Orkus! Slipknot (Vorschau)

&
in Kalifornien erlebt
Nr. 11 · November 2014
+ Facts mit:
„... und fragte uns,
wie wir gerne sterben würden.“
ASP + Megaherz + Amaranthe + Nachtblut + Devilment
Emigrate + æon sable + Iris + Substance Of Shade + From Hell
Readership Hostile + Unzucht + Chrysalide + Spencer + [:SITD:]
Merciful Nuns + Klaus Schulze & Lisa Gerrard
Vlad In Tears + Machinery Of Joy + Thirty Seconds To Mars
Starkill + Voices Of Destiny + Echo Us + Linkin Park
Liv Kristine + Dr. Geek and the Freakshow
While Heaven Wept + Bhambhamhara + White Empress

Titelstorys
Slipknot 86
Megaherz 18
Orkus!-Geheimtipp des Monats
Iris 14
Orkus!-Newcomer des Monats
White Empress 16
Orkus!-Act des Monats
ASP 46
Interviews & Storys
æon sable 79
Amaranthe 26
BhamBhamHara 74
Devilment 72
Dr. Geek and the Freakshow 80
Echo Us 50
Emigrate 24
From Hell 78
Liv Kristine 36
Machinery of Joy 32
Merciful Nuns 30
Nachtblut 40
Readership Hostile 84
Klaus Schulze & Lisa Gerrard 82
Seraphim System 85
[:SITD:] 38
Spencer 81
Starkill 34
Substance of Shade 44
Unzucht 75
Voices of Destiny 22
While Heaven Wept 42
On Stage
Linkin Park, Thirty Seconds to Mars, AFI 76
Summer Breeze 2014 92
Specials
Facts
Diary of Dreams 17
Samsas Traum 35
VNV Nation 39
Deine Lakaien 43
Placebo 50
The Cure 85
Cinematic
5 Zimmer Küche Sarg 64
American Muscle 65
Crystal Lake Memories 66
Game
The Evil Within 67
Orkus! Compilation 103 68
In eigenen Worten
Vlad In Tears: Kris Vlad 70
Chrysalide: Arco Trauma 71
Service
short cut 8
Album des Monats & Top 5 52
Musiktipps 53
Buchtipps 62
Jahrestage 69
Nachbestellung 94
Abo 95
Tourdates 96
Impressum 98

Anja Bagus
Waldesruh
Ein Ætherwelt-Roman
304 Seiten, 13,5 x 20,5 cm, 14.00 €
„Könnte man im Hotel Waldesruh tatsächlich absteigen, wäre ich Dauergast
an der Bar. Ein fulminanter Steampunk-Roman, der für mich das Highlight
des Jahres ist.“ Alex Jahnke, Autor von Steampunk - kurz & geek
„Anja Bagus ist mit diesem Roman ein Werk gelungen, das von der ersten
bis zur letzten Sekunde fesselt und das man nicht mehr aus den Händen
legen mag.“ Orkus!
Edition Roter Drache www.roterdrache.org / edition@roterdrache.org

Von den Machern von
»Flight of the Conchords«
Hallo liebe Leserin, lieber Leser,
endlich ist es wieder Herbst! Eine der schönsten
Jahreszeiten überhaupt. Und wenn auch die
Sommerfestivalsaison nun vorbei ist, folgen jetzt
erneut viele tolle Clubkonzerte. Auf den Seiten 96 und
97 gibt es eine große Auswahl an spannenden Live-
Terminen. Sicherlich findest Du dort etwas, worauf Du
Dich sehr freust.
Ebenfalls schön am Herbst ist, dass zu diesem
Zeitpunkt wieder mehr Musik veröffentlicht wird.
Darunter bestimmt auch zahlreiche Klassiker von
morgen. Wir wünschen Dir nun viel Spaß beim
Entdecken und Schmökern!
Genieße die Zeit, genieße die Musik.
Beides ist Deins!
Beste Grüße,
Dein Orkus!-Team
EIN FILM VON JEMAINE CLEMENT UND TAIKA WAITITI
Das
Feel-Dead-Movie
des Jahres!
Ab 3 0. Oktober
2014 im Kino
WWW.5ZIMMERKUECHESARG.WELTKINO.DE
/5ZIMMERKUECHESARG

Extrem, extremer, Edward
Lee. Dieser bringt einen neuen
Roman an den Start, und
zwar einen Goreporno! Unter
dem aussagekräftigen Titel
Monstersperma schmeißt der
Horrormeister ein weiteres Eisen
ins seelenentwürdigende Feuer.
„Ann White steht eine abartige
Woche bevor. Nur wenn sie die
täglichen Bewährungsproben
besteht, wird sie Mitglied der
legendären Studentenverbindung
Alpha-Haus. Aber dazu muss sie
die bizarrsten Sexualpraktiken
über sich ergehen lassen und die
Späße des perversen Hausdieners
überleben... Erst danach offenbart
man ihr das okkulte Geheimnis,
das sich hinter der Fassade des
Colleges verbirgt – und für Ann
geht der Schrecken erst los.“
Monstersperma erscheint mit 208 Seiten in Lederoptik. Es gehört zur Reihe
„Festa Extrem“ und ist daher nur direkt bei www.festa-verlag.de bestellbar
– vorausgesetzt, Du bist über 18 Jahre alt. Wenn Lesen zur Mutprobe wird...
Sacrificium, das gefeierte Meisterwerk der Symphonic Metal-Formation
Xandria, erschien dieses Jahr via Napalm Records. Nach Charteinstiegen,
zahlreichen Sommerfestivals und ausverkauften Shows quer durch Europa
haben die Bielefelder just eine große US-Supporttournee für Sonata
Arctica und Delain absolviert. Jetzt folgen weitere europäische Termine: Als
Headliner gehen Xandria von Ende Oktober bis Anfang Dezember erneut auf
Reisen...
Orkus! präsentiert:
Xandria
30.10. NL-Tilburg, Hall of Fame
03.11. Dresden, Puschkin
04.11. Erfurt, Club From Hell
26.11. Bremen, TOWER
27.11. Ludwigsburg, Rockfabrik
29.11. Finnentrop, Schützenhalle Heggen
01.12. Frankfurt/M., Nachtleben
02.12. Augsburg, Spectrum Club
Mit heart over head
präsentieren die Schweizer
Schwergemüter von Kissin’
Black ihr Debutalbum.
Die Stücke sind manchmal
schnell und rücksichtslos,
zuweilen langsam und
drückend, jedoch immer
eingängig. Ein spannendes
wie auch entspannendes
Rockbad zwischen
Melancholie und Hoffnung,
das ab dem 31.10.2014
erhältlich ist.

Die Foo Fighters haben das Release
eines heiß ersehnten Nachfolgers
für ihr mit vier „Grammys“
ausgezeichnetes internationales
Nummer eins-Werk Wasting Light
bestätigt! Das achte Studioalbum
der Band wird unter dem Titel Sonic
Highways weltweit am 10.11.2014
erscheinen und ausschließlich
frisches Material enthalten. Dave
Grohl: „Dieses Album ist sofort als
Foo Fighters-Platte erkennbar, aber
es geht tiefer und klingt musikalisch
ausgereifter. Ich denke, dass all die
Städte und Menschen uns inspiriert
haben, uns zu öffnen und neue Wege
zu beschreiten, ohne dabei unseren
eigenen Sound zu verlieren.“
Anfang der Siebziger
flammte das Interesse
an den vorchristlichen
Religionen Europas
neu auf. Doch 40 Jahre
später sind deren
Inhalte, Ausrichtung
und Grundideen
noch immer mit
Missverständnissen und
Fehlurteilen behaftet; speziell der
nordisch-germanische Glaube
wird fälschlicherweise oft mit
politisch rechter Gesinnung in
Zusammenhang gebracht. Der Autor
Andreas Mang zeigt in seinem gut
recherchierten Werk Aufgeklärtes
Heidentum jene Irrtümer und ihre
Ursachen auf, ersetzt sie durch
Fakten und Einsichten und stellt den
Neopaganismus so dar, wie er ist.
Das Buch umfasst 240 Seiten und
kann unter www.roterdrache.org für
14 Euro erworben werden.
Eine der mächtigsten norwegischen Black Metal-
Institutionen meldet sich nach vierjähriger Wartezeit mit
Massive Cauldron of Chaos höchst eindrucksvoll zurück:
1349! Ravn, Archaon, Seidemann und Frost (Satyricon)
sind ein Garant für erbarmungslose Attacken von
immenser Durchschlagskraft und Bösartigkeit. Das
Album ist gerade erschienen und bringt Hölle wie
Erdenreich zum Kochen!
Nachdem ihr 2012 veröffentlichtes Debut Constantinople
sowohl in den USA als auch in Europa für viel Aufsehen
sorgte, dürfen wir uns jetzt über ein neues Album von
Ides Of Gemini freuen. Um den richtigen Sound auf
Old World New Wave kümmerte sich Chris Rakestraw,
der bereits beim Erstwerk an den
Reglern saß und vor allem durch
seine Arbeit mit Danzig bekannt
ist. Das Mastering übernahm
„Grammy“-Gewinner Matt Hyde,
welcher unter anderem schon für
Slayer geglänzt hat.
Die Schweden Tyred
Eyes gestehen, auf
ihrem Album Elevator
bei jedem Song
von mindestens
einem Künstler
abgekupfert zu
haben. Ob man
der sympathischen
Truppe dafür
nun den Kopf abreißen oder sie mit umso größerem
Interesse belohnen sollte, musst Du selbst entscheiden.
Unsere Redaktion zieht Letzteres vor und stellt fest,
dass das Werk durch rohen, trotzdem soliden Sound
und wunderschön verträumte Melodien punkten kann.
Empfehlung des Hauses!
Joran Elane, Frontfrau der Band
Elane, wandelt nun auch auf
Solo-Pfaden... Nach zwei Jahren
intensiver Arbeit ist ihr Fantasy Folk-
Debut Glenvore erschienen. Nicht
verpassen!
Am 17.10.2014 veröffentlicht das
Farin Urlaub Racing Team ein
neues Album. Es heißt Faszination
Weltraum, ist über 50 Minuten lang
und bietet einen Haufen Rockmusik,
Freude, Wut, Herzschmerz,
Vorschläge zur Verschönerung
von Innenstädten sowie bisher
unterschätzte quasiphysikalische
Gesetze. Sechs Damen und drei
Herren rocken, rollen, säuseln und
donnern, während Farin Urlaub das
macht, was er am zweitbesten kann:
Gitarre spielen und singen.
Ein strahlendes, elektronisches Meisterwerk
„Reagan und ich sind zwei sehr unterschiedliche Charaktere, wie
zwei sich gegensätzliche Kräfte. Iris ist der Bereich in dem sich diese
Kräfte vereinen und etwas Besonderes schaffen, und wenn sich
die Gegensätzlichkeit in uns zur Synergie wandelt, dann kommt
so etwas Schönes wie RADIANT dabei heraus.“ (Andrew Sega, IRIS)

Für unsere Oktober-Ausgabe fand erneut eine Abstimmung zum
„Act of the Issue“ statt!
Vielen Dank, auch im Namen der Bands, für die überwältigende
Teilnahme.
Sei auch zur November-Ausgabe wieder beim Voting auf
www.orkus.de mit dabei!
Hier nun die Gewinner des „Act of the Issue – Oktober 2014“:
1. ASP
2. Faun
3. Project Pitchfork
4. Lord Of The Lost
5. Feuerschwanz
6. Grausame Töchter
7. Mantus
8. The Sirens
9. Chrysalide
10. The Dark Tenor

„Dadurch weiß man
die Zeit und die Erlebnisse
stärker zu genießen...“
Was sich schon Anfang des Jahres ankündigte, ist nun endlich eingetreten: Iris sind wieder da und liefern mit Radiant ein traumhaftes
Album ab, welches über die lange Durststrecke, in der einzig von den Solo-Projekten von Andrew Sega und Reagan Jones zu hören war,
hinwegzutrösten weiß. Die beiden Amerikaner klingen frischer, tiefgründiger, gewissermaßen tiefenentspannt und geerdeter. Pünktlich
zur Veröffentlichung ihres jüngsten Werkes – das in einer limitierten Edition auch als Doppel-Vinyl zu haben ist – gewähren Reagan und
Andrew Einblicke in den Schaffensprozess und die Gefühle, die bei der gemeinsamen Rückkehr auf die Bühne aufgekommen sind.
Orkus: Die letzten vier Jahre waren für euch wirklich turbulent. Inwieweit hat
die Reunion eure Zusammenarbeit und das Songwriting beeinflusst?
Reagan Jones: Die Veränderung ist enorm! Wir sind eine viel effizientere Band
geworden. Es war ein intensiveres und gewissenhafteres Zusammenarbeiten,
welches wir auf eine ganz andere, neue und schöne Art erlebten. Ich habe die
neuesten Ideen und Soundgerüste immer direkt an Andrew weitergeleitet,
der dann seinerseits die Lieder fertigstellte. Dies entpuppte sich als ideale
Arbeitsweise für uns beide, die wir so weiterverfolgen wollen.
O: Im Frühling wart ihr mit mesh und Seabound auf Deutschlandtournee.
Wie war es, gemeinsam zurück auf der Bühne zu sein, und was waren eure
Gefühle und etwaigen Befürchtungen vor der Reise?
RJ: Wir starteten bereits mit der Gewissheit, dass dies eine ganz besondere
Tour wird. Ich war vor noch keinem Auftritt so voller gespannter Vorfreude,
vielleicht auch, weil man im Alter vieles nicht mehr als selbstverständlich
erachtet und die Zeit und die Erlebnisse dadurch stärker zu genießen weiß.
Alles verlief absolut reibungslos, und es blieben einfach nur wunderschöne
Erinnerungen.
Andrew Sega: Es ist für uns immer wieder aufregend und etwas ganz
Besonderes, in Deutschland zu gastieren. Vor zehn Jahren waren wir noch
eine relativ unbekannte Vorband von De/Vision. Es ist schon speziell, wenn
man die Fans nach all den Jahren wiedersieht... wie sie mit und in der Szene
gewachsen sind. Natürlich ist es auch ein Privileg, mit Leuten auf Tour gehen
zu können, die man wertschätzt, und so waren wir besonders glücklich, dass
wir erneut mit Seabound an den Start gehen durften.
14- Orkus!

O: Und wie kam die Idee zu der nur bei dieser Tour erhältlichen EP Radiant
Turbulence zustande?
AS: Stefan Herwig von Dependent schlug eine gemeinsame CD mit
Seabound vor, ähnlich dem, was wir bereits auf der US-Tour 2008
gemacht haben. Wir finden es wichtig, den Fans ein ganz besonderes, mit
vielen Emotionen verknüpftes Andenken an das Konzert zu bieten. Der
Titel Radiant Turbulence war Stefans Idee. Er fügte einfach das „Radiant“-
Konzept mit der vom Seabound-Album Speak In Storms verursachten
„Turbulenz“ zusammen.
O: Radiant ist sehr leicht und verspielt, jedoch ohne diesen typischen „Easy
going“-Style, den Synthiepop/Future Pop des Öfteren suggeriert. Euer
aktuelles Werk hat förmlich strahlende, verspielte Songs und andererseits
auch nachdenkliche Lieder wie Wayseer oder Cries of Insanity. Ist dieses
Emotionskarussell zufällig beim Songwriting entstanden oder den
Erfahrungen nach und durch Blacklight geschuldet?
RJ: Blacklight war regelrecht ein hartes und kräftezehrendes Stück Arbeit,
was bei Radiant zum Glück nicht der Fall war. Es ist kein anspruchsvolles
Album im wortwörtlichen Sinne, die Stücke haben sich aus den jeweiligen
Situationen heraus ergeben und waren keinem starren Konzept
unterworfen. Der gesamte kreative Prozess sollte einfach Spaß machen,
und den hatten wir; ein richtig gutes Gefühl.
O: Life in a Forest stammt aus dem Jahr 2011. Und es ist zugleich der
abschließende Track von Radiant. Wie war es, jetzt zusammen an dieser
Nummer aus der Vergangenheit zu arbeiten?
RJ: Ich bin quasi ständig am Schreiben, und Life in a Forest war ein Track
aus der Mitte unserer Auszeit. Ich habe ihn bei ein paar Demoshows,
die ich hier in Austin gebe, gespielt, und ich mag einfach den Vibe dieser
Nummer. Ich hatte zuerst gar nicht geplant, Life in a Forest mit auf Radiant
zu nehmen, aber ich war schlichtweg gespannt, was Andrew mit dem
Stück anstellen könnte.
O: Gibt es bereits Pläne für künftige Live-Aktivitäten? Habt ihr noch weitere
Termine in der Pipeline?
AS: Wir hoffen, dass wir nach langer Festivalabstinenz für die Saison 2015
wieder nach Deutschland kommen können, nachdem nun im Herbst das
Album erscheint.
www.irismusic.com
Marie-Luise Henke
Discographie (Alben):
Disconnect (1999)
Reconnect (Remixe, 2003)
Awakening (2003)
Wrath (2005)
Hydra (Remixe, 2008)
Blacklight (2010)
Radiant (2014)
Line-Up:
Reagan Jones – Gesang, Keyboard
Andrew Sega – Keyboard, Programmierung
Orkus! - 15

„Die Worte Nein oder Ich kann nicht
existieren in meinem Vokabular nicht,
was die Musik betrifft.“
Paul Allender kennen die meisten Metalheads garantiert als langjährigen Gitarristen von Cradle Of Filth, der an der Seite von Dani Filth die
Menge zum Toben brachte. Doch nun geht er eigene Wege und rief White Empress ins Leben, deren Frontfrau Mary Zimmer mit nichts
zuvor Dagewesenem vergleichbar ist. Aber lies selbst, um dieses außergewöhnliche Projekt auf keinen Fall zu verpassen...
Orkus: Hallo Paul! Warum hast du Cradle Of Filth verlassen?
Paul Allender: Hey! Tja, da sind einige Dinge abgelaufen, mit denen ich
einfach nicht einverstanden war, und so habe ich entschieden, meine eigene
Band zu formieren. Es liegt ungefähr drei Jahre zurück. Ich wollte etwas
aufbauen, das keine Beschränkungen kennt. Aber das alles ist für mich
schon abgeschlossen; ich möchte auch nicht mehr über die genauen Gründe
sprechen, weshalb ich gegangen bin... Jetzt gibt es eine neue Band in der
Szene: White Empress.
O: Dann stell uns White Empress doch bitte mal ein wenig näher vor.
PA: Ich wollte eine Band gründen, welche die Szene noch vermisst hat.
Ich wollte etwas hören, das Musik für mich wieder aufregend macht. Ein
Produzent aus England schlug vor, dass ich etwas gemeinsam mit Will Graney
starte, weil er der Meinung war, da würde etwas Großartiges entstehen. Ich
hatte ein sehr klares Bild, wie die Band sein sollte – angefangen damit, wie die
Arrangements funktionieren, wie die Vocals zu welchen Riffs klingen sollen et
cetera. Mary war perfekt für den Part, sie hat mich total umgehauen. White
Empress dreht sich um die innere Einstellung, die Attitüde. Es geht darum,
dass man nie aufgeben darf und sich nicht immer auf die „sichere“ Seite
retten soll, wie viele Bands es heute tun. Uns ist egal, was die Leute von uns
denken, wir machen das für uns selbst und für das Wichtigste überhaupt:
die Musik!
O: Was erwartet den Hörer auf eurem Debutalbum Rise of the Empress?
PA: Das lässt sich echt nur schwer beschreiben. Alles, was ich sagen kann:
es ist eine sehr originelle Mischung aus dem Besten der Metal-Szene der
letzten Jahre. Es ist wirklich heavy, mit einem unheimlichen, dunklen,
unterstreichenden Groove, der Tote wiedererwecken könnte! Du musst
dieses Album ganz einfach anhören... wenn Du ein Metalhead bist, ist es ein
Must-have.
O: Welche Inhalte kann man in den Texten finden?
PA: Die meisten Themen kreisen um eine Eigentümlichkeit: wenn Mensch und
Maschine zu einem Einzigen verschmolzen sind. Das Konzept beim Artwork
und den Videos hat damit jedoch nichts zu tun, sie stehen für sich selbst. Das
war Absicht, denn wir wollten etwas anderes machen als die anderen.
O: Du bist solch ein begnadeter Gitarrist – probst du häufig?
PA: Oh, wow, vielen Dank, das ist unglaublich zu hören! Ehrlich gesagt, spiele
ich einfach und mach’ eben, was ich so tu’. (lacht) Ich übe eigentlich nicht
besonders oft, und um die Wahrheit zu sagen, stufe ich mich selber gar
nicht als Gitarrist ein, ich bin eher der Songwriter und Arrangeur. Ich nutze
mein Gitarrenspiel als eine Möglichkeit, Lieder zu schreiben. Du kannst der
beste Gitarrist der Welt sein, aber wenn du keine Songs komponieren und
arrangieren kannst, was unterscheidet dich dann vom Rest? Am Anfang habe
16 - Orkus!

ich Riffs von Bands nachgespielt, die mir damals gefielen,
und schnell begann ich auch, eigene Stücke zu schreiben. Es
war nicht spannend, andere Leute zu kopieren. Ich liebe es,
Neues zu schaffen und nicht zu imitieren; die Worte „Nein“
oder „Ich kann nicht“ existieren in meinem Vokabular
nicht, was die Musik betrifft. Wenn Du eine Vision und
eine Leidenschaft hast, dann lebe sie und ignoriere alles
Negative um Dich herum. Wenn Du es nicht ignorieren
kannst, ändere Deine Umgebung und folge Deiner Vision!
O: Es gibt White Empress auch zum Lesen...?
PA: Oh ja, bald wird ein Comic für unseren Fanclub erhältlich
sein. Er wurde von einem französischen Künstler gestaltet
und soll monatlich erscheinen. Die Idee ist, dass man jeden
Monat ein paar Seiten bekommt und das Ganze vielleicht
später irgendwann als richtiges Buch veröffentlicht wird.
Wir danken allen unseren Fans und freuen uns, Euch „on
the road“ zu sehen. Hail the White Empress!
www.whiteempress.com
Manuela Ausserhofer
Line-Up:
Mary Zimmer – Gesang
Paul Allender – Gitarre
Jeremy Kohnmann – Gitarre
Chela Harper – Bass
Will Graney – Keyboard
Zac Morris – Schlagzeug
Photo: Silke Jochum
1994 war ein besonderes Jahr für ein besonderes Release
einer ganz besonderen Band. Genau zwei Dekaden ist es
mittlerweile her, dass Diary of Dreams ihr Debut in die trübe
Welt entsandten. Cholymelan hieß das erste Lebenszeichen
von Adrian Hates, verlegt bei Dion Fortune und schon
in jenem frühen Karrierestadium ausgestattet mit jener
traumwandlerischen Stärke, welche bald die Trademark des
neuen Projektes werden sollte. Kein Wunder, wenn man
weiß, dass Hates 1989 ein Gitarrenstück namens Tagebuch
der Träume komponiert hatte. Seit 20 Jahren füllt er dieses
Tagebuch nun emsig mit der vielleicht emotionalsten und
träumerischsten Musik im Bereich des düsteren Electro,
besinnt sich bis heute auf jenes Manifest, das ihn später
seinen Job als Bassist bei Garden Of Delight an den Nagel
hängen und 1995 auch seine eigene Plattenfirma, Accession
Records, gründen ließ. Dort veröffentlicht Hates noch immer
alle Diary of Dreams-Werke, hat außerdem Acts wie [:SITD:]
oder Faderhead den Weg bereitet. Klanglich wie inhaltlich ist
er sich treu geblieben. Noch immer sind seine Alben durch
das typische visuelle Design geprägt, bis heute entfalten
Lieder wie At the border of my nation ihr ganzes mystisches
Potenzial.
cts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Fac

„In all dieser unglaublichen Kraft
steckt auch
ein selbstzerstörerischer Funken...“
Megaherz stehen für saubere, fetzige, deutschsprachige Musik und beglücken bereits seit 1993 ihre Fans. Mit ihrem achten
Studioalbum entern die fünf Mannen rund um Alexander „Lex“ Wohnhaas nun bald erneut die CD-Regale, und dieses Mal ist
etwas anders, denn auf Zombieland werden keine blutrünstigen Untoten besungen, sondern die Menschen selbst, die sich immer
mehr im Hier und Jetzt verlieren und am Schluss nur noch wie Zombies vor sich hin vegetieren. Wir haben mit Lex über das
jüngste Werk, Untote und auch sein Privatleben gesprochen...
Orkus: Hallo Lex, Zombieland steht in den Startlöchern. Was dürfen wir
erwarten?
Alexander Wohnhaas: Hallo! Ich glaube, die Hörer erleben hier das
abwechslungsreichste und musikalisch facettenreichste Album von
uns. Wir haben wirklich alles reingepackt: harte, düstere Riffs, wie man
es von uns gewohnt ist, große Hymnen und sogar, zum allerersten
Mal, emotionale Balladen. Es ist ein spannender Mix aus modernem,
zeitgemäßem Rock mit unserer Art, zu texten.
O: Wie entstand die Idee zur Zombiethematik?
AW: Der Titel entsprang, wie so oft bei unseren Alben, aus einem Song,
der schon relativ früh in der Entstehung des Albums da war. Zombieland
ist ein sehr düsterer, apokalyptischer Song, der mit reichlich Zynismus
mit unserer modernen Art, zu leben, abrechnet. Werteverfall; ferngelenkt
durch Medien, kaltgestellt durch Videogames, entmenschlichen wir uns
immer mehr. Man chattet lieber, als dass man spricht. Wir werden
immer mehr durchorganisiert, mit Statistiken zu effektiven, fleißigen
Arbeitsbienen herangezüchtet, die nur noch funktionieren und das
eigenständige Denken aufgeben sollen. Übrig bleiben menschenleere
Hüllen, Zombies eben. Bei dem Titel Zombieland entstanden sofort
Bilder in unseren Köpfen, wie wir uns auch das Artwork für die neue CD
vorstellen könnten. Es ist also kein Konzeptalbum, auf dem es jetzt nur
um Zombies und die unselige Jagd nach Untoten geht. Überhaupt nicht.
Aber vom Style her wird sich das Thema durch das komplette Album
ziehen und sich auch im ersten Video wiederfinden.
O: Hast du selbst ein Faible für Zombies?
AW: Ja, klar! Ich denke, jeder von uns ist generell ein Fan des
Horrorgenres. Christian hat, glaub’ ich, keine Folge von The Walking
Dead verpasst; ich fand vor allem die Filme Zombieland und Warm Bodies
ziemlich cool und steh’ dann doch eher auf die humorvolle Umsetzung
mit dem Thema. Warm Bodies ist ein Film, den ich jedem ans Herz
legen kann. Ein Liebesfilm, in dem sich ein Zombie in ein menschliches
Mädchen verliebt, weil er zuvor das Herz ihres Freundes gegessen hat.
Urkomisch und mal was anderes.
O: Was ist dein Lieblingsstück von Zombieland?
AW: Das ist eine verdammt fiese Frage, denn es gibt gar nicht DEN einen
Song, den ich über alles heben möchte. Emotional ist für mich Für immer
ein absolutes Highlight. Es geht darin um Abschied, aber viel mehr um
die große Kraft der Erinnerung. Wir wollen große Zeiten und Menschen,
die wir über alles lieben, für immer bewahren und um uns haben.
Doch selbst wenn das irgendwann einmal endet, bleiben uns immer
noch die Erinnerungen daran, die Menschen und Momente unsterblich
machen. Zurzeit habe ich aber am meisten Spaß mit Unter Strom, wobei
das echt von der Tageslaune abhängig ist. Das Riff dazu ist schon fast
ein Stromschlag. Wild, rau, mit einer gehörigen Portion Punk-Attitüde.
Es geht um die Energie, die wir für große Taten aufbringen, das Nachvorne-Stürmen,
Die-Welt-Erobern. Aber in all dieser unglaublichen Kraft
steckt auch ein selbstzerstörerischer Funken, der alles um uns herum
ausblenden lässt, uns innerlich ausbrennt.
O: Wie kam es zum Artwork?
AW: Wir arbeiten in Sachen Photographie schon länger mit Stefan
Gesell zusammen, einem großartigen Photokünstler aus München.
Er hat die Photos zum Artwork gemacht. Die Bildbearbeitung haben
dieses Mal Stefan Heilemann (Cover) und Péter Sallai übernommen.
Die Kooperation hat sich echt gelohnt. Ich glaube, besser kann
man das Thema nicht umsetzen. Das hat man ja auch schon bei
der überwältigenden Reaktion gesehen, als wir das neue Cover
auf Facebook präsentiert haben. Es ist eine regelrechte Megaherz-
Zombiemania ausgebrochen!
O: Verrate uns doch mal, wie dein Leben neben Megaherz aussieht...
AW: Familie habe ich noch keine. Zurzeit bin ich sogar wieder solo.
Aber irgendwie dreht sich alles in meinem Leben um Musik, Texten,
Sprechen. Ich mache gerade noch eine Ausbildung zum Sprecher, weil
es mich reizt, Texte noch intensiver und emotionaler zu erzählen. Das
wirkt sich auch auf meine Art, zu singen, aus. Man kann so viel mit
Sprache machen. Und natürlich schreibe ich an meinem neuen Roman.
Ich bin schon sehr weit und bin mir sicher, dass es nächstes Jahr endlich
ein neues Buch von mir gibt. Ich weiß, ich weiß, die Fans warten schon
ewig, aber glaubt mir, das Warten lohnt sich. Da kommt was ganz Tolles!
O: Was passiert in den nächsten Wochen?
AW: Ich weiß, wie der Oktober aussieht. Da hab’ ich ein Privatzimmer
von zwei Metern Länge, einem Meter Breite und etwa einem halben
Meter Höhe. Das ist mein Bett im Nightliner. Wir sind insgesamt
zwei Wochen, während das Album veröffentlicht wird, jeden Abend
unterwegs. Dann noch mal drei Termine in Österreich, und im
Dezember kommt Russland, falls wir bis dahin noch nicht im Krieg mit
ihnen sind – was, so Gott bewahre, nie passieren wird! Aber Russland
ist immer ein Abenteuer.
O: Kannst du bereits Genaueres über die Tournee verraten?
AW: Wir arbeiten gerade mit Hochdruck an der Umsetzung. Wir haben
sehr viele Ideen, und es wird einen Haufen Geld und Schweiß kosten,
sie umzusetzen, aber wir möchten was Besonderes bieten und hier das
Motto „Zombies“ auf die Bühne bringen. Ob wir alles umsetzen können,
kann ich jetzt noch nicht sagen, aber wir geben unser Bestes, dass
es auf jeden Fall die geilste Tour wird, die wir je gemacht haben. Wir
werden natürlich einige Songs von Zombieland spielen, aber wer uns
schon mal live gesehen hat, weiß genau, dass wir auch unsere Classics
nie aus den Augen verlieren.
O: Ein paar abschließende Worte?
AW: Ich wünsch’ uns allen eine gehörige Portion mehr Gelassenheit
und weniger Hass auf der Welt. Ich weiß, ich weiß, ich bin keine
Schönheitskönigin und der Weltfriede ist wahrlich naiv, aber gerade
hab’ ich doch ein ganz großes Bedürfnis danach.
www.megaherz.de
Manuela Ausserhofer
Photos: angst-im-wald
Discographie (Alben):
Wer bist du (1997)
Kopfschuss (1998)
Himmelfahrt (2000)
Querschnitt („Best Of“, 2001)
Herzwerk II (2002)
5 (2004)
Heuchler (2008)
Totgesagte Leben Länger („Best Of“, 2009)
Loblieder (Remixe, 2010)
Gœtterdæmmerung (2012)
Zombieland (2014)
Line-Up:
Alexander „Lex“ Wohnhaas – Gesang
Christian „X-ti“ Bystron – Gitarre
Christoph „Chris“ Klinke – Gitarre
Werner „Wenz“ Weninger – Bass
Jürgen „Bam Bam“ Wiehler – Schlagzeug
18 - Orkus!

Kurz & bündig –
Jürgen „Bam Bam“ Wiehler
Dein Geburtstag?
11. Oktober.
Was bedeutet es für dich, ein Mitglied von
Megaherz zu sein?
Meine Band!
Dein Lieblingssong von Zombieland?
Unter Strom, weil es rockt und untypisch für den
bisher gewohnten MHZ-Sound ist.
Die drei absoluten Lieblingssongs von Megaherz?
Dein Herz schlägt, 5. März und Meine Sünde.
Wofür stehen Megaherz?
Deutsche Qualität.
Mit wem möchtest du einmal zusammen
touren?
KoRn.
Für was kämpfst du persönlich?
Dass ich mich jeden Morgen im Spiegel ohne
schlechtes Gewissen ansehen kann.
Die drei wichtigsten Dinge in deinem Leben?
Musik, Drums, ich selbst.
Bist du verliebt?
Nein.
Dein Lieblingsfilm?
Das Boot.
Dein Lieblingsbuch?
Stairway to Heaven.
Deine größte Inspirationsquelle?
Die Veränderung.
Deine Meinung zu Zombies?
Sind allgegenwärtig.
Dein Lieblingszitat?
„Der Weg ist das Ziel.“
20 - Orkus!
Kurz & bündig –
Alexander „Lex“ Wohnhaas
Dein Geburtstag?
18. April.
Was bedeutet es für dich, ein Mitglied von
Megaherz zu sein?
Megaherz ist für mich meine musikalische Heimat.
Schweiß, Herzblut, Leidensweg und Erfüllung. Ein
langer Weg, der hoffentlich noch sehr, sehr lange
weitergeht.
Dein Lieblingssong von Zombieland?
Schwer zu sagen. Es gibt so viele darauf. Emotional
Für immer. Da ist alles drin: Sehnsucht, Verzweiflung,
die Suche nach vergangenen Tagen und die große
Kraft der Erinnerung, die schöne Zeiten und lieb
gewonnene Menschen unsterblich macht.
Die drei absoluten Lieblingssongs von Megaherz?
Schwankt auch nach Tageslaune, aber nicht umsonst
haben wir Hurra – wir leben noch, Herz aus Stein und
Augenblick neu aufgenommen. Aber auch hier gilt: Es
gibt sooo viele.
Wofür stehen Megaherz?
Für einen fetten Rocksound und Texte, die immer
versuchen, nah bei den Menschen zu sein, bei ihren
Sorgen, Ängsten und Hoffnungen.
Mit wem möchtest du einmal zusammen touren?
Ich würde gerne mal mit KISS touren. Das war meine
erste Band, von der ich Platten gekauft hab’ und deren
Poster in meinem Zimmer hingen. Und ich könnte mir
von denen noch ein paar gute Schminktipps holen.
Für was kämpfst du persönlich?
Zurzeit bin ich wieder Einzelkämpfer, also kämpfe ich
für mich, und mein schlimmster Feind ist der innere
Schweinehund.
Die drei wichtigsten Dinge in deinem Leben?
Ein gutes Buch, ein guter Wein und seeehr viel Zeit.
Bist du verliebt?
Zurzeit leider nicht. Das ist schrecklich, aber ein wenig
Wehmut soll ja die Kreativität fördern.
Dein Lieblingsfilm?
Jeder Humphrey Bogart-Film.
Dein Lieblingsbuch?
Raymond Chandler Der lange Abschied.
Deine größte Inspirationsquelle?
Bücher. Filme. Geschichten, die ich höre. Die
Inspiration kommt auf vielen Wegen und Umwegen.
Deine Meinung zu Zombies?
Sie sind wie die Pest, zu langsam, schlechter Atem,
hässliche Visage, und trotzdem bekommen sie am
Ende immer das hübsche Mädchen. Na ja, fast immer.
Bis auf unsere liebe Milla Jovovich. Die ist einfach zu
cool und zu schnell für diese gefräßigen Biester.
Dein Lieblingszitat?
„Yippie-ya-yeah, Schweinebacke!“
Kurz & bündig –
Christian „X-ti“ Bystron
Dein Geburtstag?
20. August.
Was bedeutet es für dich, ein Mitglied
von Megaherz zu sein?
Für mich ist es seit dem Erscheinen unseres
ersten Albums, aber auch schon die Jahre
davor der Herzschlag meines Lebens.
Dein Lieblingssong von Zombieland?
Himmelsstürmer, weil er Härte hat und
trotzdem mal nicht den Weltuntergang
vertont.
Die drei absoluten Lieblingssongs von
Megaherz?
Glas und Tränen, Jagdzeit, Gegen den Wind.
Wofür stehen Megaherz?
Stillstand ist der Tod.
Mit wem möchtest du einmal zusammen
touren?
KoRn, Rob Zombie, KISS.
Für was kämpfst du persönlich?
Mein Überleben. (grinst)
Die drei wichtigsten Dinge in deinem
Leben?
Die Band, mein Studio und ich... Ich weiß...
das ist die schlimmste Kombi, die man einer
Frau bieten kann. (lacht schallend)
Bist du verliebt?
Geht so... (lacht erneut)
Dein Lieblingsfilm?
Matrix I–III.
Dein Lieblingsbuch?
Also, mein LieblingsHÖRbuch... Er ist wieder
da mit Christoph Maria Herbst.
Deine größte Inspirationsquelle?
Einfach mal nix machen... und nicht mal das!
Deine Meinung zu Zombies?
„The only way to harm them is to... shoot
them in the head... shoot them in the head...
shoot them in the head!“
Dein Lieblingszitat?
„If you don’t do it, it doesn’t get done!“

Kurz & bündig –
Werner „Wenz“ Weninger
Kurz & bündig –
Christoph „Chris“ Klinke
Dein Geburtstag?
16. Oktober.
Was bedeutet es für dich, ein Mitglied von Megaherz zu sein?
Die Welt.
Dein Lieblingssong von Zombieland?
Zombieland, weil’s rockt!
Die drei absoluten Lieblingssongs von Megaherz?
Glas und Tränen, 5. März und Zombieland.
Wofür stehen Megaherz?
42.
Mit wem möchtest du einmal zusammen touren?
The Doors.
Für was kämpfst du persönlich?
Für den Weltfrieden.
Die drei wichtigsten Dinge in deinem Leben?
Megaherz, Christoph Klinke, Freunde und Familie.
Bist du verliebt?
So oft wie möglich.
Dein Lieblingsfilm?
Cherry 2000.
Dein Lieblingsbuch?
Moby Dick.
Deine größte Inspirationsquelle?
Bob Ross.
Deine Meinung zu Zombies?
gEHirNe!!!
Dein Lieblingszitat?
„Ein ganzer Kerl dank Chappi!“
Dein Geburtstag?
01. Januar.
Was bedeutet es für dich, ein Mitglied von Megaherz zu sein?
Ich wollte immer schon Musik machen, und bei Megaherz kann ich
noch dazu die Musik machen, die mir Spaß macht.
Dein Lieblingssong von Zombieland?
Unter Strom, weil ich das Riff am Anfang so geil finde.
Die drei absoluten Lieblingssongs von Megaherz?
5. März, Jagdzeit, Kopfschuss.
Wofür stehen Megaherz?
Für ehrliche, intelligente Rockmusik mit einprägsamen Riffen und
Melodien.
Mit wem möchtest du einmal zusammen touren?
Rob Zombie wäre toll! (grinst)
Für was kämpfst du persönlich?
Tierschutz und Aufklärung über Diabetes.
Die drei wichtigsten Dinge in deinem Leben?
Familie, Gesundheit, Freunde.
Bist du verliebt?
Ab und an.
Dein Lieblingsfilm?
Sin City.
Dein Lieblingsbuch?
Friedhof der Kuscheltiere.
Deine größte Inspirationsquelle?
Auf Konzerte gehen oder ins Kino.
Deine Meinung zu Zombies?
Sind wir nicht alle Zombies, irgendwie?
Dein Lieblingszitat?
„Dumme Gedanken hat jeder, aber ein Weiser verschweigt sie!“
Orkus! - 21

Gründungsjahr: 2004
Herkunftsland: Deutschland
Internetseite: www.voices-of-destiny.com
Aktuelles Album: Crisis Cult
Line-Up:
Ada Flechtner – Gesang
Christopher Gutjahr – Gitarre
Lukas Palme – Keyboard, Gesang
Jens Hartwig – Bass
Klaus Ackermann – Schlagzeug
„Ich wurde über Nacht zum Stammkunden...“
Orkus: Du möchtest einem früheren und nun
wiedergetroffenen Schulfreund von eurer Musik
erzählen. Wie würdest du sie ihm erklären, ohne
ihm etwas vorspielen zu können?
Jens Hartwig: Harte Gitarrenriffs, theatralische
Keyboards, Power-Frauenstimme und wüstes
Geschrei. Und das alles in ausgeklügelte Harmonien
und Rhythmen gepackt. Muss man erlebt haben!
O: Wie stieß Sängerin Ada Flechtner kürzlich zur
Band?
JH: Nachdem wir uns im Winter 2013 von Maike
Holzmann getrennt haben, warteten wir nicht
lange und fragten Ada an. Wir kannten sie bereits
aus früheren Zeiten und hatten sie schon sowohl
live als auch im Studio performen sehen – damit
war für uns klar, dass es gut funktionieren würde.
Auch gefiel uns die Idee, mit ihrer doch recht
anderen Stimme einige neue Dinge ausprobieren
zu können. Und unsere Hoffnungen haben sich
bestätigt! Ihre wandlungsreiche Stimme verleiht
den neuen Songs eine ganz besondere Power!
O: Wie entstand die Idee zum Titel des Albums?
JH: Crisis Cult ist ein Konzeptalbum. Der Titel steht
dabei natürlich in einer direkten Verbindung zu der
Geschichte, die wir erzählen wollen. Sie handelt
von einer jungen Frau, der ein schreckliches
Ereignis widerfährt, und davon, wie die mit ihr in
Verbindung stehenden Personen dieses Unglück
zu bewältigen versuchen. Von ihrer Verzweiflung
und Rachsucht getrieben, scheitern sie aber
letztendlich und verkörpern damit den Crisis Cult
– eine Vereinigung, die durch ihre auf Irrglauben
basierenden Methoden versucht, eine Krise zu
bewältigen.
O: Wie kam es zur Idee für das Covermotiv?
JH: Der Inhalt und Titel des Albums waren die
Ausgangspunkte für den Entwurf des Covers. Wir
haben lange nach einem Motiv gesucht, welches
etwas Kultisches, Rituelles an sich hat und eine
Art von Maske darstellt. Schlussendlich hatten wir
dieses Bild eines Schamanen vor Augen, der als
Anführer des Crisis Cult gesehen werden kann.
O: Welche zwei Songs des neuen Albums bedeuten
dir inhaltlich besonders viel?
JH: Wie schon gesagt, erzählt das Album eine
fortlaufende Geschichte, die sich natürlich mit
einem uns sehr wichtigen Thema beschäftigt.
Inhaltlich lassen sich die Songs aber nur bedingt
trennen. Der Titel Stormcrow allerdings hat eine
besondere Bedeutung, weil in ihn ganz besondere,
prägende Erfahrungen von mir eingeflossen
sind. Außerdem ist mir The Great Hunt sehr ans
Herz gewachsen, weil dieser Track nach den
aufwühlenden Geschehnissen der Geschichte eine
Auflösung bietet. Kein Happy End, wohlgemerkt!
Er lässt den Hörer in einer ganz besonderen
Stimmung zurück. Es lohnt sich auf jeden Fall, beim
Hören die Texte mitzulesen!
O: Mit welchen zwei Bands würdest du gerne auf
Tour gehen?
JH: Sehr gerne mit Kamelot oder Killswitch Engage!
Beide Gruppen machen absolut geniale Musik,
auch wenn die Stile weit auseinandergehen.
Aber diese Personen backstage zu erleben und
mit ihnen die Bühnen dieser Welt zu teilen, wäre
definitiv eine Erfahrung, die ich nicht so schnell
vergessen würde. (strahlt)
O: Wie hast du die dunkle Metal-Szene entdeckt?
JH: Über die lokale Rock/Metal/Gothic-Disco.
Freunde haben mich mitgenommen, und ich
wurde über Nacht zum Stammkunden für lange
Jahre. Und ich bereue es nicht! (lacht)
O: Angenommen, du hättest drei Wünsche frei,
die die Welt verändern. Welche wären das?
JH: Ich würde der Menschheit folgende drei
Eigenschaften wünschen: mehr Hirn, mehr
Vernunft und mehr Empathie. Vielleicht gibt
es dann bald mal wieder etwas Positives in den
Nachrichten zu hören.
O: Bei einem Spiel ist es deine Aufgabe, 100
Euro innerhalb einer Stunde auszugeben. Wofür
würdest du das Geld verwenden?
JH: Essen! Ich würde mir in einem Sternerestaurant
ein möglichst dekadentes Menu servieren lassen.
Nichts geht über das leibliche Wohl!
O: Welches Geheimnis um deine Musik kannst du
heute lüften?
JH: Aber Ihr müsst mir versprechen, dass es ein
Geheimnis bleibt!? Ich habe keine Ahnung von
Musiktheorie und schreibe alles nach Gefühl.
O: Welches Instrument oder Equipment steht auf
deiner Wunschliste ganz oben?
JH: Das KORG KRONOS 88. Ich besitze es bereits,
aber da das Ding ziemlich schwer ist, wäre es
klasse, ein zweites für den Proberaum zu haben!
Das würde mir den ziemlich lästigen Transport
ersparen. (grinst)
O: Welche Lebensweisheit ist deine wertvollste?
JH: Wenn du willst, dass etwas funktioniert, dann
mach es selbst.
O: Wer sollte sich nun mit eurem Werk intensiver
beschäftigen?
JH: Oh, alle Freunde der härteren Musik sollten
sich damit beschäftigen! Wenn nicht mit diesem
Album, mit welchem dann? Es stellt definitiv
den größten Fortschritt unserer musikalischen
Entwicklung dar. Wir haben uns viel getraut
und viel experimentiert, damit dem Hörer ein
einzigartiges Erlebnis geboten wird. Vor allem
sollten sich auch die Leute damit beschäftigen, die
gerne beim Musikhören das Booklet in der Hand
haben und die Lyrics mitlesen. Denn bei diesem
Konzeptalbum spielt der Inhalt eine besonders
große Rolle.
22 - Orkus!
Orkus! - 123

