfeld, 

die der Neuen Deutschen Härte huldigen. Zwar lässt sich 

nicht leugnen, dass ihr Sound und Gesang öfter mal 

wieder stark an Rammstein erinnern. Aber daraus 

machen sie gar keinen Hehl, hat doch Fronter Heli 

Reißenweber mit StahlZeit seine eigene Rammstein- 

Tribute-Band. Auf Fremdkörper erwarten den Hörer elf 

Tracks mit einer Spieldauer von je rund vier Minuten. 

Eingängig, fetzig und simpel gehalten. Das perfekte 

Rezept für den Ohrwurm zwischendurch! Besonders 

spannend sind die Nummern La Petite Mort, Kopfschuss 

und Fleisch im Fleisch. Das Booklet ist mehr als nur einen 

kurzen Blick wert... Kunstvoll gestaltete Photographien 

der Musiker, die unter anderem einen Heli Reißenweber 

zeigen – dargestellt als halb Mann, halb Frau: gefangen 

in seinem „Fremdkörper“. Natürlich sind auch alle Texte 

zu finden, und dank des gut verständlichen Gesangs 

gehen die Worte sofort ins Blut. Sehr gelungen. 


Metsatöll 

Karjajuht 


vorauss. 07.03.2014 

Folk Metal aus Estland 

Mit ihrem sechsten Album melden sich die vier Tallinner 

nach dem 2011 erschienenen Ulg zurück. Schon jenes 

Werk beschritt neue Wege – schneller, energischer und 

kraftvoller als seine Vorgänger. Diese Richtung schlägt 

auch Karjajuht ein: aufgenommen im Proberaum ohne 

viel Schnickschnack, entstand ein wunderbar roher 

Sound. Auch inhaltlich erweitern Metsatöll ihren 

Horizont. Haben sie sich früher eher altertümlichen, 

epischen Themen gewidmet, ist nun etwas mehr Platz 

für moderne, gegenwärtige Erfahrungen. Das Album 

umfasst zwölf Tracks von rund 45 Minuten 

Gesamtdauer. Alle Texte wurden in ihrer Muttersprache 

geschrieben; im Booklet findet man jedoch die 

englischen Lyrics, sodass man den fremden Worten gut 

folgen kann. Gleich der Opener Külmking legt mit 

traditionellen Instrumenten, bretternden Gitarren, 

eingängigen Melodien und kräftigem Gesang los. 

Besonders spannend sind Nummern wie Terasest taotud 

tee oder Surmamüür. Alles in allem ein sehr schönes 

Werk. Nicht schlecht! 


Nahtaivel 

Pon Farr 

CD (Wave/CD Baby) 


Dark Electro Industrial, 

der vom Schmerz befreit 

2006 Opus 93. 2008 Killer Speaks. 2011 Midnight 

Sessions, und nun Pon Farr. Der Brasilianer Fernando 

Nahtaivel hat sich ganz und gar einer Mixtur aus Black 

Metal, Dark Electro sowie EBM/Industrial verschrieben 

und kehrt jetzt mit einer Sammlung von bizarr düsteren, 

kraftvollen, sphärischen, angst- und leiderfüllten Songs 

zurück. Hate, Amok Time, Little Pleasures of Life oder 

Be Productive zeigen, dass Energie durch diese 

Veröffentlichung strömt. Das Cover wurde übrigens von 

Hernan Rojas handgemalt und später digital bearbeitet. 

Das passt wie die Faust aufs Auge! Handarbeit im 

digitalen Gewand, genutzt für Ton- als auch Bildkunst. 

Es sei noch darauf hingewiesen, dass der physische 

Tonträger neben den neun regulären Tracks mit drei 

weiteren Bonustiteln angefüllt ist. 

Elena Winter 

Night Nurse 

Night Nurse 

CD (Wolverine/Soulfood) 


„Female fronted“ 

Psychobilly aus Finnland 

Leute, macht Euch gefasst, Night Nurse gehen ordentlich 

in die Vollen! Das sehnsüchtig erwartete Debut der 

Finnen um die charismatische Sängerin Nurse Camy 

steht bereit. Ein Volksfest für alle Liebhaber von gutem 

Rockabilly und Psychobilly; auch Horror Punk-Fans 

sollten mal vorbeischauen. Camys Stimme ist kräftig, 

energiegeladen und brettert Dir englische Lyrics 

entgegen, welche mit szenetypischen Instrumenten – 

der Kontrabass darf natürlich nicht fehlen – spannend 

untermalt sind. Die perfekte Mucke für einen 

Feierabend, der wohl so manche zu einem feinen 

kleinen Pogo hinreißen wird. Die Stücke dauern nicht 

gerade lang. Zwölf Tracks über rund 30 Minuten 

Spielzeit donnern ohne Vorwarnung gleich mit Where 

Shadows Go los. Und sie unterstreichen allesamt Camys 

Einstellung: „Nimm Dich selber nicht zu ernst!“ Diese 

Motivation ist in Nummern wie Nude Girls Live Shows 

Take Away Babes hörbar, denn hier stehen Spaß, Party 

und einfach nur Freude an der Musik im Vordergrund. 

Rockig, fetzig, energiegeladen... Reinhören lohnt sich! 


Opera Multi Steel 

Mélancolie en prose 

CD (Wave) 


Minimalistischer New Wave Synth 

Pop, der sich endlich Gehör 

verschafft 

Die Franzosen, welche aus einer Stadt mit ungefähr 

66.500 Einwohnern stammen, die den schönen 

Namen Bourges trägt, kreieren ihren minimalistischen 

New Wave/Synth Pop/Dark Wave-Sound schon seit 

dem Jahr 1983! Wenngleich die Band von 2002 bis 

2010 eine Pause einlegte, ist das jetzt vorliegende 

Werk das neunte Album dieser Formation. Es erschien 

im Digipak sowie als limitierte CD mit einer 10“ und 

als „Collector’s Box“. Was Mélancolie en prose so 

besonders macht, sind nicht nur die beiden 

Osterhasen, die darauf warten, dass etwas aus den 

Eiern schlüpft (wohlgemerkt: vier Eier und vier 

Bandmitglieder...). Sondern auch die Tatsache, dass 

es sich um Tracks handelt, die aus vergangenen Tagen 

datieren, es aber noch auf keinen Tonträger geschafft 

haben, sowie andererseits um neue, bislang 

unveröffent lichte Songs. Während jener Zeitspanne 

ist die Gruppe ihrem Stil treu geblieben. Man kann 

nicht genau sagen, welches der zwölf Stücke nun von 

heute oder von damals stammt. Beeindruckend! 

Elena Winter 

Profane Omen 

Reset 


vorauss. 14.03.2014 

Experimentierfreudige Finnen 

Finnlands Gemischtwarenladen ist wieder auf Mission! 

Profane Omen gehören zu jenen Bands, welche 

verschiedene Genres durch den Fleischwolf drehen und 

dabei ihren eigenen Stilmix kreieren. Auf Reset 

dominieren thrashige, alternative, progressive und 

modern-groovige Sounds, doch es gibt auch immer 

wieder melodische Passagen, wie in The Instigator, Trails 

oder The Ego, wo die Truppe aus dem hohen Norden 

fast schon US-amerikanisch klingt. Jules Näveri, unter 

anderem bekannt von seiner Zusammen arbeit mit 

Enemy Of The Sun oder Moonsorrow, zieht hier alle 

Register. Er singt eben noch einschmeichelnd, nur um 

im nächsten Moment zu grunzen, zu brüllen oder zu 

schreien, als wäre er ein verletztes Tier. Das kann 

bisweilen etwas anstrengend werden, zumal die Herren 

aus Lahti auch nichts von durchgehender Rhythmik 

halten, sondern lieber diverse Tempowechsel einbauen. 

Hat man sich aber erst mal darauf eingelassen, offeriert 

Reset seine ganz eigene Klasse. 



ALCEST SHELTER 

Das neue Album ! 

ALCEST SHELTER 

SHELTER ist erhältlich als: 

Digisleeve-CD, Gatefold-LP mit Poster 

2CD-Buch-Edition Hardcover-Buch (48 Seiten), Bonus-CD 

Deluxe LP-Box Gatefold-LP mit Poster, Bonus-7“, Hardcover-Fotobuch (48 Seiten) 

Komplett-Box Digisleeve-CD, Gatefold-LP mit Poster, Bonus-CD, Bonus-7“, Bonus-DVD, 

Hardcover-Fotobuch (48 Seiten), Softcover-Buch im LP-Format (24 Seiten), signierter Kunstdruck 

Ebenfalls erhältlich: 

OPALE Vinyl-Single 

(inkl. Ätzung auf der B-Seite; lim. 1.000) 

Weitere Informationen zu SHELTER 

und den verschiedenen Formaten auf 

www.prophecy.de 

Falkenbach 

Asa 

Digipak-CD, 2CD-Buch-Edition 

Picture-Disc-Vinyl 

Finnr’s Cane 

A Portrait Painted 

By The Sun 

Digipak-CD 

Duncan Evans 

Lodestone 

Digipak-CD, Gatefold-LP 

CD-Box inkl. Bonus-DVD

SEA + air 

My Heart’s Sick Chord 

CD (Motor/Rough Trade) 


Geheimnisvoller Gitarren-Pop 

aus dem Herzen direkt ins Ohr 

Die Stuttgarter Eleni und Daniel Benjamin, die nicht 

nur in Musik und Geist vereint sind, präsentieren hier 

ihr Debutwerk. Allein schon bei dessen klangvollem 

Titel ertönt wohl in jedem ein eigenes Lied, welches 

das Herz – je nach Verfassung – anstimmen möchte. 

Genau das ist der Grund, warum Du My Heart’s Sick 

Chord gleich lauschen solltest... Wer Mann und Frau 

gern singen hört, wer Gitarren, Schlagzeug und 

Cembalo mag, melancholische und phantasiereiche 

Kompositionen mit zart schwingenden Pop-Elementen 

schätzt und wissen will, wie sich griechischer 

Rhythmus mit deutschem Charme verbindet, der liegt 

bei SEA + AIR genau richtig. Man hat Musik so frisch, 

harmonisch, rhythmisch, zart, wehmütig, liebevoll, 

schmerzlich und eindringlich noch nicht gehört! 

Anspieltipps: The Sea After A Storm, Do Animals Cry? 

und Yeah I Know. Aber eigentlich alle Stücke! 


Spiritual Front 

Black Hearts In Black Suits 

CD (Rustblade/BROKEN SILENCE) 


Suicide Pop als Oper 

Spiritual Front und die italienische Oper, das passte 

immer schon zusammen wie Rotwein und Pasta. Wie 

Salbei und Butter. Wie Laken und nackte Haut. Für 

Simone Salvatori muss es eine Erlösung gewesen 

sein, endlich wieder mit Stefano Puri zu arbeiten, 

ebenjenem Soundtrackhexer, der neben Salvatori 

auch an der sinnlichen Dekadenz von Armageddon 

Gigolò beteiligt war. Nun sind sie erneut vereint, mit 

ihren schwarzen Herzen in den schwarzen Anzügen, 

mit ihrem Willen zu schwülem Nihilismus, zum 

roman tisierenden Nachtlied, zum pathetischen 

Overkill. Überbordend klingt Black Hearts In Black 

Suits zu jeder Sekunde, ein von Pianostücken 

aufgebrochenes Opernwerk, welches viel von der 

Dramatik klassischer Komponisten herübernimmt in 

eine verkommene Welt, die sich in den dunklen 

Seitengassen rund um das Opernhaus abspielt. Dort, 

wo sich Nick Cave und Yann Tiersen gemeinsam einen 

Schuss setzen, wo Liebe, Lust, Schmerz und Hass 

verschwimmen. Suicide Pop ist das nicht mehr, nein. 

Aber so viel mehr. Italienischer Opernbombast trifft 

sündigen Pop trifft elegischen Klaviertitel. Es ist die 

endgültige Kitschwerdung eines kongenialen 

Künstlers – im allerbesten Sinne des Wortes. Zu 

Tränen rührend, aufreizend, leidenschaft lich und stets 

der bedeutsamen, choralen, traurigen, 

beeindruckenden Musik ergeben. Gedankt sei es den 

römischen Göttern, dass diese beiden Herren wieder 

zusammengefunden haben. 


State of the Union 

My Time Away 

CD (Infacted/Soulfood) 

vorauss. 28.02.2014 

In den Player und dann 

durchtanzen! 

Das Warten hat sich gelohnt! Mit gewohnt 

eingängigen, sofort auf die Tanzfläche ziehenden 

Rhythmen melden sich State of the Union zurück. 

Ihre zwischen breiten, stampfenden Beats und 

klaren Synth sequenzen pendelnden Stücke gehen 

direkt ins Ohr und setzen sich dort fest. Die Tracks 

auf dem nunmehr vierten Album wechseln zwischen 

poppigen und Trance-Elementen; hier und da scheint 

auch die eine oder andere EBM-Passage durch. Dass 

State of the Union zu den Größen des Future Pop 

zählen, verdeutlichen Nummern wie Miracle, 

Dancing in the Dark, Eternally oder My Time Away. 

Die lange Durststrecke nimmt ein Ende, und die 

Clubs bekommen neues Futter für das hungrige 

Tanzvolk! 


Subway to Sally 

Mitgift 

CD (StS/Universal) 

vorauss. 14.03.2014 

Progressiv, hart und düster 

Der Untertitel Mördergeschichten deutet es an: 

Subway to Sally haben sich mal wieder für ein 

Konzeptalbum entschieden. Die Spanne der textlich 

verarbeiteten Taten reicht vom 17. Jahrhundert bis 

ins Heute. Manchmal geht es um Eifersucht, dann 

wieder um Neid oder einfach um kranke Menschen, 

die ihre Gewaltphantasien in der Realität ausleben. 

Harter Stoff! Auch musikalisch lehnen sich die 

Potsdamer weit aus dem Fenster, verwenden viele 

elektronische Elemente und setzen auf die moderne 

Metal-Karte. Mehr Riffs gab es wohl noch auf 

keinem Album des Septetts. Die Songs sind 

vielschichtiger und regelrecht progressiv ausgefallen, 

was den Zugang anfänglich erschwert. Wer dem 

Werk jedoch einige Runden in der Anlage gönnt, wird 

mit musikalischer Brillanz und makabren 

Geschichten belohnt. Als Anspieltipps seien das 

verstörende Schwarze Seide, Grausame Schwester 

(hier treffen liebliche Chöre, harter Metal und 

Electro-Elemente aufeinander), das brutale, aber 

mitreißende Warte, warte und das hymnische In 

kaltem Eisen genannt. 


Terrolokaust 

Scars That Never Heal 

MCD (Vendetta/Deathwatch Asia) 

vorauss. 08.03.2014 

Nachschub 

aus der Dark Electro-Hitschmiede 

Nach The Way It Must Be flattert nun bereits die 

zweite Single aus dem Überflieger Spit The Poison 

Out (2013) ins Haus. Angesichts der Hitdichte jenes 

Albums haben sich die Spanier letztlich für den Song 

entschieden, der mit seinen Electro Rock-Elementen 

am ehesten aus dem Rahmen fällt. Hier haben 

Terrolokaust dann gleich noch zwei Titel in der 

Hinterhand, welche andere Bands wohl für das 

nächste Album zurückgehalten hätten. Two-Faced 

Leader spricht Tanzbein und Nackenmuskeln 

gleichermaßen an und kennt nur eine Richtung: 

vorwärts! Condemned To Be Free ist das ganze 

Gegenteil, überrascht der Track doch mit einem 

orchestralen Aufbau, den man in dieser Form von 

den beiden Iberern noch nicht gehört hat. Getragen 

von Javi Ssagittars Stimme, benötigt das Stück 

gerade einmal Zeit bis zum Refrain, um sich 

unwiderruflich einzunisten. Durch diese neue Facette 

belegen Terrolokaust, dass sie zu den innovativeren 

Zeitgenossen im dunklen Kosmos des elektronischen 

Einheitsbreis zählen – und eine Tour mit Aesthetic 

Perfection kommt ja auch nicht aus dem Nichts. 

Lars Schubert 

The Beauty of Gemina 

Ghost Prayers 

CD (NoCut/SPV) 


Gotische Schwermut 

und rockige Zuversicht 

aufs Trefflichste miteinander 

versöhnt 

The Beauty of Gemina sind eine der wenigen Bands, 

die so viele Ideen und Einflüsse so geschickt 

miteinander verknüpfen, dass sie immer wieder 

vollkommen neu klingen und doch einen hohen 

Wiedererkennungswert haben. Sicher ist das auch 

dem charakteristischen Gesang und der Stimme von 

Frontmann Michael Sele zu verdanken, dies bildet 

aber nur eine der Zutaten für das nun bereits seit 

2006 erfolgreiche Konzept. Den aktuellen Beweis 

liefert Ghost Prayers, das sehr songorientiert 

ausgefallen ist, melancholisch, intim fast, und 

gleichzeitig Energie ausstrahlt, Tempo hat. 

Zerbrechliche, leise Lieder bestehen mühelos neben 

rohen, treibenden Tracks. Aus Rock und Wave, 

Alternative, Gothic und sogar Folk haben The Beauty 

of Gemina ein sehr intensives, tiefschichtiges, 

emotionales und berührendes Album geschaffen, 

haben den weiten Raum zwischen Schwermut und 

Zuversicht mit einem ganzen Dutzend wunderschöner 

Lieder gefüllt. 

Axel Schön 

Thyrien 

Hymns of the Mortals – 

Songs from the North 

CD (Massacre/Soulfood) 


Folk Metal aus Skandinavien 

Thyrien präsentieren auf ihrem Debutalbum in zehn 

Tracks mit einer Spielzeit von rund 45 Minuten ihren 

eigenen Folk Metal, der viele Elemente aus dem Black 

und auch Death Metal einfließen lässt. Schon beim 

Opener Far Beyond Midgard versuchen uns die Finnen 

in ihre melancholisch-schöne und stets mythologisch 

angehauchte Natur zu entführen. Schwelgt man 

anfänglich in diesen Klängen, die ein wenig an Bands 

wie Falkenbach oder Summoning erinnern, wird man 

mit der folgenden Nummer Vengeance Through My 

Soul definitiv wieder aufgeweckt. Denn nun beginnt 

die Reise erst! Perfekt inszenierte Gitarrensoli, sauber 

performter, grimmiger Gesang und eine äußerst 

angenehme Mischung aus Melodie und knüppelnden 

Passagen. Genau das, was guten Folk Metal 

ausmacht. Thyrien erfinden das Rad nicht neu, doch 

bieten sie allen Liebhabern des Genres ein sehr 

ansprechendes Album, das sich absolut nicht 

verstecken muss. Anspieltipp: My Victory, My Defeat. 


THyx 

Super Vision 

CD (THYX) 

vorauss. 25.03.2014 

Elektronischer 

Weltraumspaziergang, 

der Laune macht 

Mal schauen, ob es klappt. Was? Am Ende mehr 

dazu... nun zu Super Vision: Kein Jahr ist es her, als 

uns Stefan Poiss mit Below The City auf die Suche 

nach einem bestimmten Sound in seinem 

Klangkosmos mitnahm. Jetzt wartet bereits die 

nächste Soundrakete in den musikalischen Cyberspace 

vor der Tür, und nur zu gern steigt man ein, hat sich 

doch einiges an der Inneneinrichtung geändert. 

Wärmer ist es geworden – eine Menge der alten 

Plastikkonsolen mussten natürlichen Materialien und 

progressiveren Tönen weichen, und man freut sich, 

Piano und Gitarre gleich in mehreren Liedern 

vorzufinden. Für Immer überrascht sogar mit einem 

Weltraumspaziergang Richtung elektronischen Rocks. 

Vom lieb gewonnenen Verzerrer hat sich Stefan 

allerdings nicht verabschieden wollen, auch wenn er 

seine Singstimme immer öfter durch den Bordfunk 

klingen lässt. Insgesamt ist Super Vision ein ganzes 

Stück abwechslungsreicher und macht aufgrund seiner 

hohen Qualität ein Hervorheben einzelner Titel fast 

unmöglich. Exemplarisch könnte man aber Waiting 

For You oder Every Time nennen. Und was hat nun 

geklappt? Ein THYX-Album zu besprechen, ohne zu 

erwähnen, dass Stefan der mind.in.a.box-Mastermind 

ist, denn inzwischen ist THYX zu einer eigenständigen 

Marke herangewachsen und braucht derlei 

Querverweise nicht mehr. 

Lars Schubert 

Vanishing Point 

Distant is the Sun 

CD (AFM/Soulfood) 


Melancholischer Power Metal 

vom anderen Ende der Welt 

Mit genau der richtigen Mischung aus Härte und 

Dramatik steigen die Australier in ihr fünftes 

Studioalbum ein, das wieder mal feinsten Power 

Metal verspricht. Der melancholische Touch, welchen 

die Band schon immer latent verströmt hat, ist auf 

Distant is the Sun – der Titel deutet es an – vielleicht 

noch eine Spur präsenter, weshalb einige Nummern 

von der Atmosphäre her an Evergrey zu Zeiten von 

Recreation Day oder Monday Morning Apocalypse 

erinnern. Granaten wie das schnelle When Truth Lies, 

der Ohrwurm Let the River Run, die grandiose 

Halbballade Story of Misery oder das tieftraurige As 

December Fades brauchen sich im internationalen 

Vergleich sowieso nicht zu verstecken. Fakt ist aber 

auch, dass Vanishing Point, nach über sechs Jahren 

Pause, ihr eigenes Highlight Tangled in Dream (2000) 

nicht vom Thron stoßen konnten. Doch das ist 

Meckern auf sehr hohem Niveau. 


Welle: Erdball 

Tanzmusik für Roboter 

CD, LP (Synthetic Symphony/SPV) 


Aller guten Dinge sind zehn 

Das zehnte Album ließ lange auf sich warten. Klingt 

es denn so, wie man es von Welle: Erdball kennt und 

liebt? Ja! Es hat sich zwar vieles getan, vieles 

verändert, doch irgendwie klingt es glücklicherweise 

immer noch so, wie man es auch gar nicht anders 

möchte! Titel wie Der Flipperkönig, Gib mir meine 

Zukunft wieder, Die Liebe der 3. Art, Computersex, 

Herzschlag-Alarm, Des Wahnsinns fette Beute machen 

neugierig, sind originell und machen glücklich. Einfach 

beachtlich ist auch, dass kein Titel irgendwie einem 

anderen hinterherhinkt. Alle sind ein Original! Alle 

sind echt Welle: Erdball! Und Welle: Erdball steht für 

gute Unterhaltung. Und natürlich für schöne 

Tanzmusik! Frage ist nun noch: Welche Edition soll 

es denn sein? Die große Wunderbox mit Kassette und 

einigem anderen, die Langspielplatte mit Compact 

Disc, die Compact Disc mit Bonus? Alle? Alle! 

Claus Müller 


Sampler 

The Art of the 12“, 

Volume Three 

A Soundtrack for Living 

DCD (Union Square/Soulfood) 


Die hohe Kunst der Maxisingle 

Von allen Veröffentlichungen zum 30. Geburtstag der 

Plattenfirma ZTT ist diese mit Abstand am 

interessantesten. Letztendlich deshalb, weil sie – 

bereits in der dritten Folge – über den Tellerrand des 

eigenen Labels hinwegschaut und genau das 

präsentiert, was ihr Titel verspricht: die hohe Kunst 

der 12“-Single, beziehungsweise die Kunst, jenes 

heute seltene Format kreativ auszufüllen. Nun waren 

die Köpfe hinter ZTT (Paul Morley und Trevor Horn) 

nicht die Erfinder der 12“-Konzepte (hier reichen die 

Wurzeln zurück in die Sechziger Jahre und sind unter 

anderem in den jamaikanischen Dub-Experimenten 

von Lee Perry zu finden), doch keiner entwickelte 

ausgefeiltere Mixe als Produzent Horn. Anfang der 

Achtziger war die Ära der 7“ endgültig passé; statt 

fünf Minuten hatte man jetzt bis zu 20 Minuten „Zeit“ 

für einen Track. Viele Musiker und Labels streckten 

lediglich die vorhandene Kurzversion, Trevor Horn 

dagegen produzierte seine Stücke immer mit dem 

12“-Resultat im Hinterkopf. Versammelt auf dieser 

hervorragenden Doppel-CD sind denn auch 

Paradebeispiele aus ebenjener Phase, als das 

inzwischen nur noch in der Dance- und DJ-Szene 

anzutreffende Format seine Blüte hatte: Neben dem 

Video Mix von Sigue Sigue Sputniks Love Missile F1-11, 

raren Kleinoden wie Something Special von Stephen 

Duffy & Sandii oder Propagandas Complete Machinery 

sind hier erstmals alle vier Parts von The Look of Love 

von ABC in einem Track vereint! Alles abgerundet 

durch fundierte und hochinteressante Linernotes von 

Paul Morley. Ohne Abstriche empfehlenswert! 

Ecki Stieg 

MacGowan & Sinéad O’Connor – sowie viele Kleinode 

und Raritäten auf der „Incidental“-CD, wobei das aus 

den Achtzigern stammende Hé Stranger von Anne 

Pigalle und Piccadilly Circus von Adamski’s Things zu 

den Highlights gehören. Für Neueinsteiger und 

Spätgeborene ist diese Zusammenstellung eine 

gelungene, anschauliche Geschichtsstunde über den 

perfektesten Pop, der in den Achtziger und Neunziger 

Jahren kreiert wurde. 

Ecki Stieg 

DVD 

Letzte Instanz 

15 Jahre Brachialromantik 

DVD (Drakkar/Sony) 


Beeindruckende Geburtstagssause 

im opulenten Rahmen 

Im Oktober 2013 feierten Letzte Instanz eine 

ausufernde Jubiläumsparty – natürlich in ihrer 

Heimatstadt Dresden. Jetzt sind alle eingeladen... Wer 

einmal eine Show der Jungs erleben durfte, weiß, 

welche Energie von Holly Loose & Co. ausgeht, und 

kann selbige auch auf dem über dreistündigen 

Mammutkonzert (Sitzfleisch mitbringen!) erwarten. 

Bereits der Opener Kalter Glanz kündigt die Richtung 

an: Hier wird die komplette Bandgeschichte 

abgefeiert. Mit Liedern wie Kopfkino, Jeden Morgen 

oder neueren Krachern Marke Nur für uns. Doch die 

Instanzler begrüßen nicht nur mehrere Tausend Fans 

vor der Bühne, sondern auch etliche prominente Gäste 

auf der Bühne. So springt Eric Fish (Subway to Sally) 

bei Das Stimmlein mit Holly um die Wette, und Felix 

Räuber von Polarkreis 18 unterstützt unsere 

Geburtstagskinder bei Sonne. Wer die restlichen Gäste 

sind, fragst Du Dich? Anschauen, überraschen und 

verzaubern lassen. 15 Jahre Brachialromantik ist das 

ultimative Geschenk für alle Fans der Letzten Instanz. 

Auf die nächsten 15 Jahre! 

