GoodTimes - Music from the 60s to the 80s T.Rex (Vorschau)

INHALT 

Ausgabe 131 · August/September 2014 

10 T. Rex 

Glam-Rock, Hype & Monument 

14 Yes 

Unsterblich 

16 Uriah Heep 

Hard-Rock-Romantiker 

17 Chicago 

Rückkehr zum Kreativ-Gebläse 

18 Electra 

Eintritt in den Dom – und Abschied 

20 Byrds 

50 Jahre – Teil 3 

22 Small Faces 

Ian McLagan: Steve war fabelhaft!" 

" 

24 Spencer Davis 

... und rennt und rennt und rennt 

25 Dion 

Wanderer in der Blues-Welt 

26 Dunkles Kapitel 

Das trübe Geschäft mit schwarzen Musikern 

28 Gregg Allman 

Lebendig und bewegend 

28 Eric Clapton 

16 Songs – ein Denkmal für J.J. Cale 

29 Gentle Giant 

Progressiv? Schubladendenken!" 

" 

66 GoodTimes-Tipp 

Hank Shizzoe 

66 Rick Wakeman 

Verschmähte Prog-Orgie 

68 The UK-Instro-Boom 

Rock ohne Worte 

72 Rolling Stones 

Stunk um Steine – Teil 2 

74 The Hoax 

Blues-Porträt No. 45 

76 Live 

Pretty Things – Ramrods – Tangerine Dream 

John Fogerty – Robert Plant – Black Sabbath – Rolling Stones 

79 GoodTimes-Newcomer 

Jim Stapley – St. Paul & The Broken Bones 

80 Jackson C. Frank 

Der Blues trieb sein böses Spiel 

80 Epitaph 

Schubser von Schenker 

81 Steve Harley (& Cockney Rebel) 

Arroganter Fatzke? 

82 Blues Pills 

Dr. Rocks Rezept 

83 Midge Ure 

Neue Wege & Winterschlaf 

84 Stilkunde (Folge 7) 

Soul 

88 Es war einmal ... 

Ein Blick zurück auf Denkwürdiges 

94 Walter Trout 

Das Wunder von Nebraska 

95 Leo Lyons 

Kreuzverhör 

96 Graham Nash 

... weil wir alte Säcke sind!" 

" 

98 ... zuguterletzt 

Saga – Randy Bachman – John Hiatt 

T. Rex, S. 10 Electra, S. 18 

Small Faces, S. 22 

Spencer Davis, S. 24 

RUBRIKEN 

4 Aktuell – Neues aus der Szene 

30 CD/Vinyl-Vorstellungen 

58 DVD/Blu-ray-Vorstellungen 

60 Buch-Vorstellungen 

62 GoodTimes-Shop 

64 Kleinanzeigen 

Editorial 

Graham Nash, S. 96 

65 Abo-Bestellschein 

90 Konzertkalender 

97 Leserbriefe 

97 Charts 

98 Impressum 

Fabian Leibfried 

-Herausgeber/Chefredakteur- 

Musik verbindet. Das beste aktuelle Beispiel dafür sind all 

die Open-Air-Festivals, die momentan stattfinden und bis 

zu fünfstellige Besucherzahlen verzeichnen. Wobei natürlich 

jüngeres Publikum dominiert, dem Regen, Matsch oder Hitze 

und knallender Sonnenschein nichts ausmachen. Für etwas 

ältere Semester wären ähnliche Veranstaltungen sicher ebenfalls 

attraktiv, genügend interessante Bands gewiss auch zu 

finden. Aber irgendwann wissen Fans fortgeschrittenen Alters 

halt auch bei Konzerten gewisse Annehmlichkeiten zu 

schätzen. Vielleicht sollten Veranstalter mal darüber nachdenken, mit solchen Events 

verstärkt in Schlösser/Burgen oder Arenen wie die Loreley zu gehen – dort nämlich 

können Musikliebhaber sowohl sitzen als auch stehen (und tanzen) ... 

Ein anderes Beispiel für die Generationen zusammenführende Bedeutung von Musik 

ist der Überlebenskampf von Walter Trout, über den wir in der letzten Ausgabe berichteten. 

Inzwischen hat der 63-jährige Blues-Rocker eine Spenderleber übertragen 

bekommen. Seine Frau Marie berichtete im Gespräch mit GoodTimes über eine überwältigende, 

nicht enden wollende Anteilnahme – ideell wie finanziell. Über 240.000 

Dollar (!) waren bis Redaktionsschluss auf dem Youcaring-Spendenkonto zusammengekommen. 

Ein erhofftes Gespräch mit Walter Trout klappte leider nicht: Probleme 

mit der Galle machten ihm zu schaffen und erforderten weitere operative Eingriffe. 

Dennoch ließ Trouts Ehefrau Marie herzliche Dankesgrüße an die GoodTimes-Leser 

übermitteln. Wir bleiben dran, weitere Infos folgen im nächsten Heft. 

Leider gibt es aber auch Beispiele dafür, dass die Liebe zur Musik nicht immer alle 

Hürden zu überwinden vermag. So wird aus der angedachten Byrds-Reunion wohl 

nichts: Roger McGuinn sei nicht an Bord zu holen, beklagte jüngst David Crosby. So 

bleibt es bei deren unverzichtbarer musikalischer Hinterlassenschaft, die unser Mitarbeiter 

Hans-Jürgen Günther umfangreich aufgearbeitet hat – was mit Teil III in dieser 

Ausgabe seinen Abschluss findet. 

Viel Vergnügen mit diesem Heft wünscht Ihnen 

SoulS. MUSIK-STILE 

S I 

84 

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GoodTimes 4/2014 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 3

News 

Aktuell News Aktuell 

Aus „gesundheitlichen Gründen" hat Gitarrenvirtuose 

Jeff Beck den zweiten 

Teil seiner Europa-Tournee wenige Tage 

vor deren Start abgesagt. Kurz vor seinem 

70. Geburtstag musste Beck für kurze Zeit 

ins Krankenhaus, wo ihm die Ärzte nach 

monatelangem Touren eine sechswöchige 

Pause verschrieben. Beck werde ab 8. August 

in den USA wieder on the road gehen, 

hieß es hierzu auf seiner Website. Hinter 

den Kulissen war auch bereits von Deutschland-Gigs 

im Herbst zu hören+++ 

Den ganzen August hindurch wird der britische 

Blues-Rocker Danny Bryant mit der 

Band seines Mentors Walter Trout unter 

dem Motto „A Tribute To Walter" durch 

die USA touren, während sich Trout von 

seiner Lebertransplantation erholt. Mit einem 

Fanbrief hatte sich der damals 15-jährige 

Bryant vor über 20 Jahren an Trout 

gewandt, der ihn tatsächlich kontaktierte 

und Gitarrenunterricht gab, wenn er im 

UK unterwegs war. Seither standen beide 

häufig gemeinsam im Studio wie auch auf 

internationalen Bühnen. Als Special Guest 

wird Jon Trout, Walters ältester Sohn, mit 

von der Partie sein+++ 

Einjähriges Bestehen hat das Rock- und 

Pop-Museum Niederbüren in der Schweiz 

gefeiert, das 80 Jahre Musikgeschichte 

dokumentiert. Leiter/Präsident Roland 

„Tschiibii" Grossenbacher zog eine positive 

Bilanz: „Unser Museum hat sich in 

dieser kurzen Zeit, weit über unsere Landesgrenzen 

hinaus, einen hervorragenden 

Ruf erworben und sorgt immer wieder für 

positive Schlagzeilen", sagte er GoodTimes. 

Seit September 2013 seien 171 Besuchergruppen 

gekommen, davon 110 allein seit 

Januar, insgesamt verzeichne man über 

Unsere Gewinner aus Heft 2/2014 

5x Blu-ray Happy Metal: 

– Bodo und Ines Wüstenhagen, 

Jardelund 

– Yannick Hoffmann, 

Bettange (Luxemburg) 

– Claudius Jehle, Deggenhausertal 

– Bruno Rieb, Münzenberg 

– Lasse Kops, Kiel 

5x CD-Box Little Feat: 

– Achim Aschinger, Amberg 

– Ralf Chittka, Bad Kreuznach 

– Renato Dillena, Ersingen (Schweiz) 

– Marvin Schaaf, Hungen 

– Udo Stegemann, Hamburg 

2000 Besucher. Infos sind unter www.rockpopmuseum.ch 

zu finden+++ 

Just am Tag der Veröffentlichung seiner 

neuen Single "The Chamber" hat 

Lenny Kravitz Ende Juni die ersten 

Etappe seiner anstehenden Welttournee 

bekannt gegeben, die am 22. Oktober in 

Europa startet und im November auch zu 

fünf Shows nach Deutschland führt. Die 

Single soll schon mal neugierig machen 

auf Kravitz' zehntes Studio-Album, das 

am 19. September erscheinen, den Titel 

STRUT tragen und von seinem Label als 

„wahres Rock’n’Roll-Album" angekündigt 

wird. Kravitz produzierte und spielte 

alle Instrumente selbst, das Abmischen 

überließ er allerdings Bob Clearmountain, 

der diesen Job auch schon für David Bowie, 

die Rolling Stones, Springsteen und 

Bon Jovi erledigte+++ 

Binnen einer halben Stunde waren die 

50.000 Tickets für das erste ELO-Konzert 

in Europa seit 1986 ausverkauft! Am 14. 

September werden Jeff Lynne & Co. im 

Londoner Hyde Park auf die Bühne gehen 

und dabei vom BBC Concert Orchestra 

begleitet werden. „Ich habe seit geraumer 

Zeit nicht mehr live performt und weiß, 

dass unsere Fans seit Jahren oft darum 

gebeten haben – es wird eine aufregende 

Show werden", sagte Lynne, der Boss des 

Electric Light Orchestra, im Vorfeld des 

Konzerts+++ 

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Zum ersten Mal in der deutschen Rockgeschichte 

haben es Led Zeppelin gleichzeitig 

mit drei Alben in die Top 20 geschafft! 

35 Jahre nach dem offiziellen Ende der 

Band gelang dies Ende Mai im Zuge der 

spektakulären Wiederveröffentlichung aller 

Led-Zeppelin-Alben LED ZEPPELIN (#11), 

II (#16) und III (#18). Alle Werke enthalten 

bisher unveröffentlichtes Audiomaterial 

(Livemitschnitt, Studio-Outtakes und Demo-Aufnahmen 

) und waren von Gitarrist, 

Gründungsmitglied und Produzent Jimmy 

Page persönlich remixt und einer eingehenden, 

sensiblen Erneuerung auf Basis 

der alten Originalbänder unterzogen worden. 

Im Laufe der nächsten Monate werden 

sämtliche weiteren Led-Zeppelin-Alben in 

perfektem Sound und mit jeder Menge unbekanntem 

Material folgen, sowohl in einer 

Deluxe-Ausgabe wie auch in mehreren 

CD- und Vinylformaten und als Download 

wiederveröffentlicht+++ 

Seit dem 1. Juli laufen die Online- 

Abstimmungen für die „German Blues 

Challenge" und „German Blues Awards 

2014", die als Bestandteil der „BluesBaltica" 

firmieren. Bis zum 31. Juli können 

Bluesfans wählen, wer einen der begehrten 

Awards bekommt, und welche fünf 

Bands an der „Blues Challenge" in Eutin 

teilnehmen sollen und sich mit einem 

30-minütigen Auftritt einer internationalen 

Jury stellen können. Der Sieger wird 

Deutschland bei der Europäischen Blues 

Challenge im März 2015 in Brüssel und 

der International Blues Challenge 2015 

in Memphis vertreten. Im Rahmen der 

Veranstaltung am 20.9. in Eutin werden 

zudem die Preisträger der „German Blues 

Awards 2014" in den Kategorien Band, 

Solo/Duo, Club, Festival, Gitarre, Harp, 

sonstige Instrumente, Gesang männlich 

und weiblich, CD sowie Ehrenpreise national 

und international gekürt. Infos 

und Zugang für das Online-Voting sind 

unter www.bluesfest-eutin.de zu finden. 

Mike Seeber Trio: 

Die Gewinner 2013 

Zu den Blues-Award-Nominierten gehört 

auch Ruhrpott-Bluesbarde Chris Kramer 

in den Kategorien „Beste Blues-Harp" und 

„Bestes Album” (mit CHICAGO BLUES). 

Derzeit ist der Wahl-Dortmunder mit einem 

neuen Projekt schwer beschäftigt, der 

Arbeit an dem Musical/Hörbuch „Die kleine 

Mundharmonika", das 2015 veröffentlicht 

und in seiner Heimatstadt Marl mit 200 

Kindern uraufgeführt und dann in weiteren 

Städten nicht nur in Nordrhein-Westfalen 

präsentiert werden soll. Im Rahmen dieses 

großangelegten Projektes wird Kramer 

auch unter dem Motto „Blues als Unterrichtsfach" 

in Grund- und weiterführenden 

Schulen Kindern den Blues, die Mundharmonika 

und die Musik im Allgemeinen näherbringen+++ 

Pünktlich zu seiner Herbsttour durch 

Deutschland bringt Albert Hammond 

eine 4-Track-Single heraus. Neben der 

Titelnummer "I Guess I Really Had It Coming", 

dem seinerzeit neuen Song seines 

Albums LEGEND II gibt es "It Never Rains 

In Southern California" als Duett mit Al 

Stewart (LEGEND), das gemeinsam mit 

Annette Humpe verfasste "Changing Me", 

ein Duett mit Sohn Albert Hammond Jr. 

(LEGEND) sowie "Smokie Factory Blues" 

vom Live-Album SONGBOOK zu hören. 

Alle Songs wurden remastert. Neben seiner 

Live-Aktivitäten arbeitet der mittlerweile 

70-Jährige zudem an neuen Liedern+++ 

Bei der 35. Verleihung der „Blues Music 

Awards" hat das deutsche Label Ruf 

Records in diesem Jahr in der Kategorie 

„Best DVD” gewonnen. Für das CD/DVD- 

Set SONGS FROM THE ROAD der Royal 

Southern Brotherhood nahm Thomas Ruf 

den Preis entgegen. „Wir freuen uns sehr 

über die Würdigung und verstehen sie als 

Ansporn, weiterhin hochwertige Bluesaufnahmen 

zu schaffen und neue Künstler 

zu fördern", sagte Ruf bei der Zeremonie 

Anfang Mai in Memphis. Ende Juni 

hat die RSB, die hochkarätige Formation 

um Cyril Neville, Devon Allman und Mike 

Zito, mit HEARTSOULBLOOD ihr zweites 

Studio-Album veröffentlicht+++ 

Als neue Blues-Rockhoffnung werden die 

Mojo Makers aus Dänemark gehandelt. 

Im September kommt ihr Zweitwerk DEVIL 

HANDS in den Handel, das sich laut ihrem 

Label „ganz klar an ihren Vorbildern The 

Doors orientiert"+++ 

Die „quietschrosaroteste Holi-Party" überhaupt 

wollen die Erlanger Spaß-Rocker 

J.B.O. beim „Heavy Metal-Festival Summer 

Breeze" am 15.8. im mittelfränkischen 

Dinkelsbühl feiern. Unter Holi-Parties 

versteht man aus Indien stammende Farbenfeste, 

bei denen sich die Besucher 

gegenseitig mit farbigem Pulver bewerfen. 

Mit dem Event läutet die Band unter 

dem Motto „25/10" ihr Jubeljahr ein: Es 

gibt das 25-jährige Bandjubiläum und das 

zehnte Studio-Album zu feiern. NUR DIE 

BESTEN WERDEN ALT erscheint Mitte August 

und bietet wieder die J.B.O.-typische 

Mischung aus beinharter Rockmusik und 

schräg-geistreichem Humor. Dass die ankommt, 

zeigt der Erfolg ihres letzten Werks 

KILLERALBUM, das es bis auf Platz 3 der 

Charts schaffte+++ 

PRETTY WOMAN ist das neue Solowerk 

von Rick Vito, des einstigen Gitarristen 

von Fleetwood Mac, Bob Seger und Bonnie 

Raitt, betitelt. Den darauf zu hörenden 

Blues-Rock mit Swingelementen wird Vito 

im September auf Tour auch hier zu Lande 

Seite 4 ■ GoodTimes 4/2014 ■ Music from the 60s to the 80s

News Aktuell News Aktuell 

live präsentieren, nachdem seine Gastspiele 

mit der Mick Fleetwood Bluesband auch 

schon wieder einige Jahre zurückliegen+++ 

Vielversprechende Veröffentlichungsankündigungen 

hat das norddeutsche Label 

Sireena Records geschickt: So wird es demnächst 

Paul Rolands Raritätensammlung 

PROFESSOR MORIARTY'S JUKEBOX erstmals 

in Deutschland zu erwerben geben. 

Das 1986er Album LIVE der Skandinavier 

Tribute wird neu aufgelegt. Southern Rock 

vom Feinsten verspricht Sireena mit REBEL 

BY CHOICE der General Lee Band, während 

die Oleg Pissarenko Band mit HOW 

ARE YOU Minimal Jazz und Post-Rock aus 

Estland liefern wird. Vom norwegischen 

Elektronikprojekt Nattefrost gibt es mit 

HOMELAND ein weiteres Vinylalbum in limitierter 

Auflage, diesmal aber mit neuen 

Titeln. Und die DVD LIVE AT ROCKPALAST 

erinnert an die Hannoveraner Band Der 

Moderne Man, die Anfang der 80er Jahre 

aktiv war+++ 

SECRET LADDER wird das neue, im September 

erscheinende Studiowerk von US- 

Sänger und Songschmied Christopher 

Cross ("Sailing", "Ride Like The Wind") 

heißen+++ 

Derzeit eifrig im Studio zugange ist die Kanadierin 

Buffy St. Marie, um ein neues 

Album einzuspielen. Die Sixties-Ikone mit 

einem Doktortitel in Bildender Kunst wie 

auch Philosophie, die als Protestsängerin 

berühmt wurde, schrieb mit "Up Where We 

Belong" Joe Cocker & Jennifer Warnes einen 

Hit auf die Stimmbänder und wurde 

von zahlreichen anderen Kollegen wie Janis 

Joplin, Elvis Presley, Neil Diamond, Cher, 

Donovan ("Universal Soldier"), Erasure und 

Taj Mahal gecovert. Ihr letztes Studio-Album 

RUNNING FOR THE DRUM hatte die 

73-Jährige 2008 veröffentlicht+++ 

Ebenfalls im Herbst soll beim kanadischen 

True-North-Label ein Boxset mit einer 

Werkschau des Singer/Songwriters, Gitarrenvirtuosen 

und Dritte-Welt-Aktivisten 

Bruce Cockburn erscheinen+++ 

BLIND RAGE wird das neue Album der 

Teutonen-Rocker und deutschen Metalpioniere 

Accept heißen, das am 15.8. veröffentlicht 

wird. Es handelt sich um das zweite 

Studiowerk seit der Reunion der Band 

(mit dem US-Amerikaner Mark Tornillo als 

Sänger, Frontmann und Nach-Nachfolger 

von Udo Dirkschneider, der mit U.D.O. eigene 

Wege geht). BLIND RAGE wurde von 

Andy Sneap (Megadeth) produziert und 

wird auch als limitiertes Digipak wahlweise 

mit einer Bonus DVD beziehungsweise einer 

Blu-ray erhältlich sein. Darauf ist eine 

komplette Accept-Liveshow mit 23 Songs 

enthalten, die während der „Stalingrad 

World Tour" 2013 in Chile mitgeschnitten 

wurde+++ 

Als 6-CD-Boxset wird das bahnbrechende 

Live-Album AT FILLMORE EAST der Allman 

Brothers Band von 1971 mit dem 

erweiterten Titel THE 1971 FILLMORE EAST 

RECORDINGS neu aufgelegt. Das Set vereint 

alle vier Auftritte der ABB-Shows vom 12. 

und 13. März 1971 – plus das komplette 

Headliner-Set der Allmans vom 27. Juni 

1971, als sie das letzte Konzert vor Schließung 

des New Yorker Musiktempels Fillmore 

East gaben. 16 unveröffentlichte Tracks 

kommen nun so endlich zu Gehör. Weitere 

VÖ-Formate: 4 LPs /3 Blu-ray Audio+++ 

In den 80er Jahren war die englische Singer/Songwriterin 

Sally Barker regelmäßiger 

Gast auf deutschen Bühne, ehe sie der 

Familie zuliebe musikalisch kürzertrat. Bei 

der TV-Show „The Voice UK 2014" belegte 

sie zwar „nur" Platz zwei, war aber „Gewinnerin 

der Herzen". Den damit verbundenen 

Plattendeal beim Major Universal 

schlug die 54-Jährige allerdings aus, um 

ihre Unabhängigkeit zu wahren. Stattdessen 

kehrte sie zu ihrem früheren deutschen 

Label Hypertension zurück, auf dem sie im 

August MAID IN ENGLAND veröffentlichen 

wird (inklusive zweier Songs, die sie auch 

in „Voice" angestimmt hatte). Davor tourte 

sie im UK als Opener für Sir Tom Jones, der 

in der „Voice"-Jury gesessen war+++ 

In diesem Jahr jährt es sich zum 60. 

Mal, dass Elvis Presley "That's Alright 

Mama" in den Sun Studios aufnahm, am 

8. Januar 2015 werden die Fans des Kings 

seinen 80. Geburtstag feiern – und seine 

Nachlassverwalter schlagen bis heute 

reichlich Kapital aus der Hinterlassenschaft 

des am 16.8.1977 verstorbenen 

King Of Rock'n'Roll. Seit 2007 schreibt 

die Elvis Presley Enterprises Inc. alljährlich 

und weltweit einen Wettbewerb unter 

dem Motto „Ultimative Elvis Tribute 

Artist" aus. Den hat 2012 mit dem Briten 

Ben Portsmouth erstmals ein Europäer 

gewonnen. Nach Meinung der Jury singt 

und bewegt er sich wie Elvis und besitzt 

auch dessen Bühnencharisma. Da ist offenbar 

etwas dran, denn 2012 gewann 

er auch noch zwei weitere Wettbewerbe: 

das „Elvis Tribute Artist Masters" im 

UK und beim „Collingwood Elvis Festival" 

in Kanada. Hilfreich erwiesen sich 

für ihn auch die digitalen Sozialmedien 

nach seinem Auftritt in der „David Letterman 

Show", als Letterman angesichts 

von Portsmouths Auftritt nur noch ein 

gestammeltes „Oh my God, oh my God!” 

herausbrachte. Nach Tourneen durch die 

USA und Kanada, Brasilien, Neuseeland, 

Großbritannien, Italien, Belgien, Frankreich 

und Russland kommt der Brite nun 

auch erstmals nach Deutschland. Begleitet 

wird er bei den sieben Auftritten im 

Oktober von Elvis' TCE Band+++ 

Ben Portsmouth 

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Nach dem Erfolg der ersten „Oldie Night" 

im Sindelfinger Glaspalast geht die Veranstaltung 

in Serie. Am 27. September 

wird eine internationale Besetzung auf 

der Bühne stehen: der Engländer Chris 

Andrews ("Yesterday Man","To Whom 

It Concerns", ”Pretty Belinda"), der 

Schwede Harpo ("Moviestar", " Motorcycle 

Mama", "Horoscope"), das niederländische 

Trio Pussycat ("Mississippi"), 

dazu fliegen die Equals ("Baby Come 

Back”) eigens 

aus 

London 

ein. Außerdem 

feiern im 

Glaspalast 

die 

1959 in 

Berlin als 

Skiffleband gegründeten Lords ("Poor 

Boy", "Shakin' All Over", "Gloryland") 

ihr 55. Bühnenjubiläum. Veranstalter 

Christian Simon kündigte eine „Riesen- 

Party" an und zeigte sich angesichts der 

Auftaktveranstaltung zuversichtlich: „Die 

Resonanz des Publikums war überwältigend! 

Da muss man doch weitermachen, 

zumal es die ‚Porsche Oldie Night’ in 

Stuttgart nicht mehr gibt!"+++ 


Equals 


Lords 

Rockpoet Heinz Rudolf Kunze ist unter 

die Kinderbuch-Macher gegangen: 

„Quentin Qualle" heißt das reich bebilderte 

Werk, das er mit seinem Schlagzeuger 

Jens Carstens und Zeichnerin Julia Ginsbach 

erstellt hat. Beigefügt ist eine CD mit 

vier Songs, die er eigens für „Quentin" geschrieben 

hat. Er sei neugierig, „ob junge 

Erwachsene und Kinder das annehmen und 

ob wir uns da ein ganz neues Publikum 

erschließen", sagte Kunze GoodTimes+++ 

Beim Abschlusskonzert der „Classic Open 

Air 2014" in Berlin gastierte Midge Ure 

mit den Gastgebern Schiller. Er sang Titel 

JETZT: Online-Abstimmung für die 

GERMAN BLUES Awards & Challenge 

Vom 01. bis 31. Juli kann Jedermann und –frau über die Preisträger der German Blues Awards online 

abstimmen. Gleichzeitig wird darüber abgestimmt, welche Künstler an der German Blues Challenge teilnehmen, 

deren Gewinner Deutschland bei der Europäischen Blues Challenge 2015 in Brüssel vertritt. 

UND SO FUNKTIONIERT DIE ABSTIMMUNG: Der Ausrichter (Baltic Blues e.V.) hat eine besondere Website 

eingerichtet. Dort erhält man einen speziellen Zugangscode und kann dann in jeder Kategorie 1x abstimmen: 

www.voting.blues-baltica.de 

Weitere Informationen gibt es unter www.bluesfest-eutin.de. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

Die Preisverleihungen zu den Blues Awards und die Endausscheidung zur Blues Challenge werden am 20. September 

im Brauhaus Eutin durchgeführt. Karten (15.-€) gibt´s ab sofort unter kreativkonkret@t-online.de. 


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Aktuell News Aktuell 

aus seinem neuen Album FRAGILE – das 

Konzert wurde für eine Live-DVD/CD Auswertung 

mitgeschnitten+++ 

LULLABY AND… THE CEASELESS ROAR 

wird das neue Album von Robert Plant 

heißen und über Nonesuch/Warner am 5. 

September erscheinen. Zu hören gibt es elf 

neue Aufnahmen, darunter neun Eigenkompositionen 

Plants und seiner Band The 

Sensational Space Shifters (Justin Adams/g, 

Bendir Djembe/g, Tehardant/b-voc, John 

Baggott/keys, Billy Fuller/b, Dave Smith/ 

dr, Liam „Skin” Tyson/banjo, g). „Es ist ein 

wirkliches festliches Album, kraftvoll, mutig, 

afrikanisch – Trance trifft auf Led Zep", 

beschrieb Plant selbst das Album+++ 

Zum 14. Mal tourt das „American Cajun, 

Blues & Zydeco Festival" durch 

deutsche Lande, um unter dem Motto 

„Let The Good Times Roll" das lebensbejahende 

Flair des Mississippi-Deltas 

und Louisianas zu verbreiten. Zwischen 

dem 23.10. (Augsburg) und dem 9.11. 

(Bassem/Eifel) werden Sarah Savoy's 

Hell-Raising Hayride, Buddy Flett und die 

Cajun Roosters in 13 deutschen Städten 

für insgesamt 15 Shows Station machen. 

Die veranstaltende 

Buddy Flett 

Agentur hat 

den drei Acts 

auch gleich 

noch klare 

Aufträge mit 

auf den Weg 

gegeben: 

„Kick-ass Cajun" 

sollen Akkordeonistin Sarah Savoy 

und ihre Mitstreiter servieren, Flett mit 

„Rough Edged Blues" loslegen, während 

es bei den Roosters heißt: „Let's Rock The 

Bayou!"+++ 


Cajun Roosters 


Wenige Tage nach dem ersten Interview 

mit GoodTimes ließ der kanadische Rockpionier 

Randy Bachman (Guess Who, 

BTO) in einem zweiten Gespräch noch ein 

paar weitere Neuigkeiten aus dem Sack: 

Mit seinen mittlerweile 70 Jahren wagt er 

einen Neuanfang: Er ist geschieden worden 

und von der Westküste nach Toronto 

gezogen, „weil ich dort zentraler lebe, 

leichter mit dem Flugzeug wegkomme. 

Denn ich will verstärkt touren!" Und er hat 

bereits sein nächstes Album fertig, das er in 

zwölf Tagen mit Produzent Kevin Shirley 

eingespielt hat. „Musikalisch dreht es sich 

um sehr rockigen Blues. Es werden ein paar 

Gäste wie Joe Bonamassa dabei sein, und 

es wird im Frühjahr 2015 auch in Europa 

erscheinen"+++ 

Die British Blues All Stars Dave Kelly 

(voc, g), Gary Fletcher (b, voc/beide Blues 

Band), Pick Withers (dr, Ex-Dire Straits ), 

die britische Keyboardlegende Zoot Money, 

die ihr weltweites Debüt im März bei den 

„Rother Bluestagen" gegeben hatten, kommen 

im Oktober erstmals auf Deutschland 

Tour. Als zweiter Gitarrist wird anstelle von 

Bernie Marsden Pete Emery (Joe Dummer 

Band, Dave Kelly Band) dabei sein, der mit 

Kellys verstorbener Schwester Jo-Ann Kelly 

verheiratet gewesen war+++ 

Statt sich mit den Byrds zu reunieren, 

kommt Roger McGuinn lieber nach 

Deutschland und wird im September acht 

Shows spielen. Seine Reise-Eindrücke 

wird er mit Gattin Camilla dann in seinem 

„Roadie Report" auf rogermcguinnblogspot.com 

schildern. Dort berichtete er, 

dass er eigens für die Tour begonnen habe, 

„ein paar Worte Deutsch zu lernen"+++ 

David Crosby, einst Gründungsmitglied der 

Byrds, hat erklärt, er sei bereit, bei einer 

Reunion der Kultband mitzuwirken. „Roger 

McGuinn will aber nicht mitmachen 

– das muss ich respektieren", bedauerte 

Crosby, der zuletzt 2000 mit McGuinn und 

Chris Hillman als Byrds bei einem Tribute- 

Konzert im Los Angeles auf der Bühne 

gestanden war und sich die Namensrechte 

gesichert hat. „Chris würde mitmachen, 

weil wir beide meinen, dass da noch genug 

Musik ist, die wir gemeinsam machen 

könnten"+++ 

Wegen einer ernsten Virusinfektion musste 

sich Paul McCartney im Mai in Tokio 

sechs Tage ins Krankenhaus begeben, ehe 

er ins UK heimfliegen konnte. Der Ex- 

Beatle musste auf Anraten seiner Ärzte eine 

Verlosung 

Bitte Terminwünsche aus unserem 

Konzertkalender S. 90 entnehmen. 

mehrwöchige Pause einlegen und deshalb 

auch seine geplanten Shows in Japan und 

Südkorea absagen. Zudem wurden auch 

die ersten sieben Auftritte seiner US-Tour 

in den Oktober verschoben. Deren Start war 

nun für den 5. Juli in Albany, New York, 

also nach Redaktionsschluss, angesetzt+++ 

Marianne Faithfull ist im Urlaub auf 

der griechischen Insel Rhodos gestürzt 

und hat sich dabei die Hüfte gebrochen. 

Die 67-jährige Sängerin, neuerdings das 

Gesicht der Yves-Saint-Laurent-Kampagne, 

musste umgehend operiert werden. 

Im September soll ihr neues Album GIVE 

MY LOVE TO LONDON erscheinen, für 

das sie mit Roger Waters, Nick Cave und 

Anna Calvi zusammengearbeitet hat+++ 

Für seine Solotour durch Deutschland 

im Herbst hat Supertramp-Gitarrist Carl 

Verheyen neben Starbassist Stu Hamm 

John Nader als neuen Drummer verpflichtet. 

Verheyen wird im Rahmen der 

„Mustang Run Tour 2014" ab 9.10. zwölf 

Shows spielen+++ 

Weird" Al Yankovic, in den USA immer 

" 

noch schwer angesagter Rockhumorist, hat 

via Twitter angekündigt, demnächst ein 

neues Album zu veröffentlichen. Zuletzt 

hatte er 2011 ALPOCALYPSE herausgebracht. 

In Deutschland war Weird Al Mitte 

der 80er Jahren mit Parodien auf Songs 

von Michael Jackson ("Eat It"), Madonna 

("Like A Surgeon") oder Greg Kihn ("I Lost 

Jeopardy") erfolgreich+++ 

So merkt man, dass die Zeit vergeht: 

Mick Jagger, inzwischen stolze 70, ist 

erstmals Urgroßvater geworden. Seine Enkelin 

Assissi (21) brachte eine Tochter zur 

Welt, knapp vier Wochen später wurde 

ihre Mutter Jade (42) zum fünften Mal 

Mutter, diesmal eines Sohnes. Jagger hat 

GoodTimes verlost unter allen Teilnehmern! Stichwort: Verlosung GoodTimes 4/2014 

3x2 Karten 

DAN BAIRD & 

HOMEMADE SIN 

2xT-Shirt 

(nur Größe XL) 

Seite 6 ■ GoodTimes 4/2014 ■ Music from the 60s to the 80s 


5x2 Karten 

Oldie Night 

(Sindelfingen, 27.9.2014) 

sieben Kinder aus vier Beziehungen und 

bislang fünf Enkelkinder+++ 

Ex-Dire-Straits-Bassist John Ilsley meldet 

sich mit TESTING THE WATER wieder einmal 

solo zu Gehör. Mit seiner Band war er 

beim Glastonbury Festival sowie weiteren 

UK-Gigs live zu erleben. Außerdem engagiert 

er sich für den Anthony Nolan Trust 

und versteigert für die Stiftung handgeschriebene 

Texte, Gemälde, Fotos und 

Golfrunden mit ihm+++ 

Sechs Jahre nach ihrer letzten Scheibe 

NOSTRADMUS gibt es mit REDEEMER 

OF SOULS ein neues Album der britischen 

Metalpioniere Judas Priest. Laut Sänger 

Rob Halford hat die Band sogar vorsichtig 

Blueselemente einfließen lassen, liefert 

laut Aussage von Gitarrist Glenn Tipton 

insgesamt aber „more Metal than Metal"+++ 

Diese Nachricht könnte Fans von Neil 

Diamond interessieren: Dessen gesamter 

Albumkatalog ist von Columbia/Sony 

Music zu Universal gewandert. Der neue 

Rechtebesitzer hat schon angekündigt, die 

Scheiben auch als Download zugänglich zu 

machen. Ob die auch überarbeitet werden 

und auf CD neu aufgelegt werden, war bei 

Redaktionsschluss nicht bekannt, dürfte 

aber naheliegen+++ 

Im Anschluss an seine ausgiebige US- 

Sommer-Tour kommt Slash im November 

für zwei Konzerte nach Deutschland. Dabei 

wird das frühere Mitglied von Guns N' 

Roses sein neues Album WORLD ON FIRE 

vorstellen, das am 12.9. veröffentlicht wird. 

Mit Alter-Bridge-Sänger Myles Kennedy 

als Frontmann und seiner Begleitband The 

Conspirators gastiert Slash in München 

(22.11.) und Köln (23.11.)+++ 

Percy Sledge musste aus gesundheitlichen 

Gründen einen Casino-Auftritt in 

Opelousas, Louisiana, absagen. Bei dem 

73-Jährigen war im Februar Leberkrebs 

diagnostiziert worden. Was ihn bislang 

nicht von Konzerten abhalten konnte+++ 

LOST TIME IN A BOTTLE ist eine Sammlung 

von Livemitschnitten von Jim Croce 

(†1973) betitelt, die via Cleopatra Records 

je 1x DVD/Blu-ray 

Rolling Stones 

"Sweet Summer Sun" 

Die Gewinner werden schriftlich benachrichtigt. hti t Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. ssen Einsendeschluss schlus 

ist der 19.09.2014! 

NikMa Verlag · Eberdinger Str. 37 · 71665 Vaihingen/Enz · Fax: 0 70 42/37660-188 E-Mail: goodtimes@nikma.de

News 

Aktuell 

News 

KULTURINITIATIVE 

Aktuell 

Ende Juli erhältlich sein wird. Neben Demos 

gibt es Aufnahmen aus dem Harper College 

(5.2.1973), Cazenovia College (1964) sowie 

aus dem Jahr 1973 zu hören+++ 

Der einstige Free- und Sharks-Bassist 

Andy Fraser meldet sich nach langer Studio-Abstinenz 

wieder zurück. Der Co-Autor 

von "All Right Now" bringt mit ON AS- 

SIGNMENT ein Album heraus, auf dem er 

sich mit seinen Anliegen wie Umweltschutz 

und Erderwärmung auseinandersetzt. Sein 

Song "This Is The Big One” war kürzlich 

zur Hymne des „World Environment Day” 

gekürt worden. Fraser hat eine Krebs- und 

Aids-Erkrankung überlebt und war in den 

letzten Jahren gelegentlich als Produzent 

in Erscheinung getreten+++ 

Die Neuzugänge 2014 in der Memphis 

Music Hall Of Fame sind Carl Perkins, 

Big Star, Ann Peebles, Jesse Winchester, 

Produzent Chips Moman, Al Bell (Stax 

Records) und Louis Armstrongs Witwe Lil 

Hardin Armstrong+++ 

Aretha Franklin ist von der Harvard 

University in Boston mit der Würde eines 

Ehrendoktors der Künste ausgezeichnet 

worden. Bei der Zeremonie sang sie die 

Nationalhymne und begleitete sich dabei 

selbst am Klavier+++ 

Neben der Schauspielerei (Münster- 

„Tatort"!) ist Jan Josef Liefers seit 

zwölf Jahren mit seiner Band unterwegs, 

hat mit ihr zwei Alben herausgebracht 

und sich mit über 250 Konzerten eine 

wachsende Fangemeinde erspielt. Aus 

namensrechtlichen Gründen hat sich die 

Band nun umbenannt und heißt jetzt 

Radio Doria statt Oblivion. Mit Johann 

Weiß (g), Jens Nickel (g), Gunter Papperitz 

(keys), Christian Adameit (b) und Timon 

Fenner (dr) hat Liefers neue Songs 

geschrieben, die ab 12.9. auf RADIO DO- 

RIA – DIE FREIE STIMME DER SCHLAF- 

LOSIGKEIT zu hören sein werden. Nach 

einigen Festivalauftritten im Sommer 

gehen Liefers & Radio Doria auf ausgedehnte 

Tour quer durch Deutschland+++ 


Jazzlegende Randy Brecker kommt mit 

seinem Projekt The Brecker Brothers Band 

Reunion nach dem Gig in Berlin (16.7.) 

auch noch nach Hamburg (29.7.). Mit der 

aktuellen Tour zelebriert der Trompeter das 

Brecker-Brothers-Album HEAVY METAL 

BE-BOP von 1978. Mit Ada Rovatti (sax), 

Barry Finnerty (g), Neil Jason (b/voc) und 

Terry Bozzio (dr) hat er alle Musiker dabei, 

die seinerzeit an den Aufnahmen beteiligt 

waren. Es fehlt nur sein 2007 verstorbener 

Bruder Michael Brecker. Ebenfalls auf dem 

Programm stehen Auszüge des aktuellen 

Albums von Randy Brecker, THE BRECKER 

BROTHERS BAND REUNION+++ 

Als „Populärste Oktoberfest-Band der 

Welt" und „Wiesn-Botschafter" ist die 

Band Münchener Zwietracht seit 

1997 Stammgast beim bekanntesten 

Volksfest der Welt und dazu vielen Jahren 

rund um den Globus unterwegs. Jetzt 

hat sie es zur „Celebration Night" des 

größten Computer-Kongresses der Welt 

nach Las Vegas geschafft, wo im Vorjahr 

kein Geringerer als Paul McCartney aufgetreten 

war. Die Münchener Zwietracht 

spielte am 4. Juni auf Einladung von 

HP vor 6000 geladenen Zuschauern im 

The Venetian Resort-Hotel in Las Vegas 

auf+++ 


Wegen eines Produktionsfehlers muss die 

ursprünglich für Anfang Juli geplante 

Veröffentlichung von Motörheads AF- 

TERSHOCK TOUR EDITION auf August verschoben 

werden. Die Bonus-Disc, die das 

komplette AFTERSHOCK-Album ergänzt, 

enthält Livematerial von der „2014 West 

Coast Tour", die der genese Lemmy & Co. 

kürzlich absolvierten+++ 

Am 31. März 1974, gab eine Newcomerband 

namens Queen ein Konzert im 

Londoner Club The Rainbow. Nur wenige 

ahnten, dass sie eine frühe Glanzstunde 

der Band miterlebten, die sich zu einem 

der erfolgreichsten Rockacts aller Zeiten 

entwickeln sollte. Der lange verschollene 

Mitschnitt ist vor einiger Zeit wieder aufgetaucht 

und erscheint nach 40 Jahren am 

5.9. in verschiedenen Formaten als LIVE AT 

THE RAINBOW '74+++ 

In Dublin startet am 26.11. unter dem Motto 

„Hits 50" die Jubiläumstournee von The 

Who im UK. Laut Ankündigungen ist ein 

Streifzug durch die gesamte Karriere geplant 

mit Songs aus den Frühzeiten als High Numbers 

sowie allen Klassikern. „Hits, picks, mixes 

and misses” versprach Gitarrist Pete Townshend. 

„Wir schaffen es aber nicht mehr, monatelang 

zu touren", baute Sänger Roger 

Daltrey mit Verweis auf sein Alter (70) vor, 

„denn es ist verdammt harte Arbeit!" Und 

Townshend wäre nicht Townshend, hätte er 

nicht auch noch eine kritische Anmerkung: 

„Seit 1964 haben wir zwischendurch mal 13 

Jahre praktisch nicht mehr existiert, so dass 

wir eigentlich nicht von 50, sondern nur von 

37 Jahren sprechen können! Wir werden 

auch in Zukunft für Charity-Events und dergleichen 

da sein, aber keine großen Tourneen 

mehr machen." Für das UK sind elf Shows 

angekündigt, die USA sollen 2015 folgen. 

Wie es mit Deutschland aussieht, war bei Redaktionsschluss 

noch offen+++ 

Nach der Veröffentlichung einer Jimi- 

Hendrix-Briefmarke arbeitet der United 

States Postal Service daran, demnächst 

auch Janis Joplin diese posthume Ehre 

zuteil werden zu lassen – wahrscheinlich 

bereits im August wird sie in die USPS- 

Reihe „Music Icons” aufgenommen werden, 

die schon John Lennon, Jim Morrison, 

Bill Monroe, Sarah Vaughan und Tammy 

Wynette in Briefmarkenform gewürdigt 

hat. Als nächste stehen dann 2015 James 

Brown und (wieder) Elvis Presley auf der 

Liste+++ 

Zwei Schachteln mit 149 raren Azetaten 

von Bob Dylan aus den Jahren 1969/70 

sind in einem Apartment im New Yorker 

Greenwich Village entdeckt worden, das 

einst Jeff Gold nutzte, der Besitzer des 

legendären Platten- und Memorabilia- 

Ladens Recordmecca und renommierte 

Plattensammler, -händler und Historiker. 

Der Fund soll auch unveröffentlichte Mixe, 

Aufnahmen und Alternativversionen (u.a. 

von "Skyline") enthalten, teilweise mit 

handschriftlichen Notizen Dylans. Gold 

kündigte an, er werde mit Vertretern Dylans 

sprechen, auch einige Fundstücke online 

über recordmecca.com anbieten. Um bei 

Dylan zu bleiben: Ein handschriftlicher 

Textentwurf von "Like A Rolling Stone" ist 

bei Sotheby's für 2,04 Millionen Dollar unter 

den Hammer gekommen+++ 

Für eine BBC-Dokumentation, die 2016 

gedreht werden soll, wird es möglicherweise 

eine befristete Genesis-Reunion 

geben+++ 

Crosby, Stills & Nash wollen ihr Projekt 

mit Cover-Versionen wiederbeleben, 

das sie nach Streitigkeiten mit Produzent 

Rick Rubin im Sommer 2012 beerdigt 

hatten, obwohl sie schon sieben Songs 

aufgenommen hatten. „Einige davon haben 

uns aber nicht überzeugt, also haben 

wir inzwischen fünf neu eingespielt, die 

uns richtig zusagen", erklärte David Crosby. 

Nach Abschluss ihrer US-Sommertour 

sollen weitere Aufnahmen folgen. Bis dahin 

kann man sich ja mit CSN&Y 1974 

trösten, einem Boxset mit Aufnahmen 

ihrer nicht gerade friedlich verlaufenen 

Reunion-Tour 1974, das dieser Tage erscheinen 

soll. Keine Zeit für Promotion 

wird dabei Stephen Stills haben, der begonnen 

hat, seine Memoiren zu verfassen+++ 


Das UK-Label Nettwerk Records hat 

Sinéad O’Connor weltweit wirksam unter 

Vertrag genommen und die Veröffentlichung 

ihres Albums THE VISHNU ROOM 

für Mitte August angekündigt. Nettwerk 

hatte bereits in den letzten fünf Jahren die 

Songs von O'Connor verlegt+++ 

Nach einer erfolgreichen Deutschland-Tour im 

vergangenen Jahr melden sich Jimmy Cornett 

& The Deadmen Ende August mit einem neuen 

Album und einer ausgedehnten Konzertreise 

ab 19.9. zurück. Dafür versprechen sie „dynamischen 

Blues und Southern Rock"+++ 

Vor zweieinhalb Jahren trat Adam Cohen 

mit seinem Album LIKE A MAN in die Fußstapfen 

seines legendären Vaters Leonard. Der 

Nachfolger WE GO HOME ist für den 12.9. 

angekündigt und soll eine ähnlich „wunderbare 

Sammlung ans Herz gehender Songs zum 

Schmachten und für die ruhigen Abende zu 

Hause mit einem Glas Rotwein" bieten, wie 

sein Label versprach. Im Herbst soll Cohen Jr. 

dann auch wieder auf Tour kommen+++ 

Zum 1. Juni hat der Bundesverband Musikindustrie 

(BVMI) neben den bisher schon 

verliehenen Gold- und Platin-Auszeichnungen 

einen „Diamond Award" für besonders 

erfolgreiche Musikprodukte in Deutschland 

eingeführt. Die neue Auszeichnung wird 

in Form einer Trophäe für Alben verliehen, 

die sich mindestens 750.000 Mal verkauft 

haben. Singles müssen die Schwelle von 

einer Million Einheiten schaffen, um so gewürdigt 

zu werden. Parallel beschloss der 

BVMI, künftig auch die Premium-Streams 

auf den Audio-Streaming-Plattformen für 

die Auszeichnungen zu berücksichtigen. 

Gezählt werden Streams über 30 Sekunden 

Länge, anders als bei den Charts werden 

100 Streams als eine Single (physisch oder 

Download) gewertet. Die Verleihungsgrenzen 

für Singles, die nach dem 1. Juni 2014 

erscheinen, wurden zugleich von 150.000 

auf 200.000 Einheiten für Gold angehoben 

(Platin: 400.000 statt bislang 300.000)+++ 


Verstorben 

Joe Young (*1960) war Gitarrist der US- 

Punker Antiseen. Nur wenige Monate nach 

dem 30-jährigen Bandjubiläum starb er 

am 30.4. an einem Herzinfarkt. 

Jessica Cleaves (*10.12.1948) sang bei 

The Hi-Fi's und den Friends Of Distinction, 

dann ab 1972 für Earth, Wind & Fire und 

später auch Parliament/Funkadelic. Nach 

längerer Krankheit verstummte sie am 2.5. 

für immer. 

Bobby Gregg (*30.4.1936 als Robert 

Grego in Philadelphia) wurde mit seiner 

Instrumentalkomposition "The Jam (Part 

1)” 1962 berühmt und erfolgreich (US 

#29, Gitarre: Roy Buchanan). Er trommelte 

für Paul Whitemans „TV Teen Club”-Show, 

war Mitglied von Steve Gibson & The Red 

Caps und arbeitete als Sessiondrummer – 

zu hören auf Bob Dylans "Like A Rolling 

Stone” und "The Sound Of Silence” von 

Simon & Garfunkel. Er war kurz Mitglied 

der Hawks (= später The Band) und verschied 

am 3.5. friedlich in Las Vegas. 

Ed Gagliardi (*13.2.1952) war als Gründungsbassist 

Teil der US-Fraktion bei Foreigner 

und auf deren ersten zwei Alben zu 

hören. Spielte später bei The Spys und verlor 

am 11.5. den jahrelangen Kampf gegen 

den Krebs. 

Nash The Slash (*26.3.1948 als Jeff 

Plewman) stammte aus Toronto und 

wurde als experimentierfreudiger Rocker 

bekannt. „Wer ihn als Opener mitnimmt, 

muss sich doppelt anstrengen”, würdigte 

der legendäre Musikjournalist Lester Bangs 

das Gründungsmitglied der Prog-Rocker 

FM (1976). Der Multi-Instrumentalist erlag 

am 11.5. einem Herzinfarkt. 

H.R. Giger (*5.2.1940) war zwar vor al- 

lem als bildender Künstler und Maler bekannt, 

bereicherte aber 

auch die Musikwelt: Der 

Schweizer kreierte Albumcover 

für ELP, Floh 

De Cologne, Debbie 

Harry, die Dead Kennedys, 

Danzig, die Böhsen 

Onkelz, Paganini und erst in diesem Jahr 

Triptychon. Der Alien-Schöpfer drehte 

Videoclips und schuf auch Computerspiele. 

Er starb am 12.5. in Zürich. 

Ernest " 

Ernie" Chataway (*1952) war 

Gitarrist der zweiten Besetzung von Judas 

Priest (9/1969 bis 6/1970), kämpfte jahrelang 

gegen sein Krebsleiden und verlor am 

12.5. 

