Freie Sicht

Hans Zitko und Anne Marie Freybourg (Hrsg.)
Werner Hofmann (1928–2013) gewidmet, von dem ich lernte, die Kraftlinien der Kunst zu begreifen.
Adam Jankowski
FREIE SICHT : Adam Jankowski
und Künstler aus seiner Malereiklasse an der HfG Offenbach 1987-2013
Dirk Baumanns
Dorothee Diebold
Bea Emsbach
Goekhan Erdogan
Oliver Flössel
Parastou Forouhar
Sebastian Heinrich
Xenia Lesniewski
Clemens Mitscher
Sabine Moritz
Julia Oschatz
Erik Pfeiffer
Röther von Wangenheim
Frank Schylla
Marcus Sendlinger
Henning Strassburger
Cornelia Thomsen
Nasan Tur
Tatiana Urban
Markus Weisbeck
Dan Zhu
Peter Zizka
Nassauischer Kunstverein Wiesbaden 2013
2 Adam Jankowski
3

Inhalt
Bernd Kracke
Adam Jankowski
Elke Gruhn
Adam Jankowski
Philipp von Wangenheim
Geleitwort
Dank
Zur Ausstellung
Freie Sicht, oder die Welt, wie sie ist
Fünf Uhr morgens
7
10
11
12
20
Freie Sicht
Clemens Mitscher
Sabine Moritz
Peter Zizka
Markus Weisbeck
Marcus Sendlinger
Julia Oschatz
Bea Emsbach
Frank Schylla
Parastou Forouhar
Nasan Tur
Henning Strassburger
Tatiana Urban
Röther von Wangenheim
Oliver Flössel
Erik Pfeiffer
Cornelia Thomsen
Dirk Baumanns
Goekhan Erdogan
Dorothee Diebold
Sebastian Heinrich
Xenia Lesniewski
Dan Zhu
Adam Jankowski
21
22
26
30
34
38
42
46
50
54
58
62
66
70
74
78
82
86
90
94
98
102
106
110
Anne Marie Freybourg
Ohne Utopie geht es nicht
Zur Malerei von Adam Jankowski
114
Hans Zitko
Das paradoxe Unternehmen der Malerei
Zu einigen Bildern von Adam Jankowski
118
Adam Jankowski
Anhang zur Lehre
Ansichten der Klasse
Aus dem Arbeitstagebuch 1987
Independent Artists
Die Segel
Beschreibungstexte der Lehrveranstaltungen
Ausstellungen/Publikationen der Klasse
Exkursionen
Index/Diplomanden
134
136
138
141
148
150
152
154
158
Impressum
160
4 Sven Schuppar : »Goldrausch« 2008
5

Bernd Kracke
Geleitwort
»So trifft man sich wieder«, dachte ich damals, als ich als neu berufener Professor für Elektronische
Medien Adam Jankowski 1999 in der Hochschule für Gestaltung (HfG) Offenbach
traf, wo er schon seit 1987 als Professor für Malerei tätig war. Unsere erste Begegnung
lag gut 25 Jahre zurück. 1974 lernten wir uns erstmalig in Hamburg an der Hochschule für
bildende Künste kennen, im Atelier der Klasse von Almir Mavignier in der Spaldingstrasse
am Berliner Tor; es war eine angemietete Atelier-Expositur im rauen innenstädtischen Industriegebiet
der Hansestadt – auch damals hatten Kunsthochschulen schon mit Platzproblemen
zu kämpfen, ähnlich wie derzeit die HfG Offenbach.
Nun, nach 26 Jahren Lehrtätigkeit an der HfG Offenbach, geht Adam Jankowski, der Hamburger
aus Wien, von Bord. Ein gutes Vierteljahrhundert hat der in Danzig geborene und
aufgewachsene, in Wien und Hamburg studierte und dort auch ansässige, in der Welt weit
herumgekommene Künstler das Lehrgebiet Malerei geprägt – und auch ein Stück weit die
gesamte HfG.
Sven Schuppar, »Arche«, 2008
Dazu trugen nicht nur sein unermüdliches Engagement in der künstlerischen Lehre und der
programmatischen Entwicklung der Hochschule bei: Auch bei zentralen Publikationen war
er immer wieder mitverantwortlich für Konzeption und Redaktion. Als Beispiele seien hier
die erste Selbstverständnis- und Übersichtsbroschüre der HfG von 1991 oder die Festschrift
»Gestalte/Create« genannt, die 2007 anlässlich des 175–jährigen Jubiläums unserer Institution
erschienen ist.
Adam Jankowski hat die Kunst, die Malerei, auch als eine theoretische Disziplin verstanden
und gelehrt; schließlich war seinem Studium der bildenden Kunst in Hamburg ebendort
auch ein Studium der Kunstgeschichte gefolgt.
Bemerkenswert fand ich immer, dass er davor Maschinenbau studierte. Man muss sich eine
solche Entscheidung, einen solchen Schritt einschließlich der Konsequenzen, erst einmal
vergegenwärtigen. Da ist ein Maschinenbauer, der sich in die Kunst verliebt. Davon gibt es
sicherlich viele, aber hier ist einer, der den Rechenschieber in der Schublade wegschließt
und zum Pinsel greift. Und nicht nur das: Er schwört seinem alten Glauben an das rein
rationale Denken ab und heiratet die mitunter doch recht launische Malerei und bleibt ihr
treu. Und sie ist ihm treu. So wie es aussieht wohl ein Leben lang. Kein Märchen, sondern
der Lebensweg von Adam Jankowski.
6 Geleitwort
Bernd Kracke : Geleitwort 7

Geleitwort
Unaufhörlich beschäftigt sich Jankowski neben seiner künstlerischen Arbeit mit theoretischen
Fragen zu den Begrifflichkeiten der Gestaltung sowie zu allgemeinen philosophischästhetischen,
historisch-gesellschaftlichen und wissenschaftlichen Prozessen und Erkenntnissen:
Kunst mit Gefühl und Verstand.
In seinen Bildern, die sich von realistischer Malerei hin zu einer abstrakten, mit Unschärfe
agierenden Bildsprache entwickelte, verhandelte er auch seine theoretischen Reflexionen.
Sein Lehrgebiet an der HfG Offenbach umschrieb er in einem Satz: »Forschungsschwerpunkt:
Landschaftsmalerei im Zeitalter der digitalen Bildtechnologien«. Hier zeigt sich
insbesondere – als Konzentrat – die Relevanz der Verzahnung alter und neuer Bildtechnologien
für die Lehre an der HfG – mitgeprägt und mitgetragen von der Lehr- und Künstlerpersönlichkeit
Adam Jankowski, der auch als langjähriger Dekan von 1989 bis 2000 und
von 2006 bis 2011 den Fachbereich Visuelle Kommunikation leitete und konturierte.
Sicher ist es auch die Disziplin, die seine Arbeit, seine Lehre kennzeichnet; eine mitunter
eiserne, wie man sie zum Rennradfahren benötigt, also für Adams sportliches Hobby, dem
er in seiner Freizeit leidenschaftlich frönt. Ehrlich, geradeaus, authentisch, ... Adam Jankowski
hat es nie interessiert in ruhigem Gewässer zu schwimmen, vielmehr sind es die
Ecken und Kanten, die Reibungen, die ihn charakterisieren – im Leben, der Lehre wie in
der Kunst. Das wird fehlen.
Umso mehr freue ich mich über die Ausstellung im Nassauischen Kunstverein Wiesbaden
anlässlich seines Abschieds von der Hochschule, die mit seinen eigenen Werken und denen
seiner Studierenden und Absolventen bestückt ist. Die Vielfalt – die TeilnehmerInnen
kommen aus den Bereichen der Kunst und der Medien – verdeutlicht einmal mehr Adam
Jankowskis Offenheit für Neues und sein nachhaltiges Wirken an der Hochschule, für das
ich ihm an dieser Stelle nochmals herzlich danken möchte.
Mein herzlicher Dank geht auch an den Nassauischen Kunstverein Wiesbaden, der mit der
Ausstellung »Freie Sicht: Adam Jankowski und Künstler aus seiner Malereiklasse an der
HfG Offenbach 1987–2013«, der Offenbacher Kunsthochschule eine sehr attraktive Gelegenheit
eingeräumt hat, einen Teil seiner künstlerischen Leistungsfähigkeit in architektonisch
sehr stimmungsvollen, zentral gelegenen Räumen der Landeshauptstadt Wiesbaden
der Öffentlichkeit präsentieren zu können. Es ist eine interessante und produktive Zusammenarbeit,
über deren Fortsetzung ich mich sehr freuen würde.
Christian Janecke, Robert Lettner, Burghart Schmidt, Adam Jankowski, Bernd Kracke,
Peter Ballmaier, Eröffnung der Ausstellung »Adam Jankowski/Robert Lettner: Philosophie der Landschaft«,
Kunststation Kleinsassen/Fulda, März 2012, Foto: Fuldaer Nachrichten
Prof. Bernd Kracke
Präsident der Hochschule für Gestaltung Offenbach/M
8 Geleitwort
Bernd Kracke : Geleitwort 9

Dank
Elke Gruhn
Zur Ausstellung
Ausstellungsprojekte mit einem Umfang wie »Freie Sicht« sind nicht selbstverständlich
und entstehen nicht von selbst. Mein Dank für engagierte Mitwirkung an der Ausstellung
und der Produktion des Katalogbuches gilt daher zuallererst den ausstellenden Künstlern.
Ich bedanke mich auch bei den Autoren Dr. Anne Marie Freybourg und Dr. Hans Zitko, die
mich mit ihren profund elaborierten Texten überrascht und erfreut haben.
Als mitwirkende Künstler sind wir alle Frau Elke Gruhn und Frau Sara Stehr vom Nassauischen
Kunstverein Wiesbaden für die Einladung zur Ausstellung und für die Unterstützung bei der
Realisation des Projekts zu großem Dank verpflichtet. Auch dem gesamten Team des NKV
Wiesbaden danke ich für seine tatkräftige Hilfe beim Aufbau. Zu danken ist weiterhin dem
Art Regio Kulturengagement der Sparkassen Versicherung und dem Verein der Freunde
und Förderer der HfG Offenbach/M, die mit ihren Zuwendungen die Ausstellung gefördert
haben.
Ohne eine großzügige Förderungszuwendung seitens des Hessischen Ministeriums für
Wissenschaft und Kunst hätte der Druck dieser Publikation im vorliegenden Umfang
nicht realisiert werden können – hier gilt mein besonderer Dank Frau Staatsministerin
Eva Kühne-Hörmann. Ich danke auch Herrn Jochen Visscher vom jovis Verlag Berlin, und
Herrn Philipp Sperrle, dem unerbittlichen Lektor mit scharf fokussierenden Augen, für ihre
begeisterte Zusammenarbeit bei der Produktion dieses Buches.
Mein besonders großer Dank geht an Herrn Prof. Bernd Kracke, Präsident der Hochschule
für Gestaltung Offenbach/M, für seine vorausschauende Hilfestellung bei der Planung
und Bewältigung des Projekts. Mit Dankbarkeit denke ich auch an andere Kollegen und
Kolleginnen, Mitarbeiter und Mitarbeiterinnen an der Hochschule, die mich – nicht nur im
vorliegenden Fall, sondern auch allgemein in der Lehre und bei der künstlerischen Arbeit
– auf vielfältige Art mit Rat und Tat unterstützt und ermuntert haben – immer engagiert
und mit viel Mutterwitz.
And last but not least: Besonders herzlich möchte ich mich bei unserem Professor für
Kunstgeschichte und Theorie der aktuellen Kunst, Herrn Dr. Christian Janecke, bei Herrn
Dr. Burghart Schmidt, von 1997–2012 Professor für Sprache und Ästhetik an der HfG, und
auch bei Herrn Dr. Hans Zitko, Professor für Wahrnehmungstheorie, für ihre klugen und
kompetenten Anregungen bedanken und für ihre meist nachdenklich stimmenden, jedoch
stets ermutigenden Analysen zur Kunst und Zeit.
Adam Jankowski
Adam Jankowski beendet in diesem Jahr seine Lehrtätigkeit als Professor an der renommierten
Hochschule für Gestaltung in Offenbach, deren positive Entwicklung er entscheidend
mitgeprägt hat. Bezeichnend gleichermaßen für seinen kompromisslosen Stil
der Lehre und die eigene künstlerische Laufbahn war und ist der Austausch mit anderen
Künstlerinnen und Künstlern. Entsprechend konsequent gestaltet er das Resümee seiner
Lehrtätigkeit in Form einer Gruppenausstellung in Kooperation mit Alumni aus seiner Klasse.
Die Grundlage für sein ambitioniertes Ausstellungskonzept bildet der bis heute bestehende,
sehr gute Kontakt zu den ehemaligen Schülerinnen und Schülern, Studentinnen und
Studenten aus 26 Jahren Lehrtätigkeit. Den Grundsatz seiner Lehre »FREIE SICHT« – als
Formel für eine unabhängige künstlerische Entwicklung — wählt Adam Jankowski auch als
Ausstellungstitel. Bis heute ist er bestens vertraut mit der künstlerischen Entwicklung der
jüngeren Generation, wodurch es ihm gelingt, eine harmonische Ausstellung mit kontrapunktischer
Raffinesse zu komponieren, die die Zielsetzung seiner Lehre als Melodie durch
alle Räume des Kunstvereins trägt.
Die Förderung zeitgenössischer Kunst und deren Vermittlung bilden die zwei Hauptaufgaben
des Nassauischen Kunstvereins Wiesbaden, der programmatisch neben thematischen
Gruppenausstellungen und dynamisch-experimentellen Einzelpositionen auch immer wieder
Klassen der umliegenden Kunsthochschulen zeigt, um die aktuelle Entwicklung stichprobenhaft
zu dokumentieren. Ein Unterfangen, das in der Landeshauptstadt Hessens auch
als politisches Statement verstanden werden darf. Eine bilanzierende Ausstellung mit einer
ganzen Gruppe von Künstlerinnen und Künstlern, deren Gemeinsamkeit zwar ein bestimmtes
Element ihrer Ausbildung war, die jedoch heute „independent“ und etabliert, geografisch
weit verstreut ihren eigenen Weg gehen, war für uns als gastgebende Institution
spannendes Neuland — an dieser Stelle möchte ich allen Künstlerinnen und Künstlern für
ihr großes Engagement danken. Für uns waren es neue Namen aber auch alte Bekannte, die
zum Teil ihre Ausstellungslaufbahn bei uns im Haus starteten, aber immer eine Inspiration.
»FREIE SICHT« versammelt Werke aus den unterschiedlichsten Bereichen und Medien der
Kunst: Malerei, Zeichnung, Objekte, Künstlerfotografie, Rauminstallation, Designentwürfe,
die in tradierten und digitalen Formen präsentiert werden. Diese Vielseitigkeit fasst Adam
Jankowski treffend zusammen: „Die Formen der Kunst sind vielfältig wie das Leben“ – ihm
gilt der Dank für sein Lebenswerk.
Elke Gruhn
Künstlerische Leiterin Nassauischer Kunstverein Wiesbaden
freunde der hfg
10 Adam Jankowski : Dank an Förderer und Kooperationspartner Elke Gruhn : Zur Ausstellung 11

