Tonarten der Farbe - Atelier Renée-Maria von Othegraven

Tonarten der Farbe
Renée-Maria von Othegraven

Tonarten der Farbe
Renée-Maria von Othegraven

Vom innersten Wesen allen Seins
Es gibt da etwas,
das ich suche,
ich kreise es von allen Seiten ein.
Dies Etwas steht in keinem Buche,
es liegt in Gegenwart und Sein.
Es liegt in allem,
was wir tief erfassen
und lebend greifen
im Moment und Jetzt.
Und wenn wir stille halten
und nicht schweifen,
sondern nach Früchten fassen,
die im Reifen
uns mit sich reifen lassen,
greifen,
be-greifen wir das Ding zuletzt.

Tonarten der Farbe
Ein Portrait der Künstlerin
Renée-Maria von Othegraven
Mit Aquarellen und Zeichnungen
aus den Jahren 1998 bis 2003
Herausgegeben von Theodora von Obstfelder
mit einem Vorwort von Gerhard Tötschinger
und Beiträgen von
Fürstin Marie von und zu Liechtenstein
Rudolf Leopold
u. a.
Gedichte: Renée-Maria von Othegraven

Impressum:
Rudolf Maegle
Mag. phil., Kunsthistoriker,
studierte Schauspiel, Gesang und Kunstgeschichte,
betreibt die Galerie Maegle im Palais Harrach
Professor für Violoncello an der Universität für Musik und Darstellende Kunst in Graz
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Inhalt
Vorwort Gerhard Tötschinger Die Insel Othegraven 9
Begegnung I.D. Fürstin Marie von und zu Liechtenstein 11
Künstlerische Perspektiven
Rudolf Maegle Über sie 13
Renée-Maria von Othegraven Tonarten der Farbe 16
Rudolf Leopold Zur Frage nach den Farben in den Tonarten 21
Renée-Maria von Othegraven Licht und Schatten 22
Aquarelle und Zeichnungen der Jahre 1998 bis 2003 25
Deutungsmuster
Wohnen und Werken
Worte der Herausgeberin
Christian Lenoble Reverenz an die Zwölf 81
Renée-Maria von Othegraven Abstrakte Darstellung der zwölf Charaktertypen 82
Albert Hammerschmied Der Sonnenwend-Kalender 84
Renée-Maria von Othegraven Zwölf Eigenschaften von Schloss Wolfsberg 85
Renée-Maria von Othegraven Wie Ochs und Esel im dunklen Stall. Reise durch eine Malperiode 91
Rudolf Maegle Man kann kreativ Staubwischen. Besuch im Atelier der Künstlerin 97
Béatrice von Othegraven Wie sehe ich meine Mutter 98
Boris von Othegraven „Oh, . . . es brennt!“ 99
Theodora von Obstfelder (Hg.) Der Unterschied zwischen Photographie und Malerei 105
Künstlerbiographie 107
Ausstellungen und Präsentationen 112

Gerhard Tötschinger
Vorwort
Die Insel Othegraven ......
Sie ist einmalig. Man kann sagen, jeder Mensch sei auf seine Weise einmalig.
Aber das stimmt nicht. Die meisten Menschen passen in Gruppen, das
wollen sie ja auch – passen, zu Gruppen gehören. Im glücklicheren Falle
sehen sie diesen Wunsch mit Goethes Blick –
„Immer strebe zum Ganzen, und kannst Du selber kein Ganzes werden,
als ein dienendes Glied schließ an ein Ganzes dich an.“
Im weniger glücklichen Fall sehnen sich die Menschen einfach nach Anonymität,
Denkersparnis, Verzicht auf Entscheidung, Entlassung aus Verantwortung.
Renée-Maria von Othegraven strebt zum Ganzen und konnte selber ein
Ganzes werden, auf ihre ganz eigene Art und Weise, beharrend und beweglich,
streng und weich, tief und einfach.
Sie ist einmalig.
Solch einen Versuch über einen Menschen niederzuschreiben, das fordert.
Nachzudenken über ein Werk, einen Charakter, eine Arbeitsmethode, eine
individuelle Ideologie, eine ganz persönliche Philosophie, über die Konsequenz
dieser ganz persönlichen Philosophie – eine schwere Prüfung
für den Prüfer. Der Essayist und das Thema und das Versagen. Wenn das
Thema sich dem Betrachter versagt, versagt der Betrachter.
Wenn ein Mensch sein Handwerk erlernt hat und es nun ausübt, wenn
das Geschaffene der eigenen Niveauforderung entspricht, ja wenn es den
Menschen froh macht, wird er, wird sie es weiter üben, ausüben, wird
weiter schaffen. Othegraven hat zu malen begonnen, hat sich eine ganz eigene
eigenwillige eigenständige, ihre eigentliche Technik geschaffen, und
sah, dass es gut war. Und hat wieder aufgehört.
Restaurieren = Erhalten
Malen = Neuschöpfen
Stimmt hier nicht. Auch ihr Restaurieren = Neuschöpfen, bedeutet also
nicht einfach von anderen Geschaffenes zu reparieren, es bedeutet das
Wiederfinden verlorener Form.
Immer wieder, ständig, denselben Meister zu lesen, das ist Teil der täglich
geübten Seelenordnung der Renée-Maria von Othegraven. Sie liest nicht in
der einen Woche Epikur und in der nächsten Schopenhauer – sie kehrt in
persönlichem Ritual Tag für Tag zu dem Philosophen, dem Meister zurück,
den sie erkannt hat.
Sich selbst suchen – und doch auch den anderen beobachten – betrachten
– mitdenken. Das braucht Kraft, gibt Kraft weiter, führt zu – mitwirken
und einwirken.
Die Kraft kommt aus der Ordnung über der Vielfalt. Farbe, Wort, Musik
haben den Menschen Othegraven geformt. Mit ihrer Begabung zu Farbe
– Wort – Musik lebt, schafft nun Renée-Maria von Othegraven. Sie formt
ihre Worte, ihre Bilder, ihre Bilderrahmenbilder. Sie ist mit allen diesen
künstlerischen Wegen der Musik immer ganz nahe. Sie komponiert mit
Farbe. Sie ersinnt und baut eine Farbenorgel, schon das Instrument alleine
ist schön. Sie gibt ihm einen namen aus der Welt der Musik, zugleich einen,
der dem Farbeninstrument in der Othegravenschen Seelenwelt den
Platz gibt – Harmonion.
Sie kann Ordnungen finden, Ordnungen schaffen.
Ordnung – Lieblingswort der Renée-Maria von O. In einem Brief schreibt
sie: „Der dumme PC schafft es doch sogar schon, unsere Emotionen zu
sterilisieren, so gerne ich ihn habe . . .“
PC = Ordnung, wenngleich er dumm ist, und er wird, wiewohl dumm, gern
gehabt, denn PC = Ordnung.
Zusammenwirken von Ordnung und Emotion, Ordnung und Unordnung.
Ideal.
Diese beiden Pole – sie kommen in Othegravens Sätzen immer wieder
vor, auf vielfältige Weise. Was für andere Menschen Apollo und Bacchus,
Don Quijote und Sancho Pansa, ist für Othegraven Licht und Schatten. Dur
und Moll. Und wenn sie diese Ordnungen gefunden und einge-ordnet
hat, in Harmonien gebracht, wird ihr die Arbeit, wird ihr das Denken zum
organischen Vorgang, der nicht forciert werden muß – sprachschöpferisch
spricht Renée-Maria von Othegraven davon, dass die Resultate aus ihr
„herausklappen“.
Malen – Reiten – Denken – Dichten
Die äußere und innere Ordnung, die Buntheit des äußeren und des inneren
Lebens, die Beharrlichkeit in der Bewegung. Man versteht den Menschen
Renée-Maria von Othegraven eher, wenn man zur Malerin, zur Gestalterin
die Reiterin stellt. Reiten ohne Disziplin geht nicht, geht nur kurz
gut. In dieser Technik zu malen, ohne das enge Zeitmaß zu beachten, geht
nicht, geht auch nicht einmal kurz gut.
9

Die Nähe zur Kunst an sich, die Sehnsucht, das Begehren von Farberlebnis
– Klangerlebnis – Worterlebnis = Werterlebnis mag dem oberflächlichen
Beobachter als Sinnlichkeit erscheinen . . . oft verwendetes Wort, das dem
Benutzer und dem damit Geschmückten aus der scheinbar geheimnisarmen
Welt von heute helfen soll. Das stimmt hier aber nicht. Das ist viel
mehr.
Die menschlichen Vulkane, die ohne Unterlaß Lava produzieren, die schnell
abkühlt, die aufs Kreativste unablässig Festes in rot und weiß, Glühendes,
Wolken, hervorschleudern, sind verdächtig, werden schnell langwei-
10
lig. Konzentriert sein, wesentlich sein, versammelt sein. Bitte, auch Vulkan
– aber kontrolliert. Wie kommen denn die anderen dazu, sich mit diesen
Hervorbringungen beschäftigen zu müssen . . . !
Die Räume, in den Renée-Maria von Othegraven lebt, denkt, arbeitet, hat
sie konzentriert gestaltet. Sie liebt ihre Räume. Sie sind ihr nach außen gekehrtes
Ebenbild, geprägt von dem Suchen nach Harmonie, dem Finden
von Harmonie – in den Komplementärfarben der Wände, der Möbel, der
Bilder an den Wänden. Alles hier im Raum ist Othegraven – wie bei Robinson
Crusoe alles Crusoe ist, selbstgeschaffen. Die Insel Othegraven . . .

I.D. Fürstin Marie von und zu Liechtenstein
Begegnung
Mit Freude habe ich erfahren, dass die Künstlerin Renée-Maria von Othegraven
ein Buch herausgibt, in dem sie ihre Aquarelle und Zeichnungen
der Jahre 1998 bis 2003 vorstellt und somit einem breiten Publikum die
Gelegenheit gibt, an ihren wunderschönen Farbkompositionen teilzunehmen.
Mit ihren Werken berührt Renée-Maria von Othegraven die Menschen,
vermittelt je nach Farbenspiel entweder Leichtigkeit, Fröhlichkeit
und Unbefangenheit, oder bewirkt es – durch eine kaum merkliche Änderung
bei der Farbzusammensetzung – ein beruhigendes und erholsames
Gefühl beim Betrachter auszulösen. Es ist einfach faszinierend, wie die
Malerin mit immer anderen Farbkompositionen ein Bild ganz unterschiedlich
darstellt und dadurch beim Beobachter so mannigfache und andersartige
Gefühle auslöst. Da ich selbst ein Graphik-Studium absolvierte und
mich dabei auch intensiv mit der Farbenlehre und der Farbenharmonie
auseinander gesetzt habe, glaube ich doch sagen zu dürfen, dass Renée-
Maria von Othegraven eine grosse Meisterin auf diesem Gebiet ist.
Wenn ich die ausdruckstarken Bilder der Künstlerin betrachte, muss ich
ganz spontan an unsere erste Begegnung denken, als ich sie im Liechtenstein
Museum hoch oben auf einem Gerüst beim Restaurieren der
Rahmen für die Bilder des Decius Mus Zyklus von Rubens sah. Wir standen
kurz vor der Fertigstellung unseres renovierten Wiener Gartenpalais, in
dem nach langer Zeit wieder ein Museum für Kunstschätze der Fürstlichen
Sammlungen eingerichtet werden sollte. Die Eröffnung des Liechtenstein
Museums im März 2004 war somit eine „Wiedereröffnung“, denn bereits
bis 1938 waren in diesem Palais Teile der Fürstlichen Sammlungen der
Öffentlichkeit als die „schönste Privatsammlung“ der Welt zugänglich. Gerade
in dieser Zeit bis zur Eröffnung waren wir alle dankbar, mit Renée-
Maria von Othegraven eine so hervorragende Restauratorin gefunden zu
haben.
Während der doch sehr umfassenden und aufwändigen Restaurationsarbeiten
im Museum hatte ich Gelegenheit, Frau von Othegraven näher kennen
zu lernen und entdeckte dabei, wie vielseitig sie als Künstlerin ist. Mit
viel Einfühlungsvermögen formt sie beim Erzählen ihre Worte, und dieses
Feingefühl ist auch spürbar, wenn sie mit Farben ihre Bilder komponiert.
In unserer Familie ist es seit Jahrhunderten Tradition Kunst zu erkennen, zu
fördern und in unserem Hause zu präsentieren. Deshalb ist es mir heute
eine besondere Freude, einer zeitgenössischen Künstlerin eine Empfehlung
aussprechen zu dürfen, die mich mit ihrer – derzeit außergewöhnlich
klassischen Methode für Darstellung und Ausdruck – wirklich berührt und
überzeugt.
Ich wünsche Renée-Maria von Othegraven, dass sie bei ihrem künstlerischen
Wirken weiterhin viel Freude, Erfolg und Erfüllung findet.
11