Dick Orleans (*27.5.1950) war als singender 

Folkgitarrist unterwegs, gehörte 

zeitweise den Elktones an. „Natürliche 

Ursache” stand am 12.5. in seinem Totenschein. 

Cubie Burke (*8.11.1964) sang Soul, unter 

anderem bei The (Five) Stairsteps, und 

erlag am 15.5. den Folgen einer früher erlittenen 

Hirnverletzung. 

Jerry Vale (*8.7.1930 als Genaro Vitaliano) 

landete als Crooner in den 50er 

und 60er Jahren elf US-Top-40-Hits, sein 

größter Erfolg war 1956 "You Don't Know 

Me" (#14). Er spielte sich selbst in den 

Scorsese-Filmen „Goodfellas" und „Casino". 

Er starb am 18.5. in einem Hospiz. 

Randy Coven (*1960) bearbeitete seinen 

Bass für Yngwie Malmsteen, CPR, Leslie 

West und Steve Vai, leitete daneben seine 

eigene Band. Bis zum 20.5., als er aus unbekannten 

Gründen im Schlaf starb. 

Martin Lister (*1962) war Keyboarder und 

Songschmied von Alphaville, die 2014 ihr 

30-jähriges Bestehen feiern. Das Jubiläum 

wird durch den überraschenden Tod des 

Musikers am 21.5. in London getrübt. 

Tommy Blom (*3.3.1947) war Sänger von 

The Tages, einer der erfolgreichsten schwedischen 

Bands, die von 1964 bis 1968 über 

zwei Dutzend Singles, EPs und LPs veröffentlichte. 

Er verstarb am 25.5. in Stockholm. 

Gus Lezcano spielte Gitarre, Keyboards 

und Mundharmonika in Diensten der Miami 

Sound Machine sowie für die Bee Gees 

und Gloria Estefan. Er war gerade einmal 

59 Jahre alt, als ihn ein Herzversagen am 

28.5. dahinraffte. 

Coleman Lewis (*3.4.1973) gehörte als 

Gitarrist Smoke an, arbeitete danach auch 

mit Cat Power. Eine Überdosis Heroin beendete 

am 31.5. sein Erdendasein. 

Victor Agnello war „der Doc Of Rock”, 

ein auf das Fachgebiet Allergien spezialisierter 

Arzt in Kalifornien – und er trommelte 

in den 80er Jahren für die Metalband 

Laaz Rockit. Leukämie kostete den gerade 

mal 50-Jährigen am 1.6. das Leben. 

Steve Becker (*7.11.1952) war der Originaldrummer 

bei Southside Johnny & The 

Asbury Jukes, betrieb ein eigenes Studio 

und arbeitete zeitweise als Ingenieur bei 

der Telefonfirma Bell Atlantic. Er legte die 

Sticks am 1.6. für immer aus den Händen. 

Weldon Myrick (*10.4.1938) spielte 

Steelguitar und sang für Connie Smith, Jerry 

Jeff Walker, Alan Jackson, George Strait, 

Delbert McClinton, Linda Ronstadt und 

Ronnie Milsap. Ein Schlaganfall stoppte ihn 

am 2.6. für immer. 

Ralph Pruitt (*4.5.1925) war als Rockabillymusiker 

aktiv und landete mit der Detroiter 

Soultruppe The Fantastic Four mehrere 

Hits. Er verabschiedete sich am 3.6. endgültig. 

Bernard " 

Doc" Neeson (*4.1.1947) war 

Sänger der australischen Pub-Rocker The 

Angels, die außerhalb ihrer Heimat als Angel 

City firmierten. Der gebürtige Belfas ter 

stieg 1999 wegen Rückenproblemen nach 

einem Autounfall aus, war aber 2008 bei 

der Reunion dabei. Im Januar 2013 wurde 

bei ihm ein aggressiver Hirntumor festgestellt, 

der ihm am 4.6. das Leben raubte. 

Don Davis (*25.10.1938) führte in seiner 

Heimatstadt Detroit früh ein eigenes 

Jazztrio an, war als Gitarrist auf frühen 

Motown-Scheiben zu hören, ehe er als 

Produzent bei Stax Records anheuerte. 

Gründete diverse eigene Labels (Tortoise 

International, Groovesville), aber auch eine 

eigene Bank. Er ging nach kurzer, schwerer 

Krankheit am 5.6. für immer. 

Bill Traut leitete die in Chicago ansässigen 

Labels Dunwich und Wooden Nickel 

Records, arbeitete als Verleger, Arrangeur 

und Manager für Styx, American Breed, 

The Impressions und die Ohio Players, die 

er zum Teil auch produzierte (ebenso Nazz 

und Exile). Er starb am 5.6. 

Alan Douglas (*20.7.1931) produzier- 

te posthum einige Aufnahmen von Jimi 

Hendrix, mit dem er zu 

dessen Lebzeiten zusammengearbeitet 

hatte, 

und sorgte für Kontroversen, 

weil er teilweise 

Drums und Bass ersetzte 

und nachträglich Gitar- 

renoverdubs einfügte. Daneben produzierte 

er auch John McLaughlin, Eric Dolphy, 

Echo & The Bunnymen sowie Sprechplatten 

von Allen Ginsberg, Timothy Leary sowie 

Malcolm X und arbeitete mit Bill Laswell 

und Eric Clapton. Am 7.6. erlag er den 

Verletzungen, die er sich bei einem Sturz in 

seiner Wohnung in Paris zugezogen hatte. 

Jim Keays (*9.9.1946) kam in Glasgow 

zur Welt und wanderte mit den Eltern nach 

Australien aus, wo er als Sänger/Gitarrist 

The Mustangs anführte, die zu The Masters 

Apprentices mutierten, war mit seiner 

eigenen Combo Southern Cross sowie 

der Manning/Keays Band, The Keays und 

Cotton, Keays & Morris aktiv, ehe ihn ein 

Krebsleiden am 13.6. auf ewig ausbremste. 

Casey Kasem (*27.4.1932) arbeitete als 

Schauspieler, wurde aber berühmt als die 

Stimme der Radiosendung „American Top 

40”, die er ab 4. Juli 1970 insgesamt 34 

Jahre lang moderierte und mit der er via 

AFN auch hier zu Lande zu hören war. Die 

seltene Krankheit Lewy-Körper-Demenz 

kostete ihn am 15.6. das Leben. 

Horace Silver (*2.9.1928) begann als Tenorsaxofonist, 

wurde 1950 von Stan Getz 

entdeckt, er gründete mit Art Blakey die 

Jazz Messengers, spielte mit Miles Davis, 

Kenny Burrell, nahm für das legendäre 

Blue-Note-Label auf, integrierte andere 

Stile (Gospel, Soul, Afrika) in seine eigene 

Musik und veröffentlichte bis 1999 Alben. 

Er verstummte am 18.6. für immer. 

Johnny Mann (*30.8.1928) war als Sänger, 

Komponist und/oder Arrangeur für 

Johnny Burnette, The Crickets, Eddie 

Cochran, Nat King Cole, Dean Martin und 

Frank Sinatra tätig. Er wurde 1967 mit seinen 

Johnny Mann Singers für ihre Version 

von "Up Up And Away” mit einem Grammy 

ausgezeichnet, wirkte als Musikalischer 

Direktor der TV-Show „Alvin & The Chipmunks”, 

in der er die Rolle des Theodore 

sang. Verstarb am 18.6. in Anderson, South 

Carolina. 

Gerry Goffin (*11.2.1939) schrieb schon 

früh Songtexte, war einer der erfolgreichsten 

Lyricisten, längere Zeit auch im Team 

mit seiner zeitweiligen Ehefrau Carole 

King (1959–1968) im Brill Building. Die 

beiden schufen Klassiker wie "Will You 

Love Me Tomorrow” (Shirelles), "Take 

Good Care Of My Baby” (Bobby Vee), "Up 

On The Roof” (Drifters) und "Pleasant Valley 

Sunday” (Monkees). 

Nummer- 

1-Hits aus ihrer 

Feder waren "Go 

Away Little Girl” 

(Steve Lawrence & 

Donny Osmond) und "The Loco-Motion” 

(Little Eva sowie Grand Funk). Goffin arbeitete 

auch mit den Komponisten Barry 

Mann, Michael Masser und Jack Keller 

und veröffentlichte diverse Solo-Alben. 

Zuletzt war er maßgeblich am Erfolg des 

Browadway-Musicals „Beautiful: The Carole 

King Musical" beteiligt. Mit King war 

er 1990 in die Rock'n' Roll Hall Of Fame 

und schon 1987 in die Songwriters Hall Of 

Fame aufgenommen worden. Goffin starb 

am 19. Juni. 

Mabon " 

Teenie" Hodges (*16.11.1945) 

schrieb für Al Green die Hits "L-O-V-E 

(Love)” und "Here I Am (Come And Take 

Me)”, begleite ihn auf der Gitarre, ebenso 

Ann Peebles, Syl Johnson und andere 

Künstler von Hi Records in Memphis. 2005 

produzierte er Cat Power. Komplikationen 

nach einer Emphysem-OP kosteten ihn am 

22.6. das Leben. 

Clifton " 

Cliff" Dunn erlebte als R&B- 

Sänger die Geschichte von The Romancers 

mit, die sich in The Midnighters und 

dann The Dreamlovers umbenannten und 

schließlich mit "When We Get Married” 

und "If I Should Lose You” zwei mittlere 

Hits landeten. Daneben arbeitete er auch 

für Chubby Checker. Er verstarb am 22.6. 

Lee McBee (*23.3.1951) gehörte als 

Bluessänger und Harpspieler The Passions 

an, war als Lee McBee & The Confessors 

unterwegs und stellte daneben seine musikalischen 

Dienste Mike Morgan, Bonnie 

Raitt, Jimmy Rogers, Doug Sahm und 

Johnny Winter zur Verfügung – bis zum 

24.6., als er sich in den Musikerhimmel 

verabschiedete. 

Bobby Womack (*4.3.1944) lebte das 

Motto „Sex & Drugs & Rock'n'Roll" (mit 

allen bitteren Folgen) 

voll aus, hatte Ärger mit 

der Soulgemeinde, als er 

kurz nach Sam Cookes 

Tod 1964 dessen Witwe 

heiratete; zwei seiner 

Söhne starben früh; er 

hatte mit Depressionen zu kämpfen und 

musste immer wieder längere Zeit pausieren. 

Doch nach seinem Tod am 27.6. 

(Darmkrebs, Alzheimer) bleibt zumindest 

sein musikalisches Erbe: die 17 Songs, die 

er für Wilson Pickett schrieb, seine Gitarrenbegleitung 

für Elvis Presley, Aretha 

Franklin und Dusty Springfield; er sang 

mit Mick "Harlem Shuffle" (1964 hatte sein 

Song "It's All Over Now" den Stones die 

erste Nummer 1 beschert) und hat knapp 

zwei Dutzend Alben herausgebracht, zuletzt 

2012 das grandiose Comeback THE 

BRAVEST MAN IN THE UNIVERSE. 


BCM 

Deutschland 

PRÄSENTIEREN 

Remember 

The Good Times 

Christie 

Albert Hammond & Band 

Night Fever The Very Best Of The Bee Gees 

Samstag, 18. Oktober 2014 

in der Stadthalle Offenbach 

Beginn: 19.00 Uhr, Einlass: 17.30 Uhr 

Ermäßigter Eintrittspreis für GoodTimes-Leserinnen und -Leser 25,– € 

(einschl. Versandkosten). Abendkasse: 33,– € 

Alle Interpreten und Bands haben jede Menge Hits im Gepäck und werden sicher für eine Superstimmung sorgen. 

Im Foyer der Stadthalle findet ein Schallplattenmarkt statt, wo für Sie die Möglichkeit besteht, 

Ihre Plattensammlung mit interessanten Raritäten zu ergänzen. 

Am GoodTimes-Stand werden Ihnen viele der Künstler für Autogrammwünsche zur Verfügung stehen. 

Sichern Sie sich schnell Ihre Tickets zum ermäßigten Preis für GoodTimes-Leserinnen und -Leser 

von 25,– E (einschl. Versandkosten). Bestellungen: Telefon 07042/37660-160, email: goodtimes@nikma.de 

Stadthalle Offenbach · Waldstraße 312 · 63071 Offenbach 

in Kooperation mit BCM Deutschland

Foto: © Bubi Heilemann, www.rockfoto.de 

Glam-Rock, Hype & Monument 

Lockenpracht, Federboa, weiße Stratocaster. Ein Bild wie eine Ikone. Unverwechselbar 

und in Stein gemeißelt für die Ewigkeit. Marc Bolan war einer der schillerndsten 

Stars der 70er Jahre, gehört zu den wichtigsten Mitbegründern des 

Glam Rock – er beeinflusste Punk und Heavy Metal, setzte Maßstäbe für den 

Look nachgewachsener Musikergenerationen. Und das nicht etwa wegen eines 

glitzernden Sterns auf der Wange. Im nachhallenden Lärm kreischender Mädchen, 

die bei seinem Anblick schon mal Ohnmachtsattacken erlitten, wird allzu 

oft vergessen: Marc Bolan war ein genialer Komponist, Lyriker und Soundtüftler. 

Kennst du T. Rex?", fragt ein Frühfünfziger 

im Büro seine zwölf oder dreizehn Jahre 

„ jüngere Kollegin. 

„Meinst du diesen Dinosaurier?", wundert diese sich. 

„Äh, nein. Ich meine die Gruppe mit Marc Bolan." 

„Marc Bolan?" Sie überlegt. „Ich kenne nur Dieter 

Bohlen. Von einem Marc Bolan habe ich noch nichts 

gehört." 

Der Dialog ist authentisch. Geführt, mitgehört und 

aufgeschrieben im Mai 2014. Er dürfte nicht nur 

bei denjenigen für Verwunderung sorgen, deren Lebensinhalt 

Rockmusik ist. Vor allem jene, die sich in 

den 70ern vom Kind zum jungen Erwachsenen durch 

stürmische Pubertätsjahre rebellierten, werden es 

kaum für möglich halten, dass T. Rex – anders als die 

Beatles, Stones, Bob Dylan oder sogar David Bowie – 

nicht zum allgemeinen Kulturgut gehören. 

Warum eigentlich nicht? Denn die Voraussetzungen 

scheinen doch günstig, noch heute an T. Rex 

nicht vorbeizukommen. Da gibt es zum Beispiel seit 

1992 einen Typen namens Danielz, der als T. Rextasy 

nicht nur Oldie-Partys beschallt, sondern sogar für 

separate Club-Gigs gebucht wird. Die Illusion, die er 

vermittelt, ist beängstigend. Der Londoner hat neben 

der Marc-Bolan-typischen Bühnenaktion auch dessen 

Vibrato drauf. Und technisch ist er über jede Kritik erhaben. 

Oder Mickey Finn’s T. Rex. Die geisterten seit 

1997 durch die Festivallandschaft und sind seit dem 

Tod des einstigen Bolan-Mitstreiters als The Music Of 

Marc Bolan And T. Rex unterwegs. Und von Zeit zu Zeit 

durchaus prominent besetzt: Während zum Beispiel bis 

2004 Smokie-Gitarrist Alan Silson zur Cover-Truppe 

gehörte, steht seitdem der Mitbegründer des englischen 

Heavy-Metal-Flaggschiffes Saxon auf Silsons Posten – 

Graham Oliver. Beide Namen bürgen für Qualität. 

Auch der von Bobby T. Von Kindesbeinen an Bolan- 

Fan, gründete der junge Mann in England 2002 

die Band Electric Warrior – benannt nach dem zweiten 

T. Rex-Album – und agiert aktuell unter dem weitaus 

plakativeren Namen Too Rex. Auch Bobby scheint eine 

Marc-Bolan-Reinkarnation zu sein. 

In wessen Körper der am 16. September 1977 bei 

einem Autounfall mit noch nicht einmal 30 Jahren 

ums Leben gekommene Marc Bolan nach seinem Tod 


tatsächlich schlüpfte, wird ein Geheimnis bleiben. Es ist 

aber offensichtlich, dass Nachwachsende immer wieder 

nach seinem Geist suchen – danach, was den unverwechselbaren 

Künstler ausmachte. Seinen Imitatoren 

sei es belassen, ihn in jeder Facette zu kopieren. Und 

die Fans, die noch heute einen Stich verspüren, 

wenn sie an das jähe Ende des Sängers und 

Gitarristen denken, sollten mit all den Tributeund 

Cover-Combos ihren Frieden machen. 

Denn auch wenn niemand jemals an die Größe 

der Persönlichkeit Mark Feld (Bolans bürgerlicher 

Name) heranreichen wird, so suchen sie 

alle einen Weg, ihrem Idol Anerkennung zu verschaffen 

– und so die Erinnerung an seine Musik wach 

zu halten. 

Marc Bolan könnte heute einer der Größten 

sein. Angesichts fehlenden Star-Appeals 

aktueller Rockacts, die sich durch ein bemitleidenswertes 

Kreativitätstal schleppen, sind es 

weiterhin Namen aus den 60er und 70er Jahren, die 

Musikbegeisterte in die Plattenläden oder Stadien ziehen. 

Black Sabbath, Aerosmith, Neil Young, Bob Dylan, 

Rolling Stones – sie alle sind in diesem Jahr unterwegs. 

Ihre Konzerte sind ausverkauft, sie erzielen immer noch 

beachtliche Absatzzahlen, wenn von ihnen Tonträger 

in die Läden kommen. T. Rex hätten vermutlich 

Foto: © Bubi Heilemann, www.rockfoto.de 

dazugehört. Davon war der Bandboss mitten in der 

um ihn herrschenden Hysterie fest überzeugt. „In 50 

Jahren, wenn ich 74 bin, wird man immer noch von 

mir hören", diktierte Marc Bolan im September 1971 

einem Journalisten des englischen 

Magazins „Jackie" in 

den Block. Seinen Zeitgenossen 

aus der Progressive-Ecke gab er 

weniger Chancen: „Die meisten 

Gruppen, die heute als besonders 

modern und fortschrittlich 

gelten, werden in 50 Jahren 

längst vergessen sein." Grund sei 

deren sträfliche Vernachlässigung 

von Melodien. Bolan hielt es da 

mit den klassischen Komponisten. 

Diese hätten immer die Melodie 

und nicht den Rhythmus zum 

Kern ihrer Musik gemacht. „Deshalb 

mag ich zum Beispiel Dvorak und Beethoven", 

sagte Bolan. „Und manche Stücke von Chopin hören 

sich an wie Beatles-Nummern. Was wirklich gut ist, 

setzt sich eben auf Dauer durch – ganz egal, ob es von 

Bach, Mozart oder John Lennon stammt." 

Zu jenem Zeitpunkt hatte 

Marc Bolan seinen neuen 

Stil gefunden, stand mit "Get 

It On" (UK #1, D #3, USA 

#10) ganz oben, denn auch 

die vorangegangene 

45er, "Hot 

Love", hatte abgeräumt 

(UK #1, D 

#3). Und "Jeepster", 

die dritte 

Single innerhalb 

eines Jahres (UK #2, D #3), 

befand sich da 

bereits in der 

Pipeline. 

Dass Marc Bolan vom Folk kam, war 

immer noch deutlich zu hören. Alle 

drei 71er A-Seiten waren aufs Nötigste 

reduzierte Rocksongs, die mit extrem wenigen Melodiewendungen 

auskamen. Während die Strophen 

sehr rhythmisch ausfielen, kulminierten die Lieder im 

Refrain in bittersüßen Melodien, die trotz der Kürze 

der Stücke scheinbar unendlich häufig wiederholt 

wurden. Schon bei "Hot Love" hatte Bolan diese 

Methode auf die Spitze getrieben, als der Kehrreim 

praktisch nur aus „Lalala" 

bestand. Folkies 

bedienten sich häufig 

ähnlicher Stilmittel. 

Sie trieben die Story in 

den Strophen voran, 

gemäß der Erzählform 

einer Moritat. Der Refrain 

hob sich durch 

eine auffällige Melodie 

ab und kehrte unablässig 

wieder. Bolan 

verstärkte die Wirkung 

dieses scheinbaren 

Kontrastes durch seine 

zitternde Stimme 

und die summenden 

E-Gitarren. Solos verkniff 

sich der eigentlich 

versierte Gitarrist 

meist – die waren eher was für die verkopften Prog- 

Rocker, denen der Glamster bekanntlich nicht viel abgewinnen 

konnte. 

bwohl ELECTRIC WARRIOR – im Sep- 

1971 veröffentlicht – bereits das 

Otember 

zweite Album unter der Bezeichnung T. Rex 

war, brachte Bolan seinen 

neuen Sound erst 

hier voll zur Entfaltung. 

Das Debüt (begleitet 

von der UK-#2- 

Single "Ride A White 

Swan") von 1970 

gehörte noch zur 

Psychedelic-Folkära, 

die der Lockenkopf 

als Tyrannosaurus 

Rex zwischen 1968 

und 1970 mit vier Alben bestritt 

(MY PEOPLE WERE FAIR AND 

HAD SKY IN THEIR HAIR… BUT NOW THEY’RE CON- 

TENT TO WEAR STARS ON THEIR BROWS und PRO- 

PHETS, SEERS & SAGES: THE ANGELS OF THE AGES, 

Foto: © Peter Grumann/Bildarchiv Hallhuber 

beide 1968; UNICORN, 1969; A 

BEARD OF STARS, 1970). So einfach 

das Rezept, so wirkungsvoll 

das Ergebnis. 

Und das war 

Marc Bolans 

einzigartigem 

Gespür für unter die Haut gehende 

Melodien zuzuschreiben. 

Doch Folk mal eben nur zu elektrifizieren (wie etwa 

Bob Dylan beim Newport Festival 1965), machte 

aus einem Singer/Songwriter noch keinen Teenager- 

Star. Dazu gehörte eine ganze Menge mehr. Und 

Marc Bolan hatte alles: Er sah blendend aus, kleidete 

sich mit auffallend bunten und glitzernden Klamotten, 

versah sich mit Make-up, agierte auf der Bühne 

zwischen androgyn und biestig – und servierte den 

Heranwachsenden eine melancholische Hymne nach 

der nächsten. Das machte besonders Mädchen geradezu 

närrisch. Im UK hieß es nach seinem Konzert 

im Boston Gliderdrome in Lincolnshire am 15. Januar 

1972, dass T. Rex nach jener Krone gegriffen hätten, 

die bisher den Beatles gehörte – die T. Rextasy würde 

demnach die Beatlemania vergessen machen. „Zu 

jener Zeit war er das größte Ding in England", sagte 

Queen-Drummer Roger Taylor im 2007 entstandenen 

BBC-Film „The Final Word". „Das war fantastische 

Popmusik mit großartigen Texten." Bolan-Biograf 

Mark Paytress bezeichnete ihn als ein Paket aus Elvis 

Presley, Cliff Richard und Jimi Hendrix. Und Marc Almond 

von Soft Cell ("Tainted Love") sah in ihm den 

Brückenbauer zwischen Hippiekultur und Poprummel. 

" Telegram Sam" – die erste Single 1972 – eröffnete 

das wichtigste T. Rex-Jahr. Eigentlich ein "Get It 

On"-Remake, war der Song mit einer Gänsehautmelodie 

ausgestattet, die sich lediglich auf die Zeilen 

„Telegram Sam/You Are My Main 

Man" beschränkte. Allein dieser 

Fakt beschreibt Bolans Genialität: 

Ihm gelang es, die gesamte 

Nummer mit nur einem einzigen 

wirkungsvollen Melodiebogen 

zu dominieren. Und der war 

dann so zupackend, dass der Rest der Nummer zum 

Beiwerk geriet. Hinzu kam der bombastische Sound, 

der bei "Telegram Sam" vor allem durch Cello-Passagen 

einen enormen Schwulst erfuhr. Bei der folgenden 

Single und wohl der T. Rex-Hymne schlechthin, "Metal 

Guru", wuchteten sich noch mehr Streicher durch 

das Lied, denen Produzent Toni Visconti (u.a. David 

Bowie, später Thin Lizzy, Sparks, Boomtown Rats) ein 

entsprechendes Arrangement verpasst hatte. Ein vor 


Pathos triefender, schriller 

Männer-Backgroundgesang 

suggerierte einen 

Chor sexuell aufgeheizter 

Frauen. Und mit dem fetten 

Hard Rocker "Children 

Of The Revolution" – 

Platz zwei im UK – setzte 

der neue Superstar musikalisch 

noch einen drauf. 

THE SLIDER (Juli 1972), 

die dritte LP, ist ein 

Fest für den akustischen 

Sinn. Seinen effektiven, 

heavy rockenden Minimalismus-Nummern, 

die 

mit einer Kurzmelodie 

auskamen ("Metal Guru", 

"Telegram Sam", "The 

Slider", "Buick Mackane", 

"Baby Strange", "Chariot 

Choogle") stellte 

Mark Bolan großes Klangtheater gegenüber, bei 

dem jede Note durch und durch ging ("Rock On", 

"Mystic Lady", "Spaceball Ricochet", "Ballrooms Of 

Mars", "Main Man"). Und immer 

wurde trotz Streicherbombasts 

und Backgroundgewimmer 

die Kitschklippe geschickt 

umschifft. Eine entschlackte 

SLIDER-Version möchte 

man sich gar nicht vorstellen. 

Außerdem sorgten Stücke wie 

"Baby Boomerang" im Bolan-typischen Boogiestil 

und der Blues "Rabbit Fighter" für die nötige Bodenhaftung. 

THE SLIDER ist das Album, das Marc 

Bolan als unfehlbare Hitmaschine präsentierte. Und 

in Zeiten, wo der Single-Erfolg mal wieder alles war 

und eine LP für Charts-Beherrscher eher als Beiwerk 

galt, war das Werk geradezu schwindelerregend erfolgreich: 

UK #4, D #7. Selbst in den USA schien 

der Durchbruch geschafft, hier landete THE SLIDER 

auf Rang 17. Der von Beatle Ringo Starr produzierte 

T. Rex-Film „Born To Boogie" heizte die Hysterie um 

die heißesten Glam-Rocker noch weiter an. Der Beatles-T. 

Rex-Vergleich erhielt neue Nahrung – auch, 

weil Starr in einer Szene bei einer Jamsession in den 

Apple-Studios mit Marc Bolan an Mikrofon und Gitarre 

und Elton John (Klavier) am Schlagzeug saß. 

Und die Bilder der bei T. Rex-Konzerten in Schreikrämpfen 

aufgelösten Mädchen erinnerten nur allzu 

sehr an die Fab-Four-Auftritte. 

Auf dem 45er-Markt lief es 

1973 weiterhin sehr gut. 

"20th Century 

Boy" 

und "The 

Groover" 

hielten T. Rex in der Heimat mit 

Top-5-Positionen im Spiel. In 

Deutschland schafften es beide 

Nummern noch in die Top 

10. Anders die Amis. Die waren 

schon bei "Metal Guru" ausgestiegen 

und blieben fortan 

abstinent, was sich vor allem 

beim Verkauf des SLIDER- 

Nachfolgers TANX bemerkbar 

machte: Platz 102. 

Foto: © Peter Grumann/Bildarchiv Hallhuber 

In Europa blieb diesbezüglich noch alles im grünen 

Bereich. Es darf jedoch davon ausgegangen werden, 

dass sich ein Gros der TANX-Käufer das Album in der 

Rückschau auf den Vorgänger und mit Blick auf die 

Singles ohne Testlauf zulegte. Denn auf ihrem vierten 

Werk hatten T. Rex nur noch wenig vom SLIDER-Flair. 

Pomp und Pathos waren enorm gedrosselt, und Marc 

Bolan hatte sich neuen Melodien zugewandt – immer 

noch brillant, aber längst nicht mehr so effektheischend. 

Auch gestaltete der Bandkopf seine Kompositionen 

komplexer. Er erlaubte sich instrumentale 

Alleingänge (wenngleich nur äußerst kurze), und mit 

dem Opener "Tenement Lady" gab es jetzt sogar einen 

Song, in dem abrupt die Stimmung gewechselt 

wurde. Aber da die Konsumenten keine der bekannten 

Radionummern wiederfanden, herrschte vielerorts 

Ratlosigkeit. Dennoch wurde wegen des Verkaufserfolgs 

1973 an der Qualität des Albums nicht gekrittelt. 

Dass es nicht mehr die Kraft von SLIDER gehabt habe, 

das Material schwächer gewesen und Bolan nur noch 

mit halber Energie zu Werke gegangen sei, wurde erst 

diskutiert, als der Stern des Glam-Rockpioniers zu 

sinken begann. 

Eine weitere Ursache für den Niedergang der eben 

noch von allen Seiten hofierten Band dürfte ein 

exzessiver Drogen- und Alkoholkonsum gewesen sein, 

in dessen Folge Marc Bolan sein gesamtes Image aufs 

Spiel setzte. Er nahm zu und trennte sich von seinen 

extravaganten Outfits. Der Bruch mit seiner Frau June 

Child (einst Muse von Syd Barrett) passte ebenso in 

die Phase der Suche wie die Übersiedlung in die USA 

und der Beginn seiner Beziehung zur amerikanischen 

Sängerin und Songschreiberin Gloria Jones. Sie wurde 

seine Dauerfreundin und gebar ihm 1975 Sohn Rolan. 

Dass Marc Bolan versuchte, mit seinem Teen-Idolstatus 

zu brechen, verdeutlicht der Versuch, mit 

einem neuen Album die Identität 

zu wechseln. Ähnlich wie 

1972 David Bowie als Ziggy 

Stardust And The Spiders From 

Mars schuf Bolan mit Zinc Alloy 

ein eigenes Alter Ego, dessen 

Entwicklung aber am Veto der 

Plattenfirma scheiterte. Das erklärt auch den kuriosen 

Album-Titel ZINC ALLOY AND THE HIDDEN RIDERS 

OF TOMORROW – A CREAMED CAGE IN AUGUST 

(Februar 1974), der praktisch 

aus dem Bandnamen 

und der LP-Bezeichnung 

bestand. Das Label hatte 

aus verkaufstechnischen 

Gründen zusätzlich Marc 

Bolan & T. Rex mit aufs 

Cover gedruckt, weshalb 

dort praktisch zwei Gruppennamen 

standen. 

In Großbritannien reichte 

es dennoch für einen 

zwölften Platz in den 

Charts. Bolans Gesicht war 

in den relevanten Teenager- 

und Musikgazetten 

allerdings seltener zu sehen, 

Radiostationen spielten 

vor allem die Hits der 

Vorjahre. Immerhin konnten 

T. Rex mit "Teenage 

Dream" für spätere Best- 

Of-Kopplungen noch einen weiteren Beitrag liefern, 

wenngleich Kritiker das scheinbar vor Pathos triefende 

Stück äußerst kontrovers diskutierten. Dabei war bereits 

der Text – wie so oft – eine lyrische Meisterleistung. 

Wieder im folktypischen Moritatenstil vorgetragen, 

liefen die melodramatischen Aussagen der 

Strophen auf die Frage „Was ist mit dem Teenager- 

Traum passiert?" hinaus. Niedergeschlagenheit klingt 

dabei ebenso an wie Desillusion. 

T 

. Rex waren in denselben Sog geraten wie all die 

anderen Singlebands. Die Schnelllebigkeit des Musikmarkts 

forderte immer neue Gesichter und Hits ein, 

Stars mussten funktionieren, sollten mehr Marionette 

als Künstler sein. Richtig ins Rollen kam diese Maschinerie 

erst nach der großen Glam-Rockwelle, als 

die Zeit der Girlgroups und gecasteten Popgruppen 

begann. Man erinnere sich: Luv, Baccara, Boney M., 

Dolly Dots und viele andere. Marc Bolan jedoch verweigerte 

sich einem stetigen Ausverkauf ebenso wie 

später die Genrekollegen von The Sweet, Slade, Suzi 

Quatro oder Mud. Dass der Konflikt zwischen Anspruch 

und Verkaufserfordernissen meist zu Lasten 

des Künstlers geht, ist hinlänglich bekannt. Und so 

standen auch T. Rex im Februar 1974 mit einem großartigen 

Album da – das vielleicht sogar besser war als 

die Vorzeige-LP SLIDER –, erfuhren dafür aber kaum 

Anerkennung. 

Natürlich war es nicht leicht, sich sofort mit ZINC 

ALLOY … anzufreunden. Erst recht nicht für einen 

Fan, der mit "Metal Guru" auf den Lippen das Vinyl 

auf den Plattenteller legte. Schon der Opener "Venus 

Loon" – eines der bis dato besten Bolan-Stücke 

– zerhackte jede Erwartungshaltung. Was folgte, war 

das breitbeinige Outing eines einstigen Teenie-Idols 

als wahrhaft ernstzunehmender Musiker. Natürlich 

aalte sich Marc Bolan erneut in Melodien (zum Beispiel 

"Change"), gab Funk und Gospel deutlich mehr 

Raum, parodierte den typischen Folkie ("The Leopards 

Featuring Garden And The Mighty Slug") oder bewies 

schrulligen Humor (das „Bullshit, Bullshit" im Background 

von "Interstellar Soul" ist köstlich). 

In eine ähnliche Kerbe schlug das nur für den europäischen 

Markt produzierte Album BOLAN’S ZIP 

GUN, das eine völlig neue Besetzung präsentierte und 

sehr vom Soul-beeinflusst war. Gerade noch in aller 


Munde, sah sich die „Bravo" im Dezember 1974 kurz 

vor Veröffentlichung von ZIP GUN genötigt, bereits 

von einer Rückkehr aus der Versenkung zu sprechen: 

„Mit drei neuen Leuten feierte Marc Bolan bei einer 

USA-Tournee ein triumphales Comeback", hieß es 

da. Was nicht stimmte, war das Adjektiv, denn das 

Publikum – das durchaus euphorisch 

reagierte – blieb bei 

T. Rex-Konzerten inzwischen 

überschaubar. Für Dauerkumpel 

Mickey Finn war diese Zeit 

die vermutlich schwierigste als 

T. Rex-Mitglied. Anfang 1975 

gab er, völlig überfordert, auf. Immer wieder wird 

behauptet, er sei wegen seiner (nicht von der Hand 

zu weisenden) enormen Drogenprobleme gefeuert 

worden. Und vermutlich war die Ursache für den Split 

ein Mix aus beidem. „Das ist die beste Gruppe, die 

ich je hatte", jubelte Bolan seinerzeit vor Presseleuten. 

Und seine Beziehung zu Gloria Jones, mit der er 

sogar Duette aufnahm, beschrieb er so: „Wir geben 

unser Letztes füreinander – aber nur auf der Bühne 

…" Nur wenig später klang das gegenüber dem „Rolling 

Stone" schon weitaus differenzierter: „Ich lebte in 

einer widersprüchlichen Welt aus Drogen, Alkohol und 

bizarrem Sex." 

Kurzzeitige Auflösungen von T. Rex hat es seit 1974 

offenbar immer wieder mal gegeben – vor der 

USA-Tournee Ende 1974 ebenso wie kurz nach dem 

Erscheinen von ZIP GUN, denn für FUTURISTIC DRA- 

GON ging Marc Bolan schon wieder mit einer neuen 

Mannschaft ins Studio, diesmal in Chicago. Von der 

alten Truppe war nur noch Steve Currie (b) dabei, der 

aber wenig später auch 

verschwand. Dass die 

LP mit "New York City" 

und "Dreamy Lady" 

kleine Erfolgsnummern 

abwarf, ist weit 

weniger von Bedeutung 

als der erneute 

Souleinschlag und die 

üppige Verwendung 

von Synthesizern. 

"Ride My Wheels" ist 

dafür ein markantes 

Beispiel – und das war 

nicht leicht zu knacken. 

Bei 

Musikkritikern 

gehörte es zu diesem 

Zeitpunkt zum 

guten Ton, T. Rex nach 

Strich und Faden zu 

verreißen. Das war bei 

ZIP GUN schon so und 

setzte sich mit FUTU- 

RISTIC DRAGON fort. Es war nach SLIDER verdammt 

schwierig geworden, die Band stilistisch einzuordnen, 

was in den 70er Jahren oft eine wesentliche Voraussetzung 

für wohlwollendes 

Medienfeedback war. Auch im 

Sound gab es keine Beständigkeit. 

Aber wie so oft bei eigensinnigen 

Künstlern beeindruckt 

deren Musik besonders in der 

Rückschau. Denn das Händchen 

für eingängige Melodien und Vier-Minuten-Sinfonien 

("Dawn Storm") verlor Marc Bolan nie. 

Warum also gehören T. Rex nicht zum kulturellen 

Allgemeingut, sind sie nicht generationsübergreifend 

Synonym für große Musik? Die Mädchen, die 

wegen Bolan 1972 noch Tränen der Begeisterung vergossen, 

hatten ihn zwei Jahre später schon vergessen. 

Eine „Extasy" war in den 70ern nicht annähernd so 

bedeutsam wie eine „Mania" in den 60ern, denn Ekstasen 

gab es auch nach T. Rex noch reichlich – etwa 

jene um die Bay City Rollers. T. Rex galten als Hype 

der Glam-Rockwelle, schafften es jedoch nie, die Abwendung 

des Teenie-Publikums zu kompensieren und 

dies durch Rockfans im 

eigentlichen Sinne zu 

ersetzen. 

Ob Bolan Gedanken 

dieser Art umtrieben, 

sei dahingestellt. 

Kreativ schien der 

Mann in dieser Zeit allerdings 

zu explodieren. 

Und so tat er das, was 

er am besten konnte: 

Er schrieb Songs. Der 

Sänger und Gitarrist 

ging im August 1976 in 

Los Angeles ins Studio 

und begann mit einem 

wechselnden Musikertross 

(Steve Currie 

war von Zeit zu Zeit 

auch wieder dabei) die 

Arbeit an DANDY IN 

THE UNDERWORLD. 

Es wurde ein brillantes 

Album. Im März 1977 

veröffentlicht, zeigte es Marc Bolan als perfekten 

Chronisten der aktuellen musikalischen 

Strömungen – und es 

präsentierte einige seiner besten 

Kompositionen ("Crimson 

Moon", "The Soul Of My Suit"). 

Die englischen Fans reagierten 

positiv (#26), zurück im Ring 

waren T. Rex damit aber nur bedingt. 

Bolan hatte sich auch schon längst anderen 

Herausforderungen zugewandt. Punk beeindruckte 

ihn zutiefst, darum nahm er unter anderem 

1977 The Damned als Support mit auf Tour. In 

seiner bei ITV produzierten Fernseh-Show „Marc", 

die am 24. August Premiere feierte, erhielten einige 

der jungen Wilden erstmals die Möglichkeit, 

sich auf der Mattscheibe zu zeigen: The Jam, die 

Boomtown Rats, Eddie & The Hotrods, Generation 

X. Die sechste und letzte Folge lief am 28. 

die SLIDER-Besetzung (v.l.): Bill Legend (dr), Mickey Finn (perc, voc), 

Marc Bolan (voc, g) und Steve Currie (b) 

September und zeigte am Schluss einen gut gelaunten 

Marc Bolan, der nach einer nur eineinhalb 

Minuten dauernden Gitarrenjam mit David Bowie 

seitlich von der Bühne aus dem Bild fällt. Zu diesem 

Zeitpunkt war Bolan schon fast zwei Wochen 

tot. 

Spekulationen über ein „Was wäre, wenn …" machen 

wenig Sinn. Als das Auto mit Marc Bolan am 

16. September 1977 von der Straße abkam, wurde 

jede Frage nach der Zukunft des Ausnahmekünstlers 

abgewürgt. Gloria Jones saß am Steuer, da der Brite 

bis zuletzt keinen Führerschein besessen hatte. Und 

die Medien hatten ihn gerade als den „Godfather Of 

Punk" entdeckt. 

Das Leben zählt nicht nach Jahren. Und Marc 

Bolans Leistung als Komponist, Texter und Musiker 

reichte mehrfach aus, um als Monument im 

kollektiven Bewusstsein zu stehen. Allerdings werden 

die Regeln der Erinnerungskultur nicht von den 

Akteuren selbst geschrieben. Einen Hype erlebten 

T. Rex noch einmal für ein paar Monate zu Beginn 

der 90er Jahre, als "20th Century Boy" in der MTV- 

Rotation ein Dauerbrenner war. Der Reputation der 

Band war dieses hektische Abfeiern aber nicht eben 

zuträglich. 

Verehrer und Fans von T. Rex wissen um deren Bedeutung. 

Bei ihnen werden die LPs der Gruppe 

noch immer regelmäßig aufgelegt, denn Bolans Musik 

ist zeitlos. Ohne sie wäre die Geschichte der Rockmusik 

unvollständig. 

Als Steve Harley ("Make Me Smile" mit Cockney Rebel) 

im BBC-Film „The Final Word" gefragt wird, 

welche drei Worte er mit Bolan verbinden würde, sagt 

er nur: „Ich vermisse ihn." 

Jens-Uwe Berndt 


Unsterblich 

Die Erwartungen an HEAVEN & EARTH waren hoch – an das erste Yes- 

Album mit Jon Davison (Frontmann der Neo-Prog-Combo Glass Hammer), 

seit Februar 2012 Sänger der Progressive-Rock-Institution. Er 

folgte auf Benoit David, zwischen 2008 und Anfang 2012 bei Yes, der mit der Band 

allerdings nur das eher diffuse FLY FROM HERE zustande brachte. Davison war 

jedoch nicht nur Nachrücker für den introvertierten, von seiner Aufgabe überforderten 

Kanadier David: Er stand von Beginn an im übermächtigen Schatten des 

großen Jon Anderson. 

Es kam, wie zu befürchten war: HEAVEN & EARTH entpuppte sich, zumindest für 

viele Yes-Fans der ersten Stunde, als eher enttäuschend. Die acht Stücke des Albums 

klingen, als hätte eine Coverband versucht, den originären Sound der frühen 

Jahre einzufangen: musikalisch vielleicht leidlich gelungen, aber streckenweise 

ein wenig langatmig. Und der 43-jährige Davison aus dem tiefen Süden der USA 

ist höchstens ein unauffälliger Schatten seines britischen Vornamensvetters, und – 

sagen wir's so – er verrichtet seinen Job nicht übel. 

Der 67-jährige Yes-Gitarrist Steve Howe, seit 1970 in der Gruppe, sieht dies naturgemäß 

etwas anders – und hält außerdem dem Altmeister die Tür für eine Rückkehr 

offen. 

Wie kam es zum Titel 

des aktuellen 

Albums? 

So plakativ er klingen mag, so kompliziert 

ist er zu erklären. Letztlich 

geht es um zwei Welten, die hier aufeinander 

treffen – um das Materielle 

und um das Spirituelle. Da zumindest 

unserer Ansicht nach die derzeitige 

materielle Welt der Menschheit 

nicht viel mehr als Korruption, Gier 

und Krieg zu bieten hat, präsentieren 

wir mit den Texten eine optimistische 

spirituelle Alternative an. So 

ungefähr sind der Albumtitel und die 

Texte dahinter gemeint. 

Das klingt recht 

esoterisch ... 

Jon Davison, der den Großteil der Texte schrieb, ist ein ziemlich esoterisch veranlagter 

Mensch. Aber das war Jon Anderson auch schon (lacht). Und wir alle 

von Yes sind seit jeher jenseits von Gut und Böse. Darum gibt es inhaltlich nichts 

Neues bei uns. 

Wie lief die Zusammenarbeit mit Jon Davison? 

Wir kennen uns mittlerweile seit über zwei Jahren, haben uns aneinander gewöhnt. 

Inzwischen mag ich ihn richtig gern, zu Beginn war es noch ein neugieriges 

Beschnuppern. Jon ist um einiges jünger als ich, dadurch hat er andere 


Erfahrungswerte. Aber er besitzt zweifellos eine Menge Talent. Und jetzt ist er ein 

Kumpel. Dennoch war und bleibt Jon Anderson für mich der „richtige” Yes-Sänger, 

da er unsere Band nachhaltig 

geprägt hat. Ich möchte 

es nicht ausschließen, dass 

er eines Tages zu uns zurückkehren 

wird. Davison weiß 

das, er akzeptiert es – und 

das finde ich sehr beeindruckend. 

Ist HEAVEN & 

EARTH ein klassisches 

Yes- 

Album? 

Bislang habe ich noch keine 

richtige Distanz dazu, darum 

halte ich mich mit Einschätzungen 

zurück. Tatsache ist, dass Jon Davison jede Menge 

Einfluss darauf hatte. Gut so, denn er ist schließlich der Sänger 

– also der Mann, der die Sache nach außen hin vertreten muss. 

Was ich sagen kann: HEAVEN & EARTH ist ein individuelles, 

spannendes Werk geworden. 

Wie kam HEAVEN & EARTH zustande? 

Jon Davison wurde uns bereits empfohlen, als Benoit David noch 

dabei war. Als er aus gesundheitlichen Gründen ausscheiden 

musste, nahmen wir Kontakt zu Jon auf. Er brachte eine Menge 

Ideen für neue Songs ein. Wir hörten uns die an, ließen uns aber 

Zeit mit der Entscheidung, ob wir sie in unseren Soundkosmos 

integrieren würden (lacht). Jon sollte erst mal live beweisen, dass 

er zu unserer kauzigen Truppe passt! Und er hat die Feuerprobe 

bestanden. Danach merkten wir, dass seine Ideen was taugen, 

und sagten im Januar dieses Jahres: „Okay, los geht’s!” 

Ist es nicht unfair, dass er sich 

als eine Art Stellvertreter vorkommen 

muss? 

Wir haben ihm das Ganze nie verheimlicht, und niemand schließt 

Andersons Rückkehr aus. Wobei es mir eigentlich widerstrebt, ständig zurückzublicken, 

das hat was Muffiges. Ich will nach vorn schauen. 

Wie beurteilen Sie Yes allgemein? Eher als 

anachronistische oder als eine klassische 

Institution? 

Anachronisten sind wir definitiv nicht, denn wir kommen allesamt aus der Klassik, 

dem Jazz und dem Blues. Das sind unsterbliche Genres, die von der Improvisation 

leben. Darum wage ich zu behaupten: Auch unser Sound ist unsterblich! 

Michael Fuchs-Gamböck 

Konzentriert: 

Steve Howe 

beim Tüfteln an 

neuen Yes-Songs 

Jon Andersons 

Lückenbüßer oder 

Yes-Erneuerer? 

Jon Davison

Foto: © Koko 

Hard-Rock-Romantiker 

Dieses Album ist ein Statement", raunt Mick Box geradezu verschwörerisch, 

" 

damit soll der Welt bewiesen werden, dass wir unseren Ruf als Pioniere des 

" 

Heavy Rock nicht zu Unrecht haben. Es mag 45 Jahre her sein, dass diese 

Gruppe ihren Einstand feierte – aber auch 2014 rockt sie noch wie der Teufel!" 

Der 67-jährige Uriah-Heep-Gitarrist ist das letzte verbliebene Gründungsmitglied 

der britischen Formation. Auf das aktuelle, 24. Studiowerk OUTSIDER ist 

der Mann aus East London extrem stolz: Das war wirklich nicht bei allen unseren 

Scheiben so, speziell nicht bei einigen aus den vergangenen 20 Jahren", 

" 

beteuert Box. Aber dieses Ding hier, das schließt in meinen Ohren nahtlos an 

" 

unsere grandiose frühe Zeit an." Kein Wunder bei derart geballter 

Ladung an Selbstvertrauen und prächtiger Laune, dass 

der Schwatz mit dem Heavy-Rock-Urgestein äußerst vergnüglich 

ablief. 

Warum seid ihr auf OUTSIDER konsequent zu euren Wurzeln 

zuruckgekehrt? 

Letztlich ist diese Musik unser Hauptanspruch: dem Hörer unser 

Übermaß an Energie, an Leidenschaft zu vermitteln. Wir sehen 

diese Platte völlig in der Tradition der frühen 1970er Jahre, als 

Rockmusik der Inbegriff von Jugend und Revolte schlechthin 

war. Diesen Ideale möchten wir mit OUTSIDER bedingungslos 

hochhalten. 

Darum auch der Titel des Albums? 

Na klar, weil wir felsenfest daran glauben, was wir tun! Ganz 

gemäß dem alten Sprichwort: „Ist der Ruf erst ruiniert, lebt sich’s 

gänzlich ungeniert.” Wir machen einfach nur unser Ding, völlig 

geradlinig. Daher sind wir „Outsider”. 

Eine Zeit lang wolltet ihr den klassischen Heep-Sound modernisieren ... 

Mick Box, letztes 

Uriah-Heep-Original 

Mir ist diese Tendenz von damals durchaus klar, ich schütte deshalb Asche auf 

mein Haupt! Das war die Zeit zwischen Ende der 1980er und Mitte der Nuller- 

Jahre. Doch spätestens ab WAKE THE SLEEPER von 2008 haben wir die Kehrtwende 

gemacht. Für eine Classic-Rockband macht es absolut keinen Sinn, sich 

der Moderne anzupassen. Denn das bedeutet, dass man sich im Rockbereich der 

vielfach vorherrschenden gähnenden Langeweile anschließt. Die spannendsten 

Sachen in diesem Genre sind doch passiert, als die Sache losging, also in den 

späten 1960ern und frühen 1970ern. Und der Grundgedanke von damals, emotionales 

Feuer und leidenschaftliche Euphorie zu vermitteln, ist bis heute nicht 

erloschen. An den versuchen wir mit OUTSI- 

DER anzuknüpfen. Wir tragen diese Fackel 

weiter – und zwar sehr gern! 

Du bist wie meist fur alle Texte verantwortlich. 

Was inspiriert dich beim Schreiben? 

Meist sind es irgendwelche Dinge, die ich 


gelesen habe. Ich schmökere sehr viel, vor allem in Zeitungen und Magazinen. 

