Heimatfilm - Sissy

Ausgabe dreizehn · März bis Mai 2012 · kostenlos 

s Racheengel: Das blutige Märchen s Umständehalber: Harvey Milk auf Farsi s Feste Größe: Peter Kern s Heimatfilm (1): Too much 

Berlin s Geschlechterfrage: Ganz konkret zurechtgerückt s Erlösung: Ein Schwuler in Menschengestalt s Pim und Gino: Träume jenseits 

von Cinecittà s Close Talk: Filmische Naherholung s Gleich und anders: Priscilla im Landkreis Sonneberg s Heimatfilm (2): Schande für 

Niederbayern s Muskeln und Glamour: Fang an zu drehen! s Hoffnungsloses Beige: Falsch bis zum letzten Augenblick s Dachgeschoss: 

Zähne zusammenbeißen und durch s Sprechblasenvortrag: Lutsch mir die Ente! s Knutschfleck: Die ExpertInnenjury entscheidet

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TITEL: EDITIoN SALZGEBEr 

Sissy dreizehn 

Es war mal wieder Berlinale, im Panorama gab’s mal wieder einen 

Queer-Schwerpunkt, Queer-Film-Festival-Kuratoren haben als Jurymitglieder 

Teddys verteilt. Das gibt es auf keinem anderen großen 

internationalen Filmfestival. Bestürzend und schade (wie immer) aber 

war, was und wie darüber geredet wurde. Von einer „Timeline“ ist da 

von den Veranstaltern die Rede, auf der „der Westen“ top Ergebnisse 

im Bekämpfen der Queer-Diskriminierung 

erzielt und alle anderen Kulturen zwischen 10 

und 30 Jahre hinterher seien. Da wird, wenn 

überhaupt das Wort „Film“ fällt, das audiovisuelle 

Medium allenfalls als Gefäß für wichtige 

Themen angesehen, nämlich, um bedrohte 

queere Menschen und Szenen vor allem der 

‚rückständigen‘ Orte dieser Welt zu zeigen, 

ganz egal wie. Als „Geschenk“ wird ein serbischer 

Mainstream-Film vorgestellt und empfohlen, 

der serbischen Homophoben erklärt, 

dass Schwule tatsächlich Menschen sind, was 

dort (Parada war ein Kassenhit) gut funktioniert 

hat. Schön für die Serben – problematisch 

für alle anderen, die sich mit flachen Klischees, 

leidenden und am Ende sterbenden schwulen 

Figuren und verschämter Körperlichkeit (kein Von Heterosexuellen umarmt: „Parada“ von Srdjan Dragojevic (2011). 

Kuss, kein Sex, um die homophoben Serben 

nicht zu verprellen, bevor sie was lernen) auseinandersetzen müssen. 

Diese Denke ist überheblich und unqueer – denn sie übersieht, 

dass Queer-Sein kein globales essentialistisches Phänomen ist, sondern 

in jeder Kultur und Szene, bei jedem Menschen anders ist und 

einen anderen (auch filmischen) Ausdruck findet, den zu entdecken ja 

gerade das Spannende am Queer Cinema ist. 

Davon unbeeindruckt hat die Teddy-Jury wie üblich gute Arbeit 

geleistet und u.a. einen Film prämiert, der eine private Beziehung in 

einem Land schildert, in dem queere Menschen nicht mit der Todesstrafe 

bedroht sind: Keep The Lights On tastet sich sensibel an das Bild 

einer schwulen Beziehung in New York heran, mit flimmernden Bildern, 

ätherischen Songs, einer taktilen Kamera, durch die das Thema 

der Berührbarkeit auch auf filmischer Ebene erkundet wird. Dass er 

überhaupt im Programm war (zuletzt wurden z.B. Weekend oder das 

Spielfilmdebüt von Travis Matthews abgelehnt), könnte daran gelegen 

haben, dass in dem Film eine Figur selbst einen Teddy gewinnt (so 

viel Schmeichelei muss belohnt werden). 

Natürlich haben auch wir dieses Jahr wieder viele tolle Entdeckungen 

gemacht (S. 37). Was das Queer-Cinema-Konzept der Berlinale 

angeht (eigentlich nur des Panoramas, denn Festivalchef Kosslick 

geht nach eigenen Worten „diese Trans-Kiste“ sowieso grundsätzlich 

an der eigenen vorbei), darüber sollte in einer der nächsten SISSYs 

mal offen gesprochen werden. 

vorspann 

Wenn Sie SISSY kostenlos abonnieren möchten: E-Mail an abo@sissymag.de 

3 

BErLINALE / VuKASIN VELjIC

mein dvd-regal 

Peter Kern – Regisseur, Schauspieler, Autor 

4 5 

Peter Kern

kino 

DIe BAllADe 

vOn vASSIlI 

unD AngelO 

von SaScha WeStphal 

Auf der Suche nach der verlorenen Zeit sind zwei dunkle Engel 

in Gaël Morels blutigem Märchen „unser Paradies“. Die beiden 

Stricher wehren sich mit Gewalt gegen die entwürdigenden 

Blicke ihrer Freier und steuern auf der Suche nach einem 

ort für ihre Liebe immer mehr auf eine Katastrophe zu. Der 

Spielfilm mit Stéphane rideau (Porträt in der letzten SISSY) 

in der Hauptrolle läuft im März in der Gay-Filmnacht und ist 

ab 5. April in ausgewählten Kinos zu sehen. 

Over there / In the cold / Stands the hustler, / His eyes are old – 

He has seen a million ugly scenes, / Places where men droop with mould, 

The backrooms / Where soiled goods are sold, 

Seen with opened eyes since frail fifteen. 

He has found it hard at first / But on his brow there sits a curse 

For when the young must suffer / At the hands of men. 

marc almond: the hustler, 1986 

s Nachts im Bois de Boulogne. Vassili streift ziellos umher. Gerade 

hat ihn ein viel jüngerer Stricher von seiner Ecke an der Straße vertrieben. 

