Digitale SLR Fotografie - Themen DigitLandschaften

Digitale 

LANDSCHAFTEN 

Nr. 10 Januar - März 2012 

Verbessern sie ihre Fotokenntnisse Für exzellente AuFnAhmen 

Unentbehrliche Grundlagen 

IgnorIeren SIe dIe drIttel-regel, 

verändern den HorIzont, 

und FotograFIeren SIe Im nebel. 

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RATgEbER FüR 

LANDSCHAFTSFoTogRAFIE 

richtiger einsatz der tiefenschärfe 

Bildaufbau, Licht und Belichtung 

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zeIgen, wIe SIe bIldSzenen 

zuSammenStellen 

4 191705 609905 20010

Digitale 

LANDSCHAFTEN

ROSS HODDINOTT 

Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Liebe Leser und Fotografen 

Landschaftsfotografi e – das ist das Thema dieses Magazins und ein 

Hauptthema der Fotografi e überhaupt. Denn hier geht es darum, 

die Welt, in der wir leben, abzubilden: naturgetreu oder abstrakt, 

realitätsnah oder kunstvoll, detailbetont oder als großes Ganzes – die 

Möglichkeiten sind unerschöpfl ich und nur durch Ihre Kreativität 

begrenzt. Das ist die Leidenschaft der Landschaftsfotografi e. 

Damit Sie Ihre Kreativität voll und ganz einbringen können, ist die Beherrschung der 

Technik und der fotografi schen Grundlagen Voraussetzung. Eignen Sie sich durch 

dieses Magazin das Basiswissen über Belichtung und Schärfe, Farben und Filter an. 

Sie erfahren außerdem, wie sie ein Panorama, eines der häufi gsten Stilmittel in der 

Landschaftsfotografi e, aufnehmen, und das Ergebnis später am Computer bearbeiten 

können. Und dann bekommen Sie es mit Wasser, Nebel und der „magischen Stunde“ zu 

tun – alles Dinge, auf die man als Landschaftsfotograf vorbereitet sein sollte … 

Und wenn Sie von der einheimischen Umgebung genug haben, schweifen Sie doch 

mal in die Ferne. Unser Fotoabenteuer „Japan“ bietet Anregungen, wie man sich ganz 

anderen Landschaften und Kulturen nähern kann. 

Immer das beste Licht wünscht 

Hagen Hellwig 

DIE NÄCHSTEN AUSGABEN VON „DIGITALE FOTOGRAFIE“ ERSCHEINEN AM 

7. Februar 2012: Digitale Fotografi e-KREATIV 

6. März 2012: Digitale Fotografi e-UPDATE 

20. März 2012: Digitale Fotografi e-PRO 

3. April 2012: Digitale Fotografi e-THEMEN/Einsteiger 

Unsere Experten für Landschaftsfotografie 

Alle unsere Experten veröffentlichen regelmäßig Beiträge im Magazin „Digital SLR Photography“ 

MARK BAUER 

Der frühere Lehrer Mark 

Bauer ist jetzt einer der 

führenden 

Landschaftsfotografen und 

ein Experte für 

Küstenfotografi e. 


Ross Hoddinott ist ein vielfach 

ausgezeichneter Fotograf mit 

großer Erfahrung, die 

Schönheit von 

unterschiedlichen 

Landschaften einzufangen. 

HELEN DIXON 

Helen Dixon hat sich den 

Traum, den Hauptberuf 

aufzugeben und eine 

professionelle 

Landschaftsfotografi n zu 

werden, verwirklicht. 

ADAM BURTON 

Adam Burton ist ein weiterer 

vielfach prämierter Fotograf 

im Team. Seine 

inspirierenden 

Landschaftsbilder 

bereichern dieses Magazin. 

Wilkommen 3 

IMPRESSUM 

HERAUSGEBER: Ultimate Guide Media 

REDAKTION: Chefredakteur: Hagen Hellwig 

ART DIRECTOR: Dean Mullock 

ENDREDAKTION: Hannah Bollwerk 

FINANZDIREKTOR: Richard Layton 

Die in diesem Magazin artikulierten Meinungen, sind 

die Meinungen der jeweiligen Autoren und stimmen 

nicht zwingend mit der Meinung des Herausgebers, der 

Redaktion oder den Vertreibern dieses Magazins überein. 

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Dieses MAGBOOKwird unter der Lizenz und mit der 

Erlaubnis von © Dennis Publishing Limited herausgegeben. 

Alle Rechte an Material, Titel und Marke dieses Magazins 

sind Eigentum von Dennis Publishing Limited und dürfen 

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www.Quadwinkowski.pl 

Das Papier, auf dem dieses 

Magazin gedruckt ist, besteht aus 

umweltverträglichen Fasern.

INHALT Der unentbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

006 Landschaften vor der Linse 

008 Grundlagen 1: 

Schärfe 

014 Expertenanleitung 

Komposition: Den Vordergrund ins Bild 

bringen 


Belichtung 


Tiefenschärfe 


Raw-Format 


Filter 

064 Filter mit Photoshop 


Wasser in 

Landschaftsaufnahmen 


Farbe in 


098 Expertenwissen: 

Jahreszeiten und Landschaftsfotografi e 

114 Panoramamotive 

fotografieren 

118 Fotoabenteuer Japan 

126 Außenfotografie: 

Nebel am frühen Morgen 

131 Ausrüstung und Zubehör 

138 Weitwinkelobjektive 

142 Fotoschule 

Fragen & Antworten: Weißabgleich, 

Spitzlichter, stürzende Linien, Refl exionen, 

Raw oder JPEG u.v.m. 

154 Photoshop-Techniken: 

Belichtung 

156 Expertenanleitung: 

Die magische Stunde 

160 Expertenanleitung 

Komposition: Wie man eine Bildszene 

zusammenstellt 

162 Die perfekte Belichtung

Der unentbehrliche Ratgeber 

für Landschaftsfotografie 

LANDSCHAFTEN VOR 

DER LINSE 

AUßERGEWÖHNLICH SCHÖNE LANDSCHAFTEN AUFZUNEHMEN – diese Fähigkeit wollen wir alle 

besitzen. Fantastische Landschaften inspirieren mehr Fotografen als jede andere Art von Bild und auf 

den ersten Blick erscheint es recht unkompliziert. Eine großartige Perspektive zu fi nden, die digitale 

Spiegelrefl exkamera darauf zu richten und den Auslöser zu drücken. So einfach sollte es gehen. Diese simple 

Herangehensweise wird Ihnen vielleicht einen anständigen Schnappschuss liefern, aber oft wird das Bild, das 

Sie aufnehmen nicht der herrlichen Szenerie vor Ihnen gerecht. Wir waren alle schon einmal etwas enttäuscht 

von einem Foto, dass nicht ganz unsere Erwartungen erfüllte. Der Unterschied zwischen einem anständigen 

Schnappschuss und einem überwältigenden Bild hängt oft von einigen vielseitigen Ideen ab, relativ leicht 

erlernbarem Expertenwissen, der Wahl der richtigen Ausrüstung und einer gewissenhaften Planung. Dieser 

Ratgeber liefert Ihnen viele Inspirationen, und ein ausgezeichnetes Verständnis über diese Grundlagen und 

wird hilfreich sein, Ihre gewöhnlichen Fotografi en in sehr spezielle Aufnahmen zu verwandeln.

GRUNDLAGEN #1 

SCHÄRFE 

V 

iele Kompaktkameras besitzen einen Landschaftmodus, der automatisch auf 

unendlich fokussiert. Das bedeutet, dass alle Landschaftsobjekte weit weg 

sein müssen, um sie scharf zu fotografi eren. Mit der Digitalkamera steigt 

jedoch unser Anspruch, denn mit der richtigen Kombination aus Blende und Fokus 

kann man eine höhere Genauigkeit und Schärfe bei Landschaftsobjekten erzielen. 

Die gängigste Methode ist, den Fokus auf unendlich zu stellen und dabei die kleinste 

Blende zu wählen. Hier möchten wir Ihnen zeigen, wie man mit einer mittleren 

Blendeneinstellung, z. B. f/13, und dem richtigem Einstellen des Fokus die Schärfe 

noch weitaus verbessert. 

1) Tiefenschärfe 

Wenn man Landschaften fotografi ert, ist man oftmals geneigt, den gesamten 

Bereich vom Vorder- bis zum Hintergrund scharf abzulichten. Erinnern wir uns, dass 

Weitwinkelobjektive eine größere Tiefenschärfe hinter dem Brennpunkt besitzen als 

längere Objektive, und kleinere Blenden zu einer höhere Tiefenschärfe führen als 

größere. Ebenso kommt es auf akkurates Fokussieren an. Eine höhere Tiefenschärfe 

liegt hinter dem Brennpunkt eines Bildes und nicht davor. Als Faustregel gilt, die 

Tiefenschärfe damit zu erhöhen, indem man auf ungefähr ein Drittel der Strecke zum 

Objekt scharf stellt. Genauer geht es allerdings mit der Hyperfokusdistanztechnik. 

Wenn man die Hyperfokusdistanz an seinem Objektiv einstellt, erhöht sich die 

Tiefenschärfe von halber Hyperfokusdistanz bis auf unendlich. Die Hyperfokusdistanz 

ist bei hochwertigen Objektiven leicht einzustellen. Auf der Tiefenschärfenskala stellt 

man einfach das Unendlichkeitssymbol gleich der richtigen Blendeneinstellung auf dem 

Objektiv. Da auf Zoomobjektiven keine Tiefenschärfenskalen sind, benötigt man eine 

Umrechnungstabelle, um die Distanz besser zu schätzen. 

FOKUSSIEREN MIT DEM HYPERFOKUS: 

Bei Objektiven mit Festbrennweiten ist eine Tiefenschärfenskala angegeben, um die 

Hyperfokusdistranz abzulesen. 

UNTERSCHIEDE DES SENSORS: 

Der Hyperfokus unterscheidet sich bei Objektiven mit Vollbild-Sensor von denen mit 

APS-C Sensoren – siehe Tabelle unten. 

HYPERFOKUSDISTANZ: APS-C-SENSOREN 

FOKUSLÄNGE 12 mm 15 mm 17 mm 20 mm 24 mm 28 mm 35 mm 50 mm 70 mm 100 mm 135 mm 

Blende f/8 3.2ft 5ft 6.4ft 8.9ft 12.6ft 17ft 27ft 55ft 105ft 218ft 395ft 

f/11 2.3ft 3.5ft 4.5ft 6.2ft 9ft 12ft 19ft 39ft 75ft 155ft 280ft 

f/16 1.7ft 2.5ft 3.3ft 4.4ft 6.4ft 8.6ft 14.5ft 27ft 54ft 110ft 198ft 

f/22 1.2ft 0.9ft 2.3ft 3.2ft 4.5ft 6ft 9.5ft 19.2ft 38ft 77ft 140ft 

HYPERFOKUSDISTANZ: VOLLBILD-SENSOR 

FOKUSLÄNGE 16 mm 20 mm 24 mm 28 mm 35 mm 50 mm 70 mm 100 mm 135 mm 

Blende f/8 3.8ft 5.6ft 8.0ft 11ft 17ft 35ft 68ft 138ft 250ft 

f/11 2.6ft 3.9ft 5.8ft 7.8ft 12ft 25ft 48ft 98ft 178ft 

f/16 1.9ft 2.9ft 4.0ft 5.5ft 8.5ft 17.5ft 34ft 70ft 125ft 

f/22 0.4ft 2.0ft 2.9ft 3.9ft 6ft 12.5ft 24ft 49ft 89ft

010 Grundlagen: Schärfe Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

2) Die Effekte der Beugung 

(Diffraktion) 

Je kleiner die Blendenöffnung umso höher die 

Tiefenschärfe. Daher lautet eine gängige Empfehlung, 

sehr kleine Blenden wie z. B. die f/16 und die f/22 zu 

verwenden. Eine zu starke Verringerung der Blende 

kann jedoch mit Hinblick auf die Bildschärfe den 

gegenteiligen Effekt auslösen, den so genannten Effekt 

der Beugung oder „Diffraktion“. 

Die Ursache hierfür ist, dass das einfallende Licht 

durch die Blendenränder gestreut wird. Durch das 

Verkleinern der Blendenöffnung steigt der prozentuale 

Anteil an gestreutem Licht bei der Belichtung des 

Filmes, was eine verringerte Bildschärfe verursacht. 

Dieser Effekt wirkt sich bei APS-C- etwas anders als 

bei bei Vollformat-Sensoren aus. Manche Linsen sind 

zudem anfälliger für die Beugung als andere. Generell 

kann man jedoch sagen, dass der Beugungseffekt bei 

einem APS-C-Sensor bei einer Einstellung unter f/11 

und bei einem Vollformat-Sensor bei unter f/16 auftritt. 

Natürlich kann man immer noch kleinere Blenden 

verwenden, um schließlich zwischen Gesamtschärfe 

und Tiefenschärfe abzuwäge, je nach bevorzugtem 

Detailgrad. An dieser Stelle lohnt es sich, auf die 

17-mm-Linse auf einem APS-C-Sensor zu verweisen, 

die bei Blende f/11mit Hyperfokusdistanz eine 

Tiefenschärfe von 68,5 Zentimeter bis unendlich 

ermöglicht. Dies ist in den meisten Fällen ausreichend. 

Um den Effekt der Beugung bei unterschiedlichen 

Blenden zu demonstrieren, zeigen wir einige 

Abbildungen die mit einer Blende von f/8, f/11, f/16 

und f/22 mit konstantem Fokus und unter gleichen 

Lichtverhältnissen mit jeweils unterschiedlicher Blende 

aufgenommen wurden. Die Aufnahmen wurden 

schließlich mit demselben Programm und Einstellungen 

nachbearbeitet. Um die Effekte hervorzuheben, wurde 

die Schärfe etwas erhöht. 

Dies ist eine Vollbildaufnahme. Der Rahmen zeigt den 

ausgeschnittenen Bereich, um den Effekt der Beugung 

hervorzuheben – aufgenommen mit einer Canon EOS 

20D und einem 17-40 mm-Objektiv. 

Ergebnisvergleich: Die Ergebnisse mögen im Gegensatz zu 

größeren Drucken in einer Zeitschrift nicht besonders 

hervorstechen. Bei einer f/8 wirkt das Laub im Hintergrund 

ziemlich scharf. Bei einer f/11 sieht es immer noch recht 

scharf aus, aber bei weiterer Verringerung der Blendenöffnung 

wird es, statt schärfer zu werden, bei steigender Tiefenschärfe 

unschärfer. Dies ist im Bereich der Landschaftsfotografi e fatal, 

denn bei Großformatigen Drucken kann das „vermatscht “ 

wirkende Laub die gesamte Aufnahme verderben. 

PROFI-TIPPS 

WAS IST DIFFRAKTION? 

Dieser Begriff beschreibt den Verlust von 

Bilddetails: Je kleiner die Blende, umso 

mehr Licht wird von der Iris in der Linse 

zerstreut. 

f/8 f/11 f/16 f/22 

MARK BAUER


3) Digitales 

Nachschärfen 

Selbst nach dem Fotografi eren kann 

man die Schärfe einstellen. Alle digitalen 

Aufnahmen profi tieren durch das 

digitale Nachschärfen. Falls Sie den 

Weichzeichner in Photoshop verwenden, 

kann ein kleiner Pixelradius von 0,6 

beste Resultate erzielen. Erhöhen Sie 

langsam die Regler und beobachten Sie 

die Vorschau. 

Grundlagen: Schärfe 1

4 

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für 

35,- €!

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14 Komposition Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

EXPERTENANLEITUNG 

Den Vordergrund ins 

Bild bringen 

VON ADAM BURTON Weil ich total begeistert von Weitwinkel-Fotografi e 

bin, sind große Vordergründe ein konstantes Merkmal meiner 

Landschaftsbilder. Wenn sorgfältig ausgewählt und gut fotografi ert, 

erweckt ein guter Vordergrund eine Landschaftsaufnahme zum Leben und seine 

Wirkung wird maximiert. Fotografi en mit detaillierten Vordergründen können dem 

Betrachter das Gefühl geben, vor Ort zu sein und ziehen sofort die Aufmerksamkeit 

und den Blick in das Bild hinein. Ich sollte darauf hinweisen, dass ich nicht rausgehe, 

um primär nach Vordergründen zu suchen. Das Wichtigste bleibt immer das 

Hauptobjekt im Bild, aber für mich kommt der Vordergrund direkt danach. Deshalb 

suche ich, wann immer ich rausgehe, um Landschaften aufzunehmen, nach Orten, 

die eine Menge an potentiellen Aufnahme-Möglichkeiten bieten. Bei der Ankunft 

kunde ich das Gebiet aus und suche nach dem reizvollsten Objekt und dem besten 

Winkel, um es aufzunehmen. Habe ich erstmal das Gebiet ausgewählt, in dem 

ich Fotos aufnehmen möchte, beginne ich nach einem geeigneten Vordergrund zu 

suchen. 

Es gibt keine Regeln dafür, was sich als guter Vordergrund qualifi ziert, aber es gibt 

wie immer ein paar Punkte zu beachten. Nur Sie können darüber entscheiden, 

auf was Sie sich fokussieren wollen, und offensichtlich wird das auch dadurch 

bestimmt, welche Objekte in unmittelbarer Nähe sind. Aber es ist eher wichtig, 

sorgfältig aufzupassen, welche Objekte man mit einbezieht, als direkt das erste 

Objekt, über das man stolpert, aufzunehmen. Da ich Landschaften bevorzuge, 

schaue ich fast immer nach natürlichen Elementen, um einen Vordergrund zu 

gestalten – Felsen, Blumen und Wasser sind die üblichen Verdächtigen. Diese, so 

weiß ich, werden in das Bild passen, wohingegen ein von Menschen gemachtes 

Objekt oftmals unausgeglichen aussieht. 

Wenn Sie erst entschieden haben, was Sie als Vordergrund einbeziehen möchten, 

denken Sie darüber nach, wie Sie die Aufnahme zusammenstellen, um das stärkste 

Ergebnis zu erhalten. Idealerweise wird das Auge über den Vordergrund auf das 

Hauptobjekt geführt, aber bei falscher Bildkomposition kann der Vordergrund zur 

Ablenkung werden. Viele Fotografen fotografi eren fälschlicherweise immer nur auf 

Augenhöhe: Wenn Sie auf niedriger Ebene liegende Felsen mit einbeziehen und 

von einer Standposition eine Aufnahme machen, wird es dem Bild an Wirkung 

fehlen. Versuchen Sie, sich niedriger und näher an Ihren gewünschten Vordergrund 

heranzubewegen, und ihr Bild wird zum Leben erwachen! Aber passen Sie 

auf, sich nicht zu niedrig und zu nahe an ihn heran zu bewegen, denn dann 

riskieren Sie, dass Ihr Bild unausgeglichen wirkt. Der Vordergrund dominiert den 

Hintergrund. Daher sollten Sie versuchen, Ihr Interessensobjekt sauber und einfach 

zu halten – ein fantastischer Hintergrund geht hinter einem unaufgeräumten oder 

chaotischen Vordergrund verloren! Zuletzt ist es wichtig, eine kleine Blende zu 

benutzen. Fokussieren Sie auf ein Drittel Abstand in die Szene hinein, um eine 

gute Tiefenschärfe zu erhalten. Sie können den Bildaufbau Ihrer Landschaftsbilder 

erheblich verbessern, indem Sie diesen einfachen Schritten folgen. 

KEIN VORDERGRUND Ohne Vordergrund, fehlt es 

dem Bild an Wirkung und es kann langweilig und 

uninteressant aussehen. Obwohl Wasser ein 

attraktivesThema sein kann, fehlt es seiner 

schlammigen Farbe in dieser Aufnahme an Anziehung. 

GANZ OBEN: Obwohl Ihr Instinkt Sie 

möglicherweise dazu verleitet, Ihr Stativ zu 

verlängern und von einer stehenden Position 

aus zu fotografi eren, lohnt es sich, auch 

niedrigere Gesichtspunkte auszuprobieren. 

OBEN UND RECHTS: Ein Stativ einzusetzen, 

hilft bei der Landschaftsfotografi e wirklich. Ich 

passte die Höhe an, bis ich mit dem Bildaufbau 

glücklich war und benutzte einen 

Polarisationsfi lter, um die Farben zu verbessern. 

Bei der Auswertung meiner Aufnahmen an 

einem LCD-Bildschirm, war ich in der Lage, die 

Belichtung und die Tiefenschärfe zu 

überprüfen, um sicher zustellen, dass ich das 

bestmögliche Ergebnis bekomme. 

MIT VORDERGRUND Da ein Vordergrund hier mit 

einbezogen wurde, sieht das Bild sofort ausgeglichener 

aus. Legen Sie sich jedoch nicht auf das erste Objekt 

fest, das Sie fi nden. Diese Pfl anze ist ziemlich 

unattraktiv. 

NIEDRIGER AUSSICHTSPUNKT Ein niedrigen 

Aussichtspunkt hilft dabei, Details in dem 

moosbewachsenen Felsen herauszuheben. Die 

Aufnahme ist geordnet und liefert einen guten 

Vordergrund; aber es fehlt noch etwas Spezielles ...

Zusammenfassung 

Vordergrund 

1) MACHEN SIE IHRE 

BEST HAUSAUFGABEN. 

METHOD 

HYPERFOCAL Verbringen FOCUS Sie dort, wo Sie 

Focusing fotografi a eren third möchten, of the einige Zeit 

way damit, into the nach scene dem and besten 

using Vordergrund f/13 ensured zu suchen. Nehmen 

maximum sharpness. 

Sie nicht gleich das erste Objekt 

vor, über das Sie stolpern. 

2) VERMEIDEN SIE 

UNORDNUNG. 

Versuchen Sie den Vordergrund 

einfach und ordentlich zu halten. 

3) BEWEGEN SIE SICH NACH 

UNTEN! 

Gehen Sie nach unten und nahe 

zum Vordergrund, um Wirkung 

zu erzeugen. 

4) SCHÄRFE 

SICHERSTELLEN: 

Stellen Sie eine kleine Blende ein 

und fokussieren auf ein Drittel vor 

dem Objekt. 

5) NUTZEN SIE IHREN 

BILDSCHIRM. 

Prüfen Sie Ihre Ergebnisse auf 

dem LCD-Bildschirm, korrigieren 

Sie den Bildaufbau und nehmen 

erneut auf. 

FERTIGES BILD 

Ein paar Blätter auf den Felsen zu 

legen, erhöht Interesse und 

Wirkung. Wenn ich es etwas an 

meinen Aussichtspunkt anpasse, 

wird der Vordergrund in eine 

Position neben dem Zentrum 

bewegt. Das verstärkt den 

Bildaufbau.

Grundlagen # 2 

PERFEKTE BELICHTUNGEN 

Digitalkameras besitzen extrem genaue Multi-Zonen-Belichtungsmessungssysteme 

mit einer Histogramm-Funktion zur akkuraten Belichtungsmessung. Nie zuvor 

war die Belichtungsmessung leichter. Zur kreativen Kontrolle muss man die Dinge 

allerdings selbst in die Hand nehmen. Das Grundproblem besteht darin, dass sich 

unsere Augen beim Betrachten einer schönen Landschaft ständig anpassen, um 

die Details von Helligkeit und Schatten wahrzunehmen. Unsere Pupillen öffnen und 

schließen sich entsprechend der Lichtstärke und unser optischer Nerv besitzt eine 

große Spanne und einen eindrucksvollen Spielraum. Trotz ihrer beeindruckenden 

technischen Eigenschaften machen unsere Kameras Aufnahmen innerhalb relativ 

begrenzter Parameter – die Kombination von Blende und Verschlusszeit wird je 

nach Helligkeitsgrad des Ortes gewählt. Ein perfekt belichteter Himmel hat dunkle 

Schatten zur Folge, Details in den Schatten resultieren in einem überstrahlten 

Himmel. Wir müssen unserer Kamera helfen, die richtige Stelle der Szenerie zu 

belichten oder die richtige Balance zu fi nden. Die folgenden Expertentechniken 

helfen dabei, Bilder mit perfekter Belichtung aufzunehmen. 

1) Die richtige Balance finden 

Dieses Bild stellt den Landschaftsfotografen vor eine große Herausforderung: 

extreme Helligkeitsgrade vom hellen Himmel bis zu schattigen Bereichen. 

Man darf sich hier nicht vom nassen Sand im Vordergrund täuschen lassen. 

Er refl ektiert eine Menge Licht vom Himmel. Natürlich ist es möglich, das Bild 

nachträglich auf dem Computer zu manipulieren, aber zuerst muss sichergestellt 

sein, dass die Aufnahmeeinstellungen die größtmögliche Information über das 

gesamte Bild erfassen. Bei Überbelichtung verliert man Details der Wolken und 

den blauen Himmel; Unterbelichtung füllt die Schatten des Piers und macht sie 

fl ächig. Fängt die Kamera die Information nicht ein, gibt es keine Grundlage für 

die Bearbeitung am Computer. Zwar wird es eine optimale Belichtungseinstellung 

geben, sie könnte aber einen Kompromiss darstellen, und daher sollte man im 

Zweifelsfall die Serienbild-Funktion der Kamera benutzen, um einige über-, und 

einige unterbelichtete Bilder aufzunehmen.

MARK BAUER

018 Grundlagen: Belichtung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

2) Die richtige Belichtung 

fi nden 

Mark Bauer suchte nach einem speziellen 

Motiv. Also schlenderte er umher bis zu einem 

Dorffriedhof. Nachdem er ein Motiv nahe den 

Kreuzen gewählt hatte, war als nächstes das 

Problem der Belichtung zu lösen. Mark erklärt 

Schritt für Schritt, wie er die Aufgabe anging: 

1) Dies ist das Resultat des Multi-Zonen- 

Belichtungsmessers der Kamera, ohne 

Zuhilfenahme von Filterung. Die Szene ist 

sehr kontrastreich, und die Kamera hatte 

Schwierigkeiten, alle Tonwertinformationen 

einzufangen. 

2) Spotmessungswerte vom Fuß des Kreuzes 

und dem Himmel zeigten eine Helligkeitsdifferenz 

von 4,5 Blendenwerten an. Für die 

Belichtungseinstellung der Landschaft benutzte 

ich einen 0.9 Graufi lter (3 Blendenwerte) und 

zog ihn bis unter die Horizontebene an den Rand 

der dunkelsten Schattenstelle am Boden des 

Bildauschnittes. Ich benutze einen weichen Filter, 

um nicht in das Kreuz zu schneiden. Aber aufgrund 

des Detailverlustes im helleren Bereich des 

Himmels, reduzierte ich die Belichtung um zwei 

Drittel einer Blende und wiederholte die Aufnahme. 

3) Das Ergebnis ist so weit wie möglich „nach 

rechts belichtet“ (siehe folgende Seite), ohne die 

hellsten Bildteile zu kappen. Das Histogramm 

zeigt immer noch dunkle Tonwerte aber auch viel 

Information im oberen Bereich an, und, was am 

wichtigsten ist, keine „abgeschnittenen” Schatten. 

4) Eine direkte Konvertierung der Raw-Datei sieht 

langweilig aus, dem Bild fehlen die Kontraste. Für 

die entgültige Version reduzierte ich die Belichtung 

leicht und fügte mehr Kontrast hinzu, vor allem in 

den Schatten, um die dramatische Atmosphäre 

der Originalszenerie zu erhalten. Ich habe zudem 

den Weißabgleich optimiert, um Wärme und eine 

stärkere Sättigung hinzuzufügen. 

Zum Vergleich machte ich eine Aufnahme mit einer 

Blende Unterbelichtung. Dies lässt die Schatten 

schmutzig und undetailliert erscheinen, wie man 

sehr deutlich sieht. 

PROFI-TIPPS 

Mitteltonmessung 

Die Belichtungsmesser in digitalen Kameras 

sind auf einen 18 Prozent grauen Mittelton 

geeicht. Die Belichtungswerte auf einen 

Mittelton wie beispielsweise auf das Gras 

einzustellen, bietet einen guten 

Ausgangspunkt für präzise Belichtungen. 

BELICHTUNGEN 

SCHATTEN 

Diese zwei Beispiele rechts 

zeigen, warum es keine gute 

Idee ist, unterzubelichten 

und dann zu versuchen, die 

Schatten bei der Bearbeitung 

hochzuziehen. Das nächste 

Bild ist ungefähr eine Blende 

unterbelichtet (um Details 

der hellsten Bildteile zu 

erhalten), und die 

Schattenkurve wurde erhöht, 

bis sie mit der Belichtung der 

korrekt belichteten Version 

überseinstimmt. Wie man 

sehen kann, ist nicht harte 

Konturen in den Schatten 

anstelle glatter Übergänge 

und eine Unmenge an 

Bildrauschen zu erkennen, 

sondern der Sensor hat auch 

erheblich weniger Details 

registriert. 

1 2 

3 4 

5 

MARK BAUER


3) Belichtung für Küstenlandschaften 

Die richtige Belichtung für Aufnahmen an der Küste zu erreichen, kann ein 

wenig kniffeliger sein als die Belichtung von Landschaften im Inland, da mehrere 

Faktoren den Belichtungsmesser der Kamera täuschen können: Helle Refl ektionen 

auf dem Wasser oder helle, schaumige Wellen können zu Unterbelichtung führen. 

Falls man andererseits einen großen, dunklen Felsen für den Vordergrund gewählt 

hat, könnte das eine Überbelichtung durch die Kamera bewirken. Es ist deshalb 

wichtig, auf Bereiche mit besonders hellen oder dunklen Tonwerten zu achten 

und die Belichtung dementsprechend abzugleichen. Außerdem empfi ehlt es sich 

in der Praxis, nach jeder Aufnahme das Histogramm zu prüfen und die Aufnahme 

eventuell zu wiederholen. In jeder Bildszene kann durch hellen Himmel, dunkle 

Felsen und Refl ektionen auf dem Wasser ein großer Kontrastbereich auftreten. 

Graufi lter sind unentbehrlich, und je nach den Umständen und der Helligkeit des 

Himmels und des Wassers in Relation zum Vordergund kann es notwendig sein, 

den Graubereich im Bildausschnitt sehr tief herunterzuziehen – eventuell bis unter 

den Horizont zum oberen Ende des Vordergrundes. Ansonsten kann das zu einem 

korrekt belichteten Himmel und Vordergrund mit einem Streifen von zu hellem 

Wasser in der Mitte des Bildes führen. Beim Bemessen des Bildes zur Auswahl 

der Stärke und Platzierung des Filters sollte also nicht vergessen werden, die 

Werte des Vordergrunds, des Himmels und des Wassers zu berücksichtigen. 

LANGE BELICHTUNGEN 

BELICHTUNG VON BEWEGUNG 

Eine fantastische Sache bei Aufnahmen am Meer ist 

die Möglichkeit, die Bewegung der Wellen 

einzufangen und Atmosphäre zu erzeugen. In 

dunklem Licht und bei abgeblendeter Linse zur 

Erweiterung der Tiefenschärfe sind lange 

Belichtungszeiten ein Muss. Abhängig von den 

Lichtverhältnissen können sie zwischen wenigen 

Sekunden bis hin zu Minuten rangieren. Wenn die 

Wellen bei geöffnetem Kameraverschluss die Felsen 

umspülen oder am Ufer herauf- und herabfl ießen, 

werden sie wie ein romantischer, geheimnisvoller 

Schleier festgehalten. Um das Schauspiel von sich 

an Land brechenden Wellen festzuhalten sind 

Verschlusszeiten von einer viertel Sekunde oder 

langsamer gut geeignet. 

Grundlagen: Belichtung 019 

HELEN DIXON ROSS HODDINOTT


4) Histogramme: Ein Hilfsmittel zum Prüfen der Belichtung 

DIE GRUNDLAGEN Ein Histogramm ist grundsätzlich eine Kurve, welche oft einer Reihe von Berggipfeln 

ähnelt und die Verteilung der Helligkeiten in einem Bild darstellt. Histogramme mögen auf den ersten 

Blick sehr komplex und verwirrend aussehen, sind aber in Wirklichkeit sehr einfach zu lesen. Sie sind ein 

essentielles Hilfsmittel für den digitalen Fotografen zur genauen Kontrolle der Belichtung des geplanten Fotos 

und bieten die akkuratere Beurteilungssmethode im Vergleich zu einem nur am Kameradisplay bewerteten 

Foto. Falls man noch nicht die Angewohnheit hat, regelmäßig das Histogramm eines Bildes zu überprüfen, ist 

es also an der Zeit, dies zu tun. Mit Hilfe dieser Anleitung wird man bald sicher im Umgang mit Histogrammen 

sein. 

WAS IST EIN HISTOGRAMM? Ein Histogramm stellt die unterschiedlichen Tonwerte eines Bildes grafi sch dar. 

Die horizontale Achse zeigt die Helligkeit eines Bildes von reinem Schwarz (0, außen links) bis zu reinem 

Weiß (225, außen rechts) an, die vertikale Achse die Anzahl der Pixel für die entsprechende Helligkeit. Beim 

Betrachten des Histogramms kann man erkennen, ob das Bild vorwiegend helle, dunkle oder mittlere Töne 

enthält. Obwohl das Aussehen ebenfalls von der Farbe und dem Tonwert des Gegenstandes bestimmt wird, 

signalisiert ein Histogramm mit einer hohen Anzahl von Pixeln (oder einer steilen Spitze) konzentriert im linken 

oder rechten Bereich eine schlechte Belichtung. Ein Histogramm mit einer hohen Anzahl von schwarzen Pixeln 

(angeordnet am linken Rand) zeigt zum Beispiel oft eine Unterbelichtung an – Details in den Schattenbereichen 

eines Objektes erscheinen unkenntlich. Die Anordnung einer hohen Anzahl von Pixeln im rechten Bereich 

des Histogramms signalisiert normalerweise eine Überbelichtung des Bildes. Die hellsten Bildteile werden 

überstrahlt dargestellt, diese Details sind verloren. Eine Kurve mit einer schmalen Spitze im mittleren Bereich 

und keinen (oder wenigen) schwarzen oder weißen Pixeln deutet auf ein kontrastarmes Bild hin. 

WIE SOLLTE EIN HISTOGRAMM AUSSEHEN? Die Antwort darauf ist etwas kniffelig. Entgegen mancher 

Aussagen existiert das „perfekte Histogramm“ nicht. Vielmehr zeigt es uns schlicht und einfach die Belichtung 

eines Bildes an und erlaubt dem Fotografen zu entscheiden, ob und wie er die Belichtungseinstellungen 

korrigiert. Daher wird das Histogramm eines hellen Motives anders aussehen, als das eines mit vorwiegend 

dunklen Tonwerten oder einer Mischung von beiden. Generell aber sollte ein Histogramm eine gute 

Tonwertverteilung über die horizontale Achse anzeigen, mit der Mehrheit der Pixel nahe der Mitte (100, 

Mittelpunkt). Normalerweise ist es ratsam, Spitzen im rechten Bereich der Kurve zu vermeiden, da dies ein 

Indikator für überbelichtete helle Bereiche ist und den Verlust von Details zur Folge hat. Bei der Beurteilung 

eines Histogramms ist es wichtig, die Helligkeit des eigentlichen Gegenstandes zu berücksichtigen. Zum 

Beispiel werden ein Motiv oder Objekt, welches einen hohen Anteil heller oder dunkler Tonwerte besitzt – so wie 

Schnee oder eine Silhouette – natürlicherweise das gesamte Aussehen der Kurve beeinfl ussen. Man kann daher 

keine generelle Aussage darüber treffen, wie ein gutes oder nicht gutes Histogramm auszusehen hat, es ist aber 

durchaus möglich, Empfehlungen zu geben. Während eine gleichmäßige Verteilung der Pixel auf der Grauskala 

oft als erstrebenswert anzusehen ist, zählt ebenso das eigene, durch Erfahrung angesammelte Wissen. 

WIE PRÜFE ICH DAS HISTOGRAMM EINES BILDES? Die meisten digitalen Kameras können das Histogramm 

auf dem LCD-Monitor während der Wiedergabe anzeigen. Dazu drückt man den Wiedergabeknopf, um das Bild 

zu sehen, und blättert durch die zusätzlichen Foto-Informationsanzeigen, bis das Histogramm erscheint. Es ist 

ratsam, dies als Grundeinstellung zu speichern, um das Histogramm und die Belichtungswerte bei Bedarf nach 

jeder Aufnahme schnell parat zu haben. Zeigt das Histogramm eine Unterbelichtung an, sollte eine positive 

Belichtungskorrektur durchgeführt werden. Eine negative Korrektur wird dagegen bei einer Pixelhäufung auf der 

rechten Seite und Überbelichtung angewandt. Die Benutzung des Histogramms ist eine weitaus verlässlichere 

Methode zur Belichtungsmessung als die Betrachtung des Bildes auf dem Kameradisplay, insbesondere bei 

Außenaufnahmen in hellem Licht, da das refl ektierende Licht auf dem Display zu Täuschungen führen kann. 

SPITZEN NACH LINKS Das Histogramm ist nach links 

verzogen, denn durch den dunklen Hintergrund liegen viele Pixel 

in verschatteten Bereichen. Dennoch ist das Bild gut belichtet. 

PERFEKTE BELICHTUNG Ein typisches Landschaftsmotiv 

erzeugt ein „perfektes Histogramm“, da es eine gute Verteilung 

der Tonwerte und Spitzen im mittleren Helligkeitsbereich aufweist. 

KEINE PANIK! 

BELICHTUNGS-WARNHINWEISE 

Die Mehrheit der Digitalkameras besitzt eine 

Überbelichtungswarnung. Während 

Histogramme die unterschiedlichen Tonwerte 

eines Bildes grafi sch darstellen, um die gesamte 

Belichtung des Bildes zu kontrollieren, hilft die 

Überbelichtungswarnung dabei, das Überstrahlen 

der hellsten Bildteile zu vermeiden. Insbesondere 

weiße oder sehr helle Gegenstände in direktem 

Sonnenlicht neigen dazu. 

Ein Histogramm mit scharfen Spitzen zur äußeren 

rechten Seite ist normalerweise ein Indikator für 

überbelichtete Bereiche des Bildes. 

Die Überbelichtungswarnung markiert die Pixel, 

die den reinen Weißwert (255) überschreiten. 

Diesen Pixeln ist kein Wert zugewiesen, das heißt 

sie können nicht bearbeitet werden und werden 

wirksam entfernt, ohne Details oder 

Informationen zu hinterlassen. Bei der 

Wiedergabe des Bildes auf dem LCD-Monitor der 

Kamera leuchten die Pixel auf, die aus dem 

Dynamikbereich der Kamera fallen, und liefern so 

eine schnelle grafi sche Darstellung der 

überstrahlten und detailarmen Bereiche des 

Bildes. Zur Behebung setzt man die negative 

Belichtungskorrektur ein, um das nächste Bild 

dunkler aufzunehmen. 

Die Überbelichtungswarnung der Kamera ist nicht 

immer standardmäßig eingeschaltet. Deshalb 

sollte man im Benutzerhandbuch nachschauen 

und diese Art der Belichtungswarnung 

einschalten, wenn sie nützlich erscheint. 

Normalerweise funktioniert dies über das 

Wiedergabe-Menü der Kamera. 

SPITZEN NACH RECHTS Ein gut belichtetes Foto einer sehr 

hellen Szenerie erzeugt ein nach rechts verzogenes 

Histogramm, ähnlich einem überbelichteten Bild. 

ROSS HODDINOTT


5) Belichtung nach rechts 

„Belichtung nach rechts“ ist eine zunehmend weit verbreitete Methode, die 

Bildqualität zu maximieren – obwohl sie nur für Aufnahmen im Raw-Modus 

anwendbar ist. Mit dieser Technik drückt man die Belichtungseinstellungen so nah wie 

möglich an die Grenze der Überbelichtung ohne allerdings die hellsten Bildbereiche 

zu kappen. Das Resultat zeigt ein Histogramm mit der Mehrheit der Pixel rechts 

vom Mittelpunkt – daher der Name „Belichtung nach rechts“. Wenn man sich also 

sicher im Umgang mit Belichtungen fühlt, sollte man diese Technik ausprobieren und 

versuchen, so weit wie möglich nach rechts zu belichten, ohne die hellsten Bildteile zu 

kappen. Wahrscheinlich wird das Bild in der Raw-Konvertierung ein wenig hell wirken, 

kann aber leicht mit der Helligkeits- und Kontrastkontrolle behoben werden und man 

erreicht bessere Ergebnisse, als wenn man ein dunkles Bild nachträglich aufzuhellen 

versucht. CCD- und CMOS- Sensoren messen das Licht linear. Die meisten Kameras 

liefern ein Bild mit 12 Bit und 4096 Helligkeitsabstufungen über 6 Blendenstufen. Die 

Helligkeitsabstufungen sind jedoch nicht gleichmäßig über die sechs Blenden verteilt, 

da jede Blendenstufe nur die Hälfte der vorherigen Lichtmenge aufzeichnet. Auf die 

erste Blende entfallen die Hälfte der Tonwerte, also 2048, auf die zweite dann 1024, 

und so weiter. Folglich enthält die letzte und dunkelste Blende nur noch 64 Ebenen. 

Auch wenn dies zunächst verwirren mag, lässt sich vereinfacht sagen: Wenn man 

die rechte Hälfte des Histogramms nicht ausreichend nutzt, gehen rund die Hälfte 

der vorhandenen Ebenen verloren, da auf sie die Mehrheit der Helligkeitsabstufungen 

fallen. Wenn man also absichtlich unterbelichtet, um die Details in den hellsten 

Bildteilen zu erhalten – eine übliche Praxis unter vielen digitalen Fotografen – verliert 

man eventuell eine große Datenmenge, die eigentlich erfasst werden könnte. 

PROFI-TIPPS 


FARBHISTOGRAMME 

Bei einigen Kameras hat man die 

Möglichkeit, separate Histogramme für die 

Rot-, Grün- und Blaukanäle aufzurufen. Es 

empfi ehlt sich aber, diese Option zu 

ignorieren und das standardmäßige 

Graustufen-Histogramm zu benutzen. 

GROSSES BILD UND KASTEN: Belichtung nach rechts im 

Histogramm maximiert die Detailgenaugkeit und minimiert Störungen. 

Im Raw-Konverter erscheint die Aufnahme zu hell und verwaschen, 

deshalb die Helligkeits- und Kontrastkontrolle zur Bildabstimmung 

benutzen. 

MARK BAUER


Zeitautomatik ist die 

richtige Betriebsart für Sie! 

Wieso ist die Zeitautomatik bei 

Landschaftsaufnahmen nützlicher als jede andere 

Belichtungsart? Wenn Sie weiterlesen, erfahren Sie 

alle Geheimnisse. 

IN DER BETRIEBSART ZEITAUTOMATIK können Sie 

entscheiden, welche Blendenöffnung (f/-Zahl) Sie zum 

Fotografi eren verwenden möchten, während die Kamera auf der 

Grundlage der herrschenden Lichtverhältnisse automatisch eine 

Verschlusszeit festlegt, um die richtige Belichtung zu erzielen. Mit 

anderen Worten: Sie können die Blendenwahl vorgeben, und die 

Kamera wählt danach die Verschlusszeit aus. 

Da die Blende die Tiefenschärfe (den Bereich des scharfen Fokus) 

in einem Foto am stärksten beeinfl usst, ist die Zeitautomatik die 

praktischste Betriebsart, wenn Sie ein Motiv oder eine Situation 

fotografi eren, bei der die Kontrolle über die Tiefenschärfe wichtig 

ist. 

Die Landschaftsfotografi e ist das beste Beispiel. Beim 

Fotografi eren von Landschaften sollten Sie im Allgemeinen darauf 

achten, dass die Tiefenschärfe so groß ist, dass die gesamte 

Szene scharf ist – vom unmittelbaren Vordergrund bis in die 

Unendlichkeit. Das bedeutet, dass Sie eine kleine Blende wie 

f/11 verwenden müssen. In der Betriebsart Zeitautomatik können 

Sie das problemlos tun, weil Sie die erforderliche Blende aktiv 

einstellen müssen. 

Bei Porträtaufnahmen ist es in der Regel genau umgekehrt: Sie 

wollen eine geringe Tiefenschärfe, damit das Modell scharf und 

der Hintergrund unscharf ist. Sie müssen das Bild also mit einer 

großen Blende wie f/4 oder f/2.8 aufnehmen. Auch das ist mit 

der Zeitautomatik einfach, weil Sie – und nicht die Kamera – 

entscheiden, welche Blende verwendet wird. 

Sie können aber auch bei anderen Belichtungsarten festlegen, 

welche Blende benutzt wird. Hierfür ist jedoch eine etwas 

andere (und langwierigere) Vorgehensweise erforderlich. In 

der Betriebsart Belichtungsautomatik (S oder Tv) müssen 

Sie beispielsweise nur die Verschlusszeit ändern, bis die 

Kamera die gewünschte Blende einstellt. Ähnlich können Sie 

im Programmmodus mit der Programmumschaltfunktion die 

Blenden-/Verschlusszeitkombination ändern, die die Kamera 

eingestellt hat, bis Sie die gewünschte Blende haben. 

Der Vorteil der Zeitautomatik im Vergleich zu diesen 

alternativen Betriebsarten besteht darin, dass die Kamera eine 

einmal eingestellte Blende nicht ändert, auch wenn sich die 

Lichtverhältnisse ändern. Stattdessen wird die Verschlusszeit 

angepasst, um die richtige Belichtung beizubehalten. Das ist 

in der Betriebsart Belichtungsautomatik nicht so – wenn sich 

hier die Lichtverhältnisse ändern, passt die Kamera die Blende 

automatisch an, um die richtige Belichtung beizubehalten. Hier 

hat also die Verschlusszeit Vorrang, sodass Sie weniger Kontrolle 

über die Tiefenschärfe haben. Und im Programmmodus würde 

die Kamera die Blenden-/Verschlusszeitkombination anpassen, 

wenn sich die Lichtverhältnisse ändern. 

Die Zeitautomatik ist auch eine praktische Betriebsart zur 

allgemeinen Verwendung, wenn Sie einfach nur umhergehen und 

fotografi eren, was Ihnen vor die Linse kommt, seien es Gebäude, 

Details, Abstraktaufnahmen oder ungestellte Aufnahmen. Die 

Anforderungen an die Tiefenschärfe variieren je nach Aufnahme. 

Einmal brauchen Sie eine große und das nächste Mal eine 

möglichst geringe. Aber das kann mit dem Einstellrad der Kamera 

schnell festgelegt werden, und die Sucheranzeige hält Sie immer 

auf dem Laufenden darüber, welche Blendenöffnung (und 

zugehörige Verschlusszeit) Sie jeweils verwenden. 

Funktionsweise 

der Belichtungsarten 

Wir haben bereits 

festgestellt, dass Sie in der 

Betriebsart Zeitautomatik 

die gewünschte 

Blendenöffnung einstellen, 

und die Kamera die 

entsprechende 

Verschlusszeit für die 

richtige Belichtung festlegt. 

Hier wird kurz 

zusammengefasst, wie die 

anderen Belichtungsarten 

funktionieren. 

Vollautomatische 

Betriebsart 

Die Kamera stellt die 

Verschlusszeit und die 

Blende ein, um die 

richtige Belichtung zu 

erzielen. Sie können die 

vorgegebene 

Kombination nicht 

verändern und keine 

bestimmte Blende oder 

Verschlusszeit 

verwenden. 

f/4 f/22 

DIE AUSWIRKUNG VON BLENDENÖFFNUNGEN Da die Tiefenschärfe eine große Auswirkung auf 

das fertige Bild hat, ist es nicht verwunderlich, dass viele erfahrene Fotografen am liebsten mit der 

Zeitautomatik arbeiten. Diese beiden Aufnahmen zeigen, wie unterschiedliche Blenden zu sehr 

unterschiedlichen Ergebnissen führen können. 

Einstellen der Zeitautomatik an der Kamera 

Das Auswählen der Zeitautomatik ist ganz einfach: Sie müssen lediglich das Einstellrad 

für die Belichtung drehen (oder in einigen Fällen die Taste für die Belichtungsart 

drücken) und A oder AV auswählen. Die Kamera ist dann auf die Betriebsart 

Zeitautomatik eingestellt. Dann müssen Sie nur noch das kleine Einstellrad (entweder 

am Handgriff oder rechts oben an der Rückseite der Kamera) drehen, um die Blende zu 

ändern. Wenn Sie leicht auf den Auslöseknopf drücken, um das Belichtungssystem zu 

aktivieren, können Sie feststellen, welche Verschlusszeit die Kamera ausgewählt hat. 

Programmmodus 

Der Programmmodus 

funktioniert ähnlich wie die 

vollautomatische 

Betriebsart. Allerdings 

können Sie für gewöhnlich 

die Blenden-/ 

Verschlusszeitkombination 

ändern, wenn Sie eine 

bestimmte Blende oder 

Verschlusszeit verwenden 

möchten. 

Canon Nikon Sony 

Olympus Pentax Samsung 

Belichtungsautomatik 

Sie stellen eine 

Verschlusszeit ein, und 

die Kamera legt die 

entsprechende Blende 

fest. Wenn sich die 

Lichtverhältnisse 

ändern, wird dieselbe 


verwendet, aber die 

Blende geändert. 

Nachführmessung 

Sie legen manuell sowohl 

die Blende als auch die 

Verschlusszeit fest, und 

zwar unabhängig 

voneinander, sodass sich 

keiner der beiden Werte 

ändert, auch wenn sich 

die Lichtverhältnisse 

ändern (es sei denn, Sie 

passen einen Wert an). 

Motivmodi 

Diese Programmmodi 

sind auf ein 

spezifi sches Motiv 

zugeschnitten. Dabei 

werden verschiedene 

Kamerafunktionen, 

wie die AF-, Blitz- und 

Belichtungssysteme, 

entsprechend 

eingestellt. 

ROSS HODDINOTT


Blendenstufen 

Bei den meisten Kameras können Sie die Blenden 

in Stufen von 1/2 ändern. Schauen Sie im Menü für 

benutzerdefi nierte Funktionen nach – bei vielen 

Modellen können Sie auch 1/3-Blendenstufen 

einstellen, wenn Sie dies wünschen. 


Aufgenommen mit f/22 

Mit der Zeitautomatik können 

Landschaftsfotografen 

kontrollieren, welcher Teil der 

Landschaft scharf ist. 

MARK BAUER

024 Grundlagen – Belichtung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

EXPERTENKURS 

Verschlusszeiten und Landschaften 

VON ROSS ARMSTRONG Für die meisten Landschaftsfotografen hat die 

Blende Priorität, aber in einigen Situationen ist die Verschlusszeit ebenso 

wichtig, da man sie nutzen kann, um einen Bewegungseffekt innerhalb 

einer Szene zu erfassen. Weil man die Bildschärfe einer Landschaft 

durch die Maximierung der Tiefenschärfe erhalten möchte, ist es gut, 

die Verschlusszeit für sich arbeiten zu lassen, da die erforderlichen 

kleineren Blenden auch lange Verschlusszeiten bedeuten. Dafür sollte man einfach 

den Belichtungsmodus der Kamera auf Blendenautomatik (Tv oder S) einstellen. 

Dies stellt die richtige Belichtung für die gewünschte Länge der Verschlusszeit sicher, 

während die Kamera die geeignete Blende wählt. 

Warum sollte man also die Verschlusszeit wählen und nicht die Blende? Die Antwort 

ist folgende: Stellt man eine langsamere Verschlusszeit ein, so wird alles, was sich 

beim Auslösen bewegt, etwa fl ießendes Wasser oder im Wind wehendes Laub, 

als weiche Unschärfe erfasst, während alles Statische, etwa ein Zaun oder Felsen, 

scharf und fokussiert aufgenommen wird. Der Effekt einer langen Belichtungszeit 

verleiht den Aufnahmen zusätzliche Tiefe und Dimension, und es wird ein echtes 

Gefühl von Bewegung erzeugt. Das Resultat kommt meist eher der Erinnerung 

einer Szenerie näher, als ein lebloses Bild von Gras, auf dem jeder Halm scharf 

zu sehen ist. Allerdings darf man nicht vergessen, dass sich Digitalkameras auch 

täuschen können. Man muss aufpassen, nicht überzubelichten, wenn man zum 

Beispiel ein Feld mit goldenem, sich wiegenden Gras in der Abendsonne fotografi ert. 

Verlangsamt man die Verschlusszeit, kann die von der Kamera gewählte Blende 

eventuell eine Überbelichtung des Bildes anzeigen. Natürlich kann man das Bild 

und das Histogramm auf dem LCD-Monitor auf verwaschene helle Bildbereiche hin 

überprüfen. 

Um langsamere Verschlusszeiten und eine noch höhere Qualität in den eigenen 

Landschaftsfotografi en zu erreichen, ist es angebracht, Filter zu benutzen. Ein Polfi lter 

entfernt Refl ektionen und verdunkelt blaue Himmel, um den Wolken den „Wow“- 

Faktor zu verleihen, und kann die auf die Sensoren auftreffende Lichtmenge um zwei 

Blenden gleichzeitig reduzieren. 

Zur Verstärkung von Bewegung und Unschärfe gibt es den Graufi lter, welcher keinen 

Einfl uss auf die Farbbalance hat, sondern die durchgehende Menge an Licht reduziert 

und somit die Wahl längerer Verschlusszeiten möglich macht. 

Für optimale Resultate sollte man in der Morgen- und Abenddämmerung fotogafi eren 

und immer ein Stativ benutzen. Man sollte an dunklen, wolkigen Tagen fotografi eren 

und die Natur für sich arbeiten lassen – weniger helles Licht bedeutet, dass man 

längere Verschlusszeiten erreicht. 

An windigen Tagen sollte man die Kameratasche am besten an das Stativ hängen, 

um die Ausstattung stabil zu halten. Ein hilfreicher Tipp ist es, einen Fernauslöser/ 

Selbstauslöser und Spiegelvorauslösung zu benutzen, um einen Kamerakontakt 

während der Belichtung zu vermeiden. Nun heißt es: Auf den Wind warten, 

Verschluss öffnen und, was auch immer passiert, sich nicht umhauen lassen! 

OBEN, POL- UND GRAUFILTER: Ich 

benutzte den Polfi lter in Kombination mit 

dem Graufi lter, um den hellen Himmel 

zurückzuhalten und eine ausgewogene, lange 

Belichtung zu erreichen. Ich fotografi erte im 

Raw- Modus und benutzte den Selbstauslöser 

mit einer Belichtung von 1,6 Sekunden. 

VERSCHLUSSZEITEN-VERGLEICH: Für 

diese Fotoreihe war die Linse (10-22 mm/13 

mm) auf das lange Marram- Gras im 

Vordergrund gerichtet. Das Einzige, was ich 

änderte, waren die Verschlusszeiten in einer 

Sequenz von 1/50 bis 1,6 Sekunden. Man 

kann sehen, wie bei der Verlängerung der 

Verschlusszeit die Bewegung des Grases im 

Wind zunehmend unscharf wird. Meine 

Lieblingsaufnahme dieser Reihe ist die 

längste Belichtung, welche die Bewegung des 

Grases im tiefen Wintersonnenschein exakt 

so einfängt, wie ich es errinnere. 

1/50 SEK. 1/20 SEK. 1/10 SEK.


FERTIGES BILD 

Die Bewegung im Vordergrund trägt wirklich 

zum Bildeffekt bei. Ich habe das 

Histogramm und das Bild auf dem Display 

benutzt, um die Belichtung und Spitzlichter 

zu überprüfen. 

1/5 SEK. 0,3 SEK. 0,8 SEK. 1,6 SEK. 

Grundlagen – Belichtung 025

LICHT 

D 

AS LICHT IN LANDSCHAFT UND NATUR ändert sich laufend. 

Manchmal ändert es sich langsam, wie mit den Jahreszeiten. 

Während des Tages ändert es sich schneller, gegen Abend und 

bei Dämmerung verändert es sich jedoch rapide. Das Wetter kann 

das Licht an einem Ort innerhalb von Sekunden verwandeln, und 

wenn Sie bei einer Aufnahme zwischen Aufnahme ins Licht oder mit 

dem Licht wählen, können Sie umgehend einen großen Unterschied 

erzielen. Auf den nächsten Seiten werden wir Ihnen dabei helfen, Licht 

vorauszuberechnen. Außerdem lernen Sie zu verstehen, wie man sich 

den ausschlaggebendsten Faktor der Fotografi e zu Nutze und nicht zum 

Feind macht. 

Lichtfall 

Der Lichtfall übt einen dramatischen Einfl uss darauf aus, wie eine 

Landschaft hinter dem Objektiv erscheint. Licht, das von vorne einfällt 

mit Schatten hinter dem Motiv, von der Kamera entfernt, kann ein Bild 

stumpf und uninteressant wirken lassen – obwohl mit der Sonne tief 

über dem Horizont, kann es eine gute Farbsättigung bieten. Bei tief 

stehendem Licht und Weitwinkelobjektiv gibt es zusätzlich die Gefahr, 

dass der eigene Schatten nicht ins Bild fällt. Seitliches Licht ist der 

Favorit bei vielen Landschaftsfotografen, da es Struktur und Schatten 

aufzeigt, die über das Motiv fallen und Gestalt sowie Form hervorheben 

und somit mehr an Tiefe vermitteln. Gegenlicht kann sehr dramatisch 

wirken. Mit Schatten, die der Kamera entgegen rasen, liegt der 

Schwerpunkt bei Gestalt und Form. Gegenstände werden als Silhouetten 

aufgenommen. Je nach Situation, können diese Gegenstände vor einen 

kräftigen Hintergrund platziert werden: Bäume mit Hintergrundlicht 

durch einen Sonnenauf- oder -untergang können sehr effektiv aussehen.


2) Wetter und Licht 

Rein theoretisch gesehen gibt es weder 

gutes noch schlechtes Wetter in der 

Landschaftsfotografi e. Gute Bilder können 

unter jeder Bedingung erzielt werden. 

