GoodTimes - Music from the 60s to the 80s Neue Serie: Plattenstart - Mein erstes Mal (Vorschau)

Beatles • Jon Lord • Robert Plant • Lou Gramm • Roger McGuinn • Robin Gibb • Dave Pegg • ZZ Top • Alan Parsons 

D: € 6,50 • Schweiz CHF 12,00 • A • L • NL • I • B: € 7,00 • Nr. 5/2014 • Oktober/November • www.goodtimes-magazin.de 

Leonard Cohen (80) 

" 

Schlicht ein Genie!" 

Kolleg(inn)en gratulieren 

Colosseum 

Jon Hiseman packt aus: 

Archiv-Schätze! 

Johnny Winter 

Tod einer Legende: 

Der letzte Blues 

Ost-Rock 

Stern Combo Meißen · 

Puhdys · City · Karat 

Bravo 

Der ewige Klassiker 

– Jugend reloaded 

Neue Serie: Plattenstart 

Mein erstes Mal 

Wie Rock-Stars nach den Sternen griffen 

Fotos · Infos · Fakten 

Patti Smith • Sinéad O’Connor • Ali Campbell • John Illsley • Robyn Hitchcock • Manfred Sexauer • Christopher Cross

INHALT 

Ausgabe 132 · Oktober/November 2014 

10 Kiss 

Mysterium ... von Menschen & Monstern 

14 Beatles 

Mono-Vinyl 

16 Colosseum 

Jon Hiseman: Schätze aus dem Archiv! 

18 Puhdys + City + Karat 

Flotter Dreier 

20 Leonard Cohen (80) 

Charme – Songs – Poesie 

22 Johnny Winter 


23 Jon Lord 

Ian Paice – Gedanken an Jon 

23 Sinéad O’Connor 

Fromme Feministin 

24 Stern Combo Meißen 

"Was bleibt" ... 

26 Bravo 

Jugend reloaded 

28 Robert Plant 

Friedensangebot für Jimmy 

28 Lou Gramm 

Versöhnt & erleichtert 

64 Live 

Jazz Open Stuttgart – Patti Smith 

66 Roger McGuinn 

Die Byrds – ein Segen" 

" 

67 Ali Campbell 

Bleichgesicht leuchtet wieder 

68 Kolumne Christian Simon 

Arlo Guthrie & John Denver: Zeitlose Stimmen Amerikas 

69 John Illsley 

Ich bin gern ein altmodischer Sack!" 

" 

70 Merry Clayton 

Soul-Porträt 

71 Robyn Hitchcock 

Der Herbst-Mann 

72 GoodTimes-Newcomer 

Rhonda – Goat – Courtney Barnett – Jules 

74 Robin Gibb 

Trauriges Erbe 

75 Dave Pegg (Jethro Tull/Fairport Convention) 

Cropredy: Mit Tradition in die Zukunft 

76 Neue Serie: Mein erstes Mal 

Plattenstart: Fotos – Infos – Fakten 

80 Brill Building 1964 

Ende einer Ära 

83 GoodTimes-Tipp 

Sally Barker 

84 Phillip Boa 

Anti-Entertainer 

84 Pee Wee Bluesgang 

Schluss mit Wäsche 

86 Manfred Sexauer 

Nachruf: Radio-Rebell & TV-Ikone 

87 ZZ Top 

Unvergessen: Essen 

88 Es war einmal ... 

Ein Blick zurück auf Denkwürdiges 

94 Tom Time Band 

Hauptsache bunt! 

94 Christopher Cross 

Erwachsenen-Pop mit Tiefgang 

95 Alan Parsons 

Kreuzverhör 

98 ... zuguterletzt 

Tokyo – Shakatak – Mr. Big 

Kiss, S. 10 Leonard Cohen, S. 20 Johnny Winter, S. 22 

Stern Combo Meißen, S. 24 Bravo, S. 26 

RUBRIKEN 

4 Aktuell – Neues aus der Szene 

30 CD/Vinyl-Vorstellungen 

57 DVD/Blu-ray-Vorstellungen 

58 Buch-Vorstellungen 

60 GoodTimes-Shop 

62 Kleinanzeigen 

Editorial 


Plattenstart, S. 76 

63 Abo-Bestellschein 

71 Charts 

90 Konzertkalender 

96 Leserbriefe 

98 Impressum 

Fabian Leibfried 

-Herausgeber/Chefredakteur- 

Die Sommerzeit neigt sich dem Ende entgegen und damit 

auch die Zeit der musikalischen Freiluftveranstaltungen. 

Open Air Festivals gibt es mittlerweile fast in jeder Ecke des 

Landes, sie widmen sich allen Spielarten von Rock, Pop und 

sonstigen Genres. Da sind die namhaften Events, die reichlich 

Eintritt kosten. Und dann gibt es immer wieder weniger 

bekannte Veranstaltungen, bei denen Musik-Fans kostenlos 

tolle Entdeckungen machen können – zum Beispiel in Ludwigsburg 

beim „Internationalen Straßenmusik-Festival" oder 

in Nürnberg, wo das „Bardentreffen" wieder 200.000(!) Besucher anlockte. Diese Veranstaltungen 

beziehen neben dem offiziellen Programm einen Teil ihres Flairs auch 

von den Straßenmusikern, die überall mitmischen. Gerade in Sachen Straßenmusik 

kann kaum eine deutsche Stadt mit der irischen Metropole Dublin mithalten. Dort 

sind es nicht nur die gewohnten einzelnen (Akustik-)Gitarristen. Wer vor Ort an Wochenenden 

bei schönem Wetter durch das Künstlerviertel Temple Bar bummelt, traut 

seinen Ohren kaum: Nahezu alle hundert Meter heizt eine Band mit Schlagzeug und 

Verstärkern ein – und das in einer handwerklich und künstlerischen Qualität sowie 

stilistischen Vielfalt, dass nur noch Staunen bleibt! 

Leonard Cohen, einer der ganz Großen, feiert runden Geburtstag – unglaublich, dass 

es schon der 80. ist. Sehr interessante Hommagen haben namhafte deutsche (und 

diesem Land verbundene) Songschreiber und Sänger auf Bitten von GoodTimes geschrieben 

– dies erschien uns interessanter, als einmal mehr Cohens Vita zu erzählen. 

Und dann lässt eine ansonsten eher „ruhige" Rubrik unseres Magazins aufhorchen: 

Alan Parsons dürfte mit einer (launigen?) Antwort im GoodTimes-Kreuzverhör für 

Diskussionen sorgen: Als „überschätztesten Act" nennt er zwei Namen – mit Britney 

Spears dürfte er dabei wohl eher Zustimmung finden als mit Van Morrison ... Lassen 

Sie uns wissen, was Sie dazu meinen. 

Wie immer wünsche ich Ihnen viel Vergnügen 

mit der neuen Ausgabe von GoodTimes. 

Vol. 2 

Mein Erstes Mal 

(Folge 1) 

NEU! 

Alles ab 17.10. erhältlich! 

+ + Nr. 11 

GoodTimes 5/2014 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 3

News 

Aktuell News Aktuell 

Den Titel WIR WAREN MIT DIR BEI RIGO- 

LETTO, BOSS in Anspielung auf den Filmklassiker 

„Manche mögen's heiß" mit Marilyn 

Monroe wird das neue Album von Ulla 

Meinecke tragen. Dabei handelt es sich 

um eine Live-Doppel-CD, die im Oktober 

erscheinen und nur bei Konzerten der Musikerin 

erhältlich sein wird. Sie habe derzeit 

keine Lust, „mich mit irgendwelchen Plattenfirmen 

zu connecten", sagte Meinecke 

im GoodTimes-Gespräch. „Wir machen das 

für unser Publikum!"+++ 

Auf einer Erfolgswelle schwimmen derzeit 

die Blues Pills, die schwedisch-amerikanisch-französischen 

Retro-Blues-Rocker, 

die zum Zeitpunkt des Redaktionsschlusses 

dieser Ausgabe mit ihrem selbst betitelten 

Debütalbum bereits die vierte Woche 

in den Top 25 der deutschen Albumcharts 

rangierte (Top-Position: #4). Allerdings 

sorgte das 2011 gegründete Quartett um 

Sängerin Elin Larsson auch schon für Negativschlagzeilen: 

Drummer Cory Berry 

wurde vor die Tür gesetzt und durch André 

Kvarnström ersetzt+++ 

Bei Whitesnake hat sich ebenfalls das 

Personalkarussell gedreht: Gitarrist Doug 

Aldrich hat sich verabschiedet und ist 

durch Joel Hoekstra ersetzt worden, der 

bislang bei Night Ranger aktiv war. „Wir 

haben mit ihm gejammt und waren alle 

so begeistert, dass wir ihn augenblicklich 

gefragt haben, ob er Whitesnake beitreten 

möchte", erklärte Sänger/Bandleader David 

Coverdale+++ 

Art Garfunkel, der einst mit Paul Simon 

das populärste Popduo aller Zeiten bildete, 

gibt im März 2015 zwei Konzerte in 

Deutschland. In München (17.) und Hamburg 

(19.) wird er sein Soloprogramm präsentieren, 

unterstützt vom Gitarristen Tab 

Laven+++ 

Nun also auch Status Quo: Die Boogie- 

Dauerbrenner werden am 17. Oktober 

AQUOSTIC (STRIPPED BARE) das erste 

Unsere Gewinner aus Heft 3/2014 

Nazareth (18 CDs): 

– Gunther Linges, Bottrop 

Beat in Baden (Buch): 

– Kristian Kühl, Oldenburg 

– Wolfgang Thiel, Parchim 

– Peter Herden, Hochheim/Main 

Akustikalbum ihrer Karriere veröffentlichen. 

22 Quo-Hits werden darauf zu hören 

sein, von "Pictures Of Matchstick Men" 

(1968) bis "Rock Till You Drop" (1991). 

Ebenfalls dabei: "Down The Dustpipe”, 

”Paper Plane”, "Caroline”, "Break The Rules”, 

"Down Down”, "Rain”, "Rockin' All 

Over The World”, "What You're Proposing”, 

"Marguerita Time” und einige mehr. Aufgenommen 

wurde in Francis Rossis Studio 

– mit Background-Sängerinnen und bei 

manchen Stücken mit Streichern. Das Foto 

fürs Albumcover schoss übrigens kein Geringerer 

als Bryan Adams+++ 

Columbia Records/Legacy hat für den 31. 

Oktober die Veröffentlichung von Bob 

Dylans THE BASEMENT TAPES COM- 

PLETE: THE BOOTLEG SERIES VOL. 11" 

sowie von THE BASEMENT TAPES RAW: 

THE BOOT- 

LEG SERIES 

VOL. 11 angekündigt. 

Die beiden 

Editionen erscheinen 

als 

6-CD-Deluxe- 

Boxset oder 

als 2-CD-Edition mit den Highlights von 

THE BASEMENT TAPES+++ 

Dozy Beaky Mick & Tich haben sich 

endgültig von der großen Bühne verabschiedet: 

Die Beatveteranen, die vor einigen 

Jahren noch in Offenbach beim „Beat 

Beat Beat"-GoodTimes-Festival dabei gewesen 

waren, haben im Juli in Finnland ihr 

letztes Konzert als DBM&T gegeben+++ 

Der Anteil von Vinylveröffentlichungen 

nimmt immer mehr zu, wie auch im Good- 

Times-Rezensionsteil 

schwer zu erkennen ist. 

Natürlich wollen wir 

un- 

dabei möglichst hohe 

Qualität bieten, auch die 

Klanggüte der besprochenen 

schwarzen Scheibe 

möglichst gut beurteilen können. Hilfe fand 

die Redaktion dabei bei der Firma Clearaudio 

(www.clearaudio.de), die Plattenspieler und 

Tonabnehmersysteme herstellt und eines davon 

für die Rezensionsarbeit zur Verfügung 

gestellt hat. „Dem steigenden Vinylabsatz 

entspricht eine gute Nachfrage nach Abspielern", 

berichtete das Erlanger Unternehmen 

über die Geschäftsentwicklung+++ 

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Am 8. November wird die Academy Of 

Motion Pictures Arts And Sciences in Hollywood 

Harry Belafonte mit dem Jean 

Hersholt Humanitarian Award ehren+++ 

Im GoodTimes-Interview hatte sich Dusty 

Hill noch auf die gemeinsamen Shows von 

ZZ Top und Jeff Beck gefreut. Doch 

nachdem Beck zuvor schon einige Konzerte 

in Europa gesundheitsbedingt hatte absagen 

müssen, war es dann an Hill, die ersten 

gemeinsamen Auftritte in den USA zu canceln: 

Erst mussten ihm zwei Nierensteine 

entfernt werden, und als er dann wieder fit 

war, rutschte er im Tourbus aus und verletzte 

sich dabei so schwer, dass auf ärztliches 

Anraten alle Shows bis Mitte September 

abgeblasen werden mussten+++ 

Nach dem Ende der Sommerpause ist 

Heinz Rudolf Kunze mit seiner Band 

Räuberzivil ins Studio gegangen, um die 

Arbeit an seiner neuen Platte abzuschließen. 

„Es wird ein Doppelalbum mit 23 

neuen Liedern. Die sind zu drei Vierteln 

schon fertig aufgenommen", sagte Kunze 

im GoodTimes-Gespräch. Erscheinen soll 

die Scheibe dann voraussichtlich im Januar 

2015, „und dann machen wir viel 

Räuberzivil live"+++ 

© Pressefoto 

Mike Zito wird die Royal Southern 

Brotherhood verlassen, um sich auf seine 

Solokarriere zu konzentrieren, die er mit 

seiner Band The Wheel und dem neuen 

Album SONGS FROM THE ROAD vorantreiben 

will. Als seinen Nachfolger haben sich 

Cyril Neville und Devon Allman mit Bart 

Walker einen Labelkollegen bei Ruf Records 

ausgesucht. Zito wird zum Abschluss 

seiner RSB-Zeit aber noch die anstehenden 

Deutschland-Gigs spielen+++ 

Zuletzt war Gary Brooker mit von der Partie, 

beim nächsten Mal stehen Jethro-Tull- 

Gründer Ian Anderson und seine Songs 

im Fokus, wenn das Sinfonie-Orchester 

Wuppertal und die Kantorei Barmen-Gemarke 

als Special Guest zu drei anspruchsvollen 

Abenden unter dem Motto „Rock 

Meets Classic" einladen. Vom 10. bis 12. 

April 2015 werden die drei „Acts" gemeinsam 

in der Historischen Stadthalle Wuppertal 

auftreten+++ 

Der einstige Nazareth-Gitarrist Manny 

Charlton meldet sich mit der Wiederveröffentlichung 

zweier Solo-Alben wieder 

zu Gehör. Sowohl SHARP (2004) als auch 

SHARP RE-LOADED (2005) enthielten 

überwiegend Cover-Versionen, die jetzt mit 

jeweils zwei Bonus-Tracks im Paket wieder 

erhältlich sind. Charlton lebt in den USA, 

ist dort regelmäßig live unterwegs+++ 

Lionel Richie bestritt das Unterhaltungsprogramm, 

als US-Präsident Barack Obama 

Anfang August 45 afrikanische Staatoberhäupter 

im Weißen Haus empfing+++ 

Popa Chubby feiert mit seinem neuem 

Album I’M FEELIN’ LUCKY sein 25-jähriges 

Bühnenjubiläum. Als Gäste waren Dana 

Fuchs und Mike Zito im Studio dabei. „Die 

Songs handeln vom Leben, der Liebe und 

dem Blues, von urbanen Träumereien – 

ich singe den Blues, den Blues der Menschen, 

den New York City Blues", sagte der 

Künstler zum neuen Werk, mit dem er zum 

Dixiefrog-Label zurückgekehrt ist. Für die 

Erstkäufer gibt es als Sahnehäubchen eine 

Gratis-Bonus-CD mit seltenen und frühen 

Aufnahmen Popa Chubbys, unter anderem 

mit den Bands Noxcuse und Bloodclot, der 

Kollaboration mit dem New Yorker Poeten 

Joe Lobelle und eine Kooperation mit den 

Streetdocs, HipHop-Freunden aus Brooklyn+++ 

James Taylor hat nicht nur bald ein 

neues Live-Album (genauer: eine Neuauflage 

von ONE MAN BAND) am Start. Er 

hat darüber hinaus mit Smokey Robinson 

für dessen neue CD SMOKEY AND 

FRIENDS das Duett "Ain’t That Peculiar” 

aufgenommen, das einst von Marvin Gaye 

gesungen worden war. Zudem hat Taylor 

für März/April 2015 sieben Konzerte in 

Deutschland gebucht+++ 

Um bei Robinson und SMOKEY AND 

FRIENDS zu bleiben: Das Album bescherte 

der Motown-Legende umgehend nach der 

Veröffentlichung seine höchste Chart-Platzierung 

seit 33 Jahren: Das Werk mit Duetten 

mit Kollegen wie Elton John, Steven 

Tyler und Mary J. Blige stieg auf #12 in die 

Billoard-Charts ein. Die hatte Robinson im 

Oktober 1959 erstmals erobert, als er es mit 

The Miracles und "Bad Girl" in die Top 100 

schaffte+++ 

Nach ihrem vom Publikum frenetisch gefeierten 

Konzert in der Berliner O2 World 

empfing Dolly Parton, Grande Dame der 

Country-Musik, Bear-Family-Boss Richard 

Weize im Backstagebereich. Die Country- 

Ikone brachte dabei ihre Freude über die 

Wiederveröffentlichung der von ihr zusammen 

mit Porter Wagoner zwischen 1967 

und 1976 eingespielten Country-Klassiker 

in einer 6-CD-Box zum Ausdruck+++ 

© Dolly Parton Entertainment 

Status-Quo-Gitarrist Rick Parfitt musste 

sich einer Herzoperation unterziehen, 

um Probleme an seinem Vierfach-Bypass 

Seite 4 ■ GoodTimes 5/2014 ■ Music from the 60s to the 80s

News Aktuell News Aktuell 

zu beseitigen, der ihm vor sieben Jahren 

gelegt worden war. Der Eingriff verlief reibungslos, 

so dass Parfitt bereits am 23. August 

in Norfolk wieder mit der Band auf der 

Bühne stand. Der Veteran war auf Tour in 

Kroatien erkrankt und notfallmäßig ins UK 

zurückgeflogen worden+++ 

Konzertmitschnitte scheinen en vogue: 

Auch Lake, die Formation um Gitarrist 

Alex Conti 

und den zurückgekehrten 

Sänger 

Ian Cussick, 

haben einige e 

Shows mitgeschnitten, 

nachzuhören n 

auf WINGS OF FREEDOM TOUR (SPRING 

2014). Die auf dem eigenen Mad-As- 

Hell-Label veröffentlichte Doppel-CD 

präsentiert die Band im September und 

Oktober in ganz Deutschland, für die 

Tage zwischen Weihnachten und Silvester 

sind Shows im hohen Norden gebucht+++ 

Standards schwerpunktmäßig aus den 

1930er und 1940er Jahren hat sich Sängerin 

Annie Lennox für ihr neues Album 

NOSTALGIA vorgenommen, darunter 

Klassiker von Billie Holiday, Nina Simone, 

Hoagy Carmichael, George Gershwin, Duke 

Ellington und Louis Armstrong. Ihr neues 

Label Blue Note bringt am 30. September 

drei Wochen vor der CD-Veröffentlichung 

eine Vinylfassung heraus. Dem US-Fachmagazin 

„Billboard" verriet die Sängerin 

in diesem Zusammenhang, dass sie stundenlang 

YouTube nach Werken des Great 

American Songbook durchsucht hatte. Mit 

dabei sind die offenbar unvermeidlichen 

Gassenhauer "Georgia On My Mind” und 

”Summertime”, aber auch Screamin' Jay 

Hawkins' "I Put A Spell On You”. Lennox 

hatte ihr letztes Studio-Album SONGS 

OF MASS DESTRUCTION 2007 veröffentlicht+++ 

36 Jahre war Neil Young mit Gattin Pegi 

verheiratet, jetzt hat er die Scheidung eingereicht. 

Der entsprechende Gerichtstermin 

ist für den 12. Dezember anberaumt. 

Young hatte seine Frau in Südkalifornien 

kennen gelernt, wo sie als Kellnerin arbeitete. 

Sie sang auf seinen Alben Background 

und hat auch selbst drei eigene Longplayer 

veröffentlicht+++ 

Paul McCartney, Mick Jagger und 

zahlreiche weitere britische Künstler haben 

in einem offenen Brief an die Schotten appelliert, 

bei der Abstimmung über eine Abtrennung 

vom Vereinigten Königreich am 

18. September für einen Verbleib in Großbritannien 

zu stimmen. McCartney besitzt 

eine Farm in Schottland und schrieb dort 

seinen 1977er Hit "Mull Of Kintyre”. Der 

in Schottland geborene frühere Talking- 

Heads-Frontmann David Byrne sprach 

sich bei diesem Thema für mehr Autonomie 

und Selbstkontrolle aus und meinte, 

„Unabhängigkeit sei ein bisschen zu viel, 

um damit klarzukommen"+++ 

So etwas nennt man Schwerpunktsetzung: 

Rick Springfield hat seine Australien- 

Tour abgesagt, die am 7. Oktober starten 

sollte. Grund: Er konnte der Versuchung 

nicht widerstehen, an der Seite von Meryl 

Streep in dem Film „Ricki & The Flash” 

mitzuwirken, dessen Dreharbeiten sich mit 

der Konzertreise überschnitten+++ 

Gregg Allman und die leidige Gesundheit: 

Der Sänger und Keyboarder musste 

am 30. Juni schon wieder ins Krankenhaus, 

so dass er den letzten Teil seiner laufenden 

US-Tour absagen musste. Woran er diesmal 

litt, wurde nicht mitgeteilt+++ 

Sechs Alben veröffentlichte George Harrison 

von 1968 bis 1975 auf dem Beatleseigenen 

Apple-Label. Die gibt es nun zusammengefasst 

und von den originalen 

Analogbändern digital remastert als Boxset 

THE APPLE YEARS. Als Bonus gibt es eine 

DVD mit Videos und teils unveröffentlichtem 

Material sowie ein Buch samt Einleitungstext 

von Sohn Dhani Harrison+++ 

Die in der US-Hauptstadt Washington beheimatete 

Library of Congress hat angekündigt, 

dass sie in diesem Jahr Billy Joel 

mit dem Gershwin Prize For Popular Song 

auszeichnen wird. Die Verleihungszeremonie 

ist für November geplant+++ 

Steve Walsh hat sich wieder einmal als 

Leadsänger von Kansas verabschiedet – 

diesmal wohl endgültig, nachdem er bereits 

zwischen 1981 und 1986 ausgestiegen war. 

Die Band kündigte an, mit Ronnie Platt 

als Walsh-Nachfolger weiterzumachen. 

Der Sänger, der auch Keyboards spielt, war 

seit vielen Jahren als Frontmann diverser 

Cover-Bands (u.a. Arra, Shooting Star) unterwegs 

und ist in der Vergangenheit auch 

schon als Opener für Kansas aufgetreten. 

„Deshalb brauchten wir auch keine Auditions, 

sondern hatten in 15 Minuten das 

Geschäftliche geregelt, und dann war alles 

klar", sagte Kansas-Drummer Phil Ehart. 

Die erste Show mit Platt war für den 12.9. 

in Oklahoma City gebucht+++ 

Mit dem Doppel-CD-Sampler 20 YEARS 

ANNIVERSARY feiert das zu den international 

renommiertesten Blues-Labels zählende 

Unternehmen Ruf Records 20-jähriges 

Bestehen. 28 Songs umfasst die Veröffentlichung, 

deren eine CD „Girls With Guitars" 

überschrieben ist, die andere „Guys With 

Guitars". Firmenchef Thomas Ruf hatte das 

Label gegründet, um dem damals von ihm 

gemanagten Luther Allison eine Möglichkeit 

zu geben, Platten zu veröffentlichen. 

Heute ist Ruf Records im thüringischen 

Lindewerra ansässig, und der Boss träumt 

davon, dort ein House Of Blues einzurichten: 

mit Studio, Konzertsaal und einer Hall 

Of Fame der Ruf-Künstler+++ 

Die Verkaufszahlen physischer Tonträger 

in den USA haben im August einen neuen 

Tiefstand erreicht, seit die Firma Nielsen 

SoundScan seit 1991 den Absatz von 

Alben dokumentiert. In der letzten Woche 

des Monats gingen 3,97 Millionen Alben 

über den echten oder virtuellen Ladentisch 

– dabei sank die Zahl erstmals unter die 

Vier-Millionen-Marke+++ 

Aufregende Wochen hat US-Blues-Rocker 

Eric Sardinas hinter sich: Erst verschwanden 

seine Gitarren, als er von Los Angeles 

nach Europa flog, um dort zu touren. „Ich 

konnte dank der Hilfe von Freunden und 

Fans trotzdem spielen, die mir vor den 

Shows ihre Instrumente brachten – es war 

schon eine Herausforderung, jeden Abend 

ein anderes Instrument zu spielen", sagte 

der Resonator-Spezialist GoodTimes. Und 

dann brach er sich kurz vor Tourende bei 

einem Gig in Österreich ein Bein: „Als ich 

Leute aus dem Publikum zum Jammen auf 

die Bühne holte, blieb ich mit meinem Stiefel 

in einem Loch im Bühnenboden hängen 

und stürzte zwei Meter in die Tiefe." Und 

so trug er beim Abmischen seines neuen 

Albums BOOMERANG Gips+++ 

Rechtzeitig zur Deutschland-Tour im 

Herbst erscheint Carl Carltons neues Album 

LIGHTS OUT IN WONDERLAND. Bei 

den anstehenden Konzerten wird der Gitarrist 

sowohl akustisch als auch elektrisch 

performen, wie er im GoodTimes-Gespräch 

ankündigte (Ausführlicheres in der nächsten 

Ausgabe). Außerdem wird es 2015 

ein neues Album seiner Band Songdogs 

geben+++ 

Am 2. Oktober läuft „Männerhort" in den 

deutschen Kinos an. Die Münchner Band 

Beathotel wird dabei – wie schon bei 

den „Vorgängerfilmen" – musikalisch vertreten 

sein: mit dem Sitarsong "Alone". 

Ob es einen Soundtrack geben wird, war 

bei Redaktionsschluss noch unklar+++ 


Jeff Christie hat krankheitsbedingt alle 

Termine für 2014 absagen müssen. Beim 

GoodTimes-Festival am 18. Oktober in Offenbach 

werden deshalb an seiner Stelle The 

Rubettes feat. Bill Hurd für ihn auftreten 

und ihre zahlreichen Klassiker spielen+++ 

Wiederentdeckt nach 41 Jahren: PEKIN 

TAPES, das unveröffentlicht gebliebene 

und verlorengeglaubte erste Album von 

Pavlov's Dog aus dem Jahr 1973, wird 

am 28.11. vom Münchner Label Rockville 

doch noch herausgebracht. Die PEKIN 

TAPES waren im Oktober 1973, also fast 

zwei Jahre vor PAMPERED MENIAL, in Eigenregie 

aufgenommen worden und sollten 

ursprünglich das Debütalbum der Band 

um David Surkamp werden. Das Golden 

Voice Studio in Pekin, Illinois, in dem die 

Aufnahmen entstanden waren, brannte 


News 

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1977 nieder, und mit ihm die Masterbänder 

des in Vergessenheit geratenen Albums. 

2014 wurde überraschend eine Kopie der 

PEKIN TAPES gefunden und aufwändig restauriert. 

Als Bonus-Tracks gibt es nun vier 

im März 1973 aufgenommene Demoversionen, 

die als das früheste Lebenszeichen 

der Prog-Rockband überhaupt gelten+++ 

24 KARAT GOLD – SONGS FROM THE 

VAULT ist das Album von Stevie Nicks 

betitelt, das am 3.10. erscheint. Dafür hat 

Nicks tief in ihrem persönlichen Archiv gegraben 

und Songs zutage gefördert, die sie 

noch nie für Alben aufgenommen hat. Zu 

hören gibt es 14 Lieder aus über 25 Jahren 

Songwriting. „Ich habe früher viele Songs 

auf Cassetten aufgenommen und sie dann 

an andere weitergereicht", kommentierte 

die Fleetwood-Mac-Sängerin den Nachfolger 

ihres 2011er Werks IN YOUR DREAMS. 

„Ich habe zwölf Songs aus über 40 Demos 

herausgesucht, die ich zwischen 1969 und 

1987 aufgenommen habe, und sie mit zwei 

Songs ergänzt, die ich 1994 bzw. 1995 geschrieben 

habe. Es ist eine Chronik der Liebe 

vom Anfang bis zum Ende." Mit Nashville-Assen 

spielte Nicks die Songs in nur 

zwei Wochen neu ein+++ 

Emigrate nennt Rammstein-Gitarrist 

Richard Kruspe sein Soloprojekt, mit 

dem er 2007 das selbst betitelte Album 

herausbrachte. Auch der Ende Oktober 

auf CD und Vinyl erscheinende Nachfolger 

SILENT SO LONG zeigt Kruspe als facettenreichen 

Sänger von düster-melancholischen 

Industrial- und Metalsongs. 

Womit er wie schon mit EMIGRATE wieder 

in die Top Ten der deutschen Charts 

einziehen will. Mit von der Partie waren 

im Studio Produzent Olson Involtini sowie 

Arnaud Giroux (b), Mikko Sirén (dr) 

und per Hard-Rock-Jam "Silent So Long" 

Motörheads Lemmy, Jonathan Davis 

(Korn), Peaches und Marilyn Manson+++ 

Foto: © Alexander Gnädinger 

Mike Oldfields bekanntestes Werk dürfte 

die 1973 entstandene Ein-Mann-Sinfonie 

TUBULAR BELLS sein, von der der 

Engländer nie mehr so richtig loskam. Das 

bahnbrechende Werk fand in der Zeit, als 

Oldfield bei Warner unter Vertrag stand, 

also seit 1992, vier Fortsetzungen sowie 

vier weitere Alben mit neuen Themenkreisen. 

Im Oktober veröffentlicht die Warner-Tochter 

Rhino Records nun alle acht 

Oldfield-Alben aus den Warner-Jahren in 

einer stabilen Pappbox als THE STUDIO 

ALBUMS 1992–2003, ebenso eine digitale 

Version zum Download. Dazu gibt es 

TUBULAR BELLS II, THE SONGS OF DIS- 

TANT EARTH, VOYAGER und TUBULAR 

BELLS 2003 jeweils auf 180 Gramm starkem 

Vinyl+++ 

Im Oktober wird die Reihe der spektakulären 

Led-Zeppelin-Reissues mit zusätzlichen 

„Companion-Discs" fortgesetzt. Die 

Wiederveröffentlichung von LED ZEPPELIN 

IV, auf dem sich Klassiker wie "Black Dog", 

"Rock’n’Roll", "Stairway To Heaven" und 

das Bluesmonster "When The Levee Breaks" 

befinden, ist für den 24. Oktober angesetzt, 

gleichzeitig auch die von HOUSES OF THE 

HOLY. Beide Alben wurden wieder von Jimmy 

Page höchstpersönlich produziert und 

remastert, es gibt mehrere CD-Konfigurationen, 

eine Vinyledition und eine Downloadversion 

– jeweils mit reichlich bislang 

ungehörtem Zusatzmaterial aus dem Studioschaffen 

der Band. Der Auftakt der Led- 

Zeppelin-Wiederveröffentlichungsreihe 

im Juni war weltweit eine Sensation: In 

Deutschland katapultierten sich alle drei 

Reissues (LED ZEPPELIN, II und III) in die 

Album-Top-5, in den USA erreichten sie die 

Top 20 der Billboard-Charts+++ 

Gute Nachrichten für Jimi-Hendrix- 

Fans: Sein erstes posthumes Album CRY 

OF LOVE sowie RAINBOW BRIDGE gibt es 

demnächst in überarbeiteten Neuauflagen. 

Verantwortlich zeichnen dafür The Jimi 

Hendrix Estate und der Sony-Music-Ableger 

Legacy Recordings+++ 

THE GIRL FROM DETROIT CITY heißt eine 

4-CD-Box, mit der Rock'n'Roll-Queen 

Suzi Quatro nun 50 Jahre im Musikbusiness 

feiert. Enthalten sind 82 Tracks, 

die ihre Karriere weitgehend abdecken. 

Dazu kommen drei Nummern, die sie 

einst mit der All-Girl-Rocktruppe Pleasure 

Seekers aufnahm, die sie Ende der 60er 

Jahre mit ihrer Schwester Patti betrieb. 

Anlässlich des Jubiläums richtet die BBC 

am 26. September in London eine Special 

Performance ihrer One-Woman-Show 

„Unzipped” aus und zeichnet diese für 

eine Radio-Ausstrahlung im Oktober (und 

wohl auch für spätere Tonträger) auf. 

Zugleich kündigte ihr Label Cherry Red 

an, am 29. September die Single "The Girl 

From Detroit City” zu veröffentlichen, allerdings 

nur als Download. Dieser neue 

Song wurde von Mike Chapman eigens 

für die Box geschrieben – darin geht es 

Verlosung 

4xDVD 

Leonard Cohen 

um Quatros Anfänge in Detroit und ihre 

Entdeckung durch Mickie Most+++ 

In Rheinland-Pfalz ist das Blues-Rocktrio 

Johnny Rieger Band beheimatet, das 

eifrig durch die deutschen Lande tourt 

und bislang zwei Alben veröffentlicht 

hat. Bei diesen Gigs freundete sich die 

Band mit dem Australier John McNamara 

an. Der vermittelte ihr jetzt die Möglichkeit, 

ab Ende September vier Wochen 

lang durch Down Under zu touren! Dafür 

unterbrach die Band die Arbeit an ihrem 

dritten Album, das sie mit Vilko Zanki als 

Produzent einspielt+++ 

Can machen in diesem Jahr alle ihre Studio-Alben 

wieder auf ihrem Label Spoon 

Records einzeln auf Vinyl zugänglich, 

inklusive OUT OF REACH, das erstmals 

seit 1978 wieder neu aufgelegt wird – 

dazu erstmals überhaupt auf CD und als 

Download. Alle Alben wurden von den 

originalen Bändern remastert und sind 

auf 180-Gramm-Vinyl erhältlich (plus digitalen 

Download-Code). Nach den klassischen 

Alben werden im November THE 

LOST TAPES VOL. 1–5 als Vinyleinzelveröffentlichungen 

folgen. Die waren 2012 

als 3-CD-Boxset und 5-LP-Vinylbox-Set 

erstmals erschienen, sind inzwischen aber 

vergriffen. Kuratiert von Irmin Schmidt 

und Daniel Miller enthalten die Alben eine 

bis 2012 unveröffentlichte Auswahl an 

Live- und Studio-Aufnahmen von 1968 

bis 1977. Dabei war das klassische Line- 

Up mit Holger Czukay (b), Michael Karoli 

(g), Jaki Liebezeit (dr) und Irmin Schmidt 

Seite 6 ■ GoodTimes 5/2014 ■ Music from the 60s to the 80s 


GoodTimes verlost unter allen Teilnehmern! e e Stichwort: Verlosung GoodTimes 5/2014 

3xLP 

3xCD 

3x CD 

handsigniert 

von Echo Us 

(keys) sowie die beiden Sänger Damo 

Suzuki und Malcolm Mooney. Außerdem 

hat das angesehene Verlagshaus Faber 

& Faber die Veröffentlichung eines Can- 

Werks für 2016 angekündigt: ein Coffeetable-Book, 

ein Doppelband mit einer 

Can-Biografie (verfasst von Rob Young) 

und ein „Symposium", kuratiert von Irmin 

Schmidt – eine Kollage von Eindrücken, 

Kunst und Interviews, die Schmidt mit 

Künstlern und dem Ausgangsthema Can 

geführt hat. Bereits 2015 wird ein weiteres 

„Can-Buch" erscheinen, das der Schriftsteller, 

Can-Fan und -Freund Alan Warner 

über TAGO MAGO geschrieben hat+++ 

Seit vier Jahren ist der einstige Jethro- 

Tull-Gitarrist Martin Barre mit seiner 

eigenen Band unterwegs und will sich 

künftig noch stärker als bislang auf 

Deutschland konzentrieren. Bis zu 40 

Shows will er in der näheren Zukunft hier 

spielen, um bei der Gelegenheit sein neues 

Album ORDER OF PLAY präsentieren. 

Tourauftakt ist am 8.10. in Nürnberg. 

Dabei bietet Barre der charismatischen 

Sängerin Shelly Bonet ein Podium, sich 

vorzustellen, nachdem sie bereits im 

Frühjahr als Opener für Michael Bolton 

für Begeis terung gesorgt hatte+++ 

Am 24.10. veröffentlicht Chris de Burgh 

über das Starwatch-Label sein bereits 

20. Studio-Album. Es wird den Titel THE 

HANDS OF MAN tragen. Ab 21. April 2015 

wird de Burgh dann bis zum 29. Mai durch 

Deutschland touren+++ 

Die 2014er Ausgabe von " 

Rock Meets 

Classic" war die bislang erfolgreichste 

dieser Tourneereihe. Die Teilnehmer für 

2015 stehen nun auch fest: Mit dabei sind 

Ian Gillan (Deep Purple), Rick Parfitt (Status 

Quo), John Wetton (Asia) und Eric Martin 

(Mr. Big)+++ 

Am 8. August hat Paul Revere bekannt 

gegeben, auf Anraten seiner Ärzte künftig 

nicht mehr zu touren. Der Sänger ist 

mittlerweile 76 Jahre alt. Seine Band wird 

nichtsdestotrotz als Paul Revere's Raiders 

weitermachen, wobei Revere als „Executive 

Producer” weiter die Strippen in der Hand 

behält. Außerdem kehrt sein Sohn Jamie zu 

der Gruppe zurück+++ 

Konzertkarten für: 

Acoustic Fever 

(3x 2 Karten, Ort nach Wahl) 

Nazareth 

am 23.11. in Köln, Kantine (1x 2 Karten) 

Mother's Finest 

am 29.10. Bonn, Harmonie (1x 2 Karten) 

Uriah Heep 

(3x 2 Karten, Ort nach Wahl) 

Bitte beachten Sie die Termine siehe 

Konzertkalender Seite 90 und auf den 

rechtzeitigen Einsendeschluss. 

Die Gewinner werden schriftlich benachrichtigt. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. Einsendeschluss ist der 21.11.2014! 

NikMa Verlag · Eberdinger Str. 37 · 71665 Vaihingen/Enz · Fax: 0 70 42/37660-188 E-Mail: goodtimes@nikma.de

News 

Aktuell 

News 

Aktuell 

Bislang hatte die irische Musikerin Grainne 

Duffy – aus welchen Gründen auch immer 

– einen Bogen um Deutschland herum gemacht. 

Dabei ist die 30-Jährige viel herumgekommen, 

hat nach ihrem Musikstudium 

an der University Of Ireland in italienischen 

Studios gearbeitet, trat bei renommierten 

Festivals (Glastonbury, Notodden) auf und 

war in Skandinavien, Frankreich, Holland, 

Italien und Thailand auf Tour. Ab dem 

11. Oktober kommt sie nun erstmals nach 

Deutschland, und das gleich zu 16 Konzerten. 

Dabei wird sie neben neuen Songs 

vor allem ihre beiden bislang erschienenen 

Alben präsentieren: OUT OF THE DARK 

„zeigte 2007 vor allem meine Wurzeln im 

Blues, aber auch meine Vorliebe für Folk 

und Country sowie ein bisschen Southern 

Rock im Stile der Allman Brothers”, wie sie 

im GoodTimes-Interview sagte. „TEST OF 

TIME 2011 klang zeitgenössischer, orientierte 

sich vor allem an Classic Rock”+++ 

Rock'n'Roll-Pionier Chuck Berry ist am 

26. August in Anwesenheit von König Carl 

Gustaf XVI. in Stockholm mit dem renommierten 

schwedischen Polar Music Prize 

ausgezeichnet worden. Der 88-Jährige 

konnte allerdings aus gesundheitlichen 

Gründen der Zeremonie nicht beiwohnen. 

In einer Videobotschaft würdigte Keith 

Richards Berry als Inspirationsquelle – „er 

war nicht nur Nahrung für mich, sondern 

viele Jahre auch übers Radio lebensnotwendiger 

Atem, als ich lernte, Gitarre zu 

spielen, und versuchte herauszufinden, 

wie man so ein Allrounder wie er werden 

kann”. Der von Abba-Manager Stig Andersson 

begründete Polar-Preis wurde 1992 

zum ersten Mal vergeben, zu den bisherigen 

Preisträgern gehören Paul McCartney, 

Bruce Springsteen, B.B. King, Pink Floyd 

und Led Zeppelin+++ 

Ihr Schwarzbrenner-Nebenprojekt, die 

CD HERBES GLÜCK (Rezension siehe GT 

6/2013), hat sich zum Selbstläufer entwickelt, 

reduziert auf Gitarre und Perkussion 

entwickelten die Lieder von Wolfgang 

Becker 

und Christoph 

Keisers 

ein höchst 

erfreuliches 

Eigenleben. 

Auf www. 

beckerkeisers. 

de gibt es 

nun eine kleine, dafür aber umso feinere 

Fortsetzung: Die EP „Unterwegs" enthält 

„fünf Songs vom Weitergehen", die Musik 

darauf stammt von Wolfgang Becker, 

die sich mit dem Unterwegssein befassenden 

Texte von Georg Heym, Andreas 

Hähle und Sarah Schirm+++ 

AN EVENING WITH KRIS KRISTOF- 

FERSON ist die Live-Doppel-CD betitelt, 

mit der sich der 78-jährige (!) US-Singer/ 

Songwriter wieder zu Gehör meldet. Dokumentiert 

ist darauf sein Auftritt in der 

Londoner Union Chapel am 26.9.2013, 

bei dem er seine Klassiker wie "Me And 

Bobby Gee", "Sunday Morning Coming 

Down" oder "Help Me Make It Through 

The Night" anstimmte, aber auch Songs 

seines jüngsten Studio-Albums FEELING 

MORTAL. Die 34 Stücke zeigen, dass der 

Meister immer noch sehr fit ist+++ 

Ein anderer Musikveteran, dem Mann 

sein Alter nicht anmerkt, ist Schlagzeuger 

Mani Neumeier. Das halbrunde Jubiläum 

seiner Band Guru Guru feiert er mit 45 

YEARS LIVE, das bei der Tour im vergangenen 

Jahr zum Bühnenjubiläum mitgeschnitten 

wurde und zwei CDs umfasst. 

Bleibt abzuwarten, was sich der „Elektrolurch" 

einfallen lässt, um nächstes Jahr 

seinen 75. Geburtstag zu feiern+++ 

Sein 14. Studio-Album veröffentlicht 

Jackson Browne am 6.10. mit STAN- 

DING IN THE BREACH. Mit dem gebürtigen 

Heidelberger Browne waren Val Mc- 

Callum, Mauricio Lewak, Jeff Young und 

Bob Glaub im Studio, ehe sie in den USA 

auf eine gemeinsame Tour aufbrachen. 

„Das ist meine absolute Wunschband, mit 

einigen meiner liebsten Musiker – ihre gemeinsamen 

Talente stützen das musikalische 

und emotionale Fundament meiner 

neuen Songs", sagte Browne+++ 

Veteranentrommler Carmine Appice 

hat sich mit dem US-Label Cleopatra Records 

zusammengetan, um dort rare Liveund 

Studio-Aufnahmen herauszubringen, 

die er mit Bands wie Cactus (AN EVENING 

IN TOKYO), Tim Bogert & Carmine Appice 

sowie Pat Travers & Carmine Appice produziert 

hat+++ 

Die Gerüchteküche in den USA will wissen, 

dass Neil Young an einem Studio- 

Album arbeitet, das den Titel STORY- 

TONE tragen und schon im November 

erscheinen soll. An dem ist unbestätigten 

Meldungen zufolge auch der deutsche 

Komponist und Produzent Chris Walden 

beteiligt. Von Young ist bekannt, dass 

er eine Vorliebe für orchestrierte Musik 

hat. Dem US-Magazin „Billboard" hatte 

er vor nicht allzu langer Zeit erzählt: „Ich 

würde gerne mal eine Platte mit großem 

Orchester machen und alles mono mit 

nur einem Mikrofon aufnehmen." Bleibt 

nichts anderes als abzuwarten, was daraus 

geworden ist+++ 

Bislang nur auf Vinyl erhältlich war das 

2013er Album WHITE HORSES von Inga 

Rumpf. Dieser Analog-Mitschnitt auf einer 

Doppel-LP kommt am 3.10. auch auf CD 

heraus. Diese musste allerdings aus Platzgründen 

um "Angie" (Jagger/Richards) und 

Tony Joe Whites "Undercover Agent For 

The Blues" gekürzt werden+++ 

Am 20.11. starten Uriah Heep in Halle/ 

Saale ihre „Outsider-Tour", die sie bis zum 

11.12. (München) quer durch 17 deutsche 

Städte führt. Bandleader Mick Box (g), 

Sänger Bernie Shaw & Co. werden dabei 

ihr neues Studiowerk vorstellen, das das 

Motto für die Tour liefert. Mit dabei sind 

als „Very Special Guest” die Hard Rocker 

von Voodoo Circle mit Sänger David 

Readman, Axel Beyrodt (g), Mat Sinner 

(b), Jimmy Kresic (keys) und Markus Kullmann 

(dr)+++ 

Phil Collins hat seinen ersten Konzertauftritt 

seit vier Jahren angekündigt. Er 

wird am 6.12. als Headliner beim „Dreaming 

On The Beach Concert”, einer Benefizveranstaltung, 

im Fillmore Miami 

Beach in Florida auf die Bühne gehen. 

In Miami hatte er schon früher in diesem 

Jahr überraschend bei einer Feier der 

Schule, die seine Söhne besuchen, "In 

The Air Tonight” und "Land Of Confusion” 

live zum Besten gegeben. Außerdem 

verriet der einstige Frontmann und 

Schlagzeuger von Genesis, dass er mit 

Adele für deren neues Album zusammenarbeitet+++ 

Die eingeschworenen Fans haben es natürlich 

registriert, der breiten Öffentlichkeit 

blieb es jedoch weitgehend verborgen: 

Queen, sprich Gitarrist Brian May 

und Drummer Roger Taylor, waren wieder 

mal aktiv. Genauer gesagt tourten 

sie mehrere Wochen durch die USA, Australien 

und Neuseeland, wo am 4.9. der 

letzte Gig in Auckland über die Bühne 

ging. Gesungen hat dabei Adam Lambert, 

der 2009 in der US-TV-Castingshow 

„American Idol" Platz zwei belegt 

und bereits 2012 unter anderem beim 

„Sonisphere Festival" mit Queen live 

gesungen hatte. Nach der Tour machte 

sich Lambert wieder an die Arbeit an 

seinem dritten Solo-Album, das noch in 

diesem Jahr erscheinen soll+++ 


Verstorben 

Mike Hawker (*29.11.1936) war in den 

60er Jahren ein gefragter Texter, aus dessen 

Co-Feder Hits wie Dusty Springfields 

"I Only Want To Be With”, "Stay Awhile” 

oder "I Wish I'd Never Loved You” stammten, 

ebenso Helen Shapiros #1-Hit" You 

Don't Know". Hawker verstarb bereits am 

4. Mai, wie erst jetzt bekannt wurde. 

Linda Rodney verdiente ihren Lebensunterhalt 

als Blues-, R&B- und Funksängerin, 

unter anderem als Mitglied von Chocolate 

Thunder. Sie starb am 30.6. im Alter von 

57 Jahren. 

Nick Charles spielte Bass für Muddy 

Waters, Howlin' Wolf, Magic Sam, Buddy 

Guy, Son Seals und Billy Branch – bis zum 

1.7. 

Lois Johnson (*15.5.1942) war mit 

"Loving You Will Never Grow Old” und "I 

Hate Goodbyes” erfolgreich, sang auch mit 

Hank Williams Jr. und verstummte am 7.7. 

für immer. 

Richard Cowsill war Zwillingsbruder 

von Bob Cowsill, der als Gitarrist der Familienband 

The Cowsills angehörte. Für 

die wiederum arbeitete Richard als Tourmanager. 

Er erlag am 8.7. einem Lungenkrebsleiden. 

John Spinks (*1954) gehörte als Gitarrist 

Bands wie Sirius B, Baseball Boys und dem 

englischen Power-Poptrio The Outfield an, 

mit dem er in den 80er Jahren in den USA 

dank massiver MTV-Rotation abräumte 

(das Debütalbum PLAY DEEP verkaufte 

sich über drei Millionen Mal). Leberkrebs 

kostete ihn am 9.7. das Leben. 

Tommy Ramone (*29.1.1952 als Erdelyi 

Tamas in Budapest) arbeitete nach 

der Emigration seiner Familie aus Ungarn 

(1957) als Toningenieur 

für Jimi Hendrix, 

gehörte The Tangerine 

Puppets (mit Johnny 

Ramone) an, ehe er als 

Drummer 1974 bei der 

Gründung der Ramones 

dabei war und die Musikwelt entscheidend 

mitveränderte. Er co-produzierte 

vier Alben der Punk-Urväter. Nach seinem 

Ausstieg 1978 verlegte er, der auch Mandoline, 

Gitarre, Banjo und Dobro spielte, 

sich auf Bluegrass (mit Uncle Monk) und 

produzierte andere Acts wie The Replacements, 

aber auch seine Ex-Kollegen (1984 

TOO TOUGH TO DIE). Ein Krebsleiden raffte 

das letzte noch lebende Originalmitglied 

der Ramones (Aufnahme in die Rock'n'Roll 

Hall Of Fame: 2002) am 11.7. dahin. 

Charlie Haden (*6.8.1937) bearbeitete 

seinen (Kontra-)Bass für The Liberation 

Music Orchestra, arbeitete mit Jazzgrößen 

wie Ornette Coleman, Archie Shepp, 

Attila Zoller, Art Pepper, Keith Jarrett und 

Carla Bley. Startete eine Solokarriere, war 

kommerziell am erfolgreichsten in den 

späten 80er Jahren mit seinem Quartet 

West. War daneben gern gesehener Studiogast 

bei Rockkollegen wie Ringo Starr, 

Elvis Costello, Ginger Baker, Beck und 

Yoko Ono. Seine Kinder sind längst auch 

etablierte Größen – Sohn Joshua mit seiner 

Band Spain, seine Töchter Petra, Tanya und 

Rachel (Hadenmake) mit ihrem Countrytrio 

The Haden Triplets. Charlie Haden starb am 

11.7. nach längerer Krankheit. 

George Riddle (*1.9.1935) griff für George 

Jones, The Jones Boys und Bill Carlisle in 

die Saiten seiner Gitarre und schrieb Songs 

für Ray Charles, Tammy Wynette, Del Reeves, 

Melba Montgomery und Margie Singleton, 

bis ihn der Kehlkopfkrebs am 20.7. 

endgültig besiegte. 

Gene Walker war als Saxofonist tätig 

für die Beatles, Sam Cooke, Neil Diamond, 

Jackie Wilson, King Curtis und Aretha Franklin, 

ehe er am 21.7. 76-jährig für immer 

verstummte. 

Jon David Wheeler (*28.7.1964) betrieb 

als vielseitiger Sänger und Gitarrist (Hard 

Rock, Blues, Jazz) mit seinem Bruder Paul die 

Band Wheeler, war bei The Incredible Case Of 

Insanity Band, The Criminals, Summer Turning 

Blue und zahlreichen weiteren Gruppen 

aktiv, ehe er am 22.7. auf ewig ging. 

Don Dirt" Lanier sorgte als Leadgitarrist 

" bei den Rhythm Orchids, der Begleitband 

von Buddy Knox 

und Jimmy Bowen, 

für die passenden 

Töne. Als 

Co-Autor war er 

an Buddy Hollys 

"Hula Love" und Bowens Erfolgsnummer 

"I'm Stickin' With You” beteiligt, veröffentlichte 

eigene Platten, arbeitete als angesehener 

Studiogitarrist in Nashville sowie als 

A&R-Manager für MCA Nashville. Er starb 

78-jährig am 23.7. 

Christian Falk (*25.4.1962) machte als 

Sänger und Bassist Rock, Punk und Electronica, 

u.a. mit Madhouse und Imperiet. 

Er war auch als Produzent aktiv, bis ihn 

Bauchspeicheldrüsenkrebs am 24.7. das Leben 

kostete. 

Johnny Rebb (*20.3.1935 als Donald James 

Delbridge) hatte kleinere Hits mit "Billy 

Blue Shoes” und "Hey Sheriff”) gehörte den 

Atlantics an und bewegte sich vor allem in 

Country-, Rock- und Surf-Zirkeln. Starb am 

29.7. 

Idris Muhammad (*13.11.1939 als Leo 

Morris) arbeitete als vielgefragter wie vielseitiger 

Drummer in seiner Heimatstadt 

New Orleans. Ist auf Fats Dominos "Blueberry 

Hill” zu hören, ebenso auf Aufnahmen 

von Pharaoh Sanders. Er starb am 

29.7. 

Dick Wagner (*14.12.1942) machte als 

Gitarrist zunächst bei The Frost auf sich 

aufmerksam, dann bei The Bossmen, ehe 

ihn Alice Cooper als Bandmitglied verpflichtete. 

Spielte auch für David Bowie, 

Lou Reed, Aerosmith und Kiss. Er war bereits 

längere Zeit krank, als ihn Gevatter 

Tod am 30.7. in einem Krankenhaus in 

Scottsdale, Arizona, heimholte. 

Rod de'Ath (*18.6.1950) kam zu Ruhm 

und Ehre, als er zwischen 1972 und 1976 

für Rory Gallagher trommelte, nachdem 

er das zuvor bei Killing Floor getan hatte. 

Gehörte auch Ramrod und The Downliners 

Sect an. Legte die Sticks nach längerer 

Krankheit am 1.8. für immer aus den 

Händen. 

Rosetta Hightower sang lead bei The 

Orlons, denen in den USA Hits mit "Wah- 

Watusi” (#2, 1962), "Don't Hang Up” 

(#4, 1962) und ”South 

Street” (#3, 1963) gelangen. 

Die in Philadelphia 

geborene Sängerin zog 

1970 nach England ,wo 

sie den Produzenten Ian 

Green heiratete und als 

Backingsängerin für zahllose Kollegen, darunter 

John Lennon und Elton John, tätig 

war. Sie veröffentlichte zwei Solo-Alben, 

verstummte am 2.8. im Alter von 70 Jahren 

auf ewig. 

Jake Hooker (*3.5.1952 in Haifa als Jerry 

Mamberg) spielte Gitarre bei Streak, aus 

denen The Arrows ("I Love Rock 'n' Roll”) 

wurden. Gründete später seine eigene Firma 

Hook Entertainment, bis ihn der Tod 

am 4.8. stoppte. 

Val Eddy (*3.7.1926 als Valentino E. Decastris) 

beherrschte den Bass ebenso gut wie 

das Banjo und die Mandoline, sang zudem 

ausgezeichnet. Weshalb Tommy Dorsey, 

Woody Herman, Del Courtney, Louis Armstrong, 

Stan Kenton, Count Basie, Duke Ellington, 

Dizzy Gillespie und Lionel Hampton 

gern auf seine Dienste zurückgriffen. 

Krebs und Alzheimer stand am 4.8. in seinem 

Totenschein. 

Lynwood Slim (bürgerlich: Richard Dennis 

Duran) blies für Kid Ramos und Junior 

Watson in seine Mundharmonika, trat regelmäßig 

mit den Mannish Boys auf, war 

mit Mike Zito, Nick Moss und R.L. Burnside 

im Studio und konnte ab 1996 eine erfolgreiche 

Solokarriere vorweisen. In den 80er 

Jahren lebte er kurz in den Niederlanden, 

ehe er 1988 nach Kalifornien zurückkehrte 

Die Folgen eines Schlaganfalls kosteten 

ihn, der bereits an unheilbarem Leberkrebs 

litt, mit gerade mal 60 Jahren am 4.8. das 

Leben. 

Billy Rath (*8.8.1948) dürfte den meisten 

als (zweiter) Bassist von Johnny Thunders 

& The Heartbreakers bekannt gewesen sein, 

bei denen er 1976 Richard Hell ersetzte 

(gründete The Voidoids). Die Heartbreakers 

veröffentlichten mit L.A.M.F (LIKE A MO- 

THER FUCKER) ein einziges Album, weil ihr 

Label pleite ging und die Band sich dann 

1977 auflöste. Bei diversen Reunions war 

Rath dabei, ehe er 1985 dem Musikgeschäft 

den Rücken kehrte, um Psychologie und 

Theologie zu studieren. 2010 tauchte er mit 

Billy Rath's Street Pirates wieder auf. Rath 

starb aus unbekannten Gründen am16.8. 

im Alter von 66 Jahren. 

Charles M. Young spielte selbst Punk mit 

Iron Prostate, machte sich aber vor allem 

als Journalist um dieses Genre verdient: 

Er schrieb für den US-„Rolling Stone" die 

ersten größeren Stories über die Ramones 

und Sex Pistols, Television und Patti Smith. 

Legte die Feder 63-jährig am 18.8. für immer 

aus der Hand. 

Aldo Donati (2.9.1947) war ein italienischer 

Sänger und Komponist, dessen 

Können sich auch jenseits des Atlantiks 

herumsprach. So bedienten sich nicht nur 

Landsleute wie Mina Mazzini, Gianni Morandi 

oder Andrea Bocelli aus dem Fundus 

des Mitglieds von Gli Arciduchi und 

Schola Cantorum, sondern auch Stevie 

Wonder. Er verstummte am 24.8. in seiner 

Geburtstadt Rom auf ewig 

Talmadge " 

Tommy" Gough war der 

Originaltenor der Crests die Ende der 

50er, Anfang der 60er Jahre mit Hits wie 

"Sixteen Candles”, "Step By Step” oder 

"The Angels Listened In” erfolgreich waren. 

Kehlkopfkrebs stand am 24.8. in dem 

Totenschein, der für den 74-Jährigen in 

Flint, Michigan, ausgestellt wurde. 

Uziah Thompson (*1.8.1936) war als 

Sänger und Perkussionist eine feste Größe 

der Ska-, Rocksteady- und Reggaeszene, 

und das in Diensten der Wailers, von Bunny 

Wailer, Big Youth, Peter Tosh, Burning 

Spear, Dennis Brown, Grace Jones, Jimmy 

Cliff, Culture, Black Uhuru, Stephen 

und Ziggy Marley, Gregory Isaacs, Sinead 

O'Connor, Michael Franti und The Wailing 

Souls. Entschwand am 25.8. in Miami in 

den Rasta-Himmel. 

Tim Williams (alias Rawbiz) leistete 

Bassdienste bei den Suicidal Tendencies 

und Boyz II Men sowie für Toni Braxton 

und Keyshia Cole. Starb am 26.8. 

Stuart Gordon widmete sich als Gitarrist 

und Geiger am liebsten dem Prog-Rock, 

war aber auch in Popgefilden unterwegs. 

Gehörte The Korgis an, die im UK recht erfolgreich 

unterwegs waren, und arbeitete 

mit Peter Hammill zusammen. Am 28.8. 

erlag er einem Lungenkrebsleiden. 

Glenn Cornick (*23.4.1947) war der 

Originalbassist bei Jethro Tull und ist auf 

deren ersten drei Alben zu hören. Gehörte 

auch Wild Turkey an und spielte mit The 

Jailbreakers, The Vikings, Formula One, 

The Hobos, The Executives, Karthago, Bob 

Welch's Paris sowie John Evan's Smash. In 

seinem Haus in Hilo, Hawaii, erlag er am 

29.8. einem Herzversagen. 

Jimi Jamison (*23.8.1951) sang, spielte 

Gitarre und Piano und schrieb Songs, 

unter anderem schuf er als Co-Autor das 

Thema der erfolgreichen 

TV-Serie „Baywatch”. 

Erste Erfolge 

sammelte er Anfang 

der 80er Jahre als Sänger 

der Gruppen Target 

und Cobra, richtig 

berühmt wurde er jedoch als Leadsänger 

von Survivor, wo er Dave Bickler ersetzte. 

Mit der Band war er bis zuletzt immer 

wieder aktiv, er war auch ein gefragter 

Sessionsänger und nahm mit ZZ Top und 

Joe Walsh auf. Sein letztes Solo-Album 

war 2012 NEVER TOO LATE. Jamison 

überlebte am 31.8. in Los Angeles einen 

Herzinfarkt nicht. 


BCM 

Deutschland 

PRÄSENTIEREN 

Remember 

The Good Times 

Albert Hammond & Band 

Night Fever The Very Best Of The Bee Gees 

The Rubettes featuring Bill Hurd 

Samstag, 18. Oktober 2014 

in der Stadthalle Offenbach 

Beginn: 19.00 Uhr, Einlass: 17.30 Uhr 

Ermäßigter Eintrittspreis für GoodTimes-Leserinnen und -Leser 25,– € 

(einschl. Versandkosten). Abendkasse: 33,– € 

Alle Interpreten und Bands haben jede Menge Hits im Gepäck und werden sicher für eine Superstimmung sorgen. 

Im Foyer der Stadthalle findet ein Schallplattenmarkt statt, wo für Sie die Möglichkeit besteht, 

Ihre Plattensammlung mit interessanten Raritäten zu ergänzen. 

Am GoodTimes-Stand werden Ihnen viele der Künstler für Autogrammwünsche zur Verfügung stehen. 

Sichern Sie sich schnell Ihre Tickets zum ermäßigten Preis für GoodTimes-Leserinnen und -Leser 

von 25,– E (einschl. Versandkosten). Bestellungen: Telefon 07042/37660-160, email: goodtimes@nikma.de 

Stadthalle Offenbach · Waldstraße 312 · 63071 Offenbach 

in Kooperation mit BCM Deutschland

Mysterium 

… von 

Menschen 

& Monstern 

Irgendjemand war in den 70er Jahren immer ein bisschen 

mehr als sie: Led Zeppelin größer, Black Sabbath 

härter, Van Halen lauter, Pink Floyd opulenter. 

Und doch: Zwischen 1975 und 1980 zierte wohl 

keine Rockband so häufig weltweit die Titelseiten 

einschlägiger Musikmagazine wie Kiss. Die Maskenmänner 

zu kennen, bevor man auch nur einen Ton von 

ihnen gehört hatte, war damals nicht ungewöhnlich. 

© Bravo 

Von Jens-Uwe Berndt 

Ich c stelle mich einfach beim Kartenverkauf an, tue so, als hätte ich Kiss noch 

nie gesehen, und frage die Leute, was das für 'ne Gruppe ist und ob man da 

reingehen kann", erzählte Gene Simmons im Herbst 1979 frisch geschminkt 

„ einem „Popfoto"-Redakteur vor einer Show in New Orleans, Louisiana. Dies 

sei sein Lieblingsspiel vor jeder Show, behauptete er. „Das kann ich ohne Schwierigkeiten 

machen, weil mich ohne 

Maske keiner erkennt. Und wenn die 

Fans dann sagen, die musst du einfach 

gesehen haben, die machen die 

' 

irrste Show der Welt', dann weiß ich, 

dass sie die Wahrheit sagen." Er würde 

sich dann völlig happy ein Ticket 

kaufen und auf schnellstem Weg 

hinter die Bühne verschwinden, um 

sich zu schminken. 

Solche Spielchen sagt man Potentaten 

des Mittelalters nach, 

die – ihren Untertanen vom Angesicht 

her völlig unbekannt – sich in 

der Kluft des Pöbels unters Volk gemischt 

haben sollen, um dessen Haltung 

zur Herrscherkaste auszuspionieren. 

Und 1979 hätten Kiss sicher 

gut daran getan, mal einigen Fans 

aufs sprichwörtliche Maul zu schauen, 

um zu hören, was diese über 

Disco-Ausflüge à la "I Was Made For 

Lovin' You" oder "Dirty Livin'" dach-

ten. Dass der Bassist vor einem Konzert sich aber statt einer Groupie-Vorspeise lieber 

unerkannt den Zuspruch seiner Anhänger reingezogen g haben soll, darf bezweifelt 

werden. Dennoch, die Szene hätte sich zumindest 

so zugetragen haben können, wie in dem Magazin beschrieben. 

Noch standen Beiträge über die Band unter 

solchen Schlagzeilen wie „Das Superdome-Stadion in 

New Orleans glich einem Hexenkessel – 80.000 fanatische 

Kiss-Fans standen bei der sensationellen Show 

der Super-Horror-Heavy-Metal-Glitzer-Group kopf". 

Noch zeigte es Wirkung, dass Kiss seit ALIVE! (1975) 

an ihrem Mythos gearbeitet hatten, der alles bisher Dagewesene 

um ein Vielfaches überstieg. Kiss waren Phantome. Unerreichbare Wesen 

zwischen Dämon und Superheld. 

Ruhm, Sex, Geld – das war der Antrieb für Gene Simmons, eine Band zu 

gründen. Dieser Tatsache widmete der mit seinen Eltern einst aus Israel in 

die USA eingewanderte Musiker mit „Sex Money Kiss" ein ganzes Buch (2003). 

Darin nimmt er kein Blatt vor den Mund, wenn er über seine Motivation spricht, 

die ihn in den Rock’n’Roll-Rummel trieb. „Der wahre Anreiz, ein Rockstar zu sein, 

sind Mädchen und Geld – eine Menge von beidem", schreibt Simmons in seinem 

„Ratgeber". „Jeder Rockstar, der was anderes behauptet, lügt." Der 64-Jährige ist 

überzeugt von seinen Worten. Und vermutlich sorgte diese Denkweise zu Beginn 

der 70er Jahre dafür, dass die eher unbedeutende Hard-Rockformation Wicked 

Lester zum Monstrum Kiss mutierte, das die bis dahin typische Außenwirkung u geiner 

e 

Rockband sprengte. 

Die Wurzeln sind in den Interessen von Simmons 

sowie Sänger und Gitarrist Paul Stanley zu suchen. 

Beide hatten außer Musik noch weitere Leidenschaften. 

„Paul und ich wollten die Gruppe unserer 

Träume kreieren, eine Gruppe, die wir nie zuvor auf 

der Bühne gesehen hatten", 

erzählt Simmons in 

„Sex Money Kiss". „Diese 

Gruppe würde alles vereinen, 

was wir liebten: 

Rock’n’Roll, Comics und Horrorfilme." "Es ist nicht abwegig, 

dass der Bassist gerade in der prägenden Teenager-Zeit 

manchmal weniger den von ihm über alles 

geliebten Beatles lauschte und stattdessen vielmehr 

Comic-Helden erfand. „Mit 14 Jahren war ich komplett in Science Fiction und 

Fantasy versunken", sagt Simmons. „Ich war unersättlich nach Famous Monsters 

' 

Of Filmland' und Castle Of Frankenstein'." Er korrespondierte intensiv mit anderen 

' 

Comic-Fans, schrieb für Underground-Fanzines und kreierte 

eigene Publikationen. „Adventure" nannte er unschuldig seine 

erste Kreation, später kamen „Cosmos", „Faun", „Tinderbox" 

und „Cosmostiletto" hinzu. Auch die Illustrationen besorgte 

Gene Simmons, der damals seine Bildchen noch mit G. Klein 

signierte – dem bürgerlichen Namen, den er nach der Umsiedlung 

in die USA angenommen hatte. Inwieweit er Talent besaß, 

müssen andere beurteilen, bizarr waren die seinem Gehirn entsprungenen 

Figuren allemal. 

Der Übergang von Wicked Lester zu Kiss war ein gewaltiger 

Sprung. Die beiden Bandköpfe, bis heute die Konstante 

bei Kiss, hatten keinen Bock darauf, sich musikalisch zu entwickeln. 

Eine Platte machen und mal schauen, wie das Publikum 

reagiert? Vor allem für Gene Simmons undenkbar. Er wollte die 

potenziellen Fans quasi im Sturm nehmen, sie eintüten, sobald 

sie auch nur von Kiss zu hören bekamen. Dafür durfte aber keine 

Zeit verloren werden: Peter Criss wurde noch im Sommer 1972 

für Wicked Lester rekrutiert, Gitarrist Ace Frehley im Dezember, 

als die Band schon in Kiss umbenannt war. Großmaul Simmons 

behauptete gerade in den zurückliegenden Jahren immer wieder, 

dass er die Defizite des Drummers schon bei dessen Einstieg 

erkannt haben will; und dass die langwierige Suche nach besseren 

Mitstreitern pure Zeitverschwendung gewesen wäre. 

Also rein in den Proberaum, drei, vier Songs runtergekloppt und rauf auf die 

Bretter, die nicht nur die Welt, sondern den Himmel auf Erden bedeuten 

sollten. Dass sich die Band schminkte, war anfangs eine aus dem Zeitgeist heraus 

geborene Marotte. „Als wir uns in New York formierten, existierte dort eine 

große Glitterszene, in der sich Jungs wie Mädchen präsentierten und einen Haufen 

Make-up auflegten", erzählte Gene Simmons 1996 dem US-Fantasy-Fanzine 

„Porkchops & Applesauce". „Du verstehst – all diese dünnen kleinen Kerle, haarlose 

Jungs. Und wir hatten mehr von Football-Spielern. Jeder von uns war über 

sechs Fuß groß, da wäre diese androgyne Art wenig überzeugend gewesen. Auf 

dem ersten Foto, das wir von uns im Glam-Make-up gemacht haben, sahen wir 

aus wie Drag Queens. Aber wir wussten, dass wir fremdartig wirken wollten. Wir 

waren keine Band wie Grateful Dead, die auf die Bühne geht und dort schrecklicher 

aussieht als die Roadies, die die Technik aufgestellt hatten." In dieser Phase 

kam Simmons und Stanley ihr Größenwahn zu Hilfe. „Das Betreten der Bühne 

war für uns, als würden wir einen heiligen Ort beschreiten – wie eine Kirche", 

erklärte Simmons. „Auf der Bühne zu sein und auszusehen wie ein Gammler, das 

war nicht meine Art von Respekt." 

Die „Bravo" hatte Lunte gerochen. Im März 1975 veröffentlichten die Meinungsmacher 

in Sachen Bands und Trends den ersten großen Beitrag über 

die neue Sensation aus Übersee. „Die verrückteste Gruppe, die Amerika je gesehen 

hat", dröhnte es dort, „Mann, o Mann, Alice Cooper ist ein harmloser Waisenknabe 

dagegen." Das den Artikel illustrierende Foto ließ keinen Zweifel aufkommen, 

hier wurde nicht übertrieben: „Teuflisch geschminkt, in schwarzen, hautengen Lederanzügen 

mit Nieten und Ornamenten bepflastert. Als wären sie bei den Dreharbeiten 

zu einem Gruselfilm, so hüpfen sie auf der Bühne herum. Frankenstein hätte 

gegen sie noch jede Schönheitskonkurrenz gewonnen." Und bereits hier wurde mit 

Superlativen um sich geworfen. Kiss seien die lauteste Rockband der Welt, hieß es, 

die Show wurde als das Spektakel schlechthin beschrieben. Kurios: Ace Frehley galt 

als Bandboss, der sogar ein beschwichtigendes Statement abgeben durfte: „Alles 

nur Masche! Wenn wir erst mal berühmt sind, werden wir ruhiger. Aber bis zu 

unserem ersten Welthit ziehen wir das Theater ab." Dem Inhalt der Aussage nach 

zu urteilen, könnte sie eher von Gene Simmons stammen, der in 40 Kiss-Jahren 

eine Menge Prognosen von sich gegeben hat, die nie zutrafen. Und von Ruhm und 

Welthits tönte er sowieso pausenlos. 

Bravo" hatte eine neue Band für wilde Storys für sich entdeckt. Und während 

„ das Blatt den vier New Yorkern auch musikalisch Hörbares zugestand, hatte 

die Print-Konkurrenz „Pop" im Juni 1974 mit einem Miniverriss vorgelegt. Zumindest 

konnte das Magazin für sich in Anspruch nehmen, als erste deutschsprachige 

Zeitschrift über das Quartett berichtet zu haben. „Da gibt es zum Beispiel Kiss", 

hieß es herablassend. „Eine 4-Mann-Kombo, deren Hauptattraktion Knallfrösche 

sind, mit denen sie das Publikum und sich selbst bewerfen. Musikalische Auswürfe 

hingegen spielen bei Kiss eine fünftrangige Rolle." Vermutlich das Startsignal für 

weitere Schmähungen, von denen es in den Folgejahren reichlich gab. 

Vor allem Jungs fühlten sich von dem martialischen Aussehen der New Yorker 

Rockband angezogen. Es gab damals so manchen glühenden Kiss-Verehrer, 

der sich auf dem Schulhof für seine Idole schon mal prügelte – aber gar nicht 


Foto: © Musikexpress 

wusste, welche Musik sie überhaupt machten. Manchmal endete diese Liebe ernüchternd. 

Wie bei Chris Cornell, dem Sänger der Grunge-Band Soundgarden. Die 

Band aus Seattle war als Support für Black Sabbath in Deutschland unterwegs, 

und Cornell ließ keine Gelegenheit aus, seinen Werdegang zum Sabbath-Fan zu 

beschreiben. Der habe nämlich mit einer grenzenlosen Begeisterung für Kiss begonnen 

– oder besser für deren Outfit. Als er dann erstmals die Musik der Gruppe 

hörte, habe er sich gewundert, dass derart brutal ausstaffierte Typen solch einen 

luschigen Rock’n’Roll spielten. Von Ozzy & Co. hingegen, weitaus bodenständiger, 

sei ihm der Schädel weggeblasen worden. 

Den „luschigen Rock’n’Roll" konnte man so empfinden, musste es aber 

nicht. Es ist nicht ganz abwegig, Songs wie "Nothin' To Lose", "Let Me Go, 

Rock’n’Roll" oder selbst "Hotter Than Hell" zumindest musikalisch für banal zu 

halten. Da gab es aber auch Nummern wie "Strutter", "Deuce", "Black Diamond" 

und "C’mon And Love Me". Die waren von einem anderen Kaliber, wenn auch nicht 

irrsinnig aggressiv. Da hatten in der ersten Hälfte der 70er Jahre Konkurrenten 

wie Deep Purple, Queen oder die 1974 als Support begleiteten Blue Öyster Cult 

mehr Pfeffer. Selbst die Glam-Rock-Protagonisten Sweet und Slade hielten beim 

Härtegrad mühelos mit. In den deutschen Medien war 1975 die Einordnung der 

seltsamen Band aus den USA noch nicht abgeschlossen. „Pop" titelte im Mai „Alice 

Coopers verkommene Söhne". Und die Einleitung des Artikels klang wie vom Hörensagen: 

„Sie spucken Blut und Feuer. Auf der Bühne spielen sie Krieg. Ihr Brutalrock 

ist so laut, dass Black Sabbath davon taub würden. Zum Schminken brauchen 

sie eine Stunde. In ihren bizarren Lederhäuten sehen sie aus wie ein fleischgewordener 

Marvel-Comic." Die sich anschließende Beschreibung geriet haarsträubender 

als das, was über die gefährlichsten norwegischen Black-Metalhorden je geschrieben 

wurde. „Kiss, Amerikas fieseste Gruppe, die nur in der barbarischen Stadt New 

York (drei Dutzend Morde und Vergewaltigungen täglich) entstehen konnte." 

Die Musiker seien „Typen, denen man nur mit der Maschinenpistole begegnen 

möchte". Die Band sei „gefährlich, grell, chaotisch, gewalttätig". Und zur Show: 

„Über der Bühne hängt ein riesiges Spinnennetz. Dahinter flackert in Neon groß ihr 

Name: KISS, mit den Nazi-SS-Runen am Ende, Buthangasflammen lodern hoch, 

Rauchschwaden ziehen durch die Luft: So stellt man sich die Hölle vor." Martialisch 

wurde beschrieben, wie Simmons Blut spuckt, Frehley eine Rakete abschießt, Criss' 

Trommelstöcke explodieren, am Ende noch einmal abgerundet mit Nazi-Diktion: 

„Kiss live ist der totale Krieg." 

Das „Freizeit Magazin" hatte sich im April schon über die künstlerische Qualität 

der Band hergemacht und gefragt, ob es sich bei Kiss womöglich um 

Blender handeln könnte. Kein Interview bekommen zu haben, rettete der „FM"- 

Autor mit „Die Jungs selber hüllen sich in Schweigen". Ein Zitat gab es dann aber 

doch noch: „,Wir sind ein Geheimnis und wollen es bleiben', sagt Paul (Stanley). 

Und der schwarze Stern über seinem Auge zieht sich dämonisch in die Höhe: 

,Erst die Nachwelt soll das Geheimnis lüften!'" Der Autor eines 1975er-Beitrags in 

„Popfoto" ergötzte sich dermaßen am Erfinden schockierender Adjektive, dass er 

parallel Peter Criss zu Peter Crise machte und nicht Simmons, sondern Paul Stanley 

„blutbeschmiert über die Bühne taumeln" und Feuer spucken ließ. 

Die Erfindung des völlig überzeichneten Images erwies sich schon in den Anfangsjahren 

als Volltreffer. Was die Schreiber von Zeit zu Zeit in Aussagen 

der Musiker oder deren Auftreten hineininterpretierten, darauf hatte das Quartett 

keinen Einfluss. Allerdings: Auch schlechte Werbung ist schließlich Werbung. So 

ließ sich Paul Stanley als Psychopath schildern, der sich schon in der Schule immer 

„König" habe nennen lassen; Ace Frehley wurde als mordlüsterner Gang-Bruder 

dargestellt, der einst mit Messer und Fahrradkette um die Blöcke gezogen war, 

um unschuldige Passanten zu massakrieren. Und Nazis, klar, das war die Bande 

tollwütiger Bastarde sowieso. Die Vorwürfe, in den Konzerten den „totalen Krieg" 

zu propagieren und die SS-Runen im Schriftzug zu tragen, wurden massiver: Ab 

1976/77 interessierten sich immer mehr Mainstream-Medien für das Phänomen 

Kiss – und stampften es in Grund 

und Boden. Der Tanz um das 

Buchstaben-Doppel geriet schließ- 

lich im Mai 1980 zur Ekstase, als 

sich der „Spiegel" im Beitrag „Sieg 

Helau" die Ami-Truppe zur Brust 

nahm. „Das (öffentliche Verwen- 

den von Kennzeichen ehemaliger 

nationalsozialistischer 

Organisationen) 

macht beispielsweise 

die amerikanische Brutalorockgruppe 

Kiss nun schon jahre- 

lang und immerzu", heißt es da 

im Tonfall von Alarmisten. „Die 

SS-Schergen die mit infernalischem Showdes 

Rock'n'Roll, 

Gebaren und faschistischem 

Gestus bundesdeutsche Teenies 

im Blitzkrieg eroberten, führen 

die Nazi-Runen im Namenszug. 

Und der ist millionenfach verbreitet 

– auf Plattencovern und 

Konzertplakaten." Bedauernd 

wird festgestellt, dass bis dato 

nur die Staatsanwaltschaften 

in 

Bremen und Stade Anstoß 

an dem Zeichen genommen 

hätten. „Sie drohten den 

Schallplattengeschäften mit 

wie Deep Purple, Queen oder die 1974 als Support begleiteten Blue Öyster Cult Kiss –

der Beschlagnahmung aller Alben des Schockquartetts, wenn 

diese nicht aus dem Sortiment genommen würden." Mit erhobenem 

Zeigefinger resümierten die Politjournalisten, dass 

sämtliche Ermittlungsverfahren allerdings eingestellt worden 

seien. Ganz ohne Wirkung blieben die Pressekampagnen 

und die staatsanwaltschaftliche Aufmerksamkeit allerdings 

nicht: Kiss tilgten für die anstehende Tour in Deutschland 

die „Rune" aus dem Logo. In der Folge verschwand der Originalschriftzug 

auf sämtlichen Tonträger-Neuerscheinungen 

und Wiederveröffentlichungen. Auch die Musikmagazine 

zogen mit. 

Das größte Brimborium entstand allerdings um die Kiss- 

Maskerade. Die Wirkung der geschminkten Gesichter auf die Teenager und die damit 

verbundene Geheimnistuerei um die Identität der Musiker war gigantisch. „Ich 

war zehn Jahre alt, als ich auf Kiss stieß", erzählte Sebastian Bach – damals noch 

Skid-Row-Frontmann – in den 90er Jahren in einem Interview. „Ich besaß nur 

die Platten und Poster, deshalb erschienen sie so irreal und geheimnisvoll. Meine 

Kumpels und ich konnten kaum glauben, dass das Menschen sein sollen. Wenn sie 

dann mal in einer TV-Show auftraten, fiel ich fast auf die Knie." Rock'n'Roll müsse 

mystisch sein, begründete Bach die unfassbare Aura von Kiss. 

Bis in die 80er Jahre war es nicht untypisch, dass Rock- und Popstars ein 

Nimbus des Unergründlichen umgab. So einfach manch ein Musiker gestrickt sein 

mochte – das Image erhöhte ihn, ließ ihn als etwas Besonderes erscheinen. Das 

große Entzaubern begann in den 90ern und hält bis heute an. Auch Kiss traf das 

Entblättern, sie konnten sich jedoch ein Podest bewahren, das zu besteigen nicht 

jedem vergönnt ist. 

Schon in den Siebzigern entrückten Simmons, Stanley, Frehley und Criss ihren 

Anhängern immer mehr. Vermutlich glaubten sie irgendwann selbst die Geschichten, 

die sie den Presseleuten auftischten – oder die diese über sie erfanden. 

Gene Simmons zum Beispiel erzählte 1976 dem amerikanischen „Hit Parader", er 

habe seine Bühnenfigur als Kind beim Anschauen eines Godzilla-Films erfunden 

und bereits an jenem Tag erstmals Make-up aufgetragen – das seiner Mutter. 

Im US-Musikmagazin „Creem" wurden Paul Stanley und Gene Simmons als Sex- 

Protze gefeiert und der Bassist dabei in voller Montur auf dem Klo sitzend abgelichtet. 

Auch das „16 Magazin" beteiligte sich an der Mystifizierung des Quartetts. 

In einer Titelstory über Peter Criss im Oktober 1978 wurde eine Demaskierung in 

Aussicht gestellt. Am Ende gab’s ein Foto, auf dem der Drummer über eine frühere 

Foto: © Kiss Catalog Ltd 

Tommy Thayer, Paul Stanley, Gene Simmons, Eric Singer (v.l.) 

Hinter den Masken wird geschummelt, musikalisch ist die neue 

Besetzung allerdings eine Wucht. 

„16"-Ausgabe lugt. „Die Augen der ' 

Katze' werden offenbart", ist unter dem Bild 

zu lesen. Fans lechzten nach solch scheinbar „authentischen Enthüllungsdokumenten", 

saßen aber letztlich einem großangelegten Theater auf. Denn die Presse 

war nicht wirklich auf der Jagd nach der „wahren Identität" der Musiker. Vielmehr 

gab es eine Abmachung, von der beide Seiten profitierten: Die Journaille hatte ihre 

Storys, die Band als Mysterium steigende Plattenverkäufe. 

Das Spiel war 1983 vorbei. Kiss nutzten unter dem Eindruck schwindender 

Popularität ihre Demaskierung für ein einzigartiges Medienspektakel. „Die Masken 

sind ab, das Geheimnis gelüftet, die Monster – von Gene Simmons als lebende 

Comics erdacht – entpuppen sich als gewöhnliche Menschen", schrieb der „Musik 

Express". „ ' 

Sollten wir einmal unsere Masken lüften, wird das auch das Ende 

Zur Reunion-Pressekonferenz 1995 war 

das Original-Line-Up wieder zusammen. 

von Kiss sein', hatte Simmons 

am Anfang ihrer Karriere prophezeit. Doch 

nun? Im November kommen sie unmaskiert auf Tournee." Und 

sie kamen. Richtig spannend war die Gesichtsenthüllung allerdings nicht, denn 

nach ihrem Ausstieg/Rauswurf hatten sich „The Cat" (1980) und „Spaceman" 

(1982) längst ohne Kriegsbemalung gezeigt – und für Ernüchterung gesorgt. Jetzt 

waren „Starchild" Stanley und „Demon" Simmons am Zuge. Dass sich auch Eric 

Carr („The Fox") und Vinnie Vincent („The Ankh Warrior") abschminkten, interessierte 

kaum. 

Es wurde die letzte große Pressekampagne um Kiss bis zur Reunion 1995. Wer 

die Band ohnehin verachtet hatte, fühlte sich in seiner Kritik bestätigt, dass 

es bei den Heavy Rockern 

sowieso um die Show gegangen 

war. Kleingeredete 

LP-Veröffentlichungen seit 

1979 hatten ein Übriges 

bewirkt und am Monument 

Kiss empfindliche 

Kratzspuren 

hinterlassen. 

Dabei waren weder das 

„Disco-Album" DYNASTY (1979) noch UNMASKED 

(1980) von schlechter Qualität. Selbst das vielgescholtene 

Konzeptalbum MUSIC FROM THE ELDER (1981) 

ist besser als sein Ruf und CREATURES OF 

THE NIGHT (1982) über jede Kritik erhaben. 

Aber im Heavy-Metal-Kosmos hatte 

sich inzwischen viel getan. Die New Wave 

Of British Heavy Metal (NWOBHM) hatte 

in Europa ihren Siegeszug angetreten und 

hunderte Bands aus dem Boden schießen 

lassen. Und in den USA boomte der Glam 

Metal. Die Saat, die Kiss gelegt hatten, war 

unter anderem in Gestalt von Gruppen wie 

Mötley Crüe, Ratt und Twisted Sister aufgegangen 

und zu neuer Blüte gewachsen. 

Kiss kamen da 1983 schon fast ein bisschen 

spät, als sie versuchten, in die Welle 

– deren Väter sie ja eigentlich waren – einzutauchen. 

Als Kiss sich 1996 wieder in alter Montur und in Originalbesetzung 

auf den Weg um die Welt machten, sprachen die Redakteure 

der großen Musikgazetten vor allem über den Geschäftssinn von 

Gene Simmons und Paul Stanley. Der allein kann die Faszination der 

Band allerdings nicht ausmachen, touren die gestandenen Herren 

doch immer noch überaus erfolgreich um den Erdball – und das mit 

zwei neuen Mitgliedern hinter Second-Hand-Masken: 

Eric Singer ist jetzt „The Cat", Tommy Thayer 

der „Spaceman". Und so 

mancher hört jetzt auch 

wieder genauer hin: Die 

jüngsten 

Veröffentlichungen 

SONIC BOOM 

(2009) und MONSTER 

(2012) sind exzellente 

Hard-Rock- und Heavy-Metalalben – ganz im Geiste 

eigener Großtaten. 

Foto: © Musikexpress 


Zudem unterscheiden sich die Mono-Abmischungen 

oft von denen in Stereo. Mal im Detail, mal massiv 

wie in der unterschiedlichen Tonhöhe etwa von 

"Don’t Pass Me By" oder "When I’m Sixty Four". Das 

alles erläutert anhand etlicher Beispiele der hervorragende 

Text von Kevin Howlett im englischsprachigen 

Buch – keine Doublette des epochalen 252-Seiten- 

Beiwerks zur Stereo-LP-Box, sondern mit neuen 

alten Fotos und Zeitungsausschnitten einen erheblichen 

Mehrwert darstellend! 

Mono-Vinyl 

Die haben gerade noch gefehlt: Jetzt kommt 

alles, was die Fab Four im Studio in Mono 

produziert haben, nochmals auf Vinyl. Nachdem 

Apple bereits den Backkatalog seit 2009 in 

feinen Boxsets von jeweils 16 Stereo-CDs und 

-LPs sowie 13 Mono-CDs veredelte. Lohnt 

sich der Nachschlag? 

Um die 380 Euro sind zu berappen – für 14 

Scheiben Polyvinylchlorid à 180 Gramm, 

plus fest kartonierte 108 Seiten Papier in 

hochglanzweiß lackierter Schatulle. Die 

LPs – alle Original-Longplayer, wie sie die 

Beatles bis inklusive des WHITE ALBUM 

im UK auch in Mono veröffentlicht 

hatten – kommen in exquisit 

reproduzierten Hüllen. Bis einschließlich REVOLVER 

stecken sie in „Flipback"-Sleeves (= umgeschlagenen 

Falzrändern) – Detailtreue! Zur MAGICAL MISTERY 

TOUR gibt es das ulkige 24-seitige Extra-Booklet im 

Klappcover, das Foldout Packaging von SGT. PEPPER’S 

LONELY HEARTS CLUB BAND beinhaltet den Schnittbogen, 

beide Longplayer des WHITE ALBUM sind (wie 

die beigegebenen Porträtbilder sowie das Faltposter) 

nach oben zu entnehmen. Top. 

Nicht original, dafür absolut unverzichtbar, ist das 

Triple-Album MONO MASTERS im Doppel-Klappcover. 

Zahlreiche „Non Album"-Hits und Raritäten 

versammeln die drei Longplayer. Wichtigster Unterschied 

zur Doppel-LP PAST MASTERS (aus dem Ste- 

reo-LP-Set): "The Ballad Of John And Yoko", 

"Old Brown Shoe" und "Let It Be" fehlen. 

Denn davon gab es keinen eigenständigen 

Mono-Mix, wie er Bedingung für die Aufnahme 

in dieses Set war. 

Alle LPs auch einzeln erhältlich. 

©Apple/Universal 

Mono war in den 1960er Jahren die Regel. 

Dementsprechend verwandten die Pilzköpfe 

und ihr Produzent George 

Martin viel Zeit und Mühe für 

einen ansprechenden Mono-Mix. Die Songs wurden 

so abgemischt, dass sie auch aus dem Dampfradio 

und den Plattenspielern gut tönten. Und bei der Fertigung 

wachte ein Team der produzierenden EMI darüber, 

dass der Sound das ärmliche Equipment nicht 

überforderte. 

Foto: © Apple Corps Ltd 

Ein eigenes Kapitel ist dem Thema „Cutting The Masters" 

gewidmet. Es dokumentiert die (klang-)technische 

Ausnahmestellung dieses LP-Sets. Die anderen 

Sets gingen zwar auch auf die originalen Masterbänder 

zurück, übersetzten aber dieses „Alte Testament" 

des Beatles-Katalogs erst einmal aufwändig und sehr 

hochauflösend in die neuzeitliche digitale Sprache 

– siehe dazu auch GoodTimes 6/2009 und 1/2013. 

Dieses immens feiner als bei einer CD aufgelöste Datenmaterial 

hätte für die LPs re-analogisiert genutzt 

werden können. Doch Chef-Masterer Sean Magee sowie 

Steve Berkowitz gingen zurück auf die ursprünglichen 

Mono-Master auf Einviertelzoll-Tonband. Und 

befolgten die Schneide-Anweisungen („job files") von 

Abbey-Road-Ingenieur Harry Moss. In vorauseilender 

Kapitulation vor dem beschränkten Equipment der 

Zeitgenossen wurde zum Teil schwächer geschnitten, 

etwa im Bass, als es die Master hergegeben hätten. 

Für den ausführlichen Hörvergleich nutzte der Autor 

neuzeitliche Hardware inklusive Mono-Tonabnehmersystem. 

Als Software standen die CD-Mono-Box, 

die 1988 von der EMI per DMM-Verfahren nachgepressten 

Mono-Ausgaben und die eine oder andere 

antike Mono-Pressung aus angelsächsischen oder 

deutschen Landen parat. 

Doch bevor sich der Arm auf die erste neue Platte 

senken konnte, galt es noch, bei einigen LPs die zu 

eng gestanzten Mittellöcher mit einem Kugelschreiber 

mit sanftem Druck zu weiten. Ansonsten erwies 

die Press- und Vinylqualität sich beim Testmuster als 

exzellent. 

Seitenweise Hörtest-Notizen vermerken meist leichte 

Vorteile für die Neuauflage. Ohne in den Höhen zu 

übertreiben, klang es oft detailreicher, frischer, knackiger 

und spätestens ab REVOLVER deutlich mächtiger 

und konturierter im Bass. Vor allem bei frühen 

Scheiben erstaunten die exzellente Dynamik und 

präzise Durchzeichnung. Toll, was die EMI-Techniker 

damals fertigbrachten! Zuweilen schlichen sich damals 

allerdings Verzerrungen ins Klangbild, die jetzt 

nicht mehr oder kaum noch auszumachen waren. 

Weil ohnehin kein echter Beatles-Fan seine alten 

Parlophone- oder Odeon-Scheiben jemals entsorgen 

würde, kann er sie beruhigt weiter horten – und zum 

Hören jetzt die Nachpressung auflegen. 

Definitiv keine Welten, aber Nuancen lagen auch 

zwischen den Mono-CDs und ihren schwarzen Pendants. 

Allerdings spielt hier auch das Equipment eine 

Rolle. 

Verpackung, Aufmachung, Ausstattung Buch, Fertigungsqualität 

und nicht zuletzt der Klang sprechen 

also recht eindeutig für dieses grandiose Set. Musikalisch 

ist das Ergebnis ohnehin klar: Das Denkmal 

der größten Popband aller Zeiten steht unerschütterlicher 

denn je. 

Nicht zu vergessen ...: Ja, die Auslaufrille bei SGT. 

PEPPER 2. Seite ist bespielt. 

Lothar Brandt 


Alex Conti • Ian Cussick • Mickie Stickdorn • Jens Skwirblies • Holger Trull 

Wings Of Freedom Tour 2014 

07.02. Offenbach, KjK Sandgasse 

08.02. Koblenz, Café Hahn 

20.02. Bonn, Harmonie 

21.02. Bensheim, Rex 

22.02. Torgau, Kulturbastion 

06.03. Bremen, Meisenfrei 

07.03. Lübeck, Sounds 

08.03. Aukrug, Tivoli 

28.03. Dortmund, Piano 

29.03. Idstein, Scheuer 

30.03. Idar-Oberstein, VfL-Turnhalle 

31.05. Berlin, Trabrennbahn 

06.09. Perleberg, Perleberg-Festival 

12.09. Seidenroth, Eulenspiegel 

13.09. Metzingen, Hirsch 

27.09. Ascheberg, Langenrade 

02.10. Vechta, Gulfhaus 

03.10. Wilhelmshaven, Pumpwerk 

23.10. Rastatt, Reithalle 

24.10. Wetzlar, Franzis 

25.10. Flensburg, Roxy 

28.12. Hamburg, Fabrik 

29.12. Bordesholm, Savoy 

30.12. Eckernförde, Carls Showpalast 

New CD 

Wings of 

Freedom 

New Live-CD 

Wings of 

Freedom 

Spring Tour 

Thanks to: 

Daniel Bergmann (Live Mix), Hansi Nath 

(Tour Management), Claudia Rausch, 

André Bünning (Merchandising), Gert Lange 

(Booking), Maren Kumpe, Ulf Bellmann 

(Promotion), Michael Klapka (Consulting), 

Uli Twelker (CD- and history stories), 

Niels Behrendt (Internet programming) 

and our families! 

www.lake-music.de 

Booking: 

HANDMADE Concerts 

Telefon 04102 44045 

Telefax 04102 41767 

handmadeconcerts@web.de 

www.handmadeconcerts.de


Jon Hiseman: 

Schätze aus dem Archiv! 