Adam Jankowski
Freie Sicht, oder die Welt wie sie ist
Galerie nächst St. Stephan Wien 1969, Ausstellung
»10 über 10«, 2 »Strukturelle Konstellationen« von
Adam Jankowski, vorne Objekt von Uta Beckmann
Bilder malen ist schön. Ausstellungen machen ist auch schön. Woher stammt jedoch meine
Lust an dem Zusammenstellen und Aufbauen von Ausstellungen? Die Erklärung liefern –
wie so häufig – vermutlich Erlebnisse des Künstlers aus seinen Anfängen, aus jener Zeit,
als er als junger Mann noch lernte, ein Künstler zu sein. Im Jahre 1968 – ich war gerade
20 Jahre alt und studierte im ersten Jahr an der Wiener Kunstakademie – suchte mich in
meinem mir von der Akademie gestellten Atelier, das sich im 3. Bezirk in der Keinergasse
befand, der Bildhauer Oswald Oberhuber 1 auf. Als Assistent von Monsignore Otto Mauer,
des damaligen Leiters der Galerie Nächst St. Stephan, war er gerade dabei, für die damals
höchst angesehene Galerie – sie agierte noch nicht als leblose Kommerzbude, sondern als
intellektuell vitale Programmgalerie – eine Ausstellung mit Arbeiten der jungen Generation
zusammenzustellen. Oswald, genannt Ossi, Oberhuber schaute sich kurz in meinem Atelier
um, hielt die Nase in den eingetrockneten Kochtopf mit den gebackenen Bohnen, würdigte
die sorgfältig aufgebauten Bilder nur eines flüchtigen Blickes und sagte im Weggehen: »In
der Ausstellung bist du dabei - schickst zwei große Bilder und baust ein Objekt auf.« Von
nun an war ich in Oswald Oberhubers Umfeld und verfolgte sein künstlerisches Treiben
mit angemessener Neugier. 1969 sah ich die von ihm ausgerichtete thematische Gruppenausstellung
»Kunst ohne Künstler: Surrealisten ohne Surrealismus, Surrealismus ohne
Surrealisten«, war aufmerksamer Gast bei mehren »Internationalen Kunstgesprächen«
und besuchte seine Einzelausstellungen, unter anderem auch die Ausstellung »Galerie in
Ruhe«. Mit solchen Aktivitäten gelang es Oswald Oberhuber, die bis dahin vom biederen,
missverstandenen Surrealismus verkrustete österreichische Kunstszene für internationale
Kunstformen zu öffnen. Für mich wurde dadurch klar, dass ein diskursiv ausgerichteter
Künstler seine künstlerischen Projekte auch in Form von Ausstellungsprojekten realisieren
und vorantreiben konnte. In dieser Hinsicht war Oberhuber wieder mal ganz vorne, diesmal
im Medium der Sozialen Plastik.
Tobias Kasan Nasew 2012
Öl auf Leinwand, 70 x 50 cm
Seit meinen künstlerischen Anfängen habe ich also gern Ausstellungen konzipiert und inszeniert.
Als Lehrender an einer Kunsthochschule war ich froh darüber, dass das Machen
von Ausstellungen zu den Pflichtübungen der künstlerischen Lehre gehört (siehe auch den
Anhang zur Lehre). In der Ausstellung »Freie Sicht«, mit der ich nach 26 Jahren meine
Lehrtätigkeit an der HfG Offenbach beende, habe ich Künstler und Künstlerinnen versammelt,
die erstens als treibende Persönlichkeiten in meiner Klasse tätig waren und die zweitens
auch noch heute, trotz aller widrigen Umstände, als erfolgreiche Künstler agieren.
Mit ihren Werken verfolgen sie in unterschiedlichen Medien scheinbar unterschiedliche
Konzeptionen, die man grob als neue Wege des zeitgenössischen Realismus oder eines
aktuellen Surrealismus, einer mehr oder weniger subversiven Antikunst und sogar eines
künstlerisch verstandenen Kommunikationsdesigns ... einordnen kann. Alle künstlerischen
Positionen sind dabei natürlich kontextuell auf das Zeitalter der elektronischen Medien
bezogen, die die heutigen Bildproduktionen bestimmen. Diese stilistisch mannigfaltigen
Künstlerpositionen stellen jeweils individuelle Narrationen über unsere »Welt, die nicht
weiß, warum sie da ist« 2 dar. Gemeinsam ist ihnen, dass sie die aktuellen Wirklichkeiten
reflektieren, also die Ambivalenzen der Welt so beschreiben, wie wir sie hervorbringen und
zu verstehen versuchen. Mit unterschiedlichen Formen der innovativen Ästhetik gehen sie
der Frage nach, ob zeitgenössische Künstler relevante Aussagen zu einer immer komplexer
werdenden Welt, einer neuen Welt ohne kohärente und homogene Systeme überhaupt noch
liefern können.
12 Freie Sicht
Adam Jankowski : Freie Sicht 13