Natürlich ergeben bestimmte Bedingungen 

dramatischere Aufnahmen und der Trick liegt 

darin, zu erlernen, wie man sie erkennen 

und vorhersehen kann. Wenn Sie einen 

Sonnenuntergang planen, geben Sie Ihren 

Plan nicht auf, sobald sich eine Wolkendecke 

ansagt. Sollte der Himmel aufreißen, besteht 

die Möglichkeit, dass die Wolken von unten 

her beleuchtet werden und den Himmel sehr 

dramatisch aussehen lassen. Sonnenschein 

und Schauer können in Momenten, da der 

Regen aufhört und die Sonne durchbricht, 

atemberaubend aussehen. Hinzu kommen 

dann Gegenstände im Vordergrund vor einem 

dunklen, verzogenen Himmel, die wie von 

einem Scheinwerfer angestrahlt werden. Dies 

sind jedoch nur fl üchtige Momente und sie 

halten nicht sehr lange an. Sie müssen also 

Ihre Kamera im Vorfeld vorbereiten. Sollte das 

Wetter schlecht, grau, bewölkt und regnerisch 

sein, kann man trotzdem Aufnahmen 

machen. Bei solchen Bedingungen sollten Sie 

sich in einen Wald aufmachen. Das diffuse 

Licht eignet sich für diese Art Hintergrund. 

Überraschenderweise kann der Gebrauch eines 

Polfi lter eine Aufnahme erheblich verbessern, 

da er Refl ektionen und blendendes Licht von 

nassem Laub weglässt und Farben sättigt. 

3) Fangen Sie die Stimmung 

für Ihr Motiv ein 

Aufnahmen in heller Umgebung erhöhen die 

natürliche Stimmung Ihres Motivs. Zum Beispiel 

sind manche Gegebenheiten von Natur aus ruhiger 

und sehen besser aus bei dem korrespondierenden 

weichen Licht eines Sonnenaufgangs und bei 

Pastellfarben. Andere besitzen eine von Natur aus 

drückende Atmosphäre und verlangen nach einem 

dramatischen, theatralischen und ausgerichtetem 

Licht. Aber das beste Licht kann Monate entfernt sein. 

Schauen Sie sich die Fotos der Kapelle rechts an. 

Die Kapelle hat eine recht drückende Präsenz, wie 

man an diesen Bildern sehen kann und eignet sich 

am besten für niedriges Licht und einen schweren 

Himmel. 

4) Verbessern Sie 

niedriges Licht mit 

Refl exen 

Morgengrauen und Abenddämmerung 

sind sehr stimmungsvolle Zeiten in der 

Landschaftsfotografi e, obwohl sich der Boden 

fast komplett im Schatten befi nden kann und 

nur sehr wenige Einzelheiten erkennen lässt. In 

der Nähe von Wasser können Sie Refl ektionen in 

den Vordergrund integrieren. Das hilft dabei die 

Aufnahme auszubalancieren und bringt Drama 

und Effekt hinein. Je stiller die Gegebenheiten 

sind, desto spiegelartiger ist die Oberfl äche. Da 

die Sonne noch am Horizont aufgehen muss, 

können die wundervollen Farben am Himmel 

dazu genutzt werden, Farbe und Wirkungseffekt 

in den Vordergrund zu stellen. Die leichte Brise 

dieser Szene musste abziehen, damit das 

Wasser ruhig genug war, um eine perfekt klare 

Spiegelung wiederzugeben. 

2 

3 

4

Wirkung und Eff ekt mit 

Hintergrundlicht! 

Hierfür gibt es einen speziellen Ausdruck: „Contrejour-Fotografi 

e“, was auf Französisch „entgegen dem 

Tageslicht“ bedeutet. Sollten Sie keine merkwürdigen 

Blicke auf sich ziehen wollen, dann verbleiben Sie 

bei „Hintergrundlicht“. Motive werden in Silhouetten 

umgewandelt, Schatten, Strahlen und Refl ektionen 

explodieren ins Objektiv und erschaffen das gewaltige 

Gefühl, vor Ort zu sein. Belichten Sie mit Vorsicht, es 

könnte kompliziert werden. 

ALL E BILDER: MARK BAUER


TAGESLICHT IM FRÜHLING 

6) Saisonbedingtes Licht 

Im Winter präsentiert sich die Landschaft kahler, und der tiefe Stand der 

Sonne wirft während des Tages lange Schatten. Die Luft enthält weniger 

Staub und verleiht dem Licht Klarheit. Klare, kalte Nächte sorgen für 

frostige Morgen mit pastellfarbenem Himmel. 

Das Licht im Sommer ist oftmals weniger vorteilhaft für die 

Landschaftsfotografi e, da der hohe Stand der Sonne für den größten Teil 

des Tages ein harsches Licht erzeugt. Vermehrter Staub und Hitzeschleier 

bedeuten, dass das Licht generell weniger klar ist. 

Zu Anfang des Frühlings und im Spätherbst sind Licht und Klarheit besser 

als im Sommer, und es ist durchaus möglich, während des größten Teils 

des Tages Ausnahmen zu machen. Das Wetter ist wechselhaft, was zu 

unbeständigen sowie dramatischen Aufnahmegelegenheiten führen kann. 

Gegen Ende des Frühlings, nach einer kühlen Nacht, kann sich bei 

Sonnenaufgang oft Nebel bilden, sobald sich die Erde aufwärmt. 

TAGESLICHT IM SOMMER 

TAGESLICHT IM HERBST TAGESLICHT IM WINTER 

HALTEN SIE SICH 

STARTBEREIT: 

Es lohnt sich, stets eine gepackte 

Tasche bereitzuhalten, so dass Sie 

gewappnet sind, sobald der 

Wetterbericht Schnee voraussagt 

– gesparte Zeit, die Sie nicht 

damit verschwenden müssen, 

nach Filtern oder einem geladenen 

Akku zu suchen. Das kann den 

Unterschied ausmachen zwischen 

einer Aufnahme wie unten oder 

einer Aufnahme zu einem etwas 

späteren Zeitpunkt, die mit 

matschigen Fußstapfen übersäht 

wäre. 

AUSRÜSTUNG 

BEHALTEN SIE AUFNAHMEN AUF 

IHRER KAMERA, SO DASS SIE 

VERGLEICHE ANSTELLEN KÖNNEN 

Digitalkameras vereinfachen saisonale 

Vergleichsanstellungen, wie bei den vier 

Bäumen, die oben abgebildet sind. Wenn 

Sie einen Ort alle drei Monate erneut 

aufsuchen, behalten Sie die vorherigen 

Aufnahmen auf Ihrer Speicherkarte, so 

dass Sie die genaue Entfernung und 

Maße nachstellen können. 

ISTOCK PHOTO


7) Licht kurz „vor der Kippe” 

Der Großteil der Geschehnisse in der Landschaftsfotografi e passiert 

„auf der Kippe“ – während des Übergangs bei der Veränderung eines 

Zustandes. In puncto Licht bedeutet dies den Übergang von Tag 

auf Nacht und von Nacht auf Tag, der Wechsel von einer Jahreszeit 

zur anderen, der Wechsel von ruhigem Wetter zu Sturm usw. Das 

Festhalten dieser Momente kann beeindruckende Bildern hervorbringen. 

Insbesondere sobald sie mit anderen Thematiken verbunden werden, 

wie beispielsweise der Grenze zwischen Land und Wasser, Wildniss und 

Zivilisation etc. 

VORHER NACHHER 

Hier treffen mehrere Themen aufeinander, die sich „auf der Kippe“ befi nden: die 

Zeitspanne zwischen dem Vorüberziehen von einem Sturm und der Ankunft des nächsten, 

die Grenze zwischen Land und Wasser und der Wandel zwischen Tag und Nacht. 

Grundlagen – Belichtung 031 

In der ersten Aufnahme (links) ist sich der Sturm noch dabei aufzuklären, während die 

Sonne untergeht. In der zweiten Aufnahme (oben) war ein fantastisches Dämmerlicht zu 

sehen, bevor der nächste Sturm heranzog. 

MARK BAUER



Licht und Tageszeit 

DIE TAGESZEIT ist einer der Hauptfaktoren, welcher die 

Stimmung einer Landschaftsaufnahme ausmacht. Der niedrige 

Stand der Sonne morgens oder abends kann einer Ansicht Wärme 

sowie Farbe verleihen. Es ist jedoch gleichermaßen wichtig, 

zu wissen, wie unterschiedliche Jahreszeiten und bestimmte 

Wetterverhältnisse für bestimmte Lichtverhältnisse sorgen können. 

Denken Sie daran, dass manche Orte zu bestimmten Jahreszeiten besser 

wirken. Die Position von Sonnenaufgang und Sonnenuntergang verändert sich 

während des Jahres. Recherchieren Sie also zuerst Ihren Ort! 

Planen Sie einen frühen Start, und machen Sie sich ein Bild von Ihrem 

Motiv und seinem möglichen Potential. Hierin liegt der Schlüssel zum Erfolg 

von erstklassigen Landschaftsaufnahmen. Sie haben genügend Zeit, die beste 

Anordnung zu ermitteln bevor sich das fotogenste Licht des Tages einstellt. Sie 

können sich ohne Hast und Eile in Ruhe vorbereiten. 

Dieser Schauplatz sieht im Abendlicht am besten aus. Besonders im 

August kann der hohe Stand der Sonne während des Tages ihn ein wenig 

langweilig erscheinen lassen. In der Sequenz, die hier gezeigt ist, kam ich am 

Spätnachmittag an und erwartete geeignetes Licht am Abend. Ich suchte mir 

meine Position und machte um 17 Uhr eine Aufnahme zwecks Vergleich der 

verschiedenen Tageszeiten. Wie Sie sehen können, war das Licht harsch und 

die Landschaft erschien fl ach und farblos. 

Um 18 Uhr hatte sich die Lage ein wenig verbessert. Ein Durchbruch in 

der Wolkendecke bedeutete, dass der blaue Himmel durch das Meer refl ektiert 

wurde, welches die Farbintentsität steigerte. Ich musste über zweieinhalb 

Stunden auf perfekte Lichtverhältnisse warten. Letztendlich brach die Sonne 

durch die Wolken und meine Aussicht wurde für ganze zehn Minuten in ein 

wundervolles warmes Licht getaucht, bevor die Wolken sich wieder zuzogen. 

Die Sonne war untergegangen, ich war jedoch noch nicht fertig, da ich noch 

das Dämmerlicht erwartete. Zu diesem Zeitpunkt ist kein direkt ausgerichtetes 

Licht zu sehen und der Schauplatz nimmt eine vollkommen neue Dimension 

an – von einem surrealeren, beruhigenderen Ausmaß. Dies geschieht aufgrund 

des Lichteinfalls oder besser gesagt, des fehlenden Lichteinfalls. Aufnahmen 

an diesem Ort zu dieser Tageszeit bedeuten eine längere Belichtung, was den 

beruhigenden Effekt ausmacht. Das Meer wirkt glatt, die Farben sind kühler 

und dezenter und zwischen beidem besteht eine Harmonie. 

Erfolgreiche Landschaftsfotografi e ist ein Resultat von Gemütsverfassung 

und technischem Geschick. Geduld und Hingabe sind genauso wichtig wie die 

richtige Kamera, Objektive und Stativ. Es war ein schönes Gefühl zu wissen, 

dass sich das Warten lohnen würde und der Beweis dafür, dass Geduld eine 

Tugend ist. Man sollte genug Zeit einplanen, um einen guten Aussichtspunkt zu 

fi nden. Danach dreht sich alles ums Warten, da Licht launisch sein kann und 

schwer vorauszusagen ist. Man weiß nie so genau, wie es letztendlich ausfällt. 

18:00 

1/12 Sek .bei f/13 (ISO 100) 

Das zweite Bild dieser Serie weist einen Unterschied auf: Das Motiv hat mehr Farbe 

und da es zu einem späteren Zeitpunkt aufgenommen wurde, verbessert sich das Licht. 

17:00 

1/20 Sek. bei f/13 (ISO 100) 

Dies war eine Testaufnahme um die Komposition zu testen. Es ist selten, dass ich 

Aufnahmen zu einer Tageszeit mache, an der sich die Sonne so hoch am Himmel 

befi ndet. Man kann daran aber sehen, wie sich das Licht später verbessert. 

20:45 (Dämmerlicht) 

2,6 Sek. bei f/16 (ISO 100) 

Dies war die letzte Aufnahme des Tages und zeigt, dass Dämmerlicht das rauheste 

Meer ruhig erscheinen lassen kann. Je länger die Belichtung, desto ruhiger der Effekt.

20:30 

1/20 Sek. bei f/13 (ISO 100) 

GOLDENES LICHT: 

DIES IST DAS MOTIV, WORAUF ICH 

GEWARTET HATTE. DER LICHTWECHSEL 

IST DER GRUND, WARUM ICH SO VIELE 

AUFNAHMEN ZU DIESER TAGESZEIT 

MACHE. ZU BEOBACHTEN, WIE ES SICH 

ENTFALTET, NIMMT EINEM WAHRHAFTIG 

DEN ATEM! 


Das richtige Licht! 

1) PLANEN SIE IM VORAUS 

Informieren Sie sich anhand der 

Wettervorhersage und falls Sie die 

Küste besuchen, informieren Sie 

sich über die Zeiten von Ebbe und 

Flut. 

2) VORBEREITUNG 

Vergewissern Sie sich, dass Ihre 

Ausrüstung bereit ist: aufgeladene 

Akkus, funktionstüchtige 

Batterien, genügend 

Speicherkarten. Überprüfen Sie 

die ISO-Werte, den Weißabgleich 

und dass das Objektiv sauber ist. 

3) STARTEN SIE FRÜH 

Starten Sie frühzeitig, damit Sie 

genügend Zeit haben. Das Letzte, 

was Sie gebrauchen können, ist 

eine hastige Suche nach einer 

geeigneten Komposition, während 

das Licht langsam nachlässt. 

4) PROBEAUFNAHMEN 

Machen Sie ein paar 

Probeaufnahmen. Sind Sie mit 

Ihnen zufrieden? Prüfen Sie das 

Histogramm der Aufnahme. 

5) KOMPOSITION 

Sind Sie zufrieden mit dem 

Bildaufbau? Falls erforderlich, 

suchen Sie sich gegebenenfalls 

einen neuen Standort.


EXPERTENÜBUNG 

Frühaufsteher werden mit dem Licht der „magischen Stunde“ belohnt 

VON HELEN DIXON Die meisten Menschen 

können sich etwas Schöneres vorstellen, 

als ein paar Stunden vor Sonnenaufgang 

aufzustehen, was häufi g noch mitten in der 

Nacht ist. Aber wenn Sie bereit sind, dieses 

Opfer zu bringen, werden Sie fast immer dafür belohnt. 

Damit alles reibungslos klappt, ist eine gute Planung 

wichtig. Sehen Sie sich den Wetterbereicht und die Zeiten 

für den Sonnenaufgang im Internet an. Wenn Sie an die 

Nordsee fahren, vergessen Sie nicht, die Zeiten für Ebbe 

und Flut nachzulesen – Ebbe ist normalerweise die beste 

Zeit für einen Besuch am Meer. Wenn Sie das Licht im 

Stich lässt, können Sie immer noch Nahaufnahmen vom 

Strand machen. 

Ich versuche, mindestens eine halbe Stunde vor 

Sonnenaufgang vor Ort zu sein, weil das wirklich 

magische Schauspiel oft schon vonstatten geht, 

bevor die Sonne aufgeht. Auf diese Weise habe ich 

ausreichend Zeit, die Kamera einzurichten und den 

besten Standpunkt zu fi nden. Suchen Sie sich nicht 

immer nur klare Tage aus. Es ist besser, wenn der 

Himmel bewölkt ist, da wunderschöne Farben am 

Himmel entstehen, wenn die Wolken das Licht der Sonne 

refl ektieren. Nach Möglichkeit sollten Sie bereits vor 

dem eigentlichen Fototag einmal herkommen, um die 

Umgebung in Augenschein zu nehmen. Suchen Sie nach 

ansprechenden Orten, die Gelegenheiten für Aufnahmen 

mit einem interessanten Vordergrund bieten. 

Nebel entsteht meist während einer kalten Nacht. Er 

hält sich am Morgen nur kurz, bis er sich unter der 

Wärme der Sonnenstrahlen aufl öst. Sie sollten daran 

denken, dass das Messsystem der Kamera unter nebligen 

Bedingungen die Szene häufi g unterbelichtet, was zu 

einer langweiligen, leblosen Landschaft führt. Um dies 

wettzumachen, ändern Sie die Belichtung um +½ 

oder +1 Blendenstufe, da der Szene dadurch Leben 

eingehaucht wird. Sehen Sie sich das Histogramm 

auf dem LCD-Monitor der Kamera an, um sich zu 

vergewissern, dass Sie die Szene nicht überbelichtet 

haben. 

Die Verwendung von Neutraldichteverlaufsfi ltern 

gehört bei der Landschaftsfotografi e so ziemlich zum 

ZERSTREUUNG 

„Ich habe gewartet, bis die 

Sonne über dem Horizont 

war, und das Licht von der 

kleinen Baumgruppe zerstreut 

wurde.“ 

Belichtung: 0,5 Sek. mit f/22. 

Standardprogramm. Damit können Sie die hellsten 

Teile des Bildes kontrollieren – also normalerweise den 

Himmel. Früh am Morgen gibt es einen merklichen 

Unterschied zwischen dem Licht am Himmel und dem 

Licht auf dem Land. 

Achten Sie auf Objektivrefl exlichter, wenn die Sonne 

im Bild enthalten ist. Um diese zu vermeiden, sorgen 

Sie dafür, dass die Filter und die Objektivoptik makellos 

sauber sind. Ich verwende selten einen Wärmefi lter. Ein 

Nachteil dieser Filter ist, dass grünes Blattwerk dadurch 

einen gelb-braunen Farbstich bekommt. Stattdessen 

stelle ich den Weißabgleich der Kamera auf „Bewölkt“ 

oder „Schatten“ ein, um die Szene ein wenig wärmer zu 

gestalten. Vermeiden Sie die Einstellung „Automatischer 

Weißabgleich (AWB)“, da das Licht dadurch kühler wird, 

es sei denn, dass Sie genau diesen Effekt erzielen wollen. 

Es gibt eine Reihe von Gründen, wieso ich persönlich 

das Licht der Morgendämmerung dem Sonnenuntergang 

vorziehe. Ich fange in meinen Bildern gerne eine gewisse 

Stimmung ein, wenn dies möglich ist. Der frühe Morgen 

ist die beste Tageszeit dafür, weil dann eine neblige oder 

frostige Atmosphäre wahrscheinlicher ist. Das Licht ist 

zu dieser Zeit oft diffus und weicher. Allerdings ist es 

schwieriger, die Sonne am Morgen im Bild aufzunehmen 

als am Abend, da beim Sonnenuntergang der 

Verschmutzungsgrad über den Tag hinweg bereits so stark 

angestiegen ist, dass die Helligkeit dadurch ein wenig 

abgemildert wird. Ein weiterer großer Vorteil des frühen 

Morgens ist die Ruhe, die dann herrscht – ich sehe kaum 

jemals einen anderen Menschen. Die Welt gehört dann 

nur mir. Es ist so befriedigend zu spüren, wie der Tag 

erwacht, und das magische Licht der Morgendämmerung 

mitzuerleben. 

Wenn die Sonne dann aufgegangen und zu kräftig zum 

Fotografi eren geworden ist, drehen Sie sich zur Seite, oder 

wenden Sie der Sonne den Rücken zu. Aber achten Sie 

darauf, dass Sie im Vordergrund keinen Schatten werfen. 

Es ist jetzt an der Zeit, das warme Licht zu verwenden, 

mit dem das Land beleuchtet wird. Licht ist nie statisch, 

sondern ändert sich dauernd. Es ist der wichtigste 

Bestandteil, der es uns ermöglicht, etwas Wunderschönes 

zu schaffen. 

Achtung Ausrüstung! 

Helens Ausrüstung für 

die „magische 

Stunde“ 

„Überlegen Sie, welche 

Ausrüstung Sie brauchen 

werden. Absolut unverzichtbar 

ist ein gutes, stabiles Stativ, 

da Sie zu dieser Tageszeit mit 

langen Belichtungszeiten 

arbeiten werden. Ich 

verwende ein Manfroto 

MF4 aus Karbonfaser mit 

einem Kopf des Typs 

322RC2 – 

es ist eine leichte, aber 

stabile Halterung, und an den 

mittleren Pfosten kann ich 

meine Tasche hängen, wenn 

ich an besonders windigen 

Tagen zusätzliche Stabilität 

möchte. 

Ich verwende immer einen 

Fernauslöser. Wenn Sie 

keinen haben, verwenden Sie 

den Selbstauslöser und die 

Spiegelvorauslösung, um 

Vibrationen zu vermeiden. 

Ich fi nde mein 17-40 mm-Weitwinkelzoom 

und mein 70-200 mm-Telezoom besonders 

nützlich. Diese beiden Objektive reichen für 

die meisten meiner Anforderungen. 

Ich verwende das Weitwinkelzoom, wenn 

ich viele Elemente im Vordergrund 

aufnehme. Das Telezoom ist besonders gut, 

um die Perspektive zu komprimieren und 

an einem nebligen Morgen Ebenen zu 

erzeugen.“ 

Spiegelvorauslösung 

Viele Spiegelrefl exkameras haben eine 

Funktion, mit der der Spiegel vor der 

Aufnahme angehoben werden kann, um ein 

Verwackeln beim Auslösen zu minimieren. 

Oft wird sie über eine benutzerdefi nierte 

Funktion aktiviert.


EXPERTENÜBUNG 

Mit ein wenig Durchhaltevermögen fotografi eren Sie atemberaubende 

Sonnenuntergänge 

VON MARK BAUER Landschaftsbilder 

können zwar zu fast jeder Tageszeit gemacht 

werden, aber die Landschaftsfotografen sind 

sich einig, dass es zwei Tageszeiten gibt, 

zu denen das Licht die besten Ergebnisse 

liefert: die ersten und die letzten Stunden des Tages. Das 

Besondere an diesen Tageszeiten ist, dass die niedrig 

stehende Sonne lange Schatten wirft und die besonderen 

Merkmale der Landschaft so richtig zur Geltung bringt. 

Wenn Sie vor Sonnenaufgang oder nach Sonnenuntergang 

unterwegs sind, können Sie auch einige spektakuläre 

Schauspiele am Himmel erleben, wenn die Wolken von 

unten beleuchtet werden. 

Das Licht ist zu diesen beiden Tageszeiten sehr ähnlich. 

Welche dieser beiden Tageszeiten Sie bevorzugen, 

hängt davon ab, welche Lichtrichtung am besten zu 

Ihrem gewählten Motiv passt. So sieht eine Südküste 

im Winter beispielsweise am besten am Ende des Tages 

aus. Das Licht in der letzten Stunde des Tages ist in der 

Regel wärmer. Und wenn die Sonne untergeht, wird 

die Landschaft oft in einen goldenen Glanz getaucht. 

Und das Schöne am Sonnenuntergang im Vergleich 

zum Sonnenaufgang ist, dass Sie nicht zu einer schier 

unmenschlichen Zeit aus den Federn müssen. Seien wir 

doch ehrlich: Nicht jeder hat die Willenskraft und den 

Enthusiasmus für Sonnenaufgänge wie Helen Dixon 

(siehe vorherige Seite)! 

In der „magischen Stunde“ sieht fast jede Landschaft gut 

aus, aber einige Eigenschaften kommen besonders gut zur 

Geltung, wie Steingebäude oder felsige Klippen. Wenn die 

tief stehende Sonne alles erwärmt und die Struktur von 

Felsen und Steinen hervorhebt, können Landschaften, 

die zu jeder anderen Tageszeit langweilig aussehen, ganz 

außergewöhnlich wirken. 

Auch Wasser ist zu dieser Tageszeit ein ausgezeichnetes 

Motiv. Denn wenn Sie einen interessanten Himmel 

haben, können Sie die Wirkung mit Hilfe von Refl exionen 

noch verdoppeln. Fließendes Wasser kann glitzern wie 

ein Diamant oder mit langen Belichtungszeiten unscharf 

gemacht werden. Auch hier hängt das Ergebnis davon ab, 

wie viel und welche Art von Licht darauf fällt. 

Die Richtung des Lichts kann die Stimmung von Bildern, 

OSMINGTON MILLS BEACH 

„Die tief stehende Sonne hebt die Details 

des Felsvorsprungs hervor und taucht die 

Klippen in einen warmen Glanz. Mit 

einem 0,6-Graufi lter in einem Winkel, 

der den Klippen nicht im Weg ist, werden 

die Details im Himmel beibehalten.“ 

Canon EOS 5D mit einem 17-40 

mm-Objektiv. 

die am Anfang oder am Ende eines Tages gemacht 

werden, stark beeinfl ussen. Eine Beleuchtung von vorne 

kann kontrastarm aussehen, da die Richtung der Schatten 

die Details der Landschaft nicht zur Geltung bringt. 

Wenn die Sonne auf einer Seite ist, können Schatten 

zur Erzeugung von Tiefe im Bild beitragen und Form 

und Struktur aufzeigen. Eine Beleuchtung von der Seite 

ist am besten, wenn Sie einen Polfi lter verwenden, 

um Farben satter darzustellen. Dies ist nämlich am 

wirkungsvollsten, wenn die Kamera in einem 90-Grad- 

Winkel zur Sonne steht. Gegenlicht kann sehr dramatisch 

wirken, aber die Belichtung lässt sich dabei nur schwer 

kontrollieren. Außerdem müssen Sie aufpassen, 

Refl exlicht zu vermeiden, da das Licht direkt auf die Filter 

beziehungsweise die vorderen Elemente des Objektivs 

fällt. 

Wie können Sie aber angesichts des bekanntermaßen 

unvorhersehbaren Wetters sicher sein, ob die „magische 

Stunde“ Ihren Erwartungen wirklich gerecht werden 

wird? Es ist sicherlich sinnvoll, sich Wetterberichte 

anzuschauen. Die Website www.wetter.de ist zuverlässig, 

und Sie bekommen eine ziemlich detaillierte Vorhersage 

für bestimmte Regionen. Denken Sie aber daran, dass 

die Vorhersage umso unzuverlässiger wird, je weiter 

in die Zukunft sie gerichtet ist. Am besten sehen Sie 

sich die Wettervorhersage am Abend vor den geplanten 

Morgendämmerungsaufnahmen an. Dann wissen Sie 

ziemlich genau, was auf Sie zukommen wird. 

Wenn Sie mit dem Auto an den Aufnahmeort fahren, 

hören Sie die lokalen Radiosender, und nicht die 

nationalen. Und auch ein Blick in den Himmel kann 

Ihnen viel über das zu erwartende Wetter sagen. 

Für Sonnenuntergänge müssen Sie nach Westen blicken, 

denn dort wird die Sonne zur „magischen Stunde“ sein. 

Auch die meisten unserer Wetterfronten kommen von 

Westen. Wenn Sie also immer ein Auge in diese Richtung 

haben, können Sie sehen, ob die Bewölkung eher aufreißt 

oder sich verdichtet. 

Auch die Windrichtung, die vier Himmelsrichtungen 

und Wettermuster sind sehr hilfreich, und Sie werden 

letztendlich die Zeichen eines magischen Moments 

erkennen können. 



Die Ausrüstung von Mark 

Bauer für die „magische 

Stunde“ 

„Weitwinkelobjektive sind für 

Landschaftsaufnahmen am beliebtesten. Aber 

auch längere Objektive können geeignet sein, 

die Art von Mustern und Strukturen 

hervorzuheben, die in der ,magischen Stunde’ 

zum Vorschein kommen. 

Mit einem Polfi lter können Sie eine 

Beleuchtung von der Seite optimieren, indem 

die allgemeine Sättigung verbessert wird. Aber 

er ist besonders wirkungsvoll bei einem blauen 

Himmel. 

Ein stabiles Stativ ist absolut unverzichtbar. 

Wenn Sie nach Sonnenuntergang 

fotografi eren, ist nur noch wenig Licht 

vorhanden, so dass ein Fotografi eren aus der 

Hand nicht mehr in Frage kommt. Aber die 

Verwendung eines Stativs ist ganz unabhängig 

von den Lichtverhältnissen sehr sinnvoll – Sie 

werden langsamer in Ihren Handlungen, Sie 

überlegen mehr und Sie können kleine, aber 

oft entscheidende Änderungen an der 

Komposition vornehmen. 

Graufi lter sind ganz wichtig, wenn Wolken von 

unten beleuchtet werden und auf dem Land 

kein direktes Licht ist. Mit Graufi ltern können 

Sie den Kontrast besser kontrollieren.“ 

Weißabgleich 

eißabgleich 

Der Weißabgleich, den Sie einstellen, wirkt sich 

entscheidend auf das Endergebnis aus. 

Verwenden Sie nach Möglichkeit nicht die 

automatische Einstellung. Wenn Sie im 

Raw-Format fotografi eren, können Sie alle 

Einstellungen später am Computer ausprobieren 

und Ihre Lieblingseinstellung auswählen.

36 Grundlagen: Tiefenschärfe Der unentbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Die Grundlagen # 3 

TIEFENSCHÄRFE 

STELLEN WIR UNS VOR, SIE HABEN GERADE AUF EIN MOTIV 

SCHARFGESTELLT, das fünf Meter entfernt ist. Wie scharf ist dann ein sechs 

Meter entfernter Gegenstand? Oder auch nur ein fünfeinhalb Meter entfernter? 

Die Antwort liefert die Tiefenschärfe – die Entfernung zu beiden Seiten des 

Fokuspunkts, der als ausreichend scharfgestellt gilt. Solange Sie die Blende 

kontrollieren, mit der Sie fotografi eren, kontrollieren Sie auch die Tiefenschärfe, 

und Sie können sie kreativ einsetzen. Es gibt Situationen, in denen Sie keine 

große Tiefenschärfe wollen. Sie erzielen diesen Effekt, indem Sie mit einer 

großen Blende wie f/4 fotografi eren. Meistens wollen Sie bei 

Landschaftsaufnahmen die Tiefenschärfe jedoch maximieren, damit ein 

möglichst großer Teil der Szene scharf ist. 

Details im Vordergrund sind wichtig und müssen scharf sein. Aber auch die 

restliche Szene muss scharf sein. Das bedeutet, dass Sie kleine Blenden 

verwenden müssen, um eine gute Schärfe zu beiden Seiten des Fokuspunkts 

zu erzielen. Aber sehen Sie sich diesen letzten Satz noch einmal einen Moment 

an, und dann denken Sie darüber nach, wo Sie scharfstellen sollten, wenn Sie 

eine Landschaft fotografi eren. Viele Neulinge in der Landschaftsfotografi e 

stellen nur zu gern auf die Unendlichkeit scharf, wenn sie eine Landschaft 

fotografi eren. Aber vergessen Sie nicht, dass sich die Tiefenschärfe an beiden 

Seiten des Fokuspunkts erstreckt. Der Bereich der Tiefenschärfe erstreckt sich 

genau genommen von einem Drittel vor dem scharfgestellten Punkt bis zu zwei 

Dritteln dahinter. Mit anderen Worten: Sie haben hinter dem Motiv mehr 

Tiefenschärfe als davor. Es bringt natürlich keinen Vorteil, wenn die akzeptable 

Schärfe über die Unendlichkeit hinaus geht. Aber Sie können den Fokuspunkt 

zu sich heran ziehen, sodass sich stattdessen das Ende des 

Tiefenschärfenbereichs in der Unendlichkeit befi ndet. Auf diese Weise wird ein 

größerer Teil der Szene scharf. Diese Technik wird als „hyperfokale 

Fokussierung“ bezeichnet und wird seit Jahrzehnten von professionellen 

Landschaftsfotografen verwendet. Der optimale Fokuspunkt für eine 

bestimmte Szene hängt von der Wahl der Blendeneinstellung und von der 

Brennweite des verwendeten Objektivs ab – und ist bei Kameras mit 

Vollformat- und APS-C-Sensoren unterschiedlich! Es gibt Rechner und 

Taschenreferenztabellen, die Sie in Ihre Kameratasche stecken können, oder 

Sie können eine zuverlässige Faustregel verwenden, wonach Sie mit dem 

Objektiv, das auf eine kleine Blende eingestellt ist, ein Drittel in das Bild hinein 

zielen. Wir behandeln beide Fokussierungstechniken und bieten Ihnen weitere 

Expertenratschläge, damit Sie die Schärfe Ihrer Bilder maximieren können. 

Unter anderem erfahren Sie, wieso Sie mit der kleinsten Blende nicht 

unbedingt die schärfsten Ergebnisse erzielen, obwohl sie die größte 

Tiefenschärfe liefert! 

ADAM BURTON

Der unentbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Fokussieren mit der 

hyperfokalen Entfernung 

Lee Frost, Experte für die Landschaftsfotografi e, 

erklärt die Verwendung der hyperfokalen 

Fokussierungsentfernung und der Zeitautomatik 

für superscharfe Landschaftsaufnahmen. 

EINE DER GRUNDLAGEN erfolgreicher Landschaftsfotografi e ist die 

Fähigkeit, die Tiefenschärfe zu kontrollieren und einzuschätzen, um 

sicher zu sein, dass das Bild von vorne bis hinten scharf ist. 

Die Betriebsart Zeitautomatik hilft Ihnen dabei. Sie werden hierbei 

nämlich nicht nur gezwungen, darüber nachzudenken, welche Blende 

Sie einstellen sollen, sondern es wird außerdem verhindert, dass die 

Blende – wenn sie einmal eingestellt ist – geändert wird, wenn sich die 

Lichtverhältnisse ändern oder Sie Filter auf das Objektiv setzen. Wenn 

beim Fotografi eren mit der Zeitautomatik die Belichtung angepasst 

werden muss, erfolgt dies anhand einer Änderung der Verschlusszeit 

durch die Kamera, sodass die Blende unverändert bleibt. Das ist von 

entscheidender Bedeutung, weil es bei dem Erreichen einer großen 

Tiefenschärfe nicht nur um die Blendenwahl, sondern auch um die 

Fokussierungsentfernung geht. Und zur Erzielung der bestmöglichen 

Ergebnisse ist ein vorsichtiger Balanceakt erforderlich. Sie könnten jedes 

Bild mit f/22 machen, wobei das Objektiv auf Unendlichkeit eingestellt 

ist, und die meisten Weitwinkelaufnahmen wären von vorne bis 

hinten scharf. Leider funktioniert diese einfache Methode nicht immer, 

sodass Sie nicht die besten Ergebnisse bekommen. Weitwinkel- und 

Zoomobjektive liefern die schlechteste optische Leistung bei der kleinsten 

Blende und die beste Leistung bei etwa f/11. Idealerweise sollten Sie also 

möglichst nah an Blende f/11 fotografi eren, um die optimale optische 

Qualität zu erzielen. Und stellen Sie das Objektiv auf eine Entfernung 

scharf, die die Tiefenschärfe mit dieser Blende maximiert. Auf der 

anderen Seite stellt Helen Dixon eine einfache Fokussierungsmethode in 

dieser Richtung vor, die ausgezeichnete Ergebnisse liefert. 

Meine Lieblingstechnik basiert auf der so genannten hyperfokalen 

Fokussierung. Hierbei wird auf einen Punkt scharfgestellt, der als 

hyperfokale Entfernung bezeichnet wird. Dabei wird die Tiefenschärfe 

für die verwendete Blende maximiert. Früher hatten die Objektive eine 

Skala für die hyperfokale Entfernung auf dem Tubus, aber praktisch kein 

Objektiv hat heute noch eine solche Skala. Es gibt eine Gleichung für 

die Berechnung der hyperfokalen Entfernung für jedes Objektiv und jede 

Blende. In wahrer Blue-Peter-Manier habe ich also genau das getan und 

ein Diagramm mit hyperfokalen Entfernungen erstellt, das Sie kopieren 

und vor Ort beim Fotografi eren verwenden können. Die Entfernungen 

in Fuß (ft) geben die hyperfokale Entfernung für jede Brennweite und 

Blende an. Wenn Sie das Objektiv auf diese Entfernung scharfstellen 

und die entsprechende Blende einstellen, erstreckt sich die Tiefenschärfe 

von der Hälfte der hyperfokalen Entfernung bis zur Unendlichkeit. Wenn 

Sie also einen Sensor der Größe APS-C verwenden, und mit 24 mm 

und f/11 fotografi eren, stellen Sie auf einen neun Fuß (ca. 2,7 Meter) 

entfernten Punkt scharf – und die Tiefenschärfe erstreckt sich von 4,5 

Fuß (ca. 1,35 Meter, die Hälfte der hyperfokalen Entfernung) bis zur 

Unendlichkeit. Das ist für die meisten Situationen mehr als genug 

Tiefenschärfe. 

Zeitautomatik und Mehrzonenmessung 

Bevor ich mich im Frühling 2008 endlich für das „digitale Zeitalter“ 

entschieden habe, hatte ich 20 Jahre lang mit Filmkameras 

fotografi ert, die kein internes Messsystem hatten. Also habe 

ich zur Ermittlung der richtigen Belichtung einen Hand-Spot- 

Belichtungsmesser verwendet – der dann manuell auf der Kamera 

eingestellt werden musste. 

Glücklicherweise sind diese Tage lange vorbei. Digitalkameras 

verfügen über fantastische integrierte Messsysteme, die selbst in 

den schwierigsten Situationen perfekt belichtete Bilder produzieren. 

Ich sehe also keinen Grund dafür, mir das Leben unnötig schwer 

zu machen. Heutzutage wird meine Kamera auf Zeitautomatik 

und Mehrzonenmessung eingestellt. Und dabei bleibt es in der 

Regel auch. Zusammen mit dem Feedback vom Vorschaubild der 

Kamera und dem Bildhistogramm habe ich alles, was ich brauche, 

um sicher zu sein, dass ich in jeder Aufnahmesituation die perfekte 

Belichtung habe. Das Gleiche gilt auch für Sie. 

f/2.8 

f/11 

f/4 

f/16 

Grundlagen: Tiefenschärfe 37 

Hyperfokale Entfernung: APS-C-Sensoren 

Brennweite 12 mm 15 mm 17 mm 20 mm 24 mm 28 mm 35 mm 50 mm 70 mm 100 mm 135 mm 

Blende f/8 3.2ft 5ft 6.4ft 8.9ft 12.6ft 17ft 27ft 55ft 105ft 218ft 395ft 

f/11 2.3ft 3.5ft 4.5ft 6.2ft 9ft 12ft 19ft 39ft 75ft 155ft 280ft 

f/16 1.7ft 2.5ft 3.3ft 4.4ft 6.4ft 8.6ft 14.5ft 27ft 54ft 110ft 198ft 

f/22 1.2ft 0.9ft 2.3ft 3.2ft 4.5ft 6ft 9.5ft 19.2ft 38ft 77ft 140ft 

Hyperfokale Entfernung: Vollformat-Sensoren 

Brennweite 16 mm 20 mm 24 mm 28 mm 35 mm 50 mm 70 mm 100 mm 135 mm 

Blende f/8 3.8ft 5.6ft 8.0ft 11ft 17ft 35ft 68ft 138ft 250ft 

f/11 2.6ft 3.9ft 5.8ft 7.8ft 12ft 25ft 48ft 98ft 178ft 

f/16 1.9ft 2.9ft 4.0ft 5.5ft 8.5ft 17.5ft 34ft 70ft 125ft 

f/22 0.4ft 2.0ft 2.9ft 3.9ft 6ft 12.5ft 24ft 49ft 89ft 

f/8 

f/22

38 Grundlagen: Tiefenschärfe Der unentbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Benutzen Sie immer einen Stativ 

Wenn Sie Landschaften im guten Licht 

fotografi eren möchten, benutzen Sie immer 

ein Stativ ein. Dann können lange 

Belichtungszeiten keine Kameraerschütterung 

verursachen. 

Fertiges Bild: f/11 

Wenn Sie ein absoluter 

Anfänger sind benutzen Sie 

Blende f/11 für eine optimale 

Bildqualität. Wählen Sie eine 

kleinere Blende nur, wenn Sie 

eine größere Tiefenschärfe 

erhalten wollen. 

So einfach ist das!



Wie man die schärfsten 

Landschaften in den 

Kasten holt 

VON HELEN DIXON Als Anfänger im Bereich der Landschaftsfotografi e 

setzt man seine Kamera auf ein Fotostativ und stellt den Fokus bei 

kleiner Blendenöffnung auf „unendlich“, um mit ausreichender 

Tiefenschärfe möglichst viel von der Landschaft einzufangen. Zwar 

funktioniert dieses Ausprobieren gut, jedoch lassen sich mit gezielten 

Einstellungen beim Fokus und der Auswahl der Blende schnell Verbesserungen 

erzielen. 

Zunächst lässt sich beim Fokussieren auf „unendlich“ beispielsweise bei der 

Entfernung die Tiefenschärfe um ein Drittel der Strecke zum Brennpunkt hin 

verlängern und um zwei Drittel derselben Strecke dahinter. Während nun ein 

Teil des Vordergrundes scharf ist, liegt der Nahbereich außerhalb des Fokus. 

Zusätzlich haben Sie nun zwei Drittel der möglichen Tiefenschärfe verschwendet, 

die nun hinter dem Punkt „unendlich“ liegt. Fokussieren Sie stattdessen nur auf 

einen Teil der Distanz des Bildes, um die Tiefenschärfe zu erhöhen und so den 

Vordergrund und die Distanz gleichermaßen abzudecken. Die optimale Distanz 

des Fokus nennt man Hyperfokusdistanz. Es gibt unterschiedliche Wege diese zu 

ermitteln. Die einfachste Methode (die zu 99 Prozent funktioniert) besteht darin, 

auf ein Drittel der Distanz zur Bildszene zu fokussieren. Wenn Sie dabei eine 

kleine Blende anwenden, bleibt durch die Tiefenschärfe der Vordergrund scharf, 

während der Bereich dahinter durch die weiteren zwei Drittel der Tiefenschärfe 

ebenfalls scharf bleibt. Mit jener Fokussiertechnik betrachten wir nun die richtige 

Blendeneinstellung. 

Während die kleinste Blendeneinstellung, z. B. f/32, zwar die höchste 

Tiefenschärfe bietet, liefert sie nicht gleichzeitig optimal scharfe Resultate. Dem 

liegen zwei Ursachen zu Grunde: Die meisten Linsen sind optisch so geformt, 

dass sie die schärfsten Resultate bei einer Blendendenöffnung von f/8 bis f/13 

liefern. Durch den Beugungseffekt lassen kleinere Blenden das Bild weicher 

erscheinen, so dass diese den Vorzügen der Tiefenschärfe abträglich sind. Um 

die ideale Blendegröße herauszufi nden, sollten sie einfach etwas herumprobieren 

und die Ergebnisse auf dem heimischen PC vergrößert darstellen. Für die schärfst 

möglichen Ergebnisse empfehle ich eher die Hyperfokusmethode mittels f/11 oder 

f/13 statt die kleinste Blendenöffnung. Natürlich ruckelfrei auf einem Dreibein. Die 

hier gezeigten Aufnahmen wurden aus Illustrationszwecken vor einem dominanten 

Vordergrund aufgenommen. Bei allen drei Bildern war die Blendeneinstellung f/13. 

Helen stellt ein Dreibein gegen Verwackelung auf und mit LiveView die Tiefenschärfe auf ihrem 

LCD-Monitor und die Blende ein. Danach kann sie mithilfe des Zooms auf dem 

LCD-Bildschirm die Bildschärfe überprüfen. 

KEINE PANIK! 

UNSCHARFER SUCHER 

Bei Anwendung der Hyperfokusmethode bemerken Sie 

sicherlich, dass der Sucher unscharf erscheint wenn Sie 

ein Drittel des Bildes fokussiert haben. Das liegt daran, 

dass die Linse stets auf die weiteste Blende eingestellt 

ist, um den Sucher aufzuhellen. Die Tiefenschärfe wird 

auf Minimal eingestellt. Drücken Sie den 

Tiefenschärfeknopf zur Vorschau, oder machen Sie eine 

Aufnahme mit beliebiger Blende. Sie werden sehen, 

dass das Bild mehr Tiefenschärfe bekommt, weil sich 

die Linse für die Aufnahme geschlossen hat. 

VORDERGRUNDFOKUS 

Weicher Hintergrund: 

Beim Fokussieren auf 

den Hintergrund 

erscheint der 

Vordergrund scharf, 

aber die Boote im 

Hintergrund wirken 

leicht unscharf. 

Grundlagen: Tiefenschärfe 039 

UNENDLICHKEITSFOKUS 

Weicher Vordergrund: 

Bei der 

Fokuseinstellung auf 

„Unendlich“ wirkt der 

Vordergrund weicher. 

Dies ist vor allem bei 

Anfängern beliebt.

040 Grundlagen: Tiefenschärfe Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

DIE BESTE METHODE 

BEST DIE METHOD HYPERFOKUSMETHODE 

HYPERFOCAL 

Ein Maximum 

FOCUS 

an Schärfe 

Focusing 

erreicht 

a third 

man, 

of the 

wenn man auf 

way into 

das 

the 

erste 

scene 

Drittel 

and 

der gesamten 

using 

Distanz 

f/13 ensured 

zur Szene fokussiert. 

maximum sharpness. 


Die Bildschärfe 

maximieren 

✔Verwenden Sie stets 

ein Stativ. 

✔Fokussieren Sie das 

erste Drittel der Distanz 

zum Objekt. 

✔Kleine Blenden, wie 

f/13 bis f/16 erzielen 

bestmögliche optische 

Qualität. 

✔Mittels Live-View die 

Tiefenschärfe im Blick 

behalten. 

✔Die Bildschärfe per 

Zoom auf dem 

LCD-Bildschirm 

überprüfen.

Die Grundlagen # 4 

RAW-FORMAT UND 

LANDSCHAFTEN 

AUCH WENN IHNEN DAS IM MOMENT VERMUTLICH NOCH Risiken Ri ik einzugehen. i h Und U dd das ist i tmit itAb Abstand t d di die bbeste t MMethode, 

NICHT BEWUSS IST – erstklassige Bilder zu machen ist heutzutage neue Techniken zu erlernen und Ihren Fertigkeiten den letzten 

dank digitaler Technologie einfacher, als es je in der Geschichte des Feinschliff zu verleihen. 

Fotografi erens war. Wahrscheinlich sind viele von Ihnen erst im Natürlich ist das Betätigen des Auslösers nur der erste Schritt im 

digitalen Zeitalter zum Fotografi eren gekommen. In diesem Fall kreativen Prozess. Denn wenn Sie dann zuhause sind, werden die 

haben Sie wenig oder gar keine Erfahrung damit, wie das Leben Bilder auf einen Computer heruntergeladen, wo Sie diese Millionen 

ohne Pixel war. Aber glauben Sie uns: Das digitale Fotografi eren ist von Farbpunkten mit Hilfe der neuesten Bearbeitungssoftware zu 

ein Kinderspiel im Vergleich zum Fotografi eren mit Film. 

atemberaubenden Kunstwerken machen. Für eine erfolgreiche 

Immerhin können Sie die Aufnahmen nur wenige Sekunden, digitale Bildverarbeitung ist daher eine Kombination aus guter Arbeit 

nachdem Sie sie gemacht haben, ansehen. Damit ist der Erfolg mit der Kamera und hohem Verarbeitungsgeschick erforderlich. 

quasi vorprogrammiert, weil Sie beim Fotografi eren dazulernen Für viele kreative Fotografen gibt es nur eine Möglichkeit, beides zu 

können. So können Sie Fehler korrigieren und Änderungen 

erreichen: im Raw-Format fotografi eren. Wenn Sie bisher lieber mit 

vornehmen, damit Ihnen nie mehr ein tolles Bild entgeht. Durch JPEG gearbeitet haben und keinen Grund dafür sehen, wie Sie von 

diese Unmittelbarkeit und die Tatsache, dass nicht jede Betätigung Raw profi tieren könnten, lesen Sie weiter. Wir erklären Ihnen die 

des Auslösers Geld kostet, werden Sie auch ermutigt, kreative vielen Vorzüge, die Ihnen die Arbeit mit dem Raw-Format bietet.

44 Grundlagen: Raw Der unentbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Einführung in das Raw-Format 

Wenn Sie Details optimieren und die Kontrolle maximieren möchten, dann ist das Fotografi eren im 

Raw-Format die Antwort. Wir erläutern die Grundlagen, die Sie für den Einstieg kennen müssen . 

DER HAUTPUNTERSCHIED ZWISCHEN einer Raw-Datei 

und einer JPEG-Datei besteht darin, dass die beim 

Fotografi eren im Raw-Format auf der Speicherkarte der 

Kamera aufgezeichneten Bilder aus den Rohdaten vom 

Sensor bestehen. Es wird nichts hinzugefügt, nichts entfernt 

und nichts verändert. Wenn Sie im JPEG-Format 

fotografi eren, zeichnet die Kamera alle Rohdaten auf und 

entwickelt die Datei dann in der Kamera. Dabei werden 

voreingestellte Parameter auf den Weißabgleich, die 

Scharfzeichnung und benutzerdefi nierte Kamerastile und so 

weiter angewendet, unnötige Daten gelöscht und 

anschließend auch die noch verbleibenden Rohdaten 

entfernt. 

Wenn man es mit einem Film vergleichen wollte, wäre eine 

Raw-Datei ein Negativ, während eine JPEG-Datei in etwa 

einem Farbdia entspräche. Dias sind praktisch, weil sie aus 

dem Entwicklungslabor fertig zurückkommen und gleich 

angesehen werden können. Das Gleiche gilt für 

JPEG-Dateien, die angeblich direkt von der Kamera 

ausgedruckt werden können. Diese Annehmlichkeit 

bedeutet jedoch, dass Sie schon bei der Arbeit mit der 

Kamera alles richtig hinkriegen müssen – es gibt weniger 

Spielraum für Fehler. Negative sind zeitaufwändiger als 

Dias, weil Sie sie in der Dunkelkammer nach Ihrem 

Geschmack entwickeln müssen. Aber sie sind wesentlich 

vielseitiger und lassen Ihnen mehr Spielraum für Fehler. 

Genauso verhält es sich mit Raw-Dateien. Sie müssen 

immer mit geeigneter Software „verarbeitet“ werden, bevor 

sie fertig sind. Aber auf diese Weise können Sie auch 

Änderungen vornehmen, um die Bilder zu verbessern und 

beim Fotografi eren gemachte Fehler zu korrigieren. Mit einer 

Raw-Datei können Sie die folgenden Hauptparameter 

kontrollieren: 

Die Farbtemperatur kann eingestellt werden, um 

unerwünschte Farbstiche zu entfernen oder die Stimmung 

eines Bildes zu verändern. Dies kann mit Hilfe von 

Photoshop auch bei JPEG-Dateien durchgeführt werden, 

allerdings nicht mit derselben Präzision. 

Die Belichtung kann korrigiert – oder aus Gründen der 

Kreativität verändert – werden, ohne die Bildqualität zu 

beeinträchtigen. Wenn Sie dagegen eine JPEG-Datei heller 

oder dunkler machen, wirkt sich das negativ auf die 

Bildqualität aus. Sie können die Bildqualität auch 

optimieren, indem Sie Raw-Dateien in der Kamera so weit 

überbelichten, dass die Glanzlichter gerade nicht 

„explodieren“, sodass die Schattendetails besser zur Geltung 

kommen und die Rauscheffekte verringert werden. Die 

Belichtung kann dann bei der Verarbeitung der Raw-Datei 

„zurückgenommen“ werden. Dies ist nur möglich, weil die 

Raw-Datei mehr Daten enthält als Sie benötigen, während 

eine JPEG-Datei bereits komprimiert ist, das heißt, dass 

„überschüssige“ Daten gelöscht wurden. Wenn Sie eine 

Raw-Datei versehentlich überbelichten, sodass die 

Glanzlichter „explodieren“, können Sie Details während der 

Verarbeitung wiederherstellen. Das ist mit einer JPEG-Datei 

Fehlerbehebung 

F Ich kann die Raw-Dateien von meiner neuen Kamera nicht öffnen. Woran kann das 

liegen? 

A Das liegt daran, dass Kamerahersteller die Raw-Dateiformate ständig ändern, wenn 

sie neue Kameras auf den Markt bringen. Adobe veröffentlicht regelmäßig 

Aktualisierungen der Software Camera Raw (ACR) für neue Kameras.Unter www. 

adobe.com können Sie nachsehen, ob in der neuesten Aktualisierung Ihre Kamera 

enthalten ist. 

F Ich habe gerade einige Raw-Dateien verarbeitet und als TIFF-Dateien gespeichert, aber 

die Dateien sind wirklich klein. Was ist hier passiert? 

A Wenn Sie ACR verwenden, öffnen Sie eine Raw-Datei. Unter der Dateinummer für 

die Vorschaudatei sehen Sie eine Textzeile. Klicken Sie darauf, um ein Fenster mit 

Arbeitsablaufoptionen zu öffnen. Wählen Sie „Adobe RGB (1998)“ für „Platz“, „16 

Bits/Kanal“ für „Tiefe“, „300 Pixel/Zoll“ für „Aufl ösung“, und für „Größe“ wählen Sie den 

Größenwert, der der maximalen Pixelaufl ösung Ihrer Kamera am nächsten kommt. 

nicht möglich, sodass „explodierte“ Glanzlichter weiß 

erscheinen. Und wenn Sie versuchen, sie dunkler zu 

machen, werden sie einfach grau. Eine Scharfzeichnung 

kann mit Hilfe der Scharfzeichnungs-werkzeuge in der 

Raw-Dateiverarbeitungssoftware oder über Anwendungen 

von Drittanbietern angewendet werden. JPEG-Dateien sind 

jedoch bereits scharfgezeichnet, sodass jede weitere Arbeit 

sehr vorsichtig gemacht werden muss, um die Bilder nicht 

zu zerstören. 

Alle Änderungen, die Sie an einer Raw-Datei vornehmen, 

sind nicht zerstörerisch. Denn wenn sie – idealerweise in 

eine TIFF-Datei – umgewandelt wird, bleibt die 

ursprüngliche Raw-Datei unverändert. Das bedeutet, Sie 

können später wieder zu derselben Raw-Datei 

zurückkehren, um sie wieder zu verarbeiten. Raw-Dateien 

enthalten auch so viele Daten, dass sie mehrmals verarbeitet 

werden und dann kombiniert werden können, um entweder 

Belichtungs- und Kontrastprobleme zu beheben oder als 

Grundlage für kreative Techniken, wie HDR (High Dynamic 

Range), die wir Ihnen später zeigen, verwendet zu werden. 

Wenn Sie schließlich optimale Bildqualität möchten, dann 

haben Sie mit dem Raw-Format die besten Karten. 

Raw-Dateien unterstützen 16 Bit-Daten pro Farbkanal, 

während JPEG-Dateien 8 Bit unterstützen. Der Unterschied 

in der Bildqualität ist auf den ersten Blick nicht deutlich zu 

erkennen, aber durch intensives Bearbeiten wird die Qualität 

verringert, und bei 8-Bit-Dateien ist dies eher zu erkennen 

als bei 16-Bit-Dateien. 

Viele Fotografen lassen sich davon abschrecken, im 

Raw-Format zu fotografi eren, weil sie meinen, dass es 

kompliziert ist. Aber die Arbeit mit einer 

Raw-Dateiverarbeitungssoftware ist sehr intuitiv (siehe 

Kasten), und alle Änderungen, die Sie vornehmen, können 

problemlos wieder rückgängig gemacht werden. Eine 

JPEG-Datei dagegen wird zwar von Anfängern als das 

praktischere Format betrachtet, ist aber anfälliger für Fehler, 

die Anfänger mit Sicherheit machen werden. 

Was sind die Nachteile des Fotografi erens im Raw-Format? 

Außer dass Sie mehr Zeit am Computer mit der 

Dateiverarbeitung verbringen, gibt es nicht viele. Und wenn 

Sie schon möglichst viel mit der Kamera richtig machen, 

kann eine Raw-Datei in wenigen Sekunden bearbeitet 

werden. Raw-Dateien sind etwa vier Mal so groß wie 

JPEG-Dateien (in Megabyte), nehmen also mehr 

Speicherplatz in Anspruch. Speicherkarten und externe 

Festplatten kosten heutzutage aber nicht viel. Wenn Sie also 

ein Vermögen für Ihre Kamera ausgegeben haben, sparen 

Sie am falschen Platz, wenn Sie ein Bildformat wählen, nur 

weil es weniger Speicherplatz braucht. Größere Bilddateien 

bedeuten auch, dass sich der Puffer der Kamera schneller 

füllt, wenn Sie im Raw-Format fotografi eren. Das kann zwar 

frustrierend sein, wenn Sie Motive wie Sport oder wild 

lebende Tiere fotografi eren, wobei viele Aufnahmen schnell 

hintereinander gemacht werden. Aber für einen 

Landschaftsfotografen ist das eigentlich kein Problem. 

Fotografieren Sie im Raw- und JPEG-Format 

Wenn Sie sich mit dem Fotografi eren im Raw-Format anfangs 

nicht ganz wohl fühlen, stellen Sie doch Ihre Kamera einfach 

so ein, dass jedes Bild sowohl im Raw- als auch im 

JPEG-Format aufgezeichnet wird. Auf diese Weise gewöhnen 

Sie sich an die Verarbeitung von Raw-Dateien und haben 

gleichzeitig aber die beruhigende Sicherheit, dass Sie 

dieselben Bilder auch als JPEG-Dateien haben. 

Fotografieren und Verarbeiten von Raw-Dateien 

Sie können die Kamera ganz einfach zum Fotografi eren 

im Raw-Format einstellen: Wählen Sie zuerst einfach die 

Bildqualitätseinstellung über den LCD-Menübildschirm 

und dann die Option „Raw“ (oder „Raw und JPEG“). 