VÖ: 17.10.14
Packender Melodic Death Metal,
der vor frischem musikalischen Können strotzt.
Bekannt von Tourneen mit Turisas und Amorphis.
SCHWARZFABRIK
Samstag, 15. November
CHROM - supp. MISS CONSTRUCTION
Aftershow - SchwarzFabrik
Sonntag, 23. November
SAOR PATROL
KuFa Krefeld
Freitag und Samstag, 28. - 29. November
Pluswelt Festival XV
Apoptygma Berzerk, Combichrist, Mesh, De/Vision,
Republica, Aesthetic Perfection, Grendel, Blitzmaschine,
Protafield, Substaat, William Control plus Aftershowparty
Freitag, 19. Dezember 2014
WELLE: ERDBALL - Komplett-Tour 2014
„Tanzmusik für Roboter“
Aftershow - SchwarzFabrik
Freitag, 23. Januar 2015
Völkerball
„A Tribute to Rammstein“
Andreas Mang
Aufgeklärtes Heidentum
Erweiterte 2. Auflage!
208 Seiten, DIN A5, 14.00 €
Inhalte, Ausrichtung und Grundidee des Neopaganismus,
allem voran der nordisch-germanische Glaube, werden mit
Fakten und Einsichten so dargestellt, wie er ist: ein modernes
und aufgeklärtes Heidentum.
Details unter www.kulturfabrik-krefeld.de
Einen kostenlosen Katalog gibt es bei:
Edition Roter Drache, Haufeld 1, 07407 Remda-Teichel
www.roterdrache.org / edition@roterdrache.org

„Ganz ohne die Dunkelheit geht es nicht.“
Rammstein machen erst mal Pause. Das verkündet Richard Z. Kruspe ganz unzeremoniell und unaufgeregt. Damit ist das Thema
für ihn vergessen, schließlich gibt es für den Rammstein-Gitarristen dieser Tage Wichtigeres als rollende „R“s: Silent So Long zum
Beispiel, sein zweites Emigrate-Album. Im Interview äußert er sich gemeinsam mit dem Bassisten Arnaud Giroux zu seiner noch immer
ungewohnten Rolle als Sänger, dem Einfluss von Berlin auf die neuen Songs und seine Vorliebe für spannende Kollaborationen.
Orkus: Richard, ist der Name Emigrate dieser Tage überhaupt noch gültig?
Immerhin wohnst du mittlerweile wieder in Berlin.
Richard Z. Kruspe: Gültiger denn je, würde ich sagen. Vor dem ersten
Emigrate-Album befand ich mich in einem Zustand von Frustration, was
vor allem mit dem sehr geschlossenen Rammstein-Universum zu tun
hatte. Diese undurchdringliche Umgebung ist wichtig für Rammstein als
Band, aber ich begann das zu vermissen, was ich in meinen Anfängen in
der Berliner Undergroundszene erlebt habe. Damals entstanden jeden Tag
neue Bands, jeder stellte etwas mit jedem auf die Beine. Dieses Grundgefühl
der Zusammenarbeit wollte ich auferstehen lassen, und das spiegelte sich
im Namen des Projektes wider: Ich wollte ausbrechen, meine Komfortzone
verlassen, neue Horizonte erobern. Damals war ich gerade von Berlin nach
New York gezogen, dieser Zustand spiegelte sich auch im Projektnamen
Emigrate wider. Vor zwei Jahren bin ich nach Berlin zurückgezogen, sehe in
Emigrate aber immer noch ein rastloses Projekt, das so offen wie möglich
sein und so viel ausprobieren können soll wie möglich.
Arnaud Giroux: Emigrate ist eine Metapher dafür, sich selbst neue
Herausforderungen zu stellen. Nie anzuhalten und immer zu schauen, was
hinter dem nächsten Hügel liegt.
RZK: Je älter ich werde, desto
stärker spüre ich das Verlangen,
mich weiterzuentwickeln, mir
neue Aufgaben zu stellen. Ich
brauche das, um gute Musik zu
schreiben.
O: Das Emigrate-Debut kann
man getrost als eine solche
Herausforderung bezeichnen.
Aber inwiefern war das zweite
Emigrate-Album auch eine?
RZK: Beim ersten Album war ich
vor allem damit beschäftigt, einen
neuen Sound zu finden. In diesem
Prozess übte die Stadt New York
einen großen Einfluss auf mich
und meine Musik aus, was zu
einem überraschend rockigen
Werk führte. Jetzt, da ich wieder in
Berlin bin, ist es ähnlich: Diesmal
hat eine andere Großstadt das
Album auf ihre Weise geprägt.
Berlin hat meine Musik dunkler
und elektronischer gemacht.
O: War es immer klar, dass es
dieses zweite Album geben
würde?
RZK: Dass es ein zweites Album geben würde, war klar, ja. Ich habe von
Anfang an auf ein zweites Emigrate-Werk hingearbeitet, weil man auf dem
ersten nie alles sagen kann, was man sagen will, weil man noch nicht zeigen
kann, was man alles kann. Jetzt, da Silent So Long vollendet ist, sehe ich
allerdings erstmals eine Zukunft für Emigrate.
O: Braucht Emigrate zunächst eine Vision, bevor neues Material entstehen
kann?
RZK: Die Vision entsteht während des Komponierens. Meine Inspiration
gründet sich auf dem, was ich bereits geschrieben habe, und entwickelt
sich dann weiter. Mein einziges Ziel war es, so offen wie möglich an die
Musik heranzugehen und so viele Gäste wie möglich auf dem Album zu
versammeln. Der Einfluss von Berlin auf die Songs fiel mir erst gar nicht
auf, retrospektiv betrachtet, war er jedoch immens.
O: Also erst ein New York-Album, jetzt das Berlin-Album?
RZK: Ganz genau.
O: Dann auf nach Tokyo für das dritte Album!
RZK: (lacht) Mir schwebt ja die Idee im Kopf herum, für ein Album jeden
Song in einer anderen Großstadt zu schreiben. Da würde bestimmt etwas
Spannendes entstehen.
O: Es scheint, dass du für diese zweite Veröffentlichung vor allem an deiner
Stimme gearbeitet hast? Du klingst, als würdest du dich deutlich wohler in
deiner Rolle als Frontsänger fühlen. Was konkret hast du getan?
RZK: Sieben Jahre gewartet. (lacht) Am Ende des Tages ist es alles
Einstellungssache, eine Frage des Geistes. Beim ersten Album war die Rolle
als Sänger noch so neu für mich, dass ich mich nur damit befasst habe, wie
ich es schaffe, einen bestimmten Ton zu erreichen. Diesmal kümmerte ich
mich um das, was ich zu sagen hatte. Das hat mich selbstsicherer gemacht.
O: Du hast mal gesagt, dass du deine Texte sehr assoziativ schreibst. Bist
du manchmal überrascht, was so alles an die Oberfläche kommt?
RZK: Ich bin immer überrascht. (lacht) Das ist eigentlich das Größte am
Musikmachen – das Hineinhorchen in dich selbst und das Hinaushorchen
in die Welt. Es ist immer wieder spannend, was meine Antennen einfangen
oder was sich tief in mir regt. Ein persönliches Stück wie Born On My Own
beispielsweise trage ich schon mein ganzes Leben in mir, wusste bisher
jedoch nie, wie ich das, was ich sagen wollte, ausdrücken sollte. Und
diesmal kam es einfach von selbst zu mir. Wenn so etwas passiert, lasse ich
es einfach raus, ohne Filter.
O: Trent Reznor hat mal gesagt, dass er die meisten Songs schreibt, wenn
er schlecht drauf ist...
RZK: Das kann ich unterschreiben.
Oft begebe ich mich unterbewusst
in eine dunkle, abgründige
Stimmung, um das Beste aus mir
herauszuholen. Als ich von der
letzten Rammstein-Tour nach
Hause kam, fiel ich in ein tiefes
Loch, in dem dann tatsächlich
eine Menge Musik entstand. Ganz
ohne die Dunkelheit geht es nicht.
AG: Ich muss nicht in einer
bestimmten Stimmung sein.
Alles, was wir durch unsere Musik
ausdrücken, tragen wir eh in
unserer DNS. Wir müssen es nur
abrufen.
O: Und noch ein Zitat, diesmal
von Dave Grohl: „Wenn ich
in etwas gut bin, dann darin,
Leute für eine tolle Sache
zusammenzutrommeln.“
RZK: Dave Grohl ist zu beneiden,
weil er es schafft, all seine
musikalischen Idole um sich zu
scharen. Mit Emigrate verfolgen
wir aber andere Ziele: Wir wollen
Künstler, die zur Familie passen,
die den Sound von Emigrate aber
nicht verändern. Deshalb schreibe ich auch immer erst die Songs und
überlege mir dann, wer sie mit mir einsingen könnte.
O: Einen Wunschzettel gibt es also nicht? Namen wie Marilyn Manson oder
Lemmy Kilmister klingen zumindest danach...
RZK: Nein, weil ich ja vorher nie weiß, zu wem der Song passen könnte.
Aber auf Lemmys Beitrag bin ich sehr stolz. Es ging ihm nicht gut, als ich ihm
die Anfrage schickte, doch irgendwie hat er es geschafft, eine mörderische
Gesangsleistung hinzulegen.
O: Wieso ist es dir so wichtig, so viele Künstler wie möglich an einem Album
zu versammeln?
RZK: Die Offenheit, die es in England und Amerika gibt, fehlt mir in
Deutschland sehr. Das war zu meinen Anfängen noch anders, weshalb ich
einen kleinen Teil dazu beitragen will, dass es wieder so wird wie früher.
www.emigrate.eu
Björn Springorum
Photos: Alexander Gnädinger
Discographie (Alben):
Emigrate (2007)
Silent So Long (2014)
Line-Up:
Richard Z. Kruspe – Gesang, Gitarre
Olsen Involtini – Gitarre
Arnaud Giroux – Bass
Mikko Sirén – Schlagzeug
Joe Letz – Schlagzeug
Orkus! - 25

„Wer eine Gruppe bildet,
schließt automatisch
andere aus.“
Der Kosmos von Amaranthe ist entschieden schwarzweiß. Man liebt die Schweden oder hasst sie, dazwischen gibt es so
gut wie keine Graustufen – und wenn doch, übertüncht Massive Addictive diese endgültig. Die Symphonic Metaller treiben
ihre Verschmelzung von beinharten Metal-Brettern und Pop-Refrains, massiven Riffs und brodelnden Electro-Sounds
so konsequent voran, dass die eine Hälfte entsetzt „ABBA Metal!“ schreien wird, die andere eine neue Lieblingsband
gefunden hat. Orkus! gehört definitiv zur zweiten Kategorie und hat sich eingehend mit Frontfrau Elize Ryd, Sänger Jake
E sowie Gitarrist Olof Mörck unterhalten.
26 - Orkus!

Orkus: Elize, euer Album soll seinem Titel zufolge schwer abhängig
machen. Wonach bist du besonders süchtig?
Elize Ryd: Musik und Kaffee!
O: Sollte deiner Meinung nach jeder das eine oder andere Laster
pflegen?
ER: Meine Erfahrung hat mir gezeigt, dass jeder irgendeine Sucht hat...
versteckt oder nicht. Das muss aber nicht unbedingt etwas Negatives
sein.
O: Der Albumtitel spielt wahrscheinlich auf das hohe Suchtpotenzial
eurer Musik an?
Joacim Lundberg: Ganz genau. Er passt perfekt zu unserer Band,
weil uns im Laufe der letzten Jahre unzählige Leute bescheinigt haben,
einen absolut süchtig machenden Sound zu spielen. Und die Hater
können im Plattenladen wieder schön den Kopf schütteln.
O: Es stört euch also nicht, entweder geliebt oder gehasst zu werden?
JL: Im Gegenteil! Die uns nicht mögen, tun das mit solcher Leidenschaft,
dass sie es gleich online posten müssen. Jeder, der das liest und uns
ebenfalls nicht leiden kann, teilt es, und plötzlich geht unser Name um
die Welt, wo er auf mehr als genug Menschen trifft, die uns mögen. Das
ist wie ein Virus, bei dem wir letztendlich profitieren.
ER: Wir verfolgen eine sehr klare Linie, und wer uns mag, mag uns in
der Regel von ganzem Herzen. Das lässt unsere Beziehung zu den Fans
ungleich tiefer erscheinen, weil sie mir ehrlicher vorkommt. Immerhin
haben sie bewiesen, dass sie genauso offen sind wie wir. Sie verstehen,
was wir ausdrücken wollen, und haben uns einen Platz in ihrem Herzen
eingeräumt. Das wiegt die Negativität aus einigen Lagern um ein
Vielfaches auf.
O: Erreicht habt ihr diesen Ruf durch eure faszinierende und vor
allem einzigartige Verschmelzung von Metal und Pop. Elize, ist das als
Sängerin nicht unglaublich herausfordernd?
ER: Doch, aber das macht ja gerade den Spaß aus. Dieses Mal habe ich
mich bei den Aufnahmen auch keine einzige Sekunde lang geschont,
um dem Sound gerecht werden zu können.
O: Bei Amaranthe gibt es drei Sänger. Birgt das eher Vor- oder
Nachteile?
ER: Mir fällt es zugegebenermaßen sehr schwer, ein Lied nicht allein
zu singen. Insbesondere, wenn ich es geschrieben und dabei an
meine Vision, meine Stimme gedacht habe. Dann erwarte ich, dass
die anderen meiner Vorstellung entsprechen. Umgekehrt verhält es
sich natürlich genauso, und manchmal genieße ich es, bewusst Songs
zu schreiben, die nicht zu mir passen. Das erlaubt uns ein größeres
Spektrum. Und das passt wiederum zu Amaranthe, weil wir ja auch
musikalisch vor nichts zurückschrecken.
O: Das merkt man Massive Addictive deutlich an. Es ist mit Abstand euer
bestes, aber auch kompromisslosestes Werk. Ganz schön mutig...
ER: Da liegst du richtig! Allerdings wollen wir mit diesem Album auch
ein für alle Mal aufzeigen, worum es uns bei Amaranthe wirklich geht.
Wir sind eine Band, die für Toleranz und Offenheit steht, die nichts
Orkus! - 27

auf Genres gibt und gegen die Grüppchenbildung in der Welt vorgehen
will. Wer eine Gruppe bildet, schließt automatisch andere aus. Amaranthe
wollen zeigen, dass es völlig okay ist, anders zu sein, uns jedoch trotzdem
nicht allzu viel voneinander unterscheidet.
O: Was brachte diese Offenheit dir persönlich?
ER: Mehr, als ich momentan ermessen kann. Früher musste ich mich
mit Ängsten und Unsicherheiten herumschlagen, doch diese Zeiten sind
vorüber. Durch Amaranthe konnte ich reifen, mich zu der Persönlichkeit
entwickeln, die ich heute bin.
O: Widmen wir uns der Musik. Ihr steckt selbst the Unforgiving von Within
Temptation locker in die Tasche, wenn es darum geht, die Grenzen des
Metal niederzureißen. Wie kommt diese zündende Mixtur zustande?
Olof Mörck: Eigentlich haben wir nur den Hard Rock der Achtziger
mit Death Metal verbunden. Und aus irgendeinem Grund klingt diese
Kombination manchmal eben so, wie sie klingt. Frag uns aber nicht,
warum. (lacht)
ER: (stimmt in das Lachen ein) Nun, ABBA waren die größten Idole meiner
Kindheit. Dank ihnen wusste ich schon sehr früh, dass auch ich eines Tages
Musikerin werden will – aber eine, die alle Fäden in der Hand hält und
kein Produkt aus sich machen lässt. Dass ich letztlich bei einem Gespann
von Metallern gelandet bin, die mich und meine Stimme akzeptieren,
begründete die Andersartigkeit dieser Band, besiegelte unsere
Freundschaft und ist ein schönes Symbol für genreübergreifende Projekte.
O: Inwiefern schlägt sich all das in den Texten von Massive Addictive nieder?
JL: Mit den ersten beiden Alben erzählten wir eine fortlaufende Geschichte,
eine Art Drehbuch. Auf Massive Addictive ist damit Schluss. Hier geht es
eher um persönliche Erlebnisse, um Lieder, die für sich allein stehen. Eine
Verzahnung von Realität und Fiktion.
ER: Die Texte befassen sich mit unserer Rolle in der Welt, mit der digitalen
Revolution, Neid, Ungerechtigkeit, den unüberwindbaren Klüften in
unserer Gesellschaft, aber auch jeder Menge Zynismus, Spaß, Stärke und
Liebe. All jenen Dingen, die uns tagein, tagaus beschäftigen.
O: War das einfacher?
OM: Nein, es war sogar schwieriger! Immerhin ging es diesmal um etwas
Reales, Persönliches, während die ersten zwei Alben eben eine Geschichte
erzählten. Da kann man ja quasi sagen, worauf man gerade Bock hat.
O: Wie prägend waren die letzten Monate auf Tour für euch und Massive
Addictive? Ihr seid fast pausenlos unterwegs gewesen...
JL: Und das wurde gegen Ende regelrecht ermüdend. Dennoch hat sich das
Touren äußerst positiv auf das Album ausgewirkt, zum ersten Mal nahmen
wir nämlich ein kleines Studio mit, um am neuen Material zu arbeiten. Das
hat so gut funktioniert, dass wir es in Zukunft auf jeden Fall ausbauen und
ein richtiges Studio im Bus einrichten wollen. Auf Tour hat man schließlich
verdammt viel Zeit und sitzt meist doch bloß herum. Wenn man dann
von einer langen Reise nach Hause kommt und in Schweden zufällig mal
Sommer ist, muss man im Proberaum an den Stücken arbeiten, anstatt
mit den anderen am Strand zu liegen. Das macht auch nicht immer Spaß.
(lacht)
www.amaranthe.se
Annabelle Reiter
Photos: John McMurtrie
Discographie (Alben):
Amaranthe (2011)
The Nexus (2013)
Massive Addictive (2014)
Line-Up:
Elize Ryd – Gesang
Henrik Englund Wilhelmsson – Gesang
Joacim Lundberg alias Jake E – Gesang
Olof Mörck – Gitarre, Keyboard
Johan Andreassen – Bass
Morten Løwe Sørensen – Schlagzeug
28 - Orkus!

Der Handel boykottiert gewisse Bücher von uns. Zu hart, zu gewagt, zu brutal oder
einfach zu weit weg von der Norm. Doch Literatur braucht künstlerische Freiheit
und darf nicht geknebelt werden. Deshalb befreien wir uns auf »extreme« Art:
Festa Extrem. Nichts für den Buchhandel – aber für Fans.
Extrem-Titel erscheinen ohne ISBN. Sie können also nur direkt beim Verlag bestellt
werden. Als Privatdrucke in kleiner Auflage sind wir so bei Programmauswahl und
Covergestaltung völlig frei.
www.Festa-Verlag.de
Wenn Lesen zur Mutprobe wird …

„Warum benutzen wir
im besten Falle nur zwei Drittel
unserer Gehirnmasse?“
Kaum eine deutsche Band versteht es so gut wie Merciful Nuns, modernen und doch
ursprünglichen Goth Rock mit geheimnisvoll scheinenden, mystischen und philosophischen
Fragestellungen zu verknüpfen und das Ganze auch noch optisch passend umzusetzen. Dabei
legt Mastermind Artaud Seth ein dauerhaft hohes Kreativitätstempo vor, ohne Abstriche bei
Qualität und Konzept in Kauf zu nehmen. Das neue Werk trägt den schönen Titel Meteora und
lädt ein, nach und nach entdeckt zu werden.
Orkus: Mit Meteora präsentiert ihr das siebte
Studioalbum binnen fünf Jahren. Woraus resultiert
dieses Veröffentlichungstempo? Würdest du dich
einfach als sehr stark inspirierten, sehr kreativen
Künstler bezeichnen oder auch schon ein wenig als
einen Getriebenen?
Artaud Seth: Ich liebe gute sinistre Musik. Da aber
anscheinend keiner mehr imstande ist, regelmäßig
derartige Alben abzuliefern, mache ich das eben
selbst. Die Stille ist nicht meins, was bleibt mir also
anderes übrig?
O: Können eure Fans diese Geschwindigkeit auch in
Zukunft erwarten?
AS: Ich befürchte es.
O: Du hast die Musik von Merciful Nuns mal „Post
Goth“ genannt, und man liest diesen Begriff im
Zusammenhang mit eurem Schaffen auch immer
wieder. Warum aber Post Goth? Stücke wie Karma
Inn vom neuen Werk klingen durchaus eher nach
klassisch-gutem Original-Goth. Weshalb muss es
für euch „Nach-Goth“ sein? Befürchtet ihr, von der
jüngeren Generation als altmodisch abgestempelt
zu werden, wenn man euch einfach dem Goth
zuordnet?
AS: Nein, bestimmt nicht. Ich mag das, was heute
alles so als „Goth“ bezeichnet wird, schlichtweg
nicht mehr. Das ist mir alles zu lustig und bunt
und Äonen weit weg von dem, was mich damals
an der Urszene beeindruckt hat. Also habe ich mir
gedacht: setze ein Zeichen und greife die Titulierung
unserer mexikanischen Loge auf, die uns schon seit
Längerem als Post Goth bezeichnet. Anfangs hat es
mich amüsiert – Post Goth, was soll das sein? Dann
wurde mir aber klar: die Mexikaner haben recht!
O: Apropos „Logen“. Ein weiterer Grund eures
Erfolges, neben der Musik, liegt wohl auch in der
komplexen Logenarbeit. Sie scheinen Dreh- und
Angelpunkt für die Außendarstellung von Merciful
Nuns. Was genau hat es mit den auf der gesamten
Welt existierenden Logen auf sich? Das Ganze
erinnert doch stark an die Freimaurerlogen. Zu
Recht?
AS: Ich hatte schon immer eine Affinität zu den
Geheimnishütern des Freimaurertums, bin aber
selber nie ein Mitglied gewesen. Allerdings waren
es Teile meiner Familie, und ich selbst pflege einen
intensiven Kontakt zu Führern der schottischen
Hochloge. Ich muss aber gestehen, dass mir das
Freimaurertum zu überaltert und männerdominiert
ist, als dass ich eine tatsächliche Faszination
entwickeln könnte. Mich reizt eher der Ritus, der
hinter den Freimaurern steckt, und der Weg, den
es zu beschreiten gilt, um „vollkommener“ und
„wissender“ zu werden. Da gäbe es allerdings im
Hinduismus oder fernöstlichen Gegenden noch
weitreichendere Ansätze. Aber das nur nebenbei. Das
Prinzip hinter den Logen ist, ein länderspezifisches
Sprachrohr für die Merciful Nuns zu sein. 21 dieser
Logen in 21 Ländern gibt es zurzeit. Das dürfte in der
Form einzigartig sein. Zumindest für eine Band, wie
wir es sind.
O: In diesem Kontext: Was hat es mit der limitierten
EP 33 Grade auf sich? Der „33. Grad“ ist doch ein
unter Freimaurern gebräuchlicher Begriff für
Vollkommenheit, richtig?
AS: Ja, vollkommen richtig. Erdacht wurde die EP als
Anerkennung, Dank und Ehrerbietung für unsere
Logen in aller Welt. Quasi eine EP exklusiv für den
Inneren Zirkel sowie eine Handvoll Auserwählter, so
der Gedanke dahinter.
O: Auf Meteora nehmt ihr die Hörerschaft mit ins
antike Griechenland. Wovon handelt diese Reise
genau, was erlebt ihr und dadurch eure Fans mithilfe
des Albums?
AS: Na, zuerst mal: Jawa und ich waren im Frühjahr
dort. Insofern haben wir einen direkten persönlichen
Bezug zu den Klöstern in Thessalien. „Meteora“
30 - Orkus!

heißt, aus dem Altgriechischen übersetzt, „sich in
die Höhe erheben“. Man entschwebt allem Irdischen
und vergeistlicht in einer jenseitigen Sphäre. Diese
Metapher war die Grundlage des Albums und somit
auch logischer und einzig möglicher Titel hierfür. Dazu
kommt, dass der Ort an sich wunderschön ist. Unser
Video zu Karma Inn wurde übrigens dort produziert.
Wir sind morgens in aller Frühe zum Dreh, um die
nebelverhangene Atmosphäre einzufangen. Das war
schon ein einzigartiges Erlebnis.
O: Ihr habt also quasi euren Clip an
Originalschauplätzen gedreht.
AS: Die Außenaufnahmen und große Teile der
Hotelszenerie stammen aus Meteora, richtig. Die
griechische Mythologie an sich interessiert mich
allerdings nicht primär. Was mich treibt, ist, den
gemeinsamen Nenner ALLER Mythologien, Religionen
oder sonstigen Glaubensformen hier auf Erden und
über sie hinaus zu finden. Warum glaubt der Mensch
an von Menschen gemachte Geschichten so sehr,
dass am Ende daraus Religionen wurden? Wo sind
Parallelen? Wo gibt es gemeinsame Ursprünge? Wo ist
der Kern der Wahrheit! Und der sieht ganz anders aus,
als man uns glauben machen möchte. Meine Songtexte
entstehen oft aus einer Fragestellung heraus. Wie
wäre es, wenn es keinen Gott gäbe, sondern wir selber
Götter sind? Oder woher kommen wir? Wohin gehen
wir? Warum benutzen wir im besten Falle nur zwei
Drittel unserer Gehirnmasse? Ist die Menschheit ein
Experiment in des großen Baumeisters Labor? Was
ist Raum? Was Zeit? Was ist Unendlichkeit? Und was
kommt nach der Endlichkeit unserer Existenz? Diese
Fragen treiben mich um! Ich versuche, ihnen mit
eigenen Thesen zu begegnen.
O: Wie sehr halten solche Fragestellungen dich selbst
im Denken auch im Bann? Und woher, meinst du,
resultiert das Sinnen der Menschheit darüber?
AS: Ich möchte schlicht wissen, warum wir hier sind,
woher wir stammen und wohin wir gehen. Und ich
gebe mich absolut nicht mit den gängigen religiös
geprägten Erklärungsansätzen zufrieden. Die sind
viel zu einfach, naiv und definitiv vom Menschen
selbst erdacht. Ein neugieriger Mensch erkennt
das sehr schnell und sucht nach Wahrheit. Das ist
kein exklusives Streben meiner selbst. Das ist ein
kollektives Bedürfnis!
O: Hast du für dich eigentlich schon Antworten auf
jene großen Fragen gefunden?
AS: Auch wenn ich mich jetzt hier für den ein oder
anderen entmystifiziere... nein, habe ich nicht. Wie
gesagt, ich versuche, diesen Fragen mit Thesen
zu begegnen. Das Wissen habe ich nicht, aber die
Phantasie, sie zu beantworten, sehr wohl.
www.mercifulnuns.com
Axel Schön
Discographie (Alben):
Lib. I (2010)
Hypogeum II (2011)
Xibalba III (2011)
The Gathering (live, 2012)
Goetia IV (2012)
Goetia V (2013)
Exosphere VI (2013)
Meteora VII (2014)
Line-Up:
Artaud Seth – Gesang
Jawa Seth – Bass
Jón Tmoh – Gitarre
Orkus! - 31

Gründungsjahr: 2010
Herkunftsland: Dänemark, Kopenhagen
Internetseite: www.machineryofjoy.com
Aktuelles Album: On the Verge of Sleep
Line-Up:
Laura Noszczyk – Gesang
Jan Kromann – Bass
Dennis Nicolaisen – Schlagzeug
„Wir können nicht anders.“
Orkus: Schafft ihr es, eure Musik in nur einem Satz auf den Punkt zu bringen?
Machinery of Joy: Experimentell und atmosphärisch, mit melodischem und
betörendem Gesang.
O: Wie ist die Entscheidung für den Albumtitel gefallen?
Laura Noszczyk: Ich las Die Pforten der Wahrnehmung von Aldous Huxley
und stolperte über folgende Sätze: „Auch Schlafmittel erzeugen bei mir
keine Visionen, die mich AUF DER SCHWELLE DES EINSCHLAFENS in Empfang
nehmen. Erinnerungen bieten sich mir nicht als lebhaft wahrgenommene
Bilder oder Gegenstände dar.“ Mir gefiel dieser Ausdruck, und ich dachte
sofort, dass er viele der Lieder ziemlich gut beschreiben würde. Lamia und
Limbo zum Beispiel haben etwas Träumerisches oder Albtraumhaftes zum
Thema, und Comatose Puppet erzählt von einem Jungen, der sich wünscht, im
Koma zu liegen, anstatt wach zu sein. Und wir alle kennen das Gefühl an der
Schwelle des Schlafs.
O: Was schätzt ihr, welche zwei Songs live besonders gut ankommen werden
– und wovon handeln diese?
MoJ: Lamia und Solar Storm finden bei Konzerten meist ziemlichen Anklang.
Beide sind lange, melodische Stücke, die sich während des Vortrags
dynamisch verändern. Lamia dreht sich um die gleichnamige Figur aus
der griechischen Mythologie, die einer Schlange ähnelt und Babys isst. In
unserem Lied holt sie die Kinder nachts, aber sie müssen nur ihre Augen
öffnen, damit sie verschwindet. „Sonnenstürme“ hat die Welt schon früher
erlebt, und in unserem atmosphärischen Solar Storm geschieht es wieder,
was der modernen Zivilisation Probleme bereitet. Der Track greift auf das
Jahr 1859 zurück: Damals ereignete sich ein geomagnetischer Sturm, auch
als Carrington-Event bekannt. Die Wahrscheinlichkeit für einen weiteren
solchen Sturm in nächster Zeit liegt bei ungefähr zwölf Prozent... es könnte
also passieren!
O: Was motiviert euch jedes Mal aufs Neue, Musik zu machen?
MoJ: Wir können nicht anders. Wir drücken uns gerne durch Musik aus, und
es ist uns schlicht unmöglich, keine zu machen. Außerdem braucht die Welt
experimentelle Musik von hoher Qualität; deshalb geben wir unser Bestes, ein
Niveau zu erreichen, das sowohl uns als auch das Publikum zufriedenstellt.
O: Welche „alten Helden“ würdet ihr euch zurück ins Studio wünschen?
MoJ: Can, The Doors, Suicide.
O: Was wolltet ihr in der Öffentlichkeit schon immer mal sagen?
MoJ: Wir scheuen uns nicht, Dinge laut auszusprechen, und denken,
dass jeder seine Meinung äußern dürfen sollte, egal worum es geht.
Die Öffentlichkeit hat gehört, was wir zu sagen haben, nichts bleibt ein
Geheimnis.
O: Was ist in der Regel eure Schlafenszeit? Und was eure kreative
Schaffenszeit?
MoJ: Vorzugsweise spät. Jan ist rund um die Uhr kreativ, verbringt viel Zeit
mit einem Instrument oder am Computer, entwickelt dauernd neue Ideen.
Für Laura sind Radtouren oder Spaziergänge durch die (nächtliche) Stadt
eine gute Inspiration zu Texten und Songs.
O: Was seht ihr, wenn ihr aus eurem Wohnzimmerfenster schaut? Und was
würdet ihr gerne sehen?
MoJ: Wir sehen einen Kindergarten mit einem einsamen Baum, eine
Menge Autos, Gebäude und ein Stückchen Himmel. Es wäre schön, einen
Blick aufs Meer zu haben, aber um uns den leisten zu können, müssten wir
uns selber untreu werden und eine total andere Art von Musik machen –
für die Masse, nicht für wenige.
O: Was möchtet ihr mit eurer Musik gerne erreichen?
MoJ: Wir möchten Menschen bewegen und ihnen ein Erlebnis bieten,
das sie noch nie hatten. Wir wollen keine Nachahmer sein; stattdessen
versuchen wir mit Sounds und Genres zu experimentieren... und hoffen,
ein aufgeschlossenes Publikum zu finden.
O: Mit welchem Essen kann man euch glücklich machen?
MoJ: Schokolade, Chips, Pizza und leckere Gemüsegerichte machen uns
glücklich.
O: Was sind die Pläne für die nächsten drei Monate?
MoJ: Wir werden mehr neue Lieder schreiben, sodass genug zur Auswahl
stehen, wenn wir 2015 das Studio entern und unser nächstes Album
aufnehmen. Wir haben unseren Sound ein kleines bisschen verändert,
probieren also viele Sachen aus. Wir müssen auch einen neuen Gitarristen
finden, weil für 2015 wieder eine Tour geplant ist. Unsere Hoffnung ist, in
Deutschland und eventuell noch ein paar anderen europäischen Ländern
spielen zu können.
O: Wem möchtet ihr eure Musik nun ganz besonders empfehlen?
MoJ: Aufmerksamen Hörern, die Geduld mitbringen und sich Zeit nehmen.
Unsere Musik funktioniert nicht gut als Hintergrund- oder Partybeschallung,
doch offenen Ohren bietet sie einzigartige Erfahrungen.
32 - Orkus!

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EINLASS 19.00
BEGINN 20.00
TICKETS JETZT SICHERN: WWW.ALTESEILEREI-MANNHEIM.DE
ANGELSTR. 33 (ZUFAHRT „ALTE SEILEREI 1“) | MANNHEIM-NECKARAU | WWW.ALTESEILEREI-MANNHEIM.DE | WWW.FACEBOOK.COM/ALTESEILEREI
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„Wir änderten den Namen
und löschten alle Spuren...“
Nur ein Jahr nach ihrem offiziellen Debut legen die melodischen US-Deather Starkill bereits den Nachfolger
Virus of the Mind vor. Gründungsmitglied Parker Jameson erzählt von seinem ungewöhnlichen Hang zu
europäischen Bands, seiner Liebe für Hair Metal und warum er so gerne Opfer bringt.
34 - Orkus!

Orkus: Beginnen wir mit der offensichtlichsten Frage: Was
genau ist der titelgebende „Virus of the Mind“?
Parker Jameson: Laut der ursprünglichen Idee von Richard
Dawkins (berühmter britischer Religionskritiker, der unter
anderem Der Gotteswahn und Die Schöpfungslüge schrieb –
Anm.d.Verf.) handelt es sich dabei um die verschiedenen
Religionen. Wir haben uns diesen Grundansatz ausgeliehen
und weitere negative Elemente hinzugefügt, zum Beispiel
Zweifel oder Hass. Ich empfehle jedem, Dawkins’ Essay Viren
im Kopf zu lesen. Er ist zwar relativ kurz geraten, enthält aber
einen Haufen Wahrheiten.
O: Beim Lesen deiner Texte ist mir aufgefallen, dass du das
Wort „sacrifice“, also „opfern“, ziemlich oft verwendest. Es
scheint für dich eine besondere Bedeutung zu haben...
PJ: Das ist mir noch nie aufgefallen, aber es stimmt!
Wahrscheinlich ist das etwas Unterbewusstes. Wenn du
heute eine einigermaßen professionelle Band am Laufen
halten willst, musst du eine Menge Dinge opfern. Diese
Tatsache haben wir in mehreren Songs thematisiert.
O: Kommen wir zur Musik: Sie erinnert häufig an
skandinavische Formationen wie Dimmu Borgir oder
Wintersun.
PJ: Womit du zwei meiner absoluten Favoriten genannt hast.
Dazu zählen aber auch Children Of Bodom, Nightwish oder
Arch Enemy. In diese Richtung tendieren wir ganz klar.
O: Für ein Gespann aus den USA allerdings ziemlich
ungewöhnlich.
PJ: Stimmt, aber wir sind auch keine typischen Metalheads.
(lacht) Ich habe den Metal erst für mich entdeckt, als ich die
Highschool verlassen hatte. Vorher bin ich diesem Genre
regelrecht aus dem Weg gegangen, weil mir nichts, was ich
hörte, gefiel. Doch dann entdeckte ich Children Of Bodom.
Mir war dieser europäische Stil bis dato völlig unbekannt
gewesen, und ich stürzte mich kopfüber hinein, ohne zuvor
all die Legenden zu studieren, wie die meisten Fans es tun.
O: Faszinierend, dass es auch auf diese Weise funktioniert.
Kehren wir zurück zu Starkill: Virus of the Mind erscheint
gut ein Jahr nach eurem Debut. Ist das Material auf dem
Zweitwerk komplett neu, oder habt ihr auch Entwürfe
benutzt, die auf Fires of Life keinen Platz gefunden hatten?
PJ: Ursprünglich hatten wir beim Debut schon zehn Tracks
in der Hinterhand, die für das zweite Album geplant waren.
Doch dann tourten wir viel, außerdem gab es einen Wechsel
im Line-Up, und das änderte die Sache. Wir tauschten viele
Passagen aus, anderes Material fiel gleich hinten runter. Virus
of the Mind enthält rund 70 Prozent neue Kompositionen, die
restlichen 30 Prozent basieren auf Ideen von vor zwei Jahren.
O: Auffällig ist, dass ihr euren Namen innerhalb von sechs
Jahren bereits drei Mal gewechselt habt: von Ballistika
über Massakren zu Starkill. Werbetechnisch nicht gerade
glücklich, oder?
PJ: Das stimmt, aber man muss bedenken, dass unser
mittlerweile ausgestiegener Gitarrist Charlie Federici und
ich verdammt jung waren, als wir anfingen. Ballistika war die
erste echte Band, in der wir spielten. Es war ein Lernprozess.
Immer wenn wir das Gefühl hatten, uns weiterentwickelt zu
haben, änderten wir den Namen und löschten alle Spuren
der alten Band. Starkill bleibt jedoch bestehen, denn
inzwischen wissen wir genau, wie wir klingen wollen.
O: Wobei der Name Starkill eher an eine Hair Metal-Combo
aus den Achtzigern erinnert...
PJ: (lacht) Mag sein, aber ich habe ja nie traditionellen Heavy
Metal, Thrash oder Death gehört. Die Glam Metal-Bands
der Achtziger – wie Mötley Crüe, Racer X oder Steve Vai –
hingegen waren der Grund, warum ich überhaupt zur Gitarre
griff. Sie sind ein wichtiger Einfluss; meinen Soli merkt man
das auch noch sehr deutlich an.
www.facebook.com/StarkillOfficial
Marc Halupczok
Photo: Tom Hane
Discographie (Alben):
Fires of Life (2013)
Virus of the Mind (2014)
Line-Up:
Parker Jameson – Gesang, Gitarre, Keyboard
Tony Keathley – Gitarre, Gesang
Shaun Andruchuk – Bass
Spencer Weidner – Schlagzeug
Es war ein – wenn nicht DER – Wendepunkt des deutschen
Gothic. Samsas Traum, der Szene damals durch vier
polarisierende, faszinierende und andersartige Kunstwerke ein
Begriff, veröffentlichen das musikalische Märchen a.Ura und
das Schnecken.Haus – und stellen von Umfang über Gestaltung
bis hin zu musikalischer und textlicher Ausarbeitung alles in
den Schatten, was es bis dato aus Deutschland zu bestaunen
gab. Die Essenz des Gothic, die Kompromisslosigkeit des
Metal, die zerbrechliche Schönheit der Neo-Klassik und der
Drive des Electro vereinigten sich unter Alexander Kaschtes
wahnsinnigem Genius zu einem Manifest, dessen zehnten
Geburtstag man durchaus feiern darf. Thematisch wie
immer nicht von dieser Welt und ein Hort böser, dunkler,
geheimnisvoller Märchen, machte dieses ausufernde
Konzeptalbum Samsas Traum vom Fleck weg unsterblich.
Und obwohl sich Kaschte schon mit dem drei Jahre später
folgenden Heiliges Herz – Das Schwert Deiner Sonne möglichst
weit von diesem epochalen Werk zu distanzieren versuchte,
ist ihm bis heute bewusst, was er hier geschaffen hat, längst
auch hat er Frieden damit geschlossen. Mal sehen, was sich
der Käferkönig für sein nächstes Album ausdenkt. Erscheinen
soll es bereits im Frühling 2015...
Orkus! - 123
Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts +

„In meiner Kunst kann und darf ich
beides sein, Poet und Philosoph.“
Kaum eine Frau scheint momentan auf so vielen Pfaden erfolgreich zu sein wie sie. Nicht umsonst wird sie von Freunden als „kreativ
hyperaktiv“ bezeichnet, denn das ist Liv Kristine, die trotzdem so sehr auf dem Boden geblieben ist und immer wieder durch ihre
umwerfende und sympathische Art verzaubert. Erst 2013 wurde das jüngste Leaves’ Eyes-Werk veröffentlicht; in unserer Oktober-Ausgabe
berichteten wir von dem brandneuen Projekt The Sirens, welches sie gemeinsam mit Kari Rueslåtten und Anneke van Giersbergen betreibt
– und jetzt steht auch noch ihr fünftes Solo-Album Vervain in den Startlöchern, über das wir natürlich ebenfalls gesprochen haben.
Orkus: Hallo Liv, du hast bereits letztes Mal erzählt, dass du mit Thorsten
„Tosso“ Bauer an dem neuen Material gearbeitet hast und dass das Album
alten Theatre of Tragedy nahekommt...
Liv Kristine: Ich hatte einfach die Vision, meine Erfahrungen aus der
Anfangszeit mit meiner ehemaligen Band
deutlicher einzusetzen. Von daher ist Vervain
ein „Back to the roots“-Album, und es ist
sehr stark von meiner Vorliebe für Doom
Metal, sprich: die Musik, mit der ich durch
den musikalischen Einfluss meiner Eltern
aufgewachsen bin, beeinflusst. Alex hat im
Mastersound Studio einige neue technische
Features in die Produktion mit eingebracht.
Tosso, der die meisten Songs komponiert
hat, ist einfach ein super Komponist. Es ist so
unglaublich erleichternd und toll, wenn eine
Produktion „schmerzfrei“ abläuft.
O: „Vervain“ heißt das Eisenkraut. Wie bist du
auf den Titel gekommen?
LK: Der Titel des Albums entstand ziemlich
am Anfang der Produktion. In meinem
Songtext zum Titellied geht es darum, wie
Liebe als das größte Gefühl aller Gefühle
wie ein Instinkt entstehen kann, aber
gleichzeitig auch so „bitter“ schmecken kann.
Im Mittelalter war das Eisenkraut Bestandteil
vieler Zaubermittel. Es wurde sogar als
Zaubermittel in der Liebe eingesetzt. Kelten,
Germanen, Ägypter, Griechen und Römer
kannten und verehrten diese Pflanze, die
auf den ersten Blick mit ihren kleinen Blüten
ziemlich unscheinbar wirkt. Die Ägypter
nannten die Pflanze „Träne der Isis“, die
Griechen salbten ihre Gesandten mit dem
Kraut ein, und die Römer machten das
Eisenkraut zur berühmtesten Pflanze ihrer
Flora. Mir gefällt sie – sie ist so unscheinbar,
aber trotzdem großartig.
O: Und wie lässt sich diese Thematik am Material wiedererkennen?
LK: Der rote Faden zieht sich durch alle Texte. Es geht um Unscheinbares und
Übernatürliches, um Kontraste und Gegensätze, im Mensch und in der Natur,
genauso wie auch das Coverartwork, welches von Stefan Heilemann gestaltet
wurde. Alles hat seine zwei Seiten, jeder Mensch hat mindestens zwei
Gesichter. Es geht auch um das menschliche Sein und Befinden im universellen
Licht versus Dunkelheit; ein Thema, womit jeder Mensch mindestens ein Mal
im Leben konfrontiert wird. Es geht um Übermenschliches, um den Instinkt
im Mensch und im Tier, um das Überschreiten von Grenzen und Erwartungen.
Oft nehmen meine Texte eine unerwartete Wendung zum Thema oder zum
Ausgangspunkt, um auf einen philosophischen oder gegensätzlichen Weg
abzubiegen. Das Unerwartete, das Gegensätzliche, Dunkelheit versus Licht,
Instinkt versus Gesetz und versus die konventionellen Erwartungen. Das hat
mich immer schon fasziniert. In meiner Kunst kann und darf ich beides sein,
Poet und Philosoph. Diese Freiheit finde ich großartig. Dazu kommt noch ein
Hauch meiner spirituellen Wahrnehmung.
O: Werfen wir doch einen kurzen Blick auf Leaves’ Eyes. Was ist seit dem
Release von Symphonies of the Night geschehen?
LK: Wir haben sehr viel getourt mit dem Album, durch Europa, Asien und
Amerika. Es ist ein unglaublich tolles, aber auch anstrengendes Jahr gewesen,
mit vielen unvergesslichen Momenten mit unseren Fans. Wir werden zu
unserem zehnjährigen Jubiläum ein ganz besonderes Konzert in Wieze,
Belgien beim Metal Female Voices Fest geben. Unsere Fans haben gevotet,
welche Lieder sie live hören wollen. Es werden einige Überraschungen mit
dabei sein, mit tollen Gästen, besonderen
Live-Effekten und einem großartigen
Bühnenbau. Es ist ein einmaliges Konzert
zur Jubiläumsfeier von Leaves’ Eyes. Wir sind
schon alle fleißig am Proben. Gleichzeitig
komponieren Tosso und Alex neue Lieder
für das kommende Album. Das Konzept
steht bereits: Es wird sich um meine Heimat
drehen. Es ist eine großartige Geschichte, die
auf einem wahren Geschehnis basiert.
O: Und dann beginnt ja auch bereits die
Tournee mit The Sirens...
LK: Wir freuen uns schon sehr auf die
kommenden Konzerte. Wir werden definitiv
einige Lieblingsstücke unserer ehemaligen
Bands spielen. Ich werde mit The Sirens
einige Theatre of Tragedy-Songs und Songs
aus meiner Solo-Karriere auf der Setlist
haben. So machen Anneke und Kari es auch.
Wir haben die Sache ganz klar abgesprochen.
Wir werden bald miteinander proben, sprich:
wir treffen uns in Holland in Annekes Heimat.
Drei Bands mitzubringen, wäre überflüssig,
also haben wir uns für eine Handvoll Musiker
entschieden, aber hauptsächlich Annekes
Truppe.
O: Eure Reise ist demnach ein wahrhaftiger
Grund, als treuer Fan der frühen Stunde
noch einmal in die Vergangenheit tauchen zu
können...
LK: Ja, definitiv. Kari, Anneke und ich sind
ja alle drei nicht mehr bei unseren alten
Bands, die wir Anfang der Neunziger mit
unseren Kollegen gegründet hatten. Jeder
hat für sich weitergemacht und eigene neue Bands gegründet, sprich: in der
Zwischenzeit mehr als 20 Jahre Erfahrung gesammelt. Und wir wissen ja, wie
wichtig Erfahrung ist. Ich fühle mich geehrt, dass so viele Metal-Fans immer
noch unsere Bands von damals kennen. Die Anfrage nach der Möglichkeit,
die Songs aus den Neunziger Jahren – damals mit unseren ehemaligen
Bands – wieder live zu hören, ist ständig da gewesen. Nun haben wir uns
entschlossen, genau diesen Wunsch auf den Punkt zu bringen und die Idee,
die eigentlich von unseren Fans stammt, auf die Bühne zu bringen.
O: Wird dich Alex auch begleiten?
LK: Nein, Alex muss dieses Mal leider Haus, Hof und Studio hüten. Ich werde
jemanden anders für die Männerstimme mit dabeihaben. Einige Konzerte
sind schon für 2015 gebucht, also wird nächstes Jahr fleißig weitergehen.
www.livkristine.com
Manuela Ausserhofer
Discographie (Alben):
Deus ex Machina (1998)
Enter my Religion (2006)
Skintight (2010)
Libertine (2012)
Vervain (2014)
36 - Orkus!