Nadine Ahlig 

Hörbuch 

The Organisation of Pop 

30 Years of Zang Tuum Tumb 

DCD (Union Square/Soulfood) 


Ein Stück Geschichte 

The Organisation of Pop ist einer der zahlreichen 

Sampler, welche zum 30-jährigen Jubiläum von ZTT 

Records erscheinen. Ebenso wichtig wie die Künstler 

dieses Labels waren die Masterminds dahinter, 

nämlich Paul Morley, verantwortlich für den 

konzeptionellen Überbau, sowie Produzent Trevor 

Horn. In den wie immer sehr tief gehenden und 

ausführlichen Linernotes verrät Morley, dass es 

innerhalb des ZTT-Universums diverse Stränge und 

Ansätze gab: Die Veröffentlichungen der „Action“- 

Serie sollten das „Home of Hits“ werden (und taten 

es auch!), jene der „Incidental“-Serie sollten die eher 

abstrakten Ambitionen repräsentieren. Diese Grenzen 

waren aber schon beim interessantesten aller ZTT- 

Projekte – Art of Noise – mehr als fließend, boten 

Tracks wie Close (to the Edit) doch die perfekte 

Melange aus Avantgarde und Pop. Somit scheint die 

Unterteilung beider Reihen auf zwei CDs ein 

zweifelhaftes Unterfangen. Sinnvoller wäre eine 

Gliederung nach zeitlichen Epochen gewesen, denn 

dies hätte auch deutlich gemacht, dass der ZTT- 

Kosmos in den Achtzigern ein en détail ausgefeiltes, 

trotz aller Facetten in sich geschlossenes Konstrukt 

war, wohingegen in den Neunzigern zwar mit Tom 

Jones oder Seal einige große Hits gelandet werden 

konnten, der Labelkontext aber kaum noch existent 

und ersichtlich war. Was bleibt, sind etliche grandiose 

Klassiker auf der „Action“-CD – neben den Hits von 

Frankie Goes To Hollywood, Grace Jones (Slave To The 

Rhythm) oder Propaganda (Dr Mabuse) auch weniger 

offenkundige Perlen, etwa Haunted von Shane 

Luci van Org 

Frau Hölle 

CD (Augenscheinverlag) 


Elf Stunden 

voller Mystik und Humor 

Wer es bevorzugt, den Worten zu lauschen, anstatt 

sie geschrieben zu lesen, ist hier vollkommen richtig. 

Aber auch jeder, der Lust hat auf ein ordentlich mit 

Humor, Spannung, Parodie und Phantasie gefülltes 

Paket, sollte einen Blick oder, genauer: ein Ohr 

riskieren. Das Besondere an diesem Hörbuch zum 

2013 erschienenen Roman Frau Hölle ist, dass keine 

fremde Sprecherin den Text vorträgt, sondern Luci 

van Org selbst. Und wer kennt eine Geschichte besser 

als die Person, die sie verfasst hat? Natürlich 

niemand. Entsprechend fesselnd und spannend ist 

diese CD. Die Autorin liest langsam und deutlich. Ihre 

Worte sind verständlich und ermöglichen 

problemloses Folgen. Bei einer Gesamtdauer von 

knapp elf Stunden lohnt sich die Investition allemal! 

Inhaltlich präsentiert uns die sympathische 

Künstlerin eine Geschichte, in welcher die Grenzen 

zwischen alten Zeiten und dem Heute verschmelzen. 

So lebt auch die Totengöttin Hel – oder nennen wir 

sie doch gleich Frau Hölle – mitten in Berlin. Das 

unter der Regie von Berthold Heiland (!) 

entstandene Hörbuch ist mehr als nur gelungen. Sehr 

schön! 


Sie ist wieder da! 

Band 3 jetzt überall, 

wo es Comics 

oder Bücher gibt! 

Thomas Elbel 

Megapolis 

(Selbstverlag) 

Mit Asylon und Elysion hat Thomas 

Elbel in kurzer Zeit viele Leser 

dystopischer und phantastischer 

Literatur begeistert. Mit Megapolis 

liefert der Autor nun einen waschechten, 

absolut spannenden Dark 

Future-Thriller. Um der nuklear 

verseuchten Erde zu entfliehen, 

haben die letzten verbliebenen 

Menschen künstliche Wesen – die 

Novaten – geschaffen, sie 

Dominik Steiner 

Angstgegner 

(Unsichtbar) 

Dominik Steiner schreibt nicht erst 

seit gestern. Schon in früher 

Jugend verfasste er Gedichte, und 

obwohl die Resonanz damals nicht 

überwältigend war, konnte er den 

Stift nie aus der Hand legen. Gut 

so! Denn 2010 fand der 1981 im 

Chiemgau geborene Autor die 

Möglichkeit, sein Debut Leben und 

Infos unter www.ulIne-store.de 

versklavt und von ihnen in einem 

Marskrater eine riesige Stadt als 

neuen Zufluchtsort erbauen 

lassen. Doch die Novaten erheben 

sich gegen die Menschen. Diese 

fliehen in den Untergrund, werden 

jedoch weiter gejagt und 

vernichtet. Seth ist Novat und 

Topjäger. Eines Tages trifft er auf 

Tessa, die meistgesuchte 

Anführerin des menschlichen 

Widerstandes. Und alles wird 

anders! Wer ist gut, wer ist böse? 

Ist jeder im eigenen Umfeld, der 

er vorgibt zu sein? Wer ist man 

selbst? Kann man seinen eigenen 

Erinnerungen trauen? Schließlich 

müssen harte, gefährliche Entscheidungen 

gefällt werden! 

Megapolis überzeugt mit einer 

durchdachten Geschichte, Intrigen 

und Freundschaft, detailreicher, 

bildhafter Erzählweise, gut 

gezeich neten, verschiedenartigsten 

Charakteren und lässt 

auf hohem Spannungsniveau bis 

zum Ende atemlos mitbangen, 

mitjagen, mithoffen. 

Axel Schön 

LEBEN hassen bei UBooks zu 

veröffentlichen. Nun folgt sein 

zweiter Roman, der die Geschichte 

des jungen Jona erzählt, welcher 

die hübsche Studentin Nora 

kennenlernt. Doch schnell muss 

er merken, dass mit Nora etwas 

nicht stimmt. Alltägliche Situationen, 

Banalitäten bringen sie 

komplett aus der Fassung und 

steigern ihren Panikpegel bis ins 

Unermessliche. Nora hat Angst. 

Angst vor dem U-Bahn-Fahren, 

Angst vor der Stadt, Angst vorm 

Badezimmer... und am meisten 

davor, allein zu sein. In Jona hat 

sie ihren schützenden Halt gefunden 

– aber dieser weiß zu Beginn 

noch nicht, wie schwer es ist, 

jemandes Angst zu schultern, 

wenn man selber nicht voll und 

ganz im Leben steht. Angstgegner 

ist ein sehr gefühlvoller Roman. 

Gut verständlich, sachlich und 

authentisch geschrieben. In einer 

Art Tagebuchform erzählt uns der 

Protagonist (dessen Name kein 

einziges Mal fällt) vom gemeinsamen 

Weg mit Nora, der viele 

Stolpersteine beinhaltet. Sehr 

gelungen! 


März 

Eine Band, die mit ihrem Namen den Künstler Dante Gabriel Rossetti zitiert, 

welcher um 1870 das Portrait Beata Beatrix schuf. Hinter jenem Bildnis steckt 

eine traurige, romantische und den Tod überdauernde Geschichte. Ob in einer 

Beziehung zwischen zwei Menschen, in der Malerei oder in der Musik... die 

Liebe – für Dinge oder eine Person – trägt immer eine bedeutende Rolle, um 

Einzigartiges kreieren zu können. Dies versinnbildlichen Beata Beatrix durch 

den Titel ihres neuen Albums: The New Gothic Generation. Musikalisch spielt 

es mit den Anfängen unserer Szene, geht bis in die gegenwärtige Zeit und 

spiegelt genau das wider, was der heutigen Schwarzen Szene innewohnt. 

Nach ihrem Debut von 2010 (In the Garden of Ecstasy) schlägt die italienische 

Formation nun ein weiteres Kapitel in Sachen Gothic Rock/Dark Wave 

auf. Sängerin Hatria, Ricy Trix an der Gitarre sowie Bassist und Gründer 

Crowley liefern hier ein ausgereiftes, gitarrenlastiges, teils elektronisches, 

mal schwungvoll düsteres oder aber lustig-gespenstisches, zugleich jedoch 

melancholisch-herzzerreißendes Statement über und für diesen Kulturkreis. 

Sie bedienen sich dabei Figuren wie Elizabeth Siddal, Dracula oder auch Jack 

the Ripper und lassen solchermaßen etwas ganz Besonderes auferstehen. 

www.beatabeatrix.com 


Alexander Kaschte (Samsas Traum) – 01.03.1978 in Wetzlar 

Daniel Craig – 02.03.1968 in Chester, UK 

Simon Levko (Subway to Sally) – 05.03.1966 in Potsdam 

Nina Hagen – 11.03.1955 in Berlin 

Matthias Richter (Schandmaul) – 11.03.1980 in Dachau 

Claudia Uhle (Angelzoom) – 15.03.1976 in Berlin 

Billy Corgan (The Smashing Pumpkins) – 17.03.1967 

in Elk Grove Village, Illinois, USA 

Mana (Moi dix Mois) – 19.03. in Hiroshima, Japan 

Asp (ASP) – 19.03.1972 in Künzelsau 

Hubert Kah – 22.03.1961 in Reutlingen 

Holly Loose (Letzte Instanz) – 22.03.1977 in Berlin 

Jochen Seibert alias Noel Pix (Eisbrecher) – 25.03.1972 

in München 

Keira Knightley – 26.03.1985 in London, UK 

Das Orkus!-Team gratuliert 

allen Jubilarinnen und Jubilaren!

„Ich fühlte mich sehr instabil...“ 

Nihilistisch und suizidal sind sie noch immer. 

Black Hearts In Black Suits zeigt Spiritual Front 

jedoch abermals gewandelt. Es ist ein Werk 

von schwindelnder Tiefe, von opernartiger 

Opulenz, von einer seltsam schwülen 

Heiligkeit, die vom Hauch des Morbiden 

durchweht wird. Statt „Suicide Pop“ gibt 

es diesmal ein Spiritual Front-Album von 

sakraler, kammermusikalischer Dramatik, 

musikalisch umgesetzt durch Simone Salvatoris 

zurückgekehrten Weggefährten Stefano Puri 

und gesanglich dargeboten von ihm selbst, 

dem Prediger des Nihilismus, dem Papst der 

Dekadenz. „Das Schicksal entscheidet, wann 

etwas endet oder seinen Anfang nimmt“, ist 

von Salvatori zu hören. „Es war die richtige 

Zeit für eine neuerliche Zusammenarbeit. Wir 

müssen den natürlichen Lauf der Dinge nicht 

beschleunigen. Wenn dieser Fluss dorthin 

fließt, dann lasse ich ihn fließen.“ Puri ist 

Spiritual Front-Fans vor allem als Kollaborateur 

auf dem wegweisenden Armageddon Gigolò 

bekannt. Nun lenkt er Spiritual Front abermals 

in eine neue, einzigartige Richtung. Puri 

ex Machina? „Vielleicht ging in den letzten 

Jahren tatsächlich etwas schief“, überlegt der 

Römer. „Ich fühlte mich sehr instabil, und 

das merkte man meiner Musik an. Wieder 

mit ihm gemeinsam zu arbeiten, hat mich 

immens gestärkt.“ Es hat sich aber auch 

wirklich gelohnt. Die Stücke sind von einer 

unglaublichen Dichte, strahlen italienische 

Wollust ebenso aus wie Nick Cave-Zynismus, 

geben sich verloren, melancholisch und 

entrückt. „Uns schwebte ein nacktes, ein 

ehrliches Album vor, das sich nicht versteckt. 

All unser Herz floss in diese Lieder.“ 

Vertont wird Salvatoris und Puris Bewunderung 

für Rainer Werner Fassbinder, den großen 

Maestro des deutschen Kinos. „Ein Tribut 

an seine Kunst und seine Filme“ soll es sein, 

sagt der Sänger, „eine Verbeugung vor seiner 

Fähigkeit, das menschliche Elend auf Zelluloid 

zu bannen – die gebrochenen Versprechen, 

das tiefste Verlangen, die Parodie des Lebens, 

den Schmerz der Liebe, die Sklaverei sexueller 

Beziehungen.“ Fassbinder gibt Salvatori die 

Möglichkeit, das Leben wieder zu schätzen, 

zu wissen, was Liebe ist, und seinen Ängsten 

und Lüsten gegenüberzutreten. Auch sein 

„Suicide Chamber Pop“, wie er es jetzt nennt, 

enttarnt die menschliche Natur: „Fassbinders 

Filme zeigen unser wahres Gesicht. Hinter 

der scheinbaren Ruhe des Mittelstands lauert 

immer die Gier nach Eroberungen. Ein 

sozialisierter Hass, der sich hinter formalen 

Beziehungen verbirgt. Dabei wollen wir 

doch alle nur geliebt werden.“ Da passt die 

Vertonung eines Oscar Wilde-Gedichts im 

abschließenden Each Man Kills The Thing He 

Loves natürlich besonders gut... 

www.spiritualfront.com 



Song for the Will (1999) 

nihilist cocktails for calypso inferno (2001) 

Armageddon Gigolò (2006) 

Rotten Roma Casinò (2010) 

Open Wounds (2013) 

Black Hearts In Black Suits (2013) 

Line-Up: 

Simone Salvatori – Gesang 

Stefano Puri – Musik 


Portrait aus Wut 

und Trauer 

Das lang erwartete neue Album. Inklusive dem Bonus-Album Grenzland. 

Ab sofort erhЂltlich! 

• Opulente Doppel-CD (Album plus Bonus-Album) 

• 8-seitiges Digipak veredelt mit Spotlackierung 

.. 

• Bonus-CD mit zwolf Liedern 

• Zwei umfangreiche Booklets 

• Booklets inklusive aller Texte 

• Streng auf 3.000 Exemplare limitiert 

MANTUS sehen nicht lЂnger zu, wie die Welt in Scherben zerbricht, 

sondern schwingen sich zu FederfŠhrern des klassischen, gitarrenbetonten Gothic auf, 

die aus dem Bekenntnis zur eigenen Verzweiflung die wirksamste Waffe schmieden: 

Starke, gefŠhlvolle Songs, die einen, verbinden und stЂrken. 

„Portrait aus Wut und Trauer“ ist ein 14 Song starkes Manifest, 

das wie eine Fackel in der Dunkelheit auflodert.

„Wir haben den Drang, 

hinter die Kulissen zu schauen.“ 

Simon Michael Schmitt ist nicht nur seit 2005 Schlagzeuger von Subway to Sally, Produzent und Texter, sondern auch Franke aus 

Leidenschaft, großer The Simpsons-Fan und extrem sympathisch. Gut so, denn bei düsteren Themen wie dem neuen Album Mitgift 

schadet die eine oder andere Lachpause nicht... 

Orkus: Mitgift trägt den Untertitel 

Mördergeschichten, was die Stoßrichtung 

ziemlich genau umschreibt. Alle Lieder handeln 

von gewaltsamen Todesfällen oder zumindest 

schweren Verbrechen. Wie bist du auf dieses 

Konzept gekommen? 

Simon Michael Schmitt: Als Künstler 

kann ich mir nicht aussuchen, was mich 

inspiriert. In diesem Fall hat mich das Thema 

einfach angesprungen. Schon lange vor meiner 

Zeit bei Subway to Sally komponierte ich 

bereits einen Song, der sich mit diesem Thema 

beschäftigt. Und auch Subway to Sally haben 

ja bereits mehrere Mörderballaden vertont. 

Als ich dann für das letzte Album Schwarz in 

Schwarz das Stück Mir allein schrieb, war mir 

klar, dass ich gerne ein ganzes Werk mit solchen 

Geschichten füllen würde. 

O: Und deine Kollegen waren gleich Feuer und 

Flamme? 

SMS: Nein, Bodenski war sogar ziemlich 

skeptisch. Also entschied ich mich, die Idee für 

meine andere Band Silverlane zu verwenden. 

Aber eines Abends saßen wir bei Bodenski zu 

Hause bei einer Flasche Rotwein und gingen 

gemeinsam Das große Verbrecher-Lexikon durch. 

Das hat uns beide gefangen. Anschließend 

begann ich mit ernsthaften Recherchen und 

konnte die anderen schließlich überzeugen, 

ein „Mörderalbum“ umzusetzen. Wenn du die 

Bibliothek in meinem Studio anschaust, glaubst 

du wahrscheinlich, du hättest es mit einem 

Verrückten zu tun. (lacht) 

O: Wie habt ihr die zu vertonenden Verbrechen 

ausgewählt? Die Spanne reicht ja von Mythen aus 

fernen Jahrhunderten bis hin zu relativ aktuellen 

Fällen wie jenem des Entführungsopfers 

Natascha Kampusch. 

SMS: Das war ein relativ schweres Thema, 

das stimmt. Grundsätzlich haben wir fast 

alles zugelassen. Ausgeschlossen waren Fälle 

jüngeren Datums über Kindesmissbrauch 

oder Verbrechen, die nicht so stark in der 

Öffentlichkeit standen. Wir wollten unbedingt 

vermeiden, jemanden mit unserer Musik zu 

verletzen oder zu beleidigen. Das Stück Dein 

Kapitän, das wir dem Fall Kampusch zugeordnet 

haben, lässt sich zum Beispiel allgemein auf 

Entführungen anwenden. Aber die Geschichte 

ging ja auch ausführlich durch die Presse, und 

das Opfer selbst zeigte sich oft im Fernsehen. 

O: Du musst dich während deiner Arbeit doch 

auch gefragt haben, was Menschen generell an 

solchen Geschichten fasziniert, oder? 

SMS: Natürlich. Im Zuge meiner Recherchen 

hatte ich das große Glück, die bekannte 

Kriminalpsychologin und Autorin Lydia 

Benecke (unter anderem Auf dünnem Eis. Die 

Psychologie des Bösen – Anm.d.Verf.) und ihren 

Mann Mark kennenzulernen, die mir viele 

Informationen geben konnten. Es ist wie bei 

einem Zaubertrick. Die Leute wollen wissen, wie 

er funktioniert. Und bei einem Mörder wollen 

sie wissen, was ihn zu dieser Tat getrieben hat. 

Wir haben den Drang, hinter die Kulissen zu 

schauen. Das liegt in der Natur des Menschen. 

Es ist kein Zufall, dass Fernsehserien wie Autopsie 

– Mysteriöse Todesfälle so erfolgreich sind. Aber 

ich habe gelernt, dass es dabei nicht nur um 

bloßen Voyeurismus geht. Viele interessiert 

tatsächlich der Hintergrund der Geschichte. 

O: Bist du selber denn auch Fan von Krimis und 

fiktionalen Erzählungen zum Thema? 

SMS: Nein, überhaupt nicht. Mich interessieren 

nur echte Fälle, besonders ungelöste Mordfälle. 

Vor Jahren habe ich sogar eine Zeit lang mit dem 

Gedanken gespielt, Richtstättenarchäologe zu 

werden. Das ist eine Welt, die mich unglaublich 

fasziniert. 

O: Andererseits muss es doch sehr belasten, 

sich rund um die Uhr durch den Dreck der 

menschlichen Geschichte zu wühlen. Als 

Beispiel sei der Serienkiller Fritz Haarmann aus 

Hannover genannt, der für euer Stück Warte, 

warte Pate stand. 

SMS: Natürlich ist das anstrengend. Ich bin 

für dieses Album an meine Grenzen gegangen 

und musste immer mal wieder Abstand zum 

Thema gewinnen. Wobei Fritz Haarmann gar 

nicht der schlimmste Fall war. Was mich an der 

Geschichte gereizt hat, ist die Tatsache, dass er 

sich als erster deutscher Medienstar inszenierte. 

Er sagte einmal selbst, dass sich die Menschen 

noch in tausend Jahren an ihn erinnern werden, 

und hat damit gespielt. Allerdings misslang 

sein Versuch, sich als geisteskrank darzustellen, 

er wurde schließlich hingerichtet. Und es gibt 

noch einen anderen interessanten Aspekt: Schon 


„Alles drum herum ist Bonus.“ 

zu seinen Lebzeiten sprachen die Menschen in 

seiner Stadt davon, dass ein Werwolf oder ein 

Vampir umgehe, der die jungen Opfer töte. 

All diese Mythenwesen basieren auf frühen 

Verbrechen von Menschen. Einfach, weil wir uns 

nicht vorstellen können, dass einer von uns zu so 

etwas fähig ist. 

O: Widmen wir uns den musikalischen 

Aspekten von Mitgift. Du hast hier nicht nur 

als Komponist und Texter Schwerstarbeit 

geleistet, sondern auch als Produzent. War 

es nicht kompliziert, diese Mischung aus 

mittelalterlichen Instrumenten, Metal-Riffs und 

elektronischen Parts zu vereinen? 

SMS: Es war zumindest eine große 

Herausforderung. Wir hatten rund 280 Spuren 

pro Song, die bereits von über 300 Spuren 

zusammengefasst waren. Aber uns schwebte ein 

gutes Maß zwischen all den von dir genannten 

Elementen vor. Ich bin selbstbewusst an die 

Arbeit gegangen und im Nachhinein sehr 

zufrieden. Alle Instrumente haben genügend 

Raum. Grundsätzlich ist es eh so, dass die 

Stimme von Eric und die Gitarre von Ingo den 

Sound von Subway to Sally ausmachen. Alles 

drum herum ist Bonus. 

O: Du bist nun zwar bereits neun Jahre dabei, 

aber trotzdem das „frischeste“ Mitglied. Dein 

Einfluss scheint in den letzten Jahren rapide 

gewachsen zu sein... oder täuscht das? 

SMS: Das war eigentlich vom ersten Tag an so. 

Ich habe schon beim Vorspielen gespürt, dass 

wir künstlerisch verwandt sind. Das ist meine 

Band. Nicht dass sie mir gehören würde! Aber 

ich gehöre in diese Band. Kompositorisch und 

als Texter konnte ich früh meinen Beitrag leisten. 

Seitdem ich das Tonstudio besitze, ist es nur 

logisch, dass wir auch diese Möglichkeit nutzen. 

O: Insgesamt bekommt man den Eindruck, dass 

ihr euch ein wenig aus der Mittelalter-Szene 

lösen wollt. Das lässt sich sowohl an den Lyrics 

als auch am Sound ablesen, welche sich immer 

weiter von den „Standards“ entfernen. 

SMS: Ich persönlich habe schon länger das 

Gefühl, dass die Szene stagniert. Es passiert 

nichts Neues, es gibt keine Inspirationen mehr. 

Das Metal-Riff mit der darübergelegten Folk- 

Melodie habe ich jetzt tausend Mal gehört. Für 

Mitgift benutzten wir viel moderne, elektronische 

Musik, weil wir einfach Lust drauf hatten. Das 

kann sich mit dem nächsten Album wieder 

ändern, muss es aber nicht. Ich weiß, dass viele 

Fans auf die frühen Werke – wie Bannkreis oder 

Foppt den Dämon! – stehen. Aber diese Alben 

gibt es schon. Wir werden nie wieder so klingen. 

O: Ihr habt euch auch in Sachen Coverartwork 

weiterentwickelt. Wenn man die Bilder von 

früheren Veröffentlichungen mit Mitgift 

vergleicht, ist das ein riesiger Unterschied. 

Die lebensgroßen Scherenschnitte wirken 

unglaublich intensiv. 

SMS: Die Idee entwickelten wir gemeinsam 

mit der Firma angst-im-wald. Unser Ziel war es, 

das Thema „Mord“ anspruchsvoll darzustellen. 

So kam uns die Idee mit dem Schattenspiel. 

Die Firma entwickelte einige Beispiele, die uns 

sofort gefielen. Wir hatten übrigens vor Jahren 

schon mal überlegt, ein Schattenspiel in unsere 

Bühnenshow zu integrieren. 

O: Womit du die letzte Frage vorwegnimmst: 

Mitgift würde sich dafür anbieten, theatralische 

Elemente jedweder Art einfließen zu lassen... 

SMS: Darüber haben wir uns auch Gedanken 

gemacht. Es werden definitiv keine normalen 

Shows, das ist klar. Wir haben zum ersten Mal 

seit 20 Jahren einen neuen Bühnenaufbau, 

außerdem experimentieren wir gerade mit 

einigen spielerischen Elementen. Es muss 

natürlich immer umsetzbar bleiben. Aber nach 

momentanem Stand werden die Gigs auf der 

Tour aus zwei Blöcken bestehen. Im ersten 

kommen unsere Mörderballaden zum Zug, 

anschließend soll es etwas lebensbejahender 

zugehen. Die Leute sollen ja mit einem guten 

Gefühl nach Hause gehen. 

www.subwaytosally.com 


Photos: angst-im-wald 


Album 1994 (1994) 

MCMXCV (1995) 

Foppt den Dämon! (1996) 

Bannkreis (1997) 

Hochzeit (1999) 

Schrei! (live, 2000) 

Herzblut (2001) 

Engelskrieger (2003) 

Nord Nord Ost (2005) 

Nackt (live, 2006) 

Bastard (2007) 

Schlachthof (live, 2008) 

Kreuzfeuer (2009) 

Nackt II (live, 2010) 

Schwarz in Schwarz (2011) 

Mitgift (2014) 

Line-Up: 

Eric „Fish“ Hecht – Gesang, Dudelsack, Barockoboe, 

Schalmei, Flöten 

Ingo Hampf – Gitarre, Renaissancelaute, Mandoline 

Michael „Bodenski“ Boden – Gitarre, Drehleier, Gesang 

Silke „Frau Schmitt“ Volland – Geige, Bratsche 

Simon Levko – Gitarre, E-Trumscheit, Gesang 

Silvio „Sugar Ray“ Runge – Bass 

Simon Michael Schmitt – Schlagzeug, Percussion 

Jetzt auch als Abo-Prämie: 


„Eine Reise durch die Augen eines 

außerirdischen Nachtfalters...“ 

Eine Welt aus Geistern, Feen, Hexen, spacigen 

Kätzchen und anderen magischen Wesen 

erweckt Paulina Cassidy mit ihren Werken zum 

Leben. Dabei beschränkt sie sich nicht auf eine 

Kunstform. Paulina schreibt und illustriert Bücher 

sowie Kalender, zeichnet Einzelbilder und Serien, 

hat zwei Tarotkartensätze gestaltet und setzt ihre 

Ideen auch klanglich um. „Meine Musik ist so, 

wie meine Kunst sich anhört. Bildende Kunst 

und Musik sind eng verknüpft – sie verbindet 

eine kreative Welle, die sich vom Visuellen zum 

Hören und wieder zurück bewegt“, erläutert die 

gebürtige Kanadierin, die heute in den USA lebt. 