Die Verwendung der Kamera und ihrer Bedienelemente 

bleibt dadurch im Wesentlichen unverändert. Der 

einzige Unterschied besteht darin, dass Sie das Bild 

beim Fotografi eren im Raw-Format möglichst stark 

belichten, ohne die Glanzlichter „abzuschneiden“ oder 

überzubelichten. Dadurch zeichnen Sie möglichst viele 

Schattendetails auf, was in der Folge zu einer besseren 

Bildqualität führt. Das bedeutet jedoch, dass die Bilder 

in ihrem Rohzustand überbelichtet erscheinen. Aber 

das lässt sich während der Verarbeitung der Raw-Datei 

leicht beheben. Hierfür fi nden Sie weiter hinten in diesem 

Leitfaden eine schrittweise Anleitung. Sie werden außerdem 

feststellen, dass deutlich weniger Aufnahmen auf die 

Speicherkarte passen – nehmen Sie also immer genügend 

extra Karten mit! 

Software für die Verarbeitung von Raw-Dateien 

Für die Verarbeitung von Raw-Dateien brauchen 

Sie eine spezielle Software. Beim Kauf einer 

neuen Kamera ist eine CD-ROM mit der Raw- 

Dateiverarbeitungssoftware des Kameraherstellers 

enthalten. Canon hat sein eigenes System, 

ebenso wie Nikon und so weiter. Die meisten 

Fotografen bevorzugen jedoch eine Raw- 

Dateiverarbeitungssoftware von Drittherstellern. 

Das mit Abstand beliebteste Programm ist Adobe 

Camera Raw, das in allen Versionen von Photoshop 

ab CS2, Photoshop Elements ab Version 3.0 und 

in allen Versionen von Adobe Lightroom enthalten 

ist. Apple Aperture hat auch seine eigene Raw- 

Dateiverarbeitungssoftware, während Capture One 

von Phase One bei einigen Fotografen sehr beliebt 

ist. SilkyPix ist weniger bekannt, aber es lohnt sich, 

die kostenlos herunterzuladende Software einmal 

auszuprobieren. 

ADOBE CAMERA RAW 

www.adobe.com 

APPLE APERTURE 

www.apple.com/de 

CAPTURE ONE 

www.phaseone.com 

SILKYPIX 

www.silkypix.de

Das Raw-Format bietet mehr! 

Haben Sie schon einmal Bilder angesehen und sich 

gefragt, wie der Fotograf nur so viele Details in der Szene 

erfassen konnte? Das Fotografi eren im Raw-Format hat 

dabei zweifellos eine große Rolle gespielt. 

FOTO: ADAM BURTON


Die Benutzeroberfl äche Adobe Camera Raw 

Sie haben eine Fülle von Bearbeitungswerkzeugen und wissen nicht, wo Sie anfangen sollen? 

Hier werden die Funktionen von Photoshop erklärt. 

PROGRAMME ZUR KONVERTIERUNG VON RAW-DATEIEN 

verfügen über eine Vielzahl von Bearbeitungswerkzeugen, die ein 

Bild retten oder sein kreatives Potenzial freisetzen können. Die 

Veränderungsspielräume sind bei einer Raw-Datei auf Grund der 

großen Menge darin enthaltener Daten viel größer als bei einer 

JPEG-Datei. Die Möglichkeiten zum Herumexperimentieren, 

ohne die Bildqualität zu beeinträchtigen, sind also enorm. Hier 

hoffen wir Ihnen anhand der Benutzeroberfl äche Adobe Camera 

Raw (ACR) die zur Verfügung stehenden Funktionen ein wenig 

näher zu bringen und Ihnen die Leistungsfähigkeit des 

Raw-Formats beim Fotografi eren vor Augen zu führen. 

Hilfsmittel für die Raw-Konvertierung mit Photoshop 

WWeißabgleich: iß b l i h WWenn Si Sie iim 

Raw-Format fotografi eren, können Sie den 

Weißabgleich bei der Nachbearbeitung 

steuern und müssen nicht die richtige 

Weißabgleich-Voreinstellung in der Kamera 

auswählen. In der Registerkarte 

„Grundeinstellungen“ werden alle verfügbaren 

Weißabgleich-Voreinstellungen in einem 

Dropdown-Menü zur Auswahl angezeigt 

(Beispiel: „Auto“, „Tageslicht“, „Bewölkt“ und 

so weiter). Mit den Schiebereglern 

„Temperatur“ und „Farbton“ können Sie auch 

Ihren eigenen benutzerdefi nierten 

Weißabgleich erstellen. Alternativ könnten Sie 

mit dem Weißabgleichwerkzeug (das sich in 

der Symbolleiste befi ndet, siehe nächste 

Seite) auf einen rein weißen Teil des Bildes 

klicken, wodurch der Weißabgleich 

entsprechend eingestellt wird. 

Wiederherstellung: Hiermit 

können Sie ein Bild retten, bei dem die 

Glanzlichter leicht überbelichtet sind. Sie 

sollten sich natürlich nicht auf dieses 

praktische Werkzeug verlassen, aber es ist 

auf jeden Fall eine der wertvollsten 

Funktionen in ACR. Sie können damit 

Details im mittleren Farbtonbereich von 

„explodierten“ Glanzlichtern 

wiederherstellen. 

Aufh elllicht: Die Option „Aufhelllicht“ 

befi ndet sich in der Registerkarte 

„Grundeinstellungen“. Damit wird versucht, 

Details von Schatten wiederherzustellen, 

ohne Schwarztöne aufzuhellen. Ähnlich wie 

ein Aufhellblitz wirft dieses Werkzeug Licht in 

den Vordergrund. Mit dem Schieberegler für 

Schwarztöne können Sie dem Bild mehr 

Aussagekraft verleihen. 

Rauschreduzierung: h d i In der 

Registerkarte „Detail“ befi ndet sich ein 

Abschnitt für die Rauschreduzierung. Er ist 

in zwei Funktionen aufgeteilt: „Leuchtkraft“ 

(Grauskalarauschen, das ein Bild körnig 

aussehen lässt) und „Farbe“ für 

Sättigungsrauschen. Um die Effekte zu 

sehen, vergrößern Sie das Bild auf 

mindestens 100 Prozent. 

Dynamik und Sättigung: 

Dieses Werkzeug ist eine Alternative zum 

Schieberegler „Sättigung“, mit dem alle 

Farben in einem Bild gleichmäßig angepasst 

werden. 

Das Werkzeug „Dynamik“ dagegen wirkt 

sich nur auf Farben aus, die eine Stärkung 

benötigen, und nicht so sehr auf Farben, die 

bereits einen hohen Sättigungsgrad haben. 

Einige Fotografen führen in ACR möglicherweise nur die absolut 

notwendigen Aufgaben durch und machen dann in Photoshop 

selber mit der Verarbeitung weiter. Aber Sie könnten durchaus die 

meisten – wenn nicht alle – Nachbearbeitungsaufgaben im 

Raw-Format durchführen. Werkzeuge wie Belichtung, Kontrast, 

Klarheit und Gradationskurven sind grundlegende Schieberegler, 

die Sie vermutlich jedes Mal verwenden, wenn Sie ein neues Bild 

öffnen. Deshalb behandeln wir diese in unseren schrittweisen 

Anleitungen auf den nächsten Seiten. Und hier sind zehn der 

weniger bekannten Änderungswerkzeuge, die einen genaueren 

Blick lohnen … 

Geteilte Tönung: Mit dieser 

traditionellen Dunkelkammerbehandlung 

der Tönung von Glanzlichtern und Schatten 

können Sie Ihrem Bild ein ganz anderes 

Aussehen verleihen. Hierfür müssen Sie nur 

die Registerkarte „Geteilte Tönung“ 

auswählen und dann mit dem jeweiligen 

Farbtonschieberegler die Farbe und mit dem 

Sättigungsregler die Intensität einstellen. 

Vergessen Sie auch den 

Farbbalance-Schieberegler nicht, da Sie 

damit je nach Richtung die Intensität des 

Schattenfarbtons oder die des 

Glanzlichtfarbtons hervorheben können. 

Objektiv-Vignettierung: Dieses 

Korrektur- und Kreativwerkzeug befi ndet 

sich in der Registerkarte 

„Objektivkorrektur“. Damit können Sie die 

Ränder eines Bildes heller oder dunkler 

machen. Da Helligkeitsabfall ein 

Objektivfehler ist, der die Ecken eines Bildes 

dunkler macht, bevorzugen es einige 

Fotografen, diesen Fehler zu korrigieren. 

Andere wiederum verstärken den Effekt 

gerne. Mit diesem Werkzeug können Sie den 

Mittelpunkt, die Kante und die Rundung der 

Vignette kontrollieren. 

Farbton, Sättigung, 

Leuchtkranft: Mit den Bedienelementen 

„Farbton, Sättigung, Leuchtkraft/Grauskala“ 

können Sie konkrete Farben auf ähnliche 

Weise wie mit der selektiven Farbkorrektur 

von Photoshop bearbeiten. Verwenden Sie 

das Farbtonwerkzeug zum Ändern einer 

Farbe, das Sättigungswerkzeug zum Ändern 

der Farbreinheit und das Leuchtkraftwerkzeug 

zum Ändern der Helligkeit. Es ist ratsam, die 

Sättigung einer Farbe zu erhöhen und deren 

Leuchtkraft zu verringern, statt einfach nur die 

Sättigung zu intensivieren. 

Grauskalamischung: In der 

Registerkarte „Farbton, Sättigung, Leuchtkraft/ 

Grauskala“ haben Sie die Möglichkeit, das 

Feld „In Grauskala umwandeln“ zu markieren. 

Dadurch wird ein neuer Satz an Werkzeugen 

mit der Bezeichnung „Grauskalamischung“ 

aufgerufen. Neben der Option „Auto“ können 

Sie auch die Kontrolle über den 

Farbtonbereich der Schwarzweißkonvertierung 

übernehmen, indem Sie den Grad jedes 

Farbtons im ursprünglichen Bild anpassen. 

1 

4 

7 

Farbwiedergabe: 

Durch Auswahl der Registerkarte 

„Kamerakalibrierung“ können Sie ein 

auf das Bild anzuwendendes 

Kameraprofi l auswählen. Im 

Dropdown-Menü „Name“ werden die 

verschiedenen Profi le, wie „Neutral“, 

„Lebhaft“, „Landschaft“ und „Porträt“ 

aufgeführt.

Der unentbehrlich Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Notieren Sie sich die Einstellungen 

Denken Sie daran, die Standardeinstellungen des 

Änderungswerkzeugs zu notieren, bevor Sie die 

Schieberegler verwenden, damit Sie einen Fehler, 

den Sie möglicherweise machen, wieder 

beheben können. 

Einige Werkzeuge haben eine „STANDARD“- 

Schaltfl äche, mit der Änderungen rückgängig 

gemacht werden können, damit Sie ein wenig 

herumexperimentieren können. 

Photoshop CS4 und CS5 

CS4 Enthält alle Werkzeuge von CS3 sowie 

zusätzlich einen Korrekturpinsel und einen Verlaufsfi lter 

in der Symbolleiste. Der Korrekturpinsel ist die 

raffi niertere der beiden Funktionen, weil Sie damit je 

nach Größe und Radius des eingestellten Pinsels sehr 

konkrete Änderungen an ausgewählten Bereichen des 

Bildes vornehmen können. 

CS5 Neben einigen neuen Schiebereglern zur 

Feineinstellung der Rauschreduzierung und der neuen 

Registerkarte „Effekte“, mit der Sie dem Bild eine 

Körnigkeit verleihen können, verfügt die Symbolleiste 

jetzt über das Bedienelement „Gezielte Korrektur“ für 

Fotografen, die das Arbeiten an einem Bild als intuitiver 

empfi nden. Die Benutzer können die Korrekturen direkt 

am Bild steuern, indem der Cursor nach oben oder unten 

gezogen wird, um den Effekt zu intensivieren 

beziehungsweise abzumildern. 

2 

3 

6 

5 

Vorschaufenster! 

Während Sie mit den 

verschiedenen 

Bearbeitungsfunktionen 

herumexperimentieren, 

können Sie deren Effekt am 

Bild beurteilen, indem Sie 

dieses im 

Vorschaubildschirm links 

von den Werkzeugen 

anzeigen. 

Grundlagen: Raw 47 

Benutzeroberfläche für Raw-Dateien 

Wenn Sie in Photoshop eine Raw-Datei öffnen, wird 

die folgende Benutzeroberfl äche geöffnet. 

Hier erklären wir die wichtigsten Befehle, die 

angezeigt werden. 

1) SYMBOLLEISTE Enthält alle auswählbaren 

Werkzeuge, wie Zoomwerkzeug, Hand-Werkzeug 

und Freistellungswerkzeug. Die Benutzer der 

neuesten Version von Photoshop haben auch Zugriff 

auf den Korrekturpinsel und den Verlaufsfi lter. Wie 

im eigentlichen Photoshop-Programm sind allen 

Werkzeugen Tastenabkürzungen mit jeweils einem 

Buchstaben zugeordnet, die Sie kennen sollten. 

2) HISTOGRAMM Über das Histogramm erfahren 

Sie genau, was mit den Raw-Daten in Echtzeit 

geschieht, wenn Sie die Bedienelemente in den 

Dialogfenstern verändern. Es hat die Form eines 

Diagramms, in dem Farbe in Zahlen von 0 bis 255 

dargestellt wird, wobei die Farben von links nach 

rechts von dunkel nach hell verlaufen. Der weiße 

Schatten stellt die kombinierten Rot-, Grün- und 

Blaukanäle dar und bietet Ihnen den wichtigsten 

Hinweis auf die Belichtung. 

3) INFORMATIONSPALETTE Zeigt die Pixelwerte 

für die Rot-, Grün- und Blaukanäle von 0 bis 255 

an, wenn der Cursor in das Hauptfenster gesetzt 

wird. Enthält außerdem Bildmetadaten, wie die 

Blende in f/Stufen, Verschlusszeit in Sekunden, 

ISO-Wert und Brennweite. 

4) BILDFENSTER Das Hauptvorschaufenster für 

das geöffnete Bild. Sie können das Bild mit dem 

Zoomwerkzeug oder der Plus-/Minus-Taste oder 

dem Dropdown-Menü darunter vergrößern oder 

verkleinern. Außerdem können Sie sich mit dem 

Hand-Werkzeug oder durch Drücken der Leertaste 

und Ziehen des Mauszeigers im Bild bewegen. 

Wenn Sie das Kästchen „Vorschau“ markieren, 

können Sie das Bild mit und ohne aktuelle 

Korrekturen anzeigen. 

5) STEUERREGISTERKARTEN Sie können durch die 

verschiedenen Steuerregisterkarten navigieren, indem 

Sie jeweils darauf klicken. Die erste Registerkarte hat 

die Bezeichnung „Grundeinstellungen“ und enthält die 

Bedienelemente, die Sie am häufi gsten verwenden 

werden, wie die Schieberegler für die Belichtung und 

die Schwarztöne. Weitere Registerkarten sind 

„Gradationskurven“, „Detail“, „Farbton, Sättigung, 

Leuchtkraft/Grauskala“, „Geteilte Tönung“, 

„Objektivkorrektur“, „Kamerakalibrierung“ und 

„Voreinstellungen“. Die Benutzer von Elements haben 

nur die Registerkarten „Grundeinstellungen“, 

„Kamerakalibrierung“ und „Voreinstellungen“. 

6) STEUERFENSTER Dies ist das 

Hauptdialogfenster, das die Bedienelemente für die 

einzelnen Steuerregisterkarten enthält. Die 

Bedienelemente basieren alle auf Schiebereglern, 

bis auf den Abschnitt „Punktkurven“ der 

Registerkarte „Gradationskurven“ (mit dem Sie 

Punkte auf einer Kurve darstellen können) und die 

Registerkarte „Voreinstellungen“, in der Sie einfach 

aufgeführte Voreinstellungen auswählen können. 

7) AUSGABETASTEN Am unteren Rand fi nden Sie 

die Tasten für Ihre Arbeit nach Abschluss der 

Korrekturen. Sie können die Optionen „Speichern“, 

„Speichern unter“, „Öffnen“, „Kopie öffnen“ oder 

„Fertig“ auswählen, um Ihre Korrekturen zu sichern, 

ohne die Raw-Datei wirklich zu verarbeiten. Wenn 

Sie Alt/Option gedrückt halten, haben Sie Zugriff auf 

weitere Optionen.


Perfekte Verarbeitung von Raw-Dateien 

Unsere schrittweisen Anleitungen zeigen eine einfache und wirkungsvolle Möglichkeit, eine Raw-Datei in eine fantastische JPEG- oder TIFF-Datei umzuwandeln. 

DIE VERARBEITUNG VON RAW-DATEIEN ist relativ unkompliziert. Wie lange 

sie dauert und wie viele Korrekturen Sie am Bild vornehmen müssen, hängt 

davon ab, inwieweit Sie das Bild bereits mit der Kamera in einen endgültigen 

Zustand gebracht haben. Fotografen, die vor dem Wechseln ins digitale Zeitalter 

mit Film gearbeitet haben, verwenden in der Regel mehr Zeit auf das 

Fotografi eren selber, weil sie das auch bei der Arbeit mit dem Film machen 

mussten. Der Mensch ist nun mal ein Gewohnheitstier, und das ist in diesem Fall 

gar nicht schlecht. Wenn Sie bisher immer nur mit einer Digitalkamera gearbeitet 

Wenn Sie die Raw-Dateien öffnen, sind Sie vielleicht erst einmal enttäuscht, weil sie meist 

1 ziemlich kontrastarm und ausgewaschen aussehen. Das liegt daran, dass Sie das Bild in 

einem unverfälschten Zustand sehen. Das Vorschaubild auf dem LCD-Monitor der Kamera ist 

dagegen eine kleine JPEG-Datei der Raw-Datei und sieht deshalb in der Regel besser aus. 

„Ausgeschnittene“ Glanzlichter sind hauptsächlich am Himmel zu beobachten und 

3 kommen bei Landschaftsaufnahmen ziemlich häufi g vor. Überbelichtete Glanzlichter 

können mit dem Schieberegler „Wiederherstellung“ in ACR zu einem gewissen Grad 

wiederhergestellt werden. In diesem Fall wird der Himmel mit dem Wert 20 wieder bereinigt. Mit 

der Wiederherstellungsfunktion wird das Bild kontrastärmer, gehen Sie also sparsam damit um. 

Klicken Sie in der Symbolleiste auf das Symbol „Gradationskurve“, um das Fenster „Kurven“ 

5 mit Schiebereglern für Glanzlichter, Lichter, Dunkelbereiche und Schatten aufzurufen. In 

diesem Fall können Sie den Kontrast intensivieren und das Bild zum Leben erwecken, indem Sie 

die Werte für die Glanzlichter und Lichter erhöhen und die Werte für die Dunkelbereiche und 

Schatten verringern. 

haben, verlassen Sie sich zum Beheben von Fehlern wahrscheinlich mehr auf die 

Software. Das heißt, Sie sitzen viel länger am Computer als unbedingt nötig. 

Mit unserer schrittweisen Anleitung lernen Sie, wie Sie Raw-Dateien mit Adobe 

Camerae Raw (ACR) verarbeiten und was die verschiedenen Werkzeuge im Bild 

bewirken. Wir haben bewusst eine Raw-Datei ausgewählt, bei der viel zu ändern 

war. Idealerweise sollte es aber nur wenige Minuten dauern, um eine Raw-Datei 

zu öffnen, zu verarbeiten und in eine hochwertige JPEG- oder TIFF-Datei 

umzuwandeln. 

Raw-Dateien liefern das beste Bild, wenn die Farbtöne zur rechten Seite des Histogramms 

2 hin gewichtet sind. Wenn sie die rechte Seite allerdings berühren, werden Glanzlichter 

„ausgeschnitten“, das heißt, dass sich in einem Teil des Bildes keine aufgezeichneten Details 

befi nden. Klicken Sie auf das rote Dreieck über dem Histogramm, um überbelichtete Bereiche in 

Rot anzuzeigen. 

Als Nächstes muss die Belichtung in Angriff genommen werden, da das Bild immer noch 

4 ein wenig fade aussieht. Wenn Sie den Schieberegler „Belichtung “ nach links auf den Wert 

-0,75 ziehen, bewirkt dies einen großen Unterschied, weil das Bild dunkler wird. Aber es sieht 

immer noch ein wenig platt und leblos aus. Das ist aber ganz normal, und wenn Sie im 

Raw-Format fotografi eren, lässt sich das jedoch problemlos beheben. 

Überprüfen Sie als Nächstes die Farbtemperatur. Bei unserer Aufnahme war die Kamera auf 

6 automatischen Weißabgleich eingestellt, und das Bild hat einen leicht warmen Farbstich. 

Normalerweise wäre das wünschenswert, aber in diesem Fall lässt es das Bild matschig 

aussehen. Also wird die Farbtemperatur auf „Tageslicht (5500 K)“ geändert, um sie ein wenig 

abzukühlen.

Jetzt ist es an der Zeit, die Farben zu intensivieren. In ACR können Sie hierfür zwei 

7 Schieberegler verwenden: „Schwingung“ und „Sättigung “. Die Option „Schwingung“ ist ein 

wenig dezenter, weil sie sich nur auf Farben mit weniger Sättigung, aber nicht auf stark gesättigte 

Farben auswirkt . Hier reicht es, den Schwingungswert auf 20 einzustellen. 

Raw-Dateien müssen immer scharfgezeichnet werden, um die Bildqualität zu optimieren. 

9 Hierfür gibt es verschiedene Möglichkeiten, und jeder Fotograf hat seine bevorzugte 

Vorgehensweise. Wenn Sie jedoch mit ACR arbeiten, zeigen Sie das Bild in 100 Prozent an, und 

stellen Sie dann die Schieberegler ein. Lassen Sie den Radius bei 1,0. Achten Sie auf Rauschen 

im Bild. 

Fertiges Bild 

Das Bild wurde als 

16-Bit-TIFF-Datei gesichert und 

in Photoshop geöffnet. Dort 

wurden Sensorfehlerstellen mit 

dem Reparaturpinsel entfernt und 

Ebenen angepasst, damit der 

Himmel besser zur Geltung 

kommt. 

Ein weiterer praktischer Schieberegler in ACR ist „Klarheit“, der durch eine Erhöhung des 

8 lokalen Kontrasts dem Bild mehr Tiefe verleiht. Stellen Sie bei der Arbeit damit den Zoom 

auf 100 Prozent ein, erhöhen Sie den Wert, bis an den Randdetails Lichthöfe erscheinen, und 

verringern Sie den Wert dann geringfügig. Oder wenden Sie einfach einen niedrigen Wert an (in 

diesem Fall +10), damit das Bild mehr Aussagekraft bekommt. 

Bilder, die mit Ultraweitwinkelobjektiven oder Zooms aufgenommen wurden, weisen 

10 oft eine Vignettierung auf, wobei die Ecken des Bildes dunkler sind als der Rest. Dies 

kann in ACR mit dem Schieberegler „Objektiv-Vignettierung“ im Fenster „Objektivkorrektur“ 

behoben werden. Auch die chromatische Aberration kann korrigiert werden.

50 Grundlagen: Raw 

Maximieren der Bilddetails aus Raw-Dateien 

Wenn Sie im Raw-Format fotografi eren, können Sie mit Photoshop mehr Details aus einer Szene 

herausholen – in diesem Fall durch das Zusammenführen von zwei verschiedenen Aufnahmen. 

EINE DER NÜTZLICHSTEN Eigenschaften einer 

Raw-Datei besteht darin, dass sie wesentlich mehr 

Daten und Details enthält, als Sie für die Erstellung 

eines gelungenen Bildes tatsächlich brauchen. Sie 

können diese Details natürlich nicht sehen, weil sie 

sich jenseits des dynamischen Bereichs einer einzelnen 

TIFF-, PSD- oder JPEG-Datei befi nden. Allerdings 

können Sie bei Bildern mit einem Kontrast, der zu groß 

ist, um Details in den hellsten und dunkelsten Tönen 

(Schatten) darzustellen, eine Raw-Datei zweimal 

verarbeiten – einmal mit der richtigen Belichtung für 

die dunklen Töne und einmal mit der richtigen 

Belichtung für helle Töne. Und dann können Sie die 

beiden Aufnahmen in Photoshop zusammenführen, 

um ein einzelnes Bild mit einem erweiterten 

Helligkeitsbereich zu erstellen. Hier fi nden Sie eine 

schrittweise Anleitung für diese Vorgehensweise. 

Öffnen Sie die Raw-Originaldatei in Adobe Camera Raw 

1 (ACR), und stellen Sie dann die Belichtung des Bildes ein, 

bis der Himmel richtig aussieht. Dadurch wird der 

Vordergrund sehr dunkel, aber machen Sie sich darum keine 

Sorgen. Hierfür können Sie den Schieberegler „Belichtung“ in 

ACR und/oder die Schieberegler im Fenster „Gradationskurve“ 

verwenden. Wenn Sie mit dem Ergebnis zufrieden sind, 

sichern Sie das Bild als 16-Bit-TIFF-Datei. 

Schließen Sie ACR, und öffnen Sie dann die beiden 

3 gerade erstellten TIFF-Dateien in Photoshop. Klicken Sie 

auf das dunklere Bild, und wählen Sie Auswahl>Alles 

auswählen, und anschließend Bearbeiten>Kopieren. Dann 

wird das Bild kopiert. Schließen Sie das dunklere Bild, klicken 

Sie auf das hellere Bild, um es zu aktivieren, und wählen Sie 

die Befehlsfolge Bearbeiten>Einfügen. Dann wird das 

dunklere Bild damit als Ebene zusammengeführt. 


Verwenden Sie einen Graufilter. 

Sie sparen sich jede Menge Zeit am Computer, wenn 

Sie für diese Art von Aufnahme einen Graufi lter 

verwenden. Denn damit wird der Himmel so weit 

abgeschwächt, dass er nicht „explodiert“, wenn Sie 

die Belichtung für den dunkleren Vordergrund 

vornehmen. In diesem Fall hätte ein 0,6- oder 

vielleicht auch ein 0,9-Filter gereicht, um in einer 

einzelnen Aufnahme ein nahezu fertiges Bild zu 

erreichen. Viele Fotografen denken, dass Graufi lter 

bei digitalen Kameras nicht notwendig sind, aber da 

täuschen sie sich! 

Die Raw-Datei bleibt in ACR geöffnet, und die erste 

2 Version davon wird auf den Computerdesktop gesichert. 

Jetzt müssen Sie eine zweite Version der Raw-Originaldatei 

erstellen und dieses Mal die Belichtung so einstellen, dass der 

Vordergrund richtig aussieht. Dadurch wird der Himmel 

„ausgebrannt“, wie Sie sehen können. Sichern Sie dieses Bild 

als 16-Bit-TIFF-Datei. 

Aktivieren Sie die Ebene mit dem dunkleren Bild, klicken 

4 Sie auf das Auswahlquadrat-Werkzeug oben in der 

Photoshop-Symbolleiste, und wählen Sie den dunklen 

Vordergrund knapp unter dem Horizont. Wählen Sie dann 

Bearbeiten>Ausschneiden. Daraufhin verschwindet der 

dunkle Vordergrund, und der richtig belichtete Vordergrund 

wird angezeigt. Das Bild sieht jetzt schon viel besser aus. 

5 Jetzt müssen die Ränder links vom dunklen Vordergrund 

aufgeräumt werden. Wählen Sie hierfür das 

Radiergummi-Werkzeug aus der Symbolleiste. Wählen Sie 

einen mittelgroßen Pinsel mit weicher Kante, und stellen Sie 

die Deckkraft auf 40 bis 50 Prozent ein. Entfernen Sie zuerst 

die letzten unerwünschten Bits des dunkleren Bildes, damit 

der richtig belichtete Vordergrund von der Ebene darunter 

zum Vorschein kommt.

Nun sehen der Himmel und der Vordergrund schon viel 

6 besser aus. Als Nächstes müssen der Kontrast und die 

Farbe des Bildes genau eingestellt werden. Intensivieren Sie 

zunächst die Farben, indem Sie die Befehlsfolge 

Bild>Korrekturen>Farbton/Sättigung auswählen und den 

Schieberegler für die Sättigung auf den Wert +25 % schieben. 

Wenn Sie den Regler weiter schieben, beginnen die Farben 

unrealistisch zu wirken – also übertreiben Sie es nicht. 

Die Aufmerksamkeit sollte jetzt der selektiven 

7 Belichtungs- und Kontraststeuerung gewidmet werden. 

Die linke Seite des Bildes ist deutlich dunkler als der Rest. 

Wählen Sie sie also mit dem Polygon-Lasso-Werkzeug in 

Photoshop aus, und wählen Sie eine weiche Kante mit 100 

Pixel. Dann werden die Ebenen angepasst. In anderen 

Bereichen werden weitere Optionen ausgewählt und 

Ebeneneinstellungen vorgenommen. 

Fertiges Bild 

Das fertige Bild mit einem perfekt 

belichteten Vordergrund und Himmel hat 

sehr viel Aussagekraft und Atmosphäre. 

Eine derart drastische Veränderung war 

nur möglich, weil die Szene im 

Raw-Format aufgenommen worden war. 

Wählen Sie schließlich das Abwedler-Werkzeug aus der 

8 Symbolleiste, und stellen Sie die Belichtung auf etwa 10 

Prozent ein. Dann werden die kleineren Bereiche des Bildes 

vorsichtig aufgehellt – ähnlich wie beim Abwedeln eines 

Abzugs in der Dunkelkammer während der Entwicklung, 

damit er nicht zu dunkel wird. In Photoshop ist dieser Vorgang 

allerdings viel präziser, und Sie haben mehr Kontrolle darüber!

52 Grundlagen: Raw Der unverzichtbare Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Experimentieren mit HDR 

HDR-Bilder werden immer noch kontrovers betrachtet, aber es lässt sich nicht leugnen, dass ihre Effekte 

einzigartig und außergewöhnlich sind. Probieren Sie einmal unsere schrittweise Anleitung aus, um zu 

sehen, ob Ihnen diese Technik zusagt. 

SPINNEN SIE DEN GEDANKEN, mehrere Bilder 

zusammenzuführen, einmal einen Schritt weiter, und Sie betreten 

die fantastische Welt des HDR (High Dynamic Range) – einer 

kreativen Technik, mit der atemberaubende Ergebnisse erzielt 

werden können. Hierbei werden Details von den dunkelsten 

Schatten bis zu den hellsten Glanzlichtern aufgezeichnet, sodass 

alltägliche Szenen in etwas Außergewöhnliches verwandelt 

werden. Viele Fotografen haben die Vorzüge von HDR bereits 

entdeckt. Durch die Arbeit mit Raw-Dateien wird dessen 

Potenzial noch vervielfacht, da jede Datei riesige Datenmengen 

enthält. Und wenn Sie mehrere solcher Dateien miteinander 

kombinieren, überführen Sie Ihre Fotos buchstäblich in eine 

andere Dimension. Hier fi nden Sie eine schrittweise Anleitung 

zum Erstellen von HDR-Bildern mit einem der besten Programme 

auf dem Markt – Photomatix Pro (siehe Kasten). Die Software ist 

zwar nicht ganz billig, aber wir meinen, dass die Kosten durchaus 

gerechtfertigt sind, weil dies ein fantastisches Paket ist. 

Fotografi eren Sie eine Reihe von Bildern 

1 mit der Kamera auf einem Stativ, und 

verändern Sie die Belichtung bei jeder 

Aufnahme in einem Bereich, der Details in den 

dunkelsten Schatten und den hellsten 

Glanzlichtern erfasst. In diesem Fall wurden -2 

Blendenstufen, -1 Blendenstufe und +1 

Blendenstufe verwendet. Unter 

kontrastreicheren Bedingungen müssen Sie 

möglicherweise von -2 bis +2 oder +3 

Blendenstufen fotografi eren. 

Das Bild sieht nach dem Tone Mapping 

5 manchmal hervorragend aus, sodass Sie 

es ohne Änderungen sichern können. Aber 

häufi g sieht es ziemlich unwirklich aus. Die 

wichtigste Option, die das Erscheinungsbild 

eines HDR-Bildes verändert, ist „Leichtes 

Glätten“. Hier wurde standardmäßig die 

niedrigste Einstellung verwendet, aber das 

werden wir ändern. 

Starten Sie die Software Photomatix Pro. 

2 Daraufhin wird das Fenster „Abkürzungen 

für den Arbeitsablauf“ angezeigt. Klicken Sie 

oben im Fenster auf „HDR-Bild erzeugen“, um 

ein zweites Fenster aufzurufen, nämlich „HDR 

erzeugen – Quellbilder auswählen“. Sie 

können Raw-Dateien auf dieses Fenster 

ziehen und dort ablegen, oder die Option 

„Durchsuchen“ verwenden. Klicken Sie auf 

„OK“, wenn Sie fertig sind. 

Wenn die Option „Leichtes Glätten“ auf 

6 die Einstellung „Sehr hoch“ geändert 

wird, sieht das Bild wesentlich realistischer 

aus, aber der HDR-Effekt ist immer noch 

sichtbar. An dieser Stelle lohnt es sich auch, 

mit den anderen Schiebereglern ein wenig 

herumzuexperimentieren, um zu sehen, was 

sie bewirken. Probieren Sie einmal 

unterschiedliche Einstellungen für „Stärke“, 

„Farbsättigung“, „Luminanz“, „Weißer Punkt“, 

„Schwarzer Punkt“ und „Gamma“. 

HDR von einer einzelnen Raw-Datei 

Es wird zwar empfohlen, eine Reihe von Raw-Aufnahmen mit 

unterschiedlichen Belichtungen zu machen, um ein HDR-Bild zu 

erstellen. Sie können aber auch Pseudo-HDR-Effekte erzeugen, indem 

Sie eine Raw-Datei drei oder fünf Mal verarbeiten und die Belichtung 

jeweils verändern. Öffnen Sie die Raw-Datei beispielsweise in ACR, 

stellen Sie den Schieberegler „Belichtung“ auf -2 ein, und klicken Sie 

dann auf „Speichern“. Stellen Sie den Schieberegler „Belichtung“ auf 

-1 ein, und klicken Sie wieder auf „Speichern“. Wiederholen Sie diese 

Vorgehensweise mit dem Schieberegler „Belichtung“ auf den Werten 0, 

+1 und +2. Dann haben Sie einen Satz mit fünf „Belichtungsreihen“- 

Bildern, die in Photomatix verwendet werden können. Je nach Motiv 

werden Sie möglicherweise zu der Überzeugung gelangen, dass 

diese Methode vorzuziehen ist. Sie funktioniert hervorragend bei 

Porträtaufnahmen und anderen nicht statischen Motiven, bei denen 

es fast unmöglich wäre, eine Reihe von Einzelaufnahmen zu machen, 

ohne dass sich das Motiv zwischen den Aufnahmen ein wenig bewegt. 

Ein weiteres Fenster wird angezeigt: 

3 „HDR erzeugen – Optionen“. Hier 

können Sie festlegen, wie die Quellbilder 

ausgerichtet werden und wie die 

Software Geisterbilderfehler reduziert, 

und den Weißabgleich, den Farbraum 

und so weiter auswählen. Sie können 

hier mit verschiedenen Einstellungen 

herumexperimentieren, aber die 

Standardeinstellungen funktionieren 

normalerweise sehr gut. 

Das Bild sollte jetzt allmählich Form 

7 annehmen. Aber bevor Sie es sichern, 

sehen Sie sich das Bedienelement unter dem 

Histogramm an: „Farbton“, „Farbe“, „Mikro“ 

und „S/H“. Damit werden dezentere 

Änderungen vorgenommen, und Sie können 

dem HDR-Effekt den letzten Feinschliff 

verleihen, bis Sie damit zufrieden sind, wie 

das Bild aussieht. Spielen Sie mit allen 

Optionen ein wenig herum, um zu sehen, was 

sie bewirken. 

Welches Paket? 

Photoshop oder Photomatix Pro? Die Versionen 

von Adobe Photoshop ab CS3 verfügen über 

eine HDR-Funktion – verwenden Sie hierfür 

die Befehlsfolge Datei>Automatisieren>Zu 

HDR zusammenfügen. Sie ist ganz in Ordnung, 

aber die daraus resultierenden Bilder neigen 

dazu, ziemlich kontrastarm zu sein, und die 

Optionen zur Verbesserung sind eingeschränkt. 

Eine schnellere und vielseitigere Option ist 

Photomatix Pro, eine HDR-Spezialsoftware 

von www.hdrsoft.com. Die neueste Version 

(4.0) kostet 83,30 Euro, eine Testversion 

ist kokstenlos. Es gibt auch verschiedene 

andere Möglichkeiten, wie Plug-ins für 

Photoshop, Aperture und Lightroom. Das 

Programm funktioniert ausgezeichnet, und die 

Bedienelemente zum Tone Mapping bieten 

Ihnen viele Möglichkeiten zur Einfl ussnahme 

auf das endgültige Ergebnis. 

Nach etwa einer Minute wird am 

4 Bildschirm ein Bild angezeigt. Dieses 

sieht normalerweise schrecklich aus, aber 

machen Sie sich deshalb keine Sorgen, weil 

das kein echtes HDR-Bild ist – Sie haben 

noch ein wenig Arbeit vor sich. Um sich 

besser vorstellen zu können, womit Sie es zu 

tun haben, klicken Sie im Fenster 

„Abkürzungen für den Arbeitsablauf“ auf die 

Schaltfl äche „Tone Mapping“. 

Wenn Sie auf „Verarbeiten“ klicken, werden 

8 alle vorgenommenen Änderungen 

angewendet. Sichern Sie das HDR-Bild als 

16-Bit-TIFF-Datei, und nehmen Sie dann letzte 

Korrekturen daran in Photoshop vor. Sie können 

gezielt oder global Ebenen und 

Gradationskurven ändern, die Farbsättigung 

anpassen und so weiter, bis Sie den 

gewünschten Effekt erzielt haben.

Fertiges Bild 

Sie können sehen, wie wirkungsvoll 

die HDR-Technik ist. Die Szene war 

sehr kontrastreich, sodass eine 

einzelne Aufnahme der Aussagekraft 

nicht gerecht wurde. Durch das 

Zusammenführen von vier getrennten 

Aufnahmen mit Photomatix Pro sind 

die Details und die Farben richtig zur 

Geltung gekommen.

54 Grundlagen: Raw Der unverzichtbare Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Kombinieren von Raw-Dateien 

VON LUKE MARSH Wenn Sie Ihre Bilder mit der Kamera im Raw-Format aufnehmen, können Sie verborgene 

Details aus überbelichteten Bereichen der Szene wiederherstellen, beispielsweise einen hellen Himmel. Der 

Photoshop-Experte Luke Marsh zeigt Ihnen, wie Sie mit dem Raw-Konverter von Photoshop Elements zwei 

verschiedene Bilder mit verschiedenen Belichtungen aus derselben Raw-Datei erstellen und anschließend 

zusammenführen, um ein perfektes Ergebnis zu erhalten. In dieser einfach nachzuvollziehenden 

schrittweisen Übung werden Techniken angewendet, wie Belichtungskorrektur, Erstellung und Bearbeitung von Ebenen, 

Tonwertkorrektur, Steuerung der Schärfe mit dem Hochpassfi lter, Deckkrafteffekte und Farbkorrektur. Diese Technik ist 

besonders überzeugend, weil Sie hierbei nur mit Bilddaten arbeiten, die in der ursprünglichen Einzelaufnahme erfasst 

wurden. Hier wurde Elements 4.0 verwendet, aber neuere Versionen eignen sich ebenfalls. 

Wenn Sie noch nie mit dem Elements-Raw-Konverter gearbeitet haben, werden Sie 

1 beim Öffnen einer Datei zuerst einmal feststellen, dass das Bild im Raw-Steuerfenster 

(siehe oben) geöffnet wird. Für den ersten Schritt klicke ich einfach auf Öffnen und lasse die 

Einstellungen unverändert. Dann wähle ich Datei>Speichern unter und erstelle eine 

Photoshop-Datei (.psd), da wir mit Ebenen arbeiten werden. 

Ich habe jetzt zwei Dateien geöffnet. Eine enthält die Originalaufnahme, und die 

3 andere ist das neue unterbelichtete Bild. Ich aktivere die unterbelichtete Datei und 

wähle zunächst die Befehlsfolge Auswahl>Alles auswählen und dann 

Bearbeiten>Kopieren, um das Bild in die Zwischenablage zu setzen. Jetzt kann ich diese 

Datei schließen und mit der Befehlsfolge Bearbeiten>Einfügen dieses Bild in eine neue 

Ebene auf der Originaldatei platzieren. 

Jetzt muss der Horizont aufgeräumt werden. Also stelle ich das Radiergummi-Werkzeug 

5auf einen mittelgroßen Pinsel mit weicher Kante und einer Deckkraft von 55 Prozent ein 

und lösche nach und nach die Bereiche der neu belichteten Ebene, sodass die ursprüngliche 

Horizontaufnahme zum Vorschein kommt. Der leichte Verwischungseffekt zwischen den 

beiden Ebenen erzeugt eine neblige Wirkung, der die Stimmung des Bildes noch weiter 

verstärkt. 

Original 

2 Ich öffne die Original-Raw-Datei wieder, woraufhin erneut das Raw-Steuerfenster mit 

dem Bild aufgerufen wird. Dieses Mal verwende ich das Bedienelement Belichtung 

und bewege den Schieberegler nach links, um das Bild unterzubelichten, wodurch die 

Details im Himmelbereich auf dem Originalbild zurückgenommen werden. Ich bin mit dem 

Ergebnis zufrieden und klicke auf Öffnen, um das Bild in Elements zu übertragen. 

Nachdem die beiden Aufnahmen am gewünschten Ort sind, möchte ich den richtig 

4belichteten Vordergrund mit dem neu belichteten Himmel kombinieren. Ich aktivere die 

Himmelebene und wähle mit dem Auswahlrechteck-Werkzeug einen großen Bereich des 

Vordergrundes bis kurz vor dem Hintergrund. Mit der Befehlsfolge Bearbeiten>Löschen entferne 

ich den Bereich und betrachte den Effekt in der Ebenenpalettenvorschau (siehe Kasten). 

Die erste Ebene ist fertig. Zum Sichern meiner Arbeit wähle ich zunächst die Befehlsfolge 

6Ebene>Auf Hintergrundebene reduzieren und dann Datei>Speichern unter, um eine 

neue Datei zu erstellen. Wenn beide Ebenen zusammengeführt wurden, können einige 

allgemeine Verbesserungen vorgenommen werden. Ich wähle also die Befehlsfolge 

Überarbeiten>Beleuchtung anpassen>Tonwertkorrektur, um das Bild heller zu machen und 

die Defi nition zu verbessern. Dann klicke ich auf OK, um die Änderungen anzuwenden.

Fertiges Bild 

VORSICHT GEWITTERHIMMEL! 

Die Vorzüge, die Bilder im 

Raw-Format aufzunehmen, 

liegen auf der Hand: Sie können 

mehr Details wiederherstellen, 

als wenn Sie die Szene als 

JPEG-Datei fotografi ert hätten. 

Mit dem Hochpassfi lter können Sie Details wesentlich einfacher zur Geltung bringen 

7als mit dem Scharfzeichnungsfi lter. Um den Filter zu verwenden, wähle ich zunächst 

die Befehlsfolge Ebene>Ebene duplizieren, um das Originalbild beizubehalten. Dann 

wähle ich Filter>Sonstige Filter>Hochpass und stelle den Radius auf etwa 20 Pixel ein, 

bevor ich auf OK klicke. Ich ändere die Füllmethode in der Ebenenpalette auf Weiches 

Licht. 

Das Bild hat einen vorwiegend blauen Farbton, und ich würde in den Himmel gerne 

9einen anderen Ton aufnehmen. Mit dem Auswahlrechteck-Werkzeug wähle ich den 

Bereich über dem Horizont aus und verwende dann die Befehlsfolge Auswahl>Weiche 

Kante. Ich gebe den Wert 50 Pixel ein, um die Auswahl weicher zu machen. Dann wähle 

ich die Befehlsfolge Bearbeiten>Kopieren und anschließend Bearbeiten>Einfügen, um 

die Auswahl in eine neue Ebene zu platzieren. 

Wählen Sie noch einmal die Befehlsfolge Ebene>Auf Hintergrundebene reduzieren, 

8um bei Bedarf eine Kopie zu speichern. Jetzt mache ich mit dem Nachbelichter- 

Werkzeug (siehe Kasten rechts) mit einem großen Pinsel mit weicher Kante und einer 

Deckkraft von etwa 25 Prozent die Belichtung bestimmter Bereich dunkler, wodurch die 

Tiefenwirkung des Bildes verbessert wird. Ich konzentriere mich auf die Ränder des Bildes 

und baue den Effekt nach und nach auf. 

Ändern Sie die Füllmethode der neuen Ebene in Weiches Licht, und wählen Sie 

10 dann die Befehlsfolge Überarbeiten>Farbe anpassen>Farbton/Sättigung 

anpassen. Im Fenster klicke ich zunächst in das Feld Färben und sehe den Effekt sofort in 

der Vorschau. Schließlich passe ich die Schieberegler Farbton und Sättigung an, bis ich 

mit der Farbe zufrieden bin, und klicke dann auf OK.

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14 

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EINSCHRAUBFILTER 

Sie werden mit Hilfe des Filtergewindes, 

das sich an der Vorderseite der meisten 

Objektive befi ndet, befestigt. Sie bieten 

den Vorteil, dass sie aus optischem Glas 

von hoher Qualität gefertigt werden. 

Außerdem sind sie sehr klein und können 

so in ihren Schutzhüllen problemlos 

mitgenommen werden. Der Nachteil bei 

dieser Bauart ist, dass sie immer nur auf 

einen Objektivdurchmesser passen. Wenn 

also ihre Objektive unterschiedlich große 

Filtergewinde haben, brauchen sie mehrere 

Filter. Wenn Sie mehrere Filter gleichzeitig 

benutzen, riskieren Sie eine Vignettierung 

(dunkle Ecken auf Ihren Bildern). 

EINSCHUBFILTERSYSTEME 

Wenn Sie verschiedene Filter verwenden 

wollen oder über mehrere Objektive verfügen, 

ist ein Einschubsystem kosteneffektiver. 

Sie brauchen jeden Filtertyp nur einmal zu 

kaufen. Dieser wird dann in einen Halter 

eingeschoben, der wiederum mit einem 

Ring mit Gewinde in entsprechender Größe 

auf das Objektiv aufgeschraubt wird. Sie 

benötigen einen solchen Ring für jedes 

Objektiv, können aber den Halter für jeden 

Filter verwenden. Die meisten Einschubfi lter 

sind aus widerstandsfähigem Harz gefertigt. 

Das verfügt zwar über eine hohe optische 

Qualität, ist aber empfi ndlicher und verkratzt 

leichter als Glas. 

Grundlagen: Filter 57 


FILTER FÜR LANDSCHAFTSAUFNAHMEN 

EIN EINFACHER FILTER bietet wohl mehr kreative Möglichkeiten, um 

das Beste aus Ihrer digitalen Spiegelrefl exkamera herauszuholen, als 

jedes andere Zubehörteil. Wir alle sind uns der Tatsache bewusst, dass 

digitale Kameras eine tolle Möglichkeit bieten, wundervolle Bilder zu 

schaffen. Aber einige Fotografen wissen nicht, wie der Einsatz von Filtern 

ihre Bilder dramatisch verbessern kann. 

Wenn Sie sich die Arbeiten etablierter Fotografen anschauen, werden 

Sie feststellen, dass die meisten regelmäßig Filter wie Polfi lter oder 

Graufi lter einsetzen, um das bestmögliche Ergebnis zu erzielen. Es 

hat schon durchaus einen Grund, warum Fotografen, die sich der 

Landschaftsfotografi e verschrieben haben, so viel Zeit und Geld darauf 

verwenden, Filter zu benutzen: weil sie einfach bessere Resultate liefern. 

Dieser Abschnitt beschäftigt sich mit den wichtigsten Filterformaten und 

den Arten von Filtern, die Ihnen den meisten Nutzen bringen. Außerdem 

wird Ihnen hier erklärt, wie und wann Sie sie einsetzen sollten. In einer 

Zeit, in der jeder über Bildbearbeitungssoftware wie Adobe Photoshop 

verfügt, stellt sich natürlich auch die Frage, ob man überhaupt noch 

Filter verwenden muss. Unsere Antwort darauf ist ganz einfach: Ja. 

Lesen Sie weiter, und Sie werden herausfi nden, warum. 

CRAIG ROBERTS

58 Grundlagen: Filter 

Polfilter 

Wenn Sie nur einen einzigen Filter kaufen wollen, wählen Sie einen Polfi lter. Sie brauchen ihn 

einfach nur in seiner Fassung zu drehen und schon erwecken Sie Ihre Bilder zum Leben. Ein 

Polfi lter soll Blendlicht eliminieren, Refl exionen reduzieren und die Farbsättigung steigern. 

Polfi lter sind besonders bekannt für ihre Fähigkeit, einen blauen Himmel abzudunkeln. Sie sind 

aber auch ebenso nützlich um Refl exionen auf nichtmetallischen Oberfl ächen (insbesondere 

Wasser) und das Blendlicht von Laub zu reduzieren. 

Ein so angereicherter, blauer Himmel sieht nicht nur als Teil eines Landschaftsfotos sehr 

ansprechend aus, ein durch einen Polfi lter fotografi erter Himmel kann auch einen attraktiven 

Hintergrund darstellen. Versuchen Sie einmal, ein Gebäude, Menschen, Bäume oder Blumen vor 

einem mit Polfi lter gesättigtem Himmel zu fotografi eren. Das Ergebnis wird Sie umhauen. 

Um Ihnen verständlich zu machen, wie ein Polfi lter arbeitet, müssen wir jetzt ein wenig 

technisch werden. Grundsätzlich wird Licht in Wellenlängen übertragen. Licht strahlt in geraden 

Linien, die sich als Wellen in alle Richtungen und in allen Winkeln verbreiten. 

Wenn das Licht auf eine Oberfl äche trifft, wird ein Teil der Wellenlängen refl ektiert und ein 

anderer Teil wird absorbiert. Die absorbierten Wellenlängen des Lichts sind es, die die Farbe der 

Oberfl äche bestimmen. So refl ektiert ein rotes Objekt die roten Wellenlängen und absorbiert alle 

anderen. 

Bei polarisiertem Licht ist das anders. Es entsteht durch die Refl exion oder Streuung von 

Lichtwellen und strahlt in nur eine Richtung. Es sind diese Wellenlängen, die Blendlicht und 

Lichtrefl exe verursachen und die Farbintensität herabsetzen. Ein Polfi lter blockiert polarisiertes 

Licht und gibt dem Bild so Kontrast und Farbsättigung zurück. Polfi lter werden aus einer dünnen 

Folie polarisierenden Materials hergestellt. Dies wird zwischen zwei runde Glasscheiben gepresst 

und auf die Vorderseite Ihres Objektivs aufgeschraubt. Der vordere Teil der Fassung ist drehbar. 

Das beeinfl usst den Winkel der Polarisierung und hat zur Folge, dass die Menge des polarisierten 

Lichts, das durch das Objektiv fällt, verändert und somit die Stärke der Polarisierung kontrolliert 

werden kann. Wenn Sie durch den Sucher schauen (oder das LCD-Display mit LiveView 

benutzen) und gleichzeitig den Filter drehen, werden Sie feststellen, dass Lichtrefl exe auftauchen 

und wieder verschwinden und dass die Farbintensität stärker und dann wieder schwächer wird. 

Wenn Sie das Gefühl haben, dass Sie den bestmöglichen Effekt für die Szene oder das Objekt 

gefunden haben, hören Sie einfach auf, das Filter zu drehen. 

Bleibt noch eins zu sagen: Ein Polfi lter hat einen Filterfaktor von zwei Stufen. Die automatische 

Messung Ihrer Kamera berücksichtigt dies. Trotzdem sollten Sie im Hinterkopf behalten, wie 

dies Ihre Verschlusszeiten und Blendenöffnungen beeinfl usst. Wann immer Sie einen Polfi lter 

benutzen, sollten Sie Ihre Kamera auf ein Stativ stellen. So vermeiden Sie das Risiko von 

Verwacklungsunschärfe. 

Achtung! 

Wahl eines Polfilters: linear oder zirkular? 

Auf dem Markt sind zwei verschiedene Arten von Polfi ltern erhältlich: linear und 

zirkular. Nur der zirkulare Typ arbeitet richtig mit einer Spiegelrefl exkamera. Auch 

wenn beide Sorten physikalisch rund sind und ähnlich aussehen, wird die lineare 

Sorte die Genauigkeit des Messsystems Ihrer Kamera beeinfl ussen. Das liegt 

daran, dass digitale Spiegelrefl exkameras einen Teil des Lichts im Inneren der 

Kamera polarisieren. Wenn dieses Licht bereits von einem linearen Polfi lter 

polarisiert wurde, führt dies zu einem falschen Messergebnis. Zirkulare Polfi lter 

verfügen über eine Wellenverzögerungsschicht, die zulässt, dass das Licht, das 

hindurch fällt, sich dreht und dem Messsystem der Kamera unpolarisiert 

erscheint. Kaufen Sie also einen zirkularen Filter. 

Ohne Polfi lter Mit Polfi lter 

Machen Sie das Beste aus 

Lichtrefl exen 

Refl exionen können gut oder schlecht sein. 

Sanfte Hügel oder schneebedeckte Berge werden 

betont, wenn sie sich in der stillen, refl ektierenden 

Oberfl äche von Wasser spiegeln. Blendlicht 

hingegen, das von glänzenden, nichtmetallischen 

Oberfl ächen oder Glas refl ektiert wird, wie zum 

Beispiel bei einer Stadtlandschaft oder einem 

Wolkenkratzer, kann unattraktiv und ablenkend 

wirken. Ein Polfi lter kann dazu verwendet werden, 

Refl exionen entweder zu betonen – nämlich durch 

die Reduktion von Blendlicht auf Oberfl ächen 

– oder zu eliminieren. Die Stärke dieses Effekts 

hängt jedoch von dem Kamerawinkel zu der 

refl ektierenden Oberfl äche ab. Den stärksten Effekt 

erzielt man bei einem Winkel von 30 bis 45 Grad.

KEINE PANIK! 

So vermeiden Sie Probleme mit Polarisierung 

UNGLEICHMÄSSIGE POLARISIERUNG Die natürliche Polarisierung 

ist über den Himmel hinweg ungleichmäßig. Der maximale Effekt wird in 

einem Winkel von 90 Grad zur Sonne erzielt, der minimale Effekt bei 180 

Grad. Wenn Sie also Bilder aus bestimmten Winkeln aufnehmen, werden 

Sie feststellen, dass der Himmel in einem Bereich deutlich dunkler 

erscheint. Dieser Bereich enthält mehr polarisierte Wellenlängen. Dieser 

Effekt kann sehr merkwürdig aussehen und sollte vermieden werden. 

Brennweiten für Ultraweitwinkel (10 bis 14 mm) sind für dieses Problem 

sehr anfällig. Versuchen Sie, dies zu umgehen, indem Sie entweder ein 

Objektiv mit einer großen Brennweite benutzen oder Ihren Kamerawinkel 

verändern. Wenn dies jedoch nicht praktikabel ist, versuchen Sie, einen 

Graufi lter in einem solchen Winkel zu positionieren, dass er die helleren 

Bereiche des Himmels fi ltert. Dies ist zwar auch kein Allheilmittel, kann 

den Effekt aber stark reduzieren. 

ÜBERPOLARISIERUNG Ein tiefblau polarisierter Himmel kann sehr 

ansprechend aussehen, aber man kann diesen Effekt auch übertreiben. 

In einigen Situationen ist ein Polfi lter überhaupt nicht notwendig, in 

anderen braucht es nur eine teilweise Polarisierung, um das bestmögliche 

Ergebnis zu erzielen. Wenn der Effekt zur stark ist, kann der Himmel fast 

schon schwarz wirken. Das sieht unnatürlich aus und das Bild wirkt nicht 

mehr ästhetisch. Benutzen Sie also die Bildwiedergabe, um den Effekt zu 

überprüfen und die Einstellung des Filters entsprechend anzupassen. 

Ungleichmäßige Polarisierung 

Polarisierende Ergebnisse 

Wie Sie sehen, erzielt der Polfi lter eine höhere 

Farbsättigung und einen besseren Kontrast. 

Dies ist einer der Gründe, warum er für 

Landschaftsfotografen unverzichtbar ist. 

ALLE FOTOS: ROSS HODDINOTT

60 Filter 

KEIN GRAUVERLAUFSFILTER 

Verlaufsfilter 

Verlaufsfi lter sind zur Hälfte beschichtet und zur Hälfte 

klar, mit einem fl ießenden Übergang in der Mitte 

zwischen den beiden Zonen. Es gibt zwei bestimmte 

Arten von Verlaufsfi ltern: Grau- (ND) und Farbverlaufsfi lter. 

Grauverlaufsfi lter dunkeln einen strahlenden Himmel ab 

und senken den Kontrast, während die farbige Variante 

einem ansonsten faden, nichts sagenden Himmel einen 

Hauch Farbe verleihen soll. 

Graufi lter absorbieren alle Farben des sichtbaren Spektrums 

zu gleichen Teilen, ohne dem Bild dabei einen Farbstich 

zu verleihen. Das ist notwendig, da der Helligkeitskontrast 

zwischen Himmel und Erde oftmals größer ist als der 

Kontrastumfang des Sensors, was es unmöglich macht, 

eine korrekt belichtete Szene einzufangen. 

Sie sind einzeln oder in einem Set mit unterschiedlichen, an 

verschiedene Bedingungen angepassten Stärken erhältlich. 

Ihre Stärke oder Dichte, wird auf dem Filter angegeben: 0,3 

entspricht einer Belichtungsreduktion um eine Stufe, 0,6 

einer Reduktion um zwei Stufen und 0,9 einer Reduktion 

um drei Stufen. Grauverlaufsfi lter sind sowohl mit hartem, 

als auch mit weichem Übergang erhältlich. 