Einer wie Vassili ist nun mal schlecht für das Geschäft. Die 

Männer in den Autos suchen nach jungen, attraktiven Begleitern und 

nicht nach Typen, die vielleicht vor 15 Jahren einmal Könige in der 

Welt des schnellen, anonymen Sex’ waren. Aber Vassili hat eben nie 

den Absprung geschafft. Er lebt immer noch so wie am allerersten 

Tag, damals vor so vielen Jahren, als er in Paris angekommen ist und 

ihm, dem jungen Schwulen aus einem winzigen, viel zu engen Nest 

bei Grenoble, die Welt zu Füßen zu liegen schien. Mittlerweile dreht 

sich so leicht keiner mehr nach ihm um. Die Bewunderung ist aus den 

Blicken der anderen verschwunden. Nun registrieren sie ihn nur noch 

distanziert und fragend oder gleich spöttisch und verachtend. Die 

Jungen, die seine Söhne sein könnten, sehen in ihm höchstens noch 

ein abschreckendes Beispiel. So etwas darf ihnen nicht passieren. 

Also geht Vassili nun alleine mit sich und seinen Gedanken, seinen 

Erinnerungen und seiner Wut durch den Park. Nah am Wasser entdeckt 

er plötzlich im Gras einen bewusstlosen jungen Mann und holt 

ihn zurück ins Leben. „Bin ich tot?“, fragt der Fremde, als er die Augen 

wieder öffnet und in Vassilis leicht aufgedunsenes und schon ziemlich 

verlebtes Gesicht blickt. „Nein“, versichert ihm sein Retter. Aber der 

Tod wird trotz allem von nun an sein Begleiter sein. Zunächst will der 

Namenlose, der überfallen und wohl auch vergewaltigt wurde, Vassilis 

Hilfe nicht annehmen. Er setzt sich in einer Bushaltestelle auf eine 

Bank und will nur noch allein sein. 

Aber Vassili kann seine Augen nicht von dem blonden, aufreizend 

unschuldig wirkenden Jüngling nehmen. Von der anderen Straßenseite 

aus beobachtet er ihn und schreitet sofort ein, als ein Freier den 

Verletzten anspricht. Von diesem Moment an sind die beiden praktisch 

unzertrennlich. Noch in derselben Nacht wird Vassili seinen 

Schützling Angelo taufen. Zunächst hatte er es mit Ange und Angel 

versucht. Doch weder der eine noch der andere Name gefiel seinem 

Gast. Vielleicht waren sie diesem aus dem Nichts gekommenen, durch 

die Liebe Vassilis neugeborenen Engel zu offensichtlich und banal. In 

Angelo schwingen zumindest nicht nur die Erwartungen und Hoffnungen 

des Älteren mit. Dieser Name ist für den Fremden aus dem 

Park, der nicht ein einziges Wort über seine Vergangenheit verlieren 

wird, selbst eine Art Versprechen. Er hat etwas Exotisches an sich, ein 

Geheimnis, das nicht so ganz zu seinem Äußeren passen will. 

Eine Begegnung wie in einem Märchen ist dieses erste Zusammentreffen 

von Vassili und Angelo. Und so setzt sie Gaël Morel auch in 

Szene. Der Bois de Boulogne, diese Wildnis mitten in der Stadt, in der 

Nacht für Nacht die Hustler nach Freiern suchen, durch die aber auch 

homophobe Schläger marodieren, in der ein Leben kaum mehr wert ist 

als ein Blowjob, erscheint plötzlich in einem anderen Licht, verwandelt 

sich vom Straßenstrich in einen verwunschenen Märchenwald, in 

den ein Engel vom Himmel herabsteigen und ein schon vor langer Zeit 

gefallener Cherub noch einmal eine Chance bekommen kann. 

Morel nimmt das Wunder und Mysterium der Liebe genauso ernst 

wie die triste Wirklichkeit eines Lebens als alternder Stricher, in der 

Vassili zusammen mit Angelo in – wie er sagt – „unser Paradies“ entfliehen 

will. Wie dieses Paradies aussehen könnte, auch davon wird 

Morel später noch ganz ohne Kitsch erzählen. Sie finden es schließlich 

in den verschneiten Bergen und Wäldern rund um die Villa von 

Vassilis erstem Freier Victor. Für einige kostbare Momente, in denen 

die beiden ganz bei sich sind, taucht ihre bedingungslose, keine Grenzen 

akzeptierende Liebe die Welt in ein sanftes, beinahe goldenes 

Licht und transformiert sie. So könnte es vor dem Sündenfall, der bei 

Morel der Fall eines und damit aller Männer ist, gewesen sein. 

Doch das wiedergefundene, das selbst erschaffene Paradies hat 

keinen Bestand. Die Illusion muss zerplatzen, in einem anderen, 

neuen Sündenfall, den ein kleiner Junge, der auch Vassili heißt, mit 

ansieht. Das Paradies lässt sich nicht festhalten so wie die Zeit, die 

Vassili mit seiner Jagd nach bedeutungslosem Sex vergeudet und verloren 

hat, sich nicht wiederfinden lässt. Angelo, der Engel aus dem 

Bois de Boulogne, ist für ihn nun ein Versprechen auf eine zweite 

Jugend und auf ein Leben, das durch die Liebe doch noch einen Sinn 

erhält, das alles Gewesene, all das Dunkle und Kaputte, das Geld und 

die Gewalt transzendieren könnte. Doch die Wirklichkeit hat ihre 

eigenen Gesetze, an denen das Märchen nur zerbrechen kann. Und 

so verliert der alternde Hustler, der gelernt hat, seine Freier zu hassen, 

der sie nur mehr als Zerstörer der Liebe und Korrumpierer von 

Unschuld sehen kann, auch noch die ihm noch gebliebene Illusion 

über seine Vergangenheit. 

Lange galt in Vassilis Augen für Victor genau das, was Pierre Pruez 

in Avant que j’oublie, Jacques Nolots exquisitem Porträt des Gigolos 

als altem Mann, über einen seiner ersten Freier sagt: „Er war immer 

mein Vater, meine Mutter, meine Bank. Wie ein Elternteil, das du nur 

sehen willst, wenn die Dinge schlecht stehen.“ Doch dieser Vater in 

der Ferne, der ihm immer noch die Miete für sein Pariser Appartement 

zahlt, ist eben auch nur ein Mann wie alle anderen, denen er 

schon in einer Million hässlicher Szenen begegnet ist, ein Mann, der 

sich einen deutlich jüngeren Geliebten hält, der wiederum Ansprüche 

auf ihn erhebt. Damit ist das Idyll in den Bergen beschmutzt und die 

Katastrophe, auf die diese „Ballade von Vassili und Angelo“ schon von 

Anfang an zusteuert, unausweichlich. 