Graham Bond Organization (1966), anschließend kurz Georgie Fame & The Blue Flames, John Mayall's 

Bluesbreakers (1968), Colosseum (1968–1971, dann wieder ab 1994), Tempest (1973–1974), Colosseum II 

(1975–1978); außerdem das United Jazz & Rock & Ensemble (1977–2002), zehn Jahre Zusammenarbeit 

mit Musical-König Andrew Lloyd Webber sowie die Unterstützung für Gattin Barbara, mit der er seit 

1967 verheiratet ist, in deren 1975 gegründeter Band Paraphernalia – die Liste der Arbeitsnachweise 

des Schlagzeugers Jon Hiseman liest sich mehr als beeindruckend. Detailliert nachzulesen sind seine 

dabei gesammelten Erfahrungen unter anderem in seiner 2010 erschienenen Autobiografie Playing In " 

The Band". Die Musik gibt's auf mehr als drei Dutzend Alben der hier Gelisteten, zu denen auch noch 

drei mit Jack Bruce einspielten Longplayer sowie die beiden Solo-Alben A NIGHT IN THE SUN (1982) 

und ABOUT TIME TOO! (1991) kommen. Und tritt der am 22. Juni 1944 im Londoner Stadtteil Woolwich 

geborene Hiseman als Siebziger" darum ein wenig kürzer? Ruht er sich auf den so zahlreichen gesammelten 

en 

Lorbeeren er 

en aus? Nicht die Spur, wie der Klasse-Drummer im GoodTimes-Interview 

" 

berichtet. 

Jon, du bist kürzlich mit dem United Jazz & 

Rock Ensemble bei uns aufgetreten, das seit 

vielen Jahren nicht mehr aktiv gewesen ist ... 

Richtig. Die Originalband hat nach dem Tod so 

vieler Mitglieder ja eigentlich schon lange aufgehört 

zu existieren. Wolfgang Dauner startete dann vor 

ein paar Jahren die Formation United Jazz & Rock 

Ensemble Second Generation, unter anderem mit 

seinem Sohn Florian an den Drums. Für die Jazz 

Open in Stuttgart wollten sie etwas Besonderes 

bieten und haben Barbara und mich gebeten mitzuspielen. 

Wir hatten ja vor langer Zeit mit dem United 

Jazz & Rock Ensemble in Stuttgart angefangen und 

u.a. regelmäßig für den Süddeutschen Rundfunk 

gespielt, für „Halb elf" und „Goldener Sonntag". 

Deutschland war und ist für dich und Barbara 

schon immer sehr wichtig? 

Seite 16 ■ GoodTimes 5/2014 ■ Music 

from the 

60s to the 

80s

Genau. Allein schon geschichtlich war Deutschland 

stets sehr aufgeschlossen für Kunst im weitesten 

Sinne, auch schon zu Zeiten von Beethoven und 

Haydn. In Deutschland wurden Künstler schon 

immer unterstützt und konnten sich entwickeln, 

weil es ein Publikum für sie gab und gibt. In England 

dagegen muss man sich sehr viel mehr abstrampeln, 

um wahrgenommen oder gar anerkannt zu werden. 

Deshalb ist es ja auch kein Zufall, dass wir 

bei der anstehenden Tournee mit Colosseum allein 

zwei Drittel unserer Europa-Gigs in Deutschland 

spielen werden. Es ist schon ein Phänomen, dass 

all meine Bands – egal, ob Colosseum, Tempest, 

Paraphernalia mit Barbara oder das United Jazz & 

Rock Ensemble – in den deutschsprachigen Ländern 

immer erfolgreich waren und es noch sind. Auch 

in der Tschechoslowakei, in Russland oder Japan, 

während wir in den Niederlanden kein Bein auf den 

Boden brachten – und in Frankreich haben sie unsere 

Musik nie verstanden. Wer dort keinen Jazz aus 

den 40er oder 50er Jahren spielt, hat keine Chance. 

Ihr seid generell wieder sehr viel aktiver. Hat 

die Wirkung von Barbaras neuen Medikamenten 

damit zu tun? 

Stimmt. Parkinson ist nicht aufzuhalten. Mit dieser 

Krankheit ist eine dauerhafte Degeneration verbunden, 

die man nur verlangsamen kann. Barbara 

erhielt die Diagnose vor 17 Jahren. Bei Parkinson 

wirkt ein Medikament etwa drei Jahre lang, bis das 

Gehirn Signale sendet, dass die Wirkung nachlässt. 

Noch vor neun Monaten konnte Barbara nicht mehr 

Saxofon spielen, doch dann war ein neues, geradezu 

revolutionäres Medikament erhältlich. Es ist sehr, 

sehr teuer, und der britische National Health Service 

will es nicht bezahlen. Bei Barbara schlägt es großartig 

an, und wir hoffen, dass es nicht nur drei Jahre 

lang wirkt, sondern vielleicht 10, 15 Jahre. Denn 

sonst kriegen wir ein Problem. Und jetzt spielt sie 

wieder, führt ein relativ normales Leben. 

Viele Leute fragen sich, wie ihr mit dieser Situation 

schon so lange Zeit klarkommt, woher 

ihr die Kraft nehmt ... 

Wer sich dafür entscheidet, sein Leben als Jazzmusiker 

oder als Jazz-Rocker zu bestreiten, weiß, dass es ein 

dauernder Kampf sein wird. Wir nehmen es einfach 

so, wie es kommt, und versuchen, uns nicht unterkriegen 

zu lassen. Ich musste immer sehr clever sein, 

um mich nicht auf irgendwelche Abwege locken 

zu lassen, um durchzukommen und nicht wie viele 

meiner langjährigen Weggefährten in irgendwelchen 

Londoner Showbands zu enden. Probleme sind dazu 

da, sie zu lösen – meine Tochter nennt mich wegen 

dieser Einstellung auch gern „Mist Fix It". Und 

Barbara ist genauso! 

funktionieren, sind allerdings deutlich billiger als 

andere Verabreichungsformen. Aber das Ganze ist 

ziemliches vermintes Gelände – darum muss ich vorsichtig 

damit sein, was ich öffentlich äußere. Aber 

ich habe für meine Thesen die Rückendeckung des 

führenden UK-Neurologen – er ist in der 

Parkinson-Forschung die wohl renommierteste 

Größe in Großbritannien. 

Was erwartet die Fans auf 

der anstehenden Tournee? 

Einen Gutteil dessen, was 

es bisher schon gab (lacht). 

Colosseum arbeiten ja 

nicht so viel, waren lange 

nicht mehr unterwegs. Und 

die Fans erwarten einfach 

die "Valentyne Suite”, "Lost 

Angeles” und dergleichen. Es 

wird aber auch frische Stücke 

geben – wir arbeiten gerade an 

einem neuen Album. Es 

wird TIME ON OUR 

SIDE heißen. 

Nicht ANNO 

DOMINI? 

Bitte nicht 

alles glauben, 

was 

im Internet 

steht! Wir 

arbeiten seit 

zwei, drei 

Jahren an TIME 

ON OUR SIDE. 

Und Zeit hatte ich 

ja, denn für mich war 

immer klar, dass ich ohne 

Barbara nicht auf Tournee gehen und sie zu Hause 

allein lassen würde. 

oto.de 

: © Good 

Times-ph 

oto. 

Foto 

: © 

Wann wird das neue Album erscheinen? 

Es kommt im Laufe der Tour in die Läden, wir werden 

es aber auch schon bei den ersten Konzerten 

verkaufen. Es wird, wie 2007 auch schon LIVE 05, 

beim deutschen Label Ruf Records erscheinen. Wir 

nutzen außerdem die Gelegenheit und Barbaras 

derzeit gute Verfassung, um ein neues Album mit 

Paraphernalia aufzunehmen. Die Songs dafür hat 

sie in den letzten fünf, sechs Jahren geschrieben. 

Deine erste LP hast du mit Dave Greenslade 

und Tony Reeves bereits 1958 eingespielt, da 

warst du gerade mal 14 ... 

: Good 

Time 

s-ph 

oto. 

o. 

de 

Foto: © 

Das ist richtig. Es ist aber nie veröffentlicht worden, 

es gab nur ein Decca-Azetat. Ich habe eine 

digitale Version davon. In meinem Archiv stehen 

rund 250 bis 300 Aufnahmen – bei Radiosendern 

habe ich den Toningenieuren immer 

ein paar Scheine zugesteckt, 

um ein Band der jeweiligen 

Aufnahmen zu 

bekommen. Und so 

schlummern noch 

Jon einige Schätze 

Hiseman in meinem 

Archiv, die ich 

irgendwann 

kostenlos zum 

Herunterladen 

für die Fans 

ins Netz stellen 

will. Ich 

habe angefangen, 

mich durch 

die Berge dieser 

Aufnahmen zu arbeiten, 

als es so aussah, 

dass Barbara nicht mehr 

würde touren können. Doch die 

Arbeit daran habe ich jetzt erst einmal 

zurückgestellt – wir wollen die Zeit nutzen, 

in der Barbara spielen kann. 

Nach dem Ende von Tempest gab 

es Colosseum II mit Gary Moore 

und Don Airey. Du hast die Band 

aus geschäftlichen Überlegungen 

so genannt und nicht den ursprünglich 

angedachten Namen Ghosts verwendet 

... 

Für Ghosts konnte ich keinen Plattenvertrag 

an Land ziehen. Gerry Bron, der früher Colosseum 

produziert und gemanagt hatte, wollte mir sofort 

einen Deal verschaffen, wenn Colosseum im 

Gruppennamen enthalten wäre. Ich habe darum alle 

früheren Mitglieder gefragt, obwohl ich die Rechte 

am Namen besaß, und keiner hatte was dagegen. 

Barbara 

Thompson 

Tempest war eine weitere Seite des musikalischen 

Chamäleons Jon Hiseman. 

(Lacht) Ja, es war ein interessantes Projekt, aber die 

Chemie stimmte nicht. Ich habe es nie geschafft, 

die Band so richtig rund zu kriegen – da bin ich 

gescheitert, habe personell falsche Entscheidungen 

getroffen. Das muss ich im Rückblick einfach so hart 

sagen. Es waren tolle Individualisten, aber es passte 

nicht. Da habe ich wirklich eine tolle Gelegenheit 

verschenkt. 

Philipp Roser 

Ihr gingt stets sehr offen mit Barbaras Erkrankung 

um und seid in den letzten Jahren oft bei 

medizinischen Kongressen aufgetreten ... 

Parkinson ist ein großes Problem, speziell in 

Großbritannien. Wer Parkinson-Patienten erlebt, 

meint die Folgen dieser Krankheit zu sehen. Das 

stimmt aber nicht: 90 Prozent der Symptome sind 

durch die Medikamente verursacht, die den Patienten 

gegeben werden. Weil die Nebenwirkungen dieser 

Arzneien so gravierend sind! In der Forschung gab 

es in den letzten fünf Jahren mehr Fortschritte 

als in den 50 Jahren davor. Zum Beispiel werden 

die meisten Medikamente in Form von Tabletten 

verabreicht – die können aber im Grunde nicht 


Colosseum 2014 v.l.: Jon Hiseman, Barbara Thompson, Clem Clempson, Mark Clarke, Dave Greenslade und Chris Farlowe 


Star-Auftrieb: Puhdys + City + Karat 

Flotter Dreier 

v.l. Claudius Dreilich (voc), Martin Becker (keys), Bernd 

Römer (g), Michael Schwandt (dr) – alle Karat, Peter 

Meyer (keys) – Puhdys, Christian Liebig (b) – Karat, Dieter 

Hertrampf (g, voc), Dieter Birr (voc, g), Klaus Scharfschwerdt 

(dr) – alle Puhdys, Manfred Hennig (keys) – 

City, Peter Rasym (b) – Puhdys, Fritz Puppel (g), Klaus 

Selmke (dr), Toni Krahl (voc) und Georgi Gogow (b, 

violine) – alle City. 

Die Aufnahmesessions in den Valicon-Studios in Berlin-Weißensee glichen 

einem Klassentreffen: Puhdys, City und Karat, die drei großen Ost-Rock- 

Bands, haben ein gemeinsames Album eingespielt! Auch der Produzent der 

Platte, Ingo Politz, der für seine Arbeit für Silbermond, Silly u.v.a. 

geschätzt wird, verdingte sich zunächst in diversen DDR-Formationen 

(eine Generation später): Neumis Rock Circus, Datzu, Lift. 

Die Idee einer solchen Kooperation lag eigentlich 

nahe; umso erstaunlicher, dass die 

Musiker erst jetzt – nach 45 Jahren Puhdys, 

42 Jahren City und 39 Jahren Karat – darauf 

kamen, schließlich waren sie sich jahrzehntelang 

immer wieder begegnet: Die Bühnen, die Fernsehsendungen 

und medialen Möglichkeiten waren 

und sind oft die gleichen. Mehr noch: Dieter Birr 

(Puhdys) und Fritz Puppel (City) lernten sich als Jugendliche 

kennen, jammten nach der Schule und 

gründeten in den frühen Sechzigern eine Kapelle, 

die Lunics. Herbert Dreilich, der frühere Karat-Sänger, 

gehörte 1968 der Urbesetzung der Puhdys an. 

Und als diese 1979 ihren ersten Besetzungswechsel 

vollzogen, war einige Zeit Michael Schwandt von 

Karat im Gespräch, doch der Schlagzeuger blieb in 

der ursprünglichen Band – nicht zuletzt, weil Karat 

zu diesem Zeitpunkt ihren langersehnten Durchbruch 

hatten. Als 1986/87 die Gitarreros, eine Art 

Supergroup der Ost-Rockszene, für einige Konzerte 

antraten, stand City-Sänger Toni Krahl mit den 

Karat-Kollegen Bernd Römer (g), Ed Swillms (keys) 

und Herbert Dreilich (voc) auf der Bühne. Römer, 

Swillms und City-Gitarrist Puppel wiederum waren 

1987 Gastmusiker auf Birrs Solo-Album INTIM, auf 

seinem zweiten Alleingang MASCHINE aus diesem 

Jahr findet sich ein Duett mit Krahl. Zum Künstlerstamm 

der 1990 gegründeten Plattenfirma KPM 

(Krahl-Puppel-Musik) zählten einige Jahre Karat. In 

den letzten Jahren traf man sich oft bei Konzerten 

und Festivals, etwa bei den „Ost-Rock Klassik"- 

Shows, als die populärsten Ost-Rocker ihre größten 

Hits in Begleitung des Filmorchesters Babelsberg 

interpretierten. 

Schon vor Gründung 

ihrer eigentlichen 

Bands waren Puhdys- 

Frontmann Dieter Birr 

und City-Gitarrist Fritz 

Puppel dicke Freunde. 

Obwohl jede der drei Gruppen eine ganz eigene 

Facette des deutschsprachigen Rock besetzt, haben 

ihre Biografien viele Parallelen. Alle drei kommen 

aus Ostberlin und begannen so rechtzeitig, um den 

Rock in der DDR entscheidend mitzuprägen. Schnell 

avancierte das Trio zur Speerspitze des Ost-Rock, 

der Erfolg der Puhdys, City und Karat blieb dabei 

nicht auf Ost-Deutschland beschränkt. Die Puhdys 

existieren bereits seit 1969, fünf Jahre später 

veröffentlichten sie ihre erste Amiga-LP: Da waren 

sie längst die Leader im Land. Sie interpretierten 

1973 zwei von Peter Gotthardt komponierte Songs 

für den Soundtrack des Spielfilms „Die Legende von 

Paul und Paula". Der Defa-Streifen gehört zu den 

wenigen DDR-Filmen, die nah am wirklichen Leben 

dran waren. Der Film genießt bis heute Kultstatus, 

die enthaltenen Songs "Wenn ein Mensch lebt" 

und "Geh zu ihr" bescherten der Band den endgültigen 

Durchbruch. Und sie gehören nach wie vor 

in die Top 10 der besten Puhdys-Lieder. Seit 1976 

spielte die Band auch im Westen Deutschlands, 

schon fünf Jahre später füllten sie die West-Berliner 

Waldbühne – ganz ohne DDR-Fans. City, 1972 formiert, 

gelang in der zweiten Hälfte der Siebziger 

ihr größter Wurf: "Am Fenster" nahm viel von dem 

vorweg, was heute den Balkan-Rock ausmacht: Das 

extrovertierte Violinenspiel des Bulgaren Georgi Gogow 

– gepaart mit der lässigen Schnoddrigkeit des 

Sängers Toni Krahl – machte die Nummer auch in 


der BRD und in Griechenland zu einem veritablen 

Hit, in beiden Ländern gab es Gold dafür. In den 

Achtzigern hatte die Band um Fritz Puppel (inzwischen 

mit Keyboard-geprägtem Sound) wieder die 

Nase vorn, ihr 1987er Album CASABLANCA gilt als 

bahnbrechend. b h Karat, Gründungsjahr 1975, sind 

die Nesthäkchen der Runde, zudem haben sie den 

jüngsten Sänger: Claudius Dreilich ist der Sohn des 

eigentlichen Karat-Frontmannes Herbert Dreilich. 

Der Junior ersetzt seit 2005 mit großer Souveränität 

und Können seinen 2004 verstorbenen Vater, zudem 

ähnelt er ihm in Gesang und Optik. Einen Ritterschlag 

erlebten Karat 1980: Peter Maffay coverte 

ihren Song "Über sieben Brücken musst du gehen" 

und landete damit seinen größten Hit. Zehn Jahre 

später sangen Maffay und Dreilich die Nummer im 

Studio aufs Band. Eine weitere Gemeinsamkeit der 

drei Bands: Sie ruhen sich nicht auf ihren Oldies 

aus, spulen keine Nostalgiekonzerte ab – immer 

wieder entstehen neue Lieder und Alben. 

So wie jetzt die erste Platten-Kooperation ROCKLE- 

GENDEN – im 25. Jahr nach dem Mauerfall tauchen 

die drei Buchstaben „O-s-t" nicht mehr auf. Das 

Album umfasst zwölf Songs, die meisten sind eine 

Überraschung. Zunächst erweisen sich die Bands 

gegenseitig die Ehre und plündern im Repertoire 

der jeweils anderen. Die Puhdys spielen Karats "Magisches 

Licht" vom Album SCHWANENKÖNIG (1980) 

und Citys "Amerika" von KEINE ANGST (1990). City 

haben sich "Kleiner Planet" von den Puhdys (NEUE 

HELDEN, 1989) gekrallt und auch den Karat-Evergreen 

"Jede Stunde" (DER BLAUE PLANET, 1982). 

Die wiederum sind ebenfalls in den Achtzigern findig 

geworden: "Ufer der Nacht" von den Puhdys 

(SCHATTENREITER, 1981) sowie "Glastraum" von 

City (UNTER DER HAUT, 1983). Schließlich bedienen 

sich alle drei an Material von außerhalb des 

Ost-Rock universums. Karat revanchieren sich bei 

Peter Maffay mit einem "Eiszeit"-Cover. City begeistern 

mit der deutschsprachigen Version von Bowies 

"Heroes/Helden". Mit dieser Nummer erschreckten 

sie schon in den Achtzigern bei ihren Konzerten die 

Kulturfunktionäre: Lieder über ein Liebespaar an 

der Berliner Mauer waren wenig erwünscht. "Immer 

mehr", im Original von Spliff-Drummer und –Sänger 

Herwig Mitteregger, hätte in der Puhdys-Variante 

noch mal die Chance auf einen Siegeszug. Mit drei 

neuen, im Team gesungenen Nummern ("Sternenstunden"/Puhdys, 

"Vom gleichen Schlag"/Karat und 

Sänger Toni Krahl und Gitarrist 

Fritz Puppel, die Köpfe von City 

und einige Jahre die Labelchefs 

von Karat, 1978 in Berlin (West). 

"Wir sind wir"/City) grüßen die gestandenen Rocker 

aus dem Hier und Jetzt. 

Schade, dass weite Teile der stromlinienförmig formatierten 

Radiolandschaft noch immer vor alten 

Männern zittern, noch dazu vor solchen aus dem 

Osten. Denn speziell die drei aktuellen Songs haben 

durchaus Hitpotenzial. 

Christian Hentschel 

Fotos: © Michael Petersohn

Leonard Cohen (80) 

Charme - Songs - Poesie 

Foto: © Dominique Issermann 

U 

nd natürlich sind da noch die unschlagbaren Qualitäten des kanadischen 

Musikpoeten, der – kaum zu glauben – am 21. September seinen 80. 

Geburtstag feiert. Dies kommt in den Würdigungen zum Ausdruck, 

die deutsche Songschreiber- und Sänger-Kolleg(inn)en für GoodTimes 

schrieben. Sie arbeiteten Cohens Persönlichkeit trefflich heraus, erübrigen ein Nacherzählen 

des bewegten Lebenslaufes. Dennoch gehören zu einer Hommage auch 

Hinweise auf Veröffentlichungen, mit denen Plattenfirmen und Verlage Kapital aus 

dem runden Geburtstag schlagen möchten: Es gibt zahlreiche Tribute-Alben (auch 

deutscher Künstler) sowie Bücher über den eigenwilligen Jubilar. Auch Cohen selbst 

meldet sich zu Gehör – mit dem Studio-Album POPULAR PROBLEMS, bei dem 

schon der Titel neugierig macht (das aber bei Redaktionsschluss leider noch nicht 

vorlag). GoodTimes schließt sich den Gratulanten an, wünscht Leonard Cohen viele 

weitere Jahre bei guter Gesundheit, Stimme und Inspiration! 

„Things are going to slide in all directions" sang Leonard Cohen 1992 im Titelstück 

seines Albums THE FUTURE – und er meinte damit nicht unbedingt nur düstere 

Richtungen. „Dieses Lied ist Ausdruck meiner Entwicklung", erklärte er dem Autor 

schon damals. Er habe sich lange Zeit mitten in einer Katastrophenlage empfunden: 

„Die Flut ist gekommen, und jetzt fragen wir uns, wie wir weitermachen können." 

Und machte damit deutlich: Verharren im (musikalischen) Status quo kam für ihn 

nicht in Frage, darum experimentierte er damals etwa mit Synthesizern. Und: Cohen 

arbeitete stets gern mit biblischen Metaphern. „Wir haben eine zwiespältige Beziehung 

zur Bibel: Sie ist eines der einflussreichsten Bücher der Menschheitsgeschichte, 

Dreierlei registriert, wer Leonard Cohen begegnet: Er ist stets 

elegant gekleidet, an ihm entfaltet selbst ein schlichtes Sakko 

die Wirkung eines Smokings. Dann die tiefe Brummstimme, die 

vor allem auf viele Frauen eine faszinierende Wirkung zu haben 

scheint. Und da ist dieser Charme eines Zeitgenossen mit 

kultiviert-noblen Umgangsformen, der sein Gegenüber nicht nur 

mit aufgesetzter Höflichkeit ernstnimmt. Kaum zu glauben, der 

Kanadier Leonard Cohen wird 80. 

auch unter literarischen Aspekten. Dennoch sperrt man sich gegen manches, was 

darin steht. Für mich ist sie hilfreich, denn ihre Metaphern versteht man in aller 

Welt", sagte Cohen 1988. Und er räumte ein, dass es manchmal schwierig sei, seinen 

Gedanken zu folgen, wie zum Beispiel bei den Zeilen „First we take Manhattan, then 

we take Berlin". Verschmitzt meinte er, damit wolle er einen gewissen Führungsanspruch 

zum Ausdruck bringen: „Ich will Verantwortung übernehmen und anführen, 

ich bin bereit, das Universum zu übernehmen." Um dann wenig später in ein Kloster 

zu entschwinden, sich der Welt zu entziehen – typisch Cohen in all seiner Widersprüchlichkeit. 

Zumal er zurückkehrte, um Lieder zu schreiben, Platten zu machen 

und live aufzutreten – und das dank seines Charismas in beeindruckender Manier! 

Um die Chronistenpflicht nicht gänzlich zu vernachlässigen, ein Mini-Lebenslauf: 

Der Sohn eines Textilfabrikanten spielte zu Studentenzeiten in Montreal an der Mc- 

Gill University in einer Country-Folkband. Dann entschloss er sich aber für eine literarische 

Laufbahn und veröffentlichte 1956 „Let Us Compare Mythologies", seinen 

ersten Gedichtband. Cohen reiste durch Europa und begann 1967 in New York als 

Folkmusiker, debütierte ein Jahr später mit SONGS OF LEONARD COHEN. Bis heute 

entstanden ein Dutzend Studiowerke, zehn Live-Alben und vier DVDs. Außerdem 

erschienen immer wieder Bücher, zuletzt 2006 das „Book Of Looking". Mitte der 

90er Jahre zog sich der Jubilar in ein buddhistisches Kloster zurück – als Mönch mit 

Namen „Jikan" (der Stille), ehe er 2001 mit TEN NEW SONGS ins Weltliche und auf 

die Musikszene zurückkehrte. 

Philipp Roser 

" 

Auch unter deutschen (oder hier häufig aktiven) Songschreibern und Sängern genießt 

Leonard Cohen hohes Ansehen. Heinz Rudolf Kunze und andere würdigen 

den großen Kanadier und zollen ihm Respekt – exklusiv für GoodTimes. 

Ich kannte Leonard Cohen intensiver, besser und früher als Bob Dylan. Als Dylan 

mich noch gar nicht interessierte, Anfang der 70er Jahre, besaß ich schon die 

ersten beiden Cohen-Alben, SONGS OF LEONARD COHEN und SONGS FROM A 

ROOM und habe sie sehr intensiv und sehr gern gehört, weil ich sie von 

der Stimmung her so unglaublich düster und geheimnisvoll fand. Was 

ich an ihm bewundere: Ein in seiner Musikalität sicherlich begrenzter 

Mann – das verbindet ihn mit Dylan, beide sind keine Virtuosen, können 

aber aus ihren limitierten musikalischen Vokabularen doch sehr viel 

machen – versteht es, einprägsame und hypnotische Lieder zu schaffen, 

die man nie wieder vergisst. Was das Texten betrifft, sind die beiden 

sozusagen Antithesen, gegenteilige Autoren – so sehe ich sie: Bob Dylan 

ist ein Instinktmensch, ein ungelernter, ein naiver Schreiber, der nie etwas 

studiert hat, der sich viel zusammengelesen und zusammengehört hat und ein 

wirklicher Folkschreiber ist. Leonard Cohen ist das genaue Gegenteil: ein Akademiker, 

er hat Literaturwissenschaft und Philosophie studiert. Er hat das Handwerk 

richtig gelernt und ist ja auch – im Gegensatz zu Dylan – erst als Schriftsteller in 

Erscheinung getreten, erst danach als Songschreiber. Insofern repräsentieren beide 

Schlicht ein Genie !" 


die möglichen Pole, wie man an es angehen kann: entweder total instinktiv oder als 

Meister des Handwerks. 

Wie ich auf Cohen aufmerksam geworden bin? Das ist so lange her, dass ich es nicht 

mehr genau weiß. Wahrscheinlich, wie so oft bei Pop- und Rockmusik, wohl über 

das Cover. Das minimalistische Cover von SONGS FROM A ROOM hat mich sehr 

fasziniert: eine weiße, leere Fläche mit einem kleinen eingelassenen schwarzen Foto 

von ihm mit Cowboyhut – wie er ganz cool da saß. Das hat mich einfach ikonisch 

interessiert, und ich habe dann zur Platte gegriffen. Ich war dann doch 

eher von dieser Minimal Music, die er da machte, fasziniert. Gerade dieses 

zweite Album war unglaublich sparsam – die Engländer würden „bleak" 

sagen, also leer, öde, geheimnisvoll, mit ganz viel Raum für den Hörer, 

sich Instrumente dazuzudenken – das Gegenteil einer üppigen Produktion 

und gerade darum so spannend. Ich glaube auch, dass es vor allem 

deshalb die Zeit so gut überdauert hat. 

Ich bin leider weder Cohen noch Dylan je begegnet. Ich habe beide in 

den letzten Jahren auch wieder live gesehen und war völlig hin und weg 

von der Präsenz Cohens auf der Bühne. Auch von der Kraft, die er immer noch in 

seiner tiefen Super-Bassstimme hat. Er hat natürlich ein sehr begrenztes Tonspektrum, 

aber darin ist er sehr, sehr genau, und das war schon faszinierend, ein ganz 

großes Erlebnis! 

Heinz Rudolf Kunze

Poet, Songschreiber, Sänger, Performer ... – ach was, Leonard Cohen ist schlicht 

ein Genie! Mit "Suzanne" und "Bird On The Wire" hat er uns alle in seinen 

Bann geschlagen, mit "Sisters Of Mercy" und "First We Take Manhattan" Karrieren 

von Weltstars befördert. Zugegeben, sein Pathos und seine 

Melancholie, die zeitweise in tiefe Depression abdriftete 

– ich empfand das vor allem bei SONGS OF LOVE AND 

HATE (1971) –, hatten für mich etwas Abschreckendes, 

Verstörendes, so dass ich mich damals nicht als „Fan" 

von Leonard Cohen bezeichnet hätte. Gleichzeitig ist aber 

gerade das Unerwartete, anfangs womöglich Unverstandene 

ein wesentlicher Teil des kreativen Prozesses, der uns 

Künstler auszeichnet. Und das gilt insbesondere für Leonard 

Cohen, der mit seinem musikalischen und literarischen Werk die vergangenen 

sechs (!) Jahrzehnte geprägt hat. Übrigens, in unserer Künstlerbiografie gibt es 

eine nette Parallele: Wie Leonard Cohen fing auch ich mit 13 Jahren an, Gitarre 

zu spielen und zu singen. Mit 16 gab es kleinere Auftritte in Cafés und Jugendclubs, 

dann der erste große Schritt mit einer Folkband: er mit den Buckskin Boys, 

ich mit den City Preachers. Those were the days … Herzlichen Glückwunsch, lieber 

Leonard Cohen, zum 80. Geburtstag! 

Inga Rumpf 

Ich weiß nicht so recht, wie ich meine Gedanken über 

Leonard Cohen formulieren soll. Ich liebe es, seine musikalischen 

Gedichte zu interpretieren und zu singen, weil 

ich in ihnen immer Kleinigkeiten von mir selbst finde. Nicht 

nur das: Mir fällt es leicht, die entsprechende Interpretation 

zu finden und ihre Form auch mit meinen wechselnden 

Sichtweisen zu verändern. Und ich denke nicht, dass ich mit 

meiner Identifikation mit seinen Arbeiten allein da stehe. 

Was einfach an seiner Genialität liegt. 

Helen Schneider 

In meiner Anfangszeit als Musiker und Songschreiber 

war Leonard Cohens erstes CBS-Album für mich eines 

der wichtigsten Vorbilder. Er verkörperte diese introspektive, 

selbst analysierende Art, Songs zu schreiben. Leonard 

Cohen war und ist beides: eloquenter Dichter und genialer 

Komponist. Als die zweite LP erschien, wollte ich einfach 

Leonard Cohen sein, mit seiner leicht bekleideten, blonden 

Freundin und seiner Schreibmaschine auf einer griechischen 

Insel! Seitdem steht er immer für Ehrlichkeit und emotionale 

Wahrheit: "Tower Of Song" oder das inzwischen überstrapazierte "'Hallelujah'" 

oder die verrückten "Confessions Of A Ladies' Man" mit Phil Spector. Als ich mit 

Wolfgang Niedecken nach unseren Aufnahmen in Woodstock einen letzten freien 

Tag in New York hatte, spielte Leonard Cohen in Madison Square Garden – endlich 

die Chance, den Meister live zu erleben. Aber die billigste Karte kostete 256 Dollar! 

Dumm gelaufen ... 

Julian Dawson 

Leonard Cohen war für den pubertierenden Edo Z. aus K. sofort faszinierend. 

Alle meine Soul- und Rockhelden schwitzten bei der Arbeit, Leonard hatte einen 

Puls von gefühlt 30 beats per minute. Dazu sang er herrlich lyrische Texte von 

geheimnisvollen Frauen, von "Suzanne" und den "Sisters 

Of Mercy", die uns schon zeigen würden, wo man hinschauen 

soll zwischen all dem Abfall und den Blumen ... 

wow! Als ich das in dunklen Partykellern meinen Angebeteten 

vorspielte und nur erreichte, dass sich alle Hals über 

Kopf in diesen Mann mit der tiefen, warmen Stimme und 

den braunen Augen verliebten, hätte ich ihm beinahe die 

Freundschaft gekündigt. Doch er drehte mit seinen Songs 

und unglaublich wahren und schönen Texten immer wieder 

Runden durch mein gesamtes Leben. Schön, ihn so alt und fragil in seiner späten 

Blüte noch auf den Bühnen der Welt sehen zu können – man möchte sich fast bei 

dem Manager bedanken, der ihm wohl soviel Geld geklaut hat, dass Leonard wieder 

Konzerte gibt. Möge er in den Armen seiner Lieblingsvokalistinnen dereinst mitten 

in einem Song abberufen werden. Mein absoluter Lieblingstitel von Leonard Cohen 

ist "Tower Of Song". 

Edo Zanki 

Ich war im Sommer 1968 als Austauschschülerin in Paris. Dort hörte ich Leonard 

Cohen im Radio. Er wurde jeden Tag mit verschiedenen Songs immer abwechselnd 

mit Georges Moustaki gespielt. Mein Englisch war damals noch nicht so gut, 

aber das, was ich verstand, fand ich fantastisch! Die Poesie fand ich großartig, die 

Stimme gefiel mir wahnsinnig gut. Ich war schockiert, als ich mitkriegte, dass er ein 

alter Mann war – ich war 15 und er 34. Das war für mich 

bereits dem Sarge nah! Er hat mich dann auch in späteren 

Jahren beeindruckt, immer wieder. Natürlich gab es bei allen 

Großen, die man über Jahre verfolgt – etwa auch bei 

Bob Dylan –, auch mal Platten, die mir weniger gefallen 

haben. Doch irgendwann – und das eint Cohen mit Dylan 

– holt er aus, und dann kommt ein ungeheures Album, das 

einen tatsächlich über den Winter trägt. Das letzte Album 

von Cohen, das mich stark beeindruckt hat und das ich 

monatelang ständig hörte, war TEN NEW SONGS. Da taten sich wirklich zum Teil 

Abgründe auf – natürlich bearbeitet er eben auch das Altsein. 

Ulla Meinecke 

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Johnny Winter (†) 

Foto: © Jim Summaria 1975 


Foto: © Helmut Ölschlegel 2013 

Wirklich gesund sah er nie aus. Das jedoch ist nicht allein Johnny Winters 

jahrzehntelangem Alkohol- und Drogenmissbrauch zuzuschreiben. 

Der Mann aus Texas kam am 23. Februar 1944 mit Albinismus (Pigmentstörung) 

auf die Welt, was eine auffallend helle Haar- und Hautfarbe 

zur Folge hatte. Darum wurde der zeitlebens hagere Gitarrist und 

Sänger gleich nach seinem Erscheinen in Blueszirkeln Ende der 1950er 

als Blues-Albino" bezeichnet. Bereits 1959 nahm er seine erste Single 

" 

"School Day Blues" auf. 

Das nächste Jahrzehnt war für den „bleichen Kerl mit der schwarzen Seele” 

(Winter über Winter) geprägt von der Devise „Spielen, Spielen, Spielen": „Ich 

denke, es gibt kaum einen Club in den USA, in dem ich zwischen 1959 und heute 

nicht live aufgetreten bin”, erzählte Johnny schon 1968. Die Fronarbeit zahlte sich 

aus: Der Südstaatler erhielt einen Vertrag vom Liberty-Label, die Debüt-LP THE 

PROGRESSIVE BLUES EXPERIMENT entstand. Und Winter absolvierte mit Bassund 

Schlagzeugbegleitung einen phänomenalen Auftritt im Kult-Musiktheater 

Fillmore East in New York. Dadurch steigerte sich sein Bekanntheitsgrad derart, 

dass Columbia Records dem Texaner einen für damalige Zeiten fabelhaften Vorschuss 

von 600.000 Dollar zahlte. Johnny dankte es der Firma, indem er 1969 sein 

sensationelles zweites Album JOHNNY WINTER ablieferte. 

Im selben Jahr luden die Veranstalter die Blueskoryphäe mit Band zum Woodstock-Festival 

ein. Der Auftritt wurde mitgeschnitten, fand aber keine Aufnahme 

in dem legendären Film – Begründung: „zu merkwürdig”. Tatsächlich offenbarte 

das Gastspiel, dass der Sänger und Gitarrist schon in jener Zeit Probleme 

mit Narkotika aller Art hatte – und die ließen ihn nie mehr los. Folge: 1973 verlor 

Winter seinen Vertrag mit Columbia, weil er ein unzuverlässiger Geschäftspartner 

geworden war, abhängig von Alkohol und Heroin, geplagt von Depressionen. 

Doch Winter ließ sich nie unterkriegen, verschaffte sich immer wieder Gehör. 

In den späten 1970er Jahren besorgte er seinem Idol Muddy Waters einen 

Plattenvertrag und produzierte vier seiner Alben – nicht weniger als drei wurden 

mit einem Grammy ausgezeichnet. 

Der letzte Blues des Johnny Winter wurde am 17. Juli 2014 gespielt. Der 

große Bluesmann verstarb – natürlich gerade wieder auf Tournee – in einem 

Hotel im Kanton Zürich. 

Michael Fuchs-Gamböck 

Robert Fröwein führte für GoodTimes mit Johnny Winter eines der letzten terviews überhaupt. Thema: das aktuelle Album STEP 

In- 

BACK (siehe Rezensionsteil), an dem Cracks wie Eric 

Clapton, Joe Perry, Joe Bonamassa und Billy Gibbons 

mitwirkten. 

Wie ergaben sich denn die vielen Kooperationen auf 

STEP BACK? 

Das sind alles Leute, die ich mag und respektiere. Manche Ideen auf dem Album 

stammten von ihnen, andere von mir. 

Joe Bonamassa wird vielfach als die Zukunft des Blues bezeichnet – korrekt? 

Er ist verdammt gut, alles, was er schreibt, hat Hitpotenzial. Ich weiß gar nicht, 

ob ihm selbst eigentlich bewusst ist, wie gut er ist. Wenn er seine Gitarre in die 

Hand nimmt, dann knockt er mich problemlos aus. 

Eric Clapton hat mehrmals betont, dass er nicht mehr touren möchte, weil ihm 

das im Alter zu stressig ist. Bei dir scheint es diese Probleme nicht zu geben ... 

Bei Clapton steht eine ziemlich große Produktion dahinter. Ich dagegen bin 

relativ bescheiden unterwegs, was es für mich viel angenehmer gestaltet. Ich 

habe jedenfalls keine Lust, in Pension zu gehen. 

Wir haben vor dem Interview kurz über einen Film gesprochen ... 

Der Titel wird „Down & Dirty" sein, es geht darin um mein Leben im Musikbusiness. 

Es ist eine Dokumentation. Sie stammt vom selben Regisseur, der schon 

die Geschichte von Lemmy Kilmister verfilmt hat. Der Mann hat mich und die 

Band über zwei Jahre lang begleitet und mit nahezu allen Menschen in meinem 

Umkreis Interviews geführt. Es geht um mein Leben im und mit dem Blues. 

Du hattest in der Vergangenheit häufig Alkohol- und Drogenprobleme. Wie bist 

du aus diesem Teufelskreis ausgebrochen? 

Das war wirklich hart, es hat sich über rund 30 Jahre hingezogen und war nicht 

immer einfach. 

Kamen niemals Gedanken, die Musik aufzugeben? 

Nicht eine Sekunde! Nein, das wäre keine Option gewesen. 

Wird der Blues auch für Nachgewachsene interessant bleiben? 

Mit Sicherheit. Er wird wohl nicht mehr die Größe der 50er und 60er Jahre 

erreichen, aber auf jeden Fall weiterbestehen. Es gibt immer einen Platz dafür. 

Möchtest du nach so vielen imposanten Karrierejahren noch etwas erreichen? 

Ja, ich will einen Grammy gewinnen! Ich habe schon drei gemeinsam mit 

Muddy Waters erhalten, aber ein eigener wäre die Krönung für mich. Ansonsten 

würde ich gern im Tourbus sterben. 


Ian Paice 

Gedanken an Jon 

Celebrating Jon Lord" hieß es am 4. April in 

" 

London, als bei der Benefizveranstaltung The " 

Sunflower Jam" an den 2012 verstorbenen 

Deep-Purple-Keyboarder erinnert wurde. Seine 

Ex-Band war dabei, dazu Freunde wie Bruce 

Dickinson, Rick Wakeman, Glenn Hughes, Paul 

Weller, Micky Moody sowie das Orion Orchestra, 

um den Rocker und Klassikkomponisten 

zu würdigen. Sein Schwager Ian Paice ließ 

GoodTimes hinter die Kulissen blicken. 

Ian, wie ging es dir an diesem Abend in der 

Royal Albert Hall? 

Zum Glück steckten wir mit 

Deep Purple mitten in einer 

Tour und hatten nicht viel 

Zeit, um vor dem Event womöglich 

überemotional zu 

werden. Wir hatten gerade mal 

einen Tag zum Proben. Es war 

wunderbar, mit alten Freunden 

zu spielen und an Jon zu 

erinnern. 

Wann bist du Jon zum 

ersten Mal begegnet? 

Damals spielte er noch bei den 

Artwoods – wir trafen bei ihrem Auftritt im Marquee 

in London aufeinander. Das muss etwa 1965/66 ge- 

Fotos: © Neil Lupin 

wesen sein. Meine damalige Band spielte als Opener. 

Ich erinnere mich an einen dürren, langhaarigen, 

schnauzbärtigen Typen – und als ich ihn spielen 

hörte, war mir klar, dass er ganz besondere Talente 

hatte. Das nächste Mal traf ich ihn dann, als ich für 

den Job bei der Band vorspielte, die 1968 zu Deep 

Purple wurde. 

Ihr wart auch beide bei unterschiedlichen 

Acts wie Whitesnake und Paice Ashton Lord 

– hat Jon dich da sehr gefordert? 

Jon hat nie jemanden gefordert, er hat andere vielmehr 

immer ermutigt und ihnen geholfen. Und was 

die stilistische Vielfalt angeht: Ein guter Musiker kann 

Ian Paice war nicht nur Jon 

Lords Musikerkollege, sondern 

auch sein Schwager. 

unterschiedlichste Stile 

adaptieren. Wobei die 

Arbeit mit einem Orchester 

wieder etwas 

ganz anderes ist. Gerade 

als Rhythmiker muss 

man sich klarmachen, 

dass man nicht nur mit 

drei oder vier Leuten 

zusammenspielt, sondern 

mit 90! 

Du kanntest ihn als 

Schwager besser 

als viele andere – wie war die Zeit zwischen 

der Krebsdiagnose und seinem Tod? 

Jon litt an einer besonders schlimmen Krebsart, die 

nur einer von 20 überlebt. Er hat alles Erdenkliche 

probiert, jede orthodoxe Behandlungsmethode, ebenso 

neue alternative Therapien. Er schaffte es, uns nach 

der Diagnose noch zehn Monate erhalten zu bleiben 

– den meisten Betroffenen gelingt das nur für acht 

Wochen. Ich sah ihn am Tag, bevor ich in die USA abflog, 

um mit Deep Purple NOW WHAT aufzunehmen, 

und hatte dabei das Gefühl, dass ich ihn nicht wiedersehen 

würde. Da fehlte etwas in seinen Augen. Ich 

hatte den Eindruck, dass er nicht länger leiden wollte. 

Philipp Roser 

Sinéad O’Connor 

Foto: © Donal Moloney 

Fromme Feministin 

Sinéad O’Connor ist hungrig. Ja, auch nach 

Erfolg, denn sie hat mit I’M NOT BOSSY, 

I’M THE BOSS gerade ihr poppigstes und 

zugänglichstes Werk seit ihren beiden - mit 

weitem Abstand bestverkauften - ersten Alben THE 

LION AND THE COBRA und I DO NOT WANT WHAT 

I HAVEN’T GOT veröffentlicht. Die sieben Folgeproduktionen 

versandeten in den unteren Regionen der 

Charts, sofern sie diese überhaupt 

von innen sahen. „Ich wünsche mir, 

dass ich mit der aktuellen Scheibe 

jede Menge Leute erreichen werde”, 

hofft die fromme Feministin, „denn 

die Songs darauf sind stark, sie haben 

es verdient.” 

Sinéad O’Connor ist hungrig – auch 

ganz real während des Telefonats 

mit ihr: Sie mampft munter vor sich 

hin, was die Konversation mit der 

47-Jährigen und ihrem gewöhnungsbedürftigen irischen 

Dialekt nicht leichter macht. In diesem Fall ist 

ii 

das allerdings nicht so tragisch, denn Miss O’Connor 

hatte schon vorab durch ihr Management mitteilen 

lassen, dass sie ausschließlich über ihre momentane 

(musikalische) Befindlichkeit sprechen möchte. Also 

auch keinerlei Fragen über ihre psychischen Krankheiten 

aus der Vergangenheit, keine über ihren feministischen 

Richtungsstreit mit Pop-Sternchen Miley 

Cyrus, keine über Erotikpartner auf einschlägigen 

Seiten. Offizielle Begründung: „Sinéad ist in den 

vergangenen Jahren in Gesprächen immer wieder 

auf kontroverse Themen eingegangen. Sie hat dazu 

nichts mehr zu sagen.” 

Das Medienmisstrauen ist nachvollziehbar – sehr oft 

wurde Sinéad O’Connor in den rund 25 Jahren ihrer 

Karriere missverstanden. Und dennoch behauptet 

sie, sich selbst nie geändert zu haben: „Ich bin dieselbe 

Kratzbürste wie seit jeher”, lacht sie, „es wäre 

mir schlicht zu anstrengend, eine 

andere Person mimen zu müssen als 

die, die ich bin. Und auch wenn ich 

auf die 50 zugehe, sollte man sich 

nicht täuschen: Ich bin Irin, in uns 

steckt von Geburt an etwas Rebellisches”, 

feixt sie weiter kauend. 

„Zum Beispiel habe ich – als streitbare 

Christin – vor kurzem auf die 

Frage geantwortet, wie ich mir einen 

modernen Jesus vorstelle: Er würde ' 

definitiv iti schwul sein und fürs Matriarchat eintreten.' 

Nicht unbedingt eine gängige Antwort, oder? Nein, 

sie ist einfach nur ehrlich! Und genau darum ging 

es mir von Anfang an in meiner Karriere: Ich wollte 

nicht bewusst provozieren, sondern stets meine persönliche 

Wahrheit mitteilen. Aber das kommt nicht 

immer gut an in einer reichlich verlogenen Welt wie 

der unseren. Doch mir ist das völlig egal." Sinéads 

Wunsch: „Ich möchte mit meiner Musik die Welt ein 

bisschen freundlicher machen.” 



50 Jahre 

Foto: © Nadja Hertzsch 

Im Sommer 2012 geriet das Stern-Combo-Meißen-Schiff 

gehörig ins Schlingern. Sänger Michael 

Brödel – seit 2008 an Bord – sowie zwei weitere 

Musiker verließen die ostdeutsche Kultband spontan 

und machten ihrem Ärger in diversen Internetforen 

Luft. Dabei lag auf Larry B., wie sich der Leipziger 

Sänger nennt, alle Hoffnung. Es galt, Reinhard Fißler 

und IC Falkenberg, die großen Stimmen der Stern- 

Combo Meißen (die zeitweilig auf das „Combo" im 

Namen verzichtete und inzwischen beide Varianten 

für gültig hält) adäquat zu ersetzen. Ein schwieriges 

Unterfangen, wie sich herausstellte: Brödel, der von 

1994 bis 1996 zur Leipziger Band Karussell gehörte 

und mit seiner Prog-Rockband Toxic Smile einen Plattenvertrag 

bei der südkoreanischen BMG unterschrieb, 

machte seinen Job ordentlich, doch die Magie fehlte. 

Insofern bescherte der ungeplante Besetzungswechsel 

den verbliebenen Kollegen Glück im Unglück: Mit dem 

30-jährigen Manuel Schmid aus Thüringen wurde ein 

großartiger Sänger gefunden. Er wird dem Erbe gerecht 

und ermöglicht auch als Komponist, Texter und 

Produzent der Band eine Zukunft. 

Dies war nicht das erste Drama im Besetzungskarussell, 

etwa 46 Mitglieder zählt die Stern-Combo- 

Historie bis heute. Darunter Musiker, die später bei 

Karat, Silly, Lift und den Puhdys Karriere machten. Die 

erfolgreiche Sängerin Veronika Fischer zählte 1970/71 

ebenfalls dazu. Gründer Martin Schreier, Schlagzeuger, 

Perkussionist und Sänger, ist die einzige Konstante in 

der inzwischen 50-jährigen Bandgeschichte. Er hält 

bis heute die Fäden in den Händen – mit Hilfe des 

Managers Detlef Seidel, der ebenfalls schon seit 1964 

dabei ist. Zunächst war die Combo angetreten, in den 

Dörfern um das sächsische Meißen zum Tanz aufzuspielen, 

das Programm umfasste von Cover-Versionen 

von Stones-Songs bis zu Roy Black. Ende der Sechziger 

rüstete die Band mit einer Bläserfraktion auf. 

Mit den 1972er-Neuzugängen Thomas Kurzhals (keys) 

und Reinhard Fißler (voc) ließ es sich bestens auf den 

Spuren von Emerson, Lake & Palmer und Yes wandeln, 

schließlich kristallisierte sich ein eigener Stil heraus. 

Stern Meißen 2014: Martin Schreier, Axel Schäfer, 

Frank Schirmer, Sebastian Düwelt, Manuel Schmid 

© Privatarchiv Detlef Seidel 

Die Stern-Combo Meißen wurde die Art-Rockband 

Nr.1 der ostdeutschen Musikszene. 1975 gelang 

der erste Hit, "Der Kampf um den Südpol" ist noch 

heute Highlight eines jeden Konzerts. Weitere Treffer 

wie "Die Sage", "Was bleibt" und "Der Motor" folgten. 

Dabei handelte es sich nie um leichte Kost. Die von 

Synthesizern dominierten Stücke waren oftmals Kon- 

Stern Meißen 1976 mit Reinhard Fißler (o.l.) 

und Thomas Kurzhals (o.r.) 

zeptwerke, auf mindestens acht 

Minuten Spielzeit kamen die 

meisten Lieder locker. Zudem 

gab 

es 

Klassik- 

a d a p - 

tionen, 

etwa von Mussorgski und Vivaldi. 

Der Erfindung des Porzellans 

wurde ein komplettes Konzept- 


"Was bleibt" ... 

album gewidmet, das über 

Teldec auch in der BRD und 

in Japan veröffentlicht wurde: 

WEISSES GOLD (1979). Diese 

LP sowie 

S T E R N 

COMBO MEISSEN (1977), DER 

WEITE WEG (1979) und REI- 

SE ZUM MITTELPUNKT DES 

MENSCHEN (1981) ebneten der 

Gruppe den Weg zu einer der 

wichtigsten t und erfolgreichsten DDR-Rockbands. Allerdings 

waren die Songstrukturen und Soundvorstellungen 

fest in den Siebzigern verankert. 

Um auch ein Jahrzehnt später weiterhin bestehen 

zu können, mussten sich zahlreiche Bands neu 

definieren. New Wave und Punk hatten auch an die 

ostdeutschen Studiotüren gehämmert. 

Die Flucht nach vorn 

gelang den Sternen zunächst 

nur in kleinen Schritten: STUN- 

DENSCHLAG (1982) mit den 

Hits "Also was soll aus mir werden" 

und "Leben möchte ich" 

ist zwar durchaus als Ankunft in den Achtzigern zu 

werten, doch offenbar war der Formation der Schritt 

nicht konsequent genug. Schließlich musste 1983 

Sänger Reinhard Fißler seinen Platz räumen, ihm 

folgte Ralf Schmidt, der unter dem Pseudonym IC 

Falkenberg wenig später auch als Solist auftrat. Ein 

Wagnis ohnegleichen, denn fortan hatten Stern Meißen 

mit ihren früheren Erfolgen nichts mehr gemein. 

Mehr noch: Fans, die die Band in den Siebzigern zu 

schätzen begannen, waren irritiert von den aktuellen 

Dreiminuten-Popsongs und dem neuen Sänger, der 

mehr an Wham und Kajagoogoo als an Yes oder Genesis 

erinnerte. Einen Publikumsschwund oder Einbruch 

bei den Plattenverkäufen erlebten die Musiker 

um Martin Schreier indes nicht, die ausbleibenden 

Prog-Rockfans wurden durch kreischende Mädchen 

ersetzt, die Falkenberg und den Gitarristen Uwe Haß-

A 

becker (seit 1986 bei Silly) anhimmelten. 

TAUFRISCH (1985) probt-geliebten Materials, was bei den Gründungsheit 

gestorben. Dies überschattete Anfang des 

arbeiteten an einer Unplugged-Umsetzung des er- 

m 2. Januar 2014 ist Kurzhals nach kurzer Krank- 

und NÄCHTE (1987) stehen für mitgliedern auf wenig Gegenliebe stieß. Es folgte die Jahres die Veröffentlichung 

die Pop-Peri- 

der Doppel- 

ode, der Song Stern Meißen 1985 mit IC Falkenberg (r.) und Uwe Haßbecker, heute Silly (unten Mitte). CD/DVD IM 

"Nicht allein" 

wurde 1986 in 

THEATER AM 

POTSDAMER 

der DDR „Hit 

PLATZ. Es 

des Jahres". 

war zugleich 

Dennoch 

der erste Tonträger mit dem neuen 

Sänger Manuel Schmid. Auf 

lösten sich 

Stern Meißen 

1989 auf. Sie 

schienen punktuell zur Begleitband 

ihres vor allem solistisch erfolgreichen 

Sängers IC Falkenberg geworden 

– doch das genügte den ambitionierten 

der aktuellen Best-Of-CD DIE 

GRÖSSTEN HITS, die Amiga/Sony 

Music zum 

50-jährigen 

Jubiläum 

spendiert, 

Musikern nicht. Als Mitte der 

sind mehr 

Neunziger im Osten Deutschlands 

das musikalische Interesse ebenso 

wieder regionalen Bands galt, profitierten 

auch Stern Meißen davon. Sie 

holten das 1981 aufgegebene „Combo" 

in den Bandnamen zurück und 

auch Sänger Reinhard Fißler. Wenige Wochen nach 

dem ersten Comebackkonzert, im Mai 1996, gastierte 

die Band im WDR-„Rockpalast". Zahlreiche Tourneen 

folgten, seit 1997 auch mit den Kollegen von Lift und 

Electra als „Sachsendreier". Schließlich durchkreuzte 

die ALS-Erkrankung von Reinhard Fißler alle Pläne: Ab 

eingangs erwähnte Besetzung um Larry B. Aus dieser 

Zeit stammt LEBENSUHR (2011). Ein rundum gelungenes 

Album, das die frühen Traditionen mit den 

Möglichkeiten von heute koppelt. Als Texter konnte 

der frühere Karat-Dichter Norbert Kaiser verpflichtet 

werden, den Großteil der Songs komponierte Thomas 

als die Hälfte 

der Songs 

Schmid-In-terpretationen. 

Neben zwei bisher 

unveröffentlichten Liedern sowie 

zwei früheren Klassikern, die beim 

letzten Konzert mit Kurzhals aufgezeichnet wurden, 

gibt es fünf Titel der LEBENSUHR-CD in Neuaufnahmen. 

Die anderen sieben Songs stammen 

aus der Fißler- und Falkenberg-Ära. Die Klammer 

ist dabei die stets hohe Musikalität ihrer Macher. 

Während die Kollegen von Electra und der Puhdys 

Kurzhals: Er wurde 1984 nach zwölf Stern-Jah- 

ihre Auflösung ankündigten, wird mit Stern Meißen 

2005 konnte er nicht mehr live auftreten. 

IC Falkenberg wurde ein zweites Mal Fißlers Nachfolger, 

jedoch mit einigen anderen Bandmitglie- 

bis 2002 und ein weiteres Mal ab 2008 – zur Combo sein. 

ren von Karat abgeworben und kehrte – von 1996 – immerhin fünf Jahre älter – weiterhin zu rechnen 

dern 2008 wieder gefeuert. Die geschassten Musiker zurück. 


© Privatarchiv Detlef Seidel


Von Teddy Hoersch 

Damit war die musikalisch-informative Grundernährung gesichert und auch hormonell 

drängende Fragen wurden beantwortet: Was ab 1962 auf 

den Dr.-Vollmer-Aufklärungs-Seiten über die Liebe vermeldet wurde, 

übertraf die (wenn überhaupt) offiziell von Erziehungsberechtigten 

geleistete Aufklärung – im wahrsten Sinne „eindeutig". Ab 1969 war 

Martin Goldstein, (im August 2012 verstorben) „Dr. Sommer" – er beantwortete 

unter diesem Pseudonym die Fragen jugendlicher Leser zu 

Liebe und Sexualität. Als der „Aufklärer der Nation" 1972 in der Rubrik 

„Was dich bewegt" feststellte, dass Onanie „weder krank noch schwul 

noch unfruchtbar" mache, wurde die „Bravo" indiziert. 

Das Magazin war, nach Anfängen mit einem Film- und TV-Schwerpunkt, 

spätestens seit dem Aufkommen der Beatmusik in den frühen 

Sechzigern zum Zentralorgan der Jugend geworden. Die Nachwachsenden 

hatten den Rock’n’Roll und damit verbundenen Spaß für sich 

entdeckt, sie begehrten gegen überkommene Regeln auf und zogen der 

häufig erstarrten Welt der Erwachsenen einen quietschbunten Gegenentwurf 

vor. Oder, wie Keith Richards von den Rolling Stones es mal gesagt 

hat: „Die Welt war eng und grau. Aber als ich das erste Mal Chuck 

Berry hörte, wurde sie bunt und breit wie Cinemascope." 

Jungsein war nicht länger ein Makel („Solange du die Füße unter meinen Tisch 

stellst ..."), sondern wurde eine Haltung – und eine Tugend, die Voraussetzung für 

ein spannendes, abenteuerliches Leben sein konnte oder gar musste. Unterhaltung 

war nicht länger nur Erwachsenensache – es gab plötzlich einen Lebensbereich, 

der exklusiv der Jugend vorbehalten war. Die „Affenmusik" der Beatbands gehörte 

den begeistert dazu wippenden Teens und 

Twens. Egal, ob Beatles oder Stones – die 

Bürgerschreck-Musiker der Gründerjahre 

waren die neuen Helden der Kids und den 

Eltern ein Dorn im Auge, ein Krach im Ohr. 

Popmusik bedeutete – zur damaligen Zeit 

– 

Revolution. Nach anfänglichem Zögern 

hatten die Macher der „Bravo" dies kapiert 

und setzten konsequent auf Themen, die 

Wünschen und Bedürfnissen junger Käufer 

entsprachen. 

Wenn runde Geburtstage nahen oder mit Freunden Dönekes aus der 

Jugend ausgetauscht werden, ist fast unweigerlich auch die eigene 

„Bravo"-Zeit ein Thema: „Weißt du noch, damals, als wir T. Rex- 

Fans ...!" oder „Kannste dich noch an den Winnetou-Starschnitt 

erinnern, da fehlte bei mir immer der eine Fuß des Apatschenhäuptlings ...". 

Wer dann, befeuert von den eigenen Erinnerungen, nochmal gern die Objekte 

der Begierde in Händen halten möchte, wundert sich: Hefte zerfleddert, Fotos 

ausgeschnitten, Geschichten rausgerissen, Songtexte futsch ... 

„Bravo"-Magazine – gerade aus den Anfangstagen – sind längst zu raren, begehrten 

und sehr teuren Sammelobjekten geworden. Hefte in einwandfreiem Zustand sind 

nur noch selten zu finden. Zwar werden bei Auktionen Originale angeboten; im Topzustand 

gehen die Gebote aber schnell über die 30- oder gar 50-Euro-Marke hinaus. 

Da wird das Zusammenstellen eines Jahrgangs zu einer kostspieligen Sache. In der 

maßgeblichen Zeit kostete das Heft noch freundliche eine D-Mark ... 

Die „Bravo" leistete sehr oft und immer wieder 

Pionierarbeit. Sie führte eigene Charts 

ein, gab Nachhilfeunterricht in Sachen 

Mode, Selbermachen, Bude einrichten, Mofa 

reparieren ... Und die Verantwortlichen erkannten 

zudem auch (fast) immer, wann ein 

Thema so groß werden würde, dass es über 

einen längeren Zeitraum die Auflage garantieren bzw. steigern konnte. Von Caterina 

Valente über Conny Froboess bis hin zu Nena, von Bill Haley über T.Rex bis zu 

Kajagoogoo, von Sweet über Abba bis zur Kelly Family: „Bravo" setzte auf Künstler 

und Trends, die gerade angesagt waren. Die Schnelllebigkeit der Popbranche kam 

den Blattmachern dabei zugute. 

Ein Dauerbrenner im Magazin war Winnetou. Gespielt von Pierre Brice, machte er 

auf der Kinoleinwand eine gute Figur und avancierte zum Liebling der Leserschaft. 

Darum gab es in den Jahren von 1963 bis 1969 eine Rundum-Berichterstattung zum 

Thema: Anwesenheit bei Dreharbeiten, Interviews mit den Helden, Hausbesuche 


Winnetou in Teil III der Cowboy-Oper Opfer 

böser Buben wurde. Aufgebrachte Leser 

wollten den Tod ihres Helden einfach nicht 

akzeptieren. Und der damals verliehene Goldene, 

Silberne oder Bronzene „Bravo"-Award 

hatte trotz seines deutschen Namens „Otto" 

doch sehr viel Ähnlichkeit mit einem kleinen 

Indianer ... 

– Vollbedienung. Brice und Filmpartner Lex 

Barker (Kumpel Old Shatterhand) versuchten 

sich sogar als Schlagersänger, mit überschaubarem 

Erfolg. Doch das Geschäft mit dem 

Mescalero-Häuptling gestaltete sich ansonsten 

prächtig. Der Verkauf schlecht nachgemachter 

„Silberbüchsen" in der Karnevalssaison 

lief auf vollen Touren. Jungs, die im Kino 

gewesen waren, wollten Indianer werden und 

das natürlich möglichst mit den Insignien des 

Leinwand-Vorbilds. Das Heft machte sich 

zum Anwalt des Kino-Indianers – und zwar 

so massiv, siv, dass es Beschwerden hagelte, als 

Leser konnten sich einige ihrer Stars auch 

als Starschnitt an die Wand pinnen. Voraussetzung 

war der Kauf aller entsprechenden 

Hefte, die Einzelteile des Puzzles wurden 

dann zusammengeklebt. Der Starschnitt war 

– in anderer Form im Ausland schon praktiziert 

– für den deutschen Markt eine „Bravo"- 

Erfindung, um die leicht zu begeisternden Leser noch hfester an das Blatt zu binden. 

Sportler, 

Leinwandhelden, 

Musiker – für die 

Protagonisten 

war der Starschnitt 

zugleich 

Ritterschlag und 

Beweis für die 

eigene Popularität. 

Für die Fans 

bedeutete es: 

Platz schaffen an 

der Wand im Jugendzimmer. 

Der 

Starschnitt 056 („Juliane Werding auf Chopper") bestand aus 50 (!) Teilen. Von 

Abba bis Beatles mussten Bands stets zusammenrücken, damit sie alle aufs Foto 

passten. Am coolsten bis heute sind Starschnitt Nr. 001 (Filmstar Brigitte Bardot) 

und Nr. 067: James Dean, der mit einer Knarre über der Schulter und Kippe zwischen 

den Fingern perfekt von Zeichner er 

Firuz Askin in Szene gesetzt wurde. 

Die Liste der Starschnitte offenbart auch 

ein anderes Phänomen des Systems „Bravo". 

Nicht wenige Stars aus der ersten 

Riege wurden zuerst hochgeschrieben, 

dann lange unterstützt und gepflegt. 

Waren erste kritische Töne zu vernehmen, 

neigte sich die Hoch-Zeit häufig 

dem Ende zu. Das Magazin hatte in 

analogen Zeiten (ohne Viva, MTV, Internet 

und Youtube) eine Machtstellung, 

die heute nicht mehr vorstellbar ist. 

Karrieren wurden „gemacht", aber auch 

beendet. Das Heft war in jenen Tagen 

konkurrenzlos und gehört zum Erinnerungsfundus 

Jugend – wie Ovomaltine, 

undichte Pelikan-Füllfederhalter und 

Bauchschmerzen vor einer Mathe-Arbeit. t Ein Streifzug durch die alten Hefte garantiert: 

Jugend reloaded. 

Appetit bekommen? 

So gibt es die „Bravo „ -Jahre oder -Künstler auf DVD: 

Christian Müller, Kurator des „Bravo"-Archivs 

(www.bravo-archiv.de), hat in jahrelanger Kleinarbeit 

die kompletten Heftinhalte aus den ersten 

40 Jahren gescannt, archiviert und damit für jedermann 

zugänglich gemacht. 

Wer seine ganz spezielle „Bravo"-Zeit noch einmal 

genauer betrachten, studieren und genießen n 

möchte, kann dies tun: auf DVD, mit einfach anzuwählenden 

Menüs und klug geordnet. 

Die liebevoll gestalteten DVDs enthalten jeweils 

einen kompletten Jahrgang. Über das bedienerfreundliche 

Menü erfährt der Interessent alles 

über Hits, „Otto"-Sieger, Titelbilder, Starschnitte 

und Poster des jeweiligen Jahres. Darüber hinaus 

gibt es Wissenswertes rund um das musikalische 

Geschehen. Highlights jeder DVD sind natürlich 

die „Bravo"-Ausgaben selbst, die komplett und in 

hochauflösender Qualität im PDF-Format vorliegen 

und auf jedem Computer (auch Apple Mac IOS) gelesen 

werden können. 

Außerdem gibt es mehr als ein Dutzend Künstlerbiografien 

auf DVD. Dafür sind sämtliche Artikel, 

die im Magazin über den jeweiligen Künstler bzw. 

Interpreten erschienen sind, komplett zusammengestellt. 

Bislang erhältlich: Ausgaben über Elvis, 

die Beatles, Rolling Stones, Smokie u.v.a.m. Die 

Reihe wird ständig erweitert. Näheres über derzeit 

erhältliche Künstlersammlungen finden Sie unter 

www.bravo-archiv.de 

Von den Jahressammlungen sind die Jahre 1956 

bis 1982 lieferbar. Weitere Ausgaben erscheinen 

in regelmäßigen Abständen. Die Jahre werden in 

chronologischer Reihenfolge aufgearbeitet; geplant 

ist eine komplette Abdeckung bis einschließlich 

1999. 

Und weil „Bravo" immer auch bundesrepublikanische 

Wirklichkeit abgedeckt hat, haben die DVDs 

mehr als nur einen nostalgischen Wert. Sie erweisen 

sich als Informationsquelle mit einer Fülle an 

Fakten. In Kombination mit dem Wert, den sie für 

den einzelnen als Brücke in die Erinnerung haben, 

erhält der Käufer die 52 Ausgaben eines Jahres auf 

einem sicheren, handlichen Datenträger und hat 

zudem ein echtes Sammlerstück mit hohem emotionalen 

Gehalt. 

Bestellmöglichkeiten 

Per Postkarte: Christian Müller, 

Tiefenbrunn 4 

37124 Rosdorf 

Telefonisch: 0551-63 44 5005 

Per E-Mail: christianmueller@bravo-archiv.de 

Preise (inklusive Porto, Verpackung und Versand): 

Eine Jahres-DVD oder Künstlerbiografie kostet 27,95 € 

Fünf oder mehr DVDs gibt es für 26,95 € pro DVD 

Ein komplettes Jahrzehnt auf DVD: 24,95 € pro Exemplar 


Friedensangebot 

für Jimmy 

Die remasterten Neuauflagen der Led-Zeppelin- 

Alben gehen weg wie warme Semmeln, doch 

Robert Plant treibt derzeit ein anderes Thema 

um: seine neue Solo-Arbeit LULLABY ... AND THE 

CEASELESS ROAR. Während Kollege Jimmy Page im 

Studio mit dem klingenden Erbe ihrer gemeinsamen 

Band beschäftigt war, lebt(e) der 66-jährige Sänger 

seine musikalischen Ambitionen aus. Zuletzt war er 

mit Alison Krauss im Studio gewesen und hatte anschließend 

mit seiner Band Of Joy für seine Verhältnisse 

häufig live gespielt (auch in Deutschland) – jetzt 

hat er einmal mehr seiner Liebe zu Afrika freien Lauf 

Lou Gramm 

gelassen, weil 

„das Leben 

eines Rockgottes 

doch 

schnell langweilig 

wird", wie er 

erst kürzlich in 

einem Interview 

bekannte. 

„Egal, was damit 

passiert: 

Ich finde, dass 

es eines meiner 

besten Alben geworden ist", bewirbt Plant LULLABY 

– und auch wenn das eine der üblichen 

Werbephrasen ist, meint der Engländer 

es ernst. „In einer der Strophen von 'A 

Stolen Kiss', der Ballade auf dem Album, 

heißt es: ,Es ist nur noch wenig Zeit' – 

das gilt auch für mich. Es gibt noch so 

viel, was ich machen will, andererseits 

möchte ich ein wenig kürzertreten – da 

gilt es die richtige Balance zu finden." 

Genauso wie bei der Mixtur aus Einflüssen, sen aus denen 

er seine Songs zusammenbraut. Blues-, Rock-, 

Versöhnt & erleichtert 

Von Philipp Roser 


indische oder auch afrikanische Elemente vereint er 

durchaus auch mal in nur einem Song: „Das ist doch 

nichts Neues für mich! Das habe ich schon 1970 

gemacht, seither bin ich dieser Art von Atmosphäre 

verhaftet. Mich interessieren alle Aspekte von Musik, 

auch Bands wie The Mission oder die Sisters Of Mercy. 

Ich mache aus allem, was mich inspiriert, was mir 

ein Wohlgefühl beschert, meine eigene Musik. Und 

was Afrika angeht, zieht es mich ja schon seit vielen 

Jahren dorthin – in Marrakesch finde ich mich inzwischen 

so gut zurecht wie in London!" 

Natürlich kommt Plant nicht um Fragen nach einer 

weiteren Reunion von Led Zeppelin herum, nachdem 

die letzte so fulminant über die Bühne gegangen war. 

Aber da stehen die Chancen wohl eher 

schlecht, wie der Engländer der „Süddeutschen 

Zeitung" anvertraute: „Vor zwei oder 

drei Jahren habe ich zu Jimmy gesagt: 

,Wenn du irgendetwas Akustisches hast, 

lass es mich wissen – ich würde mich gern 

daran versuchen.' Das war ein Friedensangebot. 

Aber er hat es ignoriert. Was vielleicht 

auch daran lag, dass er mittlerweile 

erkannt hat, dass die Erwartungen zu hoch sind." 

Philipp Roser 

Natürlich zehrt US-Sänger Lou Gramm, der 

seine Karriere mit Black Sheep begann, bis 

heute von seiner Vergangenheit als Sänger 

bei Foreigner. Doch er überzeugte auch mit 

Shadowking. Im Herbst kommt der 64-Jährige 

wieder live nach Deutschland, wenn er für 

Status Quo Konzerte eröffnet. 

Lou, wann warst du zum letzten Mal hier in 

Deutschland? 

Vor drei oder vier Jahren mit der „Rock Meets 

Classic”-Tour – da war auch Ian Gillan von Deep 

Purple dabei. Und davor mit „Night Of The Proms” 

2003. 

Was verbindest du nach vielen Foreigner- 

Konzerten mit Deutschland? 

Großartige Erinnerungen! Das Fahren auf der Autobahn, 

wunderschöne Landschaften, warmherzige 

Menschen mit großartigem Humor – und Bier und 

Radieschen im Englischen Garten in München! 

Jetzt kommst du wieder, aber ohne neues 

Album – das ist eher unüblich ... 

Wir werden ein paar neue Songs einstreuen, die wir 

bislang aber noch nicht aufnehmen konnten. Das 

werden wir Ende des Jahres nachholen. 

Demnächst schreibst du Songs mit Mick 

Jones. Habt ihr euch versöhnt? 

Wir haben ein paar Dinge aus der Welt geräumt, 

vor allem letztes Jahr, als wir bei der Aufnahme 

in die Songwriters Hall Of Fame zusammenkamen. 

Ich fliege in ein paar Tagen nach Florida zu ihm, 

und wir werden an ein paar Ideen arbeiten. Er will 

eine Ballade haben, und die zwei, drei Rocker, die 

dabei hoffentlich herauskommen, will ich für mein 

Album verwenden. 

Was hat es mit den unvollendeten Songs auf 

sich, von denen im Internet zu lesen ist? 

Es gibt acht, neun Entwürfe aus der Zeit Ende der 

90er Jahre bis 2003, also bis zu meinem Ausstieg. 

Die werde ich mitnehmen, und an denen werden 

wir vielleicht noch ein bisschen arbeiten. 

Wie schwierig war die Rückkehr auf die 

Bühne? Du hattest massive gesundheitliche 

Probleme – einen Hirntumor, Diabetes ... 

Ich muss einiges an Medikamenten schlucken, jeden 

Morgen und Abend. Ich gehe jeden Tag in den 

Fitnessraum – und ich habe kräftig abgenommen! 

Wegen des Hirntumors wurde ich im März 1997 

operiert, war aber schon im August des Jahres mit 

Foreigner bereits wieder auf Tournee. Mein Arzt 

hatte mir gesagt, ich müsse 18 Monate kürzertreten. 

Aber da waren Verträge, aus denen wir nicht 

herauskamen – wenn wir nicht gespielt hätten, wären 

wir verklagt worden. Ich sah damals aus wie 

ein lebendiger Leichnam, und natürlich war es ein 

Fehler! 



! REVIEWS 

HIGHLIGHTS 

CD 

MARIANNE FAITHFULL 

GIVE MY LOVE TO LONDON 

Das darf nur Helmut Schmidt? Von wegen. 

In aller Öffentlichkeit selbstbewusst und 

demonstrativ rauchen, wie es Marianne 

Faithfull auf dem Cover ihres neuen Albums 

GIVE MY LOVE TO LONDON tut, dürfen 

alle Langlebigen. Schon auf dem Cover ihrer 

wohl bekanntesten Scheibe BROKEN 

ENGLISH (1979), die sie nach ihrer Heroinsucht 

veröffentlichte, ließ sie sich trotzig 

mit Fluppe in der Hand abbilden. Damals im 

blau unterkühlten New-Wave-Stil, in verrenkter 

Haltung, die Augen vom Unterarm 

abgeschirmt, um sie 

vor Licht zu schützen. 

Diesmal: Großaufnahme 

des Gesichts vor 

einem vitalen, roten 

Hintergrund, die Augen 

blicken optimistisch geradeaus. 

Will sagen: Sie 

hat sich mal wieder aufgerappelt 

– und eines 

der besten Alben ihrer 

Karriere geschaffen. 

Dabei waren die Umstände, 

unter denen es 

entstand, mehr als widrig. 

Im Sommer 2013 hatte sich Marianne 

Faithfull einen vierfachen Kreuzbeinbruch 

Foto: © Patrick Swirc 

zugezogen. Danach lag sie für ein halbes 

Jahr flach und verbrachte die Zeit damit, 

Texte für neue Lieder zu schreiben. Mit 

Hilfe von renommierten Komponisten wie 

Roger Waters, Steve Earle und Nick Cave 

entstanden dann die Songs für ihr 20. Studio-Album. 

Das Werk erscheint just im Jahr 

ihres 50. Bühnenjubiläums: 1964 wurde sie, 

erst 17-jährig, schlagartig berühmt, nachdem 

Stones-Manager Andrew Loog Oldham 

die Tochter aus gutem Hause (Vater Armee- 

Offizier, adlige Mutter) auf einer Party in 

London entdeckt und 

sie drei Monate später 

einen Hit mit dem Jagger/Richards-Song 

“As 

Tears Go By” gelandet 

hatte. GIVE MY LOVE 

TO LONDON beginnt 

mit der titelgebenden 

Hymne an ihre Heimatstadt, 

für die Steve 

Earle die Musik schrieb 

und die Westernklampfe 

zupft. Eine beschwingte 

Nummer, zu der Warren 

Ellis (The Bad Seeds) 

im kratzenden Folkstil die Fiddle spielt: 

„Meet me in Piccadilly / And we’ll dance by 

the light of the moon ...” Härter, treibender 

und düsterer geht’s mit dem von Roger Waters 

geschriebenen “Sparrows Will Sing” 

weiter, bei dem Adrian Utley (Portishead) 

solide Gitarrenarbeit leistet. 

Ein erster Albumhöhepunkt 

dann “True Lies”, das trotz 

Walzertakt ziemlich bitter 

daherkommt. Hier wie auch 

im nachfolgenden zarten, 

von Ed Harcourts Klavierspiel 

gewürzten Folksong 

“Love More Or Less” (Musik: 

Tom McRae) entfaltet 

Faithfulls Stimme ihre volle 

Wirkung. Sie ist rau und brüchig, im 67. Jahr 

der Sängerin sogar noch etwas tiefer. Keine 

im klassischen Sinne schöne Stimme, 

aber Faithfull spielt mit ihr wie eine reife 

Chansonette gekonnt alle Emotionen aus, 

packt den Hörer mit ihren Stories direkt 

beim Herzen. Das trifft auch auf das nächste 

Albumhighlight zu, das von Nick Cave geschriebene 

“Late Victorian Holocaust”. Ein 

melancholischer, von einem Streichquartett 

begleiteter Klaviersong, der ein trauriges 

Thema aufgreift: die heroinabhängigen 

Kinder in der West-Londoner Golborne 

Road. „Es ist einfach eines der schönsten 

hi i 67 J h “D W t ” 

Lieder, das je geschrieben wurde”, sagt 

Faithfull über die gefühlvolle Ballade. 

Mit seinen schmutzigen Gitarrenakkorden 

holt einen danach der Blues “The Price Of 

Love” zurück auf die Erde, 

eine Cover-Version des 

Everly-Brothers-Songs. Die 

darauffolgende, mit Anna 

Calvi entstandene Midtempo-Popnummer 

“Falling 

Back” ist gut, aber inmitten 

all der erstklassigen Stücke 

eher unscheinbar. Ganz im 

Gegenteil zu der zweiten 

Nick-Cave-Komposition 

“Deep Water”, einer sensiblen Pianoballade, 

sowie dem geheimnisvollen, verschwörerischen 

“Mother Wolf” (Musik: Patrick 

Leonard). Das großartige Album endet mit 

einer Cover-Version von Leonard Cohens 

“Going Home”, mit dem die Sängerin den 

Hut vor dem großen, 80-jährigen Songwriter 

zieht, sowie einer wunderbar träumerischen 

Interpretation des Hoagy-Carmichael- 

Evergreens “I Get Along Without You Very 

Well”. Darauf kann man nur noch sagen: 

Miss Faithfull, wir kommen aber nicht ohne 

Sie aus, bitte machen Sie weiter! 

(Naïve/Indigo, 2014, 11/39:57) frs 

DVD 

Snowy White ist bekennender Blues- und 

Peter-Green-Fan, spielte aber auch Hard 

Rock bei Thin Lizzy, war der erste Gitarrist 

von außerhalb, der bei Pink Floyd 

(und später Roger Waters solo) mitspielen 

durfte. Blues Agency, Blues Project 

und White Flames (1996 formiert) hießen 

SNOWY WHITE 

LIVE AT ROCKPALAST 

BOX 

In seiner Autobiografie „Ein Hippie- 

Traum” lässt Neil Young kein gutes Haar 

an der 1974er Tour von Crosby, Stills, 

Nash & Young. Die Bandmitglieder, eingeschlossen 

er selbst, seien in den großen 

Stadien eher daran interessiert gewesen, ihr 

Ego zur Schau zu stellen, als gute Musik zu 

spielen, noch dazu mit Drogen zugedröhnt. 

Mister Young, ganz so schlimm kann es 

nicht gewesen sein! Denn 

bei neun der 31 Shows, 

einschließlich des Finales 

in der Londoner Wembley- 

Arena, ließ die Supergroup 

ein 16-Spur-Tonbandgerät 

mitlaufen. Und aus diesem 

bislang unveröffentlichten 

Material haben Graham 

CROSBY, STILLS, 

NASH & YOUNG 

CSNY 1974 

seine Begleitbands, mit denen er seit Jahrzehnten 

daneben solo unterwegs ist. Mit 

Letzteren trat er bei den 

„Leverkusener Jazztagen” 

auf – am 20.4.1996 sowie 

am 5.11.2007. Beide 

Gigs hat Repertoire Records 

nun auf einer DVD 

und zwei CDs als LIVE 

AT ROCKPALAST in gewohnt 

überzeugender, weil 

hochqualitativer Art und 

Weise, zusammengefasst. 

Bild- (Augenschmaus) und Tonqualität 

(wahlweise Stereo oder 5.1 Surround) 

überzeugen auf voller Linie, die Liner- 

Notes mit einleitenden Zeilen des Protagonisten 

und einem informativen Aufsatz 

von Michael Heatley. Dabei erweist es 

sich als Glücksfall, dass sich beide Shows 

in Sachen Songs kaum überschneiden. 

Beim ersten Leverkusen-Gastspiel spielte 

White noch deutlich blues-rockiger, auch 

wenn er mit seinen flüssigen, melodischen 

und meist eher getragenen Gitarrenläufen 

dieser Spielart eine ganz eigene Note gab. 

Der WDR zeichnete Whites Trio-Auftritt 

mit seiner Rhythmusabteilung Juan Van 

Emmerloot (dr) und Walter Latupeirissa 

(b) im Rahmen seiner „Crossroads”-Serie 

auf, einer „Rockpalast”-Tochtersendung, 

strahlte ihn aber nicht im Fernsehen aus. 

Was den historischen (und Kauf-)Wert dieser 

DVD-Veröffentlichung natürlich beträchtlich 

erhöht. Elf Jahre später ließ der 

Brite deutlich mehr Jazzelemente in sein 

Set einfließen, nicht zuletzt auch dadurch, 

dass er mit Max Middleton 

einen altgedienten Fahrensmann 

an den Tasten 

dabei hatte. Zwischendurch 

glänzte White mit durchaus 

experimentellen Momenten 

und verdeutlichte, warum 

er als einer der eigenständigsten 

und proflitiertesten 

Gitarristen der letzten 30 

Jahre gilt. Einmal mehr 

wird aber auch sein „Schwachpunkt” deutlich: 

Seine Stimme ist nicht die kräftigste 

– und er wirkt auf der Bühne am stärksten, 

wenn er einen zweiten Vokalisten dabei hat 

und sich zwischendurch nur auf seine Saitenarbeit 

konzentrieren kann. Gesamthöhepunkte 

sind “I Loved Another Woman” 

(2007) und das in beiden Shows gespielte 

“No Faith Required”. Und als Showstarter 

1996 demonstierte White mit Peter Greens 

“Looking For Somebody”, wie man einem 

Idol Tribut zollen und zugleich aus dessen 

Vorlage etwas Eigenes machen kann. 

(Repertoire/Sony Music, 2014, 

128 Min., CD: 9/56:07, 8/64:23) pro 

Nash und der CSNY-Archivar 

Joel Bernstein nun das 3CD/1DVD- 

Set CSNY 1974 kompiliert, das zeigt, dass 

das Quartett bei seiner kurzzeitigen Wiedervereinigung 

kaum schlechter war als 

vier Jahre zuvor auf dem Liveklassiker 4 

WAY STREET. CSNY 1974 bietet alles, 

was die mit vier ausgeprägten Künstlerpersönlichkeiten 

besetzte Band auszeichnet: 

im Zusammentreffen von Ego- und 

Virtuosentum entstand ein explosives, sich 

gegenseitig zu Hochleistungen puschendes 

Gebräu. Bernstein und Nash konnten 

aus einer Vielzahl von Songs schöpfen: 

Obwohl 1974 nur zwei Studio-Alben von 

CSN(&Y) vorlagen, hatten alle vier Mitglieder 

bereits erfolgreich Solo pfade betreten. 

Young hatte gerade HARVEST und 

ON THE BEACH veröffentlicht und werkelte 

bereits an seinem nächsten Album 

mit dem Arbeitstitel HOMEGROWN, das 

er aber über Bord warf. CSNY 1974 bietet 

Neil-Young-Fans gleich vier Songs, die 

bislang unveröffentlicht und zum Teil für 

HOMEGROWN geplant waren: “Traces”, 

“Love Art Blues”, “Goodbye Dick” und 

das großartige „Hawaiian 

Sunrise”. Neben CSN(Y)- 

Klassikern wie “Love The 

One You’re With” (in einem 

Latin-Rockarrangement!), 

“Wooden Ships” und “Chicago” 

(auf das Youngs Eingangszitat 

leider zutrifft ...) 

gibt es auch einige damals 

brandneue Songs aus dem 

jeweiligen Solorepertoire der Vier sowie 

einige weitere Raritäten, darunter das sehr 

schöne Cover des Beatles-Songs “Blackbird”. 

CD1 und 3 präsentieren elektrifizierte 

Rocknummern (“Almost Cut My 

Hair”, “Ohio” etc.), CD 2 bietet ein sehr 

rundes, schönes Akustikset (“Teach Your 

Children”, “Guinevere” u.a.). Nach der 

von Querelen geprägten 74er Ochsentour 

sollte es bis 1988 dauern, dass Young erneut 

mit Crosby, Stills & Nash zusammenarbeitete. 

Aber Streit beiseite: CSNY 1974 

knüpft alles in allem da an, wo 4 WAY 

STREET endete: ganz oben! 

(Rhino/Warner, 11/61:06, 19/78:08, 

10/57:22, DVD 8/44:00) frs 


TOP 5 – Party-Hits 

1. Manfred Mann’s Eath Band – For You 

2. Billy Idol – White Wedding 

3. Santa Esmeralda – Don’t Let Me Be Misunderstood 

4. Bee Gees – You Should Be Dancing 

5. Bots – Was wollen wir trinken (7 Tage lang) 


1. Dimple Minds – Durstige Männer 

2. A.O.K. – Brombeerhagel 

3. Torfrock – Volle Granate, Renate 

4. Carnivore – Jack Daniels And Pizza (Kurzhörspiel) 

5. Rex Gildo – Fiesta Mexicana 

Jens-Uwe Berndt 

1. Fats Domino – My Girl Josephine 

2. Creedence Clearwater Revival – Hey Tonight 

3. Waylon Jennings – I Ain’t Living Long Like This 

4. Rare Earth – Ma 

5. Hank Ballard – The Twist 

Rüdiger Bloemeke 

1. Monty Python – Always Look On The Bright Side Of Life 

2. AC/DC – Highway To Hell 

3. Frank Sinatra – New York New York 

4. Joe Dassin – Oh Champs-Elysées 

5. Queen – We Are The Champions 

Lothar Brandt 

1. Earth, Wind & Fire – Boogie Wonderland 

2. Cameo – Word Up 

3. Kool & The Gang – Celebration 

4. Shakatak – Down On The Street 

5. Chic – Dance, Dance, Dance 


1. B 52’s – Love Shack 

2. Knack – My Sharona 

3. Harpo – Moviestar 

4. Frankie Goes To Hollywood – Relax 

5. Procol Harum – A Whiter Shade of Pale 

Hans-Jürgen Günther 

1. Queen – We Are The Champions 

2. Deep Purple – Black Night 

3. Ram Jam – Black Betty 

4. Michael Jackson – Beat It 

5. Weather Girls – It’s Raining Men 

Ralf Günther 

1. Keimzeit – Kling Klang 

2. Bee Gees – Stayin’ Alive 

3. Boney M. – Daddy Cool 

4. Amanda Lear – Follow Me 

5. Silly – Ich bin der letzte Kunde 


1. AC/DC – You Shook Me All Night Long 

2. Soft Cell – Tainted Love 

3. Drafi Deutscher – Marmor, Stein und Eisen bricht 

4. Die Schröders – Laßt uns schmutzig Liebe machen 

5. Michael Jackson – Wanna Be Startin’ Somethin’ 

Tino Krauter 

1. Al Stewart – On The Border 

2. Chris de Burgh – The Traveller 

3. Dee D. Jackson – Automatic Lover 

4. Space – Magic Fly 

5. Sweet – Blockbuster 

1. Madness – One Step Beyond! 

2. Mr Scruff – Get A Move On (Bird’s Lament) 

3. Grandmaster Flash & The Furious Five – The Message 

4. Public Image Limited – This Is Not A Love Song 

5. Toy Dolls – Nellie The Elephant 

Alexander Neumann 

1. Chic – Le Freak 

2. James Brown – Sex Machine 

3. Michael Jackson – Smooth Criminal 

4. Kool & The Gang – Celebration 

5. Earth, Wind & Fire – Let’s Groove 

Helmut Ölschlegel 

Mitarbeiter 

1. Free – All Right Now 

2. AC/DC – Highway To Hell 

3. Slade – Gudbuy T’Jane 

4. Bachman Turner Overdrive – You Ain’t Seen Nothing Yet 

5. Moxy – Ridin’ High 

Philipp Roser 

1. Beastie Boys – (You Gotta) Fight For Your Right (To Party!) 

2. Madness – One Step Beyond! 

3. Ton Steine Scherben – Rauch-Haus-Song 

4. Gloria Gaynor – I Will Survive 

5. Buena Vista Social Club – Chan Chan 

Frank Schuster 

1. Art Company – Susanna 

2. Righeira – Vamos a la Playa 

3. Slade – Far Far Away 

4. Lesley Gore – It’s My Party 

5. Village Party – YMCA 

Ulrich Schwartz 

1. T. Rex – Get It On 

2. Temptations – Papa Was A Rolling Stone 

3. Eric Burdon & War – Tobacco Road 

4. Suzi Quatro – Can The Can 

5. Thin Lizzy – Rosalie 

Alan Tepper 

1. Georgie Fame – Get On The Right Track Baby 

2. Beatles – All My Loving 

3. Beach Boys – Do It Again 

4. Manfred Mann – Do Wah Diddy Diddy 

5. Steppenwolf – Born To Be Wild 

Uli Twelker 

1. Sugar Loaf – Don’t Call Us, We Call You 

2. Rare Earth – Get Ready 

3. Edgar Winter – Frankenstein 

4. Deep Purple – Never Before 

5. Todd Rundgren – Hello It’s Me 

Thomas Wachter 

Bill Hurd (The Rubettes) 

1. Outkast – Hey Ya! 

2. Bob Marley – One Love 

3. James Brown – I Got You 

4. Rolling Stones – Satisfaction 

5. Beatles – I Saw Her Standing There 

Frank Küster 

GoodTimes 5/2014 ■ Music from the 60s to the 80s ■ Seite 31 

© Pressefoto

CD 

REVIEWS 

GEMMA RAY 

MILK FOR YOUR MOTORS 

Nach dem schwer zugänglichen Instrumentalwerk 

DOWN BABY DOWN im vergangenen 

Jahr kehrt die in Berlin lebende englische 

Sängerin Gemma Ray nun endlich 

wieder mit einem „richtigen” Album zurück. 

Der 34-Jährigen gelingt es dabei, die hohe 

Qualität des Vorvorgängers ISLAND FIRE 

(2012) noch zu steigern: MILK FOR YOUR 

MOTORS ist ohne Zweifel die Krönung des 

bisherigen Schaffens dieses großen Talents. 

Selten hat die Sängerin und Gitarristin eine 

solche Vielfalt bewiesen und dabei so großartige 

Kompositionen vorgelegt. Auf dem Album, 

das mit Gästen wie Howe Gelb (Giant 

Sand), Alan Vega (Suicide) und dem Filmorchester 

Babelsberg eingespielt wurde, gibt es 

zwar wieder jene typischen Lee-Hazlewoodartigen, 

Sixties-orientierten, von ihrer zittrigen 

Tremolo-Gitarre begleiteten düs teren 

Songs, etwa den Opener “The Wheel”. Aber 

dann folgen Stücke wie der leichtfüßig-eingängige 

Orgel-Pop “Shake Baby Shake”, das 

soulige, einen hypnotischen Groove entwickelnde 

“The Right Thing Did Me Wrong” 

sowie als Albumhighlight das Trance-hafte, 

breitwandorchestrierte “Rubbing Out Your 

Name”. Wie soll Gemma Ray das künftig 

noch toppen? In einer gerechteren Welt wäre 

sie längst so erfolgreich wie Lana Del Rey! 

(Bronze Rat/Soulfood, 2014, 13/43:27) frs 

MARC ALMOND 

TEN PLAGUES + THE DANCING 

MARQUIS 

Nur mit Pianobegleitung it singt und erzählt 

sich Marc Almond durch die große Pestepidemie, 

von der London im Jahr 1665 

heimgesucht wurde. Mark Ravenhill hat den 

knapp einstündigen Songzyklus verfasst, 

in dem ein Überlebender der Epidemie den 

Verlust von Familie und Freunden schildert. 

Plastisch macht Almond die Versuche des 

Protagonisten, seine Trauer, seinen Schmerz, 

seine Einsamkeit zu verarbeiten, hörbar; dass 

dies musikalisch alles andere als einfache 

Kost ist, dürfte klar sein, TEN PLAGUES ist 

definitiv nur Genre-Freunden zu empfehlen, 

als Bonus gibt es eine DVD der Live-Aufführung 

des Songzyklus’ aus der Londoner 

Wilton’s Music Hall. Weitaus zugänglicher 

dagegen der hymnische Pop von THE DAN- 

CING MARQUIS, wo Almond sich unter die 

Produktionsfittiche von Tony Visconti begab. 

Als Gäste konnten dazu noch Jarvis Cocker 

(Pulp), Carl Barat (Libertines) sowie Almonds 

früherer musikalischer Weggefährte 

Martin McCarrick begrüßt werden, was aus 

dieser erweiterten EP eine durchaus abwechslungsreiche 

und lohnende Geschichte macht. 

(Cherry Red/Rough Trade, 2014, 

16/56:25 + 10/45:48) us 

MICHELLE RENÉE 

MICHELLE RENÉE 

Obwohl nicht mehr ganz jung, versucht 

die Deutsch-Amerikanerin Michelle Renée 

noch eine Solokarriere. Bisher ist sie 

kaum musikalisch in Erscheinung getreten. 

In der in den 80ern sehr erfolgreichen US- 

Soultruppe S.O.S. Band sowie beim ebenso 

erfolgreichen Peabo Bryson bekam sie wenig 

bedeutende Jobs als Keyboarderin und 

Sängerin. Ihr erstes Album, das bereits 2013 

unter dem Titel GYPSY GIRL veröffentlicht 

werden sollte, enthält elf gut produzierte 

Popsongs, die aber kaum über gutes 

Schlagerniveau hinauskommen. Renée hat 

fast alle Titel selbst verfasst, ein positiver 

Ausreißer ist aber nicht dabei. Ob es eine 

gute Idee war, zehn der elf Songs auf der 

zweiten CD mit deutsch gesungenen Texten 

zu präsentieren, mögen die Käufer entscheiden. 