„Ich sehe das oft bei Künstlern passieren, und es 

ist faszinierend, denn wir wissen nicht wirklich, 

woher das kommt, aber es ist da.“ 

Die Sängerin und Komponistin will ihre Figuren 

als keine reinen Erfindungen verstanden wissen, 

sondern ist der Überzeugung, dass wir uns Zeit 

und Raum mit zahllosen anderen Dimensionen 

teilen: „So viele verschiedene Welten dort draußen 

warten darauf, entdeckt zu werden. Ich glaube 

an anderweltliche Dinge aller Art, die in jenen 

anderen Dimensionen wohnen. Manche dieser 

Existenzen leben auch bei und unter uns, etwa die 

Elfen. Es ist die Magie des Geheimnisvollen, das 

Unbekannte, die Esoterik, warum Künstler aller 

Sparten darüber malen, schreiben, Lieder singen. 

Das hilft uns wohl, diesem Mysterium ein wenig 

näherzukommen.“ 

Aus vielfältigen Quellen speist sich Paulinas dunkelbunt-märchenhafter 

Kosmos: von Lewis Carroll 

oder Tim Burton zu Kay Nielsen und Edward 

Gorey, von Cocteau Twins oder The Cure über 

Tangerine Dream und Radiohead bis zu keltischer 

Musik und Ambient. Ihr neues Album trägt den 

Titel Sugar Wingshiver. Was das sein soll? Natürlich 

ebenfalls ein Wesen, welches der künstlerischen 

Phantasie entsprungen ist. „Wenn je ein 

Nachtfalter aus einer fremden Welt zu uns käme, 

würde ich ihn Sugar Wingshiver nennen. Und so 

ist dieses Album letztendlich eine Reise durch die 

Augen eines außerirdischen Nachtfalterweibchens, 

das unseren Planeten besucht; seine Beobachtung 

der anderen mysteriösen Geschöpfe auf Erden und 

der Einfluss, den es hinterlässt, nachdem es wieder 

fortgeflogen ist“, erklärt Paulina, die alle Tracks 

allein und mit elektronischen Mitteln einspielt. 

Die Stücke auf Sugar Wingshiver wirken zumeist 

atmosphärisch, verträumt, relaxed, obschon 

auch spukige Gestalten wie ein Werwolf darin 

vorkommen. „Meine Kunst berührt durchaus das 

Schauderhafte, obwohl sie normalerweise nicht so 

unheimlich erscheint, sogar dann nicht, wenn es 

beabsichtigt ist. Ich schätze, das ist meine Natur“, 

sagt die Veganerin hierzu. 

Bei so vielen mystischen Kreaturen in ihrem 

Schaffen stellt sich die Frage, ob Paulina 

Cassidy selbst gern eine davon wäre, wenn sie 

ihr menschliches Dasein eintauschen könnte? 

Das Nachdenken währt nur kurz. „Ich hätte 

nichts dagegen, für eine Weile das Feenleben 

auszuprobieren. Doch ich liebe auch den Ozean 

– vielleicht wäre es ganz schön, eine Meerjungfrau 

zu sein; dort, wo es tropisch warm ist...“ 

www.paulina.ws 

Axel Schön 


Bloodroots (2011) 

Time Traveler (2012) 

Girl in a Moonbeam Cloak (2012) 

Lost in Oz (2012) 

Sugar Wingshiver (2014) 

AB 

28.03.! 

DAS ERSTE SOLOALBUM DER EHEMALIGEN NIGHTWISH-FRONTFRAU! 

ERHÄLTLICH ALS CD DIGIPAK UND DOWNLOAD. 

www.anette-olzon.com · www.facebook.com/anetteolzonofficial 

S H I N E 

www.ear-music.net 

Facebook: earmusicofficial 

Youtube: earmusicofficial 

Twitter @earmusicedel

„Ein Bilderbuch!“ 

Im Oktober 2013 erschien das Zweitwerk der siebenköpfigen Mittelalter-Truppe. Nun folgt ihre „Willkommen 

im Licht“-Tour. Die erste Tournee, bei der Harpyie nicht als Support, sondern als Headliner auftreten dürfen. 

Etwas ganz Besonderes für die humorvollen Musiker. Wir haben mit Fronter Andre alias Aello die Windböe über 

die Konzertreise, die Resonanz auf das Album und mehr gesprochen. 

Orkus: Eure Tour hat gerade begonnen. Seid ihr aufgeregt? 

Aello die Windböe: Natürlich sind wir aufgeregt. 

So wie immer! Aber diesmal ist es schon besonders – da 

wir in der Vergangenheit immer Support waren, sind wir 

eine eigene Tour nicht gewöhnt und schauen mit Respekt 

auf das, was uns erwarten mag. Aber wir haben einiges 

in Planung. Natürlich werden wir hauptsächlich die 

Lieder unseres neuen Albums spielen, aber auch ein paar 

„Klassiker“ werden zu hören sein. 

O: Willkommen im Licht wurde im Herbst veröffentlicht. 

Wie waren die ersten Reaktionen? 

AdW: Ihr hört das bestimmt oft, aber ich glaube, so 

richtig zu 100 Prozent ist man nie zufrieden. Man weiß 

immer hinterher, was man hätte besser machen können, 

aber grundsätzlich sind wir sehr stolz. Willkommen im Licht 

klingt definitiv so, wie wir es uns im Vorfeld gewünscht 

haben. Die Reaktionen sind, wie bei uns immer, von hoch 

gelobt bis zerrissen. Wir sind damit zufrieden, dass wir 

so polarisieren. So finden wir statt und geraten nicht in 

Vergessenheit. 

O: Besonders spektakulär ist das illustrierte Booklet. Erzähl’ 

uns bitte mehr darüber. 

AdW: Ja, das ist ein Nerv der Band. Wir wollen nicht 

einfach nur Musik machen, sondern eine ganze Welt 

erschaffen. Dementsprechend ist uns die Gestaltung auch 

immer total wichtig. Es ist ein Gesamtkunstwerk. Wir

finden aussagekräftige Szenen wichtig, und vor allem 

bringen sie dem Leser das Thema des Songs näher. Ihr 

werdet sehen, dass jedes Bild zum jeweiligen Song passt 

und teilweise den Inhalt sehr klar wiedergibt. Es ist 

unser kleines Geschenk an die Fans. Ein Bilderbuch! 

O: Wie seid ihr auf den Namen Harpyie gekommen? 

Ich musste gleich an Das letzte Einhorn denken... 

AdW: Yep, Das letzte Einhorn. (lacht) Da kommen 

viele drauf. Man kennt sie, glaub’ ich, auch aus Ronja 

Räubertochter und aber vor allem aus der griechischen 

Mythologie. Die Racheengel von Zeus. Aber es gibt sie 

auch in der realen Fauna. Die größten Raubadler der 

Welt. Ich denke, identifizieren können wir uns mit allen 

Beispielen. Gekommen sind wir auf Harpyie wie die 

Jungfrau zum Kind. Wir hatten uns mehrere Wochen 

den Kopf zerbrochen, wie wir heißen könnten, und es 

kam nichts Ordentliches dabei rum. Irgendwann kam 

Mechthild aus Kreta zurück und sagte: „HARPYIE!“ 

Manchmal kann es so einfach sein. (lacht) 

O: Gibt es so etwas wie einen ganz besonderen Moment 

in eurer Bandgeschichte? 

AdW: Oh ja, da gibt es viele. Aber ich denke, dass die 

Konzerte auf dem Wacken Open Air die spektakulärsten 

Tage in unserem Musikerleben waren. Reizüberflutung 

pur. Tolle Konzerte. Wir leben und kosten jeden 

Moment aus und freuen uns, solange es Bestand hat. 

O: Euer neues Album beinhaltet einige spannende 

Zusammenarbeiten. Wie sind sie zustande gekommen? 

AdW: Da sind dieses Mal ein paar ganz tolle Leute 

dabei. Dem Hauptmann von Feuerschwanz bin ich 

besonders dankbar, weil er der Story des letzten Helden 

erst richtig Leben eingehaucht hat. Ihm ist es zu 

verdanken, dass aus einem überheblichen Monolog ein 

lustiger Dialog wurde. Ich finde, das wertet den Song 

ungemein auf. Für Samson und Delilah brauchten wir 

natürlich eine Delilah, und die sollte tough, energisch 

und kraftvoll klingen. In Sina (Niklas, Ex-Orphan Hate 

– Anm.d.Red.) haben wir eine wunderbare Stimme 

gefunden. Ich könnte mir keine bessere Wahl für den 

Song vorstellen. 

O: Und das Ergebnis ist ein eigenes Genre, das sich in 

keine Schublade stecken lässt... 

AdW: Ja, das ist bei uns nicht einfach. Um es den 

Hörern einfacher zu machen, würde ich sagen, es ist 

Mittelalter Rock. Wer sich näher damit beschäftigen 

will und uns da nicht sieht, dem sage ich „Folk Pop 

Metalcore“. (lacht) Also, ich würde uns da wirklich in 

keiner mir bekannten Nische der Szene sehen, weil ich 

auch keine zweite Band kenne, die so klingt. 

www.harpyien.de 



Blindflug (2012) 

Willkommen im Licht (2013) 

Line-Up: 

Aello die Windböe – Gesang, Schalmeien 

Podargo der Schnellfliegende – Gitarre, Laute 

Gyronimus Basstard – Bass 

Mechthild Hexengeige – Geige, Gesang 

Garik Sturmbringer – Sackpfeifen, Flöten 

Michael von Ullrichstein – Sackpfeifen, Flöten 

Kelaino der Dunkle – Schlagzeug, Percussion, Gesang 

„In Zukunft 

mehr Anreiz...“ 

„Wir spielen eingängigen Electronic Rock, kurz: Electrock. Moderne 

Beats, kombiniert mit kraftvollen Gitarrenriffs und melodiösem 

Gesang, in einem Klanggewand aus Synthiesounds. Das Ganze 

arrangiert als kompakte, zielstrebige Songs mit Ohrwurmgarantie. 

Jedoch sind wir auch experimentierfreudig – gerade das Spielen 

mit elektronischen Elementen macht einen großen Teil unserer 

Musik aus“, umreißt Fronter Gerrit Wolf seine Band für jene, die 

sie bisher nicht kennen. Neben ihrem Debut Shapes of Perception 

schufen Jovian Spin auch einige spannende Remixe, etwa von Neuer 

Wind (van Canto) oder Ich sehe die Sterne bei Tag (Samsas Traum). 

Letztere Verbindung geht aber noch tiefer: „Wir haben bereits 

2013 für Samsas Traum im Vorprogramm in der Bochumer Matrix 

gespielt. Der Kontakt zu Alexander Kaschte kam erfreulicherweise 

über Orkus! zustande. Wir hatten den Track scream & shout auf der 

Orkus! Compilation 72 veröffentlicht. Alex wurde dadurch wohl auf 

unseren Sound aufmerksam und schrieb mich an, ob ich für ihn 

einen weiteren Remix machen würde.“ 2014 kann man Jovian Spin 

erneut als Support des Käferkönigs bewundern. 

Da sie eine wirklich große Leidenschaft für gute Bearbeitungen 

hegen, bieten sie auf ihrer Homepage eine ganz besondere 

Möglichkeit – die Chance, eigene Versionen ihrer Stücke 

anzufertigen. „Wir freuen uns über jeden Besuch und über jeden 

Remix, den wir zugeschickt bekommen“, sagt der kreative Kopf 

der Truppe. Gerrit schreibt die Lieder sowie Texte. „Musikalisch 

lasse ich mich gerne von aktuellen Produktionen vieler Künstler 

beeinflussen. Auch Live-Konzerte anderer Acts geben mir einen 

starken Drang, selbst Musik zu machen und damit auf der Bühne 

zu stehen. Sehr interessant finde ich momentan Bands wie The 

Knife, VETO oder Die Antwoord.“ 

Derzeit stellen die Mainzer ihr zweites Album fertig. Alle Titel 

sind schon arrangiert und im Aufnahmeprozess. Gerrit verrät, 

dass das Werk (vermutlich) im Sommer erscheinen soll. „Für das 

Release haben wir uns etwas Besonderes einfallen lassen. Wir haben 

beschlossen, dem Fan beziehungsweise Käufer in Zukunft mehr 

Anreiz zu geben, wie und wann er sich Musik von uns anhören und 

kaufen kann. Mehr Infos dazu später!“, grinst er. Na, da sind wir 

natürlich gespannt... 

www.jovianspin.com 


Orkus! - 123 73

„Das Einzige, was zählt, ist das Hier und Jetzt.“ 

„Meine Stimme ist mein wichtigstes Instrument“, sagt Johannes 

Sigmond. Klar und aufgeräumt klingt sie durchs Telefon. Bei einem 

Sänger, als der er vorrangig gesehen werden möchte, ist das nichts 

Besonderes. Weder sein Statement noch dessen wohliger Klang. Das 

Besondere ist, dass er gleichzeitig davon spricht, Lyrics würden einer 

Melodie selten guttun. Und dass er trotzdem bei jedem Stück seines 

neuen Albums Promises of No Man’s Land Text und Stimme einsetzt. Mal 

wild, mal sehr zurückgenommen, mal plakativ, mal sehr verschachtelt. 

Den Ton gibt sie immer an. 

Er erzählt von Plätzen und Städten, die essenziell für ihn und sein 

Schaffen sind: Berlin, Barcelona, Utrecht, Südfrankreich. Er ist ein 

hipper, hauptsächlich in den Beneluxstaaten erfolgreicher Künstler, 

Weltreisender und Fan von Radrennen. Blaudzun ist ein interessanter 

Mann, und das nicht nur wegen der Ambivalenz, mit der er über seine 

Stimme redet. Seinen Namen hat er dem dänischen Radrennfahrer aus 

den Sechzigern entliehen, sein aktuelles Coverbild zeigt ein androgyn 

wirkendes Kind, das der tschechische Photograph Jan Saudek 1978 

aufgenommen hat. „Auch wenn ich gern Bowie oder Springsteen höre, 

bin ich nicht in den Siebzigern gefangen“, erklärt Blaudzun und schiebt 

nach: „Ich liebe es, im Jahr 2014 zu leben. Das Einzige, was zählt, ist das 

Hier und Jetzt.“ 

Oft streift er mit seinen Sätzen und Überlegungen eine universelle 

Wahrheit und behält trotzdem seinen Humor. Er lacht in den Hörer, 

seine Stimme sei mit seinem Gehirn, seinen Gefühlen, vor allem aber 

mit seinen Eiern verknüpft. Und er sagt, dass Musik ihn reinige und 

befreie: „Musizieren ist Katharsis.“ 

Um die Entwicklung des neuen Materials hat er ein mittelschweres 

Geheimnis gemacht und beteiligte Gäste gebeten, kein Wort über die 

Produktion zu verlieren, welche er im Juni 2013 begonnen hatte. Er 

vergleicht den Prozess mit dem Kochen eines Eintopfs. Auch da dürfe 

der Deckel nicht immer wieder angehoben werden. Das schadet dem 

Geschmack. Ist musizieren also wie kochen? Blaudzun antwortet einfach, 

dass er in jene Zone gelangen wollte, ein Debutwerk zu produzieren. Es 

ist sein viertes. 

Das titelgebende Niemandsland beschreibt der Künstler als 

„unerforschtes Terrain“, als eine Stadt mit Millionen Einwohnern und 

Millionen einsamer Seelen. „Du hast eine Entscheidung getroffen, 

von der du nicht weißt, was sie mit sich bringt. Doch zurück kannst 

du auch nicht.“ Gefangen in der Spur. Aber er redet eben auch davon, 

dass ein solcher Prozess wichtig ist und prägend. „Manchmal muss man 

eine Grenze überschreiten, das kann wunderschön sein. Nichts, was du 

kanntest, bleibt gleich.“ Darum „promises“ – Versprechungen. 

Womöglich, sagt Blaudzun, verändert auch er sich bis zu seinem 

nächsten Album... sein Sound, seine Stimme. Kategorien interessieren 

ihn nicht: „Ob es Folk Rock oder Alternative Rock genannt wird, ist egal. 

Ich unterscheide bloß zwischen guter oder schlechter Musik.“ Nichts 

also ist sicher, nur vielleicht, dass sein Album in Blaudzuns Kategorien 

passt. In die gute. 

www.blaudzun.com 

David Skrinjar 


Blaudzun (2008) 

Seadrift Soundmachine (2010) 

Heavy Flowers (2012) 

Promises of No Man’s Land (2014) 


„Ich bin 

sozusagen 

eine gezielte 

Träumerin.“ 

Besonders in den letzten Jahren hat so manche Powerfrau bewiesen, dass die Psychobilly/ 

Rockabilly/Horror Punk-Szene nicht unbedingt eine Männerdomäne sein muss. Man 

denke bloß an Kitty in a Casket oder The Hellfreaks. Doch die aus Finnland stammenden 

Night Nurse setzen noch einen obendrauf. Sängerin Nurse Camy bringt eine solche Ladung 

Aggression, Energie und Leidenschaft mit auf die Bühne, wie man sie selten erlebt: rotes 

Haar, unzählige Tattoos, sexy Lack und Leder und natürlich eine kraftvolle Stimme. 

Camy ist, wie sie selber findet, kein kleines Mädchen mehr, und diese Lebenserfahrung und 

Reife kann man hören. „Mit unserer Musik will ich jedem zeigen, dass er einfach nur er selbst 

sein soll. Man soll die Sachen anpacken, die das Herz einem sagt. So mache ich auch Musik“, 

erzählt die charismatische Vokalistin. „Ich bin sozusagen eine gezielte Träumerin. Ich male 

mir aus, dass ich mich in allen möglichen Situationen befinde. Vielleicht ist das meine Art, 

mich für die Zukunft zu wappnen, ohne dabei zu viel Stress zu haben. Ich glaube, man kann 

alle Bestrebungen wahr machen, wenn man sie nicht allzu ernst nimmt. Ich gehe meinen 

eigenen Weg, habe aber auch keine Angst, jemanden um Hilfe zu bitten.“ 

Jetzt steht das heiß ersehnte Debut bereit. Band und Album sind nach der kessen Fronterin 

benannt, die auf dem Cover keine Furcht vor Spritzen zeigt und als verführerische 

Krankenschwester in knappem Lack posiert. Sie ist auch für das gesamte Artwork 

verantwortlich. Inhaltlich erwartet uns „Psychobilly mit fesselnden Melodien und gruseligen 

Vibes... Night Nurse deckt ganz verschiedene Seiten und Atmosphären von Horror ab“, 

erklärt Camy. 

Tom Bones, Kontrabassspieler der Truppe, berichtet über die Produktion: „Wir haben so eine 

Do It Yourself-Einstellung, und ich sorge für die Aufnahmen und den Mix. Glücklicherweise 

sind wir alle schon sehr lange befreundet, und jeder teilte dieselbe Vision. Das macht die 

Sache einfacher. Ich musste bloß alles irgendwie zusammensetzen. Natürlich gab es auch ein 

paar Dinge, die wir lieber Profis überlassen. Virtalähde Mastering und Wolverine Records 

haben den Rest erledigt.“ So entstand ein sauber produziertes Album, das definitiv viel 

Aufmerksamkeit erregen wird. 

Die letzten Monate waren für Camy und ihre Jungs extrem spannend. Night Nurse wurde 

fertiggestellt, und sie bastelten fleißig an einer Releasetour. „Wir freuen uns sehr, nach 

Deutschland, Tschechien oder Österreich zu kommen. Das wird super!“, lacht Tom. Schön, 

dass die Finnen die Grenzen ihrer Heimat überschreiten und auch hiesige Gebiete unsicher 

machen. Der blanke Horror steht also vor der Tür – Du musst ihn nur noch hereinlassen. 

www.nightnurse.fi 


INCURA · OUT NOW! 

Wilde, knirschende Metal-Grooves gehen in technisches 

Prog-Rock-Können über, während es sich Classic-Rock- 

Arrangements neben operesquem Drama gemütlich machen. 

Für Fans von MY CHEMICAL ROMANCE, 

BILLY TALENT, AFI und FALLOUT BOY! 

GOLIATH · OUT NOW! 

Das monströse Debüt einer der aufregendsten Bands, die 

aus der Metal-Szene von Los Angeles hervorgegangen ist. 

Erhältlich als: CD und DIGITAL ALBUM 

www.CENTURYMEDIA.com

„Sich selber kennenzulernen, ist ein fortwährender Prozess...“

Zeit hat die Bedeutung, die man ihr gibt. Wenn eine Band aber seit 30 Jahren in einer Underground-Szene nicht nur besteht, 

sondern über jene lange Spanne erfolgreich bleibt, ist das mehr als eine Randnotiz wert. Clan Of Xymox gehören nicht ohne Grund 

seit nun tatsächlich drei Jahrzehnten zu den großen Namen im Gothic/Wave. 

Orkus: Vor eurem aktuellen Release 

Matters of Mind Body and Soul habt ihr 2012 

Kindred Spirits veröffentlicht – ein Werk mit 

Interpretationen einiger Gothic- respektive 

Wave-Kultstücke. Mögen eure Fans deine 

Fassungen dieser im Original ja sehr berühmten 

Titel? Hat sich eventuell sogar ein Song als 

Favorit entpuppt? 

Ronny Moorings: Das Cover-Album 

wurde sehr gut aufgenommen. Die Lieder 

gefielen unseren Fans, die auch die ausgewählten 

Bands mochten. Ich kann nicht sagen, welches 

am meisten gefiel, aber Fangruppen von 

The Cure und Depeche Mode haben unsere 

Varianten in ihre Websites eingebaut. Das ist 

eine Ehre und ein Zeichen, dass es die richtigen 

Cover-Versionen waren. Es war aber vor allem 

auch meine persönliche Hommage an diese 

Bands, deswegen bin ich natürlich mit dem 

Resultat zufrieden. 

O: Seit 1984 gibt es Xymox/Clan Of Xymox. 

Magst du persönlich immer noch dieselbe 

Musik wie Mitte und Ende der Achtziger, oder 

haben sich deine Vorlieben seitdem komplett 

geändert? 

RM: Mein Geschmack wechselt laufend. Das 

hilft, wenn man selbst Musik schreibt. Man 

darf nicht einfach in der Vergangenheit stecken 

bleiben. Die Zeit, verschiedene Menschen, 

eigene Erlebnisse und Erfahrungen, vielleicht 

auch die Umgebung beeinflussen meinen 

Musikgeschmack – ich lasse das ganz auf mich 

zukommen. Das Einzige, was ich weiß, ist, 

was ich nicht mag. Um Mainstream nämlich 

werde ich definitiv immer einen großen Bogen 

schlagen. Ich schätze, man kann meinen 

Geschmack als „alternativ“, aber nicht „total 

alternativ“ bezeichnen. Die Nummern, die 

ich auf Kindred Spirits gecovert habe, sind der 

Background, aus dem ich stamme. Von dort 

hat sich mein musikalischer Horizont ständig 

erweitert. 

O: 1984 war die Welt noch eine andere. Oder? 

Wie sind deine Erfahrungen? Und ist deiner 

Meinung nach die Welt anno 2014 besser oder 

schlechter als drei Dekaden zuvor? 

RM: Ach... unterschiedliche Zeiten, 

unterschiedliche Einstellungen und 

Erfahrungen. Ich kann nicht behaupten, dass 

das eine besser ist als das andere. Ohne die Welt 

von 1984 – wenn du einen so genauen Stempel 

aufdrücken willst – wären wir schlicht nicht 

da, wo wir jetzt sind. Doch ich vermisse die 

Vergangenheit bestimmt nicht. Es ist irgendwie 

albern, wenn Leute auf die Vergangenheit 

zurückblicken als etwas, wonach man sich 

sehnt. Man muss in der Gegenwart leben 

und das Beste aus dem Leben machen, wie es 

momentan ist. Das verbietet einem ja nicht, 

Früheres, das man selbst als gut empfindet, in 

seinen aktuellen Lebensstil zu integrieren. 

O: Und was, denkst du, ist heutzutage 

grundsätzlich wirklich besser oder schlechter? 

RM: Der heutige Zugang zu Information, die 

technischen Innovationen und die Art, wie 

wir global kommunizieren können, ohne ein 

Vermögen auszugeben, sind enorme Schritte 

vorwärts. Flatscreens machen es zu einem 

wahren Vergnügen, Filme zu schauen. In den 

Achtzigern wurden wir allerdings nicht so mit 

Werbung bombardiert wie jetzt. Als nahezu 

einziger Musikkanal war MTV damals wichtig. 

Und wir waren drin... wie cool ist das bitte?! 

Mittlerweile ist Musik überall erhältlich, und 

bei YouTube muss man nur den Namen seiner 

Band eintippen und kann fast alle Clips sehen. 

Um noch mal über „cool“ zu reden – hier in 

Bezug auf heute: In den Achtzigern sprach man 

nicht von Erderwärmung. Eher im Gegenteil: 

dass eine neue Eiszeit eintreten würde. Die 

Veränderungen durch die Einführung der CD 

kennen wir alle. Ich war sehr aufgeregt, als 

man unser erstes Album auch auf CD brannte. 

Wir waren eine der ersten Bands auf CD! Pac- 

Man war eines der wenigen Videospiele, die 

es so gab. Stell’ dir das mal vor. Das Leben 

war früher wohl einfacher. Eine Welt, in die 

zurückzukehren ich mir nicht vorstellen kann. 

Nostalgische Menschen wird es immer geben, 

und nach dem Comeback von Vinyl scheint es 

verständlich, Albumcover in Händen halten zu 

wollen. Jedoch sind sie weniger handlich, wenn 

man beim Autofahren oder Joggen Musik hören 

möchte. (lächelt) Hm, was sonst? Ich hatte in 

den Achtzigern nie so viele Freunde wie heute, 

dank Facebook. (lacht laut) Meine Bücher lese 

ich immer noch so wie damals. Ich starre schon 

genug auf Bildschirme, da will ich in meiner 

Freizeit das Buch gerne auch fühlen. Außerdem 

mag ich es, richtige Bücher im Regal stehen zu 

haben. Alles in allem gefällt es mir ganz gut so, 

wie es jetzt ist. 

O: 30 Jahre – so viele Alben und so viele 

Konzerte. Genießt du es immer noch täglich, 

Musik zu machen, neue Melodien zu ersinnen 

und über neue Lyrics nachzudenken, ohne dich 

dauernd wiederholen zu wollen? 

RM: Ich nehme Pausen von der Musik, mit 

absoluter Stille im Haus. Wenn ich ein Album 

vollendet habe, suche ich erst einmal Abstand 

vom Komponieren und Texten. Es braucht 

dann eine Weile, bis ich wieder das Bedürfnis 

danach verspüre. Mit den Live-Shows ist es 

ähnlich. Wir überbuchen uns nicht, genießen 

dafür jeden Auftritt, den wir haben. Wir haben 

für uns das richtige Maß gefunden, und darum 

kann ich auch nach den vielen Jahren noch 

weitermachen, Energie und Leidenschaft als 

Komponist und Musiker empfinden. 

O: Was für eine Art von Musik dürfen wir denn 

in weiteren 30 Jahren von dir erwarten? 

RM: Mein Requiem vielleicht? 

O: Was sind deine wichtigsten Erkenntnisse 

aus den letzten drei Dekaden – einerseits als 

Bandleader, aber auch als Privatperson? 