Marcus Sendlinger malt klar aufgeräumte Bildkompositionen von großer farbiger Raffinesse:
Farbe und Form auf höchstem ästhetischem Niveau, Schicht um Schicht aus der Tiefe
des Bildraumes aufgebaut, Struktur um Struktur sauber verbunden. Man könnte meinen,
seine Malerei sei ein abstrakter, geometrischer Kosmos aus dem althergebrachten, formstrengen
Konstruktivismus, doch das Atelier von Marcus Sendlinger ist keine mit esoterischen
Dogmen gefüllte Mönchszelle, sondern eine von Altöl geschwärzte Garage: Zwischen
den Leinwänden sind überall Teile von zerlegten Motoren auszumachen, die als Ausgangspunkt
für formale Bildeinfälle dienen oder als Readymades einfach ins Bild montiert werden.
In seiner bildhauerischen Arbeit erweckt Sendlinger als kundiger Kenner der automobilen
Vehikel historische Bikes, Autos und Wohnwagen zu neuem Leben; als Maler lässt er
sich von der anorganischen Ästhetik der Maschinen zu seinen gemalten Bildkompositionen
inspirieren, die Abstraktion und Realität dialektisch verklammern. Sendlingers Malerei und
Installatio-nen zeugen nicht von der naiven Technophilie, von der die Gründungsväter der
Moderne getragen wurden, sondern sind durchdrungen von einer Melancholie der Technik,
die vom Ende des Zeitalters der Mechanik zu berichten weiß.
Markus Weisbeck arbeitet im Bereich der angewandten und freien Grafik. Mit seiner Auffassung
der angewandten Form steht er László Moholy-Nagy und anderen Gestaltern des
Bauhaus nahe, denn seine Formensprache wurzelt in der konstruktivistischen Abstraktion,
allerdings erweitert um die Erfahrungen des Minimalismus und Konzeptualismus der
Gegenwart. Den anorganischen, kristallinen Formen und Strukturen, die Weisbeck für die
Plakatserie zu Liam Gillicks Auftritt auf der Biennale Venedig 2009 entworfen hat, liegen
keine realen dreidimensionalen Körper zugrunde, auch keine digitalen Verfremdungen,
sondern reale Lichterscheinungen - energetisch aufgeladene Lichtstrahlen, gebeugt und
gebrochen durch Prismen, deformieren typografische Zeichen. Die so imaginierten Formationen
erinnern an Vergrößerungslinsen der Naturwissenschaftler, aber auch an Blicke
in die Glaskugeln von Wahrsagerinnen, die damit Auskünfte über die Zukunft zu erlangen
hoffen. Die vierte Dimension Zeit wird in diesen, die rationalen kartesischen Koordinaten
auflösenden, Arbeiten als ein irreversibler Ablauf ohne umkehrbare Richtung beschworen.
Auf diesen Aspekt weist auch der reflektierte rotierende Lichtstrahl der Arbeit » ... nach
Joost Schmidt«.
Der Maler Frank Schylla entwickelte seine Malerei gleichsam aus der Erfahrung der Optik
eines Mikroskops. Seine Kunst basiert ebenfalls auf der Beobachtung der empirischen
Naturprozesse, allerdings speist sich seine Bildwelt nicht aus der Physik, sondern aus den
Phänomenen der Biologie und Humanmedizin, die ihm seit seiner Kindheit – und aus einem
abgebrochenen Studium – vertraut sind. Auf der Leinwand erzeugt Frank Schylla mit seinen
raffinierten Malverfahren einen Mikrokosmos aus Formen und Farben, der aus feinsten
Binnenstrukturen und nuancierten Farbüberlagerungen besteht. Jeweils für sich betrachtet
entwickeln diese Mikroteilchen eine eigene visuelle Wirkung. Aus einer gehörigen Entfernung
betrachtet, schließen sie sich zu einer neuen Wirklichkeit zusammen und bieten dem
Betrachter einen spannenden Einblick in poetische gefasste, abstrakte Landschaften und
komplexe Formkomplikationen.
Der Maler Oliver Flössel konzentriert sich in seiner Malerei auf Formphänomene und Inhalte,
die nur in einem anderen, einem größeren Maßstab beobachtet werden können. Flössel
arbeitet auf den Spuren des gestischen abstrakten Expressionismus, dessen Bildsprache er
mit Formen aus den Straßengraffiti und mit den Attitüden des HipHop anreichert, setzt sich
aber bewusst von den cremigen Farbkrusten ab, die die internationalen expressionistischen
Neuwild-Maler mittels der von ihnen bevorzugten Schweinsborstenpinseln erzeugten. Flössels
Bilder sind schrille, pseudopathetische Chiffren und Spuren jener psychologischen
Aufgeregtheiten, die unser von Konsumzwängen der Werbung und von den Verblendungskulissen
der Kulturindustrie geprägtes Leben in urbanen Unterhaltungsparadiesen hervorbringt.
Es sind zugleich Versuche, im allgegenwärtigen Hintergrundrauschen der neuen
Unübersichtlichkeit eine Sinnhaftigkeit zu entdecken.
Auch die Malerei von Erik Pfeiffer kreist um das Thema der urbanen Konsum- und Mediengesellschaft.
Seine in der polyfokalen Bildsprache eines modernen Kubismus aufgebauten
Bilder zeigen komplexe Stadtlandschaften: Neubauten, bunt getüncht oder bereits im
Einsturz begriffen, Durchblicke auf längst ausgebrannte, ehemals blühende Landschaften,
absurde Brachen, Brücken und Schreberhäuschen. Alles bizarr zerklüftet, fragmentarisiert
und durcheinandergeworfen. Erik Pfeiffers Darstellungen von bewohnten Interieurs lenken
den Blick auf Billigmöbel und sonstigen Tinnef aus dem Supermarkt: schöner Schein, Erosionen,
Implosionen, Medienterror ... In die große Komposition mit dem schönen, modernen
Titel »e:\bilder\gesehen\scherbenbrandschatzen.jp«, die Erik Pfeiffer als ein »combine
painting« angefertigt hat, ist ein Kontrollmonitor integriert, der Bilder einer Beobachtungskamera
ins Bild bringt, die an einem an das Tableau geschraubten Metallgestell befestigt
ist.
Nadine Röther und Philipp von Wangenheim bilden das Künstlerduo Röther von Wangenheim.
In dieser Konfiguration entwickeln sie konzeptuelle Skulpturen mit ironischem Charakter,
wie dies exemplarisch in ihrer in Schwarzlicht getauchten Installation »Undercover«
zum Vorschein kommt. Hier wird eine große Anzahl von dilettantisch gekritzelten, aber
gerahmten Zeichnungen auf das Kostbarste illuminiert und zum Leuchten gebracht. Es ist
eine seltene Technik, aber erst kürzlich bin ich in der Hamburger Ausstellung von Roberto
Matta einem Bild begegnet, das von dem großen chilenischen Maler mit speziellen Farben
für eine Präsentation im Schwarzlicht angefertigt worden ist. In ihrer individuellen Arbeit
widmet sich Nadine Röther der Anfertigung von Objekten aus brüchigen Materialien und
von höchst fragiler Erscheinung, während Philipp von Wangenheim sich immer mehr zu
einem Beatschriftsteller entwickelt hat, der als singender Rockpoet seine Texte in Form von
Post-Punk-Songs in die Ohren des Publikums trägt. Philipp von Wangenheim: »Der Mann
mit Rummm«.
Der poetische Kosmos, den Julia Oschatz in ihren Zeichnungen, Malereien, Animationen,
Installationen und Performances vor uns ausbreitet, ist eine düstere Welt, die ohne die
glitzernden Oberflächen der Konsumgesellschaft auskommt. Das befremdlich anmutende
Tun und Treiben der von ihr entwickelten – und meistens auch von der Künstlerin dargestellten
– Protagonisten findet in merkwürdigen Maskierungen an menschenleeren Örtlichkeiten
von urzeitlicher Anmutung statt. Die Imaginationen rufen dem Betrachter die
existenzialistischen Miserabilitäten in Erinnerung, wie sie etwa in Becketts »Warten auf
Godot« oder in Ciorans nihilistischen Aphorismen zur Sprache kommen. Doch die so traurig
und pessimistisch scheinende Welt von Julia Oschatz zeigt auch die komischen Aspekte
der menschlichen Existenz. Sie offenbaren sich vor allem in ihren theatralisch konzipierten
Videos. Hier agiert die Künstlerin in Rollen und Verkleidungen, deren Figuren den Betrachter
auch an die absurden Späße der Dadaisten denken lassen, die diese in ihrem Züricher
Theater Cabaret Voltaire zum Ausbruch des Ersten Weltkrieges zelebrierten. Aber auch so
manches eigene Erlebnis – im wahren Leben wie im Traum – kommt einem da in den Sinn.
Auch Xenia Lesniewski inszeniert raumfüllende Installationen, die sich durch das Zusammenspiel
mehrerer Medien auszeichnen: starkfarbige Zeichnungen, Texte, Papierobjekte
und banale Fundstücke, Neonlampen, Projektionen und Abspielgeräte von Zeichentrickfilmen
laden in eine hybride Welt von großer Signifikanz ein. Das komplexe Durcheinander
der hier um die Aufmerksamkeit des Betrachters wetteifernden Informationen bringt Anna
Oppermans komplex geschichtete »Ensembles« in Erinnerung. Xenia Lesniewskis Installationen
präsentieren sich offener, nämlich als ein vitaler, stark aufgeladener Neo-Lettrismus;
sie sind bunt, sinnlich, voll sexueller Anspielungen, lesbar und zugleich auch nicht
lesbar, statisch und bewegt, flächig und räumlich, digital und analog, scheinbar fröhlich
und doch voll Trauer ... »Große Abstraktion« und »große Realistik«, von der einst Riegl und
Kandinsky sprachen, kommen hier zusammen und verschmelzen lebendig und kraftvoll in
einer vielstimmigen Wechselwirkung.
14 Adam Jankowski : Freie Sicht
Adam Jankowski : Freie Sicht 15

Dorothee Diebold beschäftigt sich in ihrer Malerei mit Themen und gesellschaftlichen Rollen,
denen man als moderne Frau nicht entkommen kann: gutes Aussehen, geschicktes
Schminken, Sich-vorteilhaft-kleiden und Sich-verkleiden, ... Die Konstruktion des weiblichen
Ichs als Erfüllung der von Medien und Werbung sozial definierten Rollen und Dresscodizes
wird von der Malerin mit rauer Malerei in unbunten Farben auf lebensgroßen Formaten
als eine albern anmutende Maskerade geschildert, die im normalen Leben ihren
Höhepunkt im Schmuck eines royal anmutenden Hochzeitskleids findet. Oder eben in der
ebenso fragwürdigen Fiktionalisierung der Frau als Nixe im infantilisierenden Ballettkleidchen
oder ihrer Idealisierung als eine verführerische Madonna: »Flodde Biene«.
Cornelia Thomsen erlernte in ihrem ersten Leben, das sich in den Kulissen der untergegangen
DDR abspielte, in der bekannten Meißen-Manufaktur das akribische Handwerk einer
Porzellanmalerin. In ihrem zweiten Leben, das im vereinigten Deutschland stattgefunden
hat, gründete sie eine Familie und absolvierte ihr Kunststudium. Das dritte Leben brachte
sie nach New York, wo sie angefangen hat, ihre »Streifenbilder« zu malen. Die akkurat
auf Leinwand mit Ölfarben gemalten Streifenabstraktionen entwickelte Cornelia Thomsen
aus Inspirationen, die sie auf Long Island beim Beobachten der Wellen des atlantischen
Ozeans erlebt hat. Die Übersetzung der Wellenbewegung in neutrale und direkte Streifen
führte zu einer abstrakten Arbeit, die sich mit grundlegenden Fragen der Farbe und der
Linie beschäftigt. Das vertikale Format schließt jegliche Erinnerung an Landschaft aus, nur
die Farbgebung stellt die Beziehung zum Wasser her. Cornelia Thomsen begann mit ihrem
Zyklus der »Stripe Paintings«, bevor Gerhard Richter ähnliche Abstraktionen als digitale
Figurationen in einem Buch veröffentlichte; der große deutsche Maler hat seine Kompositionen
sicher aus ganz anderen künstlerischen Beweggründen entwickelt. Eine bewusste
Affinität zu den fotografischen Bildwelten im Frühwerk von Gerhard Richter stellen aber
Cornelia Thomsens autobiografisch aufgeladenen Erinnerungsbilder an ihr erstes Leben in
der DDR dar: Ihre Serie »Role Models« fokussiert die exponierten Bonzen eines entrechtenden
Systems.
Bea Emsbach ist eine virtuose Meisterin der feinen Linie. Die Wesen und Visionen, die sie mit
ihren formal perfekten Lineaments entwirft – und neuerdings auch als Figuren aus Wachs
anfertigt –, muten im ersten Moment wie Gnome aus den Märchen der Brüder Grimm an,
lassen uns aber auch an die Erfindungen und Eingebungen denken, mit denen Hieronymus
Bosch seinen Zeitgenossen den richtigen Weg ins himmlische Jerusalem weisen wollte.
Moderner denkenden Betrachtern fallen vielleicht die Experimente im Laboratorium des
Herrn Viktor Frankenstein ein. Die Zeichnungen und Figuren von Bea Emsbach eröffnen
uns Blicke in die Zukunft unserer zoologischer Spezies; sie erscheinen als künstlerische
Vorwegnahmen von Mutanten aus den Giftküchen der avanciertesten Gentechnologien und
Anthropotechniken, also als Geschöpfe, die nach uns unsere Welt bevölkern werden.
Früher, in vorindustriellen Zeiten der Romantik, erlebte ein Reisender die Landschaft mit
ihren uralten Tälern und Bergen, denen diverse Eiszeiten im Verlauf von Jahrmillionen ihre
Form gegeben haben, als einen imposanten Ausdruck der Erhabenheit, der der Ewigkeit
eigen ist. Ähnliche Ergriffenheit verspürte der romantisch geprägte Mensch gegenüber den
lebendigen Formen der Natur, also den die Landschaften bewohnenden und sie schmückenden
Pflanzen und Tieren, die in ihrer unendlichen Mannigfaltigkeit auch eine Verkörperung
von Zeit und Ewigkeit darstellen. Tatiana Urban definiert in ihrer Malerei den modernen
Menschen als einen Fremdling, der durch die Ökonomie des aktuellen Verschwendungskapitalismus
aus der Natur herausgetreten ist und sich nun vor der dritten Natur durch
Überlebensanzüge aus Kunststoff schützen muss. Es bleibt offen, ob der Zwang zur schützenden
Verhüllung sich aus einer zwar auf das Üppigste gedeihenden, jedoch ins Feindliche
verwandelten Natur ergibt oder aus dem Verlust der Immunität resultiert, den die menschliche
Gattung erlitten hat.
Auch der Maler und Performer Dirk Baumanns reflektiert in seiner Malerei und in seinen
bemalten Skulpturen die Zerstörung der natürlichen Umwelt und der Potenziale der
Naturressourcen. Seine großformatigen Gemälde zeigen apokalyptische Landschaften, die
den Mythos von der alle Existenzprobleme heilenden Kraft des grenzenlosen Wirtschaftswachstums
als einen Selbstbetrug entlarven. Parallel zur Beschäftigung mit dem gemalten
Bild ist Dirk Baumanns intensiv als Performance-Künstler aktiv: als »Farbenfresser und
Farbenspucker, Farbenkotzer und Farbenerbrecher ... « nimmt sein verkleideter, mit diversen
Farbpumpen aufgerüsteter Körper buntschillernde Gestalten an und verwandelt den
performenden Künstler in einen Mutanten, der direkt aus der Farbenküche der radioaktiven
Elementarteilchen zu kommen scheint.
Die Welt als Setzung, Handlung und Tatsache. Die Objekte und Installationen von Sebastian
Heinrich entstehen als Transformationen und Metamorphosen von Readymade-
Gegenständen, die als plastische Reaktion auf In-Situ-Raumsituationen entwickelt werden.
Auf den ersten Blick wirken sie so nüchtern wie die positivistischen Theoreme von Ludwig
Wittgenstein und anderer Verfechter der formalen Logik, die in dem Wiener Kreis versammelt
waren. Sebastian Heinrich verhilft den Alltagsgegenständen durch seine formstrengen
formalen Eingriffe zu einer neuen Gestalt, wodurch sie nicht nur eine neue Form, sondern
auch eine neue Bedeutung erlangen. Sie erfahren eine neue semantische Aufladung und
verwandeln sich in neue Wirklichkeiten. Was zuerst wie ein formaler Kommentar zum gebauten
Raum oder zum Thema Objektskulptur aussieht, ist zugleich auch Kommentar zum
sozialen Raum und zu den geistigen Dimensionen, die diesen füllen.
Henning Strassburger ist ein Konzeptmaler, dessen Bilder ohne die Kenntnis der programmatischen
Kontexte und theoretischen Codierungen, in die sie involviert sind, nur schwer
zugänglich scheinen. Doch alle Theorie ist grau und folglich verfügen die häufig als Interventionen
in den Raum platzierten Malereien von Henning Strassburger, unabhängig
von der selbstreflexiven Distanz, die die bewusste theoretische Aufladung diesen Werken
verleiht, über eine starke, unmittelbare Wirkung. Getragen von der Aura eines melancholischen
Glamour, deklinieren Strassburgers Leinwände und Rauminstallationen konsequent
die widersprüchliche und brüchige Ästhetik von »schön« und »hässlich«. Seine neuesten
Bildobjekte rufen beim Betrachten intensive, weitergehende Assoziationen auf; etwa dann,
wenn die Ornamentik der trivialen Teppiche oder die dekorativen Impulse der in sie einmontierten
Tierfell-Trophäen 3 in Widerstreit treten mit der Antimalerei der auf Leinwände
aufgetragenen Strukturen. Der in den Fesseln einer irrationalen Gläubigkeit gefangene
Orient und der seit langen aus allen metaphysischen Wolken auf den Boden der Tatsachen
gefallene Okzident werden formal miteinander in Beziehung gesetzt und verweisen so auf
Realitäten, die die politischen Unternehmungen unserer Zeit bestimmen.
Wir sind im mittleren Osten angekommen. Parastou Forouhar ist eine iranische Künstlerin
und eine mutige und konsequente Frau, die seit Jahren unnachgiebig ihre Abrechnung mit
den iranischen Mullahs vorantreibt, die ihre Eltern ermorden ließen. Vor Jahren bewarb
sich Parastou Forouhar für das Gaststudium an der HfG Of mit farbigen, akademischen
Studien. Die im Iran entstandenen, farbig gefassten Akte und Menschengruppen zeigten
seltsam geschlechtslose Wesen, deren Sexualität und Sinnlichkeit von der repressiven und
regressiven Doppelmoral der Mullahs vernichtet worden ist. Die Bilder hatten ästhetisch
etwas sehr Spezielles und Parastou wurde in meine Studentengruppe aufgenommen. Schon
bald entwickelte Parastou Forouhar aus der Tradition der iranischen Schrift – und aus der
charakteristischen Ornamentik der iranischen Alltagsbildlichkeit – eine moderne Bildsprache,
die es ihr ermöglichte, ihre Revolte gegen die Entrechtung von Mann und Frau durch
die schiitischen Glaubenseiferer in unterschiedlichsten künstlerischen Medien zu artikulieren.
Schon ihre ersten Arbeiten legen die Vermutung nahe, dass Parastou Forouhar zu
den ersten Künstlerinnen gehört, die das Thema des Tschadors explizit im Kunstexkurs der
Westkunst ästhetisch zu reflektieren und zu untersuchen begonnen haben.
16 Adam Jankowski : Freie Sicht
Adam Jankowski : Freie Sicht 17