„Das Ausmaß dieser Taten ist gewaltig.“
Es wird sie immer geben – die ewigen Unkenrufer. Menschen, die der Meinung sind, dass [:SITD:] wohl auch mit ihrem neuen Werk
Dunkelziffer eigentlich nur ihr Debut Stronghold zum wiederholten Male veröffentlichen. An sich eine unschöne und vor allem falsche
Meinung, aber zum Glück keine, welche die Jungs großartig aus der Reserve zu locken vermag.
Tom Lesczenski: Während die einen eine fehlende Weiterentwicklung
beklagen würden, beschweren sich andere gern mit den Worten „Früher
waren die besser“, wenn eine Band dann doch eine etwas andere Richtung
einschlägt. Man kann es also nicht allen recht machen. Wenn wir tatsächlich
abermals Stronghold veröffentlicht hätten, käme bei uns als Musikern der
Spaß und die eigene Kreativität erheblich zu kurz, und wir würden jetzt auch
nicht bereits unser sechstes Album herausbringen, weil das ja irgendwann
keiner mehr hören möchte. Mit einem Album voller Drum’n’Bass oder
gitarrenlastigem Industrial Metal würden wir unsere Fans ebenfalls vor den
Kopf stoßen, und das wären dann auch nicht mehr wir, sondern [:SITD:] in
einer Verkleidung. Die Wahrheit liegt also irgendwo in der Mitte.
Orkus: Und die wäre?
TL: Wir legen Wert auf Authentizität und haben unseren eigenen Sound und
unsere eigene Sprache gefunden. Wir wissen, wie wir klingen wollen. Auf
dieser Grundlage entwickeln wir unsere Musik weiter. Wichtig ist uns, dass
wir unser Publikum mitnehmen und die Entwicklungsschritte nachvollziehbar
bleiben.
O: Das bleiben sie, da auf Dunkelziffer mehr Midtemponummern, aber
weniger Hardfloor- oder Noise-Anleihen als noch auf ICON:KORU zu finden
sind. Dafür habt ihr ordentlich mit der Atmosphäre geklotzt und wiederholt
ruhige, eher orchestrale Tracks einfließen lassen.
TL: Die Midtemponummern sind schon immer ein Schwerpunkt auf
allen unseren Alben gewesen. Von diesem Grundgerüst aus begeben wir
uns immer wieder auf die Reise und unternehmen Ausflüge in andere
musikalische Gefilde. Auf dem Vorgänger war zum Beispiel das Industriallastige
und noisige Dark Defender ein für uns eher untypischer Song. Das
haben wir aber nun schon auf dem letzten Album gemacht und haben uns
stattdessen wieder mehr auf unsere atmosphärischen Seiten besonnen. Erst
dadurch wird Dunkelziffer zu einer homogenen und komplexen Einheit, aus
deren Quell sich eine finstere und unheilvolle Stimmung entlädt und über
38 - Orkus!

das ganze Album aufbaut. Es ist sicherlich das dunkelste und morbideste
Werk unseres bisherigen Schaffens geworden. Mit dem Titelstück und
Memorandum finden sich aber auch Songs, die in einem höheren BPM-
Bereich angesiedelt sind und mit Hardfloor-Anleihen aufwarten. Das
sind auch zwei Songs, die uns neben anderen diesmal die Entscheidung
für eine Single wirklich schwer gemacht haben. Da uns aber das Thema
des Titelstücks besonders am Herzen lag, haben wir uns für Dunkelziffer
entschieden, zu welchem es von Boris May (Klangstabil) auch ein
Musikvideo geben wird.
O: Dann sagt uns doch einfach mal, warum euch Dunkelziffer so am
Herzen liegt und wo der rote Faden auf dem Album zu finden ist.
Carsten Jacek: Der Begriff „Dunkelziffer“ stammt aus der Kriminologie,
man versteht darunter das Verhältnis zwischen der Zahl der statistisch
ausgewiesenen und der wirklich begangenen Straftaten. Die Dunkelziffer
beschäftigt sich mit dem Dunkelfeld jener Taten, die weitestgehend
im Verborgenen bleiben. Man sieht sich heute durch repräsentative
Befragungen in der Lage, in gewissem Rahmen die Dunkelziffer zu
schätzen und das Dunkelfeld aufzuhellen. Eine exakte Aufklärung ist
jedoch logischerweise nicht möglich. Wir beschäftigen uns auf dem Album
also mit all den Dingen, die im Verborgenen liegen. Wir graben nach ihnen
und bringen unsere Funde und Erkenntnisse an die Oberfläche, um sie
mit unserem Publikum zu teilen. Wir möchten Denkanstöße geben, auf
Missstände hinweisen und ein Problembewusstsein entwickeln. Konkret
geht es beim Titelsong beispielsweise um den sexuellen Missbrauch
von Kindern durch sogenannte Würdenträger der römisch-katholischen
Kirche. Das Ausmaß dieser Taten ist gewaltig. Erneut in die Schlagzeilen
geraten ist das Thema jüngst, nachdem die katholische Kirche eine
Missbrauchsstudie, die sie 2011 in Auftrag gab, im Januar 2013 gestoppt
hat. Der mit der Studie betraute Kriminologe Professor Pfeiffer monierte,
dass „das Projekt an den Zensur- und Kontrollwünschen der Kirche
gescheitert“ sei. Ein ungeheuerlicher Vorgang und Grund genug, dass wir
uns mit dem Thema auseinandergesetzt haben.
O: Der Missbrauch in der katholischen Kirche wird aber bestimmt nicht
die einzige Dunkelziffer gewesen sein, die ihr ausgegraben habt, oder?
CJ: Nein, diese Missbrauchsthematik war die Initialzündung, und daraus
sind dann die weiteren Songs und deren Inhalte entstanden. Santa Muerte
handelt beispielsweise von den Femiziden in Mexiko, also der Gewalt an
Mädchen und Frauen mit Todesfolge. Allein in der im Norden Mexikos
gelegenen Stadt Ciudad Juárez sind zwischen 1993 und 2009 740 solcher
Femizide begangen worden. Die Dunkelziffer ist jedoch ungleich höher.
Die Opfer werden entführt, gefoltert und zumeist nach einigen Tagen
bis einigen Wochen gefesselt auf Brachflächen außerhalb der Stadt
abgelegt. Die Leichen weisen in der Regel Spuren von Gewaltanwendung
auf, manche Leichen wurden enthauptet oder verstümmelt. Wegen der
geringen Aufklärungsquote wird vermutet, dass Polizisten und Beamte
höherer Verwaltungsebenen sowie eigens für die Aufklärung der Morde
eingesetzte Personen in die Mordserie an Frauen im Grenzgebiet zu
den USA direkt verwickelt sind. Der Song Autoaggression beschäftigt sich
wiederum mit selbstverletzendem Verhalten, von dem in Deutschland
zwischen 600.000 und 1,2 Millionen Menschen betroffen sind. Und
dennoch findet in der Öffentlichkeit fast eine Tabuisierung dieses
Verhaltens statt, die diesem Massenphänomen nicht gerecht wird.
Dadurch wissen dann leider auch viele autoaggressive Personen nicht,
dass es die Möglichkeit einer Psychotherapie gibt. Je früher mit der
Therapie begonnen wird, desto größer sind die Chancen einer Heilung.
O: Da bekommen die Zahlen auf dem Cover gleich eine ganz andere
Dimension...
CJ: Ja, jede Zahl auf dem Frontcover symbolisiert ein Opfer. Mal ist die Zahl
gut leserlich, manchmal verschwimmt sie im Hintergrund, teilweise bis zur
Unkenntlichkeit. Das heißt, die eine Tat ist präsenter, sie wurde entdeckt
und an die Oberfläche gebracht. Die andere gerät schon in Vergessenheit
oder liegt noch im Verborgenen. Wenn wir es mit dem Album schaffen,
dass sich der eine oder andere mal in seine Mitmenschen hineinversetzt,
wären wir froh. Dazu bedarf es eines ausgeprägten Vermögens, von
sich selbst gänzlich abzusehen, um sich in die Situation des Gegenübers
hineinzufühlen und dessen Probleme, Nöte und Sorgen zu verstehen.
www.sitd.de
Lars Schubert
Discographie (Alben):
Stronghold (2003)
Coded Message:12 (2005)
Bestie:Mensch (2007)
Rot (2009)
ICON:KORU (2011)
Dunkelziffer (2014)
Line-Up:
Carsten Jacek – Gesang, Texte
Thomas „Tom“ Lesczenski – Musik, Programmierung, Gesang
Francesco „Frank“ D’Angelo – Keyboard
Donnerwetter, auch schon wieder fünf Jahre her: Mitte 2009
kehrten VNV Nation mit Of Faith, Power and Glory gewohnt
erstklassig zurück. Obwohl nur zwei Jahre nach Judgement
veröffentlicht, zeigten sich Ronan Harris und Mark Jackson
hier abermals gewandelt und schafften es, ihre rohe und
brodelnde Electro-Expertise mit ausladenden, sphärischen
und warmen Arrangements zu verzieren und VNV Nation
einmal mehr zur Galionsfigur emotional-tanzbarer Musik
zu machen. So episch wie das Cover und das orchestrale
Intro, so wirkungsvoll und zeitlos ein Track wie Sentinal,
der erneut staunen ließ und in den Clubs der Welt für
Furore sorgte. Griff das Duo mit dem Albumtitel jene
drei Dinge auf, die jeder Mensch wünscht, welche aber
das größte Zerstörungspotenzial überhaupt besitzen,
demonstrierte es bei der folgenden ausgedehnten Tour
mehr denn je, dass sein Sound für die Bühne geschaffen
ist. In gewisser Weise gelang damit genau zehn Jahre nach
dem wegweisenden Meisterwerk Empires ein ähnliches
Kunststück: unbedingte Weiterentwicklung, die tatsächlich
kein enttäuschtes Gesicht zurückließ. Und das muss man
den Herren erst mal nachmachen.
Orkus! - 123
acts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Fa

„Ich würde die Menschen wissen lassen,
dass sie lieber mir
den Heiligen Krieg erklären sollten.“
Nicht nur das Wolfszeit Festival im thüringischen Crispendorf war für Askeroth, Frontmann der deutschen Dark Metal-Band Nachtblut,
ein „erinnerungswürdiges Highlight“ in diesem Sommer, sondern auch die Fertigstellung des neuen Albums Chimonas. Darauf tritt das
Gespann kälter, rauer und wüster in Erscheinung als je zuvor. Sollten sich die Hörer also besser warm anziehen? Wir fragten nach.
Orkus: Über welchen Zeitraum und mit welcher Zielsetzung ist Chimonas
entstanden?
Askeroth: Es lässt sich nicht genau sagen, wie lange wir am Album gearbeitet
haben, da einige Songs mehrere Jahre, andere erst ein paar Monate alt sind.
Interessanterweise hat aber keines der aufgegriffenen Themen jemals seine
Aktualität verloren. Nachdem wir uns auf Dogma recht „glatt“ und „sauber“
präsentiert haben, wollten wir dieses Mal in die rohere, brachialere Richtung
gehen. Ich denke, das ist uns auch hörbar gelungen!
O: Sind Nachtblut beim Songwriting eine demokratische Band, oder hat einer
stets das letzte Wort?
A: Es hat eher jemand das erste Wort. Ich komponiere die Songs und stelle
sie der Band vor, und dann kann jeder sagen, was ihm gefällt oder nicht, um
gegebenenfalls Änderungen daran vorzunehmen.
O: Wie viel Diskussionsbedarf herrschte im Studio?
A: Gar keiner! Diskutiert wird vorher. Jeder von uns ging alleine ins Studio
und erledigte seine Aufgabe. Wer im Studio diskutieren muss, hat wohl zu viel
Geld und Zeit und/oder Probleme.
O: Wer hat produzententechnisch mitgemischt?
A: Dieselbe Person, die auch auf Antik und Dogma mitgemischt hat: Ingo
Hampf, Gitarrist und Komponist von Subway to Sally. Durch die vorherige
Zusammenarbeit kannten wir uns schon sehr gut, und so wusste Ingo genau,
was wir wollten. Wir mussten uns also nicht erst kennenlernen und schauen,
wie der andere jeweils tickt.
O: Hinter Chimonas verbirgt sich das griechische Wort für „Winter“. Müssen
wir uns warm anziehen beim Hören der CD?
A: Mal davon abgesehen, dass die Themen und Lieder kaltherzig und kalt
klingen, beinhaltet auch das komplette Artwork eine winterliche Atmosphäre.
Der Winter an sich wird im Titelsong behandelt. Ansonsten gibt es noch im
Song Wien 1683 eine kurze musikalische Anspielung auf Antonio Vivaldis Der
Winter (1. Satz), der in Wien starb.
O: Würde Nachtblut auch mit komplett griechischen Texten funktionieren?
A: In Griechenland schon. Wir haben auf Antik einen Song komplett in
Griechisch gehalten. Der funktioniert meiner Meinung nach nur deshalb, weil
es den Song von uns auch in Deutsch gibt: Gedenket der Toten. So versteht
man bei der griechischen Version zwar kein Wort, weiß aber trotzdem,
worum es geht.
O: Das kühl gestaltete Cover von Chimonas ruft Erinnerungen an die Göttin
Kali aus der indischen Mythologie wach. Welche Idee steckt dahinter?
A: Wir wollten mit dem Cover eindeutig klarmachen, dass hier ein „Gott“
– in unseren Augen „Der Gott“ – dargestellt wird, zynischerweise weiblich.
Wenn man sich das Cover ansieht, wird man feststellen, dass dieser Gott
auf diverse Religionen anspielt: der Goldene Apfel (Islam), der Dornenkranz
(Christentum) et cetera. Für uns geht mit den Religionen auch Zerstörung
und Tod einher; man muss sich nur mal in der Welt umschauen. Natürlich
darf das Album auch als Kampf gegen den (kaltherzigen) „Gott“ und damit als
Krieg gegen alle Religionen angesehen werden.
O: Welche Rolle spielen für Nachtblut grundsätzlich Themen wie „Religion“
und „Mythologie“?
A: Religion spielt auf allen Alben eine große Rolle, da wir oft aktuelle politische
oder sozialkritische Themen religiös verpacken. Der neue Song Gotteskrieger,
den ich übrigens vor der ganzen Islamic State-Geschichte geschrieben habe,
bringt es so ziemlich auf den Punkt: ein sehr aktuelles Thema, basierend auf
einem Buch, das vor 1.400 Jahren geschrieben wurde. Gleiches gilt für Töte
mich, wo es unter anderem um den Eid des Hippokrates geht, der ungefähr
2.400 Jahre alt ist. Ketzer – zu finden auf unserem Debutalbum – erzählt die
Geschichte eines Menschen im Mittelalter, der die Existenz Gottes negiert
und daher der Ketzerei schuldig gesprochen wird.
O: Existiert deiner Meinung nach eine höhere Intelligenz?
A: Wenn du damit die Existenz von intelligentem Leben irgendwo im
Universum meinst, dann: ja, da es, rein statistisch betrachtet, sehr
unwahrscheinlich ist, dass nur auf einem einzigen Planeten intelligentes
Leben entstanden ist. Wenn du damit hingegen eine höhere Macht etwa wie
Gott meinst, dann: bedingt – aber nicht im traditionellen Sinn. Religionen sind
eine Krankheit in den Köpfen der Menschen, die es auszumerzen gilt.
O: Eines der neuen Stücke heißt Wie Gott sein. Was würdest du tun, wenn du
einen ganzen Tag lang Gott wärst?
A: Ich würde die Menschen wissen lassen, dass ich sie hasse und dass sie
lieber mir den Heiligen Krieg erklären sollten.
O: Märchen lautet ein weiterer der neuen Titel. Welches Märchen ist dein
Favorit aus Kindheitstagen?
A: Ich bin mit griechischer Mythologie und griechischen Märchen
aufgewachsen. Ikarus gehört zu meinen Favoriten, daher gibt es auch einen
Song namens Sturz des Ikarus auf unserem Album Antik. Von deutschen
Märchen habe ich hingegen wenig Ahnung, sodass ich für Märchen
recherchieren musste.
O: Gesanglich wechselst du zwischen einem Flüstern, tiefen Growls und
aggressiven Schreien. Wie hältst du deine Stimmbänder fit?
A: Gar nicht, da ich sie nicht oder kaum benutze. Ich „singe“ größtenteils
guttural, was bedeutet, dass ich von meiner „Stimme“ keinen Gebrauch
mache – lediglich bei einigen cleanen Vocals, aber die fallen ja nicht ins
Gewicht.
O: Was erwartet die Zuschauer auf eurer kommenden Tour mit Varg?
A: Optisch werden wir uns in einem vollkommen neuen Gewand
präsentieren. Auch werden wir das eine oder andere neue Element in unsere
Show einbauen. Musikalisch wird es dann natürlich auch etwas härter auf der
Bühne zugehen; jedenfalls verspreche ich mir das von den neuen Songs. Wir
freuen uns alle sehr darauf, die neuen Stücke live präsentieren zu können.
www.nachtblut.com
Lea Sommerhäuser
Discographie (Alben):
Antik (2011)
Dogma (2012)
Chimonas (2014)
Line-Up:
Askeroth – Gesang
Greif – Gitarre
Trym – Bass
Lymania – Keyboard
Skoll – Schlagzeug
Orkus! - 41

„Das Verlangen,
etwas zu berühren,
das sich nicht berühren lässt.“
Mit Suspended At Aphelion feiern die Epic Metaller ihr 25-jähriges Jubiläum. Bandkopf Tom Phillips parliert über die DNA
von While Heaven Wept, seine unendliche Reise zu den Sternen und erklärt, warum Landkarten nichts nützen.
Orkus: Suspended At Aphelion ist in meinen Augen
euer bis dato progressivstes Album. Würdest du mir
da zustimmen?
Tom Phillips: Auf jeden Fall. Und das gleich auf
mehreren Ebenen. Die Struktur der Musik ist
ziemlich aufwändig, die technischen Ansprüche sind
verdammt hoch. Allein die Harmonien haben es in
sich. Daneben haben wir textlich zum ersten Mal
ein Konzeptwerk geschrieben. Die vorherigen Alben
hatten zwar alle ein Oberthema, aber wir haben noch
nie eine einzige, fortlaufende Geschichte erzählt.
Doch es gibt noch mehr Premieren: Wir hatten zum
ersten Mal Gastmusiker an Bord, setzten erstmals
echte Streicher ein und arbeiteten mit Percussions.
Das ist für uns ziemlich aufregend, auch wenn wir
schon ein Vierteljahrhundert existieren.
O: Auf der anderen Seite seid ihr wie eh und je sehr
melodisch unterwegs. Wie schafft ihr es, die Balance
zwischen Eingängigkeit und Anspruch zu wahren?
TP: Das liegt meiner Meinung nach in der While
Heaven Wept-DNA begründet. Wir sind mit AOR,
New Wave und der New Wave of British Heavy
Metal aufgewachsen, dazu kamen progressive
Formationen. Wir starteten unser Projekt, als sich
extreme Bands anderen Einflüssen öffneten. Als
Beispiel nenne ich Dead Can Dance oder This Mortal
Coil, die Richtung Klassik tendierten. Suspended At
Aphelion ist das Ergebnis all dieser Einflüsse, gemischt
mit echten Emotionen und Erlebnissen, die wir im
Alltag sammeln. Dazu kommt unser Anspruch, auch
extreme Passagen möglichst eingängig zu gestalten
und mit Harmonien auszustatten.
O: Das Album besteht aus einem einzigen,
40-minütigen Song, den ihr in elf Teile gestückelt
habt. Manche Übergänge wirken relativ willkürlich –
warum diese Unterteilung?
TP: Tatsächlich handelt es sich bei Suspended At
Aphelion um ein episches Lied. Die Untertitel der
verschiedenen Parts sollten ursprünglich nur der
Band als Orientierungshilfe dienen. Irgendwann
stellten wir fest, dass diese Einteilung auch für
den Hörer Sinn ergibt. Denn es sind elf Parts,
die verschiedene Emotionen transportieren. Das
Spektrum reicht von hell bis zu sehr, sehr dunkel,
von Hoffnung bis Verzweiflung. Die Titel der „Kapitel“
stammen von unserem Sänger Rain. Er meinte, dass
42 - Orkus!

die Fans ihre Lieblingspassagen so schneller
finden könnten, was ich einleuchtend fand.
O: Du hast ja bereits erwähnt, dass Suspended
At Aphelion ein Konzeptwerk darstellt. Lass
uns doch mal ein bisschen näher auf die Texte
eingehen.
TP: Wie bei all unseren Alben, dreht es sich
um eine vertonte Reise. Es ist ein weiteres
Kapitel meines „Hörtagebuchs“, in welchem
ich persönlich Erlebtes verarbeite. Aber wir
verwenden viele Metaphern und Anspielungen.
Aphelion ist der am weitesten von der Sonne
entfernte Punkt. Es handelt sich also um einen
dunklen und kalten Ort ohne Hoffnung auf
Erlösung. Die Sonne kann für den Hörer alles
Mögliche sein, vom metaphysischen Ansatz
über die romantische Vorstellung bis hin zum
spirituellen oder intellektuellen Platzhalter. Sie
symbolisiert das, was man erreichen kann, auch
wenn das Ziel unendlich weit weg erscheint.
Vielleicht ist die Sonne nicht unerreichbar,
aber manchmal eben weiter entfernt, als wir
angenommen haben. Und sie steht für das
Verlangen, etwas zu berühren, das sich nicht
berühren lässt.
O: Ähnlich mystisch wie die Texte ist auch das
Cover, bei dem sich allenfalls erahnen lässt, was
die Intention hinter diesem Bild war...
TP: Es stammt von dem Brasilianer Gustavo
Sazes. Um ihn nicht zu sehr zu beeinflussen, habe
ich nur einige grobe Anhaltspunkte gegeben. Es
sollte ein durch und durch abweisender Ort im
All sein. Und er hat es wunderbar umgesetzt.
Noch wichtiger ist mir allerdings die antike Karte,
auf der die Himmelsrichtungen zur Orientierung
fehlen. Das heißt: selbst mit der Karte bist du
verloren. Eine bessere Entsprechung für das
Album gibt es nicht.
www.whileheavenwept.com
Marc Halupczok
Photo: Craig Hunter Ross
Discographie (Alben):
Sorrow of the Angels (1998)
Chapter One: 1989–1999 (Compilation, 2002)
Of Empires Forlorn (2003)
Vast Oceans Lachrymose (2009)
Triumph : Tragedy : Transcendence (live, 2010)
The Arcane Unearthed (Compilation, 2011)
Fear Of Infinity (2011)
Suspended At Aphelion (2014)
Line-Up:
Rain Irving – Gesang
Scott Loose – Gitarre
Tom Phillips – Gitarre, Keyboard, Gesang
Jim Hunter – Bass, Gesang
Michelle Schrotz – Keyboard, Gesang
Jason Lingle – Keyboard, Gesang
Trevor Schrotz – Schlagzeug
Die Anfänge von Deine Lakaien liegen bei Erscheinen dieser
Ausgabe exakt drei Dekaden zurück. Im Herbst 1984 begann ein
gewisser Ernst Horn an einigen Stücken zu basteln, die mit seiner
bisherigen Arbeit als Kapellmeister am Badischen Staatstheater in
Karlsruhe sowie Theaterpianist und Komponist am Bayerischen
Staatsschauspiel wenig gemein hatten. Vielmehr reflektierten
sie die Faszination, welche die musikalische Avantgarde des 20.
Jahrhunderts auf den talentierten Künstler ausübte. Horn hatte
jedoch ein Problem: ihm fehlte ein geeigneter Sänger. Was tat
man in Zeiten, in denen vom Internet, geschweige denn sozialen
Netzwerken, noch keine Spur war? Man schaltete eine gute alte
Annonce! „Suche experimentierfreudigen Sänger“, lautete sie
schlicht, führte aber dazu, dass sich Alexander Veljanov bei Ernst
Horn meldete. Die zwei trafen sich Anfang 1985 in München,
verstanden sich auf Anhieb prächtig und gründeten kurz darauf
Deine Lakaien. Ihre 16 Jahre Altersunterschied, sagte Veljanov
später, seien vom Tisch gewesen, sobald sie über Musik zu reden
begannen. Tja, so einfach kann es manchmal sein. Bleiben wir
gespannt, was sich dieses Ausnahmeduo zum Bandjubiläum 2015
alles einfallen lässt.
Photo: Claus Müller
Orkus! - 123
cts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Fa

Gründungsjahr: 2006, aktuelle Besetzung seit 2013
Herkunftsland: Saarland
Internetseite: www.substance-of-shade.com
Aktuelles Album: confessions
Line-Up:
Kaiyou – Gesang
Daniel – Gitarre
Fat Bob – Keyboard, Programmierung
„... und am Schluss ist einer tot.“
Orkus: Schaffst du es, eure Musik in nur einem Satz auf den Punkt zu bringen?
Kaiyou: Wir erzählen lustige, romantische und kurzweilige Geschichten, und
am Schluss ist einer tot.
O: Wie ist die Entscheidung für den Albumtitel gefallen?
K: Das ergab sich quasi von selbst. Wie gesagt, behandeln die Songtexte
in irgendeiner Weise einen Tod. Die Rahmenbedingungen zu erläutern, sie
letztendlich auf Papier zu bringen und den, sagen wir mal: „Tathergang“ zu
verbalisieren, ist im Grunde nichts anderes als ein Geständnis. Da wäre es
ja blöd gewesen, das Album nicht confessions zu nennen. Dass nicht immer
ein stumpfer Gegenstand, eine Schusswaffe oder ein anderes gewöhnliches
Mordwerkzeug zum Einsatz kam, sondern Fangzähne, Datenbanken oder
Zauberei, um nur einige zu nennen, wird von den Liedern genauso erzählt wie
das entsprechende Motiv, das Opfer, der Zeitpunkt und die Vorgeschichte. Es
werden weiße Hasen durchs Wunderland gejagt und der ehemalige Geliebte
von der Königin der Finsternis heimgesucht. Manchmal stirbt auch gar
keiner, sondern es ist viel schlimmer. Wenn man diesem Geständnis seine
Aufmerksamkeit widmet, kriegt man es schon raus.
O: Was schätzt du, welche zwei neuen Songs live besonders gut ankommen
werden – und wovon handeln diese?
K: Meine persönlichen Favoriten sind Queen of the Gloom und Crimson Kiss.
In Queen of the Gloom geht es um einen Verrat durch den Liebsten und die
Konsequenzen für ebendiesen. Er hätte sie gut genug kennen müssen, um
zu wissen, dass man ihre Hinweise besser beachtet, wenn man sie für ein
letztes Lebewohl in der Finsternis aufsucht. Jetzt hat er ein Problem. Da es
aus der Sicht der Frau geschrieben ist, lässt sich schön viel Ausdruck in den
Gesang legen. Mit den breiten Gitarren kommt das live, glaube ich, sehr gut
rüber. Crimson Kiss handelt sehr offensichtlich von einem Vampir, aber vor
allem ist es eine coole Rocknummer, die sehr nach vorne geht. Da muss
man als Zuhörer zumindest mit dem Fuß wippen. Das und das „Scheiß auf
Sonnenlicht“-Thema machen den Song auf jeden Fall zu einem der besten
live.
O: Was motiviert dich jedes Mal aufs Neue, Musik zu machen?
K: Mein Kopf, haha. Manchmal sitz’ ich im Auto oder in der Bahn oder bin
beim Einkaufen oder am Blumengießen, und irgendeine Synapse entscheidet
sich, völlig unzusammenhängend eine Idee in meinen Kopf zu schmeißen.
Irgendeine Geschichte, die ich noch erzählen muss. Zack! Dann lasse ich
alles stehen und liegen und schreibe sofort los, bevor es wieder weg ist.
Üblicherweise ist das nicht die Fassung, die dann auf der CD zu hören ist, das
entwickelt sich zwischenzeitlich noch. Aber das Thema steckt wie ein Dorn
in meinem Hirn, und nur wenn ich ’nen Song daraus mache, kann ich ihn
rausziehen.
O: Welche „alten Helden“ würdest du dir zurück ins Studio wünschen?
K: Das hängt von den Möglichkeiten ab. Wenn ich nur Geld, Frauen und
Charme zur Überzeugungsarbeit brauche, hätte ich gern Akira Yamaoka für
das kommende Silent Hills von Hideo Kojima und Guillermo del Toro am Start.
Zu Malice Mizer würde ich auch nicht Nein sagen. Bei der zweiten Kategorie
wird es schon schwieriger, da brauche ich wohl ’ne Schaufel, Klebeband und
Herrn Frankenstein an meiner Seite. Dann würde ich kackendreist Johann
Sebastian Bach, hide und Édith Piaf ausbuddeln und Elvis, aber der lebt ja,
glaube ich, eh noch... Die könnten dann gleich mal zu viert ’ne Band machen.
O: Was wolltest du in der Öffentlichkeit schon immer mal sagen?
K: Ich HASSE Auberginen! Egal ob sie gebacken oder frittiert oder mit
Schokolade überzogen sind. Ich hasse sie, seht es endlich ein, Leute!
O: Was ist in der Regel deine Schlafenszeit? Und was deine kreative
Schaffenszeit?
K: Schlaf hängt stark vom Alkoholpegel ab. Oh, und die Schaffenszeit auch.
(lacht)
O: Was siehst du, wenn du aus deinem Wohnzimmerfenster schaust? Und
was würdest du gerne sehen?
K: Wenn ich es erst mal durch das Topfpflanzendickicht geschafft habe, sehe
ich die Fassaden der gegenüberliegenden Häuser, inklusive Brillengeschäft,
Handyladen und Bäckerei. Lieber wäre mir natürlich eine Spielhalle, mit
den ganzen geilen japanischen Automaten, Taiko und beatmania und
Zombiesschießen. Und im obersten Stockwerk ein Curryrestaurant!
O: Was möchtest du mit deiner Musik gerne erreichen?
K: Die Phantasie der Hörer. Dass, wenn auch nur für einen Moment, nur
noch die Musik eine Rolle spielt und Bilder in den Kopf des Zuhörenden
malt. Dass die Leute sich so losgelöst von der Realität fühlen, wie es mir
beim Musikhören geht. Das ist ein überwältigendes Gefühl, das ich gerne mit
jedem teilen würde.
O: Mit welchem Essen kann man dich glücklich machen?
K: Japanisches Curry, Nudelsuppe jeglicher Art, saarländische Mehlknödel,
Bratwurstbällchen und Earl Grey mit Butterkeksen. In der Reihenfolge, bitte.
Und keine Auberginen!
O: Was sind die Pläne für die nächsten drei Monate?
K: Ein paar Konzerte spielen und wahrscheinlich parallel schon an den
nächsten Liedern schreiben. Man wird ja nicht jünger. Und es gibt noch so
viel zu tun. Ich habe eine ganze Schublade voll mit angefangenen Liedern, das
reicht noch für die nächsten zehn Jahre.
O: Wem möchtest du eure Musik nun ganz besonders empfehlen?
K: Jedem, der Geschichten mag. Jedem, der Filmsoundtracks mag. Und jedem,
der sich nicht langweilen will. Die anderen dürfen aber auch mal reinhören.
(lacht)
44 - Orkus!

„Ein klares Bekenntnis
zu meinem Schwarzen Leben...“
Inzwischen ist sie erschienen und bereitet schon vielen neuen wie auch treuen alten ASP-Fans große Freude: die musikalisch,
visuell und in Bezug auf die verwendeten Materialien schwelgerisch schöne Jubiläumswerkschau Per aspera ad aspera aus Anlass
des 15-jährigen Bestehens dieser außergewöhnlichen Band. Nachdem wir bereits in unserer Oktober-Ausgabe mit Asp darüber
sprechen konnten, trafen wir ihn nun zu einem weiteren Interview.
Orkus: Eure „Fan-Edition“ enthält eine Bonus-CD, die unter anderem
mit komplett neuen Liedern aufwartet. Sind diese exklusiv der jetzigen
Veröffentlichung vorbehalten?
Asp: Ja, es gibt neue Stücke. Für das Album habe ich speziell den Titel
Sündige Heilige geschrieben. Lutz und ich hatten eine Menge Spaß bei
der Ausarbeitung dieser Nummer und sofort das Gefühl, dass wir hier
einen neuen Dauergast für unsere Live-Setlist erschaffen haben. Die
Arbeit ging uns leicht von der Hand, und Lutz besitzt mittlerweile ein
unglaublich gutes Gespür für meine vielen Eigenheiten beim Songwriting,
die uns helfen, einen typischen ASP-Song zu erschaffen. Die vielen Jahre
ist bei unserem langjährigen Wegbegleiter Vincent Sorg im Principal
Studio entstanden. Eine völlig neue Erfahrung für mich, denn ich ging
nur mit einem Text, einer Gesangslinie und ein paar Grundakkorden zu
ihm, und dann kreierten wir den kompletten Rest innerhalb von zwei
intensiven Tagen dazu, wie zwei verrückte Professoren im Musiklabor.
Ich hatte ein wenig Angst zu Beginn, weil ich ja ungern meine „Babys“
so komplett in andere Hände geben kann, aber am Ende war es eine
irrsinnig inspirierende und tiefschürfende Erfahrung. Und der Song ist
dann, ebenso wie Sündige Heilige, für mich persönlich ein großartiger
Song geworden. Die vielen Jahre ist ganz, ganz großes Gefühlskino, mit
angenehm überdosiertem Pathos, aber ohne Radiokitsch. Ich bin sehr
begeistert. Dann gibt es noch unsere Cover-Version des Bluegrass-
Klassikers Man of Constant Sorrow. Viele werden den Song vermutlich
in der von Dan Tyminski gesungenen und von George Clooney
dargestellten Version aus dem Film der Coen-Brüder O Brother, Where
Art Thou? kennen. Ich wollte das schon viele Jahre covern, und nun war
der richtige Anlass. Und der Titel spielt auch selbstironisch auf meine
Lebenseinstellung an. Die ein oder andere textliche Anpassung konnte
ich mir nicht verkneifen.
O: Würdest du Sündige Heilige als ASP-Selbstportraithymne bezeichnen,
oder ist es mehr?
Asp: Nun, ich würde es eher als Survivalhymne bezeichnen. Ein wenig
stolz sind wir ja schon, dass es uns noch gibt, trotz aller Hürden, die
uns in den Weg gelegt wurden. Und es ist zugleich ein klares Statement,
dass wir nach all den Jahren das „Anderssein“ noch immer feiern, ein
klares Bekenntnis meinerseits zu meinem „Schwarzen Leben“ und, dass
wir noch nicht genug davon haben, uns einzumischen, klare Worte zu
Missständen in unsere Textwelten einfließen zu lassen. Es findet sich
eine Verknüpfung zum Song Tiefenrausch im Text, die klar aussagt: „Es ist
noch nicht geschafft. Wir haben noch nicht genug erreicht. Wir müssen
es weiter versuchen. Auch wenn es noch einmal 15 Jahre dauert oder
länger.“
O: Die Aussage des abschließenden Die vielen Jahre empfinde ich als
melancholischen Ausklang der Bonus-CD. Ist das in der Quintessenz
auch das Resümee deines persönlichen Rückblicks: Melancholie?
Asp: Melancholie ist, in der richtigen Dosierung genossen, eines der
unterschätztesten Heilmittel für die Psyche, das es gibt. Was genau der
Auslöser zu diesem Text war, kann ich gar nicht mehr sagen. Vielleicht war
es das Gefühl, im Privatleben zugunsten der Musik die eine oder andere
Sache verpasst zu haben, was sich dann wie von selbst zu dieser sehr
traurigen Idee weitergesponnen hat. Im Grunde geht es um jemanden,
der die Liebe seines Lebens verloren hat und über diesen Verlust nie
wieder hinwegkommt. Mich berühren der Song und sein Inhalt sehr tief,
ich bin gespannt, ob es auch anderen so geht.
O: Seid ihr bei der Reihenfolge der Stücke auf der Anthologie einem
bestimmten Prinzip gefolgt?
Asp: Ich bin dabei vorgegangen wie bei einer Setlist für einen Auftritt,
habe versucht, ein möglichst stimmiges Gesamtkonzert anzulegen, eines,
das wie eine große Komposition funktioniert, mit ruhigeren Stellen, die
danach auch wieder Energie zulassen für die metallischeren Klänge...
O: Und gab es auch Stücke, bei denen von vornherein klar war, dass sie
gar nicht erst in die engere Auswahl kommen?
Asp: Ja, wenn sie meines Erachtens zu lang waren oder zu wenig dazu
geeignet, auch neue Freunde zu gewinnen. Wenn man jemandem
als allerersten ASP-Song Frostbrand, Blinded oder die Angstkathedrale
vorspielen würde, dann wäre die Chance nur bei sehr wenigen Menschen
groß, dass sie einen zweiten Blick beziehungsweise ein zweites Ohr
riskieren. Es ist eher wie ein vorsichtiges Werben, bei dem man noch
nicht aufs Ganze geht und die wirklich abgründigen Dinge auf später
und das Hauptwerk verschiebt, wenn man sich ein wenig beschnuppert
hat. Wie angedeutet: für die engen Freunde haben wir ja die Fan-Edition,
deren Bonusinhalte dann das Fanherz höherschlagen lassen sollten.
Diesen Fans wird aber der Inhalt der eigentlichen Werkschau natürlich
in großen Teilen eher wenig Neues bieten, obgleich zumindest einige
Versionen zumindest interessant sein könnten.
O: Habt ihr manche oder gar alle Lieder für die jetzige Zusammenstellung
neu be- oder überarbeitet?
Asp: Nein, das haben wir nicht getan. Vielleicht zum 20. Geburtstag,
haha. Es hat aber tatsächlich mehrere Gründe, warum wir das nicht
getan haben. Der Hauptgrund ist einfach, dass wir noch einmal ganz neu
überdacht haben, für wen diese Zusammenstellung eigentlich gemacht
wird. Zum einen für die dort draußen schlummernden Neufans, die
uns noch nicht kennen und für die von daher auch „Neuaufnahmen“
nur mäßig spannend sind, zum anderen für die Hardcorefans, denen
wir natürlich etwas ganz Besonderes bieten wollen. Deshalb habe ich
beschlossen, im normalen Werkschauteil (CD eins und CD zwei) nur
einige wenige „Specials“ unterzubringen. Dafür haben wir allerdings die
Zeit und die Ressourcen genutzt, um erstens eine Traumverpackung zu
verwirklichen und zweitens und wichtigstens (!) eine richtig tolle Bonus-
CD zu produzieren. Am Ende herausgekommen sind neun Titel, die es
wirklich in sich haben und die mit sehr, sehr hohem Aufwand für CD
drei hergestellt wurden, beziehungsweise für die Vinyl-Box, denn auch
dort sind die neuen Stücke enthalten. Das alles war mir wichtiger als
Neuaufnahmen alter Stücke. Diesmal.
O: Gibt es nach all den Jahren den einen, bestimmten ASP-Song, der für
dich am besten deinen Anspruch, dein Gefühl, das, was du mit deiner
Kunst aussagen möchtest, wiedergibt?
Asp: Nein, ein Einzelsong vermag das nicht. Trotz meiner kleinen
Orkus! - 47

„Ich verbrenne mich komplett...“
Lobeshymne auf den Wechselbalg in unserem letzten Gespräch. Diesen
Anspruch hatte ich aber auch nie. Ich möchte auch weiterhin auf jedem
Album sehr verschiedene Songs machen dürfen, und alle davon haben etwas
sehr ASP-Typisches.
O: Weshalb gehören deiner Meinung nach auf eine Werkschau immer auch
Live-Versionen?
Asp: Weil sie eine sehr wichtige Seite von uns zeigen. Sie bringen die
unglaubliche Energie rüber, die wir – gemeinsam mit unseren Fans – bei
Konzerten freisetzen. Gerade bei den gewählten Stücken Kokon und Schwarzer
Schmetterling haben mir die beiden Live-Aufnahmen sehr gut gefallen. Für
mich ist der Schwarze Schmetterling vielleicht am ehesten das, was in der
Frage weiter oben auftauchte, ganz sicher jedoch einer der allerwichtigsten
Songs in meinem Leben. Das Lied ist älter als die Band selbst, und ob man es
glaubt oder nicht: in der Live-Version ist es dem am nächsten, wie ich mich
am wohlsten damit fühle und wie der Song in mir und für sich selbst klingt.
O: Vor der Live-Version von Kokon auf der CD fragst du dein Publikum, ob es
bereit ist, mit euch zu brennen – und natürlich erwartet dann fast jeder euren
Song Ich will brennen. Warum folgt stattdessen Kokon?
Asp: Weil Brennen nicht nur ein Evergreen ist, obligatorisch für ein ASP-
Konzert, sondern auch ein Lebensgefühl ausdrückt, das man allgemein mit
uns und unseren Live-Shows in Verbindung bringen muss. Tatsächlich lege ich
meist so viel Energie in ein Konzert, dass ich mich dabei komplett verbrenne,
und am nächsten Tag muss ich wie Phönix aus der Asche „auferstehen“.
O: Die optische und haptische Umsetzung der Werkschau ist wieder
wunderschön und gar nicht auf einmal zu erfassen. Sind die Ideen dazu
größtenteils von dir selbst?
Asp: Ja, die Ideen stammen schon größtenteils von mir, aber natürlich
könnte ich ohne die Hilfe von vielen anderen Menschen das Ganze niemals
umsetzen. Zunächst muss man Alex Storms Bereitschaft erwähnen, diese
vielen speziellen Wünsche mitzumachen und auf die Suche zu gehen, wer
und wie man die Ideen am besten umgesetzt bekommt. Was die Bilder
zu den Songs angeht, wollte Timo Wuerz aus gegebenem Anlass für jedes
einzelne von mir eine Beschreibung, was abgebildet werden soll, wonach er
Skizzen anfertigte, die er mir wiederum vorgelegt hat. Aus diesen Skizzen
habe ich das ausgewählt, was mir am besten gefallen hat, und dann hat er
das Gemälde angefertigt. Übrigens, ich kann es nicht genug betonen: in einer
Geschwindigkeit, die an Zauberei grenzt! Dann müssen noch viele Leute ran,
ein Layouter, der das Ganze zusammenbringt und die Texte setzt, mehrere
Korrekturaugenpaare und so weiter und so fort. Hätte ich ein Talent für die
bildende Kunst, dann wäre meine, nennen wir es mal in Ermangelung eines
besseren Begriffes: „Karriere“ sicher ganz anders verlaufen, und viele andere
hätten keinen Job bei ASP, haha. Es ist tatsächlich so: Um all das wahr werden
zu lassen, da braucht es viele freundliche, helfende Hände. Danke an alle auf
diesem Wege!
O: Und was daran gefällt dir persönlich ganz besonders?
Asp: Das Cover! Und der Vollleinenschuber! Mjamm. Und... alles. Bei den
Bildern von Timo gefällt mir das des brennenden Schmetterlingsmannes
am besten. Insgesamt finde ich schön, dass die Bilder nur eine mögliche
Bedeutungsebene des jeweiligen Songs andeuten, statt eine „Entschlüsselung“
zu versuchen. Diese soll und muss auch weiterhin in den Köpfen der Hörer
stattfinden.
O: Wie lange habt ihr insgesamt an der Anthologie gearbeitet, und welche
speziellen Herausforderungen, vielleicht auch Schwierigkeiten gilt es bei
dieser Art von Veröffentlichung zu bewältigen, die man als Künstler bei einem
regulären Studioalbum nicht hat?
Asp: Im Grunde habe ich persönlich von Januar bis Juni 2014 ununterbrochen
daran gearbeitet und danach direkt die heiße Promophase dafür gestartet,
aber ich gebe zu, dass ich zwischendurch schon Skizzen für das nächste
Album gemacht und auch regelmäßig mit den Zaubererbrüdern geprobt und
eine Tour gespielt habe. Und im Juli begannen auch schon die umfangreichen
Probe- und Arrangementarbeiten für die Jubiläumstour. Puh. Was ein
ereignisreiches Jahr.
O: Sind 15 Jahre ASP eigentlich schnell vergangen? Zu schnell? Oder manchmal
auch quälend langsam?
Asp: Rasend schnell. Viel zu schnell. Teilweise grausam schnell. Ich will noch
so vieles schaffen. Ich muss weg!
www.aspswelten.de
Axel Schön
Photos: Achim Webel
Discographie (Alben):
Hast Du mich vermisst? – Der Schwarze Schmetterling I (2000)
:Duett – Der Schwarze Schmetterling II (2001)
Weltunter – Der Schwarze Schmetterling III (2003)
Aus der Tiefe – Der Schwarze Schmetterling IV (2005)
Requiembryo – Der Schwarze Schmetterling V (2007)
Once in a Lifetime – The Recollection Box (live, Split mit Chamber, 2007)
Horror Vacui – the eeriest Tales of ASP so far (Compilation, 2008)
Zaubererbruder – Der Krabat-Liederzyklus (2008)
AKOASMA – Horror Vacui Live (live, 2008)
Von Zaubererbrüdern – Live & Unplugged (live, 2009)
Der komplette Schwarze Schmetterling – Zyklus {I bis V} (Compilation, 2011)
fremd – Fremder-Zyklus, Teil 1 (2011)
MASKENHAFT – Ein Versinken in elf Bildern (2013)
Per aspera ad aspera – This is Gothic Novel Rock (Compilation, 2014)
Line-Up:
Asp – Gesang
Lutz Demmler – Gitarre, Backgroundgesang
Andreas „Tossi“ Gross – Bass, Live-Backgroundgesang
Sören Jordan – Gitarre
Stefan Günther – Schlagzeug
48 - Orkus!

