kult! Eis am Stiel, 50 Jahre Nutella, Rockpalast u.v.m. (Vorschau)

David Bowie 

Nothing has changed. 

Die definitive David Bowie Sammlung - mit seinen größten Songs aus den 

Jahren 1964 - 2014 inkl. der neuen Single „Sue (Or In Season Of Crime)“ 

plus weiterem, bisher unveröffentlichtem Material 

3CD und Download 

mit 59 Songs 

2CD und Download 

mit 39 Songs 

2LP und Download 

mit 20 Songs 

Ab 14. November 

Sue (Or In A Season Of Crime) 

10“ Vinyl und Download 

David Bowie Is – der Kinofilm zur Sensationsaustellung. 

Ab 18.11. in den deutschen Kinos. 

www.davidbowie.com/davidbowieisfilm 

www.davidbowie.com - www.warnermusic.de

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Günther, Peter Henning, Christian Hentschel, 

Teddy Hoersch, Hugo Kastner, Andreas 

Kötter, Bernd Matheja, Kati Naumann, Helmut 

Ölschlegel, Thorsten Pöttger, Alexander Querengässer, 

Sven Rachner, Philipp Roser, Roland 

Schäfl i, Oliver Schuh, Ulrich Schwartz, Eckhard 

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siehe Seite 67 

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Titelfoto: 

Sophia Loren: © Davids/Bildarchiv Hallhuber 

Story & 

Poster 

Willkommen bei kult! 

Fällt der Begriff Retro", rümpfen Feuilletonisten gerne die Nase; 

" 

viele verwenden ihn mit einem negativen Beigeschmack. Bei der 

breiten Masse hingegen ist Retro" in aller Regel positiv besetzt. 

" 

Wie anders wäre es sonst zu erklären, dass etwa im Bereich der 


-Herausgeber/Chefredakteur- 

Musik regelmäßig Retro-Wellen aus den Lautsprechern tönen. Junge Musiker greifen 

gerne die Vorlagen der musikalisch Altvorderen auf, setzen diese in ihrem Sinne 

neu um, vielleicht auch mit modernen Ansätzen. Retro-Rock der späten 60er und 

frühen 70er Jahre ist derzeit wieder schwer angesagt, die Disco-Welle schwappte vor 

nicht allzu langer Zeit erneut durch die Lande, der Glam-Rock wird immer wieder 

aufgefrischt – ganz zu schweigen vom Blues, der seit Jahrzehnten nicht totzukriegen 

ist. Oder auch der Schlager, den es ja immer auch in niveauvoller und eben 

nicht platter, zum Oberschenkelklopfen animierender Form gab. Ähnliches gilt für 

die Modewelt, den Automarkt, Architektur und Wohn-Innendekor – die Liste ließe 

sich beliebig fortsetzen. Das Alte inspiriert und befruchtet das Neue. Daher ist es das 

längst Vergangene immer wert, in Erinnerung gerufen zu werden – so wie wir es auch 

mit dieser kult!-Ausgabe einmal mehr versuchen. 

Manche Erinnerungen an längst vergangene Zeiten dürften dabei wieder wach werden 

– an Filme, die man einst gesehen hat; an die Musik, die man mit Hilfe des 

Walkmans genießen konnte; an Spielzeug, mit dem man sich als Kind beschäftigt 

hat; an Autos, von denen man ebenso träumte wie von Musikwiedergabegeräten von 

höchster Qualität, die man sich damals nicht leisten konnte. Und auch die Idole längst 

vergangener Zeiten rücken erneut in den (Erinnerungs-)Mittelpunkt. Apropos: Viele 

dieser in der eigenen Kindheit und Jugend angesagten Dinge sind heute wieder erhältlich 

– dank DVD/Blu-ray, Retro-Neuauflagen und dergleichen ... 

Viel Spaß beim Schwelgen in Erinnerungen wünscht Ihnen 

GoodTimes kult! ist auf umweltfreundlichem, 

chlorfrei gebleichtem Papier gedruckt! 

Weiterverwendung aller in GoodTimes kult! 

erschienenen Artikel, Interviews, Fotos, 

Rezensionen etc. nur mit der Zustimmung des 

Herausgebers gestattet. 

Gerichtsstand: Stuttgart 

GoodTimes 1/2015 ■ Seite 3 


kult! 

Nr. 12 erscheint am 17.4.2015

Ausgabe Oktober 2014 

1/2015 (Nr. 11) 

INHALT 

RUBRIKEN 

3 Editorial/Impressum 

4 Inhaltsverzeichnis 

5 Top 5: Kinder- und Jugendbücher 

Mitarbeiter & Prominenz 

6 News from the past 

Altes neu ausgepackt 

37 kult! Shop 

45 kult! Verlosung 

67 kult! Weihnachts-Geschenkabo 

47 The Sweet/Sophia Loren 

Riesenposter 

Seite 14 


60er · 70er · 80er 

Seite 40 

Seite 70 

14 Die Geburt der Superbikes 

Frankensteins wilde Töchter 

16 Mode-Serie – 70er Jahre (Teil 3) 

Alles geht! Auch heute noch 

20 Erich Kästner 

Der veritable Doppelschriftsteller" 

" 

22 Reklame für Erfrischungsgetränke 

Süße Brause für Spaßvögel & Sportskanonen 

26 Spiel ohne Grenzen 

Wie der Straßenfeger einst die ganze Familie 

vor dem Fernseher vereinte 

28 Das Jahr 1974 

Brandt stürzt – Müller trifft – Tetzlaff pöbelt ... 

und vier Schweden krempeln die Pop-Welt um 

32 Die kultigsten Facebook- & Internetseiten 

Sind wir nicht alle ein bisschen ... kult!? 

34 Rockpalast 

Heiße Open Airs auf der Loreley 

38 Hommage an den Walkman 

Wie die Idee vom Musikhören unterwegs 

die Welt eroberte 

40 Glam-Rock 

Charts-Stürmer auf Plateausohlen 

43 Steve McQueen – Bullitt 

1968 wurden die Cops plötzlich coolol 

46 Eis am Stiel 

Liebe, Leiden, Lollipop 

56 Die Shaw Brothers 

Asiens größte Filmmogule in Action 

58 40 Jahre VW Golf 

Erfolgsgeschichte auf vier Rädern 

62 Kultbücher 

Geschätzt, geliebt, gelobt 

Seite 76 

Seite 38 

Seite 46 

Seite 34 

Seite 68 

Seite 58 

Seite 88 

Seite 74 

64 The Longest Day (Der längste Tag) 

Darryl F. Zanucks D-Day-Epos als Mutter 

aller Kriegsfilme 

68 Lolek & Bolek 

Reise um die Welt in 50 Jahren 

70 30 Jahre Modern Talking 

Die Einzigartigen 

72 Sophia Loren 

Alles zu groß" – und trotzdem ein Star 

" 74 Barbapapa 

Ziemlich beste Wohlfühl-Freunde 

76 50 Jahre Nutella 

Nougatrausch fürs Brot 

78 DDR-Zeitschriften aus dem Verlag 

Junge Welt 

Kam ein kleiner Teddybär ..." 

" 82 Udo Jürgens 

Zum 80. Geburtstag 

86 Die Leute von der Shiloh Ranch 

TV-Westerndramen für Erwachsene 

88 Action Team 

Taffe Glücksritter lassen Kinderherzen 

höher schlagen 

92 Die ZDF-Abenteuervierteiler 

Schiffbruch mit freudigen Folgen 

96 Wundertüten 

Bunte Abwechslung im tristen 

Nachkriegs-Alltag 

98 Formel Eins 

Oliver Bertrams Insiderblick hinter 

die Kulissen 

Seite 4 ■ GoodTimes 1/2015

TOP 5 


Kinder- und Jugendbücher 

1. Jim Knopf & Lukas der Lokomotivführer – Michael Ende 

2. Der Räuber Hotzenplotz – Otfried Preußler 

3. Wir Kinder aus Bullerbü – Astrid Lindgren 

4. Die drei ??? – Alfred Hitchcock 

5. Oliver Twist – Charles Dickens 


1. Das fliegende Klassenzimmer – Erich Kästner 

2. Wir Kinder aus Bullerbü – Astrid Lindgren 

3. Tom Sawyer & Huckleberry Finn – Mark Twain 

4. Die rote Zora und ihre Bande – Kurt Held 

5. Der Räuber Hotzenplotz – Otfried Preußler 

Sven Rachner 

1. Die Schatzinsel – Robert Louis Stevenson 

2. Der Geist des Llano Estacado – Karl May 

3. Ivanhoe – Walter Scott 

4. Emil und die Detektive – Erich Kästner 

5. Abenteuer unter Wasser mit Mike Nelson – Cole Fannin 

Horst Berner 

1. Alles von Karl May 

2. Max & Moritz – Wilhelm Busch 

3. Rittersagen – Gustav Schwab 

4. Fünf Freunde – Enid Blyton 

5. Prinz Eisenherz – Hal Foster 

Philipp Roser 

1. Ferien auf Saltkrokan – Astrid Lindgren 

2. Wintersonnenwende – Susan Cooper 

3. Liebe Inge – Berte Bratt 

4. Schreckenstein – Oliver Hassencamp 

5. Hanni & Nanni – Enid Blyton 

Kathrin Bonacker 


2. Michel aus Lönneberga – Astrid Lindgren 


4. Die schwarzen Brüder – Lisa Tetzner 

5. Winnetou – Karl May 

Roland Schäfli 

1. Robbi, Tobbi und das Fliewatüüt – Boy Lornsen 

2. Die kleine Hexe – Otfried Preußler 

3. Der Schut – Karl May 

4. Der Fluss der Abenteuer – Enid Blyton 

5. Jim Knopf & Lukas der Lokomotivführer – Michael Ende 

Lothar Brandt 

1. Geheime Tips von Donald Duck – Walt Disney 

2. Pu der Bär – A. A. Milne 

3. Momo – Michael Ende 

4. Alice im Wunderland – Lewis Carroll 

5. Der kleine Hobbit – J. R. R. Tolkien 

Oliver Schuh 

1. Momo – Michael Ende 

2. Der kleine Hobbit – J. R. R. Tolkien 

3. Das kleine weiße Pferd – Elizabeth Goudge 

4. Krabat – Otfried Preußler 

5. Der Mausevater und sein Sohn – Russell Hoban 

Michael F.-Gamböck 

1. Der Hobbit oder hin und zurück – J. R. R. Tolkien 

2. Urmel aus dem Eis – Max Kruse 

3. Bill Bo und seine sechs Kumpane – Josef Göhlen 

4. Der kleine Prinz – Antoine de Saint-Exupéry 

5. Sophies Welt – Jostein Gaarder 

Ulrich Schwartz 

1. Timm Thaler oder das verkaufte Lachen – James Krüss 


3. Alfons Zitterbacke – Gerhard Holtz-Baumert 

4. Die Reise nach Sundevit – Benno Pludra 

5. Der Zauberer der Smaragdenstadt – Alexander Wolkow 

Christian Hentschel 

1. Der Schatz im Silbersee – Karl May 

2. Winnetou (1–3) – Karl May 

3. Funkstreife Isar 12 – Kurt Vethake 

4. Das Rätsel der Baubude – Herbert Erdmann 

5. Helmut findet die richtige Spur – Hans-Jürgen Laturner 

Christian Simon 


2. Lederstrumpf – James Fenimore Cooper 

3. Geronimo – Kampf bis zur letzten Patrone – Peter Dubina 



Andreas Kötter 

1. Die Alice-Romane – Lewis Carroll 

2. Der Schatz im Silbersee – Karl May 

3. Peter Pan – J. M. Barrie 


5. Der Wind in den Weiden – Kenneth Grahame 

Alan Tepper 

1. Bille & Zottel – Tina Caspari 

2. Hanni & Nanni – Enid Blyton 


4. Die drei ??? – Alfred Hitchcock 


Andrea Leibfried 

1. Pony Pedro – Erwin Strittmatter 

2. Das Mädchen hieß Gesine – Karl Neumann 

3. Bettina bummelt – Elizabeth Shaw 

4. Die kleinen Bären – A. C. Lagger 

5. Der Fänger im Roggen – J. D. Salinger 

Claudia Tupeit 

1. Timm Thaler oder das verkaufte Lachen – James Krüss 


3. Shakespeare-Märchen – Franz Fühmann 

4. Die großen Abenteuer des kleinen Ferdinand – Ondrej Sekora 

5. Die Gärten von Dorr – Paul Biegel 

Kati Naumann 

1. Kalle Blomquist – Astrid Lindgren 

2. Jan als Detektiv – Knud Meister/Carlo Andersen 

3. Abenteuer in der Pampa – Georg Grillmayer 

4. Wir helfen – Sabine Hagen 

5. Dr. Dolittle und seine Tiere – Hugh Lofting 

Jürgen Wolff 

1. Die unendliche Geschichte – Michael Ende 

1. Grimms Märchen (natürlich) 

2. Ronja Räubertochter – Astrid Lindgren 

2. Hertha die Funkerin 

3. Der 35. Mai oder Konrad reitet in die Südsee – Erich Kästner 

3. Tom Sawyer & Huckleberry Finn 

4. Orientzyklus – Karl May 

4. Das fliegende Klassenzimmer 

5. Servus Opa, sagte ich leise – Elfie Donnelly 

5. Die Schatzinsel 

Thorsten Pöttger 


Inga Rumpf 

© Pressefoto

DVDs + BLU-RAYs 

I AM ALI 

Muhammad Ali wurde 1942 als Cassius Marcellus 

Clay in Louisville, Kentucky, geboren. 

Er ist dreifacher Box-Weltmeister im Schwergewicht 

und wurde 1999 vom Internationalen 

Olympischen Komitee zum 

Sportler des Jahrhunderts" 

" 

gewählt. Auch abseits des 

Boxrings sorgte Ali immer 

wieder für Schlagzeilen. 

So unterstützte er Mitte der 

60er Jahre die Emanzipationsbewegung 

der Afroamerikaner, 

trat zum Islam 

über und verweigerte den Militärdienst. 1967 

wurde er deshalb zu fünf Jahren Haft verurteilt 

und verlor vorübergehend sogar seine Boxlizenz. 

Seit dem Ende seiner Karriere 1981 widmet 

sich der an Parkinson erkrankte Sportler 

zahlreichen sozialen Projekten, seit 2001 ist er 

UN-Friedensbotschafter. Doch neben dem öffentlichen 

Leben als Kämpfer in- und außerhalb 

des Boxrings zeigt Ali auch im privaten Leben 

zahlreiche Facetten, ist Held und Verräter, 

Liebhaber und Vater, Fanatiker und Philosoph. 

Die Sportdokumentation I Am Ali" beleuchtet 

" 

die ungewöhnliche Lebensgeschichte der Ikone 

aus einer nie zuvor gezeigten Perspektive. 

Über viele Jahre hinweg führte Ali Audio-Tagebücher, 

die auf sehr persönliche Weise intime 

Einblicke in das Leben des Mannes hinter 

der Legende geben. Gleichzeitig kommen in 

dieser ergreifenden Dokumentation neben engen 

Freunden auch seine Tochter, sein Bruder 

und seine Ex-Frau zu Wort, außerdem wurden 

Boxstars wie Mike Tyson und George Foreman 

interviewt. I Am Ali" gibt es ab 10. Oktober 

" 

für kurze Zeit in ausgewählten Kinos sowie bei 

iTunes, und am 6. November erscheint der Film 

in unterschiedlichen Editionen auch auf DVD 

und Blu-ray. 

(Universal, 106 Min.) 

INGMAR BERGMAN 

SZENEN EINER EHE + SARABANDE 

+ AUS DEM LEBEN DER MARIONET- 

TEN + EINEN SOMMER LANG 

Ingmar Bergman gehört ohne Frage zu den renommiertesten 

und produktivsten Künstlern des 

20. Jahrhunderts. Wie kaum ein anderer Regisseur 

prägte der Schwede 

die Entwicklung des europäischen 

Erzählkinos. 

Ende September veröffentlicht 

Arthaus vier seiner 

Klassiker erstmals als 

Einzel-Blu-rays, dazu gibt 

es die Kino- und TV-Fassung 

von Szenen einer 

" 

Ehe" und " 

Sarabande"" erstmals in einer Blu-ray 

Edition. Die Filme " 

Aus dem Leben der Marionetten" 

sowie " 

Einen Sommer lang" erscheinen 

parallel dazu erstmals als Einzel-DVD. 

(Arthaus/Studiocanal) 

DICK & DOOF 

ABENTEUER IM SPIELZEUGLAND 

In diesem märchenhaften Musical – als Bluray 

in kolorierter & restaurierter s/w-Version 

– leben Stannie Dum und Ollie Dee im Spielzeugland 

und wohnen bei der Witwe Peep 

und deren schöner Tochter Bo-Peep zur Untermiete 

in einem Schuh. Der bösartige alte 

Barnaby besitzt eine Hypothek auf Witwe 

Peeps Haus, die er ihr nur erlassen will, wenn 

ihre Tochter ihn heiratet. Um Peep zu helfen, 

bitten Stannie und Ollie, die in einer Spielzeugfabrik 

arbeiten, ihren Chef um einen Vorschuss. 

Da sie aber einen Auftrag von Santa 

Claus falsch ausgeführt und versehentlich 

statt kleiner Holzsoldaten mannshohe hergestellt 

haben, verlieren sie stattdessen ihren 

Job. Bei dem Versuch, 

den Hypothekenbrief zu 

stehlen, werden Stannie 

und Ollie gefasst. Unter 

der Bedingung, dass 

Barnaby auf eine Anklage 

verzichtet, willigt Bo- 

Peep in die Heirat ein. 

Am Hochzeitstag verkleidet 

sich Stannie als Braut, doch als der 

Schwindel auffliegt, marschiert der erboste 

Barnaby mit einer Armee der bösen Mächte 

ins Spielzeugland ein. Das ist die Story des 

eher ungewöhnlichen Films von Stan Laurel 

und Oliver Hardy, dessen Charme weniger 

durch die sonst üblichen Slapstickeinlagen 

als durch die außergewöhnlichen Kulisse und 

die kindlichen Figuren entsteht. 

(Starmovie/edel, 80 Min.) 

LOLEK + BOLEK 

SAMMELBOX 

Anfang der 60er Jahre erschuf 

das polnische Trickfilmstudio 

Studio Filmów 

Rysunkowych das Brüderpaar 

Lolek und Bolek, das 

es vor allem in der DDR zu 

enormer Beliebtheit brachte. 

Ende letzten Jahres gab es dann zum ersten 

Mal die Langfilme aus den 70er Jahren als 

DVD, jetzt erscheint mit der Lolek + Bolek 

" 

Sammelbox" eine vier Discs enthaltende Zusammenstellung. 

Neben den beiden Filmen 

Lolek und Bolek im Wilden Westen" und 

" 

from the past 

Loleks und Boleks große Reise" gibt es dabei 

" 

noch 15 weitere, kürzere Filme mit den lustigen 

Abenteuern des kultigen Brüderpaares 

zu sehen, von Tola hat Geburtstag" über Lo- 

" " 

lek und Bolek in Spanien" und " 

Abenteuer auf 

zwei Rädern" bis zu " 

Die Seefahrt". 

(Icestorm Distribution, 4 DVDs, 315 Min.) 

ARMEE IM SCHATTEN 

Starker Film aus der Zeit des französischen 

Widerstands gegen die deutsche Besatzung im 

Zweiten Weltkrieg, 1969 

von Jean-Pierre Melville 

mit Schauspielern wie Lino 

Ventura, Simone Signoret, 

Jean-Pierre Cassel und Paul 

Crauchet in Szene gesetzt. 

Ein Film, der mit seiner 

Atmosphäre und der realistischen 

Darstellung der 

Härten des Krieges überzeugt und bei dem es 

Regisseur Melville hervorragend gelingt, den 

teuflischen Kreis aus Loyalität, Verrat, Hass 

und Liebe zum Thema zu machen. 

(Studiocanal, 145 Min.) 

ASTERIX IN AMERIKA 

Keine Frage, ohne ihren Zaubertrank wären 

die Gallier um Asterix und Obelix ganz normale 

Dörfler im Weltreich 

des großen Cäsar. Als der 

große Imperator diese 

Tatsache erkennt, lässt er 

den Erschaffer des Zaubertranks, 

den Druiden Miraculix, 

übers Meer ans Ende 

der Welt entführen, wo er 

über den Rand der Erdscheibe 

geworfen werden soll. Doch Asterix 

und Obelix folgen den Entführern und erleben 

fortan zahlreiche Abenteuer mit finsteren Medizinmännern, 

wilden Indianerstämmen und 

den üblichen Schlägereien. Natürlich bekommt 

Cäsar am Ende des Ausfluges in die neue Welt 

eine weitere Lektion erteilt, ohne Zweifel gehört 

dieser 1994 entstandene Zeichentrickfilm 

zum Pflichtprogramm für Asterix-Fans. 


ROBERT L. STEVENSON 

Obwohl der schottische Schriftsteller Robert 

Louis Stevenson schon mit 44 Jahren an Tuberkulose 

starb, hinterließ er eine umfangreiche 

Sammlung an Abenteuerliteratur, Reiseerzählungen 

und historischen Romanen. Am 

bekanntesten wohl immer 

noch der Jugendbuchklassiker 

Die Schatzinsel", 

" 

deren Fortsetzungsgeschichte 

mit dem Titel Die " 

Schatzinsel 2" mit Robert 

Newton und Rod Raylor 

verfilmt wurde und nun 

als einer von drei Filmen 

in der Robert L. Stevenson"-Box dabei ist. 

" 

Die Geschichte von Dr. Jekyll und Mr. Hyde" 

" 


gibt es hier in der ursprünglich von John Robertson 

als Stummfilm produzierten Version 

mit John Barrymore, Marthy Mansfield und 

Brandon Hurst; erst nachträglich wurden die 

Tonspuren hinzugefügt, was dieser Version 

zu einem ganz eigenen Charme verhilft. Mit 

St. Ives – Eine Liebesgeschichte" ist auch ein 

" 

relativ neuer Film mit dabei, 2005 verfilmte 

Regisseur Harry Hook mit Schauspielern wie 

Jean-Marc Barr, Miranda Richardson und Tim 

Dutton diese historische Liebes- und Abenteuergeschichte 

von Robert Louis Stevenson. 


BILLY THE KID 

Auf zwei DVDs mit einer Laufzeit von rund 

zehn Stunden liefert diese Box neun Filme 

über die Pionierzeit des 

Wilden Westens. Nicht nur 

der titelgebende Billy The " 

Kid" wird dabei zum Thema, 

auch Banditenkollege 

Jesse James steht im Mittelpunkt 

eines dieser Filme. 

In den Hauptrollen gibt es 

einmal Jane Russell ( Geächtet"), 

zweimal Roy Rogers ( The Days Of 

" 

" 

Jesse James", Billy The Kid kehrt zurück") und 

" 

sechsmal Westernlegende John Wayne ( Stagecoach", 

Rodeo", Der schwarze Reiter", Das 

" " " 

" 

Gesetz des Stärkeren", Reiter der Gerechtigkeit", 

Im Schatten des Adlers") zu sehen. Eine 

" 

" 

ideale Box, um Sammlungslücken aufzufüllen. 

(Great Movies/edel, 2 DVDs, 600 Min.) 

ALFRED HITCHCOCK XXL 

Ohne Frage gehört Alfred Hitchcock zu den stilistisch 

einflussreichsten Spielfilmregisseuren 

aller Zeiten und etablierte dabei die Begriffe 

Spannung und Grusel auf seine ganz eigene 

Art und Weise. Sein angestammtes Genre war 

der Thriller, charakteristisch 

seine Verbindung von 

Spannung und Humor. Die 

immer wiederkehrenden 

Motive seiner Filme waren 

Angst, Schuld und Identitätsverlust, 

oft variierte er 

auch das Thema des unschuldig 

Verfolgten. Die 

Alfred Hitchcock XXL"-Box liefert auf zwei 

" 

DVDs die Filme Die Taverne von Jamaika" 

" 

(1939) mit Charles Laughton und Maureen 

O'Hara, Ich kämpfe um dich" (1945) mit Ingrid 

" 

Bergman und Gregory Peck, Der Mann der 

" 

zu viel wusste" (1934) mit Leslie Banks, Edna 

Best und Doris Day sowie die beiden Kurzfilme 

" Landung auf Madagaskar" und Gute Reise". 

" 

(Starmovie/edel, 2 DVDs, 335 Min.) 

BRAM STOKERS DRACULA 

1973 drehte Dan Curtis mit Jack Palance in der 

Titelrolle Bram Stokers Dracula". Dabei gelang 

" 

dem britischen Regisseur eine Verfilmung, die in 

ihrer Realitätsnähe bis heute Maßstäbe setzt, vor 

allem Jack Palace verleiht 

dem sagenumwobenen Graf 

Dracula eine physische Präsenz, 

die in der restaurierten 

Blu-ray-Fassung noch 

einmal an Tiefe gewinnt. 

Dass die Verfilmung schon 

Anfang der 70er Jahre als 

altmodisch" bezeichnet 

" 

wurde, erhöht heute ohne Frage den Kultfaktor 

dieses Streifens. Dazu gibt es über drei Stunden 

Bonus-Material wie eine 4:3-Fernsehfassung mit 

alternativen Szenen, Originaltrailern und Interviews 

mit Jack Palace und Dan Curtis. 


WESTERN KLASSIKER 

Mit vier Filmen von Western-Star Roy Rogers 

verdient sich diese DVD ihren Namen zu 

Recht. Denn die Themen, um die es in diesen 

vier Filmen geht, sind genau die, die dem Genre 

seine zeitlose Klasse verliehen 

haben: In Billy The Kid 

" 

kehrt zurück" gibt sich Roy 

Rogers als Billy The Kid aus, 

um Billys Freund Pat Garrett 

dabei zu unterstützen, die 

Ranch der Homesteaders zu 

verteidigen. In Arizona Kid" 

" 

werden Roy und sein Freund 

Gabby bei der Armee aufgenommen und in 

Kämpfen mit Rebellen schwer verletzt. Auch 

in Colorado" steht die Unionsarmee im Mittelpunkt 

des Geschehens, hier muss Roy Rogers 

" 

die Umstände aufklären, die die Truppe zum 

Rückzug zwangen. Auch bei Sheriff Of Tombstone" 

geht es um ein immer wiederkehrendes 

" 

Thema: Der Bürgermeister der Stadt hat einen 

zwielichtigen Banditen damit beauftragt, in seiner 

Stadt aufzuräumen. Der will aber die Stadt 

übernehmen. Als Roy und sein Freund Gabby 

auftauchen, wird Roy mit dem Revolverhelden 

verwechselt, und als sich dann doch alles zum 

Guten zu wenden scheint und Rogers alles aufklären 

kann, taucht der echte Bösewicht auf ... 


YPS 

DIE SENDUNG 

Ende der 70er Jahre war das 

Wissensmagazin " 

Yps" in 

fast jedem Jugendhaushalt 

zu finden, das Wort " 

Gimmick" 

fand gar Einlass in den 

deutschen Sprachgebrauch. 

Im Herbst 2012 feierte das 

bunt schräge Magazin ein 

vielbeachtetes Comeback, da lag es nahe, 

spannende und ungewöhnliche Alltagsphänomene 

im " 

Yps"-Style auch als bewegte Bilder 

umzusetzen. RTL Nitro hat dies getan, alle 

Folgen der ersten Staffel sind Mitte August 

in zwei Editionen auf DVD erschienen. Moderiert 

von Jan Köppen klärt " 

Yps – Die Sendung" 

ungewöhnliche Fragen, testet die neuesten 

Gadgets, spürt neuen Trends hinterher 

und überrascht mit witzigen Einspielern. Die 

Lifestyle-Edition hat eine Spieldauer von 120 

Minuten, die Sciene-Fiction-Edition läuft 140 

Minuten – Ehrensache, dass es zu jeder DVD 

auch ein Gimmick gibt! 

(Karussell/Universal, 2 DVDs 120 /140 Min.) 

DIE 3 TAGE DES CONDOR 

Ein unauffälliges Büro der Amerikanischen Gesellschaft 

für Literaturgeschichte in Manhattan 

ist die perfekte Tarnung für eine hochtechnisierte 

Organisation der CIA. Hier werden weltweit 

Nachrichten gesammelt, die über Krieg oder 

Frieden entscheiden. Agent Joe Turner kommt 

von der Mittagspause zurück und findet ein 

Massaker vor: Alle Kollegen 

liegen erschossen am 

Boden. Sofort gibt er unter 

seinem Decknamen " 

Condor" 

Meldung an die Zentrale 

– und entgeht kurz darauf 

nur knapp einem Anschlag. 

Voller Panik taucht 

er unter, er will und muss 

herausfinden, wer hinter diesem mörderischen 

Komplott steckt. Doch die Killer sind ihm auf 

den Fersen, und es bleibt ihm nur wenig Zeit. 

Paraderolle für Robert Redford, der in diesem 

GoodTimes 1/2015 ■ Seite 7

from the past 

1975er Agentenklassiker von Sydney Pollack die 

ganze Bandbreite seines Könnens zeigt. 


CAPTAIN AMERICA 

RETURN OF THE SUPERAVENGER 

Wie frei die US-Serien-Schreiber teilweise mit 

Comicvorlagen umgingen, zeigt diese DVD, die 

mit dem etwas irreführenden 

Titel " 

Captain America – Return 

Of The Superavenger" 

angeboten wird. Denn in der 

1944 produzierten amerikanischen 

Miniserie mit 15 Episoden 

hat " 

Captain America" 

– der Originaltitel – so gut wie 

nichts mit der Marvel-Vorlage 

gemein, hier geht es um den Staatsanwalt Grant 

Gardner (Dick Purcell), der sich in seiner Freizeit 

als Captain America auf die Jagd nach den verbrecherischen 

Museumsdirektor Cyrus Maldor 

(Lionel Atwill) begibt. Als " 

Scarab" tötet dieser 

seine Widersacher nicht nur regelmäßig durch 

Vergiftung, sondern kommt auch in den Besitz 

einer geheimen Maschine, die mittels Ultraschall 

Gebäude zum Einsturz bringen kann – also genau 

der richtige Gegner für diesen " 

Captain America"! 

(Paragon Movies/edel, 233 Min.) 

ES WAR EINMAL ... DER 

MENSCH + ES WAR 

EINMAL ... UNSERE ERDE 

Auf drei Blu-rays bzw. sechs DVDs erscheinen 

Mitte November die beiden jeweils 26-teiligen, 

französischen Zeichentrickserien Es war einmal..." 

von Albert Barille. Hauptfigur ist dabei 

" 

der weise Maestro", ein bärtiger, alter Mann, der 

" 

stets im Hintergrund die einzelnen 

Geschichten erzählt, oft 

aber auch Teil des Geschehens 

ist. In thematisch voneinander 

getrennten Episoden wird hier 

spielerisch und auf humorvolle 

Art Wissen vermittelt. 

Aus dem Jahr 1978 stammt 

... der Mensch", liefert Kapitel 

wie Der Neandertaler", 

" " 

Das Römische Reich", " Amerika" 

und Aufbruch ins 20. 

" Jahrhundert", ... unsere Erde" 

" entstand 2008 und widmet sich 

Themen wie Klimawandel: Der 

" 

" 

Treibhauseffekt", Wasser, das blaue Gold", Das 

" " 

Haus und die Stadt", Woher kommt unsere Energie" 

oder Neue Technologien". 

" 

" 

(Studio Hamburg Enterprises, 3 Blu-rays, 

650 Min. + 6 DVDs, 650 Min.) 

INDIANER BOX XXL 

Diese Box eignet sich bestens, um Sammlungslücken 

im DVD-Regal zu schließen. Acht klassische 

Western, bei denen es aber nicht nur alleine um das 

Thema Indianer geht, gibt es auf drei DVDs zu sehen, 

dazu noch die Dokumentation Die Welt der 

" 

Indianer". In Filmen wie Daniel 

Boone", Der letzte Mo- 

" 

" 

hikaner", Höllenfahrt nach 

" 

Santa Fé", My West", Wyoming" 

oder Desert Trail" 

" 

" " 

begegnet man historischen Figuren 

wie dem Trapper Daniel 

Boone oder dem Mohikaner 

Chingachgook, dargestellt 

von legendären Künstlern wie John Wayne, Roy 

Rogers, Faron Young sowie der nächsten Schauspielergeneration 

wie John Cusack, John Goodman, 

Harvey Keitel und David Bowie. 


LOUIS DE FUNÈS 

COLLECTION 

Über die Qualitäten des französischen Komikers 

Louis de Funès muss an dieser Stelle nicht 

mehr gesprochen werden, mit zahlreichen Klassikern 

hat er sich bei Filmfans unsterblich gemacht. 

In der Anfang September 

veröffentlich ten 

Louis de Funès Collection" 

gibt es nun erstmals 

" 

drei seiner besten Filme 

als Blu-rays. Als Restaurantkritiker 

hat er sich in 

Brust oder Keule" vorgenommen, 

den rampo- 

" 

nierten Ruf der französischen Küche wieder 

aufzupolieren; ein Unterfangen, das, noch dazu 

mit seinem alles andere als motivierten Sohn 

im Schlepptau, nur scheitern kann. In Die " 

große Sause" ist Paris während des Zweiten 

Weltkriegs von deutschen Truppen besetzt. 

Als eine Royal-Air-Force-Maschine bei einem 

Aufklärungsflug über der Stadt von der Wehrmacht 

abgeschossen wird, kann sich die Besatzung 

noch rechtzeitig mit einem Fallschirm 

retten. Doch im besetzten Paris ist es für die 

britischen Piloten schwer unterzutauchen. Sie 

bekommen aber Unterstützung von zwei Pa- 

JOHN WAYNE 

STERNSTUNDEN 

Auf zwei DVDs liefert diese Box vier Filme von 

John Wayne. In Shadow Of The Eagle" spielt 

" 

er einen Piloten einer Flugshow, dessen Besitzer 

beschuldigt wird, Drohungen gegen verschiedene 

Firmen in den Himmel zu schreiben". Doch Wayne 

glaubt an die Unschuld seines Chefs und ver- 

" 

sucht mit allen Mitteln (und rasanten Flugmanövern), 

den wirklichen Eagle" zu finden. In San 

" " 

Francisco Lilly" spielt er einen Cowboy, der auf 

dem Weg nach San Francisco 

ist, um dort von einem Barbesitzer 

Schulden einzutreiben. 

Doch im Kartenspiel gegen 

ihn verliert er seinen gesamten 

Besitz, und schnell wird klar, 

dass hier gezinkte Karten im 

Spiel waren. Um seinen Hab 

und Gut zurückzugewinnen, 

lässt er sich im Kartenspielen ausbilden und fordert 

Revanche. In California Goldrausch" spielt 

" 

John Wayne einen Arzt in den Tagen des kalifornischen 

Goldrausches. Nachdem er die skrupellosen 

Machenschaften eines Politikers aufgedeckt 

hat, der sich auf Kosten der Rancher bereichert 

hat, setzt er sich an die Spitze der Revolte gegen 

diese Ungerechtigkeit. In Desert Trail" wird 

" 

der Rodeoreiter John Scott fälschlicherweise für 

einen Mord verantwortlich gemacht und vom 

Sheriff verfolgt und inhaftiert. Doch nachdem ihn 

ein Unbekannter aus dem Gefängnis befreit hat, 

machen sie sich gemeinsam auf die Suche nach 

dem wahren Mörder. 


INSPECTOR 

MORSE 

STAFFEL 1 

Als Vorgänger der höchst 

erfolgreichen " 

Lewis"-Serie 

ging John Thaw Ende der 

80er Jahre als " 

Inspector 

Morse" auf Verbrecherjagd. 

Auf vier DVDs gibt es nun 

vier dieser Filme in der englischen Sprachfassung 

mit deutschen Untertiteln in einer Box. Morse 

ist ein richtiger Eigenbrötler, mag Bier ( " 

There's 

always time for one more pint"), guten Scotch und 

klassische Musik. Penibel und antiquiert löst er 

seine Fälle, und mit seinen Ermittlungsmethoden 

ist Inspector Morse genau der Richtige für hochklassige, 

britische Krimi-Unterhaltung. 

(ITV Studios/edel, 410 Min., 

Engl. mit dt. Untertiteln) 

MISSION: IMPOSSIBLE 

IN GEHEIMER MISSION SEASON 1.1 

In neuem Gewand kehrt hier ein Klassiker unter 

den Fernsehserien zurück: Mission: Impossible", 

früher unter dem Namen 

" Kobra, übernehmen Sie" 

" 

bekannt. Nach dem Mord an 

seinem Nachfolger kehrt Jim 

Phelps in den aktiven Dienst 

zurück. Er verpflichtet neue 

Agenten, um weitere Fälle zu 

lösen, baut sich ein Team aus 

dem Verwandlungskünstler 

Nicholas, dem Muskelmann Max, der hübschen 

Casey und dem Elektronikspezialisten Grant auf. 

15 Jahre nach der Originalserie Kobra, übernehmen 

Sie" kehrte Peter Graves in seiner Pa- 

" 

raderolle als Jim Phelps zurück, auf drei DVDs 

gibt es hier als deutsche Erstveröffentlichung 

zehn Missionen der kultigen Geheimagenten zu 

sehen. 

(Explosive Media/Alive, 482 Min.) 


iser Bürgern, die ihnen zur Flucht verhelfen 

wollen. Bei " 

Louis und seine außerirdischen 

Kohlköpfe" sind die beiden Nachbarn Claude 

und Chérasse gute Freunde, die viel ihrer Zeit 

miteinander verbringen. Vor allem ihre Leidenschaft 

für Kohl und die daraus zubereitete 

Suppe schweißt die beiden zusammen, so dass 

sie durch diese Leidenschaft schon zahlreiche 

geschmackliche Genüsse erlebt haben. Als sie 

sich eines Abends wieder einmal einem dieser 

Kohlsuppenexzesse hingeben und danach 

den dadurch entstandenen Gasen freies Geleit 

lassen, locken sie damit einen außerirdischen 

Besucher an, der schon bald Gefallen an ihrer 

selbst gekochten Kohlsuppe findet. 

(Studiocanal/edel, 3 Blu-rays, 331 Min.) 

NOSFERATU + DAS CABINET 

DES DR. CALIGARI 

Immer noch gehört F.W. Murnaus erste Adaption 

von Bram Stokers Dracula" zu den beeindrucktesten 

Horrorfilmen aller Zeiten, vor allem 

" 

da er seine Wirkung nicht aus der blutrünstigen 

Inszenierung physischer Gewalt oder durch 

eine künstliche Studio-Atmosphäre erzielt. Das 

Grauen entsteht aus dem Kontrast zwischen 

der Starrheit des Vampirs 

Nosferatu und dem Ungestüm 

des jugendlichen 

Helden Hutter, dazu noch 

aus der Gegensätzlichkeit 

des kargen, trostlosen 

Karpatenschlosses und der 

Biedermeieratmos phäre 

der Stadt Wisborg. Neben 

einem 20-seitigem Booklet liefert die Blu-ray 

als Bonus-Material eine gut 50-minütige Doku 

über Murnau sowie eine 25-minütige 8mm-Fassung 

des Filmes. Auch die 

restaurierte Blu-ray-Version 

des Stummfilmklassikers 

Das Cabinet des 

" 

Dr. Caligari" bietet neben 

dem knapp 80-minütigen 

Hauptfilm eine knappe 

Stunde Bonus-Material, 

Doku über die Entstehung des Filmes sowie ein 

interessantes Making-Of" der digitalen Restaurierung 

mit Beispielen. " 

(Universum Film, 173 Min. + 135 Min.) 

SHAKESPEARE BOX 

Dass sich Shakespeare-Dramen bestens zur 

Verfilmung eignen, ist kein Geheimnis. In 

dieser Box werden die Filme The Tempest 

" 

(der Sturm)" und Wie es euch gefällt" zusammengefasst. 

In der 2010er " 

Fassung von The Tempest" 

der " 

amerikanischen 

Theaterregisseurin Julie 

Taymor ist die Hauptfigur 

weiblich und heißt Prospera. 

Die Geschichte spielt 

in der Zeit des 16. und 17. 

Jahrhundert, als Frauen, 

die sich mit Magie und Alchemie beschäftigten, 

oft der Hexerei angeklagt wurden. Von 

ihrem Bruder wird Prospera zusammen mit 

ihrer vierjährigen Tochter mit einem Schiff 

fortgeschickt. Sie landet auf einer Insel ohne 

Gesellschaftsform und wird dort schnell zu 

einer Führungsfigur. Das führt zum Machtkampf 

zwischen Prospera und dem bisherigen 

Herrscher Caliban, ein Kampf, der nicht mit 

Muskelkraft, sondern mit dem Intellekt ausgetragen 

wird. In den Hauptrollen sind Helen 

Mirren, Djmon Hounson, Alfred Molina, Ben 

Wishaw und Russell Brand zu sehen. 1936 

war " 

Wie es euch gefällt" einer der ersten 

Shakespeare-Tonfilme, auch für Laurence 

Olivier (hier zusammen mit Elisabeth Bergner) 

war diese stark theaterhafte Adaption 

eine seiner ersten Hauptrollen, auf die später 

(teilweise auch als Regisseur und Produzent) 

zahlreiche weiter Shakespeare-Verfilmungen 

folgten. 


SEIN ODER NICHTSEIN 

1942 inszenierte der deutschstämmige Regisseur 

Ernst Lubitsch im amerikanischen Exil diese 

immer noch faszinierende 

Komödie, die mit 

den Waffen der Satire die 

deutsche Wehrmacht und 

die Gestapo der Lächerlichkeit 

preisgibt. Denn 

ebenso scharfsinnig, wie 

die Theaterschauspieler 

in Lubitschs Meisterwerk 

die Mittel der Kunst in den Dienst des Widerstandes 

gegen die Besatzungsmacht stellen, so 

nutzt Lubitsch die Möglichkeiten dieses Films, 

um mit dem Nationalsozialismus abzurechnen. 

So gelang ihm die perfekte Verschmelzung von 

Ehekomödie und Politsatire, widmet er sich mit 

gleicher Leidenschaft dem Menschlichen wie 

dem Politischen. Ein Film, der dazu nichts von 

seiner politischen Aussagekraft verloren hat, 

vor allem wenn man sich vor Augen führt, dass 

er erst 1960 – nach heftigen Kontroversen – 

seine Premiere in den deutschen Kinos erleben 

durfte. 


Das Beste der 70er, 

80er und 90er Jahre 

R und © 2014 Sesame Workshop. Alle Rechte vorbehalten. 

2 

DVDs 

2 

2 

GoodTimes DVDs 1/2015 ■ Seite 9DVDs 

Jetzt 

auf DVD!

TIMM THALER 

Regisseur Sigi Rothemund drehte Ende der 70er 

Jahre mit Thomas Ohrner in der Titelrolle und 

Horst Frank als fiesem Gegenspieler die 13-teilige 

Serie Timm Thaler", die 1979 als erste 

" 

Weihnachtsserie vom ZDF ausgestrahlt wurde. 

Dem herzlichen und ansteckenden Lachen von 

Timm Thaler kann sich keiner entziehen, diese 

Eigenschaft will sich der düstere 

Geschäftsmann Baron 

de Lefouet zunutze machen 

und bietet einen Handel an: 

Für sein Lachen wird Timm 

jede Wette gewinnen. Doch 

erst nachdem Timm sich auf 

diesen Handel eingelassen 

hat erkennt er, dass dies ein 

Fehler war. Er reißt von zu Hause aus und versucht 

auf eigene Faust, sein Lachen wieder zurückzugewinnen. 

Auf zwei DVDs gibt es jetzt diesen 

Straßenfeger aus den 70er Jahren in digital restaurierter 

Fassung, ein herrliches Vergnügen, das 

dazu noch wunderbar nostalgische Erinnerungen 

an lange vergangene (Weihnachts-)Zeiten bietet. 

(Studio Hamburg Enterprises, 2 DVDs, 325 Min.) 

THUNDERBIRDS ARE GO / 

THUNDERBIRDS 6 

Mitte der 60er Jahre wurde diese Marionetten- 

Science-Fiction-Serie in England produziert, 

insgesamt wurden, verteilt auf zwei Staffeln, 

32 Folgen mit den Abenteuern der international 

operierenden Rettungstruppe 

ausgestrahlt. Das Hauptquartier 

der Thunderbirds 

liegt auf einer versteckten 

Insel im Pazifik, von dort aus 

koordiniert der ehemalige 

Astronaut Jeff Tracy deren 

Einsätze. Ihm zur Seite stehen 

seine fünf Söhne, von 

denen jeder ein spezielles Flugzeug/Raumschiff 

für unterschiedliche Arten von Rettungseinsätzen 

zur Verfügung hat. Zusätzlich werden die Tracys 

vom Genie Brains unterstützt, der für die vielen 

Erfindungen zuständig ist, sowie vom Diener der 

Familie, Kyrano, und dessen Tochter TinTin. Bei 

ihren Einsätzen, bei denen die örtlichen Hilfstruppen 

so gut wie immer überfordert sind, können 

die Tracys Dank ihrer technisch fortschrittlichen 

Einsatzfahrzeuge erfolgreich helfen. Oft sind die 

Unglücksfälle, bei denen " 

International Rescue" 

eingreifen muss, vom Dauerbösewicht The Hood 

verursacht worden, dessen tatsächlicher Name 

niemals bekannt wird. Bei dessen Bekämpfung 

erhalten die Tracys auch Unterstützung von der 

britischen Agentin Lady Penelope Creighton- 

Ward, die an ihre Einsatzorte mit einem stark um 

technische Spielereien erweiterten Rolls-Royce 

mit der Bezeichnung Fab1 gelangt. Der wohl 

größte Pluspunkt dieser Serie ist die unglaublich 

ideenreiche Gestaltung der Szenerie, bei jedem 

neuen Durchlauf entdeckt man neue Details; und 

dadurch, dass die Geschichten in der ganzen Welt 

spielen, sind auch in dieser Hinsicht der Fantasie 

keine Grenzen gesetzt. Dicke Empfehlung, auch 

für alle TV-Fans, die die 1968er Erstausstrahlung 

dieser Serie in der ARD – warum auch immer – 

nicht gesehen haben! 

(Concorde Home Entertainment, 

2 DVDs/Blu-ray) 

BILITIS 

Rund 1,5 Millionen deutsche 

Kinobesucher machten 

Bilitis" 1977 zu einem 

" 

der erfolgreichsten Erotikfilme 

aller Zeiten. Regisseur 

David Hamilton, der 

zu diesem Zeitpunkt bereits 

als Meister der erotischen Fotografie zu Weltruhm 

gelangt war, setzte mit diesem Film neue 

Maßstäbe bei der Inszenierung von Sinnlichkeit 

auf der Kinoleinwand. Auch der Soundtrack von 

Francis Lai eroberte die Charts und ist bis heute 

unverkennbar geblieben. Mit weichgezeichneten, 

mehr verbergenden als zeigenden Bildern erzählt 

Hamilton die Geschichte der 17-jährigen Internatsschülerin 

Bilitis, die ihre Sommerferien an 

der Cote d'Azur bei ihrer erwachsenen Freundin 

Melissa verbringt. Dabei verliebt sich Bilitis in 

den jungen Fotografen Lucas, während sie sich 

gleichzeitig zu Melissa hingezogen fühlt. Es beginnt 

eine Zeit voller erotischer Versuchungen und 

zärtlicher Leidenschaft. Zum ersten Mal erscheint 

Bilitis" in Deutschland auf Blu-ray, in aufwändig 

" 

digital restaurierter Fassung und Full HD. 

(Busch Media Group/Alive, 94 Min.) 

SESAMSTRASSE CLASSICS 

DIE 90er JAHRE 

Als zu Beginn der 70er Jahre die deutsche Version 

der amerikanischen " 

Sesame Street" auf Sendung 

ging, konnte wohl kaum einer ahnen, dass 

sich diese Vorschulsendung zu einer der erfolgreichsten 

Serien der deutschen TV-Geschichte 

entwickeln würde. Auch im neuen Jahrtausend 

gehört die " 

Sesamstraße" immer noch zu den beliebtesten 

Kinderprogrammen, begeistern Ernie 

und Bert, Grobi, das Krümelmonster 

und die anderen 

Charaktere Jung und Alt. 

Auf zwei Discs zeigt diese 

Ausgabe der " 

Sesamstraße 

Classics" über drei Stunden 

lang digital remasterte Höhepunkte 

und Klassiker aus 

den Jahren 1990 bis 1999, 

dazu gibt es als Special Features fünf Originalfolgen 

in ganzer Länge, ein Highlight-Programm 

aus den 90ern sowie ein ausführliches Booklet mit 

Hintergrundinformationen. 

(Studio Hamburg Enterprises, 

2 DVDs, 200 Min.) 

from the past 

Bücher + Comics 

AUF FREIHEIT 

ZUGESCHNITTEN: 

EMILIE FLÖGE – MODESCHÖPFERIN 

UND GEFÄHRTIN GUSTAV KLIMTS 

Von Margret Greiner 

2014, K & S Verlag 

ISBN 978-3-21800-933-1 

304 Seiten; 24 Ð 

Jahre vor Coco Chanel befreite Emilie Flöge die 

Frauen von Mieder und Korsett. Gemeinsam 

mit ihren zwei Schwestern betrieb sie in Wien 

den Salon Flöge: Wer in der damaligen Gesellschaft 

etwas auf sich hielt, der ließ sich ein 

Haus von Josef Hoffmann bauen und einrichten, 

seine Frau von Gustav 

Klimt malen und von Emilie 

Flöge einkleiden. Adele 

Bloch-Bauer, Margarete 

Wittgenstein-Stonborough, 

Berta Zuckerkandl und Clarisse 

Rothschild liebten ihren 

bahnbrechenden neuen 

Stil. In Form eines Romans 

erzählt Margret Greiner das 

Leben der Emilie Flöge, die Gustav Klimt bereits 

als junges Mädchen kennen lernte und die 

dem schwierigen und extravaganten Künstler 

bis zu seinem Tod eine verlässliche Gefährtin 

jenseits aller konventionellen Liebesbeziehungen 

war. Die Biografie zeichnet dabei das 

Bild einer Frau, die unbeirrt ihren Weg ging und 

– beruflich äußerst erfolgreich – einen völlig 

neuen Mode-Stil kreierte. Ihre für die damalige 

Zeit ungewöhnliche finanzielle Unabhängigkeit 

ermöglichte es ihr auch, ihr Privatleben selbst 

zu gestalten. Sie heiratete nie, blieb in freier 

Entscheidung kinderlos, verweigerte sich allen 

gängigen Rollenklischees. Basierend auf den 

Erkenntnissen der gegenwärtigen Forschung, 

geht das Buch über das rein Faktische hinaus 

und zeichnet in einer Mischform aus Roman 

und Dokumentarbericht das Lebensbild einer 

wahrhaft außergewöhnlichen Frau. 

DAS KLEINE BUCH DER 

MODE 

Von Christian Dior 

2014, Eden Books 

ISBN 978-3-94429-657-9 

128 Seiten; 14,95 Ð 

Vor 60 Jahren, 1954, veröffentlichte 

Christian Dior 

erstmals sein persönliches 

Mode-Handbuch. Von A bis 

Z werden darin alle wichtigen Stichworte aus 

dem Bereich der Mode abgehandelt, über die 

jede stilbewusste Frau Bescheid wissen sollte – 

seien es Schnitte, Farben oder Materialien. Bis 

heute hat Diors kultige Modebibel nichts von 


ihrer Gültigkeit verloren; der klassische Look, 

der Dior berühmt machte, überzeugt durch seine 

zeitlose Eleganz und liegt nach wie vor voll 

im Trend. Das liebevoll gestaltete Büchlein mit 

herrlichem Vintage-Charme ist daher immer 

noch ein wichtiger Ratgeber für alle Frauen, die 

sich für Mode interessieren. 

MEINE TAGE IN GELBEN 

SOCKEN 

Morten Grunwald 

Schwarzkopf & Schwarzkopf Verlag 

ISBN: 978-3-86265-374-4 

232 Seiten; 24,95 Ð 

Der 79-jährige dänische Schauspieler Morten 

Grunwald hatte im Laufe seiner Karriere etliche 

Rollen gespielt, eine davon machte ihn aber 

besonders populär. Nämlich die des immer in 

zu kurzen Hosen, braunkarierten Sakkos und 

gelben Socken gekleideten, leicht tänzelnden 

Benny Frandsen, den er seit 1968 30 Jahre lang 

in 14 Krimikomödien darstellte. Benny bildete 

mit seinen Freunden Egon Olsen und Kjeld Jensen 

die Olsenbande, die am Anfang eines jeden 

Films den mit einem neuen Plan ausgestatteten 

Bandenchef Egon nach der Entlassung vom 

Knast abholen, um dann bei der Umsetzung des 

neuen Coups jedesmal sympathisch zu scheitern. 

Nun legt Grunwald seine Biografie vor, und es 

ist vor allem ein großes Erinnerungsalmanach 

der Olsenbande. Absolut 

kurzweilig berichtet 

der Schauspieler 

von den Anfängen der 

Olsenbande und der 

Zusammenarbeit mit 

den Kollegen wie Ove 

Sprogøe (Egon Olsen), Poul Bundgaard (Kjeld) 

sowie den Filmemachern Henning Bahs und 

Erik Balling. Das Buch lebt von unzähligen, bisher 

unbekannten Anekdoten. Grunwald ist als 

Buchautor ein ähnlicher Spaßvogel wie als Benny. 

Der Standardslogan des Benny in den Filmen 

war immer Mächtig gewaltig". Das lässt sich 

" 

auch zum vorliegenden Buch sagen, das ein schickes 

Querformat hat, reichlich bebildert und mit 

einem Vorwort des Der Turm"-Schriftstellers 

" 

Uwe Tellkamp versehen ist. 

DAS KLEINE 80er 

JAHRE QUIZ 

2014, Huch! & friends 

ISBN 978-3-98145-736-0 

100 Fragen; 4,99 Ð 

Wie hieß Alf aus der gleichnamigen 

Serie mit richtigem men? Wer verhalf Aerobic zum 

weltweiten Durchbruch? Welcher afrikanische 

Na- 

Staat wurde 1980 unabhängig? Welche Uhr kam 

1983 auf den Markt? Wer wurde im Dezember 

1980 zu Europas Fußballer des Jahres gewählt? 

Was verbirgt sich hinter dem Begriff Vokuhila? 

Bei welchem Tanz bewegte man in den 80ern die 

Ellenbogen auf und ab, machte Kniebeugen und 

klatschte in die Hände? Ja, ja, die 80er waren in 

so manchen Dingen schon eine höchst seltsame 

Zeit, in 100 Fragen führt " 

Das kleine 80er Jahre 

Quiz" zurück in diese Zeit. Damit es nicht ganz 

so schwer wird, gibt es für jede Frage vier Antworten 

zur Auswahl, von denen eine die richtige 

ist, Lösungen jeweils auf der Rückseite der Fragekarten. 

Ach ja, Alf hieß übrigens mit richtigem 

Namen Gordon Shumway und stammte vom 

Planeten Melmac, hätten Sie's (noch) gewusst? 

DAS SCIENCE FICTION 

JAHR 2014 

Von Sascha Mamczak, Sebastian 

Pirling, Wolfgang Jeschke 

2014, Heyne 

ISBN 978-3-45331-580-8 

976 Seiten; 36,99 Ð 

Im jährlich publizierten Science-Fiction-Jahrbuch 

findet 

sich auch diesmal ein ausgewogener 

Mix aus kritischen 

und erhellenden Beiträgen, 

Besprechungen diverser 

Medien (Film, Buch, Spiele, 

Comic und Hörbuch) und Marktbeobachtungen. 

Aufsätze zur Möglichkeit der positiven Utopie 

innerhalb des Genres, eine Analyse der Autoren 

Orson Scott Card und Arno Schmidt, ein wissenschaftlicher 

Bericht über Weltraumteleskope und 

ein gelungener Abriss zum Phänomen Planet " 

der Affen" informieren nicht nur, sondern geben 

auch wichtige Denkanstöße. Während die 

Buchbesprechungen von Autoren wie Samuel R. 

Delany, Dimitry Glukhovsky, David Lodge und 

James Tiptree Jr. seriös ausfallen, transportieren 

einige Filmbesprechungen unterhaltsamen Spott 

und Häme, was aber bei dem Klamauk aus dem 

Jahr 2013 wie Jack And The Giants" oder Under 

The Dome" nachvollziehbar ist. Erstklassig! 

" " 

Ab nächstem Jahr wird das Jahrbuch nicht mehr 

bei Heyne erscheinen, sondern beim Golkonda- 

Verlag. 

THE BEATLES ILLUSTRATED 

LYRICS 

Von Alan Aldridge 

2014, Omnibus Press 

ISBN 978-1-78038-825-0 

224 Seiten; 32,25 Ð 

1969 illustrierte Alan Aldrige zum ersten Mal dieses 

Buch voller Songtexte der Beatles, nach zahlreichen 

Neuauflagen (und einem zweiten Teil, der 

1971 veröffentlicht wurde) ist The Beatles Illustrated 

Lyrics" nun gerade wieder frisch aufgelegt 

" 

worden. Dass die Aktualität dieses dicken Wälzers 

immer noch ungebrochen ist, liegt natürlich 

einerseits daran, dass die Musik von John, Paul, 

George und Ringo immer noch so gut klingt wie 

vor 50 Jahren. Andererseits ist es Aldridge aber 


auch gelungen, mit seinen 

Illustrationen den Geist der 

Texte in Bilder umzusetzen; 

von Collagen-haften 

Bildern über Fotografien 

bis zu surrealistischen 

Zeichnungen reicht das 

Spektrum seiner Arbeiten, 

immer wieder bleibt man beim Durchblättern 

staunend irgendwo hängen, kann man sich der 

Faszination dieser einmaligen Kombination aus 

Beatles-Texten und ungewöhnlicher Bildsprache 

kaum entziehen. 

