Materials Revisited

Materials Revisited
Dank 7
Grußwort 9
Der Stoff ..., Sabine Runde 11
Die Seele ..., Stefan Soltek 14
Die Gesten ..., Volker Fischer 18
Werke Statements Phänomene 23
Lost and Found 26
Kleine Fluchten 38
Märchen-Wirklichkeit 52
Materialien als Entwerfer 64
Archäologische Folklore 72
Privatisierung des Öffentlichen 80
Rückblicke auf den privaten Kosmos 92
Die Serie als Unikat 102
Palimpseste 108
Klassikerschelte 116
Die Welt als Ort 130
Pimp my objects 134
Gibt es eine Zukunft … 140
Inklusion und Exklusion 152
Höherer Nonsens 156
Künstlerverzeichnis 160
Biografien 165
Impressum 192
4 5

Grußwort
Clifford Chance
Seit zehn Jahren ist Clifford Chance dem Museum
für Angewandte Kunst Frankfurt unterstützend
verbunden. Unsere Sozietät fördert mit dieser
Zusammenarbeit ein Museum, das weit über die
Grenzen Frankfurts hinaus mit Kreativität und
künstlerischem Pioniergeist, der bisweilen auch sehr
ungewöhnliche Ausstellungen hervorbringt, Aufsehen
erregt. Das Museum für Angewandte Kunst Frankfurt
trägt ganz wesentlich dazu bei, dass Frankfurt
sowohl national als auch international neben seinem
hohen Ansehen als Finanzzentrum auch einen
exzellenten Ruf als Stadt der Kultur genießt.
In diesem Jahr ist es die 10. Triennale für Form und
Inhalte 2011, die wir fördern. Gut vier Monate lang
bieten mehr als 100 Künstler unter dem Motto
‘Materials Revisited’ ihren ganz persönlichen Blick -
winkel auf den Umgang mit Materialien aller Art dar.
Dabei wird die Triennale zum Treffpunkt von
Künstlern unterschiedlichster Provenienz, die sich
vom Möbeldesign bis zur Buchkunst erstreckt und
damit ihren besonderen Reiz in der Ungewöhnlichkeit
der Mischung findet. In Zeiten, in denen allenthalben
mit Recht ein sorgsamer Umgang mit den natürlichen
Ressourcen angemahnt wird, bietet ‘Materials Revisited’
spannende Einblicke, wie in der Angewandten Kunst
im breiten Spektrum der Materialanwendung
zunehmend Nachhaltigkeit und Umweltbewusstsein
in den Blick rückt. Die Angewandte Kunst wird mit
dieser Ausstellung beweisen können, wie zeitgerecht
und zukunftsfähig sie ist.
Clifford Chance wünscht allen Besuchern der
10. Triennale für Form und Inhalte 2011 auf dieser
künstlerischen Entdeckungsreise viel Vergnügen.
Dr. Andreas Dietzel
Geschäftsführender Partner
Clifford Chance
Partnerschaftsgesellschaft von Rechtsanwälten, Wirtschaftsprüfern, Steuerberatern und Solicitors
8
9

Die Triennale seit 1978
Corporal Identity – Körpersprache, 9. Triennale für
Form und Inhalte, USA und Deutschland, Museum für
Angewandte Kunst Frankfurt, Klingspor-Museum
Offenbach, Museum of Arts & Design New York,
Frankfurt 2003.
Crafts from Scratch – Eine Spur von Handarbeit,
8. Triennale für Form und Inhalte, Australien und
Deutschland, Museum für Angewandte Kunst
Frankfurt, Object Gallery, Customs House Sydney,
Art Gallery of South Australia Adelaide, Frankfurt
2000.
Deutschland und Korea, 7. Triennale für Form und
Inhalte, Museum für Kunsthandwerk Frankfurt am
Main, Sonje Museum of Contemporary Art Kyongju,
Frankfurt 1997.
Zeitgenössisches Deutsches Kunsthandwerk,
6. Triennale 1994, Museum für Kunsthandwerk
Frankfurt am Main, Museum für Kunsthandwerk
(Grassi-Museum) Leipzig, Frankfurt 1994.
Zeitgenössisches Deutsches Kunsthandwerk,
5. Triennale 1990/91, Museum für Kunsthandwerk
Frankfurt am Main, Museum des Kunsthandwerks
(Grassi-Museum) Leipzig, Kestner-Museum
Hannover, München 1990.
Zeitgenössisches deutsches und finnisches
Kunsthandwerk, 4. Triennale 1987/1988, Museum
für Kunsthandwerk Frankfurt am Main,
Taideteollisuusmuseo Helsinki, Kestner-Museum
Hannover, Frankfurt/Hannover 1987.
Zeitgenössisches deutsches Kunsthandwerk,
Triennale 1984, Museum für Kunsthandwerk Frankfurt
am Main, Kestner-Museum Hannover, Frankfurt 1984.
Zeitgenössisches deutsches und niederländisches
Kunsthandwerk, Triennale 1981, Museum für Kunst -
handwerk Frankfurt am Main, Gemeentemuseum
Arnhem, Frankfurt 1981.
Zeitgenössisches deutsches und britisches Kunst -
handwerk, Museum für Kunsthandwerk Frankfurt am
Main, City Museums and Art Gallery Birmingham,
Frankfurt 1978.
Sabine Runde
Der Stoff,
aus dem
die Werke
sind
10 11

Über Jahrzehnte hinweg hat das Museum für
Angewandte Kunst in Frankfurt am Main mit der
‘Triennale für Form und Inhalte’ eine Ausstellungs -
reihe als Forum etabliert, die das Geschehen
sichtet, auswählt, analysiert, das Resultat in Katalogen
dokumentiert und die Werke darüber hinaus in der
Präsentation in einer jeweils sehr eigenen Weise
untereinander in Beziehung setzt. An kaum einem
anderen Haus ist so kontinuierlich sichtbar geworden,
wie die Angewandte Kunst ein eigenes Terrain der
Bildenden Kunst in Anspruch nimmt. Befürwortung
und Kritik begleiteten diese offene Angehens weise;
verstanden oder missbilligten die minder deutlich
ausgeprägte Funktionalität der geschaffenen Werke
und ihren Anspruch, ihren Platz in der Kunst eingeräumt
zu bekommen.
Nachdem wieder mehrere Jahre verstrichen sind,
ist es Zeit, eine Neubetrachtung zu unternehmen
und in der Jubiläumsausgabe der Ausstellung erneut
und zugespitzt nach dem Wesen der Arbeit im
sogenannten Angewandten Bereich der Kunst zu
fragen. Nach ‘Crafts from Scratch – eine Spur von
Handarbeit’ und ‘Corporal Identity – Body Language’
ist ‘Materials Revisited’ 2011 der Leitfaden, an dem
entlang sich über hundert Künstler hier begegnen.
