Musiker Magazin 02/2015

C 10973 F | N o 2/2015 | 3,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

Bürger7 

Eine Widmung an 

Siebenbürgen 

Sarah Straub 

Die große 

Pop-Neuentdeckung 

Alina 

Sebastian 

Preisträgerin des 

Deutschen Rock & Pop 

Preises 2014 

»Deutscher TV-Kommissar 

tauschte zeitweilig 

die Kanone gegen Mikrofon 

und Tanzschuhe – und überzeugte 

in der Hauptrolle 

des Musicals „Chicago“« 

Die Historie 

der Rock- & Popmusik – 

Teil 2: 

Canned Heat 

PASQUALE 

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TONTECHNIK 

INTENSIV 

Mit session pro zum richtigen Sound! 

Gunter Hauser von DH Records verrät seine 

tontechnischen Geheimnisse. 

Grundlagenseminare 

(keine Vorkenntnisse notwendig): 

Mo, 18.05.2015, 18:00 – 21:00 Uhr 



Kosten: € 39,– pro Person. 

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Begrenzte 

Teilnehmerzahl. 

Praxisseminar 

(Vorkenntnisse notwendig): 

Sa, 27.06.2015, 10:00 –17:00 Uhr 

Sa, 18.07.2015, 10:00 –17:00 Uhr 

Kosten: € 99,– pro Person. 

Inkl. Essen und € 20,– Gutschein von session pro. 

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EDITORIAL 03 

MUSIKERVERBAND e.V. – WAHLEN 

Kandidaturaufruf an alle aktiven Musiker/-innen, Komponisten, 

Texter und Musikerinitiativen im Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. 

Seit nunmehr 30 Jahren finden im Deutschen Rock & Pop Musiker - 

verband alle vier Jahre Wahlen in den Bundesvorstand, Musike r beirat und 

in die Landesvorstände der einzelnen Landesverbände der Bundes länder 

statt. Im Gegensatz zu fast allen Vereinen, Verbänden und Gewerk schaften 

in Deutschland führte der Deutsche Rock & Pop Musiker verband 

schon 1985 die Urwahl ein: Dieses Wahlprinzip, bestehend aus einer Kom - 

bi nation aus Briefwahl und Mitgliederversammlung, gewähr leis tet, dass 

alle stimmberechtigten Mitglieder – also alle aktiven Musiker, Kom po nisten, 

Texter und Musikerinitiativen – im Deutschen Rock & Pop Musiker verband 

e.V. in allen Personal- und ganz wichtigen Sachentschei dun gen flächendeckend 

über die gesamte Bundesrepublik direkt darüber abstimmen 

können, welche Personen im Bundesvorstand, Beirat und in den einzelnen 

Landesver bän den der Bundesländer den Verband repräsentieren und leiten 

und welche Sach- und Satzungsentscheidungen gefällt werden. 

Dieses Wahlprinzip hat zur direkten Folge, dass der eigentliche politische 

Wille im Deutschen Rock & Pop Musikerverband direkt von den Mitgliedern – 

also den Künstlern selbst – ausgeht. 

Für einzelne Positionen im Bundesvorstand, im Musikerbeirat und in den 

Landesvorständen werden zuverlässige, verantwortungsbewusste und 

en ga gierte Personen gesucht, die bereit sind, für mindestens vier Jahre ein 

reprä sentatives Ehrenamt zu übernehmen. Vor diesem Hintergrund ergeht 

an alle aktiven Vollmitglieder des Deutschen Rock & Pop Musikerver ban des 

der Aufruf, sich für die einzelnen Leitungspositionen als Kandidaten zur Ver - 

fügung zu stellen. Im Deutschen Rock & Pop Musikerverband gilt das Per - 

sönlichkeitswahlrecht, was bedeutet, dass sämtliche Wahlentschei dun gen 

der Mitglieder unmittelbar bestimmten Kandidaten und Positionen gelten. 

Im Bundesvorstand werden folgende Wahlpositionen ausgeschrieben: 

■ Bundesvorsitzender 

■ stellv. Bundesvorsitzender und 

■ drei Mitglieder des Bundesvorstandes 

A. BUNDESVORSTAND 

Die Mitglieder des Bundesvorstandes sind verantwortlich für die Ver - 

wirklichung der Aufgaben des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes 

im Sinne der Beschlüsse der Mitgliederversammlung. Der Bundesvorstand 

trifft sich in der Regel ein- bis dreimal im Jahr zu Vorstandssitzungen, es 

sei denn, es müssen außerordentliche Vorstandssitzungen einberufen werden. 

Viele Beschlüsse werden außerdem auf schriftlichem Wege gefasst. Der 

Bundes vorstand arbeitet ehrenamtlich. 

B. MUSIKERBEIRAT 

Der Musikerbeirat (Rock- & Poprat) des Deutschen Rock & Pop Musiker - 

verbandes besteht aus zehn Personen. Der Beirat kann zu Vorstands sit - 

zun gen eingeladen werden, wenn es die Situation erfordert. Der Musiker - 

beirat hat die wesentliche Funktion, bei Bedarf den Bundesvorstand in 

allen wichtigen Verbandsangelegenheiten zu beraten. Für den Musikerbeirat 

werden verantwortungsvolle, zuverlässige und vor allen Dingen fachlich 

qualifizierte Mitglieder gesucht, die bereit sind, für den Musikerbeirat zu kandi - 

dieren. Die Musikerbeiräte arbeiten ehrenamtlich. 

C. LANDESSPRECHER/LANDESVERBÄNDE 

In den einzelnen Bundesländern vertreten die gewählten Landes sprecher 

der Landesverbände die Interessen des Deutschen Rock & Pop Musiker ver - 

bandes. Die Landessprecher werden durch die stimmberechtigten Mit glie - 

der des Verbandes in den einzelnen Bundesländern zusammen mit dem 

Bundes vorstand und dem Musikerbeirat gewählt. Die Landessprecher des 

Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes haben in den einzelnen Bundes - 

ländern freiwillige und selbst gesteckte Arbeitsbereiche. Die Landes spre - 

cher arbeiten ehrenamtlich. 

AUFRUF AN ALLE AKTIVEN MUSIKER, KOMPONISTEN, 

TEXTER UND MUSIKERINITIATIVEN: 

Wenn ihr im Bundesvorstand/Musikerbeirat und in den einzelnen Landes - 

verbänden für den Deutschen Rock & Pop Musikerverband mitentscheiden 

und mitarbeiten wollt, stellt euch zur Wahl! Ihr könnt euch für jede Position 

als Kandidaten aufstellen lassen. Schreibt uns und meldet eure Kandidatur 

in der Bundesgeschäftsstelle des Deutschen Rock & Pop Musiker ver bandes 

an. Wir schicken euch dann die Geschäftsordnung zu, aus der ihr die Kan - 

di daturvoraussetzungen eines ordentlichen Mitgliedes entnehmen könnt 

(Satzung § 3). Wir beraten euch in allen Fragen, die eine derartige Kandi - 

datur mit sich bringt. Wenn ihr euch für eine Kandidatur in den einzelnen 

Positionen entscheidet, schickt uns bitte eine Kurzdar stel lung eurer Person 

zu, die wir dann in den Kandidaturlisten (ca. 1/16 Seite) abdrucken werden. 

Allen Kandidaten wird in den Kandi da tur listen grundsätzlich der gleiche 

Raum zur Verfügung gestellt. Der amtierende Bundes vor stand hat bei der 

Kandidatenaufstellung – wie bei anderen Organi sationen auch – lediglich 

ein Vorschlagsrecht (Empfehlungsrecht). 

Die gesamten Bundes- und Landeswahlen werden laut Satzung in einer 

Kombination von Briefwahl und Mitgliederversammlung durchgeführt. 

Die Briefwahl gewährleistet direkte und geheime (!) Wahlen für die Mit glie - 

der des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes, die kein Geld haben, die 

Fahrtkosten zur Mitgliederversammlung zu bezahlen, oder keine Lust und 

Zeit haben, an der Mitgliederversammlung teilzunehmen. Alle eingesandten 

Wahlbriefe werden verschlossen aufbewahrt und für die Auswertung durch 

einen neutralen Wahlausschuss im Beisein eines Rechtsanwalts geöffnet 

und ausgewertet. Ein Notar zählt vorher die Anzahl der Wahlbriefe. 

Die schriftlich abgegebenen Wahl- und Abstimmungsentscheidungen 

der stimmberechtigten ordentlichen Mitglieder werden gleichberechtigt mit 

den Stimmabgaben auf der Mitgliederversammlung Ende 2015 zu einem 

Gesamtergebnis ausgewertet. 

Der augenblickliche Bundes vor stand ruft alle aktiven Mitglieder des 

Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes auf: Nehmt an diesen Bundesund 

Landeswahlen teil! Stellt euch den Auf gaben auf Bundes- und Landes - 

ebene! Stellt euch als Kandidaten zur Ver fü gung! Bitte teilt eine Kandidatur 

bis spätestens zum 01.08.2015 schriftlich mit und stellt euch in einer Kurz - 

beschreibung selbst vor, damit die Mitglieder, denen wir die gesamten 

Wahl unterlagen zuschicken, euch kennenlernen und wählen können. 

TEXT: OLE SEELENMEYER 

2/2015 musiker MAGAZIN

33. DEUTSCHER 

ROCK & POP PREIS 2015 

am 12. Dezember 2015, Kongresszentrum Siegerlandhalle – Siegen 

1. ZIEL/KONZEPT 

In 2015 werden zum 33. Mal insgesamt über 

125 „Deutsche Rock & Pop Preise“ der verschiedensten 

musikalischen Bereiche an heraus ra - 

gende Nachwuchsmusikgruppen, Nachwuchs - 

einzel künstler/-innen sowie zum ersten Mal 

durch eine Fachjury ausgewählte professionelle 

Musik gruppen und Einzelkünstler/-innen mit 

Ton trä ger vertrag verliehen. So sollen auch in diesem 

Jahr Nachwuchskünstler so unterschiedlicher 

musik stilistischer Bereiche wie Rock, Pop, 

Country, Hard & Heavy, Alter native, Weltmusik, 

Reggae, Funk & Soul u.v.a.m. geehrt werden. 

Einziges Kriterium ist dabei der künstlerische 

Anspruch. In ihrer kulturellen und künstlerischen 

Aus rich tung steht diese Kultur ver an stal - 

tung damit im bewussten Gegensatz zu bisherigen 

Veranstal tungszeremonien von Industrie - 

preisen und TV-Anstalten. 

Durch die Auszeichnung in über 125 verschiedenen 

Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Pop musik 

Rechnung getragen. Damit soll erreicht werden, 

dass sich möglichst viele Musikgrup pen, Einzel - 

künstlerinnen und -künstler in ihrer Stilistik wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als 

Platt form des kreativen Nachwuchses, aber auch 

als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler/- 

innen und Persönlichkeiten des musikalischwirtschaftlichen 

Umfeldes dienen. 

2. FINANZIERUNG 

Diese Kulturveranstaltung wird im Wesent li - 

chen – wie in den vergangenen Jahren auch – 

durch die Deutsche Popstiftung, den Deutschen 

Rock & Pop Musikerverband e.V. und die am 

Wettbewerb beteiligten Musikgruppen und 

Künstler/-innen finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten 

kulturellen Wettbewerbs wird – ebenfalls wie in 

den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form 

einer geringen Anmeldegebühr verlangt. Alle 

durch die Bundesjury ausgewählten Final teil - 

nehmer sowie durch die Bundesjury nominierten 

Preisträger der Neben- und Sonderkate - 

gorien zahlen außerdem einen Teilnahme be trag 

pro Musiksparte, um die Selbstfinanzierung dieses 

musikereigenen Kulturfestivals auf Bundes - 

ebene zu gewährleisten. Diese solidarische 

Ge mein schafts finanzierung ist in Deutsch land 

einmalig: Damit wird auch der 33. Deutsche 

Rock & Pop Preis wieder ge meinschaftlich finanziert 

durch die Stiftungs- und Verbands trä ger, 

die ca. 3 000 Mu sik grup pen, Musi kerinnen und 

Musiker im Deutschen Rock & Pop Musiker - 

ver band e.V. sowie durch die über 1 000 Teil - 

neh mer dieses Festivals. 

3. KATEGORIEN 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musik - 

preisen werden die Deutschen Rock & Pop 

Preise 2015 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise 

können an herausragende etablierte Musik - 

gruppen, Musikerinnen und Musiker sowie in 

den Unterkategorien „Bester Gitarrist”, „Bester 

Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen 

werden. Hierfür kann man sich direkt bewer-

11 

ben. Die Bundesjury entscheidet, ob besondere 

Leistungen in diesen Bereichen vorliegen. 

FOLGENDE EINZELKATEGORIEN 

WERDEN AUSGESCHRIEBEN: 

8 Hauptkategorien 

64 Nebenkategorien 

25 Sonderkategorien 

28 Sonderauszeichnungskategorien 

Durch die differenzierte Auswahl an Kate go - 

rien und Unterkategorien wird gewährleistet, 

dass eine große Anzahl vielversprechender 

Musik gruppen, Interpreten und Künstler/-innen 

in musikhistorisch bedeutenden, aber bisher 

bei Preisverleihungen vernachlässigten Musik - 

rich tungen ebenfalls gewürdigt werden können. 

In den acht Hauptkategorien werden die Final - 

aus scheidungen (und/oder Halbfinal vor ent - 

scheide) tagsüber live am Festivalort auf der 

Bühne er folgen. In den übrigen Kategorien entscheidet 

die Bundesjury allein aufgrund des 

eingeschickten Materials über eine Nominie - 

rung bzw. Aus zeichnung bei der Preisver lei hung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich 

mit dem künstlerischen und technischen Um - 

feld einer CD-Produktion und des Musik ma na - 

ge ments auseinandersetzen (Studioproduktion, 

CD-Design, Independent-Label, Künstler agentur 

etc.), sollen – wie im Vorjahr – auch diese an - 

son sten im Schatten von künstlerischen Aus - 

zeich nungen stehenden Firmen und Personen 

geehrt werden. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer 

CD/einem Musikvideo pro Kategorie (möglichst 

eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Pop - 

stiftung für die verschiedenen Kategorien be - 

werben. 

ANMELDEGEBÜHR: 

DRMV-Mitglieder 20,– Euro, 

DRMV-Nichtmitglieder 30,– Euro. 

Nach dem Bewerbungsschluss am 15. Juli 

2015 ermitteln unabhängige Expertenjuroren, 

die von der Deutschen Popstiftung eingesetzt 

werden, die Teilnehmer am Finale und die 

Preisträger der Neben- und Sonderkategorien 

des 32. Deutschen Rock & Pop Preises 2015. 

Mithilfe eines detaillierten Bewertungsbogens 

(Arran ge ment, Instrumentierung, Gesang, Text, 

Kom position, Originalität, Kreativität etc.) 

ermittelt die Festivaljury die live im Finale des 

33. Deutschen Rock & Pop Preises 2015 auftretenden 

Musikgruppen und Einzelinterpreten 

der Hauptkategorien. Um eine gerechte Preis - 

ver leihung zu gewährleisten, kann die Bundes - 

jury, wenn die Einordnung den Juroren passend 

erscheint, Preise auch in anderen als den 

durch die Künstler ursprünglich beworbenen 

Katego rien zuerkennen. 

4. PREISVERLEIHUNG/FESTIVAL 

Die Teilnehmer am Finale des 33. Deutschen 

Rock & Pop Preises 2015 erhalten durch die 

Deutsche Popstiftung eine Einladung nebst Teil - 

nahmeformular. Die in allen Sparten und Be - 

reichen nominierten Bands und Künstler/-innen 

werden persönlich eingeladen. Erst die Rück - 

sendung des ausgefüllten Teilnahmeformulars 

und die Entrichtung der Teilnahmegebühr in 

Höhe von 150,– Euro je Hauptkategorie sowie 

100,– Euro je Sonder- oder Nebenkategorie (je 

zuerkannter Preissparte) garantieren die Teil nah - 

me am 33. Deutschen Rock & Pop Preis 2015. 

Die Finalisten (Einzelkünstler/-innen und Musik - 

gruppen) der Hauptkategorien erhalten im Ge - 

genzug je 50 Eintrittskarten im Gesamtwert von 

1 000,– Euro für den eigenen Gäste-/Fan kreis 

(s. zusätzliche Publikumsabstimmungen), die 

ausgezeichneten Preisträger der Sonder- und 

Nebenkategorien erhalten ebenfalls je 50 Ein - 

trittskarten im Gegenwert von 1000,– Euro für 

die eigenen Gäste/Fans. Mit der Nichtrück sen - 

dung des Anmeldeformulars und der Nicht ent - 

richtung der Teilnahmegebühr verfällt die Teil - 

nah me und Preiszuerkennung. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung 

durch die Festivaljury werden auf der Home - 

page des DRMV www.musiker-online.tv und 

durch die Kulturzeitschrift musiker Magazin 

nach dem Festival veröffentlicht. 

Die jeweils ersten Preisträgerbands der 

Haupt kategorien „Rock“, „Pop“ und „Alter- 

na tive“ erhal ten eine einjährige kostenlose Mit - 

glied schaft im DRMV und ein einjähriges 

Rechts- und Fachberatungsprogramm. Die teil - 

nehmen den Preisträger der verschiedensten 

Deut schen Rock & Pop Preise 2015 erhalten 

als Auszei ch nung eine Ehrenurkunde. Die jeweils 

ersten Preis träger der Hauptkategorien erhalten 

zu sätzlich einen Rock- & Pop-Oscar. 

WEB: WWW.MUSIKER-ONLINE.TV 


FOTOS: LUDWIG CZAPLA

musiker 

MUSIKER MAGAZIN PRÄSENTIERT 

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WELTWEITER DIGITALER VERTRIEB 

EURER SONGS, ALBEN & VIDEOCLIPS ÜBER: 

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musiker MAGAZIN | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg | www.musiker-online.de 

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ANMELDUNG 

33. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2015 

Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2015 an. 

FESTIVAL 13 

Band/Künstler/in: ........................................................... 

Ansprechpartner/-in: ...................................................... 

Straße: .......................................................................... 

PLZ Ort: ........................................................................ 

Bundesland: .................................................................. 

Tel.: ............................................................................... 

Mobil: ............................................................................ 

Fax: .................................................................................... 

E-Mail: ................................................................................ 

Internet: .............................................................................. 

DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................ 

GEMA-Mitglied?: ❑ nein ❑ ja: 

❑ angeschl. ❑ außerord. ❑ ordentlich 

Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich. 

Anmeldegebühr pro Musiksparte: EUR 20,– DRMV-Mitglieder /EUR 30,– DRMV-Nichtmitglieder 

Die Anmeldegebühren in Höhe von EUR ............ ❑ in bar beigelegt ❑ als Scheck beigelegt ❑ per Überweisung 

Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF 

Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte bis spätestens 15. Juli 2015 an: 

Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2015, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg 

Teilnahmegebühr: EUR 150,– je Sparte in der Hauptkategorie bei Auswahl durch die Bundesjury. 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans) 

Teilnahmegebühr: EUR 100,– je Sparte in den Sonder- oder Nebenkategorien bei Nominierung durch die Bundesjury. 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans) 

33. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2015: HAUPTKATEGORIEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

❑ 1 

❑ 2 

❑ 3 

❑ 4 

❑ 5 

❑ 6 

❑ 7 

❑ 8 

Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band) 

Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band) 

Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band) 

Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band) 

Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band) 

Deutscher Singer/Songwriter Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Eigenkomposition und Stimme) 

Deutscher Singer Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Stimme) 

Deutscher Country Preis (beste Country-Band) 

In 2015 können sich auch 

professionelle Musikgruppen und Musiker/-innen 

mit Labelvertrag bewerben! 

33. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2015: SONDERKATEGORIEN 

❑ 9 

Beste Filmmusik 

❑ 18 

Beste Tranceband 

❑ 27 

Beste Fusion-Jazz-Rockband 

❑ 10 

Bestes Kinderlieder-Album 

❑ 19 

Beste Electronic-Band 

❑ 28 

Beste Punkband 

❑ 11 

Beste Experimentalband 

❑ 20 

Bester Electronic-Interpret 

❑ 29 

Beste Gothic/Wave-Band 

❑ 12 

Beste Fusionband 

❑ 21 

Bestes Dancehall-Album 

❑ 30 

Beste Schlagersängerin 

❑ 13 

Beste Hardcoreband 

❑ 22 

Beste Elektropopband 

❑ 31 

Bester Schlagersänger 

❑ 14 Beste Industrialband 

❑ 23 

Bestes traditionelles Blues-Album 

❑ 32 

Bestes traditionelles 

❑ 15 

Beste Progressivband 

❑ 24 

Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband 

Weltmusikalbum 

❑ 16 

Beste Skaband 

❑ 25 

Beste Cover/Revivalband 

❑ 33 

Bestes zeitgenössisches 

❑ 17 

Beste New-Metal-Band 

❑ 26 

Beste A-Capella-Band 

Weltmusikalbum 

✁ 

EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2015 


14 FESTIVAL 

33. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2015: NEBENKATEGORIEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

BEREICH ROCK: 

❑ 34 Beste Rocksängerin 

❑ 35 Bester Rocksänger 

❑ 36 Bester Rocksong 

❑ 37 Bestes Rockalbum 

BEREICH POP: 

❑ 38 Beste Popsängerin 

❑ 39 Bester Popsänger 

❑ 40 Bester Popsong 

❑ 41 Bestes Popalbum 

BEREICH FUNK & SOUL: 

❑ 42 Beste Funk-&-Soul-Sängerin 

❑ 43 Bester Funk-&-Soul-Sänger 

❑ 44 Bester Funk-&-Soul-Song 

❑ 45 Bestes Funk-&-Soul-Album 

BEREICH HARD ROCK: 

❑ 46 Beste Hard-Rock-Sängerin 

❑ 47 Bester Hard-Rock-Sänger 

❑ 48 Bester Hard-Rock-Song 

❑ 49 Bestes Hard-Rock-Album 

BEREICH METAL: 

❑ 50 Beste Metal-Sängerin 

❑ 51 Bester Metal-Sänger 

❑ 52 Beste Metal-Band 

❑ 53 Bester Metal-Song 

❑ 54 Bestes Metal-Album 

BEREICH JAZZ-ROCK: 

❑ 55 Beste Jazz-Rock-Sängerin 

❑ 56 Bester Jazz-Rock-Sänger 

❑ 57 Beste Jazz-Rock-Band 

❑ 58 Bester Jazz-Rock-Song 

❑ 59 Bestes Jazz-Rock-Album 

BEREICH ALTERNATIV: 

❑ 60 Beste Alternativ-Sängerin 

❑ 61 Bester Alternativ-Sänger 

❑ 62 Bester Alternativ-Song 

❑ 63 Bestes Alternativ-Album 

BEREICH NEW AGE: 

❑ 64 Beste New-Age-Band 

❑ 65 Bester New-Age-Song 

❑ 66 Bestes New-Age-Album 

BEREICH RHYTHM & BLUES: 

❑ 67 Beste Rhythm-&-Blues-Sängerin 

❑ 68 Bester Rhythm-&-Blues-Sänger 

❑ 69 Beste Rhythm-&-Blues-Band 

❑ 70 Bester Rhythm-&-Blues-Song 

❑ 71 Bestes Rhythm-&-Blues-Album 

BEREICH REGGAE: 

❑ 72 Beste Reggae-Sängerin 

❑ 73 Bester Reggae-Sänger 

❑ 74 Beste Reggae-Band 

❑ 75 Bestes Reggae-Album 

BEREICH LATIN-POP: 

❑ 76 Beste Latin-Pop-Sängerin 

❑ 77 Bester Latin-Pop-Sänger 

❑ 78 Beste Latin-Pop-Band 

❑ 79 Bester Latin-Pop-Song 

❑ 80 Bestes Latin-Pop-Album 

BEREICH FOLKROCK: 

❑ 81 Beste Folkrocksängerin 

❑ 82 Bester Folkrocksänger 

❑ 83 Beste Folkrockband 

❑ 84 Bester Folkrocksong 

❑ 85 Bestes Folkrockalbum 

BEREICH COUNTRY: 

❑ 86 Beste Country-Sängerin 

❑ 87 Bester Country-Sänger 

❑ 88 Bester Country-Song 

❑ 89 Bestes Country-Album 

BEREICH GOSPEL: 

❑ 90 Beste Gospel-Sängerin 

❑ 91 Bester Gospel-Sänger 

❑ 92 Beste Gospelgruppe 

❑ 93 Bester Gospel-Song 

❑ 94 Bestes Gospel-Album 

BEREICH MUSICAL: 

❑ 95 Beste Musicalsängerin 

❑ 96 Bester Musicalsänger 

❑ 97 Bestes Musicalalbum 

(Pro Einzelsparte können bis zu 3 Preisträger ausgezeichnet werden!) 

Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden. 

33. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2015: SONDERAUSZEICHNUNGSKATEGORIEN 

MUSIKBUSINESS: 

❑ 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis) 

Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc. 

❑ 99 Bestes kreatives Independent-Label (Rock & Pop) 

Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc. 

❑ 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop) 

Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc. 

❑ 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht 

❑ 102 Erfolgreicher Musikmanager (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen 

❑ 103 Erfolgreicher Musikproduzent (Rock & Pop) 

Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD 

❑ 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik 

in Deutschland 

Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig! 

MUSIKPRODUKTION: 

❑ 105 Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres 

❑ 106 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig) 

❑ 107 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig) 

❑ 108 Bester Song des Jahres (deutschsprachig) 

❑ 109 Bester Song des Jahres (englischsprachig) 

❑ 110 Beste Studioaufnahme des Jahres 

❑ 111 Beste Single des Jahres 

❑ 112 Bestes Musikvideo 

❑ 113 Beste Komposition 

❑ 114 Bester deutscher Text 

❑ 115 Bestes Booklet und Inlaycard 

❑ 116 Beste Instrumentalband 

❑ 117 Bestes Instrumentalalbum 

INSTRUMENTALISTEN: 

❑ 118 Bester Instrumentalsolist 

❑ 119 Bester Gitarrist 

❑ 120 Bester Keyboarder 

❑ 121 Bester Schlagzeuger 

❑ 122 Bester Bassist 

❑ 123 Bester Percussionist 

❑ 124 Bestes Arrangement 

❑ 125 Bestes Blasinstrument 

musiker MAGAZIN 2/2015 

EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2015 

✁

STORIES 15 

Preisträgerin des 

Deutschen Rock & Pop Preises 2014 

in der Kategorie „Singer“ 

ALINA 

SEBASTIAN 

MM: Alina, du hast im Dezember den Deut - 

schen Rock & Pop Preis in der Kategorie 

„Singer“ gewonnen. Erst einmal herzlichen 

Glück wunsch dazu. Wie hast du es in so jungen 

Jahren – du bist ja erst 16 Jahre alt – 

ge schafft, dort zu landen? 

ALINA: Ich kann es immer noch nicht glauben. 

Ich habe mich beim Deutschen Rock & Pop Preis 

angemeldet, ohne auch nur die kleinste Ahnung 

zu haben, dass ich dort eine Chance haben könnte. 

Was sich mir im Laufe des Tages nur bestätigte, 

weil die anderen Musiker alle unglaublich 

gut waren. Ich wollte nur meinen Spaß haben: 

vor Publikum stehen und meinen eigenen Song 

präsentieren. Doch ich habe es geschafft, die Jury 

zu überzeugen. Für mich ist das eine der größten 

und schönsten Erfahrungen in meiner Lauf bahn. 

Die Glückshormone sprudeln aus mir heraus, 

wenn ich daran denke. 

»Musik ist das 

Sahnehäubchen bei allem, 

was ich tue.« 

MM: Was waren wichtige Schritte auf dem 

Weg, Sängerin zu werden? 

ALINA: Musik war schon immer ein wichtiger Teil 

meines Lebens. Als kleines Kind habe ich mehr 

gesungen als gesprochen. Im Kindergarten oder 

in der Schule gesungene Lieder konnte ich mir 

immer schnell einprägen. Als Fünfjährige habe ich 

drei Männer in Aachen auf dem Rathausplatz 

Gitarre spielen sehen und habe mich sofort in 

dieses Instrument verliebt. Von dem Tag an war 

mir klar: Ich will Gitarre spielen lernen. Das habe 

ich ein Jahr meinen Eltern nahegelegt, bis ich 

endlich den Gitarrenunterricht starten durfte. Die 

Begeisterung für andere Instrumente ließ nicht 

lange auf sich warten. Ein Jahr später folgte 

Klavier unterricht, den ich mir ebenfalls erbetteln 

musste. Dann begann ich zu singen und mich mit 

8 


16 STORIES 

den Instrumenten zu begleiten. Mit zehn habe ich 

meinen ersten Song geschrieben und in der 

Musik schule das erste Mal vor Publikum singen 

dürfen. Da wusste ich: Das ist es. Als ich 2012 den 

Talentwettbewerb der EUREGIO Wirtschaftsschau 

gewonnen habe, gab es kein Halten mehr. 

MM: Wer ist musikalisch gesehen ein Vor bild 

für dich? Warum? 

ALINA: Direkte Vorbilder habe ich nicht. Allerdings 

gibt es Musiker, die ich toll finde. Einer davon ist 

Tim Bendzko. Er ist ein authentischer Musiker und 

schreibt, wie ich finde, wunderschöne Lieder – 

allein schon, weil diese sein Werk sind. Das ist 

mein Traum: Dass meine CD mit meinen eigenen 

Liedern bestückt und so arrangiert ist, dass ich 

mich damit identifizieren kann. 

MM: Du hast einmal gesagt, dass es dir wichtig 

ist, den Menschen die Freude an der Musik 

zu vermitteln. Wie genau machst du das? 

ALINA: Das ist eine gute Frage. Ich mache das, 

wozu ich mich bestimmt fühle: Singen, Gitarre und 

Klavier spielen, Texte schreiben, auf Bühnen stehen, 

die Menschen unterhalten. Ich mache es gar 

nicht absichtlich, aber wenn ich auf der Bühne 

stehe, gibt es Menschen, denen ich ein Lächeln 

auf die Lippen zaubern kann. Das liebe ich. Dafür 

gibt es keinen Geheimtipp. Man muss man selbst 

sein. Das ist das Allerwichtigste am Musizieren. 

MM: Was bedeutet Musik für dich? 

ALINA: Musik ist alles für mich. Nicht zuletzt, weil 

die Musik einen großen Teil meines Lebens eingenommen 

hat. Wenn es mir schlecht geht, ist die 

Musik für mich da. Ich kann abschalten. Andere 

Menschen gehen joggen und ich schnappe mir 

meine Gitarre, schreib einen Song und schon geht 

es mir wieder gut. Musik ist das Sahnehäubchen 

bei allem, was ich tue. Ich kann mir ein Leben 

ohne sie nicht vorstellen. 

MM: Deine CD darf aktuell nicht mehr verkauft 

werden. Wie kam es dazu? 

ALINA: Das ist eine sehr lange Geschichte. Ich 

bin ehrgeizig. Einmal Bühne, immer Bühne ist 

mein Kodex, und das hat dazu geführt, dass 

meine Eltern und ich uns auf jemanden eingelassen 

haben, was uns später zum Verhängnis 

wurde. Die Person, von der die Rede ist, hat sich 

unser Vertrauen Stück für Stück erschlichen. Er 

wollte mich ganz unverbindlich unterstützen, weil 

er finanziell mehr Möglichkeiten hatte. Als wir bei 

einem Produzenten zu Besuch waren, war auf 

»Ich mache das, wozu ich mich 

bestimmt fühle: Singen, 

Gitarre und Klavier spielen, Texte schreiben, 

auf Bühnen stehen, 

die Menschen unterhalten.« 

einmal von einem Vertrag die Rede. Genau das, 

was meine Eltern und ich nie wollten. Aber es war 

eine Chance und dieser Mann ist unser Freund, 

dachten wir. Wir haben den Vertrag unterschrieben. 

Das hätten wir besser nicht tun sollen. Unser 

Gegenüber wollte alles oder nichts. Wir hatten 

gesagt, dass wir die Karriere langsam angehen 

wollten, weil ich mein Abitur zu machen habe. 

Das war nun vergessen. Entweder Erfolg oder 

Schule. Als es daran ging, meinen Charakter 

und mein Auftreten ändern zu wollen, habe ich 

gestreikt. Ich selbst zu bleiben ist für mich das 

Wichtigste. Dennoch wurde 2013 mein Debüt - 

album präsentiert. Ich war unsagbar stolz, doch 

mit einem bitteren Nachgeschmack. Bei der Hälfte 

meiner Lieder sollte ich ohne Instrumente auftreten 

…, zumal ich mich mit einigen Fremdkompo - 

si tionen nie identifizieren konnte. Die große Re - 

so nanz des Publikums zeigte mir jedoch, dass 

sich meine monatelange Arbeit gelohnt hatte. 

Trotzdem bombardierte mein „Förderer“ mich 

immer wieder mit großer Kritik – man war nicht 

zufrieden mit mir. Mit der Unterstützung meiner 

Eltern habe ich mich dagegen wehren wollen, 

was bei der Gegenseite zu Zorn führte. Meine 

CD wurde zurückgeholt. Alle Fotos, CDs und 

das Musikvideo wurden mir weggenommen, weil 

wir es nicht finanziert hatten. Ich durfte meine 

musiker MAGAZIN 2/2015

Lieder nicht mehr singen und keine Auftritte mehr 

machen. Das war Anfang 2014. Seitdem bestand 

kein persönlicher Kontakt mehr mit der Gegen - 

seite und es ist noch keine Lösung in Sicht. 