1001 IDEEN, DIE UNSER 

DENKEN BEEINFLUSSEN 

Von Robert Arp (Hrsg.) 

2014, Edition Olms 

ISBN 978-3-28301-173-4 

960 Seiten; 29,95 Ð 

Die überaus erfolgreiche 1001"-Serie, in 

" 

der bislang unter anderem Titel über Comics, 

Filme, Alben und Autos erschienen sind, kann 

mit einem neuen Titel aufwarten, 

der es in sich hat. 

Von renommierten Geisteswissenschaftlern 

zusammengestellt 

und erstklassig 

übersetzt, werden hier 

revolutionäre Denkansätze 

vorgestellt. Von der Psychoanalyse 

über den Anarchismus 

und die Fibonacci-Folge bis hin zu 

Fairtrade, Karma oder Black Power kann der 

Leser innerhalb kürzester Zeit seinen Wissensschatz 

bereichern. Der hervorragend illustrierte 

Band eignet sich sowohl als Lexikon als auch 

als Reiseführer durch die Jahrhunderte des Denkens, 

denn er beginnt chronologisch um circa 

1.6000.000 v. Chr. mit der Kontrolle über das 

" 

Feuer" und endet 2012 mit den neuesten Erkenntnissen 

zur Genetik. Wertvoll und ein ideales 

Weihnachtsgeschenk. 

VESPA: DIE GESCHICHTE 

DES KULTKLASSIKERS IM 

BILD 

Von Günther Uhlig 

2014, Motorbuch Verlag 

ISBN 978-3-61303-672-7 

272 Seiten; 29,90 Ð 

Die Bücher aus dem Motorbuch Verlag sind für 

ihre hohe Qualität bekannt Auch der aktuelle Band 

spiegelt das Niveau wider, denn Günther Uhlig 

würdigt hier die Vespa – 

der Kultroller überhaupt 

– nicht nur durch zahlreiche 

Bilder, sondern 

auch durch kurze, aber äußerst 

fundierte Texte. Vom 

Beginn ihres Siegeszuges 

im sonnigen Italien über

from the past 

die düsteren Winkel Sohos, wo die Mods in den 

Sechzigern die Straßen unsicher machten, bis hin 

zu aktuellen Modellen wie der fetzig wirkenden 

XV 946 reicht die Darstellung. Fotos von Treffen 

der Vespa-Fans, aus Museen, sogar von Vespas 

mit Beiwagen oder exotischen Einsatzorten 

(Thailand) werden von Uhligs Texten erläutert, 

wobei der Leser deutlich merkt, dass er es hier 

mit einem waschechten Fan zu tun hat, denn die 

Leidenschaft für das Thema und der Spaß an den 

Details werden offensichtlich. Pflichtlektüre! 

SCHLAFENDE HUNDE 

Von Ian Rankin 

2014, Manhattan 

ISBN 978-3-44254-723-4 

462 Seiten; 19,90 Ð 

Ian Rankin zählt mittlerweile 

zu den beliebtesten Krimiautoren 

Großbritanniens und 

wurde mit dem Order Of The 

British Empire ausgezeichnet. 

Von Pete Townshend von The 

Who hochgelobt – obwohl die 

Hauptfigur John Rebus ständig Rolling-Stones- 

Platten hört –, begeistert Rankin nicht nur das 

anspruchsvolle Publikum, sondern auch den ganz 

normalen Leser. In " 

Schlafende Hunde" kehrt der 

pensionierte Detective Sergeant Rebus wieder in 

den Polizeidienst zurück. Vor dem Hintergrund 

des schottischen Referendums zur Unabhängigkeit 

muss er mit seiner ehemals untergebenen 

Kollegin Siobhan Clarke einen komplizierten 

Fall erneut aufrollen, dessen Wurzeln mehr als 

30 Jahre zurückliegen. Die Ergebnisse verblüffen 

nicht nur ihn. Eine spannende Handlung, die ausgearbeiteten 

Charaktere, die der Leser förmlich 

vor den eigenen Augen visualisieren kann und 

speziell die " 

schottische Perspektive" vereinen 

sich zu einem empfehlenswerten Roman. 

DER INOFFIZIELLE GAME & 

WATCH SAMMLERKATALOG 

Von David Gschmeidler und 

Gerhard Meyer 

2013, Selbstverlag, www.gameandwatch.at 

ISBN 978-3-20003-384-9 

208 Seiten; Standard: 39,95 Ð 

(Hardcover 59,59 Ð) 

Über zwei Jahre haben die beiden Autoren David 

Gschmeidler und Gerhard Meyer an diesem einzigartigen 

Sammlerkatalog gearbeitet, haben in 

aufwändiger Arbeit die wichtigsten Daten über 

die kultigen 80er-Jahre-LCD-Spiele der japanischen 

Firma Nintendo zusammengetragen. 

Dabei richtet sich 

dieser Katalog ebenso an bein- 

harte Sammler wie an interessier- 

te Quereinsteiger, die sich über 

den großen Themenkomplex 

der Game & Watch-Geräte 

informieren wollen. Jedes 

der 59 Spiele wird ausführlich in Text und Bild 

vorgestellt, Screenshots, Kurzbeschreibung, Seltenheitsbarometer 

und Preisentwicklungs-Charts 

sorgen für faktenreiche Hintergrundinfos, dazu 

werden noch weitere Game-Versionen vorgestellt, 

auf die Geschichte der Handheld-Spiele 

eingegangen, zeigen die Kapitel Kuriosa" und 

" 

Merchandise", zu welchen Auswüchsen die 

" 

Nintendo-Manie führte, welche Bücher und Magazine 

sich heute und damals mit dem Thema 

beschäftigten. Neben der Standard (Softcover-) 

Ausgabe gibt es Den inoffiziellen Game & 

" 

Watch Sammlerkatalog" auch als streng limitierte 

Hardcover-Version inklusive Zertifikat und Lesezeichen. 

Großartig! 

CDs 

CHRISTIAN ANDERS 

ORIGINALE ALBUM-BOX 

Mit einer tollen Ausstattung 

liefert 

Universal gleich mehrere Gründe, 

sich bei den jetzt 

neu erschienenen 

Album- 

Boxen 

zu bedienen. 

Jeweils 

fünf CDs, 

die größtenteils noch nie als 

CD zu haben waren und auch als originale Vinyl- 

LP nur noch auf Ebay & Co. zu finden sind, gibt 

es pro Box, jede einzelne von ihnen remastert 

und herrlich in einem aufklappbaren Cover im 

Original-LP-Artwork verpackt, dazu noch die 

eine oder andere Bonus-Zugabe, meistens Non- 

Albumtracks wie Single-B-Seiten oder Livemitschnitte. 

Bei Christian Anders beginnt die Reise 

1970 mit GEH' NICHT VORBEI, führt über das 

ein Jahr später veröffentlichte ICH LASS' DICH 

NICHT GEH'N bis zum 1972er ES FÄHRT 

EIN ZUG NACH NIRGENDWO, das mit dem 

gleichnamigen Titelsong auch einen der größten 

Hits des österreichischen Schlagersängers 

bietet. Beflügelt von diesem Erfolg, bestärkte 

es ihn, seinen getragenen, melancholischen Stil 

weiterzuentwickeln, und er legte 1974 mit EIN- 

SAMKEIT HAT VIELE NAMEN sowie 1975 

mit DER LETZTE TANZ zwei traumhafte Alben 

nach. 

(Electrola/Universal, 5 CDs) 

RALF BENDIX 

GROSSE ERFOLGE & EVERGREENS 

Natürlich kennt jeder den inzwischen zum 

Kult-Song avancierten "Babysitter-Boogie", 

mit dem Ralf Bendix 1961 wochenlang die 

Spitzenposition der deutschen Single-Charts 

innehatte. Am 16. August feierte Bendix seinen 

90. Geburtstag, welchen besseren Grund 

könnte es geben, sich ins Gedächtnis zu rufen, 

dass der am 1. September verstorbene Sänger 

daneben noch zahlreiche andere erfolgreiche 

Titel im Programm hatte. 

GROSSE ERFOLGE 

& EVERGREENS versammelt 

all diese nun 

auf zwei CDs, auf denen 

es von "Bambina" über 

die "Striptease Susi", 

den "Venus-Walzer" 

und den "Armen Gigolo" bis zu Klassikern wie 

"Buona Sera" und den "Kriminal-Tango" geht. 

(Electrola/Universal, 2014, 

22/60:53, 20/56:43) 

UDO JÜRGENS UND SEINE 

GÄSTE 

MITTEN IM LEBEN – DAS TRIBUTE 

ALBUM 

Udo Jürgens: eine lebende Legende und einer 

der größten Entertainer und Musiker. Die Musik- 

und TV-Welt lässt es sich daher nicht nehmen, 

mit ihm seinen 80. Geburtstag im Rahmen 

einer großen Geburtstagsgala zu feiern. Viele 

musikalische Gäste werden in der Show auftreten 

und dabei die bekanntesten Lieder von 

Udo Jürgens in ihrer persönlichen 

Version performen. 

Mit dabei sind Chris 

de Burgh, Annett Louisan, 

Helene Fischer, David 

Garrett, Christina Stürmer, 

Tim Bendzko, Santiano, 

Otto Waalkes, LaBrass- 

Banda, Schiller, Yvonne Catterfeld und Jamie 

Cullum. Natürlich darf bei einem solchen Event 

seine langjährige musikalische Begleitung, die 

Pepe Lienhard Band, nicht fehlen. Pünktlich 

zur am 18. Oktober ausgestrahlten Sendung 

wird eine Doppel-CD veröffentlicht, auf der die 

Songs der in Freiburg aufgezeichneten Sendung 

zu hören sind. Dazu gibt es auf einer zweiten 

CD noch die Originale von Udo Jürgens, von 

"Merci Cherie" über "Griechischer Wein" bis 

zu "Ich war noch niemals in New York" einen 

hochklassigen Streifzug durch seine lange und 

erfolgreiche Karriere. Ohne Zweifel eine Geburtstagsparty 

der Extraklasse, Genre übergreifend 

und voller musikalischer Überraschungen, 

die einen der größten Musiker unserer Zeit auf 

ganz besondere Weise ehrt. 

(Ariola/Sony Music, 2014, 2 CDs) 

FREDDY QUINN 


Die Auswahl der Alben von Freddy Quinn 

für die " 

Originale Album-Box" reicht von 

1965 bis 1977. Zwei Alben, STIMME DER 

HEIMAT und SINGT DIE SCHÖNSTEN 

DEUTSCHEN VOLKSLIEDER, widmen 

sich, getreu den Titeln der LPs, dem deut- 


schen Volkslied. Von "In einem kühlen Grunde" 

und "Kein schöner Land" über "Am 

Brunnen vor dem Tore" 

und "Im schönsten Wiesengrunde" 

bis zu "Jetzt 

kommen die lustigen 

Tage" und "Der Mond 

ist aufgegangen" reicht 

Quinns Auswahl, als 

Bonus-Tracks gibt es u.a. Live-Aufnahmen 

zusammen mit den Fischer Chören und dem 

Medium-Terzett. DAS GROSSE WUNSCH- 

KONZERT, VIVA MEXICO und WO MEINE 

SONNE SCHEINT zeigen den Sänger dann 

mit dem internationalen Titelmix, der ihn in 

den 60er Jahren zu einem der beliebtesten 

Interpreten gemacht hat: "Good-Bye Jonny", 

"O, mein Papa", "Besame Mucho", die "Schiwago-Melodie", 

"Ramona", "Ol' Man River", 

"Heimat deine Sterne" oder "Das alte Lied". 


NANA MOUSKOURI 

MEINE REISE VON 1962 BIS HEUTE 

Am 13. Oktober feierte Nana Mouskouri ihren 

80. Geburtstag, mit über 250 Millionen verkauften 

Tonträgern gehört sie zu den kommerziell 

erfolgreichsten Sängerinnen aller 

Zeiten. Eine Laufbahn als Opernsängerin 

verwarf sie früh, widmete sich 

Knüppel 

Joachim 

Werner 

stattdessen dem Chanson, dem Jazz, 

Knüppel 

Helmut 

Rohde 

den Balladen – in Deutschland wurde 

sie vor allem als Schlagersängerin 

wahrgenommen. Wie keine Zweite 

nahm sie sich 

den Rat von 

Maria Callas 

zu Herzen: 

Es tut nichts 

" 

zur Sache, was 

Sie singen; es 

ist nur wichtig, 

warum Sie es singen und wie Sie 

es singen!" Auf zwei CDs nimmt 

Nana Mouskouri ihre Hörer mit auf 

die Reise durch ihre lange Karriere, 

von "Einmal weht der Südwind wieder" 

über "Die Rose" bis zu "Weiße 

Rosen aus Athen". Die komplette 

zweite CD liefert dazu Songs, die sie 

in Englisch, Französisch oder Griechisch 

singt. 

(Mercury/Universal, 2014, 

22/81:18, 22/79:49) 

DALIAH LAVI 


Nachdem Daliah Lavi in den 50er 

Jahren den Wehrdienst in ihrer israelischen 

Heimat abgeleistet hatte, 

kam sie über Jobs als Mannequin 

und nach ersten Rollen in Kinofil- 

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Karl-May-Bücher 1876-1980 

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men zur Musik. 1969 war sie zu Gast in einer 

BBC-Sendung, wo sie mit ihrer rauchigen Stimme 

einige hebräische Lieder sang und sofort einen 

Plattenvertrag von einem britischen Label 

angeboten bekam. Doch erst als der Hamburger 

Produzent Jimmy Bowien sie bei der deutschen 

Polydor unter Vertrag nahm, begann ihre außerordentlich 

erfolgreiche Karriere als Sängerin. Bereits 

ihre erste Single "Liebeslied jener Sommernacht" 

wurde 1970 ein Hit. Mit der französischen 

Version "Prends l’amour" 

begeisterte sie noch im 

selben Jahr beim International 

Song Festival" in " 

Tokio das Publikum, das 

Lied wurde als "Love’s 

Song" auch ins Englische 

übertragen und als Single veröffentlicht. Daliah 

Lavi sang in ihrer langen Karriere auf Deutsch, 

Französisch, Englisch, Hebräisch, Italienisch und 

Spanisch. In der Fünferbox gibt es nun die Alben 

ICH BIN DEIN FREUND (1972), MEINE 

ART LIEBE ZU ZEIGEN (1972), CAFÈ DECA- 

DENCE (1975), NEUER WIND (1976) sowie 

BEI DIR BIN ICH IMMER NOCH ZUHAUS 

(1978). 


Allgemeiner 

ISBN 978-3-00-034171-7 

für deutschsprachige Romanhefte, 

Bücher von Karl May und Leihbücher 

 

 

 

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Ständiger An-und Verkauf! 

„In unserem Laden findet Ihr neue Comics aller Verlage 

und alte Comics von 1945 bis heute, wie Micky Maus ab 

1951, Sigurd, Felix, Bessy usw.“ 

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Musikparade, Popfoto usw. 

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Sammelbilderalben wie Panini, Voss usw. 

Filmprogramme 

Kinderbilderbücher 

Figuren der Firma ELASTOLIN, Timpo-Toys 


ROY BLACK 


Über Roy Blacks Erfolge in den 70er Jahren 

muss an dieser Stelle wohl kaum berichtet 

werden. Jeder, der in 

dieser Zeit die Unterhaltungssendungen 

im 

Radio oder im Fernsehen 

verfolgt hat, kam an 

diesem smarten Sänger 

nicht vorbei. Vor allem 

zu Beginn der 70er veröffentlichte er zahlreiche 

LPs, die es noch nie als CD gab und 

als LP schon lange vergriffen sind, so dass 

auch hier die Alben IM LAND DER LIEDER 

(1970), WO BIST DU (1971), EINE LIEBES- 

GESCHICHTE (1971), TRÄUME IN SAMT 

UND SEIDE (1972) und WUNDERBAR IST 

DIE WELT (1972) für Schlagerfans hochwillkommen 

sein dürften. Einer der Bonus-Tracks 

liefert mit "Verliebt und froh und heiter" die 

Fortsetzung des Riesenhits "Schön ist es auf 

der Welt zu sein", die Roy Black beide zusammen 

mit Anita (Hegerland) – später als 

Lebensgefährtin von Mike Oldfield auf dessen 

Alben zu hören – aufgenommen hat. 


NINO DE ANGELO 


Es war nicht nur sein Blick, auch 

mit seiner Stimme konnte Nino de 

Angelo Gletscher zum Schmelzen 

bringen. Anfang der 80er Jahre startete 

die Karriere des Sängers mit 

italienischen Wurzeln in Deutschland 

so richtig durch, mit dem von 

Drafi Deutscher geschriebenen 

Song "Jenseits von Eden" ging es 

bis an die Spitze der Single-Charts 

in Deutschland, Österreich und der 

Schweiz, die LP JENSEITS VON 

EDEN kletterte 1984 bis auf den 

zweiten Platz. Auch sein ein Jahr 

zuvor veröffentlichtes Debüt JUN- 

GES BLUT gelangte schon bis auf 

den zehnten Platz, für ZEIT FÜR 

REBELLEN reichte es immerhin 

noch zu Nummer 46. Nicht mehr 

platzieren konnten sich ICH SU- 

CHE NACH LIEBE (1986) und 

D U R C H 

1000 FEUER 

(1987), dennoch 

sind beide 

Alben heute 

umso mehr 

Kult-verdächtig, 

dazu noch bieten sie mit Singleund 

Extended-Versionen zahlreiche 

Bonus-Tracks. 

(Electrola/Universal, 5 CDs)

DIE GEBURT DER SUPERBIKES 

Frankensteins 

wilde Töchter 

Mit der CB 750 Four revolutionierte Honda Ende 

der 60er Jahre den Motorradbau, das Bike war endgültig 

in der Moderne angekommen. Kawasaki 

mit der nicht weniger legendären Z 900, Suzuki 

mit den GS-Baureihen und Yamaha mit der mächtigen 

XS 1100 sollten schon bald folgen. 

großen Entwicklungssprung hatte es bisher in der Motorradindustrie 

noch nicht gegeben: Ein Vierzylinder-Viertakt-Reihenmotor mit 

obenliegender Nockenwelle und 67 PS, dazu ein Elektrostarter, fünf 

Gänge und, um die enorme Beschleunigung auch wieder in den 

Griff zu bekommen, vorne eine (später zwei) Scheibe(n)- statt einer 

Trommelbremse. Keine Frage, die Four gilt zu Recht als das erste 

Superbike, und Honda hat mit ihr Motorradgeschichte geschrieben. 

S 

Aber die Geschichte ist – vereinfacht ausgedrückt – nun mal weniger 

chönheit ist Geschmackssache, so der Volksmund. Tatsächlich eine Konstante als vielmehr eine Variable. Die Dinge entwickeln sich, 

aber ist längst erwiesen, dass die Kriterien für das, was wir als 

und ein „Höher, Schneller, Weiter" gibt es längst nicht nur im Sport. 

schön empfinden, fest in unserem Bewusstsein 

So war es vor allem die japanische Konkurrenz, allen voran Kawasaki, 

verankert sind. Geht es zum Beispiel el um die 

die blitzschnell auf die CB 750 reagierte. 

schönsten Autos aller Zeiten, würde wohl kaum 

Kawasaki Z1 

einer den Jaguar E-Type oder den Mercedes 300 SL 

Die Z1 – Schneller, als 

außen vor lassen. Und was für Autos gilt, trifft auf 

das Fahrwerk erlaubt 

Motorräder ebenso zu. So halten viele die CB 750 

M 

Four von Honda für das schönste Motorrad aller 

it der Z1 / Z 900 toppte das Unternehmen 

Zeiten. Und genaugenommen gibt es wohl nur 

aus Kobe 1972 zumindest die Leistungsdaten 

ein anderes Bike, das der Honda diesen Rang 

der Honda deutlich. Wie bei Honda setzte man 

streitig machen könnte – die Kawasaki Z1 

auch bei Kawasaki auf einen luftgekühlten Vierzylinderbeziehungsweise 

Z 900. In einem Punkt 

Viertakt-Reihenmotor, allerdings mit zwei obenliegenden 

aber liegt die Honda ganz klar vorn: 

Nockenwellen. Der aber wies nicht 750 ccm, sondern 

Mit der Vorstellung der CB 750 Four 

gar 900 ccm auf – was die Maschine gleichzei- 

auf der „Tokyo Motor Show" von 1968 

tig zum ersten Big Bike der Motorradhistorie 

begann das Zeitalter der Superbikes, der 

machte – und lieferte zudem 79, später 82 

schweren, um die 200 km/h schnellen en 

PS, so dass es für jeden Fahrer grundsätzlich 

Maschinen, die technisch zu jeder Zeit den 

kein Problem gewesen wäre, die 200 km/hjeweiligen 

Status quo repräsentieren. 

Marke mehr als deutlich zu knacken. Der 

S 

Konjunktiv aber ist sehr bewusst gewählt. Denn 

elbstverständlich gab es auch vorher Motorräder, die enorme 

die schiere Power der „Kawa" traf zumindest 

Leistung boten. So etwa die Zwei-Zylinder-Modelle der britischen 

bei der ersten Baureihe nicht auf ein adäquates 

Marken BSA, Matchless oder Triumph, um nur einige Beispiele zu nen. Die Honda CB 750 Four aber war buchstäblich aus einer anderen 

Hochgeschwindigkeitsfahrten konnten so, besonders 

nen- 

Fahrwerk, das diese Kraft hatte bändigen können. 

Zeit. Oder besser, sie läutete eine andere, eine neue Zeit ein. Einen so für eher Ungeübte, schnell mal zum Höllenritt werden. Kein Wunder 


also, dass sich die Z1 / Z 900 alsbald 

den Spitznamen „Frankensteins Tochter" 

erwarb. Aus heutiger Sicht betrachtet, 

scheint das allerdings ein wenig ungerecht. 

Denn Kawasaki reagierte schnell und besserte 

nach, indem man der Vorderradgabel 

di ckere Standrohre spendierte und vorne 

von einer auf zwei Scheibenbremsen aufstockte. 

Mit diesen Maßnahmen verbesserten 

sich Fahrverhalten und Fahrbarkeit deutlich. 

Mit der Z 900 begann aber auch das 

Wettrüsten. Suzuki 

etwa hatte zwar bereits 

seit 1971 mit der GT 

750 ebenfalls ein 

Suzuki 

GS 1000 S 

Superbike im 

Programm. Der 

wegen seiner 

Wasserkühlung 

auch „Wasserbüffel" 

genannte 

Drei-Zylinder- 

Zweitakt-Motor hatte 

aber schon damals 

wegen zunehmend verschärfter 

Abgasbestim mungen kaum eine 

Chance auf eine längere Lebensdauer. Auch 

Italienern, den Deutschen? Auch die 

Suzuki benötigte also unbedingt ein 

Viertakt-Aggregat. gregat. Und das kam auch, 

1976 mit der GS 750, der schon bald 

die noch größere GS 1000 folgen sollte. 

bauten in den 70er Jahren tolle Motorräder. 

Erwähnt sei hier 

die Benelli 

750 Sei, die schon fünf Jahre 

vor Honda und 

Kawasaki auf 

Der wiederum wurde auf der IFMA 

einen 

Sechszylinder-Motor 

in Köln, der „Internationalen Fahrrad- 

und Motorradausstellung", 

die sportlichere 

Variante ante 

setzte. Oder die nicht weni- 

ger legendäre 

Moto Guzzi 

850 Le Mans, ein ech- 

ter Meilenstein für 

GS 1000 S 

den 

italienischen 

zur Seite e 

Hersteller und 

gestellt. Die 

ohne 

Frage 

im traditionellen 

Suzuki-Blauweiß uweiß 

gehaltene S war 

ebenfalls mit 

Klassikerpotenzial. 

ein bildhübsches 

Yamaha 

Nichts anderes 

Bike und setzte unter 

XS 1100 

gilt auch für die 

anderem auf eine Cockpitverkleidung und 

eine luftunterstützte Telegabel. Mit 90 PS 

war die Suzi zudem 

bestens motorisiert. 

Das stärkste Motorrad 

seiner Zeit aber 

war sie nicht. Honda setzte ab 1978 bei 

der CBX 1000 gar auf einen Sechszylinder- 

Reihenmotor enmotor mit 105 PS. Ähnlich wie die Z 

900 war aber auch die CBX fahrwerksmäßig 

von ihrer eigenen Kraft 

ein wenig überfor- 

dert. Und als 

BMW 

R 90 S, die 

bis dahin sportlichste BMW aller Zeiten, die 

schon 1973 auf den Markt kam und bis 

heute eine der ganz großen Ikonen 

der Bayerischen Motorenwerke 

ist. Und dennoch, trotz all 

dieser und weiterer klassischer 

Big Bikes aus den 

70ern, wie der Laverda 

750 S, der Ducati 750 

GT oder der Norton 

kurz darauf 

Commando 850 

die Kawasaki 

–, den entscheidenden 

Z 1300 auf 

Schritt 

den Markt 

machte Honda 

kam, einigten 

mit der CB 750 

sich die Hersteller 

Four. 

Dieses 

auf eine freiwil- 

lige Leistungsbeschränkung 

BMW R 90 S 

Motorrad, besser 

noch diese 

auf 

Skulptur 

einer 

100 PS, die man erst 1999 wieder aufhob. 

Was nichts daran änderte, dass die Z 1300 – 

wie die CBX ein Sechszylinder – noch einmal 

rund 300 ccm und 50 kg mehr zu bieten 

hatte. Fürs sportliche Fahren war das jeden- 

Maschine und eines 

Motors, wird für immer für den Übergang 

von der Neuzeit in die Moderne des 

Motorradbaus stehen! 

Andreas Kötter 

falls viel zu viel, so dass Kawasaki die Z 1300 

fortan als Tourer bewarb. 

Yamahas XS 1100 S: 

Schön, aber keine Ikone 

Was aber machte eigentlich Yamaha, der 

Vierte aus dem Quartett der großen 

japanischen Motorradhersteller? Dort reagierte 

man spät, aber nicht zu spät auf den 

Trend vom „Höher, Schneller, 

Weiter" und konnte 1977 

mit der mächtigen XS 1100 

einen gelungenen Konter 

fahren. Eine Legende wie 

die CB 750 Four oder 

die Z 900 aber wurde der 

Reihenvierzylinder 

nicht, obwohl die 

XS gerade in der 

„S"-Ausführung 

von 1981 im 

schwarz-goldenen 

Look durchaus eine 

Augen weide war. 

Und was war mit den anderen, den

MODE-SERIE 

DRITTER TEIL 

instyles 


Von Claudia Tupeit 

Foto 

:© 

Bild 

arch 

iv H 

allh 

uber 

a war das Hippie-Flair, das bereits Ende der 60er Jahre 

die Welt mit Flower-Power-Optik, Haarbändern und großen 

Sonnenbrillen überflutete. Die Schlaghosen glitzerten immer 

mehr, offene Plateauschuhe klatschten sich mit den geschlossenen 

Stiefeln ab. Glänzende und robuste Stoffe bedeckten am Körper, was 

unbedingt bedeckt werden musste. Und bevor das Jahrzehnt zu Ende 

ging, erschreckten Karos, zerrissene Strumpfhosen, spitze Nietengürtel, 

Haarkämme und klobige Schnürstiefel das Establishment. Die 70er Jahre 

waren ein extrem buntes, vielfältiges Jahrzehnt. Eine 

Dekade, aus der modische Extreme in großer Zahl 

bis heute überdauerten. Oft nicht mehr ganz so 

bunt – zumindest im normalen Straßenbild. Und 

ob der Fülle an Einkaufsmöglichkeiten sicherlich 

auch nicht mehr ganz so kreativ und individuell umgesetzt. 

Aber Punk-Look, am Glam angelehnte Outfits mit viel 

Glitzer, Pailletten und Metallic sowie Schlagjeans, hohe 

Schuhe mit dicken Sohlen, blumige Hippie-Kleider und 

" Vintage" 

und " 

Retro" sind die Modewörter 

der Stunde. Die Klamottentrends von 

heute verleiben sich alles ein: Bubikragen der 

50er Jahre, Miniröcke im 60er Stil, Schlaghosen und 

Plateauschuhe kommen aus dem Jahrzehnt von Abba, breite 

Schultern, Neonfarben und Chino-Hosen sind ein Relikt der 

verrückten 80er. Wer heute IN sein will, hat die vergangenen 

Dekaden aber nicht nur im Kleiderschrank, sondern auch auf 

dem Plattenteller und im DVD-Player. kult! widmet sich 

den Trends von damals, die heute schon wieder für 

viele zum Lebensgefühl gehören. Nach den 50s 

und 60s sind nun die bunten 70er 

Jahre an der Reihe. 

Schlapphüte sind an trendbewussten Menschen auch 

heute noch ständig zu sehen. 

ieles davon ist auf jeden Fall alltagstauglich 

geworden. Laufsteg-Götter wie die Designer 

aus den Häusern Yves Saint Laurent oder Chanel – 

um nur zwei zu nennen – zeigten mit ihren letzten 

Kollektionen den 70s-Chic schlechthin: 

Punk – oder zumindest das, was man 

heute dafür hält. Gepaart wird er in der 

modernen Variante mit Elementen aus den 80ern und den 

frühen 90ern, etwa Flanell-Holzfällerhemden, weiten Shirts 

und Hosen, Spitzenstrümpfen sowie Freizeittretern, die wegen ihrer 

Sportschuh-Optik beim Betrachten dazu animieren, ins nächstgelegene 

Fitnessstudio zu gehen. Fertig ist der Anputz für 2014: ein Mix aus 

dem Punk der 70er Jahre mit Grunge. Models und It-Girls „all over the 

world" machen das, was einst verpönt und als „Arbeiterklasse-Mode" 


propos Masche: Der Trend seit 

Herbst/Winter 2012/2013 sind 

Lochmusterpullis. Tops, Langarmshirts, 

Blusen – die recht durchlässigen Oberteile 

werden praktisch über alles gestreift, was vorzeigbar 

ist. Viele Designer haben sie auf den Laufstegen 

gehabt, bis sie dann schließlich Einzug bei trendbewussten 

und bezahlbaren Modehäusern wie H&M, Zara, Mango und 

Topshop hielten. Sie werden lässig zur Jeans kombiniert, gern auch zu 

den heißen Höschen, also den Hot-Pants – ebenfalls ein (knappes) Relikt 

aus den 70s. 

Foto: © INTERFOTO 

abgestempelt wurde, absolut salonfähig. Mädchen gehen mit Löchern 

in den schwarzen Feinstrumpfhosen in die Schule, kombinieren dazu 

jede Menge Ketten- und Nietengürtel, Kariertes, tragen Ledermini oder 

Jeans-Shorts mit ausgefransten Säumen – und dazu natürlich das ultimative 

Schuhwerk: Doc Martens. Heute erhältlich in allen 

erdenklichen Farben und Mustern wie Camouflage, 

Karos, mit dem Union-Jack drauf oder geblümt wie 

Kindergummistiefel. 

n den 70ern – quasi bei den Originalen – ist 

das dezenter abgelaufen. Zumindest farblich. Am 

Ende des Jahrzehnts waren zu heftig leuchtende 

Farbflashs und Glitter bei den coolen Typen verpönt. 

Ganz im Gegensatz zum Beginn der modischkunterbunten 

Dekade. 

as Feeling des legendären 

Woodstock-Festivals in den 

USA und die Hippie-Kultur in San 

Francisco (vor allem im noch heute 

authentisch daherkommenden Viertel 

Haight & Ashbury) sind Anfang der 70er 

in modischer Hinsicht immer noch auf ihrem 

Höhepunkt. Die Mädchen hatten Blumenkränze und 

bunte Stoffbänder im (möglichst) langen Haar. Sie 

trugen Wallekleider mit Ornamentdrucken und Blumenprints. 

Dazu Zehensandalen mit Lederband, Fußkettchen, lange 

Halsketten, und davon viele. Am besten mit Anhänger 

im „Make love not war"-Style – und stets ein völlig 

entspanntes Lächeln auf den Lippen. Schnitte, Muster, 

Farben, Details haben ihre Wurzeln in der Folklore. 

lore 

So war es nicht verwunderlich, 

dass – im Übrigen auch 

bei den heutigen Trendteilen des 

70s-Look durchaus üblich – so einiges anmutete, 

als sei es von Indianern gefertigt worden. Aber 

auch Elemente aus anderen Kulturkreisen flossen 

mit ein: Spanisches, Arabisches, Asiatisches oder 

Accessoires, die von der afrikanischen Folklore 

inspiriert waren. 

© Claudia Tupeit 

uch gehäkelte Oberteile und Kleidchen, 

unter denen farbenfroh ein Bikini durchblitzte, 

waren der Renner. 2011 widmete das 

Maschenmuseum in Albstadt der Mode der 

70er (und 80er) sogar eine Retrospektive. Bei 

Führungen konnten Besucher die bunte, verrückte, 

punkige, aber auch elegante Mode-Dekade bewundern. (Die 

Sonderausstellung füllten ausgewählte Originalkleidungsstücke aus der 

Sammlung von Renate Steim-Ölkrug). 

© Pressefoto 

it Ende der kalten Jahreszeit folgte auf den Winterstrick im 

Sommer 2013 das ultimative Outfit für den wahrhaft heißen 

Sommer: Häkel- und Strickmusterteile. Und wieder sind sie da, die 

Kleidchen mit großen und kleinen Löchern, in Cremeweiß, aber auch farbiger, 

mit allerhand netten Details wie unterschiedlichen Maschengrößen 

an Ober- und Rockteil, Muschel- und Perlenverzierungen am Saum und/ 

oder Ausschnitt. Mal mit Neckholder, mal mit normalen Trägern. Auch 

Tops und sogar Shorts im Häkelstil gehen über die Ladentheke wie warme 

Semmeln. Nicht fehlen dürfen auch die groben Maschen an den Füßen 

und als Accessoires für den Strand. Nein, damit ist nicht der Hut gemeint, 

sondern vielmehr der – wie die anderen Sachen auch – von den modebewussten 

Mamas in den 70ern stolz vorgeführte Häkel-Bikini. Der ist 

tatsächlich nur zum Vorführen geeignet. Nass sollte der Badezweiteiler 

freilich nicht werden (schon mal nasse Wollfäden am Körper 

gehabt?), und auch auf der von Sonnencreme geschützten Haut 

schmiegt sich der Stoff nicht gerade bequem über Brüste und Po. 

Aber es sieht chic aus. 

er heute Lust auf das Flair von damals 

hat, der sollte sich aufmachen und im 

Juli das seit 1968 – mit Unterbrechungen – 

jährlich stattfindende „Burg Herzberg Festival" 

in Hessen besuchen. Überall laufen auf dem 

Gelände Leute in typischer Hippiekluft 

herum, der Geruch von Marihuana weht 

aus so manchem Kaffeezelt heraus, es 

gibt Workshops in Sachen Batik – das 

bunte, verlaufene Muster, das Anfang 

der 70er unheimlich beliebt gewesen 

ist. Die musikalischen Klänge versetzen 

den geneigten Besucher sowieso irgendwie nach 

Monterey, Woodstock und in die Konzerte der 

Künstler aus den frühen 70ern zurück. Es gibt 

viel Psychedelisches, progressiven Rock von Bands wie Gong, Van der 

Graaf Generator oder Ex-Genesis-Gitarrist Steve Hackett. Und außerdem 

Weltmusik, die nicht zuletzt in Deutschland in der ersten Hälfte der 70er 

Jahre mit vielen Krautrockbands zur vollen Blüte kam. Zum Originalfeeling 

gehören natürlich auch ökologisch wertvolles Essen und Trinken wie Bio- 

Wein, Mate-Tee, ee, viel 

Gemüse, wenig Fleisch, Gewürze aus aller Herren 

Länder und entspannte Wirte. 

uch nach Idolen, die für die 70er stehen 

und sie selbst miterlebt haben, braucht 

nicht lange zu suchen, wer auf die Mode 

jenes Jahrzehnts steht. Stevie Nicks ist da 

ein wunderbares Beispiel. Die kleine, süße 

blonde Fleetwood-Mac-Sängerin trägt noch 

heute mit knapp über 60 ihren bekannten und 

vielkopierten Gypsy-Look. Man nehme einen 

Flatterrock, dessen Saum auch unterschiedliche 

Längen haben darf, oder einen Rock mit 

diverser Musterung, die von Spitzenbordüren 

unterbrochen wird. Ziehe dazu Spitze an, 

zum Beispiel in Form eines Shirts mit langen 

Spitzenärmeln, addiere 

einen (locker geschnallten) Gürtel, geschnürte 

Booties mit kleinem Absatz, eine Prise 

offene Haare, etwas von allem aus dem 


Schmuckkästchen und als Sahnehäubchen ein paar Tücher, 

die entweder ums Handgelenk, als Haarband oder um die 

Hüfte getragen werden: Fertig ist das Zigeuner-Outfit der 

etwas gehobeneren Art! Eigentlich für jeden machbar, denn 

etwas von alledem hat so ziemlich jeder im Schrank. 

as Röcke angeht – ob Mini, Midi oder Maxi, ob 

mit Stiefeln oder hohen Sandalen kombiniert, mit 

reingesteckter Schluppen-Bluse und großem Schlapphut 

oder zu Batikshirts –, waren die 70er Jahre äußerst vielfältig 

und im Gegensatz zu den Mini-versessenen 60s 

für jeden Figur-Typ geeignet. Bei einem weiteren Trend 

für Untenrum sah das schon ganz anders aus: der 

Schlaghose. Am Oberschenkel schön eng, spätestens 

auf Höhe des Knöchels dann aber mit ausladendem 

Schlag – oft sogar schon ab Kniehöhe. Mal war 

der Schlag außen bestickt, mit Spitze besetzt oder 

andersfarbig, mal war die 

Hose aus Jeansstoff, mal 

aus dem – heute wieder 

beliebten – Cord. Was dazu 

passte? Eigentlich alles. Am coolsten waren 

aber auf Bundhöhe endende oder reingesteckte 

(!) Blusen, Plateauschuhe (der Schlag 

musste im Stehen aber die Schuhe komplett 

bedecken), Westen mit Fellbesatz oder auch 

aus Wildleder mit langen Fransen. 

tliche Männer, die zuvor noch die in den 

60ern so begehrten Röhren getragen hatten, 

griffen im kunterbunten Modejahrzehnt 

wie selbstverständlich zu Schlaghosen. Sogar 

Schuhe oder Stiefel mit Plateausohlen trugen 

die Herren der Schöpfung dazu. Wie sexy 

das aussehen konnte, zeigen heute nicht nur 

Fotos, sondern auch DVDs mit Kultserien à la 

„Die Straßen von San Francisco" oder „Kojak". 

Michael Douglas als Inspektor neben seinem 

Kollegen Karl Malden? Ein Traum! Die Haare 

waren eh nicht mehr raspelkurz oder wie ein 

Pilzkopf geschnitten, sondern etwas länger, vielleicht auf Nackenhöhe 

h 

fallend. Genau richtig für frau, die gern durch die männliche Haarpracht 

streicht. Und jedesmal, wenn Michael Douglas aus dem coolen 70er- 

Jahre-Auto steigt, freut sich das Auge über die schlanken Beine in den 

wohlformenden Schlaghosen. Neben diesem hat auch ein – zugegeben 

– nicht mehr so junger und auch ohne Haarpracht agierender anderer 

US-Fernsehermittler die Schlaghose am Mann salonfähig gemacht: 

Lieutenant Kojak. Auch er trug sie mal zu gelackten schwarzen Schuhen, 

mal zu leichten Plateaus. Und beide – Douglas wie auch Telly Savallas 

in seiner Paraderolle – kombinierten einen weiteren Trend für den Mann 

beim 70s-Look: die breite und etwas kürzere Krawatte (im Gegensatz zu 

den sehr schmalen und längeren Modellen aus den 60s). Lange hielt der 

Schlaghosen-Wahn beim Mann allerdings nicht vor, wenngleich auch 

die Glam-Rocker zum Schlag griffen, da allerdings auch 

schriller, bunter, ausgeflippter. 

nd heute – nachdem die Schlaghose immer wieder 

mal mehr, mal weniger ausladend als Trend 

aufploppt – ist das Hosenmodell wieder en vogue. 

An Frauen! Die Designergrößen der Mode- 

Metropolen machen es vor: Die Damen tragen 

wieder viel Schlag. Nicht mehr so verspielt, 

nicht mehr mit komischem Spitzenbesatz oder 

bunten Figuren am Schlag, sondern wieder 

lässig-cool als pure Jeans- oder Cordhose 

in dezenten Farben. In jedem Fall 

mit Plateaus kombiniert. Aber die 

Männer? Für die ist der in den 

70er Jahren große Hosentrend 

definitiv passé. 

© Claudia Tupeit © Pressefoto 

emein? Keineswegs! Dafür sind die Parkas 

wieder da. Getragen werden darf, was die 

Military-Asservatenkammer hergibt. Grüntöne 

aller Art – von Khaki über Olivgrün bis hin zum 

wieder sehr angesagten Camouflage-Look 

– können bei Wind und Wetter in jeglicher 

Form übergezogen werden. Wer Glück hat, 

ergattert auf Londons Portobello Road Market 

oder an den Ständen des Old Spitalfields Market im 

East-End eine Originalvariante. Zum Beispiel mit am oberen Ärmelteil 

aufgestickter Nationalflagge. Die modernen Versionen, die in New York, 

Berlin oder London an It-Girls, Bloggerinnen, Mode-Redakteurinnen 

oder Schauspielerinnen zu sehen sind, haben Fellkragen oder sind innen 

warm mit Lammfell gefüttert. Sie haben Goldknöpfe, sind unterschiedlich 

lang. Aber auf keinen Fall fehlen dürfen der obligatorische Tunnelzug, 

der Reißverschluss und natürlich die nötige Attitude. Damals wie heute 

tragen Mädels ihren Parka als Stilbruch mit Doc Martens zum leichten 

Blümchenkleid oder sportlich zur Jeans. Und 

– ebenfalls damals wie heute – tragen selbst 

Männer Militärisches, die eigentlich politisch 

links stehen und stolze Kriegsdienstverweigerer 

oder erklärte Kriegsgegner sind. Wen stört’s? 

Der coole Look ist die Hauptsache. 

ährend die einen noch in den 

Ausläufern der Hippiezeit mit Flower- 

Power und überdimensionierten Sonnenbrillen 

zu Weltmucke mit dem Peace-Zeichen durch 

die Gegend liefen, sind die Trendsetter längst 

in einem anderen Zug unterwegs – mit mehreren 

Waggons: Glam, Punk und Disco. Und 

die Klamottentrends konnten unterschiedlicher 

nicht sein: Die Glam-Rocker und Disco- 

Fanatiker glitzerten und leuchteten eindeutig 

aus der Masse hervor. Je mehr, desto besser, 

lautete die Devise. Extreme Farben im Gesicht, 

jede Menge Haarspray und Schaumfestiger für 

den Schopf, Strass auf Tops, Blazern, Hosen, 

Röcken und natürlich an den Schuhen. Auf 

Hosen und Jacken Sterne oder – wie bei 

Dave Hill von Slade – kleine Schminkspiegel. Dazu bunte Shirts, die oft 

andersfarbige Blitze zierten, an den Frauen Minikleider, Miniröcke und 

Hot-Pants, aber nix mehr Wallekleid oder A-Linie wie in den 60s. Hauteng 

sollte es sein, wie ein Schlauch den Körper einhüllen. Nun allerdings weniger 

Flower-Power und fester Stoff, sondern mehr Polyesterschwitz, Seide 

und Sonstiges, was irgendwie glänzte und glitzerte. Die Glam-Rocker 

trugen weiter Schlaghosen und manchmal höhere Plateaus als Mädchen. 

Sie schminkten sich mit blauem oder grünem Lidschatten, statt Rouge 

malten sie silberfarbene oder weiße Striche über die Wangen. 

Der Lidstrich saß natürlich perfekter als bei manchem Girl. 

nhänger dieses Trends mussten improvisieren. 

Jungs, die wenigstens zu Konzerten oder 

Partys den Aufputz ihrer Idole imitieren wollten, 

mopsten die entsprechende Pflege für das 

Haarstyling und dezente Schminkaktionen Mutti oder Schwester aus 

dem Kosmetikschrank. Ach, und übrigens: Gerade die schwedische 

Gruppe Abba haben wohl die meisten sofort vor Augen, 

wenn es um den typischen Look der 70er Jahre geht, der 

von Disco- und Glam-Kleidung beherrscht wird. Aber Benny, 

Agnetha, Frieda und Björn sind – um beim Anfangsbild zu 

bleiben – in erster Linie auf den bereits fahrenden Zug aufgesprungen. 

Dafür sind ihre Klamotten extrem cool, die Schuhe 

und Accessoires stilvoll, teils exzentrisch und für so manch 

weibliches Auge nachahmenswert. Und die Designer bewiesen 

vor allem einen enormen Einfallsreichtum, weshalb einzelne 

Kreationen durchaus für Aufsehen und entsprechenden 

Nachhall sorgten. 


as Besondere an der Glam- und Disco- 

Mode damals: Für Anhänger ist der Look 

nicht nur schwer nachzumachen, sondern auch 

im Alltag auf der Straße so gut wie nicht tragbar. 

Zu extrem, zu überladen, bedenkt man 

die Phase, in der die Viva-Las-Vegas-Elvis- 

Anzüge unheimlich groß sind: Overalls, vor 

allem an Kragen und Ausschnitt über und 

über bestickt mit Goldornamenten, Strass- 

Steinchen und sonstigem Schnickschnack 

und – ganz wichtig – mit sehr tiefem 

V-Ausschnitt, der möglichst dichtes 

Brusthaar enthüllt. Diese äußerst maskuline Art 

der Männermode aus der Glam- und Disco- 

Epoche ist nicht so richtig wiedergekommen 

– bisher zumindest. Heute drücken Männer 

vermehrt ihre feminine Seite durch auffallend 

stilvolle Klamotten, blasse Farben, Frisuren aus 

dem aktuellen Damentrendkatalog aus. 

u einer wahren Sensation, die bis heute 

die Modeszene mehr als nur prägt, kam es 

schließlich Mitte der 70er Jahre. Es ging weg 

von Glam, Disco und Co., Hippies waren längst 

passé, und mit der Generation Punk sollten spätestens 

bei Anhängern und Mitläufern die in den 

70s berühmt-beliebten Zimmereinrichtungsteile 

wie Lavalampen, Flokatiteppiche, Gummibäume, 

Telefone mit Wählscheibe und psychedelisch angehauchte 

Tapeten in Orange-, Braun-, Gelb-, Weißtönen verschwinden. 

Ebenso die an Fäden aufgespannten Glasperlen, Muscheln oder Kugeln, 

die herunterhängend als eine Art Vorhang dienten und immer so schön 

rasselten, wenn man sie zum Durchgehen beiseite schob. 

ür die Damenwelt hat sich aus diesem Part der 70er wesentlich 

mehr erhalten. Vor allem mit Strass und Pailletten besetzte Kleidung 

ist seit Ende 2012 wieder enorm angesagt. Hosen in Zigarettenform, 

Blazer, Miniröcke, Clutches, High Heels und Tops – party- und selbst 

bürotaugliche Teile mussten eine gewisse Zeit glitzern. Mit Schwarz und 

Silber trumpft man auf, pastellige Töne sieht man ebenfalls. Allerdings 

ebbt der Trend schon wieder etwas ab. Glitzernde Anzüge und Flower- 

Power-Mode sind zudem äußerst beliebt bei Faschingspartys. Dieser bloße 

Gebrauch als Kostüm für die fünfte Jahreszeit wird Schnitten, Mustern, 

Accessoires, Farben und Co. der 70er allerdings nicht gerecht. Was der 

Modepart der Hippies, Glam-Rocker und Co. für die Nachwelt hinterlassen 

hat, bietet weit mehr als nur ein lustiges Outfit und reicht viel weiter. 

ie viel, das zeigt seit Februar dieses Jahres in den deutschen 

Kinos der mehrfach Oscar-nominierte US-Film „American Hustle" 

mit Bradley Cooper („Hangover"), Amy Adams und Oscar-Preisträgerin 

Jennifer Lawrence in den Hauptrollen. Eine Art Gaunerkomödie ganz 

und gar in den Kontext der 70er eingebettet, natürlich auch klamottentechnisch. 

Wer Kleider, Mäntel, Schuhe, Schmuck des Jahrzehnts upper 

class betrachten möchte – die heute mehr denn je hip sind –, muss den 

Film schauen. Und dann einfach zurücklehnen, schwelgen und in den 

nächsten Modeladen gehen: Man wird staunen, was gerade jetzt wieder 

an typischen 70s-Looks an den Puppen hängt. 

nbedingt erwähnenswert, da für die Frauenwelt revolutionär: das 

Wickelkleid. Erfunden hat’s die belgische und nach Amerika ausgewanderte 

Designerin Diane von Fürstenberg. Die stets schmale, braungebrannte 

Frau mit dem tollen Lockenschopf und den orientalischen Augen 

hat in den 70ern etwas geschaffen, das jeder Frau steht: Ob Eieruhrfigur, 

ob gerade Taille, ob großer Busen oder kleines Bäuchlein – dem gewikkelten 

Kleid mit kurzen Ärmeln, Bindegürtel zur Seite und dem obligatorischen 

Oberschenkelblitzer beim Gehen hat so manche Dame viel zu verdanken. 

Schöne Beine zaubert es zwar nicht, dafür 

umspielt es die Figur bzw. betont jeweils genau 

die richtigen Stellen. Das berühmte Wickelkleid 

erfreut sich vielfältiger Nachahmung – vor allem 

auch durch die Schneider der Kettengeschäfte. Das 

Schönste ist und bleibt aber die Originalversion by 

DvF, denn sie weiß eben um den richtigen Einsatz 

von Stoff, Farbe und Muster. 

Foto: © Jens-Uwe Berndt 

enn jetzt wurde es mit Bands wie The Damned, den Ramones, The 

Clash rau, verwegen, teilweise räudig und auf alle Fälle derb-cool. 

Die Künstler machten den Stil vor, die Fans atmeten alles ein und setzten 

ihn am eigenen Leib um. Oft so kreativ, dass die Marke Eigenbau heutzutage 

sehnsüchtig gesucht und hochdotiert 

auf Märkten oder im Internet 

feilgeboten wird. „In" war, was im 

Schrank hing. Und das war bei den 

Kindern in der britischen Arbeiterklasse 

meist nicht viel. Deshalb passte es selten 

zusammen, sah verwegen aus, war nicht selten 

kaputt und zerrissen, symbolisierte inmitten 

des hochgeschraubten Stylings der „Angepassten" n" 

die Kraft der Zerstörung 

und des sich Auflehnens 

gegen das Establishment. 

Punk war anfangs vollkommen 

unprätentiös. 

Hochwasserhosen mit 

Löchern an den Knien und 

zerfetzten Gesäßtaschen, poröse Hemden, die 

beim nächsten Slam-Dance in Fetzen flogen 

und für die nächste Party mit Sicherheitsnadeln 

zusammengehalten wurden. Viele Elemente aus 

der Skinhead-„Uniform" flossen in den Punkstil mit 

ein. Als das Ganze zu einer Welle wurde, entwickelten 

sich Wiedererkennungs-Effekte, die schon in den ausklingenden 70ern 

verächtlich den „Mode-Punks" zugeschrieben wurden: die rot-schwarz 

karierte Hose (bzw. der Rock), dazu Netzstrumpfhosen (möglichst nicht 

heil), Nietengürtel, Shirts mit ausgefransten Säumen, überall Buttons, 

Kippe im Mundwinkel, böser Blick, noch bösere Worte und zum so 

genannten Irokesenkamm geschnittene und gegelte Haare. 


eben Künstlern ist übrigens die noch heute 

schrille und wahnsinnig kreative britische 

Designerin Vivienne Westwood eine Vertreterin 

dieser Mode. Was sie trägt und kreiert, war nicht 

nur in den 70s heißbegehrt. Und das Schöne 

ist: Niemand muss lange suchen, um – inspiriert 

von Plattencovern, Konzertmitschnitten und 

Cliquenfotos von damals – authentisch punkig aussehen 

zu können. Punk ist Trend, Punk beherrscht 

die Läden. Und Punk – wie eingangs erwähnt – ist 

gerade wieder so gefragt, dass 

die großen Modeschöpfer 

die geilsten Elemente herausgepickt 

haben, um 

sie zum Grunge-Look 

zu stylen. Fertig ist die 

Modegeneration Punk 2.0. 

© Pressefoto 

© Claudia Tupeit

ERICH KÄSTNER 

Von Thorsten Pöttger 

Der 

veritable 

" Doppelschriftsteller" 

919 schrieb Kästner sich in Leipzig als Student der Germanistik und 

1Geschichte ein. Damit begann seine erste und auch produktivste Phase, 

die später durch ein Schreibverbot im Dritten Reich jedoch abrupt 

beendet wurde. 1923 wurde er als Redakteur des „Leipziger Tageblatt" 

engagiert, jedoch vier Jahre später fristlos entlassen. Ausgerechnet an 

Beethovens 100. Geburtstag war ein – für damalige Verhältnisse – frivoles 

Gedicht Kästners erschienen, das in konservativen Kreisen als Parodie 

auf den Komponisten missverstanden wurde. Seinen Namensvetter und 

Mitarbeiter Erich Ohser (e.o.plauen, Schöpfer der „Vater und Sohn"- 

Comics), der eine freche Zeichnung beigesteuert hatte, ereilte das gleiche e 

Schicksal. Dass sie aufgrund dieses Vorfalls nach Berlin umzogen, darf 

allerdings als Fortschritt für die Karrieren der beiden Freunde gewertet 

et 

werden. 

Lexi 

xika 

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n We rken 

en. 

Als ein Kind des 20. Jahrhunderts kam Erich Kästner am 23. Februar 

1899 als Sohn von Emil und Ida Kästner in Dresden zur Welt. 

Seine frühen Jahre lassen sich vorzüglich anhand der 1957 erschienenen 

Autobiografie „Als ich ein kleiner Junge war" rekonstruieren, 

deren letzter Satz in typisch lakonischer Art lautet: „Der Weltkrieg hatte 

begonnen, und meine Kindheit war zu Ende." Über seinen Vater ist 

darin allerdings genauso wenig zu erfahren wie sonst auch. Dass sich 

bis heute das Gerücht hält, nicht der Handwerker Emil, sondern der 

Hausarzt der Familie sei sein Erzeuger, unterstreicht die lebenslange enge 

Bindung zwischen Erich und seiner Mutter, der auch in den Büchern mit 

entsprechenden Figuren Ausdruck verliehen wurde. Offensichtlich sah 

Ida Kästner nach sieben Jahren Ehe in der Geburt ihres Sprösslings eine 

neue sinnstiftende Aufgabe, wie dieser in seinen Schriften bestätigte. Die 

zahlreichen Briefe an sie wurden von Kästner bevorzugt mit der Anrede 

„Mein liebes Muttchen" versehen. Und „Muttchen" ließ sich selbst dann 

noch Erichs Wäsche zuschicken, als dieser bereits sein erstes eigenes Geld 

verdiente. Um ihm eine bilderbuchartige Schullaufbahn zu ermöglichen, 

richtete sie in der Wohnung eine Frisierstube ein und trat ein Zimmer zur 

Untermiete ab – und zwar ausschließlich 

an Lehrer. Der Filius dankte ihr die 

Zuneigung und das Vertrauen, indem 

er sich als Musterknabe gab, der den Lehrerberuf ergreifen wollte. Als 

Kästner mit 17 Jahren einer Volksschulklasse Unterricht erteilen sollte, 

weil sich die Studenten älterer Jahrgänge bereits an der Front befanden, 

erkannte er jedoch, dass er „kein Lehrer", sondern ein „Lerner" war. Sein 

Interesse am Schulalltag sollte er später im berühmten Kinderroman „Das 

fliegende Klassenzimmer" ausleben. 1917 wurde dann auch er einberufen 

und kehrte erst gegen Kriegsende mit einer Herzschwäche als Folge 

der Schikanen durch einen menschenverachtenden Ausbilder aus einem 

Lazarett zurück. 

" 

Man kann auf seinem Standpunkt stehen, 

aber man sollte nicht darauf sitzen." 

Erich Kästner 

© Pressefotos 


Kästner und Ohser durchstreiften fortan die deutsche 

Hauptstadt, die Ersterer rückblickend als „interessanteste 

Großstadt der Welt" beschrieb. Sie verfassten Reportagen 

und feilten an politischen Witzen, während sie stundenlang 

in Cafés saßen. Eines Tages trat Edith Jacobsen, die Besitzerin 

des Verlags der Zeitschrift „Weltbühne", an Kästner mit der 

Anregung heran, doch einmal ein Kinderbuch zu verfassen. 

Dies war die Geburtsstunde von „Emil und die Detektive", 

das 1929 veröffentlicht wurde und den Weltruhm seines 

Autors auch dank des gleichnamigen Films begründete. Es 

ist schon sehr viel Anstrengung erforderlich, in dieser ersten 

Detektivgeschichte der deutschen Jugendliteratur keine autobiografischen 

Elemente Kästners zu entdecken. Nicht nur die Idee, eine Gruppe 

von Kindern einen Dieb überführen zu lassen, hat bis heute zahlreiche 

Nachahmer gefunden. Allein schon der Handlungsort der Großstadt 

und die Konfrontation von Kindern mit „realistischen" Begebenheiten 

unterstreichen, dass Erich Kästner kein klassischer „Märchenonkel" 

war, sondern für damalige Verhältnisse sehr modern. Illustriert wurde 

„Emil und die Detektive" von Walther Trier, der bis zu seinem Tod 1951 

auch die nachfolgenden Kinderbücher Kästners mit unverwechselbaren 

Zeichnungen versah. 