RM: Weiter neue Dinge lernen und nicht 

glauben, alles zu wissen oder nichts mehr 

wissen zu müssen. Sich selber kennenzulernen, 

ist ein fortwährender Prozess und vielleicht 

der Grund, warum ich Musik mache und 

Texte schreibe: damit ich tief in mir graben 

und etwas herausholen kann, von dem ich gar 

nicht wusste, dass es dort, im hintersten Winkel 

meines Geistes, war. 

O: Wird es anlässlich dieses großen 

Bandjubiläums etwas Spezielles von euch für 

eure Anhängerschaft geben? 

RM: Sollte es nicht andersherum sein? Welches 

Geschenk bekommen wir von unseren Fans 

zum Geburtstag? Nein, ich mache natürlich 

nur Spaß. Aber wie im ersten Teil unseres 

Gespräches bereits gesagt (siehe Orkus!- 

Februar-Ausgabe – Anm.d.Verf.), hebe ich 

solche Punkte ungern besonders hervor. 

Wir hoffen einfach, dass wir unsere Fans in 

naher Zukunft bei einem Konzert treffen und 

kennenlernen, und in der Zwischenzeit hoffe 

ich, dass jedem, der Matters of Mind Body and 

Soul hört, das Album auch gefällt. 

www.clanofxymox.com 

Axel Schön 


Clan Of Xymox (1985) 

Medusa (1986) 

Twist Of Shadows (1989) 

Phoenix (1991) 

Metamorphosis (1992) 

Headclouds (1993) 

Hidden Faces (1997) 

Creatures (1999) 

Live (live, 2000) 

Notes From The Underground (2001) 

Farewell (2003) 

Breaking Point (2006) 

In Love We Trust (2009) 

Darkest Hour (2011) 

live at Castle Party (live, 2011) 

Matters of Mind Body and Soul (2014) 

Line-Up: 

Ronny Moorings – Gesang, Gitarre, Programmierung 

Mario Usai – Gitarre 

Mojca Zugna – Bass, Gesang 

Sean Göbel – Keyboard 


Be Careful 

Marcus Testory: Ein klassischer Neunziger-Teenage-College- 

Movie. Der Hauptdarsteller ist üblicherweise der pickelgesichtige 

Underdog, der sich nach Anerkennung sehnt. In seiner Verzweiflung 

lässt er sich mit dem Teufel ein und wird ein Held. Ein langweiliger, 

besessener Held. 

Endangered Memories 

Matthias Ambré: Ein kleiner tragischer Liebesfilm. Über den 

Wunsch, nach einem – wie auch immer vom Schicksal herbeigeführten 

– Ende wenigstens in seinen Erinnerungen die schönsten Momente 

festhalten zu können. Und über die Tragik, dass diese Erinnerungen 

bloß immer weiter verblassen und man nichts, aber auch wirklich gar 

nichts dagegen tun kann. 

The Line of Last Resistance 

MT: Eindeutig ein very britischer Film. Heute gemacht, spielt er doch 

in einer Achtziger-Kulisse. Es ist ein Psycho-Mystic-Thriller, der den 

Hauptdarsteller (vielleicht Simon Pegg?) an die Grenzen seiner Existenz 

führt und ihn auf den Kern seiner selbst reduziert. Was ist nun dieser 

Kern, diese letzte Verteidigungslinie, die ihn am Leben hält? 

Lest We Forget 

MT: Boy meets girl, meets boy, meets girl und lässt die Kette an 

gebrochenen Herzen und eigenen Herzbrüchen Revue passieren. Er 

erkennt, dass er sich an viele, die einst so wichtig für ihn waren, nicht 

einmal mehr erinnern kann. Und so begibt er sich auf eine Reise... 

Sophie’s Circus 

MA: Die Geschichte der tapferen kleinen Sophie geht weiter. Ihr 

Wanderzirkus zieht durch die Lande, begleitet von der leisen Hoffnung, 

dass man ihn genießt und sich später noch lange an ihn erinnern wird. 

Wir konnten uns musikalisch hier wirklich austoben, filmmusikalisch 

sozusagen. Irgendwo zwischen Tim Burton und Jean-Pierre Jeunet 

eventuell. 

Praying Mantis 

MT: Szenenwechsel. Eine verrauchte, schummrige Bar. Etwas puffig, 

roter Samt und Tapete. Auf der Tanzfläche eine Femme fatale, die ihr 

Gegenüber um einen Kopf überragt. Eine Zwei-Meter-Marlene Dietrich 

tanzt mit John Travolta wie in Pulp Fiction. Er ist ihr vollkommen 

verfallen, und kurz vor dem Höhepunkt fährt sie ihre Scherenarme aus 

und... 

Slipping around the Corner 

MT: Eine Tragikomödie. Unser Hauptdarsteller fühlt sich vom 

Schicksal gegängelt. Immer wenn er denkt, das Glück sei zum Greifen 

nahe, zerfließt es zwischen den Fingern; wenn er denkt, das rettende 

Ufer sei nahe, wird er auf See zurückgespült. Warum immer ich? Was 

habe ich getan? Womit habe ich das verdient? 

Mirror 

MT: Der Protagonist sitzt irgendwo in den Dünen am Strand. Eher 

nördlich, vielleicht die Kanalküste. Es weht ein harter Wind. Er hat viel 

zu verarbeiten, hat Freunde verloren, seine Vergänglichkeit am eigenen 

Leib erfahren. Und er begreift, beginnt das Leben zu schätzen und zu 

feiern. Jeden Tag zu erleben, im wahrsten Sinne des Wortes. 

Sinister Sister 

MA: Ein Gruselfilm im Kopf. Eine schaurig-schöne Moritat oder 

auch „murder ballad“. Mit ganz viel (natürlich blutunterlaufenem) 

Augenzwinkern. Muahahaha – die Rächerin der Geschändeten und 

Entehrten geht um. And you know: we’re all the same! 

The Invitation 

MA: Ein Epos. Eine Hymne an Freundschaft, Liebe und Partnerschaft 

schreiben. Eine Hommage an das „Aneinander-Denken“. Ein Loblied 

auf alle, die verstanden haben, wie wichtig es ist, dass man dem anderen 

einen Platz – vor allem im eigenen Herzen – frei hält. 

Views from the Inside: A Midsummer Night’s Dream 

MT: Shakespeare. Allerlei Fabelwesen tanzen auf der Lichtung. Und wir 

mittendrin. Sie führen und geleiten uns durch die Nacht, durch den 

Traum, durch die KAMMER. 

Views from the Inside: New Day Rising 

MT: Wir erwachen nach der Reise mit und durch die KAMMER und 

treten unser Tagwerk an: The spirit lingers on! 


„Unser EBM bedeutet 

Electronic Blast Metal.“ 

Wenn eines der Gothic Metal-Urgesteine an einem derart weit vorangeschrittenen Punkt seiner Karriere jenem Genre den Rücken 

kehrt, welches es selbst entscheidend mitgeprägt hat, mag das wenig Gutes verheißen. Antiserum jedenfalls zeigt Crematory 

noch elektronischer als einst auf Revolution. Das ist übrigens auch schon wieder zehn Jahre her; eine Frischzellenkur in Form der 

Zusammenarbeit mit den EBM-Haudegen Centhron kann darum gewiss nicht schaden. Die Einstiegsfrage liegt trotzdem auf der 

Hand... 

Orkus: Ist Gothic Metal tot? 

Markus Jüllich: Keinesfalls. Aber es hat sich einiges geändert. 

Gothic Metal wird heutzutage anders gedeutet, als es ursprünglich 

war. Heutzutage werden Bands als „Gothic Metal“ bezeichnet, die eine 

opernhafte Sängerin haben und orchestral arrangierte Musik spielen, wie 

etwa Nightwish, Within Temptation, Leaves’ Eyes oder Epica. Das sind 

aber nicht die Wurzeln des Gothic Metal – und deshalb schien es uns 

mit Antiserum auch an der Zeit, eine eigene Schublade zu öffnen: „EBM 

Metal“! Unser „EBM“ bedeutet allerdings „Electronic Blast Metal“. 

O: Klingt nicht, als wäre es schwer für euch, den Motor eurer Band nach 

23 Jahren noch am Laufen zu halten. 

MJ: Überhaupt nicht. Frisches Öl rein, und der Motor läuft wie 

geschmiert! Wir verfügen über ausreichende Selbstmotivation und 

machen Musik, weil es uns Spaß macht. Wir suchen bei jedem neuen 

Album neue Herausforderungen, die es dann umzusetzen gilt. 

O: Wie früh in der Planungsphase war klar, dass ihr die EBM-Bastion 

Centhron mit ins Boot holen werdet? 

MJ: Wir hatten die Idee, eine Weiterentwicklung unseres 

Comebackalbums Revolution zu schreiben. Auf dem verarbeiteten wir 

erstmals Klänge aus dem elektronischen Bereich. Diesmal wollten wir 

das Ganze aber noch düsterer gestalten... daher die Idee, sich bei der 

EBM-Szene zu bedienen. Weil Elmar Schmidt von Centhron ein alter 

Kumpel von Felix und Harald und nebenbei ein großer Crematory- 

Fan ist, war es natürlich naheliegend, mit ihm zusammenzuarbeiten. 

Das stellte sich übrigens als absolut genial heraus: Elmar lieferte geile 

Sounds und Samples, die dann von Katrin weiterverarbeitet wurden und 

letztendlich von der Band den Crematory-Stempel verpasst bekamen. 

O: Hört sich so an, als wärt ihr schon lange eng mit der EBM-Szene 

verbandelt. 

MJ: Unser Bassist Harald kennt sich in der Szene bestens aus. Jeder 

Einzelne innerhalb der Band hat seinen eigenen Musikgeschmack. Pop, 

Rock, Metal, aber auch EBM oder Wave der guten alten Achtziger. 

O: Standen die Themen der Lieder bereits fest, als ihr den Entschluss 

fasstet, in der EBM-Welt zu wildern? 

MJ: Bevor wir mit dem Schreiben neuer Stücke für ein Album beginnen, 

setzen wir uns immer zusammen und legen einen roten Leitfaden als 


Arbeitstitel fest. Diesmal war die Devise „Gothic EBM Metal“; 

auf Antiserum sind traditionelle Stücke deswegen ebenso zu finden 

wie EBM-orientierte Songs. Eins musste aber gegeben sein: Wo 

„Crematory“ draufsteht, ist auch Crematory drin. 

O: Was habt ihr euch eigentlich genau davon erhofft? 

MJ: Wir wollten neue Wege gehen. Wir hätten alle keine Lust, 

so wie AC/DC oder die Rolling Stones 30 Jahre lang immer die 

gleichen Songs zu schreiben. Das wäre uns zu langweilig. 

O: Gerade in der Metal-Szene könntet ihr euch damit auch einige 

Feinde machen. 

MJ: No risk, no fun! Wir machen, was wir wollen und wohinter 

wir zu 100 Prozent stehen. Sicherlich kann es sein, dass einige 

Fans der alten Tage verloren gehen, aber darauf können wir keine 

Rücksicht nehmen. Das ist die Musik, die wir machen wollen, und 

ich glaube auch, dass der elektronische Schritt nicht zu groß ist, 

um Fans zu verlieren. Crematory klingen aktuell, zeitgemäß und 

modern – ohne ihre Roots zu verlieren. Eigentlich sollte das neue 

Album also jedem Fan gefallen. 

O: Und warum genau ist diese EBM-Schlagseite im Jahre 2014 der 

richtige Weg für Crematory? 

MJ: Ob das der richtige Weg ist, weiß auch ich nicht. Das muss 

jeder für sich entscheiden. Es ist aber das, was wir als Band zurzeit 

machen wollen und womit wir uns sauwohl fühlen. Ich glaube 

auch, dass sich mittlerweile zahlreiche Fans, die auf Bands wie 

Rammstein und Eisbrecher oder BlutEngel und Unheilig stehen, 

im Hause Crematory gut aufgehoben fühlen. Für mich ist der EBM 

Metal eine neue Richtung, die es weiter auszubauen gilt. 

O: Klingt, als wolltet ihr noch mal voll angreifen. 

MJ: Auf jeden Fall. Wir haben all unser Herzblut in das Album 

gesteckt und lange genug daran rumgeschraubt, bis es endlich so 

fett geworden ist, wie es jetzt ist. Fest steht: Wir geben alles! 

www.crematory.de 

Annabelle Reiter 


Transmigration (1993) 

... Just Dreaming (1994) 

Illusions (1995) 

Crematory (1996) 

LIVE... at the Out of the Dark Festivals (live, 1997) 

Awake (1997) 

Act Seven (1999) 

Believe (2000) 

Remind (live, 2001) 

Revolution (2004) 

LiveRevolution (live, 2005) 

Klagebilder (2006) 

Pray (2008) 

Infinity (2010) 

Antiserum (2014) 

Line-Up: 

Felix Stass – Gesang 

Matthias Hechler – Gitarre, Gesang 

Harald Heine – Bass 

Katrin Jüllich – Keyboard, Samples 

Markus Jüllich – Schlagzeug, Programmierung 

IGNIS FATUU 

Unendlich viele Wege 

Mittelalter Rock/Metal 

CD + Download | VÖ 07. 03. 2014 

Für das neueste Langspielwerk„Unendlich viele Wege“ beschreitet 

die 2004 gegründete Dynamiker-Vereinigung aufrecht 

ihren Weg, der sie einmal mehr von Selbstwertgefühl 

durchzogen zeigt. Elf neue Kompositionen wurden mit hörbar 

verschwenderischer Liebe erarbeitet und eingespielt. 

www.trollzorn.de/store 

CDs, T-Shirts und mehr, aus den Bereichen des 

Folk, Black, Viking und Pagan Metals. 

INGRIMM 

Henkt ihn! 

Mittelalter Rock/Metal 

CD + Download | VÖ 07. 02. 2014 

Das Warten hat nun ein Ende. Der lang ersehnte vierte Silberling 

der deutschen Mittelalter-Metaller INGRIMM wird am 07. 

02. 2014 über Trollzorn Records erscheinen. Die sechs Regensburger 

wollen es erneut wissen und haben sich eingeschworen, 

auf „Henkt ihn!“ ihren Sitl treu zu bleiben. 

Tourdates 2014 Tourdates 2014 

28.02.2014 D-Bochum, Matrix (+ Remember Twilight) 

07.03.2014 D-Nürnberg, Der Hirsch (CD-Release-Konzert mit Party) 

21.03.2014 D-München, Spectaculum Mundi 

29.03.2014 D-Hameln, Sumpfblume 

04.04.2014 D-Bad Salzungen, KW70 (+ Ingrimm, Remember Twilight) 

05.04.2014 D-Gera, Sächsischer Bahnhof (+ Ingrimm) 

12.04.2014 CH-Pratteln, Z7 (instead 22.03.2014 @ Galery) 

23.05.2014 D-Frankfurt, Das Bett 

24.05.2014 D-Hamburg, Markthalle (@ MarX) – 

07.06.2014 D-Bremen, Tivoli (@ Veitstanz-Party) 

28.06.2014 D-Brande-Hörnerkirchen, Hörnerfest 2014 

10.01.2014 D-Landau/Isar, Haus 111 

15.02.2014 D-Waldsassen, Pauli‘s Blue Oyster 

14.03.2014 D-Gießen, Jokus (+ Narrator, Remember Twilight) 

15.03.2014 D-Köln, MTC (+ Remember Twilight) 

22.03.2014 D-München, Spectaculum Mundi 

04.04.2014 D-Bad Salzungen, KW70 (+ Ignis Fatuu, Remember T.) 

05.04.2014 D-Gera, Sächsischer Bahnhof (+ Ignis Fatuu) 

25.04.2014 D-Lichtenfels, Ragnaroek 

Orkus! 

2014* 

- 123 

26.04.2014 D-Lichtenfels, Ragnaroek 2014* 

02.05.2014 D-Dortmund, MPS 2014

Orkus! COMPILATION 96 

Liebe Leserin, lieber Leser, wir wünschen Dir viel Vergnügen mit der 96. Ausgabe unserer Samplerreihe! 

Sei der Talentscout! Entdecke Du die beste Band. Hier anhören und dann voten auf www.orkus.de! 

01. CREMATORY 

Shadowmaker 

Mit dem auch als Single veröffentlichten 

Shadowmaker starten wir dieses Mal unsere 

Compilation. Seit über 20 Jahren sind 

Crematory aus der Schwarzen Szene nicht 

mehr wegzudenken. Zwischen dem Debut Transmigration und ihrem 

aktuellen Werk Antiserum liegt eine außergewöhnliche Bandgeschichte. 

Und genau deshalb werden die Gothic Metaller mit Sicherheit noch viele 

weitere Meilensteine und Hits abliefern... 

02. AEONS CONFER 

Descent (Video-Edit) 

Als Eigenproduktion präsentieren 

Aeons Confer ihr 14 Tracks starkes 

Album Symphonies Of Saturnus. Die 

sechs Jungs haben sich zum Ziel gesetzt, 

verschiedene Metal-Genres innovativ 

und komplex mit musikalischen Fertigkeiten, klassischen Arrangements, 

elektronischen Samples sowie Sci Fi-Atmosphäre zu verbinden. Descent 

spiegelt all das wider, was die Modern Symphonic Dark Metaller bieten: 

Tiefe, Kraft, Schwere, Finsternis und etwas Gigantisches! 

03. EIGENSINN 

Raus 

Mit der EP Endorphine melden sich 

EIGENSINN nach ihrem ersten Album Die 

Wahrheit (2009) eindrucksvoll zurück. Das 

neue Material zeigt sie in Bestform sowie 

mit jenem Drive und der Härte, welche schon ihr Debut auszeichneten. 

Einmal mehr demonstriert die Gruppe musikalische Flexibilität – von 

knackigen Uptemponummern über eingängige Rocksongs bis zu düsteren 

Stampfern à la Raus. In den kommenden Monaten soll das zweite Album 

aufgenommen werden. Man darf gespannt sein! 

04. JOVIAN SPIN 

Into Deep 

Jovian Spin heißt einer der Gewinner 

von ASPs Mäzenatentumult. Into 

Deep entstammt dem Album Shapes of 

Perception und vermittelt das kraftvolle 

Industrial-, Rock-, Pop- und Electro- 

Gemisch, welches diese Band zu bieten 

hat. Wer gern ein wenig mehr über Gerrit Wolf & Co. erfahren möchte, 

nimmt schnell noch mal die Orkus!-Ausgabe vom Juni 2013 zur Hand. Im 

Interview mit Asp wird viel Wissenswertes verraten. 

05. STILL PATIENT? 

Impact 

Nach langer Ruhe kehrt der Sturm 

zurück... Zum 25-jährigen Jubiläum 

sind Still Patient? endlich wieder im 

Studio und auf der Bühne. Dabei 

erschafft sich die Band neu, ohne ihre Vergangenheit aus den Augen zu 

verlieren. Traditioneller, energetischer, zeitgemäßer und atmosphärischer 

Gothic Rock mit elektronischen Elementen und melancholischen Melodien 

wird hier gespielt. Vor Kurzem erschien die EP Selective Perception: vier ganz 

frische Stücke sowie eine Bearbeitung ihres Klassikers Anavryn. Reinhören! 

06. MUNDTOT 

Schwarz Weiss 

Letzten Oktober konnten Mundtot unter 

dem Stichwort „Mäzenatentumult“ live als 

Support für ASP bewundert werden. Mit ihrer 

ehrlichen und offenen Art laden die jungen 

Herren aus München ein, den tristen Alltag zu 

vergessen und das Herz sprechen zu lassen. Fans von Post Punk – Marke 

Joy Division – dürfen sich genauso wie Liebhaber moderner Elemente im 

Stil von Placebo einfach freuen. Rebellion! Schließ Dich an. 

07. XTR HUMAN 

Dysfunction 

Mit ihrer Mischung aus Post Punk, Cold 

und New Wave beschreiten drei Stuttgarter 

Wege fernab ausgetretener Pfade. Seit 2012 

feilen die Künstler an XTR HUMAN, 

wobei weder Synthesizer noch Bass zu kurz 

kommen. Nebst Gitarren und gedankenaufreibendem Gesang entsteht so 

ein Werk, in dem all jene menschlichen Gefühle eine Hauptrolle spielen, 

welche auf Melancholie, Zweifeln und der Frage „Was folgt nun?“ gründen. 

08. EPINEPHRIN 

Glühend Heiß 

Pascal Beniesch ([x]-Rx) formierte das 

elektronische Projekt Epinephrin im 

Jahr 2004, um pures Adrenalin unter 

die Tanzbegeisterten zu bringen. Sein 

Studiodebut trägt den Titel Alles auf Anfang, 

und jetzt heißt es: Vorhang auf! Hier eine 

Kostprobe dessen, was Dich erwartet... Noch 

eine kleine Zugabe? Dann sind die Remixe 

von Nachtmahr und Aesthetic Perfection als Bonustracks des Albums 

bestimmt das Richtige. 

09. NO:CARRIER 

Last Scene 

Derzeit sind no:carrier sehr aktiv. 2013 erschienen 

die hoch gelobten Singles Last Scene und The 

Nine Days’ Queen als Vorboten für das im Mai 

kommende Album Wisdom & Failure, gerade 

folgte auch noch die Confession EP. Ihr „Electro 

Noire Pop“ bezaubert durch verspielte Elektronik, 

akustische Klänge und dunkle Lieder abseits 

ausgetretener Pfade. Hier ist der Corrosive Mix ihrer nachdenklich-bitteren 

Rückschau zu hören... 

10. INDUSTRIEZONE 

Acid 

Industriezone nennt sich ein 

österreichisches Industrial-Projekt 

rund um Mastermind Christof Hall. 

Gemeinsam mit zwei Kollegen lieferte 

er schon viele Live-Gigs, etwa als 

Support für Größen wie KMFDM; ein 

selbstbetiteltes Album wurde ebenfalls 

bereits veröffentlicht. Nun arbeitet das Gespann an einem weiteren Werk. 

Welch kreativer Sound wohl dieses Mal die Hallen erbeben lässt? 

Mit Deiner Band auf der nächsten Orkus! Compilation sein? Bewirb Dich einfach unter cd@orkus.de! 


„Meine größten Helden waren 

Dagobert Duck oder Indiana Jones.“ 

Mit Nightwish hat Tuomas Holopainen alles erreicht. Bevor die finnischen Rekordjäger 2015 mit einem neuen Album zurückkehren, 

tauchen wir mit dem Mastermind tief ein in die Welt von Walt Disney, direkt hinein in ein gewaltiges Abenteuer. Zu Don Rosas 

Graphic Novel The Life and Times of Scrooge McDuck hat Holopainen jetzt einen Soundtrack geschrieben – und damit nicht weniger 

als musikalischen Eskapismus in seiner reinsten Form vorgelegt. 

Orkus: Es ist kein Geheimnis, dass du ein riesiger Disney-Fan bist. 

Warum eigentlich? 

Tuomas Holopainen: Ich bin mit Disney aufgewachsen. Als Kind 

liebte ich einfach alles von Disney, später filterte ich natürlich ein wenig. 

Selbst von Disney ist nicht alles gut. (lächelt) Dieses Buch von Don Rosa 

ist jedoch meine ultimative Disney-Bibel. Mein Buch für die einsame Insel. 

Die inspirierendste Story, die je geschrieben wurde. Sie bringt mich jedes 

Mal aufs Neue zum Lachen, zum Weinen, transportiert eine wundervolle 

Moral und zeigt mir, wie kostbar jede Sekunde meines Lebens ist. Also 

sollten wir alle zusehen, ein unvergessliches Abenteuer daraus zu machen! 

O: Kannst du dich noch an deinen ersten Kontakt mit The Life and Times 

of Scrooge McDuck erinnern? 

TH: Das muss in den frühen Neunzigern gewesen sein. Zu jenem 

Zeitpunkt hatte ich alles von Disney verschlungen, was es gab, hatte auch 

zahlreiche Parks besucht. Aus dem Nichts kam dann dieser neue Künstler 

namens Don Rosa, der mich völlig überwältigte. Seine Geschichten 

wurden sofort zu meinen absoluten Lieblingen. Als The Life and Times 

of Scrooge McDuck ungefähr 1995 erschien, war es endgültig um mich 

geschehen. So etwas hatte ich nie zuvor gelesen. 

O: Die Idee dieses Soundtracks trägst du bereits 15 Jahre mit dir herum. 

Hattest du immer schon Musik im Kopf, wenn du die Geschichte gelesen 

hast? 

TH: Ich hörte jedes Mal Musik, wenn ich in dem Buch versank. Selbst 

beim ersten Mal. Wenn er in Schottland war, hörte ich immer schon 

Tuomas Holopainen & Skizze 

Don Rosa & Tuomas Holopainen 

Cover The Life And Times Of Scrooge 


Dudelsäcke, im Wilden Westen ebenfalls die passenden Klänge. So 

entstand überhaupt erst die Idee, der Geschichte einen Soundtrack 

zu schreiben. Die Musik zu einer Graphic Novel... so etwas wurde 

meines Wissens noch nie gemacht. 

O: War es nicht schwer, nach all den Alben für Nightwish 

umzuschalten und eine ganz neue Welt zu erschaffen? 

TH: Gar nicht, nein. Die Songs entstanden einfach im Handumdrehen. 

Natürlich hatte ich Hilfe fähiger Leute, doch ich verspürte dieselbe 

Freiheit, die ich auch bei Nightwish fühle. Ich wollte Don Rosas Welt 

einfangen. Das war das oberste Ziel. Und das fiel mir sehr leicht, 

sogar leichter als alles, was ich bisher gemacht habe – wenngleich es 

trotzdem sehr viele lange Tage im Studio bedeutete. 

O: Die Erzählungen über den stinkreichen Onkel Dagobert sind 

geprägt durch Abenteuer, Freundschaft und Loyalität. Ist er so etwas 

wie dein Held? Oder beneidest du ihn eher? 

TH: Niemand sollte beneidet werden. Aber er ist zweifellos mein 

Held, in dem ich mich oft wiedererkenne. Er ist sehr kontrovers und 

trägt eine Menge Gewalt in sich. Das finde ich bei mir zwar nicht, 

aber auch ihm geht es um das Abenteuer, um die Familie, um das 

Sammeln von Erinnerungen. Er ist reich, doch Geld kümmert ihn 

nicht... er gibt es ja nie aus. Seine Münzen sind für ihn Erinnerungen. 

Und das ist ein schöner Gedanke. 

O: Wolltest du als Kind auch ein Abenteurer werden wie er? 

TH: Ich wollte tatsächlich Abenteurer sein, ja. Meine größten Helden 

waren Dagobert Duck oder Indiana Jones. Mit sechs wollte ich 

Archäologe werden und ein gefährliches Leben an allen Enden der 

Welt führen. Und obwohl ich kein Archäologe geworden bin, mache 

ich das heutzutage wirklich. Das ist ein gewaltiges Privileg. 

O: Gib’s zu, nur deshalb bist du Musiker geworden! 

TH: Nein, das war natürlich alles Zufall. (lacht) Ich fand alles, 

wonach ich mich sehnte, als ich längst unterwegs war. Aber das ist 

vielleicht bei allen Abenteurern so. 