Ich bin aber froh, dass mir das so früh passiert 

ist. Diese Erfahrung wird eine Rolle in meinem 

Han deln spielen. Eine Bauchlandung ist kein 

Grund aufzugeben. 

MM: Was rätst du jungen Musikern in Bezug 

auf Manager, Labels und Co.? 

ALINA: Unterschreibt nichts zu früh. Lasst alles 

prüfen und dieses Prüfen etwas mehr Geld kosten. 

Es geht um eure Zukunft. Ich bin der Meinung, 

dass, wenn jemand wirklich mit euch zusammen 

arbeiten möchte und an euch glaubt, kein Ver - 

trag nötig ist. Und das Wichtigste: Lasst euch 

nicht verbiegen und den Mund verbieten. Lasst 

euch keinesfalls zur Marionette machen. Ich bin 

mittlerweile Mitglied beim DRMV und lasse mich 

in allen Details beraten. Das empfehle ich auch 

jedem anderen Musiker. 

MM: Du schreibst auf deiner Internetseite, 

dass du du selbst bleiben und dich nicht verleugnen 

willst. Was hilft dir, auf dem Teppich 

zu bleiben? Wie schaltest du ab? 

ALINA: Ich will mir treu bleiben und dazu gehört 

Bescheidenheit. Wenn es im Charakter einer 

Per son liegt, nicht auf dem Teppich zu bleiben, 

ist das schwer zu kontrollieren. Ich stehe mit beiden 

Beinen im Leben und habe neben der Musik 

noch andere Dinge im Kopf: Abitur meistern, 

einen sicheren Job finden, selbstständig durchs 

Leben gehen. Dabei hilft mir die Musik. 

MM: Welche Pläne hast du für deine Zu kunft? 

Worauf dürfen wir gespannt sein? 

ALINA: Musikalisch ist mein Wunsch, eine zweite 

Chance zu bekommen. Ich stehe weiterhin auf 

Bühnen und mache mein Ding, wie der Deutsche 

Rock & Pop Preis zeigt. Ich wünsche mir, eine 

CD aufzunehmen, die mich widerspiegelt. Ich 

werde sehr oft von „Independent Labels“ oder 

Men schen, die mich gern managen würden, an - 

geschrieben. Oft antworte ich darauf gar nicht. 

Man hat Angst, sich darauf einzulassen, auch 

wenn in dem Haifischbecken vielleicht ein paar 

nette Fischchen sind. Die Schule steht jetzt an 

erster Stelle. 

WEB: WWW.ALINA-SEBASTIAN.DE 

INTERVIEW: JANINA HEINEMANN 

FOTOQUELLE: ALINA SEBASTIAN 

LIVEFOTO: © LUDWIG CZAPLA

18 STORIES 

VERTRAUEN IST DER SCHLÜSSEL 

ZUM ERFOLG! 

Interview mit Laura Neubauer, Gründerin des Labels „Lacave records“ 

Lacave records wurde von Laura Neubauer 

im August 2014 gegründet. Die Ideologie 

des Musiklabels findet deutschlandweit ihre 

An erkennung, wodurch sich das bei Gründung 

aufgestellte Team von sechs Personen nach 

einem halben Jahr auf 35 Personen erweitert 

hat. Be werbungen treffen aus der Schweiz, 

Spanien und Österreich ein. Tonstudios aus 

ganz Deutschland haben sich dem Musiklabel 

angeschlossen. 

MM: Laura, im vergangenen August hast du 

das Label Lacave records gegründet. Wie 

kam es dazu? 

LAURA: Kurz und knapp: Ich habe mein eigenes 

Label gegründet, da ich immer wieder von Labels 

und Musikern betrogen worden bin. Ich habe mich 

rund zwei Jahre vor der Gründung mit der Ma terie 

der Labelarbeit beschäftigt und sie studiert. Ich 

habe mir entsprechende Hilfe und Beratung ge holt 

und meinen Traum zur Wirklichkeit gemacht. Zu 

viele Talente auf dieser Erde werden nicht ge fördert 

und gehört. Ich habe mich entschlossen, mich auf 

den Bereich Newcomer zu spezialisieren. Für mich 

persönlich ist es eine Lebens aufgabe, guten 

Stimmen eine Plattform zu geben, damit sie sich 

selbst verwirklichen können. Die Entwick lung der 

Künstler zu beobachten und mitzuerleben ist ein- 

fach toll. Das beste Beispiel, was ich euch hier verraten 

kann, ist mein Künstler Dr. Bongi. Er schickte 

mir seine Demos per Facebook. Er war mein 

erster Künstler und so habe ich ihn auch behandelt 

und behandele ihn heute noch so. Wir nahmen 

zunächst seine Single „Fernweh“ auf. Mittlerweile 

ist sie auch veröffentlicht, doch zunächst musste 

ich schauen, ob meine Kollegen und ich mit ihm 

arbeiten können und wollen. Das Ganze hat prima 

geklappt. Da Dr. Bongi den Willen hatte, mehr zu 

tun und ein Album herauszubringen, und mir dies 

ernsthaft zeigte, entschied ich mich, das Album 

mit ihm zu produzieren. Das wird dieses Jahr zum 

Abschluss gebracht werden. Er hat einige Rota - 


STORIES 19 

tionsspielungen durch unsere Bemusterungen 

und wurde sogar für den deutschen Musikpreis 

nominiert. Auch sein erstes Konzert im Dezember 

hat er prima gemeistert. 

MM: Was war bei der Labelgründung das 

Schwerste und Mühsamste? 

LAURA: Ganz ehrlich? Vertrauenswürdige Partner 

zu finden. Die Arbeit an sich fiel mir leicht, da ich 

mein Label hauptberuflich betreibe und somit keinen 

großartigen Druck hatte – zumindest anfangs. 

Ich wusste, was auf mich zukommt. Ich habe seit 

August öfter Geschäftspartner getauscht und 

ersetzt, wie andere ihre Zahnbürste benutzen. Die 

schwarzen Schafe geben sich aber oft schnell 

preis, und so fällt es mir leicht, sie direkt auszutauschen. 

Es sind die tollen Musikmanager, die nur 

Gutes wollen – natürlich. Es sind Veran stal ter, 

die 50 Prozent der Gagen einbehalten wollen – 

natürlich. Und vor allem sind es Firmen und vorgegebene 

Veranstalter, die ihre Chance wittern, 

die Newcomer auszubeuten. Es waren sogar 

Menschen dabei, die mir sagten, dass ich mein 

Label so nicht führen dürfe, da meine Künstler 

sonst machen, was sie wollen. Ich könnte euch 

jede Menge Geschichten erzählen. 

MM: Unter anderem ist Daniel Lopes, be - 

kannt aus DSDS und dem Dschungelcamp, 

bei dir unter Vertrag. Wie ist es zu dem Kon - 

takt gekommen? 

LAURA: Daniel kam über Empfehlungen von Ge - 

schäftskollegen zu mir. Ich habe eine namenlose 

Demo an die Produzententeams versandt und bei 

direkten Gesprächen vorgeführt. Der Song war 

eine Komposition von Daniel selbst und umso 

mehr war ich über Feedbacks wie „mit einer der 

besten Songs, die ich je gehört habe“ erstaunt. 

Als ich bekannt gegeben habe, wer er ist, waren 

alle schwer beeindruckt. Denn die Songs, die 

derzeit von ihm auf dem Markt sind, passen 

größtenteils nicht zu seiner fabelhaften Stimme. 

Die Entscheidung, Daniel mit in unser Team aufzunehmen, 

war ein längerer Prozess, der auf Ge - 

genseitigkeit beruhte. Dass er überhaupt den Mut 

hat, noch einmal jemandem im Musikbusiness zu 

vertrauen, ist eine Auszeichnung an seinen Cha - 

rak ter. Heute kann ich sagen, dass mich meine 

Menschenkenntnis nicht getäuscht hat. Ich lernte 

Daniel immer mehr kennen und die Gespräche 

wurden intensiver und persönlicher. Ich fand 

schnell heraus, dass er einfach nur Musik machen 

will. Und zwar die Musik, die er möchte, und nicht 

die Musik, die ihm von den Labels immer aufgedrängt 

wurde. Hier schließt sich der Kreis, denn 

wir wollen, dass unsere Künstler genau die Art 

von Musik machen können, die sie selbst wollen. 

Denn nur so sind sie motiviert und glücklich, wenn 

sie auf der Bühne stehen. Die Produzenten, Daniel 

und ich waren uns sofort einig, wie sein neues 

Album, das gerade produziert wird, aussehen 

soll. So funktioniert es zwischen den Herzblut - 

musikern. Man muss nicht viel reden, denn es ist 

alles klar. Daniel ist verrückt, aber das sind wir im 

Lacave-records-Team alle. 

MM: Wie viele arbeiten bei euch im Label mit 

und wie funktioniert die Zusammenarbeit und 

Aufgabenteilung? 

LAURA: Die Aufgabenverteilung ist klar strukturiert. 

Bevor irgendwas passiert, geht es erst einmal 

über meinen Schreibtisch. Wir haben jetzt 

sechs Produktionsteams, immer bestehend aus 

zwei bis vier Personen. Dann gibt es noch Grafiker, 

die unsere Covers und Schriftzüge designen, und 

Promoter, die sich um die Promotion kümmern. 

Mittlerweile stellen wir uns auf die Bookings ein, 

indem wir verschiedene Agenturen mit unseren 

Künstlern bemustern. Auch hier stehen wir mitten 

im Aufbau. Wir haben ehrlich gesagt alle nicht 

mit dem Anlauf auf unser Label gerechnet und 

vergrößern uns Monat für Monat. Zurzeit haben 

wir zehn Künstler. Mittlerweile bekommen wir auch 

Bewerbungen von wirklich tollen Stimmen aus 

der Schweiz. Der Andrang muss bewältigt werden. 

Das nimmt sehr viel Zeit in Anspruch. Mir 

fehlen mittlerweile Produzenten, und ich hoffe, 

dass sich das bald ändert. 

MM: Euer Ziel ist es, hauptsächlich junge 

Nach wuchstalente zu fördern. Warum liegen 

euch gerade die am Herzen? 

LAURA: Das verhält sich im Vergleich ungefähr 

so: Wenn ich über die Straße gehe und einen 

Babyvogel im Gras liegen sehe, päppele ich ihn 

auf, um ihn wieder in die Freiheit zu lassen. Im 

direkten Vergleich bauen wir Künstler auf. Wir 

geben ihnen, was sie brauchen, um in der Branche 

überleben zu können. Wir vermitteln Wissen. So 

bereite ich die Newcomer auf das Überleben im 

Musikbusiness vor. Den restlichen Weg müssen 

sie aber alleine gehen, um Platz für die neuen 

New comer zu schaffen. In diesem Sinne ist 

„Lacave records“ entstanden. Das Ganze läuft 

aber im Moment aus dem Ruder, da sich unverhofft 

immer mehr etablierte Künstler bewerben. 

So brauchen wir jedoch immer mehr Produ zen - 

ten. Dass wir „sauber“ arbeiten, hat sich schneller 

herumgesprochen als gedacht. So kommen nun 

beinahe wöchentlich neue Bewerber auf uns zu. 

Allerdings habe ich in den vergangenen Monaten 

auf den Produktionen gemerkt, dass sich meine 

Künstler untereinander gut verstehen und dass 

die „Großen“ den „Kleinen“ viel zeigten, ohne dass 

ich oder jemand anderes danach fragte, und ohne 

Arroganz oder Herabblicken. Wir sind fast wie eine 

kleine Familie. Das schätzen meine Künstler und 

Produzenten. 

»Ich habe seit August öfter 

Geschäftspartner 

getauscht und ersetzt, 

wie andere ihre 

Zahnbürste benutzen. 

Die schwarzen Schafe 

geben sich aber oft schnell 

preis, und so 

fällt es mir leicht, sie direkt 

auszutauschen.« 

MM: Was ist das Spannende bei der Arbeit 

im eigenen Label? Was ist das Besondere 

von Lacave records? 

LAURA: Wir ziehen die Künstler und Produzenten 

nicht über den Tisch. Das macht uns ganz be son - 

ders. Einer meiner Künstler hat vor Kurzem zu mir 

gesagt: „Ich arbeite lieber mit euch als mit einem 

großen Label, denn hier weiß ich, dass ich gut 

aufgehoben bin.“ Tatsächlich hat dieser Künstler 

ein großes Angebot abgelehnt, um stattdessen mit 

uns zu arbeiten. Meine Künstler vertrauen mir. Das 

ist das Wertvollste, was es in der Musikbranche 

gibt. Das werden wir niemals mit Füßen treten. 

Das Spannendste ist die Entwicklung der Pro - 

duktionen und die Entwicklung der Künstler. Das 

Leuchten in ihren Augen, wenn Tracks, an denen 

sie mitgearbeitet haben, fertig sind. 

MM: Ihr seid ja noch sehr jung auf dem Markt. 

Welche Ziele, Wünsche und Träume habt ihr 

für die Zukunft? 

LAURA: Wir wollen gehört werden! Wir wollen 

unseren Künstlern eine seriöse Plattform geben, 

sie auf die Bühnen stellen und mit ihnen gemeinsam 

an ihren Träumen arbeiten. Wir möchten, 

dass alle zufrieden sind. Wir möchten die Kleinen 

ganz groß machen und die Großen noch größer. 

WEB: WWW.LACAVE-RECORDS.COM 


FOTO: GELNER FOTOGRAFIE 

GRAFIK: © DIMAKP/FOTOLIA.COM 


20 STORIES 

PASQUALE 

ALEARDI 

Deutscher TV-Kommissar tauschte zeitweilig 

die Kanone gegen Mikrofon 

und Tanzschuhe – und überzeugte in der 

Hauptrolle des Musicals „Chicago“ 

Pasquale Aleardi wurde 1971 in der Nähe 

von Zürich als Sohn griechisch-italienischer 

Gastarbeiter geboren. Seine Jugend beschreibt 

der Schauspieler als laut und sehr lebendig – in 

fast jedem Zimmer seines Elternhauses lief nonstop 

ein Fernsehgerät. Fasziniert von seinen Hel - 

den, die 24 Stunden am Tag auf der Matt scheibe 

flimmerten, beschloss er, nicht, wie von seinen 

Eltern geplant, Rechtsanwalt zu werden, sondern 

nach seinem Abitur 1992 die Theater hoch schule 

Zürich zu besuchen. 

Seine Wandlungs fähig keit konnte er in über 70 

TV- und Kinoproduktionen national und international 

und in unterschiedlichsten Genres unter Be - 

weis stellen. Er ist einem großen Publikum u. a. 

durch TV-Produktionen wie „Schicksalsjahre“, 

durch die internationale Kino produktion „Resident 

Evil“, in der er an der Seite von Milla Jovovich spielte, 

und Auftritte in deutschen Kinohits wie „What a 

man“, „Keinohr hasen“ und „Männer herzen“ be - 

kannt. Seit Frühjahr 2014 ermittelt er außerdem als 

Kommissar im Ersten in einer eigenen Krimireihe, 

der Verfilmung der Best seller-Romane um Kom - 

mis sar Dupin. Neben dem Schauspiel ist Musik 

seine zweite Leidenschaft. Aleardi singt, spielt 

Klavier und ist seit vielen Jahren Mitglied des 

Kölner Musikprojekts „Big Gee“. 

Von dieser vielfältigen Erfahrung und seiner 

künstlerischen Präsenz war das Kreativteam von 

„Chicago“ so begeistert, dass es ihn an den 

Broadway eingeladen hatte, um dort mit ihm 

zu sammen zu arbeiten. Eine absolute Seltenheit 

für deutschsprachige Schauspieler. Selbst für 

etablierte, amerikanische Darsteller ist es eine 

be sondere Ehre, im Herzen New Yorks vor Live- 

Publikum auf treten zu können. Pasquale Aleardi 

gesellte sich damit zu internationalen Schau spiel - 

stars, wie Denzel Washington, Demi Moore, Kiefer 

Sutherland, Melanie Griffith, Ashton Kutcher oder 

Jennifer Aniston. 

Das folgende Interview mit Pasquale Aleardi 

wurde von Prof. Dr. Bernd Giezek vor seiner letzten 

Vorstellung als Billy Flynn im Musical „Chicago“ 

in Stuttgart geführt. 

MM: Hallo Pasquale, wie geht es dir? 

PASQUALE: Es geht mir bestens, danke! 

MM: Du warst bis Mitte März auf der Bühne 

in der Rolle als der Staranwalt Billy Flynn im 

Musical „Chicago“ – erst am Broad way in New 

York und dann in Stuttgart – zu sehen. Was 

hat dich als Musiker an dieser Rolle gereizt? 

PASQUALE: Die Musik! „Chicago“ ist musikalisch 

gesehen in meinen Augen ein Meisterwerk. Die 

drei Nummern, die Billy Flynn singt – „All I Care 

About is Love“, „Both Reached for the Gun“ und 

„Razzle Dazzle“ –, sind der Knüller, sowohl in 

Englisch als auch in Deutsch, und diese zum Aus - 

druck zu bringen, ein Geschenk. Es hat einen 

un beschreiblichen Spaß gemacht, die Songs zu 

performen. Und in meinen Augen geht es allen 

Musikern auf der Bühne genauso wie mir. Alle 

haben Spaß beim Spielen, weil es so meisterhaft 

geschrieben und orchestriert ist. Die Musik 

ist das Herzstück des Ganzen und das Orchester 

ist auf der Bühne integriert. Das ist einmalig für 

ein Musical und sehr speziell. Mich hat die Musik 

jeden Abend aufs Neue mitgerissen. 

MM: Was unterschied deine Auftritte auf der 

Musicalbühne von deinen früheren Auf tritten 

als Musiker in Clubs? 8 


STORIES 21 


22 STORIES 

»Grundsätzlich konzentriere ich 

mich jeweils immer hundertprozentig 

aufs nächste Projekt, und wenn es, 

wie im Fall von „Chicago“, 

Gesang erfordert, freue ich mich, 

weil ich dann beide Leidenschaften 

zusammenbringen kann.« 


STORIES 23 

PASQUALE: Das ist nicht zu vergleichen. Als Mu - 

siker in Clubs bin ich sozusagen Interpret meiner 

eigenen Songs, gebe ein Konzert und spiele keine 

Rolle wie auf der Musicalbühne in einer taktgenau 

festgelegten Inszenierung. Im Falle von Billy Flynn 

war es eine Rolle, die nichts mit mir persönlich zu 

tun hat. Billy Flynn ist ein Wolf im Schafspelz, der 

mit Freude Menschen manipuliert – alle seine Fa - 

cet ten jeden Abend aufs Neue rauszukitzeln war 

schauspielerisch eine schöne Herausforderung. 

Hinzu kommt, dass ich ein 14-Mann-Orchester 

hinter mir hatte, das mich durch den Abend trägt. 

Das habe ich so noch nie erlebt. 

MM: Viele kennen dich heute auch als er folg - 

reichen Schauspieler. Welche Liebe war die 

erste: die Musik oder die Schauspielerei? 

PASQUALE: Ganz klar die Musik. Mit elf Jahren 

habe ich angefangen, Klavier zu spielen. Mit 14 

hatte ich meine erste Band. Die Musik hat ganz 

klar den Weg in die Schauspielerei geebnet. 

MM: Wie schaffst du es, beide Ta lente auf so 

hohem Niveau zu halten? 

PASQUALE: So langweilig es vielleicht klingen 

mag: Ich übe. Ich versuche, eine gewisse Übungs - 

basis pro Woche immer beizubehalten. Ich sehe 

mich allerdings in erster Linie schon als Schau - 

spieler. Ich lebe von der Schauspielerei und ar - 

beite sehr viel; insofern bleibe ich, was die Schau - 

spiele rei betrifft, automatisch im Training. Und für 

die Musik nehme ich mir zwischen den Drehs so 

viel Zeit wie möglich. Aber grundsätzlich konzentriere 

ich mich jeweils immer hundertprozentig 

aufs nächste Projekt, und wenn es, wie im Fall 

von „Chicago“, Gesang erfordert, freue ich mich, 

weil ich dann beide Leidenschaften zusammenbringen 

kann. 

MM: Kannst du dich noch an deine Anfänge 

im Musikbusiness erinnern? 

PASQUALE: Das war mehr Flucht als Business, 

aber durchaus lukrativ. Mit meiner damaligen 

Funk band „Funk is a Fact“ haben wir hauptsächlich 

auf der Straße gespielt, was 1992 an der 

Bahnhofstrasse in Zürich nicht einfach war, weil 

man nur so 10 bis 15 Minuten spielen konnte, bis 

die Polizei kam. 

MM: Im Jahre 2005 hast du – interessanterweise 

auch auf einer Musicalbühne im 

Theater Neue Flora in Hamburg – den 

Deutschen Rock und Pop Preis gewonnen. 

Hat dich der Preis zusätzlich motiviert und 

dir in deiner Karriere weitergeholfen? 

PASQUALE ALEARDI & THE BIG GEE FEAT. MARY – 

„RETROLOGIE UNPLUGGED“ IN DER BAR JEDER VERNUNFT 

Musik, die vor Spaß, Schmiss und Virtuo sität nur so kesselt. Die urkomischen, ko mö - 

diantischen Dialoge zwischen Pasquale und seinen beiden Mitstreitern, den Unikaten Greg 

Zimmermann und Marc Leymann, sind das Markenzeichen von „Pasquale Aleardi & the Big 

Gee featuring Mary“. Ihre Eigenkompositionen nennen sie „Anti-Depressions-Musik“ – und 

wer sie „unplugged“ mit Gitarre, Bass, Melodica bewaffnet in der Bar Jeder Vernunft miterlebt 

hat, der versteht, warum. 

PASQUALE: Na klar hat er mich motiviert. Es ist 

ein tolles Gefühl, wenn man für seine Arbeit auch 

Anerkennung bekommt. Wir alle waren stolz wie 

Bolle. Das bleibt unvergesslich. Und er war auch 

ganz klar Türöffner für unseren ersten Platten - 

deal bzw. die Verwirklichung unseres Albums 

„Retrologie“. Den ganzen Tag in Hamburg habe 

ich noch klar vor Augen. So viele unterschiedliche 

Bands und Genres – das fand ich großartig. 

MM: Hat ein berühmter Schauspieler wie du, 

der Musik macht, es leichter, mit der Musik er - 

folgreich zu sein, als ein „normaler“ Musiker? 

PASQUALE: Vielleicht zu Beginn etwas, gerade 

wenn es darum geht, einen Fuß in die Tür zu 

kriegen, Kontakte zu knüpfen etc. Aber letzten 

Endes muss das Produkt gut sein, eine gewisse 

Substanz haben, denn wenn die Musik, die ich 

mache, keine Qualität hat, nützt mir auch mein 

Bekanntheitsgrad nichts. 

PASQUALE ALEARDI & THE BIG GEE FEAT. MARY 

„Retrologie Unplugged“ 

VÖ: 21.04.2014 

WWW.PASQUALEALEARDI.COM/DE 

MM: Wann sehen wir dich mal wieder auf 

einer Rockbühne? 

PASQUALE: Das kann ich jetzt noch nicht genau 

sagen, aber bestimmt nicht vor Herbst. Denn nach 

Billy Flynn wartet bald schon wieder Kommissar 

Dupin auf mich. 

MM: Vielen Dank für das Gespräch und alles 

Gute für dich! 

PASQUALE: Herzlichen Dank zurück, das wünsche 

ich ebenso! 

WEB: WWW.PASQUALEALEARDI.COM/DE 

INTERVIEW: PROF. DR. BERND GIEZEK 

FOTOS: © OLIVER BETKE 

WWW.BETKEBILDER.DE 

BANDFOTO: BORIS BREUER 


24 STORIES 

ALEXANDER UND MAXIMILIAN BLUME 

Blues- und Jazzmusik mit Intention 

DAS VOLLSTÄNDIGE INTERVIEW ZU FINDEN 

AUF: WWW.MUSIKER-ONLINE.TV UND 

WWW.YOUTUBE.COM/MUSIKERONLINETV 

MM: Alexander, du bist seit mehr als dreißig 

Jahren als Blues- und Jazzpianist unterwegs. 

Wie bist du zum Jazz gekommen? 

ALEXANDER: Ich wurde bereits in meiner frühesten 

Kindheit mit Jazzmusik vertraut gemacht. 

Mein Vater war ein ziemlich kompromiss- und 

auch gnadenloser Jazzfan. Er spielte seine Schall - 

platten meistens sehr laut von früh bis spät rauf 

und runter. Das hatte unter anderem zur Folge, 

dass mein Bruder und ich schon im Vorschulalter 

alle Jazzgrößen an ihrem Sound und ihrer Spiel - 

weise erkannten. 

MM: Du sagst, gerade in deiner Anfangszeit 

hätten dich Blues und Boogie Woogie 

beeinflusst. Warum ist es dann doch eher 

der Jazz geworden, für den dein Herz 

schlägt? 

ALEXANDER: Im Alter von acht Jahren habe ich 

mit dem Klavierspielen begonnen. In der Musik - 

schule gab es das typische, mal mehr, mal weniger 

spaßige Programm. Zu Hause liefen dann 

öfter auch Boogie-Woogie-Schallplatten. Diese 

Pianospielweise hat mich fasziniert. Auch die 

Blues pianisten haben mich berührt. Ich habe an - 

gefangen, die Songs nachzuspielen. Vom Blues 

war es nicht weit zu Jazzpianisten wie Les 

McCann oder Bobby Timmons. Als ich das erste 

Mal Aufnahmen von Miles Davis und John 

Coltrane hörte, hat es mich geradezu umgehauen. 

Da war ich etwa zehn Jahre alt. Ähnlich ging 

es mir mit Keith Jarrett. Meine eigene Musik ist 

heute bluesiger Jazz oder jazziger Blues. 

MM: Im Jahr 1989 hast du in der DDR viele 

sogenannte Ökojazzmessen in Kirchen ge - 

geben und dich somit für die Umwelt und 

Bürger rechte stark gemacht. Warum hast du 

das trotz der daraus resultierenden Auftritts - 

ver bote und sogar Hausarrest gemacht? 

ALEXANDER: Ich musste mich zwischen Auf rich - 

tig keit und Verrat, zwischen freier Meinungs äuße - 

rung und Dauerlügerei entscheiden. Diese Ent - 

scheidung ist mir nie schwergefallen. Blues und 

Jazz sind ohnedies grundehrliche Musik. Ich konnte 

nicht Blues spielen und mich gleichzeitig dem 

DDR-Regime unterwerfen. 

MM: Du hast anfangs mit deinem Bruder 

und später mit Freunden in Bands gespielt. 

Seit einigen Jahren trittst du mit deinen 

Söhnen auf. Warum ist für dich Musik so eine 

familiäre Angelegenheit? Wie kam es dazu? 

ALEXANDER: Das gemeinsame Musizieren mit 

meinem ein Jahr jüngeren Bruder lag nahe. Stanley 

startete ebenfalls mit dem Piano. Damit wir zu - 

sammen musizieren konnten, hat er Klarinette und 

Saxophon gelernt. Er ist seit vielen Jahren einer 

der besten Jazzsaxophonisten in Deutschland. 

Eine Zeit lang habe ich mit meinen vier Söhnen 

Musik gemacht. Heute ist noch Maximilian, mein 

Jüngster, dabei. Die anderen haben sogenannte 

„richtige“ Berufe wie Zahnarzt oder Manager in 

einer Supermarktkette. Egal, ob mit Bruder, Freun - 

den oder den eigenen Kindern: Es hat immer 

Spaß gemacht, mit Menschen, die mir auch persönlich 

sehr nahe stehen, kreative Dinge zu tun. 

MM: Zwei Songs in deinem Repertoire sind 

von dem deutschen Bluesmusiker Stefan 

Diestel mann. Warum spielst du diese Songs? 

ALEXANDER: Der leider bereits verstorbene 

Stefan Diestelmann war der Blues-König der DDR. 

Ich war jahrelang sein Pianist und habe die meisten 

seiner Produktionen mit eingespielt. Viele Fans 

haben mich lange bearbeitet, ich solle doch einige 

der Songs in mein Programm aufnehmen. Stefans 

65. Geburtstag im Jahr 2014 war ein würdiger 

Anlass, mich dieser Aufgabe zu widmen. Die 

Songs gefallen mir und ich spiele sie gern. Es ist 

schon ein tolles Gefühl, wenn einige Hundert Fans 

vor der Bühne stehen und plötzlich mitsingen. 

MM: Wie stellst du dir deine musikalische 

Zukunft vor? 

ALEXANDER: Ich habe in der Tat einige reizvolle 

Projekte in der Schublade, die auf eine Bear bei - 

tung warten. Im Moment habe ich zu viele Auf - 

träge als Musiker, Dozent und Autor, als dass sie 

sich angemessen verwirklichen lassen. Bereits in 

Bearbeitung ist ein Programm für Jazz quartett 

und Streichquartett, das auch besonders gut für 

Kinder geeignet sein wird. Im Früh jahr 2015 

steht die dritte Tournee durch Jordanien auf dem 

Programm. Gerade sind Max und ich zurück aus 

Albanien und voller Ideen, was wir dort zukünftig 

tun werden. 

WEB: WWW.ALEXANDERBLUME.DE 


FOTO: TORSTEN MEYER 

FOTOQUELLE: ALEXANDER BLUME 


STORIES 25 

MUSIK DER 60ER-, 70ER- UND 80ER-JAHRE 

STAGE BAND 

PETER CONZE – Bass|Gesang|Frauenversteher 

ULI VASSMAR – Gitarre|Gesang|Mischpult 

ALEX STIENS – Gesang 

KLAUS BÖCKMANN – Schlagzeug|Gesang|Percussion 

MICHAEL SUERMANN – Keyboard|Gesang|Gitarre 

MM: Michael, mit der Stage Band deckt ihr 

fünf Musiker eine Altersspanne von zwanzig 

Jahren ab. Gibt es da manchmal Reibereien 

wegen des Altersunterschieds? 

MICHAEL SUERMANN: In unserem Alter nicht 

mehr. Mit Uli spiele ich nun seit 1989 zusammen 

– da kennt man sich und auch die Macken des 

anderen. Ähnlich ist es mit Klaus, den ich seit 

1984 kenne. Letztlich sind wir über die Musik 

zusammengekommen, die uns verbindet. Auch 

hier gibt es unterschiedliche Geschmäcker, die 

letztlich aber zu einer Vielfalt führen. Und so weit 

sind wir da nicht auseinander. Oldies und Classic 

Rock – auf diese Musik kann man sich schnell 

einigen. Jeder kennt die Songs. Das merkt man 

auch bei den Auftritten. Reibereien gibt es dennoch 

und manche Diskussion wird auch ausführlich 

geführt, aber am Ende stimmt das Ergebnis. 

Und darauf kommt es an. 

MM: Wie ist es zu dieser Bandkonstellation 

gekommen? 

MICHAEL: Also, wir waren im Namen des Herrn 

unterwegs und da kam die Stimme: „Die Band, 

die Band, ihr müsst die Band zusammenrufen!“ 

Den Rest kennt man ja. Der Film lief im Kino. 

Ursprünglich war diese Band 35 Jahre lang ein 

Trio mit Drums, Gitarre und Keyboard und alle 

haben gesungen. Zwei Herzen schlugen schon 

immer in der Brust – einerseits die Unterhaltungs - 

musik für Veranstaltungen, andererseits Rockmusik 

für unsere gute Laune. Ab dem Jahr 2000 

wurden die kleinen Ver anstaltungen immer weniger, 

weil Laptops und MP3 die Bühnen eroberten. 

Als dann Ludger, unser Drummer, starb, ergab 

sich die Frage, ob wir noch eine Band hätten. 

Dieses Telefonat zwischen Uli und mir bleibt un - 

vergessen, weil es der Startpunkt für ein Um - 

denken war. Wir haben dann noch eine Zeit lang 

Unterhaltungsmusik mit Klaus gemacht, aber 

2008 wurde mit Peter ein Bassist aufgenommen, 

der natürlich auch singen musste. Gesang war 

schon immer sehr wichtig, und so war es nur 

logisch, dass sich die Band in diesem Bereich 

nochmals verstärkte. 2011 kam Alex dazu und 

diese Röhre passte perfekt in die Band. Ich 

konnte die zweite starke Stimme be setzen, Chöre 

wurden fett und die Arrangements immer ausgefeilter, 

weil die Möglichkeiten da waren. Seitdem 

sind mehrstimmiger Gesang und wechselnde 

Lead stimmen und die daraus resultierende große 

Viel falt die Markenzeichen der Stage Band. 

MM: Euch gibt es ja mittlerweile schon seit 

mehreren Jahren. Wie war euer musikalischer 

Werdegang? 

MICHAEL: Als Peter den Bass übernahm, konnte 

ich mich mal richtig um die Keyboards kümmern. 

Und ich kann ja auch Gitarre spielen. Somit 

können wir nun die 60er mit zwei Gitarren, Bass 

und Drums spielen. Für die 70er mit den Key - 

boards spiele ich dann Orgel oder Piano. Uli spielt 

als Lead-Gitarrist alles, was ihm in die Saiten 

kommt. Früher hatte er einen Plattenladen und 

hielt jede Single noch als Neuware in der Hand. 

Klaus an den Drums hat 35 Jahre Bühnener fah - 

rung im Fuß und die Bassdrum treibt den Beat. 