Orkus: Schaffst du es, mit nur
100 Buchstaben deine Musik zu
beschreiben?
Ethan Matthews: Echo Us bringt das,
was ich in der musikalischen Architektur
unserer Zeit nicht finden konnte. Es
erwuchs aus einem Mangel!
O: Wie ist der Projektname entstanden?
EM: Spontan, 1998 oder 1999 – ich
suchte einen Ersatznamen für meine
erste Gruppe Greyhaven. Ich blätterte
durch mein Lexikon, wie damals oft.
Mir hat der Begriff „Echo“ schon immer
gefallen. Dann kam mir aus heiterem
Himmel „Echo Us“ in den Sinn. Der
Name faszinierte mich sehr. Er klingt gut
und hat mehrerlei Bedeutungen.
O: Warum ist dir das neue Album
wichtig?
EM: 2001 wurde ich unfreiwillig in die
psychiatrische Abteilung eines großen
Bostoner Krankenhauses eingewiesen,
und dieser Erfahrung folgte eine ganze
Kette von neuen musikalischen und
emotionalen Lebensereignissen. À Priori
Memoriaé ist der Abschluss der jüngsten
Trilogie und im Grunde eine 63-minütige
Komposition! Echo Us stellt einen fast
absurden Wegweiser in eine Zukunft
dar, in welcher Klassik, Ambient, Rock,
Pop und Instrumentalmusik jeglicher
Form zusammenkommen, allerdings auf
eine sehr frei fließende und stimmige
Art. Für mich ist es wie Musik aus einer
anderen Dimension oder Zeit, wo sich
die Welt ein wenig unterschiedlich
entwickelt hat. Ich schätze Musik, die
den Mut besitzt, das kulturelle Blatt zu
wenden, doch vor allem erschaffe ich
Musik, die ich nirgendwo sonst hören
kann.
O: Welcher Song bedeutet dir persönlich
ganz besonders viel – und wovon
handelt er?
EM: Mein bestes „Song“material
entsteht meist durch automatisches
Schreiben, eine Form von „Channeling“,
eine spirituelle Praktik. Auf diesem
Album sind einige solcher Stücke
enthalten, bei der Single Nightlight ist es
wohl am augenfälligsten. Ich lasse die
Dinge gern zur Interpretation offen, aber
Nightlight ist ganz klar ein Liebeslied in
der Tradition von männlich/weiblichen
Duetten vergangener Dekaden, jedoch
mit einer völlig neuen Wendung;
50 - Orkus!
Gründungsjahr: 2000
Herkunftsland: USA
Internetseite: www.echous.net
Aktuelles Album: II:XII ~ À Priori Memoriaé
„Ich liebe das Gefühl,
spirituellen Kräften zu dienen...“
gewissermaßen halb klassisches
Kunstlied und halb Pop-Ballade mit
Konzertharfe als Begleitung.
O: Dein schönstes Erlebnis mit Musik in
deinem Leben war...?
EM: Definitiv, The Light It Moves
von Tomorrow Will Tell The Story zu
empfangen. Das war ein überaus
ekstatisches Erlebnis. Ich bastelte in
meinem Studio an einem Sequenzerpart
herum, als ich plötzlich „aufgerufen“
wurde, Texte zu schreiben, nur wusste
ich nicht, was ich zu schreiben versuchte.
Es handelte sich um eine fremde
Sprache, in diesem Fall Hebräisch.
Mir ist das Schreiben am wichtigsten,
besonders wenn es sich anfühlt, als
würde die Hand eines anderen mich
leiten – ich liebe das Gefühl, spirituellen
Kräften zu dienen... wobei ich persönlich
an keine Konfession gebunden bin.
Ich glaube einfach an verschiedene
Schichten der Realität.
O: Was fasziniert dich an der Farbe
Schwarz?
EM: Das Gefühl, außer Kontrolle zu sein!
O: Was ist Leben?
EM: Alles – der Tod ist lediglich eine
Vorstellung, die wir über „Enden“ haben.
Das Leben ist eine eher mit „Anfängen“
verknüpfte Vorstellung. Unsere
Überzeugungen bestimmen uns.
O: Womit möchtest du die Leserin und
den Leser dieser Zeilen nun noch zu
deiner Musik locken?
EM: Ich möchte eigentlich niemanden
locken... ich glaube sehr daran, dass
Musik ihren eigenen inneren Zweck
erfüllt, und wenn man sich zu einer
speziellen Musik hingezogen fühlt,
gibt es dafür einen Grund. Allerdings
leben wir in einem zunehmend
beengten Universum; mir wäre es
lieber, die Leute würden sich wieder
stärker für wirklich innovative Formen
von Musik interessieren – egal aus
welchem Stilbereich sie stammen. Ich
glaube nicht, dass alle Ideen schon
verbraucht sind, wie manche das tun.
Ich höre liebend gerne etwas richtig
gut Gemachtes, das zugleich innovativ
und neu definiert ist. Das strebe ich bei
Echo Us an und hoffe, dass jene von
anspruchsvollem Geschmack mit auf die
Reise gehen!
Manchmal sind es kleine Zufälle, die die Welt
verändern. Begegnungen, die den Lauf der Zeit
beeinflussen, Geschichte schreiben und für große
Kunst sorgen. Ein solcher weitreichender Zufall
ereignete sich 1994 unter Londons Erde. An der
U-Bahn-Haltestelle South Kensington liefen sich
durch einen gewaltigen Zufall der damals 21-jährige
Brian Molko und Stefan Olsdal (20) in die Arme –
an einer Station, die 2013 von über 30 Millionen
Fahrgästen frequentiert wurde! Die zwei kannten
sich von der gemeinsam besuchten International
School in Luxemburg, hatten aber nicht viel
miteinander zu tun. Bei diesem schicksalhaften
Treffen lud Molko seinen Schulkameraden spontan
zu einem Gig ein, den er an jenem Abend spielte.
Olsdal war begeistert, stieg sofort ein, und als
Placebo machte man sich ab 1995 daran, die Welt
zu erobern. Seither ist eine Menge passiert; unter
anderem gehen zwölf Millionen verkaufte Alben
und ungezählte ausverkaufte Tourneen aufs Konto
der Band. Amüsante Randnotiz: Steve Forrest, der
seit 2008 für Placebo tätige Schlagzeuger, war
damals gerade erst acht Jahre alt.
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05.12.14 bErlin, K17

Musiktipps
... das Orkus!-Album
des Monats
Björn Springorum
1. Sólstafir
Ótta
2. Primordial
Where Greater Men Have Fallen
Isabell Köster
1. Eluveitie
Origins
Top 5
2. ASP
Per aspera ad aspera – Die Jubiläums-Songs
3. Mirel Wagner
When the Cellar Children See the Light of Day
3. May The Silence Fail
Of Hope And Aspiration
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4. Ewigheim
24/7
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1. ASP
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This is Gothic Novel Rock
2. Merciful Nuns
Meteora VII
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4. Die Toten Hosen
Der letzte Kuss (Track)
5. Die Verbannten Kinder Evas
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Marc Halupczok
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Suspended At Aphelion
2. Exodus
Blood In Blood Out
3. Anaal Nathrakh
Desideratum
4. Obituary
Inked in Blood
5. Beyond Creation
Earthborn Evolution
Slipknot
.5: The Gray Chapter
CD (Roadrunner/Warner)
vorauss. 17.10.2014
Ende eines Kapitels
Sie waren unsterblich – zumindest schienen die einge schworenen
neun davon lange Zeit felsenfest überzeugt. Bis Slipknot im Mai
2010 die Nachricht vom plötzlichen Drogentod ihres Bassisten und
Hauptsongwriters Paul Gray erschütterte. Nach diversen
Auflösungsgerüchten, der Trennung von Drummer Joey Jordison
und einer vierjährigen Trauerphase lässt es die Extreme Metal-Band
aus Des Moines, Iowa auf ihrem fünften Studioalbum jetzt wieder
scheppern, als gäbe es kein Morgen. Und so beginnt der Opener
XIX auch gleich mit den Worten „Here’s something that’s not for
the living. Here’s something that’s for the dead“ und feierlichen
Hörnern: Slipknots ganz eigener Abschied von ihrem verstorbenen
Tieftöner. Im Folgenden trümmert sich die Chaoscrew um Frontmann
Corey Taylor durch ein wahrhaft infernalisches Soundmonster
(Sarcastrophe, AOV, Killpop), das immer wieder von atmosphärischdüsteren
Momenten unterbrochen wird (Goodbye, Be Prepared For
Hell), um schließlich in dem dramatischen Kopfkinotrack If Rain Is
What You Want zu enden. Pure Aggression, Wut, Trauer und
Zuversicht im rasenden Wechsel... großartiger Metal aus tragischem
Anlass.
Gaetano Rothenburg
Claus Müller
1. Chrysalide
Personal Revolution
2. Sol Invictus
Once Upon A Time
3. Fräkmündt
Landlieder & Frömdländler
4. Laibach
Spectre
5. Motionless In White
Reincarnate
Lars Schubert
1. Trent Reznor
and Atticus Ross
Gone Girl (Soundtrack)
2. Bruno Coulais
Die purpurnen Flüsse (Soundtrack)
3. Kiasmos
Kiasmos
4. Glen Hansard and Markéta Irglová
Falling Slowly (Track)
5. Madredeus
Ainda (Soundtrack)
Nadine Ahlig
1. Ghost Brigade
IV – One With The Storm
2. In Flames
Siren Charms
3. While Heaven Wept
Suspended At Aphelion
4. Nachtblut
Chimonas
5. Tokio Hotel
Girl Got A Gun (Track)
Manuela Ausserhofer
1. Germ
Grief
2. Evergrey
Hymns For The Broken
3. Alcest
Shelter
4. Liv Kristine
Vervain
5. 1349
Massive Cauldron of Chaos

æon sable
Visionaers
CD (Solar Lodge/AL!VE)
vorauss. 17.10.2014
Wunderschöner Dark Rock
von großer Intensität
Bereits mit ihrem Debut Per Aspera
Ad Astra waren æon sable bei vielen
Anhängern des klassischen, aber
zeitgemäßen Gothic Rock ein
Geheimtipp und haben sich seitdem
durch zwei weitere Veröffentlichungen
und live eine wachsende
Fangemeinde erspielt. Spätestens
aufgrund des neuen Werkes sollten
auch alle anderen Dark Rock-
Freunde sich einmal mit æon sable
befassen. Schon der Opener ...
Dawn of an era löscht binnen
kürzester Zeit jegliche lichte
Stimmung aus; zurück bleibt
Schwärze, Schwere. Bevor jedoch
die Verzweiflung überhandnimmt,
erklingt das treibende Visions,
tanzbar, mit rauem Gesang und
tollem Basslauf, nebenbei mühelos
an große Goth Rock-Augenblicke
der Achtziger erinnernd. Wie
intensiv auch die folgenden Stücke
in ihren Bann ziehen, merkt man erst,
wenn plötzlich die letzten Töne des
abschließenden, traurigen A
Serpente e o Andarilho der Stille
weichen und man zurückfinden muss
in die Realität um einen herum. Fazit:
Für Visionaers haben Din-Tah Aeon
und Nino Sable sieben faszinierende,
ideenreiche Kompositionen
geschaffen – morbid, dicht,
abwechslungsreich, von purer
dunkler Schönheit. Eines der besten
Goth Rock-Alben des Jahres!
Axel Schön
Amaranthe
Massive Addictive
CD (Spinefarm/Universal)
vorauss. 17.10.2014
Metal einer neuen Zeit
Metal und Pop kombinieren, darf
man das überhaupt? Unbedingt,
wenn man dabei so verführerisch,
unwiderstehlich und monumental zu
Werke geht wie Amaranthe. Massive
Addictive zeigt die hart arbeitenden
und noch härter tourenden
Schweden auf der Schwelle zum
großen Durchbruch, auf dem Weg
nach ganz oben. Und das schafft
man eben nur, wenn man ein
Wagnis eingeht. Wenn man Mut
beweist. Wenn man gewillt ist,
anzuecken und es nicht jedem recht
zu machen. Darin waren die Jungs
um Sängerin Elize Ryd schon auf den
ersten Alben gut, ihr vorliegendes
drittes Werk jedoch wird zum
Wendepunkt einer verheißungsvollen
Karriere: Angetrieben von einer
enorm druckvollen Produktion,
treffen hier sägende Metal-Riffs und
ballernde Drums auf große
Melodien, auf Harmonien, die man
in dieser Form im Metal vergeblich
sucht. Elize präsentiert unglaubliches
Stimmtalent, gleich zwei männliche
Gegenstücke sorgen für klare Vocals
und mächtige Schreie. Electro- und
Pop-Einflüsse tun ihr Übriges, um
Massive Addictive zu etwas Neuem,
ungemein Zeitgeistigem werden zu
lassen. Das wird nicht jedem
schmecken. Aber das war bei allen
großen Erfindungen so.
Björn Springorum
Bella Morte
Exorcisms
CD (Metropolis/Soulfood)
vorauss. 31.10.2014
Kraftvolle Melancholie und
variantenreicher Gothic Rock
Nach einer Zusammenstellung rarer
Aufnahmen und einem Rückblick auf
ihr bisheriges Schaffen versorgen
uns Bella Morte nun wieder mit
frischem Material. Gleich der
Titeltrack holt uns zurück in die
vielfältige musikalische Welt der
Jungs aus Virginia. Dem schließt sich
das bandeigene Verständnis des
Depeche Mode-Klassikers Never Let
Me Down an, welcher in ein etwas
rockigeres Gewand gekleidet
wurde, ansonsten allerdings nur
wenig Neues bietet. As Fire ist eine
Midtemponummer mit Synthieeinschüben
und trotzdem kraftvollen
Gitarren, bevor Watching The Sky
das Tempo noch mehr rausnimmt,
sich rhythmisch vorwärtsschleppt
und den Gesang von Fronter Andy
Deane in den Vordergrund stellt.
Reflections und The Dark dagegen
sind Stücke mit klassischen Gothicund
Wave-Elementen, und A Quiet
Place To Die – eingebettet zwischen
zwei weitere ruhigere Lieder – rockt
richtig los, sodass es insgesamt doch
einiges zu entdecken gibt, wenn man
sich die Zeit dafür nimmt. Alles in
allem ist Exorcisms aber ein ruhiges,
getragenes, über weite Strecken
nachdenklich wirkendes Album, das
eher auf musikalische Feinheiten und
Emotionalität als auf Goth Rock-Party
setzt.
Axel Schön
BhamBhamHara
Progressive Body Music
CD (Scanner/BROKEN SILENCE)
vorauss. 31.10.2014
Aller guten Dinge sind drei
ONLINESTORE, VIDEOS, BANDINFOS & MEHR:
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Nach zwei EPs (Kreislauf und Nur für
Euch) holen BhamBhamHara dieses
Jahr nun zum dritten Streich aus und
schieben endlich das lang ersehnte
Debutalbum Progressive Body Music
hinterher. Dabei knüpfen die Herren
nahtlos an ihre bereits veröffentlichten
Clubhits an und spannen den
Bogen weiter, um für gehörigen
Nachschub an Tanzflächenfutter zu
sorgen – „progressiv“ nimmt das Duo
wörtlich. So manche Genres werden
bedient: Gebet ist stark Ambientlastig,
Wir feiern dürfte auch einige
EBM-Fans begeistern. Das Album ist
von vorne bis hinten sehr flüssig und
clubby. Bei Das Ziel fühlt man sich
fast schon ein wenig an Kraftwerk
erinnert. Ein Schmunzeln ist dem
Hörer gewiss, aber an allererster
Stelle sind Tanzbarkeit und
Partytauglichkeit garantiert!
Marie-Luise Henke
gespensterhafte Untotenstimmung
verbreitet, bietet das Trio auf seinem
dritten Release. Dr. Geek, Zombiehl
und Frankensteiner sind ihrem Motto
treu geblieben und springen spritzigmorbide
durch den Raum. Was
2008 begann und seine bisherige
Krönung im Video zu Dr. Jekyll & Mr.
Hyde fand, wurde weiter
perfektioniert und macht einfach
schnell irre gute Düsterlaune, die
man überallhin mitnehmen möchte.
Was sich Dr. Geek and the
Freakshow wohl für Ghoul Shock in
Sachen Live-Performance einfallen
lassen? Nun, wer nach dem ersten
Longplayer The Wolfman... and
other Stories from the Lab drei Jahre
geduldig auf den Tag der
Veröffentlichung von Ghoul Shock
gewartet hat, schafft das jetzt auch
noch!
Elena Winter
OUT ON CD/2LP/DIGITAL:
PARZIVAL
CASTA
THE NEW ALBUM
FROM THE MASTERS OF
CINEMATIC BOMBAST
Devilment
The Great And Secret Show
CD (Nuclear Blast/Warner)
vorauss. 31.10.2014
Dani Filth kann es also doch noch!
Okay, es wäre wohl übertrieben, zu
sagen, die Tage von Cradle Of Filth
seien gezählt. Trotzdem lässt sich
nicht leugnen, dass die Glanzzeiten
hinter den vampirischen Black
Metallern liegen, mit Paul Allender
jetzt auch noch die neben Dani Filth
wichtigste Figur ausgeschieden ist.
Ob es da nur Zufall ist, dass sich Filth
in sein neues Projekt Devilment
stürzt? Oder will sich da ein gewisser
Engländer von den Sorgen um seine
Hauptband ablenken? So oder so:
The Great And Secret Show ist eine
runde Sache! Ein Horror Metal-
Album aus dem Bilderbuch, voller
viktorianischem Grusel und Geisterbahn
flair. Natürlich haben Cradle
ein mehr als dezentes Echo in den
Liedern hinterlassen, insgesamt sind
Devilment aber eher Horror-
Blockbuster denn vampirisches
Gothic-Märchen. So ganz nebenbei
liefert Dani zwischen peitschenden,
mal thrashigen und mal Industriallastigen
Stücken seine beste
Gesangsleistung seit Jahren ab und
macht das, was er nun mal am
besten kann: fiese kleine Horrorgeschichten
erzählen. Vielleicht
sorgt dieses frische Blut auch für eine
Überraschung bei der nächsten
Cradle-Veröffentlichung? 2015
wissen wir mehr.
Christopher Sturm
Dr. Geek and the Freakshow
Ghoul Shock
CD (KOI)
bereits erschienen
Tanz auf dem Grab mit Beetlejuice
Hier kommt endlich (!) wieder
frischer Schwung in die scheinbar
alten, müden und morschen
Knochen! Zwölf Punkrock-Nummern
zum Pogen und Mitsingen plus ein
Intro, welches es in sich hat und
Echo Us
II:XII ~ À Priori Memoriaé
CD (Dust On The Tracks/SPV)
bereits erschienen
Jahrhundert-Progressive Rock
Fesselnde Klangstrukturen bietet das
aus Portland stammende Projekt Echo
Us auf II:XII ~ À Priori Memoriaé. Mit
vielen liebevollen Details,
Pianosounds, Gitarren wellen,
Flötenklängen, Harfen passagen,
wunderbaren Melodien und sanften
Gesangs einlagen, die warm und
traumhaft anmuten, schafft es Ethan
Matthews, seine magischen
Empfindungen und Erinnerungen mit
denen des Hörers zu verbinden, wie
es früher einem Mike Oldfield
gelang. Die elf Tracks verschmelzen
ineinander, konzentrieren sich auf
den Kern der Musik und die daraus
resultierenden Gefühle und
Gedanken. Alle eingebrachten
Elemente wirken so vertraut wie
einst... und doch im selben Moment
innovativ und einzigartig.
Elena Winter
Emigrate
Silent So Long
CD (Vertigo/Universal)
vorauss. 07.11.2014
Das Rammstein-Nebenprojekt
lernt laufen
www.mightymusic.dk | facebook.com/parzivalband

Den Titel können wir unterschreiben:
Sieben Jahre sind seit dem Emigrate-
Debut verstrichen, eine tatsächlich
verdammt lange Stille. Tja,
Rammstein nehmen halt doch mehr
Zeit in Anspruch, als man glaubt,
weswegen Richard Z. Kruspe erst
jetzt, in einer verdächtig lang
andauernden Schaffenspause seiner
Hauptband, zum vorliegenden
zweiten Solo-Album unter dem
Namen Emigrate kam. Nach Jahren
in New York mittlerweile wieder in
Berlin zu Hause, soll Silent So Long
diesen urbanen Ortswechsel
musikalisch erlebbar machen.
Weniger Rock’n’Roll und mehr
Electro, weniger Politur und mehr
Schmutz unter den Fingernägeln.
Industrial Rock dominiert die
Szenerie, wuchtig, wild, ekstatisch
und voller kühler Energie. Kruspe
gibt zum zweiten Mal den
Frontsänger, tut das hier deutlich
versierter und lädt sich zur
zusätzlichen Verstärkung mit Marilyn
Manson, Jonathan Davis, Peaches
oder Lemmy Kilmister gleich eine
ganze Ehrengarde großer Gäste ein.
Wer kann, der kann eben. Und
Emigrate beweisen, dass sie sehr
wohl mehr können als ein Dasein als
Rammstein-Nebenprojekt.
Björn Springorum
From Hell
Ascent From Hell
CD (Sonic Revolution/Soulfood)
bereits erschienen
Horror meets Heavy Metal
Wenn das kein spannender
Newcomer ist! From Hell nennt sich
das neue Projekt von George
Anderson aka Aleister Sinn
(Ex-Down Factor), Ascent From Hell
sein brandheißes Debutalbum,
welches ein Konzeptwerk darstellt,
wie man es sich wünscht, unterstützt
von hochkarätigen Musikern. So
finden wir Paul Bostaph (Slayer) an
den Drums, Damien Sisson (Death
Angel) am Bass und Steve Smyth
(Ex-Nevermore) an der Leadgitarre.
Stilistisch zelebrieren sie ihre eigene
Mischung aus Heavy Metal, die
aber viel Spielraum für andere
Elemente lässt. Hin und wieder
blitzen auch Momente aus Doom,
Death, Black oder Thrash Metal
durch. Beim Opener Standing at the
Mouth of Hell versucht man sich erst
mal vergeblich zu orientieren, denn
die atmosphärische Nummer wird
lediglich durch ein paar beängstigende
Schreie untermalt. Bei vier
Liedern wirkt ein Chor mit, wie bei
Dead Reckoning, wo man zudem
noch die Klavierkünste von Phil
Bennett (Starship) bewundern kann.
Mit rund 70 Minuten Dauer ist auch
die Länge bombastisch. Zwischen
den Stücken sorgen kleine
instrumentale Übergänge dafür,
dass keine Pausen entstehen. Ein
sehr spannendes Debut!
Manuela Ausserhofer
Iris
Radiant
CD (Dependent/AL!VE)
vorauss. 24.10.2014
Wenn Musik zu Wellen wird...
... genau dann weiß man, dass man
Iris hört. Der Sound der Amerikaner
verzaubert schon beim ersten Mal
und gewinnt bei wiederholtem
Genuss immer weiter an Tiefe. Die
dem Future und Synth Pop eigene
Leichtigkeit wird von Reagan Jones
und Andrew Sega in ein
schillerndes Gewand – Phenom –
gehüllt. Mit Wayseer oder Cries of
Insanity beweist das Duo aber
auch, dass durchaus nachdenkliche
Stücke nicht an Transparenz und
Eingängigkeit einbüßen. Reagans
Gesang nimmt uns mit auf eine
bunte Reise, ohne auch nur an einer
einzigen Stelle vorhersehbar zu
wirken. Der Begriff „radiant“ trifft
den Gesamteindruck des Albums
auf den Punkt: Eine strahlende
Energie geht von den Liedern aus,
welche sich direkt auf den Hörer
überträgt und in ihm ausbreitet.
Sound Becomes Waves bündelt
dies gekonnt und zeigt, dass sich
das lange Warten auf neues
Material von Iris mehr als gelohnt
hat!
Marie-Luise Henke
Joran Elane
Glenvore
CD (Glenvore-art)
bereits erschienen
Tanz zwischen Traum und Realität
Nach zwei Jahren intensiver Arbeit
veröffentlicht Joran Elane, Frontfrau
und Mastermind der Band Elane, ein
Solo-Werk, das zauberhafter kaum
sein könnte. Jedes Stück erstrahlt in
einem sanften, träumerischen Licht
edelsteingleich in den schönsten
Farben. Der warme, schwere und
einfühlsame Gesang im Einklang mit
allerlei hand- und mundgemachter
Musik hüllt den Hörer in ein Gewand
von Leichtigkeit, Verspieltheit, ein
wenig Melancholie und tiefer
Verbundenheit mit sich selbst und
der Natur. Glenvore entführt in
magische Welten, wo sich der Wind
mit den Bäumen unterhält, der
Nebel mit dem Gras auf einer
Waldlichtung spielt, während
dazwischen Elfen und andere
Wesen Tänze vollführen, die das
Herz in die Höhe heben und den
Verstand auf eine neue, entspannte,
aber auch abenteuer liche Reise
schicken.
Kerstin Müller

Kissin’ Black
heart over head
CD (Rent A Recordcompany/H’Art)
vorauss. 31.10.2014
Saubere, ruhige Rockmusik
Dieses Debut macht eindeutig gute
Laune, und genau das braucht man
hin und wieder. Zu finden ist auch
eine Cover-Version, die zur Vorabsingle
erkoren wurde: W.A.S.P.s
Wild Child in einem völlig neuen
Gewand. Die Stimme von G.
Mastrogiacomo wirkt hier
verführerisch, der Sound ruhiger als
bei anderen Stücken, und so wird
diese eigentlich fetzige Nummer
fast zur Ballade. Wunderschön
auch der Titeltrack, der sich
ebenfalls in die emotionale Sparte
einreiht und mit sanften Vocals und
Gitarrenriffs eine beinahe
magnetisierende Wirkung auf den
Hörer hat. Die aus Italien und der
Schweiz stammende Truppe kann
aber noch viel mehr: sex is a drug
ist ein sehr rockiges Lied, das sogar
Elemente der Rockabilly-Szene
einfließen lässt, goth: has no name
klingt düster, verlockend, verführend
und spannend, während borderline
teils schon poppig anmutet. Alles
in allem ein sehr schönes Album
für Fans von clean gesungener
Rock musik, die etwas experimentierfreudiger
angehaucht ist. Gefällt
sehr gut!
Manuela Ausserhofer
Liv Kristine
Vervain
CD (Napalm/Universal)
vorauss. 24.10.2014
Liv auf Erfolgskurs
Auf ihrem bereits fünften Solo-Album
schlägt Liv Kristine erstmals auch
etwas doomigere Pfade ein. Perfekt
leitet My Wilderness die insgesamt
zehn Tracks ein, welche Liv voll purer
Leidenschaft präsentieren, wodurch
eines der wohl persönlichsten und
authentischsten Werke ihrer Karriere
entsteht. Die Emotionen greifen auf
den Hörer über, die Gänsehaut bahnt
sich ihren Weg, alles andere wird
ausgeblendet. Livs Stimme ist das
Einzige, was noch zu existieren
scheint. Unter den Nummern finden
sich auch zwei Gäste; so hat die
Künstlerin für Love Decay
Unterstützung von Michelle Darkness
(end of green) geholt, der das Stück
mit sanften, düsteren Zwischenparts
garniert. Und keine andere als Doro
Pesch ist Livs gesangliche Begleiterin
bei Stronghold of Angels, einem sehr
dramatischen und intensiven Lied.
Zusammen fassend kann man einfach
sagen, dass Liv Kristine mit Vervain
ein Album geschaffen hat, das
momentan in der „Female fronted“-
Szene außer Konkurrenz steht, denn
zu bemängeln gibt es hier absolut
gar nichts. Sehr schön!
Manuela Ausserhofer
Whore oder die Single Nailed By The
Hammer Of Frankenstein zu finden,
sondern auch etwas „entspanntere“
Tracks wie das schleppende The
United Rocking Dead, der Ohrwurm
House Of Ghosts oder die kurzen
(Instrumental-) Stücke Amen’s Lament
To Ra II und Hella’s Kitchen. Der Flug
lohnt sich!
Lea Sommerhäuser
Machinery of Joy
On the Verge of Sleep
CD (Target)
bereits erschienen
Elektronische Shoegazer
Brummend, gedämpft dröhnend und
tief rhythmisch präsentieren
Machinery of Joy mit offenen Augen,
aber im Tagtraum befindlich ihr
Erstwerk. Durch sanften Gitarren/
Schlagzeug- und Retro Electro-
Charme überzeugen die Dänen nicht
nur in ihrer Heimat, sondern dürften
nun auch hierzulande auf ein großes
Publikum enthusiastischer
Musikliebhaber stoßen. On the Verge
of Sleep spielt mit Gefühlen und
Empfindungen auf psychedelische
Art und Weise. Der Gesang von
Laura Noszczyk lässt das Herz
höherschlagen und Flügel
bekommen; im selben Moment
packen Dich die Klänge und
Liedtexte, um Dich mit sanfter und
betörender Melancholie wieder nach
unten zu ziehen. Dieses Spiel
zwischen dem Auf und Ab trägt
einen letztlich auf nebelzarten
grauen Wolken zu den Sternen – in
dem Bewusstsein, jene nie ganz
erreichen zu können. Die dadurch
entstehende geflüsterte und bisweilen
wirklich innige Sehnsucht ist
wundervoll.
Kerstin Müller
Megaherz
Zombieland
CD (Napalm/Universal)
vorauss. 24.10.2014
Willkommen im Zombieland!
Da erwachen sogar die Untoten! Das
neue Studioalbum von Megaherz
macht bereits durch sein unheimliches
Cover, auf dem Alexander „Lex“
Wohnhaas, bewaffnet mit einem
blutigen Knüppel und düsterem Blick,
den Eingang des Zombielands zu
bewachen scheint, mehr als nur
neugierig. Präsentiert wird ein
Tonträger, der alle Facetten der Band
beinhaltet: groovige Sounds, fetzige
Hymnen, Lieder zum Mitfeiern,
Mittanzen und Mitfühlen. Sehr
spannend sind Himmelsstürmer und
KMFDM
Our Time Will Come
CD (Metropolis/Soulfood)
vorauss. 17.10.2014
Für Ruhe bleibt hier keine Zeit
KMFDM haben dieses Jahr wirklich
viel mit ihren Fans vor. Kaum ist das
Live-Album We Are durch die Boxen
gedröhnt, schicken die Herrschaften
auch schon ihr nächstes Werk
hinterher. Our Time Will Come ist
von Beginn an einfach nur nach
vorne ausgerichtet und zeigt, dass
das Gespann vor Kreativität strotzt
und in seinem Element schwelgt.
Gewohnt frech und provokant,
regen die Dame und die Mannen
um Käpt’n K zum Nachdenken und
– was der Band besonders wichtig
ist – zum Abschalten und Partymachen
an. Bei Nummern wie
Respekt, Salvation oder Blood Vs.
Money leisten sie ihrer Prämisse
Folge und ballern den Fans fette
Riffs, rotzigen Punk mit dem
geschätzten Touch Metal um die
Ohren, dass man einfach nur
lospreschen möchte.
Marie-Luise Henke
Lordi
Scare Force One
CD (AFM/Soulfood)
vorauss. 31.10.2014
Moderner Heavy Rock
aus des Monsters Schmiede
Hinsetzen, anschnallen und am
besten gut festhalten, denn die
finnischen Monster Rocker laden
mit ihrem neuen Album zu einem
kleinen musikalischen Horrorflug
durchs Lordiversum ein. Was
erwartet die Passagiere?
Melodieverliebte, metallische
Heavy Rock-Klänge in typischer
Lordi-Manier – diesmal allerdings
mit weniger Achtziger-Flair und
ohne maschinelle Synthesizersounds.
Im Vordergrund stehen
fette Gitarrenriffs, ein strammes
Drumming sowie atmosphärische
Keyboardflächen beziehungsweise
Klaviermelodien, während
Frontmann Mr. Lordi mit seinem
rauen und kratzigen Gesang den
13 neuen Titeln die vertraute
Würze verpasst. Doch sind hier
nicht nur knackige „Fast forward“-
Nummern wie das mit Gitarren- und
Basssoli gespickte How To Slice A
56 - Orkus!

Unter Strom, welches mit einem solch
gewaltigen Gitarrenriff aufwartet,
dass einem Hören und Sehen
vergeht. Absolutes Highlight ist die
traumhafte Nummer Für immer – ein
Stück, das Dir die Tränen in die
Augen treibt; voller Sehnsucht singt
Lex von der Erinnerung, die ewig
bleibt, auch wenn wichtige Personen
Dein Leben verlassen. So bitterschön,
dass es schon schmerzt. Megaherz
bieten zwölf Tracks, die allesamt
perfekt ins Ohr gehen. Lex’ Stimme
klingt ausgefeilter denn je,
hypnotisierend und verführend wirkt
sie auf den Hörer, der sich bald
ebenfalls im Zombieland verlieren
wird. Megaherz öffnen die Pforten,
also tritt ein!
Manuela Ausserhofer
Merciful Nuns
Meteora VII
CD (Solar Lodge/AL!VE)
bereits erschienen
Frisch klingender Gothic Rock
in bester Tradition
Jedes Jahr mindestens ein Album.
Leicht könnte man da auf die Idee
kommen, dass irgendwann die
Qualität leidet. Bei den Merciful
Nuns ist diese Sorge jedoch völlig
unbegründet, denn auch mit Meteora
VII beweist die Band, weshalb sie zu
den Gothic-Größen unseres Landes
gehört. Inspiriert durch eine Reise zu
antiken Orten in Griechenland,
thematisiert Mastermind Artaud Seth
mit seinem kräftigen, manchmal ein
wenig rauen Gesang grundlegende
Fragen der Menschheit – natürlich in
der ihm eigenen Art der Textfindung,
die nicht einfach etwas vorgibt,
sondern Geschichten erzählt, welche
zum Selbstdenken anregen sollen.
Musikalisch entstehen dabei
treibende, rhythmische Lieder in
bester Gothic Rock-Tradition, dunkel,
energiegeladen und erhaben
zugleich. Wie von Merciful Nuns auf
schöne Weise gewohnt, geht auch
die optische Gestaltung des Digipaks
und des hierin eingebundenen
Booklets mit den Themen und
Stimmungen konform, sodass
Meteora VII als überaus schönes,
stimmiges Gesamtwerk der Goth-
Kunst bezeichnet werden darf, das
auch nach häufigem Konsum immer
wieder seine starke, einnehmende
Wirkung entfaltet.
Axel Schön
Nachtblut
Chimonas
CD (Napalm/Universal)
vorauss. 17.10.2014
Kaltherziger Dark Metal mit Biss
Es wird Zeit, sich warm anzuziehen,
denn Nachtblut sorgen mit ihrem
neuen Album für einen verfrühten
Wintereinbruch. Nicht nur, dass der
griechische Titel übersetzt „Winter“
bedeutet und das blau-weiße Artwork
eine gewisse Kühle ausstrahlt – auch
die Liedtexte und Musik selbst wirken
sehr düster und kalt (-herzig). Das war
allerdings nicht anders zu erwarten,
schließlich hat sich die Osnabrücker
Band treibenden Dark Metal-Klängen
und oftmals politischen und sozialkritischen
Themen verschrieben, die
gerne religiös verpackt werden. So
auch auf Chimonas, bedenkt man
Stücke wie den wuchtigen Opener
Gotteskrieger, das durch Klaviermelodien
und Chöre begleitete Wie
Gott sein oder das per Marschmusik
untermalte Wien 1683. Gesanglich
zeigt Fronter Askeroth wieder seine
gesamte gutturale Bandbreite: von
tiefen Growls bis aggressiven
Schreien. Doch auch flüsternde und
cleane Töne kommen nicht zu kurz.
Ein insgesamt zwar rohes, brachiales
Werk, das zugleich aber viel Wert
auf Melodie und Eingängigkeit legt.
Schön kombiniert!
Lea Sommerhäuser
Readership Hostile
Readership Hostile
MCD (Eigenproduktion)
bereits erschienen
Koalition von Deathrock, Gothic,
Punk mit einer Prise Wehmut
Mit ihrer selbstbetitelten EP sind
Readership Hostile ein weiteres
Perlenglied in einer Kette, deren
Anfänge über 30 Jahre zurückliegen.
Musikalisch wie auch optisch geben
sie „Christian Death vs. Sex Pistols“
alle Ehre. Bei wem es jetzt klingelt,
der schaut schnell mal auf unsere
aktuelle Orkus! Compilation 103, wo
das Quartett mit seinem Song
Shadows of Pure Delight vertreten ist.
Man kann nur hoffen, dass der
Sechs-Track-EP bald ein Debutlongplayer
folgt, denn die Formation
versprüht unglaublich viel Energie,
welche das Leben damals wie heute
zu verzaubern, zu beeinflussen und
zu bereichern weiß.
Kerstin Müller
Trent Reznor and Atticus Ross
Gone Girl
DCD (Columbia/Sony)
vorauss. 21.11.2014
Reznor und Ross erneut mit einer
„Oscar®“-reifen Leistung

MEIN TICKETPORTAL
ASPS VON ZAUBERERBRÜDERN –
Zwielichtgeschichten
18.03.2015 Saarbrücken, Garage
19.03.2015 Augsburg, Kongress am Park
20.03.2015 Weimar, CCN Weimarhalle
21.03.2015 Magdeburg, Altes Theater
24.03.2015 Frankfurt, Batschkapp
25. + 26.03.2015 Bochum, Christuskirche
27.03.2015 Bremen, Pier 2
28.03.2015 Hamburg, Markthalle
MIDGE URE – The Voice of Ultravox
13.11. Hannover, Pavillon
14.11. Braunschweig, Meier Music Hall
16.11. Darmstadt, Centralstation
17.11. Detmold, Stadthalle
18.11. Leverkusen, Scala Club
19.11. Krefeld, Kulturfabrik
21.11. Essen, Zeche Carl
22.11. Ludwigsburg, Scala Theater
23.11. Karlsruhe, Jubez
VOMITO NEGRO
14.11. Bremen, Kulturzentrum Schlachthof
15.11. Berlin, K17
PHILLIP BOA AND THE VOODOOCLUB
05.11. Marburg, Kulturladen KFZ
06.11. Mainz, KUZ
07.11. Magdeburg, Factory
08.11. Dresden, Alter Schlachthof
13.11. Nürnberg, Hirsch
14.11. Karlsruhe, Substage
15.11. Köln, Essigfabrik
28.11. Bremen, Lagerhaus
29.11. Hamburg, Markthalle
04.12. Göttingen, musa-Saal
05.12. Erfurt, HsD Gewerkschaftshaus
06.12. Berlin, Huxleys Neue Welt
...und 40.000 weitere Veranstaltungen!
© Ole Bredenfoerder
Der Soundtrack zur Verfilmung
von Gillian Flynns weltweitem
Bestseller ist bereits die dritte
Zusammenarbeit zwischen
Reznor, Ross und Regie meister
David Fincher, und mittler weile
kann man sich fast keine andere
Musik zu den sepiagrünen
Bildern seiner Filme vorstellen.
War The Girl with the Dragon
Tattoo noch ein trostloses,
beklemmendes und disharmonisches
Monster, tropft von
den Noten zu Gone Girl fast
schon der süßliche Kleister der
Harmonie. Just Like You gehört
wohl zu Reznors besten
Pianomelodien bislang und steht
für das, was die Romanvorlage
hergibt: Es sind Songs über gute
Menschen, denen Böses
widerfährt. Doch wie auch im
Buch, hat man hier immer das
Gefühl, dass hinter dieser
Fassade etwas Unheimliches
lauert, und so vermutet man
hinter dem schönen Schein ein
ständiges Kratzen, wartet
gespannt darauf, was an die
Oberfläche kommen will, und
erschrickt, wenn es einen durch
die eleganten, ambienten Felder
so unvermittelt und brutal
anspringt wie bei Consummation
oder Secrets. Nach Thomas
Newmans Score zu American
Beauty hat es niemand geschafft,
die vermeintlich heile Welt des
Spießbürgertums so unheilvoll
klingen zu lassen wie Trent
Reznor und Atticus Ross.
Chapeau!
Lars Schubert
Klaus Schulze & Lisa
Gerrard
Big in Europe
Vol.2 – Amsterdam
DCD + Doppel-DVD (MiG/SPV)
bereits erschienen
Neue Dimensionen
Die Königin des gehobenen
Gothic mit dem Urvater der
Elektronik? Wie soll das
funktionieren? Während sich
einige Journalisten noch den
Kopf darüber zerbrachen, was
bei einer derartigen Konstellation
herauskommen würde, hatten
Klaus Schulze und Lisa Gerrard
(Dead Can Dance) schon mal
schnell ein Doppelalbum eingespielt.
Die Selbstverständlichkeit,
mit der die Protagonisten ohne
Scheuklappen, Ehrfurcht, dennoch
mit großem künstlerischem
Respekt voreinander und in fast
völlig freier, intuitiver Improvisation
auch danach zahlreiche
Auftritte absolvierten, überraschte
Fans aus beiden Lagern, die sich
bei diesen Konzerten ohne
Zweifel zum ersten Mal begegneten.
Die Musiker kannten die
Historie des jeweils anderen nur
vage, was in diesem Fall aber
auch ein Vorteil war, der eine
gänzlich vorurteilsfreie
Zusammen arbeit, ein Loslassen
und Finden zugleich, erst
ermöglichte. Höhepunkt des
gemeinsamen Schaffens von
Schulze & Gerrard war neben
dem einzigen Studioalbum
Farscape (2008) eine Europatournee,
die sie nach Warschau,
Berlin, Paris, Amsterdam und
Brüssel führte. Jedes Konzert
unterschied sich in Stimmung und
Ausrichtung von den übrigen,
was bereits kurz nach der Tour zu
der wenig sinnvollen Diskussion
führte, welches nun das beste
gewesen sei. Unsinnig deshalb,
weil jedes ein unwiederholbares
Unikat ist und zumindest einen
unwieder bringlichen Höhepunkt
aufzuweisen hat, den andere
nicht haben. Trotzdem
kristallisierte sich schnell das
Amsterdamer Spektakel als
Favorit heraus: Beide Akteure
waren schon aufeinander
eingespielt, versuchten dennoch,
neue Dimensionen zu erreichen
und die Intensität einmal mehr zu
steigern. Bedenkt man, dass die
Performance vokalistisch und
instrumental auf reiner Improvisation
beruht und es keinerlei
Absprachen gab, wann Lisa
Gerrard in die allesamt sehr
flächigen Tracks einsteigt, so
überrascht und verblüfft schon
allein die Dramaturgie dieses
langen Auftritts, dessen
Wendungen und dynamische
Berg-und-Tal-Fahrten zu einer
kurzweiligen Traumreise werden,
wenn man sich darauf einlässt.
Wie bereits das Warschauer
Gastspiel auf dem Vorgänger Big
in Europe Vol.1, ist auch dieses
Set aufwändig und mit sehr viel
Liebe zum Detail gestaltet und
enthält neben dem Audiokonzert
gleich zwei DVDs, die einerseits
die Darbietung dokumentieren,
zum anderen einen weiteren
Blick hinter die Kulissen erlauben.
Ecki Stieg
Seraphim System
Deadly Force
CD (DWA)
bereits erschienen
Mucke zum kompromisslosen
Abfeiern
Wer dieser Tage auf Partys Musik
haben will, bei der er alles um
sich herum vergessen kann, um
im wahrsten Sinne des Wortes
einfach mal die Sau rauszulassen,
ist bei Seraphim System genau an
der richtigen Adresse. Der Sound
des Amerikaners BL4KJ4K
bewegt sich zwischen Dubstep,
Industrial, Noise und Aggrotech,
mit einer kleinen Spur Metal.
Klingt interessant? Ist es auch!
Der Kopf schaltet sich aus, die
Beine übernehmen wie ferngesteuert
ihre Aufgabe und
beginnen zu tanzen. Deadly
Force prescht nach vorne, ohne
Rücksicht auf Verluste. Man darf
hier kein bestimmtes Konzept
voraussetzen, außer dass der
Hörer unterhalten werden und
auf seine Kosten, sprich: seinen
Spaß kommen soll. Und diese
Aufgabe erfüllt Seraphim System
mit dem vorliegenden Werk
vollends.
Marie-Luise Henke
[:SITD:]
Dunkelziffer
CD (Scanner/BROKEN SILENCE)
vorauss. 31.10.2014
Electro mit Herz und Gehirn
Es sind diesmal eher die kleinen
Schritte, die [:SITD:] verhelfen, ein
phantastisches Album zu
veröffentlichen. Es ist die Abkehr
von allzu starker Experimentierfreudigkeit,
es ist das Besinnen
auf druckvolle Midtemponummern,
es sind die kleinen
Schritte in Richtung der großen
Atmosphäre, und es sind Songs
wie der Titeltrack oder
Autoaggression, die das Album
eine ganze Weile in Dauerrotation
halten werden. Während
das eine Stück sicher noch in
vielen Jahren in den Clubs laufen
wird, sorgt Autoaggression für
veritable Gänsehaut, bilden das
eingängige Lied und das
schwierige Thema „Selbstverletzung“
doch eine perfekte
Symbiose. Das folgende
Everlasting ist mit seinem
sehnsüchtigen Gesang ebenfalls
nicht gerade als Stimmungsaufheller
geeignet. Memorandum
macht durch seine Hardfloor-
Anleihen kurze Zeit später ein
wenig mehr Druck, aber es ist
genau diese Mischung aus
Tanzbarkeit und Atmosphäre, die
Dunkelziffer zu einer wirklich
kompakten, düsteren Einheit
verschmelzen lässt, mit der
[:SITD:] mal wieder ein großer
Wurf gelingt.
Lars Schubert
Spencer
Echoes of Loneliness
CD (BOB-MEDIA/Soulfood)
vorauss. 07.11.2014
Alternative Rock mit Ideenund
Gedankenreichtum
In der Schweiz sind Spencer
schon länger Gesprächsstoff, und
das aus gutem Grund. Nun
bringen sie Echoes of Loneliness
Tickets auf www.ADticket.de

auch nach Deutschland und
Österreich. Warmherzigen,
schwungvollen, prickelnd
rhythmischen, gitarrenlastigen
und atmosphärischen Alternative
Rock bieten die drei mit
Leidenschaft dar. Deutlich fühlt
man, dass ihre Musik eine Tiefe
besitzt, die man sonst oft vermisst.
Man kennt es wohl, dass man
dies oder jenes zwar richtig gut
findet, aber der Funke nicht zu
100 Prozent überspringt. Bei
dieser Band ist es anders. Es sind
die Verbundenheit des Schlagzeugs
mit dem Schlagzeuger, des
Basses mit dem Bassisten und der
Klang der Stimme, die Gänsehaut
verursachen, weil das gesungene
Wort nicht bloß gesungen,
sondern auch transportiert wird.
Dazu kommen kleine Feinheiten
im Umgang mit diversen
Soundelementen, welche sich
eher im Hintergrund abspielen.
Das Ganze bildet eine Einheit,
bei der keiner direkt im
Mittelpunkt stehen muss, dieses
oder jenes extralange Solo für
sich beansprucht und den Hörer
nur verwirrt. Anspieltipps:
Shadows Through the Curtains
und Art Through Sound.
Kerstin Müller
Starkill
Virus of the Mind
CD (Century Media)
vorauss. 17.10.2014
Skandinavischer Melodic Black
Metal aus den USA
Diese US-Truppe spielt
melodischen Black/Death
Metal, was per se schon mal
ziemlich ungewöhnlich ist.
Dabei lassen sich die Jungs aber
durchaus von europäischen, in
erster Linie skandinavischen
Vorbildern beeinflussen; manche
Melodie erinnert an mittelalte In
Flames, während die extrem
eingängigen Momente an
Dimmu Borgirs Zeit mit ICS
Vortex gemahnen. Als dritte
Referenz kommt einem das
britische Epic Black Metal-
Kommando Bal-Sagoth in den
Sinn, doch auch Wintersun
haben ihre Spuren im Sound
hinter lassen. Zumindest streckenweise
klingen Starkill ähnlich
pompös. Sänger und Gitarrist
Parker Jameson ist zudem ein
ausgesprochener Flitzefinger,
was den Tracks eine zusätzliche
Note verleiht. Wer die
genannten Bands schätzt, sollte
Stücken wie dem schnellen
Opener Be Dead or Die, Virus of
the Mind (wirkt enorm finnisch),
dem fast schon folkigen Skyward
oder dem mit fiesen Rhythmiken
ausgestatteten God of This
World ein bis zwei Lauschlappen
schenken. Es lohnt sich.
Marc Halupczok
Substance of Shade
confessions
CD (KOI)
bereits erschienen
Geständnisse im Gothic Electro
Pop-Format
Das Trio kehrt mit seinem
mittlerweile dritten Longplayer
zurück ins nebelige und vom
Stroboskop zuckende Rampenlicht.
Stück für Stück und Song für
Song führt die Reise der Band
unter Zuhilfenahme der Phantasie
eines jeden Hörers tief in die
geliebte düster-melancholische
Unterwelt. Mal fast verspielt und
leicht, mal hoffnungslos und
schwer, mal herzzerreißend oder
geisterhaft. Seit 2005 geht die
Gruppe ihren eigenen,
abwechslungsreichen Weg.
confessions ist p a c kend,
leidenschaftlich und teils bizarr...
wie die meisten Geständnisse –
ob guter oder garstiger Natur
– wohl sind, wenn es sich dabei
um wahrhaftige Bekenntnisse
handelt.
Elena Winter
Cover
lag noch nicht vor.
The Eternal Afflict
... And Inbetween Love
MCD (Afflict:Me)
vorauss. 31.10.2014
Life ain’t beautiful.
Das war das Fazit der Rezension
zum Trilogiekern [Birth · Life ·
Death] in der Mai-Ausgabe des
Orkus!. Zwar stand es dort auf
Deutsch, trotzdem beinahe lustig,
dass selbiger Satz nun im Chorus
des wohl dunkelsten Songs
(Freezin’ Within) von ... And
Inbetween Love auftaucht.
Genauso düster wie diese Worte
oder der Erscheinungstermin an
Halloween jedenfalls gestalten
sich die restlichen Stücke der EP,
die hauptsächlich die finsteren
Kapitel jenes Gefühls thematisieren,
welches unsere Welt
doch irgendwie zusammenhält:
Liebe. Garstig wird diese
beschrieben in Kingdoms Fall
(Where Pleasure Ends), ebenso in
den von Linda FM Rae sanft
gesungenen Liedern L’Effet
Inverse und (Devil’s Hiding)
Underneath The Snow. Liebe also
aus endlicher Perspektive, samt
ihren zerstörerischen Facetten,
am liebevollsten behandelt im
Titeltrack. Zuletzt greifen TEA
sogar auf noch tragischere
Melancholiker zurück und
covern, irgendwie gelungen, The
End von The Doors. Dem Stück
war bis dato eigentlich nicht
zuzutrauen, anders gut zu
klingen als im Original. Mut wird
jedoch belohnt! Leider nicht
immer in der Liebe.
Sarah Beilharz
Vanish
Come to Wither
CD (Massacre/Soulfood)
vorauss. 24.10.2014
Knackiger Melodic Metal
Irgendwo um Stuttgart herum
muss ein Loch sein, aus dem in
schöner Regelmäßigkeit talentierte
Bands jeglicher
Stil richtungen gekrochen
kommen. Die Schwaben Vanish
(ursprünglich mal unter dem
Namen Heartaway gestartet)
haben sich dem melodischen
Metal mit dezenten Keyboardeinsätzen
verschrieben, sind
dabei jedoch nicht so
symphonisch, wie man es
vielleicht erwarten könnte. Das
liegt vor allem an Sänger Bastian
Rose, dessen Organ eher an Nils
Patrik Johansson (Astral Doors,
Civil War) als an einen Kastraten
erinnert und dem Material eine
rockige Kante verleiht. Ansonsten
fallen einem Referenzbands wie
Mob Rules, Rage, Allen · Lande
oder auch Brainstorm ein. Ganz
in der gleichen Liga mit den
Zitierten spielen Vanish allerdings
noch nicht, was speziell bei den
längeren Stücken (Curtain Call,
The Grand Design) klar wird.
Hier lässt sich die junge Truppe
manchmal ein wenig arg treiben
und dürfte merklich früher auf
den Punkt kommen. Deshalb
fungieren auch die deutlich
kompakteren und insbesondere
knackigeren Nummern wie Great
Collapse, This is how we die oder
Bless the buried Child (Hit!) als
Anspieltipps.
Marc Halupczok
Velvet Acid Christ
Subconscious Landscapes
CD (Metropolis/Soulfood)
vorauss. 31.10.2014
VAC mal ganz entspannt
Vor zwei Jahren haben wir uns
gefreut, dass Bryan Erickson mit
Maldire mal wieder seine
düsteren, elektronischen
Industrial-Wurzeln bemüht, nun
präsentiert uns der ewige
Querkopf mit seinem neuen
Album eine entspannte Melange
aus Delerium, Massive Attack zu
Zeiten von Blue Lines und Rudy