O: Wie fühlt es sich eigentlich an, einen Traum in Erfüllung gehen 

zu lassen? 

TH: Phantastisch. Für mich dreht sich das Leben darum, meine 

Träume zu erfüllen. Dies mag zwar ein sehr sonderbarer Traum 

gewesen sein, aber einer, der unbedingt erfüllt werden musste! 

O: Und dann noch unter Mitwirkung von Don Rosa selbst. 

TH: Klar erhoffte ich mir seine Mitarbeit, immerhin schrie alles an 

diesem Projekt geradezu nach ihm. Natürlich hätte ich das Album 

auch ohne sein Coverartwork realisiert, doch seine Zusage war 

zweifellos eine große Freude. Anfangs war er zwar zögerlich, aber ich 

glaube, das hing bloß damit zusammen, dass er seit 2006 nichts mehr 

gezeichnet hatte und mir ernsthaft riet, einen „richtigen Künstler“ zu 

engagieren. Er! Gleich sein erster Entwurf haute mich vom Hocker, 

und als er dann noch mit circa 100 Seiten alter Skizzen um die Ecke 

kam, die ich verwenden durfte, war ich nur noch sprachlos. 

O: Hat sich die Bedeutung dieser Geschichte geändert, seit du sie das 

erste Mal gelesen hast? 

TH: Überhaupt nicht. Sie steht für dasselbe, wofür sie bereits vor 20 

Jahren stand. Wie jede gute Geschichte, ist sie zeitlos. 

O: Welche Bedeutung misst du Geschichten bei? 

TH: Das Leben ist nichts als eine Ansammlung von Geschichten. Je 

besser die Geschichten, desto besser das Leben. Eine gute Geschichte 

ängstigt dich, bringt dich zum Weinen, zum Lachen und lehrt dich 

etwas. 

O: Man erzählt sich, dass Dagobert im Alter von 100 Jahren nach 

einem „Leben voller Abenteuer“ gestorben ist. Ist dieses Projekt so 

etwas wie ein musikgewordener Wunsch, es möge bei dir genauso 

sein? 

TH: Das trifft es gut. Ich möchte mindestens 100 Jahre alt werden 

und das Gefühl haben, das größte Abenteuer aller Zeiten erlebt zu 

haben. Dass ich liebte und geliebt wurde. 

www.tuomas-holopainen.com 


Out 10.02.14! 

Alfahanne 

Alfapokalyps 

Debut album from Alfahanne (S). 

A great mix of Black Metal, Punk, 

Classic Rock and New Wave. 

Guest vocals by Hoest (Taake), 

Kvarforth (Shining) and V’gandr 

(Helheim). With Alfahanne, there is 

one way in and no way out! 

Karisma records / darK essence records 

PostboKs 472, 5805 bergen - norWaY 

WWW.Karismarecords.no 

WWW.darKessencerecords.no

„Reich wird 

hierbei niemand, 

aber glücklich 

sehr wohl.“ 

Noch kein ganzes Jahr ist es her, dass Stefan Poiss 

mit seinem Projekt THYX in Form des Albums 

Below The City unsere Ohren verwöhnte. Jetzt 

steht seine nächste Super Vision vor der Tür, und so 

langsam scheut man sich doch, vom mind.in.a.box- 

Mastermind zu sprechen, denn um seine eigentliche 

Hauptband ist es ein wenig ruhig geworden. 

Stefan Poiss: Seitdem ich nichts anderes mehr als 

Musik mache, habe ich nun deutlich mehr Zeit dafür. 

Früher bin ich nach der Arbeit nach Hause gekommen 

und habe bis in die Nacht Musik gemacht, wenig 

geschlafen und wieder gearbeitet. Heute mache ich zwar 

noch immer bis in die Nacht Musik, aber schlafe dann 

dafür länger. (lacht) Natürlich arbeite ich in meinem 

Tonstudio nicht nur an meiner Musik, aber der Output ist 

durch meine Selbstständigkeit definitiv höher geworden. 

Wahrscheinlich werde ich von der Anzahl der Alben 

mind.in.a.box mit THYX irgendwann überholen, und 

die Frage nach dem Hauptprojekt würde sich tatsächlich 

stellen, aber deswegen wird keines der Projekte sterben, 

und nach der Veröffentlichung von Super Vision steht 

nun endlich auch wieder ein mind.in.a.box-Album auf 

der Tagesordnung. 

Orkus: Zuvor kannst du uns vielleicht verraten, wieso 

es bei Super Vision plötzlich ein übergeordnetes Konzept 

gibt? 

SP: Das Album hat mit den Themen „Spionage“ und 

„Überwachung“ ein Hauptthema, welches sich durch das 

ganze Album zieht, und im Gegensatz zu mind.in.a.box 

ist das tatsächlich das erste Mal. Aber die Geschichte rund 

um Edward Snowden ist einfach zu groß, um sie in einem 

einzigen Song abhandeln zu können. Dieses Thema wird 

uns sicher noch eine ganze Weile beschäftigen, und ich 

werde nicht der letzte Künstler sein, der darüber erzählt. 

O: Wie schaut denn deine persönliche „super Vision“ 

aus? 


SP: Wer das Album hört, wird merken, dass meine Vision 

der Welt eher düster ausschaut, aber dafür klingt meine 

Super Vision so, dass ich wirklich stolz auf sie bin. Ich habe 

diesmal wieder versucht, Songs als unfertig zu betrachten, 

die in meinem Kopf eigentlich als „fertig“ abgestempelt 

wurden. Egal ob ich der Meinung war, dass es gut klingt, und 

ich zufrieden war – ich habe mich noch einmal hingesetzt 

und an den Tracks geschraubt. Man schärft dadurch seine 

Fähigkeiten und hebt sich sozusagen auf ein neues Level. Der 

schöne Nebeneffekt daran: Dieses Level ist beim nächsten 

Mal der neue Standard. Letztlich geht es auch bei der Musik 

darum, sein Können ständig zu verbessern, denn das kann dir 

keiner mehr wegnehmen. 

O: Auch Super Vision überrascht wieder durch genrefremde, 

natürliche Instrumente und hält mit Für Immer fast schon 

einen elektronischen Rocksong parat. Wie wäre es mit einem 

ganzen Album in dieser Richtung? 

SP: Ich denke, dafür bräuchte ich ein anderes Projekt mit 

Personen, die mich in diese Richtung treiben. Theoretisch 

wäre es möglich, aber im Endeffekt zieht es mich immer 

wieder in Richtung der Synthesizer und Vocoder. Das hat 

nach wie vor etwas Magisches für mich. Ich möchte also 

nichts verneinen, aber meine Musik wird immer nach mir 

und dem, was ich mag, klingen, und wenn man sich zu sehr 

verbiegt, landet man schließlich auf der dunklen Seite der 

Musik. (lacht) 

O: Ist der Vocoder einfach nur dein Markenzeichen, magst 

du ihn zu gern, oder hast du Angst vor der eigenen Stimme? 

Die muss sich wirklich nicht hinter Tonmodulationen 

verstecken... 

SP: Diese Furcht hatte ich tatsächlich, aber seit den Konzerten 

ist sie zum Glück verschwunden. Ich mag Vocoder einfach, 

denn es klingt futuristisch, hat aber mit meiner Stimme auch 

einen menschlichen Anteil und erweitert den stimmlichen 

Einsatzbereich. Manchmal können Vocoderstimmen 

auch Melodien „singen“, die einfach besser passen, und 

ab und an ist es thematisch angebracht, wenn du dir zum 

Beispiel Robots Don’t Lie anhörst. Schlecht ist nur, wenn die 

Vocodermöglichkeit bei einem Konzert ausfällt, denn dann 

muss man diese Parts mit seiner eigenen Stimme singen. Das 

ist mir bereits zwei Mal passiert, und ich war wahrlich nicht 

gut darin. 

O: Eine abschließende Frage abseits der Musik: 

Warum vertreibst du THYX in Europa selbst? Mit dem 

entsprechenden Vertrieb wäre doch sicher ein Mehr an 

Resonanz zu erwarten. 

SP: Wahrscheinlich wäre es das, aber würde ich dadurch 

mehr verdienen? Eher sogar weniger, denn natürlich 

möchte der Vertrieb auch etwas verdienen. Auch die Labels 

an sich verdienen heute durch die geringeren Verkäufe 

weniger als früher und wollen im Gegenzug beispielsweise 

mehr Merchandisingrechte. Das geht mir aber zu weit. 

Wir verkaufen von THYX in Europa derzeit etwa 500 

Exemplare selbst, und obwohl es mit mind.in.a.box das 

Vierfache ist, bleibt nicht mehr über. Hinzu kommt, dass 

mir der Eigenvertrieb mehr Spaß macht, als irgendwelchen 

Schecks nachzulaufen, und das direkte Feedback der Fans, 

wenn sie die Lieferung erhalten haben, ist großartig. Über 

Zahlen spricht man zwar bekanntlich ungern, aber vielleicht 

konnte ich etwas Licht in die Dunkelheit der Musikindustrie 

bringen. Reich wird hierbei niemand, aber glücklich sehr 

wohl. 

www.thyxmusic.com 

Lars Schubert 


The Way Home (2012) 

Below The City (2013) 

Super Vision (2014) 


„Ich habe mich buchstäblich 

zu Hause eingeschlossen...“ 

ISOLATION heißt das jüngste Werk von 

Enter & Fall, welches schon beim ersten 

Hören die Veränderungen innerhalb der 

Formation aufzeigt. War Push Enter And 

Fall Down noch eine Zwei-Mann-Sache, 

ist die Gruppe inzwischen zum Quartett 

angewachsen. „Die Konstellation, wie 

Enter & Fall jetzt aufgestellt ist, hat 

sich während der Tour zusammen mit 

Project Pitchfork entwickelt. Ich bin so 

froh darüber, Jenna, Toni und Markus in 

der Band zu haben. Jeder der drei bringt 

seinen eigenen Charakter ein, und das 

merkt man natürlich auf der Bühne und 

auch im gesamten Erscheinungsbild. Ich 

glaube nicht, dass wir dort stehen würden, 

wo wir jetzt sind, wenn ich das alles alleine 

durchgezogen hätte“, bekennt David 

Goldammer. 

Wirkte das Debut nach vorne preschend 

und hart, so erzeugen die neuen 

Nummern beim Hörer Sehnsucht nach 

Geborgenheit, sie sprechen von Stärke 

und Zuversicht, rufen gar Wärme hervor, 

und es entsteht ein aufmunternder Effekt. 

„Das ist genau der Punkt. Das war einfach 

der Stimmung geschuldet, in der ich 

mich nach der Veröffentlichung von Push 

Enter And Fall Down befand. Zu dieser 

Zeit hat sich in meinem Leben sehr viel 

verändert. Ob in meinem privaten Umfeld 

oder auch beruflich. Lange konnte ich 

kaum einen klaren Gedanken fassen, um 

wirklich an neuen Sachen zu arbeiten. Ich 

hatte einfach das Gefühl, dass mein ganzes 

Leben in den letzten zwei Jahren etwas aus 

den Fugen geraten ist. Ich habe mich dann 

buchstäblich mit meinen vielen Gedanken 

und Gefühlen zu Hause eingeschlossen 

und mich im wahrsten Sinne des Wortes in 

eine Art Isolation begeben.“ Ein Rückzug 

in gesundem Maß mag also durchaus 

Vorzüge haben, um sich wieder auf die 

essenziellen Dinge zu besinnen. Die Lieder 

auf ISOLATION stellen pointiert dar, wie 

unerlässlich das in den Tracks I need you 

here und I will geschilderte Füreinanderda-Sein 

im Leben eines jeden ist. Dieses 

Bedürfnis nach gegenseitigem Halt: etwas, 

das mit der Zeit und gewiss auch dem 

Alter für Dave an Bedeutung gewonnen 

hat. „Ich beschreibe so ein Album für 

mich persönlich immer gern als eine Art 

Selbsttherapie. Es ist so verdammt wichtig, 

jemanden zu haben, mit dem man Gefühle 

und Gedanken teilen kann. Das ist mir in 

der letzten Zeit viel, viel klarer geworden.“ 

Auch abseits des Songwritings sucht 

Dave menschliche Nähe. So konnte man 

ihn 2013 auf dem WGT zum munteren 

Plausch treffen – oder im Rahmen des 

Erscheinens von ISOLATION im Dresdner 

BUNKER. „Was ich gerade bei der 

Releaseparty extrem positiv bemerkt habe, 

ist, dass die Leute in Clubs mittlerweile viel 

offener mit neuer Musik umgehen! Ich mag 

es, wenn ich auflege, den Leuten auch viel 

neue Musik zu präsentieren. Ich war echt 

begeistert, wie toll die Leute unser neues 

Material aufgenommen haben. Was unsere 

Verfassung in Hinsicht auf die anstehenden 

Live-Termine angeht, sind wir, wie Toni 

immer so schön sagt, heiß wie Frittenfett!“ 

www.enterandfall.de 



Push Enter And Fall Down (2012) 

ISOLATION (2014) 

Line-Up: 

David Goldammer – Gesang, Texte, Programmierung 

Jenna Rot – Gesang, Texte 

Toni Tzschoppe – Gesang, Live-Keyboard 

Markus Otto – Live-Keyboard 


„Schulter an Schulter, 

Rücken an Rücken!“ 

„Metsatöll“ ist ein altertümlicher estnischer 

Euphemismus, der „Wolf“ bedeutet. Nach diesem 

Begriff haben sich die vier Tallinner benannt. 

Da wundert es kaum, dass auch ihr brandneues, 

mittlerweile sechstes Studioalbum Karjajuht eine 

entsprechende Verbindung aufweist. Vokalist und 

Gitarrist Markus Teeäär sowie Lauri Õunapuu 

(neben dem Gesang noch für traditionelle 

Instrumente verantwortlich) erläutern, was hinter 

dem Titel steckt... 

„Karjajuht heißt Führer des Rudels. Eine Leitfigur 

darf niemals schwach oder traurig sein. Deshalb 

haben wir ein Album geschrieben, das nur Stücke 

mit einer positiven und kraftvollen Aussage 

enthält. Es drückt Folgendes aus: Das Leben wird 

uns nicht gegeben, um zu leiden und zu jammern. 

Das Leben wird uns gegeben, um aufrecht auf 

beiden Füßen zu stehen. Um die zu unterstützen, 

die schwächer sind als du, und Hilfe anzunehmen 

von jenen, welche stärker sind als du. Erst wenn aus 

dem Ich ein Wir wird, können wir gemeinsam stark 

sein. Schulter an Schulter, Rücken an Rücken!“, 

so Markus. „Der Rudelführer hat seine positiven 

und negativen Seiten. Aber als Anführer muss er 

immer an das Beste für sein Rudel denken. Ich 

sehe da auch einige Ähnlichkeiten hinsichtlich der 

Musikszene“, ergänzt Lauri. 

In ihrer Heimat findet man Metal-Formationen 

nicht gerade wie Sand am Meer. Doch genau jenes 

Land und seine Kultur prägen den Sound dieser 

Folk Metal-Truppe. „Metsatöll ist für die Esten 

nicht einfach nur eine Metal-Band. Es ist ein 

bisschen mehr. Es geht nicht um das Metal-Spielen 

oder das Auf-der-Bühne-Herumschreien. Die 

Themen und Fragen, die wir aufwerfen, sind für die 

meisten unserer Landsleute grundlegende Fragen, 

wenn es darum geht, ein wahrer Este zu sein oder 

nicht“, erklärt Lauri, der selber sehr stolz auf seine 

Herkunft ist und froh, dass er hier Musik machen 

darf – „inmitten von Wald und Moor“. 

Karjajuht ist kein Konzeptwerk. Jedes Lied steht 

für sich selbst. Inhaltlich bedienen sich Metsatöll 

alter sowie aktueller Themen. „Unsere Texte sind 

zeitlos. Kriege, Schwerter, Wölfe, Liebe, Natur...“, 

zählt Markus auf. „Vieles entstammt der Historie 

unserer Nation, aber es können auch Geschichten 

aus der Gegenwart dabei sein. Auf Karjajuht 

sind die Texte zum ersten Mal etwas weniger 

episch. Die Lyrik steht im Vordergrund. Mehr 

Emotionen, geradlinige Worte und Gedanken über 

Freundschaft, Verantwortung, Party, Krieg, jedes 

kleine Ding, das uns in unserem Leben begegnet“, 

fügt Lauri hinzu. 

2011 erschien ihr schon deutlich schnelleres letztes 

Werk Ulg. Das neue Material wurde in ihren 

eigenen Proberäumen aufgenommen und dadurch 

ein besonders roher Klang erzeugt. Ein Album, 

gewidmet ihren Fans. Ein Album, das alle Wünsche 

erfüllen soll. 

www.metsatoll.ee 


Photo: Kristjan Lepp

„Dort war ich immer am glücklichsten.“ 

An eine Anekdote rund um die Shelter-Produktion erinnert sich Neige besonders gern: Nach 

Abschluss der Aufnahmen in Island feierten die Franzosen diesen Anlass in einem Restaurant in 

Reykjavík, wo zwei Tische weiter gerade Björk zu Abend aß. Ja, Island hat seine Spuren bei dem 

Bandkopf hinterlassen. Und nicht nur bei ihm... Das sphärische Wunderwerk Shelter hat stark von 

der endlosen Weite, der verwunschenen Freiheit profitiert, welche jene magische Insel ausstrahlt. 

Wenig erstaunlich also, dass Neige den Black Metal keineswegs vermisst. 

Orkus: Wie stehst du heute zum Black Metal? Bist 

du damit durch? 

Neige: Nicht unbedingt durch, doch ich 

beschäftige mich nicht mehr so intensiv mit ihm. Ein 

paar meiner Freunde spielen Black Metal, und von 

Zeit zu Zeit zeigen sie mir ihren neuen Kram. Das ist 

alles schön und gut, zu Hause würde ich aber keinen 

Black Metal mehr hören – abgesehen von dem einen 

oder anderen Nostalgietrip, wenn ich mal wieder alte 

Platten ausgrabe. Es gibt jedoch einfach zu viel gute 

Musik zu entdecken, als dass ich mich bei einem 

Genre aufhalten könnte. 

O: Eine deiner Lieblingsgruppen sind bekanntlich 

Slowdive. Nun ist deren Sänger Neil Halstead in 

eurer Nummer Away zu hören. Was bedeutet dir 

diese Kollaboration? 

N: Sie bedeutet mir die Welt! Slowdive haben 

Alcest seit Jahren geprägt und mich als Person und 

Musikfan maßgeblich beeinflusst. Ich habe mit 

Alcest zwar nie versucht, ein „Slowdive-Album“ 

aufzunehmen, konnte mich diesmal aber viel 

stärker in den Atmosphären jener Band verlieren. 

Ich wollte ein leichteres, cineastisches Werk, das ein 

spirituelles Feeling transportiert. In dieser Hinsicht 

sind Slowdive die Großmeister. Jetzt zu hören, 

dass sie eine Reunion planen, ist ein entsprechend 

unglaubliches Gefühl. 

O: Shelter ist in vielfacher Weise ein Werk der 

neuen Wege. Das zeigen die ungewöhnlichen 

Kollaborationen, der englische Titel, aber auch die 

Tatsache, dass es in Island aufgenommen wurde... 

N: Das war eine jener Entscheidungen, die ich 

unbedingt für das Album fällen wollte. Und es 

hat sich echt gelohnt, denn die Zeit in Island war 

äußerst denkwürdig. In Island fühlst du dich weit 

entfernt vom Rest der Welt, versinkst komplett in 

einer Stimmung, die auf diesem Planeten wohl 

einzigartig ist. Ein tiefes Gefühl von Freiheit, von 

Euphorie und Glückseligkeit durchströmte mich 

während der zwei Monate, die ich dort verbrachte. 

Ich gehe also fest davon aus, dass die Natur, die Stille 

und die Menschen dort einen starken Einfluss auf 

Shelter hatten. Ganz zu schweigen vom legendären 

Ruf des Sundlaugin-Studios, in dem ja auch Sigur 

Rós aufnehmen. 

O: Zumal du in Island praktisch immer vom 

Meer umgeben bist – und die See zu deinen 

Haupteinflüssen zählt, wie du bei unserem letzten 

Gespräch verraten hast. Wann entdecktest du die 

Bedeutung des Meeres für dich und deine Band? 

N: Das reicht weiter zurück, als ich denken 

kann. Schon immer war das Meer da. In meinen 

Gedanken, meiner Phantasie. Einige meiner 

frühesten Erinnerungen handeln vom Meer, dort 

war ich immer am glücklichsten. Was Alcest betrifft, 

so kann ich zumindest den Punkt nennen, als diese 

Bedeutung zum ersten Mal in ihrer Gänze offenbar 

wurde. Unser zweites Album Écailles De Lune 

widmete sich dem mächtigen Ozean, allerdings von 

seiner nächtlichen Seite. Shelter nun vertont das 

Meer bei Sonnenschein, seine ruhige Endlosigkeit. 

O: Ist Shelter demnach mehr Frühling als Herbst, 

mehr Sonnenaufgang als Sonnenuntergang? 

N: Das trifft es sehr genau. Es ist ein lebensbejahendes, 

euphorisierendes Album. Es ist nicht ohne Wolken, 

kontrastiert die Melancholie und die bittersüßen 

Momente jedoch mit sehr viel Freude. Es ist das erste 

Album, das ich mir noch immer gern anhöre. Und 

ich bin eigentlich chronisch unzufrieden mit meiner 

Arbeit. Vielleicht lag es ja an Island? (grinst) 

O: Und wie soll die Reise weitergehen? 

N: Zumindest kann ich sagen, dass sie definitiv 

weitergehen wird. Shelter war ein wichtiger 

Meilenstein auf diesem Weg, und ich glaube, 

dass unsere Entwicklung künftig schneller 

vonstattengeht. Ich weiß inzwischen viel besser, was 

ich ausdrücken möchte, und habe auch bereits die 

ersten neuen Stücke vollendet. Weil mein größter 

Wunsch ist, irgendwann mal einen Film musikalisch 

zu unterlegen, werden sie voraussichtlich noch 

soundtrackmäßiger. Und wer weiß, eventuell klappt 

das mit dem Filmscore ja eines Tages... 

www.alcest-music.com 



Souvenirs d’un autre monde (2007) 

Écailles De Lune (2010) 

Les voyages de l’âme (2012) 

Shelter (2014) 

Line-Up: 

Neige – Gitarre, Bass, Synthesizer, Gesang 

Winterhalter – Schlagzeug 


„Mittlerweile 

darf sich 

auch P.G. Herrchen 

eines Chihuahua 

nennen...“ 

Wenn es um eine Band ruhig wird, kann das nur zwei Dinge bedeuten: 

entweder stehen große Veränderungen an, oder es wird an neuem 

Material gebastelt. Für Ignis Fatuu trifft beides zu. Einerseits erhielten 

sie Zuwachs durch Peter Pathos – genau, DER Peter von Fiddler’s Green 

–, zum anderen gab es einen Wechsel an der Gesangsfront. Alexander 

Trappe reichte das Mikro an P.G. weiter, den einige bestimmt noch von 

Merlons Lichter kennen. Es wartete jede Menge Arbeit: Ihr Programm 

musste mit den neuen Musikern einstudiert werden, die Single Wenn 

alle Worte schweigen stand in den Startlöchern, es wurde geprobt bis 

zum Umfallen, und nicht immer läuft alles nach Plan. Kein Wunder, 

dass sich das Erscheinen von Unendlich viele Wege verzögert hat. „Kurz 

vor den Open Airs wurde Peter krank. Da er Gitarrist, Produzent und 

Mischer ist, kamen auch die Arbeiten am neuen Album zum Erliegen“, 

erklärt P.G. alias Andreas Haensel. „Im Herbst mussten wir dann die 

Veröffentlichung und die ganze Tour verschieben, wir hatten uns einfach 

zu viel vorgenommen. Im Moment freuen wir uns darauf, die neuen 

Songs live vorzustellen und wieder loszurocken.“ 

Einmal kurz durchschnaufen und das frische Werk genießen, frei nach 

dem Motto: „Was lange währt, wird endlich gut.“ Doch oft braucht es 

auch einen kleinen Stups von außen, um einer Produktion den letzten 

Schliff zu verleihen. Was Mathilde Wesendonck für Richard Wagner 

(1813–1883) war, nämlich seine Muse, war Gibson während der 

Aufnahmen für Ignis Fatuu... „Einen nicht unerheblichen Einfluss auf 

die Stimmung hatte mit Sicherheit Peters Studiochihuahua. Er schaffte 

es unter anderem, in einem unbemerkten Augenblick den neuen weißen 

Moltonvorhang, den Peter als Schallschlucker installiert hatte, zu 

markieren. Gibson war so überzeugend, dass sich mittlerweile auch P.G. 