Das englische ‘revisit’ deutet es an. Ein Überdenken,
Neuerwägen, Wiederaufnehmen ist anvisiert. Wenn
dies auch die Suche nach Orientierung in einer Zeit
des Umbruchs beschreibt, dann ist das durchaus
auf die Situation dieser Ausstellung übertragbar.
Übergehen wir die Gefahr der leeren Allerweltsfloskel,
nach der noch jede Zeit ihren Umbruch erfährt und
betreibt, dann wird unsere Zeit, nach dem radikalen
Umbruch durch den Zweiten Weltkrieg, den letzten
zehn Jahren weltweit, vom 11.9.2001 angefangen
bis zur Tötung Bin Ladens, bald wirtschaftlich
(China, Indien), bald energiepolitisch (Deutschland)
oder machtpolitisch (Irak, Ägypten, Libyen) als
empfindlicher Umbruch empfunden. Dank Internet,
Smartphone u.a. im Wechselspiel der Lebens -
wirklichkeiten off- und online, im Wechsel auch von
grassierenden Lebensweisen und Wertvorstellungen
verschmelzen die Menschen unterschiedlicher
territorialer, sozialer und religiöser Herkunft in ein
und demselben Lebensraum, wobei der Einzelne
dabei so uniform wie isoliert zu werden droht. Auch
in diesem Sinne erweist sich die diesmalige Auswahl
als Spiegel fortschreitender Globalisierung. Revisit –
der deutsche Fokus weist darauf hin, wie durchmischt
die deutsche Kunstlandschaft inzwischen ist,
wie gefragt deutsche Ausbildungsstätten sind und
wie viele Künstler ihren Wohnsitz in Deutschland
genommen haben bzw. wie viele aus Deutschland
stammende Künstler inzwischen in der Welt ihre
Arbeit zeigen oder weiterentwickeln. Wieweit die
persönliche Herkunft der Künstler oder das Land, in
dem sie derzeit angesiedelt sind, in die Antworten
auf die Fragestellung dieser Triennale einfließen, ist
– wie bei jeder Triennale – ein offenes Feld für alle
Rezipienten.
‘Materials Revisited’ – die Fragestellung zielt,
genauer betrachtet, auf unterschiedliche Akzente.
Natürlich gerät die Konzentration auf traditionell
benutzte Materialien in den Blick: Woher kommt
diese Entschiedenheit für ein Material, welche
Ausdrucksabsichten werden damit verbunden, welche
Rolle spielt es für die Wahrnehmung? Aus dem
Blickwinkel der Künstler und aus Kuratorensicht
zeigen sich die Potentiale der Materialien – Holz,
Porzellan, Tonerden, Glasuren, Glas, Metalle, Steine,
Perlen, Gewebe, Papiere ... – selbst als Charaktere,
die mit und gegen den Strich ihre Rollen spielen.
Material ist nicht neutral, vielmehr hat es heute
eine Form von ikonografischer Eigenqualität
gewonnen, die Inhalt, Thema, Aussage und Anliegen
mitbestimmt und die alte Forderung nach ‘Material -
gerechtigkeit’ hinter sich lässt. Technisches Wissen,
freie Anwendungen und Umsetzungen in der Hand
von Künstlern erweisen sich weit über ein Repertoire
hinausgehend als unerschöpfliches Reservoir für
jeweils ein sehr individuell entwickeltes Vokabular,
eine fein differenzierbare Klaviatur, auf der facetten -
reich komponiert wird. Neue Materialien, Ergebnisse
technischer Produktionen und industrieller Prozesse
und ihre Übertragung in künstlerische Konzeptionen
erweitern dieses Vokabular, eröffnen neue Ausdrucks -
möglichkeiten, mit denen experimentiert wird –
losgelöst von Möglichkeiten der Vermarktung mit
dem Potential zur Vermarktung. Jenseits der Collage
oder des Ready-mades hat sich die Idee des objet
trouvé bis heute weiterentwickelt, Recycling, heute
Reanimation, Revitalisierung oder Upcycling sind
Vorgehensweisen, die nicht mehr allein unter der
Prämisse der Nachhaltigkeit betrieben werden,
sondern als lustvoll lakonisches Spiel mit den Metaphern
unseres Alltags, unserer Zeit.
Den Gegenpol zu diesem materialen Kosmos, mit
seinen symbolischen Verweisen, seiner Veranlagung
zur Vernetzung oder Verlinkung, bildet der
immaterielle Bereich des Materialen als Stoff -
sammlung, auf den zugegriffen wird.
Der Rückgriff auf Märchen und Mythen als mehr
oder weniger emotionale, auch der Ratio entzogene
Ausdrucksebene, auf mehr und weniger weit zurückliegende
Gegebenheiten und Ideen, auf ein nachmittelalterliches
Stundenbuch, Bilder zur Familien -
geschichte, ein Urlaubsfoto, Reiseeindrücke, der
Zugriff auf das Zeitgeschehen, politisch, literarisch,
philosophische Begebenheiten oder das Schöpfen
aus dem eigenen Vorrat vergangener Jahre, aus
dem privaten Kosmos, der Erinnerung, die nicht
mehr nur die ‘Alten’ fasziniert... In allen Fällen geht
es nicht allein um Rekapitulation, ein nochmaliges
Aufführen oder Vorstellen des Gewesenen, sondern
um dessen Umformung, Modifikation, gar Metamor -
phose, die dem Vormaligen ein aktualisiertes
Ansehen im Hier und Jetzt eröffnet. Passt das in
eine Zeit, die offenbar viel dafür tut, Erfahrung,
Erleben, Rezeption in kleine Zeit-Raum-Segmente zu
rhythmisieren, die dem immer schon beklagten
Zuschnell-Sein des Zeitablaufs das Partielle und
Beiläufige, Angehäufte, im schnellen Vollzug und
Wechsel Verhandelte als Rasterfeld unterlegt? – Es
passt so gut wie auch der Rückgriff auf die Natur
in ihrer unbeschreiblichen Vielfalt und Schönheit,
die zugewandt in überhöhter oder radikalisierter
Umformung auftreten kann. Als mehr oder weniger
leises memento mori reiht sie sich ein in die
Ressourcen, die als Ausgangsstoff ihren jeweils
spezifischen Eingang finden in so unterschiedliche
Medien wie Möbel, Mode Schmuck und Buchkunst,
die seit Langem in der Triennale beleuchtet wird.
Immer anders aufgegriffen wird diese Fragestellung
immer wieder neu zur Erscheinung gebracht. Der
Stoff, aus dem die Werke sind, spielt mit allen
Facetten seines Seins. Zwangsläufigkeiten, die sich
aus einem Werkstoff oder seinen Verwendungen
zu ergeben scheinen, werden als Ausgangspunkte
benutzt, neu interpretiert. Textil beispielsweise ist
nicht nur Kleidung, sondern auch Raum, ein Kleid
ist nicht nur tragbar, sondern auch erzählerisches
Medium, Vorgefundenes, Gebrauchtes wird zerlegt,
neu geordnet und durch Umsetzungen verfremdet
und in etwas Freies, Unerwartetes transformiert, das
immer wieder Alltägliches aufscheinen lässt, um
gleichzeitig stereotype Erwartungen in Frage zu
stellen. Diese Infragestellung tradierter Aufgaben,
dieses Ausloten des Materials und seiner weiter -
gehenden Ausdrucksmöglichkeiten macht wieder
einmal deutlich, wie abträglich und überholt althergebrachte
Grenzziehungen dem Verständnis sind.