Rudolf Maegle
Kunsthistoriker und Galerist
Über sie ...
„Schreibe doch etwas über mich“, sagte Renée-Maria von Othegraven kürzlich
zu mir, „über mich wird ein Buch erscheinen, und wir kennen einander
nun schon so viele Jahre, und wir haben so viel Gemeinsames ...“ Ja, wenn
Renée und ich miteinander sprechen, ist es auf einmal Abend, wo es doch
gerade – na ja, vielleicht vor einer Stunde – noch Mittag war. Es geht immer
mitreißende Begeisterung von ihr aus, die die Zeit vergessen lässt. (Es
gibt Freunde von Renée, die sagen: „Wehe, wenn sie losgelassen.“)
Der Künstlerin Renée-Maria von Othegraven, dem Menschen Othegraven,
kann man sich über verschiedene Wege und über unterschiedliche
Disziplinen nähern. Sie ist Malerin, Restauratorin, Bildhauerin, Dichterin,
Innenarchitektin, Designerin und sie ist in allen diesen Richtungen permanent
tätig und wirksam. Aber man wird letztlich immer auf einen philosophischen
Hintergrund treffen, durch den ihre Kunst, ihr Wesen und ihr
Leben bestimmt werden. Mit dieser Weltsicht und Lebenshaltung steht sie
in enger Verwandtschaft mit vielen anderen Künstlern: Malern, Dichtern
und Musikern. Der große Schauspieler Raoul Aslan schreibt in einem Brief,
dass das Geistige eingeübt werden soll in das Materielle, bis der „Teig ganz
durchgeknetet ist“; und Gustav Mahler schreibt in einem Brief, dass Kunst
ein Sehnen enthalten müsse, das „über die Dinge dieser Welt hinausweise“.
Die Liste ließe sich endlos fortsetzen. Othegraven beschäftigt sich
permanent mit Menschen, die ihr geistig nahe stehen. Allen voran Goethe,
Hermann Hesse und Wassily Kandinsky. Immer wieder zitiert sie Hermann
Hesses Glasperlenspiel: „Wir lassen vom Geheimnis uns erheben“, heißt
es dort, „der magischen Formelschrift, in deren Bann das Uferlose, Stürmende,
das Leben, zu klaren Gleichnissen gerann“. Und Kandinsky spricht
in seinem Buch Über das Geistige in der Kunst über eben dieses Geistige,
das hinter allen stofflichen Erscheinungen das eigentlich Wirkende ist, das
Wirk-liche! Und immer wieder zitiert Renée-Maria von Othegraven den
Seher und geistigen Führer Bô Yin Râ, dessen Bücher Dauerlektüre der
Künstlerin sind: „Nicht in der irdischen Erscheinung, wohl aber im Erlebnis
vermag der Mensch das Geistige zu fassen, und doch bedarf auch dieses
Erleben der Auslösung durch Formen und Ereignisse, die zur Erscheinungswelt
gehören, ja das Geistige selbst ist innere Erscheinungswelt und
lässt nur als solche sich im Innern der Seele fassen.“
Wenden wir uns nun den Werken Renée-Maria von Othegravens zu; da
sind einmal ihre Schriften, Prosa und Lyrik. Othegraven schafft meist aus
der Situation, aus dem jeweiligen momentanen Befinden, das im nächsten
Augenblick vorbei ist und nicht mehr wiederholt werden kann. Bei einem
Telefonat fragte ich sie einmal – ganz beiläufig – „wie geht es dir?“ „Ach“,
sagte sie, „ich sehne mich so vor mich hin“. Und momentan trat eine
Pause in unserem Gespräch ein. Wir waren beide von einer eigenartigen,
tiefen Berührung eingenommen, die uns plötzlich verstummen ließ. Ich
weiß nicht mehr, wer von uns beiden wieder das Wort ergriff; jedenfalls
entstand unmittelbar nach diesem Gespräch eines der schönsten Gedichte
Othegravens.
Wie geht es Dir?
Ich sehne mich so vor mich hin!
Ach –
steh’ ich doch erst am Beginn
des langen Weges, der
am Horizont sich bald verliert,
das Licht der Sonne,
aber auch
des Herzens Not gebiert.
Mein Weg –
der wie ein Lavastrom
das Feuer schürt,
in Schwüngen, Bögen
nur zum Ziele führt
und doch –
am Ende wohl
des Gottes ausgestreckte Hand
berührt.
13

Dieses Gedicht zeigt die tiefe Religiosität Othegravens, ihre Spiritualität,
vollkommen frei von jeder konfessionellen Orientierung,
auch wenn sie von „Gott“ spricht. Man könnte statt „Gott“, wenn
ich Othegraven richtig interpretiere, auch „Liebe“ sagen. Dann
hieße es, dass uns letztlich „der Liebe ausgestreckte Hand berührt“.
Ihre Malerei lässt sich mit dem Kandinskybegriff „Klang der Farben“
umschreiben; eine zwar den Gegenstand bestimmende,
aber sich auch von ihm ablösende, frei schwebende Farbharmonik.
Kandinsky spricht von der Vorherrschaft der Musik innerhalb
aller künstlerischen Disziplinen, weil die Musik die abstrakteste
Kunstform ist und somit direkten Zugang zur „Seele des Menschen
findet, weil der Mensch die Musik hat in sich selbst“; hier
zitiert Kandinsky Shakespeare. „Rot“, so schreibt Kandinsky, „erinnert
an den Klang der Fanfaren; und Blau ist die Farbe des
Himmels“ – in einem geistigen Sinn, denn: „je tiefer das Blau
wird, desto mehr ruft es den Menschen in das Ewige“. Er vergleicht
das tiefe dunkle Blau mit einer Orgel oder dem „wunderbaren
Klang einer Bassgeige“. Othegraven lässt das Blau und
das Rot in ähnlichem Sinne klingen:
14
Die Farbe Blau
Tragen der Gedanken Flügelleichtigkeit
in stille Ferne,
wachsen aus dem Meeresspiegel
wunderlich erhellte Sterne.
Und es rühret dich ein Sehnen
in die Welten-Einsamkeit,
nach dem ewig Wahren, Schönen,
Frieden der Unendlichkeit.
Blaue Weite! Wolken schweben,
gleiten grenzenlos, besonnt,
himmelblau beschwingtes Leben -
Engel zieh’n am Horizont.
Still, als wenn das Kindlein schliefe,
wachen sie um dein Geschick,
reichen dir das Lot zur Tiefe
in den ew’gen Augenblick.
Roter Mohn
Die Sonne brennt,
ein Paar, das rennt
den Hügel hinan,
so eilig es kann.
Schwingende Felder,
duftende Wälder,
lauschige Haine,
das Paar - alleine.
Und wie es begann,
so sei es getan.
Roter Mohn -
Liebeslohn.
Gelb kann – wenn es direkt betrachtet wird – beunruhigen und Grün ist
die Farbe des Sommers, wo die Natur in eine behagliche Ruhe getaucht

ist, sagt Kandinsky. Genau in diese Richtung geht auch das Farbverständnis
Othegravens, wenn sie schreibt:
Ein grünes Gedicht
Die Hügel hinauf,
den Weg entlang,
in stetem Lauf,
das Herz nicht bang,
am Waldesrand,
der Äther voll Düfte,
den Blick gewandt
in lauende Lüfte,
auf Wiesen liegen
im Vogelgesang,
in Schatten schmiegen
ganz ohne Verlang,
in rundem Behagen,
mit wohligem Sinn,
den Trieben entsagen
ich weiß, dass ich bin –
die Sonne so gelb,
der Himmel so blau,
so ruh’ ich daselb,
in allgrünender Au.
Auch das Formverständnis, die Linie als etwas „Abfallendes“ oder „Aufsteigendes“,
als Formdefinierendes oder als reines Abstraktum (meist
beides zugleich), das Wechselspiel zwischen dem Haptischen, Greifbaren
und dem Verfließenden, sind jene künstlerischen Signale des „Blauen
Reiter“, wie sie grundsätzlich auch für Renée-Maria von Othegraven
gelten. Es ist immer eine meditative Empfindungssymbolik hinter allen
diesen Erscheinungen spürbar.
Das Beherrschen des Handwerks hat für Renée-Maria von Othegraven
jedoch auch hohe Bedeutung. Immer wieder verweist sie in Gesprächen
auf ihre Techniken, auf das „Wie setze ich mein Wollen um? Und
mit welchen Mitteln wird aus dem materiellen Substrat ein Kunstwerk?“
(Siehe Aufsatz: Licht und Schatten & Der Malvorgang auf Seite ●●)
Aber Renée trifft genau die Unterscheidung zwischen dem Mittel und
dem geistigen Phänomen, welches drängend dahinter steht. Beide Kategorien
bilden zusammen das, was der Kunsthistoriker Hans Sedlmayr
als den unaussprechbaren „Gehalt“ des Kunstwerkes bezeichnete. Jedoch
glaube ich, dass das Verständnis für die Kunst Renée-Maria von
Othegravens (und sicher für das eines jeden Künstlers und eines jeden
Kunstwerkes) um so tiefer wird, je mehr man diese Unterscheidung trifft
zwischen den Mitteln und dem, um dessentwegen die Mittel eingesetzt
werden. Wenn ich mir die Fragen stelle, wodurch sich denn Ölfarbe von
Acryl unterscheide, ein Stich von einer Radierung oder ob die Sängerin
mit einer bestimmten Partie doch vielleicht ihr Fach übersinge, habe ich
das „Phänomen Kunst“ noch gar nicht berührt.
15