Herrchen eines Chihuahua nennen darf.“ Doch keine Bange! Den Hörer 

erwartet auf dem dritten Album kein Hundejaulen oder -bellen. Stolz 

erzählt Andreas: „Die neue Scheibe ist sehr abwechslungsreich. Es finden 

sich sowohl härtere Elemente mit richtigem Gitarrengewitter als auch 

ganz Ruhiges, sogar ein Song (Die Pforte) ohne Schlagzeug. Der Titelsong 

ist eine folkrockige Midtemponummer, Blut geleckt ein stampfiges, 

lärmendes Stück zum Mitgrölen.“ 

Langweilig soll es auch auf der baldigen Konzertreise nicht werden. Die 

Vorbereitungen laufen auf Hochtouren, und die Nürnberger Formation 

ist schon sehr gespannt auf die direkte Begegnung mit ihren Fans – und, 

wie jene die großen Veränderungen aufnehmen. Zudem haben Ignis 

Fatuu eine Ausschreibung gestartet, dank welcher sich Bands anmelden 

können, um sie bei ihrer Frühjahrstour zu unterstützen: „Wir haben eine 

überraschend gute Resonanz bekommen. Vor allem dachten wir bei dieser 

Idee daran, lokalen, unbekannten Bands eine Chance zu geben, es haben 

sich aber nun einige gar nicht so unbekannte Gruppen aus unserem 

Genre gemeldet, sodass es bestimmt ein paar tolle Doppelkonzerte geben 

dürfte. Die Entscheidungen stehen noch aus, werden aber natürlich auf 

unserer Internetseite bekannt gegeben.“ Wir lassen uns überraschen und 

wünschen den Spielleuten viel Erfolg. 

www.ignisfatuu.de 

Bettina Pudmensky 


Es werde Licht (2009) 

Neue Ufer (2011) 

Unendlich viele Wege (2014) 

Line-Up: 

Andreas Haensel – Gesang 

Irene Gawlik – Gesang, Flöten, Dudelsack, 

Schalmeien 

Alexander Zwingmann – Geige, Drehleier, 

Dudelsack, Nyckelharpa 

Peter Müller – Gitarre 

Volker Semmelmann – Bass 

Robert Herold – Schlagzeug 


„Die Gefühle waren einfach zu schmerzhaft.“ 

Das kalifornische Death Valley – eine der heißesten Gegenden Amerikas 

und kein Ort, an dem man stranden möchte. Von jenem gefährlichen 

Flecken Erde leiten die finnischen Death Doomster Kuolemanlaakso 

ihren Namen ab. Mastermind Markus Laakso weiß hierzu einiges zu 

erzählen: „Als Kind habe ich längere Zeit in Kalifornien gelebt und bin 

dort zur Grundschule gegangen. Unseren Besuch im Death Valley werde 

ich niemals vergessen. Es war um die 50 Grad heiß, und wir fuhren 

gemächlich mit dem Auto dahin, als meine Mutter plötzlich wild nach 

Luft schnappte. Mein Bruder und ich haben erst gar nicht kapiert, was 

geschehen war, bis wir merkten, dass mein Vater eine zwei Meter lange 

rote Schlange überfahren hatte. Dieses bizarre Erlebnis ist mir bis heute 

deutlich im Gedächtnis geblieben.“ Schmunzelnd ergänzt er: „Außerdem 

beschreibt der Name unsere Musik ziemlich gut, denn im Death Valley 

kriegt man schnell Bedrückungen, weil es so wahnsinnig heiß ist. Für 

mich fühlt sich unser Gitarrensound immer so an, als käme er direkt aus 

dem Death Valley.“ 

Der Inhalt von Kuolemanlaaksos neuem Werk bringt uns zurück in 

die kühle Heimat des Künstlers. „Tulijoutsen lässt sich mit Feuerschwan 

übersetzen“, erklärt der talentierte Finne. „Der Titel ist einem Gedicht 

von Aarni Kouta aus dem frühen 19. Jahrhundert entlehnt, und da 

der Großteil der Lyrics durch sein Schaffen inspiriert ist, fand ich ihn 

sehr passend. Thematisch gibt es zwei 

Grundelemente – Feuer und Wasser. Der 

Feuerschwan fasziniert mich, da er beide 

verkörpert; er ist ein Wasservogel, steht 

jedoch zugleich in Flammen.“ 

Für die Aufnahmen hat sich die Gruppe 

einige Zeit vollkommen von ihrer Umwelt 

abgeschottet. „Sie sind in einer Hütte in 

den Wäldern Mittelfinnlands entstanden“, 

erläutert Markus. „Unsere nächsten Nachbarn 

waren kilometerweit entfernt, es gab nur den 

Wald und die Seen um uns herum. Wir haben dort gemeinsam mit 

unserem Produzenten V Santura drei Wochen verbracht und hatten eine 

super Zeit. Es war sehr stimulierend, sich genau in der Umgebung zu 

befinden, über die man schreibt, und keinerlei andere Verpflichtungen 

zu haben. Wenn wir freihatten, sind wir rudern und fischen gegangen, 

haben Pilze und Beeren gesammelt, gegrillt oder irgendwelche Kuchen 

gebacken. Natürlich waren wir auch viel in der Sauna und haben das 

eine oder andere Bier genossen“, fügt er grinsend hinzu. So entspannt 

die Studiosession auch war, entpuppte sie sich dennoch stellenweise als 

Tortur für den Bandkopf. „Die Nummer vier auf dem Album, Arpeni, 

basiert auf der Legende von Näkki, einem Dämon, der die Menschen in 

tiefe Gewässer lockt. Im Kern geht es aber um meinen besten Freund, 

der vor ein paar Jahren ertrunken ist. Als Mikko den Text eingesungen 

hat, musste ich den Raum verlassen, weil die Gefühle, die dabei in mir 

hochkamen, einfach zu schmerzhaft waren.“ 

Der Zukunft sieht der Musiker trotzdem positiv entgegen. „Mit der Band 

wollen wir 2014 endlich eine Europatour spielen, und ich persönlich 

möchte das Buch, an dem ich gerade schreibe, beenden. Ich kann noch 

nicht groß die Werbetrommel rühren, doch ich bin dabei, die offizielle 

Biographie von Amorphis zu verfassen“, verrät Markus begeistert. Das 

finnische Quintett sollte man also nicht nur wegen seiner musikalischen 

Fähigkeiten im Auge behalten... 

www.kuolemanlaakso.net 



Uljas Uusi Maailma (2012) 

Tulijoutsen (2014) 

Line-Up: 

Mikko Kotamäki – Gesang 

Petteri „Kouta“ Ruotsalainen – Gitarre 

Markus Laakso – Gitarre, Keyboard 

Tuomo „Usva“ Räisänen – Bass 

Toni „Tiera“ Ronkainen – Schlagzeug 

94 - Orkus! 


„Viele zwängen sich in ein Leben, 

wie sie es niemals leben wollten.“ 

Ehrliche Texte, eine brachiale Stimme und Musik, 

die vor keinen Grenzen haltmacht. Solchermaßen 

ausgestattet, melden sich die Deutschrocker um 

Heli Reißenweber zurück. Tief hieß ihr 2012 

veröffentlichtes Debut. Der Fronter fasst in wenigen 

Worten zusammen, was uns auf dem Nachfolger 

erwartet: „Fremdkörper ist sehr gereift. Die Band 

ist musikalisch gewachsen. Das Album geht noch 

etwas mehr nach vorne. Es rockt einfach von der 

ersten Minute an!“ Aufgenommen haben sie das 

Werk erneut bei Simon Michael Schmitt (Subway 

to Sally), dieses Mal war auch Fabio Trentini am 

Start, der schon als Produzent für Guano Apes 

fungierte und als Bassist mit den H-Blockx auf der 

Bühne stand. 

Spannend ist die Geschichte hinter dem 

Albumtitel sowie dem dazugehörenden Track... 

„Der Song Fremdkörper handelt vom Leben 

im falschen Körper. Inspiriert wurde ich durch 

einen Bekannten von mir, der sich zurzeit in der 

Phase einer Geschlechtsumwandlung befindet. 

Grundsätzlich kann man den Titel aber auch auf 

die Gesellschaft beziehen. Gewollt oder ungewollt 

zwängen sich viele Menschen in ein Leben, wie sie 

es eigentlich niemals leben wollten. Deshalb finden 

wir den Titel sehr passend“, erklärt Heli. 

Der Name Maerzfeld fällt meistens im selben 

Atemzug mit Rammstein, und eine gewisse 

Ähnlichkeit streiten sie gar nicht ab. „Maerzfeld 

wird wohl nie nach Michael Jackson klingen“, lacht 

Heli. „Wir liegen zwar – wie auch andere Bands – 

im gleichen Genre wie Rammstein, aber wenn man 

sich unsere Alben nicht nur oberflächlich anhört, 

stellt man doch fest, dass sich Maerzfeld von 

Rammstein unterscheidet. Eigentlich kann man 

aber auch ein bisschen stolz sein, mit der weltweit 

erfolgreichsten deutschsprachigen Rockband 

verglichen zu werden.“ Genau aus diesem Grund 

hat Heli vor fast zehn Jahren die Rammstein- 

Tribute-Band StahlZeit formiert, mit welcher er 

knapp 100 Konzerte jährlich spielt. 

Ihr Name hat Maerzfeld leider nicht nur gute 

Resonanzen verschafft. Manch einer übersieht 

den wahren Sinn dahinter und stellt eine 

Verbindung zu dem 1938 für das Nürnberger 

Reichsparteitagsgelände geplanten „Märzfeld“ her 

– ein Platz, auf dem Schaumanöver der Wehrmacht 

durchgeführt werden sollten. Doch damit hat das 

Sextett absolut nichts am Hut: „Für uns steht der 

Name Maerzfeld sinnbildlich für alles, was man tut, 

und das ganze Leben. Wir sehen das Leben wie ein 

Brachland, ein Feld im Frühjahr (März). Du musst 

es immer aufs Neue, auch wenn es manchmal nicht 

leicht und mit vielen Tiefschlägen verbunden ist, 

bearbeiten und pflegen, damit du später die Früchte 

ernten kannst, die du gesät hast. Es liegt nur zu oft 

in deiner eigenen Hand. Im Märzen der Bauer das 

Rösslein einspannt...“, summt der charismatische 

Sänger, der sein gesamtes Herzblut in seine Musik 

steckt. 

Die nächsten Monate dürften umtriebig bleiben. 

Man werkelt bereits am dritten Album, und es 

wird auch eine kleine Tour geben sowie einige 

Festivalgigs im Sommer. 

www.maerzfeld.de 


„Wir 

spielen 

keine Gigs, 

wir bieten 

Shows!“ 

Fear Of Domination kreieren ihre völlig 

eigene Freakshow! Ihr Stil wird häufig 

als „Shock Industrial Metal“ bezeichnet, 

und dieser Formel bleiben sie treu. 

Sie geben nicht nur alles, sie geben 

120 Prozent – dafür stehen die sechs 

Finnen mit ihrem gesamten Herzblut. 

Jetzt präsentieren sie bereits das dritte 

Studioalbum. Wir haben mit Fronter 

Saku und Keyboarder Lasse gesprochen. 

Orkus: Wie ist der Titel Distorted Delusions 

entstanden? 

Saku Solin: Unser neues Werk handelt 

von verschiedenen tiefen und arg verdrehten 

Täuschungen, die es sich im menschlichen 

Verstand wohnlich gemacht haben. Dazu 

passt der Titel doch recht gut, oder? Dieses 

Mal darf der Hörer deutlich härtere Riffs und 

eine viel energiegeladenere, dynamischere 

Musik von uns erwarten. Mit ein paar neu 

eingebauten kleinen Tricks. 

O: Ihr mischt ganz unterschiedliche Genres 

und scheint dabei keine Grenzen zu kennen... 

SS: Stimmt, deshalb kann man den Stil von 

FOD auch nicht beschreiben... woah... das 

ist schwer. Viele Medien nennen unseren 

Sound „Shock Industrial Metal“. Und ich 

denke, dass sie das „Shock“ wohl aus einem 

Grund angehängt haben – wegen der für uns 

wichtigsten Sache: der Show! Wir spielen 

keine Gigs, wir bieten Shows! Uns kann man 

nicht in Worte fassen. Man muss uns live 

sehen, um uns zu begreifen. 


O: Hat es seit Create.Control.Exterminate. Wechsel im 

Line-Up gegeben? 

SS: Ja, kurz nach dem letzten Release mussten wir uns 

leider von Niina Telén trennen. Zum Glück haben wir 

nach einer Weile Lasse Raelahti kennengelernt; einen 

Meister, was Synth- und andere Effekte betrifft. Er hat 

bei der Produktion des neuen Albums auch schon einen 

sehr großen Part eingenommen. Ich glaube, das Resultat 

kann jeder hören. 

O: Verratet uns bitte die Geschichte hinter einem eurer 

neuen Lieder! 

Lasse Raelahti: Dann wähle ich PaperDoll. Es 

erzählt von einem Mann, der verrückt geworden ist. 

Er hat seine Frau umgebracht. Vielleicht mit Absicht, 

vielleicht war es ein Unfall. Das hat ihn so weit 

getrieben, dass er versucht, einen Ersatz für seine wahre 

Liebe zu finden. Doch nichts kann seine Frau ersetzen. 

Er wird zum sozialen Wrack. Er folgt Leuten, fängt sie 

ein, zerschneidet oder verstümmelt sie. 

O: Nicht unbedingt ein Thema für schwache Nerven... 

Könnt ihr euch noch an euren allerersten Auftritt 

erinnern? 

SS: Na klar! (lacht) Beim Peräkorpirock! Wir haben 

dermaßen abgelost... Wir waren damals nicht viel mehr 

als eine Handvoll Teenies, die Rockstars sein wollten. 

Aber wir hatten die beste Zeit unseres Lebens, und das 

war in dem Moment alles, was zählte. 

O: Sind bereits Konzerte für die nächsten Monate 

geplant? 

SS: Ja, in den kommenden Monaten werden wir 

Finnlands Bühnen unsicher machen. Gott, ich habe 

unsere Shows schon so vermisst! Hoffentlich haben 

wir auch Gelegenheit, die Grenzen zu überschreiten 

und nach Zentraleuropa zu kommen. Das würden wir 

jedenfalls sehr gerne tun. 

O: Gibt es so etwas wie einen ganz besonderen Moment 

seit eurer Bandgründung? 

SS: Der beste Moment... (denkt nach) Das ist echt 

schwierig. Es gab so viele gute. Vielleicht unser Auftritt 

beim Myötätuulirock. Wir hatten eine wahnsinnige 

Zirkustruppe dabei, die mit Feuer hantierte, und es war 

eine sehr theatralische Performance. Wir haben vorher 

sogar gemeinsam ein Trainingscamp besucht. Riesige 

Shows zu veranstalten, ist klasse. Natürlich gastieren 

wir auch gerne mal in kleinen Clubs; dort herrscht eine 

intimere Atmosphäre – aber dann können wir halt kein 

Pyrospielzeug mitnehmen. (lacht) 

www.fod.fi 



Call Of Schizophrenia (2009) 

Create.Control.Exterminate. (2011) 

Distorted Delusions (2014) 

Line-Up: 

Saku Solin – Gesang 

Johannes Niemi – Gitarre 

Jan-Erik Kari – Gitarre 

Lauri Ojanen – Bass 

Lasse Raelahti – Keyboard 

Vesa Ahlroth – Schlagzeug 


„Ich liebe das Feeling, das ein 

wirklich altes Gebäude ausstrahlt.“ 

Das selbstbetitelte Debut der kanadischen 

Prog Rocker hat es in sich. Es lässt sich in keine 

Schublade pressen, zitiert Queen ebenso wie 

moderne Metal-Bands und überrascht mit 

grandiosen Melodien. Die Jungs um Kyle 

Gruninger ließen sich satte zwei Jahre Zeit, um 

Incura fertigzustellen. „Wir wollten echt alles in 

dieses Album packen. All unsere Emotionalität, 

Kreativität und unser Geld“, lacht der Fronter. 

„Die vier EPs, die wir vorher veröffentlicht haben, 

waren mehr oder weniger bloß Demos. Sie gaben 

uns die Möglichkeit, durch Kanada zu touren und 

Erfahrungen zu sammeln.“ Dabei entwickelte das 

Quintett einen sehr eigenen Stil, der für Gruninger 

allerdings nichts Besonderes ist: „Jeder von uns hat 

einen anderen Musikgeschmack, deshalb kommt 

am Ende Incura heraus. Wir alle können uns auf 

Prog-Größen wie Yes, King Crimson oder King’s 

X einigen, mehr aber auch nicht. Ich zum Beispiel 

habe mir für meinen Gesang einiges von Jonathan 

Davis abgeschaut, obwohl ich KoRn nicht mag. 

Und bei I Breathe This habe ich mich sogar durch 

Michael Jackson inspirieren lassen.“ 

Inhaltlich beschäftigen sich Incura weder mit 

fliegenden Einhörnern noch mit den großen Fragen 

dieser Welt, sondern behandeln Alltagsthemen. 

„Ich habe auf diesem Werk persönliche Dinge 

verarbeitet. Manches hätte ich nie aussprechen 

können, das ging nur über die Lieder. Ich verrate 

also eine Menge von mir. Gefühle sind ein ganz 

wichtiger Aspekt unserer Musik. Leider geht das 

heute ein bisschen verloren. Viele Bands achten 

bloß noch auf Technik, nicht aber auf Gefühl. Ich 

denke, es gibt einige Menschen, die das vermissen. 

Ich erinnere mich, dass ich mich als Jugendlicher 

nur dann richtig in ein Album vertiefen konnte, 

wenn ich den Eindruck hatte, die Band spricht mich 

direkt an. Das versuchen wir auch. Zumal es der 

beste Weg ist, sich eine treue Fanbasis aufzubauen. 

Ich muss keine Million CDs verkaufen, wenn die 

Band ein paar Monate später komplett vergessen 

ist. Obwohl... frag’ mich in fünf Jahren noch mal, 

wenn wir lediglich 500 CDs verkauft haben, haha.“ 

Diese Gefahr besteht wahrscheinlich nicht, dafür 

ist Incura einfach zu stark. Das beginnt schon mit 

dem simplen, aber eindrucksvollen Cover. Ein 

roter Baum auf schwarzem Grund. „Die Idee zu 

dem Motiv stammt von uns. Die vorhin erwähnten 

EPs waren die Saat, die wir gesetzt haben – unsere 

Wurzeln. Jetzt sind wir bereit, aufzublühen.“ 

Was vornehmlich in Europa geschehen soll. 

Denn die Kanadier haben ein Faible für die Alte 

Welt: „Ich liebe das Feeling, das ein wirklich altes 

Gebäude ausstrahlt. Hier bei uns sind die ältesten 

Häuser vielleicht 100 Jahre alt. Die europäische 

Geschichte ist aufregend. Da bin ich auch auf Tour 

ein echter Tourist! Außerdem darf man bei Euch 

in der Öffentlichkeit Bier trinken. Als wir zum 

ersten Mal in Deutschland waren, kamen wir uns 

richtig komisch vor, mit Flaschen in der Hand 

herumzulaufen.“ 

www.incura.net 


Line-Up: 

Kyle Gruninger – Gesang 

Royce Whittaker – Gitarre 

Jono Olson – Bass 

Jim McLaren – Keyboard 

Phil Gardner – Schlagzeug

Das neue Album der finnischen Groove Thrasher trägt den Titel Reset, auf 

dem Cover ist ein stilisierter Phönix zu sehen. Nachdem der Vorgänger 

Destroy! hieß, scheint ein Zusammenhang zwischen den Werken zu 

bestehen. Gitarrist Williami Kurki zerstört diese am PC erstellte These 

aber sogleich. „Die einzige Gemeinsamkeit ist die Tatsache, dass wir 

wieder mit Mikko Herranen aufgenommen haben. Musikalisch und 

textlich haben die Alben nichts gemein. Bei Reset geht es um die zwei 

Seiten, die jeder Mensch in sich trägt. Eine kraftvolle und gerechte – auf 

der anderen sind wir fähig, schlimme Dinge anzurichten. Wir befassen 

uns damit, wie es wäre, wenn man diese beiden Seiten trennen und 

dadurch ein neues Bewusstsein schaffen könnte.“ Klanglich ist Reset 

wieder eine echte Wundertüte. Groovige Parts wechseln mit progressiven 

Elementen und melodischen Zwischenspielen. Als erstes (Lyric-) Video 

wurde der Track Sonic Wings ausgewählt, der noch am ehesten ins Ohr 

geht. „Ja, die Nummer zählt sicher zu den griffigsten“, sagt Kurki. „Doch 

das liegt immer auch am Hörer selbst. Wir sind gerade dabei, einen 

richtigen Clip für Trails zu drehen, das etwas komplizierter aufgebaut 

ist. Sonic Wings schien uns für den Anfang einfach eine passende Wahl.“ 

Grundsätzlich gibt es im Universum von Profane Omen wohl keine 

Grenzen. Von klassischen Hard Rock-Melodien bis hin zu Thrashcore- 

Attacken ist alles möglich. Für Kurki ein wichtiger Bestandteil seiner 

Band: „Ich könnte mir nicht vorstellen, irgendwelche Schranken zu 

akzeptieren, denn ich mache Musik mit dem Herzen. Okay, es gibt 

natürlich technische Grenzen, aber dafür können wir ja alle an unseren 

Instrumenten üben.“ Jenes Üben hat sich speziell in ihrer Heimat 

ausgezahlt. Die letzten zwei Alben schafften es in die Top 15 der 

Charts, sogar eine Top 5-Single haben Profane Omen im Gepäck. Nur 

im Ausland läuft die Karriere der schon 1999 formierten Truppe eher 

schleppend an... „Das stimmt, irgendwie klappt es noch nicht so ganz 

mit Europa. 2012 spielten wir eine großartige Tour mit Amoral und 

Ensiferum; ich erinnere mich auch an einige starke Gigs in Berlin oder 

Bochum. Doch es liegt was in der Luft, die Planungen laufen. Wir sind 

jedenfalls bereit, Euch in den Hintern zu treten!“ 

www.profaneomen.net 

Marc Halupczok

„Das Zuviel 

zerstört den eigentlichen Wert.“ 

Endlich ist es so weit... mit bereits vor Vorfreude zuckenden Tanzbeinen dürfen wir das neue State of the 

Union-Werk willkommen heißen. Nach einer fünfjährigen Pause seitens Johann Sebastian bringt My Time 

Away jedes Future Pop-Herz auf Hochtouren. „Die letzten Jahre waren eine echt harte Zeit für mich. Neben 

familiären Sorgen und Problemen kamen gesundheitliche hinzu. Die Finanzkrise 2008 tat ihr Übriges, um 

einer depressiven Stimmung zu verfallen“, resümiert Johann die Periode nach Evol Love Industry. „Ich 

habe mich dann ein wenig von elektronischen Klängen entfernt und mit unserem Live-Schlagzeuger sowie 

einem Freund aus Highschooltagen ein spanischsprachiges Rockprojekt gestartet, welches sich Estados de 

Union nannte – also States of the Union. Dies half mir, wieder Fuß zu fassen im Leben. Die Freude an der 

Musik ist noch immer ungebrochen, und ich bin mächtig stolz auf unser neues Album.“ 

Als kleinen Appetizer konnte man bei YouTube einen Trailer ansehen. Auf den ersten Blick scheint er 

in völligem Gegensatz zu dem impulsiven, Partylaune weckenden My Time Away zu stehen. „Das Video 

handelt vom modernen Kapitalismus in seiner reinsten Form. Es ist einprägsam und in seiner Wirkung 

fast schon unangenehm, führt die Grausamkeit der Menschheit direkt vor Augen.“ Dieser Kontrast zum 

Sound ist für Johann ein wichtiges Kriterium. „Es wäre einfach nicht logisch, das Gesamtkonzept zu etwas 

Fröhlich-Exzentrischem verkommen zu lassen. Die Bilder sollen zum Nachdenken anregen.“ 

Trotz aller Ernsthaftigkeit hinter der Arbeit von State of the Union steht der positive Effekt auf das Publikum 

an erster Stelle: „Leider scheint die Musik heutzutage ihre einstige Bedeutung verloren zu haben... in 

Anbetracht des Überangebots jedoch nicht groß verwunderlich. Wie auch in anderen Bereichen, hat das 

Zuviel den eigentlichen Wert zerstört.“ Umso erfreulicher, wenn einem Tracks wie Stupid Song gleich 

beim ersten Hören andere Gedanken bescheren und einem sofort der Fuß zu wippen beginnt. „Diese 

Nummer ist einfach nur supergroovy. Die wabernden Bässe und das orchestrale Opening packen einen 

immer wieder. Der Text erzählt von in die Brüche gegangenen Beziehungen und davon, wie einem ein 

dummes Lied manchmal Trost und Ablenkung schenken kann.“ Für weitere Zerstreuung sorgen Stücke 

wie Dancing in the Dark (ursprünglich 2010 erschienen) oder Five Minutes to Midnight, zu welchem jüngst 

ein Clip gedreht wurde. „Five Minutes to Midnight zeigt einen Mann unmittelbar vor der Exekution. Der 

gesamte Songaufbau nimmt einen gefangen, und dies haben wir auch im Video umgesetzt.“ 

Bleibt letztlich bloß zu hoffen, dass wir in Zukunft wieder mehr von State of the Union zu sehen und vor 

allen Dingen zu hören bekommen. Für einige Festivals sind sie bereits gebucht, und wie Johann verlauten 

ließ, ist auch schon neues Material in der Pipeline. Wir dürfen gespannt sein! 

www.state-of-the-union.info 



Black City Lights (2002) 

Inpendum (2004) 

Evol Love Industry (2008) 

My Time Away (2014) 

Line-Up: 

Johann Sebastian – Gesang, Texte, 

Programmierung 

Jimmy Nimra – Live-Schlagzeug

„Das Leben stellte uns auf eine Probe...“ 

Vanishing Point stehen seit über 15 Jahren für 

anspruchsvollen, melodischen Progressive Metal, 

was sich auch mit ihrem neuesten Werk nicht ändert. 

Gitarrist Chris Porcianko, der zum ersten Mal in der 

Bandgeschichte ein Album komplett im Alleingang 

geschrieben hat, erläutert, warum Vanishing Point 

plötzlich eine Spur melancholischer unterwegs sind: 

„Ja, das lässt sich nicht bestreiten und hat damit zu 

tun, dass wir vor ein paar Jahren kurz davor waren, uns 

aufzulösen. Das Leben stellte uns auf eine Probe, einige 

von uns verloren ihren Job, Beziehungen zerbrachen. Ich 

selbst verlor meinen Vater und brauchte ein bisschen 

Zeit für mich. Das Material schrieb ich während jener 

dunklen Phase und ließ Musik und Texte einfach für 

sich sprechen. Wir sind sehr froh, dass wir diese Phase 

überstanden haben.“ Was auch erklären dürfte, warum 

zwischen Distant is the Sun und seinem Vorgänger The 

Fourth Season sieben Jahre liegen. Wobei Chris betont, 

dass die Formation nicht die ganze Zeit pausierte. „Für 

Außenstehende scheint es manchmal so, als würde 

eine Band, die lange nichts veröffentlicht, nur auf der 

faulen Haut liegen. Das ist aber meist falsch. Wir waren 

bis 2010 sehr gut beschäftigt, haben Sonata Arctica in 

Europa und Helloween und Iron Maiden in Australien 

supportet. Erst danach fingen die Probleme an, die 

uns auch zwei Mitglieder und unseren Plattenvertrag 

gekostet haben, weil unser Label Pleite machte. Das hilft 

in solch einer Situation natürlich nicht gerade weiter...“ 

Ein Lied heißt As December Fades, in unseren Breiten 

mit Kälte und Finsternis assoziiert. Die Musiker 

wohnen jedoch in Melbourne, wo der Dezember den 

Hochsommer markiert. Ein klarer Fall von – kulturell 

bedingt – unterschiedlicher Sichtweise. „So habe ich das 

noch nie betrachtet“, lacht Chris zum ersten und einzigen 

Mal laut los. „Wir leben in der südlichen Hemisphäre, 

und zu dieser Zeit ist es tatsächlich verdammt heiß. Der 

Titel soll darauf anspielen, dass ein Jahr endet und man 

eine neue Seite im Buch des Lebens aufschlägt. Doch 

wenn ich mich recht entsinne, herrschten über 40 Grad, 

als ich den Song schrieb. Deshalb verkroch ich mich in 

mein Heimstudio, wo diverse Klimaanlagen laufen. Es 

wird auch das Iglu genannt, haha.“ 

Wir bleiben dem Kalender treu und wenden uns dem 

ziemlich traurig klingenden Instrumental April zu, 

welches das Album beschließt. „Hier geht es weniger 

um eine Jahreszeit. Im April 2012 starb mein Vater. 

Das Stück entstand direkt nach diesem Ereignis und 

soll ausdrücken, wie ich mich damals fühlte. Es gibt 

fröhliche Parts, weil ich daran denken musste, wie wir als 

Vater und Sohn zusammengelebt haben. Aber eben auch 

sehr dunkle Momente, die seinen Tod symbolisieren. 