Ratzingers Wreath Of Barbs.
Natürlich sorgen hier und da harte
Beats für die Gewissheit, dass das
noch immer Velvet Acid Christ sind,
aber in seiner Gesamtheit wirkt
Subconscious Landscapes doch ein
bisschen unentschlossen. Mit Trip
Hop konnte Erickson zwar bereits in
der Vergangenheit immer etwas
anfangen, und auch die Damen,
welche den ersten Stücken ihre
Stimme leihen, können sich hören
lassen, aber dann hätte man den
zweiten Teil des Albums durchaus
weglassen dürfen – wo der
Amerikaner selbst das Mikro
übernimmt und aufs Gaspedal tritt,
klingt es ein wenig uninspiriert
(Strychnine, Evil Toxin). Dann doch
lieber noch mal den hypnotischen
Opener Barbed Wire Garden
anhören, auch wenn der an
Unfinished Sympathy erinnern mag.
Lars Schubert
Voices of Destiny
Crisis Cult
CD (Massacre/Soulfood)
vorauss. 24.10.2014
Epischer Gothic Metal
aus deutschen Landen
Crisis Cult nennt sich das dritte
Album der schwäbischen Gothic
Metaller, die hier eine grundlegende
Änderung mit dabeihaben: Ada
Flechtner ersetzt ab nun Maike
Holzmann. Das Ergebnis ist nicht von
schlechten Eltern... heftig fetzende
Gitarrenriffs und griffige -solos, ein
typisches orchestrales Arrangement,
wie man es bereits kennt und schätzt,
donnernde Drums und die neue
Stimme, die dem Ganzen ein
anderes Flair verleiht, das sich
durchaus sehen lassen kann, aber
doch völlig neue Wege geht. Maikes
Stimme klang klassisch, sanft und
opernhaft. Ada hingegen experimentiert
mehr und bringt auch härtere
Vokalparts – wie zum Beispiel bei 21
Heroes oder Stormcrow – mit ein.
Allgemein wirkt diese Veröffentlichung
etwas härter und roher als
ihre Vorgänger, doch genau das ist
es, was dieses Album so spannend
macht. Knapp 50 Minuten, gefüllt mit
neun abwechslungsreichen
Nummern, die besonders Fans des
Genres garantiert begeistern.
Manuela Ausserhofer
While Heaven Wept
Suspended At Aphelion
CD (Nuclear Blast/Warner)
vorauss. 24.10.2014
Eigenständig zwischen
Prog, Klassik und Epic
Zum 25-jährigen Bandjubiläum
gönnen sich die Prog Rocker While
Heaven Wept ein neues Studiowerk,
das aus nur einem einzigen Song
besteht, der aber in elf Parts
unterteilt ist, welche auf eine
Gesamtspielzeit von 40 Minuten
kommen. Stilistisch bieten die
Damen und Herren aus Virginia
wieder eine breite Palette an
Einflüssen: Progressive Passagen
wechseln sich mit klassischen
Elementen, epischen Anklängen und
(einigen wenigen) harschen Metal-
Ausbrüchen ab. Über allem schwebt
die gefühlvolle Stimme von Rain
Irving, der in einer eigenen Liga
spielt und die manchmal vielleicht
etwas verwirrenden Fäden seiner
Mitmusiker zusammenführt. Als
Gäste wurden diverse Koryphäen
verpflichtet, darunter Schlagzeuger
Mark Zonder (Warlord, Ex-Fates
Warning) oder Cellist Mark
Shuping, die den progressiven
Anspruch des Ganzen
unterstreichen. Stücke wie das
eingängige Icarus And I, das
schnelle Instrumental Indifference
Turned Paralysis oder das alles
überragende Souls In Permafrost
gehören fraglos zum Besten, was
diese Formation jemals aufgenommen
hat. In seiner Gesamtheit
bleibt das Album Vast Oceans
Lachrymose aus dem Jahr 2009
allerdings unerreicht.
Marc Halupczok
White Empress
Rise of the Empress
CD (Peaceville/Edel)
bereits erschienen
Paul Allenders neues Projekt
Paul Allender hatte genug davon,
sich bei Cradle Of Filth in stilistische
Ketten legen zu lassen. So gründete
er einfach mal eine eigene Band,
schnappte sich eine Handvoll
talentierter Musiker, und schon war
das gebührend Rise of the Empress
betitelte Debut fertig. Was White
Empress fabrizieren, ist absolut neu,
experimentierfreudig und abwechslungsreich.
Ein simples blaues Cover,
darauf eine dornen umrankte Krone,
die den Siegeszug einleiten soll.
Frontfrau Mary Zimmer erinnert auch
optisch hin und wieder an die
Heroine der weiblichen Schreihälse,
Angela Gossow (Ex-Arch Enemy).
Doch Marys Stimme kann noch viel
mehr als gescreamte Parts. Sie
variiert je nach Stück von
unverständlichen Shouts zu einem
klaren, orches tralen Engelsgesang.
Pauls perfekte Gitarrenbegleitung tut
ihr Übriges und zaubert ein Opus,
welches seinesgleichen sucht, denn
das hier Präsentierte ist etwas völlig
Neuwertiges. Zehn knallharte
Nummern, die jeden Metalhead
begeistern dürften. Wir sind
gespannt, wie es weitergeht.
Manuela Ausserhofer

Nate Kenyon
Sparrow Rock
(Festa)
Ein neuer Endzeitroman... Sue
sucht eigentlich nur einen Ort, an
dem sie mit ihren Freunden in
Ruhe einen Joint rauchen kann.
Aus Mangel an Alternativen
schlägt sie den Bunker ihres
reichen, paranoiden Großvaters
vor. Doch als ein plötzliches Beben
die Mauern erschüttert und Atompilze
die Nacht erhellen, wird
Edward Lee
Golem
(Festa)
Edward Lee gilt als Meister des
Extreme Horror und ist berühmt
für seine schlüpfrigen und abartigschönen
Werke. Auch wenn
Golem definitiv unter jene
Kategorie fällt, überschreitet er
dieses Mal zumindest nicht die
Grenzen, wie wir es sonst von ihm
gewohnt sind. Zur Geschichte: Der
Spieleprogrammierer Seth und
seine Lebensgefährtin Judy sind
genervt von der Großstadt und
ziehen aufs Land. Doch dort findet
sich das Paar plötzlich inmitten
einer Bedrohung wieder, welche
den Mythos des Golem aufgreift.
Der Hintergrund wird auf zwei
zeitlichen Ebenen präsentiert und
wechselt zwischen den Jahren um
Beile Ratut
Das schwarze Buch
der Gier
(Ruhland)
Dies ist der Debutroman der 1972
geborenen Beile Ratut, einer
Finnin, die in deutscher Sprache
schreibt. Sie erzählt hier die
Geschichte von Alba Schleyer,
welche in einer ländlichen Gegend
aufwuchs und deren sechster
Geburtstag ihr Leben verändert
hat, denn an jenem folgenschweren
Tag verschwand Albas älterer
Bruder Samuel, als er beim Wald
spielte. Für Alba brach eine Welt
zusammen, ihre Familie schien ihr
nicht die erwartete Hilfe zu bieten,
und so beginnt eine Zeit voller
Ulrike Serowy
Skogtatt
(Hablizel)
Skogtatt ist nicht nur ein Buch,
Skogtatt ist viel mehr. Dieses
außergewöhnliche, mit düsteren
Graphiken von Faith Coloccia
garnierte Werk trägt die Bezeichnung
„Novelle“ erhaben. Man wird
in die schneever hangenen,
endlosen Wälder Skandinaviens
entführt und findet sich in einem
Proberaum wieder, wo eine Band
ihren Leidenschaften nachgeht. Auf
der Heimfahrt bleibt ein Musiker im
Schnee stecken und muss wohl
oder übel zu Fuß durch die
bitterkalte, jedoch atemberaubende
Natur streifen. Eine nicht für
Menschen gemachte Natur. Eine
Natur, die genauso gnadenlos wie
wunderschön ist. Skogtatt erzählt
mit traumhaften Worten, verzaubernden
Schilde rungen und einem
mehr als fesselnden Stil auf rund 30
ihnen klar, dass sie mehr als einen
Abend im Schutzraum verbringen
werden. Ist es wirklich Zufall, dass
sie gerade jetzt hier unten waren?
Nach einigen Tagen steigt der
Wahnsinn in den Jugendlichen
hoch, und sie beginnen Theorien
zu bilden, wer oder was für das
Ganze die Verantwortung trägt.
Auch vor ungebetenen Gästen
sind sie nicht gefeit, bevor sie dem
Rätsel allmählich auf die Schliche
kommen. Nate Kenyon versteht es
gut, die Entwicklung der Charaktere
zu beschreiben und einen
spannenden Plot aufrecht zuerhalten.
Obwohl es zwischendurch
den einen oder anderen etwas
langatmigen Moment gibt: bitte
nicht weglegen, denn die letzten
Seiten halten ein definitiv
unerwartetes und überraschendes
Ende bereit. Festa – wenn Lesen
zum Albtraum wird.
Nadine Ahlig
1880 und der Gegenwart, wobei
der Kabbalismus eine zentrale
Rolle einnimmt. Warum verschwinden
Fässer aus Seths Keller, und
warum werden in dem Städtchen
die Körper frisch Verstorbener
ausgegraben? Brutale Gewalt und
widerwärtige Sexszenen sind
natürlich enthalten, alles in allem
aber nur im mittelprächtigen
Ausmaß. Für Genreliebhaber ist
dieses Buch trotzdem zu empfehlen
– vielleicht einfach in einem
weichen Moment lesen...
Nadine Ahlig
Wortlosigkeit, Trauer und Einsamkeit.
Später studiert Alba Medizin
und lernt an der Universität auch
einige wenige Freunde kennen,
doch wirklich aus ihrem Trott
erwachen kann sie nicht, weil die
Sache mit ihrem Bruder sie einfach
viel zu sehr mitnimmt. Es müssen
an die 40 Jahre vergehen, bis Alba
einen Ausweg entdeckt, um ihrer
Trauer und ihrem Unverständnis
den Dingen gegenüber zu entfliehen.
Das schwarze Buch der
Gier gibt auf knapp 300 Seiten das
innerste Seelenleben der Protagonistin
preis; zwar nicht, wie
angekündigt, als ein Wirbelsturm,
sondern eher langsam und
gemäch lich. Das Ganze ist gut
nachvollziehbar und sollte wohl
am besten Liebhabern von ruhigerer,
melancholischer Literatur
empfohlen werden.
Manuela Ausserhofer
Seiten (neben Deutsch auch in
englischer Sprache) eine der wohl
schönsten Geschichten, die unsere
heutige Literaturszene je zu lesen
bekommen hat. Ulrike Serowy fabriziert
mit Worten wahre Kunststücke
und lässt die Black Metal-Szene in
einem völlig anderen Licht erscheinen,
denn so brutal und roh sie
manchmal anmuten mag, hinter der
Maske steckt eine Passion, wie man
sie nur selten erlebt, und Serowy
überträgt diese Leiden schaft der
Musik durch ihre Sprache. Ein
literarisches Meisterwerk, von dem
man unbedingt mehr haben will!
Manuela Ausserhofer
62 - Orkus!

Du hast plumpe Horrorstreifen und kitschige Vampirstorys satt? Dann ist 5 Zimmer Küche
Sarg genau das Richtige, denn was die Erfinder von Flight of the Conchords hier gezaubert
haben, macht eindeutig Spaß – eine wahnwitzige Komödie, präsentiert als exklusive
Dokumentation. Die Protagonisten garantierten dem Filmteam Schutz und Unversehrtheit.
Das ist ihre Geschichte...
In Wellington teilen sich vier Vampire eine Villa, und auf den ersten Blick erscheint ihre
WG gar nicht so anders: Sie streiten über den Abwasch, feiern Partys und sind natürlich
auf ihren Look bedacht, der jederzeit „tot, aber unwiderstehlich“ sein sollte. Der 8.000
Jahre alte Petyr verwandelt den Mittzwanziger Nick in ein Geschöpf der Nacht und will ihn
ins Vampirleben einführen. Doch als dieser seinen menschlichen Freund Stu anschleppt,
gerät plötzlich alles aus den Fugen...
Wir lernen den 379-jährigen „Dandy“ Viago kennen: Die dynamische Frohnatur organisiert
das Zusammenleben, ist höflich, kulturinteressiert, töpfert gern und wird nicht müde, die
anderen zu ermahnen, beim Beißen weniger zu kleckern. Vladislav, der „Stecher“, stammt
aus dem Mittelalter und pflegt weiterhin die damaligen Manieren. Ein geselliger Typ, der
aber auch als leicht pervers gilt, seine Folterinstrumente hegt und sich für Sklavenhaltung
einsetzt. Deacon, der „Rebell“, ist mit 183 Jahren der Jüngste in der Runde und lässt
gerne seine Rock’n’Roll-Allüren raushängen. Als Ex-Nazivampir siedelte er 1945 wegen
Imageproblemen nach Neuseeland über. Heute beschäftigt er meist eine Dienerin, weil
er selber wenig von Hausarbeit hält. Vampire putzen nicht! Last but not least: „Senior“
Petyr. Er hat schon alles gesehen, lebt zurückgezogen, ist von WG-Meetings befreit und
kein sozialer Typ. Am liebsten verbringt er seine Zeit im stillen Sarg. Alle gemeinsam: eine
Truppe, die Dir Lachtränen in die Augen treiben wird!
Verantwortlich für das Ganze sind Jemaine Clement (Regisseur, Drehbuchautor, Darsteller
von Vladislav) sowie Taika Waititi (Regisseur, Drehbuchautor, Darsteller von Viago). Den
beiden ist ein urkomischer Film gelungen, der die Welt der Blutsauger erstmals auf völlig
andere Art und Weise zeigt – nämlich als Wesen, die sich oft gar nicht so sehr von uns
unterscheiden.
Manuela Ausserhofer
Ab dem 30. Oktober im Kino!
64 - Orkus!

„Du schuldest. Du zahlst.“ Zehn Jahre sind eine lange Spanne. Während zehn Jahren hinter Gittern hat man genügend
Zeit, um zu überlegen und genau zu planen, was passieren soll, wenn die Sanduhr endlich abgelaufen ist. John Falcon
landete im Knast, weil er früher leidenschaftlich mit seiner „Familie“ – einer Horde von Kleinkriminellen, die auf Drogen,
Sex, Gewalt und schnelles Geld standen –, maskiert wie eine Black Metal-Band, Häuser ausräumte. Doch durch einen
Hinterhalt wurde er gefasst. Nach der Entlassung will er erst mal zurück zu seiner Frau Darling, ebenfalls Teil der
Gruppe, kann sie aber nicht finden und macht sich auf, sie zu suchen und an allen anderen „Familienmitgliedern“
Rache zu üben für das, was sie ihm angetan haben. Seinen Weg begleitet hemmungsloser Sex; so wird schon mal
einfach die Dame, die ihn vom Highway aufsammelt, rasch auf ihrer Rückbank genommen, und auch sonst wird nicht
mit Reizen und blanken Brüsten gegeizt. Als er Darling schließlich bei seinem Bruder antrifft, muss John feststellen,
dass vieles anders ist als erwartet: Seine Frau liebt nicht nur ihn, sondern lässt sich auch gerne von seinem Bruder in
die Kiste verfrachten, und am meisten liebt sie immer noch feines, weißes Pulver...
American Muscle heißt das Regiedebut von Ravi Dhar, der einen äußerst flotten Film voller Action und Gnadenlosigkeit
geschaffen hat. Als Hauptdarsteller holte er den glatzköpfigen Nick Principe an Bord, der als Stuntman begonnen hat
und bereits in zahlreichen Streifen, darunter Laid to Rest, Army of the Damned oder kürzlich Seed 2, mitwirkte. Todd
Farmer (Jason X, My Bloody Valentine 3D, Drive Angry) spielt Johns Bruder Sam, und Darling wird durch die zauberhafte
Robin Sydney (Big Bad Wolf, Dead Man’s Hand, Night of the Living Dead 3D...) verkörpert.
Das Ergebnis ist ein actiongeladenes B-Movie, schnell, dreckig und blutig. Ein kleines Lachen kann man sich hin und
wieder auch nicht verkneifen. Ravi Dhar war deutlich bemüht, saubere Arbeit abzuliefern, welche sich wahrhaftig
sehen lassen kann. Das Einzige, woran es etwas fehlt, ist Tiefe. Denn die Gefühle der Charaktere kommen nicht
wirklich zum Vorschein. So setzt sich zwar John zum Hauptziel, seine Darling wiederzufinden, allerdings hindert ihn
das nicht, mit etlichen anderen Frauen intim zu werden. Auch sonst lässt sich an Mimik und Gestik kaum erkennen,
welche Wut er doch eigentlich in sich tragen müsste, wenn er solch brutale Taten begeht. Ein wenig mehr Tiefgang
hätte der Sache nicht geschadet, aber vielleicht zielt der Regisseur ja gerade darauf ab, und wer einen Film ohne
Kompromisse, ohne Verschnaufpausen oder Gefühlsduselei sucht, liegt hier genau richtig!
Manuela Ausserhofer
Erhältlich als DVD, Blu-ray und Video on Demand!
Orkus! - 65

Wer kennt sie nicht, die Horrorklassiker um Serienkiller Jason, der hinter einer Hockeymaske seine blutigen Massaker
bestreitet? Regie führte beim ersten von mittlerweile zwölf Filmen (elf Teile und ein Spin-off) Sean S. Cunningham.
Die Reihe wurde zur wohl langlebigsten und erfolgreichsten Slashersaga aller Zeiten. Allein in den USA spielten die
Streifen rund 600 Millionen Dollar ein, sie zählen neben Halloween oder natürlich A Nightmare on Elm Street zu den
wichtigsten Werken des Genres. 2003 spendierte man letzterer Reihe sogar ein Treffen mit Freitag, der 13. – unter
dem Titel Freddy vs. Jason.
Der Inhalt der Schocker lässt sich schnell umreißen: Primär geht es um den Serienmörder Jason Voorhees, der als
kleiner Junge im Ferienlager Crystal Lake von bösartigen Kindern in den See getrieben wurde und scheinbar ertrank.
Im ersten Part sucht Jasons Mutter Rache an dem Camp, weil dort nicht genügend auf ihren Sohn aufgepasst wurde.
Doch plötzlich ist gar nicht mehr klar, ob Jason wirklich tot ist, denn eine Leiche wurde nie gefunden. Jason lebt. Und
er sieht mit an, wie seine Mutter stirbt. Jetzt liegt es an ihm, Rache zu nehmen... und dieser Feldzug wird lang, blutig
und gnadenlos.
Die Freitag, der 13.-Teile sind Kult – nun wird uns etwas völlig Neues präsentiert: Kein weiteres Remake und auch
keine weitere Fortsetzung erwartet den Liebhaber hier, sondern eine Dokumentation mit unglaublichen 400 (!)
Minuten Länge. Sie behandelt alle inzwischen erschienenen Freitag, der 13.-Folgen. Begonnen beim Original von 1980,
bis hin zum „Reboot“, welcher 2009 stattfand. Die pralle Sammlung birgt einen ungeheuren Schatz an Materialien,
darunter viele Photos, Filmausschnitte, Outtakes, Archivbilder, Konzeptkunst, „Behind the Scenes“-Beiträge und
Photos vom Dreh. Dazu kommen noch Interviews mit über 150 Schauspielern, Regisseuren, Produzenten und
anderen Crewmitgliedern aus den zwölf Filmen sowie einer TV-Serie. Befragt wurden etwa Alice Cooper, Wes Craven,
Sean S. Cunningham, Tom Savini, Judie Aronson oder Kimberly Beck. Die gut sechsstündige Doku führt hinter die
Kulissen des Phänomens. Sie ist eine Ehrerweisung gegenüber allen bisher veröffentlichten Kinostreifen und der
Fernsehproduktion. Angeboten wird das Ganze in einem geprägten Hochglanzschuber mit abziehbarem FSK-Sticker.
Ein wirklich randvolles Paket, das für jeden Jason-Fan natürlich einen Pflichtkauf darstellt, und auch alle sonstigen
Freunde der klassischen Slasherszene werden definitiv ihren Spaß haben. Mal was anderes als einfach nur ein neuer
Horrorfilm...
Manuela Ausserhofer
Ab 20. Oktober erhältlich als DVD und Blu-ray!
66 - Orkus!

Das Böse ergreift Besitz! Eines sei vorweg gesagt: The Evil Within ist nichts für schwache Nerven,
denn Albträume sind hier garantiert... Der amerikanische Publisher Bethesda, bereits durch seine
atemberaubende Saga The Elder Scrolls oder die erfolgreichen Fallout-Titel bekannt, präsentiert dem
Zockerherz jetzt ein Spiel, das ordentlich unter die Haut geht. Das perfekte Horrorevent für alle Liebhaber
von Schockern wie Silent Hill oder Resident Evil, bei denen einem das Blut in den Adern gefriert.
Betrachten wir kurz den Plot: Detective Sebastian Castellanos und Partner gelangen an einen
grauenerregenden Mordtatort und werden dort auch noch Zeugen eines schaurigen Ereignisses.
Castellanos muss mitansehen, wie einige Kollegen von einer bösartigen, geheimnisvollen Macht
wahrhaftig hingerichtet werden. Er selbst gerät in einen Hinterhalt und wird niedergeschlagen. Nach
seiner Bewusstlosigkeit erwacht er in einer unheimlichen, bizarren und neuen Welt, die nicht mehr so zu
sein scheint wie vorher. Widerwärtige Kreaturen wandeln inmitten von Toten durch die Straßen, und die
einzige Möglichkeit, die Sebastian bleibt, ist ein Kampf ums reine Überleben, ein gnadenloser Horrortrip
der Extraklasse.
Shinji Mikami gilt als „Vater“ des Survival Horror, und diesem Ruf wird er mit seiner jüngsten Produktion
mehr als gerecht. Das neue Projekt aus Mikamis Edelschmiede Tango Gameworks fügt sich perfekt in die
Reihe seiner Genreklassiker, etwa die gefeierte Resident Evil-Serie (auch bei Devil May Cry hat er mitgewirkt).
Nun schuf er eine nervenzerfetzende Story, eine bizarre Welt voller angsteinflößender Geschöpfe und
eine Atmosphäre, welche pure Angst, Beklemmung und actiongeladene Spannung erzeugt. Detective
Castellanos muss sich mit diabolischen Figuren messen und darf in keine der vielen Fallen tappen, die
seinen Weg säumen. So versucht er, das Böse mit dessen eigenen Waffen zu schlagen – schafft er es
nicht, wird die Meute die Oberhand gewinnen. Das Überleben wird ihm nicht leicht gemacht, denn die
Welt verändert sich. Gebäude oder Straßen verschwinden plötzlich, und auf einmal scheint alles anders
als noch wenige Augenblicke zuvor. The Evil Within ist Survival Horror, wie man ihn sich wünscht, jedoch
sei gewarnt: Dieses Spiel ist schockierend, aufreibend, und es kann schon mal passieren, dass man den
Controller in einem der zahlreichen Schreckmomente ein paar Meter gen Himmel schickt. Wir wünschen
viel Spaß und starke Nerven!
www.theevilwithin.com
Manuela Ausserhofer
Erhältlich für PC, Xbox 360, Xbox One, PlayStation 3 und PlayStation 4.
Orkus! - 67

Orkus! COMPILATION 103
Liebe Leserin, lieber Leser, wir wünschen Dir viel Vergnügen
mit der 103. Ausgabe unserer Samplerreihe!
Sei der Talentscout! Entdecke Du die beste Band. Hier anhören und dann voten auf www.orkus.de!
01. LICHTSCHEU
Rabenherz
Wenn Dein Rabenherz auf ewig vereist
scheint, wenn Du fern der Heimat einen
nie enden wollenden Albtraum lebst,
wenn die Hymne verlorener Seelen
durch die Stille der Nacht hallt, dann
bist Du im Reich von Lichtscheu. Sie
verbinden Elektronisches und Metallisches,
„Gotisches“ und Mittelalterliches zu einer
Mischung, die erstaunlichen Wiedererkennungswert sowie Gänsehaut- und
Ohrwurmpotenzial besitzt. Sängerin Angelas dunkle Lyrik fesselt und zieht
unaufhaltsam in den lichtscheuen Kosmos. Rabenherz heißt das Titelstück
ihrer aktuellen EP. Momentan wird für Anfang oder Mitte 2015 ein neues
Album vorbereitet...
www.lichtscheu-musik.de
02. RAVENFLY
The other side
RavenFly haben sich dem Mystic Rock
verschrieben. Ihre Lieder erzählen von
jemandem, dem die moderne Welt zu
eng ist und der den Weg in die Freiheit
sucht. Kraftvolle Songs mit schweren
Gitarrenklängen sowie melodramatische
Balladen mit filigranen Harfen und
sphärischen Keyboards untermalen
die charismatischen Vocals von Jade
Ardela und lassen uns in eine andere
Welt eintauchen – voller Leidenschaft,
Sehnsucht und Glauben an eine höhere Bestimmung. The other side ist der
Titeltrack des zweiten Albums, welches nächstes Jahr erscheinen soll.
www.ravenflymusic.com
03. PSY’AVIAH
Never Enough (ft. Lis van den Akker)
Psy’Aviah veröffentlichen mit The Xenogamous
Endeavour das nunmehr fünfte Studioalbum. Der
belgische Musiker Yves Schelpe kehrt darauf zum
Kern seines vor elf Jahren ins Leben gerufenen
Projektes zurück. Never Enough bietet nur eine
Facette der melodischen Bandbreite zwischen
Synthiepop, Electro, Ambient oder Trip Hop dar.
Eine Vielzahl von talentierten Gästen, die – wie
beispielsweise Lis van den Akker – ihre Stimme einbringen, fügt den Glanz
des Besonderen hinzu.
www.psyaviah.com
04. AENGELDUST
Meth Face
Mächtig knarzig geht es bei Aengeldust zu, die
nach ihrem Debut Freakshow die EP Meth Face
vorlegen. Sie enthält sieben Electro Noise-
Versionen des Titelstücks, geprägt durch
Soundstrukturen aus dem Hause Antibody,
Advent Resilience, Detuned Destruction oder
auch Iñaki Kreator. Darüber hinaus wurde
noch der Track Zombie als Acylum Remix
dazugepackt. Viel mehr gibt es im Moment
nicht zu sagen, außer: ab auf die Tanzfläche!
www.facebook.com/Aengeldust
05. SERAPHIM SYSTEM
R4MP4G3
Frisch bei Digital World Audio ist Seraphim System,
der sich in Klangwelten wie jene von Aesthetic
Perfection, Noisuf-X, Combichrist, [Grendel],
:Wumpscut:, Psyclon Nine oder Nachtmahr einfügt.
Mastermind BL4KJ4K wirkte schon am Debutalbum
von Rave The Reqviem mit. Was jetzt Treibend-
Düsteres und Elektronisches bei seinem Solo-
Projekt folgt, zeigt R4MP4G3 klar und deutlich. Wir
dürfen gespannt auf mehr warten.
www.facebook.com/seraphimsystem
06. TAXIM
Keine Angst
1996 durch Alex Ney als Ein-Mann-Projekt
gegründet, wuchs die Essener Dark Electround
Experimental-Formation im Laufe der
Zeit zum Trio. Das 2014 veröffentlichte
Album Full Of Empty, welchem Keine
Angst entstammt, schreitet in Sachen
Instrumentalmusik ganz traditionell und
auch recht neo-klassisch voran. Doch die
elektronische Bandbreite ist wahrlich groß. Von ruhig und düster bis hin
zu romantisch, fordernd, schnell und tanzflächenbetörend... Taxim bieten
jedem etwas.
www.taxim-music.com
07. STUDIO-X VS SIMON CARTER
Say My Name (Album Version)
Ein weiteres Debut: Der DJ Simon Carter
hegte den festen Wunsch, neue musikalische
Grenzen auszutesten, und fand im Australier
Lawrie Masson alias Studio-X den idealen
Partner. Mit ihrer Erstveröffentlichung unter
dem Titel Breaking The Void gelingt den beiden
ein Werk, das tanzflächentauglicher kaum
sein könnte. Electro Dance und düsterer Electro Pop. Eine empfehlenswerte
Mischung!
www.facebook.com/officialstudiox
08. FUNDETTA
König der Lüfte
Makaber und melancholisch, so präsentieren sich
Fundetta auf ihrem jüngsten Album Mein Talent ist
Leben. Das Lied König der Lüfte untermauert den
vom Duo erzeugten elektronischen Dark Wave/
Cabaret Rock mit all seinem Charme. Düster, rockig,
bizarr-verspielt, zum Weinen und Lachen geeignet...
theatralisch. Den Track gibt es übrigens auch als Video im Netz!
www.fundetta.de
09. READERSHIP HOSTILE
Shadows of Pure Delight
Die Dark Waver/Deathrocker aus Los
Angeles veröffentlichten Ende Januar
eine selbstbetitelte EP, der Shadows of
Pure Delight entstammt. Das Stück lässt
tief in die Seele des Gespanns blicken.
Gitarren und Drums sind geprägt durch
jene Sounds und Leidenschaft, welche Readership Hostile als „Charakterbild
von Christian Death vs. Sex Pistols“ beschreiben. Adrienne Pearsons Gesang
macht die Illusion komplett, sich nicht im Jahr 2014 zu befinden, sondern
träumend zwischen 1985 und 1989.
www.facebook.com/ReadershipHostile
10. JORAN ELANE
Storm
Zwei Jahre hat die Frontfrau von Elane an ihrem
Solo-Debut gearbeitet. Nun ist das Album Glenvore
erschienen. Storm gleitet im Gewand des Fantasy
Folk mystisch und bezaubernd sanft dahin und
entfacht im Herzen eine tiefe Sehnsucht. Joran
Elane lässt Elfen und andere liebreizende Wesen im
Einklang ertönen – eine Welt, in der man sich nur allzu gern verlieren möchte.
www.joran-elane.com
11. TOTEM OBSCURA
Nachtwache
Perfekt zu den kommenden kühleren und finsteren
Tagen passend, geben sich Totem Obscura mit ihrer EP
Nachtwache eindringlichst Mühe, das Blut in unseren
Adern gefrieren zu lassen. Nachtwache nimmt einen
regelrecht gefangen. Die unterschwellige Power,
welche dieses Projekt vermittelt, ist düster, schwer
und nervenaufreibend wie ein guter Film. Wirklich faszinierend!
www.facebook.com/totemobscura
Mit Deiner Band auf der nächsten Orkus! Compilation sein? Bewirb Dich einfach unter cd@orkus.de!
68 - Orkus!

Oktober
Kim Ljung (Zeromancer) – 17.10.1971 in Tønsberg, Norwegen
Simon Le Bon (Duran Duran) – 27.10.1958 in Bushey, UK
Farin Urlaub (die ärzte) – 27.10.1963 in Berlin
Silke Volland alias Frau Schmitt (Subway to Sally) – 27.10.1965
in Brandenburg an der Havel
Adrian Erlandsson (Paradise Lost) – 27.10.1970 in Malmö, Schweden
Roger O’Donnell (The Cure) – 29.10.1955 in London, UK
November
Magne Furuholmen (Ex-a-ha) – 01.11.1962 in Oslo, Norwegen
Reginald „Fieldy“ Arvizu (KoRn) – 02.11.1969
in Bakersfield, Kalifornien, USA
Mick Thomson (Slipknot) – 03.11.1973 in Des Moines, Iowa, USA
Rozz Williams († 01.04.1998 in West Hollywood, Kalifornien, USA) –
06.11.1963 in Pomona, Kalifornien, USA
Michael „Bodenski“ Boden (Subway to Sally) – 06.11.1965
in Potsdam
Sonja Kraushofer (L’âme Immortelle) – 06.11.1978
in Baden, Österreich
Martin „Ducky“ Duckstein (Schandmaul) – 07.11.1972 in München
Anna Katharina Kränzlein (Schandmaul) – 07.11.1980
in Fürstenfeldbruck
Porl Thompson (Ex-The Cure) – 08.11.1957 in London, UK
Alexandra Maria Lara – 12.11.1978 in Bukarest, Rumänien
Claus Larsen (Leæther Strip) – 13.11.1967 in Aalborg, Dänemark
Christian „Flake“ Lorenz (Rammstein) – 16.11.1966 in Berlin
Thomas Lindner (Schandmaul) – 16.11.1974 in Zeven
Alexander Wesselsky (Eisbrecher) – 18.11.1968 in Augsburg
Shagrath (Dimmu Borgir) – 18.11.1976 in Jessheim, Norwegen
Oliver Sykes (Bring Me The Horizon) – 20.11.1986 in Ashford, UK
Das Orkus!-Team gratuliert
allen Jubilarinnen und Jubilaren!
EDITION
ISBN 978-3-944154-09-1

Vlad In Tears
Kris Vlad
Run Or Fight
Das ist eine Hymne für alle Söhne der Dunkelheit, ein Lied,
bei dem jeder mitsingen sollte, wie ein Chor direkt aus der
Finsternis. Zugleich ist es das schnellste Stück des Albums,
eine Mischung zwischen Dark’n’Roll- und Heavy Metal-Ode.
Lasst uns den Tag zur Nacht machen!
Feed On Me
Unsere neue Single; wir hielten es für den richtigen Song,
um uns und unseren neuen Stil zu repräsentieren, aber
auch den ausgewogensten, denn wir wollten unsere alten
Fans nicht zu sehr „schocken“, sondern ganz sicher neue
erobern... Letztendlich ein Lied über Sex, Blood & Rock’n’Roll.
Die Today
Dieses Stück entstammt der dunkelsten Seite von Vlad
In Tears, ich liebe die Rhythmik, die wir hier geschaffen
haben, und spiele es liebend gerne live, es ist auch ein
guter Eröffnungstrack für unsere neuen Bühnenshows. Eine
Nummer über Hass und Liebe... „Wenn Dich jemand bis
zum Wahnsinn liebt... gibt es kein Versteck.“
Glad To Be Dead
Ich habe diesen Song irre oft überarbeitet! Es muss einer
der ältesten und einer der ersten sein, mit denen ich
angefangen habe, ich erinnere mich noch, wie ich die
Demoversion unserem Manager geschickt habe und sie ihm
unheimlich gefiel! Damals merkte ich, dass diese Richtung
für unser neues Material passt... Es geht um ein kommendes
neues Leben... nach dem Tod...
Burning Bright
Das ist eines der am stärksten „kombinierten“ Stücke auf
unserem neuen Album, hier haben wir wohl wirklich den
perfekten Mix zwischen unserem alten Stil und einer Art von
neuem Metal gefunden, mit einem tollen „Mitsingrefrain“,
in den jeder nach dem ersten Mal einstimmen können
sollte... Ein Lied über Liebe und Dunkelheit, die sich
zusammenfügen.
Vlad In Tears
Für mich das Hauptstück, ich wollte einen Song über die
alte Dracula-Romanze von Bram Stoker schreiben und den
Bandnamen als Titel verwenden, als einen stabilen Punkt in
unserer musikalischen und künstlerischen Karriere... Das
Endergebnis gefällt mir sehr, es hat etwas echt Besonderes...
eine Geschichte ewiger Liebe... ein verklingendes Gedicht.
After Life
Die ungewöhnlichste Nummer... Ich war überrascht, dass
sie beim Publikum so gut ankam, als wir sie zum ersten
Mal live spielten; nicht weil sie mir nicht gefallen hätte,
vielmehr weil ich sie als unser bis dato „am wenigsten
düsteres“ Lied empfinde. Es freut mich, dass die Leute
daran Spaß haben, das Komische ist nur: ein Song, in dem
der Teufel um eine weitere Chance angerufen wird? Zur
Hölle, warum nicht!
Your Sign
Das passende Stück zum Tanzen in allen Discoclubs! Eine
Kombination aus M. Manson und Lady Gaga... haha... Aber
ich glaube an das, was ich hier geschrieben habe... Befreie
Dein Leben und lüge nicht!
Kiss My Soul
Zunächst hatten wir überlegt, dies als erste Single zu
nehmen, doch dann erschien es uns für einen Neustart
ein kleines bisschen zu viel, denn es ist eine echt heftige
Nummer, voller Nu Metal-Gitarrenriffs und superfunkiger
Rhythmen, mit einem sehr explosiven Refrain! „Intensiv
und tödlich verliebt.“
Bleed Out
Die einzige Ballade unseres neuen Albums, aber
ein ausgesprochen starkes Stück... Es hat großes
kommerzielles Potenzial und klingt live gespielt sogar noch
besser... Es handelt davon, uns unserer Vergangenheit und
allem zu stellen... Aufhören, zu rennen, und akzeptieren,
was sein muss...
Fade Away
Nach zwei verschiedenen Versionen hatten wir’s geschafft!
Vorher war es rasant und chaotisch, doch dann wollte ich
einen Song im halben Rhythmus daraus machen, voller
Kraft und Energie, mit einer umwerfenden Refrainzeile,
dem Schrei: „Ich werde nicht verschwinden! Meine Augen
sind jetzt offen!“
No Time To Die
Der mystischste Track – ich bin seit jeher in indische Musik
verliebt, sie kann eine absolut düstere und träumerische,
aber auch feierlich-rituelle Atmosphäre erzeugen. Ich
wollte unseren neuen schweren Stil mit der fernen
Atmosphäre einer mystischen Welt vermengen... Ich liebe
die Kombination zwischen den Nu Metal-Strophen, welche
leicht an Slipknot erinnern, und dem Chorus, der ein
wenig wie Disturbed klingt... sehr packend.
My Way
Das war eine Herausforderung... kann ich gleichzeitig
klassisch und alternativ sein? Ja, verdammt! In Italien habe
ich dieses Lied sehr oft gesungen, auch weil mein Vater
es unheimlich mochte und ihm die Art gefiel, wie ich es
vortrug, allerdings natürlich mehr ans Original angelehnt.
Als das Stück fertig war, hatte ich zuerst ein bisschen
Angst, es andere Leute hören zu lassen, doch dann sah ich
ihre begeisterten und lächelnden Gesichter... während sie
das ganze Lied mitsangen! Phantastisch.
70 - Orkus!