Aber nicht nur Vassili sucht nach einer verlorenen, einer ihm zwischen 

den Fingern davon geronnenen Zeit. Der Film selbst gleicht 

einer Beschwörung eines vergangenen oder zumindest aus der Mode 

gekommenen Kinos. Auf den ersten Blick könnte Unser Paradies mit 

seinem Hustler-Paar, das seine Freier für ihre Verderbtheit, ihre rein 

materialistische Vorstellung von Nähe und Sexualität richtet, die 

schwule Variante von Serienkiller-Pärchen à la California, Natural 

Born Killers oder auch Jean-Marc Barrs und Pascal Arnolds American 

Translation sein, in dem die amour fou zweier haltloser Twens in 

mehreren Morden an jungen Strichern kulminiert. 

EDITIoN SALZGEBEr 

6 7 

kino

kino kino 

Doch letzten Endes verbindet Morels Film 

kaum etwas mit diesem tief in der amerikanischen 

Popkultur des späten 20. Jahrhunderts 

verwurzelten Subgenre. Seine Ursprünge 

liegen viel eher im (französischen) Queer 

Cinema der 80er und 90er Jahre. Morel kehrt 

zurück zu den rauen, transgressiven Arbeiten 

von Filmemachern wie Patrice Chéreau und 

Cyril Collard. Von L’homme blesse über Wilde 

Nächte und Vincent Ravalecs ekstatischem 

Filmpoem Portrait des hommes qui se branlent 

scheint praktisch eine direkte Linie zu Unser 

Paradies zu führen, der angesichts der Radikalität 

und Intensität seiner ungeschminkten 

Bilder und Szenen aus dem Leben zweier 

Hustler aus einer anderen Zeit zu stammen 

scheint. Die Reise der vorbehaltlos Liebenden 

in Richtung Paradies ist eben auch eine Reise 

in die Vergangenheit, in die Zeit, in der Vassili 

noch jung und unwiderstehlich war. 

Doch die Uhr lässt sich nicht zurück drehen, 

weder von zwei gestürzten Engeln noch 

von einem Filmemacher, der sie auf diesen 

vergeblichen Trip schickt. Davon zeugen 

alleine schon Stéphane Rideaus Körper und 

Gesicht. In seinen Augen ist immer noch 

etwas zu erkennen von dem umwerfenden 

jungen Mann aus André Téchinés Wilde 

Herzen, in den man sich einfach verlieben 

musste. Aber von seinem spektakulären 

Körper ist nur noch eine Ahnung geblieben. 

Gleich in der ersten Szene sitzt er nahezu 

unbeweglich auf der Couch eines wohlhabenden 

Freiers und versucht nicht einmal, 

den Bauchansatz zu verstecken. In seinen 

Anzeigen, im Internet und am Telefon lügt 

dieser Vassili dreist, wenn es um sein Alter 

und sein Aussehen geht. Anders könnte er 

auch kaum noch Kunden finden. Ist er aber 

erst einmal bei ihnen, stellt er den Niedergang 

seines Körpers ebenso schamlos aus. 

Alles an diesem in die Jahre gekommenen 

rent boy verkündet den Männern, die ihre 

eigene Jugend noch einmal heraufbeschwören 

wollen, in dem sie möglichst junge und 

schöne Männer für Sex bezahlen: Auch ihr 

seid alt und hässlich, akzeptiert den Lauf der 

Zeit. Doch das können sie nicht, und so greift 

er zur nächstbesten Waffe. Den ersten Klienten, 

der selbstvergessen zu Roy Orbisons 

„In Dreams“ tanzt und gar nicht aufhören 

kann, auf Vassili einzureden, will er mit dem 

Stromkabel eines Plattenspielers erwürgen. 

Einen erschlägt er, und wieder einen anderen 

ersticht er in dessen Badewanne und lässt 

ihn dort in einer Pose zurück, die deutlich an 

Jacques-Louis Davids Gemälde „Der Tod des 

Marat“ erinnert. Nur liegt er vor einer Wand 

aus Panoramafenstern, die den Blick auf ein 

nächtliches Schneetreiben freigibt. 

In diesem Blick ins vom Schnee erhellte 

Dunkel schwingt noch ein anderes Bild mit. 

In André Téchinés Ich küsse nicht stehen an 

einem Weihnachtsabend der aus der Provinz 

nach Paris geflohene Pierre Lacaze und der 

erfolgreiche Fernsehproduzent und -Moderator 

Romain an einem Fenster hoch über 

der Stadt und betrachten den Schnee, der 

sanft auf die Straßen nieder rieselt. Pierre 

und Romain sind das Paar, das in Téchinés 

kristalliner Verfilmung von Jacques Nolots 

Drehbuch nie zusammenkommt. Selbst als 

Pierre seine Hemmungen überfunden hat 

und im Bois de Boulogne, in den es Romain 

trotz seiner Berühmtheit immer wieder 

zieht, anschaffen geht, versteckt er sich 

sofort, wenn er den älteren Mann sieht. Er 

entzieht sich konsequent der Möglichkeit, 

in Romain seinen Vater, seine Mutter, seine 

Bank zu sehen, und wird dafür einen hohen 

Preis zahlen. Wohin sein Weg führt, lassen 

Téchiné und Nolot offen, wobei dessen 

eigene Trilogie, L’arrière pays, La Chatte à 

deux têtes und Avant que j’oublie, sich durchaus 

auch als Fortschreibung von Pierres 

Geschichte lesen lässt. 

Vor diesem Hintergrund eröffnet sich 

noch einmal eine andere Facette in Morels 

lyrischem Märchen von Eros und Thanatos. 

Zusammen mit UIch küsse nicht und Avant 

que j’oublie bildet Unser Paradies eine Art 

von Dreieck, das verschiedene Möglichkeiten 

einer Biografie vermisst und durchspielt. 