Unser Sänger Bernie Shaw hat keine Probleme, diese von mir entworfenen Ideen 

umzusetzen. Wir sprechen eine Weile über deren Hintergedanken. Er lässt sich 

von mir davon überzeugen (lacht), und dann singt er sie voller 

Inbrunst. Ich bin jedesmal wieder total beeindruckt. Das läuft stets 


ziemlich problemlos. 

Wie wurdest du Uriah Heep 2014 spontan mit wenigen Begriffen 

umschreiben? 

Frisch, kernig, rockig und dabei dennoch völlig dem klassischen 

„Heep-Sound" verpflichtet. So ist es, denn die Hammondorgel, 

die Wah-Wah-Gitarre, die schweren Riffs und die mehrstimmigen 

Gesangsharmonien – all das ist nach wie vor an Bord. Wir waren 

ja nie die absoluten Haudraufs in der Rockszene. Tief im Inneren 

sind wir Romantiker. Und ich denke, das hört man letztendlich 

in allen unseren Stücken. Nochmals: Ja, wir sind die Hard-Rock- 

Romantiker! 

Gibt es materielle Erwartungen fur OUTSIDERS? 

Über den finanziellen Aspekt sollte man sich tunlichst keine Gedanken 

machen, wenn man an einer neuen CD arbeitet, denn das 

schüttet nur die Kanäle zu deiner Innovation, Inspiration und zu 

den Empfindungen zu. Außerdem haben wir im Lauf unserer Karriere 

mehr als 30 Millionen Tonträger verkauft, allein von den Tantiemen kann 

man gut leben. Wir lassen uns von Verkaufszahlen schon lange nicht mehr beeindrucken. 

Viel wichtiger sind die Fanreaktionen. 

Welche Pläne gibt es? 

Da ist immer irgendwas! Denn das ist zumindest in meinem Alter ein Bollwerk, 

um nicht etwa über die Sterblichkeit des Menschen nachzudenken, das gebe ich 

offen zu. Wir denken also nahezu pausenlos nach – über neue Lieder oder Konzerte 

und solche Sachen. Letztlich wollen wir der Welt beweisen, dass wir einfach 

nicht totzukriegen sind. 

Michael Fuchs-Gamböck

Rückkehr zum Kreativ-Gebläse 

Nicht eben wenige Rockhörer hatten Chicago längst aufgegeben: Spätestens nach dem Album CHICAGO 

IX – GREATEST HITS (Ende 1975) schienen sie endgültig zu Produzenten massenkompatibler, süßlicher 

Charts-Ware mutiert zu sein. Kaum noch Spuren der Pioniere des engagierten Bläser-Rock, mit dem sie 

seit 1967 brilliert hatten. Je seichter sich Chicago gaben, desto erfolgreicher gerieten ihre Songs. Sie hätten 

endlos so weitermachen können. Aber: Jetzt ist NOW – CHICAGO XXXVI erschienen, ihr 36. Album – und 

diese Scheibe besinnt sich weitgehend auf die Qualitäten einer Band zurück, die speziell in ihrer Anfangszeit 

aufregend und spektakulär war. Alle Gründungsmitglieder hatten eine musikalische Top-Ausbildung, sie 

sprengten mit ihrer Leidenschaft sämtliche damaligen Vorstellungen. Auf NOW – CHICAGO XXXVI sind 

(wieder) alle für Chicago typischen Markenzeichen vertreten – exzellentes Songwriting, ausgeklügelte Gesangsarrangements, 

dazu die unverwechselbaren Bläsersätze. Behauptung: Nie war dieses Oktett so wertvoll 

wie in der aktuellen Ära des Stromlinien-Pop! Findet auch James Pankow, der 66-jährige Posaunist und 

Mitbegründer der Band. 

Foto: © Hugh Brown 

Wie kam es zu diesem 

nostalgischen Rundumschlag? 

Ja, wir haben uns in den 

vergangenen 25 Jahren 

weitgehend an schlankeren, 

poppigeren Arrangements 

versucht; wir dachten, 

dadurch würden wir 

James Pankow 

zeitgemäß klingen. Doch in der letzten Zeit merkten 

wir an zahlreichen Reaktionen, dass die Fans Chicago 

lieben, weil wir einen unverwechselbaren Sound 

kreiert hatten. Und als einer, der von Beginn an dabei 

war, darf ich feststellen: Die Musik, die wir auf unseren 

ersten sieben 

oder acht Alben 

gespielt haben, 

hat mir selbst auch 

am meisten Spaß 

bereitet. Darum in 

erster Linie diese 

Rückbesinnung. 

Worauf sind Sie 

nach fast 50 Jahren 

am meisten stolz? 

Es gab vor uns keine 

Band, die Bläser 

derart dominant in 

der Rockmusik eingesetzt hatte – selbst Blood, Sweat 

& Tears fingen erst kurz nach uns damit an. Wir sind 

demnach echte Pioniere in einem speziellen Genre. 

Unser Ziel war und ist es, unsterbliche Pop-Harmonien 

mit Bläsern aufzuwerten und vielleicht auch 

aufzublähen. Unser Saxofonist Walter Parazaider 

hatte damals diese Idee. 

Hat die aktuelle Band noch viel mit Ur-Chicago" 

" 

zu tun? 

Ja. Obwohl einige Mitglieder eine klassische musi- 

kalische Ausbildung absolviert haben, entstehen alle 

unsere Kompositionen in erster Linie aus dem Bauch 

heraus. Die späten 1960er Jahre waren wild und frei 

und wir selbst noch jung – daraus entstand diese 

unbändige Energie, die wir bis heute aufrechtzuerhalten 

versuchen. Ich selbst habe es nie bereut, Klassik 

studiert zu haben. Dadurch war ich handwerklich 

gewappnet, um deren starre Regeln kreativ aushebeln 

und ihr die Improvisation entgegensetzen zu 

können. 

Zwei Songs auf der neuen Platte könnten für 

Kontroversen sorgen: "Naked In The Garden Of 

Allah" und "America": wachsende Islamisierung 

hier, ein Loblied auf klassische amerikanische 

Werte dort ... 

Die Intention hinter 

"Allah” ist: 

Die verschiedenen 

ethnischen und 

religiösen Gruppen 

müssen aufeinander 

zugehen! 

Unterschiedliche 

Haltungen und 

Einstellungen dürfen 

nicht zu Kriegen 

führen – nur 

um herauszufinden, 

welcher Gott denn nun der richtige ist. "America” 

ist schlicht eine Hymne auf unser einzigartiges 

Land. Wir halten die USA für eine wunderbare Nation, 

irgendwie sind wir auserwählt. 

Trotz NSA, trotz des noch immer nicht geschlossenen 

Guantanamo-Knasts, trotz mangelnden Sozialversicherungsschutzes? 

Na klar, warum nicht?! Amerika ist für uns der Inbegriff 

von menschlicher Freiheit. 


Foto: © Henry Diltz

Eintritt in den 

Electra heute (v.l.): Gisbert Koreng 

(g, voc), Andreas Leuschner (keys), 

Wolfgang Riedel (b), Eckhard Lipske 

(g), Stephan Trepte (voc), Bernd Aust 

(sax, fl), Falk Möckel (dr) und Peter 

Ludewig (voc). Ludewig spielt 

krankheitsbedingt die 

Abschiedstour nicht mehr mit. 

Dom – und Abschied 

Es war 1969, das Jahr, als die Puhdys in Ost- 

Berlin an den Start gingen. Da schickten auch 

die Sachsen eine 

wenig später sehr 

gefragte Band ins 

Rennen: die Electra- 

Combo aus Dresden. 

Studenten der Musikhochschule 

Carl Maria 

von Weber (darunter 

Bernd Aust und Wolfgang 

Riedel, die noch 

heute zur Besetzung 

der Kultgruppe zählen) 

wollten ihre ganz 

eigene Auffassung 

von Progressive Rock 

umsetzen und auch 

klassische Werke dafür 

adaptieren. Zunächst 

ging es jedoch 

um das nötige Kleingeld für das Instrumentarium. 

So gab es keinen Saal in und um Dresden, in dem 

Electra (das Combo verschwand mit der Zeit aus dem 

Bandnamen) nicht spielten, mal mit gecoverten Hits, 

mal als Begleitung bunter Abende mit Kollegen – 

und meist schon mit eigenen Songs, von denen die 

ersten bald fürs Radio produziert wurden. Der Grund 

dafür: Die DDR-Obrigkeit hatte beschlossen, mehr 

einheimische Künstler über den Äther zu schicken. 

Doch weil es kaum Aufnahmen gab, tingelte ein 

Ü-Wagen des DDR- 

Rundfunks 

durchs 

Land und suchte 

Bands, mit denen 

sich 

Produktionen 

realisieren ließen. Als 

das Aufnahmemobil 

in Dresden war, meldeten 

sich Electra. 

Wenig später wurden 

die Dresdner 

in die Rundfunkstudios 

ihrer Heimatstadt 

eingeladen 

– und in 

Leipzig nahmen 

sie 1971 

ihren ersten 

und bis heute einen ihrer größten Hits auf: 

"Tritt ein in den Dom". Ein von Aust komponiertes 

Paradestück für den neuen Sänger 

Stephan Trepte, der 1970 zu Electra fand. Es 

gab zunächst einen gemeinsamen Konzertabend 

mit Electra und Treptes früherer Band, 

schließlich wurde der Mann ganz klassisch 

abgeworben. 

Darauf einen Wurzelpeter (v.l.): Bernd Aust, Karl-Heinz Ringel, 

Ekkehard Berger, Peter Ludewig und Wolfgang Riedel gründen 

1969 die Electra-Combo. 


Nachdem "Tritt ein in den Dom" ein kleiner Hit 

geworden war, verschwand der Song wieder aus 

den Radiostationen. Zensoren war aufgefallen, dass 

der Text eindeutig zum Kirchenbeitritt aufrief – ein 

Unding ohnegleichen im Land der ungläubigen Arbeiter 

und Bauern ... Obwohl die Dresdner Musiker 

anfangs empört auf das für sie nicht nachvollziehbare 

Verbot reagierten, war es unterm Strich das 

Bes te, was der aufstrebenden Band passieren konnte: 

Neugier auf die Sachsen mit dem verbotenen 

Song war geweckt. Zu Vinylehren kam das Lied erst 

1980 auf der dritten Electra-LP ELECTRA 3. Zu die- 

Electra im Erfolgsjahr 1979: Gisbert Koreng, Manuel von Senden, 

Rainer Uebel, Wolfgang Riedel, Bernd Aust und Peter Ludewig.

sem Zeitpunkt war Trepte, der in 

der DDR etliche Male zum „Sänger 

des Jahres" gewählt wurde, 

längst Frontmann der Band 

Reform. Electra hatte er bereits 

1974 verlassen, um bei Lift anzuheuern, 

einer weiteren populären 

Band in Sachsen. Im selben 

Jahr debütierten die Musiker um 

Bernd Aust mit ELECTRA-COM- 

BO. Die zweite LP ADAPTIONEN 

(1976) kam ohne Sänger aus, sie 

enthielt ausschließlich klassische 

Instrumentalwerke 

von Bach 

bis Borodin in einer Neubearbeitung 

der Electra-Musiker. 

eil Bernd Aust neben den 

Keyboards auch Querflöte 

spielte, waren Electra 

auch immer ein wenig die 

Jethro Tull des Ostens. In 

den 1990ern spielten beide 

Gruppen ein Konzert in Dresden 

– bis heute hält sich das 

Gerücht, dass Ian Anderson 

danach nie wieder mit einer 

Band mit Querflötist auftreten 

wollte – schon gar nicht 

mit einem, der noch volleres 

Haar hat und musikalisch 

fit ist. Ein weiterer Electra- 

Meilenstein wurde das vierte 

Album DIE SIXTINISCHE MA- 

DONNA, 1980 in Ost- und 

Westdeutschland erschienen. 

Es war die zweite Platte mit dem neuen Sänger Manuel 

von Senden, der 1978 zu Electra kam. Spätestens 

jetzt (auf ELECTRA 3 war er auch schon der 

Sänger) wurde klar, dass von Senden wie sein Vorgänger 

Trepte zu den großen Stimmen des DDR- 

Rock gehörte. Ein weiterer Trumpf: Gründungsmitglied 

und Schlagzeuger Peter Ludewig entpuppte 

sich auf einigen Songs ebenso als Vokalist mit einer 

mehrere Oktaven umfassenden Stimme. 

er Sound der Achtziger forderte auch bei den 

Dresdnern eine musikalische Zäsur. Wirkte EIN 

TAG WIE EINE BRÜCKE (1982) noch ein wenig 

unentschlossen, zeigten sich Electra auf AUGEN 

DER SEHNSUCHT (1986) und TAUSEND UND EIN 

GEFÜHL (1987) als veritable Pop-Formation: Die 

großen Prog-Rockelemente waren eingängigen und 

tanzbaren Hooks gewichen. Der Hit "Nie zuvor", 

eine Ballade mit Schlagerfacetten, steht für diese 

Phase. Während andere Ost-Rockbands zugunsten 

des 80er-Sounds die Frontmänner 

austauschen mussten 

(Karussell, Stern Combo Meißen), 

erwies sich von Senden 

als kongenialer Popsänger. 

Gegen Ende des Jahrzehnts 

besannen sich Electra dann 

wieder auf ihre eigentlichen 

Stärken: Ihre achte LP DER 

AUFRECHTE GANG, 1989 produziert, 

knüpfte wieder an die 

Siebziger an. Zudem fand Stephan 

Trepte (die Band Reform 

hatte sich bereits 1986 aufgelöst) 

zurück und löste Manuel 

von Senden ab. 

ine Veröffentlichung gab es für DER AUF- 

RECHTE GANG zunächst aber nicht. Sie war 

geplant, fiel jedoch in 

die Zeit von Wende und 

Mauerfall – Land, Label 

und Band existierten 

nicht mehr. Erst 2004 erschien 

die LP in einer Box 

mit allen acht Alben, ein 

Jahr später als Bonus einer 

Live-DVD. Zu diesem 

Zeitpunkt waren Electra 

schon wieder rund zehn 

Jahre unterwegs, darunter 

als „Sachsendreier" mit 

Stern Combo Meißen und 

Lift, manchmal mit Chor 

und Orchester. Obwohl im 

Lauf der Jahre unzählige 

Best-Of-Kopplungen 

und Livemitschnitte auf 

CD und DVD erschienen, 

gibt es bis heute keine 

neue Studioproduktion. 

Bandchef Bernd Aust ist 

zu sehr Realist, für neues 

Material rechnet er sich 

zu wenige Chancen aus. 

Denn neben seiner Arbeit 

bei Electra arbeitet 

er als Dresdens führender 

Konzertveranstalter und 

weiß darum genau, welche 

Faktoren ineinander 

greifen müssen, um tatsächlich 

Erfolg haben zu 

können. 

o ist zum 45. Geburtstag 

der Band in diesem 

Jahr auch keine weitere 

Veröffentlichung geplant. 

Alles Relevante sei erschienen, 

erklärt Aust. Die Konzerte 

zum Bandgeburtstag werden 

dennoch besondere sein – und 

ihre letzten! Electra haben ihre 

Auflösung vermeldet, im Sommer 

2015 soll das definitiv letzte Konzert 

stattfinden. Ein fester Platz 

in den Annalen deutschsprachiger 

Rockmusik ist dieser Band jetzt 

schon sicher. 

Christian Hentschel

und WHITE LIGHTNIN' IN 

(Sierra) aus. Die Liste der 

Nutznießer von Whites Zupfkünsten ist endlos und 

reicht von den Everly Brothers und Joe Cocker über 

Freddie Weller und Eric Weisberg bis zu Gary Paxton 

und Wayne Moore. 

Musikalischer Wert: schwankend zwischen 

mittelhoch und sehr hoch 

Sammelwert: sehr hoch 

Hinweis für Sammler: White ist auch zu hören auf 

dem Sampler CLASSIC GUILBEAU (Beautown) von 

Gib Guilbeau sowie auf dem Album von Byrds-Produzent 

TERRY MELCHER (Collector's Choice) und 

auf MOTHER HEN (Edsel), das die Sängerin Jane 

Getz 1971 einspielte. 

Nach den Byrds betrieb 

der schon 1973 tödlich 

verunglückte Clarence 

White im Wesentlichen nur 

noch die Gruppe Muleskinner 

(mit Top-Leuten wie 

Richard Greene, David Grisman 

und Peter Rowan). Die 

Aufnahmen für MULESKINNER ER LIVE 

– A POTPOUR- 

POUR 

RI OF LIVE BLUEGRASS JAM / ORIGINAL TELEVI- 

SION SOUNDTRACK (Sierra) dokumentieren (auch) 

seine Rückkehr zu den Wurzeln. 

Musikalischer Wert: hoch 

Sammelwert: hoch 

Spezielle Reize gehen von FLATPICK (Sierra) und 33 

ACOUSTIC GUITAR INSTRUMENTALS (Mwerk) aus. 

Aufschlussreich ist ein bei 

Amazon zu findender Fan- 

Kommentar zu 33 ...: „Die 

Flatpicking-Stücke sind 

bereits 1962 entstanden, 

aufgenommen auf einem 

Heimtonbandgerät und 

begleitet von Roger Bush 

an der Rhythmusgitarre. 

Die Soundqualität ist nicht 

gerade auf High-End- 

Level, dafür entschädigt 

aber Whites Virtuosität voll 

und ganz! Ich bin jedesmal 

erleichtert, dass ich nicht 

derjenige bin, der ihn auf 

der Rhythmusgitarre hmus 

tarr 

begleiten e muss!" 

Musikalischer und Sammelwert: insgesamt hoch 

Gram Parsons 

Gram Parsons (1946–1973; geboren 

als Cecil Ingram Connor 

III) war zwar nicht der „Erfinder" 

des Country-Rock, aber 

sein wohl wichtigster Wegbereiter 

und somit ein enorm 

einflussreicher Musiker. 

Aus der Vor-Byrds-Zeit 

stammt SAFE AT HOME 

(Sundazed), das einzige Album seiner International 

Submarine Band, das seine Legende mitbegründete. 

Sie setzte sich nach dem Byrds-Gastspiel 

fort mit den Flying 

Burrito Brothers und ihren 

A&M-Alben THE GILDED 

PALACE OF SIN und 

BURRITO DELUXE sowie 

verstreuten Songs auf einigen 

Samplern der Burritos 

wie SLEEPLESS ESS NIGHTS (siehe auch Chris 

Hillman). 

Musikalischer Wert: hoch bissehrsehr hoch 

Sammelwert: hoch bis unverzichtbar 

Ein feines Konzertdokument 

ist die mit den Burritos 

entstandene Doppel- 

CD LIVE AT THE AVALON 

BALLROOM 1969 (Amoebarecords/Fontana). 

Musikalischer Wert: 

mittelhoch 

Sammelwert: mittelhoch 

Endgültig in den Rock-Olymp stieg Parsons mit seinen 

absolut legendären Solo-Alben GP und GRIE- 

VOUS ANGEL (beide Reprise) auf. Der dort gebote- 

ne Country-Rock oc 

hat ewige e Gültigkeit! i Beide Alben 

erschienen enen 

mehrfach h auf CD. Die klanglich beste 

Edition findet sich auf den Reprise-CDs mit den 

Katalognummern 8122-79906-3 und …4. Das beste 

Booklet enthält der Twofer mit der Nummer 7599- 

26108-2. 

Musikalischer Wert: unverzichtbar 

Sammelwert: unverzichtbar 

In einem Rundfunkstudio 

wurde LIVE 1973 (Rhino) 

von Gram Parsons & The 

Fallen Angels aufgenommen. 

Star des Top-Albums 

war neben Parsons natürlich 

die hinreißende Emmylou 

Harris. 

Musikalischer Wert: sehr hoch 

Sammelwert: sehr hoch 

Historisch – und musikalisch! – interessant ist auch 

ANOTHER SIDE OF THIS LIFE – THE LOST RECOR- 

DINGS OF GRAM PARSONS 

1965–1966 (Sundazed) mit 

beherzten Solo-Aufnahmen 

(Eigenwerke und Klassiker 

wie "Codine", "The 

Last Thing On My Mind" 

und "Searchin'"). Bis auf 

"Brass Buttons" findet sich 

kein Titel dieser Sammlung 

auf GP, GRIEVOUS ANGEL 

und LIVE 1973! 

Das gilt auch für die 

Songs der Box THE EAR- 

LY YEARS (Sierra), die zwei 

CDs, eine LP und eine DVD 

enthält. Die 

erste CD der Box gibt es auch separat 

als EARLY YEARS MINI CD (Sierra) mit mageren zehn 

Tracks. Der goldene Mittelweg findet sich auf THE 

EARLY YEARS 1 & 2 (Floating World) mit 23 Tracks. 

Diese Edition macht alle früheren, im Internethandel 

noch angebotenen überflüssig. Näheres siehe 

Rezension in GoodTimes 3/2014, Seite 61. 

Musikalischer Wert: mittelhoch bis hoch 

Sammelwert: hoch 

Wer lediglich einen Werküberblick 

benötigt, ist mit 

der Doppel-CD SACRED 

HEARTS & FALLEN AN- 

GELS – THE GRAM PAR- 

SONS ANTHOLOGY (Rhino) 

mit 46 Tracks und einem 

Spitzen-Booklet okle 

bestens ens versorgt. Eine Alternative 

ist WARM EVENINGS, PALE MORNINGS, BOTTLED 

BLUES 1963–1973 (Raven). 

Hingegen bietet die 3-CD-Box THE COM PLETE 

REPRISE SESSIONS (Rhino) eine „volle Ladung", 

einschließlich 16 unveröffentlichter Alternativversionen, 

Remixe und 

einiger ige 

Radio-Interviews. 

ews. 

Musikalischer rWert: :sehr hoch h 

bis unverzichtbar 

Sammelwert: sehr hoch bis unverzichtbar 

Kevin Kelley 

Auch Kevin Kelley, ein Cousin 

von Chris Hillman und 

Schlagzeuger auf SWEET- 

HEART OF THE RODEO, hat 

vor und nach seiner Byrds- 

Zeit wichtige Spuren hinterlassen: 

Er spielte 1964 bei 

den legendären Rising Sons, 

zu denen auch Taj Mahal 

und Ry Cooder gehörten. Veröffentlicht wurde 

aber nur eine Single. Ihr 

Album THE RISING SONS 

FEATURING TAJ MAHAL 

AND RY COODER (Columbia 

Legacy) mit dem 

Gesamtwerk der Gruppe 

erschien erst 1992(!), obwohl 

es ein kleiner Klassiker 

des Folk-Rock ist. 

Nach den Byrds schloss 

Kelley sich der Psycho- 

Rockband Fever Tree an 

und ist auf deren viertem 

Album FOR SALE (mit 

CREATION als Twofer auf 

Green Tree) zu hören. 

Musikalischer Wert: hoch 

Sammlerwert: hoch 


Ian McLagan 

Das letzte GoodTimes-Interview mit dem Small-Faces-Keyboarder liegt fünf 

Jahre zurück. Seitdem gab es mehr und bessere Mixe der Musik seiner Band 

als je zuvor, er spielte Clubkonzerte en masse und bestritt denkwürdige 

Gastauftritte – unter anderem bei Warren Haynes (Gov't Mule). 

UliTw e l k sprach e mit der englischen Musikgröße. 

" 

Steve war fabelhaft!" 

Es sprudelt aus Ian McLagan nur so heraus: „Meine eigene Band ist 

sehr aktiv – noch immer mit Scrappy Jud Newcomb an der Gitarre, der 

seit 20 Jahren bei mir ist. Bassist Jon Notarthomas kam vor fünf Jahren. 

Mein neuer Drummer Conrad Choucroun ist unfassbar. Im Juni erscheint 

ein neues Album, es wird UNITED STATES heißen: ein Wortspiel, es geht 

um Beziehungen. Das Album unterscheidet sich sehr von NEVER SAY NEVER. Du 

hörst afrikanische Einflüsse, die Karibik klingt durch, du reist nach Mali. Seit wir 

die Aufnahmen abgeschlossen haben, ist eine Menge Zeit vergangen. Manchmal 

brauchen die Dinge eine Weile – heute steht die Fotosession für das Cover an. 

Die Werbe-Aktivitäten können wir wahrscheinlich nur als Duo machen, denn 

alles wird teurer: Flugtickets, Hotels – Touren wird immer schwieriger." 

Luft holen, Zeit für den Blick zurück, die Luxusbox HERE COME THE NICE hat 

für Aufsehen und Aufhorchen gesorgt. In den Monaten vor ihrer Veröffentlichung 

war – wie bei anderen Reissues zuvor – immer wieder von „first generation tapes" 

und „master tapes" die Rede. Kamen diesmal endlich die echten breiten Spulen 

zum Einsatz? McLagan: „Zumindest einige davon. Sie lagerten bei Sony in New 

York. Andrew Loog Oldham und Tony Calder (Manager des 1970 pleite gegangenen 

Indie-Labels Immediate) hatten damals wohl einen Deal mit Columbia abge- 

Ian McLagan &Th e Bump Band, v.l. Newcomb, McLagan, Choucroun & Notarthomas 

schlossen, um unsere Alben in Amerika herauszubringen. Aus Columbia wurde 

CBS, dann Sony, und das Ganze lief durch so viele Mechanismen, dass wir am 

Ende gar nicht mehr wussten, wo sich der Kram befand – und ob überhaupt vernünftige 

Stereo-Mastertapes erhalten waren. Aber Rod Cager, der hart für dieses 

Projekt gearbeitet hat, forschte überall nach und fand sie schließlich in New York. 

Viele unserer Aufnahmen haben sich leider in Luft aufgelöst, aber wenigstens hat 

er ein paar echte Masters gefunden, während viele Veröffent lichungen der letzten 

Jahre auf CDs, Cassetten oder sogar Vinylplatten basierten. Da wurde dermaßen 

geschludert! Nun haben wir es dank Rod im Griff, kriegen noch täglich fünf 

E-Mails von ihm, er gibt keine Ruhe. Es ist großartig, die Takes wiederzuhören, 

wie sie schon immer hätten klingen sollen. Es war sehr emotional, wie Kenney 

Jones und ich da hockten, um alles durchzuhören." 

Gab es besondere Momente während dieses Marathons? Ian McLagan: „Du 

hörst Steve Marriott und mich reden, bist dabei, wie wir Dinge ausprobieren – das 

war schon zauberhaft. Es gibt da ein Zitat von Kenney, dass man das Olympic 

Studio in Barnes regelrecht riechen konnte, und es stimmt: Das Schnuppern 

des magischen Momentes, das ' 

Duft-Erinnerungs-Vermögen', ist schon absolut 

wichtig. Wir beide im selben Raum mit Steve und Ronnie. 'Eddie’s Dreaming' 

etwa schrieb Ronnie als Tribute an den Trompeter Eddie ' 

Tan Tan' Thornton. Der 


stotterte und war bei uns im Studio ein bisschen high. Als dann die Bläser aufgenommen 

wurden, quatschte er los, kriegte aber nichts raus: ' 

I g-g-got to t-t-tell 

ya…' Das ließen wir auf der Aufnahme, aber über die Jahre haben die Techniker 

das rausgeschnitten. Das killte die Sache, aber jetzt ist das auf einer der beiden 

Versionen wieder vorhanden. Vor kurzem traf ich Thornton wieder, als ich mit 

Billy Bragg in Japan spielte. Eddie wollte stets, dass die Small Faces gesunden 

Spinat aßen. Heute tue ich das sogar!" 

Vor einigen Jahren hatte McLagan gesagt, selbst in seiner Traumband im Himmel 

würde er mit Steve Marriott nicht wieder aufnehmen. Wie klingt ein solcher Satz, 

wenn man die Magie dieser Aufnahmen gerade erlebt hat? McLagan lacht: „Steve 

war eine wunderbare Person, die man gern um sich hatte, ein Mega-Talent, ein 

liebenswerter Typ. Aber er war eben auch ein gewaltiges Energiebündel – niemand 

konnte da mithalten. Und am Ende, bevor er starb, war er dann nicht unbedingt die 

Person, mit der man abhängen wollte. Als ich ihm zum ersten Mal begegnet war, 

umarmte er mich sofort und hob mich vom Boden hoch. Ich konnte es nicht fassen, 

was das für ein sagenhafter Kerl war – wundervoll. Steve war fabelhaft!" 

Wer "Lazy Sunday" auf HERE COME THE NICE in Referenzqualität hört, mag 

kaum glauben, dass die Single 1968 zu Kontroversen in der Band geführt hatte. 

Music Hall Comedy als Nachfolger des Geniestreichs "Tin Soldier": Wo war das 

Problem, in einer Ära, in der die Beatles das Metal-Monster "Helter Skelter" auf 

dieselbe Scheibe packten wie den Vaudeville-Streich "Honey Pie"? McLagan erinnert 

sich gut: „Während wir vorher immer ins Studio gegangen waren, um ganz 

gezielt eine A-Seite für eine Single einzuspielen, arbeiteten wir nun konzentriert 

an Tracks für ein Album. Es gab keinen Plan, wo ein solcher Titel am Ende auftauchen 

würde. Als Immediate 'Lazy Sunday' dann einfach als Single rausbrachte, 

war das für uns ein schlechter Scherz. Klar ist es gut, einen Hit zu landen, aber 

so wollten wir unser Image nicht darstellen. Dieses Ding war ein Teil unseres 

Sounds, aber der Fokus lag keinesfalls darauf. Andrew Oldham stellte es einfach 

in den Mittelpunkt, und von da an war Steve es einfach leid. Einmal stritt ich 

mich mit ihm – und als ich am nächsten Tag wiederkam, hatte er bereits Nicky 

Hopkins auf 'Wham Bam Thank You Mam' spielen lassen." 

Fans der Small Faces fragen sich bis heute – hinterher ist man schlauer –, 

ob die Band nicht mit etwas Geduld noch die begonnenen Aufnahmen hätte 

vollenden können, aus deren Fragmenten dann THE AUTUMN STONE gebastelt 

wurde. „Da gab es noch eine Menge einzuspielen", sagt McLagan heute, „aber 

wir hatten einfach kein Geld". So blieben Tracks wie "Collibosher" oder "Wide- 

Eyed Girl On The Wall" eben als Instrumentals liegen. „Ich wohnte in einem 

spottbilligen Zimmerchen für acht Guinnies – acht Pfund wären heute lächerlich! 

Toilette auf halber Strecke, Badezimmer endlos weit, grauenvoll! Fürchterliche 

Zeiten, nach und nach verlor ich das Interesse. Ich hatte auch immer mehr komponieren 

wollen, das passierte jedoch erst, als wir an OGDENS NUT GONE FLAKE 

arbeiteten. Die anderen machten mir immer Mut, wollten aber keine Kooperation. 

George Harrison konnte ja auch nie bei Lennon/McCartney reinfunken, doch 

am Ende war ich bei Marriott/Lane dabei." So wird etwa "The Hungry Intruder" 

dem Trio zugeschrieben, der Titelsong und "Happy Days Toy Town" dem kompletten 

Quartett. McLagan: „Peter Frampton mochte dann meinen Song 'Growing 

Closer', half mir dabei und sorgte dafür, dass Humb le Pie ihn aufnahmen. Das 

machte mich stolz, brachte mich aber bei Kenney in ein schiefes Licht." 

Wie groß ist der Einfluss der Small-Faces-Musik auf McLagans Gegenwart? 

„Live gehört all das nun der Vergangenheit an. Ich habe ja 'All Or Nothing' gebracht 

und auch 'Watcha Gonna Do 'Bout It', aber 'Tin Soldier' und 'Afterglow' 

haben wir dann doch gelassen. Ich bin ein unablässig komponierender Musiker, 

möchte nicht zurückschauen. Ich will auch nicht aufhören. Ich liebe alles, was 

ich mache."

... und rennt und 

rennt und rennt 

Spencer Davis 

Anfang der 2010er Jahre 

Die Mitglieder der Spencer Davis Group 

Mitte der 60er Jahre (v.l. oben im Uhrzeigersinn): 

Muff Winwood, Pete York, 

Steve Winwood und Spencer Davis 

M 

ir geht's gut, und ich 

trete am 16. August in der 

„ Schweiz beim Tenero Music 

Nights Festival auf. Sehen wir uns dort?!" 

Locker grüßte Spencer Davis am 28. Juni auf seiner Facebook-Seite. Endlich mal 

eine gute Nachricht nach schweren Jahren, die der gebürtige Waliser durchmachen 

musste, der seit 1970 in Kalifornien lebt. Über drei Jahre lang ging es der Rocklegende 

mehr als schlecht: Er hatte sich bei einer Operation einen Krankenhauskeim 

eingefangen, der nicht kuriert werden konnte. Erst eine neue Therapie in New York 

brachte ihn zuletzt so weit auf die Beine, dass er wieder an Konzerte denken kann 

– und den Anfang soll der Gig in der Schweiz machen, vier Wochen nach Davis' 

75. Geburtstag am 17. Juli. „Eddie Hardin und ich können leider aus terminlichen 

Gründen nicht dabei sein, aber ich hoffe, dass wir bald wieder mit Spencer spielen 

können", sagte Pete York im GoodTimes- 

Gespräch. Schließlich gibt's was zu feiern: 

das 50-jährige Jubiläum der Spencer Davis 

Group als Profi-Act – und im nächsten Jahr 

jährt es sich zum 50. Mal, dass "Keep On 

Running" im UK auf Platz 1 der Charts 

stand. 

Bei der Jamsession anlässlich des 21. Geburtstags 

von Pete York in Nottingham 

hatten der Drummer und Davis erstmals 

gejammt; wenig später sollte Spencer für einen 

Auftritt im Golden Eagle (Birmingham) 

eine Band zusammenstellen: die Geburtsstunde 

der Spencer Davis Group, denn auch 

Stev(i)e Winwood (voc, keys) und dessen 

Bruder Muff (b) waren dabei. Im Publikum 

saßen u.a. Chris Blackwell (Island Records), 

Yardbirds-Manager Giorgio Gomelski und ein A&R-Manager von Decca, die offenbar 

schwer beeindruckt waren und Deals anboten. Blackwell machte das Rennen 

Spencer Davis, der singende, Gitarrist, Keyboarder und Mundharmonikaspieler, hatte 

da schon einige Erfahrungen gesammelt – als Straßenmusiker und in den Londoner 

Coffee-Bars, wo er Anfang der 60er Jahre oft live spielte. Nach einem Deutschland- 

Ausflug (siehe rechts) verschlug es Davis an die Universität in Birmingham, wo er 

York kennen lernte – beide mischten im Music Club der Uni mit und freundeten sich 

an. Und sie begleiteten US-Blueser wie Memphis Slim, Champion Jack Dupree und 

Sonnyboy Williamson, wenn die im UK tourten. Es folgte die Hoch-Zeit der Spencer 

Davis Group: Sie räumte mit Hits wie "Keep On Running", "Gimme Some Lovin'", 

"Somebody Help Me" und "I'm A Man" ab, ehe sie sich 1969 erstmals auflöste. 

Die Spencer Davis Group 2009 

beim " 

Beat Beat Beat Festival" in Offenbach. 


„Ich habe in den 70er Jahren eine Pause gemacht, ein paar Soloplatten auf- 

genommen, mehr in Richtung Jazz, die aber unter dem Radar blieben. Schwer- 

punktmäßig arbeitete t ich damals bei diversen Schallplattenfirmen als A&R-Manager, 

Scout und Berater der Musiker. Unter anderem war ich vier Jahre bei Chris Blackwells 

Label Island Records, wo ich Robert Palmer und Bob Marley gefördert habe. In den 

80er Jahren habe ich mich dann wieder mehr auf die Musik konzentriert und ab 

1984 erneut Platten gemacht", blickte Davis vor einigen Jahren im GoodTimes- 

Interview zurück. 

In aller Welt war Davis unterwegs, doch er macht kein Hehl daraus, sich vor allem 

Deutschland besonders verbunden zu fühlen. Einen Teil seines Germanistikstudiums 

verbrachte er in West-Berlin an der Freien Universität, er spricht Deutsch, Französisch 

und Spanisch. „Deutsch geht fast fließend, nur manchmal fehlen mir ein paar 

Worte – verstehen kann ich aber alles. Damals habe ich eine wunderschöne Zeit in 

Deutschland verbracht. Es ist für mich fast eine zweite Heimat 

geworden, und es wurde noch viel interessanter, als die Mauer 

fiel – wir hatten ja viele Fans in der DDR, die uns nicht live 

sehen konnten." Und dann wäre da ja noch eine ganz spezielle 

Erinnerung an Deutschland: Die Spencer Davis Group 

nahm ein Zwei-Song-Medley auf Deutsch auf, "Det war in 

Schöneberg"/"Mädel, ruck-ruck-ruck". „Ich habe in Schöneberg 

gelebt, und Producer Siggi Loch wollte das unbedingt 

mit uns machen", erinnerte sich Davis, der mit acht Jahren 

begonnen hatte, Mundharmonika zu spielen und wenig später 

auch zur Gitarre griff. 

Die Band war 1969 erstmals auseinandergebrochen, hatte sich 

vier Jahre später mit Davis, Hardin, York, Ray Fenwick (g) und 

Charlie McCracken (b) reformiert, allerdings auch nur für kurze 

Zeit. Erst seit Mitte der 80er Jahre kehrte der Bandleader 

dauerhaft zurück. „Natürlich wollen die Leute noch immer 

die alten Nummern hören, und es wäre eine schlechte Idee, 

auf sie zu verzichten. Sie sind nach wie vor immens populär, wurden im Lauf der 

Jahrzehnte oft gecovert und häufig in Filmsoundtracks verwendet. Ich habe jedenfalls 

kein Problem damit, sie heute noch live zu spielen!" Davis empfindet "Keep On 

Running" darum als eine Art Lebensmotto, genau wie "I Can't Stand Still", das er 

2008 als Single veröffentlicht hat – zwei Jahre nach dem Erscheinen seines bislang 

letzten Albums SO FAR. 

Da war er noch viel live unterwegs, unterhielt dafür zwei SDG-Besetzungen: In den 

USA spielte er mit Edward Tree (g), Taras Prodaniuk (b), Jim Blazer (p) und Tom 

Fillman (dr); in Europa drückte sein alter Kumpel Eddie Hardin die Tasten, Miller 

Anderson spielte Leadgitarre, Colin Hodgkinson Bass, Steff Porzel trommelte. 

Philipp Roser

t 

DIONVon Philipp Roser 

Wanderer in 

der Blues-Welt 

Er wurde (neben Bob Dylan) als einziger 

amerikanischer Musiker von den Beatles 

auf dem Cover von SGT. PEPPER verewigt. Er 

ist Ehrendoktor der Fordham University seiner 

Heimatstadt New York. Er wurde bereits 1989 

in die Rock'n'Roll Hall Of Fame aufgenommen 

und von seinem New Yorker Kumpel 

Lou Reed mit einer Laudatio bedacht. Und 

er schuf mit "The Wanderer" einen bis heute 

Fast ein wenig scheu 

gern gehörten und oft gecoverten Evergreen: 

blickte Dion in jungen 

Dion Francis DiMucci, der am 18. Juli seinen Jahren drein ... 

75. Geburtstag feierte, aber noch lange nicht 

ans Kürzertreten denkt. Im Gegenteil: Der Sänger, der 

seine Karriere um 1957 mit den Belmonts begann, arbeitet 

aktuell an einem neuen Album, unter anderem 

mit Hilfe des Bluesgitarristen Jimmy Vivino. 

Für Dion, den Mann mit der Baskenmütze, hat sich 

in den letzten Jahren ein Kreis geschlossen. Der 

se foto 

© Presse 

Sänger war in der Ära vor der 

British Invasion mit einem Mix 

aus Doo-Wop, R&B, Rock'n'Roll 

und Pop einer der erfolgreichsten 

Akteure überhaupt und landete 

ein Dutzend Top-40-Hits 

(darunter "The Wanderer" und 

"Runaround Sue", das er 1961 

mitkomponiert hatte). Doch begonnen 

hatte er ursprünglich 

mit Blues. „Das ist die Musik, 

die mir am nächsten ist, und 

meine letzten Alben BRONX IN BLUE (2006), SON 

OF SKIP JAMES (2007) und TANK FULL OF BLUES 

(2011) waren echte Herzensangelegenheiten", 

sagte Dion im GoodTimes-Interview. „Als Kind 

habe ich viel Jimmy Reed und Hank Williams gehört. 

Später kam ich dann mit Mort Shuman und 

Doc Pomus zusammen, und der Doc als großer 

Bluesfan hat mir weitere tiefe Einblicke in diese 

Musik vermittelt." 

Auf eine bewegte Karriere kann Dion DiMucci heute 

zurückblicken. Er war ganz oben, durchschritt 

aber auch Strecken der Erfolglosigkeit. Er zog sich 

aus der kommerziellen Welt zurück, war in den 

80er Jahren vor allem in der christlichen Musikszene 

unterwegs. In den 90er Jahren kam er zurück, 

tobte sich u.a. mit Scott Kempner (Del-Lords) und 

Mike Mesaros (Smithereens) in der Combo Little 

Kings rock'n'rollig aus. Seither ist Dion wieder regelmäßig 

live und mit Studioproduktionen aktiv. 

Dass der 75-Jährige sehr bewusst in der Gegenwart 

lebt, ohne dabei die Vergangenheit zu vergessen, 

beweist er auf seiner Facebook-Seite: Er vermeldet 

dort Neuigkeiten ebenso zuverlässig, wie er Raritäten 

aus der Vergangenheit präsentiert. 

Foto: © Dion DiMucci 

THE WHO 

QUADROPHENIA 

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DAS ABSCHLUSSKONZERT DER UMJUBELTEN TOUR 

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„Quadrophenia“ von 

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WILKO JOHNSON ROGER DALTREY 

(Dr Feelgood) 

(The Who) 

DAS GEFEIERTE ALBUM “GOING BACK HOME” 

“A BRILLIANT 100 PERCENT PURE BRITISH ROCK ‘N’ ROLL ALBUM” – THE SUN 

“ENOUGH ENERGY TO BLOW GoodTimes UP THE NATIONAL 4/2014 GRID. ■ Music ALBUM from OF the THE 60s YEAR to the SO 80s FAR” ■ – Seite THE SUNDAY 25 EXPRESS 

“TREMENDOUS FUN. EVERY PRECIOUS SECOND OF IT” – THE SUNDAY TIMES 

OUT 

NOW

Das trübe Geschäft mit 

schwarzen Musikern 

Dunkles 

Kapitel 

Sänger aus Schwarzen-Ghettos scheffelten Dollars, sobald sie einen Hit hatten. 

Das ist die verbreitete Meinung. Die Wirklichkeit: Berühmte Interpreten 

verbrachten ein Leben in Armut, während die Bosse und Manager ihrer Plattenlabels 

den Reibach machten. Erst seit kurzem haben die Musiker eine Chance 

der Kompensation. 

Detroit, einst reich und wegen seiner Auto-Industrie „Mo(tor)town" town" 

genannt, ist pleite. Einer der armen Bürger in der Stadt ist Barrett 

Strong (73), der dort in einem Heim lebt. Als er 18 war, lag eine 

fantastische Zukunft vor ihm. Er hatte den ersten Hit des 

Motown-Labels geschrieben, gesungen und bei der Aufnahme Klavier 

gespielt: "Money (That's What I Want)". Und Kohle war von da 

an kein Problem mehr für Berry Gordy, den Chef 

der Detroiter Plattenfirma. Der Song wurde immer 

wieder gecovert – von den Beatles, den 

Rolling Stones, Searchers, Jerry Lee Lewis und 

vielen anderen. Allerdings floss das Geld am 

Komponisten Barrett Strong vorbei – in Gordys 

Taschen. Der hatte Strongs Namen aus den Copyright-Unterlagen 

löschen lassen und gilt jetzt 

neben Janie Bradford als "Money"-Urheber. 

Es hilft dem kreativen Songschreiber Strong ("I Heard It Through The 

Grapevine", "War", "Papa Was A Rolling Stone", "I Can't Get Next To 

Jerry Butler 

You") nicht, dass er singt „Now give me money, 

that's all I want, a lotta money" – denn um sein 

Recht einzuklagen, braucht er Geld, und das ist 

immer noch sein Problem. Nicht nur seines. s. Jerry 

Butler ("He Will Break Your Heart"), ebenfalls 

im Clinch mit der Musikindustrie: „Als wir 

Verträge präsentiert bekamen, waren wir doch halbe 

Kinder!" So hat auch Richard Berry sein Copyright an 

"Louie Louie", einem der meistgecoverten Popsongs, 

1959 für 75 Dollar verkauft. Halbwüchsige Sänger, 

die es schafften, eine Platte aufzunehmen, ließen sich seit jeher bei Vertragsabschluss 

regelmäßig über den Tisch ziehen. Tony Silvester, Ex-Mitglied von 

The Main Ingredient, erzählte „Billboard" 2002: „All die Geschichten, wonach 

schwarze Musiker mit neuen Autos bezahlt wurden, sind wahr!" Der Film „Cadillac 

Records" (2008) über das Chess Label zeigte das plastisch. Von George 

McCrae ("Rock Your Baby") ist bekannt, dass er zu Henry Stone ging, dem Chef 

seiner Plattenfirma T. K. – Grund: Er wollte endlich für 

seinen Disco-Hit bezahlt werden, der sich sechs Millionen 

Mal verkauft hatte. Stone tat beleidigt, griff in die Tasche, 

zog ein Bündel Dollarscheine heraus und drückte es Mc- 

Crae in die Hand. Dann zeigte er dem gerührten Sänger 

einen Cadillac vor der Tür: „Der gehört dir, George!" Der 

Wagen war geleast. 

Eine Million unterschlagen 

Diese Methoden betrafen nicht nur schwarze Künstler. 

Und es waren nicht nur weiße Bosse, die sich an ihnen 

bereicherten. Das Musikbusiness verleitete durch 

unübersichtliche Geschäftsmethoden zu Betrügereien 

– besonders 

wenn unerfahrene Musiker raffinierten 

Managern ausgeliefert waren. So erging es Jackie Wilson, 

für den Berry Gordy die Monster-Hits "Reet Petite" 

und 

"Lonely Teardrops" geschrieben hatte. Ein 

Verfahren gegen den Brunswick-Labelboss Nat 

Tarnopol, der 1975 wegen Betrugsverdachts 

vor Gericht stand, ergab: Wilson war rund eine 

Million Dollar an Tantiemen für eigene Songs 

vorenthalten worden. Der Sänger war aber 

nicht in der Lage, das Geld einzuklagen, weil er 

nach 

einem Herzinfarkt im September 1975 im 

Koma lag und 1984 starb. Wie 

er konnte auch Mary Wells ("My 

Guy") nicht mehr persönlich 

davon profitieren, dass 1993 

ein Verfahren gegen die Plattenmultis 

lief, sie war im Jahr 

Mary 

Wells 

zuvor gestorben. 

Jackie 

Wilson 

Immerhin erlebte Curtis Mayfield (†1999; "People Get Ready") noch die 

ersten 

vielversprechenden Verhandlungen. Aber auch für ihn kam eine 

Abschlagszahlung von 50 Millionen Dollar (!) zu spät, die der New 

Yorker Generalstaatsanwalt für die Kläger den großen Labels an nicht 

Barrett 

Strong 

bezahlten Tantiemen abtrotzte. Es schien Methode zu haben, dass 

die Chefs der Plattenfirmen mit einer Armada von Anwälten auf 

Curtis 

Zeit spielten – die Lebenserwartung vieler 

Mayfield 

Musiker lag selten viel höher als 60 Jahre. Da 

konnte man durch Verzögerung vermeintlich 

viel Geld sparen. Traurigstes Beispiel: Arthur 

Crudup, der mit seinen Songs "That's All Right", 

"My Baby Left Me" und "So Glad You're Mine" 

Elvis Presley die Vorlagen für Welthits lieferte. 

Zu Lebzeiten erhielt er drei Schecks – über 9, 

12 und 18 Dollar. Arthur 

Einem kostenlos arbeitenden 

Anwalt 

Crudup 

verdankte er es, dass der Musikverlag Hill And Range 

(Verwalter der Elvis-Titel) überhaupt bereit war, über 

einen Ausgleich mit sich reden zu lassen. Schließlich 

konnte sich der mittellose Crudup mit seiner Familie 

aus Virginia auf den Weg nach New York machen, um 

einen Scheck über 60.000 Dollar entgegenzunehmen. Vor Ort erhielt er aber die 


utale Information, man habe es sich anders überlegt, 

vor Gericht würde ihm weniger zugesprochen. 

Crudup fuhr ohne einen Penny zurück nach Virginia, 

wo er verarmt starb. Pech für Hill And Range – inzwischen 

im Besitz von Chappell Music –, dass Crudups 

Anwalt dann tatsächlich Richter entscheiden ließ. 

Nach und nach erhielten die Erben über drei Millionen 

Dollar als Nachzahlung. 