Weiche Grauverlaufsfi lter verfügen über einen größeren 

Übergangsbereich und bieten so einen weicheren 

Übergang von dem beschichteten Teil des Filters zum 

unbeschichteten. Ein harter Grauverlaufsfi lter dagegen 

hat einen plötzlicheren Übergang. Beide Arten sind 

nützlich. Weiche Grauverlaufsfi lter sind besser dazu 

geeignet, Landschaften mit unterbrochenem Horizont zu 

fotografi eren, weil sie Objekte wie Gebäude oder Bäume 

nicht merklich abdunkeln. Harte Grauverlaufsfi lter dagegen 

Achtung! 

0,3 GRAUVERLAUFSFILTER 

Richten Sie Ihr Verlaufsfilter aus 

Bei der Verwendung von Verlaufsfi ltern ist ein Einschubhalter wie das Cokin 

P System unabdingbar. Runde Verlaufsfi lter zum Einschrauben gibt es zwar, 

sie sind aber nur sehr eingeschränkt anwendbar. Das liegt daran, dass hier, 

anders als beim Einschubfi lter, die Position der Verlaufszone nicht so nach 

oben oder unten verschoben werden kann, dass Sie Ihrem Bildaufbau 

entspricht. Sie haben so nur begrenzte künstlerische Möglichkeiten. Ein 

weiterer Vorteil des Halters ist, dass man ihn beim Fotografi eren eines 

abschüssigen Horizonts entsprechend schräg ausrichten kann. So 

vermeidet man, dass sich die Verlaufszone des Filters mit dem Vordergrund 

überschneidet, was einen Teil der Szene künstlich abdunkeln bzw. einfärben 

würde. Auch zum Abmildern ungleichmäßiger Polarisation kann es hilfreich 

sein, den Verlaufsfi lter schräg zu positionieren. Allerdings sollte man 

beachten, dass die Schrägstellung des Halters bei Weitwinkelobjektiven das 

Risiko der Vignettierung (dunkle Stellen in den Bildecken) erhöht. 

Kontrollieren Sie also Ihre Bilder immer sowohl durch den Sucher, als auch 

über das LCD-Display. 

sind so ausgelegt, dass die volle Kraft Ihrer spezifi zierten 

Dichte sich über einen größeren Teil des beschichteten 

Bereichs erstreckt, und es Ihnen somit ermöglicht, 

die Helligkeit des Himmels mit größerer Genauigkeit 

abzudunkeln. 

Farbverlaufsfi lter sind zwar in der alltäglichen Fotografi e 

nicht unbedingt erforderlich, haben aber trotzdem ihren 

Platz. Bis zu einem gewissen Maße senken auch sie den 

Kontrast, aber sie spielen nicht die gleiche, praktische Rolle, 

wie ein Grauverlaufsfi lter. Ihr eigentlicher Zweck ist der 

kreative Effekt. Es gibt eine große Bandbreite verschiedener 

Farben, von subtilen Schattierungen von Blau, Korallenrot 

und Orange bis hin zu dem künstlichen Look von Rot, 

Pink oder Tabakbraun. Einige, wie der komplett eingefärbte 

Sonnenuntergangsfi lter, verfügen über gar keinen klaren 

Bereich. Stattdessen verläuft der gesamte Filter von einem 

starken bis hin zu einem schwachen Farbton. 

Farbverlaufsfi lter mögen nichts für Puristen sein, aber 

kombiniert mit einer passenden Szene können Sie dazu 

beitragen, ein auffälliges Ergebnis zu erzielen. Seien Sie 

jedoch gewarnt. Farbverlaufsfi lter sollten nur mit Bedacht 

und in Maßen eingesetzt werden. Benutzen Sie nur dann 

einen solchen Filter, wenn dessen Effekt das Bild, das Sie 

einfangen möchten, wirklich verbessert. Im Zweifelsfall 

nehmen Sie ein zusätzliches Bild ohne Filter auf. Außerdem 

sollten Sie auf die richtige Platzierung achten. Wenn Sie 

den Filter im Halter zu weit nach unten schieben, erstreckt 

sich der beschichtete Bereich des Verlaufsfi lters über den 

Vordergrund und ruiniert den realistischen Anspruch Ihres 

Bildes. 

Schräg ausgerichteter Verlaufsfilter 


GRAUVERLAUFSFILTER 

0,6 

Graufilter vs. Grauverlaufsfilter? 

Graufi lter, auch ND-Filter (Neutraldichte, 

engl. neutral density) genannt, arbeiten 

nach einem ähnlichen Prinzip wie 

Grauverlaufsfi lter. 

Anders als beim Grauverlaufsfi lter ist 

jedoch der gesamte Filter beschichtet. 

Sein Zweck ist es, die Menge des 

Lichts, die durch das Objektiv fällt, 

einzuschränken. Deswegen muss, wenn der Filter 

aufgesteckt, die Verschlusszeit aber beibehalten 

wird, eine größere Blende gewählt werden, um 

eine korrekte Belichtung zu gewährleisten. Damit 

können Sie die Tiefenschärfe reduzieren und 

kontrollieren, wie viel von einer Szene unscharf 

erscheint. 

Alternativ muss, wenn die Blende beibehalten 

wird, eine längere Verschlusszeit gewählt werden, 

wenn die Szene korrekt beleuchtet werden soll. 

Das kann dazu beitragen, bewegtes Wasser bei 

längeren Belichtungszeiten unscharf abzubilden. 

Graufi lter sind sowohl in der Einschub-, als auch in 

der Einschraubvariante erhältlich, ebenso in 

ansteigender Stärke (Dichte). Sie können zwar 

auch dazu benutzt werden, zu große Helligkeit 

auszugleichen – in Situationen, wo man eine 

größere Blende benutzen möchte, als das Licht 

oder die Kamera zulassen, aber gewöhnlich 

benutzen Landschaftsfotografen einen Graufi lter, 

um Bewegung, insbesondere die von Wasser, zu 

betonen. bt bet betone one onen. n. 

MARK BAUER ROSS HODDINOTT

0.9 GRAUVERLAUFSFILTER 

Belichtungsmessung mit Verlaufsfiltern 

Um in den vollen Genuss des Effekts eines Verlaufsfi lters 

zu kommen, empfehlen wir, die Belichtungsmessung 

durchzuführen und zu sichern, bevor Sie den Filter 

einschieben, und nicht erst dann messen, wenn der 

Filter bereits an Ort und Stelle ist. 

Ergebnisse mit 

Grauverlaufsfilter 

Der Himmel ist in einer Szene wie dieser um 

einige Stufen heller als die im Schatten liegenden 

Felsen im Hintergrund. Ein Grauverlaufsfi lter 

gewährleistet, dass beide Bereiche detailliert 

abgebildet werden.

62 Filter 

EXPERTENSEMINAR 

ND Verlaufsfilter und Photoshop 

Ein ND-Verlaufsfi lter dunkelt den Himmel ab und liefert ein ausbalancierteres 

Bild. Trotzdem kann in gewissen Szenen eine Nachbearbeitung notwendig sein. 

MIT MARK BAUER Eine der größten technischen Herausforderungen in der 

Landschaftsfotografi e ist es, den Kontrast in einer Szene so kontrollieren zu 

können, dass man sowohl im Himmel, als auch in der Landschaft Details akkurat 

aufnehmen kann. Oftmals ist der Himmel deutlich heller als die Landschaft, 

und der Kontrast in der Szene liegt jenseits dessen, was der Sensor der Kamera 

aufnehmen kann. Das führt dann entweder zu einem gut belichteten Himmel und einem 

unterbelichteten Vordergrund, oder umgekehrt. Dies kann man gewöhnlich umgehen, indem 

man einen Neutraldichte-Grauverlaufsfi lter (ND) benutzt. Diese Filter sind genial einfach: sie 

sind oben dunkel und unten klar und alles, was Sie tun müssen, ist, die dunkle Hälfte über 

den helleren Bereich des Bildes zu positionieren, und den Kontrast zwischen den hellen und 

dunklen Bereichen so zu reduzieren, dass Sie sowohl den Vordergrund, als auch den Himmel 

detailliert abbilden können. Das einzige Problem dabei ist, dass die Trennlinie zwischen 

dem dunklen und dem hellen Bereich eines ND Verlaufsfi lters gerade verläuft, und nicht alle 

Landschaften haben einen geraden Horizont. Oftmals wird der Horizont durch ein Objekt wie 

einen Baum, einen Hügel oder ein Gebäude unterbrochen, und das Filter kann eine unnatürlich 

wirkende Abdunkelung im oberen Bereich dieser Objekte hervorrufen. Hilfe ist jedoch nahe, 

denn meistens ist es in der Nachbearbeitung möglich, das Foto zu retten. Im Folgenden erkläre 

ich Ihnen, wie Sie einen ND Verlaufsfi lter verwenden und dessen Effekt von bestimmten 

Bereichen auch wieder entfernen. 

Nachdem ich kurz vor der Morgendämmerung in Portland in Dorset angekommen war, nahm 

1 ich eine Punktmessung von den Felsen im Vordergrund und dem Himmel vor und stellte fest, 

dass der Helligkeitsunterschied ungefähr vier Rasten betrug. Obwohl dies noch im Kontrastumfang 

des Sensors liegt, sind die Details im Schatten doch ein wenig undeutlich. Dies in der 

Nachbearbeitung zu beheben könnte zu Bildrauschen führen. 

Da ich ja einen Unterschied von vier Rasten zwischen dem Himmel und den Felsen ermittelt 

2 hatte, wählte ich einen ND Verlaufsfi lter mit drei Rasten, weil dies den Himmel ein wenig 

heller abbilden würde, als den Vordergrund. Als nächstes musste ich zwischen einem weichen 

und einem harten Verlaufsfi lter wählen (siehe Schaubild). Weiche Verlaufsfi lter sind nicht immer 

die beste Wahl für ein Meerespanorama, da der hellste Bereich der Szene sich oft am Horizont 

entlang zieht. Ich entschied mich also für einen harten Verlaufsfi lter. 

Der unverzichtbare Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Die Verwendung des harten Verlaufsfi lters hat zu einer viel gleichmäßigeren 

3 Belichtung geführt, aber es gibt ein Problem. Die obere Hälfte des Leuchtturms, wo 

der Filter ihn abschneidet, ist etwas zu dunkel. Der Effekt ist zwar nur sehr subtil, aber er 

ist defi nitiv vorhanden, und das sieht einfach nicht natürlich aus. Zum Glück kann dieses 

häufi g vorkommende Problem mit etwas Arbeit in der Nachbearbeitung ganz einfach 

behoben werden.


Mit dem Werkzeug Magnetisches Lasso in Photoshop wählte ich die dunklere, obere 

4 Hälfte des Leuchtturms, so dass ich den problematischen Bereich bearbeiten konnte, 

ohne irgendeinen anderen Bereich des Bildes in Mitleidenschaft zu ziehen. Ich beschloss, 

keine weiche Auswahlkante auf meinen markierten Bereich anzuwenden, weil ich 

befürchtete, dass dies nach dem Aufhellen eine Art „Heiligenschein“ um den Leuchtturm 

herum hinterlassen würde 

Filter 63 

ACHTUNG, TECHNIK! 

Harte und weiche 

Verlaufsfilter 

Neutraldichte-Verlaufsfi lter sind in 

zwei Varianten erhältlich: hart und 

weich. Harte Verlaufsfi lter verfügen 

über einen sehr offensichtlichen und 

plötzlichen Übergang von dem 

dunklen zum klaren Bereich, 

wohingegen weiche Verlaufsfi lter 

einen deutlich langsameren Übergang 

haben. 

Harte Verlaufsfi lter sind besonders 

nützlich in Situationen, wo der 

Horizont relativ gerade verläuft und 

nicht durch irgendwelche großen 

Objekte unterbrochen wird. Bei einem 

ungleichmäßigen Horizont hingegen 

sind weiche Verlaufsfi lter die bessere 

Wahl. 

Wenn Sie eine Szene mit einem 

geraden Horizont bei Sonnenauf- oder 

-untergang fotografi eren wollen, 

sollten Sie sich ebenfalls für einen 

weichen Verlaufsfi lter entscheiden, da 

der Horizont den hellsten Bereich der 

Szene darstellt und ein weichet 

Verlaufsfi lter an dieser Stelle nicht 

genug Licht zurückhält. 

Was kann man also tun, wenn man 

eine Szene bei Sonnenaufgang oder 

Sonnenuntergang fotografi eren 

möchte, bei der ein großes Objekt wie 

ein Baum oder ein Gebäude den 

Horizont unterbricht? Lesen Sie hier, 

wie Sie dieses Problem lösen können. 

Fertiges g Bild 

Dies ist mein Endergebnis. Es zeigt 

deutliche Details und Farben, sowohl 

im Himmel, als auch im Vordergrund, 

und einen natürlich wirkenden 

Leuchtturm ohne einen dunklen 

Bereich in der oberen Hälfte. 

Es gibt verschiedene Möglichkeiten, Bilder aufzuhellen oder abzudunkeln, wie zum 

5 Beispiel Gradationskurven und Tonwertkorrektur, aber für diese Markierung entschied 

ich mich, das Werkzeug Abwedler zu verwenden, weil ich damit den Effekt nach und nach 

auftragen und in den Bereichen, wo es notwendig war, verstärken konnte. Den 

Belichtungswert setzte ich auf 10 %. Dies ermöglichte es mir, meine Auswahl sukzessive 

aufzuhellen.

64 Grundlagen: Filter Der unentbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

So fügen Sie einen digitalen 

Verlaufsfi lter hinzu 

VON LUKE MARSH In Photoshop können Sie den Effekt eines Verlaufsfi lters nachempfi nden und so innerhalb weniger Minuten 

eine ganze Reihe von Effekten schaffen. Unser Photoshop-Experte Luke Marsh erklärt, wie Sie einen erstaunlichen Verlaufsfi lter- 

Effekt kreieren, indem Sie Einstellungsebenen verwenden, so dass die Effekte so lange wiederholt und angepasst werden 

können, bis die Kombination der Ebenen mit dem Originalbild perfekt ist. In diesem einfach zu befolgenden Schritt-für-Schritt- 

Seminar macht Luke Sie mit Einstellungsebenen, dem Fülltyp Farbverlauf, der Bearbeitung des Verlaufs, dem Farbwähler, den 

Füllmethoden und dem Foto-Stimmungsfi lter vertraut. Photoshop ist keine Alternative zu optischen Filtern, es ist ein zusätzliches 

Instrument. Benutzen Sie es, um Bilder zu erschaffen, die vor Ort nicht möglich sind, oder wenn Sie Ihren Verlaufsfi lter vergessen 

haben. Hier wurde Photoshop Elements 4.0 benutzt, aber das Seminar ist natürlich auf spätere Versionen übertragbar. 

Das Ziel ist, einen ähnlichen Effekt wie mit einem konventionellen Verlaufsfi lter zu 

1 kreieren, stattdessen aber eine Reihe digitaler Verlaufsebenen zu verwenden. Ich 

erstelle meinen ersten Verlauf, indem ich auf das Icon Neue Einstellungsebene ( ), 

klicke, das sich im oberen Bereich der Registerkarte Ebenen befi ndet, und zu Verlauf 

scrolle. Nun öffnet sich das Fenster Verlaufsfüllung. 

Die Regler unter dem Verlauf kontrollieren die Farbe, der linke repräsentiert schwarz. 

3 Klicken Sie auf den schwarzen Regler und sehen Sie, dass die Farbe nun in dem 

Kontrollfeld unten erscheint. Wenn Sie dieses wiederum anklicken, öffnet sich das 

Unterfenster Endfarbe wählen. Verwenden Sie das vertikale Spektrum (Mitte) sowie das 

Hauptfenster (links), um die gewünschte Farbe auszuwählen. Dann klicken Sie auf OK. 

Es ist oftmals notwendig, mehr als eine Verlaufsebene zu erstellen, um den Filtereffekt 

5aufzubauen. Hier wiederhole ich die Schritte 1 und 2 und schaffe so einen Verlauf von 

Schwarz zu Weiß. Anschließend wähle ich aus dem Menü Füllmethoden den Befehl 

Weiches Licht und reduziere die Deckkraft der Ebene (siehe Kasten). So schaffe ich einen 

natürlichen Abdunkelungseffekt, der ganz einfach angepasst werden kann. 

Original 

2 Im Fenster Verlaufsfüllung klicken Sie nun das Kontrollkästchen Umkehren an, so dass 

der Verlauf sich von oben nach unten erstreckt, nun klicken Sie auf irgendeinen Punkt im 

Verlaufsfeld (im oberen Bereich), um das Unterfenster Verläufe bearbeiten zu öffnen. Die 

Schieberegler oberhalb des sichtbaren Verlaufs kontrollieren die Deckkraft, und wenn Sie den 

weißen Regler verschieben, verstärken Sie den Transparenzfaktor des Verlaufs. 

Klicken Sie nun im nachfolgenden Fenster ebenfalls auf OK, um den Verlauf 

4anzuwenden, dann wählen Sie aus dem Füllmethoden-Menü im oberen Bereich der 

Registerkarte Ebenen (siehe Kasten) den Befehl Multiplizieren, um eine natürlichere 

Verschmelzung des Farbverlaufs mit dem Originalbild zu erreichen. Dieser Verlauf kann 

jederzeit in einer neuen Bearbeitungsebene verändert werden, indem man ihn einfach 

aus der Registerkarte Ebenen anwählt. 

Die letzte Verlaufsebene soll den Felsen einen subtilen Abfall verleihen und aus dem 

6Bild hinaus zum unteren Ende des Bildausschnittes führen. Noch einmal 

wiederhole ich die Schritte 1 und 2, diesmal klicke ich das Kontrollkästchen Umkehren 

jedoch nicht an, so dass der Verlauf sich von unten nach oben erstreckt. Noch einmal 

wähle ich aus den Füllmethoden den Befehl Weiches Licht und reduziere die Deckkraft.

Der Feinschliff mit Filter>Einstellungen>Fotofi lter 

7 

Photoshop Elements und CS verfügen über Stimmungsfi lter, die den Grundton Ihres Bildes verändern 

können, so, als ob Sie ein farbiges Gel oder einen Filter auf Ihrer digitalen Spiegelrefl exkamera benutzt 

hätten. Diese nützliche Option fi nden Sie im Hauptmenü unter Filter>Einstellungen>Fotofi lter. Sie verfügt über 

verschiedene voreingestellte Filter wie Warmfi lter, Kaltfi lter und Sepia. Sie können aber auch über die 

Farbauswahl manuell fi ltern. Die Intensität des gewählten Farbtons kann dann über den Schieberegler Farbdichte 

angepasst werden. Dies ermöglicht sehr subtile Effekte und verleiht Ihnen viel bessere Kontrolle, als ein optischer 

Objektivfi lter. Wenn Sie die Farbverläufe Ihres Fotos zu Ihrer Zufriedenheit angepasst haben, ist es durchaus wert, 

einige dieser Effekte auszuprobieren, und zu schauen, ob man das Bild noch weiter verbessern kann. 

OBEN: Wählen Sie aus einer Reihe von voreingestellten Filtern, die 

Sie in dem Menüpunkt Fotofi lter fi nden, oder benutzen Sie die 

Farbauswahl, um Ihren persönlichen Filter zu erstellen. 

RECHTS: ENDGÜLTIGE FARBAUSWAHL Ich war zwar mit den 

Ergebnissen meines Verlaufsfi ltereffekts zufrieden, aber ich fand 

trotzdem, dass das Bild mit Hilfe der Funktion Fotofi lter noch weiter 

verbessert werden konnte. Nach einigem Herumexperimentieren 

stellte ich fest, dass mir der voreingestellte Dunkelblau-Filter bei 

einer Farbdichte von ungefähr 60 Prozent am besten gefi el, weil er 

die Grundstimmung des Bildes etwas kühler machte, was für 

meinen Geschmack besser zu der Szene passte. 

Kaltfilter 

Warmfilter 

Violett Smaragdgrün 

Fertiges Bild 

ERFOLGREICH VERLAUFEN 

Mit nur ein paar Minuten 

Arbeit in Photoshop ist es mir 

gelungen, dem unscheinbaren 

Himmel mehr Bedeutung zu 

verleihen. 

Endgültige Farbauswahl


WASSER IN 

LANDSCHAFTSAUFNAHMEN 

WASSER IST EINE DER LEBENSGRUNDLAGEN und kann außerdem als 

Schlüsselelement für eine erfolgreiche Landschaftsfotografi e dienen. Die Briten, die 

ja auf einer Insel leben (wenn auch einer sehr großen!) können in jede 

Himmelsrichtung fahren und werden früher oder später an der Küste landen, dem 

Lieblingsschauplatz der meisten britischen Fotografen. Aber auch auf dem 

europäischen Kontinent hat man es zur Küste nicht immer weit. Je nachdem wo 

man sich befi ndet, kann man das Meer als Hintergrund benutzen, um alle 

möglichen vordergründigen Motive abzulichten, von Gezeitentümpeln bis zum 

Sandstrand oder zerfurchten Klippen. 

Natürlich gibt es auch viele andere Gewässer, die Sie bei Ihren Landschaftsaufnahmen 

nutzen können: Seen, Bäche, Flüsse und Wasserfälle bieten ebenfalls 

eine Reihe von kreativen Möglichkeiten, die es zu entdecken gilt und bei denen 

ganz eigene Herausforderungen bezwungen werden müssen. Zum einen geht es 

darum, die besten Blickwinkel und die beste Tageszeit zu fi nden, um Wasser in 

Landschaften zu fotografi eren. Andererseits müssen Sie ganz besonders auf die 

Belichtung achten und, falls sich das Wasser bewegt, auf die Wahl der 

Verschlussgeschwindigkeit. 

Wir haben die besten Landschaftsfotografen Mitteleuropas gewonnen, ihr 

Fachwissen und ihre Techniken beim Fotografi eren von Wasser in Landschaften mit 

uns zu teilen. Prall gefüllt mit praktischen Tipps wird unser Leitfaden Ihnen helfen, 

Ihre Landschaftsfotografi e zu verbessern und Ihnen das nötige Selbstbewusstsein 

vermitteln, um bessere Bilder zu produzieren.

68 Grundlagen: Wasser in Landschaftsaufnahmen Der unverzichtbare Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Die Grundlagen, um Wasser in 

Landschaften zu fotografi eren 

Machen Sie sich bereit, in die freie Natur zu ziehen, um atemberaubende Szenen 

abzulichten, indem Sie sicherstellen, dass Sie die besten Techniken kennen und die 

richtige Ausrüstung dabei haben. 

IST IHNEN SCHON MAL AUFGEFALLEN, dass die Mehrzahl 

der atemberaubenden Landschaftsbilder gewöhnlich eine 

Art von Wasser in der Szene beinhaltet? Ganz gleich ob auf 

ganz dezente Art ein kleiner Fluss durch das Bild rieselt, oder 

ganz offensichtlich das dominierende Meer in einer 

Küstenlandschaft zu sehen ist – Wasser ist bei vielen 

Landschaftsaufnahmen ein Schlüsselelement. 

Einer der Hauptgründe dafür ist, dass es sich bei Wasser um 

ein für fotografi sche Zwecke wirklich formbares Element 

handelt. Indem man Filter einsetzt und/oder die 

Belichtungszeit manipuliert, kann man Wasser auf alle 

möglichen Arten aufzeichnen, vom Einfrieren der Bewegung, 

so dass Tropfen mitten in der Luft festgehalten werden, bis 

hin zum Einsatz von langen Belichtungszeiten, um es in 

einen ätherischen Nebel zu transformieren. Die refl exiven 

Eigenschaften des Wassers können potenziell Probleme mit 

Die Wahl der Belichtungszeit 

Die Belichtungszeit, mit der Sie Wasser fotografi eren, hängt 

von einer Reihe von Faktoren ab: Ob es sich bewegt, wie 

schnell es sich bewegt, wie viel es davon gibt und ob Sie 

möchten, dass es in der Bewegung innehält oder dass es 

verschwimmt. Bei großen Wasserfällen und sich brechenden 

Wellen garantiert Ihnen eine Belichtungszeit von 1/1000 

bis 1/2000 Sekunde, dass jeder Tropfen eingefroren wird. 

Bei schnell fl ießenden Flüssen und kleineren Wasserfällen 

wie dieser hier, sollten Sie es mit 1/200 bis 1/500 Sekunde 

probieren. Und bei langsamen Flüssen und Bächen 

reicht auch eine Belichtungszeit von 1/125 bis 1/250 

Sekunde. Wenn das Wasser verschwimmen soll, hat eine 

Belichtungszeit von einer Sekunde einen guten Effekt bei 

großen Wasserfällen. Und bei kleineren Wasserfällen sollten 

Sie es mit zwei Sekunden probieren. Flüsse und Bäche 

brauchen eine längere Belichtungszeit von zwei bis vier 

Sekunden, aber Sie können auch noch viel länger belichten – 

10 bis 20 Sekunden, wenn Sie mögen. Wenn große Mengen 

Wasser sich an bestimmten Stellen konzentrieren, kann 

Überbelichtung zu einem Problem werden, daher sollten 

Sie das Histogramm im Auge behalten und eine längere 

Zeit wählen, wenn Sie die hellen Punkte herausschneiden 

möchten. Bei Küstenlandschaften verschwimmen Wellen bei 

einer Belichtungszeit von ein bis zwei Sekunden, während 20 

bis 30 Sekunden einen „milchigen“ Effekt erzeugen. 

der Belichtung verursachen, aber sie spielen auch eine 

wichtige Rolle bei der Verbesserung der Bilder. An Tagen, an 

denen es nur wenig oder überhaupt keinen Wind gibt, kann 

man an einem See, einer Talsperre oder jedem anderen 

größeren Gewässer beachtliche Ergebnisse erzielen, indem 

man eine klare Spiegelung der Landschaft auf der Oberfl äche 

einfängt. Und es gibt noch mehr Möglichkeiten: Flüsse 

können zu starken Führungslinien beim Bildaufbau der 

Landschaft werden, oder sie können, genau wie 

Gezeitentümpel und sich durch Steine schlängelnde 

Strömungen, sehr effektive Vordergrundmotive bilden. 

Die Liste ist endlos, aber in diesem Teil zeigen wir Ihnen das 

Wesentliche, das Sie wissen müssen, um Wasser in 

Landschaften zu fotografi eren und mit brillanten Ergebnissen 

zurückzukommen. Worauf warten Sie noch, lesen Sie weiter 

und probieren Sie es aus! 

1/60 Sek. 

1/20 Sek. 0,4 Sek. 

Notwendige Ausrüstung 

Weitwinkelzoom: 

Ein Ultraweitwinkelzoom 

wie 12-24 mm oder ähnlich 

ist ideal, da Sie damit den 

Vordergrund mit Wasser füllen 

können und viel Tiefenschärfe 

bei Szenen erzielen können, 

die komplett scharf sind. Das 

10-20 mm Objektiv von Sigma ist extrem populär 

wegen seiner exzellenten Leistung und dem guten Preis- 

Leistungs-Verhältnis. 

Wasserwaage: Wenn 

Ihr Stativ eine Wasserwaage 

besitzt, nutzen Sie diese, 

um sicherzustellen, dass der 

Horizont eben ist – Sie wollen 

doch nicht Ewigkeiten damit 

verbringen, dies in Photoshop 

wieder auszugleichen. 

Ansonsten kaufen Sie eine einfache Wasserwaage für rund 

12 Euro, die Sie an den Blitzschuh montieren können, oder 

gönnen Sie sich die digitale Wasserwaage „Seculine Action 

Level“ für 39,99 Euro (www.enjoyyourcamera.com). 

Filter: Wenn Sie ernsthafte 

Landschaftsfotografi e 

betreiben möchten, sollten 

Sie in ein Filtersystem mit 

einschiebbarem Filterhalter 

investieren. Das P-System von 

Cokin (www.enjoyyourcamera. 

com) bietet ein günstiges 

Preis-Leistungs-Verhältnis. Wenn Sie großen Wert 

auf die Qualität legen, schauen Sie sich das tolle 100 

mm System von Lee Filters an – die Wahl der Profi s 

(www.leefi lters.com). Mit einem Polfi lter können Sie 

blaue Himmel noch deutlicher hervorheben und eine 

klare Spiegelung der Wasseroberfl äche produzieren. 

Einen 0,6- oder 0,9-Graufi lter sollten Sie ebenfalls in 

Betracht ziehen, da Sie damit bei Tageslicht mit langen 

Belichtungszeiten arbeiten können, um fl ießendes Wasser 

zu verwischen. 

Stativ: Bei 

Wasseraufnahmen achten Sie 

auf kleine Blenden, um die 

Tiefenschärfe zu maximieren. 

Die langen Belichtungszeiten 

erfordern, dass die Kamera 

stabil bleibt, damit nichts 

verwackelt. 

Fotorucksack: Wenn 

Sie viele Kilometer laufen 

müssen, ist ein Fotorucksack 

weit besser geeignet, Ihre 

Ausrüstung zu schützen als 

eine herkömmliche Fototasche. 

Solche mit Allwetterbezug 

bieten einen größeren Schutz 

vor Wasser und den Elementen. Wir stellen Ihnen weiter 

hinten eine Reihe von tollen Rucksäcken vor. 

Kleidung: Nichts ist 

schlimmer als in einen Fluss zu 

fallen und den Rest des Tages in 

nassen Klamotten verbringen zu 

müssen. Tragen Sie anständiges 

Schuhwerk und ziehen Sie 

wasserfeste Regenhosen oder 

Gamaschen in Betracht, da Sie 

damit in Flüsse hineingehen können und dabei trocken 

bleiben.

Fotografi eren Sie Wasser, so wie es richtig ist! 

Dramatische Küstenlandschaften sind der perfekte Ort, um die 

Theorie in die Praxis umzusetzen, wenn es darum geht, Landschaften 

mit Wasser zu fotografi eren. Befolgen Sie unsere Ratschläge zur 

Ausrüstung, probieren Sie die Techniken aus, und nehmen Sie die 

richtigen Einstellungen vor, dann werden Sie schon bald 

Landschaftsaufnahmen wie ein Profi machen. 

HELEN DIXON

ADAM BURTON ADAM BURTON 

70 Grundlagen: Wasser in Landschaftsaufnahmen 

Wasser und Bildaufbau 

Sie müssen nicht weit reisen, um Wasser zu fi nden. In hügeligen Gegenden gibt es relativ 

häufi g Wasserfälle, während Flüsse und Bäche sich durch unser ganzes Land ziehen. In 

Städten und Großstädten kann man oft Wasserstraßen und Kanäle fi nden und größere 

Gewässer wie Seen, Maare und Talsperren fi ndet man überall. 

Besonders in Großbritannien ist man nie weit weg von der Küste und das Meer bietet 

Fotografen eine große Anzahl von Gelegenheiten. Sie bildet die perfekte Kulisse für Sand- oder 

Felsbuchten und raue Klippen. Während das Meer selbst an ruhigen Tagen fotogen ist, ist es 

bei rauem, stürmischen Wetter höchstdramatisch, wenn große, brechende Wellen Energie 

und Bewegung an die Küstenlandschaften bringen. Ein Fluss, der seinen Weg durch Ihren 

Bildaufbau windet, führt das Auge durch das Bild - und erhöht damit effektiv die Tiefe und 

die Spannung des Fotos. Bäche und Flüsse sind die perfekten Motive, um S-Kurven oder 

Führungslinien zu erzeugen. Kleine Pfützen können ebenfalls den Bildaufbau unterstützen, 

da sie ideale Vordergrundmotive bilden. So sind zum Beispiel die fl achen Gezeitentümpel, die 

sich bei Ebbe zeigen, höchst fotogen. Sie können dem Bild ein Gefühl von Dreidimensionalität 

geben, wenn Sie ganz nah herangehen und mit einem Weitwinkelobjektiv fotografi eren, um die 

Kurven und Refl exionen zu betonen. 

Wasser ist hervorragend geeignet, das Hauptmotiv zu sein. Ein Weitwinkelobjektiv, wie ein 

11-22 mm, zusammen mit einem niedrigen Blickwinkel nah an der Oberfl äche eines Flusses, 

erzeugt den Eindruck, dass das Wasser praktisch in die Kamera herein fl ießt – aber machen Sie 

das nur, wenn es wirklich sicher ist. Um eine maximale Schärfe sicher zu stellen, achten Sie 

auf ausreichend Tiefenschärfe, indem Sie eine kleine Blende wie z.B. f/13 bis16 wählen und 

den Fokus etwa ein Drittel in die Szene hinein verlagern. Nutzen Sie den LCD-Monitor, um das 

Ergebnis zu prüfen. 

GESCHICKTE 

BEWEGUNGEN 

Indem Sie die Blende für 

eine lange Belichtung 

geöffnet lassen, wird sich 

bewegendes Wasser zu 

einem Nebel, der sich mit 

der durchschnittlichen 

Wellenhöhe über die 

Szene verteilt. Fließende 

Blasen (rechts) werden zu 

Spuren, die dem Bach 

folgen. Je länger die 

Belichtungszeit ist, desto 

weniger grenzen sich die 

Wellen ab. 

Spiegelungen im Wasser 

An ruhigen, windstillen Tagen funktioniert die Oberfl äche jedes Gewässers wie ein Spiegel, 

indem es perfekt die Umgebung und den Himmel darüber refl ektiert. Refl exionen sind ein 

Lieblingsmotiv vieler Landschaftsfotografen, insbesondere bei großen Gewässern, wenn es 

zusätzlich starke Farben gibt – zum Beispiel während des Sonnenauf- oder -untergangs. 

Felsen, die aus dem Wasser herausragen, langes Schilf, eine Landungsbrücke oder 

Ruderboote gehören zu den Objekten, die als Teil einer refl ektierten Landschaft gut 

funktionieren, indem Sie dem Bild Maßstab und Kontext verleihen. Wenn Sie jedoch die 

Refl exionen eines Sees oder einer Talsperre fotografi eren, erzeugt ein zentrierter Horizont oft 

ein symmetrisches Ergebnis, der den Bildaufbau deutlich stärkt. 

Seien Sie vorsichtig beim Einsatz von Polfi ltern, um die Farbsättigung zu erhöhen und den 

blauen Himmel zu verstärken. Ein Polarisationsfi lter kann auch die Intensität der Spiegelungen 

reduzieren – aber es hängt vom Kamerawinkel im Verhältnis zur gespiegelten Oberfl äche ab, 

in welchem Maße dies geschieht. Bei einigen Situationen werden Sie entscheiden müssen, 

worauf Sie größeren Wert legen – einen tiefblauen Himmel und gesättigte Farben, aber 

schwache Refl exionen, oder starke, lebhafte Refl exionen, aber ansonsten schwächere Farben 

beim Himmel. Ein Polfi lter kann sogar Refl exionen intensivieren, indem er den Glanz der 

Wasseroberfl äche entfernt. Daher sollten Sie den Polfi lter schon weiter benutzen, aber den 

Effekt auf die Refl exionen in der Szene vorsichtig regulieren, indem Sie durch den Sucher der 

Kamera schauen, während Sie den Filter in der Halterung drehen. 

REFLEKTIEREND 

Diese beiden Bilder mit 

Refl exionen im Wasser 

zeigen, wie sowohl die 

Anwendung der 

Zwei-Drittel-Regel (links) als 

auch die Ignorierung 

derselben (rechts) ihre 

Berechtigung haben. Wie die 

Aufnahme des Gebirgssees 

zeigt, erzeugt die weit 

entfernte Küstenlinie in der 

Mitte der Aufnahme eine 

starke Symmetrie. Erliegen 

Sie nicht der Versuchung, 

Steine abzutragen! 


ROSS HODDINOTT ADAM BURTON


Wasser und Belichtung 

Bewegendes Wasser tendiert dazu, auf Fotos weiß auszusehen. 

Daher ist eine akkurate Belichtung notwendig. Bei Überbelichtung 

wirkt das weiße Wasser „ausgebrannt” und es sind keine Details zu 

erkennen. Selbst wenn Sie im Raw-Format fotografi eren, können 

solche Details bei der Bildnachbearbeitung nicht wieder hergestellt 

werden. Daher ist es wichtig, die korrekte Belichtung direkt bei der 

Aufnahme zu erzielen. 

Normalerweise können Sie sich auf den Multizonenmesser 

Ihrer Kamera verlassen, um die richtige Belichtung einzustellen. 

Verlassen Sie sich aber lieber nicht auf die Darstellung auf dem 

LCD-Monitor Ihrer digitalen Spiegelrefl exkamera, um die Belichtung 

zu beurteilen. Schauen Sie sich stattdessen besser das Histogramm 

des Bildes an. Die Grafi k zeigt die Verteilung der Farbtöne innerhalb 

der Szene. Ganz links (0) steht reines Schwarz, ganz rechts (255) 

reines Weiß, und der mittlere Bereich deckt die Mitteltöne ab. Wenn 

Wasser überbelichtet wird, kann man das an scharfen Zacken ganz 

rechts an der Kurve erkennen. 

Die meisten digitalen Spiegelrefl exkameras haben auch eine 

automatische Erkennung für helle Bereiche. Dabei blinken 

Gruppen von Pixeln, die den dynamischen Umfang des 

Sensors übertreffen, als Warnung auf. Wenn das Wasser in 

Ihrer Landschaft überbelichtet wird, sollten Sie eine negative 

Belichtungskompensation anwenden. 

Probleme treten hauptsächlich bei sehr hellem Tageslicht auf – 

insbesondere um die Mittagszeit. Hell angestrahltes, frostig-weißes 

Wasser kann sehr intensiv werden und es ist nicht einfach, mit 

der Kamera eine überall korrekte Belichtung zu erzielen. Daher ist 

das weiche, weniger intensive Licht am frühen Morgen und Abend 

besser für die Fotografi e von Wasser geeignet. Die Lichtqualität an 

bewölkten Tagen ist ebenfalls hervorragend für Wasseraufnahmen 

geeignet, insbesondere wenn man mit einer langen Belichtungszeit 

die Bewegung des Wassers verschwimmen lässt. Also bleiben Sie 

an einem trüben Tag nicht zuhause, weil Sie glauben, Sie könnten 

keine Landschaften fotografi eren – fahren Sie lieber zu dem 

nächstgelegenen Fluss oder Küste und fangen Sie an! 

Wasser in Bewegung – einfrieren oder 

verschwimmen? 

Wie man Wasser in Bewegung am besten einfängt, ist ein 

umstrittenes Thema. Einige Fotografen bevorzugen es, Wasser 

auf authentische Art aufzunehmen, indem Sie die Bewegung mit 

einer kurzen Belichtungszeit einfrieren. Andere lassen es lieber 

absichtlich „verschwimmen“, um so ein Gefühl von Bewegung 

zu erzeugen. Beide Techniken funktionieren gut in der jeweilig 

passenden Situation. Jedoch ist es wichtig, sich für eine dieser 

beiden Arten zu entscheiden – alles dazwischen, wenn das 

Wasser weder verschwommen noch scharf ist, sieht meist 

unordentlich und unabsichtlich aus. 

Wenn Sie die Wasserbewegung festhalten möchten, müssen Sie 

normalerweise mit einer Belichtungszeit von 1/500 Sekunde oder 

kürzer arbeiten - dabei hängt die exakt erforderliche Zeit von der 

Geschwindigkeit des Wassers ab. 

Landschaftsfotografen nehmen normalerweise eine kleine 

Blende (große f-Zahl), um eine Tiefenschärfe zu erreichen, die 

groß genug ist, damit sowohl die Vordergrund- als auch die 

Hintergrunddetails scharf erkennbar sind. Daher arbeiten Sie oft 

mit relativ langen Belichtungszeiten, insbesondere bei niedrigen 

Lichtverhältnissen. 

Das ist der Grund, warum viele Fotografen das andere Extrem 

bevorzugen – mit einer langen Belichtungszeit den Fluss des 

Wassers verschwimmen lassen. Für viele Menschen ist dieser 

verschwommene Effekt angenehmer für die Augen. Er verleiht 

den Bildern Leben und Bewegung. 

Eine Belichtungszeit von 1/2 Sekunde sollte dafür ausreichen, 

aber noch besser ist es, mehrere Sekunden zu verwenden. 

Damit ist ein attraktiver, seidiger, weißer Schimmer garantiert. 

Um eine lange Belichtungszeit einzustellen, nehmen Sie die 

minimale Blende des Objektivs (typischerweise f/22), und achten 

Sie darauf, dass die niedrigste ISO-Einstellung der Kamera 

ausgewählt ist. Wenn die daraus resultierende Belichtungszeit 

noch nicht ausreichend lang genug ist, brauchen Sie Hilfe mit 

entsprechenden Filtern. 

Graufi lter blockieren das Licht, das auf die Kamera fällt. Im 

Prinzip verändern Sie die Helligkeit des Lichtes, aber nicht 

dessen Farben. Sie erlauben Fotografen, künstlich verlängerte 

Belichtungszeiten anzuwenden, um die Bewegung des Motivs 

zu verwischen. Es gibt sie in verschiedenen Stärken, am 

gebräuchlichsten sind Dichten von 1, 2 oder 3 Stufen, sowohl 

zum Anschrauben als auch zum Aufstecken. Normalerweise 

reicht die Version mit 2 Stufen aus. Der TTL-Messer Ihrer Kamera 

wird sich der Dichte automatisch anpassen. 

ÜBERPRÜFEN SIE DAS HISTOGRAMM 

Diese beiden Histogramme zeigen den Unterschied 

zwischen einer überbelichteten Szene und einer, die 

korrekt belichtet ist. Das obere Diagramm, mit den 

vielen Zacken ganz rechts auf der horizontalen 

Achse, das auf der vertikalen Achse über die Spitze 

hinausschießt, deutet auf ein „Abschneiden“ oder 

Überbelichtung hin. Die hellen Punkte gehen über 

die Fähigkeiten des Sensors, Bildinformationen zu 

speichern, hinaus und daher sind diese Daten für 

immer verloren. Auch mit einer Nachbearbeitung in 

Photoshop können Sie das nicht reparieren. Achten 

Sie auf eine gleichmäßigere Verteilung der Zacken im 

Histogramm, ohne ein Abschneiden, so wie im 

unteren Bild. 

Grundlagen: Wasser in Landschaftsaufnahmen 71 


EINEN GRAUFILTER 

BENUTZEN 

Manchmal müssen Sie die 

Lichtmenge, die auf Ihr 

Objektiv trifft, reduzieren, um 

die Verschlussgeschwindigkeit 

zu verringern 

und ein Verschwimmen zu 

erzeugen. Dazu benötigt man 

Graufi lter. Mit Polfi ltern kann 

man das Licht ebenfalls um 

zwei Rasten verringern und 

damit langsamere 

Verschlussgeschwindigkeiten 

ermöglichen, aber achten Sie 

dabei auf den Effekt auf 

Spiegelungen. 

1/1000 Sek. 

1/2 Sek. 

ROSS HODDINOTT


So benutzen Sie Wasser, um eine Szene aufzubauen 

Wasser kann Ihrem Bild nicht nur ein interessantes Detail verleihen oder eine Stimmung 

erzeugen, es kann sich auch als ein sehr nützliches Werkzeug für die Bildkomposition erweisen. 

AN, RUHIGEN, WINDSTILLEN TAGEN ERZEUGT EIN 

GRÖSSERES GEWÄSSER wie ein See oder ein Meeresarm 

Refl exionen wie ein Spiegel und ermöglicht es einem 

Fotografen, sowohl die Landschaft selber, als auch deren auf 

dem Kopf stehendes Spiegelbild im Weitwinkelformat 

einzufangen. Diese Art von Symmetrie ist ein sehr kraftvolles 

Instrument für den Bildaufbau und eine der wenigen 

Gelegenheiten, bei denen es die Komposition sogar noch 

aussagekräftiger macht, wenn man den Horizont – entgegen 

der Drittelregel – nicht auf einer Drittellinie, sondern in der 

Mitte des Bildausschnittes platziert. 

Ganz egal, ob Sie einen See, einen Meeresarm, einen Fluss, 

einen Strom, einen Kanal oder eine Pfütze in Ihr 

Landschaftsfoto integrieren – die traditionellen Regeln für 

den Bildaufbau behalten ihre Gültigkeit. Versuchen Sie, die 

Hauptelemente, wie zum Beispiel einen in Kaskaden 

herabstürzenden Wasserfall, brechende Wellen oder 

Wasser, das auf einen Felsen aufschlägt, auf einer Drittellinie 

zu platzieren, um Ihre Komposition so interessant und 

fesselnd wie möglich zu gestalten. 

Landschaftsfotografen nutzen Wasser jedoch meistens als 

eine Art „Leitlinie“, die das Auge des Betrachters in das Bild 

hinein und durch die Szene hindurch führt. Flüsse, Ströme 

und Kanäle eignen sich besonders gut für diese 

Herangehensweise. Es ist gleichgültig, ob das Gewässer in 

einer geraden Linie verläuft oder sich durch die Landschaft 

schlängelt, der Effekt ist derselbe. Wenn Sie das Wasser so 

in Ihr Foto integrieren dass es vom unteren Ende in das Bild 

hinein verläuft, verleiht das Ihrem Foto einen natürlichen 

„Eingang“. Das Auge des Betrachters wird dem Weg des 

Wassers durch die Landschaft hindurch folgen. So erhalten 

Sie eine starke Komposition. 

Ein durch die Aufnahme fl ießender Fluss oder Strom schafft 

Schritt 1 Ich versuche, im Querformat zu 

schießen, weil das die Form des Flusses betont. 

Aber wie auch immer ich mich entscheide, 

entweder habe ich jede Menge nichtssagenden 

Himmels in meinem Bildausschnitt, oder ich 

schneide die Baumkronen ab. Beides ist nicht 

wirklich zufriedenstellend. Darüber muss ich 

noch mal nachdenken. 

Schritt 2 Als die Sonne aufgeht, bringt sie 

einen Hauch Farbe mit und verleiht den 

Wolken mehr Ebenen und etwas Struktur, also 

verändere ich meine Brennweite auf etwa 45 

Millimeter, um den Himmel mit aufs Bild zu 

kriegen und gleichzeitig das Beste aus den 

interessanten Flussschleifen herauszuholen. 

Schritt 3 Während die Farbe am Himmel 

intensiver wird, entscheide ich mich, auf 

Hochformat umzusteigen. Damit mache ich 

mehr aus dem Himmel und erhalte im 

Vordergrund auch mehr Wasser in den 

Bildausschnitt. Diese Veränderungen holen 

aus dem Fluss als Führungslinie das meiste 

heraus. 

auch eine große Tiefe, macht das Bild lebendig und verleiht 

ihm den Eindruck von Bewegung. Oftmals ist es für diesen 

Ansatz günstig, eine etwas erhöhte Kameraperspektive zu 

wählen. Wenn Sie zu weit nach unten und zu nah ans 

Wasser gehen, können Sie die Form und den Effekt des 

Wassers nicht mehr so gut einfangen. Wenn Sie zum 

Beispiel von einer Brücke, die über das Wasser führt, 

fotografi eren, können Sie ihn direkt in seiner gesamten 

sichtbaren Länge einfangen. Das kann sehr interessant 

aussehen, da das Wasser in der Entfernung verschwindet 

und so eine Art „Ausgang“ bildet. 

Auch eine diagonale Linie kann ein sehr kraftvolles 

Werkzeug für den Bildaufbau darstellen. Versuchen Sie also 

einmal, einen Strom oder einen Kanal so in Ihrem Bild zu 

platzieren, dass er den Bildausschnitt von einer Ecke zu 

gegenüberliegenden durchschneidet. Die Brennweite Ihres 

Objektivs hat ebenfalls einen großen Einfl uss darauf, wie das 

Wasser in Ihrer Szene abgebildet wird. Weitwinkelobjektive 

im Bereich von 14 bis 24 Millimetern verzerren die 

Perspektive, so dass Objekte im Vordergrund größer und 

markanter aussehen und weiter entfernte noch weiter weg 

erscheinen. Das kann sehr gut funktionieren, wenn Sie einen 

bestimmten Punkt besonders betonen möchten, vielleicht 

Wasser, das im direkten Vordergrund Ihres Bildes in 

Kaskaden über einen glatten Findling fl ießt. Alternativ 

können Sie auch ein Objektiv mit einer größeren Brennweite 

von mehr als 55 Millimeter verwenden, um die Perspektive 

zu komprimieren. Das kann hilfreich sein, wenn Sie von 

einem Berg aus einen Fluss fotografi eren möchten, der sich 

durch das Tal schlängelt. 

Es gibt keinen Zweifel daran, dass Wasser Ihren 

Landschaftsbilder zusätzliche Tiefe und Bedeutung verleiht 

und Ihre Bildkomposition deutlich verbessern kann. 

Mark Bauer verwendet einen Fluss als Führungslinie 

Eines Morgens fahre ich zum New Forest in der 

Nähe von Rhinefi eld, um zu versuchen, das 

Morgenlicht einzufangen, wie es sich in einem 

Fluss spiegelt, der sich durch die Landschaft 

schlängelt. Bei meiner Ankunft stelle ich fest, 

dass ich meine Bildkomposition auf den Fluss 

aufbauen kann, der gemächlich durch die 

Felder fl ießt. Die Landschaft ist ziemlich fl ach, 

also fotografi ere ich von einer Brücke aus, da ich 

aus dieser erhöhten Position die Ebenen gut 

einfangen kann. 

Aufbau 

1 

2 

3 

Landschaften in Porträtaufnahmen! 

Vergessen Sie nicht, Ihre Kamera hochkant zu nehmen. Ein 

aufrechter Bildaufbau kann dazu beitragen, Höhe oder Länge 

zu betonen und ist somit besonders gut geeignet, um an 

einem langen Fluss oder Kanal entlang zu fotografi eren, da 

somit der Eindruck von Entfernung betont wird. 

Wichtige Tipps zum Fotografieren 

von Wasser 

1) BENUTZEN SIE UNTERSCHIEDLICHE BRENNWEITEN 

Selbst wenn Sie Ihre Kameraposition nicht verändern, werden 

Sie überrascht sein, wie viele verschiedene Bildkompositionen 

Sie fi nden, indem Sie einfach die Brennweite wechseln. 

2) ACHTEN SIE AUF SPITZLICHTER Spitzlichter auf 

dem Wasser können Ihre Kamera in die Irre leiten und zu 

Unterbelichtung führen. Kontrollieren Sie also Ihr Histogramm 

und führen gegebenenfalls eine Belichtungskorrektur durch. 

Strahlende, refl ektierende Spitzlichter reißen immer aus, wenn 

Sie das Foto nicht deutlich unterbelichten. Ignorieren Sie diese 

also und belichten Sie für den Rest der Szene. 

3) FILTER Die Benutzung des richtigen Filters kann 

Flussaufnahmen deutlich verbessern. Polfi lter helfen, 

Blendlicht vom Wasser zu reduzieren und Graufi lter 

ermöglichen Ihnen eine längere Verschlusszeit, um den 

Anschein von Bewegung einzufangen. Sie können dies als 

Kompositionshilfe benutzen, indem Sie zum Beispiel Wasser 

in den Bildausschnitt hinein fl ießen lassen, um das Auge so ins 

Bild zu führen. 

4) FOTOGRAFIEREN SIE UNTER DEN RICHTIGEN 

BEDINGUNGEN Wenn der Himmel morgens oder abends zum 

Teil bewölkt ist, wird der Himmel wahrscheinlich verschiedene 

Farben aufweisen, die vom Wasser refl ektiert werden und der 

Szene so mehr Bedeutung verleihen.

Benutzen Sie einen Fluss als 

Führungslinie! 

Halten Sie Ausschau nach Flüssen in einer 

aussagekräftigen Landschaft. Die im Wasser 

verstreut herumliegenden Felsbrocken und 

die Mini-Wasserfälle tragen alle dazu bei, 

den Vordergrund interessant zu gestalten. 

Wenn Sie wasserfeste Kleidung tragen und 

ein stabiles Stativ benutzen, können Sie Ihre 

Kamera mitten in einem fl achen Fluss 

aufbauen, und so Ihre Bildkomposition 

interessanter gestalten.


So fangen Sie natürlich wirkende Wellen ein 

Profi fotograf Mark Bauer erläutert die beste Technik, um die Bewegung 

brechender Wellen einzufangen, wenn sie auf den Strand treffen. 

Es gibt eine große Debatte darüber, wie man 

Wellenbewegungen am besten fotografi eren kann. Lange 

Belichtungszeiten haben ein „nebliges“ Aussehen zur 

Folge, das viele Fotografen schätzen (siehe unten), das 

aber sicherlich nicht jedem gefällt, da es nicht sehr 

authentisch wirkt. Wenn wir zuschauen, wie Wellen auf 

den Strand zurollen, sehen wir die ganze Bewegung, wir 

sehen nicht eine eingefrorene Momentaufnahme oder 

Nebel, der über einen Felsen wabert. Eine Möglichkeit, 

Wellenbewegungen wirklich so einzufangen, wie unser 

Auge sie sieht, ist, auf ein Foto zu verzichten und 

stattdessen eine Videoaufnahme zu machen. Aber wenn 

wir die Verschlusszeit sorgfältig wählen, ist es auch mit 

einer Fotokamera möglich, natürlich aussehende Wellen 

einzufangen. 

1 Ich baue das Bild so auf, dass die Wellen auf die Felsen 

im Vordergrund prallen und messe dann mit dem 

Punktmesser meiner Kamera die Belichtung für den Himmel 

und die für den Boden separat. 

Ich stelle die Kamera auf Blendenautomatik und 

3 probiere einen Schuss mit 1/100 Sekunde, aber so wird 

die Bewegung eingefroren. Bei großen Wellen vermittelt dies 

Dramatik, aber bei so kleinen Wellen, wie diesen hier, ist es 

der totale Reinfall. 

Ich öffne die Blende auf f/11 und ersetze den Graufi lter mit vier Stufen durch einen mit 

6 zwei Stufen. So kann ich die Belichtungszeit auf 0,3 Sekunden verkürzen. Das 

Ergebnis ist fast, was ich wollte, aber die Welle ist mir immer noch ein kleines bisschen zu 

stark eingefroren. 

Der Trick dabei ist, die richtige Menge an Bewegung 

einzufangen. Wenn der Verschluss zu lange geöffnet ist, 

erhalten Sie zu viel Bewegungsunschärfe. Wenn er nicht 

lange genug geöffnet ist, erscheinen die Wellen zu statisch. 

Sie müssen die goldene Mitte fi nden, bei der Sie neblige 

Unschärfe erhalten, die Wellen aber nicht ihre Form 

verlieren. 

Dafür gibt es kein einfaches Rezept. Die beste 

Verschlusszeit hängt immer von der Größe und der 

Geschwindigkeit der Wellen ab, davon, wie sie auf den 

Strand treffen, und natürlich auch von Ihrem persönlichen 

Geschmack. Sie werden viel experimentieren müssen. 

Seien Sie darauf vorbereitet, jede Menge Bilder zu 

schießen, immer wieder auf das Display zu schauen und 

an den Reglern der Kamera zu drehen. 

Da der Himmel viel heller ist, als der Boden, verwende 

2 ich einen weichen Grauverlauffi lter von drei Rasten, um 

den Kontrast auszubalancieren. Mit einem weichen 

Verlauffi lter wird der Übergang nicht so offensichtlich. 

In der Hoffnung, dass die Belichtung dadurch 

4 verlängert wird, warte ich, bis es dunkler wird und 

tausche den Graufi lter mit drei Stufen gegen einen mit vier 

Stufen aus. Das erzeugt eine Belichtungszeit von zehn 

Sekunden bei Blende f/22. 

So kontrollieren Sie die 

Verschlusszeiten 

Es gibt zwar keine „ideale“ Verschlusszeit, um eine 

brechende Welle einzufangen, da dies immer von den 

jeweiligen Bedingungen abhängt, aber eine Verschlusszeit 

irgendwo zwischen ¼ Sekunde und ein paar Sekunden 

bringt für gewöhnlich das gewünschte Ergebnis. 

Allerdings ist es nicht einfach nur eine Sache davon, 

die Kamera auf Blendenautomatik einzustellen und die 

Verschlusszeit auszuwählen. Sie müssen schon sicherstellen, 

dass Sie die richtige Blende verwenden, um eine 

angemessene Tiefenschärfe und eine korrekte Belichtung zu 

erzielen. Bei Landschaftsaufnahmen liegt diese gewöhnlich 

zwischen f/8 und f/22 für die maximale Tiefenschärfe. 

Es gibt noch weitere Möglichkeiten, die Verschlusszeit 

zu kontrollieren. Anstatt darauf zu warten, dass sich 

die Lichtverhältnisse verändern, damit Sie eine kürzere 

Verschlusszeit verwenden können, sollten Sie den ISO-Wert 

der Kamera heraufsetzen. Normalerweise steigert dies aber 

gleichzeitig auch das Bildrauschen, gehen Sie also nicht 

weit über ISO 800 hinaus, wenn Sie nicht gerade eine 

professionelle Kamera besitzen, die gut mit Bildrauschen 

umgehen kann. 

Für Verschlusszeiten über 30 Sekunden müssen 

Sie Ihre Kamera auf Bulb-Modus einstellen und die 

Belichtungszeit manuell einstellen. Dies kann jedoch 

oftmals zu überbelichteten Bildern führen, so dass Sie 

einen durchgehenden Graufi lter verwenden sollten, um 

die Lichtmenge, die auf den Sensor fällt, zu reduzieren. 

Graufi lter sind in verschiedenen Stärken erhältlich, die 

gängigsten haben eine, zwei oder drei Stufen. Für extrem 

lange Belichtungszeiten können Sie mehrere gleichzeitig 

verwenden, auch zusammen mit einem Polfi lter. 

Diesmal ist die Belichtung zwar immer noch nicht lang 

5 genug, um dem Wasser einen nebligen, ätherischen 

Anstrich zu verleihen, aber sie fängt auch nicht die Dramatik 

der Szene ein, indem sie das Wasser gefrieren lässt. 