Gemeinsam zeichnen sie das Bild eines Stri- 

chers und Gigolos als filmisches Triptychon, 

ein Panorama eines Lebens am Rand. Im 

Zentrum stände dabei Téchinés Bildnis eines 

jungen Mannes, der keinerlei Emotionen an 

sich heran lässt, nur um schließlich einer 

Prostituierten zu verfallen, die sein Spiegelbild 

sein könnte. Die Seitenflügel offenbaren 

Varianten seines Weges und ergänzen sich 

dabei auf eine geradezu unheimliche Weise. 

Nolots Pierre Pruez phantasiert einmal 

über Pasolinis Ende am Strand von Ostia und 

sagt zu einem alten Freund: „Pasolini muss 

Angst gehabt haben. Dennoch, es war ein 

schöner Tod.“ Und eben den sucht – zumindest 

wäre das eine Deutung der irritierenden, 

von Klängen aus dem ersten Satz von 

Mahlers Dritter Symphonie begleiteten und 

in einer Schwarzblende gipfelnden Schlussszene 

– Pierre schließlich selbst. Morel wirft 

mit Unser Paradies einen Blick auf die andere 

Seite: Der alt gewordene Freier, für den es 

letztlich nur noch den Tod gibt, braucht den 

zum Mörder gewordenen Stricher. Ihre Wege 

müssen sich kreuzen und kommen damit zum 

Ziel. Der tief gestürzte Cherub Vassili ist auch 

ein Engel des Todes. Seine große, von einer 

göttlichen Unschuld erfüllte Liebe zu Angelo 

ist die andere Seite des tödlichen, von gegenseitiger 

Schuld geprägten Hasses auf seine 

Opfer. Dieser Nachtseite seiner Existenz 

entflieht Vassili in den gemeinsamen Traum 

mit Angelo, seinem Engel des Lichts. „Only 

in dreams you can live for real“, singt Roy 

Orbison und verspricht damit den verzweifelten 

Liebenden ihr Paradies, einen Ort, wo 

sie nichts trennen oder zerstören kann, weder 

irgendein Freier noch die Polizei. s 

unser Paradies 

von Gaël Morel 

FR 2011, 100 Minuten, 

französische OF mit dt. UT 

Edition Salzgeber, www.salzgeber.de 

Im Kino 

G-Filmnacht im März 

www.gay-filmnacht.de 

Kinostart: 12. April 2012 

EDITIoN SALZGEBEr (2) 

„DAS SinD 

echte helDen“ 

IntervIeW: thomaS abeltShauSer 

Gaël Morel über seinen neuen Film. und über Schwule als 

knuffige Haustiere, die Schwulenikone Stéphane rideau und 

seine Filmfamilie, zu der auch regisseur Christophe Honoré 

(siehe Seite 25) gehört. 

sissy: „Unser Paradies“ mit seinen schwulen Antihelden erinnert an 

das amerikanische New Queer Cinema Anfang der Neunziger Jahre. 

War das ein bewusster Bezugspunkt? 

gaël Morel: Ich war es einfach leid, all diese völlig flachen französischen 

Filme zu sehen, die aussehen wie Fernsehfilme, die Samstagabend 

auf den Öffentlich-Rechtlichen laufen. Und dann nennt sich 

das auch noch Autorenfilm! Dagegen wollte ich aufbegehren. Ich 

wollte einen schwierigen, radikalen Film machen. Aber bewusst 

beziehe ich mich nicht auf andere Filme, ich zeige einfach eine Welt, 

die ich kenne. Französische Filme sind traditionell oft sehr naturalistisch 

und psychologiebetont und es wird gerne von der Gesellschaft 

geredet. Und das aus einer ästhetischen Perspektive, die mir sehr 

unpersönlich vorkommt. Ich dagegen wollte das Düstere betonen. 

Aber mit dem Begriff Antiheld kann ich nicht viel anfangen. Nehmen 

Sie die Figuren, die Charlie Chaplin in den Zwanzigern spielte oder 

Marlon Brando in den Fünfzigern. Das waren auch keine Helden im 

herkömmlichen Sinne. Ich habe an solche Charaktere gedacht. Es 

ist doch eine Wohltat, einmal ein schwules Liebespaar auf der Leinwand 

zu sehen, das Straftaten begeht! Sonst werden Schwule immer 

nur als beste Freunde irgendwelcher Teeniegören oder als knuffige 

Haustiere dargestellt. Das interessiert doch keinen. Als ich jung war, 

wollte ich auch lieber River Phoenix und Keanu Reeves in My Own 

Private Idaho oder Marlon Brando in Die Faust im Nacken sehen als 

irgendwelche schwulen Abziehbilder in x-beliebigen Coming-out- 

Komödien. Für mich sind diese Figuren echte Helden. 

Außer Angelo haben in Ihrem Film im Grunde alle Probleme mit dem 

Älter werden. Beschreiben Sie damit ein gesellschaftliches Phänomen 

oder treibt Sie das auch persönlich um? 

Beides. Älter werden wir alle. Aber wir Schwule haben damit vielleicht 

noch mehr zu kämpfen. Als älterer Hetero wird man für viele 

Frauen ja erst richtig interessant. Bei Schwulen zählt dann doch eher 

das Aussehen. Wie nett oder klug jemand ist, tut weniger zur Sache. 

Da herrscht ein Anspruchsdenken, was körperliche Attraktivität und 

Jugend angeht, das man kaum erfüllen kann. Man begehrt und verachtet 

es zugleich. 

Sie selbst haben bereits 1994 mit Stéphane Rideau in André Techinés 

„Wilde Herzen“ vor der Kamera gestanden und seitdem immer wieder 

mit ihm gedreht. Was ist für Sie das besondere an ihm? Und wie haben 

Sie ihn überzeugt, doch wieder eine schwule Rolle zu spielen? 

Er ist einfach ein sehr mutiger Schauspieler, mit dem ich gerne zusammenarbeite. 

Er ist in der französischen Filmbranche eine einzigartige 

Erscheinung, alleine schon was seine körperliche Präsenz angeht. Er 

ist sehr frei und aufgeschlossen und hat keine Angst vor Herausforderungen. 