Im Fokus stehen die Werke der teilnehmenden
Künstler, im Katalog dokumentiert und kommentiert
durch die Autoren selbst und die Kuratoren, erweitert
um allgemeinere Reflektionen zu Phänomenen, die
die individuellen Standpunkte gesellschaftlich und
kulturhistorisch verorten. Trotz aller auf den ersten
Blick dominanten Subjektivität scheint in diesen
künstlerischen Positionen ein Potential auf, welches
doch auch gesellschaftsdiagnostisch ist. Viele
Eigenschaften von Materialien sind hier wiederentdeckt
oder neu entwickelt worden. Das Thema
dieser 10. Triennale ‘Materials Revisited’ fokussiert
auf solche (Wieder-)Entdeckungen, aber nicht nur
in Hinblick auf die Entwerfer, sondern auch auf die
Besucher. Insofern sind diese zu einem Verhalten
aufgefordert, welches man im Kontext von Lese -
erfahrungen re-reading nennt.
Sabine Runde
12 13

Die
Gesten und ihr
Schatten –
Zum Stand der
Dinge in der
Angewandten Kunst
Volker Fischer
Ich habe den Eindruck, dass heute die sozialen
Bedingungen und Befindlichkeiten vom Diskurs des
Ästhetischen weiter entfernt sind als früher – und
umgekehrt. Dabei ist für das Selbstverständnis
und das Selbstwertgefühl der Kreativen offenbar oft
eher unerheblich, ob sie ihre Einfluss- und
Gestaltungs möglichkeiten auf die Basiskontexte
gesellschaftlicher Realität wie Ökonomie, Soziales
oder Ökologie hoch oder niedrig einschätzen.
In allen sozialen Gruppen der Gesellschaft, die sich
bisher immerhin einbilden konnten, auf diese
Basiskontexte Einfluss nehmen zu können, verfestigt
sich der Eindruck, wenn nicht die Gewissheit, dass
dieser Einfluss sich zusehends marginalisiert.
Das hat natürlich Konsequenzen für das Selbstver -
stän dnis und die Eigenpositionierung in der Gesellschaft.
Noch in den 1980er Jahren hatten die Kreativen im
Sinne einer stilistischen Prägekraft den Optimismus,
mit ihren Produkten und Ideen auf die Gesellschaft
einwirken zu können; noch in den 1990er Jahren
konnte man dies in Hinsicht auf einen technolo -
gischen Optimismus neuer Verfahren, Materialien
und Werkzeuge beobachten.
Heute, fünfzehn, zwanzig Jahre später, greift dem -
gegenüber eine fast zähe Desillusionierung Platz.
Kein Angehöriger der ästhetischen Kaste glaubt
heute noch wirklich daran, mit seinen Werken gesell -
schaftlich einschneidende Veränderungen bewirken
zu können. Insofern hat, zumindest psychologisch,
die Perfektionierung der gesellschaftlichen Groß -
strukturen und Basiskontexte – von den Sozialsys -
temen, den Strukturen des Politischen über die
Marginalisierung von Partizipationsformen bis zu den
Medien und den Formen des Entertainments, zu
schweigen von der Globalisierung und ihren Folgen
für die eigenen liebgewordenen, aber oft provinziellen
Biotope des Denkens – bei den Kulturschaffenden
eine Haltung des eher beiläufigen Agierens begünstigt,
die ebenso an Lakonismus wie Zynismus grenzt.
Man gefällt sich eher in Andeutungen, ästhetischen
Gesten und flüchtigen Statements.
Die zeitgenössischen Künstler und Kulturarbeiter
verlieren sich nicht mehr in den Eifrigkeitsdiskursen
der klöppelnden Postmoderne oder den ebenso
weltverbesserungsehrgeizigen Askesen des Minima -
lismus. Das erzeugt einerseits eine sympathische
neue Lockerheit, aber ist eben oft auch nicht frei
von Blässe bis hin zum Läppischen. Wenn man sich
denn überhaupt noch politisch und sozial engagiert,
auch und gerade im Diskurs des Ästhetischen, dann
eher mit lakonischer Distanz und dem Abstand
ironischen oder auch selbstironischen Amusements.
Vielleicht steckt das Politische im Abstandhalten
vom Politischen.
Die heutige Generation von Künstlern will und kann
zwar immer noch und immer wieder ästhetisch
anspruchs volle, reflektierte Werke kreieren. Aber sie
will sich nicht mehr in Dienst nehmen lassen: nicht
von stilistischen Schulen, Bewegungen, Gruppierungen
oder Überzeugungszirkeln. Sie sind, paradox
formuliert, in einer diskurstranszendierenden Weise
diskursaffin, sofern es ihre eigenen, manchmal
eigenbrötlerischen Horizonte nicht stört. Natürlich
hat dies etwas mit Protest- und Nischenkultur zu
tun. Allerdings haben sich sowohl das Protestverhalten
wie die Nischen gravierend verändert. Man mag
18 19

Werke
Statements
Phänomene
22 23

„Mich interessiert das Zusammentreffen und Ausbalancieren von Waagerechten und Senkrechten, von
Schwere und Leichtigkeit. Daraus entstehen Formen, die unterschiedlichste Deutungen zulassen.“
Ute Brade
Auf Ton könnte sie nicht verzichten, sein organischer Charakter mit allen Möglichkeiten zur Strenge erlaubt
ihr Formen zwischen Architektur und Natur. Die verschiedenen Tone, gemischte Massen, auch Reste aus
der Werkstatt von Gertraud Möhwald, schätzt sie aufgrund ihrer spezifischen Eigenschaften. Sie verwendet
diese Tone im Aufbau der Form, skizzenhaft gefügt, geschnitten, gelegentlich gedreht, montiert. Wie eine
Malerin verfügt sie über die Palette ihrer finalen Farberscheinung, definiert die Oberflächenstruktur und
steuert in mehreren Bränden das Ergebnis. Architekturen entstehen, Erinnerungen, Zitate, wie ausgegraben,
Ute Brade
Die Grande Dame der Goldschmiedekunst, mit ihrer sehr eigenen Vorstellung von Materialgerechtigkeit,