Bei Frankie Lymon (†1968 mit 25 Jahren; Heroin) war dagegen nicht klar, wer ein 

Anrecht auf entgangene Tantiemen haben würde. Lymon hatte den Hit "Why 

Do Fools Fall In Love" mit anderen aus seiner Gruppe 

The Teenagers komponiert, war 

dann aber gezwungen, n, sich 

die Autorenschaft mit 

seinem Produzenten 

George Goldner zu 

teilen. Der wiederum 

Frankie Lymon 

verkaufte den Vertrag 

an den Mafiakumpel und Labelchef Morris 

Levy. Frankie und die Band wurden verhökert 

– ohne 

Aussicht auf 

Bezahlung. Als 

Lymons Witwe das 

ihrem Ex zustehende Geld einklagte, stellte 

sich heraus, dass sie nicht die einzige Ehefrau 

gewesen war. Schließlich erhielt eine andere, 

Mrs. Lymon Nr. 3, die Abfindung. Levy durfte 

seinen Teil behalten, die restlichen Musiker 

gingen leer aus. Aber nicht nur zwielichtige 

Gestalten wie Levy vergriffen sich an den 

Rechten schwarzer Autoren. Auch die Rolling 

Stones, glühende Verehrer der US-Bluesszene, 

gaben den Song "Prodigal Son" 1968 auf ih- 

Robert T. Wilkins 

rer LP BEGGARS BANQUET als Eigenwerk aus. Nach einem Prozess mussten 

sie den wahren Autor Robert T. Wilkins auf Neuveröffentlichungen nennen. Dem 

Beale-Street-Bluessänger wurde ein Ausgleich gezahlt. 

Die Künstler hatten keine Ahnung 

„Rock'n'Roll hatte anfangs naive Züge", erläutert der Promoter Richard Nader 

die Situation. „Die Platten wurden oft in einer halben Stunde in irgendeinem 

Keller aufgenommen, die Künstler hatten keine Ahnung von Tantiemen." Und 

Joey Dee 

viele Teenager wie Frankie Lymon verzichteten 

unwissentlich 

auf 

ihre Rechte. 

Um Betroffenen 

zu helfen 

gründete 

Joey Dee ("Peppermint Twist", "Ya Ya") 

1987 die „Foundation For The Love Of 

Rock'n'Roll"; sie musste allerdings nach 

einer wechselvollen Geschichte Insolvenz 

Irma Thomas 

anmelden. 

Ein Jahr 

später wurde die „Rhythm & Blues Foundation" 

aus der Taufe gehoben – unterstützt 

von Atlantic Records, das wegen ihrer Geschäftspolitik 

Grund zur Wiedergutmachung 

hatte. Heute besteht eine Partnerschaft mit 

Kenny Gamble 

(Gamble & 

John Lee Hooker 

Huff, 

Philadelphia 

International 

Records), der 

ebenfalls seinen 

Künstlern Geld vorenthalten hatte. Andere 

Plattenfirmen wie EMI wurden selbst tä- 

Ella 

Fitzgerald 

tig: Die Firma verdoppelte 1992 für Interpreten des 

Backkatalogs von Labels wie Imperial, Aladdin, Blue 

Note u.a. die Tantiemen von fünf auf zehn Prozent 

(ein Dollar pro LP). Außerdem wurden ihnen Schulden 

aus Produktionskosten und Vorauszahlungen 

erlassen. Nutznießer u.a.: Fats Domino, Irma Thomas, John 

Lee Hooker, Ella Fitzgerald. g 

Selbst solch ein bescheidener Obulus 

blieb Sam Moore ("Hold On, I'm Comin'") 

verwehrt. Der „Soul Man" hatte im 

Duo Sam & Dave von 1965 bis 1992 

Platten für Atlantic Records aufgenommen 

– im Vertrauen darauf, dass 

mit den Einnahmen Rücklagen als Altersversorgung 

gebildet würden. Seine 

Ehefrau und Managerin Joyce Moore: 

„Sam wurde mitgeteilt, seine Pension 

betrage 63,67 Dollar im Monat, dabei 

hätten es 8000 Dollar sein müssen. 

Atlantic zahlte nicht einen Penny in seine Pensionskasse. 

Die Labels berechnen alles nur immer zu ihrem 

Vorteil." Moore schloss sich einer Sammelklage an, die 

den Klägern 2002 eine Nachzahlung von 8,4 Millionen 

Dollar einbrachte. Solche Verfahren erhöhen den Druck 

auf die Labels. Universal und Warner haben inzwischen 

zugesagt, ihre Tantiemenberechnung transparenter zu 

gestalten und alte Fälle zu überprüfen. Außerdem hat 

Sam Moore 

die US-Regierung die Situation der Künstler mit Copyright-Regelungen 

verbessert. Jetzt steht im Gesetz, dass die Musiker für Aufnahmen, 

die nach dem 1.1.1978 entstanden, 

Ray Charles 

auf Herausgabe ihrer Masterbänder klagen 

können. Allerdings erst nach 35 Jahren, und 

sie müssen die Plattenfirmen zehn Jahre vor 

der Klage benachrichtigen. Für Aufnahmen 

Sam Cooke 

zwischen 1972 und 

1978 gilt eine Wartefrist 

von 56 Jahren. 

Nur wenige Künstler 

hatten sich die 

Rechte an Masterbändern vertraglich zusichern 

lassen. Als der Vertrag von Fats Domino mit Imperial 

Records 1962 auslief, 

handelte er das mit ABC Records aus. Jetzt kann 

er über "Red Sails In The Sunset" oder "Heartbreak 

Hill" für Neuauflagen selbst entscheiden. 

Ähnlich klug schlossen auch Sam Cooke, Ray Charles, 

Quincy Jones, Lamont Dozier, Luther Vandross, Aretha 

Franklin und Al Jarreau 

neue Vereinbarungen 

ab. Andere 

– oder ihre Erben – 

können nun seit letztem t Jahr erstmals vor Gericht 

gehen – in der Hoffnung, Besitzer ihrer eigenen 

Aufnahmen zu 

werden. Roberta 

Flack und 

die Erben von 

James 

Brown 

haben diesen 

Schritt unternommen. 

Und 

Aretha Franklin 

ein Urteil gibt es auch schon: Victor Willis, 

der schwarze „Polizist" der Village People, 

schaffte es 2013, sich als Mitautor des Millionenhits 

"YMCA" (1978) das Masterband zu 

sichern. Allerdings ist das Urteil noch nicht 

rechtskräftig. 

Rüdiger Bloemeke Village People 

Foto: © Zill/Bildarchiv Hallhuber 


Gregg Allman 

Mit der Allman Brothers Band hat Gregg Allman, der Hammondorgler 

mit der schwarzen Röhre, in den letzten Jahrzehnten die (Southern-)Rockszene 

aufgemischt. Zuletzt hatte der 66-Jährige, der sich 

2010 einer Lebertransplantation unterziehen musste, wiederholt 

gesundheitliche Probleme. Das hinderte ihn aber nicht, mit vielen 

Gästen das Live-Album ALL MY FRIENDS einzuspielen und GoodTimes Näheres darüber zu berichten. 

Antworten zur Zukunft der Allman Brothers nach dem anstehenden Abschied von Warren Haynes und 

Derek Trucks blieb er allerdings schuldig. Immerhin: Es soll irgendwie weitergehen. 

Lebendig & bewegend 

Foto: © Universal Music 

Gregg, was macht die Gesundheit? 

Okay, danke der Nachfrage. Ich habe mir vor einigen 

Monaten das Handgelenk gebrochen, was mich 

zurückwarf. Ansonsten geht es mir – abgesehen von 

gelegentlichen Zipperlein – gut. Ich will wieder live 

spielen. 

Wie kam es zu der „All My Friends”-Tribute-Show? 

Das war eine Idee meines Managers Michael Lehman, 

der lange davon gesprochen hatte und den Ball im 

letzten Herbst ins Rollen brachte. Was an dem Abend 

abging, hat mir unglaublich viel Spaß bereitet! Die 

Auswahl der Beteiligten war eine Gemeinschaftsarbeit, 

die sich wie ein Puzzle entwickelte. Ich muss 

Don Was viel Respekt zollen, der das Ganze als musikalischer 

Leiter organisierte und steuerte, ebenso 

der Basisband mit Jack Pearson, Chuck Leavell und 

Kenny Aronoff – großartige Musiker! 

Die DVD hat bewegende Momente, etwa wenn du 

mit Jackson Browne "Melissa” spielst … 

Oh Mann, ich weiß noch genau, was mir da durch 

den Kopf ging! Als ich zu Jackson rüberblickte, hatte 

er eine dicke Träne im Auge! Ich musste wegschauen, 

sonst hätte ich selbst losgeheult. 

Es waren so viele Leute dabei: John Hiatt, Taj 

Mahal, Jackson Browne, Derek Trucks, Warren 

Haynes, Dr. John, Sam Moore, Keb‘ Mo‘, Countrystars 

– ein Abbild deiner Karriere … 

Kann man so sagen. Ich könnte nicht stolzer sein, 

meine Songs von solchen Größen interpretiert zu erleben! 

Die gesamte Show war ein einziges Highlight, 

aber es gab schon einige ganz spezielle Momente – 

wie halt der mit Jackson. Sam Moore verpasste mir 

mit "Please Call Home” Gänsehaut, Taj Mahal mit 

dem "Statesboro Blues” − und Dr. John ist ebenfalls 

einzigartig. 

Du hast kurz darauf ein Live-Album mit der Gregg 

Allman Band aufgenommen ... 

Das haben wir im Grand Opera House in Macon, 

Georgia, mitgeschnitten – ebenfalls ein toller Abend. 

Es wird wohl 2015 erscheinen. 

Philipp Roser 

Eric Clapton 

Foto: © Martin Crop 

16 Songs – ein Denkmal für J.J. Cale 

Zwei seiner größten Hits – "After Midnight", 

"Cocaine" – verdankt Eric Clapton einem Kollegen. 

Den verehrte er zunächst aus der Distanz, 

um dann gleich mehrfach mit ihm zu kooperieren 

– wie 2006 auf THE ROAD TO ESCONDIDO. Der 

US-Singer/Songwriter (und als Gitarrist unnachahmliche) 

J.J. Cale war für „EC" stets ein Orientierungspunkt. 

Mit dem 16-Song-Album THE BREEZE: AN 

APPRECIATON OF J.J. CALE setzt Clapton nun dem 

Mann ein Denkmal, der am 26. Juli 2013 im Alter 

von 74 Jahren einem Herzinfarkt erlag. 

Der gemeinsame Freund Delaney Bramlett (†2008) 

hatte Clapton einst auf Cales "After Midnight" aufmerksam 

gemacht, das der Brite dann 1970 für sein 

Solodebüt übernahm. Im April 

1976 war Clapton Gast bei Cales 

Gig im Londoner Hammersmith 

Odeon, erzählte ihm aber wohl 

noch nicht, dass er für SLOWHAND 

dessen Vorlage "Cocaine" neu interpretieren 

würde. Cale, der auf 

materielle Dinge stets wenig Wert 

legte, dürfte sich aber dennoch 

gefreut haben: Der Song wurde zwar erst 1980 in 

einer Liveversion als Single ausgekoppelt, doch dauerhaftes 

Airplay bescherte reichlich Tantiemen; sie 

halfen Cale, seine Unabhängigkeit zu wahren, wie er 

vor Jahren im GoodTimes-Interview offen einräumte. 

„Ich wollte dafür sorgen, dass noch mehr Menschen 

das Werk von J.J. Cale kennen lernen", erklärt Clapton 

zur Veröffentlichung von THE BREEZE. „Ich bin 

aber nur der Katalysator, der Überbringer, wenn man 

so will – ich war schon immer der Meinung, dass das 

meine eigentliche Mission ist. Ich versuche, Dinge so 

zu interpretieren, dass mein Publikum darauf aufmerksam 

wird. Und auf diese Weise vielleicht Lust 

bekommt, mehr darüber zu erfahren, woher ich das 

eigentlich habe." 

Diese Einstellung teilt der 69-Jährige mit vielen Kollegen, 

ebenso wie die Wertschätzung für J.J. Cale. 

Nicht nur Lynyrd Skynyrd, die den Titelsong einst 

in eine superbe Southern-Rocknummer verwandelten. 

Die Liste der Cover-Versionen ist endlos. 

Für THE BREEZE hat Clapton reichlich Gäste 

dazugeholt, um mit ihnen die stilistisch so 

breit gefächerten Cale-Vorlagen zu präsentieren: 

Tom Petty, Mark Knopfler, John Mayer, 

Willie Nelson, Don White und Christine Lakeland 

waren singend (und teilweise an der Gitarre) 

dabei; auch Derek Trucks, Albert Lee, 

David Lindley, Don Preston und Doyle Bramhall 

II griffen in die Saiten. Das Resultat ist ein angemessener 

Nachruf auf einen der ganz Großen, der 

zu Lebzeiten nicht die ihm zustehende, angemessene 

Würdigung erfuhr. 

Philipp Roser 


Gentle Giant 

Progressiv? Schubladendenken!" 

" Gentle-Giant-Musik war stets verkopft. Verspult. 

Vertrackt. Die Takt- und Tempowechsel 

erschienen oft abenteuerlich und auch nicht 

immer (leicht) nachvollziehbar. Und dennoch: Jede 

einzelne Komposition der britischen Formation o löste 

sich – früher oder später – in geradezu 

orgiastischem Harmoniewohlgefallen 

auf. 

Die Band wurde stets der Progressive 

Rockecke zugeordnet, vermutlich 

steht sie sogar für die Hochkultur des 

Prog. Und das, obwohl sich die Musiker 

nie wirklich in dieser Schublade 

fühlten, wie Multi-Instrumentalist 

Ray Shulman im Gespräch erklärt. 

Der 64-Jährige aus Portsmouth rätselt 

nach wie vor, wie es dazu kam, denn: „Diesen Begriff 

kannten wir in den 1970ern, also in unserer Hoch-Zeit, 

gar nicht! Wir haben lediglich ein paar elektronische Instrumente 

mehr eingesetzt als etliche andere neugierige 

Bands. Wir wollten wissen, was soundtechnisch möglich 

war. Aber ob das nun progressiv' war? Dieses Schubladendenken 

hat uns nicht interessiert.” 

' 

Gentle Giant gingen aus Simon Dupree & The Big 

Sound hervor, einem One-Hit-Wonder, das 1967 mit 

"Kites” bis auf Platz 9 der UK-Single-Charts kletterte. 

Die Combo ins Leben gerufen hatten die drei Shulman- 

Brüder Derek, Phil und Ray Shulman, sämtlich mit unterschiedlichsten 

Instrumenten vertraut. „Weil wir nur 

einen wirklichen Hit landen konnten und darüber hinaus 

gern unsere vielfältigen musikalischen Talente ins 

Spiel bringen wollten, entschieden wir uns Ende der 

1960er, etwas radikal anderes zu probieren”, erinnert 

sich Shulman. „UMMAGUMMA von 

Pink Floyd und SGT. PEPPER’S von 

den Beatles hatten uns nachhaltig 

beeindruckt. Diese psychedelischen, 

bis dahin ungehörten Klänge waren 

in unseren Ohren unglaublich.” 

Die Engländer begaben sich in mehrmonatige 

Klausur – und kamen mit 

einer gewagten, irrwitzigen Mixtur 

aus Kammermusik, moderner Klassik, 

Jazz, Folk und brachialem Rock 

wieder heraus. Fünf Alben lang versuchten sich die 

Shulmans nebst talentierten Freunden als Sextett an 

der vielleicht komplexesten Rockmusik ihrer Zeit. Doch 

der kommerzielle Erfolg wollte sich nicht einstellen, 

offenbar zu verschachtelt geriet der Sound. 1973 gab 

es einen Bruch innerhalb der Gruppe, auch mit dem 

Management kam es zu Problemen. Ein Bandmitglied 

schied aus, andere Berater wurden gesucht. In dieser 

Zeit entstand THE POWER AND THE GLORY, das 

kommerziell bis dahin erfolgreichste Album der Crew, 

das es in den US-Charts bis auf Position 78 schaffte. 

„Wir haben monatelang intensiv nachgedacht, wohin 

die musikalische Reise gehen sollte”, reflektiert Ray 

Shulman. „Nachdem wir uns dann auf eine Richtung 

geeinigt hatten, kam es uns vor, als würden wir ein 

Debütalbum aufnehmen.” 

Dabei hatte es gar keine brachiale Runderneuerung 

gegeben – THE POWER AND THE GLORY war eine 

Fokussierung auf bislang von der Band gewohnte 

Töne. Es verbarg sich außerdem ein Konzept dahinter, 

in dem es um Macht und Korruption ging. Die LP kam 

prächtig an, trotz ihrer gelegentlichen Dissonanz und 

Düsternis. „Für unsere Verhältnisse”, sagt Shulman, 

„ist diese Platte erfolgreich gewesen. Obwohl uns bewusst 

war, dass mehr an Kommerz für uns nicht drin 

war. Dafür steckte zu viel Irrsinn in den Klängen.” 

Zwischen 1977 und 1980 setzten Gentle Giant auf 

schlichtere Harmonien, schielten auf Radiokompatibilität 

– und scheiterten. „Schließlich lösten wir uns 

auf, denn wir hatten unser Kreativpulver verschossen”, 

bekennt Shulman. „Wir werden nie mehr zusammenfinden, 

obwohl wir weiterhin Kontakt zueinander halten. 

Doch der Gentle-Giant-Zug ist abgefahren.” Was 

die Band nicht davon abhielt, THE POWER AND THE 

GLORY von Porcupine-Tree-Matermind Steven Wilson 

anlässlich des 40-jährigen Jubiläums der Albumveröffentlichung 

neu abmischen zu lassen. Shulman freut 

sich: „Diese Musik ist so ungewöhnlich, die muss man 

der Nachwelt einfach immer wieder vorstellen.” 


100 

Seiten 

nur 9,80 € 

DISCOGRAPHIEN ZU: 

Alice Cooper, David Bowie, Cluster, Deep Purple, Eloy, Frijid Pink, 

Hawkwind, Jigsaw, Kraftwerk, Udo Lindenberg, Lords, Mud, 

Novalis, Pink Floyd, Runaways, Shocking Blue, Slade, String Driven 

Thing, Uriah Heep sowie Label-Discographien von CCA (Metronome), 

Pilz (BASF) und Ohr (Metronome) 

Nur direkt über den Verlag erhältlich – zu bestellen unter: 

www.goodtimes-magazin.de 

oder im Shop auf Seite 63 

E-Mail: goodtimes@nikma.de · Telefon: 0 70 42/37660-160 

Fax: 070 42/37660-188 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen

! REVIEWS 

HIGHLIGHTS 

CD 

RODNEY CROWELL 

TARPAPER SKY 

Zuletzt hatte Rodney Crowell gemeinsam mit 

Emmylou Harris OLD YELLOW MOON 

aufgenommen und war mit ihr ausgiebig 

getourt. Dann hatte er Ex-Gattin Rosanne 

Cash bei deren jüngster Scheibe THE RIVER 

& THE THREAD unterstützt. Erst danach 

fand er Zeit, den Nachfolger für sein letztes 

eigenes Werk SEX AND GASOLINE von 

2008 einzuspielen. Und mit TARPAPER 

SKY zeigt der bald 64-Jährige (*7.8.1950) 

sich mehr denn je von einer persönlichen 

Seite, wenn Kindheitserinnerungen 

hochkommen 

lässt, über seine Großeltern 

und das Eheleid seiner 

Großmutter sinniert 

(“Grandma Loved That 

Old Man”), seiner verstorbenen 

Mutter ein Stoßgebet 

gen Himmel sendet 

oder im Titelstück über 

das Dach der Hütte singt, 

in der er einst in Houston, 

Texas, aufwuchs. 

Musikalisch lässt sich Crowell in keine 

Stilschublade pressen – natürlich ist seine 

Country-Affinität nicht zu überhören, natürlich 

macht er kein Hehl daraus, dass er sich 

ausgesprochen gern in Roots-Rock- oder 

Foto: © David McClister 

Americana-Gefilden bewegt, aber er lässt 

sich zwischendurch auch durch andere Genres 

inspirieren. Beispielsweise wenn er in 

“Frankie Please” einen flott-beschwingten 

rock’n’rolligen Rockabilly heraushaut und 

damit aus dem Schaukelstuhl zwingt, in dem 

man dieses Album genießen sollte. Woran 

ein paar Nummern später das anfangs ebenfalls 

reduziert (mit Kontrabass) angestimmte, 

dann satt swingende “Jesus Talk To Mama” 

(besagtes Stoßgebet) mit einem engelsgleichen 

Frauenchor 

und twangender 

E-Gitarre nahtlos 

anschließt. Oder 

das “Fever On 

The Bayou” mit 

reichlich Cajun- 

Elementen anreichert 

und dazu 

französische 

Phrasen einstreut. 

Oder wenn er 

herzerweichend, 

aber ohne Schmalz sparsamst instrumentiert 

balladiert (“God I’m Missing You”). 

Crowell, der schon mit elf Jahren als Drummer 

in der Band seiner Vaters startete, pflegt 

die kurze, knackige und dabei auf den Punkt 

kommende Songform. Die Akustikgitarre 

liefert in aller Regel die Basis, wird mal 

mehr, mal weniger üppig durch weiteres 

Instrumentarium ergänzt – die meist dominierende 

Sparsamkeit erhöht 

den Eindringlichkeitsfaktor 

der Lieder, die wahrhaft eklektisch 

ausgefallen sind. 

Fast schon anrührend im 

positivsten Sinne ist zum 

Abschluss seine inhaltliche 

wie klangliche Verbeugung 

vor einem meist verkannten 

Kollegen und Landsmann 

mit “Oh What A Beautiful 

World (For John Denver)”. 

Dabei kommt der Nashville-Songwriter-Haudegen 

fast schon einzigartig entspannt daher, 

kann sich auf überaus kompetente Mitstreiter 

wie Steuart Smith (g, mand, b, org, harp), 

Michael Rhodes (b), John Hobbs (p) und 

Eddie Bayers (dr, p) stützen. Dazu hatte er 

erstklassige Gäste wie u.a. Jerry Douglas, 

Will Kimbrough, Steve Fishell sowie Vince 

Gill, Robert Bailey, Ronnie McCoury, Vickie 

Hampton, Pat Buchanan, John Cowan, Mike 

Ferris und viele mehr als Chorsänger dabei. 

Irgendwie bringt der relaxte Midtempo-Rocker 

“Long Journey Home” das Album wun- 

derbar auf den Punkt: Crowell ist daheim, 

sprich bei sich selbst angekommen – und 

dankenswerter Weise lässt er die Musikwelt 

bei diesem Abschluss einer langen Reise 

teilhaben. Bei der er auch 

Reminiszenzen in Richtung 

Hot Band wach werden 

lässt, in der er einst Emmylou 

Harris begleitete. Fazit: 

Crowell hat ein zeitloses 

Meisterwerk abgeliefert 

– 

mit nachdenklicher, tröstender, 

zugleich aber auch 

aufmunternder Wirkung; in 

das man ebenso versinken 

kann, wie es auch einfach als Berieselung genießbar 

ist. Das bereits 2010 begonnene und 

nun endlich abgeschlossene Album TARPA- 

PER SKY hätte ebenso wie OLD YELLOW 

MOON einen Grammy verdient und sollte 

den Nashville-Außenseiter Crowell auch als 

solo agierender Songschmied und Performer 

ins breite öffentliche Bewusstsein rücken. 

In seiner Heimat ebenso wie hier zu Lande. 

Denn er braucht sich keineswegs hinter Stars 

wie Bruce Springsteen und Bob Dylan (oder 

Johnny Cash, Willie Nelson und Waylon Jennings 

im Country-Lager) verstecken. 

(New West/ADA Warner, 2014, 11/42:13) pro 

DVD 

THE WHO 

QUADROPHENIA: 


BOX 

DOLLY PARTON & 

PORTER WAGONER 

JUST BETWEEN YOU AND ME 

Das 1973 erschienene Konzeptalbum QUA- 

DROPHENIA nimmt eine Schlüsselposition 

im Werk von The Who ein, ist es doch 

die Hommage an die Mods der 60er Jahre 

schlechthin, zumal diese bis heute zu den 

kultigsten Verehrern der Band zählen. Dass 

sich die Erstveröffentlichung im letzten Jahr 

zum 40. Mal jährte, war der Anlass für die 

„Quadrophenia And More 

Tour”, auf der die beiden verbliebenen 

Originalmitglieder 

Pete Townshend und Roger 

Daltrey ergänzt um 

erstklassige Musiker 

das Album in seiner 

vollen Länge spielten. 

Das Finale am 8. Juli in 

der Wembley Arena wurde 

glücklicherweise für 

eine Box der besonderen en Art 

aufgezeichnet. So findet man in einer 

Metallbox in Form eines Vespa-GS-Schein- 

S werfers samt Prägung des von der Royal Air 

Force abgekupferten Mod-Logos das komplette 

Konzert auf zwei Blu-ray-Discs, die 

Tonaufnahmen des Konzert auf zwei DVDs 

und zusätzlich zum ersten Mal einen 5.1 Surround 

Sound Mix des Originalalbums. Dazu 

gibt’s den für Mods ominösen Who-Sticker, 

einen Aufkleber und ein 32-seitiges Begleitheft. 

Wem das alles zu viel (oder zu teuer ist), 

für den gibt es auch abgespeckte Editionen. 

Die Konzertaufnahmen bestechen durch die 

gelungene Mischung aus Liveperformance 

sowie der eingestreuten Archivmaterialien 

von The Who und historischen Ereignissen. 

Selbst die schon verstorbenen Keith Moon 

und insbesonde John Entwistle für ein furioses 

Basssolo werden aus dem Archiv gezaubert. 

Schade ist eigentlich nur, dass die 

Kamera fast immer bei den beiden Rest-Who 

verweilt und ihre Begleitmusiker zu wenig 

die Aufmerksamkeit bekommen, die sie ohne 

Zweifel verdient gehabt hätten. Denn die 

Genialität von QUADROPHENIA kommt 

natürlich gerade erst durch 

die fast schon 

orchestrale Opulenz zum Tragen, die zwei 

Musiker allein nicht 

abfangen können. 

Musikalische 

Höhepunkte der 

sich insgesamt 

nah am „Quadrophenia-Ori- 

ginal” haltenden Interpretationen sind “I’ve 

Had Enough”, “Bell Boy”, “Doctor Jimmy” 

und das Grand Finale “Love Reign O’er 

Me”. Geschmack beweisen The Who letztlich 

auch dadurch, dass sie auf ihr Magnum 

Opus die gut gewählten Klassiker “Pinball 

Wizard”, “Who Are You”, “You Better You 

Bet”, “Baba O’Riley” und “Won’t Get Fooled 

Again” folgen lassen, die stilistisch sehr gut 

zu QUADROPHENIA passen – im Gegensatz 

zu früheren Reißern wie “My Generation”, 

“I Can’t Explain” oder “Substitute”. 

(Yearhour Limited/Universal, 

2014, 2x Blu-ray Video, 126 Min., 

2x DVD, 126 Min., 1x Blu-ray Audio, 

81 Min.) an 

Mitte der 50er Jahre war Porter Wagoner 

mit Songs wie “What Would You Do (If 

Jesus Came To Your House)” oder “Eat 

Drink And Be Merry (Tomorrow You’ll 

Cry)” schon ein Countrystar, hatte eine 

eigene TV-Show, in die er immer wieder 

junge, hübsche Damen einlud, mit denen 

er dann gemeinsam das eine oder andere 

Liedchen trällerte. Eine dieser jungen Damen 

war Dolly Parton, und 

da sowohl das persönliche 

als auch das musikalische 

Zusammenspiel so gut 

klappte, wurde Wagoner 

schnell zum Förderer von 

Partons Karriere. Bald darauf 

waren die beiden zum 

populärsten Countryduo 

Amerikas aufgestiegen, 

neben Loretta Lynn und 

Conway Twitty sowie Tammy Wynette 

und George Jones. Dabei war ihr Erfolgsrezept 

ganz einfach: klasse Songs, die 

entweder von Parton, Kollegen wie Buck 

Owens oder den besten Songschreibern 

Nashvilles geschrieben wurden, dazu 

hemmungsloser textlicher Kitsch aus der 

Feder Wagoners, über zerbrochene Ehen, 

in die Brüche gegangene Freundschaften, 

aber auch Songs, bei denen das Glück im 

seligen Happy End gefunden wird. Auch 

Tragödien – in “Party” verbrennen die 

Kinder im Haus, während die Eltern auf 

einer Party sind – bereicherten das Angebot, 

unterlegt mit schluchzenden Geigen, 

jammernden Pedalsteels und twangenden 

Gitarren. Ein Dutzend LPs nahm das Duo 

zwischen 1967 und 1976 auf, die es jetzt 

alle auf sechs CDs zusammengefasst auf 

JUST BETWEEN YOU AND ME zu hören 

gibt. Musik für die Ewigkeit, oder wie 

Emmylou Harris in den einleitenden Worten 

des Begleitbuches schreibt: „Wenn 

es im Himmel einen Radiosender gibt, 

dann werden dort Dolly 

und Porter auf Dauerrotation 

gespielt.” Doch wie 

von Bear Family gewohnt, 

geben sich die dortigen 

Macher mit der besten 

Auswahl und der höchsten 

musikalischen Qualität 

noch lange nicht zufrieden. 

Ein 80-seitiges Hardcoverbuch 

im LP-Format liefert 

eine ausführliche Karriererückschau – von 

den ersten gemeinsamen Auftritten bis 

zum Auseinandergehen im Streit – von 

Alana Nash. Es liefert die (Solo-)Hintergründe 

der beiden Protagonisten, herrlich 

bebildert, immer wieder durch Zitate und 

O-Töne von Zeitzeugen aufgelockert, 

sowie die detaillierte Discographie ihrer 

kompletten Aufnahmen zwischen 1967 

und 1976. Klasse auch die großformatigen 

Bilder von ihrem letzten gemeinsamen 

Auftritt, als sie sich im Mai 2007 noch 

einmal zu einem Versöhnungskonzert in 

Nashvilles Grand Ole Opry trafen. 

(Bear Family, 2014, 6 CDs) us 

W tt i füh li h 


TOP 5 – Doppelalben 

1. Fleetwood Mac – Tusk 

2. Led Zeppelin – Physical Graffi ti 

3. Beatles – The White Album 

4. Stephen Stills – Manassas 

5. Genesis – The Lamb Lies Down On Broadway 

Fabian Leibfried 


2. Rolling Stones – Exile On Main Street 

3. Pink Floyd – The Wall 

4. Bob Dylan – Blonde On Blonde 


Helmut Ölschlegel 

Mitarbeiter 

1. LGT – Loksi 

2. Impiety – 18 Atomic Years 


4. Type O Negative – October Rust 

5. Prince – Music From The Graffi ti Bridge 

Jens-Uwe Berndt 



3. Merle Haggard – Same Train, A Different Time 

4. Van Morrison – Hymns To The Silence 

5. Bob Dylan – Self Portrait 

Rüdiger Bloemeke 


2. Who – Quadrophenia 

3. Jimi Hendrix Experience – Electric Ladyland 



Lothar Brandt 


2. Kate Bush – Aerial 

3. Yes – Tales From Topographic Oceans 

4. Mike Oldfi eld – Incantations 





3. Chicago – Chicago Transit Authority 

4. Derek & The Dominos – Layla And Other Assorted Love Songs 


Hans-Jürgen Günther 




4. Focus – III 


Ralf Günther 

1. Cure – Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me 

2. Silly – Alles Rot 

3. David Bowie – Next Day 

4. Adel Tawil – Lieder 

5. Rammstein – Liebe ist für alle da 

Christian Hentschel 



3. Grant McLennan – Horsebreaker Star 



Tino Krauter 

1. Tangerine Dream – Zeit 

2. Hawkwind – Electric Teepee 



5. Grobschnitt – Ballermann 

Frank Küster 






Philipp Roser 

1. Eels – Blinking Lights And Other Revelations 


3. Stevie Wonder – Songs In The Key Of Life 


5. Elton John – Goodbye Yellow Brick Road 

Oliver Schuh 




4. Prince – Sign “O” The Times 

5. Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik 

Frank Schuster 


2. Johnny Cash – Sings The Ballads Of The True West 

3. Bruce Springsteen – The River 

4. Mike Oldfi eld – Incantations 

5. Godspeed You! Black Emperor – Lift Your Skinny Fists Like Antennas ... 

Ulrich Schwartz 

1. Spirit – Spirit Of ’76 



4. Fantasyy Factoryy – Dreams Never Sleep! 

5. Out Of Focus – Four Letter Monday Afternoon 

Alan Tepper 


2. Elton John – Goodbye Yellow Brick Road 




Uli Twelker 

1. Mothers Of Invention – Uncle Meat 



4. Joni Mitchell – Don Juans Reckless Daughter 

5. Todd Rundgren – Something / Anything? 

Thomas Wachter 

Chi Coltrane 


2. Led Zeppelin – Physical Graffiti 

3. Who – Quadrophinia 


5. Dream Theatre – Six Degrees Of Inner Turbulence 



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CD 

REVIEWS 

FATS DOMINO 

HERE STANDS FATS DOMINO / 

LET‘S PLAY FATS DOMINO 

Rund um Fats Dominos damaligen Hit 

”I’m Walkin’” (und die B-Seite “I’m In 

The Mood For Love”) bastelten die Imperial-Verantwortlichen 

1958 für HERE 

STANDS ... einige der ersten Aufnahmen 

überhaupt, die der singende Pianist aus 

New Orleans schon 1949 für das Label 

eingespielt hatte. Was die wilde Mixtur 

aus Boogie, Rock’n’Roll (“She’s My 

Baby”), (Slow) Blues, R&B und Balladen 

wie “Hide away Blues” erklärt, die mit erstaunlich 

frischem Klang darauf zu hören 

ist – fast durchgängig Eigenbauten, oft zusammen 

mit Dave Bartholomew geschrieben. 

Dazu gepackt ist bei diesem Twofer 

die ähnlich gestrickte LP LET’S PLAY 

... aus dem gleichen Jahr, die ebenfalls 

aus diversen Sessions zusammengetragen 

wurde. Mit dem Frühhit “Margie”, einem 

beschwingten “When The Saints Go Marching 

In”, seiner Umarbeitung von “Stagger 

Lee” in “Stack & Billy”. Das Ganze 

wird noch abgerundet durch ausführliche 

neue Liner-Notes und sechs Bonus-Tracks 

aus diversen Sessions. 

(Hoodoo/inakustik, 1958/1959, 

30/69:30) pro 

ROY ORBISON 

MYSTERY GIRL DELUXE 

Ebenso wie Johnny 

Cash startete 

Roy Orbison kurz 

vor seinem Tod 

noch einmal zu 

einem 

künstlerischen 

Höhenflug. 

Neben seiner Mitgliedschaft bei den 

Traveling Wilburys legte er mit MYSTERY 

GIRL ein wunderschönes Album vor, das 

1989 posthum veröffentlicht wurde. Mit 

Produzent T Bone Burnett und Top-Musikern 

wie Rick Vito, Jeff Lynne, George Harrison, 

Tom Petty, Mike Campbell, Benmont 

Tench, Jim Keltner, Steve Cropper, Howie 

Epstein und den Memphis Horns war die 

ideale Studiobesetzung zusammen, um Orbisons 

charakteristische Stimme ins rechte 

Licht zu rücken. Songs für die Ewigkeit wie 

“You Got It”, “California Blue” und das von 

The Edge und Bono geschriebene “She’s A 

Mystery To Me”. Für die jetzt veröffentlichte 

Deluxe-Ausgabe wurde es um bisher unveröffentlichte 

Demos, Alternativversionen 

und Outtakes erweitert, dazu gibt es noch 

eine DVD mit Livebildern, Interviews und 

Videoclips. 

(Legacy/Sony Music, 1989, 19/75:19) us 

MORRISSEY 

VAUXHALL AND I 

Ist das nun Fluch oder Segen, dass man 

bei Morrissey immer noch an die Smiths, 

eine der wichtigsten Bands der 80er Jahre, 

denkt? Und ist das überhaupt berechtigt, 

wo sich der Sänger dank zahlreicher 

hervorragender Solo-Alben eigentlich von 

der Vergangenheit freigeschwommen haben 

sollte? Zu den besten gehört sicherlich 

VAUXHALL AND I, das nun angesichts 

des 20-jährigen Jubiläums als „20th Anniversary 

Definitive Master”-Edition gewürdigt 

wird. Das neu gemasterte Werk 

enthält eine Bonus-CD mit einem bislang 

unveröffentlichten Konzertmitschnitt 

aus dem Theatre Royal, Drury Lane, von 

1995, auf dem Morrissey fünf Lieder 

von VAUXHALL AND I, einige Songs 

der drei Vorgängeralben, die Single “Boxers” 

und eine Cover-Version von “Moon 

River” spielt. Die elf Songs des vierten 

Morrissey-Albums überstrahlen aber die 

Live-Aufnahmen, so in sich geschlossen 

auf hohem Niveau hat man den britischen 

Künstler danach nicht mehr gehört. 

(Parlophone/Warner, 1994, 11/39:46, 

2014, 14/52:30) an 

MAXIMILLIAN REEG, 

STEFFEN LUKAS UND 

TOBIAS KÜNZEL 

COMEBACK! DAS KARL-MARX- 

MUSICAL 

Humorvoll 

und 

schräg widmen sich 

Maximilian Reeg, 

Steffen Lukas sowie 

Prinzen-Sänger 

Tobias Künzel der 

Finanzkrise. Eine 

britische Bank in der Pleite – schuld daran 

ist laut deren Berater Karl Marx, der 

diese Krise einst voraussagte – führt dazu, 

dass auf dem Londoner Highgate-Friedhof 

statt Marx’ Geist der des jungen mittellosen 

Musikers Marc S. erweckt wird. 

Natürlich braucht es einige Zeit, bis klar 

wird, dass Marc S. nicht Marx ist, natürlich 

hat sich der Protagonist längst in die 

Tochter des Bankchefs verliebt, natürlich 

nimmt die Story von Geld und Gier einen 

ganz anderen als den geplanten Verlauf. 

Zwischen Schlager, Chanson und Glam- 

Rock (“Koks und Schnaps und Schnecken”) 

wechselt die Musical-Popmusik, 

dazu gibt’s ein klasse Booklet mit Story, 

Bildern und allen Texten zum Mitlesen. 

Fazit: Wer auch in der Krise seinen Humor 

nicht verloren hat, der darf am Ende 

lauthals mitsingen: „Es gibt für jeden immer 

wieder ein Comeback, davor wegzulaufen 

hat keinen Zweck.” Genau! Ach ja, 

live gibt es COMEBACK! DAS KARL- 

MARX-MUSICAL am Theater Plauen 

Zwickau zu erleben. 

(Rakete Medien/Rough Trade, 

2014, 21/57:53) us 

COLDPLAY 

GHOST STORIES 

Schon das ebenso düstere wie wunderschöne 

“Magic”, die erste Single aus dem 

neuen Coldplay-Album, bot bei seiner 

Vorabveröffentlichung im März dieses 

Jahres einen ersten Vorgeschmack auf die 

stilistische Ausrichtung des sechsten Studiowerkes 

der britischen Band. Seit Mitte 

Mai ist GHOST STORIES nun zu haben, 

und die Eindrücke haben sich bestätigt. 

Viel dieser elektronisch angehauchten, 

dunklen Stimmung ist sicherlich dem 

neuen Produzenten Paul Epworth zuzuschreiben, 

mit Produktionen für Bloc 

Party, Maximo Park, Paul McCartney 

oder Florence & The Ma chine sowie von 

seinen vier Grammys für Adeles Mega- 

Erfolg 21 bestens bekannt. Dennoch ist 

das Ausgestalten der Songs ja nur eine 

Seite der Medaille, ohne gutes Songwriting 

hilft das nicht viel. Doch auch in dieser 

Hinsicht zeigt das Quartett um Sänger 


Pop 

Chris Martin wieder einmal, warum es 

schon so lange so hoch in der Gunst der 

Fans steht – und umso besser, wenn das 

Endergebnis dann auch noch so toll klingt 

wie hier! 

(Parlophone/Warner, 2014, 9/42:44) tk 

JOE MEEK 

LONE RIDER – MAXIMUM POP! 

THE 1958–1962 PRODUCTIONS 

Eigentlich müsste diese Compilation unter 

Various Artists laufen, sind doch Acts von 

den Tornados, Cliff Bennett, Screaming 

Lord Sutch, Mike Berry, Michael Cox, 

Neil Christian & The Crusaders (mit Jimmy 

Page), Marty Wilde bis zu The Chaps 

dabei, ebenso längst vergessene Akteure 

wie Tony Victor, Charles Blackwell, Iain 

Gregory, Geoff Goddard, Don Charles 

oder Houston Wells. Sie alle wurden vom 

Soundpionier Joe Meek (1929–1967) produziert. 

Digital remastert und mit einem 

lesenswerten Booklet gibt es hier eine 

spannende Sammlung von UK-Singles 

dieser Künstler, die 1958–1962 von Meek 

vielfältig und variantenreich produziert 

wurden – perfekt, um Wissenslücken in 

Sachen Pop-Historie zu füllen. Wer genau 

hinhört, kann durchaus nachvollziehen, 

warum der „New Musical Express” Meek 

einst zum „Greatest Producer Ever” (vor 

George Martin) kürte. 

(Hoodoo/inakustik, 2014, 30/73:14) pro 

THE FAMILY DOGG 

A WAY OF LIFE – ANTHOLOGY 

1967–1976 

Werkschau einer der 

besten 

britischen 

Sunshine-Popbands 

aller Zeiten, die 

von 1966 bis 1972 

existierte. 

Kern 

der Gruppe waren 

die auch komponierenden Musiker und 

Sänger Albert Hammond (der spätere 

Superstar) und Steve Rowland (auch Produzent), 

ergänzt um die Sängerin Christine 

Holmes, so dass bestechender Harmoniegesang 

beinahe zwangsläufig zum 

Markenzeichen avancierte. Family Dogg 

als eine britische Ausgabe der Mamas 

& Papas zu bezeichnen, ist sicher nicht 

falsch, und auch Abba schimmerten schon 

durch. 1969 erschien das Album A WAY 

OF LIFE, dessen Titelsong sich auf Platz 

6 der UK-Charts platzieren konnte. Die 

Led-Zeppelin-Mitglieder Jimmy Page und 

John Paul Jones wirkten auf dieser LP als 

Gastmusiker mit. Die Rare-Bird-Komposition 

“Sympathy” erreichte im April 1970 

Platz 2 in Holland. 1972 erschien das letzte 

Album VIEW FROM ROWLAND’S 

HEAD, nun mit Ireen Sheer als Sängerin 

und Chris Spedding als Gastgitarrist. 

Neben den genannten Hits zählen eigenständige 

Fassungen von “So Sad” (Everly 

Brothers), “Love Minus Zero/No Limit” 

(Bob Dylan), “Save The Life Of My 

Child” (Simon & Garfunkel), “Big Yellow 

Taxi” (Joni Mitchell) und “In The Ghetto” 

(Elvis Presley) sowie die Eigenwerke 

“Moon shine Mary”, “Rikers Island” und 

“Follow The Bouncing Ball” zu den Höhepunkten 

der Anthologie. 

(RPM/Soulfood, 2014, 27/79:27, 

24/78:31) hjg

CD 

REVIEWS 

TORI AMOS 

UNREPENTANT 

GERALDINES 

Nachdem sie vor zwei Jahren mit GOLD 

DUST noch auf ihren umfassenden Backkatalog 

zurückgegriffen hatte und orchestrale 

Versionen bekannter Kompositionen 

vorgelegt hatte, hat Tori Amos nun für UN- 

REPENTANT GERALDINES wieder neues 

Material komponiert. Wie wenig sie im letzten 

Jahr in ihre eigene Karriere investieren 

konnte, als sie den Großteil ihrer Zeit für 

das zusammen mit dem Londoner National 

Theatre entstandene Musical „The Light 

Princess” aufwendete, ist ihr nach eigenen 

Worten erst klargeworden, als sie die Vielfalt 

der offenen Themenpunkte realisierte, die 

auf Vertonung warteten: Cezannes Blautöne, 

eine Radierung des irischen Künstlers Daniel 

Maclise, ihr 50. Geburtstag im August 

letzten Jahres, Gedanken über Religion, die 

Welt und über das Schicksal vieler Frauen, 

die sich auf unterschiedliche Art und Weise 

gefangen fühlen. Ebenso vielschichtig wie 

die Themen hat Tori Amos diese auch umgesetzt; 

natürlich verzichtet sie nicht auf die 

von ihr bekannten Pianoballaden, zeigt aber 

auch mit einem gespenstischen Southern 

Blues “Trouble’s Lament”, dem verspielten 

“Rose Dover” oder dem folkigen “Wedding 

Day” ihre Klasse. 

(Mercury/Universal, 2014, 

14/59:30) tk 

BILL HALEY & 

HIS COMETS 

ROCK AROUND THE CLOCK / 

ROCK’N’ROLL STAGE SHOW 

Als diese beiden Alben, 

die Rock’n’Roll- 

Pionier Bill Haley mit 

seinen Comets 1955 

und 1956 veröffentlichte 

und mit denen 

er das Genre maßgeblich 

popularisierte, i 2007 als Twofer neu 

aufgelegt wurden, umfassten sie 25 Songs. 

Jetzt sind es dank einiger wichtiger Bonus- 

Tracks satte 30 Nummern, die in seligen 

R&R-Träumen schwelgen lassen. Sind doch 

nahezu alle von Haleys Klassikern dabei, 

von “Rock Around The Clock” und “Shake, 

Rattle And Roll” über “Razzle Dazzle” bis 

zum “Mambo Rock”. Was inzwischen fast 

vergessen ist, war – neben dem Ohrwurmcharakter 

der Hits – die Solierkunst von 

Haleys Leagitarristen Danny Cedrone und 

dann Franny Beecher. Es swingt, groovt, 

die Blues- und Boogieverwurzelung wird 

hörbar. ROCK AROUND war das dritte Album 

Haleys (mit teils schon veröffentlichten 

Aufnahmen), bescherte ihm den Durchbruch 

und hat heute Meilensteincharakter. Der 

Nachfolger schloss nahezu nahtlos an – und 

das jetzt erhältliche Doppel gehört in jede 

Plattensammlung. 

(Hoodoo/inakustik, 1955/1956, 

30/77:13) pro 

VARIOUS ARTISTS 

COLOUR MY WORLD – 

THE SONGS OF TONY HATCH 

Der britische Komponist, 

Produzent, 

Orchesterchef 

und 

Arrangeur Tony Hatch 

(*1939) hatte seine 

goldene Zeit in den 

Sixties, als er speziell 

Petula Clark mit einer satten Serie brillanter 

Hits versorgte, von denen hier “Downtown”, 

“Colour My World” und “A Sign Of The 

Times” dabei sind. Der Clark-Erfolg “You’re 

The One” kommt in sehr guter Version von 

der US-Band The Vogues und “I Know A 

Place” von Sarah Vaughan. Weitere Top-Acts 

sind Scott Walker (“Joanna”), Chris Montez 

(“Call Me”), Bobby Rydell (“Forget Him”) 

und Connie Francis (“Love Is Me, Love Is 

You”). Hatchs größter Trumpf war sein offensives 

Gespür für hemmungslosen Pop. Aber 

auch moderater Beat floss aus seiner Feder. 

Die Searchers machten “Sugar And Spice” 

zum Superhit, und auch The Montanas (“A 

Step In The Right Direction”) und die US- 

„Nuggets”-Band The Remains (“Heart”) griffen 

zu. Einen großen Teil all des guten Stoffes 

schrieb Hatch mit seiner damaligen Ehefrau 

Jackie Trent, die auch selbst sang und hier mit 

ihrem 1965er Top-Hit (UK #1) “Where Are 

You Now” und “7.10 From Suburbia” vertreten 

ist. Abgerundet wird die gelungene Kollektion 

durch drei Instrumentals von Hatch- 

Orchestern und ausführlichste Liner-Notes 

im 32-seitigen Booklet. 

(Ace/Soulfood, 2014, 25/67:22) hjg 

HELGE SCHNEIDER 

LIVE AT THE GRUGAHALLE – 

20 JAHRE KATZEKLO 

(EVOLUTION) 

Wer das Phänomen 

Helge Schneider verstehen 

will, der muss 

ihn live gesehen haben 

oder aber sich 

diese Doppel-CD zu 

Gemüte führen. Denn 

was Schneider auf LIVE AT THE GRU- 

GAHALLE bietet, zeigt eindrucksvoll warum 

er sein Metier so gut beherrscht. Wer 

Schneiders Jazzalbum kennt, der weiß um 

seine musikalischen Qualitäten. Die Kunst 

ist es ja, Lieder wie “Katzeklo” oder “Es 

gibt Reis, Baby” so belanglos, so dilettantisch 

wie irgendwie möglich klingen 

zu lassen. Wie schwer dies ist, zeigen die 

Versuche zahlloser Nachahmer, von denen 

kein einziger auch nur annähernd an „die 

singende Herrentorte aus Mülheim” herankommt. 

Vielleicht auch deshalb, weil 

Schneiders Programm alles andere als 

durchgeplant daherkommt, immer wieder 

wird improvisiert, werden die Reaktionen 

des Publikums mit in die Show eingebunden. 

Und wenn es darauf ankommt, wenn er 

sich Standards wie “Mr. Bojangles”, “Mood 

Indigo” oder “Feliz Navidad” vornimmt, 

dann lässt er (zusammen mit seiner ausgezeichneten 

Band) zumindest in Auszügen 

sein musikalisches Können aufblitzen. 

(Polydor/Universal, 2014, 

20/55:59, 21/78:04) us 

MIDGE URE 

FRAGILE 

13 Jahre lang hat sich Ultravox-Frontmann 

Midge Ure Zeit gelassen, um ein neues 

Studio-Album herauszubringen. Und es 

wäre gelogen zu behaupten, dass es beim 

Pop 

ersten Hördurchgang begeistert hätte. Ganz 

im Gegenteil. Doch einmal mehr bestätigt 

FRAGILE die These, dass gelungene Platten 

erst bei mehrfachen Lauschdurchgängen 

ihre wahre Wirkung entfalten. Mit meist 

getragenem Tempo – manchmal plätschert 

es einfach zum Träumen einladend vor sich 

hin – entfaltet Ure abwechslungsreiche 

Klanglandschaften, mal mit Trance-artiger 

Hypnotik, mal mit elektronisch-synthetischen 

Melodie- und Rhythmusspielereien, 

mal orchestral, stellenweise fast Prog-Rockmäßig 

– insgesamt ein grundsolider Soundtrack 

zu einem nicht existierenden Film mit 

nachdenklichen Texten zum menschlichen 

Dasein und Zusammenleben heutzutage in 

allerlei Facetten. 