Alex kommt aus der Rock-Szene und ist AC/DC- 

Fan, was man auch hören kann. Da ist die 

Mi schung schon perfekt. Aus einer Dreier- 

Konstel lation wurde Schritt für Schritt eine Fünf- 

Mann-Band mit eigenem Stil. 

MM: Ihr bezeichnet euch als Oldieband und 

spielt hauptsächlich die Songs der 60er- und 

70er-Jahre. Was fasziniert dich an der Musik 

dieser Zeit? 

MICHAEL: Das ist ehrliche, handgemachte, komponierte 

Musik. Wir kennen die Musiker, die die 

Songs eingespielt haben. Eine Band war eine 

Band und nicht einfach zusammengewürfelt. Eine 

Band ist eine Einheit und keine Castingshow. 

Lieder haben Aussagekraft und die Solos singt 

man mit. Wenn man die Platten in der Hand hatte, 

hatte man auch einen Bezug zu der Musik und 

den Musikern. Da muss schon alles stimmen. 

WEB: WWW.STAGE-BAND-ONLINE.DE 


FOTOQUELLE: STAGE BAND 





26 STORIES 

PETER 

REIMER 

Mit „Entschleunigungskonzerten“ 

gegen den Zeitgeist 

MM: Peter, du giltst als Allrounder und be - 

gnadeter Gitarrist. Du mischst Musikstile und 

Spieltechniken und verwendest Looper auf 

der Bühne, um Klangwelten zu schaffen. Wie 

bist du überhaupt zur Musik gekommen und 

warum reichen dir ein Stil oder die Grund - 

tech niken nicht? 

PETER: Der Wunsch, Musiker zu werden, kam 

schon mit etwa sieben Jahren. Initialzünder war 

für mich „Disco 71“ mit Ilja Richter, insbesondere 

die damaligen Auftritte von „T. Rex“. Ein weiteres 

Schlüsselerlebnis war ein Pfadfinderlager, bei 

dem am Lagerfeuer Lieder gesungen wurden. 

Durch meine älteren Brüder kannte ich einige 

Stücke, aber dieses Erlebnis als kleiner Junge 

am Lagerfeuer war gigantisch. Der Mann mit der 

Gitarre war später mein erster Gitarrenlehrer. Es 

folgten einige Jahre, in denen ich autodidaktisch 

viel Fingerstyle spielte. Dazu kamen Klavier stun - 

den und meine erste Band, mit der wir zehn 

Jahre lang eigene Stücke spielten. Es schlagen 

musikalisch mehrere Herzen in meiner Brust: eins 

für Blues, Rock und alles, was elektrisch und laut 

ist, eins für Lieder und deren Texte, eins für die 

klassische Musik der letzten 700 Jahre und eins 

für Volksmusiken aus aller Welt. Das lässt sich 

auch gar nicht alles voneinander abgrenzen. Diese 

Viel falt, Liebe und Offenheit für verschiedenste 

Musik erklärt mein stetiges Ausprobieren 

von Neuem und das Ausloten von Grenzen. 

Der Looper und das Delay haben zusammen mit 

den verschiedenen klassischen und modernen 

Spiel techniken meine Ausdrucksmöglichkeiten 

enorm erweitert, da ich damit Dinge tun kann, die 

man mit nur einer Gitarre nicht tun kann. Das 

macht Spaß und setzt bei mir viel Kreativität frei. 

MM: Gibt es musikalische Vorbilder, die dich 

besonders geprägt haben? 

PETER: Oha, da würde die vollständige Auf zäh - 

lung den Rahmen sicherlich sprengen. Sagen wir, 

ich habe meine Hausaufgaben gemacht, ob 

klassische oder populäre Musik im weitesten 

Sinne. Initialzünder waren Marc Bolan von T.Rex 

und Chuck Berry, aber auch Reinhard Mey, Cat 

Stevens und Simon & Garfunkel waren frühe 

Vorbilder, wenn es um Songs und Inhalt geht. 

Wichtige Einflüsse für das, was ich aktuell mache, 

sind sicherlich auch bei David Lindley und Mike 

Oldfield zu finden. Gitarristisch natürlich große 

klassische Interpreten wie Manuel Barrueco oder 

John Williams und Fingerstyler wie Michael 

Hedges oder Kaki King sowie Chapmanstick- 

Spieler wie Jan Laurenz. Filmmusik begeistert 

mich schon immer. Hier mag ich die Sound tracks 

von Carter Burwell und Ennio Morricone sehr. 

MM: Du bietest verschiedene Konzert for mate 

an. Unter anderem „Modern Multistyle & Loop 

Guitar“ und deine „Entschleuni gungs kon - 

zerte“. Was ist das Besondere bei einem 

Multitsyle-& Loop-Konzert? 

PETER: Modern Multistyle & Loop Guitar beinhaltet 

verschiedene Stilistiken und bietet auf 

unterhaltsame Weise eine Umschau auf das, was 

man mit einer Gitarre alles machen kann – für 

Gitarre solo, mit und ohne Gesang, mit und ohne 

Effekten wie Delay, Looper und Octaver. Dazu ge - 

hören die klassischen Tech niken wie Strum ming, 

Flat-Picking, Percussion und das Integrieren der 

Effekte. Ich verwende das Delay als Rhyth mus - 

instrument, der Octaver gibt mir die Möglichkeit, 

Basslinien gleichzeitig mit Gitarren sounds zu 

spielen. Mit dem Looper biete ich dem Zuhörer 

einen Ensemblesound. Im Gegen satz zu Mu - 

sikern, die den Looper als Playbackpartner mit 

kurzen Phrasen verwenden, spiele ich eher lange 

Parts ein, mit denen ich große Arrange ments aufbaue. 

Der Looper hilft mir, komplexere Kompo - 

sitionen in Echtzeit darzustellen. Ich verwende 

dabei kein einziges vorgefertigtes Play back, son- 


STORIES 27 

dern spiele alle Parts immer im Konzert ein und improvisiere darüber. Was 

die Musik angeht, so suche ich immer nach einfachen Grund ideen, die griffig 

und melodiös sind. Reduktion auf Wesentliches ist dabei der Aus gangs - 

punkt. Daraus entwickle ich dann meine Stücke. Die Presse nannte mich 

jüngst einen „Weltmusiker“. So verstehe ich mich selbst schon lange. 

MM: Deine Entschleunigungskonzerte tragen den Untertitel „Klang- 

kunst für die Seele. Impulse fürs Leben. Wege zum Wesent lichen“. 

Was ist das Wesentliche für dich? 

PETER: Mit den Entschleunigungskonzerten habe ich einen Nerv der 

Gesellschaft getroffen. Es geht darum, Menschen, die im Hamsterrad laufen, 

eine Plattform zu bieten, wo sie zu sich kommen und Impulse zu verschiedenen 

Themen bekommen. Es geht um die Besinnung auf das, was 

im Leben Bedeutung hat: Familie, Freunde, in geklärten Beziehungen zu 

leben, achtsam für sich und andere sein, genug Schlaf, gesünderes Essen, 

mehr Zeit für sich und die Menschen, die einem wichtig sind, bewusst Platz 

im Kalender für die wichtigen Dinge freihalten, ein zufriedenes Leben führen, 

sich die Zeit für unverhoffte Gelegenheiten nehmen. Für mich selbst 

habe ich vor einigen Jahren drei Lebensziele formuliert: erstens die Qualität 

meiner gelebten Beziehungen steigern, zweitens Menschen mit meiner 

Musik berühren und verändern, drittens meiner Berufung und Begabung 

als Musiker und Seelsorger folgen. 

MM: Warum ist das Thema Entschleunigung deiner Meinung nach 

wichtig in unserer Gesellschaft? 

PETER: Das ist eine Frage, für die man weit ausholen müsste. Ich versuche 

es möglichst kurz. Wir leben in einer Welt, in der sich unser Leben 

ständig beschleunigt. Dazu kommt, dass die Menschen langsam begreifen, 

dass die ursprüngliche Verheißung der Moderne, nämlich ein Paradies 

auf Erden und Wohlstand für alle, nicht eingelöst wird. Es gibt aber eine 

Reihe von Prozessen, die sich nicht beliebig beschleunigen lassen. Gras 

wächst nicht schneller, wenn man daran zieht, Saat und Ernte brauchen 

ihre Zeit, Menschen können nicht immer mehr Dinge noch schneller tun. 

Es gibt von der Natur gesetzte Grenzen. Wenn wir die nicht einhalten, 

dann wird uns irgendwann unser Körper sagen: „So nicht!“ Menschen 

reiben sich auf und brennen aus, weil sie für zu vieles brennen. Es kann sich 

jeder fragen, wie weit er die Beschleunigung mitmacht oder sich ihr entgegenstellt. 

Wir haben so viele Optionen wie nie zuvor in der Mensch heits - 

geschichte. Aber dazu steht uns trotzdem nur eine begrenzte Lebenszeit 

zur Ver fügung. Ich sehe ständig Menschen, die sich ihre letzten ruhigen 

Momente am Tag nehmen, indem sie bei jeder Gelegenheit auf ihre Smart - 

phones schauen, die sich dauernd zerstreuen und Stille und Lang sam - 

keit nicht aushalten können. Deshalb halte ich eine Gegen be we gung zur 

stetigen Beschleunigung für notwendig und gesund. 

MM: Bei den Entschleunigungskonzerten machst du nicht nur 

Musik, sondern erzählst auch immer kurze Geschichten, die zum 

Nachdenken anregen. Wie bist du auf die Idee gekommen, Musik 

und gelesene Geschichten zu kombinieren und überhaupt mit 

diesem Konzept auf die Bühne zu gehen? 

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PETER: Es entstand aus der ursprünglichen Idee, Patientenkonzerte in 

Kliniken für psychisch angeschlagene und kranke Menschen zu machen. 

Ich habe für diese Menschen Songs gespielt und zeitgleich mit dem Looper 

angefangen. Die Resonanz auf diese neuartigen Instrumentalstücke war 

immens und ich erhalte bis heute positive Rück meldungen. Ich überleg- 

8

28 STORIES 

te, wie ich das Erleben intensivieren könnte, und 

ließ die Songs weg, weil deren Titel und Texte 

meiner Ansicht nach ablenkten. So entstanden 

die Entschleunigungs konzerte – mutmachende 

und herausfordernde Im pulse und instrumentale 

Gitarrenmusik im Wechsel. Die Musik hat eine 

Funktion bekommen. Sie dient als Zeitraum für 

die Synchroni sierung innerer Prozesse, die durch 

die Impulse in Gang kommen. Dabei habe ich, 

als mir das bewusst wurde, Entschleunigungs - 

musik entwickelt, die um die 100 bpm hat. Ent - 

spannungs musik, die im Ruhepulsbereich arbeitet, 

hat 40 – 60 bpm. 

es zu den meines Erachtens nach irrigen Gleichungen 

„Zeit gleich Geld“ und „mehr gleich besser“. 

Aber egal, wie viel Geld man erwirtschaftet, 

man kann nicht eine Minute, die man gearbeitet 

hat, mit Geld zurückkaufen. Deswegen glaube ich, 

Zeit ist Leben. Mit der vergehenden Zeit verrinnt 

auch unsere Lebenszeit, und wir müssen uns 

genau überlegen, was wir mit der Lebenszeit, die 

uns bleibt, anfangen. Die gefühlte Lebensmitte 

liegt laut Forschung bei etwa 25 Jahren. Jedes 

Lebensjahrzehnt danach erleben wir doppelt so 

schnell. Was, glaubst du, waren die ersten Fragen, 

die ich mir stellte, als mir das bewusst wurde? 

MM: Was willst du mit deinen Entschleuni - 

gungs konzerten erreichen? 

PETER: Ich kann meine Gaben als Musiker und 

Seelsorger einbringen. Das Format entstand aus 

meinen Lebensumständen und lässt sich weiterentwickeln. 

Als Fünfzigjähriger kann ich aufgrund 

meiner Lebenserfahrung Thema und Inhalt glaub - 

würdiger transportieren, als es ein jüngerer Künst - 

ler könnte. Entschleunigungskonzerte sollen den 

Menschen, die sie besuchen, guttun, ihnen Mut 

zur Veränderung machen und Impulse geben, 

wie ein entschleunigteres Leben aussehen kann. 

»Egal, wie viel Geld man 

erwirtschaftet, 

man kann nicht eine Minute, 

die man gearbeitet hat, mit 

Geld zurückkaufen. 

Deswegen glaube ich, 

Zeit ist Leben.« 

MM: Du hast in einem Interview einmal ge - 

sagt, dass es wichtig sei, sein persönliches 

Tempo zu finden und sich zurückzuziehen. 

Wie und wo gelingt dir das am besten? 

PETER: Auf jeden Fall beim Musikmachen, beim 

Spielen mit meiner Tochter, beim Rollerfahren, 

beim Spazierengehen, bei Gesprächen mit meiner 

Frau oder meinem besten Freund, beim Sport, 

beim Kochen, beim Schreiben. Einfach gesagt: 

das äußere Tempo immer wieder anpassen, das 

innere Tempo ändert sich mit den Monaten. 

MM: Entgegen der gesellschaftlichen Floskel 

„Zeit ist Geld“ proklamierst du „Zeit ist 

Leben“. Was ist Leben für dich? Welche Rolle 

spielt Musik dabei? 

PETER: Wieder eine philosophische Frage. Ich 

erkläre es mithilfe dessen, was ich von renommierten 

Forschern gelernt habe: In unserer Ge - 

sell schaft ist es durch die Industrialisierung zum 

Sprichwort „Zeit ist Geld“ gekommen. Je produktiver 

man innerhalb einer bestimmten Zeit ist, 

desto mehr kann man an Erlösen erzielen. So kam 

Ich verrate sie: Was ist mir wirklich wichtig? Was 

will ich unbedingt tun? Was will ich auf keinen Fall 

mehr tun? Und wer weiß, wie viel Zeit mir bleibt? 

Deswegen bedeutet Leben für mich, bewusst zu 

leben, und mich nicht leben zu lassen, mich ab - 

zugrenzen von dem Kommunikations- und Kon - 

sumwirrwarr. Ich möchte Zeithoheit über mein 

Leben. Deswegen bin ich Freiberufler. Ich arbeite, 

um zu leben, und lebe nicht, um zu arbeiten. 

Es gab eine Zeit, da war die Musik mein Götze, 

meine Obsession. Ich habe mich damit aufgerieben 

und eine Reihe Beziehungen zurückgelassen. 

Aber wie das so mit dem Götzendienst ist: 

Man opfert und opfert und wird irgendwann 

selbst Opfer. Das ist mir passiert und es war eine 

schlimme Erfahrung. Musik machte mir keine 

Freude mehr und ich sah eine dunkle Zukunft für 

mich als Musiker, sodass ich den Beruf wechselte. 

Es endete in einem weiteren Desaster und 

führte zum erneuten Aufbau eines Einkommens 

durch Musik. Nun aber mit Musik, mit der ich mich 

identifiziere. Die Musik hat ihren Platz in meinem 

Leben gefunden und dient mir und anderen, nicht 

umgekehrt. 

MM: Mal ehrlich: Auch ein Entschleuni - 

gungs kon zert ist ein Konzert, ein Auftritt, 

bei dem du arbeiten – also Gitarre spielen, 

singen, die Technik bedienen usw. – musst. 

Ist so ein Konzert für dich trotzdem Ruhe 

und Ent schleunigung oder findest du deine 

Rück zugsmöglichkeit an anderer Stelle? 

PETER: „Sie haben es gut, Sie haben Ihr Hobby 

ja zum Beruf gemacht“, höre ich oft und antworte: 

„Ja, dafür habe ich aber ein Hobby weniger.“ 

Musiker sein macht Arbeit, vor allem, wenn man 

nicht auf der Bühne sitzt, was in 80 % der Zeit 

der Fall ist. Ich muss also in 20% meiner Arbeits - 

zeit den Umsatz generieren, der die 80% Arbeits - 

zeit auch rechtfertigt. Das ist die wirkliche Arbeit. 

Konzerte spielen ist nur die Spitze des Eisbergs 

und der Teil des Ganzen, den ich genieße, der aber 

dennoch Kraft kostet. Wenn ich in acht Tagen 

fünf Konzerte spiele, dann brauche ich danach 

auch wieder drei Tage Ruhe und Erholung, um 

wieder zu Kräften zu kommen. Ich mache einfach 

mal nichts. Nichtstun ist für mich eine herrliche 

Rückzugsmöglichkeit. Nichtstun bedeutet für 

mich, irgendwo zu liegen oder an einem Platz mit 

Aussicht in die Ferne zu schauen, ohne zu denken. 

Weitere Rückzugmöglichkeiten sind für mich 

Sport und das wöchentliche Treffen mit meinem 

besten Freund, bei dem wir uns austauschen und 

mit- und füreinander beten. 


FOTOQUELLE: PETER REIMER 

PREISTRÄGER DES „SOUL@WORK 

CHALLENGE 2015“-AWARD 

Das Konzertformat „Entschleunigungskonzerte“ 

erhält Preis aus der freien Wirtschaft. 

PETER REIMER 

„Islands Of Tranquility“ 

VÖ: 09.09.2014 

WWW.PETER-REIMER.DE 

WWW.ENTSCHLEUNIGUNGS- 

MUSIK.DE 


MAX 

Pop-Punk auf Deutsch 

STORIES 29 

MAX 

„Zurück auf jung“ 

VÖ: 29.05.2015 

WWW.FACEBOOK.COM/ 

MAX.DIE.BAND 




Als „Stairway To The Moon“ konnte Maximilian 

Wagner bereits beim Deutschen Rock und Pop 

Preis erste Erfolge feiern. Unter dem neuen 

Namen „MAX“ besuchte uns Maxi mit seinen 

Bandmitgliedern Lukas und Fabian für RockTV, 

um uns von dem neuen Projekt zu erzählen. 

MM: Ihr habt euch vor einiger Zeit umbenannt. 

Ursprünglich hießt ihr mal „Stairway 

To The Moon“. Wie kam es zu dieser Namens - 

änderung? 

LUKAS: Das liegt daran, dass es davor bis auf 

Maxi eine andere Besetzung gab. Als Fabian 

und ich dazukamen, haben wir uns gedacht, wir 

fangen unter einem neuen Namen noch mal von 

vorne an. Und machen ein Album. 

MM: Maxi, wie schon angesprochen, bis du 

das einzige konstante Mitglied. Jetzt ist aber 

der Plan, dass ihr auch fest zu dritt bleibt, 

oder? 

MAXI: Ja, das ist richtig. Jeder, der eine Band 

hat kennt die Situation, dass es immer wieder 

schwer ist, Leute zu finden, die genau so mitziehen 

wie man selbst. Das ist auch der Grund, 

warum wir zu dritt sind und einen Livebassisten 

haben. Wir suchen zwar noch nach einem festen 

Bassisten, haben aber bisher keinen gefunden. 

MM: Was für ein Konzept steht hinter eurer 

Musik? 

MAXI: Wir machen in erster Linie Lieder, die po - 

litisch oder gesellschaftskritisch sind. Manche 

gehen aber auch in die Richtung Liebeslied. 

MM: Was ist euer Ziel mit diesem Projekt? 

MAXI: Unser Ziel ist es, schon mit dem kommenden 

Album möglichst viele Leute zu erreichen. 

Wir sind davon begeistert und viele große 

Künstler haben uns auch schon gesagt, dass 

sie die Songs und das Produkt sehr gut finden. 

Daher wissen wir, dass wir viele Leute ansprechen. 

Wir müssen halt noch schauen, wie wir 

das am besten erreichen können. 

MM: Bei euch hat man auch nicht das Ge - 

fühl, dass ihr da so planlos rangeht. 

LUKAS: Ja, aber planen kann und darf man 

einfach nicht. Wir versuchen einfach, den Leuten 

das zu zeigen, und hoffen, dass ihnen das ge - 

fällt. Aber wir können nicht planen, dass wir in 

zwei Jahren die ganze Welt berocken wollen. 

Das kann man nicht planen, aber wir versuchen, 

das Beste daraus zu machen. 

MM: Ich wollte noch mal auf eure Social- 

Media-Kanäle zu sprechen kommen. Da 

wirkt ihr sehr professionell aufgestellt. Wer 

unterstützt euch dabei? 

FABIAN: Das hat ein Freund für uns gemacht. 

MAXI: Der gehört für uns schon fast zur Band. 

Und wenn man eine gute Website oder gute 

Fotos nicht hat, dann bringen einem auch die 

Musik und das Songwriting nichts. Man braucht 

Leute, die mitziehen und die das mit Herzblut 

machen. 

MM: Ihr habt als Vorband von Konstantin 

Wecker gespielt. Wie kam das zustande? 

MAXI: Mein Vater hat mit dem Konstantin 

Wecker ein Theaterstück gemacht und ich habe 

in der Technik mitgeholfen. Wir haben uns lange 

im Backstage unterhalten und daraufhin habe 

ich ihm ein paar Songs zugeschickt. Und da war 

er begeistert. 

MM: Was sind eure Pläne für die nahe Zu - 

kunft? Worauf können wir uns freuen? 

LUKAS: Auf das Album, auf viele Musikvideos, 

auf viele Liveauftritte. 

MAXI: Es wäre schon ein Traum, wenn wir eine 

Tour durch Deutschland machen, die dann fast 

ausverkauft ist. 

INTERVIEW: JANA MOYSICH 

FOTOQUELLE: MAX 


30 STORIES 

MM: Dein aktuelles Album „Red“ ist im Mai 

letzten Jahres erschienen. Was hat sich seitdem 

getan? 

SARAH STRAUB: „RED“ erschien im Frühsommer 

2014 – und seitdem hat sich alles verändert. 

Plötzlich gab es deutschlandweites Medien inte - 

res se, viele tolle Presserezensionen, meine gleich - 

namige Single aus dem Album lief auf Bayern 3 

und vielen weiteren Radiostationen, ich hatte erste 

Fernsehauftritte und konnte dann mit meinem 

Team eine große Tour planen. Ab Mai spiele ich 

vom südlichsten Ende Bayerns bis nach Kiel über 

50 Konzerte. Das Highlight des letzten Jahres passierte 

im Dezember: Der Gewinn des Deutschen 

Pop Preises als beste Band, für das beste Album 

und als bester neuer Künstler war der absolute 

Hammer für mich. 

MM: Wie würdest du dein Album beschreiben? 

SARAH: „RED“ ist ein Pop-Album mit fettem, frischem 

Sound, dessen Songs ich zu einer Zeit 

geschrieben habe, als ich in meinem Leben an 

einem Wendepunkt stand: Erwachsen geworden, 

Studium beendet und noch so ein wenig auf der 

Suche nach mir selbst – so entstanden Lieder 

als Hommage an das Leben, aber auch über 

zerbrochene Liebe und den Verlust eines geliebten 

Menschen. Ich glaube, jeder findet sich in 

den Songs irgendwo wieder. 

MM: Mit wem hast du bei den Studio-Auf - 

nah men zusammengearbeitet? 

DIE GROSSE POP-NEUENTDECKUNG: 

SARAH STRAUB 

Frisch ausgezeichnet mit dem 

Deutschen Rock & Pop Preis 2014 in den Kategorien 

„bestes Pop Album“ und „bester neuer Künstler“ 

geht Sarah Straub 2015 mit ihrem Album im Ge päck 

auf große Deutschlandtour. 

SARAH: Für die Produktion konnte ich ein fantastisches 

Team gewinnen: Allen voran meine Band, 

die großartige Arbeit geleistet hat. Die Songs 

arrangiert und produziert hat das Produzen ten - 

team Adrian Winkler und Uli Fiedler (www.leiderfett.net). 

Die beiden hatten sofort ein Gespür für 

meine Songs und haben, glaube ich, das Beste 

aus ihnen herausgeholt. Ich hatte auch tolle Gast - 

musiker auf der Platte, unter anderem Jörg Hartl 

von La Brass Banda, der auf zwei Songs Trompete 

spielt. Gemischt hat das Album Niko Faust, der 

auch zum Beispiel für Jupiter Jones einige Sachen 

gemacht hat. Jedem Einzelnen, der an diesem 

Album mitgearbeitet hat, bin ich auf ewig dankbar. 

MM: Du hast mittlerweile dein Album schon 

öfter live spielen können. Hat sich dadurch 

die Sicht auf deine Songs verändert? (Stich- 

wort: Livequalität der einzelnen Songs) 

SARAH: Ja, natürlich! Ich bin teilweise wirklich 

überrascht, wie die Songs beim Publikum an kom - 

men und welche konkret die beste Resonanz er - 


STORIES 31 

zeugen. Es macht richtig Spaß zu erleben, wie 

das Publikum bestimmte Lieder feiert – Songs, die 

ich selbst vielleicht als gar nicht so hervorstechend 

empfunden habe. Ich freue mich auch immer 

wahn sinnig, wenn eine meiner Balladen die Men - 

schen richtig fesselt. 

MM: Du trittst nicht nur solo, sondern auch 

mit Band auf. Welche Eigenschaften sind 

wichtig, um als Band eine Einheit zu bilden? 

SARAH: Das wichtigste für mich ist, Musiker um 

mich herum zu haben, die meine Musik fühlen, 

sie lieben, sie genauso gerne live performen wie 

ich. Die Energie, die da dann entsteht, ist durch 

nichts zu ersetzen. Außerdem sollte sich jeder als 

Teil eines großen Ganzen sehen, für das er unersetzlich 

ist. Die Band muss ein Team sein, jeder 

muss das Gleiche wollen: beste Unterhaltung bieten 

bei maximalem Spaß für einen selbst auf der 

Bühne :-). 

MM: Musiker werden zunehmend über You - 

Tube oder Social Media entdeckt und nicht 

mehr zwingend über Liveauftritte. Wie sind 

deine Erfahrungen mit diesem Thema? 

SARAH: Mich fasziniert der „Schneeballeffekt“, der 

entstehen kann und wenn ein kleines YouTube- 

Video auf einmal Millionen von Klicks hat. Und ich 

bewundere Leute, die in den sozialen Medien cleveres 

Marketing betreiben und diese perfekt nutzen 

können. Da gibt es ja gerade auf YouTube un - 

zählige Beispiele, teilweise vor dem Hinter grund 

wirklich simpelster Videoclips: eine Gitarre, eine 

Kamera, ein Wohnzimmer und ein bekannter Song 

– fertig ist der YouTube-Hit. Ich bin allerdings niemand, 

der gerne in dieser Plattform stöbert und 

sich die 150. Cover-Version irgendeines Songs 

an hört. Ich schwärme für Musiker, die selbst 

schreiben. Grundsätzlich sind die digitalen Medien 

aber natürlich das Marketing-Tool für Musiker. 

Wenn man es gut macht, hat man eine riesige 

Reich weite und das oft bei niedrigen Kosten. 

Face book zum Beispiel ist für mich nicht mehr 

wegzudenken. 

MM: Du nutzt iTunes, Amazon Music und 

Spotify als Vertriebskanäle. Welcher Weg ge - 

fällt dir als Künstlerin am besten? 

SARAH: Ich nutze als Musikhörerin Spotify be - 

wusst nicht, auch wenn ich meine Musik dort 

gerne anbiete. Natürlich ist es superpraktisch, 

wenn man alle Songs, die man hören will, einfach 

streamen kann, aber da ich selbst Urheber 

bin und dankbar über jeden Einzelnen, der meine 

Musik wirklich kauft, gehe ich bis heute in Musik - 

läden und kaufe CDs. Und wenn die nicht zu 

kriegen sind, lade ich mir auch Songs runter und 

kaufe sie digital – ob bei iTunes oder Amazon, ist 

mir eigentlich gleich recht. Wird zwar mit der Zeit 

teuer, aber mir ist es jeden Cent wert. Dennoch 

freue mich mich – als Künstlerin gesprochen –, 

wenn jemand meine Musik streamt. Hauptsache, 

er hört sie. :-) 

»„RED“ ist ein Pop-Album 

mit fettem, frischem 

Sound, dessen Songs 

ich zu einer Zeit 

geschrieben habe, als ich 

in meinem Leben an 

einem Wendepunkt stand. 

So entstanden Lieder als 

Hommage an das Leben, 

aber auch über 

zerbrochene Liebe und 

den Verlust eines 

geliebten Menschen. 

Ich glaube, jeder 

findet sich in den Songs 

irgendwo wieder.« 

MM: Betreust du deine Social-Media-Kanäle 

selbst? Warum / warum nicht? 

SARAH: Ja, ich betreue sie selbst. Ich finde es 

wichtig, mit seinen Fans so persönlich wie möglich 

zu kommunizieren, das merke ich als Musik - 

nutzer ja selbst: Ich freue mich, wenn meine Idole 

etwas posten und man das Gefühl hat, dadurch 

den Menschen hinter dem Produkt kennenlernen 

zu können. Ich fände es ein wenig unehrlich, 

jemanden dafür zu engagieren. Natürlich verstehe 

ich, dass es in einer bestimmten Größen - 

ordnung nicht mehr möglich ist, sich um alles 

selbst zu kümmern. Aber bei mir geht das ganz 

gut und ich kümmere mich sehr gerne um 

Facebook, Instagram und Co. Außerdem ist es 

auch immer schön, Rückmeldungen auf die 

eigenen Postings zu bekommen, die Kommen - 

tare, Likes und Diskussionen zu sehen. Das ist 

irgendwie eine schöne Bestätigung. 

MM: Wie sahen deine ersten Schritte in der 

Musikbranche aus? 

SARAH: Mit ca. 18 Jahren stand ich das erste 

Mal mit meinen eigenen Songs auf der Bühne 

und habe erste Demotapes aufgenommen. Über 

die Jahre ist das Ganze immer mehr gewachsen 

und in den Mittelpunkt meines Lebens gerückt. 

2011 habe ich dann mein erstes Album aufgenommen, 

mir eine Band zusammengestellt und 

angefangen, regelmäßig und in immer größerem 

Radius Konzerte zu geben. Ich hatte das große 

Glück, immer mit Menschen zusammenarbeiten 

zu dürfen, die an mich glauben und mich unterstützen. 

Ein großer Schritt war die Aufnahme in 

das BY-On-Förderprogramm für bayerische 

Rock- und Popmusiker. Dieses ermöglichte mir, 

in Seminaren Know-how zur Musikbranche an - 

zueignen, und vermittelt mir Support-Slots, um 

mit etablierten Künstlern auf den großen Bühnen 

8 


32 STORIES 

Videoproduktion bei 

Sarah Straub 

MARTIN GEISLER: 

Sarahs Wunsch war es, Lieder ihres neuen 

Albums filmisch festzuhalten. Von vornherein 

war klar, dass es sich nicht um ein typisches 

Musikvideo, sondern um ein inszeniertes Live - 

konzert handelt und mein Bruder Jakob und ich 

uns filmisch darauf einstellten. 

Wir benutzten drei Spiegelreflexkameras 

(Canon Eos) auf Stativen, um totale und halbtotale 

Einstellungen zu generieren und permanent 

sicher zu sein, was den Schnitt betrifft. 

Des Weiteren war eine GoPro über den Drums, 

eine weitere feste Kamera. Dies bot sich an, weil 

Domi, der Drummer, am wenigsten hin- und her - 

springen würde. ;-) 

Bewegung in das Ganze brachten wir zum 

einen über eine weitere Spiegelreflexkamera, 

die Jakob bediente, und eine Sony Fs700, die 

ich, aufgrund der besseren Videoqualität, als 

Haupt kamera vorgesehen und bedient habe. Zu 

statisch sollte das Video ja nicht werden. 

Die Band spielte jedes Lied ca. vier- bis fünf - 

mal, wodurch wir genug Auswahl im Schnitt 

hatten, etwas Nettes daraus zu machen. Pro - 

fessionell, wie Sarah und die Jungs sind, war 

eine Syn chro nisation der einzelnen Takes kein 

Pro blem, da exakt im gleichen Tempo performt 

wurde. Kniffliger wurde es bei den Soli von 

Dominik an der Trompete beziehungsweise von 

Andi an der Gitarre. Aber auch das ging gut. 

Nichtsdestotrotz gab es bei sechs Kameras 

und vier Wiederholungen pro Lied genug Arbeit, 

das Ganze zu schneiden. Bei 24 Video spuren 

fällt die Auswahl halt doch recht schwer … 

Weil die Lieder aber in meinen Augen beziehungsweise 

Ohren ein großes Ohrwurmpoten - 

zial haben, ging der Schnitt trotz der Menge an 

Material recht fix. Ich saß singend vor dem 

Rechner und brauchte ca vier Stunden pro Lied, 

bis das fertige Video dabei rauskam. 

Das Ergebnis kann sich, wie ich meine, für 

die Kürze der Dreh- und Schnittzeit sehen lassen 

und zeigt eine schöne Live-Performance. 

Und ich denke, es gibt einen guten Eindruck 

davon, wie sehr Sarah Straub und ihre Band 

live rocken können. 

DOMINIK SCHERER: 

Meine Aufgaben beim Videodreh waren die 

Gesamtorganisation und die Audionach be ar - 

bei tung der einzelnen Files. 

Wir haben jedes Instrument einzeln abgenommen 

und die einzelnen Spuren direkt vom 

Pult per Interface aufgenommen. 

Tom Körbler, der unter anderem seit Jahren 

für die Beatsteaks als Livemischer tätig ist, hat 

uns einen fantastischen Livesound gezimmert. 

Ich habe die Spuren anschließend in Logic X 

bearbeitet und gemischt. 