Am Tag, als er von uns ging, regnete es in Strömen. Mehr 

möchte ich dazu gar nicht sagen, denn für mich fühlt es 

sich an, als wäre es erst gestern passiert.“ 

www.vanishing-point.com.au 



In Thought (1997) 

Tangled in Dream (2000) 

Embrace The Silence (2005) 

The Fourth Season (2007) 

Distant is the Sun (2014)

„Die Kraft, alles im Leben mit Würde zu bewältigen.“ 

Griechenland – ein Land mit großer Geschichte, 

leckerem Essen und reichlich Sonne – war 

lange ein beliebtes Urlaubsziel. Dann kam die 

Wirtschaftskrise, die viele hart getroffen hat 

und bis heute andauert. In jenem angespannten 

Klima entstand Elysions Zweitwerk Someplace 

Better, das laut Bandmanager Aleksandros einen 

Lichtstrahl im Dunkel symbolisiert. „Den Titel 

haben wir aus mehrerlei Gründen gewählt. 

Zuallererst sollte er unser Vertrauen reflektieren, 

mit diesem Album den nächsten Schritt gehen 

und uns als Gruppe weiterentwickeln zu 

können. Dieses Release wird uns hoffentlich im 

Wortsinn an einen besseren Ort führen“, grinst 

er. „Wir mochten außerdem die optimistische 

Stimmung, die der Titel verbreitet und die 

den generell positiven Blickwinkel von Elysion 

widerspiegelt. Darüber hinaus sollte er als 

Hoffnungsträger in diesen dunklen Zeiten 

dienen, da die Seelen vieler Griechen vom 

Pessimismus übermannt sind.“ 

Ein Konzeptalbum ist Someplace Better aber 

nicht. „Es gibt kein übergreifendes Thema, nur 

die geschilderte Atmosphäre, welche sich von 

Lied zu Lied zieht und den Eindruck vermittelt, 

eine Geschichte erzählt zu bekommen“, erklärt 

der Südeuropäer. „In den Stücken befassen wir 

uns mit der menschlichen Natur und ihren 

endlosen unerforschten Gebieten. Besonders 

gut gefällt mir an Someplace Better, dass alles 

intensiver geworden ist... Die groovigen 

Songs sind direkter und härter, während die 

Balladen noch gefühlsstärker wirken“, fügt 

er eifrig hinzu. Das Coverartwork erscheint 

deutlich reduzierter als beim Debut, verströmt 

jedoch nichtsdestotrotz eine zeitlose Eleganz. 

„Wir haben dieses Mal mit Gustavo Sazes 

zusammengearbeitet, der schon diverse Cover 

im Metal-Bereich designt hat und eine eigene 

Handschrift besitzt. Natürlich hatten wir eine 

allgemeine Stimmung für das Bild im Kopf, 

ließen ihm aber völlig freie Hand, ein Motiv zu 

finden, das Melancholie und Hoffnung zugleich 

verkörpert. Für die japanische Auflage gestaltete 

Natalie Shau, die das Cover für Silent Scr3am 

entworfen hatte, ein zweites Artwork, welches 

wir genauso lieben wie Gustavos Variante“, 

berichtet Aleksandros zufrieden. 

Obwohl die Krise in seiner Heimat andauert, 

sieht der Promoter einen positiven Trend in 

der dortigen Musikszene. „Trotz des sozialen 

und finanziellen Zusammenbruchs hat unsere 

Szene über die letzten Jahre riesige Fortschritte 

gemacht, was mich nachhaltig berührt und 

beeindruckt“, konstatiert er begeistert. „Mehr 

und mehr Bands schaffen es, auch jenseits 

der Landesgrenzen bekannt zu werden, und 

der Produktionsstandard steigt stetig, was 

ich sehr vielversprechend finde. Übrigens 

sind griechische Metal-Fans generell äußerst 

hingebungsvoll und leidenschaftlich, das 

hat sich auch in der Krise nicht geändert.“ 

Nach seinen persönlichen Zielen für 2014 

befragt, muss er schmunzeln: „Da ich meine 

Neujahrsresolutionen eh nie in die Tat umsetze, 

wünsche ich mir nur, dass ich die Kraft finde, 

alles, was mir im Leben widerfahren mag, mit 

Würde zu bewältigen.“ 

www.elysionofficial.com 



Silent Scr3am (2009) 

Someplace Better (2014) 

Line-Up: 

Christianna – Gesang 

Johnny Zero – Gitarre 

Nid – Gitarre 

FxF – Bass 

Laitsman – Schlagzeug 


Klangfabrik Stuttgart 

GOTHIC ELECTRO INDUSTRIAL 

AB 07. MÄRZ 

JEDEN ERSTEN 

FREITAG IM MONAT 

Freier Eintritt am 07.03. 

07. MÄRZ 2014 

ERSTER FREITAG 

RE-START SPECIAL 

Freier Eintritt für alle. 

DJ TOM 

2nd Floor: Dr. KlingKlang & DJ Val 

LIVE-KONZERT 

XTR HUMAN 

Post-Punk/Coldwave 

Konzertbeginn 22.30 Uhr 

ABSINTH LOUNGE 

DOUBLE TIME 22 - 23H 

Welcome-Drink, Longdrink-Special 

CLUB LEHMANN 

Bosch-Areal Stuttgart 

www.lehmannclub.de 

@facebook: klangfabrik stuttgart

„Abgründe 

sind die spannendsten Momente des Daseins.“ 

Eine merkwürdige Stille umfängt ihn. Es scheint, als wäre alles Leben von diesem kalten und kargen Ort ausgeschlossen. 

Eine alles vernichtende Dunkelheit, die selbst das geöffnete Auge nicht durchdringt. Ist das das Ende? Dann ein 

Geräusch, einzelne Töne nur, kleine Momente der Hoffnung, die anschwellen zu einem musikalischen Inferno am 

Rande der Trostlosigkeit. Dogs of War, Malum, Daemon – wie Lichtblitze zucken die Titel vor seinem inneren Auge, 

und darüber materialisiert sich ein alles umfassender Name: Elegies in Darkness... 

Adrian Hates: Wenn du die Augen zumachst und ewig 

lange in der Dunkelheit stehst und dann leise vor dich hin 

deine Klagelieder summst, dann hat das etwas unglaublich 

Erdrückendes. Ich empfinde Klagelieder auch als etwas nicht 

Hoffnungsloses, aber Hoffnungsarmes, etwas Bedrückendes, 

etwas Trauriges, und das ist es, was dieses Album ausmacht, 

was dieses Album erzählt. Eine ganz wichtige Rolle spielt 

auch das Gefühl, überwältigt zu sein, und zwar nicht im 

Sinne von „beeindruckt“, sondern im Sinne von „machtlos“. 

Ich habe festgestellt, dass ich wieder sehr stark zu Themen 

vorgedrungen bin, mit denen ich auch damals begonnen habe. 

Also Einsamkeit, Isolation, die ganze Dunkelheit, die damit 

einhergeht. Ein wahnsinnig spannender Themenbereich und 

ein schier unerschöpflicher Quell an Inspiration. Ich meine, sich 

selbst zu beobachten, wenn man Angst hat oder sich unwohl 

fühlt... Ich sage ja immer: Abgründe sind die spannendsten 

Momente des Daseins. 

Orkus: Das sind dann aber auch wirklich allgemeine Themen, 

die ihr da verarbeitet habt, oder? Anderenfalls müsstest du ein 

verdammt schlechtes Jahr gehabt haben. 

AH: Tatsächlich hatte ich überhaupt kein mieses Jahr. Ich 

glaube, ein besonders schlechtes Jahr würde die Thematik 

auch sehr eindimensional machen, das Spektrum wäre sehr 

eng gesteckt. Wenn ich aber ein ganz normales, schönes und 

ausgeglichenes Jahr habe, brodeln im Untergrund diverse 

Themen, die dann einfach rausmüssen. Balance stellt man her, 

indem man herauslässt, was diese Balance beeinträchtigt, und 

das habe ich getan. 

O: Diese Gedanken und Gefühle sind also gewissermaßen ein 

ständiger Teil von dir? 

AH: Schon. Ich habe ja immer schon meine zwei Seiten 

psychisch gehabt, auch emotional geprägt, und die muss ich 

beide ausleben. Zum einen die, die man als halbwegs normal 

oder unauffällig bezeichnen würde oder, wie meine Nachbarn 

sagen: „Ist doch ein ganz Netter.“ Und dann eben auch diese 

düstere, schwarze Seite. Wenn man die als Jugendlicher auslebt, 

sagen Eltern ja gern, dass das wieder vorbeigeht und zur 

Pubertät gehört. Ich kann das allerdings faktisch bis in meine 

Kindheit zurückverfolgen. Ich habe Bilder vor Augen, wo ich 

Musik gehört habe, wo meine Mutter Musik gehört hat, die 

ich mir noch heute als Moment zurückrufen kann, und ich war 

da maximal sieben Jahre alt. Und ich weiß noch haargenau, 

welchen Effekt das Gehörte – es war ein Stück von Mozart – 

auf mich hatte, was es emotional mit mir gemacht hat. Es hat 

mich damals total verwirrt. Und so etwas kann ich über meine 

Lebensetappen immer wieder mal nachverfolgen. Diese Gefühle 

sind immer noch in mir, sind nie weggegangen. Das ist mein 

zweites Ich, das ich immer mit auf der Reise habe. Und ich lebe 

das aus, weil es rausmuss, sonst tut mir das nicht gut. Und ich 

lebe das eben in düsterer Musik aus. Euer werter Chefredakteur 

hat nach einem Konzert mal zu mir gesagt, dass er bei keinem 

der Musiker, die er auch privat ein bisschen kennt, so das Gefühl 

hatte, dass der, der da auf der Bühne steht, ein komplett anderer 

Mensch ist als der, den er privat kennt. Das fand ich einen ganz 

interessanten Satz und kann mich da auch wiederfinden, denn 

dieser Veränderungsprozess findet schon hinter der Bühne statt. 

Das darf man sich jetzt nicht überspitzt vorstellen wie Dr. Jekyll 

und Mr. Hyde. Du lässt einfach ein Gefühl zu, lässt dich von 

etwas übermannen, was du in deinem normalen Lebensalltag 

eben nicht rauslässt. 

O: Was sind das für dunkle Gedanken? 

AH: Ich kann dir das gar nicht so sagen. Das ist weniger ein 

Gedanke als ein Grundgefühl. Etwas Schweres, Melancholisches, 

was aber auch immer an dieser ganz seidenen Grenze zur Wut 

und Aggression ist. Für mich liegen diese Gefühle unglaublich 

nah beieinander. Eine tiefe Traurigkeit wird meist von einem 

Gefühl der Wut und Ungerechtigkeit abgelöst und umgekehrt. 

Finde ich unglaublich spannend. Es ist auch gut, dass ich es 

ausleben kann, denn wenn ich einen ganz normalen Job hätte, 

wo ich von morgens acht bis nachmittags fünf hingehen würde, 

müsste ich danach eine halbe Stunde bei jemandem aufs 

Sofa. Vielleicht habe ich eine Macke, ich sage das ja immer. 

(schmunzelt) 

O: Nur, wenn man düstere Musik und Rund-um-die-Uhr- 

Arbeiten als Macke bezeichnen möchte. War es denn dieses Mal 

auch wieder so? 

AH: Wir haben wieder so gearbeitet wie zu Nigredo- oder (if)- 

Zeiten, und ausschließlich im eigenen Studio. Es war ein sehr 

intensives Arbeiten, das sich auch zwangsläufig ergibt, wenn 

man an einen Ort gebunden ist. Das hat dann etwas von einem 

Zufluchtsort, aber auch von einem Gefängnis. Monatelang 

in einem Raum zu sitzen und sehnsüchtig nach draußen zu 

schauen, ist manchmal nicht einfach. (grinst) Ganz interessant 

war eine Entdeckung, als ich mir die ersten Gesangsaufnahmen 


Photo: Silke Jochum

„Nicht streicheln, sondern direkt ohrfeigen.“ 

von Dogs of War angehört habe. Eines der ersten Stücke, für das 

ich finale Vocals eingesungen habe. Da hörte ich im Hintergrund 

der Rohfassung massenhaft Vogelgezwitscher. Ich habe mitten im 

Hochsommer die Aufnahmen gemacht und saß dann im Januar 

hier und hörte mir die Aufnahme an und war erschüttert, wie die 

Zeit vergangen ist. 

O: Darüber und über das, was an dir vorbeigezogen ist, oder? 

AH: Ja, den Sommer habe ich nicht mitbekommen. Mal 

abgesehen davon, dass der ohnehin recht übersichtlich war, was 

seine Präsenz angeht, war es dann auch so, dass ich die Zeit meist 

gearbeitet habe. 

O: Was machst du, wenn du es in dem kleinen Gefängnis doch 

nicht mehr aushältst? Gab es Momente, wo du einfach mal 

rausmusstest und dann auch gegangen bist? 

AH: Konnte ich mir schwerlich leisten. Es galt schon die Devise 

„Durchhalten, dranbleiben“. Ich brauche das auch. Ich muss da 

diszipliniert bleiben und darf da nichts durchbrechen, sonst habe 

ich Probleme, mich wieder anzunähern. Ein Tag Pause heißt 

für mich, dass ich am ersten Tag einen halben Tag brauche, um 

wieder reinzukommen. Als würde ich den Faden verlieren. Du 

musst dich erst einmal an den emotionalen Punkt zurückleben, 

um dann da wieder anknüpfen zu können, den genauen 

Überblick zu haben. Genau dieses Gefühl von Sicherheit in einer 

Produktion wieder zu haben. Das geht verloren. Ganz schnell. 

Das ist auch ätzend. Ich mag das überhaupt nicht. Teilweise habe 

ich mir sonntags den Wecker auf acht gestellt, damit ich den Tag 

nutzen kann und Zeit habe, um zu arbeiten. Ich kann dann auch 

nicht richtig essen. Meine Nahrungsmittelaufnahme ist dann 

sehr unstrukturiert. Teilweise singe ich acht Stunden am Stück, 

natürlich immer mit fünf, zehn Minuten Pause zwischendurch, 

wo ich dann Audiobearbeitung mache, um die Stimme kurz zu 

entspannen, und trinke in der Zeit drei Liter Tee, aber im Großen 

und Ganzen sind es insgesamt etwa sechs bis acht Stunden pro 

Tag. 

O: Und gegessen wird alles, was kalt ist und sich nebenher essen 

lässt? 

AH: Und vor allem Miniportionen. Jeder, der das hört, denkt, 

ich wäre magersüchtig. (grinst) Morgens vor der Arbeit sind es 

zwei Scheiben Toast mit Butter, nach der Hälfte der Arbeitszeit 

noch einmal zwei Scheiben Toast mit Butter, und das war es 

dann. Mehr geht aber auch nicht, weil ich keine Kraft habe, 

wenn ich total vollgegessen bin. Ich kann dann nicht gut singen. 

Auch vor einem Konzert geht mir das so. Drei, vier, fünf Stunden 

vorher kann ich nichts essen. Das Verarbeiten kostet wahnsinnig 

viel Energie, und die brauche ich zu 100 Prozent für das Singen. 

Das hat ja auch etwas Asketisches. Man reduziert sich. 

O: Man opfert sich auf für das Werk. 

AH: Genau, aber auch für die Emotion, für die Reinheit 

des Gefühls. Klingt total geschwollen, aber ich meine das 

ehrlich. Und wenn ich dann fertig bin für den Tag mit den 

Vocalaufnahmen, mache ich natürlich erst einmal eine Pause 

und esse etwas Vernünftiges und auch in einer angenehmen 

Dosierung, dass es einen nicht direkt ins Bett haut und man 

schlafen geht, weil man zu viel gefuttert hat. Aber es ist nicht so, 

dass ich diesen psychopathischen Nahrungsmittelwahn die ganze 

Zeit durchziehe, sondern nur in den Tageszeiten, zu denen ich 

singen muss. Aber das kostet eben wirklich Kraft und Energie, 

und ich war echt froh, als ich die letzte Gesangsspur eingesungen 

Photo: Guido Fricke 


hatte und wusste: jetzt ist Schluss. Das war und ist für mich eigentlich 

immer das Ende der Produktion. Alles andere kann ich mit Würde 

nehmen. (grinst) 

O: Weißt du zu Beginn der Arbeiten, wie ein Song und auch das Album 

letztlich klingen sollen? 

AH: Ja, ganz früh schon. Das habe ich für gewöhnlich schon eine 

halbe Stunde/Stunde, nachdem ich angefangen habe, an dem Song zu 

arbeiten. Ich finde, dass dieses Album auch wieder eine ziemlich krasse 

Vielseitigkeit hat und unterschiedliche Stilistiken abdeckt und dennoch 

sich selbst immer treu ist. Wir haben da ein paar recht progressive 

Ansätze. 

O: Allerdings. Es gibt einige sehr ungewöhnliche Momente. Ihr habt ja 

sogar ein relativ fröhliches Lied auf dem Album. Zumindest der Melodie 

nach hat es eine gewisse Leichtigkeit, während der Text tieftraurig ist. 

AH: Da kannst du ja nur Dream of a Ghost meinen. 

O: Super, sofort erkannt. 

AH: Ja, weil es das einzige Stück ist, das eine gewisse Offenheit hat und 

dennoch hochgradig melancholisch ist. 

O: Absolut. Es beginnt mit einer für euch ungewöhnlichen Leichtigkeit, 

und dann fängst du an zu singen, und es ist vorbei mit der Leichtigkeit 

des Seins. 

AH: (lacht) Ja, das stimmt. 

O: Ihr habt einige Stücke, die extrem reduziert beginnen und fast schon 

an ein klassisches Musikstück erinnern und dann erst richtig loslegen. 

AH: Ja. Für mich war es wichtig, diese sehr kleinen und intimen 

Momente zu haben, die dann komplett ausbrechen und in das ganz 

Große und ganz Mächtige und Schwere wechseln. Dass man also 

vor verschiedene Wände rennt und einfach mit diesen Emotionen in 

einer Übermacht konfrontiert wird. Nicht streicheln, sondern direkt 

ohrfeigen. 

O: Auffällig stark sind dabei für mich die deutschsprachigen Stücke. Sie 

haben eine unglaublich starke Wirkung. Liegt das wohl an den Stücken 

selbst, oder würde eine englischsprachige Person es vielleicht genau 

andersherum empfinden? 

AH: Nein, die deutschsprachigen Stücke haben einen Zusammenhalt, 

etwas besonders Garstiges. Allerdings hätten wir das nicht bei allen 

Stücken durchziehen können, das wäre unverdaulich. Ich glaube, dass 

Stücke wie the Game, Dream of a Ghost oder a dark embrace schon 

leichter verdaulich sind, aber trotzdem die Schwere, Melancholie und 

Traurigkeit in sich tragen. Die passen so eher in das Segment eines 

typischen Diary of Dreams-Songs. Aber ich glaube, dass dieses Album 

insgesamt schon ein klares alternatives Statement ist und eine klare 

Kategorisierung jenseits des Pop-/Rock-/Mainstreamsektors zulässt. 

Das Album ist für mich ein eiskaltes und kristallklares Statement für 

die Musikszene und das Musikgenre, aus dem wir kommen. Und genau 

da fühle ich mich wohl, und da gehören wir hin. 

www.diaryofdreams.de 

Doreen Krase 


Cholymelan (1994) 

End of Flowers (1996) 

Bird without Wings (1997) 

Psychoma? (1998) 

One of 18 Angels (2000) 

Freak Perfume (2002) 

Nigredo (2004) 

alive (live, 2005) 

Nekrolog 43 (2007) 

(if) (2009) 

Ego:X (2011) 

the Anatomy of Silence (2012) 

Elegies in Darkness (2014) 


Photos: Stanislav Drozdov

Hart, brutal ... 

„Gegensätze, harmonisch vereint...“ 

dod 

Zweieinhalb Jahre war es recht 

ruhig um Diodati. Jetzt kehren die 

Regensburger mit Susurrus Lake 

(„Flüsternder See“) zurück. Was sich 

in dieser Zeit wohl alles verändert 

hat? „In erster Linie haben wir alle 

drei ziemlich hart an unseren Basics 

und dem Umgang mit unserem 

musikalischen Werkzeug gearbeitet. 

Das schlägt sich natürlich auch in 

unseren Kompositionen und Arrangements nieder, 

die heute wesentlich komplexer, vielschichtiger 

und runder sind als zu Beginn unserer Arbeit mit 

Diodati. Dazu kommt noch, dass wir versuchen, 

unser instrumentales Spektrum zu erweitern. 

So kam zum Beispiel bei Elias das Schlagzeug in 

sein Repertoire und bei Svyati die Gitarre. Und 

ich glaube, man kann sagen, dass wir uns selbst 

ein bisschen von unserer musikalischen Prägung 

emanzipiert und mittlerweile auch Spaß dabei 

haben, über gewisse Genregrenzen hinauszugehen 

und Einflüsse zuzulassen, für die uns vor ein paar 

Jahren noch der Mut gefehlt hätte“, erläutert 

Gwydion. Genau jener Mut macht dieses Album 

einzigartig und zu etwas künstlerisch Wertvollem. 

„Wir machen das, was wir machen, weil es für 

uns ein Kanal ist, das, was als Ideen in unseren 

Köpfen herumspukt, nach außen zu lassen, sei 

es nun textlich, kompositorisch oder auf das 

Arrangement bezogen. Es ist nicht so, dass wir 

uns zum gemeinsamen Arbeiten motivieren 

oder überwinden müssten. Vielmehr werden wir 

nervös und hibbelig, wenn uns unsere anderen 

Verpflichtungen mal längere Zeit nicht erlauben, 

zusammen zu musizieren und kreativ zu sein“, 

schildert Gwydion die Essenz, welche Diodatis 

Werke stets wachsen und wie eine Blume erblühen 

lässt. Doch wie funktioniert diese Formel? Svyati 

antwortet folgendermaßen: „Mal sind Klavier- und 

Cellostimme zu einem Text im Prinzip fertig, und 

wir verpassen der Musik samt Gesangsstimme nur 

noch den Feinschliff von drei Seiten (zum Beispiel 

beim Stück Maskenball). Mal haben wir Musik, bei 

der wir später entscheiden, ob es dazu einen Text 

geben wird, den Gwydion schreibt. Mal beginnt 

es mit einem melodiösen, harmonischen oder 

rhythmischen Fragment oder einem Gespräch über 

die Stimmung, die die Musik zu einem bestimmten 

Text haben könnte/sollte. Dann baut sich das Lied 

im Prozess des Probens erst nach und nach auf. Elias 

und ich gehen da teilweise auch unterschiedlich 

ran. Ich persönlich finde es reizvoll, einen Text 

tatsächlich zu vertonen, also mir die Musik Phrase 

für Phrase zum Text zu überlegen. Bei Elis und Die 

Hurenkönigin war das vergleichsweise so. Meist 

gibt es einen Ideengeber, der die grobe Richtung 

vorgibt. Am endgültigen Arrangement feilen wir 

aber zu dritt so lange, bis alle zufrieden sind.“ 

Was beim Hören auffällt, ist, dass das Album 

unglaublich komplex ist. Töne, Instrumente und 

Gesang verschmelzen... treffen einen mal mit voller 

Wucht wie ein Wind auf See, gegen den man sich 

lehnen muss, um nicht nach hinten umzufallen. 

Dann wieder kommt Susurrus Lake so fragil daher, 

dass das eigene Herz schier aufhören möchte zu 

schlagen, weil es den Einklang nicht stören will. 

„Mir persönlich bedeutet es sehr viel, wenn unsere 

Musik berührt und die Zuhörer etwas dabei spüren 

und assoziieren“, erklärt Svyati und fährt fort: „Ich 

mag die Vorstellung, dass Musik über die Liedtexte 

hinaus Geschichten erzählt und Botschaften sendet, 

die sprachungebunden beim Hörer ankommen. 

Dass darin Gegensätze vorkommen, die 

harmonisch vereint wirken, könnte man durchaus 

in Bezug zu unseren Persönlichkeiten setzen. Wir 

sind drei sehr unterschiedliche Charaktere. Die 

Gegensätze und Spannungen schleichen sich daher 

automatisch in die Musik – und dabei hab’ ich von 

den gegensätzlichen Empfindungen im Inneren 

der Schaffenden noch gar nicht gesprochen. Dass 

am Schluss doch alles harmonisch wirkt, passt 

wiederum zu unserem Umgang miteinander. Bei 

den Aufnahmen mit Frau Kraushofer meinte diese, 

sie fände es fast gruselig, wie harmonisch wir in der 

Band zusammenarbeiten würden. Keiner von uns 

ist professioneller Musiker, dafür sind wir es umso 

leidenschaftlicher.“ 

www.diodati.de 



Souls Lament (2005) 

Diem supremum obire (2011) 

Susurrus Lake (2013) 

Line-Up: 

Gwydion Enbarr – Texte, Gesang, Arrangement 

Max „Svyati“ Sellmeier – Cello, Gitarre, Komposition, 

Arrangement 

Dr. Elias Wonka – Bass, Klavier, Schlagzeug, Komposition, 

Arrangement 

Ein echter 

Höllentrip … 

Literarische 

Körperverletzung ... 

Wenn Lesen 

zur Mutprobe wird ... 

www.Festa-Verlag.de 

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allen anderen Ecken Deutschlands. Bitte nur bei 

ernsthaftem Interesse an Bekanntschaft, Freundschaft... 

melden. 

Gedanken, die darauf warten, ausgesprochen zu 

werden, doch keiner da, der sie hören mag. Musik in 

meinem Kopf, die gemeinsam gehört werden mag, 

doch keiner da, der sie teilen mag. Träume, die 

gemeinsam gelebt werden wollen, doch an der 

Umsetzung scheitert es. Unternehmungen, die geplant 

werden wollen – wann fangen wir damit an? So suche 

ich (w, 28) andere „chaotisch-düstere“ Seelen, die 

genau das gemeinsam machen wollen (oder auch nur 

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Vielleicht bist du dann bei mir richtig. Ich suche 

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noch wichtig sind. Welche, die einen nicht täuschen und 

verarschen. Welche, die einen nicht mit ihrer extremen 

Eifersucht fast erdrücken. Welche, die eben ehrlich und 

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Welche, die gerne einen Gemütlichen machen, die 

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Es gilt die Höchstwortzahl von 300 Wörtern. 

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abgedruckt. Neben dem postalischen Weg könnt 

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Vielen Dank! 

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eine Lebensphilosophie. Eine Beziehung, die geprägt 

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sowie Päckchen können nicht weitergeleitet werden). 

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Aesthetic Perfection 

’Til Death 

Frankie Goes To Hollywood 

Frankie Said 

(CD + DVD) 

Rammstein 

Made in Germany 1995–2011 

(DCD) 

Alexander Kaschte 

Weisser als das Wasser 

Clan Of Xymox 

Matters of Mind Body and Soul 

Lacuna Coil 

Broken Crown Halo 


Mitgift 

(„Fan Edition“) 

Kranke Geschichten 



(„Deluxe Edition“ – signiert!) 

Mantus 

Portrait aus Wut und Trauer 

+ Grenzland (DCD) 

Sündenklang 

Tränenreich 

(signiert!) 

Lise Myhre 

Nemi – Band III 

Eisbrecher 

Eiskalt 

(„Best Of“) 

Parralox 

Recovery 

The Cure 

Disintegration 

(„Deluxe Edition“) 

Luci van Org 

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E) 

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Dark Metal 

Gothic 

egal 

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4. 