(Hypertension/Soulfood, 2014, 

10/53:33) pro 


KNOW THE ORIGINALS! 

Vor allem in den 

50er und 60er Jahren 

war es Usus, 

dass erfolgreiche 

Songs sofort von 

anderen Künstlern 

gecovert 

wurden, 

um sich so schnell wie möglich ein gehöriges 

Stück vom Erfolgskuchen zu sichern. 

Hatte der Scout einer großen Plattenfirma 

einen vermeintlichen Hit entdeckt, liefen für 

das schnell entstandene Cover wesentlich 

größere Werbemaßnahmen an, wie das einer 

kleinen Firma für das Original möglich 

war. So wird auch verständlich, warum viele 

Erfolgstitel mit den „falschen” Interpreten 

verbunden werden, warum man von vielen 

großen Songs das Original gar nicht kennt. 

KNOW THE ORIGINALS! widmet sich 

diesen eher unbekannten Originalen, wie 

“Cry Me A River” von Julie London, “Susie 

Q.” von Dale Hawkins, “Dream A Little 

Dream Of Me” von Ozzie Nelson, “Travelin’ 

Alone” von Lil’ Son Jackson oder “One 

Night (Of Sin)” von Smiley Lewis. Interessantes 

Thema, klasse aufbereitet. 

(Golden Masterworks/Bellaphon, 

2014, 23/65:23) us 

EIN EINZIGARTIGES 

LIVE-ERLEBNIS! 

„... über jeden Zweifel erhaben! 

Ein perfektes und authentisches 

Live-Album, wie man es besser 

nicht machen kann.“ 

ROCKTIMES.DE 

STILL STANDING STRONG 

„... ganz großes Kino 

auf einer Konzertbühne.“ 

MUSIKREVIEWS.DE 

KRAFTVOLL. ZEITLOS. MAGISCH. 

DAS NEUE ALBUM! 

ERSTMALS UNPLUGGED! 

„... die Power der Tracks ist unglaublich. 

EPITAPH machen auf The Acoustic Sessions 

vor, wie Hardrock akustisch 

gespielt zu klingen hat.“ BREAK OUT 

„... noch nie klangen Akustik-Gitarren 

so eindringlich und melodisch.“ 

ECLIPSED 

AND BACK IN TOWN 

LIVE AT THE CAPITOL 

HANNOVER 

AN EVENING WITH FRIENDS 

AND VERY SPECIAL GUESTS 

JETZT 

IM HANDEL 

UND ALS 

DOWNLOAD! 

ERHÄLTLICH ALS DVD UND 2-CD SET, 

JEWEILS MIT UMFANGREICHEM BOOKLET! 


CD 

REVIEWS 

FEHLFARBEN 

KNIETIEF IM DISPO 

Das sechste Album einer der wichtigsten 

deutschen Bands der frühen 80er Jahre 

erschien 2002 zur rechten Zeit. Epigonen 

der Hamburger Schule wie Blumfeld und 

Tocotronic, die die ersten beiden Fehlfarben-Alben 

auf ihren ersten Werken als 

Blaupause genutzt hatten, waren zur Jahrtausendwende 

unpolitisch und geradezu 

seicht geworden. 2001 hatte dann das Buch 

„Verschwende deine Jugend”, eine Reminiszenz 

an deutschen Punk, New Wave und 

Vor-NDW, für Furore gesorgt. Da kam das 

erste sichtbare Lebenszeichen von Fehlfarben 

nach rund zehn Jahren genau richtig. 

Und KNIETIEF IM DISPO – welch toller 

Titel! – war ein würdiger, zeitgemäßer 

Nachfolger von MONARCHIE UND ALL- 

TAG, dem erfolgreichsten und wichtigsten 

Fehlfarben-Album. Peter Heins Texte waren 

eine punktgenaue Beschreibung der Gesinnung 

der bundesdeutschen Realität, die 

Musik besticht auch heute noch durch ihre 

Wucht. Umso schöner, dass das Fehlfarben- 

Comeback nun mit einer neuen Ausgabe 

gewürdigt wird, die zusätzlich fünf Bonus- 

Tracks enthält. 

(Tapete Records/Indigo, 2002, 

18/65:01) an 

JEFFERSON AIRPLANE 

LAST STAND AT WINTERLAND 

Gegen Ende des 

letzten Titels hört 

man, wie Marty 

Balin den Refrain 

von “Volunteers” 

abwandelt: „Gotta 

revolution ... oh 

yeah ... and dI need an new band!” Das Konzert 

vom 4. Oktober 1970 im Winterland, 

San Francisco, war der letzte gemeinsame 

Auftritt des Sängers mit der von ihm mitbegründeten 

Gruppe Jefferson Airplane. 

Jahrzehnte später wird der Gig nun auf der 

LAST STAND AT WINTERLAND betitelten 

CD veröffentlicht, die auf dem damaligen 

Mitschnitt des kalifornischen Radiosenders 

KSAN (FM) beruht. Auch wenn die 

Abmischung unausgewogen ist (die Gitarren 

sind zu laut, der Rest ist zu leise) und 

die Band sich nicht durchgehend in Topform 

präsentiert, ist LAST STAND Sammlern 

aus mehreren Gründen zu empfehlen: 

Es gibt ein paar sehr schöne Momente, 

etwa die äußerst hard-rockige Version von 

“Somebody To Love”, und es finden sich einige 

Raritäten darauf, darunter die niemals 

auf einem Studio-Album veröffentlichten 

Songs “Emergency”, “You Wear Your Dresses 

Too Short”, “Bludgeon Of A Bluecoat” 

und “Whatever The Old Man Does”. 

(Leftfield/inakustik, 2014, 13/76:18) frs 

BARB JUNGR 

HARD RAIN – THE SONGS 

OF BOB DYLAN & LEONARD 

COHEN 

Die Engländerin mit deutsch-tschechischen 

Wurzeln singt so ziemlich alles 

zwischen französischen Chansons, Kabarettnummern, 

zeitgenössischen Great 

Songbooks und Pop-Jazz. Offenbar versteht 

sie sich als Nachfolgerin von Barbra 

Streisand mit eigener Note. Songs von 

Bob Dylan legte Barb Jungr bereits mit 

EVERY GRAIN OF SAND und MAN IN 

THE LONG BLACK COAT vor, zwei gelungenen 

Scheiben. Insgesamt geglückt ist 

auch HARD RAIN wieder, wobei schon 

beim ersten Hören auffällt, dass Frau Jungr 

eigenartigerweise mit Dylans Liedern 

mehr anfangen kann als mit denen Cohens. 

Während sie Dylan-Klassikern wie 

“Blowin’ In The Wind”, “Masters Of War”, 

“Chimes Of Freedom” und dem Titeltrack 

mit ihrem sehr erwachsenen Gesangsstil 

und teils sehr komplexen – aber gitarrenlosen 

– Arrangements ungewohnte Seiten 

abgewinnt, haben Cohens “First We Take 

Manhattan” oder “Land Of Plenty” bei ihr 

lediglich gepflegten Unterhaltungswert. 

Das ist nicht unehrenhaft, aber auch nicht 

gerade aufregend. 

(Absolute/Import, 2014, 11/66:27) hjg 

CURVED AIR 

NORTH STAR 

Was Sonja Kristina 

beim GoodTimes- 

Gespräch 2013 bereits 

angekündigt 

hatte, wurde wahr. 

Zitat: „Aktuell entsteht 

die erste Curved-Air-Platte 

seit 1976, sie wird stark nach 

unseren Anfangstagen klingen.” Jawoll, so 

ist es! NORTH STAR, so der Name des Albums, 

kommt mächtig nach den kraftvollprogressiven 

Zeiten des Sextetts in den 

frühen 1970ern. Und das, obwohl außer 

Kristina lediglich Schlagzeuger Florian Pilkington-Miksa 

von der Originalbesetzung 

dabei ist. Doch Violinist Paul Sax steht 

„Wunder-Geiger” Darryl Way, der einst den 

Curved-Air-Sound entscheidend mitprägte, 

an Virtuosität in nichts nach. Gitarrero Kirby 

Gregory wiederum war bereits in den 

1970ern beim Sextett, er ist weiterhin ein 

Crack am Instrument. NORTH STAR ist 

ein Füllhorn ausgereifter Prog-Kompositionen, 

sieben davon brandneu, dazu fünf 

Re-Recordings früherer Stücke sowie zwei 

Cover-Versionen. Brilliant stuff, wie der 

Engländer sagen würde. 

(Cherry Red/Rough Trade, 

14/76:02, 2014) mfg 

DARRYL WAY 

CHILDREN OF THE COSMOS 

Dass es dieses Album gibt, verwundert 

sehr, weil Darryl Way noch letztes Jahr 

im Gespräch mit GoodTimes festgestellt 

hatte, er sei als Geiger „einfach zu sehr im 

Klassikbusiness drin”, als dass er sich noch 

um Pop- und Rockmusik kümmern könne. 

Dies war für ihn auch der Grund, dass er bei 

der Reunion seiner früheren Band Curved 

Air, die gerade selbst ein neues Album am 

Start haben (siehe oben stehende Rezension), 

nicht an Bord ging. In der Tat hat der 

65-jährige Londoner seit über 20 Jahren mit 

Progressive Rock, für den seine ehemalige 

Band steht, nichts mehr am Hut. Und jetzt 

das: Ein Progalbum wie aus dem Lehrbuch, 

gespeist aus Folk, Klassik, spielerisch-verträumtem 

Pop-Rock. Dass Way weiterhin 

ein Meister seines Fachs auf der Violine ist, 

versteht sich von selbst. Nur das mit dem 

Singen sollte der Mann beim nächs ten Mal 

etwas üben ... 

(Cherry Red/Rough Trade, 12/56:42, 

2014) mfg 

MOEBIUS STORY 

LEIDECKER 

SNOWGHOST PIECES 

Auf dem Elektro-Sektor ist schon dermaßen 

viel passiert, dass es kaum möglich 

scheint, noch Überraschendes zu entdecken. 

Und doch: Es geht. Dieter Moebius 

(Cluster) tat sich mit den Amerikanern Tim 

Story und Jon Leidecker zusammen, um 

mit SNOWGHOST PIECES ein Album 

einzuspielen, das vielen merkwürdig, manchem 

einzigartig und dem ein oder anderen 

gar beängstigend anmuten wird. Neben 

den Rhythmusvariationen, den sphärischen 

Klangwolken und den zum Teil drastischen 

Sounds sind es vor allem die scheinbaren 

Alltagsgeräusche, die einen packen. Diese 

klingen nämlich wie aus Küche, Bad und 

Keller, sind aber nie identifizierbar. Das ist 

gelinde gesagt – gruselig. Aber vor allem 

faszinierend, fesselnd und aufregend. 

(Bureau B/Indigo, 2014, 11/58:23) jub 

JERRY GARCIA / 

DAVID GRISMAN 

JERRY GARCIA / 

DAVID GRISMAN 

Jerry Garcia und 

David Grisman nahmen 

ab 1989 zahlreiche 

Sessions auf, 

bei denen Material 

für einige CDs entstand, 

das im Laufe 

der Neunziger veröffentlicht wurde. Das 

erste Album erschien 1991 und verblüffte 

die Fans, denn es stand im Gegensatz zu 

den eher kommerziellen „Versuchen” von 

Grateful Dead. Hier sorgen akustische Instrumente 

für den guten Ton, wobei Garcia 

Gitarre spielte und sang und Grisman ihn 

auf der Mandoline begleitete. Dazu noch 

ein dezenter Bass und geschmackvolle 

Perkussion, und schon darf man sich auf 

entspannte, aber dennoch ausdrucksstarke 

Musik freuen. Ein sehr ruhiges und folkloristisches 

“The Thrill Is Gone”, das folkige 

Traditional “Two Soldiers” und der Klassiker 

“Friend Of The Devil” bereiten auf 

das Glanzstück des Albums vor: Mit einer 

Spielzeit von über 16 Minuten zelebrieren 

die beiden “Arabia”, das auf einem kubanischen 

Folklore-Thema basiert. Exquisiter 

Klang – exzellente Musik – Empfehlung! 

(Mobile Fidelity/Sieveking Sound, 

1991, 9/58:30) at 

QUIREBOYS 

BLACK EYED SONS 

Einen Dreierpack liefern die britischen 

Quireboys zum 30-jährigen Bandjubiläum, 

und der hat es in sich! Die legitimen 

Nachfolger der Faces (und jungen Stones) 

mit ihrem derb-rauen Hochenergie-Rock 

und dem reibeisenmäßig röhrenden Sänger 

Spike liefern zum einen zehn neue 

Songs ab, die schlicht gediegenen Classic 

Rock der britischen Spielart mit satten 

Riffs und unüberhörbaren Blueswurzeln 

präsentieren und auch ruhige wie gefühlvolle 

Momente integrieren. Zum anderen 

gibt es auf einer zweiten CD („Unplugged 

In Sweden”) den Mitschnitt eines akustisch 

gestalteten Auftritts (bei den Quireboys 

ja nichts Neues), bei dem Spike, Gitarrist 

Guy Griffin & Co. demonstrieren, 

Rock 

wie man auf- und abschwellende Konzertdynamik 

entwickelt – und das klanglich 

superb dokumentiert. Was auch für 

die von sieben Kameras gestaltete Optik 

der DVD gilt, die während der „Beautiful 

Curse Tour” in London mitgeschnitten 

wurde – und die Liveklasse der Band eindrucksvoll 

demonstriert. Wer’s gern ein 

bisschen derber hat, sollte hier zugreifen. 

(Off Ya Rocka/Cargo, 2014, 10/37:38, 

10/44:04, DVD 92 Min.) pro 

CITY 

DIE GRÖSSTEN HITS 

Die 

Ost-Berliner 

Band City, die gerade 

im Studio weilt, 

um mit den Kollegen 

von Puhdys 

und Karat ein gemeinsames 

Album 

aufzunehmen, hat htim 

Laufe ihrer bereits 

42-jährigen Karriere schon einige „Best- 

Of-Kopplungen” veröffentlicht. Und zwar 

so konsequent, dass in den Archiven keine 

seltenen oder unveröffentlichten Schmankerl 

mehr zu finden sind. Andererseits 

kommt man an einer erfolgreichen Band 

wie City nicht vorbei, wenn das Kultlabel 

Amiga zusammen mit einem Boulevardblatt 

im 25. Jahr des Mauerfalls die größten 

Hits noch einmal veröffentlichen will. 

Wer von City nichts bis wenig hat, kann 

bei dieser Kopplung bedenkenlos zugreifen. 

Der Sampler berücksichtigt die Hits 

der Siebziger wie das selbst in Griechenland 

vergoldete “Am Fenster” sowie der 

der Achtziger aus der “Casablanca”-Ära 

und belegt zugleich, dass City auch in den 

letzten 25 Jahren nicht untätig waren. 

(Amiga/Sony Music, 2014, 

18/77:10) che 

GENTLE GIANT 

THE POWER AND THE GLORY 

Eine der sperrigsten Bands des Prog-Rock 

der 70er Jahre sind sicherlich Gentle 

Giant, deren Stücke komplexer als die 

verwandter Formationen waren und die 

aufgrund vieler Brüche und überraschender 

Wendungen geradezu ein mehrmaliges 

Hören verlangen, bis sich so etwas 

wie Eingängigkeit einstellt. Vergleichbar 

ist das höchstens mit Van der Graaf Generator. 

Fans haben Gentle Giant trotzdem 

gefunden, auch bekannte wie Ian 

Anderson, der erste Yes-Gitarrist Peter 

Banks und Steven Wilson. Letzterer, 

Kopf von Porcupine Tree und einer der 

großen Förderer des heutigen und früheren 

Prog-Rock, hat nun das 1974 erschienene 

sechste Album THE POWER AND 

THE GLORY komplett neu gemischt. Das 

schön aufbereitete Reissue liegt im Paket 

als CD und um Video-Animationen aufgewertete 

DVD vor. Dazu gibt es zwei 

Bonus-Tracks und mehrseitige Liner- 

Notes. Das Album sollte damals frisch 

klingen und wurde mit wenigen Takes 

eingespielt. Diese Spontanität lässt sich 

gerade im Wilson-Mix auch heute noch 

heraushören, allen voran die Stücke “Proclamation” 

und “Aspirations”, weswegen 

das Album nicht wenige Gentle-Giant- 

Fans als ihr bestes einschätzen. 

(Alucard/Soulfood, 1974, 

9/41:13, 10/46:29) an 


CD 

REVIEWS 

ZZ TOP 

THE VERY BADDEST OF 

ZZ TOP 

Wer sich parallel 

zur aktuellen 

Tour 

durch Europa 

schnell noch 

einen Karriere- 

Überblick über 

ZZ Top verschaffen möchte, der kann 

dies nun wahlweise mit einer Einfach- 

CD mit 20 Titeln oder der Doppelausgabe 

mit 40 Tracks tun. THE VERY 

BADDEST OF ZZ TOP nennt sich 

dies dann, geboten wird aber genau das 

Gegenteil, nämlich eine Auswahl der 

besten Stücke, die Billy Gibbons, Dusty 

Hill und Frank Beard im Angebot 

haben. Das besteht aus Rock, Boogie 

und Blues, von texanisch knochentrocken 

bis zu herzhaftem Southern Rock, 

Klassiker wie die unverwüstlichen “La 

Grange”, “Gimme All Your Lovin’” 

und “Sharp Dressed Man”, legendäre 

Songs wie “Tush”, “Legs” und “Cheap 

Sunglasses” sowie neuere Titel wie 

“Rhythmeen” und “Mescalero”. Bleibt 

die Einfach-CD naturgemäß bei den 

bekannteren Tracks, kann die Doppel- 

CD tiefer einsteigen, liefert mit Songs 

wie “Francine”, “Just Got Paid” oder 

“(Someone Else Been) Shaking Your 

Tree” hochklassigen Nachhilfeunterricht 

aus der frühen 70er-Zeit von ZZ 

Top. 

(Rhino/Warner, 2014, 21/69:42, 

19/79:52) tk 

ENO – HYDE 

HIGH LIFE 

Erst drei Monate ist es her, seit der 

Ambient-Erfinder Brian Eno mit 

Partner Karl Hyde, Chef der Techno- 

Veteranen Underworld, die Musikwelt 

mit dem Album SOMEDAY WORLD 

und dessen tanzbar-groovender Mixtur 

aus Electronic Pop, Afrobeats und 

repetitiven Rhythmusstrukturen positiv 

überraschte, da legen die Herren 

bereits einen Nachfolger vor. Die 

Songlängen näheren sich diesmal sogar 

den zehn Minuten an, so dass die 

Ideen manchmal auch etwas zu breit 

ausgewalzt werden, andererseits zieht 

einen ein melancholischer Song wie 

“Cells & Bells” durch seine hypnotischen 

Soundcollagen, behutsame 

Songentwicklung nebst reduziertem, 

eingängigem Duogesang durchaus 

in seinen Bann. Auch auf dem neuen 

Album finden sich wieder treibende, 

tanzbare Songs neben etwas introvertierten 

Klanglandschaften. Ambient 

meets World-Music meets Funk meets 

Techno-Pop – ein spannender Mix. 

(Warp Records/Rough Trade, 

2014, 6/43:32) rg 

EPITAPH 

THE ACOUSTIC 

SESSIONS 

Akustikplatten sind eigentlich öde. 

Erst recht von Bands, die unter Strom 

sonst mächtig hinlangen – wie Epitaph. 

Aber einmal mehr zeigt es sich, 

dass es funktionieren kann, wenn 

das Songmaterial stimmt. Unter anderem 

mit Geiger Tim Reese und 

Klaus Henatsch (Nektar) am Klavier 

verstärkt, werden Epitaph-Stücke wie 

“Another Bloody Day”, “Ride The 

Storm” oder “Ships In The Dark” 

zu großen Folkhymnen. Überhaupt 

spielt das folkloristische Element auf 

ACOUSTIC SESSIONS ein bedeutende 

Rolle – ein Faible, das Cliff 

Jackson (g, voc) und Bernd Kolbe 

(b, voc) Ende der 80er Jahre auch in 

ihrer Heavy-Metalband Domain immer 

wieder aufblitzen ließen. Bis auf 

Dylans “All Along The Watchtower” 

(ein wenig steif inszeniert) sind alle 

Songs auf der Unplugged-CD echte 

Bringer. Und auch wenn Bernd Kolbe 

nicht in jeder Tonlage der Mann für 

leise Momente ist – die Musik geht 

einem direkt unter die Haut. 

(inakustik, 2014, 15/65:10) jub 

STEELY DAN 

GOING MOBILE – CLASSIC 

1974 LIVE RADIO BROAD- 

CAST 

Als der Drummer 

von der 

Toilette zurück 

war, 

konnten 

Steely Dan im 

März 1974 loslegen, 

wie es 

Walter Becker in der Begrüßungsansage 

der für eine Radio-Übertragung mitgeschnittenen 

Show in den New Yorker 

Record Plant Studios formulierte. Neben 

Becker (voc, b) und Donald Fagen 

(voc, p) standen u.a. Jeff Porcaro (dr), 

Jeff Baxter (g), Michael McDonald 

(keys), Denny Dias (g), Royce Jones 

(perc) und Jim Hodder (dr) auf der 

Bühne. Damals war das dritte Album 

PRETZEL LOGIC erschienen, klar, 

dass der größte Steely-Dan-Hit “Rikki 

Don’t Loose That Number” zu hören 

ist. Der Sound ist radiotypisch ziemlich 

komprimiert, insgesamt ordentlich. 

Der spezielle Reiz dieser Scheibe besteht 

darin, dass “This All Too Mobile 

Home” zu hören ist, das die Band nie 

im Studio aufnahm. “Your Gold Teeth 

II” erschien erst 1975 auf KATY LIED 

und ist hier mit einer langen Instrumentalexkursion 

zu hören. Musikalisch wie 

historisch bedeutend, zumal die Band 

danach 20 Jahre nicht mehr live spielte. 

(Smokin’/inakustik, 2014, 

11/54:55) pro 

OCHRE ROOM 

BOX, BAR & DIAMOND 

Vor zwei Jahren überraschte diese 

finnische Band aus Tampere mit dem 

wunderbaren Album EVENING CO- 

MING IN. Ein klasse Debüt, das kaum 

Rückschlüsse auf die geografische 

Herkunft der Gruppe zuließ, denn zu 

hören waren feinste, subtil produzierte 

Americana-Klänge. Diese Linie wird 

nun mit BOX, BAR & DIAMOND 

kontinuierlich fortgesetzt und sogar 

noch präziser ausgefeilt, wobei leichte 

Brit-Pop-Anklänge und ein gewisses 

Quantum typisch skandinavischer Melancholie 

ins Spiel gebracht werden. 

Rock 

Die Vokalkünste des Multi-Instrumentalisten 

Lauri Myllymäki (auch 

Komponist fast aller Songs) und seiner 

an Mazzy Stars Hope Sandoval erinnernden 

Partnerin Minttu Tervaharju 

sind einfach extraordinär. Sie passen 

maßgeschneidert zum ausbalancierten 

Country-folkigen Soft Rock, der zumeist 

betont friedlich dahinfließt, gelegentlich 

aber auch temperamentvoller 

wird, vor allem, wenn Tanja Peltonummi 

mit Trompete oder Flügelhorn 

spezielle Akzente setzt. Anspieltipps: 

“Less”, “Blue Devil” und “Garbage 

Trucks Are On The Move”. 

(Beste Unterhaltung, 2014, 

10/42:04) hjg 

ERIC CLAPTON 

JOURNEYMAN 

Nach 

dem 

höchst kommerziellen 

AUGUST, 

das von den 

alten 

Fans 

nicht 

angenommen 

wurde, löste sich Eric Clapton 

auf seinem Werk aus dem Jahr 

1989 zumindest teilweise von Erfolgs- 

Bestrebungen. Zwar gab es mit “Pretending”, 

“Bad Love” und “No Alibis” 

noch Futter für die Radiosender, doch 

ein ordentliches “Hound Dog”, das 

jazzige “Hard Times” und vor allem 

das bluesige “Before You Accuse Me” 

bewiesen, dass wieder „Besserung” in 

Sicht war. Hier löste sich Slowhand 

aus den Klammern der Musikindustrie 

und kehrte wieder auf seinen Weg zurück, 

der dem Blues gewidmet war. 

Die aktuelle Ausgabe erscheint in einer 

limitierten, nummerierten Edition als 

24-KT-Gold-Disc (Hybrid SA-CD), 

wurde von Russ Titelman remastert 

und klingt gegenüber der normalen CD 

wärmer und nicht mehr so den Achtzigern 

verhaftet. 

(Audio Fidelity/Sieveking Sound, 

1989, 12/57:01) at 

CLIFFSIGHT 

KOKORO 

Es geht los im brachialen Klangbild, 

das einst Led Zeppelins “Dazed And 

Confused” prägte. Wechselt nach einer 

Minute zum Blues, der dank Tim 

Cammerzells Vocals einem Chris 

Isaak gut zu Gesicht stände. Weitere 

60 Sekunden drauf sind die Hanauer 

Prog-Puzzler im Opener ihres Zweitlings 

KOKORO, “Last Affection”, 

ganz bei sich – irre, wie sie auf einem 

hypnotischen Riff reiten, das Headbanger 

auf den Plan ruft, ohne im 

Sessel zu langweilen. “When The 

Sun Goes Down” atmet zwischen 

Anmut und Angriff einen Hauch von 

Robin Trower. Die Band kommt für 

ihre psychedelischen Klangreisen per 

Kompaktsongs mit zwei (perfekt verwobenen) 

Gitarren, Bass und Schlagzeug 

aus, statt das Instrumentarium 

zwanghaft zu erweitern. Während 

Drummer ihre Snares oft fett komprimieren, 

kontrastiert Adrian Schein 

seine zentrale Trommel Trademark- 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


REVI 

CD 

REVIEWS 

Rock 

setzend scharf gestimmt zur übrigen organisch 

gewitterhaften Drum & Percussion- 

Basis. Nektar-Maler Helmut Wenskes 

Cover „Schönes Kind badet in Lava mit 

Riesentotenschädel” wirkt besonders auf 

der Vinylausgabe. 

(Unknown Records/Long Hair Music, 

2014, 9/45:47) utw 

THE WALKABOUTS 

DEVIL’S ROAD / NIGHTTOWN 

Die 

Walkabouts 

dürften viele unbewusst 

schon mal 

wahrgenommen, ist 

es doch ihr Song 

“Devil In Details”, 

der jahrelang die 

Fernsehwerbung von Jack Wolfskin zierte. 

Die Band aus Seattle um Chris Eckman 

und Carla Torgerson gibt es schon seit 

1984, sie war zwischenzeitlich gar beim 

Grunge-Label Sub Pop untergebracht, 

ohne der Richtung jedoch nur im Entferntesten 

anzugehören. Ein erster wirklicher 

Erfolg kam aber 1996 mit DEVIL’S 

ROAD, das mit “The Light Will Stay On” 

einen kleinen Radiohit ent hielt. Das 1997 

folgende NIGHTTOWN schwamm auf 

der gleichen Welle, zumal beide Alben 

opulent und orchestral produziert werden 

konnten – die Band stand zu der Zeit beim 

Major-Label Virgin unter Vertrag. Beide 

kennzeichnet die abwechslungsreiche Mischung 

aus Balladen und Rocknummern, 

der Wechsel von laut und leise – alles auf 

hohem Niveau. Das erinnert zuweilen an 

Nick Cave & The Bad Seeds, mit dem man 

sich den Produzenten teilte, die Go-Betweens 

und an zahlreiche andere Americana-Bands, 

die heute gerade im Umfeld des 

Glitterhouse-Labels ihre Heimat haben. 

Dieses ist nun auch für die Wiederveröffentlichung 

der beiden Meisterwerke des 

Alternative Country verantwortlich, die 

jeweils um Bonus-Tracks auf einer separaten 

CD erweitert wurden. 

(Glitterhouse/Indigo, 1996, 11/57:16, 

5/24:51 + 12/61:04, 5/23:44) an 

JOE HENRY 

INVISIBLE HOUR 

Der US-Liedermacher Joe Henry, dreifacher 

Grammy-Gewinner und Schwager 

von Madonna, komponierte einst für sie 

den Top-Hit “Don’t Go”. Von einem derartigen 

Chartsstürmer ist auf seinem 13. 

Studio-Album freilich nichts zu hören. Im 

Gegenteil, Henrys Musik ist fernab jeglichen 

Mainstreams angesiedelt und über 

weite Strecken auch relativ anstrengend zu 

hören. Thema des Albums sind nach seiner 

Verlautbarung Liebe und Heirat, aber für 

die romantischen, durchweg lyrisch anspruchsvollen 

Texte reichen schulenglische 

Kenntnisse nicht so recht aus, und einige 

der ohne größere Begleitband realisierten, 

akustisch-frugal arrangierten Songs swingen 

auch nicht auf Anhieb. Viel zugänglicher 

sind Lieder wie “Swayed”, “Every 

Sorrow”, “Lead On Me” oder “Slide” bei 

denen Spitzenkräfte wie Greg Leisz (g), 

Jennifer Condos (b), Jay Bellerose (dr) und 

Henrys Sohn Levon (Holzblasinstrumente) 

ihr Können subtil ausbreiten, ohne in Angeberposen 

zu verfallen. 

(edel, 2014, 11/60:22) 

hjg 

YES 

HEAVEN & EARTH 

Keine Ahnung, warum Gitarrist Steve 

Howe sich unbedingt auf seine Arbeit bei 

Yes konzentrieren wollte und dafür Asia 

verließ. Stimmungsmäßig bewegen sich 

beide Bands mittlerweile auf einem Level 

– nämlich im soften, leicht banalen Rock- 

Popbereich. Den Unterschied macht die 

Qualität der Songs. Während man Asia 

ein gewisses Händchen für schwelgerische 

Töne zugestehen kann, ist das auf HEA- 

VEN & EARTH von Yes meist nur langweiliges 

Gedöns. Selbst, wenn die Band 

leicht progressiv wird wie in “Light Of 

The Ages”, bleibt der Eindruck, Yes habe 

es diesmal einfach an guten Ideen gemangelt. 

Lediglich “Subway Walls” lässt ein 

wenig die Genialität alter Zeiten aufblitzen. 

Interessant zu erwähnen, dass Sänger Jon 

Davison nach Original-Frontmann Jon Anderson 

klingt. 

(Frontiers, 2014, 8/51:29) 

jub 

KISS 

40 

40 Jahre Kiss, 

das bedeutet eine 

schier unglaubliche 

Berg- und Talfahrt 

durch vier Dekaden 

Rock’n’Roll. 1973 

nahm sie Neil Bogart 

als l erste t Band d für sein i Label Casablanca 

Records von der Bühne weg unter Vertrag, 

1974 erschien ihr Debüt KISS. Unaufhaltsam 

rockten sich Gene Simmons, Paul 

Stanley, Peter Criss und Paul Frehley bis an 

die Spitze der amerikanischen Rockbands, 

nur um schon 1978 – als jedes der vier 

Bandmitglieder ein Solo-Album veröffentlichte 

– die erste handfeste Krise zu erleben. 

Ausstiege, Umbesetzungen, gegenseitige 

Schuldzuweisungen und Trennung vom 

Management gingen Hand in Hand mit 

gigantischen Tourneen, riesigen Plattenverkäufen 

und der ersten Demaskierung ihrer 

geschminkten Gesichter Anfang der 80er 

Jahre. Mitte der 90er Jahre dann MTV Unplugged, 

kurz darauf wurden die Masken 

– gleichzeitig mit dem Wiederauferstehen 

der Ur-Besetzung – wieder aufgelegt, ein 

dauerndes Auf und Ab. Auf 40 bekommt 

man von den Krisen der Band wenig mit, 

hier regieren die Highlights, chronologisch 

führt dieses Doppelalbum durch den bisherigen 

Kiss-Rockkosmos, jeweils ein Track 

aus den wichtigsten Alben jeder Ära ist dabei, 

dazu noch Songs ihrer Solowerke (u.a. 

Frehleys “New York Groove”) sowie mit 

“Reputation” ein bisher unveröffentlichtes 

1977er Demo. 

(Universal Music, 2014, 

22/76:34, 18/74:57) tk 

ELLIS 

RIDING ON THE CREST OF A 

SLUMP 

Roger Daltrey produzierte 1972 das Debütalbum, 

das Sänger Steve Ellis nach seinem 

Abschied von Love Affair mit seiner neuen 

Band einspielte. Die hatte er mit Zoot 

Money (keys) und Jim Leverton (b, Ex- 

Fat Mattress) gegründet, und sie firmierte 

unter seinem Namen. Die Combo um den 

raspelig röhrenden Frontmann verstand es, 

hart in typisch britischer Manier zu rocken 

(samt Blues- und Country-Anleihen), aber 

auch herzerweichende Balladentöne (“El 

Doomo”) anzuschlagen. Und natürlich 

durften bei Money jazzige Untertöne nicht 

fehlen. Remastert (mit informativen Liner- 

Notes, aber ohne Bonus-Material) gibt es 

das insgesamt recht gelungene RIDING ... 

jetzt wieder, obwohl es damals kaum Spuren 

hinterließ. Aber auch allein schon wegen 

der Gäste Maggie Bell, Mick Weaver 

oder Colin Allen und Gary Farr sollte man 

reinhören. 

(Esoteric/Rough Trade, 1972, 9/38:29) pro 

BERNIE MARSDEN 

SHINE 

„Für mich ist es 

moderner Classic 

Rock”, wird Bernie 

Marsden im Release- 

Info zitiert und liegt 

damit sicherlich nicht 

falsch, 

wenngleich 

man einigen i i Songs genauso gut den Genrestempel 

Blues-Rock aufdrücken könnte 

und er sich hier überhaupt stilistisch recht 

vielseitig zeigt. Zur Seite standen dem 

63-jährigen Gitarristen, Sänger und Songschreiber 

dabei im Studio diverse namhafte 

Kollegen, so etwa Whitesnake-Frontmann 

David Coverdale, Ex-Gallagher-Sideman 

Mark Feltham sowie Deep-Purple-Drummer 

Ian Paice und Jon-Lord-Nachfolger 

Don Airey, und beim druckvoll treibenden 

Titelsong kam Labelkollege Joe Bonamassa 

als zweiter Gitarrist zum Zuge. Dass 

Marsden auch leisere Töne kann, machen 

daneben Songs wie das Fleetwood-Mac- 

Cover ”Dragonfly” oder das abschließende 

Instrumental ”N.W.8” deutlich. 

(Provogue/Rough Trade, 2014, 

13/57:01) ms 

CAMPER VAN BEETHOVEN 

EL CAMINO REAL 

Aus der kalifornischen Hardcore-Punkszene 

der frühen 80er Jahre entwickelte sich 

mit Camper Van Beethoven eine der erfolgreichsten 

amerikanischen Indie-Bands, vor 

allem ihre Fähigkeit zu Ironie und schrägen 

Humor, mit dem sie ihren Mix aus Pop, 

Punk, Folk und Country immer wieder anreichern, 

ist legendär. Nach einigen Pausen 

und Soloprojekten ist die Band nun seit 

rund zehn Jahren wieder zusammen, nach 

ihrem 2013er LA COSTA PERDIDIA, das 

sich (thematisch) um das nördliche Kalifornien 

kümmerte, haben sie sich mit EL 

CAMINO REAL nun den südlichsten Zipfel 

ihres Heimatstaates ausgesucht. Doch 

wer dabei mit mexikanisch geprägten Canciones 

oder gar Mariachi-Trompeten und 

Geigen rechnet, ist auf der falschen Fährte. 

Denn musikalisch haben sie ihren Stil im 

Vergleich zum Vorgänger nicht geändert, 

immer noch dominiert fantasievoller Indie- 

Rock, der sich seine Farbtupfer zwar aus 

aller Welt zusammenholt, aber immer noch 

fest im Americana-Land verankert ist. 

(429 Records/H’Art, 2014, 11/39:53) us 

THE OHIO EXPRESS 

BEG, BORROW & STEAL 

Bevor The Ohio Express 1968 mit dem 

Bubblegum-Pop-Rockhit “Yummy Yummy 

Yummy” zu Weltruhm kamen, hatte die 

Gruppe um den singenden Gitarristen Dale 

Powers schon eine deutlich andere Vergangenheit 

vorzuweisen. Man orientierte sich an 

den Beatles und Byrds und sogar an Soulacts 

wie Wilson Pickett. Irgendwie fiel die Band 

1967 dem New Yorker Musikunternehmen 

Super K (Jeff Katz & Jerry Kasenetz) in die 

Hände, als Musiker für eine Neuaufnahme 

des Songs “Beg, Borrow & Steal” – klingt 

wie “Louie Louie” mit anderem Text – gesucht 

wurden (zuvor erfolglos eingespielt 

von The Rare Breed). Die vorliegende CD 

enthält das 1967 zusammengebastelte Debüt 

mit “Soul Struttin’”, “Try It” (der Garagenkracher 

der Standells!) und “I Know We’ll 

Be Together” als Höhepunkten. Aus nie geklärten 

Gründen packte Super K mit “And 

It’s True” und “I Find I Think Of You” auch 

zwei Songs der Gruppe The Measles (mit 

dem jungen Joe Walsh an der Gitarre!) drauf, 

und auch The Rare Breed sind vertreten. 

Sechs Bonus-Tracks, darunter zwei unveröffentlichte, 

von denen das dylaneske “Life Is 

A Mystery” der bessere ist. 

(Real Gone Music/H’Art, 2014, 

17/44:00) hjg 

VANILLA FUDGE 

THE COMPLETE ATCO 

SINGLES 

Ihr erster Hit war 

zugleich ihr größter: 

die durch das Arrangement 

der New 

Yorker Psychedelic- 

Rocker nachgerade 

zum neuen Song 

mutierte Version der Holland-Dozier-Holland-Komposition 

”You Keep Me Hangin’ 

On”, mit der die Supremes 1966 ihre achte 

Nummer Eins hatten landen können. Neben 

besagtem Titel enthält die Compilation 

alle weiteren A- wie B-Seiten, die das 

Quartett zwischen 1967 und 1970 auf dem 

Atlantic-Sublabel Atco herausbrachte, plus 

jene Single, die aus der Reunion der Band 

Anfang der 80er Jahre resultierte, sowie als 

Bonus ein „DJ Promo Edit” des Lee-Hazlewood-Covers 

”Some Velvet Morning”. 

Dazu gibt es im zwölfseitigen Booklet neben 

Infos zur Bandgeschichte erläuternde 

Statements zu sämtlichen Songs aus der 

Feder der Gründungsmitglieder Carmen 

Appice, Vince Martell und Mark Stein. 

(Real Gone Music/H’Art, 

2014, 19/69:44) ms 

CHICAGO 

NOW – CHICAGO XXXVI 

In den USA sind sie ein unerschütterliches 

Monument. Weshalb das 36. Album (das 

erste mit Eigenmaterial seit acht Jahren) 

dort Euphorie auslösen dürfte. Und das 

nicht nur wegen des Fakts, überhaupt erschienen 

zu sein. Vielmehr ist NOW ein 

qualitatives Schwergewicht, das einen 

umhaut. Man möchte den Atem anhalten, 

wenn beim Opener und Titelsong die 

Bläsersektion einsetzt: welche Brillanz im 

Arrangement, welch wunderbare Melodie. 

Und so geht das weiter – ohne Ausfall! 

Funk und Jazz-Rock sind die Basis von 

NOW, als steckten wir gerade mitten in den 

70ern. Natürlich gibt es auch kleine Zugeständnisse 

an den Zeitgeist (die synthetischen 

Grooves in “Something’s Coming, 

I Know” oder orientalische Elemente in 

“Naked In The Garden Of Allah”), das sind 


EWS 

CD 

REVIEWS 

aber Kleinigkeiten, die bereichernd wirken, 

statt zu stören. 

(Frontiers/Soulfood, 2014, 11/50:23) jub 

R.E.M. 

UNPLUGGED: 

THE COMPLETE 1991 AND 

2001 SESSIONS 

Zweimal 

waren 

R.E.M. Gäste bei 

MTV Unplugged. 

Einmal 1991, als 

die Band aus Atlanta 

mit OUT OF 

TIME zum ersten 

Mal an der US-Album-Spitze vertreten 

war, und dann noch mal 2001 zu Zeiten von 

REVEAL. Die beiden Performances waren 

bislang nie offiziell verfügbar gewesen, 

umso schöner, dass es sie nun endlich als 

Doppel-CD gibt. Was besonders erfreut – es 

sind sogar elf Songs darunter, die nie gesendet 

wurden. Die erste Unplugged-Ses sion 

umfasst einerseits die Hits von OUT OF 

TIME wie “Losing My Religion”, “Low” 

und “Radio Song”, andererseits Klassiker 

der früheren Alben wie “It’s End Of The 

World As We Know It” und “Swan Swan 

H” und sogar mit “Love Is All Around” ein 

Cover der Troggs. Die Mischung aus alten 

und neuen Stücken griffen die zum Trio geschrumpften 

R.E.M. auch 2001 auf. Doch 

bis auf einen Song spielte die um Gastmusiker 

erweiterte Formation ein gänzlich 

anderes Set. Die einzelnen Stücke der Unplugged-Gigs 

sind bis auf Ausnahmen wie 

“The One I Love” recht nah am Original 

vorgetragen, aber warum auch nicht! Wer 

so viele tolle Songs in der leider zu Ende 

gegangenen Karriere aus dem Ärmel gezaubert 

hat, hat einfach Recht. 

(Rhino/Warner, 2014, 

17/63:01, 16/66:45) an 

THE HUMAN BEINZ / 

THE MAMMALS 

NOBODY BUT ME 

Als The Human Beinz Anfang 1968 mit 

“Nobody But Me” Platz acht der US-Charts 

erklommen und damit in den Club der One- 

Hit-Wonders aufgenommen wurden, waren 

sie eine fähige Halbwegs-Allround-Rockband 

mit großem Potenzial, fasziniert von 

britischen Vorbildern und offen für soulige 

Einflüsse. Nicht umsonst stammt ihr Smash- 

Hit aus der Schmiede der Isley Bro thers. 

Bevor es jedoch soweit kam, hatten sie eine 

durchaus interessante Vergangenheit als 

typische Garagen-Rocker hinter sich. Das – 

nach der 1999er CD auf Get Back – erneut 

vorliegende Werk ist ein (halbes) Album, 

das sie sich mit The Mammals teilten, einer 

stilistisch ähnlichen Gruppe, die natürlich 

nicht identisch ist mit der aktuellen New 

Yorker Folk-Rockband. The Human Beinz 

stellen hier kräftig garagige Fassungen von 

“The Pied Piper”, “Gloria”, “My Generation” 

und “The Times They Are A Changing” 

vor – und eine frühe Version ihres Hits. Sehr 

hörenswert für Fans, die auch die CD GA- 

RAGE DAYS VOLUME 1 (Fuel Records, 

2011) im Regal haben. The Mammals halten 

mit “Stop In The Name Of Love”, “Up- 

Tight” und “Hold On, I’m Coming” einigermaßen 

mit. 

(Rockbeat/Import, 1967/2014, 

11/28:37) hjg 

TIM BOWNESS 

ABANDONED DANCEHALL 

DREAMS 

Aktuell spielt er bei Henry Fool und Memories 

Of Machines, mit Steven Wilson betreibt 

er das Bandprojekt No-Man, dazu hat 

der Brite Tim Bowness schon mit Musikern 

wie Robert Fripp, Phil Manzanera (Roxy 

Music), Richard Barbieri (Porcupine Tree, 

Japan) und Hugh Hopper (Soft Machine) 

zusammengearbeitet. Mit der italienischen 

Popsängerin Alice oder der britischen Folksängerin 

Judy Dyble war er auch schon 

außerhalb des Prog-Rock erfolgreich. Kein 

Wunder, dass man sein zweites Solo-Album 

ABANDONED DANCEHALL DREAMS 

nur schwer in eine feste Kategorie einordnen 

kann. Cineastische Melodien mäandern 

vor sich hin, getragener Gesang, zurückgenommene 

Shoegaze-Gitarren, ab und an 

ein paar fette Heavyriffs: Bowness kommt 

mit überraschend wenig instrumentalem 

Bombast aus, und dennoch gelingt es ihm, 

immer wieder die Stimmung zu wechseln; 

er lässt hier einen vielstimmigen Chor das 

Thema übernehmen, dort ein fast jazziges 

Zwischenspiel aus Flöten einfließen, kann 

sich immer wieder auf die genialen Streicherarrangements 

von Andrew Keeling 

verlassen. Herrliche Musik an der Nahtstelle 

zwischen Dream-Pop und Prog-Rock. 

(InsideOut/Universal, 2014, 8/44:11) us 

TED NUGENT 

SHUTUP & JAM! 

Von 

Experimenten 

hält Mister Nugent 

nichts – und genau 

deshalb sind die 

mit fast identischen 

Covergestaltungen 

ausgerüsteten Alben 

des sympathischen Lausbuben in 

der Hülle eines gestandenen Mannes 

ausnahmslos so gut. Auch auf SHUTUP 

& JAM! serviert Ted Nugent wie eh und 

je entfesselten Hard Rock, der vor guter 

Laune und Lebensfreude sprüht. Mädels, 

Party und Amerika sind auch diesmal seine 

wichtigsten Themen, denen er selbst 

nach über 40 Jahren noch neue Facetten 

abzugewinnen weiß (“She’s Gone” – inklusive 

Sammy Hagar, “I Love My Bbq”). 

In dem Instrumental “Throttledown” beweist 

der 65-jährige Gitarrist, dass er 

immer noch zu den Flitzefingern gehört, 

wobei das Saitenspiel des Amis auf dem 

Album streckenweise so abgefahren ist, 

dass es einem ein Grinsen ins Gesicht 

malt. Und bei “Never Stop Believing” 

konnte sich Nugent nicht zwischen einer 

bluesigen Ballade und einer treibenden 

Rock-Radioversion entscheiden, weshalb 

es den Song zweimal gibt. Beide Varianten 

sind klasse. 

(Frontiers/Soulfood, 2014, 12/46:55) jub 

STYX 

PARADISE THEATER 

Styx’ Konzeptalbum aus dem Jahr 1981 

drehte sich um das Paradise Theater in 

Chicago und erzählte die Geschichte des 

Veranstaltungsorts. Trotz der komplexen 

Thematik erreichte die Scheibe den ersten 

Platz der Billboard-Charts, was auch 

an der eingängigen Melodik liegen mag. 

Packender Mainstream-Rock (“Rockin’ 

Rock 

The Paradise”), eine idyllische Ballade 

mit Rockelementen und gleichzeitig ein 

Riesenhit (“The Best Of Times”), aber 

auch Progressive mit einem dominanten 

Synthie (“Lonely People”) bestimmten 

das Geschehen. Witzige Randnotiz: Der 

Anti-Drogensong “Snowblind” wurde 

von Tipper Gore (die Frau von Al Gore, 

die in den Siebzigern angeblich ein heißes 

Leben in diversen Kommunen führte) wegen 

angeblicher satanistischer Referenzen 

(Rückwärtsspuren) angegriffen! Die Edition 

erscheint in einer limitierten, nummerierten 

Edition als 24-KT-Gold-Disc (Hybrid 

SA-CD). Sie wurde von Kevin Gray 

remastert und klingt allgemein angenehm 

ausgewogen, abgesehen von einem leichten 

Höhenanteil. 

(Audio Fidelity/Sieveking Sound, 1981, 

12/33:45) at 

TOM TIME 

THE TIDE IS TURNING 

Kerniger 

Gitarrensound, 

kraftvolle 

Stimme, dazu Songs 

mit den richtigen 

Themen 

(“Beefsteak, 

Football & 

Beer”), Tom Time 

liefert mit THE TIDE 

IS TURNING den 

richtigen Soundtrack für schwülwarme 

Sommernächte. Als Thomas Krüger 

kennt man den Gitarristen und Sänger 

in der Musikszene Ostwestfalens, mit 

der Cover-Band Time Out ist er dort seit 

Jahren eine feste Größe. Doch immer nur 

covern, das macht die wenigsten Musiker 

auf Dauer glücklich, und so hat Tom Time 

nun mit THE TIDE IS TURNING ein 

Album voller eigener Songs aufgenommen. 

Und ebenso wie sein erstes Werk 

mit dem programmatischen Titel GOOD 

TIMES (siehe GT 4/2013) liefert auch 

der Nachfolger lässige Rockmusik, die 

zwischen treibenden Blues-Krachern und 

Laid-Back-Pub-Rock pendelt, dazu noch 

perfekt klingend produziert, ein Album, 

das definitiv Laune macht. 

(Euphony Music/Record Jet, 2014, 

12/48:29) tk 

JACK WHITE 

LAZARETTO 

Was Jack White, früherer Frontmann der 

White Stripes, derzeit auch anfasst, es 

wird zu Gold. Sein eigenes Label Third 

Man Records wurde innerhalb weniger 

Jahre zu einem der führenden der 

Schallplattenindus trie, und sein zweites, 

Anfang Juni erschienenes Solo-Album 

LAZARETTO erklomm wie das Solodebüt 

BLUNDERBUSS (2012) innerhalb 

kurzer Zeit die Spitzenposition der US- 

Album-Charts. Nicht schlecht für einen, 

dessen Musik nur wenig mit dem sonst 

üblichen Radio-Mainstream zu tun hat. 