Renée-Maria von Othegraven
Tonarten der Farbe
Über meine Vorliebe mit nur drei Farben zu malen
Beim Komponieren mit Farben geht es mir darum, das grundlegende
Werkzeug der Musik – Tonart und Stimmung – auch für die Malerei anwendbar
zu machen. Die Wortgleichheiten, die als Bezeichnungen, als
Begriffe in beiden Kunstrichtungen verwendet werden, legen die Suche
nach Entsprechungen nahe. Auch in der Malerei spricht man von Farb-
Tönen und weiß, dass Farb-Kompositionen eine Stimmung auslösen. Ton
wird überdies auch das Material genannt, aus dem man Formen gestaltet;
und erwartet man nicht von einer wohlgestalteten Ton-Schale (wie von
Ton-Schellen), dass sie einen Klang erzeugt, wenn sie angeschlagen wird?
Weckt nicht der Wunsch nach stimmiger oder stimmender Form auch den
Wunsch nach Klang, nach stimmendem Ton?
Diese Wortspiele und Analogien lassen erkennen, wie sehr die Welt der Musik
mit der Welt der Bildenden Kunst in Einklang steht. Warum sollte es also
in beiden nicht auch übereinstimmende Gesetze und Werkzeuge geben?
Was versteht man unter den Begriffen Tonart, Stimmung und Stimmen im
musikalischen Bereich?
Die Tonart, in der ein musikalisches Werk geschrieben ist, beschreibt seine
Stimmung und seinen Charakter. Sie nimmt Bezug auf den Inhalt und
16
sie hilft bei der Interpretation der Aussage des Stückes. Im musikalischen
Bereich bedeutet das Stimmen aber auch ein Instrument so einzustellen,
dass die Tonabstände zueinander eine mathematische Schwingungsgenauigkeit
erreichen. Erst dann klingt die darauf gespielte Musik richtig
und angenehm.
Die musikalische Ordnung gilt mir als Vorbild und Anregung für das Komponieren
mit Farben
Auch bei Farben geht es um Töne, Farbtöne, und beim Zusammenstellen
um den Wunsch nach einer spürbaren Charakteristik der Farbkomplexe,
die in verschiedene Gefühls-Stimmungen versetzen soll. Und auch zum
Malen und Gestalten gehört die Auseinandersetzung mit Gesetzmäßigkeit
und Ordnung. In den musikalischen Proportionen, den Tonabständen
und Intervallen, finden wir den Inbegriff dieser Ordnung vor, und diese
erscheint unserem Gehör nicht nur angenehm, sondern notwendig. (Intervall-Proportionen
bilden im Übrigen den Ausgangspunkt für die Harmonikale
Grundlagenforschung, ein Thema, dem ich mich seit Jahrzehnten
widme.)

Die Geometrie der Harmonielehre entspricht jener der Farbenlehre
In der Farbenlehre beziehen sich die meisten Forscher auf die drei Grund-
und Primärfarben Rot, Gelb und Blau. Diese drei Hauptfarben sind in den
meisten Farb-Systemen im Kreis angeordnet und liegen in ihrer Reinheit an
den Spitzen des im Kreis befindlichen gleichseitigen Dreiecks. Wenn man
sich die geometrische Grundlage dieses Phänomens nun zu Hilfe nimmt,
um mit Farben zu komponieren, gibt es interessante Übereinstimmungen
mit der musikalischen Harmonielehre, zum Beispiel im Quintenzirkel.
Meine langjährigen Studien und Versuche haben mir gezeigt, dass in der
Malerei die geometrischen Bezugspunkte der Farben zueinander bewusst
oder unbewusst häufig als Kompositions-Werkzeuge angewendet werden.
Rot – Gelb – Blau
Die Erfahrung zeigt, dass sich aus diesen drei Farben alle anderen mischen
lassen.* Und nachdem ich diese Farbengeometrie als Konstruktionsunterlage
praktisch angewendet hatte, fand ich bald heraus, dass man nicht nur
sein völliges Auslangen mit diesen drei Farben findet, sondern dass sich
durch diese Beschränkung viel leichter eine charakteristisch geprägte Ton-
Palette, wie in der Musik die Tonart, erstellen ließ.
* Dass es noch nicht gelungen ist, Pigmente und Farbstoffe herzustellen, durch die diese
Erkenntnis technisch zufrieden stellend umzusetzen ist, ist für meine Betrachtung erst
einmal unwichtig.
Dur und Moll
Mit einer überwiegenden Mehrheit der Sekundärfarben Grün, Violett und
Orange zum Beispiel entdeckte ich die klangliche Assoziation zu Moll und
durch den überwiegenden Gebrauch der Primärfarben Rot, Gelb und Blau
die gefühlsmäßige Entsprechung zu Dur. Mit dem Weglassen von jeweils
einer dieser sechs Farben aber erzielte ich Ergebnisse mit erstaunlich eindeutigen
Bezügen zu den musikalischen Tonarten.
Das Farbharmonion
Über alle diese Erkenntnisse ist ein Buch in Arbeit: „Das Harmoniegesetz
der Farbe“. Zugrunde liegt ihm ein von mir gebautes Farben-Instrument,
„Das Farbharmonion“, mit dem es möglich ist aufzuzeigen, dass die jeweilige
Stimmung – dem musikalischen Werkzeug der Tonart ähnlich – für
die Ausdrucksgestaltung in der Malerei ebenso möglich und konstruierbar
ist wie in der Musik.
Nur noch zur Vervollständigung dieser Analogien sei auch die Wirkung von
Weiß und Schwarz erwähnt. Für mich sind Schwarz und Weiß in erster
Linie Mittel zur Erhellung und Verdunklung, zur Schaffung von Transparenz
und Dichte. Sie wirken wie Pausen oder wie Stille oder Trommelwirbel und
Paukenschlag. Ich verwende sie, musikalisch gesprochen, eher als rhythmische
Mittel.
17

18
Was erzeugt die Stimmung in einer farbigen Komposition?
Stimmung entsteht durch Richtungstendenz, z.B. durch den überwiegenden Gebrauch einer
der sechs Grundfarben und einem nur geringen Einsatz ihrer Komplementärfarbe.
Bei den beiden Beispielen auf diesen Seiten fehlen links das Violett und rechts das Rot und
somit auch der Charakter dieser Töne. Es mangelt an der Eigenschaft, die man diesen Farben
beimisst.
Jede Farbe hat ihre eigene Bedeutung und Wirkung. Diese ist keineswegs subjektiv, sondern
wird objektiv von jedem Menschen ähnlich empfunden, auch wenn es schwer fällt, diese
analogen Gefühle eindeutig und unmissverständlich in Worten darzulegen. Ist nun der Mengenanteil
einer Farbe gering und überwiegt die Gegenfarbe, kippt die Komposition in eine
Stimmung hinein.
In der auf dieser Seite gezeigten Bemalung der Möbelstücke und der farblich analogen Positionierung
der Farbwürfel fehlt das Violett. Violett steht für das Schwere, Mystische, Dunkle und
Geheimnisvolle. Also kommt es durch den hier komplementären, überwiegenden Gelb-Ton
zu einer gegenteiligen Empfindung, also der von Leichtigkeit und Unbefangenheit. Man spürt
etwas Fröhliches, Offenes, spielerisch Kindliches in dieser Farbkombination.

Animierend oder entspannend – erheiternd oder erholsam
In dem Kompositionsbeispiel auf der rechten Seite fehlt das Rot. Alle anderen Farben des
Farbenkreises sind vorhanden: Orange – Gelb – Grün – Blau und Violett.
Da das Rot eine energische und antreibende Wirkung innehat, fehlt seine Eigenschaft in
dieser Zusammenstellung. Die Stimmung kippt also ins Entspannende und Erholsame, wenn
auch keineswegs Leblose. Man wird an einen sonnendurchlichteten Wald erinnert, an plätschernde
Quellen und Vogelstimmen, doch man fühlt zugleich das Nachlassen von Licht und
Wärme.
Während die Stimmung auf der linken Seite animierend und fröhlich wirkt, gleichsam ansteigend,
so wird sie auf der rechten Seite eher als senkend und beruhigend empfunden – den
Durst oder gleichsam das Sehnen stillend.
Die Positionierung der Farbenwürfel zeigt hier in diesen Zusammenhängen jedoch nur vier
von 96 Möglichkeiten, genauer gesagt, von 24 Grundstimmungen, die mit dem „Farbenharmonion“
sichtbar gemacht werden können. Darüber jedoch noch mehr ins Detail zu gehen,
würde den Rahmen dieser Darstellung sprengen. So sollen die Beispiele vorläufig nur aufmerksam
und neugierig machen.
19

Rudolf Leopold
Zur Frage nach den Farben in den Tonarten
Die Idee, über die Wechselbeziehungen zwischen Musik und Malerei zu
reflektieren, kam mir beim Durchblättern des Buchentwurfs Tonarten der
Farbe von Renée-Maria von Othegraven, als mir in der künstlichen Zerlegung
eines Bildes in seine einzelnen Farben (siehe Geschwungenes Tal,
Seite XXX) die unmittelbare Parallele zu einer Orchesterpartitur auffiel. Es
gibt zweifellos eine Menge Gemeinsamkeiten zwischen Malerei und Musik.
Schon Schönberg und Kandinsky haben sich in ihrem Briefwechsel über
diese Thematik ausgetauscht. Auch die vielen Parallelen in der Entwicklung
beider Künste, dass z. B. die atonale Musik und die abstrakte Malerei zur
gleichen Zeit auftraten, scheinen kein Zufall zu sein.
Obwohl jegliche Analogie zwischen beiden Sphären immer hypothetisch
bleiben muss, sei auf einige auffallende Entsprechungen hingewiesen.
Eine Melodie könnte man beispielsweise mit einer Kontur vergleichen,
während die Harmonik das den Raum Ausfüllende, die Farbgebung repräsentiert.
Jede harmonische Änderung wird entweder als Aufhellung
oder Abdunkelung empfunden, zumindest aber als Übergang von einer
Farbkonstellation zu einer anderen. Gewagter ist es schon, das Dur, welches
in der natürlichen Obertonreihe vorhanden ist, mit einer Komposition
der drei Primärfarben Rot, Gelb und Blau zu vergleichen und das
Moll, das sich ja erst im Laufe der abendländischen Musikentwicklung
herausgebildet hat, mit Zusammenstellungen der Sekundärfarben Violett,
Grün und Orange. (Diese Sichtweise kann durch Experimentieren mit dem
Othegravenschen Farbharmonion recht anschaulich dargestellt werden!)
Sind aber die je zwölf Dur- und Molltonarten selbst mit Farbzusammenstellungen
vergleichbar? Diesbezüglich scheint der Unterschied im Musikalischen
noch subtiler zu sein als in der Malerei, denn spätestens seit
der Anwendung der „Gleichschwebenden Temperatur“ bei der Stimmung
von Tasteninstrumenten im 19. Jahrhundert sollte eigentlich die Tonarten-
charakteristik verloren gegangen sein. Das Erstaunliche ist nun, dass sich
hier trotzdem ein Kodex im Laufe der Jahrhunderte herausgebildet hat,
den gerade große Komponisten ausnahmslos angewendet haben. Gewiss
spielten bei der Wahl der Tonart auch praktische, instrumentaltechnische
Gründe eine Rolle; doch ist es nicht auffällig, dass z.B. Mozart seine beiden
Lieblingsmolltonarten g-moll und d-moll in völlig unterschiedlichen
Situationen einsetzt, die eine für zarten, intimen Schmerz, die andere für
dramatische Auseinandersetzungen? In der Romantik, wo das „malerische“
Element gegenüber der Ausgewogenheit der Klassik einen noch breiteren
Raum einnimmt, verstärkt sich diese Entwicklung noch. Darüber wurde
genug geschrieben, ich möchte nur ein für unsere Betrachtung interessantes
Beispiel herausgreifen: Wagners Vorspiel zu Lohengrin, dessen Musik
in der „Gralserzählung“ nochmals erklingt, beschreibt etwas vom Himmel
Herabsteigendes. Es beginnt in der hohen Lage der Geigen in A-Dur (in
seiner Helligkeit mit einem sanften Gelb vergleichbar). Die im Quintenzirkel
am weitesten davon entfernte Tonart Es-Dur (Dunkelblau) wird zur
Beschreibung der Tiefe des Rheins am Beginn von Rheingold verwendet,
während das immer wiederkehrende Schwertmotiv im Ring des Nibelungen
die exakt dazwischen liegende Tonart C-Dur benützt, das aus einem
von der Trompete durch das Orchester schneidenden Dreiklangsmotiv
besteht – durchaus mit der Farbe Rot vergleichbar. Hier wären die Entsprechungen
für die drei Primärfarben!
Die Molltonarten sind schwieriger zu systematisieren, doch deshalb keineswegs
weniger eindeutig im Charakter. So wird die besonders dunkle Tonart
f-moll schon von Mozart für ausweglose Situationen eingesetzt und erfährt
durch Beethoven (Egmont, Fidelio) und Wagner (Tristan und Isolde, letzter
Akt) noch eine Steigerung ins Tragische. Tradition oder immanentes
Gesetz, persönliche Vorliebe oder Intuition?
21