Ja, es ist eine Schwulenrolle, aber genau damit wollte er auch 

brechen. Durch Filme wie Sommer wie Winter … wurde er weltweit 

zur Schwulenikone und Objekt der Begierde für Tausende Schwule. 

Die Rolle des Vassili gab ihm die Chance, sich neu zu positionieren. 

Es geht dabei weniger darum, wieder einen Schwulen zu spielen, sondern 

sich auch in seiner körperlichen Reife als Mann Mitte Dreißig 

mit Bart und Bauch zu präsentieren. 

Im Abspann des Films danken Sie Christophe Honoré. Was verbindet Sie? 

Christophe gehört definitiv zu den französischen Regisseuren, die 

ich am meisten schätze. Ich finde seine Filme interessant und überraschend. 

Wir arbeiten schon lange zusammen, ich war bereits bei 

seinem ersten Kurzfilm vor zehn Jahren dabei. Er hat mir dann bei 

Après lui und Brüder Liebe geholfen. Er ist für mich Filmemacher und 

Freund. Es ist uns beiden wichtig, dass wir nicht allein dastehen in 

dieser Branche, wir bilden eine Art Filmfamilie. Dabei ähneln sich 

unsere Filme noch nicht einmal, aber wir schätzen, was der jeweils 

andere macht. Und wir würden auch gerne einen gemeinsamen Film 

machen. 

Für Honoré ist auch relevant, dass Sie beide aus der Provinz stammen. 

Sehen Sie das ebenso? 

Mit Sicherheit. Wenn man aus der Provinz nach Paris kommt, geht es 

darum, die fremde Stadt zu erobern, sie sich anzueignen. Und viele, 

die in Paris geboren wurden, sehen die Besonderheiten dieser Stadt 

gar nicht. Das verbindet uns. Eine andere Gemeinsamkeit ist sicherlich 

unsere Radikalität und unser Anspruch, auch wenn unsere Filme 

grundverschieden sind. Und noch etwas verbindet uns: das enge Verhältnis 

zum geschriebenen Wort. Wie ich schreibt Christophe seine 

Drehbücher selbst und wir lesen gegenseitig unsere Texte. Christophe 

ist mein erster Leser und mein erster Zuschauer. Er gibt Ratschläge 

und kritisiert ohne jede Herablassung. Das weiß ich sehr zu 

schätzen. s 

Sommer wie Winter … 

von Sébastien Lifshitz 


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Auf DvD bei der Edition 

Salzgeber, www.salzgeber.de 

Full Speed 

von Gaël Morel 



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www.pro-fun.de 

Brüderliebe 

von Sébastien Lifshitz 





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EDITIoN SALZGEBEr

kino 

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EDITIoN SALZGEBEr AnDeRe 

umStänDe 

von maIke Schultz 

kino 

Das heimische Wohnzimmer als Schutzraum: „Sharayet – Eine 

Liebe in Teheran“ erzählt von einer Beziehung in den Zwängen 

des Mullah-regimes. Das Spielfilm-Debüt von Maryam 

Keshavarz gewann den Publikumspreis beim Sundance 

Festival, läuft im März in der L-Filmnacht und kommt am 24. 

Mai ins Kino. 

s Der Übergang ist fließend. Die beiden Mädchen lachen und weinen 

zusammen, umarmen sich auf dem Schulhof, gehen mit, wenn die 

Lehrerin eine von ihnen ausschimpft. Sie tuscheln, rauchen und rangeln 

miteinander. Und dann, eines Nachts, wandert eine Hand unter 

das Nachthemd der Anderen. Ganz selbstverständlich, so als hätte sie 

nie etwas anderes getan. 

Kein Schlüsselerlebnis, kein sexuelles Erwachen findet statt in 

Sharayet – Eine Liebe in Teheran. Weil das, worum es geht, schon die 

ganze Zeit da war: Nicht nur Freundinnen, sondern Liebende sehen 

wir hier flirten und herumtollen. Von Anfang an werfen sich Shirin 

und Atafeh Blicke zu, die selbst der Mutter nicht entgehen können. 

„Sharayet“ heißt „Lebensumstand“. Muss man sein Leben den 

Umständen anpassen, die der Geburtsort einem vorgibt – mit all 

dessen gesellschaftlichen und politischen Zwängen? Oder siegt der 

Wunsch nach Freiheit über die Angst, letztlich auch die familiäre 

Bindung aufzugeben? Für die beiden Schülerinnen Shirin und Atafeh 

stellt sich diese Frage zunächst gar nicht. In der liberalen Teheraner 

Oberschicht aufgewachsen, leben sie in einer Art Grauzone: Nach 

außen hin passen sie sich den strengen Vorsätzen des öffentlichen 

Lebens an, doch im Untergrund tanzen sie mit anderen Jugendlichen 

auf illegalen Techno-Partys, sprühen Graffiti und träumen von einer 

Popkarriere im Ausland. 

Die US-amerikanisch-iranische Regisseurin Maryam Keshavarz 

porträtiert in ihrem Spielfilm-Debüt den privilegierten iranischen 

Mittelstand. Viele Vertreter dieses gebildeten Bürgertums verteidigen 

ihre private Freiheit mit öffentlicher Anpassung und Geld: In 

Atafehs Wohnzimmer herrschen weder Kopftuchzwang noch die 

Gebetsriten des Islam. Und wenn sie doch einmal von der Moralpolizei 

erwischt wird, reicht meist ein Bündel Scheine vom Vater, um 

deren Schweigen zu erkaufen. 

Für die Tochter und ihre beste Freundin bildet dieses Umfeld der 

Liebe und Akzeptanz einen Schutzraum, in dem sie sich sicher fühlen. 

Wie brüchig die Zuflucht ist, zeigt Atafehs Bruder Mehran: Seine 

Exzesse und Eskapaden wider die Konvention haben ihn zu einem 

Drogensüchtigen gemacht, der nach einem Entzug nun ausgerechnet 

im Glauben Halt findet. Immer radikaler wandeln sich seine Ansichten 

und irritieren selbst seine durchaus kritischen Angehörigen. 