Die Aktualität des 

Autors zeigte sich 

auch in seinen anderen 

Werken. 1928 

erschien Kästners 

erster Gedichtband 

„Herz auf Taille", 

zu dem Ohser Bilder 

beisteuerte. Mit dem 

nicht von ungefähr an 

den Anfang gestell- 

Berlin 

1929 929: 9: Eri 

rich 

Kästner 

an 

seinem 

ersten eigenen Schreibtisch 

ten „Jahrgang 

1899" bekannte 

sich Kästner als 

Vertreter einer desillusionierten 

„verlorenen" Generation infolge des Ersten Weltkriegs. Für 

seine Dichtkunst insgesamt schuf er den Begriff „Gebrauchslyrik". Ruhm 

in der Nachwelt war Kästner nicht wichtig, er verstand sich als Reporter 

seines Zeitalters. Dennoch dürften sich auch heute Leser beispielsweise in 

dem Gedicht „Sachliche Romanze" wiederfinden, in dem die erloschene 

Liebe zwischen einem Paar mit einem alltäglichen Gebrauchsgegenstand 

wie einem verlegten Spazierstock verglichen wird. 

Auch in seinem Roman „Fabian – Die Geschichte eines 

Moralisten", der sich an Erwachsene wendet, kritisierte 

Kästner seine Zeit, indem er die Sorgen und Nöte 

der Angestellten in der Weimarer Republik während der 

Weltwirtschaftskrise in den Blickpunkt rückte. Die Titelfigur 

trifft in mehreren Episoden auf Personen, die den politischen 

und moralischen Verfall der Gesellschaft widerspiegeln. 

Im Vorwort schrieb Kästner, mit dem Roman vor dem 

„Abgrund", dem sich Deutschland und Europa näherten, 

warnen zu wollen. Erst im vergangenen Jahr ist das Werk 

unter dem vom ersten Verleger abgelehnten Titel „Der Gang 

vor die Hunde" und in ungekürzter Form erschienen, so, wie 

sein Verfasser es sich ursprünglich vorgestellt hatte. 

Ohne dass Kästner sich je zu einer politischen Ideologie oder 

Partei bekannt hätte, wurden auch seine Bücher mit den 

Worten „Gegen Dekadenz und moralischen Verfall, für Zucht 

und Sitte in Familie und Staat" von Reichspropagandaminister 

Goebbels am Abend des 10. Mai 1933 im Rahmen der 

Bücherverbrennung in die Flammen geworfen. Bis dahin 

hatte Kästner vier Gedichtbände, einen Roman, ein Hör- und 

Bühnenstück, fünf Kinderbücher, darunter seine erste rein 

fantastische Geschichte mit dem bezeichnenden Titel „Der 

35. Mai", sowie Verfilmungen und Bühnenadaptionen von „Emil und 

die Detektive" und „Pünktchen und Anton" veröffentlicht. Als einziger 

der betroffenen prominenten Schriftsteller weilte er dem 

Akt selbst als stiller Beobachter bei. Obwohl Kästner wähirend 

der Machtergreifung durch die Nationalsozialisten Ausland weilte, emigrierte er in der Zeit des Dritten Reichs 

nicht, sondern schlug sich während seiner zweiten wichtigen 

Schaffensperiode zwischen 1933 und 1945 mit leichter, unter 

Pseudonym veröffentlichter beziehungsweise in der Schweiz 

verlegter Unterhaltungsliteratur durch, darunter „Drei Männer 

ne 

im Schnee" mit seinen komischen Verwechslungsszenen. 

ne 

n. 

Kenner vermuten als eigentlichen Grund für sein Verbleiben ben 

in Deutschland trotz ständiger Observierung und zweimaliger 

Verhaftung allerdings weniger Zivilcourage, sondern den Umstand, dass s er 

seine Mutter nicht alleine lassen wollte. Seine Eltern überlebten den Krieg 

und starben in den 50er Jahren. 1943 lockerte Goebbels übrigens persön- 

" 

Es gibt nichts Gutes, außer man tut es." 

Erich Kästner 

lich Kästners Berufsverbot ein einziges Mal unmittelbar vor einer absoluten 

Publikationsuntersagung und ließ ihn – offiziell anlässlich des 25-jährigen 

Bestehens der Ufa-Studios – ohne namentliche Erwähnung im Film 

das Drehbuch für „Münchhausen" 

mit Superstar Hans Albers in der 

Titelrolle verfassen. 

Nach Ende des Zweiten Weltkriegs 

fand Kästner in München eine 

neue Heimat, wo er das Kabarett 

„Schaubude" mit Texten belieferte, 

die den Schwerpunkt seiner dritten 

Schaffensperiode bildeten. Aber 

auch Kinderbücher standen wieder 

auf der Tagesordnung. „Das doppelte 

Lottchen" hatte gegen Kriegsende 

bereits als Filmmanuskript in der 

Schublade gelegen und wurde 

zunächst als Buch veröffentlicht, 

Kästner mit seiner 

kretärin 

Liselottete Rasenow 

bevor der Autor selbst es erneut 

zu einem Drehbuch mit anschließender 

Verfilmung umschrieb, bei der er selbst mitspielte. 1948 entwarf 

Kästner mit „Die Konferenz der Tiere" seine antimilitaristische Utopie 

von einer friedlichen Welt und sprach sich gegen die Wiederbewaffnung 

und atomare Aufrüstung der Bundesrepublik aus. Seinem 1957 geborenen 

Sohn widmete er die letzten 

Kinderbücher „Der kleine Mann" 

sowie „Der kleine 

Mann und die kleine 

Miss" über Mäxchen 

Pichelsteiner, der in einer 

Streichholzschachtel 

schläft. Während Kästner 

Satire und Galgenhumor 

Sekr 

ansons ten seinen 

Werken für Erwachsene 

vorbehielt, weswegen 

manche Kritiker ihm eine 

„Doppelbegabung" als 

Schriftsteller sowohl 

für Erwachsene e 

als auch für deren 

Nachkommen bescheinigen, ist in diesen Alterswerken 

auch Ironie zu finden, die für Jüngere nicht einfach zu 

verstehen ist. Dennoch galt Kästners Sympathie zeitlebens 

den Kindern, deren Welt er stets als „gutartig" schilderte. 

Dass er sie beispielsweise in „Pünktchen und Anton" als 

quasi bessere, moralisch überlegene „junge Erwachsene" 

beschrieb, spricht dafür, dass er sich im Endeffekt doch 

als eine Art Pädagoge verstand. Letztlich tl ist es aber insbesondere 

Kästners klarer, natürlich-lebendiger lebe 

ndig 

iger 

Erzählstil, 

l, 

der ihm auch nach seinem Tod im Juli 1974 Generationen neuer er 

Leser 

er 

zugeführt hat. 

Zu Hau 

ause 

bei 

der 

Arbeit. 

Der Kopf 

raucht. 


Reklame für Erfrischungsgetränke 

Von Kathrin Bonacker 

Süße Brause für 

Spaßvögel & 

Sportskanonen 

Im Freien sitzen und eine Cola mit einem bunten 

Plastikhalm trinken – was für ein Fest! " 

Cola": Das 

war zu Beginn der 70er Jahre beim Essengehen 

oder als große Ausnahme zum Kindergeburtstag 

in der guten Stube noch ein echtes Zauberwort 

in Kinderohren. Dabei spielte es keine Rolle, ob 

es sich um Sinalco-Kola, Afri-, Pepsi- oder Coca- 

Cola handelte – und Club-Cola kannten wir im 

Westen noch gar nicht ... Der Prickel und das 

Überschäumen waren in jedem Fall reizvoll, 

auch später die ersten klebrigen Versuche 

beim Trinken aus der Dose! Wer aber das 

Rennen um die kleineren oder größeren 

Kunden machen wollte, der musste sich in 

Sachen Werbung ganz schön was einfallen 

lassen: Die Konkurrenz schlief nicht!

Was gab 

es hier zu Lande eigentlich Mitte des 20. 

Jahrhunderts zu trinken? Vielleicht Wasser, Milch oder 

Pfefferminztee, je nach Familiengewohnheit, Geschmack 

oder Geldbeutel. Und nichts Süßes? Doch! Früchtesirup wurde mit 

Wasser verdünnt, und für alle Süßschnuten gab es auch schon sehr 

lange Limonade (aus Wasser, Zitronensaft und Zucker), seit dem 19. 

Jahrhundert bereits mit Kohlensäure angereichert. 

Ab 1929 trat dann die amerikanische 

Firma Coca-Cola auch in Deutschland 

ihren Siegeszug an. Das koffeinhaltige 

Cola-Getränk war in den USA bereits seit 

langem etabliert und enthielt zwar noch 

Kolanuss als Koffeinlieferant, aber dann 

doch kein Kokain mehr. Der vormals in die 

Kritik geratene Inhaltsstoff des Erythroxylums 

(Coca-Blätterextrakt) lieferte jetzt nur noch 

Koffein. Die Essener Vertriebsgesellschaft für 

Naturgetränke, die von da an Coca-Cola in 

unseren Breiten vertrat, produzierte ab 1940 

in derselben Fabrik zusätzlich übrigens auch 

die neu entwickelte Orangenlimonade Fanta, 

so dass beides in der Nachkriegszeit bereits 

eingeführt war. Ein Werbefachmann schrieb 

über diese frühen Jahre von Coca-Cola in 

Deutschland: „Coca-Cola war eines der ersten 

Produkte, für das konsequent mit dem amerikanischen 

Way of life geworben wurde" 

(Kriegeskorte, S. 164). Die lachenden Cola- 

Trinker waren in Freizeitsituationen abgebildet, 

und der langjährige Slogan hieß Mitte der 

50er bis Anfang der 60er Jahre: „Mach mal Pause ..." Wer frei hatte 

und sich mit Freunden und Familie traf, der sollte Cola trinken: Die 

Rechnung ging g auf! 

Um ebenfalls in diesem 

Sektor zu punkten, 

ergänzte die westfälische 

Traditionsfirma 

Sinalco das althergebrachte 

Limonadengetränk ihrerseits 

um Sinalco-Kola, 

denn wer auf sich hielt, 

bot das Duo zur Auswahl: 

Pepsi hatte Mirinda dabei, 

und Afri-Cola bot Bluna 

als Orangenbrause. Aber 

auch wenn vielleicht der 

orangene Sprudel oder eine 

schlichte Apfelschorle viel 

besser schmeckten, so war 

doch der Reiz des Seltenen 

enorm viel größer, und das Cola-Image bestimmte über das 

Firmenschicksal. 

Der Kampf zwischen Coca-Cola und Pepsi war inzwischen 

schon etabliert: Neben Preiskämpfen kam es 

immer wieder zu aggressiver vergleichender Werbung – das 

Ganze hieß in der Branche schlicht der „Cola-Krieg". Für 

die Verbraucher zeigten Lokale direkt mit dem Logo auf 

der Speisekarte, wessen Schanklizenz sie hatten: Sinalcos 

schräger Schriftzug im roten Punkt, Pepsis blau-weiß-roter 

„Globus", Coca-Colas rot-weißer Schriftzug oder Afris 

Palmenbild auf schwarzem Grund versprachen die Brause, 

auf die die Kinder hofften. In der DDR dagegen gab es 

zunächst noch die seit 1958 produzierte Vita-Cola (die laut 

Fünfjahresplan die Versorgung der Bevölkerung mit alkoholfreien 

Getränken verbessern sollte), ab 1967 wurde diese 

von der legendären Club-Cola ergänzt. Reklame hierfür war 

nicht nötig. Die Marktführer im Westen hingegen überboten 

sich 

bei ihren Werbekampagnen in der Kategorie „Gute Laune" und 

beteuerten, der Geschmack sei jeweils einzigartig. 

Einzigartig war jedenfalls der Fotograf Charles Wilp, der ab 

1968 für Afri-Cola und Bluna so provozierende Bilder machte, 

wie sie in dieser Frechheit erst wieder Oliviero Toscani (ab 1982 für 

Benetton) bot. Wilp arbeitete mit Effekten wie vereisten Scheiben 

und künstlichem Nebel. Die aufreizend bekleideten Models wurden 

in Zusammenhänge gebracht, die sofort für 

Aufmerksamkeit sorgten – so inszenierte er 

Afri-Cola beispielsweise als Rausch erzeugende 

Droge. Dazu gab es 1969 sogar 

eine Schallplatte mit „Afri-Rauschmusik" als 

„Super-Single" für 4,95 DM bei Afri-Cola in 

Köln zu erwerben – die Bilder verknüpften 

ungeniert Erotisches und Revolutionäres mit 

dem simplen Süßgetränk. 

Die Kampagne spielte mit Worten, 

und anstelle der üblichen ernsten 

Werbetexte entstanden beinahe sinnfreie 

Comic-Sprachkollagen wie „sexy – 

mini – super – flower – pop-op-cola". Im 

Werbefernsehen lief ein Wilp-Spot, der den 

„Afri-Cola-Rausch" an attraktiven „Nonnen" 

in weißen Hauben demonstrierte: „Untermalt 

mit psychedelischer Musik drücken junge 

Damen in keuschen Ordenstrachten lechzende 

Zungen und brauselüsterne Körper 

an vereisten Glasscheiben platt", beschrieb 

es der Werbeforscher Hars und betonte den 

Effekt fe 

der 

Kampagne: „Die Umsätze stiegen wunschgemäß um 40 

Prozent" (Hars, S. 24/25). 

Für Bluna erdichteten die Werbetreibenden gar einen verrückten 

Mythos: Dazu gruppierte Wilp jeweils „7 Jungfrauen" in 

einem dunklen Raum – meist in ganz und gar nicht jungfräulicher 

Gewandung –, die sich „bei Vollmond" trafen, um Bluna herzustellen. 

Damit war auch das zweite Standbein der Afri-Produktion mit 

auffälliger Reklame versorgt. Für eine Bosco-Bitter-Anzeige dagegen 

(das Tonic des Konzerns) posierte dann eine boxende Frau, die 

frech in Wilps Kamera schaute. Typisch für diese Zeit: Der unauffällige 

Mann neben ihr hat sogar einen Helm auf, sie dagegen ist 

barbusig und trägt die Haare offen. Motto: Frauen dürfen gern stark 

sein, so lange sie sexy bleiben! 

Charles Wilp selbst war ein schillernder Held der Werbewelt. 

1932 im Ruhrgebiet geboren, kam er nach einem Studium in 

Paris und als Schüler des US-amerikanischen Fotografen Man Ray 

nach Deutschland zurück, schuf in den 60ern und 70ern neben den 

erwähnten Kampagnen auch eine für Puschkin-Wodka sowie 

die berühmte VW-Serie („Er läuft und läuft ...") und stellte 


1972 

unter dem 

Titel „Konsumrealismus" mus" 

auf der Documenta in 

Kassel aus. Während sonst allenfalls die Agentur als solche bekannt 

wurde, stand bei seinen Werken zum Beispiel: „letzte meldung – 

stop – im bosco-bitter-ring fotografierte charles wilp lolly boxer" 

ausdrücklich dabei. 

Sinalco ließ sich da nicht lumpen und warb für seine Kola ab 

1969 mit einer aufblasbaren Plastikpuppe namens Rita in 

schreienden Farben, die als „lebensgroße Party-Puppe" auf Anzeigen 

und Plakaten angepriesen wurde. Die Slogans lauteten anzüglich 

„Call-Girl" oder „Rita ist lieb", und der Text erläuterte dazu: „Rita 

hat den größten Erfolg auf Partys, Festchen, im Café, im Hörsaal und 

am Arbeitsplatz. Und besonders bei Demonstrationen." Die kesse 

Dame konnte für 6,60 DM bestellt werden und war bis 1972 im 

Einsatz. Über ihre politischen Erfolge ist allerdings nichts bekannt ... 

Am Ende bekam sie Gesellschaft von einer ebenso poppigen männlichen 

Puppe, die schwarzhaarig 

eine lange Mähne und 

Schnurrbart zu knallroten 

Lippen trug. 

Neben 

Orangen- 

Limonade und Cola 

hatte der Markt aber auch 

noch Platz für das zitronige 

Süßgetränk, das beinahe 

in Vergessenheit geraten 

war: Von den Marktführern 

mit neuen Namen und einer 

Kampagne versehen, starteten 

mehrere Produkte in 

den 60ern neu durch. Sprite 

bedeutet im Englischen Elfe oder Kobold – jedenfalls 

steht es für einen Naturgeist, besonders gern in der 

Form des „water sprite" (Wassermann) benutzt. Seine 

Entwicklung ist deshalb interessant, weil es, ursprünglich 

in Deutschland als Fanta Klare Zitrone entwickelt, 

1959 auf den Markt kam und 1961 unter dem Namen 

Sprite in den USA eingeführt wurde, wo es 7 Up 

Konkurrenz machte. Ab 1964 produzierte Pepsi dann 

Teem, um wiederum Coca-Colas Sprite etwas entgegensetzen 

zu können. Diese Zitronenlimonade setzte sich 

aber in Deutschland nicht durch, während sie in den 

USA und Kanada bis in die 80er Jahre zu bekommen 

war. Sprite hatte da entschieden mehr Erfolg. 

Der deutsche Limo-Klassiker Sinalco musste der 

Konkurrenz nun beweisen, dass die Moderne auch 

hier zu Lande Einzug gehalten hatte, und brachte eine 

beispielhafte Pop-Art-Kampagne heraus: Ganz im Comic- 

Stil der Bilder von Andy Warhol oder Roy Lichtenstein 

zeigten die Werbegrafiken immer mit „Plop!" eine 

fröhliche Person beim Kronkorken-Abhebeln. Die bunten 

Punkte des Siebdruckverfahrens blieben dabei als 

Stilmittel sichtbar. Wichtiger aber für den Erfolg der 

Firma war sicher der bekannte Jingle „Die Sinalco 

schmeckt, die Sinalco schmeckt, die Sinalco-nalco-nalco 

schmeckt ...", der an den „Flohwalzer" angelehnt war, 

den jedes Kind als erstes auf dem Klavier klimpern kann. 

Kein anderes Erfrischungsgetränk hat einen solchen 

Schlager gelandet wie Sinalco 1979 ... 

Da eines der Erfolgsrezepte der Erfrischungsgetränke 

ihre Eignung zum Mixen mit Alkoholika war, ließ 

sich darüber hinaus die bittere Variante noch ergänzen. 

Ein Mixgetränke-Buch der 70er Jahre erläuterte 

die Qualität dieser meist chininhaltigen Limonaden: 

„Besonders zum Purtrinken, aber auch mit einem Schuss 

Gin, Wodka, Weinbrand, Cognac u.ä. sind die bitteren 

Limonaden ein echtes Labsal. Die üblichen trüben und 

wasserklaren Limonaden sind für die Hausbar nicht so gut geeignet, 

da sie oft ein wenig künstlich schmecken" (Martin, S. 13). 

Allen voran gingen dabei Schweppes und Kinley. Kinley setzte 

auf das Prinzip, das sich auch einige Mineralwasser-Hersteller 

zueigen machten: Exklusivität und den edlen Auftritt. Der Slogan 

„Geschmack hat einen Namen" geht mit der Präsentation der 

Getränke auf einem Silbertablett einher: Der Arm des Servierenden 

steckt in dunklem Stoff mit weißer Spitzenmanschette, ein weißer 

Handschuh macht den Auftritt als herrschaftliches Dienstpersonal 

(dessen Gesicht selbstverständlich nicht sichtbar ist) perfekt. 

Diejenigen, die die „anregend-schönen Stunden" mit Kinley genießen, 

sitzen und stehen in einem hohen, mit Gemälden dekorierten 

Raum. Diese Kampagne war eher traditionell gehalten und spielte 

grafisch mit den dekorativen Elementen des Jugendstils, die gerade 

bei Nostalgikern en vogue waren.

Die Schweppes-Kampagne dagegen war für die Werbung besonders 

spannend, da sie einen ganz anderen Mechanismus nutzte. 

Hier gab es Grund zum Schmunzeln! Das Prinzip war einfach: 

Schweppes wurde als spezifisch britisches Produkt von einer Person 

dargeboten, die ganz eindeutig einen echten 

Spleen hatte. Immer untertitelt mit der Zeile: 

„Er ist Schweppes-Trinker." Diese Spleens 

konnten ganz unterschiedliche Ausrichtungen 

haben, vor allem aber bekamen die Helden 

der Anzeige stets Orden für ihre Verdienste 

verliehen oder wurden zum Ritter geschlagen: 

Einer dressierte Pfauen und wurde dafür zum 

„Knight Of The Golden Bird", der Nächste 

erfand den „seitenwindunempfindlichen 

Poloball" und bekam dafür den Sattel-Orden. 

„Sir Reginald und Lady Anthea Ponsonby" 

bekamen den Pfotenorden („Order Of The 

Paw") für ihre Beagle-Liebe, eine „Denkschrift 

über die Wachstumsgeräusche englischen 

Rasens" machte ihren Entwickler zum stolzen 

Träger des „Order Of The Greens", für das 

„Verzeichnis englischer Schlossgeister" gab es 

das „Blue Band Of The Midnight", und 1971 

wurde gar „Gordon Thistelthwaite" für seine 

„33-stündige Rede über die kommerzielle 

Nutzung des Londoner Nebels" zum „Master 

Of The Lip" ernannt. Es war klar: Wer Schweppes pes trank, der verfügte 

über besondere Talente, die nicht jeder besaß, oder hatte zumindest 

Ideen, auf die keiner kam! Originalität war ein Wert an sich, und diese 

Kampagne brachte die Leser zum Kichern. 

Ganz anders dagegen die Zielgruppe, der sich Coca-Cola in den frühen 

70er Jahren zuwandte: Bei Coke hieß der Slogan „frischwärts", 

und gezeigt wurden Gruppen junger Leute bei Spiel und Sport. Die 

einen sprangen von einem Felsen ins Meer, die anderen fuhren in einem 

völlig 

überladenen en Jeep durch die Landschaft, die Nächsten spielten 

Boule, in wildem Wasser wurde gepaddelt, im Schnee fuhren 

sie Schlitten und fielen lachend herunter. Sportliches 

Vergnügen in der Gruppe war das Thema, und auch in der 

Lift-Reklame stand der Sport im Vordergrund, allerdings 

war es immer eine im Mittelpunkt stehende Einzelperson, 

die ihren „atemlosen 

Durst" mit Lift „wegzischte". 

Beim Tennis 

wie beim Fechten, 

Sprinten, 

Motocross 

oder Radfahren hieß es 

jeweils über das Getränk 

mit der „Löschkraft der 

Zitrone": „Jetzt Lift, 

und weg ist der Durst." 

Bei dieser Hinwendung 

zur professionelleren 

Variante des Sports 

war es nur konsequent, 

dass Coca-Cola 1984 sogar 

Hauptsponsor der Olympischen 

Spiele in Atlanta wurde. Afri-Cola 

hatte sich bereits Anfang der 60er Jahre als 

Sponsor eines es deutschen 

en 

Radrennens versucht, denn die Betonung all 

dieser Brausen lag immer auf der Erfrischung 

und vor allem der Alkoholfreiheit des Produkts. 

Parallel dazu trugen alle Getränke hersteller 

seit dem Ende der 70er dem wachsenden 

Gesund- 

h 

e i t s - 

bewuss tsein 

Rechnung 

und entwi- 

c k e l t e n 

kalorienarme, 

womöglich 

zuckerfreie 

Light- 

Produkte 

– hübsch 

präsentiert 

von besonders 

schlanken, 

sonnengebräunten 

Models, gerne mit 

Handtuch um die Schultern. Sie zeigten, 

dass es Erfrisch ungsge tränke 

passend zu ihren durchtrainierten 

Körpern gab. 1978 trank eine junge 

Frau am Pool bereits kalorienarmes 

Diät-Lift (zum Slogan „Schlank ist 

schön"), und 1987 gab es konsequenterweise 

Coca-Cola-Light- 

Designer-Badeanzüge zu gewinnen. 

An dieser Prioritätensetzung 

im Getränkesektor hat sich bis 

heute nicht viel geändert: Wer 

Limonade verkaufen will, darf nie, 

niemals und auf gar keinen Fall 

von Zucker reden! 

LITERATUR: 

– " 

Werbung in Deutschland 1945–1965", 

1965" 

Michael Kriegeskorte, DuMont Verlag, 1992 

– " 

Lurchi, Klementine & Co. – Unsere Reklamehelden 

und ihre Geschichten", Wolfgang Hars, Argon Verlag, 2000 

– " 

Das große Buch der Mixgetränke", 

Henry Martin, Vehling Verlag, 1977

Spiel ohne Grenzen 

Wie der 

Straßenfeger 

einst die ganze 

Familie vor 

dem Fernseher 

vereinte 

Von Oliver Schuh 

Camillo Felgen im Clinch mit den Juroren 

So holt man sich eine Gesäßprellung 

Nilpferde sahen früher irgendwie anders aus 

" 

Wer stürzt oder sich sonstwie 

verletzt, muss gegebenenfalls 

aus dem Bild kriechen. Es werden 

keine Leidenden auf dem Bildschirm 

gezeigt!", lautete die eindeutige 

Regieanweisung zur ARD-Show Spiel " 

ohne Grenzen" aus dem Jahr 1973. Bis 

dahin war in der Sendung bereits so mancher 

schmerzhafte Zwischenfall zu beobachten gewesen. 

Selten jedoch in Großaufnahme, sondern meist in der 

Totalen. Schmerzverzerrte Gesichter waren damals, 

sofern sie nicht in einem Krimi gezeigt wurden, noch 

nicht telegen ... 

Sehnenteilanrisse, 

Kopfverletzungen, 

Schürfwunden, Gesäßprellungen – um 

die zahlreichen körperlich anspruchsvollen 

Aufgaben bei diesem legendären 

Städtewettbewerb zu bewältigen, 

waren echte Nehmerqualitäten erforderlich. 

Wasser und Schmierseife gehörten 

zu den Hauptkomponenten der Spiele, 

Schadenfreude, wenn sich jemand flachlegte, 

war programmiert. Der spätere Moderator 

Heribert Faßbender erinnert sich: „Wir nannten 

das damals intern die Schmierseifen- 

Olympiade." Auch der Begriff „Kasperspiele" 

ist überliefert, wird der Veranstaltung aber nicht 

gerecht, weil hinter dem Spaß ganz offensichtlich 

große Anstrengungen der Amateur-Gladiatoren steckten, 

die auf keinen Fall unter den Tisch fallen dürfen. 

Die Konkurrenten schossen sich gegenseitig mit überdimensionalen 

Wasserpistolen von rutschigen Brettern, mussten in albernen 

Straußenkostümen einen Hindernis-Parcours überwinden, flogen aus 

sich stetig beschleunigenden Karussells, hatten auf sich drehenden 

Mühlrädern das Gleichgewicht zu halten oder Campingstühle durch den 

Swimmingpool zu tragen. 


Und das alles am Samstag um 15 Uhr 

– eine heute undenkbare Prime Time 

für eine Unterhaltungsshow – im Ersten, 

Privatfernsehen gab es noch nicht. Ein 

Pflichttermin für große und kleine Zuschauer: 

Die komplette Familie, von den Großeltern 

bis zum jüngsten Nachwuchs, versammelte 

sich vor dem Fernsehgerät und fieberte mit. 

Der verhinderte Opernsänger und Frühzeit-DJ 

Camillo Felgen, der die Sendung von 1965 

bis 1973 satte 125 Mal moderierte (nachdem 

Erstmoderator „Klettermaxe" Armin Dahl die 

Debütsendung versemmelt hatte), begrüßte das 

Publikum stets auf seine jovial-charmante Art, 

um nachfolgend Städteteams aus Duderstadt, 

Schliersee oder Radevormwald die Gelegenheit 

zu geben, sich immer wieder gepflegt auf die 

Schnauze zu legen. Aber um es noch einmal 

deutlich zu sagen: Die Show galt in erster 

Linie als sportlicher Wettkampf und noch nicht 

so sehr als „Brot und Spiele"-Belustigung für 

sensationsgeile TV-Zuschauer, denen kein Kick 

zu derbe sein konnte. (In Zeiten von nur zwei 

öffentlich-rechtlichen Fernsehprogrammen gab 

es Letzteren übrigens auch in begrifflicher 

Hinsicht noch nicht.) 

Spiel ohne Grenzen" war zudem die einzige 

Unterhaltungssendung jener Zeit, 

„ 

die neben dem „Grand Prix Eurovision de 

la Chanson" international ausgerichtet war. 

Europaweit lief sie in ganz verschiedenen 

Ländern etwa unter den Namen „It’s A 

Knockout" oder „Jeux Sans Frontières" wie 

auch unter „Games Without Frontiers" (zu allen dreien höre auch Peter 

Gabriels gleichnamigen 

80er Song 

"Games Without 

Frontiers"), „Giochi 

senza frontiere", 

„Spel zonder 

grenzen" u.a. 

Mittwochabends 

gab es dann alle 

paar Monate 

die internationale 

Finalrunde, 

an der regelmäßig „ 

Deutschland, die Schweiz, 

Großbritannien, Frankreich 

(Charles de Gaulle war 

ein großer Fan der 

Sendung, weil er darin ein 

Aufeinander-Zugehen der 

Europäer sah), Italien, die 

Niederlande, Belgien und 

später auch Portugal und Jugoslawien teilnahmen. Diese internationale 

Veranstaltung wurde ebenfalls im Rahmen der Eurovision live übertragen. 

Übrigens: Deutschland hat das Gipfeltreffen (vor Portugal) am 

häufigsten gewonnen. 

Das Besondere an der Idee von „Spiel ohne Grenzen" war sicher auch, 

dass der Zuschauer es hier nicht mit den üblichen Supersportlern 

zu tun bekam, sondern mit relativ normalen Menschen aus einer Stadt 

wie seiner eigenen, die relativ normale Menschen aus einer anderen Stadt 

im lustigen Wettstreit zu bezwingen versuchten. Wut und Enttäuschung 

waren selten auszumachen, denn die Teilnehmer blieben meist anonym 

und wurden nur als Städteteam wahrgenommen – es sei denn, einer 

der Mitwirkenden hatte gerade Außergewöhnliches geschafft, war zum 

Beispiel über die meisten liegenden Kamele gesprungen oder hatte mit 


dem Rhönrad einen Parcours bewältigt, der – 

genau! – mit Schmierseife präpariert war. 

Der Aufwand für die Spiele war 

enorm, trotz immer wiederkehrender 

Spielmuster: Manchmal benötigte man über 

20 Lastwagen, um die ganzen Requisiten 

und Bühnenteile an den Austragungsort zu 

schaffen. Ein Elefantenrennen wollte eben 

gut vorbereitet sein. Auch die Kamerateams 

hatten dementsprechend zu jener Zeit einen 

sicheren Job und kamen viel herum. 

Tricksereien, wie sie sich die Italiener und 

Holländer beim Finale in Verona 1970 

erlaubten, waren allerdings nicht unbedingt 

eine Seltenheit. Selbst die spätere Weitsprungund 

Staffel-Olympiasiegerin Heide Rosendahl, 

die sozusagen als Geheimwaffe für 

Radevormwald angetreten war, hatte mit 

Turnschuhen im Wettlauf bei strömendem 

Regen gegen die Spikes des im Pferdekostüm 

angetretenen niederländischen Kontrahenten 

keine Chance. Kommentar Faßbender: 

„Das Ganze lief immer unter Ausschluss 

des Rechtsweges, und das war gut so." 

Nicht zuletzt auch die Olympionikin bestätigt 

heute: „Wir hatten einfach unseren Spaß." 

1973 gab Camillo Felgen die Spielleitung 

ab. In einem späteren „Stern"-Interview 

gab er als Grund an, er habe das Gefühl 

gehabt, sich ständig zu wiederholen und 

bei steigender Gage immer weniger Leistung 

bringen zu müssen. Auch ein löblicher Ansatz, aber nur konsequent für 

jemanden, der Beatles-Texte eindeutschte – aus seiner Feder stammen 

"Sie liebt dich" und "Komm gib’ mir deine Hand". Nur ein Jahr später 

entschloss sich sein 1968 eingestiegener Co-Moderator Timm (später 

geändert in das bekannte Frank) Elstner, der übernommen hatte, zum 

gleichen Schritt, um seine Fernsehkarriere mit den „Montagsmalern" 

zu befeuern. Auch die Nachfolger Heribert Faßbender, Marie-Louise 

Steinbauer, Erhard Keller etc. hatten dann sicher keine Schuld am allmählichen 

Niedergang der TV-Show, vielmehr war es der finanzielle 

Zwang der unterschiedlichen Sender, denen die Kosten mit der Zeit über 

den Kopf wuchsen. 

Spiel ohne Grenzen" war eigentlich nie richtig tot, aber das anhaltende 

Siechtum der Städtewettbewerbe ist nicht zu leugnen. Es 

gab Wiederbelebungsversuche wie 1989 mit Michael Schanze (nach vier 

Folgen im Abendprogramm wieder abgesetzt) oder als Samstagabend- 

Event unter dem neuen Titel „Deutschland Champions" mit dem fragwürdigen 

Gerd Rubenbauer, die große Zeit der Sendung schien jedoch ab 

einem bestimmten Zeitpunkt endgültig vorbei. 2011 kam dann allerdings 

ProSieben auf die Idee, mit dem jungen, hippen Team Joko Winterscheidt/ 

Klaas Heufer-Umlauf und der Action-Show „17 Meter" einen Studio- 

Aufguss ins Rennen zu schicken, in dem zwar keine Städte mehr gegeneinander 

antreten, 

sondern kleine 

Teams, deren 

Aufgaben aber 

im Wesentlichen 

einer weitaus 

abgründigeren Art 

von Humor entspringen 

als die, 

die „Spiel ohne 

Grenzen", das 

Original, einstmals 

so beliebt 

gemacht haben ... 

1989 in Bad Salzuflen mit Moderator 

Michael Schanze

DAS JAHR 1974 

Von Bernd Matheja 

Tor durch Gerd Müller – 2:1 

im WM-Finale gegen die Niederlande 

Willy Brandt 

Elisabeth Wiedemann, Heinz Schubert 

Brandt stürzt – 

Müller trifft – 

Tetzlaff pöbelt 

... und vier Schweden krempeln 

die Pop-Welt um 

1974 

ZEITGESCHEHEN 

Ab 1.1. gilt das neue Autokennzeichen DDR. *** In der BRD wird die 

Preisbindung für Markenartikel aufgehoben. *** Schweden verbietet 

am 2.1. sämtliche Reklamebeleuchtungen, um Strom zu sparen. *** Neuer 

Vorsitzender der Freien Deutschen Jugend 

(FDJ) wird Egon Krenz (37; 10.1.). *** 

Am 14.1. untersagt China die Aufführung 

der „bourgeoisen" Musik von Ludwig van 

Beethoven. *** Der Bundestag verabschiedet 

das Immissionsschutzgesetz vom 18.1. 

(u.a. gegen Lärmbelästigung, Gestank aus 

Müllverbrennungsanlagen). *** Die Stadt 

Koblenz ordnet „angemessene" Frisuren für 

Polizeibeamte an (29.1.). *** Am 3.2. wird 

in Rio de Janeiro der Posträuber Ronald 

Biggs elf Jahre nach dem legendären 

Zugüberfall festgenommen. *** Ab dem 

12.2. werden in Spanien Bürger angezeigt, 

die das Magazin „Playboy" zeigen oder in Umlauf fbi bringen. *** Elf Prozent 

Abb 

ba 

Fußball-WM im eigenen Land, 

in dem ein DDR-Spion auffliegt, 

der den Kult-Kanzler kippt. 

Im englischen Brighton startet 

eine gigantische Musikkarriere. 

Und in einer miefigen 

Siedlungsbude in Wattenscheid 

stänkert sich ein laufender 

Meter namens Alfred in die 

Herzen des bundesdeutschen 

Fernsehpublikums. 

Lohnerhöhung für den Öffentlichen Dienst in der BRD ab 13.2. *** 4.3.: 

Entführung der US-Verlegertochter Patricia Hearst. *** Ab 9.3. setzt die 

Bundesbahn erstmals Computer für die Steuerung von Signalanlagen ein. 

*** 15.3.: Das US-Justizministerium verklagt den Bundesstaat Louisiana 

wegen der Rassentrennung an den dortigen Universitäten. *** Die britische 

Prinzessin Anne (24) entgeht in London einem Attentat. *** 22.3.: 

In Helsinki unterschreiben sieben Ostsee-Anrainerstaaten ein Abkommen 

zum Schutz des Meeres. *** Arbeitnehmer in Hamburg erhalten ab 1.4. 

erstmals Bildungsurlaub (14 Tage, alle zwei Jahre). *** Am 10.4. tritt die 

israelische Ministerpräsidentin Golda Meir (76) zurück. *** 18.4.: Nach 

einem Banküberfall mit Geiselnahme wird in Hamburg erstmals der „finale 

Rettungsschuss" gegen den Täter praktiziert. *** 23.000 Bundesbürger 

leben im April mit einem Herzschrittmacher 

(weltweit: 150.000). *** In Bonn wird am 

24.4. der DDR-Spion Günter Guillaume 

festgenommen. Die Folge: Rücktritt von 

Bundeskanzler Willy Brandt am 6.5. *** 

Ab 1.5. führt das Kraftfahrtbundesamt 

in Flensburg die Verkehrssünderkartei 

Helmut Schmidt 

ein. *** 2.5.: Einrichtung der Ständigen 

Vertretungen beider deutscher Staaten in den jeweiligen Hauptstädten. *** 

Am 15.5. wird Walter Scheel neuer Bundespräsident, am Tag darauf tritt 

Helmut Schmidt die Nachfolge von Willy Brandt als Bundeskanzler an. 

*** Am 18.5. wird Valérie Giscard d'Estaing französischer Staatspräsident. 

*** 23.5.: 25 Jahre Bundesrepublik. *** Ab Ende Mai kommt es zu 

Straßenschlachten in Frankfurt/Main wegen erhöhter Fahrpreise im 

Nahverkehr. *** In der BRD leben jetzt rund vier Millionen ausländische 

Mitbürger. *** 18.6.: Verbot von Werbespots für Tabakprodukte 

im Radio und TV. *** 21.6.: Erhöhung der Ausbildungsförderung für 

Foto: © Bubi Heilemann/www.rockfoto.de 


Studenten und Schüler. *** Die beiden französischen Autohersteller Citroen 

und Peugeot fusionieren am 24.6. *** 26.6.: Schließung der renommierten 

Kölner Privatbank Iwan D. Herstatt wegen Überschuldung. Aus 

einem „Feuerwehrfonds" erhalten 35.000 Sparer Einlagen zurück. *** 

Ab 1.7. steigen in der BRD die Altersrenten um 11,2 Prozent. *** 15.7.: 

Militärputsch auf Zypern, Erzbischof Makarios geht außer Landes. 

*** Am 16.7. geht der bis dahin größte Atommeiler der Welt in Biblis 

(Hessen) ans Netz. *** US-Präsident Richard Nixon tritt am 9.8. wegen 

der Watergate-Affäre zurück. Sein Nachfolger wird Gerald Ford. *** 

4.9.: Die USA und die DDR nehmen diplomatische Beziehungen auf. 

*** Äthiopiens Kaiser Haile Selassie I. wird am 12.9. nach 44-jähriger 

Regentschaft vom Militär abgesetzt. *** 14.9.: Die DDR-Staatsbank 

bringt die neue „Mark der DDR" in Umlauf. 

*** Hans-Dietrich Genscher wird am 1.10. 

zum Bundesvorsitzenden der FDP gewählt. 

*** Der Nordire Séan MacBride, ehemals erster 

Präsident von Amnesty International und Außenminister seines Landes, 

erhält den Friedensnobelpreis. *** Am 14.10. eröffnet der schwedische 

Möbelhersteller Ikea seine erste Filiale in der BRD in Eching bei München. 

*** 23.10.: Einweihung des Flughafens Berlin-Tegel. *** RAF-Mitglied 

Holger Meins stirbt am 9.11. an den Folgen seines 

im 

September begonnenen Hungerstreiks. *** Die 

Autorin Ester Vilar fordert am 12.11. die Wehrpflicht 

für Frauen in der BRD. *** Am 25.11. implantiert der 

Chirurg Christiaan Barnard in Kapstadt einem 

Menschen erstmals ein zweites, zusätzliches Herz. 

*** Am 30.11. wird Manfred Rommel zum Stuttgarter Oberbürgermeister 

gewählt – er bleibt 22 Jahre im Amt. *** Gründung der Fernuniversität 

Hagen am 1.12. *** Am 13.12. wird Malta unabhängige Republik. *** Das 

Fernmeldetechnische Zentralamt in Darmstadt startet am 22.12. einen 

Feldversuch, bei dem Telefonwahlscheiben durch Tastaturen ersetzt 

werden. *** 26.12.: Einweihung des neuen Tunnels unter der Elbe in 

Hamburg. Länge: 3,3 Kilometer. *** Das Weltwirtschaftswachstum geht 

1974 von 6,5 (Vorjahr) auf 1,5 Prozent zurück. *** 

1974 

SPORT 

Top-Thema aus deutscher Sicht: die Fußball-Weltmeisterschaft im eigenen 

Land, bei der sich der Gastgeber im Finale am 7.7. in München 

durch Tore von Paul Breitner und Gerd Müller mit 2:1 gegen die 

Niederlande durchsetzt. Im Verlauf des Turniers kam es zum einzigen 

Länderspiel gegen die DDR, das die BRD am 22.6. in Hamburg mit 

0:1 verlor. Torschützenkönig mit sieben Treffern wurde Grzegorz Lato 

(Polen). *** Box-Höhepunkt des Jahres wird 

der als „Rumble In The Jungle" bezeichnete 

WM-Kampf im Schwergewicht zwischen 

Muhammad Ali und George Foreman (30.10. 

in Kinshasa, Zaire). Ali siegte und nahm seinem 

Gegner den Titel ab, den dieser am 26.3. in 

Caracas von Ken Norton gewonnen hatte. *** 

Ein Fabelspieler beendet seine Fußballkarriere: 

Edson Arantes do Nascimento, genannt Pelé, 

Pelé 

macht am 3.10. in Sao Paulo Schluss. Er wurde 

mit Brasilien 1958, 1962 und 1970 Weltmeister, bestritt 92 Länderspiele 

(77 Treffer). In insgesamt 1363 Pflicht- und Freundschaftsspielen erzielte 

der „beste Fußballer der Geschichte" 1281 Tore ... *** Neuer Präsident 

des Deutschen Sportbundes wird am 24.5. Willi Weyer. *** Am 21.7. 

erringt Hartwig Steenken mit Simona im englischen Hickstead den 

Weltmeistertitel im Springreiten. *** BRD-Meister im Fußball wird zum 

dritten Mal in Folge der FC Bayern München. Den DFB-Pokal holt 

sich Eintracht Frankfurt in Düsseldorf gegen den HSV. *** Die DDR- 

Meisterschaft 1973/74 entscheidet der 1. FC Magdeburg für sich, den 

FDGB-Pokal gewinnt der FC Carl Zeiss Jena am 13.4. im Finale in Leipzig 

gegen Dynamo Dresden (3:1 n.V.). *** Die Torjägerkanone teilen sich 

in der BRD Jupp Heynckes aus Mönchengladbach und Gerd Müller 

(Bayern München) mit je 30 Treffern. In der DDR ist es Hans-Bert Matoul 

von Lokomotive Leipzig (20 Tore). Fußballer des Jahres werden Franz 

Beckenbauer (Bayern München) und Bernd Bransch aus Jena. Der Titel 

in Europa geht, wie schon 1971 und 1973, an den Niederländer Johan 

Cruyff. *** Der belgische Ausnahme-Radrennfahrer Eddy Merckx siegt zum 

jeweils fünften Mal bei der Tour de France und beim Giro d'Italia. *** Die 

Titelträger in den europäischen Fußball- 

Pokalwettbewerben sind: Bayern 

München bei den Landesmeistern 

(1:1 und 4:0 gegen Atletico Madrid 

am 15./17.5. in Brüssel), der 1. FC 

Magdeburg bei den Pokalsiegern (2:0 

gegen den AC Mailand am 8.5. in 

Emerson Fittipaldi 

Rotterdam); den Uefa-Pokal schnappt 

sich Feyenoord Rotterdam am 22./29.5. gegen Tottenham Hotspur 

(2:2 und 2:0). *** Formel-1-Weltmeister wird der Brasilianer Emerson 

Fittipaldi vor Clay Regazzoni (Schweiz) und dem Südafrikaner Jody 

Scheckter. Regazzoni, nach einem Renn-Crash 1980 in Long Beach querschnittgelähmt, 

starb 2006 bei einem Verkehrsunfall in Italien. *** Die 

Finals beim prestigeträchtigen Tennis-Grand-Slam-Turnier in Wimbledon 

vom 24.6. bis 6.7. in London entscheiden der Amerikaner Jimmy Connors 

(Sieg gegen Ken Rosewall aus Australien) und Chris Evert (USA) gegen 

Olga Morosowa aus der Sowjetunion für sich. *** Vom 5. bis 20.4. finden 

im finnischen Helsinki die Eishockey-Weltmeisterschaften statt, 

die von mehreren Dopingfällen (und demzufolge Ergebniskorrekturen) 

überschattet werden. Nach zehn Gruppenspielen steht die Sowjetunion 

zum 13. Mal als Sieger vor der Tschechoslowakei und Schweden fest. Als 

Absteiger verlässt die DDR die A-Gruppe, den Aufstieg aus der B-Gruppe 

verpasst die BRD als Gruppendritter der Begegnungen in Ljubljana hinter 

den USA und Jugoslawien. *** Die Vierschanzentournee der Skispringer 

vom 30.12.1973 bis 6.1.1974 gewinnt Hans-Georg Aschenbach 

(DDR) vor dem Schweizer Walter Steiner und Bernd Eckstein (DDR). *** Das 

Berliner Verwaltungsgericht verbietet am 2.10. wegen Lärmbelästigung 

alle Rennen auf der Stadtautobahn Avus (Automobil-Verkehrs- und 

Übungsstraße). *** Als erster eingesetzter 

Spieler aus der Fußball-Weltmeister- 

Elf von 1954 stirbt Verteidiger 

Werner Kohlmeyer, sozial abgestürzt, 

im Alter von nur 49 Jahren an 

Herzversagen. *** Geboren werden der 

Anke Huber 

legendäre norwegische Biathlet Ole 

Einar Björndalen (27.1.), die deutsche Schwimmerin i Sandra Völker (1.4.), 

Formel-1-Rennfahrer Jarno Trulli (13.7.), Handball-Weltklasse-Torhüter 

Henning Fritz (21.9.), der Skispringer Sven Hannawald (9.11.) und die 

Tennisspielerin Anke Huber (4.12). *** 

FUNK & FERNSEHEN 

1974 

Der Hörfunk in Bayern (BR) beginnt die beliebte Reihe „Zündfunk". *** 

Am 17.1. sind 13 Millionen Zuschauer im Zweiten Deutschen Fernsehen 

dabei, als in Wim Thoelkes TV-Abendshow „Drei mal Neun" (auch: 

„3x9") der Israeli Uri Geller Besteck verbiegen und defekte Uhren wieder 

zum Laufen bringen will. Die Kommentare reichen von Begeisterung 

bis „Volksverblödung". *** Als ZDF-Hit für den Nachwuchs entpuppt 

sich ab 31.1. bis 8.8. die Zeichentrickserie Wickie und die starken 

" 

Männer", die auf einer schwedischen Kinderbuchreihe basiert. *** Die 

Gebühren für die Fernsehnutzung steigen in diesem Jahr von 8,50 auf 

10,50 D-Mark im Monat. *** Das ZDF bezieht ein Haupthaus seines neuen 

Sendezentrums für 1700 Mitarbeiter in Mainz-Lerchenberg – elf Jahre, 

nachdem der Sendebetrieb am 1.4.1963 in einem wenig appetitlichen 

ehemaligen Bauernhof (Jargon: „Telesibirsk") in Eschborn aufgenommen 

worden war. *** Am 31.12.1973 wechselt die Kultserie „Ein Herz und eine 

Seele" („Ekel Alfred") nach elf Folgen vom Westdeutschen Fernsehen ins 

Erste Programm und wird ab 1974 in Farbe ausgestrahlt. Schauspieler 

Heinz Schubert brilliert auch bunt weiter als Pöbelspießer „Alfred 

Tetzlaff" („Pizza schmeckt wie vollgepisste Wolldecke!") – dabei ist er 

lediglich die Zweitbesetzung, der ursprünglich 

vorgesehene Gert Fröbe musste aus 

Termingründen absagen. *** Am 27.4. geht 

Entertainer Rudi Carrell aus Alkmaar mit 

„Am laufenden Band" auf Sendung, das 

es bis zum 31.12.1979 auf 51 Ausgaben 

Rudi Carrell 

im ARD-Samstagabendprogramm bringt. Die 

Spielshow lh (Ursprung: das holländische „Eén van de Acht") sorgt für Spitzen- 

Einschaltquoten, rund 300 Top-prominente Gäste aus Unterhaltung, 

Sport und Politik kommen gern, das Spektrum reicht von Klaus Kinski, 

Muhammad Ali und Curd Jürgens über Abba, Rainer Werner Fassbinder 


und Sepp Maier bis zu Harry Belafonte, Heinz Rühmann, Isabelle Adjani 

und Bundesministern. *** Das ZDF kauft die amerikanische Krimiserie 

Die Straßen von San Francisco", mit der – neben dem bereits 

" 

etablierten Karl Malden – der junge Michael Douglas ins Rampenlicht 

rückt. Beide sind ab 9.5. zu 

sehen. In den USA wurden zwischen 

1972 und 1977 in fünf 

Staffeln 120 Folgen gezeigt. 

*** Die Mainzer landen ab 8.7. 

einen weiteren (eher unerwarteten) 

Treffer mit der siebenteiligen 

Spielserie „Unser Walter", 

Karl Malden (l.), Michael Douglas 

in dem es um das alltägliche 

Leben mit einem mongoloiden Kind (heute: Down-Syndrom) geht. Die 

damals thematisch noch mutige Produktion – u.a. mit Cordula Trantow, 

Thomas Braut und Pierre Franckh – wird mit einem Grimme-Preis ausgezeichnet. 

*** Während ihrer laufenden Sendung „Suncoast Digest" begeht 

am 15.7. die US-TV-Moderatorin Chris(tine) Chubbock Selbstmord – sie 

schießt sich mit einem 38er-Revolver in den Kopf. Die 29-Jährige litt an 

Depressionen. *** Aus für eine Legende: Der Piratensender Radio " 

Veronica" stellt am 31.8. den Sendebetrieb ein. *** Berühmter Kahlkopf: 

Telly Savalas wird weltberühmt als Lieutenant Theo Kojak. Die Serie 

„Kojak – Einsatz in Manhattan" (118 US-Folgen zwischen 1973 und 

1978) beginnt am 3.10. im deutschen Fernsehen. *** Deutscher „Kollege": 

Horst Tappert (1923–2008) spielt ab 20.10. („Waldweg") die Hauptrolle 

in der Krimiserie „Derrick". Die insgesamt 281 Episoden bis 16.10.1998 

werden in über 100 Länder verkauft, später permanent wiederholt. Das 

ZDF und viele ausländische Sender stoppen die Ausstrahlungen, als 2013 

verbindlich bekannt wird, dass Tappert im Zweiten Weltkrieg der Waffen- 

SS und der berüchtigten „Totenkopf-Division" angehörte, in der auch 

Herbert Reinecker (1914–2007) Dienst tat, der 

„Erfinder" und Drehbuchautor aller Folgen. 

*** Die TV-Talkshow „III nach 9" kommt ins 

Programm von NDR, SFB und Radio Bremen. 

Beginn am 19.11. *** Top-Reporter Lothar 

Loewe (zuvor u.a. in Washington und Moskau) 

erhält die Akkreditierung als ARD-Korrespondent 

Barbara Schöneberger 

in der DDR. Nach einem kritischen Kommentar 

in der „Tagesschau" wird er am 22.12.1976 ausgewiesen. *** Geboren 

werden die spätere TV-Moderatorin Barbara Schöneberger (5.3.) 

und der TV-Comedian und Parodist Matthias „Matze" Knop (11.11.). *** 

Am 13.10. stirbt in New York Ed Sullivan (72), durch dessen TV-Shows 

viele Musiker in den 50s und 60s ihren Bekanntheitsgrad massiv steigern 

konnten – wenn sie ihm genehm und damit nicht seiner bisweilen zynischen 

Widerwärtigkeit ausgesetzt waren. *** 

1974 

FILM 

Schauspieler, die – national und international – längst zu den Etablierten 

zählen, werden geboren: Christiane Paul (8.3.), Penélope Cruz Sanchez 

(28.4.), Franka Potente (22.7.), Hilary Swank 

(30.7.), Valerie Niehaus (11.10.), Joaquin Phoenix 

(28.10.), Leonardo DiCaprio (11.11.). *** „Zardoz" 

avanciert zum Kultfilm des Science-Fiction-Genres; 

und Hauptdarsteller Sean Connery unterstreicht, 

dass er nicht nur James Bond kann. *** Im Beverly 

Hilton Hotel von Los Angeles werden am 28.1. die 

Golden Globes verliehen. In drei Kategorien gehen 

Valerie Niehaus 

die Preise an „Der Exorzist": an den Film selbst, an 

William Friedkin für die Regie und an Linda Blair als Nebendarstellerin. 

Für die beste männliche Titelrolle wird Al Pacino („Serpico") geehrt, 

Neil Diamond für die Musik („Die Möwe Jonathan"). Den Cecil-B.- 

DeMille-Award fürs Lebenswerk erhält Bette Davis. *** Am 2.4., ebenfalls 

in Los Angeles (Dorothy Chandler Pavilion), werden die Oscars von 

den Moderatoren Burt Reynolds, David Niven, John Huston und Soul- 

Sängerin Diana Ross überreicht. Für „Der Clou" (bester Film) erhalten 

auch Regisseur George Roy Hill und die Kostümbildnerin Edith Head die 

Statue. Zu den weiteren Siegern gehören Jack Lemmon („Save The Tiger"), 

Glenda Jackson („Mann, bist Du Klasse!"), Tatum O'Neal („Paper Moon"). 

Ehren-Oscar für Groucho Marx. *** Im März kommt der wohl populärste 

DDR-Spielfilm in die Kinos, Die Legende von Paul und Paula" 

" 

mit Wilfried Glatzeder und 

Angelica Domröse. *** In der 

BRD starten neue, nachhaltige 

Arbeiten von Regisseuren 

des „Neuen Deutschen Films", 

darunter Angst essen 

" 

Seele auf" (Rainer Werner 

Wilfried Glatzeder & 

Fassbinder), „Jeder für sich 

Angelica Domröse 

und Gott gegen alle" (Werner 

Herzog), „Alice in den Städten" (Wim Wenders) und „Chapeau Claque" 

(Ulrich Schamoni). *** Das neue Sensurround-Tonverfahren erlebt seine 

Premiere. Im Thriller „Erdbeben" ist es dermaßen prägnant, dass 

Kinobesitzer ihre Besucher vor dem Betreten der Lichtspielhäuser warnen. 

Ein weiterer Katastrophen-Hit des Jahres ist Flammendes Inferno" 

" 

mit Steve McQueen, Paul Newman und Faye Dunaway. *** Am 4.11. 

unterzeichnen die Filmförderungsanstalt sowie die Intendanten von 

ARD und ZDF das für fünf Jahre gültige Film-Fernsehabkommen: Es 

soll das Nebeneinander der Medien mit Vorteilen für beide Seiten (u.a. 