Renée-Maria von Othegraven
Licht und Schatten
Aufbau und Entwicklung
eines Malmotivs
Licht ist aktiv, Schatten passiv
Licht ist lebendig, der Schatten stumm.
Wie ein stummer Betrachter des sonnigen Geschehens,
– des Tanzes der kleinen Putte auf der Wasseroberfläche
eines Brunnenbeckens, des roten Blühens
im Füllhorn eines Steingefäßes am Brunnenrand, des
sonnigen Flächenspiel von Rasen und Wegen – steht
im Vordergrund der rechten Bildseite regungslos, lautlos
und voll des Wunsches nach Beseelung und Erweckung
ein irdisch menschliches Werk der Architektur,
eine gradlinige Bank aus dunklem erdschwangeren
Holz – fest und unverrückbar. Zur Linken – im Anschnitt
– wurzelt ein irdener Topf, mit einem kegelförmig beschnittenen
Myrtenbäumchen. Darunter eine dunkel beschattete Rasenfläche. Diese
drei Zuschauer sind blau-lila von innerem kupfertonigem Blutrot durchpulst
– passiv – wenn auch in zunehmend erwärmender Erwartungshaltung.
Der hintere Schattenhorizont, die Tiefe des Bühnenraumes,
wirkt den Kontrast zu dem ins „Scheinwerferlicht“ gerückten Geschehen
des Mittelgrundes, unterstützt, betont, hebt hervor. Der dunkle Topf mit
dem Baum im Hintergrund hat mit dem links angeschnittenen vordergründigen
Myrtenkegel eine Absprache getroffen, die Szenerie gleichsam
zu bewachen, als stumme dunkle Wächter Schutz zu üben. Rechts
auf der Bank sitzt unsichtbar ein Mensch.
Die Putte mit dem speienden Fisch, welcher unaufhörlich eine Wasserfonthaine
in die lustvolle Szenerie versendet, ist in ein inniges Gespräch
und sinnlichen Austausch mit dem roten Blumenschwall in blutbraun
steinernem Gefäß vertieft. Die gelbgrüne sonnenerheiterte Rasenfläche
bildet die Lebensbühne, das Fundament der Lustwandelnden, und die
dunkle, leicht schillernd reflektierende Wasseroberfläche den haltlosen
Spiegel des kleinen, kindhaften Geistwesens.
„Dur und Moll“ könnte man die Szene auch benennen, „Spiel und Ernst“
oder „Licht und Schatten“.
22
Der Malvorgang
Um diesem Hauptthema der Szene zu entsprechen, lege ich also zuerst
das Licht in Gelb und den Schatten in Blau an. Über den blauen Schatten
kommt im Vordergrund Rot, um die „Zuschauer“ Bank und Bäumchen
innig zu beseelen. Dann kommt Rot über Gelb, zuerst bei den Blumen,
dem Topf und überall dort, wo auf der Bühne Wärme ins Spiel hinein soll,
nämlich Engelssockel, Brunnenrand und Rosen.
Der Hintergrund bleibt kalt, da wird das Blau nur an den Stellen mit blitzendem
Gelb überlegt, wo Teile von Sträuchern in das Spielgeschehen
hineinragen und vom „Rampenlicht“ erfasst werden. Zum Schluss wird der
Hintergrund und Vordergrund nochmals mit Blau und Rot eingedunkelt
und für die hellen Stellen in Engel, Weg und Topf die Aquarellfarbe hinausgesaugt
und danach noch durch den dunklen Kontraststift die Helligkeit
betont.
Ich mische die Farben fast niemals auf der Palette, sondern, wie hier beschrieben,
direkt auf dem Blatt. Die Hauptkriterien, nach denen ich aufbaue,
sind Wärme und Kälte, Hell und Dunkel und die symbolische, aber
ebenso klar erfühlbare Bedeutung einer Farbe. Ebenso gehe ich mit dem
Formenrepertoire um: gradlinig und rund, hart und weich, verschwommen
und konkret, stillhaltend oder schwungvoll dynamisiert.

Aquarelle und Zeichnungen
der Jahre 1998 bis 2003
25

Durchglühte Stadt
1999
30 x 42 cm
26

Säulen III
1999
32 x 45 cm
27

Venedig bei Nacht
1999
36 x 50,5 cm
28

Gondeln in Venedig
1999
34,5 x 52,5 cm
29

Bildtext??
30

Sonnenwolken im Meer
1999
36 x 55 cm
31

Cafe Impression
1999
26,5 x 35,5 cm
32

Geburtstagsstrauß
1999
58 x 41 cm
33

Sonnige Winde
1999
35 x 51 cm
34

Tanzende Tannen
1999
48,5 x 33,5 cm
35

Meeresstrand am Abend
1999
35,5 x 52 cm
36

Dämmerung
1999
33 x 50,5 cm
37

Rote Bäume
1999
33,5 x 54 cm
38

Fliederstrauß
2000
53,5 x 71 cm
39

Früchte und Krug
2000
47 x 68 cm
40

Bei Einbruch der Dunkelheit
1999
52,5 x 71,5 cm
41

Blauer Horizont
2000
44,5 x 70,5 cm
42

Rot und Grün
2000
35 x 53 cm
43

� Cyan schwarz – weiß
� Gelb schwarz – weiß
� Magenta schwarz – weiß
44

Geschwungenes Tal
2000
55 x 71 cm
45

Calendula und Kornblumen I
2000
35 x 48 cm
46

Licht im Glas
1999
56 x 35,5 cm
47

Lavendellichtung
2000
51,5 x 71,5 cm
48

Fabrik
2000
54 x 56,5 cm
49

50
Frühlingsfreude
2000
53 x 36 cm

Magnolienbaum
2000
70 x 50 cm
51

Am Steg
2000
55 x 37 cm
53

Orange und Türkis
2000
27 x 37 cm
Frühe Stimmung
2000
36 x 54,5 cm
54
Türkis und Zinnober
2000
27 x 37 cm
Seerosen violett
2000
27 x 37 cm

Die Seerose
Sag mir eine andre Blume,
die so wie sie auf einem Spiegel fließt –
die nur bei Tag die Seele öffnet,
bei Sonnenuntergang die Blüte wieder schließt.
Schau das Blau, auf dem sie sich ihr Leben wählte,
was in gelb, grün und türkis die Blätter trägt –
um in Himmelsspiegelungen sie zu tauchen,
wenn im Wind bewegte Woge überschlägt.
So lauscht sie Sonnenlicht und Wasserweben,
tanzt rosarot beschwingt im Wellengang,
stimmt an ihr Lied in rhythmischem Bewegen
und fügt es in des Wassers Chorgesang.
Zartes Erwachen
2000
27 x 37 cm
55

Feuerwerk am See
2000
27 x 37 cm
56

Stille
1999
52 x 70,5 cm
57

Alma Mahler-Haus am Semmering
2000
27 x 37 cm
58

Alma Mahler-Haus – Eingang
2000
55 x 37 cm
59

60
In der Morgensonne
2001
14 x 19 cm
Kühl und scheu
2001
14 x 19 cm

Lachs und Lila
2001
27 x 37 cm
Nachdenklich
2001
18 x 26 cm
61

Pferd im Nebel
2001
26,5 x 36,5 cm
62

Am Feuer
2001
36 x 53 cm
63

64
2. Stadium
Blau und Gelb wird Grün
4. Stadium
Rot kommt hinzu

Kampf oder Spiel
2001
37 x 55 cm
65

„Es trommetet, es posaunet, Auge blinzt und Ohr erstaunet . . .“ (Goethe)
2001
55,5 x 75 cm
66

Baumallee in Roving
2001
44,5 x 29,5 cm
67

68
Engel
Engel sind wie Vogelschwingen,
Sind wie Wellen in dem Meer,
Nur noch Engel malen will ich,
Engel, Engel und nicht mehr;
Ihre Wangen hochgezogen,
Ihre Augen schauen auf,
Ihre Schultern rund gebogen,
Und das Lieblichste – der Bauch;
Well’ um Welle ihre Haare,
fest der Wunder Lockenpracht,
Und so seh’ ich sie in Scharen,
Wogende – des Himmels Macht.

Engel am Brunnen
2002
27 x 37 cm
69

70
Das Geheimnis
Runde Bögen, dunkle Bäume
blicken mich so ernsthaft an –
führen schweigend mich in Träume,
die ein Sehnen sich ersann.
Heim! Geh heim! – Geheimnis raunend,
greifen sie nach meinem Sinn
und begleiten mich erstaunend
zu dem Menschen, der ich bin.

Runde Bögen
2002
36,5 x 55 cm
71

Sommerkamp
2003
27 x 37 cm
72

Sommerkamp in Blau
2003
27 x 37 cm
73

Weg durch rotes Korn
2003
27 x 37 cm
74

Rosaroter Himmel
2003
19 x 28 cm
75

76
Zeichnungen aus dem Skizzenbuch

Christian Lenoble
Reverenz an die Zwölf
„Die Gottheit hat ihn wohl zur Festlegung des Planes für das ganze Universum
benützt“, sprach Platon (427 – 347 v. Chr.) in Anspielung auf den
Dodekaeder, jenem geometrischen Zwölfflächler, der den antiken Mathematikern
als mysteriösester aller Festkörper galt.
Rund 2000 Jahre später kam Johannes Kepler zum Schluss, dass Gott die
fünf Platonischen Körper der Geometrie – Tetraeder, Hexaeder, Oktaeder,
Ikosaeder und Dodekaeder – in den Schöpfungsplan eingebaut haben
musste. In der festen Überzeugung, die Planeten seien nach einem präzisen
geometrischen Plan verteilt, wies Kepler dem Dodekaeder die Rolle
zu, die Erde zu umschreiben.
Die Bedeutung der Zwölf spiegelt sich freilich nicht nur in den Platonischen
Anschauungen des Weltbildes oder dem Kepler’schen Erklärungsmodell
für Erdenform und Planetenbahnen wieder. 12 gleichberechtigte Halbtöne
als arithmetische Basis der musikalischen Dodekaphonie, 12 Stunden der
Uhr und 12 Monate des Jahres, die 12 Götter der griechischen Mythologie
oder die 12 Jünger Jesu stehen für eine auffällig lange Reihe von Beispielen,
die allesamt den Anschein nähren, das Eine Übergeordnete, das
Allumfassende könnte sich in 12 geteilt haben.
Auch im Leben der Künstlerin und „Analogistin“ Renée-Maria von Othegraven
kommt der Zahl 12 ein spezieller Stellenwert zu. In Ihrem Werk „Die
12 Ursymbole“ findet das gesamte Spektrum der Sinneseindrücke über
die Zahl 12 ihren adäquaten Ausdruck. Den aufmerksamen Außenstehenden
erstaunt bei der Betrachtung der Werke Othegravens dabei stets die
Einsicht, wie sehr ihr künstlerisches Schaffen sich in Form- und Farbgebung
an dem von der 12 ausgehenden symbolischen Charakter der Ganzheit
anzulehnen sucht.
„Ich definiere mich über mein gesamtes Da-Sein, über den selbst gestalteten
Sessel, auf dem ich sitze, ebenso wie über das Bild, das ich male, oder
den Raum, in dem ich lebe. Und ich verstehe den Kosmos als Einheit, in
dem es gilt, seinen Platz zu finden und seine Rolle auszufüllen – ähnlich
dem nicht enden wollenden Bemühen, ein Instrument in einem Orchester
möglichst perfekt zu stimmen und zu spielen“, so Othegraven.
Die 12 wird von ihr dabei als Analogie aufgegriffen, als Symbol des Prinzips
der Ganzheitlichkeit, als magisch-mystisches „Wesen“, das Modell steht für
geheimnisvoll symmetrische Verbindungen zwischen konkreten Erscheinungen
des Universums und subjektiven Ausdrucksarten der Kunst.
Es ist vermutlich der tief liegende Anspruch an eine grundlegende Harmonie
allen Seins, der bei der Künstlerin in ihrem unablässigen Tun schlussendlich
zum Vorschein kommt – oder, mit den Worten Platons, die Suche
nach der „quinta essentia (...) im ewigen Streben, die Seele zur Wahrheit
zu erheben.“
81