Keshavarz’ fiktive Charaktere agieren in einem Spannungsfeld, 

das angesichts der aktuellen Debatten um das Atomprogramm des 

iranischen Präsidenten Ahmadinedschad schon beinahe in Vergessenheit 

geraten ist. Im Juni 2009 wurden Tausende Iranerinnen 

und Iraner von der so genannten „Grünen Revolution“ erfasst und 

protestierten auf den Straßen Teherans: Sie warfen dem Regime vor, 

die Wahlergebnisse gefälscht zu haben. Die Mullahs reagierten mit 

11

kino kino 

Härte auf die Demonstranten. Es gab zahlreiche 

Opfer wie die Studentin Neda Soltani, 

die durch ihren gewaltsamen Tod zur 

Ikone der iranischen Widerstandsbewegung 

wurde. Ein konkretes Ergebnis der Proteste 

blieb jedoch aus. Wohl auch, weil die Opposition 

so heterogen ist: Viele sind gegen einen 

islamischen Gottesstaat, wollen aber auch 

kein System nach westlichem Vorbild. 

Shirin und Atafeh wünschen sich das 

durchaus. Sie vertreten eine Generation junger 

Menschen, die sich die Regeln nicht mehr 

von Mullahs diktieren lassen wollen. „Ihr 

habt uns das doch erst eingebrockt mit eurer 

Revolution“, macht Shirin ihren Vater im 

Streit für die eigene Revolte verantwortlich. 

Gemeint ist jener Aufstand gegen die Monarchie, 

der 1979 zur Errichtung eines islamischen 

Staates geführt hatte. Erst danach 

wurden die Frauenrechte so stark beschnitten, 

wie Atafeh es nun täglich zu spüren 

bekommt. Nicht einmal alleine Taxi fahren 

kann sie, ohne gleich für eine Prostituierte 

gehalten zu werden. 

Mit ihrer rebellischen Art erinnert sie 

an eine andere berühmte Figur aus Teheran: 

Die Comic-Heldin in Marjane Satrapis autobiografischer 

Erzählung Persepolis. Auch sie 

erzählt von den Umbrüchen der Islamischen 

Revolution. Und genau wie Satrapi ist auch 

Keshavarz zwischen den Welten aufgewachsen. 

Die Schulzeit verbrachte sie in New York, 

die Sommermonate in Shiraz. Das Drehbuch 

zu Sharayet entwickelte sie aus dieser Erfahrung, 

orientierte sich bei ihren Figuren an 

eigenen Bekannten und ließ sie von einem 

Schauspieler-Ensemble verkörpern, das nur 

aus Emigrierten besteht. 

In Sharayet ist es Atafehs Cousin Hossein, 

der in Amerika studiert hat und nun 

mit Befremden auf die eigene Heimat schaut. 

Mit seinen Freunden will er den Film Milk 

synchronisieren, der als Hollywood-Porträt 

eines schwulen Bürgermeisters in Teheran 

nur unter der Ladentheke verkauft wird 

– vor allem aber will Hossein damit „eine 

ernsthafte Diskussion entfachen“. „Politik 

hat wenig Romantisches“, entgegnet 

ihm eine desillusionierte Shirin. Als Kind 

zweier Gelehrter, die wegen revolutionärer 

Schriften zum Tode verurteilt wurden, steht 

sie unter besonderer Beobachtung. Shirin 

wächst bei ihrem Onkel auf, der sie so schnell 

wie möglich verheiraten will. Sie ist diejenige, 

die immer wieder vom Auswandern 

spricht. Und doch ist es auch ausgerechnet 

sie, die sich letztlich am schwersten aus der 

Bindung ihrer Ersatzfamilie, nämlich der 

von Atafeh, lösen kann – vielleicht, weil sie 

diese nicht noch einmal verlieren will. 

Um ihrer Geliebten nahe zu sein, gibt 

sie dem Werben von Atafehs Bruder Mehrat 

nach. „Ich habe das nur für dich getan“, 

erklärt sie der sichtlich leidenden Schwester 

12 

ihre Entscheidung. Für Shirin ist auch dieser 

Übergang fließend, denn an ihren heimlichen 

nächtlichen Besuchen hat sich nichts 

geändert. Ihre Ehe ist eine Farce, eine weitere 

öffentliche Anpassung, um ihr Privatleben 

zu schützen. Doch mit dem drängenden 

Gatten ist auch die Leichtigkeit aus diesem 

Mikrokosmos gewichen. Und umso schwerer 

fällt es den Frauen, den Druck von außen 

fernzuhalten. 

Ob sie streiten, warten oder einsam ins 

Leere starren – immer wieder sehen wir die 

Darsteller in den körnigen Aufnahmen einer 

Überwachungskamera. Was zunächst wie 

ein Regie-Stilmittel wirkt, das die Kontrolle 

durch den Staat visualisieren soll, entpuppt 

sich jedoch als realer Beobachtungsapparat. 

Längst hat das Regime die Familie in Gestalt 

eines religiösen Fundamentalisten unterwandert. 

Es ist Mehran, der sich an seinem 

Computer in Atafehs Schlafzimmer klickt. 

Wie aus diesem vertrauten, am eigenen 

Freiheitsstreben gescheiterten Bruder ein 

Bösewicht und Konkurrent um die große 

Liebe wird, ist sicher eine der interessantesten 

Wendungen des Films. Niemand kann 

darin der Zerstörung entkommen, auch 

nicht der Intrigant selbst. Sehenden Auges 

läuft Mehrat in sein Unglück mit einer Frau, 

die auch patriarchalisches Machtgehabe 

nicht umpolen kann. Und sitzt mit in der 

Falle, die er selbst gebaut hat. „Ich hoffe, der 

Zuschauer hat genauso viel Mitleid für den 

Gefängniswärter wie für den Inhaftierten“, 

sagt Maryam Keshavarz über diese Parabel, 

die ihr ihm beim Sundance Film Festival 

2010 zurecht den Publikumspreis einbrachte. 

Die Problematisierung von Homosexualität 

ist darin nur ein Aspekt der Sehnsucht 

nach einem selbstbestimmten Leben. Für sie 

findet Keshavarz viele Projektionsflächen: 

Hollywood etwa, auf das die Jugendlichen 

mit hartem Alkohol anstoßen, dessen Filme 

sie bewundern und dessen Traumbilder Pate 

standen für eine erotische Fantasie, in der 


Shirin und Atafeh sich in einer Villa am Meer 

lieben. 