Laufzeitschutz, Finanzierungen) regulieren. *** Den Deutschen Filmpreis 

erhält „Der Fußgänger" von Maximilian Schell. Beste Darsteller: Brigitte 

Mira („Angst essen Seele auf") und Walter Kohut in „Supermarkt", für 

den außerdem Regisseur Roland Klick ausgezeichnet wird. Die Musik 

schrieb Peter Hesslein (German Bonds), das Lied "Celebration" singt 

ein noch weitgehend Unbekannter mit dem Künstlernamen Marius 

West. *** Die Otto-Auszeichnungen in Gold, Silber und Bronze der 

Zeitschrift „Bravo" gehen an Uschi Glas, Jane Seymour und Ali MacGraw 

sowie an Jan-Michael Vincent, Roger Moore und Terence Hill. *** 

Eine Flut guter und erfolreicher Streifen kommt 

in diesem Jahr in die Kinos: „Chinatown" (Roman 

Polanski; Jack Nicholson), „Der weiße Hai" (Steven 

Spielberg; Roy Scheider, Richard Dreyfuss), „Alice lebt 

hier nicht mehr" (Martin Scorsese; Ellen Burstyn, 

Kris Kristofferson, Jodie Foster), „Trio Infernal" 

(Michel Piccoli, Romy Schneider, Mascha Gonska), 

Die Akte O.D.E.S.S.A." (Jon Voight, Maria 

" 

Schell), „Bring mir den Kopf von Alfredo Garcia" 

(Sam Peckinpah, Warren Oates). Bis heute, u.a. 

mit unzähligen Wiederholungen im Fernsehen, ein 

Hochspannungsklassiker: „Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn 1-2-3" 

mit Walter Matthau und Robert Shaw. Umstritten wegen des Themas 

Selbstjustiz, aber beim Publikum beliebt: „Ein Mann sieht rot" mit Charles 

Bronson. Eine seiner besten von so vielen starken Komödien liefert Billy 

Wilder ab, „Extrablatt". In der Geschichte zweier Reporter brilliert einmal 

mehr das Traumpaar Walter Matthau und Jack Lemmon. Mit dabei: 

Susan Sarandon. *** Einen Klassiker liefert Sidney Lumet ab, „Mord im 

Orient-Express" nach dem Kriminalroman von Agatha Christie. Zum überragenden 

Allstar-Aufgebot gehören u.a. Albert Finney, Ingrid Bergman, 

Sean Connery, Vanessa Redgrave, Anthony Perkins, Lauren Bacall und 

Richard Widmark. *** Von der Bühne treten 1974 ab: Produzent Samuel 

Goldwyn (Metro-Goldwyn-Mayer/MGM; 

1974 

31.1.), Walter Brennan (21.9.), 

Schauspieler und Regisseur Vittorio De Sica (13.11.), Ursula Herking 

(17.11.). *** 

MUSIK 

„Tagesschau"-Sprecher Werner Veigel kommentiert in der ARD am 

6.4. den Grand Prix aus Brighton/England. Das schwedische Quartett 

Abba landet mit "Waterloo" den Sieg, eine Weltkarriere ungeahnten 

Ausmaßes beginnt. Auf den Plätzen 2 und 3 landen Gigliola Cinquetti 

(Italien; "Si") und Mouth & MacNeal aus den Niederlanden ("I See A 

Star"). Für die BRD belegen Cindy & Bert mit 

"Die Sommermelodie" Rang 14 bei lediglich 17 

Teilnehmern. Frankreich hatte seine Teilnahme 

wegen des Todes von Staatspräsident George 

Pompidou am 2.4. kurzfristig abgesagt.*** 

Kommerziell, musikalisch eher schlicht, dafür 

aber bunt bleibt es auch in der etwas kräftigeren 

Abteilung: Glam-Rocker, Disco-Sound und 

Euro-Pop dominieren: die super-erfolgreichen 

Rubettes und Gary Glitter, Carl Douglas ("Kung Fu Fighting") und 

George McCrae ("Rock Your Baby"), David Essex, Terry Jacks ("Seasons 



In The Sun") und ein Heer von Gleichgesinnten und Gleichgeschalteten 

belagern Charts und einschlägige TV-Shows: Es ist die ultimative 

Hoch-Zeit für Single-Hits. *** Folge: In den LP-Hitlisten tummelt 

sich monatelang die gesammelte, fast seuchenartige 

Dumpfbackigkeit à la 20 TOP-HITS 

ORIGINAL und (!) 20 ORIGINAL TOP-HITS, 

MUSIC POWER, 20 POWER HITS, 20 TOP- 

HITS, 40 GOLDEN HITS, 20 ROCK'N'ROLL 

GREATS und vergleichbare Einfallslosigkeit. *** 

Selbst renommierte Rockacts von Deep Purple 

(BURN) über Genesis, Elton John und Golden 

Earring bis Roxy Music (COUNTRY LIFE) und 

viele Prog-Rocker müssen sich strecken. Starke Longplayer gelingen 

Neil Young (ON THE BEACH), Eric Clapton (461 OCEAN BOULEVARD), 

Van Morrison (VEEDON FLEECE), 

Robin Trower (BRIDGE OF SIGHS) und 

Tom Waits (THE HEART OF SATURDAY 

NIGHT). *** In den USA – in Europa 

noch eher unbemerkt – kommt 

Bewegung aus dem Untergrund: 

Unbequemere, zupackende Interpreten 

Van Morrison 

wie die Ramones, Modern Lovers und 

Patti Smith machen langsam gegen den grassierenden Einheitsbrei 

mobil. In und um London retten sich viele „Unerwünschte" zwecks 

künstlerischen Überlebens in den Pub-Rock, einen (aggressionslosen) 

Vorläufer des Punk. *** In den deutschen Hitlisten hält sich der Schlager 

weiterhin gegen alle Moden wacker: Ausdauernde Stars wie Vicky 

Leandros ("Theo, wir fahr'n nach Lodz"), Michael Holm ("Tränen 

lügen nicht"), Chris Roberts ("Du kannst nicht immer siebzehn sein") 

behalten ihr Publikum. *** Liedermacher Gunter Gabriel trifft mit "Hey, 

Boss, ich brauch mehr Geld" ebenso einen 

Nerv vieler Hörer wie Außenminister Walter 

Scheel mit "Hoch auf dem gelben Wagen". 

*** Das AUTOBAHN-Album von Kraftwerk 

schafft es sogar in viele internationale Charts 

– es zeigt einen anderen Aspekt von Musik aus 

Deutschland. *** Geboren werden in diesem Jahr 

Rapperin Sabrina Setlur (10.1.), Robbie Williams 

(13.2.), Alanis Morisette (1.6.) und Ryan Adams 

(5.11.). (511) Die Bühne verlassen Country-Koryphäe Tex Ritter (2.1.), Organist 

Graham Bond stürzt sich am 7.3. vor eine einfahrende U-Bahn in 

London, auch der melancholisch-depressive Singer/Songwriter Nick 

Drake nimmt sich am 25.11. das Leben; der letzte Vorhang fällt außerdem 

für die Blues-Altmeister Arthur 

Crudup (28.3.) und Lightnin' Slim 

(27.7.) sowie die gefeierte Jazzlegende 

Duke Ellington (24.5.) und die deutsche 

Schlagersängerin Gitta Lind (alias 

Rita Gracher; 9.11.). Cass Elliott (The Cass 

Elliott 

Mamas & The Papas) stirbt am 29.7. 

in einem Londoner Hotelzimmer an einem Herzinfarkt als Folge einer 

medizinisch unkontrollierten Powerdiät (ein angeblich gierig verschlucktes 

Schinken-Sandwich als Todesursache ist ein lanciertes Boulevard- 

Märchen). *** 

1974 

VERMISCHTES 

Nahe der Stadt Xi'an (Provinz Shaanxi) in China entdeckt im März 

ein Bauer bei Wassergrabungen die erste Terrakotta-Armee. Die 

Tonsoldaten entstanden ungefähr 

200 v. Chr. *** Ritter, 

Indianer, Bauarbeiter: Die ersten 

Terrakotta-Armee 

Playmobil-Figuren, erdacht 

vom Chefentwickler Hans Beck, 

kommen auf den Markt. *** Der 

Schriftsteller und Systemkritiker 

Alexander Solschenizyn wird 

am 13.2. aus der Sowjetunion ausgewiesen. Ende Mai folgt ihm der 

weltberühmte Cellist Mstislaw Rostropowitsch. *** Beim Mineralölkonzern 

Esso wird der seit 1959 verwendete Werbeslogan „Pack den Tiger in den 

Tank" eingemottet. Neu: " 

Es gibt viel zu tun. Packen wir's an!" *** 

Im April verwüstet der „Super Outbreak" mit 148 gezählten Wirbelstürmen 

13 US-Bundesstaaten: 315 Tote und mehr als 5000 Verletzte sind 

Playmobil-Figuren 

zu beklagen. *** Noch viel schlimmer 

erwischt es die chinesischen 

Provinzen Sichuan und Yunnan. Ein 

verheerendes Erdbeben kostet rund 

20.000 Menschen das Leben. *** Zu 

den wichtigsten Büchern des Jahres 

gehören „All The President's Men" 

(Carl Bernstein/Bob Woodward), 

Die verlorene Ehre der Katharina Blum" (Heinrich Böll), „Der 

" 

Archipel Gulag" von Alexander Solschenizyn und „Carrie", der Roman- 

Erstling von Stephen King. *** Das amerikanische Pop-Erfolgsduo Sonny 

& Cher lässt sich scheiden. *** Auf dem Oktoberfest in München sind für 

eine Maß Bier maximal 3,50 D-Mark zu bezahlen (2013: 9,85 Euro = 

ca. 19,70 D-Mark). *** Das Modell Golf I geht bei VW in Serienfertigung. 

*** In Japan wird ein Kleinstaubsauger für Krümel, Fusseln und Asche 

entwickelt. Das 280 Gramm leichte und handkleine Gerät ist für nur 19 

D-Mark auch in Deutschland zu erwerben. *** Wie in jedem Jahr werden 

in der BRD die beliebtesten Vornamen für Mädchen und Jungen 

ermittelt: Es sind Nicole, Stefanie und Tanja sowie Christian, Stefan und 

Andreas. *** Luftfahrt-Katastrophe auf dem Pariser Flughafen Orly: Eine 

McDonnell Douglas DC-10 der Turkish Airlines stürzt ab – 346 Todesopfer. 

*** In West-Berlin findet das erste Lesben- 

Pfingsttreffen statt. *** In der DDR erhalten 

Arbeiter jetzt 18 statt 15 Tage gesetzlichen 

Jahresurlaub; für Schichtarbeiter sind es 

21 Tage. *** Justiz auf dem Bildschirm: Das 

ZDF startet die dokumentarischen Reihen 

„Ehen vor Gericht" und „Wie würden 

Sie entscheiden?" *** Minikleider, Overalls, 

Zottelmäntel und Strickmode sind angesagt. Auch bei den Herren tut 

sich einiges: Schlaghosen übernehmen Besenfunktion, schrill-bunte 

Krawatten erinnern bisweilen an mittelgroße Tischdecken. Und zur Fön- 

Dauerwelle trägt „er" jetzt gern Busch-Koteletten bis zur Kiefergrenze. 

*** Einschränkung für viele Urlauber, speziell aus der BRD: Anfang 

August wird für eines ihrer Lieblingsziele, den Gardasee, ein generelles 

Badeverbot wegen verschmutzten Wassers verhängt. *** Ein Erdbeben 

in Peru macht am 3.10. über 70.000 Menschen obdachlos, am 18.9. 

sterben in Honduras 10.000 Einwohner während des Wirbelsturms 

„Fifi". *** Der Berliner Journalist Bernt Engelmann sorgt für heftige 

Diskussionen – er veröffentlicht „Wir Untertanen", ein kritisches „Anti- 

Geschichtsbuch". *** Die Weinernte fällt in vielen Anbaugebieten miserabel 

aus, die Qualität weiter Teile der Endprodukte ist nicht für lange 

Lagerung geeignet. *** Am 15.3. wird in der BRD das wegen der Ölkrise 

angeordnete Tempolimit von 100 km/h (auch auf Autobahnen) aufgehoben. 

Es gilt jetzt eine (empfohlene) Richtgeschwindigkeit von 130 km/h. 

*** Am 7.2. erlangt Grenada die Unabhängigkeit von Großbritannien. *** 

„Guernica", eines der berühmtesten Gemälde 

von Pablo Picasso, wird im New Yorker 

Museum Of Modern Art mit Texten besprüht. 

*** In einer großen Werbekampagne wird für 

das Anlegen der Dreipunkt-Sicherheitsgurte 

im Auto geworben. Motto: „Erst gurten, dann 

starten." *** Geburten: die späteren Models 

Kate Moss (16.1.) und Eva Mendes (5.3.); 

der schlagzeilenträchtige IT-Unternehmer Kim 

Erich 

Dotcom, geb. Schmitz (21.1.); Schauspielerin 

Kästner 

Sandra Borgmann (25.4.); US-TV-Moderator 

und Musikerparodist Jimmy Fallon (19.9.) 

*** Todesfälle 1974: der argentinische 

Staatspräsident Juan Perón (1.7.); Schriftsteller 

Erich Kästner (29.7.); der amerikanische 

Pilot Charles Lindbergh (26.8.); der sudetendeutsche 

Industrielle Oskar Schindler, der 

während des Zweiten Weltkriegs über 1200 

seiner jüdischen Arbeiter vor dem Zugriff des 

Nazi-Gesindels und damit vor dem sicheren 

Tod rettete (9.10.); UN-Generalsekretär Sithu 

U Thant (25.11.) *** 

Oskar 

Schindler 


Die kultigsten Facebook- & Internetseiten 

Sind wir nicht alle ein 

bisschen ... 

Anfang 2014 hatten wir uns dazu entschlossen, eine 

eigene Facebook-Seite von kult! ins Leben zu rufen. 

Wie so oft im Leben gibt es auch hierzu geteilte e 

Ansichten, ob ein Magazin wie kult! zu einem Medium 

wie Facebook passt oder nicht. Auf jeden Fall bietet t 

es aber eine weitere interessante Möglichkeit, sich mit 

uns in Verbindung zu setzen oder sich mit anderen n 

Lesern auszutauschen. 

kult!? 

Von Sven Rachner 

Kurz vor dieser Ausgabe hatte unsere e 

kult!-Seite bei Facebook knapp 350 Fans, 

die Fragen stellen, Postings kommentieren n 

und sich mit anderen Lesern austauschen. Und 

natürlich bekamen wir auch Hinweise auf andere kultige 

Facebook- oder Internetseiten. Grund genug, um uns mal 

etwas genauer umzuschauen. Und in der Tat gibt es unzählige 

Seiten, die sich mit den verschiedensten Kult-Themen 

beschäftigen. Wir möchten daher einen Überblick über verschiedene 

Facebook- und Internetseiten geben, welche wir 

kult! finden. 

Die verschiedenen kult!-Themen stellen ein nahezu 

unerschöpfliches Themengebiet dar. Das zeigt sich 

auch beim Betrachten der Seiten. So sind die Inhalte teilweise ganz 

allgemein gehalten oder eben auch auf bestimmte Schwerpunkte 

konzentriert. Wir sehen die hier vorgestellten Seiten nicht als 

Konkurrenz zu kult! an, sondern vielmehr als Teil der großen „Kult- 

Familie". Denn schließlich liegt uns allen mehr oder weniger das 

Gleiche am Herzen: die Erinnerungen an teilweise längst vergangene 

Zeiten. 

Neben den Namen der entsprechenden Seiten erhalten Sie in 

den nebenstehenden Infoboxen auch die entsprechenden URL- 

Adressen der Facebook- und/oder Internetseiten. Und dazu 

die jeweiligen QR-Codes für ein schnelleres Aufrufen 

der Seiten über Smartphone oder Tablet. 

Die jeweiligen Seitenbetreiber freuen sich – ebenso 

wie wir – über Rückmeldungen, Anregungen, 

Postings oder kult!-ige Fotos. Und bei Fragen – oder 

Themenvorschlägen für eine der nächsten Ausgaben – 

kann man sich selbstverständlich gerne direkt an uns 

wenden, natürlich auch über unsere Facebook-Seite. 

In diesem Sinne wünschen wir allen Lesern viel Spaß 

beim „Fremdgehen" ... 




Erinnerst Du Dich? 

Kategorien: 

▪ Spielzeug 

▪ Lebensmittel 

▪ Fernsehen der 70er und 80er Jahre 

▪ u.a. 

Einen Groschen für die Musikbox 

Kategorien: 

▪ Hauptthema 60er Jahre 

▪ verschiedene Kategorien 

www.facebook.com/ 

ErinnerstDuDich 

377 Fans 

www.erinnerstdudich.de 

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www.groschenindermusikbox.wordpress.com 

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Facebook & Internet 

Internet 

RetroFieber! 

Kategorien: 

▪ die 60er und 70er Jahre 

▪ die 80er und 90er Jahre 

▪ jeweils verschiedene Kategorien 


RetroFieber 

12.957 Fans 


RetroFieber60er70er 

2541 Fans 

Facebook & Internet 

www.retrofi eber.blogsport.de 

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Die 80er! Wisst ihr noch? 

Kategorien: 

▪ alles rund um die 80er Jahre 

www.facebook.com/wisst.ihr.noch.80er 

72.840 Fans 

Facebook 

Achtziger 

Kategorien: 

▪ rund um den Lebensstil 

der 80er Jahre 

www.achtziger.de 

Die Siebziger - Erinnerungen an die Kindheit 

Kategorien: 

▪ die 70er Jahre in allen Bereichen 

Besondere Kategorie: 

▪ Kinder der 70er 

www.diesiebziger.net 

www 

www 

Internet 

Internet 


Von Philipp Roser 

Heiße Open Airs 

auf der Loreley 

Der WDR- 

Rockpalast"? Klar, die 17 live 

via Eurovision " 

übertragenen Rocknächte 

haben längst Kult-Charakter. Von 1977 bis 

1986 gingen sie in der Essener Grugahalle 

über die Bühne, begründeten die Karrieren 

von US-Bands wie Little Feat, ZZ Top, 

Mother's Finest oder auch von Bryan 

Adams in Europa, verhalfen Mitch Ryder 

oder Roger McGuinn zu Comebacks und 

riefen Acts wie Rory Gallagher, Grateful 

Dead oder The Who (wieder) verstärkt 

ins öffentliche Bewusstsein. 

Darüber hinaus gab 

es zwischen 1982 

und 1985 aber auch 

eine ebenfalls über den 

Äther geschickte Sommer- 

Festivalreihe unter dem 

„Rockpalast"-Logo, die 

vor der malerischen Rhein- 

Kulisse auf der Freiluftbühne 

Loreley veranstaltet wurde 

und mehrfach für Furore 

sorgte: Sei es durch einen 

Tiger, der während Steve 

Millers Gastspiel 1983 in 

einem Käfig auf die Bühne 

herabgelassen wurde, sei es durch die „Socken-Nummer", 

als die Red Hot Chili Peppers 1985 bei ihrem ersten Europa- 

Besuch nur mit eben diesen bekleidet abrockten, sei es durch 

jene denkwürdige Jamsession 1982, als Rory Gallagher, David 

Lindley, Eric Burdon und Bap am Ende improvisierten. 

Als „Test Open Air" firmiert die Veranstaltung vom 29. 

August 1981 inzwischen im „Rockpalast"-Archiv, die zwar 

nicht live gesendet wurde, aber aus heutiger Sicht ein durchaus 

respektables Line-Up bot: Die damals schwer angesagten 

britischen Pub-Rocker Nine Below Zero heizten dem Publikum 

kräftig ein, ehe es dann Southern Rock von 38 Special sowie den 

Outlaws gab und Thin Lizzy die Veranstaltung mit ihrem Set beschlossen. 

Tags darauf zauberten – ebenfalls ohne TV-Übertragung – die 

Gitarrenvirtuosen John McLaughlin, Al Di Meola und der jüngst verstorbene 

Paco de Lucía. 6000 Zuschauer 

waren an jenem Wochenende zu dem 

weltberühmten Rheinfelsen gepilgert. 

„Wir hatten ausprobiert, ob wir diesen 

Veranstaltungsort technisch, organisatorisch 

und finanziell bewältigen konnten 

– das Ergebnis war ermutigend", ist heute 

auf der „Rockpalast"-Homepage als Fazit 

zu lesen. 

Das erste offizielle 

„Loreley 

Festival" am 28. 

August 1982 legte 

dann die Messlatte 

schon einmal recht 

hoch: Frankie 

Miller hatte zum 

Auftakt eingeheizt, 

nach seinem 

Auftritt auf 

die Schnelle zwei 

Flaschen Rotwein 

in sich hineingeschüttet, 

weshalb 

der Pressebegleiter seiner damaligen Plattenfirma EMI die eng getakteten 

Interviews auf dem Gelände abbrach, um weiteren Lall- oder medialen 

Kollateralschaden zu verhindern – der Autor hatte übrigens Glück, 


er war der Letzte, der noch an die Reihe kam, auch 

wenn er den Auftritt des eigens aus Los Angeles 

eingeflogenen Eric Burdon so verpasste. 

Ganz eigene Erinnerungen an jenen Tag 

hoch über dem Rhein hat wiederum Klaus 

„Major" Heuser. „Wir hatten vorher schon für 

den ‚Rockpalast’ in der Musikhalle in Hamburg 

gespielt. Für uns war der Auftritt auf der Loreley 

insofern sehr aufregend, weil wir vorher die Platte 

'Vun drinne noh drusse' aufgenommen hatten. 

Wolfgang Niedecken war damals mit 

seiner Frau in den Urlaub gefahren, 

als der Gesang fertig war. Er 

hatte die fertige Platte eigentlich gar 

nicht gehört. Wir spielten die neuen 

Stücke auf der Loreley das erste Mal 

live. Dafür, dass wir nicht besonders 

gut vorbereitet waren, kaum 

geprobt hatten, klappte es jedoch 

supergut. Aber die Anspannung war 

natürlich schon sehr, sehr groß", 

verrät Heuser rückblickend im kult!- 

Interview. Besonders intensiv ist 

seine Erinnerung an die Jamsession 

am Ende des Abends: „Wenn man 

aus dem beschaulichen Leverkusen 

Frankie Miller & 

kommt, als kleiner Junge immer 

Alan Bangs 

Rory-Gallagher-Platten gehört hat 

und dann plötzlich neben ihm auf der Bühne steht, ist das unvergesslich, 

dann ist das wie ein Traum, den du im ersten Moment gar 

nicht realisierst. Das war für mich schon ein relativ großer Schritt 

in meinem Leben. Ich will ja keinem zu nahe treten, aber ein paar 

Leute hatten schon ganz gut ins Glas geschaut. Eric Burdon hatte 

schon den einen oder anderen Schluck genommen ..." 

Das ZDF hatte angesichts des Erfolgs von „Rockpalast" 

1978 seine eigene Sendereihe „Rockpop In Concert" 

gestartet (live aufgezeichnet, aber zeitversetzt und „bereinigt" 

gesendet). Die Loreley-Open-Airs wiederum waren 

laut „Rockpalast"-Macher Peter Rüchel als Antwort auf 

das ZDF kreiert worden. „Ich hatte schon Ende der 70er 

Jahre gedacht: Da setzen wir jetzt etwas dagegen! Was 

wir dagegensetzen wollten, war ein Open-Air-Festival. 

Und da lag dann die Loreley als sehr schöner Platz nahe, 

dieses Amphitheater auf dem Felsen, darum herum 

Weinberge, Schlösser, Burgen und dergleichen. Der Platz 

hatte seine eigene Magie. Ich schlug dann dem 

Killing 

Joke 

WDR-Sendeleiter vor, das im Dritten Programm 

zu machen, einen ganzen Sendetag lang. Der 

Sendetag ging damals von 16 bis 24 Uhr. Da 

wurde zuerst gesagt: ‚Das geht doch nicht', 

aber irgendwo ging im WDR alles, was eine 

gute Idee war." 

Auf der Loreley – jeweils an einem 

August-Samstag ab 16 Uhr in allen Dritten 

bis Mitternacht übertragen – waren vielerlei 

Überraschungen möglich, wie etwa die schon 

erwähnte „Socken-Nummer" der Red Hot Chili 

Peppers. Natürlich gab es daraufhin reichlich 

Zuschauer- und Politikerproteste, doch innerhalb 

des WDR wie meist keine Konsequenzen. Dies wohl auch 

deshalb, weil Rüchel damals nicht verriet, was er heute mit über 

30 Jahren Abstand einräumt: Er wusste bereits von US-Shows 

der damaligen Newcomer, dass sie diese schlagzeilenträchtige 

Aktion im regulären Set hatten! 

„Das Hauptauswahlkriterium ist wie immer die musikalische 

Qualität, ohne Schielen auf die Hitparaden – und der Blick aufs 

Publikum mit 11.000, 12.000 Besuchern zeigt, dass das Festival 

hinreichendes Interesse findet", bekannte Peter Rüchel dem Autor 

1984 auf der Loreley. Überhaupt waren Interviews damals schon 

wichtig – gerade auch für den „Musikjournalisten-Anfänger" 

Bap 

wie ich einer war. Dafür nahm ich es 

auch in Kauf, 1982 frühmorgens von 

Nürnberg aufzubrechen, um am frühen 

Nachmittag in Lahnstein in der Nähe 

der Loreley mit Rory Gallagher reden 

zu können – und es bleibt für immer 

präsent wie freundlich, zuvorkommend 

und geduldig der Kult-Gitarrist das 

Rory Gallagher und „Schreiber-Greenhorn" behandelte. Und 

der Autor 1982 beim das trotz der nicht gerade optimalen 

Umstände, die der verantwortli- 

Interview vor dem Gig 

che WDR-Redakteur Rüchel im kult!- 

Interview so beschreibt: „Rory kam erst am Tag der Sendung, hatte 

am Abend vorher in Montreux noch gejammt und spielte wie ein 

Berserker." Gallagher selbst schilderte dem Autor diesen Tag so: „Wir 

kamen erst kurz vor dem Gig an, absolvierten einen schnellen und 

kurzen Soundcheck, und bang, ging es los. Es war für uns zu der 

Zeit ein guter Boost, es war einfach prickelnd, live vor vielen Leuten 

zu spielen – es war eine elektrisch geladene Atmosphäre, zermürbend, 

nervenaufreibend, aber ich habe es genossen!" 

George Clinton 

Ebenso einmalig war die Begegnung mit 

dem seinerzeit sehr angesagten Parliament/ 

Funkadelic-Mastermind George Clinton 

1985: Da war kaum ein Wort des nuschelnden, 

Slang redenden Sängers zu verstehen 

– und die Hoffnung, die Cassetten- 

Recorder-Aufzeichnung möge hinterher 

Aufklärung liefern, blieb unerfüllt. Selbst 

englische und amerikanische Freunde konnten 

das Gebrabbel Clintons kaum identifizieren. 

Die daraus resultierenden Artikel für 

diverse Musikmagazine basierten eher auf 

Vermutungen, was der aus North Carolina 

stammende Musiker gesagt haben könnte, 

denn auf wirklich Verstandenem. 

Unvergesslich bleibt ebenfalls 

das erste Treffen mit den 

damals noch völlig unbekannten 

Clinton-Protegés Red Hot Chili 

Peppers, für die die Loreley ein 

wichtiges Karrieresprungbrett war. 

Damals waren gerade die kleinen 

Milchdöschen in Mode gekommen, 

die in Cafés und Restaurants 

zum Kaffee gereicht wurden. Die 

Chili Peppers entwickelten eine 

geradezu kindliche Freude daran, 

diese Döschen aufzuschnippen und ihren 

Inhalt über den Tisch zu verspritzen – mein als 

Aufzeichnungsgerät dienender Cassetten-Recorder 

bekam einige Milchspritzer ab und gab daraufhin 

seinen Geist auf ... 

Für immer im Gedächtnis aber auch die 

nicht immer problemlose eigene Anreise: Am 

20. August 1983 gab bei Tempo 140 auf der 

Autobahnüberholspur plötzlich der Motor seinen 

Geist auf, doch mit durchgetretener Kupplung 

gelang es mir noch, die Spur 

zu wechseln und genau auf 

einem Parkplatz auszurollen. 

Der zu Hilfe gerufene ADAC- 

Engel (dem Verein musste man 

Bono 

von 

U2 

vor Ort noch beitreten) hatte 

zum Glück das nötige Ersatzteil 

für den Audi 80 zufällig und 

ausnahmsweise dabei, so dass 

ich den U2-Auftritt nicht verpasste. 

„Ich kann mich an nur 

wenige meiner Shows konkret 

erinnern, aber der auf 


der Loreley hat sich 

in meinem Gedächtnis 

eingebrannt", 

gestand der Musiker 

Dave Edmunds dem 

Autor erst vor wenigen 

Wochen. „Zum 

einen, weil U2 damals 

noch am Anfang ihrer 

Paul 

Brady 

Weltkarriere standen 

und früh als Opener auf die Bühne gingen – und dann waren ja 

auch noch meine Freunde von den Stray Cats mit dabei, ebenso 

Steve Miller, der zu der Zeit auf dem Höhepunkt seiner Karriere war." 

Und da ist natürlich die Erinnerung an die Rückfahrt von der 

Loreley 1984, als Programmmacher Rüchel einige aufstrebende, 

vielversprechende Acts präsentierte wie Greg Kihn, der kurz zuvor 

mit "Jeopardy" einen Welthit gelandet hatte, oder den irischen 

Singer/Songwriter Paul Brady; Stevie Ray Vaughan zündete sein 

texanisch getränktes Blues-Rock-Feuerwerk auf der Stratocaster, ehe 

The Alarm ihren keltisch-folkig angehauchten Rock-Charme entfalteten. 

Danach sagte Rüchel Little Steven & The 

Disciples Of Soul an. Den jahrelang angebaggerten 

Bruce Springsteen konnte er zwar nie in den 

„Rockpalast" locken, aber 1984 hatte er immerhin 

den auf Solopfaden wandelnden Gitarristen der E 

Street Band an Land und auf die Bühne gezogen 

– zum zweiten Mal, nachdem Steven van Zandt 

& Co. knapp zwei Jahre zuvor in der Essener 

Grugahalle ihr erstes offizielles Konzert im Rahmen 

des „Rockpalast" gegeben hatten. Die auf der 

Loreley entstandenen Schwarz-Weiß-Fotos erfuhren 

ihre Umwandlung vom Film zum Negativ 

übrigens bereits während der Heimfahrt: 

Während der Autor die Ente gen Süden lenkte, 

saß sein jüngere Bruder im leergeräumten 

Fond an einer Blechwanne und entwickelte 

die Negative – die Chemikalien der Fotodose 

wurden während der Fahrt aus dem Fenster 

entsorgt, so dass die blaue Ente tags darauf 

am rechten Heckflügel weiß eingefärbt war 

... Aber die Fotos mussten eben samt 

Festivalbericht bereits tags darauf bis Mittag 

bei der damals noch schwarz-weiß druckenden 

Heimatzeitung sein. Schließlich hatte 

der WDR in jenen Jahren darauf bestanden, dass man 

als Berichterstatter sowohl für eine Vorab-Story als auch 

eine resümierende Geschichte sorgte. Andernfalls hätte es 

kein Presseticket mit Backstage-Pass gegeben. Übrigens: 

Da es damals noch kein Fax gab, mussten Anfrage wie 

Belege noch per Brief auf den Postweg gebracht werden. 

Und zu berichten gab es 1984 einiges über das 

„Loreley Festival" – nicht nur über die Musik. Schließlich 

hatte es im Vorfeld kräftig gekracht. Die bis dahin auch 

auf der Loreley als Moderatoren tätigen Alan Bangs und 

Albrecht Metzger waren nicht mehr dabei, stattdessen 

moderierten Peter Rüchel (höchstpersönlich) sowie 

Stagemanager Ken Janz. Metzger hatte nach acht Jahren 

„Rockpalast" bereits im Laufe des Jahres 1983 seinen 

Peter 

Rüchel 

Steve 

Miller 

Abschied eingereicht. Bangs' Fehlen begründete Rüchel am Tag des 

Geschehens im Interview so: „Alan Bangs ist vorgestern ausgestiegen. 

Wir hatten eine gravierende Meinungsverschiedenheit darüber, wie 

ein Interview geführt werden sollte. Es ging dabei um Little Steven. 

Meine Meinung war, dass wir ja nun schon 2573 Mal gehört hätten, 

dass er der Gitarrist der E Street Band ist, und ich meinte, dass er 

eigene Credits hat, eine eigene Vergangenheit und Gegenwart, auf 

die man sich konzentrieren kann. Darüber haben wir uns maßlos in 

die Haare gekriegt, und dann werden eben die Klamotten hingeschmissen. 

Wir haben uns gestern den ganzen Tag bemüht – mich 

eingeschlossen –, ihn dazu zu bewegen, seiner Pflicht zu genügen und 

nicht ein Riesenteam sitzenzulassen – offenbar erfolglos. So muss das 

Little 

Steven 

Stevie 

Ray 

Vaughan 

Publikum mich ertragen. Einer musste es in die Hand nehmen, 

und dann macht's der Boss", sagte Rüchel an jenem 

Samstagnachmittag. 

Doch damit nicht genug: Die als Bangs' Co-Moderatorin 

angekündigte Ruth Rockenschaub fehlte ebenfalls. Rüchel 

schilderte die Hintergründe dieser Personalie damals so: „Man 

kann sich ja vorstellen, wenn solche Auseinandersetzungen 

im Team in solchem Ausmaß stattfinden, 

entstehen eine ganze Menge Irritationen. 

Die müssen für sie (Ruth Rockenschaub), die 

ja vor ihrer ersten Eurovisions-Livesendung 

stand, doppelt irritierend gewirkt haben. Das 

ganze Theater hat auch dazu geführt, dass 

wir die Moderation nicht richtig proben und 

die Positionen mit ihr nicht genau einstudieren 

konnten. So hat sie etwas hilflos gesagt: 

‚Tut mir leid!'", bekannte der „Rockpalast"- 

Boss damals. Und weiter: „Wir sind heute 

Morgen so voneinander geschieden, dass 

wir uns gegenseitig nichts vorzuwerfen 

haben. Ken Janz arbeitet seit Beginn der 

Loreley-Veranstaltungen als Stagemanager 

für uns, ist dafür zuständig, dass alles 

reibungslos läuft. Er macht selbst regelmäßig 

Hörfunksendungen rockmusikalischer Art, spricht 

perfekt englisch, was wir wegen der Interviews 

brauchen. Wir verstehen uns blendend, und so 

haben wir gesagt, dass wir die beste Kombination 

sind." Und es klappte so gut, dass Janz 1985 

wieder vor der Kamera stand und gemeinsam mit 

Evelyn Seibert moderierte. 

Da spielten dann Killing Joke, The 

Untouchables und The Blasters, deren 

Auftritte allerdings nicht live über die 

Bildschirme flimmerten. Je ein Song dieser 

Acts wurde während des Tages in den 

Umbaupausen eingespielt. Erst ab Chris 

Rea wurde live übertragen, so dass auch 

die Red Hot Chili Peppers und George 

Clinton mit seinem Gast Thomas Dolby im 

heimischen Wohnzimmer zu erleben waren, 

inklusive einer Jamsession: Mitglieder von 

Killing Joke, der Untouchables und der 

Peppers stimmten zusammen mit Clinton 

"Cosmic Slop II" an. Im Anschluss sendete 

der WDR einen Auftritt der neuformierten Deep 

Purple, den er am 9. Juli 1985 im Palais Omnisports 

Bercy in Paris aufgezeichnet hatte. Damit war das 

Kapitel Loreley für Rüchel und seine Mitstreiter erst 

einmal vorbei. Besucherzahlen und Einschaltquoten 

waren kontinuierlich gesunken, die ganz großen 

Namen fehlten auf den Besetzungslisten. 

Erst 1995 kehrte der „Rockpalast" wieder 

auf die Loreley zurück: George Thorogood & 

The Destroyers, Dave Matthews, A.J. Croce, Alt, 

Keziah Jones und Zucchero konnten 

den alten Flair ebenso wenig wieder 

heraufbeschwören wie im Jahr darauf 

die vergleichsweise jungen Acts Crown 

Of Thorns, Frank Black, Placebo, Pulp, 

Bad Religion, Heather Nova und die 

Headliner Iggy Pop sowie David Bowie 

oder tags darauf Molly Hatchet, Lynyrd 

Skynyrd, The Band, Nine Below Zero 

und die Muddy Waters Tribute Band. 

Was bleibt, sind unvergessliche 

Erinnerungen, tolle Shows und denkwürdige 

Begegnungen mit hochinteressanten 

Zeitgenossen aus der populären 

Musik ... 

Stray Cats 

Fotos: © Philipp Roser

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HOMMAGE 

AN DEN 

WALKMAN 

Wie die 

Idee vom 

Musikhören 

unterwegs 

die Welt 

eroberte 

Doch für solche Fälle besitze ich seit über drei 

Jahrzehnten ein Allheilmittel, sozusagen mein 

ureigenes elektronisches Dopamin: Musik aus 

dem Walkman! Seit ich dieses Zaubergerät 

1979 als Teenager – wie Millionen andere – 

für mich entdeckte, hat es mich fasziniert. 

Und das tut es bis heute. 

Vor allem überzeugte mich die Idee 

dahinter: dass man vermittels dieser 

Erfindung jederzeit und überall auf diesem 

Planeten, zumindest sofern man sie 

mit funktionierenden Batterien gefüttert hat, 

exakt die Musik hören kann, die man hören 

möchte. Man stülpt sich, egal wo man ist, die 

Kopfhörer über, reguliert die Lautstärke, betätigt 

die Start-Taste – und katapultiert sich dank der Macht 

D e r 

allwöchentliche 

Einkauf im 

Supermarkt ist mir ein 

Graus. Längere Bus- und 

Bahnfahrten inmitten von hektisch 

telefonierenden oder laut kauenden 

Menschen halte ich ebenfalls 

für ein Übel der Moderne, dem ich 

jedoch nicht immer entkommen kann. 

Und auch Hotelzimmer, in denen 

weder TV noch Radio existieren 

– von denen ich nicht wenige 

bewohnt habe –, gestalten 

mein Dasein nicht 

angenehmer. 

herrlicher Klänge aus dem tristen Alltag. Genial, 

nicht wahr?! Dass der Walkman seinen Siegeszug 

speziell bei der jungen Generation antrat und 

zu einer Ikone der Popkultur wurde, liegt 

Soziologen und Medienwissenschaftlern 

zufolge vor allem daran, dass man mit 

dem kleinen Gerät die Welt um sich herum 

zur Kulisse eines Theaterstücks oder Films 

machen und sich der Realität mit all ihren 

Anforderungen für eine bestimmte Zeit 

entziehen kann. „Der Walkman machte es 

mit einem Mal möglich, in Gesellschaft zu 

sein, ohne mit der Gesellschaft etwas zu tun 

haben zu müssen”, erläutert Günter Burkart, 

Professor für Soziologie an der Universität 

Lüneburg. „Individualisierte, geradezu gewollte 

Abschottung” nennt er das, was der Walkman auf 


eine Art ermöglicht, die es zuvor so nicht gegeben hatte. Der allererste 

Walkman hieß technisch-nüchtern übrigens TPS-L2 und erblickte 

am 1. Juli 1979 das Licht der Öffentlichkeit. Weil Masaru Ibuka, der 

Mitgründer des japanischen Elektronikkonzerns Sony, auch bei langen 

Flugreisen auf die Musik seiner beiden Lieblingskomponisten Bach 

und Beethoven nicht verzichten wollte, hatte er seine Mitarbeiter 

angewiesen, einen neuen Apparat zu entwickeln: ein handliches 

Kassettenabspielgerät, das man überallhin mitnehmen kann. Nach 

nur vier Tagen, so die Legende, präsentierten die Techniker den 

ersten Prototypen: Das für Journalisten gedachte Sony-Diktiergerät 

„Pressman” hatten sie kurzerhand umfunktioniert. Es war nur ein 

kleiner Sprung für die Ingenieure, jedoch ein großer Schritt für 

die Musik: Fertig war der erste 

Walkman. Und eine neue Epoche 

begann. In den 1980ern war der 

Walkman vor allem für Jugendliche 

ein absolutes Statussymbol. Nicht 

umsonst gingen Geräte, die unter 

dem Begriff Walkman firmierten, 

rund 335 Millionen Mal über den 

Ladentisch, mehr als 200 Millionen 

davon allein von Sony. Und was 

mit dem Walkman begann, setzte 

sich mit Mobiltelefon, Gameboy 

und Laptop später auf andere Art 

und Weise fort: Das Individuum verwandelte den öffentlichen Raum 

peu à peu in seine ganz private Welt. 

Kulturpessimisten mochten ihn allerdings gar nicht, 

weil sie in ihm eine Ursache für die fortschreitende 

Vereinzelung des Individuums sahen. Tatsächlich 

aber beförderte der Walkman andererseits auch eine 

neue Romantik. In dieser Hinsicht spielte er etwa 

gerade mal ein Jahr nach seiner Markteinführung in 

dem 1980 gedrehten Teeny-Kultfilm „La Boum” eine e 

Schlüsselrolle: Inmitten heftigsten Partytreibens setzt 

ein smarter Jüngling der pubertierenden Sophie Marceau au 

einen Walkman-Kopfhörer auf den Scheitel. "Dreams Are 

My Reality” hat der Charmeur für sie ausgesucht. Während 

ihre Freundinnen dann zu wilder Musik vor dem Plattenspieler 

herumhüpfen, kann die 

arme Sophie Marceau 

gar nicht anders, als dem 

Romantiker 

im Stehblues- 

Würgegriff 

um 

den 

Hals 

zu 

fallen! 

Ohne die technische Neuerung des Walkmans 

wäre eine derart traute Zweisamkeit inmitten 

der Party-Öffentlichkeit nicht möglich gewesen. Und 

auch die Mixtape-Kultur hätte sich ohne den kleinen 

Kontaktanbahnungs-Gehilfen etwa auf Klassenfahrten 

nicht dermaßen prächtig entwickeln können ... Als 

Sony 1979 den ersten Walkman präsentierte, war wohl 

niemandem klar, was für eine Zäsur dies für Musikfans 

bedeuten würde. Erstmals konnte man seine Musik mitnehmen 

und in einer – für damalige Verhältnisse – guten 

Qualität überall hören. Durch gutes Design und dank 

etlicher Funktionen konnte der Marktführer während 

seiner Erfolgsgeschichte seine Konkurrenten stets auf 

Abstand halten. Erste Einbrüche gab es dann allerdings 

Mitte der 1990er Jahre. Inzwischen waren tragbare 

CD-Player und die ebenfalls von Sony entwickelte 

MiniDisc verfügbar, die dem Käufer 

noch mehr Funktionen und auch 

eine bessere Audioqualität boten. 

Das Ende des Walkmans wurde letztlich 

2001 eingeläutet, als Apple den 

ersten iPod vorstellte. Sony konnte 

erst zwei Jahre später einen eigenen 

MP3-Player auf den Markt bringen, 

die „digitale Revolution” hatte der 

japanische Konzern verschlafen. 

Das offizielle Ende dieser wundervollen 

Erfindung Walkman 

wurde am 23. Oktober 2010 proklamiert: 

Sony verkündete das offizielle Aus des 

Abspielgeräts. Inzwischen verwendet 

das Unternehmen den Markennamen 

„Walkman” aber für zahlreiche Produkte: 

Nicht nur MP3- und tragbare CD-Player 

werden unter dem legendären Namen 

angeboten, auch einige Handy-Modelle 

des japanisch-schwedischen Joint Ventures 

Sony Ericsson zeigen das stilisierte „W” 

auf ihren Gehäusen. Und wie sieht es in 

meinem ganz privaten „W”-Kosmos aus? 

Aktuell verschleiße ich bereits mein viertes 

Gerät am Stück, die „Walk-Männer” besitzen bei mir die für unsere 

kurzlebige technische Moderne ganz erstaunliche Haltbarkeitsdauer 

von knapp zehn Jahren. 

Das letzte Teil habe ich 2010 am 

Münchner Hauptbahnhof in einem 

der zahlreichen dort ansässigen kleinen 

Elektronikläden erstanden. Der Verkäufer 

blickte mich inmitten seines immensen 

Kontingents an iPods, MP3-Playern und 

anderen Errungenschaften der neuesten 

Technologie mit großen Augen verständnis- 

los an, als er fragte: „Was wollen Sie denn 

mit einem solchen Dinosaurier?” „Bewusst 

Musik hören”, gab ich strahlend zur Antwort, nach- 

dem er mir aus der hintersten Ecke seines Geschäfts 

seinen letzten Walkman herausgebuddelt hatte, den 

er mir dann für schlappe 25 Euro verscherbelte. 

„Ja, bewusst Musik hören”, wiederholte ich selig, 

„in mäßiger Qualität und ohne dass ich irgendwel- 

che Lieder vor- oder zurückspule.” „Sie 

haben Respekt vor der Musik und den 

Musikern”, stellte er nachdenklich fest. 

„Genau”, grinste ich, „ein Walkman ist 

der Inbegriff für Respekt vor dieser göttlichen 

Erfindung namens Musik!” 

Michael Fuchs-Gamböck 


GLAM-ROCK 

Charts-Stürmer 

auf Plateausohlen 

Von Andreas Kötter 

Okay, zugegeben! Meine erste Schallplatte (ja, so nannte man das 

damals), die keine Märchen " 

erzählt", ist eine Single von Roberto 

Blanco. 1972 ist das, und die folgenden Jahre werden mich lehren, 

dass " 

Der Puppenspieler von Mexiko" für meine Sozialisation 

verschwindend wenig leistet. Schon mit meiner nächsten Platte aber 

ändert sich das gewaltig. Denn Music Power", 1974 eine weitere 

" 

Zusammenstellung aktueller Hits aus der damals sehr populären 

" 

K-Tel"-Compilation-Reihe, enthält Songs wie "The Bangin’ Man" von 

Slade, "Angel Face" von The Glitter Band oder "Always Yours" von 

Gary Glitter. Und damit ist mein jugendliches Interesse an stampfendpolternden 

Pop-Rockhymnen geweckt. Ich bin infi ziert, und schon sehr 

bald werde ich auch das weitere Oeuvre von Slade, The Sweet, T. Rex, Suzi 

Quatro, Gary Glitter und vielen anderen Glam-Rockern für mich entdecken ecken ... 

Es sind Songtitel wie "Teenage Rampage", 

"Children Of The Revolution" oder "Cum 

On Feel The Noize", die mir damals, trotz 

nur sehr rudimentärer Englischkenntnisse, ein 

frühes Gefühl von Aufbegehren, von Sturm 

und Drang und damit von Freiheit vermitteln. 

Ein starkes, brennendes Gefühl, das einige 

Jahre später weit heftiger noch von Punk 

befeuert werden soll. Was – aus heutiger und 

damit musikhistorischer Sicht – kein ganz so 

großes Wunder ist. Denn Glam- oder 

Glitter-Rock, wie man den Sound von 

Slade und The Sweet, von Gary Glitter 

und T. Rex, aber auch von Roxy Music 

und David Bowie alsbald nennen wird, ist 

weder vom ideologischen Überbau noch 

musikalisch allzu weit entfernt von dem, 

was Punk bzw. New Wave schon bald 

leisten werden (dazu später mehr). 

Doch versuchen wir uns zunächst lieber 

an einer Definition von Glam bzw. lassen 

wir Wikipedia diesen Job erledigen. Während 

wikipedia.de doch recht vage bleibt, hilft naturgemäß 

– ist Glam doch zuallererst ein britisches 

Phänomen – die englischsprachige Version der 

Internetenzyklopädie weiter. 

Sinngemäß heißt es dort: 

„Glam-Rock entwickelte 

sich aus Rock und Pop zu 

Beginn der 70er Jahre in 

Großbritannien. Musikalisch 

umfasste Glam sowohl den 

simplen Revival-Rock eines 

Alvin Stardust wie auch den eher komplexen 

Art-Rock von Roxy Music." „Komplex" 

und „Art" sind hier die 

Schlüsselwörter. Denn tatsächlich 

ist Glam viel mehr 

als 

„nur" Musik. Fashion 

(David Bowie wird einen 

Song später "Fashion" 

betiteln), Mode also und 

ihre soziale Bedeutung 

machen einen nicht unwesentlichen 

Teil der Kraft 

von Glam aus. Denn Glam ist vor allem auch 

eine Möglichkeit, dem tristen Grau englischer 

Industriestädte etwas entgegenzusetzen. 

Dazu noch einmal Wikipedia: „Glam war ein 

buntes Durcheinander von Stilen, das vom 

Hollywood-Glamour der 30er Jahre über den 

David 

Bowie 

alias 

Ziggy 

Stardust 

© Pressefoto 


Pin-Up-Sex der 50er bis hin zu Science Fiction 

und Mystizismus reichte." Dieser Stilmix findet 

sich überdeutlich etwa in den Fantasiekostümen 

solcher Bands wie Slade oder The Sweet. Zudem 

spielt man mit einem androgynen Look und 

bricht die Geschlechterrollen auf, so dass man 

Glam durchaus auch als Einfluss für den viel 

späteren Transgender-Sound von z.B. Antony & 

The Johnsons oder Against Me! verstehen kann. 

Bolan und Bowie 

geben den Startschuss 

Weniger enzyklopädisch denn handfest 

schildert – wie es der Zufall will – eine 

aktuelle Ausgabe des sehr lesenswerten britischen 

Rockmagazins „Vive Le Rock!" in einem 

Special, wie Glam erst Großbritannien und dann 

den Rest der (Pop-)Welt eroberte. Man könne die 

Ursprünge von Glam zwar bis zu Little Richard 

zurückverfolgen, heißt es da. Erst David Bowie 

und Marc Bolan mit T. Rex aber hätten in den späten 60er Jahren erkannt, 

dass die Zeit reif gewesen sei für eine Erneuerung der Musikkultur. 

Beide späteren Superstars hätten 

zuvor mit Rock, Mod und Folk 

„herumgespielt", ohne auch nur 

annähernd den Erfolg zu haben, 

den ihnen Glam schon bald bescheren 

sollte. „Alles, was wir wussten, 

war falsch", so Bowie damals. 

„Endlich frei und mitten auf dem 

Wasser ohne Paddel, nahmen wir 

uns die Erlaubnis, die Kultur neu 

zu erfinden, nach unserer ureigenen 

Vorstellung." Irgendwo im 

Zeitraum „zwischen Marc Bolans 

Glitter-Performance von 'Hot Love' 

im Frühling 1971 und der ,Geburt' von Bowies Alter Ego Ziggy Stardust 

zu Beginn 1972" sieht „Vive Le Rock!" „die Parameter einer neuen 

visuellen und musikalischen Sprache definiert". 

Bowie ist es auch, der Glam den 

wohl programmatischsten Titel, ja 

eine wahre Hymne beschert. "All The 

Young Dudes" ist ein Geschenk an Mott The 

Hoople, die ebenso wie Roxy Music eine – nennen 

wir es mal – „erwachsenere" Glam-Variante 

definieren als die Acts, die bald folgen werden. 

Glam-Rock, so wie wir ihn heute verstehen, ist 

jetzt jedenfalls „erfunden". Und Marc Bolan, zu 

dieser Zeit mehr noch als Bowie der Prototyp 

des Popstars, verfügt über den Starappeal und 

die Sexyness, die es braucht, um seine süchtig 

machenden Melodien eindrucksvoll in Szene zu 

setzen. Die schon genannten "Hot Love" und 

"Children Of The Revolution", aber etwa auch 

"20th Century Boy" oder "Get It On" mischen zwischen 

1971 und Anfang 1973 die britischen Charts 

auf, und nur "20th Century Boy" schafft es als Nr. 3 nicht auf einen 

der beiden ersten Plätze. Bolans Songs sind kurz und prägnant, überschreiten 

oft nicht die magische Drei-Minuten-Grenze und sind schon 

dadurch ungemein radiotauglich. Ein rhythmusorientiertes Fundament 

und schier unwiderstehliche Hooklines machen Tracks wie "Metal Guru" 

oder "Telegram Sam", aber auch Bowies "Starman" oder "Changes", zu 

wahren Gassenhauern, deren Refrains sich – wie 

bei vielen späteren Glam-Hits auch – wunderbar 

mitsingen lassen (in manchen Fällen, etwa bei 

Slade, müsste es wohl eher heißen „mitgröhlen"). 

Und dieser Erfolg bereitet nun auch den 

Weg für Slade und The Sweet. 

© Pressefoto 

Alvin 

Stardust 

Marc 

Bolan 

Slade vs. The Sweet 

Die einen, Slade, wechseln jetzt vom früheren 

Skin- und Arbeiteroutfit zu absurd 

hohen Plateauschuhen, die anderen, The Sweet, 

geben ihr Bubblegum-Pop-Outfit auf für schrilles 

Glitzer-Make-up und einen androgynen 

Look. Vor allem Gitarrist Dave Hill hier und 

Bassist Steve Priest dort schöpfen aus dem 

Vollen und experimentieren mit allem, was 

Fantasie, Schminkkasten und Maskenbildner 

hergeben. Mag dieses Erscheinungsbild den braven 

Bildungsbürger der frühen 70er Jahre auch 

verschrecken, die durch Beatles und Rolling 

Stones längst Rock-sozialisierten Kids im UK 

freut’s. Sie übernehmen mit diesem Look auch 

das Lebensgefühl, das Slade im programmatischen 

"Cum On Feel The Noize" so beschreiben: 

„... girls grab the boys, we get wild, wild, 

wild, we get wild, wild, wild, so cum on feel 

the noize ...", freigeistig-anarchistische Diktion 

gleich noch inklusive. Ein Lebensgefühl, das sich für die Wolverhampton 

Boys, aber auch für ihre größten Rivalen im Kampf um die Spitzenplätze 

der Charts, The Sweet, in barer 

Münze auszahlt. So platzieren Slade 

zwischen 1971 und 1975 sage und 

schreibe 16 Singles in den britischen 

Top 20, von denen sechs sogar die 

Chartsspitze stürmen. Darunter ist 

mit dem grandiosen "Merry Xmas 

Everybody" zudem ein unzerstörbarer 

Weihnachtsklassiker, der zur 

Weihnachtszeit immer wieder mal, 

zwischen 2007 und 2013 sogar 

ununterbrochen, in den UK-Charts 

auftaucht. Ganz so erfolgreich sind 

The Sweet zwar nicht. Aber auch die 

Band um den blonden Leadsänger und Frauenschwarm Brian Connolly 

bringt es immerhin auf zehn Top-20-Platzierungen, mit "Blockbuster" 

allerdings nur auf eine Nummer 1 im UK. 

© Pressefoto 

Foto: © Zill/Bildarchiv Hallhuber 

David Bowie (m.) 

Bemerkenswert ist, dass es zwischen den Fans 

beider Lager zu einer Art Glaubenskrieg 

um die „wahre Lehre" kommt, wie ihn zwei 

Jahrzehnte später ähnlich auch die Anhänger von 

Blur und Pulp austragen werden. De facto lässt 

sich aus heutiger Sicht wohl sagen, dass Slade 

nicht nur wegen der höheren Anzahl der Charts- 

Platzierungen die Nase ein Stück weit vorne 

haben. Zum einen liegt das daran, dass The Sweet 

ihre Hits wie "Hell Raiser" oder "The Six Teens" 

zunächst nicht selbst schreiben, sondern lieber 

vom legendären Autoren/-Produzentenduo Nicky 

Chinn und Mike Chapman schreiben lassen (beide 

sind u. a. auch für die Glam-Konkurrenz von 

Suzi Quatro oder Mud im Einsatz). Dabei beweist 

man im Laufe der Jahre 

nicht nur mit "Fox On The 

Run" oder "Action", dass man durchaus in der 

Lage ist, Material mit Hitpotenzial abzuliefern. 

Und mit Alben wie LEVEL HEADED oder CUT 

ABOVE THE REST gibt man sich später zudem 

offen gegenüber Einflüssen wie Prog- oder 

Symphonic Rock, ja sogar Disco. Slade aber 

verfügen von Beginn an mit Sänger Noddy 

Holder, dem Mann mit dem unglaublichsten Backenbart bzw. den zau- 

seligsten Koteletten der Musikgeschichte, und mit dem Bassisten/Multi- 

Instrumentalisten Jimmy Lea über ein kongeniales Autorenduo und 

werden später mit ihrem legendären Auftritt auf dem Reading-Festival, 

einem alljährlichen Stelldichein des Hard Rock bzw. Heavy Metal, ein 


neues Publikum dazugewinnen. 

Kein Wunder also, dass die Band 

in der Folge den unterschiedlichsten 

Rockrabauken wie Mötley Crüe, Quiet 

Riot, Def Leppard, aber auch den Sex 

Pistols, The Clash oder gar Nirvana 

als Einfluss gilt. Zudem gelingt dem 

Quartett mit SLADE IN FLAME nicht 

nur ein Album mit All-Time-Faves- 

Charakter, sondern vor allem einer der 

besten Musikfilme überhaupt. 

Suzi Quatro & 

Gary Glitter 

Neben Slade und The Sweet sind es 

vor allem Suzi Quatro und Gary 

Glitter, die Glam dann via Charts frische 

Gesichter schenken. Die gebürtige 

US-Amerikanerin Susan Kay Quatro 

darf durchaus als eine der ersten 

Rockladies der Musikgeschichte gelten, 

die, stets gekleidet in einen hautengen 

schwarzen Lederoverall, vielleicht 

mehr für die Emanzipation getan hat, 

als das auf den ersten Blick scheint. 

Tatsächlich aber darf Quatro wohl 

für sich in Anspruch nehmen, für 

Bands wie The Runaways oder extrovertierte 

Künstlerinnen wie Madonna 

oder Lady Gaga Schrittmacherdienste 

geleistet zu haben. Mit Titeln wie 

"48 Crash", "Daytona Demon", "Devil 

Gate Drive" oder "Can The Can" etabliert 

sich die Rockerin in England 

und in Deutschland schnell als Queen 

des Glam. Einen Haken aber hat die 

Sache. Quatro selbst hat sich nie als 

Vertreter des Glam-Rock gesehen, 

wie sie gegenüber „Vive Le Rock!" 

erklärt: „Ich war nie Glam – eher das 

Gegenteil; ich habe kaum Make-up 

benutzt und einen schlichten schwarzen Lederoverall 

getragen. Wir waren immer eine Rock’n’Roll-Band und 

wollten Detroit nach England bringen." Sei’s drum. 

Ganz bewusst Glam ist auf jeden Fall Gary Glitter. 

Geboren als Paul Francis Gadd, kann der Mann, der 

viele Jahre später noch einmal – diesmal aber traurige – 

Berühmtheit wegen Kindesmissbrauchs erlangen wird, 

schon Mitte der 60er Jahre unter dem Pseudonym Paul 

Raven auf eine, wenn auch kaum erfolgreiche Karriere 

zurückblicken. Weil der Erfolg ausbleibt, entscheidet 

sich Gadd/Raven für einen Imagewechsel und wird – nicht zuletzt dank 

der musikalischen Expertise von Produzent Mike Leander – zu einem der 

„Marken-Gesichter" des Glam. Mit der Glitter Band, die später auch mit 

eigenen Hits wie "Angel Face", "The Tears I Cried" oder "People Like You, 

People Like Me" erfolgreich sein wird, kann der Mann im mit Pailletten 

besetzten Silberanzug auf eine hochroutinierte Band vertrauen. Und mit 

Tracks wie "Rock’n’Roll Part 1&2", "Do You Wanna Touch Me" und vor 

allem "I'm The Leader Of The Gang (I Am)" wird Glitter schnell gleich 

auch noch zum Paten des Glam-Rock. Und viele folgen diesem „Leader". 