verstand es schon immer, unbeachteten Materialien – Bänderachat (Tauschgeld aus Afrika), Kreuzstein
oder Marmor – Reize für ihre malerisch verspielte Verwandlungskunst abzugewinnen. Aus den größten
Tiefen des Meeres kommt die Tiefseekoralle. Farbreduziert mit Wachstumsringen zeugt dieses Naturmaterial
vom Leben im Dunkel. Gekonnt spitz gesetzte Goldzutaten, niedliche Details umspielen frech die Naturform,
überspielen den fragwürdigen Weg ans Tageslicht – so reklamiert das skurrile Geflügel ganz subversiv auch
den Schutz der Natur. SR
Ebbe Weiss-Weingart
präsentiert im Zustand des Vergehens. SR 33
32

„Wir haben der alten Idee des Schmiedens eine neue Dimension hinzugefügt. Für unsere Ideen brauchen
wir keine grundsätzlich neuen Technologien und Materialien. Zurzeit arbeiten wir intensiv an dem Thema
Flexibilität: Wie kann es gelingen, dem Metall noch größere Elastizität und Beweglichkeit abzuringen?“
Ulla und Martin Kaufmann
Seit Jahrzehnten sind Ulla und Martin Kaufmann Gold- und Silberschmiede im Bereich Schmuck und Gerät
und als Designer für die Besteckindustrie erfolgreich tätig. Ihre Werkstatt muss man sich wie ein Labor
vorstellen, denn auf der Basis ihres Know-hows und ihrer ständig wachsenden Erfahrung ist ihr Arbeiten
eine scheinbar unendliche Folge von Experimenten; eine neue Formidee, eine Überprüfung von Gehabtem,
auf der Suche nach dem richtigen Weg. Eine Folge von Küchengerät – Werkzeug – ist das Ergebnis ihrer
kompromisslosen Untersuchung von Form und Funktion, in die sie alle ihre Erfahrung als echte ‘Craftspeople’
haben einfließen lassen. SR
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Ulla & Martin Kaufmann
Ryoko Adachi
“I appreciate the complex experience through our senses sight, feeling, hearing and smell. I know that
even a minimal representation can evoke memories and excites an intensive imagination. The medium book
meets with my ideas on this. To me, the medium book is a metaphor for vitality. – I use materials with
specific characteristics for my work. I especially like to use wax. It feels like skin and is pellucid. Japanese
paper on the other hand resembles cloth in its shapeable structure.“ Ryoko Adachi
Wachstum und Zersetzung in der pflanzlichen und tierischen Natur sind ein immer neu anvisiertes Thema
für die in Deutschland ausgebildete Künstlerin. Ihre Sensibilität für das Atmosphärische, die Feinheit
der Materialien und ihrer druckgrafischen Interpretation bestimmen das Delikate auch in diesem Buch
Ryoko Adachis. StS
37

Kleine
Fluchten
Die Natur, uraltes Gegenüber zur menschlichen Kultur, hat auch heute
nichts von ihrer Inspirationskraft verloren. In der Kunstgeschichte sind
Sublimationen bekannt, in denen sich geistig religiöse Kräfte und
Gewalten vermitteln, im Stillleben als ‘memento mori’, im Genre des
Landschaftsbildes auch als Spiegel menschlicher Verfasstheit oder für
das 20. Jahrhundert spezifisch in der ‘Land Art’ mit ihrer impliziten
Gesellschafts– und Kunst(markt)kritik. Gegenwärtige Strategien
werden im heutigen Bewusstsein von Naturzerstörung und Endlichkeit
der Naturreserven entwickelt, begleitet von einem gebrochenen
Technikglauben. Natursehnsucht bringt zarte Gebilde hervor, Erfindungen,
die atmosphärische Momente heraufbeschwören, die Natur mit Hilfe
von Email, Glas– oder winzigen Süßwasserperlchen an Schönheit fast
übertreffen, Natur in Glas neu erfinden oder mittels Plastiktüten
gewagte Trompe–l’Œil Effekte erzielen und damit dreist ein exotisches
Federkleid karikieren. Es ist nicht zu übersehen – die Wunschwelt ist
nur scheinbar heil. Die konstruierte Schönheit ist von Zeichen des
Verfalls begleitet, die Ikonografie der verwendeten Materialien, Plastik–
tüten, erlesene Materialien, auch seltene Rohstoffe, die angewandte
Technik, das Zusammengesetzte der Form, das Gebrochene der
Farben – schöne Metaphern für die Realitäten dieser Zeit. SR 39
38

„Inspiriert von Zerfallsprozessen arbeite ich hier mit einem Werkzeug, das in der Natur ganze Landschaften
gestaltet: Sand und Wind.“ Benjamin Planitzer
Das Gerippe eines Baumes. Als Gerippe eigentlich tot, aber dennoch lebendig. ‘Holz arbeitet’, sagt man.
Doch erinnert die Oberflächenstruktur dieser Objekte auch an die Rillen, die das Wasser bei Ebbe im Sand
zurücklässt und damit gleichzeitig daran, dass es wiederkommt, das Land, seine Spur darin überdeckt,
um dann in ewiger Wiederkehr erneut zu verschwinden. – Das Gerippe ist nicht der Endzustand, es ist der
Zustand vor dem Verfall. Der Verfall ist nicht der Endzustand, sondern das Wiedereinbinden des Materials
in den natürlichen Kreislauf. – Die Objekte erscheinen einerseits wie kurz vorm ‘Tod’ und sind doch
andererseits und gleichzeitig so fragil, erstaunlich und wundersam wie ein Neugeborenes. EK
Benjamin Planitzer
Mirjam Hiller
„Die Suche nach Intensität. Verzauberung ist mein Antrieb; die Beschränkung auf ein Material ist die
Inspiration; kleine Veränderungen im Aufbau sind die Herausforderung; Lebendigkeit ist das Ziel.“
Mirjam Hiller
Die Ausgangsform: Blech, 21x21 Zentimeter, spiralförmig gesägt. Eine unendlich weiter zu denkende Form.