Dabei bleiben die beiden stets in ihrer 

Kultur verhaftet. In ihren tatsächlichen 

Fluchtplänen ist das Ziel weit weniger westlich, 

sexuelle Unabhängigkeit glauben sie 

auch im vermeintlich weltoffenen Dubai zu 

finden. Die eine als glitzernder, singender 

Bauchtanzstar, die andere als ihre Managerin 

in dunklen Nachtclubs. Selbst ein Emirat, 

in dem Schwule und Lesben mit Haftstrafen 

und Ausweisung rechnen müssen, erscheint 

den Iranerinnen schon als paradiesische Verbesserung. 

In ihren Tagträumen können sie sich 

auflösen, frei sein – und immer wieder in der 

Musik. In Sharayet fungiert sie als eine Art 

Geigerzähler der Emotionen. Traditionelle 

arabische Weisen, wie sie Shirins Familie an 

gesellschaftlichen Abenden anzustimmen 

pflegt (auch die Frauen, die das öffentlich 

nicht dürfen); der iranische HipHop im Autoradio 

der Taxifahrer; die TV-Castingshow, 

in der die Kandidatin „Total Eclipse of The 

Heart“ singt; Atafehs Eifersuchts-Amokfahrt, 

begleitet von Le Tigres „Deceptacon“. 

All das sind Puzzleteile einer Protestkultur, 

die sich gegen ein permanentes Klima 

der Bedrohung, harten Strafen und Unterdrückung 

richtet. Seit einem Jahr flimmert 

sie uns wieder auf den Fernsehbildschirmen 

entgegen, blutig, verbreitet sich dank sozialer 

Netzwerke über das Internet und stürzt 

in anderen Ländern bereits Diktatoren: Als 

Motor der Arabellion. s 

Sharayet – eine liebe in Teheran 

von Maryam Keshavarz 

USA/F/IRA 2010, 105 Minuten, 

farsische OF mit dt. UT 


Im Kino 

L-Filmnacht im März 

www.l-filmnacht.de 

Kinostart: 24. Mai 2012 

Persepolis 

von Vincent Paronnaud 

und Marjane Satrapi 


französische OF, deutsche SF 

Auf DvD bei Universal/Prokino, 

www.uphe.de 

13 

Gute Filme. 

Neu auf DVD! 

Überall im Handel und auf www.goodmovies.de 

Weekend 

Russell lernt eines Tages 

Glen kennen. Nach zwei 

gemeinsamen Nächten merkt 

Russell: er hat sich verliebt in 

einen, der Liebe nicht braucht, 

nicht will und obendrein das 

Land verlassen wird. Zumindest 

seine Liebe gestehen 

will er, und trifft Glen am 

nächsten Tag am Bahnhof… 

Mein Sommer 

mit Mario 

Zwei Kinder, ein Mädchen 

und ein Junge, während eines 

gemeinsamen Sommers: 

Jorgelina lernt Mario kennen, 

mit dem sie durch die Gegend 

streift und die freie Zeit genießt. 

Plötzlich jedoch merkt 

sie, dass bei Mario manches 

anders ist als bei den 

anderen Jungen… 

Gianni und die Frauen 

Frührentner Gianni lebt 

seine Tage im schönen Rom 

im immergleichen Trott von 

Besorgungen und Gefälligkeiten 

für andere. Bis ihm 

plötzlich eines Tages ein 

Freund die Augen öffnet: 

Auch in seinem Alter gibt es 

genug attraktive Frauen, 

Zeit für Spaß, Sex… 

Das lässt sich Gianni nicht 

zwei Mal sagen und macht 

sich daran, sein Leben 

zu ändern!

kino 

14 


texAS 

liegt Am 

meeR 

von paul Schulz 

Bavo Defurne hat zehn jahre gebraucht, um mit „Nordzee, 

Texas“ seinen ersten Spielfilm fertigzustellen. Das Warten hat 

sich gelohnt, denn die zarte Geschichte über die erste Liebe 

von zwei jungen ist ein echter Kinotraum geworden. Kinostart 

ist am 10. Mai, im April kann man ihn bereits in der Gay- 

Filmnacht träumen. 

kino 

s „Über Filme zu sprechen heißt über Träume zu sprechen, weil 

beide so viel gemein haben: Jahre vergehen in Sekunden und man 

springt räumlich frei assoziierend von einem Ort zum anderen. Beide 

sprechen in Bildern zu uns. Und in wirklich guten Filmen hat, genau 

wie in Träumen, jeder Gegenstand und jeder Lichtstrahl eine Bedeutung“, 

behauptet Fellini. Der gute Federico. Der eitle Fatzke. Darunter 

macht er es nicht: Das Kino, ein Traum. Er, ein Träumer für die Welt. 

Bavo Defurne hängt sein Licht da ein bisschen tiefer: „Ich mag 

Dialoge nicht besonders, weil ich in Bildern denke. Deswegen wird 

in meinen Filmen wenig gesprochen. Wenn ihnen deswegen eine 

traumhafte Qualität zugesprochen wird, freut mich das. Aber ich 

kann gar nicht anders.“ So geht es auch: Der Filmemacher als ein in 

seiner Ästhetik beschränkter Bilderbauer. Dabei hätte Defurne so viel 

Bescheidenheit gar nicht nötig. Er ist erst knapp 40 und wird doch 

jetzt schon weltweit gefeiert. Der junge Meister hat nach neun Kurzfilmen 

in zehn Jahren weitere zehn Jahre gebraucht um seinen ersten 

Spielfilm Noordzee, Texas fertig zu stellen. Seit 2000 hat er daran 

gearbeitet. Und es hat sich gelohnt. Bavos erster langer ist ein wunderbarer 

Film geworden, was nicht überrascht, kennt man sein Werk. 

Denn wenn man Fellinis Traumthese ernst nimmt, gibt es derzeit 

kaum einen größeren und besseren Träumer als Defurne im europäischen 

Kino: Farben, Licht, Stimmungen, Blicke, daraus baut er, seit er 

Anfang Zwanzig ist, eine ganz eigene, immer größer werdende Welt, 

die Zuschauern doch merkwürdig vertraut ist, weil sie den nächtlichen 

Bildern in ihrem Kopf nicht unähnlich ist. Und weil sie einen 

genauso anfasst. 