Ob Kenny, Mud oder Hello, um nur einige zu nennen – sie alle wollen 

jetzt auch ein Stück vom Kuchen haben, verwässern das Genre dabei 

aber immer mehr in Richtung Plastik-Pop. 

Und Amerika? 

Was aber ist eigentlich in den USA los, dem anderen großen 

englischsprachigen Popmusikmarkt? Auch jenseits 

© Pressefoto/ RCA/BMG Records 

The Sweet 

Suzi Quatro 

Gary 

Glitter 

© Pressefoto 

Slade 

Foto: © GoodTimes-photo.de © Pressefoto 

des Atlantiks zeigt Glam durchaus 

Wirkung. Lou Reed oder Iggy Pop 

flirten zumindest mit der neuen 

„Mode". Und Wayne/Jayne County, 

vor allem aber die New York Dolls 

sind Glam pur. Als „Bindeglied zwischen 

den Shangri-Las und den Sex 

Pistols" definiert „Vive Le Rock!" 

die Dolls. Und trifft damit den 

Nagel auf den Kopf. Denn die 

Dolls und damit die amerikanische 

Variante von Glam geben sich 

rauer, ja dreckiger als die britische 

Verwandtschaft. Hier lässt sich 

schließlich das, was bald kommen 

wird, der siedend-heiße Furor des 

Punk, schon mehr als deutlich erahnen 

... 

Was aus Glam 

wurde 

Ob Punk oder New Wave, ob 

Sleaze oder Grunge, Glam 

hat alle Spielarten des Rock überlebt. 

Zum Glück, möchte man 

meinen. Denn diese wilde Mixtur 

aus hymnischen Melodien, wilden 

Fantasielooks und dem Willen zur 

– wenn auch in erster Linie – stilgerechten, 

mit anderen Worten zur 

Salonrevolte kann der Popmusik 

bis heute viel geben. Wie folgende 

Beispiele eindrucksvoll zeigen: Denn 

ob im New Wave, etwa mit den frühen 

Ultravox-Alben der John-Foxx- 

Phase oder später mit Bauhaus, 

die T. Rex’ "Telegram Sam" covern, 

oder mit Love & Rockets, ob im 

Glam-Metal mit L.A.-Bands wie 

Faster Pussycat oder Bang Tango 

(die sich wiederum erfolgreich an T. 

Rex’ "Children Of The Revolution" versuchen) oder 

im Brit-Pop mit Bands wie Suede oder den völlig 

unterschätzten, aber leider längst verblichenen 

Mansun – Glam war und ist immer mittendrin, 

statt nur dabei. Und heute sind es Acts wie die 

schon erwähnte Lieblings-Irre der Feuilletons, 

Lady Gaga, aber auch Marilyn Manson, Placebo 

oder Goldfrapp, die zumindest mit einigen ihrer 

Werke dem Glam frönen. Irgendwie ist das auch 

nur logisch. Pop ohne Glam(-our) wäre wohl eine 

Absurdität. 

Zum Weiterlesen: 

- GoodTimes: T. Rex 4/2014, Sweet 1/2013, Glam-Rock 3/2008 

- Mark Dery: " 

All The Young Dudes: 

Why Glam Rock Matters" 

- " 

Vive Le Rock!", Ausgabe 16, mit " 

70s Glam Special" 

- " 

Uncut"-Magazine, Ausgabe 18, 

mit " 

Glam Special", und Ausgabe 70, 

mit " 

Bowies Glam-Phase-Special" 

- " 

Mojo Magazine", Ausgabe 138, mit T. Rex-Special 

Zum Weitersehen: 

- " 

Slade In Flame" 

- " 

Velvet Goldmine" 

Zum Weiterhören: 

- Box-Set OH YES WE CAN LOVE: A HISTORY OF GLAM ROCK 


1968 

WURDEN COPS 

PLÖTZLICH 

COOL 

Von Roland Schäfli 

Der Summer Of Love ging gerade zu Ende. In San Francisco wurde 

Flower Power zur Massenbewegung. Doch der Mann, der auf seinem 

Motorrad durch die Nacht fuhr, um nervöse Energie loszuwerden, 

dachte nicht an Blumenkinder, nicht an Hippies. Er hatte eben entdeckt, 

dass er mit den Rädern abheben konnte, wenn er die hügeligen 

Straßen von Frisco wie Schanzen nutzte. " 

Wäre es nicht großartig", 

fl üsterte der Mann seinem Begleiter zu, " 

wenn wir das im Film mit 

einem Auto machen könnten?" Der Mann war Steve McQueen, und 

seine Idee war die Geburtsstunde für die legendäre Verfolgungsjagd 

aus dem Klassiker " 

Bullitt". 

McQueens 

Vorliebe 

für Speed trieb 

nicht nur den Öldruck 

seiner Motoren hoch. 

Auch der Blutdruck der 

Versicherungsagenten 

stieg regelmäßig. 

Wie immer war dem 

Star untersagt, während 

der Dreharbeiten 

Rennen zu fahren – 

jede Art von Rennen, egal ob auf vier oder zwei Rädern. Warner 

Brothers wollte sich das sogar schriftlich von ihm geben lassen. 

Steve allerdings retournierte das Dokument, ohne zu unterschreiben, 

stattdessen kritzelte er eine Obszönität an den Rand, wohin man 

sich das Papier stecken könne ... 

Seine Maschine für diese nächtlichen Ausflüge versteckte er in einer 

gemieteten Garage. McQueen tat, was immer McQueen tun wollte. Er 

hatte – da er sich gern in Slang ausdrückte – den Juice (den Saft), um den 

Suits – so nannte er die Anzugträger aus der Teppichetage – zu zeigen, 

wer bestimmte, wo es langging. Erst 37-jährig hatte er da bereits seine 

Abdrücke im legendären Zement vor dem Grauman's Chinese Theatre 

hinterlassen (wo er in einem burgunderfarbenen Ferrari zur Zeremonie 

vorgefahren war). Steve McQueen war der 

Hipster seiner Generation, lange bevor 

dieses Wort geprägt wurde. Er rauchte 

Gras, hatte mehr Hasch-Cookies verdrückt 

als jeder Woodstock-Teilnehmer, 

und er machte sich mit seiner Let-The- 

Devil-Care-Attitüde einen Spaß daraus, 

Behörden und Beamte zu ärgern. Und die 

Generation der wilden Sixties identifizierte 

sich mit diesem Rebellen, erkor ihn zu 

ihrem Superstar. 

Warum sollte McQueen, 1968 auf der 

Höhe seines Ruhms, nun also ausgerechnet 

einen Bullen im Anzug spielen? Er wollte den Film, mit dem 

er bis heute am stärksten identifiziert wird, anfangs gar nicht machen. 

Zu dieser Zeit nannte man Polizisten Pigs (Schweine). Er selbst war 

sein halbes Leben vor ihnen davongelaufen: „Ich habe Polizisten nie 

gemocht. Sie waren auf der einen Seite des Zauns, ich auf der anderen." 

Seine Frau Neile riet ihm schließlich zu „Bullitt". Die „Los Angeles 

Times" titelte denn auch entsprechend akkurat: „Bad Boy does switch 

to play cop role." Die Millionengage – ein Fünftel des Gesamtbudgets – 


An der Ecke Taylor/Clay klaut sich Bullitt seine Morgenzeitung. 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber 

Das Police Office der Stadt 

stellte ihm übrigens einen 

Sergeant und zwei Polizisten 

permanent zur Seite. Die kontrollierten 

den Verkehr, den 

der Star durch seine bloße 

Präsenz zum Erliegen bringen 

konnte. Außerdem durfte der 

Schauspieler nachts mit auf Patrouille, um sich selbst ein Bild von 

realistischer Polizeiarbeit zu machen. Am Ende war es aber die wilde 

Autohatz, die Mutter aller Verfolgungsjagden, die das Publikum 

für den Polizisten begeisterte: Wer seinen Wagen so um die Kurve 

schleuderte, konnte nicht uncool sein. Das zehnminütige Duell des 

390er GT Mustang gegen den 440er Magnum Dodge, untermalt von 

Lalo Schifrins jazzigem Soundtrack, sollte Standards setzen. Statt des 

befürchteten Imageschadens kam es also nur zu diversen Blechschäden 

(auch wenn sich der Regisseur einen dummen Schnittfehler leistete: 

Bullitt muss denselben grünen Volkswagen insgesamt dreimal überholen). 

Der Cop mit der schnellen 

Karre wurde Kult – 

trotz allem. Und Steves 

Co-Star Jacqueline Bisset 

wird noch heute vor allem 

auf diesen Film angesprochen 

(siehe Interview). 

Bald kurvten nachts dunkelgrüne 

Mustangs um 

dieselben Ecken. Hippies, 

die bei Demos gegen den 

Vietnam-Krieg aufgegriffen 

wurden, verlangten lautstark 

von den Polizisten: 

„Wir wollen Bullitt!" Und 

im San Francisco Police 

Departement trugen die Kommissare plötzlich mit Vorliebe die gleichen 

Rollkragenpullis wie er. Kein Zweifel – ausgerechnet McQueen, von Natur 

aus der natürliche Feind der Polizei, hatte die Cops cool gemacht! 

Zum Abschluss der Dreharbeiten stiftete der Star damals der Stadt im 

Übrigen einen Swimming Pool – und ließ ihn auf die Rechnung von 

Warner Brothers setzen. Der böse Junge hatte den Suits einmal mehr 

eins ausgewischt ... 

DREHORT-FÜHRER 

Für Fans des Kultfilms ist eine Visite in San Francisco nicht komplett 

ohne den Besuch der „Bullitt"-Drehorte. An der Taylor Street 

findet sich Bullitts Apartment, und gleich gegenüber, an der Ecke 

Clay Street, steht bis heute der Lebensmittel-Laden VJ Groceries, wo 

der Kommissar seine Tiefkühltruhe auffüllt und die Morgenzeitung 

stibitzt. Im Enrico’s, an der Ecke Broadway und Kearney Street, trifft 

Bullitt einen Informanten (auf dieser steilen Straße wurde später auch 

der Auto-Stunt von „Basic Instinct" aufgenommen). Die legendäre 

Verfolgungsjagd wurde hauptsächlich auf der Filmore Street, zwischen 

Broadway und Vallejo Street, gedreht. 


Foto: © Roland Schäfli 

Zum Zeitpunkt der Dreharbeiten ein Hippie-Quartier, ist diese Gegend heute etwas heruntergekommen. 

An dieser Ecke trifft Bullitt seinen Informanten. 

dürfte letztlich aber ebenso eine Rolle gespielt haben wie die Tatsache, 

dass McQueen sein eigener Herr sein durfte. Seine Firma Solar sollte 

den Streifen produzieren. Seinen Boss-Status testete er dann auch gerne 

aus: So ließ er sich einen Billardtisch in sein Apartment im zwölften 

Stock installieren, wozu ein Kran aufgebaut und ein Fenster herausgerissen 

werden mussten. Aber noch während der Dreharbeiten zweifelte 

Steve McQueen bereits daran, dass sein Stammpublikum ihn als 

Kriminalkommissar akzeptieren würde. 

1968, das war eben lange vor „Beverly 

Hills Cop", lange bevor Polizisten 

salonfähig wurden, Jahre vor Dirty 

Harry und all den Polizisten-Klonen, 

die dieser nach sich ziehen würde. 

Im Kino fand man die Helden damals 

nicht in den Polizeirevieren. Und dieser 

Detective Bullitt war 

zudem, trotz McQueens 

Rebellenimage, ein Beamter, 

der innerhalb der Vorgaben 

des Systems arbeitete. Auch 

wenn er die Regeln manchmal 

leicht beugte, so war 

doch seine einzige klar gesetzwidrige Tat im Film, eine Zeitung aus 

dem Automaten zu klauen. Und sogar das tat er mit leicht schlechtem 

Gewissen. Man hat McQueen dementsprechend auch die Frage noch 

vor dem Start der Filmarbeiten gestellt, weshalb ausgerechnet er, King 

Of Cool, in die als äußerst uncool empfundene Rolle eines Cops schlüpfen 

wolle. „Es gibt keine Kommunikation zwischen den jungen Leuten 

und der Polizei", erklärte er. „Wenn alle Jugendliche aufwachsen und 

die Cops hassen, wird das bald eine ziemlich angsteinflößende Welt." 

Steve McQueens 

Tweed-Jackett: 

2013 in 

einer Auktion für 

600.000 $ 

angeboten.


Interview mit 

" Bullitts 

Freundin" 

Jacqueline 

Bisset 

Diese grünen Augen. So unschuldig blinzelte sie als naive Freundin Bullitt" Steve McQueen an. Steht man 

dann selbst Auge in Auge Jacqueline Bisset gegenüber, dann blickt " man in 45 Jahre große Kinomomente. 

Bullitt" hat diese lange internationale Filmkarriere lanciert. 

" 

Kürzlich gab es Steve McQueens Jackett aus Bullitt" für 600.000 Dollar zu ersteigern. Wie können Sie sich den 

Kult um diesen Film erklären? 

" 

Wie viel? Das ist doch absurd. Welches Jackett? 

Das er bei der Verfolgungsjagd trägt, das mit den Ellbogenflicken. 

Das braune Tweed-Jackett! Ich bin überrascht. 

Haben Sie selbst noch Ihr Kostüm aus dem Film? Es dürfte im Wert steigen. 

Leider nicht. Wissen Sie, noch heute werde ich immer wieder zu Auto- 

Events im Zusammenhang mit „Bullitt" eingeladen. Ich gehe nicht hin, 

aber offenbar hat diese Autoverfolgungsjagd noch immer viele Fans. 

Das ist der Bullitt-Craze ... Steve McQueens Image scheint heute noch 

viel stärker zu sein als direkt nach seinem Tod. 

Konnten Sie damals spüren, dass hier ein künftiger Kultfilm entsteht? 

Steve war ja damals schon ein großer Star. Und die Sequenz der Autojagd 

galt bereits bei der Premiere als Phänomen. In den Jahren seither hat 

man das immer wieder spektakulärer gemacht. Aber dass man in einen 

künftigen Kultfilm involviert ist, kann man nie im Voraus wissen. 

Sie sind gerade 70 geworden. Besonders schwierig für eine Schauspielerin, die als eine der schönsten Frauen 

der Welt galt? 

Das kann schwierig sein, kommt aber auf den Morgen an. Älterwerden 

hat mit der Akzeptanz seiner selbst zu tun. Man muss Appetit aufs 

Leben haben. Natürlich, es braucht Mut, sich beim Älterwerden filmen 

zu lassen. Hollywood ist tatsächlich kein einfacher Ort, wenn man sich 

nicht fit hält. Doch wer Schauspielerin wird, begibt sich auf eine Reise 

nach der Wahrheit. Man spielt von innen. Beauty zeigt sich – Gott sei 

Dank – in vielen Formen. Man muss nicht schön sein, um schön zu 

sein. Glücklicherweise haben wir die Hilfe des Kameramanns ... 

Ihr bester Freund am Drehort? 

Eigentlich nicht, denn leider hege ich oft eine Antipathie mit Blick auf 

den Kameramann. Er kann geradezu ein Gegner werden, der einen mit 

der Kamera umbringen will! 

Andere Regisseure haben vor allem Ihre Schönheit ausgebeutet, etwa in der berühmten Szene von The Deep", 

Sie im nassen T-Shirt. 

" 

Als Schauspielerin will man ja auch ausgebeutet werden. Man will sein 

Inneres nach außen kehren. Allerdings wird jungen Schauspielerinnen 

heute schon viel mehr abverlangt – Nacktheit gehört dazu. Allerdings ist 

die Welt ja auch freizügiger geworden. Schauen Sie auf der Straße, die 

Mädchen sind ja halbnackt – ohne dass sie dazu gezwungen werden. 

VERLOSUNG 

kult! verlost unter allen Teilnehmern 


5x DVD-Box 

Stichwort: kult!-Verlosung 

(gerne zusätzlich mit Angabe des gewünschten Artikels) 

Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

Einsendeschluss ist der 15. Januar 2015 

NikMa Verlag Eberdinger Str. 37 · 71665 Vaihingen/Enz 

Fax: 0 70 42/37660-188 · E-Mail: goodtimes@nikma.de 

3x DVD 

3x Fan- 

Paket 

DVD- & 

CD-Box 

3x 80er- 

Jahre-Quiz 

3x DVD 

5x Blu-ray 

3x 

Fan-Paket 

DVD- & 

CD-Box 

Unsere Gewinner der Verlosung 

aus kult! Heft 10 – 2/2014: 

Stichwort " 

kult!-Verlosung" 

– Ulrike Lerch, Graz (Österreich) 

– Markus Wachter, Besigheim 

– Simon Claus, Berlin 

– Torsten Könicke, Erding 

– Günter Gerlach, Hockenheim 

– Martha Walter, Heilbronn 

– J. Hofmann, Löbnitz 

– Sandra Schuster, Mühlacker 

– Gunther Frey, Bocholt 

– Hubärt Elsen, Trier 

– Thomas Rath, Amberg 

– Hans Schultheiss, Hamburg 

10x Starterset 

WM-Sammelalbum: 

– Ina Korn, Schöningen 

– Wolfgang Köhler, Dortmund 

– Jürgen Erdmann, Husum 

– Simon Maier, Gifhorn 

– Robert Abels, Herzberg 

– Walther Gerhardt, Staufen 

– Claus Heintz, Bocholt 

– Regina Klein, Aachen 

– Max Walzer, Troisdorf 

– Reinhold Platter, Berlin

Liebe, 

1978 lief auf der Berlinale ein Beitrag, welcher der bis dato erfolgreichste israelische 

Film werden sollte. Er bildete den Auftakt zu einer mehrteiligen Kinoreihe 

in deutsch-israelischer Gemeinschaftsproduktion. Heiße Musik und nackte Haut, 

kongenial auf Partys und am Strand in Szene gesetzt, waren auch in den 80er 

Jahren angesagte, aber weitgehend unter der Decke gehaltene Themen. Noch Jahre 

später lockten sie Jugendliche klammheimlich vor die Fernseher. " 

Das ,erste Mal’ 

war nie witziger als mit ,Eis am Stiel’", stellt dann auch der Begleittext in den 

Inlays der DVD-Edition fest. 

Zu den ungewöhnlich melancholischen Klängen von Bobby Vintons 

"Mr. Lonely" verlässt ein enttäuschter Teenager eine Party, auf 

der ihm das Schwofen nicht vergönnt gewesen ist, und geht die 

Straße hinunter. Der „einsame Soldat" hat seiner Traumfrau auf ihrer 

Geburtsparty ein Geschenk samt Gravur ihres Namens machen wollen, 

sie aber in der Küche in inniger Umklammerung mit seinem besten 

Freund erwischt, der sie erst geschwängert und danach fallengelassen 

hat, wohingegen er sich um sie kümmerte und ihr geliehenes Geld zur 

Abwicklung einer Abtreibung zur Verfügung stellte. Diese Schlussszene 

muss bekannt sein, um aus heutiger Sicht verstehen zu können, warum 

der Trailer zu „Eis am Stiel" den Film als „Lustspiel" beschreibt, bei dem 

sowohl gelacht als auch geweint werden könne. Die meisten Zuschauer 

haben die Reihe vermutlich als eher lustig denn traurig in Erinnerung. 

Des Rätsels Lösung führt letztlich zum Regisseur. 

Der Erfinder von „Eis am Stiel" ist Boaz Davidson, geboren in Tel-Aviv 

im November 1943. Laut seiner Aussage basieren die Filme auf seinen 

persönlichen Erfahrungen, die er als Teenager im Israel der späten 50er 

Jahre gemacht hat. Bis Teil vier führte er Regie und betätigte sich 

zudem als Co-Autor, für Teil fünf steuerte er lediglich das Drehbuch bei. 

Der traurige Schluss von Teil eins sei „im Film, weil er sich so ereignet 

hat", gab er 1978 in einem Interview an. 

Die Handlungen der Filme drehen sich auch in den weiteren Teilen 

von „Eis am Stiel" meistens um komplizierte Liebschaften des empfindsamen 

und notorisch klammen Benny (Jesse Katzur). Ihm zur Seite 

steht seine resolute Mutter Sonya (Dvora Kedar), die ihrem Sohn schon 

mal ohne Wissen ihres Mannes Romek Geld zusteckt – aber auch das 

Nachbarkind mit Eiern bewerfen kann, wenn ihr dessen Geigengefiedel 

auf die Nerven geht. Mehrere Szenen spielen in Bennys Elternhaus in 

oftmals geselliger Verwandtenrunde. 

Das Aushängeschild hild und Gesicht der Reihe ist aber eindeutig i „der kleine, 

clevere Dicke". Das dürfte daran liegen, dass Johnny (Zachi Noy) 

in den Filmen eine ähnlich sympathische Rolle des Pechvogels wie 

Donald Duck in Entenhausen zufällt: Alles, was er in Sachen Amore 

anpackt, geht schief, und irgendwann erwartet dies das Publikum auch: 

So landet er in zahlreichen Verwechslungsszenen in Erwartung seiner 

Freundin im Bett von Bennys Mutter oder gerät beim Klavierunterricht 

unter den strengen Augen einer Beethoven-Büste nicht etwa an die 

nymphomanische Lehrerin, sondern an ihre Schwester. Klar, dass er bei 

Versuchen dieser Art viel einstecken muss. 

Dabei ist der korpulente Johnny aber eigentlich immer perfekt vorbereitet, 

wenn er das andere Geschlecht in Angriff nimmt: Er hat stets 


Sophia 


Loren 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber


Foto: © Bubi Heilemann/www.rockfoto.de 

THE SWEET

Pariser bei sich, kämmt sich die Haare, bevor er ein Mädchen anspricht, 

und verfügt über ein ansehnliches Repertoire an flotten Sprüchen (à 

la „Ich hab mit meinem schon Preise gewonnen, da hast du noch 

beidhändig gepullert"). Darüber hinaus entwickelt er als einziger der 

Jungs frühzeitig Geschäftssinn, indem er minutiös die Schulden seiner 

Freunde bei ihm protokolliert, eine 

„Datenbank" an Damen für gewisse 

Stunden führt, Motorradrennen 

inklusive eigenen Wettbüros veranstaltet 

und den Kofferraum 

seines Autos als Liebeslaube vermietet. 

In „Summertime Blues" 

schwingt er sich im Kampf 

gegen eine Motorrad-Gang zum 

Geschäftsführer einer Bar auf, um 

das schöne Geschlecht gewissermaßen 

in die eigenen vier Wände 

zu locken. Dass sich dabei „Bayerns 

hügeligster Exportartikel" Sybille 

Rauch als Eva erfolgreich um 

einen Personalposten ausgerechnet 

bei Bennys und Johnnys 

Freund bewirbt, dem Schönling Bobby, überrascht nicht. Am Ende findet 

Johnny möglicherweise sein persönliches Happy End mit dem einstigen 

„hässlichen Vogel 

mit Brille" und Opern- 

Fan Polly Braun, die 

eigentlich die zentrale 

Person des achten und 

letzten Films darstellt. 

Gespielt wird sie von 

Elfi Eschke, die mit 

Regisseur Reinhard 

Schwabenitzky, ihrem 

heutigen Ehemann, 

auch in zwei Didi- 

Hallervorden-Filmen 

zusammenarbeitete. 

Dass „Summertime 

Blues" der „Eis am 

Stiel"-Reihe zugeschlagen wurde, erfuhr Schwabenitzky nebenbei 

erst am Abend der Deutschland-Premiere, als er durchs Fenster seiner 

Limousine erstmalig die Werbeplakate zu sehen bekam ... 

Der Dritte im Bunde des Freundestrios ist bereits erwähnter 

Frauenschwarm Bobby, der nicht völlig zu Unrecht während seines 

Wehrdiensts (Teil vier, „Hasenjagd") von Unteroffizier Ramirez (Josef 

Shiolach) den Spitznamen „Elvis Presley" verpasst bekommt. Mit der 

Treue nimmt er es nicht so genau. Außerdem knackt er Autos, um seine 

gerade aktuelle Freundin ausfahren zu können, und hat Sex, während 

seine beiden Gefährten unter dem Bett und im Schrank feststecken. 

In Teil fünf simuliert er außerdem das Ertrinken im Meer, um sich von 

der Aushilfsbademeisterin beatmen lassen zu können („Ich wette, die 

hat meine Zunge im Hals, bevor es dunkel wird"), und besteht eine 

Mutprobe an einem Abgrund während eines Motorradrennens in den 

Dünen. Als er mitbekommt, dass seine jüngere Schwester sich mit 

Benny trifft, verprügelt er ihn. In Teil sechs, „Ferienliebe", der auf einem 

Kreuzfahrtschiff spielt, taucht er einmalig in einem „Eis am Stiel"-Film 

nicht auf, da er Urlaub in Amerika macht. Der wahre Hintergrund 

seiner Abwesenheit war ein Streit von Darsteller Jonathan Segal, im 

Privatleben bekennender Homosexueller, mit Regisseur Dan Wolman. 

Auf ihrer Jagd nach der holden Weiblichkeit sind die drei Jungs auch 

über das sich konstant durch die Reihe ziehende Schauen durch 

Gucklöcher in Umkleide- und Duschkabinen hinaus wahrlich keine 

Kinder von Traurigkeit: Sie befestigen Spiegel an ihren Schuhen, 

um dadurch den Slip von Mitschülerinnen und Lehrerinnen sehen 

zu können, schleichen ohne zu zahlen in ein Kino, fangen sich bei 

einer Prostituierten Filzläuse ein und klauen Leergut vom Hinterhof 

eines Lebensmittelgeschäfts, um es dort wieder abzugeben. Von den 

Schauspielern der alten Besetzung spielte 2001 in einer Neuverfilmung 

nur noch Zachi Noy mit, der sich frühzeitig dazu bekannt hatte, es 

als angenehm zu empfinden, über seine Rolle berühmt geworden zu 

sein – auch wenn er das Schicksal vieler Kollegen teilte, auf diese eine 

festgelegt zu werden. 

Kein Artikel über „Eis am Stiel" 

wäre indes vollständig, wenn er 

die wichtige Rolle des Soundtracks 

ausblenden würde. Little Richards 

"Long Tall Sally" steht am 

Anfang der flotten Auftaktszene 

des ersten Werks, das nicht von 

ungefähr als Film über „Liebe, 

Freundschaft und peppige Musik" 

beworben wurde. In diesem 

Zusammenhang muss auch der 

Name Jack Fishman erwähnt werden. 

Der Filmkomponist zeichnete 

als „music supervisor" verantwortlich 

und bewies durch seine 

Auswahl nachdrücklich, dass es 

bei Musikempfehlungen um mehr als Computer-Arithmetik geht. 

Zahlreiche Rock’n’Roll-Klassiker von "Lollipop" über "Be Bop A Lula" 

bis "Let’s Twist Again" verleihen den zugegebenermaßen 

intellektuell nicht gerade stimulierenden Plots 

Tempo und prägen diese vielleicht noch stärker als 

die Akteure. Dass es in den Filmen womöglich nicht 

um einzelne Charaktere, sondern um ein Lebensgefühl 

geht, könnten einstweilige Änderungen an den Namen 

der Hauptfiguren (außer Benny) beweisen. Musikalisch 

dürfen Stehblues-Begleitungen, oftmals einleuchtend 

mit weiblichen Vornamen versehen ("Hey Paula", 

"Tell Laura I Love Her"), natürlich auch nicht fehlen. 

Besonders charmant ist es, wenn ein Song genau 

so wie die aktuell Angebetene heißt ("Tammy", 

"Ginny Come Lately"). 

Trotzdem bleibt der Titel 

von Teil zwei eine Illusion. 

Eine „Feste Freundin" hätte 

die Fortführung der Reihe erschwert, zumal 

das Thema Beziehungen im Vergleich zu 

den Slapstickeinlagen immer weiter in den 

Hintergrund rückte. Außerdem wirken die 

Filme zunehmend so, als ob sie in den 80ern 

nicht nur gedreht worden wären, sondern 

auch dann spielen würden. Irgendwann wiederholt 

sich auch der dennoch stets gelungene 

Soundtrack, und so manche Strandszene 

wirkt eher wie ein überdrehter Eis-Werbespot. 

Einmal fällt sogar der im Lichte der 50er Jahre 

sinnfreie Name „E.T." 

Die acht Teile sind digital remastert und in 

voller Länge auf einer DVD-Box erhältlich, die 

ersten beiden obendrein als Super8-Versionen. 

In älteren Versionen geschnittene Szenen, 

die nachträglich eingefügt worden sind, liegen 

allerdings nicht mit deutschem Ton vor. 

Komplettsammler müssten sich darüber hinaus 

eine VHS-Kassette besorgen: Von „Hasenjagd" 

existiert über Johnnys Militärdienst ein zweiter 

Teil (!), gewissermaßen „4b". Zachi Noy 

und Sybille Rauch, die 1981 übrigens auch 

in „Lass laufen, Kumpel!" der Ruhrpott-Sex- 

Klamauk-Reihe gemeinsam auftraten, stehen 

im Mittelpunkt des unter der Regie von Siggi 

Schissel gedrehten Films. Er ist in der besagten 

Box allerdings nicht enthalten. 

Thorsten Pöttger 


Die Shaw Brothers 

.. 

Asiens grOSSte 

FilmmogulE in 

Action 

Zu Beginn des Jahres 

2014 starben mit Run 

Run Shaw und Wu 

Ma zwei der letzten 

Größen der Shaw 

Brother Studios. 

Beide hatten wesentlichen 

Anteil an der 

Entstehung eines völlig 

neuen Kinogenres: des 

" Eastern". 

Von Alexander Querengässer 

Run 

Run 

Shaw 

wurde 

1907 in der chinesischen 

Küstenstadt 

Ningbo geboren. Mit 

19 Jahren folgte er seinem 

sechs Jahre älteren 

Bruder Runme nach 

Singapur, wo sie ihre ersten 

Produktionsfirmen für Filme 

aufbauten. Zwei weitere 

Brüder, Runje und Runde, 

hatten bereits seit Anfang 

der 20er Jahre Erfahrungen 

im Filmgeschäft gesammelt, 

zogen sich aber nach der japanischen Invasion 

Chinas 1937 aus der Branche zurück. Weil 

einheimische Filmproduzenten in Singapur 

die ersten Projekte von Runme und Run Run 

Shaw boykottierten, pachteten sie kurzerhand 

ihr eigenes Kino, das Empire, für das 

sie ihre Filme nun fast exklusiv produzierten. 

Dabei entstanden zumeist Leinwandversionen 

chinesischer Opern. 1934 siedelten beide 

dann nach Hongkong über, wo sie 1958 

die Shaw Brother Productions gründeten. 

In der Clear Water Bay ließ Run 

Run ein gewaltiges Studio mit einer 

Kulissenstadt anlegen, die 1961 unter 

dem Namen Movietown eingeweiht 

wurde und seinerzeit die bestausgerüstete 

Die 36 Kammern der Shaolin" 

" 

Run Run Shaw (1907–2014), der Begründer des 

Film-Imperiums 

Seite 56 

■ GoodTimes 1/2015 

Gordon 

Liu, Die 

Erben der 

36 Kammern 

der 

Shaolin 

Produktionsstätte 

dieser Art in China 

war. Die Shaw 

Brothers Ltd. beschäftigte 

zu Beginn 1300 

Mitarbeiter. 

Von 

Anfang 

an verlegten 

sich die Brüder auf 

Actionfilme, für die sie auch die Drehbücher schrieben. 

Durch ihre enge Verbundenheit mit der Oper 

entstanden in dieser frühen Periode sehr 

mystisch angehauchte Streifen, die sich stark 

an der chinesischen Geschichte orientierten. 

Ende der Sechziger war der Schwertkampffilm 

eines der dominierenden Genres am einheimischen 

Markt, und in diesem Bereich 

sollten sie denn auch ihren ersten großen Hit 

landen. 1967 drehte ein junges Regietalent 

des Studios, Chang Cheh, „The One Armed 

Swordsman". Cheh war massiv durch den 

Erfolg der Italo-Western Sergio Leones und 

Sergio Corbuccis beeinflusst. So wurden aus 

seinen Schwertkämpfern einsame, verbitterte 

Fremde, die in eine von Banditen 

bevölkerte Gegend kamen und dort für 

Ordnung sorgten. Der Anteil gewalttätiger 

Szenen in den Filmen nahm enorm zu. 

Gerade hier entwickelte Cheh eine ganz

eigene Sprache: Er vergoss in einer Szene mehr Filmblut 

als Hollywood in einem ganzen Jahr, und während in 

den USA jeder über die Wirkung von Sam Peckinpahs 

Zeitlupentechnik debattierte, hatte Cheh sich 

diese Technik bereits längst zueigen gemacht. 

Ein weiterer integraler Bestandteil seiner 

Erzählkunst sind Männerfreundschaften. 

Chehs Filme arbeiten immer mit mehreren 

Protagonisten, die durch ihre 

Lebensphilosophie Brüder im Geiste sind. 

Fast immer muss einer der „Brüder" sein 

Leben lassen, damit der andere Rache dafür nehmen 

kann. Und bei Cheh konnte dieser Rachefeldzug 

auch sehr oft mit dem Tod des zweiten Bruders enden. 

Die Filme der Shaw Brothers setzten nicht immer auf ein 

kitschiges Hollywood-Finale, sondern sehr oft auf Tragik. 

The One Armed Swordsman" war der erste 

„ Film, der in Honkong mehr als eine Million 

Hongkong-Dollar einspielte, und er wurde zu einem 

Überraschungshit auch in den USA. Cheh drehte 

mehrere Fortsetzungen und Spin Offs, von denen 

„The New One Armed Swordsman" 1971 unter 

dem Titel „Das Schwert des gelben Tigers" als erster 

Shaw-Brother-Film in Deutschland anlief. Der Erfolg 

des chinesischen Studios war nicht nur der Qualität 

der Filme, sondern auch dem Marketingkonzept der 

Shaw Brothers zu verdanken. Sie kauften Dutzende 

von Kinos in den großen Städten, wo sie ausschließlich 

ihre eigenen Produktionen zeigten. Eine andere 

ihrer Hochburgen war Singapur. Und in Malaysia 

besaßen die Shaw Brothers Ende der Sechziger sogar 

etwa 150 eigene Kinos! Zu dieser Zeit beherrschte 

das Studio den gesamten asiatischen Filmmarkt. 

Run Run Shaw spendete viel Geld für karitative 

Zwecke, Schulen und Krankenhäuser, weswegen er 

1974 von Elisabeth II. sogar zum Ritter geschlagen 

wurde. 

Die 36 Kammern der Shaolin" 

" 

Cheh und die Shaw Brothers wechselten Mitte der Siebziger dann 

zunehmend in das Kung-Fu-Genre über, in dem auch Wu Ma, ein 

Schützling der Etablierten, erfolgreich Filme drehte und etliche neue 

Stars hervorbrachte. Der kleine und bewegliche David Chiang sowie 

Frauenschwarm Ti Lung gehörten zu Chehs bevorzugten Darstellern. 

Beide galten nicht nur als gute Martial-Arts-Kämpfer, sondern auch 

als talentierte Schauspieler, wobei Lung bevorzugt melodramatischtraurige 

Rollen spielte. Chiang war ein vielseitiges Talent, das später vor 

allem parodistische Akzente in die Filme einbrachte. Mitte der Siebziger 

überstrahlte sie jedoch ein neues Jugendidol: Alexander Fu Cheng 

legte seine Figuren prinzipiell viel humorvoller an und wurde der neue 

Kassenmagnet des Studios, bis er 1982 bei einem Autounfall starb. 

Der Ausstoß des Studios war über die Jahre enorm. Allein Chang Cheh, 

dessen Ziel es war, bei hundert Filmen Regie zu führen, drehte drei 

oder vier im Jahr. Ende der Siebziger verblasste indes seine Kreativität. 

Die poetischen Momente traten zugunsten endloser Kampfszenen zurück. 

Cheh choreografierte und inszenierte diese Actionszenen nach wie vor 

überragend, doch seinen Filmen fehlte es zunehmend an spannenden 

David Chiang in " 

Das Schwert 

des gelben Tigers" 

Geschichten und 

fesselnden 

Charakteren. Die 

einsamen Schwerträcher, 

die dem Italo-Western entlehnt 

waren, die tragischen „Brüdergespanne" wichen geradlinigen 

kitschig-ehrbaren Kung-Fu-Kämpfern. Trotzdem feierte er in der 

Spätphase seiner Karriere mit Filmen wie „Die unbesiegbaren Fünf" (1978) 

oder „Five Element Ninjas" (1982) internationale Erfolge. 

Doch ein neues Regietalent stand bereits in den 

Startlöchern. Lau Ka-Leung feierte 1978 mit „Die 36 

Kammern der Shaolin" seinen Durchbruch am heimischen wie 

am internationalen Markt und brachte mit Liu Chia-Hui auch 

einen weiteren Star hervor. „Die 36 Kammern" gilt heute als 

der einflussreichste Kung-Fu-Film überhaupt. Trotzdem fehlt 

Ka-Leungs Werk die poetische Kraft von Chang Chehs frühen 

Filmen. Seine Geschichte erzählt von dem jungen 

Shaolinmönch San Te, der auch einfachen Bauern 

die Kunst des Kung Fu beibringen möchte, damit 

sie sich gegen die Unterdrücker der Mandschu- 

Dynastie durchsetzen können. Die Mandschu-Zeit 

bildete übrigens den historischen Hintergrund für 

viele Shaw-Brother-Filme. 

Durch den Erfolg ihrer eigenen Produktionen 

häuften Runme und Run Run Shaw ein großes 

Vermögen an, das es ihnen ermöglichte, auch in 

westliche Großprojekte zu investieren. Ohne ihren 

Beitrag wäre ein Klassiker wie Ridley Scotts in 

Singapur gedrehter „Blade Runner" wohl nie zustande 

gekommen. Doch nicht alle Projekte erwiesen sich 

als finanziell erfolgreich. Und auch im eigenen Land 

wuchs die Konkurrenz. Bereits Ende der Siebziger 

überflügelte das Golden Harvest Studio die Shaw 

Brothers. Es war von Ex-Shaw-Mitarbeiter Raymond 

Chow gegründet worden und beschäftigte einen Star, 

der sich den Abwerbeversuchen von Run Run und 

Runme beharrlich widersetzt hatte: Bruce Lee hatte 

kein Interesse an Filmen, in denen Faustkämpfer die 

Gesetze der Physik überwanden, indem 

sie von meterhohen Türmen sprangen 

oder durch die Luft flogen. 

Außerdem erlitt das Studio erhebliche 

finanzielle Einbußen durch die aufkommende 

Video-Piraterie. Daher stellten 

die Shaw Brothers 1985 überraschend die 

Produktion von Kinofilmen ein. Zu dieser 

Zeit fanden viele ihrer Streifen auch nur 

noch selten westliche Verleiher. 

Run Run Shaw konzentrierte sich fortan auf Fernsehproduktionen 

für seine eigene Firma Televisions Broadcast Limited (TVB), die er 

1967 gegründet hatte. Aus Movietown wurde TV-City. Zwar begann 

das Shaw-Brother-Studio in den 90er Jahren auch wieder Filme für 

das Kino herzustellen, aber nie wieder in einem solchen Ausmaß wie 

zuvor. Im Jahr 2000 wurde ein Großteil der Rechte an den über 1000 

Shaw-Brother-Filmen an die neugegründete Celestial Pictures Limited 

verkauft. Da sich Eastern, ähnlich anderen Nischengenres wie dem 

Italo-Western, seit dem Millennium indes wieder einer wachsenden 

Popularität erfreuen, wurden viele der Filme seitdem restauriert und 

auf DVD veröffentlicht. 

Spätestens mit dem Tod von Run Run Shaw in diesem Januar geht 

das Kapitel der Shaw Brothers in der Geschichte des Kinos allerdings 

zu Ende. Ihre Filme waren actionbetonte Genreproduktionen, die viele 

kommende Regisseure, von John Woo (einem Schüler Chang Chehs) über 

Jackie Chan bis hin zu Quentin Tarantino, 

beeinflusst haben ... 


40 Jahre 

VW Golf 

Erfolgsgeschichte 

auf vier Rädern 

Am Anfang stand die Katastrophe. Für Volkswagen war der 

Käfer über Jahrzehnte Cash-Cow und Maß aller Dinge 

zugleich. Bis zu 6000 Stück rollten pro Tag vom Band. 

Kein deutsches Auto war billiger und warf trotzdem noch 

Gewinn ab. Der Käfer läuft und läuft und läuft und läuft und läuft, 

suggerierte die Werbung. Nie, so hatte der einstige VW-Patriarch 

Heinrich Nordhoff verkündet, könne der rundliche Kult-VW ersetzt 

werden. So kann man sich irren. 

Anfang der 1970er Jahre brach der deutsche Automarkt desaströs 

zusammen. 1972 sank die Zahl der Zulassungen in der Republik unter die 

des vorangegangenen Rekordjahres, 1973 lagen sie niedriger als 1970, 

und 1974 gar sackten sie unter die des Jahres 1969. Endzeitstimmung 

machte sich breit in den 

Chefetagen der deutschen 

Autobauer. Denn 

auch das Image des 

Automobils, zuvor zwei 

Jahrzehnte lang ein 

Sinnbild für sozialen 

Aufstieg, wirtschaftlichen 

Aufschwung und 

neue Freiheit, kippte ins 

Negative. 1973 etwa 

Rudolf Leiding 

ging 

der damalige Bundesstädtebauminister 

Hans Jochen Vogel (SPD) auch mit dem 

Slogan „Das Auto mordet unsere Städte" 

auf Wahlkampftour. Ölkrise, autofreie 

Sonntage, explodierende Benzinpreise e 

und das neue Tempolimit taten ihr 

Übriges, um Autokäufer abzuhalten. 

Die Chefs der Autohersteller reagierten 

verstört. BMWs damaliger 

Verkaufsleiter Lutz sprach von einer 

„Katastrophe", Porsche-Boss Ernst 

Fuhrmann vom „Tod" der Branche. 

Und VW-Chef Rudolf Leiding sah schon 

den „Untergang" nahen. Nicht ohne 

Grund: 1971 noch hatte Volkswagen mehr als 

1,7 Millionen Fahrzeuge produziert, 914.030 davon waren Käfer. 

1974 baute VW gerade mal 

noch 1,2 Millionen Autos, 

die Zahl der Käfer darunter 

hatte sich gar halbiert. 

Die Modellpalette 

der Wolfsburger bestand 

zum größten Teil aus 

Fahrzeugen mit veralteter 

Technik, mit Luftkühlung 

und Heckmotoren. 

Kurt Lotz, Nachfolger 

von Nordhoff und 

VW-Vorstandsvorsitzender 

von 1968 bis 1971, verstand 

wenig vom Automobilbau 

und -geschäft. Jeder 

wusste, dass ein neues 

Modellprogramm her musste, 

aber wie es aussehen 

sollte, mochte niemand so 

richtig entscheiden. 

Erst Lotz' Nachfolger Rudolf Leiding 

machte Nägel mit Köpfen: 

Das Projekt des bei Porsche unter Leitung 

von Ferdinand nd 

Piech entwickelten 

Mittelmotorautos EA 266 wurde kur- 

zerhand beerdigt, obwohl es schon 

100 0 Millionen D-Mark verschlun- 

gen hatte. 

„EA" steht für 

„Entwicklungsauftrag". 

In kürzester 

Zeit erfolgte 

der Startschuss 

für drei 

Modellreihen, die 

auch heute noch die 

Basis 

des Geschäfts 

von VW ausmachen: 

Polo, Golf und Passat. 


WWW.DASMAGAZIN.DE 

Seit 1924 | Oktober 2014 | Euro 3,30 

90 6090 

Den Golf hatte Lotz bereits als halbfertige Modellstudie mit dem schönen 

Kürzel EA 337 vorgefunden. 

Die Früchte dieser Entscheidung allerdings erntete erst sein 

Nachfolger Toni Schmücker: Schnell waren die Zahlen wieder tiefschwarz, 

vor allem dank des Golf. „Der Erfolg des Golf", so räumte 

Schmücker ein, „hat uns total überrascht." 

Der Golf mischte den darniederliegenden Automarkt gründlich auf. 

Schon im Oktober 1974 wurden von ihm mehr Exemplare verkauft als 

von sämtlichen Opel-Pkw zusammen. Der Marktanteil von Ford, einstmals 

stolze 18 Prozent, schrumpfte schnell auf nur noch acht Prozent. 

Besonders hart traf es die Importeure. Noch im Frühjahr 1975 hielten 

Franzosen und Italiener 27 Prozent des deutschen Automarktes – im 

JETZT 

neu 

Fanfare! Tusch! Konfetti! 

DAS MAGAZIN hat Geburtstag 

Jubiläumsausgabe 

Giorgio Giugaro 

Spätsommer bereits waren es gerade noch 20 Prozent. Der heimische 

Massenmarkt war wieder fest in der Hand der deutschen Hersteller. 

Anders als es die Verschwörungstheorien im Netz glauben machen 

(siehe Kasten), hat der VW Golf viele und durchweg bekannte 

Väter. Die technische Konzeption stammt vom ehemaligen NSU- 

Entwicklungsleiter Hans-Georg Wenderoth und orientierte sich am 

damaligen Audi 80. Die zeitlose Form der Karosserie kommt aus der 

Feder des Italieners Giorgio Giugaro. Zu dessen Schöpfungen zählen 

auch Lotus Esprit, Fiat Uno, Fiat Punto und Lancia Delta – oder die 

Profi-Kamera Nikon F4. 

Auf den Markt kam der Golf, intern VW Typ 17 getauft, im Mai 

1974. Zum Start arbeitete in dem Fünftürer ein quer eingebauter, 

wassergekühlter 70-PS-Motor mit 1,5 Liter Hubraum. Angetrieben 

wurden die Vorderräder. Der Preis: 9785 D-Mark. Günstigstes Modell 

war der Golf als Dreitürer und mit 50 PS zum Preis von 8000 D-Mark. 

Der erste Golf war 3,705 Meter lang, 1,610 Meter breit und 1,410 

300 Jahre Dampfkochtopf, 100 Jahre Erster 

Weltkrieg, 100 Jahre Acht-Stunden-Tag, 

natürlich 25 Jahre Mauer fall – es gibt in 

diesem Jahr wieder viel zu feiern und 

zu bedenken. Und nun auch noch DAS 

MAGAZIN! 1924 zum ersten Mal erschienen 

und 1954 erneut. Eine spannende Geschichte. 

Bisher weitgehend Unbekann tes 

aus der zweiten Gründerzeit lesen Sie im 

neuen Heft. Von einem, der dabei war. Und 

sonst? Kichernde Steine aus Japan, reich 

werden im Halbschlaf, warum es keine 

Schönheit ohne Intelligenz gibt (Aktfotografen 

erklären das), Satiren, Literatur, 

Cartoons und jede Menge Spaß. Wie jeden 

Monat. Seit 90 Jahren. Lesen Sie es selbst! 

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AUCH ALS 

e-paper 

Golf in Pink beim GTI-Treffen am Wörthersee 

HINTERHER IST MAN IMMER SCHLAUER

Meter hoch – heute ist selbst 

der aktuelle VW Polo mehr als 

25 Zentimeter länger. 

Der Golf machte schnell 

Karriere und begründete ein 

neues Fahrzeugsegment: die 

Kompaktklasse. Oder eben: 

die „Golfklasse". Schon 1976 

wurden mehr als eine halbe 

Million Stück gebaut. Keine 

andere Modellreihe von VW 

kam da auch nur annähernd 

heran. Die Wolfsburger brachten 

immer mehr Derivate und 

Motorisierungen auf den Markt. 

Im September 1976 nagelte der 

kleinste und sparsamste Pkw- 

Diesel in einem Golf. Mit diesem 

Motor wurde VW zum größten 

Produzenten von Dieselmotoren 

auf der ganzen Welt. Auf dem 

Genfer Autosalon wurde 1979 

das erste Golf Cabrio vorgestellt. 

Der wegen seines gewöhnungsbedürftigen 

Überrollbügels im Volksmund „Erdbeerkörbchen" 

getaufte offene Golf ging ab 1980 bei Karmann in Osnabrück 

vom Band. Und seit 1979 rollt auch ein Golf über 

die Straßen dieser Welt, von dem die meisten gar 

nicht wissen, dass es einer ist: Die Stufenheck-eck- 

Limousine VW Jetta ist mit identischer Technik 

vom Golf abgeleitet und zählt zum Beispiel 

in der offiziellen Zulassungsstatistik des 

Kraftfahrtbundesamtes ganz offiziell als Golf. 

Eine erste Krönung der Baureihe gab es 

1976 mit dem 110 PS starken Golf GTI – der 

erste Ausflug von VW auf die dunkle Seite e 

der Macht: unvernünftig, ungestüm und völlig 

untypisch für die bieder-drögen Wolfsburger. 

Frech prangte das GTI-Logo an der linken Seite des 

einen 911er fahren durfte, war 

das ein Erlebnis. Und auf einmal 

war das mit dem GTI auch 

möglich – auf einem anderen 

Level zwar, aber doch für 

jedermann erschwinglich." 

So wie VW mit dem Golf 

die Golfklasse kreierte, so 

entstand mit dem GTI eine 

eigene Klasse in der Klasse: 

die des halbwegs erschwinglichen 

Volkssportwagens. Der 

Wolfsburger Breitensportler 

wurde auch bei anderen 

Marken zum Urvater für sportliche 

Modellreihen. Den Opel 

Manta GT/E gab es zwar auch 

schon, aber die Rüsselsheimer 

rüsteten ihn flugs zum GSi 

auf und schickten einen 

hochgemotzten Kadett gleich 

hinterher. Peugeot stellte die 

Asphaltfräse 205 GTI auf die 

Räder. Und auch VW reichten 

die 110 PS bald nicht 

mehr. Nach und nach klet- 

terte die Leistung auf die aktuellen 230 

PS beim 

GTI Performance der nun 

siebten Golf-Generation. Heute 

gibt 

es vom Ford Focus ST 

über den Mazda 3 MPS 

bis zum Opel Astra 

OPC etliche Kompakte 

mit 

Nordschleifen- 

Ambitionen. Und mit 

dem Golf R32 machte 

sich der Golf auch selbst 

noch Konkurrenz – mit 250 

PS 

und Sechszylindermotor. 

Im 

Laufe von vier Jahrzehnten 

hat sich der Golf prächtig entwickelt: 

Seit dem Start wurden bis heute deutlich 

über 30 Millionen Stück in sieben Modellgenerationen gebaut. Aus den 

anfangs 3,70 Metern Länge sind 4,26 Meter geworden, aus den schlanken 

1,61 Metern Breite 1,79 Meter. Und das Leichtgewicht von einst mit rund 

900 Kilo Leergewicht erreicht mit dem Hüftgold von heute mindestens 

1,2 Tonnen. Dazu kommen ein Kombi und ein Sportsvan mit noch üppigeren 

Dimensionen. Wo beim Parken früher Übersichtlichkeit und Gehör 

reichen mussten, gibt's jetzt gegen Aufpreis einen Parkassistenten, der ihn 

selbstständig in die Lücke lenkt. Tempomat, Spurhalteassistent, Bi-Xenon- 

Lichtwerfer, 2-Zonen-Klimaautomatik, Sitzheizung, Fahrprofilauswahl, 

Kühlergrills, damit die anderen es im Rückspiegel bloß nicht übersahen. 

Die linke Spur gehörte auf einmal nicht mehr nur dem Porsche, BMW 

und Mercedes. 

Unter der Haube des GTI krakeelte rauflustig ein 1,6 Liter großer 

Vierzylinder-Einspritzer, innen gab es ein Dreispeichen-Volant, das 

wegen seiner becherförmigen Nabe respektlos „Spucknapf-Lenkrad" 

genannt wurde, den Golfball auf dem Schaltknauf, die straffen Sitze 

mit schwarz-roten Karos bezogen – und ab ging die Post. Gerade mal 

900 Kilogramm schwer, reichten auch 110 PS, um den GTI in damals 

sagenhaften 9,2 Sekunden von 0 auf 100 zu katapultieren. 

Eigentlich war nur eine kleine Serie von 5000 Exemplaren des mit 

13.850 D-Mark doch ganz schön teuren GTI geplant – wir wiederholen 

uns: So kann man sich irren. 

„Sonst gab es damals ja nichts", erinnert sich Rennsportlegende 

Hans-Joachim Stuck an die Zeiten des ersten GTI. „Wenn man mal 

Panoramadach – das Büchlein mit den bestellbaren Zusatzausstattungen 

ist inzwischen ähnlich dick wie das Taschenbuch zum Auto: „Generation 

Golf" von Florian Illies. 

Jürgen Wolff 

Abb. © Jürgen Wolff 


Alles nur geklaut? 

W ir wissen es ja alle: Marilyn wurde vom CIA ermordet, die 

Amerikaner sind nie auf 

dem Mond gelandet, 

Michael Jackson war ein Alien, 

und Elvis betreibt ein Diner in 

Wisconsin. Vor allem aber: Der 

VW Golf ist ursprünglich in der 

DDR erfunden worden. Wie für 

jede gute Verschwörungstheorie, 

so gibt es auch für diese natürlich 

unwiderlegbare Beweise. Und ein 

Körnchen Wahrheit ist – vielleicht 

– tatsächlich dran. 

Denn das Problem der Autobauer 

in der DDR war nicht, dass sie 

ihr Handwerk nicht verstanden 

oder keine Ideen gehabt hätten. 

Ihr Problem war, dass sie nicht 

durften. 

Der Trabant etwa war anfangs ein 

durchaus auch im Westen konkurrenzfähiges 

Auto. Zu einer Zeit, 

als Autos wie der Fiat 500, der 

NSU Prinz, der BMW 600 oder das 

Goggomobil noch mit Heckmotor 

und -antrieb unterwegs waren, 

bauten die Zwickauer den Trabant P 50 bereits mit Frontmotor t und 

Frontantrieb. Nur: Auf diesem Konstruktionsstand wurde der Trabant 

über die Jahrzehnte von den Oberen der DDR eingefroren. Die Ingenieure 

bei Sachsenring mochten die Köpfe noch so rauchen lassen: Ihre Ideen 

kamen nie über das Stadium von Studien und Entwürfen hinaus. „Da 

sind Menschen dran zerbrochen", sagt Klaus-Dieter Fiesinger, Leiter der 

Automobilen Welt Eisenach. 

Einer dieser Entwürfe, von dem es nur noch eine vertrauliche Vorlage 

an die Werksleitung und ein Schwarz-Weiß-Foto auf deren Umschlag 

gibt, ist der Trabant P 603. Und der sieht dem VW Golf I verblüffend 

ähnlich: Fließheck, kantige Motorhaube, breiter Kühlergrill. 

Überraschung: Dieser DDR-Entwurf stammt aus dem Jahre 1966. Der 

Golf aus Wolfsburg kam erst acht Jahre später auf den Markt. 

Als nach der Wende die einstmals geheimen Pläne der Trabi- 

Konstrukteure nach und nach auftauchten, begann die Legendenbildung. 

Eine davon: Der Golf sei eigentlich von der Grundidee her eine DDR- 

Erfindung. Wahlweise waren demnach die Pläne des P 603 heimlich 

von der DDR an Volkswagen verkauft worden, um an West-Devisen 

zu kommen. Oder die 

prickelndere Version: Der 

Bundes nachrichtendienst 

habe die Pläne schlicht 

und einfach geklaut und 

nach Wolfsburg durchgereicht, 

um den teilstaatlichen 

VW-Konzern vor 

einer drohenden Pleite 

zu retten. 

Klingt 

schön und wie 

ein Krimi – ist aber 

kaum plausibel. Rein 

optisch sieht der P 603 

zwar wirklich aus wie 

der Urmeter des VW 

Golf. Aber um die Form 

zu klauen, hätte man 

sich nicht unbedingt 

beim 

sozialistischen 

Klassenfeind bedienen 

müssen. Die Zeit war 


Von 

Jürgen Wolff 

offensichtlich einfach reif für dieses Design. Mit 

dem 1964 vorgestellten Renault 16 war längst 

ein Auto mit großer Heckklappe auf den Straßen 

unterwegs. Und auch der Renault 5 ähnelte 1972 

dem Golf deutlich mehr als der P 603. Der seit 

1964 gebaute Autobianchi Primula hatte ebenfalls 

eine Vollheckkarosserie wie später der Golf. In 

Deutschland selbst war lange vor dem ersten VW Golf 

der Glas 1004 CL auf dem Markt, den der Italiener 

Pietro Frua gezeichnet hatte. 

Selbst in der DDR war die Schrägheck-Studie aus 

Zwickau nicht das einzige Auto, das lange vor dem 

Golf ähnlich aussah wie der Golf. Erhalten ist zum 

Beispiel noch ein knallgrünes Wartburg 355 Coupé aus 

dem Jahre 1968. Die Polyester-Karosse des nur 840 

Kilogramm schweren Wartburg ist glasfaserverstärkt. Ein Zweitaktmotor 

mit 55 PS brachte das 

Auto auf 145 km/h. 

Unter dem Kleid unterschieden 

sich Trabant P 

603 und VW Golf ohnehin 

beträchtlich. Der 

P 603 hätte eine mit 

Kunststoff 

beplankte 

Gitterrohrkarosse gehabt, 

der Golf bekam eine selbst 

tragende Stahlkarosserie. 