82
Gesetz – Struktur
Saturn �
2001
28 x 18 cm
Mars �
2001
19 x 28 cm
Einfühlungsgabe – Gemüt Genuss – Manifestation
Mond �
2001
19 x 28 cm
Venus Abendstern �
2001
18 x 28 cm
Venus Morgenstern �
2001
18 x 28 cm
Wille – Trieb Harmonie – Ausgewogenheit Autorität – Schöpferkraft
Sonne �
2001
18 x 18 cm

Umwandlung – Opfer Entwicklung – Intellekt
Pluto �
2001
19 x 28 cm
Uranus �
2001
18 x 18 cm
Merkur Morgenstern �
2001
19 x 28 cm
Neptun �
2001
19 x 28 cm
Sinn – Glaube
Ursprung – Neutralität Anonymität – Transzendenz Ordnung – Arbeit
Jupiter �
2001
28 x 19 cm
Merkur Abendstern �
2001
19 x 28 cm
83

Albert Hammerschmied
Sonnenwenden
Der gregorianische Kalender ist ein kleines Wunderwerk, der in sich in
genialer Weise das Wissen von Jahrtausenden vereint. Die Hauptwesenkräfte,
aus denen sich die Daten eines Kalenders bestimmen, sind Sonne,
Mond und Erde. Es ist ein echtes Aha-Erlebnis, wenn man sich vergegenwärtigt,
dass das Wort „Monat“ die Verschmelzung zweier Worte ist,
nämlich Mond und Daten = Mon(d-d)at(en). Neben dem Sonnen-Tag,
dem Sonntag, haben auch einige andere bedeutende Fest- und Feiertage
direkten Bezug zum scheinbaren Lauf der Sonne: z. B. das Sonnwend-Fest
um den 21. Juni und das Weihnachtsfest. Überraschend für den Laien ist,
dass die vier Jahreszeiten: Frühling, Sommer, Herbst und Winter nicht am
Ersten eines Monats beginnen, sondern vielmehr etwa um den einundzwanzigsten
Tag.
Uralter Symbolik gemäß stehen Sonne und Mond für die zwei grundsätzlichen
Pole des Lebens:
die Sonne symbolisiert das Männliche, das aktiv-zeugend-schöpferische-
Prinzip, la luna, der Mond, symbolisiert das Weibliche, das passiv-empfangend-durchführende
Prinzip. Allgemein bekannt sind die beiden Haupt-
Sonnen-Wenden: die Sommersonnenwende am nördlichen Wendekreis,
dem Wendekreis des Krebses, und die Wintersonnenwende am südlichen
Wendekreis, dem Wendekreis des Steinbockes. Was die Sonne bei ihrem
Durchgang durch die einzelnen Himmelsabschnitte bewirkt, das wird von
der „Königin der Wissenschaften“, der Astrologie, klar definiert. Es handelt
sich dabei um uraltes Erfahrungsgut, das gegenwärtig auch bei intellektuell
und wissenschaftlich orientieren Menschen zunehmend wieder Beachtung
und Wertschätzung erlangt.
Gegenwärtig machen wir Menschen auf der nördlichen Halbkugel der Erde
den Lichtwechsel zweimal im Jahr zum Anlass einer Feier: am Höchststand
der Sonne feiern wir „Johannis“, den längsten Tag mit der kürzesten Nacht,
und am Tiefststand der Sonne feiern wir das Weihnachtsfest. Dieses ist
eng verbunden mit der „Thomas-Nacht“, das ist jener Tag, an welchem die
84
Nacht am längsten währt. Immer mehr Menschen feiern neuerdings auch
wieder das Fest des Frühlingsanfanges, wenn die Sonne in das Zeichen
des Widders wechselt, und das Fest des Ernte-Dankes am Herbstanfang
im Gegenzeichen Waage.
Tatsächlich finden jährlich jedoch nicht nur die zwei bzw. vier, sondern
zwölf charakteristische Wenden statt. Und auf dieses Wunder der monatlichen
Wenden, die einem ruhigen, stetigen und sachten Umblättern und
Weiterblättern gleichen, möchte die Künstlerin Renée-Maria von Othegraven
mit diesem Kalender ihren Blick lenken. Denn jedes Mal, wenn um
den 21. bis 23. Tag eines Monats die Erde auf ihrer Bahn um die Sonne
in einen anderen Himmelsabschnitt eintritt, ändert sich – zwar sachte,
aber dennoch recht augenfällig – zur Freude und zum Entzücken vieler
Menschen, ihr Antlitz, ihr Kleid, ihr Erscheinungsbild. Zwölfmal wendet sich
so das Blatt.
Durch ihre Darstellung in Wort und Bild, durch Hören und Sehen, will die
Künstlerin diese Einflüsse und Wandlungen wieder konkreter bewusst machen.
Sie versucht dabei alle Sinneswahrnehmungen mit einzubeziehen,
spürt jeder Kraft sowohl in deren Farb-Klang als auch in ihrer Klang-Farbe
nach, will sie auch dem Tast-, Gefühls-, Geruchs- und Geschmackssinn
„sinnlich“ vermitteln. Ihrer Aussage zufolge „ist es an der Zeit wieder zu lernen
die Welt zu erspüren und mit allen Sinnen zu erleben, anstatt sie nur
mit dem Intellekt zu erforschen“. Und weiters sagt sie: „Farbe, Form, Klang,
Gefühl, Geruch und Geschmack sind Vermittler einer inneren Wahrheit:
des eigentlichen Wesentlichen. Natürlich erlebt ein jeder dieses „Ding an
sich“ auf subjektive Weise, aber dennoch in solch vergleichbar ähnlicher
Art, dass sich für den jeweiligen Erlebenskomplex ein zusammenfassender,
objektiv verständlicher Ausdruck finden lässt“.
Es ist Renée-Maria von Othegraven von ganzem Herzen zu wünschen, dass
es ihr gelingt, viele ihrer Mitmenschen mit dieser schönen und insbesondere
„einmaligen“ Sicht der Sonnen-Wenden anzusprechen und zu erfreuen.

Saturn � 22. Dezember bis 22. Januar
2002
27 x 37 cm
Uranus � 22. Januar bis 22. Februar
2002
27 x 37 cm
Neptun � 22. Februar bis 22. März
2002
27 x 37 cm
Mars � 22. März bis 22. April
2002
27 x 37 cm
85

Venus Morgenstern � 22. März bis 22. April
2002
27 x 37 cm
Merkur Morgenstern � 22. Mai bis 22. Juni
2002
27 x 37 cm
86
Mond � 22. Juni bis 22. Juli
2002
27 x 37 cm
Sonne � 22. Juli bis 22. August
2002
27 x 37 cm

Merkur Abendstern � 22. August bis 22. September
2002
27 x 37 cm
Venus Abendstern � 22. September bis 22. Oktober
2002
27 x 37 cm
Pluto � 22. Oktober bis 22. November
2002
27 x 37 cm
Jupiter � 22. November bis 22. Dezember
2002
27 x 37 cm
87

88
Mein Refugium – ein Heiligtum
Es gibt keinen Raum,
der schöner ist als dieser,
weil es nichts gibt,
was echter und ehrlicher ist als er.
Dieser Raum ist ein authentisches Kleid,
die nach außen gekehrte Darstellung meines Innersten,
meiner Persönlichkeit,
– diese, als ein Kunstwerk,
geschaffen von den Kräften meiner Seele.
Er bildet den Rahmen,
den vollkommensten Halt,
das Ufer
meines wogenden,
fließenden,
ebbenden und flutenden Wesens und Seins,
meines Tun und Lassens,
meines Schlafens,
meines Wachens.

90
Die einzelnen Aquarellstudien aus dem hier aufgefalteten Leporello sieht man auf den folgenden Seiten.

Renée-Maria von Othegraven
Wie Ochs und Esel im dunklen Stall . . .
Bilder sind wie gute Weine. Man lasse sie reifen, dachte ich, als ich gestern
in meinem Zimmer saß und meine Bilder betrachtete, die dort wie Fliesen
die Wand bedecken. Ich liebe diesen Raum, den sonnengelben, den
heiteren, er ist mir so vertraut, und so ganz meine Welt, dass ich unlängst
ein Gedicht ihm zu Ehren schrieb. Ich wollte ihm ein Denkmal setzen.
Und als ich den Blick so schweifen ließ, durch nichts gestört und durch
die sonnige Stimmung völlig ergriffen, die von allem ausging, was diesen
Raum erhellte, da durchlief mich eine tiefe Zufriedenheit mit allem, was ich
sah. Ich empfand ein tiefes Einverständnis mit dem Werk der letzten Jahre,
und mir kam ein intensives Rückerinnern an die Euphorie und die Mühe,
an die Phasen der Entstehung dieser Bilder.
Jedes Mal, wenn ich so in einer Schaffensperiode drinstecke und produziere,
dann klappen die Resultate förmlich aus mir heraus wie die Seiten
aus einem Kalender. Es kann dann gar nicht anders sein als eben genau
so. Wenn der Strom erst einmal in Fluss kommt, das Rad ins Rollen,
wenn ich so richtig warm gelaufen bin und die Technik mir keine Probleme
mehr bereitet und alles wie von selber geht, – dann ist mir alles so selbstverständlich
und geläufig und alles geht so leicht von der Hand.
Aber am Ende solch eines jeweiligen Maltages stehe ich dann vor der Fülle
der Blätter und habe für diese Resultate überhaupt kein einschätzendes
Wertgefühl mehr und keine Art von Relation dazu, ob sie als gelungen zu
bezeichnen sind oder nicht. Sie zeigen mir ausschließlich den Kampf und
das Ringen an, sind mehr oder weniger nur immer wieder erneute Versuche
des Durchlassens von Botschaften. Sie sind wie Konservierungen
von Erlebnissen, geheimnisvolle Entdeckungen, Erfahrungen, bestenfalls
Enthüllungen eines nur mir bewusst gewordenen Geschehens.
Jedes Mal fühle ich mich dann wie ein ausgelaugter schlaffer Schlauch,
überdehnt und ausgeweitet, ausgebeult und überbeansprucht von der
Füllmenge, die durch ihn durchgezwängt worden war. Und mit dem geringen,
weil zeitlich kurzen Abstand betrachtet, wirken für mich dann meine
Bilder wertlos, ja: fast banal.
Durch die vorangehende Erregung und die Euphorie der Entdeckerfreuden,
durch den erbarmungslosen Zwang zur Konzentration aller Kräfte und den
erforderlichen Seiltanz der Geschicklichkeit war ich am Ende abgestumpft
für jede Bewertung.
Ich war auf dem schmalen Grad mal im Lot geblieben, ein andermal
wieder abgestürzt, die Wunden schmerzten. Wie ein Jongleur hatte ich
die Kugeln nicht aus dem Blickwinkel gelassen, wie ein Wachhund hatte
ich die Herde umkreist und in Schach gehalten. Farben wollten sich verselbstständigen,
sich mit anderen vermischen, wo sie nicht sollten. Formen
waren nicht meinem Willen gefolgt, uferten aus, und immer wieder hatte
sich ein Schleier über meine Wahrnehmung geschoben, das innere Auge
verdunkelt, überspiegelt mit Reizen aus den Bereichen des Banalen.
Ausgelaugt und ausgeschöpft verblieb in meinem überspannten Bewusstsein
nur noch die Müdigkeits-Empfindung zurück. Im Kämpfen und Ringen
war ich um Klarheit bemüht gewesen. Es musste mir doch einleuchten!!
Aber ich fühlte mich am Ende nun eher wie der Ochs und der Esel im
dunklen Stall, viel weniger aber wie ein König, der seinem leuchtenden
Stern gefolgt war.
Warum auch machte ich es mir nur so schwer?! Da war dieser Chinese
gewesen, Wang Shu. Ich hatte seine Plakate an den Litfass-Säulen bestaunt
und dann seine Ausstellung im Völkerkunde-Museum besucht. Seine Technik
war nicht zu übertreffen, wenn auch viele seiner Bilder fast wie Fotos
wirkten und oft mehr dekorativ als künstlerisch durchgebildet schienen.
– Jahrzehnte später traf ich ihn wieder, durch einen seiner Schüler. Dieser
91