Am anderen Ende der Welt herrschen andere Vorstellungen von dem, was wir Kunst nennen.
Zeitgenössische Kunst aus China realisiert sich in der Regel entweder als Missverständnis,
nämlich als seelenloser Abklatsch einer fehlinterpretierten westlichen Kunstmarktkunst,
oder sie ist gefangen in Gefälligkeiten und Konventionen des Traditionellen. Das Einzigartige
einer individuellen poetischen Phantasie ist in einem Staatsgebilde mit zwei Milliarden
Menschen nicht vorgesehen und ergo in der zeitgenössischen Kunst aus China nur sehr
selten auffindbar. Um so schöner sind die poetischen Paradiesgärten, die Dan Zhu in ihren
Zeichnungen und Malereien vor uns ausbreitet; ihre Arbeiten zitieren traditionelle Anmutungen
der chinesischen Tuschemalerei als kalligrafisch gewonnene Landschaft, bevölkern
diese schwarzen Gärten und Landschaften jedoch mit einem höchst privaten Personal geheimnisvoller
Menschen, Tiere und Mischwesen. Eingebungen aus individuellen Träumereien
und traditionelle Formen der chinesischen Malerei werden miteinander versöhnt und
in Einklang gebracht. Dan Zhus Bildfabeln strahlen einen unschuldigen Zauber aus und
entführen unsere Phantasie in ein Zwischenreich fernöstlicher Capriccios.
Der Künstler Goekhan Erdogan – sein Name weist auf türkische Wurzeln hin – geht in
seinen Arbeiten den Problemen der Identität nach. Die Fragen »Wer bin ich, wer kann ich
sein und werden?« werden ausgehend von fotografischen Selbstporträts von ihm sozusagen
empirisch aufgeworfen und mit minimalistischen ästhetischen Mitteln zur Geltung gebracht:
Das Subjekt will Bild werden. Obwohl Goekhan Erdogan fast immer mit Fotografien
seiner selbst arbeitet, scheinen die privaten Implikationen der schwankenden Emigrantenexistenz
für ihn nicht im Zentrum seiner Suche zu stehen, sondern die tiefergehenden
Formen der Erscheinung und Greifbarkeit dieses Konfliktpotenzials, also die möglichen
Freiheitsgrade in der Konstruktion von Persönlichkeit und Individualität, die unsere sich
immer mehr ausdifferenzierende postmoderne Konsumgesellschaft den Menschen noch
zugesteht.
Auch die Biografie von Nasan Tur ist durch einen Migrationshintergrund geprägt. Es verwundert
nicht weiter, dass auch er in vielen seiner Arbeiten Fragen der Identität und kulturellen
Entwurzelung bearbeitet. Nasan Tur verbindet mit dieser Problematik jedoch nicht
nur seine privaten, psychologischen Bezüge – exemplarisch festgehalten in der Fotoarbeit
»Abschied von der Mutter« –, sondern thematisiert in seinen konzeptuell positionierten
Arbeiten auch weitergehende soziale und politische Implikationen, mit denen die unterschiedlichen
Generationen der Gastarbeiter in der Bundesrepublik konfrontiert wurden und
werden. Nasan Tur greift in seiner Arbeit bewusst künstlerische Strategien der von Joseph
Beuys propagierten »Sozialen Plastik« auf und verbindet sie häufig mit den ironischen
und subversiven Impulsen der Fluxus-Bewegung. Die Objektinstallation »Like New«, die
aus ausgelatschten Herrenschuhen besteht, denen durch sorgfältiges Polieren der Glanz
des Neuzustands zurückgegeben wurde, gibt hier ein gutes Beispiel, ebenso wie die Arbeit
»Breaking Records«, in der unser verinnerlichter Zwang zum Weiter, Schneller, Mehr ... mit
sanfter Ironie aufs Korn genommen wird.
Clemens Mitscher ist ein Fotografiekünstler, der seine Kunst der Fotografie konzeptuell und
politisch positioniert hat. Dabei bedient er sich nicht nur des Blickes durch das Objektiv der
Kamera und der digitalen Bildfundstücke, die er in den unendlichen Tiefen des virtuellen
WorldWideWeb findet, sondern auch der manipulativen Eingriffe in Bildrealität, die die
Kräfte der digitalen Photoshop-Technik dem zeitgenössischen Fotografen zur Verfügung
stellen. In seiner künstlerischen Arbeit agiert Mitscher als ein wacher Analytiker der politischen
Widersprüche. Da er ursprünglich aus dem Ansatz der Bildgebenden Fotografie
kommt, inszeniert er in seinem verklausulierten Selbstbildnis den Fotokünstler als einen
modernen Kampfpiloten, dessen Survivalkit und Erlebnisraum sich sowohl aus Ausrüstungsgegenständen
aus der Pilotenwirklichkeit als auch aus einer fiktionalen Gegenständlichkeit
zusammensetzt. Die Arbeit »Contextual Networks (Distribution, Enlightenment, Army, Illiquidity)«
thematisiert im inhaltlichen Kontrast dazu die abstrakten Transfusionsprozesse
des zeitgenössischen Finanzkapitalismus.
Auch viele Arbeiten von Peter Zizka, der sein künstlerisches Selbstverständnis aus der
Doppelidentität des Künstlers und des Kommunikationsdesigners bezieht, stellen bewusste
Statements zu politischen Vorgängen dar. Seine konzeptuellen Skulpturen sind künstlerische
Interventionen im öffentlichen Raum, die kompromisslos in den politischen Raum
ausstrahlen. Die Installation »Das virtuelle Minenfeld«, die Peter Zizka bereits auch im
Berliner Gebäude des Auswärtigen Amtes eingerichtet hat, lenkt die Aufmerksamkeit des
Betrachters auf niederträchtigste Formen der modernen Barbarei, genauso wie seine im
fernen Burundi durchgeführte Aktion »Symbiosis 1,5 Tonnen globale Verwicklung«, die
sich der Unschädlichmachung von modernen automatischen Sturmgewehren widmet, die
in Afrika von regulären Soldaten und marodierenden Rebellen alltäglich als Instrumente
des tödlichen Terrors eingesetzt werden. Und dies nicht nur dort, sondern fast überall in der
Welt; viele dieser Tötungsinstrumente stammen aus deutscher Produktion.
Die Bilder von Sabine Moritz zeigen Tötungsmaschinen. Hubschrauber, Kriegsschiffe, Flugzeuge
... alles Kriegsapparaturen, die im nicht abreißenden Flow die Seiten der Nachrichtenmedien
füllen, aber in der Unterhaltungskunst des zeitgenössischen Kunstrummels
kaum vorkommen. Es ist die Welt, wie sie ist, wie sie Abend für Abend uns in den Nachrichten
präsentiert und im Bundestag zerredet wird. Im Kölner Atelier von Sabine Moritz gibt
es eine weitere Werkfolge von größeren Ölbildern, die Szenen aus dem Russlandfeldzug
festhalten: todmüde Soldaten, verwundete Partisanen, ein deutsches Exekutionskommando,
verzweifelte Stadtbewohner, eine russische Ruinenstadt ... Diese Bilder sind radikal, so
radikal, wie es nur junge, unbekümmerte Maler malen können. Sabine Moritz malt gegen
das Vergessen des Individuellen – siehe auch ihren »Jena-Lobeda-Zyklus« – und gegen
die Verdrängung und Verbiegung des Allgemeinen. Sie holt Geschichtliches wieder ins Gegenwärtige
zurück.
Für diese Ausstellung habe ich aus meiner Produktion ein Bild aus der aktuell entstehenden
Serie der neuen Fenster-Bilder ausgewählt. Auf seine Weise imaginiert auch dieses Bild das
alte Thema Krieg und Frieden und wird in der Ausstellung einen schöne Ergänzung zu den
bildnerischen Statements meiner jungen KollegenInnen bilden.
Die unterschiedlichen Künstlerbeiträge der Ausstellung fokussieren illusionslos und polyfokal
widersprüchliche Fragmente unserer Welt und verbinden durch ihr Zusammenwirken
das Reale und das Utopische. Sie tun es auf der Basis einer humanistischen Skepsis.
In ihrem Zusammenspiel entfalten sie ein komplexes Panorama der Weltbetrachtung, das
die Welt so zeigt, wie sie ist: verführerisch, chaotisch, partikularisiert, polyzentrisch, widersprüchlich,
unsentimental und ungerecht, ständig in Veränderung begriffen und doch
ständig auf der Stelle tretend, ständig den Sinn für das große Ganze verlierend und doch
unablässig nach einem Sinn suchend ... Genau hier setzt die Arbeit derjenigen Künstler ein,
die über einen freien Blick verfügen. Sie positionieren sich als ungebrochene Denker, die
noch immer die Hoffnung nicht aufgegeben haben, unsere aus den Fugen geratene Welt
durch ihre ästhetischen Interventionen vor ihrem Untergang bewahren zu können.
1. Oswald Oberhuber gehört neben Werner Hofmann und Monsignore Otto Mauer zu den tragenden und
prägenden Gestalten der Modernisierung der österreichischen Kunst nach dem Kriege; ihnen gebührt das
Verdienst der Befreiung Österreichs von der Kitschepidemie der Wiener Schule des phantastischen Realismus
und der Öffnung des österreichischen Kunstgeschehens im Sinne der internationalen ästhetischen
Avantgarden. Oberhubers Verdienste als Künstler, Ausstellungsmacher, Galerieleiter, als auch Autor von
kunsttheoretischen Publikationen (u. a. »Beispiele«, Edition Tusch, Wien 1970; »Wie Kunst entsteht«,
Metroverlag, Wien 2009), als Lehrender und Rektor an der Akademie für Angewandte Kunst am Oskar-
Kokoschka-Platz, Wien, können nicht hoch genug bewertet werden.
2. So Werner Hofmann in seinem Vortrag über Gustave Courbet an der Goethe-Universität Frankfurt/M am
Main am 20. November 2011.
3. Der spanische König Juan Carlos hat unlängst mit dem Abschuss eines afrikanischen Elefanten auf den
wahren Charakter der Tiertrophäe hingewiesen, nämlich auf die abgrundtiefe Spießigkeit ihrer Sammler.
18 Adam Jankowski : Freie Sicht
Adam Jankowski : Freie Sicht 19