In der Wirklichkeit wird 

nun mal doch langweiliger 

gekocht als in der 

Gerüchteküche: Die Amis 

sind wirklich auf dem 

Mond gelandet, Elvis 

betreibt kein Diner in 

Wisconsin, sondern in 

Minneapolis – und der 

Golf ist kein verkappter 

Trabant.

kult! Bücher 

Von Alan Tepper 

Die Nachricht, dass ein großer US-amerikanischer Online- 

Händler eine Flatrate für Bücher für Lesegeräte anbietet, 

hat die deutschen Verlage aufgeschreckt. Mal wieder – wie 

schon zuvor bei Tonträgern – werden dadurch die Preise 

und damit einhergehend das Niveau gesenkt. Hier gilt die 

Devise " 

Mehr ist besser", wobei übersehen wird, dass gerade 

die Konzentration auf und die Auseinandersetzung mit 

Kultbücher – Geschätzt, geliebt, gelobt 

Literatur die höchsten Werte darstellen, nämlich im besten 

Fall eine persönliche Entwicklung und die Erweiterung des 

Wissens, nicht zu vergessen den unterhaltenden Aspekt. 

Glücklicherweise gilt in Deutschland noch die Buchpreisbindung, 

die den Kulturträger Buch von einem Ramsch- 

Supermarktartikel abhebt und den Kulturschaffenden mit 

geringen Auflagen zumindest noch einen Minilohn sichert. 

James Joyce – 

James Fenimore Cooper – 

" Bleeding Edge" " 

Die linke Hand der Dunkelheit" 

Der letzte Mohikaner" 

" Ulysses" 

Thomas Pynchon – 

Ursula K. Le Guin – 

J" ames Fenimore Coopers (15. September 1789–14. September 1851) 

wohl wichtigster Band aus der Lederstrumpf-Reihe wurde von vielen 

Lesern meist parallel zu den Karl-May-Romanen 

„verschlungen". Obwohl sich die Autoren deutlich 

unterscheiden, prägten die von ihnen transportierten 

Bilder die Sichtweise des deutschen 

Publikums – besonders in den 50er 

und 60er Jahren – hinsichtlich 

der Geschichte der USA fundamental. 

Coopers fiktives Werk 

(1826) zeichnet sich durch 

einen höheren Realitätsbezug 

aus, da es teilweise i auf historischen Ereignissen 

basiert. Während des Krieges der Franzosen gegen 

die Engländer zur Zeit der Kolonialisierung schildert 

er das Schicksal von Major Duncan Heyward, 

der mit seinen indianischen Verbündeten Chingachgook und Uncas 

von Stamme der Mohikaner seine Geliebte Alice und deren Schwester 

Cora aus der Gefangenschaft der Huronen befreien will. Neben den 

Naturdarstellungen fasziniert die Beschreibung des gerade von den 

Europäern entdeckten Kontinents. Mehr als ein Jugendbuch! 

Thomas Pynchon (geb. 8. Mai 1937) bedient sich hinsichtlich seiner 

Selbstvermarktung eines der strategisch klügsten Schachzüge – er 

ließ sich nämlich überhaupt nicht in der 

Öffentlichkeit blicken und wurde darum 

im Laufe der Jahre zu einem Mysterium. 

Sein Mammutwerk „Das Ende der Parabel" 

(englisch „Gravity’s Rainbow") zählt eindeutig 

zu den Kultbüchern, obwohl die 

Lektüre überaus anstrengend und ohne 

einen erklärenden Text 

kaum möglich ist. Mit 

dem aktuellen Roman 

begibt sich Pynchon 

auf anspruchsvolles, 

aber leichter zugängliches 

Terrain. In seinem hochindividuellen Still 

verknüpft er die Geschichte der Betrugsermittlerin 

Maxine Tarrow (eine harte Detektivin), die sich 

mit der New Yorker Unterwelt einlässt, mit einem 

Handlungsstrang, der eine dem „Second Life" ähnliche Internet- 

Plattform namens „DeepArcher" porträtiert. Die im Jahr 2001 zur Zeit 

von 9/11 spielenden Handlungsstränge werden vom Autor kunstvoll, 

wenn auch gelegentlich ein wenig verwirrend ineinander verwoben. 

Für wagemutige Leser. 

Der irische Schriftsteller James Joyce (2. Februar 1882–13. Januar 

1941) benötigte beinahe zehn Jahre, um sein allgemein der 

Hochliteratur zugerechnetes Hauptwerk „Ulysses" 

zu verfassen. Das 1922 publizierte Werk gilt als 

der erste Roman, in dem die sogenannte Stream- 

Of-Consciousness-Technik konsequent angewandt 

wurde, durch die der Autor 

die Gedankengänge seiner 

Protagonisten unzensiert darstellt, 

was nach Veröffentlichung 

zu Debatten hinsichtlich der 

angeblichen Obszönität führte. Joyce beschreibt in 

„Ulysses" (deutsch: Odysseus) einen Tag (es ist der 

16. Juni 1904) im Leben des Anzeigenverkäufers 

Leopold Bloom, und zwar meist, aber nicht nur 

aus seiner Perspektive. All die von ihm – oder den anderen Figuren – 

wahrgenommenen Eindrücke vereinen sich zum einem Bild von Dublin, 

bei dem die Gegensätzlichkeit der Stadt zur Geltung kommt. Mediziner, 

Gelehrte, Geschäftsbesitzer und sogar ein Bordellbesuch werden von 

Joyce mit sprachlicher Raffinesse, aber auch verwirrenden Einschüben 

dargestellt. Weltliteratur! 

Ursula K. Le Guin (geb. 21. Oktober 1929) hat mit ihren Büchern, 

die sich im Spannungsfeld Fantasy, fantastische Literatur und 

Science Fiction bewegen, nicht nur ein 

imposantes Gesamtwerk erschaffen, sondern 

zugleich – im letztgenannten Genre – eine 

Männerdomäne erobert und ganz nebenbei 

die begehrtesten Preise gewonnen. Ihr Roman 

aus dem Jahr 1969 wurde nun zur 50-jährigen 

Feier „Science Fiction bei Heyne" neben 

anderen wichtigen 

Titeln neu aufgelegt. 

Er gilt als die 

erste Geschlechter- 

Utopie und wird allgemein 

der feministischen i SF zugerechnet. 

Le Guin beschreibt den Planeten, dessen 

Bewohner fast ihr ganzes Leben (bis auf 

die Zeit der Fortpflanzung) geschlechtslos 

sind. Die sich aus dieser Konstellation ergebenden 

Beziehungen, wie zum Beispiel veränderte Machtverhältnisse 

oder ein anti-dualistisches Denken, werden aus der Perspektive der 

Terraner anschaulich und plastisch dargestellt. Eins der größten Werke 

der Science Fiction, das auch heute noch zu Gedankenspielen und 

Fabulieren anregt. 


Siri Hustvedt – " 

Leben, Denken, Schauen" 

Die amerikanische Autorin Siri Hustvedt (geb. 19. Februar 1955) hat 

sich besonders in den letzten Jahren den Ruf einer Kultautorin verdient, 

da ihr Gesamtwerk eine verblüffende Melange 

aus Fiktion, kritischen Essays und wissenschaftlichen 

Betrachtungen darstellt. Es ist nicht nur die bemerkenswerte 

Sensibilität, mit der sie mit Sprache umgeht, 

sondern auch ihre vorzügliche Beobachtungsgabe, 

durch die sie dem Leser neue Perspektiven vermittelt. 

Und ja, man kann Hustvedt auch als intellektuelle 

Feministin bezeichnen, obwohl sie weit vom 

Kreisch-und-Zeter-Feminismus einer Alice Schwarzer 

entfernt ist und sich eher als Analytikerin der 

Wechselbeziehungen h zwischen Mann und Frau versteht. Die Frau des 

ebenso populären Paul Auster hat mit Romanen wie „Die Verzauberung 

der Lily Dahl", „Was ich liebte", „Der Sommer 

ohne Männer" und dem wissenschaftlich orientierten 

„Die zitternde Frau: Eine Geschichte 

meiner Nerven" beeindruckende Werke vorgelegt, 

die mit dem in diesem Jahr erschienenen „Leben, 

Denken, Schauen" ergänzt werden. Das fast 500 

Seiten umfassende Buch versammelt diverse Essays 

zu dem im Titel angegebenen Themengebieten. Biografische Berichte 

(„Gedanken über das Wort Skandinavien"), eine Auseinandersetzung mit 

ihren neurologischen Störungen („Mein seltsamer Kopf: Anmerkungen zur 

Migräne") oder ein Kurztext über die Bedeutung der kleinen Dinge, die 

ein Leben so schön machen („Blumen") zeigen Hustvedts leichte, doch 

ungemein treffende Sprache. Zum Themenzyklus Denken sind Texte über 

die Funktion des Lesens zu finden, die Bedeutung der Psychoanalyse 

oder das sprachliche Klima. Auch hier verzaubert die Autorin, da ihr Stil 

wie ein Gespräch zwischen intimen Freunden anmutet. Doch die wohl 

aufschlussreichsten Essays finden sich zum Thema „Schauen", da hier 

Kunsttheorie, Kunstwerke, Fotografie und sogar Körperlichkeit mit so 

viel Eindringlichkeit und Gefühl behandelt werden, dass das Lesen einer 

Lustreise gleichkommt. Lohnenswert, lehrreich und intensiv. 

Jack London – " 

Wolfsblut" 

Die Bücher von Jack London (12. Januar 1876–22. November 1916) 

werden in Deutschland oft als „Abenteuerromane für Jugendliche" 

deklariert, obwohl das Werk des Autors aus internationaler 

Perspektive eine offenere und multiple 

Würdigung erfahren hat. Ein Grund für die verkürzende 

Reduktion ist – speziell bei dem Roman 

„Wolfsblut" – sicherlich bei der Erstpublikation des 

Karl-May-Verlegers Friedrich Ernst Fehsenfeld in 

der „Welt der Fahrten und Abenteuer" zu finden, 

die eine zwangsläufige Kategorisierung nach sich 

zog. Doch vergleichbar mit Romanen wie „Der 

Seewolf" (1904; 1972 als Weihnachtsvierteiler mit 

Raimund dHarmstorf verfilmt), „Der Ruf der Wildnis" (1903) oder „Lockruf 

des Goldes" (1910) bietet der Text mehr Tiefe, als augenscheinlich zu 

vermuten wäre. Es finden sich die leicht aus Londons Biografie abzuleitenden 

Themenschwerpunkte wie der Kampf um 

die eigene Existenz, das Hinterfragen von verschiedenen 

Gesellschaftsformen, die immanente Gefahr des 

Scheiterns und natürlich die Möglichkeiten der diversen 

Entwicklungsverläufe. „Wolfsblut" erschien 1906 zuerst 

als Vorabdruck im „Outing Magazine" und kurz danach 

im Buchformat. Die aktuelle Neuübersetzung von Lutz-W. Wolff bei dtv 

zählt mit zu den besten Übertragungen. Das Werk spielt in Alaska und 

Kanada und erzählt die Geschichte des Mischlingshundes Wolfsblut und 

dessen Reise von der Wildnis in die Zivilisation. Nachdem Wolfsblut die 

brutale Realität der Tierwelt erfahren hat, erlebt er die Welt der Menschen 

und sammelt unterschiedlichste Erfahrungen. London beschreibt einen 

Teil der Erzählung aus der Perspektive von Wolfsblut, wodurch er das 

emotionale Leben des Tieres darstellt. Das mag zwar naturwissenschaftlich 

nicht korrekt sein, untermauert aber Londons These, dass die Umwelt das 

Individuum prägt und dessen positive und negative Eigenschaften anregt. 

„Wolfsblut" schließt mit einem Happy End, was vielleicht ein wenig rührselig 

wirken mag, aber zugleich auch für Londons Sehnsucht nach einer 

neuen Humanität steht. 

Foto: ZDF / Dominik Beckmann – Mitten im Leben die Sendung am 18.10.2014 im ZDF 

UDO 

JÜRGENS 

UND SEINE GÄSTE 

MITTEN IM LEBEN – 

DAS TRIBUTE ALBUM 

Das Album zur ZDF-Geburtstagsgala 

„Mitten im Leben“ mit vielen Gästen wie: 

ANNETT LOUISAN 

CHRIS DE BURGH 

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Von Roland Schäfli 

Darryl F. Zanucks D-Day-Epos 

als Mutter aller Kriegsfilme 

An den Jahrestagen der alliierten Invasion treffen sich 

noch immer Zeitzeugen, Touristen und sogenannte 

Reenactors in der Normandie. Die fulminante 

Verfilmung der Entscheidungsschlacht, 

" The Longest 

Day", hat das Ihre dazu beigetragen, 

dass der D-Day 

in Erinnerung bleibt. An 

den Originalschauplatzen verschmelzen 

Historie und Filmgeschichte. 

Die ersten 24 Stunden der Invasion werden entscheidend sein. 

Das wird für die Alliierten, aber auch für die Deutschen der 

„ längste Tag." Feldmarschall Erwin Rommel konnte nicht 

ahnen, dass seine prophetischen Worte 1961 den ambitioniertesten aller 

Kriegsfilme inspirieren würden. Aus der 

spektakulärsten Operation des Krieges, 

dem D-Day am 6. Juni 1944, will Darryl 

F. Zanuck, einst Hollywoods Wunderkind, 

Begründer der 20th Century Fox, 15 Jahre 

später den größten Kriegsfilm aller Zeiten 

machen. Er hegt sogar die Absicht, mit 

seinem Monumentalwerk die Menschheit 

dahin zu bewegen, ganz aufs Kriegsführen 

zu verzichten. „Der alten Generation zur 

Erinnerung – der jungen zur Mahnung" 

wird sein Anspruch auf deutschen Kinoplakaten übersetzt. 


Der „General", wie Zanuck von seinen Untergebenen genannt wird, ist 

ein Hollywood-Tycoon mit dem unvermeidlichen Nimbus der Autorität 

– und der omnipräsenten Zigarre –, und tatsächlich führt er eine ganze 

Armee an. Fünf Regisseure (für die deutschen Szene verpflichtet er 

Bernhard Wicki, der mit „Die Brücke" ein 

starkes Antikriegs-Statement abgeliefert 

hat) belichten während zehn Monaten 

simultan an 31 Drehorten insgesamt 66 

Stunden Material. „Eisenhower hatte seine 

Armee und seine Ausrüstung", resümiert 

Zanuck, „ich musste meine finden!" Der 

Streifen ist ein logistisches Meisterwerk: 

600.000 Schuss Platzpatronen werden 

in fünf Ländern von Hand hergestellt, 

800.000 Dollar kostet es, die friedlichen 

Strände der Normandie nochmals in 

den Atlantik-Wall zu verwandeln. 63.000 

warme Mahlzeiten werden ausgegeben, 

Getränke für 950.000 Dollar konsumiert. 

Und es wird genug Holz herangeschafft, 

um ein ganzes Dorf zu errichten, nur um 

es mit Hilfe von 15 Tonnen Sprengstoff 

dann wieder zu zerlegen. 25.000 brennende 

Reifen produzieren die malerischen Rauchwolken, die durch 

die Szenerie wehen. 30.000 Meter Stacheldraht werden gezogen. An 

den Originalschauplätzen werden Einschlagstellen neu aufgesprengt, 

Flammenwerfer versetzen 

die Botanik in den Zustand 

des Kriegschauplatzes. 

Gedenkstellen für die 

Gefallenen werden „getarnt" 

(nicht ausnahmslos erfolgreich: 

Auf der höchsten Stelle 

des Pointe du Hoc, der Klippe, 

die von Rangern erklommen 

wird, ragt in einer Aufnahme 

das Monument für die Toten 

ins Bild). Von Modellen will 

Zanuck nichts wissen. Für eine 

Szene jagt er einen Zug mit 

14 Waggons in die Luft. In 

den Studios de Boulogne in 

Paris wird in 52 Dekorationen 

agiert. 

So läppern sich schließlich zehn 

Millionen Dollar Gesamtkosten 

zusammen. Und der teuerste 

Schwarzweißfilm aller Zeiten soll dann auch der erfolgreichste werden 

(bis er an der Spitze von „Schindlers Liste" abgelöst wird). Dabei hätte 

„Der längste Tag" leicht noch mehr kosten können. Doch sein Rang 

als Colonel öffnet Zanuck die Türen zu den Ministerien der Nato- 

Staaten. So bekommt er eine Flotte von 22 Schlachtschiffen 

zum Schnäppchenpreis. Und die 6. US-Flotte spielt für ihn den 

Angriff auf Omaha-Beach nach. Das hat ein Nachspiel. Denn 

just im Moment, da Nato-Soldaten für Hollywood schauspielern, 

wird die Berliner Mauer aus dem Boden gestampft. Die 

US-Regierung ordnet daraufhin eine Untersuchung an. In der 

Folge muss das Pentagon die Kooperation mit Filmemachern 

auf ein Minimum beschränken ... 

Mit Preisabschlag kriegt Zanuck auch sein Rekordaufgebot von 

42 internationalen Stars zusammen. Wenn im „längsten Tag" 

eine Tür aufgeht, kommt üblicherweise ein alter Bekannter 

herein. Zanuck arrangiert, dass die Schauspieler ihre historischen 

Vorbilder leibhaftig treffen. General James Gavin, im 

Film von Robert Ryan portraitiert, ist seinerzeit US-Botschafter 

in Frankreich und gibt den Dreharbeiten in den Pariser Studios 

seinen Segen. Für Richard Todd, den populären britischen 

Akteur, ist die Filmarbeit gar ein Déjà-vu. Als Fallschirmjäger 


war er an der waghalsigen Einnahme der Brücke über die Orne (später in 

Pegasus Bridge umbenannt) beteiligt und spielt nun seinen damaligen 

Kommandeur, Major John Howard. Peter Lawford, John F. Kennedys 

Schwager, gibt den legendären Briten Lord Lovat (der wenig erfreut ist, 

von einem „Salonlöwen” 

verkörpert zu werden). 

Resistance-Kämpferin 

Janine Boitard wiederum 

kann sich nur wundern, als 

sie das französische Model 

Irina Demick erblickt: „So 

hübsch war ich doch gar 

nicht!" Insgesamt wachen 

48 technische Berater 

über jedes Detail. Und 

General Charles de Gaulle 

höchstpersönlich droht 

Ortsansässigen mit einer 

Klage, wenn sie sich weiter 

über die Filmarbeiten 

beschweren ... 

Szene auf der Pegasus-Brücke, die heute in einem Stück im Museum steht. 

Wird von der Dorfbevölkerung jedes Jahr eingerichtet: 

der Fallschirmspringer am Kirchturm. 

Auch die deutschen 

Militärs geben ihren Darstellern Schützenhilfe. General Günter 

Blumentritt instruiert Curd Jürgens, Major Werner Pluskat, der in 

seinem Bunker als Erster die alliierte Flotte erblickt, gibt dafür Hans 

Christian Blech Tipps, und selbst Erwin Rommels Witwe 

zählt zu den „technical advisors". Sie sorgt dafür, dass eine 

originalgetreue Nachbildung von Rommels Feldmarschalls- 

Stab hergestellt werden kann. 

Als Vater dieses Kriegsfilms darf Zanuck es wohl als 

Kompliment verbuchen, dass ein Sergeant, der damals am 

Omaha-Beach an Land watete, angesichts der historisch 

so getreu rekonstruierten Verheerung am Strand verwundert 

äußerte: „Es ist, als erlebte ich den schrecklichsten 

Augenblick meines Lebens noch einmal." 

Die „guten Deutschen „ 

Dass die einstigen Feinde, die Deutschen, so objektiv 

dargestellt wurden, hat nicht zuletzt damit zu tun, dass 

Deutschland seinerzeit zum wichtigen Bündnispartner in 

der Nato wurde. So dürfen sich die einstigen Gegenspieler 

mit viel Mitgefühl bekämpfen. Bezeichnend ist Curd 

Jürgens’ Formulierung: „Jetzt frage ich mich, auf welcher 

Seite der liebe Gott steht", da John Wayne auf der anderen 

Seite denselben Gedanken ebenfalls formuliert: „Sometimes 

I wonder which side God’s on." Zanuck beweist zudem 

Fingerspitzengefühl bei der Auswertung des Films im deutschsprachigen 

Raum. Fotos belegen, dass eine Szene, in der die französischen 

Partisanen von SS-Männern massakriert werden, zwar abgedreht 

– aber nicht verwendet worden ist. Und letztlich sorgt die deutsche 

Who's who der Filmgeschichte: Hier geht " 

Jesus"- 

Darsteller Jeffrey Hunter an den Strand. 

Synchronisation einmal mehr 

dafür, einem unangenehmen 

Moment eine andere Bedeutung 

zu verleihen: In einer kontrovers 

diskutierten, ja berüchtigten 

Szene mäht Tommy Sands 

(ein Rock’n’Roll-Idol, damals 

mit Nancy Sinatra verheiratet) 

ins Freie irrende, „bitte, bitte!" 

flehende Deutsche kurzerhand 

nieder. Worauf er mit kaum 

zu überbietendem Sarkasmus 

kommentiert: „I wonder what 

‚bitte, bitte' means." Die deutsche 

„Übersetzung" legt ihm 

hingegen die Worte: „Tut mir 

leid, ich hab' zu spät geschaltet" 

in den Mund ...

Pointe du Hoc 

Das Monument für die US-Ranger auf 

Pointe du Hoc. 1984 ehrte Ronald 

Reagan hier die Gefallenen. 

Der Bunker auf Pointe du Hoc. 

An der schroffen 

Felsenküste, 

der Pointe du 

Hoc, wurde 

der unmöglich 

scheinende 

Einsatz der 

US-Rangers 

inszeniert. Der 

Bunker, der 

im Film von 

den Teenager- 

Idolen Paul 

Anka, Tommy 

Sands, Fabian 

und Robert 

Wagner erstürmt 

wird, ist noch 

immer zu finden, ebenso wie die Stelle, an der die berüchtigte „Bitte, 

bitte"-Szene entstand. 

Longue-sur-mer 

Die Küstenbatterie bei 

Longue-sur-mer ist in mehreren 

Nachtszenen zu sehen. 

Die Befehlsstelle in diesem 

Abschnitt, ein gut erhaltener 

Bunker direkt an den Klippen, 

war Drehort der Szenen mit 

Hans Christian Blech. Die 

Rückseite ist in einer dramatischen 

Aufnahme zu erkennen, 

in der Deutsche aus dieser 

Stellung stürmen. 

Utah Beach 

Während alle anderen 

Strandszenen in der Nähe 

von La Rochelle aufgenommen 

wurden, stand 

am historisch korrekten 

Utah Beach Henry Fonda 

vor der Kamera – der Schauplatz dieser 

Einstellung wird heute von einer 

Statue eingenommen. 

Sainte-Mère-Eglise 

Die Bevölkerung von Ste-Mère- 

Eglise stellt sicher, dass in den Juni- 

Wochen ein Fallschirmspringer am 

Kirchturm hängt, eine historische 

Begebenheit, die im Film ebenfalls 

für eine dramatische Sequenz sorgte. 

Im Innern der Kirche wurde die eindringliche 

Predigt des französischen 

Die Schauplätze in der Normandie 

Ein bahnbrechender Moment in der 

Kriegsfilmgeschichte: Tommy Sands 

erschießt sich ergebende Deutsche. 

Invasion!": Die Küstenstellung, in der Hans 

Christian 

" 

Blech die Armada der Alliierten erblickt, 

wurde für die Aufnahmen mit neuer Tarnfarbe 

bemalt, die Einschusstellen wurden aufgefüllt. 

Das Wahrzeichen 

des D-Day: Jeden 

Juni hängt ein 

Fallschirmjäger 

hilflos am 

Kirchturm von 

Ste-Mère- 

Eglise. 

Charakterschauspielers Jean-Louis Barrault aufgenommen. 

Entlang dieser Straße führten deutsche 

Soldaten französische Gefangene ab. Der Krieg 

war damals noch nicht lange vorbei, und die 

Menge musste beruhigt werden: „Es handelt sich 

nur um Statisten!" 

Studios de Boulogne, Paris 

Die Pariser Studios 

in der Nähe des Bois 

de Boulogne, in den 60er Jahren Produktionsstätte 

so manches internationalen Films, haben heute nur 

noch Bedeutung als TV-Studio. Hier ließ Zanuck 

52 verschiedene Kulissen für Innenaufnahmen 

bauen. 

Port-en-Bessin 

Dieses malerische 

Küstenstädtchen 

stellt im Film 

Ouistreham dar 

und wurde für 

die Straße, auf 

der die Nonnen 

unter Leitung 

der französischen 

Actrice Madeleine 

Renaud den 

die ambitionierte 

Helikopteraufnahme 

während zweier 

Wochen evakuiert. 

Unverändert auch 

verwundeten 

Franzosen zu Hilfe eilen, sowie der mittelalterliche 

Turm. Ein amüsanter, wenn auch ungewollter 

Hinweis auf die Dreharbeiten ist dieses 

Haus: Die Beschriftung „Bazar de Ouistreham” 

taucht nach all diesen Jahren unter der Farbe wieder auf. 

Pegasus Bridge, Bénouville 

1992 wurde die Brücke über den 

Orne-Kanal in ein nahegelegenes 

Museum verfrachtet, das vielleicht 

größte Filmrequisit aller Zeiten. 

Richard Todd, der am D-Day tatsächlich 

an dieser Operation teilnahm, 

vermachte seine Ausrüstung 

dem Café Gondrée (das erste befreite 

französische Haus des Krieges), 

wo sie bis heute ausgestellt ist. 

Halten, bis Entsatz 

kommt": " die Pegasus 

Bridge, das vielleicht größte 

Filmrequisit aller Zeiten. 


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Reise um die Welt in 50 Jahren 

E 

s gab so vieles, was die Kinder in den 

70er Jahren im Westen Deutschlands s 

von denen im Ostteil unterschied: Die 

einen kauten Hitschler, die anderen Jamboree, 

die einen tranken Kaba, die anderen Trinkfix, 

und selbst das Sandmännchen sah irgendwie 

anders aus. Eines aber einte uns alle, und das 

waren die polnischen Trickfilmbrüder Lolek 

und Bolek. Wir konnten sie in verschiedenen 

Kindersendungen wie „Mischmasch", „Spaß 

muss sein", „Alles Trick" oder „Tri-Tra-Trick" in 

der ARD genauso finden wie im Fernsehen der 

DDR – und dazu auch noch im Kino. 

Lolek und Bolek stammen aus Polen und heißen 

eigentlich „Bolka i Lolka". In einem süd- 

polnischen Experimentalfilm-Studio hatte der 

Animationszeichner Alfred Ledwig die Figur des 

langen, schlaksigen Bolek als Beitrag für eine 

Ausschreibung erfunden und sein Kollege Leszek 

Lorek den kleinen pummeligen Lolek. Lorek kaufte seine Rechte an Ledwig, der die Figuren 

weiterentwickelte und 1963 gemeinsam mit dem Regisseur Wladyslaw 

ver- 

Nehrebecki eine 13-teilige Serie mit kurzen Episoden entwarf. Damit 

war das berühmte Trickfilm-Duo geboren. Lolek und Bolek sind also 

genauso alt wie George Michael, Brad Pitt und Johnny Depp. 

Zu einer Zeit, in 

der den Bewohnern 

der 

sozialistischen 

Staaten 

die große, weite 

Welt verschlossen 

blieb, schien es 

für die polnischen 

Trickfilmbrüder 

Lolek und Bolek 

keine Grenzen zu 

geben. Sie reisten in 

den Wilden Westen, 

nach Polynesien oder Afrika und in 80 Tagen um die 

Welt. Sie lernten dabei höchst interessante Menschen 

und exotische Kulturen kennen und blieben trotzdem 

ganz normale Geschwister, die Streiche spielten, sich vorm Zahnarzt 

drücken wollten, sich zankten und am 

Ende dann doch wieder lieb hatten. Lolek 

und Bolek durften genau das, was die 

meisten ihrer Fans eben nicht durften: 

jede Menge Unsinn anstellen, schadenfroh h 

sein – und reisen. Und weil die Filmchen 

so witzig, so originell, gewaltfrei und kein 

bisschen ideologisch gefärbt waren, stand 

Lolek und Bolek die Welt bald nicht nur in 

ihren Abenteuern offen: Sie traten einen 

Siegeszug um den gesamten Globus an, 

es gab Spielzeug, Puzzles und Postkarten 

von ihnen, und ihre Popularität ist bis 

heute ungebrochen. Mittlerweile haben sie über eine Milliarde Menschen 

in mehr als 80 Ländern glücklich gemacht, ihre Landsleute errichteten 

ihnen ein eigenes Denkmal in ihrem polnischen Geburtsort, und in 


Deutschland und 

Indien wurden 

sogar Schulen 

nach ihnen 

benannt. 

In den kurzen 

fünf- bis 

zehnminütigen 

Episoden der 

Trickfilmserie 

waren Lolek und 

Bolek stumm, 

was natürlich die 

internationale Vermarktung erleichterte. Die preisgekrönte Pilotfolge 

„Kusza – Die Armbrust" erschien 1964. Darin lassen sich die Brüder 

von einem Wilhelm-Tell-Gemälde zu reichlich viel Unsinn mit einer 

Armbrust inspirieren. Bis 1986 brachte es die Serie auf über 150 

Kurzfilme. Ledwig war meistens für die Storyboards verantwortlich, 

Nehrebecki führte Regie, und Leszek Mech 

schrieb einen Großteil der Drehbücher. 1973 kam 

eine weitere Figur dazu, das rotbezopfte Mädchen 

Tola, für das sich Lolek und Bolek mächtig in 

Schale werfen und bessere Manieren zulegen 

sollten, was natürlich immer schiefging. Tola 

trat in insgesamt 29 Folgen auf und soll ein 

Wunsch der Zuschauerinnen gewesen sein. 

In der DDR erschienen ab Mitte der 70er Jahre 

im sorbischen Domowina-Verlag in Bautzen 

großformatige dünne Comic-Hefte mit Lolek 

und Bolek. Die Zeichnungen dafür stammten 

alle von Alfred Ledwig. Die Bücher basierten auf 

den Episoden von „Lolek und Bolek reisen um die 

Welt". Auch zwischen zwei Buchdeckeln gab es also 

für die reiselustigen Brüder keine 

Grenzen, und so durften sie hier 

„In die Steppen Australiens" 

und in „Die goldene Stadt der 

Inkas" reisen, sahen „Die Tiere 

der Serengeti" und streunten „In 

den Wäldern Kanadas". Diese 

Heftchen waren heißbegehrt, 

ständig vergriffen und wurden 

in den Folgejahren immer wieder 

neu aufgelegt. 

So leicht und witzig die 

Geschichten von Lolek und Bolek 

nicht wieder. Trotz dieser angespannten Atmosphäre zeichnete er in 

den folgenden Jahren jedoch wieder Storyboards für Lolek und Bolek, 

so zum Beispiel für die 1975 entstandene Staffel „Spaß und Spiele mit 

Lolek und Bolek", wobei er immer mehr an den Rand gedrängt wurde 

und sein Name im Vorspann immer weiter nach hinten rutschte. 

In der Folgezeit erschienen außerdem die zwei großen Lolek-und- 

Bolek-Spielfilme. 

1977 startete – frei 

nach Jules Vernes 

„In 80 Tagen um 

die Welt" – „Die 

große Reise von 

Lolek und Bolek". 

Darin bekamen die 

Trickfilmbrüder 

zum ersten Mal eine 

Stimme, weshalb 

es verschiedene 

Synchronfassungen 

gibt. 1986 erschien 

mit „Lolek und Bolek im Wilden Westen" ein 

waschechter Western mit Pferden, Sheriff, 

Gaunern und natürlich den beiden polnischen 

Brüdern. Zwei weitere Filme aus den 

Achtzigern, „Märchen mit Bolek und Lolek" 

und „Bolek und Loleks Ferien", kamen bei uns 

nicht in die Kinos. Es handelt sich dabei allerdings 

auch nur um eine Zusammenstellung 

von Serienepisoden. Die beiden erstgenannten 

Filme aber liefen im Ausland äußerst erfolgreich 

und spielten Devisen ein. 

Ledwig, der inzwischen in ärmlichen Verhältnissen 

lebte, weil er wie auch seine Frau mit Berufsverbot 

belegt worden war, sah schließlich einen letzten Ausweg 

in seiner Ausreise nach Deutschland. Doch er musste 

einen hohen Preis dafür zahlen: Das Visum für sich und 

seine Familie bekam er nur gegen die Einräumung der 

Rechte an Lolek und Bolek für weitere fünf Jahre. 1981 

siedelte Ledwig nach Leverkusen über. 1986 endete die 

erzwungene Vereinbarung, und ein langandauernder 

erbitterter Rechtsstreit um das Trickfilmduo begann, der 

bis vor den Europäischen Gerichtshof gelangte und dafür 

sorgte, dass die Trickfilme viele Jahre nicht im polnischen 

Fernsehen gezeigt werden konnten. Den Ausgang des 

Verfahrens erlebte der inzwischen von Sozialhilfe lebende 

Ledwig nicht mehr. Er starb 2006. 

Was bleibt, sind die beiden Trickfilm-Brüder Lolek und Bolek, die um 

keinen Tag gealtert sind und in denen sich Kinder auf der ganzen 

Welt wiederfinden. Die Fans der ersten Stunde sind inzwischen längst 

Eltern oder sogar Großeltern, und so erfreuen sich mittlerweile drei 

Generationen an den zeitlosen Abenteuern von 

Lolek und Bolek. 

Kati Naumann 

© DEFA-Stiftung / Stanislaw Golab, Dorota Poraniewska, Marek Waczek, Ryszard Biesok, Stanislaw Golab, Henryk Pollak, Andrzej Malarski 

sind, so traurig ist das Schicksal ihres Schöpfers Alfred Ledwig. Weil 

er für die systemfeindliche Bewegung Konfederacja Narodowa 

(Nationale Konföderation) Grafiken gezeichnet hatte, wurde 

er 1971 inhaftiert und zu zweieinhalb Jahren Haft verur-rteilt. 

Während dieser Zeit wurden weitere umfangreiche e 

Folgen von Lolek und Bolek produziert und Ledwig von 

der Umsatzbeteiligung ausgeschlossen. Aus diesem Grund 

erneuerte er den ausgelaufenen Lizenzvertrag im Jahr 1973 


Wenn ich Mitte der 1980er Jahre mit meinen „Jungs” eine Diskothek 

heimsuchte – und wir suchten in jener Ära ziemlich oft Diskotheken 

heim, denn wir waren alle um die 20, der Balzmotor lief auf Hochtouren 

–, gab es immer Songs, bei denen es logisch war, dass man sie als 

„männlich, ledig, jung” unter musikalischen und unter Coolness-Aspekten 

nicht mögen durfte. Ebenso logisch war es jedoch, dass genau bei diesen 

Liedern die Chance bestand, das einzulösen, weshalb man als junger 

Mann überhaupt eine Disco von innen sah – um die Nähe zum anderen 

Geschlecht herzustellen und im besten Fall spätnachts den Schuppen 

mit der frisch Angebeteten Hand in Hand zu verlassen. 

Ganz oben auf der Liste dieser „Anbandel"- 

Garanten standen zwischen 1985 und 

1987 die Titel eines Duos, das sich aus dem 

Rheinland-Pfälzer Sänger Thomas Anders, der 

eigentlich Bernd Weidung heißt, und dem niedersächsischen 

Sänger, Musiker, Komponisten 

und Produzenten Dieter Bohlen zusammensetzte. 

Der Name des Duos: Modern Talking. 

Von beiden Herren – Anders Jahrgang 1963, 

Bohlen 1954 – hatte man bis zur Gründung 

des Projekts in der Musikszene nichts gehört, 

wenngleich zumindest der Ältere bereits einige 

Achtungserfolge als Produzent vorzuweisen hatte. 

Bohlen und Anders lernten sich zu Beginn der 80er 

Jahre kennen, 1982 produzierte der Niedersachse sechs 

Singles des Pfälzers in deutscher Sprache, allerdings ohne kommerziellen 

Erfolg. Zwei Jahre später hatte Bohlen die Idee für ein Popmusik-Duo, 

dessen Sound für einen hohen und sofortigen Wiedererkennungswert der 

Lieder, gepaart mit eher rustikaler Tanzkompatibilität stehen sollte. Die 

Berliner Plattenfirma Hansa war zunächst von diesem etwas hemdsärmeligen 

Konzept nicht recht überzeugt und investierte erst mal wenig. Es 

dauerte dann schließlich auch drei Monate von der Veröffentlichung der 

ersten Single "You’re My Heart, You’re My Soul” im Oktober 1984 an, bis 

diese am 28. Januar 1985 die nationalen Top Ten enterte. Doch nachdem 

im Frühjahr 1985 THE 1ST ALBUM in den Handel gekommen war, gab 

es kein Halten mehr für Modern Talking, die aus einem unerschöpflich 

scheinenden Fundus aus sich ähnelnden, dabei stets extrem eingängigen 

Kompositionen zu schöpfen schienen. 

In kurzer Abfolge entstanden mehrere Dutzend Singles und fünf weitere 

Alben, ehe 1987 abrupt der Schlussstrich gezogen wurde – Anders und 

Bohlen gingen im Streit auseinander, hatten bis dato allerdings mehr 

als 60 Millionen Tonträger verkauft. Und sie waren 1986 die 

erste westliche Band überhaupt gewesen, die ihre Platten 

offiziell hinter dem Eisernen Vorhang in der damaligen 

Sowjetunion verkaufen durfte. 

Über zehn Jahre nach dem Split kamen die 

beiden Streithähne dann durch Vermittlung 

der Plattenfirma Sony BMG für fünf Jahre erneut 

zusammen. Auch in jener Phase ihrer Existenz 

veröffentlichten Modern Talking sechs Alben, 

wieder wurden gut 60 Millionen Tonträger losgeschlagen 

– und wieder trennten sich Anders 

und Bohlen letztlich im Streit. Und nun ist das 

Doppelalbum 30 auf den Markt gekommen, da 

Modern Talking 30-jähriges Jubiläum feiern, es ist 

eine Art „Best Of”-Kompilation, erhältlich in diversen 

Formaten, gepaart mit brandneuen Mixes von angesagten 

DJs etc. „Modern Talking genießen 2014 eine hohe Priorität 

bei uns, da wird in den nächsten Monaten rund ums Thema etliches 

passieren”, freut sich Christian Stronczek, Senior Product Manager von 

Sony Music. Zu einer erneuten Reunion von Anders und Bohlen wird es 

zunächst zwar nicht kommen – doch wer weiß schon, was die Zukunft 

bringt? Irgendwie ist dieses Duo jedenfalls einzigartig; ich persönlich verbinde 

jedenfalls (siehe oben) eine Menge angenehmer Erinnerungen mit 

ihren Liedern. Einzigartig ist das Duo übrigens auch für Thomas Anders, 

wie dieser im Interview gesteht ... 


Interview 

Thomas Anders 

Vor 30 Jahren wurden Modern Talking ins Leben gerufen, die Plattenfirma 

nimmt dieses Jubiläum nun zum Anlass, um nochmals groß die Werbetrommel 

dafür zu rühren – welches Gefühl beschleicht Sie bei diesem Jahrestag? 

Es zeigt mir, dass Modern Talking immer noch eine starke Marke sind. 

Und dass die Musik von Modern Talking die Menschen berührt. 

Wie stolz sind Sie rückblickend auf den kreativen wie kommerziellen Erfolg 

von Modern Talking? 

Ich bin stolz darauf, dass gerade in unserer – mittlerweile 

so kurzlebigen – Unterhaltungsbranche die 

Musik von Modern Talking Jahrzehnte überlebt 

hat. Unsere Musik wurde meistens von 

den Kritikern belächelt und nicht ernst 

genommen. Der weltweite Erfolg von 

Modern Talking zeigt aber, dass 

Kritiker auch nur Menschen sind, 

die irren können. 

War dieses Duo stets eine kreative 

Zweckgemeinschaft, oder gab es 

durchaus Phasen, in denen Sie 

und Ihr Partner Dieter Bohlen 

Freunde waren? 

Zweckgemeinschaft klingt in 

diesem Zusammenhang für 

mich zu nüchtern und gefühllos. 

Unsere Musik wäre ohne 

Emotion niemals so erfolgreich 

geworden. Ich würde unsere 

Zusammenarbeit gerne als 

Partnerschaft sehen. 

Wie wichtig war bei Modern Talking neben 

der Musik der Image- und Outfit-Aspekt? 

Die Musik von Modern Talking steht 

für Lebensfreude und Leichtigkeit. Der 

Widererkennungswert kam durch Stimme, Produktion 

und den Sound. 

Wie wichtig war dem Duo der Tanz- und sofortige Wiedererkennungswert der 

Kompositionen? 

Zu Beginn unserer Karriere hat alles gepasst! Musik, Outfit und damit 

auch das Image. Ich glaube, hätte bei uns „Friede, Freude, Eiertanz" 

geherrscht, würde es „30 Jahre Modern Talking nicht geben. 

Hatten Sie mit einem solch gewaltigen Erfolg gleich mit der ersten Single 

gerechnet, oder kam dieser 

völlig überraschend für Bohlen 

und Sie? 

Die damalige Diskothekenszene 

machte diesen 

Song zum Hit. Ende 

November 1984 lagen 

wir bei 6000 verkauften 

Singles, Anfang Januar 

1985 bei 60.000. Ohne 

TV und ohne Radio! 

Was danach kam, ist 

Musikgeschichte. 

Erinnern Sie sich noch, unter 

welchen Umständen Modern-Talking-Kompositionen 

in der Regel entstanden, gab 

es dabei gewisse Rituale? 

Gemeinsam fröhlich, obwohl die 

Situation nicht immer zum Lachen war: 

Dieter Bohlen (l.) und Thomas Anders 

beim zweiten Versuch, ein 

harmonisches Duo 

abzugeben. 


Dieter schrieb die Songs und schickte sie mir auf MC. Es waren meis tens 

40 bis 50 Titel. Ich traf meine Vorauswahl, und es blieb etwa die Hälfte 

der Songs übrig. Danach selektierte Dieter wieder, und wir nahmen dann 

die Songs für das kommende Album auf. Bei „Modern Talking 2.0” 

komponierte ich auch Songs für die Alben. 

Welchen Stellenwert hatten die Texte bei den Songs – entstanden die zuerst, 

oder wurden bereits fertige Kompositionen mit Texten ergänzt? 

Die Texte waren ganz wichtig! Okay, kein Modern- 

Talking-Text ist Pulitzerpreis-verdächtig … Aber 

das Talent von Dieter lag darin, die richtige 

Balance zwischen Melodie und Silben 

zu finden. Hätte ich bei "Cheri Cheri 

Lady" beispielsweise „I just wanna 

love you" gesungen, wäre es nie 

der Hit geworden, den man heute 

noch trällert. 

Wie stolz waren Sie – und sind Sie 

bis heute –, dass Modern Talking 

1986 die erste westliche Band 

waren, die in der damaligen Sowjetunion 

ihre Alben offiziell verkaufen 

durfte? 

Es war uns damals nicht recht 

bewusst, was wir und unsere 

Musik für die Menschen in der 

damaligen UdSSR bedeuteten. 

Heute, nachdem ich viele Konzerte 

in Russland gegeben habe und 

noch gebe, ist mir bewusster denn je, 

wie erfolgreich die Musik von Modern 

Talking dort ist. 

Als zehn Jahre nach der Trennung von Modern 

Talking Dieter Bohlen den Vorschlag unterbreitete, 

1997 das Duo wiederzubeleben, willigten Sie ein – mit 

welchen Gefühlen? 

Es war nicht Dieter Bohlen, der den Vorschlag unterbreitet hat. Es 

war die Idee unserer damaligen Plattenfirma Hansa sowie des damaligen 

Unterhaltungschefs vom ZDF, Axel Beyer. Beide Parteien hatten 

die Idee, Modern Talking bei der TV-Sendung „Wetten, dass …?" 

mit einem Comeback zu starten. Ich war zu dem Zeitpunkt in Los 

Angeles, und unser Anwalt Götz Kiso vereinbarte ein Treffen mit mir 

und erzählte dabei von der Idee. Ich bat um die Bedenkzeit von einer 

Woche. Danach willigte ich ein. Wie sieht die künstlerische Zukunft von 

Modern Talking, wie die von Thomas Anders aus? Eine künstlerische 

Zukunft von Modern Talking ist mehr als unwahrscheinlich. Ich, als 

Thomas Anders, gebe jedes Jahr viele Konzerte, die eine Mischung aus 

Modern-Talking-Songs und Solotiteln beinhalten. Kürzlich hatte ich 

in einer Show 50.000 Zuschauer in Odessa. Im November trete ich in 

Santiago de Chile auf. Im Dezember bin ich im Baltikum auf Tournee. 

Und im Januar geht's nach Ungarn, im Februar nach 

Polen. Daneben arbeite ich an 

einem neuen Album für das Jahr 

2015. Das Schöne für mich liegt 

darin, dass ich nach all meinen n 

Erfolgen nicht den Druck verspüre, 

mich unbedingt jemandem 

groß aushändigen zu müssen. 

Michael Fuchs-Gamböck 

Drei Jahrzehnte dabei – immer noch 

zeitgemäß: Modern Talking

Sophia Loren: 

Alles 

„zu groß“ – 

und trotzdem 

ein Star 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber/1979 Firepower 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber/Stadt der Verlorenen 

I 

talien hat Pizza und Pasta – und Sophia 

Loren. Der Filmstar könnte nicht besser 

das verkörpern, was Land und Menschen n 

in Südeuropa ausmacht: Temperament, überbordende 

Präsenz, Leidenschaft – und wunderbare 

Küche. Die Loren vereint alles in sich. Das zeigt 

sie nicht nur in ihren mehr als 100 Filmen, die 

sie in über 64 Jahren Karriere gedreht hat. Auch 

mit Kochlöffel und Spaghetti-Sauce kann sie 

eben sehr gut umgehen: Erst jüngst wurde ihr 

Kochbuch „In Cucina con Amore" („Mit Liebe in 

der Küche") von 1971 neu aufgelegt ... Ein ideales 

Geschenk für die große Leinwand-Diva, die am 20. 

September ihren 80. Geburtstag gefeiert hat. 

Das Kochen ist für sie ein schönes Hobby geblieben, eben, 

die Schauspielerei indes ihre wahre Berufung gewesen. esen. 

Von der ehrgeizigen Mutter fürs Filmbusiness geschult, 

ist der erste bekannte Film, in dem sie mitwirkt, t, das Epos 

„Quo Vadis?" mit 

Anthony Quinn in 

der Hauptrolle. Das 

ist 1951. Eine kleine Nebenrolle. 

Einige unbedeutende Auftritte 

folgen, bevor Sophia 

Loren mit „Weiße 

Frau in Afrika" und 

„Aida" größere Rollen 

bekommt. 

Beinahe hätte Sophia 

Lorens üppige 

Erscheinung ihr jedoch 

den Durchbruch vermasselt. 

Ihr späterer 

Ehemann, der mehr als 

20 Jahre ältere erfolgreiche 

Filmproduzent 

Carlo Ponti, entdeckt 

die große 

Neapolitanerin mit den 

rot-braunen 

Locken 

und den honigfarbe- 

nen Augen Anfang der 50er Jahre bei einem Schönheitswettbewerb. 

Wieder ist sie nur Zweite geworden. Sie habe von allem zu viel, heißt 

es damals von der Jury. Und genau das 

beklagen auch die Kameramänner, denen 

Ponti sie schmackhaft machen möchte. 

Die Lippen? Zu groß. Der Ausschnitt? Zu 

ausladend. Die Nase? Zu lang. 

Aber sie hat Glück. 1954 ist der italienische 

Regisseur Vittorio De Sica ebenso 

von ihr begeistert wie Ponti. Sein „Gold 

von Neapel" bedeutet ihren Durchbruch in 

Italien. Die einheimische Presse überschlägt 

sich. Sophia Loren ist in aller Munde, füllt 

auch mit ihrem privaten Lebenswandel 

(ihr Berufs- und Lebenspartner Ponti ist 

verheiratet – nur nicht mit ihr; im katholischen 

Italien eine nicht hinnehmbare 

Angelegenheit) die Zeitungsseiten. 1955 

– mit 21 Jahren – kann sie bereits mit 36 

Filmen aufwarten. Einfach alle sind von 

Die Frau vom Fluss 



ihr angetan. Alle? Nun 

ja, nicht ganz. Stars wie 

Anna Magnani und Gina 

Lollobrigida sehen sie 

nicht gerade als willkommene 

Kollegin an. 

Sophia allerdings genießt 

den Ruhm und die 

kleinen 

Kämpfe 

mit den Diven. 

Vor allem mit 

Gina Lollobrigida 

trägt sie eine 

legendäre Fehde 

aus: Lollobrigida 

kümmert sich um 

tuberkulosekranke 

Kinder, Loren 

fortan um Blinde. 

Sophia will sich von Jean Cocteau malen lassen. „La Gina 

Nazionale" holt daraufhin 25 Mailänder Künstler zu einer 

Gemeinschaftssitzung zu sich. Für den vorläufigen Höhepunkt des 

Zickenkriegs ist dann ausgerechnet Queen Elizabeth II. verantwortlich. 

Auf deren Geheiß reisen „Lollo" und Sophia nach England. „Lollo" hält 

sich an das Protokoll und posiert mit dezenter Robe auf dem roten 

Teppich. Die Loren jedoch 

pfeift auf Vorschriften. 

Sie taucht im tief ausgeschnittenen 

Abendkleid 

auf und hat sich – absoluter 

Fauxpas in Queen- 

Nähe – ein Krönchen ins 

Haar gesteckt. Wie der 

„Spiegel" damals schreibt, 

habe Queen-Gemahl 

Prinz Philip versucht, 

konsequent geradeaus 

zu schauen, während 

die Sexbombe vor ihm 

knickste. Stinksauer sei 

die Lollobrigida gewesen. 

Und die Loren? Die ist 

endgültig berühmt. 

Ponti und ihr reichen die 

italienischen Produktionen nun nicht mehr. Um auch in Amerika 

Beachtung zu finden, gibt es nur eine Lösung: auf nach Hollywood! 

Sie dreht mit John Wayne „Stadt der Verlorenen" (1957), mit Anthony 

Perkins „Begierde unter Ulmen" (1958) – und mit Cary Grant, dem Star 

schlechthin. Der Gentleman, der jede haben kann und plötzlich nur die 

eine will: Sophia. 1957 drehen sie „Stolz und Leidenschaft" 

miteinander, ein Jahr später „Hausboot". Er verliebt sich 

angeblich unsterblich in die Italienerin, gibt ihr privat 

Nachhilfe in Englisch – und womöglich nicht nur darin. 

Grant ist das Gegenteil von Ponti. Groß, sehr gutaussehend, 

und vor allem frei. Er macht ihr einen Antrag. Eine Ehe – es 

ist das, was für die Italienerin zählt. Und Grant will ihr den 

Wunsch erfüllen. Doch sie liebt den kleinen, etwas untersetzten 

Carlo Ponti zu sehr und weist Grant zurück. Für Ponti 

ein Warnsignal. In Mexiko lässt der sich daraufhin von seiner 

ersten Frau scheiden, heiratet am 17. September 1957 Sophia 

und bringt damit ganz Italien gegen die beiden auf. Da 

die mexikanische Scheidung in der Heimat nicht anerkannt 

wird, gilt er fortan als Bigamist. Eine schlimme Situation 

für Sophia, die ihr Land so liebt und schon längst Heimweh 

empfindet im fernen Kalifornien. 

Und: Ihr fehlen die italienischen Produktionen. In Amerika ist sie zwar 

erfolgreich, aber ihr liegt mehr die Darstellung der typisch italienischen 

Frau: voller Leben, lachend, tanzend, schreiend. Am liebsten an der 

Seite des großen Marcello Mastroianni. Die beiden werden eines der 

erfolgreichsten Gespanne der Filmgeschichte. Mit einem meist schlitz- 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber/1961 El Cid 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber/Hausboot mit Cary Grant 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber/1971 Die Sünde 

ohrigen Marcello und einer verführerischen Sophia. Herrlich anzusehen 

im Episodenfilm „Gestern, heute, morgen". 1963 von De Sica gedreht, 

bekommt er 30 Jahre später eine Hommage: „Prêt-à-Porter" – ein 

ironisches Werk über die gleichnamige Modenschau in Paris mit einem 

Stelldichein der Stars – bringt Loren und Mastroianni vor dessen Tod 

ein letztes Mal vor der Kamera zusammen. Und wie schon 1963 strippt 

sie wieder für ihn. 

Ganz offiziell i geheiratet t zu werden, das gelingt ihr im Pi Privatleben letzt- 

t 

lich dann doch noch. 1966 kann sie – nach der Annullierung der ersten 

Hochzeit – endlich für alle Señora Ponti werden. Und wie Filumena in 

„Hochzeit auf Italienisch" (1964), die sie verkörperte, schenkt sie Ponti 

Söhne: Carlo jr. (*1968), heute Dirigent, und Edoardo (*1973), heute 

Regisseur. Sie tritt kürzer, dreht Filme mit tragischen Figuren, wie etwa 

die todkranke Adriana an der Seite von Richard Burton in De Sicas 

„Die Reise nach Palermo" (1974). Als Jennifer Chamberlain erlebt sie in 

„Cassandra Crossing" (1977) an Richard Harris' Seite eine Zugfahrt der 

besonderen Art. Und im Kampf 

um die Freiheit ihres Sohnes ist 

ihr in „Das Urteil" (1974) jedes 

Mittel recht gegen den Richter 

(wunderbar gespielt von Jean 

Gabin). 1977 dreht sie abermals 

mit Marcello Mastroianni: „Ein 

besonderer Tag" – ein dramatischer 

Film. Auch die leisen Töne 

passen zu dem eingespielten 

Duo. Er als ihr Nachbar, den 

sie – die einfache Hausfrau 

mit sechs Kindern und einem 

faschistischen Mann im Italien 

des Jahres 1938 – anflirtet. 

Es ist ihr letzter bedeutender 

Film, bevor sie sich mit der Nebenrolle in „Prêt-à-Porter" P t 1994 und ein 

Jahr später mit der Hauptrolle neben Walter Matthau in der Komödie 

„Der dritte Frühling" wieder ins Gespräch bringt. Zu tun hat sie dennoch 

viel: mit einem Steuerskandal, wegen dem sie 

gut zwei Wochen in Italien im Gefängnis sitzt, und der 

erst jüngst – nach 40 Jahren Gerichtsstreit – zu ihren 

Gunsten ausging. Und mit dem Aufziehen ihrer Söhne, 

nebenbei ein paar TV-Rollen sowie ihrem humanitären 

Engagement. Nach ihrem ersten Oscar für die Rolle 

einer vom Krieg gebeutelten Mutter in „… und dennoch 

leben sie" (1961) erhält sie 1991 einen weiteren für ihr 

Lebenswerk. Im selben Jahr verliert sie dann ihre geliebte 

Mutter. 2007 muss sie ihren Mann Carlo Ponti zu Grabe 

tragen. 57 Jahre ist sie mit ihm zusammen gewesen. 

Für Gesprächsstoff sorgen in den letzten zehn Jahren 

weniger die Filme (darunter 2009 die Rolle der „Mamma" 

im starbesetzten Musical „Nine") als ihr Erscheinungsbild. 

Was ist an der Loren noch echt und was nicht? Glatte 

Wangen, straffes Dekolleté, wilde Haarpracht sind freilich 

mit 80 Jahren nicht mehr allein den Spaghetti zu verdanken. 

Faszinieren tut sie also weiterhin. Auch mit 80. „Mit mir ist die Zeit 

immer gut umgegangen", konstatiert sie denn auch kurz vor ihrem 

Jubiläum im „Mona-Lisa"-Interview im ZDF ... 

Claudia Tupeit 

Foto: © Davids/Bildarchiv Hallhuber/Begierde unter Ulmen 


Ziemlich beste 

Wohlfühl-Freunde 

Von Michael Fuchs-Gamböck 

Die Barbapapas geben sich stets ebenso 

großherzig wie gemütlich – sie sehen im 

Normalzustand wie überdimensionale Birnen 

aus. Allerdings können sämtliche Mitglieder 

der Sippe dank der Zauberformel „Ra-Ru- 

Rick Barbatrick” ihre Körperform verändern, 

gerne mal auch in eine Brücke, eine 

Eisenbahn, eine Suppenkelle oder sonstige 

Gebrauchsgegenstände des täglichen Lebens. 

Diese Transformationen dienen einzig und allein 

dem Zweck, sämtlichen in Not geratenen Umstehenden 

zu helfen und dadurch die Welt ein wenig angenehmer 

zu gestalten und damit besser zu machen. Die Barbapapas 

sind andauernd und manchmal geradezu aufdringlich hilfsbereit, 

kommen prächtig mit sämtlichen Kreaturen – Menschen, 

Tieren oder Pflanzen – aus und versuchen einfach nur, ein 

Miniatur-Paradies auf Erden zu erschaffen. 

Ihr Name leitet sich übrigens, wie 

passend, vom französischen Wort 

für Zuckerwatte (barbe à papa, wörtlich 

„Papas Bart”) ab, kreiert wurden 

die charmanten Figuren von der 

französischen Architekturstudentin 

Annette Tison und dem amerikanischen 

Biologielehrer Talus Taylor, beides 

" 

Ra- Ru- 

Rick Barbatrick" – kaum 

ist diese Formel ausgesprochen, schon 

ist in der Welt von Barbapapa, Barbamama und 

deren sieben Kindern (drei Mädchen und vier Jungs) 

alles anders! Wie diese neunköpfige Zeichentrick-animierte 

Familie überhaupt von Beginn an ganz anders war (und immer 

noch ist) als ihre Konkurrenz von Disney und Comic-Konsorten. 