hatte mir seine Art von Pinseln organisiert, chinesische, ganz spezielle von
besonders kostbarer Art, und er hatte mir dessen Technik, – die Methode
des Nass-in-Nass-Malens – erklärt und gezeigt. Begierig hatte ich diese
neuen Möglichkeiten aufgegriffen und sie für meine Art des Ausdrucks
umgewandelt, wobei eines der wichtigsten Faktoren für das Gelingen ein
sehr voluminöses französisches Papier war.
Ich übte wie besessen. Es musste möglich sein, auch im Nassen Komplementärfarben
nebeneinander zu setzen, ohne dass sie verliefen, sich
zu grau vereinten, denn der Charme des Ineinander-Verlaufens der Farben
war nur durch konsequentes Nasshalten des Papiers garantiert. Was
diesen Charme aber ausmachte, war mit keiner anderen Technik hervorzuzaubern.
Ja, es war buchstäblich ein Zauber, der die Flächen bedeckte,
ein Flimmern und Schillern und Beben von ineinander grenzenlos verwobenen
Farbpartikeln, fast wie in einem Pastell. Meine Bilder wurden
auch oft mit solchem verwechselt.
Vielleicht war diese Technik mit der Umstellung vom Instrument Klavier
auf Geige zu vergleichen, dem Erleben, Töne nahtlos verbinden zu können
zu einem einzigen Klangkörper, kein Triller mehr, kein Lauf, sondern ein
stufenloses Auf- und Abschwellen. Aber das Bändigen verlangte nochmals
die gleiche Übung, so wie das Erlernen eines Instrumentes, und der Malvorgang
war mit dem Einstudieren eines musikalischen Werkes zu vergleichen.
Das Motiv allerdings war ja niemals so klar wie Noten auf dem
92
Papier. Seine Erarbeitung verlangte Improvisation, das Umkreisen des Zu
-Sagenden durch Abtasten.
Oft malte ich an ein bis zwei Tagen 30 bis 40 Blätter, begann zuerst mit
kleinen Formaten, wechselte später zu immer größer werdenen. Doch niemals
blieb für ein benetztes Blatt länger als 40 Minuten Zeit, wollte man
nicht von trockenen Stellen überrascht werden. Hätten die unaussprechlich
reizvollen Resultate, ihre unvergleichliche Lebendigkeit in der Farbverteilung
nicht diesen nahezu akrobatisch zu nennenden Akt gerechtfertigt,
dann wäre die Frage im Raum geblieben, macht wirklich nur die Übung
den Meister?
Ich weiß, dass ich heute, nach einer Malpause von nunmehr zweieinhalb
Jahren, nicht mehr im Stande wäre, solche Bilder hervorzubringen, es sei
denn, ich würde eine erneute monatelange Lern- und Übungsphase in
Kauf nehmen.
Aber auch erst heute, nach so einem großen zeitlichen Abstand zu dieser
kreativen Schaffensperiode weiß ich meine Bilder zu schätzen. Jetzt erfreuen
sie meine Seele in ungeahnter, unaussprechlicher Weise. Ich sehe
sie jetzt mit ganz anderen Augen, denn ich schaue heute wie aus der
Dunkelheit ins Licht, aus dem Zustand der Impotenz, der Erschlaffung in
die Offenbarung einer vergangenen Kraftperiode.
Und aus diesem Zustand des Unvermögens weiß ich erst meine damaligen
Fähigkeiten zu schätzen. Erst jetzt entdecke ich die Qualitäten der

Bilder, aber auch ihre Mängel, lerne sie zu loben oder zu tadeln, entdecke
Schlackenstoffe und bewundere Gelungenes. Und erst jetzt fühle ich eine
Art von Genugtuung und Belohnung für diese unbeschreibliche Mühe,
unter der sie entstanden sind.
Wie viel Spannkraft hatte dazugehört, wie viel Ausdauer, wie viel dem Werk
günstige Umstände: die Zeit, das Alleinsein, das Wetter, das Motiv und
nicht zuletzt der Musenkuss. Was alles hatte zusammenfließen müssen
und aus welchen Kanälen – in einen langen Augenblick der Klarsicht? Wie
viel Trübe aber hatte dafür weichen müssen, und mit welchen Opfern?
Und wann wird sich das jemals wieder ereignen können?
Es sind schon Sternstunden, diese Schöpfungsperioden, und so gar nicht
unter Willenszwang herbeizuführen, zu bändigen und festzuhalten. Das
einzige, was man als Künstler tun kann, ist: sich offen halten und bereit,
dem neuen Ruf zu folgen, wann auch immer er naht.
Und alle unschöpferischen Perioden, die Wartezeiten sind vielleicht wie
unsichtbare Sammelprozesse von Energien, ähnlich der Kristallisation von
Mineralien im Erdinneren. Sie stecken mit in einem Kunstwerk, das wie
der Kristall auch nichts anderes ist, als ein Verdichtungsprozess von langen
Zeiträumen des Erfahrens und Erkennens. Dieser sucht sich nur den richtigen
Moment der Manifestation und die geeignete Form – trete sie zuletzt
in einem Bildnis in Erscheinung, in einem Musikstück oder offenbare sie
sich in einem Gedicht oder einer Choreographie.
Und so wie edle Weine erst im Altern reifen, so reifen Kunstwerke im Auge
des Betrachters auch erst allmählich. Manchmal dauert es sehr lange, bis
man ihren Wert zu schätzen weiß, alles braucht eben seine Zeit.
93

Rudolf Maegle
Man kann auch k r e a t i v Staubwischen,
sagte Renée-Maria von Othegraven eines Tages zu mir, man muss nur
allem die Sinnhaftigkeit abgewinnen. Egal ob man eine Sonate komponiert
oder ein Bild malt; es ist immer derselbe Wille und derselbe
drängende, a l l e s d u r c h d r i n g e n d e G e i s t dahinter, etwas zu
bewegen, nach etwas zu streben.
Einen Augenblick lang mögen wir irritiert sein ob dieser Gleichstellung von
Kunst und trivialer Alltagsverrichtung, aber es wäre nicht Othegraven, würde
sie nicht sogleich weiter ausholen:
Gerade der Begriff des Komponierens ist mir wichtig – und nicht nur auf
die Musik bezogen –, denn er setzt eine besondere schöpferische Fähigkeit
voraus, wodurch der b l o ß k r e a t i v e Mensch zum eigentlichen
K ü n s t l e r wird.
Und wenn ich von dem a l l e s d u r c h d r i n g e n d e n G e i s t spreche,
so meine ich weniger die Vergeistigung des Körpers, sondern vielmehr
die Verkörperung des Geistes. Der Geist bedient sich des Körpers, um
sich in der stofflichen Welt zu manifestieren und um etwas auszusagen
– eigentlich, um von sich zu berichten! Ich entdecke den Geist in allen
Dingen.
Viele Menschen wollen die Banalitäten des Alltags nicht akzeptieren und
solche Dinge nur möglichst schnell nebenbei verrichten, um sich einem
W i c h t i g e r e n , vielleicht auch H ö h e r e n – wie dieses Etwas oft
genannt wird – zuzuwenden, was immer das für den einzelnen Menschen
auch sein und bedeuten mag.
Ich meine, dass auch in allem so genannten Banalen, in dem ganz Gewöhnlichen,
Alltäglichen, der G e i s t wirkt. Und wenn ich diesen Dingen
mit Freude und Hingabe begegne, dann nähere ich mich diesem a l l e s
d u r c h d r i n g e n d e n G e i s t viel eher als vielleicht bei einem Besuch
in der Kirche, wenn ich glaube, dass dort immer sonntags von 10 bis 11
der Liebe Gott ist.
Du siehst den Raum, in dem wir uns befinden, der grüne Vorhang mit
den weißen Streifen – ich habe ihn so und nicht anders ausgewählt.
Daneben das Blumenbild mit dem weißen Passepartout, diese Rot-Grün-
Komposition – und dann der Blick aus dem Fenster in die sonnenbeschienenen
Bäume und schau die Sonnenflecken, wie sie mit den Silhouetten
der Blätter an der Wand spielen, und schau dir doch die Schatten der
Sessellehne an – gerade war alles noch da, jetzt ist es wieder weg! Wie
lebendig das doch alles ist.
96
Und dieses holzgeschnitzte Tablett hier mit den goldenen Kartenzeichen,
Pick, Kreuz, Herz und Karo, ich habe es für meine Mutter gemacht. Dieser
Rahmen und diese Schatulle hier gehören zu meinen ersten Vergolderarbeiten,
auch die Tischlampe, alles aus den ersten Lehrjahren bei meinem
Meister, Prof. Stiassny.
Renée sieht mich verzückt an. Ihr ist die Begeisterung ins Gesicht geschrieben.
Sie weiß aber – und wir sprechen immer wieder darüber -, dass diese
Dinge, die sie so faszinieren, eigentlich nur Gleichnisse für etwas sind,
einstweilen noch unzulänglich. Aber vielleicht fasziniert sie gerade diese
Gleichnishaftigkeit, denn ohne diese Gleichnishaftigkeit wären die Dinge
nur leere Hüllen.
Renée nimmt mich bei der Hand und zieht mich in den angrenzenden
Raum, in dem sich ihre Werkstatt befindet. Sie trennt nicht zwischen Privatleben
und Beruf; alles fließt ineinander – und alles ist Leben.
Es liegen die Werkzeuge herum auf großen Tischen. Die Regale an der
Wand sind unüberschaubar mit Fläschchen und Dosen angefüllt, mit Pinseln
und Gläsern voll Farbpigmenten. Eine Kreissäge steht in der Ecke
neben einem Konvolut von Leisten und Rahmenprofilen.