Ins Dreidimensionale eingewickelt und komprimiert, erhält sie etwas Unbestimmbares, das organisch wirkt,
aber fremd und seltsam erscheint. Das Material negiert die Assoziation mit Blüten oder Zapfen. Denn auch
wenn sie so filigran und biegsam anmuten, die Objekte sind es nicht. Sie verweigern sich der Assoziation
mit etwas Lieblichem, Schutzbedürftigem. Vielmehr scheinen sie in ihrem Inneren selbst etwas zu beschützen,
zu verbergen. Man ist versucht, sie aufzubrechen, um es zu sehen. EK
44 45

„Wenn die Temperatur stark unter Null Grad Celsius liegt, bilden sich auf Ästen und Früchten schöne
Kristalle auf deren Rinde und Haut. Diese Inspiration versuche ich auf meinen Schmuck zu übertragen.“
Sam Tho Duong
Sind es Früchte bespickt mit Zuckerkristallen? Kommen sie aus den Tiefen des Meeres? Dass sich Duong
von der Natur inspirieren lässt, wird beim Anblick seines Schmuckes offenbar. Er findet das geeignete
Material für sein Vexierspiel. Geduldig zieht er jede einzelne Süßwasserreiskornperle mit Nylonfäden auf und
schnürt sie fest an die ausgebeulten Silberkugeln. Perle neben Perle ragt in fein nuancierten Farbabstim -
mungen an dem Festkörper hervor, geht mit ihm eine Symbiose ein. Duongs Ketten scheinen wie
überzogen von feinen Kristallen, eine Schicht, die den Schmuckkörper erobert und in einen knisternden
Schönheitsschlaf des Erfrierens wiegt. An manch einer Stelle seiner Broschen bietet Duong Einblicke in das
ausgehöhlte Innere der Schmuckstücke oder lässt gar Aussparungen in den wuchernden Perlen, sodass
seine Objekte durch einen schmalen Spalt zu atmen vermögen. SJ
Sam Tho Duong
Gerhard Ribka
„Meine skulpturale Arbeit ist vorwiegend figurativ. Der Arbeitsprozess ist langsam und ich lerne meine
Stücke kennen, während ich sie in Wachs forme. Der Gießprozess, der folgt, ist immer wieder spannend,
wenn ich die weiße Schale der Form wegbreche und das Glas zum Vorschein kommt. Schwarzes opakes
handgeformtes Wachs, das in eine harte, lichtgefüllte Form verwandelt wurde. – Ich finde Inspirationen in
prähistorischen Skulpturen, griechischen, römischen Keramikfiguren, in zweitklassigen Porträts aus dem
19. Jahrhundert, melancholischer Landschaftsmalerei, italienischem Kino des Neorealismus, usw. ... – Ich
interessiere mich für die Zerbrechlichkeit unseres Lebens und die Erinnerung. Ich mag Fragmente und
Collagen. Ich erzähle Bruchstücke von Geschichten, versuche Klarheit zu schaffen durch Andeutungen, die
unvollständig und zerbrechlich sind. – Was ist das Wichtigste in meiner Arbeit? Die Freude, mit meinem
Material zu arbeiten, etwas zu erschaffen (Schönheit), ein flüchtiges Bild festzuhalten, dem Material Geist
und Seele zu geben. – Warum ist Glas das beste Medium, um mich als Künstler auszudrücken? Ich liebe
es. Es ist ein wertvolles Material, das aus einfachen Materialien hergestellt wird. Es hat so viele verschiedene,
sich widersprechende (oft menschliche) Qualitäten: weich, hart, zerbrechlich, scharf, lichtgefüllt,
reflektierend, matt und glänzend, usw.“ Gerhard Ribka
50 51

Wie Ufos aus einem Science-Fiction-Film machen Deckers Objekte eine Punktlandung im Raum. Makellos
perfekt gearbeitete, überlegen geformte, schneidige Gefäße, die ganz Silber, ganz Material sind – und
doch nicht von dieser Welt zu sein scheinen. Klare Grundrisse offenbaren Deckers präzise Auseinander setzung
mit Form und Funktion und rufen die Erinnerung an die strenge Formensprache des Bauhauses hervor. Auf
Hochglanz poliert, muten die geschwungenen Linien fast gefährlich an und münden geradewegs in ein
spitzes Gefäßende. Pfeilschnell katapultieren sie den Betrachter in eine andere Ära der Maschinenästhetik
der 1920er Jahre. Gleichzeitig laden die reduzierten Formen zum Innehalten ein und reflektieren die Ruhe-,
Rast- und Orientierungslosigkeit der heutigen Zeit. Der langwierige Herstellungsprozess der Objekte aus
edlem Silber kontrastiert die Kurzlebigkeit flirrenden Designkonsums. SJ
Andreas Decker
Young-I Kim
„In dieser Arbeit zeige ich Gefäße, mit denen ich Charaktere von Menschen darstelle, die ich gern mag
und die mir am Herzen liegen.“ Young-I Kim
Der Mensch als Gefäß. In seiner Grundform gleich, doch unendlich variierbar. Jede(r) mit seinem eigenen
Klang, seiner eigenen Färbung. Mehr oder weniger aufnahmebereit, mehr oder weniger verschlossen, aber
nie ganz zu. Mal emporgereckt, mal bodenständig, immer balancierend. Nie vollkommen (was ist vollkommen?),
aber gerade deshalb individuell, charaktervoll. Und immer schön. Glaubt man diesen Schalen, sind alle
Menschen schön. Zumindest in den Augen von Young-I Kim. – Leicht, fast schwebend ist ihre Erscheinung
(denn sie haben mehr von einer immateriellen Erscheinung als von greifbarer Materie). Ein Leuchten
kommt aus ihrem Inneren, ein Pulsieren, wie ein Herzschlag. Oder das Schimmern der Seele? – Ihre
Fragilität fordert Achtsamkeit, einen aufmerksamen Umgang mit jeder von ihnen. Die Schalen machen
neugierig, man möchte sie gerne kennenlernen. EK
60 61

In den letzten zwei Jahrzehnten hat die Materialforschung größere
Fortschritte gemacht als in den vorangegangenen 150 Jahren. Dabei
geht es neben neuen vor allem um hybride Materialien, die oft im
Kontext der Bionik angesiedelt sind. Schon 1995 gab es im New Yorker
Museum of Modern Art die inzwischen legendäre Ausstellung ‘Mutant
Materials in Contemporary Design’, die entsprechende Produkte aus
verändertem Glas, Metall, Keramik, Schäumen oder Gummi zeigte,
etwa Stoffe aus Keramik, Metall oder Kunststoff. Da gab es flüssiges
Holz und eine High Tech-Keramik mit dichterer Härte als massiver
Stahl. Selbsterinnernde Materialien, ‘memory materials’, etwa im
Karosseriebau verwendet, springen, beispielsweise nach einem ‘crash’,
Materialien
als Entwerfer
in ihre ursprüngliche Form zurück. Dreidimensionale Stereolithografie,
Kunststoffformen, die mit der sogenannten ‘injection–molded’–
Technik hergestellt werden oder das sogenannte ‘Lasersintern’ sind
solche Methoden, die fast autark Formen generieren. Dabei werden
flüssige oder pulverförmige Polymere mittels eines Laserstrahls in
feste, dreidimensionale Gegenstände verwandelt, also gedruckt, deren
Komplexität ohne Schrauben oder Materialnähte mit traditionellen
Herstellungsformen nicht möglich wäre. So hat zum Beispiel Werner
Aisslinger schon früh mit solchen und anderen experimentellen
Techniken entworfen. Aber auch in anderen Dimensionen können solche
neuen Verfahren zur künstlerischen Anwendung kommen. So bei Svenja
John, die schon seit 1994 mit Makrofol, einem zu Folie gezogenen
Polycarbonat, ausge klügelte Formmodule erfindet. Ihr neuester
Fingerschmuck entsteht im 3D–Verfahren und kann mit Fug und
Recht High Tech genannt werden. VF
64 65

Jeder kennt ihn: den angeschlagenen Topf aus Omas Küchennachlass. Das Email gerissen oder abgesplittert.