Fazit: recht nett, aber nicht mehr. 

(Yelloweed/Soulfood, 2014, 

11/44:41, 10/:39;37) p 

THE BEATLES 

JAPAN BOX 

Streng limitiert auf (Deutschland-weit) gerade 

mal 750 Stück, das schreit jetzt schon nach 

sündhaft teuren Sammlerpreisen, wenn das 

gute Stück dann mal ausverkauft ist. Ganz 

billig ist diese herrlich gestaltete Box auch 

im Original nicht, doch wie schon bei den 

Mono- und Stereo-Sets oder der erst kürzlich 

veröffentlichten US-Box wurde in Sachen 

Aufmachung und Tonqualität der höchste 

Maßstab angelegt. Möglich werden solche 

Sondereditionen ja erst dadurch, dass die 

Welt in den 60er Jahren noch lange nicht so 

international vernetzt war wie heute, dass die 

Plattenfirmen andere Kontinente als separate 

Märkte betrachteten. Wie auch in den USA 

wurden die Original-LPs der Beatles zunächst 

nicht in Japan veröffentlicht. Als dort 

dann auch das Beatles-Fieber zu grassieren 

begann, mixte die Plattenfirma die Titel neu 

durcheinander, so dass es heute spezielle Alben 

gibt, die es so nur in Japan gab. Die Box 

liefert die remasterten Alben HELP! und A 

HARD DAY’S NIGHT (in Stereo, mit dem 

original japanischen Coverartwork) sowie 

die drei Alben BEATLES!, BEATLES NO. 

2 und BEATLES NO. 5, für die die 2009er 

Mono-Remaster verwendet wurden. Dazu 

noch die typisch japanischen Obi-Streifen 

sowie ein Poster, und da diese Alben schon 

seit Ende der 80er vergriffen sind, dürfte der 

Run darauf noch größer werden ... 

(Apple/Universal, 2014, 5 CDs) us 

NIELS FREVERT 

PARADIES DER GEFÄLSCHTEN 

DINGE 

Wie Nils Koppruch oder Tom Liwa gehört 

Niels Frevert zu den deutschsprachigen 

Singer/Songwritern, die ihre ganz eigene, 

an anglo-amerikanischen Vorbildern geschulte 

Ausdrucksform entwickelt haben. 

Mit PARADIES DER GEFÄLSCHTEN 

DINGE legt der ehemalige Sänger der 

Hamburger Band Nationalgalerie sein 

nunmehr fünftes Solo-Album vor, das 

textlich wie musikalisch erneut einige 

Überraschungen birgt. Die Arrangements 

stecken voller Wendungen; im Folkstil gestartete 

Songs schwingen sich urplötzlich 

zu opulent mit Streichern oder Bläsern 

gewürzten Soulnummern auf (“Nadel im 

Heuhaufen”, “Schwör”), mal erklingt ein 

nachdenklicher Bossa (“Morgen ist egal”), 

mal eine zarte Ballade (“Loch in der Atmosphäre”). 

Auch als Textdichter brilliert 

Frevert, etwa wenn er erzählt, wie ein 

Sonderling während des Kirchentags einen 

Drachen steigen lässt und damit für allerlei 

Verwicklungen sorgt (“UFO”) oder sich 

ein verliebter Mann beim Heiratsantrag 

einige ernüchternde Belehrungen von der 

Angebeteten anhören muss (“Das mit dem 

Glücklichsein ist relativ”). 

(Grönland/Rough Trade, 2014, 

10/35:34) frs 

ROBYN HITCHCOCK 

THE MAN UPSTAIRS 

Das neue Album 

der britischen Alternative-Größe 

besteht 

zur Hälfte aus 

Cover-Versionen, 

die Hitchcock gerne 

selbst geschrieben 

hätte –, die andere Hälfte sind Eigenkompositionen, 

die sich nahtlos in die nachgespielten 

Stücke einfügen. Das liegt am 

reduzierten, in kurzer Zeit und in nur wenigen 

Takes eingespielten Soundgewand 

vorrangig aus akustischer Gitarre, Cello 

und Klavier, durch das THE MAN UP- 

STAIRS durchweg melancholisch-folkig 

und -balladesk daherkommt. Dass etwa 

“The Ghost In You” (Psychedelic Furs), 

“To Turn You On” (Roxy Music), “Don’t 

Look Down” (Grant Lee Phillips) und 

“Crystal Ships” (The Doors) in Hitchcocks 

reduziertem Folk hervorragend 

funktionieren, liegt sicherlich am schon 

legendär zu nennenden Produzenten Joe 

Boyd (Nick Drake, Fairport Convention, 

Incredible String Band). Dessen traditionelle 

Herangehensweise gab Hitchcock 

den Freiraum, sich auf den Gesang konzentrieren 

zu können, ohne sich allzu 

viele Gedanken über die Songentwicklung 

machen zu müssen. 

(Yep Roc/Cargo, 2014, 10/38:17) an 

TINA DICO 

WHISPERS 

Wie vom Titel der CD her schon zu vermuten, 

bleibt Tina Dicos neues Album ein 

äußerst ruhiges Werk. Mit ihrer kraftvollen 

Stimme dominiert sie auf WHISPERS die 

Cohen-haften Lieder, wobei sie immer 

wieder die Erzählposition wechselt. “As 

Far As Love Goes” basiert auf einem verwaschenen 

Bluesriff, den Rhythmus des 

Titeltracks könnte man fast funky nennen, 

doch über weite Strecken werden Dicos 

nackte Worte nur von spartanischer Instrumentation 

begleitet, größtenteils reicht 

dazu eine geisterhafte, akustische Gitarre, 

allenfalls unterstützt von sanften Backgroundchören. 

Dass diese Songs damit 

alles andere als beschwingte Frühstücksmusik 

sind, dürfte auch klar sein; nein, 

dieses Werk eignet sich vielmehr für die 

Zeit, wenn die Sonne schon lange hinter 

dem Horizont verschwunden ist. 

(Finest Gramophone/Rough Trade, 

2014, 10/39:27) us 

Pop 

KARL DENVER 

WIMOWEH 

Der schottische Sänger Karl Denver war hier 

zu Lande nie ein bedeutendes Thema, aber 

jenseits des Kanals glückten ihm in der ersten 

Hälfte der Sixties immerhin sechs Top- 

20-Erfolge, von denen “Marcheta” (ein Hit 

von 1913!), “Mexicali Rose”, “Wimoweh” 

(besser bekannt als “The Lion Sleeps Tonight” 

und mit Platz 5 sein größter Hit), “Never 

Goodbye” und “A Little Love, A Little 

Kiss” hier zu finden sind; nur “Still” fehlt. 

Die üppige 30-Track-Kompilation vereint 

die ers ten beiden Alben des Denver-Trios, 

eine EP und vier Singles. Zu hören ist ein – 

aus heutiger Sicht – oft etwas gewöhnungsbedürftig 

wirkender Sänger, dessen Falsettstimme 

mit Jodel-Touch damals als sehr 

eindrucksvoll angesehen wurde. So antiquiert 

Denvers Stil heutzutage teilweise auch 

klingen mag, die Attraktivität der eindrucksvollen 

Breite seines Repertoires aus Folk, 

Country, Blues, Jazz, Skiffle, Mainstream- 

Pop, früher Weltmusik, Show-Melodien und 

Western Swing hat die Zeiten überdauert. 

Neben den genannten Liedern sind “Open 

Up Dem Pearly Gates” (1965 von The Seekers 

gecovert), der Jimmie-Rodgers-Klassiker 

“Blue Yodel / T For Texas”, “Silver And 

Gold”, “Lonesome Traveller” und “O’Brien 

The Brave Engi neer” die stärksten Songs. 

(High Note/Rough Trade, 2014, 

30/78:02) hjg 

ALVIN STARDUST 

THE UNTOUCHABLE 

Als 

Rock’n’Roller 

mit The Fentones 

hatte Bernard William 

Jewry alias Shane 

Fenton schon Anfang 

der Sixties die UK- 

Charts von innen 

gesehen. Als Alvin Stardust setzte er eine 

Dekade später zu einem weiteren Höhenflug 

an, landete mit “My Coo Ca Coo” (UK #2, D 

#3, gesungen von seinem Songschreibpartner 

Peter Shelley) und ”Jealous Mind” (1/5) 

weitere Hits. THE UNTOUCHABLE war 

das Debütalbum unter dem neuen Künstlernamen 

des in schwarzem Leder steckenden 

Sängers, der geschickt mit recht simpel gestricktem, 

Pop-angelehntem Rock’n’Roll 

auf der Glam-Welle mitschwamm, auf seinem 

Album zusätzlich damals durchaus 

verbreitete Country-Affinität durchklingen 

ließ. Insgesamt bot die 2008 erstmals auf CD 

(wieder-)veröffentlichte LP weitestgehend 

durchschnittliches Songmaterial, nett, niemandem 

wehtuend, wie die 2014er Neuauflage 

belegt. 


12/38:29) pro 

NICK HOWARD 

LIVING IN STEREO 

2012 hat Nick Howard bei „Voice Of Germany” 

gewonnen und kämpft seitdem engagiert 

um künstlerische Anerkennung auch außerhalb 

der Zielgruppe dieser TV-Castingshow. 

Und das tut er nicht ungeschickt, er kennt das 

Geschäft, hatte vor seinem Fernsehtriumph 

schon zwei Alben vorgelegt. Leichtfüßigem 

Singer/Songwriter-Pop hat er sich auf LI- 

VING IN STEREO verschrieben, deutet 

auch mal Smooth-Jazzaffinität an, hat früher 

viel Boygroups gehört, greift aber bei der 


CD 

REVIEWS 

Instrumentierung seiner eingängigen 

Nummern auch mal auf eher Genreuntypische 

Instrumente wie Banjo oder 

Harfe zurück. Howard ist auf einem 

durchaus erfolgsversprechenden Weg, 

der zugleich wohl auch das Ziel ist. Luft 

nach oben ist noch. Aber er liegt qualitativ 

ebenfalls über der massenkompatiblen 

Ramschware, die bei derlei TV- 

Shows am Ende meist herauskommt. 

(7Music/Membran, 2014, 

12/62:16) pro 

DÁNJAL 

TIME 

Die Färöer-Inseln zählen nur rund 

50.000 Einwohner. Erstaunlich aber, 

wie viel an guter Musik aus diesem 

kleinen Land kommt. Freunde des 

Art-Pop im Stile von The Nits und 

Ben Folds Five sollten sich unbedingt 

einmal Dánjal anhören. Mit TIME legt 

die Band um den Sänger und Pianisten 

Dánjal á Neystabø ihren dritten Longplayer 

vor. Auf dem Album mit der 

Hülle im 70s-Artwork, das mit seinem 

Treppenwirrwarr entfernt an ANGEL 

STATION von Manfred Mann’s Earth 

Band und Bilder von M. C. Escher 

erinnert, gibt es komplex arrangierte, 

mal träumerische, mal vorwärtstreibende 

Songs zu hören. Highlights 

sind der wuchtige, mitreißende Opener 

“Raindrops” sowie die melancholische, 

siebeneinhalbminütige Ballade 

“Never Again”. 

(Tutl/Cargo, 2014, 10/46:18) frs 

VARIOUS ARTISTS 

IT TAKES TWO – DYNAMIC 

DUOS OF THE ROCK & 

ROLL ERA 

Eine 

satte 

3-CD-Kollektion 

mit einer 

stilistisch 

kunterbunten 

Sam m l u n g 

von Songs der 

Bereiche Rock’n’Roll-, ’R Rhythm & 

Blues-, Country-, Pop- und Easy Listening 

aus den Fifties und Sixties, 

die von Duos aufgenommen wurden. 

Die Auswahl stammt vom Experten 

und Booklet-Autor Austin Powell. 

Zu hören sind Songs von The Everly 

Brothers, Jan & Dean, Ike & Tina 

Turner, Mickey & Sylvia, Dinah 

Washington & Brook Benton, Bing 

Crosby & Grace Kelly, Bob & Earl 

sowie vielen anderen, großteils heute 

vergessenen Acts aus den USA, 

England und auch anderen europäischen 

Ländern. Die Beiträge der 

schwarzen Interpreten sind fast alle 

okay. Ansons ten hat längst nicht alles 

Klassiker- oder Evergreen-Status, das 

Niveau schwankt durchaus, aber es ist 

letztlich auch unmöglich, etwas unbrauchbares 

zu finden. Und vielleicht 

kommen ja bei Stücken wie “Wooden 

Heart”, “Chanson D’Amour”, “Listen 

To The Ocean” oder “True Love” 

auch sentimentale Erinnerungen auf ... 

(Fantastic Voyage/Rough Trade, 

2014, 25/59:18; 25/60:01; 

25/62:26) hjg 

RADIO DORIA 

DIE FREIE STIMME DER 

SCHLAFLOSIGKEIT 

Dass Jan Josef Liefers neben der 

Schauspielerei auch viel Herzblut in 

alle Arten von Musik steckt, dürfte 

mittlerweile bekannt sein. Neben 

seinen musikalischen Kindheitserinnerungen 

in Buchform („Soundtack 

meiner Kindheit”) sowie Kollaborationen 

mit Stefan Waggershausen und 

den Puhdys konnte man ihn bisher mit 

seiner Band Oblivion erleben, für DIE 

FREIE STIMME DER SCHLAF- 

LOSIGKEIT hat er sie nun in Radio 

Doria umbenannt. Gemeinsam mit 

seinen Mitmusikern hat Liefers dafür 

neue Lieder komponiert und sie mit 

seinen Texten versehen. Entstanden 

ist ein vielseitiges Album mit überraschend 

poesievollen Texten, mal 

nachdenklich, mal träumerisch, mal 

direkt auf den Punkt kommend. Musikalisch 

bekennen sich Radio Doria 

klar zu melodischem Pop, nur selten 

geht es (wie noch bei Oblivion) in 

Richtung Folk, Rock oder Blues. 

(Polydor/Universal, 2014, 

9/37:42) tk 

JOAN ARMATRADING 

WALK UNDER LADDERS 

Anfang 

der 

80er Jahre hatte 

Joan Armatrading 

beiderseits 

des 

Atlantiks 

den 

Erfolgsgipfel 

erklommen 

– und bei ihrem sechsten Album 

sollte Produzent Steve Lillywhite die 

Künstlerin 1981 in noch kommerziellere 

(New Wave-)Bahnen lenken. 

Was mit reichlich Synthesizereinsatz 

mal mehr, mal weniger gelang. Auch 

wenn WALK UNDER LADDERS 

nicht zu Armatradings besten Werken 

zählt, hat es starke Momente wie beim 

Titelstück, der grandiosen Ballade “The 

Weakness In Me” oder “I Can’t Lie To 

Myself”. Insgesamt hat dieser Mix aus 

Folk, Rock, New Wave, Reggae den 

Test der Zeit bestanden. Die mit drei 

Bonus-Tracks angereicherte Neuauflage 

zeigt zudem, dass die Britin schon 

damals sehr sensibel, metaphernreich 

und nachdenklich über Alltägliches wie 

auch ihr Seelenleben zu singen wusste, 

ohne weinerlich oder pathetisch daherzukommen. 


13/46:18) pro 

Pop 

NIKOLAI TOMÁS 

SINGS POEMS FOR LAILA 

Mit Poems For Laila hat Sänger und 

Songwriter Nikolai Tomás ein Stück 

Musikgeschichte geschrieben. 1989, 

als Balkanbands wie Beirut oder Gogol 

Bordello noch in weiter Ferne lagen, 

integrierten sie östliche Sounds 

und Rhythmen in ihre Songs, was 

sie und ihre Mischung aus Chanson, 

Polka, Pop und Rock schnell in ganz 

Europa bekannt machte. 2008 lösten 

sich Poems For Laila auf, Nikolai 

Tomás widmete sich mit Soloprojekten 

elektronischer Musik zu. Jetzt 

hat er sich für SINGS POEMS FOR 

LAILA Songs von den ersten drei 

Alben seiner alten Band ausgesucht 

und diese komplett neu angerichtet. 

Befreit von den Hallorgien der 90er 

Jahre hat er intime, zerbrechlich wirkende 

Neuversionen erschaffen, die 

den Blick auf den Kern des jeweiligen 

Liedes lenken, und das bekommt diesen 

– eigentlich bekannten – Stücken 

ausgesprochen gut. 

(Baboushka Records/Broken Silence, 

2014, 12/50:48) us 


NIGHT WALKER – THE 

JACK NITZSCHE STORY 

VOLUME 3 

Der 

Amerikaner 

Jack 

N i t z s c h e 

(1937–2000), 

Sohn deutscher 

Einwanderer, 

machte sich ab 

1962 als Komponist, Produzent, Arrangeur, 

Pianist und Dirigent einen 

schier unzerstörbaren Namen – und 

daher im Pop-Rockbusiness unentbehrlich. 

Die Liste der Interpreten, 

mit denen er arbeitete, würde ein 

kleines Telefonbuch füllen ... Auf 

Folge drei seiner Werkschau finden 

sich Hoch- und Höchstkaräter wie 

The Everly Brothers, Jackie De- 

Shannon, Buffalo Springfield, Mink 

DeVille, The Righteous Brothers, 

The Ronettes und Lou Christie, 

aber auch begabte Geheimtipps 

und Zweitligisten wie C.C. Adcock, 

The Alleycats, Darlene Love und 

das Modern Folk Quintet, und drei 

(Instrumental-)Titel veröffentlichte 

Nitzsche unter eigenem Namen, 

darunter “Poor White Hound Dog” 

mit Merry Clayton am Mikro. Wie 

“Castin’ My Spell”, “Just Your 

Friends”, “Little Boy” und “Every 

Window In The City” einer der Höhepunkte 

der Selektion. Auffällig an 

Nitzsches Werk ist vor allem, das er 

fast allen Acts opulente Klangkostüme 

schneiderte – zwangsläufige 

Folge seiner Zusammenarbeit mit 

Phil Spector –, aber ihre Eigenheiten 

nicht zukleisterte. So was können 

nur die besten Produktions-Profis, 

die sich nicht wichtiger nehmen 

als die Künstler! NIGHTWALKER, 

eine Wanderung vom Qualitäts-Pop 

und Ohrwurm-Rock zum Blue- 

Eyed-Soul und Doo Wop und wieder 

zurück, kann man in einem Zug gut 

durchhören, ohne einzunicken oder 

rumzuzappeln. Zeitlose Klasse! 

(Ace/Soulfood, 2014, 26/72:40) hjg 

ADAM COHEN 

WE GO HOME 

Wenn Künstler die erste goldene Schallplatte 

verliehen bekommen, folgt der 

umgehend aufkommenden Euphorie 

nicht selten die große Verzweiflung: 

„Wie soll ich da noch anknüpfen?” Ein 

Adam Cohen nutzt diese Angst in vollen 

Zügen. Erst wird ein Studio-Album auf- 


CD 

REVIEWS 

genommen und dann komplett verworfen, 

dann sagt er WE GO HOME, sperrt sich mit 

seinen engsten Vertrauten in den Wohnzimmern 

seiner Kindheit ein und produziert eine 

Platte, die gar nicht das Bedürfnis hat, besser, 

weiter, schneller zu sein als ihr Vorgänger, 

sondern vor allem ihn selbst zurück zu seinen 

Wurzeln bringen soll. Ganz nah, ganz intim 

führt Adam Cohen Selbstgespräche und lässt 

lauschen, nimmt zu Begegnungen mit, die einen 

gar nichts angehen, und teilt zerbrechliche 

Geschichten in einer Art, die nur aus dem 

Hause Cohen kommen kann. 

(Cooking Vinyl/Indigo, 2014, 11/36:56) pk 


JERSEY BOYS + THE MUSIC 

OF BOB GAUDIO 

Mit über 20 Alben und Welthits wie “Big 

Girls Don’t Cry”, “December 1963 (Oh, 

What A Night)” und “Rag Doll” gelangten 

die Four Seasons zwischen 1962 und 1976 

zu legendärem Ruhm. Nachdem das Musical 

„Jersey Boys” 2005 nicht nur am New 

Yorker Broadway sondern auch in London, 

Las Vegas, Toronto und Singapur für volle 

Häuser sorgte, war es nur eine Frage der 

Zeit, bis das Musical über die Erfolgsgeschichte 

der Four Seasons auch den Weg 

ins Kino finden würde. Musikfan Clint 

Eastwood nahm sich der Sache an, Ende 

Juli war Filmstart in Deutschland. JERSEY 

BOYS bietet nun den Soundtrack dazu, bei 

dem es neben neu für den Film aufgenommenen 

Stücken auch zahlreiche Originalaufnahmen 

von Frankie Valli & The Four 

Seasons zu hören gibt. Schöne Sache, doch 

weitaus interessanter kommt die pa rallel 

erscheinende Doppel-CD THE MUSIC OF 

BOB GAUDIO daher. Darauf gibt es nicht 

nur die großen Hits der Four Tops zu hören, 

sondern auch zahlreiche weitere Titel aus 

der Feder von Bob Gaudio, ab 1962 Mitglied 

der Four Seasons und deren Haupt- 

Songschreiber. Unglaublich, was alles auf 

sein Konto geht: “Silence Is Golden” (The 

Tremeloes), “The Sun Ain’t Gonna Shine 

Anymore” (The Walker Brothers), “Bye 

Bye Baby (Baby, Goodbye)” (Frankie Valli, 

Bay City Rollers), “Can’t Take My Eyes 

Off You” (Frankie Valli, Cher), dazu Songs 

für Frank Sinatra, Jerry Butler, Roberta 

Flack, The Temptations, Diana Ross und 

Nina Simone. Wundervolles Vermächtnis 

eines der erfolgreichsten Hitschreibers aller 

Zeiten, ausgestattet mit einem informativen 

Booklet mit kurzen Infos zu jedem 

Track. 

(Rhino/Universal, 2014, 25/61:46 + 

20/61:06, 16/57:21) us 

JULES 

SHORT STORIES 

Nein, dieser musikalische Spätzünder lässt 

sich in keine Schublade stecken. Christoph 

Rieber alias Jules kommt mit 60 Jahren auf 

seiner Debüt-CD SHORT STORIES mal 

als Singer/Songwriter daher, dann gibt er 

sich als Folkie, um dann im nächsten Moment 

mit Ethno-Klängen zu überraschen. 

Er kann aber auch funky oder karibisch mit 

Reggae-Rhythmus – und dennoch klingen 

die Songs als Ganzes geschlossen, auch 

durch den entspannt-unaufdringlichen Vortrag, 

das Augenzwinkern, mit dem Jules 

agiert, auch nachdenkliche Texte keineswegs 

besserwisserisch vorträgt. Er hat 

eine beschwingte, fröhliche Ausstrahlung, 

erinnert zwischendurch nicht nur wegen 

der Flöte an Jethro Tull – man merkt, dass 

der Mann die Platte aus Spaß an der Freud’ 

gemacht hat, sich keinerlei Restriktionen 

unterwarf – als Hörer profitiert man davon. 

(Tap Water Records, 2014, 12/51:47) pro 

KLAUS HOFFMANN 

SEHNSUCHT 

Natürlich ist es nicht 

das erste Mal, dass 

sich Klaus Hoffmann 

die Sehnsucht 

als Thema aussucht, 

doch auf seinem 

neuen Album zieht 

sich der Aufbruch, die romantische Reise 

nach Nirgendwo, wie ein roter Faden 

durch seine Lieder. Neben dem Titelsong 

sind es vor allem das lakonische “Was 

wir sind und wie wir waren”, die Hommage 

an den Ort “Ricione” sowie das 

bittersüße “Nein, ich sperr meine Träume 

nicht ein”, die zeigen, wie weit und vor 

allem wie individuell man den Begriff 

Sehnsucht verstehen kann. Musikalisch 

bleibt Hoffmann auf SEHNSUCHT bei 

den von Hawo Bleich arrangierten Chanson-Klängen, 

mit denen er, zumindest in 

Deutschland, immer noch einsam an der 

Spitze dieses Genres steht. So passt auch 

die von Charles Aznavour autorisierte 

und gelobte Umsetzung seines Liedes 

“Orphelin de toi”, aus dem Hoffmann ein 

“Mein Herz ist ein Kind” macht, bestens 

in diesen Songreigen. Zeitlos souverän. 

(Stille Music/Indigo, 2014, 

14/48:01) us 


POEM – LEONARD COHEN IN 

DEUTSCHER SPRACHE 

Bereits Anfang der 90er Jahre hatte der 

frühere Tour-Manager und Co-Texter von 

Ton Steine Scherben, Misha Schoeneberg, 

die Idee, Lyrics von Leonard Cohen 

ins Deutsche zu übertragen und von Rio 

Reiser interpretieren zu lassen. Die Pläne 

Schoenebergs, der 1988 das heute halbvergessene 

Solo-Album STERNSCHNUP- 

PEN herausbrachte, wurden jedoch 

durchkreuzt durch den frühen Tod des 

ehemaligen TSS-Sängers. Nun, 20 Jahre 

später, findet die Idee doch noch ihre Umsetzung: 

Anlässlich des 80. Geburtstags 

Cohens erscheint mit POEM – LEONARD 

COHEN IN DEUTSCHER SPRACHE 

ein hochkarätig besetztes Tribute-Album. 

Darauf bringen mehrere Generationen 

deutscher Rock- und Popmusiker Schoenebergs 

Übertragungen zum Klingen, darunter 

Nina Hagen (“Am dunklen Fluss”/”By 

The River Dark”), Manfred Maurenbrecher 

(“Hymne”/”Anthem”), Fehlfarben 

(“Gerechtigkeit”/”Democracy”), Tim 

Bendz ko (“Geschichte Isaaks”/”Story Of 

Isaac”) und Mrs. Greenbird (“Leb wohl, 

Marianne”/”So long, Marianne”). Höhepunkte 

sind Reinhard Meys nächtlichzart 

gehauchtes “Sternblauer Trenchcoat” 

(“Famous Blue Raincoat”), Peter Maffays 

mächtig rockendes “Zuerst also Manhattan” 

(“First We Take Manhattan”), Alin 

Coens und Joa Kuehns hinreißendes Duett 

“Joan Of Arc” sowie Johannes Oerdings 

sehnsuchtsvoll-bluesiges “Die Frau des 

Wanderers” (“The Gypsy’s Wife”). 

(Columbia/Sony Music, 2014, 

17/79:21) frs 

JAN DREES 

KAPRIZEN 

2011 veröffentlichte 

der Hamburger 

Produzent und Musiker 

Jan Drees mit 

KASSIBER ein 

verträumtes und 

romantisches Instrumentalalbum. 

tllb Jtt Jetzt, für KAPRIZEN, hat 

er sich mit Heinz Rudolf Kunze als Texter 

und Sprecher einen ausgewiesenen Spezialisten 

für anspruchsvolle Lyrik an Bord geholt. 

Kunzes Texte unterlegt er mit Klängen, 

die zwischen Ambient, Art-Rock, Jazz und 

Experimental pendeln, hat neben elektronisch 

erzeugten Tönen aber auch „richtige” 

Instrumente wie Gitarre, Klavier und Ukulele 

einbezogen. Gute Idee, denn so werden 

die Texte mal herausgehoben, mal rücken 

sie fast in den Hintergrund, gewinnen durch 

Drees’ Musik an Wirkung. Wer die Musik 

ohne Kunzes Sprechstimme genießen möchte 

kann dies auch, neben der Textversion auf 

CD 1 liefert eine zweite Disc die Instrumentalversion 

des kompletten Werkes. 

(Rakete Medien/Rough Trade, 2014, 

13/48:36, 13/48:37) us 

ROBIN GIBB 

50 ST. CATHERINE DRIVE 

Als „finales Album” (welch grausiger Begriff) 

wird die posthume Veröffentlichung 

von Robin Gibbs 50 ST. CATHERINE 

DRIVE angepriesen – benannt nach der 

Straße, in der das Haus stand, in dem Gibb 

einst in Douglas auf der Isle Of Man zur 

Welt gekommen war. Doch abgesehen davon 

ist die Scheibe nur zu empfehlen. Nicht 

nur weil es den bislang unveröffentlichten 

letzten Song enthält, den das Bee-Gees- 

Mitglied im August 2011 vor seinem Tod 

im Mai 2012 schrieb und aufnahm. Auch 

die Neufassung des Bee-Gees-Klassikers 

“I Am The World” von 1966 zaubert ein 

zufriedenes Lächeln ins Gesicht des Hörers 

– und es sind drei Nummern zu hören, die 

Gibb mit seinem Sohn Robin Jr. geschaffen 

hat. Das Album, das Witwe Dwina und 

Sohn RJ liebevoll zusammengestellt und 

auch kommentiert haben, enthält schwerpunktmäßig 

Songs aus den Jahren 2006 

bis 2008 und strahlt insgesamt eine eher 

introvertierte Stimmung aus. Mit am eindrucksvollsten 

ist das Abschlusslied “Sydney”, 

das in der originalen, recht fragmentarischen 

Demo fassung zu hören ist. 

(Rhino/Warner, 2014, 17 Songs) pro 

SILVER CONVENTION 

GET UP AND BOOGIE 

Amerikanischer ging es nicht. Und doch 

kam dieses Trio aus Deutschland: Silver 

Convention. Mit “Fly Robin Fly” (1975) 

hatten die Ladys gerade Platz 1 in den USA 

geschafft, da zogen sie mit “Get Up And 

Pop 

Boogie” (1976) sofort nach und benannten 

ihre zweite LP nach der Erfolgssingle, die 

sich in den Staaten noch einmal bis Platz 

zwei hochgroovte. Irgendwie logisch, dass 

der Longplayer das Erfolgsrezept der ersten 

beiden Hits bis ins Unendliche dehnte 

– und das äußerst stilvoll. Zwar hatten Silver 

Convention auf der gesamten Scheibe 

in ihren Zweizeilern pro Stück nicht viel 

zu sagen, die Tanzbarkeit der teilweise 

mit starken Streichermelodien unterlegten 

Songs (“You’ve Turned Me On”) war 

zwingend. Grandios auch das orgiastische 

Gestöhne im funkigen “No, No, Joe”, selbst 

Reggae ist bei Silver Convention gut für 

den Dancefloor (“The Boy With The Ooh- 

La-La”). Als Bonus gibt es noch einmal 

“No, No, Joe” und zweimal der Titelsong 

in alternativen Versionen zu hören – wobei 

„Joe” soundtechnisch schwächelt. 

(BBR/Cherry Red, 1976, 12/54:17) jub 

SARAH FERRI 

FERRI TALES 

Die Belgierin Sarah 

Ferri fischt zum 

Teil im Teich von 

Caro Emerald, aber 

stimmlich ist sie der 

inzwischen etablierten 

niederländischen 

Kollegin zweifellos überlegen. Auch wer 

die Andrew Sisters mag, kann an Sarah 

Ferris Musik Gefallen finden. Trotzdem 

legt sie sich nicht ausschließlich auf den 

– zugegeben – netten und eingängigen 

Swing-Jazz fest, sondern bietet viel Abwechslung. 

Bossa Nova, Soulanleihen, 

angenehmer Piano-Pop, Blues und Balladen 

erfreuen das Herz des Zuhörers. Besonders 

schön: “On My Own”, “The Man 

Who Was Bored”, “The Hungry Villain” 

und “This Is A Moment”. Ein ansprechendes 

Debütalbum für Klangästheten. 

(Jazzhaus/inakustik, 2014, 12/36:39) p 

SINÉAD O’CONNOR 

I’M NOT BOSSY, I’M THE BOSS 

Ganz schön kess, dieser Plattentitel, aber 

nicht ganz falsch. Denn zu ihrem 30. 

Jubiläum im Musikgeschäft legt Frau 

O’Connor das geglückte Werk einer Liedermacherin 

vor, die bis vor kurzem doch 

eher als Sängerin berühmt war. Das Album 

changiert zwischen edlem Pop und dem 

Geist des funky Blues, ist dem Leitmotiv 

der romantischen Liebe verpflichtet und 

wartet sowohl mit kraftvollen Hymnen 

wie “How About I Be Me” als auch mit 

nachdenklichen Liedern wie “Kisses Like 

Mine” und Stampfern wie “The Voice Of 

My Doctor” auf. Und dank flinker Akkordwechsel 

ist “James Brown” der wohl ansteckendste 

Track des Albums. Dies alles 

– und einiges mehr – ist zwar nichts für 

den dudelnden Hitparaden-Rundfunk, aber 

allemal anständiger Pop-Rock fürs gehobene 

Radioprogramm. Sinéad O’Connor 

befindet sich augenscheinlich auf dem 

Höhepunkt ihrer Möglichkeiten. Auf dem 

Cover präsentiert sie sich als Mischung aus 

sanftem Mädchen und kriegerischer Göttin, 

was zu den unterschiedlichen Assoziationen 

und schillernden Impressionen, die 

ihre Songs auszeichnen, ziemlich perfekt 

passt. 

(Nettwerk/Soulfood, 2014, 12/41:01) hjg 


CD 

REVIEWS 

KRISTEEN YOUNG 

THE KNIFE SHIT 

Einige Zeit lang hat man nichts mehr 

von Kristeen Young gehört, doch legt 

man jetzt ihr neues Album THE KNI- 

FE SHIT in den Player, bläst einen 

die rohe Energie ihrer Songs noch 

immer um. Also genau wie Ende der 

90er Jahre, als sie Fans, Kritiker und 

Kollegen wie David Bowie und Brian 

Molko nur mit Klavier und Stimme 

begeisterte. „Kate Bush on speed” 

war nur einer der Beinamen, die sie 

für ihre Mischung aus kieksigem 

Gesang und hämmerndem Piano 

verpasst bekam, kein Wunder wurde 

sie von Morrissey für dessen 2007er 

Welttour als Opener verpflichtet. 

Schon seit den ersten Alben arbeitet 

sie mit Tony Visconti zusammen, 

auch ihr neues Album entstand gemeinsam 

mit dem legendären Produzenten, 

der THE KNIFE SHIT dieses 

Mal etwas bunter und vielschichtiger 

angerichtet hat. Weiterhin konnte 

sie für die Aufnahmen in New York 

Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana) 

als Schlagzeuger gewinnen. 

(Galileo Music Communication, 

2014, 11/39:28) tk 

PATTI SMITH 

DREAMING OF THE 

PROPHET 

Geht das bis 

zum Ende 

so weiter? 

Fragt man zu 

Beginn des 

Radiomitschnitts 

von 

Patti Smiths Performance im New Yorker 

Bottom Line im Dezember 1975. 

Heute würde man den Lyrikvortrag 

zum Auftakt dieser Aufwärmshow für 

die anstehende US-Tour als Poetry 

Slam bezeichnen. Doch bald folgt Musik, 

vor allem mit Songs vom eben erschienen 

Debütalbum HORSES, aber 

auch mit solchen, die erst auf späteren 

LPs zu hören waren. Eklektisch, herzerfrischend 

ungezwungen, zwischendurch 

fast ein wenig naiv, dann wieder 

aufsässig, so präsentierte sich Smith, 

begleitet von Lenny Kaye (g, b), Ivan 

Kral (b, g), Richard Sohl (p) und Jay 

Daugherty (dr). Die Qualitäten der 

Urmutter des Punk waren – bei allenfalls 

mittelprächtiger Klangqualität – 

durchaus zu erahnen. Letztlich eine vor 

allem aus historischen Gesichtspunkten 

interessante Spätveröffentlichung. 

(Smokin’/inakustik, 2014, 79/48) pro 

CAMERA 

REMEMBER I WAS 

CARBON DIOXIDE 

Sie selbst mögen die Bezeichnung 

„Krautrock” nicht besonders gerne. 

Auf ihrer Facebook-Seite geben sie 

für ihre experimentelle Instrumentalmusik 

als Genre „pure and lonely” 

an. Doch was, bitte schön, soll das 

sein? Und ist Krautrock nicht längst 

international als Gütesiegel etabliert? 

Zudem wird schon nach wenigen Takten 

von REMEMBER I WAS CAR- 

BON DIOXIDE, dem Zweitling von 

Camera (siehe Newcomer-Story im 

GoodTimes 5/2012), deutlich, wo 

die Vorbilder des Berliner Duos liegen: 

bei 70er-Jahre-Krautrockcombos 

wie Neu!, Harmonia, Can, Agitation 

Free und den frühen Kraftwerk. Mit 

Vorliebe wählt Keyboarder Timm 

Brockmann die warmen, sphärischen 

Sounds von ausrangierten, analogen 

Synthesizern, spielt Schlagzeuger 

Michael Drummer den bei Früh- 

Krautern beliebten Motorik-Beat 

und entlocken die Gastgitarristen 

und -Bassisten ihren Saiten psychedelische 

Klänge. REMEMBER I 

WAS CARBON DIOXIDE knüpft 

am großartigen Debüt RADIATE! an 

und geht teils neue Wege. Die Stücke 

sind insgesamt verhaltener, nicht so 

energiegeladen, manche nehmen sich 

stark zurück, sind hermetisch, einige 

düster wie aus einem Horrorfilm. 

Nicht immer die leichteste Kost, aber 

wer seine Ohren öffnet, begibt sich 

auf eine lange, weite Reise. 

(Bureau B/Indigo, 2014, 12/55:06) frs 

THE ALLMAN 

BROTHERS BAND 

THE 1971 FILLMORE EAST 

RECORDINGS 

Nach den ersten beiden nur mäßig 

erfolgreichen Studio-LPs THE ALL- 

MAN BROTHERS BAND und IDLE- 

WILD SOUTH war es das 1999 in die 

Grammy Hall Of Fame aufgenommene 

Doppelalbum AT FILLMORE EAST, 

das dem Südstaaten-Sextett schließlich 

den ersehnten Durchbruch bescherte. 

Von dem der am 29. Oktober 1971 

kurz vor seinem 25. Geburtstag bei 

einem Motorradunfall ums Leben gekommene 

Bandgründer Duane Allman 

allerdings kaum mehr profitieren sollte. 

Die letzten vier der insgesamt sechs für 

diese Liveproduktion mitgeschnittenen 

Sets, die die Brothers vom 11. bis 13. 

(bzw. bis in die Morgenstunden des 

14.) März 1971 in Bill Grahams Fillmore 

East spielten, sind nun komplett 

auf den ersten fünf CDs dieses Boxsets 

dokumentiert. So bekommt man etwa 

erstmals jene beiden Versionen von 

Willie Cobbs’ ”You Don’t Love Me” 

separat zu hören, aus denen Produzent 

Tom Dowd mit Einverständnis der 

Band einst die eine komplette LP-Seite 

des Originalalbums beanspruchende 

Fassung dieses Songs zusammengeschnitten 

hatte. Auf einer sechsten 

CD findet sich zudem der Fillmore- 

Auftritt der ABB vom 27. Juni desselben 

Jahres, der letzte überhaupt vor 

der Schließung der legendären New 

Yorker Location. Dabei sind es weniger 

die Blues-Covers wie etwa Blind 

Rock 

Willie McTells bei allen fünf Shows 

als Opener fungierender ”Statesboro 

Blues”, die den Ruf der Band begründeten, 

sondern jene ausgedehnten Improvisationen, 

die wie im Fall des auf 

dem Thema des Donovan-Hits ”There 

Is A Mountain” basierenden ”Mountain 

Jam” auch schon einmal mehr 

als eine halbe Stunde andauern konnten. 

Zielgruppe dieser Nobel-Edition 

in Form eines aufwändig gemachten 

querformatigen Buches mit diversen 

Fotos und einem Text zur Entstehungsgeschichte 

der Aufnahmen dürften 

in erster Linie Allman-Hardcorefans 

und Komplettisten sein, aber auch 

Menschen, die ein repräsentatives Geschenk 

für einen Rockfan klassischer 

Prägung suchen; wer sich hingegen 

einfach nur ein Bild von den Livequalitäten 

der Band in jenen Tagen machen 

will, ist sicherlich auch mit einer der 

weiterhin erhältlichen früheren Zusammenstellungen 

gut bedient. 

(Mercury/Universal, 2014, 

6 CDs) ms 

JOE BONAMASSA 

DIFFERENT SHADES OF 

BLUE 

Er strebe danach, 

„seinen 

Fans jedes Jahr 

etwas Neues zu 

bieten”, 

heißt 

es im Release- 

Info zu diesem 

Album, und in der Tat ist Joe Bonamassa 

wohl aktuell der Musiker mit 

der höchsten Frequenz an Veröffentlichungen. 

Mit DIFFERENT SHA- 

DES OF BLUE legt er nun seine elfte 

Solo-Studio produktion vor, und die 

dürfte nicht nur eingefleischte Bonamassa-Fans 

ansprechen, sondern auch 

all diejenigen, die einen intelligent 

gemachten, bestens groovenden Mix 

aus Rock- und Blueselementen ohne 

jegliches „Schneller, höher, weiter”- 

Gehabe zu schätzen wissen. Zwei 

Bläser sowie Ex-SRV-Sideman Reese 

Wynans (org, p) bringen dabei weitere 

Klangtupfer ins Spiel, die dem satten 

Soundkostüm hörbar zugutekommen. 

Und Bonamassa selbst vermag hier 

nicht nur mit seinen gitarristischen 

Fähigkeiten zu punkten, sondern auch 

als Sänger wie Songschreiber vollends 

zu überzeugen. 

(Provogue/Rough Trade, 2014, 

11/48:27) ms 

THE COVES 

SOFT FRIDAY 

Die Infos des Labels bauen eine ungewöhnlich 

spannende Erwartung auf: 

„Dreckige Riffs und psychedelische 

Keyboards gleiten durch kühle Nicoeske 

Vocals, die spektrale Geschichten 

von gescheiterten Liebesaffären 

spinnen ... Er, ein in Leder gekleidetes 

Gitarren-Phantom, sie, eine eisige 

Femme Fatale, pusten sich gegenseitig 

Glitter durch Blitze von alten Kameras 

zu. Dies ist die Welt der Coves. Klassische 

Psych-Garage-Ästhetik, vakuumversiegelt, 

für immer festgehalten 

Sireena (1/3-hoch) 


REVI 

CD 

REVIEWS 

Rock 

in einer Zeit und einem Ort.” Die Rede ist 

vom britischen Duo John Ridgard und Rebekah 

„Beck” Wood und ihrem Debütalbum 

SOFT FRIDAY, dem die „Coves”-EP von 

2011 und einige Singles vorausgingen. In 

der Tat bauen die von Ridgard komponierten 

Songs eine ganz eigene, primär von Velvet 

Underground, aber partiell auch von den 

White Stripes und sogar den Kinks inspirierte 

Atmosphäre auf, zu der Beck Woods 

Gesang optimal passt, denn sie singt deutlich 

angelehnt an Velvets Nico, nur ohne deutschen 

Akzent. Für die Realisierung seines 

bemerkenswerten Werkes brauchte das Duo 

konsequenterweise auch nicht viel Hilfe. 

Joseph Worralls Mandoline auf “Let The 

Sun Go” und Tim Southorns Trompete auf 

“Wake Up” sind Ausnahmen. Diese beiden 

Songs bilden zusammen mit “Fall Out Of 

Love” und “Bad Kick To The Heart” auch 

die Höhepunkte. 


HELP YOURSELF 

REAFFIRMATION – 

AN ANTHOLOGY 1971–1973 

Die aus London stammende 

Band um Malcolm 

Morley (voc, 

keys, g), Richard 

Treece (g, voc), Ken 

Whaley (b) und Dave 

Charles (dr) klang 

nicht betont t britisch. Vielmehr pendelte ihr 

fesselnder Stilmix zwischen westküstlichamerikanischem 

Folk- und Country-Rock 

à la CSN & Y und Neil Young solo sowie 

Psychedelia im Stile von Quicksilver und 

Grateful Dead. Seelenverwandte im UK 

waren die Waliser der Gruppe Man, zu der 

später auch Whaley und Morley stießen, 

durchaus mit befruchtender Wirkung. Zudem 

griffen Mitte der Seventies etliche britische 

Pub-Rockbands Help Yourselfs Ideen 

auf. Zu Lebzeiten verkauften sich deren Alben 

auß erhalb eingeschworener Fankreise 

freilich nur schleppend. Und das, obwohl die 

Mehrzahl der Songs herrlich lässiger Rock 

mit ausgefeiltem Gitarrensound, poetisch 

schönen Balladentexten und insgesamt friedlich-entspannter 

Grundstimmung waren. Anspieltipps: 

“Running Down Deep”, “Paper 

Leaves”, “Brown Lady”. Etwas herzhaftere 

Rocker wie “Deanna Call And Scotty” und 

“Johnny B. Goode” sind eher die Ausnahme. 

Daneben glänzte die Gruppe mit ausgedehntkomplexen 

Jam-Rockern voller filigraner 

Gitarren- und Klavierpassagen (“Reaffirmation”, 

“The All Electric Fur Trapper”, “Eddie 

Waring”). Die vorliegende Anthologie bringt 

den Löwenanteil des Gruppenschaffens und 

wurde zudem liebevoll aufgemacht. 

(Esoteric/Rough Trade, 

2014, 15/77:32; 12/69:16) hjg 

JESS KLEIN 

LEARNING FAITH 

Mit dem Titelsong als Opener gibt Jess 

Klein, die 40-jährige US-Singer/Songwriterin, 

die Richtung für ihr mittlerweile 

neuntes Album vor: Sie ist auf der Suche, 

offenbart eine gewisse Portion (gesellschaftspolitischen) 

Trotz ihrer Umwelt 

gegenüber und versteht es, ihre Alltagsbeobachtungen 

in oft lakonisch, auch mal 

subtil selbstironisch angestimmte Songs zu 

packen. Sie ist bei aller Zerbrechlichkeit alles 

andere als weinerlich und verpackt ihre 

Inhalte im weitesten Sinne in ein Americana-Klanggewand, 

das mal in Richtung Folk, 

dann wieder Rock oder Country und sogar 

vorsichtig swampig-bluesig ausgebeult ist. 

Wechselnd mit Band, aber auch sparsam 

instrumentiert oder im Alleingang vorgetragen. 

Da ist ein langer Reifungsprozess 

als Singer/Songwriterin herauszuhören. Zugreifen, 

kann man da nur raten. 

(Blue Rose/Soulfood, 2014, 10/41:05) pro 

OLIVER DAWSON SAXON 

BLOOD AND THUNDER LIVE 

Mit 

“Schwermetal 

Fur immer” eröffneten 

Oliver Dawson 

Saxon 2013 die Gigs 

ihrer 

Europa-Tour, 

die sie auf BLOOD 

AND THUNDER 

LIVE dokumentieren. Mitgeschnitten 

in ihrer Heimatstadt Barnsley und auch 

in Deutschland (für ihre Fans dort gab’s 

noch “Fetzen Fliegen V”). Steve Dawson 

(b) und Graham Oliver (g) waren bei der 

Gründung von Saxon dabei, schieden im 

Unfrieden, dürfen aber den Bandnamen 

weiter nutzen. Und ihr heutiges Set stützt 

sich auf Saxon-Klassiker: “Strong Arm Of 

The Law”, “Princess Of The Night”, Motorcycle 

Man”, “Dallas 1 PM”, “Rock’n’Roll 

Gypsy”, “Crusader” oder “And The Band 

Played On” haben nichts von ihrer Dynamik 

verloren – es waren/sind einfach starke 

Songs. Brian Shaughnessys Gesang ist nicht 

zu weit von Biff Byford entfernt, Grahams 

Sohn Paul trommelt kraftvoll, Co-Gitarrist 

Haydn Conway „würzt” überzeugend. Saxon-Fans 

können bedenkenlos zugreifen. 

(Angel Air/H’Art, 2014, 14/60:57) pro 

PHILIP SAYCE 

INFLUENCE 

Auch wenn im Release-Info viel vom Blues 

die Rede ist und sich auf der Tracklist gar ein 

veritabler Zwölftakter findet, ist dieses Album 

des in Wales geborenen und in Kanada 

aufgewachsenen Gitarristen und Sängers in 

der Rockabteilung letztlich wohl doch besser 

aufgehoben. Dabei sind es wiederum eher 

die Jahre vor seiner Geburt, auf die sich der 

Enddreißiger musikalisch bezieht, so etwa 

bei der mit deutlichen Anklängen an dessen 

Kracher ”Fire” daherkommenden Hendrix- 

Hommage ”Out Of My Mind” oder bei der 

an ”Little Wing” erinnernden Ballade ”Fade 

Into You”. Gut ankommen dürfte der Ex-Melissa-Etheridge-Sideman 

damit vor allem bei 

all jenen, die statt der Pioniere des Genres zur 

Abwechslung auch gerne einmal nach heutigen 

Standards produzierte, gleichwohl der 

Tradition verhaftete Rocksounds auflegen. 

(Provogue/Rough Trade, 2014, 

13/55:28) ms 

GRANT NICHOLAS 

YORKTOWN HEIGHTS 

Man nehme: das Lebensgefühl der 70er, 14 

Monate Zeit, zwei Kontinente und Feeder- 

Frontmann Grant Nicholas, einmal gut umrühren, 

und herauskommt YORKTOWN 

HEIGHTS, die erste Soloplatte des britischen 

Künstlers. Die Reise führte von 

London bis New York und zurück, um 

endlich eine Platte zu schaffen, die mehr 

an Singer/Songwriter erinnern, erzählen 

und vor allem ehrlich klingen sollte. Es 

war Grant Nicholas ein Bedürfnis, seine 

Seele zu teilen, seine Songs nicht hinter 

lauten E-Gitarren zu verstecken. Der Spagat 

zwischen „weniger ist mehr” und „2014 

kann verdammt gut klingen” ist ihm dabei 

mehr als gelungen. Grant Nicholas solo, 

das klingt ein wenig wie Neil Young, ein 

bisschen wie Nick Drake und sehr nach 

einem Album, das in kalten Herbststunden 

mit melancholischer Zärtlichkeit durch die 

Nächte tröstet. 

(Popping Candy/Rough Trade, 2014, 

13/46:33) pk 

DEEP PURPLE 

HARD ROAD: THE MARK I 

STUDIO RECORDINGS 1968–69 

Als 1969 Sänger Rod 

Evans von Ian Gillan 

und Bassist Nicky 

Simper von Roger 

Glover ersetzt wurden, 

ging eine der produktivsten 

Zeiten von 

Deep Purple l zu Ed Ende. In nur 15 Monaten 

veröffentlichte die britische Band drei LPs, 

über deren Qualität man sicherlich streiten 

kann, die bei frühen Purple-Fans aber wohl 

für immer legendären Status behalten werden. 

An dieses Klientel richtet sich auch die 

jetzt veröffentlichte 5-CD-Box mit dem Titel 

HARD ROAD: THE MARK 1 STUDIO 

RECORDINGS 1968–69. Denn nach den 

drei Alben, die wohl jeder Mark-I-Fan schon 

als LP, CD und in der remasterten (und um 

Bonus-Tracks erweiterten) CD-Version besitzen 

dürfte, liefert die lila Box als zusätzliches 

Material „nur” die Monoversionen 

von SHADES OF DEEP PURPLE und THE 

BOOK OF TALIESYN. Beide gab es auch 

schon im Original als Mono-LP, die dritte im 

Bunde, DEEP PURPLE, gab (und gibt) es 

nur als Stereo-Ausführung. Dazu bieten die 

fünf CDs noch massenhaft Bonus-Tracks, 

größtenteils deckungsgleich mit den Zugaben 

der remasterten CD-Versionen. Fraglos 

Pflicht für Mark-I-Freunde, die damit ihrer 

Purple-Sammlung weitere Duplikate hinzufügen 

... 

(Parlophone/Warner, 2014, 5 CDs) us 

DAVID RHODES 

RHODES 

Seit fast 30 Jahren ist David Rhodes der Gitarrist 

von Peter Gabriel, darüber hinaus hat 

der Engländer aber auch schon mit Größen 

wie Paul McCartney, Talk Talk, Roy Orbison 

und T Bone Burnett zusammengearbeitet, 

und als Kate Bush zuletzt ankündigte, 

in diesem Herbst 15 Konzerte in London 

zu spielen, fiel die Wahl des Gitarristen ihrer 

Liveband wieder auf David Rhodes. 

Mit BITTERSWEET legte Rhodes vor vier 

Jahren sein Solodebüt vor, sein zweites Album 

RHODES wurde zunächst nur in seiner 

britischen Heimat veröffentlicht, dieser Tage 

erscheint es auch in unseren Breiten. Zusammen 

mit Schlagzeuger Ged Lynch (David 

Sylvain, Peter Gabriel) und Bassist Charlie 

Jones (Robert Plant, Goldfrapp) zeigt 

Rhodes eine beeindruckende Vielseitigkeit: 

Groovender Blues-Rock, Powerriff-getriebene 

Rocker, aber auch melancholische 

Balladen und fein austarierter Pop wechseln 

sich ab. Und wer David Rhodes live erleben 

möchte, der hat im Oktober die Chance dazu, 

wenn er für einige Konzerte nach Deutschland 

und Österreich kommt. 

(Glassville Records/tba, 2014, 10/42:31) us 

ERIC CLAPTON & FRIENDS 

THE BREEZE – AN APPRECIA- 

TION OF JJ CALE 

Mit JJ Cale verband 

Eric Clapton neben 

erfolgreichen Covers 

von dessen Songs 

”After Midnight” 

und ”Cocaine” nicht 

zuletzt das gemeinsame 

Album THE ROAD TO ESCONDI- 

DO, das den beiden 2007 einen Grammy 

einbrachte. Nun hat „Slowhand” mit Unterstützung 

diverser namhafter „Friends” 

– darunter Cales langjährige Partnerin 

Christine Lakeland sowie Tom Petty, Mark 

Knopfler und Willie Nelson – 16 Titel aus 

dem Repertoire des im Vorjahr verstorbenen 

Musikers eingespielt, den er einmal 

als seine „wichtigste Inspirationsquelle” 

bezeichnete. Dabei sind es weniger „Neuinterpretationen” 

(wie es im Release-Info 

heißt), sondern mehr oder minder werkgetreue 

Versionen von Cale-Songs wie dem 

titelgebenden ”Call Me The Breeze” oder 

”Sensitive Kind”, mit denen man diesem 

hier musikalisch die letzte Ehre erweist. 

(Polydor/Universal, 2014, 

16/51:36) ms 

MARGIN 

PSYCHEDELIC TEATIME 

Aus Berlin kommt diese Band, die schon 

mit dem Titel ihres Debüts keine Zweifel 

aufkommen lässt, welche Musik sie im 

Programm hat. Dreh- und Angelpunkt von 

Margin ist Lutz Meinert, der sowohl für den 

Gesang als auch für den Großteil der instrumentalen 

Umsetzung sorgt. PSYCHEDELIC 

TEATIME beginnt gleich mit einem 23-minütigen 

Psychedelic-Prog-Rocktrip namens 

“A Mysterious Cup Of Tea”, unterteilt in 

fünf Abschnitte, in denen Margin die ganze 

Bandbreite ihres Spektrums präsentieren. 

Von verspieltem Pop geht es über verschachtelten 

Prog bis zu sphärischen Klangflächen, 

sie lassen Melodien ineinanderlaufen, verbinden 

New-Age-Klänge, harte Gitarrenriffs 

und Floyd-sche Strukturen zu einem ganz 

eigenen Sound. Zeit geben sie ihren Longtracks 

ausreichend, abgesehen von den fünf 

Abschnitten des ersten Tracks ist nur ein 

Titel kürzer als acht Minuten. Wichtig auch, 

dieses Album konzentriert und in Gänze zu 

hören, wer hier nur in Abschnitten hineinhört 

oder das Ganze als Hintergrundmusik missbraucht, 

der wird den Zauber dieser Scheibe 

nicht entdecken. 

(Madvedge Records/Oomoxx Media, 

2014, 9/56:48) us 

MICKY & THE MOTORCARS 

HEARTS FROM ABOVE 

Trotz längerer Pause und einiger personeller 

Umbesetzungen liefern Micky & The 

Motorcars mit HEARTS FROM ABOVE 

wieder ein Album ab, das sich nahtlos in 

ihre letzten, starken Werke einreiht. Dass 

Bandleader Micky Braun und sein Bruder 

Gary noch im Schatten ihrer älteren Brüder 

Willy und Cody (mit deren Band Reckless 

Kelly) stehen, ist eigentlich kaum erklärbar, 

ein richtiger Qualitätsunterschied ist zwi- 


EWS 

CD 

REVIEWS 

J.B.O. 

NUR DIE BESTEN WERDEN ALT 

Der Titel des neuen J.B.O.-Albumtitel trifft 

den Nagel auf den Kopf: Das Quartett gehört 

in seinem Metier zu den Besten und feiert 

mit dieser CD sein 25-jähriges Bestehen. 

Es liefert knüppelnden Metal mit deutschen 

Texten, die sich wiederum (meist) durch 

Witz auszeichnen. Mal derb ins Gesicht geschmettert, 

gelegentlich kommt’s auch subtiler 

daher. Ein J.B.O.-Markenzeichen sind 

die in der Regel humoresk eingedeutschten 

Cover-Versionen; die Vorlagen kommen 

diesmal von Alice Cooper (“School’s Out”), 

Opus (“Live Is Life”), Nancy Sinatra (“These 

Boots Are Made For Walking”) und Lou 

Bega (“Mambo No. 5”). Zugegeben, manchmal 

tönt’s platt, insgesamt jedoch vergnüglich. 

Dazu haben die vier Erlanger ihre Instrumente 

gut im Griff und liefern reichlich 

Stoff zum Headbangen, Schenkelklopfen 

und unterhaltsamem Lauschvergnügen. 

(AFM/Soulfood, 2014, 19/50:57) pro 

TRIBUTE 

LIVE! – THE MELODY THE BEAT 

THE HEART 

Schweden hat nicht nur großartige Popbands 

wie Abba hervorgebracht, sondern 

auch begeisternde Prog-Rockacts wie 

Tribute, die zwischen 1983 und 1991 

Rock 

schen ihren Bands so gut wie nicht mehr 

auszumachen. Vor allem an ihrer Vielseitigkeit 

haben die Texaner gearbeitet, und 

das macht sich bezahlt. Krachender Roots- 

Rock, beseelte Balladen (... also für Texas- 

Verhältnisse), vielstimmiger Country-Rock 

und knochentrockener Americana gedeihen 

hier prächtig nebeneinander, und auch produktionstechnisch 

haben die Jungs einiges 

dazugelernt. So druckvoll und dennoch so 

klar abgestuft hat man ihren Sound bisher 

noch nicht gehört. 

aktiv waren und zeitweise als Skandinviens 

Antwort auf Mike Oldfield gefeiert 

wurden. LIVE! war das dritte Opus des 

Septetts, bei dem Pierre Moerlen (Gong, 

Mike Oldfield) Schlagzeug und Vibrafon 

bearbeitete. Mitgeschnitten wurde 1986 

in der Großen Freiheit Hamburg sowie 

ergänzend in Friesohyte und Emden. 

Die Aufnahmen klingen heute erwähnenswert 

gut, ebenso die Art und Weise 

wie Tribute trittsicher zwischen Prog, 

einfallsreichem Folk-Rock, ein wenig 

ELLIS 

… WHY NOT? 

Dieses Album gab es als Reissue bereits 

mehrfach, zuletzt auch gekoppelt mit RI- 

DING ON THE CREST OF A SLUMP, 

dessen Neuauflage in GT 2014/4 nachzulesen 

ist. Auf ... WHY NOT präsentierten Ex- 

Love-Affair-Sänger Steve Ellis und seine 

Mitstreiter damals angesagten Hard Rock. 

Keyboarder Zoot Money hielt sich ein wenig 

stärker zurück, dominierte allerdings 

bei “Opus 17 3/4”, was dank des gelungenen 

(Blue Rose/Soulfood, 2014, 12/42:46) us Jazz-Rock und sogar dezenten, Synthieschwangeren 

Remasterings jetzt noch besser hör- 

NDW-Anflügen variierten. bar wird. Mike Vernon als Produzent dürfte 

THE PINEAPPLE THIEF 

MAGNOLIA 

Mit Betonung auf eingängiger Melodieführung 

und bei aller Solierfreude nie die 

wohl für die Boogie-Komponente gesorgt 

haben – und für ein geschlosseneres Agieren 

Nach seinem Nebenprojekt 

Geduld der Zuhörer strapazierend oder 

der Band im Studio als beim Vorgänger. 

Wisdom 

Of Crowds, bei dem 

er mit Jonas Renske 

von Katatonia unterwegs 

war, und nachdem 

er die schwedische 

gar langweilend! 

(Sireena/Broken Silence, 1987, 

10/54:45) 

ACCEPT 

BLIND RAGE 

pro 

Das Booklet liefert mit neuen Liner-Notes 

Hintergründiges zur Entstehung. Die Kategorisierung 

„Faces für arme Leute”, die 

1973 bei der Erstveröffentlichung im UK 

kursierte, schießt allerdings deutlich übers 

Ziel hinaus. 

Band auf ihrer Unplugged-Tour 

begleitet hat, konzentriert sich Bruce Soord 

Nein, die deutschen 

Metalveteranen 

(Esoteric/Rough Trade, 1973, 

10/35/47) pro 

nun wieder auf seine Hauptband The Pineapple 

schlagen 

keines- 

Thief. Und wie so oft scheinen solche 

wegs in blinder Wut VARIOUS ARTISTS 

musikalischen Ausflüge zu neuer Kreativität 

musikalisch 

wild A BLUES TRIBUTE TO 

anzuregen. Nicht, dass die britischen 

um sich. Im Gegen- 

CREEDENCE CLEARWATER 

Prog-Rocker auf MAGNOLIA ihren Stil 

teil: 

Leadgitarrist REVIVAL 

völlig umkrempeln, nein, aber schon relativ 

Wolf Hoffmann, Peter Baltes (b), Her- 

Gut, auf diesem 

schnell wird klar, dass sich die stilistische 

Sampler sind nicht 

Bandbreite erweitert hat. Und wer nach den 

nur mit Sonny 

ersten, gemächlich getragenen Streicher- 

Landreth oder Duke 

unterlegten Passagen Angst davor hat, dass 

die Rockkomponente womöglich ins Hin- 

Robillard 

gestandene 

durchaus 

Bluestertreffen 

geraten ist, wird im Laufe des 

Albums vom Gegenteil überzeugt. Denn 

(Rock-)Musiker vertreten, 

das Album deswegen zum „Blues 

dann, wenn es drauf ankommt, können The 

Pineapple Thief immer noch mit brachialer 

Härte agieren, lassen harte Riffgewitter und 

pure Heavy-Metal-Power einziehen – nur 

um kurz darauf noch zerbrechlicher, noch 

filigraner ans Werk zu gehen. 

(Kscope/edel, 2014, 12/46:16) tk 

man Frank (g), Mark Tornillo (voc) und 

Stefan Schwarzmann (dr) setzen bei den 

neuen, durchweg gelungenen Songs einen 

Hauch mehr auf die Melodiekarte, ohne 

allerdings Wucht, Aggressivität und Vorwärtsdrang 

zu vernachlässigen. Grandiose 

Twingitarren mit dem typischen Teutonenriffing, 

samt allerlei für Hoffmann 

typischen Klassikanleihen, den gewohnt 

fetten Chören sowie der für die 80er Jahre 

typischen Ausrichtung, aber auch abgerundet 

durch moderne Sounds – mit dem 

dritten Album seit der Reunion überzeugen 

Accept erneut meisterlich. So klingen 

eben nur sie, ohne dass sie sich dabei 

kopieren. Und mit Tornillo haben sie den 

perfekt passenden Sänger. 

(Nucelar Blast/Warner, 2014, 11/58:40) pro 

CHUCK PROPHET 

NIGHT SURFER 

Mit dem fast identischen Team, mit dem 

Chuck Prophet 2012 schon sein letztes 

Album TEMPLE BEAUTIFUL aufnahm, 

hat er nun in San Francisco und Nashville 

NIGHT SURFER eingespielt. Brad 

Jones und Paul Kolderie (Radiohead) am 

Produzentenpult, R.E.M.-Gitarrist Peter 

Buck sorgt für den perlenden Jangle- 

Gitarren-Sound, dazu der gewohnt lakonisch-lässige 

Stil Prophets, mit dem er 

seine Cowpunk-Band Green On Red Anfang 

der 80er Jahre zu legendärem Ruhm 

führte. Natürlich hat er die damalige, rotzige 

Unversöhnlichkeit für sein aktuelles 

Werk gegen Roots-rockige Gelassenheit 

ausgetauscht, auch in seinen Texten kann 

man diesen Wandel ablesen: Statt gegen 

etwas anzusingen, setzt sich Prophet nun 

für seine Themen ein. Alte Fans werden 

hier sicher nicht enttäuscht, und wer Prophet 

erst mit NIGHT SURFER entdeckt, 

der wird sich wohl schnell auf eine höchst 

interessante Reise in seine musikalische 

Vergangenheit aufmachen. 

(Yep Roc/Cargo, 2014, 12/46:33) tk 

Tribute” zu erklären, trifft die Sache allerdings 

nur bedingt. So klingt ”Bad Moon 

Rising” in der Fassung der Mynabirds etwa 

nachgerade nach „CCR goes Buddy Holly”, 

während ”Up Around The Bend” von 

der South Memphis String Band um Alvin 

Youngblood Hart sich wiederum nur marginal 

vom Roots-Rockoriginal unterscheidet. 

Überzeugen kann da schon eher die „Suzie 

Q”-Version des jungen Britbluesers Will 

Wilde, ”Proud Mary” hingegen lässt einen 

fast schon schmerzlich jenes Cover vermissen, 

dem Ike & Tina Turner weiland einen 

Groove verpassten, von dem Blitzen Trapper, 

die sich hier an dem Song versuchen, 

mit ihrem elektronisch aufgepeppten Arrangement 

meilenweit entfernt sind. 

(Cleopatra Records/H’Art, 2014, 

12/44:49) ms 

DELILAHS 

PAST TRUE LUST 

Oh nein, Müll-Pop (so die knappe Übersetzung 

für Trash-Pop, wie diese Musik schon 

von diversen Medien kategorisiert wurde) 

ist das keineswegs, was die vier jungen 

Schweizer Musiker/innen hier abliefern. 

Geradliniger Gitarren-Pop-Rock würde mir 

als Definition viel besser gefallen. Da hört 

man leicht die starken US-Rocker aus den 

80ern, The Knack (“My Sharona”), heraus. 

Die beiden Frontfrauen Muriel Rhyner und 

Isabella Eder legen so richtig scharf los, 

angetrieben von ihren dynamischen Begleitern 

Philipp Rhyner (Gitarre) und Daniel 

Fischer (Drums). Langweilig wird’s nie 

und schläfrig erst recht nicht. Von Anfang 

bis Ende melodiöse Power. So ist’s prima. 

Wenn andere junge Bands auch mit sol- 


05.12. Ennepetal Leo-Theater 

06.12. Arnsberg Sauerlandtheater 

07.12. Bensheim Parktheater 

11.10. TERNITZ (A) Stadthalle 

31.10. HORSENS (DK) Teater 

07.11. INGOLSTADT Westpark 

08.11. PRATTELN (CH) Z7 

07.01. ASCHAFFENBURG Colos-Saal 

09.01. SIEGBURG Kubana 

15.01. WUPPERTAL LCB 

17.01. MEMMINGEN Kaminwerk 

18.01. MÜNCHEN Muffathalle 

21.01. RANKWEIL (A) Altes Kino 

22.01. SOLOTHURN (CH) Kufa Kofmehl 

24.01. ERFURT HSD 

25.01. DORTMUND Musiktheater Piano 

12.11. MÜNCHEN Circus Krone 

20.11. BERLIN Postbahnhof 

21.11. COTTBUS Gladhouse 

22.11. MERKERS Erlebnisbergwerk 

28.11. KAISERSLAUTERN Fruchthalle 

29.11. ESCH SUR ALZETTE (L) Rockhal 

12.04. MANNHEIM Capitol 

18.04. NEURUPPIN Kulturhaus 

31.10. WEIMAR Neue Weimarhalle 

01.11. ZWEIBRÜCKEN Festhalle 

02.11. BOCHUM Christuskirche 

04.11. NIEDER-OLM Festhalle 

08.11. BAD AIBLING 15. Int. Saitenfestival 

09.11. PRATTELN (CH) Z7 

11.11. OSNABRÜCK Rosenhof 

13.11. BERLIN Huxleys 

14.11. BAD SALZUFLEN Konzerthaus 

21.11. NEUENHAUS Aula Gymnasium 

25.11. LUXEMBOURG (L) Conservatoire 

26.11. REMCHINGEN Kulturhalle 

27.11. HEIDELBERG Stadthalle 

www.kultopolis.com | info@kultopolis.com

CD 

REVIEWS 

chem Drive loslegen, muss einem um die 

Zukunft des Rock nicht bange sein. 

(Jazzhaus/inakustik, 2014, 

13/45:14) p 

DEEP PURPLE 

LIVE IN GRAZ 1975 

Nach Paris, Kopenhagen 

und Stockholm 

führt die 

vierte Ausgabe der 

Deep-Purple-Live- 

Reissue-Reihe 

nun 

ins 

österreichische 

Graz. Vor dem Konzert im April 1975 hatte 

die britische Band schon die zweite Zäsur 

hinter sich, für Roger Glover spielte Glenn 

Hughes den Bass, statt Ian Gillan stand David 

Coverdale am Mikrofon. Mit BURN 

und STORMBRINGER hatte diese Formation 

schon zwei erfolgreiche Alben im Gepäck, 

aus denen sie sich mit “Burn”, “The 

Gypsy”, “Mistreated”, “Stormbringer”, 

“Lady Double Dealer” und “You Fool No 

One” bediente, dazu kamen noch die aus 

der Mark-II-Zeit stammenden “Smoke On 

The Water” und “Space Truckin’”. Ob dieser 

bisher unveröffentlichte Livemitschnitt 

Deep Purple Mk III in Bestform zeigt, ist 

schwer zu beurteilen, zu wenig Livemitschnitte 

aus dieser Zeit sind verfügbar, 

und wenn, dann lassen sich diese Bootlegs 

kaum mit den professionellen Aufnahmen 

von LIVE IN GRAZ 1975 vergleichen. Auf 

alle Fälle fügt diese Veröffentlichung dem 

Livebild von Deep Purple eine weitere interessante 

Facette hinzu, liefert diese CD 

besten 70er-Jahre-Hard-Rock. 

(earMusic/edel, 2014, 8/79:58) us 

BEAD GAME 

BEAD GAME 

Die Veröffentlichung dieser CD darf zweifelsfrei 

als mittlere Sensation gefeiert 

werden. Denn bei BEAD GAME handelt 

es sich um das 1970/71 eingespielte zweite 

Album der gleichnamigen Gruppe aus 

Cambridge, Massachusetts, das damals aus 

musikalisch nicht nachvollziehbaren Gründen 

keine Plattenfirma fand! So blieb es 

bis heute beim Debütalbum WELCOME, 

einem Klassewerk des sogenannten Bosstown-Sounds, 

der im Raum Boston als 

ostküstliches Gegenstück zur Westcoastszene 

aufgebaut werden sollte. Das gelang bekanntlich 

nicht so richtig, und dieser Misserfolg 

trübt(e) den Blick auf die Qualität so 

mancher Band. Zu den Verkannten gehörten 

auch Bead Game, obwohl John Sheldon 

(lead-g), Kenny Westland-Haag (rh-g), 

Lassie Sachs (b), Bobby Gass (keys) und 

Jim Hodder (dr, lead-voc) in ihren selbst 

komponierten Songs eine hochwertige Melange 

aus melodisch starken Rock-, Jazz-, 

Country-, Psycho- und Gospel-Elementen 

anrührten. Das Ensemble verstand sich 

auch stets als kompakt agierende Gemeinschaft 

ziemlich virtuoser Musiker, die protzige 

Egotrips ablehnten. Dieser unbedingte 

Gruppengeist macht Meisterwerke wie 

“Steamballin’”, “Roller Skatin’ Baby” oder 

“Mr. Sorry” zu Tracks, die den besten Taten 

der ähnlich gestrickten Intellektuellen- 

Combo Steely Dan sehr nahe kommen. Es 

war also völlig plausibel, dass Drummer 

Jim Hodder nach Bead Games’ Ende zu 

den Gründungsmitgliedern von Steely Dan 

gehörte ... was BEAD GAME zu ein paar 

mehr Käufern verhelfen sollte. 

(Slipstream/Import, 2014, 11/40:45) hjg 

THE SCINTILLA PROJECT 

FEAT. BIFF BYFORD 

THE HYBRID 

Saxon-Sänger Biff Byford hatte für den 

SF-Thriller „Scintilla” einen Song zum 

Soundtrack beigesteuert. Der Film inspirierte 

ihn so, dass er mit der Balance-Of- 

Power-Rhythmusgruppe Anthony Ritchie 

und Lionel Hicks sowie Sabbats Andy 

Sneap an der Leadgitarre dieses Konzeptalbum 

einspielte. Kraftvolles Riffing, flinke 

Gitarrensoli, atmosphärische Keyboards, 

dazu Byfords Rockshouting sorgen für 

druckvollen, doch melodiösen Heavy- 

Metal. Allerdings können die bis auf über 

sieben Minuten ausgewalzten Songs nicht 

durchgängig fesseln. Im Gegensatz zur belanglosen 

Rockballade “Some Nightmare” 

überzeugt “Pariah” mit großer Rockgeste, 

musikalischen Schattierungen und einprägsamer 

Hookline. Die dreiminütige Neu- 

Aufnahme von “No Rest For The Wicked” 

als Finale bringt dann den knackigen Verweis 

an Byfords Stammband. 

(UDR/Warner, 2014, 9/53:17) rg 

QUEEN 

LIVE AT THE RAINBOW ‘74 

Universal startet dieser Tage mit LIVE AT 

THE RAINBOW ’74 einen wahren Großangriff 

auf die Geldbeutel der Queen-Fans. 

Zwei vollständige 74er Shows (QUEEN- 

II-Tour im März und SHEER HEART AT- 

TACK-Tour im November) im Londoner 

Rainbow wurden derart aufbereitet, dass 

sie in sieben verschiedenen Formaten zu 

haben sind. Die Angebotspalette startet mit 

einer Solo-CD, die den November-Auftritt 

enthält, und endet mit der Super-Deluxe- 

Box-Wundertüte. Die lockt dann mit zwei 

CDs mit beiden Shows, einer DVD und 

SD Blue-ray mit dem November-Auftritt, 

einem 60-seitigen Buch, Ticket-, Stage- 

Pass-, Programm-, Poster-Repliken, Stickern, 

T-Shirt und einigem mehr. Dazwischen 

gibt es noch verschiedene CD- und 

Vinylformate. Und der Aufwand hat sich 

gelohnt. Beide Shows (sage und schreibe 

41 Songs) zeigen eine bemerkenswert hart 

rockende Band, die sich anschickte, das 

Heavy-Metal-Genre mitzudefinieren. Auch 

wenn sich Mercury & Co. zum Beispiel 

mit “Son And Daughter” noch an Vorbildern 

wie Black Sabbath abarbeiten, tragen 

Stücke wie “Ogre Battle”, “Seven Seas Of 

Rhye” oder “Flick Of The Wrist” den später 

so typischen Queen-Stil in sich, der sich aus 

Heavy Metal, Prog Rock und Opernpomp 

zusammensetzte. Erstaunlich, mit welch 

einer Perfektion die vier arroganten Typen 

diese komplexe Musik live umsetzen. 

Interessant auch “Stone Cold Crazy” und 

“Modern Times Rock’n’Roll”: Schneller 

bretterte damals kaum jemand. Die Band 

präsentiert sich durchweg wild, ungestüm, 

aggressiv, unbekümmert – Queen standen 

auf der Schwelle zum Weltruhm. Ein einzigartiges 

Zeitdokument in einem Top- 

Sound. 

(Universal, 2014, CD/DVD/Vinyl/ 

Blue-ray) 

jub 


BECK – SONG READER 

Als Beck 2012 das 

„Song Reader”-Buch 

veröffentlichte, war 

das zugleich seine 

Aufforderung an das 

YouTube-Zeitalter, 

die in Notenform 

auf Papier gebrachten Songs zu interpretieren. 

Für 19 dieser Songs hat Beck nun 

Künstler wie Jeff Tweedy (Wilco), Norah 

Jones, Jack White, Jarvis Cocker (Pulp), 

und Loudon Wainwright III gefunden, die 

sich der Stücke auf der Compilation SONG 

READER auf ihre eigene, zum Teil urtypische 

Weise angenommen haben. Viele 

der Einspielungen sind jedoch auch relativ 

überraschungsarm, hinter ihnen scheint zumeist 

Beck als Komponist durch. Deswegen 

glänzt auch das einzige von Beck selbst 

eingespielte Stück “Heavens Ladder”: 

Beck-Songs gefallen vielleicht vor allem 

dann, wenn sie der Meister selbst einspielt. 

Einige wenige Lieder wie das von David 

Johansen (New York Dolls) in bester Tom- 

Waits-Manier vorgetragene “Rough On 

Rats” oder das symphonische “Why Did 

You Make Me Care” der Sparks wissen hingegen 

gerade durch die riskante Adaption 

zu gefallen. Die Compilation weiß alles in 

allem zu überzeugen, denn einen richtigen 

Ausreißer nach unten gibt es nicht. Mehr 

nach oben hätten hingegen womöglich gutgetan. 

(Caroline/Universal, 2014, 

20/66:11) an 

Rock 


KOLLEKTION 01: SKY 

RECORDS COMPILED BY 

TIM GANE 

Bureau B plant eine Reihe an Kollektionen, 

die die Wegbereiter deutscher elektronischer 

Musik wie Hans-Joachim Roedelius 

oder Wolfgang Seidel würdigen 

sollen. Für den Auftakt, die Hommage an 

Sky Records, konnte das verdienstvolle 

Label Tim Gane, den einstigen Kopf der 

Band Stereolab, gewinnen, der die Archive 

der 1975 gegründeten Plattenfirma 

sichtete. Wer den repetitiven Beat von 

Stereolab kennt, weiß um den Einfluss der 

deutschen Avantgarde-Künstler der 70er- 

Jahre auf Gane und Konsorten. Vor allem 

wird durch Ganes Auswahl offenbar, wie 

groß der Einfluss der Sky-Records-Interpreten 

auf Zeitgenossen wie David Bowie 

und Brian Eno war, auch bis heute noch 

auf Techno- oder Electronica-Künstler 

wie Air ist. Toll, dass Sky Records und 

damit die auf KOLLEKTION 01 vertretenen 

Innovatoren wie Cluster, Roedelius, 

Asmus Tietchens, Dieter Moe bius, Michael 

Rother und Günter Schickert heute 

ein solches neues Forum erhalten! 

(Bureau B/Indigo, 2014, 17/78:00) an 

THE UNITED STATES OF 

AMERICA 

THE UNITED STATES OF 

AMERICA 

Der 

amerikanische 

Avantgarde-Musiker 

Joseph Byrd hatte 

beim Komponisten 

John Cage studiert 

und schon mit Yoko 

Ono gearbeitet, bevor 

er 1967 eine der originellsten Rockbands 

der Sixties gründete. The United 

States Of America, bestehend aus Byrd 

(elektronische Keyboards), Gordon Marron 

(Violine, Ringmodulator, Gesang), 

Rand Forbes (Bass), Craig Woodson 

(Schlagzeug) und der Sängerin Dorothy 

Moskowitz kombinierten radikal-experimentellen 

Rock mit bekifften Texten 

über New Yorker Strichjungen, Che Guevara 

und den „american way of life”, Titel 

der dreiteiligen Suite am Schluss der 

Originalplatte, die hier um zehn Bonus- 

Tracks erweitert vorliegt. Die bizarre, 

auch vor gelegentlichen Kakofonien 

nicht zurückschreckende Mischung aus 

dem nur scheinbar harmlosen, samtigen, 

Folk-grundierten Gesang von Dorothy 

Moskowitz und den zwischen elegischberuhigend 

und scharfkantig-explosiv 

pendelnden Instrumentalpassagen wartet 

abwechselnd mit druckvollem Rock, LSDgetränkten 

Hochspannungs-Passagen und 

gemütlicher Kirmesatmosphäre auf. Das 

gefiel selbst am Ende der Sixties nur relativ 

wenigen Kunden – das Album blieb auf 

Platz 181 der Charts stecken. Und auch 

heute klingt THE UNITED STATES OF 

AMERICA noch nicht mehrheitsfähig ... 


20/67:01) hjg 

LACRIMOSA 

LIVE IN MEXICO CITY 

Mit Musik zwischen Gothic, Heavy Metal, 

Klassik und Folk haben sich Lacrimosa in 

den letzten fast 25 Jahren eine eigene, ständig 

gewachsene Fanbasis erspielt. Als Ein- 

Mann-Projekt startete der Wahl-Schweizer 

Tilo Wolff 1990 diese Geschichte, 1994 

kam die finnische Keyboarderin Anne 

Nurmi als festes Mitglied hinzu, bei 

LIVE IN MEXICO CITY standen noch 

JP Genkel (g), Henrik Flyman (g), Yenz 

Leonhardt (b) und Julien Schmidt (dr) 

mit auf der Bühne. Live legen Lacrimosa 

bekanntermaßen immer noch eine Schippe 

mehr Härte auf, auch hier funktioniert 

dies bestens, vor allem dann, wenn die 

beiden Gitarristen die Songs mit fetten 

Heavy-Metalriffs nach vorne jagen tobt 

das enthusiastische Publikum – am besten 

nachzuverfolgen auf der beiliegenden 

Bonus-DVD. Doch auch wenn das Tempo 

zurückgefahren wird, wenn es in Richtung 

Klassik oder Folk geht, können Lacrimosa 

überzeugen, beherrschen sie das Spiel mit 

den Emotionen. 

(Hall Of Sermon/Sony Music, 

2014, 12/62:24, 11/64:40) tk 


CD 

REVIEWS 

VICTORY 

DON’T GET MAD GET EVEN 

Natürlich verklärt sich in der Erinnerung 

manches. Doch die Wiederveröffentlichung 

von DON’T GET MAD GET EVEN von 

1986 verdeutlicht: Victory waren in der Besetzung 

mit Sänger Charlie Huhn (Ted Nugent, 

Gary Moore, Foghat) einer der stärksten, 

zugleich unterschätztesten deutschen 

Heavy-Acts. Und: Der Uptempo-Rocker 

“The Check’s In The Mail” war/ist eine der 

bes ten, weil eingängigsten wie kraftvollen 

Nummern jener Metal-Blütezeit. Tommy 

Newton (g), Herman Frank (g), Peter Knorn 

(b) und Fritz Randow (dr) entwickelten mit 

ihrem Mix aus Melodik, Power und spielerischer 

Vielfalt ganz eigenen Charme. 

Groovende Stadionhymnen (“Are You Ready”), 

flotte Heavy-Rocker (Titelsong, “Hit 

And Run”), aber auch verschleppte Stampfer 

begeistern heute – gerade in der klanglich 

enorm verbesserten Neufassung – dank 

Killerrefrains immer noch! 

(Yesterrock/Alive, 1986, 

10/38:00) pro 

NRBQ 

BRASS TACKS 

Beim Hören von 

BRASS TACKS 

begibt man sich auf 

eine heute selten so 

authentisch wahrgenommene 

musikalische 

Zeitreise 

in die 60er Jh Jahre – vielleicht ill kein Wunder, 

denn die kultigen NRBQ sind ja Protagonisten 

dieser Ära gewesen. Seit 1967 gibt es 

die US-amerikanische Band, der ein großer 

Erfolg zwar nie beschieden war, die aber 

zum Beispiel Bob Dylan, Keith Richards, 

Paul McCartney und Elvis Costello zu ihren 

Fans zählt und zudem die wohl unbekannteste 

Formation ist, die je einen Auftritt bei 

den Simpsons hatte. Das neue Album, bei 

dem als einziges Urmitglied Keyboarder und 

Sänger Terry Adams mit von der Partie ist, 

besticht durch eine fast schon abenteuerliche 

Mischung aus Doo Woop, Surf, Beatle-esken 

Balladen, Bar-Jazz und Country. Herausragend 

ist jedoch “This Flat Tire” im Stile 

von Bob Dylans “Subterranean Homesick 

Blues”. Die Mixtur ist nie langweilig und 

weiß auch kompositorisch zu überzeugen. 

Jeder Song hätte Hitpotenzial – nur eben 

nicht mehr heute, eigentlich schade. 

(Starkult/Rough Trade, 2014, 12/37:30) an 

JOHN ILLSLEY 

TESTING THE WATER 

Wie viel von Bassist John Illsley im Sound 

der Dire Straits steckte, wird klar, wenn 

man sein Solowerk TES TING THE WA- 

TER hört. Denn was der Brite darauf präsentiert, 

erinnert durch und durch an die 

ersten drei Alben der Dire Straits; dass 

Illsleys Stimme verblüffend an die von 

Mark Knopfler erinnert, tut sein Übriges. 

Auch Gitarrist Robbie McIntosh passt sich 

da bestens an, manchmal möchte man fast 

vermuten, dass Mr. Knopfler hier heimlich 

an den Saiten zupft, bestens ins Bild passt 

auch das Bläsertrio, das in bester 80er- 

Jahre-Manier für Abwechslung sorgt. Ein 

weiterer Mosaikstein für die Qualität dieses 

Albums ist die Tatsache, dass Illsley alle 

Songs selbst verfasst hat und sich auf relativ 

kurze, knapp 40 Minuten beschränkt 

hat. So gibt es unter diesen acht Songs keinen 

einzigen Ausfall. 

(Creek Records/Rough Trade, 

2014, 8/38:06) us 

ASIA 

HIGH VOLTAGE LIVE 

Das 

Original-Line- 

Up spielt die Debüt-LP 

live. Diese 

besondere Art der 

Retrospektive hat 

Konjunktur. Und 

auch Asia gingen 

diese Unternehmung t h an und spielten am 24. 

Juli 2010 ihren 1982 erschienenen Erstling 

auf dem High-Voltage-Festival in London 

vollständig – wenn auch in einer sehr variierten 

Reihenfolge. Dazu gehört, dass es 

irgendwie logisch erscheint, dass der größte 

Asia-Hit, “Heat Of The Moment”, das 

Konzert beschließt, während er einst den 

Tonträger eröffnete. Die Aufnahmen sind 

ungeschönt. Makellos klingt anders: Es gibt 

Verspieler, das Timing stimmt nicht immer, 

und auch der Sound ist in manchen Passagen 

eigenwillig. Diese Mängel werden aber 

durch die Authentizität des Moments wettgemacht. 

Trotzdem sei die Scheibe nur den 

Fans empfohlen. Denn nur die wissen mit 

Sachen wie der eher verunglückten Version 

von “One Step Closer” etwas anzufangen. 

(Frontiers, 2014, 11/63:23+DVD) jub 

PAUL ROLAND 

PROFESSOR MORIARTY‘S 

JUKEBOX 

Beim Engländer Paul Roland verliert man 

leicht den Überblick – er hat seine Lieder in 

verschiedenen Ländern über Kleinstlabel in 

unterschiedlichsten Zusammenstellungen 

herausgebracht. Weshalb das Versprechen 

„unveröffentlicht” mit Vorsicht zu genießen 

ist – immerhin für Deutschland dürfte 

es zutreffen (in den USA gab’s 2012 eine 

gleich betitelte Doppel-CD mit 29 Titeln). 

Der „Godfather Of Steampunk” bietet auf 

PROFESSOR MORIARTY’S JUKEBOX 

hochmelodischen bis hypnotischen Gothic 

Folk unterschiedlichster Machart. Er serviert 

Radiosessions, alternative Akustikversionen, 

Neuaufnahmen, Remixe – für seine 

Fans ein Muss. Die, die es noch nicht sind, 

sollten allein wegen seiner eigenwilligen 

Cover-Versionen (Kinks, Dave Davies, 

Joy Division, Fu Manchu) zugreifen. Das 

Ganze macht Appetit auf mehr, das Roland 

schon angekündigt hat. 


19/72:30) pro 

MOBY GRAPE 

LIVE AT STONY BROOK 

UNIVERSITY, NY, OCTOBER 

22nd 1968 

Vom Schicksal gebeutelt blieben Moby 

Grape der ewige Geheimtipp, veröffentlichten 

zwischen 1967 und 1970 aber ein 

paar maßgebliche Alben. Das vorliegende 

Livedokument vom Oktober 1968 macht 

darüber hinaus deutlich, dass es die Band 

ihren Fans nie leicht gemacht hat. Denn 

der Gig schlägt einen Bogen vom verträumten 

Country-Rock über Old-School- 

Rock’n’Roll bis hin zu jazzigen Psychedelic 

Jams. Dass Moby Grape beim Timing 

und in der Tonlagensicherheit nicht immer 

die höchste Punktzahl einfahren, ist unerheblich. 

Im Gegenteil: Das macht die Aufnahmen 

authentisch. Ebenso der etwas verwaschene 

Bootleg-Sound (Schwankungen 

inklusive). Das Booklet enthält eine 1972 

verfasste Band-Story und ein paar seltene 

Fotos. 

(Keyhole/Soulfood, 2014, 12/52:17) jub 

KEITH EMERSON 

AT THE MOVIES 

In dieser schmucken 

Dreierbox 

werden die 

Soundtracks 

zu 

sieben Filmen zusammengefasst, 

die Keith Emerson 

zwischen 1980 und 2004 komponiert 

und eingespielt hat. Dass die Musik dieser 

für unterschiedliche Filmgenres entstandenen 

Vertonungen nicht unbedingt miteinander 

vergleichbar ist, sollte klar sein, wer 

hier erwartet, sozusagen eine Werkschau 

von Keith Emerson zu erhalten, ist auf dem 

Holzweg. Denn ebenso verschieden wie 

Filme wie „Nighthawks”, „Inferno” und 

„Godzilla Final Wars” sind, so hat auch 

der ehemalige Keyboarder von ELP und 

The Nice gearbeitet, klingt das Ergebnis 

naturgemäß ziemlich unterschiedlich, von 

dramatischem Prog-Rock über verspielten 

Pop bis zu bombastischen Keyboardklängen. 

Wie generell bei Soundtracks macht es 

auch hier Sinn, sich parallel mit der Musik 

und dem jeweiligen Film zu befassen, erste 

Hilfestellung hierzu bietet natürlich das 

16-seitige Booklet. Dort finden sich auch 

sämtliche Produktionsinfos, was eine interessante 

Lektüre sein kann, wusste der Rezensent 

doch bisher tatsächlich nicht, dass 

Keith Emerson beim Soundtrack von „Best 

Revenge” von Levon Helm (voc) und Garth 

Hudson (acc) unterstützt wurde ... 

(Cherry Red/Rough Trade, 2014, 18/75:41, 

29/79:21, 20/55:43) us 


BACKLINE – AMERICAN 

RECORDINGS (FIRST & 

EARLIES) – THE ORIGINAL 

SINGLES VOLUME 270 

Hier leisten nimmermüde Experten wahrlich 

ganze Arbeit: FIRST & EARLIES 

bietet eine Kollektion erster Schritte späterer 

Top-Stars, deren Beschaffung aus 

dunkelsten Ecken und grauer Vorzeit oft 

immens schwierig ist. Aber die Beute ist 

jeden gesunden Fanatismus wert. Scott 

Walker sang als 14-jähriger Scotty Engel 

mit klarer, engelsgleicher Stimme “When 

Is A Boy A Man”. J.J. Cale intonierte 1961 

mit dem Johnny Cale Quintette “Ain’t That 

Loving You Baby”. Dr. John gab 1958 als 

Mac Rebennack eine “Storm Warning” ab. 

Mitch Ryder behauptete 1962 als Billy Lee 

“That’s The Way It Gonna Be”. Im gleichen 

Jahr berichteten Tommy James & The 

Shondells als Tom & The Tornadoes vom 

“Long Pony Tail”. Bevor CCRs John Fogerty 

die Macht übernahm, spielten Tommy 

Fogerty & The Blue Velvets 1961 “Come 

On Baby” ein ... Mancher Star in spe vertraute 

schon der Zugkraft des eigenen 

Namens, so Joe South, The Beach Boys, 

The Everly Brothers oder Roy Buchanan. 

Rock 

Andere bevorzugten – eher kuriose – Pseudonyme 

wie Artie Garr (= Art Garfunkel), 

Gord Lightfoot (= Gordon Lightfoot), Arvee 

Aliens (= Richie Valens) oder Johnny 

Macaroni & The Jammers (= Johnny Winter). 

Noch andere tarnten sich gleich perfekt 

wie Paul Simon als True Taylor, Gene 

Pitney als Billy Bryan oder Lee Hazlewood 

als Mark Robinson. Nicht alles hier zu Hörende 

hat hohen musikalischen Wert, denn 

auch Riesen fingen oft als Zwerge an, aber 

der Pop-historische Wert steht natürlich 

außer Zweifel. Und schon allein die frühe 

Fassung von Tommy Roes “Sheila”, Bruce 

Johnstons wüstes halb-psychedelisches 

Lied “Do The Surfer Stomp” und Bobby 

Fullers Cover-Version von “Nervous 

Breakdown” sind den Kaufpreis wert! 

(Line, 2014, 25/54:53 + 25/61:30) hjg 

JOHN CALE & TERRY 

RILEY 

CHURCH OF ANTHRAX 

Avantgardistischer 

Experimentalrocker 

trifft Minimalismuspionier, 

hieß es, als 

John Cale (Velvet 

Underground) und 

Terry Riley 1970 

für CHURCH OFANT 

ANTHRAX gemeinsam 

improvisierten (der Begriff Jammen kam 

erst später auf). Adam Miller steuerte seinen 

Gesang zur einzigen Vokalnummer 

“The Soul Of Patrick Lee” erst nachträglich 

bei. Da beide Multi-Instrumentalisten 

mit dem Resultat nicht übermäßig glücklich 

waren, dauerte es ein Jahr, bis die 

Aufnahmen herauskamen – auch heute 

klingt manches befremdlich, nicht immer 

übermäßig inspiriert und schwer zugänglich. 

Manche Passagen erschließen sich 

sofort, gehen ins Ohr, andere driften irgendwo 

ins Nirwana. Ein lange kaum 

mehr erhältliches Zeitgeistdokument, das 

nun mit erhellenden Liner-Notes wieder 

erhältlich ist – Reinhören vor dem Erwerb 

ist aber angeraten. 