Personal Revolution
Arco Trauma
Welcome To The 21st Century
Diesen Einstieg haben wir uns alle zusammen
während eines Fluges ausgedacht. Das
Album handelt von einem langen und
kurvigen Weg voller Fallen, wie ein Spiel, wie
eine TV-Show, wozu eine Hostess Dich sehr
freundlich begrüßt. Hier werden Ton und
Szenario festgelegt, um welche das Album
lyrisch und musikalisch kreist. Das Stück ist
als Handreichung für den Hörer kalt, fremd
und einnehmend zugleich. Wir beschlossen,
es sehr minimalistisch zu gestalten, die
Bedeutung in den Vordergrund, ins Licht zu
rücken. Eine Art, zu sagen: „Okay, machen wir
uns nichts vor. Die ganze Welt ist am Arsch.
Aber wir wissen auch, dass wir ein Teil davon
sind.“
Question Everything
Old School-Industrial Minimal Power Noise
für eine sehr simple Botschaft: „Denke
nach, bevor Du etwas tust.“ Es geht um
einen der größten Kriege unserer Zeit. Den
von „Emotion/Information“. Und die beste
Waffe zum Überleben und Kämpfen ist Dein
kritischer Verstand. Ihn gilt es zu bewahren.
Ich glaube, wir sind besser als Papageien.
Der Geist verdient Freiheit, zu wachsen und
weiser zu werden, um besser zu verstehen
und besser mit seiner Umgebung zu
interagieren.
Tomorrow Is Too Late
Ein Lied über Prokrastination. Wenn man alles
hinauszögert, obwohl man weiß, dass es jetzt
sofort getan werden sollte. Wenn man sich
durch seine Trägheit ganz ohne fremde Hilfe
letztendlich selbst frustriert. Es ist ein Dialog
zwischen einer Figur und ihrem Gewissen.
Wie Krieg im eigenen Kopf. Wir vergeuden
so viel Zeit mit der Suche nach Ausreden,
um unsere Untätigkeit zu rechtfertigen.
So viel Zeit und Energie, die wir nutzen
könnten, um uns für das einzusetzen, was
wir wirklich wollen. Musikalisch extra sehr
schnell, um eine passende Spannung und
Atmosphäre der Dringlichkeit zu erzeugen.
Es repräsentiert die verstreichende Zeit, die
immer zu rasch verfliegt.
We Are Not Cursed
Sehr radikale synkopierte elektronische
Tanzmusik. Der allererste Track, den wir
gemeinsam für das Album erdacht haben. Wir
wollten ihn leicht verständlich halten, damit
er bei den Konzerten gut aufgegriffen und
mitgesungen werden kann. Der Refrain ist
wie ein Schlag ins Gesicht, um nachdrücklich
und bestimmt etwas folgender Art zu sagen:
„Es gibt kein Schicksal. Entscheide die
Zukunft.“
Another Kind Of Me
Sehr spontane Nummer. Wir haben
versucht, sie mit Vocals zu arrangieren. Beim
Hauptdrumloop ließen wir uns von einem
Mann inspirieren, der durch die Straßen einer
Großstadt läuft. Er blickt um sich und sieht
unterschiedliche Menschen unterschiedlichen
Alters in unterschiedlichen Situationen. Und
jede Person erinnert ihn an einen anderen
Teil seiner selbst, eine andere Phase seines
Lebens in Vergangenheit, Gegenwart und
Zukunft. Der Text erzählt von Empathie und
Mitgefühl gegenüber dem anderen und sich
selbst. Wie wir uns selber in jedem Augenpaar
wiedererkennen können, das wir anstarren.
Sehr naiv und zugleich tiefgründig. Einer
meiner Favoriten.
Cynicism Is A Poison
Klingt in meinen Ohren wie ein kaputter Pop-
Song. Sehr melancholisch, mit einem starken
und tiefen Refrain. Wie ein alter Radiorockhit.
Es ist eine explizite Kritik an Leuten, die nichts
ernst nehmen, um sich vor der brutalen
Realität zu schützen. Ein Weg, zu sagen: „Nein,
ich lache nicht mit euch.“
It Gets In The Blood
Anfangs war es lediglich ein Probelauf,
eine lange, schauspielerisch improvisierte
Spoken Word-Aufnahme. Und dann wollten
wir sie schneiden, eng verdichten zu einem
Filmtrailer, nur das Essenzielle, den Kern,
die starken Worte, irgendeine Bedeutung
erhalten. Für uns ist es sinnvoll, weil es
unseren chaotischen Geist widerspiegelt
und die Form, wie unsere Ideen geboren
werden und sich entwickeln. Es zeigt unseren
schizophrenen Schöpfungsprozess. Wir haben
es möglichst nackt zu machen versucht, bloß
mit einem einfachen Drone, verstörend wie
ein gestohlenes Tape. Als ob Du uns durchs
Schlüsselloch beobachten würdest.
Vote For Molotov
Radikal schneller Digipunk transportiert eine
simple Botschaft: „Sie sind korrupt. Erwarte
nichts. Ignoriere sie.“
All Demons
Der Versuch einer Art Hip Hop mit einigen
Elementen aus Industrial und Minimal Trap.
Doch die Idee war, lyrisch etwas anderes zu
machen. Im Wesentlichen geht es um einen
abgehobenen Typ, der glaubt, er sei der
König einer luxuriös dekadenten Party. Um
das gewohnte Bild zu brechen, schütteten wir
ein wenig Wasser in den Wein. Wir erzählen
vom Ende einer Feier, dem Kater, der Übelkeit,
der verdammten Ernüchterung, wenn man
feststellt, dass die Welt dieselbe bleibt.
Obwohl einem das klar ist, tut man es wieder
und wieder. Wir sind nicht verflucht, aber die
Dämonen streifen noch immer umher.
Keep Calm
Berliner Minimal Cold Wave mit 808-Sounds
und Industrial-Basslines mit schlichten,
repetitiven roboterhaften Vocals. Musik
erlaubt uns, gegensätzliche Gefühle zu
vermischen. Ich habe mich immer gefragt,
wie es wirken würde, wenn wir einen Track
als Appell zur Ruhe mit hochnervöser Stimme
gestalten. Wie in einer Paniksituation. Hier
gibt es keine spezielle Bedeutung. Nur ein
Aufeinandertreffen von hitzigen Emotionen
und kühlen Worten.
Beside The Impossible
Diesen Song schrieb ich für meinen Freund
Alexey Protasov von Ambassador21, als ich
erfuhr, dass er Kehlkopfkrebs hatte. Die Musik
ist erneut sehr schlicht, minimalistisch und
spontan. Es geht um die teuflische Weise, wie
Hoffnung genau wie ein Krebs in Dir wuchern
kann. Allerdings zur Selbstheilung. Um Dich
stärker zu machen. Heute geht es Alexey zum
Glück wieder gut.
Substance Over Style
Klassische schnelle Harsh Electro-Beats mit
einem verzerrten Moog-Arpeggio. Das Stück
handelt vom Krieg zwischen Substanz und
Stil. Ich finde, wir sollten beide Begriffe öfter
durcheinanderwerfen. Unsere Gesellschaft
drängt uns zu Schein statt Sein. Als müssten wir
verstecken, was wir im Inneren wirklich sind.
Glücklicherweise sind wir alle unterschiedlich.
Das macht die Welt interessanter.
Personal Revolution
Minimal Electro Technoise mit explizitem Text.
Geplant als ein Kriegslied. Als das finale Level
in einem Videogame. Wenn Du gegen den
Endboss kämpfst: Dich selbst. Ein Tritt in den
eigenen Hintern.
I Had A Dream
Improvisierter Gesang auf einem
psychedelischen Voodoodrone. Es dreht sich
um das Ende von Illusionen, übertriebenen
Hoffnungen und Erwartungen. Den Tod
eines Teils unseres Herzens. Es ist wie eine
Klage, eine Art „Abschiedslied“. Wir nahmen
drei Stunden Vocals auf. Und behielten nur
drei Minuten. Trotzdem liegt der Gesang
manchmal neben der Spur, doch darum ging’s
nicht. Wir strebten pure Emotion an. Ohne zu
viele Effekte, ohne zu viele Schichten; nicht
unbedingt schön, aber stark, echt, unserem
Empfinden nach das richtige Gefühl zum
Ausdruck bringend.
Orkus! - 71

„Ich gleite ständig
zwischen den Welten hin und her...“
Wenn an Halloween Horden düsterer Gestalten irgendwo aus den Tiefen der Unterwelt hervorkriechen und ihr Unwesen treiben, spuckt
das Dunkle auch etwas anderes heraus. Es hört auf den Namen The Great And Secret Show und ist das Debutalbum der britischen Band
Devilment. 2011 von Daniel Finch gegründet, steht am Mikrophon mittlerweile ein Großer der Szene: Dani Filth. Das wirft Fragen auf.
Orkus: Was ist Devilment für dich: der kleine Bruder von Cradle? Eine neue
Spielwiese? Oder einfach eine Phase?
Dani Filth: Es ist eine ernst zu nehmende Band, und ich teile meine Zeit
zwischen beiden auf. Der Schwerpunkt liegt aber natürlich weiter bei Cradle
Of Filth, denn das ist seit mehr als 20 Jahren mein Leben, das wird immer
Vorrang vor allem anderen haben. Nächstes Jahr im Juni wird unser neues
Album erscheinen, diesen Oktober touren wir einen Monat durch Russland.
Nach dieser Reise werde ich allerdings einen Monat lang mit Devilment auf
Tour sein. Danach gehen wir mit Cradle ins Studio. Das ist neu für mich; ich
war noch nie in einer Situation, in der ich meine Zeit so sehr einteilen musste
wie jetzt. Die vergangenen Monate waren wirklich verrückt.
O: Eine stressige, rastlose Zeit – auch eine schöne Zeit?
DF: Manchmal ist es vielleicht ein klein wenig viel, aber ich genieße es! Lieber
so, als dass ich zu Hause sitze und Däumchen drehe. Und ich bin ja auch ein
bisschen selbst schuld.
O: Das erinnert an einen Satz Edgar Allan Poes: „Alle, die bei Tage träumen,
wissen von vielen Dingen, die denen entgehen, die nur den Traum der Nacht
kennen.“
DF: Ja, ein schönes Zitat. Ich persönlich muss allerdings sagen: Tagsüber
erledige ich das Alltägliche. Ich kann mich da schlecht konzentrieren, es ist
zu viel los. Ich bin ein Nachtmensch. Die Stunden zwischen 21.30 und 02.30
Uhr sind meine kreativsten. Da schreibe ich Lyrics, tauche tief ein in das, was
mich momentan beschäftigt.
O: Wie sähe denn der Film aus, für den das Devilment-Debut der perfekte
Soundtrack wäre?
DF: Spontan kann ich das gar nicht beantworten, aber wir haben ein ganz
spezielles Stück auf dem Digipak. Es ist eine Orchesterversion von Even
Your Blood Group Rejects Me von Spencer Creaghan, der sonst Soundtracks
schreibt. Das ist gewaltig geworden!
O: Weshalb genau?
DF: Ich bin Perfektionist.
O: Der Unterschied wird krass sein: Erst die sicherlich
gefeierte Headlinertour mit Cradle Of Filth, dann als
Support von Lacuna Coil erstmals unterwegs mit
Devilment.
DF: Ein ziemlicher Wechsel. Wir fangen wieder ganz
unten an. Für den Rest der Band wird diese Tournee
eine völlig neue Erfahrung sein – sie waren noch nie mit
einem Tourbus unterwegs. Mein erstes Mal liegt 19 Jahre
zurück. Diese Tour werde ich aus einer komplett anderen
Perspektive erleben als die Reisen mit Cradle. Aber
darum geht es ja im Leben: neue Erfahrungen und neue
Perspektiven.
O: Ein Freund von dir hat Devilment gegründet. Warum
bist du eingestiegen – war es der Drang, neue Wege zu
erkunden?
DF: Wir kehrten gerade mit Cradle von einer Tour zurück.
Daniel war in die Gegend gezogen, in der ich wohne. Wir
trafen uns, redeten. Ein paar Wochen später erzählte
er mir von seinen Gedanken über eine neue Band und
hatte einige Ideen. Zu Beginn war es eher ein Scherz, aber
daraus erwuchs etwas. Ich war damals ziemlich beschäftigt
mit Cradles bis dato letztem Album The Manticore and Other Horrors. Doch mit
der Zeit wurde es ernster. Wir haben dann mit dem Produzenten Scott Atkins
zusammengearbeitet – er hat das letzte Cradle-Album gemacht und zeichnet
auch für das neue verantwortlich. Bei Devilment ist er quasi unser siebtes
Bandmitglied geworden. Er hat uns ein bisschen geführt und dem Ganzen
einen grandiosen Sound verpasst.
O: Wie wichtig ist es dir, Neues zu entdecken und auszutesten?
DF: Ich kann nicht behaupten, dass es mir unglaublich wichtig ist. Ich hatte
anfangs auch nicht geplant, etwas Neues aufzubauen. Es hat sich vielmehr
so entwickelt, dass Devilment jetzt als Band existieren. Ich habe die Chance
einfach ergriffen, wollte aber natürlich, dass sich die Musik von Cradle
unterscheidet, dass es wirklich zwei eigenständige, unterschiedliche Bands
sind.
O: Die Lyrics stammen auch bei Devilment alle aus deiner Feder...
DF: Genau, so ist es. Während die Texte bei Cradle eher in die Richtung
klassischer Gedichte gehen, sieht es bei Devilment anders aus. Ich würde die
Texte hier eher in die Richtung von Tim Burton, Roald Dahl, H.P. Lovecraft
stecken – eine modernere Art von Literatur als bei Cradle.
O: Du sagtest kürzlich, das Album drehe sich um den okkulten Impuls
hinter der Welt, um ein Land der Phantasie. Eine phantasmagorische
Nachtlandschaft. Wie oft tauchst du selbst in andere Welten ein?
DF: Das, was du sagst, wollten wir mit dem Titel ausdrücken: The Great And
Secret Show. Es geht um ein Land der Phantasie, um das, was hinter dem
Vorhang steckt, der alles verschleiert. Eine kalte Welt, eine Parallelwelt, wo
das Mystische, aber auch die Wunder beheimatet sind. Mein ganzes Leben ist
so. Klar, ich muss eine Balance finden zwischen den Welten. Ich gleite ständig
zwischen den Welten hin und her und durch den Vorhang hindurch, wechsle
zwischen jener Welt, die ich kreiere, und der anderen, der realen Welt. Das
kann großartig und wundervoll sein, aber auch unvorhersehbar und trüb.
O: Mal abgesehen davon, dass Schubladen immer schwierig sind: Kannst du
dich mit der Bezeichnung „Horror Metal“ anfreunden, die für Devilment im
Internet kursiert?
DF: Ich stimme grundsätzlich erst mal keiner Kategorie zu. „Horror Metal“
klingt recht cool, aber es deckt ein so breites Spektrum ab, dass sich die
Leute eventuell auch etwas völlig anderes darunter vorstellen, als Devilment
am Ende wirklich ist. Bei Devilment geht es um groovende Riffs, Pantera/
Rammstein-ähnliche zum Beispiel, um Lieder im Stile der alten Hitchcock-
Filme, um Melodien und Keyboardlines. Alles ist ein wenig surreal. Es ist
vielleicht die Art von Musik, die man in einer düsteren Metal-Kneipe erwartet
– auch wegen des Tempos.
O: Zum Abschluss etwas ganz anderes: Wie kam es, dass du bei Bam Margeras
Hochzeit in Island einen Anathema-Song zum Besten gegeben hast?
DF: Bam zerrte mich eines Tages ins Studio, als er gerade diesen Anathema-
Song aufnahm – Sleepless. „Du musst mitmachen“, sagte er. Das war verrückt.
Und bei seiner Hochzeit zog er mich dann auf die Bühne, um es mit ihm
gemeinsam zu singen.
O: Island soll beeindruckend sein. Hat es dich inspiriert?
DF: Ich habe die kurze Zeit dort eher zur Erholung genutzt. Wir sind leider
nicht durchs Land gereist. Klar, wir haben ein bisschen Sightseeing gemacht
– und wir haben viel getrunken.
www.devilment-corps.com
Melanie Haack
Photos: Dex Jezierski
Line-Up:
Dani Filth – Gesang
Colin Parks – Gitarre
Daniel Finch – Gitarre, Samples
Nick Johnson – Bass
Lauren Francis – Keyboard, Gesang
Aaron Boast – Schlagzeug
Orkus! - 73

„Wenn möglich, bitte wenden...“
Gespräche mit den Herren von BhamBhamHara sind immer wieder purer Spaß. Nun gibt
es einen besonderen Anlass, denn endlich ist es so weit: Progressive Body Music steht kurz
vor seiner Veröffentlichung. „Nachdem wir sehr positive Resonanzen auf die EPs Kreislauf
und Nur für Euch bekommen haben, geht die Aufregung jetzt eher in Richtung der Frage,
ob wir die geschürten Erwartungen erfüllen können oder ob wir da scheitern. Diese
Gedanken führten auch zu einigen Überstunden beim Final Mix. Fast jeden Song haben
wir noch mal angepackt und, wie Jan so gerne formuliert, neu lackiert“, erzählt Axel Ermes.
Das Debut der beiden Nordlichter erscheint an Halloween – einfach zu merken. Schlag auf
Schlag folgt dann auch gleich eine gemeinsame Tour mit [:SITD:], also keine Ruhe in Sicht.
Axel blickt dem Ganzen gespannt entgegen: „Wir werden einen Drummer dabeihaben, der
unserer elektronischen Welt eine eher menschliche Komponente hinzufügen wird. Unsere
Live-Versionen werden sich von den Albumversionen sicherlich etwas unterscheiden,
denn wir wollen nicht bloß ein Playback abfeuern und dazu Karaoke machen, sondern
uns gegenseitig Raum für Improvisation und Spontaneität lassen. Das wird nicht leicht
und kann auch nach hinten losgehen, aber wir denken ja immer positiv!“ Ein Wink mit
dem Zaunpfahl, thematisiert das Stück Positiv doch genau dieses Immer-positiv-Denken.
„Meine Grundeinstellung, was das Leben betrifft, ist von einer vorsichtig optimistischen
Haltung geprägt. Ich bin meistens zuversichtlich, kalkuliere aber Niederlagen und Pannen
als realistische Möglichkeit mit ein. Wahrscheinlich bin ich da als bekennender HSV-Fan
ganz gut trainiert“, scherzt Axel.
Die zwei können allerdings auch ernste Töne anschlagen. Mit Gottes Zorn betreten Bicker
und Ermes geradewegs ein Minenfeld. Es fallen die Begriffe „Genozid“ und „Holocaust“,
was wohl für manche Diskussion sorgen dürfte. „Ich liebe sachliche Diskussionen. Leider
ist es sehr schwer, mit streng religiösen Menschen zu diskutieren. Wäre Gott ein PC-Spiel,
stünde er schon längst auf dem Index. Jedes Jahr sterben Tausende von Menschen durch
religiös motivierte Handlungen. Da hält kein Ballerspiel der Welt mit!“ Jan merkt noch an,
dass „nicht die einzelnen Religionen und Glaubensrichtungen das Problem sind, sondern
vielmehr deren Vertreter“.
Darüber hinaus liefert die Nummer Das Ziel Stoff zum Nachdenken. „Rechts, links, halb
rechts, halb links, wenn möglich, bitte wenden...“ – oft wünscht man sich im Leben
ein Navigationssystem, das einem die Richtung zeigt. „In diesem Song steckt eine
Menge Interpretationspotenzial“, erklärt Axel. „Vielleicht geht es um das Führen und
Geführtwerden. Navigationssysteme sind eine gute Möglichkeit, zu lernen, sich Autoritäten
zu widersetzen. Ich fahre manchmal bewusst in eine andere Richtung, als sie mir das
Navi vorgibt. Umwege sind ganz bestimmt manchmal interessant und möglicherweise
auch sinnvoll; aber ob sie immer hilfreich sind, wage ich dann doch zu bezweifeln. In
bestimmten Situationen ist der direkte Weg meist angebracht.“
www.bhambhamhara.de
Marie-Luise Henke
Line-Up:
Axel Ermes – Gesang, Programmierung
Jan Bicker – Gesang, Programmierung
74- Orkus!

MACHINERY OF JOY
On The Verge Of Sleep
„Wir sind das Feuer!“
In diesem Jahr wird es noch einmal ordentlich finster und mächtig:
Unzucht haben ihr drittes Studioalbum fertiggestellt, welches den
Titel Venus Luzifer trägt. Und es ist nicht übertrieben, zu behaupten,
dass sie es mit ihren bisherigen Werken und auch hier geschafft
haben, eine eigene Nische in der Metal-Szene zu besetzen, denn
Unzucht vollbringen, wonach ihnen der Sinn steht, und das ist
dunkler, deutschsprachiger Rock, wie man ihn sich wünscht.
Nach ihrem Erfolgsrezept und ihrem Mastermind gefragt, antwortet
Fronter Der Schulz: „Wir haben die Unzucht gemeinschaftlich
kreiert, aber die meisten Songideen kommen von De Clercq,
gerade im Bereich Arrangement und Sound ist er der Mastermind,
während die meisten Texte und Gesangsmelodien von mir
stammen. Aber Unzucht ist ein Bandding, und jeder von uns kann
kreativ arbeiten und tut das auch; außerdem gibt es ja noch viel
mehr Aufgaben in einer Band als das Songwriting. Zum Beispiel
ist Blaschke unter anderem der bandinterne Spielberg, Fuhrmann
kümmert sich um das Management und steuert als Literat der
Runde auch viele Textideen und etwa die beiden letzten Albentitel
bei. Es gibt jeder in seinem Ressort einfach alles. Das Erfolgsrezept
ist die Erkenntnis, dass die Unzucht besser als jeder Einzelne von
uns ist. Wenn man kreativen Austausch zulässt und sich selbst
nicht zu wichtig nimmt, kann man echt was Großes schaffen.“
Rosenkreuzer öffnete schon die Türen zu einer gefeierten
Headlinertournee, die bundesweit durch 20 Clubs führte und
den Musikern Gelegenheit bot, sich als wahre Bühnenhelden zu
beweisen. Die positive Resonanz motivierte nur umso mehr, und
so schnappten sie sich ihren „Live-Mischer des Vertrauens“ Sascha
Hörold und nutzten die Zeit zwischen den Sommerfestivals, um
sich in der niedersächsischen Provinz zu verschanzen und neue
Lieder zu schreiben, die dann in Berlin von Dailyheros Florian
Nowak (War From A Harlots Mouth, Jennifer Rostock) gemixt
wurden. Für das Artwork holten sie hochkarätige Unterstützung
bei Stefan Heilemann, der kürzlich auch das aktuelle Megaherz-
Cover gestaltet hat. Gitarrist De Clercq vergleicht das Material
mit einer Geschmacksrichtung: „Meersalz passt super, gepaart
mit dem Duft der nordspanischen Weiten, die ich dieses Frühjahr
durchwandert bin.“
Erscheinen soll Venus Luzifer am 14. November, anschließend geht
es ohne Pause weiter, wie Der Schulz erzählt: „Als Auftakt spielen
wir im Dezember unsere bisher größte Hallentour – die Eisheiligen
Nächte mit Subway to Sally! Und dann, fast nahtlos, beginnt
unsere eigene, bisher umfangreichste Headlinertour durch unsere
Lieblingsclubs in Deutschland – und erstmals auch darüber hinaus
in Österreich, Holland, England... Es wird ein Inferno! Oder, um es
mit den Worten des Openers unseres neuen Albums zu sagen: Wir
sind das Feuer!“
Dies sei jedoch nur ein kleiner Vorgeschmack; in unserer nächsten
Ausgabe folgt ein ausführliches Interview mit den vier Jungs...
www.unzucht-music.com
Manuela Ausserhofer
Discographie (Alben):
Todsünde 8 (2012)
Rosenkreuzer (2013)
Venus Luzifer (2014)
Line-Up:
Der Schulz – Gesang
De Clercq – Gitarre, Elektronik, Gesang
Blaschke – Bass
Fuhrmann – Schlagzeug
”Nichts für die sonnige Strandbar,
nichts für die Top10 im Radio.
Musik für die Entspannung in
melancholischer Stimmung.
Faszinierend und ungewöhnlich”
(Stalker.cd)
Available as LP / DOWNLOAD / STREAM
machinery of joy annonce.indd 1 03-10-2014 1
präsentiert Wohltuendes für
geplagte Ohren:
No. 1 Dark Rockband from
Downtown Switzerland
www.stonemanmusic.ch
order here:
Eine Mischung aus rauem Country und
atmosphärischem Gothic Rock
www.kissingblack.ch
www.36zwei.ch

76 - Orkus!

Linkin Park, Thirty Seconds to Mars, AFI
Irvine, Verizon Wireless Amphitheatre, 11.09.2014
Andere Länder, andere Sitten – und doch ähneln sich die Musikgeschmäcker,
wenn man heute den Blick oder gar die Reise über den Großen Teich wagt. Ob
man nun Tausende Kilometer per Luftweg zurückgelegt hat, meilenweit durch
Wüstenlandschaften gefahren ist, von Los Angeles aus für rund 40 Meilen gute
dreieinhalb Stunden im Auto verbracht hat oder direkt vor Ort wohnt... das
kalifornische Irvine ist am 11. September 2014 eine Reise wert, und zwar für
eine Vielzahl von Menschen, die alle dasselbe Ziel haben: die „Carnivores Tour“,
das Co-Headliner-Event von Linkin Park und Thirty Seconds to Mars.
Nicht weniger spektakulär als der Grund des Zusammentreffens ist der
Veranstaltungsort. Das Verizon Wireless Amphitheatre besticht nicht nur durch
seinen wunderbaren Rundbau, dem am Gipfel eine großzügige Grünfläche zum
Sitzen angeschlossen ist, sondern auch durch das atemberaubende, einmalige
Panorama über das Städtchen, welches sich in Blickhöhe genau hinter der
Bühne abbildet. Lasset uns dieses vielversprechende Spektakel beginnen –
Vorhang auf!
Bevor die beiden Giganten loslegen sollen, wird den bereits zahlreich
anwesenden Gästen mit rockigen Sounds von AFI ordentlich eingeheizt. Neben
ihrer Liebe zur eher krachigen, lauten Musik verbindet die drei Bands vor allem
eines: ihre Wurzeln im US-Bundesstaat Kalifornien. Kein Wunder, dass bei
solch einem Heimspiel die Menschenmassen von der ersten Sekunde an fast
am Ausflippen sind. Wer es bis dato noch nicht vor die Bühne geschafft hat,
wird spätestens beim lauten Mitsingen der Fans eindringlicher denn je vom
entfernten Parkplatz über das große Gelände hin zum Ort des Geschehens
gelockt und wippt schon mit Kopf und Beinen, bevor er sich an seinem
zugewiesenen oder freien Platz positioniert hat.
Nachdem die letzten Klänge des Krachers Miss Murder verhallt sind, steigt die
Spannung in der sich immer weiter füllenden Location merklich, und nach
einer kurzen Umbaupause soll die Reise fortgesetzt werden. Als Carl Orffs
bombastisches O Fortuna (aus der Kantate Carmina Burana) sich den Weg in
unsere Gehörgänge sucht, springen die Leute von ihren Plätzen auf und jubeln
sich die Seele aus dem Leib. Die zunächst in blaues Licht gehüllte Szene füllt
sich mehr und mehr mit Leben, und als Schönling Jared Leto sich in weißem
Mantel und langer Wallemähne zeigt, sind die Massen schier am Durchdrehen.
Doch nicht nur wir haben vollends die Orientierung verloren, auch Leto selbst
wirbelt bei Up In The Air wild von einer Seite zur anderen und reißt alles mit,
was sich ihm in den Weg stellt. Was für ein Showeinstieg! Stimmungsreich
hagelt es jetzt einen Höhepunkt nach dem anderen; ob uns der Herr da vorne
nun bei Search And Destroy in eine gleichförmig hüpfende Meute verwandelt,
riesige, bunte Luftballons durchs Publikum geflippt werden, Jared Leto singend
die amerikanische Flagge schwenkt oder durch die jubelnde Menge schreitet
und Kontakt zu seinen Anhängern aufnimmt. Zu jeder Sekunde sind wir eins,
mit der Band, mit der Musik. Erinnerungswürdig ist nicht zuletzt auch das dem
eigentlichen Set folgende Akustikintermezzo, das der engagierte Frontmann
vom Mischpult aus inmitten der Fans zum Besten gibt. Kaum zu glauben, dass
einem trotz der noch immer andauernden Hitze die Chöre beim Überhit The Kill
eine dicke Gänsehaut bescheren, ehe die Leute in den vorderen Reihen zum
großen Finale selbst auf die Bühne dürfen. Eine wirklich phantastische erste
Hälfte, die es jetzt für Linkin Park zu überbieten gilt!
Mittlerweile ist der Mond am düsteren Abendhimmel aufgegangen und prangt
dicht neben der Bühne, auf der abermals Umbauten stattfinden. Aufgeheizt
von den bisherigen Konzerten, kribbelt es wohlig in der Magengegend, kurz
bevor Linkin Park das Amphitheater entern. Ein lauter Knall und flackernde
Lichter reißen uns aus dem Gespräch, das wir gerade noch mit unserem
Nebenmann geführt haben, und lassen den Blick schlagartig gen Bühne
driften. Das von Liedansätzen der Band durchzogene instrumentale Intro
lässt das Publikum immer wieder freudig aufjubeln und mündet schließlich im
energiegeladenen neuen Hit Guilty All the Same. Während bald grellgelbes, bald
glühend orangefarbenes Licht über die Bretter hüpft und immer wieder die
würfelartig angeordneten Leinwände trifft, wabern auf dieser ausgeklügelten
Konstruktion mal feine LED-Figuren, ein anderes Mal werden die direkten
Live-Mitschnitte projiziert. Dass sich die Herren bei ihrem Showaufbau richtig
Gedanken gemacht haben, steht außer Frage. Gleiches gilt für die Titelauswahl,
durch welche die beiden Fronter Chester Bennington und Mike Shinoda uns
sofort auf ihrer Seite wissen. Ob One Step Closer, Papercut oder Numb, bei denen
es nicht nur von der Bühne in die Menge, sondern mindestens ebenso laut auch
wieder zurück schallt, oder neues Material à la Wastelands, das von Chester
voller Inbrunst intoniert wird und hinter den großen Krachern keinesfalls
zurücksteht... die Güte des heutigen Programms ist nahezu unermesslich. Und
genauso kann nur die Stimmung erfasst werden! Wir steigern uns mit jedem
Ton, und immer wenn man meinen mag, da geht nichts mehr, schütteln die
Jungs noch ein Balladenmedley aus dem Ärmel, das alle feinen Härchen in
die Höhe schießen lässt, oder wir finden unter anderem mit In the End einen
weiteren Hit, der so laut und ergreifend von den Fans gesungen wird, dass es
wohl bis nach New York zu hören sein muss. Wir schweben, lieben, lachen,
weinen... und im Hintergrund flackern die Lichter von Irvine, die der gesamten
Kulisse noch das i-Tüpfelchen verpassen. Einfach überwältigend!
Text: Tanja Pannwitz
Photos: Michael Gamon
Setlist Thirty Seconds to Mars:
Up In The Air • Search And Destroy • This Is War • Conquistador • Kings
And Queens • Do Or Die • City Of Angels • End Of All Days ••• The Kill
(Bury Me) • Cowboys From Hell (Pantera-Cover) • Closer To The Edge
Setlist Linkin Park:
Guilty All the Same • Given Up • With You • One Step Closer • Blackout •
Papercut • Rebellion • Runaway • Wastelands • Castle of Glass • Leave
Out All the Rest/Shadow of the Day/Iridescent (Medley) • Robot Boy
• Numb • Waiting for the End • Final Masquerade • Wretches and
Kings/Remember the Name • Dirt Off Your Shoulder/Lying From You •
Somewhere I Belong • In the End • Faint ••• Burn It Down • Lost in the
Echo • New Divide • Until It’s Gone • What I’ve Done • Bleed It Out

Gründungsjahr: 2007
Herkunftsland: USA
Internetseite: www.fromhell.net
Aktuelles Album: Ascent From Hell
Line-Up:
George Anderson – Gesang, Gitarre
Steve Smyth – Gitarre
Damien Sisson – Bass
Paul Bostaph – Schlagzeug
„Oakland ist
mit Sicherheit
eine Art von Hölle.“
Orkus: Schaffst du es, deine Musik in nur einem
Satz auf den Punkt zu bringen?
George Anderson: Epischer dunkler Horror Metal
mit Elementen aus Thrash Metal, Death Metal,
Prog Metal, Gothic und Black Metal.
O: Wie ist die Entscheidung für den Albumtitel
gefallen?
GA: Ascent From Hell ist ein Konzeptwerk und dies
sein dritter Titel. Der erste lautete The Walking Dead,
weil das dem Intro folgende Lied so heißt und es
das Grundthema bildet. Doch als ich dieses Album
vor Jahren mit einem anderen Line-Up einspielen
wollte, kam gerade die TV-Serie The Walking Dead
heraus, und ich musste den Namen ändern. Der
nächste Titel lautete Eyes of My Dead, nach einem
lyrisch wichtigen Stück. Eine Menge der Geschichte
spielt sich in diesem Song ab. Letztlich stach dann
aber doch Ascent From Hell als passendester Track
hervor. Mehr sogar als der Originaltitel.
O: Was schätzt du, welche zwei Songs live
besonders gut ankommen werden – und wovon
handeln diese?
GA: Ich tippe auf Soul Crusher und Nun With A
Gun. Soul Crusher ist der Moment der Geschichte,
nachdem der Tote in der Hölle erwacht und vor
dem Gott der Hölle steht, welcher ihm sagt, dass
er als Zombie auf die Erde zurückkehren muss, um
seine Seele zu finden, die in einem anderen Körper
weiterlebt, und sie in die Hölle zu bringen. Praktisch
der Ausgangspunkt für das gesamte Album,
hat dieses Stück ein paar gute Grooves, nicht
zu schnell, sondern genau richtig für amtliches
Headbangen, und einen griffigen melodischen
Refrain. Bei Nun With A Gun kehrt der Psychokiller
als Priester zum Leben zurück, nachdem eine
wehrhafte Nonne ihn getötet hat, die ihrerseits
den Priester wiederzubeleben versucht, welchen
der psychopathische Killer gerade zu ermorden
trachtete. Sie hat keine Ahnung, dass der Priester
nicht mehr er selbst ist, sondern der Psychokiller,
den sie soeben getötet zu haben glaubt. Ein echt
verzwickter Teil der Story. Der Text ist böse und der
Refrain supereingängig. „She’s a nun with a gun!
Hallelujah!“ Ich liebe es, das zu singen! Für einige
Stellen des Albums habe ich einen 22-köpfigen
Chor verpflichtet... dies ist eine davon.
O: Was motiviert dich jedes Mal aufs Neue, Musik
zu machen?
GA: Die Musiker, die ich bewundere, sind immer
noch aktiv, und mit manchen von ihnen spielen
zu dürfen, ist an sich eine Motivation. Außerdem
mache ich Musik, die ich selber hören möchte. So
läuft das. Ich brauche ein kreatives Ventil für düstere
Ideen. Ich schreibe und vertone gern Geschichten,
um sie durch die Musik lebendig werden zu lassen.
Es ist eine ziemliche Herausforderung, und das
gefällt mir. Ganz anders, als „normale“ Songs zu
schreiben. Ich bewundere King Diamond zutiefst
dafür, das all die Jahre getan zu haben. Ich kann
nur hoffen, halb so gut zu sein.
O: Was wolltest du in der Öffentlichkeit schon
immer mal sagen?
GA: Ich habe kein Problem damit, mich öffentlich zu
äußern. Aber das meiste, was ich der Öffentlichkeit
zu sagen habe, ist politisch motiviert und liegt
abseits der Band. Deswegen spreche ich hier nicht
darüber. From Hell halten keine Volksreden und
predigen niemandem irgendetwas. Wir erzählen
lediglich Horrorstorys, welche die Leute hören
können, um dem Bullshit zu entfliehen, der uns
tagtäglich umgibt.
O: Was ist in der Regel deine Schlafenszeit? Und
was deine kreative Schaffenszeit?
GA: Wahrscheinlich ein bis zwei Uhr morgens.
Meine schöpferischste Phase liegt für gewöhnlich
zwischen Mitternacht und vier Uhr früh oder
sieben bis elf Uhr morgens. Die späte Nacht ist
meist am besten. Dann gibt es weniger Ablenkung,
und mein Umfeld strahlt weniger Energie aus.
Ich muss allerdings in vollem Schreibmodus sein.
Komplett abschalten und mich konzentrieren.
O: Was siehst du, wenn du aus deinem
Wohnzimmerfenster schaust? Und was würdest
du gerne sehen?
GA: Ich sehe andere Wohnungen und Häuser.
Ich lebe in Oakland, Kalifornien. Es ist nett hier.
Mir gefällt es. Es hat einen schlechten Ruf, und
zwar zu Recht. Oakland ist mit Sicherheit eine
Art von Hölle. Aber wenn man den Ort kennt,
weiß man sich durchzuschlagen. Ich denke,
ich würde gern eine Kombination aus Bergen,
Wald und Meer sehen. Meer auf der einen
Seite, Wälder und Gebirge auf der anderen.
Das wäre eine schöne Abwechslung zu Oakland
mit all seinen Ganggraffiti und ausgerissenen
Haarbüscheln...
O: Was möchtest du mit deiner Musik gerne
erreichen?
GA: Die Weltherrschaft und den Sturz der
gesamten Menschheit in die HÖLLE! Eigentlich
bloß: Musik zu machen, die meine Seele
mit Stolz erfüllt. Wenn sie anderen gefällt,
phantastisch! Ich schreibe sie ausschließlich
für mich selbst. Natürlich will ich sie verbreiten
und eine Menge Shows spielen und den
Leuten meine Kunst live darbieten. Das ist das
ultimative Ziel. Doch in allererster Linie muss
ich zufrieden sein.
O: Mit welchem Essen kann man dich glücklich
machen?
GA: Filet mignon! Nur ein bisschen blutig.
O: Wem möchtest du deine Musik nun ganz
besonders empfehlen?
GA: Menschen, die auf dunklen und epischen
Metal stehen. Diese Lieder sind lang, dauern
durchschnittlich sechs bis sieben Minuten. Es
sind keine schnellen Thrash-Nummern – „bam
bam bam“, Song vorbei. Diese Lieder sind
düster und brutal und Kapitel einer Geschichte.
Das Album soll Dich auf einen epischen
Horrorritt zur Hölle mitnehmen.
78 - Orkus!

„Visionaere
erkämpfen sich
ihren Freiraum
zur persönlichen
Entfaltung...“
Viele neue, manchmal sogar ziemlich
szenefremde Einflüsse schwappen
scheinbar unaufhörlich in die dunkle
Musikwelt hinein. Immer wieder jedoch
gibt es auch Bands, die ihrer Liebe zu
den ursprünglichen Klängen unserer
Szene Ausdruck verleihen, indem sie
ihnen eine aktuelle Note schenken,
ohne sie zu verleugnen. In jüngerer Zeit
bekommen solche Projekte zum Glück
auch wieder mehr Gehör. æon sable sind
einer dieser Vertreter des Gothic Rock,
möchten ihren Stil allerdings treffender
als Dark Rock bezeichnet wissen. Ihr
dichter, dunkler Soundkosmos, der
völlig ungezwungen und ohne Klischees
die epische Größe vergangener Goth
Rock-Heroen auf moderne Weise mit
punktuellen synthetischen Anleihen
und härteren Passagen gleichermaßen
vereint, erfährt inzwischen sogar die
Aufmerksamkeit und Unterstützung
von Artaud Seth, Mastermind der
Merciful Nuns. Das Verständnis
für die jeweilige Kunst beruht auf
Gegenseitigkeit: „Artaud haben wir
bei einem unserer Konzerte in Berlin
kennengelernt, wobei seine Musik uns
schon seit Jugendjahren begleitet“,
erzählt Sänger Nino Sable. „Wir können
nur für uns sprechen, aber es muss
Parallelen in unserem Denken, unseren
Ansichten und so etwas wie eine
gewisse Verbrüderung unserer Künste
geben.“
Eine Rolle spielte dabei vielleicht
auch, dass der Musik ebenso
hochwertige, gedankenschwere und
zum Weiterdenken anregende Texte
zur Seite gestellt werden. „Unsere
Inspirationen entstehen in eigenartigen
Winkeln unserer Geister, die wir selbst
manchmal nicht direkt verstehen. Von
daher können wir auch nicht – bis auf
wenige Ausnahmen – mit dem Finger
darauf zeigen, was uns zu den jeweiligen
Liedern inspiriert hat. Es ist eher eine
Art abstrakter Bewusstseinsstrom, und
wir lassen bewusst genug Platz für
eigene Interpretationen seitens des
Hörers“, meint Nino hierzu. Das gilt
auch für die Stücke des nagelneuen
Werkes Visionaers, mit dem die Essener
Düsterrocker ihren Erfolgsweg der
letzten Jahre überzeugend fortsetzen.
„Der Sehende wird stets einen Pfad
finden, der sich durch all unsere
Alben zieht. Wir haben letztendlich
dort angesetzt, wo wir 2013 mit dem
Minialbum Aequinoctium aufgehört
haben, und nähern uns nun weiterhin
dem Licht. Der Weg steckt bereits tief
in uns, er muss nur durch harte Arbeit
freigelegt werden.“
Der Titel ist eine Wortkreation, denn
den Begriff gibt es ja an sich nicht.
Die Erklärung steht in Einklang mit
der gesamten Kunst des Duos: „Wir
sehen uns durchaus als Visionaere,
allerdings lediglich auf unser eigenes
Universum, welches wir bekanntlich
mit unserem Bild- und Tonwerk zum
Ausdruck bringen. Die Schreibweise
ist weder deutsch noch englisch, da
sie sich eben auf jenes individuelle
Universum bezieht. Dass es wie eine
denglische Mutation klingt, ist eher
zufälliger Natur.“ Doch was bedeutet
es für die Künstler, Visionaere zu sein?
Die Antwort von Nino kommt prompt:
„Visionaere sind für uns alle jene,
die sich dem engen Korsett dieser
Gesellschaft entziehen und sich ihren
eigenen Freiraum zur persönlichen
Entfaltung in dieser Welt erkämpfen.
Das mag abgedroschen klingen, aber
ohne dies würden wir alle im grauen
Alltagstrott ersticken. Ja – jeder sollte
seine eigenen Visionen haben und
vertreten dürfen und können!“
www.aeonsable.de
Axel Schön
Discographie (Alben):
Per Aspera Ad Astra (2010)
Saturn Return (2012)
Visionaers (2014)
Line-Up:
Nino Sable – Gesang, Texte
Din-Tah Aeon – Gitarre, Programmierung
WHITE EMPRESS
‘RISE OF THE EMPRESS’
Das Debüt Opus meisterlicher & atmosphärischer
Extreme von Gitarrist Paul Allender.
“White Empress schwingen oldschool Erhabenheit
und packende, geheimnisvolle Extreme wie
glänzende Waffen von akustischer Feinheit. Finster,
facettenreich und höchst infektiös.”
Dom Lawson - Metal Hammer - UK
MYSTICUM ‘PLANET SATAN’
Das lang erwartete neue Studio Album.
Satanisch, psychedelische Black Metal Apocalypse
www.peaceville.com | www.facebook.com/PeacevilleRecords
EINHERJER
AV OSS, FOR OSS
OUT OCTOBER 31ST
EINHERJER.INDIERECORDINGS.NO
KAMPFAR
DJEVELMAKT
OUT NOW
KAMPFAR.INDIERECORDINGS.NO
ISKALD
NEDOM OG NORD
OUT NOW
ISKALD.INDIERECORDINGS.NO
VREDEHAMMER
VINTEROFFER
OUT NOW
VREDEHAMMER.INDIERECORDINGS.NO
1349
MASSIVE CAULDRON OF CHAOS
OUT OCTOBER 03RD
1349.INDIERECORDINGS.NO
SOLEFALD
NORRØNASONGEN
OUT OCTOBER 31ST
SOLEFALD.INDIERECORDINGS.NO
PATRIA
INDIVIDUALISM
OUT NOW
PATRIA.INDIERECORDINGS.NO
WOLAND
HYPERION
OUT NOW
WOLAND.INDIERECORDINGS.NO
TNT
NEW DVD AND LIVE ALBUM
OUT OCTOBER 03RD
TNT.INDIERECORDINGS.NO
THE OSIRIS CLUB
BLAZING WORLD
OUT NOW
THEOSIRISCLUB.INDIERECORDINGS.NO
POSTHUM
BLACK NORTHERN RITUAL
OUT SEPTEMBER 17TH
POSTHUM.INDIERECORDINGS.NO
RIWEN
DEBUT EP “RIWEN”
OUT SEPTEMBER 17TH
RIWEN.INDIERECORDINGS.NO
VISIT SHOP.INDIERECORDINGS.NO
FOR EXCLUSIVE CDS, SPECIAL VINYL AND MERCHANDISE!
DIGITAL, GO TO DIGITAL.INDIERECORDINGS.NO
INDIE RECORDINGS
PLØENS GATE 1, 0181 OSLO, NORWAY
WWW.INDIERECORDINGS.NO

Gründungsjahr: 2008
Herkunftsland: Deutschland
Internetseite: www.drgeekandthefreakshow.com
Aktuelles Album: Ghoul Shock
Line-Up:
Dr. Geek – Gesang, Gitarre
Zombiehl – Bass, Gesang
Frankensteiner – Schlagzeug
„Ich hasse es, geschminkt zu werden!“
Orkus: Ihr möchtet einem früheren und nun
wiedergetroffenen Schulfreund von eurer Musik
erzählen. Wie würdet ihr sie ihm erklären, ohne ihm
etwas vorspielen zu können?
Dr. Geek: Die fast perfekte Symbiose aus Punk, Metal
und Rock.
Frankensteiner: Genau das, was uns drei Spaß
macht!
Zombiehl: Schneller Punkrock mit viel Melodie.
O: Wie entstand die Idee zum Titel des Albums?
Dr. Geek: Der Zombiehl’schen Antwort gibt es nichts
hinzuzufügen. (grinst)
Frankensteiner: Ich schließe mich der Meinung von
Dr. Geek an.
Zombiehl: Der Song Ghoul Shock stand zuerst. Und
rein vom Titel her eignete er sich besonders gut als
Albumtitel.
O: Wie kam es zur Idee für das Covermotiv?
Zombiehl: Nachdem der Titel stand, baten wir
unseren guten Freund und Designer Patrick Glaßl,
sich doch einfach mal auszutoben, was ihm zum
dritten Mal in Folge grandios gelungen ist.
Frankensteiner: Zu ergänzen wäre noch, dass unser
Patrick im Übrigen ein verdammt guter Tätowierer ist!
(Achtung, Werbung)
O: Welche zwei Songs des Albums bedeuten euch
inhaltlich besonders viel?
Dr. Geek: Love after death war einer der ersten Songs,
die wir mit dieser Band geschrieben hatten, und er
lag lange Zeit auf Halde, weil irgendwas immer gefehlt
hat. Die Musik zu Under an Irish Attic entstand nach
einem kreativen Loch und kurz nach der Geburt
meines Sohnes. Ich saß mit der Akustikgitarre zu
Hause und hatte plötzlich diese Akkorde und diese
Melodien im Kopf, es war „schwups, einfach da“!
Frankensteiner: „Inhaltlich“ beziehe ich in meinem
Fall auf die Musik selbst beziehungsweise das
Gesamtkonzept. Das wären zum einen Six feet down
under (der Song walzt einfach nur alles platt) und Jack
in the Box (das musikalische Pendant zu Six feet down
under).
Zombiehl: Under an Irish Attic hab’ ich geschrieben,
nachdem ich die Geschichte in Irland gehört habe. Sie
soll sich in dem Youth Hostel, in dem ich gearbeitet
habe, zugetragen haben. Docs Idee, den Song dann
auch noch in einem Irish Folk-Stil zu schreiben, fand
ich grandios. Ansonsten mag ich noch besonders
Beetlejuice – ich bin einfach mit dem Film und der
Zeichentrickserie aufgewachsen. Michael Keaton in
Höchstform.
O: Mit welchen zwei Bands würdet ihr gerne auf Tour
gehen?
Dr. Geek: Schwer zu beantworten, es gibt immer
Bands, die man interessant findet und mit denen
man die Bühne teilen möchte. Metallica und Iron
Maiden sind meine absoluten Lieblingsbands, daher
naheliegend, diese auszuwählen, aber lernt man
dadurch die Bandmitglieder besser kennen?
Frankensteiner: Rammstein und System Of A Down.
Zombiehl: Ganz klar The Bates, was ja leider nicht
mehr möglich ist, oder mit den Jungs von Balzac mal
’ne Runde durch Japan drehen. Das wäre sicher auch
schick.
O: Wie habt ihr die Schwarze Szene entdeckt?
Dr. Geek: Mein Cousin hat mich mit Metallica
und Tankard im zarten Alter von acht Jahren in
Berührung gebracht. Ab dort war klar, wo die Reise
hingeht. In die Schwarze Szene bin ich durch meinen
Lieblingszombie und meine Frau „gerutscht“.
Frankensteiner: Durch Doc und Zombiehl.
Zombiehl: Ich bin zu Hause mit Black Sabbath und
Deep Purple aufgewachsen. Später ging’s dann zum
Punk, darüber zum Metal und dann in die Schwarze
Szene. Bin eben ein musikalischer Bastard.
O: Angenommen, ihr hättet drei Wünsche frei, die die
Welt verändern. Welche wären das?
Dr. Geek: Sich den Weltfrieden wünschen, ist eher
was für eine Misswahl, oder? Bisschen mehr Toleranz,
weniger Krieg und besseres Wetter.
Frankensteiner: Ein amazon-Gutschein über 100
Euro, den man immer wieder verwenden kann, und...
ich glaube, ich habe nur einen Wunsch. (lacht)
Zombiehl: Stopp aller Waffenexporte,
Überflüssigkeit fossiler Energien und die
Abschaffung der GEMA.
O: Bei einem Spiel ist es eure Aufgabe, 100 Euro
innerhalb einer Stunde auszugeben. Wofür würdet
ihr das Geld verwenden?
Dr. Geek: Blu-rays, CDs, Zubehör für die Band.
Frankensteiner: Dosenbier.
Zombiehl: CDs, Blu-rays und Bücher. Was mach’ ich
denn die anderen 56 Minuten lang?
O: Welches Geheimnis um eure Musik könnt ihr
heute lüften?
Dr. Geek: Dann wäre es doch kein Geheimnis mehr.
(grinst)
Frankensteiner: Ich hasse es, geschminkt zu
werden!
Zombiehl: Mir fällt da, ehrlich gesagt, keinerlei
Geheimnis ein.
O: Welches Instrument oder Equipment steht auf
eurer Wunschliste ganz oben?
Dr. Geek: Mein Wunschinstrument wurde mir vor
zwölf Jahren von Sandberg in Form einer Explorer
aus Acrylglas auf den Leib geschneidert.
Frankensteiner: Roland SPD-SX Sampling Pad.
Zombiehl: Ein ¾ Double Bass. Weiß zwar nicht, ob
der für jeden Song bei uns geeignet wäre. Aber für
zwischendurch sicher äußerst geil.
O: Welche Lebensweisheit ist eure wertvollste?
Dr. Geek: Carpe diem!
Frankensteiner: Es gibt kein richtiges Leben im
falschen.
Zombiehl: Ph’nglui mglw’nafh Cthulhu R’lyeh
wgah’nagl fhtagn.
O: Wer sollte sich nun mit eurem Werk intensiver
beschäftigen?
Dr. Geek: ALLE!
Frankensteiner: Alle.
Zombiehl: Ihr alle! (Sicher voll die originelle
Antwort...)
80 - Orkus!