Noch ein Versuch. Mit ein bisschen weniger Licht bekomme ich den Schuss, den ich 

7 wollte, bei ungefähr 0,6 Sekunden. Es ist genug Bewegung vorhanden, um ein Gefühl 

von Dramatik zu erzeugen, aber die Wellen behalten ihre Form.

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So lassen Sie bewegtes Wasser verschwimmen 

Ross Hoddinott, der uns regelmäßig Beiträge liefert, zeigt Ihnen hier, wie Sie für einen 

kreativen Effekt bewegtes Wasser in einen atmosphärischen, ätherischen Nebel verwandeln. 

Verwischtes Wasser – man liebt A u fb a u 

es oder man hasst es. Ich liebe 

es. Um bewegtes Wasser milchig 

zu verwischen ist die richtige 

Belichtungszeit von Bedeutung: 

zu kurz, und das Wasser sieht 

unordentlich aus. Eine gute 

Daumenregel ist, eine 

Belichtungszeit von etwa einer 

Sekunde oder länger zu wählen. 

Das sollte eine attraktive 

Verwischung schaffen. Noch 

längere Belichtungszeiten führen zu noch 

atmosphärischeren, surrealen Ergebnissen. 

Um die längstmögliche Belichtungszeit für das 

Umgebungslicht zu erreichen, wählen Sie die niedrigste 

ISO-Einstellung Ihrer Kamera in Verbindung mit der 

kleinsten Blende (zum Beispiel f/22 oder f/32). Bei wenig 

Licht ist es relativ einfach, eine lange Belichtung zu 

erreichen, weil die Belichtung ja sowieso schon länger ist. 

Wenn die Lichtverhältnisse jedoch gut sind, ist es oftmals 

nicht möglich, eine ausreichend lange Belichtungszeit zu 

wählen, ohne das Bild übermäßig zu belichten. Die Lösung 

ist die Verwendung eines Graufi lters. Je dichter der Filter, 

desto mehr Licht absorbiert er, desto länger ist auch die 

Belichtungszeit und desto stärker ist auch der 

Verwischungseffekt. Für extreme Effekte kann der „Big 

Stopper“ (zehn Rasten) von Lee Filters eine Belichtungszeit 

von mehreren Minuten erzeugen. Dazu müssen Sie dann 

Ihre Kamera auf Bulb einstellen und einen Fernauslöser 

verwenden. Wenn Sie die Bewegung von Wasser mit einer 

langen Belichtungszeit fotografi eren, werden alle Bilder 

unterschiedlich sein. Manchmal werden Sie große 

Unterschiede feststellen, manchmal nur sehr subtile. 

Nehmen Sie eine ganze Bildsequenz auf und entscheiden 

Sie später, welches Ihnen am besten gefällt. 

Nachdem ich die Kamera auf ISO 100 und auf 

3 Zeitautomatik eingestellt hatte, wählte ich die kleinste 

Blende f/22 und wartete, bis eine große Welle kam und die 

Felsen im Vordergrund überspülte. Die Belichtungszeit von 

1/8 Sekunde bei f/22 war schon länger, aber da das Wasser 

immer noch nicht milchig trübe wurde, nahm ich einen 

Polfi lter zu Hilfe, um die Belichtungszeit zu verlängern. 

Es war Abend und es herrschte Flut. 

1 Um das Wasser, das über die Felsnase und den 

Kieselstrand strömte, zu verwischen, baute ich mein Bild 

sorgfältig auf. Ich benutzte ein Stativ, um meine Bilder vor 

Verwacklungsunschärfe zu schützen. Zunächst stellte ich 

die Kamera auf Automatikmodus ein. Diese wählte eine 

Verschlusszeit von 1/80 Sekunde bei f/8 auf der Basis des 

Umgebungslichts – nicht lange genug, um Wasser zu 

verwischen. 

Ein Polfi lter hat einen Filterfaktor von zwei Rasten und 

4 kann somit ersatzweise auch als Graufi lter verwendet 

werden, indem man die Belichtungszeit verlängert. Das ist 

ideal, wenn man keinen Graufi lter hat. Außerdem trägt der 

Polfi lter dazu bei, Blendlicht zu entfernen, in diesem Fall von 

den Felsen. Des Ergebnis ist besser, aber in diesem Fall ist die 

Belichtung von ½ Sekunde bei f/22 immer noch nicht lange 

genug für das ätherische Ergebnis, das ich haben wollte. 

Unverzichtbare nverzichtbare Ausrüstung 

Ausrüstun 

Wenn Sie lange Belichtungszeiten benutzen wollen, um 

die Bewegung von Wasser zu verwischen, benötigen Sie 

für diese Technik ein stabiles Stativ. Anderenfalls werden 

Ihre Ergebnisse unweigerlich von Unschärfe durch 

Verwacklung ruiniert. 

Um die Bewegung des Wassers zu verwischen, muss 

2 man der Kamera die Kontrolle entziehen, indem man sie 

entweder auf Blendenautomatik einstellt und die 

längstmögliche Verschlusszeit wählt, oder man stellt sie auf 

Zeitautomatik ein und wählt die kleinste Blende. Bei beiden 

Methoden wird dann die längstmögliche Belichtungszeit für 

das herrschende Umgebungslicht eingestellt. Wählen Sie 

außerdem die niedrigste ISO-Einstellung Ihrer Kamera, bei 

der Mehrheit der digitalen Spiegelrefl exkameras ist das 

typischerweise ISO 100. 

Für die Verwischung, die ich wollte, musste ich einen 

5 Graufi lter verwenden. Ich ließ den Polfi lter, wo er war 

und fügte einen Graufi lter mit drei Stufen hinzu. Die 

TTL-Messung der Kamera berücksichtigt den Filter 

automatisch, aber der Filter verdunkelt auch den Sucher. Sie 

müssen also die Bildkomposition aufbauen und den Fokus 

für das Bild fi xieren, bevor Sie den Filter an Ihrer Kamera 

anbringen.

3rd Edition The Essential Guide to Landscape Photography 

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78 Grundlagen: Wasser in Landschaftsaufnahmen 


So fotografi eren Sie bewegtes Wasser 

Lee Frost zeigt Ihnen, wie wichtig es ist, beim Fotografi eren fl ießender 

Gewässer in Landschaften die richtige Verschlusszeit zu wählen. 

MIT LEE FROST Auch wenn es mittlerweile zum Klischee geworden ist: 

Ein mit einer langen Verschlusszeit aufgenommenes, fl ießendes Gewässer, 

das anmutig und samtig verschwimmt, ist unbestreitbar eine sehr effektive 

Technik. Deshalb wird sie auch von so vielen Fotografen, inklusive meiner 

Wenigkeit, gerne verwendet. Von rauschenden Gebirgsbächen bis hin 

zu sprudelnden Bächen und tosenden Wasserfällen – wo auch immer Sie bewegtes 

Wasser fi nden, die Herangehensweise ist immer dieselbe, um eine gewöhnliche Szene 

einzufangen und in ein kreatives Bild voller Atmosphäre zu verwandeln. Und das Beste 

daran ist, dass man fl ießende Gewässer am besten an einem bedeckten Tag mit weichem 

Licht fotografi ert, an denen kein vom Wasser refl ektierter Sonnenstrahl lästige Schlaglichter 

verursacht, mit denen Sie dann zu kämpfen hätten. Das macht ein solches Foto zu einem 

perfekten Projekt für diese trüben, grauen Tage, die wir mitteleuropäischen Fotografen so 

gut kennen! 

Da Sie für die Verwischung der Wasserbewegung eine 

1 lange Belichtungszeit benötigen, sollten Sie Ihre Kamera 

immer auf ein solides Stativ stellen, um sie schön ruhig zu 

halten. Außerdem ist es eine gute Idee, einen Fernauslöser zu 

benutzen. So können Sie den Auslöser betätigen, ohne die 

Kamera zu berühren und zu riskieren, dass Sie damit 

Vibrationen auslösen, die Verwacklungsunschärfe erzeugen 

und so Ihre Bilder ruinieren. 

Machen Sie Ihre erste Aufnahme und schauen Sie sie an. Diese Fontäne, die auf einen Felsen 

4 trifft und kaskadenförmig in alle Richtungen spritzt, hat mich sofort angezogen. Von der Seite 

zu fotografi eren erschien mir als ein guter Winkel und eine Verschlusszeit von einer Sekunde 

erzeugte genug Verwischung. Das Foto war in Ordnung, aber es gab noch viele andere 

Möglichkeiten, die ich ausprobieren wollte. 


Bei trübem Wetter könnte es schon ausreichen, Ihr Objektiv 

2 auf Blende f/16 oder f/22 und einen niedrigen ISO-Wert 

einzustellen, um eine ausreichend lange Verschlusszeit zu 

erzielen, die das Wasser verschwimmen lässt. Wenn das nicht 

der Fall ist, verwenden Sie einen Graufi lter, um die Belichtung zu 

verlängern. Ein Polfi lter kann ebenfalls verwendet werden, um 

die Belichtung um zwei Rasten zu verlängern. So wird zum 

Beispiel aus ¼ Sekunde eine ganze Sekunde. 


Wählen Sie die richtige 


Der Schlüssel zum Erfolg beim Fotografi eren 

von fl ießenden Gewässern ist, eine 

Verschlusszeit zu wählen, die lang genug ist, 

um das Wasser so zu verwischen, dass es auf 

dem Foto weich und geschmeidig erscheint, 

aber nicht so lang, dass die Bereiche, in 

denen das Wasser sich konzentriert, 

überbelichtet werden und ausbrennen. 

Dabei geht man am besten nach der Methode „Versuch und Irrtum“ vor, aber eine 

Belichtungszeit von einer Sekunde ist für gewöhnlich eine gute Ausgangsbasis. Das 

Schöne an der Digitalfotografi e ist ja, dass man jeden Schuss sofort kontrollieren kann, 

um zu sehen, wie er geworden ist und dann die Belichtungszeit entsprechend verlängern 

oder verkürzen kann, bis das Ergebnis perfekt ist. 

Keine Panik, falls kleinere Bereiche im Wasser ausbrennen. Wenn Sie die Bilder 

herunterladen und als komplette Datei anschauen, besteht eine gute Chance, dass diese 

Spitzlichtwarnungen verschwunden sind. Und wenn nicht, benutzen Sie einfach den 

Kopierstempel in Photoshop, um etwas Wasser aus einem anderen Bereich des Bildes 

über die überbelichteten Bereiche zu kopieren. 

Vor dem Auslösen kontrollieren Sie das Objektiv oder das 

3 Filter auf Wassertropfen. Wenn Sie in der Nähe eines 

Wasserfalls fotografi eren, können Spritzer oder Wasserstaub 

auf die Linse geraten. In diesem Falle ist Sprühnebel der 

Übeltäter. Wischen Sie das Wasser mit einem sauberen 

Mikrofasertuch ab, damit die Bildqualität nicht leidet. Bei 

Regenwetter kann es helfen, einen Regenschirm über die 

Kamera zu halten. 

Ich beschloss, einen weiteren Blickwinkel zu verwenden und die Wasserfontäne aus dem 

5 vorigen Schritt als interessantes Detail im Vordergrund zu verwenden, das das Auge die 

Schlucht hinauf und zu den weit entfernten Gipfeln der Cuillin Hills führen sollte. Ich brauchte 

ein paar Anläufe, um die Verschlusszeit richtig hinzukriegen, so dass keine Teilbereiche des 

bewegten Wassers überbelichtet waren.

Fertiges Bild 

Hier ist mein Endergebnis, aufgenommen 

mit einer Belichtungszeit von 1,3 

Sekunden bei Blende f/22 (ISO 50) und 

unter Verwendung eines 0,9-Graufi lters, 

um die Belichtungszeit zu verlängern sowie 

eines harten 0,6-Grauverlauffi lters, um die 

Details am Himmel einzufangen. Das trübe 

Wetter und das weiche Licht funktionieren 

sehr gut und enthüllen perfekt die subtilen 

Farben in der Szene, während das 

verschwommene Wasser das Gefühl des 

rauschenden Gebirgsbaches einfängt.


Spiegelungen in Gezeitentümpeln 

Profi fotograf Mark Bauer watet durch Gezeitentümpel, um uns zu zeigen, 

wie man mit Refl exionen im Wasser umgehen muss. 

So wählen Sie den Bildausschnitt 

Refl exionen sind tolle Objekte für Landschaftsaufnahmen. 

Die Symmetrie von einer perfekten Widerspiegelung in 

einem stillen See hat etwas Einzigartiges, aber Refl exionen 

funktionieren durchaus auch in einem kleineren Rahmen, in 

Teichen, Pfützen oder Gezeitentümpeln. 

Gezeitentümpel mögen nicht immer als Hauptmotiv in 

einem Küstenfoto geeignet sein, aber sie geben auf 

Landschaftsfotos mit Weitwinkel ein hervorragendes 

interessantes Detail im Vordergrund ab. Refl exionen können 

dabei zusätzliche räumliche Tiefe schaffen und dem Bild 

mehr Strahlkraft und Farbe verleihen. Das kann einen 

Vordergrund deutlich verbessern. 

Gezeitentümpel fi nden Sie bei Ebbe an jeder felsigen Küste. 

Der Trick daran ist, den Tümpel zu fi nden, der auf Fotos gut 

aussieht. Wenn der Tümpel zu klein ist, hat er nicht genug 

Wirkung, und wenn er zu fl ach ist, oder wenn der Grund 

sandig und hell ist, sind die Refl exionen nicht stark genug. 

Der ideale Zeitpunkt für Ihre Ankunft an der Küste ist, wenn 

die Ebbe einsetzt. Dann können Sie aufbauen, sobald sich 

die Gezeitentümpel bilden und fotografi eren, während die 

umliegenden Felsen noch nass und glänzend sind. Das ist 

auch angenehmer, als sich mit den Fotos abhetzen zu 

müssen, bevor die Flut herein kommt und Ihren perfekten 

Gezeitentümpel fl utet. 

Die Wetterbedingungen sind ebenfalls wichtig. Es muss 

windstill genug sein, dass Sie eine glatte Wasseroberfl äche 

ohne Wellen haben, die die Refl exion unterbrechen würden, 

und es muss auch ein interessanter Himmel vorhanden sein 

– dramatische Wolken oder Farben – denn, wenn Ihr 

Gezeitentümpel nicht gerade in der Nähe eines 

interessanten Details, wie zum Beispiel eines Leuchtturms, 

liegt, ist es der Himmel, der refl ektiert wird. Was die Technik 

anbelangt, so sind akkurates Fokussieren und Schärfentiefe 

ausschlaggebend, da diese Art von Foto am besten aussieht, 

wenn sowohl der direkte Vordergrund, als auch die Refl exion 

scharf sind. Das ist gar nicht so einfach, wie es aussieht, 

denn die Fokusebene der Refl exion ist viel weiter entfernt, 

als die des refl ektierenden Mediums. 

Ein letzter Faktor, der noch bedacht werden muss, ist die 

korrekte Filterung, die eingesetzt werden kann, um zum 

einen das Licht in der gesamten Szene auszubalancieren 

und zum anderen die Refl exion selber zu verstärken. 

Als ich in der Morgendämmerung ankomme, suche ich 

1 zunächst nach einem geeigneten Vordergrundmotiv. 

Den Vordergrund bei dieser Aufnahme fi nde ich ziemlich 

gut, aber der Gezeitentümpel passt nicht. Er ist zu klein und 

fl ach, um dem Himmel richtig zu refl ektieren. 

Ausrüstung für Reflexionen 

EIN ULTRAWEITWINKEL-ZOOMOBJEKTIV wird Ihnen 

helfen, nah heranzukommen und den Vordergrund mit 

dem Gezeitentümpel Ihrer Wahl zu füllen. 

EIN STATIV, das es Ihnen erlaubt, auf einer niedrigen 

Ebene zu fotografi eren. Ein niedriger Blickwinkel zeigt in 

der Refl exion einen größeren Bereich des Himmels und 

balanciert das Foto aus. 

EIN POLFILTER, um die Refl exion zu verstärken. 

Entgegen der landläufi gen Meinung entfernen Polfi lter 

nicht einfach Refl exionen, sie reduzieren auch 

Schlaglichter, was die Refl exionen sogar noch verstärken 

kann. Geben Sie jedoch Acht, dass Sie auch die richtige 

Polarisation einstellen, denn wenn Sie das nicht richtig 

machen, kann es passieren, dass Sie die Refl exion 

komplett entfernen. Schauen Sie durch den Sucher und 

drehen langsam am Polfi lter. Halten Sie an, wenn Sie den 

Effekt gefunden haben, den Sie haben möchten. 

GRAUVERLAUFFILTER können dazu beitragen, den 

Kontrast in der Szene zu verstärken. Passen Sie jedoch 

auf, dass Sie dies nicht übertreiben, denn im richtigen 

Leben sind Refl exionen für gewöhnlich dunkler als der 

Himmel und wenn auf Ihrem Foto das Umgekehrte der 

Fall ist, wird Ihr Bild nicht natürlich aussehen. 

DURCHGEHENDE R GRAUFILTER Wenn Die 

Wetterbedingungen nicht optimal sind und sich Wellen 

auf dem Wasser befi nden, können Sie einen Graufi lter 

verwenden, um die Belichtungszeit zu verlängern und das 

Wasser zu „glätten“. 

Belichtung und Fokussierung 

Refl ektierende Oberfl ächen sind 

von Natur aus hell, und das 

kann den Belichtungsmesser 

Ihrer Kamera zur 

Unterbelichtung verleiten. 

Addieren Sie +0,5 bis +1 

Stufen Belichtungskorrektur, 

und kontrollieren Sie das 

Histogramm nach dem Fotografi eren, um sicher zu gehen. 

Fokussieren Sie sorgfältig, denn die Fokusebenen der 

Wasseroberfl äche und der Refl exion sind unterschiedlich. 

Wenn Sie Ihre Kamera auf Autofokus eingestellt haben, könnte 

es sein, dass diese auf die Wasseroberfl äche fokussiert, was die 

weiter entfernte Refl exion unscharf abbilden könnte. Um sicher 

zu gehen, dass die gesamte Szene vom Vordergrund bis zum 

Hintergrund scharf ist, schalten Sie um auf manuellen Fokus 

und fokussieren Sie ein Drittel der Strecke in die Szene hinein. 

Benutzen Sie dabei eine kleine Blende, wie zum Beispiel f/16. 

Dieser funktioniert ein bisschen besser, aber ohne 

2 Einsatz von Filtern sind die hellen Bereiche im 

Himmel viel zu stark, und die Schatten im Vordergrund 

fangen an, alles abzublocken. 

Ratschläge für den Bildaufbau 

Wenn Sie einen niedrigen Blickwinkel wählen, 

können Sie den gesamten Bildausschnitt mit 

dem Gezeitentümpel füllen und auch noch die 

Spiegelung des Himmels mit hinein nehmen. 

Bilder im Querformat sind für solche Zwecke im 

Allgemeinen besser geeignet als solche im 

Hochformat. 

Ein Grauverlauffi lter ermöglicht es mir, die Details im 

3 Himmel beizubehalten und die Lichtstrahlen beginnen im 

Hintergrund mit dem Durchbruch, was der Szene zusätzliche 

Dramatik verleiht. Aber ich fi nde, die Refl exion kann noch 

verbessert werden.


Im nächsten Schritt füge ich einen Polfi lter hinzu. 

4 Wenn man ihn jedoch nicht korrekt einstellt, wie Sie 

hier sehen können, wird die Refl exion entfernt anstatt 

verbessert. Ich muss den Effekt des Polfi lters noch 

verändern. 

Nach nur einer halben Drehung des Polfi lters, wird die 

5 Refl exion nun deutlich hervorgehoben. Aber ich bin 

immer noch nicht zufrieden. Das Bild könnte noch besser 

aussehen, wenn das Wasser in der Bildmitte etwas 

geglättet wird. 

Grundlagen: Wasser in Landschaftsaufnahmen 81 

Fertiges Bild 

Hier kommen alle Komponenten für 

ein perfektes Bild zusammen. Wie 

Sie sehen, sollte man sich immer 

etwas Zeit für Refl exionen nehmen. 

Mit einem soliden Graufi lter kann ich die 

6 Verschlusszeit auf zehn Sekunden erhöhen, 

wodurch das Meer in der mittleren Entfernung geglättet 

wird und den Anblick des Wassers im Gezeitentümpel 

verbessert.

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Der unentbehrlich Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Grundlagen: Farbe in Landschaftsaufnahmen 83 


VERSTEHEN SIE DIE FARBLEHRE 

VIEL ZEIT, Energie und Gedanken sind bereits auf das Studium der 

Farben, deren praktischer Anwendung und psychologischer Effekte 

verwendet worden. Oftmals sind die Anwendungen und Effekte 

miteinander verbunden. Es ist kein Zufall, dass Stoppschilder rot sind, 

dass die kalte Einstellung an der Klimaanlage blau markiert ist oder 

dass die Umweltbewegung die Farbe Grün gewählt hat. 

Auch über die Beziehungen zwischen unterschiedlichen Farben gibt 

es viel zu lernen. Farben arbeiten auf verschiedene Arten miteinander. 

Manche Kombinationen schaffen Energie und Spannung, andere 

dagegen harmonieren und schaffen Ruhe. Wenn eine Farbe in der 

Natur mit besonderer Intensität auftritt, ist die Bühne für großartige 

Landschaftsfotos bereitet. Wenn Sie die Beziehungen zwischen den 

Farben verstehen, werden Sie reich belohnt werden. 

1) Harmonie und Kontrast 

Grundsätzlich gibt es zwei Arten von Beziehungen zwischen 

Farben: Harmonie und Kontrast. Der Blick auf den Farbkreis 

hilft uns, das zu verstehen. Farben, die nebeneinander liegen, 

wie zum Beispiel grün und blau, harmonieren miteinander, 

während Farben, die einander gegenüber liegen, wie zum 

Beispiel blau und gelb, einen Kontrast bilden. 

Des Weiteren harmonieren Farben, die sich auf der „warmen“ 

Seite des Farbkreises befi nden, miteinander, ebenso wie 

die auf der „kalten“ Seite. Harmonische Farben üben eine 

beruhigende Wirkung aus, insbesondere Blau- und Grüntöne. 

Kontrastierende Farben sind dramatischer und schaffen eine 

Spannung, die das Auge herausfordern kann – Blau und Gelb 

bilden einen starken Kontrast. 

DER FARBKREIS 

Kontrastierende Farben wie Gelb 

und Blau oder Rot und Grün 

schaffen Spannung und Drama. An 

einander angrenzende Farben 

beruhigen. 

ADAM BURTON

84 Grundlagen: Farbe in Landschaftsaufnahmen 

R 

B G 

2) Farbe und Emotionen 

Neben ihrer visuellen Wirkung können Farben auch unterschiedliche Stimmungen 

andeuten, verschiedene Gefühle hervorrufen und, je nach unserer Kultur und 

unserem Hintergrund, symbolische Bedeutung haben. Überlegen Sie, welche 

Wirkung eine dominante Farbe auf Ihr Bild haben kann. Manchmal ist es 

angebracht, eine Farbe zu dämpfen oder zu betonen. Beachten Sie die Farben in 

Ihrem Bildaufbau im Zusammenhang mit der Ausleuchtung und einer sorgfältigen 

Verwendung von Filtern. 

ROT ist eine intensive Farbe, besonders, wenn sie vor einem dunklen Hintergrund 

R auftritt. Diese Farbe wird universell zur Warnung und bei Gefahr eingesetzt und ist 

kaum zu übersehen. Rot ist die kräftigste Farbe, die in der Fotografi e die meiste 

Aufmerksamkeit auf sich zieht. Deshalb kann sie auch ablenkend wirken, wenn sie als 

kleines Detail in einer Landschaft auftaucht, zum Beispiel in der Ferne als Auto, Boot oder 

Verkehrsschild. 

BLAU ist eine zurückhaltende Farbe, die verwendet werden kann, um Erholsamkeit, 

B Traurigkeit oder Stille zu vermitteln. In der Fotografi e wird sie gerne verwendet, um 

Kälte anzudeuten. Das funktioniert besonders gut in Verbindung mit Wasser und 

Winterlandschaften. Blau ist eine sehr wichtige Farbe für Landschaftsfotografen, weil ein 

gesättigter Himmel einen sehr schmeichelhaften Hintergrund darstellt. 

GRÜN wird oftmals verwendet, um Gesundheit und Leben zu suggerieren. Grün ist 

G offensichtlich die vorherrschende Farbe in der Pfl anzenwelt und beherrscht deshalb 

viele Landschaftsfotos. Grün wird sehr leicht von leuchtenden, kräftigen Farben wie Rot in 

den Hintergrund gedrängt und hat im Allgemeinen weniger Wirkung. Wenn es jedoch 

einzeln auftritt, kann Grün trotzdem kraftvolle, interessante Bilder schaffen. 

GELB ist ebenfalls eine kräftige, hervortretende Farbe, die oftmals verwendet wird, 

G um Fröhlichkeit oder Helligkeit anzudeuten. Sie verleiht Ihren Bildern Wärme und 

funktioniert besonders gut, wenn sie mit Blau verbunden, oder in Kontrast dazu gesetzt 

wird. Gelb in Verbindung mit ähnlich kraftvollen Farben wie Gold oder Orange 

versinnbildlicht den Herbst. Es gibt einen guten Hintergrund für Stillleben ab. 

G 

CRAIG ROBERTS 


TOM MACKIE MARK BAUER 

ROSS HODDINOTT


3) Die Verwendung einer einzelnen Farbe 

Einzelne Farben verleihen einem Bild oftmals eine ganz besondere 

Stimmung, und es ist durchaus möglich, mit nur einer einzigen 

Farbe – oder mit Abstufungen einer Farbe – eine erfolgreiche 

Bildkomposition zu schaffen. 

Bestimmte Lichtverhältnisse können diesen Effekt erzeugen 

und einer Szene besondere Atmosphäre verleihen. Ein intensiv 

orangefarbener oder roter Sonnenuntergang hat einen starken 

Einfl uss auf jede neutrale Farbe und badet eine Szene geradezu in 

feuriger Wärme. Auch eine starke Hintergrundbeleuchtung kann 

Farben entsättigen und einen fast monochromen Effekt erzielen. Vor 

Sonnenaufgang und nach Sonnenuntergang dagegen gibt es keine 

einzelne, starke Lichtquelle und das Licht wird gestreut und vom 

Himmel refl ektiert. 

Die beiden Fotos auf der rechten Seite sind sehr gute Beispiele 

für monochrome Bilder. Ganz rechts können Sie sehen, wie die 

Hintergrundbeleuchtung der Szene die Farben entzieht und ein Bild 

erschafft, das fast farblos wirkt. 

Auf dem anderen Bild sind der See und das tote Holz vor 

Sonnenaufgang in ein diffuses Licht getaucht, das quasi vom ganzen 

Himmel auf die Szene herabfällt. Es verleiht der gesamten Szene 

einen Hauch von Kälte, aber die Stimmung ist sehr beschaulich. 

Das passt sehr gut zu der kalten, windstillen Ruhe an einem 

Wintermorgen. 

4) Farbsättigung 

OK, wenn wir jetzt streng technisch sein wollen, bezieht sich der 

Begriff „Sättigung“ auf die Reinheit einer bestimmten Farbe. Über die 

Zeit hinweg und im praktischen Umgang jedoch, hat „Sättigung“ die 

Bedeutung von Intensität oder Kraft einer Farbe in einem Bild erhalten. 

Ein gesättigtes Bild zu schaffen, beinhaltet mehr, als nur die Farben in 

Photoshop zu pushen, auch wenn man auf diese Weise viel erreichen 

und tolle Ergebnisse erzielen kann. Aber es gibt schon jede Menge 

Optionen bei der Aufnahme des Bildes. Zuerst einmal sollten wir diese 

genauer betrachten. 

Die Tageszeit hat einen Einfl uss auf die Farbsättigung. Das Licht 

am frühen Morgen und am späten Abend, wenn die Sonne tief 

am Himmel steht und nur wenig Blendlicht vorhanden ist, führt zu 

intensiveren Farben als zu anderen Tageszeiten. Ebenso verhält es sich 

bei einer Ausleuchtung von vorne im Gegensatz zu einer Ausleuchtung 

von der Seite oder von hinten. 

Ein Polfi lter verbessert ebenfalls die Farbsättigung, indem er 

Refl exionen reduziert und Blendlicht dämpft. Ein Polfi lter erzielt den 

größten Effekt, wenn die Kamera sich in einem Winkel von 90 Grad 

zur Sonne befi ndet. Polfi lter sind so einfach zu benutzen und der 

Effekt ist schon durch den Sucher der Kamera deutlich zu sehen. Der 

offensichtlichste dabei ist die Zunahme der Fabsättigung bei blauem 

Himmel. 

Ein paar Dinge gibt es allerdings, die man dabei beachten sollte. 

Es ist durchaus möglich, eine Szene übermäßig zu polarisieren, so 

dass der Himmel fast schwarz wirkt, und bei der Benutzung eines 

Weitwinkelobjektivs (weiter als 25 mm bei einem Vollformat-Sensor 

oder 17 mm bei einem APS-C-Sensor) kann der Polarisationsgrad 

über den gesamten Bildausschnitt ungleichmäßig sein. 

Natürlich ist es nicht immer erstrebenswert, dass die Farben 

lebhaft und gesättigt erscheinen. Gedeckte Pastelltöne sind subtiler, 

können aber für das richtige Objekt genau so effektiv sein und eine 

Atmosphäre von Ruhe und Erholung vermitteln. Früher Morgennebel 

verwäscht die Farben und verleiht einer Szene einen kühlen, 

bläulichen Schimmer. Diesen können Sie noch verstärken, indem 

Sie den Weißabgleich entweder in der Kamera, oder, wenn Sie im 

Raw-Format fotografi eren, später, bei der Konvertierung optimieren. 

Natürlich kann auch in der Phase der Nachbearbeitung noch 

viel verändert werden. Experimentieren Sie mit verschiedenen 

Einstellungen für den Weißabgleich, um die gesamte Atmosphäre 

abzustimmen und fi nden Sie den Farbstich, der am besten zu Ihrem 

Foto passt. Auf der gesamten Seite zeigen wir Ihnen, wie stark eine 

Veränderung des Weißabgleichs in einer Raw-Datei das Ergebnis 

verändern kann. 

Die Wahl des Filters 

Die unterschiedlichen Arten von Polfiltern 

Es gibt zwei verschiedene Arten von Polfi ltern: zirkulare und lineare. 

Das bezieht sich nicht auf deren physisches Erscheinungsbild, sie 

sind in der Tat beide rund, sondern auf die Art und Weise, wie das 

Licht polarisiert wird. Sie sollten für Ihre digitale Spiegelrefl exkamera 

auf jeden Fall einen zirkularen Polfi lter kaufen, denn die linearen Filter 

beeinträchtigen das Messsystem Ihrer Kamera. Das kann mit linear 

polarisiertem Licht nicht umgehen. 

Monochrom vor Sonnenaufgang 

Vor Sonnenaufgang 

Ohne Polfilter 


Entsättigung durch Hintergrundbeleuchtung 

Mittag 

Mit Polfilter 

ALLE FOTOS: MARK BAUER



Trüben Sie Ihren Blick! 

Vaseline auf einen Filter zu schmieren, mag nicht vernünftig klingen, aber es 

kann dazu beitragen, kreative Ergebnisse von farbintensiven Szenen zu erzielen. 

VON DANIEL LEZANO Photoshop ermöglicht es uns, in der Nachbearbeitung 

allerlei merkwürdige und großartige Effekte auf unsere Bilder anzuwenden. 

Trotzdem bevorzuge ich es immer noch, schon bei der Aufnahme des Bildes so 

nah wie möglich an das Ergebnisbild heranzukommen. Um ehrlich zu sein, liegt 

das zum Teil auch daran, dass ich nicht besonders gut mit Photoshop umgehen 

kann. Aber hauptsächlich mache ich das, weil es mir Spaß macht (und 

gelegentlich auch Frust bereitet), nach alter Väter Sitte zu fotografi eren und die traditionelleren 

fotografi schen Techniken anzuwenden, um das gewünschte Ergebnis zu erzielen. Seit kurzem 

experimentiere ich mit ungewöhnlichen Möglichkeiten, einen weichen Fokus zu produzieren, 

indem ich Vaseline auf einen Filter schmiere. Wie ich festgestellt habe, ist das ziemlich 

einfach. Warum versuchen Sie es also diesen Monat nicht auch einmal und sehen, wie es 

bei Ihnen klappt? 

Als erstes müssen Sie eine geeignete Szene fi nden. Idealerweise sollte Ihr Schauplatz über 

1einige deutlich defi nierte Formen und Bereiche mit starkem Schatten und hellen 

Glanzlichtern verfügen, wie zum Beispiel ein Wald. Dieses farbenfrohe Feld voller Mohnblumen 

zog meinen Blick auf sich und ich hoffte, es würde mir gelingen, die Vaseline so einzusetzen, 

dass sie einen starken, abstrakten Effekt auf der Basis der kräftigen Rottöne erzeugen würde. Ich 

stellte meine Kamera auf ein Stativ um sicherzustellen, dass die Bilder nicht verwackelten und 

benutzte das exzellente 70 – 200 mm f/2.8-Objektiv von Sigma, um einen recht engen 

Bildausschnitt des Mohnfeldes einzufangen. 

Wenn die Kamera erst einmal auf einem stabilen Stativ steht, ist es wichtig, den Fokus zu 

2 fi xieren, bevor Sie den Filter einschmieren. Nach dem Einschmieren wird das 

Autofokussystem Probleme bekommen. Dazu fokussieren Sie ganz normal auf die Szene, und 

dann schalten Sie das Objektiv von AF auf manuellen Fokus um, so dass die Fokussierung später 

nicht beeinfl usst wird, wenn Sie den Auslöser betätigen, um ein Foto zu schießen. 

Achtung, Ausrüstungskontrolle! 

Filter, Vaseline und ein Tuch 

Sie benötigen ein Minimum an zusätzlicher 

Ausrüstung. Es ist also eine Technik, die man sich 

auch zum Ausprobieren problemlos leisten kann. 

Eine Dose Vaseline wird Sie nicht in den Ruin 

treiben, aber Sie benötigen außerdem einen 

UV- oder Skylightfi lter, den Sie auf Ihr Objektiv 

schrauben. Ich kann nicht oft genug betonen, 

dass Sie die Vaseline unbedingt auf den Filter 

geben müssen und niemals direkt auf die Linse 

Ihres Objektivs schmieren dürfen, weil Sie damit 

der Optik dauerhaften Schaden zufügen könnten. 

Außerdem sollten Sie ein sauberes Tuch zum 

Reinigen des Objektivs griffbereit halten, um die 

Vaseline abzuwischen, wenn Sie den Filter 

reinigen und es noch einmal versuchen möchten, 

und natürlich, wenn Sie Ihre Aufnahmen beendet 

haben. Außer einem Stativ, das Ihre Kamera still 

hält, während Sie die Bildkomposition vorbereiten 

und auf die Szene fokussieren, ist das alles, was 

Sie an zusätzlicher Ausrüstung benötigen 


So tragen Sie die Vaseline auf 

Wie Sie feststellen werden, werden Sie zum 

Auftrag der Vaseline auf den Filter einige 

Versuche benötigen, bevor Sie den 

gewünschten Effekt erzielen. Tragen Sie 

zunächst eine dünne Linie aus Vaseline quer 

über den mittleren Teil des Filters auf und 

verwischen Sie diese, bis Sie die ganze 

Oberfl äche damit eingerieben haben. Machen 

Sie einige Aufnahmen, dann drehen Sie den 

Filter, so dass die Schmierstreifen diagonal 

verlaufen und schießen Sie ein paar weitere 

Aufnahmen. Tragen Sie eine dickere Schicht 

Vaseline auf, um willkürliche Muster zu 

erzeugen. Danach wischen Sie den Filter 

wieder sauber und starten den nächsten 

Versuch. 


Wenn alles vorbereitet ist, ist es Zeit, die Vaseline aufzutragen. Holen Sie keine großen 

3 Mengen aus der Dose, sondern reiben Sie sanft dünne Linien über den Bildausschnitt. 

Hier können Sie sehen, wie schon ein einziger Schmierfl eck die Szene beeinfl usst. Ich habe, 

während ich die Vaseline auftrug, die ganze Zeit durch den Sucher geschaut und konnte so 

verfolgen, wie sich die Szene veränderte.


Nachdem die Vaseline auf dem Filter verteilt war, schoss ich eine Reihe von Fotos mit 

4 unterschiedlichen Blendenöffnungen von f/5,6 bis hin zu f/13, so dass ich sehen konnte, 

wie die Ergebnisse variierten (tatsächlich machte das keinen großen Unterschied). Nach ein 

paar Aufnahmen trug ich mit dem Finger noch mehr Vaseline auf, um zu sehen, ob eine 

dickere Schicht den Effekt verstärken würde. Wie ich aber feststellen musste, führte zu viel 

Vaseline zu einem zu weichen Ergebnis. 

Farbe in Landschaftsaufnahmen 87 

Fertiges Bild 

Mein Lieblingsbild wurde gegen Ende meiner 

Fotosession aufgenommen. Nachdem ich meinen 

Bildaufbau verfeinert hatte, indem ich die Kamera 

auf einen kleineren Bereich des Feldes ausgerichtet 

hatte (um die Mohnblumen im Bildausschnitt 

größer wirken zu lassen), trug ich sorgfältig 

hauchdünne Schmierstreifen auf den Filter auf. 

Nach den Aufnahmen mit horizontal verlaufenden Schmierlinien drehte ich den Filter, so 

5 dass die Linien diagonal und anschließend vertikal verliefen. Dies führte zu sehr 

unterschiedlichen Ergebnissen. Danach probierte ich noch eine Reihe unterschiedlicher 

Schmiermuster wie Zickzacklinien und Wellenlinien aus, um zu sehen, welchen Effekt diese 

auf die Szene hatten. Es lohnt sich, so etwas auszuprobieren, weil man unmöglich 

vorhersagen kann, was am besten aussieht.



Farbtemperatur und Weißabgleich (WB) 

VON MARK BAUER Unterschiedliche Lichtquellen erzeugen 

unterschiedliche Farbstiche. Das hängt im Wesentlichen davon ab, 

wie „warm“ oder „kalt“ das Licht ist und wie viel Grün oder Magenta 

vorhanden ist. Eine haushaltsübliche Glühbirne zum Beispiel produziert 

ein viel wärmeres Licht, als Sie es an einem trüben Tag draußen 

vorfi nden. Fluoreszierendes Licht hat einen grünen Farbstich. 

Die Wärme oder Kälte einer Lichtquelle wird als deren „Farbtemperatur“ bezeichnet 

und in Grad Kelvin (K) gemessen. Je niedriger die Zahl, desto wärmer das Licht. 

Ein Sonnenuntergang zum Beispiel hat eine Farbtemperatur von ungefähr 3.000 K, 

neutrales Tageslicht (mittags, an einem sonnigen Tag) hat um die 5.000 bis 5.500 K, 

und ein Wolken verhangener Himmel circa 7.000 bis 8.000 K. 

Unsere Augen passen sich sehr schnell an die Farben unterschiedlicher Lichtquellen 

an und erkennen ein weißes Objekt als weiß, egal, ob wir es beim Licht einer 

Glühbirne oder draußen an einem trüben Tag sehen. Um Farben jedoch mit einer 

Kamera akkurat wiederzugeben, müssen Sie den korrekten Weißabgleich einstellen, 

Mit dem Weißabgleich die Stimmung 

eines Bildes verstärken 

Für diese Fotoserie verwendete ich immer die gleiche 

Raw-Datei mit immer unterschiedlichen Einstellungen im 

Weißabgleich, um herauszufi nden, welche Einstellung am 

besten zur Grundstimmung des Bildes passte. 

1) TAGESLICHT (5.500 K) Das Licht der Abenddämmerung 

war kühl und blau. Es gab nur eine Andeutung eines 

Lichtschimmers von der Sonne hinter dem Horizont, 

die von den Wolken über der weit entfernten Landzunge 

aufgenommen wurden. Der Weißabgleich für Tageslicht 

gibt die Szene gut wieder. Die kühlen, blauen Schatten 

passen zur Stimmung des Bildes. 

2) BEDECKT (6.500 K) Die Einstellung für bedecktes 

Wetter verleiht den Dingen mehr Wärme und fügt etwas 

Magenta hinzu. Das funktioniert gut für den Himmel, aber 

für meinen Geschmack kommen so das Wasser und die 

Schatten nicht genug heraus. Ich schätze aber, dass dieses 

Bild einer Menge Leute gefallen wird. 

3) SCHATTEN (7.500 K) Zu warm und zu viel Magenta. 

Die Stimmung der Szene wird hier nicht wiedergegeben. 

Trotzdem wird auch dieses Bild bestimmt einigen Leuten 

gefallen. 

4) FLUORESZIEREND (3.800 K) (3800K) Mir gefällt 

dieses Bild in der Tat ganz gut, weil es der Stimmung der 

tatsächlichen Szene entspricht, obwohl es ein bisschen 

übertrieben ist und der Himmel viel von seinem „Wow- 

Effekt“ verloren hat. 

5) BENUTZERDEFINIERTER WEISSABGLEICH (4.800 K) 

Als Kompromiss ging ich zurück zum Weißabgleich für 

Tageslicht und kühlte das Ganze nur ein kleines bisschen 

ab. Für mein Gefühl ist dies eine sehr gute Repräsentation 

der Stimmung des Bildes, obwohl es dem Himmel so an 

Durchschlagskraft fehlt. 

3) WB: SCHATTEN 

1) WB: TAGESLICHT 

was entweder bei der Aufnahme oder bei der Bearbeitung des Bildes im Raw- 

Konverter geschehen kann. Ich persönlich empfehle immer, im Raw-Format zu 

fotografi eren, weil Ihnen dies viel mehr Flexibilität bietet. 

Auch bei Porträtaufnahmen sind akkurate Farben und ein korrekter Weißabgleich 

notwendig, um einen natürlich aussehenden Hautton zu erzielen. Bei 

Landschaftsaufnahmen jedoch sind absolut akkurate Farben nicht immer das, 

wonach wir streben. Hier geht es mehr darum, attraktive Farben einzufangen. 

Deshalb verwendeten Landschaftsfotografen zu Zeiten der analogen Fotografi e Filme 

wie den Fuji Velvia wegen ihrer lebhaften Farben und verwendeten Farbkorrekturfi lter 

wie bernsteinfarbene Warmfi lter und blaue Kaltfi lter, um die Stimmung und 

Atmosphäre eines Bildes zu verstärken, anstatt neutrale, akkurate Farben zu 

produzieren. Ein Warmfi lter konnte zum Beispiel dazu verwendet werden, das 

sowieso schon warme Licht eines Sonnenuntergangs noch zu verstärken. Digitale 

Fotografen können verschiedene Einstellungen beim Weißabgleich benutzen, um 

ähnliche Effekte zu erzielen. 

2) WB: BEDECKT 

4) WB: FLUORESZIEREND 5) WB: BENUTZERDEFINIERT 

Der unentbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e

Fertiges Bild 

Für das endgültige Ergebnis fügte ich 

den Himmel aus dem Bild mit 

bedecktem WB in das Bild mit 

benutzerdefi niertem WB ein und 

bleichte ihn anschließend ein wenig, so 

dass er besser zu der kühleren unteren 

Hälfte passte. Das Resultat war ein 

Bild, das sowohl die kühlen, blauen 

Schatten, als auch einen 

dramatischeren Himmel enthielt.

90 Grundlagen: Farbe in Landschaftsaufnahmen Der unentbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e 


Landschaftsfotografi en in Schwarzweiß 

VON HELEN DIXON Ich fotografi ere meine 

Landschaftsaufnahmen immer in Farbe und 

konvertiere sie dann hinterher in Schwarzweiß (lesen 

Sie dazu auch unseren Beitrag über die Konvertierung 

von Farbfotos auf der nächsten Seite). So erhalte ich 

die vollen drei Informationskanäle, mit denen ich dann in der Raw- 

Bearbeitung herumspielen kann, und nicht nur einen einzigen. 

Ich kenne durchaus einige Leute, die in JPEG fotografi eren und 

die monochrome Einstellung der Kamera benutzen, oftmals in 

Kombination mit einem roten Filter, um Grün- und Blautöne 

abzudunkeln und so einen sehr dunklen Himmel zu erzeugen. 

Aber um ein Bild mit dem Potenzial für das bestmögliche, 

monochrome Ergebnis zu erhalten, sollten Sie in Farbe schießen 

und Ihr Bild anschließend auf Ihrem PC in Schwarzweiß 

konvertieren. 

Sie müssen einmal ausprobieren, eine Szene in Schwarzweiß zu 

visualisieren. Das ist eine viel größere Herausforderung als eine 

herkömmliche Landschaftsaufnahme in Farbe. Sie brauchen 

eine ganze Bandbreite von Tonwertdetails, sonst fehlt es Ihrer 

Landschaft hinterher an Kontrast. 

So würde ich im Normalfall kein Bild mit einem unifarben blauen 

Himmel machen, weil daraus hinterher ein trüber Grauton wird. 

Was wir suchen, ist ein aktiver Himmel, etwas mit dramatischen 

Wolken, insgesamt eine Szene mit viel Schatten und Glanzlichtern 

und einer Trennung zwischen Vorder- und Hintergrund. 

Eine Strandszene bietet zum Beispiel meistens nicht allzu viel 

Tonwertkontrast. Man hat den Sand und die See, vielleicht ein 

paar Klippen, und den Himmel. Jeder einzelne dieser Bereiche 

ist ziemlich einförmig, was Farbton und Struktur anbelangt, 

und das kann am Ende ziemlich fade aussehen. Aus diesem 

Grunde tendiere ich für meine Schwarzweißfotografi e auch eher 

„Ein anderer, toller Aspekt bei der 

Landschaftsfotografie in Schwarzweiß 

ist, dass man nicht unbedingt das 

beste Wetter benötigt. Ein düsterer, 

bedrohlicher Himmel kann einem Bild 

sehr viel Dramatik verleihen.“ 

zu Landszenen, weil da viel mehr los ist, was Strukturen und 

Farbtöne anbelangt. 

Bei monochromen Bildern suche ich auch nach deutlicheren 

Führungslinien. Die Bildkomposition muss um einiges kraftvoller 

sein, weil die Farbe fehlt. Das Auge des Betrachters konzentriert 

sich auf ganz andere Aspekte des Fotos, wie Gestalt, Form und 

Struktur. Die Vorstellungskraft des Betrachters muss viel mehr 

leisten. Ein anderer, toller Aspekt bei der Landschaftsfotografi e 

in Schwarzweiß ist, dass man nicht unbedingt das beste Wetter 

benötigt. Ein düsterer, bedrohlicher Himmel kann einem Bild 

sehr viel Dramatik verleihen, und Sie müssen sich auch keine 

Gedanken über Grauverlauffi lter machen, obwohl ich durchaus 

einen Polfi lter verwende, um den Himmel zu verstärken. 

Meiner Meinung nach widmen nicht mehr genug Leute ihre Zeit 

der Schwarzweißfotografi e. Sie müssen das fertige Bild ausgedruckt 

und an einer Wand hängend betrachten, um es tatsächlich 

würdigen zu können. In einer Ausstellung hat ein solches Foto 

viel mehr Aussagekraft, als auf einem Computermonitor. Ein 

weiterer Vorteil ist, dass ein Schwarzweißfoto an jeder Wand 

in jedem Zimmer gut aussieht, ohne sich mit den Farben der 

Innenausstattung zu beißen. Monochrome Bilder sind wirklich 

hervorragend zur Ausstellung geeignet. 

UNTEN LINKS: East Head, West 

Wittering. Diese Art von 

verwahrlostem Schauplatz hat in 

Schwarzweiß viel mehr Wirkung als 

in Farbe. 

UNTEN: St. Michael’s Mount, 

Cornwall. Führungslinien sind in 

meiner monochromen Fotografi e 

eine wichtige visuelle Hilfe. Hier ist 

es der Weg aus Kopfsteinpfl aster, 

der aus dem Vordergrund hinaus 

und zu dem Berg in der Ferne führt. 

RECHTS: Obwohl der Baum ein 

interessantes Detail im Vordergrund 

darstellt, ziehen doch die Wolken in 

diesem monochromen Bild die 

Blicke auf sich. Die kahle, karge 

Landschaft mit den leeren und 

leblosen Feldern verleiht dem Bild 

noch zusätzliche Dramatik. Ich habe 

dem Himmel etwas Bildrauschen 

hinzugefügt, um das gesamte Bild 

körnig zu gestalten.


In Schwarzweiß 

konvertieren 

Eine der tollen Eigenschaften der Digitalfotografi e ist, 

dass es ganz einfach ist, Farbbilder in Schwarzweiß 

zu konvertieren. Es gibt zahlreiche Arten, dies mit 

einer Bildbearbeitungssoftware wie Photoshop 

zu tun, wobei jede Art eine unterschiedliche 

Herangehensweise an die Kontrolle der Tonwerte 

hat. Um die ultimative Bildqualität und Flexibilität zu 

erhalten, ist es entscheidend, dass Sie lernen, wie 

man Farbbilder in monochrome Bilder konvertiert. Die 

meisten Kameras haben einen Schwarzweiß-Modus, 

aber aus verschiedenen Gründen ist es immer 

besser, in Farbe zu fotografi eren und die Konversion 

später durchzuführen. Der Hauptgrund ist, dass ein 

Farbbild viel mehr Informationen beinhaltet als eine 

Schwarzweiß-Aufnahme, daher haben Sie eine größere 

Kontrolle über die Feineinstellung des Kontrasts, und 

außerdem haben Sie das Bild so auch noch einmal 

in Farbe. Wir zeigen Ihnen hier die vier beliebtesten 

Methoden, um Ihre Farbbilder in Schwarzweiß zu 

konvertieren und wir schlagen vor, dass Sie alle einmal 

ausprobieren, um Ihren Favoriten herauszufi nden. 

Einstellungsebenen 

g 

Nehmen Sie Ebene>Neue Einstellungsebene> 

Kanalmixer oder Schwarzweiß. Damit erzeugen 

Sie eine Ebene, die weiter bearbeitet werden 

kann, wenn Sie Ihre Meinung später ändern 

sollten. Nutzen Sie diese Technik auch für 

Gradationskurven und Tonwertkorrekturen. 

1) Sättigung verringern 

Bild in voller Farbe 

Dies ist eine der schnellsten und einfachsten Wege, um eine 

Farbaufnahme zu konvertieren. Und, Sie ahnen es schon, es ist auch 

diejenige, die am ehesten vermieden werden sollte. Drücken Sie die 

Tastenkombination Strg+Umschalt+U oder klicken Sie auf Bild>Korrekturen 

>Sättigung verringern, um die Farbe zu entfernen. Alternativ verschieben Sie 

den Sättigungsregler der Dialogbox Farbton/Sättigung auf 0. 

Wenn Sie auf die Tafel der Farbfelder schauen, sehen Sie, dass alle 

Tonwerte deutlich trübe sind – insbesondere die Gelbtöne, die mehr ins 

mittelgrau als ins hellgrau gehen. Für den gelegentlichen Gebrauch mag das 

reichen, aber mit ein wenig mehr Zeit und Mühe werden Sie mit einer der 

anderen Methoden viel bessere Ergebnisse erzielen. 

SÄTTIGUNG VERRINGERN IM VERGLEICH: Die Methode „Sättigung verringern” ist sehr 

schnell und einfach. Aber wie Sie hier sehen können, erzeugt sie ein fl aches Schwarzweiß- 

Bild mit trüben Grautönen. 

2) Graustufen 


Diese sind ein guter Startpunkt, und wir empfehlen Ihnen, mit dieser 

Methode meistens dann anzufangen, wenn Sie Anfänger sind. Mit nur 

wenigen Klicks können Sie ein Schwarzweiß-Bild mit hohem Kontrast 

erzeugen, jedoch entfernen Sie dabei alle Farbinformationen des Bildes, 

daher gibt es hier wenige Möglichkeiten für Feineinstellungen. Klicken 

Sie auf Bild>Modus>Graustufen. Sie sehen, dass das Bild weniger trübe 

aussieht, und dass die Blautöne ein wenig dunkler sind. Die Tontrennung 

hat ein interessantes Bild produziert. Von hier aus können Sie mit den 

Funktionen Gradationskurven/Tonwertkorrektur noch ein wenig justieren, 

insbesondere wenn Sie vorher Bereiche des Bildes wie Himmel oder 

Hintergrund auswählen. 

GRAUSTUFEN IM VERGLEICH: Graustufen zu benutzen ist sehr einfach und liefert 

meistens sehr gute Ergebnisse. Hier gibt es exzellente Tonwerte und einen guten Kontrast. 

ROSS HODDINOTT


3) Schwarzweiß-Anpassung 4) Kanalmixer 

Eine der am einfachsten anzuwendenden 

Methoden, die brillante Ergebnisse abliefert, 

ist die Schwarzweiß-Anpassung, die sowohl 

Anfängern als auch fortgeschrittenen Nutzern 

eine komplexere Kontrolle über den Tonwert- 

Bereich des Bildes bietet. 

Gehen Sie zu Bild>Einstellungen> 

Schwarzweiß um die Dialogbox zu öffnen 

und das Bild mit einem Klick monochrom 

werden zu lassen. Neben einer Reihe 

von Voreinstellungen, die Sie für den 

Kontrast auswählen können, gibt es sechs 

Schieberegler, die jeweils die Stärke einer 

bestimmten Farbe im Bild beeinfl ussen. Sie 

können die Schieberegler dazu verwenden, die 

Grauwerte so anzupassen, damit sie dem Stil 

des gewünschten Bildes entsprechen. 

Hier handelt es sich um ein exzellentes 

Werkzeug, wenn Sie einen Himmel abdunkeln 

möchten, aber die fl auschigen weißen 

Wolken beibehalten möchten, um einen 

größeren Effekt zu erzielen. Oder wenn Sie 

eine Szene mit gelben Blumen und grünem 

Gras haben, die beide zu einem ähnlichen 

Grauton werden, können Sie hiermit die 

Farben getrennt voneinander verändern. Die Feineinstellung Ihres Bildes kann 

viel Zeit in Anspruch nehmen, aber die Mühe lohnt sich. Spielen Sie mit allen 

Schiebereglern, denn Sie werden überrascht sein, inwiefern der rote Regler die 

Gelbtöne beeinfl usst, der gelbe Regler die Grüntöne und der Cyanregler jeden 

Blauton in der Szene. 

Schwarzweiß 

SCHWARZWEISS: Es ist ziemlich beeindruckend, zu erkennen, wie man über die 

verschiedenen Farbkanäle die Tonwerte des Bildes verändern kann. Probieren Sie es ruhig 

mal aus! 


Der Kanalmixer ist eine der leistungsstärksten 

Methoden, um ein Bild zu konvertieren. Es gibt 

ihn in Photoshop CS und Paint Shop Pro, mit 

einer etwas weniger anspruchsvollen Variante in 

Elements, die über Verbessern>In Schwarzweiß 

konvertieren zugänglich ist. Die Ergebnisse 

ähneln denen, wenn Sie einen roten, grünen 

oder blauen Filter vor Ihr Objektiv stecken, 

und Sie können die Regler mischen, um so 

einen orangefarbigen oder gelben Filtereffekt zu 

erzielen. Klicken Sie auf Bild>Einstellungen> 

Kanalmixer, um die Dialogbox zu öffnen. Sie 

können nun im Ausgangskanal-Menü zwischen 

Rot, Grün oder Blau als Kanal wählen. Machen 

Sie ein Häkchen bei Monochrom, um mono zu 

konvertieren. Mit dem roten Kanal kann man gut 

anfangen, aber probieren Sie jeden aus, bevor 

Sie sich entscheiden. 

Sie können ein bisschen von jedem Kanal 

miteinander mischen, um neue Effekte zu 

erzielen. Wenn Sie die Regler anpassen, sollten 

Sie darauf achten, die kombinierten Werte aller 

drei Regler bei ungefähr 100 Prozent zu lassen. 

Zum Beispiel Rot -20 , Grün +140 und Blau 

-20 Prozent. Wenn Sie dies ignorieren, können 

einige merkwürdige Effekte entstehen! Mit dem 

„Konstant“ Regler kontrollieren Sie die allgemeine Helligkeit. Probieren Sie mal aus, 

die Farbwerte kräftiger zu machen, indem Sie die Sättigung über Farbton/Sättigung 

erhöhen. Damit erhöhen Sie gleichzeitig deutlich den Kontrast in der Schwarzweiß- 

Version. Sie können auch nur eine einzige Farbe kräftiger machen, wie zum Beispiel 

Blau über das Bearbeiten-Menü, wenn Sie mögen. 

Kanalmixer 

KANALMIXER: Die Arbeit mit dem Kanalmixer ist komplex und zeitintensiv, aber Ihre 

Mühen werden mit den besten Ergebnissen belohnt werden.


Werden Sie dramatisch bei Ihren 

Konvertierungen in Schwarzweiß 

Es gibt so viele Möglichkeiten, Schwarzweiß zu konvertieren. Wir zeigen Ihnen eine fantastische Technik, um kontrastarme 

Landschaften zum Leben zu erwecken und das Beste aus dem Schwarzweiß-Potenzial Ihrer Fotos herauszuholen. 