5/33:55) pro 

THE ALLAH-LAS 

WORSHIP THE SUN 

Als The Allah-Las aus Los Angeles 2012 

ihr gleichnamiges Debütalbum vorlegten, 

spendierte die Presse sofort dickes Lob: 

„Sensational” („Uncut”), „stunning” 

(„Guardian”), „wonderfully authentic” 

(„The Times”). Man witterte das Besondere, 

obwohl die Musik von Pedrum 

Sia datian (lead-guitar), Matthew Correia 

(percussion), Spencer Dunham (bass) und 

Miles Michaud (vocals, guitar) eigentlich 

auch nur nach der sattsam bekannten 

Mixtur aus zeitgemäß aufgefrischtem 

westküstlichem Garagen-Rock, elektrischem 

Folk und Latin-Percussion klang, 

in der Vorbilder wie die Byrds, Love und 

Beach Boys nachhallen. WORSHIP THE 

SUN knüpft prima ans Debüt an und 

enthält mit “Da Vida Voz”, Recurring”, 

“Buffalo Nickel”, “Better Than Mine” 

und “Every Girl” sowie dem Instrumental 

“Ferus Gallery” mindestens sechs Tracks 

der sehr gehobenen Klasse, die sich alle 

durch pfiffige Arrangementdetails von 

der vielköpfigen Konkurrenz positiv 


CD 

REVIEWS 

unterscheiden. Auch wagte die Gruppe 

kleine Experimente und erweiterte ihre 

Möglichkeiten durch den fein dosierten 

Einsatz von Steelguitar und Vibrafon. 

Es wird Zeit, dass The Allah-Las ihr beträchtliches 

Können an die richtig große 

Glocke hängen! 

(Innovative Leisure/Rough Trade, 

2014, 14/40:12) hjg 

THE KINKS 

LOLA VERSUS POWERMAN 

AND THE MONEYGOROUND / 

SOUNDTRACK FROM 

THE FILM ,PERCY‘ 

(2-CD-DELUXE-EDITION) 

Ray Davies’ Abrechnung 

mit dem 

M u s i k b u s i n e s s 

von 1970 ist wahrscheinlich 

das 

erste 

Konzeptalbum 

mit diesem 

Thema, enthält mit “Lola” und “Apeman” 

zwei Popklassiker, und ist ein weiteres, 

oft übersehenes Highlight im musikalischen 

Oeuvre der Kinks: “This Time 

Tomorrow”, “Get Back In The Line”, “A 

Long Way From Home” zeigen die Kinks 

auf der Höhe ihrer Songschreiberkunst, 

denn auch Bruder Dave Davies lieferte 

mit “Strangers” und “Rats” Top-Songs. 

Qualitativ gemischter fiel die Auftragsarbeit 

zum Film „Percy” aus. Mit Perlen 

wie “God’s Children”, “Moments” oder 

“The Way Love Used To Be” gewinnt aber 

auch dieses unaufdringliche Album mit 

der Zeit. Für die Deluxe-Edition wurden 

über zehn weitere Tracks, die während der 

Aufnahme-Sessions entstanden, drauf gepackt. 

Auch viele Kinks-Aficionados dürften 

die Freundschaftshymne “Anytime” 

und das rockige „The Good Life” bisher 

nicht gehört haben. John Goslings feines 

Piano-Spiel kommt auf der Instrumentalfassung 

von “This Time Tomorrow” zur 

Geltung, und auch die Version von “Got 

To Be Free” aus dem TV-Film „The Long 

Distance Piano Player” ist willkommen. 

Die spektakulärste Archivausgrabung ist 

eine frühe Version von “Lola”: Noch ohne 

das berühmte Gitarrenintro und mit bisher 

ungehörten Variationen im Text klang diese 

Einspielung in den Ohren der Rezensentin 

so packend und frisch, als hätte sie den 

Song zuvor noch nie gehört. 

(Sanctuary/BMG/Sony Music, 

1970/1971 20/64:50 + 23/63:27) csw 

MIKE STUART SPAN 

CHILDREN OF TOMORROW 

Die britische Band Mike Stuart Span dürfte 

wohl den wenigsten etwas sagen, mal 

ausgenommen ihr kleiner Psychedelic- 

Hit “Children Of Tomorrow”, der zu den 

schönsten Songs des Genres zählt. Die 

bislang ausführlichste Compilation dokumentiert 

die Entwicklung der Gruppe von 

einer im Beat verwurzelten Band bis hin 

zu experimentelleren Klängen (“World In 

My Head”, “Blue Day”). Hervorragende 

Vocals, stimmungsvolle Tracks und ein 

hochindividueller Sound hebt Mike Stuart 

Span auch heute noch von der Konkurrenz 

ab. Das Mastering fällt insgesamt eher traditionell 

und ein wenig blass aus, was besondern 

den Vinylfan begeistern wird. Die 

Ausgabe erscheint mit einem 16-seitigen 

Booklet, in dem der kenntnisreiche David 

Wells die komplizierte Geschichte der Musiker 

abhandelt. 

(Grapefruit/Rough Trade, 2014, 

19/62:20) fl 

STEVE ROTHERY BAND 

LIVE IN ROME 

Auf dem nun vorliegenden Livemitschnitt 

aus Rom präsentiert Marillions Gitarrist 

Steve Rothery auf der ersten Scheibe fast 

komplett sein im Herbst erscheinendes 

Solo-Album THE GHOSTS OF PRIPYAT, 

während auf der zweiten CD Songs seiner 

Stammband, sowie des Projekts Rothery- 

Hogarth enthalten sind. Rothery, dem einfühlsames 

Spiel schon immer wichtiger 

als virtuoses Flinkfingertum war, lebt auf 

den neuen, durchgehend instrumentalen 

Titeln der ersten Platte seine harmonischatmosphärische 

Seite entspannt aus. Seine 

Band begleitet solide-unauffällig, Rotherys 

mit viel Sustain gespielte Stratocaster steht 

zentral im Rampenlicht. Trotz netter Ideen 

kann über die Dauer von einer Stunde der 

Spannungspegel allerdings nicht gehalten 

werden. Auf der zweiten Seite präsentieren 

zwei italienische Sänger/Sängerin Marillion-Songs 

wie “Cinderella Search”, “Easter” 

oder “Sugar Mice”. Dabei wird deutlich, 

dass die Schuhe von Fish und Hogarth eine 

Nummer zu groß sind. Insgesamt bleibt somit 

ein zwiespältiges Live-Erlebnis. 

(InsideOut/Universal, 2014, 

6/62:24, 7/44:42) rg 

STOPPOK 

POPSCHUTZ 

Sechs Jahre sind 

seit 

SENSATIONS- 

STROM, dem letzten 

Bandalbum von 

Stoppok, nun schon 

vergangen. Nicht dass 

der knarzige Musiker 

aus dem Ruhrpott in dieser Zeit auf der 

faulen Haut gelegen hätte, ein Live-Blues- 

Projekt, Gastspiele bei Kollegen wie Niels 

Frevert, Mike D’Abo und Herwig Mitteregger 

sowie eine Solo-CD/DVD füllten die 

Zeit aus. Doch dass einem der altbekannte 

Stoppok gefehlt hat, das bemerkt man erst 

dann, wenn man die neuen, Blues-rockigen 

Songs seines Ende September erscheinenden 

Albums POPSCHUTZ hört. Gewohnt lakonisch 

ätzt er in seinem Texten über nervige 

Mitmenschen, entlarvt gesellschaftliche Entwicklungen 

– „Punks singen Schlager und 

schlabbrige Lieder” –, erklärt, worauf es in 

einer Zweierbeziehung wirklich ankommt, 

und verfrachtet “Das Model” von Kraftwerk 

nach New Orleans. Das alles mit Zitat 

Stoppok: „handgemachter Qualität, ich biete 

als Musiker quasi den Laden um die Ecke”. 

Solange dabei so klasse Songs rauskommen 

wie auf POPSCHUTZ geht man gern in diesen 

Laden um die Ecke. 

(Grundsound/Indigo, 2014, 

16/66:59) us 


ATOMIC PLATTERS 

„Cold War Music from the Golden Age of 

Homeland Security”, so lautet der Untertitel 

dieser Zusammenstellung, für die die Spezialisten 

für solche Sampler, Bear Family 

Records, über 30 der irrsten und radio-aktivsten 

Aufnahmen aus der Zeit des Kalten 

Krieges ausgegraben haben. Wie groß die 

amerikanische Angst vor einem feindlichen 

Atomschlag war, zeigt die beeindruckende 

Anzahl an namhaften Künstlern, die entweder 

wie Groucho Marx, Johnny Cash oder 

Connie Francis in Werbespots oder wie 

Wanda Jackson, die Louvin Brothers oder 

Bill Haley And His Comets mit Themensongs 

das US-Publikum auf die drohende 

Gefahr hinwiesen. Neben einigen Künstlern 

wie Hank King With Bud Williams & His 

Smiling Buddies, die die atomare Gefahr in 

Songs wie “Your Atom Bomb Heart” eher 

komödiantisch auslegten, widmete sich der 

Großteil der hier versammelten Künstler 

in ihren Texten den realen Tipps, wie man 

sich im Falle eines Atomschlages zu verhalten 

hat. Wie gewohnt liefert das 77-seitige 

Booklet alle notwendigen Infos, inklusive 

den Geschichten hinter den Songs, was 

diese Veröffentlichung zu einer äußerst vergnüglichen 

Geschichtslektion macht. 

(Bear Family, 2014, 32/75:23) us 

RUSH 

PRESTO 

Nach den frühen 

Meisterwerken 

des kanadischen 

Progressive-Trios 

kommerzialisier- 

Rush ihre Mu- 

ten 

sik 

zunehmend, 

wobei b i sie i aber b nie i ihre Wurzeln völlig 

verleugneten. Mit dem Ende der Achtziger 

erschienenen Album präsentierte die Band 

angefunkten Rock (“Show Don’t Tell”), 

Pop mit interessanten Melodien (“Pass”), 

Mainstream, passend zum Jahrzehnt (“Superconductor”) 

und handwerklich gut gemachten 

Pop-Rock (“Red Tide”). Sicherlich 

ist PRESTO kein Meisterwerk, aber 

insgesamt recht unterhaltend und in den 

Feinheiten recht anspruchsvoll, was besonders 

auf die Drums zutrifft. Die Ausgabe 

erscheint als von Kevin Gray remas terte 

24-KT-Gold-Disc (Hybrid SA-CD), bei der 

die Höhen abgemildert wurden, wodurch 

sie insgesamt etwas wärmer wirkt. 

(Audio Fidelity/Sieveking Sound, 1989, 

11/52:21) at 

WALTER SALAS-HUMARA 

CURVE & SHAKE 

Irgendwie war Walter Salas-Humara nie so 

richtig von der Roots-Rocklandkarte verschwunden, 

da wundert es einen doch, dass 

CURVE & SHAKE erst das dritte Album 

unter seinem eigenen Namen ist – und das 

letzte dieser Art schon 18 Jahre zurückliegt! 

Dass man den ehemaligen Frontmann der 

Silos über die Jahre hinweg nicht aus den 

Augen verloren hat, liegt einerseits an den 

ständigen Wiederbelebungen seiner alten 

Band, andererseits an den zahlreichen musikalischen 

Projekten, an denen er ständig 

beteiligt ist. Nun hat er sich also wieder 

einmal auf Solopfade begeben, wobei er 

von zahlreichen musikalischen Wegbegleitern 

der letzten Jahre unterstützt wird, 

von Sarven Manguiat (g) über Ryan Williams 

(keys) und Wally Ingram (perc) bis 

zu seinem Neffen Charlie Salas-Humara, 

der für die elektronischen und psychedelischen 

Sounds zuständig war. Dass auch an 

Rock 

Salas-Humara die Jahre nicht ohne Spuren 

vorübergehen, zeigt die gelassene, größtenteils 

sehr ruhige Herangehensweise an 

die Songs, hier muss niemand mehr etwas 

beweisen ... 

(Blue Rose/Soulfood, 2014, 10/41:58) us 

ACE FREHLEY 

SPACE INVADER 

Ace Frehley kann 

noch so verdammt 

gut sein und in seinen 

Solos zaubern, dass 

einem Hören und 

Sehen vergehen – er 

bleibt „Space Ace”, 

der Gitarrist i t von Kiss. Und er wäre blöd, 

würde er dieses Image nicht immer wieder 

geschickt aufgreifen. Wie auf seinem aktuellen 

Album SPACE INVADER. Nicht 

nur der LP-Titel knallt eine Zaunlatte vor 

die Stirn. Auch das Cover ist mehr als nur 

ein versteckter Hinweis. Die Schattenfigur 

auf der Raumschifftreppe hat die Silhouette 

des „Spaceman” von einst – nur drei Stufen 

noch, und der maskierte Ace Frehley 

aus den 70s steht vor einem: Gänsehaut. 

Erst recht, wenn die erdachte Szenerie von 

dieser herrlichen Musik untermalt wird. 

Frehley liegt ganz nah an seinem Schaffen 

als Kiss-Mitmusiker. Diese Songs zwischen 

Rock’n’Roll und Glam Rock, diese nöhlige 

Stimme, der phlegmatische Gesang. Genau! 

Der Typ hat mal “Shock Me” komponiert 

und gesungen. Und so findet sich auf 

SPACE INVADER nur exzellenter Stoff, 

der immer einen Hauch härter ist als das, 

was Simmons und Stanley machen. Und 

mit “The Joker” beweist Frehley, dass er 

ein treffliches Händchen für Cover-Versionen 

hat. So gut Kiss in der neuen Besetzung 

auch sein mögen: Die Kreativität dieses 

Mannes fehlt der Band hörbar. 

(Steamhammer/SPV, 2014, 12/54:20) jub 

ROG & PIP 

OUR REVOLUTION 

Was erklingt da aus den Boxen? Wiederentdeckte 

frühe Songs von T. Rex, Slade, 

Sweet, Status Quo, Alice Cooper ...? Die 

früheren Mitglieder der Beatband The Sorrows, 

Pip Witcher (lead-voc, g) und Roger 

Lomas (g, voc), spielten in den Jahren 

1973/74 mit Rhythmusgruppe eine handvoll 

Songs ein, die als Heavy-Glam-Rock meets 

Boogie-Rock bezeichnet werden können. 

Die alten Songs klingt sympathisch ruppig 

und roh, also alles andere als glattpoliert. 

Wer auf die anfangs genannten Bands steht, 

sollte ruhig ein Ohr riskieren. Abgerundet 

wird die Veröffentlichung durch ein liebevolles 

und megadickes Booklet. 

(Plastic Head/Soulfood, 2014, 

12/38:49) rg 

THE SHANES 

LET THEM SHOW YOU – 

ANTHOLOGY 1964–1967 

The Shanes waren neben den Hep Stars, den 

Tages und Ola & The Janglers eine der vier 

in Schweden in den Sixties dominierenden 

Beatbands. Tommy Wahlberg (g, voc), Kit 

Sundqvist (keys, g, voc), Lennart Grahn 

(voc, harm), Svante Elfgren (b) und Tor-Erik 

Rautio (dr) sowie von 1963 bis 1965 auch 

Staffan Berggren (voc, g) spielten einen von 

britischen Gruppen überoffensichtlich inspi- 


CD 

rierten fesch-frischen Beat, erweitert um etwas 

scheu ausfallende Ausflüge zum R&B. 

The Shanes als etwas härter zupackende Ausgabe 

von Herman’s Hermits zu bezeichnen, 

ist wohl nicht falsch. Die vorliegende Anthologie 

bringt etliche der besten Shanes-Arbeiten, 

wie “Come On Sally”, “I Don’t Want 

Your Love”, “People Don’t Like Me”, “Chris 

Craft No. 9” und “Why Should I Cry”. Leider 

bietet sie nur 22 Songs, während die 1992 

in Schweden erschienene CD SHANES, 

1963–68! (EMI Svenska 4750302) es auf 32 

Tracks brachte. Dennoch bringt LET THEM 

SHOW YOU immerhin zehn Songs, die auf 

SHANES nicht drauf sind. Sammler sollten 

also – zähneknirschend – zugreifen. Im ausführlichen 

Booklet gibt es ein exklusives Interview 

mit Bandgründer Tommy Wahlberg. 

(Cherry Red/Rough Trade, 

2014, 22/54:44) hjg 

STATUS QUO 

LIVE 

REVIEWS 

19777 veröffentlichten Status Quo die in 

Glasgow mitgeschnittene Doppel-LP QUO 

LIVE. Sie gilt bis heute als einer der besten 

Rock-Konzertmitschnitte – vor allem, weil 

er wirklich dokumentiert, was damals auf 

der Bühne passierte. Es war eine der letzten 

Liveplatten, die nicht nachträglich im Studio 

bearbeitet wurde. Glücklicherweise, werden 

sich viele Quo-Fans freuen – schließlich war 

es genau die ungeschliffene Derbheit, mit der 

Francis Rossi (voc, g), Rick Parfitt (g, voc), 

Alan Lancaster (b, voc) und John Coghlan 

(dr) ihren treibenden Boogie-Riffrock herausfetzten. 

Und die Atmosphäre, die bei den 

drei Shows vom 27. bis 29. Oktober 1976 

im Apollo herrschte, kommt auf der Neuauflage 

auf zwei CDs erstklassig rüber. Silberling 

3 beschert das bislang nur in Japan 

veröffentlichte TOKYO QUO, vier Wochen 

nach Glasgow festgehalten und bislang rares 

Sammlerstück. Das (um sechs Songs 

reduzierte) Set ist zwar identisch mit dem 

schottischen – aber damals gab es durchaus 

noch leichte Songvariationen. CD Nummer 4 

schließlich, LIVE SYDNEY, war bereits zwei 

Jahre vorher mitgeschnitten worden, enthält 

mit “Claudie” und “Railroad” zwei später 

fehlende Songs. Dazu gab es am 20.11.1974 

den “Roadhouse Blues” zweiteilig sowie 

noch ein Schlagzeugsolo. Offiziell war diese 

gnadenlos abgehende Konzertdokumentation 

noch nicht erhältlich. Rossi/Parfitt verstehen 

es clever, ihr Archiv auszuwerten, weil man 

gerade als Fan der „harten 70er Jahre” um 

den Erwerb nicht herumkommt! 

(Universal, 2014, 4 CDs) 

pro 

PLASTICLAND 

PLASTICLAND 

Die aus Milwaukee stammende US-Band 

Plasticland um Mastermind Glenn Rehse 

(Gesang, Gitarren, Keyboards) und Bassist 

John Francovic gehörte in den Eighties 

zu den besten Vertretern einer neuen, der 

kurzen Songform zugeneigten Generation 

von Garagen-Rockern mit höheren Ansprüchen. 

Von der zeitgleichen kalifornischen 

Paisley-Underground-Szene und den Velvet- 

Underground-Jüngern grenzte man 

sich ab, indem für die psychedelisch verfremdeten 

Scharf-Rockklänge neben alten 

amerikanischen Garagenhelden vor allem 

britische Sixties-Freakbeat-Einflüsse wie 

die frühen Pink Floyd und die Pretty Things 

angezapft wurden. Die vorliegende CD ist 

eine Neuauflage der amerikanischen Version 

des Debütalbums von 1984 und enthält 

zwischen Juni 1981 und dem Frühjahr 

1983 entstandene Songs, an denen neben 

Rehse und Frankovic Gitarrist Dan Mullen 

und die wechselnden Schlagzeuger Victor 

Demichei, Rob McKuen und Bob DuBlon 

beteiligt waren. Einige Tracks entstanden 

auch unter Mithilfe des Gitarristen Brian 

Ritchie von den Violent Femmes. Alles 

prächtiger Stoff ohne Fehl und Tadel. Die 

besten Tracks sind “The Garden In Rain”, 

“Wallflower”, “Euphoric Trapdoor Shoes” 

und “Posing For Pictures”. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1984/2014, 

17/39:43) hjg 

SOFT MACHINE 

TANGLEWOOD TAILS 

Eine weitere Zusammenstellung 

rarer 

Aufnahmen von Soft 

Machine – braucht 

es das noch? Die 

Frage stellt sich vor 

allem, wenn die Qua- 

lität der Studio-, vor allem aber der Live- 

Aufnahmen auf TANGLEWOOD TAILS 

von dermaßen trauriger Qualität sind, dass 

die Doppel-CD selbst bei Sammlern oder 

Komplettisten übel aufstoßen mag, die die 

Aufnahmen entweder von anderen Zusammenstellungen 

her kennen oder sich das 

undifferenzierte Getöse höchstens einmal 

antun, da sie die Stücke in besseren Versionen 

besitzen – schließlich sind Soft Machine 

eine der bestdokumentierten Bands 

ihrer Zeit. Die Compilation umfasst die 

Jahre von 1963 bis 1970 und damit auch 

frühe Wohnzimmeraufnahmen, die nicht 

viel mit dem zu tun haben, was die Formation 

in der Besetzung Daevid Allen, Mike 

Ratledge, Kevin Ayers und Robert Wyatt 

ab 1966 und spätestens mit ihrem Fusion- 

Jazz-Meisterwerk THIRD ausmachen soll. 

Die durchweg in ihrer Aufnahmequalität 

miserablen Stücke aus ihren ersten drei 

Alben wurden 1967 im Londoner Club 

Middle Earth, am 11. August 1968 im Col 

Ballroom in Davenport, Iowa, irgendwann 

1969 im Amsterdamer Paradiso und am 26. 

April 1970 in den Fairfield Halls in Croydon 

mitgeschnitten. Trotzdem Finger weg! 

(Secret Records/Rough Trade, 2014, 

12/63:43, 11/60:50) an 

THE ARTWOODS 

STEADY GETTIN‘ IT: COMPLETE 

RECORDINGS 1964–1967 

Arthur „Art” Wood (voc, harm), der ältere 

Bruder von Stone Ron Wood, gründete die 

Artwoods 1963. Weitere wichtige Musiker 

waren Keef Hartley (dr, pre-John Mayall), Jon 

Lord (keys, pre-Deep Purple), Derek Griffiths 

(g) und Malcolm Pool (b, pre-Colosseum). Die 

Gruppe spielte eine interessante Mixtur aus 

typisch britischem R&B mit Soultendenzen, 

aufkommender Psychedelia, Pop-orientiertem 

Jazz und freak-beatigen Anwandlungen, ohne 

die zweite Liga jemals zu verlassen. Vielleicht 

war es ihr Fehler, zu viele Cover-Versionen 

von Leadbelly, Allen Toussaint, Leiber/Stoller 

oder Hayes/Porter im Programm zu haben und 

zu wenig properes Eigenmaterial. Das Format 

der Animals oder Yardbirds konnten die Artwoods 

jedenfalls nicht erlangen; ihre Single 

“I Take What I Want” (#28 im Mai 1966) war 

der einzige Charts-Kontakt, obwohl speziell 

die von Lords Orgel geprägten groovigen 

Powerstücke “Sweet Mary” und “Goodbye 

Sisters” noch heute durchaus überzeugen 

können. Die vorliegende 3-CD-Edition macht 

alles, was bisher von den Artwoods erhältlich 

ist, überflüssig. Sie enthält das einzige Album 

ART GALLERY, die Singles und einiges an 

Livematerial. 


3 CDs) hjg 

BRIAN SETZER 

ROCKABILLY RIOT! 

ALL ORIGINAL 

Der Titel von Brian 

Setzers siebtem Solo- 

Album ist Programm: 

Rockabilly der reinsten 

Form und dazu 

noch nahezu alles live 

eingespielt – und das 

mit außergewöhnlichen h Mitstreitern, die allesamt 

Meister ihres Faches sind und dadurch 

Setzers Gitarrenkünsten auf der Gretsch-Gitarre 

in keinster Weise nachstehen. Die zwölf 

Eigenkompositionen bedienen das Genre voll 

und ganz: atemberaubend schnell eingespielter 

Rock’n’Roll, die zu erwartenden Melodiebögen, 

kurze, knackige Soli und abrupte 

Stopps. Dazu die Storys über erste Erfahrungen 

mit Rockmusik, V8-Limousinen und 

natürlich den allgegenwärtigen Girls. Das 

kommt authentisch daher und swingt allerorten, 

ist zugleich aber irgendwie auch frisch 

und modern, so dass man sich fast wieder ein 

Rockabilly-Revival wünscht – wie bei den 

Stray Cats vor über 30 Jahren, aber das ist ja 

auch eine Setzer-Story. Let’s shake! 

(Surfdog/Membran/Sony Music, 

2014, 12/40:00) an 


LEGENDS – GET IT ON + 

LEGENDS – CRANK IT UP 

Manche Compilations sind lediglich verdeckte 

Tonträger zum Recyceln von „ollen 

Kamellen”, wohingegen andere einen klasse 

Mix aus wichtigen Songs und einige eher 

weniger bekannte Titel bieten. LEGENDS 

– GET IT ON beinhaltet neben Siebziger- 

Klassikern wie “Go Your Own Way” von 

Fleetwood Mac und “Smoke On The Water” 

von Purple auch “Slow Ride” von Foghat, 

Norman Greenbaums immer wieder gerne 

gehörte Hymne “Spirit In The Sky” und 

weitere 13 Tracks. Macht Spaß! LEGENDS 

– CRANK IT Up kann mit unter anderem 

“Time Of The Season” der Zombies aufwarten, 

“Nights In White Satin” von den Moody 

Blues, “Sister Golden Hair” (America) und 

“Running On Empty”. Beide Editionen erscheinen 

als 24-KT-Gold-Disc (Hybrid SA- 

CD – limitiert und nummeriert) und haben 

einen satten, aber durchsichtigen Klang. 


17/78:27 + 2014, 17/70:54) at 

ECHO US 

II:XII, A PRIORI MEMORIAE 

Ethan Matthews muss ein Fan der 1970er- 

Alben von Mike Oldfield sein. Die meisten 

Spuren des Konzeptalbums hat der Multi- 

Instrumentalist im Alleingang an diversen 

Gitarren, Keyboards und Perkussion eingespielt. 

Dazu singt er auch noch und hat 

Rhythmus und Sounds einprogrammiert. 

Hier liegt auch ein Schwachpunkt, da dies 

zu statisch und aufgesetzt wirkt. Die Mixtur 

– mit Hilfe von Gästen an Harfe, Flöte, 

Oboe und Gesang – aus folkigen Themen, 

Soundcollagen, gregorianischen Gesängen, 

New-Age- und Filmmusikanleihen, schönen 

Gitarrenparts in bester Oldfield-Manier 

hat gelungene Momente, die Gesamtmischung 

wirkt allerdings inhomogen und 

erreicht das große Vorbild daher nicht. 

(Dust On The Tracks/SPV, 2014, 

11/61:42) rg 

ELVIS PRESLEY 

THAT’S THE WAY IT IS – 

DELUXE EDITION 

Rock 

Ob Elvis Presleys Las-Vegas-Alter-Ego zu 

Beginn der 70er Jahre der Anfang vom Ende 

war oder eher das Ende des Neuanfangs nach 

seiner schwachbrüstigen Filmkarriere, ist 

schwer zu sagen. Auf alle Fälle folgte seinem 

triumphalen 1968er Fernseh-Comeback 

mit FROM ELVIS IN MEMPHIS eine der 

stärksten LPs seiner Karriere, und vor allem 

live gab es in dieser Zeit keinen Stil, den 

er sich nicht zu eigen machte, egal ob Pop, 

Country, R&B, Folk, Blues, Gospel – und 

nicht zu vergessen: Rock’n’Roll! „The King” 

war Anfang der 70er wieder so angesagt wie 

lange nicht mehr, kein Wunder, hat man heute 

vielmehr jenen Elvis im Pailletten-besetzten 

weißen Showanzug vor Augen als jenen 

hüftschwingenden jungen Mann, der Mitte 

der 50er den Rock’n’Roll erfand. 1970 entstand 

in Las Vegas mit THAT’S THE WAY 

IT IS eine TV-Dokumentation (sowie eine im 

November 1970 veröffentlichte Soundtrack- 

LP), mit der er Entertainer wie Frank Sinatra 

und Dean Martin in ihrem eigenen Wohnzimmer 

in die Schranken verwies. In der jetzt 

veröffentlichten Box mit acht CDs und zwei 

DVDs – Deluxe Edition ist hier definitiv untertrieben! 

– findet man nun diese TV-Doku, 

einmal im Original, einmal in einer 2001 

überarbeiteten und erweiterten Version. Die 

acht CDs liefern neben dem Soundtrackalbum 

noch Singles und Outtakes, dazu Mitschnitte 

der sechs Shows, die Presley vom 10. 

bis 13. August 1970 in Las Vegas bestritt, eine 

komplette CD liefert auch noch die Proben 

dazu. Die Bandbreite der Songs macht einen 

heute noch atemlos, Rocker wie “That’s All 

Right” und “Blue Suede Shoes”, mit “Words” 

der Bee Gees und Neil Diamonds “Sweet Caroline” 

typisch amerikanisches 60er-Jahre- 

Familien-Radio, romantische Herzbrecher 

wie “You Don’t Have To Say You Love Me”, 

mit dem Dusty Springfield 1966 einen Hit 


CD 

REVIEWS 

hatte. Wandelte von Tony Joe White (“Polk 

Salad Annie”) über Ray Charles (“I Got A 

Woman”) bis zu den Beatles (“Get Back”), 

selbst ein Protestsong – “In The Ghetto” in 

Las Vegas!! – und längst überholte Schnulzen 

wie “Love Me Tender” können das Bild 

nicht trüben, gekrönt von einer unglaublichen 

Gospelversion des damals aktuellen Hits von 

Simon & Garfunkel, “Bridge Over Troubled 

Water”. Wem nicht klar ist, warum Elvis 

Presley zu den größten Liveperformern aller 

Zeiten gehört, der höre sich THAT’S THE 

WAY IT IS an ... 

(RCA/Sony Music, 2014, 8 CDs, 

2 DVDs) us 

GRATEFUL DEAD 

WAKE UP TO FIND OUT 

Der Reigen von 

Live-Alben der kalifornischen 

Kultband 

will auch knapp zwei 

Jahrzehnte nach Jerry 

Garcias Tod nicht 

abreißen, wie dieser 

auf fdrei iCDs dokumentierte Mitschnitt eines 

Konzerts belegt, das die Dead am 29. März 

1990 im Rahmen einer Tour anlässlich ihres 

25-jährigen Bandjubiläums in Uniondale 

auf Long Island spielten. Dabei bestand die 

Besonderheit dieses Gigs darin, dass als 

Special Guest erstmals der Sopransaxofonist 

Branford Marsalis mit von der Partie war, 

der laut einem aktuellen Interview mit dem 

amerikanischen „Rolling Stone” mit dem 

Songmaterial der Band keineswegs vertraut 

war. Was Marsalis als Jazzer hingegen beherrschte, 

war die Kunst der Improvisation, 

und dies traf sich wiederum mit dem Live- 

Ansatz der Dead, wie nicht zuletzt die über 

18-minütige „Dead Go Free Jazz”-Version 

von ”Dark Star” unterstreicht. Eingefleischte 

Deadheads seien an dieser Stelle auf die 

parallel angekündigte 23-CD-Box SPRING 

1990 (THE OTHER ONE) hingewiesen, die 

neben diversen anderen auch diesen Konzertmitschnitt 

enthält. 

(Rhino/Warner, 2014, 3 CDs, 

7/51:24, 4/60:06, 6/40:36) ms 

THE DIRECT HITS 

HERE THERE OR ANYWHERE: 

23 MOD POP CLASSICS 

1982–1986 

Das britische Trio The Direct Hits, bestehend 

aus Geno Buckmaster (g, voc), Colin Swan 

(b, voc) und Brian Grover (dr), gehörte zweifelsfrei 

zu den interessantesten Formationen 

des recht kurzlebigen Mod-Revivals in den 

frühen Eighties. Die Gruppe unterschied sich 

von der Konkurrenz vor allem dadurch, dass 

sie nicht den Who oder Small Faces nacheiferten, 

sondern viel stärker von Psychedelia, 

Sunshine Pop und Freakbeat beeinflusst 

war. Das sorgte für spannende Singles wie 

“She Really Didn’t Care” und die beiden 

Alben BLOW UP (1983) und HOUSE OF 

SECRETS (1986), die allerdings nicht den 

Hit-Himmel stürmen konnten. Leider konnten 

daran auch mehrere erfolgreiche Tourneen 

durch Deutschland, wo auch die feine 

Live-EP SPEED OVER BERLIN veröffentlicht 

wurde, nichts ändern. Die vorliegende 

Kollektion enthält einen repräsentativen Teil 

des Schaffens der Direct Hits, wobei Tracks 

der beiden Alben im Vordergrund stehen. 

Aber auch die drei frühen Singles- bzw. Demo-Aufnahmen 

“Modesty Blaise”, “English 

Girls” und “Girl In A Picture” sind enthalten. 

Da ansonsten von der Gruppe praktisch 

nichts auf dem Markt ist, sollten Fans hier 

unbedingt zugreifen! 

(Cherry Red/Rough Trade 2014, 

23/77:02) hjg 

NEAL MORSE 

SONGS FROM NOVEMBER 

Mr. Prog himself 

lässt auf seiner neuen 

Scheibe die Longsongs, 

irren Taktwechsel 

und virtuosen 

Solos außen vor 

und liefert stattdessen 

ein abwechslungsreiches hl ih Singer/Songwriter- 

Album ab. Multi-Instrumentalist Morse 

spielte die Basistracks alle selbst ein, sonst 

ist nur der junge Drummer Gabe Klein bei 

fast allen Songs dabei. Einige Gastmusiker 

veredeln mit Streichern, Blasinstrumenten 

(heißes Saxsolo im soul-funkigen “Whatever 

Days”) oder Backgroundgesang manche 

Lieder. Vieles klingt nach Nashville, Graham 

Nash oder Jackson Browne. Souleinsprengsel, 

manchmal den Kitsch streifende, dann 

wieder straight-rockende Parts runden das 

entspannt-spannende Solo-Album ab. 

(InsideOut/Universal, 2014, 11/47:45) rg 


THE BEST OF 2 TONE 

Das von Jerry Dammers gegründete stilbildende 

Ska-Label 2 Tone Records war maßgeblich 

für das Ska-Revival Ende der 70er 

und Anfang der 80er Jahre verantwortlich. 

Dammers war der Kopf der Specials, deren 

Songs “Gangsters”, “A Message To You 

Rudy”, “Too Much Too Young” und “Rat 

Race” zugleich die besten Stücke der Labelwerkschau 

ausmachen. Die Specials waren 

eben nicht ohne Grund neben Mad ness, deren 

Debütsingle “The Prince” ebenfalls auf 

THE BEST OF 2 TONE zu finden ist, die 

erfolgreichste Ska-Band der Zeit. Die anderen 

Protagonisten der Zusammenstellung 

– Selector, Beat, Bodysnatchers und Rico – 

müssen hier leider qualitativ hinten anstehen, 

da ihnen die Innovation der Specials und von 

Madness abgeht. Ein Gewinn der „Best Of” 

ist hingegen, dass der informative Begleittext 

sehr schön das Beziehungsgeflecht befreundeter 

Bands aufzeigt, die ihre Heimat 

unter Dammers’ Dach fanden. Dieses stürzte 

leider Mitte der 80er Jahre mit dem Ende der 

Specials, die da Special Aka hießen, ein. Anzumerken 

ist schließlich, dass die Compilation 

nicht mit der gleichnamigen Werkschau 

von 1993 zu verwechseln ist. 

(2 Tone Records/Chrysalis/Warner, 

2014, 18/58:37) an 

PHILLIP BOA & 

THE VOODOOCLUB 

BLEACH HOUSE 

Er war der deutsche „Indie-König”, er ist es 

bis heute: Phillip Boa beweist der Musikwelt 

seit 30 Jahren, dass man sperrige Kompositionen 

raushauen kann, die dennoch genügend 

Käufer finden, um damit regelmäßig 

in den Charts landen zu können. An diesem 

Umstand wird sich auch mit dem neuen Album, 

das der Dortmunder wie gewohnt mit 

seiner Formation Voodooclub aufgenommen 

hat, nichts ändern. Hoffentlich deshalb, weil 

BLEACH HOUSE eine der stärksten Platten 

Boas überhaupt ist. Erneut wird der Hörer an 

David Bowies Glam-Phase erinnert. Dazu 

gesellt sich Alternative Rock im Stil der 

Pixies oder Dinosaur Jr. Und getragen wird 

das Unterfangen von Boas immer leicht gelangweilter 

und dabei trotzdem kraftvoller 

Stimme, gepaart mit dem piepsigen Organ 

der neuen Frontfrau Pris, die Vorgängerin Pia 

Lund würdig vertritt. Welcome To The Club! 

(Cargo, 2014, 13/56:14) 

mfg 

NIEDECKENS BAP 

DAS MÄRCHEN VOM 

GEZOGENEN STECKER 

Zusammen 

mit 

Schlagzeuger Jürgen 

Zöller, Keyboarder 

Michael Nass und 

Bassist Werner Kopal 

hat sich Wolfgang 

Niedecken im Frühjahr 

dieses Jh Jahres auf eine Unplugged-Tour 

jh 

gemacht, unterstützt von Dauergast Anne 

de Wolff (die von Cello über Posaune bis 

zu einem indischen Harmonium eine ganze 

Heerschar an Instrumenten bediente), dazu 

noch deren Ehemann Ulrich Rode an den 

Gitarren sowie der marokkanische Perkussionist 

Rhani Krija. Kaum überraschend, dass 

die Bap-Songs in diesen intimen Versionen 

in allerbester Güte daherkommen, dass es 

vor allem die leisen, nachdenklichen Momente 

sind, die hier zu Highlights werden. 

Dazu passend auch, dass man dem Konzertmitschnitt 

mit dem augenzwinkerndem Titel 

DAS MÄRCHEN VOM GEZOGENEN 

STECKER eine Doppel-CD mit dem kompletten 

Programm spendiert hat, hier etwas 

zusammenzustreichen wäre sträflich gewesen. 

Apropos Programm, auch hier gibt es 

nichts zu mäkeln, von „alt” über „uralt” bis 

zu „nagelneu” bieten die 30 Titel eine lohnende 

und kurzweilige Reise durch die lange 

Karriere der Kölner Band. 

(Vertigo/Universal, 2014, 15/76:38, 

15/79:39) us 

T BONE BURNETT 

THE CRIMINAL UNDER MY 

OWN HAT 

Erneut wird T Bone Burnetts Meisterwerk 

von 1992 als CD aufgelegt. Das Album liegt 

etwa in der Mitte zwischen seinen Vorgängern 

THE TALKING ANIMALS mit seinem 

breitbeinig-eckigen Pop-Rock und T BONE 

BURNETT mit eher sparsam-akustischem 

Material. THE CRIMINAL UNDER MY 

OWN HAT vereint und verdichtet die Qualitäten 

beider Platten. Die akustischen Nummern 

klingen passionierter und voller, vor 

allem auch, weil Top-Musiker wie Dobroplayer 

Jerry Douglas oder Violinist Mark 

O’Connor ihr Können gut einbringen können. 

Hingegen trat man bei den Rockern etwas 

aufs Bremspedal, ohne dass Koryphäen 

wie Gitarrist Marc Ribot, Pianist Van Dyke 

Parks, Bassist Jerry Scheff oder Schlagzeuger 

Jim Keltner der Raum für ihre individuellen 

Fähigkeiten beschnitten wurde. Auch 

die Texte über menschliche Eigenschaften 

wie Ängstlichkeit, Habsucht und Hochmut 

haben es in sich. Burnett legt den Finger in 

ewig offene Wunden. So ist der in dieser 

Hinsicht beste, in zwei Versionen kommende 

Song “I Can Explain Everything” eine 

Abrechnung mit korrupten Politikern und 

Rock 

fragwürdigen Predigern, die beim bekennenden 

Christen Burnett von ganzem Herzen 

kommt. Weitere Anspieltipps sind “Over 

You”, “Tear This Building Down”. “Humans 

From Earth” und “Kill Switch”. 

(Music On CD/H’Art, 1992, 

12/38:21) hjg 

OASIS 

(WHAT’S THE STORY) 

MORNING GLORY (CHASING 

THE SUN EDITION) 

Nur kurz nach dem 

Erscheinen der schönen 

Jubiläums-Edition 

zum Oasis-Debüt 

im Frühjahr folgt 

nun die aufwendig 

remas terte und um 

seltene und exklusive Inhalte angereicherte 

Neuauflage des zweiten Albums der wohl 

erfolgreichsten Brit-Popper. MORNING 

GLORY, zweifellos eines der besten Alben 

der Rock-Geschichte, zeigt die Formation 

aus Manchester auf dem frühen Höhepunkt 

ihres Schaffens. Jedes der zehn Lieder kann 

auch nach Jahren noch bestehen, ganz im 

Gegensatz zu dem, was dann auf den folgenden 

Alben folgen sollte. Der Opener 

“Hello”, das unbeschreiblich schöne “Wonderwall”, 

“Don’t Look Back In Anger” mit 

dem von John Lennons “Imagine” inspirierten 

Intro, das Gitarrentürme aufschichtende 

“Some Might Say”, der Titelsong oder 

der opulente Schlussakkord “Champagne 

Supernova” – allesamt Klassiker. Dass der 

für das Gros der Songs zuständige Leadgitarrist 

Noel Gallagher zu der Zeit quasi im 

Minutentakt neue hochqualitative Songs 

aus dem Ärmel schüttelte, zeigen selbst 

die B-Seiten, die in ihrer Zusammenstellung 

auf der zweiten CD der “Chasing The 

Sun”-Edition schon früher ein eigenes Album 

verdient ge habt hätten. Gut, dass es 

nun so etwas gibt, zumal die dritte CD fünf 

rare Demos und Live-Aufnahmen von zum 

Teil noch mal anderen Songs bietet. Nicht 

zu vergessen, dass die Interpretationen 

von Slades “Cum On Feel The Noize” und 

“You’ve Got To Hide Your Love Away” von 

den Beatles auch nicht von schlechten Eltern 

sind. 

(Big Brother/Sony Music, 1995, 

12/50:17, 14/63:26, 14/55:23) an 


BEAT MIT TEMPO 1 & 2 

Zwei CDs mit „Heldentaten” für furchtlosabgebrühte 

Fans von Cover-Versionen. Das 

liegt natürlich nicht an den Vorlagen, einem 

Querschnitt durch die Charts der Mid- 

Sixties mit bedeutenden Taten der Beatles, 

Stones, Troggs, Hollies, Monkees, Lovin’ 

Spoonful, Byrds, Walker Brothers, Tremeloes 

usw. Deutschland ist durch die Rainbows 

und Drafi Deutscher vertreten. Denn 

beim primär in Kaufhäusern vertriebenen 

Billig-Label Tempo wurde hemmungslos 

alles Erfolgreiche gecovert. Weder begrenzte 

instrumentale Fähigkeiten noch die 

berüchtigte Akzentfrage oder allzu frugale 

Aufnahmebedingungen bremsten die Tempo-Macher 

und ihre unter Fantasienamen 

wie The Beat Kings, Johnny Smash oder 

High Tops unverdrossen schrammelnden 

Acts aus. Die Resultate: rumpelnde Verbrauchsmusik, 

die niemals im Hitbereich 


CD 

REVIEWS 

landen konnte. Der Unterschied zum rein 

akustisch betrachtet ähnlichen US-Garagen-Rock 

bestand darin, dass die gesichtslosen 

Studiomusiker ohne jugendlichen 

Enthusiasmus und – fast immer – auch ohne 

eigene originelle oder wenigstens wilde 

Ideen an den Start gingen, denn ihre Cover- 

Versionen sollten den Originalen möglichst 

ähneln. Böse Zungen könnten bei BEAT 

MIT TEMPO glatt von musikalischen 

Müllhalden reden. Und doch hat die Musik 

irgendwie einen speziellen Charme, und 

ein paar Beispiele retten die Veranstaltung. 

“2000 Light Years From Home” intonierten 

The Lovers herrlich brutal-garagig. “Little 

Girl” von The Venture Five kommt als elegant 

tänzelnder Soft Beat. Bei “Hang On 

Sloopy” von den Blue Cats gibt’s ein richtig 

geiles Gitarrensolo, und The Dynamits 

konnten bei “Skinny Minny” mehr als nur 

einen Hauch eigenen Profils unterbringen. 

Die liebevoll gestalteten Booklets glänzen 

mit interessanten Liner-Notes und Songanmerkungen 

von GoodTimes-Mitarbeiter 

Rüdiger Bloemeke. 

(Bear Family, 2014, 32/85:29 + 

33/88:39) hjg 

FOXYGEN 

... AND STAR POWER 

Mit dem Titel ihres 

letzten Albums outeten 

sie sich als 

„Botschafter des 

21. Jahrhunderts für 

Frieden und Magie”, 

Anfang Oktober 

legen sie mit ...AND STAR POWER ein 

Konzept-Doppel-Album vor – ein bisschen 

Größenwahn darf man Foxygen also 

schon attestieren. Dass solch ein selbstbewusstes 

Herangehen an neue Aufgaben 

noch selten geschadet hat, das zeigt die 

Musikgeschichte, wer wie das Quartett 

aus Kalifornien in rund 82 Minuten so gut 

wie alle Stile der modernen Rock- und 

Pop-Landschaft in seine Musik integrieren 

kann, zeigt eine gehörige Portion Mut und 

Verrücktheit. Für ...AND STAR POWER 

haben sich Foxygen mit der imaginären 

Punkband Star Power zusammengetan, 

die ihre Songs an seltsamen Locations mit 

einem ausgeleierten Aufnahmegerät aufs 

Band bannen und dabei ihren schrägen 

musikalischen Vorlieben frönen, Psych, 

Doom, Soft-Rock und allen anderen abartigen 

Sounds. „Genau das Richtige für 

Freaks, Entführte und Außenseiter”, so 

beschreiben sie selbst ihre Musik, ja, ein 

dickes Fell sollte man für dieses Werk auf 

alle Fälle besitzen! 

(Jagjaguwar/Cargo, 2014, 16/46:05, 

8/35:44) us 

FINAL STEP 

DESERT TROLLS 

In der Schweiz ist DESERT TROLLS bereits 

seit 2010 erhältlich, jetzt macht das 

Sireena-Label diese Scheibe auch nördlich 

der Alpenrepublik zugänglich. Final Step 

(nicht zu verwechseln mit den deutschen 

Glam-Rockern Final Stap!) machen gefälligen 

Fusion- oder Jazz-Rock, der sich an 

melodieschwangeren Songstrukturen orientiert, 

weniger an freien Improvisationen. 

Aber auch Elemente aus Rock, Blues und 

Funk haben sich in den Kompositionen der 

fünf Tessiner eingeschlichen – wie auch 

Loops und Computersamples als Inspirationsquellen 

hergehalten haben. Handgemacht, 

spritzig, quicklebendig, auch für 

Hörer zu empfehlen, die nicht unbedingt 

in der Fusionecke daheim sind. Die späte 

Veröffentlichung hat durchaus ihre Berechtigung 

und macht schon mal neugierig auf 

UNCLE JOE’S SPACE, das umgehend folgen 

soll. 


10/59:06) pro 

THE EMPTY HEARTS 

THE EMPTY HEARTS 

Man braucht nicht 

viel Fantasie, um 

hier die nächste Supergruppe 

zu wittern. 

Das Quartett 

The Empty Hearts 

besteht aus bestens 

bk bekannten Musikern der Cars (Elliot 

Easton, ld-g, voc), Chesterfield Kings 

(Andy Babiuk, b) und Romantics (Wally 

Palmar, lead-voc, rh-g., harm) sowie 

Blondie-Drummer Clem Burke. Man 

geht vom ersten Ton an ganz mächtig zur 

Sache und spielt einen ebenso beherzten 

wie klassisch-zeitlosen Hard Rock, der 

aktuellen Bands wie, beispielsweise, den 

Killers eigentlich Angst machen müsste, 

so perfekt ist er geraten. Die allesamt von 

der Gruppe komponierten Songs wie “90 

Miles An Hour Down A Dead End Street”, 

“Loud And Clear” oder “Just A Little Too 

Hard” klingen schon beim ersten Anhören 

wie für die Ewigkeit gedachte Klassiker. 

Auch “Fill An Empty Heart” und “I 

Found You Again”, zwei gefällige Songs 

mit deutlichem Country-Anteil, überzeugen 

vollkommen. Ziemlich mysteriös ist 

die Medienarbeit der Plattenfirma: Sie 

will hier „Rockmusik von den 50ern bis 

hin zum Garage-Punk der 70er Jahre” 

hören. Garage? Punk? No, no Sir. Auch 

soll die Musik, deren Veröffentlichung 

nie wirklich geplant gewesen sei, aus 

einer Laune heraus entstanden sein. Und 

trotzdem wurde THE EMPTY HEARTS 

vom großen Ed Stasium produziert, der 

u.a. schon die Talking Heads, Ramones, 

Motörhead und Carly Simon betreute. 

(Caroline/Universal, 2014, 12/42:06) hjg 

MR. BIG 

… THE STORIES WE COULD 

TELL 

Eigentlich dürfte niemand mehr glauben, 

“To Be With You” sei repräsentativ für 

Mr. Big. Zwar hatten die Amis mit der wie 

ein Kinderlied angelegten Ballade 1991 

ihren größten Hit, waren aber immer viel 

erdiger, pendelten schon damals zwischen 

Blues Rock und Heavy Metal. Auf Album 

Nummer zwei nach der Reunion von 2009 

gibt das bluesige Element den Ton an. Dabei 

ist Gitarrist Paul Gilbert voll in seinem 

Element. Der Mann, der in den Staaten 

ganz klar zu den besten seines Fachs 

gehört, glänzt nicht nur in den variablen 

Solos, sondern hat auch ein Händchen für 

abgefahrene Rhythmusarbeit. Und dass 

Sänger Eric Martin ein Organ zwischen 

virtuos und fies besitzt, muss er schon 

lange nicht mehr beweisen. Anspieltipps 

wären das dreckige “Cinderellas Smile” 

oder das funkige “I Forget To Breathe”. 

Diese Nummern dürften selbst die größten 

Zweifler überzeugen. 

(Frontiers/Soulfood, 2014, 13/59:38) jub 

MORRISSEY 

WORLD PEACE IS NONE OF 

YOUR BUSINESS 

Niemand 

jongliert 

mit Worten wie er. 

Keiner schafft es mit 

der selben Leichtigkeit 

wie er, kleine 

Geschichten riesig, 

große Themen winzig 

erscheinen hi zu lassen. In einer Mischung 

aus Unschuld und Erfahrung, durch einen 

Irrgarten an Sprachbildern und Buchstaben 

lotsend, präsentiert Morrissey sein neues 

Studio-Album WORLD PEACE IS NONE 

OF YOUR BUSINESS. In gewohnt klassischem 

Alternative Rock Sound, mit ordentlich 

Druck und Nachdruck kommt die 

Platte daher und schwebt trotz Hochglanzproduktion 

mit einer gewissen Naivität im 

Klang aus den Lautsprechern. Getragen 

von Morrisseys Stimme und beflügelt von 

Worten, die binnen Sekunden von federleicht 

zu kaum stemmbar werden. Auch 

wenn der Weltfrieden uns nichts angeht; 

mit Alben wie diesem lässt es sich auf dem 

„wohl einsamsten Planeten von allen” gut 

aushalten. 

(Harvest/Universal, 2014, 12/55:58) pk 

LOS LONELY BOYS 

REVELATION 

Vor zehn Jahren fuhren die drei Brüder 

Henry, Jojo und Ringo Garza mit ”Heaven” 

einen Grammy ein. Seither haben sie ihren 

Genregrenzen sprengenden Musikmix weiterentwickelt. 

Auch wenn REVELATION 

nicht unbedingt eine Offenbarung ist – ganz 

reicht’s dafür nicht, ebenso wenig für einen 

weiteren Grammy –, aber ein sehr solides 

Album ist es doch geworden. Mal grooven 

die Drei mit bluesigen Reggaebeat vor sich 

hin, mal geht’s in Richtung Tex-Mex. Beigaben 

aus Rock (“Rule The World” nickt 

in Richtung ZZ Top), Soul, Funk, Pop, 

Westcoast, Country und sogar Ska sowie 

World-Music gibt’s ebenfalls – fast hat sich 

das Trio ein wenig verzettelt. Andererseits 

ist so für Abwechslung gesorgt, und handwerklich 

sind Los Lonely Boys ohnehin 

über jeden Zweifel erhaben. Genau das 

Richtige für den ausklingenden Sommer. 

(Blue Rose/Soulfood, 2014, 12/42:38) pro 

Rock 

ROBERT PLANT 

LULLABY AND … 

THE CEASELESS ROAR 

Kaum zu glauben, aber wahr: Es dauert bis 

zum vierten Song, “Embrace Another Fall”, 

bis auf dem neuen Solowerk des früheren 

Led-Zeppelin-Sängers Robert Plant eine 

richtig wuchtig schmetternde E-Gitarre zu 

hören ist. Andererseits: Plant hat nie ein 

Hehl aus seiner Affinität zu afrikanischer 

Musik gemacht, was nicht zum ersten Mal 

seinen Niederschlag in seiner Musik fand. 

Experimentierfreudig war er ebenfalls schon 

immer. Und so überrascht es im Grunde 

wenig, dass LULLABY AND … nur noch 

wenig mit seiner Vergangenheit zu tun hat. 

Er wartet darauf mit einem nicht immer 

leicht zugänglichen, auf Dauer aber faszinierenden 

Mix aus afrikanischen Rhythmen, 

Folk, Ambient- und World-Anleihen sowie 

(experimentellem) Rock und elektronischen 

Klangtupfern auf. Plant verfremdet, deutet 

vieles nur an – und fordert den Hörer damit, 

holt ihn aus der Rock-Komfortzone. 

(Nonesuch/Warner, 2014, 11/49:58) pro 

MAN 

BE GOOD TO YOURSELF AT 

LEAST ONCE A DAY 

Auf ihrem vierten 

Album 

verbanden 

die Waliser 

Man 1972 auf 

ganz eigene Weise 

leichtfüßig 

psychedelischen 

Groove-Rock mit Prog-Momenten. Vielleicht 

lag’s ja daran, dass Gitarrist/Frontmann/Songlieferant 

Deke Leonard kurz 

zuvor gefeuert und durch Keyboarder Phil 

Ryan ersetzt worden war. Es blieb das einzige 

Man-Opus ohne Leonard, der bald 

zurückkehrte. Die Songstrukturen blieben 

zwar nicht auf der Strecke, doch der Improvisationsanteil 

nahm beträchtlich zu. Das 

Zusammenspiel, die Interaktionen beeindrucken 

heute noch, und “Bananas” entwickelte 

sich zu einem Konzertfavoriten. Die 

Neuauflage ist jetzt mit zwei im Studio live 

eingespiel ten Bonus-Tracks (“Rockfield 

Jam” und eine frühe Instrumentalfassung 

von “Bananas”) ergänzt – das Album bietet 

insgesamt durchaus die Wohltat, die man 

sich einmal täglich angedeihen lassen sollte. 

(Esoteric/Rough Trade, 1972, 6/46:29) pro 

NICK MAGNUS 

N‘MONIX 

Nick Magnus drückte die Keyboardtasten 

für The Enid (1973/74), später elf Jahre in 

Steve Hacketts Band. Vier Solo-Alben hat 

er veröffentlicht, zwischen denen jeweils 

fünf Jahre Abstand lagen. Auf seinem neuen 

Opus N’MONIX macht er seine Liebe 

zu traditionellem Art-Rock ebenso hörbar 

wie eine gewisse Klassik-Affinität. Getragen 

fließende Melodien (manchmal auch 

von Rob Townsend mit Saxofon oder Flöte 

ergänzt) prägen das Gesamtwerk, immer 

wieder aufgelockert durch verspielte Passagen. 

Einmal singt Magnus selbst, ansonsten 

besorgen die Gäste Tony Patterson, 

Kate Faber, Peter Hicks, Tim Bowness und 

James Reeves diesen Job und sorgen so für 

Abwechslung. Dazu veredelt Hackett drei 

Songs gitarristisch. Insgesamt ein stimmungsvolles, 

an der einen oder anderen 

Stelle ein wenig langatmiges oder auch 

kauziges Album mit sinfonischem Prog. 

(Esoteric/Rough Trade, 2014, 8/46:54) pro 

GENERAL LEE BAND 

REBEL BY CHOICE 

Als „Southern Rock Tribute Band” bezeichnet 

sich die achtköpfige General 

Lee Band aus dem Sauerland. Gegründet 

1988, nach internen Streitigkeiten Mitte 

der 90er Jahre aufgelöst, hat sich die 

Combo um den so rauchig singenden 

Frontmann Willi Eilers (= The General) 

2014 reformiert. Im Gepäck dabei: eine 

Neuauflage von REBEL BY CHOICE 

(1996). Zu hören gibt’s darauf durchaus 

respektable Eigenbauten, ansonsten intelligent 

aufbereitete Cover-Versionen 


CD 

REVIEWS 

(Molly Hatchets “Dead And Gone”, 38 

Specials “Wild Eyed Southern Boys”, 

dazu “Shake Your Moneymaker” oder 

“Stormy Monday Blues”), die eine eigene 

Prägung aufweisen. Auch dadurch, dass 

neben den Twingitarren auch die Keyboards/Hammondorgel 

doppelt besetzt 

waren und Lady B. weiblichen Solo- und 

Chorgesang beisteuerte. Sehr ordentliche 

Wiederentdeckung. 


9/42:36) pro 

RICK WAKEMAN 

SOFTSWORD + OUT OF THE 

BLUE 

Als Rick Wakeman SOFTSWORD 1991 

herausbrachte, hatte er mit Musical-König 

Andrew Lloyd Webber gearbeitet und den 

Alan-Parsons-Sideman David Paton (g, b) 

an seine Seite geholt – beides fand ebenso 

seinen Niederschlag wie die Tatsache, dass 

der Yes-Keyboarder zu der Zeit eifrig mit 

Electronica experimentierte. Das Resultat 

dieser erneuten recht eklektischen Auseinandersetzung 

mit historischen Themen war 

Mainstream-orientierter als viele seiner 

sonstigen Werke, auch die Weise, wie er 

seine Klassikneigung integrierte. Insgesamt 

fast mehr Parsons als Wakeman. OUT 

OF THE BLUE nahm Wakeman 2001 mit 

dem English Rock Ensemble live in Buenos 

Aires auf (u.a. Sohn Adam an den Keyboards 

und Damian Wilson als Sänger). Zu 

hören gab’s eine leicht variierte Version 

von “Journey To The Centre Of The Earth”, 

dazu “Buried Alive”, “No Earthly Connection” 

sowie “Starship Trooper” aus dem 

Yes-Fundus – alles klang kompakter und 

einen Tick heavier als von Wakeman bis 

dahin gewohnt, inklusive reichlich Johann- 

Sebastian-Bach-Flair. Alles sehr ordentlich, 

aber kein Karriere-Highlight. 

(Esoteric/Rough Trade, 1991 + 

2001, 11/53:47 + 7/74:24) pro 


VELVET REVOLUTIONS – 

PSYCHEDELIC ROCK FROM 

THE EASTERN BLOC 1968 – 

1971 VOLUME TWO 

Praktisch alles, was schon zu „Volume 

One” dieser außergewöhnlichen Kollektion 

gesagt wurde (s. GoodTimes 4/2013), gilt 

hier weiterhin: Die Abschottungsversuche 

der verkrampften kommunistischen Regierungen 

waren zum Scheitern verurteilt, 

als beim westlichen Klassenfeind die berühmte 

„Anything Goes”-Psychedelic-Zeit 

ihren Höhepunkt hatte. Unangepasste Musiker 

in Ungarn, Polen, der CSSR und im 

damaligen Jugoslawien (Serbien, Kroatien, 

Slowenien) wollten dem einheimischen 

Jungvolk ebenfalls bewusstseinserweiternde 

Klänge unterjubeln. Teils sangen 

die hier vertretenen Bands Englisch, meist 

aber in der Landessprache, der besseren 

Verständlichkeit halber. Und instrumental 

orientierte man sich an Gruppen wie Genesis, 

Yes, East Of Eden oder Jethro Tull. Was 

Acts wie Hungaria, Kameleoni, Grupa 220 

oder Blue Effect hier bieten, ist technisch 

von hoher Qualität – am Beherrschen der 

Instrumente kommen nie Zweifel auf – und 

vom Willen beseelt, Musik auf Weltniveau 

zu machen. Das gelang natürlich nicht immer, 

aber die Cover-Version von “I Feel 

Free” (Progress Organization) und die ausgedehnten 

Klanglandschaften von Songs 

wie “Psychatricky Prasek” (Olympic), 

“Czlowiek” (Romuald.I. Roman) und “Extraction” 

(The Matadors) entwickeln noch 

heute ihren ganz besonderen Reiz. Schöne 

Kompilation für spezialisierte Sammler 

und Neugierige. 

(Particles/Soulfood, 2014, 20/74:18) hjg 

IRON BUTTERFLY 

LIVE AT THE GALAXY, LA, 

JULY 1967 

Was für eine akustische 

Gewalt: Iron 

Butterfly zelebrierten 

im Galaxy-Club von 

LA im Juli 1967 eine 

Soundorgie, dass denen, 

die damals dabei 

waren, die Ohren geblutet haben dürften. 

Das ist Acid Rock in Vollendung. Und 

definitiv nichts für leichte Drogen. Allein 

in “Possession” (der Opener auf dem im 

Oktober desselben Jahres veröffentlichten 

Debüts HEAVY) und “Evil Temptation” 

steigern sich die instrumentalen Orgasmen 

ins Unermessliche. Das gilt für Danny 

Weis’ Leadgitarre ebenso wie für die Orgel 

von Doug Ingle und das Abrissbirnen- 

Drumming von Ron Bushy. Vokalist Darryl 

DeLoach (er griff von Zeit zu Zeit zur Gitarre) 

nöhlt oder lamentiert sich wahlweise 

durch das Material, und Basser Jerry Penrod 

ist eine lebende Pumpstation. Und bei 

aller Heavyness legen Iron Butterfly mit der 

noisigen Punknummer “Gentle As It May 

Seem” noch eine Schippe drauf. Unglaublich. 

(Keyhole/Soulfood, 2014, 12/53:23) jub 

KROKUS 

HEADHUNTER + THE BLITZ 

Mit HEADHUNTER waren Krokus 1983 

ganz oben: Platz 25 in den USA. Der geschliffene 

Heavy Metal der Schweizer 

passte nur allzu gut in den Glam-Metal- 

Boom, der in der ersten Hälfte der 80er die 

Staaten überzog. Ohne Füller trumpften 

Krokus auf und verbuchten ihren internationalen 

Erfolg zu Recht. Der Nachfolger, 

THE BLITZ, war noch eine Nuance stärker 

auf den amerikanischen Markt zugeschnitten 

– und verlor dadurch leicht. Songs wie 

“Our Love”, “Rock The Nation” und “Ready 

To Rock” waren immer noch kreative 

Meisterleistungen, im Sound war die Band 

aber noch einmal etwas radiotauglicher geworden 

– was die Amis ihr nicht dankten: 

Platz 31 in den Albumcharts. 

(Arista/Soulfood, 1983 + 1984, 

9/37:59 + 9/58:46) jub 

ELEMENT OF CRIME 

LIEBLINGSFARBEN UND TIERE 

Es ist nicht einfach: Einerseits soll eine 

Band den erfolgreichen stilistischen Weg 

weitergehen, andererseits besteht aber immer 

die Gefahr, sich mit jedem neuen Album 

nur selbst zu kopieren. In dieser Falle 

waren auch Element Of Crime gelandet, 

Ende der 90er gehörte viel Optimismus 

dazu, bei ihnen noch kreatives Potenzial 

zu entdecken. Doch mit den letzten beiden 

Alben haben sie sich – Achtung Floskel – 

wieder an ihre alten Stärken erinnert, wahrscheinlich 

weniger darüber nachgedacht, 

wie sie klingen sollten, einfach die Musik 

gemacht, die ihnen Spaß macht. Der Erfolg 

gab ihnen Recht. Auch LIEBLINGS- 

FARBEN UND TIERE passt wunderbar in 

diese Reihe, musikalisch gewohnt komplex 

und dennoch eingängig, Texte zwischen gut 

beobachteten Alltagsbanalitäten und tiefenpsychologischen 

Exkursen, wenn man 

hier also von einem typischen Element-Of- 

Crime-Album spricht, dann ist dies ausdrücklich 

als Lob zu verstehen ... 

(Vertigo/Universal, 2014, 10/37:30) us 

RENAISSANCE 

SCHEHERAZADE AND OTHER 

STORIES 

Warum 

konnte 

sich die britische 

Klassik-Rockband 

Renaissance nicht 

ein größeres Publikum 

erspielen? 

Die Frage stellt 

sich augenblicklich, wenn man ihr Album 

von 1975 hört, denn hier finden sich höchstes 

musikalisches Können, ein unnachahmlicher 

Spielfluss und eine hauchzarte 

Atmosphäre. Das wunderschöne “Ocean 

Gypsy”, ein verschlungenes “Trip To The 

Fair” und die über 20-minütige Bearbeitung 

“Song Of Scheherazade” wirken durch Annie 

Haslams fantastischen Gesang und die 

komplexen und ideenreichen Instrumentalpassagen. 

Hört man solch ein Meisterwerk, 

klingen Melodien vieler Songs der letzten 

20 Jahre meist wie Kindergarten-Singsang. 

Ein sehr schönes Album, transparent remastert 

von Kevin Gray. Die Ausgabe erscheint 

als 24-KT-Gold-Disc (Hybrid SA- 

CD, limitiert und nummeriert) und punktet 

hinsichtlich des Raumklangs. 


4/45:47) at 


CELEBRATING JON LORD 

Auf drei CDs und zwei DVDs ist die Show 

dokumentiert, mit der Weggefährten und 

Freunde am 4. April dieses Jahres an passender 

Stätte, der Londoner Royal Albert 

Hall, an das großartige Schaffen Jon Lords 

erinnerten. CD 1 ruft das orchestrale Schaffen 

des grandiosen Musikers in Erinnerung: 

sinfonische Momente, Pizzicato-Streicher, 

gefühlvolle Streicher und einiges vom SA- 

RABANDE-Album sowie dem “Durham 

Concerto” – mit Gastspielen von Rick Wakeman, 

Miller Anderson oder Micky Moody 

plus Orchester. Außen vor blieb – aus 

welchen Gründen auch immer – an diesem 

Abend allerdings das geschichtsträchtige 

„Concerto For Group & Orchestra”. Danach 

geht es quer durch Lords Karriere: Paul Weller 

(plus Moody) nahm sich der eher Pop-orientierten 

Phase mit den Artwoods an, während 

Phil Campbell, Bernie Marsden und Ian 

Paice sich der Paice-Ashton-Lord-Nummer 

“Silas And Jerome” widmeten. Ebenfalls 

gelungen fiel Sandi Thoms, Moodys und 

Steve Balsamos Interpretation von “Soldier 


Rock 

Of Fortune” aus. Geradezu atemberaubend 

dann vor allem aber das gemeinsame Gastspiel 

von Glenn Hughes und Bruce Dickinson 

mit “Burn”, unterstützt vom scheinbar 

allgegenwärtigen Moody sowie Don Airey , 

dem Lord-Nachfolger an den Purple-Tasten! 

Hughes war dann mit dabei, als die aktuelle 

Besetzung von Deep Purple “This Time 

Around” anstimmte und danach eine Stunde 

lang (= CD2) durch frühe wie jüngere Bandklassiker 

jagte, beim Finale “Hush” ver stärkt 

durch Dickinson, Wakeman, Campbell, 

Marsden und Moody. Liebe Leute, für diese 

Klang- und Bilddokumentation muss man 

sich Zeit nehmen – es lohnt sich! 

(earMusic/edel, 2014, 8/59:26, 

8/41:44, 7/62:09) pro 

RIO REISER + KORN 

ORIGINAL ALBUM CLASSICS 

bi di Oh Rio Reiser, einst Frontmann der Anarcho- 

Rocker Ton, Steine, Scherben, hatte auch als 

Solokünstler seinen klanglichen wie inhaltlichen 

Biss nicht verloren, demonstrierte auf 

seinen Alben aber auch romantische Seiten 

– und war mehr als nur der Hit-erfolgreiche 

“König von Deutschland” (der ja auch nicht 

ohne war). Nachzuprüfen dank der „Original 

Album Classics”, in der seine fünf Solowerke 

RIO I (1986), sein wohl stärkstes Album 

überhaupt, RIO *** (1990), DURCH 

DIE WAND (1991), ÜBER ALLES (1993) 

und HIMMEL & HÖLLE (1995) preiswert 

zusammen erhältlich sind. Hörbar wird, dass 

er sich auf seiner Suche musikalisch zwar 

gelegentlich verirrte, aber dennoch einer 

der wichtigsten deutschen „Liedermacher” 

war. Neben Reiser hat Sony Music bei dieser 

Staffel als rockiges Kontrastprogramm auch 

noch die US-Rocker Korn im Programm, 

die ab 1993 zu den Mitbegründern der Nu- 

Metalbewegung gehörten. Von ihnen gibt’s 

KORN (1993), LIFE IS PEACHY (1996); 

FOLLOW THE LEADER (1998), ISSUES 

(1999) und UNTOUCHABLES (2002). 

(Sony Music, 2014, je 5 Alben) pro 

FRANZ K. 

HEUTE 

Seit 45 Jahren gibt es Franz. K, die Band um 

Drummer Stefan Josefus und Gitarrist Mick 

Hannes. Einst knüppelte sie riffig deutschsprachigen 

Rock heraus, hatte „Bock auf 

Rock”, wie sie in ihrem bekanntesten Song 

bekannte. Seit einiger Zeit driftet die Combo 

aber zunehmend in eine andere Richtung ab. 

Zwar enthält HEUTE durchaus noch die eine 

oder andere knackige Kraftnummer, aber die 

meisten Stücke schielen auf ein (kaufkräftiges 

und zahlenmäßig beachtliches) Publikum, das 

angehärtete Schlager präferiert. Ist ja legitim 

– aber muss es unter dem Namen Franz K. 

geschehen, der für andere musikalische Werte 

steht? Enthalten ist übrigens auch das mit 

Fußballreporter-Legende Manni Breukmann 

aufgenommene “So einfach – Brasilien 14”, 

für das “So einfach” leicht überarbeitet wurde. 

Für alte Fans eine Enttäuschung. 

(Sonic Revolution/Soulfood, 2014, 

14/50:25) pro

LP 

REVIEWS 

THE ALAN PARSONS 

PROJECT 

THE TIME MACHINE 

Nach der Trennung 

von Eric 

Woolfson Ende 

der 80er Jahre 

wurde The 

Alan 

Parsons 

Project 

zwar 

aufgelöst, doch veröffentlich te Alan 

Parsons weiterhin Alben, die sich 

stilis tisch nur wenig von den letzten 

APP-Werken unterschieden. THE 

TIME MACHINE war 1999 sein drittes 

Solowerk, die Musik wurde von 

seinen langjährigen Mitstreitern Ian 

Bairnson und Stuart Elliott komponiert. 

Die beiden machten ihre Sache 

zwar nicht schlecht, konnten aber nie 

die Klasse von Woolfson erreichen, 

was aus THE TIME MACHINE zwar 

ein solides, aber keineswegs überragendes 

Album macht, es fehlen einfach 

die zündenden Melodien. Mit 

Colin Blunstone, Chris Rainbow und 

Neil Lockwood griff Parsons für den 

Gesang auf bewährtes Personal zurück, 

neu hinzu kamen Tony Hadley 

(Spandau Ballet), Beverly Craven und 

Maire Brennan (Clannad). Die jetzt 

erschiene Doppel-LP – hochwertiges, 

von Storm Thorgerson gestaltetes 

Klappcover, transparentes Vinyl – 

klingt im Vergleich zur Original-CD 

wesentlich druckvoller und kann noch 

dazu mit feiner Abstimmung glänzen. 

(Music On Vinyl/Cargo, 1999, 

2 LPs, 13 Tracks) tk 

ALEX BEHNING 

HINTERHOFSCHUHE AUS 

NEW YORK 

Nicht oft, aber 

immer wieder 

einmal hat man 

als Rezensent 

das Gefühl, 

etwas ganz 

Besonderes in 

Händen zu halten. Warum man dieses 

Gefühl hat, ist mit Worten kaum zu erklären, 

oft sind es die kleinen Details, 

die den Unterschied ausmachen. So 

geschehen bei dieser wundervollen LP 

mit dem Titel HINTERHOFSCHUHE 

AUS NEW YORK von Alex Behning, 

einem Musiker aus einem kleinen Ort 

in der Nähe von Hamburg. Dort war 

er vor gut zehn Jahren mit seiner Band 

Neulich regional erfolgreich, jetzt 

hat er sich in Deutschlands Süden, in 

Konstanz, niedergelassen. Hat sich 

dem Folk und dem Blues der 60er und 

70er Jahre zugewandt, spielt zusammen 

mit Gastmusikern aus Deutschland, 

England, der Schweiz und den 

USA zeitlose, handgemachte Musik 

mit Texten, die es wert sind, auf dem 

aufklappbaren Textbeiblatt mitgelesen 

zu werden. Erhältlich ist diese superb 

klingende LP, die als Crowdfundingprojekt 

entstanden ist, als limitierte 

180g-Sonderedition, die CD gibt’s im 

Pappschuber dazu. 

(Ufer Records, 2014, 

11 Tracks) us 

JEFF BUCKLEY 

GRACE 

Es gibt Bands, 

deren Songs 

tausendfach 

gecovert wurden 

und so gut 

wie nie besser 

tönten als die 

Originale, i wie die Beatles, die Stones 

oder Led Zeppelin. Und es gibt Songschreiber, 

deren Schöpfungen ebenso 

oft gekupfert, doch selten sogar wirklich 

vergoldet wurden. Jeff Buckleys 

Fassung von Leonard Cohen’s “Hallelujah” 

ist solch ein Veredelungsfall. 

Radikal reduziert arrangiert, mit 

unvergleichlicher Hingabe zu Tränen 

rührend gesungen, geheult, gewimmert, 

hebt allein diese Nummer das 

einzig vollendete Studio-Album von 

Jeff Buckley (1966–1997) aus all 

dem musikalischen Elend der 90er in 

die Stratosphäre der wirklich großen 

Rockalben. Wobei Rock relativ ist, 

GRACE schillert in zehn Songs zwischen 

Songwriter, Alternative, Avantgarde, 

Grunge, Pop und klassischem 

Lied, dass eine stilistische Einordnung 

des Gesamtwerks so unmöglich wie 

obsolet ist. Jeff, Sohn des gleichfalls 

früh verstorbenen und Vaterpflichten 

sträflichst vernachlässigenden Tim 

Buckley (1947–1975), treibt seinen hohen, 

höchst variablen Tenor öfters ins 

Falsett, ohne dabei lächerlich zu wirken. 

20 Jahre nach Erscheinen hat die 

Original Recordings Group das Meisterwerk 

auf zwei schnelllaufende Vinyls 

überspielt, die klanglich schlicht 

und einfach alle anderen Verisonen in 

den schwarzen Schatten stellen. In die 

hochdynamisch ausgesteuerten Rillen 

hätte sicher noch das der „Legacy”- 

CD-Edition beigegebene “Forget 

Her” gepasst – ansonsten bleibt kein 

Wunsch offen. 

(ORG/Sieveking Sound, 1994, 

2 LPs 45 rpm, 10 Tracks) lbr 

BOOKER T. & THE MG’s 

HIP HUG-HER 

Im SGT. PEP- 

PER-Jahr 1967 

brachte die 

Hausband des 

Soul-Labels 

Stax bereits 

ihren fünften 

Longplayer auf den Markt. Wobei 

long relativ ist: Eine halbe Stunde 

kommt zusammen bei diesem Strauß 

bekannter Melodien. Allen „Booker 

T.” Jones schrieb viele der Instrumentals, 

überwiegend im Kollektiv 

mit seiner exzellenten Truppe, doch 

zum Hit wurde die Cover-Version des 

Young-Rascals-Songs “Groovin”, den 

Top-Track markiert Smokey Robinsons 

“Get Ready”. Instrumental absolut 

sattelfest und ohne alle Sperenzien 

– aber ab und an vermisst man doch 

den Gesang. Die sehr gute Pressung 

des Reissues transportiert einen fantastischen, 

knackigen und offenen 

Sound. Irgendwie ist diese Mucke 

viel zu schade zum Überbrücken der 

Vinyl 

letzten Minute im Radio bis zum Werbeblock 

oder den Nachrichten. 


11 Tracks) lbr 

CHICKEN SHACK 

100 TON CHICKEN 

Mit dem Abschied 

von 

Keyboarderin 

und (Teilzeit-)Sängerin 

Chris tine Perfect, 

die als 

Christine McVie zu Fleetwood Mac 

wechselte, korrigierte Sänger und 

Gitarrist Stan Webb auch den Kurs 

seiner Band. Für die Aufnahmen zu 

100 TON CHICKEN verstärkten sich 

Chicken Shack mit Organist Paul 

Raymond, weiterhin spielte Andy 

Silvester den Bass, am Schlagzeug 

saß Dave Bidwell. Die Musik ihres 

dritten Albums, das jetzt als 180g- 

Vinylversion wiederveröffentlicht 

wird, ist tendenziell härter und mehr 

Rock-orientiert als das Material, das 

sie zuvor veröffentlichten, und obwohl 

das Ganze immer noch als typisch 

britischer, Gitarren- und Orgeldominierter 

Blues-Rock durchgeht, 

kann man hier auch Tendenzen in 

Richtung Prog-Rock erkennen, der 

damals, Ende der 60er, in Großbritannien 

groß im Kommen war. 


11 Tracks) us 

THELONIOUS MONK 

MISTERIOSO 

Diese 

Livescheibe 

ist 

nicht zu verwechseln 

mit 

dem 

gleichnamigen 

(!) 

Live-Album 

von 1958 bei Riverside, id das Analogue 

Production etwa schon in einer 

super-audiophilen Version auf zwei 

45ern vermacht hat. MISTERIOSO 

brachte Columbia 1965 als Zusammenstellung 

mehrerer Livemitschnitte 

mit wechselnder Rhythm 

Section aus verschiedenen Venues 

heraus, produziert vom legendären 

Ted Macero. Der dürfte seine liebe 

Not gehabt haben, denn der eigenwillige 

Pianist wurde auch im Leben 

immer wunderlicher. Musikalisch 

spielte Monk immer kompromissloser 

sein Ding: Soli manchmal verknappt 

zu synkopierten Akkorden, 

manchmal über ganze Takte jenseits 

der Takt- oder Songschemagrenzen 

herumirrend. Für heutige Ohren 

klingt das wohl nur halb so mysteriös 

wie für die Zeitgenossen – 

heutige Jazzfans dürfen sich an dem 

schrägen Innovator und seinen Klängen 

erfreuen. MOV hat davon inzwischen 

eine ganze Reihe „schwarz” 

wiederveröffentlicht. Und dabei den 

Sound in seiner manchmal drolligen 

Urwüchsigkeit belassen. 


8 Tracks) lbr 

Die kompletten Performances 

von THICK AS A BRICK 

und THICK AS A BRICK 2 

live in Island. 

Inkl. 

Bonusmaterial: 

Interview mit 

Ian Anderson, 

Montreux-Workshop, 

“Banker Wins” live 

aus Montreux 2012. 

AB SOFORT 

erhältlich als DVD, BLU-RAY, 

2CD und DOWNLOAD. 


LP 

REVIEWS 

BLUE ÖYSTER CULT 

SECRET TREATIES 

Mit ihrem 74er- 

Album, bei dem 

auch Patti Smith als 

Songwriterin verantwortlich 

zeichnete, 

bewegten sich Blue 

Öyster Cult immer 

mehr in Richtung Hard Rock, auch was die 

Themen anbelangte, denn “ME 262” steht 

– mal vorsichtig ausgedrückt – für das bei 

einigen Musikern in den USA und Großbritannien 

bestehende Interesse an einem 

unrühmlichen Teil der deutschen Geschichte. 

Beginnend mit entspanntem Siebziger- 

Rock (“Career Of Evil”) schmieden BÖC 

mit “Dominance And Submission” kernigen 

US-Hard-Rock, gefolgt von kräftigem Midtempo-Rock 

und dem fragilen Bandklassiker 

“Astronomy”. Das Album erscheint in einem 

sorgsam replizierten Cover und wurde auf 

audiophilem Vinyl (180g) gepresst, wobei 

besonders die leisen Passagen prägnanter zur 

Geltung kommen. 

(Speakers Corner, 1974, 8 Tracks) at 

MARK KNOPFLER & 

CHET ATKINS 

NECK AND NECK 

Schon auf dem ersten 

Dire-Straits- 

Album konnte man 

Mark 

Knopflers 

Faible für Country 

unterschwellig 

heraushören. 

Nach 

den gewaltigen Erfolgen seiner Stammband 

konnte der knarzige Brite mit dem 

typischen Stratocaster-Sound dann 1990 

in Nashville im Team mit dem knorrigen 

Ami Chet Atkins ungehemmt dieser Liebe 

frönen. Wobei die Strat öfter einer semiakustischen 

Gibson weichen musste. 

Atkins brachte in Knopflers leicht angerockte 

Country-Gehversuche jede Menge 

swingende Trittsicherheit rein. Wobei er 

sich singend sogar Zitate aus dem Dire- 

Straits-Riesenhit “Money For Nothing” 

erlaubte. Die beiden Stars mussten einander 

nichts beweisen, aber warum bis auf 

eine Knopfer-Komposition nur Cover- 

Versionen erklingen, bleibt ihr Geheimnis 

bis heute. Weil die Interpretationen 

aber meist gut bis sehr gelingen, ist das 

Vergnügen bis auf die in Countrykreisen 

wohl zuweilen unvermeidliche sentimentale 

Note meist ungetrübt. Zumal der 

Sound exzellent, die Neu-Pressung überdurchschnittlich 

gut gerieten. 



FOUR TOPS 

FOUR TOPS 

Mit diesem Album 

hatten die Four Tops 

Mitte der 60er Jahre 

ihre ersten großen 

Erfolge, bestens in 

Szene gesetzt von 

den Motown-Hausproduzenten 

Brian Holland und Lamont 

Dozier, die, ergänzt um Brians Bruder 

Eddie, auch für den Großteil der Kompositionen 

verantwortlich waren. Gleich mit 

der ersten, der 1964er Single-Auskopplung 

“Baby I Need Your Loving”, gelang 

ihnen Platz 11 in den Billboard Charts, 

und sie verkauften davon – in heutigen 

Zeiten unvorstellbar – über eine Million 

Singles! Fast genauso erfolgreich wurde 

auch ihre dritte Auskopplung aus FOUR 

TOPS, das 1965 veröffentlichte “Ask The 

Lonely”, das es bis auf Platz 24 schaffte. 

Damit war der Grundstein für eine erfolgreiche 

Karriere gelegt, kurz darauf gelang 

ihnen mit “I Can’t Help Myself (Sugar 

Pie Honey Punch)” ihre erste Nummer 1 

in den Single Charts. 


11 Tracks) us 

PADDY, KLAUS & GIBSON 

PADDY, KLAUS & GIBSON 

Nur drei Singles haben 

Paddy, Klaus 

& Gibson aufgenommen. 

Mit zeittypischem 

Beat 

fällt es auch heute 

nicht schwer, die 

Musik von Sänger und Gitarrist Paddy 

Chambers, Bassist Klaus Voormann und 

Schlagzeuger Gibson Kemp in die Mitte 

der 60er Jahre einzuordnen. Nun gibt es 

erstmals eine Privatpressung, auf der die 

drei Singles aus den Jahren 1965/66 – natürlich 

mit ihren B-Seiten – gemeinsam 

zu hören sind. Typisch natürlich auch das 

von Klaus Voormann gestaltete Cover, 

das die drei jungen Männer in jugendlicher 

Blüte zeigt. Auch bei der Musik des 

Trios werden sich viele wieder an die Zeit 

erinnern, als Beatmusik die Tanzschuppen 

beherrschte, als solche Bands wie 

Pilze aus dem Boden schossen. Und heute, 

fast 50 Jahre später, ist man froh über 

solche Privatinitiativen, PADDY, KLAUS 

& GIBSON ist eine wirklich gelungene 

Herzenssache. 

(drdieterhoffmann@aol.com, 

2014, 6 Tracks) us 

BILLY JOEL 

SONGS IN THE ATTIC + 

THE NYLON CURTAIN 

mesongschmieds bis dato. Fast immer 

gewinnt die mit einer absolut sattelfesten 

Band eingespielte Livefassung gegenüber 

den Studio versionen an Intensität oder 

Power. Dazu trug sicher die umsichtige 

und dynamische Produktion von Phil 

Ramone ein gerüttelt Maß bei. Von den 

„Songs voller Scharfsinn” gibt es diverse 

Edelversionen auf (SA)CDs – diese hier 

spielt zuoberst mit. Das gilt auch für das 

nachfolgende Studiowerk THE NYLON 

CURTAIN, das mit “Allentown” einen 

der größten Joel-Hits und mit “Goodnight 

Saigon” einen seiner besten Songs überhaupt 

enthält. Unter der erneuten Regie 

von Ramone hatte Joel sein Ausdrucksund 

Soundspektrum nochmals erweitert, 

den Text von “Laura” ziert sogar ungepiepst 

das F-Wort. Am Ende entlässt einen 

das tief melancholische “Where’s The 

Orchestra” dann in tiefer Wehmut. Wenn 

übrigens ein Schlaumeier nochmal zu mäkeln 

glaubt, CDs könnten doch viel mehr 

Dynamik und Bass als LP, dürfte ihn der 

Schlagzeugeinsatz bei “Surprise” wohl 

endgültig verstummen lassen. Bei Joel 

auf MFSL kommen Kunden eben musikalisch 

und klanglich voll auf ihre Kosten. 

(MFSL/Sieveking Sound, 1981 + 1982, 

jeweils 2 LPs 45 rpm; 11 + 9 Tracks) lbr 

LEONARD COHEN 

FIELD COMMANDER COHEN – 

TOUR OF 1979 

Erstmals kam dieser 

Live-Doppeldecker 

im Februar 2001 

anlässlich der TEN 

NEW SONGS auf 

den Markt. Warum 

so spät, bleibt ein 

Rätsel. Denn Cohen und seine perfekt eingespielte 

Band Passenger boten in London 

(Hammersmith Odeon) und Brighton 

(Dome Theatre) ganz vorzügliche Versionen 

nicht nur der größten Hits, wobei einige 

davon natürlich auch im Tracklisting 

stehen. FIELD COMMANDER COHEN 

kann es sich leisten, auch nur wie im Einstiegssong 

zu zitieren. Hochkarätige Solisten 

wie Geiger Raffi Hakopian, Saxer 

Paul Ostermayer und die wundervollen 

Co- und Backgroundsängerinnen Jennifer 

Warnes und Sharon Robinson veredeln die 

Kollektion. Der ein unfassbar starker, überwältigender 

“Stranger Song” die Krone 

aufsetzt. Die LP-Ausgabe im Hochglanz- 

Klappcover überzeugt mit Textbeilage, sehr 

guter Press- und Klangqualität. 


2 LPs, 12 Tracks) lbr 

TOMMY BOLIN & FRIENDS 

GREAT GYPSY SOUL 

Immer eine zweischneidige 

Geschichte, 

wenn nach 

dem Ableben eines 

Musikers 

dessen 

Aufnahmen neu verwertet 

werden. Im 

Falle von GREAT GYPSY SOUL wurden 

größtenteils Outtakes, die Tommy Bolin 

1975 (also ein Jahr vor seinem Tod) nicht 

für sein Debütalbum TEASER verwendet 

hat, neu abgemischt sowie um weitere 

Tonspuren ergänzt. Für diese neuen, ergän- 

Vinyl 

Alarm für den Geldbeutel: l MFSL attackiert 

weiter mit den ultimativen Ausgaben 

großer Künstler und Alben im 

kaum zu toppenden Superformat: von 

den Originalbändern gezogen, gemastert 

von Krieg Wunderlich im „Gain 2 Ultra 

Anlog System”-Verfahren, geschnitten 

auf zwei mit 45 Umdrehungen pro Minute 

rotierende, 180 Gramm schwere 

Scheiben aus exzellentem Vinyl. Beim 

US-Songschreiber, Sänger und Pianisten 

Billy Joel stehen nach 52ND STREET, 

GLASS HOUSES und THE STRANGER 

nun zwei neue Highlights ins Haus. Die 

1980 in verschiedenen Arenen zwischen 

300-Mann-Club und 20.000er-Stadion 

live mit entsprechend unterschiedlicher 

Akustik aufgenommenen elf SONGS IN 

THE ATTIC geben einen faszinierenden 

Überblick über das Schaffen des Ausnahzenden 

Aufnahmen fanden sich zahlreiche 

Bewunderer und Fans des kurzzeitigen 

Deep-Purple-Gitarristen im Studio ein. 

Den beiden Produzenten Warren Haynes 

(Gov’t Mule, Allman Brothers Band) und 

Greg Hampton (Alice Cooper, Lita Ford) 

gelang es ausgezeichnet, Bolins Gitarrenspiel 

mit den Künsten von Musikern wie 

Peter Frampton, Sonny Landreth, John 

Scofield, Steve Lukather, Joe Bonamassa, 

Steve Morse, Glenn Hughes oder Nels 

Cline zu verbinden, so dass dieses Album 

musikalisch gesehen – und noch dazu in 

dieser jetzt veröffentlichten Doppel-LP- 

Version – makellos daherkommt. 

(earMusic/edel, 2012, 2 LPs, 12 Tracks) us 

KROKODIL 

GETTING UP FOR THE 

MORNING 

Ein großes Dankeschön 

an die Plattenfirma 

für dieses 

schöne LP-Reissue, 

bei dem allein die 

herrlichen 

Bilder 

im Klappcover die 

Zeitreise i lohnen. Es geht ins Jahr 1972, 

als die Schweizer Band Krokodil ihr erstes 

Album für das legendäre Krautrock- 

Label Bacillus einspielte. Im Vergleich 

zu den Vorgängern wurde die Gangart 

leicht verschärft in Richtung sortenreinen 

Blues-Rock. Den das Quartett dann doch 

zeittypisch mit Flöten- und Sitartönen 

manchmal progressiv, manchmal krautig 

anreicherte. Schwachpunkt wie bei so vielen 

Bands aus dieser angeräucherten Hoch- 

Zeit des experimentelleren Rock war der 

Gesang. Insgesamt aber klingt es vor allem 

in den ausgedehnten Instrumentalpassagen 

reichlich ausgeschlafen. Und obwohl diese 

Sounds eigentlich in Vinylrillen gehören, 

spendiert Bellaphon sogar noch einen Voucher 

zum digitalen Download, zu dem sogar 

zwei Non-LP-Tracks (“Krock’n’Roll”, 

“A Mighty Long Way”) gehören. Nochmals 

Danke. 

(Bellaphon/Cargo, 1972, 7 Tracks) lbr 

DEODATO 

DEODATO 2 

Ein Teil des Erfolgs 

des Stanley- 

Kubrick-Streifens 

„2001: Odyssee im 

Weltraum” lässt sich 

auf die futuristische 

Bearbeitung der 

Richard-Strauss-Komposition “Also sprach 

Zarathustra” des brasilianischen Allround- 

Genies Eumir Deodato zurückführen. 

Auch auf seinem zweiten Album widmete 

er sich hochinteressanten Bearbeitungen 

fremder Kompositionen, wobei sein hoher 

Eigenanteil die jeweiligen Titel in einem 

neuen Licht erscheinen ließ. Ein wunderbares 

“Nights In White Satin”, die klassische 

“Pavane For A Dead Princess” und 

besonders Gershwins “Rhapsody In Blue” 

belegen Deodatos Fähigkeit für vorzügliche 

Arrangements, die dementsprechend 

orches triert werden. Ein Künstler, mit dem 

man sich näher beschäftigen sollte. Tipp! 

Das Album erscheint wie auch das Original 

in einem Klappcover. 

(Speakers Corner, 1973, 5 Tracks) at 


LP 

REVIEWS 

THE BLUES BROTHERS 

THE BLUES BROTHERS – 

OST 

Ihre Gründung 

feierten 

die 

Blues 

Brothers 

1977, als 

die 

Schauspieler 

John 

Belushi 

(aka 

Jake Blues) und Dan Aykroyd (aka 

Elwood Blues) mit einer illustren 

Begleitband mit Musikern wie Steve 

Cropper, Duck Dunn, Matt Murphy, 

Lou Marini und Tom Malone 

in der NBC Show „Saturday Night 

Live” auftraten. Sie hatten mit ihren 

überdrehten Interpretationen von 

Soul- und R&B-Klassikern so viel 

Spaß, dass sie bald auch außerhalb 

der Sendung die Fans begeisterten, 

Höhepunkt der Blues Brothers war 

dann der gleichnamige Film im Jahr 

1980. Ebenso wie der Film ist auch 

der Soundtrack dazu inzwischen 

Kult, Grund genug für Music On 

Vinyl, BLUES BROTHERS nun als 

limitierte, blau eingefärbte 180g-LP 

zu veröffentlichen. Neben den beiden 

Hauptdarstellern gibt es darauf auch 

ein Wiederhören mit Ray Charles, 

James Brown, Aretha Franklin, Patty 

Austin und Cab Calloway, mit 

den definitiv coolsten Versionen von 

Songs wie “Gimme Some Lovin’”, 

Everybody Needs Somebody To 

Love” oder “Minnie The Moocher”. 


10 Tracks) us 

IAN GILLAN 

GILLAN’S INN 

Die 

kleine 

Enttäuschung 

für 

Sammler 

vorneweg: Das 

begehrte Cover 

von “Can I Get 

A 

Witness?”, 

einst versehentlich h auf der „Fehlpressung” 

der Erstausgabe gelandet, fehlt 

auf dem Analog-Reissue genau wie 

“Demon’s Eye” und die beiden der 

Deluxe Tour Edition beigegebenen 

Livetitel aus Anaheim. Aber was soll’s 

– dann wäre es ein Triple-Album geworden. 

Auf dem sauber gepressten 

Doppeldecker landet noch genug bärenstarker 

Stoff, den der begnadete 

Shouter da mit zahlreichen Kumpels 

aus diversen Schaffensphasen – von 

Jon Lord, Ian Paice über Joe Satriani, 

Tony Iommi bis Uli Jon Roth, Steve 

Morse und Don Airey – zusammentrug. 

In fünf verschiedenen Studios 

unter der Regie von Nick Blagona 

nahm Gillan Mitte der letzten Dekade 

sich erneut Songs von Solo-Alben, 

von Deep Purple und Black Sabbath, 

dazu das neue “No Worries” und das 

feine Dylan-Cover “I’ll Be Your Baby 

Tonight” vor, die er stimmlich noch 

immer überzeugend, wenn auch ohne 

die ganz hohen Höhen, und instrumental 

grandios unterstützt in fettem 

Sound auf die Festplatte brachte. 

Fast alle Versionen können auch mit 

Abstand den Vergleich mit den Originalen 

bestehen – auf ein Remake 

aus JESUS CHRIST SUPERSTAR- 

Beständen verzichtete Gillan leider 

Gottes. Aber auch so steht einem der 

größten Rocksänger aller Zeiten eine 

solche Ladung Selbstbeweihräucherung 

einfach zu. 