Nicht umsonst wurde dieser sympathische Clan just im 

Jahr 1969 erfunden, denn er war den Zeitumständen 

entsprechend letztlich die freundlich-friedliche 

Hippie-Ausgabe der Ducks oder 

Flintstones. 

äußerst schüchterne Zeitgenossen, wie berichtet 

wird. 

Ursprünglich war die Familie 

lediglich als Comic in 

Buchform geplant. Doch 

die bezaubernde Öko- 

Sippe war ein dermaßen 

durchschlagender Erfolg 

bei Jung wie Alt, dass sich 

eine französisch-japanische 

Abb.: © Annette Tison renewed © Alice Taylor and Thomas Taylor 


Firma der gezeichneten 

Riesen-Birnen annahm 

und 1974 zunächst 45 

Folgen à fünf Minuten 

mit ihnen und über sie 

produzierte. Die deutsche 

Erstausstrahlung erfolgte 

auf Grund immenser 

Nachfrage bereits am 

5. November desselben 

Jahres, sämtliche Synchronstimmen wurden dabei 

von Regisseur Peter Kirchberger gesprochen. 

Lediglich drei Jahre später wurden weitere 55 Folgen produziert, 

und auch diesmal war Kirchberger bei den deutschen Versionen 

„Mann für alles”. Nur bei den 1999 anlässlich des 25-jährigen 

Jubiläums der „Barbapapa”-Serie abgedrehten 50 Folgen blieb der 

Schleswig-Holsteiner außen vor. Kein Wunder, denn dieses Mal 

wurde die Reihe in Japan produziert (wo der Clan ebenfalls durchschlagend 

erfolgreich gewesen ist), wenn auch einmal mehr nach 

Originalentwürfen und Drehbüchern von Tison und Taylor. Bei diesen 

bislang letzten Folgen wurden die Figuren in der deutschen Version 

von verschiedenen Sprechern synchronisiert. Welch ein Frevel für die 

Hardcore-Anhänger! Noch schlimmer für treue Fans war freilich, dass 

die Formel „Ra-Ru-Rick Barbatrick” vor den Verwandlungen fehlte! 

Was sich zum Glück nicht geändert hatte, war der 

Umstand, dass von der skurrilen Familie absolut 

jedes Problem gelöst werden konnte. Dank der unerschöpflichen 

Möglichkeiten, die Körperformen zu verändern, 

und dank eines ungeheuren Erfindungsreichtums 

konnten selbst kniffligste Aufgaben gelöst und alles 

stets zu einem guten Ende gebracht werden. Denn die 

Barbapapas sind nun mal eben unermüdliche Streiter 

für die Freundschaft, sie haben bisher noch nie irgendjemanden 

im Stich gelassen. 

Es ist garantiert dieser unumstößliche Idealismus, 

gepaart mit selbstloser Freundlichkeit plus kauzigem Humor, 

der die Barbapapas und ihren legendären Ruf ins aktuelle Jahrtausend 

herübergerettet hat. Dazu gesellt sich das seit jeher vorhandene 

Gespür für gesellschaftskritische Themen wie Umweltverschmutzung, 

Flächenverbrauch, Verkehr oder Walfang, um nur einige wenige zu 

nennen. 

1971 erschien die Geschichte von 

Barbapapa in Buchform erstmals 

in Deutsch. Bald folgten Geschichten 

von Barbamama und allen weiteren 

drolligen Figuren des Clans. Danach 

herrschte erst mal überraschend Stille 

– zumindest auf Verlagsseite. Doch 

seit kurzem sind Barbapapa und seine 

Lieblinge im Buchhandel, der längst 

auf die Barbapapa-Kultklassiker gewartet et hat – auf die 

„echten” 

Bilderbücher wohlgemerkt, also die Originale –, wieder erhältlich. 

Für die Kinder der einstigen Barbapapa-Fans und für alle, die seither 

nur die Zeichentrickfilme gesehen haben. 

Im ersten Band kommt Barbapapa 

zur Welt, oder genauer 

gesagt: aus dem Boden 

und unter die Menschen. 

Ein nie gesehenes, rundum 

sympathisches 

Wesen, das seine 

Form verändern n 

kann, das sich 

als Freund und 

Helfer bewährt 

und schlicht alle um ihn herum 

glücklich macht. Der zweite Band 

setzt indes mit einem traurigen 

Barbapapa ein: Der sehnt sich 

nach einer Freundin. Die findet 

er zwar nicht auf seiner eher 

hektischen Reise rund um die 

Welt, stattdessen 

findet er sie jedoch 

exakt dort, wo er 

immer schon war. Und 

im Anschluss gibt es dann bald schon 

auch Barbababys, die berühmten sieben an der Zahl. Die Geschichte 

der wunderbaren Käuze nimmt in der Folge die überraschendsten 

Wendungen, Band für Band ... 

Dafür zu danken, dass 

die „Barbapapa”- 

Comics wieder in deutscher 

Sprache erhältlich sind, ist 

dem renommierten Schweizer 

Atlantis/Orell-Füssli-Verlag. 

Verantwortlich für die Reihe 

zeichnet dort der Holländer 

Hans ten Doornkaat. Der 

freundliche Verlagsmitarbeiter 

erklärt rt bereitwillig, was ihn an dieser Serie 

fasziniert: „Grund für mich, die Barbapapas 

neu aufzulegen, war der, dass ich sie aus 

meiner Zeit als Teilzeitbuchhändler und 

Student kannte." Die frühe Prägung hält 

eben oft ein Leben lang. 

So weit, so gut”, fährt der „Lektor aus 

„ Leidenschaft” dann schwärmerisch 

fort, „ich war stets fasziniert von den 

Klassikern, die Talus Taylor ‚flagship-serie' 

nennt, weil sie nicht einfach einen popu- 

lären Stil zeigen, sondern – 

etwa in ‚Barbapapas Reise' – auch wirklich 

Zeitkolorit und ästhetische Anspielungen auf die Pop-Kultur einbringen. 

Den Ausschlag, dass ich damit anfing, die deutschsprachigen 

Buchrechte zu verhandeln, gab aber, dass ich als Programmmacher 

mit vielen Illustratoren diskutiere. Dabei kam irgendwann, wenn auch 

nicht gleich am Anfang der Unterhaltung, das Bekenntnis, 

dass er oder sie als Kind die Barbapapas liebte. Man 

tauschte sich aus, schwärmte von Szenen und war dann 

bei der Frage: ‚Warum gibt es diese Bücher nicht mehr 

auf Deutsch?' Die bloße Erkenntnis reichte mir aber nicht, 

und ich ging der Sache nach. In der Schweiz, wo die 

Nähe zur französischen Buchkultur größer ist, waren die 

Figuren nie ganz verschwunden. Und in Österreich, wo 

Taylor einer Bank eine Sonderausgabe der Barbapapas für 

Werbezwecke lizenziert hatte, war die Erinnerung an sie 

sogar noch wacher. Aber der Siegeszug des Comebacks die- 

ser bezaubernden Familie zeichnete sich dann auch in Deutschland 

ganz rasch ab.” 

Und so kommt es, dass die 

Barba papas 45 Jahre nach 

ihrer Erfindung 

weiterhin 

ihr 

schönes 

Unwesen in 

der 

Welt treiben. 

„Ra-Ru-Rick 

Barbatrick” – und 

schon ist alles 

anders. Schon ist 

alles besser. Schon 

ist alles gut. 


Nougatrausch fürs Brot 

Natürlich lässt sich über Nutella, den kultigen Haselnuss- 

Brotaufstrich und Frühstücksliebling nicht nur der Deutschen, 

Schlechtes sagen. Schon ein Besuch im Berliner Zucker- 

Museum kann einem gehörig die Laune verderben: Hier steht 

nämlich ein typisches 400-Gramm-Nutella-Glas direkt neben 

einem Behälter mit 72 Würfelzuckern, die sich – freilich versteckt 

– in solch einem Glas befinden sollen. In den Weiten des Netzes 

lässt sich Ähnliches finden: Übergewicht, Karies – und Nutella 

wird immer wieder gern als Schuldiger ausgemacht. Da ist die 

Anekdote, dass bis 2011 Fett und Zucker für eine Grundportion 

von 15 Gramm, die Vitamin- und Mineralstoffwerte hingegen 

für 100 Gramm auf dem Etikett angegeben wurden, wenig 

hilfreich. Und vor noch gar nicht so langer Zeit mussten die 

Nutella-Hersteller in den USA rund drei Millionen Dollar 

Entschädigung zahlen, weil das süße Zeug wohl doch 

nicht so gesund sei, wie die Werbung vermuten lasse ... 

Doch Hand aufs Herz: Ist Nutella nicht extrem lecker? 

Man muss ja nicht immer gleich das ganze Glas 

auslöffeln (aber auch das sollte man einmal gemacht 

haben). Und ist es nicht eine großartige Erfindung, sich 

einen schokoladig-nussigen Mix aufs Brot streichen zu 

können? Auf diese Idee muss man erst einmal kommen. Im 

Falle von Nutella, der Mutter aller Haselnuss-Brotaufstriche, half damals 

der Zufall ein wenig nach. Zunächst war da der Konditor Pietro Ferrero, 

der in den 1940er Jahren einen kleinen Laden in Turin betrieb und den 

vorbeieilenden 

Arbeitern einen 

süßen Pausensnack 

feilbieten wollte. Er 

musste erfinderisch sein, denn 

Schokolade war für kaum 

jemanden erschwinglich. 

Haselnüsse gab 

es dagegen in der 

Region Piemont 

im Überfluss. Die Pietro Ferrero 

wurden schließlich mit Zucker sowie 

Fett – und wenn doch Kakao, dann 

nur ganz wenig – gemischt. So entstand 

eine Art Nougatmasse, das Gianduja. 

Küchentalent Pietro war beileibe nicht der einzige, der 

diesen Mix fabrizierte. Er experimentierte jedoch weiter 

an der Rezeptur und ersetzte den Kakao schließlich durch 

Kokosbutter. Die daraus entwickelte „Pasta Gianduja" 

avancierte zu einem kleinen Highlight auf dem kargen 

Süßigkeitenmarkt. So konnte Ferrero senior 1946 in 

seiner Heimatstadt Alba, 65 Kilometer von Turin entfernt, 

die nach dem Familiennamen benannte Firma 

Ferrero gründen, ein Unternehmen, das sich übrigens 

bis heute in Familienhand befindet. Das Nougat wurde 

in großen Blöcken an die Wiederverkäufer ausgeliefert, 

und diese schnitten ihrer Kundschaft davon kleine Scheiben 

ab. Der Sommer 1949 allerdings soll ein extrem heißer gewesen sein, so 

dass immer mehr Händler die süße, nun flüssig gewordene Masse nicht 

mehr in Folie, sondern in Behältern verkauften. Pietro selbst erlebte das 


jedoch nicht mehr, er starb im März des Jahres. Seine Frau und sein 

Sohn Michele führten das expandierende Unternehmen dann weiter 

und behielten dabei auch die Experimentierfreude des 

Gründers bei. So wich die Kokosbutter mit der Zeit 

einer Pflanzenfettmischung. Das Rezept ist jedoch 

streng geheim: Zucker, Palmöl, Haselnüsse, fettarmer 

Kakao, Magermilchpulver, Soja und Vanillin sind 

auf dem Etikett angegeben. 

1951 wurde für das inzwischen in Konserven 

angebotene Nougat ein neuer Name gefunden: 

„Supercrema". Ein Name, der Programm war. Elf 

Jahre später musste der florierende Brotaufstrich- 

Hersteller jedoch eine gehörige Schlappe hinnehmen. 

Das italienische Parlament hatte beschlossen, 

dass Markennamen nicht mehr Wörter wie „Super", 

„Ultra" usw. enthalten dürfen. Deshalb wurde 1964 

aus Supercrema – jawohl – Nutella. Ein Kunstwort, bestehend aus Nuss 

(Nut) und -ella, der italienischen Verkleinerungsform. Dabei sei es ganz 

egal, ob man die, der oder das Nutella sage, betonten die 

Macher stets. 

Ein Jahr später stand das erste Nutella-Glas auch 

in einem deutschen Laden. Längst hatte Ferrero 

schon eine hiesige Produktionsstätte. Begann die deutsche 

Niederlassung in Stadtallendorf im September 1956 noch 

mit fünf Mitarbeitern, waren es ein halbes Jahr später 

bereits 60 und noch mal sechs Monate danach schon über 

150 Angestellte. Stadtallendorf war damals noch ein ziemlich kleines 

Kaff, heute sind hier etwa 20.000 Menschen zu Hause, und jeder vierte 

Erwerbstätige arbeitet bei Ferrero. Zunächst wurden dort die besagte 

Supercrema und die Cremalba, ein weiterer Nutella-Vorläufer, hergestellt, 

doch ihre Erfolgsgeschichten sind mit der von der heute gefeierten 

Nougatcreme überhaupt nicht zu vergleichen. Den Durchbruch 

schaffte Ferrero Deutschland indes sowieso mit einem ganz anderen 

Produkt, der zuerst einzeln nen Praline Mon Cheri. Genau, die 

angebote- 

mit der Piemont-Kirsche, 

die es zwar gar nicht gibt 

– aber das ist eine andere 

Geschichte. 

Ferrero hatte und hat 

wiederholt die Nase vorn: 

von Yogurette bis Hanuta, von 

Kinder Schokolade bis Raffaello, von 

Ferrero Küsschen bis zur Milchschnitte – alles Ferrero. Die 

Erfolgsstory in Zahlen: 2013 lag der Jahresumsatz bei über acht 

Milliarden Euro mit einem Gewinn von fast zehn Prozent. Über 

30.000 Mitarbeiter weltweit zählt der Ferrero-Konzern, davon sind 

zwölf Prozent in Deutschland beschäftigt. Der 89-jährige Michele 

Ferrero, Sohn des Pasta-Gianduja-Erfinders und Vater des heutigen 

Firmenchefs Giovanni Ferrero, soll der reichste Mann Italiens sein – noch 

vor Del Vecchio und Berlusconi. Neben Nutella gibt es übrigens drei weitere 

firmeninterne Jubilare: Duplo (ebenfalls 50), Kinder Überraschung 

(40 Jahre) und Ferrero Rocher (30 Jahre). Das Hauptaugenmerk gilt 

aber dem Jubiläum von Nutella. Der süchtig machende Brotaufstrich 

ist heute in 160 Ländern zu haben. Den Italienern ist das Jubiläum 

sogar eine eigene Briefmarke wert. Und auch in Deutschland wird 

gefeiert: mit einer großen Party mit Gästen wie Til Schweiger und 

Verona Pooth, einer Community-Seite, auf der man seine Nutella- 

Geschichten und -Bilder posten kann und – als besonderes Highlight 

– dem Ein-Kilo-Jubiläumsglas. Spätestens hier kommen allerdings 

auch wieder die Miesmacher ins Spiel, denn in der Sonderedition tummeln 

sich etwa 5500 Kilokalorien, ein halbes Kilo Zucker in 180 Würfeln und 

über 300 Gramm Fett … 

Trotzdem (oder gerade deswegen): Herzlichen Glückwunsch, Nutella! 

Christian Hentschel 

DIE ARDENNENSCHLACHT 

 

- 

 

 

 

 

 

 

 

- 

 

 

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von 

 

€ 16,90

DDR-Zeitschriften aus dem Verlag 

Teil 1 

„Kam ein kleiner Teddybär ... „ 

Die allererste Zeitschrift, die ich besaß – und die mich in den intellektuellen 

Kreis der Zeitungsleser erhob –, war der „Bummi". 

Meine Mutter kaufte mir 

das quadratische, bunte 

Heftchen Ende der 60er Jahre an 

einem der typischen dunkelgrünen 

Zeitungskioske, irgendwo in 

der Leipziger Vorstadt, damit ich 

mir die anschließende stundenlange 

Wartezeit in der Poliklinik Süd 

vertreiben konnte. Dieser „Bummi" 

war meine Einstiegsdroge in die 

Welt der Presse. 

In der DDR gab es ein ineinander 

übergreifendes komplexes 

System von Zeitschriften für Kinder und Jugendliche, ohne 

Ausnahme gesteuert vom Zentralrat der FDJ als Herausgeber 

und veröffentlicht im Verlag Junge Welt. Im Jahr 1957 sollten 

in deren Auftrag Pädagogen, Ärzte und Illustratoren 

eine lehrreiche und gesellschaftspolitisch 

nützliche Zeitung für Kindergartenkinder 

entwickeln. Herauskam „Bummi". Sein 

Maskottchen war ein gelber Teddybär, 

gezeichnet von Ingeborg Meyer-Rey, einer 

der beliebtesten und charakteristischsten 

Kinderbuchillustratorinnen der DDR. Der 

„Bummi" erschien zunächst monatlich, 

später 14-täglich, kostete bescheidene 

25 Pfennige, und es gab ihn auch als 

Sammelband, der dann einen Jahrgang 

zusammenfasste. 

Auf den zwölf durchgängig farbigen Seiten fanden sich Bastelbögen 

und Comics, kleine Geschichten, Lieder, Hausaufgaben für die 

Vorschulkinder, Rätsel, Malvorlagen und Beiträge zur Verkehrserziehung. 

Die Geschichtenabenteuer des Teddys Bummi und seiner bärigen 

Freunde Mischka und Maxl dachte sich Chefredakteurin Ursula Böhnke 

aus, die die Zeitschrift mitentwickelt hatte. Damit zielte „Bummi" spezi- 

ell auf die Erziehung der kleinen Leser zu fleißigen, 

höflichen Kindern ab, die ihre berufstätigen 

Mütter unterstützten. Außerdem 

gab es feststehende Comic-Reihen, z.B. 

mit den Spatzen Pieps, Piep und Tschiep, 

gezeichnet von der ebenfalls sehr belieb- 

b 

ten Kinderbuch-Illustratorin Inge Gürtzig. 

In den 80ern enthielt „Bummi" zudem 

die „klitzekleinen Geschichtenbücher" zum 

Ausschneiden, Falten und Zusammennähen, 

die fleißig gesammelt wurden. Allzu viel 


Propaganda wollte man den kleinen 

„Bummi"-Lesern noch nicht 

zumuten. Trotzdem fanden sich in 

dem Heft auch Lobgedichte auf die 

Soldaten, deren einzige Aufgabe 

es zu sein 

schien, 

über uns 

Kinder zu 

wachen. 

Ein anderes 

Mal 

gab es einen eifrig- 

i 

fröhlichen Artikel 

zu Walter Ulbrichts 

Geburtstag, der 

wie ein netter 

Märchenonkel dargestellt 

wurde. Ein 

immer wiederkehrendes, d wichtiges Thema waren auch die Erhaltung des 

Friedens, die Völkerfreundschaft und die Gleichheit aller Menschen, egal 

welcher Hautfarbe. Die Welt wurde nicht als heil hingestellt: In einem 

Heft von 1968 findet sich neben einem vietnamesischen Kinderlied eine 

rührende Geschichte über den Vietnamkrieg, in der jedoch unerwähnt 

bleibt, wer gegen wen kämpft, und nur das menschliche Leid der vietnamesischen 

Kinder beschrieben wird. Auch regelmäßige Spendenaufrufe 

für notleidende Kinder fehlten nicht, denen die kleinen Leser, die noch 

gar kein Taschengeld bekamen, indes gar nicht hätten nachkommen 

können. 

Taschengeld gab es für die meisten von uns 

erst mit dem Eintritt in die Schule – und 

dann war es auch schon Zeit für die „ABC- 

Zeitung", die für Kinder der Unterstufen n 

gedacht war. Sie wurde 1946 gegründet, 

machte 

mehrere e 

Formatwechsel 

durch 

und 

kostete 30 

Pfennige. Laut 

Impressum 

war sie die Zeitung der Jungpioniere. i An 

meiner überfüllten Schule in der Leipziger 

Südvorstadt gab es zu meiner Einschulung 

sechs erste Klassen 

und nur einen einzigen 

Nichtpionier. 

Die blauen Halstücher bekamen wir zu Beginn 

des Schuljahres in der dunklen, nach Bohnerwachs 

riechenden 

Schulaula mit großem 

Brimborium 

überreicht. Dieser 

eine 

bedauernswerte 

Junge, der 

auf Entscheidung 

seiner christlichen 

Eltern kein Halstuch bekommen sollte, 

wurde zur Feierstunde dann nicht einfach 

ausgeladen oder ignoriert, er musste wie 

alle anderen erscheinen, wurde nach vorn 

zitiert und vor versammelter Mannschaft 

als Konterrevolutionär ti gebrandmarkt. Noch ganz deutlich erinnere 

ich mich an das Gefühl, das ich dabei hatte, eine Mischung aus 

Erleichterung, nicht selbst in 

dieser misslichen Lage zu sein, 

grenzenlosem Mitleid und der 

Angst, dem Nichtpionier irgendwann 

im Gedränge auf dem 

Schulhof zu 

nahe 

zu 

kommen. 

So 

ähnlich 

musste es sich anfühlen, wenn man zusammen 

mit einem Leprakranken die Schule besuchte. Und 

obwohl dieser Junge ausdrücklich vom Konsum der 

„ABC-Zeitung" ausgeschlossen war, las er sie trotzdem. 

Weil sie groß, bunt und lustig war und weil 

auch ein Nichtpionier einfach nur das tun wollte, 

was alle taten. 

Zu meiner Unterstufenzeit Ende der 60er, Anfang der 

70er Jahre war die „ABC-Zeitung" etwas mehr als A4 groß und hatte 16 

farbige Seiten. Chefredakteur 

war der Schriftsteller 

Gerhard 

Holtz-Baumert, 

und berühmte 

Grafiker wie 

Manfred Bofinger 

oder Werner r 

Klemke besorgten 

die Illustrationen. n. 

Sie enthielt Bastelbögen, 

Quartett- 

Spiele und 

Dioramen zum Ausschneiden auf dickerem Karton. Maskottchen der 

Zeitschrift waren Rolli und Flitzi, zwei seltsame Männchen, eins davon 

mit Propeller auf dem Kopf, und ihr Hund Schnapp. Alle drei bestanden 

aus verschieden großen bunten Perlen, so dass wir sie an den 

Pioniernachmittagen nachbasteln konnten. Die „ABC-Zeitung" wurde 

über die Schulen verteilt und fand deshalb auch oft im Unterricht 

Verwendung. Im Unterschied zu „Bummi" enthielt sie wesentlich häufiger 

Propaganda-Beiträge, die wir genauso gelangweilt überblätterten 

wie die heutigen Kinder störende Werbung. 

Ebenfalls über die Schule bezogen wir die „Trommel", die Zeitung 

für die älteren Thälmannpioniere – mit rotem Halstuch 

– und 

Schüler. Hier wurden also ausdrücklich auch 

Nichtpioniere zum Lesen eingeladen, vermutlich 

weil die „Trommel" es ziemlich nötig 

hatte. Ihre Titelaufmachung erinnerte kein 

bisschen an ein Rock-Schlagzeug, sondern 

vielmehr an militärische Marschtrommeln. Die 

Zeitschrift erschien seit 1958 jeden Donnerstag 

zum Preis von zehn Pfennigen und stieß 

in meiner Klasse auf ein sehr mäßiges 

Interesse. Vielleicht lag es daran, dass wir 

von unseren Lehrern immer verpflichtet 

wurden, sie zu kaufen, was ärgerlich 

war, denn für das Geld hätten wir eine 

Kugel Vanilleeis bekommen. Vielleicht 

störte uns aber auch die sehr schlechte 

Papierqualität und dass die 16 Seiten 

der Zeitschrift nicht durchgängig farbig 

waren. Vielleicht aber betrachteten 

wir in diesem Alter die Inhalte auch 

schon kritischer und fühlten uns von 

der übermäßigen Agitation und Propaganda a 

überrollt. Selbst die abgedruckten Comics 

wie „Das Mädchen vom Ehrenmal" oder „Die 

roten Kletterer" waren oft politisch überambitioniert. 

Es gab allerdings auch ungarische 

Import-Comics nach Romanen von Jules Verne. Die Gestaltung wurde 

immer wieder geändert, in den Siebzigern gab es ein großformatiges 


Titelfoto, in der rechten Randspalte oben eine Piefke und Schniefke- 

Karikatur, gezeichnet von Wolfgang Schubert, und unten die „Fröhliche 

Minute" mit Witzen. Das waren für mich die beiden einzigen interes- 

santen Aspekte dieser Zeitung. 

Die „Trommel" 

wurde in meiner 

Klasse selten mit 

nach Hause genommen. 

Manche 

Schüler rissen noch 

die Rätselseite 

für ihre Oma heraus, 

und dann 

wurde die Zeitung 

einem wichtigeren 

Verwendungszweck 

zugeführt, sie verwandelte sich in „Altpapier für 

den Frieden". Jede 

Schule hatte im Keller eine Sammelstelle für Sekundärrohstoffe, und 

je nach Gewicht der abgegebenen Papierbündel bekamen wir zwar 

kein Geld, aber Solidaritätspunkte in einer Liste gutgeschrieben. Die 

Einnahmen wurden an notleidende Kinder in Vietnam, Chile oder 

Nicaragua geschickt. Hatten wir unsere 100 Solipunkte für das Schuljahr 

zusammen, konnten wir die Altstoffe in den Sero-Sammelstellen abgeben 

und das Geld selbst behalten. 

Eine Zeitung, die für kein Geld der Welt von mir zum 

Altpapier gepackt worden wäre und die ich immer 

wieder las, bis sie auseinanderfiel, e war die „Frösi". Als 

„Pioniermagazin 

für 

Jungen und Mädchen" 

wurde sie ab 1953 

zunächst unter dem 

Namen „Fröhlichsein 

und Singen" herausgegeben, 

benannt nach 

einem damals bekannten 

Pionierlied von Hans Naumilkat. 

Sie war für Kinder zwischen 10 und 

14 Jahren gedacht und wurde ab 1965 

zur griffigeren „Frösi" abgekürzt. Sie 

erschien 

mit 32 bis 40 Seiten einmal 

monatlich zum Preis von 70 

Pfennigen. Die „Frösi" enthielt 

einen Mix aus Beiträgen und 

spannenden Experimenten 

aus den Bereichen Natur, 

Wissenschaft und Technik, 

das „Bild des Monats" – ein 

Kunstdruckblatt –, Bastelbögen 

auf festerem Karton, außerdem 

Beilagen wie 3D-Brillen 

aus Pappe, Rasterfolien zum 

Lösen von Rätselbildern 

oder Blumensamen. In der 

Novemberausgabe fan- 

den wir außerdem oft einen 

Weihnachtskalender ht mit Bildertürchen 

en 

oder als Diorama zum Aufstellen. 

Es gab wiederkehrende gezeichnete e 

Charaktere, so zum Beispiel Korbine 

Früchtchen, eine überdimensionale 

Erdbeere, die zum Sammeln von 

Waldfrüchten und recyclebaren 

Rohstoffen aufrief, oder Kundi, das 

Maskottchen des Deutschen Hygiene- 

Museums in Dresden, das sich sehr 

um unsere Körperpflege bemühte. 

Besonders beliebt waren die Comics 

mit Ali und Archibald, einem Mann 

und seinem Dackel, von Horst 

Alisch – und natürlich Mäxchen 

und Tüte von Richard Hambach, der 

auch Kundi erfunden hatte, oft die 

Titelkarikatur lieferte und damit das 

Erscheinungsbild der „Frösi" wesentlich 

geprägt hat. Außerdem wurden 

Bildergeschichten von italienischen 

und ungarischen Illustratoren eingekauft, 

um mit den Lizenzgebühren 

die dortigen kommunistischen 

Herausgeber zu unterstützen. Das 

heimliche Maskottchen der „Frösi" 

war dann auch Atomino, ein kleines Comic-Wesen mit Kopfantenne 

und Atom-Symbol auf dem 

Bauch, ein Import des italienischen 

Illustrators Vinicio 

Berti. 

An die unvermeid- 

lichen 

politischen Comics 

und agitatorischen Beiträge 

kann ich 

mich einfach nicht 

mehr erinnern, 

weil ich sie kurzerhand 

ausgeblendet 

hatte. 

Das war wie mit dem Pizzarand. Es geht 

scheinbar nicht ohne, aber keiner kann 

einen zwingen, das trockene Zeug auch 

noch zu konsumieren. 

„Frösi" war eines der beliebtesten 

Kindermagazine. Auf dem Pressefest 

der „Leipziger Volkszeitung" hatte sie 

immer einen eigenen, von Kindern dicht 

umlagerten Stand mit den neuesten 

Ausgaben, und zu Schulfesten trat die 

rollende „Frösi"-Disco an. 

Eine noch stärker naturwissenschaftlich 

orientierte Zeitschrift für 

Heranwachsende war der „Technikus", 

ein Monatsmagazin für Wissenschaft 

und Technik mit populärwissenschaftlichen 

Beiträgen und utopischen 

Kurzgeschichten. Mit ähnlichem Inhalt, 

jedoch für ältere Jugendliche gedacht, 

erschien ebenfalls monatlich das 

Magazin „Jugend + Technik". Es berichtete 

über Naturphänomene, Bauprojekte 

und Industrietechnologien, vor allem 

aus den RGW-Staaten, und enthielt 

Witze, Rätsel und Bastelanleitungen. 

Ab 1987 wurden außerdem regelmäßig 

Schaltpläne für den Selbstbaucomputer 

Ju-Te-Computer abgedruckt, wobei die 

Umsetzung oft an den Bauteilen scheiterte, 

die sich einfach nicht auftreiben 

ließen. 

Während die bisher genannten Magazine 

in meiner Erinnerung relativ problemlos 

erhältlich waren, musste man sich bei 

anderen Zeitschriften schon einiges einfallen 

lassen, wenn man sie unbedingt 

lesen wollte. Aufgrund des Papiermangels 

in der DDR wurden die Auflagenhöhen n 

nämlich nicht der Nachfrage, sondern 

dem Rohstoffangebot angepasst. Meine Eltern besaßen eines der 

kostbaren Abos für „Mosaik", das großartige Comic-Heft von Hannes 

Hegen. Ein ebenfalls sehr begehrtes Comic-Magazin war „Atze" mit 

den beliebten Figuren Fix und Fax, aber das ist wieder ein anderes 

Thema. 


Als wir Mitte der Achtziger, längst erwachsen und nach langer 

Wartezeit auf eine eigene Wohnung, endlich bei unseren 

Eltern ausziehen konnten, bemühten wir uns um verschiedene eigene 

Zeitungsabonnements und ernteten auf der Post nur ein mitleidiges 

Lächeln. Es gab lediglich eine bestimmte Anzahl an Abonnements, die 

bereits in den 60er Jahren alle vergeben worden waren und danach nur 

noch vererbt werden konnten ... 

Ohne Abo musste man versuchen, die Zeitschriften an einem der Kioske 

zu ergattern. Jeden Donnerstagmorgen, wenn die neuen Ausgaben 

verteilt wurden, setzte der Ansturm auf die Zeitungskioske ein. Meistens 

standen Rentner für die ganze Hausgemeinschaft oder die Familie an, 

denn niemand sonst hatte um diese Zeit die Gelegenheit, stundenlang auf 

die druckfrische Lieferung zu warten. Ein Teil der Zeitschriften erreichte 

die Ladentheke indes gar nicht erst, weil die wenigen Exemplare bereits 

unter den Verkäuferinnen verteilt worden waren. Zum Glück waren diese 

wenigstens bestechlich, was ihnen eine ganz besondere Macht verlieh. 

Nach der Wende wurden sie zu ihrer eigenen Verwunderung dann übrigens 

ebenso kurz und schmerzlos „entthront" wie die Baustoffhändler. 

Eine der begehrten Zeitschriften, für die man gern ein paar Stunden 

anstand, war das „Neue Leben". Ich erinnere mich, wie ich in den 

Ferien für 80 Pfennige eine frische Ausgabe ergatterte. Sonst las ich 

meistens die abgegriffenen Exemplare 

meiner Freundinnen. Das „Neue 

Leben" war die einzige unterhaltsame 

Monatsillustrierte für Jugendliche in 

der DDR. Sie erschien ab 1954 mit 

einer Auflage von durchschnittlich 

einer halben Million Exemplaren, die 

zum Großteil an Abonnenten gingen, 

die Kioske erreichten nur wenige freie 

Exemplare. Schon die Kleinschreibung 

des Titels versprach Anarchismus 

und Avantgarde, kam damals doch 

in der Lyrik die Kleinschreibung 

auf. Die Titelseite zeigte meistens 

eine Karikatur, gezeichnet von 

dem bekannten Illustrator Thomas 

Schleusing. Sie gab dem „Neuen Leben" den unverkennbaren typischen 

Stil, war jugendgemäß, oft frivol, wobei die Frauen natürlich immer den 

überlegenen Part bekamen, und manchmal auch sozialistisch angehaucht, 

wenn die Waffenbrüderschaft mit der UdSSR als fröhliche Kumpanei 

dargestellt wurde. Als ich für diesen Artikel alte Ausgaben des „Neuen 

Lebens" zusammengesucht habe, entdeckte ich beim Durchblättern 

seitenweise Auszüge aus russischen Kriegstagebüchern, lange Lobreden 

auf die Vereidigung der neuen 

NVA-Soldaten, markige Aufsätze 

zum Kampf an der Tagebaufront 

und war völlig überrascht, wie 

viele politische und militaristische 

Artikel 

sich darin fanden. 

In meiner 

Erinnerung war 

diese Zeitung, die 

wir Jugendlichen als 

die unsere betrachteten, 

ganz anders 

gewesen. Als ich 

anfing, das „Neue Leben" zu 

lesen, hatte ich offensichtlich die 

Kunst, im Kopf zu filtern, die ich 

bei den Kinderzeitungen schon 

ganz passabel beherrschte, ht bis zur Perfektion weiterentwickelt. Und so 

will ich auch jetzt vor allem auf die Beiträge eingehen, die für mich und 

meine Generation wichtig gewesen sind (und weniger auf den überflüssigen 

Ballast). 

Es gab feste Rubriken, wie „Schreib eine Geschichte", in der die jugendlichen 

Leser eigene Beiträge zu Schulproblemen, Schwangerschaften 

im Teenageralter und Sportwettkämpfen einsenden konnten. Vier 

ganze Seiten waren für Leserpost reserviert, 

auf denen es ziemlich rabiat zuging und 

auch gegen die Redaktion gewettert werden 

konnte, wenn wieder mal die Namen 

der Mitglieder einer Band wie Tangerine 

Dream verwechselt worden waren. Zwei 

weitere Seiten waren mit Informationen 

zu Neuerscheinungen auf dem Buchmarkt, 

im Plattenladen und Neustarts im Kino 

gefüllt, außerdem gab es Kassettencover 

zum Ausschneiden und vier volle Seiten 

mit Kontaktanzeigen: „Schreibst du mir – 

schreib ich dir." 

In der Mitte fanden wir immer ein doppelseitiges, kleines Poster vor, 

dazu teils lobende, teils kritische Berichte über Hollywoodstars wie Jane 

Fonda, Sänger und Bands, ostdeutsche wie Karat oder Berluc, aber auch 

über Udo Lindenberg, Elvis Presley oder die Beatles. Es gab auch frostige 

Berichte über Punkbands, in denen am Ende voller Schadenfreude 

resümiert wurde, dass so etwas Degeneriertes nur das kapitalistische 

System hervorbringen könne. Aber ganz egal, was auch immer in diesen 

Artikeln stand, wir 

freuten uns darüber, 

enthielten sie doch 

neben den Texten 

auch immer Bilder, 

die wir dann ausschnitten. 

Wer kein 

eigenes Exemplar 

ergattern konnte, 

fotografierte diese 

Bilder ab, wer keinen 

Fotoapparat 

besaß, kopierte die Bilder mit Hilfe von „Nuth"-Fleckenwasser, mit dem 

die Druckerfarbe auf dem Originalbild angelöst und durch Auflegen und 

Andrücken auf ein anderes Papier übertragen wurde. Mit diesem System 

stellte ich mit meinen Freundinnen drei spiegelverkehrte Kopien eines 

Bildes von Smokie her, das anschließend jede von uns über ihr Bett 

kleben konnte. Dort stank es dann herrlich nach Lösungsmitteln vor sich 

hin und bescherte uns tiefe Träume. 

Sehr beliebt und heiß diskutiert waren die gelegentlichen Aktbilder und 

auch die schwarzen Aufklärungsseiten, auf denen wirkliche oder fingierte 

Leserbriefe abgedruckt und Lösungen zu Sexualproblemen angeboten 

wurden. „Prof. Dr. Borrmann antwortet" hat letztlich eine ganze 

Generation von Jugendlichen im Osten aufgeklärt. 

Nach der Wende und der Abwicklung durch die Treuhand kaufte 

der Verlag Pabel-Moewig den Zeitschriftenverlag Junge Welt und 

damit auch die Rechte an den erwähnten Zeitschriften. Sie wurden 

bis auf eine Ausnahme wegen mangelnden Interesses zwischen 1990 

und 1996 eingestellt, zum Teil nach erfolglosen 

Reanimationsversuchen. 

Die einzige dieser Zeitschriften, die überlebt hat, 

ist „Bummi", die damit die älteste Vorschulzeitschrift 

auf dem deutschen Markt ist. Die Redaktion 

leitet inzwischen Sabine Drachsel, die Tochter der 

„Bummi"-Gründerin Ursula Böhnke-Kuckhoff, und 

das ist sicher der Grund dafür, dass sich das Heft thematisch 

am ursprünglichen „Bummi" orientiert. Noch 

immer gibt es das „Klitzekleine Märchenbuch" zum 

Heraustrennen, und nach wie vor wird fast durchgängig von Hand 

illustriert. Nur die ideologische Färbung ist verschwunden. Wer von 

uns als Kind „Bummi" liebte, kann auch heute noch zusammen mit 

Kindern und Enkeln lesen – und zwar Seite für Seite, ohne eine einzige 

auslassen zu wollen. 

Für Erwachsene gab es in der DDR fast 300 Zeitschriften, unter ihnen 

das innovative und glamouröse Modeblatt „Sibylle", das traditionsreiche 

„Magazin" und den „Eulenspiegel", der seinem Namen alle Ehre machte. 

Um diese und andere geht es in der nächsten Ausgabe. 

Kati Naumann 


Foto 

: © Ka 

rim 

Khaw 

atmi 

Die 60er Jahre waren eine wilde, revolutionäre 

Zeit. Die Beatles, die Rolling Stones, die Lords, 

Karl May und Edgar-Wallace-Filme waren „meine 

Welt" – und eben auch Udo Jürgens. Eigentlich 

passte er gar nicht in das Bild der bunten Carnaby- 

Street-Klamotten, der lauten E-Gitarren und der 

kreischenden Mädchen. Aber da war etwas, das mich 

und viele andere Menschen faszinierte. War es das 

Klavier, die deutschen Texte, die typischen Udo- 

Melodien, der dunkelblaue Smoking mit dem roten 

Einstecktuch, die Ausstrahlung dieses Ausnahme- 

Entertainers? Ich weiß es bis heute nicht genau, es 

war wohl diese Mischung aus allem. Dieser extrem 

konträre Gegensatz zu "I Can’t Get No Satisfaction" 

und "Revolution"! Vielleicht war es genau das, was 

Udo Jürgens bis heute ausmacht: der Sänger, der 

mit leisen Tönen seine Meinung laut sagt – mal 

ironisch, mal sarkastisch, mal lustig und mal ernst. 

Wie dem auch sei, er gehörte dazu und hatte seinen 

festen Platz neben den Beat- und Rockbands jener Tage. Und 

das 

Erstaunliche: Er hat ihn bis heute behalten, und niemand hat ihn ihm 

je streitig gemacht – und immer noch im dunkelblauen Smoking mit 

dem roten Einstecktuch! 

Ich sah Udo Jürgens zum ersten Mal 1967 in der Duisburger 

Mercatorhalle, ein Jahr nach seinem Sieg mit "Merci Cherie" beim 

„Grand Prix Eurovision de la Chanson" in Luxemburg. Es war seine 

erste Tournee mit eigener Band: Willy Übelherr (musikalischer 

Leiter und Keyboards), Sigi Übelherr (Bass), 

Heinz Allhoff (Klavier), Walter Grägel (Gitarre) und Bob 

Blumenhofen (Schlagzeug). Udo gab damals 50 Konzerte, 

die von 60.000 Fans besucht wurden. Schon auf seiner 

dritten Tournee „Udo '70" waren es dann 266 Konzerte 

mit 510.000 Besuchern. Doch der Weg dorthin war oft 

steinig und schwer. 

Foto: Bildarchiv Hallhuber 

Seite 82 ■ GoodTimes 1/2015 

UDO JÜRGENS 

Zum 80. 

Geburtstag 

Es kann sein, dass diese 

Hommage an Udo Jürgens 

mitunter etwas melancholisch 

wirkt, aber es ist die 

Geschichte einer jahrzehntelangen 

Freundschaft, die in Luxemburg 

begann, als ich Sprecher bei Radio 

Luxemburg war – und seitdem andauert, 

also seit 40 Jahren, einem halben Leben! 

Von Christian Simon 

Udo Jürgen Bockelmann, so sein bürgerlicher 

Name, wurde am 30. September 1934 

in 

Klagenfurt geboren. Er war ein kränkliches, 

schwaches Kind, hatte Ängste, konnte sich in 

der Schule gegenüber den Klassenkameraden 

nicht sonderlich behaupten, wurde wegen seiner 

Segelohren gehänselt und bekam Komplexe. Die 

Ohren ließ er sich mit 19 Jahren richten, damals 

ein sehr schmerzhaftes Unterfangen. Aber das 

musste sein, denn Udo wusste bereits: „Ich will 

mal Sänger werden und auf die Bühne!" Und 

gutes Aussehen gehört eben dazu. Komplexe und 

Ängste besiegen, Anerkennung bekommen – das 

schafft man mit Musik. Das merkte Udo schon 

als kleines Kind, als er sich innerhalb weniger 

Tage ganz allein Harmonien zu Opernmelodien 

auf dem Klavier erarbeitete. „Dieses Talent habe 

nur ich, und das kann mir keiner nehmen!" Mit 

dieser Erkenntnis wollte er ins Leben hinaus. 

„Ich werde 

mit Musik auf- oder untergehen", 

sagte er seinem Vater, „und es ist besser, in einer 

Hotelbar Klavier zu spielen, als in einem Büro 

zu verkümmern." Damals ahnte niemand, dass 

dieser Udo einmal einer der erfolgreichs ten 

Komponisten unserer Tage mit über 100 

Millionen verkauften Tonträgern werden 

würde. 

Aber der Reihe nach: 

1951 fand Udos 

erster Aufritt für 

fünf Schilling pro 

Stunde (das waren 

damals etwa 

90 Pfennig) 

Foto: © Unfried / GoodTimes-photo.de

im Gasthof Valzachi in 

Klagenfurt statt, den es 

übrigens heute noch gibt. 

Er hatte mit Freunden eine 

kleine Combo gegründet, 

die sich Udo Bolan 

Band nannte. An jenem 

Abend geschah etwas 

Entscheidendes: Spät 

in 

der Nacht jubelte das 

Publikum Udo zu, und 

er entschied: „Jetzt hab' 

ich begriffen, um was es 

geht. Das muss ich weitermachen!" 

Und er tat 

es, arbeitete als Komponist 

und Arrangeur und wurde 

1952 vom britischen 

Militärsender r BFN (British Forces Network) als Moderator und Musiker 

für eine wöchentliche Radioshow engagiert. Die wurde gehört, und 

so bekam Udo ein Jahr später eine Einladung nach Berlin, um 

dort mit dem Rias-Tanzorchester unter Leitung von Werner Müller 

zu spielen. Udo tingelte durch Österreich und Deutschland und 

machte sich einen Namen als Jazzpianist. Und dann die erste große 

Chance: Heliodor/Polydor gab ihm 1956 einen Schallplattenvertrag 

und einen neuen Künstlernamen – Udo Jürgens! Die erste Single 

erschien: "Es waren weiße Chrysanthemen." 

Ein kapitaler Flop. Doch Udo wurde bekannter, 

und Max Greger nahm ihn 1957 mit auf 

eine große Russland-Tournee. Es erschienen 

weitere Singles, und Udo zog berufsbedingt 

ins Künstlerviertel München-Schwabing. 1960 

wurde er in Knokke „Bester Einzelsänger des 

Festivals", und sein Lied "Jenny" wurde ein 

Nummer-1-Hit in Belgien. Im selben Jahr 

komponierte er für Shirley Bassey den Welthit 

"Reach For The Stars". Das brachte auch das 

erste „große Geld", ungefähr 20.000 DM. Für 

Udo eine unvorstellbare Summe. Er kaufte 

einem Freund ein Auto und sich selbst einen 

brandneuen Ford. Die Autos standen dann in 

einem Hinterhof, denn für Benzin war kein 

Geld mehr da … 

Udo nahm in der Folge alles an, was 

ging. Er absolvierte Gala-Auftritte und 

wirkte Anfang der 60er Jahre in so manchem 

deutschen Schlagerfilm als Schauspieler mit 

(u.a. auch in „Unsere tollen Tanten"). Als 

die Polydor 1963 seinen Schallplattenvertrag 

nicht verlängerte, wollte er das Singen schon 

aufgeben en 

und nur noch komponieren. Doch da kam es zu einer der 

entscheidenden Begegnungen in seinem Leben – die Firma Montana 

verpflichtete den Sänger, und hinter diesem Unternehmen stand 

ein Name: Hans R. Beierlein. Er wurde für die nächsten Jahre Udos 

Manager, Berater und „Macher". „Als ich Udo kennen lernte", so 

Beierlein, „hatte er nichts außer seinem Talent. Er sang Schlager, 

schlechte Schlager, aber er sang sie gut." Beierlein überzeugte Udo 

Jürgens davon, nur noch eigene Kompositionen zu interpretieren. 

„Das ist dein Weg! Der und kein anderer!" Die erste Platte, "Tausend 

Träume", wurde ein Riesenerfolg in Österreich. 1964 vertrat Udo 

dann sein Heimatland beim Grand Prix in 

Kopenhagen mit "Warum 

nur, warum?" und landete 

auf Platz 5. Von 

der englischen Version 

"Walk Away" von Matt 

Monroe verkauften sich 

weltweit 1,5 Millionen 

Schallplatten, sie 

Foto: © Sony Music 

erreichte Platz 1 in der englischen Hitparade 

und Platz 2 in den USA. Udos deutschsprachige 

Version wurde ein Nummer-1-Hit in 

Frankreich (!), was auch zu einem Auftritt im 

Pariser Olympia führte. Beim Grand Prix 1965 

in Neapel landete Udo mit "Sag ihr, ich lass sie 

grüßen" auf dem 4. Platz, und ein Jahr später 

in Luxemburg feierte er dann den Sieg mit 

"Merci Cherie". Der Rest ist Geschichte. Udos 

musikalische Visitenkarte wird ein Welthit mit 

Charts-Spitzenpositionen in über 20 Ländern. 

Der Durchbruch ist geschafft! 

Anschließend wurde die erste LP PORTRÄT 

IN MUSIK veröffentlicht, Udo bekam den 

„Goldenen Löwen von Radio Luxemburg" für "17 

Jahr, 

blondes 

Haar", Gold für eine Million verkaufter Platten von "Merci Cherie" 

und ging 1967 auf seine erste triumphale Deutschland-Tournee. 

Da sah ich ihn dann, wie bereits erwähnt, zum ersten Mal und 

bekam backstage von ihm mein 

erstes Autogramm. Udo wurde nun 

mehr und mehr zu einem ernstzunehmenden 

„Chansonnier". 

Bekannte Persönlichkeiten schrieben 

anspruchsvolle Texte für ihn: Hans 

Hellmut Kirst ("Unabänderlich"), 

Joachim Fuchsberger ("Was ich 

Dir sagen will") oder Eckhard 

Hachfeld ("Lieb Vaterland"). Aber 

er bediente auch das Genre des 

einfacheren Schlagers – Lieder 

wie "Anuschka", "Es wird Nacht, 

Señorita", "Mathilda" oder das Lied 

der Deutschen Fernsehlotterie "Zeig 

mir den Platz an der Sonne" wurden 

allesamt Hits. Udo tourte durch 

Europa, absolvierte eine Japan- 

Konzertreise und komponierte das Musical „Helden, Helden", das 

1972 in Wien uraufgeführt wurde. 1974 trat er zusammen mit Shirley 

Bassey vor 40.000 Zuschauern in Rio de Janeiro 

auf … und ich kam zu RTL nach Luxemburg. 

Eine meiner ersten Ideen: eine Radio-Tournee- 

Dokumentation mit Udo Jürgens. Nachdem 

mir Frank Elstner, der damals Programmchef 

war, sein Okay dafür gegeben hatte, rief ich das 

Büro von Hans R. Beierlein an und unterbreitete 

dort mein Anliegen. Radio Luxemburg war „der 

Starsender" und öffnete Türen … Die Tournee „Udo '75" stand bevor, 

man war einverstanden und organisierte mein erstes Interview für die 

Doku, das ich nie vergessen werde. Ich sollte Udo am Düsseldorfer 

Flughafen abholen, fuhr also mit meinem kleinen Simca Rallye 1 zum 

Airport und erwartete ihn bei der Ankunft. Ich war aufgeregt, denn nie 

zuvor hatte ich solch einen Star vor dem Mikrofon. Da kam er in Jeans 

und Lederjacke tänzelnd durch die Glastüren, eine große Reisetasche 

über der Schulter. Wir gingen zum Auto, 

und Udo war über die „Limousine" 

nicht gerade begeistert. Er nörgelte 

etwas herum, und wir fuhren 

ohne viele Worte zu einem 

Luxushotel. Das fing ja gut 

an … Udo stieg aus und 

ging sofort in seine Suite. 

Ich parkte den Wagen und 

folgte ihm einige Minuten 

später nach. Auf dem 

Zimmer packte ich mein 

Tonbandgerät aus und 

begann mit dem Interview. 

Udo taute auf – über eine 

Foto: © Unfried / GoodTimes-photo.de 


Stunde beantwortete er alle meine Fragen locker und sehr freundlich. 

Am Ende des Gesprächs griff er zum Telefon, wählte eine Nummer und 

sagte: „Da hast du mir aber einen super Typen geschickt. Der macht 

seine Arbeit sehr gut, die Doku wird bestimmt toll!" Am anderen Ende 

der Leitung war Frank Elstner. Das war für mich wie ein Ritterschlag. Seit 

diesem Tag sind Udo und ich Freunde. 

Ich war dann einige Tage 

mit auf Tour, das Mikrofon 

immer dabei, sprach mit ihm 

direkt vor und nach den 

Auftritten, interviewte die 

Band, die Techniker und das 

Publikum. So entstand eine 

dreistündige Dokumentation, 

die beste Kritiken erntete. 

Im selben Jahr wurde 

"Griechischer Wein" veröffentlicht, 

und Udo besuchte mich 

zum Studiogespräch bei RTL. 

Er kam von da an sehr oft nach 

Luxemburg, manchmal auch ganz privat, 

sozusagen inkognito. 1976 schauten wir 

bei mir zu Hause während der Fußball-EM 

ein Spiel der deutschen Mannschaft. Und 

am selben Tag eröffnete er mir abends 

beim Essen: „Du, das weiß noch keiner, 

aber ich trenne mich von Beierlein! Ich 

weiß noch nicht genau, wie’s weitergeht, 

aber ich habe Kontakte zur Schweiz aufgebaut!" 

Ein Jahr später wurde es offi- 

ziell. Udo wechselte zum Freddy-Burger- 

Management und 

zog mit Ehefrau 

Panja und den 

Kindern 

Jenny 

und Jonny von Kitzbühel nach Zürich. 

Seine Erfolge hielten unvermindert an: 1978 

erschien "Buenos dias, Argentina" mit 

der deutschen Fußballnationalelf und wurde 

der größte Schallplattenhit in Udos Karriere: 

Gold nach fünf Wochen und Platin nach 

zwei Monaten. "Mit 66 Jahren" kam auf den 

Markt, rechtzeitig zur Tournee „Ein Mann und 

seine Lieder" – dies auch der gleichnamige 

Titel seiner ZDF-Show, die eine sensationelle 

Einschaltquote von 56 Prozent erreichte. Dafür 

bekam er die Goldene Kamera von Hörzu. 

Ich hatte damals eine Einladung von Udo zu einem Konzert in 

Frankfurt. Vor meiner Abreise aus Luxemburg gab mir mein 

RTL-Kollege Oliver Spiecker einen Umschlag und bat mich, diesen 

Udo zu übergeben. Darin befand sich ein von Oliver geschriebener 

Songtext – und was daraus wurde, kennt heute jeder Udo-Fan: die 

Acht-Minuten-Komposition "Wort", die 1979 zusammen mit den 

Berliner Philharmonikern aufgenommen wurde, ein Meilenstein 

in Udos Schaffen. Im selben Jahr wechselte ich von RTL zum 

ZDF und zog nach München. Nun wurde die Beziehung zu 

Udo noch enger, zumal er sehr oft nach München kam und wir 

dadurch ständigen Kontakt hatten. Die Tournee „Udo '80" war 

in Planung, und seine Plattenfirma Ariola beauftragte mich mit 

einem Audio-Interview, das dann auf zwei Musikcassetten 

erschien und an Medienleute verteilt wurde – diese 

Produktion mit Musik ist heute eine gesuchte 

Rarität. Auch die TV-Zeitschrift „Bild 

und Funk" plante eine Udo-Serie unter 

dem Titel „Meine Lebensbeichte", die ich 

zusammen mit Udo erarbeiten sollte. Dafür 

fuhr ich drei Tage nach Zürich und wohn- 

te bei Udo und 

Panja. 

Näher 

konnte 

ich 

der 

„Jürgens- 

Family" 

nicht 

mehr 

kommen 

– wir 

fuhren zusammen 

mit seinem 

Boot über 

den Zürichsee, 

machten einen 

Stadtbummel, mel saßen 

bis tief in die 

Nacht zusammen, 

Udo spielte Klavier, noch ein Absacker in der Küche 

… eine unvergessliche Zeit! Die Tournee wurde die 

bis dahin erfolgreichste Konzertreise seiner Karriere – 

330.000 Besucher in 110 Konzerten. 

Ich besuchte das Münchner Konzert am 26. September 

1980 und werde diesen sommerlichen Freitagabend 

nie vergessen. Nach seinem Auftritt 

wollten wir zusammen mit ein paar 

Freunden noch aufs Oktoberfest. 

Udo hatte ins Käferzelt eingeladen. 

Durch irgendwelche Umstände verzögerte 

sich aber die Abfahrt von 

der Halle zur Wiesn. Auf der verspäteten 

Anfahrt hörten wir dann im 

Autoradio vom Bombenattentat am 

Haupteingang mit 13 Toten und über 

200 Verletzten. Was wäre gewesen, 

wären wir planmäßig eingetroffen …? 

1981 ging Udo für einige Wochen 

in die USA, um in Hollywood 

mit Harold Faltermeyer die englisch 

gesungene LP LEAVE A LITTLE LOVE zu produzieren, die dann in 

über 20 Ländern erschien. Sogar Russland orderte 50.000 Stück. Für 

den Titelsong gewann Udo beim „World Popular Song Festival" in 

Tokio gleich zwei Preise – als Komponist und Interpret. Auch erhielt 

er für das Album einmal mehr den „Deutschen Schallplattenpreis". 

Ein Jahr später kam es zu einer „musikalischen Ehe", die bis heute 

hält. Sowohl für die LP als auch für die ZDF-Show und die Tournee 

„Lust am Leben" ging Udo gemeinsam mit dem Pepe Lienhard 

Orchester erstmals ins Studio und auf die Bühne. Eine der wohl 

wichtigsten Entscheidungen des Bühnenkünstlers Udo Jürgens! Die 

Tournee umfasste 123 Konzerte mit über 400.000 Besuchern. 

Udo Jürgens und Christian Simon bei „Pit“ in Baden-Baden 

Foto: © Christian Simon Productions 

Und ein Ereignis im Jahr 1983 darf nicht unerwähnt bleiben, 

zumal die Bilder um die Welt gingen: Für eine TV-Produktion 

wurde Udo samt Glasflügel auf das 3454 Meter hohe Jungfraujoch in 

die Schweizer Alpen geflogen. Unterm weißen Smoking trug er einen 

Neopren-Taucheranzug, da die Aufnahmen ansonsten aufgrund der 

klirrenden Kälte gar nicht möglich gewesen wären. 

1984 feierte Udo seinen 50. Geburtstag und gab 

aus diesem Anlass für seine Freunde eine Party in 

Zürich. Ich war eingeladen und erinnere mich gerne 

an diesen Tag. Wir feierten zuerst im Szeneclub 

Mascotte, wo Udo auch live am Klavier Songs 

seines Albums HAUTNAH spielte, für das er Gold 

bekam. Später ging’s dann ein paar Stockwerke 

höher in Udos neue Penthouse-Wohnung, die noch 

im Rohbau war. An langen Biertischen wurde 

bis tief in die Nacht gespeist und getrunken 

– meinen Flieger am nächsten Morgen habe 

ich verpasst … Im selben Jahr wurde seine 

Tournee „Hautnah" mit 130 Konzerten 

und 430.000 Besuchern zum Mega- 

Erfolg – und Udo ging unter die 

Foto: © SONY / Dominik Beckmann 

Seite 

84 

■ 

GoodTimes odT 

1/2015

Fotos: © SONY / Dominik Beckmann 

Buchautoren. Sein Erstlingswerk erschien: „Smoking und Blue Jeans". 