Ziel der Produktion war es, unseren Live - 

sound einzufangen. Wir wollten zeigen, wie die 

Band live tatsächlich klingt. Ich habe also auf 

jegliche Editierarbeit verzichtet und kleine 

Schönheitsfehler bewusst in den Aufnahmen 

gelassen. 

Wir haben insgesamt drei Songs aufgenommen, 

hatten pro Song vier Takes zur Auswahl 

und haben uns schließlich für den jeweils besten 

entschieden. 

Ich habe die Songs mithilfe von Plugins 

(vorwiegend Universal Audio und Waves) und 

etwas Outboard-Equipment (Universal Audio) 

dann in meinem Studio abgemischt. 

Der Mix ging recht schnell, da wir ja von 

Haus aus einen guten Livesound hatten. 

Wir haben auch im Vorfeld viel Zeit damit 

verbracht, die Sounds der einzelnen Instru - 

men te so aufeinander abzustimmen, dass 

eventuelle Frequenzüberlagerungen vermieden 

werden. Das spart hinterher sehr viel Zeit 

und klingt live einfach noch eine Nuance fetter. 

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Deutschlands zu spielen. So habe ich auch mein 

Team kennengelernt, mit dem ich heute zusammenarbeite. 

MM: Ist es richtig, dass du deine Songs selbst 

schreibst und komponierst? 

SARAH: Ja, das Songschreiben ist seit vielen 

Jahren meine große Leidenschaft. Ich sehe mich 

zuerst als Songwriterin und erst an zweiter Stelle 

als Sängerin. 

MM: Wie bist du zu dem Label Donner wetter 

Musik gekommen? 

SARAH: Das Label ist über das BY-On-Förder - 

programm auf mich aufmerksam geworden. Ich 

bin sehr glücklich über diese Zusammenarbeit, 

denn es ermöglicht mir maximale Freiheit und er - 

laubt es mir, meinen Weg zu gehen, wie ich ihn für 

richtig halte. Ich musste mich nie verbiegen und nie 

ein Image vertreten, mit welchem ich mich nicht 

wohlgefühlt hätte. Ich darf einfach ich sein. 

MM: Welche Arbeit übernimmst du selbst 

und wobei unterstützt dich das Label? 

SARAH: Das Label unterstützt mich ganzheitlich 

und supervidiert meine Schritte, wann immer ich 

Hilfe brauche. Es kümmert sich mit unseren Part - 

nern um die Promotion, sei es für eine Single aus - 

kopplung oder im Rahmen meiner Tour, und 

natürlich sorgt es dafür, dass mein Album ge - 

nügend Aufmerksamkeit bekommt. 

MM: Auch in puncto Promotion hast du Profis 

engagiert. Wie hast du fähige Mitarbeiter ge - 

funden, die deine Interessen optimal vertreten? 

SARAH: Mein Label hat hier erfahrene und er folg - 

reiche Leute zur Hand, die für mein Projekt mit 

ins Boot geholt wurden. Sie sind alle von mir und 

meiner Musik überzeugt, das ist, glaube ich, ganz 

wichtig. Nur so haben sie ja wirklich Motivation, 

ein Produkt an den Mann zu bringen. 

MM: Hauptberuflich bist du Psychologin und 

schreibst momentan deine Doktorarbeit. 

Konnte deine Ausbildung dir schon bei deiner 

musikalischen Karriere helfen? 

SARAH: Das Vereinbaren von Musik und Studium 

war immer eine Herausforderung. Da habe ich erst 

einmal gelernt, sehr diszipliniert zu sein. Nur so 

konnte ich beide Wege erfolgreich gehen. Heute 

arbeite ich noch in Teilzeit als Psychologin, die 

Musik ist inzwischen einfach das Allerwichtigste 


STORIES 33 

in meinem Leben. Ich bin dankbar für diese zweite 

Ausbildung, da sie mich gelehrt hat, mich richtig 

zu reflektieren und Menschen genau zu beobachten. 

Das ist sehr inspirierend beim Song - 

writing. Und meine Doktorarbeit habe ich gerade 

fertiggestellt – jetzt kann ich mich wieder voll und 

ganz auf die Musik konzentrieren. 

MM: Siehst du die Musik als Hobby und Aus - 

gleich oder als Berufung? 

SARAH: Für mich ist die Musik meine Berufung, 

meine Leidenschaft, mein Leben. Ich könnte auf 

vieles verzichten, aber nicht auf das. Was mir die 

Bühne gibt, ist durch nichts ersetzbar. 

MM: 2013 hast du als Support für Joe Cocker 

auf der Bühne gestanden. Wie wurde sein 

Team auf dich aufmerksam? 

SARAH: Den Kontakt hat das BY-On-Förder pro - 

gramm hergestellt, und ich war mehr als baff, als 

sein Management mitteilte, dass ich spielen darf. 

Joe Cocker war und ist eine Legende, mit seinen 

Songs bin ich aufgewachsen. Das war 2013 das 

große Highlight für mich und der Startschuss für 

vieles, was danach passierte. 

MM: Konntest du dir etwas von ihm als Mu - 

siker abschauen? 

SARAH: Auf jeden Fall! Seine Bühnenpräsenz hat 

mich umgehauen. Er hat nicht viel Show ge macht, 

aber er war allein durch seine Person umwerfend. 

Und auch seine Band hat mich schwer beeindruckt. 

Das war Energie pur! Joe Cocker stand 

so viele Jahre auf der Bühne, hat unglaubliche 

Höhen und Tiefen als Künstler erlebt und nie aufgehört 

zu singen. Das finde ich unfassbar toll – 

ich wünsche mir auch, mein Leben lang auf der 

Bühne stehen zu können. 

MM: In den letzten Jahren gab es in Deutsch - 

land kaum weibliche Newcomer auf den vorderen 

Plätzen der Charts. Was meinst du, 

woran das liegt? 

SARAH: Das ist wirklich schwer zu sagen. Wir 

werden natürlich auch überschwemmt vom in - 

ter nationalen Musikmarkt, da hat man es als 

deutscher Künstler grundsätzlich nicht so leicht. 

Ich würde mir auf jeden Fall wünschen, dass es 

in Deutschland wieder mehr Frauen bis ganz 

nach oben schaffen. Denn wir haben fantastische 

Musikerinnen. 

MM: Welche Pläne hast du für die nächsten 

Monate? 

SARAH: In den nächsten Monaten steht klar 

meine Tour im Vordergrund. Ich werde unter 

anderem mit GENTLEMAN und LIONEL RICHIE 

spielen, aber auch unzählige eigene Shows stehen 

auf dem Plan. Ich freue mich besonders auf 

den Norden Deutschlands: Im Herbst spiele ich 

zum ersten Mal in Kiel und Hamburg. Meine Band 

und ich haben ein tolles Live-Programm auf die 

Beine gestellt, und wir sind alle schon ganz ungeduldig, 

dass es endlich losgeht. Außerdem schreibe 

ich im Moment schon an neuen Songs, ich will 

Ende des Jahres wieder ins Studio und an einem 

neuen Album arbeiten. 

INTERVIEW: JANA MOYSICH 

FOTOQUELLE: SARAH STRAUB 

SARAH STRAUB 

„RED“ 

VÖ: 30.05.2014 

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36 STORIES 

TEIL 2: CANNED HEAT – Boogie On 

„Boogie With Canned Heat“ war meine zweite 

LP nach „Rubber Soul“ von den Beatles – von 

einem Klassenkameraden empfohlen ein Voll treffer 

einer Band, von der ich noch nichts gehört hatte. 

Damit hat sich mir 1968 die Welt des Blues und 

des Blues Rock geöffnet. Wie oft ich das Album 

seither gehört habe, weiß ich nicht mehr. Als wir 

zum nächsten Musikunterricht unsere Lieblings - 

schall platten mitbringen sollten, hatte ich „Boogie 

With Canned Heat“ im Gepäck. Der Lehrer hatte 

allerdings ganz andere Mitbringsel seiner Klasse 

erwartet. Nachdem er schon zur Single „Hanky 

Panky“ von Tommy James and the Shondells aus 

dem Jahr 1966 seine Augen verdreht hatte, kam 

ich an die Reihe. Keine Minute lief das erste Stück, 

da stürzte er wutschnaubend an den Platten - 

spieler, riss die LP herunter, ohne den Tonarm zu 

heben. Dadurch zog sich ein tiefer Ratscher über 

die LP-Seite, und vor versammelter Klasse ließ 

mich der Pädagoge wissen, dass Eltern, die ihren 

Kindern erlaubten, solche Musik zu hören, mit 

einem nassen Lappen erschlagen gehörten. Was 

hätte er wohl gesagt, wenn er auch noch ge - 

wusst hätte, dass Canned Heat die aus denaturiertem 

Alkohol hergestellte giftige Brennpaste 

Sterno bezeichnet, die arme Teufel schon in den 

1920er-Jahren mit Wasser verdünnten und als 

Schnapsersatz tranken? Entmutigt hat mich der 

gymnasiale Musikunterricht zum Glück nicht: Ich 

kratzte mein Taschengeld zusammen, kaufte mir 

die Platte noch einmal und freute mich auf das 

nächste Album der Band. Und bis 1971 reihte 

sich ein originelles Canned-Heat-Album an das 

andere. Vielfalt und Energie pur! 

Was hatte den Lehrer so in Rage gebracht? Es 

war das energiegeladen pulsierende Stück „Evil 

Woman“ auf einem Album mit vielen Schmuck - 

stücken, das mit einem Showcase der Band 

endet, dem „Fried Hockey Boogie“, in dem sich 

jedes Mitglied gleichermaßen charakteristisch wie 

banddienlich präsentiert: Alan „Blind Owl“ Wilson, 

Bob „The Bear“ Hite, Henry „Sunflower“ Vestine, 

Larry „The Mole“ Taylor und Adolfo „Fito“ de la 

Parra. Dazwischen liegen das mitreißende „Am- 

phetamine Annie“ mit Hite als Leadsänger und 

„On the Road Again“, das als Single veröffentlicht 

und Canned Heats erster internationaler Hit wurde. 

Der wippende Rhythmus, Wilsons gleichförmig 

anmutender Falsett-Gesang und seine Blues- 

Mund harmonika sind bestimmt nicht die Zutaten 

typischer Hitparadenmusik, aber der Song geht 

unter die Haut. 

1965 gegründet, stehen Canned Heat für rockenden 

Boogie, mit dem sie ab „Boogie With 

Canned Heat“ unter anderem den Boogie à la 

John Lee Hooker revitalisierten und als Antwort 

auf den britischen Blues-Boom für Furore sorgten. 

Nach ihrem Auftritt auf dem legendären Monterey 

Pop Festival wurde 1967 das offizielle Debüt- 

Album „Canned Heat“ veröffentlicht. Der Durch - 

bruch aber kam erst mit der LP, die meinen Lehrer 

aus der Fassung hatte geraten lassen. Denn erst 

ab da spielte anstelle des doch ziemlich uniform 

klingenden Drummers Frank Cook der Mexikaner 

de la Parra. Gemeinsam mit Taylor sorgte er für 

den treibenden, häufig explosiven Rhythmus. 

Außerdem hatte sich Vestines Gitarrensound 

grund legend verändert. Nun klang seine Lead gi - 

tarre fett und schneidend, seine Soli wurden mitreißend, 

und sie ergänzten sich wunderbar mit 

Wilsons unverwechselbar klingender Gibson – 

ein Sound, den es sonst nirgends zu hören gab. 

Wilson beherrschte das Slide-Spiel und war Blues- 

Mundharmonika-Spieler par ex cellence. Mit seinem 

Falsett-Gesang drückte er das quälende 

Verlorensein des Blues aus und stand im starken 

Kontrast zu Hites voluminösen, erdigen Organ, 

ebenfalls wie geschaffen für den Blues, dessen 


STORIES 37 

»1965 gegründet stehen 

Canned Heat für 

rockenden Boogie, mit 

dem sie ab „Boogie With 

Canned Heat“ unter 

anderem den Boogie a ` la 

John Lee Hooker 

revitalisierten und als 

Antwort auf den 

britischen Blues-Boom für 

Furore sorgten.« 

Der eigentümlich leicht gespielte, bluesartige 

Hit „Going Up the Country“ vom Doppelalbum 

„Living The Blues“ aus dem Jahr 1969 mit Wilsons 

Gesang und dem Flötenpart folgte dem Cha rak - 

ter von „On the Road Again“ und beeinflusste eine 

ganze Generation. Auf „Living The Blues“ entwickelten 

Canned Heat sich weiter. Beim langen 

Stück „Parthenogenesis“ experimentierten sie 

sogar. Maultrommel und fernöstliche Klänge 

wurden gelungen integriert, dabei John Mayall 

am Klavier, der „Godfather of British Blues“, der 

einige Zeit bei Hite im kalifornischen Laurel Canyon 

wohnte und Canned Heat 1968 auf seinem Album 

„Blues From Laurel Canyon“ das Stück „The Bear“ 

widmete. Ausgerechnet aber der „Refried Boogie“, 

der die gesamte zweite LP des Doppelalbums 

aus füllt, und von dem ich hoffte, er werde den 

„Fried Hockey Boogie“ durch Impro visationen 

Kaleido scope) und 1973 beim „Montreux Boogie“ 

auf dem Montreux Jazz Festival. 

Zum Glück war dies der einzige Wermuts - 

tropfen während der klassischen Canned-Heat- 

Zeit, die spätestens 1972 endete. Das Album 

„Hallelujah“ von 1969 ist gespickt mit Blues-, 

Boogie- und Rhythm-and-Blues-Perlen, wie 

zum Beispiel dem wunderbar intensiven Stück 

„Canned Heat“. Wilsons tragende Stücke sind 

der Hit „Time Was“ und „Get Off My Back“ mit 

seinen bemerkenswerten Rhythmuswechseln. 

Und dieses Mal bereitet der straffe Band-Show - 

case „Down In the Gutter But Free“, bei dem 

Taylor und Vestine ihre Instrumente tauschten, 

enormen Spaß. Die Krönung aber ist ein Jahr später 

„Future Blues“, prallvoll mit außergewöhnlichen 

Stücken. Seien es die vorzüglichen Versionen von 

intime Kenner Hite, Vestine und Wilson waren. 

Markenzeichen von Canned Heats modern rocken 

dem Blues- und Boogie-Stil ist daher auch 

die Song-Auswahl: höchst eigenständige Inter pre - 

ta tionen fremder Stücke und kompetent konzipiertes 

eigenes Material. Dazu enorme Spiel freude 

und hervorragende Arrangements, auf die Wilson 

sich besonders verstand. Es knisterte vor elektrisierender 

Spannung. 

übertreffen, enttäuscht. An Wilsons Solo und Hites 

Gesang ist nichts auszusetzen, Taylors und de la 

Parras Soli sind trotz ihrer beträchtlichen Länge 

immer noch spannend, jedoch verliert das Ganze 

durch Vestines ausuferndes Gitarrensolo. Denn es 

verlässt verbindende Strukturen, um sich stattdessen 

in störenden technischen Spielereien zu 

gefallen – ähnlich wie beim Refried „Kaleido- 

Heat“ Boogie von 1970 (mit David Lindleys Band 

„Sugar Bee“ und „That’s Alright Mama“ oder der 

Hit „Let’s Work Together“, der „Future Blues“, 

das Band-Stück „So Sad“, Wilsons einmaliger 

„London Blues“ über ein Mädchen, das ihn nach 

Strich und Faden an der Nase herumgeführt hat, 

oder sein „Scat“ – mehr Abwechslung auf einem 

einzigen Album ist schwer vorstellbar. Nachdem 

Vestine kurz vor Canned Heats leider bis heute 

immer noch nicht komplett offiziell veröffentlich- 8 

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38 STORIES 

tem Auftritt auf dem Woodstock Festival nach 

einem Streit mit Taylor die Band verlassen hatte, 

war Harvey „The Snake“ Mandel der neue Lead - 

gitarrist, der sich hervorragend einfügte. Davon 

kann man sich auf den diversen, unterschiedlich 

langen CD- und DVD-Ausgaben über das 

Wood stock Festival und auf dem Live-Album 

„Canned Heat ’70 Concert“ überzeugen. Ein 

Highlight dieses Mitschnitts 

ist der „Pulling Hair Blues“ 

mit Wilsons Gesang und 

Blues-Mundharmonika, nur 

begleitet von dem blendend 

aufgelegten Taylor am Bass. 

Canned Heat waren so er - 

folgreich, dass 1969 schon 

das „Cookbook“ als erstes 

Best-Of-Album erschien und 

man ein Jahr später den 

Querschnitt „Collage“ nach - 

schob. 

Aber dann starb Wilson 

am 3. September 1970 

nach einer Überdosis an 

Barbituraten im Alter von 

nur 27 Jahren. Er war ein 

getriebener Mensch, der 

letztlich mit dem Leben nicht zurechtkam und 

das Anti-Bild eines Rock stars war. Wilson hinterließ 

eine Lücke, die sich nicht schließen ließ, hatten 

doch seine Ideen und Interpretationen ganz 

wesentlich die Musik der Band bestimmt. Kurz 

vor seinem Tod wurde mit ihm noch der „Boogie 

Human Condition“ fertig produziert, der damals 

vielleicht Canned Heats nächster Hit geworden 

wäre. Zwar spielten sie das Stück Ende Juni 1970 

mit Wilson auf dem Kralingen Music Festival und 

punkteten mit dem Song und weiteren erfrischenden 

Stücken 1978 in anderer Besetzung und mit 

Hite als Sänger auf der gleichnamigen Takoma- 

LP. Wilsons Fassung wurde aber erst 1994 auf 

der vorzüglichen Doppel-CD „Uncanned“ veröffentlicht, 

die nicht nur eine Werkschau ist, sondern 

auch bis dahin viele unbekannte Songs der 

Band aus ihrer klassischen Phase enthält. 

Apropos Rückblick: Eine wahre Fundgrube mit 

unveröffentlichten Aufnah men ab 1967, viele 

davon mit Wilson, sind auch die drei Doppel-CDs 

„The Boogie House Tapes Vol. 1–3“. 

Nach „Future Blue“ und „Canned Heat ’70 

Concert“ schlossen Taylor und Mandel sich 1970 

John Mayall für dessen Album „USA Union“ an. 

Daher kehrte Vestine zu Canned Heat zurück, 

als neuer Bassist stieg Antonio de la Barreda ein. 

Mit ihnen spielte die Band noch zu Wilsons 

Lebzeiten das 1971 veröffentlichte Doppelalbum 

„Hooker ‘n’ Heat“ ein, ein Musterbeispiel, wie 

sich klassischer und moderner Blues und Boogie 

gegenseitig befruchten. Altmeister John Lee 

Hooker war begeistert und schwärmte von 

Wilsons Blues-Mundharmonika, die unter anderem 

auf dem hochenergetischen Hooker-Stück 

„Boogie Chillen No. 2“ zu hören ist. Er nannte 

Wilson „the greatest harmonica player ever“ und 

»Wilson hinterließ eine Lücke, die sich 

nicht schließen ließ, hatten doch 

seine Ideen und Interpretationen ganz 

wesentlich die Musik der Band bestimmt.« 

sagte von der Band: „I sure like the way you boys 

boogie.“ „Hooker ‘n’ Heat“ ist ein Ritter schlag für 

die Band. Der Veteran trat damals live mit ihr auf 

und Jahre später noch einmal. 1981 erschien 

„Hooker ‘n’ Heat – Recorded Live At The Fox 

Venice Theatre“, und 1988 waren Canned Heat 

auf Hookers CD „The Healer“ hören. 1970 und 

1973 begleiteten sie auch kompetent Memphis 

Slim und Clarence „Gatemouth“ Brown auf den in 

Frankreich produzierten Alben „Memphis Heat“ 

beziehungsweise „Gate’s On The Heat“. 

Mit „Historical Figures and Ancient Heads“ 

gelang der Band 1971 ohne Wilson noch einmal 

ein vergleichsweise dichtes Album. Die ergrauten 

Altersheim-Insassen vom Cover ließen ihre Musik 

kraftvoll pulsieren. Dennoch war der neue Gitarrist 

und Sänger Joel Scott Hill, der seine Qualitäten 

zum Beispiel mit „Sneakin’ Around“ unter Beweis 

stellt, kein zweiter Wilson. Das High light des 

Albums ist das funkensprühende „Rockin’ With 

the King“ mit Hite und keinem Ge rin geren als Little 

Richard als Sängern – ein Ohr wurm. Würdiger Ab - 

schluss des Albums ist Utah mit einem bestens 

aufgelegten Vestine. Ab gesehen von einigen Live- 

Aufnahmen aus jener Zeit, die erst viele Jahre später 

veröffentlicht wurden, konnte die Band keine 

solchen Qualitäts platten mehr zustande bringen, 

wie sie sie bis 1970 in kurzer Zeit scheinbar aus 

dem Ärmel geschüttelt hat. So markiert „The New 

Age“ von 1972 in doppelter Hinsicht den Auf - 

bruch in den Abstieg. Die Band musste ums 

Überleben kämpfen. Ein Beispiel dafür ist der 

Auftritt der Band zum zehnjährigen Jubiläum von 

Woodstock (erhältlich als „Canned Heat Live On 

The King Biscuit Flower Hour“ von 1988), der von 

dem legendären Gig Lichtjahre entfernt wirkt. Auch 

der exzessive Drogenmiss brauch in der Band 

blieb nicht ohne Spuren. Hites Stimme 

hatte gelitten. Er starb nur 38 Jahre 

alt 1981, und Vestine blieb 1997 

während einer Tournee in Paris buchstäblich 

„auf der Strecke“. Dennoch 

schaffte es de la Parra, die Canned- 

Heat-Fackel bis heute hochzuhalten, 

lange Zeit auch wieder mit Taylor und 

dem Mandel. 

Der Canned-Heat-Nimbus hat über 

die Jahrzehnte neben den offiziellen 

neuen Alben (zuletzt 2012 „Revo lu - 

tion“) einen Wust an halboffiziellen 

Ver öffentlichungen, Bootlegs und 

Reissues unter wechselnden Titeln in 

immer wieder neuen Verpackungen 

hervorgebracht. Zur letzteren Kate - 

go rie gehören zwei Alben, die 1970 

und 1971 auf dem Höhe punkt der 

Karriere von Canned Heat veröffentlicht wurden: 

das eigentliche Debüt-Album „Vintage“, 1966 eingespielt, 

aber nicht von dem Kaliber, mit dem die 

Band hätte berühmt werden können, und das 

Live-Album „Live At Topanga Corral“, das 1969 im 

Hollywooder Kalei doscope in mäßiger Tonqualität 

mitgeschnitten wurde. Und auch Best-Of- 

Zusammenstellungen gibt es wie Sand am Meer. 

Das beste Preis-Leistungs-Verhältnis bietet 

wahrscheinlich die CD „Let’s Work Together. The 

Best Of Canned Heat“ von 1989. Und wer Live- 

Aufnahmen „aus der guten alten Zeit“ im Bild 

miterleben möchte: Neben den Woodstock- 

Aufnahmen wird man an den Beat-Club-Auf trit ten 

der Band und speziell an den DVDs „Live At 

Montreux 1973“ und der mittlerweile rar gewordenen 

Ausgabe „Canned Heat – On The Road 

... Again“ von 2008 seine Freude haben – 

„Don’t forget to boogie!“ 

(ES FOGT: WINTERTIME AGAIN – JOHNNY 

WINTER) 

TEXT: DR. NORBERT APING 

FOTOQUELLE: CANNED HEAT 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, Buchautor 

und Leiter des Amtsgerichts 

in Buxtehude. 


STORIES 39 

DÓNAL Ó CEALLAIGH 

„Irish Songs 

(Gäelische Lieder)“ 

VÖ: 19.09.2014 

»Als Solo-Künstler 

nehme ich die traditionelle 

Musik Irlands und 

wandele sie in eine Art „G-Pop“, 

wie ich ihn nenne, um. 

„G-Pop“ steht für gälischer Pop.« 

DÓNAL Ó CEALLAIGH 

MM: Danny, als Dónal Ó Ceallaigh hast du 

jetzt dein erstes Soloalbum mit dem Titel 

„Irish Songs“ herausgegeben. Manche kennen 

dich aus der irisch-keltischen Band 

Celtic Chakra. Warum hast du ein Solo pro - 

jekt gestartet? 

DANNY: Meine erste Solo-CD hat keinen richtigen 

Titel. Auf der CD sind Irish Songs oder eine Be - 

schreibung der irischen Musik. Dónal Ó Ceallaigh 

ist mein gälischer Name und auch mein Pass und 

Führerschein waren immer auf Gälisch. Aber 

dadurch, dass ich in Nordirland Musik machen 

und auftreten wollte, musste ich den Namen 

ändern. Denn die Polizei dort hatte Leute mit gälischem 

Namen als Terroristen unter Ver dacht. Das 

ist nicht so angenehm. Ich war immer Pazifist und 

kein Nationalist. Trotzdem war es gefährlich. Und 

deshalb habe ich eben meinen Namen auf 

Englisch geändert. Wäre die Situation eine andere, 

wäre das nie passiert. Ich werde aber von vielen bis 

heute Dónal genannt. Eine Solo-CD war immer 

mein Ziel, auch schon, bevor ich Celtic Chakra mit 

meinen Freunden gegründet habe. Die Songs, die 

auf meiner CD sind, passen auch nicht zum musikalischen 

Stil von Celtic Chakra. Es gibt zum Bei - 

spiel einen gälischen Bossa. Der würde nie im 

Leben zu Celtic Chakra passen. Als Solo-Künstler 

nehme ich die traditionelle Musik Irlands und wandele 

sie in eine Art „G-Pop“, wie ich ihn nenne, um. 

„G-Pop“ steht für gälischer Pop. Die Instru mental - 

stücke, die ich geschrieben habe, sind sehr traditionell, 

aber ich moduliere und variiere sie in ver - 

schiedenen Tonarten, was in der traditionellen irischen 

Musik selten oder nie passiert. Alle Stücke 

sind in ihrem Kern, in ihrer Seele und in ihren Bau - 

steinen sehr, sehr irisch. 

MM: Was ist für dich das Besondere an der 

irischen Musik? 

DANNY: Die traditionelle irische Musik, die man 

in den Bergen von Irland hört, ist wie ein Grund - 

nahrungsmittel für mich. Sie ist wie Blut, wie 

Sauer stoff. Sie ist für mich ein wichtiges „Super- 

food“. Ich bin damit als Kind in Berührung ge - 

kommen und sofort begeistert worden, als einer 

der besten Fiddler Irlands, John Doherty, in unserem 

Wohnzimmer zu Hause gespielt hat. Es war 

morgens früh, als ich noch geschlafen habe. Das 

war mein „Call to Adventure“, wie man in der 

Mytho logie so schön sagt. Die Magie, mit der er 

gespielt hat, hat in mir als Kind etwas erweckt 

und ich bin seitdem auf irgendeine Art damit 

beschäftigt. 

MM: Die Songs sind fast alle auf Gälisch, 

deiner Muttersprache, gesungen. Du sagst, 

du kämpfst für deine Sprache, solange du 

atmest. Warum ist ein Kampf für Gälisch not - 

wendig? 

DANNY: Als Irland seine Freiheit von England 

bekommen hat, hätte man gedacht, dass die 

gälische Sprache wieder gefördert werden würde. 

Unsere Sprache ist unterdrückt worden und in 

Phasen während der englischen Besetzung von 

Irland sogar in Schulen verboten gewesen. Ganze 

Schulen waren sogar verboten. Nachdem Irland 

von England seine Freiheit und Unabhängigkeit 

ge wonnen hatte, haben die Beamten ihre Arbeits - 

plätze aber weiter behalten. Und eine neue irische 

Regierung hat zusammen mit der katholischen 

Kirche Irland regiert. Alle Schulen sind in 

den Händen der Kirche gelandet und die Kirche 

hat die Sprache nicht gefördert. Die Kirche wollte, 

dass wir „West Brits“ werden, wie kleine katho li - 

sche Engländer. Die Kirche argumentierte, dass 

sie so handelte, weil sie Angst hatte, dass die Iren 

zu ihren alten, vorchristlichen und heidnischen 

Bräuchen zurückkehren würden. So starb die 

Sprache weiter aus. Dann hat in den letzten paar 

Jahren der irische Premierminister Enda Kenny 

davon gesprochen, die gälische Sprache in 

Schulen zu stoppen. Er hat jetzt einen Minister für 

die Gälisch sprechende Gegend, der sich selbst 

aber nicht auf Gälisch ausdrücken kann. 

8 


40 STORIES 

MM: Du bist zwar in Irland aufgewachsen, 

lebst aber in Frankfurt. In welchen Situa tio - 

nen sprichst du Gälisch? Was fasziniert dich 

an dieser Sprache? Warum liebst du sie? 

DANNY: Gälisch ist die zweitälteste Sprache West - 

europas. Auf Platz eins ist die baskische Sprache. 

Mit meinem Hund spreche ich Gälisch, und wenn 

ich irgendeinen Schwachsinn verursacht habe, 

schimpfe ich mit mir selbst auf Gälisch. Wenn ich 

mit meiner Familie in Irland telefoniere, spreche 

ich auch Gälisch, aber in Frankfurt gibt es zurzeit 

leider keinen, mit dem ich mich in meiner Mutter - 

sprache unterhalten kann. Das wird sich aber 

hoffentlich ändern. 

MM: Die Lieder auf der CD sind sehr unterschiedlich 

und abwechslungsreich. Manche 

fröhlich und beschwingt, andere eher me - 

lan cholisch. Geschah dies bewusst oder hat 

sich das so ergeben? 

DANNY: Ich bin ein Mann, also war ich zwar nie 

schwanger, aber meine Songs sind wie Kinder 

für mich. Wenn die auf die Erde kommen, hast 

du keine Ahnung, ob dein Kind sehr nett, lieb und 

einfach oder schwierig sein wird. Eines der Kinder 

könnte sehr egozentrisch sein, ein anderes hilfsbereit, 

ein anderes sehr launisch und eines ein 

sehr schwieriger Mensch. Das kann man vorher 

nicht wissen. Die Lieder kommen raus, wie sie 

sind, und man kann sie nicht bestellen wie einen 

Gegenstand aus einem 3-D-Drucker. Meine 

Songs sind meine Kinder. Es gibt welche, die sehr 

fröhlich sind, andere, die lustig sind, andere me - 

lan cholisch und tief, wieder andere träumerisch 

und so weiter. 

MM: Einige der Songs thematisieren die 

Finanzkrise, die Irland fast zum Verhängnis 

geworden wäre. Du hast gesagt, dass es die 

Aufgaben eines Künstlers seien, Menschen 

eine Stimme zu geben, wenn sie selbst keine 

mehr haben, und der Gesellschaft den 

Spiegel vorzuhalten. Wie genau tust du das? 

DANNY: Ich mache das mit zwei Songs auf meiner 

CD. Die zwei Songs reflektieren Dinge, die Iren 

mir persönlich gesagt haben, oder Dinge, die ich 

Iren im Fernsehen habe sagen hören. Ich habe 

ein Interview gesehen mit einer Frau, die mit ihren 

vier Kindern in Dublin lebt. Das Haus war zu fast 

60% abbezahlt. Dann kam die Finanzkrise. Ihr 

Mann hat seinen Arbeitsplatz verloren und plötzlich 

konnte die Familie die monatlichen Raten für 

ihr Haus nicht mehr bezahlen. In so einer Situation 

nehmen die Banken die Häuser zurück und be - 

halten das Geld. 

Das führte dazu, dass der Ehemann sich das 

Leben nahm, weil er es nicht mehr aushalten 

konnte. Das ist in Irland mehrmals passiert, „Finan- 

cial Suicide“ nenne ich das. Die arme Frau war 

sehr traurig, hat aber gleichzeitig versucht, für ihre 

»Meine Songs sind meine Kinder. Ich habe sie alle 

auf die Erde gebracht und sie liegen mir alle 

sehr am Herzen. Sie sind persönlich, aber behandeln 

auch Themen, die jeden irgendwie betreffen.« 

Kinder positiv zu bleiben. Dieses Interview hat 

mich sehr tief getroffen. Es gab sehr viele ähnliche 

Situationen in Irland. Diese Art von Stories 

haben meinen Kugelschreiber gesteuert, als ich 

die Texte für die zwei Songs geschrieben habe. 

Ich bin ein Mensch, der die Schmerzen von 

anderen fühlt. Ich gebe den Leuten eine Stimme 

durch meine Songs. 

MM: Das Album ist sehr persönlich. Viele der 

Lieder hast du bereits in jungen Jahren kom - 

poniert. Welches ist dein Lieblingslied und 

warum? 

DANNY: Ich habe kein Lieblingskind. Ich habe 

sie alle auf die Erde gebracht und sie liegen mir 

alle sehr am Herzen. Ich könnte sagen, dass das 

blonde Kind mein Lieblingskind ist, aber das 

würde die anderen ärgern. Und meine Songs will 

ich nicht ärgern, denn sonst klingen die schlecht, 

wenn ich sie singe. Die Lieder sind persönlich, 

aber behandeln auch Themen, die jeden irgendwie 

betreffen. So kann sich jeder mit ihnen identifizieren. 

MM: In „Idirlíon“ kritisierst du die Allgegen - 

wärtigkeit des Internets, insbesondere der 

Social-Media-Netzwerke. Was sind deiner 

Meinung nach Gefahren dieser vernetzten 

Welt bzw. der pausenlosen Erreichbarkeit? 

DANNY: „Idirlíon“ ist das gälische Wort für In ternet. 