(earMusic/edel, 2006/2014, 

2 LPs 14 Tracks) lbr 

TED NUGENT 

CAT SCRATCH FEVER 

Zwar 

sollte 

man als politisch 

korrekter 

Rezensent keinem 

Tonträger 

des 

bekennenden 

Beinahe-Nazis 

und Waffennarren Ted 

Nugent huldigen. Aber erstens haben 

sich Hard Rock und PC noch nie 

gut vertragen, und zweitens stammt 

die dritte und sicher stärkste Studioscheibe 

des Motorcity Madman 

aus dem Jahr 1977, als die Hirnwindungen 

des ehemaligen Amboy 

Duke noch nicht völlig nach rechts 

und “Out Of Control” (Schlusstitel) 

drehten. In zehn selbst geschriebenen 

Nummern rockt Nugent ohne 

Sperenzien und Kompromisse los 

wie die Hölle, der Ton seiner semiakustischen 

Gibson Byrdland hat 

einfach Klasse. Music On Vinyl hat 

ein schönes Reissue im Hochglanz- 

Klappcover vorgelegt, wohl überspielt 

von den digitalen Remastern 

der 1999er Legacy-Edition. Der 

Sound jedenfalls kommt klarer und 

druckvoller als bei einer zum Vergleich 

vorliegenden kanadischen 

Epic-Pressung aus den 70ern. 



ALAN PARSONS 

ON AIR 

Wo soll man 

dieses 

edle 

Hochglanz- 

Klappcover mit 

seiner 

blauen 

Vinylscheibe 

darinnen 

nun 

einordnen? ?Unter A wie Alan Parsons 

Project oder unter P wie der Namensgeber? 

Rechtlich ist die Sache klar, der 

Soundtüftler und Produzent hatte die 

Scheibe 1996 unter eigenem Namen 

veröffentlicht. Musikalisch wird’s 

schwieriger: Denn das APP-Konzept 

mit verschiedenen Sängern behielt 

AP bei, dazu reihen sich Sound und 

Songs nahtlos ein ins Gesamtwerk. 

Und wie dieses bot auch ON AIR 

Höhen und Tiefen. Das instrumentale 

“Cloudbreak”, das beat leesk beginnende 

und dann grandios gesteigerte 

“One Day To Fly” oder die Ballade 

“Brother Up In Heaven” zählen zu 

den stärkeren Songs, bei “Fall Free” 

fühlt man sich gar ans Meisterwerk I 

ROBOT erinnert. Das entschädigt für 

den langweiligeren Rest. Man mag 

darüber streiten, ob analoge Reissues 

Vinyl 

von ausgefuchsten Digitalproduktionen 

wirklich Sinn machen. Wenn sie 

so schön daherkommen wie diese Limited 

Edition, dann schon. 



FOREIGNER 

CLASSICS 

Über 

Neueinspielungen 

alter 

Titel lässt sich 

ewig 

streiten, 

doch vor allem 

dann, wenn 

sich eine Band 

mit neuen Mitgliedern neu gefunden 

hat und sie schon geraume Zeit in 

dieser Konstellation unterwegs ist, 

macht so eine Sache Sinn. Mit Lou 

Gramm verlor Foreigner 2003 einen 

prägenden Sänger, es schien fast unmöglich, 

einen passenden Ersatz zu 

finden. Seit März 2005 hat nun schon 

Kelly Hansen den Job am Mikrofon 

übernommen, und nach einigen Anfangsschwierigkeiten 

ist es ihm längst 

gelungen, aus dem Schatten seines 

Vorgängers zu treten. Dies zeigt er 

auch auf der Doppel-LP mit dem 

programmatischen Titel CLASSICS, 

auf der es in exzellenter Tonqualität 

– gerade mal vier Titel gibt es pro LP- 

Seite zu hören – einmal quer durch 

die lange Karriere von Foreigner 

geht, von “Feels Like The First Time” 

über “Cold As Ice” und “Waiting For 

A Girl Like You” bis zu “The Flame 

Still Burns”. 

(earMusic/edel, 2014, 2 LPs, 

16 Tracks) tk 

HARRY BELAFONTE 

AT CARNEGIE HALL: 

THE COMPLETE CONCERT 

Fans von Harry 

Belafonte wurden 

zu Beginn 

2000 oftmals 

enttäuscht, da 

das 

beliebte 

Konzert in einer 

CD-Ausgabe erschien, bei der 

einige Songs fehlten. Die Vinyledition 

von Speakers Corner entspricht 

dem Original (Doppel-LP im Klappcover) 

und wurde sogar ein wenig 

transparenter remastert. Bei dem an 

zwei Tagen aufgenommenen Konzert 

bewegt sich Belafonte zwischen 

traditionellem und folkloristischem 

Material der Karibik (Folkweisen 

und Arbeitersongs) und Titeln, 

mit denen er berühmt wurde. Der 

Mann lässt sich eben nicht nur auf 

“Matilda” und “Day-O” reduzieren, 

sondern punktet auch hinsichtlich 

seines Gesangs und der lebensfrohen 

Grundatmosphäre bei Stücken 

wie “Cotton Fields” oder “All My 

Trails”. Nicht nur die Fans ließen 

sich verzaubern, denn die Platten 

verbrachte tatsächlich geschlagene 

vier Jahre in den amerikanischen 

Charts. 

(Speakers Corner, 1959, 

19 Tracks) at 

BAD SALZUFLEN 

BAHNHOF BAD SALZUFLEN 

Shakatak 21. 

Septem 

Dire Strats 

Thorbjørn Risager & 

The Black Tornado 

British Blues All Stars 

Albert Hammond 

Songbook ok Tour 2014 

Oldie-Night 

ELO by 

Phil 

Bates, Quo, Time Out 

Tommy Emmanuel 

The Australian Guitar-Legend 

Midge Ure 

The Voice of Ultravox – solo 

e 

September 

02. 

Oktober 

09. 


14. 


Climax Blues Band 

Okto 

Dan Baird & Homemade Sin 

Blug plays Hendrix 

KONZERTHALLE BAD SALZUFLEN 

STADTHALLE DETMOLD 

16. 


23. 


20. 

November 

24. 

September 

11. 


14. 

November 

17. 

November 

Tickets über: HOTLINE 0180 6050400, www.adticket.de, 

www.bahnhof-bad-salzuflen.de und 

www.backline-entertainment.de 


LP 

REVIEWS 

SADE 

STRONGER THAN PRIDE 

Fast zeitgleich trafen 

sie ein: aus den 

USA das wirklich 

nicht billige, nummerierte 

Exemplar 

von Audio Fidelity, 

„specially 

remastered 

for this LP” von Kevin Gray, im 

Klappcover in etwas abgetönten Farbtönen. 

Und das deutlich niedriger gepreiste 

Reissue von Music On Vinyl im hochglänzenden 

Einfachcover mit eingelegtem 

Textblatt. Zweimal „back in black”: sicher 

auch ein Zeichen der Wertschätzung 

für die wunderschöne 80er-Jahre-Ikone 

Sade Adu, die mit ihrem lasziven Gesang, 

sanft angejazzten Tönen, einer exzellenten 

Band und nicht zuletzt exzellenter 

Produktion einen unterkühlt-erotischen 

Kontrapunkt zur übersynthetisierten 

Mucke dieses Jahrzehnts setzte. Album 

Nummer 3, im Mai 1988 veröffentlicht, 

wurde 2000 digital remastert – auf diese 

Files geht wohl die MOV-Pressung zurück. 

Keine Schande, für sich genommen 

klingt das auch vom Vinyl sehr gut. Doch 

im direkten Vergleich präsentiert die AF- 

Version die einzigartige Stimme samtiger 

und – Pardon fürs Klischee – wärmer, den 

Hall darumherum mit weniger Eis. Die 

akustischen (schöne Bläser, feines Piano), 

elektrischen (starke Gitarren) und elektronischen 

Instrumente tönen detailreicher. 

Der Durchschnittspegel liegt etwas niedriger, 

dafür sorgen mehr Dynamikspitzen 

für mehr Leben. Die holländische MOV- 

Pressung ist sehr gut, die US-Pressung 

fast perfekt. 

(Audio Fidelity/Sieveking Sound + 

Music On Vinyl/Cargo, 1988, 


CREAM 

ROYAL ALBERT HALL LONDON 

MAY 2-3-5-6 2005 

„Thanks for waiting 

all these years ... we 

will play every song 

we know ... as long 

as we can”, dann 

machte Eric Clapton 

eine kurze Pause, 

sagte dann: „Oh, thank you very much for 

coming.” Ja, Cream- und Blues-Rockfans 

mussten schon eine Menge Geduld aufbringen, 

bis sich Eric Clapton, Ginger 

Baker und Jack Bruce wieder einmal die 

Ehre gaben und für vier (restlos ausverkaufte) 

Abende in der Londoner Royal 

Albert Hall spielten. Was sie dort geboten 

bekamen, war einsame Klasse, wie in den 

einleitenden Worten versprochen, musste 

das Publikum auf keinen Hit verzichten, 

von “I’m So Glad” über “Born Under A 

Bad Sign”, “Badge” und “White Room” 

ging es bis zu “Sunshine Of Your Love”. 

Natürlich birgt so eine Geschichte immer 

die Gefahr, in eine uninspirierte Oldie- 

Show abzudriften, doch wie locker und 

dennoch auf den Punkt konzentriert die 

Drei hier agierten, zeigt einmal mehr 

ihre Klasse. Bestens in dieses Bild passt 

die jetzt veröffentlichte Dreifach-LP, auf 

schwerem 180g Vinyl – und mit der notwendigen 

Lautstärke abgespielt – bieten 

Cream hier Blues-Rock der Extraklasse. 

(Music On Vinyl/Cargo, 2005, 3 LPs, 

20 Tracks) us 

DEEP PURPLE 

PHOENIX RISING 

Nur kurz, gerade mal 

ein gutes Jahr, musizierten 

Jon Lord, 

David 

Coverdale, 

Tommy Bolin, Glenn 

Hughes und Ian Paice 

miteinander, 

mit 

COMETASTETHE THE BAND gibt es nur ein 

Studio-Album von Deep Purple Mark IV. 

Da Japan für die britischen Hard Rocker 

schon immer ein gutes Pflaster war, brachen 

sie auch im Dezember 1975 dorthin 

auf. Dort, genauer gesagt am 15. Dezember, 

ließen sie im Budokan in Tokyo die Bandmaschinen 

mitlaufen, eine nur in Japan veröffentlichte 

Vinylsingle war das Ergebnis, 

der Rest der Aufnahmen kam ins Archiv 

und wurde dort vergessen. Bis sie vor ein 

paar Jahren wieder entdeckt wurden und 

erweitert um ein paar Aufnahmen aus dem 

kalifornischen Longbeach aus dem Februar 

1976 als PHOENIX RISING ans Tageslicht 

kamen. Und offenbar hatten die deutschen 

Fans darauf gewartet, endlich vernünftiges 

Livematerial dieser Besetzung zu hören, 

das Album kletterte bis auf Platz 22 in den 

deutschen Charts; zum Vergleich. In ihrer 

britischen Heimat reichte es gerade zu Platz 

188! Jetzt gibt es PHOENIX RISING als 

hochwertige Doppel-LP, kräftig und druckvoll 

klingend, mit aufklappbarem Cover 

und schön gestalteten Innenhüllen. 

(earMusic/edel, 2011, 2 LPs, 9 Tracks) us 

BOB DYLAN & THE BAND 

BEFORE THE FLOOD 

Acht Jahre zuvor hatte 

das Dumpfbacken- 

Publikum sie von der 

Bühne gebuht – jetzt 

kamen sie wieder im 

Triumph. Als Dylan 

& The Band im Januar 

/F Februar 1974 wieder regelrecht – und sofort 

ausverkauft – durch die USA tourten, präsentierten 

sie sich als eingeschworenes Team – 

inklusive Levon Helm, der sich einst, 1965 

schon, mit His Bobness zerstritten hatte. Aus 

Respekt vor seiner Gar-Nicht-Begleit-Band 

gönnte ihnen Dylan die komplette zweite und 

die halbe dritte Seite der überwiegend während 

der letzten Tourdaten mitgeschnittenen 

Doppel-LP, einschließlich des von Keyboarder 

Richard Manuel einigermaßen grauenhaft 

falsettierten Dylan-Originals “I Shall Be 

Released”. Aus seinem eigenen Repertoire 

ließ Dylan fast nur Sixties-Material in die 

Liverille, mit Ausnahme eines hart gerockten 

“Knockin’ On Heaven’s Door” (1973). Seine 

Klassiker indes spielte er zum Teil stramm 

umarrangiert, aber noch nicht so entsetzlich 

verunstaltet wie auf der viel späteren „Never 

Ending Tour”. Wenn dann am Schluss der 

vierten Seite “Blowin’ In The Wind” verklungen 

ist, hat man eine Art „Best Of – Live” 

von Dylan und The Band gehört. Und bleibt 

glücklich darüber, denn BEFORE THE 

FLOOD hat die Zeiten überstanden als eines 

der intensivsten und wertigsten Dokumente 

der Musikgeschichte, bevor die Flut von 

Plunder-Pop, Pomp-Rock, Punk und Plastik- 

Schrott die alten Ideale hinwegspülte. Zum 

Glück trägt natürlich die im Vergleich zu alten 

CBS-Pressungen extrem detailreiche und 

selbst gegenüber dem 2009er CD-Remaster 

nuanciertere Klangqualität bei, die MFSL 

von den Originalmastern in die bis auf leichtes 

Knackern zu Beginn Seite 4 einwandfrei 

gefertigten Vinyls brachte. 

(MFSL/Sieveking Sound, 1974, 

2 LPs, 21 Tracks) lbr 

TONY JOE WHITE 

TONY JOE WHITE 

Nach drei überragenden 

Alben für 

Monument war der 

begnadete 

Songschreiber 

Tony Joe 

White aus Oak Grove, 

Louisiana, beim 

großen Warner-Konzern untergekommen. 

Der Major finanzierte ihm im Dezember 

1970 Aufnahmen in Memphis, wo er seinen 

bis dahin rauen Swamp-Rock unter 

der Regie von Produzent Peter Asher etwas 

domestizierte. Dennoch gehören Songs wie 

der Opener “They Caught The Devil ...” zu 

den großartigsten Beiträgen des Genres, den 

besten Songs von CCR absolut gleichwertig. 

Aus dieser brodelnden Küche hätte man 

gerne mehr als die übrigen drei härteren Rocker 

des Albums gehabt. Ansonsten gibt es 

doch einige Midtempo-Nummern, die beim 

ersten Hören ein bisserl langweilen. Doch 

zum Glück pusten einen von Zeit zu Zeit die 

megascharfen Memphis Horns dann wieder 

wach. Je öfter man dieses Album hört, desto 

mehr entpuppt es sich als gut gemischtes Rezept 

gegen sumpfige Hausmannskost. 



THE 13TH FLOOR 

ELEVATORS 

LIVE EVOLUTION LOST 

Wahlweise als Doppel-CD 

oder als Dreifach-LP 

erscheint 

nun mit LIVE EVO- 

LUTION LOST der 

einzig 

überlebende, 

professionelle Livemitschnitt 

itt der 13th Floor Elevators. Teile 

dieses Konzertes vom 18. Februar 1967 in 

Houston gab es zuvor schon in unterschiedlichen 

Sets bzw. als Teil einer 1985er LP, 

bisher unveröffentlicht war die Jamsession 

mit der Vorband Conqueroo. Das erste Mal 

kann man dieses Konzert nun also in Gesamtlänge 

und in der originalen Abfolge 

genießen. Ob das Hörerlebnis allerdings 

wirklich einen Genuss darstellt, das kommt 

stark auf den Blickwinkel des Betrachters 

an. Denn um diesen Livegig richtig zu verstehen, 

muss man schon etwas tiefer in die 

Welt dieser legendären Band um Sänger 

und Gitarrist Roky Erickson einsteigen. Ob 

die vor Auftritten übliche LSD-Dosis hier 

besonders hoch war, oder ob noch andere 

bewusstseinserweiternde Stimulanzien dafür 

verantwortlich waren, sei dahingestellt, 

letztendlich führte der Auftritt in ihrer texanischen 

Heimat zu „einem Alptraum, 

zu einem der übelsten Auftritte” ihrer nur 

kurzen Karriere, wie sich Gitarrist Stacy 

Sutherland in einem 1977er Interview erinnerte. 

Verpatzte Einsätze, genuschelte und 

Vinyl 

vergessene Texte, verstimmte Instrumente, 

die zahlreichen Jamexkursionen bestanden 

größtenteils aus richtungslosem, chaotischem 

Blues, hatten aber auch immer wieder 

ihre genialen Momente. Und genau hier 

beginnt auch die Faszination dieses kompletten 

Gigs, tiefer als mit diesem Konzert 

kann man kaum in die psychedelischen Abgründe 

dieser Band eintauchen, besser als 

hier wurden die 13th Floor Elevators ihrem 

Ruf wohl nie gerecht. Edel verpackt (inkl. 

Pos ter und LP-großem Booklet) kommen 

die drei LPs in farbigem Vinyl (blau, grün 

und rot), ein wahrhaft herrlicher, heutzutage 

aber auch ohne LSD zu genießender Trip ... 

(Charly/Cargo, 2014, 3 LPs, 18 Tracks) us 

DEWA BUDJANA 

SURYA NAMASKAR 

Dewa 

Budjana 

stammt aus Indonesien, 

spielt Gitarre 

und hat sich dem 

Jazz, genauer dem 

Fusion-Genre 

verschrieben. 

Gemeinsam 

mit Jimmy Johnson (b) und Vinnie Colaiuta 

(dr), die er auch auf dem Frontcover in 

großen Lettern nennt, hat er sein siebtes Album 

eingespielt (plus Gastspiele von Michael 

Landau/g und Gary Husband/synth). Was 

Budjana von vielen ähnlich agierenden Kollegen 

abhebt, ist die Tatsache, dass er zwischendurch 

auch Prog-Elemente einfließen 

lässt und seine Melodien oft ethno-mäßig 

inspiriert sind. Überhaupt beeindruckt das 

Wechselspiel zwischen formfreiem und melodisch 

strukturiertem Spiel – Überraschungen 

sind so programmiert. Assoziationen in 

Richtung Mahavishnu Orchestra oder Allan 

Holdsworth werden durchaus öfter mal geweckt, 

ohne dass Budjana nur simpel abgekupfert 

hätte. Auf Vinyl klingt’s noch einen 

Tick wärmer und erdiger als auf CD. 

(Freiland/Cargo, 2014, 

8 Tracks, CD: 8/55:47) pro 

THE AUSTRALIAN 

PINK FLOYD SHOW 

ECLIPSED BY THE MOON – 

LIVE IN GERMANY 

Ende der 80er Jahre 

fanden sich im australischen 

Adelaide 

ein paar Musikbegeisterte 

zusammen, 

deren Ziel es war, die 

Songs von Pink Floyd 

so originalgetreu i wie möglich nachzuspielen. 

Bei einem Fantreffen im Londoner Wembley- 

Stadion im Jahr 1993 feierte The Australien 

Pink Floyd Show ihren Durchbruch, seither 

tourt sie in wechselnden Besetzungen mit 

ständig steigendem Erfolg durch die Welt. 

Letztes Jahr war sie in Europa mit einem 

Best-Of-Programm mit dem Titel ECLIPSED 

BY THE MOON unterwegs, dabei wurde ihr 

Auftritt in der Trier-Arena mitgeschnitten. In 

unterschiedlichen Formaten (CD, DVD, Bluray) 

gibt es diesen Mitschnitt nun, und auch 

wenn die LP-Ausgabe im Gegensatz zu den 

anderen Formaten mit zehn Tracks lange nicht 

alle aufgeführten Tracks bietet, liefert sie diese 

in bestechender Tonqualität, von “Money” 

über “Eclipse” bis zu “Comfortably Numb”. 

(Black Hill Pictures/edel, 2014, 

10 Tracks) us 


CD 

REVIEWS 

DANNY BRYANT 

TEMPERATURE RISING 

Auf seiner zweiten Studioproduktion 

für das Freiburger Jazzhaus-Label hat 

der britische Gitarrist und Sänger neben 

riffbetonten Blues-Rocktiteln mit Overdrive-gesättigten 

Gitarrensounds wie dem 

Opener ”Best Of Me” oder der straighten 

Rock’n’Roll-Nummer ”Nothing At All” 

mit drei getragen-balladesk daherkommenden 

Tracks auch ruhigere Töne im 

Angebot. Dabei stammt das Songmaterial 

komplett aus der Feder des 34-Jährigen, 

der sich einst von Walter Trout zu einer 

Musikerkarriere inspirieren ließ, und gegenüber 

seinen Liveshows erfährt der Triosound 

hier eine klangliche Erweiterung 

durch den Einsatz eines Keyboarders, der 

zudem für die Backing Vocals zuständig 

ist. Sicherlich kaum etwas für eher traditionell 

orientierte Bluesfans, bei der 

Blues-Rockgemeinde dürfte Bryant mit 

besagtem Songmix hingegen durchaus 

punkten können. 

(Jazzhaus/inakustik, 2014, 9/42:27) ms 

LONG JOHN BALDRY 

THE BEST OF THE STONY 

PLAIN YEARS 

Der 2005 verstorbene 

John William 

Baldry war 

ein 

Brit-Blueser 

der ersten Stunde 

und ist u.a. auf 

Alexis Korners 

R&B FROM THE MARQUEE zu hören, 

das gemeinhin als erste im UK produzierte 

Blues-LP gilt. 1978 siedelte der Zweimetermann 

nach Kanada über, wo er ab 1991 

drei Studio- und zwei Live-Alben für das in 

Edmonton ansässige Stony-Plain-Label aufnahm. 

Von jenen drei Studioproduktionen 

stammt denn auch das Gros der elf Songs 

dieser Compilation, ergänzt um einen bis 

dato unveröffentlichten Livemitschnitt des 

Hooker-Klassikers ”Dimples”, einen Beitrag 

für einen Promo-Sampler sowie einen 

Titel von der CD JIMMY WITHERSPOON 

WITH THE DUKE ROBILLARD BAND, 

bei dem Baldry “Spoon” bei den Vocals assistierte. 

Eine schöne Reminiszenz an diesen 

ausdrucksstarken Sänger, der allerdings ein 

paar Tracks mehr gut angestanden hätten. 

(Stony Plain/inakustik, 2014, 11/44:09) ms 

AŞA 

BED OF STONE 

Vier Jahre hat sich Aşa Zeit gelassen. Nun 

kehrt die unter dem bürgerlichen Namen 

Bukola Elemide geborene französisch-nigerianische 

Soul-, Funk- und Reggae-Sängerin 

mit einem würdigen Nachfolger zu ihrem Album 

BEAUTIFUL IMPERFECTION (siehe 

GoodTimes 6/2010) zurück. Grund für die 

lange Pause war eine Erschöpfung, die Aşa 

(„Falke”) 2012 nach einer zweijährigen Welttournee 

erlitt. Auf BED OF STONE sind wieder 

alle Zutaten zu hören, die schon die beiden 

Vorgängeralben ausgemacht haben: die wendige, 

frische, sympathische Stimme, mit der 

die nunmehr 32-Jährige ihre emotionalen wie 

politisch engagierten Texte so überzeugend 

rüberbringt, sowie die mal sanft groovende, 

mal melancholische Musik. Höhepunkte sind 

diesmal das mit einem manischen New-Orleans-Rhythmus 

nach vorne treibende “Satan 

Be Gone” sowie die sinfonische, schillernde 

Soulballade “Love Found Me”. 

(Naïve/Indigo, 2014, 12/41:10) frs 

RY COODER 

SOUNDTRACKS 

Um was ging es noch mal in Wim Wenders’ 

„Paris, Texas”? Selbst wenn die Handlung 

längst vergessen sein sollte, fast jeder, der 

den Film gesehen hat, erinnert sich noch an 

den eindringlichen Soundtrack: Ry Cooders 

gefühlvolles Slidegitarrenspiel, mit dem 

er die Wüstenlandschaften des US-Südens 

akustisch illuminierte. In den 80ern und 

90ern brachte Cooder neben PARIS, TEXAS 

(1985) eine Reihe von Soundtrack-LPs raus. 

Auf diesen weitgehend instrumentalen Alben 

konnte sich der Gitarrenvirtuose musikalisch 

austoben, musste er seine Kreativität 

nicht in Songformate zwängen. Nachdem die 

Plattenfirma Rhino zuletzt seine regulären 

Studio-Alben zu einem Päckchen gebündelt 

hat, folgt nun mit SOUNDTRACKS ein Set 

mit sieben Soundtrack-CDs. Der musikhistorisch 

interessierte Cooder konnte dabei 

eine große stilistische Bandbreite ausprobieren. 

Für den Score zum Western THE LONG 

RIDERS (1980) reiste er mit Folk, Bluegrass 

und Squaredance weit zurück in die Zeit 

des US-Bürgerkrieges (großartig: “Jesse 

James”), tauchte für den an Robert Johnson 

angelehnten Roadmovie CROSSROADS 

(1986) tief im Südstaaten-Blues (herausragend: 

“Down In Mississippi”) und wählte 

für den düsteren Action-Thriller TRESPASS 

(1993) sphärische, flirrende Klänge. Weiterhin 

in der Box enthalten: MUSIC FROM 

ALAMO BAY (1985), BLUE CITY (1986) 

und JOHNNY HANDSOME (1989). 

(Rhino/Warner, 7 CDs, 1980–1993) frs 


DEEP FEELING – 75 MASTER- 

PIECES OF 31 BLUES GUITAR 

HEROES 

Blues – das ist nicht nur eine Musik, das 

ist glatt ein eigenes Studienfach. Was zwar 

bekannt ist, aber besonders markant ins Gedächtnis 

zurückgerufen wird durch Sampler 

wie DEEP FEELING. Aus einem Meer von 

umwerfenden Großtaten der Jahre 1946 bis 

1962 die besten Tropfen herauszufiltern, 

ist eigentlich unmöglich, hier aber Labelübergreifend 

gelungen, sieht man mal davon 

ab, dass rechtliche (?) Schranken Titel 

einiger Giganten wie Muddy Waters, Willie 

Dixon, Little Walter oder Billy Boy Arnold 

verhindert haben. Es bleiben noch überreichlich 

Top-Blueser übrig: B.B., Albert, 

Earl und Freddie King, Buddy Guy, Elmore 

James, Otis Rush, John Lee Hooker, Jimmy 

Reed, Bo Diddley, Chuck Berry ... , und hinzu 

kommen weniger geläufige Namen wie 

Gene Phillips, Hop Wilson, Robert Ward und 

Johnny Fuller, die hier alle mit extrem gelungenen 

Tracks vertreten sind. Aufgefahren 

wird elektrisierender Blues mit und ohne Piano 

oder Saxofon, herrlich rumpelnde oder 

Blues – R&B – Soul – Funk – Reggae 

elegant angejazzte Songs, Lieder mit irren 

Ohrwurmqualitäten oder wahnsinnig packenden 

Intros, heftig geschrubbter Gitarre 

oder stechenden Solos. Songs mit wohliger 

Schlafzimmeratmosphäre oder unheimlichen 

Stimmungsbildern. Afrikanische Einflüsse 

treffen auf europäischen Walzer, und 

einige Acts kommen beim Beschwören ihres 

Bluesfeelings auch ohne viele Worte aus. 

Beim Durchhören der opulenten Kollektion 

juckt es dauernd in den Fingern, die Namen 

von Bluesern zu notieren, deren Musik man 

unbedingt vertieft kennen lernen will. So ist 

das bei Einstiegsdrogen. 

(Fantastic Voyage/Rough Trade, 2014, 

25/68:22; 25/68:47; 25/68:35) hjg 

DR. JOHN 

THE LOST BROADCAST 

Dr. John ist bekannt 

für seine Bühnenqualitäten. 

Umso 

erstaunlicher ist es, 

dass es bislang kein 

angemessenes 

offizielles 

Live-Album 

gibt – gerade aus seiner Blütezeit Anfang 

der 70er Jahre. Zum Glück hat der US-Sender 

WLIR (FM) im Jahr 1973 ein Konzert 

der Swamp-Blueslegende und des Voodoo- 

Zeremonienmeisters in Hempstead, New 

York, aufgezeichnet, das nun auf CD veröffentlicht 

wird. In den Ultrasonic Studios 

präsentierte sich der Sänger und Pianist aus 

New Orleans den Zuschauern und Zuhörern 

in Top-Form, mit dem bestens aufgelegten 

siebenköpfigen Rampart Street Sympathy 

Orchestra im Rücken. Dr. John spielte 

mitreißendes Material von seinen bis dahin 

vorliegenden sechs Studio-Alben, darunter 

Favoriten wie “Loop Garoo”, “I Walk On 

Guilded Splinters” und “Right Place Wrong 

Time”, aber auch so manches Rares, nach 

dem Fans im Katalog des Künstlers bislang 

lange suchen mussten, darunter Willie Dixons 

“Wang Dang Doodle” und Earl Kings 

“(Come On) Let The Good Times Roll”. 

Die Klangqualität ist relativ gut, lässt aber 

aus unerfindlichen Gründen im zweiten Teil 

nach. 

(Chrome Dreams/inakustik, 17/76:09) frs 

CHICKEN SHACK 

THE VERY BEST OF CHICKEN 

SHACK 

Diese 1990 erstmals 

veröffentlichte Chicken-Shack-Compilation 

vereint die 

1969er Hitsingle ”I’d 

Rather Go Blind” mit 

19 weiteren Songs 

von den vier LPs, die das britische Quartett 

zwischen 1968 und 1970 auf Mike Vernons 

Blue-Horizon-Label vorlegte. Ein wenig 

ärgerlich ist dabei, dass in den unverändert 

übernommenen Liner-Notes immer noch zu 

lesen ist, das dritte Album der Band, 100 

TON CHICKEN, habe u.a. wegen der „bemerkenswerten 

Gesangsparts von Christine 

Perfect” begeistert, war die Keyboarderin 

und Sängerin doch an den Aufnahmen zu 


CD 

REVIEWS 

dieser LP gar nicht mehr beteiligt. Das tut 

der musikalischen Qualität des Ganzen natürlich 

keinerlei Abbruch, und Songs wie 

”Mean Old World” oder eben ”I’d Rather 

Go Blind”, auf denen Perfect tatsächlich als 

Sängerin zu hören ist, belegen in der Tat die 

Klasse ihrer gesanglichen Performance. 

(Music On CD/H’Art, 2014, 20/67:30) ms 

DEVON ALLMAN 

RAGGED & DIRTY 

Zeitgleich mit Mike 

Zito (siehe Rezi auf 

dieser Seite) legt der 

andere Gitarrist der 

Royal Southern Brotherhood 

ein neues 

Solo-Album vor. 

Devon Allman hat seinen berühmten Familiennamen 

stets eher als Belastung empfunden 

und sich gerade deswegen zum eigenen 

musikalischen Profil durchgebissen, wenngleich 

Echos der Allmans in seinem Blues 

durchaus zu finden sind. Für RAGGED & 

DIRTY hat er seine „südliche Komfortzone” 

verlassen, in Chicago erstklassige Musiker 

rekrutiert und den Grammy-Gewinner Tom 

Hambridge (der auch Schlagzeug spielt) als 

Produzenten gewonnen. Kluge Schachzüge, 

denn Hambridge holt aus der Mischung, bestehend 

aus vier seiner eigenen Kompositionen, 

drei Cover-Versionen und fünf Devon- 

Allman-Originalen, das Optimum heraus. 

Und es gilt festzuhalten, dass Allmans Songs 

“Traveling”, “Blackjack Heartattack”, “Back 

To You” und das neunminütige Instrumental 

“Midnight Lake Michigan” auch das Quartett 

der besten Tracks bilden. Voll im Saft 

stehender elektrischer Blues, gefüllt mit 

Herzblut, Gitarrenlinien von feinfühlend bis 

berserkerhaft und hochkonzentriertem Gesang. 

Auch die stilistische Breite innerhalb 

selbst gesteckter Grenzen ist vorbildlich und 

bietet reichlich Abwechslung in den Details. 

Und wer mit “Ten Million Slaves” einen 

Song des unvergleichlichen Otis Taylor covert, 

macht sowieso alles richtig. 

(Ruf/inakustik, 2014, 12/48:14) hjg 

ALI CAMPBELL 

THE LEGENDARY VOICE OF 

UB40 REUNITED WITH ASTRO 

& MICKEY 

Schon vom ersten Ton an sind die musikalischen 

Koordinaten gesteckt: Reggae meets 

Mainstream-Pop. Nein, es hat sich nichts 

verändert bei UB40, seit die Band vor drei 

Dekaden ins Leben gerufen wurde. Was auch 

nicht schlimm ist, denn dieser Mix aus Wohlklang 

und pulsierendem Rhythmus funktioniert 

nach wie vor ausgezeichnet, sofern der 

Hörer kein Problem mit absoluter Radio- 

Kompatibilität hat. In der Bandhistorie hat 

sich allerdings einiges getan, denn 2008 verließ 

UB40-Frontmann Ali Campbell die Formation 

im Streit, bald darauf folgten Keyboarder 

„Mickey” Virtue sowie Trompeter 

sowie Perkussionist „Astro” Wilson, also die 

UB40-Rumpftruppe. Exakt diese drei englischen 

Reggae-Pop-Koryphäen fanden sich 

jetzt wieder zusammen, die neue Scheibe 

besteht zur Hälfte aus Eigenkompositionen, 

zur anderen Hälfte aus Cover-Versionen. Jah 

wacht über allem, Gute-Laune-Reggae ist in 

jedem Fall garantiert. 

(Cooking Vinyl/Indigo, 2014, 

13/47:14) mfg 

ELVIN BISHOP 

CAN’T EVEN DO WRONG RIGHT 

Eingespielt mit seiner Tourband und einigen 

Studiogästen, darunter Blues-Harp- 

Altmeister Charlie Musselwhite und 

Ex-Jefferson-Starship-Sänger Mickey 

Thomas, bietet die Tracklist dieses Albums 

je zur Hälfte Songs aus Bishops eigener 

Feder sowie Altbewährtes wie etwa 

den Little-Walter-Klassiker ”Blues With 

A Feeling” oder eine Instrumentalversion 

des weiland bereits von den Stones auf 

ihrer Debüt-LP gecoverten Jimmy-Reed- 

Hits ”Honest I Do”. Dabei ist der Titel 

der Eigenkomposition ”Old School” auch 

bei Ausflügen in Soul oder Zydeco stets 

zugleich musikalisches Programm, und 

man kann diesem hörenswerten Alterswerk 

zudem durchaus jenes „happy-golucky 

vibe” bescheinigen, von dem auf 

der Homepage des Chicagoer Labels die 

Rede ist, zu dessen Portfolio der mittlerweile 

71-Jährige nun wieder zählt. 

(Alligator/inakustik, 2014, 10/39:46) ms 

JAMES BROWN 

THE FEDERAL SINGLES 

1958–1960 

Auch wenn im Titel 

dieser 

Doppel-CD 

anderes zu lesen 

ist, so stammen die 

ersten der hier dokumentierten 

Aufnahmen 

Browns 

für das King-Sublabel b Federal Records 

bereits aus dem Jahr 1956, was in den 

ausführlichen Liner-Notes wie bei den für 

die einzelnen Songs aufgelisteten „Recording 

Dates” auch entsprechend vermerkt 

ist. Beginnend mit seinem Labeldebüt 

”Please, Please, Please”, das ihm gleich 

einen Millionenseller bescherte, finden 

sich auf den beiden im Vinyldesign daherkommenden 

CDs in chronologischer 

Reihenfolge sämtliche A- und B-Seiten 

der mal mehr – wie etwa Browns erster 

R&B-Chart-Topper ”Try Me” –, mal weniger 

erfolgreichen Federal-Singles, die 

der spätere „Godfather Of Soul” in jenen 

frühen Jahren seiner Karriere einspielte, 

als er noch fest im Rhythm & Blues mit 

gelegentlichen Doo-Wop-Anklängen verhaftet 

war. 

(Not Now Music/H’Art, 2014, 2 CDs, 

18/45:19, 18/46:47) ms 


MIKE ZITO & THE WHEEL 

SONGS FROM THE ROAD 

„Der will nur spielen” – so könnte man 

Mike Zitos Leben beschreiben, nachdem 

er Alkohol & Drogen überwunden, geheiratet 

und 1997 sein Debütalbum vorlegte. 

Seitdem ging es steil bergauf beim festen 

Mitglied der Royal Southern Brotherhood, 

aber ein echter Blueser wie er hat stets 

noch überschüssige Kräfte frei, und die 

inves tiert er in seine eigene Gruppe The 

Wheel. SONGS FROM THE ROAD ist 

ein überaus solides Live-Album, das vor 

allem mit den autobiografischen Songs 

wie “Greyhound”, “Rainbow Bridge” 

und “Gone To Texas” punktet, in denen 

Zito zur gitarristischen und gesanglichen 

Höchstform aufläuft, aber auch die meisten 

übrigen Lieder, allen voran “Little 

Red Corvette”, “Pearl River” oder “Judgment 

Day” landen klar überm Durchschnitt. 

Auch Zitos Band mit dem starke 

Akzente setzenden Saxofonisten Jimmy 

Carpenter, dem geschickt jeden Zwischenraum 

nutzenden Keyboarder Lewis 

Stephens und dem Rhythmusgespann Scot 

Sutherland (b) und Rob Lee (dr) hat natürlich 

ein gerüttelt Maß Anteil am gelungenen 

Gesamteindruck. Die Bonus-DVD 

enthält 13 Tracks, von denen vier nicht 

auf der CD sind. 

(Ruf/inakustik, 2014, 12/65:00) hjg 

RAY CHARLES 

SINGLES COLLECTION 

1949–1962 PLUS MODERN 

SOUNDS IN COUNTRY & 

WESTERN MUSIC 

VOLUME 1 & 2 

Im Jahr, da sich 

sein Todestag zum 

zehnten Mal jährt, 

ist dies nicht die 

erste – und vermutlich 

auch nicht die 

letzte – Compilation, 

die sich ihaus diesem Anlass der frühen 

Schaffensphase des „Genius” widmet. In 

diesem Fall gibt es drei CDs mit den frühen 

Singles sowie eine vierte mit den beiden 

Country-LPs, die „Brother Ray” Anfang der 

60er Jahre einspielte, nachdem er von Atlantic 

Records zu ABC-Paramount gewechselt 

war. Dabei sind alle seine Hits aus jenen Tagen 

– vom ”Confession Blues” über ”Mess 

Around” und ”What’d I Say” bis zu ”Georgia 

On My Mind” und ”I Can’t Stop Loving 

You” – vertreten, und das im Gegensatz zu 

manch anderen Veröffentlichungen erfreulicherweise 

in chronologischer Reihenfolge. 

Und wenn Ray Charles auch immer noch 

in erster Linie als R&B-Musiker bzw. einer 

der Väter des Soul gilt, so machen seine 

hier dokumentierten Country-Alben deutlich, 

dass er seine Fühler im Laufe seiner 

langen Karriere immer auch in andere musikalische 

Gefilde ausstreckte, dies allerdings 

stets mit unverkennbar eigenen Akzenten. 

(Real Gone Music/H’Art, 2014, 

4 CDs, 22/60:36, 22/63:14, 

17/56:11, 24/72:08) ms 


RUF RECORDS – 20 YEARS 

ANNIVERSARY 

20 Jahre ist es mittlerweile her, dass Thomas 

Ruf sein Blues-(Rock-)Label aus der 

Taufe hob, und dieses Jubiläum feiert 

die Plattenschmiede aus Lindewerra mit 

einem Sampler bestehend aus zwei CDs, 

die fein säuberlich sortiert nach „Girls 

With Guitars” und „Guys With Guitars” 

daherkommen. Dabei reicht der Reigen 

der vertretenen Musiker/innen von Chicago-Bluesmann 

Luther Allison, der einst 

den Anstoß zur Gründung des Labels gab, 

bis hin zum letzten Neuzugang Eliana Cargnelutti, 

deren Debütalbum im Booklet 

für 2015 angekündigt wird. Neben weiteren 

Acts aus dem aktuellen Ruf-Portfolio 

wie der in diesem Jahr mit einem Blues 

Music Award ausgezeichneten Royal Southern 

Brotherhood oder der innovativen 

dänischen Formation Thor bjørn Risager 

& The Black Tornado finden sich auch 

solche, die wie Ana Popovic oder Walter 

Trout inzwischen bei anderen Plattenfirmen 

gelandet sind, und ergänzt wird das 

Ganze durch zweisprachige Liner-Notes 

des Labelchefs, mit denen er einen an seinen 

Erinnerungen an die Entstehung der 

einzelnen Songs teilhaben lässt. 

(Ruf/inakustik, 2014, 

2 CDs, 13/49:59, 15/68:43) ms 

GARY MOORE 

LIVE AT BUSH HALL 2007 

Gerade mal 400 Zuschauer 

fasst die 

Londoner Bush Hall, 

eine wunderschöne 

Location, die in 

viktorianischer Zeit 

als Tanzhalle erbaut 

wurde. Im Mai i2007 

war dort Gary Moore 

zu Gast, den die intime und feierliche Atmosphäre 

dieses Auftrittsortes hörbar beflügelte. 

Unterstützt von Pete Rees (b), 

Vic Martin (keys) und Brian Downey (dr) 

präsentierte der 2011 verstorbene Sänger 

und Gitarrist ein breites Spektrum an Bluesklängen. 

Mit rauer und extrem verzerrter 

Gitarre startete er mit “If The Devil Made 

Whiskey”, ließ mit “Thirty Days” ein ebenso 

kräftiges Chuck-Berry-Cover folgen, um 

dann das Tempo Song für Song herauszunehmen. 

Nach dem beseelten “Still Got The 

Blues” zeigte Moore dann mit “Walking 

By Myself”, “The Blues Is Alright” und 

“Sundown” seine Verehrung für alte Bluesrecken 

wie Jimmie Rogers, Little Milton 

und Son House. Klasse Auftritt! 

(Eagle/edel, 2014, 

13/73:42) tk 

JOHNNY WINTER 

STEP BACK 

Zurückgenommen hatte sich der kürzlich 

überraschend verstorbene Johnny 

Winter im Studio, als er mit zahlreichen 

Gästen für STEP BACK teils wohlbekannte 

Fremdvorlagen aus den 50er und 

60er Jahren neu interpretierte. Er stellte 

sein Ego hintan, als er mit Eric Clapton, 

Billy Gibbons, Joe Bonamassa, Dr. 

John, Joe Perry, Leslie West, Brian Setzer, 

Ben Harper, Jason Ricci und seinem 

Co-Gitarristen/Manager Paul Nelson 13 

mehr oder weniger bekannten Blues- (und 

Rock’n’Roll-)Nummern durchaus neue 

Facetten abgewann. Es ist nichts Innovatives 

dabei, aber alles gut gemacht – die 

Zeiten, als der Texaner die Musikwelt aus 

den Angeln gehoben hatte, waren schon 

lange vorbei. Und nach all den Tälern, die 

Winter durchschritten hatte, ist es einfach 

schön zu hören, dass er wieder in die Spur 

gefunden hatte und ein gelungenes Album 

hinterlassen hat. 

(Megaforce/Sony Music, 2014, 

13/50:35) pro 

LUTHER DICKINSON 

ROCK ‘N ROLL BLUES‘ 

Bei seinen Soloprojekten neben den 

North Mississippi Allstars (und den Black 

Crowes) setzt Luther Dickinson (Sohn 

der Produzentenlegende Jim D.) auf 

akustisches Instrumentarium. Und mit 

diesem lässt sich ebenfalls reichlich vor 

Kraft strotzendes Musikspektakel veranstalten. 

Das beweist der Gitarrist, Sänger 

und Songschmied mit seiner weiblichen 

Rhythmusabteilung Amy LaVere (Kontra- 


CD 

bass) und Sharde Thomas (Drums). 

Dickinson lässt seiner Liebe zum 

Country-Blues freien Lauf, den er 

mit Elementen aus Rock, Funk und 

Folk anreichert. Das Ganze klingt, 

frisch, erdig und alles andere als Retro-gläubig. 

So kann man sich auch 

fernab der ausgetretenen Klangspuren 

bewegen! Die Songs überzeugen, 

und Dickinson demonstriert 

(auch mal verzerrt intonierend), dass 

er bei seinen Lehrmeistern wie Ry 

Cooder oder RL Burnside gut hingehört 

hat. 

(New West/Warner, 2014, 

10/34:34) pro 

MOJO MAKERS 

DEVILS HANDS 

Das zweite Album 

stellt oft 

die Weichen 

für die Karriere. 

Im Falle 

der dänischen 

Mojo Makers 

kann es eigentlich nur aufwärts gehen 

– nimmt man DEVILS HANDS 

als Maßstab. Von wegen simpel gestrickt. 

Schon das Debüt war unter 

der Oberfläche sehr vielfältig gestaltet. 

Und das setzt die Gruppe um 

den superben Sänger Kaper Osman 

fort. Viele Songs haben gefangennehmende 

Wirkung, und das in sehr 

zurückgenommener Weise: “Fly On 

Baby” erinnert dank Kristian Hoffmanns 

Gitarre an Roy Buchanan. 

“Howl Away” groovt ruhig, entfaltet 

hypnotische Wirkung, obwohl 

oder weil wenig passiert. “Indian 

Woman” fließt dahin, bis eine heavy 

Gitarre hineinplatzt, während 

danach in “One True Love” eine 

einsame Dobro zu Stimme und ein 

wenig Perkussion vor sich hin sinniert. 

Wer sich in DEVILS HANDS 

versenkt, entdeckt viel musikalische 

Schönheit. 

(Hypertension/Soulfood, 2014, 

41:18) pro 

LOS PACAMINOS 

A FISTFUL OF STATINS 

Bereits 1992 gründete Paul Young, 

der begnadete Blue-eyed Soulsänger 

aus dem UK, mit ein paar Kumpels 

Los Pacaminos, um seine anderen 

musikalischen Neigungen neben 

dem Pop zu pflegen. Zehn Jahre dauerte 

es bis zum Debütalbum, weitere 

zwölf, um mit A FISTFUL OF STA- 

TINS den Nachfolger herauszubringen. 

Darauf pflegen Young (voc, g) 

sowie Drew Barfield (voc, ac-g), 

Jamie Moses (voc, g), Matt Irving 

(keys, acc), Melvin Duffy (pedal/ 

lapsteel), Steve Greetham (b) und 

Mark Pinder (dr) Tex-Mex, Country 

und auch ein wenig Americana 

in beschwingt groovender wie 

überzeugender und mitreißender 

Upbeat-Manier. Es wird hörbar, dass 

es den Könnern aus dem Dunstkreis 

der Pretenders, Squeeze, von Joe 

Jackson, Chris Rea, Tom Jones, Joan 

Armatrading oder Julia Fordham in 


erster Linie um den Spaß am gemeinsamen 

Musizieren geht! 


14/52:13) pro 

BILL WITHERS + 

WU-TANG CLAN 

ORIGINAL ALBUM 

CLASSICS 

Unterschiedlicher h könnten die beiden 

Protagonisten nicht sein, die Sony 

Music in der neuen Staffel seiner so 

erfolgreich laufenden „Original Album 

Classics”-Serie anbietet. Was Traditionalist 

Bill Withers und dem Wu-Tang 

Clan gemeinsam ist: Sie kommen beide 

aus der „schwarzen Musikecke”. Withers 

ist nicht nur ein geschmeidiger, 

auch mal samtener Sänger, sondern 

vor allem ein höchst talentierter Songschmied, 

der gerne Soul, R&B und 

Gospel mit Folkelementen vermengt. 

Und das in nahezu perfekten Harmonien. 

Nachzuhören auf MAKING 

MUSIC (1975), NAKED & WARM 

(1976), MENAGERIE (1977), BOUT 

LOVE (1978) und WATCHING YOU 

WATCHING ME (1985) mit zahlreichen 

zu Evergreens gewordenen 

Songs – womit er bereits zum zweiten 

Mal in dieser Serie vertreten ist. Der 

1992 gegründete Wu-Tang Clan vertritt 

die erste HipHop-Generation, wobei 

die Gang stets auch gern experimentell 

agierte. Zum Kennenlernen gibt es hier 

das Debüt ENTER THE WU-TANG 

(36 CHAMBERS) sowie THE W und 

IRON FLAG, die in den USA allesamt 

hoch charteten und heute auch bei jüngeren 

Rap- und HipHop-Fans begehrt 

sind und nun in Replica-Cover im 

Pappschuber für einen günstigen Preis 

erhältlich sind, um Wissenslücken in 

diesem Genre zu schließen. 

(Sony Music, 2014, 5 + 3 Alben) pro 

RORY BLOCK 

AVALON – A TRIBUTE TO 

MISSISSIPPI JOHN HURT 

Im Dezember 1963 erlebte Rory Block 

Mississippi John Hurt in einem Konzert 

und traf ihn auch backstage. Da 

war sie 14 Jahre alt und bereits Bluesinfiziert. 

Trotzdem dauerte es fast 50 

Jahre bis zu diesem herrlichen Tributalbum; 

gut Ding braucht halt Weile. 

AVALON ist der vierte Streich in ihrer 

Serie, mit der sie Country- und Delta- 

Heroen der Vergangenheit ehrt. Rory 

Block hat abermals keine Probleme 

damit, in Spitzensongs wie “Candy 

Man”, “Pay Day” “Richland Woman 

Blues” und “Stagolee” ein ganz eigenes 

Feuer anzuzünden. Dazu reichen 

ihre helle, einfühlsame und differenziert 

ausdrucksstarke Stimme und ihr 

leichtfingriges Gitarrenspiel, wobei sie 

die Gitarre mittels Overdubs verdoppelt 

und verdreifacht, um einen frisch schillernden 

Sound zu erzeugen. Die gleiche, 

ebenso liebevolle wie effektsichere 

Behandlung erfahren auch die Traditionals 

“Frankie & Albert” und “Make 

Me A Pallet On Your Floor”, und den 

Starter “Everybody Loves John” hat sie 

natürlich – im gleichen Stil und Geiste 

– selbst komponiert. Diese Bluesfrau 

macht einfach nie etwas verkehrt. 

(Stony Plain/inakustik, 2014, 

11/51:09) hjg 

BEN GRANFELT BAND 

HANDMADE 

Stimmt, 

es 

klingt wirklich 

handgemacht, 

was der Finne 

Ben 

Granfelt 

mit seiner Band 

auf der neuen 

CD präsentiert. t Also der Mann, der 

sich einen Namen als Gitarrist bei den 

Leningrad Cowboys, vor allem aber 

Wishbone Ash machte. Und Letztere 

klingen in seinem melodisch-flüssigen 

Spiel gelegentlich durchaus immer 

noch durch. Auf HANDMADE überzeugt 

Granfelt einerseits als Songschreiber, 

andererseits als ansprechender 

Cover-Künstler, der Vorlagen 

wie “Cocaine” (J.J Cale) oder “Dead 

In The Waters” (David Gray) einen 

eigenen Stempel aufdrückt. Der hätte 

bei Pink Floyds “Breathe” und Gerry 

Raffertys “Baker Street” kräftiger sein 

können: Die spielt Granfelt solide, aber 

zu brav. Die elektrische Gitarre dominiert 

neben anständigem Gesang, und 

im Zugabenteil demonstriert der Finne, 

dass er auch akustisch (und solo) zu 

überzeugen weiß. Anspieltipps wären 

“Faith Hope & Love”, “Get Up And 

Go” und “Bright Light And Dreams”, 

vor allem wegen Granfelts Gitarrenspiel 

und recht eingängiger Refrains. 

(Blues Boulevard/H’Art, 

2014, 14/66:05) pro 

STEVIE RAY VAUGHAN 

THE KING’S HEAD 

Junge, da müssen die (Blues-)Gitarristen 

seinerzeit die Ohren angelegt 

haben, als Stevie Ray Vaughan 

plötzlich auftauchte: Der Texaner 

konnte flitzefingermäßig abgehen, 

brachial schmettern, den sechs Saiten 

aber auch Töne entlocken, in denen 

eine gequälte Seele ihr Leid klagte. 

Drei Jahre vor seinem Durchbruch 

gastierte Vaughan in einem Studentenclub 

in Norfolk, Virginia, und 

glücklicherweise schnitt der lokale 

Radiosender WNOR mit. So kann 

man heute seine bereits überaus eigenständigen 

Interpretationen von 

Hendrix-Vorlagen (“Little Wing”, 

“Driving South” aus der Feder von 

Curtis Knight), von Freddie King 

(“Hideaway”), Howlin’ Wolf (“Love 

Me Darlin’”, “I’m Leaving You”) 

genießen. Ebenso zwei Eigenbauten, 

die 1983 auf TEXAS FLOOD wiederzuhören 

waren: “I’m Cryin’” 

und “Love Struck Baby”. Auch dank 

eines ordentlichen Sounds ist Vaughans 

Talent unüberhörbar. 

(Leftfield Media/inakustik, 2014, 

9/52:00) pro 


CD REVIEWS Country & Folk 

BONNIE DOBSON 

TAKE ME FOR A WALK IN THE 

MORNING DEW 

Die kanadische Folklady Bonnie Dobson, 

Schöpferin des gigantischen Apokalypse- 

Klassikers “Morning Dew”, lebt schon seit 

den späten Sixties im UK, hatte sich aber 

zwischen 1976 und 2010 (Album LOO- 

KING BACK) musikalisch recht still verhalten. 

Das macht ihr völlig überzeugendes 

neues Werk umso wertvoller. Eingespielt hat 

sie es mit relativ jungen Folk-Rockmusikern 

wie Ben Phillipson (g), Jonny Bridgwood 

(double-b), Dave Morgan (dr), Felix Holt 

(harp, voc), Ben Paley (fiddle), Sean Read 

(tp, perc), der Sängerin Ruth Tidmarsh und 

dem Pedalsteel-Veteranen B.J. Cole. Angespornt 

durch Dobsons ungebrochene Fähigkeit, 

tolle neue Songs zu schreiben, dem noch 

immer magischen Klang ihrer hellen, ausdrucksstarken 

Stimme und ganz allgemein 

ihrer Energie lief die komplette Begleitschar 

zur Hochform auf. Das Wechselspiel zwischen 

Frischware (“Come On Dancing”), 

Eigenklassikern (“Morning Dew”) und Traditionals 

(“Sandy Boys”) funktioniert ebenso 

gut wie der akustisch-elektrische Abwechslungsreichtum 

und das Pendeln zwischen 

britischem Folk-(Rock)-Feeling und amerikanischem 

Countryfundamenten, in denen 

auch Blues- und Mariachi-Spuren ihren Platz 

haben. Beste Arbeiten sind die Neuaufnahme 

von “Morning Dew”, das Traditional “Born 

In The Country” und vor allem “Winter’s 

Going”. Dieser drohende, unheimliche, toxische 

Song ist definitiv ein Meisterwerk für 

alle Zeiten! 

(Hornbeam/Soulfood 2014, 15/59:37) hjg 

LEVELLERS 

GREATEST HITS 

Seit mehr als 25 Jahren 

ziehen die Levellers 

nun schon durch 

die Lande, haben es 

nie versäumt, ihrem 

Gemisch aus Folk, 

Punk und Rock eine 

politische h Botschaft t h mitzugeben. Gegen 

den Thatcherismus der 80er Jahre, gegen 

Krieg und Atomkraft, es gibt nur wenige 

Bands, die ihre Position über eine so lange 

Zeit so konsequent vertreten haben. Für die 

Ende September erscheinende Doppel-CD/ 

DVD GREATEST HITS haben die Levellers 

neben einer Auswahl ihrer besten 

Songs auch vier neu aufgenommene Klassiker 

mit dabei, unterstützt von namhaften 

Kollegen. Billy Bragg gastiert auf “Hope 

Street”, die irische Rockabilly-Röhre Imelda 

May bei “Beautiful Day”, auf “Julie” 

gibt Frank Turner ein Gastspiel, und mit 

Bellowhead kooperieren sie für “Just The 

One” mit einer der aktuell erfolgreichsten 

britischen Folkbands. Abgerundet wird diese 

Rückschau durch eine DVD, auf der alle 

Videos der Levellers zu sehen sind. 

(On The Fiddle Recordings/Rough Trade, 

2014, 18/62:33, 17/62:29) us 

PUSS N BOOTS 

NO FOOLS, NO FUN 

Treffen sich drei Spitzenmusikerinnen 

in Brooklyn an der Bar und gründen eine 

Countryband... was sich im ersten Moment 

anhört wie ein schlechter Witz, klingt auf 

CD gebannt überhaupt nicht mehr albern. 

Puss N Boots – die drei bestiefelten Damen 

hinter NO FOOLS, NO FUN legen mit ihrem 

Debüt eine erstklassige Mischung auf 

den Ladentisch. Neben fünf Eigenkompositionen 

finden sich hier ausgezeichnete 

Cover, neben überzeugenden Studioproduktionen 

geben sie einen Einblick in das, 

was sie ohnehin am besten können: live 

überzeugen! Die Stimmen rauchig, authentisch 

folkig entspannt, balancieren die 

drei Multi-Instrumentalistinnen geschickt 

zwischen Country, Folk und Pop. Es fällt 

ebenso schwer, bei dieser Platte stillzuhalten, 

wie sich nicht in diese drei hübschen 

und begabten Kätzchen zu verlieben. 

(Blue Note/Universal, 2014, 12/42:15) pk 

MARK OLSON 

GOOD-BYE LIZELLE 

Schon nach den 

ers ten Takten ist 

sie wieder da, die 

Magie, die sowohl 

in Mark Olsons 

Solowerken als 

auch in der Musik 

der Jayhawks zu hören ist. Auch wenn auf 

GOOD-BYE LIZELLE die rockige Seite 

seiner alten Band fehlt – für die war ja bekanntlich 

Jayhawks-Partner Gary Louris 

zuständig –, für alle Americana-, Alt.Country- 

und Folk-Freunde dürfte dieses neue Lebenszeichen 

Olsons Freude pur sein. War in 

früheren Zeiten bei Olsons Solo-Alben seine 

damalige Frau Victoria Williams als musikalische 

Partnerin dabei, hat diesen Part – im 

Leben und in der Musik – nun die Norwegerin 

Ingunn Ringvold eingenommen, die 

unter ihrem Künstlernamen Sailorine auch 

schon drei eigene Alben vorweisen kann. Mit 

einem mobilen Aufnahmegerät zogen die 

beiden um die Welt, besuchten Freunde in 

Norwegen, Finnland, Tschechien, Südafrika 

und den USA, wo Musiker wie Neal Casal, 

Aaron Sterling, Danny Frankel oder Oystein 

Greni ihre Gastbeiträge beisteuerten. Ein 

wundervoll altmodisches Album! 

(Glitterhouse/Indigo, 2014, 11/36:11) us 

THE ONCE 

DEPARTURES 

Mit seinem dritten Album müsste das Supertrio 

The Once, in seiner Heimat bereits 

mit drei Canadian Folk Music Awards ausgezeichnet, 

eigentlich den Rest der Welt erobern! 

Denn die wundervoll natürlich und 

zugleich betörend brillant singende Geraldine 

Hollett, die an Top-Diseusen wie Emmylou 

Harris und Gillian Welch erinnert, 

und ihre multi-instrumental agierenden 

Vokalpartner Phil Churchill und Andrew 

Dale starteten zwar vor fünf Jahren mit 

Traditionals und Cover-Versionen, haben 

inzwischen aber genügend Selbstvertrauen 

gewonnen, ihre Eigenwerke in den Mittelpunkt 

zu stellen. Zugleich sind sie – auf 

höchstem Niveau – folk-rockiger und damit 

allgemein zugänglicher geworden, ohne 

vom Mainstream vereinnahmt zu werden. 

Die großartigen Songs “The Town Where 

You Lived”, “Standing At Your Door”, 

“The Nameless Murderess” und “Sonny’s 

Dream” sowie eine Grammy-reife Version 

des Klassikers “Can’t Help Falling In 

Love” werden mit diversen Gitarren, Mandoline, 

Violine, Bod hran, Bouzouki, Orgel, 

Akkordeon, Bass, Piano, Saxofon, Trompe- 

te, dezenten Streichern und Schlagzeug in 

klangfarbenfrohen, sehr variablen Arrangements, 

die an Genauigkeit Ihresgleichen suchen, 

bestens in Szene gesetzt. Nichts blieb 

hier dem Zufall überlassen. Der Brückenschlag 

zwischen Tradition und zeitgemäßer 

akustischer Musik ist vortrefflich gelungen. 

Im Oktober werden The Once auf deutschen 

Bühnen zu erleben sein. 


RICHARD THOMPSON 

ACOUSTIC CLASSICS 

Mit Bands wie Fairport 

Convention, 

The Bunch und 

Morris On war er 

in den 70ern eine 

Hauptfigur der bri- 

Folkmusik, 

tischen 

auch später, bei seinen Kollaborationen 

mit seiner Frau Linda, mit Kollegen wie 

Ralph McTell, Danny Thompson oder Ashley 

Hutchings sowie als Solokünstler hat 

Richard Thompson diese Reputation nie 

verloren. Schon immer baute er Sololive- 

Auftritte in seine Karriere mit ein, und es 

gibt wohl nur wenige Künstler, die alleine 

mit akustischer Gitarre und Stimme so 

fesseln können wie Thompson. Wer einen 

solchen Auftritt auf LP oder CD sein Eigen 

nennen wollte, der musste sich bisher 

mit schaurigen Bootlegs oder dem 30 Jahre 

alten Livemitschnitt SMALL TOWN 

ROMANCE behelfen. Nun gibt es mit 

ACOUSTIC CLASSICS Richard Thompson 

pur, klasse neu aufgenommene Solo- 

Akustik-Versionen von Songs wie “Shoot 

Out The Lights”, “Dimming Of The Day”, 

“Down Where The Drunkards Roll” oder “I 

Want To See The Bright Lights Tonight”, 

bei denen er einmal mehr – und vor allem 

mit seinen Gitarrenkünsten! – seine Ausnahmeklasse 

beweist. 

(Proper/Rough Trade, 2014, 

14/56:42) us 


PETER ROWAN 

DHARMA BLUES 

Das Spektrum des US-Liedermachers Peter 

Rowan reicht von Bluegrass/Countrymusic 

bis zu anspruchsvollen Rockformen. 

Der inzwischen 72-Jährige hat in 46 Karrierejahren 

rund 40 Alben vorgelegt, ohne 

je in Routine zu erstarren. Das tut er auch 

bei DHARMA BLUES nicht, ganz im Gegenteil. 

Rowan liefert durchweg abgehangene, 

enorm swingende Qualitätssongs auf 

Countrybasis, die durch leichte Dylan-Einflüsse, 

homöopathische Bluesdosierungen, 

Bluegrassflirts und sogar etwas Jazz und 

Weltmusik vorbildlich abwechslungsreich 

konzipiert sind. Derlei erfordert natürlich 

eine kluge, einfühlsame Produktion auf der 

Grundlage einer differenzierten Instrumentierung 

mit Gitarre, Pedalsteel Guitar, Orgel, 

Tamboura, Banjo, Flöte, Sarod, Mandola, 

Harmonium, Bass und Schlagzeug. 

Produzent John Chelew erledigte diese Arbeit 

vortrefflich, denn ein Mangel an Klangfarben, 

die von ihm und Top-Musikern 

wie Jody Stecher, Jack Casady und David 

Easley für prächtige akustische Gemälde 

genutzt werden, ist wahrlich nicht zu beklagen. 

Hinzu kommt Rowans souveräner, 

intensiv-unaufdringlicher Gesang, dreimal 

unterstützt von der kongenialen Harmoniepartnerin 

Gillian Welch. Keine Frage, 

DHARMA BLUES gehört zu den größten 

Rowan-Taten aller Zeiten! 

(Rykodisc/Warner, 2014, 12/53:32) hjg 

THE ENDLESS PURSUIT 

... TO THE WEST 

Die Geschichte dieser 

Gruppe aus Arizona 

beginnt 2010, als 

sich eine vierköpfige 

Rockband mit einem 

Ska-Bläsertrio vereinigt. 

Klingt schräg? 

Ja, doch was The Endless Pursuit auf ihrem 

Debüt ... TO THE WEST präsentieren, ist 

alles andere als schräg. Geradliniger Roots- 

Rock – natürlich knochentrocken, schließlich 

kommen die Jungs aus Arizona – trifft 

auf wilde, britisch-orientierte Ska-Ausbrüche, 

und was auf dem Papier eigentlich überhaupt 

nicht funktionieren kann, klappt hier 

auf wundersame Weise. Natürlich sollte man 

vor dem Genuss dieser Scheibe alle Scheuklappen 

ablegen, natürlich eignet sich so ein 

wildes Stilgebräu nicht für Genre-Puristen 

und Schubladendenker, vor allem da sich im 

Laufe des Albums noch Folk-Punk im Stile 

der Pogues oder der Levellers hinzugesellt. 

Aber eine klasse Sache für alle, die auch mal 

gern über den Tellerrand hinausschauen. 

(Cactus Rock Records, 2014, 14/39:44) us 

CHRIS SMITHER 

STILL ON THE LEVEE 

Zusammen mit dem legendären Folksänger 

Eric von Schmidt zog Chris Smither Mitte 

der 60er Jahre durch die Straßen und Kaffeebars 

von Boston. Schloss kurz darauf 

Freundschaft mit Bonnie Raitt, die seine 

Songs “Love You Like A Man” und “I Feel 

The Same” aufnahm. Seine ersten Alben 

kamen Anfang der 70er auf Poppy Records 

heraus, unterstützt von Lowell George 

und Dr. John, Labelkollege war damals 

Townes van Zandt. Auch in den 80er und 

90ern nahm Smither mehr oder weniger 

regelmäßig Alben auf, die seine Reputation 

unter Kollegen und Fans ständig anwachsen 

ließen, der große kommerzielle Durchbruch 

blieb ihm allerdings versagt. So wird 

auch seine Karriererückschau STILL ON 

THE LEVEE wohl eher ein Schattendasein 

fris ten, obwohl hier alles gegeben ist, um 

daraus einen Erfolg zu machen: 25 klasse 

Songs zwischen Folk, Blues und Country, 

neu aufgenommen mit einer beseelt aufspielenden 

Band, dazu musikalische Gäste 

wie Allen Toussaint, Kris Delmhorst und 

Loudon Wainwright III, wunderschön in 

ein hochformatiges, doppelt aufklappbares 

Digipak gewandet, samt dickem Booklet 

mit allen Texten. 

(Signature/Cargo, 2014, 13/46:19, 

12/47:06) us 

JIM REEVES 

THE COMPLETE ABBOTT 

RECORDINGS, PLUS 

Wie von dieser Bear-Family-Reihe gewohnt 

richtet sich diese Dreierbox vornehmlich 

an Spezialisten, die einfach 

einen Tick tiefer in ihr Hobby eintauchen 

möchten. Denn natürlich sind die Songs, 

die Jim Reeves vor seiner großen RCA- 

Karriere aufgenommen hat, für sich alleingenommen 

schon interessant genug.

CD 

Doch was hier heraussticht sind einmal 

die zahllosen verschiedenen Takes der 

gleichen Titel, Fehlstarts, alternative Arrangements, 

Versuche, Irrwege und überraschende 

Wendungen. Als zweites muss 

das dicke Begleitbuch (...Booklet wäre 

hier fehl am Platze) genannt werden, allein 

46 Seiten mit der Geschichte Jim 

Reeves, dazu zu jedem einzelnen Song 

mehr Text, als sonst für eine ganze CD 

spendiert wird, dazu wurden im Vorfeld 

etliche der damals beteiligten Musiker 

neu interviewt. Fazit: klasse Country aus 

Texas, hervorragend klingend und dazu 

noch bestens dokumentiert! 

(Bear Family, 2014, 23/63:54, 

25/67:28, 28/74:06) us 

MARC BRIERLEY 

WELCOME TO THE 

CITADEL + HELLO 

REVIEWS 

Für seinen 2005 veröffentlichten f Karriererückblick 

(AUTOGRAPH OF TIME) 

werden im Internet mittlerweile horrende 

Summen bezahlt, dabei hat Marc Brierley 

außer einer 1966er EP für Transatlantic 

nur zwei reguläre Alben veröffentlicht. 

Beide werden jetzt mit einer ganzen Fülle 

an Bonus-Tracks wiederveröffentlicht, 

sowohl das 1968er WELCOME TO THE 

CITADEL als auch das ein Jahr später erschienene 

HELLO. Beide bestechen mit 

einer ganz besonderen Art von Singer/ 

Songwriter-Folk, der mit leicht psychedelischen 

Anklängen typisch für die ausgehenden 

60er Jahre ist. Sehr interessant 

auch die von Marc Brierley selbst verfassten 

Liner-Notes in den neu gestalteten 

Booklets, so gibt es alle notwendigen Infos 

aus erster Hand. Als Bonus-Tracks auf 

WELCOME... gibt es die komplette 66er 

EP, eine 69er CBS-Single sowie bisher 

unveröffentlichte Demos, auf HELLO bestehen 

die Zugaben aus zwei 69er CBS- 

Singles sowie aus einer ganzen Reihe Demos, 

die Brierley 1973 für ein geplantes, 

aber nie verwirklichtes Island-Records- 

Album eingespielt hat. 

(Cherry Red/Rough Trade, 1968/1969, 

26/79:10 + 21/76:33) us 


NASHVILLE OUTLAWS – 

A TRIBUTE TO MÖTLEY CRÜE 

Mötley Crüe debütierten 1980. Auf High 

Heels, mit Make-up und Fantasie-Look 

wurden sie zum Prototyp des Glam-Metal. 

Ihr Sound war knochentrocken, die Texte 

voll von Teufeln und willigen Weibern. 

Das verkaufte sich millionenfach, und 

noch heute werden Nikki Sixx (b), Vince 

Neil (voc), Tommy Lee (dr) und Mick 

Mars (g) in den USA kultisch verehrt. 

Wie dieses Album mit großen Namen der 

Nashville-Countryszene zeigt, die die 

Heavy-Metal-Rabauken covern. Und was 

nicht zu passen scheint, ist im Ergebnis 

Musik in Vollendung: Leann Rimes gibt 

dem Boogie-Rocker „Smokin’ In The Boys 

Room” eine jazzige Note, das hyperhek- 

tische “Looks That Kill” wird bei Lauren 

Jenkins zur folkigen Countryballade, Gretchen 

Wilson macht “Wild Side” zu einer 

Country-Rockhymne, und “Live Wire” 

– im Original ein Brett – verwandelt sich 

in den Händen von The Cadillac Three zu 

entspanntem Südstaaten-Rock. Diese CD 

ist für Countryfans und Heavy-Metalanhänger 

gleichermaßen ein absolutes Muss. 

Besser geht es kaum. 

(Big Machine, 2014, 15/62:22) jub 

TOWNES VAN ZANDT 

DOWN HOME 

In den 80er Jahren 

ging es mit 

dem 

großartigen 

Singer/Songwriter 

Townes van Zandt 

bergab. Allzu viel 

Alkohol und gesundheitliche 

h Probleme machten seine 

Shows damals zum Risiko-Ereignis: Als 

er am 18.4.1985 im Down Home Club in 

Johnson City, Tennessee, auftrat, war er 

offensichtlich nüchtern und in guter Verfassung. 

Mit Mickey White (ac-g) und 

Donny Silverman (fl, sax) legte er ein 

inspiriertes Set hin. Natürlich mit seinen 

Klassikern wie “Pancho And Lefty”, “To 

Live Is To Fly”, No Place To Fall” oder 

“Buckskin Stallion Blues”, aber er überraschte 

auch mit dem trefflich betitelten 

“Talking Thunderbird Blues”, “Fraternity 

Blues” oder der Dylan-Adaption “Just 

Like Tom Thumb’s Blues” (gekoppelt mit 

“Colorado Girl”). Das Konzert, das bislang 

als Bootleg kursierte, gehörte nicht 

zu den besten, aber zu den besseren van 

Zandts und ist nun in erstaunlich guter 

Qualität dank Radio-Aufzeichnung zu 

genießen. 

(All Access/inakustik, 2014, 15/57:35) pro 

heart, Van Morrison (in seiner ASTRAL 

WEEKS-Phase) und Tim Buckley. Als 

Twofer wurden auch die Cooper-Alben 

PLACES I KNOW/THE MACHINE GUN 

CO. neu aufgelegt. 

(Paradise Of Bachelors/Cargo, 1970, 

11/50:12) hjg 

ALBERT LEE & HOGAN’S 

HEROES 

FRETTENING BEHAVIOUR 

Schon das Klaus Voormann Cover ist ein 

Hingucker. Aber auch die Musik, die der 

70-jährige Kultgitarrist und langjährige 

Mitstreiter von Emmylou Harris und Eric 

Clapton mit Hogan’s Heroes serviert, verlangt 

nach Hinhorchen. Natürlich bewegt 

sich Albert Lee (der sich beim Gesang mit 

Gavin Poey/p und Peter Baron/dr abwechselt) 

vor allem auf Country-rockigen Klangwegen, 

aber auch Pop im Stile seiner Kumpels 

Everly Brothers kommt nicht zu kurz. 

Dave Edmunds mischte mit, auffälliger 

hörbar ist aber Sam Bushs Gastmandoline. 

Die Cover-Versionen (Rodney Crowell, 

Green Day mit dem grandios interpretierten 

“Good Riddance”, Glen Campbell, Jim 

Lauderdale) sind mehr als geschmackvoll 

ausgewählt, und auch die von seinen Mitstreitern 

beigesteuerten Songs überzeugen. 

Albert Lee – einmal mehr unaufdringlich, 

aber eben auch unwiderstehlich. 

(Heroic Records/Soulfood, 2014, 

14/54:24) pro 

JOHN MELLENCAMP 

PLAIN SPOKEN 

Seinen Einstieg beim 

Universal-Sublabel 

Republic 

Records, 

den man ihm laut 

„Billboard” 

mit 

einem 

lebenslangen 

Plattenvertrag 

versüßt hat, begeht John Mellencamp mit 

zehn Eigenkompositionen, auf denen er 

seine Singer/Songwriter-Qualitäten nachdrücklich 

unter Beweis stellen kann. Sehr 

laid-back produziert und bei ”Freedom Of 

Speech” gar mit Akus tikgitarre und Fiddle 

rein akustisch instrumentiert, erinnern die 

zehn Tracks dabei, wenn überhaupt, nur 

sehr bedingt an Mellencamps große Hits der 

80er Jahre, und wurden damals in Bezug auf 

Songs wie etwa ”Small Town” gerne Anklänge 

an Bruce Springsteen konstatiert, so 

käme hinsichtlich dieses Albums wohl eher 

Bob Dylan als Referenzgröße in Betracht. 

Allein, ein Künstler vom Format John Mellencamps 

dürfte auf derartige Vergleiche allemal 

pfeifen – und das mit Fug und Recht. 

(Republic Records/Universal, 

2014, 10/44:01) ms 

LUCINDA WILLIAMS 

DOWN WHERE THE SPIRIT 

MEETS THE BONE 

Bis auf J.J. Cales ”Magnolia”, mit dem 

Lucinda Williams CD 2 im Gedenken an 

ihren im letzten Jahr verstorbenen Kollegen 

ausklingen lässt, stammen sämtliche 

Titel dieser elften Studioproduktion ihrer 

Karriere aus der Feder der aus Louisiana 

gebürtigen Singer/Songwriterin, darunter 

mit dem Opener ”Compassion” die Vertonung 

eines Texts ihres Gedichte schreibenden 

Vaters Miller Williams, aus dem 

Country & Folk 

MIKE COOPER 

TROUT STEEL 

Seit über 40 Jahren gehört der Engländer 

Mike Cooper zu den emsigsten Musikerkundern. 

Mal mit einer Gruppe, mal als 

Solist bearbeitet er ein weites Feld, das 

vom akustischen Folk-Blues über elektronische 

Musik und Jazzanleihen bis zu 

lärmigen Klanginstallationen reicht. Sein 

frühes Album TROUT STEEL (1970) 

wurde inspiriert von Richard Brautigans 

surrealistischer Novelle „Trout Fishing In 

America” und vereint Coopers Visionen. 

Mit Stimme, akustischer und Lapsteelgitarre 

stimmt er nur scheinbar simple Songs 

an. Denn seine Mitstreiter, die Gitarristen 

Stefan Grossman und Bill Boazman, 

die Geiger Jerry Field und Nick Pickett 

sowie die Jazzer Mike Osborne, Geoff 

Hawkins und Alan Skidmore (Saxofon 

& Flöte), die Bassisten Harry Miller und 

Roy Babington, Pianist John Taylor und 

Drummer Alan Jackson langen mächtig 

zu. Sie dekonstruieren Folk und Blues, 

installieren Verzierungen, knüpfen überraschende 

neue Verbindungen, scheuen auch 

vor dissonanten Sequenzen nicht zurück 

(“Pharaoh’s March”) und treiben mit Verve 

die Musik waghalsig in Grenzgebiete. 

TROUT STEEL ist eine irre Mischung aus 

Trad-Blues und partiell radikaler Avantgarde 

und steht qualitativ auf einer Stufe 

mit den besten Arbeiten von Captain Beefdie 

entsprechende Textzeile zudem für den 

Titel des Albums Pate stand. Unterstützt 

wurde die dreifache Grammy-Gewinnerin 

bei den Aufnahmen außer von den Mitgliedern 

ihrer regulären Band u.a. von 

Jazzgitarrist Bill Frisell, Swamp-Rocker 

Tony Joe White sowie Faces-Keyboarder 

Ian McLagan, und beim Refrain von ”It’s 

Gonna Rain” war Dylan-Spross Jakob als 

ihr Gesangspartner für die zweite Stimme 

zuständig. Entstanden ist so ein sehr unaufgeregtes 

Americana-Album, dessen 20 

Songs nicht zuletzt auf Grund der gesanglichen 

Performance der 61-Jährigen meist 

etwas Düster-Melancholisches anhaftet. 

(Highway 20 Records/Alive, 2014, 

2 CDs, 10/48:05, 10/55:43) ms 

LA BRASS BANDA 

KIAH ROYAL 

Akustikkonzert 

im 

Kuhstall – liest sich 

gut. Und hört sich 

auch noch gut an, 

wenn eine kompetente 

Gruppe wie 

die Oberbayern La 

BrassBanda B musiziert. i Ja, es ist eine Blaskapelle, 

die da live vor ungewöhnlichem Publikum 

(85 Kühe!) zugange war. Sicher wird 

mancher Fan die gewohnte überbordende 

Bühnenenergie vermissen, denn Sänger Stefan 

Dettl & Co. agieren sehr zurückgenommen. 

Doch so kommen die Nuancen ihrer 

Musik noch besser zur Geltung, die einfühlsam 

intonierenden Bläser haben mehr drauf 

als Landler und brauchen sich vor renommierten 

US-Kollegen nicht zu verstecken. 

Zuhören ist angesagt, der gewohnte ländliche 

Tanz-Pop bleibt meist außen vor, ist 

im Latin-geschwängerten “Schweden” nur 

angedeutet. Der NDW-Hit “Keine Sterne 

in Athen” (mit Originalinterpret Stefan 

Remmler) klingt ganz anders und spannend 

– wie die Akustikversion ihres 2013er Hits 

“Nackert”. 

(RCA/Sony Music, 2014, 6/62:44) pro 

BRENDAN MONAGHAN 

LOVERS ALWAYS WIN 

Das Schweizer Label Brambus Records, 

das auf Folk und Jazz spezialisiert ist, genießt 

ähnliches Ansehen wie in Deutschland 

der Roots-Spezialist Blue Rose und 

feiert nun 25-jähriges Bestehen. Eine der 

Jubiläumsveröffentlichungen ist LOVERS 

ALWAYS WIN des irischen Folkies und 

Singer/Songwriters Brendan Monaghan. 

Dafür hat der hier zu Lande noch relativ 

unbekannte Musiker Songs seiner letzten 

Alben neu abgemischt, um sich mit 

dieser Werkschau vorzustellen. Der auch 

für World-Anklänge offene Monaghan 

entpuppt sich als überzeugender Songschmied, 

der seine Kreationen mit warmer 

Stimme und reichlich Emotion gelungen 

vorzutragen weiß – seine Stücke sind melodiös 

angelegt, gehen ins Ohr (hier und 

da sogar einen Tick zu poliert). Dazu ist es 

dem Iren gelungen, die Erfahrungen langjährigen 

Konzertierens im Studio umzusetzen. 

Die Lyrics sind aufmerksamen Zuhörens 

wert, alles klingt unaufgesetzt, erdig, 

handgemacht – der Mann mit dem folkigen 

Touch macht mit LOVERS ALWAYS WIN 

neugierig auf mehr. 

(Brambus, 2014, 17/58:38) 

pro 


CD REVIEWS Jazz & World Music 

ADDYS MERCEDES 

LOCOMOTORA A CUBA 

LOCOMOTORA A CUBA ist viel mehr eine 

Reise, als der Zug selbst. Auf ihrem vierten 

Studio-Album besinnt sich Addys Mercedes 

erneut ihrer kubanischen Wurzeln und verbindet 

diese mit ihrer Wahlheimat Essen. Da 

treffen musikalisch europäische Klarheit und 

Strenge auf die Wärme und Lebensfreude 

Kubas. Mit ihrem eingeschworenen Team 

aus Lebensgefährte Cae David und „Adoptivonkel” 

Pomez di Lorenzo schreibt sie 

Songs, die gleichermaßen berühren wie zum 

Tanzen bewegen. Neu im Team ist Addys 

Tochter Lia, die durch ihr Geigenspiel die 

Tradition der kubanischen Charanga-Orchester 

neu aufleben lässt. LOCOMOTORA A 

CUBA ist ein Album, das den Sommer etwas 

länger bleiben lässt, ohne platt an Vorstadtstrandbar 

zu erinnern. Da stecken große Gefühle 

in einer noch größeren Stimme, ganz 

viel Sehnsucht, Vertrautheit und Liebe drin. 

(medialuna/Indigo, 2014, 12/46:06) pk 

HERBIE HANCOCK 

THE WARNER BROS.-YEARS 

1969–1972 

1972 

Klasse gestaltete Box, 

in der sich mit den 

Alben FAT ALBERT 

ROTUNDA (1969), 

MWANDISHI (1971) 

und 

CROSSINGS 

(1972) die drei legendären 

Alben befinden, mit denen von Herbie 

Hancock und seiner Mwandishi Band neue 

Wege beschritten wurden. Zunächst führte 

er die bei Miles Davis’ Album IN A SILENT 

WAY begonnenen Experimente in Sachen 

Fusion fort, vermengte auf FAT ALBERT 

ROTUNDA Jazz mit Soul. Jenseits aller bekannten 

Jazz-Idiome kreierte er kurz darauf 

mit MWANDISHI einen völlig neuen Sound, 

bei dem er afrikanische Rhythmen nicht als 

begleitenden Sound betrachtete, sondern in 

den Mittelpunkt seiner Musik rückte. Zusammen 

mit den gleichen Musikern entstand ein 

Jahr später mit CROSSINGS ein Werk, bei 

dem Hancock sich auch dem Funk öffnete. 

Alle drei CDs sind als hochwertige Vinyl- 

Replica gestaltet, selbst das Klappcover von 

CROSSINGS ist originalgetreu übernommen. 

Ein Sonderlob auch noch für das dicke Booklet: 

nicht nur dass die Schrift hier auch ohne 

Lupe entziffert werden kann, ein kurzer, einführender 

Text, sämtliche Produktionsinfos 

und dickes, qualitativ hochwertiges Papier – 

einfach vorbildlich! 

(Rhino/Warner, 2014, 9/43:48, 

9/57:47, 5/51:59) tk 

MANU KATCHÉ 

LIVE IN CONCERT 

Wer wie Manu Katché schon für Künstler 

wie Sting und Peter Gabriel hinter dem 

Schlagzeug saß, der dürfte ohne Zweifel 

genügend Live-Erfahrung haben, um zu 

wissen, wie man ein Publikum fesseln kann. 

Daher macht der Franzose auch gar nicht 

den Fehler, seine sicherlich vorhandene Virtuosität 

zum Mittelpunkt dieses in Paris mitgeschnittenen 

Konzertes zu machen, nein, er 

lässt vielmehr seine selbst komponierte Musik 

für sich sprechen. Zusammen mit Luca 

Aquino (tr), Tore Brunborg (sax, b) und Jim 

Watson (keys) entstehen starke Jazzstücke, 

dargeboten von einer bestens aufeinander 

abgestimmten Band, die sich die (Solo-)Bälle 

uneigennützig zupasst. Somit zeigt LIVE 

IN CONCERT einerseits, welch beeindruckende 

Musik Katché geschrieben hat, andererseits 

aber auch, welch guter Teamplayer er 

ist. Und wer sich vor Ort selbst ein Bild von 

Katché und seiner Band machen möchte, ab 

Mitte Oktober sind sie im Rahmen der Jazz- 

Nights-Tour zusammen mit Jacob Karlzon 3 

auf deutschen Bühnen zu erleben. 

(ACT/edel, 2014, 10/65:58) 

us 

AL JARREAU 

MY OLD FRIEND – 

CELEBRATING GEORGE DUKE 

1965 hatte Al Jarreau 

George Duke 

in einem Jazzclub in 

San Francisco kennen- 

und auch schätzen 

gelernt. Er arbeitete 

danach häufig mit 

dem Sänger, Keyboarder, Produzenten und 

Songschmied zusammen. Jetzt hat er seinem 

am 5.8.2013 verstorbenen Freund eine 

bewegende Hommage hinterhergeschickt. 

Er macht die stilistische Bandbreite hörbar, 

die Duke abdeckte. Geholfen bei der Neu- 

Interpretation von Duke-Vorlagen haben 

viele Kollegen, die selbst meist mit Duke 

gearbeitet hatten: u.a. Dr. John, Dianne Reeves, 

Jeffrey Osborne, Lala Hathaway, Stanley 

Clarke, Marcus Miller. Und auch Duke 

duettiert im lässig-romantischen “Bring Me 

Joy” dank moderner Technologie noch einmal 

mit Jarreau. Ein überaus gelungener, unprätentiöser 

und beseelter Nachruf, bei dem 

das Herzblut aller Beteiligten spürbar wird. 

(Concorde/Universal, 2014, 10/45:22) pro 

JACOB KARLZON 3 

SHINE 

Wenn der Pianist Jacob Karlzon seine eigene 

Musik beschreiben soll, dann ist sie „improvisierte 

Instrumentalmusik”. Genrebezeichnungen 

wie Jazz, Pop oder Rock kommen 

ihm dabei nicht über die Lippen, nein, 

Schubladendenken ist seine Sache nicht. Obwohl 

er dann schon zugibt, dass er sich für 

die Aufnahme seines neuen Albums SHINE 

an den Produktionsmethoden der Popmusik 

orientiert hat, um den Charakter der einzelnen 

Songs besser hervorzuheben. Hochklassig 

werden Karlzons Melodien von Hans 

Andersson am Bass und Robert Mehmet Ikiz 

am Schlagzeug begleitet, ein äußerst feinfühliges 

Duo, das die Songs ebenso sensibel wie 

unspektakulär mit seinem Rhythmus in der 

Spur hält. Neben acht Eigenkompositionen 

hat Karlzon mit “I Still Haven’t Found What 

I’m Looking For” auch ein wunderschön 

gefühlvolles Cover eines U2-Songs mit an 

Bord. 

(ACT/edel, 2014, 9/51:29) 

us 


REAL WORLD 25 

Vor 25 Jahren gründete Peter Gabriel Real 

World Records, das sich schnell zu einem der 

führenden Labels auf dem Weltmusik-Sektor 

etablierte. Angeregt durch seine eigene Beschäftigung 

mit Musik aus fremden Kulturen 

sowie den Erfolgen der von ihm mitinitiierten 

Womad-Festivals, ging der Ex-Genesis-Sänger 

das Wagnis ein, Musiker wie den pakistanischen 

Sufi-Sänger Nusrat Fateh Ali Khan, 

den ugandischen Sänger/Gitarristen Geoffrey 

Oryema oder die finnische Frauenband Värttinä 

einem größeren Hörerkreis bekannt zu machen. 

Dabei beschränkte sich Real World nicht 

allein auf World-Music, sondern öffnete auch 

dem US-Singer/Songwriter Joseph Arthur, 

der Bluesband Little Axe oder dem Dub-Spezialisten 

Adrian Sherwood seine Pforten und 

feierte mit dem Irish-Folk-Crossover-Projekt 

Afro Celt Sound System – das mehr als eine 

Million Alben verkaufte – größte kommerzielle 

Erfolge. Anlässlich der Firmengründung 

vor einem Vierteljahrhundert erscheint nun 

die 3-CD-Box REAL WORLD 25. Scheibe 

Nummer eins versammelt Weichensteller der 

Labelgeschichte, CD zwei holt Entdeckenswertes 

aus den Tiefen der Archive, und der 

dritte Silberling präsentiert die nach einem 

Voting ermittelten Lieblingssongs der Real- 

World-Fangemeinde. One world. Real World! 

(Real World/Indigo, 2014, 

16/76:54, 17/75:31, 15/75:30) frs 

MOSE ALLISON 

SEVEN CLASSIC ALBUMS 

Seine Songs wurden 

u.a. von John 

Mayall 

(”Parchman 

Farm”) und den Who 

(”Young Man Blues”) 

gecovert, und 1996 

legten Van Morrison, 

Georgie Fame und dBen Sidran unter dem 

Titel TELL ME SOMETHING ein Tribute- 

Album vor, auf dem der mittlerweile 86-Jährige 

bei zwei Tracks auch selbst zu hören ist. 

Auf dieser preisgünstigen 4-CD-Box gibt es 

nun ein Wiederhören mit sieben von Allisons 

frühen LPs aus den Jahren 1957 bis 1960, 

sämtlich eingespielt im Trioformat mit unterschiedlich 

besetzten Rhythmusgruppen. 

Als Grenzgänger zwischen Jazz und Blues 

griff der aus dem US-Bundesstaat Mississippi 

gebürtige Pianist und Sänger dabei für die 

insgesamt 79 überwiegend instrumentalen 

(und für die CD-Wiederveröffentlichung 

digital remasterten) Tracks neben eigenem 

Songmaterial auf Kompositionen aus der Feder 

sowohl von Jazzern wie etwa Duke Ellington 

als auch von Bluesern wie Sonnyboy 

Williamson II zurück, wobei die jeweilige 

Autorenschaft allerdings bei der Titelauflistung 

leider nicht vermerkt ist. 

(Real Gone Jazz/H’Art, 2014, 

4 CDs, 25/70:09, 20/75:23, 

15/54:10, 19/63:34) ms 

JAZZKANTINE 

OHNE STECKER 

Unglaubliche 20 Jahre gibt es die Jazzkantine 

nun schon, zu Anfang als ein einmaliges 

Projekt gestartet, um Jazz mit HipHop zu verbinden. 

Im Laufe der Zeit kamen Soul, Blues 

und Funk hinzu, trugen sich Musiker wie Till 

Brönner, Laith Al-Deen, Sven Regener, Nils 

Landgren, Edo Zanki, RZA, Rolf Stahlhofen, 

Götz Alsmann oder Gunter Hampel in 

die Gästeliste ein, bereicherten Themenalben 

wie VOLKSLIEDER, die Heavy-Metal- 

Hommage HELLS KITCHEN oder das heiße 

Funk-Gebräu von ULTRAHOCHERHITZT 

das Spektrum. Genauso ohne Genregrenzen 

geht es ab Ende September auf ihrem neuen 

Album OHNE STECKER zu, wieder geht es 

einmal quer durch Jazz, Rap, Soul, Blues und 

Pop, als Gäste können Smudo, Aleksey, Nora 

Becker und Xavier Naidoo begrüßt werden, 

Letzterer mit einer klasse Cover-Version von 


Metallicas “Nothing Else Matters”, wie sie so 

nur die Jazzkantine erschaffen kann. 

(Nation Records/Indigo, 2014, 15/61:14) tk 

DR. JOHN 

SKE-DAT-DE-DAT – THE SPIRIT 

OF SATCH 

Nach seiner Ellington- 

Hommage DUKE 

ELEGANT von 1999 

erweist Dr. John auf 

diesem Album mit 

dem im Titel schlicht 

als „Satch” gehandelten 

Louis Armstrong erneut einer Ikone des 

Jazz mit Neuinterpretationen von Songs aus 

deren Repertoire seine Reverenz. Dass er dafür 

diverse angesagte Trompeter rekrutierte, 

versteht sich angesichts des Sujets von selbst, 

doch auch für die Gesangsparts holte sich der 

„Night Tripper” Unterstützung, so u.a. von 

Bonnie Raitt und den Blind Boys Of Alabama. 

Wer allerdings auch nur ansatzweise ein 

New-Orleans-Jazzalbum traditionellen Zuschnitts 

erwartet, wird hier nicht fündig; vielmehr 

bekommt man eine Dr.-John-Scheibe 

reinsten Wassers – sprich mit all jenen Zutaten, 

wie sie der musikalische Schmelztiegel 

an der Mündung des Mississippi vorhält –, die 

einmal mehr die Extraklasse des mittlerweile 

73-Jährigen unterstreicht. 

(Proper/Alive, 2014, 13/58:33) ms 


FINDING FELA 

Das sich um den musikalischen Nachlass 

Fela Kutis kümmernde Label Knitting Factory 

Records hat sich auch des Soundtracks 

der Dokumentation „Finding Fela” angenommen. 

Neben Klassikern aus dem Repertoire 

des Afro-Beat-Begründers findet man 

eine Interpretation von “Zombie” aus dem 

Broadway-Musical „Fela!” und eine bisher 

unveröffentlichte Live-Aufnahme der Fela! 

Band von “Colonal Mentality” mit Kutis 

Sohn Femi am Saxofon. Die Auswahl erstreckt 

sich über frühe Highlife-Stücke wie 

“Highlife Time” und Afro-Beat-Klassiker 

der 70er-Jahre (“Shuffering And Smiling”, 

“VIP, Pt. 2”, “Opposite People”), aber auch 

das Spätwerk findet mit “Beasts Of No Nation” 

seine Berücksichtigung. Einzig ein 

Booklet mit mehr Informationen zur Dokumentation 

oder zu seinem Leben wäre für 

Kuti-Neueinsteiger hilfreich gewesen. 

(Knitting Factory Records/Rough Trade, 

2014, 9/67:01, 7/72:55) an 

OLEG PISSARENKO BAND 

WHO ARE YOU / KES SA OLED 

Oleg Pissarenko stammt aus Estland, ist 

klassisch ausgebildeter Gitarrist und hat 

sich dem Minimal Jazz verschrieben, den er 

zwischendurch auch mit Ambient-Sounds 

koloriert. Wollte man einen Kollegen als 

Orientierungspunkt heranziehen, böte sich 

Pat Metheny wohl am besten an, um WHO 

ARE YOU (in Pissarenkos Muttersprache: 

KES SA OLED) grob zu kategorisieren. 