WENN WIR LANDSCHAFTEN FOTOGRAFIEREN, verwenden die 

meisten von uns nur wenig Gedanken darauf, wie unsere Ergebnisse in 

Schwarzweiß aussehen würden. Das ist verständlich, da ja bei den 

meisten von uns die große Mehrheit unserer Aufnahmen farbig bleibt. Wir 

schlagen also nicht vor, dass Sie sich in Zukunft jede Szene, die Sie 

schießen, in Schwarzweiß vorstellen, aber wir empfehlen Ihnen durchaus, 

von Zeit zu Zeit einmal darüber nachzudenken. Bilder aufzunehmen, um 

sie dann in Schwarzweiß zu konvertieren, ist eine ganz eigene Disziplin, 

und wenn Sie tatsächlich planen, eine Szene mit der Absicht einzufangen, 

später daraus ein Schwarzweißfoto zu machen, sollten Sie die Faktoren 

im Auge behalten, die die Wirkung Ihres Fotos, oder auch den Mangel an 

Wirkung, beeinfl ussen könnten, sobald es konvertiert ist. Wenn Sie 

vermeiden wollen, dass ein Foto leblos wirkt, wenn ihm die Farben 

entzogen werden, müssen Sie Ihr besonderes Augenmerk auf die 

Bildkomposition, die Tonwerte, die Formen und die interessanten Details 

im Vordergrund richten. 

Zunächst einmal sollten Sie Bereiche mit stark gesättigten Farben, wie 

Sonnenuntergänge oder Felder voller Glockenblumen, Mohnblumen und 

Rapsblüten meiden, weil ein Schwarzweißfoto ihnen einfach nicht 

gerecht wird. Bedenken Sie, dass jede Farbe in der Konvertierung zu 

Schwarzweiß ihre eigene Grauschattierung hat. Was Sie suchen, sind also 

Szenen die ein breites Spektrum heller und dunkler Farben aufweisen, 

sonst riskieren Sie, dass die Landschaft kontrastarm wirkt und es ihr an 

Tonwerten mangelt. 

Formen sind ein weiterer wichtiger Bestandteil von Landschafen in 

Schwarzweiß. Halten Sie also Ausschau nach Szenen mit Strukturen, 

starken Linien und kräftigen Formen, die dazu beitragen können, in einem 

Öffnen Sie Ihr Bild in Photoshop Adobe Camera Raw. Zunächst einmal 

1 sollten Sie alle erforderlichen Belichtungskorrekturen machen, um das 

Bild so zu verändern, wie Sie es haben möchten. Für dieses Foto 

korrigierten wir den Belichtungsschieber, indem wir einen positiven Wert 

hinzufügten, und den Schieber für Schwarz, um den Kontrast ein wenig zu 

verstärken. 

Duplizieren Sie nun die Ebene (Ebene>Ebene 

3 duplizieren) und rastern Sie das Bild, so dass Sie es 

editieren können, indem Sie auf das Bild klicken und dann OK 

drücken, wenn das Dialogfeld erscheint. Als nächstes klicken 

Sie auf Ebene>neue Einstellungsebene>Kanalmixer, um das 

Dialogfeld zu öffnen. Wenn Sie eine neue Einstellungsebene 

verwenden, können Sie diese einfach löschen, wenn Sie Ihre 

Konvertierungen verwerfen möchten, weil Sie auf diese Weise 

Ihr Originalbild nicht antasten. 

Schwarzweißfoto Kontraste zu schaffen und nach interessanten Details 

im Vordergrund, die das Auge in die Szene hineinführen. Nasse Felsen 

sind hervorragend geeignet, um Kontrast zu schaffen, weil sie dort, wo sie 

mit ihrer nassen Oberfl äche die Sonne refl ektieren und Glanzlichter 

erzeugen. Raues Wetter verleiht diesen Szenen noch zusätzliche 

Dramatik: Ein stürmischer Himmel ist wundervoll. Einen wolkenlosen 

Himmel dagegen sollten Sie meiden, denn er macht Ihr Bild grau und 

leblos. Wenn die Wolken eher zart sind und nicht viel Substanz haben, 

können Sie das Nachbelichter-Werkzeug benutzen, um die Belichtung 

selektiv anzupassen und die Wolken abzudunkeln und so dem Bild etwas 

mehr Dramatik zu verleihen. 

Gerichtetes Licht ist zwar besser geeignet, um Kontrast zu erzeugen, aber 

leider verwöhnt uns Mutter Natur nicht immer mit perfekten 

Fotobedingungen. Aber keine Sorge, wir zeigen Ihnen, wie Sie mit Hilfe 

der Abwedler- und Nachbelichter-Werkzeuge die Belichtung selektiv 

anpassen können, um so die weichen, mittleren Farbtöne in Glanzlichter 

und Schatten zu verwandeln und Ihrem Bild mehr Wirkung zu verleihen. 

Ihre Bilder mit Adobe Camera Raw oder mit Hilfe einer schwarzweißen 

Einstellungsebene in Schwarzweiß zu konvertieren, sind beides 

hervorragende Möglichkeiten (wir werden beide später ausführlicher 

behandeln), aber wir sollten auch den Kanalmixer nicht vergessen, der bis 

zu CS3 für viele die bevorzugte Methode darstellte. Er bietet mehr Qualität 

und ist viel besser kontrollierbar, als eine simple Graustufenkonvertierung. 

Obwohl er nicht so fortschrittlich ist wie die anderen Methoden, 

ermöglicht er es Ihnen trotzdem, mit der Farbinformation im Bild zu 

arbeiten, um die Tonwerte präziser zu verstärken und ist immer noch eine 

der besten Möglichkeiten, einen extremen Kontrast zu erhalten. 

Wenn Sie das Bild in Photoshop öffnen, halten Sie die Shift-Taste (Mac) 

2 oder die Steuerungstaste (PC) gedrückt, um die Schaltfl äche Bild öffnen 

in Objekt öffnen zu ändern. Auf diese Weise können Sie später, wenn Sie die 

Raw-Datei noch einmal verändern möchten – zum Beispiel, um die 

Belichtung noch weiter zu verbessern, in Photoshop auf die Ebene 

doppelklicken, um zu Adobe Camera Raw zurückzukehren. 

Zuerst klicken Sie auf das Feld monochrom, um das Bild 

4 in Schwarzweiß zu ändern. Jetzt passen Sie mit den 

Schiebern den roten, grünen und blauen Kanal an, um den 

Kontrast zu verbessern. Für die besten Ergebnisse sollten Sie 

es vermeiden, irgendwelche Glanzlichter oder Schatten zu 

beschneiden. Das erreichen Sie, indem Sie sicherstellen, dass 

der Gesamtwert der Schieber 100 Prozent beträgt. Sie 

können dies unterhalb der Schieber kontrollieren. Dort 

können Sie verfolgen, wie sich der Gesamtwert verändert, 

wenn Sie die Farben modifi zieren. 

5 Hier sehen Sie, wie Sie es nicht machen sollten. Der 

Gesamtwert beträgt 200 Prozent. Die Schatten sind 

gut belichtet, die Glanzlichter sind beschnitten und im 

Himmel und im Wasser sind uns Details verloren 

gegangen. Hier geht es darum, die richtige Balance zu 

fi nden. Wenn Sie ein paar Glanzpunkte oder dunkle 

Bereiche haben, die Sie mit den Kanälen nicht richtig 

hinkriegen, können Sie diese im nächsten Schritt 

korrigieren. Achten Sie aber darauf, dass Sie es nicht 

übertreiben.


Klicken Sie wieder auf die Ebenen Palette und 

6 anschließend auf Ebene duplizieren. Wenn Sie einige 

Bereiche haben, die ein wenig aufgehellt werden müssen, 

wählen Sie das Abwedeln-Werkzeug aus der Symbolleiste 

aus. Dann wählen Sie einen großen, weichen Pinsel (Wir 

benutzen einen Durchmesser von 900 Pixeln und 0 

Prozent Härte) aus der Optionsleiste (die obere 

Symbolleiste), und wählen Sie Tiefen aus dem Drop-Down 

Menü Bereich, dann setzen Sie die Belichtung auf 4 

Prozent und klicken auf Tonwert schützen. 

Falsch Richtig 

Streichen Sie nun über den Bereich, den Sie aufhellen 

7 möchten. Wenn Ihr Pinsel zu hart oder Ihre Belichtung zu 

hoch ist, werden Sie feststellen, dass Sie Kreise über die 

Bereiche machen, über die Sie streichen. Für die besten 

Ergebnisse sollten Sie den Effekt sanft aufbauen. Dabei kann 

es hilfreich sein, den Bereich heran zu zoomen, indem Sie 

Strg und + gedrückt halten. Nun schalten Sie den Bereich um 

auf Mitteltöne und hellen Sie die grauen Bereiche auf. Passen 

Sie dabei die Pinselgröße und die Belichtung wie gewünscht 

an. 


Fertiges Bild 

Mit Hilfe der Werkzeuge Abwedeln und 

Nachbelichten können Sie über- und 

unterbelichtete Bereiche ausgleichen und 

ein tolles Schwarzweißfoto schaffen. 

Wiederholen Sie Schritt 7 mit dem Werkzeug 

8 Nachbelichten, welches sich in der Symbolleiste 

unterhalb des Abwedeln-Werkzeugs befi ndet. Stellen Sie eine 

niedrige Belichtung ein und wählen Sie einen weichen, dicken 

Pinsel und Mitteltöne für Ihren Bereich. Konzentrieren Sie sich 

auf die Bereiche, die im Schatten liegen und die dunkleren 

Mitteltöne, und verstärken Sie den Kontrast, indem Sie so viel 

Grau wie möglich entfernen, ohne dabei aber Details zu 

verlieren, und indem Sie die schwarzen Bereiche verstärken. 

Wenn Sie es richtig anstellen, kann dieser Schritt die Wolken 

besonders dramatisch erscheinen lassen.


Konvertieren Sie Farbfotos in Infrarotbilder 

Sie müssen Ihre Spiegelrefl ex nicht mehr zur IR-Kamera umbauen, um infrarote Ergebnisse zu 

erzielen. Mit Hilfe von Photoshop können Sie Ihren Bildern etwas IR-Magie verleihen! 

EINE KAMERA ZU KONVERTIEREN, um Infrarotbilder zu 

schießen, ist eine teure Angelegenheit – das heißt, wenn 

Sie nicht gerade eine zusätzliche Kamera unbenutzt 

herumliegen haben, was ja bei den wenigsten von uns der 

Fall ist. Es gibt günstigere Alternativen, wie Filter, die das 

sichtbare Licht blockieren und nur Infrarotlicht zum 

Sensor durchlassen. Diese Filter sind jedoch blickdicht, 

und es ist quasi unmöglich, hindurch zu schauen. Das 

macht es somit schwierig, Ihr Foto aufzubauen. 

Heute, dank unserer guten Technik, gibt es einen 

einfachen Weg, den monochromen Infraroteffekt für ein 

Farbfoto zu erzeugen: Sie können ihn einfach mit ein paar 

Schritten in Photoshop oder mit einem Plugin-Filter wie 

dem von Nik Software simulieren. 

Diejenigen, die mit einer zu Infrarot konvertierten Kamera 

fotografi eren, erhalten eine Raw-Datei mit einem pinken 

Farbstich, die noch nachbearbeitet werden muss, um sie 

in eines der ätherischen Schwarzweißfotos zu verwandeln, 

die diese Technik so populär gemacht haben. 

Der kreative Effekt funktioniert besonders gut bei 

Landschaftsszenen mit viel grünem Laub, weil das Grün 

zu Weiß wird und einen tollen Kontrast schafft. Ein blauer 

Himmel verleiht dem Bild ebenfalls starke Aussagekraft, 

weil er sehr dunkel wird und Wolken so äußerst 

dramatisch wirken lässt. Wenn das Foto bereits 

milchig-trübes Wasser durch eine lange Belichtungszeit 

beinhaltet, können Sie ebenfalls ein sehr interessantes 

Ergebnis erzielen, weil dies die ätherische Qualität eines 

Infrarotbildes noch verstärkt. Das ist auch bei dem Bild 

von dem professionellen Fotografen Adam Burton der Fall, 

welches wir für unsere Schritt-für-Schritt-Anleitung 

verwendet haben. Es beinhaltet lebhaftes, grünes Laub, 

das strahlend weiß werden sollte, sobald der Effekt 

angewendet worden ist, und gute Farbwerte, die 

sicherstellen, dass wir ein gutes Verhältnis von Schwarz 

und Weiß erhalten werden. 

Kamera umbauen 

Wenn Sie eine Kamera so umbauen lassen möchten, so 

dass sie nur Infrarotlicht einfängt, empfehlen wir Optik 

Makario in Mönchengladbach. Diese Firma verfügt über 

eine hohe Fachkompetenz in diesem Bereich. 

Der Filter macht seine Sache zwar recht gut, er stellt aber letztlich nur einen 

3 Ausgangspunkt dar. Benutzen Sie die Schieberegler, um den Effekt weiter zu 

verfeinern und zu verbessern, wenn Sie dies für notwendig befi nden. Hier haben wir 

den Regler für Blau leicht angepasst, um das Weiß im Wasser hervorzuheben. Achten 

Sie jedoch darauf, dass Sie es nicht übertreiben, die Spitzlichter ausbrennen und so zu 

viele Details verlieren. 

Öffnen Sie Ihre JPEG oder TIFF-Datei in Photoshop ,und fügen Sie eine 

1 schwarzweiße Bearbeitungsebene hinzu, um das Bild in Schwarzweiß zu 

verwandeln, indem Sie Ebene>Neue Bearbeitungsebene>In Schwarzweiß 

konvertieren anklicken. Nun sollte sich ein Dialogfeld für die Bearbeitungsebene 

öffnen. Wenn nicht, klicken Sie auf das Vorschaubild in der Ebenen-Palette. 

Sie können nun einen Infraroteffekt anwenden, indem Sie die Schieberegler 

2 bewegen, um so die Farben in dem Schwarzweißbild zu verändern. Sie werden 

wahrscheinlich feststellen, dass das mit dem gelben, grünen und blauen Regler am 

besten funktioniert. Beginnen Sie aber dennoch mit dem voreingestellten 

Infrarotfi lter, der sich in einem Drop-Down-Menü im oberen Bereich der 

Bearbeitungsebene befi ndet. 

Als nächstes schaffen Sie eine Bearbeitungsebene, indem Sie die Alt-Taste 

4 gedrückt halten und Ebene>Sichtbare auf eine Ebene reduzieren wählen, um 

eine schwarz-weiße Version Ihres Bildes zu schaffen. Nun konvertieren Sie die Ebene 

zu einem SmartFilter, indem Sie auf die Ebene klicken und anschließend auf 

Filter>konvertieren zu SmartFilter gehen. Auf diese Weise können Sie jeden Filter 

bearbeiten, nachdem Sie ihn festgelegt haben.

Der unenbehrliche Leitfaden für Landschaftsfotografi e 

Damit das Bild einen echten Infrarot-Look kopiert, benötigen die weißen Flächen einen 

5 leichten Glanz, den Sie ganz einfach erreichen können, indem Sie den Gaußschen 

Weichzeichner anwenden. Wenn Sie den SmartFilter gewählt haben, gehen Sie auf Filter> 

Weichzeichnungsfi lter>Gaußscher Weichzeichnungsfi lter. Tragen Sie bei der 

Weichzeichnung ruhig dick auf. Wir haben einen Radius von 27,0 Pixeln gewählt. Sie 

können die Deckkraft der Ebene später jederzeit senken, indem Sie den Regler im oberen 

Bereich der Ebenenpalette verschieben. 


Benutzen Sie weiches Licht 

Um die weißen Bereiche wirklich 

hervorzuheben, könnten Sie einmal 

ausprobieren, den Filter Weiches Licht (Filter 

>Verzerrungsfi lter>Weiches Licht) 

kontrolliert anzuwenden. Aber übertreiben 

Sie es nicht, sonst gehen Ihnen zu viele 

Details verloren. 

Fertiges Bild 

Der Weichzeichner und die hervorgehobenen weißen Bereiche verleihen einem gewöhnlichen 

Farbfoto den auffälligen, ätherischen Look eines künstlerisch anspruchsvollen Infrarotfotos. 

Als nächstes verändern Sie die Füllmethode der Ebene (diese fi nden Sie in einem 

6 Drop-Down-Menü oben in der Ebenenpalette) zu Ineinanderkopieren, so dass die 

obere Ebene mit der darunterliegenden interagiert und den Kontrast verstärkt. Wenn 

Sie wieder etwas mehr Details in die Schattenbereiche bringen möchten, gehen Sie zu 

Bild>Anpassen>Tiefen/Lichter und verschieben die Regler wie gewünscht.

Expertenwissen Jahreszeiten und Landschaftsfotografie 

WINTER 

Der Winter ist die Lieblingszeit so mancher Landschaftsfotografen. Die kahlen Bäume 

kündigen die Jahreszeit, in der die Sonne die Texturen besonders hervorhebt an. Die Luft ist 

klar und der niedrige Sonnenstand ermöglicht das Fotografi eren den ganzen Tag über. Auch 

die in dieser Jahreszeit niedrig hängenden Wolken vermitteln für manche eine besondere 

Dramatik. 

Es lohnt sich die Wettervorhersage zu verfolgen, da starker Frost oder sogar Raureif eine 

märchenhafte Landschaft zaubern können. Falls eine kalte, sternenklare Nacht angesagt ist 

und ein nicht unbedeckter Morgen, stellen Sie sich den Wecker und fi nden Sie ein schönes 

Plätzchen, um den Sonnenaufgang zu verfolgen. Wenn die Sonne den Horizont erreicht, 

kommen die Pastellfarben heraus. Geben Sie Acht bei der Belichtung – die hellen Töne und 

die Refl ektionen in einer frostigen Landschaft, können den Belichtungsmesser irre führen und 

somit unterbelichten. Unter einem blauen Himmel kommt Schnee wunderbar zur Geltung 

und mit einem Polfi lter noch mehr hervorgehoben werden kann. Wann immer sich die 

Möglichkeit bietet, sollte man ein Gebäude, eine Kirche oder Scheune als Fokussierpunkt in 

das Bild integrieren.

PETER PATTERSON

100 Expertenwissen: Jahreszeiten Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

1] Winter-Wunderland 

Frostüberzogene Landschaften schaffen in 

Ihren Bildern eine magische Atmosphäre. 

Ein Teleobjektiv erlaubt es den Winter- 

Wunderlandzauber einzufangen. Kalte 

Temperaturen gehen oftmals mit einem 

klaren, blauen Himmel einher, der sich 

gut mit den klirrend kalten und gefrorenen 

Landschaften ergänzt. Die Felder und 

Wälder sind in Pastellfarben gezeichnet. 

Fangen Sie zunächst mit einem 

Teleobjektiv an und vergessen Sie nicht, 

auch etwas in den Vordergrund hinein zu 

nehmen. 

2] Gefrorene Wasserfälle 

Teilweise gefrorene Wasserfälle können 

atemberaubend abstrakt wirken. Mit 

einem langen Objektiv kommen Sie nah 

an das untere Ende des Wasserfalls heran. 

Die meisten Winterbilder von Gewässern 

zeigen fl ießendes Wasser oder Eis. Also 

nehmen Sie beides hinzu, um einen 

Kontrast zu bilden. 

3] Niedriger 

Sonnenstand 

Dafür lohnt es sich, früh aufzustehen. 

Man kann zwar ein ähnliches Motiv bei 

Sonnenuntergang fotografi eren, aber die 

besondere Wirkung des Frostes fehlt. 

Polfi lter machen sich gut an sonnigen 

Wintertagen, hauptsächlich weil die 

Sonne den ganzen Tag relativ niedrig 

steht. Genauso wie der blaue Himmel, 

kann auch der Schnee blenden. Um die 

besten Ergebnisse zu erzielen, sollte man 

mit leichten Drehungen durch den Sucher 

schauen. Bei Weitwinkelobjektiven muss 

darauf geachtet werden, dass der Himmel 

nicht uneben wirkt. 

4] Sonnenuntergänge im 

Winter 

Obwohl die Sonneneinstrahlung im 

Winter intensiv sein kann, sind die 

Sonnenuntergänge in dieser Jahreszeit 

teilweise besonders spektakulär. Sie sind 

allerdings eher kurz, also sollten Sie früh 

genug Position beziehen, um genug Zeit 

zu haben, die Ausrüstung vorzubereiten. 

5] Ein Hauch von Frost 

Kurz nach Sonnenaufgang, wenn 

ein Frost Schleier die Landschaft 

bedeckt, ist zweifelsohne die beste Zeit, 

Winterlandschaften zu fotografi eren. Wenn Sie 

gerne früh aufstehen, werden Sie mit einer 

solchen Szenerie belohnt. 

Wichtiges für den Winter 

KLEIDUNG 

Tragen Sie am besten leichte 

Thermobekleidung, um sich warm und 

trocken zu halten. Ein langarmiges 

Hemd, ein leichtes Fleece-Oberteil und 

eine gute wind- und wasserfeste Jacke. 

Anstelle von Jeans sollten Sie 

Baumwollhosen tragen. Ein Hut und 

Handschuhe sind ein Muss. 

Ordentliche 

Wanderschuhe halten 

Ihre Füße warm und 

trocken. In hohem 

Gras sollten Sie 

wasserdichte 

Leggings oder 

Gamaschen tragen. 

1 

3 4 

5 

HELEN DIXON 

PETER PATTERSON 

ADAM BURTON 

HELEN DIXON

PROFI-TIPPS 

DIE KRAFT DES POLFILTERS 

Der Vorteil eines Polfi lters für Wasserfallaufnahmen 

ist, dass er nicht nur Refl ektionen absorbiert, 

sondern auch den Lichteinfall auch um zwei Stufen 

reduziert, so dass durch die nunmehr längere 

Belichtungszeit das Wassser schön unscharf 

dargestellt wird. 

2 

PETER PATTERSON

Expertenwissen Jahreszeiten und Lanschaftsfotografie g 

FRÜHLING 

DER FRÜHLING ZEICHNET SICH durch Frische und einen Überfl uss an Blumen wie 

Narzissen, Tulpen und Glockenblumen aus. Es ist auch die Zeit der Regenschauer, die 

erfahrene Landschaftsfotografen lieben, weil das Licht unmittelbar nach dem Abklingen der 

Schauer oft sehr dramatisch ist, die Luft gereinigt ist und die Sonne durchbricht, während 

die dunklen, drohenden Wolken noch am Himmel stehen. 

Wenn Sonne und Regenschauer vorhergesagt werden, widerstehen Sie der Versuchung 

zu Hause zu bleiben, und begeben Sie sich in die Natur um, das Meiste aus dem 

hervorragendsten Licht zu machen, das Sie vermutlich fi nden werden. Die Vorbereitung ist 

entscheidend – es macht keinen Sinn, im Auto zu bleiben, bis der Regen aufhört und sich 

dann zu beeilen, um einen guten Platz für Ihre Aufnahmen zu fi nden, denn das Licht wird 

nicht auf Sie warten. Sie müssen sich Ihren Standort aussuchen und dort warten, auch 

wenn dies bedeutet, dass Sie eine Weile dem Regen ausgesetzt sind. Selbstverständlich 

müssen Sie Vorkehrungen zum Schutz Ihrer Ausrüstung treffen, aber schon so etwas 

einfaches wie eine Plastiktüte kann ausreichen.

HELEN DIXON


1] Frühlingsblumen 

Gehen Sie mit einem Weitwinkelobjektiv tief und 

nah heran, um die Blumen so stark wie möglich 

in den Vordergrund zu bringen. Achten Sie 

darauf, dass die Blumen in gutem Zustand sind, 

denn wenn die Blüten beginnen zu welken und 

ihre Farbe zu verlieren, dann haben Sie Ihre 

Chance verpasst. Gestochen scharfe Blumen 

erzielen die beste Wirkung, also versuchen 

Sie sie zu fotografi eren, wenn sie vollkommen 

unbewegt sind. Experimentieren Sie auch mit 

sich bewegenden Blumen und mit längeren 

Belichtungszeiten, aber lassen Sie den Effekt der 

Unschärfe deutlich hervortreten. 

2] Regenbogen 

Der Frühling ist die beste Zeit, um Regenbogen 

zu fotografi eren. Wenn Sie dunkle Wolken 

über strahlend heller Landschaft sehen, ist die 

Chance auf einen Regenbogen groß. Machen 

Sie eine ganze Belichtungsreihe, um das 

Farbspektrum so gut wie möglich abzubilden. 

Später können Sie diese Fotos mit Photoshop 

kombinieren, um ein breiteres Bild zu erzielen, 

so dass Sie Details, Farben und Struktur 

des defi nitiven Bildes besser kontrollieren 

können. Ein Polfi lter fügt schließlich noch den 

zusätzlichen Kontrast hinzu und sättigt die 

Farben. 

3] Wälder 

Wenn Sie sich tief im Wald befi nden, können 

Sie erstaunliche Lichteffekte erzielen, indem Sie 

gegen die Sonne fotografi eren, weil Sie sich so 

die Sonneneinstrahlung zu Nutze machen, die 

das durch das Blätterdach über Ihnen dringt 

und dadurch einzelne Sonnenstrahlen ins Bild 

wirft. 

4] Aprilschauer 

Viele Frühlingsschauer geben Ihnen die 

Möglichkeit, Szenen mit düsteren, stürmischen 

Wolken einzufangen, auch wenn Sie 

wahrscheinlich auf Pausen zwischen den 

Schauern warten werden. Ein dunkler Himmel 

mit einem hellen Vordergrund kann es schwer 

machen, die richtige Belichtung zu treffen. 

Ein schwacher abgestufter Graufi lter kann die 

Belichtung über das gesamte Bild angleichen 

und die Stimmung verstärken. Wir empfehlen, 

dass Sie einen abgestuften Filter mit Stärke 0,3 

oder 0,6 verwenden. 

Das Wichtigste für den Frühling 

STATIV Seriöse Landschaftsfotografen 

gehen nicht ohne Stativ 

aus dem Haus. Es hilft Ihnen, das 

Bild zu gestalten, den Horizont 

waagerecht zu halten und 

vermindert die Gefahr ungewollten 

Verwackelns, das Ihre Aufnahmen 

ruinieren könnte. Stative 

erleichtern es auch, eine unserer 

kreativen Techniken zu versuchen. 

POLFILTER Polfi lter sind ideal, um 

Details zu verstärken und die 

Farben zu sättigen. Die besten 

Aufnahmen erzielen Sie, wenn Sie 

im 90-Graud-Winkel zur Sonne 

fotografi eren. Kaufen Sie einen 

zirkularen und keinen linearen 

Polfi lter. 

1 

2 

3 

5 

MARK BAUER ADAM BURTON HELEN DIXON 

5] Effekte bei der Aufnahme 

ZOOM EXPLOSION Mit Ihrer Kamera auf 

einem Stativ, stellen Sie eine niedrige ISO- 

Zahl (z.B. 100) ein und eine Belichtungszeit 

von etwa 1/6-Sekunde. Starten sie die 

Belichtung und zoomen Sie dabei von der 

weitesten Einstellung in die Nähe. Zoomen Sie 

während der Belichtungszeit in gleichmäßiger 

Geschwindigkeit, um diesen Effekt nicht 

zu verzerren. Experimentieren Sie mit den 

Belichtungszeiten, um unterschiedliche 

Ergebnisse zu erzielen. 

BEWEGUNGSUNSCHÄRFE Diese Methode 

funktioniert hervorragend mit den Blumen 

hier in der Waldaufnahme, und der Effekt 

erinnert einen an impressionistische Malerei. 

Um dies zu erreichen, montieren Sie Ihre 

digitale Spiegelrefl exkamera auf ein Stativ mit 

beweglichem Kopf. Setzen Sie die Belichtung auf 

zwischen 1 oder 2 Sekunden und verwenden 

eine niedrige ISO. Starten Sie die Aufnahme 

durch einen Sender (oder einen Selbstauslöser) 

und bewegen Sie dann den Kopf des Stativs 

während der Belichtungszeit gleichmäßig nach 

unten.


5 5 

DES BARR 

Expertenwissen: Jahreszeiten 105 

4 


PAUL BILCLIFF

Expertenwissen Jahreszeiten und Landschaftsfotografi e 

SOMMER 

FÜR VIELE FOTOGRAFEN ist diese Jahreszeit die am wenigsten für Landschaftsaufnahmen 

geeignete. Die meiste Zeit des Tages steht die Sonne zu hoch, um eine sichtbare 

Abwechslung in die Landschaft zu bringen, und der Blick auf die Natur selbst wird 

oft durch dichtes Blattwerk verdeckt. Die Bäume sind zu einem gleichförmigen Grün 

geworden, im Gegensatz zu den verschiedenen Tönen frischen, saftigen Grüns im Frühling. 

Die Luft ist voller Dunst und Staub. Dennoch ist nicht jede Hoffnung verloren, es gibt einige 

gute Motive. 

Zwar gibt es weniger verschiedene Blumen als im Frühling, aber die Blumen, die 

vorhanden sind, haben dafür umso mehr Farbe – denken Sie nur an Mohn- oder 

Sonnenblumen, an das Heidekraut, das gegen Spätsommer blüht, oder an die Zeit 

des Sommers, in der Stroh- und Heuballen auf den Feldern liegen. Es handelt sich um 

großartige Motive, die zu Symbolen des Sommers geworden sind. Sie zu fotografi eren, ist 

jedoch nicht immer leicht: Sie müssen mit dem Bildaufbau solange experimentieren, bis Sie 

eine schöne Anordnung gefunden haben, und dann muss auch noch das Licht stimmen: 

Die Winkel von Sonnenlicht und Schatten lassen Ihre Fotos an Tiefe gewinnen.

HELEN DIXON


1] Blauer Himmel 

Wir haben es schon öfter geschrieben und 

Sie werden es sicher noch öfter lesen: 

Nichts macht einen blauen Himmel tiefer als 

ein Polfi lter. Aber übertreiben Sie es nicht. 

An einem klaren Tag mit gutem Licht im 

Vordergrund kann ein wenig unterbelichteter 

(also dunkler) blauer Himmel eine ganz schön 

starke Wirkung entfalten. Reine blaue Himmel 

verschwinden gewöhnlich gegen Mittag. 

2] Sonnenuntergänge am 

Meer 

Zuerst einmal: Wenn Sie an einer Ostküste 

unterwegs sind, machen Sie daraus 

Sonnenaufgänge. Stellen Sie sicher, dass Sie 

sich rechtzeitig auf den Weg machen! Ein 

Lichthof um Wolken herum führt zu den 

besten Sonnenaufgängen und -untergängen. 

Überprüfen Sie die Belichtung mittels des 

Histogramms, um sicherzustellen, dass Sie es 

richtig hin bekommen. 

3] Abendstimmungen 

Das Abendlicht hält im Sommer sehr lange 

an. Die Sonne erreicht den Horizont in einem 

schrägen Winkel, und es gibt ein langes 

Nachscheinen, das auch später nach dem 

Sonnenuntergang noch zu atemberaubenden 

Stimmungen führt. Lange Belichtungszeiten 

können diese andauernde, träumerische 

Zeitspanne erfassen und ermöglichen es den 

Wolken, ihren Fortschritt über den Himmel 

nachzuzeichnen und dadurch die Stimmung 

zu verstärken. 

4] Felder der Träume 

Lassen Sie die allgegenwärtigen Felder und 

ihre starke gelbe Kraft hinter sich und fi nden 

Sie heraus, was sonst noch alles dort wächst, 

wo Sie fotografi eren. Passen Sie auf, dass Sie 

nicht unbefugt Privatgrundstücke betreten 

und widerstehen Sie der Versuchung, die 

Blumen zu pfl ücken. Im Spätsommer können 

Sie Weizenfelder im Morgen- oder Abendlicht 

fotografi eren. 

5] Kräftige Farben 

Lassen Sie sich in der Mittagszeit von 

kräftigen Farben aus Ihren lavendelfarbenen 

Träumen aufwecken. Wir haben gerade 

schon das gelbe Feld unter blauem 

Himmel erwähnt, es ist aber immer noch 

ein großartiges Motiv. Der Mohn sieht 

überwältigend aus und gibt einen Kontrast 

zum Grün ab. Dieses Motiv kann sogar 

funktionieren, wenn die Sonne hochsteht und 

dünne Wolken das Licht so weich machen, 

wie eine große Lichtwanne im Studio. 

Das Wichtigste für den Sommer 

UV- UND TAGESLICHT-FILTER 

Obwohl wir immer empfehlen 

würden, einen klaren Filter auf 

Ihre Linse aufzusetzen, um sie 

zu schützen, machen diese 

Schutzfi lter im Sommer den 

größten Unterschied bei 

Ihren Fotos. Der UV- und 

der Tageslichtfi lter tragen 

beide dazu bei, den Dunst 

aus sommerlichen 

Landschaften zu 

beseitigen. Manche 

Kameraleute haben früher 

einen sanften Anlauffi lter aufgesetzt, um 

mit den kühlen blauen Schatten an 

sonnigen Tagen fertig zu werden, aber die 

Digitaltechnologie hat dies überfl üssig 

gemacht. 

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HELEN DIXON 

HELEN DIXON 

ADAM BURTON 

HELEN DIXON

5 

HELEN DIXON

Expertenwissen Jahreszeiten und Landschaftsfotografi e 

HERBST 

BEI DER NIEDRIG STEHENDEN SONNE können Sie den Großteil des Tages Stunden draußen verbringen, um 

zu fotografi eren. Die Luft ist oft ein bisschen feucht, was bessere Sicht bedeutet, und die Farben sind fantastisch, 

so dass Sie Ihre Bilder mit herbstlichem Orange, Rot und Gelb anreichern können. Manche Orte können selbst 

bei enttäuschendem Wetter fantastisch aussehen – das indirekte Licht eines bewölkten Himmels passt zu 

Waldgegenden, und selbst bei Regen kann man noch gute Aufnahmen machen. 

Im Frühherbst führen ein klarer Himmel und eine kalte Nacht morgens oft zu nebligen Tälern, Flüssen und Seen, 

wenn die Sonne aufgeht. Nebel kann sehr wirkungsvoll aussehen, wenn Sie gegen die Sonne fotografi eren. 

Dadurch erscheinen alle Formen in dem Motiv hervorgehobener und deutlicher, und sobald die Sonne durch 

die Bäume scheint, können sich daraus schöne Muster ergeben, wenn die Sonnenstrahlen im Nebel enden. 

Geben Sie Acht, sollten Sie unter diesen Bedingungen etwas abmessen – Sie werden feststellen, dass Nebel 

und Gegenlicht die Instrumente Ihrer Kamera verwirren und zur Unterbelichtung führen. Also ist es gut, mit 

+1 zu beginnen und das Stufenschaubild auf Ihrem LCD-Monitor zu überprüfen, um zu sehen, ob weiteres 

Nachjustieren und eine erneute Aufnahme nötig sind.

HELEN DIXON


1] Neblige Morgen 

Der Herbst ist eine hervorragende Jahreszeit für 

Fotos im Nebel, und manche Gegenden wie z. B. 

Hügellandschaften sind förmliche „Nebelfallen“. 

Also begeben Sie sich am frühen Morgen dorthin, 

um zu sehen, was das beginnende Tageslicht 

enthüllt. Mit dem höheren Brennweitenbereich 

eines Zoomobjektivs (24-105 mm) aufgenommen, 

basiert dieses Bild auf den sich überlappenden 

Hügelformationen, die sich aus dem Nebel 

absetzen. Ein abgestufter Grauverlaufsfi lter mit 

Stärke 0,6 half dabei, die Details im Himmel zu 

behalten, und ein Stativ hielt alles stabil. 

2] Der Spiegel der Natur 

Stille Gewässer wie Teiche oder Seen können Sie 

verwenden, um durch Spiegelungen die goldenen 

Farben der Jahreszeit zu betonen. Ein schöner 

Anblick dieser Farben wird in diesem Bild, das 

neben einem kleinen Fluss aufgenommen wurde, 

verstärkt durch die nachmittägliche Sonne. Über 

die obere Hälfte des Fotos wurde ein abgestufter 

Graufi lter gelegt, um eine gleichmäßige Belichtung 

des ganzen Fotos zu erzielen. Nachdem das Foto 

in eine TIFF-Datei umgewandelt wurde, wurde 

mit Photomatix-Software der Kontrastumfang 

verringert, so dass manche der Details in den 

dunkleren Stellen des Motivs zur Geltung gebracht 

werden. 

3] Ein Farbteppich 

Suchen Sie nach Gegenden, die für ihre 

Herbstfarben bekannt sind. Sie werden Farben 

von hellem Gold bis zu dunklem Rot fi nden. 

Da sich die Farben in dieser Jahreszeit ständig 

ändern, lohnt es sich, die gleichen Orte mehrmals 

aufzusuchen. Kehren Sie spät in der Saison zurück, 

um als Motiv die herabgefallenen Blätter zu nutzen, 

die einen Farbteppich auf dem Waldboden bilden. 

4] Konzentrieren Sie sich auf 

einen Baum 

Geben sie es zu: Sie würden am liebsten auf 

diesen Baum klettern, nicht wahr? Seine knorrigen 

Wurzeln und die Verrenkungen des Stammes und 

der Äste bieten eine perfekte Einführung in das 

Motiv. Dieser Aufbau nimmt Ihre Augen auf eine 

Reise mit, der Ihre Beine bestimmt nachfolgen 

möchten. 

5] Unscharfes Wasser 

Eine Belichtungszeit von nur zwei oder mehr 

Sekunden wird einen Bach im Wald verzerren. 

Lange Belichtungszeit braucht eine kleine Blende. 

Diese bewirkt eine große Tiefenschärfe, und die 

herumliegenden goldenen Blätter machen das 

Moos interessanter. 

Das Wichtigste für den Herbst 

WEITWINKEL-ZOOM 

Ein Weitwinkel-Zoom- 

Objektiv wie das Sigma 

10-20 mm ermöglicht 

Ihnen, das meiste aus 

Ihren herbstlichen Fotos 

herauszuholen. Von den 

Fotos auf dieser Seite 

wurde nur der neblige 

Morgen mit einem 

Teleobjektiv aufgenommen. 

Falls die kleinste Brennweite Ihres 

Standardzooms nicht klein genug ist, ist 

der Herbst ein guter Anlass, um eine 

anderes Objektiv auszuprobieren. 

1 

3 4 

5 

ISTOCK PHOTO

2 

ADAM BURTON

Die Welt im Breitbildformat 

> ZEIT: 50 MINUTEN > AUSRÜSTUNG: CCANON EOS 5D MKII, STATIV, FERNAUSLÖSER, WASSERWAAGE, 

> WEITERHIN: PHOTOSHOP CS (ELEMENTS KANN EBENSO VERWENDET WERDEN) 

Mark Bauer: Landschaftspanoramen haben etwas ungeheuer Fesselndes, 

insbesondere, wenn man sie als Großformatdruck betrachtet. Meiner Meinung nach 

gibt es keine bessere Technik, um den Eindruck zu erwecken, man sei tatsächlich vor 

Ort. Da eine professionelle Ausrüstung für Panoramaaufnahmen sehr viel Geld kostet, 

machen die meisten Fotografen mit Ihrer digitalen Spiegelrefl exkamera eine Reihe von 

Aufnahmen und basteln sich daraus dann mit Hilfe von Photoshop eine Panoramaaufnahme 

zusammen. Dabei sollte man jedoch bedenken, dass nicht jede Landschaft für ein Panoramabild 

geeignet ist. Szenerien mit starken, horizontalen Ebenen; insbesondere solche, die auf natürliche 

Weise von links nach rechts „fl ießen“, sind ideal. Günstig ist auch ein besonderer Hingucker, wie 

zum Beispiel ein Gebäude, das den Horizont unterbricht und den Blick auf sich ruhen lässt, 

während er über das Bild wandert. Auf diesen Bildern habe ich den charakteristischen, 

kegelförmigen Colmer’s Hill in der Nähe von Bridport, Dorset, als Blickfang für mein 

Panoramabild benutzt. 

UND SO WIRD'S GEMACHT

116 Panoramamotive fotografi eren Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

> Kreatives 

Die Regeln für Panoramen! 

Panoramen sind im Grunde recht einfach zu 

fotografi eren, wenn man ein paar Grundregeln 

beachtet: 

1) Halten Sie Ihre Kamera immer absolut waagerecht, 

damit die vertikalen Linien sich nicht überschneiden. 

2) Stellen Sie Fokus, Belichtungszeit und 

Weißabgleich immer manuell ein, damit sie auf den 

unterschiedlichen Aufnahmen immer gleich sind. Um 

die richtige Belichtung für das gesamte Gebiet heraus 

zu fi nden, messen Sie die Belichtung im gesamten 

Aufnahmegebiet und nehmen dann den Mittelwert. 

3) Lassen Sie die Aufnahmen um ungefähr 25 Prozent 

überlappen (siehe unten). So können Sie die 

Einzelbilder leichter ausrichten und stellen sicher, dass 

nichts fehlt. 

4) Benutzen Sie einen Fernauslöser und eine 

Spiegelvorauslösung. So können Sie sicher sein, dass 

alle Aufnahmen scharf sind. 

5) Machen Sie Ihre Einzelaufnahmen schnell 

hintereinander. So vermeiden Sie, dass sich auf den 

Bildern etwas verändert, zum Beispiel das Licht oder 

die Wolken. 

6) Benutzen Sie keinen Polarisationsfi lter. Der Effekt 

würde sich verändern, wenn Sie die Kamera bewegen 

und das Verhältnis zwischen Lichtquelle und Kamera 

verändern. 

7) Fotografi eren Sie ein etwas breiteres Gebiet, als das, 

welches Sie für Ihr Ergebnis glauben zu benötigen. So 

haben Sie etwas Spielraum für Fehler beim Ausrichten 

der Einzelbilder. 

Wenn Sie sich die passende Landschaft für Ihr 

1Panoramafoto ausgesucht haben, sollten Sie Ihre 

Kamera richtig einstellen (schließlich wollen Sie die 

Einstellungen nicht während der Aufnahmen 

verändern). Für diese Landschaft habe ich 1/8 Sek. bei 

f/11 (ISO 100) eingestellt. 

Unerlässliche Ausrüstung 

Bevor Sie nun mit Ihrem „Schwenk“ beginnen, 

2wählen Sie zwischen Hoch- und Querformat. 

Wenn Sie sich für Hochformat entschieden haben, 

drehen Sie die Kamera auf die Seite. Kontrollieren Sie 

noch einmal die Wasserwaage und stellen Sie sicher, 

dass alles gerade ausgerichtet ist ist. 

STATIV UND WASSERWAAGE: Für Landschaftspanoramen brauchen Sie nicht unbedingt eine 

professionelle Ausrüstung, aber es gibt einige Dinge, ohne die Sie ihr Vorhaben nicht 

verwirklichen können. Ein Stativ ist unverzichtbar für Standsicherheit und 

um die Bilder auszurichten, ebenso wie ein Panorama-Stativkopf. 

Ein Fernauslöser stellt sicher, dass alle Bilder gleich scharf sind 

und eine Wasserwaage, die in den Blitzschuh geschoben 

werden kann, hilft, die Kamera gerade zu halten. Im Handel 

sind professionelle Panorama-Stativköpfe erhältlich, die 

sich um den Nodalpunkt des Objektivs (den Punkt, an dem 

sich die Lichtstrahlen in dem optischen System kreuzen) 

herum drehen. Diese Nodalpunktdadapter verhindern, dass 

Linien sich kreuzen, und erleichtern die Ausrichtung der 

Einzelbilder. Sie sind sehr hilfreich bei der Aufnahme von Szenerien mit 

vielen geraden Linien, zum Beispiel Stadtansichten. Für die Aufnahme 

von Landschaften sind sie nicht unbedingt erforderlich.


Um die Kamera zu schwenken, entriegeln Sie die 

3Schwenkfunktion Ihres Stativs. Machen Sie eine 

Aufnahme und beginnen Sie dann, die Kamera von 

einer Seite des Panoramas zur anderen zu drehen. 

Stellen Sie dabei sicher, dass sich Ihre Einzelbilder alle 

um ungefähr 25 Prozent überlappen. So vermeiden Sie 

Lücken in Ihrem Panoramabild. 

Ihr Computer wird nun loslegen und Ihre Dateien verarbeiten. Sie können sich in 

6der Zeit eine wohlverdiente Tasse Tee oder Kaffee genehmigen. Nach ein paar 

Minuten erhalten Sie dann Ihr Panorama. Das erste, was Ihnen wahrscheinlich 

auffallen wird, ist, dass sich an den Rändern Ihres Bildes noch freie Flächen 

befi nden. 

Wenn Sie nach Hause zurück kommen, laden Sie 

4Ihre Bilder auf Ihren Computer hoch. 

Öffnen Sie nun Photoshop und klicken Sie auf 

Datei>Automatisieren>Photomerge. 

Dort öffnet sich nun ein Dialogfeld mit verschiedenen 

Wahlmöglichkeiten. 

Panoramamotive fotografi eren 117 

Sie haben nun fünf Optionen, wie Photoshop Ihre 

5Dateien zusammenstellen kann. Für die besten 

Ergebnisse sollten Sie sich entweder für Perspektivisch 

oder Zylindrisch entscheiden. Klicken Sie nun auf die 

Schaltfl äche „Durchsuchen“ und wählen Sie die Bilder 

von Ihrem Dateiordner aus. Zum Schluss klicken Sie 

auf OK. 

Wählen Sie nun das Werkzeug „Freistellen“ aus, und ziehen Sie einen Rahmen 

7auf. So eliminieren Sie die freien Flächen an den Bildrändern. Wenn Sie mit 

Ihrem Bildrahmen zufrieden sind, bestätigen Sie Ihre Auswahl. Abschließend 

reduzieren Sie die Ebenen (Ebenen>Auf Hintergrundebene reduzieren) und 

speichern Ihre Datei ab.

FOTOABENTEUER 

�� 

JAPAN 

DER FOTOGRAF JON HICKS BLEIBT IM ZENTRUM 

DER STÄDTE, UM DIE ALTE KULTUR UND DAS 

MODERNE STADTLEBEN DER JAPANER ZU 

ENTDECKEN. 

TEXT: CAROLINE WILKINSON / FOTOS: JON HICKS

066 Schärfe Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

FOTOABENTEUER 

�� 

IN IN JAPAN ZU FOTOGRAFIEREN FOTOGRAFIEREN, iist 

traumhaft: Es gibt ganz einfach die 

beste moderne Architektur in Tokio, und die Japaner sind unglaublich 

höfl ich. Als Berufsfotograf weiß ich, dass man mit Bildern typischer 

Stadtszenen am ehesten Geld verdienen kann, und daher gibt es in 

Tokio, Yokohama und Kyoto die besten Möglichkeiten, Verkehrszentren, 

die Skyline, herausragende Gebäude, bevölkerte Plätze und überhaupt 

das Leben in der Stadt zu fotografi eren, auch wenn man wie ich nur 

einige Tage Zeit dafür hat. An Motiven mangelte es nicht, nur die Zeit, 

das alles aufzunehmen, fehlte. Mir ist es jedoch geglückt, auch einige 

historische Tempel mitzunehmen, und mich sogar auf die Jagd nach 

Geishas zu machen. 

Der April ist aus Wettergründen für einen Fotografen eine sehr gute Zeit, 

Japan einen Besuch abzustatten, da es im Sommer oft feucht und im 

Winter eher langweilig ist. Wenn man Glück hat, erlebt man sogar die 

Kirschblüte. Trotz der Jahreszeit war es in Tokio – worauf ich den 

Schwerpunkt meiner Reise legte – ziemlich regnerisch, aber dadurch 

hatte ich Zeit, die U-Bahn-Stationen aufzunehmen. 

Ich kenne keinen anderen Ort auf der Welt, in dem es erlaubt ist, bei 

Fotoaufnahmen in der U-Bahn ein Stativ zu benutzen. Das ist nur eines 

der vielen Dinge, die mich in Japan erstaunen, und ist beispielhaft dafür, 

dass dieses Land einzigartig in der Welt ist. Es gibt niemanden, der einen 

so sehr am fotografi eren hindert, dass der Beruf über Gebühr 

anstrengend würde. Man kann im Gegenteil sagen, dass man überhaupt 

nicht belästigt wird. Ich habe Menschen im Zug aufgenommen, und 

kein einziger von ihnen bat mich, das zu unterlassen. Ich habe erlebt, 

dass Autofahrer ihre Köpfe vor mir neigten, wenn sie anhielten, um mich 

Japan 

„An Motiven mangelte es nicht, nur die Zeit, das 

alles aufzunehmen, fehlte. Mir ist es jedoch 

geglückt, auch einige historische Tempel 

mitzunehmen, und mich sogar auf die Jagd nach 

Geishas zu machen.“


Japan 121 

HAUPTBILD: 

Die Geishas waren rar, 

aber sehr fotogen, als 

sich also vor dem 

Bambushain in Kyoto 

die Gelegenheit ergab, 

machte ich schnell 

davon Gebrauch, mit 

meinem 45 mm 

-Objektiv, eingestellt 

auf Blende f/5. 

LINKS: Um das 

Prada-Gebäude in 

Tokio aufzunehmen, 

nutzte ich ein 24 mm 

Tilt-und-Shift-Objektiv, 

und fügte dann den 

Türsteher aus einer 

anderen Datei hinzu. 

Ich ging möglichst nah 

an den Boden, um 

Menschen aufnehmen 

zu können, die 

vorbeigingen. 

UNTEN: 

Shiodome ist ein 

Geschäftsviertel in 

Tokio, das abseits der 

üblichen 

Touristenpfade liegt, 

aber es gibt dort sehr 

hohe Gebäude und 

hochliegende 

Gehwege.

FOTOABENTEUER 

��


GANZ LINKS: 

Der Gion-Bezirk in Kyoto 

erwacht nachts zum 

Leben. Dieses Bild 

wurde neben dem 

Yasaka-jinja Heiligtum 

aufgenommen, mit 

Blick die Hauptstraße 

von Gion hinunter. Ich 

habe drei verschiedene 

Aufnahmen mit einem 

70-200mm-Objektiv 

gemacht mit ungefähr 

einer Ampelschaltung 

Abstand dazwischen, 

um die besten 

Verkehrsbewegungen 

zu erfassen, und habe 

dann die Fotos 

zusammengefügt. 

LINKS: Es gehört zu 

den japanischen 

buddhistischen Ritualen, 

vor dem Betreten eines 

Tempels oder eines 

Heiligtums sich in einem 

Becken, das Tsukubai 

genannt wird, die Hände 

zu reinigen. 

OBEN: Yokohama liegt in 

der Bucht von Tokio. Es 

gibt dort viele 

Sehenswürdigkeiten, wie 

etwa das Nippon Maru 

Segelschiff und das 

Riesenrad „Cosmo Clock 

21“. Ich habe diese 

Aufnahme bei einer 

Belichtung von sechs 

Sekunden und f/11 mit 

meinem 70-200 mm 

-Objektiv gemacht. 

Japan 123 

„Obwohl es in Japan keinen Big Ben, keinen Eiff elturm und keinen Trafalgar Square gibt, fi ndet man dort 

doch fantastische Beispiele moderner Architektur und Kultur, die einzigartig auf der Welt sind.“ 

über die Straße zu lassen, und zu Stoßzeiten, gehen alle sehr, sehr 

vorsichtig, damit sie niemanden anrempeln. 

Auf dieser Reise wollte ich mich nicht nur auf die sich verändernde 

Skyline von Tokio konzentrieren, sondern auch auf die japanische 

Lebensart: Menschen, die die Straße überqueren, die Fahrrad fahren 

und Züge besteigen. Die Shibuya-Kreuzung ist eine der größten 

Straßenkreuzungen der Welt, die im zentralen Geschäftsbezirk von Tokio 

liegt, wo man die höchste Dichte an Hotels fi ndet, und gleichzeitig ist es 

ein Zentrum der Mode und des Nachtlebens. Es ist übervoll dort: 

Hunderte Menschen überqueren die Straße zur selben Zeit. Die 

Umgebung ist voller Neonreklame, plärrender Musik und japanischer 

Jugendkultur – es ist das typische Tokio, das ich so liebe! 

Ich bin dort immer hingegangen, um einfach herumzustehen, die 

Menschen zu beobachten und die anregende Atmosphäre aufzusaugen. 

Beim Fotografi eren von Leuten, die die Straße überqueren, machte ich es 

so, dass ich die Kamera einfach in die Hand nahm, eine lange 

Belichtung einstellte und die Kamera schwenkte, während die 

Menschen an mir vorbeigingen. Normalerweise legte ich meinen 

Schwerpunkt auf hübsche Mädchen, auf Männer im Anzug auf dem 

Weg von der Arbeit nach Hause, oder auf Menschen mit Schirmen im 

Regen, da das gute Motive sind. 

In Shinjuku sieht es sehr ähnlich aus. Es gibt dort Boulevards, übervoll 

mit Neontafeln, chaotische Straßen voller Leben, und riesige 

Wolkenkratzer. Der größte Teil Tokios ist nicht älter als 70 Jahre, da die 

Stadt nach dem zweiten Weltkrieg neu aufgebaut wurde, und obwohl es 

in Japan keinen Big Ben, keinen Eiffelturm und keinen Trafalgar Square 

gibt, fi ndet man dort doch phantastische Beispiele moderner Architektur 

und Kultur, die einzigartig auf der Welt sind. In London kann man wohl 

in einer einzigen Straße die Hälfte der Völker der Welt beobachten, 

wohingegen es in Tokio fast ausschließlich japanische Gesichter sind, 

die sich in der Regel an ein Handy schmiegen. 

Die japanische Jugendkultur bietet ebenfalls die Gelegenheit, 

interessante Bilder zu schießen.In einem Stadtbezirk namens Harajuku

FOTOABENTEUER 

�� 

�� 

OBEN: Die Shibuya- 

Kreuzung ist eine der 

größten 

Straßenkreuzungen der 

Welt. Es ist ein 

ehrfurchtgebietender 

Ort. Dieses 

Panoramabild wurde aus 

neun Aufnahmen 

zusammengesetzt, die 

mit einem 24 mm 

Tilt-und-Shift-Objektiv 

bei 1/5 Sekunde und 

f/11 aufgenommen 

wurden. 

GANZ RECHTS: Die 

Japaner sind so höfl ich, 

dass sie Schutzmasken 

tragen, wenn sie erkältet 

sind. 

RECHTS: Das ist der 

Shinjuku-Bahnhof. 

Damit die Menschen 

genau dort waren, wo 

ich sie im Bild haben 

wollte, musste ich eine 

Fotomontage aus sieben 

Einzelbildern anfertigen. 


„Es ist einfach, sich in Japan von einem Ort zum anderen zu bewegen. Die Verkehrsmittel 

sind effizient, und obwohl es nicht preiswert ist, kann man mit ihnen wahrscheinlich zu jedem 

beliebigen Ort im Land gelangen.“


fi ndet man Takeshita-dori, eine 400 Meter lange Gasse, in der eine 

Boutique neben der anderen ist, die alle Kitsch für Teenager und Fetische 

aus der Subkultur anbieten. Derzeit ist „cosplay“ im Trend; das sind 

Kostümspiele, bei denen sich die Jugendlichen als Zeichentrickfi guren 

verkleiden. Dann gibt es noch Akihabara, auch bekannt als elektrische 

Stadt, und das Zentrum der japanischen Geeks. Die meisten Touristen 

beachten sie nicht, aber hier ist ein Hotspot der modernen japanischen 

Kultur. Übervoll mit Elektronik und Manga-Buchhandlungen; es wurde 

schon als „Ground Zero der Geek-Bewegung“ bezeichnet. 

Es ist unheimlich einfach, sich in Japan von einem Ort zum anderen 

zu bewegen. Die Verkehrsmittel sind effi zient, und obwohl es nicht 

preiswert ist, kann man wahrscheinlich zu jedem beliebigen Ort im 

Land gelangen, indem man den „Bullet-Train“-Schnellzug und das 

U-Bahn-System benutzt. 

Im Unterschied zu Tokio zeigt die Stadt Kyoto das traditionelle 

Gesicht Japans, aber als Folge davon gibt es dort sehr viel mehr 

Touristen. Die ehemalige Hauptstadt Japans ist umgeben vom 

bergigen Tamba-Hochland und ist eine der wenigen Städte, die nicht 

den Feuerbomben des 2. Weltkriegs ausgesetzt war. Daher gibt es 

hier unzählige gut erhaltene buddhistische Tempel, Shinto- 

Heiligtümer und Paläste. Wenn man allerdings aus dem Bahnhof 

von Kyoto tritt, denkt man unweigerlich „Und das soll es sein?“, weil 

man inmitten von Beton und Asphalt steht. Die meisten Heiligtümer 

befi nden sich in den Außenbezirken der Stadt. Aber es gibt auch 

Gion, den berühmten Geisha-Bezirk, wo es sich lohnt, Zeit zu 

verbringen, wenn auch nur, um die hölzernen Kaufmannshäuser im 

Machiya-Stil zu fotografi eren. Nachts erwacht die Gegend zum 

Leben. 

Das Pfl ichtprogramm, also das was man gesehen haben muss, ist in 

Kyoto sehr groß, wie etwa die Tausenden roten Tore, die hoch zum 

Fushimi Inari Taishi-Heiligtum führen, am Fuß des Inaribergs, dem 

kaiserlichen Palast und dem Kikakuji-Tempel, der mit Blattgold 

geschmückt ist. Ich wollte keinesfalls den Rakusai-Bambusgarten 

verpassen – ein großer Hain seltener Bambusbäume, die mit 

Hintergrundbeleuchtung unglaublich aussehen. Ich nahm ein 

Panoramafoto auf, bei dem kein Mensch zu sehen war, aber fast 

immer musste ich mit Photoshop Menschen entfernen, da es dort 

von Touristen nur so wimmelte. Als ich außerhalb des Hains stand, 

gelang mir ein Foto einiger vorbeispazierender Geishas, wobei das 

sie von hinten anstrahlende Licht phantastisch war, weil es ihre 

weißen Gesichter betonte. Man hat Glück, wenn man eine Geisha zu 

Gesicht bekommt. Sie sind voller Anspielungen, aber sehr fotogen 

– so sehr sogar, dass nicht nur Touristen sie fotografi eren möchten, 

sondern auch die Japaner. Manche Leute mieten sogar Geishas und 

fotografi eren sie in der Altstadt von Kyoto neben traditionellen 

Häusern. Das überlege ich mir für meine nächste Reise. Es gab ganz 

einfach zu viel zu sehen in einem relativ kurzen Zeitraum von nur 18 

Tagen, daher spiele ich ernsthaft mit dem Gedanken, im Herbst 

wiederzukommen, wenn das Land voll der herbstlichen Farben ist. 