Es ist ein sehr leichtes und lustiges Lied. Es kritisiert 

Social Media nicht direkt. Ich bin jeden Tag 

mit Social Media beschäftigt. Es macht mir Spaß, 

aber es frisst deine Zeit. Aus zehn Minuten wird 

plötzlich eine Stunde. So lässt es einem weniger 

Zeit für andere wichtige Dinge. Was mich an den 

ganzen digitalen Ent wick lungen ärgert, ist die neue 

StaSi, die wir am Hals haben. Aber es sind nicht 

mehr der Honecker oder Nordkorea, es ist ein 

sogenannter Freund. Ständig ausspioniert zu 

werden von Google, Apple, Microsoft oder einer 

Armee anderer Spione macht müde, und wir verlieren 

unser Vertrauen in die Ehrl ich keit der westlichen 

Firmen und der Regierungen, die die Spio - 

na ge unterstützen. Das schadet unserem kompletten 

System und macht es für Terro ris ten leichter, 

junge Männer in ihren Kampf zu rufen. Aber 

das Internet und Social Media als Kon zept für 

uns, um zu kommunizieren, ist eine sehr positive 

Sache, wenn die Leute, die dahinterstecken, 

respektvoll und ehrlich mit uns um gehen würden. 

Du liebst Irland. In einem Interview hast du 

einmal gesagt, dass Irland wie ein Magnet 

sei, der einen nicht loslässt. Was genau liebst 

du an Irland? Warum lebst du trotzdem in 

Deutschland? 

DANNY: Irland ist eine Frau, ein weibliches Land. 

Die Iren reden von „Mother Ireland“, wie die großen 

irischen Dichter in der Vergangenheit geredet 

haben. Ich liebe meine Mutter. Ich liebe ihre 

Sprache, ihre Musik, ihre Haut, ihre Laune, ihre 

Mythologie, ihre Geschichten, ihre Traurigkeit, ihr 

Lachen, ihre Scherze und so weiter. Ich wohne 

aus mehreren Gründen in Deutschland. Die Kelten, 

meine Vorfahren, meine Verwandten, waren vor 

einer sehr langen Zeit hier auf dem Festland, bevor 

sie zu den Inseln im Norden getrieben wurden. 

Für mich ist es also eine Art „coming home“. 

Zudem habe ich in Irland mit Asthma gekämpft 

und hier habe ich durch ein trockeneres Klima 

Ruhe. Das gemäßigte mitteleuropäische Klima 

passt besser zu mir. Ich habe hier sehr viele gute 

Freunde. Als ich nach Deutschland kam, habe 

ich viele junge Deutsche getroffen, die eine ähnliche 

Einstellung und Weltsicht hatten wie ich. Als 

Musiker ist Irland sehr klein. Man könnte in ganz 

Irland in zwei Wochen spielen – was sollte man 

dann den Rest des Jahres tun? Deutschland ist 

größer und es gibt mehr Auftrittsmöglichkeiten. 

Ich liebe die Kleinkunstbühnen-Szene in Deutsch - 

land. Und zu guter Letzt bin ich aus dem gleichen 

Grund wie die meisten Deutschen hier: 

„because we like it here“. Mit gefällt es hier. 

WEB: WWW.DONALOCEALLAIGH.COM 


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Lothar Scholz, Musik- und 

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des Branchenmagazins 

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Das Branchenmagazin

42 STORIES 

»Wir haben zusammen 

mit dem Filmemacher 

Joe Stall den 

Dokumentarfilm „Freiheit 

in Kinderschuhen“ 

produziert. Im Film 

sprechen Zeitzeugen über 

ihre Erfahrungen 

im geteilten Europa und 

ihre Erlebnisse hinter dem 

den Eisernen Vorhang. 

Wie war das Leben als 

Teenager damals 

und welche Rolle spielte 

die Musik? 

Das Projekt soll den Dialog 

zwischen Schülern und 

Zeitzeugen über 

die Errungenschaften 

in Europa fördern. 

Wie bewahren wir die 

Freiheit heute?« 

BÜRGER7 

Eine Widmung an Siebenbürgen 

BESETZUNG: 

CARO GOOSS – VOCALS 

UWE PELGER – GUITAR | VOCALS 

ERHARD HÜGEL – LEAD-GUITAR | VOCALS 

LEON FRANKE – KEYS |GUITARS | VOCALS 

MM: Mit eurem Projekt „Bürger7“ wollt ihr 

Menschen und deren Erlebnisse vor und 

nach dem Mauerfall musikalisch darstellen. 

Wie seid ihr auf diese Projektidee gekommen? 

ERHARD HÜGEL: Nach vielen Jahren in einer 

Cover band hegte einer von uns, Uwe, schon lange 

den Wunsch, auch mal eigene Lieder zu schreiben. 

Mit einem ehemaligen Schulfreund hatte er 

für ein Klassentreffen etwas in siebenbürgischer 

Mundart aufgenommen. Das hatte ihn inspiriert 

und den verschütteten Traum von der eigenen 

Musik wiederbelebt. Und wie das Schicksal so will, 

hat Uwe dann andere als weitere Mitstreiter für die 

Idee gewonnen – Musiker, Arranger, Filmer. Von 

Anfang an hat Uwe über Themen wie Freiheit 

geschrieben, weil er den Fall des Eisernen Vor - 

hangs hautnah erlebt hatte, als er aus Sieben - 

bürgen nach Deutschland kam. 

MM: Was soll uns der Name „Bürger7“ 

sagen? 

CARO GOOSS: „Bürger7“ ist ein Synonym für 

Sieben bürgen, weil die meisten Bandmitglieder 

ihre Wurzeln in Siebenbürgen, also Transsilvanien, 

haben. Das Projekt „Bürger7“ hat zum Ziel, Pop- 

Rock-Musik mit siebenbürgischen Musik ein flüs - 

sen zu verbinden. Wir möchten auf unsere Ge - 

schichte aufmerksam machen und Sieben bür gen 

mit modernem Antlitz präsentieren. 

MM: Ihr seid vier sehr verschiedene Mu siker. 

Wie habt ihr zueinander gefunden? 

UWE PELGER: Erhard und ich kannten uns über 

Erhards Cousin schon von früher aus Sieben - 

bürgen. Vor einiger Zeit hatte ich Erhard von der 

Idee „Transylvanica“ erzählt. Das hatte ihn elektrisiert, 

weil er diese Sehnsucht auch verspürt 

hatte, seitdem er Siebenbürgen verlassen muss- 

te. Und so hat er auch an der Neu auf nahme des 

Songs „Free“ mitgeschrieben, der der Sound track 

zum Dokumentarfilm ist. Dann kam noch Sängerin 

Caro zu uns, weil ihr Bruder zuerst für uns bei 

einem Benefiz für die Peter-Maffay-Stiftung in 

Siebenbürgen in Rumä nien trommelte. Der Bassist 

Harald hatte in einem Orchester mit Erhards 

Schwager gespielt und so kam der Kontakt zu 

Uwe zustande. Wir haben so zueinander gefunden, 

wie sich früher Kult-Bands kennengelernt 

haben: Über das Schicksal statt Casting. 

MM: Wie funktioniert die Zusammenarbeit, 

da ihr ja recht weit voneinander entfernt 

wohnt? 

LEON FRANKE: Im Zeitalter der Digitaltechnik stellt 

eine räumliche Distanz glücklicherweise keine 

Hürde mehr dar. Die Kommunikation bei uns läuft 

über Social Media, E-Mail, SMS und WhatsApp. 


STORIES 43 

Nichtsdestotrotz greifen wir aber auch oft zum 

guten, alten Telefon. Auf musikalischer Seite ist die 

Distanz auch kein Problem. Tonstudios sind heut - 

zutage sehr miteinander vernetzt, und so ist es 

Siebenbürgen auch mal eine deutschsprachige 

Minderheit gab und noch heute gibt. Sogar der 

neue Staatspräsident Klaus Johannis ist Ru mä - 

nien deutscher, und wir sind nun voller Hoffnung 

diskussion über das freie Europa war uns wichtig. 

Insbesondere in der heutigen Zeit ist es wichtig, 

sich die Errungenschaften der vergangenen 25 

Jahre bewusst zu machen. Ich kenne noch Zeiten 

der Zensur, wo ich bestimmte Songs in Sieben - 

bürgen während der damaligen kommunistischen 

Diktatur Rumäniens nicht singen durfte. 

möglich, in mehreren Studios und mit vielen 

Musikern und bekannten Gesichtern in ganz 

Deutschland zu produzieren und sich die kreativen 

Bälle zuzuspielen. Im Live-Bereich steht ein 

festes Programm für Gigs immer abrufbereit, da 

jeder von uns vorbereitet ist. Steht ein großes 

Konzert oder ein besonderes Event an, dann treffen 

wir uns im Proberaum und dann wird geübt 

und ausprobiert. Letztlich kann man sagen, dass 

es vielleicht auch genau dieser Umstand ist, der 

den Sound und den Erfolg von „Bürger7“ prägt. 

Nicht umsonst nennen wir uns gerne auch 

„gruppendynamisches Langzeit ex pe riment“. 

MM: Was wollt ihr mit eurem Projekt erreichen? 

UWE PELGER: Wie gesagt, wir möchten Sieben - 

bürgen mit moderner Musik kombinieren. Als 

Band können wir ein Stück weit Botschafter dafür 

sein und auf die Entwicklungen in der alten Heimat 

aufmerksam machen. Manche erfahren durch 

unseren Auftritt, dass es Transsilvanien wirklich 

gibt und dass die Region auch Siebenbürgen 

heißt. Oder unsere Zuhörer erfahren, dass es in 

für die Zukunft des Landes. Uns ist es wichtig, 

die Brücken nach Siebenbürgen in Rumänien zu 

stärken. Neue Songs sind uns da genauso wichtig 

wie alte Traditionen zu pflegen. Wir verquicken 

gerne auch Folklore-Riffs mit moderner Pop-Rock- 

Musik. Einige ausgewählte Songs nehmen wir als 

Bonustracks sogar in siebenbürgischem Dialekt 

auf, was auch der Spracherhaltung hilft. 

MM: Ihr habt einen Doku men tarfilm produziert, 

der Zeitzeugen vorstellt. Wie kam es zu 

dieser Projekterweiterung? 

ERHARD HÜGEL: Der innere Antrieb von „Bürger7“ 

ist das Freiheitsgefühl von 1989. Dieses spiegelt 

sich in unserem Song „Free“ wider. Darauf wollte 

Uwe ein Hörspiel aufbauen. Dann fragte ihn aber 

der Filmemacher Joe Stall, ob er sich auch einen 

Dokumentarfilm vorstellen könnte. So entwickelten 

wir das Drehbuch zu „Freiheit in Kinder - 

schuhen“. Während der Dreharbeiten durften wir 

auch Zeitzeugen-Interviews mit Hans-Dietrich 

Genscher, Peter Maffay und Horst Köhler führen. 

Wir hatten schon ein Preview mit Schul klassen 

im Luna-Kino und die anschließende Podiums - 

MM: Was waren besondere Herausforde run - 

gen bei der Filmproduktion? 

UWE PELGER: Zunächst brauchten wir ein Start - 

kapital, um die Reisen zu den Drehorten zu 

finanzieren. Dazu haben uns viele Unterstützer 

über das Crowdfunding geholfen. Damit sind wir 

nach Rumänien geflogen. Erhard hat im alten 

Stadtpark Gitarre gespielt wie damals vor der 

Revolution. Es war eine Zeitreise für ihn, insbesondere 

auch, als er wieder zum Bahnhof ging, 

wo er vor mehr als 25 Jahren mit der Familie auf 

unbestimmte Zeit nach Westen ausreisen durfte. 

Es gab viele emotionale Momente während der 

Filmproduktion. Eines der Highlights war, Peter 

Maffay zu treffen und über die Erfahrungen der 

Aussiedlung zu reflektieren, aber auch über die 

Chancen, die sich im freien Europa ergeben. So 

auch im heutigen Siebenbürgen, wo sich Peter 

Maffay sehr stark für den Wiederaufbau und den 

Kinderschutz engagiert. 

MM: Welche Ziele, Träume und Visionen habt 

ihr mit „Bürger7“ für die Zukunft? 

CARO GOOSS: Nun, unser Ziel ist es, qualitativ 

hochwertige und interessante Songs zu schreiben 

und zu produzieren. Der Traum ist es, dafür 

Anerkennung zu bekommen und davon leben zu 

können. Wenn die Musik sich finanziell selber 

trägt – das wäre traumhaft. Und was die Visio - 

nen anbelangt: Wer welche hat, der sollte zum 

Arzt gehen. 

WEB: WWW.BUERGER7.COM 


FOTOS: SIEGLINDE SCHUSTER 


44 MUSIKBUSINESS 

DER ERFOLGREICHE VIDEO-RELEASE 

Das Märchen vom schnellen YouTube-Erfolg 

wird immer noch gerne so dargestellt: Band 

lädt Video hoch, wie von Geisterhand wird das 

Video geklickt, geteilt, alles wird „viral“ und plötzlich 

tanzen alle Gangnam Style. Wenn wir aber 

genau hinsehen und -hören, stellen wir fest, dass 

auch ein scheinbar simpler Video-Upload nahezu 

wie eine Albumveröffentlichung beworben werden 

will. 

Ein Musikvideo hatte schon immer zwei Funk - 

tio nen: Es soll unterhalten und gleichzeitig Wer - 

bung machen. Werbung für die neue Single oder 

das bevorstehende neue Album. Somit war es 

seither auch Aufgabe der Labels, dieses Werbe - 

mittel bei den Fans zu bewerben. Heute hat sich 

zwar das Medium, nicht aber die Vorgehens weise 

geändert: Man macht Werbung für die Werbung, 

um am Ende die Verkäufe eines Pro duktes, hier 

der Musik, zu optimieren. 

Um das Beste aus einem Video Release herauszuholen, 

müssen Vorbereitungen getroffen 

werden, die zusammengefasst durchaus als Kam - 

pagne bezeichnet werden können. Aufgaben 

innerhalb der Band sollten klar verteilt werden, 

das Video bereits vor der Veröffentlichung hochgeladen, 

aber noch auf „nicht öffentlich“ geschaltet 

werden. So lassen sich manche böse Überra- 

schungen vermeiden und einem entspannten 

Release sollte nichts mehr im Wege stehen. 

Am Tag der Veröffentlichung geht es dann rund 

im Lager der Band. Alle Aufmerksamkeit gilt dem 

neuen Video, dessen Veröffentlichung und vor 

allem der Vermarktung dieses Clips. Nachdem das 

»Man macht Werbung für die Werbung, 

um am Ende die Verkäufe eines Pro duktes, 

hier der Musik, zu optimieren.« 

Video dann endlich freigeschalten wurde, geht es 

darum, bereits am ersten Tag die größtmögliche 

Wirkung zu erzielen. Aber wie? 


MUSIKBUSINESS 45 

DIE „100-FREUNDE-LISTE“ 

Internetmarketer Chris Guillebeau empfiehlt, 

am Tag einer Produktveröffentlichung (hier das 

Musik video) eine E-Mail an 100 Freunde und Be - 

kannte zu schicken, mit der Bitte, die frohe Kunde 

per Weiterleitung und als Post zu verbreiten. So 

kannst du also am Tag der Veröffentlichung 100 

Freunde anschreiben, ihnen den direkten Link 

geben, um sich das Video selbst anzusehen, 

sowie gleich noch den fertigen Einbett-Code, um 

es ihnen zu erleichtern, das Video auf ihren Social- 

Media-Profilen zu teilen. 

YOUTUBE-KANÄLE 

Selbst wenn du neu bei einem Videoportal 

bist, lassen sich im Vorfeld Kontakte zu anderen 

Kanalbetreibern aufbauen. Hier suchst du nach 

Kanälen, die sich exakt mit deiner Stilistik befassen. 

Frag höflich an, ob die Betreiber bereit wären, 

dein Musikvideo an Tag 1 über ihren Kanal zu teilen. 

Um bereits etwas in der Hand zu haben, 

kannst du im Vorfeld schon den einen oder 

anderen Song mit Standbild hochladen, um die 

Kanal betreiber von der Qualität deiner Musik zu 

überzeugen. Am Tag der Veröffentlichung sendest 

du den Betreibern dann eine Nachricht, in 

der du deine Bitte noch einmal formulierst. Selbst 

wenn die Betreiber deinen Kanal bereits abonniert 

haben, solltest du nicht auf diese Extra - 

nachricht verzichten – denn nichts geschieht von 

alleine, und je persönlicher der Kontakt, umso 

effektiver. 

PRESSEMITTEILUNG 

Ein neuer Videoclip, sofern es sich um ein 

richtiges Musikvideo handelt, ist durchaus eine 

Pressemitteilung wert. Schreibe deine Medien - 

kontake, insbesondere Blogs und Webzines, an 

und bastle eine nennenswerte Story um dein 

Video: Ist es ein Teaser für das neue Album, das 

demnächst kommen wird? Ein nachgereichter Clip 

zum bereits veröffentlichten Album? Ein Standalone-Video 

zwischendurch? Gerade Online - 

medien sind interessiert an guten Newsmeldun - 

gen, um so selbst stets auf dem neuesten Stand 

zu sein. Wichtig ist wieder der Einbett-Code am 

Ende der Mitteilung. Copy & Paste macht es den 

Redakteuren nämlich sehr leicht, eine Presse - 

mitteilung zu veröffentlichen, da zum Formulieren 

eigener Artikel nur sehr begrenzte Zeit vorhanden 

ist. 

NEWSLETTER 

Wenn du eine Mailingliste betreibst, solltest du 

sie genau für solche Meldungen nutzen. Es ist 

durchaus sinnvoll, den Video-Release bereits in 

zwei oder drei vorhergehenden E-Mails anzukündigen, 

um dadurch das Interesse sowie die Auf - 

merk sam keit deiner Leser zu steigern. Auch hier 

fügst du wieder den direkten Link zum Video 

sowie den Code zum Einbetten mit ein und bittest 

deine Leser, das Video bei Gefallen zu teilen. 

FACEBOOK-FREUNDE 

Die Band SERGEANT STEEL hat am Tag ihrer 

Videoveröffentlichung alle (!) ihre Facebook Freun - 

de persönlich angeschrieben. Persönlich heißt 

hier mit persönlicher Anrede und ggf. einem persönlichen 

Bezug („Hallo Manfred, ist dein Hund 

wieder gesund?“). Das übliche „Hey, check out 

»Die Veröffentlichung eines Musikvideos 

nimmt also einiges an Zeit und Energie in Anspruch. 

Daher musst du sie gut planen – 

und überlege dir genau, was dein Video für dich tun 

soll, und schaffe dafür die Voraussetzungen.« 

our video, share it and like us“ solltest du dringlichst 

vermeiden. Selbstverständlich fügst du wieder 

das Video per Link in die Nachricht ein und 

bittest höflichst darum, selbiges zu teilen. 

FACEBOOK-GRUPPEN 

Du kannst deine Präsenz erhöhen, wenn du 

dafür sorgst, dass dein Video in stilistisch relevanten 

Facebook-Gruppen gepostet wird. Dazu 

beauftragst du am besten ein paar vertraute 

Menschen, dies unter ihrem Namen zu tun. Das 

wirkt authentischer, als wenn die Band selbst 

sämtliche Gruppen zupflastert. 

FACEBOOK-EVENT 

Ähnlich wie du dein Video bereits im Vorfeld 

über deinen Newsletter ankündigst, kannst du 

dies auch über ein eigens eingerichtetes Face - 

book-Event tun, dort zum Beispiel mit Outtakes 

und Fotos des Videodrehs die Neugier deiner 

Fans wecken und am Tag der Veröffentlichung 

mit einem Paukenschlag das Video posten. 

EIGENE SEITEN UND PROFILE 

Nicht vergessen, das Video auch auf der band - 

eigenen Website sowie auf sämtlichen Profilen 

zu posten, die das Einfügen von Videos ermöglichen. 

Falls du ein Label hast oder mit Promotern 

zusammenarbeitest, solltest du diese ebenfalls 

mit ins Boot holen. 

All das sollte dir tatsächlich am Tag der Ver - 

öffentlichung gelingen. Je nach Anzahl der persönlich 

angeschriebenen Facebook-Kontakte darf 

sich diese Aktion auch länger hinziehen – bleibe 

aber auf jeden Fall mit Engagement am Ball. Das 

realistische Ziel sollte sein, an jenem Tag eine derartige 

Reichweite zu erzielen, die innerhalb von 24 

Stunden zu mindestens 1 000 Views führt. 

UND DANACH? 

Ein Musikvideo rein per se zu veröffentlichen 

ist nicht verboten, es bringt aber nicht allzu viel, 

zumal die Vergütung nach wie vor sehr niedrig 

bleibt. Wie bereits oben beschrieben, ist das 

Video nicht nur ein Unterhaltungsmedium, sondern 

auch ein Werbemittel. Dem Video sollte also 

unbedingt innerhalb von vier bis sechs Wochen 

eine Albumveröffentlichung folgen, sofern das 

Album nicht schon auf dem Markt ist. 

In der Beschreibung des Videos sowie per 

Cards oder Annotationen solltest du also auf dein 

Album hinweisen. Füge dazu unbedingt den Link 

zu deiner eigenen (!) Shopseite ein sowie Direkt - 

links zu den drei oder vier wichtigsten Outlets, bei 

denen deine Musik erhältlich ist. Steht die Album - 

veröffentlichung noch bevor, ist ein Verweis auf die 

Möglichkeit zur Newsletteranmeldung rat sam, um 

die Betrachter längerfristig binden zu können. 

Die Veröffentlichung eines Musikvideos nimmt 

also einiges an Zeit und Energie in Anspruch. Daher 

musst du sie gut planen und vor allem dem Video 

einen klar definierten Platz in deinem gesamten 

Marketing zuteilen, sprich: Überlege dir genau, 

was dein Video für dich tun soll, und schaffe dafür 

die Voraussetzungen. 

TEXT: JULIAN ANGEL 

FOTO: © RAWPIXEL/FOTOLIA.COM 

Julian Angel ist Organisator der MusicBiz 

Madness Konferenz, die am 11.10.2015 in 

Frankfurt/Main stattfindet. DRMV-Mitglieder 

er halten einen Sonderrabatt. Die Anmeldung 

wird ca. ab Juni 2015 möglich sein. Über den 

MusicBiz Madness Newsletter bleibst du auf 

dem Laufen den und erhältst weitere Tipps 

rund um das Musikbusiness: 

www.musicbizmadness.de bzw. 

www.musicbizmadness.de/newsletter 


46 MUSIKBUSINESS 

Teil 2 – GEMA: 

RECHTSSTAATSWIDRIG? 

»Immer mehr Gerichtsurteile von Landes-, Oberlandes-, und 

Kammergerichten, aber auch des Bundesgerichtshofes, 

scheinen von der GEMA in ihren Aktivitäten 

gegenüber ihren ca. 65.000 Mitgliedern nicht beachtet zu werden. 

Aus diesem Grunde haben wir eine Urteilssammlung 

der verschiedenen Gerichte zusammengestellt und ausgewertet, 

um diesen Vorwurf gegen die GEMA zu prüfen. 

Die Nichtbeachtung dieser zum Teil höchstrichterlichen 

Urteile haben für wahrscheinlich Hunderte 

GEMA-Mitglieder fatale und existenzbedrohende Auswirkungen, 

die hier beschrieben werden sollen.« 

Was sagen nun die deutschen Gerichte 

zu ähnlichen Vorgehensweisen der GEMA? 

URTEIL DES LANDGERICHTS 

BERLIN VOM 19.02.2013, 

GESCHÄFTSNUMMER 16 O 159/12: 

Das Gericht stellt in seinem Urteil fest, dass 

die GEMA verpflichtet ist, ca. 1.911 von ihr ge - 

sperrte Werkaufführungen (gespielte Songs) ge - 

mäß der Sparte U (Pauschalvergütungen unter 

Berücksichtigung des bis 2012 gültigen Pro-Ver - 

fahrens) zu berechnen. Ebenso stellte das Ge - 

richt fest, dass die GEMA gleichfalls verpflichtet 

ist, die in der Klageschrift aufgeführten 842 von 

ihr gesperrten Werkaufführungen aus 153 Veran - 

staltungen nicht über eine Netto-Einzel ver rech - 

nung (Mini-Ausschüttung), sondern nach der 

Spar te E (Pauschalvergütung) zu berechnen (we- 

sentlich höhere Ausschüttung). 

Zuerst einmal teilte die GEMA den Betroffenen 

mit, dass sie eine normale Verrechnung nicht vor - 

nehmen könne, weil (…) „eine allgemeine Markt - 

nachfrage für diese Werke/Songs fehlt (…)“?! 

Die GEMA vertritt hier also die Auffassung, dass 

grundsätzlich all die Werke/Songs von einer or - 

dent lichen Verrechnung ausgeschlossen werden 

müssen, von denen sie „glaubt“, dass diese 

Werke niemanden interessieren! Das kann z. B. 

dann passieren, wenn auf einem Konzert nicht 

100, 200, 300 oder mehr Besucher anwesend 

sind, sondern unglücklicherweise nur zwischen 

1 und z. B. 20. Wenn also Musikgruppen irgendwo 

in Deutschland eigene Konzerte veranstalten 

oder zu Konzerten eingeladen werden und der 

Konzertveranstalter oder sie selbst wenig Wer - 

bung gemacht haben, kann es passieren, dass 

die GEMA die dann von diesen Musikgruppen 

und Interpreten eingesandten Musikfolgebögen, 

in denen all die Songs aufgelistet sind, die auf 

der Bühne gespielt wurden, in den Papierkorb 

schmeißt und von der Verrechnung gänzlich ausschließt 

oder eine sogenannte Minimal verrech - 

nung vornimmt. Das zwischen 1999 und 2012 

angewandte Pro-Verfahren würde dann für Ab - 

rechnungen der Jahre 2010, 2011 und 2012 nicht 

mehr als Verrechnungsgrundlage dienen. 

In einer Mitgliederversammlung hat die GEMA 

den Beschluss durchgebracht, dass auf einem 

Wie begründete die GEMA ihr drastisches Vorgehen 

der totalen Sperrung von ca. 2.750 Songs/Werken? 

Konzert mindestens zehn Personen anwesend 

sein müssen, um nicht nach der Direktver rech - 

nung (Minimalverrechnung) in die Ausschüttung 

zu gelangen. 

DAS URTEIL DES LANDGERICHTS 

BERLIN STELLT ZU DIESER 

REGELUNG FOLGENDES FEST: 

„Mit dem Erfordernis der ,allgemeinen Markt - 

nachfrage‘ greift die GEMA für die Teilnahme der 

Programme an der Kollektiv- oder der Netto einzel - 

verrechnung auf ein Kriterium zurück, das den 

übrigen Bestimmungen des Verteilungsplans 

fremd ist. Der Begriff der Marktnachfrage findet 

sich weder in anderen Sparten, wie z. B. in der 

Sparte Rundfunk, noch auf der Einnahmeseite 

bei der Festlegung des Lizenzierungsentgeltes.“ 

„Zwar mag man in der Abhängigkeit der Ein nah - 

men von der Größe des Veranstal tungs raumes 

indirekt ein Indiz/Hinweis für eine Nachfrageab - 

hängigkeit erkennen, wenn man davon ausgeht, 

dass die Anmietung eines größeren Veranstal - 

tungs raumes die Erwartung des Veranstalters für 

einen stärkeren Publikumszuspruch widerspiegelt, 

zwingend ist dies indes keineswegs.“ 

Das Berliner Landgericht kritisiert hier die 

Be nutzung des GEMA-Kriteriums „allgemeine 

Markt nachfrage“. Der GEMA wird mit diesem Urteil 

– so lange nicht ein höheres Gericht anders urteilt 

– praktisch untersagt, dieses Kriterium der „allgemeinen 

Marktnachfrage“ bei zukünftigen Ver - 

rech nun gsausschlüssen ihrer Mitglieder zu be - 

nutzen. 

Das Berliner Landgericht stellte in seinem Ur - 

teil vom Frühjahr dieses Jahres gleichfalls fest, 

dass „die systematische und gleichförmige Ge - 

staltung der Programme, der eingeschränkte 

Ver anstalterkreis, die persönliche und wirtschaftliche 

Verbundenheit der Beteiligten (Veranstalter/ 

Musiker bei Eigenkonzerten) sowie die Nutzung 

eigener Werke ebenfalls nicht auf einen Miss - 

brauch schließen lassen“. Und – wie das Berliner 

Kammergericht bereits mehrfach entschieden hat 

(KG Urteil vom 03.07.2009 – 5 U 103/06 TZ 3, 

abrufbar über juris, Urteil vom 07.01.2011 – 5 U 

195/07) –, kann selbstverständlich eine häufige 

Nennung einzelner Bezugsberechtigter, Kom po - 

nisten und Texter auch auf dem Bestreben beruhen, 

sich und ihr Werk bzw. das von einem Ver - 

leger vertretene Werk dem Publikum bekannt zu 

machen und die von der GEMA reklamierte Markt - 

nachfrage auf diesem Weg erst zu erzeugen. Dies 

kann auch dadurch unterstützt werden, dass das 

Konzert für das Publikum sogar kostenfrei ist. 

Hier urteilt das Berliner Landgericht in aller Ein - 

deutigkeit, dass der Ausschluss von Konzerten 


MUSIKBUSINESS 47 

und Musikfolgebögen und der folgenden Ver - 

rechnung mit der Begründung, dass hier eine Band 

oder ein Einzelinterpret auf selbst organisierten 

Konzertveranstaltungen, in denen die Band/Inter - 

pret ihre/seine Eigenkomposition spielt, unhaltbar 

ist. Mit diesem Urteil wird der GEMA ebenfalls 

untersagt (bis ein gegensätzliches Urteil eines hö - 

heren Gerichtes ergeht), diese Begrün dung zu - 

künftig weiter anzuwenden. 

Jedem ist klar, dass es in Deutschland Tau sen - 

de von Musikgruppen und Interpreten gibt, die 

eigene Konzerte veranstalten und die es als ihre 

musikalische und künstlerische Aufgabe ansehen, 

selbst zu komponieren, zu texten und in ihren eigenen 

Konzerten ihre eigenen Songs aufzuführen. 

Dass die GEMA und ihr „Aufsichtsrat“ auf die 

ver rückte Idee kommen, dieses Kriterium der 

„Selbstaufführung von eigenen Songs in selbst or - 

ganisierten Konzerten“ überhaupt mit Miss trauen 

zu überschütten, zeigt, dass sie vom Ge samt - 

bereich der Rock- und Popmusik in Deutsch land 

keine Ahnung haben. 

Nach unserer Schätzung spielen über 50 % 

aller Musikgruppen in Deutschland, d.h. Tausen - 

de, eigene Werke, selbst komponierte und ge - 

textete Songs in ihren Konzerten. Wo kämen Peter 

Maffay, Udo Lindenberg und Herbert Grönemeyer 

hin, wenn die GEMA ihre Konzertverrechnungen 

mit der Begründung von der Verrechnung ausschließen 

würde, sie würden zu viele eigene Werke 

in ihren Konzerten spielen? Aber an diese Stars 

wagt sich die GEMA mit ihrer Argumentation na - 

türlich nicht ran! 

Das Berliner Landgericht führte weiter aus, dass 

„schließlich auch das auffällige Missver hält nis zwischen 

Lizenzeinnahmen (der GEMA) und Tan - 

tiemen ausschüttungen (an die GEMA-Mit glie der) 

sich als untaugliches Abgrenzungs kri terium er - 

weist.“ „Im Bereich der ernsten Musik muss es 

schon deshalb versagen, weil gerade Aufführun - 

gen ernster zeitgenössischer Musik wenig Zu - 

schauer finden und deshalb auch vergleichsweise 

für die GEMA wenig Lizenzeinnahmen generieren.“ 

… „Damit“, so das Gericht, „ist ein ge wisses 

Ungleichgewicht zwischen der Höhe der aus den 

Konzertveranstaltungen erzielten Ein nah men für 

die GEMA und der Höhe der an die Be rech tig ten 

(Urheber) auszukehrenden Tantiemen von vorn - 

herein in den Verteilungsgrundsätzen (der GEMA) 

angelegt.” Gleiches gilt auch für die Rock- und 

Popmusik! 

(FORTSETZUNG IN DER AUSGABE 3/2015) 

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FOTO:© IROCHKA/FOTOLIA.COM 

© 2015 Shure Incorporated 

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48 MUSIK & RECHT 

INSTRUMENTENVERSICHERUNG 

Sind eigentlich meine Musikinstrumente 

über die Hausratversicherung bereits abgedeckt? 

»… mit diesen oder auch 

anderen Fragen 

haben sich fast schon alle 

Musiker einmal 

beschäftigt, wenn es 

darum geht, 

ob man sich für Extrageld 

noch eine eigene 

Instrumentenversicherung 

leisten sollte.« 

Wie bereits im letzten Heft angekündigt, 

wird uns Christian Raith, Geschäftsführer 

und Inhaber der Eberhard, Raith & Partner GmbH 

– erpam mit Rat und Tat zur Seite stehen. Mit seinem 

Team beschäftigt er sich täglich mit solchen 

Fragen. 

MM: Christian, was ist an solchen Aussagen 

dran, dass die Instrumente über die Haus rat - 

ver sicherung bereits abgedeckt sind? 