Diesen Rahmen muss ich neu vergolden, sagt Renée, und hier habe ich
einen barocken Profilentwurf gemacht für das Liechtenstein Museum. Er
ist für die Rubensausstellung. Und hier an dem geschnitzten Rahmen
fehlen Teile, siehst du, ich muss sie ergänzen.
Ich schaue mich um – ich schaue mich immer um in diesem Raum, in
dem eine Ordnung herrscht, die man eher als Stimmung bezeichnen
könnte denn als etwas nachrechenbar Funktionierendes.
Du weißt, lächelt Renée mich an, mein Damenbudoire.
Dann zieht sie mich zurück in den Raum mit dem grünen Vorhang.
Hier meine Bücher, schwärmt sie weiter, diese Gruppe, es sind zweiunddreißig
Bände, alles Bô Yin Râ, dann Goethe, mein alter Faustband,
Hermann Hesse und Prentice Mulford. Und natürlich meine Märchenbücher
– da, eine alte Ausgabe von „Tausendundeine Nacht“ mit einem
Vorwort von Hugo von Hofmannsthal, schau – Jugendstilornamente
– in grünem Leder mit den ausgeblichenen Buchstaben. Wie knitterig
die Seiten sind; das hat für mich etwas sinnlich Ästhetisches, fühle einmal,
man möchte es über die Wange streichen. Und da oben über dem
Bücherregal mein Bilderzyklus von Venedig in den Farben Lila/Orange.
Diese Farbkombination hat für mich etwas Heiliges – nicht Mystisches.
Heilig ist für mich h e i l e n d , das Wort mystisch empfinde ich eher als
ein wenig unheimlich.
Othegraven sieht diese Bilder eine Weile wortlos an, und ich beobachte
sie und setze mich dazu in einen bequemen Fauteuil, der in einer Ecke
des Raumes steht, und versuche in meinem Faktenwissen zu kramen, was
denn wohl von psychologischer Seite her die Farbverbindung Lila/Orange
bedeuten möge: lebhaftes Gemüt, hoher Anspruch an sich selbst, Willenskraft
und der Wunsch nach Anteilnahme. Wie das doch alles auf Renée
zutrifft, denke ich, dieser ausgeprägte Wunsch, sich mitzuteilen – das ist
wohl allen Künstlern zueigen – und diese Hoffnung, auch verstanden zu
werden – Renée fleht geradezu, verstanden zu werden.
Eigentlich weiß ich jetzt in diesem Augenblick, sagt Renée plötzlich wieder,
was diese Farbkomposition Lila/Orange für mich bedeutet. Da gibt
es ein Wort dafür, einen Begriff: „Advent“; nicht nur die Zeit vor Weihnachten
meine ich, sondern unsere grundsätzliche Lebenshaltung; wir
leben immer in Vorbereitung, denn wir warten immer auf dieses E i g e n t -
l i c h e . . . Auf das Öffnen der Türe zum Paradies!
Renée-Maria von Othegraven strebt in allem, in ihrem ganzen Tun und
Wollen nach religio, nach Rückbindung. Dass wir alle permanent auf dem
Weg zu uns selbst sind, kann jeder nachvollziehen, sagt Kant, man braucht
nur in sich selbst hineinzuhören.
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Béatrice von Othegraven
Wie sehe ich meine Mutter?
Was für ein Mensch steckt hinter der Künstlerin oder was ist ein Künstler?
Sie ist jemand der zwei Seiten in sich vereint hat, den praktischen Geschäftssinn
und die große Begabung. Alles, was sie anfassen möchte, wird
ein Erfolg, als wüsste sie schon ganz instinktiv, was sie kann und was nicht.
Sobald sie eine Idee bzw. eine Inspiration für eine Arbeit egal welcher Art
hat, wird ohne Pause gearbeitet, bis das Werk abgeschlossen ist.
Wir sprechen hier nicht allein nur von eiserner Disziplin, sondern von Verschmelzung
mit einer Idee und Verarbeitung zur Realität. Es gibt keine
Ablenkung, nur volle Konzentration. Wenn wir an Künstler denken, denken
wir an Phasen, Phasen der Inspiration, der unerschöpflichen, ja schon
wahnsinnigen Umsetzung und dann an Phasen der Energielosigkeit, die
bei manchen Künstlern oft Monate bis Jahre dauert.
Das ist bei meiner Mutter anders, sie ist als Mensch wie ein ganzes Unternehmen
und nicht ein Mensch in einem Unternehmen. Sie ist Arbeiterin,
Buchhalterin, Personalmanagerin, Verkäuferin, Marketingleiterin, PR-Lady,
Controllerin, Geschäftsführerin und Vorstand. Ein Unternehmen allerdings
kennt keine längere Arbeitsunterbrechung sonst würden die Rädchen ja
aufhören sich zu drehen. Sie ist ein ständig sich drehendes Rad, das dadurch
immer weiter und unaufhaltsam nach vorne rollt und bei jeder Bewegung
nach vorne eine Entwicklung erfährt. Die Entwicklung zur Erreichung
der Verbesserung, die sich nicht scheut neue Ufer zu entdecken - immer
den Drang des Erforschens verspürend - und dabei aber die alten Ufer nicht
vergisst, sondern durch Brücken mit den neuen verbindet.
Sie ist ein seltenes menschliches Phänomen, von dem wir lernen können,
wie viel Möglichkeiten ein Mensch hat, wenn er sich nicht scheut den Weg
seiner Begabung zu gehen und sich nicht auf seinen Talenten ausruht.
Erfolg ist, wenn man glücklich bei der Sache ist, die man macht, und das
macht meine Mutter so erfolgreich.
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Boris von Othegraven
„Oh, . . . es brennt!“
Meine Mutter hat mich als Wassermann auf die Welt gebracht und ich habe
diesen Charakter auch immer strikt vertreten, denn ich bin ein Techniker,
der es gerne schlicht und zeitlos hat und alles was bunt ist, stößt bei
mir auf Abneigung. Trotz alledem habe ich mich in unserer farbenfrohen
Wohnung immer mehr als wohl gefühlt. Tja, es war auch nie bunt, sondern
meine Mutter hat in jedem Detail, und sei es die Tischdekoration, eine
Farbharmonie erstellt. Ich kann mich noch genau an den Zeitpunkt erinnern,
an dem ich verstand, was der Unterschied zwischen Bunt und den
Farbkreationen meiner Mutter war. Ich erinnere mich an einen Spaziergang,
wo sie mir zeigte, dass in der Natur – egal, wo ich auch hin schaue
– egal, welchen Fleck ich beobachte – ich nie eine Disharmonie in mir
spüren würde. Als wir wieder nach Hause kamen, erkannte ich in jedem
Zimmer und in all ihren Arbeiten ihr Verständnis für das Zusammenspiel
von Form und Farbe und das Talent, es praktisch umzusetzen.
Es ist aber nicht nur eine Begabung, die ihr gegeben wurde, sondern auch
ihre Hingabe und ihre Liebe zur Kunst in jeder Hinsicht. Wir haben ihr oft
Konzentrationsschwierigkeiten und gedankliche Abwesenheit vorgeworfen,
da sie gerne Dinge vergisst und sich für unwesentliche Themen nur schwer
begeistern kann, eben so, wie die meisten Künstler manchmal abwesend
zu sein scheinen. Geht es jedoch darum, sich auf eine Rahmenbemalung
oder ein entstehendes Bild zu konzentrieren, verfällt sie in eine Art Extase,
bei der sich alle Gedanken und Körperfunktionen nur mehr auf diese eine
Arbeit fixieren. Wenn man sie dann beobachtet, könnte man Angst bekommen,
dass sie vergisst zu atmen. Angenommen, sie male in einem Wald
ein Bild und es finge an zu brennen, würde sie mit aller Begeisterung und
wie kein anderer die Flammen dazu zeichnen und erst nach Beendigung
ihres Werkes merken, dass auch sie und ihre Staffelei schon Feuer gefangen
haben und meinen: „Oh, es brennt!“ – Wer sie besser kennt, lacht
sicherlich an dieser Stelle und sagt „ganz genau so wäre es“.
Da bei mir eben alles einen Bezug zur Wirklichkeit haben muss und ich auf
strikte Symmetrie und Klarheit baue, habe ich sie am Anfang für ihre, mit
wenigen Strichen gezeichneten, aber realistischen Tierskizzen und naturgetreuen
Aquarelle bewundert. Ich konnte nachher nicht verstehen, warum
sie mit ihrem Talent für täuschend ähnliche Marmorierungs-Technik und
der Fähigkeit, Strukturen originalgetreu nachzumachen, angefangen hat,
Aquarelle in nass in nass Technik zu malen. In diesen Bildern verschwimmt
doch alles und ich verzweifelte bei der Annahme, dass meine Mutter nun
auch eine von diesen modernen neuen Künstlern wird, deren Kunst ich
nie verstehen werde, und noch weniger konnte ich nachvollziehen, warum
so viele Leute von ihren neuen Bildern so begeistert waren. Irgendwann
kam der Punkt, an dem ich erkannte, dass die gelernten Techniken nur
als Grundlagen dienten, über die sie hinausgehen musste, da in ihr ja viel
mehr Potential steckte. Ihr ging es nicht nur darum, mit einem Bild klar das
Motiv zu zeigen und die einzigartigen Formen der Natur, sondern um die
Harmonie der Farben und Formen, die nur sie so darstellen kann.
Mittlerweile hängen in meiner – trotz alledem schlicht und hell-dunklen
Wohnung – in jedem Zimmer mindestens drei Bilder von meiner Mutter,
die eine wunderbare Stimmung auf mich ausstrahlen und ich könnte mir
meine Wohnung nicht mehr ohne sie vorstellen.
Ich habe durch meine Mutter im Laufe der Jahre ein Verständnis für Kunst
und einen ganz anderen Zugang zur Harmonie bekommen:
„ . . . und dafür möchte ich Dir danken, denn ich weiß mittlerweile, was
andere Menschen versäumen und was Dich so glücklich und einzigartig
macht. Dein Boris.“
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Tradition
Wilhelm Fitzner, Maler, Bildhauer und Architekt
Ein Künstler . . . vier Generationen
Porträt Wilhelm Fitzner
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Anna Fitzner,
Mutter von Wilhelm Fitzner
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Emilienne Fitzner,
Ehefrau von Wilhelm Fitzner