Der Bandleader und seine drei Mitstreiter 

agieren eher zurückgenommen, lassen die 

Töne gern verträumt, sphärisch fließen, verstehen 

es aber ebenso, jazz-rockiger loszulegen 

(“Special Usual”). Insgesamt nimmt 

diese Scheibe schnell gefangen, dazu ist der 

Este ein Meister seines Instruments. 

(Tarlu/Sireena, 2012, 6/39:09) pro

CD 

REVIEWS 

JESS MORGAN 

LANGA LANGA 

Sehr schöner Singer/Songwriter-Folk aus 

England: Mit LANGA LANGA legt Jess 

Morgan ihr drittes Album vor. Zarte, akustische 

Songs in der Tradition von Joan Baez 

und Joni Mitchell. Neben Eigenkompositionen 

gibt es u.a. auch die alte Ballade “Silver 

Dagger” zu hören. 

(Amateur Boxer/Broken Silence, 

2014, 11/43:51) frs 

MEAT LOAF 

BLIND BEFORE I STOP 

Nachdem Erfolgsproduzent 

und -Komponist 

Jim Steinman 

gerade 

anderweitig 

beschäftigt war, reiste 

Meat Loaf Mitte 

der 80er Jahre ins 

hessische h Rosbach, um dort in den Far 

Studios unter der Regie von Frank Farian 

BLIND BEFORE I STOP aufzunehmen. 

Klasse Sound, toll produziert, mit John Parr 

und Amy Goff zwei namhafte Duettpartner, 

doch leider fehlen die krachenden Rockhymnen, 

mit denen Steinman und Meat 

Loaf zuvor zum Erfolgsduo wurden. 


11/50:52) us 

JAGUN 

CAMBURI 

Zurückgekehrt aus den USA, lebt die Kölnerin 

Eva Jagun nun in Berlin. Dort begegnete 

sie Richard Bona, der kanadischen 

Jazz-Bassikone. Der bestärkte sie in ihrem 

Entschluss, für ihr neues Werk das Komponieren, 

das Arrangieren und so viel wie 

möglich vom Musizieren in den eigenen 

Händen zu behalten. So wurde aus CAM- 

BURI ein jazzig verspieltes Album voller 

groovender Bossa-Nova-Songs, klasse ausgewogen 

zwischen Tradition und Zukunft. 

(Galileo Music Communication, 

2014, 14/63:30) tk 

NEW MODEL ARMY 

BETWEEN WINE AND BLOOD 

Das letztjährige Album BETWEEN DOG 

AND WOLF der New Model Army war 

ihr seit Jahren erfolgreichstes. Im UK und 

Deutschland schaffte es es in die Top 30. 

Nun bringen die Mannen um Justin Sullivan 

eine Zugabe: BETWEEN WINE 

AND BLOOD ist eine Mini-LP mit sechs 

neuen, wieder großartigen Songs, ergänzt 

um ein Live-Album mit elf bei der vergangenen 

Tour aufgenommenen Stücken. 

(earMusic/edel, 2014, 6/29:15, 

11/51:46) frs 

WERNER VOGT 

ROCK’N ROLL DENKMAL 

Nein, wie ein Denkmal sieht Werner Vogt noch 

lange nicht aus, mit dem augenzwinkernden 

Titel seines Albums spielt er viel eher darauf 

an, dass er schon vor 50 Jahren mit seiner ersten 

Band britische und amerikanische Beatmusik 

coverte. Seitdem hat ihn das Virus Musik 

nicht mehr verlassen, mit Unterstützung von 

Gitarrist und Produzent Mickey Meinert hat er 

nun für ROCK’N ROLL DENKMAL zwölf 

Eigenkompositionen eingespielt. Diese pendeln 

zeitlos zwischen Rock, Pop und Blues, 

sind hörbar mit Herz entstanden, ohne dass dabei 

das gute alte Bauchgefühl des Rock’n’Roll 

zu kurz kommt. 

(Timezone, 2014, 13/62:34) 

tk 

STRYPER 

LIVE AT THE WHISKY 

Es überrascht nicht, dass Stryper nach NO 

MORE HELL TO PAY (in den USA mit 

Platz 35 die erfolgreichste LP der Band 

seit 1988) mit LIVE AT THE WHISKY 

ein Live-Album nachschieben. Aufgenommen 

im Whisky à Go Go in L.A. haben die 

White-Metal-Pioniere vor ausverkauftem 

Haus ein Heimspiel. Und der Zeitsprung 

in die 80s gelingt perfekt. Stryper – im 

Original-Line-Up – zocken in trockenem 

Metalsound einen tadellosen Gig herunter, 

der sowohl die erfolgreichen Glam-Zeiten 

als auch reichlich neues Material berücksichtigt. 

Parallel zur CD gibt es die bei 

Frontiers obligatorische DVD dazu. 

(Frontiers/Soulfood, 2014, 

16/75:21 + DVD) jub 

MOTÖRHEAD 

AFTERSHOCK TOUR EDITION 

Keinerlei 

Alterserscheinungen 

zeigten 

Motörhead 

auf ihrem 

letztjährigen 

Studio-Album AF- 

TERSHOCK (Rezension 

siehe GT 6/2013), das jetzt in einer 

TOUR EDITION mit zusätzlicher Live-CD 

neu aufgelegt wird. Darauf gibt es – sozusagen 

als Überbrückung, bis Lemmy wieder 

dem Tourstress gewachsen ist – brandneues 

Livematerial ihrer 2014er West-Coast- 

Tour, neben aktuellen Songs natürlich auch 

alte Kracher wie “Killed By Death”, “Overkill” 

sowie “Ace Of Spades”. 

(UDR/Universal, 2014, 14/47:00, 

14/68:53) us 

EARTH, WIND & FIRE 

SPIRIT 

Während der Aufnahmen für das siebte 

Album von Earth Wind & Fire verstarb ihr 

langjähriger Produzent Charles Stepney, 

dessen Arbeit von Sänger und (Haupt-) 

Songschreiber Maurice White höchst erfolgreich 

fortgeführt wurde. Starke Einzelsongs 

wie “Getaway”, “Saturday Nite” 

und “On Your Face” ließen SPIRIT bis auf 

Platz 2 der Pop- und R&B-Charts klettern, 

für die jetzt veröffentlichte Expanded Edition 

erweitert um neun Bonus-Tracks, alternative 

Mixe, Maxi-, Instrumental- und 

Singleversionen. 


18/65:56) us 

KLANGKARUSSELL 

NETZWERK 

Wie man der leicht angestaubten House- 

Musik neuen, optimistischen Drive verpasst, 

das zeigten die gebürtigen Salzburger 

und jetzigen Wiener Tobias Rieser und 

Adrian Held im Sommer 2012 mit ihrer 

Single “Sonnentanz”. Als Klangkarussell, 

wie die beiden zwischenzeitlich ihr musikalisches 

Projekt nennen, haben sie nun 

mit NETZWERK ein ganzes Album voller 

poppig-sonniger Electro-House-Hymnen 

veröffentlicht, darunter natürlich auch 

ihren “Sonnentanz”, einmal als normale 

Kurzvorstellungen 

Instrumentalversion, einmal mit den nachträglich 

hinzugefügten Vocals (“Sun Don’t 

Shine”) von Will Heard. 

(Vertigo/Universal, 2014, 11/66:33) tk 

PAUL GILBERT 

STONE PUSHING UPHILL MAN 

Für sein Solo- 

Album hat sich 

Paul Gilbert, der 

Gitarrist der US- 

Hard-Rocker Mr. 

Big, von Kollegen 

wie Paul Mc- 

Cartney, Sting, Steven Tyler, Elton John, 

James Brown und kd Lang inspirieren 

lassen. Auf STONE PUSHING UPHILL 

MAN hat er deren Songs (u.a. “Goodbye 

Yellow Brick Road”, “Why Don’t We Do 

It In The Road”, “Murder By Numbers”) 

als Gitarreninstrumentals angerichtet, von 

lässig verswingt über krachend rockig bis 

zu verspielt virtuos. 

(Mascot/Rough Trade, 

2014, 11/44:27) tk 

RAY COOPER 

PALACE OF TEARS 

Folgte das Solodebüt des ehemaligen 

Mitgliedes der Oysterband noch stark der 

britischen Folktradition, hat er sein Zweitwerk 

nun weitaus moderner ausgerichtet. 

PALACE OF TEARS hat Ray Cooper es 

genannt, sein erzählender Folk-Rock kümmert 

sich um politische Missstände (“A 

Line In The Sand”), seine schottischen 

Wurzeln (“Sleeping Giants”) oder den Fall 

der Berliner Mauer (“Palace Of Tears”). 

Lohnender Kurswechsel, das ist starke Musik 

mit ebenso starken Themen! 

(Westpark/Indigo, 2014, 

15/47:51) us 

MARIANNE DISSARD 

THE CAT NOT ME 

Außerhalb Frankreichs wurde Marianne 

Dissard einem größeren Hörerkreis als Duettpartnerin 

der US-Wüsten-Rocker Calexico 

(“Ballad Of Cable Hogue”) bekannt. 

Mit THE CAT NOT ME legt die Sängerin 

ihr drittes Album vor. Darauf gibt es wunderschönen, 

meist mollgetönten Nouvelle 

Chanson und Barock-Pop im Stile von 

Françoiz Breut und Yann Tiersen zu hören. 

Dazu kann man herrlich seine Melancholie 

ausleben. 

(Vacilando/Grand Harbour, 2014, 

11/46:02) frs 


ROMEO & JULIA – 

DAS MUSICAL 

„15 Lieder über Leben, Liebe und Tod” verspricht 

der Sticker auf dem Album – er hält, 

was er verspricht. Ein Stoff wie ROMEO & 

JULIA bleibt immer aktuell, auch in der modernen 

Musicalversion von Daniel Karasek, 

die im August im Theater Kiel Premiere feierte. 

Die Musik dazu schrieben Peter Plate 

(Rosenstolz) und Ulf Leo Sommer, gesungen 

werden die schmissigen Songs von den 

Musicaldarstellern wie Maxine Kazis (Julia), 

Fabian Buch (Romeo), Katherina Thalbach 

(Amme), Peter Plate (Pater Lorenzo) und 

Sebastian Rätzel (Tybald). Klasse Popsongs, 

nicht nur für Musical-Fans interessant ... 

(Pop-Out/Universal, 2014, 15/47:36) tk 


CD 

REVIEWS 

MOONLAND FEAT. LENNA 

KUURMAA 

MOONLAND FEAT. LENNA 

KUURMAA 

Screaming Shadows, Hardline, Richard 

Marx, Skill In Veins – die Referenznamen 

machen es deutlich: Die Moonland- 

Besetzung gehört zur Sahne im Hard- 

Rock- und Melodic-Metalbereich. Mit der 

estnischen Sängerin Lenna Kuurmaa (Ex- 

Vanilla Ninja) haben sich die Musiker 

eine treffliche Sängerin ins Studio geholt. 

Herausgekommen ist eine blitzsaubere 

Hard-Rock-CD mit Hitpotenzial. Wer die 

sanftere Lita Ford, Robin Beck oder Lee 

Aaron plus modernen Elektrosounds mag, 

ist hier richtig. 

(Frontiers/Soulfood, 2014, 12/52:17) jub 

THE GLITTER BAND 

PARIS MATCH 

Auch wenn der 

Stern der Glitter 

Band 1976, als PA- 

RIS MATCH in die 

Läden kam, schon 

wieder am Verglühen 

war, dürfte die CD- 

Premiere ihres vierten (und letzten) Studio- 

Albums nicht nur für Fans der ehemaligen 

Begleitband von Gary Glitter inter essant 

sein. Vor allem, da die zehn Glam-rockigen 

Originaltitel der LP um satte elf Bonus- 

Tracks erweitert wurden, von denen neun 

bisher unveröffentlicht waren. Dazu gibt’s 

ein klasse Booklet im Original-LP-Outfit 

mit neuen Liner-Notes und zahlreichen 

Single-Coverabbildungen. 


21/74:49) us 

NICO VEGA 

LEAD TO LIGHT 

Mit düsterem Rock statteten Nico Vega 2009 

ihr selbst betiteltes Debüt aus, jetzt, für sein 

Mitte September veröffentlichtes zweites Album, 

hat das Trio aus Los Angeles einen gehörigen 

Kurswechsel vollzogen. Auf LEAD 

TO LIGHT liefern Aja Volkman (voc), Rich 

Koehler (g) und Daniel Epand (dr) starken 

Indie-Rock ab, zeigen ihre Vielseitigkeit mit 

Jam-haften Abstechern zu Soul, HipHop, 

Blues, Funk, Dance und Pop. 

(Rykodisc/Warner, 2014, 12/47:36) tk 

MORNING PARADE 

PURE ADULTERATED JOY 

Nach ihrem erfolgreichen, selbst betitelten 

2012er Debüt haben sich Morning Parade 

für ihr Zweitwerk ausreichend Zeit gelassen. 

Mit neuer Plattenfirma im Rücken reisten 

die Briten für die Aufnahmesessions für 

PURE ADULTERATED JOY ins amerikanische 

Atlanta, wo Produzent Ben H. Allen 

(Bombay Bicycle Club, Animal Collective) 

ihrem Indie-Rock einen direkten und 

schnörkellosen Sound verpasste. Weniger 

Tand, mehr Konzentration auf den Song – 

das war schon immer ein gutes Konzept! 

(Kobalt Label Services/Rough Trade, 

2014, 10/36:39) tk 

THE COUSIN JOHN BAND 

BROKEN HEART TATTOO 

An der amerikanischen Ostküste, in Washington 

DC, ist die Cousin John Band beheimatet. 

Musikalisch reichert sie ihren meistens 

im Midtempo daherkommenden Americana- 

Roots-Rock mit Geigen, Pedalsteel, Dobro 

und herrlichen Backgroundchören an, erinnern 

mit ihrem lockeren Jam-Rockstil aber 

auch an Bands wie Grateful Dead oder My 

Morning Jacket. Starkes Album! 

(The Cousin John Band/Import, 

2014, 12/47:43) us 

JEFF LARSON 

CLOSE CIRCLE 

Zehn Songs hat der amerikanische Singer/ 

Songwriter Jeff Larson für sein neues Album 

geschrieben, einen davon, “Every 

Hour On The Road”, gibt es auf CLOSE 

CIRCLE in zwei unterschiedlichen Versionen 

zu hören. Produziert von Jeff Pevar, 

konnte Larson wieder namhafte Gäste wie 

Gerry Beckley und Dewey Bunnell (America), 

Dave Nachmanoff, Jim McCarty 

und Hank Linderman begrüßen, die seine 

gelassen nachdenklichen Folksongs mit 

herrlichen Backgroundstimmen und feinen 

Instrumentalleistungen bereichern. 

(NCompass Music/Import, 2014, 

11/39:41) us 

JUSTIN HAYWARD 

SPIRITS... LIVE: LIVE AT THE 

BUCKHEAD THEATRE 

Fast nicht zu glauben, 

doch als Justin 

Hayward letztes Jahr 

mit den Songs seines 

neuen Albums SPI- 

RITS OF THE WES- 

TERN SKY entlang 

der amerikanischen i Ostküste auf Tour war, 

war dies erst die zweite Solotour des langjährigen 

Leadsängers, Gitarristen und Songwriters 

der Moody Blues. In vornehmlich akustischen 

Versionen präsentierte er mit kleiner 

Backing-Band eine Mischung aus eigenen 

Titeln und Moody-Blues-Klassikern, von 

“Tuesday Afternoon” über Forever Autumn” 

bis zu “Nights In White Satin”. 

(Eagle Records/edel, 2014, 15/77:11) tk 

JAY OTTAWAY 

CARRY ON 

Mit CARRY ON zieht der amerikanische 

Singer/Songwriter Jay Ottaway das Tempo 

an, lässt den sonst von ihm gewohnten Folk 

außen vor und konzentriert sich auf elegischen 

Country-Rock. Auch wie er seine 

Musik anrichtet, ist alles andere als spartanisch, 

mal sind es ein paar Bläser, mal 

eine Gitarren-Wall-Of-Sound, oft genügen 

ihm aber auch eine einsame Pedalsteel und 

herrliche Backgroundchöre, um gutes altes 

Westcoast-Feeling aufkommen zu lassen. 

(Cactus Rock Records, 2014, 16/61:48) us 

WURSTER 

RAW 

Jim Wursters Musik lebt von zwei Komponenten: 

seiner knarzig herzlichen Stimme 

und seiner Fuzz-Gitarre, mit der er – eigentlich 

unüblich – seine Americana-Songs 

unterlegt. Neben fünf selbst verfassten Stücken 

hat er für RAW auch sechs Cover-Versionen 

ausgesucht, u.a. “Southern Pacific” 

von Neil Young, “Bang Bang” von Sonny 

Bono und “Riders On The Storm” von den 

Doors. 

(Black Janet Music/Import, 2014, 

11/40:15) us 

DIRK DARMSTAEDTER 

BEFORE WE LEAVE 

Neue Wege und mehr Zeit für seine eigene 

Musik, das waren die Beweggründe, die 

Dirk Darmstaedter Anfang des Jahres seinen 

Job als Labelchef (& Musiker) bei Tapete 

Records aufgeben ließen. Das Ergebnis 

kommt Ende September in die Läden, 

hört auf den Namen BEFORE WE LEAVE 

und bringt feinen, englischsprachigen 

Indie-Rock, der mit jedem Hördurchgang 

mehr von sich offenbart, der seine Stärken 

nicht sofort preisgibt, also eines jener Alben 

zu sein scheint, an dem man lange seine 

Freude hat. 

(Motor Entertainment/edel, 2014, 

11/47:07) us 

HUBERT KAH 

THE VERY BEST OF HUBERT 

KAH – CURATED BY BLANK & 

JONES 

Wer sonst als die 

beiden bekennenden 

80er-Jahre-Fans 

Blank & Jones 

(So8os) könnte jetzt 

endlich dafür sorgen, 

dass es von Hubert 

Kah eine Best-Of-Zusammenstellung gibt, 

die ihren Namen auch verdient? In glasklarem, 

druckvollem Remixsound geht es 

chronologisch von “Rosemarie” (1982) über 

“Engel 07” (1984) und “Limousine” (1986) 

bis zu “Love Chain (... Maria)” (1996). Klasse 

Booklet mit song-by-song-notes, Single- 

Coverabbildungen und Produktionsinfos. 

(Soundcolours/Soulfood, 2014, 

18/67:53) tk 

LUNACODE 

C’È VITA INTELLIGENTE SULLA 

TERRA? 

Aus der Region Umbrien kommt diese italienische 

Art-Popband, die ihren größtenteils 

akustisch gehaltenen Sound mit Versatzstücken 

aus Heavy Metal, Prog und Neo-Klassik 

anreichert. Im CD-Titel ihres Konzeptalbums 

fragt sie, ob es intelligentes Leben auf 

der Erde gibt. Auf CD 1 bleibt es größtenteils 

instrumental, CD 2 liefert zu den (englisch) 

gesungenen Liedern (italienisch) gesprochene 

Intermezzi. Ungewohnt, aber dafür 

umso interessanter. 

(7hard/Membran, 2014, 9/42:55, 

22/63:25) us 

PATRICK BISHOP 

MINOR LAKES 

Aus Bern kommt Patrick Bishop, der zusammen 

mit seiner Band mit MINOR 

LAKES nun sein Debütalbum veröffentlicht 

hat. Ruhigen Singer/Songwriter-Folk 

haben sie im Programm, zerbrechliche 

Songs, bei denen sie akustische Klänge mit 

elektronischen Sounds verweben, sanftes 

Piano mit synthetischen Drums, treibende 

Gitarren mit Synthieflächen. Musik zum 

Eintauchen, Fallenlassen, Träumen. 

(Accidental Conspiracies/Bellaphon, 

2014, 13/44:36) us 

Kurzvorstellungen 

SPIKE 

100% PURE FRANKIE MILLER 

Jonathan „Spike” Gray, die Raspelstimme 

der Quireboys, hatte zu einem Tribut an 

Frankie Miller aufgerufen – und mit Ronnie 

Wood, Andy Fraser, Simon Kirke, Ian 

Hunter, Bonnie Tyler u.v.a.m. legte sich 

eine illustre Truppe mächtig ins Zeug. Trockener, 

ehrlicher, auf den Punkt gespielter 

Rock’n’Roll. Frankie Miller wird es mit 

einem Lächeln zur Kenntnis nehmen, dass 

seine unveröffentlichten Kompositionen nun 

mit Herzblut eingespielt vorliegen – Klasse. 

(Livewire/Soulfood, 2014, 

12/43:29) rg 

THE DURANGO RIOT 

FACE 

Ihre 

schwedischen 

Landsleute 

Mando 

Diao haben dem Indie-Rock 

Lebewohl 

gesagt und sich dem 

Dancefloor zugewandt 

– eine Tendenz, 

die bei The Durango Riot nicht zu 

befürchten ist. Denn auch auf ihrem dritten 

Album FACE zeigen sie immer noch, wie 

harter, auf den Punkt gespielter Indie-Rock 

klingen muss, mit eingängigen Hooks, vorangetrieben 

von klasse Rockgitarren und 

einem starken Sänger. 

(Last Bullet/Soulfood, 2014, 12/47:14) tk 

MAGNUS 

WHERE NEON GOES TO DIE 

Die Kooperation von dEUS-Frontmann 

Tom Barman und DJ C.J. Bolland geht nach 

zehn Jahren in die zweite Runde. Der Erstling 

konnte damals als Fusion aus Rock und 

Dancefloor überzeugen. Das war innovativ, 

zeitgemäß und konnte Rock- und Dancefloor-Fans 

überzeugen. Auch WHERE 

NEON GOES TO DIE ist soundtechnisch 

wieder ganz vorne mit dabei. Es funkt und 

groovt, es wird gerappt, die Musikgeschichte 

zitiert – alles tanzbar. Als Gäste sind 

zudem David Eugene Edwards (16 Horsepower, 

Woven Hand) und Tom Smith (Editors) 

geladen. Leider fehlen aber dieses Mal 

die richtig guten Songs der Premiere wie 

„Summer’s Here” oder „French Movies”. 

(Caroline/Universal 2014, 10/40:46) an 

HISS GOLDEN MESSENGER 

LATENESS OF DANCERS 

HAW, das letzte Werk des Folkduos aus North 

Carolina, war ein düster dunkles, introvertiertes 

Werk, so dass einem sein neues Album 

LATENESS OF DANCERS wie ein direktes 

Gegenstück dazu vorkommt. Optimistischen, 

Rock- und Pop-verliebten Folk präsentieren 

MC Taylor und Scott Hirsch hier, vielschichtig 

angerichtet mit Hilfe von musikalischen 

Gästen wie William Tyler (Lambchop) sowie 

Phil und Brad Cook (Megafaun). 

(Merge/Cargo, 2014, 15/77:11) us 

RISE AGAINST 

THE BLACK MARKET 

In den letzten 15 Jahren sind Rise Against 

zu den weltweit erfolgreichsten Punk-Rockern 

aufgestiegen. Warum das so ist, zeigt 

THE BLACK MARKET, das neue Werk 

der Band aus Chicago, einmal mehr. Harte 

Gitarren treiben den auf den Punkt gespielten, 

melodischen Power-Punk-Rock nach 

vorne, und mit Frontmann Tim McIlrath 

hat sie einen Sänger, der genau die richtige 

Stimme für den Balance-Akt zwischen rotziger 

Härte und Gänsehautgefühl hat. Stark! 

(Interscope/Universal, 2014, 12/46:28) us 


DVD 

REVIEWS 

THE WHO 

DVD COLLECTOR’S BOX 

Was hier als 

Sammleredition 

firmiert, sind zwei 

im Pappschuber 

daherkommende, 

nicht autorisierte 

Einzel-DVDs mit 

Copyright-Vermerk 

2005 bzw. 2008, 

von denen die erste 

die Anfänge von The Who in den Jahren 

1964 bis 1968 beleuchtet und die zweite 

unter dem Titel „The Who”, „The Mods 

And The Quadrophenia Connection” eben 

jenes 1973er Doppelalbum in den Fokus 

rückt. Wie auch bei anderen Dokus aus 

dem Hause Chrome Dreams bzw. eines 

seiner Sublabels üblich, gestaltet sich 

das Ganze in beiden Fällen als ein Mix 

aus Statements, vornehmlich von Musikjournalisten 

und Zeitzeugen wie etwa 

dem ersten Produzenten der Who, Shel 

Talmy, und Filmmaterial, hier in erster 

Linie von Fernsehauftritten der Band. 

Dabei legt DVD 1 den Schwerpunkt auf 

die Single-Hits der frühen Jahre – von 

”I Can’t Explain” über ”My Generation” 

bis ”Magic Bus” –, während sich DVD 

2 der Jugendsubkultur der Mods und deren 

Thematisierung in der nach TOMMY 

zweiten Rockoper aus der Feder von Pete 

Townshend bzw. dem darauf basierenden 

gleichnamigen Film von 1979 widmet. 

(Chrome Dreams/inakustik, 2014, 

2 DVDs, 156 Min. + Extra Features, 

ohne Untertitel) 

ms 


JOURNEY TO JAH 

„Gott lebt hier. Der 

Satan aber auch”, 

sagt der Reggae- 

Musiker Alborosie 

an einer Stelle des 

Films. Er meint 

damit die Widersprüche, 

die auf 

Jamaika herrschen. 

Einerseits die wunderschöne 

Natur, die weitverbreitete Spiritualität 

der Rastafari-Religion. Andererseits 

die alltägliche Gewalt, die schlagende 

Armut in den Slums. Der Italiener wohnt 

seit Jahren auf der Karibikinsel, Heimat 

seiner Musik und seines Glaubens an Jah, 

wie die Rastas Gott nennen. Neben Alborosie 

steht ein weiterer Reggaekünstler im 

Zentrum der Doku JOURNEY TO JAH: 

der deutsche Sänger Gentleman. Unter 

dem bürgerlichen Namen Tilmann Otto 

als Sohn eines evangelischen Pastors in 

Osnabrück geboren, mit Millionen von 

verkauften Alben einer der erfolgreichsten 

Reggaemusiker Europas, regelmäßig 

auf musikalischen und spirituellen Reisen 

in Jamaika. Sieben Jahre lang begleiteten 

die Regisseure Moritz Springer und Noel 

Dernesch die beiden. Ihr sehenswerter 

Dokumentarfilm zeigt ein facettenreiches 

Bild der Insel und glänzt unter anderem 

mit Auftritten des Reggae-Urgesteins Jack 

Radics und der Newcomerin Terry Lynn 

sowie Damian Marley, Sohn Bob Marleys. 

(Zorro Medien/Good Movies/Indigo, 

92 Min.) frs 


DECODER 

„Decoder” (1984) 

hat sich über die 

Jahre zu einem Kultfilm 

der internationalen 

Cyberpunk-, 

Industrial- und Hackerszene 

entwickelt. 

Nun erscheint 

der düstere Streifen 

mit FM Einheit 

(Einstürzende Neubauten) in der Hauptrolle 

erstmals im deutschen Sprachraum 

auf DVD. Der Film spielt mit Elementen 

des Agententhrillers und wartet mit einem 

Soundtrack von Soft Cell, The The, Psychic 

TV und den Einstürzenden Neubauten 

auf. Regie führte der Punkmusiker Muscha 

(Charley’s Girls), am Drehbuch war Trini 

Trimpop (Tote Hosen) beteiligt, in weiteren 

Rollen sind Christiane F., William S. 

Burroughs und Genesis P-Orridge (Throbbing 

Gristle, Psychic TV) zu sehen. Zur 

Handlung: Mit seinem Kassettenrecorder 

sammelt der Decoder (FM Einheit) Töne 

und Geräusche. Nachdem er in eine geheime 

Messe der „Piraten” geraten war, 

produziert er mit deren „Hohepriester” 

(Genesis P-Orridge) ein „Anti-Tape”, und 

sie ersetzen damit die allgegenwärtige 

Wohlfühlmusik aus dem Hause Muzak in 

den Fastfood-Läden. Danach bricht die 

Revolte in den Straßen los, und das Sicherheitsministerium 

setzt einen Agenten (Bill 

Rice) auf den Decoder an ... Als Bonus- 

Material gibt es u.a. Derek Jarmans bei den 

Dreharbeiten entstandenen Kurzfilm „The 

Pirate Tape” sowie den bei einer Anti- 

Reagan-Demo gefilmten Neubauten-Clip 

„Berlin Riot”. Eine Wiederentdeckung! 

(Edition Salzgeber, 1984/2014, 

87 Min. + Bonus) frs 

JETHRO TULL’S 

IAN ANDERSON 

THICK AS A BRICK: LIVE IN 

ICELAND 

Als Ian Anderson 

1972 THICK AS A 

BRICK veröffentlichte, 

wollte er mit 

dem Album eine 

Persiflage des Progressive-Rock 

realisieren. 

Allerdings 

gelang ihm das 

nicht, denn fast alle 

Musikhörer interpretierten ti t die Musik und das 

Konzept als lupenreinen Progressive – nicht 

zu verdenken bei der Vielschichtigkeit und 

den exzellenten Instrumentalbeiträgen. 40 

Jahre später erschien THICK AS A BRICK 

2, das zwar nicht an die Glanzzeit Tulls heranreicht, 

aber dennoch ein faszinierendes 

Album ist. Zusammen mit John O’Hara, 

David Goodier, Florian Opahle, Scott Hammond 

und Ryan O’Donnell führte Anderson 

nun beide Teile bei mehreren Konzerten in 

Island nacheinander auf. Fazit: Ein Traum! 

Hochkomplexe Musik, die dennoch eingängig 

klingt, ein humorvoller Unterton und der 

allgemein wieder bessere Gesang (die Stücke 

werden tonal etwas tiefer angesetzt) lassen 

nicht nur den Fan schwärmen. Neben einem 

Interview mit Anderson und einem Workshop 

mit dem mittlerweile verstorbenen Claude 

DVD – Blu-ray 

Nobs sind noch zwei der neuen Songs vom 

Montreux-Konzert zu sehen. 

(Eagle Vision/edel, 2014, 144 Min., 

dt. Untertitel bei den Interviews) at 

JOAN BAEZ 

HOW SWEET THE SOUND 

In den einschlägigen 

Foren sind sich Joan- 

Baez- und Folkfans 

einig: HOW SWEET 

THE SOUND ist einer 

der besten Dokus, 

die je über die 

Sängerin gedreht 

wurden. Obwohl der 

Film (Regie: Mary 

Wharton) längst synchronisiert im deutschen 

TV ausgestrahlt wurde, war er bislang nur im 

englischsprachigen Original, ohne Untertitelung, 

auf DVD erhältlich. Das ändert sich nun 

durch die Neuveröffentlichung durch Absolut 

Medien, die beide Sprachversionen bietet. 

Das Porträt glänzt mit raren wie bekannten 

Archivbildern, darunter private Aufnahmen, 

TV-Auftritte und Interviews, wie an der Seite 

von Martin Luther King, sowie ihre Gigs 

in Newport und Woodstock. Hinzu kommen 

neuere Interviews mit musikalischen und politischen 

Wegbegleitern wie Bob Dylan, Reverend 

Jesse Jackson, David Crosby, Roger 

McGuinn und Steve Earle. Das Bonus-Material 

entspricht der früheren unsynchronisierten 

Version von Rough Trade, darunter als 

besonders sehenswertes Schmankerl ein sehr 

früher Auftritt im studentischen Club 47 in 

Cambridge sowie zusätzliche Interviews, u.a. 

mit Vaclav Havel. 

(Absolut Medien, 90 Min. + Bonus) frs 

STATUS QUO 

THE FRANTIC FOUR‘S FINAL 

FLING – LIVE AT THE DUBLIN 

O2 ARENA 

„The last concert of 

the original Status 

Quo reunion tour” 

heißt es vorsichtig 

auf dem Sticker des 

Covers – das lässt 

alle Optionen offen! 

Denn es heißt ja 

eben nicht: „das letzte 

Konzert der originalen 

Status t Quo”. Ob 

man auf weitere hoffen 

soll? Wohl besser nicht, um nicht gute 

Erinnerungen zu zerstören. Egal, das optische 

und akustische Erbe, das sie mit THE 

FRANTIC FOUR’S FINAL FLING hinterlassen, 

reicht für lange Zeit. Die Spielfreude 

von Francis Rossi (g, voc), Rick Parfitt 

(g, voc), Alan Lancaster (b, voc) und John 

Coghlan (dr) und die Begeisterung der Fans 

machen es wett, dass die Protagonisten 

während des Sets nicht mehr konstant die 

Dynamik und Hochenergie junger Jahre 

hinkriegen, gesanglich nicht mehr alle 

einstige Höhen erreichen oder auch mal 

ungenau intonieren. Dafür gibt’s sämtliche 

Klassiker, bei denen auch das Publikum 

öfter den Gesang der Refrains übernimmt. 

Genau das Richtige für Quo-Nostalgiker, 

weil die Boogie-Stampfer serviert werden, 

die spätere Kommerzphase weitestgehend 

außen vor bleibt. 

(earMusic/edel, 2014, 127 Min, 

CD: 11/44:58, 8/42:31) 

pro 


Books For You 

Rhythmen des Lebens: Die erste Genesis-Autobiografie 

Hinter der Maske: Die Autobiografie 

Von Mike Rutherford 

2014, Hannibal 

ISBN 978-3-85445-457-1 

285 Seiten 

23,99 € 

Vor einigen Jahren veröffentlichte der 

renommierte Musikbuchverlag Hannibal 

das „Buch Genesis”, in dem die Karriere 

einer der wichtigsten Bands des 20. 

Jahrhunderts nachgezeichnet 

wurde. Nun hat sich Bassist/ 

Gitarrist/Sänger Mike Rutherford 

zu einem persönlichen 

Beitrag entschlossen, der die 

gesamte Laufbahn beleuchtet 

und die Entwicklung von 

einer der wichtigsten Bands 

des Progressive Rock bis hin 

zu einem Mainstream-Act 

verfolgt, der mühelos ganze 

Stadien füllt. Natürlich kommen 

auch die Solo-Alben zur 

Sprache sowie die Zeit mit 

Mike + The Mechanics, mit denen Rutherford 

weitere Hits komponierte. Allerdings – 

wie könnte es auch für einen ehemaligen 

Progressive-Rocker sein, der einige der 

kompliziertesten Stücke des Genres komponierte 

– geht er hier einen individuellen 

Weg und zieht Parallelen zwischen der eigenen 

Laufbahn und dem Lebensweg seines 

Vaters, ein Angehöriger der britischen 

Armee, der das Grauen des Zweiten Weltkriegs 

miterlebte. Zwar führten die beiden 

eine etwas unterkühlte Beziehung, die aber 

nie Herzlichkeit und Respekt beiderseits 

ausschloss. Zudem erfuhr Rutherford eine 

immense Unterstützung durch seine Eltern, 

die den etwas „fehlgeratenen” Sohn 

förderten und gleichzeitig die Fragen der 

Verwandten kunstvoll abblockten: „Wann 

sucht er sich denn endlich eine 

anständige Arbeit?” (Das war 

Ende der Siebziger, als Genesis 

in den USA schon die Stadien 

füllten!) Details aus seiner Zeit 

als Privatschüler im verhassten 

Internat Charterhouse, die 

ersten musikalischen Gehversuche, 

die Peter-Gabriel-beziehungsweise 

Phil-Collins-Ära 

und der Aufstieg zu Superstars 

werden intensiv beleuchtet, 

wobei neue Informationen 

zum komplizierten Bandge- 

flecht deutlich werden. Rutherford bleibt 

dabei immer offen und ehrlich und gibt 

auch zu, dass er sich erst nach der Hochzeit 

mit Angie von einem „steifen Brett” zu 

einem etwas lockereren Typen entwickelte. 

„Rhythmen des Lebens” wird die Fans freuen, 

aber auch Leser begeistern, die sich 

gerne mit Lebensgeschichten auseinandersetzen. 

Gelungen! 

fl 

Von Paul Stanley 

2014, Hannibal 

ISBN 978-3-85445-455-7 

494 Seiten 

29,90 € 

Nach Peter Criss und Ace Frehley hat 

sich nun auch Paul Stanley die Feder 

geschnappt und seine Autobiografie verfasst, 

die wohl unter Kiss-Fans s zur beliebtesten 

Publikation avancieren 

wird, denn der Gitarrist und 

Sänger kann aufgrund seiner 

Langlebigkeit in der Band am 

meisten berichten. Es ist ein 

Phänomen: Bands kommen 

und gehen, doch die alten 

Truppen wie AC/DC, Led Zeppelin, 

Deep Purple und natürlich 

Kiss werden immer noch 

mit Interesse – und natürlich 

Erfolg – belohnt. Möglicherweise 

liegt es an der geschickten 

Vermarktung, denn man 

kann die Band schon seit den Siebzigern 

als eine eigenständige „Handelsmarke” 

bezeichnen. Vielleicht liegt der Grund für 

die Popularität aber auch in der Tatsache 

begründet, dass Kiss ihre Karriere in der 

Blütezeit der Rockmusik begannen, als 

Musiker noch ein wirklich wildes Leben 

führten und nicht am Computer festgezurrt 

ihr Facebook-Profil „aufpimpten”. 

Neben detaillierten Schilderungen seiner 

Jugendzeit beschreibt Stanley die ersten 

Erlebnisse als Musiker, die mit Filzläusen 

in der Unterhose endeten (Igitttttt!). Nach 

der Zeit bei Wicked Lester begann auch 

schon die Karriere von Kiss, bei der er trotz 

aller Ernsthaftigkeit humorvolle Anekdoten 

liefert. (Die Band kleidete sich zu Be- 

ginn in einem 

Zoogeschäft ein, wo sie sich 

über die Hundehalsbänder 

hermachte.) Der Durchbruch 

in den Siebzigern, die Stadien 

und Groupies (einige Groupies!!!) 

werden ehrlich und 

offen dargestellt, wobei sich 

Stanley einige kleinere Seitenhiebe 

auf seine Mitmusiker 

nicht verkneifen kann. Allerdings 

hält sich das in Grenzen 

und gleicht nie einem Schlag 

unter die Gürtellinie. MTV 

und die schwache Phase in 

den Achtzigern finden eben- 

so Erwähnung wie der erneute Aufstieg 

zum Rock-Olymp und Details aus Stanleys 

Privatleben, die beweisen, dass Kiss 

auch ganz klare Kunstfiguren sind, eben 

überdimensionale Marvel-Helden (die sich 

mit „prall-busigen” Krankenschwestern 

im Bett ablichten lassen – siehe Fotostrecke!) 

Ein Lesegenuss, heißer als die Hölle 

selbst. 

fl 

Neu! 

Vol. 2 

je 100 

Seiten 

nur 9,80 € 

Nur direkt über den Verlag erhältlich – zu bestellen unter: 

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E-Mail: goodtimes@nikma.de · Telefon: 0 70 42/37660-160 · Fax: 070 42 /37660-188 

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erhältlich! 


Wonderland Avenue 

We The People Of Wacken 

Von Danny Sugerman 

2014, Heyne Hardcore 

ISBN 978-3-45367-668-8 

590 Seiten; 9,99 € 

eben Jimi Hendrix und 

NJanis Joplin gehört 

Jim Morrison von den Doors 

zu den zentralen Figuren 

der Sechziger, die bis zum 

heutigen Tag nichts an 

Strahlkraft verloren haben. 

Der frühe Tod und die dar- 

auffolgende Mythenbildung lassen sich nur 

mit wenigen Künstlern vergleichen. Danny 

Sugerman hat schon einige Titel zu den 

Doors verfasst, darunter das populäre Buch 

„Keiner kommt hier lebend raus” (zusammen 

mit Jerry Hopkins). Er arbeitete in den 

Sixties im Büro der Band und war für die 

Fanpost zuständig. Schnell entwickelte sich 

eine enge Beziehung zu Jim Morrison und 

Ray Manzarek, die ihm einen tiefen Einblick 

in die Laufbahn der Band ermöglichte. Aber 

auch der enge Kontakt zu Iggy Pop lässt 

ihn zu einem Zeitzeugen werden, dessen 

Schilderungen an Authentizität kaum zu 

übertreffen sind. Neben den zahlreichen Informationen 

zur Musikszene ist speziell ein 

Aspekt besonders wichtig: die ungeschönte 

Beschreibung des Aufwachsens in einem 

Jahrzehnt, in dem nicht nur Flower-Power 

herrschte. Essenziell. 

at 

Von Pep Bonet & Steffan Chirazi 

2014, UDR/Warner 

180 Seiten; inkl. 2 CDs 

29,99 € 

aute Musik, un- 

viele Men- 

Lglaublich 

schen und eine ganz besondere 

Stimmung, wie 

sie nur bei ganz wenigen 

Festivals dieser Größe 

herrscht, das ist Wacken. 

Und wenn man weiß, dass die 75.000 

Tickets dieser Veranstaltung regelmäßig in 

wenigen Minuten verkauft sind, zeigt auch 

dies die Verbundenheit der Hard-Rockfans 

mit dem seit 1990 stattfindenden Open Air 

in Schleswig Holstein. Mit „We The People 

Of Wacken” hat der renommierte Fotograf 

Pep Bonet den Wacken-Besuchern ein ganz 

besonderes Denkmal gesetzt: Konsequent in 

Schwarz/Weiß gehalten, rückt er die Menschen 

in den Mittelpunkt seines Buches, ihre 

Leidenschaft, ihre Verrücktheit, ihr Ausbrechen 

aus dem Alltag. Für das Vorwort sowie 

für die Bildunterschriften (in Deutsch und 

Englisch) sorgt der Rockjournalist Steffan 

Chirazi, und für alle, für die dieser Stoff zu 

trocken ist, bietet das Hardcoverbuch noch 

die Doppel-CD LIVE AT WACKEN 2013 mit 

Bands wie Anthrax, Motörhead, Nightwish, 

Hate Squad, Agnostic, Candlemass, Corvus 

Corax und Deep Purple. 

us 

Rentner-Disco 

Low Fidelity – Hans E. Plattes Briefe gegen den Mainstream 

Von Rotraut Mielke 

2014, Mainbook Verlag 

ISBN 978-3-94412-470-4 

262 Seiten 

11,95 € 

est-Ager”-Filme wie 

„ B„Und wenn wir alle 

zusammenziehen?” 

oder 

„Best Exotic Marigold Hotel” 

haben es vorgemacht: 

Mit 66 Jahren, da fängt 

das Leben an! Warum sich 

nicht im goldenen Lebens- 

alter noch einmal neu erfinden und etwas 

starten, was man nie begonnen oder vorzeitig 

beendet hat? So sieht es auch Monika, die in 

Rotraut Mielkes Roman „Rentner-Disco” beim 

40. Abi-Jahrgangs-Treffen bemerkt: „Ich hab’ 

noch nicht genug getanzt in meinem Leben.” 

Flugs kommt Altrocker Schorsch auf die Idee, 

in einem stillgelegten Frankfurter Finanzamt 

illegale Disco-Partys für Senioren zu organisieren. 

Mit dem Soundtrack von damals, 

versteht sich: Rolling Stones, Jimi Hendrix, 

Queen, Bee Gees, Gloria Gaynor ... In der 

Oldie-Gang werden alte Gefühle neu wach, 

prallen die Egos hart aufeinander, werden 

die Emotionen heftig durcheinandergewirbelt. 

Doch am Ende eint alle die Idee, noch 

mal etwas neu zu schaffen und zu erleben. 

Ein leichter, witziger, unterhaltsamer Roman, 

nicht frei von Melancholie und Hintersinn. frs 

Von Gereon Klug 

2014, Haffmans & Tolkemitt 

ISBN 978-3-94298-976-3 

240 Seiten, illustriert 

19,95 € 

Hanseplatte ist einer der verrücktesten 

Plattenläden der Republik. 

An der Klotür des Hamburger 

Shops hängt ein Poster, 

das den jungen Udo Lindenberg 

mit hochgestrecktem Daumen 

zeigt. In der Auslage kann man Scherzartikel 

erwerben, Plätzchenausstecher in Form 

eines Totenkopfs oder Quartett-Karten zum 

Thema „Seuchen” und „Drogen”. Freilich gibt 

es auch Vinyl und CDs; keinen Mainstream, 

versteht sich, sondern Musik für Connaisseurs. 

Einer der Mitbegründer, Gereon Klug, verschickt 

zudem seit 2008 unter dem Namen 

„Hans E. Platte” regelmäßig Newsletter, die 

sich unter Freunden schrägen Humors großer 

Beliebtheit erfreuen. Von diesen bringt nun 

das Buch „Low Fidelity – 85 Briefe gegen den 

Mainstream” eine Auswahl. Anstatt in seinen 

Rundmails bloß frisch eingetroffene Neuware 

anzupreisen, stellt Klug z.B. eine Liste mit 

erfundenen Michael-Jackson-Raritäten auf 

(darunter „‘Beat It’ im Beatclub” und „Deadie 

Cool” von „Michael & Joe Jackson”). Oder 

er begrüßt die Leser mit den Worten: „Liebe 

Mehrheit, ihr seid sehr viele, und wenn ihr in 

den Spiegel schaut, seid ihr noch mehr.” frs 

Der Sound meines Lebens 

Talking Heads – Fear Of Music 

Von Jonathan Tropper 

2014, Droemer 

ISBN 978-3-42628-120-8 

380 Seiten, e 19,99 € 

onathan Tropper schil- 

in seinen Romanen 

immer wieder die sympathischen 

Verlierertypen 

Jdert 

– 

Männer, die alles versuchten, 

aber letztendlich 

nichts geschafft haben. 

Auch Drew Silver gehört 

dazu. Einst Drummer einer Band, die sich 

nach nur einem Hit auflöste, muss er nun 

sein Leben als Mietmusiker auf Hochzeiten 

und anderen gesellschaftlichen Anlässen fri- 

sten. Ach ja, und seine Frau hat ihn mit der 

gemeinsamen Tochter auch schon vor Jahren 

verlassen. Dann erhält Silver die Hiobsbotschaft 

– ein Aortenaneurysma wurde bei 

ihm festgestellt, das einer sofortigen Operation 

bedarf. Lebensüberdrüssig entscheidet 

er sich dagegen, doch ohne an seine Tochter 

gedacht zu haben, die sich als unerwarteter 

Rettungsanker erweist und den alten Herren 

wieder „reaktiviert”. Tropper hat mit seinem 

aktuellen Buch eine herzerwärmende Geschichte 

verfasst, bei der er nicht nur das 

Wertesystem im Leben hinterfragt, sondern 

auch auf die häufig schlummernde Mitmenschlichkeit 

verweist. „Hält” höchstens 

zwei Abende! Empfehlung! 

at 

Von Jonathan Lethem 

2014, Tropen Verlag 

ISBN 978-3-60850-333-3 

176 Seiten 

17,95 € 

D 

er Verlag Bloomsbury hat 

die inzwischen auf 80 Bücher 

angewachsene Reihe „33 

½” am Start. Darin widmen sich 

u.a. Autoren und Journalisten 

voll und ganz ihrem jeweiligen Lieblings- 

Rock/Pop-Album. Deutsche Übersetzungen 

gibt es bislang nicht, abgesehen nun von Jonathan 

Lethem, der sich auf über 170 Seiten 

mit FEAR OF MUSIC, dem 1979 erschienenen 

dritten Studio-Album der Talking Heads, aus- 

einandersetzt. Grund ist wohl, dass Lethem als 

Romanautor („Die Festung der Einsamkeit”) 

auch in Deutschland einiges an Renommee 

besitzt. Lethem wählt für seine essayistische 

Betrachtung (Untertitel: „Ein Album anstelle 

meines Kopfes”) einen sehr persönlichen Zugang. 

Anstatt auf Sekundärtexte (Interviews 

etc.) zurückzugreifen, kehrt er immer wieder 

autobiografisch zu dem 15-jährigen Jungen 

zurück, der im Sommer 1979 in Brooklyn erstmals 

das Album aus der Hülle zog. Er hört sich 

tief ein in jeden einzelnen Song, philosophiert 

wild über deren Themen und Sounds, lässt 

seine Ideen im Zickzack fließen. Ein Gedankenabenteuer. 

Ein Buch anstelle von Lethems 

Kopf. 

frs 

Cohen 

Rock & Pop – Von Abba bis Zappa Buch 2 

Von Thomas Kraft 

2014, Maro Verlag 

ISBN: 978-3-87512-317-3 

156 Seiten; 

10,00 € 

Man darf von diesem schmalen 

Bändchen nicht die ultimative 

Biografie über Jubilar 

Leonard Cohen erwarten. Das 

gibt der Platz des Büchleins 

nicht her, denn der 80-jährige 

Kanadier hat ein fa- 

cettenreiches Leben wie kaum ein anderer 

seiner Zeitgenossen. Dennoch ist die Cohen- 

Hommage des Bamberger Autors Thomas 

Kraft stark zu empfehlen. Kraft hat neben 

Literatur- und Theaterwissenschaften Philosophie 

studiert, genau letzteres Studienfach 

merkt man diesem Geburtstagsgeschenk an 

den unvergleichlichen Troubadour an. Er ist 

überzeugter Anhänger des vielschichtigen 

Künstlers, ohne dass er dessen Vita uneingeschränkt 

vergöttern würde. Stattdessen 

dringt Kraft, wenn man so will, in den Mikrokosmos 

eines Mannes mit unzähligen 

Gesichtern ein: Poet, Frauenheld, Musiker, 

Mönch, Drogenabhängiger, Asket, Lebemann, 

Depressiver. Thomas Kraft begleitet 

das Leben eines Ausnahme-Kreativen voller 

Empathie und Staunen, zur selben Zeit hält 

er die notwendige Distanz zum Objekt seiner 

Begierde, damit Leonard Cohen als derjenige 

gesehen wird, der er offensichtlich ist: ein 

Mann mit gebrochener Vergangenheit, der 

genau dafür so faszinierend ist. mfg 

Von Heinz Dietz 

2014, Eigenverlag 

www.beat-band-books.de 

Tel. 06033-63257 

74 Seiten; 30,00 € + 3,00 € Versand 

uch die Fortsetzung 

Avon Heinz Dietz’ „Rock 

& 

Pop”-Buch überzeugt 

mit seinem ebenso simplen 

wie unschlagbarem Konzept: 

selten zu sehende 

Single-Coverabbildungen 

von A(bba) bis Z(appa), dazu Plattenfirma 

und Bestellnummer sowie Land und Jahr 

der Veröffentlichung – mehr braucht es 

für einen Musikfreund gar nicht, um zum 

Blättern einzuladen. Da das Angebot der 

Gruppen und Interpreten der 70er Jahre 

riesig ist, hat der Autor die einzelnen Musikrichtungen 

ausgewogen berücksichtigt, 

von Pop über Heavy Metal und Southern 

Rock bis zu Folk, von den Bay City Rollers 

über Deep Purple und die Allman 

Brothers Band bis zu Crosby, Stills, Nash 

& Young, von Art Garfunkel über Free 

und Creedence Clearwater Revival bis zu 

Sweet. Auch Stile wie Soul (Roberta Flack, 

Earth, Wind & Fire), Country-Rock (Exile), 

Blues (Chicken Shack), Glam (Hello), Prog 

(Jethro Tull), Jugband-Music (Terry Jacks) 

und Singer/Songwriter (Lobo) sind mit dabei. 

Ein weiteres klasse Buch von Heinz 

Dietz, das nicht nur für Vinylsammler interessant 

sein dürfte. 

tk 


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4/01 5/01 6/01 1/02 2/02 3/02 4/02 5/02 6/02 1/03 2/03 3/03 4/03 5/03 6/03 1/04 2/04 3/04 4/04 5/04 6/04 

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11/2002); " 

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Monsters Of Rock: Suche Konzertmitschnitte 

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Def Leppard, Ozzy und Scorpions: 1987 

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Purple. 1988 mit Treat, Testament, Anthrax, 

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Musikladen: Suche die deutschen Sonderausgaben 

mit u.a.: Nena, Joachim Witt, 

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ZDF Disco, Hitparade, Rock-Pop, Szene 

mit Thomas Gottschalk, Pop mit Volker 

Lechtenbrink, Lieder und Leute, Rockpalast- 

Festival (Loreley), Vorsicht Musik, Musikbox, 

Formel 1, Peter's bzw. Thommy's Pop Show 

Extra (Hits des Jahres), ZDF Silverster 

Tanzparty: Suche besagte Sendungen auf 

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Walter Neher, Saarstr. 10, 73061 Ebersbach, 

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Live in Concert 

Jazz Open Stuttgart 

Van, der Doc und Asse ohne Ende 

Jazz Open Stuttgart 2014 = Superstars in Serie! Neben vielen anderen zählten die 

Mitglieder des legendären Miles Davis Quintet, Pianist Herbie Hancock (74) und Saxofonist 

Wayne Shorter (81), zu den prominentesten Mitwirkenden. Auf insgesamt 

sechs Bühnen im Stadtgebiet verteilte sich das erlesene Programm mit Größen wie 

Gregory Porter, Jimmie Vaughan, Brian Auger und Lokalmatador Wolfgang Dauner 

mit dem runderneuerten United Jazz- & Rockensemble 2G. 

Im Ehrenhof des Neuen Schlosses tummelten sich Stars wie Van Morrison, Keb' Mo', 

Sheila E., Jamie Cullum, Dr. John und das erwähnte Duo Hancock-Shorter. In der 

Blütezeit der Jazz-Rock-Fusion sorgten diese beiden für opulenten Jazz-Funk: Herbie 

Hancock mit seinen Headhunters und Wayne Shorter mit Weather Report. Aktuell 

destillierten sie alles in die Essenz ihrer Musik – mit Konzertflügel 

Sheila E. 

und Saxofon. Herauskam ein Zauber, der mehr aus der Erinnerung 

schöpfte, als aktuelle Strömungen zu bedienen. Stellvertretend sei 

"Memory Of Enchantment" aus dem aktuellen Album 1 + 1 genannt, 

das genau dies zum Ausdruck brachte. Vom Funk-Rock 

entkleidet, blieben nur noch fragmentarische 

Erinnerungen an den einstigen 

Groove. 

Ganz anders der knorrige Van Morrison 

(69), für den es nur ein Motto 

gibt, das seines letzten Werks BORN 

TO SING: NO PLAN B, natürlich im 

gewohnten irischen R&B mit Bläsern. 

Große Musik präsentierte auch Malcolm 

„Mac" Rebennack alias Dr. John 

(73) mit typischem R&B aus New Orleans. 

Er schleppte sich zwar am Stock 

auf die Bühne, taute am Piano jedoch 

Keb' Mo' 

Stuttgart, Schlossplatz, 13. bis 20. Juli 2014 

sofort auf, unterstützt von seiner exzellenten 

Posaunistin (auch Musical Director) 

Sarah Morrow. Nach nostalgischen Songs 

aus seiner Anfangszeit (wie "Walk On Guilded 

Splinters") griff er sogar zur E-Gitarre 

und ließ die Vergangenheit aufleben: "Let 

The Good Times Roll"! Zudem gab es einen 

Vorgeschmack auf sein brandneues Album 

SKE-DAT-DE-DAT. 

Überraschend gesellte sich zum feinfühligen 

Blues- & Soulmusiker 

Keb' Mo' (62) 

Dr. John 

beim kribbelnden "Itch" die Perkussionistin Sheila E. an den 

Timbales. Umwerfend, dieser Bluesgroove! War beim Auftritt 

von Stil-Ikone Sheila Celeia Escovedo mit ihrer eigenen Band 

fetzig-perkussiver Latin-Jazz à la 

ICON angesagt, so lieferte Keb'Mo' 

relaxten Blues-Americana. 

Unter all den Vertretern vergangener 

Jahrzehnte wirkte der 35-jährige Wirbelwind 

am Piano, Jamie Cullum, wie 

ein Jungspund. Sein Stilmix wurde als 

abschließendes Highlight mit obligatorischem 

Sprung vom Flügel ebenso 

begeistert aufgenommen wie das 

komplette Programm dieser mehr als 

Wayne Shorter 

gelungenen Veranstaltung. 

Text & Fotos: Helmut Ölschlegel 

Patti Smith 

Schamanin & Vollmondnacht 

Kleine Gesten, große Gesten. Mal machte Patti Smith eine grazile Handbewegung, 

mit der sie die Schlussworte „Shake the almond tree" aus ihrem Fukushima-Song 

"Fuji-san" illustrierte. Mal reckte sie wütend 

die geballte Faust in die Höhe und brüllte im Refrain von 

"Rock’n’Roll Nigger": „Outside of society, that’s where I 

want to be." Die rund 2400 Zuschauer beim Open-Air- 

Gig in der Mainzer Zitadelle machten begeistert mit. Auf 

ihre Art repräsentierten beide Gesten, beide Songs die 

zwei Seiten der Patti Smith: hier die barfuß tanzende, Beschwörungen 

hauchende Hippie-Schamanin mit den einst 

schwarzen, nun ergrauten Indianerin-Haaren. Dort die rotzige, 

Wortkaskaden ausspuckende „Godmother Of Punk". 

„Outside of society …" – diese Worte widmete sie in Mainz 

Edward Snowden und Pussy Riot. "Rock’n’Roll Nigger" 

war bereits die letzte Zugabe des gut zweistündigen Konzerts 

ihrer 2014er Europa-Tournee, die sie u.a. auch nach 

München, Stuttgart, Jena und zum Burg-Herzberg-Festival 

führte. Auf der Bühne standen mit Lenny Kaye (g) und 

Jay Dee Daugherty (dr) zwei Mitglieder der Patti Smith 

Group der 70er Jahre sowie ihr langjähriger Weggefährte 

Tony Shanahan (b) und der virtuose Sessiongitarrist Jack 

Petruzzelli. 

Patti Smith ist inzwischen 67 Jahre alt. Sie wirkte in ihrem 

Eifer, ihrer Euphorie, die sich schnell auf das Publikum 

übertrugen, kein bisschen gebremst. Ihre Stimme ist immer 

noch kraftvoll, eine mit den Jahren hinzugekommene Tiefe steht ihr gut. Bekleidet 

mit grauer Wollmütze, die sie sich im dritten Song ("Dancing Barefoot") 


Mainz, Zitadelle, 11. August 2014 

vom Kopf riss, sowie mit schwarzem Jackett und blauen Jeans zeigte sie sich 

äußerst zugänglich, g kein bisschen kratzbürstig. Sie scherzte mit dem Publikum 

(„... der Fluss da unten ist doch der Rhein, oder?"). Und sie 

gab die Medizinfrau, die an diesem Vollmondabend gleich 

an mehrere in die ewigen Jagdgründe eingekehrte Größen 

erinnerte: an den berühmtesten Sohn der Stadt Mainz, 

Johannes Gutenberg, an den Dichter William Blake sowie 

an die Rockmusiker Lou Reed, Jerry Garcia und Johnny 

Winter. Dem unlängst verstorbenen Bluesgitarristen („may 

your white hair fly all over fucking heaven!") widmete sie 

ihren Song "Beneath The Southern Cross", und für Lou 

Reed sang sie dessen Ballade "Perfect Day". 

Spätestens mit dem sich manisch steigernden Drei-Akkorde-Gewitter 

"Gloria" brachten sie und die Band das 

Publikum auf die Füße; die berühmte Anfangszeile „Jesus 

died for somebody’s sins but not mine" erhielt mit Blick 

auf den von der Abendsonne angestrahlten Mainzer Dom 

einen besonders wirkungsvollen Dreh. Nach einem über 

weite Strecken eher ruhigen Konzert mit Songs wie "April 

Fool", "Ghost Dance" und "Because The Night" folgten 

gegen Ende aufrüttelnde Nummern wie "Banga", "People 

Have The Power" und "Rock’n’Roll Nigger". Für den Nachhauseweg 

gab sie dem Publikum die Worte „You are the 

future, you can save the world!" mit. Bei anderen wäre das 

kitschig gekommen. Nicht so bei dieser Rock-Schamanin 

mit einer Stimme, die direkt aus dem Herzen zu sprechen scheint. 

Text: Frank Schuster, Foto: Fabian Leibfried

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Roger McGuinn 

Die Byrds – " 

ein Segen" 

Roger McGuinn hat nach sechs Jahren Pause wieder ein Album veröffentlicht. STORIES, 

SONGS & FRIENDS besteht aus einer Doppel-CD (Konzertmitschnitt) und einer DVD, auf 

der auch zahlreiche Kollegen wie der kürzlich verstorbene Pete Seeger, Joan Baez, Bruce 

Springsteen, Chris Hillman, Judy Collins, Tom Petty und Marty Stuart zum Thema McGuinn 

zu Wort kommen. Außerdem gastiert der frühere Byrds-Frontmann demnächst wieder auf 

hiesigen Bühnen. Der 72-Jährige hatte um die Jahrtausendwende bei seinen Europa-Tourneen 

lange Zeit wegen der Steuergesetzgebung (Stichwort: Ausländersteuer) einen Bogen um 

Deutschland gemacht. 

Regelmäßige Sommer-Tourneen in Europa – 

was treibt dich dazu an? 

Ich liebe es zu reisen und für Menschen zu spielen. 

Das will ich für den Rest meines Lebens tun! 

Wie kam es zum neuen Album? 

Wir haben 2012 zum 102. Geburtstag 

meiner Mutter ein Konzert mit acht 

Mikrofonen und modernster Technik 

aufgenommen. Sie hatte sich damals 

die Hüfte gebrochen, musste im Bett 

liegen und konnte nicht zur Show 

kommen – darum zeichneten wir es 

für sie auf. Sie hat es noch gehört, ehe 

sie kurz nach ihrem Geburtstag starb. 

Die Aufnahmen klangen so gut, dass s ich mich entschloss, 

sie zu veröffentlichen – mit einer Bonus-DVD, 

auf der einige meiner Freunde ein wenig erzählen. 

Ist die DVD ein Ersatz für eine Autobiografie? 

CDs und DVD zusammen sind in der Tat eine Art Autobiografie, 

aber eher ein Hörbuch für meine Fans. 

Das spart mir Zeit, die ich für weitere Konzerte nutzen 

kann. Es ist solo, aber ich rede ziemlich viel, erzähle 

zwischendurch Geschichten – es ist 

kein übliches Rockkonzert. 

Du stehst auch bei der kom- 

menden Tour wieder allein 

auf der Bühne 

– 

vermisst du 

nicht manchmal 

die Dynamik 

einer 

Band? 

Nicht wirklich. Ich 

liebe und bevorzuge 

die Intimität 

eines Solokonzerts. Dazu hat mich 

als Teenager Pete Seeger inspiriert: Er machte es genauso, 

nachdem er die Weavers verlassen hatte. Ich 

wollte es auch schon immer, und seit einigen Jahren 

nehme ich mir einfach die Freiheit. 

Logistisch und finanziell ist es sicher vorteilhafter, 

nur mit deiner Frau Camilla und zwei 

Gitarren unterwegs zu sein ... 

Korrekt. 

Wie schwierig ist es, die Setlist zusammenzustellen? 

Du hast so viele Songs zur Auswahl: 

von den Byrds, Titel aus der Solozeit, 

Stücke aus deinem Folk-Den-Kanon mit alten 

Folksongs, die du regelmäßig im Internet 

präsentierst ... 

Gar nicht schwierig. Es gibt bestimmte Tracks, die 

die Leute hören wollen. Ich habe auch nichts dagegen, 

Byrds-Songs zu spielen, weil es einfach gute 

Lieder sind. Ich setze mich mittags mit Camilla hin 

und stelle die Setlist zusammen. Es gibt ein gewisses 

Grundgerüst, und ich variiere das jeden Tag, um es 

auch für mich frisch und spannend zu halten. Es 

sind diesmal auch ein paar neue Nummern dabei, 

die noch nie auf Platte zu hören waren. Ich schreibe 

immer noch regelmäßig. 

Wann gibt es ein Album mit neuen Songs? 

Das ist mein nächstes Projekt. Ich nehme einige meiner 

Lieblingslieder in aktuellen Versionen auf und 

dazu einige neue Titel. 

Wie schwierig lebt es sich im Schatten der 

Byrds – oder wie einfach? 

Ich betrachte die Byrds als Segen, nicht als Fluch. Sie 

haben mir die Tür für meine Solokarriere geöffnet. 

Dafür bin ich sehr dankbar – auch unseren früheren 

Plattenfirmen wie Columbia, Capitol und Arista, die 

mit ihren Wiederveröffentlichungen für soviel Publicity 

sorgen, dass mein Name immer wieder mal im 

Gespräch ist und ich darum so touren kann, wie ich 

es praktiziere. 

Es gibt im Internet immer wieder Diskussionen 

über eine Byrds-Reunion. David Crosby 

hat gerade gesagt, dass er es gern machen 

würde, du dich aber sperrst. Der letzte 

Auftritt liegt rund 14 Jahre zurück ... 

Stimmt. David Crosby nutzt jede Gelegenheit, um 

zum Ausdruck zu bringen, dass er die Byrds gerne 

wieder zusammenbringen würde. Und ich nutze jede 

Gelegenheit, um zum Ausdruck zu bringen, dass ich 

viel zu viel Spaß daran habe, solo zu spielen. 

Das heißt, dass Byrds-Fans sich eher keine 

großen Hoffnungen machen sollten ... 

Wir haben einige wunderbare Aufnahmen hinterlassen, 

die wir einfach nicht toppen könnten. 

Du bist mit den Byrds und Country-Rock berühmt 

geworden, widmest dich seit langem 

aber schwerpunktmäßig dem Folk ... 

Die Byrds 1968: Kevin Kelly, Gram Parsons, 

Roger McGuinn und Chris Hillman (v.l.) 

Als 15-Jähriger habe ich drei Jahre lang zweimal 

in der Woche die Oldtown School Of Folkmusic in 

Chicago besucht – die hat meine Liebe zum Folk 

geweckt. Chicago war eben nicht nur eine Bluesstadt, 

sondern auch eine Folk-City. Als ich nach 

New York zog, stellte ich zu meinem Erstaunen 

fest, dass in der Oldtown mehr los war als im 

Greenwich Village! 

Philipp Roser 



Ali Campbell 

Bleichgesicht leuchtet wieder 

Fotos: © Andy Wilshire 

Alles zurück auf Anfang bei UB 40? Nein, ganz 

so einfach ist es nicht bei der speziell in den 

1980er und frühen 1990er Jahren höchst erfolgreichen 

multinationalen Formation aus 

Birmingham. 

Anfang Oktober erscheint ein Album mit dem umständlichen 

Titel ALI CAMPBELL – THE LEGENDA- 

RY VOICE OF UB 40, REUNITED WITH ASTRO & 

MICKEY: SILHOUETTE. Darauf zu hören sind Songs 

aus dem weiten, Rhythmus-durchsetzten Bereich 

zwischen Reggae, Dub und Pop. Sieben der 14 Titel 

wurden von Frontmann Ali Campbell komponiert, 

alle anderen sind launige Cover-Versionen, zum 

Beispiel von den Beatles, Bob Dylan 

und den Chi-Lites – sämtlich mit 

jamaikanisch orientiertem Touch. 

Etwas verwunderlich an dieser Produktion: 

Der 55-jährige Campbell 

(Sänger, Gitarrist und Haupttexter 

des Projekts) verließ 2008 UB 40; 

kurz darauf folgten ihm Keyboarder 

„Mickey” Virtue und Trompeter/Perkussionist „Astro” 

Wilson, die zunächst 

unterschiedliche Wege 

gingen. Der Split- 

Hauptgrund für das Trio 

waren finanzielle Unregelmäßigkeiten 

– eine 

undurchsichtige Angelegenheit. 

Jetzt jedenfalls steckt 

das Trio seine Köpfe 

erneut zusammen, auch 

der Name UB 40 spielt 

bei ihnen wieder eine 

Rolle. Ali Campbell bringt Licht ins Dunkel: „Ich 

habe UB 40 geformt”, sagt er, „daher nehme ich 

den Namen der Band heute auch wieder in Anspruch. 

Es gab viele düstere Zeiten bei uns. Aber 

die sind jetzt hoffentlich endgültig beseitigt. Da- 

rum versuchen wir, den Namen wieder behutsam in 

der Öffentlichkeit zu etablieren.” 

Von „schwarzer” Musik kommt „Bleichgesicht” Campbell, 

wie der Mann sich süffisant selbst bezeichnet, 

ohnehin nie mehr los: „Ich wuchs in einem Viertel von 

Birmingham auf, in dem vor allem Jamaikaner und 

Inder wohnten. Die meisten meiner Kumpels stammten 

aus diesen Volksgruppen. Als Reggae mehr oder 

weniger erfunden wurde, war ich neun Jahre alt. Um 

meinen Freunden zu imponieren, 

habe ich neben 

Motown-Sound nichts 

anderes als diesen Stoff 

gehört. Das war gut so, 

denn er begeistert mich 

bis heute.” 

Eines steht für Ali Campbell 

fest: „Ich werde bis 

zu meinem Tod keine 

andere Musik spielen. 

Und ich bin froh, dass 

Astro und Mickey wieder 

an Bord sind, sie sorgen für die Dynamik und den 

Beat bei UB 40. Dieses aufregende Wechselspiel haben 

wir alten Knochen unbedingt nötig, um am Leben 

zu bleiben.” Also doch: alles zurück auf Anfang. 


MEGA PLATTEN & CD BÖRSE 

JAARBEURS UTRECHT HOLLAND 

22. & 23. NOVEMBER 

500 Händler aus der ganzen Welt

Kolumne Christian Simon 

– Folge 16 – 

Arlo Guthrie & John Denver 

Zeitlose 

Stimmen 

Amerikas 

Sie sind US-Singer/Songwriter aus dem Country- 

Folkbereich, beide habe ich persönlich kennen 

gelernt und immer schon sehr gemocht. Seit 

vielen Jahren gehört der Song "City Of New Orleans" 

zu meinen Lieblingstiteln. Klar, dass es toll war, den 

Interpreten dieses Klassikers im Juni 1981 in „Rockpop" 

im ZDF begrüßen zu dürfen – Arlo Guthrie, 

Sohn der Folklegende Woody Guthrie (1912–1967). 

Der war wie Pete Seeger einer von Arlos Lehrmeistern, 

und folglich setzte der Junior die musikalische 

Tradition seines Vaters fort und sang Protestsongs 

gegen soziale Ungerechtigkeit. 

Arlo Guthrie ist einer der bekanntesten amerikanischen 

Songpoeten und Balladensänger. Umso 

erstaunter war unser TV-Team, einen völlig unkomplizierten, 

freundlichen und zuvorkommenden 

„Country-Boy" zu erleben. Nach den ersten Proben 

hatte ich Gelegenheit, mit ihm in der Kantine ein 

wenig zu plaudern. „Eigentlich begann meine Karriere 

1967 im Todesjahr meines Vaters auf dem Newport 

Folk Festival. Da habe ich 18 Minuten 'Alice’s 

Restaurant' gespielt. 

Du weißt ja, Alice 

und Ray waren ein 

Hippie-Pärchen, das 

ich kannte – sie wurden 

wegen illegaler 

Müllentsorgung verurteilt. 

Daher stammt 

die Geschichte des 

Songs. Aber so richtig 

los ging’s erst nach 

meinem Auftritt 1969 

beim Woodstock- 

Festival. Da habe ich 

meine Version von 

'Amazing Grace' und Bob Dylans 'Walking Down 

The Line' gespielt." Arlo war gerade auf PR-Tour 

für seine damals aktuelle LP POWER OF LOVE und 

in diesem Zusammenhang auch in die Sendung gekommen. 

Aber ich konnte ihn auf keinen Fall ohne 

seine Hits gehen lassen. „Kannst du was von den alten 

Sachen anspielen?", fragte ich ihn auf dem Weg 

zur Garderobe. „Damit tust du mir sogar einen Gefallen", 

war seine Antwort, „es 

gibt nichts Besseres, als live mit 

der Gitarre im Fernsehstudio zu 

improvisieren!" Und seine „Improvisation" 

war der Hammer: 

ein Medley aus "Alice’s Restaurant", 

"City Of New Orleans" 

und "Oklahoma Night". Für 

mich bis heute einer der Höhepunkte 

der „Rockpop"-Sendungen! 

Arlo tourt noch heute 

durch die USA und Europa. 

Die andere „Stimme Amerikas" hatte ich kurz 

zuvor während seiner Deutschland-Tournee am 

11. Oktober 1979 in der Münchner Olympiahalle 

getroffen. Seine Merkmale: eine Nickelbrille, bunt 

bestickte Hemden und Hits wie "Take Me Home, 

Country Roads" oder "Leaving On A Jet Plane". Sein 

bürgerlicher Name war Henry John Deutschendorf, 

wir kannten ihn aber als John Denver. Fritz Rau 

hatte mich zum Konzert eingeladen, anschließend 

waren wir zu 

dritt zum Abendessen 

beim Käfer 

– ein unvergesslicher 

Abend! 

Wir saßen an 

einem blank 

gescheuerten 

Holztisch, und 

John 

erzählte 

Geschichten aus 

seinem Leben. 

„Meine erste 

Gitarre bekam 

ich von meiner 

Großmutter. Es war eine Gibson von 1910. Ein super 

Teil! Ich hab' dann in Rockbands gespielt, bevor 

ich 1964 nach Los Angeles ging und dort in die 

Folkszene einstieg. Da bin ich durch Clubs und Bars 

getingelt, bis ich 1969 meinen ersten Schallplattenvertrag 

erhielt." 

Von da an ging’s bergauf – mit Songs über die 

Schönheit der amerikanischen Landschaft, über 

Autogrammarchiv Norbert Arndt 

das Leben auf dem Land, mit Liebesliedern für seine 

Frau Annie – Songs der unzerstörten, harmonischen, 

menschlichen und heilen Welt des John 

Denver. War er weltfremd? „Ich bin nicht anders als 

jeder andere", sagte er mir, „aber falls es doch einen 

Unterschied gibt, dann den: Ich habe gelernt, wie 

man sich Problemen stellt und wie man sie überwindet. 

Nicht zu lügen und nicht so zu tun, als 

seien sie nicht vorhanden." Als Denver 1975 mit 

Frank Sinatra in Nevada eine Show bestritt, gingen 

670.000 Kartenbestellungen ein, und Sinatra vermeldete: 

„Amerika hat in John Denver einen neuen 

Helden entdeckt!" Einen Helden mit Schwächen. 

An jenem Abend in München konnte John ein Wort 

fehlerfrei auf Deutsch: Vogelbeerschnaps ... Eine 

„Leidenschaft", mit der er zu kämpfen hatte – der 

Alkohol. Genau 18 Jahre nach unserem Kennenlernen 

stürzte der begeistere Flieger John Denver am 

12. Oktober 1997 mit seinem von ihm selbst gesteuerten 

Flugzeug über der Monterey Bay in Kalifornien 

ab und kam ums Leben. Er war zuvor mit 

Alkohol am Steuer erwischt worden, und ihm wurde 

neben seinem Führerschein auch seine Fluglizenz 

entzogen. Aber John flog trotzdem ... Bei seinem 

Absturz war er allerdings nüchtern und gesundheitlich 

voll auf der Höhe. Sein Erbe sind seine Lieder. 

2007 ernannte das Parlament von Colorado "Rocky 

Mountain High" zur offiziellen zweiten Hymne des 

Bundesstaates – und im März 2014 wurde "Take 

Me Home, Country Roads" vom Parlament in West 

Virginia zur offiziellen Hymne erklärt. 

Archiv Christian Simon Productions 


John Illsley 

„Ich bin gern ein altmodischer Sack!” 

Foto: © Bob Mazzer 

John Illsley, John Illsley ...? Ganz ohne Nachdenken 

geht's vielleicht nicht, wenn der Name 

des 65-Jährigen aus Leicester fällt. Bestenfalls 

dämmert's: Illsley war der scheue Schlaks am Dire- 

Straits-Bass und neben Gitarrist Mark Knopfler als 

einziges Gründungsmitglied zwischen 1977 und 

1995 durchgehend dabei. Nachdem sich die Formation 

endgültig getrennt hatte, startete der äußerst 

sympathische Engländer eine mäßig erfolgreiche 

Solokarriere, die bis heute Bestand hat. 

Jetzt ist seine aktuelle CD TESTING THE 

WATER auf den Markt gekommen. Darauf 

singt John selbst und spielt neben 

dem Bass auch die Leadgitarre. Mitgeholfen 

bei der Realisierung der Platte 

haben einige bekannte Studiocracks 

wie Guy Fletcher und Nigel Hitchcock. 

In welche Richtung geht's? „Ich bin 

gern ein altmodischer Sack”, betont t 

Illsley zu Beginn des Gesprächs, „das 

merkt man schon daran, dass ich meine 

Alben mit meinen Mitstreitern klassisch 

in einem Tonstudio aufnehme. 

Wir schieben keine Daten vom ersten Computer am 

einen Ende der Welt in einen zweiten am anderen 

Ende. Bei mir wird Musik noch mit der Hand gemacht.” 

Die musikalischen Einflüsse sind dann auch unverkennbar 

– Dire Straits! Zwar hat John Illsley 

nicht ganz den Knopfler-Schmelz in der Stimme, die 

Finesse von dessen oft feingliedrigen Kompositionen 

erreicht er auch nie. Doch wem der unnachahmliche 

Straits-Sound gefällt, dürfte auch an TESTING THE 

WATER viel Freude haben. „Ist doch logisch, dass 

meine Musik nahe an der früheren Band orientiert 

ist”, schwärmt Illsley, „schließlich habe ich dieses 

Klangkonzept mitentwickelt. Die Dire Straits waren 

ja nie so etwas wie Mark und seine Helfer', sondern 

' 

stets eine basisdemokratische Institution.” 

In fast all deinen Kompositionen steckt eine melancholische 

Grundatmosphäre ... 

Mit dem Begriff Melancholie als Definition für meine 

Musik und Persönlichkeit kann ich gut leben. Solange 

man den Arbeiten keine Resignation unterstellt, 

passt das prächtig. Ich will definitiv keinen Zuhörer 

deprimieren! Doch ich bin ein ziemlich introvertierter 

Mann, reflektiere viel. Seit man bei mir vor 15 Jahren 

zufällig Leukämie entdeckte, die ich inzwischen 

überwunden habe, schaue ich mir das Dasein mit 

noch geschärfterem Blick an. Ich bin dankbar für jeden 

neuen Tag, den ich geschenkt bekomme. 

Diese Seriosität steckt 

auch in den aktuellen Texten 

mit viel Gesellschaftskritik. 

Woher kommt dieses 

Engagement? 

Die Welt geht durch äußerst 

unübersichtliche, 

turbulente Zeiten. Vor 

allem existieren kaum 

noch politische oder soziale 

Absicherungen, alles 

befindet sich doch in 

freiem Fall. Dazu kommt, 

dass immer mehr Nationen Pulverfässer sind, die in 

jedem Moment in Krieg und Chaos versinken können. 

Über diese eigentlich fatale Situation habe ich 

mir ein paar Gedanken gemacht. Ich bin undogmatischer 

Christ, habe dadurch feste Werte, die mir im 

Alltag helfen. Es wäre schön, wenn ein paar mehr 

Menschen solche Konstanten hätten! Das würde der 

Welt mehr Frieden geben. 

Erinnerst du dich noch daran, warum ihr 1995 die Dire 

Straits aufgelöst habt? 

Mark und ich stellten fest, dass wir das Konzept der 

Band ausgereizt hatten. Uns fiel dazu nichts Neues 

mehr ein. Knapp 20 Jahre später sieht das ein wenig 

anders aus. Wir schließen beide eine Reunion nicht 

mehr gänzlich aus. Wir sind weiterhin enge Freunde, 

auch unsere Frauen verstehen sich prächtig. Jedenfalls 

ist das „Projekt Dire Straits" noch nicht endgültig 

begraben. 

Michael Fuchs-Gamböck

Soul-Porträt 

Merry Clayton 

Kult mit Lockenwicklern 

Der Tag ihrer Geburt bestimmte den Vornamen. Rund 15 Sekunden 

begründeten einen grandiosen Ruf. Und es gab schon massenhaft 

Material, als sie noch niemand kannte. Nicht viele Sängerinnen 

genießen ein so hohes Ansehen wie Merry Clayton. 

Von Bernd Matheja 

Fliegen gleich ihre Mandeln raus, oder hebt sich die Schädeldecke?! 

Elektra Studios, Hollywood, Oktober 1969. Die Stones nebst Produzent 

Jimmy Miller sorgten für Produktionskosmetik am Song 

"Gimme Shelter", eine ergänzende Frauenstimme sollte es bitte noch 

sein, aber woher so kurz nach Mitternacht nehmen? Ja, da gäbe es 

vor Ort eine Mrs. Clayton, die wäre wohl geeignet. Anrufen, abholen! 

Wenig später erschien die Lady: 20 Jahre jung, aus dem Bett geholt, in 

Bademantel und -latschen, Lockenwickler im Krauskopp unterm Kopftuch 

und obendrein „big with child" – mit prallem Kugelbauch wurde die Hilfskraft 

auf einen stützenden Hocker gesetzt, erhielt eine Kurzeinweisung, sang 

ihren Schnipsel „... rape, murder, it's just a shot away ..." in dreifacher er 

Ausfertigung. Und als die jungen Herren aus England 

noch immer ihren Ohren nicht trauten, was 

da einem Hals entwichen war, rollte die Sirene 

schon wieder per Bringdienst Richtung heimischer 

Matratze. Eine treffliche Episode zum Thema „So 

geht Session". 

Für Merry Clayton (*25.12.1948 in Gert Town, New Orleans) 

lief von da an nichts mehr wie zuvor. Dass sie bis dahin schon 

„Vinyl satt" auf der Uhr hatte, ist kaum bekannt. Sie war noch 

13, als sie im November 1962 "The Doorbell 

Rings" aufnahm, kurz darauf legte der Teenie 

mit dem Kraftorgan "Who Can I Count 

On?" hin, ein Prädikatsduett mit Bobby 

Darin. Dessen Label erkannte das Juwel, 

auf Capitol erschienen bis August 1964 vier 

Clayton-Singles, darunter das Original von 

"It's In His Kiss (The Shoop Shoop Song)", 

mit dem Betty Everett später absahnte. Merry 

war jetzt schon 15 ... 

Die Ohren gespitzt hatte längst auch Ray 

Charles, der stets nur feinste Stimmen für 

sein Begleitquartett The Raelettes verpflichtete. 

Rund 18 Monate lang sorgte Clayton 

mit den Kolleginnen Clydie King, Margie 

Hendricks/Hendrix, Alexandra Brown und 

Gwendolyn Berry für den guten Ton hinter 

dem Meister. Und: Der gestattete ihnen auch eigene Singles 

auf seinem Tangerine-Label; bei drei von vier 45ern aus jenem 

Zeitraum sang Clayton die Leadparts. 

Ende 1968 musterte Merry ab, gründete mit Vermettya Royster, 

Lillie Fort und Gwen Berry The Sisters Love. Nach nur einer 

Single ("This Time Tomorrow" auf Man-Child) zog sie weiter, 

machte mit beim „Brothers & Sisters"-Projekt; zwei superbe 

Titel als Solistin steuerte sie 1969 für die LP DYLAN'S GOSPEL 

(Ode Records) bei. Dann kam der 

mitternächtliche Anruf – und 

nachdem "Gimme Shelter" 

rund um die Welt ging, setzte 

es Jobs ohne Ende. 

Clayton lieferte u.a. drei Beiträge 

– darunter das Highlight 

"Poor White Hound Dog" mit Ry 

Cooder 

– für Mick Jaggers PERFOR- 

MANCE ab. Und Ode Records 

spendierte 1970, 1971 und 1975 

die Solo-Alben GIMME SHEL- 

TER, MERRY CLAYTON und 

KEEP YOUR EYES ON THE Merry Clayton (unten Mitte) mit den Raelettes 

SPARROW. Die Liste ihrer Sessionassistenz wuchs und wuchs: Joe Cocker, 

Carole King, B.B. King, Neil Young, Tom Jones, Lynyrd Skynyrd, Jerry Gar- 

cia, Paul Butterfield und und und. Auch auf dem LP-Dokument CELEBRA- 

TION des „Big Sur Folk Festivals" ist Clayton dabei, für die Bühnen/Orchesterfassung 

von TOMMY trat sie u.a. mit Steve Winwood, Maggie 

Bell und Rod Stewart an – und gab eine prächtige 

„Acid Queen". 

Seit den Achtzigern hat die Sängerin 

sich rar gemacht – nicht ohne sporadische 

Glanzlichter zu setzen. Neben 

den LPs EMOTION (1980) und MI- 

RACLES (1994) ist "Yes" zu erwähnen, 

ihr Charthit aus dem Kino-Klassiker 

„Dirty Dancing" (1987). Mit Eric 

Carmen spielte Clayton 1989 "Almost 

Paradise" ein, auf dem Lowell-George-Tribute ROCK AND ROLL 

DOCTOR coverte sie "Spanish Moon". 

Im vergangenen Jahr hat die Hochgelobte (sich) nochmals an 

"Gimme Shelter" erinnert: Als Gast präsentiert sie eine neue Version 

des Songs auf dem Album DON'T BURN THE BRIDGE des 

Saxofonisten Joel „iReedMan" Peskin. Und ein filmisches Denkmal 

wurde Clayton und anderen Sessionsängerinnen ebenfalls gesetzt: 

2014 setzte es einen Oscar für die Doku „20 Feet From Stardom"; 

sie würdigt brillant das Schaffen der Unverzichtbaren aus dem Hintergrund, u.a. 

am Beispiel von Darlene Love, Patti Austin und auch Claytons "'Gimme-Shelter'- 

Nachfolgerin" bei den Stones, Lisa Fischer. 

Merry Clayton war seit 1970 mit dem Saxofonisten Curtis Amy bis zu dessen Tod 

2002 verheiratet und ist Mutter der Söhne Kevin und Darren. Ihr Bruder Sam spielt 

Perkussion für Little Feat. Eine CD-Werkausgabe mit Höhepunkten ihrer langen Karriere 

seit 1962 existiert nicht; THE BEST OF MERRY CLAYTON (2013) ist – unbefriedigend 

– begrenzt auf die Jahre 1969 bis 1975. 


Robyn Hitchcock 

Der 

Herbst- 

M ann 

Rund vier Jahrzehnte ist Robyn Hitchcock jetzt im Geschäft – und 

genießt bei Kritikern eine blendende Reputation. Aber letztlich hat 

es nicht so recht geklappt mit dem ganz großen Durchbruch und damit 

verbundenem materiellem Gewinn. „Aber das ist eigentlich nur folgerichtig”, 

analysiert der 61-jährige Engländer diesen Status, 

„denn um ein Star zu werden, muss man der Menschheit 

das Gefühl geben, dass man sie liebt. Das tue ich 

aber nicht unbedingt. Ich bin eine Art Herbst-Mann, 

der ewige Misanthrop. Unabhängig davon genieße ich 

das herrliche Privileg, seit dem Beginn meiner Karriere 

nur das tun zu können, was ich wirklich mag. Außerdem 

muss ich praktisch nie Autogramme geben, weil 

mich in der Öffentlichkeit niemand kennt. Dafür bin ich 

mächtig dankbar!” 

Mit seinem aktuellen 20. Studio-Album THE MAN UP- 

STAIRS erfüllte sich der schmale Mann mit dem fatalistischen, 

schwarz-britischen Humor einen weiteren Traum: „Ich habe mir Joe 

Boyd als Produzenten geangelt”, schwärmt Hitchcock. „Der Typ mag über 70 

sein, aber er ist top-fit. Und er hat 

mit Künstlern gearbeitet, die ewig 

meine Heroen sein werden: Nick 

Drake, die Incredible String Band, 

Fairport Convention. Ich kenne Joe 

seit den 1980ern, als er mit R.E.M. 

zu tun hatte, die ich auch kenne, 

da sie Anhänger meiner Musik sind. 

Jetzt war der richtige Zeitpunkt, 

dass Boyd und ich etwas gemeinsam 

angehen.” 

THE MAN UPSTAIRS ist eine ungewöhnliche 

Liederkompilation. Es 

finden sich darauf überraschende Cover-Songs, etwa von den Doors, Roxy Music 

oder den Psychedelic Furs. Und die Scheibe enthält eigene Stücke, die von 

Hitchcock in einem Zeitraum von über drei Jahrzehnten komponiert 

wurden. Es ist eine akustische, spartanische Angelegenheit geworden, 

die den Hörer vermutlich gerade wegen dieses ruhigen Ansatzes sofort 

packt. Die Go-Betweens klingen durch, Lloyd Cole, Neil Young 

(vor dem Stimmbruch ...). Hitchcock intoniert leiernd, stets leicht neben der 

Spur – und berührt damit auf der Stelle. 

„Das ist Alternative Psych Folk”, lacht der Kauz, „genau dieser Sound 

ist mein Stil! Der Hörer findet Ironie darin, Nostalgie, Melancholie 

und hoffentlich eine ordentliche Portion Humor, gepaart mit rumpelnden 

Beats. Ich habe Joe Boyd gesagt, dass ich nicht mehr als zwei 

Takes für jeden Song verwenden möchte, damit die Authentizität gewährleistet 

bleibt. Er hat gelacht und meinte: ' 

Genauso habe ich mir 

dieses Projekt vorgestellt!’ Von da an waren wir Freunde.” 

Robyn Hitchcocks musikalische Orientierung wurde in seinen Teenager-Jahren 

festgeklopft, behauptet er zumindest: „Ich bin Jahrgang 

1953, also haben mich die Doors, Beatles, Jimi Hendrix und vor allem 

die Byrds für immer geprägt. Alles, was nach den späten 1960ern entstanden 

ist, hat mich kaum noch interessiert. In der Tradition genau 

dieser Klänge wollte ich immer stehen. Ich glaube, ich habe nie etwas 

anderes gemacht. Und das mache ich auch nach wie vor nicht.” 


Foto: © Alicia J Rose 

SINGLES 

VOR 50 JAHREN 

18. September 1964 

Herman’s Hermits 

I’m Into Something Good 

Kinks 

You Really Got Me 

Four Seasons 

Rag Doll 

Honeycombs 

Have I The Right 

Bachelors 

I Wouldn’t Trade You For The World 

Supremes 

Where Did Our Love Go 

Jim Reeves 

I Won’t Forget You 

Dave Berry 

The Crying Game 

Marianne Faithfull 

As Tears Go By 

Roy Orbison 

Oh, Pretty Woman 

1 

2 

3 

4 

5 

6 

7 

8 

9 

10 

LPs 

VOR 50 JAHREN 


Beatles 

A Hard Day’s Night 

Rolling Stones 

The Rolling Stones 

Jim Reeves 

Moonlight And Roses 

Manfred Mann 

Five Faces Of Manfred Mann 

Cliff Richard & The Shadows 

Wonderful Life 

Bachelors 

The Bachelors Plus 16 Great Songs 

Jim Reeves 

Gentleman Jim 

Soundtrack 

West Side Story 

Jim Reeves 

Good To Be With You 

Jim Reeves 

A Touch Of Velvet 

GB-CHARTS 

SINGLES 

VOR 45 JAHREN 


Creedence Clearwater Revival 

Bad Moon Rising 

Bee Gees 

Don’t Forget To Remember 

Zager & Evans 

In The Year 2525 

Jane Birkin & Serge Gainsbourg 

Je T’Aime 

Humble Pie 

Natural Born Bugie 

Marvin Gaye 

Too Busy Thinking About My Baby 

Equals 

Viva Bobby Joe 

Stevie Wonder 

My Cherie Amour 

Oliver 

Good Morning Starshine 

Bobbie Gentry 

I’ll Never Fall In Love Again 

1 

2 

3 

4 

5 

6 

7 

8 

9 

10 

LPs 

VOR 45 JAHREN 


Johnny Cash 

Johnny Cash At San Quentin 

Blind Faith 

Blind Faith 

Jethro Tull 

Stand Up 

Nice 

Nice 

Elvis Presley 

From Elvis In Memphis 

London Cast 

Hair 

Jim Reeves 

According To My Heart 

Soundtrack 

Oliver! 

Fairport Convention 

Unhalfbricking 

Bob Dylan 

Nashville Skyline 

SINGLES 

VOR 40 JAHREN 


Carl Douglas 

Kung Fu Fighting 

Osmonds 

Love Me For A Reason 

John Denver 

Annie’s Song 

Sylvia 

Y Viva Espania 

Donny & Marie Osmond 

I’m Leaving It All Up To You 

Johnny Bristol 

Hang On In There Baby 

Alvin Stardust 

You You You 

KC & The Sunshine Band 

Queen Of Clubs 

Three Degrees 

When Will I See You Again 

Cozy Powell 

Na Na Na 

1 

2 

3 

4 

5 

6 

7 

8 

9 

10 

LPs 

VOR 40 JAHREN 


Mike Oldfield 

Hergest Ridge 

Mike Oldfield 

Tubular Bells 

Paul McCartney & Wings 

Band On The Run 

Bryan Ferry 

Another Time, Another Place 

John Denver 

Back Home Again 

Carpenters 

The Singles 1969–1973 

Eric Clapton 

461 Ocean Boulevard 

Pink Floyd 

The Dark Side Of The Moon 

Stevie Wonder 

Fulfillingness First Finale 

Cockney Rebel 

The Psychomodo 


RHONDA 

New 

comer 

GOAT 

Von MC 5 bis Ronnie Spector 

Lasziv, scheu, kraftvoll – Attribute, die einem spontan einfallen. Im Player liegt 

RAW LOVE, das Debütalbum der Band Rhonda mit ihrer Sängerin Milo Milone. 

Eine Stimme der Kontraste somit, irgendwo im Spannungsfeld zwischen Duffy, 

Amy Winehouse und Annisette Hansen (Savage Rose); eine 

Stimme, die niemand mehr vergessen wird. Musikalisch erinnert 

der Ton des Hamburger Quintetts, das im Mai 2012 

gegründet wurde, an Vintage-Sound à la Ronettes und Dusty 

Springfield – mit vergleichbarer, ausgelassener Naivität und 

fröhlicher Leichtigkeit. „Ich bin 27 und nicht in den 1960ern 

zu Hause”, erklärt die charmante Milo, „aber ich liebe die Musik 

dieser Ära mehr als jede andere. Ich mag Soul, Gospel und Punk gleichermaßen, 

bin mit James Brown und Aretha Franklin großgeworden, aber genauso mit The MC 

5 und den Stooges. Diese beiden eigentlich kontroversen Einflüsse spielen eine Rolle 

im Rhonda-Sound.” Die Tochter eines Italieners und einer Deutschen fügt hinzu: 

„Vergleiche mit Adele oder Ronnie Spector schmeicheln mir immens, weil dadurch 

meine Stimme in der Öffentlichkeit als etwas Besonderes wahrgenommen wird. Zunächst 

mal bin ich ja aktive Hörerin von Liedern aus verschiedensten Jahrzehnten. 

Und meine Obsession übertrage ich auf die eigenen Stücke.” Der Bandname Rhonda? 

Er hat laut Milo „nichts mit dem Beach-Boys-Titel 'Help Me Rhonda' zu tun. 

Uns gefällt er einfach. Außerdem sind Bandnamen sowieso nur Schall und Rauch. 