Wie auf dem Vorgängerwerk sprengt 

White äußerst gekonnt Genregrenzen und 

vermengt scheinbar nicht zusammengehörende 

Stile: Da trifft die Gitarrenwucht von 

Rage Against The Machine auf den 70er- 

Blues-Rock der Stones, es vermischen sich 

Americana-Sounds mit rumpelndem Led- 

Zeppelin-Beat und Soundexperimenten 

à la Ennio Morricone. Am schönsten ist 

das bei „Would You Fight For My Love?” 


CD 

REVIEWS 

realisiert, das alle Elemente auf rund drei 

Minuten vereint und der Höhepunkt eines 

der besten Alben des Jahres ist. 

(Third Man Recordings/ 

XL Recordings/Indigo 2014, 11/39:21) an 

ELVIS PRESLEY 

ELVIS SINGS ... 

Elvis Presley hat 

schon zu Beginn der mal toppen. 

Karriere Material (Angel Air/Fenn, 2014, 15/56:48) utw 

seiner Zeitgenossen 

in seinem Sound arrangiert 

und in das 

Repertoire eingebaut. 

Das führte oft zu recht unterschiedlichen Interpretationen, 

die aber immer viel Respekt 

gegenüber den Originalen ausdrückten. Ob 

EMERSON, LAKE & 

PALMER 

BRAIN SALAD SURGERY 

Der kürzlich verstorbene 

HR Giger bleibt 

allein schon durch 

schnellere Titel (“Sweet Caroline”, “Proud 

Mary”), hervorragende Balladen (“Some- 

das 

Cover 

Totenschädelunsterblichthing”, 

“I’m So Lonesome”) oder unerwartetes 

Material, das einerseits den Bezug zum 

Blues herstellt (“Got My Mojo Working/ 

Keep Your Hands Off Of It”) und auch belegt, 

dass der King aktuelle Strömungen verfolgte 

(Dylans “Tomorrow Is A Long Time”), 

ergänzen sich zu einem faszinierenden Werk, 

das besonders in dieser Zusammenstellung 

beeindruckt. Die CD erscheint in einem Papersleeve 

mit einem zwölfseitigen Booklet, 

in dem sich knappe Hintergrundinformationen 

zu den Titel finden. 

das er einst für ELPs 

Meisterwerk BRAIN 

SALAD 

SURGERY 

geschaffen hatte. 

Das hat jetzt zum 41. „Geburtstag” eine 

Frischenzellenkur erhalten: Das Original 

wurde klanglich kräftig aufgemotzt und als 

Box im LP-Format durch zwei Bonus-CDs, 

zwei DVDs (Audioversion plus „Manticore 

Special Documentary”), eine Vinylscheibe 

und geradezu bombastische Liner-Notes 

ergänzt. Die neue Stereo-Abmischung ist 

– wie in solchen Fällen meist – reine Geschmacksache, 

(Sony Music, 2014, 23/77:26) fl 

die 13 Songs der ALTER- 

NATE-CD (andere Mixe, Fassungen, Single-B-Seiten, 

SIX 

„NME”-Flexi-Disc-Version) 

GEBRANNTE KINDER 

Neben Keimzeit sind Six die beliebteste 

Band im Bundesland Brandenburg. Dort 

sind sie regelrecht ein Phänomen, denn 

während man das Quintett in anderen 

Ecken des Landes überhaupt noch nicht 

wahrgenommen hat, pilgern in der Region 

um Berlin Tausende zu ihren Konzerten. 

Die Anfänge von Six reichen 22 Jahre 

zurück. Damals waren die Brandenburger 

eine reine Cover-Band, seit einigen 

Jahren steht der Fünfer für eigenen, gut 

gemachten Deutsch-Rock. Das brachte 

ihnen Deals mit Universal und Fame 

ein, doch mittlerweile besinnen sich Six 

für Hardcore-Fans unerlässlich. Für den 

Rezensenten hat sich die Klangbearbeitung 

gelohnt, auch weil Keith Emersons Tasteninstrumente 

nicht mehr so schrill in die 

Ohren jagen, sondern sich besser einbetten, 

was zu einem „runderen” und harmonischeren 

Gesamtsound führt. Musikalisch kann 

man an einem der Prog-Meisterwerke mit 

der mehrteiligen Suite “Karn Evil 9” samt 

mehreren „Impressions” ohnehin nichts 

aussetzen, auch daran, wie das Trio Klassik 

aufgriff, bearbeitete, in die U-Musik integrierte 

mit Elementen aus Rock, Psychedelic 

und selbst Jazz verschmolz. 

(Sony Music, 1973, 8/44:52, 

auf die eigenen Kräfte. So erscheint GE- 

BRANNTE KINDER denn auch auf eigenem 

Label. Die zwölf Songs überzeugen 

auf ganzer Linie, meist sehr eingängig, 

manchmal balladesk, versehen mit nachvollziehbaren 

Lyrics. Vielleicht weniger 

für Fans von Clueso und Bosse geeignet, 

dafür aber für die von Niedecken, Westernhagen 

und Silly. 

13/72:38, 8/44:55, Vinyl 8 Tracks) pro 

(2 Krieger Music, 2014, 12/45:22) che 

MEANIES 

COVER THEIR TRACKS 

Der Albumtitel täuscht: Wieso sollten diese 

Briten ihre Spuren verwischen? Die 

Stimme James Warrens kennen viele noch 

von seinem Korgis-Kracher “Everybody’s 

Got To Learn Sometime” – neue Version 

enthalten – und brillierte bei Stackridge; 

Andy Marsden besinnt sich seiner Jahre 

bei Tears For Fears, wie “Everybody 

Wants To Rule The World” hier beweist. 

Anstatt zu referieren, warum ein Dutzend 

neuer Songs die Offenbarung sind, haben 

die beiden mit John Baker, Glenn Tommey 

und Marty Sheppard 15 Mal Riesenspaß 

beim Neueinspielen bewährten Weltrepertoires 

im sanften Sixties-Harmonie-Sound, 

bei dem neben instrumentaler Finesse immenser 

Wert auf mehrstimmigen Gesang 

gelegt wurde: “How Long” von Ace, den 

Doobies-Evergreen “Listen To The Music” 

– oder “December 1963” und “Who Loves 

You” von den durch das Londoner Musical 

„Jersey Boys” wieder populären Four Seasons, 

müsste man kompositorisch auch erst 

HENDRIX ACKLE 

LOGBOOK 

Vor rund 20 Jahren taten sich der Schweizer 

Liedermacher Hendrix Ackle (Gesang 

& Piano) und der amerikanische Bassist 

Richard Cousins (Ex-Robert Cray Band) 

zur funkigen Band Hendrix Cousins zusammen, 

die zwar keine tiefen Spuren hinterließ, 

aber um die Jahrtausendwende immerhin 

zwei brauchbare Alben. Und auch 

danach hielt Ackle sein unbestreitbares 

Tastentalent und seine abgeklärte Baritonstimme 

in Form, aber erst jetzt gibt’s sein 

erstes, von jeglichem Mainstream gehörig 

entferntes Solo-Album LOGBOOK. Völlig 

zutreffend schrieb die „Basler Zeitung” : 

„Hendrix singt als Crooner, als Schmeichler, 

als Grübler, als Zweifler, den manchmal 

das heulende Elend packt” seinen Liederzyklus 

über die Liebe. Er klingt dabei wie 

eine Mixtur aus Elton John und Dr. John, 

was einem Alleinstellungsmerkmal gleichkommt. 

Die Musik dazu ist von erlesener 

Akkuratesse, bis ins Kleinste durchdacht 

und zugleich harmonisch und geheimnisvoll 

schimmernd. Zwei Details stechen 

dabei hervor: die einsam perlenden Klavierläufe 

und der kräftig, aber nicht vulgär 

nach vorn gemixte Jazzbass. Eine Platte, 

die nicht leicht zu hören ist, sich aber garantiert 

lohnt. 

(Ten Thousand Thundering Typhoons 

Recordings/Broken Silence, 2014, 

12/61:31) hjg 

PAUL WELLER 

MORE MODERN CLASSICS 

„Ist das wirklich schon wieder 15 Jahre 

her? Meine Güte, das ging aber fix!” Paul 

Weller lässt sich nicht verbiegen, bleibt 

sich durch die Jahrzente treu, ohne auf der 

Stelle zu stehen, überrascht seit beinahe 40 

Jahren immer wieder und begeistert Kritiker 

wie Fans gleichermaßen. Mit MORE 

MODERN CLASSICS liefert Paul Weller 

nun nach seinem 1998 erschienen ersten 

Best-Of-Album MODERN CLASSICS die 

Fortsetzung seines Beitrags zur Musikgeschichte. 

In 21 Songs reist man durch die 

letzten 15 Jahre von Wellers Lebenswerk. 

Das Album knüpft dort an, wo MODERN 

CLASSICS endete, im Booklet wird aus 

dem Nähkästchen zu den Tracks geplaudert, 

und einen exklusiven neuen Song, die 

aktuelle Single “Brand New Toy”, gibt es 

noch oben drauf. Was braucht das Fanherz 

mehr, zum Glück? Weitere 15 Jahre, bitte! 

(Universal, 2014, 21/64:00) 

pk 

HAWKWIND 

THE FLICKNIFE YEARS 

1981–1988 

Die 

Hippie-Weltraumband 

veröffentlichte 

in den 1980er 

Jahren eigenwillig 

ihre neuen Alben 

beim Major RCA, 

scheute sich aber 

nicht, iht bi beim kli kleinen Indie-Label Flicknife 

Archivmaterial und Livemitschnitte auf 

den Markt zu bringen. Mit reichhaltigem 

Bonus-Material versehen, werden nun 

die remasterten Scheiben HAWKWIND 

FRIENDS AND RELATIONS (1982), 

ZONES (1983), HAWKWIND FRIENDS 

AND RELATIONS (TWICE UPON A 

TIME) (1983), HAWKWIND FRIENDS 

AND RELATIONS (VOL. THREE) 

(1985), sowie OUT & INTAKE (1987) den 

Fans der britischen Space-Rocker in einer 

Box mit schönem Booklet offeriert. Dabei 

sind auch alle möglichen Seiten- und Soloprojekte 

vertreten, von den Hawklords 

über Nik Turner, Dave Brock bis Michael 

Moorcock – die Aufnahmen reichen dabei 

bis in die Mittsiebziger zurück. Insgesamt 

richtet sich die Box an den harten Fan, der 

alles von seinen Lieblingen benötigt. 

(Esoteric/Rough Trade, 2014, 13/59:21, 

11/50:26, 9/42:15, 10/46:22, 15/54:31) rg 

CABARET VOLTAIRE 

#7885 (ELECTROPUNK TO 

TECHNOPOP 1978 –1985) 

Roland H Kirk, Kopf und Nachlassverwalter 

von Cabaret Voltaire, arbeitet weiter 

an der Aufbereitung des Gesamtwerks der 

Industrial- und Technowegbereiter. Nach 

RED MECCA (1981) auf Vinyl und der 

Box COLLECTED WORKS 1983–1985 im 

letzten Jahr gibt es nun mit #7885 (ELEC- 

Rock 

TROPUNK TO TECHNOPOP 1978–1985) 

die perfekte Compilation zum Kennenlernen 

der Band aus Sheffield. Natürlich findet man 

Klassiker wie “Do The Mussolini (Headkick)”, 

das die Inspiration für DAFs “Der 

Mussolini” war, und das verstörende “Nag 

Nag Nag”. Vor allem wird aber deutlich, wie 

sehr sich Cabaret Voltaire von den Anfangen 

bis Mitte der 80er Jahre stilistisch verändert 

hatten. Obgleich keine Formation der frühen 

New Wave so sehr das Experiment wie Cabaret 

Voltaire wagte, waren die Sheffielder 

anfangs noch nah an Gothikbands wie Bauhaus 

und Joy Division. Der Wert der Compilation 

besteht vorrangig darin, dass quasi 

mit jedem Lied die Zeitreise hin zu einer 

zunehmend elektronischer werdenden Band 

erkennbar wird. Cabaret Voltaire waren ihrer 

Zeit voraus: Selbst Kraftwerk haben sich 

vermutlich bei ihnen bedient, der frühe Techno 

der späten 80er Jahre allemal, nur werden 

sich damalige Clubgänger dessen wohl kaum 

bewusst gewesen sein. 

(Mute/Goodtogo, 2014, 19/78:39) an 

NILS LOFGREN 

HANGING TOUGH 

„1977 Live Radio 

Bradcast” heißt 

dieser Konzertmitschnitt 

von 

Nils Lofgren im 

Untertitel. Also 

des einstigen Neil- 

Young-Sideman und Gitarristen von Bruce 

Springsteens E Street Band. In den letzten 

Jahren ist ein wenig in Vergessenheit geraten, 

dass Lofgren ja auch solo mal sehr erfolgreich 

war. Aus seiner Hoch-Zeit stammt 

diese erstaunlich ordentlich klingende 

Showdokumentation aus dem New Yorker 

Club Bottom Line, die im Oktober 1977 

kurz nach der Veröffentlichung von Lofgrens 

dritten LP I CAME TO DANCE entstand. 

Seine stilistische Bandbreite wie auch sein 

Können als Gitarrist, Songschreiber und 

Performer werden wieder lebendig – samt 

“Satisfaction”-Zitat in “Keith Don’t Go”, 

das Lofgren über Keith Richards verfasst 

hatte. Es macht Spaß, Ohrwürmer wie “Cry 

Tough”, “I Came To Dance” oder das Highlight 

“Code Of The Road” wiederzuhören. 

(Smokin’/inakustik, 2014, 12/69:42) pro 

WESTERNHAGEN 

ALPHATIER 

„Ich will zurück auf die Straße, will wieder 

singen, nicht schön, sondern geil und 

laut!” – so richtig abgenommen hat man 

Marius Müller-Westernhagen diese Textzeile 

aus seinem Song “Mit 18” eigentlich 

nie. Weder 1978, als dieses Lied entstand, 

noch Jahre später, als er mit Alben wie 

HALLELUJA und AFFENTHEATER zum 

Superstar wurde. Erster Fingerzeig für die 

vermeintliche Rückkehr auf die Straße 

– auf der Wes ternhagen musikalisch nie 

war – dann das 2009 veröffentlichte WIL- 

LIAMSBURG, auf dem er mit amerikanischer 

Musikerunterstützung guten alten 

Heartland-Rock à la John Mellencamp und 

Tom Petty präsentierte. Mit ALPHATIER 

geht der frisch verliebte Musiker (Booklet 

lesen!) diesen Weg jetzt konsequent 

weiter, angetrieben von einer exzellenten 

Bass-Schlagzeugkombi mit John Conte 

und Aaron Comess liefern sich Kevin 


CD 

REVIEWS 

Bents und Brad Rice heiße Duelle an 

der E-Gitarre. Darüber rotzt Marius 

Müller-Westernhagen seine Texte 

raus, bei denen er kein Blatt vor 

den Mund nimmt, Kostproben: „Ich 

könnte kotzen, was hier so ab geht, 

dass jeder Dünnschiss auf einem 

Flatscreen steht” (aus dem harschen 

Opener “Hereinspaziert”), „Keine 

Macht den Banken, Geisel dieser 

Welt. Keine Macht den Dummen, 

bis der Groschen fällt” (aus “Keine 

Macht”). Für seine volle Wirkung ist 

es aber unerlässlich, dieses Album 

bei höchstmöglicher Lautstärke zu 

hören. Wie gesagt, „... nicht schön, 

sondern geil und laut”! 

(Kunstflug/Sony Music, 2014, 

12/56:34) us 

ERIC JOHNSON 

EUROPE LIVE 

Der dieses Jahr 

auch schon die 

60 erreichende 

Eric 

Johnson 

wurde 1996 

einem breiteren 

Publikum 

durch sein Mitwirken i auf der ersten 

G3-Tour bekannt. Neben Joe Satriani 

und Steve Vai konnte sich der Gitarrenvirtuose 

schon damals behaupten. 

“Manhattan” und “Zap”, zwei der drei 

von ihm auf der G3-CD veröffentlichten 

Songs, sind auch auf der neuen 

Live-CD vertreten, wie “Cliffs Of Dover”, 

für den er 1992 einen Grammy 

als „Best Rock Instrumental Performance” 

erhielt. Natürlich beeindruckt 

sein Trio durch fulminante Technik, 

kreuzt auch Jazzgefilde (Coltranes 

“Mr. P.C.”), streut aber durchaus melodische 

Songs mit Gesang ein, und es 

erklingt die akustische Gitarre. Eine 

kurzweilige Scheibe. 

(Mascot/Rough Trade, 2014, 

14/70:41) rg 

HOLLIS BROWN 

GETS LOADED 

Mit ihrem dritten Werk verbeugt sich 

die Roots-Rockband Hollis Brown 

aus dem New Yorker Stadtteil Queens 

vor der größten Band, die jemals aus 

New York kam: Velvet Underground. 

Deren Album LOADED von 1970 haben 

Mike Montali (voc, g), Jonathan 

Bonilla (g), Dillon Devito (b) und Michael 

Graves (dr) als zeitresistentes, 

kraftvolles Rockalbum mit Country- 

Anklängen und tief unten lauerndem 

Blues eingespielt, wobei sie die Reihenfolge 

der Songs vertauschten. 

GETS LOADED startet mit “Oh 

Sweet Nothin’” und endet mit “Who 

Loves The Sun”. Abgesehen davon 

entfernte man sich nicht über Gebühr 

von den Vorlagen, kann aber durch 

den unmissverständlichen Anspruch, 

die Songs zeitgemäß rootsiger zu intonieren, 

an den passenden Stellen genügend 

eigenes Profil gewinnen. Dass 

Sänger Mike Montalis Stimme nicht 

über das unvergleichliche Timbre von 

Lou Reed verfügt, ist kein Beinbruch 

– und Montalis versucht gar nicht 

erst, sich als Imitator aufzuspielen, 

der nur zweiter Sieger sein könnte. 

Neben den schon genannten Songs 

verdienen sich “Lonesome Cowboy 

Bill” und der Total-Klassiker “Sweet 

Jane” – in einer Version, die der von 

Mott The Hoople ebenbürtig ist – die 

besten Noten. 

(Alive/Cargo, 2014, 10/44:56) hjg 

HELLMUT HATTLER 

POLARITY – ZOUNDS BEST 

Mit 

dieser 

randvollen 

CD 

erweist 

das Stuttgarter 

High-End- 

Label 

dem 

deutschen 

Bass-Maestro den verdienten Respekt 

als einem der kreativsten Musiker aus 

deutschen Landen, der sich nie von 

Musikstilen eingrenzen ließ. Die von 

Hattler selbst ausgewählten Titel führen 

von den legendären Kraan, hier 

natürlich mit seinem 15-minütigen 

Live-Parforceritt “Nam Nam” vertreten, 

über sein erstes Solo-Album 

1978 und die 80er-Jahre-Aufnahmen 

mit Heartware und DeWinkel-Hattler. 

Selbstverständlich dürfen auch die 

hochgeschätzten Tab-Two-Zeiten sowie 

ein Titel von Siyou’n’Hell nicht 

fehlen. Vielleicht sind die 00er-Jahre 

unter dem Bandnamen Hattler mit 

sechs Songs im Rahmen einer Best- 

Scheibe etwas überrepräsentiert (alleine 

mit Kraan könnte man locker 

eine eigene CD bestreiten), doch kann 

man mustergültig den Werdegang 

Hattlers über nahezu 40 Jahre verfolgen. 

Ein schönes Booklet mit Infos zu 

jedem Song rundet das sehr empfehlenswerte 

Album ab. 

(Zounds, 2014, 14/77:18) rg 

VANDENBERG 

ALIBI 

Die meisten kennen Adrian Vandenberg 

als Gitarristen von Whitesnake, 

wobei seine Solokarriere leider kaum 

beachtet wird. Das dritte Album seiner 

Band Vandenberg wurde von 

Jaap Eggermont produziert und erschien 

1985. Neben kommerziellem 

Hard Rock (“Voodoo”) bestimmen 

kräftiger Classic Rock (“Dressed To 

Kill”) und Tracks mit niveauvollen 

Gitarrenpassagen das Geschehen 

(zum Beispiel “Fight Against The 

World” mit klassischen Einwürfen). 

ALIBI gehört zu den wenigen Platten, 

auf denen kommerzieller Hard 

Rock mit künstlerisch anspruchsvollen 

Instrumentalmelodien verschmolzen 

wird, ohne dass das zu 

einer Sekunde verkrampft oder gewollt 

klingt. Eine der besseren Platten 

des Jahrzehnts. Das zwölfseitige 

Booklet enthält neben einigen Fotos 

ausführliche Liner-Notes von Malcolm 

Dome. Klanglich wurde die 

CD angenehm remastert, wobei der 

Sound runder ausfällt und nicht mehr 

so höhenlastig ist. 

(Rock Candy/Soulfood, 1985, 

10/37:50) at 

Rock 

IAN McLAGAN 

UNITED STATES 

Der Small Faces/Faces/Stones/Dylan/ 

Bruce/Bonnie Raitt-Keyboarder spielt 

seit 50 Jahren zuverlässig alte Hammonds 

und Piano. So lange komponiert 

und singt er auch. Er grätschte 

zwar spät ins Marriott/Lane-Autorenlager 

(siehe Interview Seite 22), doch 

bestach seit 1979 auf Solopfaden. 

UNITED STATES ist nicht nur reifes 

Alterswerk, es glänzt als eine beseelte 

Bestleistung mit unvergesslichen 

Songperlen mit vielen Bezügen: 

“Shalalala” ist keineswegs eine Anspielung 

auf den ersten Small-Faces- 

Erfolg, sondern die sanfte Rockhymne, 

die Jagger-Richards in Auftrag 

gegeben haben sollten – derart lässig 

rockt Gitarrist Scrappy Newcomb, 

so eingängig fließt die Hookline. 

Auch “Love Letter” ist hitverdächtig. 

Macs Leslie dreht sich lässig im 

langsamen “All I Wanna Do”, nicht 

nur beim Pub-Rock “Pure Gold” 

müssten im Rockpub die Tische zur 

Seite. Dass alles bis zur bewegenden 

Eheberatungs-Rumba “He’s Not For 

You” knackig rüberkommt, garantiert 

Stones-Producer Glyn Johns. 

(Yep Roc/Cargo, 2014, 

10/39/37) utw 

TODD RUNDGREN & 

UTOPIA 

LIVE AT THE ELECTRIC 

BALLROOM 

In 

Milwaukee 

gastierten 

Todd 

Rundgren & 

Utopia 

am 

23.10.1978 

und 

stimmten 

dabei mit “Real Man”, “Can We 

Still Be Friends” oder “Hello, It’s Me” 

Rundgren-Dauerbrenner an, aber auch 

ansonsten weniger gespielte Nummern 

wie “Black Maria” oder ”Couldn’t I 

Just Tell You”. Der Prog-Faktor rückte 

allerdings zugunsten einer kommerzielleren 

Note meist ein wenig in den 

Hintergrund, es dominierten Nummern 

aus Rundgrens Soloveröffentlichungen, 

was manche Utopia-Fans 

enttäuschen dürfte. Allerdings: An 

den handwerklichen Performances der 

Utopia-Mitglieder gibt es nichts auszusetzen. 

Und: Auch wenn die Originalbänder 

des Mitschnitts eines Radiosenders 

verwendet wurden, ist der Sound 

dieser bislang unveröffentlichten Aufnahmen 

aus dem Rundgren-Archiv 

nicht eben berauschend. Fans dürften 

aber trotzdem nicht um einen Kauf herumkommen. 

(Esoteric/Rough Trade, 2014, 

9/46:47, 8/40:01) pro 

RICK WAKEMAN 

JOURNEY TO THE CENTRE 

OF THE EARTH 

Mit dem Livemitschnitt seiner Bearbeitung 

von Jules Vernes „Reise zum 

Mittelpunkt der Erde” konnte der 

Yes-Keyboarder 1974 einen riesigen 

Erfolg erzielen. Wie man hier erfährt, 

GoodTimes 4/2014 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 39 

BAD SALZUFLEN 

BAHNHOF BAD SALZUFLEN 

Breitfelder, Schröter & 

Zwingenberger 

Shakatak 

Dire Strats 

Thorbjørn Risager & 

The Black Tornado 

Climax Blues Band 

Dan Baird & Homemade Sin 

Blug plays Hendrix 

Rick Vito, Layla Zoe 

RICHIE ARNDT & THE BLUENATICS 

Albert Hammond 

Songbook Tour 2014 

Oldie-Night 

ELO by Phil Bates, Quo, Time Out 

Tommy Emmanuel 

The Australian Guitar-Legend 

Midge Ure 

The Voice of Ultravox – solo 

e 

04. 

September 

22. 

September 

02. 

Oktober 

09. 


16. 


23. 


20. 

November 

KONZERTHALLE BAD SALZUFLEN 

STADTHALLE DETMOLD 

13. 

September 

24. 

September 

11. 


14. 

November 

17. 

November 

Tickets über: HOTLINE 0180 6050400, www.adticket.de, 

www.bahnhof-bad-salzuflen.de und 

www.backline-entertainment.de

CD 

REVIEWS 

wurde das Konzert allerdings nicht in der 

ursprünglich geplanten Länge realisiert. 

Dies wird nun in der neuen Studio-Einspielung 

nachgeholt, so dass die Neuaufnahme 

etwa 15 Minuten länger geraten ist. 

Allerdings bleibt der Gesamtcharakter des 

Albums dadurch unberührt, wie auch die 

bekannte Problematik beim Zusammentreffen 

von Rockband, Sinfonie-Orchester 

und Chor weiterhin ungelöst bleibt. Wakeman 

lebt sein Bombastfaible weiterhin 

ungehemmt aus, sogar die gleichen alten 

Moog-Sounds erklingen. Wurden die Gesangsparts 

seinerzeit von zwei Sängern eingespielt, 

hat er diesmal einen Part auf eine 

Frauenstimme verteilt. Für die neue Aufnahme 

spricht natürlich der perfekte Klang, 

wobei der Charme und die seinerzeitige 

progressive Aufbruchsstimmung des Originals 

nicht reproduzierbar sind. 

(Fusion/Warner, 2014, 1/54:19) rg 

DEEP PURPLE 

IN CONCERT ‘72 

Deep Purple live zu 

Beginn der 70er, das 

war und ist immer 

noch eine Bank! 

Denn ihre musikalische 

Klasse spielten 

Ritchie 

Blackmore 

() (g), Jon Lord d(keys), Ian Gillan (voc), 

Roger Glover (b) und Ian Paice (dr) nicht 

nur bei ihrem völlig zu Recht höchstdekorierten 

LIVE IN JAPAN aus, sondern 

sie zeigten ihre Extraklasse auch bei zahlreichen 

anderen Konzerten. Einer dieser 

Auftritte – mitgeschnitten am 9. März 1972 

im Londoner Paris Theatre – wurde 1980 

als LP veröffentlicht, 2012 erschien eine 

Vinylversion in neuem Mix. Zusammen 

mit einem Bonus-Track (der Soundcheck- 

Version von “Maybe I’m A Leo”) erfährt 

IN CONCERT ‘72 nun also seine offizielle 

CD-Premiere, ein zwölfseitiges Booklet liefert 

Hintergründe und Bilder des Gigs. Dabei 

hielten sich Deep Purple gar nicht groß 

in der Vergangenheit auf, spielten viel lieber 

(und fast in Gänze!) das kurz vor der Veröffentlichung 

stehende MACHINE HEAD 

mit allen Highlights, von “Highway Star” 

über “Lazy” bis zu “Smoke On The Water”. 

Dazu mit “Strange Kind Of Woman” einen 

Song, der damals nur auf der US-Version 

von FIREBALL enthalten war, sowie das 

Little-Richard-Cover “Lucille”. Großartig! 

(Parlophone/Warner, 1980, 10/79:40) us 

SAGA 

SAGACITY 

Die Kanadier Saga haben es einfach drauf, 

innerhalb einzelner Songs eine gefangennehmende 

Dramaturgie zu entwickeln. Sei 

es durch Tempowechsel, variierenden Instrumenteinsatz, 

sei es durch den Mix aus 

knackigem Rock und eingängigen Popmomenten. 

SAGACITY demonstriert diese 

Qualität wieder einmal nachdrücklich, wobei 

der Schwerpunkt der durchaus komplexen 

klanglichen Neukreationen diesmal auf der 

Prog-Rockkomponente liegt, samt ausgedehnter 

(Gitarren-) Soli, vital und inspiriert 

vorgetragen. Michael Sadler singt stark, die 

Rhythmusabteilung groovt satt und wird 

auch durch die Keyboards unterstützt. Zwischen 

entspannt und prickelnd, auch mal mit 

New-Wave- oder spacigen Reminiszenzen 

(“Press 9”), nostalgischen Synthie-Anflügen 

(“Luck”) – auch mit Studio-Album Nummer 

21 sind der Band weder Ideen noch Pep und 

Spielfreude ausgegangen. 

(earMusic/edel, 2014, 12/50:50) pro 

YOSSI SASSI 

DESERT BUTTERFLIES 

Anfang der 90er Jahre gründete Gitarrist 

Yossi Sassi in Israel die Prog-Rock-Metalband 

Orphaned Land. Da dabei die Liebe 

zur traditionellen Musik seiner Heimat zu 

kurz kam, veröffentlichte er 2012 mit MEL- 

TING CLOCKS ein Solo-Album, auf dem 

er melodischen Folk im Rockgewand präsentierte. 

Jetzt, mit seinem neuen Album 

DESERT BUTTERFLIES, hat er den Folkanteil 

reduziert, tendiert über weite Strecken 

in Richtung verspielter, orientalisch 

geprägter Instrumental-Prog-Rock. Neben 

allen Arten von Gitarren bedient Sassi darauf 

auch Saiteninstrumente wie Bouzouki, 

Oud, Saz und Charrango. Breite Unterstützung 

gab es auch von zahlreichen befreundeten 

Musikern wie Bassist Ori Lubianker, 

Megadeath-Gitarrist Marty Friedmann, 

Sänger Erez Lev Ari und Ron Thal von den 

Guns N’ Roses. Wer auf verspielt progressive 

Rockmusik abseits ausgetretener Pfade 

steht, der wird hier bestens bedient. 

(Just For Kicks, 2014, 11/40:37) us 

LED ZEPPELIN 

LED ZEPPELIN I + II + III 

Wiederveröffentlichungen von Led Zeppelin 

lassen seit jeher die Herzen der Fans 

höherschlagen, egal ob beim 1990er BO- 

XED SET, bei den 1997er BBC SES SIONS 

oder der 2003er Liverückschau HOW THE 

WEST WAS WON bemühten sich die Macher 

einerseits um sorgsamen Umgang mit 

den Originalen, andererseits aber auch immer 

um hochwertige Zugaben. Genauso 

verhält es sich jetzt auch mit der Wiederveröffentlichung 

der ersten drei LPs der 

Band. Musikalisch bieten diese drei Alben 

immer noch so ziemlich das Beste, was 

man in Richtung Hard- und Blues-Rock 

hören kann, ganz egal ob das 1969er Debüt 

mit Songs wie “Dazed And Confused” 

und “Communication Breakdown”, der im 

gleichen Jahr veröffentlichte Nachfolger 

mit “Whole Lotta Love” oder das dritte Album 

aus dem Jahr 1970 mit Krachern wie 

“Immigrant Song” und “Celebration Day”. 

Frisch remastert wurden hier vor allem die 

Höhen klarer herausgearbeitet, auch der Dynamik 

tat diese Behandlung gut. Zusätzlich 

wurde jedem Album noch eine zweite CD 

spendiert, die in diesem Fall wirklich einen 

Mehrwert bedeutet. Denn hierfür wählte 

Jimmy Page mit viel Bedacht unterschiedliche 

Songs des Originals in verschiedenen 

Entstehungsstufen aus, von rauen Demos 

über reine Instrumentalspuren und alternativen 

Versionen bis zu Stücken, bei denen 

die Arrangements teilweise stark verändert 

wurden. So bieten diese Zugaben einen 

höchst interessanten Einblick in die Entstehungsgeschichte 

dieser Rock-Meilensteine. 

(Atlantic/Warner, 1969/70, 3 x 2 CDs) us 

THE DOOBIE BROTHERS 

LOOKING TO THE EAST 

Die Doobie Brothers 

schwammen auf einer 

Erfolgswelle, als 

sie vier Jahre nach 

ihrer Gründung am 

31. Mai 1973 in den 

Ultrasonic Studios zu 

New York live vor Publikum antraten, ihr 

Erfolgsalbum TOULOUSE STREETS samt 

den Hits “Listen To The Music” und “Jesus 

Is Just Alright” im Gepäck hatten und spielfreudig 

loslegten. Allerdings: Der Sound 

weist nur bessere Bootlegqualität auf, was 

die Hörfreude doch ein wenig trübt. Leider, 

denn Tom Johnston, Patrick Simmons 

(beide voc, g), Tiran Porter (b) die Doppeldrummer 

John Hartmann und Michael 

Hossack waren bestens in Form, hauten 

ihren durchaus eklektischen Classic Rock 

mit einigen souligen Tupfern und Harmoniegesängen 

verhältnismäßig rau und ungekünstelt 

heraus – aus heutiger Sicht musikalisch 

fast grandios, aber eben mit besagten 

klanglichen Einschränkungen. 

(Gold Fish/inakustik, 2014, 9/54:35) pro 

LOUDOIN WAINWRIGHT III 

HAVEN’T GOT THE BLUES YET 

Wie gewohnt fordert Loudon Wainwright 

III seine Zuhörer auch bei seinem 26. Album 

– und bietet ihnen einmal mehr höchst 

ansprechende Klangkost. Der immer noch 

zu Unrecht viel zu Unbekannte wird erneut 

seinem Ruf als einer der global besten Singer/Songwriter 

gerecht. Egal, ob er wirklich 

den im Titel angekündigten Blues mehr oder 

weniger verfremdet, ob er Balkan-Inspiration 

verarbeitet (“Spaced”), mit Klezmer 

flirtet, einfach rockt (“Brand New Dance”, 

mit Bläsern), sich gen Folk verbeugt oder 

Jazz-Referenzen durchklingen lässt, es tönt 

durchdacht, aber nicht verkopft. Dazu ergänzen 

sich seine nachdenklichen bis bissigen 

Texte und die jeweilige Musik perfekt. Und 

immerhin singt mit Tochter Martha eines 

seiner Kinder zwischendurch mal mit. Ein 

höchst abwechslungsreiches wie anspruchsvolles 

und vergnügliches Album. 

(Proper/Rough Trade, 2014, 14/48:17) pro 

Rock 

ACCEPT 

RUSSIAN ROULETTE + EAT 

THE HEAT + ALL AREAS – 

WORLDWIDE 

Der Accept-Dreierpack aus dem Hause 

Cherry Red dokumentiert die Übergangsphase 

des deutschen Schwermetall-Aushängeschilds: 

RUSSIAN ROULETTE war 1986 

das letzte Studio-Album mit Originalsänger 

Udo Dirkschneider – und deutete schon an, 

wohin die Reise danach ging. Das Quintett 

knüppelte zwar beinhart, streute aber schon 

melodischere Momente ein. Prickelnde Gitarrenriffs, 

tighte Beats und Krächzgesang 

überzeugten. Gewöhnungsbedürftig war 

dann Neusänger David Reece durchaus, 

obwohl einige der von ihm gesungenen 

Nummern auf EAT ... (“X-T-C”, “Chain 

Reaction”) heute noch überzeugen – insgesamt 

waren die Songs 1989 deutlich eingängiger, 

auf den US-Markt ausgerichtet. Nach 

starkem Beginn ließ die (Song-)Qualität des 

Albums aber nach. Bei der 1993er Reunion 

war Dirkschneider wieder dabei, röhrte gewohnt 

eindringlich bei der „Objection Overruled 

Tour”, die auf 1997 ALL AREAS dokumentiert 

wurde (plus Auszüge der „Death 

Row Tour” 1994) – es war ein gelungener, 

energiegeladener Livebogen von der Frühzeit 

(“Breaker”, “Fast As A Shark”) bis zu 

den internationalen Erfolgstagen (“Balls To 

The Walls”, “Metal Heart”). Alles in allem 

heute noch sehr ansprechend! 

(Cherry Red/Rough Trade, 1986 + 1989 

+ 1997, 13/64:36 + 13/61:18 + 11/57:46, 

9/55:23) pro 

THE DOORS 

WEIRD SCENES INSIDE THE 

GOLDMINE 

1972 erschien mit 

WEIRD SCENES 

INSIDE THE 

GOLDMINE – der 

Titel ist eine Textzeile 

aus “The End” 

– 

die erste Doors- 

Compilation nach Jim Morrisons Tod. 

Längst ist diese Doppel-LP schon nicht 

mehr erhältlich, am 19. Mai 2014, exakt 

ein Jahr nach dem Tod von Keyboarder 

Ray Manzarek, wurde nun diese Best-Of- 

Sammlung als Doppel-CD veröffentlicht. 

Ihre Relevanz ist ungebrochen, wenn man 

einen Überblick über die sechs Alben haben 

möchte, die Morrison, John Desmore, 

Manzarek und Bobby Krieger zwischen 

1967 und 1971 aufgenommen haben, wird 

man hier immer noch bestens bedient. Die 

Mischung aus bekannten und eher unbekannteren 

Songs passt, neben Hits wie 

“Break On Through”, “L.A. Woman” und 

“Love Her Madly” gibt es mit “Who Scared 

You” und Willie Dixons “(You Need 

Meat) Don’t Go Further” auch zwei starke 

B-Seiten, die man nicht auf den regulären 

LPs findet. 

(Rhino/Warner, 1972, 

12/50:47, 10/48:38) us 

CLOSURE IN MOSCOW 

PINK LEMONADE 

Seit 2006 gibt es diese Prog-Rockband 

aus dem australischen Melbourne schon, 

nach einer 2008er EP („The Penance And 

The Patience”) und ihrem 2009er Debüt 

(FIRST TEMPLE) gibt es jetzt mit PINK 

LEMONADE ein frisches Lebenszeichen. 

Dabei engt die Bezeichnung Prog-Rock die 

Musik dieses Quintetts eher ein, über weite 

Strecken agiert es mit einem breitgefächerten 

Stilmix, der sich insgesamt gesehen 

nur schwer in Worte fassen lässt. Elektronische 

Spielereien zwischen Can und New 

Wave, Avantgarde-Pop der Nineties, krachender, 

fast Garagen-artiger Rock’n’Roll, 

aufgeregte, jazzige Zwischenspiele, hymnische 

Queen-Reminiszenzen, treibender 

Power-Rock, Heavy-Metalausflüge – alles 

dabei in dieser kunterbunten Sammlung. 

Und wenn eine australische Band einen 

Song namens “Mauerbauertraurigkeit” im 

Programm hat, dann hat sie allemal ein 

Reinhören verdient. 

(Sabretusk/Just For Kicks, 2014, 

11/60:44) tk 


CD 

REVIEWS 

ANUBIS 

HITCHHIKING TO 

BYZANTIUM 

Schon mit ihren Alben 250503 

(2009) und A TOWER OF SILENCE 

(2011) ließen Anubis Prog-Rockfreunde 

aufhorchen, wobei es nicht 

ganz so einfach war, zu vernünftigen 

Preisen an die Importalben der Australier 

zu kommen. Mit ihrem Ende 

Juni veröffentlichten neuen Werk 

hat dies ein Ende, ihr drittes Album 

mit dem Titel HITCHHIKING TO 

BYZANTIUM ist sozusagen die offizielle 

Europapremiere der Band aus 

Sydney. Es ist ein Themenalbum, es 

geht ums Älterwerden, darum, sich 

zu verbessern, aber auch wie man 

damit umgeht, wenn es nicht so rund 

läuft. „Ein bisschen esoterisch ist 

es schon geworden”, gibt Gitarrist 

Douglas Skene zu, doch Entwarnung. 

Der Musik von Anubis hört man das 

nicht viel davon an. Sie geben ihren 

Songs viel Zeit, sich zu entwickeln, 

klar werden da Parallelen zu Pink 

Floyd gezogen, doch im Vergleich 

zu Floyd klingen Anu bis wesentlich 

direkter und klarer, verzichten fast 

komplett auf psychedelische Anteile 

zu Gunsten keltisch angehauchter 

Folk-Rockparts. 

(Bird’s Robe Records/Just For Kicks, 

2014, 10/77:42) us 

IAN HUNTER 

THE ARTFUL DODGER 

Immer noch 

gehört 

Ian 

Hunter 

zu 

den am meisten 

unterschätzten 

Musikern. 

Oder anders gesagt, egal ob bei Mott 

The Hoople oder bei seinen Kollaborationen 

mit David Bowie, Mick 

Ronson, John Cale und Ringo Starr, 

so richtig im Rampenlicht standen 

immer die anderen. Vielleicht aber 

auch ganz gut so, denn wer weiß, 

ob unter größerem Erfolgsdruck 

und mit höherer Erwartungshaltung 

so herrliche Rockperlen entstanden 

wären, wie sie Ian Hunter immer 

wieder ans Tageslicht brachte. Eines 

dieser untergegangenen Alben ist das 

ursprüngliche 1996 veröffentlichte 

THE ARTFUL DODGER. Mit Produzent 

Björn Nessjö arbeitete Hunter 

schon zuvor für das Album DIRTY 

LAUNDRY zusammen, ebenso mit 

einem Großteil der skandinavischen 

Musiker. Gelassenes Songwriting 

trifft auf eine entspannte Produktion, 

Rockmusik mit Tiefgang, definitiv 

eine späte Entdeckung wert ... 

(MiG/Sony Music, 1996, 

12/61:21) tk 

MANIC STREET 

PREACHERS 

FUTUROLOGY 

Wer bei ihren Auftritten im Frühjahr 

dieses Jahres genau aufgepasst hat, 

der konnte sich schon einen Vorgeschmack 

auf die Art von Musik verschaffen, 

mit der die Manic Street 

Preachers ihr Anfang Juli veröffentlichtes 

Album FUTUROLOGY 

ausgestattet haben. Tiefgehend, vielschichtig 

und abwechslungsreich 

hört sich das an, von Krautrock-Reminiszenzen 

wird gesprochen, doch 

um diese herauszuhören braucht 

man schon sehr viel Fantasie. Für 

überraschende Momente sorgt unter 

anderem die deutsche Schauspielerin 

Nina Hoss, deren (gesamplete) 

Worte den Refrain von “Europa geht 

durch mich” bilden, Scritti-Politti- 

Frontmann Green Gartsides Beitrag 

zu “Between The Clock And The 

Bed” sowie Gastauftritte ihrer walisischen 

Landsleute Cian Ciaran 

(Super Furry Animals) und Singer/ 

Songwriterin Georgia Ruth. Geblieben 

ist den Manic Street Preachers 

das Hymnische, das Flehende, das 

Emotionale, nun ergänzt um eine angenehme 

Prise britischer Skurrilität, 

was FUTUROLOGY zu einem richtig 

guten Album macht. 

(Columbia/Sony Music, 

2014, 13/47:17) us 

LIFT 

DIE GRÖSSTEN HITS 

Die aus Dresden 

stammende 

und schon 

seit den Achtzigern 

in Berlin 

ansässige 

Band feierte 

im letzten t Jahr ihren 40. Geburtstag. 

Es war jedoch ein vergleichsweise 

stilles Jubiläum. So gab es lediglich 

ein Jubiläumskonzert in Dresden 

mit vielen Gästen. Insofern kommt 

die neue Best-Of-Kopplung zwar 

spät, aber genau richtig, denn sie 

macht nachvollziehbar, warum Lift 

zu den ganz Großen des Ost-Rock 

gehören. Der Sampler vereint sämtliche 

Hits von “Am Abend mancher 

Tage”, das den schmerzhaften Verlust 

zweier Lift-Musiker durch einen 

tragischen Unfalltod thematisiert, 

bis “Nach Süden”, der ultimativen 

Fernwehhymne der damals Reiseeingeschränkten 

Ostdeutschen. Für 

Fans, die schon alles haben, ist diese 

Kopplung dennoch interessant, 

finden sich doch hier Nummern, 

die von Franz Bartzsch und Stefan 

Trepte gesungen werden. Beide Musiker 

verließen Lift schon vor dem 

ersten Album, weshalb sie auf keiner 

regulären Platte der Band dabei sind. 

Außerdem gibt es zwei Ausschnitte 

aus dem Jubiläumskonzert, zusammen 

mit dem Dresdner Kreuzchor 

und Pascal von Wroblewsky. 

(Amiga/Sony Music, 2014, 

18/76:40) che 

URIAH HEEP 

OUTSIDER 

Wie gut Uriah Heep – immerhin eine 

der dienstältesten noch aktiven britischen 

Hard-Rockbands – aktuell 

sind, davon kann man sich sowohl 

bei einem ihrer zahlreichen Live- 

Rock 

Auftritten als auch bei ihren zuletzt 

veröffentlichten Bootleg-Series-CDs 

ein Bild machen. Nächstes Beispiel 

hierfür dürfte ihr neues Studio- 

Album mit dem Titel OUTSIDER 

sein. Denn anstatt alte Kamellen neu 

aufzuwärmen, legen Mick Box (g, 

voc), Phil Lanzon (keys, voc), Bernie 

Shaw (voc), Russell Gilbrook (dr) 

und der nach dem Tod von Trevor 

Bolder neue Bassist Dave Rimmer 

ein blitzsauberes Album voller neuer 

Songs vor. Auch dass sie dabei immer 

noch mit den Qualitäten punkten 

können, die sie großgemacht haben, 

spricht ohne Zweifel für sich. Herrliche 

Keyboardläufe, Hard-Rockende 

Gitarrenriffs, immer wieder 

der charakteristische, vielstimmige 

Chorgesang sowie der starke Shouter 

Bernie Shaw lassen keine Langeweile 

aufkommen. Uriah Heep im Jahre 

2014: eine Band, der es hervorragend 

gelingt, die Magie von Alben wie 

LOOK AT YOURSELF oder SALIS- 

BURY in die Gegenwart zu transportieren. 

Stark! 

(Frontiers/Soulfood, 2014, 

11/49:07) us 

SEVEN THAT SPELLS 

THE DEATH AND RESUR- 

RECTION OF KRAUTROCK: 

IO 

Den „Tod und 

die Wiederauferstehung 

des 

Krautrock” in 

knapp 50 Minuten 

abhandeln 

zu wollen, 

das ist eine große Aufgabe, die sich 

Seven That Spells da gestellt haben. 

Doch wenn man wie Niko Potocnjak 

(g), Jeremy White (b, voc) und Nikola 

Babic (dr) nach eigenen Angaben 

aus dem 23. Jahrhundert (wo der 

Rock’n’Roll schon lange ausgestorben 

ist ...) in unsere Zeit zurückreist, 

dann wird schon klarer, warum sie ihr 

Album THE DEATH AND RESUR- 

RECTION OF KRAUTROCK: IO 

genannt haben. Kraftvoll geht es bei 

ihrem (Kraut-)Rock zur Sache, immer 

wieder gibt es Space-rockige Zwischenspiele, 

fremdartig anmutende 

Chöre, hämmernde Tribaldrums, aber 

auch erdige Blues-Rockphasen und 

guter alter Psychedelic sind da auszumachen. 

Also alles andere als leicht 

zu konsumierende Kost, doch wenn 

man sich auf diesen irren Trip einlässt, 

nimmt einen diese Trance-artige 

Musik unweigerlich gefangen. 

(Sulatron/Cargo, 2014, 5/47:15) tk 

RAY BONNEVILLE 

EASY GONE 

Der aus Kanada stammende Singer/ 

Songwriter Ray Bonneville ist derart 

oft auf Achse, dass er sich selbst 

schon als Nomaden einstuft. Die Folge 

davon sind Highwaytrip-Alben wie 

EASY GONE, die er als einer der besten 

Americana-Acts der Gegenwart 

regelmäßig mit Blues-grundierten, 

lyrisch aussagestarken Songs be- 


CD 

REVIEWS 

stückt, die beim Hören Assoziationen an 

endlose Asphaltbänder, stillgelegte Tankstellen, 

verlassene Drugstores und ranzige 

KFC-Buden wecken. Bonneville singt entspannt 

und lässig wie J.J. Cale oder auch 

Mark Knopfler und errichtet zugleich ein 

Spannungsdreieck mit Kalifornien, New 

Orleans und Oklahoma als Eckpunkten. 

Ins trumental werden die zumeist im Midtempobereich 

gehaltenen Lieder von reduzierter 

E-Gitarre, kraftvoller Mundharmonika 

und klug eingesetzter Perkussion 

geprägt. Stärkste Songs sind “Who Do 

Call The Shots”, “Lone Freighter’s Wail”, 

“When I Get To New York”, “So Lonely I 

Could Cry” und “Two Bends In The Road”. 

Ein für Roots-Rockfans unverzichtbares 

Album mit sehr langer Halbwertzeit! 

(Red House/inakustik, 2014, 

10/37:26) hjg 

VERSCHIEDENE 

INTERPRETEN 

OSPREY RECORDS LIVE ALBEN 

Mit sechs Live- 

Alben führt sich das 

neue Label Osprey 

Records auf dem 

Wiederveröffentlichungsmarkt 

ein. 