Gründungsjahr: 2000
Herkunftsland: Schweiz
Internetseite: www.spencer.ch
Aktuelles Album: Echoes of Loneliness
Line-Up:
Leo – Gesang, Gitarre
Pashi – Bass
JP – Schlagzeug
„Nach dem Gig musste ich zum Notarzt.“
Orkus: Du möchtest einem früheren und nun wiedergetroffenen Schulfreund
von eurer Musik erzählen. Wie würdest du sie ihm erklären, ohne ihm etwas
vorspielen zu können?
Leo Niessner: Stell Dir den Chic der New Wave vor, gepaart mit den
hymnischen Melodien modernen rotzigen englischen Indie Rocks. Und über
allem liegt Melancholie.
O: Wie entstand die Idee zum Titel des Albums?
LN: Der Titel spiegelt das Gefühl von Einsamkeit, das uns manchmal
überkommt. Er ist ein Ausdruck der melancholischen Stimmung, die wir
manchmal in uns spüren – angesichts unserer wilden, überbordenden
Live-Shows zwar vielleicht schwer vorstellbar. Doch diese düstere und
nachdenkliche Seite trage gerade auch ich in mir.
O: Wie kam es zur Idee für das Covermotiv?
LN: Das Bild hatten wir irgendwann einfach im Kopf, nachdem wir die Musik
fürs Album geschrieben hatten. Es sollte einen Menschen zeigen, der sich
alleine fühlt, nachdenklich, verletzlich und in tiefer Melancholie versunken.
O: Welche zwei Songs bedeuten dir inhaltlich besonders viel?
LN: The Idea of Something New ist für mich ein besonders wichtiger Song, weil
er vieles von mir spiegelt. Er erzählt davon, wie es sich anfühlt, durch eine
Großstadt zu flanieren. Nach einer Nacht, in der man sich in ihr verloren hat.
Plötzlich bist du ein Fremder, ein Zombie. Ein Gefühl, das ich immer wieder
habe. Musikalisch fasst der Song meine Vorliebe für Gothic-Sound zwischen
New Order, Escape With Romeo und Editors zusammen. Mine Is Here ist ein
Bekenntnis zur Schwarzen Szene: Eine tanzbare Nummer, bei der ich mich
von Helden wie Killing Joke oder Front 242 beeinflussen ließ.
O: Mit welchen zwei Bands würdest du gerne auf Tour gehen?
LN: Wohlfühlen würde ich mich mit Editors, die zu meinen Lieblingen
gehören, sowie mit L’âme Immortelle, bei denen mit Chris Fox ein guter
Freund trommelt.
LN: Dass die Menschen, statt Kriege zu führen und Minderheiten
auszugrenzen, Musik machen – oder hören. Dass Musiker vom Staat
finanziell besser unterstützt werden. Und dass die Radios aufhören, sich
bei der Zusammenstellung der Playlists auf die Airplay-Top 40 zu berufen,
sondern bei der Musikauswahl mutiger werden.
O: Bei einem Spiel ist es deine Aufgabe, 100 Euro innerhalb einer Stunde
auszugeben. Wofür würdest du das Geld verwenden?
LN: Kein Problem: Entweder ist ein Abstecher in den nächsten Plattenladen
oder zum nächsten Flohmarkt angesagt... in der LP-Sammlung fehlen mir
unter anderem noch ein paar Vinyl-Alben von The Cassandra Complex und
Ah Cama-Sotz. Falls kein Plattenladen in der Nähe ist, lade ich meine Band
zu ein paar Bierchen ein – mit Freunden zu feiern, macht eben auch Spaß.
O: Welches Geheimnis um eure Musik kannst du heute lüften?
LN: Ich habe mich während der wilden Bühnenshows schon etliche Male
verletzt. Bei einem der großen Schweizer Sommerfestivals riss ich mir beim
Sprung von der Open Air-Bühne das Knie am Asphaltboden so stark auf, dass
ich nach dem Gig zum Notarzt musste. War dennoch ein tolles Konzert!
O: Welches Instrument oder Equipment steht auf deiner Wunschliste ganz
oben?
LN: Ich brauche dringend weitere Gitarreneffektgeräte, um Klanglandschaften
zu zaubern. Bin in dem Gebiet gerade am Ausbauen.
O: Welche Lebensweisheit ist deine wertvollste?
LN: Mach das, woran Du glaubst.
O: Wer sollte sich nun mit eurem Werk intensiver beschäftigen?
LN: Alle, die leidenschaftliche wilde Live-Bands mögen und auf wavige,
elektronisch untermalte, moderne Rockmusik stehen.
O: Wie hast du die Schwarze Szene entdeckt?
LN: Es war wohl 1984, als das Schweizer Radio DRS ein Konzert der damals
erst gerade aufstrebenden Band New Order übertrug. Ich habe es auf
Kassette aufgenommen, weil mich dieser Sound dermaßen faszinierte – sie
spielten extra mit verstimmten Gitarren! Später stellte derselbe Sender uns
Bands wie The Sisters Of Mercy oder, in den Neunzigern, Click Click und
Revolting Cocks vor, die mir immer gefielen. Es war ein schöner Ausgleich
zu der Psychobilly- und Rockabilly-Szene, in der ich mich bis dahin bewegt
hatte. Richtig reingezogen hat es mich aber erst vor rund zwölf Jahren, als
mich Freunde ans WGT in Leipzig mitnahmen. Die tollen, freundlichen und
kulturinteressierten Leute der Szene und der Sound fernab des Mainstream
haben mich von Anfang an gepackt. Seither fühle ich mich hier zu Hause.
O: Angenommen, du hättest drei Wünsche frei, die die Welt verändern.
Welche wären das?
Orkus! - 81

„Ich war selten so frei,
das zu tun, was ich will...“
Wenn sich zwei prominente Künstler mit einer eigenen, gelebten Historie
zur gemeinsamen Arbeit entschließen, kann dies mehrere Gründe haben:
alte Freund- oder Seilschaften, das Erobern neuer Märkte und Fans – oder
ganz einfach pure Intuition. Letzteres war bei der bereits 2007 begonnenen
kreativen Liaison zwischen Klaus Schulze und Dead Can Dance-Sängerin Lisa
Gerrard der einzig ausschlaggebende Punkt.
Der Electro-Pionier Schulze, welcher neben Tangerine Dream zu den
Begründern der „Berliner Schule“ gehört, als einer der ersten deutschen
Musiker überhaupt mit Synthesizern experimentierte und ohne Einwände
als Urvater von Genres wie Techno oder Ambient gelten darf, ging bei der
Wahl seiner Mitmusiker und Vokalisten stets sehr eigenwillig vor: Nicht
ihre Popularität war entscheidend, noch nicht einmal Virtuosität, sondern
allein die Fähigkeit zum intuitiven, völlig improvisierten Austausch und
Zusammenspiel.
Ein ausgesprochener Dead Can Dance-Anhänger war Klaus Schulze nie. Er
hatte die Band zwar immer wohlwollend wahrgenommen, doch es war Lisa
Gerrards 2006er Solo-Werk The Silver Tree, das die Initialzündung bildete. „Die
Art, wie Patrick Cassidy dieses Album arrangiert hat, entsprach eigentlich
genau meiner Weise, zu arbeiten“, erinnert sich Schulze. „Und Lisas Stimme
war genau das Element, das mir für meine Musik vorschwebte.“ Er beauftragte
einen Freund, Lisa in sein Studio zu bewegen. Dies gelang recht bald; nicht
zuletzt deshalb, weil auch Lisa Gerrard mit dem Œuvre von Schulze bereits
vertraut war.
Als „Lieschen“, wie Klaus Schulze sie liebevoll nennt, 2007 in Moskau weilte,
buchte sie ihren Rückflug über Hannover und besuchte das legendäre Studio
Schulzes in Hambühren. „Ich hatte schon Musik für sie vorbereitet“, erzählt
Schulze, „und normalerweise ist es so, dass man vorher zumindest kurz
abspricht, was man vorhat. Lisa sagte aber nur: You play, I sing. Und als würde
sie die Musik bereits in- und auswendig kennen, hat sie über meine Tracks
improvisiert. Und zwar so perfekt, dass wir wirklich kaum etwas wiederholen
oder gar löschen oder korrigieren mussten. Jeden Harmoniewechsel hat sie
sofort nachvollzogen und direkt darauf reagiert. So haben wir in nur zwei
Tagen das komplette Doppelalbum Farscape eingespielt. Direkt danach ist sie
wieder gefahren.“
Für Lisa Gerrard war diese Arbeit eine Art Befreiungsschlag. In ihrem Schaffen
mit Brendan Perry als Dead Can Dance sowie bei ihren Filmmusiken war und
ist sie oft an strenge Vorgaben gebunden, die ihre Improvisationsfreude
in ein mitunter als sehr eng empfundenes Korsett einschnürten. „Hier war
es das genaue Gegenteil“, so Gerrard. „Klaus gab mir die Freiheit, die ich
brauche. Eigentlich alle Freiheit, denn es gab absolut keinerlei Vorgaben von
seiner Seite, bis auf die Musik selbst natürlich. Doch die Arrangements haben
mir so viel Spielraum gelassen, dass ich meine Bandbreite voll und ganz
ausschöpfen konnte.“
Interessant an dieser einzigartigen Beziehung: Klaus Schulze und Lisa Gerrard
treffen sich, neben wenigen Telefonaten oder E-mail-Verkehr, nur im Studio
oder auf der Bühne. Und selbst diese Kommunikation verläuft größtenteils
82 - Orkus!

nonverbal. „Mehr ist auch gar nicht nötig“, meint Schulze. „Es ist in diesen
Momenten eine sehr tiefe Beziehung und ein sinnlicher Austausch, der nichts
mit Erotik oder Ähnlichem zu tun hat. Und dabei ungemein spannend. Wir
überraschen uns ja ständig gegenseitig, weil wir beide im Studio oder auf der
Bühne nie wissen, was der andere als Nächstes machen wird.“
Farscape blieb das einzige Studioalbum, dafür folgten diverse Auftritte und
eine Europatournee. Die gemeinsame Live-Premiere fand im Juli 2008 auf der
Loreley statt (festgehalten unter dem Titel Rheingold), was zu einem enorm
intensiv geratenen Testballon wurde. „Dabei hatte ich wirklich Schiss, dass das
schiefgeht“, resümiert Schulze. „Nicht wegen des Auftritts an sich, sondern
weil Lieschen vorher noch eine Schifffahrt über den Rhein machen wollte und
ein Boot in die falsche Richtung genommen hat...“ Jenem Konzert folgten im
November 2008 zwei weitere in Berlin und Warschau und sollten dann 2009 in
einer Europareise gipfeln, welche das Duo erneut nach Warschau und Berlin
sowie nach Brüssel, Amsterdam und Paris führte. Obwohl schon eine gewisse,
durch die früheren Auftritte gewonnene Sicherheit vorhanden war, blieb jede
Darbietung ein Unikat, ein Abenteuer und – dank der Improvisationen und
Wendungen – ein einzigartiges, unwiederholbares Erlebnis.
Für jemanden, der wie ich die komplette Tournee vor und hinter der Bühne
begleiten durfte, kann es nichts Spannenderes geben. Während andere
Künstler ihr Programm je nach Können und Verfassung mehr oder weniger
routiniert absolvieren, sodass man spätestens ab dem dritten Abend nun
wirklich alles gesehen hat, war bei diesen Terminen von Routine nicht das
Geringste zu spüren. Dies begann schon allein damit, dass weder Klaus
Schulze noch das Publikum eine ungefähre Ahnung hatten, wann Lisa zu
welcher Sequenz auf die Bühne kommen würde. Im Gegensatz zu anderen,
oft sehr starr arbeitenden elektronischen Musikern waren hier auch stets
die Stadt, der Ort und die Reaktion des Publikums essenziell wichtig. Beides
schlug sich direkt auf den Sound nieder, wodurch Ambiente und Akustik zu
einer Einheit verschmolzen.
Mit kleiner Verzögerung werden jetzt unter dem Oberbegriff Big in Europe die
besten Performances jener Tour auf CD und DVD veröffentlicht... und schon
anhand der bisher erschienenen Teile kann man sehr gut nachvollziehen,
wie unterschiedlich und facettenreich sie sind. War das Warschauer Konzert
aufgrund des historischen Anlasses – die polnische Regierung hatte Klaus
Schulze und Lisa Gerrard zu den Feierlichkeiten zum 70. Jahrestag des
sowjetischen Überfalls auf Polen eingeladen – noch zeitlich limitiert und
ein erstes Herantasten, dafür aber durch eine unbeschreibliche Lightshow
veredelt, so sind sich viele darüber einig, dass das Amsterdamer Gastspiel
einen Höhepunkt der Reise darstellt. Beide Akteure waren nun perfekt
aufeinander eingestimmt, doch anstatt sich in Sicherheit und Routine
zu wiegen, wurden die Grenzen ein weiteres Mal ausgelotet, sodass das
Zusammenspiel (etwa in Stücken wie Leiden) an Intensität kaum zu überbieten
ist.
Nach dieser Tournee trennten sich die Wege von Schulze und Gerrard bis
heute. Beendet ist ihre Kooperation offiziell aber nicht. „Ich würde gern mal
wieder spontan was mit ihr machen“, erklärt Schulze. „Wenn Australien nicht
so weit weg wäre...“ Lisa Gerrard traf ich zuletzt 2012 in Hamburg nach dem
Dead Can Dance-Konzert. „Ach, es war wirklich eine herrliche Zeit“, erinnerte
sie sich und fügte, unüberhörbar und mit einem fast giftigen Blick in Richtung
Brendan Perry, hinzu: „Ich war selten so frei, das zu tun, was ich will, und das
hervorzukehren, was in mir ist. Danke, Klaus.“
www.klaus-schulze.com
www.lisagerrard.com
Ecki Stieg
Discographie (Alben):
Farscape (2008)
Rheingold (live, 2008)
Dziękuję Bardzo (live, 2009)
Big in Europe Vol.1 – Warsaw (live, 2013)
Big in Europe Vol.2 – Amsterdam (live, 2014)
Orkus! - 83

Gründungsjahr: 2012
Herkunftsland: Los Angeles, USA
Internetseite: www.readershiphostile.com
Aktuelle EP: Readership Hostile
Line-Up:
Adrienne Pearson – Gesang
Benn Ra – Gitarre
Paul Rogers – Bass
Brandon Snow – Schlagzeug
„In meinem Elternhaus
wären wir bestimmt verboten gewesen.“
Orkus: Ihr möchtet einem früheren und nun
wiedergetroffenen Schulfreund von eurer Musik
erzählen. Wie würdet ihr sie ihm erklären, ohne ihm
etwas vorspielen zu können?
Benn Ra: „Erinnerst du dich an die Bands, die
ich in der Schule gehört habe?“ Wenn er „Ja“ sagt,
antworte ich: „Gut! Meine Band klingt GENAU wie
sie alle...“ (grinst)
Adrienne Pearson: Dunkel, schwer und laut. Du
willst dabei entweder tagträumen oder irgendwas
anzünden.
O: Wie entstand die Idee zum Bandnamen?
BR: Leider keine sehr interessante Geschichte –
ich stieß auf ihn, als ich ein paar zufällige Wörter
am Ende einer Spammail las... (lacht) Ich sah
„readership hostile“ und dachte, das wäre ein
cooler Name.
O: Wie kam es zur Idee für das Covermotiv?
BR: Bei einem Trip durch Nordkalifornien schauten
meine Freundin und ich uns leer stehende Häuser
an. In einem hatte jemand ein altes Bild aus einer
Zeitschrift an die Wand geklebt. Ich bat meine
Freundin, es zu photographieren. Als wir an die
Gestaltung der EP gingen, machte ich verschiedene
Entwürfe damit, und allen gefiel es. Beim Layout
haben Adrienne und ich zusammengearbeitet.
AP: Benns Freundin hat echt ein Talent für solche
Motive mit finsterer Atmosphäre.
O: Welche zwei Songs der EP bedeuten euch
inhaltlich besonders viel?
AP: Mir sind alle unsere Liedtexte
wichtig, denn sie entspringen
einem emotionalen Ort oder
Glauben. Manche sind weniger
direkt als andere, aber sämtlich
durch reale Geschehnisse
inspiriert. Tainted Pale dreht
sich darum, verstecken zu
müssen, wer man wirklich
ist und woran man glaubt,
weil einem sonst Verfolgung
droht – hier waren Putins
Antihomosexuellenpropaganda
und -gesetze die Inspiration.
Damaged Parts und Shadows
of Pure Delight handeln davon,
für Rechte und Gleichheit zu
kämpfen und sich Gehör zu verschaffen. Die
Bloßstellung von Frauen oder Minderheiten hat
erschreckend zugenommen. Ich weiß nicht, ob
das an der bequemen Verfügbarkeit des Internets
liegt oder ob ich die Welt um mich herum extrem
feinfühlig wahrnehme.
O: Mit welchen zwei Bands würdet ihr gerne auf
Tour gehen?
BR: Killing Joke wären toll... (lacht) Und eine
Europatour mit FANGS on FUR wäre der Hammer.
AP: Stimmt! Ich würde auch liebend gern mit Alien
Sex Fiend und Swans durch Europa reisen. Ach,
meine Liste ist lang... Einige der Bands existieren
gar nicht mehr, wie Xmal Deutschland oder Kitchen
and the Plastic Spoons.
O: Wie habt ihr die Schwarze Szene entdeckt?
BR: Ich bin mit Metal und Punk aufgewachsen
und mochte am meisten das düstere Zeug: Black
Sabbath, Celtic Frost, Slayer, Misfits et cetera. Mit 19
spielte ich in einer grauenhaften Metal-Band. Der
Bruder des Gitarristen stand auf Goth und dunklere
Klänge. Bei seinen Partys lief immer klassischer
Goth-Kram. Ich erkundigte mich dann nach den
Bands. Einmal stellte er ein 90-minütiges Mixtape
für mich zusammen, sodass ich auswählen konnte.
Wenig später besorgte ich mir Christian Deaths
Catastrophe Ballet auf Kassette. Es ist bis heute
eines meiner Lieblingsalben.
AP: Die Schwarze Szene sitzt tief in meinem Herzen,
seit ich ein kleines Mädchen war. Melancholie
zog mich schon immer an. Ich empfand ein
euphorisches Gefühl, wenn ich traurige, düstere,
aggressive Lieder hörte. Als Kind habe ich bedächtig
an meinem Radiowecker gedreht und kriegte
manchmal einen College- oder Piratensender
rein. Dann schnitt ich das Material mit und trug es
zum Plattenladen vor Ort. Ich habe mein ganzes
Pausengeld für Musik ausgegeben, Joy Division
waren meine erste Liebe. Eine Menge Sachen
musste ich verstecken, weil meine Eltern sehr
religiös waren. Ich besitze wohl noch heute ein
ursprünglich christliches Tape, auf das ich Only
Theatre of Pain von Christian Death überspielt hatte.
Es war immer ein Kampf, welche Art Musik ich zu
Hause hören durfte. Das wurde noch schlimmer,
als eine befreundete Familie nach dem Tod ihres
Sohnes Judas Priest verklagte. Drei Mal zwang
man mich, meine Plattensammlung wegzuwerfen,
was die dunkle Seite natürlich umso reizvoller
erscheinen ließ. Meine Heimat fand ich, als ich in
der Schule eine Gruppe von Leuten kennenlernte,
die so aussahen, wie ich mich fühlte – ab da gab es
kein Zurück. Nur in der „Schwarzen Szene“ bin ich
wirklich ich. Readership Hostile wären in meinem
Elternhaus bestimmt verboten gewesen.
O: Angenommen, ihr hättet drei Wünsche frei, die
die Welt verändern. Welche wären das?
BR: 1. Black Sabbath-Reunion mit Bill Ward. 2. The
Mighty Boosh machen endlich einen Film. 3. Das
Ende aller Kriege. Das muss ich sagen, oder? (grinst)
AP: Ich würde mir mehr Wünsche wünschen, weil
sehr viel mehr als drei nötig sind, um die Welt zu
verändern. Im Übrigen: was, wenn mir das Ergebnis
nicht gefällt? Es ist schwierig, drei Wünsche zur
Weltveränderung zu äußern, ohne dass das Ego ins
Spiel kommt.
O: Bei einem Spiel ist es eure Aufgabe, 100 Euro
innerhalb einer Stunde auszugeben. Wofür würdet
ihr das Geld verwenden?
BR: Ein Riesenessen mit Freunden. Wenn es nur
für mich selber gedacht ist, würde ich ein Flugticket
irgendwohin kaufen... oder es ansonsten für
wohltätige Zwecke spenden.
AP: Wow, wenn Benn so großzügig ist, Freunde
einzuladen, bleibt mir mehr übrig! Ich würde
einen Haufen Platten kaufen und vielleicht der
Obdachlosen eine Schachtel Zigaretten, Whiskey
und was zu essen schenken – oder auch eine Decke,
falls sie möchte.
O: Welche Lebensweisheit ist
eure wertvollste?
BR: Sei nett zu jedem und
bezahle für Musik.
AP: Achtsamkeit kann weit
reichen, denn man weiß
nie, wer einen zum Einfluss
nimmt.
O: Wer sollte sich nun mit
eurem Werk intensiver
beschäftigen?
BR: Alle natürlich...
AP: Menschen mit Vokalen im
Namen.
Photos: Janine Driskill
84 - Orkus!

„Ich bin ein Gamer
und werde es
immer sein!“
Bei diesem Projekt steht Spontaneität ganz weit vorne. Kaum
wurde ein Vertrag mit Digital World Audio unterzeichnet,
erscheint schon das Deadly Force betitelte erste Album. Was den
Hörer bei Seraphim System erwartet? Eine aggressive, harsche,
rücksichtslose und durchweg tanzbare Mischung aus Industrial,
Noise, Dubstep und Aggrotech. „Die Message ist die, die Du für
Dich darin siehst, und sei es nur, Dir mit fetten Beats den Alltag
aus dem Kopf zu blasen, um einfach mal Party zu machen. Deadly
Force darf durchaus als soziale Revolution verstanden werden, die
der totalen Unterwerfung und Selbstgefälligkeit entgegentreten
will.“
Bereits beim Blick auf das Cover springt die Faszination für
Cyberästhetik und die damit verknüpften mentalen Auswirkungen
auf die Menschheit ins Auge. „Der Pitbull ist das perfekte Bild
für die Art von Musik, die ich mache. Rau, energiegeladen,
voller Kampfgeist. Das gesamte Schaffen von Seraphim System
dreht sich um diese Thematik: Science Fiction, Cyborgs, Hacker,
dystopische Megastädte und verwaiste Industriegebiete. Ich
liebe diese dunklen und futuristischen Aspekte.“ Des Weiteren
ist eine Präferenz für die Sparte des Gamings offenkundig. So
sind R4MP4G3 (Rampage) und H34R71355 (Heartless) in Leetspeak
geschrieben, der Gamersprache schlechthin. „Ich habe einen
Collegeabschluss als Spieleentwickler und bin seit meiner
Kindheit ein leidenschaftlicher Zocker. Seien es Computer- oder
Tabletopspiele, ich bin ein Gamer und werde es auch immer
sein!“ Zum Glück hat BL4KJ4K derzeit aber die Musik an oberster
Stelle seiner „To do“-Liste, verrät der Künstler doch, dass er sogar
schon an neuem Material arbeitet. „Darüber hinaus liegen noch
mehrere Anfragen nach Remixen vor, und ich würde mich freuen,
zumindest hier in Nordamerika touren zu können. Ansonsten
verfolge ich meine täglichen Pläne: zerstören, ausmerzen, wieder
zerstören.“
www.facebook.com/seraphimsystem
Marie-Luise Henke
2014 jährt sich ein ganz besonderes Ereignis in der
langen und wellenförmigen Karriere von The Cure
zum 30. Mal. Die englischen Goth Rock-Veteranen
bringen ihr fünftes Studioalbum The Top heraus, ohne
zu ahnen, als wie prophetisch sich dessen Titelwahl
entpuppen soll. Erstmals knackten Robert Smith und
seine düsteren Spießgesellen auch die amerikanischen
„Billboard“-Charts, während sie sich in ihrer Heimat
genüsslich in den Top 10 niederließen. Ja, es waren
gute Zeiten für The Cure. Nur zwei Jahre zuvor hatten
sie das spröde Pornography veröffentlicht, jetzt
schlugen sie entschieden psychedelische Pfade ein –
mit einem Robert Smith, der für alle Instrumente außer
Drums und Saxophon verantwortlich zeichnete und
seine experimentelle Seite in flirrenden, ekstatischen
Rocknummern auslebte. Logisch, dass man The
Caterpillar zur Single erkor... stärker nach Alice im
Wunderland klang diese Band nie! Der markante
Wechsel vom unterkühlten Soundbild hin zu wohligem
Irrsinn ging mit der Trennung von Roberts altem
Weggefährten Simon Gallup einher und kann insofern
fast als Smith’sches Solo-Werk gelten. Noch vor
Jahresende erschien das Live-Debut Concert, welches
diese Hochphase der Briten gut einzufangen wusste.
cts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Facts + Fa

„In jenem Moment
legte ich meine Maske ab.“
Amerikas Albtraum ist wieder da. Das Schreckgespenst der Rockmusik, der dunkle Schatten über dem trügerischen
Idyll. Die Rückkehr von Slipknot erfolgt mit dem erwarteten Paukenschlag, mit einem medialen Wirbelsturm, aber
auch mit jeder Menge entfesselter Dämonen. Das schlägt sich bereits im Titel ihres Comebackwerks nieder – .5:
The Gray Chapter haben es die Maskenmänner als postume Widmung an den verstorbenen Paul Gray getauft;
gewohnt schonungslos und brutal verarbeiten sie darauf die Dunkelheit, den Abgrund der letzten Jahre. Wie das
schwierigste Album ihrer Karriere zugleich zum triumphalen Befreiungsschlag wurde, vertraut uns ein offener
und entspannter Corey Taylor in der großen Orkus!-Titelgeschichte an.
Orkus: Corey, wie geht’s dir?
Corey Taylor: Jetzt geht es mir gut, Mann! Die letzte Zeit war
überaus hektisch, ich kam mir vor wie ein Huhn, das immer
noch herumrennt, nachdem man ihm den Kopf abgehackt
hat. Aber jetzt – jetzt kann ich Interviews geben. Alles, was ich
tun muss, ist: mich hinsetzen und über Musik reden. Endlich!
Außerdem ist es hier endlich nicht mehr so heiß.
O: Du magst den Herbst also am liebsten?
CT: Absolut! Der Herbst ist die schönste Zeit des Jahres. Mein
Sohn hat im September Geburtstag, außerdem ist ja auch noch
Halloween. Und das ist sowieso das Größte.
O: Wie verbringst du Halloween?
CT: Dieses Jahr sind wir mit Slipknot unterwegs, also werden wir
bandintern feiern und uns bestimmt auch etwas Besonderes
einfallen lassen.
O: Als was hast du dich als Kind am liebsten verkleidet?
CT: Ich habe stets versucht, mich mit so viel Kunstblut wie
nur möglich zu übergießen. Meine Eltern und meine Freunde
konnten einfach nicht verstehen, was so toll daran war, so
verschwenderisch mit Kunstblut und Make-up umzugehen, wo
es doch so viele andere „coole“ Kostüme gab.
O: Masken faszinieren dich seit jeher; es heißt, Halloween
gehöre zu deinen Lieblingsfilmen. Was ist so faszinierend an
einem Menschen mit Maske?
CT: Die Maske zeigt einen Menschen ohne jede Menschlichkeit.
Nimm bloß mal Michael Myers in Halloween. Dieser Mensch
begeht die schrecklichsten Gräueltaten, seiner Maske fehlt
jedoch jedwede Emotion. Er ist lediglich ein Ding, das keine
Gefühle erkennen lässt. Im Drehbuch ist über seine Figur
auch immer nur von der „Gestalt“ die Rede. Darauf nimmt die
Nummer The Shape von Iowa direkten Bezug. Dieser Mangel
an Mitleid, diese schreckliche Gewissheit, dass man von
einer solchen Person keine Gnade erfahren wird, hat etwas
ungemein Verstörendes und Anziehendes. Und darauf sind
wir Menschen nicht vorbereitet. Wir gehen immer davon aus,
dass man über alles reden kann, doch ein Blick in dieses leere
Gesicht fegt jegliche Hoffnung beiseite.
O: Wann begann deine Faszination?
CT: Schon als Junge gab es nichts Spannenderes für mich,
ich hatte seit jeher ein regelrecht morbides Interesse an
den dunklen Seiten der Menschheit. Unsere Kultur wendet
zu viel Energie dafür auf, diese Aspekte zu ignorieren, sie
auszublenden. Daher realisieren wir erst im Angesicht einer
solchen Horrorsituation, wie viele verschiedene Facetten die
menschliche Seele haben kann. Ich glaube fest daran, dass es
weder das ultimativ Böse noch das ultimativ Gute gibt. Dennoch
wollen wir alles am liebsten in diese beiden Kategorien
einteilen. Was zählt, ist letztlich aber das Gesamtbild. Die
Menschen sind nicht schwarz oder weiß. Jeder hat seinen
eigenen Grauton. Es gibt keinen Tag ohne Nacht.
O: Das wirft natürlich ein ganz neues Licht auf den eigentlich
eindeutigen Albumtitel The Gray Chapter.
CT: Dieses Wortspiel ist bewusst gewählt, ganz genau. Als wir
über das neue Album sprachen, waren Clown und ich uns einig,
dass wir Paul Gray einen Tribut erweisen wollen. Diese Aufgabe
entpuppte sich allerdings als schwieriger denn gedacht. Wie
wird man mit wenigen Worten einem besonderen Menschen
gerecht? Irgendwann stand plötzlich dieser Titel im Raum,
und wir wussten sofort, dass wir endlich das gefunden hatten,
wonach wir suchten. Ein simpler und trotzdem vielsagender
Titel, der viel von dem ausdrückt, worum es bei Slipknot geht
und was wir als Band durchgemacht haben. Genau genommen
ist er eine Kombination zweier Ideen, die wir hatten. Das war
schon immer das Besondere an Slipknot: Jeder hat seine ganz
eigenen Vorstellungen von dieser Band, doch im Grunde ist
jeder kompromissbereit.
O: Eure Masken sind letztlich bloß ein Spiegel unserer
Gesellschaft, in der jeder ständig Masken trägt. Warum tun wir
das? Warum zeigen wir nicht, wer wir wirklich sind?
CT: Dafür gibt es verschiedene Gründe. Die Gesellschaft übt
einen solchen Druck auf die Menschen aus, dass man sich
lieber hinter etwas versteckt. Nur so funktioniert unsere
oberflächliche Welt: Niemand kann einen Mörder mit
einem Herzen akzeptieren, niemand einen ehebrechenden
Familienvater. Das geht für die meisten zu weit. Und da liegt
die größte Lüge, weil sie jedem Menschen nur eine Seite
zugesteht. Natürlich sage ich nicht, dass es keine Soziopathen
gibt, die durch und durch böse sind, aber die Gesellschaft will
eben oft nur eine Seite sehen. Und das ist in den meisten Fällen
eine Maske. Was bleibt dir als von inneren Dämonen geplagter
Familienvater also anderes übrig, als eine Maske aufzusetzen?
O: Musstest du dich auch oft hinter solchen gesellschaftlichen
Masken verbergen?
CT: Sehr lange sogar. Von 20 bis 30 wusste ich nicht, wie ich
mit den verschiedenen Seiten meiner Persönlichkeit umgehen
sollte. Ich wusste nicht, wie ich die jeweils andere Seite
ausgleichen sollte. Das führte zu einem sehr angespannten
Verhältnis zu meiner Familie und meiner Hinwendung zu
Drogen, Alkohol und Problemen. Ich war ein Mensch, auf
den kein Verlass war. Irgendwann kam ich an den Punkt, an
dem ich beschloss, nicht länger der zu sein, der ich sein sollte,
sondern der, der ich sein wollte. In jenem Moment legte ich
meine Maske ab.
O: Dennoch nutzt du auch Slipknot dazu, dich hinter einer
Maske zu verstecken. Was passiert mit dir, wenn du sie anlegst?
CT: Ich lebe meine dunkle Seite aus. Die Maske hat nichts damit
zu tun, jemand anderes zu werden, ich konzentriere mich
einfach auf einen anderen Teil meiner Persönlichkeit. Das war ja
früher das Hauptproblem: Entweder musste ich diese Seite an
mir unterdrücken oder mich ihr mit Haut und Haaren hingeben.
Slipknot erlaubte mir, mich mit ihr auseinanderzusetzen und
sie als Teil meiner selbst zu akzeptieren. Slipknot schuf die
nötige Balance für mich. Durch diese Band weiß ich, wer ich bin
und wie es um meine Persönlichkeit bestellt ist. Diese Maske ist
ein Segen, denn sie dient als Katalysator.
O: Was bedeutet deine neue Maske?
CT: Wie schon immer bei Slipknot, haben wir auch diesmal neue
Masken gewählt. Ich bin schließlich nicht mehr der Mensch,
der ich auf All Hope Is Gone war, und das muss auch die Maske
ausdrücken. Deshalb ist sie ja überhaupt so wichtig für Slipknot:
Es ist uns gestattet, zu wachsen, uns weiterzuentwickeln.
Dieses Mal war es ein besonders einschneidender Schritt nach
dem letzten Album, also ließen wir uns auch für die neuen
Masken etwas ganz Besonderes einfallen. Meine besteht aus
zwei Teilen, die sich – zusammengesetzt – wie eine zweite Haut
anfühlen. Wenn ich den oberen Teil abziehe, kommt darunter
eine Maske in der Maske zum Vorschein. Für mich ist das eine
schöne Metapher für unsere verschiedenen Gesichter.
O: Im Clip zu The Devil In I thematisiert ihr die neuen Masken
so drastisch wie nie zuvor und inszeniert euren eigenen
Selbstmord. War das für euch nötig: Untergang, um wie der
Phönix aus der Asche aufzuerstehen?
CT: Das war Clowns geniale Grundidee, ja. Ich weiß nicht, wie
er immer wieder auf diese kranken Ideen kommt, doch ohne
ihn wäre die Band deutlich ärmer, insbesondere ihr visueller
Aspekt. Erstmals führte er selbst Regie und wies uns alle an,
uns unseren präferierten Suizid auszudenken. Für Slipknot ist
Orkus! - 87

„Clown rief eines
Tages an und fragte
uns, wie wir gerne
sterben würden.“
das eine Metapher, der Vergangenheit Lebewohl zu sagen und endlich in die
Zukunft zu schauen.
O: Wie kam es zu diesen grausigen Szenarien?
CT: Clown rief eines Tages an und fragte uns, wie wir gerne sterben würden.
(lacht) Und ob man es glaubt oder nicht: Jeder von uns hatte sofort eine
ganz bestimmte Idee. Natürlich ist das vordergründig ein grausames
Filmchen, doch die wahre Botschaft dahinter lautet, dass man sich von
seiner Vergangenheit lösen muss, ehe sie einen runterzieht. Tut man das
nicht, kommt der Punkt, an dem die Vergangenheit zwischen dir und deiner
Zukunft steht. Mit Slipknot mussten wir nach Pauls Tod einige drastische
Entscheidungen treffen, und dieses Video reflektiert das.
O: Wie schwer war es wirklich, Slipknot damals nicht zu Grabe zu tragen?
CT: Verdammt schwer, um ehrlich zu sein. Es gab jedoch nie einen Moment,
in dem wir die Zukunft der Band in Frage stellten. Zweifel über das Warum
und Wie gab es in den letzten Jahren natürlich zuhauf, aber wir begannen
schnell, uns eher darüber zu unterhalten, was eine Slipknot-Rückkehr
bringen würde. Diese Frage konnten wir nicht beantworten, bis wir vor ein
paar Jahren die Bühne des Sonisphere Festivals in Athen betraten. Wir hatten
lange nicht miteinander geredet, und gleichzeitig merkte jeder für sich, dass
wir die Band auch ohne Paul fortsetzen mussten. Paul hätte es gewollt, dafür
hat er die Band viel zu sehr geliebt. Außerdem wollten die Fans, dass wir
weitermachen. Die erste Hälfte jener Show war so schwer... es kam mir vor,
als würde ich unter Wasser laufen. Doch nach und nach drangen unsere Fans
durch diese Spannung und Unsicherheit und ließen uns allein durch die Kraft
ihrer Stimmen wissen, dass dies der richtige Weg ist. Noch jetzt kriege ich
Gänsehaut, wenn ich bloß daran denke. Zum ersten Mal fühlte es sich richtig
an, die Band fortzuführen – und dabei neben aller Trauer auch Freude zu
empfinden.
O: Trotzdem habt ihr euch viel Zeit für eure Rückkehr gelassen...
CT: Diese Dinge brauchen Zeit! Außerdem war Slipknot noch nie eine Band,
die überstürzt handelt. Wir nahmen uns schon immer so viel Zeit, wie wir für
richtig hielten. Deshalb gibt es Slipknot auch heute noch, und das stärker
denn je – sehr zum Missfallen unserer Gegner.
O: 1995 habt ihr die Metal-Szene auf den Kopf gestellt. Seither sind fast
20 Jahre vergangen. Hast du die Relevanz, den Stellenwert Slipknots je
angezweifelt?
CT: Verdammt gute Frage. Darüber habe ich, ehrlich gesagt, nie nachgedacht.
Liegt wohl daran, dass wir Musik in erster Linie für uns machen und dann
hoffen, dass sie auch den Fans gefällt. Vielleicht kümmern wir uns deswegen
nicht um unsere etwaige Relevanz, um unseren eventuellen Vorsprung oder
um die Tatsache, wer heute eigentlich noch unsere T-Shirts trägt. Natürlich
wünsche ich mir, dass möglichst viele Menschen es ebenso sehr mögen wie
wir, doch im Herzen von Slipknot liegt der Kreativprozess, die Kunst. Alles
andere spielt keine Rolle.
O: Ungewollt oder nicht, ist dabei euer bis dato vielleicht abwechslungsreichstes
Album herausgekommen.
CT: Natürlich ist dieses Album etwas ganz Besonderes für uns, und vielleicht
wollten wir deshalb möglichst viel aus unserem Inneren schöpfen. Diese
Band wird von einer ungezähmten Freiheit umweht, auf die ich unfassbar
stolz bin. Wir schrecken vor nichts zurück, probieren nichts aus... wir tun es
alles. Das ist etwas, was viele Bands einschränkt, bei Slipknot aber noch nie
eine Rolle gespielt hat. Ich denke, Paul wäre stolz auf dieses Album.
www.slipknot1.com
Björn Springorum
Photos: M. Shawn Crahan
Discographie (Alben):
Slipknot (1999)
Iowa (2001)
Vol. 3: (The Subliminal Verses) (2004)
9.0: Live (live, 2005)
All Hope Is Gone (2008)
Antennas to Hell („Best Of“, 2012)
.5: The Gray Chapter (2014)
Line-Up:
Corey Taylor – Gesang
Jim Root – Gitarre
Mick Thomson – Gitarre
Chris Fehn – Percussion, Gesang
Shawn „Clown“ Crahan – Percussion, Gesang
Craig „133“ Jones – Samples, Keyboard
Sid Wilson – Turntables
Orkus! - 89

„Paul wäre stolz auf dieses Album.“
Hinter den Masken: Das Besetzungskarussell dreht sich
Eine Sache war der Pressedame aus New York City vor
unserem Treffen mit Corey Taylor wichtig genug, dass sie
es gleich erwähnen musste: Keine Fragen zur Identität des
neuen Bassisten und des neuen Schlagzeugers, sonst könne
die Fortführung des Interviews nicht garantiert werden.
Einerseits natürlich schade, andererseits gibt es da ja noch
dieses schmucke kleine Ding namens Internet. Das konnte
anhand einiger Photos und der neuen Videos mehr oder
weniger eindeutig weiterhelfen. Auch wenn Drummer und
Basser dieselbe Maske verpasst bekamen – für viele ist klar,
dass es Alessandro „Vman“ Venturella sein muss, der als
Gitarrentechniker für Mastodon oder Coheed and Cambria
tätig war. Warum? Er trägt dasselbe Tattoo auf seiner linken
Hand. Dass es sich beim Mann hinter den Trommeln um Jay
Weinberg (ehemals Against Me!) dreht, wurde bisher weder
bestätigt noch dementiert. Fest steht: Der alte Schlagzeuger
Joey Jordison ist raus. Für viele ein herber Schlag, und das
wohl nicht nur wegen seiner wahnwitzigen Showeinlagen
am fliegenden oder rotierenden Drumkit. Corey Taylor
ist trotz der Differenzen zwischen Jordison und der Band
sicher, dass der Rausschmiss ihres langjährigen Mitstreiters
die schwerste Entscheidung war, welche Slipknot je gefällt
haben. „Übrigens“, fügt er an, „will ich hier gleich sagen, dass
The Negative One nicht von ihm handelt. So billig sind wir
nicht.“
Der Tod von Paul Gray
Geboren am 08. April 1972, gestorben am 24. Mai 2010:
Slipknot-Bassist und -Mitbegründer Paul Gray wurde
gerade mal 38 Jahre alt. Er starb in Zimmer 431 der
TownePlace Suites in Johnston, Iowa, einem speziell für
langfristige Gäste eingerichteten Apartmentkomplex
direkt an einem stark befahrenen Highway. Man fand
seinen leblosen Körper gegen 10.50 Uhr Ortszeit;
im Zimmer verstreut lagen diverse Tabletten, neben
dem Bett eine Injektionsnadel. Vier Wochen später
bewiesen die Ergebnisse der Autopsie eine Überdosis
Morphin und Fentanyl (in Kombination mit einer
existierenden Herzerkrankung) als Todesursache.
Dass der bei Slipknot unter #2 firmierende Gray – seit
Dezember 2005 bekanntermaßen drogenabhängig
– an verschreibungspflichtigen Medikamenten
starb, brachte seinen behandelnden Arzt in große
Schwierigkeiten, 2014 wurde er aber von jeder
Schuld freigesprochen. Paul Grays Tod erschütterte
die Rockwelt und brachte Slipknot an den Rand des
Scheiterns. Bei der offiziellen Trauerfeier sprach
Shawn „Clown“ Crahan von Grays Schlüsselrolle für die
Harmonie innerhalb der Band, weil er stets alle Fäden
zusammenführte. Hoffen wir, dass Slipknot jenes
Gleichgewicht auch ohne ihr tragisch verstorbenes
Urmitglied aufrechterhalten können.
90 - Orkus!