Coraline-Aufkleberbogen 

im A4-Format 


Aesthetic Perfection 

Faderhead 

Terrolokaust 

28.02. Glauchau, Alte Spinnerei 

02.03. Frankfurt/M., Das Bett 

04.03. Hannover, ENGEL 07 

05.03. Berlin, Magnet Club 


A Life [Divided] 

26.07. Speichersdorf, Wackel Festival V 

Orkus! präsentiert: 

Ally the Fiddle 

28.02. Hameln, Regenbogen 

01.03. Bielefeld, movie 

04.10. Havetoftloit, Land-Art 

Amorphis 


22.03. A-Graz, Explosiv 

23.03. Nürnberg, HIRSCH 

25.03. CH-Solothurn, Kofmehl 

26.03. Karlsruhe, SUBSTAGE 

27.03. Hannover, MusikZentrum 

28.03. Düsseldorf, zakk... 

29.03. Lindau, Club Vaudeville 

30.03. Aschaffenburg, Colos-Saal 

Tori Amos 

19.05. Frankfurt/M., Jahrhunderthalle 

20.05. Berlin, Tempodrom 

25.05. Hamburg, Laeiszhalle 

26.05. NL-Rotterdam, de Doelen 

28.05. B-Brüssel, Cirque Royal 

29.05. NL-Amsterdam, Het Concertgebouw 

31.05. CH-Zürich, Volkshaus 

06.06. A-Wien, Wiener Konzerthaus 

07.06. A-Linz, Brucknerhaus 

09.06. Stuttgart, Liederhalle (Hegel-Saal) 

10.06. München, Gasteig (Philharmonie) 

And One 

16.03. Köln, Live Music Hall 

29.03. Magdeburg, Factory 

30.03. Hannover, Capitol 



19.04. Hamburg, Grosse Freiheit 36 

26.04. Dresden, Alter Schlachthof 

02.05. Berlin, C-Halle 


Apocalyptica 

& Avanti! Chamber Orchestra 

17.03. Hamburg, CCH 

18.03. Berlin, Tempodrom 

Arcade Fire 

17.06. Dresden, Junge Garde 

18.06. Berlin, Kindl-Bühne Wuhlheide 

Asking Alexandria 

08.10. Hamburg, Grosse Freiheit 36 

13.10. Berlin, Huxleys Neue Welt 

17.10. München, TonHalle 

18.10. Köln, E-Werk 



ASP 

02.10. Potsdam, Waschhaus* 

03.10. Potsdam, Waschhaus** 

04.10. Leipzig, Haus Auensee** 

05.10. Leipzig, Haus Auensee* 

07.10. Stuttgart, Theaterhaus** 

08.10. Stuttgart, Theaterhaus* 

09.10. München, Backstage* 

10.10. München, Backstage** 

11.10. Oberhausen, Turbinenhalle** 

12.10. Oberhausen, Turbinenhalle* 

23.10. Dresden, Alter Schlachthof* 

24.10. Dresden, Alter Schlachthof** 

25.10. Schwabach, Markgrafensaal** 

26.10. Schwabach, Markgrafensaal* 

28.10. Frankfurt/M., Batschkapp** 

29.10. Frankfurt/M., Batschkapp* 

30.10. Hamburg, Markthalle* 

31.10. Hamburg, Markthalle** 

01.11. Erfurt, Stadtgarten** 

02.11. Erfurt, Stadtgarten* 

*„Rar und Pur“/**„Best of Rock“ 

Asps Von Zaubererbrüdern 


20.03. Losheim am See, Eisenbahnhalle 

21.03. Bielefeld, Ringlokschuppen 


26.03. Ludwigsburg, Forum am Schlosspark 

27.03. Wuppertal, Historische Stadthalle 



Bad Religion 

29.05. Frankfurt/M., Batschkapp 

30.05. Hünxe, Ruhrpott Rodeo 

15.06. A-Nickelsdorf, nova rock 

Black Sabbath 

08.06. Berlin, Kindl-Bühne Wuhlheide* 

13.06. München, Königsplatz* 

25.06. Stuttgart, Schleyer-Halle* 

27.06. Essen, Stadion 

*mit „Special Guest“ Soundgarden 


Blind Passenger 

01.03. Berlin, frannz Club (Sincity Festival 2014) 

14.03. Schwedt, Kosmonaut 

15.03. Treuenbrietzen, Gaststätte Treffpunkt 

12.04. Cottbus, Glad-House 

19.04. Eberswalde, Haus Schwärzetal 

30.04. Dresden, REITHALLE STRASSE E® 

10.05. Schwarzheide, NARRENHOF® 

(Electro-Mind Festival) 

Bonsai Kitten 

11.04. Bamberg, Sound-n-Arts 

12.04. Altenburg, Finnegan’s Irish House 

17.04. Berlin, Bi Nuu 

31.05. Sebnitz, Skiheim (Wonnemond-Festival 4.0) 

06.09. Trier, Exzellenzhaus 

Butcher Babies 


01.03. NL-Amsterdam, The Winston 

Corvus Corax 

06.03. Mannheim, Alte Seilerei 

07.03. Ingolstadt, eventhalle Westpark 

08.03. Leipzig, Kohlrabizirkus 

(Leipziger Umschlag) 

13.03. Duisburg, PULP 


15.03. Bischofswerda, East-Club 

20.03. Göttingen, musa 

21.03. NL-Den Bosch, W2 

22.03. Sondershausen, Klubhaus Stock’sen 

Crematory 


04.04. Siegburg, KUBANA Live Club 


05.07. Mülheim/Ruhr, Castle Rock 

02.08. Wacken, Wacken Open Air 

25.10. Alsfeld, Feuer & Eis Festival 

DAF 


29.03. München, Feierwerk 

Gabi Delgado 

28.02. Krefeld, Kulturfabrik 

01.03. Berlin, K17 

06.03. Hannover, ENGEL 07 

07.03. Bremen, Lila Eule 




In Strict Confidence 


03.04. Reutlingen, franz.K 

04.04. Leipzig, Werk II 

05.04. Erfurt, HsD 



09.04. Bochum, Zeche 


11.04. Berlin, C-Club 


Doomriders 

Beastmilk 

Herder 

06.05. Köln, Underground 

07.05. Berlin, Lido 

09.05. Leipzig, Conne Island 


11.05. A-Wien, Arena 


Dornenreich 

Heretoir 

Wassermanns Fiebertraum 

30.04. Stuttgart, Club Zentral 

01.05. Losheim am See, Hexentanz 

02.05. Köln, Die Werkstatt 

03.05. Leipzig, Theater-Fabrik-Sachsen 


05.05. Berlin, K17 

06.05. Frankfurt/M., Nachtleben 

07.05. Nürnberg, Rockfabrik 


09.05. A-Wien, ((szene)) 

10.05. CH-Zürich, Alte Kaserne 

Edenbridge 


28.03. A-Salzburg, Rockhouse 

02.04. A-Traun, spinnerei 


04.04. A-Innsbruck, p.m.k 

05.04. CH-Pratteln, Z7 

(Masters of Symphonic Metal Vol. 2) 

Edgedown 

28.03. A-Salzburg, Rockhouse 

26.04. Piding, Baamhakke 

Faun 

Jyoti Verhoeff 

06.03. Ulm, ROXY 




11.03. Osnabrück, Rosenhof 

12.03. Kiel, MAX 

13.03. Potsdam, Lindenpark 


15.03. Erfurt, Stadtgarten 

16.03. Bochum, Zeche 

22.03. CH-Lachen, Hafenanlage (DAS ZELT) 

girugamesh 




06.06. Essen, Zeche Carl 


Halestorm 

The Smoking Hearts 

13.04. Köln, Bürgerhaus Stollwerck 

17.04. Hamburg, LOGO 



24.04. München, Theaterfabrik 

Morten Harket 

05.05. Hamburg, Laeiszhalle 



09.05. Offenbach, CAPITOL 

Harpyie 

01.03. Hamburg, Bambi galore (Taverna Cerritus) 

15.03. Gießen, Jokus 


12.04. Minden, Der Bunker 

30.04. Zella-Mehlis, Bürgerhaushof 

(Walpurgisnacht) 

02.05. Dortmund, Freizeitpark Fredenbaum (MPS) 

30.05. Parsberg, Burg Parsberg 

(Spectaculum Nordgavia) 

20.06. Abenberg, Burg Abenberg 

(Feuertanz Festival 2014) 

17.10. Köln, MTC 

13.11. Augsburg, Spectrum Club 

14.11. Ingolstadt, BUDDHA eventclub 

Billy Idol 

18.06. Hamburg, Stadtpark Open R 

03.07. Dresden, Junge Garde 

Ignis Fatuu 




29.03. Hameln, Sumpfblume 



12.04. CH-Pratteln, Z7 

23.05. Frankfurt/M., Das Bett 

24.05. Hamburg, MarX 

07.06. Bremen, Tivoli („Veitstanz“) 

28.06. Brande-Hörnerkirchen, Hörnerfest 

In Extremo 

17.04. Dortmund, Westfalenhalle 

18.04. B-Mons, Lotto Mons Expo 

12.06. CH-Interlaken, Greenfield Festival 2014 

13.06. Augsburg, Grenzenlos Festival 

14.06. Rudolstadt, Residenzschloss 

Heidecksburg 

20.06. St. Goarshausen, Metalfest Loreley 2014 


(Feuertanz Festival 2014) 

11.07. Gießen, Open Air-Kino-Gelände 

12.07. Ballenstedt, Flugplatz 

(Rockharz Open Air 2014) 

17.07. Singen, Festungsruine Hohentwiel 

18.07. Merseburg, Schlosshof 

19.07. Cuxhaven, 

Deichbrand Rockfestival am Meer 

03.08. Ludwigsburg, Residenzschloss 

10.08. Hildesheim, M’era Luna Festival 2014 

30.08. Schleswig, Baltic Open Air 

05.09. Meißen, Albrechtsburg 

06.09. Creuzburg, Burg Creuzburg 

INGRIMM 


15.03. Köln, MTC 




02.05. Dortmund, Freizeitpark Fredenbaum (MPS) 

09.06. Leipzig, Wave Gotik Treffen 

KoRn 

04.05. NL-Eindhoven, Klokgebouw 

06.05. Köln, Palladium 


Lacrimas Profundere 

14.03. Berlin, K17 

15.03. Rostock, Alte Zuckerfabrik 

16.03. Hamburg, LOGO 

25.04. München, Optimolwerke 

(Dark Munich Festival) 



09.08. Hildesheim, M’era Luna Festival 2014 

07.09. Leipzig, Kulturpark Deutzen 

(Nocturnal Culture Night 9 ) 


Letzte Instanz 

Ally the Fiddle 

03.10. Dresden, EVENTWERK* 






14.11. CH-Zürich, Komplex N o 457 

15.11. München, Backstage (tanzt! 2014)* 



22.11. Berlin, Kesselhaus 




*ohne Ally the Fiddle 

TICKETS: www.orkus.de 

– unter „Tourdaten“! 


112 - Orkus

Maerzfeld 

20.03. Haslach, Black Station 218 


28.03. Obertraubling, AIRPORT 



03.04. Ottweiler, Club Schulz 

04.04. Berlin, K17 

05.04. Herford, X 

26.04. Geiselwind, MusicHall 

02.05. Osnabrück, Rosenhof 

24.05. A-Steinach am Brenner, Talstation 

Bergeralm (Rock im Wipptal) 

28.05. Oberhausen, Kulttempel 

26.07. Neuhaus an der Pegnitz, 

Burg Veldenstein (Veldensteiner Festival) 

27.07. Köln, Tanzbrunnen (X. Amphi Festival) 

Metallica 

04.06. Hamburg, Imtech Arena (Sonisphere) 

06.06. Nürnberg, Zeppelinfeld (Rock im Park) 

08.06. Adenau, Nürburgring (Rock am Ring) 

Ennio Morricone 

07.04. München, Olympiahalle 

14.04. Köln, LANXESS arena 

03.12. Oberhausen, König-Pilsener-ARENA 

04.12. Hamburg, O 2 

World 

06.12. Frankfurt/M., Festhalle 

07.12. Stuttgart, Schleyer-Halle 


New Model Army 

14.03. Augsburg, Kantine 

15.03. Lindau, Club Vaudeville 

16.03. Freiburg, Jazzhaus 



20.03. Saarbrücken, Garage 

21.03. Coesfeld, Fabrik 

22.03. Kiel, MAX 

23.03. Beverungen, Stadthalle 

29.03. Bremen, Aladin 

Nine Inch Nails 

Cold Cave 

15.05. Berlin, Zitadelle Spandau 

16.05. L-Esch-sur-Alzette, Rockhal 

27.05. NL-Amsterdam, Heineken Music Hall 

28.05. B-Antwerpen, Lotto Arena 

04.06. CH-Zürich, Hallenstadion 

09.06. A-Wien, Stadthalle 

Panic! at the Disco 

28.04. NL-Tilburg, 013 

29.04. B-Antwerpen, TRIX 

01.05. Berlin, Astra 

02.05. Düsseldorf, Stahlwerk 

Pearl Jam 

16.06. NL-Amsterdam, Ziggo Dome 

17.06. NL-Amsterdam, Ziggo Dome 

25.06. A-Wien, Stadthalle 

26.06. Berlin, Kindl-Bühne Wuhlheide 

Placebo 

20.08. Mönchengladbach, 

Warsteiner HockeyPark 


Project Pitchfork 

28.02. Braunschweig, Meier Music Hall 


07.03. Potsdam, Waschhaus 




25.07. Köln, MS RheinEnergie 

(„Call The Ship 2 Port“) 


02.08. Königstein, Festung Königstein 

(Open Air 2014) 

Schickt bitte alle Eure Tourdaten für 

die nächste Ausgabe bis spätestens 

Montag, 10.03.2014, an e-mail: 

tourdates@orkus.de 


Samsas Traum 

Jovian Spin 

19.03. Saarbrücken, Garage 

20.03. Duisburg, PULP 

21.03. Leipzig, Werk II* 






*exklusiv mit Weena Morloch 

Schandmaul 

07.03. Wiesbaden, Schlachthof* 

08.03. Stuttgart, Liederhalle (Hegel-Saal)* 

14.03. Bielefeld, Ringlokschuppen** 

15.03. Hannover, SwissLife Hall** 

27.03. Fürth, Stadthalle** 

28.03. Saarbrücken, Saarlandhalle** 

29.03. Köln, Palladium** 

03.04. Dresden, Alter Schlachthof* 

04.04. Berlin, C-Halle* 

12.04. München, Circus Krone* 

31.07. A-Lustenau, am Alten Rhein 

(25. Szene Openair) 

01.08. Magdeburg, Altes Theater 


16.08. Hamburg, Stadtpark Open R*** 

22.08. Erfurt, Zitadelle Petersberg*** 

23.08. Hanau, Amphitheater 

*mit Die KAMMER 

**mit Fiddler’s Green 

***mit Versengold 

Seabound 

10.04. Oberhausen, Zentrum Altenberg* 

11.04. Leipzig, K3 Lounge* 

12.04. Frankfurt/M., Nachtleben* 

13.04. Braunschweig, Meier Music Hall* 

14.04. Berlin, Comet Club* 

16.04. Hamburg, Kaiserkeller* 

25.04. Nürnberg, Rockfabrik 

26.04. Saarbrücken, Kleiner Klub 

*mit „Special Guest“ Iris 

Skunk Anansie 

Karima Francis 

10.03. Berlin, Admiralspalast 

11.03. NL-Amsterdam, Carré 


14.03. B-Brüssel, Cirque Royal 

17.03. CH-Zürich, Volkshaus 

23.03. CH-Genf, Théâtre du Léman 

Soilwork 

08.03. L-Luxemburg, den Atelier 

17.03. NL-Dordrecht, Bibelot 

Solar Fake 

14.03. Bremen, Schlachthof 


21.03. Erfurt, CENTRUM 


23.03. Berlin, K17 


Solitary Experiments 


26.04. Altenburg, Goldener Pflug 

(Dark Night Festival 4) 


Songs Of Lemuria (feat. Nik Page) 

27.09. Güstrow, Ernst-Barlach-Theater 

03.10. Guben, Fabrik 

17.10. Pirna, Q24 

Spiritual Front 

17./18.10. Leipzig, Theater-Fabrik-Sachsen 

(Runes & Men Festival) 


Darkhaus 

03.04. Hamburg, DOCKS 




11.04. München, Muffathalle 

12.04. A-Wien, Arena 


25.04. Hannover, Capitol 

26.04. Rostock, Moya 

27.04. Osnabrück, Halle Gartlage 


30.04. Würzburg, Posthalle 


03.05. Erfurt, Stadtgarten 

Sündenklang 

06.03. Nürnberg, Rockfabrik* 

07.03. Berlin, Crystal* 

08.03. Köln, Underground* 

14.03. Göttingen, EXIL* 

21.03. Oberhausen, Kulttempel* 

22.03. Hückelhoven, Markt 17* 


05.07. Mülheim/Ruhr, Castle Rock 

09./10.08. Hildesheim, M’era Luna Festival 2014 

*mit X-in June 

Syntec 

01.03. Berlin, frannz Club (Sincity Festival 2014) 

14.03. Schwedt, Kosmonaut 

Tanzwut 

15.03. Forst, Manitu* 

04.04. Dortmund, Westfalenhalle (MPS Party)* 

20.04. Salzhausen, Turnierplatz Luhmühlen (MPS)** 

26.04. Berlin, K17** 

30.04. Wernigerode, Schierke (Die Walpurgis)* 

03.05. Hildesheim, 

Mittelalterliches Seespektakel** 

08.06. Trebsen, Pfingst-Ritter-Turnier** 

14.06. Wittenberg, Luthers Hochzeit** 

20.06. Weeze, Flughafen (MPS)** 


(Feuertanz Festival 2014)* 

27.06. Brande-Hörnerkirchen, Hörnerfest* 

28.06. Delitzsch, Peter & Paul Stadtfest** 

18.07. Geltendorf, Kaltenberger Gauklernacht** 

19.07. Geltendorf, Kaltenberger Ritterturnier** 

20.07. Geltendorf, Kaltenberger Ritterturnier** 

23.08. Aach, Hirtenhof (MPS)** 

30.08. Wuppertal, Waldbühne Hardt 

(Feuertal Festival 2014)* 

06.09. Großenhain, Tag der Sachsen** 

*Rockshow/**Mittelalter-Show 

The Red Paintings 

Mojo Fury 

28.02. Berlin, cassiopeia 

01.03. Bielefeld, Forum 

The Sisters Of Mercy 



14.05. A-Linz, Posthof 

18.05. A-Wien, Gasometer 

20.05. München, TonHalle 

21.05. CH-Zürich, X-TRA 

22.05. B-Brüssel, Ancienne Belgique 


25.05. NL-Amsterdam, Melkweg 

26.05. Hamburg, DOCKS 

Thirty Seconds to Mars 

25.06. Mönchengladbach, 

Warsteiner HockeyPark 

01.07. A-Wien, Marx Halle 

02.07. A-Klam, Burgarena Clam 

Turisas 

28.02. A-Graz, ppc 



Umbra et Imago 






Welle: Erdball 




08.03. Berlin, K17 



15.03. Herford, X 

21.03. Leipzig, der ANKER 


28.03. Flensburg, Roxy 


10.04. NL-Eindhoven, Dynamo 

11.04. Bremen, Tivoli 

12.04. Braunschweig, Meier Music Hall 

17.04. Rüsselsheim, Das Rind 

18.04. CH-Zürich, X-TRA 


20.04. Erfurt, CENTRUM 


Within Temptation 

Delain 

15.03. A-Wien, Gasometer 

16.03. CH-Zürich, Hallenstadion 

06.04. München, Zenith 

07.04. Hamburg, Sporthalle 

08.04. Köln, Palladium 

09.04. Ludwigsburg, MHPArena 

18.04. Frankfurt/M., Jahrhunderthalle 

19.04. Erfurt, Thüringenhalle 


29.04. B-Antwerpen, Lotto Arena 



Joachim Witt 












16.05. Kaiserslautern, Kammgarn 


TICKETS: www.orkus.de 

– unter „Tourdaten“! 

Xandria 

14.03. A-Innsbruck, LiveStage 

01.05. Aalen, Rock It 

02.05. Memmingen, Kaminwerk 





23.05. Heidelberg, Schwimmbad Club 

24.05. Schüttorf, Komplex 

25.05. Hamburg, MarX 


29.05. Geiselwind, EventZentrum 

(Out & Loud Festival) 

30.05. CZ-Pilsen, Amphitheater Lochotín 

(Metalfest Open Air 2014) 


Sincity Festival 2014 

mit Forced To Mode, Blind Passenger, 

Syntec... 

01.03. Berlin, frannz Club 

Sturm auf die Bastille 

mit Megaherz, Vlad in Tears, 

Eden Weint Im Grab... 


Dark Munich Festival 

mit Alien Sex Fiend, The 69 Eyes, 

Front 242, MONO INC., 

Apoptygma Berzerk... 

25.–27.04. München, Optimolwerke 

Electro-Mind Festival 

mit Blind Passenger, Traumtanz, 

Beyond Obsession 

10.05. Schwarzheide, NARRENHOF® 

10 Jahre POPoNAUT 

mit mesh, De/Vision, mind.in.a.box, 

cryo 


Rockharz Open Air 2014 

mit Tiamat, Amorphis, 

Children Of Bodom, In Extremo, 

Saltatio Mortis... 

10.–12.07. Ballenstedt, Flugplatz 

X. Amphi Festival – Open Air 2014 

mit Eisbrecher, Project Pitchfork, 

MONO INC., Nachtmahr, IAM{X}... 

26. & 27.07. Köln, Tanzbrunnen 

M’era Luna Festival 2014 

mit And One, In Extremo, 

Deine Lakaien, Subway to Sally, 

Asps Von Zaubererbrüdern... 

09. & 10.08. Hildesheim, Flugplatz 

Burgfolk MMXIV 

mit Saltatio Mortis, Fiddler’s Green, 

InVictus, Versengold, The Dolmen... 

15. & 16.08. Mülheim/Ruhr, Schloß Broich 

Alle Angaben 

ohne Gewähr! 


Von NEMI gibt es bisher drei Bände mit unzähligen Strips 

und Geschichten, erschienen bei U-Line und Ubooks! 

Man muss sie einfach alle haben! 

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Ja, aber 

da hat man die 

beste Aussicht. 

Aesthetic Perfection, Clan Of Xymox, Diary of Dreams, Eisbrecher, Frankie 

Goes To Hollywood, Lacuna Coil, Mantus, Rammstein, Subway to Sally, 

Sündenklang, The Cure, Alexander Kaschte, Luci van Org... 

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Die nächste Ausgabe erscheint am 28.03.2014 

Herausgeber: 

Zoomia Medien Gruppe Claus Müller 

Orkus! Magazin 

Postfach 1121 


e-mail: contact@orkus.de 

Fax: 06174-2577743 

Bankverbindung: 

Claus Müller 

Kreissparkasse Waiblingen 

Kto: 212 99 27 BLZ: 602 500 10 

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Chefredaktion: 

Claus Müller (V.i.S.d.P.) 

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TPC Media Consulting 

Tim Lemke 

Frankfurter Straße 128 

63067 Offenbach 

Tel.: 069-90 750 21-2 

Fax: 069-90 750 21-3 

mobil: 0162-744 1230 

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www.tpc-media.de 

Orkus! Compilation: 

Christian Purwien 

cd@orkus.de 

Tel.: 0231-4753833 

Private Kleinanzeigen: 

kleinanzeigen@orkus.de 

Art Direction: 

Claus Müller, Fabian Ritter 

Design: 

Fabian Ritter Artworks 

DTP/Satz: 

Fabian Ritter Artworks, Brigitta Settels 

Lektorat/Korrektorat: 

Agnes Merklein 

Titelphoto Diary of Dreams: 

Silke Jochum (www.silke-jochum.de) 

Titelphoto Welle: Erdball: 

Welle: Erdball/Alex Hein 

Titelphoto Aesthetic Perfection: 

Michelle Star (www.michellexstar.bigcartel.com) 

Ständige MitarbeiterInnen: 

Nadine Ahlig, Lydia Aufschlager, Manuela 

Ausserhofer, Isabell Köster, Doreen Krase, 

Axel Schön, Björn Springorum 

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Enrico Ahlig, Sarah Beilharz, Sebastian Berning, 

Jessica Boucher-Rétif, Miriam Claus, Peter 

Eskriba, Claudia Feger, Marc Frei, Melanie 

Haack, Marc Halupczok, Marie-Luise Henke, 

Michael Hertel, Christian Hesse, Richard Klasen, 

Martin Kreischer, Sascha M. Kühne, Alexander 

Maciol, Kerstin Müller, Dinah Nelke, Jens Pan, 

Tanja Pannwitz, Giovanni Perna, Ronja Pludra, 

Bettina Pudmensky, Annabelle Reiter, Jana 

Rischke-Tanaka, Julian Rohrer, Gaetano 

Rothenburg, Steffen Rüth, Saskia Scherf, Evelyn 

Schön, Lars Schubert, David Skrinjar, André 

Steinigen, Ecki Stieg, Christopher Sturm, Thomas 

Thyssen, Alexander Triesch, Carsten Weirich, 

Elena Winter, Silvio Wolff 

Ständige PhotographInnen: 

Michael Gamon, Axel Heyder, Christin Kersten, 

Thomas Nattermann, Lorenz Pietzsch, 

Claudia Schöne 

Orkus!-Abonnement: 

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Redaktionsschluss für Nr. 04/14: 

10.03.2014 

Anzeigenschluss (gewerblich) für Nr. 04/14: 

10.03.2014 

Es gilt unsere Anzeigenpreisliste Nr. 01/2012 

vom 02.01.2012 

www.orkus.de 

Vervielfältigung, auch auszugsweise, nur mit schriftlicher Genehmigung des Herausgebers. Keine Haftung für unverlangt eingesandte 

Manuskripte, Photos, Tonträger et cetera. Namentlich gekennzeichnete Artikel geben nur die Meinung des jeweiligen Verfassers wieder.

+NEUES NEUES + GUTES + FÜR FÜR DIE SZENE 

O rkus 

O rkus 

Nr. Nr. 02 03 · · Februar März 2014 

! 

Diary of Dreams + Butcher Babies + Crematory + Laibach + subway to sally 

Alfahanne + Gabi Delgado + Clan Of Xymox + Lyronian + THYX + Alcest 

Aesthetic Perfection + Eisenstein und Der Zar + Enter & Fall + Mantus 

Lay Down Rotten + State of the Union + Metsatöll + Spiritual Front 

Vanishing Point + Nachtmahr + Terrolokaust + Ignis Fatuu + SEA + AIR 

Night Nurse + Fear Of Domination + Paulina Cassidy + Maerzfeld + Seabound 

The Beauty of Gemina + Incura + Diodati + Die KAMMER + Thyrien 

God Module + Frequency Drift + Elysion + Harpyie + Tuomas Holopainen

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