Clemens Mitscher Contextual Networks (Distribution, Enlightenment, Army, Illiquidity) 2010
4 Inkjet Prints, je 100 x 230 cm
24 Freie Sicht
Clemens Mitscher 25

Sabine Moritz Macbeth 2005
Öl auf Papier, 42 x 63 cm
Sabine Moritz Ambush 2007
Öl auf Leinwand, 55 x 65 cm
Sabine Moritz Dust 2008
Öl auf Leinwand, 60 x 70 cm
Sabine Moritz Skint 2005
Öl auf Leinwand, 50 x 60 cm
28 Freie Sicht
Sabine Moritz 29

Markus Weisbeck Liam Gillick. Deutscher Pavillon Venedig 2009/2012
Fine Art Pigment Print auf Tecco Barytpapier, 80 x 60 cm Expl. 1/3 (+ 1 a. p.)
Kamera Jörg Baumann, Courtesy Kai Middendorf Gallery Frankfurt/M
36 Freie Sicht
Markus Weisbeck 37

Marcus Sendlinger Ausstellung »White Paintings«, 2008, Galerie Jean-Luc & Takako Richard, Paris
links Wedges 2008, rechts P.F.G.-U. or Peinture Pour Adultes 2008, Acryl und Lack auf Leinwand, 160 x 260 cm
Marcus Sendlinger Ausstellung »Genesis«, Galerie Jette Rudolph, Berlin 2007, links Genesis 2006, Acryl und Lack auf
Leinwand, 160 x 290 cm, Privatsammlung, Zürich; rechts Semabrava 2007, Öl, Acryl und Lack auf Leinwand, 190 x
250 cm, aus der Serie »Black Paintings«
Marcus Sendlinger The V-oid 2009, Acryl und Lack auf Leinwand, 240 x 180 cm, aus der Serie »HiLos«
40 Freie Sicht
Marcus Sendlinger
41

44 Adam Jankowski Adam Jankowski 45

Parastou Forouhar
Geboren 1962 in Teheran/Iran /1984–90 Kunststudium an der Universität Teheran /seit 1991 in Deutschland
/1992–94 Aufbaustudium an der Hochschule für Gestaltung Offenbach/M /1995–2000 Mitglied des
Kunstprojektes Fahrradhalle Of /2001 Reisestipendium der Hessischen Kulturstiftung /Arbeitsstipendium
der Kunstfonds–Stiftung /2004 Stipendium Schloss Balmoral /2005 Atelierstipendium Gertrude Zentrum
für Zeitgenössische Kunst, Melbourne /2006 Co-Kuratorin, »Treibsand«, DVD Magazin für zeitgenössische
Kunst/Teheran-Ausgabe /Stipendium der Villa Massimo /2007 Stipendium der BM Contemporary Art Center,
Istanbul /2012 Co-Kuratorin, »Omid ist mein Name und der steht für Hoffnung«, JBS Anne Frank,
Frankfurt/M /Einzelausstellungen u. a. /2001 »Blind Spot«, Kulturhaus Stavanger, Norwegen /2002
»Schuhe ausziehen«, Ausstellungsraum de Ligt, Frankfurt/M / »Blind Spot«, Golestan Art Gallery, Teheran
(wurde verboten) /2003 »Tausendundein Tag«, Hamburger Bahnhof, Berlin /2005 »Parastou Forouhar
in Deutschen Dom«, Berlin / »Spielmannszüge«, Forum im Dominikanerkloster, Frankfurt/M / Saarland
Künstlerhaus, Saarbrücken /2006 »Blind Spot«, Galerie Karin Sachs, München /2007 »Just A Minute«,
Fondazione Pastificio Cerere, Rom /2009 »Parastou Forouhar«, Galerie Karin Sachs München / »Ich Ergebe
Mich«, Azad Galerie Teheran / »Links of Violence«, Orgel Fabrik, Karlsruhe /2010 »Parastou Forouhar
at RH Gallery«, NYC / »Parastou Forouhar at Leighton House Museum«, London /2011 »Written Room«,
Fondazione Merz, Turin /2012 »Kein Heimspiel«, Kunst-Raum-Akademie, Weingarten /2013 »Die Poesie
der ungeliebten Wahrnehmung«, Kunst Galerie Fürth / »Ornament and Crime«, Law Warshaw Gallery of
Macalester College, St. Paul / »Der Schmerz hat ein feineres Zeitmaß«, Römer 9, Frankfurt/M /Gruppenausstellungen
u.a. /2001 2. Berlin Biennale, Berlin / »Frankfurter Kreuz«, Schirn Kunsthalle, Frankfurt/M
/ »Szenenwechsel XIX«, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt/M / »Wegziehen«, Frauenmuseum, Bonn
/2002 »Die Quelle als Inspiration«, Franckesche Stiftung, Halle /2003 »M_ARS – Kunst und Krieg«, Neue
Galerie Graz, Österreich / Zan-e-irani, Frauenmuseum, Bonn /2004 Gabriele Münter Preis, Martin Gropius
Bau, Berlin / Frauenmuseum, Bonn / »Die Zehn Gebote«, Deutsches Hygiene Museum, Dresden / 4. Busan
Biennale, Busan, Süd Korea /2005 »Intersections«, Jüdisches Museum Melbourne / Jüdisches Museum
San Francisco /2006 »Das kritische Auge«, NKV Aschaffenburg /2007 »Global Feminisms«, Brooklyn
Museum, NYC / »Retracing Territories, Kunsthalle Fribourg / »Mahrem«, Santral Istanbul, Istanbul /2008
»Mahrem«, Kunsthalle Wien / Tanas, Berlin / »Naqsh«, Pergamonmuseum, Berlin /2009 »Die Macht Des
Ornaments«, Belvedere, Wien / »Traum und Wirklichkeit«, Zentrum Paul Klee, Bern / »In Istanbul zwischen
Ankunft und Abfahrt«, BM Contemporary Art Center, Istanbul / TASWIR, Martin Gropius Bau, Berlin
/2010 »Iran di Verso: Black or White?«, Verso Artecontemporanea, Turin / »Nagsh and Raghsh«, Museum
für Islamische Kunst, Sharja / »21st Century«, Queensland Art Gallery, Brisbane /2011 »ZENDEGI«, Beirut
Exhibition Center / »Ornamental Structures«, Stadtgalerie Saarbrücken / »Medi(t)ation« Asian Art Biennial,
Museum of Fine Arts Taiwan /2012 »Töten«, Kunstpalais, Erlangen / »The Elephant in the Dark«, Devi
Foundation, Dehli / »Feminist and ...«, Matrass Factory Museum, Pittsburgh / 7th Asia Pasific Triennal of
Contemporary Art, Queensland Art Gallery /Publikationen: /2003 »Tausendundein Tag«, W. König Verlag
Köln /2010 »Parastou Forouhar – Art, Life and Death in Iran«, Saqi Books /2011 »Das Land, in dem meine
Eltern umgebracht wurden – Liebeserklärung an den Iran«, Herder Verlag Freiburg /2012 »Im Namen
Irans«, Selbstverlag Offenbach/M /2013 »Die Poesie der ungeliebten Wahrnehmung«, Kunst Galerie Fürth
/www.parastou-forouhar.de
oben: Parastou Forouhar Flashing 2009
Fotografie auf Dibond, 60 x 80 cm
rechts: Villa Massimo - Roman Martyrs 2006
Fotostill aus einer Performance, Rom
54 Freie Sicht
55

Henning Strassburger Reinheit, Purheit, Klarheit 2011
Öl auf Leinwand, 180 x 150 cm
Henning Strassburger Ponyface 2011
Öl auf Leinwand, 180 x 150 cm
64 Freie Sicht
Henning Strassburger
65

Oliver Flössel Trinata 2011/12 Öl, Acryl, Lack, Ölkreide auf Leinwand, 160 x 270 cm
Courtesy Schwarz Contemporary Berlin
76 Freie Sicht
Oliver Flössel 77

Adam Jankowski
Goekhan Erdogan Split 2012 Offsetdrucke verleimt, 80 x 115 x 5 cm
92 Freie Sicht
Goekhan Erdogan 93

Sebastian Heinrich rechts: The Peacock Skirt 2012/2010
Stahlkette, Saugnäpfe, Maße variabel, hier ca. 220 x 160 x 2 cm
Sebastian Heinrich
Geboren 1980 in Darmstadt /2002–13 Studium
der visuellen Kommunikation an der Hochschule
für Gestaltung Offenbach/M / Typografie bei
Friedrich Friedl und Malerei bei Adam Jankowski
/Ausstellungen /2013 »objectz hood«, HfG-Satellit
(mit Sven Schuppar) Berlin /2012 »eine/r von siebzehn«,
Auswahlausstellung Stipendium Vordemberge-Gildewart,
Museum Wiesbaden / »Eindringen«,
zusammen mit Studierenden der EBABX, Galerie
Cortex Athletico, Bordeaux /2011 »COOP 5« Diamantenbörse,
Frankfurt/M /2010 »Immer die
schönste Malerei...«, Galerie Haasner, Wiesbaden
doppelrock@web.de
Sebastian Heinrich o. T. 2010
grundiertes Baumwollgewebe, Keilrahmen, Klebeband, ca. 180 x 320 cm
98 Freie Sicht
99