Der Klang, wenn man damit anstößt. Das Muster eher kultig als schön. Damals eben. Diese Objekte: zeitlos,
farblos, pur, weiß und schwarz (Milch und Kaffee), einfach, aber edel. Der Makel – gewollt. Das Unperfekte
als Alleinstellungsmerkmal. Die Rundung ist nicht vollkommen, die Oberfläche nicht absolut glatt. Die Risse
erlösen die Schale, den Becher, die Tasse aus ihrem Schönheits schlaf, drängen zur Nutzung, helfen über
die Ehrfurcht gegenüber dem Schönen hinweg. Die gewollten Stoß-Stellen als An-Stoß zum Gebrauch. EK
Astrid Keller
Hering Berlin
„Porzellan, das ist für mich Design, Ausdruck, Alltag, Stil und ich liebe dieses Material, seine Zutaten, seine
Besonderheiten, die Möglichkeiten, die Schönheit von Biskuit, dem unglasierten Porzellan mit der etwas
rauen, samtenen Oberfläche, das für das Hering Berlin Porzellan charakteristisch ist. – Das großartige an
Biskuitporzellan ist, dass es zerbrechlich und zart aussieht, aber extrem stabil ist. Mit unserer Kollektion
ist es gelungen den bisher vorherrschenden Biedermeier Formenkanon der klassischen Manufakturen
abzuschütteln.“ Stefanie Hering
Stefanie Hering verbindet ihre Liebe zu Porzellan, ihre künstlerische Begabung und ihr umfassendes
handwerkliches Knowhow mit Managerqualitäten und viel Gespür für die Zeit. 1999 gründet sie zusammen
mit Wiebke Lehmann und Götz Esslinger ‘Hering Berlin’ und entwickelt mit ihrem Tafelgeschirr eine
‘Produktfamilie’, die dem langsamen Niedergang kleiner Porzellanmanufakturen seit dem ausgehenden
20. Jahrhundert mutig entgegentritt. Ihr überaus elegantes Design setzt auf Biskuitporzellan, klare
Formen, Reliefstruktur und Taktilität, Vorzüge, die sie bereits in ihrer Zeit als Keramikerin in handgedrehten
Einzelstücken zu größtem Ausdruck und höchster Perfektion entwickelt hatte. Nicht ein Service, sondern
Kannen, Teller, Schalen, Objekte bis hin zu Licht sind die heutige, kulturübergreifende Antwort auf alle Fragen
der Tischkultur, Textil und Glas gehören inzwischen auch dazu. Mit diesem zeitgemäßen Konzept, verbunden
mit hohen Ansprüchen an Qualität und Auftritt, scheut sie die Konkurrenz zu den ganz Großen der
Porzellan geschichte nicht. SR
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Silber, das ist edel, teuer, besonders, empfindlich, glänzend, glatt. Ein Material mit Tradition und Geschichte,
ein Urmaterial angewandter Kunst. – Beton ist derb, schwer, martialisch, grau, tot, erinnert an Baustellen
und Plattenbauten. Ein ‘modernes’ Material für’s Grobe und Große. – Stefan Strube kombiniert diese
beiden Materialien in geschickter wie humoresker Weise in der unverkennbaren Form von Plastikbechern,
millionenfach produziert, millionenfach weggeworfen. In den einzelnen Varianten (und man wundert sich, wie
viele Varianten an Plastikbechern es doch gibt) spielt Strube verschiedene Proportionsverhältnisse von
Beton und Silber durch. Der Werkstoff dient dem Edelmetall (einmal auch Porzellan) als Träger, ohne ihm
jedoch untergeordnet zu sein. Das erinnert an Brancusi (1876–1957), für den der Sockel gleichwertiger
Bestandteil der Plastik war. Das ‘grobe’ Material Beton entfaltet hier seine Vielseitigkeit und Qualität, ist es
doch im Hinblick auf eine verfeinerte Formgebung wesentlich flexibler als das im Vergleich störrische
Silber. Auch die vornehme Zurückhaltung der feinen und matten Oberfläche gibt dem Beton eine Aura, die
es dem edlen Charakter des Metalls ebenbürtig macht. Durch die ungewöhnliche Verbindung dieser
Materialien in Kombination mit der Plastikbecher-Optik gelingt es Strube, jedem der drei Komponenten eine
neue Wertigkeit zu verleihen. EK
Stefan Strube
Martin Neuhaus
„Mich interessiert der experimentelle Umgang mit Material, Formen und vor allen Dingen mit Licht!“
Martin Neuhaus
Der Entwerfer bezeichnet sich als experimentellen Designer, der im Produktdesign und in der Ausstellungs -
gestaltung tätig ist. Er entwirft, produziert und vertreibt seine Produkte seit 1999. Zudem veranstaltet
Neuhaus seit 2008 regelmäßig die Ausstellung ‘Design braucht Täter’ zur Förderung neuen Designs.
Neuhaus interessieren die assoziativen, fiktionalen Kontexte von Produkten und Konzepten. Mit diesem Fokus
versucht er, neue Produkte mit einem narrativen Mehrwert zu kreieren. Ebenso ist er an einem experimentellen
Umgang mit Materialien, Formen und Gegenständen interessiert. Einen Schwerpunkt seiner Entwürfe bilden
die Lichtobjekte. Bei der Wandleuchte hier entlockt er banalen Einweg-Kunststoffbechern neue Eigenschaften,
indem er sie als klassische Lampenschirme verwendet. Eine solche ‘Ready-made’-Strategie verwendeten
schon Marcel Duchamp, Pablo Picasso, aber auch Achille Castiglioni. Die Spannung zwischen der Wahrnehmung
eines verfremdeten, aber vertrauten Gegenstandes, dessen Fragilität insgesamt mit dem filigranen Aufbau
der Lampe korrespondiert, macht sie zu einem ästhetischen Statement. Aber neben ihrer pragmatischen
Funktion hat diese Leuchte auch die Qualität eines Reflektionsobjektes über Warenkreisläufe, Produktlebens -
zyklen und ökologische Sensibilität. VF
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Jeder kennt ihn: den angeschlagenen Topf aus Omas Küchennachlass. Das Email gerissen oder abgesplittert.