Hauptsache, er klingt genauso harmonisch wie unsere Songs.” 

mfg 

COURTNEY BARNETT 


Maskerade und Mummenschanz 

Der nordschwedische Ort Korpilombolo nahe der finnischen Grenze zählt nur 

529 Einwohner. Angeblich haben sich hier, mitten im Nirgendwo, Goat gegründet 

– eine der derzeit durchgeknalltesten und aufregendsten neuen Bands 

aus Skandinavien. Wer die Combo bei Live-Auftritten oder 

in Youtube-Clips sieht, fühlt sich unweigerlich an den Maskenball 

und Mummenschanz erinnert, den Grobschnitt und 

Guru Guru mit "Solar Music" und "Der Elektrolurch" auf die 

Bühne zaubern. Tatsächlich ist Krautrock einer der vielen Referenzpunkte 

dieser bunten Hippie-Freak-Truppe. Als weitere 

Einflüsse hat die begeisterte englischsprachige Presse unter 

anderem auch schon Black Sabbath, Fela Kuti, Funkadelic oder die Incredible String 

Band ausgemacht – also so ziemlich alles musikalisch Verrückte unter der Sonne. 

Ihren Trance-artigen, von Fuzz-Gitarren, exotischen Rhythmen und Stammesgesängen 

vorwärtsgetriebenen Sound hat die Band bereits auf wichtigen Festivals 

wie im englischen Glastonbury und im kalifornischen Coachella Valley präsentiert. 

Nach ihrem von der internationalen Kritik gelobten Debütalbum WORLD MUSIC 

veröffentlichen Goat nun COMMUNE, ihren zweiten Longplayer beim britischen 

Plattenlabel Rocket Recordings. Darauf sind erneut freakige Songs zu hören, mit 

Titeln wie "Travel The Path Unknown", "Hide From The Sun" und "Gathering Of 

Ancient Tribes" – denen ist anzumerken, dass sie aus freifließenden Sessions heraus 

entstanden sind. Tune in – folge dem Pfad ins Ungewisse … 

frs 

JULES 


Australisches Supertalent 

Gute Kunde aus Melbourne: Die Stadt schickt eine Liedermacherin der Extraklasse 

ins Rennen, die bei umsichtiger Karriereplanung das Zeug zum 

Weltstar hat – die knapp 26-jährige Courtney Barnett. Von 2010 bis 2011 spielte 

sie Gitarre in der Garagen-Grungeband Rapid Transit und anschließend bis 2013 

bei der Psych-Countrygruppe Immigrant Union. 2012 startete sie ihr eigenes Label 

Milk! Records und veröffentlichte ihre erste EP I'VE 

GOT A FRIEND CALLED EMILY FERRIS, die in Australien 

wohlwollende Reviews erntete. Es folgte 2013 die zweite 

EP HOW TO CARVE A CARROT INTO A ROSE, durch die 

Barnett auch im UK und in den USA Aufmerksamkeit erregte. 

Beide EPs hat sie nun zum Quasi-Debütalbum THE 

DOUBLE EP – A SEA OF SPLIT PEAS zusammengefasst. 

Begleitet von stilsicheren Musikern an Gitarre, Bass und Schlagzeug singt Barnett 

mit angenehm klarer, allürenfreier Stimme ihre vorzüglichen Songs. Die lehnen 

sich – mit einer Mischung aus Folk, Country und milder Psychedelia – stilistisch an 

die Byrds und den Mid-Sixties-Dylan an, weisen aber zugleich eine attraktive eigene 

Handschrift auf. Top-Leistungen sind "Avant Gardener" mit tollem Text über 

eine Asthma-Attacke während einer Hitzewelle. Das Piano-getriebene "Out Of 

The Woodwork" ist typisch für den dunkleren Teil ihrer Kompositionen, während 

"Anonymous Club" mit romantischer und melancholischer Stimmung punktet und 

"Lance Jr." schlicht ein feiner Ohrwurm ist. 

hjg 


Herr Rieber: Traum erfüllt! 

Aufgewachsen in Lippstadt in den 50er Jahren, mit sechs musste ich Klavier 

„ lernen, mit zwölf wollte ich Drummer werden, dann Gitarrist – wegen der 

Mädels." So beschreibt Christoph Rieber seine Jugend. Er trampte durch Griechenland 

und den Himalaya, war in Gomera, Poona, Havanna und Woodstock, lebte 

in Münster in einer Musikerkommune, verwirklichte den Musikertraum: Mitte der 

60er Jahre mit der Beatcombo The Haze, in karibisch angehauchten 

(Amateur-)Bands namens Raven und Caribic 

Kids – und konnte doch nie von der Musik leben. Er heiratete 

mit Mitte 20, zog Kinder auf, verdiente die Brötchen 

im Pflegebereich, ist heute Großvater und hat sich jetzt 

mit 60 unter dem Künstlernamen Jules, den er sich schon 

als Teenager zulegte, endlich den Traum einer eigenen 

Platte erfüllt. SHORT STORIES hat er im Alleingang geschrieben und aufgenommen. 

„Rockmusik ist meine Leidenschaft seit den Siebzigern, Songs zu schreiben 

hat mir geholfen, zu überleben und mit der Welt klarzukommen", sagt er. Reichlich 

Lebenserfahrung fand ihren Niederschlag – in den Texten (englisch, französisch, 

italienisch) wie in der Musik mit enormer Bandbreite. Mal mit akustischer Klampfe, 

dann rockig, auch folkig mit Flöte; samt Kinderchor, Reggae-Rhythmen und sogar 

Rap-Momenten, häufig wieder mit Ethnosounds. Herauszuhören sind Herzblut 

und Spaß, das opulente Digi-Booklet demonstriert Liebe und Akribie, mit der er 

diese Herzensangelegenheit verwirklichte. 

pro 



27.03.2015 MÜNCHEN ZENITH 

28.03.2015 STUTTGART PORSCHE ARENA 

29.03.2015 WÜRZBURG S. OLIVER ARENA 

31.03.2015 ERFURT MESSEHALLE 

01.04.2015 NÜRNBERG MEISTERSINGERHALLE 

02.04.2015 KARLSRUHE EUROPAHALLE 

04.04.2015 NEU-ULM RATIOPHARM ARENA 

05.04.2015 KEMPTEN BIG BOX 

07.04.2015 FRANKFURT JAHRHUNDERTHALLE 

08.04.2015 FRANKFURT JAHRHUNDERTHALLE 

09.04.2015 KÖLN LANXESS ARENA 

11.04.2015 OBERHAUSEN KÖNIG-PILSENER-ARENA 

12.04.2015 BRAUNSCHWEIG STADTHALLE 

14.04.2015 LEIPZIG ARENA 

15.04.2015 MANNHEIM SAP ARENA 

16.04.2015 SAARBRÜCKEN SAARLANDHALLE 

17.04.2015 BREMEN HALLE 7 

18.04.2015 HANNOVER SWISS LIFE ARENA 

20.04.2015 ROSTOCK STADTHALLE 

21.04.2015 CHEMNITZ STADTHALLE 

22.04.2015 MAGDEBURG GETEC ARENA 

24.04.2015 HALLE/WESTF. GERRY-WEBER-STADION 

25.04.2015 AURICH SPARKASSEN ARENA 

26.04.2015 BERLIN TEMPODROM 

28.04.2015 MÜNSTER HALLE MÜNSTERLAND 

29.04.2015 HAMBURG O2 WORLD 

TICKETS UNTER: FKPSCORPIO.COM & EVENTIM.DE 

SERVICE-HOTLINE: 01806-853 653 (0,20 

€ / Anruf aus dem Festnetz, Mobilfunk max. 0,60 € / Anruf)

ROBIN GIBB 

TRAURIGES ERBE 

Es ist ein bedrückender und zugleich würdiger musikalischer 

Nachlass, der unlängst als CD mit dem Titel 50 ST. 

CATHERINE'S DRIVE in die Läden kam. Dabei handelt es 

sich um die letzten Kompositionen von Bee-Gees-Mitbegründer 

Robin Gibb, der während etlicher Aufnahmen bereits von 

Darm- und Leberkrebs gezeichnet war, dem er schließlich am 

20. Juni 2012 erlag. Es ist nachvollziehbar, dass speziell die 

letzten Kompositionen beinahe durchgehend in Moll gehalten 

sind, ohne dabei jedoch in Weinerlichkeit zu versinken. Aber 

auch die zwischen 2006 und 2008 entstandenen Aufnahmen 

enthalten bereits einen Hauch von Wehmut. 

Von Michael Fuchs-Gamböck 

Foto: © www.brianaris.com 


Das Album präsentiert 17 Stücke, durchweg dominiert 

von Robin Gibbs unverwechselbarer Stimme, 

die sich dann und wann einmal mehr in höchsten 

Höhen bewegt. Neben 15 neuen Tracks (drei mit 

Gibbs Sohn Robin-John) gibt es eine Neuauflage 

des Bee-Gees-Klassikers "I Am The World" von 1966 

sowie das Demo "Sidney". Die Track-by-Track-Notizen 

steuerte Gibbs Witwe Dwina bei, die mit Robin 

seit 1985 verheiratet war. Dwina, am 22.12.1952 in 

Irland geborene Malerin und Autorin, kommentiert 

das Nachlasswerk und erzählt bereitwillig über ihren 

Ehemann – sofern sie nicht auf die außereheliche, 

2008 geborene Tochter angesprochen wird, die Robin 

mit einer ehemaligen Hausangestellten gezeugt 

hatte. 

Viele Lieder auf 50 ST. CATHERINE'S 

DRIVE sind im Wissen um die Krebserkrankung 

entstanden. Erinnern Sie sich, 

wie es zu diesen Songs kam? 

Ich muss vorweg schicken, dass nicht sämtliche 

Titel auf der Platte autobiografischer Natur sind. 

Robin Gibb mit seiner Frau Dwina 

Robin liebte alte Geschichtsbücher, speziell über 

das Viktorianische Zeitalter, die er intensiv studiert 

und deren Ideen er für einige Texte verwendet hat. 

Auch die Reportagen von Ernest Hemingway hatten 

es ihm angetan, davon ließ er sich für einige 

Texte inspirieren. Doch natürlich ist es richtig, dass 

der Hauch des Todes die Platte durchdringt. Das 

macht dieses Album zunächst mal 

traurig. In meinen Ohren aber auch 

tröstlich. 

Robin wurde oft als melancholisch 

bezeichnet. War das 

sein Charakter? 

Eigentlich nicht, im Gegenteil. Robin 

war stets optimistisch, auch 

noch in den heftigen Phasen seiner 

Krankheit. Zumindest dann, wenn es um seine eigenen 

Belange ging. Wenn es allerdings um seine 

Familie ging, konnte er schnell nostalgisch und 

wehmütig werden. Insgesamt aber war er – zumindest 

habe ich ihn so in Erinnerung – ein Mann, 

der sich selbst stets ermutigte und ermutigend für 

andere war. Zugleich war er ein besonderer, ein immens 

kreativer Mensch. 

Wofür steht der Titel der CD? 

Es ist die Adresse des Hauses auf der britischen 

Isle Of Man, in der alle vier Gibb-Brüder sowie 

ihre Schwester Lesley geboren worden sind. Robin 

wollte diesen Titel unbedingt, weil er sich bei 

der Wahl bereits im Klaren war, dass die Platte 

eventuell erst nach seinem Tod auf den Markt 

kommen würde. Ursprünglich war ein Teil des 

Materials für eine Bee-Gees-Scheibe geplant. Für 

mich war es ohnehin erstaunlich, wie die Brüder 

trotz immer wieder auftauchender Querelen stets 

zusammenhielten und mit Ideen, die von jedem 

von ihnen stammten, hin und her jonglierten. 

Die Gibb-Brüder waren wesentlich harmonischer 

im Umgang miteinander, als es in den Medien oft 

dargestellt wurde. Traurig bin ich bei der ganzen 

Sache auch wegen der inzwischen 94-jährigen 

Gibb-Mutter, die inzwischen drei ihrer Söhne verloren 

hat, nur Barry und Lesley leben noch. Was für 

ein Fluch muss es für eine Mutter sein, gleich drei 

ihrer Kinder zu überleben?! 

Was empfanden Sie, als Sie zum 

ersten Mal das fertige Album 

hörten? 

Weil es am Ende doch sehr persönlich 

ausgefallen ist, erschreckt mich die Plat- 

te gelegentlich. Doch je nach Tagesform 

kann ich diese Produktion mittlerweile 

genießen, ohne dabei in Tränen auszubrechen. Allerdings 

lassen mich einige Stücke nach wie vor fix 

und fertig zurück. 

Ist 50 ST. CATHERINE’S DRIVE ein 

klassisches Robin-Gibb-Album? 

Ja und nein. Vom klaren, archetypischen Gesang 

her ist es ein typisches Werk meines Mannes. 

Gleichzeitig hat Robin kurz vor seinem Tod noch 

etwas an der musikalischen Ausrichtung der Lieder 

geändert. Er wollte darin all seinen Schmerz und 

zugleich seine Erlösungssehnsucht hineinpacken. 

Dieser Ansatz macht die Scheibe zu etwas Speziellem. 

Ist Robin weiterhin in Ihrem Leben präsent? 

Ja, ich spreche weiterhin mit Robin, beinahe täglich. 

Immer dann, wenn mir danach ist – was häufig 

vorkommt. Ohne jetzt als esoterische Spinnerin 

zu erscheinen, kann ich besten Gewissens behaupten, 

dass Robin und ich nach wie vor vereint sind, 

irgendwo. Ich bin mir sicher, dass mein Mann mich 

noch immer sieht und mir zuhört. 


Fotos: © Helmut Ölschlegel 

Dave Pegg (Jethro Tull /Fairport Convention) 

Jethro Tull sind als Band zerbrochen, aber es gibt ein Leben 

danach! Gitarrist Martin Barre hat nach fast 35-jähriger 

Mitgliedschaft seine eigene Formation zusammengestellt 

und tourt mit ihr im Herbst auch wieder durch Deutschland. 

Bassist Dave Peggy" Pegg ist schon seit einer kleinen 

" 

Ewigkeit wieder fest bei Fairport Convention. Außerdem 

widmet er sich als Organisator, Musiker und treibende Kraft 

Fairport's Cropredy Convention, Britain's friendliest music 

" 

festival" in der Nähe von Banbury, das auch 2014 mit 20.000 

Besuchern wieder ausverkauft war. Helmut Ölschlegel sprach 

am letzten Veranstaltungstag vor Ort mit Pegg. 

Du wolltest immer Musiker werden? 

Ja, schon als Kind bewunderte ich unter anderem Steve Winwood. 

Und als ich 14 war, überredete ich meinen Vater, mir 

eine Gitarre zu kaufen. Ich spielte in Schulbands, und als 

bei The Uglys ein Bassist gesucht wurde, überzeugte mich 

Steve Gibbons, auf den Viersaiter umzusteigen. 1970 schloss 

ich mich dann Fairport Convention an: Sie spielten genau 

die Musik, die ich immer machen wollte; einige Jahre später 

waren wir dann Support Act von Traffic. 

Wie kamst du zu Jethro Tull, und warum bist du nach 

15 Jahren wieder gegangen? 

Ian Anderson kam öfter bei uns vorbei, auch in Cropredy. 

Eines Tages erhielt ich einen Anruf von ihm, dass es seinem 

Entspanntes Publikum auf Campingstühlen 

beim Open Air von Fairport's 

Cropredy Convention 

Bassisten John Glascock gesundheitlich schlecht ginge und 

er nicht mit auf Tournee könne. Ian bot mir den Job an, und 

ich zögerte nicht, ihn anzunehmen. Leider starb John wenig 

später, und so wurde ich Bassist von Jethro Tull. Allerdings 

wollte ich nie bei Fairport Convention aufhören, darum begann 

für mich eine stressige Zeit. Als die eine Tour endete, 

begann schon die nächste. 1987 war der Kulminationspunkt, 

als ich mit Tull die CREST OF A KNAVE-Tour durch die USA 

absolvierte – mit Fairport Convention als Support Act. So 

stand ich an einem Konzertabend erst mit den Fairports auf 

der Bühne und anschließend mit Jethro Tull. Irgendwann 

Cropredy: 

Mit Tradition 

in die Zukunft 

kam meine Familie zu kurz, und die inzwischen gewachsene 

Cropredy Convention brauchte meinen vollen Einsatz. 

Wie begann Cropredy, und was bedeutet das Festival 

für dich? 

Ohne Cropredy würde es Fairport Convention wohl gar nicht 

mehr geben. Wir lebten während meiner Anfänge bei Fairport 

in einer Wohngemeinschaft in einem alten Pub, dem Angel in 

Little Hadham. Später zogen wir nach Cropredy, und es sprach 

sich schnell herum, dass es bei uns gute Musik zu hören gab 

– eine Verbindung von traditionellem Folk und modernem 

Rock. Meine damalige Frau Christine kümmerte sich um die 

Gäste. Es war eine sehr schöne Zeit, auch wenn das Geld in 

der Fairport-Kasse oft knapp war. Bald darauf gründete ich 

mein eigenes Studio und das Label Woodworm Records – es 

ging aufwärts! Die Plattenverkäufe von Fairport Convention 

blieben jedoch hinter den Erwartungen zurück, und so sollte 

es 1979 eigentlich schon ein Abschiedskonzert geben. Dies 

fand auch in Cropredy statt, doch anstatt alles damit zu beenden, 

gab es in den folgenden Jahren immer wieder so ein 

Konzert mit ehemaligen Bandmitgliedern. Längst war aber 

der Platz für die wachsende Fangemeinde zu klein geworden, 

also mieteten wir die Kuhwiese nebenan für unsere Zwecke. 

Inzwischen haben wir ein volles Drei-Tage-Programm mit vielen 

Gästen, darunter Led Zeppelins Robert Plant, der auch in 

diesem Jahr wieder hier war (allerdings diesmal als Freund 

von Deborah Rose, die mit 

ihrer eigenen Band feat. 

Anna Ryder auftrat), Steve 

Hackett, The Waterboys, Al 

Stewart und mit vielen anderen. 

Das Festival ist zu einem 

wichtigen Teil meines Lebens 

geworden. In den Achtzigern 

sind Fairport Convention auf 

diese Weise wieder zu einer 

festen Größe geworden. Inzwischen 

spielten beim Festival 

schon verschiedenste Besetzungen, wobei Simon Nicol 

und ich als Kern durchgehend dabei waren. 

Wird es 2017 wieder einen " 

Birthday Bash" geben? 

Ich bin jetzt 67 und denke darum nicht mehr in großen Zeitschritten. 

Aber so Gott will, werden wir dann zu meinem 70. 

Geburtstag wieder viele Gäste einladen, zusammen auftreten 

und vielleicht eine weitere „Birthday Bash"-Platte veröffentlichen. 

Aber zunächst gibt es im Januar 2015 eine neue CD 

und Tournee von Fairport Convention. Mit "Little Hero" gab 

es einen Titel aus dem kommenden Album MYTHS AND HE- 

ROS bereits live bei der Convention zu hören. 

Fairport Convention in der Besetzung von 2014 v.l.n.r.: 

Rick Sanders, Simon Nicol, Gerry Conway, Dave Pegg, 

Chris Leslie 


MFPConcerts GmbH & Co. KG 

 

HERMAN RAREBELL‘s 

Acoustic Fever Tour 2014 

feat. 

Bobby Kimball • John Parr 

Michael Voss 

20.10. Zürich (CH) 

21.10. Steinegg/Bozen (I) 

22.10. Nürnberg 

23.10. Hannover 

24.10. Mannheim 

25.10. Baden-Baden 

2014 

Jacob KARLZON 3 

28.10. MÜNCHEN - Circus Krone 

20.11.2014 München Tonhalle 

Bekannt aus 

>The next 

Uri Geller< 

special guest: 

BEGGAR‘s JAM 

special guest: 

Hardcore Superstar 

Manu KATCHÉ 

THE 

PINEAPPLE THIEF 

MAGNOLIA TOUR 2014 

18.11. 

19.11. 

20.11. 

21.11. 

22.11. 

23.11. 

Dresden 

Rüsselsheim 

Oberhausen 

Hannover 

Berlin 

Hamburg 

Neues Album MAGNOLIA - out now! 

BANG! - Tour 2014 

08.12. MÜNCHEN - Circus Krone 

09.12. AUGSBURG - Kongress am Park 

www.MFPConcerts.com 

Hotline 08450 300 20 22

Stars am Start 

Mein Erstes Mal 

(Folge 1) 

Irgendwann – so die 

schon oft bemühte Weisheit 

von Prof. Binsen – hat jeder mal 

klein angefangen, auch populäre Rock/ 

Popstars in spe. Deren erste musikalische 

Gehversuche auf Vinyl (im Team oder noch separiert) 

sind oft vergessen, werden von einigen 

Protagonisten auch gern totgeschwiegen – was 

Sammler aber eher noch neugieriger macht. Eine 

fünfteilige Serie erinnert an (be)merkenswerte 

Erstlinge mit Daten, Besetzungen, Informationen. 

Die Rückschau wird, falls verfügbar, 

mit Labelabbildungen und frühen 

Fotos der Beteiligten 

garniert. 

Von Bernd Matheja 

I'll Cry Instead / (Those) Precious Words (Decca F 11974) 

Einige Londoner Decca-Senioren hatten 1964 den Schuss aus Richtung Liverpool 

nicht gehört. Sie bestellten Joe Cocker (20) ins Studio in Hampstead. Laut Firmenarchiv-Info 

hob ein 22-köpfiges Orchester an – und wenig später war Rohstoff 

futsch: Band mit "Georgia On My Mind" gemüllt, Sänger gefrustet. Nachwuchsarrangeur 

Mike Leander 

(23) holte 

Studiomusiker, 

ließ die Songs 

(Beatles / Claudia 

Robinson) 

aufpeppen, 

Single fertig. Ein 

Flop, doch ein Star war vorgekocht – und zugleich eine rarität in spe mit Jimmy Page und Big Jim Sullivan entstanden (Begleitgesang: Ivy 

Vinyl- 

League). Noch frühere Cocker-Aufnahmen gibt's als Vance Arnold & The Avengers 

live aus dem Esquire Club in Sheffield, u.a. "Ride On Josephine", "Sixteen 

Tons", "You Better Move On". 

The Battle Of The Blue And The Grey / The Three 

Kisses Of Love (Leedon LK-346) 

An die lokalen Musiker, die im Februar/März 1963 

in den Festival Studios von Sydney zu ihren Werkzeugen 

griffen, dürfte sich – zumal in Europa – 

aktuell wohl kaum noch jemand erinnern: Norman 

Day (g), Kevin Jacobsen (b), John Bogie (dr), Bruce 

ein Erstes Mal 

Gurr (p), Ron Patton (sax). Das Trio aber, das auf den intonierten 

Kriegsschmarren seine bald unverwechsel-elbaren 

Stimmen pflanzte, stand nur noch vier Jahre 

vor gewaltigem Weltruhm: die Brüder Barry, Robin 

und Maurice Gibb – geboren auf der englischen 

Isle Of Man und zugereist aus Manchester. Im Original 

nur in Australien erschienen, gehört der Erstling 

der Bee Gees zu den Heiligtümern der Sixties- 

Popmusik in „down under" und gleichzeitig zu den 

Kronjuwelen jeder musikhistorischen Sammlung. 


Ringo I Love You / Beatle Blues (Annette 1000 und Vault 909) 

Es waren die Tage der kochenden Beatlemania – vor 

allem in den USA, wo der 

Fab-Four-Start glorios 

verpennt worden war. 

Damals eine Zeiterscheinung 

der oft 

besonders peinlichen 

Art: Tribute-Songs 

ohne Ende, fast alle 

auf der Einschleimer- 

Spur, um ein paar Dollar 

abzugreifen. Auch Bonnie 

Jo Mason, eine äußerlich noch komplett unkorrigierte 

18-Jährige aus Kalifornien, musste antreten. Ihr

Ranschmiss an den Banddrummer klang zwar mehr nach "She Loves You", aber 

wen kratzte das schon im Februar 1964? Diese stets holprigen Wegwerfprodukte 

landeten fix in den Grabbelkisten, kaum dass sich der Tonarm wieder gehoben 

hatte. Heute ist für "Ringo" viel Geld zu löhnen, denn nur wenig später wurde 

aus Bonnie Jo die attraktivere Hälfte von Sonny & Cher. 

Good Morning Little Schoolgirl / I'm Gonna Move To The Outskirts Of Town 

(Decca F 11996) 

Aufnahmen mit Steam packet folgten erst noch, 

wie auch mit dem Shotgun 

Express und Solo-45er 

für Columbia und Immediate. 

Mit Jimmy 

Powell & The Five 

Dimensions hatte 

er nicht aufs Vinyl 

gedurft – Zeit also 

für einen Alleingang 

im Oktober 1964. produzent Ray Horricks (1933–2005) saß an den 

Jazz- 

Reglern, als ein ihm völlig unbekannter Rod Stewart 

(19) zwei Blues-Schlachtrösser h – eins flott, das andere getragen – mit kompetentem 

Jung-Reibeisen aufs Band brachte. Die Fließbandarbeiter John Baldwin 

(= John Paul Jones; b), Brian Daly (g), Bobby Graham (dr) und Reg Guest (p) 

sorgten für eine unspektakuläre, zeitgemäß-gute Interpretation. Interessierte bei 

Decca nicht die Bohne, der Junior durfte gleich wieder gehen. Dumm gelaufen. 

Daisy Doo / (Remember Me) I'm The One 

(Chateau C 142) 

Er hat Legendenstatus nicht nur in Kanada, 

wo er 1938 in Ontario geboren wurde; Songs 

wie "Early Morning 

Rain", "If You 

Could Read 

My Mind", 

"Sundown" und diverse andere sind längst hundertfach 

gecoverte Folk(rock)-Klassiker. Als Gord 

Lightfoot begann seine Plattenkarriere im Febru- 

ar 1962 mit zwei Singles für ein lokales Kleinlabel, 

nachdem Kooperationen mit The Swinging Eight, 

den Gino Silvi Singers und den Two-Tones erfolglos geblieben 

waren. Beide 45er avancierten zu gesuchten Frühwerken, nachdem der 

Sänger und Gitarrist in die internationale Top-Liga der Singer/Songwriter aufgestiegen 

war und dann 1965 seinen ersten Vertrag bei einem Großlabel unterschrieben 

hatte. Auf "Daisy", wen wundert's, gab er noch den ... leichtfüßigen 

Rock'n'Roller. 

That's The Way It's Gonna Be / Fool For You (Carrie 1515) 

Liebliches Rehauge mit Schmalztolle, schnieker Schlips zum braunen Anzug: 

So stieg der 17-jährige Billy Lee (vorher 

William Levise Jr., später Mitch Ryder) aus 

Hamtramck, Michigan, als Sänger ins Musikbusiness 

ein. Ein komponierender Reverend 

namens James Hendrix, dem das 

Detroiter Minilabel Carrie gehörte, veröffentlichte 

1962 diese Single – einen weißen 

Teen-DooWop-Hopsassa, der reibungsfrei 

und passgenau auch im Harmlos-Repertoire 

vieler deutscher 

Schlagerstars 

jener Tage 

funktioniert 

hätte. 

Niemand mochte das damals kaufen, 

aber immerhin hatte der junge Mann 

schon mal den Fuß in der Tür – und zuvor 

die zittrigen Griffel des ausdünstenden n 

Privatkirchenferkels in seinen Hosenbeinen. en. 

Angewidert setzte Billy Lee von da an lieber er auf 

Rock'n'Roll. 

Take Me By The Hand / Stay Away From Me 

(Columbia DB 7118) 

Bereits zwei Jahre vor ihrer ersten Zusammenarbeit 

mit Brian Auger (unter ihrem eigenen Namen als 

Solistin, mit Steampacket und The Trinity) wurde 

die damals gerade mal 16-jährige Julie Driscoll 

im September 1963 im Studio 

aktiv. An ihrer Seite: The 

Harold Geller Group, ein 

14-köpfiges Aufgebot 

des 1916 im australischen Sydney geborenen Bandleaders. 

Beide Single-Seiten sind unter „U" wie „Unterhaltungsmusik" 

angemessen abgelegt, vom späteren 

R&B bzw. jazzige(re)n Tönen noch kaum eine e 

Spur. Das nur sehr schwer zu findende Frühwerk – bei 

Ebay u.a. 2010 für über 400 Euro versteigert – wurde bislang 

noch nie offiziell auf CD verkoppelt. Geller ging wegen akuten Auftragsmangels 

zu Beginn der 70er Jahre in die USA, wo er 2005 in Las Vegas verstarb. 

Come On Baby / Oh My Love (Orchestra 6177) 

John Fogertys Schnarrstimme war im Oktober 1961 nicht gefragt. g Erst spielte 

der spätere Allesmacher von Creedence 

Clearwater Revival 1959 das Gitarrenbacking 

für den Sänger James Powell ("Beverly 

Angel"/"Lydia", mit Stu Cook & Doug 

Clifford; Christy; 1959), dann stand er als 

Gitarrist in der Band seines den Ton angebenden 

Bruders, Tommy Fogerty And The 

Blue Velvets. Auch die prä-CCR-Band The 

Golliwogs war da noch drei lange Jahre entfernt. 

Immerhin wurde auf der ersten von drei Singles auf dem Orchestra-Label 

(Oakland) schon zupackend gerockt, gerollt (A) und zeitgemäß appetitlich geschmalzt 

(B). Die 45er erzielen nach über 50 Jahren locker dreistellige Preise; 

wenn sie überhaupt auftauchen: So gilt die dritte, "Yes, You Did" von 1962, 

sogar als verschollen. 

Bang Bang / It's All Over Now / The Letter / Does Anybody Know What Time 

It Is? (EP) 

Manche Erstlinge gibt's nicht mal für viel Geld, weil sie offiziell gar nicht existieren. 

Zwar sollen 25 Muster dieser EP privat 

gepresst worden sein, doch in die Läden 

kam die vermutlich 1969/1970 entstandene 

EP des Sextetts (The) Government nicht. 

Malcolm Buckton (g), Mick Martin (b), Malcolm 

Bradshaw (dr), David Williamson (sax) 

und Brian Rowe (tp) legten 16 rockig-soulige 

R&B-Minuten hin, Handelsklasse A! Ein Stil, 

den man später vom damals dicklichen Hüftgold-Pummel 

l( (mit Oberlippenbart, b Monsterfliege und Sonnenbrille) am Mikrofon 

in dieser Form nicht mehr hörte – David Coverdale! Nachdem sich die Band 

angeblich gegen eine intensive Profikarriere entschied, geriet auch das Tape mit 

den vier Tracks schnell in Vergessenheit. 

Give Her My Regards / Imaginary Love (Decca F 11619) 

Buddy Holly hieß eines seiner Idole – und das unterstreicht die A-Seite mehr 

als deutlich. Steve Marriott war gerade 

16 geworden, da stand er in 

den Decca-Studios, die Single 

erschien im März 1963. Der 

spätere Small-Faces-Star 

brachte sogar eine Eigenkomposition 

als B-Titel unter. 

Wer noch Früheres von 

ihm möchte, sucht nach einer 

LP vom World Record Club (STP 151) von 1960 mit 

dem Musical „Oliver!" von Lionel Bart. Dort singt der 

13-jährige Stephen Marriott die Rolle des Nachwuchs-Taschendiebes "The Artful 

Dodger" – und aus voller Kehle "Consider Yourself" solo (sowie mit Partnern 

"Be Back Soon" und "I'd Do Anything"). Eine weitere frühe Single ("Tell Me"?) 

soll 1965 für/mit Produzent Andrew Oldham entstanden sein. Der weiß davon 

offenbar nichts. 


East Side Story / East Side Sound (Hideout H-1013) 

Capitol Records untersagte ihm vor dem Anschlussvertrag 1968 den Bandnamen 

Bob Seger & The Last Heard (Grund: Es klinge 

wie „Last Turd" = „letzter Scheißhaufen"), so 

wurde das Bob Seger System daraus. Wie auch immer, 

diese Spitzensingle 

vom Januar 1966 

zeigt den später 

vergleichsweise e 

Geglätteten in 

garagenmäßiger 

Bestform 

mit Carl Lagassa (g), Dan Honaker (b) und 

Pep Perrine (dr). Noch etwas älter ist die 45er 

"T.G.I.F. (Thank Goodness It's Friday)" / "The 

First Girl" von Doug Brown & The Omens (Punch 

P-1008; 1965) aus Detroit, hier stand Seger (damals 

20) als Organist und Backgroundsänger allerdings noch in der zweiten Reihe. Von 

seinem absoluten Erstling "The Lonely One" (1961) soll nur ein halbes Dutzend 

unveröffentlichter Azetate existiert haben. 

There's A Pretty Girl / Pocket Size (Columbia DB 7339) 

Wohl nur selten war ein Bandname dermaßen Programm (und das „Taschenfomat" 

der B-Seite ergänzte diese Tatsache noch): The Juniors aus dem englischen 

Hatfield brachten es als Quintett zusammen auf gerade 

mal 73 Lebensjahre, als ihre einzige Single im August 

1964 erschien. Gleich dreien von ihnen begegnete 

man später wieder: John (damals 13; 

b) und Brian (16; dr) Glascock tauchten u.a. 

bei Chicken Shack und Toe Fat erneut auf, 

und Leadgitarrist Mick Taylor (16) veredelte 

zeitwei- 

se die 

Rolling 

Stones, was 

den Sammelwert 

der Platte bis heute garantiert. Den Fünfer 

komplettierten Alan Shacklock (13; g) und 

der Sänger Malcolm Collins (15). Zwei solide, 

hübsch gesungene Beatnummern (mit 

Taylor-Solos); erfolglos zwar, aber mit gesichertem Raritätenstatus. 

A Real American Joe / Rollin' Rollin' (Sarg 113) 

1946, er war fünf, sang Little Doug (Sahm) schon im Radio "Teardrops In My 

Heart". Bis er dann ab 1964 mit dem Sir Douglas 

Quintet und "Sugar Bee" loslegte, war die Texas-Ikone 

schon zwölfmal auf Platten vertreten 

gewesen – mit den 

Knights, Pharaohs, Markays, 

Dell-Kings und unter 

seinem Namen. Den 

Auftakt – sogar alternativ 

zum Vinyl noch als 

78er-Schellackscheibe h im Handel - machten 1955 

diese beiden Liedchen, eingespielt mit The Bandits 

für das kleine Sarg-Label aus Lulling. Bis zum Tex- 

Mexsound von u.a. "She's About A Mover", "Mendocino", 

"Dynamite Woman" und "Nuevo Laredo" war es allerdings noch weit, hier trällerte 

ein Bübchen lupenreinen, populären und reibungslosen Country & Western- 

Stoff – zum Beispiel, wie er mit dem Papa gern zum Angeln ging. 

Shock Hop / Sneaky (Mercury 71364) 

Die LP-Aufnahmen mit der Psychedelic-Band The 

Leathercoated Minds von 1967? Nein. Die drei 

1965/66er-Singles auf Liberty? Nein. Die beiden 

seltenen 45er auf dem obskuren Chan-Label von 

1960/61? Auch nicht. Ein weiterer Rück-Schritt um 

rund zwei Jahre ist erforderlich, dann stößt man auf 

diese obskure Single mit dem Hauptakteur an der sehr 

aktiven Leadgitarre plus Rocky Frisco, Piano: Johnny 

Cale, damals gerade 20 geworden und nach seiner 

ein Erstes Mal 

Highschool-Zeit dann und wann in der Tulsa-Umgebung 

mit The Valentines auf Achse. Die beiden Zweiminuten-Instrumentals 

sind ein zeitgemäßer Mix 

aus Rock'n'Roll, mit Surfandeutungen, Ghost-Rock 

(inklusive Monsterschreien ...) – mehr als Lichtjahre 

vom entspannten Sound und Stil entfernt, mit dem 

J.J. Cale ab 1971 zu begeistern verstand. 

Slow Down / My Bonnie Lies Over The Ocean 

(EMI-Azetat ohne Nummer) 

Die sieben Aufnahmen mit der 

ersten Taste-Besetzung und 

die veränderten Fassungen von 

"Blister On The Moon"/"Born 

On The Wrong Side Of Time" 

(Major-Minor-Single) galten 

lange als Erstlinge von Rory 

Gallagher. Bis das Fünf-Titel- 

Tape von Ex-Manager Phil 

Prendergast sowie ein EMI- 

Azetat 

auftauchten. Die irische Legende hat die Tracks (s.l. 

plus "Valley Of Tears", "All The Time", "I Want You 

To Be Happy") mit Declan O'Keefe (g), Oliver Tobin 

(b), Eamon O'Sullivan (dr) und Bernard Tobin (sax/ 

tb) schon 1964 in den Londoner Kingsway Studios 

aufgenommen. Name: The Fontana Showband, 

später bekannt als The Impact. Gallagher, gerade mal 

16, legte vor allem auf der Larry-Williams-Nummer eine 

top-respektable Leistung als Sänger und Leadgitarrist hin. 

He Will Come Back To Me / Heartbreak Harry (Era 45-1034) 

Ihr Management machte sie zum „weiblichen Elvis", auf der Bühne inklusive 

Haarschmiere und sogar südwärts gekämmten 

„Koteletten": Alis Lesley, Jahrgang 1938 aus 

Chicago, danach in Phoenix ansässig (für Sun- 

Demos 

in Mem- 

phis 

hieß sie 

Alice Leslie). 

Im 

April 1957 

erschien 

ihre ganz 

exzellente 

Rockabilly- 

Single, die 

Aufnahme 

mit der Begleit- 

gruppe 

The Heartbeats 

bestätigt der damalige Drummer Spencer 

Dryden, später bei Jefferson Airplane. Lyle Ritz (b), Tommy Oliver (p), Jim Gordon 

(sax) und Frank Isari (sax) waren ebenfalls dabei. Wer der A-Seite jedoch erst die 

musikhistorische Bedeutung verleiht, ist der Gitarrist aus Arkansas, Leroy „Roy" 

Buchanan – er ist hier erstmals auf einem Tonträger verewigt, vier Jahre vor seinem 

"After Hours" (Bomarc 315). 

London Is Behind Me / Day Must Come (PYE 7N 17014) 

Als diese Single im Januar 

1966 erschien, hatte der Protagonist 

schon auf zwei UK- 

Decca-45ern von The Wilde 

Three (mit Kims Vater Marty) 

seine Visitenkarte als Gitarrist 

abgegeben, "Just As Long" 

und "I Cried" von 1965. Für 

sein Solodebüt schwenkte der 

spätere Moody-Blues-Lenker 

Justin Hayward stilistisch 

um und durfte dafür sogar 

zwei Eigenkreationen unterbringen. 

Mit der schon hier 

charakteristischen, leicht na- 


salen Stimme stimmte der Sänger und Gitarrist aus 

Swindon folkloristische Töne an, die bereits sein 

vorhandenes Talent als Songschreiber andeuteten. 

Zwar sank das Frühwerk (genau wie sein Nachfolger 

"I Can't Face The World Without You"/"I'll Be 

Here Tomorrow" im August 1966) wie ein Stein, 

doch der Auftakt für eine Weltkarriere war im Kasten. 

When Is A Boy A Man /S 

Steady As A Rock (RKO Unique 386) 

Bevor er um 1965 mit den Walker Brothers in die Pop-Geschichtsbücher rückte, 

hatte der gebürtige Scott Engel aus Hamilton, Ohio, schon rund zwei Dutzend (!) 

Vinylhinterlassenschaften 

auf der Uhr. Und weil er 

beim Start 1957 noch gar 

so klein war, erhielt sein 

Vorname ein „y" als verniedlichenden 

Bonus angehängt. 

Der 14-Jährige 

wurde zweigleisig auf die 

potenziellen Käufer losgelassen: 

als jugendlich 

schmetternder Unterhaltungs-Caruso 

(A-Seite) 

und als flott rockend-rollender 

Bill-Haley-Verschnitt (B-Titel). Ein ständiges Label-Hopping (Orbit, HiFi, 

Globe, Ember, Essar, Donna) sorgte für den umfangreichen Ausstoß als Sänger, 

der diese Bezeichnung schon früh verdiente; für The Routers zupfte er 1962 auf 

dem Original von "Let's Go" außerdem den Bass. 

Boo-Zooh (Hully Gully) / O Twingy Baby (CBS 1307) 

Wie Rory Gallagher sammelte auch Van Morrison erste musikalische Erfahrungen 

in (nord-)irischen Showbands. Der Sänger aus Belfast stand damals allerdings 

noch nicht am Mikro, er blies für Georgie & The Monarchs zwischen 1959 und 

1963 das Saxofon. Mit dabei auf der einzigen Single: „King" Oliver Trimble (voc), 

George Jones (g, b), Billy McAllen (g), Roy Kane 

(dr), Wesley Black (p), 

Leslie Holmes (sax), 

Harry Megahey 

(tp), Davey 

Bell (tp). Die 

Scheibe wurde 

im November 

1963 im Kölner 

Ariola-Studio o 

aufgenommen 

und nur für den deutschen und niederländischen Markt 

veröffentlicht, was der Rarität in spe eine Bildhülle verschaffte. Nach kurzen Zwischenspielen 

mit der Manhattan Showband, den Golden Eagles und den Gamblers 

formierte Van The Man dann Them. 

Bad Mouth / Someday (J-Beck J-1001) 

Geschnarrt, gesumpft und gestampft wie dann 

ab etwa 1968 wurde nicht; elterliche Einflüsse 

(Gospel, Country) und die eigene Bluesvorliebe 

brachten einen Grummelsänger, Gitarristen 

und Harmonikaheuler aus Oak Grove, Louisia- 

na, aber schon aufs rich- 

tige Gleis. Tony White 

& 

His Combo – mit 

Jim Griffith (b) und Rob 

McGuffie (dr) – blieben 

1963/64 Aufnahmestudios zwar fern; doch schon 

Tony Joe And The Mojos mit Maurice Scatbrough 

(b) und Richard Whitenton (dr) spielten zwei Frühzeit- 

Singles ein: die hier gelistete von 1965 und "Sundown 

Blues"/"Down The Road I Go" (J-1002; 1966), beide extrem 

selten. Über Tony's Twilights ging es dann – über Nashville und auch als 

erfolgreicher Komponist – an die größeren Fleischtöpfe in einer nunmehr über 

50 Jahre andauernden Karriere. 

(Fortsetzung folgt) 

Happy Birthday Mr. Cohen 

Eine Hommage an Leonard Cohen zu seinem 80. Geburtstag 

mit 17 exklusiven Einspielungen von Alin Coen & Joa Kuehn, 

Anna Loos, Cäthe, Fehlfarben, Jan Plewka, Johannes Oerding, 

Madsen, Manfred Maurenbrecher, Max Prosa, 

Mrs. Greenbird, Nina Hagen, Peter Maffay, Reinhard Mey, 

Stefan Waggershausen, Suzanna & Karsten Troyke 

und Tim Bendzko. Übertragungen sämlicher Songtexte 

und künstlerische Leitung: Misha G. Schoeneberg. 

Jetzt im Handel auf CD, Doppel-Vinyl und als Download.

Brill Building 1964: 

Brill Building am Broadway in New York 

Ende einer Ara 

Sie kamen, sangen und siegten: Als die Beatles im Februar 1964 amerikanischen 

Boden betraten, begann die " 

British Invasion". Die Niederlage kam 

zwar schleichend, aber die US-Popmusik sah sich bald genötigt, die Waffen 

zu strecken. Eindeutige Verlierer: die Songschreiber des Brill Building – der 

legendären Hitfabrik in New York. 

E 

s ist 50 Jahre her, doch viele Amerikaner 

vom Fach leiden noch heute unter der „British 

Invasion". John Zorn, Bandleader, Saxofonist 

und Komponist, klagte im US-Fernsehen: 

„Das war keine Invasion, sondern die Zerstörung der 

Rockmusik!" Und sein Kollege Elijah Wald, Gitarrist, 

Grammy-Preisträger und Autor, betitelte sogar 

ein Buch „How The Beatles Destroyed Rock’n’Roll". 

So berechtigt diese Bewertung sein mag: Beide 

vergessen, dass der Rock’n’Roll 1964 schon selbst 

kapituliert hatte. Da gab es keine Abwehrgefechte 

mehr. Die martialische Bezeichnung Invasion für den 

Musikimport aus Großbritannien stammt vom CBS- 

Nachrichtenmoderator Walter Cronkite, einem ehemaligen 

Kriegsberichterstatter. 

Folgt man dieser Diktion, 

lässt sich allenfalls 

feststellen: Nach der 

Ankunft der Beatles in 

den USA trugen auf beiden 

Seiten des Atlantiks 

Schallplattenfirmen 

eine Wirtschaftsschlacht 

aus. Die verwöhnten 

amerikanischen Labels 

erlitten quasi über 

Nacht massive Umsatzeinbrüche. 

Hatten sie 

bisher US-Produktionen 

bis in den letzten Win- 

Burt Bacharach 

kel der westlichen Welt verkaufen können, machten 

ihnen jetzt englische Marken wie Parlophone und 

Decca mit „Beat made in England" die Märkte streitig. 

Dabei sorgte der Konkurrenzkampf für einen 

Kollateralschaden: Die Autoren, die bis dahin den 

guten Ton in den USA bestimmt hatten, waren die 

ersten Leidtragenden. Ihre Bastion, das Brill Building 

– benannt nach den Besitzern des Gebäudes, die 

dort ursprünglich im Erdgeschoss einen Modeladen 

hatten –, geriet ins Wanken. 

Magischer Ort fur Musiker 

Eine endlose Hitreihe entstand an dieser 

Adresse in New York: 1619 Broadway, 

49th Street – ein magischer Ort für Musiker, 

denn im Brill Building 

saßen die wichtigsten Musikverlage 

Amerikas. Und: 

Hier produzierten die bedeutendsten 

Komponisten 

und Texter ihrer Zeit Tag für 

Tag wie am Fließband. Berühmt 

wurden musikalische 

Kollaborateure wie Leiber/ 

Stoller, Pomus/Shuman, 

King/Goffin, Bacharach/ 

David, Mann/Weil, Sedaka/ 

Greenfield und viele andere. 

In der Hitfabrik erblickten 

der "Jailhouse Rock", "King 

Creole", "Save The Last 

Dance For Me", 

"Spanish Harlem", 

"A Teen ager In 

Love", "Oh! Carol", 

"On Broadway", 

"Be My Baby", 

"Will You Still Love 

Me Tomorrow", 

um nur wenige zu 

nennen, das Licht 

der Welt. Ende der 

50er, Anfang der 60er Jahre dominierten i die Produkte 

aus dem elfstöckigen Art-Deco-Gebäude die 

US-Charts. 

Trotz der klingenden Namen wäre es naiv zu glauben, 

dass hier von den Auftraggebern für die Kreativen 

ein großzügiges Wohlfühlambiente 

geschaffen wurde. Auch 

so renommierten Songwritern 

wie Jerry Leiber und Mike Stoller 

wies man lediglich ein karges 

Minibüro zu, als sie 1956 vom 

Verlag Hill & Range engagiert 

wurden, um die Musik für den 

Elvis-Presley-Film 

„Jailhouse 

Rock" beizusteuern. Von Elvis 

als Lieblingsschreiber bezeichnet, 

hatte sich das Team zuvor 

in Los Angeles einen Namen als 

Rock’n’Roll-Autoren gemacht. 

Durch Songs wie "Hound Dog", 

"Kansas City" und "Charlie 

Brown" ist ihr Name untrennbar 

mit der Rock’n’Roll-Ära 

verbunden. Das gilt auch für 

Doc Pomus und Mort Shuman. 

Pomus hatte schon 1957 mit 

Leiber/Stoller den Top-10-Hit 


"Young Blood" für 

die Coasters ge- 

Aldon Music hatte 

seinen Sitz zwar 

schrieben. Mit Shu- 

auf der anderen 

man belieferte er 

Straßenseite, 

Elvis mit "Mess Of 

doch die Autoren 

Blues" und "Viva 

wechselten ständig 

Las Vegas". Hauptsächlich 

waren sie 

zwischen den 

Gebäuden hin und 

jedoch 

Hausau- 

her. Man kannte 

toren der Drifters, 

einander, unterstützte 

denen sie "This 

sich und 

Bobby Darin 

Magic Moment", "I 

konkurrierte k miteinander. i Schon bald übernahmen 

Count The Tears", 

Don Kirshner, Jerry Leiber und Mike Stoller eine 

"Sweets For My Sweet", aber vor 

Führungsrolle in der Szene. 

allem das unsterbliche "Save The 

Last Dance For Me" mundgerecht 

servierten. 

Zielgruppe der Autoren war die Generation 

der Baby-Boomer, für deren 

Erlebniswelt sie die richtigen Worte 

Leiber, Stoller und Pomus begeisterten 

fanden: "I Want To Be Free", "Baby 

sich für schwarze Musik 

I Don’t Care" 

– so waren ihre Kreationen problemlos 

kompatibel für Rhythm & 

(beide von Leiber/ 

Stoller), "Dreamlover" 

Blues-Gruppen wie die Coasters 

(Bobby 

und die Drifters. Gleichzeitig gaben 

Darin), "A Teenager 

sie damit weißen Künstlern wichtige 

In Love", 

Impulse. Bobby Darin ("Splish 

"Little 

Sister" 

Splash"), italo-amerikanischer Sänger 

mit Rock attitüden, übernahm Songs 

von Pomus/ Shuman mit gleicher 

Selbstverständlichkeit wie Musicalkompositionen 

und "His Latest 

Flame" (sämtlich 

von Pomus und 

Shuman). Anders 

von Hammerstein 

Hal David und 

oder den Gershwins. Mit seinem 

Burt 

Bacharach, 

Verleger Don Kirshner beeinflusste 

er gleichzeitig den Brill-Building- 

Sound der Zukunft. Kirshners Verlag 

ein Team, das sich 

thematisch an Ältere 

wandte. 1960 

Mort Shuman und Doc Pomus 

im Brill Buildiug 1961. 

waren sie selbst schon in den 30ern. Sie hatten sich 

1957 bei Famous Music im Brill Building kennen 

gelernt und auf Anhieb 

den Hit "The Story Of 

My Life" für Marty Robbins 

geschrieben. Bacharach 

verdiente nebenbei 

noch als Arrangeur und 

Orchesterleiter für Marlene 

Dietrich – was er 

aufgab, als die Autorenzeile 

Bacharach/David 

zum Markenzeichen 

wurde: "Anyone Who 

Had A Heart", "Do You 

Know The Way To Santa 

Fe", "Walk On By", "I 

Say A Little Prayer"... 

THE COMPLETE ATLANTIC STUDIO ALBUMS 1977-1991 

Alle 7 Alben der Atlantic-Ära als Papersleeve Editionen in einer Box 

„ACOUSTIQUE“ 

UNPLUGGED TOUR 2014 

14.10. BONN Beethovenhalle 

16.10. STUTTGART Liederhalle 

17.10. MÜNCHEN Circus Krone 

22.10. BADEN BADEN Festspielhaus 

24.10. MANNHEIM Rosengarten 

25.10. TUTTLINGEN Stadthalle 

26.10. FREIBURG Konzerthaus 

28.10. FRANKFURT Alte Oper 

29.10. OSNABRÜCK Osnabrückhalle 

30.10. BREMEN Die Glocke 

02.11. NÜRNBERG Meistersingerhalle 

03.11. HAMBURG CCH2 

04.11. BERLIN Admiralspalast 

07.11. HALLE Georg-Friedrich-Händel-Halle 

09.11. ROSTOCK Stadthalle 

FOREIGNER (1977) · DOUBLE VISION (1978) · HEAD GAMES (1979) · 4 (1981) · AGENT PROVOCATEUR (1984) 

INSIDE INFORMATION (1987) · UNUSUAL HEAT (1991) 

WWW.WARNERMUSIC.DE · WWW.FOREIGNERONLINE.COM · WWW.DMC-MUSIC.DE 

AB 

10.10. 

IM HANDEL!

Für Neulinge war es nicht leicht, gegen die Etablierten 

im Brill Building anzutreten. Das erfuhr Neil 

Sedaka, als er dort die Türklinken putzte, um seinen 

Song "Stupid Cupid" anzubieten. Bei Hill & Range 

ließ man ihn abblitzen. Glück im Unglück: Er begegnete 

vor Ort seinem 

Schulfreund Mort 

Shuman. Sedaka: 

„Er gab mir den 

Tipp: Auf der anderen 

Straßenseite 

gibt’s einen neuen 

Verlag, Aldon 

Music. Probier’s 

doch da mal!" Don 

Kirshner konnte 

nicht glauben, dass der erst 19-jährige Sedaka 

solch einen perfekten Song hingekriegt hatte – und 

vor allem nicht, dass andere Verlage ihn abgelehnt 

hatten. Connie Francis’ "Cupid"-Version schaffte es 

auf Platz 18 der Billboard-Charts. Für Sedaka und 

seinen Co-Schreiber Howard Greenfield begann ein 

steiler Aufstieg, vor allem als Sedaka die von ihnen 

komponierten Stücke selbst aufnahm: "Oh! Carol", 

"Stairway To Heaven", "Happy Birthday, Sweet Sixteen", 

"Breaking Up Is Hard To Do", "Next Door To 

An Angel". Aldon Music wurde zur heißen Adresse. 

Klassiker der Popmusik 

Sedaka hatte "Oh! Carol" für seine Ex-Freundin Carole 

Klein geschrieben. Die hatte inzwischen einen 

neuen Freund, Gerry Goffin, mit dem sie sich auch 

als Komponistin 

versuchte. Ein 

scherzhafter Antwort-Song 

"Oh! 

Neil", unter dem 

Pseudonym Carole 

King aufgenommen, 

gelangte auf 

Kirshners Schreibtisch 

– und schon 

hatte Aldon Music 

den nächsten Superstar an Bord. Das Gemeinschaftswerk 

"Will You Still Love Me Tomorrow" von King 

und Goffin, mittlerweile ein Ehepaar, katapultierte 

die Shirelles an die Spitze der 

Billboard-Listen. Und so ging 

es weiter: "The Loco-Motion" 

(Little Eva), "One Fine Day" 

(Chiffons), "Take Good Care Of 

My Baby" (Bobby Vee), "Up On 

The Roof" (Drifters). Und wieder 

kam eine persönliche Beziehung 

zwei Anfängern zu Hilfe. 

Carole King kannte Barry Mann 

aus der Schule, und schon bald 

hatten er und Cynthia Weil einen Vertrag mit Aldon 

Music. Auch dieses spätere Ehepaar lieferte Klassiker 

der Popmusik: "On Broadway" (Drifters), "Uptown" 

(Crystals), "You’ve Lost That Loving Feeling" (Righteous 

Brothers). 

Spectors Spezialitat: Girl Groups 

Die Produktion von "Up On The Roof" und "On 

Broadway" besorgten Jerry Leiber und Mike Stoller. 

Sie hatten den jungen Phil Spector unter ihre 

Fittiche genommen, der sich nicht damit abfinden 

wollte, mit "To Know Him Is To Love Him" als One- 

Hit-Wonder zu gelten. Zu dritt lieferten sie Ben E. 

King seinen ersten Solo-Erfolg, "Spanish Harlem". 

Mike Stoller: „Jerry und Phil hatten den Song so 

gut wie fertig, ich habe nur noch die Marimba- 

Einleitung beigesteuert!" Als unabhängiger Produzent 

trieb Spector dann mit "You’ve Lost That 

Loving Feeling" seine Wall-Of-Sound-Methode 

auf die Spitze. 

Das Ergebnis 

spielte er Barry 

Mann übers 

Telefon vor, der 

umgehend monierte: 

„Stop! 

Du spielst das 

mit der falschen 

Geschwindigkeit 

it 

ab!" – dermaßen 

ungewöhnlich h klang die Aufnahme für seine Ohren. 

Spectors eigentliche Spezialität waren aber Girl 

Groups wie die Ronettes 

und die Crystals. Für deren 

Aufnahmen hatte er sich 

mit dem Autorenpaar Jeff 

Barry und Ellie Greenwich 

zusammengetan. 

Sie kreierten im 

Verbund einen 

neuen Brill- 

Building-Sound 

mit Hits wie "Be 

My Baby" (Ronettes), t "Da Doo Ron Ron" 

und "Then He Kissed Me" (beides von 

den Crys tals). Sie schufen aber auch seine 

größte Niederlage: Die mächtige Hymne 

"River Deep Mountain High" von Ike & 

Tina Turner kam 1966 nur noch bis Platz 88 der 

Billboard-Charts. 

Ein spater 

Diamant 

Der Anfang vom 

Ende war da schon 

längst gekommen. 

Ellie Greenwich: 

„Plötzlich jammerten 

alle: Oh, 

dear, die Britische 

Invasion ist da! Was sollen wir bloß machen?" Die 

Folge: Bye-bye, Brill Building! Die Kassenschlager 

Phil Spector 

mit den Ronettes 

der einstigen Hitfabrik 

waren Geschichte. 

Ein Protegé 

von Barry und 

Greenwich fand den 

Ausweg, der die Zukunft 

der Popmusik 

werden sollte: Nachdem 

Neil Diamond 

die Monkees – 

„Amerikas Antwort 

auf die Beatles" – 

mit dem Nummer- 

1-Hit "I’m A Believer" 

(Produktion 

Don Kirshner) versorgt 

hatte, schrieb 

er seine eigenen 

Songs – und veröffentlichte 

sie selbst 

auf Platten. So wie 

Bobby Darin, Neil 

Sedaka und Carole 

King auch. Die New Yorker Songschmiede hatten 

Phil Spector 

als Autoren so lange noch 

eine Chance gehabt, wie 

die Briten auf ihr Material 

angewiesen waren. Solange 

die Beatles "Chains" von 

Carole King und Gerry Goffin 

coverten. Solange Manfred 

Mann "Doo Wah Diddy 

Diddy" von Jeff Barry und 

Ellie Greenwich nachsangen. 

Solange der Versuch 

anglo-amerikanischer Kooperation 

des Briten Kenny 

Lynch mit Mort Shuman bei "Sha La La La Lee" für 

die Small Faces fruchtete. 

Aber irgendwann spielte es keine Rolle mehr, ob in 

New York "Da Doo Ron Ron" getextet wurde 

oder in London "Ba ba, ba ba, ba ba ba" – Reg 

Presleys Refrain für "With A Girl Like You" der 

Troggs. Die Engländer hatten sich inzwischen 

mit eigenen 

Stücken munitioniert. 

Die Beatles 

mussten auch 

nicht mehr 

auf Chuck 

Berry zurückgreifen. 

Was sie jetzt 

in den Abbey Road 

Studios aufnahmen, 

besiegelte 

die Invasion Amerikas. 

Für Buchautor 

John Zorn ein 

fataler Rückschritt: 

„Diese Musik hat 

nicht die Kraft des 

amerikanischen 

Blues. Lennon 

und McCartney 

stammen aus der 

Tin-Pan-Alley-Tradition i i des Songschreibens – Cole 

Porter, Rodgers und Hammerstein –, das ist keine 

Rockmusik!" 

Rüdiger Bloemeke 


TIPP 

SALLY BARKER 

Neustart gelungen 

Sally Barker? Da war doch mal was 

... Genau: die englische Singer/ 

Songwriterin, die Anfang der 90er Jahre 

regelmäßig durch Deutschland tourte und 

ein halbes Dutzend anspruchsvoller Alben 

veröffentlichte. Zuletzt war es jedoch 

ruhig um die heute 54-Jährige. Sie kümmerte 

sich um ihre beiden Söhne, die sie 

nach dem Tod ihres Mannes 2003 alleinerziehend 

durchbringen musste. Dann 

erkrankte sie selbst an der Schilddrüse: „Es 

dauerte Jahre, bis die 

Krankheit diagnostiziert 

wurde – und 

dann zog es sich 18 

Monate hin, bis ich 

wieder fit war", blickt 

Barker zurück. 

Doch in diesem Jahr 

sorgte sie für einen 

Paukenschlag im 

UK: In der BBC-TV-Show „The Voice" 

(Pendant zu „The Voice Of Germany") 

setzte sie sich mit ihrer gesanglichen 

Ausdruckskraft gegen deutlich jüngere 

Konkurrenz durch und belegte – unter 

der Mentorenschaft von Sir Tom Jones 

– als Siegerin der Herzen Platz 2. Eines 

ist ihr in diesem Zusammenhang wichtig: 

„Meine Söhne haben mich zur 

Bewerbung bei ‚The Voice’ gedrängt, ich 

selbst wäre nie auf die Idee gekommen." 

Dass sie nicht ganz vorn landete, lag laut 

Branchenkennern auch daran, dass 

sie den Plattenvertrag mit Universal 

nicht unterzeichnete, der mit der 

Endrundenteilnahme verbunden war. 

„Die Leute wollten, dass ich ein 

Album nur mit Cover-Versionen aufnehme. 

Als ich sie auf die vielen 

Songs hinwies, die ich in den letzten 

35 Jahren geschrieben habe, stellte 

sich heraus, dass sie meine Platten gar 

nicht kannten", erzählt die Musikerin. 

Stattdessen kehrte Sally Barker 

zu ihrem früheren Hamburger 

Label Hypertension zurück: 

„Ich fragte dort an, ob sie 

MAID IN ENGLAND veröffentlichen 

würden, das ich 2003 

schon auf eigene Faust herausgebracht 

hatte. Da mein 

Mann damals aber gerade 

gestorben war, hatte ich dafür 

keinerlei Promotion gemacht, so dass 

die Scheibe unterging. Hypertension 

bat dann darum, zusätzlich zwei der 

Songs neu einzuspielen, die ich bei 

The Voice' gesungen hatte – das war 

' 

ein Kompromiss, den ich für vertretbar 

hielt." Und die Sängerin hat mit 

ihrer These Recht: Diese CD, die ihr so 

sehr am Herzen liegt, ist absolut zeitlos. 

Aktuell ist Sally Barker wegen der riesigen 

Nachfrage permanent in Großbritannien 

unterwegs: „Ich war zuletzt im Duo mit 

Vicki Genfan 2013 in Deutschland. Bis 

ich wieder rüberkomme, wird es wohl 

2015, eher schaffe ich es einfach nicht." 

Kaum vorstellbar, dass die Folkmusikerin 

ENTDECKT – EMPFOHLEN 


während ihres Psychologiestudiums mal 

als Frontfrau von Tanzkapellen, aber 

auch einer Heavy-Metal-Combo sang. 

Bis sie sich selbstständig machte: „In 

den 90er Jahren war ich solo mit Robert 

Plant und Bob Dylan in Deutschland 

auf Tour. Mit Robert habe ich kurz 

gesprochen, mit Dylan jedoch nie. Er hat 

mir aber mehrfach von der Bühnenseite 

aus zugeschaut", plaudert Barker aus 

dem Nähkästchen. „Zu Sir Tom Jones 

hingegen habe ich inzwischen ein sehr 

gutes Verhältnis, vor kurzem habe ich mit 

meiner Band drei große Shows für ihn 

eröffnet." 

Barker hatte sich 2007 auch bei der 

TV-Show „X-Factor" beworben, der 

englischen Version von „... sucht den 

Superstar": „Da wollte meine Schwester 

im Duo mit mir unbedingt mitmachen. 

Wir mussten beim Test drei Stunden lang 

in einer Schlange vor der Tür warten, 

dann noch mal drei Stunden im Gebäude, 

um dann schnell abgefertigt zu werden. 

Bei ' 

The Voice' wurden wir viel respektvoller 

behandelt." 

Auch mit der Frauen-Folk-Supergroup 

The Poozies ist Sally Barker wieder aktiv 

(„Im März kommt ein neues Album"), 

und sie hat außerdem schon den größten 

Teil der Songs für ein neues Solo- 

Album fertig. 

Philipp Roser 

„Eine Bluessängerin 

von wahrer Integrität.“ 

The Sunday Times 

TEST OF TIME – TOUR 2014 

11.10. D - Habach, Village 

12.10. D - München, Einstein Blues 

13.10. D - Ingolstadt, Neue Welt 

14.10. D - Fürth, Kofferfabrik 

17.10. CH - Frick, Fricktaler Blues Fest 

18.10. D - Freudenburg, Ducsaal 

19.10. NL - Amen, Cafe de Amer 

20.10. D - Celle, Herzog Ernst 

21.10. D - Köln, Yard Club 

22.10. D - Helmbrechts, Kulturwelten 

23.10. D - Eppstein, Wunderbar 

24.10. N - Svalbard, Dark Blues Festival 



28.10. D - Suhl, Moist Corner 

29.10. D - Kassel, Theaterstübchen 

30.10. D - Berlin, Maschinenhaus 

31.10. D - Harsefeld, Hotel Eichhorn 

01.11. D - Singwitz, Kesselhaus 

„Sie ist exzellent. 

Warme Stimme mit 

seelenvollem Klang, 

echter Tiefe 

und Gefühl.“ 

music-news.com 

Klaus Steigmeier 

Tel. +49 971 78 51 489 

klaus@breakingblues.com 

www.breakingblues.com 


PHILLIP BOA 

Von Michael Fuchs-Gamböck 


Anti-Entertainer 

Beliebt war er eigentlich nie. Dafür gebärdete er sich BLEACH HOUSE erschienen, das aktuelle Studiozu 

arrogant, zu herrisch, zu aufbrausend – Phillip Boa Album. „Räudiger als der Vorgänger ist es geworden", 

aus Dortmund. Doch er war (und ist) stets auch melancholisch, 

bekennt Boa, „roher, derber. Wobei die Bal- 

und bohrende Zweifel nagten an ihm, denen laden von einer sehnsüchtigen Wehmut zeugen. 

er sich mutterseelenallein aussetzt und gegen die er Wichtig war und ist mir, dass mein Sound unangepasst 

gern mal verliert. Phillip Boa, geboren 1963 als Ernst 

klingt. Wer in diesen Zeiten der kreativen 

Ulrich Figgen, ist seit rund 30 Jahren im Pop-Business Langeweile spannende Musik erzeugen will, der 

zu Hause – und eigentlich doch nicht, denn er ist weiten kann nur spontan, brachial und leidenschaftlich 

Teilen des Feuilletons schon immer zu radikal gewesen, sein." Auf dem Cover von BLEACH HOUSE steht, 

er ist zu wenig berechenbar, einfach zu viel". Die Folge: wie bei fast allen Boa-Werken, der Zusatz „And 

" 

Misstrauen. Anderen ist der Künstler nicht deutsch The Voodoo Club", also weiterhin der Bandname. 

genug, obwohl seine Musik von teutonischer 

„Ich mag ja der Gründer sein und das ein- 

Schwere durchzogen ist. 

zige verbliebene Ur-Mitglied, seit Pia Lund 

P 

Ende 2013 nach dem ersten Split 1997 ein 

hillip Boa aber war und ist 

zweites Mal ausgestiegen ist und durch 

deutsch – wenn dies für Nachdenklichkeit, 

die völlig unbekannte, junge Sängerin Pris 

innere Zerrissenheit 

und geistige Tiefe steht und definitiv 

nicht für Nationaltümelei. 

Obendrein ist Boa auch erfolgreich, 

und das verzeihen ihm viele nun mal ungern. 

ersetzt wurde. Doch letztlich ist egal, wer 

im ,Club' dabei ist, denn die Mitwirkenden 

sind eine verschworene Gesellschaft. Die ganze 

Angelegenheit ist ein Markenzeichen, die für to- 

tales Anderssein, für kreatives Partisanentum steht." 

Künstler müssen demnach arm sein und ein tragisches 

Ende nehmen, andernfalls sind sie nicht seriös. Phillip 

Boa jedoch ist halbwegs wohlhabend und hat wenig 

Lust auf ein tragisches Ende. Schließlich will er weitermachen 

mit seiner originär-besonderen Kunst. Jetzt ist 

Pee Wee Bluesgang 

Boa fügt hinzu: „Ich war immer Außenseiter, habe 

gleichzeitig stets uneingeschränkt auf die äußeren 

Umstände der Zeit reagiert. Jemanden wie mich wird 

man nie greifen und vereinnahmen können. Aktuell 

beschäftige ich mich mit den verqueren Umständen 

einer Welt, die mehr und mehr kaputtgeht. Ich bin 

voller Wut über diesen Umstand, ohne dass ich dabei 

komplett resigniert rüberkommen möchte." Der ewige 

„Indie-König" bezeichnet sich als eine Person, die zwischen 

2002 und 2010 eine „menschliche Krise" hatte, 

„doch heute komme ich überraschend positiv rüber", 

lacht Boa. „An diesen Zustand muss ich mich erstmal 

gewöhnen. Aber jetzt ist gut so." 

Schluss mit 

Wäsche 


Die Pee Wee Bluesgang aus Iserlohn ist eine 

der dienstältesten deutschen Bluesgruppen 

und hat zuletzt ihren 1981er Auftritt im " 

Rockpalast" 

auf DVD herausgebracht. GoodTimes 

sprach mit Gitarrist Thomas Hesse über den 

Stand der Dinge. 


Auf Facebook bezeichnet ihr euch als " 

Heavy Metal 

Blues Quartet" ... 

In den ersten Jahren haben wir Bluessongs gecovert, 

um zu lernen. Mit der Zeit habe ich gedacht, man 

müsste sich von anderen Bluesgruppen unterscheiden. 

Deshalb spielen wir hauptsächlich eigene Songs, Cover 

wie "Hey Joe" sind ein Highlight. Ein Heavy-Metal- 

Blues-Quartett werden wir nicht mehr. Das entstammt 

der Facebook-Lyrik unseres Sängers Richard Hagel. 

Wie habt ihr den " 

Rockpalast"-Gig damals erlebt? 

Die beste Anekdote steht im Begleittext der DVD. 

Die andere gute ist: Wir hatten keinen Whiskey in 

der Garderobe, der Top-Act Stray Cats hingegen jede 

Menge Edelstoff. Als Richard das merkte, hatten wir 

den! Während unseres Auftritts haben sich die Stray 

Cats das Zeug zurückgeklaut. 

Ihr habt in den 80er Jahren Drafi Deutscher live begleitet 

– wie war das? 

Ein Jahr mit Drafi, das war wie zehn Jahre Pee Wees. 

Tolle Auftritte, Fernsehgigs, ein Jahr im Wahnsinn. 

Gut verdient, aber eben hauptsächlich Schlager gespielt. 

Zeitweise hattet ihr ein Saxofon statt Keyboards dabei 

– warum? Und weshalb war es nach einiger Zeit wieder 

vorbei damit? 

Wenn man so lange als Band zusammen ist, muss 

man sich immer wieder neu erfinden. Der Wechsel 

von Keyboard zu Saxofon veränderte den Bandsound, 

da die Gitarre nun eine andere Rolle bekam. 

Erst in den letzten Jahren sind beide Instrumente 

dabei, weil wir heute auch gern Songs aus allen Perioden 

der Band spielen. 

Ihr habt euch 2008 aufgelöst, seid aber schon zwei Jahre 

später wieder zusammengekommen ... 

Nach über 5000 Auftritten war der Punkt erreicht, 

wo man sich einfach nicht mehr leiden konnte. 

Nach einigen Monaten rief ich Richard an und 

fragte: „Was machst du?" Er antwortete: „Ich 

wasch’ gerade einen Kessel Buntes." Ich darauf: 

„Ich habe heute Weißwäsche ... Scheiße, wir sollten 

lieber wieder die Band zusammenbringen!" Und los 

ging's. 

Was steht in nächster Zeit an, gibt es Pläne für ein 

neues Album? 

Wir bringen demnächst eine DVD/Blue-ray von 

Richard Hagels 50-jährigem Bühnenjubiläum raus, 

die Aufnahmen aus der Balver Höhle. Anfang des 

nächsten Jahres gibt es dann eine neue Studio-CD. 


ROCKTOBER 

Lektionen in Rock: So geHÖRT sich das! 

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Nachruf: Manfred Sexauer 

Radio-Rebell 

& TV-Ikone 

Von Roland Schmitt 

Freitagabend, 

18:05 Uhr, in irgendeinem 

späten 1960er Jahr. Mein Tonbandgerät ist 

aufnahmebereit, das Mikro auf einem Stapel Bücher 

vor dem Lautsprecher der elterlichen Musiktruhe positioniert. Eingeschaltet 

habe ich Europawelle Saar auf MW 1421 kHz. "The Dixatay" 

von Billy Butterfield ertönt. So lernte ich als Jugendlicher Manfred Sexauer kennen, 

viele Jahre später ein geschätzter Rundfunkkollege. Ans Herz gewachsen war er mir 

und vielen anderen jungen Leuten durch die phänomenale Sendung " 

Hallo Twen", die 

am 4. Oktober 1965 gestartet war. Hatte mich der TV- " 

Beat-Club" ähnlich euphorisiert 

(noch ohne Sexauer), irritierte mich der Nachfolge- " 

Musikladen" (nun mit Sexauer): zu 

wenig Rock, zu viel Tamtam und belangloser Pop – nicht nur meine Meinung. 

Unsere Wege kreuzten sich Mitte der 1980er Jahre 

beim Saarländischen Rundfunk. Dort sprach 

man stolz und salopp zugleich von „Sexi", der den 

kleinen Sender so blendend vertrat. Der „Musikladen" 

war 1984 längst Geschichte, Manfred konzentrierte 

sich auf vielfältige Aufgaben beim SR. 

Inzwischen hatte ich registriert, dass Sexauer kein 

Saarländer war und dass er mit seinem Geburtsjahr 

„spielerisch" umging. Erst sein 2010 öffentlich gefeierter 

80. Geburtstag korrigierte die wohlwollenderen 

Jahresangaben. Ein gebürtiger Baden-Badener also, 

der eine vielversprechende Schauspielerkarriere am 

Karlsruher Kammertheater aufgegeben hatte, um 

1964 probeweise nach Saarbrücken zu wechseln. Anfangs 

moderierte Sexauer testweise die Radiosendung 

„Der Schlagerkoffer". Die Programmverantwortlichen 

wollten – mit Blick auf die harte Konkurrenz aus 

Luxemburg – aber gezielt junge Leute ansprechen, 

und so entwickelte der Newcomer ein werktägliches 

Programm mit Beatmusik. Die Reaktionen auf „Hallo 

Twen" waren gemischt, was Berge an Hörerpost 

belegten: schroffe Ablehnung seitens der (Groß-) 

Elterngeneration, die 

mit dieser „Negermusik" 

nichts 

anfangen 

konnte, 

aber helle 

Begeisterung 

bei den 

Kids! Der 

konservative 

Intendant 

hielt 

schützend die Hand über Sexauer, wegen des 

Erfolgs kein Wunder! Die Europawelle galt als 

stärkster Rundfunksender der Bundesrepublik mit 

einer seinem Namen alle Ehre machenden Reichweite. 

Schon bald gaben sich die Stars bei Sexauer die Klinke 

in die Hand. Freundschaftliche Kontakte entwickelten 

sich nicht nur zu deutschen Bands wie den Lords oder 

Rattles, später auch zu Karat und den Puhdys. Enge 

Verbindungen hatte Sexauer vor allem zu Dave Dee 

und Graham Bonney. 

Auch seine soziale Ader wurde schon bald erkennbar. 

Hörer aus Jugendknästen animierten ihn, diese 

Klientel vor Ort in den Strafanstalten zu besuchen. 

Mit „Hallo Twen" erreichte Sexauer über Mittelwelle 

auch viele Hörer in der DDR, die dafür überaus 

dankbar waren. 

Heute unvorstellbar, 

aber in seinen 

frühen Jahren als 

Radiomoderator 

konnte Manfred 

Sexauer im Studio 

während der 

Sendung eine 

Fluppe reinziehen. 

Neben der Charts- 

Ausgabe am Freitag 

war der Mittwoch 

der wichtigste Sendetag. 

Da stellte 

Sexauer die aktuellsten 

Scheiben 

vor, insbesondere 

aus dem UK. Ein in 

London studierender 

Deutscher sorgte 

per Expresslieferung für permanenten Nachschub – 

einmalig! 

Als „Hallo Twen" im Rahmen einer Programmreform 

1973 geopfert wurde, bastelten Sexauer & Co. an 

neuen Sendungen, entwickelten schließlich „Disco 

Top Ten" und „Show-Mix" (ab 1992). Die Spendeneinnahmen 

kamen SOS-Kinderdörfern zu Gute. Auch 

im Fernsehen blieb 

Sexauer präsent. 

Abgeklärt und unaufgeregt 

moderierte 

er zwischen 1984 

bis 1991 die „Goldene 

Europa", den 

SR-Showpreis, kam 

auch hier mit vielen 

Stars zusammen: 

u.a. immer wieder 

mit Peter Maffay. 

Eine Art „Musikladen" für 

den Südwesten war „Clip 

Klapp", locker-flockig, mit 

Videoclips. 

Eine – wenngleich etwas 

schräge – Pionierleistung 

war der mit Thomas Gottschalk 

und Frank Laufenberg 

umgesetzte Platten- 

Jux als GLS-United: eine 

deutsche Version von 

"Rapper's Delight" ... 

Sexauers Karriere e 

klang behutsam aus. 

Nach seinem SR-Ab-schied 

1999 blieb er 

beim SWR als Oldie- 

Experte, ab 2007 

moderierte er beim 

loth ringischen Radio 

Melodie die Sendung 

„Das bleiben Hits". 

Trotz einer Lungenkrebserkrankung 

hatte er noch einen 

letzten großen Auftritt 

am 14. Januar 

2014. Im Vorfeld des „50 Jahre Europawelle Saar"- 

Jubiläums war die anrührende Geschichte eines 

jugendlichen DDR-Hörers bekanntgeworden. 

Der hatte 1969 bei einem „Hal- 

lo 

Twen"-Musikrätsel mitgemacht, eine 

Postkarte mit der richtigen Lösung an 

Sexauer geschickt. Die Karte, von der Sta- 

si 

abgefangen, kam nie an. Erst 44 Jahre 

später tauchte sie auf, landete so doch 

noch beim SR, der den Hörer im Rahmen 

der „Europawellen"-Feier mit seinem Idol 

zusammenführte. 

Am 20. Juli ist Manfred Sexauer (83) in 

Saarbrücken gestorben. 


Foto: © NikMa Verlag/Fabian Leibfried 


Neben den Bärten 

sind ausgefallene 

Gitarren/ 

Bassmodelle 

Markenzeichen von 

Dusty Hill und Billy 

Gibbons. 

Fotos: © Studio Edouard Curchod, 2013 

Deutschland liegt euch seit 

Jahrzehnten besonders am 

Herzen? 

Ja, es hat in unseren Herzen einen 

ganz besonderen Platz. Wir fühlen 

uns hier immer ausgesprochen wohl 

und entspannt – der „Rockpalast" 

von 1980 in Essen ist unvergessen! 

Auch zu einem anderen Ort in 

Europa habt ihr eine spezielle Beziehung ... 

Klar, zu Montreux, mit dem uns ebenfalls eine lange 

gemeinsame Geschichte verbindet, seit Claude Nobs 

uns 1996 zum ersten Mal eingeladen hat. Darum 

haben wir den Gig dort auch für die DVD gefilmt. 

Allein die Geschichte von Montreux ist doch hochinteressant 

– es heißt zwar Jazz Festival, aber sie waren 

dort schon immer sehr offen, hatten früh auch 

Rock'n'Roll und Blues im Programm. Ich kann mich 

erinnern, dass ich bei unserem ersten Gastspiel regelrecht 

eingeschüchtert war und fürchtete, sie würden 

Jazz von uns erwarten. Diese Angst hat uns Claude 

Nobs schnell genommen. 

Ihr hattet aber für das zweite Gastspiel extra 

eine " 

Fake Jazz"-Nummer einstudiert? 

(Lacht) Ja, so haben wir sie bezeichnet. Wir sind 

zwar keine erfahrenen Jazzer, haben aber alle 

drei in unseren Anfangszeiten zumindest rudimentäre 

Erfahrungen in diesem Bereich gesammelt. 

Wir können stilistisch von allem ein wenig, 

und das mischen wir in unserem Rock'n'Roll – 

und wir lassen uns in keine Schublade stecken. 

Am liebsten toben wir uns spontan aus und 

haben unseren Spaß daran, Unerwartetes einzustreuen. 

Sie sind unverwüstlich, bringen die 

Rockarenen auch nach 45 Jahren 

immer noch zum Beben: Billy 

Gibbons, Dusty Hill und Frank Beard, 

die " 

little ol' band from Texas", auch 

bekannt als ZZ Top. Erst kürzlich 

waren sie wieder in Deutschland 

und haben mit LIVE AT MONTREUX 

2013 eine neue DVD veröffentlicht. 

GoodTimes-Mitarbeiter Philipp Roser 

sprach mit Bassist und Sänger Hill. 

Der Name reicht, da braucht Frank Beard 

nicht auch noch einen Rauschebart. 

2013 waren Mike Flannigan und Van Wilks als 

Gäste dabei – wie kam es dazu? 

Wir wollten speziell für Montreux etwas Besonderes 

bieten. Die beiden sind alte Freunde von uns und 

kommen ebenfalls aus Texas. Aber ich muss gestehen, 

dass es im ersten Moment schon etwas befremdlich 

war, als ich mich umdrehte und nicht nur Billy und 

Frank sah – obwohl wir ja immer wieder gern Gäste 

zu uns auf die Bühne holen oder selbst bei Kollegen 

einsteigen. 

Ihr habt "Kiko" als eine Art Tribute für Claude 

Nobs gespielt ... 

Naja, ich würde es nicht unbedingt als Tribute bezeichnen. 

Aber es ist schon so, dass wir sinnbildlich 

den Hut vor Nobs ziehen wollten, der kurz zuvor 

verstorben war. Es sollte daran erinnern, 

n welch tolle Konzerte er der 

Welt geschenkt hat. 

Gibt es Pläne für neue Songs, 

für ein neues Album? 

Momentan gibt es noch nichts Konkretes. 

Wir sind ja mehr oder weniger 

das ganze Jahr auf Tour. Aber 

wir schreiben immer wieder mal ein 

neues Stück, das wir dann beiseite 

legen, bis 

wir ins Studio 

gehen. 

Dafür gibt 

es jedoch 

noch keine 

genaueren 

Pläne. Aber 

wir sind 

schon ständig 

damit 

beschäftigt und reden auch viel darüber, Neues zu 

schaffen. Ich weiß nur nicht, wann das passieren wird. 

Wie schwierig ist es, nach all den Jahren die 

Balance zwischen der starken Einheit und 

der Wahrung der jeweiligen Individualität 

zu finden? 

Das ist nicht leicht zu beantworten. Ich könnte dir im 

Moment nicht mal die genaue Zahl der Jahre nennen, 

die wir unterwegs sind. Ich werde immer wieder gefragt, 

wie wir es so lange geschafft haben – ich weiß 

es nicht! Es ist wohl die Liebe zur Musik, die wir am 

liebsten zusammen spielen. Und vielleicht auch, dass 

wir die Entscheidungen über unser Schicksal nie aus 

der Hand gegeben haben. 


Es war einmal ... 


Runde Geburtstage 

29.9. Mike Post arbeitete anfangs mit 

Kenny Rogers zusammen und produzierte 

die ersten drei Alben von dessen Gruppe 

First Edition. Komponierte ab den 70er 

Jahren zahllose Musiken für TV- und Kinofilme 

(„Detektiv Rockford – Anruf genügt", 

„L.A. Law"), wurde mit mehreren Grammys 

ausgezeichnet – und er produzierte VAN 

HALEN III. Ist nun auch schon 70. 

29.9. Anne Briggs war eine in ihrer Heimat 

England einflussreiche, wenn auch 

nicht übermäßig erfolgreiche Folksängerin, 

war eine der ersten Bouzouki-Spielerinnen 

im UK, zog sich aber schon in den 70er 

Jahren zurück und feiert nun ihren 70. Geburtstag. 

1.10. Geoff Stephens war gelernter Lehrer, 

verlegte sich aber aufs Songwriting, schuf 

(teils als Co-Autor) in den 60er und 70er 

Jahren zahlreiche Hits wie "Tell Me When" 

für die Applejacks, "Winchester Cathedral", 

"There’s A Kind Of Hush", "Sorry Suzanne" 

und viele mehr. Zwischendurch managte er 

den jungen Donovan und kann nun auf 80 

Lebensjahre zurückblicken. 

1.10. Barbara Parritt mischte in den Sixties 

bei der Mädchengesangsgruppe The 

Toys mit, die 1965 mit "A Lover's Concerto" 

einen #1-Hit in den USA landeten 

und 1986 eine kurze Reunion 

feierten. Parritt blieb danach 

im Musikgeschäft, doch die nun 

70-Jährige wurde danach nicht 

mehr auffällig. 

13.10. Robert Lamm ist Grün- 

Rob 

ert La 

dungsmitglied, Sänger, Keyboarder, 

Songlieferant von Chicago, mit denen 

er auch mit 70 immer noch unterwegs ist. 

Veröffentlichte solo und hatte zwischenzeitlich 

auch mal ein Trio mit Carl Wilson von 

den Beach Boys und Gerry Beckley (America). 

13.10. Nana Mouskouri war/ist eine der 

international erfolgreichsten Sängerinnen 

in Sachen Jazz, Qualitätsschlager, Pop und 

Chanson, verkaufte über 250 Millionen Tonträger 

und war auch einige Jahre als Politikerin 

in ihrer Heimat Griechenland aktiv. Tourt 

auch mit 80 noch immer wieder mal. 

14.10. Peter Charles Moules spielte Mitte 

der 60er Jahre Bass bei der UK-Beatcombo 

Lamm 

Unit 4+2 (mit Russ Ballard) und ist nun ein 

„Siebziger". 

19.10. George McCrae startete als R&B- 

Sänger, sattelte Anfang der 70er Jahre auf 

Disco um, landete mit "Rock Me Baby" 1974 

einen Welthit und ist seither Dauergast im 

deutschen Fernsehen. Mit nun 70 lebt er in 

den Niederlanden. 

20.10. Jay Siegel war 1955 neben Neil Sedaka 

bei der Gründung von The Linc-Tones 

dabei, die sich 1960 in The Tokens umbenannten 

und bis in dieses Jahrtausend hinein 

unterwegs waren. Siegel feiert nun als 

Ruheständler seinen 75. Geburtstag. 

23.10. Mike Harding gelangte im heimischen 

UK als Folkmusiker (Gesang 

+ Multi-Instrumentalist), aber auch als 

Standup-Comedian, Autor, Poet, Filmmusikkomponist 

und TV-Moderator zu Ruhm 

und Ehren und engagiert sich mit 70 noch 

ehrenamtlich in Standesvertretungen und 

für Benefizbelange. 

24.10. Ted Templeman spielte in den 

60er Jahren Schlagzeug und Gitarre und 

sang in lokalen Bands wie Harpers Bizarre, 

wurde 1970 Hausproduzent bei Warner und 

gelangte vor allem durch seine Arbeit mit 

Van Halen zu Weltruhm; er arbeitete 

mit Van Morrison, Little 

Feat, Montrose, Joan Jett, Bette 

Midler und Captain Beefheart, 

zuletzt 2010 mit den Doobie 

Brothers und tritt nun mit 70 

ein wenig kürzer. 

25.10. Jon Anderson arbeitete 

als Milchmann, begann mit zehn als Waschbrettspieler, 

schloss sich 1962 als Sänger von 

The (Electric) Warriors an, veröffentlichte 

zwei Singles unter dem Künstlernamen Hans 

Christian und war 1968 beim Start von Yes 

dabei, die er 2008 verließ. Zwischendurch 

veröffentlichte er schon solo und war 1975– 

1991 mit dem Keyboarder Vangelis als Jon 

& Vangelis aktiv. Er brachte 2011 die Alben 

SURVIVAL & OTHER STORIES und DOWN 

(nur als Download) heraus. Ist mit nun 70 

Jahren immer noch solo unterwegs. 

26.10. Hans-Joachim Rödelius profilierte 

sich mit Experimental-, Ambient- und 

Elektronikmusik und wurde vor allem als 

Mitbegründer der Krautrock/Elektronikbands 

Cluster und Harmonia bekannt. Er spielte 

Ambient-Jazz mit dem Trio Aquarello. Zu 

Ehren seines 80. Geburtstages werden einige 

seiner Alben wiederveröffentlicht, 

während er immer noch 

auf der Bühne steht. 

29.10. Denny Laine (bürgerlich: 

Brian Hines) war 1964 

Mitbegründer der Moody Blues, 

ebenso 1971 bei Paul McCart- 

Han 

s-J 

-Joa 

oachi 

him Rö 

neys Wings. Spielte zwischendurch 

Bass/Gitarre bei The Balls und Ginger 

Baker's Airforce, arbeitete ab 1981 solo, 

mischte außerdem bei den World Classic 

Rockers und Spencer Davis mit – und liebt 

mit 70 das Leben, wie er auf seiner Homepage 

verkündet. 

30.10. Grace Slick sorgte für Furore als 

Sängerin von The Great Society, vor allem 

aber mit Jefferson Airplane, Jefferson Starship 

und Starship – und durch kontroverse 

Liedtexte und Drogenexzesse. Hat eine 

Tochter namens China (Vater: Ex-Kollege 

Paul Kantner) und lebt zurückgezogen, beschäftigt 

sich als 75-Jährige lieber mit Malerei 

als mit Musik. 

30.10. Edward " 

Eddie" Holland schrieb 

mit seinem Bruder Brian und Lamont Dozier 

Musikgeschichte, indem sie als Dreiergespann 

nicht nur für Motown-Künstler 

zahllose Hits verfassten und produzierten. 

Die erste Komposition von HDH war "Come 

And Get These Memories" für das All-Girl- 

Trio Martha & The Vandellas im Februar 

1963. Insgesamt sind 266 HDH-Kreationen 

offiziell registriert. Bereits 1990 wurde Eddie 

Holland, der nun seinen 75. Geburtstag 

begeht, mit seinen Partnern – sie trennten 

sich 1973, erneuerten ihre Partnerschaft 

aber aus rechtlichen Gründen 1984 – in die 

Rock'n'Roll Hall Of Fame aufgenommen. 20 

#1-Hits und 70-Top-Ten-Erfolge stehen in 

seinen Annalen. 

30.10. Richard " 

Kinky" Friedman machte 

sich einen Namen als oft bitterböser, zynischer 

Musiker und Schriftsteller, kandidierte 

2006 vergebens für das Amt des Gouverneurs 

in Texas. Zu den Freunden des nun 70-Jährigen 

zählen die so gegensätzlichen Ex-Präsidenten 

Bill Clinton wie auch George W. Bush, 

die ihn beide ins Weiße Haus einluden. 

2.11. Keith Emersons Messerattacken 

auf seine Tasteninstrumente sind ebenso 

legendär wie sein musikalisches Schaffen 

mit The Nice, Emerson Lake & Palmer und 

solo – und auch mit 70 hat er 

neue klassische und rockige 

Kompositionsideen. 

4.11. Scherrie Payne sang 

von 1973 bis 1977 bei den 

Supremes, ab 1986 bei The 

Former Ladies Of The Supre- 

Rö 

del 

ius 

mes. Die jüngere Schwester von 

Freda Payne war auch Mitglied von Glass 

House, veröffentlichte solo und tritt auch 

mit 70 noch oft live auf. 

8.11. Jack Llewellyn Jones trommelte 

bei The Mark Four, aus denen The Creation 

hervorgingen, wurde aber schon 1966 

gefeuert und konzentrierte sich auf eine 

Karriere als Kabarettsänger und kann nun 

seinen 70. Geburtstag feiern. 

8.11. Bonnie Bramlett (geborene 

O'Farrell) sang schon mit 13 Jahren Chor 

für Fontella Bass, Albert King und Little 

Milton. Sie sorgte für ein vielbeachtetes 

Novum, als sie als erste Weiße von Ike & 

Tina Turner für deren Gesangs-Begleittrio 

The Ikettes verpflichtet wurde. 1967 lernte 

sie Delaney Bramlett kennen, den sie wenig 

später heiratete – als Delaney & Bonnie unterschrieb 

das Duo bei Stax. Beide trennten 

sich 1972, seither ist die Ausnahmesängerin 

solo aktiv (bis heute), auch mit stolzen 

70 Jahren. Und sie hat die Vokalgene weitergegeben: 

Tochter Bekka Bramlett sang 

zeitweise bei Fleetwood Mac. 

9.11. Phil May prägt seit 1963 durch seinen 

Gesang den Sound der Pretty Things 

wesentlich, mit denen er mit S. F. SORROW 

eines der, wenn nicht das erste Konzeptalbum 

der Rockhistorie schuf. Tourt noch 

heute mit der Band und ist auch mit 70 

kein bisschen leiser. 

12.11. Booker T. Jones machte sich mit 

dem Instrumental "Green Onions" unsterblich, 

prägte aber vor allem mit seiner 

Hammond und seiner Band The M.G.'s in 

Memphis den Stax-Sound. Der mit einem 

Grammy Lifetime Award Geehrte nimmt 

heute noch auf, und das mit nun stolzen 

70 Jahren. 

Sie könnten mit 65 in den offiziellen fi 

Ruhestand gehen: 

19.9. Twiggy (bürgerlich Lesley Lawson, 

geborene Hornby) war das Gesicht der Swinging 

Sixties, machte als spindeldürres Fotomodell 

Karriere, betätigte sich als Schauspielerin 

und Sängerin, veröffentlichte zuletzt 

2012 das Album ROMANTICALLY YOURS. 

23.9. Bruce Springsteen, schlicht der 

Boss, der mit seinen hemdsärmeligen Shows 

und handfestem Rock seiner E Street Band 

seit Jahrzehnten Stadien füllt und in stundenlangen 

Programmen keine Langeweile 

aufkommen lässt. 

27.9. Jahn Teigen vertrat sein Heimatland 

Norwegen beim Eurovision Song Contest 

1978 (als erster Künstler mit 

null Punkten), 1982 und 1983 

(er wurde Neunter). Ist in Skandinavien 

immer noch aktiv. 

3.10. Lindsay Buckingham gab eine verheißungsvolle 

Karriere als Wasserballer zugunsten 

der Musik auf, begann in der Acid- 

Rockband Fritz, tat sich mit Stevie Nicks zu 

Buckingham Nicks zusammen, 

ehe sie 1975 bei Fleetwood 

Mac einstiegen, und der Rest 

ist Geschichte wie auch diverse 

Solowerke. 

2.10. Richard Hell (bürgerlich: 

Myers) war bei Television, 

brachte anschließend mit 

Johnny Thunders die Heart- 

Lindsa 

dsay B 

uck 

ing 

ngham 

6.10. Thomas McClary war 

von der Bandgründung bis 

1984 Songschreiber, Sänger, 

breakers an den Start, ehe er 1976 The 

Voidoids gründete. 

Leadgitarrist und Produzent der Commodores. 

War danach als Musiker in seiner Kirche 

aktiv, brachte in diesem Jahr „seine" Commodores-Version 

an den Start. 

7.10. David Hope war Bassist und Gründungsmitglied 

von Kansas, arbeitet heute als 

anglikanischer Priester. 