Zehn Jahre später sollten sich manche Dinge in ähnlicher Form wiederholen 

… 

Anschließend absolvierte Udo die Tourneen „Deinetwegen" (1987) 

und „Geradeaus" (1992), eröffnete die „Wiener Festwochen" 

(1986), schrieb für zwei Folgen der ZDF-Serie „Traumschiff" den 

Soundtrack und war selbst Gaststar in einer Folge (1990), 

gab 1992 auf der Donau-Insel in Wien das größte Open-Air- 

Konzert des europäischen Kontinents aller Zeiten vor über 

200.000 Zuschauern, bekam unzählige Ehrungen und 1993 einen 

lebenslangen Schallplattenvertrag mit BMG Ariola, was in der 

Geschichte der deutschen Phono-Industrie einmalig ist. 

Doch nun zum Jahr 1994: Auch zu seinem 60. 

war ich wieder eingeladen. Diesmal allerdings 

ging’s nach Frankfurt. Der Grund: Udo bekam 

an seinem Geburtstag im Frankfurter Römer 

das Verdienstkreuz 1. Klasse der Bundesrepublik 

Deutschland. Somit hatten wir zwei Gründe 

zum Feiern! Auch verlieh ihm die Deutsche 

Phonoakademie den Echo für sein Lebenswerk, 

und das ZDF ehrte ihn mit einer TV-Gala. Im selben 

Jahr erschien sein zweites Buch „… unterm Smoking 

Gänsehaut", und Udo startete seine 13. Tournee 

„Die Größenwahntour", die ihn sieben Monate 

durch die Lande reisen ließ. Mit 500.000 Besuchern 

in 140 Konzerten wurde sie zur erfolgreichsten 

Tournee der Konzertsaison in Europa. Dafür 

bekam Udo Jürgens 1995 die Goldene Kamera 

der Zeitschrift „Hörzu". Ein Jahr später erntete er 

die Lorbeeren vergangener Tage: Sein Album ABER 

BITTE MIT SAHNE erreichte in Österreich Platinstatus, 

54 Prozent der Deutschen bezeichneten seinen Song 

"Griechischer Wein" als ihren Lieblingsschlager, und 

sein Oldie "17 Jahr, blondes Haar" landete auf Platz 2 

der „ewigen Schlager-Hitparade". Im Januar ’97 startete 

„UJ" seine 14. Tournee „Gestern, Heute, Morgen" 

und stand dafür 111 Mal auf der Bühne. Es folgten 

wieder viele Preise, darunter auch der Ehren-Bambi für 

sein bisheriges Lebenswerk. 

Die Jahrtausend wende fiel zusammen mit Udos 66. 

Geburtstag. Da bot es sich wie selbstverständlich 

an, dass man dies zum Anlass nahm, an einen seiner 

größten Hits zu erinnern. So hieß dann seine Tournee 

2000/2001 „Udo 2000 – Mit 66 Jahren, da fängt 

das Leben an". Danach arbeitete er parallel an zwei 

großen Projekten. Zum einem an seinem Album ES 

LEBE DAS LASTER mit darauffolgender Tournee (2003/2004) und zum 

anderen an seinem 700-Seiten-Roman „Der Mann mit dem Fagott", 

der 2004 erschien, rechtzeitig zu seinem 70. Geburtstag. Udo schrieb 

das Buch zusammen mit Michaela Moritz chronologisch in Zürich, 

Wien, Kärnten / am Bodensee, an der Algarve / in München und 

Kitzbühel / Moskau, St. Petersburg / Lissabon, Budapest, New York / 

Udo Jürgens – seit 47 Jahren auf Tournee 


Meran, Interlaken, Bad Ragaz, Luzern / Berlin, Frankfurt, Hamburg / 

Nassau, Bahamas, und Barendorf bei Lüneburg. Dieser Roman ist wie 

ein Jahrhundertkonzert – Familiensaga und Zeitgeschichte in einem. 

Udo: „Die Geschichte meiner Familie hat mich seit meiner Kindheit 

geprägt und mein Weltbild entscheidend mitbestimmt, die Suche nach 

ihren Spuren hat mich viele Jahre begleitet, die Idee zu diesem Buch 

trage ich schon beinahe mein ganzes Leben mit mir herum." Mein 

persönliches Exemplar schenkte mir Udo zum Geburtstag im Juni 

2005, als ich mit ihm im Rahmen der Sommer-Open-Air-Tournee 

ein Solokonzert auf der Freilichtbühne in Ötigheim veranstaltete. 

Danach wurde noch im Baden-Badener Gagarin gefeiert. Es hat 

wohl seit den 60er Jahren keinen Besuch von Udo in dieser Stadt 

gegeben, ohne einmal in diesem Lokal bei „Pit" reinzuschauen. 

Mit 80 

Jahren 

mitten im 

Leben 

2006 folgte die nächste Tour „Jetzt oder nie", bevor 

ein Jahr später ein weiteres Highlight in Udos 

Karriere folgen sollte: Am 2. Dezember 2007 gab es 

im Hamburger TUI Operettenhaus die Weltpremiere 

des Musicals „Ich war noch niemals in New York" mit 

23 Liedern von Udo Jürgens. Vor der Premiere wurden 

bereits 150.000 Karten verkauft, und zwei Jahre später 

konnte Hamburg den millionsten Besucher vermelden 

– bis heute sind es in Hamburg, Zürich und Oberhausen 

über drei Millionen Besucher! Neben der Musik spielte in 

den kommenden Jahren aber auch der Film eine wichtige 

Rolle, denn Udos Erfolgsroman „Der Mann mit dem 

Fagott" wurde verfilmt. Zu seinem 77. Geburtstag gaben 

ARD und ORF die Ausstrahlungstermine des Zweiteilers 

bekannt, der zum Fernsehereignis des Jahres 2012 wurde. 

Der Film erhielt den wichtigsten österreichischen Film- und 

Fernsehpreis, den Romy, wurde im Museum Of Modern 

Art in New York gezeigt und bekam den Deutschen 

Fernsehpreis. Gleichzeitig feierte Udo wieder unglaubliche 

Erfolge auf seiner Tournee „Der ganz normale Wahnsinn" 

… ja, das ist Wahnsinn – Udo Jürgens, dieses Jahr „80" 

und immer noch MITTEN IM LEBEN, ein gut gewählter 

Titel für sein überaus gelungenes 53. Album. Auch 

für Udo, wie er sagt, ein Grund zum Feiern! 

Foto: © SONY / Dominik Beckmann 

Eine Karriere ohne Beispiel! Und wie geht’s 

weiter? „Wir alle haben einen letzten Tag. 

Man muss bereit sein, damit umzugehen, und 

das fällt mir nicht leicht. Ich wünsche mir, dass 

ich das tolle Leben mit Musik noch weiterleben 

kann. Neue Lieder schreiben, ins Studio 

gehen, Gedanken zum Klingen bringen … und 

dann kommt der Moment, wo man sich sagt, 

das wünschen sich 

Millionen Menschen noch für viele Jahre. 

Darauf freuen wir uns! 

Lieber Udo, herzlichen Glückwunsch 

– und lass uns noch viele schöne 

Momente erleben! 

diese Lieder müssen auf die Bühne!" Und

Die Leute von der Shiloh Ranch (The Virginian) 

TV-Westerndramen 

für Erwachsene 

Von Andreas Kötter 

Zum Glück aber zeigte sich im gleichen Maße, wie das Kind 

zum – immer noch sehr jungen Mann – heranreifte, auch 

der TV-Western immer erwachsener. 

Schon 1962 war in den USA mit 

„The Virginian" die erste Westernserie 

im 90-Minuten-Format (75 Minuten 

plus Werbung) angelaufen. Und ab 

1970 ritten „Die Leute von der Shiloh 

Ranch" schließlich auch durch deutsche 

Wohnzimmer. Lose basierend 

auf Owen Wisters mehrfach verfilmtem 

Roman „The Virginian" bedeutete 

„Die Leute von der Shiloh Ranch" 

gleichzeitig den Höhe- und – was den 

großen Erfolg anbetrifft – vorläufigen 

Endpunkt eines Genres zugleich. Weil 

hier eine TV-Westernserie zum ersten 

Mal im Über-Format produziert wurde 

– bei uns blieben davon allerdings häufig nur 60 Minuten übrig, so dass 

man sich bisweilen über arge Brüche in der Handlung ärgern musste –, 

konnten Drehbuchautoren und Regisseure (wie Hollywood-Veteranen 

bzw. Western-Routiniers wie Sam Fuller, Burt Kennedy oder Andrew 

McLaglen) aus dem Vollen schöpfen und beinahe ähnlich epische 

Geschichten inszenieren, wie man das von der großen Leinwand, vom 

Kino gewohnt war. 

Kein Wunder also, dass die Erfolgsserie mit 275.000 Dollar pro 

Folge teurer war als jede andere TV-Show ihrer Zeit. Über den 

im Original titelgebenden „Virginian" (hier zu Lande wurde der 

„Virginian" gerne auch als „Vormann", also als eine Art Anführer der 

Cowboys bezeichnet) erfuhr man in den 171 (von den tatsächlich 249) 

in Deutschland ausgestrahlten Folgen recht wenig. Genaugenommen 

ist „recht wenig" sogar noch sehr optimistisch ausgedrückt. Denn 

nicht einmal der tatsächliche Name wurde dem Zuschauer verraten, 

so dass der Virginian, der außer einem weinroten Cordhemd meist 

komplett in Schwarz auftrat, immer ein wenig mysteriös blieb. Auch 

weil er alles andere als ein Schwätzer war. 

Nicht dass der Mann ein eindimensionaler 

Charakter gewesen wäre. Im Gegenteil: Der 

Vormann konnte durchaus sensibel und 

mitfühlend sein. Aber statt große Reden 

zu schwingen, ließ er lieber Taten oder – 

wenn es gar nicht anders ging – seinen 

Colt sprechen. Für den Schauspieler James 

Drury war der Virginian die Rolle seines 

Lebens. Bis heute tingelt er im Zeichen 

der Shiloh Ranch durch die USA, von 

Western-Festival zu Western-Festival. Zu 

Recht. Denn der Virginian war fraglos die 

attraktivste Figur und damit der Fixpunkt 

der Serie. e. 

Der Roman 

The Virginian" 

wurde 

" 

fürs Kino 

mehrfach verfilmt: 

Hier mit 

Joel McCrea (2. v. r.) 

Soap-Opera im Wilden Westen: 

Die Familie war hier die Gemeinschaft der Cowboys 

Aus Kindern werden Leute. Und weil 

das so ist, wurde ich der kleinen, 

feinen, aber wegen ihres 25-Minuten- 

Formates auch immer ein wenig eindimensionalen 

Western-Abenteuer, 

die sich Westlich von Santa Fé" 

" 

ereigneten, irgendwann Anfang der 

70er Jahre allmählich müde. 


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Dennoch gab es noch eine ganze Reihe 

weiterer Hauptfiguren: Trampas (Doug 

McClure) war neben dem Virginian die wohl die 

wichtigste. Mit jungenhaftem Charme gesegnet, 

war er der ideale Gegenpart zum meist ernsten 

Virginian. Und dann waren da auch noch Steve 

Hill (Gary Clarke), Randy Benton (Randy Boone), 

Belden (L.Q. Jones) und Tate (der spätere „Colt 

für alle Fälle", Lee Majors). Sie alle gemeinsam 

machten die Soap-Opera (nach „Bonanza" und 

„Big Valley") endgültig im Wilden Westen heimisch. 

Denn die Erzählungen über das Leben 

auf der und um die Shiloh Ranch herum waren 

nichts anderes als eine große Clan-Saga, bei 

der die Familie nicht verwandtschaftlich konnotiert, 

sondern schlicht und ergreifend die 

verschworene Gemeinschaft der Cowboys war. 

Ein weiterer Grund für den großen Erfolg war 

zudem, dass neben den schon Genannten weitere 

wichtige Rollen (die Besitzer von Shiloh, die sich 

über die Jahre das Brandeisen in die Hand gaben) 

mit Charakterdarstellern des amerikanischen Kinos 

und Theaters besetzt waren. Ob der große Lee J. 

Cobb („On The Waterfront", „12 Angry Men") oder 

John McIntire, der in Montana unter Cowboys 

aufgewachsen und in vielen großen Hollywood- 

Western der Regielegende Anthony Mann zu sehen 

gewesen war, ob Charles Bickford, der von Lewis 

Milestone über Henry Hathaway und William 

Wyler bis zu John Huston mit fast allen 

großen Regisseuren der Hollywood-Studio- 

Ära gearbeitet hatte, oder schließlich in 

der letzten Staffel „Old Surehand" Stewart 

Granger – sie alle punkteten mit ihrer großen 

Professionalität. 

Inhaltlich setzte man darauf, dass es 

mal der Virginian oder Trampas, mal 

einer der Besitzer der Shiloh Ranch oder 

auch einer ihrer Sprösslinge (Kinder und 

Enkelkinder) waren, die mit ihren eigenen 

Sorgen oder konfrontiert oder etwaigen 

Nöten anderer jeweils im Mittelpunkt 

einer Episode standen. Die Rollen dieser 

„Anderen" waren ebenfalls besetzt mit 

Der beste Freund des 

Virginian war am Ende doch 

immer sein Gaul. 

... mal seinen 

jungenhaften Charme 

spielen 

hochkarätigen Gaststars. So tauchten im Laufe der 

Jahre Hollywood-Routiniers wie Joseph Cotten, Lee 

Marvin, Joan Crawford, Charles Bronson oder George 

C. 

Scott auf. Weitere Gastauftritte aufstrebender Stars 

wie Robert Redford, der damals noch am Beginn 

seiner großartigen Karriere stand, rundeten das Bild 

einer besonders feinen Produktion ab. Nicht nur 

einmal waren es diese prominenten Gäste, die den 

Arrivierten von Shiloh die Show stahlen. 

Als „Die Leute von der Shiloh Ranch" nach 

neun Staffeln (die letzte lief nicht mehr unter 

dem Originaltitel „The Virginian", sondern unter 

„The Men From Shiloh") in den USA mit einem 

„lonesome goodbye" schließlich in den finalen 

Sonnenuntergang ritten, bedeutete das für mich 

eine besonders schmerzhafte Trennung. 

Und das nicht nur, weil ich den Virginian, 

Trampas und all die anderen wirklich 

liebgewonnen hatte. Schlimmer noch traf 

mich und einen jeden Großstadt-Cowboy, 

dass mit dem Abschied von Shiloh eine 

Epoche zu Ende ging – die der klassischen 

TV-Western. Einsame Nachzügler, etwa 

„Kung Fu", „Centennial" („Colorado Saga") 

oder die zugegebenermaßen fantastische 

Miniserie „Lonesome Dove" („Der Ruf des 

Adlers") waren nur noch die berühmte(n) 

Mal ließ Trampas den Colt ... 

Ausnahme(n) von der Regel. Mit „Die Leute 

von der Shiloh Ranch", ohnehin angesiedelt 

im späten Wilden Westen der 80er bzw. 90er Jahre 

(vgl. letzte Staffel) des 19. Jahrhunderts, war die berühmte 

„Frontier", die Grenze zwischen Zivilisation und Wildnis, 

endgültig geschlossen. 

Fo : © Davids/B 

ild da rchi 

v Hallhu llhuber 

Zum Weitersehen: 

• Die Leute von der Shiloh Ranch", DVD-Boxen Staffel 1–3 

(EuroVideo) 

Zum Weiterlesen: 

• Ronald Jackson, Doug Abbott: 50 Years Of The Television Western" 

" 

• Jon E. Lewis, Penny Stempel: Cult TV" " 

• Richard West: Television Westerns – Major and Minor Series, 1946 –1978" 

" 

• Andreas Kötter: Kult in Serie – 50 Serienklassiker ausgewählt und kommentiert" 

" 


ist ohnehin 

KULT ! 


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Die Spielzeugwelt lt der 70er Jahre 

Abenteuer. Es gab deshalb vermutlich 

hielt für Jungs etwas bereit, das es nur wenige Jungs zwischen sechs und 

in den Jahrzehnten davor so nicht zwölf Jahren, die damals nicht von den 

gegeben hatte: die Action-Figur (oder 

verheißungsvollen ACTION TEAMvielmehr 

Aktions- oder Funktions-ns 

Schaufenster-Dioramen der Spielzeugläden 

Figur, wie man sie damals noch 

geradezu magisch 

nannte). Und aus diesen wiederum 

ragte eine Figuren-Serie e 

angezogen wurden. Daran vermochten 

auch die Gegner dieser 

ganz besonders hervor: das 

Figuren, denen es angeblich an 

ACTION TEAM! Namen wie John 

pädagogischem Wert fehlte und 

Steel, Tom Stone oder Hard Rock, 

die schon gerne mal als Barbie " 

wie die Figuren in Deutschland 

für Jungs" bezeichnet wurden, 

genannt wurden, verhießen gleich 

auf den ersten Blick Spannung ng und 

nichts zu ändern. Das ACTION TEAM 

war 

heißbegehrt. 


Die Anfänge 

Pünktlich zum Weihnachtsgeschäft 1974 

hatte das ACTION TEAM seine Premiere 

in bundesdeutschen Spielzeugläden 

und Kaufhäusern. Die Mannheimer 

Spielzeugfirma Schildkröt hatte vom 

US-amerikanischen Spielzeugriesen Hasbro 

die Lizenz erworben, die 30 Zentimeter großen 

Abenteurer in Deutschland zu vertreiben, 

wobei sie die bereits existierende breite 

Angebotspalette von Figuren, Themen, 

Ausrüstungen und Zubehör sowohl aus 

den USA als auch aus England nutzte und 

daraus maßgeschneiderte Helden kreierte, 

die für den deutschen Markt am besten 

Sandy oder 

Super Peggy, gy, die 

ACTION GIRLS eben! Wer 

nun aber 

glaubte, dass 

diese e Mädels nur 

schönes 

Beiwerk erk 

waren, lag 

falsch. Die Damen 

waren mindestens 

so abenteuerlus euer 

erlustig 

wie ihre 

männlichen 

Pendants und 

auch 

genauso 

wehrhaft: 

Bewaffnet 

mit einem 

goldenen 

Colt 

geeignet erschienen. Auch die Benennung der Figuren gab es 

(!) und versehen 

so nur in Deutschland. 

mit 

Abenteuerausrüstungen 

wie 

Figuren, Ausstattungen, 

Fallschirmen und Safari- 

ari 

Equipment, ging es gera- 

Zubehör 

dewegs von einem hals- 

Den Grundstock des 

neuen Angebots bildeten 

zunächst die 

brecherischen Abenteuer 

zum nächsten. Vielleicht icht 

(oder gerade deswegen?) en? 

drei Hauptakteure e 

aber konnten Mädchen 

des ACTION TEAMS: 

nie so recht etwas damit 

Hard Rock (orange- 

anfangen, war doch die 

farbener Overall und 

heißgeliebte Barbie natür- 

Bart), John Steel (blaue 

lich ein ganz anderer Typ 

Schlaghose, hellblaues 

von 

Frau. Und Jungs hielten sich 

Hemd) sowie der schwarze 

Tom Stone (khakifar-kibene 

Hose und Hemd). 

Alle drei trugen schwarze 

Halbstiefel, und als 

i-Tüpfelchen hatte jeder 

von ihnen ein schwarzes 

ar- 

sowieso meilenweit von Super 

Peggy und Super Sandy entfernt; 

ernt; 

schließlich spielte man ja 

nicht 

mit 

Puppen, sondern mit Action- 

Figuren! 

Die 

Schulterhalfter, bestückt mit einer 

Muskelmänner 

.38er Smith&Wesson oder einer 

.45 ACP. Und das war nur die 

Minimalbewaffnung, die als Zubehör erworben werden konnte. Neben kommen 

einem Remington-Gewehr mit Zielfernrohr gab es zudem amerikanische 

M-16-Sturmgewehre oder englische SLR. Die Auswahl war groß 

In den Folgejahren entwickelte sich 

die Schildkröt-Serie kontinuierlich weiter. 

er. 

und vielfältig. 

Genauso war es bei den angebotenen Abenteuerausrüstungen. 

Was es da nicht alles gab: Equipment, 

angefangen ngen 

beim Fallschirmkommando (mit ech- 

tem Fallschirm) über den Katastrophenschutz, 

die Dschungel-Forschung, den Geheimdienst, eimd 

iens 

die Spionage-Abwehr bis hin 

zum 

Froschmannzubehör (mit echtem 

Gummitaucheranzug). Eines der 

bekanntesten Sets: die legendäre 

Tiefsee-Ausrüstung, 

komplett mit Taucherhelm 

inklusive 

aufklappbarem 

Visier, Schatzkiste 

und Gummi-Oktopus. Es 

war genauso, wie der dama- 

lige 

Werbeslogan der Firma 

Schildkröt vollmundig verkündete: ete 

„Das 

lebendige e Abenteuerspiel mit 1000 

Möglichkeiten." 

Um (vermutlich) auch am Barbie-Markt 

arkt 

teilhaben zu können (oder einfach, 

weil 

Puppen bei Schildkröt eine lange 

Tradition ion hatten), stellte man den har- 

ten Männern dann bald schon eine 

weibliche Begleitung zur Seite: Super 


Der anfänglich noch verwendete „Ur-Körper" der ACTION TEAM- 

Figur, der einer Art Gliederpuppe entsprach und hauptsächlich auf 

Funktionalität abhob, wich ab 1976 mehr und mehr einer neuen

muskulösen ulös 

Körperform, auf die Hasbro in den USA 

umgestel 

stellt l hatte. t Angeblich war dies das Ergebnis 

einer dortigen Umfrage unter Jungs zwischen 

sechs und zwölf Jahren nach dem bevorzugten 

Körperbau: sportlich schlank oder 

doch lieber dicke Muckis? 

Da 

die überwiegende Mehrheit der 

Befragten so etwas wie „Da kauf ich 

lieber den muskelbepackten Big Jim" 

angab, sah sich Hasbro dann zur anatomischen 

Kurskorrektur gezwungen. 

Schließlich war es die Zeit, in 

der das Bodybuilding ganz groß 

im Kommen war. So wurden 

die Helden schließlich auch 

bei uns mit stahlharten 

Muskeln 

versehen 

und 

die Palette 

der Abenteuerausstattungen 

tt 

erweitert. 

e t. 

Ab 1977 kam es 

dann 

zum 

Auftritt 

der „harten Männer, 

die alles können und 

alles sehen". Das „Alles 

sehen" war auf eine Neuerung 

aus England zu beziehen, wo die 

Firma Palitoy zu dieser Zeit 

für 

ihre 

Action-Man-Serie die sogenannten 

nten 

Eagle-Eyes eingeführt hatte: 

Augen, die mittels eines kleinen 

Schiebers im Nacken der 

Figur von links nach rechts 

und umgekehrt bewegt egt 

werden konnten. 

Schildkröt 

übernahm 

diese Technik 

und brachte zwei neue e 

Helden: Bob Power und den 

Indianer Adlerauge. Ersterer war 

eine Art Agent, ganz in Schwarz 

gekleidet, mit schwarzem Rolli 

li 

und schwarzer Hose, waffentechnisch 

top ausgestattet. 

ttet 

et. 

Adlerauge hingegen n 

war 

ein Indianer mit … genau, 

Lendenschurz. 

Weiteres 

Zubehör Fehlanzeige. Ob die 

Marketingabteilung g von 

Schildkröt hier gerade 

im Urlaub war oder 

man schlicht dachte, 

der Lendenschurz 

reiche im Wilden 

Westen zum Überleben ebenen aus, ist leider 

er 

nicht überliefert. 

leider nicht bekannt. nt. Vermutlich 

besteht t aber 

ein 

Zusammenhang 

menh 

ang 

mit dem ab 

Mitte te der 

70er Jahre 

stark gestiegenen gene 

n 

Ölpreis. Da 

Öl ein wichtiger iger 

Rohstoff 

o f 

für die Herstellung von 

Plastik ist, darf vermutet 

werden, dass 

die 

schon damals 

beachtlichen 

Verkaufspreise 

reis 

e 

der Figuren und 

Ausstattungen unge 

auf Dauer 

nicht mehr zu halten waren. 

Zumindest war dies 

einer 

er der 

Gründe, 

weshalb Hasbro 1977 die Produktion on von 

G.I. 

Joe, der epochemachenden ende 

n ersten en 

Action- 

Figur, 

einstellte. 

Jäger und 

Sammler 

Wie dem auch 

sei, eineinhalb 

Jahrzehnte später, 

im Verlauf der 90er Jahre, entdeckten ten die Kinder der 

70er 

als Erwachsene ihre alten Spielkameraden neu. Zunächst 

auf Flohmärkten, über Zeitungsannoncen oder im Rahmen 

von (heute fast unmöglichen) Ladenfunden, später dann über ein 

wohlbekanntes Internet-Auktionshaus. So entwickelte sich eine 

kleine, aber feine Sammlerszene, die die Helden von einst wiederhaben 

wollte. Diesmal aber nicht, um sie in der Badewanne tauchen 

zu lassen sen 

oder im Garten auf Großwildjagd zu schicken, sondern um 

die taffen Jungs in vollem Glanz und 

Gloria 

in die 

Vitrine 

stellen en zu können ... 

Lars Schumacher 

her 

Das Ende des 

Abenteuers 

Als sich die 70er Jahre dem Ende zuneigten 

und ein neues Jahrzehnt vor der Tür stand, 

waren allerdings auch die Tage des ACTION 

TEAMS langsam gezählt. Wann genau und 

aus welchen Gründen Schildkröt den Vertrieb 

der ACTION TEAM-Serie einstellte, ist jedoch 

Seite 

90 ■ GoodTimes 1/2015

D E N 

7 0 E R N 

G EW I 

D M ET 

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Im Oktober vor genau 50 Jahren stach der ZDF- 

Abenteuervierteiler in See und begründete eine lange 

Tradition. Zwar begann alles mit einem Schiffbruch, doch 

fuhr das Sendekonzept danach zwei Jahrzehnte erfolgreich 

unter stolz geblähten Segeln. Die künstlerisch treibende 

Kraft war dabei der Produzent Walter Ulbrich. Ein 

Rückblick auf den Beginn einer Ära. 

Wütender Sturm und Finsternis, von Blitzen kurz erhellt, 

wohin man blickt. Ein Schiff, die Segel zerfetzt, die 

Masten geborsten, tanzt als Spielball auf hochpeitschenden 

Wellen. Zwölf Tage hält dieses Tosen bereits an, und 

das Schiff, die „Esmeralda", ist dem Untergang geweiht, ebenso 

die Mannschaft. Mit einer Ausnahme, die über Bord gespült wird 

wie die anderen, aber später aus halber Bewusstlosigkeit an einem 

Ort erwacht, der ihr wie das Paradies erscheinen muss, wegen 

seiner Schönheit und weil es ihn, den Seekarten nach, unmöglich 

geben kann: ein Sandstrand unter tiefblauem Himmel, von Palmen 

gesäumt. Die Rede ist von Robinson Crusoe. Und wir haben 

das alles mit eigenen Augen gesehen! 

Die lange Tradition der sogenannten ZDF-Adventsvierteiler begann 

mit Schreckensbildern eines Desasters, und man ahnte seinerzeit 

weder etwas davon, zu welcher Langlebigkeit sie es bringen 

würde, noch hatte sie bereits den Sendeplatz gefunden, der ihr einst 

den umgangssprachlichen Namen geben würde. In vollständiger 

Feierlichkeit lautete der Titel dieses ersten Vierteilers „Die seltsamen 

und einzigartigen Abenteuer des Robinson Crusoe aus York", und er 

startete am 3. Oktober 1964. 

Ohne einen Mann namens Henri Deutschmeister hätte es die Tradition 

der ZDF-Abenteuervierteiler nie gegeben. Als deutscher Jude in 

Rumänien geboren, musste er im Zweiten Weltkrieg aus seiner Heimat 


Der 

Juris 

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deckt. 

und Presse waren begeistert –, 

und die aufwändigen vierteiligen 

Fernsehverfilmungen nach klassischen 

Romanen der Abenteuerliteratur wurden 

fortgesetzt und in den 60er 

und 70er Jahren die Schlager des 

ZDF-Programms. 1965 folgte " 

Don 

Quijote von der Mancha" nach 

Cervantes. Der verspätete Ritterauszug 

„jenes Junkers, der die Mängel alles 

Irdischen erkannte und mit seinem 

Diener Sancho auszog, um sie zu verbessern", 

ließ die Hauptfigur augenemigrieren 

und wurde später erfolgreicher 

Filmproduzent in Paris. In den frühen 60er 

Jahren suchte er nach internationalen 

Coproduktionspartnern für ein aufwändiges, 

großangelegtes Fernsehvorhaben, 

eine mehrstündige Adaption von Daniel 

Defoes Roman „Robinson Crusoe" in für 

damalige Fernsehverhältnisse verblüffend 

opulentem, visuell am Kinofilm orientiertem 

Stil. 

Z 

Robinson (Robert Hoffmann) 

und Freitag (Fabian Cevallos) 

u diesem Zeitpunkt war gerade 

frisch ein neuer deutscher 

Fernsehsender namens „Zweites Deutsches Fernsehen" – was die 

Übersichtlichkeit der einstigen Sendervielfalt illustriert – gegründet 

worden, und er steckte noch vollends in den Kinderschuhen, ablesbar 

schon an den Räumlichkeiten, einem Barackenprovisorium. Dieses 

junge, noch alles andere als finanzkräftige ZDF sollte sich an einem 

derart kühnen und teuren Projekt beteiligen? Undenkbar! 

Und es wäre in der Tat undenkbar gewesen, hätte es nicht 

eine überaus glückliche Konstellation gegeben und hätte sich 

Deutschmeister nicht als ein so ungemein großzügiger Partner erwiesen. 

Deutschmeister war mit dem deutschen Produzenten Walter Ulbrich 

befreundet, der in Frankreich als Autor des Filmklassikers „Unter den 

Brücken" einen exzellenten Ruf genoss 

und der wiederum beim damals zuständigen 

ZDF-Redakteur Stefan Barcava 

offene Ohren fand. Alle drei einte die 

Begeisterung für die Literatur und die 

Grundüberzeugung vom Fernsehen als 

einem durchaus kulturellen Ort. Die Idee 

einer Reihe entwickelte sich, mit klarem 

Konzept: Adäquate, das heißt werkgetreue 

und ausführliche Verfilmungen 

von Klassikern der Weltliteratur sollten 

ein Stück literarische Bildung vermitteln, 

zugleich angesichts ihres Reiseund 

Abenteuercharakters Unterhaltung 

und Staunen versprechen. Die Welten, in 

denen diese Vierteiler spielen, sind in den 

60er Jahren bedeutend entfernter und 

exotischer gewesen, als sie es angesichts 

der heutigen Selbstverständlichkeit des 

Ferntourismus sind. Und insbesondere 

Ulbrich und Barcava waren sich einig: 

Das Literarische, der Erzählsound der 

Vorlagen, sollte erhalten bleiben. 

Robinson Crusoe" wurde im Sommer 1963 gedreht, nach einem 

„ Drehbuch von Jean Paul Carrière (der später an internationalen 

Filmerfolgen wie „Belle de Jour", „Die unerträgliche Leichtigkeit des 

Seins" oder „Cyrano de Bergerac" mitarbeiten würde), Pierre Reynal 

und Jacques Sommet. Allerdings: Es gibt zwei „Robinson Crusoe"- 

Fassungen, eine internationale, die unter anderem in Frankreich, Italien, 

Großbritannien und den USA lief, und eine deutsche, die sich in verblüffender 

Weise unterscheidet. 

Walter Ulbrich war ein künstlerisch anspruchsvoller Produzent, der 

in seinen Projekten förmlich lebte, mit starker innerer Anteilnahme 

an Stoff, Figuren und Konflikten. Und er war ein Perfektionist, der 

keine Kompromisse eingehen wollte, wenn er Substanz und Atmosphäre 

seiner Filme gefährdet sah. Die internationale Fassung vernachlässigte 

Defoes Vorlage an entscheidenden Stellen, war routiniert, aber nicht 

übertrieben intelligent geschnitten, und vereinfachte den Stoff. Ulbrich 

als erfahrener Drehbuchautor und Cutter hatte Besseres im Sinn, nahm 

das Ausgangsmaterial und montierte es neu und anders. Er veränderte 

die Reihenfolge der Szenen und variierte sie in sich. Damit verlieh 

er dem Film einen neuen 

Rhythmus. Die Tatsache, 

dass „Robinson Crusoe" 

synchronisiert werden musste, 

gab ihm Gelegenheit, 

ganze Dialogpartien inhaltlich 

umzuschreiben. Beide 

Fassungen haben einen Ich- 

Erzähler, aber Ulbrich lehnte 

sich wesentlich stärker 

an Defoe an und brachte so 

die literarische Sprache der 

Mit einem selbst gebauten Floß 

birgt Robinson Vorräte 

aus dem Wrack der " 

Esmeralda" 

Vorlage zur Geltung. Und 

Ulbrich ging noch einen 

Schritt weiter: 

Ein wichtiges Grundmotiv in Defoes Roman sind die Gespräche 

zwischen dem abenteuerhungrigen Robinson und seinem gütigen 

Vater, der nach dem Verlust zweier draufgängerischer Söhne Robinson 

zur Mäßigung und zu einem geordneten Leben rät. Die internationale 

Fassung verkehrt Defoe geradezu ins Gegenteil: Der Vater wirkt streng, 

nüchtern, abweisend. Ulbrichs Anspruchsdenken schauderte vor derlei 

Fehlinterpretationen jäh zurück – er zückte seinen Defoe, schrieb die 

entsprechenden Szenen völlig neu und ließ sie tatsächlich ausschließlich 

für die deutsche Fassung ein zweites Mal drehen. Stimmiger, 

ausführlicher, der literarischen Vorlage gemäß. Wer die internationale 

Fassung und die Ulbrichs vergleicht, wird feststellen, dass die deutsche 

um Längen besser ist: griffiger, dramatischer, plausibler und komplexer. 

Die Summe dieser Eingriffe erklärt, 

warum in der deutschen Fassung ein 

gewisser Eugen von Metz die Riege der 

Drehbuchautoren anführt. „Von Metz" 

ist eigentlich „aus Metz" – denn es 

handelt sich um ein Pseudonym des 

1910 in Metz geborenen Ulbrich. 

Robinson Crusoe" bildete den 

„ gefeierten Auftakt – Publikum 


Knappe Sancho, kurzfristig zum Gouverneur 

ernannt, kniet zum Abschied vor Don Quijote 

Sancho (Roger Carrel) erzählt von Don Quijotes Heldentaten 

Um Don Quijote von seinem Wahn zu befreien, 

tritt ein seltsamer zweiter Ritter auf den Plan 

zwinkernd schillern zwischen wahnhafter Narretei und bewusster 

Entscheidung, einer enttäuschenden und banalen Realität zu entfliehen. 

Als enttäuschende Realität erwies sich indes – nicht ganz 

unverständlich – die Resonanz des Publikums. Obwohl Regisseur und 

Drehbuchautor Carlo Rim und Walter Ulbrich in der Bearbeitung des 

Erzählerkommentars mitunter zu großer Form aufliefen, fehlte es an 

übergeordneten Spannungsbögen. Die Geschichte zerfiel, der Vorlage 

gemäß, in schwankhafte Episoden, deren Grundmotive sich oft ähnlich 

wiederholten. Zudem wirkte das ländlich-religiös 

geprägte Milieu gerade Mitte 

der 60er Jahre, also in einer vorwärtsgerichteten 

Umbruchzeit, etwas angestaubt. 

Nicht zu reden natürlich auch 

von der Tatsache, dass ein Herumtreiber 

im Teenageralter wie Robinson den 

Geschmack der Jugendlichen viel mehr 

ansprach als ein in die Jahre kommender 

Fantast. 

Robinson Crusoe" und „Don Quijote" 

„ hatte Walter Ulbrich bereits nach 

seinen Vorstellungen überarbeiten 

und veredeln können, aber der 

erste Abenteuervierteiler, der vollends 

seine künstlerische Handschrift trug, 

wurde 1966 " 

Die Schatzinsel". 

Ulbrich schrieb das Drehbuch, leitete 

die Produktion und schnitt diesen 

unvergänglichen Fernsehklassiker, der 

fast ein halbes Jahrhundert nach seiner 

Erstausstrahlung immer noch nichts an 

Frische und Überzeugungskraft eingebüßt 

hat. „Die Schatzinsel" war übrigens 

gewissermaßen der letzte Vierteiler in 

SW und zugleich der erste in Farbe. Auf 

sattem 35mm-Farbfilm gedreht, hatte 

er seine Premiere in einer noch rein 

schwarz-weißen deutschen Fernsehwelt 

und konnte gleich ein Jahr später in herrlich leuchtender 

Farbenpracht wiederholt werden. 1966 war aber auch 

die Premiere eines neuen Termins: Die ersten beiden 

ZDF-Vierteiler waren jeweils im Oktober des Jahres 

gezeigt worden, nun erst zog „Robinson Crusoe" in der 

Wiederholung auf jenen Sendeplatz um, welcher der 

Tradition schon bald ihren Namen geben sollte, auf die 

Adventssonntage. 

Die Leidgeprüften aus den unvordenklichen 

Zeiten, in denen Begriffe und Gerätschaften wie 

Videorekorder, DVD, Festplatte, YouTube oder USB- 

Recording noch völlig unbekannt waren, werden 

sich düster erinnern, dass gerade diese ersten beiden 

Abenteuervierteiler jahrzehntelang ungezeigt im Archiv 

verstaubten. Als Schwarzweiß-Produktionen galten sie 

in der immer bunter werdenden Fernsehwelt bald als Relikte. Von „Don 

Quijote" hieß es nach der letzten Ausstrahlung 1976 seitens des ZDF 

gar, es gebe keinerlei sendefähiges Material davon mehr. Er ist dann 

irgendwie aber doch noch von den Toten auferstanden, denn seit 2006 

sind beide Vierteiler ohne Schwierigkeiten auf DVD zu erwerben, und 

zwar in feinster Bildqualität. 

Walter Ulbrich wollte – nach seinen weiteren großen 

Vierteilerklassikern wie " 

Tom Sawyers und Huckleberry 

Finns Abenteuer" (1968), „Die Lederstrumpf-Erzählungen" (1969), 

„Der Seewolf" (1971), „Lockruf 

des Goldes" (1975) oder „Michael 

Strogoff" (1976) – „seine" Vierteiler, 

die er mit „Robinson Crusoe" begonnen 

hatte, auch mit „Robinson 

Crusoe" beenden, mit einem Farb- 

Remake, dessen Ausstrahlung eigentlich 

für 1979 oder 1980 geplant 

war. Ulbrichs inhaltliche Vorarbeiten 

waren weit gediehen. Und er wusste, 

dass eine reine – überraschungslose 

– 1:1-Neuauflage, die ohne jede 

inhaltliche Änderung den Vierteiler 

von 1964 lediglich noch einmal 

in Farbe nachstellte, die Zuschauer 

würde enttäuschen müssen. 

Jim Hawkins erklimmt das 

Achterdeck der " 

Hispaniola" 

Ulbrich fügte deshalb 

geschickt neue Details 

und Handlungsvarianten, auch 

neue Nebenfiguren ein, die die 

Grundsubstanz von Defoes Stoff 

nicht berühren, ihm aber Frische und 

zusätzliche Spannungsmomente verleihen 

würden. Da gibt es beispielsweise 

einen Schneidersohn, der die 

Sehnsucht des 18-jährigen Robinson 

nach Seefahrerruhm teilt. Weil der 

Jim Hawkins (Michael Ande) 

und John Silver (Ivor Dean) auf der " 

Schatzinsel" 

Vater dieses Schneidersohns jedoch darauf besteht, dass sein Sprössling 

sein eigenes Handwerk übernimmt, hackt sich dieser kurzerhand den 



Auch wie Robinson in die Gefangenschaft maurischer Piraten aus 

Salé gerät, ist neu und furios geschildert. Bei dickstem Nebel 

nähern sie sich lautlos in mehreren Booten mit umwickelten Rudern 

dem vor der afrikanischen Küste liegenden Schiff, das Robinson an 

Bord führt, und starten einen Überfall, den der englische Kapitän mit 

knapper Not zurückschlägt. Die Piraten werden in ihre Boote zurückgetrieben, 

und ein davon vollends entzückter Robinson springt ihnen, 

Die Mississippi-Helden Jim, Tom und Huck in der meisterhaften Klassikerverfilmung von 1968 

Fingerhutfinger ab, so dass der Vater bestürzt klein beigeben muss. 

Robinson bewundert seinen Freund maßlos und würde es ihm gerne 

nachtun. Wenn nur nicht der Verlust von Gliedmaßen wäre! „Kurz, 

Robinsons heldische Fantasie ist stärker als seine Entschlossenheit." 

den Säbel schwingend und mit wildem Geschrei, hinterher, selbstverständlich 

in der sicheren Gewissheit, dass die anderen seinem Beispiel 

folgen. „Nichts Derartiges geschieht." Selten ist ein angehender Held so 

sang- und klanglos in Gefangenschaft geraten, und eleganter lässt sich 

Robinsons Mischung aus Abenteuerbegeisterung, Heldenflausen und 

lebensunerfahrener Naivität nicht auf den Punkt bringen. 

Ulbrichs Skript für das Remake ist voller gelungener neuer Ideen, 

und es ist bedauerlich, dass es nicht zur Ausführung kam. Altersund 

Gesundheitsgründe zwangen Ulbrich in den Ruhestand; statt sich 

mit Robinson noch einmal auf eine einsame Insel verschlagen zu lassen, 

musste er seine Produktionsfirma Tele München verkaufen. „Die 

Abenteuer des David Balfour" (1978) blieb so die letzte Produktion, die 

Ulbrich selbst noch auf den Weg bringen konnte. 

Michael Klein 

DALIAH LAVI 

Ich bin dein Freund (1972) 

Meine Art, Liebe zu zeigen (1972) 

Café Decadence (1975) 

Neuer Wind (1976) 

Bei dir bin ich immer noch Zuhaus (1978) 

CHRISTIAN ANDERS 

Geh' nicht vorbei (1970) 

Ich lass' dich nicht geh'n (1971) 

Es fährt ein Zug nach Nirgendwo (1972) 

Einsamkeit hat viele Namen (1974) 

Der letzte Tanz (1975) 

NINO DE ANGELO 

Junges Blut (1983) 

Jenseits von Eden (1984) 

Zeit für Rebellen (1984) 

Ich suche nach Liebe (1986) 

Durch 1000 Feuer (1987) 

WWW.FACEBOOK.COM/SCHLAGERORIGINALE 

WWW.ORIGINALE.CD 

ROY BLACK 

Im Land der Lieder (1970) 

Wo bist du (1970) 

Eine Liebesgeschichte (1971) 

Träume in Samt und Seide (1971) 

Wunderbar ist die Welt (1972) 

FREDDY QUINN 

Die Stimme der Heimat (1965) 

Das große Wunschkonzert (1967) 

Viva Mexico (1968) 

Wo meine Sonne scheint (1970) 

Singt die schönsten deutschen Volkslieder (1977)

Wundertüten: 

Bunte Abwechslung im tristen 

Nachkriegs-Alltag 

Die Nachkriegszeit war für viele Menschen geprägt durch 

zahlreiche Entbehrungen und harte Arbeit. Auch das Leben 

der Kinder und Jugendlichen – samt ihrer Wünsche, Träume, 

Erwartungen und Sehnsüchte – gestaltete sich der Zeit entsprechend 

eher bescheiden. Wundertüten bildeten da eine 

oft heiß ersehnte Abwechslung und waren in den 50er und 

60er Jahren die wichtigste Quelle, e, aus 

der 

viele Heranwachsende aller Altersklassen l ssen 

ihr 

Spielzeug eug bezogen. 

Die beliebten Wundertüten wurden an allen Kiosken 

und in vielen so genannten Tante-Emma-Läden -Läden 

zum Taschengeldpreis anfangs von zehn 

Pfennigen angeboten. Neben dem Spielzeug enthielten 

die bunten Tüten immer auch Süßigkeiten, meistens ens 

Puffreis, und so bildeten sie einen doppelten Reiz, vergleichbar 

mit den Überraschungseiern in jüngerer Zeit. 

Die 

geniale Idee, mit 

bunten und billigen 

Wundertüten (viel) Geld zu 

verdienen, stammte von zwei 

Kaufleuten aus Bamberg. 

1952 begannen Hugo Hein 

und sein Bürokaufmann 

Manfred Urban, 

Wundertüten unter dem Firmennamen 

Heinerle zu verkaufen. Hugo Hein 

bereiste die Umgebung und kaufte 

Spielzeug-Restbestände, Remittenden 

und Konkursware auf. Der Verkauf der 

Heinerle-Wundertüten startete gleich 

sehr erfolgreich, und schon bald konnte das angekaufte 

Spielzeug den Bedarf nicht mehr decken. Die beiden Geschäftsleute 

beschlossen deshalb kurzerhand, die Spielfiguren in Eigenregie zu produzieren. 

Schon wenig später wurde die 

Firma Manurba-Plastik gegründet. 

Um das Jahr 1961 herum gab es dann 

die Afrika-Heinerle-Tüten überall am 

Kiosk zu kaufen. Die Afrika-Figuren 

stießen bei vielen Kindern auf besonders 

große Gegenliebe, denn sie waren mit 

sehr viel Aufwand modelliert und anatomisch 

korrekt umgesetzt worden. Die 

menschlichen Figuren entsprachen etwa 

dem Maßstab 1:32 und hatten alle eine Größe von 54 mm. Die 

Eingeborenenfiguren waren mit Ringhänden ausgestattet und 

dadurch in der Lage, Werkzeuge oder Waffen zu tragen und 

diese auch zu wechseln. Eine faszinierend geniale Idee! 

In die Mitte des 20. Jahrhunderts 

fiel auch die Blütezeit der 

Western. Im Kino brachte uns 

Fuzzy zum Lachen, und auf 

der Mattscheibe versäumten wir 

Kinder keine Folge von „Am Fuß 

der blauen Berge" und „Bonanza". 

Dann 

kam „Winnetou" in berauschenden 

Bildern auf die große 

Leinwand, und die Firma Heinerle reagierte 

sofort: Gleich nach dem erfolgreichen 

Kinostart von „Der Schatz im Silbersee" 

wurde die Karl-May/Wild-West-Serie entwickelt. 

Modelleur der neuen Serie war 

Wilhelm Limpert, der auch schon die 

Afrika-Serie entworfen hatte. Wie die Tiere der afrikanischen i Wildnis 

i 

waren auch die Karl-May-Figuren von bestechender Qualität. 

In den 50er und 60er Jahren erfreuten 

sich neben den Spielfiguren besonders 

Comic-Hefte, damals Bilderhefte genannt, 

bei den Kindern und Jugendlichen großer 

Beliebtheit. Viele dieser Serienhefte waren, 

mit wenigen Ausnahmen, schnell und 

billig produzierte Massenware, und das 

knallbunte Titelbild versprach oft mehr, 

als der Inhalt dann hergab. Besonders 

in den 50ern waren es die streifenförmigen 

Piccolo-Heftchen, die hohe Auflagen 


erreichten und 

auch in der 

Schule 

im 

Unterricht 

unterm 

Tisch 

von 

vielen 

Kindern gerne 

gelesen wurden. 

Allerdings 

durfte man 

sich nicht erwischen 

lassen, 

denn diese 

Heftchen galten 

als ganz schlimmer Schund. 

Wurde man beim Schmökern in dieser Art von Literatur erwischt, wurde 

das Heft eingezogen, oftmals vom Lehrer sofort zerrissen, und es gab als 

Zugabe obendrauf noch ein heißes Ohr. 

Es musste also zwangsläufig irgendwann zu einer Verschmelzung von 

Wundertüte und Comic-Heft kommen. Wer nun zuerst auf diese glorreiche 

Idee verfiel, der Heftchen-Verleger Gerstmeyer oder der Wundertüten- 

Hersteller Heinerle, ist nicht eindeutig belegt. 1957 entwickelte sich 

jedenfalls eine Kooperation zwischen den beiden Firmen. Besonders 

das beliebte Piccolo- 

Format schien für 

das Bestücken 

von Wundertüten 

geeignet zu sein, 

und so wurde 

bereits vorhandenes 

Bildmaterial mit 

der Schere für das 

Streifenformat bearbeitet 

und mit einem neuen Titelbild 

versehen. Insgesamt erschienen so 

vier Serien mit jeweils 20 Heften. Die 

Serientitel lauteten: „Testpilot Speedy", 

„Wildtöter", „Robinson" und „Ahoi". 

Alle diese speziell für Wundertüten 

produzierten Hefte sind heute sehr 

selten und entsprechend teuer, aber 

es gibt zum Glück auch preisgünstige 

Faksimile-Nachdrucke. 

Zu den größten 

Bilderheft- 

Produzenten der 

50er und 60er 

Jahre gehörte 

auch Walter 

Lehning, der von 

Hannover aus 

Woche für Woche 

ganz Deutschland, Österreich und 

die Schweiz mit bunten Heftchen 

versorgte. Die Produkte des Lehning- 

Verlages, besonders die Streifenhefte, 

wurden in sehr hohen Auflagen 

produziert, aber es gab auch viele 

Remittenden. Der Verleger Walter 

Lehning jedoch war von einer baldigen 

Wiedervereinigung Deutschlands 

überzeugt und hatte am Rande von 

Hannover eine große Scheune angemietet, 

die schon bald randvoll mit bunten Bilderheftchen h gefüllt war. 

Mit diesen Heften wollte Lehning nach der Wiedervereinigung den 

ostdeutschen Markt überfluten – doch dann wurde im August 1961 die 

Mauer gebaut. Der Traum vom großen Geschäft im Osten zerplatzte wie 

eine Seifenblase im Wind. 

verkauften sich hervorragend. 

Walter Lehning bot nun sein 

„totes Kapital" der Firma 

Heinerle an, und die vielen 

bunten Heftchen landeten in 

den Wundertüten. Zwischen 

1962 und 1969 wurden die 

überschüssigen 

Lehning- 

Comics aber auch an andere 

Wundertüten-Vertreiber 

verkauft. Für unzählige 

Kinder war das ein Segen. 

Die Wundertüten wurden 

von Süßwarenhändlern auf 

Jahrmärkten angeboten und 

Voll erwartungsvoller Spannung wurden die Wundertüten sofort an Ort 

und Stelle aufgerissen, und das heißersehnte 

Heftchen wurde in Augenschein 

genommen. Die jetzt nutzlose 

Wundertüte ließ man einfach achtlos 

auf den Boden fallen. Entsprechend 

selten ist so eine leere Tüte heutzutage 

und kann im Comic-Fachhandel schon 

mal locker 70 Euro 

oder mehr kosten. 

Nun gut, die 

Wundertüten- 

Figuren der Firma 

Heinerle und die 

bunten Bilderhefte e 

sind heute natürlich 

weniger geeignet für Leute unter 50. Sie sind 

eigentlich nichts Besonderes, und 

doch geht von ihnen ein Zauber 

aus, der aber nur jene Menschen 

erreicht, die als Kind mit diesen 

billig gemachten Produkten aufgewachsen, 

inzwischen alt und 

oft schon grauhaarig, aber tief in 

ihrem Herzen Kind geblieben sind. 

Ja, ein regelrechtes ungeahntes 

Glücksgefühl können diese alten 

Spielfiguren und Bilderhefte aus den Wundertüten bei 

manchen Menschen hervorrufen. Längst vergessene 

Erinnerungen und Kindheitserlebnisse werden plötzlich 

wieder lebendig. 

Das kann der Interessierte problemlos einmal ausprobieren. 

Viele der Heinerle-Wundertüten-Figuren 

kann man heute bei einem Spezialisten noch relativ 

preiswert bestellen, und es gibt auch schön bebilderte 

Kataloge. Wer Lust hat, schaue einfach mal unter www. 

kuschel-muschel.de nach – und vielen 

Nachkriegskindern wird es warm 

ums Herz werden ... 

Die Freunde von „Akim", „Sigurd", 

„Tibor", „Nick" und „Falk" müssen 

da schon etwas tiefer in die Tasche 

greifen, wenn sie den Duft des über 

50 Jahre alten Papiers genießerisch 

auf sich einwirken lassen wollen. 

Aber den Zeitsprung zurück in die 

unbeschwerte Kindheit it ermöglicht auch hier schnell und zuverlässig 

Dieter Kirchschlager aus Bischberg (www.nostalgiecomics.de), der 

Spezialist für Faksimile-Nachdrucke von Comics der 50er und 60er Jahre 

(eine Angebotsliste wird kostenlos zugeschickt). 

Hans-Joachim Neupert 


Von Michael Fuchs-Gamböck 

Fotos: © Sony Music 

Oliver Bertram war gerade mal 

17, als er Anfang 1987 begann, in 

der Redaktion von „Formel Eins” zu 

werkeln, der zu jener Zeit angesagtesten Musik- 

Fernsehsendung im deutschsprachigen Raum. 

Zunächst arbeitete der Münchner als Assistent, im 

Rahmen seiner knapp zwei Jahre vor Ort schaffte es 

der frühere Kabelträger beim Bayerischen Rundfunk 

schließlich aber bis zum Redakteur. 

Es war eine spannende Zeit damals, geprägt von 

Aufbruchstimmung”, schwärmt der charmante 

Sonnyboy bis heute. „Ich war der Jüngste im 

Team, offen für ziemlich jede Art von Musik, besaß 

eine Nase für neue Trends. Diesen Umstand haben 

die Plattenfirmen und ihre Promoter bald bemerkt, 

schnell wurde ich nur so zugeballert mit unglaublichen 

Mengen an Promomaterial. Alle Labels wollten, 

dass ihre Newcomer wie ihre etablierten Künstler bei 

uns in der Sendung auftreten – vor allem natürlich 

die unbekannten Jungen, die bis dato nicht in 

den Charts vertreten waren. Immerhin: Rund 

30 Prozent meiner persönlichen Kandidaten 

habe ich bei meinen Kollegen, oft nach hitzigen 

Diskussionen in der Konferenz, für die 

Sendungen durchgekriegt.” 

„Formel Eins” ging im April 1983 bei 

der ARD an den Start, im Dezember 1990 

lief die (vorerst) letzte von 307 Folgen über die 

Mattscheiben in Deutschland, Österreich und der 

Schweiz. Vier Moderatoren waren in den knapp acht Jahren 

Laufzeit hintereinander am Start: Peter Illmann, Ingolf 

Lück, Stefanie Tücking und Kai Böcking. „Als ich zum Team 

stieß”, erinnert sich Oliver Bertram, „steckte Stefanie bereits 

in ihrer Schlussphase. Doch obwohl es dieses Format schon 

einige Zeit gab, waren wir allesamt hochmotiviert. ‚Formel 

Eins' war in den späten 1980er Jahren garantiert stil- und 

meinungsbildend vor allem bei den jungen Zuschauern. Es 

gab noch nicht die Konkurrenz von MTV und Viva. Und wir hatten 

einen 

super Etat, Geld spielte in jener Ära so gut wie keine Rolle 

bei den 

Fernsehsendern. Dadurch waren unserer Kreativität natürlich 

Tür und 

Tor geöffnet!” Und nicht nur der Kreativität: „Hinter den 

Kulissen”, erinnert sich Oliver Bertram lachend, „kam es immer wieder 

zu Exzessen! Sex & Drugs & Rock'n’Roll, diese Klischees erfüllten wir 

durchaus auch in der Realität. Namen nenne ich da lieber nicht, aber 

es kam dennoch zu Techtelmechteln unter Stars, und auch die Liste 

der Wünsche, die so manche Künstler unserem Sekretariat meist per 

Fax zukommen ließen, waren nicht von schlechten Eltern: exklusiver 

Schnaps, willige Groupies, unterschiedlichste Arten von Drogen. Wir 

versuchten, möglichst viele dieser Wünsche zu erfüllen, damit die 

Musiker bei Laune blieben.” 

Wie auch immer, der heute 45-jährige Bertram hat beinahe 

ausschließlich gute Erinnerungen an seine „Formel 

Eins”-Zeit, wie er feststellt: „Da der finanzielle Aspekt 

praktisch keine Rolle spielte, konnten wir qualitativ auf 

hohem Niveau arbeiten, was heutzutage gar nicht mehr 

vorkommt. Außerdem war unsere Sendung auch vielen 

ausländischen Stars ein Begriff, die meisten von 

ihnen wollten bei uns auftreten. ‚Formel 

Eins' war anerkannt und einzigartig! Es 

war eine Werbeshow für Musik, keine 

Frage. Aber die haben wir sehr clever 

verpackt.” Ende 1990 war es mit 

der „clever verpackten Fernsehshow” 

dann vorbei, Oliver Bertrams eigene 

Karrierekarawane war längst weitergezogen, 

heute ist der Mittvierziger 

Kameramann und Produzent in seiner 

eigenen Firma. Doch der „Mythos Formel 

Eins” lebt: Im letzten Jahr wurde groß – und 

erfolgreich – mit einigen Veröffentlichungen das 30-jährige 

Jubiläum der Sendung begangen. Diesen Oktober gibt es 

auf RTL Nitro zunächst zehn neue Sendungen der Reihe mit 

Urgestein Peter Illmann in vorderster Reihe. 

Außerdem hat Sony Music gerade weitere 

CD-Boxen sowie eine DVD-Box samt frischer 

TV-Dokumentation veröffentlicht. 

Wahrer Kult lebt eben ewig weiter … 

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Seite 98 

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