Anne Marie Freybourg
Ohne Utopie geht es nicht
Zur Malerei von Adam Jankowski
Kann Malerei extrem sein? Davon ist Adam Jankowski überzeugt und diese Ansicht prägt
sein Werk ebenso wie seine Lehrtätigkeit. Trotzdem, noch einmal nachgefragt: Kann Malerei
überhaupt extrem sein? Wie sähe extreme Malerei aus? Schaut man heute noch einmal
auf die frühen Werke von Jankowski, zeichnen sich darin erste Linien für eine Konzeption
ab, wie und warum Malerei radikal sein kann. Als Adam Jankowski nach der Hochschule in
seinem ersten eigenen Atelier einen Blick aus dem Fenster warf, fand er ein Motiv, wie es
nicht passender für den jungen Künstler sein konnte. Damals, in der maritimen Hansestadt
Hamburg, sah Jankowski noch keine Seelandschaft. Dem rauen Landschaftsmotiv des
Seestücks würde er sich erst später, nach den ersten eindrücklichen Segeltörns auf der Elbe
und durch die Ostsee zuwenden. Er schaute auch noch nicht auf Medienbilder, die in der
Presse über Weltraumeroberung und Raketentechnologie berichteten, die er dann später
malte. Zuerst mutet seine Entscheidung für ein Bildmotiv, das den klassischen Malerblick
aus dem Atelierfenster fasst, konventionell und fast bescheiden an. Aber Jankowski
erschien es trotzdem wertvoll genug, dass es unbedingt gemalt werden müsste.
Ein Bild aus dieser Motivserie zeigt das modernistische, in den 1960er Jahren erbaute
Hochhaus der Hamburger Polizei. Darüber fliegt ein Helikopter, der gleich auf dem Flugplatz
oben auf dem Dach des Polizeihochhauses landen wird. Solche »action« verbindet man eher
mit dem Kino, aber nicht mit gewöhnlicher Polizeiarbeit. Klassisch wären Polizisten auf
der Straße, unsere Helfer und Beschützer; oder Kriminalbeamte, die das große wie kleine
Verbrechen aufdecken. Was ist das also für eine Polizeiarbeit, die Adam Jankowski mit dem
Blick aus seinem Atelierfenster darstellt? Dabei ist völlig offen und auch gleichgültig, ob
er das Geschehen real beobachtet oder sich vorgestellt hat. Entstanden ist diese Bildserie
1978/79. Die Blicke aus dem Atelierfenster im Hamburger Stadtteil St. Georg sind, wie
auch die zur gleichen Zeit entstandenen Nachtlandschaften trostloser Hinterhöfe oder
der für die Putzkolonnen erleuchteten Firmensitze von Siemens oder Philipps, von der
bedrückenden Atmosphäre des Deutschen Herbstes 1977 geprägt.
Zu dieser Zeit entwickelten sich in der Kunst neue Formen wie Performance, Happening
und »expanded cinema«, die man zuerst einmal eher als extrem bezeichnen würde, weil
sie meist mit totalem Körpereinsatz operieren und auf eine radikale Konfrontation des
Zuschauers aus sind. Aber diese Art des Extremen intendierte Adam Jankowski nicht.
Er wollte nicht die Auflösung des klassischen Mediums Malerei, er wollte weder die
gezielte Verstörung des Betrachters noch eine Zerstörung von Material und Form. Seine
schon damals gereifte Überzeugung, dass man auch in modernen Zeiten mit Malerei zu
Erkenntnisgewinnen und vor allem zu einem veränderten und kritischen Bildverständnis
beitragen kann, haben ihn darin bestärkt, darauf zu achten, dass das Extreme nicht als
Anti-Ästhetik wie eine Gewalt auf das Medium der Malerei selbst durchschlägt. Damit wäre
Malerei dann nämlich beendet gewesen. Und sie wurde ja genau im Zuge dieser neuen
entgrenzten und negativen Ästhetik für tot erklärt.
Als kritischer Aufklärer kann Adam Jankowski keine Affinität zu einer destruktiven Gewalt,
wie sie mit bestimmten Formen extremistischer Kunst einherging, haben. Ihm, der die
Form liebt, ist der Schnitt durch das Bild und die Parzellierung des Bildraums in einzelne
Bildabschnitte genug. Er setzt harte Montageschnitte, die er von der revolutionären Malerei
der 1920er Jahre gelernt hat, zwischen höchst differente Bildteile. Aber er will die Kunst
nicht so weit ins Fragmentarische treiben, dass sich die Form auflöst. Der Betrachter soll
in den Bildern noch etwas zu sehen haben, er soll noch in ein, sei es realistisches oder
abstraktes, imaginäres Bildliches eintauchen können. Die große Lust eines jeden Malers ist,
ein Bild zu entwerfen, das den Betrachter verführt. Das ihn eventuell auch überwältigt, ihn
aber vor allem ins Bild hineinzieht und ihm die Augen für das Sehen öffnet; für das Sehen
des Malers und für das eigene Sehen.
Adam Jankowski Atelierausblick St. Georg Nr. 1 1978
Acryl auf Leinwand, 200 x 130 cm
Diese Idee von Malerei führt Adam Jankowski mit Vehemenz fort. Folglich hält er nichts
von der Behauptung, die Malerei sei tot. Und dass heute aus Vorsicht und Geschichts-
114 Freie Sicht
Anne Marie Freybourg 115

Hans Zitko
Das paradoxe Unternehmen der Malerei
Zu einigen Bildern von Adam Jankowski
Adam Jankowski Im Wattenmeer 2002 Acryl auf Leinwand, 240 x 200 cm
Sucht man nach übergreifenden Themen oder Motiven, die für die Malerei Adam Jankowskis
kennzeichnend sind, so stößt man auf die Frage nach der Wahrheit und Geltung von Bildern:
Was zeigen Bilder? Was zeigen sie nicht? Was verbergen sie? Täuschen sie womöglich das
Subjekt, wie skeptische Theoretiker behauptet haben? Die Implikationen und Antworten
auf die hier mit den Mitteln der Malerei selbst aufgeworfenen Probleme sind komplex. Die
Betrachtung kann dort ansetzen, wo die Arbeit am Bild im buchstäblichen Sinne beginnt:
Bei der Auswahl und Vorbereitung des Bildträgers, also jener Ebene, die die tragende Basis
des malerischen Geschehens abgibt. Der Maler überlässt hier kaum etwas dem Zufall, er
wählt diese oder jene Sorte roher Leinwand, spannt sie auf einen Keilrahmen, leimt sie,
grundiert und schleift sie, bevor er die ersten Schichten auf die so entstandene Bildfläche
aufträgt. In diesem Vorgehen äußert sich kein anachronistischer Verfahrenskonservatismus,
sondern die klare Einsicht in die fundamentale Bedeutung des Bildgrundes für die Prozesse
der Malerei. Die ästhetisch relevanten Entscheidungen beginnen bereits bei der Gradation
und Dichte des Gewebes, der aufgetragenen Grundierung und dem Maß der Glättung des
Bildkörpers. Dort, wo die Malerei sich im Bewusstsein der ihr immanenten Möglichkeiten
entfaltet, behandelt sie die Leinwand nicht als ein neutrales und gleichgültiges Medium,
sondern als ein visuell-taktiles Milieu, das sich in den aufgetragenen Strukturen stets in
dieser oder jener Weise Geltung verschafft. Die Produktion von Werken hat es immer auch
mit den Problemen des Austaxierens der Beziehungen zwischen Unter- oder Hintergründen
und darüber gelegten Bildschichten zu tun, denn das, was auf den Bildkörper aufgetragen
wird, bleibt in seiner Wirkung von den tragenden Voraussetzungen abhängig.
118 Freie Sicht
Hans Zitko 119

seiner zwischen Violett, Gelb und Blau changierenden Farbigkeit lässt das Bild zunächst
Erinnerungen an die alte Orientmalerei aufsteigen, mit der europäische Künstler die
fremde arabische Kultur in eine anziehende exotische Idylle verwandelten. Doch dieser
bildhistorischen Assoziation treten gegenläufige Motive an die Seite. So lassen die vorund
zurückspringenden Konturen von Farbflächen, mit denen der Maler an die Rolle des
Ornaments in der orientalischen Welt erinnert, zugleich an Sägeblätter oder Panzerketten
denken; der linke Teil der Komposition ähnelt darüber hinaus der Wand eines beschädigten
Gebäudes mit Fenstern, die den Blick auf offenbar brennende Innenräume freigeben. Die
sichtbaren Zeichen militärischer Gewalt verändern den Charakter der Leinwand: Das Bild,
in dem zunächst versöhnliche Züge hervortreten, präsentiert sich schließlich als Schauplatz
eines düster-apokalyptischen Geschehens, das an entsprechende Darstellungen bei Pieter
Bruegel oder Hieronymus Bosch denken lässt; sämtliche Momente der Szene scheinen in
dieser Wahrnehmungsperspektive von einem Prozess der Zerstörung erfasst zu sein. Dass in
der Wahrnehmung des Bildes neben den Spuren des Schreckens die Reminiszenz an die alte
Orientmalerei präsent bleibt, vermittelt der Komposition eine irritierende Doppeldeutigkeit,
die sich durch keine Reflexionsanstrengung auflösen lässt. Doch mit dieser Konstellation
ist das Ausdrucksspektrum des Bildes nicht erschöpft, denn dessen komplexe Struktur
kehrt immer wieder auch den Charakter einer karnevalesken Inszenierung hervor. Was der
Gedanke kaum zu leisten vermag, bewerkstelligt das Bild: Die Motive des Verhängnisses
und des exotischen Traums erscheinen im Gewand einer Posse, die Heiterkeit provozieren
würde, wenn nicht deren Implikationen dem Bewusstsein gegenwärtig wären.
Mit diesem heterogenen Komplex rührt der Maler an entsprechende Phänomene in der
Rezeption der Massenmedien, denn hier vermischen sich nicht selten Informations-,
Erlösungs- und auch Unterhaltungsbedürfnisse. Die leitende Frage nach dem Verhältnis
von Wahrheit und Schein betrifft nun nicht mehr nur die selektiven Operationen beim
Bereitstellen von Nachrichten, sondern zugleich die Formen des Umgangs mit denselben
auf Seiten der Adressaten, deren Bedürfnisse selbst auf die öffentliche Informationspolitik
zurückwirken. Das Bild »Monitor Nr. 11« liefert einen skeptischen Blick auf dieses
Geschehen und nährt den Zweifel, ob Wahrheit, wenn sie denn medial vermittelt würde,
auch als solche behandelt und wirksam werden könnte. In jedem Fall führt die Frage nach
der Wahrheit der Bilder und ihrer gesellschaftlichen Bedeutung auf die mit ihr verknüpfte
Frage nach der Reflexions- und Differenzierungskraft des Medien verwendenden Subjekts,
denn ohne entsprechende Kompetenzen bei den Nutzern ist der medial produzierte Schein
nicht zu durchbrechen.
Vergleichbare Implikationen besitzt »Monitor Nr. 6« (Abb. S. 130). Diese Leinwand
zeigt eine leicht nach links verschobene, polychrome Fläche, die an die klassische
Farbfeldmalerei erinnert; gerahmt wird diese Fläche durch ein dichtes Gefüge über- und
ineinandergeschobener Segmente, die selbst wiederum von der freiliegenden Untermalung
der Komposition eingefasst sind. Auch in diesem Fall kann man an einen Leuchttisch
denken, auf dem Informationsmaterial ausgelegt, geschnitten und montiert wird. In der
Betrachtung dieser Komposition stößt man auf eine irritierende Provokation: Während die
zentral platzierte Farbzone das Bildgeschehen dominiert und aufgrund ihres Kontextes
entsprechende Erwartungen aufkommen lässt, verweigert sie sich einer an konkreten
Informationen interessierten Wahrnehmung; sie gibt nichts preis, sondern ähnelt einem
dunstigen Himmel oder auch einem Bildschirm, auf dem nur noch eine Art von visuellem
Rauschen sichtbar ist. Das Bild, das den Betrachter mit dem Zustand einer entropischen
Entregelung jeder Ordnung konfrontiert, liefert einen fast ironischen Kommentar zu den
Folgen einer zunehmenden Verdichtung von Informationsraten im Raum der öffentlichen
Medien; gleichwohl verschwindet auch unter diesen Bedingungen die Wahrheit nicht.
Jankowski greift zu den Mitteln der Malerei und demonstriert deren Potenzial in Zeiten
eines kollabierenden Informationsaustausches. Das klassische Tafelbild dient ihm
als Reflexionsorgan, dessen Differenzierungs- und Auflösungskraft mit den Defiziten
apparativer Kommunikation stetig angewachsen ist. Mit der Perspektive der Wahrheit
stirbt auch die Hoffnung nicht. Immer wieder greift der Maler auch in den apokalyptisch
Adam Jankowski Monitor Nr. 6 2003
Acryl und Tesa auf Leinwand, 240 x 200 cm
Adam Jankowski Monitor Nr. 11 2006 Acryl, Zeitung und Tesa auf Leinwand, 240 x 180 cm
130 Freie Sicht Hans Zitko 131

Anhang zur Lehre
Hochschule für Gestaltung
Offenbach am Main
1987–2013
134 Adam Jankowski Adam Jankowski 135