Der Klang, wenn man damit anstößt. Das Muster eher kultig als schön. Damals eben. Diese Objekte: zeitlos,
farblos, pur, weiß und schwarz (Milch und Kaffee), einfach, aber edel. Der Makel – gewollt. Das Unperfekte
als Alleinstellungsmerkmal. Die Rundung ist nicht vollkommen, die Oberfläche nicht absolut glatt. Die Risse
erlösen die Schale, den Becher, die Tasse aus ihrem Schönheits schlaf, drängen zur Nutzung, helfen über
die Ehrfurcht gegenüber dem Schönen hinweg. Die gewollten Stoß-Stellen als An-Stoß zum Gebrauch. EK
Astrid Keller
Hering Berlin
„Porzellan, das ist für mich Design, Ausdruck, Alltag, Stil und ich liebe dieses Material, seine Zutaten, seine
Besonderheiten, die Möglichkeiten, die Schönheit von Biskuit, dem unglasierten Porzellan mit der etwas
rauen, samtenen Oberfläche, das für das Hering Berlin Porzellan charakteristisch ist. – Das großartige an
Biskuitporzellan ist, dass es zerbrechlich und zart aussieht, aber extrem stabil ist. Mit unserer Kollektion
ist es gelungen den bisher vorherrschenden Biedermeier Formenkanon der klassischen Manufakturen
abzuschütteln.“ Stefanie Hering
Stefanie Hering verbindet ihre Liebe zu Porzellan, ihre künstlerische Begabung und ihr umfassendes
handwerkliches Knowhow mit Managerqualitäten und viel Gespür für die Zeit. 1999 gründet sie zusammen
mit Wiebke Lehmann und Götz Esslinger ‘Hering Berlin’ und entwickelt mit ihrem Tafelgeschirr eine
‘Produktfamilie’, die dem langsamen Niedergang kleiner Porzellanmanufakturen seit dem ausgehenden
20. Jahrhundert mutig entgegentritt. Ihr überaus elegantes Design setzt auf Biskuitporzellan, klare
Formen, Reliefstruktur und Taktilität, Vorzüge, die sie bereits in ihrer Zeit als Keramikerin in handgedrehten
Einzelstücken zu größtem Ausdruck und höchster Perfektion entwickelt hatte. Nicht ein Service, sondern
Kannen, Teller, Schalen, Objekte bis hin zu Licht sind die heutige, kulturübergreifende Antwort auf alle Fragen
der Tischkultur, Textil und Glas gehören inzwischen auch dazu. Mit diesem zeitgemäßen Konzept, verbunden
mit hohen Ansprüchen an Qualität und Auftritt, scheut sie die Konkurrenz zu den ganz Großen der
Porzellan geschichte nicht. SR
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„Einen kleinen Blick auf das Zurückgelassene oder Nebensächliche gestatte ich mir im schnellen Voran -
schreiten der Veränderung. Wenn meine Aufmerksamkeit auf etwas stößt, das nicht konservierbar und so
schwer zu erklären ist wie ein Gefühl, meine Sinne auch mehr beansprucht als meinen Verstand, dann wird
es zum wichtigen Bestandteil meiner Arbeit. So sind meine Bücher Momentaufnahmen von Orten, die vom
rasanten Wachstum im Zuge einer ausufernden Urbanisierung berichten und auf den schleichenden Verlust
ihrer Identität verweisen.“ Jule Claudia Mahn
Die Künstlerin versucht in ihrem Buch ‘NordNordOst’ ein Bild Litauens einzufangen. Durch das verspielt
angeordnete Layout und die typografische Gestaltung wirkt das Buch auf den ersten Blick unbeschwert, ja
fast wie ein Reiseführer. Auch die Stadtpläne und markierten Einkaufsmöglichkeiten vermitteln den Eindruck
eines Nachschlagebuches für Touristen. – Doch die Texte zeigen die Verletztheit des Landes, und eine
sehr persönliche und nachdenkliche Stimmung durchdringt das Buch. Fotos von unbewohnten Häusern und
einsamen Stränden verdeutlichen die Verlassenheit des Landstriches. So kontrastieren die Formen einer
schönen neuen Welt mit dem tristen Inhalt des Gedankenkonstrukts. StS
Jule Claudia Mahn
Carola Willbrand
„Diese Arbeit bringt sozusagen auf den Punkt, worum es mir geht: Material, Form und Inhalt. Es ist ein
‘begehbares’, lesbares Buch, von Text zu Text wandernd, vorne und hinten betrachtend, kann man durch
das Material hindurch gucken – in die Welt. Das Material des Alltags, das wiederverwendete Material, das ich
verwende, zeigt natürlich deutlich eine Lebenshaltung, eine Kunsthaltung, ich bin ein down-shifter des
Kunstbetriebs. Ich werfe nicht weg, ich recycle in die Kunst. Das Material der ‘Gehirnakrobat(ik)’ sind
Textilmuster für Raumtextilien aus einem Musterbuch. Die Form, das Leporello, ermöglicht mir, eine große,
raumfüllende Arbeit herzustellen, die klein zusammenfaltbar ist. – In den letzten Jahren beschäftige ich
mich schwergewichtig mit dem Kopf und seinem Denkgehäuse (sollte die Künstlerin natürlich immer tun).
Die mit der Nähmaschine genähten Kopfzeichnungen sind neben Eigenzeugnissen auch Zitate zum Beispiel
Kölner Reliquiarfiguren aus St. Ursula, wie aber auch meine ‘Eigenen Bausteine’; ebenso die Text-Zitate von
anderen und meine eigenen sind. – Schön übrigens finde ich auch die Vorstellung, meine ‘Gehirnakrobat(ik)’
als ein Verbindungsstück zu sehen, ein Raumstück gleich einem Paravent. Eine Installation, die den Raum
strukturiert, in dem auch andere (Kunst)Gegenstände zu finden sind!“ Carola Willbrand
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„Die Tradition der Aussteuer beinhaltet Werte, die für mich im Design von hoher Bedeutung sind: Qualität,
Nachhaltigkeit, persönlicher Bezug zum Objekt und Funktionalität.“ Amelie Bunte
Amelie Buntes Sammelsurium an nützlich-praktischen Dingen ist eine moderne Art der Aussteuer, ein Set
für den ersten Haushalt, bestehend aus zehn Haushaltsgegenständen. Ein jedes versehen mit einer Art
Markenzeichen, zusammengesetzt aus den Initialen der Besitzer zur Personalisierung und einer Nummer der
Produktreihe, die den Aspekt des Sammelns unterstreicht. Kelle, Sieb und Co. sind durch dieses ‘Branding’
erst als ‘Produktfamilie’ erkennbar, eine Besonderheit: die Mehrfachfunktion, zum Beispiel Handtücher
funktionieren auch als Schürze! – Auch wenn die Tradition der Aussteuer aus der Mode gekommen ist,
ergeben sich doch bei jeder Gründung eines eigenen Hausstandes grundlegende Notwendigkeiten. Meist
entsteht eine Collage aus Altem, Ausrangiertem und Erschwinglichem bis Billigem. Amelie Bunte spielt mit
dieser neuen Tradition des Zufälligen und hinterfragt unsere Gewohnheiten und die Regeln unserer schnell -
lebigen Konsum- und Wegwerfgesellschaft. Zukünftig könnte sogar RFID (Radio Frequency Identification) zum
Einsatz kommen – eine Technologie, die neuerdings zur automatischen Identifizierung von Gegenständen
und Lebewesen eingesetzt wird (etwa als Zutrittskontrolle oder im Reisepass): Beim Kauf könnten Daten auf
einem kleinen Chip, der in den Gegenstand integriert ist, gespeichert werden. Wird das Objekt eines Tages
weitervererbt, könnte dessen Geschichte über die auf dem Chip gespeicherten Informationen nachvollzogen
werden. SJ
Amelie Bunte
Johannes Nagel
„Jedes Ding, das wir konstruieren und herstellen, ist etwas Behelfsmäßiges, etwas Improvisiertes, etwas
Unpassendes und Provisorisches.“ David Pye
„Improvisorium: Bei meinen Arbeiten ist das Improvisierte und Provisorische ein ganz konkretes Thema. Die
Objekte sind aber nicht im technischen Sinne behelfsmäßig, sie sind Stegreiferfindung und Behauptung.