Japan 125 

Jons 

Ausrüstung 

Eine Canon 

EOS-1Ds MkIII mit 

einem 17-, 24-, 45 

TS-E- , 24-105- 

und 

70-200-Millimeter 

Objektiv sowie ein 

15 mm-Fisheye, ein 

MacBook Pro 

Laptop, ein 

Smartdisk- 

Sicherungslaufwerk 

und als krönender 

Abschluss noch ein 

Gitzo Stativ mit 

einem Really Right 

Stuff Panoramakopf.

Nutzen Sie den Nebel 

> ZEIT: EINE STUNDE > AUSRÜSTUNG: CANON EOS 5D MKII, 24-105 MM F/4L, LEE 0.6 GRAUFILTER, 

STATIV, FERNAUSLÖSER > VORAB EINGEHOLT: WETTERVORHERSAGE 

Mark Bauer: Die Zeit vom Herbst bis zum frühen Winter ist für mich eine der beliebtesten 

Jahreszeiten für die Landschaftsfotografi e. Die niedrig stehende Sonne gibt der Landschaft Struktur, 

die Luft ist klarer als im Sommer und der Sonnenaufgang fi ndet zu einer humaneren Zeit statt. 

Daher stehen die Chancen besser, dass ich für das magische Morgendämmerungslicht aufstehe. 

Aber eine noch größere Attraktion stellen für mich Nebel und Dunst dar, die es in dieser Jahreszeit häufi g gibt. 

Eine Szene, die ansonsten eher unspektakulär aussieht, kann dadurch mystischer und romantischer wirken, 

wenn die Spitzen der Bäume und Gebäude durch diese weiße Schicht, die unten im Tal liegt, hervorstechen. 

Es gibt unterschiedliche Arten von Dunst und Nebel, aber für diese Art von Aufnahmen brauchen wir 

„Strahlungsnebel“. Strahlungsnebel entsteht in klaren, ruhigen Nächten, wenn der Boden durch die Strahlung 

und Abkühlung an Wärme verliert. Die Erde wiederum kühlt die bodennahe Luft bis zu einem Sättigungspunkt 

ab, und so entsteht Nebel. Dieser Nebel ist oft auf einen niedrigen Bereich nahe des Bodens begrenzt, wenn 

Sie also auf einen Hügel hinaufsteigen, können Sie möglicherweise eine Aufnahme über ein Tal voller Nebel 

hinweg machen. 

Ideale Bedingungen für diese Art von Nebel sind ein leichter Wind, klarer Himmel und lange Nächte, daher 

beobachten Sie die Wettervorhersage und stehen Sie früh auf, um einen geeigneten Ort zu fi nden.

128 Nebel am frühen Morgen Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Belichtung und Bildbearbeitung 

BELICHTUNG: Weil das Messgerät der Kamera davon ausgeht, dass es auf einen mittleren Tonwert 

schaut (18 % Grau), können sogar „intelligente“ Messgeräte durch viel Weiß in der Landschaft, wie 

es bei nebligen Szenen der Fall ist, getäuscht werden und somit unterbelichten. Daher sollten Sie 

den Belichtungswert um ungefähr +1 Stufen erhöhen. Die Technik des „nach rechts Belichtens“, 

d.h. die Belichtung so weit wie möglich an die Überbelichtung heranführen, ohne dabei Details zu 

ruinieren, ist in den letzten Jahren immer beliebter geworden, denn sie erzeugt eine Datei mit 

mehrTonwertinformationen und weniger Rauschen. Wenn Sie diese Technik anwenden, müssen 

Sie den Belichtungswert noch stärker anpassen. 

BILDBEARBEITUNG: Aufnahmen von nebligen Szenen nachzubearbeiten, funktioniert ein bisschen 

anders als bei „normalen“ Szenen, bei denen Sie den schwarzen Punkt so setzen, dass er mit der linken 

Seite des Histogramms übereinstimmt. Bei Bildern, die in Dunst oder Nebel aufgenommen wurden, gibt t 

es selten ein echtes Schwarz, und sie haben einen begrenzten Kontrastumfang, daher sollten Sie den 

schwarzen Punkt weniger aggressiv als für die meisten anderen Bilder setzen, damit die Szene weiterhin n 

natürlich aussieht. 

Feuchtigkeitsalarm! 

Bei nebligen Gegebenheiten kann sich auf Ihrem 

Objektiv und/oder Ihrem Filter Kondensat bilden, 

welches die Bilder ruinieren kann. Behalten Sie 

daher die vorderen Elemente und Filter ständig 

im Auge und wischen Sie sie oft mit einem 

Mikrofasertuch ab. 

Nachdem ich am Abend zuvor die Wettervorhersage gehört habe, kam ich zu den Purbeck Hügeln in Dorset etwa 30 Minuten vor Sonnenaufgang 

1an. Über Nacht hatte sich im Tal dichter Nebel gebildet, und bei Sonnenaufgang begann sich dieser aufzulösen, wobei die Formen der Bäume und 

Gebäude durch den Nebel langsam erkennbar wurden. Ich habe meine Ausrüstung ausgepackt und eine geeignete Komposition für mein Bild 

gesucht. 

Die Kirchturmspitze, die aus dem Nebel herausragt, schien mir ein natürlicher Blickpunkt 

2zu sein, daher habe ich meine Komposition um diesen wunderschönen Orientierungspunkt 

aufgebaut. Jedoch haben die hellen Töne des Nebels das Messgerät der Kamera so verwirrt, 

dass die Szene leicht unterbelichtet wurde. Obwohl ich die Details auch später in der 

Bildbearbeitung herausarbeiten könnte, ziehe ich es vor, nach rechts zu belichten, um eine 

maximale Bildqualität zu erreichen. 

Um nach rechts zu belichten, habe ich die Belichtungswerte um zwei Stufen 

3erhöht. Dadurch wurden die hellen Töne im Hauptteil des Bildes gehalten, aber 

sie gingen nahtlos in den hellen Himmel über, ohne dass die Details noch zu erkennen 

gewesen wären. Sie können auf meinem Bild sehen, dass der Himmel viel zu hell ist 

und dadurch das Bild ruiniert wird. Um dieses Problem musste ich mich noch 

kümmern!


Ich habe einen zweistufi gen Grauverlaufsfi lter aufgesetzt und die Aufnahme noch einmal 

4gemacht. Der zusätzliche Filter hat es mir erlaubt, die Belichtung zu erhöhen, um sowohl 

die hellen Töne des Himmels als auch den Farbton des Himmels beizubehalten. Aber als ich mir 

die Aufnahme noch einmal angeschaut habe, habe ich mir überlegt, dass es nicht viel 

Interessantes im Himmel zu sehen gab, daher würde ich die Komposition des Bildes noch 

einmal überarbeiten müssen. 

Nebel am frühen Morgen 129 

Magischer Nebel 

Mein fertiges Bild ist voller 

Atmosphäre. Der Nebel hilft 

dabei, der Aufnahme eine 

zeitlose Qualität zu geben. 

Ich habe etwas näher rangezoomt und so noch einmal fotografiert. Den langweiligen 

5Himmel abzuschneiden, verstärkt die Komposition auf angenehme Art. Aber nun hat sich 

der Nebel bewegt, und zeigt für meinen Geschmack etwas zu viele Details. Somit habe ich 

meine Position noch einmal leicht verändert und darauf gewartet, dass etwas mehr Nebel in die 

Szene kommt und einige der ablenkenden Elemente im Bild verdeckt. Nach einiger Zeit kam 

alles zusammen. Hier ist das Ergebnis!


Ausrüstung und Zubehör 131 

DIE NOTWENDIGE AUSSTATTUNG 

FÜR JEDEN 

LANDSCHAFTSFOTOGRAFEN

Ratgeber für die Ausrüstung #1 

DER EINSTEIGER 

Schraubfilter 

Obwohl es keinen Zweifel daran gibt, 

dass eckige Steckfi lter-Systeme auf 

lange Sicht sinnvoller für 

leidenschaftliche Fotografen sind, sind 

für den Anfänger dennoch Schraubfi lter 

gut geeignet. Der ringförmige Polfi lter 

sollte auf jeden Fall ganz oben auf der 

Liste stehen, da er sich am nützlichsten 

für die Aufnahme von Landschaften 

erweist. Filter von Hoya, Kood und 

Jessops sind zu empfehlen.

Kit-Objektiv 

Es gibt eine große Auswahl an 

Einsteiger-Kameras, die zusammen mit 

einem Kit-Objektiv (z. B. 18-55 mm) in 

einer Preislage von unter 500 Euro 

erhältlich sind. Wir empfehlen für 

Kamera-Kits unter anderem die 

folgenden Modelle: Canon EOS 

1000D, Nikon D60, Olympus E-420, 

Pentax K-m und K200D und Sonys 

Alpha 200. 

Zubehör 

Zwar sollte man seine Tasche so leicht 

wie möglich halten, vor allem, wenn 

man ein paar Stunden unterwegs ist, 

doch einige Zubehörteile sind als 

essentiel zu betrachten. Dazu gehören 

zusätzliche Speicherkarten, ein 

Objektiv-Reinigungstuch, um die Optik 

sauber zu halten, eine Landkarte und 

ein Mobiltelefon für den Fall, dass man 

sich verlaufen oder verletzen sollte. 

Der Einsteiger 

Die Ausstattungsoptionen für 

Einsteiger in die Spiegelrefl exfotografi e 

sind nicht gerade leicht zu 

überschauen. Für den Anfang 

benötigt man in jedem Fall eine 

Grundausstattung, bestehend aus 

einer Kamera und Standardzoom, 

einem guten Stativ, einem oder 

zwei Schraubfi ltern sowie einer 

Tasche, um all dies unterzubringen, 

zusammen mit ein paar Snacks, 

Wasser, Landkarten usw. 

Stativ und Kopf 

Die Hauptfaktoren für das Aussuchen 

eines Stativs sind Gewicht und 

Stabilität. Es sind mehrere Modelle für 

unter 150 Euro erhältlich, die einen 

sehr stabilen Halt für die Ausrüstung 

bieten. Gibt man mehr Geld aus, so 

besitzen die Modelle einige 

Extra-Funktionen und sind vor allem 

noch stabiler und relativ leichter. 

Foto-Tagesrucksack 

Als Einsteiger besitzt man 

wahrscheinlich nicht mehr als eine 

bescheidene Ausrüstung bestehend 

aus Kamera mit Kit-Objektiv (und 

eventuell einem zusätzlichen Zoom), 

zusammen mit ein wenig anderem 

Foto-Zubehör und notwendigen 

Dingen wie Kleidung. Ein Foto- 

Tagesrucksack für 50 Euro mit 

getrennten Taschen für die Ausrüstung 

und andere Gegenstände sollte dafür 

ausreichen.

006 The Basics: Exposure The Essential Guide to Landscape Photography 

Ratgeber für die Ausrüstung#2 

DER 

FORTGESCHRITTENE 

Der Fortgeschrittene 

Wenn man mit viel Begeisterung 

fotografi ert, möchte man irgendwann in 

eine bessere digitale Spiegelrefl exkamera, 

bessere Optik und mehr Zubehör wie z. B. 

einen separaten Belichtungsmesser und 

einen Funkauslöser investieren. Das 

bedeutet Spezialobjektive, wie ein 

Weitwinkel-Zoom, mehr Filter, ein 

besseres Stativ und mehr Zubehör. 

Kleidung 

Da Sie sowohl sehr früh als auch spät 

am Tag draußen sind und Abenteuer in 

Regen, Sturm und Sonnenschein 

durchstehen wollen, müssen Sie sich 

entsprechend kleiden. Eine leichte 

wasserdichte Jacke wie diese 

„Paramo“ mit Fleece darunter und 

anständige Wanderschuhe wie 

„Patagonia’s Thatchers“ sind die 

Investition auf jeden Fall wert. Wichtig 

sind eine Kopfbedeckung, und dass 

Ihre Hände warm bleiben. Probieren 

Sie fi ngerlose Handschuhe, mit denen 

Sie die Kamera weiterhin bedienen 

können. 

Kamerarucksack 

Der begeisterte Fotograf wird 

wahrscheinlich Stunden in der Natur 

verbringen, auch wenn die 

Wetterbedingungen nicht so gut sind. Also 

ist ein qualitativ hochwertiger, 

wasserdichter Rucksack unentbehrlich. 

Und für die zusätzliche Ausrüstung 

benötigen Sie zusätzlichen Stauraum. Zu 

den Rucksäcken, die wir Ihnen 

vorschlagen, gehören der „Lowepro Vortex 

200“ und der „Tamrac Adventure 8“. 

Digitale Spiegelreflexkamera 

Enthusiasten mit ein paar Jahren 

Erfahrung werden sehr wahrscheinlich 

von ihrem Einsteigermodell auf etwas 

Dauerhafteres und Anspruchsvolleres 

umsteigen wollen. Ein Blick auf die 

Modelle Canon EOS 60D, Nikon 

D7000, Olympus E-510, Pentax K-7 

und die Sony A580 lohnt sich.

Ultra-Weitwinkel-Zoom 

Das 18-55 mm Standardobjektiv 

leistet gute Arbeit, aber es ist an der 

Zeit, zur Steigerung der Optik auf 

etwas Besseres umzusteigen. Ein 

Ultra-Weitwinkel-Zoom sollte auf Ihrer 

Liste ganz oben stehen, da es ein 

weiteres Blickfeld und schärfere 

Ergebnisse liefert. Vielleicht möchten 

Sie auch in ein nicht zu teures 

Teleobjektiv investieren, um Details in 

Ihren Motiven heranzuholen. 

Ansteckfilter 

Wenn Sie nur ein Objektiv haben, 

genügen Anschraubfi lter. Aber wenn 

Sie weitere Objektive erwerben, die 

vermutlich unterschiedliche 

Gewindegrößen für die Filter haben, 

dann müssen Sie sich zwischen 

zusätzlichen Anschraubfi ltern oder 

einem System von Ansteckfi ltern 

entscheiden. Letzteres ist die bessere 

Lösung, vor allem da Sie abgestufte 

Graufi lter verwenden wollen. Sehen Sie 

sich das P-System von Cokin an. Es ist 

preiswert und von sehr guter Qualität. 

Karbon-Stativ 

Wenn Sie in Ihr erstes richtig gutes 

Stativ investieren möchten, dann 

lohnen sich die Mehrkosten für ein 

leichtgewichtiges Stativ aus Karbon. 

Sie denken vielleicht, dass die 

Gewichtsersparnis die Mehrkosten 

nicht wert sind. Aber Sie werden Ihre 

Meinung bestimmt ändern, wenn Sie 

mit Ihrem dreibeinigen Ungetüm 

Meilen gewandert sind. Außerdem ist 

Karbon besonders vibrationsarm. 

Weiteres Zubehör 

Wenn Sie sich mehr und mehr in die 

Fotografi e vertiefen, werden Sie feststellen, 

dass der Umfang Ihrer Ausrüstung langsam 

anwächst. Ein Funkauslöser wird sich bei 

langen Belichtungszeiten als nützlich 

erweisen, vielleicht möchten Sie eine 

wasserdichte Umhüllung wie die Aquamap 

für Ihre Landkarten, und ein anständiger 

Lichtmesser wie der L-308s von Sekonic 

wäre auch ganz interessant.

DER PROFI ODER 

SEMIPROFI 

The Essential Guide to Landscape Photography 

Ratgeber für die Ausrüstung#3 Ein professionelles 

Einsteckfiltersystem 

Der professionelle 

Fotograf 

Nach jahrelangem Hobby-Fotografi eren, 

stellen viele Enthusiasten fest, dass es 

einen Markt für ihre Aufnahmen gibt und 

avancieren zum Semiprofi . Andere 

starten eine Vollzeit-Karriere als 

professioneller Fotograf. Eine 

Gemeinsamkeit aller Fotografen, die 

versuchen, mit ihrem Hobby Geld zu 

verdienen, ist der Wunsch nach der 

besten Ausrüstung. 

Kleidung 

Unterhält man sich mit professionellen 

Outdoor-Fotografen über Kleidung, 

besteht kein Zweifel darüber, wie 

wichtig wasserfeste ,warme und 

luftdurchlässiger Kleidung ist. Die 

„Páramos“-Jacke, Modell „Cascada“, 

wird durch eine passende Hose 

ergänzt. Warme Handschuhe, eine 

dicke Vliesjacke sowie festes 

Schuhwerk von Berghaus und Socken 

von Bridgedale gewährleisten ein 

bequemes Fotografi eren unter freiem 

Himmel. 

Ein professioneller Fotograf arbeitet mit 

vernünftigen Einsteckfi ltern. Die meisten 

verwenden ein 100 mm-System, welches 

sich für den Gebrauch mit 

Weitwinkelobjektiven eignet, um 

Eckenabschattungen zu vermeiden. Oft 

verwendet werden Produkte von Lee 

(www.leefi lters.com) mit einer 

hervorragenden Auswahl an 

hochqualitativen Filtern. 

Professioneller 

Rucksack 

Die meisten der professionellen 

Outdoor-Fotografen, die Aufnahmen 

im Freien machen, verbringen 

mindestens einige Tage vor Ort und 

übernachten in ortsansässigen 

Unterkünften. Für die gesamte 

Ausrüstung wird also in ein handliches 

Gepäckstück benötigt. Aus diesem 

Grund wird meistens ein größerer 

Rucksack mit einem guten 

Fassungsvermögen sowie Schutz, 

verwendet, wie beispielsweise der Pro 

Trekker oder Tamrac Expedition 8 von 

Lowepro.

Professionelle 

Spiegelreflexkameras und 

Objektive 

Sobald Sie damit beginnen, durch Fotografi eren Geld 

zu verdienen, ist unvermeidlich, dass Sie Ihre 

Ausrüstung aufrüsten müssen. Für Landschaft-Profi s 

bedeutet dies, dass sie in eine Vollformatkamera 

investeren müssen, wie beispielsweise die Canon 

EOS 5D MkII, Nikon D700 oder D3, oder etwa die 

Alpha 900 von Sony. Größere Sensoren verraten die 

Unzulänglichkeiten einer preisgünstigen Optik. Von 

daher müssen Objektive auch aufgerüstet werden. 

Stabiler Stativkopf 

Ein Profi wird mit größter 

Wahrscheinlichkeit bereits als ernsthafter 

Enthusiast in ein Karbon-Stativ investiert 

haben. Sobald er in eine Profi -Kamera 

besitzt, ist es gut möglich, dass er den 

Stativkopf gegen einen mit einer größeren 

Platte aufrüstet, welcher der Belastung der 

schwereren Kamera inklusivem großem 

Objektiv standhält. 

Digitales Zubehör 

Die meisten Profi s werden eine Zweitkamera mit 

sich tragen, für den Fall, dass die Erstkamera 

versagt. Neben dem ultra-breiten Zoom, haben sie 

normalerweise ein „schnelles“ 70-200 mm f/2.8 

Zoom-Objektiv und ein Makro-Objektiv für 

detaillierte Nahaufnahmen. Ein persönliches 

Speichergerät ermöglicht es, Sicherungskopien 

von Aufnahmen zu erstellen, während ein Laptop 

die gleiche Funktionalität und die Möglichkeit zur 

Bildnachbearbeitung unterwegs bietet. Mit 

Objektiv- und Sensorreiniger, zusätzlichen 

Batterien, Speicherkarten sowie Landkarten ist 

man bestens ausgerüstet.

Weitwinkelobjektive 

Wenn Sie es mit der Landschaftsfotografi e ernst meinen, sollte ein anständiges Weitwinkelobjektiv Ihre erste 

Anschaffung sein. Die erweiterte Perspektive und der weite Blickwinkel, den diese Objektive Ihnen geben, 

ermöglichen Ihnen, das Bild mit Ihrem Motiv voll auszufüllen und eine unglaubliche Anzahl von Details zu zeigen. 

Wenn sie sich in einer schönen Landschaft befi nden, gibt es nichts Besseres als ein Weitwinkelobjektiv, um die 

gesamte Szene – von den interessanten Objekten im Vordergrund bis zu den ferneren Motiven – einzufangen. 

Erfahrene Landschaftsfotografen haben gelernt, die Dehnung der Perspektive des Weitwinkelobjektives zu ihrem 

Vorteil zu nutzen und Bildern mit einem Schwerpunkt im Vordergrund eine unglaubliche Tiefe zu verleihen. Ein 

weiterer Grund, warum Weitwinkelobjektive für Landschaftsfotografen so gut geeignet sind, ist, dass sie sogar bei 

mittlerer Blende einen Überfl uss an Tiefenschärfe bieten und damit Bilder von ausgezeichneter Schärfe erzielen. 

So, jetzt wo Sie ein Weitwinkelobjektiv haben wollen, müssen Sie entscheiden, welches das geeignete für Sie ist. 

Die Brennweite verstehen: Weitwinkelobjektive 

Die Brennweite eines Objektivs bezieht sich auf eine Spiegelrefl exkamera mit einem 35 mm-Film und 

Vollformatsensoren. Wenn Ihre Kamera einen APS-C-Bildsensor hat (das ist bei den meisten der Fall), 

dann beschneiden Sie das Bild praktisch und erhöhen die Brennweite des Objektivs (mit dem Faktor 1,5 

bei Nikon, Pentax und Sony; 1,6 bei Canon). Die untenstehende Tabelle zeigt gängige Weitwinkelobjektive 

und deren Auswirkung auf die effektive Brennweite. 

Brennweite Kameras 

am Objektiv Vollformat APS-H APS-C APS-C (Canon) 4/3 (Olympus) 

1x 1.3x 1.5x 1.6x 2x 

8 mm 8 mm 10 mm 12 mm 13 mm 16 mm 

14 mm 14 mm 18 mm 21 mm 22 mm 28 mm 

15 mm 15 mm 19 mm 22 mm 23 mm 30 mm 

20 mm 20 mm 26 mm 30 mm 32 mm 40 mm 

24 mm 24 mm 31 mm 36 mm 38 mm 48 mm 

28 mm 28 mm 36 mm 42 mm 45 mm 56 mm 

10-17 mm 10-17 mm 13-22 mm 15-25 mm 16-27 mm 20-34 mm 

10-20 mm 10-20 mm 13-26 mm 15-30 mm 16-32 mm 20-40 mm 

10-22 mm 10-22 mm 13-29 mm 15-33 mm 16-35 mm 20-44 mm 

11-18 mm 11-18 mm 14-23 mm 16-27 mm 18-29 mm 22-36 mm 

12-24 mm 12-24 mm 16-31 mm 18-36 mm 19-38 mm 24-48 mm 

16-35 mm 16-35 mm 21-45 mm 24-53 mm 26-56 mm 32-70 mm 

17-35 mm 17-35 mm 22-45 mm 25-53 mm 27-56 mm 34-70 mm 

17-40 mm 17-40 mm 22-52 mm 25-60 mm 27-56 mm 34-80 mm

ROSS HODDINOTT

140 Zubehör Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Die Wahl des 

Weitwinkelobjektivs 

Wenn Ihre Kamera mit einem Standardzoom mit z. B.18 bis 55 Millimetern 

geliefert wurde, dann haben Sie bereits ein Objektiv, welche in der Lage ist, 

gute weitwinklige Bilder zu schießen. Allerdings sind die Einsatzmöglichkeiten 

dieses Objetivs beschränkt, da das Sehfeld nicht groß genug ist, um beste 

Landschaftsaufnahmen zu machen. Dieses Objektiv ist eine gute Wahl für den 

Anfang, aber Sie sollten bei nächster Gelegenheit über ein besseres Weitwinkel 

hinzufügen. Sie haben zwei Möglichkeiten: eine feststehende Brennweite oder ein 

weitwinkliges Zoom. Wenn Sie das schärfstmögliche Ergebnis erzielen möchten, 

dann wollen Sie theoretisch auch das beste Objektiv. Das 15 mm-Objektiv ist 

hervorragend, wenn Ihe Kamera einen APS-C-Sensor hat. Ein 20 mm- oder 24 

mm-Objektiv eignet sich, sollten Sie ein Vollformat-Modell verwenden. Obwohl 

markierte Linsen die ultimative optische Leistung bieten, sind sie sehr teuer, und 

Ihre Auswahlmöglichkeiten sind äußerst gering. 

Wenn Ihre Kamera den kleineren APS-C-Sensor verwendet, empfehlen 

wie Ihnen sehr, dass Sie die Finger von Festbrennweiten lassen und sich 

stattdessen für ein ultra-weitwinkliges Zoom entscheiden. Damit haben Sie mehr 

Auswahlmöglichkeiten. Ein solches Zoom ist relativ erschwinglich und liefert eine 

exzellente Qualität. 

Durch Fortschritte der optischenTechnologie wurde die Entwicklung von 

hochqualitativen ultraweiten Zooms in den späten 1990ern und das Erscheinen 

der digitalen Spiegelrefl exkameras zunehmend populär. Das überrascht nicht, 

da die Auswahl, die sie abdecken, eine unglaubliche Einsatzfl exibilität in so 

einem kleinen und kostengünstigen Objektiv anbietet. Tatsächlich ist das ultraweitwinklige 

Zoom wohl eines der besten Objektive, die Sie kaufen können. Es 

gibt es eine Vielzahl von Brennweiten auf dem Markt. Solche um die 11 bis 22 

Millimeter sind die passendsten für eine Kamera mit einem APS-C-Sensor. 

Faktisch decken die Zooms alle ähnliche Einsatzgebiete, trotzdem sollte man 

ein oder zwei Ausnahmen erwähnen. Das 10-17 mm Fisheye von Pentax 

bietet einen 180-Grad-Bildwinkel, so dass das Fisheye und das ultraweite 

Zoom zusammentreffen. Bermerkenswerterweise kann anders als die meisten 

ultraweiten Zooms das12-24 mm von Sigma mit Vollformat- und APS-C-Kameras 

verwendet werden. Bei Benutzern von Film- und Vollformat-Kameras sind 16-35 

mm-Objektive sehr beliebt, während beim Gebrauch mit einem APS-C-Senor die 

effektive Brennweite auf 24-53 mm (26-56 mm auf einer Canon) begrenzt ist. 

Also, welche weitwinklige Linse sollten Sie kaufen? Es besteht kaum Zweifel, 

dass Zooms einen perfekten Gegenwert für das Geld bieten, und Sie haben die 

„Qual der Wahl“, da es keine schlechten Modelle in dieser Kategorie gibt. Hier 

empfehlen wir unsere Lieblingszooms, die allesamt großartiger Ergebnisse liefern. 

Wir haben unser Angebot auf drei Modelle mit Festbrennweiten begrenzt. Sie 

bieten die ultimative Qualität, während Zooms fl exibler sind. 

Weitwinkelanatomie 

1) BLENDE Ultraweitwinkel werden 

geliefert mit einer bestimmten Blende, um 

Vignettierung und Lichtrefl exe zu 

vermeiden. 

2) GROSSES, KONKAVES 

FRONTELEMENT Das 

Frontelement hat normalerweise 

eine markante Wölbung, die Staub 

und Kratzern ausgesetzt ist. 

Achten Sie darauf, diesen Bereich 

sauber zu halten. 

3) MANUELLER 

SCHARFSTELLRING Sie müssen 

diesen Ring nur selten benutzen, da 

Weitwinkelobjektive einen exzellenten 

Autofocus haben. 

4) ZOOM-RING Die meisten sind breit 

mit einer geriffelten Oberfl äche, so dass 

er sehr griffi g und in der Handhabung 

leicht ist. 

5) FOKUS-ABSTAND Bei vielen Linsen ist 

die Fokus-Abstandsanzeige auf dem 

Gehäuse markiert, während einige 

Modelle der gehobenen Preisklasse ein 

Fokus-Abstandsfenster haben. 

6) TIEFENSCHÄRFE-ANZEIGE Diese 

Anzeige ermöglicht es Ihnen die 

Tiefenschärfe je nach Blendenöffnung 

abzuschätzen 

7) INTERNES FOKUSSIERUNGSSYSTEM 

Wenn Sie Filter verwenden möchten, bieten 

Objektive mit einem internen 

Fokussierungssystem den Vorteil, dass das 

Objektiv bei der Fokussierung vorne nicht 

rotiert. So müssen Sie sie nicht ständig 

verstellen. 

6 

1 

2 

3 

4 

5 

DIGITAL-ONLY- LINSEN 

Wenn Sie eine Linse wählen, 

überprüfen Sie , ob sie sich für 

den Gebrauch mit Film/ 

Full-Frame und Digital 

SLR-Kameras eignet oder nur 

für DSLR-Kameras. Die für 

Film und Digitalkameras 

produzierten sind 

gewöhnlicherweise teurer; 

dieLinsen, die exklusiv 

hergestellt sind für 

DSLR-Kameras, sind optisch 

optimiert für Digitalkameras. 

Daher, wenn Sie eine 

DSLR-Kamera mit einem 

schmaleren APS-C Sensor 

verwenden und nicht planen, 

eine Full-Frame DSLR-Kamera 

zu kaufen, können wir Ihnen 

die Digital-Only Linsen 

empfehlen. 

Sigma 20 mm f/1.8 EX 

DG 

LINSENAUFBAU: 13 Elemente in 11 

Gruppen 

BLENDENBEREICH: f/1.8 BIS f/22 

FILTERDURCHMESSER: 82 mm 

ABMESSUNGEN: 88,6 X 89,5 mm 

GEWICHT: 520 g 

PASSEND FÜR: CANON, NIKON, 

PENTAX, SIGMA UND SONY 

WEBSEITE: www.sigma-foto.de 

Eines der erschwinglichen Weitwinkel- 

Objektive mit Festbrennweite. Dieses 

Sigma prahlt mit einer schnellen 

Blende und verwendet asphärische 

Linsen im vorderen Bereich. Es hat 

mehrere Linsengruppen, um die 

Schärfe zu verbessern Verzerrungen 

zu minimieren. Ein „Rear-Focus- 

System” bedeutet, dass das vordere 

Element während der Fokussierung 

statisch bleibt. Das Sigma ist eine 

exzellente Wahl, wenn Sie bevorzugt 

eine fi xierte Brennweite benutzen 

möchten anstatt eines 

Canon 24 mm f/1.4 L II USM 

LINSENAUFBAU: 13 Elemente in 10 Gruppen 

BLENDENBEREICH: f/1.4 bis f/22 


ABMESSUNGEN: 93,5 x 86,9 mm 


PASSEND FÜR: nur Canon 

WEBSEITE: www.canon.de 

Diese neue Ergänzung zu der 

Canon-Bandbreite wurde für den 

professionellen Gebrauch hergestellt. 

Es bietet eine extrem schnelle Blende. 

Die optische Qualität ist sehr gut, 

dank der asphärischen und UD 

Glas-Elemente, die dafür sorgen, dass 

die Bildschärfe sehr hoch ist. Eine 

Traumlinse für diejenigen, die sich 

den hohen Preis leisten können. 

Fest- oder Zoom-Objektive? 

Es ist eine uralte Frage: Warum sollte man ein 

Festbrennweiten-Objektiv kaufen, wenn ein Zoom 

so viel mehr Einsatzfl exibilität bietet? Hier erfahren 

Sie den Grund. 

FESTE WEITWINKEL-OBJEKTIVE 

✓ Einfacheres optisches Design steht in der Regel für 

schärfere Ergebnisse mit besserem Kontrast. 

✓ Eine schnelle maximale Blendenöffnung 

ermöglicht hellere Sucher und bessere 

Restlichtressourcen. 

✓ Sie sind schmaler und kompakter als ein Zoom. 

✓ Die meisten haben ein kleineres Filtergewinde. 

✖ Sie sind begrenzt auf eine Brennweite 

✖ Sie sind elativ teuer 

WEITWINKEL-ZOOM-OBJEKTIVE 

✔ Sie decken einige Brennweiten ab, bieten also mehr 

Einsatzfl exibilität. 

✔ Sie bieten eine weitaus bessere Abdeckung am 

unteren Ende der Brennweite als eine Festbrennweite. 

✔ Die meisten Zooms sind optisch exzellent. 

✔ Viel Flexibilität zu einem guten Preis. 

✖ Sind nicht so scharf wie eine Festbrennweite, 

besonders zu den Rändern und Rahmenecken hin. 

✖ Sie leiden unter mehr Abbildverzerrung. 

✖ Die maximale Blendenöffnung ist nicht so schnell 

wie die der Festbrennweite. 

✖ Die meisten haben größere Durchmesser, daher 

sind Schraubfi lter teurer . 

Weitwinkel-Zooms.


Nikon AF-S DX 12-24 mm f/4 

ED-IF 

LINSENAUFBAU: 

11 Elemente in 7 Gruppen 

BLENDENBEREICH: f/4 bis f/22 


ABMESSUNGEN: 82,5 x 90 mm 


PASSEND FÜR: nur Nikon 

WEBSEITE: www.nikon.de 

Dieses exzellente Zoom für Kameras 

mit APS-C-Sensor ist kompakt, was 

die maximale Blendenöffnung von f/4 

angeht. Er ist zum Teil aus Kunststoff 

hergestellt, erscheint aber trotzdem 

von guter Qualität zu sein Der 

Zoom-Ring ist breit und der 

Fokus-Ring ist angemessen. Beide 

bieten einen geschmeidigen Ablauf. 

Das Gehäuse bietet eine interne 

Fokussierung. Die Bildqualität ist sehr 

hoch und liefert sehr scharfe 

Ergebnisse. Farbabweichungen und 

Lichtrefl exe sind fast nicht 

festzustellen, doch es gibt eine geringe 

Verzerrung. 

Sigma 10-20 mm f/4-5.6 EX DC HSM 

LINSENAUFBAU: 




FORMATE: 83,5 x 81 mm 


AUSRÜSTUNGEN: Canon, Nikon, 

Pentax, Sigma und Sony 

WEBSEITE: 

www.SIGMA-foto.de 

Dieser ultraweite Zoom ist dank seines 

kompakten Designs und der scharfen 

Optik ein wahrer Favorit bei 

Landschaftsliebhabern. Wie alle Sigma 

EX-Linsen sind sie sehr schön 

zusammengesetzt und machen einen 

guten Eindruck. Das Gehäuse stellt 

einen weiten Zoom und einen 

manuellen Fokus-Ring zur Schau. 

Beide haben einen problemlosen, 

positiven Lauf. Optisch liefert es 

durchgehend eine hohe Schärfe und 

nur leichte Anzeichen von 

Abbildverzerrung oder 

Farbabweichung. 

Nikon AF 20 mm f/2.8D 

LINSENAUFBAU: 



FILTER THREAD: 62 mm 

ABMESSUNGEN: 69 x 42.5 mm 


PASSEND FÜR: nur Nikon 

WEBSEITE: www.nikon.de 

Diese klassische Festbrennweite ist 

eine großartige Wahl für Nikon 

Benutzer. Während die maximale 

Blendeneinstellung nicht so schnell 

ist wie vergleichsweise die von 

Sigma oder Canon, ist der Vorteil 

einer f/2.8 Linse, dass sie Linsen 

erlaubt, die kompakter und 

leichtgewichtiger sind. Beim 

Fotografi eren von Landschaften 

werden Sie sowieso kleinere 

Blendenöffnungen verwenden. So ist 

es kein großes Problem, und Sie 

werden entdecken, dass das, was 

die Optik dieser Nikon-Linsen 

produziert, Bilder mit guten 

Kontrasten und exzellenter Schärfe 

sind. 

Canon EF 17-40 mm f/4L USM 

LINSENAUFBAU: 


BLENDENBEREICH: f/4 bis f/22 




PASSEND FÜR: nur Canon 

WEBSEITE: www.canon.de 

Die Objektive der Canon L-Serien 

bieten eine höhere Performance als 

andere. Dieses Zoom mit seiner 

konstanten minimalen 

f/4-Blendenöffnung ist eine der 

populärsten Optiken von Canon und 

passt für alle EOS-Modelle. Es ist größer 

als die meisten, aber robust gebaut mit 

großartiger Bedienbarkeit und 

schnellem Autofokus. Die Optik ist 

exzellent, obwohl Details am Rand mit 

den Vollformat-Sensoren ein bisschen 

weich werden. Es ist ein perfekts 

Objektiv, obgleich das EF-S 10-22 mm 

wahrscheinlich eine bessere Wahl für 

Benutzer von APS-C-Sensor ist. 

Sigma 12-24 mm f/4.5-5.6 EX DG 

HSM 

LINSENAUFBAU: 


BLENDENBEREICH: f/4.5 bis 5.6 bis f/22 

FILTERDURCHMESSER: Rear 

Gelatin 

ABMESSUNGEN: 87 x 102,5 mm 


PASSEND FÜR: Canon, Nikon, 

Pentax, Sigma und Sony 

WEBSEITE: 

www.sigma-foto.de 

Besonders beeindruckend an Sigmas 

12-24 mm-Zoom, ist, dass es für die 

Verwendung mit Vollformat- und 

APS-C-Sensoren haben geeignet ist. 

Dieser Zoom ist größer und weiter als 

der Durchschnitt, aber sehr gut 

gemacht mit einem weichen Zoom und 

Fokussierungsbewegungen. Das 

Gehäuse zeichnet sich durch ein 

Fokus-Fenster mit einer hyperfokalen 

Skala und einer eingebauten 

Sonnenblende als Schutz vor 

Lichtrefl exen aus. Die optische Qualität 

ist hoch mit einer guten Schärfe und 

niedriger Abbildverzerrung. 

Tamron 10-24 mm f/3.5-4.5 Di 

II LD 

LINSENAUFBAU: 


BLENDENEINSTELLUNG: f/3.5-4.5 

bis f/22 




PASSEND FÜR: Canon, Nikon, 

Pentax und Sony 

Tamrons 11-18 mm-Zoom war über 

Jahre hinweg eine beliebte Wahl, aber 

das dieses Modell mit einem extrem 

großen Brennweitenbereich bietet noch 

mehr Einsatzmöglichkeiten für 

Weitwinkel-Fans. Dieses Zoom ist eine 

kompakte und leichtgewichtige Option 

mit guter Bedienbarkeit und einem 

internen Fokus-System, welches 

Filter-Benutzern gefallen wird. Die 

optische Qualität ist sehr gut, dank der 

Einbeziehung von asphärischen und LD 

(Low Dispersion)-Elementen und 

verbesserter Multi-Beschichtung. 

Zubehör 141

142 Fotoschule: Fragen & Antworten Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Fotoschule 

Fragen und Antworten: 

Sind Sie relativ neu bei der Fotografi e und noch dabei, die ganzen Begriff e zu verstehen? Oder haben Sie schon einiges an 

Erfahrung, aber möchten gerne Ihr Wissen erweitern? Egal, wie gut Sie sich bereits auskennen, unsere Fotoschule bietet eine 

schnelle Lektion für alle fotografi schen Schlüsselprinzipien und Fachbegriff e. In dieser Ausgabe: Weißabgleich 

F) Was ist Weißabgleich? 

A) Weißabgleich ist ein Begriff, den man 

benutzt, wenn man von der Farbtemperatur 

des Lichts spricht. Alle Lichtquellen haben 

einen unterschiedlichen Anteil an den drei 

Primärfarben Rot, Gelb und Blau (RGB). 

Niedrigere Farbtemperaturen haben einen 

prozentual höheren Anteil von roten 

Wellenlängen, sie sehen also wärmer aus, 

während höhere Temperaturen einen 

höheren Anteil von blauen Wellenlängen 

haben, also deutlich kühler aussehen. Die 

Farbtemperatur des Lichts wird in Grad 

Kelvin (K) gemessen. Unterschiedliche 

Lichtarten haben unterschiedliche Werte. 

So wird zum Beispiel weißes Licht bei 

5400K als neutral angesehen, da dies der 

gleichen Menge an RGB-Wellenlängen 

entspricht. Im Gegensatz dazu hat warmes 

Kerzenlicht einen niedrigen Wert von 

ungefähr 1800K, während der Schatten 

unter einem kühlen blauen Himmel 

ungefähr 7500K hat. 

Das menschliche Auge hat eine 

bemerkenswerte Eigenschaft: Es passt sich 

auf natürliche Art der (natürlichen oder 

künstlichen) Lichttemperatur an, so dass 

wir weißes Licht immer als weiß oder 

neutral empfi nden. Der Bildsensor einer 

Kamera hingegen kann dies nicht so gut. 

Um Farben authentisch wiederzugeben, 

müssen Spiegelrefl exkameras die 

Farbtemperatur des Lichts, das auf das 

jeweilige Motiv fällt, mit der 

entsprechenden Einstellung ausgleichen. 

Diese Einstellung nennt man Weißabgleich. 

Alle Spiegelrefl exkameras haben eine 

spezielle Weißabgleichfunktion, bei der der 

Fotograf die Farbtemperatur auswählen 

kann. Das mag zunächst etwas 

entmutigend klingen, aber digitale Kameras 

liefern in der Regel eine ganze Reihe von 

Voreinstellungen, die das Leben des 

Fotografen erleichtern. So haben die 

Kameras eine Auto-Weißabgleich-Funktion, 

die normalerweise recht zuverlässig 

funktioniert. 

F) Wie stelle ich den Weißabgleich ein? 

A) Dies ist normalerweise recht einfach, obwohl es 

von Kamera zu Kamera Unterschiede gibt, also 

schauen Sie in die Bedienungsanleitung, wenn Sie 

sich unsicher sind. Die meisten digitalen 

Spiegelrefl exkameras haben einen speziellen WB 

(White Balance) Knopf auf der Kamera, auf den Sie 

drücken und dann mithilfe des Drehreglers oder 

Multiselektors durch die verschiedenen 

Weißabgleich-Optionen scrollen. Der Weißabgleich 

kann auch durch eines der Menüs verändert werden 

– einfach markieren und dann die erforderliche 

Einstellung auswählen. 

F) Meine digitale Spiegelrefl exkamera hat 

eine Auto-Weißabgleich-Einstellung. Kann 

ich diese benutzen und den Rest von der 

Kamera erledigen lassen? 

A) Ja, aber es gibt Situationen, in denen 

mehr Aufwandfür den Fotografen nötig ist. Die 

Auto-Weißabgleich-Einstellung funktioniert 

nach einem Algorithmus innerhalb eines 

begrenzten Spektrums – zwischen 3000K 

und 7000K – und ist so konzipiert, dass sie 

den korrekten Farbtemperatur-Wert für jede 

mögliche Szene auswählt. Im Prinzip betrachtet 

die Kamera nur die allgemeine Farbe des Bildes 

und stellt den Weißabgleich dann entsprechend 

ein. Dieses funktioniert in den meisten 

Situationen normalerweise sehr zuverlässig. 

Aber die Autofunktion ist nicht unfehlbar. Wenn 

eine Szene von einer Farbe dominiert wird oder 

es verschiedene Lichtquellen gibt, kann die 

Kamera getäuscht werden. Insbesondere hat 

die Kamera Schwierigkeiten bei künstlichem 

Licht. Wenn Sie im RAW-Format fotografi eren, 

ist das kein Problem, weil es möglich ist, 

den Weißabgleich nachträglich bei der 

Bildbearbeitung zu korrigieren. Wenn Sie aber 

in JPEG Format fotografi eren, ist es wichtig, 

den richtigen Weißabgleich schon in der 

Kamera herzustellen, da es schwierig ist, einen 

durch inkorrekte Farbtemperaturen erzeugten 

künstlichen Farbstich nach der Aufnahme 

zu entfernen. Daher ist es besser, vor der 

Aufnahme die entsprechende Weißabgleich- 

Einstellung für die jeweiligen Lichtverhältnisse 

auszuwählen. 

Wenn Sie eine Serie von Bildern fotografi eren 

möchten, um diese anschließend 

aneinanderzuheften, sollten Sie aus Gründen 

der Stabilität und Konsistenz am besten 

den Weißabgleich manuell vornehmen. Im 

Auto-Weißabgleich-Modus können nämlich 

die Farbtemperaturen von einer Aufnahme 

zur nächsten geringfügig variieren, so 

dass es schwieriger wird, die Bilder später 

zusammenzuführen. 

ROSS HODDINOTT


Weißabgleich: Blitz 

F) Meine Kamera hat eine Reihe von 

Voreinstellungen für den Weißabgleich. 

Welche sind das, und wann sollte ich sie 

benutzen? 

A) Um die Einstellung der korrekten 

Farbtemperatur zu vereinfachen, sind digitale 

Spiegelrefl exkameras so programmiert, dass 

sie eine Reihe von voreingestellten 

Weißabgleich-Werten haben. Diese sind dazu 

da, um sie bei verschiedenen 

Lichtverhältnissen, wie z. B. bei Glühlampen, 

Neonlicht, Tageslicht, Wolken und Schatten 

einzusetzen. Indem wir auf diese Art den 

Weißabgleich auf eine spezifi sche 

Farbtemperatur einstellen, informieren wir die 

Kamera, dass das Licht eine bestimmte Farbe 

hat, so dass sie dann einer Einstellung in 

anderer Richtung entgegenwirken kann. 

Obwohl diese Voreinstellungen der Kamera 

keine exakte Farbwiedergabe garantieren, wenn 

sie an die vorherrschende Lichtquelle angepasst 

werden, so sind sie doch eine große Hilfe für den 

Fotografen, um annähernd akzeptierbare 

Ergebnisse zu erzielen. Hier sind die gängigsten 

Voreinstellungen auf Digitalkameras aufgelistet, 

wobei diese von Kamera zu Kamera 

unterschiedlich sein können. 

Weißabgleich: Wolkig Weißabgleich: Tageslicht Weißabgleich: Neonlicht 

Weißabgleich: Schatten 

Fotoschule: Fragen & Antworten 143 

Blitz 5400 K: beim Gebrauch eines Studioblitzes, 

eingebauten oder externen Blitzlichtgerätes 

Wolkig 6000K: bei trübem Wetter, indirektem 

Tageslicht, Dämmerung oder Sonnenuntergang 

Tageslicht 5200K: an wolkenlosen Tagen und für 

Motive, die durch direktes Sonnenlicht angestrahlt 

werden 

Neonlicht 4200K: beim Gebrauch von 

Neonlampen, wie z. B. Leuchtstoffröhen oder 

Stadionlichtern 

Schatten 8000K: bei natürlichen 

Lichtverhältnissen, drinnen oder draußen, wenn 

das Motiv im Schatten ist. 

Kunstlicht 3000K: bei Glühlampen oder 

Straßenlaternen 

Weißabgleich: Kunstlicht 

ROSS HODDINOTT


F) Kann ich den Weißabgleich manuell 

einstellen, um so einen akurateren 

Wert zu erhalten? 

A) Obwohl der Standard-Weißabgleich bei 

vielen Lichtverhältnissen gut funktioniert, 

wird eine manuelle Einstellung des 

Weißabgleichs bei gemischten 

Lichtverhältnissen, oder wenn eine Farbe 

die Szene dominiert, zu wesentlich 

akurateren Ergebnissen führen. Der 

Weißabgleich kann üblicherweise auf eine 

von zwei Arten eingestellt werden: durch die 

Kelvin-Einstellung oder die manuelle 

Weißabgleichsfunktion. 

Die Kelvin Einstellung ermöglicht dem 

Fotografen, manuell einen spezifi schen 

Kelvin-Wert einzustellen. Eine Kamera kann 

z. B. einen Farbtemperaturbereich von 

2000 K bis 10.000 K haben, die in kleinen 

Abstufungen geregelt werden kann. 

Während so die Einstellung spezifi scher 

Werte ermöglicht wird, hilft es Ihnen aber 

nicht dabei, die Farbtemperatur der Szene 

zu ermitteln. Daher ist es oft besser für 

kreative Effekte, starke Farbverschiebungen 

zu erzeugen oder eine Feinabstimmung der 

Weißabgleichsvoreinstellung vorzunehmen. 

Die präziseste Methode, den Weißabgleich 

für jede mögliche Szene oder Motiv 

einzustellen, ist es, die manuelle 

Weißabgleichsfunktion der Kamera zu 

benutzen, die die meisten digitalen 

Spiegelrefl exkameras besitzen. Diese 

Funktion ermöglicht es, ein graues oder 

weißes Motiv unter dem herrschenden Licht 

zu fotografi eren und diese 

Weißabgleichswert für die folgenden Bilder 

zu benutzen. Mit anderen Worten: Der 

Fotograf sagt der Kamera, welches Motiv 

der Szene neutral sein soll, so dass sie den 

Unterschied zwischen der momentanen 

und der korrekten Farbtemperatur 

berechnen kann. Auf der nächsten Seite 

lesen Sie alles über weiteres Weißabgleich- 

Zubehör. 

Weißabgleich: Blitz 

Weißabgleich: Schatten 

Weißabgleich: Kunstlicht 

F) Kann Weißabgleich zu kreativen Zwecken 

benutzt werden? 

A) Selbstverständlich. Das ästhetisch angenehmste 

Ergebnis ist nicht immer identisch mit dem technisch 

korrekten. Indem man absichtlich den Weißabgleich 

verändert, kann man ein wesentlich bemerkenswerteres 

oder interessanteres Bild erzeugen. Obwohl der 

Weißabgleich ursprünglich ein Korrekturwerkzeug ist, 

kann die Auswahl einer „inkorrekten“ Farbtemperatur 

einen künstlichen Farbstich erzeugen, der sehr attraktiv 

sein kann. Weißabgleich kann auch als eine Art von 

Filtrierung innerhalb der Kamera benutzt werden: Sie 

können ein Bild abkühlen oder aufwärmen, indem Sie 

einfach nur an einem Stellknopf drehen. Sie können 

einen Farbtemperaturwert manuell auswählen, um 

einen künstlichen Farbstich zu erzeugen, oder Sie 

nehmen einen der voreingestellten Werte der Kamera. 

Wählen Sie z. B. Kunstlicht oder Neonlicht aus, die 

eigentlich bei niedrigen Farbtemperaturen benutzt 

werden sollen, um eine blaue Farbschattierung 

hinzuzufügen. Dies eignet sich besonders, wenn Sie 

Ihrem Bild einen Hauch von Kühle geben wollen. 

Im Gegensatz dazu wählen Sie Wolkig oder 

Schatten aus, was eigentlich eine hohe 

Farbtemperatur ausgleichen soll, um Ihren Bildern 

Wärme zu geben. Dies ist perfekt, um Bildern von 

Sonnenuntergängen oder bei abendlichem Licht 

mehr Bedeutung zu geben. Die kreativen 

Möglichkeiten sind grenzenlos, daher übersehen Sie 

den Weißabgleich als kreatives Schlüsselwerkzeug 

nicht. 

OBEN: Das gleiche Foto mit drei unterschiedlichen 

Farbstichen, die durch eine einfache Veränderung des 

Weißabgleichs erzeugt wurden. Probieren Sie dies bei 

Ihrem nächsten Shooting einmal aus. 

ROSS HODDINOTT


F) Wenn ich die falsche Farbtemperatur 

ausgewählt habe, kann ich den 

Weißabgleich noch durch Bildbearbeitung 

verändern? 

A) Ja. Weißabgleich ist ein Parameter, der 

schnell und einfach geändert werden kann, 

wenn das Bild im Raw-Format aufgenommen 

wurde. Dies können Sie mit einer Raw- 

Umwandlungssoftware wie Capture One, Adobe 

Lightroom, Photoshop oder der Software, die 

mit Ihrer Kamera geliefert wurde, machen. Ein 

Fotograf kann solche Anpassungen vornehmen, 

denn die Parameter, die bei der Aufnahme des 

Raw-ildes eingestellt waren, beziehen sich nur 

auf die Datei und sind nicht im Bild verankert. Es 

ist diese Flexibilität, die Raw zum bevorzugten 

Dateiformat für die meisten Fotofanatiker 

und Profi s macht, obwohl der Nachteil beim 

Fotografi eren in Raw ist, dass man mehr Zeit am 

Computer mit der Nachbearbeitung der Dateien 

verbringt. 

Unabhängig von der Software, die Sie benutzen, 

ist die grundsätzliche Methode der Änderung 

F) Es gibt unterschiedliches Zubehör für den 

Weißabgleich zu kaufen. Welches können Sie 

empfehlen? 

A) Es gibt eine Reihe von verschiedenen 

Hilfsmitteln, die preislich zwischen 6 Euro für 

eine einfache Graukarte bis hin zu über 60 Euro 

für spezielle Hilfsmittel rangieren. Alle haben 

den gleichen Zweck: Ihrem Weißabgleich- 

System zu helfen, die akuratesten Ergebnisse zu 

erzielen. Wir schlagen vor, dass Sie es zunächst 

mit einer Graukarte probieren, die Sie bei Ihrem 

des Weißabgleichs sehr ähnlich. Aus einem 

Drop-Down-Menü können Sie aus einer Reihe 

von voreingestellten Werten wählen, ähnlich wie 

bei Ihrer Digitalkamera. Dies ist eine schnelle 

und leichte Methode zum Experimentieren und 

zum Anwenden verschiedener Werte. Jedoch 

kann man mit einer manuellen Weißabgleich- 

Einstellung wesentlich präzisere Ergebnisse 

erzielen. Dies können Sie tun, indem Sie den 

Temperaturregler auf den Kelvinwert Ihrer Wahl 

einstellen. Mit Lightroom können Sie z. B. die 

Farbtemperatur auf einen Wert von 2.000 K 

bis 50.000 K verändern. Ziehen Sie den Regler 

einfach so weit, bis der Farbstich weg ist, oder 

nehmen Sie die Feinabstimmung nach Ihrem 

Geschmack vor. Wählen Sie den Wert, der 

nach Ihrem Gefühl am besten zum Bild passt. 

Alternativ hat fast jede Umwandlungssoftware 

ein Werkzeug, mit dem Sie ein neutrales Ziel 

innerhalb des Bildes bestimmen können, um 

den Weißabgleich zu korrigieren – grundsätzlich 

ähnlich wie das Benutzen einer Graukarte. Bei 

einiger Software wie z. B. Lightroom gibt es auch 

eine Autovorschau, so dass Sie sehen können, 

örtlichen Fachhändler erwerben können. Diese 

sind nicht nur sehr preiswert, sondern auch 

dünn genug, um in Ihrer Fototasche aufbewahrt 

und überall mit hingenommen zu werden. 

Wenn Sie etwas Haltbareres haben möchten, 

ist unser bevorzugtes Weißabgleich Hilfsmittel 

die ExpoDisc, die Sie vor Ihr Objektiv wie einen 

Filter aufstecken und dann davon die manuelle 

Weißabgleich-Einstellung ablesen können. Sie 

sind zu einem Preis ab ca. 65 Euro für eine 52 

mm-Scheibe erhältlich. 


wie der Weißabgleich bei einem bestimmten 

Ziel verändert wird, was den Prozess deutlich 

vereinfacht. Wenn Sie ein neutrales Ziel 

identifi ziert haben, klicken Sie einfach drauf, um 

Ihren gewünschten Wert für den Weißabgleich 

manuell einzustellen. 

Wenn Sie Ihre Aufnahme in JPEG vorgenommen 

haben und dabei einen inkorrekten Weißabgleich 

gewählt haben, ist das Neutralisieren des 

Farbstichs nicht ganz so einfach. Dies ist der 

Fall, weil der Wert des Weißabgleichs, den Sie 

zur Zeit der Aufnahme gewählt haben, direkt 

im Bild in der Kamera verankert ist. Jedoch 

können Farbstiche von Ihrer Aufnahme trotzdem 

entfernt oder hinzugefügt werden. Eine beliebte 

Methode in Photoshop ist das Klicken auf 

Überarbeiten>Farbe anpassen>Farbkurven 

anpassen. Ein Dialogmenü mit drei Farbreglern 

öffnet sich. Die Farbtemperatur kann verändert 

werden, indem die Regler verschoben werden, 

bis der Farbstich entfernt ist. Die Einstellungen 

können individuell im Bereich Lichter, Mittelton 

und Tiefen vorgenommen werden, indem die 

entsprechenden Regler verschoben werden.


Spitzlichter-Warnung 

S it li ht W 

F) Wenn ich beim Betrachten von Bildern 

auf dem LCD-Monitor eine Spitzlichter- 

Warnung sehe, ist es dann wichtig, die 

Belichtungszeit zu verringern, um ihn 

loszuwerden? 

A) Eine Spitzlichter-Warnung zeigt Ihnen an, 

dass im Bereich bzw. in den Bereichen des 

entsprechenden Bildes keine Details 

gespeichert wurden und sie weiß 

wiedergegeben werden. Das geschieht, weil 

diese Bereiche überbelichtet sind. 

Wenn die betroffenen Bereiche groß sind, und 

wenn es wichtig ist, dass dort Details 

gespeichert werden, müssen Sie die 

Belichtung reduzieren, bis die hervorgehobene 

Warnung verschwindet. Dabei ist jedoch zu 

beachten, dass dann, wenn Sie die Belichtung 

zu sehr reduzieren, es im Ergebnis passieren 

kann, dass die Schatten und sogar die 

mittleren Töne unterbelichtet sind. Und wenn 

Sie dann später versuchen, diese Bereiche 

aufzuhellen, kann das zu Problemen mit 

Rauschen führen. Gehen Sie also behutsam 

vor und nutzen Sie möglichst andere 

Lösungen, um übermäßig viele Highlights zu 

vermeiden. 

Wenn man Landschaftsaufnahmen macht, 

kommt es häufi g vor, dass große Bereiche des 

Himmels überbelichtet sind. Verwenden Sie 

einen Grauverlaufsfi lter, um den Himmel 

abzudunkeln, oder nutzen Sie eine stärkere 

Stufe als die vorhandene, um dieses Problem 

zu lösen. Eine andere Möglichkeit ist es, von 

derselben Szene oder demselben Motiv 

mehrere Aufnahmen zu machen, so dass auch 

die hellsten Bereiche angemessen belichtet 

sind, und die Bilder später dann mit einer 

Software wie Photomatix Pro 

zusammenzumischen. 