Erst letztes Jahr 

kam ALIVE & ROCKIN’ von Foreigner 

in die Läden, das 2006 beim „Bang Your 

Head”-Festival im süddeutschen Balingen 

mitgeschnitten wurde. Mit neun Songs 

geht es von “Double Vision” über “Cold 

As Ice” bis zu “Urgent” und “Juke Box 

Hero”, also einmal quer durch die besten 

Zeiten dieser Band. PICTURES von Status 

Quo wurde 2009 beim „Montreux Jazz 

Festival” aufgenommen, bei dem sich die 

Briten auch auf frühes Material wie “Pictures 

Of Matchstick Men” oder “Ice In The 

Sun” konzentrierten. 2007 gaben OMD in 

ihrer britischen Heimat ein Konzert, bei 

dem sie ihr Album ARCHITECTURE & 

MORALITY in Gänze spielten, dazu noch 

MORE, also den Rest ihrer großen Erfolge 

wie “Enola Gay” und “Electricity”. Warum 

der Livemitschnitt eines Konzertes 

der B-52s in Athens, Georgia, WITH THE 

WILD CROWD! heißt, das weiß man spätestens 

dann, wenn man die euphorischen 

Zuschauerreaktionen bei diesem Heimspiel 

hört, bei dem es in 18 Songs ein Wiederhören 

mit allen Hits der Band gibt. Aus den 

Jahren 1998 und 1999 stammen die Livesongs, 

die es auf BLONDIE LIVE zu hören 

gibt, als Bonus-Track ist hier “One Way Or 

Another” mit dabei. 20 Jahre zuvor, 1979, 

wurde der Auftritt von Dusty Springfield 

in der Londoner Royal Albert Hall aufgezeichnet, 

bei dem sie sich noch einmal von 

ihrer besten Seite zeigte. Mit großer Band 

im Rücken, zwei Hitmedleys sowie klasse 

Songs wie “Son Of A Preacher Man” zeigt 

LIVE AT THE ROYAL ALBERT HALL 

einmal mehr, warum die britische Pop-Diva 

bis heute so verehrt wird. 

(Osprey Records/edel, 6 CDs) us 

LYDIA LUNCH & 

CYPRESS GROVE 

A FISTFUL OF DESERT BLUES 

Millionenfrage: Wo wurde der Western 

„A Fistful Of Dollars” („Für eine Handvoll 

Dollar”) mit Clint Eastwood gedreht? 

Kalifornien? Texas? Mexiko? Nein. Im 

südspanischen Almeria! Dort, unter der 

andalusischen Sonne, entstanden viele 

europäische Filmklassiker. Mit ihrem Album 

A FISTFUL OF DESERT BLUES 

liefern die Wave-Ikone Lydia Lunch und 

der Bluesgitarrist Cypress Grove nun eine 

akustische Hommage an den Drehort vieler 

Italo-Western der 60er und 70er Jahre. 

Die Musik klingt „Spiel mir das Lied vom 

Tod”-haft düster und schön. Die 55-jährige 

Lunch spricht und singt mit rasselnder, tiefer 

Grabesstimme, und Grove zupft dazu 

spärliche, aber wohlgesetzte blue notes; im 

Hintergrund flirren atmosphärische Soundscapes, 

die Bilder von Wüstenlandschaften 

wachrufen. Neben guten Eigenkompositionen 

gibt’s auch drei gelungene Cover- 

Versionen: Mark Lanegans “Revolver”, 

Jeffrey Lee Pierces “St. Mark’s Place” und 

Van Morrisons “T.B. Sheets”. Sattelt die 

schwarzen Pferde, vielleicht gibt’s ja noch 

eine Fortsetzung: für ein paar Dollar mehr 

von diesem Desert Blues! 

(Rustblade/Broken Silence, 2014, 

12/49:27) frs 

GREENSLADE 

LARGE AFTERNOON 

Bevor Greenslade im 

Jahr 2000 ihr Reunion-Album 

LARGE 

AFTERNOON veröffentlichten, 

hatten 

sie eine rund 25-jährige 

Pause eingelegt. 

Colosseum-Keyboarder David Greenslade 

gründete die Band 1972, brachte mit Tony 

Reeves dazu noch den Bassist von seiner 

alten Band mit, Dave Lawson (keys, voc) 

und Andrew McCulloch (dr) vervollständigten 

das Quartett. Nach der Auflösung 

1976 reformierten Greenslade und Reeves 

fast ein Vierteljahrhundert später dann zusammen 

mit Sänger und Keyboarder John 

Young (Asia, Quango) sowie Schlagzeuger 

Chris Cozens die Band. Vor allem Freunde 

von klassisch-opulentem Prog-Rock kamen 

dabei auf ihre Kosten, trotz der langen Pause 

konnten Greenslade ihren charakteristischen 

Sound mit zwei Keyboards – und 

ohne Gitarre! – auf Anhieb wieder perfekt 

reproduzieren. Für die 2014er Wiederveröffentlichung 

gibt es neue, ausführliche 

Liner-Notes, in denen vor allem David 

Greenslades Erinnerungen an dieses Album 

zu lesen sind. 

(Angel Air, 2000, 9/46:46) 

us 

MANDO DIAO 

AELITA 

Schon das Nebenprojekt Caligola, bei dem 

die beiden Mando-Diao-Mitglieder Björn 

Dixgård und Gustaf Norén sich vor zwei 

Jahren in Sachen Dancefloor austobten, 

kündigte den Stilwechsel der schwedischen 

Band an. Will heißen, dass mit AELITA jetzt 

so gut wie alle Spuren, die an frühere Indie- 

Rockzeiten erinnern, getilgt sind, dass die 

Hinwendung zu elektronisch geprägten, 

tanzbaren Klängen vollzogen ist. Auch dass 

sie ihr neues Werk nach einem gebrauchten 

russischen Synthesizer benannt haben, 

den sie 2011 geschenkt bekamen, passt da 

ins Bild. Dass Mando Diao dennoch weit 

davon entfernt sind, Dutzendware für die 

Tanzflächen zu produzieren, dass sich ihr 

Sound trotz allem noch ganz gehörig von 

anderen Electro-Acts unterscheidet, liegt an 

ihrem Songwriting. Denn wenn woanders 

Rhythmen und pumpende Bässe im Mittelpunkt 

stehen, gibt es diese auf AELITA 

auch zu hören, aber nur als Stilmittel, als 

Unterstützung. Chef im Ring bleiben ihre 

Melodien, die ebenso hymnisch wie tanzbar 

sind. 

(Vertigo/Universal, 2014, 10/54:24) tk 

JOHN MELLENCAMP 

1978–2012 

Außerhalb seiner Heimat wird John Mellencamp 

immer etwas unter Wert betrachtet, 

Nicht-Amerikanern fehlt einfach der Bezug 

zu den ländlich geprägten Themen, die er in 

seinen Songs immer wieder aufgreift. Als 

Johnny Cougar startete er 1976 mit einem 

Cover-Album seine Karriere, interpretierte 

Roy Orbison (“Oh, Pretty Woman”), die 

Doors (“Twentieth Century Fox”) und John 

Sebastian (“Do You Believe In Magic”). 

Nach einem weiteren Album als Johnny 

Cougar änderte er für LP Nummer 3 seinen 

Vornamen, 1979 erschien JOHN COU- 

GAR. Mit diesem Album steigt auch die 

Retrospektive-Box 1978–2012 in das Werk 

Mellencamps ein, gefolgt von NOTHIN’ 

MATTERS AND WHAT IF IT DID und 

AMERICAN FOOL, mit dem er 1982 das 

erste Mal bis auf Platz 1 der US-Charts kletterte. 

Auch mit den nächsten vier LPs ging 

es regelmäßig in die Top 10, der Durchbruch 

war geschafft, sein Name änderte sich 

in John Cougar Mellencamp. Ende der 90er 

strich er dann das „Cougar” aus seinem Namen, 

musste mit JOHN MELLENCAMP 

(#41) und ROUGH HARVEST (#99) eine 

kleine Talsohle durchschreiten, bevor ab 

2007 die Alben FREEDOM’S ROAD, 

LIFE DEATH, LOVE AND FREEDOM 

und NO BETTER THAN THIS wieder in 

den Top 10 landeten. Zusätzlich zu diesen 

18 Alben aus 34 Jahren liefert die schmucke 

Papp-Box mit FALLING FROM GRACE 

noch ein schon lange nicht mehr erhältliches 

Highlight, den 1991 veröffentlichten 

Soundtrack des gleichnamigen Filmes, der 

neben der Musik Mellencamps auch Songs 

von Lisa Germano, Nanci Griffith, John 

Prine und Dwight Yoakam enthält. Ein imposantes 

Gesamtwerk, dessen größtes Plus 

seine zeitlose musikalische Qualität ist. 

(Mercury/Universal, 2014, 19 CDs) us 

JOHN HIATT 

TERMS OF MY SURRENDER 

40 Jahre nach der Veröffentlichung seines 

Debüts HANGING AROUND THE OB- 

SERVATORY demonstriert John Hiatt mit 

TERMS OF MY SURRENDER, warum 

er als einer der stärksten Singer/Songwriter 

gilt. Der bald 62-Jährige (*20.8.1952) 

hat immer noch etwas zu sagen – und präsentiert 

sich musikalisch vielfältig. Sein 

langjähriger Gitarrist Doug Lancio, der 

produzierte, hat ihn ermutigt, verstärkt zur 

Akustikklampfe zu greifen (elektrische 

Rock 

Beiträge kommen aber nicht zu kurz) und 

weitestgehend live im Studio aufzunehmen. 

Unter dem Americana-Dach erzählt Hiatt 

seine Geschichten auf einer breitgefächerten 

Stilbasis. Die reicht von Blues (“Face 

Of God”) über Hobo-jazzig Inspiriertes 

(im Titelsong) bis zu Country-Gospeligem 

– und er singt inzwischen einen Tick tiefer. 

Einmal mehr Hiatt vom Feinsten! Der 

Mann kann’s einfach! 

(New West/ADA Warner, 2014, 

11/42:44) pro 

TOM PETTY & 

THE HEARTBREAKERS 

HYPNOTIC EYE 

Mit heftigen Gitarrenriffs 

wird man 

von den ersten beiden 

Songs von Tom 

Pettys neuem Album 

zunächst auf 

die falsche Fährte 

geführt. Sollte das neue Werk etwa eine 

Abkehr vom bewährtem Mix aus Blues, 

Americana und kernigem Heartland-Rock 

sein? Nein, je länger man sich das Album 

anhört, je tiefer geht es wieder zurück in 

die Zeiten, als Petty mit seinen Heartbreakers 

Anfang der 90er mit INTO THE 

GREAT WHITE OPEN einen Genre-Klassiker 

schuf. Ja, oft gehen sie sogar zurück 

bis in die 70er, als Country-Rock – mit 

der Betonung auf „Rock” – seine große 

Zeit erlebte, als dieser Stil von Bands wie 

der Nitty Gritty Dirt Band, Creedence 

Clearwater Revival oder Poco populär gemacht 

wurde. Das Highlight des Albums 

haben sie sich bis zum Schluss aufgehoben, 

der Sechseinhalbminüter “Shadow 

People” versammelt in einem Song alles, 

was HYPNOTIC EYE ausmacht, rockige 

Härte, geerdeten Roots-Rock und klasse 

Melodien. 

(Reprise/Warner, 2014, 21/44:32) us 

ROGER McGUINN, GENE 

CLARK, CHRIS HILLMAN 

LIVE AT THE BOARDING 

HOUSE – THE HISTORIC RADIO 

BROADCAST 

Mitschnitt eines Konzerts vom 9.2.1978 

in San Francisco. Zum Aufwärmen intonieren 

Clark, Hillman und McGuinn zunächst 

je drei Songs aus ihrem jeweiligen 

Katalog solo. Okay, aber nicht wirklich 

aufregend. Dann spielen sie, hörbar in 

Form kommend, schöne Versionen von 

“Chestnut Mare”, “Crazy Ladies” und 

dem Clark-Übersong “Train Leaves Here 

This Morning”. Und dann gesellt sich 

für acht Klassiker wie “Mr. Tambourine 

Man” (in ungewöhnlich langer 6:45-Version), 

“So You Want To Be A Rock’n’Roll 

Star”, “Turn! Turn! Turn!” und “Eight 

Miles High” sowie Dylans “Knocking 

On Heaven’s Door” David Crosby dazu, 

und die Fast-Original-Byrds-Post geht so 

richtig ab, was sich auch am Beifallspegel 

ablesen lässt. Bis auf das (Aufnahme-) 

technisch – zu leiser Gesang – vemurkste 

Clark-Lied “Release Me Girl” ein rundum 

geglückter Auftritt, bei dem es auch etliche 

instrumentale Großtaten gibt. Für Fans 

eine Muss-CD. 

(All Access/Import, 2014, 

17/66:22) hjg 


16 von pro noch offen 

us 2? 

CD 

REVIEWS 

JETHRO TULL 

A PASSION PLAY – AN EX- 

TENDED PERFORMANCE 

Nach BENEFIT 

(1970), AQUA- 

LUNG (1971) 

und 

THICK 

AS A BRICK 

(1972) stand 

die turmhohe 

Erwartungshaltung 

an das 

vierte Album von Jethro Tull schier 

un überwindbar vor der britischen 

Prog-Band. Als dann noch technische, 

gesundheitliche und organisatorische 

Probleme dazukamen, 

schien A PASSION PLAY im Fiasko 

zu enden. Doch wie so oft schienen 

all diese Her ausforderungen die 

Kreativität eher zu beflügeln als zu 

hemmen. Komplizierte Rhythmen, 

komplizierte Texte, das Albumthema 

Wiedergeburt und ewiges Leben 

war auch nicht gerade ein Leichtes, 

dennoch wurde die darauf dargebotene 

Geschichte von Gut gegen Böse 

zu einem der besten Alben von Ian 

Anderson, Martin Barre, Jeffrey 

Hammond-Hammond, Barriemore 

Barlow und John Evans, kletterte 

auf Anhieb bis auf Platz 1 den US- 

Charts. In einem gebundenen Buch 

erscheint die so genannte Extended 

Performance mit zwei CDs und zwei 

DVDs. Sie enthält das Originalalbum 

sowie das komplette Material, 

das bei den Aufnahmen im Chateau 

d’Hérouville entstand, neu gemixt 

von Steven Wilson. Die DVDs liefern 

die ebenfalls von Wilson vorgenommenen 

Abmischungen im 5.1 

Surround-Sound sowie zusätzliches 

Videomaterial. Tolle Aufbereitung 

eines starken Albums, dazu noch ein 

80-seitiges Begleitbuch, das keine 

Wünsche offen lässt. 

(Chrysalis/Warner, 1973, 

15/45:33, 15/59:53) us 

ANGLAGARD 

PROG PA SVENSKA – LIVE 

IN JAPAN 

Nach personeller Umbesetzung, mit 

den neuen Mitgliedern Linus Kåse 

(keys) und Erik Hammarstöm (dr), 

waren die schwedischen Prog-Rocker 

Anglagard (zusammen mit dem Crimson 

ProjeKCt) an drei Abenden im 

März letzten Jahres im Club Citta im 

japanischen Kawasaki zu Gast. Das 

dabei mitgeschnittene Material wird 

nun auf PROG PA SVENSKA – LIVE 

IN JAPAN auf zwei CDs mit sieben 

Longtracks veröffentlicht. Immer 

wieder beeindruckend, wie vielseitig 

sich die Band hier zeigt, wie es ihr 

fast durchgehend gelingt, die Spannung 

zu halten. Gerade die Wechsel 

zwischen vertrackten, jazzigen 

Phasen und melodischen, Klassikgeprägten 

Abschnitten, das Anziehen 

und Verlangsamen des Tempos, die 

Prog-typische Alternation zwischen 

harten und weichen Passagen – alles 

Qualitäten, die Anglagard hier in Perfektion 

zeigen. Dazu noch hochwertig 

verpackt und mit einem tollen Booklet 

ausgestattet. 

(Anglagard Records/Just For Kicks, 

2014, 4/42:30, 3/44:02) us 

VERTICAL HORIZON 

ECHOES FROM THE 

UNDERGROUND 

Wer wie Matt 

Scannell schon 

seit über 20 

Jahren im Musikbusiness 

tätig ist, wer 

schon erfolgreiche 

Songs mit und für Künstler 

wie Richard Marx und David Powter 

geschrieben hat, der weiß, worauf es 

ankommt. Parallel zu seinen Kollaborationen 

hatte Scannell mit Vertical 

Horizon auch immer seine eigene Band 

am Laufen. Anfang der 90er Jahre veröffentlichte 

sie drei selbst vertriebene 

Alben, bevor 1998 bei RCA ein Majorvertrag 

unterschrieben wurde. Mit 

“Everything You Want” erreichten sie 

im Juli 2000 Platz 1 in den Billboard 

Charts, gefolgt von Hits wie “You’re 

A God” und “Best I Ever Had”. Klasse 

Songs, die jetzt mit dem Mitte Juni 

veröffentlichten ECHOES FROM 

THE UNDERGROUND ihre Fortsetzung 

finden. Scannell und seiner Band 

gelingen darauf herrlich hymnische 

Rocksongs, mal Gitarren-getrieben, 

mal prog-rockig verschachtelt, mal in 

Richtung gefühlvoller Pop gehend. 

(Membran/Sony Music, 2014, 

11/47:52) us 

BACON BROTHERS 

36 CENTS 

Was tun, wenn man von einer zur Veröffentlichung 

anstehenden CD nur eine 

gebrannte Vorab-CD ohne Titel- oder 

sonstige Angaben erhält (außer dass es 

sich um durchweg neue Songs handelt 

und Daryl Hall als Duettpartner dabei 

ist)? Einfach nur lauschen und diese 

Eindrücke in den Computer klopfen! 

36 CENTS nennt sich das neue Werk 

der Bacon Bro thers, also der Band um 

Schauspieler Kevin Bacon und seinen 

Bruder Michael. Es ist deutlich stärker 

Singer/Songwriter-orientiert als die 

bisherigen Tonträger der Brüder. Novelty 

Songs wie das Titelstück werden 

zu Gehör gebracht. Die Akustikgitarre 

(samt geschmackvoller Streicherunterstützung) 

dominiert als Führungsinstrument, 

auch wenn das elektrische 

Instrumentarium keineswegs in der 

Ecke verstaubt. Einmal wird auch kräftiger 

abgerockt. Die Texte scheinen einer 

intensiveren Beschäftigung wert – 

insgesamt anspruchsvoll, manchmal an 

Jackson Browne (und entfernt an Paul 

Simon) erinnernd. 

(Hypertension/Soulfood, 2014, 

12/43:49) pro 

THE WILD MAGNOLIA 

MARIACHIS 

BOOGIE INDIANS 

Die erste Inkarnation der Wild Magnolia 

Mariachis gab es zwischen 

1997 und 2002, nach ein paar Jahren 

Rock 

Pause war es 2011 soweit, dass sich 

die die aktuelle, neunköpfige Besetzung 

der Münchner Band wieder zusammenfand. 

Wenig ändern mussten 

sie ihren Stil für die Reunion, fetzige, 

Blues-rockige Partymusik war vor 

15 Jahren genauso angesagt, wie sie 

es heutzutage ist. Mit zwei Gitarren, 

Keyboards, Mundharmonika, 

einer pumpenden Rhythmusgruppe 

und fettem Gebläse bietet BOO- 

GIE INDIANS einen ganz eigenen 

Rock’n’Roll-Cocktail, treibender 

Boogie, fetziger R&B, sich immer 

wieder bei artverwandten Stilen wie 

Southern Rock, Rockabilly, Blues 

und Country bedienend. Neben ihren 

selbst verfassten Songs bedienen 

sie sich auch an Vorlagen von Bruce 

Springsteen (“Johnny 99”), ZZ Top 

(“Heard It On The X”) oder Willie 

Dixon (“Tail Dragger”). 

(Notnowmom!/Galileo Music 

Communication, 2014, 

15/58:20) tk 

BLODWYN PIG 

THE BASEMENT TAPES 

Nach 

Fertigstellung 

des 

Debütalbums 

THIS 

WAS 

stieg 

Gitarrist 

Mick 

Abrahams 

1968 

bei Jethro Tull aus und gründete das 

Blues-Rockquartett Blodwyn Pig, um 

das es nach den beiden recht erfolgreichen 

LPs AHEAD RINGS OUT 

und GETTING TO THIS bald wieder 

still wurde. Diese ausweislich der auf 

1999 datierten Liner-Notes nicht zum 

ersten Mal veröffentlichte Zusammenstellung 

vereint elf bei diversen 

Sessions in den Jahren 1969 in Originalbesetzung 

bzw. 1974 mit Ex-Tull- 

Drummer Clive Bunker für die BBC 

eingespielte Tracks mit zwei 1996 im 

Trioformat aufgenommenen Titeln. 

Dabei ruft die Mehrzahl der frühen 

Aufnahmen noch einmal ins Gedächtnis, 

welch kreatives Potenzial in diesem 

Bandprojekt steckte, während 

die abschließende 1996er Version von 

”Drive Me” gegenüber dem Original 

von GETTING TO THIS definitiv den 

Kürzeren zieht. 

(Gonzo/H’Art, 2014, 13/55:45) ms 


ALL MY FRIENDS – CELE- 

BRATING THE SONGS & 

VOICE OF GREGG ALLMAN 

Wieder einmal eine Veröffentlichung, 

bei der einfach alles passt. Klasse Verpackung, 

doppelt aufklappbares Digipak, 

zwei prallvolle CDs, eine DVD 

mit dem kompletten Konzert, dickes 

Booklet mit allen notwendigen Infos 

und vielen Livefotos. Dass ein Abend, 

an dem mit Gregg Allman einer der 

wichtigsten Musiker der amerikanischen 

Rockszene im Mittelpunkt 

steht, an dem hochrangige Gäste wie 

Warren Haynes, Derek Trucks, John 

Hiatt, Vince Gill, Jackson Browne, 

Martina McBride, Taj Mahal und Dr. 


CD 

REVIEWS 

John zu sehen und zu hören waren, etwas 

Besonderes ist, das versteht sich von selbst. 

Natürlich war auch Gregg Allman selbst bei 

einigen seiner Songs auf der Bühne mit dabei, 

wie auch die aktuelle Allman Brothers 

Band, die Jamkönige von Widespread Panic 

und ein furioses Finale, bei dem alle Künstler 

gemeinsam ein vielstimmiges “Will The 

Circ le Be Unbroken” anstimmten. Auch 

sonst ist die Trackliste gespickt mit Highlights, 

von “Statesboro Blues” über “Melissa” 

bis zu “Whipping Post”. Herrlich! 

(Rounder/Universal, 2014, 

14/73:20, 12/76:31) us 


PUNK 45: SICK ON YOU! ONE 

WAY SPIT! AFTER THE LOVE & 

BEFORE THE REVOLUTION – 

PROTO-PUNK 1969–76 

Folge 3 der verdienstvollen 

Punk-Rockserie 

des Labels Soul 

Jazz. Nach den 

USA und dem 

UK sind diesmal 

die Vorläufer der Frühsiebziger dran, die 

mit unangepassten Klängen aus den Bereichen 

Hardcore-Garage, Post-Glam und 

Pub-Rock die Punkrevolution vorbereiteten. 

Dankenswerterweise fehlen oft – und 

teilweise zu Unrecht – genannte Acts wie 

The Stooges, New York Dolls, MC 5 und 

Patti Smith, denn der Fokus liegt klar auf 

weit weniger Prominenten wie The Electric 

Eels (Cleveland), Crime (San Francisco), 

Zolar X (Los Angeles), George Brigman 

(Baltimore), The 101ers (Londoner Pre- 

Clash-Band mit Joe Strummer), Cabaret 

Voltaire (Sheffield) und The Count Bishops 

(London) – und die übrigen Helden kennen 

heute allenfalls nur noch Spezialisten; sie 

machten schon damals ihre Musik unter 

ziemlichem Ausschluss der breiten Öffentlichkeit. 

Umso wichtiger ist, dass in den 

ausgezeichneten Liner-Notes von Jon Savage 

alle Interpreten in kurzen Biografien 

plus exklusiven Fotos vorgestellt werden. 

Die geballt zu hörende Musik voller hingebungsvoller 

Härte, Energie und Ungeschliffenheit 

spricht freilich sowieso für sich. 

(Soul Jazz/Indigo, 2014, 

21/78:01) hjg 

JOHN DOE 

THE BEST OF JOHN DOE: 

THIS FAR 

John Doe (*25. Februar 1954 als John Nommensen 

Duchac) ist ein US-amerikanischer 

Sänger, Songwriter, Gitarrist, Bassist und 

Schauspieler. Doe war Mitbegründer der 

Punk-Rockband X, spielte zeitweise auch 

bei den Flesh Eaters und Knitters und veröffentlichte 

ab 1990 Solo-Alben. Ein Mann mit 

vielen Talenten, der hier eine persönlich ausgesuchte, 

Label-übergreifende, jedoch nicht 

chronologisch aufgebaute Werkschau mit 21 

Songs von neun Alben vorlegt, die nicht von 

„Hits” geprägt wird. Enthalten sind stattdessen 

kernige Rocker wie “Telephone By The 

Bed”, “A Step Outside”, und “The Golden 

State”, das jazzige “Never Enough” und das 

stark von den Byrds und Tom Petty beeinflusste 

“This Far”. Hingegen kommt “Dying 

To Get Home” mit Rockabilly-Momenten 

und “Faraway (From The North Country)” 

Rock 

mit schönem Folktouch. Es gibt auch die beiden 

neu aufgenommenen Songs “Take #52” 

und “Poor Girl” (gab es schon mit X), Kollaborationen 

mit Dan Auerbach, Dave Alvin 

und Kathleen Edwards, aber zum Beispiel 

leider nichts vom Album COUNTRY CLUB 

mit den Sadies. Insgesamt ist THIS FAR ein 

überwiegend John Does eher ruhige Seite 

betonendes Porträt, das unbedingt Appetit 

auf mehr macht. 

(Yep Roc/Cargo, 2014, 

21/74:06) hjg 

STEVE HARLEY & 

COCKNEY REBEL 

THE BEST YEARS OF OUR 

LIVES – DEFINITIVE EDITION 

Immer noch ist das 

1975 veröffentlichte 

Album THE BEST 

YEARS OF OUR 

LIVES das bestverkaufte 

Album von 

Steve Harley & Cockney 

Rebel. Der geniale Songwriter und mitreißende 

Liveperformer Steve Harley hatte 

für die Aufnahmen zu diesem Werk aufgrund 

Band-interner Streitigkeiten fast sein komplettes 

Personal ausgewechselt, nur Schlagzeuger 

Stuart Elliott durfte bleiben. Unter der 

Produktionsregie von Alan Parsons entstand 

ein Album, das zwar klar dem Glam-Rock 

zuzuordnen ist, aber dennoch schon Stile wie 

die kurz darauf aufkommende New Wave 

vorwegnahm. Vier Extra-Tracks: eine B- 

Seite, eine Single-Version, ein alternativer 

Mix sowie eine Acoustic-Version. Wie gut 

Steve Harley & Cockney Rebel damals auf 

der Bühne waren, das zeigen zwei zusätzliche 

CDs (sowie eine 28-minütige DVD), 

auf denen ein 1975er Auftritt im Londoner 

Hammersmith Odeon dokumentiert ist, bei 

dem es neben den BEST YEARS-Songs 

auch klasse Liveversionen von “Sebastian” 

und “Tumbling Down” zu hören gibt. 

(Parlophone/Warner, 1975, 

13/55:39, 7/54:08, 7/45:42) us 

CHRISSIE HYNDE 

STOCKHOLM 

Man muss schon genau hinsehen, damit man 

es nicht mit dem Pretenders-Album GET 

CLOSE verwechselt: Auf dem Cover von 

STOCKHOLM sieht man Chrissie Hynde 

in einem ähnlichen Schwarz-Weiß-Schnappschuss 

in vergleichbar selbstbewusster Pose 

vor ebenfalls schneeweißem Hintergrund. 

Doch der nach der schwedischen Hauptstadt 

benannte Longplayer ist kein neues Pretenders-Werk, 

es ist Hyndes erstes Solo-Album 

in ihrer über 30-jährigen Karriere als Musikerin. 

Auf der gemeinsam mit Produzent, 

Co-Komponist und Gitarrist Björn Yttling 

(Peter, Bjorn & John) in den Stockholmer 

Ingrid Studios entstandenen Scheibe präsentiert 

sich die 62-jährige US-Sängerin in gewohnt 

guter Qualität. Allerdings sind einige 

Rhythmus- und Keyboardspuren etwas zu 

poliert und pompös geraten, was den Songs 

nicht gut steht. Ein reduzierteres Gewand 

hätte ihre Nähe und Direktheit besser hervorgekehrt. 

Dennoch knüpfen Lieder wie “Dark 

Sunglasses”, “Like In The Movies” und 

“Down In The Wrong Way” (unverkennbar 

spielt hier Neil Young die E-Gitarre!) nahtlos 

an beste Pretenders-Zeiten an. 

(Caroline/Universal, 2014, 11/37:57) frs 

LP 

REVIEWS 

CRAZY HORSE 

CRAZY HORSE 

Wer ist Neil Young? 

Wenn man Gitarren-Kleingott 

Nils 

Lofgren, Arrangementmeister 

Jack 

Nitzsche, dazu drei 

versierte Songschreiber/Sänger/Instrumentalisten 

/I t sowie illustre 

Gäste wie Ry Cooder hat, braucht man sich 

wirklich nicht hinter dem kanadischen Meister 

zu verstecken. Zwar hatten die ehemaligen 

Rockets Neil Young schon zweimal 

auf LP „begleitet”, doch was unter der Regie 

von Nitzsche und Bruce Botnick (u.a. 

The Doors) 1970 in L.A. und Frisco auf 

die Bänder kam, brauchte die Zugkraft des 

großen Namens nicht. Saubere Westküs ten- 

Americana, immer schön im Midtempo und 

gar nicht rumpelig gespielt, ergibt ein zeitlos 

gutes Album. Kein Wunder, dass Lofgren 

später “Beggar’s Day” recycelte und 

Rod Stewart “I Don’t Want To Talk About 

It” – ja, hier gibt’s die Originalversion – zurechtraspelte. 

Sehr feines, gar nicht teures 

Reissue, das um Klassen besser klingt als 

zeitgenössische europäische Lizenzpressungen. 

(Rhino/Warner, 1971, 11 Tracks) lbr 

BOB DYLAN 

HIGHWAY 61 REVISITED 

Es gibt Hits, Superhits, 

Evergreens oder 

die größten Songs 

aller Zeiten. Und es 

gibt “Like A Rolling 

Stone”. Nicht überirdisch 

schön, nicht 

abgrundtief traurig, nicht harmonisch 

hochveredelt , nicht virtuos inszeniert, 

erst recht nicht engelsgleich gesungen. 

Und doch ein Song für Himmel, Hölle und 

die Ewigkeit. Vor 50 Jahren so mitreißend, 

aufwühlend, zupackend wie heute und wie 

sicher noch in 50 Jahren. Dass er seinerzeit 

„nur” auf Platz 2 in den USA und 4 

im UK kam – pfeif drauf. Das zugehörige 

Album etablierte Bob Dylan endgültig als 

Rockstar und löste seine Rolle als protestsingender 

Folkie in Begeisterungstürme 

auf. Die „elektrische” Begleitband mit Al 

Kooper (keys) und Mike Bloomfield (g) 

sorgte unter Regie der Produzenten Tom 

Wilson und Bob Johnston für knackige 

Untermalungen zu Dylans grandioser Lyrik. 

Die, wie er erzählte, vom Highway 

61, einer der großen, mythenumrankten 

Nord-Süd-Achsen der Staaten, inspiriert 

war. Natürlich brachte sie nicht nur den 

angesprochenen Stein ins Rollen, sondern 

mit der “Ballad Of A Thin Man” und erst 

recht der elfein halbminütigen “Desolation 

Row” führte sie Dylan zu weiteren Höchstleistungen. 

MFSL setzt mit den fantastisch 

klingenden Umschnitten auf jeweils zwei 

schnelllaufende LPs einen Meilenstein 

nach dem anderen ins Dylans 60er-Jahre- 

Discographie. Jetzt hat man sich bei diesem 

Über-Album selbst übertroffen. Sogar 

die hervorragend überspielte SACD-Version 

von Sony Music vermag nicht diese 

Dramatik und Dynamik zu entfesseln. Ein 

Meilenstein – in jeder Beziehung. 

(MFSL/Sieveking Sound, 1965, 

2 LPs 45 rpm, 9 Tracks) lbr 

KISS 

VINYL-WIEDERVERÖFFENT- 

LICHUNGEN 

1974 erschien mit KISS das selbst betitelte 

Debüt der amerikanischen Rockband, neben 

der Karriere-Retrospektive 40 (siehe CD- 

Rezensionen) und einer rund 2000 Dollar 

teuren Vinylbox mit allen Studio- und Live- 

Alben (ergänzt um allerlei exklusives Material, 

verpackt in einem Flightcase aus Metall, 

limitiert auf 1000 Exemplare) kann man 

als Analogfan das 40-jährige Kiss-Jubiläum 

auch etwas gezielter (und preiswerter!) feiern. 

Auf hochwertigem 180g-Vinyl werden 

alle regulären Kiss-Alben neu aufgelegt, 

alle mit zusätzlichem Download-Code für 

Mp3-Files. Von KISS und HOTTER THAN 

HELL (beide 1974) bis zu LOVE GUN 

(1977) reichte die erste Phase ihrer Karriere, 

bevor dann DYNASTY (1979) und 

UNMASKED (1980) eine erste Zäsur einläutete. 

Von MUSIC FROM THE ELDER 

(1981) bis zu HOT IN THE SHADE (1989) 

ging es auf und ab durch die 80er Jahre, mit 

dem 1998er PSYCHO CIRCUS endet dann 

die Reihe. Ebenso werden die Livescheiben 

von Kiss wiederveröffentlicht, 1975 kam 

ALIVE! in die Läden, eine legendäre Platte, 

die 1977 bzw. 1993 als ALIVE II & III ihre 

Fortsetzung fand. 1996 erschien der Mitschnitt 

des MTV UNPLUGGED-Konzertes, 

zehn Jahre später die Doppel-LP ALIVE! 

THE MILLENIUM CONCERT, die an Silvester 

1999 im kanadischen Vancouver mitgeschnitten 

wurde. Da sollte doch für jeden 

Rockfan etwas dabei sein ... 

(Universal, 1974–1998) 

us 

COCO SCHUMANN 

COCO ON VINYL 

Im Mai feierte Coco 

Schumann, 

einer 

der letzten lebenden 

deutschen 

Swinglegenden, 

seinen 

90. Geburtstag. Aus 

diesem Anlass veröffentlicht 

das Münchner Trikont-Label, das 

in den vergangenen Jahren ganz besonders 


LP 

REVIEWS 

Vinyl 

für die Wiederentdeckung des Gitarristen mit 

der bewegenden Lebensgeschichte (siehe die 

Rezension des Buches „I Got Rhythm” in 

dieser Ausgabe) gesorgt hat, nun erstmals 

seine Musik auch auf Vinyl. Die Anthologie 

COCO ON VINYL (mit eingelegter 

CD) deckt mehrere Jahrzehnte der Karriere 

des deutsch-jüdischen „Ghetto-Swingers” 

ab, der als einer der ersten Musiker in 

Deutschland eine E-Gitarre spielte. Auf Vinyl 

lässt sich Schumanns zwischen Django- 

Reinhardt-Kunstfertigkeit und entspanntem 

Easy-Listening-Jazz oszillierende Musik, 

darunter seine zarte Version von Gershwins 

“Summertime”, das experimentelle “Westwind” 

oder der schlüpfrige “Stripper Blues”, 

besonders stilvoll genießen. 

(Trikont/Indigo, 2014, 12/37:11) frs 

BOB DYLAN 

TIME OUT OF MIND 

Mit diesem Album 

läutete Bob Dylan 

Ende der 90er Jahre 

seinen aktuell immer 

noch 

andauernden 

Höhenflug ein. Dabei 

waren die einzelnen 

Songs, die er für TIME OUT OF MIND 

geschrieben hatte, für sich alleine gesehen 

gar nicht so sensationell. Oder anders gesagt, 

machte er eigentlich nichts anderes als 

all die Jahre zuvor, bediente sich bei altem 

Blues, an Folksongs aus aller Welt, an erdigem 

R&B. Zusammen mit Produzent Daniel 

Lanois transformierte er den Geist dieser 

Songs in seinen eigenen Kosmos, erschuf 

Neues, ohne das Alte zu vernachlässigen, 

wurde so wieder einmal zum Vorreiter, inspirierte 

junge Bands wie die Black Keys 

oder die White Stripes. Aufgrund der Spieldauer 

wurden die elf Songs des Originalalbums 

auf vier LP-Seiten verteilt, so dass 

jedem der Songs genügend Platz zur vollen 

Entfaltung zur Verfügung steht. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1997, 

11 Tracks) us 

GÖLÄ 

DIE SCHÖNSTEN 

MUNDART-BALLADEN 

Der 

Schweizer 

(nicht-nur) 

Berndütsch-Sänger 

Gölä 

schoss mit seinem 

jüngsten 

Album 

DIE 

SCHÖNSTEN 

MUNDART-BAL- 

LADEN 

– NASHVILLE AUFNAHMEN 

in Nullkommanix auf Platz 1 der Schweizer 

Charts. Gemeinsam mit Executive Producer 

Roland Fischer von Universal Schweiz hatte 

der Thuner ein cooles Projekt ausgeheckt: 

Er wählte aus seinem reichen Songfundus 

die besten Balladen aus und spielte sie in 

der US-Musikhauptstadt Nashville, Tennessee, 

neu ein. Die Zusammenarbeit mit den 

amerikanischen Top-Musikern ergab ein 

schlicht grandioses Album, von dem man 

sich beim Anhören wünscht, es würde nie 

aufhören. Die Vorstellung lässt einen schon 

schmunzeln: Wie die Instrumentalcracks 

beim Abhören der Gesangsspuren völlig 

verständnislos bleiben und sie trotzdem so 

selbstverständlich spielen, als hätten sie nie 

etwas anderes getan, als schwiizerdütsches 

Liedgut zu begleiten. Wer angesichts der 

Herkunft lauwarmes Countrygewimmer befürchtet, 

wird aufs Angenehmste enttäuscht. 

Denn da rockt es ganz herzhaft los, Gölä 

singt in Bestform, melodisch mitreißende 

Gitarrensoli sorgen für Gänsehautstimmung 

– und zubesterletzt bat der musikalische 

Autodidakt noch zwei Landsfrauen ans Gesangsmikro. 

Und so zählen “Nümm elei” 

im Duett mit Sandee und “We ig alleini bi” 

mit Coco Gfeller zu den allerstärksten Nummern 

auf einem bärenstarken Album. Oder 

Doppelalbum. Denn dank Roland Fischers 

Mut gibt es das Werk auch auf zwei Vinyl- 

LPs, strikt limitiert auf 500 Exemplare. Jedes 

einzelne davon hat Gölä persönlich signiert 

und nummeriert. Wenn das mal keine 

Sammlerstücke sind! 

(Universal, 2014, 2 LPs, 14 Tracks) lbr 

BOB MARLEY 

LEGEND 

1984, drei 

Jahre nach 

Bob Marleys 

Tod, 

erschien mit 

LEGEND 

ein Album, 

dass seinem Namen noch immer alle Ehre 

macht. Es dokumentiert Marleys Lebenswerk 

mit einer beispiellosen Songsammlung, 

stellt die Essenz des musikalischen Outputs 

des Reggaekünstlers dar. Neben der zeitlosen 

Klasse von Liedern wie “No Woman No 

Cry”, “Get Up Stand Up”, “One Love/People 

Get Ready”, “Exodus”, “Is This Love”, 

“Jamming” oder “Redemption Song” punktet 

die Jubiläumsausgabe zum 30. Jahrestag mit 

herrlich sattem Klang, der sich im Vergleich 

zur CD lange nicht so dünn anhört. Passend 

dazu auch das dreifarbige (gelb/rot/grün) Vinyl 

der beiden LPs, sowie das aufklappbare 

Cover. Als besonderen Bonus gibt es noch 

zwei bisher unveröffentlichte Aufnahmen 

von “Easy Skanking” und “Punky Reggae 

Party”, die beide erst kürzlich in Marleys Archiv 

entdeckt wurden. 

(Island/Universal, 1984, 16 Tracks) tk 

FRIPP & ENO 

NO PUSSY FOOTING + 

EVENING STAR 

Der Nicht-Musiker, ik Soundtüftler und Ex- 

Roxy-Music-Konzeptgestalter Brian Eno 

in Kooperation mit dem King-Crimson- 

Mastermind, Rock-Oberintellektuellen und 

-Avantgardisten Robert Fripp – was für eine 

Kombination. “The Heavenly Music Cooperation” 

heißt denn auch konsequent der 

Auftakt zu NO PUSSY FOOTING. Das blieb 

im Jahr 1973 im besten wie schlechtesten 

Sinne bemerkenswert: je eine LP-Seite lang 

Gesumse, Gewabere, Geflirre und Gesäusel, 

ohne erkennbare Struktur, ohne Anfang oder 

Ende – egal, wo man die Nadel aufsetzt. 

Soundscapes würde man das wohl neudeutsch 

nennen. Oder Ambient Music, für die 

Eno zu Recht als Vorbereiter gilt. Erstaunlich 

nur, was Eno aus dem damals doch recht beschränkten 

analogen Apparaten so rausholte, 

und wie Fripp haltlos vor sich hindudelte. 

Kommerziell ähnlich folgenlos ging zwei 

Jahre später der EVENING STAR auf und 

wieder unter. Belanglose Hintergrundbeschallung 

für die einen, mutiger Ausbruch 

aus Rockschablonen für die anderen. Die 

Fans bekommen mit diesen trotz weniger 

Knacker und Rillenlaufgeräuschen zu Beginn 

von STAR-Seite 2 (die auch nicht weiter 

stören, könnten ja zum Klangkonzept gehören) 

ordentlich gefertigten und glaubhaft 

abgespaced klingenden 200-Gramm-LPs die 

feinsten Versionen. 

(Opal/Universal, 1973 + 1975, 

2 + 5 Tracks) lbr 

ROY ORBISON 

IN DREAMS 

Schöner 

können 

Schnulzen 

nicht 

klingen. Mit dieser 

Stimme hätte Roy 

Orbison wahrscheinlich 

auch das Telefonbuch 

seiner Heimatstadt 

t Wink, Texas, singen können, und 

es hätte akustisch beglückt. Optisch und 

intellektuell entsprach der zu kritischem 

Denken fähige Tenor und Brillenträger so 

gar nicht dem oberflächlichen US-Pop- 

Starklischee – und doch verkaufte er ab 

1960 Millionen Platten. Und das lag auch 

an hemmungslos sentimentalem Liedgut, 

das sein Produzent Fred Foster ebenso 

hemmungslos mit Streichereinheiten überzuckerte. 

Da bildete der 1963 in Nashville 

eingespielte Longplayer IN DREAMS 

keine Ausnahme, den die Original Recordings 

Group unter Mastering-Guru Bernie 

Grundman jetzt einreiht in die Phalanx 

„endgültiger” Versionen. Geradezu verschwendungssüchtig, 

aber klangfördernd 

auf zwei LPs gepresst, die noch dazu 45 

Mal pro Minute rotieren. Zwar wies das Besprechungsexemplar 

auf Seite D bei Titel 

2 einen für diese Firma völlig untypische 

Knacker auf, doch der Detailreichtum (inklusive 

mitrasseldem Snaredrum-Teppich), 

die fantastische Stimm abbildung und die 

jeden Tonabnehmer herausfordernde Dynamik 

machen auch rüde Rocker kurzfristig 

zu Schnulzenfans. Wenn denn Roy singt ... 

(ORG/Sieveking Sound, 1963, 

2 LPs 45 rpm, 10 Tracks) lbr 

ENNIO MORRICONE 

COLLECTED 

Natürlich ist es 

schlicht unmöglich, 

auf nur zwei LPs 

einen umfassenden 

Überblick über das 

Werk von Ennio Morricone 

zu bieten. Dennoch 

gelingt es COLLECTED mit einzelnen 

Beispielen aus seiner langen Karriere, die 

Vielfältigkeit des italienischen (Film-)Komponisten 

darzustellen. Noch dazu, wenn die 

ausgewählten Stücke so gut klingen wie auf 

diesen beiden dicken 180g-Vinylscheiben. 

Größtenteils gibt es dabei die Titeltracks aus 

bekannten Filme zu hören, wie “A Fistful Of 

Dollars”, “For A Few Dollars More”, “The 

Good, The Bad And The Ugly”, “Once Upon 

A Time In The West”, “The Man With The 

Harmonica”, “My Name Is Nobody”, “The 

Untouchables” und “Cinema Paradiso”. 


LP 

REVIEWS 

Viele dieser Melodien kennt man, doch auch 

diese Zusammenstellung überrascht wieder 

mit neuen Entdeckungen wie eine seiner 

jüngsten Kompositionen, das von Elisa Toffoli 

gesungene “Ancora Qui” aus dem Film 

„Django Unchained”. 

(Music On Vinyl/Cargo, 2014, 2 LPs, 

34 Tracks) us 

KANSAS 

POINT OF NO RETURN 

Nach ihrem erfolgreichen 

LEFT- 

OVERTURE war 

die Erwartungshaltung 

für das nächste 

Kansas-Album 

hoch, doch wie 

Steve Walsh (voc, keys), Kerry Livgren 

(synth, p, g), Dave Hope (b), Robby 

Steinhardt (vio, voc), Rich Williams (g) 

und Phil Ehart (dr) mit diesem Druck 

umgingen, zeigte ihre Klasse. Mit POINT 

OF NO RETURN erschufen sie ein Album 

zwischen klassischem 70er-Jahre- 

Rock und verspieltem Prog-Rock, das 

noch heute regelmäßig in vielen Listen 

auftaucht, wenn die besten Alben eines 

Genres oder eines Zeitabschnittes gesucht 

werden. Auch der Mut, eine „Gitarren- 

Fingerübung” von Kerry Livgren mit 

einem esoterischen Text zu versehen und 

diesen Song “Dust In The Wind” zu nennen, 

machte sich mehr als bezahlt. Mit 

Platz 4 in den US-Charts war POINT OF 

NO RETURN das erfolgreichste Album 

von Kansas, ist bis heute rund vier Millionen 

Mal verkauft worden. 


10 Tracks) tk 

PETER, PAUL & MARY 

PETER, PAUL & MARY + IN THE 

WIND 

Obwohl oder weil es ein Retorten-Trio 

t aus dem Kopf von Impressario und Produzent 

Albert Grossman war: Mary Travers, 

Peter Yarrow und Noel „Paul” Stookey 

brachten der Folkmusik Anfang der 60er 

Jahre den kommerziellen Durchbruch. 

Verdientermaßen. Die drei konnten wirklich 

singen, die Stimmen harmonierten 

wunderbar, die beiden Herren zupften ihre 

akustischen Instrumente kompetent – und 

sie ließen Popzutaten wie Streichersülze 

und Rhythm Section erst mal außen vor. 

Nur ein akustischer Bass stützte zeitweise 

nach unten ab. Das war der pure Folkstoff, 

aber aus dem muffigen Kneipendunst 

des Greenwich Vil lage in die luftigen Höhen 

professionellen Studiosounds geliftet. 

Das Debüt sowie das dritte Album – mit 

Liner-Notes und drei Songs von Bob Dylan 

– lassen auch heutige Hörer beglückt 

zurück, weil die hunderttausendfach an 

Lagerfeuern und bei Mädchenpartys von 

Hobbybarden zu Tode gequälten Song 

hier in klassischer Schönheit wieder aufleben. 

Die puristisch produzierten Scheiben 

waren auch schon immer begehrter Stoff 

für Audiophile, x-fach in diversen Formaten 

vorgelegt. Das Debütalbum liegt 

zum Beispiel auch auf Hybrid-SACD von 

Audio Fidelity vor, eine weitere Single- 

Layer-SACD-Edition von PETER, PAUL 

& MARY erschien in den USA bereits 

unter dem Titel IF I HAD A HAMMER 

(auf Top Music). Ähnlich unübersichtlich 

ist die silberne und schwarze Präsenz von 

IN THE WIND. Der unglaublich warme 

– hier passt das Klischee mal – und präsente, 

vorbildlich dynamische Klang 

(inklusive minimaler Übersteuerung bei 

wenigen Spitzen) dieser Pretiosen hat 

die Original Recordings Group nun in 

der wohl definitiven Fassung konserviert: 

auf vier schnell rotierenden LP-Seiten, 

mit nur drei Songs pro Seite. Für diesen 

Traumklang steht man da gerne mal öfter 

auf zum Wenden. 

(ORG/Sieveking Sound, 1962 + 1963, 

jeweils 2 LPs 45 rpm, 12 + 12 Tracks) lbr 

JAMES TAYLOR 

NEVER DIE YOUNG 

Fünf Jahre lang ließ 

sich James Taylor 

Mitte der 80er Jahre 

Zeit, um einen adäquaten 

Nachfolger 

für das erfolgreiche 

THAT’S WHY I’M 

HERE vorzulegen. Gänzlich verzichtete 

er auf dem 1988 veröffentlichten NEVER 

DIE YOUNG auf Cover-Versionen, hat 

alle zehn Tracks selbst oder co-geschrieben. 

Mit Kollegen wie Dan Dugmore 

(ban, pedalsteel), Leland Sklar (b), Mark 

O’Connor (vio), Michael Brecker (sax), 

Bill Payne (keys) sowie Rosemary Butler 

(voc) hatte Produzent Don Grolnick ein 

starkes Team zur Verfügung, so dass die 

Arrangements nicht das Problem waren. 