CHRISTIAN RAITH: Generell ist da ein kleiner An - 

teil an Wahrheit mit dabei. Natürlich sind Musik - 

instrumente im Rahmen einer Hausratver sicherung 

mit abgedeckt. Aber: hier gelten nur die klassischen 

Gefahren wie Feuer, Einbruchdiebstahl, Sturm und 

Hagel als mitversichert. Aber noch schlim mer ist: 

Das gilt nur am Versicherungsort, der im Normal - 

fall die Wohnung oder das Haus ist. 

MM: Wie sieht es dann bei anderen Schä den 

aus? Oder bei Gigs bzw. im Probe raum? 

CR: Genau das ist das Problem. Die Gefahr, dass 

mein Instrument daheim einen Sturmschaden er - 

leidet, ist sehr gering. Viel wichtiger ist es doch, 

dass man auch im Proberaum, auf der Bühne oder 

während des Transportes versichert ist. 

MM: Was wäre denn dann versichert? 

CR: Besser wäre es zu fragen, was dann nicht 

als mitversichert gilt, denn die Musikinstru men ten - 

versicherung ist eine All-Gefahren-Deckung. Das 

heißt, dass erst einmal alles mitversichert ist, was 

nicht ausgeschlossen ist. Und diese Aus schlüsse 

sind eigentlich sehr kurz gefasst, nämlich die 

„vorhersehbaren Schäden“. 

MM: Was versteht man darunter? 

CR: Wenn ich im Vorfeld weiß, dass sich der 

Schaden ereignen wird, dann ist das vorhersehbar. 

Ein Beispiel: Es regnet und ich stelle mein 

Key board ungeschützt auf die Open-Air-Bühne. 

Dann weiß ich, dass das Keyboard einen Schaden 

erleiden wird. Aber auch wenn ich bei meinem Gig 

die Gitarre gegen den Lautsprecher schlage, weiß 

ich, dass sie zu Bruch gehen wird. Solche und 

andere vorhersehbaren Schäden kann natürlich 

kein Versicherer tragen. 

MM: Das kann doch nicht sein. Ver siche run - 

gen sind doch bekannt dafür, dass es viele 

Ausschlüsse gibt und sowieso nicht bezahlt 

wird. 

CR: Ja, das ist in einigen Bereichen wirklich so, 

aber deshalb hat man diese speziellen Be din gun - 

gen schon vor über 20 Jahren anders aufgebaut 

und damit für Klarheit gesorgt. 

MM: Das hört sich fast zu gut an, um wahr zu 

sein. Sind meine Instrumente dann auch im 

Auto versichert? Was passiert, wenn man mir 

mein Mikro von der Bühne klaut? Und was 

ist, wenn im Proberaum eingebrochen wird? 

CR: Ihr wollt es wirklich nicht glauben, aber alles 

davon ist versichert. 

MM: Gut, aber dann wird mich die Ver siche - 

rung natürlich richtig viel Geld kosten. 

CR: Das liegt natürlich ein wenig an dem Neu wert 

deiner Instrumente. Aber man kann mit einem 

Prämiensatz zwischen 1 und 2% am Markt rechnen. 

Es gibt noch verschiedene Mindestprämien 

der Anbieter. Bei uns liegen die Prämien bei 1% 

und einem Mindestbeitrag von 50 Euro. Aber das 

soll auch keine Werbeveranstaltung werden. 

MM: Das heißt, wenn ich z.B. Equipment von 

7 500 Euro habe (wenn ich dich richtig ver- 


MUSIK & RECHT 49 

standen habe, dann redet ihr vom Neuwert), 

kostet mich die Versicherung 75 Euro. Mo - 

natlich? 

CR: Das wäre schön für uns. Nein, jährlich! Aber 

sind wir ehrlich, die Versicherungssteuer von 19% 

kommt noch on top. 

MM: Das hört sich wirklich gut an. Unter - 

scheiden sich die Marktteilnehmer in ihren 

Angeboten und Bedingungen? 

CR: Klar, natürlich steckt auch hier der Teufel im 

Detail. Immer noch gibt es Anbieter, die einen 

Aus schluss zwischen 22 und 6 Uhr früh im 

mobilen Einsatz haben. Das ist natürlich völliger 

Blödsinn für Musiker. Genau dann sind doch alle 

unterwegs. Aber auch andere Bereiche wie Gel - 

tungs bereich, Selbstbehalt, Neu- oder Zeit wert - 

en t schä digung, Versicherungsschutz im Auto oder 

auf Reisen sind Punkte, die sich massiv unterscheiden 

können. 

versicherung. Das heißt, der Musiker gibt den 

Neu wert an und erhält im Schadenfall dann auch 

den Neuwert seines Instrumentes, egal wie alt 

das Gerät ist. Bei Liebhaberstücken oder bei Wert - 

steigerungen muss der Kunde die Wert an gabe 

seiner Instrumente immer wieder anpassen. So 

haben wir einige Kunden, die uns einmal im Jahr 

die neuesten Werte angeben und wir dann die 

Versicherungen anpassen. So besteht immer der 

richtige Versicherungsschutz. 

MM: Kann sich eine Band auch gemeinsam 

über einen Vertrag versichern? 

CR: Klar, das haben wir oft, dass sich eine GbR 

oder bei größeren Bands auch GmbHs mit dem 

kompletten Equipment inklusive Backline oder 

auch mal ein wenig Licht versichern. Der Aufwand 

ist auch nicht größer und die Prämiensätze bleiben 

gleich. Sicherlich ist es so auch relativ einfach, 

die Ausgaben als Betriebsausgabe zu finanzieren. 

fangen und stolz präsentieren. Ich möchte da diskret 

bleiben. Aber ihr könnt sicher sein, dass wir 

sehr große deutsche Bands genauso in unserem 

Bestand haben wie auch Einzelkünstler. Für uns 

macht das keinen Unterschied. Natürlich sind wir 

schon sehr stolz auf unsere Kunden, vor allem, 

wenn man sie im Fernsehen bzw. bei Live veran - 

staltungen sieht. Die eine oder andere Band be - 

gleiten wir schon seit der Gründungsphase. 

MM: Super, vielen Dank schon einmal für 

deine klaren Statements. 

CR: Ich danke euch und hoffe, ich konnte ein 

wenig Licht ins Dunkel bringen. 

In der nächsten Aus gabe werden wir uns mit 

dem Thema Haftpflicht be schäftigen. Reicht wirklich 

eine Privathaft pflichtversicherung aus? Auch 

dazu wird sich Christian einem Interview stellen. 

Wir freuen uns über eure Fragen und Anregungen. 

MM: Wie sieht es denn eigentlich mit In stru - 

menten aus, die schon älter sind bzw. die 

auch Wertsteigerungen erfahren? 

CR: Wie gesagt, wir sprechen von einer Neuwert - 

MM: Noch eine Frage zu eurem Unterneh - 

men: Habt ihr eigentlich auch bekannte, 

größere Bands und Tourneen? 

CR: An dieser Stelle würden wohl jetzt viele an - 

WEB: WWW.ERPAM.DE 

INTERVIEW: MUSIKER MAGAZIN 

FOTO: © ZARYA MAXIM/ FOTOLIA.DE 

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50 MUSIK & RECHT 

MACH AUS DEINEM BANDNAMEN 

EINE MARKE 

»Der Name einer Band, 

eines Projekts, eines 

Ensembles ist, neben der 

Musik selbstverständlich, 

das Aushängeschild 

jedes Musikschaffenden. 

Er findet sich auf 

allen Tonträgern und 

Werbematerialien, 

auf T-Shirts und anderem 

Merchandise, macht die 

Band im Internet 

auffindbar und sorgt 

zusammen mit einer 

grafischen Gestaltung für 

den optischen 

Wiedererkennungswert 

der eigenen Musik.« 

So ist der Name einer Band oder auch eines 

Musikers häufig untrennbar mit dem musikalischen 

Werk verbunden. Der Name ist das 

Marken zeichen zum Produkt, der Musik. Und 

der Begriff Markenzeichen ist auch juristisch 

nicht verkehrt, denn wer unter einem bestimmten 

Begriff geschäftlich tätig wird, erhält durch das 

Marken gesetz (MarkenG) Schutz für diesen Be - 

griff. Das Gesetz spricht von einem „geschützten 

Unter nehmenskennzeichen“. Das kann ein Wort 

wie eben ein Bandname sein und/oder auch ein 

gestaltetes Logo. 

Wem das nicht genügt, kann seinen Band - 

namen sogar richtig als Marke eintragen lassen. 

Marken gibt es in vielen verschiedenen Erschei - 

nungsformen, von der reinen Wortmarke über 

Wort-Bild-Marken zu 3D-, Farb- und sogar Klang - 

rer Jahre das exklusive Recht, allein diese Marke 

im geschäftlichen Verkehr nutzen zu dürfen. Je - 

doch nicht für alles. Bei der Anmeldung der Marke 

muss man sich dafür entscheiden, welche Waren 

und/oder Dienstleistungen man unter der Marke 

schützen möchte, zum Beispiel die Pro duk tion von 

Tonträgern, das Herstellen und den Ver kauf von 

Merchandise und nicht zuletzt Live-Auftritte. 

»Der Name ist 

das Markenzeichen zum 

Produkt, der Musik.« 

Warum das eigentlich, wenn der Name doch 

sowieso schon als Unternehmenskennzeichen ge - 

schützt ist? Nun, aus mehreren Gründen. Schutz, 

Nachweisbarkeit und Durchsetzbarkeit einer 

registrierten Marke sind viel höher als bei einem 

Unternehmenskennzeichen. Auch gibt die Inha - 

ber schaft einer Marke einer Band eine ganz 

marken. Letztere sind allerdings selten, beschränken 

wir uns hier daher auf Wort- und Bildmarken. 

Die Registrierung einer Marke gewährt für das 

jeweilige Wort oder Bild für den Zeitraum mehreandere 

Verhandlungsposition gegenüber Labels, 

da diese für die Nutzung eben auch eine markenrechtliche 

Lizenz benötigen. Und schließlich 

gewährt die Marke Schutz vor Dritten. So erlebte 

ich gerade den Fall, dass eine skandinavische 

Bekleidungsfirma eine Wortmarke registrierte, die 

dem Namens einer großen Heavy-Metal-Band 

entspricht. Diese Registrierung hätte dazu geführt, 

dass der Vertrieb von Merchandise für die Band 

in Europa fast unmöglich geworden wäre. 

Dass sich eine Marke sehr lohnen kann, zeigt 

das Beispiel IRON MAIDEN. Die Band ist weltweit 

eines der Unternehmen (ja, richtig: Unterneh - 

men), die am meisten Geld mit Markenlizenzen 

verdienen. 

TEXT: RA CHRISTIAN KOCH 

FOTO: © RAWPIXEL/FOTOLIA.COM 

WEB: WWW.METAL-ANWALT.DE 

TELEFON: +49 (0)6403 96918-18 


PRODUKT-NEWS 51 

MARTIN KÖNIG ERHÄLT DEN „LIFETIME-ACHIEVEMENT-AWARD“ 

Im Rahmen der Musikmesse wurde Martin König vom Un - 

ternehmen König & Meyer mit dem „Lifetime-Achivement- 

Award“ für sein Lebenswerk ausgezeichnet. Die Veranstal - 

tung fand im festlichen Rahmen im Saal Europa auf dem 

Messegelände statt. 

Zunächst hatte RTL-Sprecher Gregor König mit beeindruckender 

Stimme in englischer Sprache bereits viele Produkte 

aus allen Bereichen der Musikinstrumentenbranche ausgezeichnet. 

Jetzt hielt er eine Laudatio für den Wertheimer 

Unter nehmer Martin König. Der Moderator erzählte dabei 

über Stationen aus dem Leben eines Mannes, der sein Unter - 

nehmen König & Meyer über Jahrzehnte geprägt und zu dem 

gemacht hat, was es heute ist: Ein mittelständischer deutscher 

Betrieb, der sich neben berühmten internationalen 

Gitarren-, Keyboard- und Verstärkermarken seinen festen 

Platz in der Musikinstrumentenbranche erkämpfen konnte. 

Bereits in den 50er-Jahren war Martin König in den väterlichen 

Betrieb eingetreten, der sich unter seiner Leitung zu 

einer Weltmarke entwickelte. Die mittlerweile über 1.500 

unterschiedlichsten Stative und Halter mit dem kleinen K&M- 

Symbol werden in mehr als 80 Ländern der Welt an ge boten. 

Notenpulte, Mikrofonständer, Keyboardständer, Boxen stative 

oder Instrumentenständer aus Wertheim sind von den 

Bühnen dieser Welt nicht mehr wegzudenken. Der berühmteste 

von ihnen, der Mikrofonständer 210/2, wurde schon millio - 

nen fach verkauft, doch er ist nur eins von vielen Produkten, 

die Martin König mit viel Herzblut auf den Weg gebracht hat. 

Bebildert mit Schwarz-Weiß-Aufnahmen aus der Ver gan gen - 

heit führte der Laudator durch die Gründerzeit der Firma, über 

das rasante Wachstum der 60er- und 70er-Jahre bis hin zu 

den neuesten Errungenschaften. Auch das kollegiale Mit - 

einan der im Unternehmen und die gemeinsamen Reisen 

der Belegschaft bei besonderen Jubiläen blieben nicht unerwähnt. 

Ergebnisse eines ungewöhnlichen Führungsstils. 

Heraus ragendes Beispiel hierfür war etwa ein gemeinsamer 

Betriebsausflug der Belegschaft mit 190 Personen in die USA. 

Am Ende der Laudatio trat dann der Preisträger auf die Bühne 

und nahm gerührt von den stehenden Ovationen des Publi - 

kums den „Lifetime-Achieve ment-Award“ entgegen. 

Seine kurze Dankesrede begann der 79-Jährige angesichts 

des internationalen Fachpublikums zunächst in Englisch, 

wechselte aber dann nach dem Hinweis „I speak English 

like Lothar Matthäus“ ins Deutsche. Er bedankte sich für 

diese große Anerkennung für sein Lebenswerk und beton- 

te, dass dies ohne seine Familie nicht möglich gewesen 

wäre. Be sonders stolz zeigte er sich darüber, dass seine 

Tochter Gabriela König als seine Nachfolgerin die Firma seit 

2005 unverändert erfolgreich fortführe. Martin König beendete 

seine Rede mit dem augenzwinkernden Hinweis, dass 

er auch diese vor einem K&M-Stativ gehalten habe, und 

bedankte sich dafür bei dem Veranstalter. 

Weitere Informationen: www.k-m.de

52 PRODUKT-NEWS 

ROCKSTAR – DIE FAQS 

Das Buch von Timo Hofmann 

Das wichtigste und relevanteste Buch für den musikalischen 

Nachwuchs im Raum Deutschland, Österreich und 

Schweiz zu schreiben – das und nicht weniger ist der An - 

spruch, den Timo Hofmann an sich und sein Buch „ROCK- 

STAR – Die FAQs“ hat. Und so wie es aussieht, meint er es 

richtig ernst damit. 

„Von diesem Buch soll und wird jeder Musiker profitieren, 

der sich auch nur im Ansatz ernsthaft dazu entschlossen hat, 

mit seiner Musik wirklich berühmt zu werden“, sagt Timo 

Hofmann. Er betont bei dieser Aussage ganz speziell die beiden 

Wörter ernsthaft und wirklich. 

Sein Buch wird strukturiert die Fragen beantworten, die sich 

nach wie vor jeder Band früher oder später stellen. Allerdings, 

und das ist der große Unterschied zu wohl allen ähnlichen 

Büchern auf dem Markt, werden die Fragen endlich einmal 

von relevanten Personen aus der Branche beantwortet. Per - 

sonen, die Ahnung haben. Rockstars selbst kommen dabei 

genauso zu Wort wie deren Manager, Festival veran stalter, 

Plattenfirmen, Bookingagenturen, Promofirmen, Print medien, 

Radioleute etc. 

In diesem Buch gibt es somit erstmalig die Gelegenheit, direkt 

von denen zu profitieren, die tatsächlich etwas zu sagen 

haben, da sie Größen in der Branche sind und deshalb tatsächlich 

mitreden können. 

Durch die Erlebnisse, das Wissen und die Erfahrung dieser 

Personen erlangt der Leser Informationen aus erster Hand. 

Es wird durch das Rockstarbuch von Timo Hofmann auch 

mit dem gefährlichen Halbwissen bezüglich der Musik - 

branche aufgeräumt, das landläufig grassiert. 

Neben vielen weiteren Personen und Bands hat Hofmann 

bis heute u.a. Interviews geführt mit Holger Hübner, dem 

Veranstalter des Wacken Open Airs, der Band In Extremo, 

Jörg Fukking (stellvertretender Aufsichtsrat bei der GEMA 

und Buchautor „Der Musikverlag – ein Einstieg“), Alex 

Gernandt, Dennis Poschwatta (Schlagzeuger Guano Apes) 

und und und ... Ihm ist wichtig zu erwähnen, dass er nach 

wie vor noch lange nicht am Ende seines Interview mara - 

thons ist und noch viele weitere Schwergewichte der Branche 

auf seiner Liste hat. 

Zusammengefasst soll der Leser wichtige Tipps und interessante, 

nützliche Informationen bekommen, die so in der 

Art und Weise noch nie in einem Buch aufbereitet wurden. 

„Eine echte Hilfestellung für den musikalischen Nach - 

wuchs“ – so bezeichnet Hofmann immer wieder sein Buch. 

Es ist dem Autor aber wichtig zu erwähnen, dass er im 

Herbst 2016 keine Anleitung à la „Wie werde ich ein Rock - 

star“ veröffentlicht. „So etwas gibt es nicht“, sagt er. Er will 

mit seinem Rockstarbuch ein hochwertiges Navi ga tions - 

gerät liefern, fahren muss aber nach wie vor jeder Künstler 

und jede Band selbst. 

„ROCKSTAR – Die FAQs“ – VÖ: 16.10.2016 

www.rockstarbuch.de 

www.facebook.com/rockstarbuch 

www.twitter.com/rockstarbuch 

ALFRED MUSIC PUBLISHING GMBH 

GARANTIERT AKUSTIK BLUESGITARRE LERNEN (ANDI SAITENHIEB) 

Der ultimative Kurs für Akustik & Fingerstyle! 

Ob Delta Blues, Country Blues, Ragtime oder Boogie: GA - 

RAN TIERT AKUSTIK BLUESGITARRE LERNEN gewährt dem 

Leser einen fundierten Einblick in die Stilistiken des akustischen 

Blues. Schritt für Schritt führt ihn Autor Andi Saiten hieb 

vom Steady Bass und Walking Bass über Riffs und Licks, 

Intros und Endings in Strumming- und Finger pi ckingtechnik 

bis zum kompletten Akustik-Blues-Arrangement bekannter, 

traditioneller original Blues-Klassiker für das persönliche 

Repertoire: 

• Kind Hearted Woman Blues (Robert Johnson) 

• Nobody Knows You When You‘re Down And Out (Jimmy 

Cox) 

• Step It Up & Go (Blind Boy Fuller) 

• Sweet Home Chicago (Robert Johnson) 

Dabei lassen sich die einzelnen Blues-Bausteine ganz individuell 

zusammenstellen. Mit ihrer Hilfe kann man seine eigenen, 

authentischen Blues-Songs schreiben! 

Keine Vorkenntnisse im Fingerpicking? Kein Problem! Das 

Kapitel „Fingerpicking-Technik“ gibt dir alle notwendigen 

Grundlagen an die Hand. Und der gewohnt umfassende An - 

hang enthält äußerst nützliche Tipps und Informationen 

u.a. zu den Themen: 

• Die wichtigsten „Blues-Schemata“– Vom 8- bis zum 16- 

taktigen Blues! 

• „Wie übe ich richtig?“ – Welche Hilfsmittel bieten sich an? 

• Kaufberatung „Wie du deine persönliche Gitarre findest“ 

– inkl. Checkliste! 

• CD-Empfehlungen – 17 Seiten stark, ausführlicher denn je! 

Auch mit seinem zweiten Buch zum Thema Bluesgitarre – 

nach dem Erfolg von GARANTIERT BLUESGITARRE LERNEN 

– hat Autor Andi Saitenhieb wieder unter Beweis gestellt, 

dass er zu einer akribischen Recherche und umfangreichen 

Auf bereitung fähig ist. Mit GARANTIERT AKUSTIK BLUESGI- 

TARRE LERNEN wird jedenfalls jeder seinen eigenen Weg 

zum Akustik Blues finden! 

Bestellung: GARANTIERT AKUSTIK BLUESGITARRE LERNEN 

Buch & MP3-CD, 216 Seiten, 21,95 Euro, Art.-Nr.: 20250G; 

ISBN 978-3-943638-85-1, www.alfredmusic.de 



FRANK BARTEL: 

MUSIKTHEORIE – ENDLICH VERSTEHEN 

Dieses Buch schließt vorhandene Lücken. Sämt liche relevanten 

Begriffe der Musiktheorie einschließlich der Akkorde 

und Funktionen werden aufeinander aufbauend auch tatsächlich 

verständlich erklärt. Mit einer Aufgabensammlung 

und Lösungen. 

Oft werden musiktheoretische Begriffe alphabetisch oder 

zu Sachgruppen gebündelt erläutert. Dadurch entsteht beim 

Leser allerdings kein zusammenhängender, aufeinander 

auf bauender Kontext, der jedoch für den Wissenser werb 

ungeheuer wichtig ist. 

Das Buch richtet sich an ein breites Spektrum von Lesern: 

Schulmusiker, die in ihrer Arbeit oftmals vor dem Problem 

stehen, grundlegende musikalische Sachverhalte einfach, 

anschaulich, verständlich und gleichzeitig korrekt darzustellen. 

Musikschüler, die – trotz mehrjährigen Theorie unterrichts – 

viele Sachverhalte nicht verstehen und damit auch nicht 

anwenden können; denn in der Regel werden im Theo rie - 

unterricht Begriffe auswendig gelernt, aber selten erklärt, 

was sich dahinter verbirgt. 

Musiker, die oftmals mit erstaunlich viel Halb- und auch 

Nicht-Wissen durch ihr Musikerleben gehen. Auch auf sie 

trifft zu: Wenn man die fundamentalen Zusammenhänge 

nicht versteht, wird ein souveräner Umgang mit Musik sehr 

schwer. 

Frank Bartel unterrichtet seit über 20 Jahren als diplomierter 

Klavierpädagoge und diplomierter Komponist an verschiedenen 

Musikschulen und Musikhochschulen die 

Fächer Klavier/Key board, Schulpraktisches Musizieren, 

Musiktheorie/Kom position und leitet Ensembles (instrumental 

und vokal). Er kann auf eine mehr als 30-jährige 

Berufspraxis als Pianist in verschiedensten Bands, Big- 

Bands und Orchestern (u. a. 5 Jahre als Pianist und Arran - 

geur des Filmorchesters Babelsberg) zurückblicken. 

Bestellung: Leu-Verlag, www.leu-verlag.de 

ISBN 978-3-89775-155-2, 

176 Seiten, farbig, Spiralbindung, 19,80 Euro 

Gitarren oder beim Gesang“, so „Pab“ Boothroyd, FOH- 

Ingenieur für AC/DC und Paul McCartney. „Danach war 

natürlich klar, dass wir die Systeme für unsere GRAMMY- 

Gigs nehmen.“ 

Das Shure-Drahtlossystem UHF-R stand unter anderem mit 

Sir Tom Jones, John Mayer, Usher, Eric Church und Rihanna 

auf der Bühne. Darüber hinaus wurden die Podium-Mikro - 

fone mit UR1-Taschensendern betrieben, um damit eine 

Verkabelung quer über die Bühne zu vermeiden. 

Natürlich wurden nicht alle Vocals drahtlos realisiert. Hozier 

vertraute auf das Beta 58A, während das SM58 seine 

Stärken bei Brandy Clarks Auftritt mit Dwight Yoakam und bei 

zahllosen Hintergrund-Vocals unter Beweis stellen konnte. 

SHURE FUNKSTRECKEN 

IM EINSATZ BEI DEN GRAMMY AWARDS 2015 

Die GRAMMY Awards, die am 8. Februar im Staples Center 

im Herzen von Los Angeles verliehen wurden, boten mit 23 

Live-Gigs eine Show der Superlative. Das Produktionsteam 

setzte bei der Umsetzung so vieler Acts in einer derart HFintensiven 

Umgebung erneut auf Shure Funk- und In-Ear- 

Monitoring-Systeme, um eine zuverlässige, konstante Funk - 

übertragung zu gewährleisten. 

Vom Hardrock-Opener AC/DC bis zu John Mayers ergreifender 

Schlussperformance mit Common waren Shure-Funk - 

systeme, drahtgebundene Mikrofone und In-Ear-Monitoring- 

Systeme permanent im Einsatz und sorgten für den reibungslosen 

Ablauf der Show. 

Die meisten Künstler griffen beim In-Ear Monitoring auf 

eigene Custom Molds zurück; dennoch war das Shure PSM 

1000 mit insgesamt 24 Kanälen verteilt auf zwei Bühnen 

bei fast allen Musikern das Monitoring-System der Wahl. 

Bei den Funksystemen dominierten Shure Axient und UHF- 

R den Abend. So verwendeten AC/DC Axient sowohl für den 

Lead-Gesang als auch für Angus Youngs Gitarre. Für den 

Background-Gesang kamen UHF-R-Systeme mit Beta 58A- 

Kapseln zum Einsatz. Zudem standen Axient Handsender 

bei Sir Paul McCartney (Beta 58A), Adam Levine (SM58), 

Juanes (Beta 58A) und Pharrell Williams hoch im Kurs. 

„Wir haben Axient im Vorfeld bei den Proben ausgetestet 

und waren sehr zufrieden mit dem Sound, egal, ob bei den 

Eine Premiere war der Einsatz des Shure Beta 181 am Piano 

während der GRAMMYs. Broadcast-Mischer Eric Schilling 

und FOH-Mann Ron Reaves hatten sich für das Mikrofon 

entschieden, was Reaves wie folgt kommentiert: „Es ist der 

beste Piano-Sound, den man erzielen kann. Daher waren sie 

auch die einzigen Piano-Mikros, die wir während der Show 

verwendeten.“ 

Und Eric Schilling ergänzt: „Nachdem Ron Reaves sie bereits 

bei den Latin GRAMMY Awards ausprobiert hatte, beschlossen 

wir, die Beta 181 bei der Show in allen Pianos einzusetzen. 

Sie haben eine tolle klangliche Performance. Wir 

mussten so gut wie nichts mehr modifizieren.“ 

Die National Academy of Recording Artists and Sciences 

verleiht die GRAMMY Awards, die als bedeutendste internationale 

Auszeichnung im Bereich Musik gelten, bereits 

seit 1959 jährlich in Los Angeles. 2003 wurde Shure mit 

dem Technical GRAMMY ausgezeichnet. 

Weitere Informationen: www.shure.de 



NEUTRIK AG – 

40 JAHRE UND EINE MILLIARDE 

STECKVERBINDER 

Was vor genau 40 Jahren als kleiner Zweimann-Betrieb in 

einem alten Bauernhaus in Schaan/Liechtenstein begann, 

ist heute der weltweit führende Anbieter von Steck ver bindern 

und Steckverbindersystemen für die professionelle Unter - 

haltungsindustrie. Mit innovativen Ideen und einzigartigen 

Produkten konnte die Neutrik AG von Anfang an rund um 

die Welt Kunden begeistern und sich einen hervorragenden 

Namen in diesem Marktsegment erarbeiten. Heute – 40 

Jahre später – darf man mit Stolz sagen: Neutrik setzt 

Standards! 

SHURE UND SOUNDCRAFT GEBEN ZUSAMMENARBEIT BEKANNT 

Umfassende Wireless-Kontrolle über die Digitalmischpulte der Vi-Serie 

Sämtliche Events weltweit offenbaren es eindrücklich: 

Neutrik findet sich auf praktisch allen Bühnen und Ver an - 

staltungen wieder. Wo auch immer Audio-Signale, Video- 

Signale, Daten oder Strom verteilt wird, kann man ein Neutrik- 

Produkt entdecken. 

Für die Entwicklung, die Produktion und den Vertrieb von 

professionellen Steckverbindungen und -systemen in der 

Un terhaltungsbranche ist Neutrik bereits seit 40 Jahren 

erste Adresse. 

Auf der diesjährigen Prolight + Sound gaben die Pro-Audio- 

Hersteller Shure und Soundcraft ihre Zusammenarbeit be - 

kannt, auf deren Basis Monitoring- und Kontroll funk tio nen 

einiger ausgewählter Shure-Funksysteme auf den Digital - 

misch pulten der Soundcraft-Vi-Serie realisiert werden. Diese 

Implementierung erfolgt auf den neuen Soundcraft-Kon - 

solen Vi5000 und Vi7000; unterstützt werden die digitalen 

Shure-Funksysteme ULX-D und QLX-D. Dank der Software- 

Integration erkennen und identifizieren die Vi-Mischpulte 

die Shure-Funk-Empfänger automatisch und weisen das 

Funksystem einem entsprechenden Kanal zu. Anschließend 

gibt dieser Kanal Auskunft über alle wesentlichen Mikrofonund 

Funk-Parameter. Damit lassen sich beispielsweise HFund 

Audio-Metering des Kanals live überwachen und der 

Gain-Wert direkt an der Konsole anpassen. Die Anzeige des 

Batteriestatus wird für Shure-Lithium-Ionen-Akkus ebenso 

unterstützt wie für Standard-AA-Batterien. 

„Die Zusammenarbeit mit Soundcraft eröffnet Vi-Usern 

neue Möglichkeiten bei Monitoring und Kontrolle unserer 

netzwerkfähigen Shure-Funksysteme“, so Sandy LaMantia, 

Präsident und CEO bei Shure Incorporated. „Die wichtigsten 

Drahtlosfunktionen sind nun integriert; damit verbessern 

wir die Benutzerfreundlichkeit und gestalten die An - 

wen dung deutlich einfacher.“ 

Dave McKinney, General Manager und Vizepräsident von 

Soundcraft und Studer fügt hinzu: „Die Mischpulte der Vi- 

Serie sind darauf getrimmt, exakt die Funktionen und Tech - 

nologien zu liefern, die unsere Kunden auch benötigen. Die 

Bereitstellung von Drahtlos-Daten, sowohl systemeigen als 

auch automatisch, gehört hier dazu. Daher war es eine 

leichte Entscheidung, mit Shure zusammenzuarbeiten, um 

den Workflow für unsere User komfortabler zu gestalten – 

und das hat bei uns seit jeher einen hohen Stellenwert.“ 

Die Modelle ULX-D und QLX-D sind die neuesten digitalen 

Funksysteme von Shure. Beide Systeme verfügen über 

Ethernet-Schnittstellen und erlauben damit die Vernetzung 

mit den Mischpulten der Soundcraft-Vi-Serie. Die Dual- und 

Quad-Receiver des ULX-D-Systems ermöglichen zudem die 

Anbindung an das digitale Audionetzwerk Dante. Neben 

den neuen Vi5000 und Vi7000 wird ein in Kürze verfügbares 

Software-Update die Integration der Shure-Funks ysteme 

für die Modelle Vi1 und Vi3000 beinhalten. 

Weitere Informationen: www.shure.de 

SMARTPHONE-HALTER VON KÖNIG & MEYER 

2015 wird neben den Jubiläumsfeierlichkeiten auch der 

1'000'000'000ste von Neutrik produzierte Steckverbinder 

gefeiert. Nach 1983 – als die erste Million vom Band gelaufen 

war – eine Vertausendfachung. Mit dieser eindrucksvollen 

Zahl darf die Neutrik AG ohne Übertreibung von sich 

behaupten, der Marktführer auf dem Gebiet der XLR-Steck - 

verbinder zu sein. Die Erfolgsgeschichte und Pro duktion 

von 1'000'000'000 Steckverbindern basieren auf einer 

Firmenphilosophie, die auf Innovation, Zuverlässigkeit und 

Kontinuität ausgerichtet ist – und das schon seit 1975. 

Weitere Informationen: www.neutrik.de 

musiker MAGAZIN 2/2015 

Mit diesem universellen Halter ist Ihr Smartphone immer in 

Reichweite. Der Halter ist geeignet für alle flachen Geräte, 

wie z.B. Smartphones iPhone 4, iPhone 6 plus oder 

Samsung Galaxy mit einer Breite von 44 bis 84 mm. Die 

Bedienung ist einfach und schnell. Smartphone einlegen – 

Klemmbacken zusammendrücken – fertig. Auf Knopfdruck 

wird das Gerät wieder freigegeben. Die Klemmbacken mit 

integrierter Gummiauflage garantieren einen sicheren Halt 

und eliminieren unerwünschte Vibrationsgeräusche. Die aus - 

tauschbaren Stützstege mit unterschiedlicher Tiefe können 

individuell dem Smartphone angepasst werden, sodass die 

Funktion der Bedienungselemente am Gerät nicht beeinträchtigt 

wird. Der Halter kann zwischen vertikaler oder horizontaler 

Ausrichtung gedreht werden. Ein stabiles Klemm - 

element mit ergonomischer Rändelschraube ermöglicht die 

Montage an jedem Rohr bis 30 mm Durchmesser. Der flexible 

Haltearm mit einer Länge von 110 mm sorgt für eine 

individuelle Positionierung. 