Tarja
MONO INC.
Dinkelsbühl, Flugplatz, 13.–16.08.2014
Das Finale der Festivalsaison steigt wie gewohnt in Dinkelsbühl. Noch einmal geben
Bands und Fans alles, noch einmal werden Dosenravioli, Campingkochgeschirr,
Isomatte und Sonnencreme eingepackt, um unter freiem Himmel dem Metal, Rock
und Gothic zu frönen. Ihren Sonnenschutz hätten die gut 35.000 BesucherInnen
allerdings getrost zu Hause lassen dürfen. Erstmals seit vielen Jahren stöhnt das
Summer Breeze nicht unter Hitze und knallendem Sonnenschein; dunkle Wolken
und der eine oder andere Schauer dominieren das Bild. Von schlechter Laune fehlt
dennoch jede Spur. Im Gegenteil: man ist sich einig, den gemeinsamen Abschluss
einer weiteren tollen Open Air-Spielzeit um jeden Preis zu genießen.
Bei solch einem Programm fällt dies natürlich auch alles andere als schwer. Bereits
der Mittwoch wird gebührend stählern durch Grand Magus, rockig durch Orchid
oder verspult durch The Vintage Caravan eingeläutet; schon jetzt platzt das
Partyzelt aus allen Nähten. Dass es trotz der 35.000 Gäste nicht zu voll wird, liegt auch
an der neuen Geländeplanung. Die stiftet zwar anfangs leichte Verwirrung, zeigt aber
bald ihren Sinn mit kürzeren und breiteren Wegen.
Offiziell öffnet das Areal am Donnerstag seine Pforten... und punktet schon tagsüber
mit sauberer Leistung: Delain beweisen, dass sie längst zu den Großen im „female
fronted“ Metal zählen, Heretoir sorgen im Zelt für wohlig-frostige Post Black Metal-
Glanzstücke. Richtig voll wird es vor der Hauptbühne bei Eluveitie – die Meister
des Folk Metal gehören nicht ohne Grund zu den größten Bands des Festivals. Da
wäre nächstes Mal durchaus ein Slot am Abend drin. Den füllt die tiefgestimmte
Legende Down mit einer kultigen Show, ehe Behemoth in der Dunkelheit ein
teuflisch intensives, höllisch atmosphärisches und vor allem wunderbar boshaftes
Set abfeuern. Das zu toppen, haben es selbst die folgenden Headliner Children Of
Bodom schwer, obwohl sich die finnischen Saitenhexer wie immer tüchtig Mühe
geben. Auch geil: zu später Stunde zerlegen die Metalcore-Youngster Eskimo
Callboy in Corpsepaint das Zelt. Das war an diesem Tag übrigens noch nie so gut
besucht... Respekt!
Zum Wachwerden blasen Stahlmann am Freitag um zwölf Uhr mittags ordentlich
NDH durch die Boxen. Das zieht erste Feierwütige ins Freie; richtig voll wird es aber
bei den pinken Herren von J.B.O.. Sie polarisieren bekanntlich stark, ihre rosa Kanone
sollte man jedoch gesehen haben. Das Infield war jedenfalls noch am Samstag
mehr als ein wenig pink. Im Zelt verzaubert derweil Anneke van Giersbergen
durch ihre wunderbare Art, neue Lieder und The Gathering-Klassiker, verwöhnt
sogar mit Strange Machines. Hach, das waren Zeiten! Nostalgie versprühen auch
Hypocrisy, die wieder mal Zigtausende Headbanger vor die Bühne locken und
ihren unverwechselbaren Death Metal gewohnt massiv und meisterhaft unters Volk
streuen. Fractured Millennium oder Roswell 47 gehen eben immer. Dass AHAB mit
ihrem nautischen Doom danach im Zelt zum munteren Walfang laden, hat einen
besonderen Grund. Das zehnjährige Bandjubiläum steht an, und aus diesem Anlass
dürfen die süddeutschen Doom-Heroen bereits vor Mitternacht (anstatt, wie sonst
üblich, gegen drei) ran. Lohnt sich: Musik, Show und Licht sind erste Sahne!
Das Finale am Samstag beginnt mit den Lokalhelden Undertow, nimmt dann mit
den grimmigen norwegischen Black Metallern Kampfar sehr schnell frostige Fahrt
auf. Die steife Brise, die über das Gelände weht, passt da natürlich perfekt. Klirrend
geht es im Zelt mit Schwarzwalds Black Metal-Macht Imperium Dekadenz zu,
monströs tief röhrend bei Obituary und ihrem Rumpel-Death. In starkem Kontrast
dazu steht Tarjas orchestrale Brillanz, welche längst auch ohne Nightwish für
große Begeisterung sorgt. Da bleiben die vielen Menschen sogar trotz der kräftigen
Husche kurz vor Ende des Sets standhaft. MONO INC. folgen dann auf der zweiten
Hauptbühne. Die Goth Rocker haben sich auch in Metal-Kreisen nach ganz oben
gespielt und genießen einen super Slot vor Riesenpublikum. Voller wird es nur noch
bei – richtig – In Extremo. In der Vorwoche steckten sie das M’era Luna in Brand, jetzt
bescheren sie Dinkelsbühl einen feurigen, leidenschaftlichen und mittelalterlichen
Höhepunkt, der sich gewaschen hat. Unnötig, zu erwähnen, dass auch Heaven Shall
Burn einmal mehr alles in Grund und Boden rocken und Watain zur Geisterstunde
ein Black Metal-Lehrstück der finstersten Sorte abziehen. So kann auch die schönste
Festivalsaison zu Ende gehen... man soll ja bekanntlich aufhören, wenn es am
schönsten ist.
Text: Björn Springorum
Photos: Fabian Ritter
MONO INC.
92 - Orkus!
MONO INC.

AHAB
Behemoth
In Extremo
Hypocrisy
Orkus! - 123

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Photos!, Lacrimosa, Empyrium, Belphegor, Nine Inch Nails,
Vintersorg, Amberian Dawn, Flip Grater, ROME, Anathema,
Noisuf-X, FrontAngel, The Dreamside, Eluveitie, Bacio di
Tosca, New Days Delay, Anomalie, Surgyn, Burden of Grief,
Ekat Bork, Sonic Syndicate u.v.m.
06/2014 mit CD-Beilage Orkus! Compilation 99
Agalloch, Arch Enemy, Thomas Azier, BhamBhamHara,
Bloody Hammers, Click Click, Die Apokalyptischen Reiter,
Edgedown, Epica, Equilibrium, Lacrimosa, Lydia Lunch &
Cypress Grove, RROYCE, Sinister, Spiral69, Stille Volk,
Tanzwut, Teufelskreis, The Golden Grass, Tarja Turunen &
Mike Terrana, xotox, Yucca u.v.m.
05/2014 mit CD-Beilage Orkus! Compilation 98
Xandria, Joachim Witt, Pop Evil, Dornenreich, Asps Von
Zaubererbrüdern, CYFERDYNE, Dimmu Borgir, Delivered
Soul, Evadez, Frontal, Zeromancer, Gothminister,
Herzparasit, Insomnium, Kartagon, Leæther Strip,
Mundtot, no:carrier, Red Mourning, Savn, Stoneman,
Stream of Passion, Subliritum, Tanzwut, The Eternal Afflict,
The Horrors, Linkin Park, Vallenfyre, HIM, Diary of Dreams,
In Strict Confidence u.v.m.
04/2014 mit CD-Beilage Orkus! Compilation 97
Lacuna Coil, Delain, The Dark Tenor, Joachim Witt, Diary
of Dreams, VNV Nation, The Mission, Deus ex Vagina,
Eisregen, Inkubus Sukkubus, Goethes Erben, Julie’s
Haircut, Alcest, Lyronian, Kari Rueslåtten, Lake of Tears,
Xandria u.v.m.
03/2014 mit CD-Beilage Orkus! Compilation 96
Diary of Dreams, Welle: Erdball, Subway to Sally, Aesthetic
Perfection, Butcher Babies, Alcest, Crematory, Laibach,
Alfahanne, Gabi Delgado, Clan Of Xymox, Lyronian,
Eisenstein und Der Zar, THYX, Enter & Fall, Mantus, Lay
Down Rotten, State of the Union, Metsatöll, Spiritual Front,
Vanishing Point, Nachtmahr, Terrolokaust, Ignis Fatuu, SEA
+ AIR, Night Nurse, Fear Of Domination, Paulina Cassidy,
Maerzfeld, Seabound, The Beauty of Gemina, Incura,
Diodati, Die KAMMER, Thyrien, God Module, Luci van Org,
Elysion, Harpyie, Tuomas Holopainen u.v.m.
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02/2014 mit CD-Beilage Orkus! Compilation 95
Within Temptation, Schandmaul, ASP, Subway to Sally,
Darkhaus, Ektomorf, Aeons Confer, Leaves’ Eyes, Mantus,
Alcest, Clan Of Xymox, Joy Shannon & the Beauty
Marks, van Canto, The Unguided, INGRIMM, Equatronic,
Bloodsucking Zombies From Outer Space, Die KAMMER,
Parralox, Michelle Darkness, Mooncry, The Eternal Afflict,
Nervosa, Anette Olzon, Franky Demon, MANTAR, Lisa
Morgenstern, Sündenklang, Tanzwut, Nightwish u.a.
11-12/2013 + 01/2014 mit CD-Beilage Orkus!
Compilation 94
Till Lindemann, Saltatio Mortis, Metallica, Leaves’ Eyes,
VNV Nation, ASP, Die Krupps, Paradise Lost, Mantus,
Sharon & Tarja, Nachtmahr, Eisregen, KoRn, Luci van
Org, Corvus Corax, Engelsstaub, Solar Fake, Tanzwut,
MyKungFu, mesh, The Vision Bleak, Songs Of Lemuria, Pro-
Pain, the Dark Shadows, OHRENFEINDT, Leandra, Epysode,
Kosheen, Coronatus, Stahlmann, Legion of the Damned,
Martyr Lucifer, Buckcherry, Henric de la Cour, Ally the Fiddle,
EYCROMON, Beastmilk, Zeromancer u.a.
12-01/11-12 mit CD-Beilage Orkus Compilation 75
und Amphi Festival-DVD
ASP: Fan-Interview, Trivium, SOPOR AETERNUS, ROME,
Megaherz, Kirlian Camera, Phoebe Killdeer, Tarja Turunen,
Junksista, MONO INC., Black Heaven, Stahlfrequenz, Corvus
Corax, FabrikC, BlutEngel, Samsas Traum, Slipknot, Markus
Heitz, Lovex, Phosgore, Killerfix, Umbra et Imago, Cephalgy,
Nemesea, Mantus, Jared Leto, Volbeat, Subway to Sally,
„Sex, Drugs & Dudelsack” u.v.m.
12-01/10-11 mit CD-Beilage Orkus Compilation 65 und
Amphi Festival-DVD
SOPOR AETERNUS, BlutEngel, Schandmaul, Nachtmahr,
Unheilig, ROME, Die Krupps, Die Apokalyptischen Reiter,
Katra, Hocico, Antimatter, Santa Hates You, Suicide
Commando, Indica, Veil Veil Vanish, Dornenreich, Eric Fish,
Seventh Void, Apocalyptica u.v.m.
01/10 Sonderausgabe „Das Jahr 2009“ mit Amphi
Festival-DVD
Unheilig, ASP, The 69 Eyes, BlutEngel, Lacuna Coil,
Eisbrecher, Clan Of Xymox, Lacrimosa, Leaves‘ Eyes,
Paradise Lost, Subway to Sally, L‘âme Immortelle,
Agonoize, Zeraphine, ROME, Faun, Saltatio Mortis u.v.a.
Bitte rechne das Porto wie folgt dazu:
Deutschland: 1 Ausgabe 1,45 Euro 2 Ausgaben 2,40 Euro ab 3 Ausgaben 3,90 Euro
Europa: 1 Ausgabe 3,45 Euro 2 Ausgaben 7,00 Euro ab 3 Ausgaben 8,90 Euro
Welt/Schweiz: 1 Ausgabe 3,45 Euro 2 Ausgaben 7,00 Euro ab 3 Ausgaben 12,90 Euro
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Die Magazine gehen an: (bitte deutlich schreiben)
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Bankdaten: Orkus! Magazin, Kreissparkasse Waiblingen: Claus Müller, Konto Nr. 203 35 01, BLZ 602 500 10 • Zusatz für Auslandsüberweisungen: BIC/SWIFT: SOLADES1WBN, IBAN: DE63 6025 0010 0002 0335 01 • PayPal: info@orkus.de
94 - Orkus!

5 Abo-Werbe-Geschenke
Bei Abschluss eines Werbe-Abos über ein Jahr erhält der Werbende eine Prämien-CD seiner
Wahl, eine CD nach unserer Wahl plus einen der folgenden Artikel nach seinem Wunsch:
Bei Abschluss eines Werbe-Abos über zwei Jahre kann sich der Werbende zwei Extra-Prämien aussuchen!
Bei Abschluss eines Werbe-Abos für ein halbes Jahr erhält der Werbende keine Extra-Prämie!
1.
Extra-Prämien
Liebe Abonnentinnen und Abonnenten!
Ganz einfach:
Der neue Orkus!-Abonnent und der Prämienempfänger dürfen nicht identisch sein. Die Prämien erhaltet Ihr nach Bezahlung mit
separater Lieferung. Dieses Angebot gilt nicht für Geschenk-Abonnements sowie ein Abo ohne Werber.
Du musst selbst kein Abonnent sein, um einen neuen Abonnenten zu werben.
Achtung! Das Abo verlängert sich NICHT automatisch und muss NICHT gekündigt werden.
Bei eventuell auftauchenden Fragen ist für Euch Kerstin unter abo@orkus.de zu erreichen.
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Gedanken 2
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Orkus
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119 Euro
(2 Jahre, D)
Werbe-Abo
87,90 Euro
(1 Jahr, Europa)
Geschenk-Abo
139,00 Euro
(1 Jahr, Welt)
oder
Buch von Letzte Instanz
Für die Ewigkeit
oder
Mütze
SAW VII
oder
DJ-Single von Samsas Traum
Auf den Spiralnebeln
Werbe-Abo
Prämienempfänger
(Adresse des Werbenden):
Geschenk-Abo
Adresse des Schenkenden:
2.
oder
Doppelsingle von
Project Pitchfork/Santa Hates You
Lament/Raise The Devil
(Digipak)
Wunsch-CDs
oder
Doppelsingle von
Samsas Traum/Weena Morloch
Durch die Wand der Träume/Kaputt!
(Digipak – signiert!)
Adresse des Abonnenten/Geworbenen/Beschenkten
Name
Straße
PLZ
Telefon (bitte Nummer des
Schenkenden für Rückfragen angeben)
Ort
Land
e-mail
Geburtstag
Beruf
Amaranthe
Massive Addictive
ASP
Per aspera ad aspera
Chrysalide
Personal Revolution
Deine Lakaien
Crystal Palace
Ort, Datum
Telefon (bitte für Rückfragen angeben)
Unterschrift
Newsletter-Aufnahme
Eisbrecher
Eiskalt
(„Best Of“)
Lacrimosa
Live in Mexico City
(DCD – signiert!)
Faun
Luna
Liv Kristine
Vervain
Feuerschwanz
Auf’s Leben!
Lordi
Scare Force One
Grausame Töchter
Glaube Liebe Hoffnung
Megaherz
Zombieland
Ich habe
den Abo-Betrag als Scheck beigelegt
den Abo-Betrag überwiesen
(bitte eine Kopie des Überweisungsscheines beifügen)
1.
2.
Meine Extra-Prämie:
Bestellen unter www.orkus.de
oder einsenden an:
Orkus!, Stichwort: „Abo”,
Postfach 1121, 61477 Glashütten/Taunus
e-mail: abo@orkus.de
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Zusatz für Auslandsüberweisungen:
BIC/SWIFT: SOLADES1WBN
IBAN: DE63 6025 0010 0002 0335 01
Meine Wunsch-CD ist (bitte unbedingt mindestens 5 Titel zur Wahl angeben):
A)
D)
B)
E)
MONO INC.
The Clock Ticks On
(DCD)
Nachtblut
Chimonas
Project Pitchfork
Blood
Rammstein
Made in Germany 1995–2011
(DCD)
3.
C)
Orkus-Postkarte
(schwarz)
Orkus
F)
4.
Coraline-Aufkleberbogen
im A4-Format
[:SITD:]
Dunkelziffer
Slipknot
.5: The Gray Chapter
Subway to Sally
Mitgift
(„Fan Edition“)
Sündenklang
Tränenreich
(signiert!)
5.
Wir legen noch 1 CD drauf! Kreuze einfach Deine
bevorzugten Musikrichtungen (mind. 2) an:
Dark Wave
Electro/Industrial
Synth Pop
Mittelalter
Dark Metal
Gothic
egal
Die Abo-Prämien gelten nur für Abos, die über das Orkus! Magazin und nicht über eine Zweitfirma (amazon...) abgeschlossen werden.
Noch einfacher geht es unter www.orkus.de... und das ganz ohne Briefmarke!
The Dark Tenor
Symphony of Light
Unzucht
Venus Luzifer
Vlad In Tears
Vlad In Tears
VNV Nation
Transnational
Orkus! - 95

Arch Enemy
04.12. NL-Tilburg, 013
05.12. Ludwigsburg, MHPArena
06.12. Oberhausen, Turbinenhalle
07.12. Saarbrücken, Garage
08.12. Hamburg, DOCKS
09.12. Berlin, Huxleys Neue Welt
11.12. Wiesbaden, Schlachthof
12.12. Geiselwind, EventHalle
13.12. München, TonHalle
14.12. CH-Pratteln, Z7
Asking Alexandria
17.10. München, TonHalle
18.10. Köln, E-Werk
19.10. Wiesbaden, Schlachthof
Orkus! präsentiert:
ASP
23.10. Dresden, Alter Schlachthof*
24.10. Dresden, Alter Schlachthof**
25.10. Schwabach, Markgrafensaal**
26.10. Schwabach, Markgrafensaal*
28.10. Frankfurt/M., Batschkapp**
29.10. Frankfurt/M., Batschkapp*
30.10. Hamburg, Markthalle*
31.10. Hamburg, Markthalle**
01.11. Erfurt, Stadtgarten**
02.11. Erfurt, Stadtgarten*
*„Rar und Pur“/**„Best of Rock“
Orkus! präsentiert:
Blind Passenger
28.02. Berlin, frannz Club (Sincity Festival 2015)
07.03. Guben, Fabrik
20.03. Erfurt, Club From Hell
21.03. Chemnitz, Südbahnhof
05.04. Trebbin, Hans Clauert Haus
11.04. Eberswalde, Haus Schwärzetal
Ekat Bork
25.10. Nürnberg,
zwingerbar (Nürnberg.Pop #4)
Broilers
27.11. Braunschweig, Stadthalle
28.11. Siegen, Siegerlandhalle
29.11. Würzburg, s.Oliver Arena
06.12. Freiburg, Rothaus Arena (Zäpfle Club)
19.12. Düsseldorf, ISS DOME
20.12. Düsseldorf, ISS DOME
27.12. Stuttgart, Schleyer-Halle
28.12. Frankfurt/M., Jahrhunderthalle
30.12. Trier, Arena
Camouflage
19.03. München, Backstage
20.03. Stuttgart, LKA/Longhorn
21.03. Köln, Live Music Hall
22.03. Hannover, MusikZentrum
24.03. Aschaffenburg, Colos-Saal
26.03. Erfurt, Stadtgarten
27.03. Dresden, REITHALLE STRASSE E®
28.03. Berlin, Kesselhaus
29.03. Hamburg, DOCKS
31.03. Magdeburg, Factory
Anne Clark
05.11. München, Ampere
06.11. Nürnberg, HIRSCH
07.11. Erfurt, HsD
08.11. Leipzig, Theater-Fabrik-Sachsen
09.11. Berlin, Postbahnhof
11.11. Magdeburg, FestungMark
12.11. Hamburg, FABRIK
13.11. Bremen, DETE
14.11. Bochum, Christuskirche
15.11. Köln, Gloria
16.11. Aachen, Musikbunker
18.11. Mannheim, Alte Seilerei
19.11. Pforzheim, Kulturhaus Osterfeld
Corvus Corax
19.12. Berlin, Passionskirche
20.12. Berlin, K17
26.12. Gera, Comma
27.12. Dresden, beatpol
28.12. Kempten, kultBOX
29.12. CH-Pratteln, Z7
30.12. Braunschweig, Meier Music Hall
15.01. Augsburg, Spectrum Club
16.01. Ulm, ROXY
17.01. Stuttgart, LKA/Longhorn
21.01. Hannover, MusikZentrum
22.01. Frankfurt/M., Batschkapp
23.01. Bochum, Matrix
24.01. Andernach, Juz Live Club
28.01. A-Wörgl, Komma
29.01. München, Ampere
30.01. Kaiserslautern, Kammgarn
31.01. Hamburg, Markthalle
Covenant
14.02. Leipzig, der ANKER (V. E-Only Festival)
Crematory
25.10. Alsfeld, Feuer & Eis Festival
Crossfaith
Silent Screams
coldrain
29.10. A-Wien, Arena
30.10. CH-Zürich, Komplex N o 457
03.11. B-Aarschot, De Klinker
04.11. NL-Utrecht, De Helling
05.11. Wiesbaden, Schlachthof*
06.11. München, Backstage
08.11. Hamburg, LOGO
09.11. Berlin, Magnet Club
10.11. Köln, Underground
11.11. Münster, Skaters Palace*
*ohne Silent Screams
Deine Lakaien
26.11. CH-Zürich, X-TRA
27.11. Saarbrücken, Garage
29.11. Nürnberg, Löwensaal
Der Rest
18.10. Neustadt in Holstein, Kulturwerkstatt Forum
14.11. Bochum, Matrix
15.11. Berlin, K17
09.12. Dresden, Chemiefabrik
Die Apokalyptischen Reiter
Tanzwut
Die Vorboten
17.10. Dresden, REITHALLE STRASSE E®
18.10. Köln, Essigfabrik
19.10. Hamburg, Markthalle
23.10. CH-Pratteln, Z7
24.10. Lindau, Club Vaudeville
25.10. A-Steyr, röda
26.10. A-Wien, Arena
Die Form
20.12. B-Antwerpen, Zappa (BIMFEST XIII)
Die Herren Wesselsky
19.11. Berlin, C-Club
20.11. Rüsselsheim, Das Rind
21.11. Memmingen, Kaminwerk
22.11. Illingen, Illipse (X-Mas Hexentanz)
23.11. Bochum, Matrix
Die KAMMER
21.11. Aschaffenburg, Colos-Saal
22.11. München, STROM
28.11. Leipzig, Moritzbastei
29.11. Hamburg, INDRA
12.12. Wuppertal, Live Club Barmen
Einstürzende Neubauten
08.11. B-Diksmuide, GoneWest
09.11. Stolberg, Zinkhütter Hof
11.11. Berlin, Tempodrom
16.11. München, Muffathalle
Eisbrecher
20.12. Köln, MS RheinEnergie
21.12. Köln, MS RheinEnergie
27.02. Leipzig, Werk II
28.02. Berlin, C-Halle
05.03. Saarbrücken, Garage
06.03. CH-Pratteln, Z7
07.03. Stuttgart, Liederhalle
11.03. Hamburg, DOCKS
12.03. Bremen, Aladin
13.03. Bielefeld, Ringlokschuppen
14.03. Oberhausen, Turbinenhalle
15.03. Frankfurt/M., Batschkapp
17.03. A-Wien, Arena
18.03. Nürnberg, Löwensaal
19.03. Erfurt, Stadtgarten
20.03. Dresden, Alter Schlachthof
21.03. München, Kesselhaus
Elandor
04.11. Wiesbaden, Schlachthof
Emil Bulls
17.10. Osnabrück, Rosenhof
18.10. Köln, Live Music Hall
21.10. Bochum, Zeche
23.10. Oldenburg, Kulturetage
24.10. Berlin, C-Club
25.10. Dresden, Alter Schlachthof
28.10. Nürnberg, HIRSCH
30.10. Erfurt, HsD
31.10. Karlsruhe, SUBSTAGE
01.11. Kaiserslautern, Kammgarn
Esben and the Witch
19.10. Köln, GEBÄUDE 9
20.10. Berlin, Bi Nuu
21.10. Dresden, beatpol
22.10. München, Muffatcafé
23.10. Schorndorf, Club Manufaktur
Faun
05.03. Pahlen, Eiderlandhalle
06.03. Kiel, Kieler Schloss
07.03. Hamburg, Laeiszhalle
09.03. Bamberg, Konzerthalle
10.03. Würzburg, Congress Centrum
11.03. Bielefeld, Stadthalle
13.03. Hannover, Theater am Aegi
14.03. Halle/S., Georg-Friedrich-Händel-Halle
15.03. Mannheim,
Congress Center Rosengarten
16.03. Stuttgart, Liederhalle
09.04. Cottbus, Stadthalle
10.04. Chemnitz, Stadthalle
11.04. Erfurt, Messe
12.04. Magdeburg, Stadthalle
14.04. Flensburg, Deutsches Haus
15.04. Lübeck, Musik- und Kongreßhalle
16.04. Berlin, Tempodrom
18.04. Trier, Europahalle
19.04. Wuppertal, Historische Stadthalle
20.04. Frankfurt/M., Jahrhunderthalle
Feuerschwanz
21.11. Frankfurt/M., Nachtleben
22.11. Bochum, Matrix
28.11. Berlin, C-Club
29.11. Dresden, Tante JU
05.12. Hannover, MusikZentrum
06.12. Hamburg, Markthalle
12.12. Kaiserslautern, Kammgarn
13.12. Stuttgart, Club Zentral
28.12. Nürnberg, HIRSCH
29.12. A-Wien, ((szene))
30.12. München, Zenith (Funkenflug Festival)
Fish
23.10. Wilhelmshaven, Pumpwerk
24.10. Hamburg, The Rock Café – St. Pauli
25.10. Paderborn, Berufskolleg Schloß Neuhaus
28.10. Osnabrück, Rosenhof
29.10. Würzburg, Posthalle
30.10. CH-Zug, CHOLLERHALLE
31.10. Winterbach, Lehenbachhalle
02.11. Koblenz, Café Hahn
03.11. Aschaffenburg, Colos-Saal
04.11. Augsburg, Spectrum Club
06.11. Krefeld, Kulturfabrik
07.11. Karlsruhe, SUBSTAGE
08.11. Erfurt, HsD
09.11. Köln, Die Kantine
02.12. CH-Pratteln, Z7
03.12. Ramstein-Miesenbach, Haus des Bürgers
Forced To Mode
18.10. Affalter, Gasthof zur Linde
13.12. Sondershausen, Stock’sen
Hamferð
15.11. Würzburg, Posthalle
(IX. Hammer of Doom Festival)
Harpyie
17.10. Köln, MTC
13.11. Augsburg, Spectrum Club
14.11. Ingolstadt, BUDDHA eventclub
Peter Heppner
16.11. Bochum, Christuskirche
19.11. Berlin, Admiralspalast
21.11. Dresden, Filmtheater Schauburg
22.11. Dresden, Filmtheater Schauburg
28.11. Hamburg, Laeiszhalle
04.12. Mannheim, Capitol
Herzparasit
20.11. Nürnberg, Der Cult
27.12. Forst, Manitu
09.01. Frankenthal, Zuckerfabrik
17.01. Bad Salzungen, KW 70
24.01. München, Feierwerk
21.03. Herdorf, Rattenloch
Billy Idol
12.11. Stuttgart, Porsche-Arena
13.11. Frankfurt/M., Jahrhunderthalle
16.11. NL-Amsterdam, Heineken Music Hall
18.11. Düsseldorf, Mitsubishi Electric HALLE
19.11. B-Brüssel, Cirque Royal
21.11. Nürnberg, ARENA NÜRNBERGER
VERSICHERUNG
22.11. CH-Luzern, Messe
In Flames
20.10. NL-Tilburg, 013
24.10. Frankfurt/M., Jahrhunderthalle
25.10. Kempten, bigBOX
26.10. Leipzig, Haus Auensee
27.10. A-Wien, Gasometer
29.10. Berlin, C-Halle
30.10. Ludwigsburg, MHPArena
31.10. Köln, Palladium
01.11. Bochum, RuhrCongress
In Solitude
Beastmilk
Obnoxious Youth
20.10. Köln, MTC
21.10. München, Feierwerk
22.10. A-Innsbruck, Weekender Club
23.10. Trier, Exzellenzhaus
24.10. Essen, turock
25.10. B-Antwerpen, Kavka
26.10. NL-Arnheim, Willemeen
Interpol
25.01. Köln, Palladium
04.02. Berlin, C-Halle
Holly Johnson
08.12. Stuttgart, LKA/Longhorn
09.12. München, TonHalle
11.12. Berlin, Astra Kulturhaus
13.12. Köln, Live Music Hall
Krankheit
07.11. A-Salzburg, Rockhouse
Lacrimas Profundere
24.10. CH-Herisau, Metalvetia
(Bridge Blast 2014)
31.10. Leipzig, Theater-Fabrik-Sachsen
01.11. NL-Kerkrade, De Steen
02.11. Berlin, K17
03.11. Hamburg, Knust
04.11. Wiesbaden, Schlachthof
05.11. Augsburg, Spectrum Club
06.11. Köln, MTC
07.11. Jena, F-Haus
08.11. Oberhausen, Helvete
09.11. Nürnberg, Rockfabrik
13.11. A-Wien, Aera
14.11. CH-Pratteln, Z7
Orkus! präsentiert:
Lacuna Coil
Motionless In White
Devilment
06.11. L-Esch-sur-Alzette, Rockhal
08.11. Wiesbaden, Schlachthof
09.11. NL-Utrecht, Tivoli
10.11. B-Hasselt, Muziekodroom
12.11. Hamburg, Gruenspan
13.11. Köln, Essigfabrik
14.11. Berlin, C-Club
15.11. Herford, X
17.11. München, Backstage
18.11. CH-Pratteln, Z7
Orkus! präsentiert:
L’âme Immortelle
27.11. Frankfurt/M., Batschkapp
28.11. Bochum, Matrix
29.11. Dresden, REITHALLE STRASSE E®
Orkus! präsentiert:
Letzte Instanz
05.11. Köln, Live Music Hall*
06.11. Bochum, Matrix*
07.11. Hamburg, Markthalle*
08.11. Hannover, MusikZentrum*
13.11. Frankfurt/M., Batschkapp*
14.11. CH-Zürich, Komplex N o 457*
15.11. München, Backstage (tanzt! 2014)
20.11. Nürnberg, HIRSCH*
21.11. Leipzig, Werk II**
22.11. Berlin, Kesselhaus*
27.11. A-Wien, ((szene))*
28.11. Karlsruhe, SUBSTAGE*
29.11. Erfurt, HsD**
*mit Darkhaus
**mit Alice Roger
Linkin Park
Of Mice & Men
03.11. CH-Zürich, Hallenstadion
04.11. Stuttgart, Schleyer-Halle
06.11. Köln, LANXESS arena
09.11. Oberhausen, König-Pilsener-ARENA
10.11. Hamburg, O 2
World
12.11. Leipzig, Arena
13.11. München, Olympiahalle
14.11. A-Wien, Stadthalle
17.11. Frankfurt/M., Festhalle
19.11. Berlin, O 2
World
20.11. Bremen, ÖVB-Arena
TICKETS: www.orkus.de
– unter „Tourdaten“!
96 - Orkus!

Machine Head
Devil You Know
22.11. München, Kesselhaus
25.11. Köln, Palladium
26.11. Oberhausen, Turbinenhalle
27.11. Wiesbaden, Schlachthof
03.12. Hamburg, Grosse Freiheit 36
Maerzfeld
25.10. Alsfeld, Stadthalle (Feuer & Eis Festival)
27.02. Leipzig, Werk II
28.02. Berlin, C-Halle
05.03. Saarbrücken, Garage
06.03. CH-Pratteln, Z7
07.03. Stuttgart, Liederhalle
11.03. Hamburg, DOCKS
12.03. Bremen, Aladin
13.03. Bielefeld, Ringlokschuppen
14.03. Oberhausen, Turbinenhalle
15.03. Frankfurt/M., Batschkapp
17.03. A-Wien, Arena
18.03. Nürnberg, Löwensaal
19.03. Erfurt, Stadtgarten
20.03. Dresden, Alter Schlachthof
21.03. München, Kesselhaus
Megaherz
Stoneman
22.10. Aschaffenburg, Colos-Saal
23.10. Ludwigsburg, Rockfabrik
24.10. München, Backstage
25.10. Mannheim, Alte Seilerei
26.10. Köln, Underground
27.10. Nürnberg, HIRSCH
28.10. Bochum, Matrix
29.10. Hannover, MusikZentrum
30.10. Berlin, C-Club
31.10. Hamburg, Gruenspan
01.11. Bielefeld, movie
Megaherz
07.11. A-Salzburg, Rockhouse
08.11. A-Wien, ((szene))
09.11. A-Graz, Explosiv
MONO INC.
17.10. Karlsruhe, SUBSTAGE
18.10. A-Wien, ((szene))
19.10. Augsburg, Spectrum Club
23.10. Braunschweig, Meier Music Hall
24.10. Potsdam, Waschhaus
25.10. Herford, X
01.11. Leipzig, Haus Auensee
(Gothic meets Klassik)
02.11. Leipzig, Gewandhaus
(Gothic meets Klassik)
29.01. Hameln, Sumpfblume
30.01. Wiesbaden, Schlachthof
31.01. Berlin, Heimathafen Neukölln
05.02. Bochum, Christuskirche
06.02. München, Muffathalle
07.02. noch geheim
(Bekanntgabe am 01.11.2014)
13.02. Hamburg, FABRIK
Ennio Morricone
03.12. Oberhausen, König-Pilsener-ARENA
04.12. Hamburg, O 2
World
06.12. Frankfurt/M., Festhalle
07.12. Stuttgart, Schleyer-Halle
10.02. Berlin, O 2
World
15.02. A-Wien, Stadthalle
17.02. CH-Zürich, Hallenstadion
Morrissey
24.10. A-Wien, Wiener Konzerthaus
03.11. CH-Basel, Event Halle
05.11. Hannover, Capitol
23.11. Berlin, C-Halle
24.11. Essen, Colosseum Theater
Motörhead
10.11. München, Zenith
12.11. Düsseldorf, Mitsubishi Electric HALLE
14.11. Hamburg, Sporthalle
16.11. Berlin, Max-Schmeling-Halle
Mundtot
02.11. Berlin, K17
05.11. Augsburg, Spectrum Club
Orkus! präsentiert:
New Model Army
Overkill
Prong
Enforcer
Darkology
05.11. CH-Pratteln, Z7
06.11. Karlsruhe, SUBSTAGE
07.11. Osnabrück, Rosenhof
08.11. Bremen, Tivoli
09.11. Nürnberg, HIRSCH
11.11. Aschaffenburg, Colos-Saal
12.11. Hamburg, Markthalle
13.11. Berlin, Postbahnhof
14.11. Köln, Essigfabrik
Pierce The Veil
Sleeping With Sirens
22.03. Berlin, C-Club
26.03. Hamburg, Gruenspan
27.03. Köln, Essigfabrik
Pop Evil
02.11. Hamburg, The Rock Café – St. Pauli
03.11. Köln, Underground
04.11. Berlin, Magnet Club
05.11. München, Backstage
Orkus! präsentiert:
Project Pitchfork
25.12. Chemnitz, Stadthalle
(18. The Dark Storm Festival)
ROME
18.10. Leipzig, Theater-Fabrik-Sachsen
(Runes & Men Festival)
RROYCE
Root4
NRT
Model Kaos
18.10. Köln, Die Werkstatt
09.11. Pforzheim, Kupferdächle
10.11. München, GARAGE deluxe
11.11. Frankfurt/M., Elfer
12.11. Koblenz, Circus Maximus
13.11. Hamburg, Kaiserkeller
14.11. Berlin, Hangar 49
15.11. Leipzig, Absturz
Samsas Traum
Weena Morloch
26.03. Erfurt, Club From Hell
27.03. Glauchau, Alte Spinnerei
28.03. Singwitz, Kesselhaus
29.03. Berlin, C-Club
31.03. Aschaffenburg, Colos-Saal
01.04. Nürnberg, HIRSCH
02.04. München, Backstage
04.04. Mannheim, Alte Seilerei
05.04. A-Wien, ((szene))
07.04. Hannover, MusikZentrum
09.04. Bochum, Matrix
10.04. Bremen, Tivoli
11.04. Hamburg, Markthalle
Schandmaul
Feuerschwanz
17.10. A-Linz, Posthof
18.10. A-Graz, Orpheum
19.10. CH-Pratteln, Z7
24.10. Würzburg, Posthalle
25.10. Kiel, Halle400
26.10. Köln, E-Werk
29.10. Singen, Stadthalle
30.10. Mannheim, Maimarktclub
31.10. Rastatt, BadnerHalle
07.11. Bremen, Pier 2
08.11. Leipzig, Haus Auensee
13.11. Kempten, bigBOX
14.11. Bochum, RuhrCongress*
30.12. München, Zenith (Funkenflug Festival)
*ohne Feuerschwanz
Orkus! präsentiert:
Schwarzer Engel
02.11. Leipzig, Gewandhaus
(Gothic meets Klassik)
Orkus! präsentiert:
Songs Of Lemuria (feat. Nik Page)
17.10. Pirna, Q24
01.11. Fürstenwalde, Kulturfabrik
02.11. Schwedt, Parkschloss Monplaisir
16.11. Zossen, E-Werk
Spiritual Front
17.10. Leipzig, Theater-Fabrik-Sachsen
(Runes & Men Festival)
Orkus! präsentiert:
Stahlmann
Mundtot
17.10. Berlin, K17
18.10. Hamburg, LOGO
24.10. Bremen, Tivoli
25.10. Magdeburg, Factory
14.11. Köln, Underground
Subway to Sally
Saltatio Mortis
Unzucht
Heldmaschine
18.12. CH-Pratteln, Z7
19.12. Filderstadt, FILharmonie
20.12. Gießen, Hessenhalle
21.12. Dresden, Alter Schlachthof
26.12. Bielefeld, Ringlokschuppen
27.12. Würzburg, Posthalle
28.12. Bochum, RuhrCongress
29.12. Bremen, Pier 2
30.12. Potsdam, Metropolis Halle®
Swans
17.10. A-Wien, Arena
21.10. Berlin, Berghain
23.10. Leipzig, Schauspiel Leipzig*
24.10. Köln, GEBÄUDE 9*
25.10. Hannover, MusikZentrum*
27.10. Hamburg, Kampnagel*
29.10. Dresden, beatpol*
30.10. Wiesbaden, Schlachthof*
31.10. Karlsruhe, jubez*
01.11. München, Feierwerk*
*mit Pharmakon
the Dark Unspoken
05.12. Bielefeld, movie
27.12. Cottbus, La Casa
Orkus! präsentiert:
The Sirens
18.10. B-Wieze, Oktoberhallen
(Metal Female Voices Fest XII)
19.10. NL-Oss, Groene Engel
06.12. CH-Pratteln, Z7
(Masters of Symphonic Metal Vol. 3)
17.12. NL-Zoetermeer, Cultuurpodium Boerderij
18.12. Jena, F-Haus
19.12. Nagold, Alte Seminarturnhalle
20.12. F-Paris, Divan du Monde
24.10. Flensburg, Roxy Concerts
26.10. Mühltal, Steinbruch-Theater
30.10. Erfurt, Club From Hell
31.10. Berlin, K17
01.11. Leipzig, Hellraiser
06.11. Osnabrück, Bastard Club
07.11. Hamburg, LOGO
08.11. Bochum, Matrix
13.11. Cham, L.A.
14.11. München, Backstage
15.11. A-Wien, Replugged
20.11. Würzburg, Posthalle
Welle: Erdball
07.11. Kaiserslautern, Kammgarn
21.11. Hannover, MusikZentrum
29.11. Singwitz, Kesselhaus
30.11. Berlin, C-Club
05.12. Osnabrück, Rosenhof
06.12. Würzburg, Posthalle
19.12. Krefeld, Kulturfabrik
20.12. Lahr, Universal D.O.G.
(Dark Dance Treffen)
21.12. Augsburg, Spectrum Club
25.12. Chemnitz, Stadthalle
(18. The Dark Storm Festival)
xotox
07.11. Duisburg, Kultkeller
Yucca
24.10. Würzburg, Kellerperle
25.10. Nürnberg, Nürnberg.Pop #4
26.10. Jena, Kassablanca
28.10. München, Glockenbachwerkstatt
29.10. Berlin, Kaffee Burger
30.10. Bremen, Spedition
31.10. Hamburg, Astra Stube
01.11. Göttingen, Heimathafen im pools
28.11. Mainz, Kulturclub schon schön
Zola Jesus
06.11. CH-St. Gallen, Palace
07.11. CH-Genf, L’Usine
10.11. Köln, GEBÄUDE 9
11.11. Berlin, Berghain
12.11. Hamburg, Uebel & Gefährlich
13.11. Frankfurt/M., Zoom Club
14.11. B-Brüssel, Botanique
15.11. NL-Amsterdam, Melkweg
Gothic meets Klassik
mit MONO INC., Front Line
Assembly, Suicide Commando, Solitary
Experiments...
01.11. Leipzig, Haus Auensee
02.11. Leipzig, Gewandhaus
PLUSWELT Festival XI/XII
mit Combichrist, Aesthetic Perfection,
Apoptygma Berzerk, mesh, Republica...
28. & 29.11. Krefeld, Kulturfabrik
Orkus! präsentiert:
18. The Dark Storm Festival
mit Project Pitchfork, Hocico,
In Strict Confidence, Rotersand,
Grausame Töchter...
25.12. Chemnitz, Stadthalle
Orkus! präsentiert:
Sincity Festival 2015
18.10. Bremen, Aladin
19.10. Celle, CD-Kaserne
20.10. Frankfurt/M., Batschkapp
20.12. Köln, Palladium
Omnia
27.11. Bochum, Matrix
28.11. Hamburg, Knust
29.11. Berlin, K17
03.12. Gießen, Jokus
04.12. Nürnberg, HIRSCH
05.12. München, Backstage
06.12. A-St. Pölten, VAZ (Mittelalterspektakel 2014)
Alle Angaben ohne Gewähr!
07.11. Stuttgart, Club Zentral
Seelennacht
22.11. Göppingen, Fabrik für Kunst und Kultur
Schickt bitte alle Eure Tourdaten für
die nächste Ausgabe bis spätestens
Freitag, 31.10.2014., an e-mail:
tourdates@orkus.de
Solitary Experiments
01.11. Leipzig, Haus Auensee
(Gothic meets Klassik)
Umbra et Imago
13.02. Kaiserslautern, Kammgarn
14.02. Ingolstadt, eventhalle Westpark
20.02. Leipzig, der ANKER
21.02. Potsdam, Waschhaus Arena
26.02. Würzburg, Posthalle
27.02. Erfurt, Club From Hell
28.02. Zwickau, Club Seilerstraße
Midge Ure
13.11. Hannover, Pavillon
14.11. Braunschweig, Meier Music Hall
16.11. Darmstadt, Centralstation
17.11. Detmold, Stadthalle
18.11. Leverkusen, Scala Club
19.11. Krefeld, Kulturfabrik
21.11. Essen, Zeche Carl
22.11. Ludwigsburg, Scala
23.11. Karlsruhe, jubez
Varg
Nachtblut
17.10. Nürnberg, Rockfabrik
18.10. Aalen, rock it
mit Forced To Mode, Blind Passenger,
POKéMON REAKTOR...
28.02. Berlin, frannz Club
E-tropolis Festival 2015
mit VNV Nation, Project Pitchfork,
Laibach, De/Vision, Leæther Strip...
28.03. Oberhausen, Turbinenhalle
E-WERK OST FESTIVAL 2015
mit VNV Nation, De/Vision, Solitary
Experiments, Torul
29.03. Dresden, EVENTWERK
Call The Ship To Port 2015
mit And One, Ezionoga, !distain
24.07. Köln, „MS RheinEnergie“
XI. Amphi Festival
mit And One, VNV Nation, Front
242, The Mission, Diary of Dreams...
25. & 26.07. Köln, LANXESS eventpark
Orkus! - 97

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Shit. Ich hab morgen Routinecheck
beim Frauenarzt.
Das ist immer so unangenehm.
Ok ... das was er tut ist professionell
und reine Routine - er
konzentriert sich bestimmt nur auf
den medizinischen Aspekt.
Ich war letztens beim Zahnarzt
und es gab ihm schwer zu denken,
dass der Patient vor mir so große
Nasenlöcher hatte, dass er eine
Traube hätte reinstecken können.
Ups...falscher Zeitpunkt...
Amaranthe, ASP, Chrysalide, Deine Lakaien, Eisbrecher, Faun, Feuerschwanz,
Grausame Töchter, Lacrimosa, Liv Kristine, Lordi, Megaherz, MONO INC., Nachtblut,
Project Pitchfork, Rammstein, [:SITD:], Slipknot, Subway to Sally, Sündenklang,
The Dark Tenor, Unzucht, Vlad In Tears, VNV Nation...
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Die nächste Ausgabe erscheint am 21.11.2014
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&
in Kalifornien erlebt
Nr. 11 · November 2014
„Die Erinnerungen machen
die Menschen und Momente
unsterblich.“
+ Facts mit:
ASP + Slipknot + Amaranthe + Nachtblut
Devilment + Emigrate + æon sable + Iris
Substance Of Shade + From Hell + Readership Hostile + Unzucht
Chrysalide + Spencer + [:SITD:] + Merciful Nuns
Klaus Schulze & Lisa Gerrard + Linkin Park
Vlad In Tears + Machinery Of Joy + Thirty Seconds To Mars
Starkill + Voices Of Destiny + Echo Us
Liv Kristine + Dr. Geek and the Freakshow
While Heaven Wept + Bhambhamhara + White Empress