Manche Objekte sind irgendwie Gefäße. Was sind sie noch? Der Versuch, die Assoziationen zu verwirren, die
Technik und Material hervorrufen, oder die Erwartungen an das Weiß von Porzellan zu stören. Manchmal
konstruktives Zusammensetzen, manchmal mutwillige Zerstörung, manchmal Vase, manchmal Fragment und
entfremdetes Objekt. – Improvisiert ist der Umgang mit dem Material, die Art und Weise, wie die Formen
entstanden sind – gesägt, ausgegraben, gestapelt, gefunden und aufgemalt. Provisorisch wirken die Nähte,
die Schnittstellen, die Farbkleckse und unvollständigen Malereien, indem sie vom fertigen Objekt auf den
Moment der Bearbeitung verweisen. Nicht die Perfektion der endgültigen Formulierung ist das Ziel, sondern
die formulierte Idee über die Entwicklung der Dinge.“ Johannes Nagel
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“I always transform material.“ Marianne Fassler
Fassler verschmilzt südafrikanische (sowie afrikanische) Traditionen mit zeitgenössischem Design.
Traditionelle Textilien, ‘kente’ Stoffe (geometrische Streifenweberei aus Westafrika) oder Shweshwedrucke,
die sie überfärbt, bestickt und verwandelt, ebenso wie Stoffreste und Abschnitte einer aktuellen Produktion
formt sie zu einem ästhetischen Statement, das die zeitgenössische Kultur Südafrikas reflektiert. –
Nadelstreifen werden in Südafrika immer mit Anzügen, die die Kolonialisten trugen, verbunden. Heute sind
sie in Zululand besonders beliebt. Fassler verwendet hier ein zeitgenössisches Stretchgewebe in Verbindung
mit einer traditionellen Pondo-Perlarbeit und Perlmuttknöpfen, die selbst wieder auf weiße/europäische
Traditionen aus dem 18. Jahrhundert verweisen. Auch der Angorapelzbesatz versteht sich als Zitat königlicher
Bekleidung. Fassler bezieht sich in ihren Entwürfen auch auf die indigene Tradition der Skarifizierungen,
die sie als selbstbewusstes Statement zu eigenen Schönheitsidealen versteht. SR
Marianne Fassler
Konstantin Grcic
„Material steht grundsätzlich in einer Verhältnismäßigkeit zum Objekt. Ich mag die Vorstellung eines Materials,
das ökonomisch ist, aber das den Ansprüchen nicht nur konstruktiv, sondern auch in seiner Haptik und
Ästhetik entspricht. Mich hat stets das Konzept der Monomaterialität interessiert, das heißt, ein Objekt
vollkommen aus einem Material zu fertigen und den Material-Mix zu meiden.“ Konstantin Grcic
Der Sessel ‘Avus’ ist der vierte Entwurf von Konstantin Grcic für das spanische Unternehmen Plank. Er
kultiviert die charakteristischen Qualitäten eines klassischen Clubsessels wie Eleganz, Komfort und hohe
Materialqualität. Dieser Sessel wird mit zeitgenössischen Materialien und Methoden der Fahrzeug-, Flug- und
Sportindustrie produziert. Sein organisches, geschlossenes Volumen aus Schalenelementen ist eine
Reinterpretation des Lounge-Chairs, die durch die bergende, volumige Lederauflage der Sitzschale mit
eingelegtem Sitzkissen nochmals verstärkt wird. Die geteilte Schalenform wird durch eine geschäumte
Polyurethanfüllung ausgesteift. Sie kontrastiert spannungsreich mit der durchgehenden Lederauflage, die
neueste Technologien der Täschnerei und der Reisegepäckherstellung adaptiert. Ovale Greiföffnungen,
ornamental betonte Verschraubungselemente, vor allem aber das Riffelglas-Inlay im Rücken der Sessellehne,
welches Technologien des automobilen Scheinwerferbaus verwendet, verorten diesen Sessel im High Tech-
Segment. Zugleich wird mit solchen stilistischen Details der klassische Funktionalismus relativiert. Auch der
Produktname ‘Avus’ ist ein Hinweis auf automobile Kontexte, denn der Begriff diente als Abkürzung für die
sogenannte ‘Automobil-Verkehrs- und Übungsstraße’, eine ehemalige Rennstrecke in Berlin, die, ab 1913
gebaut, ab 1921 die erste Automobilrennstrecke Deutschlands war. VF
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„Gibt es eine
Zukunft in der
Vergangenheit?“
Ernst Bloch)
Die Kunst des Zitierens, ein altes Phänomen, das vielfach Kunst–
geschichte geschrieben hat, ist auch heute virulent. Sich beziehens
auf ein anderes Werk, sich einlassens auf ein älteres Vorbild, es
aufzurufen und vorzuladen, es wortwörtlich oder indirekt wiederzugeben,
stellt die Frage nach der Gegenwart des Zukünftigen im Vergangenen.
Ein bekanntes oder unbekanntes Meisterwerk aus einer anderen Zeit,
das eine vergangene Epoche vergegenwärtigt, für eine vergangene, in
die Gegenwart reichende Wertigkeit steht, wird gleichsam zum Material
für das Neue, zum Stoff, aus dem geschöpft wird: Es ist Inspiration
und Quelle für das neue Werk, für die individuelle Auseinandersetzung
mit der Kunst und ihrer Vergangenheit. Jedoch nicht im Sinne einer
reinen Nachbildung, einer detailgenauen Kopie, sondern vielmehr in
neuen formalen und inhaltlichen Zusammenhängen, in eigenen
Formulie rungen und Werkarten, die das Andere – mal mehr oder weniger
deutlich erkennbar – wiederholen, es anführen, umformen und weiter–
führen. Ist es die eigene Identifikation mit dem Vorbild, die Wahr–
nehmung von Übereinstimmungen, die hinter dieser Beschäftigung
mit der Geschichte steht? Sind es die Unveränderlichkeiten des
Lebens oder die Brüche mit dem Vergangenen, die hier reflektiert
werden? Ist es eine Rückbesinnung auf das Ältere, das Bewahren der
Traditionen in der Gegenwart, für die Zukunft? Eine Art Hommage oder
Verbeugung, vielleicht aber auch eine Kritik, eine Parodie, eine
Herausforderung? Oder geht es hier um eine Neuinterpretation und
Sinnerweiterung des Vorhandenen, um die Anwesenheit des Vergangenen
im Jetzigen, das in die Zukunft weist? CJ
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