Weitere Infos: www.k-m.de, EAN: 4016842827893 

Unverbindliche Preisempfehlung: 31,90 Euro


SENNHEISER LAUNCHT AVX – 

ABSOLUT NUTZERFREUNDLICHE DRAHTLOSE MIKROFONSYSTEME FÜR KAMERAS 

Auf der NAB in Las Vegas stellt Audiospezialist Sennheiser 

mit AVX eine Serie von drahtlosen Mikrofonsystemen für 

Videokameras vor, mit der hochwertige Audioaufnahmen 

vollkommen stressfrei gelingen. Dazu wird der kompakte 

AVX-Empfänger einfach auf den XLR-3-Eingang der Kamera 

gesteckt, wo er sich automatisch mit dem Mikrofonsender 

synchronisiert. Das System sucht selbstständig nach einer 

freien Übertragungsfrequenz, passt die Empfindlichkeit an 

die Kamera an und überträgt das Audiosignal über eine 

speziell geschützte Verbindung im lizenzfreien 1,9-GHz- 

Bereich. Nie zuvor ließen sich Videotonaufnahmen einfacher 

und schneller erstellen. 

„Ganz gleich, ob Sie als Journalist eine Messereportage 

zusammenstellen, als Videoprofi eine Dokumentation filmen 

oder ein Marketing-Spezialist sind, der Produktvideos 

entwickelt – mit AVX können Sie sich ganz auf Ihre kreative 

Arbeit konzentrieren“, sagt Sven Boetcher, Portfolio- 

Manager Broadcast & Media bei Sennheiser. „Das System 

braucht nicht lizenziert zu werden, es wählt automatisch 

eine freie Sendefrequenz aus und passt alle notwendigen 

Einstellungen an – das ist echte Bedienfreundlichkeit.“ 

AVX ist in Komplettsystemen erhältlich, die alles Not wen - 

dige enthalten, um sofort auf Sendung zu gehen. Alter nativ 

kann ein System auch aus Einzelkomponenten zusammengestellt 

werden. 

REICHWEITE, WENN SIE GEBRAUCHT WIRD 

AVX ist mit adaptiver Sendeleistung ausgestattet, das heißt, 

dass das System immer die Leistung abruft, die für eine 

sichere Verbindung zwischen Mikrofon und Kamera emp - 

fän ger benötigt wird. Das macht nicht nur die Verbindung 

stabil, sondern sorgt – genau wie die automatische Ein-/ 

Aus-Funktion – auch für einen geringeren Akkuverbrauch. 

DURCHDACHTES AKKUKONZEPT 

Empfänger und Sender werden mit Lithium-Ionen-Akku - 

packs betrieben, die sich über USB aufladen lassen. Um böse 

Überraschungen zu vermeiden, zeigen die Sender zuverlässig 

die verbleibende Akkulaufzeit an. 

KOMPLETTSETS ODER EINZELKOMPONENTEN 

AVX ist in drei Komplettsets erhältlich: mit einem Hand sender 

(mit evolution-Mikrofonkopf MMD 835-1), mit Taschen sender 

und Ansteckmikrofon ME 2 sowie in einer Profi-Version mit 

Taschensender und Ansteckmikrofon MKE 2 – dem Standard 

für Film- und TV-Produktionen. 

Speziell für die USA ist ein COMBO-SET erhältlich, das 

sowohl einen Taschensender mit Ansteckmikrofon ME 2 als 

auch einen Handsender umfasst. Als Mikrofonkopf liegt hier 

die neue Kapsel MMD 42 von Sennheisers Reportage - 

mikro fon-Klassiker MD 42 bei. 

Alle Systemkomponenten sowie zusätzliche Module, zum 

Beispiel ein Handsender mit Mute-Schalter, sind auch einzeln 

erhältlich, sodass Nutzer ein AVX-System ganz nach 

ihren Wünschen zusammenzustellen können. 

NUTZERFREUNDLICHKEIT VON ANFANG AN 

Schon vor dem eigentlichen Einsatz zeigt sich die hohe 

Benutzerfreundlichkeit von AVX: Das System arbeitet im 

lizenzfreien 1,9-GHz-Bereich, der in vielen Ländern weltweit 

genutzt werden kann. Das System muss also weder 

angemeldet werden, noch fallen für die Nutzung Gebühren 

an. Und diese Nutzerfreundlichkeit setzt sich im Betrieb 

fort: Der Aufsteckempfänger schaltet sich zusammen mit 

der Phantomspeisung der Kamera ein und synchronisiert 

sich selbstständig mit dem Sender. Das System passt den 

Aufnahmepegel automatisch an die Eingangs empfindlich - 

keit der Kamera an, sucht eine freie Sendefrequenz – und 

ist einsatzbereit. Taucht ein Störer auf, wechselt AVX un - 

hörbar auf eine neue Frequenz. 

ZUBEHÖR FÜR DSLR-KAMERAS 

Für DSLR-Kameras mit Klinkeneingang liegt den AVX-Sets 

ein Adapterkabel von XLR auf Miniklinke bei, ebenso ein 

Blitzschuh-Adapter, mit dem der Empfänger schnell und 

sicher an der digitalen Spiegelreflexkamera montiert werden 

kann. 

Alle AVX-Systeme und Einzelkomponenten sind ab Juni 

2015 im Fachhandel erhältlich. 

Weitere Informationen: www.sennheiser.com/avx 

www.sennheiser.de 

AUFRUF 

AN ALLE DRMV-MITGLIEDER: 

Wer hat Erfahrung mit der Firma Rebeat in Österreich? 

Bitte informiert uns, da wir eine umfangreiche Re cher - 

che vornehmen. 

Kontakt: info@musikermagazin.de 



MUSIC STORE: NEUE MEISTERWERKSTATT FÜR BLASINSTRUMENTE 

Ihr Instrument in Meisterhand bei Jens-Peter Heilgendorff 

In unserer hervorragend ausgestatteten Werkstatt werden 

alle Reparaturen sowie Wartungen fachkundig durchgeführt 

– egal, ob es um die Nachjustierung der Mechanik bei 

Holzblasinstrumenten geht, die Neubepolsterung der Klap - 

pen, das Ausbeulen von Instrumenten oder die Erneuerung 

defekter Lötstellen.Auch individuelle Kundenwünsche werden 

dabei be rück sichtigt. 

Unser Handwerksmeister für Blechblasinstrumente mit über 

30-jähriger Berufserfahrung und einem fundierten Wissen 

wird die durchzuführenden Arbeiten mit Sorgfalt und Präzision 

erledigen. Dabei kommen hochwertige Maschinen, Werk - 

zeuge sowie erstklassige Materialien zum Einsatz, damit Sie 

auch nach der durchgeführten Arbeit mit dem Instrument 

und der daran geleisteten Arbeit stets zufrieden sind. 

Die Meisterwerkstatt für Blasinstrumente ist für Sie da! 

Montag 10.00 – 15.00 Uhr, Dienstag 10.00 – 17.00 Uhr 

Donnerstag 10.00 – 15. 00 Uhr 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

https://youtu.be/se7sbnDFqHs 

blasinstrumente-werkstatt@musicstore.de 

20-KANALIGES USB-AUDIOINTERFACE IST TASCAMS 

NEUES FLAGGSCHIFF 

Tascam hat das Spitzenmodell seiner jüngsten Reihe von 

USB-Audiointerfaces vorgestellt. Das US-20x20 ist für die 

Verwendung in professionellen Aufnahmeeinrichtungen 

oder Projektstudios vorgesehen und unterstützt Abtastraten 

bis 192 kHz über USB 3.0, einem führenden Übertragungsstandard 

für den Datenaustausch mit einem Computer. 

Mit acht Eingängen über XLR/Klinke-Kombibuchsen, zwei 

weiteren symmetrischen Klinkeneingängen, einem SPDIF- 

Koaxialeingang und einem mehrkanaligen optischen Digital - 

eingang kann das Interface bei einer Abtastrate von 44,1 

kHz oder 48 kHz bis zu 20 Eingangs- und Ausgangs signale 

verarbeiten. Bei 176,4 kHz oder 192 kHz stehen bis zu 

12 Eingänge und 12 Ausgänge bereit. Die von Tascam entwickelten 

Ultra-HDDA-Mikrofonvorverstärker haben ein 

äquivalentes Eingangsrauschen (EIN) von –125 dBu. Und 

20 dB Übersteuerungsreserve in den Mikrofon- und Line- 

Eingängen bieten auch bei hohen Pegelspitzen von Schlag - 

zeug und Instrumenten genügend Sicherheit für übersteue- 

rungsfreie Aufnahmen. Das Interface enthält einen gut ausgestatteten 

DSP-Mixer mit EQ, Kompression und Halleffekt 

für jeden Kanal. Durch den Wechsel der Betriebsart lässt es 

sich entweder als eigenständiger Mikrofonvorverstärker, als 

Audiointerface oder als Mixer für die Beschallung verwenden. 

Die Einbindung in Arbeitsumgebungen mit unterschiedlichsten 

Audiogeräten gelingt über die Analogeingänge und 

-ausgänge, die digitalen Ein- und Ausgänge über koaxiale 

und optische Anschlüsse, MIDI-Ein- und -Ausgang sowie 

BNC-Wordclock-Anschlüsse. 

Weitere Informationen: www.tascam.de 

PREISGÜNSTIGES 24-SPUR-PORTASTUDIO BEI TASCAM 

Tascam stellt mit dem DP-24SD ein 24-Spur-Portastudio 

vor, das einfach zu bedienen ist und dadurch die Kreativität 

von Musikern beflügeln soll. Das neueste Modell der 

Portastudio-Reihe verwendet SD-Karten als Speicher - 

medien, die für ihre Robustheit, ihren günstigen Preis und 

ihre Erweiterbarkeit bekannt sind. Acht XLR-Mikrofon - 

eingänge mit schaltbarer Phantomspeisung erlauben es, 

eine ganze Band aufzunehmen. Bis zu acht Audiospuren 

können zeitgleich aufgezeichnet werden, insgesamt stehen 

24 Spuren für die Wiedergabe und Mischung zur Ver fü - 

gung. 

Drei Arten von Effekten sind bereits eingebaut: Bis zu acht 

Dynamikprozessoren können während der Aufnahme in den 

Eingängen aktiviert werden. Ein Multieffekt-Prozessor bietet 

Gitarrenverstärker-Simulation, Delay, Chorus und weitere 

Effekte – ideal für eine direkt angeschlossene Gitarre. Und 

ein Halleffekt steht über den internen Einschleifweg in jedem 

Kanal zur Verfügung. 

Ein Farbdisplay mit leicht zuzuordnenden, farbkodierten Be - 

dienreglern und eine Reihe von Effekten machen das DP- 

24SD zum idealen Produktionswerkzeug für Musiker, Song - 

writer und andere Künstler. 

Weitere Informationen: www.tascam.de 



DAS POPCAMP-BUCH IST DA! 

Nach rund 2,5 Jahren Arbeit halten wir es nun endlich in den Händen: Das PopCamp-Buch! 

Autor: Lothar Scholz, ISBN: 978-3-9813446-8-4, 19,50 Euro 

Herausgeber: Deutscher Musikrat gemeinnützige Projekt - 

gesell schaft mbH, Verlag: Musikmarkt 

Bislang waren Meisterkurse für Musik der sogenannten 

ernsten Musik vorbehalten. Seit PopCamp ist das anders! 

Unter dem Motto „Vielfalt statt Mainstream!“ erhalten hier 

fünf junge, hochtalentierte Rock-, Pop- und Jazzbands 

jährlich ihren Meisterkurs für populäre Musik. Das vom 

Deutschen Musikrat 2005 ins Leben gerufene Spitzen för - 

derprojekt zeichnet sich durch eine bedarfsgerechte För de - 

rung sowohl in künstlerischen als auch wirtschaftlichen 

Fragen aus. Ziel ist es, die Bands auf ihrem Weg in die 

Professionalität zu unterstützen. 

„PopCamp – Know-how“ gibt erstmals einen umfassenden 

Einblick in Konzept, Ablauf und Inhalt des Spitzenförder - 

projektes. Als Dokumentation und Nachschlagewerk richtet 

sich dieses Buch an Musikförderer und Musikschaffende. 

Wie es jungen Bands gelingt, ihre Nische oder aber auch 

ein größeres Publikum zu finden, zeigen die im Buch erzählten 

Geschichten von Jupiter Jones, Cyminology, Alin Coen 

Band, OK KID und Heisskalt. Sie haben es wie viele andere 

ehemalige PopCamp-Teilnehmer geschafft, von ihrer 

Musik leben zu können. Das Buch bietet Know-how aus 

allen Coaching-Bereichen des Spitzenförderprojekts wie 

Songwriting, Arrangement & Producing, Choreographie & 

Performance, Vocal-Coaching, Tontechnik & FOH, Licht- & 

Bühnendesign, Kommunikations- & Medientraining, Marketing, 

Musik- & Vertragsrecht sowie GEMA, GVL & KSK, 

angereichert mit praktischen Tipps der PopCamp-Dozenten. 

ÜBER DEN AUTOR: 

Lothar Scholz, Musik- und Kommunikations wissen schaft ler, 

ist seit über zehn Jahren Berlin-Korrespondent des Bran - 

chen magazins „Musikmarkt“ mit den Schwerpunkt themen 

Urheberrecht und kollektive Rechtewahrnehmung. In dieser 

Zeit hat er u. a. die Fachbücher „Die Musik branche – Aus - 

bildungswege und Tätigkeitsfelder“ (Schott Verlag) sowie 

„GEMA, GVL & KSK“ (PPV Medien, 3. Auf lage) geschrieben. 

Über letzteres Thema referiert er regelmäßig an der Pop - 

akademie Baden-Württemberg und beim PopCamp, dem 

Meisterkurs für populäre Musik des Deutschen Musik rates. 

Zur Bestellung: 

Bestellungen bitte inklusive Ihrer Rechnungs- und Liefer - 

adresse, Buchtitel und gewünschter Anzahl an: 

mm-bestellung@keller-verlag.de 

TASCAM ZEIGT KOMPAKTE, 

EINBAUFÄHIGE BACKUPLÖSUNG 

FÜR 64 AUDIOSPUREN 

Tascam kündigt mit dem DA-6400 einen universell einsetzbaren 

Recorder für die Sicherung von 64 Audiospuren an, 

die er von einer Digital Audio Workstation oder von einem 

Live-Mischpult erhält. 

Für das Gerät stehen verschiedene Interfacekarten für Daten - 

formate wie MADI, DANTE, DigiLink, AVB oder AES/EBU zur 

Auswahl, die eine nahtlose Integration in praktisch jede vor - 

handene Systemumgebung ermöglichen. 

Der DA-6400 nutzt ein spezielles Echtzeit-Betriebssystem 

und höchst zuverlässige SSD-Laufwerke für die Speicherung 

der Daten. Ein Modell mit redundanter Stromversorgung wird 

ebenfalls erhältlich sein. 

Weitere Informationen hat Tascam für die nahe Zukunft an - 

gekündigt – www.tascam.de 

REVIEW: THOMANN BASS DAY 3 

Wahnsinn, wie die Zeit vergeht! Da ist er auch schon wieder 

vorbei, der dritte Thomann Bass Day hier in Treppendorf. 

Und wie zu erwarten, war es auch dieses Mal ein super Event 

mit großartigen Gästen und Künstlern. Dank der Unter - 

stützung seitens Mesa Boogie, TecAmp, Ibanez, Marleaux, 

Cort und deren Protagonisten konnte sich das Programm 

mehr als nur sehen lassen. 

Samy Saemann, Andrew „The Bullet“ Lauer, Raoul Walton, 

Jeff Berlin und Andrew Gouche hielten jeweils einen einstündigen 

Workshop über Grooves, Improvisation, Slap- 

Techniken und vieles mehr. Dank zahlreicher Anekdoten 

und durch die Einbindung des Publikums kam während 

des Tages zu keiner Zeit das Gefühl von Langeweile auf – 

ganz im Gegenteil. In den Pausen konnten sich unsere 

Gäste entweder am Buffet stärken oder die Instrumente 

und Verstärker der Hersteller auf Herz und Nieren testen. 

Wer von euch nicht dabei sein konnte, dem sei gesagt, 

dass die vierte Auflage des Thomann Bass Day nicht allzu 

lange auf sich warten lassen wird. Bis dahin – gut Groove! 

Weitere Informationen: www.thomann.de 

www.thomann.de/blog/de/review-thomann-bass-day-3/ 

http://youtu.be/M2oJzWg15Ro 


58 CD-REZENSIONEN 

CHRIS KRAMER 

»Kramer kommt« 

Mit „Kramer kommt“ ist dem Bluesmusiker Chris Kramer 

erneut eine abwechslungsreiche Mischung aus rockigen 

und leise-bluesigen Songs gelungen. Die Texte der 14 

deutsch sprachigen Lieder sind mal tiefgehend, mal witzig. 

Der Mundharmonikaspieler, der schon mit Peter Maffay auf 

Tournee war, zeigt die ganze Bandbreite seines musikalischen 

Könnens. Die ersten Songs „Ich bin anders“, „Volle 

Kraft voraus“ und „Geld, Geld, Geld“ fetzt er dem Hörer um 

die Ohren. Erst gegen Ende des Albums werden die Songs 

mit „Ordent lich bin ich nur gelegentlich“ und „Ein Teil von 

dir“ ruhiger. Besonders die einfühlsam gespielte Bluesharp 

überzeugt bei diesen Stücken. 

www.chris-kramer.de 

J.H. 

ist eine kraftvolle Nummer, die sofort zu überzeugen weiß. 

GRAND SLAM ist eine Band, die mit der Zeit geht – dies 

bemerkt man daran, dass hier und da dezente elektronische 

Elemente mit eingefügt werden. Der Track „Keep Me In Your 

Day dreams“ sticht da besonders heraus. Lebendiger Funk, 

der geradezu nach der Tanzfläche schreit. Es gibt ganz viele 

Spuren, jede scheint ihr eigenes Lied zu spielen, und doch 

ergibt das keine Kakophonie, sondern ein wundersames, 

schillerndes Ganzes. Fast alles auf „The New Crack Swing 

EP“ klingt wie nicht von dieser Welt, schwer zu fassen und 

doch dringlich. 

www.tnt-productions.de 

M.D. 

erhielt der Song „My Girl In The Sunrays“ den ersten Platz in 

der Kategorie „bester Rhythm-&-Blues-Song 2014“. ALWIN 

SMOKE spielt Gitarre seit seinem 11. Lebensjahr, fühlt sich 

aber auch mit Bassgitarre und Klavier wohl. Seine Vorliebe 

gilt dem klassischen Rock, er schätzt aber auch den Jazz. 

Neben 80er-Jahre-typischen Songs gibt es auf dem Album 

auch Balladen oder Surf-Sound-Artiges, wie „Mother Blue“. 

In „Bad Voice“ klingen Gitarren zweistimmig nebeneinander. 

Gar nicht rauchig, aber klar und sauber klingen Produktion 

und Stimme des Künstlers. Protagonist Alex Weinrauch hat 

fast alle Instrumente selbst eingespielt. Lena Weinrauch spielt 

absolut hörenswert die Flöte in „Sunset“. Hörenswert ist die 

ganze Platte für Freunde des gepflegten klassischen Rock! 

www.alwinsmoke.com 

C.S. 

HERR WITTE 

»Herr Witte« 

Die drei Aachener Jens Witte, Andreas Mosch und Peter 

Hans machen seit mehr als 20 Jahren gemeinsam Musik. 

Als HERR WITTE berühren sie mit melancholischen Klängen 

und tiefgründigen Texten. Leise und zurückhaltend präsentiert 

das Trio seine Lieder, bei denen neben Gitarre, Klavier, 

Bass und Percussion auch Akkordeon- und elektronische 

Töne zu hören sind. Die Geschichten, von denen die Songs 

erzählen, stehen im Vordergrund und wecken in den Zu - 

hörern Emotionen, regen zum Nachdenken an und bieten, 

indem sie von den Merkwürdigkeiten und Ungereimtheiten 

des Lebens berichten, Platz für eigene Interpretationen. 

www.herrwitte.de 

J.H. 

GRAND SLAM 

»The New Crack Swing EP« 

30 Jahre gibt es die Formation GRAND SLAM aus dem 

kleinen bayerischen Örtchen Amberg nun schon. Sie touren 

unentwegt und bringen auch mal das eine oder andere Album 

auf den Markt, diesmal in Form der EP „The New Crack 

Swing EP“. Eine Mischung aus Blues, Pop, Jazz und Funk 

kommt einem hier entgegen. Der Opener „Sunday Morning“ 

MIKE O’DONOGHUE 

»Gone America« 

Mike O’Donoghue neuestes Album mit dem Titel „Gone 

America“ kann ein wenig irreführend wirken. Denn was einem 

hier präsentiert wird, ist feinster irischer Folk, aber auch amerikanischer 

Folk wie zum Beispiel beim Stück „Have A Drink 

On Me“ findet seinen Platz auf dem Album. Akustische 

Gitarren, Akkordeon und ein dezentes Querflötenspiel be - 

herrschen die Atmosphäre. Man merkt, dass hier ein Musiker 

am Werke ist, der etwas zu sagen hat. Stücke wie „New 

Horizon“ und „My Girl“ sind schön, nachdenklich und traurig 

zugleich. Jedoch spürt man die enorme Kraft, die in ihnen 

steckt, eine Kraft, der man keinen lauten Sound verpassen 

muss. „Gone America“ strahlt Wärme und Natürlichkeit aus, 

offenbart sich schon nach einmaligem Durchlauf als ein Werk 

von subtiler Schönheit. Eine Schönheit, die sich von Mal zu 

Mal steigert, wenn man nicht den Fehler begeht, das Album 

nebenbei zu hören. Denn es ist ein Gesamtkunstwerk von 

gewaltiger Anziehungskraft, das nur als solches funktioniert. 

Das Album ist dazu gemacht, um es einzulegen und 

in so eine Art andere Welt einzutauchen. 

www.mike-odonoghue.de 

M.D. 

ALWIN SMOKE 

»Spirit’s Free« 

Klassischer Rock und Blues, das sind die prägenden Stile 

des ALWIN SMOKE. Beim Deutschen Rock und Pop Preis 

MARTY AND THE BAD PUNCH 

»Moon Over Baskerville« 

Der Mond über Baskerville scheint hell! Ein Album mit 

Strahlkraft ist das, was Martin Punsch, Gitarrist aus München, 

alias MARTY AND THE BAD PUNCH da produzierte. Der 

Großhandelskaufmann klingt selbst wie seine großen Vor - 

bilder FOREIGNER oder REO SPEEDWAGON. Kelly Hansen, 

seit 2005 Frontmann und Vokalist bei FOREIGNER, empfahl 

Sangeskollege David Cagle für die Einspielung des Ge sangs. 

Die Produktion ging in Form von digitalen Spuren um die 

Welt, um mit den handverlesenen Kandidaten für Martys 

Album bespielt zu werden. Das Ergebnis ist ein Album, das 

typischen AOR-Sound aus den 80ern ins Heute zaubert. 

Unverstellt und völlig natürlich agieren neben Cagle und 

Punch Robert Karasek an den Keyboards, Martin Motnik an 

der Bassgitarre und Will Jones am Schlagzeug. Die Songs 

schweben in Sphären zwischen JOURNEY, FOREIGNER und 

EAGLES. „Destination California“ ist eine laid-back klingende 

Ballade, die sich im Ford Mustang auf dem Highway absolut 

gut machen würde. Gerne nannte man das damals auch 

Soft-Rock. Der Klasse dieser Musik macht das aber keinen 

Abbruch. Marty hat mit diesem Album das geschafft, woran 

viele scheitern: den Idolen nicht nur nacheifern, sondern auf 

Augenhöhe mit ihnen musizieren. Deshalb ist seine Musik 

nicht nur für 80er-Nostalgiker eine absolut glänzende 

Empfehlung. Hell glänzend, wie der Mond über Baskerville. 

www.martyandthebadpunch.com 

C.S. 


CD-REZENSIONEN 59 

BARBARA ZANETTI 

»Showdown« 

THE NOISE 

»The Noise« 

CORDELIA LOOSEN-SARR 

»Seelenhauch« 

Die Südtirolerin Barbara Zanetti bringt mit „Showdown“ 

eine Single heraus, die uns in zwei Varianten präsentiert 

wird: einmal die rockige Version und einmal in reduzierter 

Weise. Obwohl man sagen muss, dass sie dennoch mit viel 

Energie bei der „Folk-Version“ zu Werke geht. Die Single ist 

tadellos produziert und klangtechnisch auf der Höhe. Die 

Stimme spielt die nie angefochtene Hauptrolle im Klang - 

spektrum des Songs, und das ist bei dieser Sängerin auch 

ein Muss: Alles andere wäre ein Ärgernis. Was besonders 

hervorsticht, ist der Faktor, dass das Lied Authentizität besitzt 

und das lässt Barbara Zanetti nicht als Kunstprodukt der 

Musikbranche erscheinen. 

www.barbarazanetti.com 

M.D. 

Die New Yorker Jungs von THE NOISE machen mit ihrem 

neuen Album, das ebenfalls mit „The Noise“ betitelt ist, ihrem 

Namen alle Ehre. Mit Lärm, harten Gitarrenriffs, schnellen 

Bässen und einem Schlagzeug, das vorantreibt, fetzen die 

Punk Rocker um Sänger und Frontmann Arthur King, den 

viele noch von der Band THE MISFITS kennen, ihren Hörern 

einen Song nach dem anderen um die Ohren. Ihr Sound 

erinnert stark an den ursprünglichen Punk. Einflüsse von 

THE RAMONES, Iggy Pop und THE CLASH sind nicht zu 

überhören, sodass die Platte, die seit Februar erhältlich ist, 

auch in der Hoch-Zeit des Punk Rock hätte produziert werden 

können. 

www.rookierecords.de/category/bands/the-noise J.H. 

Ruhe und Harmonie im stressigen Alltag finden, eins mit 

der Natur werden, mit sich selbst im Einklang stehen und 

in einen meditativen Zustand kommen liegt Cordelia 

Loosen-Sarr am Herzen. Auf ihrer CD „Seelenhauch“ 

nimmt sie die Hörer mit auf eine friedvolle Naturklangreise. 

Dafür spielt sie extra statt in der gängigen 440-Hz-Stim - 

mung in der 432-Hz-Stimmung, die ihrer Meinung nach 

einen „Bezug zum Menschen, der Erde und dem Kosmos“ 

habe und deshalb das Herz berühre und öffne. Beim Stück 

„Friedensklang“ wird Loosen-Sarr von Jutta Reichardt 

sphärisch auf dem Monochord begleitet. Die CD ist Balsam 

für die Seele. 

www.musicforlife.de 

J.H. 

THE SAZERAC SWINGERS 

»It’s Never Too Late For A Happy 

Childhood« 

Jazz aus Gütersloh. THE SAZERAC SWINGERS kommen sehr 

unbeschwert und leichtfüßig auf ihrem aktuellen Werk „It’s 

Never Too Late For A Happy Childhood“. Das müssen sie ja 

fast auch, denn ihr Album umfasst 15 Lieder. Es ist schon 

ganz schön mutig, ein solch langes Album heutzutage noch 

auf den Markt zu bringen, denn die einzelnen Lieder liegen 

fast nie unter der Fünfminutengrenze. Aber schon beim 

ersten Stück „Flying Home“ wird klar, dass einem schwere 

Kost hier erspart wird. Nein, ihr Ziel ist es, dem Hörer 

Lebensfreude zu vermitteln. Was wäre da besser geeignet 

als guter, alter, traditioneller Jazz in bester Louis-Armstrong- 

Manier. Dieser Legende kommen sie auch sehr nahe mit 

dem Stück „Max The Knife“, mit Terrence Ngassa als Gast - 

sänger. Hier glaubt man fast, der Meister Louis Armstrong 

höchstpersönlich stünde hinter dem Mikrofon. Das einzige, 

das man der Truppe vorwerfen kann, ist, dass sie bisweilen 

ihre Musik etwas zu routiniert spielen und die improvisatorische 

Freiheit, die man sich im Jazz durchaus nehmen 

kann, manchen Werken fehlt. Nichtsdestotrotz ist und 

bleibt auch dieses Album eine Sammlung von fantastischen 

Nummern. 

www.sazeracswingers.com 

M.D. 

KURT BUSCHMANN 

»The Blues Is Gone« 

Der aus Seeon am Chiemsee kommende Multi-Instru men - 

talist Kurt Buschmann bringt uns auf „The Blues Is Gone“ 

den Jazz näher. Er covert Klassiker wie „M.R. PC“ von John 

Coltrane oder „St. Thomas“ von Sonny Rollins. Aber auch 

Pop kommt nicht zu kurz wie bei der Cover-Version von 

dem unsterblichen Klassiker „Eleanor Rigby“ der BEATLES. 

Das ist Spielfreude pur, schwerer zu hüten als ein Sack 

Flöhe und gleichzeitig der Beweis, dass Kurt Buschmanns 

neues Album vor allem von seinem gepflegten Saxophon - 

spiel lebt. Einen träumerischen Tag-am-Meer-Ausklang findet 

„The Blues Is Gone“ mit „Crystal Silence“, im Origi nal 

von Chick Corea. Superreduziert mit Saxophon und Piano 

kreiert es eine nachgerade sakrale Atmosphäre, die den 

Hörer in eine geistige Sphäre erhebt, in der er nicht mehr 

zu unterscheiden vermag, ob am Schluss des Stücks ein 

feines Störgeräusch zum Tragen kommt. Kurt Buschmann 

hat es verstanden, dem Album Raum und Zeit für die Ent - 

wicklung seiner Eigen drama turgie zuzugestehen. Die, im 

positiven Sinne, minimale dynamische Spannweite trägt 

das Ihre zum Eindruck eines Kunst werks ohne Brüche bei, 

während die prächtigen Harmonien pure Schönheit ver - 

mitteln. 

www.kurt-buschmann.de 

M.D. 

THE KURT BUSCHMANN GROUP 

»Use Your Time« 

„Ain’t No Sunshine“ von Bill Withers ist mit Sicherheit eins 

der meistgecoverten Lieder überhaupt. Darum muss man 

sich schon bei einem solchen Klassiker etwas Spezielles 

einfallen lassen, um den Hörer bei der Stange zu halten. 

Dies gelingt der KURT BUSCHMANN GROUP auf ihrem 

Album „Use Your Time“ hervorragend. Sie kopieren es nicht 

einfach eins zu eins, sondern hauchen dem Klassiker mit 

Buschmanns hier etwas schrägem Saxophon-Spiel, 

besonders im Mittelteil, neues Lebens ein. „Use Your Time“ 

ist ein reines Cover-Album geworden. „Fly Me To The 

Moon“, von Bart Howard geschrieben und durch Frank 

Sinatra weltweit bekannt geworden, wird mit viel Swing 

interpretiert. Neu erfinden sie dieses Stück nicht, und man 

hat es schon in so vielen Versionen gehört, dass sie sich 

diese Coverversion hätten sparen können. „Funny Valentine“ 

aus dem Musical „Babes In Arms“ und komponiert von 

Richard Rodgers kommt da, obwohl auch schon zigmal 

gecovert, schon besser rüber. Hier lassen sie sich einfach 

von der Harmonie des Stückes tragen – und dies ist genau 

die richtige Art, diesem Klassiker Tribut zu zollen. Diese 

Langrille wird meinen Plattenteller so schnell nicht wieder 

verlassen. 


M.D. 8 



LOOP AHEAD 

»River of Wine« 

P. G. Lange und Udo Lummer, Gitarrist und Bassist, ge - 

meinsam das Duo LOOP AHEAD, wagen, was viele nicht 

wagen würden: Sie loopen! An sich nicht ungewöhnlich, 

jedoch in ihrem Genre bis dato eher gemieden: der Blues. 

Was darf Technik und wie weit darf man gehen? Dies Frage 

übergehend, spielen die beiden die Stücke sehr relaxt. Der 

sonore, manchmal „Knopfler-artige“ Sprechgesang kokettiert 

mit all den technischen Spielereien und bietet Kon - 

trast. Lummer brilliert mit seinen Soli und teilt sich den 

Gesang mal zweistimmig, aber immer sehr lässig mit P.G. 

Lange. Die beiden weisen eine lange Musiker-Vita auf: 1963 

hieß Lummers erste Gruppe THE THIMBLES SKIFFLEGROUP. 

Es folgten viele weitere Kooperationen und Projekte. Lange 

begann mit dem kongenialen Mitmusiker in derselben 

Band und spielt heute noch bei den Old Fellows. Auf ihrem 

Album „River Of Wine“ wissen sie mit Blues-Standards und 

eigenen Songs zu überzeugen. Ihr Spiel mit den Loops be - 

deutet übrigens, Sounds mit technischen Hilfsmitteln wiederholen 

zu lassen und diese dabei gezielt einzusetzen. 

Das beherrschen die beiden auch live und das hat technisch-historisch 

gesehen Vorbilder bei den Produzenten/ 

Künstlern Robert Fripp und Brian Eno. Die Songs der Platte 

klingen allesamt elektrisierend bluesig. Im Song „Nadine“ 

weist der Groove dem Boogie den Weg! Fazit: Eine technisch 

wirklich reife Blues-Scheibe. 

www.loopahead.de 

C.S. 

Irrsinn an Selbst verlorenheit und Charme. Die nötige 

Sympathie und Herzen erobernde Riffs rollen über den 

Hörer drüber und hinterlassen Staunen und Freude. Ein 

Werk, das von THE JAM über THE SMITHS bis PULP alle 

möglichen Referenzen zulässt, wird zu einem unglaublich 

eigenständigen Destillat an Lebens freude und großartigem 

Musikverständnis. Die Songs erheben sich in ungeahnte 

Sphären und retten einem mit jeder Sekunde den Tag, 

was auch immer vorgefallen sein mag. 

www.thesinfulsaints.com 

M.D. 