Theodora von Obstfelder,
Tochter von Wilhelm Fitzner
Renée-Maria „Pünktchen“ von Othegraven,
Enkeltochter von Wilhelm Fitzner
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Theodora von Obstfelder (Hg.)
„Was ist der Unterschied zwischen Photographie und Malerei?“,
hatte ich einst meinen Vater gefragt, und er hatte geantwortet: „Bei einem
guten Foto sage ich: Wie schön ist doch diese Landschaft, diese Frau,
dieses Haus, – bei einem Bilde aber: wie schön ist dieses Bild!“
Wenn mein Vater Wilhelm Fitzner noch gelebt hätte, als meine Tochter sich
der Kunst ganz zu widmen entschloss, hätte er diesen letzten Satz wohl an
die hunderte Male wiederholen können, – so denke ich es mir heute beim
Betrachten ihrer Bilder. Zwei Malerpersönlichkeiten, noch dazu aus so verschiedenen
Altersperspektiven, einmal als Kind in der Rolle der Tochter,
später als Mutter, durch einen Teil dieser so verschiedenen Künstlerleben
begleiten zu können, hat dazu geführt, dass mich die Sensibilität für das
Schöne niemals verlassen konnte. Dafür danke ich beiden.
Das Werk meines Vaters verlor und verstreute sich in den Wirrnissen zweier
Weltkriege, bevor die Möglichkeit war, es gesammelt in Buchform festzuhalten.
Nur noch wenige seiner Gemälde befinden sich im Besitz der Familie,
in erster Linie Portraits* seiner engsten Angehörigen. In seinem Sterbejahr
1960 malte er als letztes eine Rötelzeichnung von Renée-Maria*, die
sie als zehnjähriges Mädchen zeigt, mit einem leicht trotzigen Zug um den
Mund, der erkennen lässt, dass dort eine Durchsetzungskraft im Reifen
lag, von der er vielleicht zu ahnen vermochte, dass sie gleichem Interesse
galt wie sein eigenes. Dennoch bedauere ich zutiefst, daß er den späteren
Werdegang meiner Tochter nicht verfolgen und begleiten konnte, und
freue mich nun um so mehr, dass es mir immerhin heute vergönnt ist, ihr
Schaffen hier aufzuzeigen, zu sammeln, und damit festhalten zu können.
Ich möchte mit diesem Buch dem Leser einen Einblick in das vielfältige
Schaffen der Künstlerin Renée-Maria v. Othegraven geben. Neben Bildern,
Photographien und Gedichten
– habe ich auch einige
wenige interessante Aufsätze
ausgewählt, die sie in den letzten
Jahren selber verfasst hat.
Sie erzählt uns darin aus ihrer
jahrzehntelangen Erfahrung
als Malerin, Gestalterin und
Dichterin und führt uns in ihre
reiche Weltanschauung ein,
die immer wieder Farbe, Harmonie
und Stimmung in einen
tieferen Zusammenhang
zu bringen bemüht ist und auf der ihre Kunst gleichsam aufbaut. Auch
Ihre Kinder Béatrice und Boris kommen zu Wort, denn sie betrachten ihre
Mutter in ähnlicher Weise, wie ich damals meinen eigenen Vater. Nicht zuletzt
haben mehrere Verehrer ihrer Werke kurze Beiträge für dieses Portrait
verfasst, in denen sie von ihren Erfahrungen mit der Künstlerin und der
Auseinandersetzung mit deren Kunst berichten.
Ich wünsche meiner Tochter Reneé-Maria von Othegraven, dass auch diese
Aufzeichnungen dazu beitragen mögen, dass der Kreis ihrer Bewunderer
weiter anwächst und ihre Arbeiten von einer zunehmend breiten
Öffentlichkeit geschätzt werden.
Möge über ihrer Gestaltungs- und Schaffenskraft immer ein leuchtender
Stern am Himmel stehen.
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Harmonie
Wo der Sinn erhabner Schönheit
Gründet in der Harmonie, -
Wo den Wunsch nach stiller Wahrheit
Birgt die Formensymphonie,-
Wo die edlen Proportionen
In Gesetzes - Mäßigkeit,
Hohe Organisationen
Lösen die Gebundenheit.
Wird, was ganz und gar gestaltet,
Ewiglich erhoben sein -
Und verbleibet treu verwaltet,
Bis zu rein geklärtem Sein.
Doch den Faden, der hier endet,
- Greife, wer ihn greifen kann - ,
Fühlet sich der Weg gewendet,
Löset sich der Erdenbann!

Künstlerbiographie
Wilhelm
Fitzner
2. Juli 1950 Renée-Maria von Othegraven wird um 19.45 MEZ in Essen/BRD als die Jüngste
von drei Geschwistern geboren. Die Eltern Theodora, geborene Fitzner, und der
Vater Heinz Jürgen von Obstfelder, Chemiker und Erfinder, bringen keine besondere
Motivation für musische Interessen in das Leben der Tochter. Beide
Großväter jedoch sind ausübende Künstler gewesen: väterlicherseits Rudolf von
Obstfelder, Pianist und Schüler von Anton Rubinstein, mütterlicherseits Wilhelm
Fitzner (Laurahütte/Schlesien), Architekt, Maler und Bildhauer.
1969 Othegraven beendet ihre Schulzeit im humanistischen Frau-Rat-Goethe-Gymnasium,
Duisburg/ BRD. Nach einem einjährigen Englandaufenthalt besucht sie
in Tegernsee/Bayern die Hotelfachschule, wechselt aber danach in die Werbebranche.
1971 Sie kommt nach Österreich, wo sie als Dressurreiterin zwei Jahre lang Turnier-
Pferde ausbildet. Daneben macht sie ihr Diplom als Heil- und Sportmasseurin.
1973 Nachdem Othegraven in der Werkstatt von Prof. Herbert Stiassny in Wien aufgenommen
wird, um das Handwerk des Fassens, des Vergoldens und Restaurierens
zu erlernen, widmet sie sich ausschließlich der Kunst.
Seit 1975 Im malerischen Bereich arbeitet sie in der Natur und im Atelier an Aquarellen,
Gouachen und Zeichnungen.
1976 bis 1977 Als freie Mitarbeiterin ist sie am Theater an der Wien als Bühnenbildnerin und
in den Werkstätten der Wienfilm an den Bühnenbildern für die Musikfilme von
Leonard Bernstein und Herbert von Karajan tätig.
1976 bis 1989 In Wien studiert sie Aktzeichnen bei Prof. Fritz Martinz, malerische Techniken
bei Architekt Hans Reinhold und Harmonikale Grundlagenforschung bei Kurt
Haider.
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1977 Die Künstlerin macht sich selbstständig mit einem eigenen Atelier für Restaurierung,
Bildeinrahmung, Design, Inneneinrichtung, Farbgestaltung, Möbelmalerei
und Bildhauerei.
1978 bis 1998 Othegraven arbeitet über einen Zeitraum von 20 Jahren als Innenarchitektin im
Haus von Samy Molcho in Klosterneuburg mit Schwerpunkt Einrichtungs- und
Farbgestaltung.
1979 und 1981 Die Kinder Béatrice und Boris kommen zur Welt.
Seit 1985 Othegraven beschäftigt sich intensiv mit der Harmonikalen Grundlagenforschung
in Bezug auf die Proportionsgesetze in der Architektur, der Gestaltungs- und Farbenlehre
und der Charakterkunde.
Seit 1986 Sie verfasst Lyrik und Prosa und veröffentlicht Aufsätze zur Farbgestaltung in
mehreren Fachzeitschriften.
1986 Othegraven entwirft das „Baumdesign“, ein variabel zusammen- fügbares Baukasten-System
aus 72 Holzteilen. Sie erhält dafür den Musterschutz für die BRD
und Österreich.
1997 Sie wird durch das Bundesministerium für Unterricht und Kunst in Wien als „Frei-
schaffende Künstlerin“ anerkannt.
Seit 1998 Es folgen zahlreiche Ausstellungen in der Öffentlichkeit.
Von 1998 bis 2001 Die Künstlerin ist auf den Kunst- und Antiquitätenmessen in der Hofburg und im
Künstlerhaus mit einem Messestand vertreten.
Mai 2000 Der Aquarellzyklus „Seerosen“, eine Auftragsarbeit, entsteht in der Seerosenbucht
im Naturschutzgebiet am Wörthersee in Auen.

Othegraven bekommt den Auftrag für die Farbgestaltung im Alma-Mahler-Haus
am Semmering, von dem sie zur gleichen Zeit einen Aquarellzyklus vollendet.
Juni 2000 In den Ausstellungsräumen der Fa. Backhausen in der Kärntnerstraße in Wien
präsentiert sie 60 Aquarelle, unter anderem mehrere Motive der hauseigenen
Fabrik.
Dezember 2001 Im Museumsquartier Wien findet unter dem Titel „Bilder - Worte - Klänge“ eine
Präsentation von Bildern und Dichtungen von Renée-Maria von Othegraven
statt.
Wenige Tage später wird eine große, 100 Exponate umfassende Ausstellung der
Künstlerin im Österreichischen Parlament eröffnet.
2002 Der Aquarellzyklus von Schloss Wolfsberg mit einer Fotodokumentation von
Schloss und Park entsteht. Ein gleichzeitig produzierter Videofilm demonstriert
die besondere Technik der Malerin.
Wenig später entsteht der „Sonnenwendkalender“, in dem die Malerin ihre Erkenntnisse
bezüglich der zwölf Grundcharaktere der Monate des Jahres in Farbe
zum Ausdruck bringt.
April 2003 Bei der Ausstellung „Visuell - Virtuell - Virtuos“ in Wien wird der Gemälde und
Aufsätze umfassende Zyklus „Die zwölf Ursymbole“ erstmals präsentiert.
Seit 2003 Othegraven arbeitet für das Liechtenstein Museum in Wien als Rahmenrestauratorin
und -herstellerin (u.a. klassizistische Rahmen zu Bildern von Vigée-Lebrun,
Barockrahmen für Rubensgemälde sowie für das Werk „Die Zigeunerin“ von
Valentin de Boulogne).
Mai 2004 Der ORF sendet ein Portrait der Künstlerin Renée-Maria von Othegraven.
Juni 2004 Die Galerie „Vienna Fine Arts“ in der Seilergasse in Wien präsentiert im Rahmen
einer Sonderausstellung mehrere Werke Othegravens.
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Bildunterschrift
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November 2004 Im Liechtenstein Museum zeigt Renée-Maria von Othegraven in einer Vortragsund
Mai 2005 reihe zwei Dokumentationen über ihre Restaurierungen und den Rahmenbau
für die Fürstlichen Sammlungen.
Oktober 2005 Die Restauratorin übernimmt den Auftrag, barocke Türen der Burg Forchtenstein
(Stiftung Esterházy) zu restaurieren (Freilegung von Redoutenmalerei und Marmorierung).
Januar 2006 Othegraven wird mit der Restaurierung eines klassizistischen Goldrahmens für
das Schloss Esterházy in Eisenstadt betraut.
Renée-Maria von Othegraven
Semperstr. 59
1180 Wien
Tel.&Fax: +43/ 1/ 478 2 874
atelier-othegraven@gmx.at
www.atelier-othegraven.at
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Ausstellungen und Präsentationen
August 1997 Schloss Weitra – Rahmen und Restaurierung
November 1998 Kunst- und Antiquitätenmesse Hofburg Wien –
Rahmen und Restaurierung
Mai 1999 Schloss Ottenstein Waldviertel – Malerei
August 1999 Schloss Ottenstein Waldviertel – Malerei
November 1999 Kunst und Antiquitätenmesse Hofburg Wien –
Rahmen und Restaurierung
Februar 2000 Othegraven Wien – Atelier-Präsentation
Mai 2000 Backhausen Kärntnerstraße Wien – Malerei
August 2000 Villa Josef Hoffmann Auen Wörthersee – Malerei
Dezember 2000 Galerie Antiquitäten André Krems – Malerei
Seit November 2000 Galerie Vienna Fine Arts Spiegelgasse Wien –
Malerei
Mai 2001 Othegraven Wien – Atelier-Präsentation
Seit Oktober 2001 www.kunstkontakt.at – Malerei
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Dezember 2001 Museums Quartier Wien – Malerei
Dezember 2001 Parlament Wien – Malerei
Seit März 2002 Galerie Maegle Palais Harrach Wien – Malerei
Februar 2001 Atelier Othegraven Wien – Malerei
Februar 2001 Kunst- und Antiquitätenmesse Künstlerhaus
Wien – Rahmen und Restaurierung
Seit April 2002 www.alleskunst.net – Malerei
Seit August 2002 www.atelier-othegraven.at – homepage
April 2003 SVA-Galerie Wien „Visuell – Virtuell – Virtuos“ –
Malerei
November 2003 Liechtenstein Museum „Abendteuer Bilderrahmen“
– Vortrag und Dokumentation
Mai 2004 Portrait ORF 1
Juni 2004 Galerie Vienna Fine Arts – Malerei
Mai 2005 Liechtenstein Museum „Die Inszenierung der
Kunst“ – Vortrag und Dokumentation