Eher schon das (aus heutiger Sicht) eher 

mittelmäßige Songwriting Taylors, der 

sich vom Zeitgeist der 80er so beeindrucken 

ließ, dass er über weite Strecken statt 

Singer/Songwriter-Folk immer den gleichen 

Eighties-Pop präsentierte, was unter 

dem Strich dann ziemlich eintönig klingt. 


10 Tracks) us 

KANOI 

FROM THE CITY TO THE STARS 

Immer wieder beeindruckend, 

mit 

welcher 

Leidenschaft 

und mit welcher 

Liebe zum 

Detail sich kleine 

Plattenfirmen 

um 

besondere Musik kümmern. Bestes Beispiel 

hierfür ist das Bochumer Label Clostridium 

Records. Dessen neueste LP watet 

knietief im Psychedelic Rock, stammt 

von der österreichischen Band Kanoi und 

hört auf den Namen FROM THE CITY 

TO THE STARS. Limitiert auf 500 Exemplare, 

gibt es 200 x schwarzes, 200 x 

rot-schwarz-marmoriertes und 100 x fünffarbig 

gemustertes Vinyl, dazu noch ein 

Poster, mp3-Downloadcode sowie eine 

Leinentasche mit aufgedrucktem Covermotiv. 

Ebenso interessant wie die Gestaltung 

kommt die Musik dieser LP daher, 

zunächst führt einen ein krautrockiger, 

erster Track mit repetitiven Drums in die 

Irre, bevor es dann im Laufe des Albums 

immer psychedelischer wird. Sägende 

Fuzzgitarren, Pop-verliebte Zwischenspiele, 

öfter geht es auch mal in Richtung 

Space- oder Garagen-Rock. Alles in allem 

sehr abwechslungsreich, Langeweile 

kommt hier definitiv nicht auf. 

(www.clostridiumrecords.de, 2014, 

6 Tracks) us 

WALTER TROUT 

DEEP TROUT + THE OUTSIDER 

Gott sei idank khat tWalter Trout endlich die 

dringend benötigte Spenderleber transplantiert 

bekommen, laut Facebook-Einträgen 

seiner Frau erholt er sich gerade 

von diesem Eingriff, wird von Tag zu Tag 

kräftiger. Unterdessen geht die Wiederveröffentlichungsreihe 

zum 25-jährigen 

Jubiläum seiner Solokarriere weiter, die 

nächsten beiden Doppel-LPs sind DEEP 

TROUT sowie THE OUTSIDER. Das 

2005 veröffentlichte DEEP TROUT trägt 

den Untertitel „The Early Years Of Walter 

Trout”, präsentiert Stücke, die er Anfang 

der 90er in unterschiedlichen Konstellationen 

aufgenommen hat. 2008 erschien 

mit THE OUTSIDER ein Album, für das 

Trout alle Songs selbst verfasste und zusammen 

mit Sammy Avila (org), James 

Hutchinson (b) und Kenny Aronoff (dr) 

eingespielt wurden. Beide liefern klassischen, 

Gitarren-geprägten Blues-Rock, 

durch die Aufteilung auf je zwei Vinylscheiben 

kann der Sound im Vergleich zu 

den CDs deutlich zulegen. 

(Mascot/Rough Trade, 

2005 + 2008, 15 + 13 Tracks) tk 

THE THE 

SOUL MINING 

Letztes Jahr feierte 

SOUL MINING, das 

Debüt von The The, 

30-jähriges Jubiläum. 

Die Nachfrage 

nach einer Neuauflage 

auf Vinyl scheint 

laut Mastermind Matt Johnson so groß 

gewesen zu sein, dass beschlossen wurde, 

nun das über eine Million Mal verkaufte 

Album in einer neu remasterten und erweiterten 

Version als künstlerisch hochwertige 

Doppel-LP-Box zu veröffentlichen. Neben 

den via „Dubbed-From-Disc”-Technik 

bearbeiteten Originalen enthält sie eine 

zweite LP im Gatefold-Cover mit alternativen 

Aufnahmen, Remixes und zwei 

Non-Album-Songs. Zusätzlich umfasst die 

Box ein Poster mit einem längeren Text 

von Johnson zur Entstehung von SOUL 

MINING. Außerdem liegt ein Download- 

Code bei, mit dem man die optimierten 

Versionen herunterladen kann. Nicht nur 

der englische Guardian würdigt das Werk 

als eines der Alben, die man gehört haben 

muss, bevor man stirbt – zu Recht. Da ist 

natürlich zuerst an die einst auch in deutschen 

Discos gespielte Single “This Is The 

Vinyl 

Day” zu denken. Unter sämtlichen Stücken 

ragt aber die zweite Single-Auskopplung 

“Uncertain Smile” heraus, deren von Jools 

Holland eingespieltes Klaviersolo zum Ästhetischsten 

gehört, was die 80er-Jahre hervorgebracht 

haben. Das sind aber nur zwei 

namentlich genannte Stücke, die anderen, 

auch in den alternativen Ausgaben, stehen 

hier nur geringfügig nach. 

(Sony 2014, 7 + 6 Tracks) 

an 

FOUR TOPS 

REACH OUT 

Diese 1967 erschienene 

LP war eines 

der letzten Alben, 

die das Erfolgsteam 

Holland/Dozier/ 

Holland bei Motown 

produzierte, bevor 

es das Label aus Chicago im Streit um 

das liebe Geld verließ. Doch mit REACH 

OUT verhalf es den Four Tops noch einmal 

zu einem äußerst erfolgreichen Album, 

der Nummer-1-Hit “Reach Out I’ll 

Be There”, die Top-10-Singles “Standing 

In The Shadows Of Love” und “Bernadette”; 

für “7-Rooms Of Gloom”, den 

Tim-Hardin-Cover “If I Were A Carpenter” 

und “Walk Away Renée” von Left 

Banke reichte es immer noch für die 

Top 20. Stark auch die beiden Monkees- 

Songs “I’m A Believer” und “Last Train 

To Clarks ville” sowie “Cherish” von The 

Association. Auch klanglich überraschen 

diese alten Aufnahmen immer wieder, 

selbst nach fast 50 Jahren besticht das 

180g-Vinyl mit herrlicher Abstufung und 

unglaublicher Dynamik. 


12 Tracks) tk 

LEONARD COHEN 


Es war ein wahrlich 

außergewöhnlicher 

Abend, den Leonard 

Cohen seinen Fans 

im Juli 2008 in der 

Londoner O2 Arena 

bot. Ganz egal, 

ob man diesen Auftritt auf DVD, Blu-ray 

oder auf einer Doppel-CD genießt, die musikalische 

Größe dieses Künstlers bleibt 

enorm, Songs wie “Bird On The Wire”, 

“Who By Fire”, “Tower Of Song”, “Suzanne”, 

“So Long, Marianne”, “Sisters 

Of Mercy” und “Hallelujah”, noch dazu 

mit einer erlesenen, vielköpfigen Band im 

Rücken, LIVE IN LONDON gehört ohne 

Zweifel zu den größten Konzerterlebnissen 

der letzten Jahre. Auf drei schweren 

180g-Vinylscheiben sollte die Freude über 

das Hörerlebnis dann doch eigentlich in 

ungeahnte Höhen vorstoßen, doch scheint 

(zumindest beim Rezessionsexemplar) 

die Überspielung schiefgegangen zu sein. 

Deutliche Knackser, teilweise dumpfer 

(Gesangs-)Sound, Cohens Ansagen sind 

kaum verständlich. Der Vergleich zu CD 

und DVD zeigt, dass es auch klarer und 

besser geht, oder sollte so ein warmer Analogsound 

erzeugt werden? Am Ende bleibt 

es klasse Musik, klanglich allerdings mit 

Abstrichen ... 


3 LPs, 26 Tracks) us 


LP 

REVIEWS 

NATTEFROST 

DIFFERENT STAGES 

Kraftwerk 

meets 

Tangerine Dream, so 

hat ein Kritikerkollege 

diese Sammlung 

von Nattefrost- 

Live-Aufnahmen 

treffend beschrieben 

– und hätte durchaus noch Jean Michel 

Jarre oder Vangelis (und andeutungsweise 

Hawkwind) ergänzen können. Hinter 

Nattefrost verbirgt sich der norwegische 

Multi-Instrumentalist Björn Jeppesen. 

Auf DIFFERENT STAGES hat er diverse 

Live-Auftritte zwischen 2010 und 2012 

zusammengefasst, die Sireena nun in limitierter 

500er-Auflage auf 180g schwerem 

und durchsichtigem Vinyl präsentiert. 

Elektronische Musik mit dezentem Groove 

und beachtlichem Gespür für Melodien ist 

zu hören. Mal kompakt, mal mit Anlügen 

moderner Dance-Music wie bei “Transformation”. 

Insgesamt zeitlos, recht kraftvoll, 

atmosphärisch – nicht nur für Freunde des 

Genres und guten Klangs zu empfehlen. 

(Sireena/Broken Silence, 2014, 

8 Tracks) pro 

PINK FLOYD 

THE DIVISION BELL 

Wer die in den letzten Jahren veröffentlichten 

Vinyl-Reissues von WISH YOU WERE 

HERE und DARK SIDE OF THE MOON 

in seinem Plattenschrank stehen hat, der 

kennt den Qualitätsanspruch, der bei Pink 

Floyd für die Überspielung von den originalen 

Analogbändern besteht. Oder besser 

gesagt, er kennt das Ergebnis. Ein Ergebnis, 

dass einen auch bei der jetzt veröffentlichten 

2-LP-Version von THE DIVISION BELL 

sprachlos macht. Mit welcher Wucht hier die 

Bässe für Druck sorgen, mit welch Zartheit 

gleichzeitig feinste Höhen abgebildet werden 

– egal ob laut oder leise, hier scheint eine 

Steigerung fast nicht mehr möglich zu sein. 

Natürlich hat sich an der künstlerischen Einordnung 

dieses bislang letzten Pink-Floyd- 

Albums nichts geändert, wer es vor 20 Jahren 

schon als überflüssige Selbstkopie sah, 

wird dies auch heute noch tun, alle anderen 

werden THE DIVISION BELL weiterhin 

lieben – besonders wenn es so überragend 

klingt wie in dieser Ausführung. 

(Parlophone/Warner, 1994, 11 Tracks) us 

ROGER McGUINN 

CARDIFF ROSE 

Zwei Dinge prägen 

dieses Solo-Album 

von Roger McGuinn 

aus dem Jahr 1976: 

einmal seine Teilnahme 

an der bunt 

chaotischen „Rolling 

Thunder Revue” Bob Dylans ein Jahr zuvor, 

einmal der neu aufkommende Punk- 

Rock. Denn eigentlich war die Stilbreite, 

die Produzent Mick Ronson – der ebenso 

ein Jahr zuvor mit Dylan unterwegs war – 

und McGuinn auf CARDIFF ROSE anboten, 

viel zu weit für ein homogenes Album. 

Traditioneller Folk, Shantys, Songs von 

Bob Dylan, Joni Mitchell und Kris Kristofferson, 

dazu krachender Punk-infizierter 

Rock’n’Roll, das kann nicht funktionieren. 

Denkt man, doch die Klasse von McGuinn 

und Ronson – unterstützt von Dave Mansfield 

(g, banjo, viol, keys), Rob Stoner (b) 

und Howie Wyeth (dr) – führt dazu, dass 

die Zusammenstellung der Songs durchaus 

passt, dass es ein unsichtbares Band gibt, 

das die einzelnen Tracks zusammenhält. 

Auch klanglich spielt das 180g-Vinylalbum 

in der ersten Klasse, gegenüber der 

ursprünglichen CD-Version klingen die 

Songs druckvoller. 


9 Tracks) us 

SOPHIE’S EARTHQUAKE 

SOPHIE’S EARTHQUAKE 

Dickflüssig und zäh, 

wie 

pechschwarzes 

Rohöl, so quellen die 

Töne dieser dunkelroten 

Vinylscheibe 

aus den Boxen. Nur 

behutsam nimmt das 

erste Songmonster namens “Pressure Soul” 

Fahrt auf, über stoischen Bass und Schlagzeug 

legen sich langsam dicke Sounds, erzeugt 

von einer verzerrten Stoner-Gitarre. 

Unentrinnbar steigert sich diese Spirale 

bis zum kakofonischen Chaos, scheinen 

alle Mauern einzustürzen. Auch die beiden 

anderen Tracks gehorchen diesem fremdartigen 

Muster, auch hier kann man dem Sog 

dieser Musik nur schwer entrinnen. Auch 

die Covergestaltung dieser Veröffentlichung 

zeigt, dass SOPHIE’S EARTHQUA- 

KE der gleichnamigen Band alles andere als 

Massenware ist. Für Adansonia Records – 

ein kleiner unabhängiger Musikverlag und 

Konzertveranstalter – ist diese LP erst die 

zweite Veröffentlichung, doch die ebenso 

liebevolle wie hochwertige Verpackung 

und ein musikalischer Inhalt, der schon auf 

Grund seiner Radikalität fesselt, zeigen, 

dass man hier auf dem richtigen Weg ist. 

(Adansonia Records, 2013, 3 Tracks) tk 

ROY ORBISON 

THE SUN YEARS 1956–58 

Da gibt es gar keine 

großen 

Diskussionen, 

wer die frühe 

Zeit, sprich die Sun- 

Jahre, von Roy Orbison 

auf einer Platte 

versammelt 

haben 

möchte, THE SUN YEARS 1956–58 bietet 

genau dies. Produziert von Sun-Records- 

Boss Sam Phillips, klingen diese Lieder 

heute noch unglaublich gut, für das Remastering 

standen die Spezialisten von Bear Family 

Pate. Zusätzlich zu den bekannten Hits 

wie “Ooby Dooby”, “Rock House”, “I Was 

A Fool” oder “A True Love Goodbye” bietet 

diese 180g-Vinylveröffentlichung auch 

zahlreiche Alternativversionen, viele Erstabmischungen, 

die nie den Weg auf eine 

Single fanden, dazu ein bisher unveröffentlichter, 

alternativer Mix von “The Clown” 

sowie zwei unterschiedliche Demos von 

“Claudette”, bei denen nur Gesang und Gitarre 

zu hören sind. Klasse! 


28 Tracks) us 

BLUE ÖYSTER CULT 

AGENTS OF FORTUNE 

Mit “(Don’t Fear) 

The Reaper”, das in 

den USA bis auf #12 

in den Singlecharts 

kletterte, warf das 

1976 veröffentlichte 

AGENTS OF FOR- 

TUNE den größten Hit für Blue Öyster 

Cult ab. In Sog dieses Hits (mit massivem 

Radio-Airplay) brachte es auch das Album 

bis auf #29 in den Billboard-Charts, was 

wiederum zur Folge hatte, dass die Tourneen 

der Band in immer größere Hallen 

verlegt werden mussten. Programmatisch 

auch der Opener der LP, “This Ain’t The 

Summer Of Love”, nach Meinung des 

Rezensenten immer noch eines der besten 

Hard-Rockstücke aller Zeiten. Schade nur, 

dass dieses Niveau nicht durchgehend 

aufrecht gehalten wurde. Mit Patti Smith 

hatten Blue Öyster Cult prominente Hilfe 

bei den Texten, in “The Revenge Of Vera 

Gemini” ist sie zusätzlich am Gesang zu 

hören. Mit Licht und Schatten ist und 

bleibt AGENTS OF FORTUNE eine solide 

Geschichte, trotzdem eine LP, die in keiner 

vernünftigen Rocksammlung fehlen sollte. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1976, 9 Tracks) tk 

FREEDOM 

FREEDOM 

Die selbst betitelte 

Scheibe war 1970 

das dritte Opus der 

von Bobby Harrison 

(voc, dr, Ex-Procol 

Harum) gegründeten 

Band. Nach einer 

Umbesetzung mit Roger Saunders (g) und 

Walter Monagham (b) als Powertrio unterwegs, 

stimmten Freedom darauf Blues- 

Rockiges an, samt Westcoast-Einflüssen, 

dezentem Psychedelic Touch und Boogieneigungen. 

Aus ihrer “Oh Pretty Woman”- 

Version sind Cream-Einflüsse herauszuhören. 

Das Trio überzeugt im Rückblick, auch 

wenn es nicht gerade fair war, “Dirty Water” 

der Standells zu übernehmen, in “Frustrated 

Woman” umzubenennen und sich die 

Autorencredits zuzuschreiben. Was auf der 

2000er CD-Neuauflage noch übernommen 

wurde, ist auf der von Sireena gewohnt 

überzeugend gefertigten Vinylversion 

(180g, weißes Vinyl, limitiert) jetzt zumindest 

auf der Coverrückseite zurechtgerückt. 

(Sireena/Broken Silence, 1970, 

8 Tracks) pro 

CHICKEN SHACK 

O.K. KEN? 

Neben Ten Years 

After und Fleetwood 

Mac gehörten Chicken 

Shack Ende der 

60er Jahre zur Speerspitze 

des britischen 

Blues-Rock. Hauptakteur 

war Gitarrist i t und Sänger Stan Webb, 

der sowohl den Großteil der Songs von O.K. 

KEN? geschrieben hat als auch den Haupt- 

Vinyl 

job am Mikrofon übernahm. Drei Songs 

wurden von Christine Perfect geschrieben 

und gesungen, es war ihr letztes Album bei 

Chicken Shack, später sollte sie als Christine 

McVie bei Fleetwood Mac zu Weltruhm 

gelangen. Andy Sylvester (b) und Dave 

Bidwell (dr) sorgten für die Bluesrhythmen, 

die hier ebenso wie bei ihrem Debüt äußerst 

traditionell daherkamen. Purer Chicago- 

Blues, Trompeten und Saxofone satt, dazu 

Webbs Gitarre, mehr brauchte man damals 

nicht, um das nach authentischem Blues 

lechzende Publikum zu begeistern. Der verdiente 

Lohn war ein Platz in den britischen 

Top 10, so hoch kletterte keine andere LP 

von Chicken Shack. 


11 Tracks) us 

SUZANNE VEGA 

SOLITUDE STANDING 

Mit diesem, ihrem 

zweiten Album gelang 

Suzanne Vega 

1987 der Durchbruch. 

Vor allem 

“Luka”, bei dem die 

optimistisch 

fröhliche 

Melodie im krassen Gegensatz zum 

ernsten Thema Kindesmissbrauch steht, 

wurde zu ihrem größten Hit, kletterte bis 

auf den dritten Platz der Billboard Charts. 

Ein ganz besonderes Eigenleben entwickelte 

das schon 1981 geschriebene A- 

Capella-Stück “Tom’s Diner”. 1990 verwendeten 

die Rapper DNA Vegas Gesang, 

ohne dass sie die Rechte dafür hatten, doch 

statt die Rapper zu verklagen, kaufte Vegas 

Plattenfirma kurzerhand die DNA-Version 

und veröffentlichte sie selbst. Der enorme 

Erfolg – Deutschland #1, Schweiz und Österreich 

#2, UK und USA #5 – gab dieser 

unkonventionellen Vorgehensweise Recht. 

Da auch der Rest der Songs von SOLI- 

TUDE STANDING ein Wiederhören verdient 

hat, kommt die 180g-Vinylwiederveröffentlichung 

genau zur rechten Zeit. 


11 Tracks) tk 

DAVE MASON 

IT’S LIKE YOU NEVER LEFT 

Nach einem langwierigen 

Rechtsstreit 

landete Dave Mason 

1973 bei Columbia 

Records, wo er mit 

IT’S LIKE YOU NE- 

VER LEFT eine von 

Kritikern hochgelobte h LP veröffentlichte, 

die kommerziell gesehen allerdings völlig 

unterging. Für die Aufnahmesessions nutzte 

der ehemalige Traffic-Musiker seine guten 

Verbindungen, die er sich mit Arbeiten für 

Eric Clapton, Cass Elliott, Joe Cocker, David 

Crosby oder Leon Russell erworben hatte, 

und konnte so namhafte Kollegen wie Graham 

Nash, George Harrison und Stevie Wonder 

für die Studio-Arbeit gewinnen. Doch 

warum das Album beim Publikum durchfiel, 

lag nicht an der Klasse der Musiker, sondern 

am unausgegorenen Stilmix, den Mason 

darauf präsentierte. Latino-Rock, Gitarren- 

Funk, Jazz-Rock à la Traffic, das war am 

Ende dann doch zu viel auf einmal ... 


10 Tracks) us 


Ausgabe Nr. 10 

kult! 

Kommen Sie 

mit auf einen 

weiteren Trip 

in die goldene 

Vergangenheit 

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CD 

Blues – R&B – Soul – Funk – Reggae 

JOE BONAMASSA 

TOUR DE FORCE – LIVE IN 

LONDON 

Vor ein paar Monaten gab es Joe Bonamassas 

Eintauchen in die eigene Historie 

schon auf DVD, jetzt folgt die Umsetzung 

auf vier Doppel-CDs. Seinen Siegeszug 

in Europa machte der US-Blues-Rocker 

anschaulich, als er im März 2013 binnen 

weniger Tage in vier Londoner Venues 

unterschiedlicher Größe mit wechselndem 

Personal und Programm unter dem Motto 

„Tour De Force” gastierte. Wie in seinen 

frühen Tagen war Bonamassa in Triobesetzung 

im Borderline-Club zu erleben 

– kraftvoll abgehend mit Songs aus den 

Anfangszeiten. Im Shepherd’s Bush Empire 

waren dann Bläser (und Keyboards) 

dabei, um das Bluesset adäquat umzusetzen 

und das Backing für den Meistergitarristen 

zu liefern. Kurzzeitig akustisch 

ging es im Hammersmith Apollo zu Sache, 

ehe gerockt wurde. Ähnliches gilt für die 

Rückkehr in die Royal Albert Hall mit allen 

Beteiligten der London-Tour und dem 

furiosen Finale. Warum DVDs und CDs 

nicht gleich zusammen veröffentlicht wurden? 

Hat wohl geschäftspolitische Gründe. 

Musikalisch gibt es jedenfalls nichts zu 

mäkeln, zumal sich die Überschneidungen 

in Grenzen halten. 

(Provogue/Rough Trade, 2014, 

9/52:01, 5/36:41, 8/47:53, 

7/54:04, 11/55:44, 7/60:39, 

13/66:13, 7/64:16) pro 

THE BLACK KEYS 

TURN BLUE 

Dan Auerbach & 

Patrick Carney sind 

auf dem besten 

Wege, sich bei den 

stilbildenden Gruppen 

dieses Jahrzehnts 

mit an die 

Spitze zu setzen. Indie-Bluesfeeling ist 

noch immer die Basis ihrer Musik, aber 

die Verfeinerungstendenzen der letzten 

Alben setzen sich bei TURN BLUE fort, 

indem Keyboards- und Synthesizertöne 

mehr Platz bekommen, streckenweise 

sogar das Gesamtklangbild dominieren. 

Denn das Schlagzeug bollert und treibt 

gehörig an, und die durchaus auch psychorockigen 

Songs bleiben einprägsam, sind 

melodisch sehr sorgfältig ausgefeilt und 

im besten Sinne radiotauglich produziert 

worden. Besonders anhand der besten 

Lieder wie “Weight Of Love”, “Fever”, 

“In Our Prime” und “Bullet In The Brain” 

wird deutlich, dass der weiter entwickelte 

Sound der Black Keys insgesamt epischer 

und abwechslungsreicher ist, so bei der 

großen Mehrheit klar besser ankommt. 

TURN BLUE ist ihr erstes Nr.-1-Album in 

den USA, und auch hier zu Lande gelang 

das Vorpreschen in die Top Ten! Alte Fans 

werden vielleicht ein wenig den frühen 

Garagenzeiten nachtrauern, aber sie können 

sich damit trösten, dass noch immer 

gilt: The Blues never dies! 

(Nonesuch/Warner, 2014, 11/45:14) hjg 

B.B. & THE BLUES SHACKS 

BUSINESSMEN 

Mit neuem Drummer und Unterstützung 

einer dreiköpfigen Horn Section live in 

einem Wiener Studio eingespielt, präsentiert 

das Hildesheimer Retroquintett auf 

seiner nunmehr siebten Produktion für 

das Bremer CrossCut-Label 15 Songs, die 

bis auf Chicago-Bluesmann John Brims’ 

”It Was A Dream” komplett aus der Feder 

der Brüder Andreas (g) und Michael Arlt 

(voc, harp) stammen. Dabei bleibt man 

auch im Jahr des 25-jährigen Bandjubiläums 

dem bewährten Soundmix aus klassischem 

elektrischem Blues, R&B und 

Sixties-Soul treu, der hier durch den Bläsersupport 

hinsichtlich Klangfarbe wie 

-fülle noch eine stimmige Erweiterung 

erfährt. Eine rundum gelungene handgemachte 

Bluesscheibe aus deutschen 

Landen, mit der sich die Shacks auch im 

internationalen Vergleich mehr als sehen 

– bzw. hören – lassen können. 

(CrossCut/inakustik, 2014, 

15/55:42) ms 

THE ROYAL SOUTHERN 

BROTHERHOOD 

HEARTSOULBLOOD 

Das neue Album 

der Genre 

übergreifenden 

schwarz-weißen 

Haudegenband 

bestätigt 

aufs 

Nachdrücklichste, 

dass intensives i Touren eine zuvor ohnehin 

schon klar überdurchschnittliche Gruppe 

zur Weltklasseformation machen kann. 

Cyril Neville, Mike Zito, Devon Allman, 

Charlie Wooton und Yonrico Scott veranstalten 

nach einer Tournee durch über 20 

Länder ein kreatives Tauziehen mit den 

Musikrichtungen, die ihren Stil beeinflussen, 

egal ob das nun Funk, Soul, der gute 

alte Zeitlos-Blues oder südstaatlicher 

Hard Rock sind. Dies ist kein Album, 

das als Hintergrundmusik in Sitzungssälen 

gespielt wird, sondern der saftigste 

Blues, der augenblicklich vorstellbar ist. 

Der Opener “World Blues” zeigt die Brotherhood 

gleich auf Betriebstemperatur, 

und es folgen mehrheitlich grandios-raue 

Songs mit wühlendem Bass (“Here It Is”), 

fantastisch lodernden Gitarren (“Ritual”) 

und heißen Schleichermelodien (“Callous”). 

Die Balladenfreunde kommen bei 

“She’s My Lady” und “Takes A Village” 

auf ihre Kosten, während “Love And 

Peace” eine himmlische Hymne ist. Und 

“Rock And Roll” wäre in einer besseren 

Welt garantiert ein Nummer-Eins-Hit! 

(Ruf/inakustik, 2014, 

12/53:12) hjg 

YANA BIBB 

NOT A MINUTE LATE 

Sie hat die Musik in den Genen, schließlich 

ist sie die Enkelin von Leon Bibb und 

die Tochter von Eric Bibb. Doch im Gegensatz 

zu den beiden bewegt sich Yana 

Bibb als Sängerin weniger auf Folk- und 

Bluespfaden, sondern ist im Jazz daheim. 

Die klanglichen Vorlagen ihrer Altvorderen 

sind allenfalls in Spurenelementen 

herauszuhören, auch wenn sich Yana Bibb 

ebenfalls auf akustisches Instrumentarium 

stützt. Das reichert sie – unter Produktionsregie 

des Vaters, der zudem ein paar 

Songs beisteuerte – auch mal mit einem 

Cello und sonstigen Streichern an. Die 


zum Teil selbst verfassten Songs gehen 

in ihren intimen Fassungen ins Ohr und 

setzen sich fest, nicht zuletzt wegen der 

mal fragilen, mal dynamisch loslegenden 

Stimme Bibbs. Ein starkes Debüt, bei 

dem auch der Opa einmal mitsang. 

(Dixiefrog/H’Art, 2014, 

10/41:11) pro 

CROW BLACK CHICKEN 

RUMBLE SHAKE 

Dass in irischen 

Adern auch texanisches 

Blut 

fließen kann, das 

bewiesen Christy 

O’Hanlon (g, 

voc), 

Stephen 

McGrath (b) und Gev Barrett (dr) vor 

zwei Jahren mit ihrem hochgelobten Debüt 

ELECTRIC SOUP. Knochentrockener, 

elektrischer Blues, schnörkellos konsequent 

auf den Punkt gespielt, das war das 

Erfolgsrezept von Crow Black Chicken, 

und damit punktet auch ihr jetzt veröffentlichter 

Nachfolger RUMBLE SHAKE. 

Was den Aufnahmen in den Dubliner Westland 

Studios sicher gut getan hat, waren die 

letzten zwei Jahre, in denen das Bluestrio 

fast ununterbrochen auf Tour war. Stark 

auch, dass sie sich fast durchgehend auf 

selbst geschriebenes Songmaterial stützen 

können, nur “Jessie Mae” stammt aus der 

Feder von Ray Wylie Hubbard, der bei diesem 

Titel auch als Gast zu hören ist. Für 

weitere Farbtupfer sorgen dann noch Mark 

Walsh (lapsteel), Christian Volkman (harp) 

und Stephen Parker (keys). 

(Just For Kicks, 2014, 10/40:28) us 

BLUES PILLS 

BLUES PILLS 

Dass erdiger Blues-Rock, wie ihn in den 

70er Jahren Bands wie Cream, (Peter 

Greens) Fleetwood Mac und Led Zeppelin 

im Programm hatten, von einer neuen, jungen 

Musikergeneration wieder aufgenommen 

wird, dafür gibt es mit Acts wie den 

Black Keys, den White Stripes oder dem 

John Butler Trio genügend Beispiele. Die 

Nächsten in dieser Reihe dürften die 2011 

ins Leben gerufenen Blues Pills sein, deren 

selbst betiteltes Debüt Ende Juli in die Läden 

kommt. Die vielen Vorschusslorbeeren 

beruhen ebenso auf ihren bisherigen Auftritten 

bei diversen Festivals wie auch auf 

ihren drei bisher veröffentlichten EPs. Was 

die Schwedin Elin Larsson (voc), der Franzose 

Dorian Sorriaux (g) sowie die beiden 

Amerikaner Zack Anderson (b) und Cory 

Berry (dr) auf BLUES PILLS abliefern ist 

auf den ersten Blick auch gar nichts Neues. 

Doch ihre unverbrauchte und frische Art, 

Soul mit Blues und Rock’n’Roll zu vermengen, 

ihre unverhohlen zum Ausdruck 

gebrachte Leidenschaft, ihr Timing, zur 

richtigen Zeit das Richtige zu tun, das hebt 

sie weit über den Durchschnitt hinaus und 

lässt auf eine große Karriere hoffen. 

(Nuclear Blast/Warner, 2014, 10/42:49) tk 

DIAZPORA 

STEP UP 

Auf dem Cover sind die Mitglieder der Hamburger 

Combo Diazpora wie ein Sportteam 

in Trikots abgebildet. Eine schweißtreibende 

Sache ist ihr in die Beine gehender Funk al-

CD 

REVIEWS 

lemal. Die acht Studio- und Livemusiker haben 

sich in der Szene längst einen Namen als 

Groovemeister gemacht und mit namhaften 

Künstlern wie Samy Deluxe, Gregory Porter, 

Lew Soloff (Blood Sweat & Tears), Joe 

Bataan und Ferris MC zusammengearbeitet. 

Auf ihrem neuen Studio-Album STEP UP 

begrüßen sie u.a. den Saxofonisten Pee Wee 

Ellis von James Browns legendären J.B.’s als 

Gastmusiker und laufen insgesamt zu Hochform 

auf. Gekonnt verschachteln sie Synkopen, 

legen locker leicht eine Second Line 

– Raw Funk at its best! Selbst Cover-Songs 

wie “Sunshine Of Your Love” (Cream) und 

“Breathe” (The Prodigy) sind vor einer Funkifizierung 

nicht sicher. 8:0 für den Groove! 

(Minor Music/inakustik, 2014, 

16/59:04) frs 

RAY CHARLES 

KING OF COOL – THE GENIUS 

OF RAY CHARLES 

Anlässlich 

des 

zehnten 

Todestages 

von „Brother 

Ray” 

präsentiert 

diese 

3-CD-Box 

70 Titel, die zwischen 

1952 und 

1963 überwiegend auf Atlantic Records 

erschienen, ergänzt um drei erstmals 2005 

veröffentlichte Überbleibsel von Studiosessions 

aus jenen Tagen. Den Auftakt 

macht dabei mit ”Mess Around” Charles’ 

erste Hitsingle für Atlantic aus dem Jahr 

1953, gefolgt von der Proto-Soulnummer 

”I’ve Got A Woman”, die ihm zwei Jahre 

darauf seine erste Top-Platzierung in den 

US-R&B-Charts bescheren sollte und hier 

wie ansonsten noch ”What’d I Say” zudem 

in einer Liveversion enthalten ist. Darüber 

hinaus gibt es neben weniger bekanntem 

Songmaterial weitere Charles-Klassiker 

wie ”Hallelujah I Love Her So” oder seine 

ABC-Erfolge ”Georgia On My Mind”, ”Hit 

The Road Jack” und ”Unchain My Heart”, 

die allesamt in erfreulich hoher Soundqualität 

daherkommen; insbesondere für Musikfans, 

die mit dem Werk des „Genius” weniger 

vertraut sind, wären allerdings über 

Tracklist und Release-Daten hinausgehende 

Infos im Booklet wünschenswert gewesen. 

(Atlantic/Warner, 2014, 3 CDs, 

25/77:02, 25/79:22, 23/74:18) ms 

GREYHOUND GEORGE 

CLEANING UP 

Seit über 30 Jahren ist Jürgen Schildmann 

nun schon dem Blues treu, als Greyhound 

George hat der Musiker aus Bielefeld mit 

CLEANING UP nun wieder ein neues Album 

vorgelegt. Dabei hat er diesen Albumtitel 

ganz bewusst ausgesucht, hat auf alles 

störende (Produktions-)Beiwerk verzichtet, 

alle Titel – teilweise im Duo mit Andy 

Grünet an der Mundharmonika – wurden 

live im Studio eingespielt. Zwölf der fünfzehn 

Lieder hat er selbst geschrieben, dazu 

gibt es mit “Black Cat Bone” (Dave “Snaker” 

Ray), “Mystery Train” (Junior Parker) 

und “Hellhound On My Trail” (Robert 

Johnson) drei Cover-Versionen zu hören. 

Die Art und Weise, wie Schildmann seine 

eigenen Songs sowie diese Vorlagen interpretiert, 

ist purer klassischer Southern- 

Blues, wunderschöner Gitarrensound – die 

verwendeten Instrumente stammen bis auf 

eine Ausnahme aus den 30er Jahren des 20. 

Jahrhunderts –, herrliche, dazu passende 

Mundharmonika, knarziger Gesang, kurzum: 

zeitlos guter Blues! 

(Rock Werk Records, 

2014, 15/58:25) tk 

KENNY „BLUES BOSS” 

WAYNE 

ROLLIN’ WITH THE BLUES 

BOSS 

Kenny Wayne Spruell, 

so der bürgerliche 

Name des „Blues 

Boss”, präsentiert 

auf seinem aktuellen 

Album elf Songs aus 

eigener Feder, bei 

deren Aufnahme er sich für je einen Track 

der Unterstützung der frisch gebackenen 

„Koko Taylor Award”-Gewinnerin Diunna 

Greenleaf (voc) sowie des Akustikbluesers 

Eric Bibb (voc, g) versichern konnte, die allerdings 

nicht im Studio in Vancouver präsent 

waren, sondern ihre Parts andernorts 

einspielten. Dabei macht der mittlerweile 

69-jährige Wahl-Kanadier, der hier außer 

in die Klaviertasten gelegentlich auch in 

die von klassischen Retro-Keyboards wie 

Hammondorgel oder Fender Rhodes greift, 

auch gesanglich eine gute Figur und legt 

alles in allem ein schön unaufgeregt groovendes 

Alterswerk vor, bei dem allein die 

recht kurz gehaltene Spieldauer negativ zu 

Buche schlägt. 

(DixieFrog/H’Art, 2014, 

11/37:49) ms 

JAMES BROWN 

JAMES BROWN & HIS FAMOUS 

FLAMES TOUR THE U.S.A. / 

JAMES BROWN PRESENTS 

HIS BAND FEATURING NIGHT 

TRAIN 

Diese digital remasterte Reissue-CD vereint 

zwei LPs von James Brown aus den 

Jahren 1961 und 1962, ergänzt um fünf 

Bonus-Tracks aus eben jenen Tagen, als 

dem späteren „Godfather Of Soul” noch 

nicht der ganz große Durchbruch gelungen 

war. Auch wenn der Titel des ersten Albums 

anderes suggerieren könnte, handelt es sich 

dabei in beiden Fällen um Studioproduktionen, 

die im Übrigen – bei einem Sänger 

vom Kaliber Browns nicht unbedingt zu 

erwarten – mehrheitlich mit Instrumentals 

aufwarten. Insgesamt reflektiert das Songmaterial 

zum einen Browns musikalische 

Wurzeln, lässt aber bei einem Song wie 

dem auch als Single veröffentlichten ”Mashed 

Potatoes U.S.A.” zugleich erahnen, 

wohin die Reise im weiteren Verlauf der 

Dekade gehen würde. Abgerundet wird das 

Ganze durch ein informatives 16-seitiges 

Booklet. 

(Soul Jam/inakustik, 1961/1962, 

28/74:41) ms 

KING OF THE WORLD 

KING OF THE WORLD 

Aus den Niederlanden stammt dieses 2012 

formierte Bluesquartett, dessen Mitglieder 

für eingefleischten Bluesfans sicher keine 

Unbekannten sind: Gitarrist Erwin Java 

dürfte man von seiner Band Cuby & The 

Blizzards oder von seinen Kooperationen 

mit Jan Akkerman, Larry Carl oder Herman 


Brood kennen, Sänger und Bassist Ruud 

Weber war mit Snowy White unterwegs. 

Auch Govert van der Kolm, der Mann an 

der Hammondorgel, konnte sich schon bei 

Acts wie Coco Montoya, Matt Schofield 

und Mike Welch bewähren, Schlagzeuger 

Fokke de Jong spielte lange Jahre für die 

niederländische Dialektband Normaal. Mit 

ihren elf selbst verfassten Songs – für den 

Hidden Track bedienen sie sich bei Bob 

Dylan – zeigen sie eindrucksvoll, mit wie 

viel Gefühl man heutzutage den Blues 

spielen kann, dass sich vielstimmige Harmonien, 

fett groovender Sound und singende 

Slidegitarre nicht ausschließen, dass 

dies zusammen richtig guten, elektrischen 

Blues-Rock ergeben kann. 

(King Of The World/H’Art, 

2014, 11/46:52) tk 

LUCKY PETERSON 

I’M BACK AGAIN 

Das belgische Blues- 

Boulevard-Label ist 

dafür bekannt, dass 

es neben eigenen 

Produktionen gerne 

auch quasi umetikettierte 

Reissues auf 

den Markt bringt. So auch im vorliegenden 

Fall, stammen sämtliche Tracks dieses Albums 

doch von der bereits 2012 als Doppel-CD 

bzw. DVD/CD-Set erschienenen 

Produktion LIVE AT THE 55 ARTS CLUB 

BERLIN, wobei man hier exakt jene Hälfte 

der Titel der Originalveröffentlichung auswählte, 

bei denen Petersons singende Ehefrau 

Tamara nicht mit von der Partie war. 

Diese elf Songs zeigen den Sänger, Organisten 

und Gitarristen, der in dem Schöneberger 

Kellerclub von seiner dreiköpfigen 

Tourband begleitet wurde, in bester Spiellaune 

und unterstreichen somit – wie auch 

sein aktuelles Studio-Album THE SON 

OF A BLUESMAN –, dass nach überwundenen 

Drogenproblemen wieder mit Peterson 

zu rechnen ist. 

(Blues Boulevard/H’Art, 2014, 

11/73:09) ms 

REVEREND RUSTY 

STRUGGLE 

Nach 

nunmehr 

fünf Jahren der 

stillen Studio-Arbeit 

melden sich 

Reverend Rusty 

zurück. Rusty 

Stone führt uns 

mit STRUGGLE 

zurück zu Blues, wie 

nur er ihn schreiben kann. Inspiriert vom 

echten Leben erzählen er und seine Kollegen 

Al Wood und Mr. C.P. in 13 Songs 

kleine und große Geschichten, mal mit 

vielen und in zwei Instrumentalnummern 

auch mal ganz ohne Worte. Die Entstehung 

von STRUGGLE sei tatsächlich ein 

Kampf gewesen, verrät Rusty Stone. Die 

Platte erfuhr viel mehr Liebe und Zeit und 

sorgte gleichzeitig für mehr Kummer und 

Tränen, als sein Vorgänger. Das Ergebnis 

sind griffige Gitarren und stilistische Ausflüge 

mit Heimkehr. „Life is a beautiful 

Struggle” („Das Leben ist ein wunder- 


CD 

REVIEWS 

schöner Kampf”) schließt das Booklet, 

und genau das hört man, die Freude am 

Kampf um die Entstehung dieses Albums. 

(Rev Stone Music/Galileo Music 

Communication, 2014, 13/57:00) pk 

ERIC BIBB 

IN 50 SONGS 

200 Minuten Musik pur, 50 Songs, die 

zwischen Blues und Folk in unterschiedlichsten 

Facetten changieren, all das liefert 

Eric Bibb auf seiner gelungenen Drei-CD- 

Werkschau. Über zwei Dutzend Alben 

hat der Wahl-Europäer aus New York seit 

1972 veröffentlicht, abgedeckt ist hier der 

Zeitraum zwischen 1999 und 2014. “Wayfaring 

Stranger”, “Shingle By Shingle” 

und “Needed Time” nahm er eigens hierfür 

gelungen neu auf. Höhepunkte herauszuheben, 

ist nahezu unmöglich, da Bibb 

praktisch nie schwächelte. Im Gegenteil: 

Sein feinfühliges Gitarrenspiel (Fingerpicking!), 

der samtige Gesang und starkes 

Songwriting faszinieren immer wieder 

von Neuem. Bibb (mittlerweile 62) versteht 

es einfach, unaufdringlich zu wirken 

und doch in seinen Bann zu ziehen – und 

seine jeweiligen Begleiter geschmackvoll 

wie effizient auszuwählen und einzusetzen. 

Zum Kennenlernen ein perfektes wie 

preiswertes Paket. 

(Dixiefrog/H’Art, 2014, 

18/70:39, 16/68:35, 16/58:57) pro 


DANCING BY MYSELF: LOST IN 

NORTHERN SOUL 

In 

Großbritannien 

ist der so genannte 

Northern Soul immer 

noch aktuell, 

was auch an einer 

nicht zu unterschätzenden 

Clubszene 

liegen mag, die diese Musik aus den 

Sechzigern nach wie vor am Leben hält. 

Damals bestimmten tanzbare Rhythmen, 

Saxofone, Orgeln und schnittige Melodien 

die Veranstaltungsorte, in denen sich 

Teenager auf der Suche nach einer eigenen 

Identität drängelten. Das exquisite 

Righteous Label (hat kürzlich erst die 

Zusammenstellung LOOSE LIPS MIGHT 

SINK SHIPS auf den Markt gebracht) 

kompiliert meist weniger bekannte, aber 

dennoch musikalisch hochwertige Acts 

wie The Vibrations, Billy Gales, Bobby 

Parker und The Knockouts (mit einer originellem 

Fassung von “Fever”). Hier darf 

sich der Hörer auf eine spannende Zeitreise 

einstellen, auch wenn nicht alle Titel 

optimal klingen. Das achtseitige Booklet 

enthält Liner-Notes von Dave Henderson, 

die leider recht spärlich ausfallen. 

(Righteous/Rough Trade, 2014, 

26/60:59) at 

ley, besser bekannt als Big Bill Broonzy 

(1893–1958), bietet neben dem Klassiker 

“Key To The Highway” eine Fülle 

weiterer Hochkaräter wie “All By Myself”, 

“Stuff That Called Money”, “Just A 

Dream” oder “Southern Flood Blues”, die 

sich die Brüder zueigen gemacht haben, 

adäquat unterstützt durch den Pianisten 

Gene Taylor und die sich abwechselnden 

Rhythmusgruppen Bob Glaub/Don Heffington 

und Brad Fordham/Lisa Pankratz. 

Die Alvins verfügen nicht gerade über 

klassisch-bluesige Stimmen, aber es ist 

ja nicht verboten, trotzdem den Blues zu 

singen, wenn man ihn in sich spürt. Dave 

& Phil griffen zum naheliegenden Kunstgriff 

der Verfremdung Richtung Country 

und Roots-Rock und schufen dadurch ein 

ganz herrliches Album zwischen saftigem 

Vollgas-Rock, formstrengen Zwölftaktern 

und semi-akustischen Delikatessen, 

die mit jederzeit hörbarem Enthusiasmus 

eingespielt wurden. An den famosen Resultaten 

herumnörgelnde Puristen machen 

einen Fehler! 

(Yep Roc/Cargo, 2014, 12/42:45) hjg 


LEGENDEN DES SOUL 

Analog zur „Zeit”- 

Edition „Legenden 

Des Jazz” widmet 

sich diese Veröffentlichung 

aus dem 

Hamburger Verlagshaus 

auf 15 CDs je 

einem At Act, dessen musikalischer Output 

einer der unterschiedlichen Facetten jenes 

Genres zugerechnet werden kann, 

das als eine Synthese von Gospelmusik 

und säkularem R&B entstand, wie sie 

exemplarisch in Ray Charles’ Fifties- 

Klassiker ”I’ve Got A Woman” ihren 

Ausdruck fand. Dem „Genius” ist denn 

auch gleich die erste CD der Box gewidmet, 

die allerdings nicht seine klassischen 

Aufnahmen für Atlantic Records enthält, 

sondern solche, die er in den 1960ern für 

ABC einspielte. Weitergeht es mit Sam 

Cooke sowie dem „Godfather Of Soul”, 

James Brown, bevor mit Marvin Gaye 

der erste Motown-Künstler und mit der 

Soul-Blueslady Denise LaSalle die erste 

der zwei hier vertretenen weiblichen Acts 

gefeatured werden. Mit Otis Redding und 

Isaac Hayes folgen sodann die beiden 

wohl bedeutendsten Stax-Musiker, die 

zugleich als einzige in dieser Edition das 

stilbildende Label aus der Südstaatenmetropole 

Memphis repräsentieren, dessen 

Bedeutung dafür im Begleitbuch durch einen 

Extratext mit dem Titel „Willkommen 

in Soulsville” gewürdigt wird. Deutlich 

umfangreicher ist der Pop-affine Sound 

von Berry Gordys Detroiter Hit-Schmiede 

Motown vertreten, und zwar neben Marvin 

Gaye gleich noch mit (Little) Stevie 

Wonder, den Four Tops, Smokey Robinson 

& The Miracles, den Temptations, 

den Supremes sowie Michael Jackson 

bzw. den Jackson 5. Vollendet wird der 

Reigen schließlich durch Aufnahmen der 

O’Jays sowie aus Curtis Mayfields frühen 

Jahren mit den Impressions. Wie immer 

bei derartigen Editionen lässt sich auch 

hier nicht nur über die Songauswahl, sondern 

ebenso über die der Künstler/-innen 


trefflich streiten, kommt Musiker/-innen 

wie Aretha Franklin, Wilson Pickett und 

anderen mehr der Legendenstatus doch 

mindestens genauso zu wie den weiter 

oben Genannten. Dies war auch den Herausgebern 

bewusst, die mit dem Hinweis 

darauf, dass jede Auswahl zu Verzicht 

zwinge, erst gar keinen Anspruch 

auf Vollständigkeit erheben, sondern das 

Ganze vielmehr als „eine Einladung” verstanden 

wissen wollen, „die Welt des Soul 

zu entdecken”. Als Reiseführer auf dieser 

musikalischen Entdeckungstour wird 

einem dabei das bereits erwähnte, gut 200 

Seiten starke Begleitbuch mit Porträts 

der einzelnen Musiker/innen und Bands 

sowie ausgewählten „Zeit”-Artikeln mit 

auf den Weg gegeben, das allerdings ausschließlich 

bei Bestellung des Gesamtpakets 

im „Zeit”-Shop erhältlich ist, wohingegen 

die 15 CDs im Schallplattenhandel 

wiederum nur einzeln erworben werden 

können. 

(Universal, 2014, 15 CDs + 

Begleitbuch) 

ms 

MILLIE JACKSON 

LOVING ARMS – THE SOUL 

COUNTRY ALBUM 

Nicht umsonst gilt 

Millie Jackson zu 

den 

ausgesprochen 

erotischen 

Sängerinnen 

Amerikas, 

die sich auch nicht 

scheut, schon in 

Songtiteln zu verraten, worum es ihr geht: 

“Angel In Your Arms”, “If You’re Not Back 

In Love By Monday”, “I Can’t Stop Loving 

You”, “Loving Arms”, “I Still Love You 

(You Still Love Me)”, “Black Bitch Crazy” 

... Dank überragender Stimme und hochdifferenziertem 

Phrasierungsvermögen gelingen 

ihr regelmäßig höllisch swingende 

Songs, die abwechselnd kraftstrotzend, 

elektrisierend, prickelnd oder sexy schleichend 

daherkommen. Sie erweist sich bei 

“You Needed Me” und “You Never Cross 

My Mind” zudem als ideale Partnerin für 

den elegant-rauchigen Isaac Hayes. Unter 

diesen Voraussetzungen hatte Millie Jackson 

auch keine Probleme, die Grenze zwischen 

Soulterritorium und Countryland zu 

überschreiten, um dort passende Songs aus 

den Werkstätten von Don Gibson, Kenny 

Rogers, Kris Kristofferson oder Mac Davis 

aufzuspüren. Die Genreverschmelzung ist

GoodTimes - Music from the 60s to the 80s T.Rex (Vorschau)

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