KURT BUSCHMANN 

»Coffee For Angels« 

Wenn ein Album mit einer wunderschönen Cover-Version 

von Van Morrisons „Have I Told You Lately“ anfängt, ist man 

sofort gefangen. Auf Kurt Buschmanns Album „Coffee For 

Angels“ sind aber fast nur Eigenkompsitionen vorhanden. 

Wie das Latin-Jazz-Stück „Moje Kochane Serduszko“, wo 

er wieder mal beweist, dass er ein Meister des Saxophon - 

spiels ist. Das Stück strahlt ein Frische aus, dass man 

sofort Lust auf mehr bekommt. Hinzu kommen ein verträumtes 

„A Easy Day In Paris“, ebenfalls geschrieben von 

Kurt Buschmann, diesmal aber wie auch bei anderen 

Stücken mit der Hilfe seines Pianisten Sven Velle. Sholom 

Secundas Traditionslied „Donna“ behält auch in der sanft 

wehenden Cover-Version von Kurt Buschmann sein einprägsames 

Kernthema. Dabei entsteht eine brodelnde, 

manchmal geradezu überkochende Musik, die man mit 

herkömmlichen Stilbegriffen nicht fassen kann. Am Ende 

hinterlässt „Coffe For Angels“ einen harmonischen Eindruck. 

Die Musiker um Kurt Buschmann schaffen Atmosphäre 

mit einem Hauch von Mystik. Dabei setzen sie aber auch 

gleichzeitig auf Spontaneität, die einen hypnotisiert und 

fasziniert. 


M.D. 

Testosteron-Version späterer EVERY TIME I DIE, während 

bei „Our Darkest Day“ genau diese Einflüsse mit rockigem 

Thrash kollidieren. Egal, wie die Jungs gerade unterwegs 

sind, so ist es Sänger Alexander Sommerhuber, der den 

Songs durch sein powervolles, mal brüllendes, dann wieder 

hysterisch schreiendes Organ unglaublich viel Unrast be - 

schert, und die lässt praktisch jeden Song über die Durch - 

schlagskraft verfügen, die benötigt wird. Das neueste Werk 

„Dark Matter“ kommt gut produziert rüber. Die Jungs setzen 

auf die gewohnt fetten Gitarrenriffs und der Groove auf dem 

dritten Album klingt typisch nach LEONS MASSACRE. Warum 

großartige Sound-Veränderungen herbeiführen, wenn man 

auch am Feintuning arbeiten kann? Sie haben ihren Stil mit 

ihrer Mischung aus thrashigem Hardcore, diversen Nu-Metalsowie 

Rock-Anleihen, vermischt mit Cross over, schließlich 

weitgehend gefunden. 

www.leonsmassacre.com 

GÖTZ WIDMANN 

»Krieg und Frieden« 

Der deutsche Liedermacher Götz Widmann gibt auf seinem 

neuen Album „Krieg und Frieden“ von der ersten bis zur letzten 

Minute Vollgas. In altbekannter Manier sind seine Texte 

albern und strotzen vor Satire und Ironie. „zwei komma acht 

kilometer bier“ und „autsch“ thematisieren das Saufen, „politik“ 

und „vietnam“ kritisieren die Gesellschaft, allerdings 

immer auf eine sehr leichte und witzige Art, sodass es einfach 

Spaß macht, die CD zu hören. Sowohl Texte als auch die 

rockige, beschwingte Musik sorgen für gute Laune. Die 

Spielfreude des Liedermachers, der von sich selbst sagt, ein 

Spinner zu sein, überträgt sich auf jeden, der das Album hört. 

www.goetzwidmann.de 

J.H. 

THE SINFUL SAINTS 

»This Is It« 

Wenn eine Band Kurt Ebelhäuser (BLACKMAIL, SCUM- 

BUCKET) als Produzenten mit an Bord hat, dann kann man 

schon mal davon ausgehen, dass einem Qualitätsware aufgetischt 

wird. Dies ist bei der Band THE SINFUL SAINTS und 

ihrem Album „This Is It“ zweifelsohne der Fall. Der Opener 

„Plastic Queen“ erinnert einen gleich an besten Indie-Rock 

der Marke FRANZ FERDINAND, aber sie haben auch keine 

Scheu, Disco-Ele mente mit in ihre Musik einzumischen. Angst 

vor Balladen ist für die Jungs auch ein Fremdwort – bestes 

Beispiel: „So Much More“. Die Platte vereint elf unglaublich 

dichte Songs, energiegeladen, kraftvoll, jugendlich, ein 

LEONS MASSACRE 

»Dark Matter« 

In der Steiermark kann es auch mal laut zugehen. Dies be - 

weisen einem die Crossover-Metal-Jungs LEONS MASSACRE 

auf ihrem mittlerweile dritten Album „Dark Matter“. Einer - 

seits erinnert der Opener „This Earth Is Pricelesss“ an eine 

MOI ET LES AUTRES 

»Bio« 

MOI ET LES AUTRES besitzen etwas, was nicht jede Band 

hat, und zwar eine Ausnahmestimme. Die aus Mulhouse 

(Frankreich) stammende Juliette Brousset verfügt über ein 

Stimmorgan, das sich sowohl im Chanson und Pop als 

auch im Jazz zu Hause fühlt. Mit „Bio“ bringen es MOI ET 

LES AUTRES fertig, auf wunderbare Art diese Stile miteinander 

zu verbinden. In aller Bescheidenheit fängt einen 



„Bio“ durch zarte Melodien, mitreißende Rhythmen und, 

nicht zuletzt, mit dem entzückenden Gesang von Juliette 

Brousset ein. Das Niveau, das der Opener des Albums 

„Petite, don’t be blue“ vorlegt, wird mit jedem Stück der 

Platte gehalten. Mehr noch, Perlen wie „Dans Trente Ans“, 

„Dis, quand reviendras-tu?“ oder „C’est le dernier, je sais“ 

lassen einen mitunter den Atem anhalten und immer wieder 

den Repeat-Knopf betätigen. Hierbei wird der Hörer flüsternd 

verführt, genauer hinzuhören, wenn sich die dezenten 

Arrangements um Juliettes Stimme ranken, sie ergänzen 

und zum Glänzen bringen, ohne jemals überladen zu wirken. 

Die Musik be sticht durch ihre Einfachheit und die Band spielt 

präzise auf den Punkt, sodass sie doch den Eindruck der 

Erlösung entstehen lassen. 

moietlesautres.wordpress.com 

M.D. 

RENO BLUE 

»Septembergras« 

Eine alte „Framus“-Gitarre sollte den Beginn der Künstler - 

karriere von RENO BLUE darstellen. Mit Mundartliedern überzeugte 

er damals so manche Fastnachtsjecken. Es folgten 

Auftritte in Rundfunk und Fernsehen. Als Gitarrist und Sänger 

war er in den 80er- und 90er-Jahren in diversen Coverbands 

aktiv. Nach berufsbedingter Pause entwickelte der selbstständige 

Unternehmer gemeinsam mit Produ zent Ron Gardner die 

Idee, ein Album aufzunehmen. „Sep tem ber gras“, sein Debüt - 

album, wurde geschrieben, produziert und aufgenommen. Elf 

Songs in deutscher Sprache in den Stilrichtungen Country, 

Folk und Schlager erwarten den Hörer. Nachdenklich, romantisch 

und authentisch kommen die Stücke in sauber produziertem 

Gewand daher. Im Song „Augenblicke“ wird RENO 

von seiner Tochter Jana im Duett begleitet. Beide blicken in 

ein Fotoalbum voller Erinnerungen. In „Das letzte Rodeo“ 

befindet sich RENO BLUE im Zwiegespräch mit einem Pferd. 

Dazu schmeichelt eine Steelgitarre süßlich zum Schritttempo, 

nein, es wird nicht galoppiert zu diesen Balladen. Musik, die 

in keiner Sattelkammer fehlen sollte! 

www.reno-blue.de 

C.S. 

BLUTSBRÜDER 

»Höllenfeuer« 

Aus Anlass des 20-jährigen Bandjubiläums gibt es von den 

BLUTSBRÜDERN eine wahrhaft heiße Live-Scheibe. Die fünf 

Musiker einen der Heavy Metal und der Rock ‘n‘ Roll in der 

dreckigsten Form. Die deutschen Texte sind versaut, wie 

einst bei den Straßenjungs. Das weibliche Geschlecht steht 

auf „Höllenfeuer“ buchstäblich im Mittelpunkt, weshalb eindeutige 

Zitate an dieser Stelle unerwähnt bleiben müssen. 

Kein Wunder, dass man schon die Bühne mit J.B.O. geteilt 

und diverse Metal-Festivals gerockt hatte. Wichtig zu erwähnen: 

Die BLUTSBRÜDER haben vor Jahren eine Unte rstützer- 

CD für den Harzer Eishockey produziert. Der dazu passende 

Song ist als Bonustrack mit drauf. Mein Anspiel tipp: „Nein!“, 

ein Song mit Punk-Attitüde. Der ganze Silberling weist überdies 

Heavy-Riffs und Soli feinster Güte ab, sodass bei all der 

Stimmung auch musikalisch Vollgas gegeben wird. 

www.blutsbrüder.net 

C.S. 

GREY SEASON 

»Septem« 

GREY SEASON kommen aus dem Düsseldorfer Raum und 

mit ihrem Erstwerk „Septem“, huldigen sie ihren musikalischen 

Vorbildern des Progressive Metal/Rock, OPETH und 

PORCUPINE TREE. Zu Beginn von „Therion PT II“ baut sich ein 

dumpfer Klang unausweichlich im Hörorgan auf, bevor GREY 

SEASON dann urplötzlich mit einem sehr groovigen und kom - 

plexen Gitarrenriff in das sechseinhalbminütige Metal-Epos 

einsteigen. Und kaum lässt Blazej Lominski seine kräftige 

Stimme von der Leine, hat es einen gepackt. Das äußerst 

dichte Klangbild fügt sich nahtlos mit dem gottesgewaltigen 

Organ des Sängers zusammen, das immer wieder die 

Brücke zwischen den verboten guten Gitarrenriffs und Solos 

baut. Aber genau wie bei OPETH streuen sie immer wieder 

cleane Vocal-Parts mit in die Songs ein, was eine monotone 

Atmosphäre erst gar nicht aufkommen lässt. In lückenloser 

Reihenfolge ergeben die Stücke eine Progressive-Metal- 

Orgie symphonischen Aufbaus samt ganz und gar eigener 

Dramaturgie. Gleichwohl funktionieren die einzelnen Songs 

auch für sich genommen als seltsam funkelnde Edelsteine. 

grey-season.de/wordpress_GS/ 

M.D. 

WOLFGANG PAULE FUCHS 

»POND« 

Wolfgang Paule Fuchs, Mastermind und Mitbegründer von 

POND, präsentiert Crossover-Klassik im Großformat. Dieses 

Jahr hatte Fuchs bereits Gelegenheit, im Interview (Musiker 

Magazin 03/2014, d. Red.) mit uns über die Geschichte des 

Klassik inspirierten Rock und insbesondere die Geschichte 

von POND zu sprechen. Diese einzigartige Band, die zu DDR- 

Zeiten unter erschwerten Bedingungen bombastische und 

Keyboard-lastige, sinfonische Musik kreierte, beeinflusst von 

Emerson, Lake & Palmer und der polnischen Jazz-Rock- 

Combo SBB. Paule Fuchs, der Elektronikpionier, und die Bran - 

denburger Symphoniker kamen anlässlich einer Vernissage 

zu einem Crossover-Konzert gigantischen Ausmaßes zusammen. 

Dieses Werk dokumentiert die CD und gleichbetitelte 

DVD als audiovisuellen Genuss in der Deluxe-Edition. Zwölf 

wichtige Arbeiten des Künstlers Willi Sitte werden in der Ver - 

bindung zur Musik im Rahmen einer ausgefeilten und durch - 

konzipierten Lichtdramaturgie im Industrie museum Stahlwerk 

Brandenburg an der Havel dargestellt und, wenn man so will, 

aufgeführt. So geschehen am 14. September 2013. Wolfgang 

Paule Fuchs arbeitete intensiv an diesem seinem epochalen 

Werk. Wer dabei an Jon Lords Rock-Klassik-Kollaborationen 

denkt, ist in guter Gesellschaft. Hier jedoch befinden wir uns 

in einer nahezu durchgängig klassisch dargebotenen Bear - 

beitung von POND-Kompositionen. Die Symphoniker sind 

bestens aufgelegt und die große Streicher besetzung harmoniert 

wunderbar mit dem POND-Mastermind. Spektakulär, 

dramatisch, von barocker Schön heit und doch zeitgenössisch 

aktuell aufrüttelnd ist dieses Werk. 

www.ponderosa-records.de 

C.S. 

DARKEST HORIZON 

»The Grand Continuum« 

Die Musik auf „The Grand Continuum“, dem düsteren Studio- 

Opus von DARKEST HORIZON, zu beschreiben, ist ein schwieriges 

Unterfangen. Eng verflochten sind die Genres im Be - 

reich des schwarzen Metall. Death-, Black-, Doom- oder 

Progressive Metal? Die Frage kann so manchen harten Freak 

sehr sensibel werden lassen. DARKEST HORIZON haben eine 

eigenartige, epische Feierlichkeit in ihren Songs. Nach Doomlastigen 

Parts fällt das Spiel in hartes Gitarren-Rhythmus- 

Stakkato und Double-Bass-Salven wie in „A Thousand 

Dreams“. Beschwörend reiht sich der astreine Growl-Gesang 

von Aurelius Lie in das Geschehen ein. Die akustische 

Geister bahnfahrt führt uns in eine konzeptionelle Abhandlung 

vom Mikro- in den Makrokosmos, bei dem die Menschheit 

eine unbedeutende Rolle einnimmt. Da die Titel immer wieder 

melodisch, teils klassisch inspiriert sind, sehen die Künstler 

sich selbst am ehesten beim melodischen Death Metal. 

Interessant ist, dass die fünf Männer neben ihren Einflüssen 

8 



WINTERSUN und BEHEMOTH auch DAFT PUNK und 

DROPKICK MURPHYS nennen. Heute ist Metal auch offen 

für Einflüsse jenseits der Heavy-Metal-Welt. Gut so. Hammer- 

Scheibe! www.darkesthorizon.com 

C.S. 

PHI 

»Now The Waves Of Sound 

Remain« 

Die aus Österreich kommenden Neo-Progger PHI musizieren 

nun schon seit 2006 zusammen, bringen aber jetzt erst 

mit „Now The Waves Of Sound Remain“ ihr Debüt heraus. 

Schon der Opener „Buy Your Piece Of Love“ kommt daher 

wie eine Dampfwalze. Schwere und gleichzeitig aggressive 

Gitarren rollen einem entgegen, ehe dann der melodiöse 

Gesang von Markus Bratusa einsetzt. Ein starkes Eröffnungs - 

stück, auf das jedoch so manches schwächere Lied folgt. 

Schon bei „Welcome Tomorrow“, was eher melancholisch 

herüberkommt, schleicht sich eine gewisse Langeweile ein, 

die sie jedoch mit dem abwechslungsreichen „Tune In Zone 

Out“ locker wieder wettmachen. Starke Gitarrenarbeit und 

wunderschöne Keyboard-Passagen zeigen ganz klar, worin 

die Stärken der Band liegen. Hier wird ein Manifest eines 

Musiker-Kollektivs, das alles kennt und nichts auslässt, zele - 

briert. Souverän fügen PHI hier zusammen, was so immer 

schon hätte verbastelt werden müssen. Es treffen dringliche 

Echos aus den Tiefen der Musikgeschichte auf halluzinatorische 

Akkordschleifen auf hügelige Gitarrenpassagen 

und rauschige Orgelpassagen. Das Klanguniversum rotiert 

hier um eine Achse des guten Geschmacks des Prog-Rock. 

themx.bplaced.com 

M.D. 

allen Facetten: urban, elektrisch, akustisch, melancholisch, 

wild. Ein großer Pluspunkt ist auch, dass die Band perfekt 

zusammen spielt, sodass dieses Werk ein homogenes Out - 

put bildet und man ihnen die Verbundenheit in ihrem perfekten 

Zusammenspiel anhören kann. Diese Songs machen 

Spaß, und die einzigen Nebenwirkungen sind gute Laune und 

die Lust auf noch mehr guten Bluesrock. ROB THE VOICE 

sieht es als Aufgabe und Pflicht, seine Fans mit diesem Album 

zu belohnen. Bei „The Blues In The Night“ möchte man sich 

fast fragen: Haben wir das verdient? Jawohl, haben wir. 

www.rob-the-voice.de 

M.D. 

TALKING WIRE 

»Today« 

TALKING WIRE kommen aus Hameln, was nicht weit weg 

von Hannover liegt. Und genau von da kamen ja auch FURY 

IN THE SLAUGHTERHOUSE. Da ist es schon fast un heim lich, 

wie sehr TALKING WIRE auf „Today“ nach eben denen klingen. 

Für alle, die den Furys nachtrauern, hier ist der perfekte 

Ersatz. Selbst der Sänger Mirko Oscar hat dieselbe charismatische 

und rauchige Stimme wie Kai Wingenfelder. Dies 

stellt er besonders unter Beweis beim Song „Carry On“. Im 

düsteren „Tolerance“ findet der Fünfer schließlich mit ganz 

anderen Mitteln zu eigener Kraft. Über elektronische Klänge 

schwebt Mirko Oscar davon und stimmt urplötzlich in ein 

unvermutetes Donnern ein. Dissonante Gitarren schwirren 

umher und kitzeln wie nervöse Streicher unter den Achseln. 

Schicht um Schicht türmt sich hier ein wahrer Song- 

Brocken auf. Doch statt über den offensichtlichen Pfad aus 

dem Hymnen-Handbuch in einem Refrain zu münden, fasert 

es hier dramatisch aus. Der Spannungsbogen hält, und die 

Feuerzeuge bleiben aus. Trotzdem werden die einen das 

Album als konventionell verschreien und die anderen seine 

Unkompliziertheit genießen. Die einen werden das Pathos 

suchen, die anderen hingegen Understatement finden. 

www.talkinwire.de 

M.D. 

spiel das Duo ANGUS & JULIA STONE, die momentan mit der 

gleichen zarten Musik begeistern. Leichte Folk-Lieder wie 

„Can You Hear Me“ erinnern einen an Delaney & Bonnie, 

die Ende der 60er, Anfang der 70er in den USA große 

Erfolge feierten. THE WILDFIRES tragen ihre Lieder immer 

zweistimmig vor und ihre Stimmen ergänzen sich perfekt. 

Herausgelöste Tracks können leider nicht so überzeugen 

wie das komplette Album an einem Stück. Es fehlt deutlich 

der Wille zur Single. Derjenige jedoch, für den das kein 

Problem darstellt, der wird sich mit diesem Album sofort 

anfreunden können. Der musikalische Kontext des Albums 

wird immer wieder aufgegriffen und weitergeführt. Man spürt 

viel Gestriges, aber dadurch, dass diese Idee so gut verpackt 

wird, erkennt man nach mehrmaligem Hören auch etwas 

Innovation. Wo ich mir zu Anfang irgendwie deplatziert vorkam, 

fühlte ich mich schnell umgarnt, angezogen, ja sogar 

herausgefordert, mich dieser Platte zu öffnen. Denn „One“ ist 

einfach, satt und greift sich auch nach langem Hören nicht ab. 

www.facebook.com/TheWildfires/timeline M.D. 

FAIRWAY 

»Time« 

Beschwingte, irisch anmutende Flötenmelodien, gepaart mit 

Rockelementen, dazu Akkordeon-, Violinen- und Gitarren - 

sounds, machen die Musik der Wiener Band FAIRWAY zu 

etwas ganz Speziellem, was die vier Österreicher selbst als 

Urban Folk bezeichnen. Mit ihrer neuen CD „Time“ widmen 

sie sich sowohl klassischer als auch zeitgenössischer englischer 

Lyrik, die sie gekonnt und teilweise sehr groovig vertonen. 

Dadurch, dass das Quartett Wert darauf legt, die 

Arran gements musikalisch möglichst authentisch zu der 

Musik während der Entstehungszeit der jeweiligen Gedichte 

zu gestalten, ist die Platte insgesamt ruhig und entspannend. 

www.fairwaymusic.at 

J.H. 

ROB THE VOICE 

»Blues In The Night« 

ROB THE VOICE, der mit bürgerlichem Namen Rob Steiner 

heißt, bringt uns mit seinem Album „Blues In The Night“ den 

Blues. Diese Scheibe hat alles, was ein bodenständiges Blues- 

Album braucht: eine raue Stimme und dreckige Gitar ren. 

Natürlich darf auch die typische Ballade, die hier auf den 

Namen „The Blues In The Night“ hört, nicht fehlen. Gesanglich 

wird er unterstützt von der Österreicherin Julia Falke. Die 

beiden ergänzen sich perfekt, denn Julia gibt dem Ganzen 

eine gefühlvolle Note. ROB THE VOICE zeigt den Blues in 

THE WILDFIRES 

»One« 

Das aus London und Tennessee stammende, aber nun in 

Berlin lebende Folk-Duo THE WILDFIRES liegt mit seiner Art 

von Musik momentan voll im Trend. Man nehme nur als Bei - 

SAMPLER 

»Brutal Vision Vol 2« 

Ein Sampler mit der Zukunft des Metal? 30 Stücke auf 2 

CDs finden sich in dieser brutalen Sammlung mit dem 

Motto „Zurück aus der Zukunft – Back to Brutal!“ Be kanntere 

Genregrößen aus den Werkstätten der Record-Labels 

Deafground Records und Noizgate, wie LEONS MASSACRE, 



PLACENTA oder KORODED, finden sich darauf genauso wie 

viele Neuentdeckungen. Frei nach dem Motto „Sind wir zu 

laut, bist Du zu Hipster!“ Es gilt die Devise, sich im „Moshpit“ 

wiederzusehen. Es tummeln sich verschiedene Facetten des 

Modern Metal. Anleihen aus Screamo-, Death-, Trash- und 

Grindcore-Metal lassen sich bei den Bands ausmachen. 

Dabei ist schon bemerkenswert, wie manchmal zwischen den 

Growls der bösen Buben wunderschön harmonisch gesungen 

wird, wie bei „Breakdown At Tiffany’s“. Das Paket verspricht 

dann aber doch die volle Breitseite für den Fan und 

bedeutet vielleicht schon heute die Zukunft des Heavy Metal. 

www.deafground.net 

C.S. 

und Ungerechtigkeiten auf diesem Planeten. Brutale Vocals, 

extreme Drums, brachiale Gitarren und erdrückende Bässe. 

Überraschend begegnet dem geneigten Hörer Rap-Sprech - 

gesang in „Open Up This Fucking Pit“. Die Jungs haben 

Humor, das lässt der Song „Schmand an der Hand“ vermuten. 

So klingen STILLBIRTH – kein globaler Irrtum! 

www.stillbirthparty.de 

C.S. 

doch sehr lebhaft daher. Es dürfte einem auch ungewohnt 

vorkommen, den Drafi-Deutscher-Hit „Marmor, Stein und 

Eisen bricht“ im Schottenrock-Gewand dargeboten zu be - 

kommen. Wer also nicht gerne die üblichen Touristenpipe- 

Stücke hören will, bekommt einen Eindruck von doch schon 

spezieller schottischer Darbietung. Die Auswahl an Stücken 

ist angenehm zusammengestellt, man hat sowohl im Hinter - 

grund als auch bei einem schottischen Abend die passende 

Musik, die nicht aufdringlich wirkt. Wer aber jetzt nur original 

schottische Musikstücke erwartet hat, wird leider enttäuscht. 

www.sassanceltix.de 

M.D. 

ARNDT BAECK 

»Dankeschön« 

LUDWIG 

»L wie LudwiG mal anders« 

Die Band LUDWIG um Altrocker Peter Feller präsentiert sich 

auf ihrer CD „L wie LudwiG mal anders“ mit vierzehn Songs, 

die von der rauen Stimme Fellers sowie den Bassläufen 

leben. Der Groove entsteht durch das perfekte Zusammen - 

spiel der Instrumente. Die Band bietet ihren Hörern soliden 

Deutsch-Rock, bei dem man einfach mitwippen und -schnipsen 

muss. Thematisch werden Alltagsthemen, die vom 

Schluss verkauf bis hin zum Scheitern des Abnehmversuchs 

reichen, besungen, sodass sich jeder in den Texten wiederfinden 

kann. Diese CD macht gute Laune und darf in keiner 

Rocksammlung fehlen. 

www.sinnflut.biz 

J.H. 

Arndt Baeck war schon von klein auf begeistert vom Klavier - 

spiel. Man merkt auch schon von den ersten Tönen an, 

dass hier ein Vollblutmusiker am Werke ist. Entsprechend 

lässt einem auch der Opener „Dankeschön“ das Herz aufgehen. 

Die Gedanken flattern und tragen bis hin zur End - 

station der schönsten Tagträume. Vor allem gegen Ende des 

Albums findet diese Meistertat ihre Fortsetzung. Mit Songs 

wie dem episch ausgefeilten „Diese Gefahr“ und dem himmelschreiend 

schönen „Ich will mehr“. Wer auch immer vor 

Urzeiten das komische Wort „Od“ erfunden haben mag, bei 

„Kleinod“ hat er wohl an so was hier gedacht. Das überall 

lauernde und am Anfang stehende Nichts sieht er nie als 

bedrohlich chaotische Stille, die gerade Musik unbedingt zu 

überwinden hat, um überhaupt erst einmal anfangen zu 

können. Die Stille ist sein Gefährte, Arndt Baeck lauscht tief 

in sie hinein und fügt ihr dann Musik wie Streicheleinheiten 

zu. „Dankeschön“ lebt in der Tat von Luft und Liebe allein. 

Wie die Jugend ist diese Musik eine unerhörte Fantasie. Ein 

Luftschloss, auf Treibsand gebaut. 

www.arndtbaeck.de 

M.D. 

UDO SCHILD 

»Live« 

Mit viel Herz und Leidenschaft lässt der Singer-Songwriter 

und Gitarrist Udo Schild die Hörer seiner neuen CD „Live“ 

an einigen seiner Konzerte teilhaben. Die Aufnahmen auf 

der neuen CD entstanden in den Jahren 2007 bis 2010 in 

drei verschiedenen Locations in Köln und Bad Münstereifel. 

Die soulig-jazzigen Sounds wechseln sich mit funkigen 

Stücken ab, sodass man beim Zuhören einfach mitwippen 

muss. Schilds sanfte, tiefe Stimme berührt das Herz auf 

zärtliche Art und Weise. Seine Mitmusiker am Schlagzeug 

und am Keyboard halten sich dezent im Hintergrund. Ein 

wahrer Hörgenuss zum Augenzumachen und Träumen. 

www.udoschild.de 

J.H. 

STILLBIRTH 

»Global Error« 

Nein, kein globaler Irrtum – hier werden Grenzen ausgetestet, 

überschritten, neu definiert. STILLBIRTH dehnen die 

Grenzen des Grindcore, Hardcore und Death Metal auf’s 

Brutalste! Nach ihrem Erstling „Happy Stillbirth Party“ 2003 

und einer kreativen Pause ab 2004 fanden sie 2007 in 

neuer Formation zurück. Nach dem zweiten Studioalbum 

„Plakative Aggression“ und vielen Live-Shows, die sie 2011 

bis in die Vereinigten Staaten brachten, legen sie mit ihrem 

aktuellen Album in Sachen absoluter Härte nach. Die Songs 

von Gitarrist und Mastermind Lukas Swiaczny, der für diese 

Platte auch ans Mikrofon trat, sind technisch versiert und 

drehen sich thematisch um Politik, die herrschenden Eliten 

SASSAN CELTIX 

»Calm Before The Storm« 

SASSAN CELTIX, das sind Frank Kessel am Dudelsack und 

Marcus Höttler an der klassischen schottischen Trommel. 

Auf ihrem neuesten Werk „Calm Before The Storm“ interpretieren 

sie Songs von anderen Musikern auf ihre ganz 

besondere Art. Denn man findet nicht alle Tage ein Duo, 

das Songs auf Dudelsack und Trommel wiedergibt. Wie zum 

Beispiel „Sweet Caroline“ von Neil Diamond – dieser Klassiker 

wird hier in der Highland-Version durch den Dudelsack ge - 

dreht und mit leicht elektronischen Elementen kommt dies 

SIXTENTION 

»Espressivo« 

Mit „Espressivo“ legen die sechs Musiker der Instru mental - 

gruppe SIXTENTION ein ausdrucksstarkes und emotionsgeladenes 

Debüt hin. Zwei Violinen, einen Bass, eine Gitarre, 

Drums und ein Piano – mehr brauchen sie nicht, um ihre 

Zuhörer in die Welt der Klassik und des Rock und Pop zu 

entführen. Ihr Sound erinnert stark an David Garrett, dennoch 

sind eigene Arrangements erkennbar. Die CD tut der 

Seele gut. Die Band wünscht ihren Hörern in dem Begleit - 

heft, „Zeit in der Hektik des Alltags“ zu finden. Dies gelingt 

ihnen sehr gut. Man kann die Seele baumeln lassen und zur 

Ruhe kommen, wenn man den Klängen lauscht und sich von 

ihnen berühren lässt. 

www.sixtention.com 

J.H. 


64 TITELSCHUTZANZEIGEN 

Titelschutzanzeigen müssen uns fertig layoutet 

zugesandt weden. 

Sie können nur noch gegen Bargeld 

veröffentlicht werden 

Anzeige 45 x 20 mm 

(fertig layoutet): 

20,– € für Mitglieder 

30,– € für Nichtmitglieder 

CLAUDIA K. 

„Unser Song für Gräfelfing“ 


ckuzee_fysio@hotmail.com 

CASSROLL 

„Alkohol“ 

– Video – 


bilgin.oktay@t-online.de 

CASSROLL 

„Alkohol“ 

VÖ: 05.09.2014 

OLIVER SCHELL 

„Morning Sun“ 

AUBAAH 

„Stichtag“ 

KLARTEXT 

„Sehnsucht“ 


emotion.tm@t-online.de 


aubaah2005@email.de 

VÖ: 15.08.2014 

enrico.lakotta@gmx.de 

PETER BAYREUTHER 

„Liebeslieder“ 


kindervomuniversum@ 

t-online.de 


„Showdown“ 



LAST JETON 

„Fallen Angels“ 

VÖ: 04.07.2014 

www.lastjeton.com 

PETER BAYREUTHER 

„Love Songs“ 


kindervomuniversum@ 

t-online.de 

PROFT 

„Plan vom Glück“ 

VÖ: 17.12.2014 

www.proft-live.de 

THILO PLAESSER + 

LAURENTIUS SCHLIEKER 

„Amici“ 

VÖ: 04.07.2014 

www.thiloplaesser.de 

ALWIN SMOKE 

„Spirit’s Free“ 


a.w.office@t-online.de 


„74“ 

VÖ: 21.11.2014 


SHARI 

„SWEET MEMORIES“ 

VÖ: 30.05.2014 

LAST JETON 

„Next Level“ 


lastjeton@gmx.de 

SIMON SCHARF 

„Slip away“ 

VÖ: 24.10.2014 

SPARK OF SENSE 

„Unreduced“ 

VÖ: 23.05.2014 

www.sparkofsense.com 

JÖRG KUHFUSS 

„The Sound of Rock 

Mounten“ 


SUSANNE STÖHR 

„Die Kelten auf dem 

Heuberg“ 

VÖ: 24.10.2014 

AUBAAH 

„Urnenwahl“ 

VÖ: 16.05.2014 

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LOMKINA & LECHAIM 

„A. Lomkina & Lechaim“ 


lomkina@hotmail.com 

PROFT 

„Alles dreht sich weiter“ 

VÖ: 10.10.2014 

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„Vision“ 


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Harry Collin 

„Deep inside“ 

VÖ: 19.09.2014 

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MAEGIE KOREEN 

„Ruhrpott Solo II / 

Nache Kur in Wanne-Eickel“ 

VÖ: 02.05.2014 

www.chanson-cafe.de 

D.O.C. 

„Sweet Dykes 

and rotten bikers“ 

VÖ: 28.02.2014 

www.nima-rockmusic.de 

BCB 

„Candy / Ring of Fire“ 

VÖ: 27.02.2015 

petersenj@gmx.de 

OLIVER SCHELL 

„Your home is a song“ 

VÖ: 12.09.2014 

FABIAN SCHREIBER 

„Sommer“ 

VÖ: 11.04.2014 

www.fabianschreiber.com 

NIMA 

„Need some voice“ 

VÖ: 28.02.2014 

www.nima-rockmusic.de 

LUDWIG 

„LudwiG mal anders“ 


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CASSROLL 

„Alkohol“ 

VÖ: 05.09.2014 

bilgin.oktay@t-online.de 

CASSROLL 

„Hexe“ 

VÖ: 28.03.2014 

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„Bleiben“ 

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„Alles raus 

was kai Miete zahlt“ 


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MAEGIE KOREEN 

„Dann wackelt die Wand“ 

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Lektorat: 

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Musiker Magazin erscheint 4 x jährlich 

Copyright und Copyrightnachweis für alle 

Beiträge: Nachdruck, auch auszugsweise, 

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