6. 4. 1987, Mo 12 h 1. Lehrveranstaltung
0. LEHRANGEBOT: Theorie & Praxis moderner Malerei / Farbe
Im Spezialbezug Visuelle Kommunikation
1. VORSTELLUNG 1:
Was ist Malerei?
Welchen Sinn hat Malerei heute?
Tagebuch, Sinnlichkeit, Freisein, Abenteuer
Neuland, Entdeckungsfahrt/Reise, Identität,
Egoismus, Unendlichkeit, Sprache,
öffentliches Austragen individueller Konflike
Sprechen durch Bilder, Verschärfte Wahrnehmung
Gegenwelt, Lebensform,
Denkweise, > Rücksichtslosigkeit!
Wer spricht, der muß was zu sagen haben (Thema) und achtet auf die Art
und Weise / Aussprache), wie er spricht (Form / Gestaltung), die Ursache
seines Redens (Grund / Motiv) und reflektiert die Entwicklung seiner Äußerungen
(Geschichte / Repertoire).
Malerei = Bewusstseinsbildung
+ Wirklichkeitsaneignung
+ Wirklichkeitsbewältigung
2. VORSTELLUNG: Der Dozent
Biografie Ausbildung
Werdegang
Standpunkt
Anspruch Fremdanspruch = Intensivierung des Lehrgebietes
persönliche Konflikte:
WIE ORGANISIERE ICH MEINE LEHRE UND FORSCHUNG?
WIE ORGANISIERE ICH MEINE LEBENSUMSTÄNDE?
WIE ORGANISIERE ICH MEINE ARBEIT?
Situation also:
UMBRUCH / AUFBRUCH / ANFANG
Anfang: man steht vor dem Nichts
Chance sich gemeinsam Einzurichten
keine Routine
Seminarsituation: Anfang / Impuls /
gemensames Krisenmanagement
Hindernisse : mangelnde Erfahrung
# Strukturkenntnisse
Geschichtslosigkeit/Kontinuierlichkeit
LINIE:
ANFANG – AUFBRUCH – ATELIER – AUGENKUNST
Malerei nicht nur Denkform, sondern Handeln,
Handwerk, konkreter Lebensraum:
Der WEG ZUM MALER BEGINNT BEIM ANSTREICHEN DES
ATELIERS/DER KLASSE
3. VORSTELLUNG 3. : die Seminarteilnehmer
Biografien, Werkansätze, Erwartungen
Konzeptionen de Arbeit
4. VORSTELLUNG DER ARBEITSBEDINGUNGEN
Klassenraum + Einrichtungsgegenstände
Werkzeuge
Materialien
anwesend etwa 10 Studenten,
alle sehr ruhig. Klassenraum ein Sauhaufen.
Nachmittags zum Mainhafen,
Atelier besichtigen, das OK.
Di. 7. 4. 1987
2. Lehrveranstaltung
A. Hauptproblem entrümpeln des Raumes + Ausmalen
Einrichtung der Arbeitsplätze: Kochplatte
Geschirr
Radiorecorder
Pinnwand
Klassenbibliothek
Kühlschrank
B. Literaturliste: John Berger „Sehen“
David Sylvester „Gespräche mit Francis Bacon“
Harald Küppers „Das Grundgesetz der Farbenlehre“
Max Dörner „Malmaterial“
„New Spirit of Painting“ / „ZEITGEIST“ / „Deutsche
Kunst seit 1945“
Kunstdossier Die ZEIT Nr. 14 / 27. 3. 87
Bourdieu P, „Die feinen Unterschiede“
Arnold Hauser
Eindrücke: Schule gespalten in Theoretiker/Handwerker
die Verbindungslinie zu wenig ausgeprägt
Koordinierung des Lehrangebots,
Beziehungen stiften, Das Zusammenwirken der Disziplnen fördern
keine Sektenbildung
Studenten: schüchtern, ängslich, uninformiert,
kleingehalten, vital, unselbstständig, gehemmt,
unfrei, unter ihren Möglichkeiten.
Offenbach/Frankfurt: trüb, trist, kleinbürgerlich, mutlos, unelegant, reduziert.
C. Vorstellung der Studenten
Biografien, Arbeitsproben, Motive, Erwartungen, Konzepte
1. Oliver M. 6. Sem. Hauptstudium
Malbuch „Selbstportrait“ > Grundfarben erotisch
Markus A. 6. Sem. HpSt
Malerei / Bildhauerei / Installation
2. Uli W. 6. Semester
abstrahierte Landschaften auf Papier
kalte, erdfarbige Palette, Materialeinbauten + Skizzenbuch
„Schöner Wohnen“
Markus R.
3. Martina S. 6. Semester
schwarze Zeichnungen mit Fett, > Tiere
„Schuhe + Winterlandschaft“, surreal
4. Karola W. 6. Semester
Ergebnis: als erstes Klasse entrümpeln und einrichten.
Hauptproblem: ÄNGSTLICHKEIT
Wenn jemand ängstlich malt, dann denkt
er ängstlich. Wenn jemand ängstlich denkt,
dann ist er unfrei. Wenn jemand unfrei ist,
dann ist er nur ein Teil, ein Bruch
seiner Selbst. Er liefert also nur ein
Bruchteil seiner ab, also ein unwahres
Bild seiner Fähigkeiten. Er bleibt unter seinem möglichen Standard.
Dabei: Papier ist geduldig, die Farbe beisst nicht und künstlerisch kochen alle
nur mit Wasser!
Folge; Radikalisierung & Entschiedenheit. Ängste besiegen, frei werden,
Enthemmung,
MOTTO:
vom Hasenfuß zum Himmelsstürmer!
# zum Löwenherz!
Skizzenbücher anlegen. Dialogmalereien.
Psychogramme, Materialien sammeln. Vorräte anlegen
Die Affen-geilsten Bilder müssen her,
wer malt das schönste blau, rot oder grün?
DESIGN IST VERPACKUNGSKUNST
MALEREI IST AUFDECKUNGSKUNST
1. REDUKTION
2. KONZENTRATION
3. RADIKALISMUS > SPARSAMKEIT, RUHE
Kategorien f. Einschätzung von ästhetischen Gegenständen (nach Rudolf
Arnheim)
logische TRANSPARENZ
materielle PRÄSENZ
formale STRENGE
inhaltliche IRRITATION
BILDER SIND EXPLOSIONEN IM AUGE / GEHIRN
DES BETRACHTERS
Wie kann Malerei über ein Psychogramm hinausgeghen?
KONVENTIONEN der Illustration, des Designs
überwinden, um größtmöglichen Freiraum
der Eigenständigkeit zu bekommen/
MALEN nicht ABMALEN !
DESIGN und ANTIDESIGN
GESTALTUNGSGUERILLA
F. Bacon - Eigenschaften eines Malers:
a. Kunstgeschichte
b. sich lächerlich machen
c. ein Thema finden
MALEN ALS INTELLEKTUELLE GESCHWINDIGKEIT
13. 4. 1987 3. Lehrveranstaltung
Ziel des Seminars: Ausbildung eines autonomen
individuellen ästhetischen Bewußtseins / Handelns.
Konzept für gestalterisches Handeln,
individuelle Bildwelt
Stoff sind Empfindungen, Gefühle, visuelle Ideen & Prozesse,
Materialaktionen, Entwicklungen, Reaktionen
individuelle Bildwelten müssen sind einmalig
und müssen entsprechend behutsam behandelt werden!
5. Tobias b. 8. Sem, Farb. Zeichnungen, Köpfe auf brüchigem Papier
6 Bettina B., 4. Sem., lange abstrakte Landschaften, umgesetzte Spiegelungen,
SW
7. Annette K., 4. Sem., Strukturen für Buch, parallele Bilder
8. Markus R., Kompositionen mit Tesa
Lochstreifenbilder
9. Susanne W., 4. Sem (Bühne)
Köpfe in Kohle, s/w, vegetative Formen, Reihungsprinzip, Stichsäge
14. 4. 1987 4. Lehrveranstaltung
Farbkarte
Schuhe
Arbeitskluft
gehemmt, ängstlich, anspruchslos, unfrei =
KONVENTIONELL - wie abgefragte Gedichte
-----
Themenvorschläge: das Gehirn
Musik-Partituren!
Spiegelungen
gelb-blau-rot
SPIEGELUNGEN
Partituren > BILDGESCHICHTEN
visuelle Erzählungen
PARADIESE
Collagen aus Tesa
Silberfolie
Wellpappe
Farbpapier
3. Lehrveranstaltung 21. April 87
1. Vorstellungsgespräche – Ende
2. Korrektur erster Ergebnisse
3. Film „6 Maler“
Bilder. Farbobjekte - Farbräume
Anhang zur Lehre
138 Anhang zur Lehre : Aus dem Arbeitstagebuch 1987
Anhang zur Lehre : Aus dem Arbeitstagebuch 1987 139