Wenn die Bereiche im Bild, die eine 

Spitzlichter anzeigen, klein sind, und wenn Sie 

in Raw aufnehmen, müssen Sie sich in der 

Regel keine Sorgen darüber machen. Das liegt 

daran, dass das Bild, das sie auf Ihrem 

LCD-Monitor sehen, ein JPEG ist, das 

innerhalb der Kamera bereits komprimiert 

wurde. Wenn die Raw-Dateien auf Ihrem PC 

geöffnet werden, zeigen sie kleine Warnungen 

normalerweise nicht an, was an den 

zusätzlichen Daten liegt, die in der Raw-Datei 

enthalten sind. Wenn sie doch angezeigt 

werden, ist es einfach, sie bei der Verarbeitung 

der Raw-Dateien zu entfernen. In Photoshop 

und Lightroom gibt es einen 

Wiederherstellungsregler, der wunderbar mit 

kleinen Bereichen umgehen kann, die „aus 

dem Rahmen fallen“. Allerdings sollte man es 

nicht übertreiben, da das Tool sich auf das 

gesamte Bild auswirkt und den Kontrast 

verfl achen lassen kann, wenn es zu intensiv 

angewandt wird. 

Stürzende Linien 

F) Ist es möglich, in Photoshop stürzende 

Linien zu korrigieren? 

A) Ja, und es ist ganz einfach. Öffnen Sie Ihr 

Bild, dann gehen Sie auf Auswahl>Alles 

auswählen. Als nächstes gehen Sie auf 

Ansicht>Raster, um ein Raster über das Bild zu 

legen, zur Hilfe bei der Korrektur der 

senkrechten Linien. Jetzt gehen Sie auf 

Bild>Transformieren>Verzerren, klicken auf 

die obere linke Ecke des Bildes und ziehen den 

Cursor nach links, um die senkrechten Linien 

Original 

zu korrigieren (Halten Sie sich an das Raster als 

Hilfslinie). Wiederholen Sie den gleichen 

Prozess für den rechten Teil des Bildes. 

Speichern Sie die Änderungen, und gehen dann 

zu Ansicht > Raster und klicken den Haken bei 

Raster weg. Wenn das Bild ein bisschen 

gedrungen aussieht, was meist der Fall sein 

wird, gehen Sie zu Bild>Bildgröße, machen 

den Haken bei „Proportionen beibehalten“ weg 

und vergrößern die Höhe des Bildes um 5 bis 

10 Prozent, um es wieder normal aussehen zu 

lassen. 

LEE FROST

LEE FROST 


Original 

Akvis Enhancer 

Bildkontrastverbesserer 

F) Ich habe gehört, dass es ein Photoshop 

Plug-In gibt, das hilft, die Details in den 

Bildern besser herauszuarbeiten. Wissen Sie, 

wie es heißt? 

A) Eine solche Anwendung, die bei Fotografen 

sehr beliebt ist, heißt Akvis Enhancer (http:// 

akvis.com/de/enhancer). Die neueste Version 

(v11.5) kostet 53 Euro und kann von der Akvis 

Webseite heruntergeladen werden. Es gibt eine 

Photoshop Plugin- und Standalone-Version 

sowohl für Mac als auch für Windows. 

Wenn Sie es auf ein Bild anwenden, stärkt der 

Kontrastverbesserungsmodus den Unterschied 

zwischen benachbarten Pixeln, die verschiedene 

Farbabstufungen haben. Dies führt zu einem 

großen Unterschied zu dem sichtbaren Bereich 

der Details, insbesondere von Schatten. 

Es hilft, Bilder heller und klarer zu machen. Sie 

können die Intensität der Kontrastverbesserung, 

die auf das Bild angewendet werden soll, 

variieren und die Vorher-Nachher-Vorschau 

vergleichen, um den Unterschied zu sehen, 

bevor Sie die Kontrastverbesserung durchführen. 

Es ist aber wichtig, es nicht zu übertreiben. 

Denn sonst kann ein Rauschen in 

Schattengebieten zu einem Problem werden 

und dazu führen, dass das Bild letztendlich 

schlechter und nicht besser aussieht. Der beste 

Weg, dies zu verhindern, ist, eine duplizierte 

Ebene des Bildes in Photoshop zu erzeugen 

(Ebene>Ebene duplizieren), die Verbesserung 

auf die Ebene anzuwenden, eine Ebenenmaske 

hinzuzufügen und dann mit dem Radiergummi- 

Werkzeug einzelne Bereiche, die von der 

Verbesserung profi tiert haben, anzuzeigen, aber 

solche, die davon nicht profi tiert haben, 

unberührt zu lassen. 

Neben der Kontrastverbesserung hat Akvis 

Enhancer auch einen Fokusmodus, um die 

Bildschärfe zu verbessern, einen Smart- 

Korrektur-Modus, der die Farben verbessert und 

einen HDR-Modus (nur bei der 

Einzelanwendung), der verschiedene Bilder mit 

unterschiedlichen Belichtungszeiten kombiniert, 

um einen HDR-Effekt zu erzeugen. 


Luftansichten 

F) Ich plane in meinem Urlaub einen 

Aufstieg in einem Heißluftballon und 

hätte gerne Tipps, wie man am besten 

Aufnahmen aus der Luft macht. 

A) Zunächst gilt es festzuhalten, dass das 

grundsätzlich viel einfacher ist, als man es 

sich vorstellt. Heißluftballons sind ideal für 

Luftaufnahmen, weil sie sich nur langsam 

bewegen und stabil sind, daher muss man 

nicht alles mit 1/1000 Sekunde Belichtung 

aufnehmen, um ein Verwackeln zu vermeiden, 

und man kann die Szenerie in einer 

gemächlichen Geschwindigkeit genießen. Der 

Nachteil dabei, wenn man vorhat, ernsthaft 

Fotos aus einem Ballon heraus aufzunehmen, 

ist es, dass sie oft überfüllt sind, so dass man 

sich nicht in jedem Fall frei im Korb bewegen 

kann. Es könnte also vorkommen, dass man 

während des Fluges eingeengt an einer Stelle 

steht. Für den Fall des Falles achten Sie daher 

darauf, dass Sie alles, was Sie benötigen, an 

Ihrem Körper bei sich tragen, damit Sie darauf 

Zugriff haben. 

Was die Objektive betrifft, sollten Sie 

idealerweise ein 24-105 mm-Zoom bei sich 

haben, damit Sie Weitwinkelaufnahmen 

machen können, aber auch näher 

heranzoomen können, wenn Sie eine spezielle 

Komposition ausgewählt haben. 

Wahrscheinlich wird es nicht vorkommen, 

dass Sie einen noch weiteren Winkel 

benötigen, aber etwas längeres könnte 

nützlich sein, daher sollten Sie ein Telezoom 

mitnehmen, wenn Sie eines besitzen. Ein 

Polfi lter kann auch praktisch sein, da er den 

Dunst in der Atmosphäre durchdringt und die 

Klarheit des Bildes verbessert. 

Da Sie Ihre Aufnahmen aus großer Höhe über 

dem Boden machen, werden die Bilder scharf, 

indem Ihr Objektiv in der Schärfe auf 

unendlich eingestellt ist. Das bedeutet, dass 

Sie keine große Tiefenschärfe benötigen und 

mit einer relativ großen Blende schießen 

können, f/4 oder f/5.6, um die 

Verschlusszeiten bei 1/125-Sekunde bis 

1/250-Sekunde klein zu halten. Wenn es hell 

und klar ist, und Sie feststellen, dass die 

Verschlusszeiten viel kürzer sind, regeln Sie 

das Objektiv runter auf f/8 oder f/11, damit 

das Bild eine optimale Qualität erhält. 

Was die Gestaltung von Luftaufnahmen 

angeht, sollten Sie versuchen, Motive mit 

aufzunehmen, die einen Eindruck von der 

Größe vermitteln: Bäume, Menschen, 

Gebäude, Tiere. Man kann oft erstaunliche 

Muster in der Landschaft entdecken, wenn 

man sie von oben betrachtet. Wenn Sie sich 

inspirieren lassen möchten, können Sie die 

atemberaubenden Luftaufnahmen von Yann 

Arthus-Bertrand ansehen: 

www.yannarthusbertrand2.org 

ISTOCK PHOTO


LEE FROST 

Dilemma eines trüben Tages 

F) Lohnt es sich überhaupt, an einem trüben 

Tag Landschaftsaufnahmen zu machen? 

A) Auf jeden Fall. Fotografen sind oft der 

Meinung, dass trübes, graues Wetter 

Zeitverschwendung sei, aber obwohl es nicht so 

dramatisch ist wie ein Sturm oder so schön wie ein 

Sonnenaufgang, kann ein bedeckter Himmel sehr 

produktiv sein. 

Zunächst einmal sollte man das Große Ganze 

beiseite lassen und sich auf die kleineren Details 

besinnen. Man macht sich auf die Suche nach 

Mustern in der Natur wie Farben, Linien und 

Formen der Felsen, die Struktur der Baumrinde, 

interessante Kieselsteine an Stränden. Oder 

nehmen Sie Bewegung des fl ießenden Wassers auf. 

Wasserfälle und rauschende Bäche kann man bei 

trübem Wetter besser fotografi eren, weil der 

Kontrast dann sehr schön klein ist, so dass das 

Wasser weich und milchig aussieht. Niedrigere 

Helligkeitswerte bedeuten auch, dass man längere 

Verschlusszeiten verwenden kann, um das Wasser 

verschwimmen zu lassen, und obwohl ein Polfi lter 

oder ein Graufi lter notfalls benutzt werden kann, 

Ein wunderbarer Wasserfall 

Erfahrene Fotografen für 

Außenaufnahmen neigen dazu, an 

trüben Tagen nach Details in der 

Landschaft Ausschau zu halten. 

um die Belichtungszeit noch weiter zu verlängern, 

reichen eine oder zwei Sekunden in der Regel aus. 

Die dritte Möglichkeit besteht darin, sich auf in den 

Wald zu machen. Wälder sind ebenfalls ein ideales 

Motiv für graue Tage, denn ähnlich wie beim 

Wasser ist der niedrige Kontrast von Vorteil, denn er 

erlaubt Ihnen, eine viel größere Auswahl an Details 

und farbenprächtiger Laubbedeckung 

aufzunehmen. Wenn die Sonne scheint, sind die 

Kontraste in Wäldern oft viel zu groß. Das führt 

dazu, dass Sie viele überbelichtete Stellen und 

blockierte Schattenbereiche erhalten. Benutzen Sie 

auch an trüben Tagen einen Polfi lter, um ein 

Glänzen der Laubbedeckung zu vermeiden und die 

Farbsättigung zu erhöhen. 

Auch haben Sie die Möglichkeit, doch die ganz 

großen Aufnahmen zu suchen, und die Bilder dann 

in schwarz-weiß umzuwandeln. Farbaufnahmen, 

die an trüben Tagen gemacht wurden, mögen fl ach 

und gedämpft aussehen, aber wenn man die 

Realität entfernt, indem man die Farbe wegnimmt, 

sieht die Sache ganz anders aus: weiche Töne 

können sehr beschwörend wirken, oder man gibt 

ihnen mehr Pepp, indem man ihnen ein dunkleres, 

dramatischeres Aussehen verpasst. 

Regenbogenkrieger 

F) Was können Sie mir raten, um die besten 

Aufnahmen eines Regenbogens zu machen? 

A) Zunächst müssen Sie einen fi nden! Regenbögen 

entstehen, wenn Sonnenlicht durch Regen oder kleine 

Wassertröpfchen fällt, daher sollten Sie sich mit dem 

Rücken zur Sonne stellen und sich umsehen. 

Normalerweise sind Regenbögen so auffällig, dass 

man sie nicht übersieht. 

Um die besten Ergebnisse zu erzielen, sollte man 

versuchen, sie mit einem dunklen Hintergrund 

zusammen aufzunehmen, damit sich die Farben gut 

abheben, und dann sollte man einen Polfi lter auf das 

Objektiv setzen, und testen, ob es etwas ändert, wenn 

man diesen dreht . Manchmal hilft das, aber wenn 

man es übertreibt, kann es passieren, dass der 

Regenbogen völlig vom Bild verschwindet. Eine 

leichte Unterbelichtung von 1/3 bis ½ Blendenstufen 

kann auch dazu beitragen, den Regenbogen zu 

verbessern, was man natürlich auch in der 

Nachbearbeitung machen kann, falls nötig. 

Schließlich sollte man der Versuchung widerstehen, 

den ganzen Regenbogen aufzunehmen, indem man 

ein Weitwinkelobjektiv nutzt, da in diesem Fall der 

Bogen sehr schmal wirkt und seine Wirkung verliert. 

Ein Wechsel zu einem Telezoom und die 

Konzentration auf lediglich einen Ausschnitt des 

Bogens wird häufi g zu besseren Ergebnissen führen. 

LEE FROST


Raw oder JPEG? 

F) Ich habe in den letzten Jahren Aufnahmen 

im JPEG-Format gemacht, aber alle reden 

andauernd von den Vorteilen von Raw. Sollte 

ich wechseln? 

A) Diese Diskussion wird kaum abgeschlossen 

werden können, weil letztendlich das von Ihnen 

gewählte Format davon abhängt, welche Art 

von Fotograf Sie sind. 

Lassen Sie es uns so formulieren: Wenn man 

die Aufnahmen in JPEG macht, und die 

Bildqualität innerhalb der Kamera optimal 

eingestellt ist, kann man diese JPEG 

herunterladen und auf seinem Computer 

öffnen, und man wird dabei nur minimale 

Unterschiede in der Bildqualität zwischen 

diesen Aufnahmen und denselben Szenen oder 

Objekten fi nden, die mit Raw aufgenommen 

wurden. 

Es ist einfach eine Tatsache, dass bei jedem 

Kopiervorgang einer JPEG einige Daten verloren 

gehen. Aber man müsste das buchstäblich ein 

paar hundertmal machen, um einen 

Unterschied feststellen zu können, und wenn 

man die Aufnahme im JPEG-Format gemacht 

hat, bedeutet das noch lange nicht, dass man 

die Bilder als JPEGs abspeichert. Man kann sie 

in 8-Bit-TIFF-Dateien umwandeln, wenn man 

sie herunterlädt, was das Problem löst, da TIFF 

ein Dateiformat ohne Verlust ist. 

Raw ist ein beliebtes Format bei professionellen 

Fotografen. Das liegt daran, dass es vielseitiger 

als JPEG ist, was bedeutet, dass man es 

bevorzugen wird, wenn man normalerweise 

eher viele Änderungen an seinen Bildern 

vornimmt. Man kann die Farbtemperatur 

anpassen, Fehler in Highlights korrigieren und 

die Schärfeeinstellungen präziser vornehmen, 

und außerdem kann man bei Raw-Dateien eine 

Stapelverarbeitung vornehmen, das heißt, dass 

die gleichen Verbesserungen und 

Veränderungen auf eine Vielzahl von Bildern 

gleichzeitig angewandt werden. 

Der Vorzug des JPEG-Formats ist es, dass, 

theoretisch jedenfalls, die Bilder so, wie sie aus 

der Kamera kommen, gleich verwendet werden 

können. Das heißt, dass man eine 

Speicherkarte aus seiner Kamera nehmen 

könnte, sie in einen Drucker stecken und mit 

dem Druck beginnen kann, ohne sich einem 

Computer zu nähern. JPEGs werden innerhalb 

der Kamera optimiert, was bei Raw-Dateien 

nicht der Fall ist. Man kann daher spezielle 

Eigenschaften wie höherer oder niedrigerer 

Kontrast, erhöhte Farbsättigung, eine 

Umwandlung in schwarz-weiß, erweiterte Töne 

usw. mit den Kameraeinstellungen bewirken, 

wohingegen all diese Schritte bei Raw-Dateien 

in einem späteren Stadium vorgenommen 

werden müssen. JPEG-Dateien sind auch viel 

kleiner als Raw-Dateien (wenn man sie als 

JPEG belässt), und benötigen daher weniger 

Platz auf der Festplatte. Wenn man sehr viele 

Bilder schießt, kann nur dieses letzte Argument 

allein entscheidend sein, obwohl zusätzlicher 

Speicherplatz für digitale Dateien heutzutage 

nicht mehr viel kostet. 

Zusammengefasst kann man festhalten, dass 

JPEG wahrscheinlich dann das richtige für Sie 

ist, wenn Sie Wert auf Schnelligkeit und 

Bequemlichkeit legen, und Raw das von Ihnen 

zu wählende Format ist, wenn Sie auf jeden Fall 

eine optimale Qualität und Vielseitigkeit 

benötigen und es Ihnen nichts ausmacht, mehr 

Zeit für die Bearbeitung Ihrer Bilder im 

Nachgang zur eigentlichen Aufnahme zu 

verwenden. 


Die Vorzüge von Raw 

Die meisten Amateure nutzen 

JPEG für ihre Aufnahmen, die 

meisten Profi s speichern 

jedoch die Raw-Dateien, um 

von dessen Qualität und 

Vielseitigkeit zu profi tieren. 

Spiegelungen vermeiden 

F) Wie vermeide ich Spiegelungen bei der 

Anwendung meines Polfi lters? 

A) Das ist eine häufi g gestellte Frage, da es 

zwar logisch und einfach ist, einen Polfi lter zu 

verwenden, um den Himmel aufzuhübschen, 

die Vermeidung von Spiegelungen jedoch 

etwas mehr Präzision verlangt. Grundsätzlich 

muss der Winkel zwischen der Achse des 

Objektivs und der sich spiegelnden 

Oberfl äche ungefähr 30 Grad betragen, 

damit Spiegelungen richtig entfernt werden, 

und dieser Winkel kann nur dadurch 

gefunden werden, indem man die Position 

der Kamera verändert, den Polfi lter dreht, 

und dabei beobachtet, was passiert, die 

Position der Kamera wieder verändert usw., 

bis es schließlich klappt. Es ist hilfreich, die 

Aufnahme aus einer niedrigen Position zu 

machen, da der Winkel zwischen der Achse 

des Objektivs und der Oberfl äche sich 

dadurch verringert. Sie sollten also zunächst 

damit beginnen, sich hinzuknien. 

Ohne Polfi lter 

Mit Polfi lter 

LEE FROST


Fotografi eren mit langen 

Belichtungszeiten 

F) Wie kann ich bei Tageslicht mit langen 

Belichtungszeiten fotografi eren, ohne dass 

mein Foto überbelichtet wird? Und wie 

kriege ich eine Verschlusszeit von mehr als 

30 Sekunden hin? 

A) Wenn Sie länger belichten möchten – 

beispielsweise um Bewegung darzustellen und 

damit einen kreativen Effekt zu erzielen – stellen 

Sie an Ihrer Kamera eine niedrige ISO- 

Empfi ndlichkeit und an Ihrem Objektiv eine kleine 

Blende ein. In Kombination erzeugen diese beiden 

Faktoren die längstmögliche Belichtung bei 

Umgebungslicht. Wenn diese Zeit noch immer 

nicht ausreicht, um den von Ihnen gewünschten 

Effekt zu erzielen, benötigen Sie einen Graufi lter. 

Diese Filter sind so gebaut, dass sie das Licht 

„absorbieren“. Sie verleihen Ihrem Bild keinen 

Farbstich, sondern sind absolut farbneutral. Sie 

sind als quadratische Steckfi lter und als runde 

Schraubfi lter erhältlich. Sie werden in einer Reihe 

von verschiedenen Dichtestufen angeboten. Die 

meist gekauften sind dabei Filter mit einer, zwei 

oder drei Blendenstufen. Ein Graufi lter mit einer 

Stufe reduziert das Licht, das in das Objektiv 

einfällt, um eine volle Blendenstufe; ein Filter mit 

zwei Blendenstufen um zwei volle Blendenstufen 

usw.. So würde zum Beispiel eine Verschlusszeit 

von 1/30 Sekunde bei f/22 mit Filter mit einer 

Blendenrastung auf 1/15 Sekunde bei f/22 

verlängert, oder auf 1/8 Sekunde bei f/22, wenn 

man einen Filter mit zwei Blendenrastungen 

benutzt. Diese Filter sind sehr hilfreich, wenn man 

lange Belichtungszeiten benötigt und werden sehr 

gerne von Landschaftsfotografen benutzt, um die 

Bewegung von Wasser und Wolken zu 

verwischen. Wenn Sie den Filter auf das Objektiv 

aufsetzen, korrigiert die TTL-Belichtungsmessung 

Ihrer Kamera alle Einstellungen automatisch. 

Die Mehrheit aller Kameras kann nur 30 

Sekunden lang automatisch belichten. Wenn Sie 

eine längere Belichtungszeit benötigen, müssen 

Sie Ihre Kamera auf den „B“ („Bulb“)-Modus 

einstellen. So können Sie den Verschluss manuell 

geöffnet halten – für gewöhnlich mit Hilfe eines 

Fernauslösers. 

Wie fotografi ert man 

eine Bühnenshow? 

F) Ich bin gebeten worden, kommenden 

September eine Tanzauff ührung in einem 

Theater zu fotografi eren. Ich habe eine 

Canon EOS 450D mit einem 18-55 mm- 

Objektiv und ein Stativ. Reicht das aus, um 

umwerfende Ergebnisse zu erzielen? Welche 

Kameraeinstellungen und Techniken sollte 

ich beherzigen? Wäre es eventuell ratsam, 

noch einige zusätzliche 

Ausrüstungsgegenstände anzuschaff en? 

A) Ihre Kamera ist mehr als angemessen für 

diese Aufgabe, aber das 18-55 mm Zoom wird 

nicht ausreichen. Wenn Sie nah an der Bühne 

sind, werden Sie damit gute Aufnahmen von 

Ohne Graufi lter / kurze Belichtungszeit 

der gesamten Tanzgruppe und vielleicht auch 

einige Ganzkörperbilder von einzelnen Tänzern 

oder Tanzpaaren hinkriegen. Aber wenn Sie 

Nahaufnahmen von einzelnen Darstellern machen 

möchten, werden Sie ein Telezoom benötigen. Das 

Canon 70-200mm f/4 IS USM oder 70-300mm 

f/4-5.6 IS USM wäre ideal, da die Bildstabilisierung 

es Ihnen ermöglicht, mit langen Verschlusszeiten 

zu fotografi eren, ohne Verwacklungsunschärfe 

befürchten zu müssen. 

Dies ist eine wichtige Überlegung, da die 

Lichtverhältnisse im Theater eher dunkel sein 

werden und sie somit alle möglichen Hilfsmittel 

ausschöpfen müssen, um gute Ergebnisse sicher 

zu stellen. Eine Möglichkeit, die Verschlusszeit kurz 

zu halten um Verwacklungsunschärfe zu 

vermeiden und die Bewegungen Ihres Motivs 

einzufrieren ist, mit möglichst großer Blende zu 

fotografi eren. Eine weitere Möglichkeit ist, die 

ISO-Einstellung Ihrer Kamera herauf zu setzen. 

Wahrscheinlich werden Sie auf ISO 800 oder ISO 

1600 gehen müssen. Zerbrechen Sie sich darüber 

nicht den Kopf; die Bildqualität wird trotzdem gut 

sein. Vielleicht erwägen Sie, einen Blitz zu 

verwenden. Aber selbst wenn das im Theater 

erlaubt ist, ist es keine gute Idee, denn es wird die 

durch die Bühnenbeleuchtung erzeugte Stimmung 

zerstören, die ja passend zur Aufführung sorgfältig 

ausgewählt wurde. Mit dem vorhandenen Licht zu 

arbeiten ist da die deutlich besser. 

Ihr Stativ könnte von Nutzen sein, das hängt aber 

davon ab, von wo Sie fotografi eren. Das Problem 

bei Dreibeinstativen ist, dass sie sehr viel Platz 

benötigen und – obwohl sie Stabilität bieten – Ihre


Mit Graufi lter / lange Belichtungszeit 

Bewegungsfreiheit einschränken. Ein 

Einbeinstativ wäre in diesem Fall sinnvoller. Es 

stützt die Kamera und das Objektiv, gibt Ihnen 

aber trotzdem die Freiheit, die Kameraposition 

schnell und unkompliziert zu verändern. 

Unser Rat ist: Stellen Sie Ihre Kamera auf 

Zeitautomatik mit Blendenvorwahl ein. Sie 

stellen die Blende ein und die Kamera wählt die 

Verschlusszeit. Beginnen Sie mit einer 

Multizonenlichtmessung und schauen Sie, 

welche Qualität die Aufnahmen haben. Wenn die 

Kamera Probleme mit den Kontrasten der 

Bühnenbeleuchtung bekommt und 

Belichtungsfehler auftreten, wechseln Sie zur 

Spotmessung – obwohl die bewertende Messung 

für gewöhnlich sehr gut ist und sie 

möglicherweise feststellen werden, dass sie 

problemlos funktioniert. Wenn Sie zusätzlich 

noch statt im JPEG-Format im Raw-Format 

fotografi eren, können Sie bei der 

Nachbearbeitung noch sehr viele 

Belichtungsfehler korrigieren. 

Vermutlich wird im Theater Mischlicht 

verwendet, was Ihren Bildern einen 

unerwünschten Farbstich verleihen könnte. 

Dagegen könnte es helfen, die Kamera auf 

Automatischen Weißabgleich (AWB) 

einzustellen. Hilft dies nicht, stellen Sie den 

Weißabgleich manuell auf „Glühbirne“ ein. Wenn nn 

Sie im Raw-Format fotografi eren, ist es natürlich h 

unerheblich, ob Ihre Bilder durch die 

Bühnenbeleuchtung einen Farbstich bekommen, n, 

da sie dies bei der Nachbearbeitung problemlos 

korrigieren können. 



Bildbetrachtung am Fernseher 

F) Ich bin ein Neuling und habe eine Frage über 

Kameras mit dem Micro Four Thirds-Sensor. Ist es 

möglich, diese Kameras an einen Breitbildfernseher 

anzuschließen und, wenn ja, verlieren die Bilder 

dadurch an Pixelqualität? 

A) Die große Mehrheit der Digitalkameras von 

Kompakt- über Hybrid- bis hin zu Spiegelrefl exkameras 

sind mit einer A/V-Buchse ausgestattet, so dass man 

Bilder auf einem Fernsehgerät anschauen kann. Die 

Markteinführung des High Defi nition TV (HDTV) hat 

dazu geführt, dass mehr und mehr Modelle auch über 

eine HDTV-Buchse verfügen. Man kann also seine 

Bilder oder Filme nun auch auf HD-Fernsehern 

anschauen. Ältere TV-Geräte haben einen fast 

quadratischen Monitor (Verhältnis 4:3), aber dieses 

Format ist inzwischen überholt, da überwiegend 

Breitbildgeräte (16:9) verkauft werden. 

Die Voreinstellung für den Filmmodus an den Kameras 

ist im Format 16:9 eingerichtet, so dass der Film den 

Bildschirm komplett ausfüllt. Sie sollten also keine 

Probleme haben, Filme von Ihrer Hybridkamera mit 

Micro Four Thirds-Sensor – oder auch von jeder 

beliebigen Kamera – auf dem Fernseher anzuschauen. 

Was Sie jedoch überprüfen sollten, ist die Aufl ösung, 

sowohl der Filmaufnahmen Ihrer Kamera, als auch 

Ihres Fernsehgerätes. Full HD bietet mit einer Aufl ösung 

von 1920 x 1280 Pixeln (1080P) die beste Qualität, 

während Standard HD, auch HD ready genannt, 1280 

x 720 Pixel (720P) hat. Wenn sowohl Ihre Kamera, als 

auch Ihr Fernsehgerät Full HD unterstützen, erhalten 

Sie die bestmögliche Bildqualität; andernfalls werden 

Sie sich mit HD ready abfi nden müssen, was aber auch 

hervorragende Qualität bietet. 

Es sollte noch erwähnt werden, dass alle digitalen 

Spiegelrefl exkameras über eine A/V Buchse verfügen 

und mit einem A/V Kabel geliefert werden. Dies 

ermöglicht auf jeden Fall das Anschauen von Bildern 

auf einem Fernsehgerät, sei es auch nur in 

Standardaufl ösung. 

ISTOCK PHOTO PHOTO

Mit Grauverlaufsfi lter 

Ohne Grauverlaufsfi lter 

Infrarot sehen 

F) Ich habe eine alte Nikon D70, die ich gerne 

in eine Infrarot-Kamera verwandeln möchte. 

Wo soll ich sie hinschicken? 

A) Gute Idee. Ältere Spiegelrefl exkameras sind 

heute auf dem Gebrauchtwarenmarkt nicht mehr 

viel wert, aber wenn Sie es sich leisten können, sie 

in eine Infrarot-Kamera zu verwandeln, können Sie 

sie zu neuem Leben erwecken, mit der Sie 

verblüffende, unwirkliche Bilder machen können. 

Die Nikon D70 ist auch ein wirklich gutes Modell 

für eine Infrarot-Umrüstung. 

Es gibt in Deutschland nur wenige Umbaufi rmen 

die diesen Service anbieten, eine davonOptic 

Makario(www.optik-makario.de). Es kostet etwa 

290 Euro (+ MWSt.), eine Nikon D70 

umzurüsten. Dabei wird der Infrarot-Sperrfi lter vom 

Auslöser entfernt und durch einen Infrarot- 

Übertragungsfi lter ersetzt. Nach der Umrüstung 

Über Refl exion 

F) Ich habe einen Freund, der einen 

Grauverlaufsfi lter benutzt, wenn er 

refl ektierende Landschaften fotografi ert. 

Warum? 

A) Wenn Sie eine Landschaft fotografi eren, in 

der sich die Szene in ruhigem Wasser spiegelt, 

wie hier in diesem Beispiel, ist die Refl exion der 

Szene meist viel dunkler als die Szene selbst. Das 

ist normal. Aber auf einem Foto kann das 

merkwürdig aussehen, meist so, als wäre die 

Refl exion unterbelichtet. 

Wenn Sie einen Grauverlaufsfi lter so aufstecken, 

reagiert die Kamera fast nur noch auf 

Infrarotstrahlen, daher werden Sie damit keine 

„normalen“ Bilder mehr machen können. Es dauert 

etwa drei Wochen, eine Kamera umzurüsten, je 

nachdem wie die Auftragslage ist, aber es lohnt 

sich wirklich, darauf zu warten! 

Wenn Sie die Kamera zurückhaben, sollten Sie 

zunächst einen Weißabgleich erzeugen, indem Sie 

eine Aufnahme von Gras im Sonnenlicht machen 

(sehen Sie dazu in Ihrer Bedienungsanleitung 

nach), damit die Bilder nicht knallrot werden. 

Danach können Sie ganz normal fotografi eren. Sie 

brauchen keine Spezialfi lter, und Ihre Kamera und 

Objektive funktionieren genauso wie vorher. Die 

D70 tendiert dazu, einige unwirkliche „falsche 

Farben“ bei den Infrarotaufnahmen abzuspeichern, 

aber dies können Sie ändern, indem Sie das Bild 

anschließend in eine Schwarz-Weiß-Aufnahme 

konvertieren. Manchmal sehen die falschen Farben 

aber auch ziemlich effektiv aus, also seien Sie nicht 

zu eifrig beim Entfernen. 

Zeit zum Refl ektieren 

Einen Grauverlaufsfi lter zu 

benutzen, um Refl exionen 

auszugleichen, kann Ihre 


verbessern. 

dass er die komplette Szene bedeckt – nicht nur 

den Himmel, sondern auch die Landschaft - 

können Sie die Refl exion etwas stärker belichten 

um sie aufzuhellen, ohne dabei den Himmel und 

die Landschaft überzubelichten. 

Dafür brauchen Sie nur einen schwachen 

Verlaufsfi lter. Ein Grad ND 0.3-Filter reicht dafür 

normalerweise aus, da es den Himmel um eine 

Blende verdunkelt, und Sie somit die Belichtung 

der Refl exion um eine Blende erhöhen können. 

Wenn Sie einen Filter benutzen, der zu dicht ist, 

also einen 0.6 oder 0.9, dann sieht die 

Landschaft etwas merkwürdig aus. 

LEE FROST 

LEE FROST

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154 Photoshop-Techniken: Belichtung Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 

Raw-Daten miteinander kombinieren 

VON LUKE MARSH Das Einstellen Ihrer Kamera auf Raw bedeutet, das Sie versteckte Details einer Bildszene, die überbelichtet wurden, wiederherstellen 

können, wie beispielsweise einen strahlend blauen Himmel. Photoshop-Experte Luke Marsh demonstriert Ihnen nachstehend, wie Sie den Elements Raw 

Converter von Photoshop einsetzen können, um zwei verschiedene Bilder mit jeweils unterschiedlichen Belichtungsstufen aus der gleichen Raw-Datei 

verwenden zu können, um sie dann neu miteinander zu kombinieren und somit das perfekte Ergebnis zu erhalten. 

Die Verfahren, die in dieser leicht nachvollziehbaren Anleitung angewendet wurden, beinhalten Belichtungseinstellung, Ebenen erstellen und bearbeiten, 

Ebenen anpassen, Bildschärfe einstellen mittels High Pass Filter, Lichtundurchlässigkeitseffekt (Opazität) und Farbregulierung. Diese Technik ist besonders 

zufriedenstellend, da man lediglich mit Bilddateien arbeitet, die in der ursprünglichen Einzelaufnahme erfasst wurden. Hier an diesen Beispielen wurde 

Elements 4.0 angewendet, aber neuere Versionen sind genauso geeignet. 

1 2 

3 

5 

Sollten Sie bislang noch nie mit dem Elements Raw Converter gearbeitet haben, 

dann werden Sie beim Öffnen der Dateien als Erstes bemerken, dass das Bild im 

Raw-Control-Fenster geöffnet wird (siehe oben). Im ersten Schritt klicken Sie 

einfach auf Öffnen und belassen die Einstellungen so wie sie sind. Gehen Sie 

dann auf Datei, Speichern als und legen eine Photoshop Datei an (.psd), da wir 

mit Ebenen arbeiten werden. 

Jetzt haben Sie zwei Dateien geöffnet. Eine enthält das ursprüngliche 

Ausgangsbild, und die andere enthält das neu erstellte, unterbelichtete Bild. 

Während die unterbelichtete Datei aktiv ist, gehen Sie auf Auswählen, Alle und 

dann auf Editieren, Kopieren, um das Bild im Notizbrett zu platzieren. Diese 

Datei kann jetzt geschlossen werden, und Sie können mit Editieren, Einfügen 

das Bild auf eine neue Ebene der Original-Datei platzieren. 

Jetzt ist es an der Zeit, den Himmel ein wenig zu ordnen. Mit dem Radierer-Tool, 

das auf einen mittelgroßen, weichkantigen Pinsel mit einer 

Lichtundurchlässigkeit von 55 % eingestellt ist, müssen Sie nun langsam die 

Bereiche der neu belichteten Ebene ausradieren, so dass der ursprüngliche 

Himmel zum Vorschein kommt. Der leicht gefederte Effekt zwischen den zwei 

Lagen erzeugt einen Nebeleffekt, der die Stimmung des Bildes zusätzlich 

erweitert. Die anfängliche Arbeit an den Ebenen ist somit fertiggestellt. 

4 

6 

AUSGANGSFOTO 

Anschließend öffnen Sie die ursprüngliche Raw-Datei erneut und das Raw-Control- 

Fenster mit dem Bild wird wieder erscheinen. Dieses Mal wenden Sie den 

Belichtungsregler an (eingekreist) und bewegen den Gleitregler auf der linken Seite, 

um das Bild unterzubelichten indem Sie die Feinheiten vom Himmel, die auf dem 

Originalbild versteckt sind, hervorholen. Wenn Sie mit dem Ergebnis zufrieden sind, 

klicken Sie auf Öffnen, um das Bild nach Elements zu übernehmen. 

Jetzt, wo zwei Aufnahmen vorhanden sind, soll der korrekt belichtete 

Vordergrund mit dem neu belichteten Himmel kombiniert werden. Während sich 

die Himmels-Ebene aktiv befi ndet, selektieren Sie mit dem rechteckigen 

Marquee-Tool eine größere Fläche aus dem Vordergrund vom neu-belichteten 

Himmel, knapp unterhalb vom Horizont, und entfernen Sie mit Editieren, 

Löschen das Vorschaubild der Ebenen-Palette (siehe Bild links oben). 

Um das Werk zu speichern, gehen Sie auf Ebene, Bild einebnen und 

anschließend auf Datei, Speichern als, um eine neue Datei anzulegen. Jetzt, wo 

beide Ebenen miteinander kombiniert sind, ist es an der Zeit, am Gesamtbild ein 

paar Verbesserungen vorzunehmen. Gehen Sie auf Verbessern, Licht anpassen, 

Levels, um das Bild aufzuhellen und die Defi nition zu verbessern. Klicken Sie 

dann auf OK, um die Änderungen zu bestätigen.


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9 

FERTIGES BILD 

STURM AM HORIZONT! 

Die Vorteile, die durch die Aufnahme 

Ihrer Bilder mit Raw erzielt werden, 

sind leicht zu erkennen. Es können 

weitaus mehr Einzelheiten festgehalten 

werden, als wenn Sie Ihr Bild mit JPEG 

festgehalten hätten. 

Der High-Pass-Filter eignet sich besser dafür, Einzelheiten zu verbessern als sie zu 

verschärfen. Um ihn anzuwenden, gehen Sie zuerst auf Ebene, Ebene 

duplizieren, um das ursprüngliche Bild zu bewahren. Anschließend gehen Sie 

auf Filter, Sonstige, Hochpass, und stellen den Radius auf ca. 20 Pixel ein, bevor 

Sie auf OK klicken. Danach änderen Sie den Mischmodus in der Ebenen-Palette 

auf Weiches Licht. 

Das Bild besteht hauptsächlich aus Blautönen, und Sie würden dem Himmel 

gerne einen anderen Ton hinzufügen. Mit Hilfe des rechteckigen Marquee-Tools 

selektieren Sie den Bereich über dem Horizont und gehen auf Auswahl, Feder. 

Geben Sie einen Betrag von 50 Pixel ein, um die Auswahl abzuschwächen. 

Anschließend gehen Sie auf Editieren, Kopieren gefolgt von Editieren, Einfügen 

und platzieren den gewählten Bereich in eine neue Ebene. 

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10 

Photoshop-Techniken: Belichtung 155 

Gehen Sie erneut auf Ebene, Bild einebnen und speichern Sie gegebenenfalls 

eine Kopie. Jetzt verdunkeln Sie mit Hilfe des Tools Brennen (innen rechts) und 

einem großen, weichkantigen Pinsel sowie einer Opazität von 25 % die 

Belichtung bestimmter Bereiche, um die Tiefe des Bildes zu optimieren. 

Konzentrieren Sie sich auf die Ecken des Rahmens, und bauen Sie allmählich 

den Effekt auf. 

Ändern Sie den Mischmodus der neuen Ebene auf Weiches Licht, und gehen Sie 

dann auf Verbessern, Farbe einstellen, Ton/Sättigung einstellen. Innerhalb des 

Fensters beginnen Sie damit, auf das Kolorierfeld zu klicken, so dass Sie 

umgehend den Effekt in der Vorschau sehen können. Zum Schluss gleichen Sie 

den Ton und die Sättigungsschieber solange an, bis Sie mit dem Farbton 

zufrieden sind und klicken auf OK.

156 Expertenanleitung: Die magische Stunde Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 


Früh aufstehen und die „magische Stunde” erleben! 

VON HELEN DIXON Kaum einer steht 

gerne freiwillig mitten in der Nacht, 

ein paar Stunden vor Sonnenaufgang 

auf. Aber wenn man sich einmal 

überwindet, zahlt es sich wirklich aus. 

Eine sorgfältige Planung, inklusive der 

Wettervorhersage und den Sonnenaufgang per 

Internet abzufragen, ist essenziell. Bedenken Sie die 

Gezeiten; Ebbe ist meistens die beste Zeit für einen 

Besuch am Meer, denn wenn die Lichtverhältnisse 

nicht günstig sind, kann man immer noch 

Aufnahmen vom Strand machen. 

Ich versuche immer spätestens eine halbe Stunde 

vor Sonnenaufgang da zu sein. Denn der „magische 

Moment” ist meistens schon vor Sonnenaufgang 

da. So habe ich auch immer noch genug Zeit 

meine Kamera aufzubauen und die beste Stelle 

zum Fotografi eren zu suchen. Neben unbewölkten 

Tagen geben Wolken auch ein schönes Motiv ab, 

da sie das Sonnenlicht wunderbar farbenreich 

refl ektieren. Es empfi ehlt sich auch, den Ort vorher 

mal zu besuchen um Parkmöglichkeiten und 

passende Stellen zum Fotografi eren zu fi nden, 

die auch einen interessanten Bildvordergrund 

bieten. Für die Recherche vorab verwende ich oft 

Landkarten. 

In kalten Nächten bildet sich Nebel, der oft 

nur solange bleibt, bis die Sonnenwärme ihn 

verdunsten lässt. Man sollte nicht vergessen, 

dass der Belichtungsmesser durch den Nebel 

beeinträchtigt werden kann und oftmals matte, 

leblose Landschaften erzeugt. Um dies zu 

kompensieren kann man die Belichtung um 0.5 

oder 1 Einheit aufhellen und so die Szenerie 

aufl eben lassen, ohne über zu belichten. Behalten 

TRANSPARENZ 

Durch die kleine Baumgruppe wurde 

das Licht zerstreut, als sich die Sonne 

über den Horizont erhob. 

Belichtung: 0,5 Sek. mit f/22. 

sie den LCD-Monitor dabei im Auge. Die 

Verwendung von Neutraldichtefi ltern gehört zum 

Standardrepertoire in der Landschaftsfotografi e. 

Sie dienen dazu, die einfallende Lichtmenge der 

lichtstarken Stellen am Himmel zu verringern, 

denn in der Frühe sind die Unterschiede der 

Lichtmenge zu Lande und am Himmel signifi kant. 

Bei Aufnahmen mit der Sonne per se sollte man 

auf den Blendenfl eck achten, was sich jedoch 

durch gut gereinigte Filter und Linsen vermeiden 

lässt. Farbfi lter verwende ich kaum denn einer der 

Nachteile kann zum Beispiel sein, dass grünes 

Laub eher gelb-grünlich wirkt. Statt dessen stelle 

ich meinen Weißabgleich auf wolkig oder abtönen. 

Damit sich das Licht nicht zu sehr abkühlt, es 

sei denn es ist explizit erwünscht, sollte auch 

der automatische Weißabgleich (AWB) abgestellt 

werden. Weil ich gerne ausdrucksstarke Bilder 

mache und dies die neblig-frostige Zeit des 

noch jungen Tages ist, fotografi ere ich gerne am 

Morgen. Das Licht ist noch diffus und weich, und 

es ist eine Herausforderung, die Sonne auf das 

Bild zu bekommen, da die Luft noch nicht durch 

Staubteilchen getrübt ist. Außerdem ist kaum eine 

Menschenseele unterwegs und die Welt scheint 

nur mir alleine zu gehören. Alles ist so friedvoll 

und es ist so schön zu sehen wie der Tag beginnt, 

und sich der Sonnenaufgang erhebt. Wenn die 

Sonne aufgegangen ist, wird es langsam zu hell 

zum Fotografi eren. Drehen Sie sich mal mit dem 

Rücken zur Sonne aber achten auf Ihren Schatten. 

Nun weckt das warme Licht das Land und erhellt 

die Szenerie. Licht ist nicht statisch, es ist ein steter 

Prozess und somit das Wichtigste, was uns befähigt 

etwas Wunderbares zu erschaffen. 

DIE AUSRÜSTUNG! 

HELENS AUSRÜSTUNG FÜR 

DIE „MAGISCHE STUNDE” 

„Planen Sie was Sie alles 

benötigen. Ein solides Stativ ist 

absolut notwendig, da Sie mit 

langen Belichtungszeiten arbeiten. 

Ich habe ein Manfroto MF4 MF4 

aus Carbon mit einem 322RC2 

Kopf. Leicht aber stabil, woran 

ich meine Tasche als 

zusätzlichen Schwerpunkt 

an windigen Tagen hänge. 

Meistens habe ich einen 

Fernauslöser dabei, aber 

ein Selbstauslöser tut es auch. 

Eine Spiegelvorauslösung 

vermeidet Verwackelungen. 

Mein 17-40 mm- 

Weitwinkelobjektiv und 

mein 

70-200 

mm- Teleobjektiv sind 

die beiden wichtigsten 

Teile meiner Ausrüstung. 

Das Weitwinkelobjektiv gibt 

mir die Möglichkeit, viel 

Vordergrundelemente ins Bild aufzunehmen, 

wohingegen ich mit dem Teleobjektiv eher die 

Perspektiven heranhole und an nebligen 

Morgen mehrere Ebenen auf dem Bild habe.“

PROFI-TIPPS 

DIE SPIEGELVORAUSLÖSUNG 

Viele digitale Spiegelrefl exkameras haben eine 

Vorrichtung, die es erlaubt, den Schwingspiegel 

zeitlich vor der Aufnahme hochzuklappen. Damit 

wird die Verwackelungsunschärfe der Kamera 

durch Eigenschwingungen der Kamera reduziert. 

Meistens ist diese Funktion schon in einer der 

Einstellungen aktiviert. 

Die Wunder der Natur: Eine günstige 

Position zu fi nden ist nicht immer leicht. 

Ein Teich oder ein See kann als Refl ektor 

dienen, um die Szene noch 

interessanter zu machen.

158 Expertenanleitung: Die magische Stunde Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 


Geht die Sonne unter, 

wird der Fotograf ganz munter 

VON MARK BAUER Obwohl man den ganzen 

Tag über Landschaftsfotos schießen kann, 

sind sich die meisten Landschaftsenthusiasten 

in einem einig: Die ersten und die letzten 

Stunden des Tages sind eigentlich die besten. 

Die langen Schatten heben die einzelnen Merkmale 

der Landschaft ganz besonders hervor. Vor dem 

Sonnenaufgang und nach dem Sonnenuntergang gibt 

es einen atemberaubenden Himmel, da die Wolken von 

unten aufgehellt werden. 

Je nach Objekt und bevorzugtem Lichteinfall entscheidet 

man sich für das Abend- oder Morgenlicht, obwohl sich 

beides ähnlich verhält. Zum Beispiel sieht die Landschaft 

im Winter abends am besten aus, weil das Licht in der 

Abendstunde tendenziell eher immer wärmer wirkt, 

als das Morgenlicht. Die Landschaft ist oft mit einem 

goldenen Glanz überzogen. Und das schöne am Abend 

ist, dass man sich dafür nicht extra zu gottloser Zeit 

aus dem Bett quälen muss. Es hat eben nicht jeder 

die Willenskraft und den notwendigen Enthusiasmus 

wie Helen Dixon, um sich so für Sonnenaufgänge zu 

begeistern (siehe vorherige Seite). Fast alle Landschaften 

sehen zur magischen Stunde gut aus. Steine und Klippen 

werden besonders hervorgehoben. Tagsüber öde und 

unauffällig aussehende Felsen und Steine werden durch 

das warme Abendlicht texturierter und machen sie zu 

etwas besonderem. 

Wasser ist dann auch etwas ganz besonderes, da man 

mit dem schönen Abendhimmel zusammen einen 

doppelten Effekt durch die Refl ektionen hat. Strömendes 

Wasser kann wie Diamanten glitzern oder durch lange 

OSMINGTON MILLS BEACH 

Die niedrige Sonne lässt die Details der 

Felsvorsprünge erkennen und die 

Klippen wärmer werden. Ein 0,6 

Graufi lter, nicht waagerecht auf einen 

Fels gerichtet, erhält die Details des 

Himmels. 

Canon EOS 5D mit 17-40 mm Objektiv. 

Belichtungszeiten weicher wirken. Wie gesagt, die Art 

und die Helligkeit wie Licht mit Wasser wirkt, sind 

entscheidend für das Ergebnis. Die Richtung des Lichtes 

kann die Stimmung des Bildes stark beeinfl ussen, 

ganz gleich ob sie morgens oder abends aufgenommen 

wurden. Wenn das Licht frontal kommt, wirkt es schnell 

kontrastarm und macht die Details der Landschaft kaum 

sichtbar. Ein Polarisator sättigt die Farben wenn das Licht 

seitlich kommt und die Kamera im 90-Grad-Winkel 

zur Sonne steht. Schatten können eine gewisse Tiefe 

erzeugen und Formen und Oberfl ächen betonen. Wenn 

das Licht von hinten kommt, kann das schnell wie 

Bühnenbildbeleuchtung wirken und durch den seitlichen 

Lichteinfall auf die Filter sowie das Objektiv können 

Blendenfl ecken entstehen. 

Da das Wetter ja immer unbeständig ist, weiß man nie 

genau wann und ob die ersehnte magische Stunde 

kommt oder nicht. Man sollte den Wetterbericht verfolgen. 

Die Webseite www.wetter.com ist recht zuverlässig und 

liefert genaue Wettervorhersagen für einzelne Regionen. 

Aber je länger die Vorhersage in der Zukunft liegt umso 

ungenauer ist sie, daher sollte man sich einfach einen 

Abend vorher nochmal vergewissern, wie das Wetter wird. 

Auch im Radio werden immer Vorhersagen gebracht, 

die man bei der Anfahrt verfolgen kann. Der Himmel 

selber sagt auch viel aus. Sonnenuntergänge sind im 

Westen zu sehen, da dort die Sonne untergeht und dort 

auch die magische Stunde beginnt. Die Windrichtung 

ist ein weiteres Merkmal, der Kompass und weitere 

Verhaltensweisen des Wetters lassen einen schließlich die 

Vorboten der magischen Stunde erkennen. 

DIE AUSRÜSTUNG! 

MARK BAUERS AUSRÜSTUNG FÜR DIE 

MAGISCHE STUNDE: 

„Zwar werden meistens Teleobjektive in der 

Landschaftsfotografi e verwendet, längere 

Linsen können aber ebenfalls Eigenschaften 

und Texturen der magischen Stunde 

hervorheben. 

Ein Polarisationsfi lter sättigt bei Seitenlichteinfall 

und wird speziell bei blauem Himmel 

angewandt.“ 

„Ein gutes Stativ braucht man auf jeden Fall. 

Nach Sonnenuntergang ist direktes 

Aus-der-Hand-schießen kaum noch sinnvoll. 

Immer mit einem Stativ zu arbeiten, lässt einen 

Geduld üben, da man besonnener wird und 

beginnt, nachzudenken. So kann man oftmals 

kleine aber feine Änderungen vornehmen. 

Graufi lter sind gerade bei Wolkenbildung 

notwendig. Ohne direktes Licht werden von 

unten beleuchtete Wolken durch diese Filter 

besser kontrastiert.“

PROFI-TIPPS 

WEISSABGLEICH 

Der Weißabgleich wirkt sich sehr auf das Resultat 

aus. Vermeiden Sie automatische Einstellungen. 

Falls Sie in Raw fotografi eren, können Sie alle 

Einstellungen später auf dem PC ausprobieren 

und die beste wählen. 

MUDEFORD QUAY 

Diffraktion, durch eine kleine f/22 Blende 

verursacht, hat den Lichtkranzeffekt erzeugt. 

Ein 0.9 Graufi lter erhält die Details im 

Himmel. 

Canon EOS 20D mit 17-40 mm Objektiv 

1/5 Sek. bei f/22 mit ISO 100

160 Expertenanleitung: Komposition Der unentbehrliche Ratgeber für Landschaftsfotografi e 


Wie man eine Bildszene 


MIT ROSS HODDINOTT Eine schöne Landschaft und gutes Licht 

sind noch keine Garantie dafür, dass ein Fotograf großartige 

Landschaftsaufnahmen machen wird. Obwohl beide unerlässliche 

Bestandteile sein mögen für tolle landschaftliche Aufnahmen, müssen 

Sie als Fotograf immer noch die Vorstellung und die Fähigkeit haben, ein starkes 

Bild zu erzeugen. Wenn Sie Landschaften fotografi eren, brauchen Sie ausreichend 

Zeit darüber nachzudenken, zu arrangieren und fein einzustellen, wie Sie die Szene 

einfangen. 

Bildaufbau ist die Kunst, die Elemente einer Szene so zu arrangieren, dass sie 

optisch ansprechend sind. Es ist eine Fähigkeit, die instinktiv wird, je mehr Fotos 

man macht, deshalb sorgen Sie sich nicht, wenn Ihnen diese Fähigkeit nicht gleich 

selbstverständlich zufl iegt – bleiben Sie einfach dran, und Sie werden mit der Zeit 

besser werden. Und wenn man zwei relativ einfache Vorgaben beachtet, die auf die 

Drittel-Regel und Führungslinie basieren, werden Sie eine sofortige Verbesserung in 

Ihren Landschaften sehen. 

Die Drittel-Regel erfordert, dass Sie sich das Bildfeld geteilt in neun gleichgroße Teile 

vorstellen, durch zwei horizontale und zwei vertikale Linien. Dies ist eine Technik, die 

ich für die Mehrheit meiner Landschaftsbilder nutze. Ein Horizont, der zentral durch 

ein Bild schneidet schwächt normalerweise eine Aufnahme, aber eine Landschaft 

zusammengesetzt durch ein Drittel Himmel und zwei Drittel Vordergrund, oder zwei 

Drittel Himmel und ein Drittel Vordergrund, sieht sehr viel dynamischer aus. 

Eine andere hilfreiche Regel ist eine Art von Führungslinie innerhalb Ihres Bildaufbaus 

zu nutzen. Eine Führungslinie nutzt die natürliche Perspektive von zurücktretenden 

oder konvergierende Linien, um den Vordergrund zu betonen. Diese Technik 

funktioniert gut zusammen mit der Drittel-Regel, deshalb versuchen Sie diese beiden, 

wo immer möglich, zu kombinieren. 

Kraftvolle Bildaufbauten durchlaufen oft starke Linien, da sie helfen, die Augen 

des Betrachters durch eine Szene zu führen, bis zu dem Punkt in der Entfernung, 

wo die Linie endet – dem „Fluchtpunkt“. Alle Arten von Objekten können dazu 

genutzt werden: eine Straße, ein Pfad, eine Brücke, ein Fußgängerweg, ein Fluss, 

ein gepfl ügtes Feld, Feldränder oder Zäune. Wenn man ein solches Objekt für den 

Vordergrund verwendet, und damit in das Bild führt, kann man einen unspektakulären 

Anblick verwandeln. Oft funktioniert eine Führungslinie, die sich diagonal dehnt am 

besten, aber denken Sie auch daran, Ihre Führungslinie zentral zu positionieren, da 

dies auch zu bemerkenswerten Ergebnissen führen kann. 

Ich verbrachte eine Abend damit, Moorlandschaften zu fotografi eren. Obwohl das 

Abendlicht warm war, sah die Ansicht ziemlich unspektakulär aus, aber ich wusste, 

dass eine Trockenmauer in der Nähe mehr Interesse wecken würde. Ein vertikales 

Format funktionierte am besten, darin führte die Mauer vom unterem Bildfeld in der 

Ferne. Ich versuchte ein paar Aufnahmen zu machen, direkt der Länge nach auf sie 

schauend. Dann änderte ich meine Position, so dass die Mauer von einer Ecke in 

der Ferne mündete. Ich entwarf die Aufnahme mit einem Drittel Himmel, zwei Drittel 

Vordergrund. Mit meiner auf Zeitautomatik eingestellten Kamera wählte ich eine kleine 

Blende von f/22, um eine große Tiefenschärfe sicherzustellen. 

KEINE PANIK! 

DEN HORIZONT EINSTELLEN 

Obwohl es natürlich erscheint, den Horizont im 

Zentrum des Bildes zu platzieren, wird dies in den 

meisten Fällen zu einem enttäuschend Ergebnis 

führen. Stellt man die Aufnahme mit nur einem 

Drittel Himmel, statt der Hälfte zusammen, so 

wird der Vordergrund verstärkt betont und die 

Komposition wirkt ausgeglichener. Es gibt aber 

keine feste Regel, und Sie sollten Ihren Bildaufbau 

je nach den Umständen einer Bildszene 

beurteilen. Wäre der Himmel zum Beispiel, wie 

an einem stürmischen Tag interessanter gewesen, 

hätte ich mir wahrscheinlich überlegt, ihn im 

Bildfeld mehr zu betonen. 

RECHTS: Einige Spiegelrefl exkameras erlauben Ihnen, 

Gitternetzlinien im Sucher anzuzeigen, um den 

Bildaufbau zu erleichtern. Normalerweise fi ndet man 

diese Funktion im Grundeinstellungsmenü. 

OBEN: Ich benutzte eine Nikon D700 mit einem Nikkor 

24-85 mm Zoom, eingestellt auf f /22, auf einem Gitzo 

Stativ. 

Den Auslöser bediente ich mit einem Fernauslöser und 

benutzte ein Lee Filter-System mit einem 

Polarisationsfi lter zusammen mit einem 0.6 

Graufverlaufsfi lter . 

OBEN: Ohne eine Führungslinie oder einen Vordergrund fehlt es der Bildszene an Wirkung und Tiefe. Ich bewegte mich näher auf die 

Mauer zu, um sie als Führungslinie zu nutzen und machte die Aufnahme der Länge nach auf sie schauend. Dies leitet das Auge in das 

Bild und in Richtung des Horizonts, aber es gibt dennoch zu viel leeren, verschwendeten Raum auf beiden Seiten der Mauer.


Wie man eine 

Bildszene 


1) HALTEN SIE SICH AN DIE 

REGELN! 

Den Horizont entlang des 

Zentrums des Bildfeldes zu 

platzieren, wird normalerweise 

einen schlechten Bildaufbau 

erzeugen. Stattdessen probieren 

Sie, der Drittel-Regel zu folgen. 

2) VERWENDEN SIE LINIEN 

Eine Führungslinie wird das Auge 

des Betrachters durch das Bild 

ziehen und Interesse erwecken. 

Fast alles kann dafür eingesetzt 

werden. </

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