8.10. Hamish Stuart ist ein schottischer 

(Soul-)Sänger, Multi-Instrumentalist, Songschmied 

und Produzent, gründete 1972 die 

Average White Band mit, die er 1982 verließ. 

Er begleitete später Paul McCartney, Chaka 

Khan und viele andere. Veröffentlichte zwei 

Solo-Alben und ist heute Kurator des Moare 

Music Festivals in Kent. 


8.10. Harry Bowens war Sänger von Was 

Not Was und ist heute ein vielgefragter Studiovokalist 

(Bonnie Raitt, Helen Terry, Lyle 

Lovett). 

8.10. Michael Rosen blies Trompete bei 

der Average White Band. 

17.10. Bill Hudson betrieb in den USA neben 

der Schauspielerei eine Karriere als Musiker 

und war mit seinen Brüdern Brett und 

Mark als Hudson Brothers recht erfolgreich. 

18.10. Gary Richrath war von 

1970 bis 1989 bei REO Speedwagon 

für die Gitarrenarbeit 

zuständig, mit denen er im Dezember 

2013 bei einer Benefizshow 

in Bloomington, Illinois, 

wieder zusammenkam. Veröf- 

Bon 

nie 

Ra itt 

fentlichte 1992 sein einziges 

Solo-Album ONLY THE STRONG SURVIVE. 

27.10. Byron Allred spielte Keyboards in 

der Steve Miller Band, als die in den 80er 

Jahren in den Charts abräumte, arbeitete 

danach mit Todd Rundgren, Terry & The 

Pirates und Steve Roach. 

27.10. Garry Tallent gehörte als Bassist 

zu den Gründungsmitgliedern von Bruce 

Springsteens E Street Band, der er bis heute 

die Treue hält. 

29.10. James Williamson stieg 1970 

als Gitarrist bei The Stooges ein, arbeitete 

nach deren Ende mit Iggy Pop zusammen, 

ehe er der Musik den Rücken kehrte 

und als Elektronikingenieur 

arbeitete. War 2009 bei der 

Stooges-Reunion dabei, auch 

als die danach wieder aufnahmen. 

30.10. David Green mischte 

als Bassist bei der australischen 

Funk-Truppe Hot City 

Bump Band mit, ehe er sich 1980 den Soft 

Rockern Air Supply anschloss. 

31.10. Bob Siebenberg war zwischen 

1973 und 2011 der einzige US-Amerikaner 

Gedenktage 

bei Supertramp, wo er für die Drums zuständig 

war. Veröffentlichte solo und arbeitete 

auch mit Gary Wright zusammen. 

1.11. David Foster holte sich als Komponist/Produzent 

15 Grammys (und 44 

Nominierungen), unter anderem schuf er 

Chicagos "Hard To Say I'm 

Sorry", Whitney Houstons "I 

Will Always Love You" (geschrieben 

von Dolly Parton), 

Earth Wind & Fires "After The 

Love Has Gone" und zahllose 

Hits mehr. 

Her 

man 

nR 

Rare 

bel 

l 

8.11. Bonnie Raitt ist weltweit 

die wohl führende (Slide-)Gitarristin, 

sie pflegt ihren Blues-Rock, setzt sich für 

Frauenrechte ein und ist seit Überwindung 

ihrer Alkoholsucht aktiver denn je. 

8.11. Al Berger (Spitzname The Doctor) 

war als Bassist bei Southside Johnny & The 

Asbury Jukes dabei, nachdem er zuvor mit 

Steve Van Zandt bei The Dovells aktiv gewesen 

war. 

13.11. Terry Reid ist ein eigenwilliger UK- 

Sänger/Gitarrist in Sachen Blues-, Psychedelic 

und Prog-Rock; ewiger Geheimtipp. Jimmy 

Page wollte ihn einst als Sänger der New 

Yardbirds, Reid konnte wegen Tourverpflichtungen 

nicht und empfahl Robert Plant. 

13.11. Roger Steen prägte 

mit seiner Gitarre und Stimme 

den Sound der Tubes seit der 

Gründung 1969 und ist heute 

außerdem mit seiner eigenen 

Band unterwegs, deren selbst 

betiteltes Debüt es nur bei 

Konzerten und über seine Homepage 

gibt. 

14.11. James Young spielte Gitarre und 

sang bei TW4, aus denen Styx hervorgingen. 

Veröffentlichte während deren Schaffenspause 

diverse Soloplatten. 

18.11. Herman Rarebell wurde als 

Schlagzeuger der Scorpions berühmt und 

ist jetzt mit seinem Projekt Acoustic Fever 

unterwegs. 

Edward Cobb (*25.2.1938) war zunächst 

mit The Four Preps unterwegs, verfasste 

dann den Klassiker "Tainted Love" und 

arbeitete als Produzent und/oder Toningenieur 

für/mit The Standells, Fleetwod Mac, 

Steely Dan, Pink Floyd. Erkrankte an Leukämie 

und starb am 19.9.1999. 

Skeeter Davis (*30.12.1931 als Mary 

Frances Penick) begann ihre Sangeskarriere 

als Duo mit Betty Jack Davis, die 1953 

bei einem Autounfall ums Leben kam. Davis 

startete daraufhin eine Sololaufbahn, 

ihr größer Erfolg war 1963 "The End Of 

The World". Sie blieb aber bis 

zu ihrem Tod am 19.9.2004 

(Brustkrebs) eine gefragte 

Duettpartnerin (Bobby Bare), 

nahm 1985 gemeinsam mit 

NRBQ ein Album auf und 

wurde von Tammy Wynette 

wie Dolly Parton als wichtiger 

Einfluss genannt. 

Jim 

Steve Goodman (*25.7.1948) galt als einer 

der renommiertesten Folk-Singer/Songwriter 

in den USA, war aber auch in Sachen 

Rock, Pop und Country firm. Er wurde von 

Kris Kristofferson entdeckt, als er für diesen 

eröffnete. Der vermittelte ihn zu Paul Anka, 

der ihm einen Deal bei Buddha Records besorgte. 

Goodman landete seinen größten 

Erfolg mit "City Of New Orleans", das Arlo 

Guthrie, Johnny Cash, Willie Nelson, Judy 

Collins und Chet Atkins übernahmen, und 

veröffentlichte zu Lebzeiten zehn Alben 

(zwei folgten posthum). Leukämie stand am 

20.9.1984 in seinem Totenschein. 

Robbie McIntosh (*6.5.1950) schottischer 

Drummer, der bei The Senate und Brian 

Auger's Oblivion Express Druck machte, 

ehe er die Average White Band mitbegründete. 

Eine Überdosis Heroin kostete ihn am 

23.9.1974 das Leben (ist nicht zu verwech- 

Jimmy 

my M C 

seln mit dem gleichnamigen Gitarristen und 

zeitweiligen McCartney-Sideman). 

Stephen Canady, singender Gitarrist und 

Drummer der Ozark Mountain Daredevils, 

arbeitete dann als Tourmanager für Lee Roy 

Parnell und Marshall Chapman. Er kam am 

25.9.1999 bei einem Flugzeugabsturz nahe 

Nashville ums Leben und wurde nur 55 Jahre 

alt. 

Louis Satterfield (*3.4.1937) war mit 

seinem Bass auf vielen Chess-Aufnahmen 

zu hören, spielte auch Posaune (auch als 

Mitglied von Earth Wind & 

Fire). Er tourte später viel mit 

Phil Collins und verstarb am 

27.9.2004. 

Jimmy McCulloch (*4.6. 

1953) wurde mit 15 von Pete 

Townshend als Gitarrist ent- 

McC 

ull 

och 

deckt und gefördert, war bei der 

Gründung von Thunderclap Newman dabei, 

gab ein kurzes Zwischenspiel bei John Mayall 

& The Bluesbreakers, ersetzte 1972 bei 

seinen schottischen Landsleuten Stone The 

Crows kurzfristig den tödlich verunglückten 

Gitarristen Leslie Harvey und stieg später bei 

Paul McCartneys Wings ein. 1979 gründete 

er seine eigene Band The Dukes. Doch am 

27.9.1979 wurde er einen Tag vor deren Debütkonzert 

nach einer Überdosis Heroin tot 

in seiner Wohnung aufgefunden. 

Bruce Palmer (*9.9.1946) war Bassist bei 

Jack London & The Sparrows, aus denen 

nach seinem Abschied Steppenwolf wurden. 

Er war bei der Gründung von Buffalo 

Springfield dabei, arbeitete 1969 zwei Monate 

für Crosby, Stills, Nash, & Young, war 

solo aktiv, gehörte Anfang der 80er Jahre 

Neil Youngs Trans Band an. Ein Herzinfarkt 

kostete das Mitglied der Rock'n'Roll Hall Of 

Fame (1996) am 1.10.2004 das Leben. 

Steve Ferguson (*22.11.1948) startete zu 

Highschool-Zeiten in Louisville, Kentucky, 

eine Band namens The Merseybeats, zog 

weiter nach Miami, gründete den ewigen 

Geheimtipp NRBQ, den er 1970 schon wieder 

verließ, um sich weitestgehend zurückzuziehen. 

Er tauchte erst 1991 wieder auf, 

als er den Großteil der Songs für JOHNNIE 

B. BAD schrieb, das Solodebüt von Chuck 

Berrys Keyboarder Johnnie Johnson. Danach 

startete Ferguson doch noch eine Solokarriere 

mit seiner Band Midwest Creole Ensemble, 

bis er am 7.10.2009 für immer ging. 

Nathan Wayne Heathman (*2.1.1957) 

sang für Phyllis Hyman, Rachelle Farrell, 

Norman Connors, Jennifer Holliday, ehe sie 

am 11.10.2004 für immer verstummte. 

" 

Lord" Ulli Günther (*24.7.1942), ein 

gelernter Dekorateur, hatte mit den 1959 

in Berlin gegründeten Lords und Hits wie 

"Poor Boy" oder "Shakin' All Over" die 

deutsche Musikszene aufgemischt. Den 

bundesweiten Durchbruch bescherte 

1964 der Gewinn eines 

Wettbewerbs im Hamburger 

Star-Club, bei dem die Lords 

zur deutschen „Beatformation 

Nummer eins" gekürt und 

mit dem Titel „Die deutschen 

Beatles" ausgezeichnet wurden. 

Ende der 60er Jahre zo- 

Ull 

i Gü ünt 

her 

gen sich die Musiker ins Privatleben zurück, 

starteten aber schon 1976 ein Comeback. 

Nach der Wende waren die Lords vor allem 

in den neuen Bundesländern gefragt. Am 

9.10.1999 brach Günther während eines 

Auftritts in Potsdam auf der Bühne zusammen 

und starb vier Tage später – er hatte 

zuvor schon seit Jahren Herzprobleme. 

Doug Bennett (*31.10.1951) war Leadsänger 

der kanadischen Band Doug & The 

Slugs, veröffentlichte selbst das Album ANI- 

MATO (1986) und produzierte später vor 

allem Musikvideos, ehe er am 16.10.2004 

nach längerer Krankheit verstarb. 

John Peel (*30.8.1939) entwickelte als Radiomoderator 

schnell Profil und avancierte 

zum Kult-DJ, der in seinen BBC-Sendungen 

Karrieren anschob und als einer der profundesten 

Rock- und Popkenner galt. Betrieb 

sein eigenes Label Dandelion, auf dem er 

27 Alben herausbrachte, unter anderem von 

Medicine Head und Kevin Coyne. Er erlag 

am 25.10.2004 im Urlaub in Peru einem 

Herzinfarkt. 

Barry Sadler (*1.11.1940) landete als 

Vietnam-Veteran mit "The Ballad Of The 

Green Berets" 1966 einen #1-Hit in seiner 

Heimat USA. Verlegte sich aufs Schreiben 

von Büchern, erschoss 1978 im Streit um 

eine Frau Countrysänger Lee Emerson, 

saß einige Jahre im Knast. Arbeitete danach 

als Army-Ausbilder in Guatemala, 

wo er 1988 angeschossen wurde und nach 

langem Koma am 5.11.1989 

starb. 

Terry Melcher (*8.2.1942) 

war nicht nur der Sohn von 

Doris Day, sondern erarbeitete 

sich auch einen guten Namen 

als Songschreiber und Produzent 

(Ry Cooder, Byrds, Paul 

Revere, Beach Boys), nachdem er zuvor 

mit Bruce Johnstone von den Beach Boys 

als Bruce & Terry reichlich Singles herausgebracht 

hatte. Johnstone half ihm auch in 

den 70er Jahren bei der Veröffentlichung 

seiner beiden Solo-Alben. Am 19.11.2004 

starb er an Hautkrebs. 

John Balance (*16.2.1962) war Mitglied 

bei Coil und Psychic TV, überlebte 

am 18.11.2004 einen Sturz aus dem ersten 

Stock nicht. 


Konzertkalender 

präsentiert: 

ACOUSTIC FEVER 

www.mfpconcerts.com 

20.10. CH-Zürich, Alte Kaserne 

22.10. Nürnberg, Rockfabrik 

23.10. Hannover, Bluesgarage 

24.10. Mannheim, Alte Seilerei 

25.10. Baden Baden, Hangar 

DAN BAIRD & 

HOMEMADE SIN 

www.sittichbooking.com 

23.10. Bad Salzufl en, Bahnhof 


01.11. Plauen, The Ranch 

02.11. Habach, Village 

03.11. Frankfurt, Das Bett 

19.11. Hamburg, Downtown 

MARY BLACK 

www.lb-events.de 

22.02. Dortmund, Nicolaikirche 

23.02. Hamburg, 

Kleine Laeiszhalle 

CARL CARLTON 

www.pa-co.eu 

25.11. Köln, Gloria 

27.11. Aschaffenburg, 

Colos-Saal 

28.11. Winterbach, 

Lehenbachhalle 

29.11. Burglengenfeld, VAZ 

01.12. Nürnberg, Hirsch 

02.12. Berlin, Wintergarten 

03.12. Hamburg, Markthalle 

05.12. München, Freiheiz 

06.12. Hanau, Comoedienhaus 

09.12. Mannheim, Capitol 

12.12. Osnabrück, Rosenhof 

COCK ROBIN 


30.01. Hamburg, Indra Club 

31.01. Berlin, Tempodrom 

01.02. Frankfurt, Nachtleben 

03.02. Bochum, Zeche 

ELVIS COSTELLO 

www.kb-k.com 


Große Freiheit 36 

09.10. Berlin, Admiralspalast 

10.10. Leipzig, Haus Auensee 

12.10. Mainz, Phönixhalle 

13.10. München, Circus Krone 

14.10. Stuttgart, Theaterhaus 

GRAINNE DUFFY 

www.breakingblues.com 


12.10. München, 

Einstein Blues 

13.10. Ingolstadt, Neue Welt 

14.10. Fürth, Kofferfabrik 


17.10. CH-Frick, Festival 

18.10. Freudenburg, Ducsaal 

19.10. Amen, Cafe de Amer 

20.10. Celle, Herzog Ernst 

21.10. Köln, Yard Club 

22.10. Helmbrechts, 

Kulturwelten 

23.10. Eppstein, Wunderbar 

27.10. Kassel, Theaterstübchen 

28.10. Suhl, Moist Corner 

29.10. Kassel, Theaterstübchen 

30.10. Berlin, Maschinenhaus 

31.10. Harsefeld, 

Hotel Eichhorn 

01.11. Singwitz, Kesselhaus 

ERRORHEAD 

www.india-media.de 

25.09. Göttingen, Nörgelbuff 

26.09. Bergheim, 

Medio-Rhein-Erft 

27.09. Kaiserslautern, 

Kammgarn 

31.10. Schwerin, Speicher 

01.11. Brachwitz, 

Café Saale Kiez 


06.11. Ingolstadt, Das Mo 

07.11. Esslingen, Dieselstraße 

08.11. Münster, Hot Jazz Club 

11.11. Leverkusen, Scala 

12.11. Rüsselsheim, Das Rind 

14.11. A-Wien, Reigen 

15.11. A-Weng, Wengerwirt 

20.11. Berlin, Quasimodo 

FOCUS 

www.hotellounge.de 

15.10. CH-Rubigen, 

Mühle Hunziken 


17.10. Kirchheim, Bastion 

18.10. Freising, Lindenkeller 




23.10. Ansbach, 

Kammerspiele 


FOREIGNER 

www.dmc-music.de 

14.10. Bonn, Beethovenhalle 

16.10. Stuttgart, Liederhalle 


22.10. Baden-Baden, 

Festspielhaus 

24.10. Mannheim, Rosengarten 

25.10. Tuttlingen, Stadthalle 

26.10. Freiburg, Konzerthaus 

28.10. Frankfurt, Alte Oper 

29.10. Osnabrück, Stadthalle 

30.10. Bremen, Glocke 

02.11. Nürnberg, 

Meistersingerhalle 

03.11. Berlin, Admiralpalast 

04.11. Hamburg, CCH 

07.11. Halle, Händelhalle 

09.11. Rostock, Stadthalle 

FLOYD RELOADED 

www.solarpenguin.de 


Backstage Werk 


04.10. Halle, Steintor Varieté 

29.11. Karlsruhe, 

Festhalle Durlach 

GONG 

www.maximumbooking.com 

25.11. Reichenbach, Bergkeller 


28.11. Berlin, Lido 



HAMBURG BLUES BAND & 

FRIENDS 

www.handmadeconcerts.de 

02.10. Lübeck, Sounds 


04.10. Plauen, Ranch 

09.10. Regensburg, 

Alte Mälzerei 


Kammgarn 

11.10. Meidelstätten, Adler 

16.10. Leipzig, Spizz 

17.10. Braunschweig, 

Barnaby's 



Colos-Saal 



19.12. Rheinberg, 

Schwarzer Adler 

20.12. Worpswede, 

Music-Hall 

RANDY HANSEN & BAND 

www.jazzhausrecords.com 

24.10. Fulda, Alte Piesel 


Colos-Saal 

26.10. Oberhausen, Zentrum 

Altenberg 

28.10. München, Backstage 

29.10. Weinheim, Café Central 




07.11. Affalter, Zur Linde 




15.11. Ahlen, Schufabrik 

16.11. Köln, Greensclub 

HUNDRED SEVENTY SPLIT 

www.assconcerts.com 



11.10. Melle Buer, 

Kulturwerkstatt 


Barnaby's Blues Bar 

14.10. Augsburg, Spectrum 

15.10. Konstanz, Kulturladen 



17.10. CH-Aarlburg, 

Moonwalker 

18.10. CH-Gams, S-Event 

07.11. Dortmund, Blue Notez 



Bluesclub 


17.11. Olching, Festival 

27.11. Dudenhofen, Bürgerhaus 

28.11. Lindenberg, Löwensaal 

29.11. Sindelfi ngen, Pavillon 

JETHRO TULL'S 

IAN ANDERSON 


19.11. Stuttgart, Liederhalle 

20.11. Aachen, Eurokongress 

22.11. Koblenz, 

Rhein-Mosel-Halle 

24.11. Bonn, Beethovenhalle 

25.11. Magdeburg, Stadthalle 


27.11. Hamburg, CCH 2 


30.11. Wetzlar, Rittal-Arena 

10.–12.04. Wuppertal, 

Live Club Barmen* 

* mit dem Sinfonieorchester 

Wuppertal 


LEVELLERS 

www.fkpscorpio.com 

30.10. Köln, Luxor 

31.10. Frankfurt, Batschkapp 

02.11. Münster, Gleis 22 

MAGNUM 

www.pa-co.eu 

23.11. CH-Zug, Chollerhalle 


Colos-Saal 




NAZARETH 


21.11. Rostock, Moya 

22.11. Magdeburg, 

Altes Theater 

23.11. Köln, Kantine 


26.11. Würzburg, Posthalle 


28.11. CH-Biel, Festival 


01.12. Stuttgart, LKA 

03.12. Mühldorf, Haberkasten 

04.12. CH-Rubigen, Mühle 

05.12. A-Rankweil, 

Altes Kino 

06.12. Erfurt, Stadtgarten 

08.12. Dresden, Schlachthof 

ELVIS PRESLEY TRIBUTE 

SHOW 

www.agentur-skarda.de 

02.10. Bad Teinach, Konihalle 

03.10. Wiesloch, Hotel Palatin 

04.10. Karlsruhe, Südwerk 

05.10. CH-Zürich, Volkshaus 


Carl-Orff-Saal 

09.10. Emsdetten, Bürgersaal 

10.10. Bad-Godesberg, 

Stadthalle 

11.10. Berlin, Eventhalle 

SHAKATAK 

www.3dog-entertainment.com 

19.09. Wuppertal, Live Club 

Barmen 


21.09. Bad Salzufl en, Bahnhof 


LISA STANSFIELD 

www.kb-k.com 

29.10. Mainz, Rheingoldhalle 

30.10. Essen, Colosseum 

STATUS QUO / LOU GRAMM 

www.kb-k.com 

17.11. Dresden, Messehalle 

18.11. Kiel, Sparkassenarena 


21.11. Schwerin, Stadthalle 

22.11. Erfurt, Thüringenhalle 

24.11. Saarbrücken, 

Saarlandhalle 

26.11. Augsburg, 

Schwabenhalle 

28.11. Krefeld, Königpalast 

29.11. Lingen, Emslandarena 

01.12. Mannheim, Mozartsaal 

02.12. Freiburg, Rothausarena 

UB40 

www.shooter.de 


05.12. Berlin, Kesselhaus 

06.12. Winterbach, Salierhalle 



URIAH HEEP 

www.tourneen.com 

13.11. CH-Herisau, Casino 

15.11. Schemmerhofen, 

Mehrzweckhalle 

17.11. CH-Pratteln, Z7 

19.11. A-Wien, Szene 

20.11. Halle, Georg-Friedrich- 

Händel-Halle 

21.11. Nürnberg, Löwensaal 

22.11. Essenbach, Eskarahalle 


25.11. Deggendorf, Stadthalle 


28.11. Berlin, Columbiahalle 

29.11. Köln, Live-Music-Hall 



Große Freiheit 36 

04.12. Dresden, 

Alter Schlachthof 

05.12. Sennfeld, Frankenhalle 

06.12. Lauda, Stadthalle 

07.12. Kempten, Bigbox 



11.12. München, Circus Krone


WISHBONE ASH 


10.01. Tübingen, Sudhaus 




Colos-Saal 

15.01. Karlsruhe, Substage 


17.01. Koblenz, Café Hahn 

18.01. Krefeld, Kulturfabrik 




22.01. München, Ampère 

23.01. Freiburg, Jazzhaus 








Wichtiger Hinweis: 

Die Veröffentlichung der 

Konzerttermine erfolgt 

ohne Gewähr. Durch die 

zweimonatliche Erscheinungsweise 

von Good- 

Times muss ein Teil der 

Termine zwei bis drei Monate 

im Voraus erfasst 

werden. Änderungen des 

Veranstaltungsortes, des 

Datums oder Konzertausfälle 

sind daher möglich. 

Wir empfehlen Ihnen, vor 

einer Anreise den Termin 

auf der entsprechenden 

Internet-Seite nochmals zu 

überprüfen. Veranstaltungsmeldungen 

ohne Internet-Seitenangaben 

und 

ohne genauen Veranstaltungsort 

werden nicht veröffentlicht. 

FESTIVALS 

4. Beat Night 

www.beatmacher.de 

27.09. Oberursel, Stadthalle 

Tremeloes, 2. Generation 

2. Sindelfinger Oldie Night 

www.eventim.de 

27.09. Sindelfi ngen, Glaspalast 

Lords, Equals, Chris 

Andrews, Pussycat, Harpo 

Oldie-Night 

www.backline-entertainment.de 

11.10. Bad Salzufl en, 

Konzerthalle 

ELO by Phil Bates, Quo, 

Time Out 

GoodTimes-Festival 


18.10. Offenbach, Stadthalle 

Albert Hammond, 

The Rubettes feat. Bill Hurd, 

Night Fever 

Night Of The Proms 

www.notp.com 

27.+28.11. Frankfurt, Festhalle 

29.11. Dortmund, 

Westfalenhalle 

30.11. Oberhausen, KöPi-Arena 

02.12. Mannheim, SAP-Arena 

03.12. Stuttgart, Schleyerhalle 

05.–07.12. München, 

Olympiahalle 

11.12. Hannover, TUI-Arena 

12.+13.12. Köln, 

Lanxess-Arena 

17.+18.12. Berlin, Messehalle 

19.+20.12. Hamburg, 

o2-World 

21.12. Bremen, ÖVB-Arena 

u.a. John Miles, Katie 

Melua, Zucchero 

ACCEPT 

www.twisted-talent.com 

04.10. Hamburg, Docks 

05.10. Osnabrück, Hyde Park 

18.10. München, Tonhalle 

20.10. Langen, Neue 

Stadthalle 

21.10. Berlin, Huxley's 

22.10. Köln, Live-Music-Hall 



29.10. Filderstadt, Filharmonie 

BRYAN ADAMS 

www.mlk.com 

03.12. Berlin, o2-World 


09.12. Köln, Lanxess-Arena 

10.12. München, Olympiahalle 

BARCLAY JAMES HARVEST 

www.kultopolis.com 

05.12. Enneptal, Leo-Theater 

06.12. Arnsberg, 

Sauerlandtheater 

07.12. Bensheim, Parktheater 

BLUES PILLS 

www.nuclearblast.de 

02.10. Leipzig, Moritzbastei 

03.10. CH-Pratteln, Festival 


06.10. A-Wien, Arena 

07.10. A-Innsbruck, 

Weekender 

08.10. Ludwigsburg, 

Rockfabrik 

11.10. Kaiserslautern, Festival 

14.10. Essen, Turock 

15.10. Hamburg, Headcrash 

17.10. München, Festival 

18.10. Berlin, Bi Nuu 


PHILLIP BOA & 

THE VOODOOCLUB 

www.phillipboa.de 

05.11. Marburg, 

Kulturladen KFZ 

06.11. Mainz, KUZ 

07.11. Magdeburg, Factory 





15.11. Köln, Essigfabrik 

28.11. Bremen, Kulturzentrum 

Lagerhaus 


04.12. Göttingen, Musa-Saal 

05.12. Erfurt, 

Gewerkschaftshaus 


07.03. München, Strom 

JOE BONAMASSA 


25.09. Mannheim, SAP-Arena 

26.09. Leipzig, Arena 

27.09. Göttingen, Lokhalle 

29.09. Münster, 

Halle Münsterland 

GRAHAM BONNET 

www.rockville-music.com 


Garage Deluxe 

GERRIT BROCKMANN & BAND 

www.hotstuffcds.de 

20.09. Bremen, 

Fränkies Vogelnest 

DANNY BRYANT 


20.11. Erfurt, Museumskeller 

21.+22.11. Berlin, Quasimodo 

23.11. Rheinberg, 

Schwarzer Adler 


27.11. Wuppertal, 

Bürgerbahnhof 


Bluesclub 

29.11. Kiel, Räucherei 

01.12. A-Salzburg, 

Rockhouse 

02.12. Haiming, Eisching 


Garage Deluxe 


CALIFORNIA BREED 

www.wizardpromotions.de 


Theaterfabrik 

19.11. Wiesbaden, 

Schlachthof 

23.11. Berlin, Postbahnhof 



TONY CAREY 

www.tonycarey.com 


31.10. Miltenberg, Beavers 

20.11. CH-Zürich, Obermühle 

ROGER CHAPMAN & 

THE SHORTLIST 







CITY 

www.city-internet.de 

10.10. Chemnitz, Arena* 

11.10. Leipzig, Arena* 

31.10.+ 01.11. Berlin, 

o2-World * 

07.11. Rostock, Stadthalle* 

22.11. Erfurt, Messe* 

* mit Puhdys und Karat 

ANNE CLARK 

www.maximumbooking.com 

05.11. München, Ampère 



08.11. Leipzig, Theaterfabrik 



Festung Mark 


13.11. Bremen, Dete 

14.11. Bochum, 

Christuskirche 


16.11. Aachen, Musikbunker 


19.11. Pforzheim, 

Kulturhaus Osterfeld 

20.11. Marburg, KFZ 

CLIMAX BLUES BAND 

www.climaxbluesband.com 


Musiktheater Piano 


Bahnhof 

17.10. Bruchsal, Rockfabrik 


Garage Deluxe 

19.10. A-Frauenthal, 

Bluegarage 


21.10. A-Rankweil, Altes Kino 




24.10. CH-Solothurn, 

Altes Spital 


COLOSSEUM 


24.10. A-Innsbruck, Treibhaus 


26.10. Karlsruhe, Tollhaus 

28.10. Hannover, Pavillon 

30.10. Wissen, Kulturwerk 

31.10. Barby, Rautenkranz 



02.11. Mainz, Frankfurter Hof 

04.11. Bochum, 

Bhf. Langendreer 

06.11. Berlin, Kulturbrauerei 

07. 11. Hamburg, Fabrik 



09.11. Göttingen, Musa 




Colos-Saal 

14.11. Bonn, Brückenforum 


20.11. A-Wien, Metropol 

21.11. A-Salzburg, Rockhouse 

ROBERT CRAY 




Colos-Saal 


DUBLIN LEGENDS 


14.11. Hamburg, Grünspan 

15.11. Duisburg, 

Theater am Marientor 

16.11. Taunusstein, 

Silberbachhalle 

17.11. Frankfurt, 

Heilig-Geist-Kirche 



21.11. Berlin, Passionskirche 

22.11. Kiel, Petruskirche 


DUKES OF HAMBURG 

www.dukesofhamburg.com 

22.10. Gütersloh, Kesselhaus 

28.11. Kassel, Das Haus 

29.11. Köln, Sonic Ballroom 

17.12. Hamburg, Molotov Club 

ERASURE 

www.kj.de 

04.12. Köln, Palladium 




09.12. Berlin, Columbiahalle 

MARIANNE FAITHFULL 

www.prknet.de 



18.10. Hannover, 

Theater am Aegi 

20.10. Düsseldorf, Mitsubishi- 

Electric-Halle 






Kampnagelfabrik 

FANTASYY FACTORYY 

www.fantasyy-factoryy.com 

15.11 Lippstadt, Werkstatt 

BRYAN FERRY 





29.11. Hamburg, CCH1 


Swiss-Life-Hall 

02.12. Bielefeld, Stadthalle 

03.12. Frankfurt, Alte Oper 

04.12. CH-Zürich, 

Kongresshaus 

06.12. Stuttgart, 

Porsche-Arena 

08.12. München, Kesselhaus 



FISH 

www.sounds-promotion.de 


Bluesgarage 

23.10. Wilhelmshaven, 

Pumpwerk 

24.10. Hamburg, Rock Café 

St. Pauli 

25.10. Paderborn, 

Schloss Neuhaus 


29.10. Würzburg, Posthallen 


31.10. Winterbach, 

Lehnbachhalle 

02.11. Koblenz, Cafe Hahn 


Colos-Saal 








03.12. Miesenbach, 

Haus des Bürgers 

FOOLS GARDEN 

www.foolsgarden.de 

23.09. Wolfsburg, Bar Celona 

24.09. Hamburg, Bar Celona 

25.09. Lübeck, Bar Celona 

30.09. Osnabrück, Bar Celona 

01.10. Bremen, Bar Celona 

02.10. Oldenburg, Finca 

03.10. Norderney, 

Cafe Extrablatt 

07.10. Münster, Bar Celona 

08.10. Hannover, Finca 


Bar Celona 

14.10. Mainz, Cafe Extrablatt 

15.10. Nürnberg, Finca 

20.12. Knittlingen, Cellarium 

TOM FREUND 

www.artist-people-promotion.de 

30.10. Frankfurt, Mousonturm 

31.10. Harksheide, Music Star 

01.11. Lübeck, Tonfi nk 

04.11. Kiel, Prinz Willy 

05.11. Berlin, Badehaus 

12.11. Hamburg, Logo 

JUSTIN FURSTENFELD 

www.kb-k.com 

20.10. München, Freiheizhalle 

21.10. Berlin, Babylon Kino 


Imperial Theater 

23.10. Nürnberg, Kleine 


24.10. Düsseldorf, Robert- 

Schumann-Saal 

GOTTHARD 

www.bottomrow.com 

26.09. CH-Schupfart, Festival 

30.10 Obertraubling, Airport 

31.10. Ulm, Ratiopharm-Arena 

01.11. Balingen, 

Volksbankmesse 


04.11. Bremen, Aladin 



08.11. Oberhausen, 

Turbinenhalle 

09.11. Langen, 

Neue Stadthalle 


12.11. Würzburg, Posthalle 

14.11. A-Wien, Gasometer 

15.11. Kaufbeuren, 

Allkart Halle 

16.11. A-Kundl, 

Gemeindesaal 


21.11. CH-Chur, Stadthalle 

22.11. CH-Langenthal, 

Westhalle 

26.11. CH-Winterthur, Eishalle 

28.11. CH-Baar, 

Waldmannhalle 

13.12. Karlsruhe, Festival 

GRANDMOTHERS OF 

INVENTION 

www.onstage-promotion.de 



Nochtspeicher 

12.11. Hannover, Lux 

15.11. Duisburg, Grammatikoff 

16.11. Weinheim, Cafe Central 



GURU GURU 

www.guru-guru.com 

10.10. Weinstadt, 

Jazzclub Armer Konrad 

11.10. Stuttgart, LAB 

17.10. Potsdam, Waschhaus 

18.10. Hersbruck, Altes Kino 

24.10. Brilon, Kump 

25.10. Offenbach, Wiener Hof 

07.11. Bremen, Kito 

08.11. Stemwede, Life House 

14.11. CH-Zürich, Alte Kaserne 

15.11. Immenstadt,Rainbow 


21.11. Wuppertal, LCB 

22.11. Salzwedel, 

Club Hanseat 

29.11. Uslar, Kulturbahnhof 

12.12. Karlsruhe, Jubez 

13.12. Ludwigshafen, 

Das Haus 

HAINDLING 

www.helloconcerts.de 


Stadthalle 

04.10. Heilsbronn, 

Hohenzollernhalle 

10.10. Aying, Festzelt 

11.10. Unterschleißheim, 

Forum 

17.10. Bad Füssing, 

Kulturfestival 

18.10. A-Salzburg, Sporthalle 

ALBERT HAMMOND 

www.hypertension-music.de 



20.09. Emden, Stadthalle 


23.09. Magdeburg, AMO 


Konzerthalle 

25.09. Datteln, Stadthalle 

26.09. Wilhelmhaven, 

Pumpwerk 

27.09. Peine, Festsäle 


04.10. CH-Schaffhausen, 

Kammgarn 

05.10. Dingolfi ng, Stadthalle 

07.10. Siegen, Siegerlandhalle 

14.10. Friedrichshafen, 

Graf-Zeppelin-Haus 

15.10. Neumarkt, Reitstadl 

16.10. Ingolstadt, 

Eventhalle Westpark 

17.10. Plauen, Stadthalle 

18.10. Offenbach, Stadthalle 

23.10. Karlsruhe, Tollhaus 



25.10. Butzbach, Charity 

26.10. Rosenheim, Ballhaus 


29.10. Ennepetal, Leotheater 

31.10. Limburg, 

Josef-Kohlmaier-Halle 

01.11. Brackenheim, 

Bürgerzentrum 

HATTLER 

www.hellmut-hattler.de 

19.09. Geislingen, 

Kulturzentrum 

01.10. Kassel, Schlachthof 

02.10. Nieder-Olm, Gleis 3 

03.10. Bremen, Lagerhaus 

04.10. Melle-Buer, 



Nochtspeicher 


17.10. Backnang, Kulturgut 

18.10. Neu-Isenburg, 

Treffpunkt 

24.10. Stuttgart, Merlin 

25.10. Knittlingen, Cellarium 

30.10. Bensheim, 

Musiktheater Rex 

31.10. Keltern-Ellmendingen, 

Löwen 

07.11. Essen, Grend 


09.11. Münster, Hot Jazz Club 

12.12. Kassel, Schlachthof 

13.12. Herford, Musikkontor 

HELTER SKELTER 

www.helter-skelter-live.de 

25.10. Mering, Mehrzweckhalle 

31.10. Kempten, Big Box 

08.11. Dornstadt, Bürgersaal 

15.11. Friedrichshafen, 

Dornier Museum 

06.12. Tuttlingen, Stadthalle 

KLAUS HOFFMANN 

www.klaus-hoffmann.com 


Konzerthaus 

03.12. Düsseldorf, Tonhalle 


Congresshalle 

06.12. Kiel, Schloss 

07.12. Lübeck, Musik- und 

Kongresshalle 

09.12. Bremen, Die Glocke 


Theater am Aegi 

11.12. Bielefeld, 

Rudolf-Oetker-Halle 

14.12. Leipzig, Gewandhaus 

15.12. Berlin, 

Friedrichstadtpalast 

16.12. Hamburg, Laeiszhalle 

18.12. Aachen, Eurogress 

19.12. Köln, Theater am 

Tanzbrunnen 

CHRIS JAGGER 

www.chrisjaggeronline.com 

30.10. Münster, Le Midi 

31.10. Bremen, 

Nachbarschafts haus 

Helene Kaisen 

01.11. Lüchow, 

Stones-Museum 



Kleine Bühne 

05.11. Bünde, 

Dolbi Musikkneipe 

07.11. Aidlingen, 

Schloss Deufringen 


Ev. Kirchengemeinde 

Schafbrücke 

ELTON JOHN 

www.prknet.de 

24.11. Hannover, Tui-Arena 


29.11. Nürnberg, Arena Nürnberger 

Versicherung 


KARAT 

www.karat-band.de 

02.10. Zwickau, Stadthalle* 

03.10. Schwerin, Sport- u. 

Kongresshalle* 

04.10. Cottbus, Stadthalle* 

10.10. Chemnitz, Arena* 

11.10. Leipzig, Arena* 

24.10. Dresden, Lukaskirche 

25.10. Halle, Steintorvarieté 

31.10.+01.11. Berlin, 

o2-World ** 

07.11. Rostock, Stadthalle** 


Getec-Arena* 

14.11. Neuruppin, Kulturkirche 

15.11. Greifswald, Kaisersaal 

21.11. Riesa, Erdgas-Arena* 

22.11. Erfurt, Messe** 

* mit Puhdys 

** mit City und Puhdys 

LENNY KRAVITZ 

www.kb-k.com 


07.11. Frankfurt, Festhalle 




KöPi-Arena 

LAKE 


27.09. Ascheberg, 

Landgasthof Langenrade 



Pumpwerk 



24.10. Wetzlar, Francis 



30.12. Eckernförde, 

Carl's Showpalast 

LETZ ZEP 




21.11. Cottbus, Gladhouse 

22.11. Merkers, 

Erlebnisbergwerk 


Fruchthalle 

LEVEL 42 

www.kb-k.com 

10.11. Offenbach, Capitol 


Theaterfabrik 

LINKIN PARK 

www.mlk.com 




KöPi-Arena 

10.11. Hamburg, o2-World 





20.11. Bremen, ÖVB-Arena 

LIVING COLOUR 

www.pa-co.eu 

14.11. CH-Zürich, Volkshaus 



LÜÜL 

www.luul.de 

02.10. Berlin, Ufa Fabrik 

03.10. Wuppertal, Hutmacher 

04.10. Westerwede, Wunderbar 

05.10. Rheine, 

Hotel Gottesgabe 

10.10. Oranienburg, 

Kulturkonsum 

MANFRED MANN'S 

EARTHBAND 





11.10. Krefeld, Kulturfabrik 


Pumpwerk 

17.10. Lauda, Stadthalle 

18.10. Münnerstadt, 

Mehrzweckhalle 

24.10. Baumbach, Stadthalle 

25.10. Halle, Gerry-Weber- 

Event-Hall 

20.11. Heidelberg, Schloss 

21.11. Rheine, Stadthalle 

22.11. Oldenburg, Kulturtage 

16.12. Speyer, Halle 101 

17.12. Ulm, Theatro 

18.12. München, Muffathalle 

19.12. Crailsheim, Hangar 

20.12. Lüdenscheid, 

Schützenhalle 

* mit Hooters 

ROGER McGUINN 

www.concertbuero-franken.de 

20.09. Linz, Pregarten 


MOLLY HATCHET & 

VAN WOLFEN 

www.crushconcerts.com 

09.12. Berlin, Kesselhaus 



12.12. Neuruppin, Kulturhaus 

13.12. Stadtilm, Bärsaal 

14.12. Rosenheim, Ballhaus 


17.12. Ludwigsburg, 

Rockfabrik 

18.12. Zwickau, Neue Welt 

19.12. Ingolstadt, Eventhalle 

Westpark 

20.12. Altdöbern, 

Schützenhaus 

21.12. Barby, Routenkranz 


Blues Club 

23.12. Bad Doberan, 

Stadthalle 

MOTHERS FINEST 

www.kulturfenster.net 


14.11. Greifenburg, Kultursaal 

MOTÖRHEAD 

www.mlk.com 

10.11. München, Zenith 

12.11. Düsseldorf, MEH 

14.11. Hamburg, Sporthalle 

16.11. Berlin, 

Max-Schmeling-Halle 

ALISON MOYET 


12.11. Köln, Theater am 

Tanzbrunnen 

13.11. München, Muffathalle 


NEKTAR 

www.onstage-promotion.de 


Bluesgarage 

10.10. Schortens, Fair Cafe 

11.10. Lübeck, Rider's Cafe 

13.10. Twist, Heimathaus 


15.10. Soest, 


NEW MODEL ARMY 

www.contour-music.de 

03.10. Lindau, Club Vaudeville 

04.10. Augsburg, Kantine 



08.10. Saarbrücken, Garage 

09.10. Jena, F-Haus 

10.10. Coesfeld, Fabrik 

11.10. Kiel, Max 

12.10. Beverungen, Stadthalle 


19.10. Celle, CD Kaserne 


AXEL RUDI PELL 

www.continental-concerts.de 



Colos-Saal 


26.09. A-Wien, Szene 





PINEAPPLE THIEF 

www.mfpconcerts.com 

18.11. Dresden, Puschkin Club 

19.11. Rüsselsheim, Das Rind 


Zentrum Altenberg 


Bluesgarage 

22.11. Berlin, Crystal 

23.11. Hamburg, Rock Café 

St. Pauli 

DIE PRINZEN 

www.dieprinzen.de 

19.09.–05.10. Kirchentour 

PUHDYS 

www.puhdys.com 

02.10. Zwickau, Stadthalle* 

03.10. Schwerin, Sport- und 

Kongresshalle* 

04.10. Cottbus, Stadthalle* 

10.10. Chemnitz, Arena** 

11.10. Leipzig, Arena** 

31.10.+01.11. Berlin, 

o2-World ** 

07.11. Rostock, Stadthalle** 


Getec-Arena* 

14.+15.11. Freiberg, Tivilo 

21.11. Riesa, Erdgasarena* 

22.11. Erfurt, Messe** 

* mit Karat 

** mit City und Karat 

CHRIS REA 

www.mlk.com 

29.10. A-Salzburg, 

Salzburgarena 






Westfalenhalle 

05.11. Dresden, Messehalle 






Swiss-Life-Hall 


15.11. Mannheim, 

Rosengarten 

16.11. Stuttgart, 

Porsche-Arena 


Olympiahalle 

19.11. Baden Baden, 

Festspielhaus 


ROACHFORD 

www.india-media.de 

11.11. Roth, Kulturfabrik 


Bluesgarage 

15.11. Hamburg, Mojo Club 


18.11. Herford, Schiller 





22.+23.11. Münster, 

Hot Jazz Club 

24.11. Frankfurt, Nachtleben 

ULI JON ROTH 

www.seaside-touring.com 

01.10. Osnabrück, 

Lagerhalle 


04.10. Bremen, Tivoli 

05.10. Lübeck, Riders Café 


08.10. Köln, Luxor 

12.10. Mannheim, 

Alte Seilerei 


16.10. Würzburg, Posthallen 

17.10. Obertraubling, Airport 

ERIC SARDINAS 






Garage DeLuxe 



31.10. Unna, Lindenbrauerei 

01.11. Neustadt, Wotufa 

03.11. Kassel, 

Theaterstübchen 



06.11. Karlsruhe, Jubez 



Bluesgarage 

SAZERAC SWINGERS 

www.sazeracswingers.com 

27.+28.09. Villingen- 

Schwenningen, Festival 

03.10. Siegburg, 

Stadtmuseum 

04.10. Harsewinkel, 

Farmhouse Jazzclub 

04.10. Bielefeld, Stereo 

05.10. Harsewinkel, 

Farmhouse Jazzclub 

06.10. Weinheim, Muddy's 

Blues Club 

07.10. Stuttgart, 87 

08.10. Tübingen, D.A.I. 



11.10. Lingen, Grüner Jäger 

12.10. Gronau, Driland 

16.11. Dortmund, Domicil 

MICHAEL SCHENKER 



04.11. Bonn, Brückenforum 

05.11. Tübingen, Sudhaus 


Colos-Saal 

08.11. Bruchsal, Rockfabrik 


Westpark 


SLASH 


22.11. München, Zenith 

23.11. Köln, Palladium 

SPACE DEBRIS 

www.spacedebrisprojekt.de 

25.10. Worms, Die Funzel 

04.10. Magdeburg, Sackfabrik 

SPIDER MURPHY GANG 

www.helloconcerts.de 

19.09. Gangkofen, Brauerei 

25.09. Müllheim, Bürgerhaus 

30.09. Warburg, Zelt 

08.10. A-Wien, Zelt 

10.10. Wendlingen, Zelt 

11.10. Willingen, Schützenhalle 

25.10. Allendorf, Sporthalle 

31.10. Obertraubling, 

Eventhall-Airport 

STERN-COMBO MEISSEN 

www.stern-combo-meissen.de 

03.10. Pirna, Q24 

04.10. Glauchau, 

Stadttheater 

11.10. Dresden, Lukaskirche 

17.10. Wismar, 

St. Georgen Kirche 

24.10. Güstrow, 

Ernst-Barlach-Theater 

08.11. Schleife, Sorbisches 

Kulturzentrum 

15.11. Dessau, Marienkirche 

13.12. Berlin, Fritz Club 

19.12. Ortrand, 

Stadtkirche St. Barbara 

STIFF LITTLE FINGERS 

www.target-concerts.de 

01.11. Düsseldorf, Zakk 

02.11. Hamburg, Knust 

13.11. Berlin, SO36 

14.11. Erfurt, Centrum 

18.11. Stuttgart, Universum 

CURTIS STIGERS 

www.curtisstigers.com 

19.09. Stuttgart, Bix 

20.09. Böblingen, Festival 

22.09. Berlin, Heimathafen 

Neukölln 

24.09. Hamburg, Mojo 

25.09. Herford, Marta 

26.09. Verden, Festival 


Himmelfahrtskirche 

08.11. Halle, Händelhalle 

09.11. Helmbrechts, 

Bürgersaal 

10.11. Nürnberg, Maritim 

11.11. Mainz, 

Frankfurter Hof 

12.11. Bochum, Christuskirche 

STING & PAUL SIMON 





DAVID SURKAMP 




SWEET 


08.11. Achern, Festival 

TEN YEARS AFTER 


11.10. A-Ternitz, Stadthalle 


Fruchthalle 


Westpark 


TOM TIME BAND 

www.tomtimeband.de 

26.09. Bremerhaven, 

Gemeindezentrum 

Grünhöfe 

18.10. Bad Lippspringe, 

Kongresshaus 

TYGERS OF PAN TANG 


06.11. Berlin, K17 

08.11. Essen, Turock 


13.11. Olching, Festival 

14.11. CH-Uster, Starclub 

RICK VITO 


19.09. Ravensburg, 

Zehntscheuer 


21.09. A-Velden, Bluesiana 

23.09. Kirchheim, 

Club Bastion 

24.09. Karlsruhe, JuBeZ 

25.09. Bensheim, 

Musiktheater Rex 


27.09. Wredenhagen, 

Café Scheune 


Gastwerk 

MIDGE URE 


13.11. Hannover, Pavillion 


Meier-Music-Hall 

16.11. Darmstadt, 

Centralstation 

17.11. Detmold, Stadthalle 


19.11. Krefeld, KuFa 

21.11 Essen, Zeche Carl 

22.11. Ludwigsburg, Scala 

23.11. Karlsruhe, JuBeZ 

VARGAS BLUES BAND 

www.crushconcerts.com 

05.12. Leverkusen, 

Jaz Leverkusen 


Bluesgarage 

JOHN WATT'S FISCHER Z 


19.11. München, Freiheiz 

23.11. Berlin, Passionskirche 

25.11. Köln, Kulturkirche 

RAY WILSON 

www.raywilson.net 

27.09. Hagen, Werkhof 

02.10. Stolpen, Burg 

03.10. Jütebog, Altes Lager 

10.10. Ahrensburg, Marstall 

am Schloss 

11.10. Kiel, Die Pumpe 

12.10. Zarpen, 

Evangelische Kirche 

16.10. Freiburg, Wodanhalle 

18.10. Geislautern, 

Schlossparkhalle 

23.10. Remscheid, 

Klosterkirche 

24.10. Birkenfeld, Stadthalle 

25.10. Schönenberg, 

Schleppi's 

30.10. Zella Mehlis, 

Hotel Waldmühle 

31.10. Nürnberg, Gostner 

Hoftheater 

01.11. Ballenstedt, 

Schlosstheater 

07.11. Berlin, Freiheit 15 

08.11. Halle, Ulrichskirche 

13.11. Metzingen, Stadthalle 

14.11. Erfurt, Alte Oper 

20.11. Bünde, Universum 

22.11. Flensburg, 

Audi Zentrum 


Bluesgarage 

29.11. Siegburg, Kubana 

06.12. Hamburg, Grünspan 


Music Hall 

13.12. Emden, Nordseehalle 

19.12. Uhingen, Uditorium 

ALEXANDER WOLFRUM 

www.alexanderwolfrum.de 

20.09. Schweinfurt, Hof des 

Kindergartens 

Maria Hilf 

26.09. Bad Endorf, Hubbi 

11.10. Bayreuth, 

Im Lindenhof 

WONDERWALL MUSIC ELECTRONIC SOUND 

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OUT NOW! 

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GoodTimes 5/2014 ■ Music »uDiscover from Music« the 60s to www.georgeharrison.com 

the 80s ■ Seite 93 

Apple

HAUPTSACHE BUNT! 

Auf dem Cover des Albums THE 

TIDE IS TURNING steht groß der 

Name Tom Time – und zu sehen 

ist ein Portrait des Mannes. Der heißt 

eigentlich Thomas Krüger, kommt aus 

Bielefeld und besteht darauf: „Wird eine 

Geschichte über Tom Time geschrieben, 

muss unbedingt das Wort Band' ergänzt 

' 

werden." Simpler Grund: Hinter dem 

Projekt Tom Time steckt nicht nur Krüger, 

sondern ein halbes Dutzend Mitstreiter 

aus Nordrhein-Westfalen, die Krügers 

musikalische Ideen passend umsetzen. 

„Die Gruppe habe ich 

über verschiedene Umwege 

rekrutiert”, erzählt 

der 50-Jährige, „durch 

einen befreundeten Musiker 

habe ich wiederum einen 

anderen talentierten 

Musiker kennen gelernt, 

und so setzt sich die Formation 

zusammen. Wir sind zwischen Anfang 20 und 

Anfang 50. Dieser Umstand macht unseren Sound vital. 

In erster Linie geht es darum, dass der Spaß an 

unseren Songs, den wir beim Aufnehmen hatten, vermittelt 

wird. Hauptsache bunt!” 

Thomas Krügers Leidenschaft ist „anglo-amerikanischer 

Mainstream, ich liebe Songs von Bryan Adams, 

Smokie, Billy Joel und Albert 

Hammond. Mir gefallen eingängige, 

einfache Lieder, davon 

sind auch meine eigenen 

Stücke geprägt. Wenn gesagt 

wird, dass meine Kompositionen 

populistisch klingen, bin 

ich glücklich und fasse das als 

Kompliment auf. Sollten eines 

Tages meine Sachen im Radio 

rauf- und runtergespielt werden, 

wäre ich der zufriedenste 

Mensch der Welt.” 

THE TIDE IS TURNING ist gespickt mit eingängigem 

Material, es erinnert beim Hören an Ikonen wie Jackson 

Browne oder Eric Clapton, auch mal an ZZ Top 

oder den Countrystar Garth Brooks. „Zwar schätze 

ich deutschsprachige Lieder, etwa von Bap, Marius 

Müller-Westernhagen oder Ulla Meinecke”, erklärt 

Krüger, „doch erstaunlicherweise fällt es mir leichter, 

englische Texte zu schreiben. Damit kann ich mich 

besser ausdrücken als in der eigenen Sprache.” 

Tom Time bezeichnet sich als „Spät-Berufenen”: 

THE TIDE IS TURNING ist sein gerade mal zweites 

Album: „Zwar hatte ich schon mit Anfang 20 eine 

Band, mit der ich eigene Songs schrieb, doch mit 

der Karriere geklappt hat das damals 

nicht. Irgendwann habe ich 

bei einer Oldie-Cover-Band mitgemischt, 

während ich hauptberuflich 

Autor für Tageszeitungen 

war.” Eines Tages erwischte Krüger 

dann ein Burnout, „und da wusste 

ich, dass es Zeit war, mich rundum 

meiner eigentlichen Leidenschaft 

zu widmen – der Musik. Aktuell 

leite ich ein kleines Konzert büro, 

ansonsten lebe ich von meiner 

Obsession für den eigenen Sound. 

Ich glaube, glücklicher als ich kann 

kein Mensch sein.” 


Christopher Cross 

Erwachsenen-Pop mit Tiefgang 

Foto: © Sandrine Lee 

Hatte Christopher Cross ("Ride Like The 

Wind", "Sailing") vor seinem letzten Album 

DOCTOR FAITH zwölf Jahre lang nichts 

Neues veröffentlicht, dauerte es bis zu SE- 

CRET LADDER gerade mal zweieinhalb 

Jahre – und der US-Sänger und Songschreiber 

will schon bald nachlegen, wie 

er GoodTimes-Mitarbeiter Philipp Roser 

erzählte. 

Auf deiner Homepage schreibst du, dass 

du dich nicht dafür entschuldigen willst, 

Erwachsenen-Themen" nicht zu ignorieren 

– ist das 

" 

nötig? 

Wer sich mit organisierter 

Religion und 

TV-Predigern oder mit 

politischen Themen 

auseinandersetzt, wird 

immer irgendjemanden 

vor den Kopf stoßen. 

Außerdem meinen 

viele Leute, ich sei ein 

romantischer Musiker; 

dann reiben sie sich 

die Ohren, wenn sie 

die neuen, teils ziemlich rockigen 

Songs hören. Darum wollte ich 

eine Vorwarnung loswerden. 

Ist SECRET LADDER Erwachsenen-Pop 

mit Tiefgang? 

Das habe ich jedenfalls angestrebt. Rob Meuer, mit 

dem ich wieder die meisten Songs komponiert habe, 

und ich haben einen gewissen Blick auf die Welt 

und unsere Vorstellungen, wie es eigentlich aussehen 

sollte. Und das ist eben nicht so, wie es gerade hier 

in den USA der Fall ist. Wir würden unseren Kindern 

gern eine Welt voller Würde und Menschlichkeit hinterlassen! 

Daher steckt durchaus einiger Frust in den 

Texten, auch wenn wir einige hoffnungsvolle Songs 

abgeliefert haben. 

SECRET LADDER kommt recht schnell 

nach DOCTOR 

FAITH ... 

Ich schreibe ständig 

Songs, das war nicht das 

Problem. Ich habe schon 

wieder fünf, sechs Nummern 

für das nächste 

Album. Aber ich bin inzwischen 

63 und will die 

mir noch zur Verfügung 

stehende Zeit möglichst 

effektiv nutzen. Schließlich 

wird man sich mit zunehmendem Alter der eigennen 

Sterblichkeit bewusst. Außerdem bin ich nach 35 

Jahren nach Austin zurückgezogen, was mich ebenfalls 

inspiriert. 

Du wolltest mit DOCTOR FAITH auch live 

nach Deutschland kommen ... 

Das hat leider nicht geklappt. Mit dem Dollarkurs und 

den in Europa anfallenden Kosten ist es nahezu unmöglich. 

Nach all den Veränderungen in der Musikindustrie 

und den rapide gesunkenen Verkaufszahlen 

zahlen Plattenfirmen keine Unterstützung mehr für 

Tourneen. Und SECRET LADDER ist rein akustisch 

kaum umsetzbar, so dass diese kostengünstigere Option 

auch nicht in Frage kommt. Wir müssen Fantasie 

an den Tag legen, vielleicht ergibt sich dann eine 

Möglichkeit. 



DIE ANDEREN … 

Bester Sänger? Lou Gramm 

Beste Sängerin? Karen Carpenter 

Beste Band? The Who 

Beste(r) Songschreiber(in)? Pete Townshend 

Unterschätzteste(r) Band/Solist? Train 

Überschätzteste(r) Band/Solist? Van Morrison, 

Britney Spears 

Beste Single? "Everything I Do" (Bryan Adams) 

Bestes Album? WHO’S NEXT? (The Who) 

Bester Song? "Papa Was A Rolling Stone" 

(Temptations) 

Deine Allstar-Band? John Lennon, Paul McCartney, 

George Harrison und Ringo Starr. Sollten die nicht 

verfügbar sein, dann Simon Phillips, Nathan East, Mark 

Knopfler, Bruce Hornsby. 

... UND ICH 

Welche Cover-Version möchtest du mal aufnehmen? 

"Be My Baby" (Ronettes) 

Welchen Song hättest du gern selbst geschrieben? 

"Yesterday" (Beatles) 

Wer sollte einen Song über dich schreiben? 

Paul McCartney 

Wie sollte der Song heißen? "Sounds Good To Me 

(Make It Better)" 

Was war das Highlight deiner Karriere? Zwei 

aufeinanderfolgende Nr.-1-Erfolge als Produzent im 

UK mit Pilot und Cockney Rebel. Außerdem: Platz 1 in 

Deutschland in den Album- und Singlecharts mit EVE 

und "Lucifer". 

Dein Lebensmotto? Versuche nicht, etwas zu 

machen – mach' es einfach! 

EINIGE W0RTE ZU ... 

Live-Auftritte: Brot und Butter 

Studio-Arbeit: Mit Sicherheit nicht Brot und Butter. 

DARK SIDE OF THE MOON: Meine ganze Karriere 

basiert auf diesem Album. 

Beatles: Ich hätte sie liebend gern produziert oder als 

Toningenieur für sie gearbeitet, habe ich aber nicht. Ich 

absolvierte damals meine Ausbildung zum Toningenieur. 

Ich habe es aber genossen, als Toningenieur für Paul 

McCartney zu arbeiten. 

Eric Woolfson: Hatte großen Einfluss auf mein Leben, 

war ein guter Freund und die andere Hälfte des Alan 

Parsons Project, das es ohne ihn nie gegeben hätte. 

Abbey Road Studios: Ein magischer Ort – kann 

jeder bestätigen, der je dort war. 

Arco Studios / Union Studios: München war 

Ende der 80er, Anfang der 90er Jahre ein Mekka des 

Musikbusiness, und es war toll, ein Teil davon zu sein. 

KREUZVERHÖR 


Alan Parsons 

Überschätzt: 

Van & 

Britney ... 

Seit der einstige Studiospezialist Alan Parsons 

den Reiz von Live-Auftritten für sich entdeckt 

hat, ist der 65-Jährige dauernd unterwegs. Gerade 

stand er wieder in Deutschland auf den 

Bühnen und wird 2015 aus seiner Wahlheimat 

Kalifornien zu weiteren Shows anreisen. 

Kommerzieller Erfolg: Natürlich bin ich dankbar 

dafür – er hat 40 Jahre lang meine Rechnungen bezahlt. 

Singen: Genieße ich, bin aber nicht besonders gut darin. 

ProgCollective: Gute Zusammenarbeit mit Billy 

Sherwood und Chris Squire. 

Theaterarbeit: Ich war nur in ein Musical involviert, 

Freudiana". Es lief gut, war aber für mich künstlerisch 

" 

ein Desaster. Ich liebe es aber, Konzerte in intimen 

Theatern zu geben. 

Deutschland: Ich liebe München und Berlin. 

Bayerisches Frühstück (Weißbier/Wurst) ist eine meiner 

Leidenschaften. 

Blues: Ich habe zwar als Leadgitarrist in einer Bluesband 

angefangen, höre auch immer noch gern Blues, 

tauge heute aber nicht mehr zum Bluesmusiker. 

Familie: Alles! 

Avocados: Es ist nicht lukrativ, sie anzubauen, und 

angesichts der aktuellen Dürre in Kalifornien problematisch. 

Sie zu essen, ist aber himmlisch. 

Rock'n'Roll Hall Of Fame: Ein prachtvolles Gebäude, 

war aber bei der Eröffnung ein totales Desaster 

– nur eine Sammlung billiger musikalischer Puppenshows. 

Heute ist es großartig und verfügt über eine 

unglaubliche Kollektion von Artefakten. Ich bin gerade 

dabei, ihnen die Lautsprecher zu stiften, die bei den 

Aufnahmen für DARK SIDE OF THE MOON im Einsatz 

waren. 

The Art & Science Of Sound Recording: Ich 

habe drei Jahre lang daran gesessen und doppelt so 

viel reingesteckt, wie wir an Sponsoreneinnahmen hatten. 

Ich denke aber, die Lehrvideos erfüllen ihren Zweck 

bestens, und ich bin stolz darauf, dass so viele Colleges 

und Schulen sie im Unterricht einsetzen. 

PLEASE, ANSWER 

THE S0NG … 

Why Do Fools Fall In Love? 

(FRANKIE LYMON, 1963) 

Weil sie nicht alt genug sind, um es besser zu wissen. 

Where Have All The Good Times Gone? 

(KINKS, 1965) 

In die Zukunft! 

What Are You Doing Sunday? (DAWN, 1971) 

Nichts – dafür sind Sonntage doch da. 

Who's Gonna Rock You? (THE NOLANS, 1980) 

Warum sollte jemand eine Frage beantworten wollen, 

die die Nolans gestellt haben? 

Why Believe In You? (TEXAS, 1991) 

Warum an irgendjemanden glauben – zumindest im 

Musikbusiness? 

Do. 16.10.14 | Liederhalle Stuttgart 

ACOUSTIQUE Tour 2014 

I Want To Know What Love Is, Urgent, 

Cold As Ice, Juke Box Hero, Say You Will 

and many more ... Unplugged! 

Mi. 29.10.14 | FILharmonie Filderstadt 

+ GUEST: DAMNATIONS DAY 

Sa. 8.11.14 | Schleyer-Halle Stuttgart 

Mi. 19.11.14 | Liederhalle Stuttgart 

Homo Erraticus 

and The Best of Tull 

So. 23.11.14 | LKA Longhorn Stuttgart 

Warriors Of The Road World Tour 

+ guest: 

Sa. 29.11.14 | LKA Longhorn Stuttgart 

So. 30.11.14 | Schleyer-Halle Stuttgart 

Greatest Hits Live 2014 

Fr. 23.1.15 | Liederhalle Stuttgart 

ONE NIGHT IN VEGAS 

feat. RIO – The Voice Of Elvis, 

The Tennessee Orchestra & The Vegas Choir 

Vorverkauf an der Konzertkasse im Saturn Stuttgart, Königsbau- 

Passagen sowie an allen bekannten Vorverkaufsstellen und bei: 

Music Circus Concertbüro GmbH Kartentelefon 0711 2211 05

Leserbriefe 

Gerne... können Sie uns schreiben, ein Fax schicken oder eine E-Mail senden: 

NikMa Verlag · Eberdinger Straße 37 · 71665 Vaihingen/Enz · Fax: 0 70 42/102 862 · E-Mail: goodtimes@nikma.de 

GoodTimes 4/2014 – Byrds 

Hallo! 

hier noch eine kleine Ergänzung zur tollen Byrds Story: 

Bei der Gene-Parsons-Auflistung habe ich die CD von Gene Parsons & Meridian 

Green LIVE FROM CASPAR (1999) vermisst. Erschienen bei Stringbender 

Records, Caspar. 

Die Byrds Story war fachlich hervorragend. Weiter so! 

Hans Dieter Fickeisen 

Hallo GoodTimes, sehr geehrter Herr Günther, 

okay, ich lese die GoodTimes seit Mitte der 90er Jahre sicher nicht ohne 

Grund und bin mit der Artikelauswahl im Allgemeinen und im Speziellen 

zufrieden, genieße die bekannten Rubriken und die CD-Reviews, bin auf 

vieles aufmerksam gemacht und gut informiert worden. Sicherlich bin ich – 

wie wohl die meisten Leser – in der Materie nicht völlig unbedarft, dennoch 

gibt es natürlich öfter mal wieder etwas Neues zu erforschen, Vergessenes 

wiederzuentdecken oder seinerzeit Unterschätztes neu zu bewerten. Das 

Studium der GoodTimes stellt dazu für mich eine wesentliche Quelle dar. 

Nun möchte ich aber gerne etwas berichten, was deutlich über das " 

normale" 

Zufriedenheitsgefühl hinausgeht. Die Story der Byrds habt ihr so toll und 

informativ aufgebaut, dass sich für mich in der Tat eine neue Welt aufgetan 

hat. Natürlich habe ich einige Alben von den Byrds in meiner seit über 40 

Jahre gewachsenen Sammlung, hier ist für mich jedoch ein echter Mehrwert 

entstanden. So hatte ich das Bandmitglied Gene Clark als Musiker mit 

seinem eigenen musikalischen Output nach dem relativ frühen Abschied 

von den Byrds völlig ausgeblendet und jetzt erst richtig schätzen gelernt. 

Dem nächsten Abgang, David Crosby, habe ich mit seinen Anfängen mit 

CSN(&Y) und seinen Solo-Aktivitäten eine zweite Chance gegeben. Auch 

beim nächsten Weggang, Michael Clarke, bin ich eurer Einschätzung gefolgt 

und habe hier den individuellen musikalischen Werdegang zunächst 

nicht weiter vertieft. Auch wenn Jim/Roger McGuinn immer als der Ober- 

Byrd gilt, ist für mich Chris Hillman nun zum heimlichen Ober-Byrd geworden. 

Mit seinen allmählich ansteigenden kompositorischen Beiträgen und 

der Lenkung der musikalischen Ausrichtung bis hin zu dem Album SWEET- 

HEART OF THE RODEO führte er nach seinem Abschied von den Byrds zusammen 

mit Kurzzeit-Byrd Gram Parsons und den Flying Burrito Brothers 

die Geschichte der Byrds im Prinzip weiter (zumal hier dann auch Michael 

Clarke wieder zustieß), die er anschließend noch in der Gruppe Manassas 

von und mit Stephen Stills (das S aus CSN&Y) weiterführte. Die Byrds selber 

lebten dann mit dem letzten Ur-Byrd Roger McGuinn und mit neuer 

Besetzung weiter, was neben den folgenden Byrds-Alben durch die neuen 

prägenden Bandmitglieder Gene Parsons die Tür Richtung Country und 

Clarence White in Richtung Bluegrass zumindest ein Stück weiter öffnete. 

Alles, was ich hier schreibe, habe ich aus der perfekt recherchierten und 

informativen Zusammenstellung der auf drei GoodTimes-Hefte aufgeteilten 

Story (und in Ergänzung den CD-Booklets) entnommen, und es hat mich 

die letzten Monate in der Tat mit sehr viel Freude und guter Musik ausgefüllt. 

In der Hoffnung, auch zukünftig spannende Recherche-Arbeiten à la Byrds 

aus der GoodTimes-Redaktion lesen zu können, und einem herzlichen 

Gruß aus München, Manfred Heimbürger 

GoodTimes 4/2014 – The U.K. Instro-Boom 

Lieber Bernd Matheja, 

als langjähriger Leser und Abonnent von GoodTimes habe ich mich außerordentlich 

über den Bericht " 

The U.K. Instro-Boom" gefreut. Ich bin nun 

mal Instro-Fan, im Besonderen von The Ventures. Da freut es immer wieder, 

wenn mal was über diese Musikrichtung geschrieben wird. Für mich war 

natürlich nicht viel Neues dabei – bin schließlich schon lange dabei. Aber 

trotzdem, vielen Dank und toller Artikel. Mit dem ganz leisen Wunsch: Weiter 

so, denn es gibt auch in anderen Ländern wie Schweden, Dänemark, Frankreich, 

USA usw. noch mehr Instro-Bands, über die berichtet werden könnte. 

Peter Hamann 

GoodTimes 4/2014 – T.Rex 

Moin Moin, liebe GoodTimes-Macher, 

hocherfreut sehe ich auf der gerade vom Postboten überreichten aktuellen 

GoodTimes Nr. 4/2014 als Titelbild Marc Bolan/Mickey Finn aka T.Rex. Seit 

der ersten Ausgabe bin ich Leser dieser wirklich sehr guten Musikzeitschrift 

und möchte die Aussage anderer Leserbriefe bestätigen: GoodTimes wird 

sofort ganz durchgelesen, alles andere muss erst einmal warten. Mein 

Musikgeschmack ist recht breit gefächert, nicht nur auf eine Richtung/Interpret 

ausgerichtet. Deshalb finde ich in jeder Ausgabe der GoodTimes für 

mich Passendes. Seit 1970 bin ich das, was man wohl als einen Fan von 

Marc Bolan bezeichnet, und habe verschiedentlich auch über Marc Bolan 

geschrieben (vielen Dank noch einmal für die positive Besprechung in der 

GoodTimes 6/2008). Deshalb meine große Freude über das o.g. Titelbild. 

Die Freude wurde noch mit dem sehr gut geschriebenen Bericht untermauert. 

Ein ganz dickes Lob und Danke an Jens-Uwe Berndt. Aber auch sonst 

bin ich mit der GoodTimes rundum sehr zufrieden. Vielleicht wären im Rahmen 

der CD-Besprechungen noch deutlichere Hinweise auf SACDs mit 5.1 

Sound hilfreich (demnächst erscheint eine von Roger Waters). 

Ansonsten, bitte weiter so. 

Ingo Bollmann (Autor von " 

Marc Bolan – Get It On – Eine Zeitreise") 

Hallo Fabian Leibfried, 

immer wieder Kompliment für die GoodTimes. Hervorheben möchte ich den 

Verfasser der Smokie-Story, er kennt wohl jedes Album. Besonders gefreut 

haben mich das Titelbild und die Story über T.Rex. Dazu Folgendes: Mit 

Gitarrensolos hatte er es live schon. Es gibt Studio-Aufnahmen von Bolan 

mit Elton John und Ringo Starr. Allerdings wurden diese nie veröffentlicht. 

Der Hit "Tainted Love" von Soft Cell stammte im Original von seiner Lebensgefährtin 

Gloria Jones. Bei dem Titelsong seines letzten Albums sang Steve 

Harley mit. Es gab auch Zusammenarbeiten mit Alice Cooper, Ringo Starr, 

ELO und Ike & Tina Turner. Danke für die Story. 

Viele Grüße, Ralph Bossong 

Hallo lieber Jens-Uwe Berndt und alle GoodTimes-Macher, 

seit 1991 warte ich auf diesen Moment: T.Rex auf dem Cover von Good- 

Times. Und nicht etwa als kleines Bildchen im Eck, nein, als Titel!!! Megaultrasuperhyperstark!!!! 

Als ich das am Kiosk entdeckte, musste ich mir die 

Augen reiben und mich in den Arm kneifen. Aber es war kein Traum. Zum 

Glück nicht. Fast hätte ich dem Verkäufer den Rest meines Zehners noch 

als Trinkgeld überlassen. Ich wollte so schnell wie möglich nach Hause, 

mich einschließen und das Heft genießen. 

Ein selten guter Text mit schönen Bildern und Covern. Endlich wird ZINC 

ALLOY richtig gewürdigt. Als 14-jähriger T.Rex-Fan, der mit "Hot Love" bis 

"The Groover" aufgewachsen ist, war das Album schon eine Herausforderung. 

Damals traute man sich ja fast nicht mehr, T.Rex-Fan zu sein. Aber 

trotz aller Anfeindungen: Ich liebte das Album. Mit den Jahren immer mehr. 

Noch heute hole ich es ab und zu mal aus dem Plattenschrank, nur um es 

anzusehen. Die 50 Farbbilder im aufgeklappten Innencover waren und sind 

schon was Tolles. "Venus Loon" als Opener war und ist einfach genial. Ich 

verstand damals nicht, dass das nicht mehr ankam und nicht mehr im Radio 

gespielt wurde. Statt "Light Of Love", hätte das die A-Seite sein sollen! 

Dann wäre Marc eventuell wieder in die Top-Ten gekommen, spekulierte ich 

damals, und wer weiß ...? Dass es "I Love To Boogie" nicht geschafft hat, 

konnte ich dann 1976 absolut nicht mehr verstehen. Auch in England nur 

Platz 13. Das war/ist doch ein Super-Kracher. Das war nicht gerecht. 

In meiner damaligen 5000-Seelen-Heimatgemeinde gab es zu der Zeit außer 

mir gefühlt noch zwei andere T.Rex-Anhänger, wobei sich einer bereits 

langsam anderen zuwandte. Man war ein Exot, ein Sonderling. Noch ca. ein 

Jahr zuvor war T.Rex der Mega-Hype und dann? Was war nur los? Sogar 

die " 

Bravo" hat Bolan fallengelassen. Unvorstellbar! Warum hatten Sweet mit 

dem grässlichen "Turn It Down" bei uns Erfolg, und das wesentlich bessere 

"New York City" kannte keiner? Auf all diese Fragen gab es keine Antwort. 

Deshalb ist es ganz besonders erfreulich, heute, 40 Jahre später, eine solch 

megageile Würdigung in DER Musikzeitschrift meines Vertrauens zu erhalten. 

Vielen, vielen Dank! Ihr seid die Größten, Besten, Schönsten und alles, 

was geht! 

Rock On, Udo Knoll 

Liebe GoodTimes-Macher, 

ich lese euer Magazin schon seit vielen, vielen Jahren und finde es wirklich 

klasse. Jetzt habt ihr im positiven Sinne aber den sprichwörtlichen Vogel 

abgeschossen. Euer Bericht über meine absolute Lieblingsband T.Rex hat 

mir die Freudentränen in die Augen getrieben. Zum ersten Mal ist es einem 

Magazin gelungen, Marc Bolan nach seinen mega-erfolgreichen Tagen 

nicht zu demontieren, sondern sachlich, fachlich sein Talent und Charisma 


der geneigten Leserschaft zu vermitteln. Ich bin 

restlos begeistert über diesen wirklich stimmigen 

und sehr gut recherchierten Bericht. Ich kann 

Jens-Uwe Berndt nur ein riesiges Dankeschön 

sagen und bin überzeugt davon, dass ich im 

Namen der noch zahlreichen Marc-Bolan-Fans 

spreche. 

Bitte weiter so und keep a little Marc in your 

hearts ... rock on ... 

Liebe Grüße aus Dortmund sendet 

Wolfgang Potthoff 

Hallo liebes GoodTimes-Team, 

tausend Dank für den wirklich gelungenen Bericht 

über T.Rex. Als T.Rex-Fan erwartet man 

ja eigentlich nicht viel, umso mehr war ich erfreut 

über den objektiv gut recherchierten und 

sachlich geschriebenen Bericht von Jens-Uwe 

Berndt, wirklich klasse! 

Mit dem Bericht ist es dem Autor gelungen, Marc 

Bolan mal nicht, wie sonst üblich, als Glam- 

Rock-Heini herabzusetzen, sondern als einen 

kreativen, ideenreichen Musiker und Songschreiber, 

der nachhaltig Musikgenerationen inspiriert 

und beeinflusst hat, zu würdigen. 

Bolans Leistung in der Rock- und Popgeschichte 

wird nicht genug honoriert. Fakt ist aber, wie Jens- 

Uwe Berndt korrekt erwähnt hat, ohne ihn wäre 

die Geschichte der Rockmusik unvollständig. Da 

stimme ich im Namen aller T.Rex-Fans zu. 

Abschließend möchte ich noch erwähnen, das 

GoodTimes für mich eines der besten Musikmagazine 

ist, gut gestaltet und informativ, ich freue 

mich immer auf die nächste Ausgabe, weiter so! 

Herzlich Grüße an das gesamte Team, 

Karin Markgraf 

Sehr geehrte Redaktion, sehr geehrter Herr Leibfried, 

als langjähriger Leser Ihres Magazins möchte 

ich mich recht herzlich bei Ihnen für das 

jüngste Titelfoto mit Marc Bolan und Mickey 

Finn sowie die rundum gelungene vierseitige 

T.Rex-Story von Jens-Uwe Berndt bedanken. 

Da ging einem das Herz auf. Ich bin seit 1971 

Fan von Marc Bolan & T.Rex und werde diesem 

großartigen Künstler und dessen Musik 

stets treu bleiben. 

Ich stand schon am Grab von Marc Bolan in 

London und freue mich immer, wenn Sie über 

mein musikalisches Idol berichten. Würde Marc 

Bolan heute noch leben, er wäre in einer Reihe 

mit David Bowie oder Elton John als Weltstar 

zu nennen. Auch wenn Marc Bolan 1977 tödlich 

verunglückt ist, seine Musik ist unsterblich und 

wird fortleben. Er hat zahllose Bands und Musiker 

geprägt. 

Wenn Sie durch regelmäßige Veröffentlichungen 

mithelfen, den Mythos Bolan weiter am Leben 

zu halten, handeln Sie im Sinne der immer noch 

zahlreichen Rex-Fans. Danke dafür! 

Karl-Heinz Gleitz, Holle/Sottrum 

GoodTimes 4/2014 – Gregg Allman 

Hallo liebes GoodTimes-Team, 

ich habe euern Artikel über Gregg Allmans " 

All 

My Friends"-Konzert gelesen und mich sehr darüber 

gefreut. Ich habe dieses bereits auf Blu-ray 

gesehen und bin total begeistert, es hat mich 

emotional stark berührt. Für mich ist die Allman 

Brothers Band die beste Southern-Rock und 

Bluesband aller Zeiten. 

Ich würde mich freuen, wenn ihr mal einen Bericht 

über die Allman Brothers Band, ihre Geschichte 

und Entwicklung bringen würdet, zumal 

es die Band bald nicht mehr geben wird. 

Liebe Grüße und macht weiter so, 

Dirk Burmeister 

GoodTimes 5/2014 – Manfred Sexauer 

Liebe GoodTimes-Redaktion, 

mit Bedauern und Trauer habe ich soeben die 

Nachricht vom Tode Manfred Sexauers gelesen. 

Für eine ganze Generation Musikbesessener 

war Manfred einer der ganz, ganz Großen in der 

Rundfunk- und Fernsehbranche. Warum ich das 

gerade Euch mitteile? Am 25.10.2008 war ich als 

begeisterter GoodTimes-Leser auf der Veranstaltung 

" 

Beat Beat Beat – The Beat Goes On" in der 

Offenbacher Stadthalle (und natürlich auch auf 

den späteren Veranstaltungen). 

Manfred Sexauer moderierte die Sendung u.a. 

mit The Tremeloes, The Sweet und The Merseybeats 

absolut cool und kompetent. Auf dem 

Heimweg kam dann die Idee, alle " 

Hallo Twen"- 

Charts in chronologischer Reihenfolge online 

zu bringen. Mein Mitfahrer Paul Breitbach hatte 

nämlich (fast) alle " 

Hallo Twen"-Charts ab 1966 

mitgeschrieben. 

Auch Manfred kannte meine Webseite, denn vor 

knapp einem halben Jahr erhielt ich eine nette 

E-Mail von ihm. Ihr findet meine " 

Hallo Twen"- 

Chronologie hier: http://chartsfreak.de/56.html 

Chartsfreak Horst 

GoodTimes 5/2014 – Spencer Davis 

Sehr geehrter Herr Leibfried, 

ich möchte Ihnen an dieser Stelle herzlich danken, 

dass Sie meinen Leserbrief in GoodTimes 

Nr. 3/2014 und jetzt sogar einen ganzseitigen Bericht 

zum 75. Geburtstag von Spencer Davis (am 

17. Juli) in der aktuellen Ausgabe Nr. 4/2014 abgedruckt 

haben. Das ist schon eine große Wertschätzung 

seiner Musikerlaufbahn. 

Ich hoffe, Spencer liest diese Reportage, zumal 

er als ehemaliger Deutschlehrer-Student in Berlin 

unserer Sprache mächtig ist. An seinem Geburtstag 

habe ich Spencer auch per Mail über sein 

Management gratuliert und auf Ihre/unsere tolle 

GoodTimes " 

made in Germany" hingewiesen. 

Ihrer Redaktion und allen Helfern darf man auch 

weiterhin gratulieren zu Ihrer Zeitschrift. Ich 

hoffe, Ihre professionelle Arbeit wird durch einen 

guten Absatz in einem starken Wettbewerb 

belohnt. 

Herzliche Grüße aus Straubing, 

Ihr Bernhard Laugwitz mit GoodTimes-Abo 

GoodTimes 4/2014 – J.J. Cale 

Hallo GoodTimes-Team, 

für die Vorstellung des neuen Eric-Clapton-Albums 

bedanke ich mich sehr. Nicht wegen Eric 

Clapton, obwohl ich seit Mitte der 60er Jahre ein 

großer Fan von ihm bin, sondern wegen J.J. Cale. 

Aufmerksam geworden bin ich auf Cale natürlich 

durch "After Midnight" von Clapton, wusste 

aber damals nicht, dass der Song von Cale ist. 

Durch die Titelmelodie des SWF3 " 

Pop-Shop", 

dies war "Okie" von J.J. Cale, wurde ich erstmals 

auf ihn direkt aufmerksam. Von da an habe ich 

keine Platte von ihm versäumt und bin ein großer 

Fan geworden. Besonders bedanke ich mich für 

den letzten Satz der CD-Vorstellung: " 

Das Resultat 

ist ein angemessener Nachruf auf einen der 

ganz Großen, der zu Lebzeiten nicht die ihm zustehende, 

angemessene Würdigung erfuhr." Ja, 

das stimmt sicherlich im Wesentlichen. Aber in 

den letzten Jahren hat J.J. Cale durch die Zusammenarbeit 

mit Eric Clapton doch weiterreichende 

Aufmerksamkeit erfahren. Besonders 

sicherlich auch durch seinen großartigen Auftritt 

beim Crossroads-Festival 2013. 

Aber, insgesamt hätte J.J. Cale sicherlich mehr 

Aufmerksamkeit als Musiker verdient gehabt. 

Das Lustigste an der Sache ist sicherlich, dass 

ihn selber das am wenigsten interessiert hat. 

Günter Thiel 

14.10.14 Bonn, Beethovenhalle 

16.10.14 Stuttgart, Liederhalle Beethovensaal 

17.10.14 München, Circus Krone 

22.10.14 Baden Baden, Festspielhaus 

24.10.14 Mannheim, Rosengarten 

25.10.14 Tuttlingen, Stadthalle 

26.10.14 Freiburg, Konzerthaus 

28.10.14 Frankfurt, Alte Oper 

29.10.14 Osnabrück, Osnabrückhalle 

30.10.14 Bremen, Die Glocke 

02.11.14 Nürnberg, Meistersingerhalle* 

03.11.14 Hamburg, CCH 2 

04.11.14 Berlin, Admiralspalast 

07.11.14 Halle, Georg-Friedrich-Händel-Halle* 

09.11.14 Rostock, Stadthalle* 

*ACHTUNG, neue Termine! 

Alle 7 Alben der Atlantic-Ära als Papersleeve Editionen in einer Box – ab 10.10.14 im Handel! 

TOUR 2014 

21.11.2014 Rostock, Moya 29.11.2014 Mannheim, Alte Seilerei 

22.11.2014 Magdeburg, Altes Theater 01.12.2014 Stuttgart, LKA Longhorn 

23.11.2014 Köln, Kantine GmbH 03.12.2014 Mühldorf, Haberkasten 

24.11.2014 Nürnberg, Hirsch 04.12.2014 CH-Rubigen, Mühle Hunziken 

26.11.2014 Würzburg, Posthalle 05.12.2014 A-Rankweil, Altes Kino 

27.11.2014 CH-Zug, Chollerhalle 06.12.2014 Erfurt, Stadtgarten 

28.11.2014 CH-Biel, Christmas Festival 08.12.2014 Dresden, Schlachthof 

HOMO ERRATICUS – TOUR 2014 

JETHRO TULL’s 

IAN ANDERSON 

permforms the new Album 

HOMO ERRATICUS 

And the BEST OF JETHRO TULL 

‘Greatest Hits’ 

Tour 2014 

19.11.14 STUTTGART Liederhalle Hegelsaal 

20.11.14 AACHEN Eurogress 

22.11.14 KOBLENZ Conlog Arena 

24.11.14 BONN Beethovenhalle 

25.11.14 MAGDEBURG Stadthalle 

26.11.14 ROSTOCK Stadthalle 

27.11.14 HAMBURG CCH 2 

29.11.14 HALLE Georg-Friedrich-Händel-Halle 

30.11.14 WETZLAR Rittal Arena 

09.10.14 Hamburg – Fabrik 

10.10.14 Worpswede – Music Hall 

11.10.14 Krefeld – Kulturfabrik 

12.10.14 Wilhelmshaven – Pumpwerk 

17.10.14 Lauda – Stadthalle 

18.10.14 Münnerstadt – Mehrzweckhalle 

24.10.14 Ransbach-Baumbach – Stadthalle 

25.10.14 Halle-Westfalen – Gerry-Weber-Event-Hall 

21.11.14 Rheine – Stadthalle 

22.11.14 Oldenburg – Kulturetage 

16.12.14 Speyer – Halle 101 

17.12.14 Ulm – Theatro 

18.12.14 München – Muffathalle 

19.12.14 Crailsheim – Hangar 

20.12.14 Lüdenscheid – Schützenhalle 

Weitere Termine 

SAGA, Eric Burdon, Uriah Heep, Kansas, John Lee’s Barclay James Harvest, 

Leningrad Cowboys und anderen Künstlern 

finden Sie auf www.dmc-music.de 

AKTUELLE TOURNEEN: 

Termine & Tickets: www.dmc-music.de 

DMC Musikmarketing GmbH München


... zuguterletzt Impressum 

TOKYO SHAKATAK MR. BIG 

Alles auf Anfang wieder Gute-Laune- 

Garantie 

Achterbahnfahrt 

Tief in unserem Inneren schlagen Rocker-Herzen!” 

Lothar Krell legt vor, be- 

Nall die Jahrzehnte nicht, seit diese 

ein, daran hat sich nichts geändert, 

„ 

vor das Gespräch überhaupt begonnen hat. 

Der 58-jährige Keyboarder der deutschösterreichischen 

Formation Tokyo plaudert 

entspannt über das 

völlig überraschend 

Band existiert: Bei jedem alten oder neuen 

Shakatak-Album ist eine Gute-Laune- 

Garantie im Preis inbegriffen – und das 

auf hohem Niveau. 

ON THE CORNER, 

erschienene vierte 

die aktuelle Veröffentlichung 

Album ONE WORLD; 

des 

es schließt an die drei 

britischen Quartetts 

erfolgreichen Alben 

(live zum Sextett 

von 1981–1984 an. 

Krell hat nach dem Tokyo-Ende als Mu- 

aufgestockt), macht 

da keine Ausnahme. „Wir lieben unsere 

siker, Komponist und Produzent Künstler 

wie Hubert Kah, Markus und The Riverboys 

unterstützt, die mit dem klassischen 

Rockgedanken nichts am Hut haben. Kein 

Problem für den Hessen, er nimmt solche 

Anspielungen gelassen hin: „War doch 

handwerklich alles gut gemacht”, meint 

er, „und die Leute hinter den Liedern sind 

durch die Bank sympathische Zeitgenossen.” 

Aber das war einmal, Lothar Krells 

aktuelles Anliegen ist Tokyo, sonst nichts. 

Als der österreichische Komponist und Gitarrist 

Robby Musenbichler die Truppe damals 

aufgebaut hatte, wurden gleich vom 

TOKYO-Debüt hunderttausende Exemplare 

verkauft; dies lag garantiert auch am exzellenten 

Bassspiel von Ken Taylor sowie dem 

extravaganten Gesang von Klaus Luley. 

Taylor ist es letztlich zu verdanken, dass 

Tokyo nach drei Jahrzehnten Abstinenz 

von der Musikbranche wieder zusammengekommen 

sind – und das in Originalbesetzung, 

mit Ausnahme von Drummer 

Fritz Matzka, der 1993 verstorben ist. Krell 

weiter: „Ken und ich hatten vor 30 Jahren 

gesagt: Bleiben wir Freunde, aber lass uns 

' 

niemals eine Reunion machen. Das machen 

andere, doch so etwas ist peinlich.’ 

Dann haben wir uns vor nicht allzu langer 

Zeit allesamt doch wieder zusammengetan. 

Der Grund: Eine Plattenfirma hat 

unsere drei alten Scheiben neu aufgelegt. 

Die haben mir einen fetten Scheck zukommen 

lassen, weil nach nur sechs Monaten 

alle Exemplare verkauft waren. Wir waren 

angenehm geschockt. Und schon kamen 

auch Konzertveranstalter, die meinten: Ihr ' 

seid heiß, Freunde – spielt live!’ Da wir genau 

das sowieso immer sehr gern gemacht 

haben, dachten wir: Okay, warum nicht?! 

' 

Aber nicht ohne neue Songs!’ Also nahmen 

wir ONE WORLD auf. Und ab sofort steht 

wieder alles auf Anfang. Selbst bei alten 

Knaben wie uns.” 

mfg 


Kombination aus Jazz, Funk und Popmelodien”, 

lacht Gründungsmitglied und 

Keyboarder Bill Sharpe, „und weil wir so 

einen Sound spielen wollten, haben wir 

die Band 1980 gegründet. Immer wieder 

wurde uns vorgeworfen, wir würden 

Fahrstuhlmucke produzieren, doch das ist 

Unsinn. Dafür sind wir viel zu gute Musiker 

– wir verstehen etwas davon, die 

Menschen zum Lächeln und zum Tanzen 

zu animieren.” Gleich in den ersten Jahren 

ihres Bestehens hatten Shakatak mit 

eleganten Schmeichelgrooves beachtliche 

Erfolge, in Deutschland gelang der endgültige 

Durchbruch mit dem Evergreen 

"Down On The Street”. „Musik soll in unseren 

Ohren zunächst mal Freude bereiten 

und einen hohen Wiedererkennungswert 

besitzen”, ist der 61-jährige Sharpe überzeugt: 

„Und selbst wenn man sie im Fahrstuhl 

mitkriegt, aber sie dabei genießt, ist 

das schon ein großes Kompliment für den 

Komponisten. Das Hören von Melodien ist 

eine subjektive Angelegenheit, jeder hat 

einen anderen Geschmack. So habe ich das 

stets empfunden.” Die große, kommerziell 

erfolgreiche Shakatak-Zeit lag eindeutig 

in den 1980ern, doch die Band hat immer 

existiert, immer Konzerte absolviert, immer 

Platten aufgenommen. Sharp freut sich: 

„Wir sind seit einiger Zeit eine ganz große 

Nummer in Japan. Kein Wunder also, dass 

ON THE CORNER von einem japanischen 

Label verlegt worden ist.” Schon über 30 

Mal haben Shakatak Tourneen im „Land 

des Lächelns” gespielt. Doch im Herbst ist 

nach längerer Abstinenz auch mal wieder 

Deutschland dran. „Selbst wenn wir schon 

ältere Semester sein mögen”, gibt Sharpe 

zu, „ist Livespielen für uns das Größte. 

Weil es neugierig macht. Weil man positiv 

nervös bleibt. Weil man schlicht lebendig 

ist, wenn man sich der kreativen Herausforderung 

des Augenblicks stellt.” mfg 

Die nächste GoodTimes-Ausgabe erhalten Sie ab dem 21. November 2014. 


Mr.-Big-Sänger Eric Martin schwelgt 

seufzend in Erinnerungen: „Ach, all 

die Geschichten, die es noch zu erzählen 

gibt ...!" Der nach wie vor attraktive New 

Yorker wird am 10. Oktober seinen 54. Geburtstag 

feiern. Und 

wer ihm zuhört, weiß 

schnell, warum seine 

Band ihr aktuelles 

achtes Album …THE 

STORIES WE COULD 

TELL betitelt hat: 

„Meine Karriere der letzten 40 Jahre wirkt 

wie eine Achterbahnfahrt: erfolgreiche 

Highschool-Band, nach der Schule eine eigene 

Gruppe, die kurz vor dem Durchbruch 

stand – und schließlich eine gut laufende 

Solokarriere, ehe ich ab 1988 mit Mr. Big 

eine Zeit lang weit oben war ... Nein, unter 

mangelnder Spannung habe ich wirklich 

nie gelitten.” 

Das Melodic Rockquartett trennte sich 2002 

wegen stetig sinkender Erfolge. Bereits zwei 

Jahre zuvor hatte Gründungsmitglied Paul 

Gilbert seinen Platz an der Gitarre für Richie 

Kotzen frei gemacht, was den Niedergang 

nicht aufhielt. „Es hat in dieser Combo einfach 

nicht mehr so gefunkt wie beim Start, 

darum zogen wir die Konsequenzen”, erläutert 

Martin. Sieben Jahre nach dem Split 

fand Mr. Big in der Originalbesetzung wieder 

zusammen: Dieses Team hält bis heute. 

Und nicht nur die Gruppe kehrte zurück ins 

Rampenlicht, auch der Erfolg vergangener 

Tage kehrte weitgehend zurück. „2011 

brachten wir die Reunionscheibe WHAT IF 

raus, sie wurde extrem wohlwollend aufgenommen, 

wir waren wieder gut im Geschäft”, 

freut sich Martin. „Das lag auch 

daran, dass wir uns auf die alten musikalischen 

Tugenden besannen, also auf die 

Verbindung von druckvollem Heavy Rock 

mit Ohrwurmmelodien.” 

Von diesen Tugenden lebt auch der Nachfolger 

…THE STORIES WE COULD TELL. 

Schnörkellose Kracher paaren sich mit 

Radiokompatibilität. Der zweite Frühling 

könnte perfekt sein – wären da nicht ständig 

weitere Geschichten zu erzählen, die 

nicht alle von der Sonnenseite stammen. 

„Pat hat vor kurzem offenbart, dass er an 

Parkinson erkrankt ist”, sorgt sich Martin 

um den Schlagzeuger. „Doch er ist fest 

entschlossen, sein Schicksal zu meistern. 

Wir von Mr. Big sind alle immer wieder 

aufgestanden, wenn wir mal unten waren.” 

mfg 

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6/2014 = 30.10.2014 21.11.2014 

1/2015 = 29.12.2014 16.01.2015 

2/2015 = 20.02.2015 13.03.2015 

3/2015 = 24.04.2015 15.05.2015 

4/2015 = 26.06.2015 17.07.2015 

5/2015 = 28.08.2015 18.09.2015 

6/2015 = 30.10.2015 13.11.2015 

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Ab 26. September Im Handel und als Download 

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GoodTimes - Music from the 60s to the 80s Neue Serie: Plattenstart - Mein erstes Mal (Vorschau)

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