Beschreibungstexte der Lehrveranstaltungen
103 Jankowski, Farbiges Gestalten. Seminar,
wöchentlich, mittwochs, pünktlich. Bemerkung:
Zum ersten Termin bitte Mappe mit Arbeitsproben
mitbringen.
Farbe und Form. Einführende Lehrveranstaltung
zur Praxis des farbigen Gestaltens und zu den
Techniken der freien Malerei anhand von definierten
Aufgaben. Erprobung der Gestaltungselemente
der Farbe und anderer Repertoires des malerischen
Ausdrucks: Farbwert, Fläche und Raum, das Spiel
der Kontraste, Proportion und Rhythmus, Komposition
und Spannung, Struktur und Gestus ... Damit
verbunden die Darstellung von Farbraum, Raum,
Licht, Landschaft und Stimmung, Augenschein
und Vision ... Verschärfte Wahrnehmung und das
Denken in Bildern. Überlegungen zur Entstehungsweise,
Wirkung und Funktion farbiger Bilder. Einführende
Malmaterialkunde. Acryltechniken und
Wasserfarben. Einführung in die Grundlagen der
Farbtheorie und Farbsystematik. Freie künstlerische
Arbeit an eigenen Bildwelten und Formenrepertoires
in Form von Skizzen und Skizzenbüchern
mit dem Ziel der Erkundung eigener Anliegen,
Themen und Aussagen. Durchführung und Präsentation
eigener Übungsaufgaben. Voraussetzungen
für den Erwerb eines Leistungsnachweises: regelmäßige
Teilnahme, erfolgreiches bildnerisches
Arbeiten. Literatur siehe Aushang.
111 Jankowski, Malerei I/II. Seminar, wöchentlich,
donnerstags, pünktlich. Einzureichen sind ein
schriftlich formuliertes Arbeitsvorhaben und eine
persönliche Literaturliste. Bemerkung: Neue Studierende
im 3. Semester legen eine repräsentative
Auswahl ihrer künstlerischen Arbeiten mit allen
Medien vor.
Einführende Lehrveranstaltung bis zum Vordiplom.
Freies künstlerisches Arbeiten in Form von formalen
Experimenten, Übungspräsentationen und Ausstellungsbeiträgen.
Grundlegende Beschäftigung
mit Praxis, Technik und Theorie moderner Malerei
in eigener Fragestellung. Fortführung eigener
thematischer Anliegen und Aussagen in Form von:
Arbeiten auf Papier, Malerei, Farbobjekte, Farbräume,
Installationen, Modelle für den architektonischen
Raum, freie Druckgrafik, freie Illustration
etc. Einführung in die Geschichte und Theorie der
modernen Kunst und in die theoretischen Probleme
der zeitgenössischen Malerei. Studium der
kunsthistorischen Vorgaben und Begegnungen mit
aktuellen Erscheinungsformen moderner Kunst
durch Vorträge, Ausstellungsbesuche und Exkursionen.
Künstlerische Auseinandersetzung mit Gestaltungs-
und Kommunikationstechniken der Neuen
Medien: Design-Programme, Photoshop, Internet
etc. Teilnahmevoraussetzungen: Schein Farbiges
Gestalten und eigene bildnerische Arbeiten.
Voraussetzungen für den Erwerb eines Leistungsnachweises:
Formulierung eines Semestervorhabens,
Präsentation eigener Arbeitsergebnisse.
Semesterthema: Wie werde ich ein »Independent
Artist?« »The Responsive Eye/Das empfindsame
Auge« lautete in den 60er Jahren der Titel einer
großen Op-Art-Ausstellung. Die Formulierung
knüpft direkt an Eugène Delacroix‘ Postulat Ein
Bild muss ein Fest fürs Auge sein! an und artikuliert
die Erkenntnis, dass Malerei ihre Wirkung
nicht nur den von ihr transportierten literarischen
Inhalten, sondern auch ihren visuellen Inventionen
und Innovationen verdankt. Das ist die
Auffassung der Moderne. Die Theorie der Postmoderne
behauptet seit dem Ende der 70er Jahre,
dass formale Erfindungen nicht mehr möglich
seien und propagiert den Rückgriff auf Stile und
Inhalte, die an längst vergangene historische
Epochen gebunden sind. Das hat Erfolg, denn es
knüpft an redundante Sehgewohnheiten an, die
dem Massenpublikum vertraut sind. Und an dessen
Bedürfnis nach eingängiger Unterhaltung. Die Problematik
des Fortschritts in der/durch die Malerei
wird also in den letzten Jahren bewusst aus dem
Kunstdiskurs ausgeblendet, doch die Frage bleibt
bestehen, welche Folgen es für die Kultur und
Gesellschaft gäbe, wenn z. B. auch die technischen
Naturwissenschaften und ihre Technologiefächer
nach einem solchem Verdikt agieren würden. Globalisierte
Informationsgesellschaft schnurstracks
zurückgebeamt ins 19. Jahrhundert? Oder kurz gefragt:
Wie muss, wie kann Malerei nach Kandinsky,
Picasso und Mondrian aussehen? Literatur? Wird
per Aushang bekannt gegeben.
125 Jankowski, Malerei III. Seminar, wöchentlich,
donnerstags, pünktlich. Einzureichen sind ein
schriftlich formuliertes Arbeitsvorhaben und eine
persönliche Literaturliste. Neue Studierende im
Hauptstudium legen eine repräsentative Auswahl
ihrer künstlerischen Arbeiten aus aller Medien
vor. Vertiefende Beschäftigung mit der zeitgenössischen
Malerei in eigener Fragestellung. Individuelle
analytische Arbeit an eigenständigen und
innovativen Bildkonzeptionen, persönlichen Formenrepertoires,
Farbpaletten und Malprozessen.
Freie Druckgrafik. Auseinandersetzung mit den
ästhetischen Techniken und Potenzialen der Neuen
Medien (Fotografie, Video, digitales Zeichnen und
Malen, Animation, 3-D-Simulation ...) im Hinblick
auf ihre Integration bzw. Anwendung im eigenen
Werkansatz. Vertiefende Beschäftigung mit der
Geschichte und Theorie der modernen Kunst und
Auseinandersetzung mit den aktuellen kunsttheoretischen
Diskursen. Begegnungen mit aktuellen
Erscheinungsformen moderner Kunst durch Vorträge,
Ausstellungsbesuche und Exkursionen. Freie
künstlerische Projekte in Form von selbstständigen
Ausstellungen und Präsentationen, Entwürfen
und Modellen für den öffentlichen und urbanen
Raum. Freie Illustration und künstlerischer Plakatentwurf.
Texte zur eigenen Arbeit; Selbstdarstellungsbroschüren,
Kataloge, Dokumentationen
(analog und digital). Max. Teilnehmerzahl: 15.
Teilnahmevoraussetzungen: Leistungsnachweise in
Malerei I und II und Vordiplomprüfung in Malerei
bzw Zeichnen, Illustration, Bildhauerei, Fotografie,
Kommunikationsdesign, Elektronische Medien,
Film, etc.; Teilnahme an den Lehrveranstaltungen
in Kunsttheorie, Kunstgeschichte, Mediensoziologie,
Ästhetik und Kunstphilosophie ... Voraussetzungen
für den Erwerb eines Leistungsnachweises:
Formulierung der eigenen Semestervorhaben und
regelmäßige Präsentationen eigener Projekte
während der Semester 5 bis 9.
Semesterthema: »Der neue Mensch«. Die Frage
nach dem Handlungsmodus eines jeweils „Neuen
Menschen“ stand stets im Zentrum der Kunstdebatten
der jeweiligen Etappen der Moderne,
ob nun im Jugendstil der Jahrhundertwende, im
Konstruktivismus der 20er Jahre, in der verlogenen
Propagandakunst der Nazis bzw. Stalinisten oder
der PopArt der nach 1945 startenden Konsumgesellschaft.
Zu Beginn des 21sten Jahrhunderts
scheinen alle diese Entwürfe einer neuen Existenz
gescheitert: Trotz allem Gewinn an rationaler Erkenntnis
und humanistischer Aufklärung setzt die
Gesellschaft des ungeregelten Finanzkapitalismus
die irreversible Nivellierung der Lebensformen,
die Zerstörung aller Lebensräume und Lebensressourcen
fort. Die politische und ökonomische
Versklavung der Welt wird durch digitale Technik
perfektioniert: Weltweit treiben Oligarchen ihr
Unwesen, ohne dass ihnen widersprochen wird.
Die Helden der klassischen Moderne sind von
Depressionen geplagt und müde und dröhnen
sich mit Surrogaten zu. Die Frage nach neuen und
zukunftsträchtigen Entwürfen für individuelle und
kollektive Überlebensstrategien und Existenzformen
in der Desinformationsgesellschaft des Verbrauchskapitalismus
wird immer akuter: eine neue
Herausforderung für Kunst und Künstler. Literatur?
Wird per Aushang bekannt gegeben.
Tobias Kasan, Rundgang 2012
Tobias Kasan, Rundgang 2012
150 Anhang zu Lehre : Die Lehrveranstaltungen
Adam Jankowski 151

Ausstellungen und Publikationen der Klasse
1989 »Der letzte Stand des Irrtums«, Ina Bruchlos,
Sabine Hartung, Jörg Hofmann, Bernd Meckes,
Memory, Clemens Mitscher, Alex Oppermann,
Oliver Raszewski, Gabi Schirrmacher, Heyne-Fabrik
Offenbach/M
2003 »Kunstpositionen«, zweite Ausstellung der
HfG Off in der AHBR Bank Frankfurt/M. Katalog
mit Arbeiten von u. a. Denise Bettelyoun, Oliver
Flössel, Maike Häusling, Nadja Milenkovic, Nadine
Röther
Erik Pfeiffer, »COOP 5« Diamantenbörse FFM 2011
Sandip Shah und Burghart Schmidt
bKI Darmstadt 2006
Eröffnung AHBR Bank FFM 2006, von links: Tatiana Urban, Lisa M. Klein, Adam Jankowski,
Sabine Freund, Henning Strassburger, Cornelia Thomsen
Ausstellungen der Klasse
Sven Schuppar, »COOP 5«, Diamantenbörse FFM 2011
Goekhan Erdogan, HfG-Ölhalle 2011
»COOP 5«, Diamantenbörse FFM 2011, mit Philippe Bouthier (links)
und Franck Eon, Wandmalerei Tatiana Defraine
1990 »HfG DA«, Ausstellung der HFG Offenbach in
der Kunsthalle Darmstadt, Katalog
1994 Symposion »Kunstanwender: Kunstsponsoring
und Künstlerförderung«, Katalog »Kunstanwender«,
Redaktion Alexander von Zaluskowski,
Gabi Schirrmacher und Sabine Hartung, Gestaltung
Oliver Raszewski
1995 »Housewarming · Phase I – III«, Eröffnung
der Fahrradhalle, Offenbach/M, danach bis 2004
zahlreiche Austellungen von Studierenden, u. a.
Ina Bruchlos, Sabine Hartung, Gabi Schirrmacher,
Parastou Forouhar, Oliver Raszewski, Bea Emsbach,
Sandip Shah, Edwin Schäfer / »Wycieczka
do Polski / Ausflug nach Polen«, Ausstellung in
der Kunstakademie Krakau. Katalog mit Arbeiten
von Denise Bettelyoun, Delphine Buhro, Bea Emsbach,
Sonja Gummert, Ralf Hubers, Eva Köstner,
Markus Oeffinger, Edwin Schäfer, Frank Schylla,
Marcus Sendlinger, Georgia Wilhelm, Oliver
Raszewski. Texte von den Künstlern und von Adam
Jankowski: »Es gibt zu wenig Künstler in Hessen«
1996 »ZVEH+HFG«, mit Thomas Baumgärtel, Bea
Emsbach, Michael Moos, Julia Oschatz, Markus
Oeffinger, Frank Schylla und Marcus Sendlinger,
Zentralverband der Deutschen Elektrohandwerke
Frankfurt/M / »Ultraschall*Transformer«, Ausstellungsprojekt
der Malereiklasse mit Unterstützung
der Schering AG, Galerie Art to Use Frankfurt/M.
Katalog mit Thomas Baumgärtel, Bea Emsbach,
Eva Köstner, Michael Moos, Markus Oeffinger,
Bernd Reich, Julia Oschatz, Marcus Sendlinger,
Frank Schylla, Texte: die Künstler und Adam
Jankowski
1999 »Freiheit–Brüderlichkeit–Tolereanz«, Katolog
zum Wettbewerb der Freimaurerloge Charlotte
zur Treue Offenbach/M / »Vor dem Börsengang«,
Ausstellung der HfG Off in der Landeszentralbank
in Hessen, Frankfurt/M, Katalog mit u. a. Bea Emsbach,
Julia Oschatz, Frank Schylla
2002 »Kunstpositionen«, erste Ausstellung der
HfG Off in der AHBR Bank Frankfurt/M. Katalog
mit Arbeiten u.a. von Sonja Gummert, Jan Lotter,
Michael Moos, Bernd Reich, Stefan Reiling, Frank
Schylla
2004 »Kunstpositionen«, dritte Ausstellung der
HfG Off in der AHBR Bank Frankfurt/M, Katalog
mit Arbeiten von u. a. Romana Alferi, Jos Diegel,
Markus Georg, Sven Schuppar
2005 »Kunstpositionen«, vierte Ausstellung der
HfG in der AHBR Bank Frankfurt/M, Katalog mit
Arbeiten von u. a. Gokhan Erdogan, Elisa Jolas,
Cornelia Thomsen, Tatiana Urban
2006 »Immer die Schönste Malerei aus der Klasse
Prof. Adam Jankowski«. Ausstellung von Elisa
Jolas, Oliver Flössel, Lisa Marei Klein, Henning
Strassburger, Cornelia Thomsen, Tatiana Urban»
in der Galerie k9 aktuelle Kunst Hannover, Februar/März
2009. Katalog Hg. HfG Off, Gestaltung
Maike Ossenberg
2010 »Wer will schon den ganzen Tag die Welt
verändern« Ausstellung von Dirk Baumanns,
Eugen El, Goekhan Erdogan, Sebastian Heinrich,
Anne-Kathrin Huisken, Xenia Lesniewski, Erik
Pfeiffer, Sven Schuppar in der Galerie Brigitte
Haasner Wiesbaden zur Aktion ZusammenKUNST
Wiesbaden, September 2010. Katalog mit Texten
von Adam Jankowski und Christian Janecke
2011 »COOP 5«, Ausstellung der HfG-Malereiklasse
mit Dirk Baumanns, Tanja Herzen, Erik Pfeiffer,
Dorothee Diebold, Tobias Kasan, Lisa Klinger,
Kosta Tsobanides, Rosamaria Aquillar, Burak
von Verstand, Christine Mederer, Dan Zhu, Prea
Pupityastaporn, Oriana Fenwick, Markus Lüttgau,
Sven Schuppar, Sebastian Heinrich – zusammen
mit Studierenden von der Ecole des Beaux Arts
Bordeaux mit Laurianne Bixhain, Leny Bernay,
Clémentine Coupau, David Chastel, Tatiana Defraine,
Mikael Igos, Laurent Daubisse, Jean-Pierre
Dang, Marine Courillon, ehemalige Diamantenbörse,
Frankfurt/M, Dezember 2011
2012 »Spieglein Spieglein«, Studierende der Kunstgeschichte
der Goethe-Universität Frankfurt/M,
über Arbeiten von Studierenden aus der HfG-Malereiklasse
Prof. Adam Jankowski und Fotografieklasse
Prof. Martin Liebscher«, Katalog zur Ausstellung
im ehemaligen Haus des Börsenvereins
Frankfurt/M. 27. Nov. – 16. Dez. 2012
152 Anhang zur Lehre : Ausstellungen und Publikationen
Anhang zur Lehre : Ausstellungen und Publikationen
153

Stuttgart 2006, mit Christian Janecke (in türkis)
Venedig 2009
Paris 2008
Krakau 1995
Loreley 2004
Düsseldorf 2012, mit Hans Zitko
Wien 2008, mit Wolfgang Luy und Burghart Schmidt
Bonn 2011
Paris 2008, vor dem Atelier Eugene Delacroix
Exkursionen
Rolandseck 2009, mit Martin Liebscher, Christian Janecke und Burghart Schmidt
Kassel 2012, mit Franck Eon, Philippe Bouthier und Wolfgang Luy
Paris 2008
Baden-Baden 2006
156 Anhang zur Lehre : Exkursionen
Anhang zur Lehre : Exkursionen 157