Das Grundgefühl in Defurnes Werk ist, auch wenn er das vielleicht 

nicht gerne hört, der Wunsch danach, die Welt durch Liebe 

zu heilen. Es geht immer um Schmerz und die Möglichkeit, dass er 

irgendwann aufhört, um Sehnsucht und den Wunsch danach, dass 

sie gestillt werden möge, um Schönheit und die wahnwitzige Vorstellung, 

sie könnte von Dauer sein. Schwule Träume eben. Ein großer 

Künstler ist er, weil er ein großartiger Querdenker ist und seine technischen 

Limitierungen zu filmischen Möglichkeiten macht: Wenn 

er sich kein anständiges Mikrofon leisten kann, wird dann eben gar 

nicht gesprochen, wenn man kein Geld für Schauspieler hat, arbeitet 

man mit talentierten Laien, wenn man alles an einem Film selber 

15

kino kino 

machen muss, entwickelt man „eine erotische Beziehung zum Filmmaterial, 

dessen Handhabung auch erregen kann.“ Er ist nicht mit 

Absicht kompromisslos, er kann einfach nicht anders. 

Federico weiß: „Es geht bei Film nicht so sehr um metaphysische 

Dinge wie Inspiration oder einen Kunstbegriff, es geht um Handwerk. 

Was wir erzählen, ist weniger entscheidend als das Wie. Ein Filmemacher 

muss sein Medium beherrschen, nicht umgekehrt.“ Jaja. So kann 

man vielleicht daherreden, wenn einem ganz Cinecittà zur Verfügung 

steht und die Welt einen mit Geld bewirft, sobald man ein Exposé fertig 

hat. Wenn man, wie Defurne, in Belgien Filme macht, muss man 

sich bescheiden. „Die Finanzierung für dieses Projekt auf die Beine zu 

stellen hat viele Jahre gedauert. Schließlich ist es mein erster langer 

Film. Und der Casting-Prozess war anstrengend, weil es erstens nur 

wenige Schauspieler gab, die überhaupt für die beiden Hauptrollen in 

Frage kamen und von denen dann wiederum viele diese Rollen nicht 

spielen wollten oder durften. Es gab einen Jungen, dem sein Vater 

gesagt hat, er dürfe keine anderen Jungen küssen, nicht mal für einen 

Film.“ Sowas passiert 2010 in einem der liberalsten Länder Europas. 

Man stelle sich vor, Giulietta Masinas Vater hätte ihr gesagt, sie dürfe 

nicht in La Strada mitspielen, weil sie sich dabei dreckig macht. Das 

ist nicht lustig. 

Geküsst wird jetzt in Noordzee, Texas aber trotzdem, Jungs küssen 

andere Jungs, und zwar reichlich. Eines von Defurnes Dauerthemen 

ist, wie ganz junge Männer ihre Sexualität entdecken. Das hat er 

mit anderen Filmemachern wie Gregg Araki gemeinsam. Im Gegensatz 

zu Araki geht es aber nicht um Sexualität als entspannte Freizeitgestaltung. 

Bei Defurne riskiert man immer gleich das Kippen der 

Welt, das ein Kuss mit sich bringen kann. Man ist ein anderer danach, 

für sich und oft auch für die anderen. Die Welt, die in Noordzee, Texas 

kippt, ist die von Pim, der mit seiner Mutter Yvette in einem windschiefen 

Haus in einem kleinen Ort an der Nordseeküste wohnt, demselben 

Kaff, in dem auch Defurne aufgewachsen ist. Yvette ist Akkordeonspielerin 

und benimmt sich wenig mütterlich. „Willst du wieder 

die ganze Nacht zeichnen? Normale Jungs sind in deinem Alter mit 

ihren Freunden unterwegs!“, belehrt sie ihren 15-jährigen, strohblonden 

Sohn. „Und normale Frauen schlagen sich in deinem Alter nicht 

mehr die Nächte in Kneipen um die Ohren“, antwortet der Sohn. 

Yvette ist eine fröhliche Schlampe. Und laut. Vielleicht ist ihr Kind 

deswegen so still. Sein bester Freund ist drei Jahre älter, heißt Gino 

und ist genau so, wie man sich jemanden vorstellt, der Gino heißt: 

Wildes schwarzes Haar über glühenden Augen, Lederjacke, Motorrad, 

kranke Mutter, die er sehr liebt, um die er sich aber wenig kümmert. 

Außerdem hat er eine Schwester, Sabrina. Sie ist ziemlich in Pim 

verliebt. Der merkt davon nichts, denn er hat nur Gino im Kopf, und 

wenn sie nachts im Zelt am Strand alleine sind oder mit dem Motorrad 

an einen abgelegenen Küstenstreifen fahren, hat er Gino auch noch 

ganz woanders. Jelle Florizone als Pim und Mathias Vergels als Gino 

sind ein hinreißendes Paar und Defurne gestattet ihnen nach allerlei 

Scherereien (eine Mutter rennt mit einem jungen Mann vom Rummelplatz 

weg, die andere stirbt, Gino hat zwischendurch eine Freundin, 

etc.) sogar ein angedeutetes Happy End. Was eher untypisch für ihn 

ist und daran liegen mag, dass er sich Noordzee, Texas nicht alleine 

ausgedacht hat. Der Film basiert auf dem Jugendbuch „Nooit gaat dit 

over“ von André Sollie. „Ich wollte diesen Film unbedingt machen, 

nachdem ich das Buch gefunden hatte. Und dazu gehörte auch das 

Ende. Ich finde es gut, dass es zum Schluss Licht am Ende des Tunnels 

gibt und man zwar im Zweifel, aber hoffnungsfroh entlassen 

wird“, erklärt Defurne in Interviews. 

Er wird eben auch älter und vielleicht auch ein bisschen glücklicher. 

Oder schlicht selbstbewusster. Denn Noordzee, Texas hält, was 

seine Kurzfilme seit vielen Jahren versprechen: Hier findet jemand zu 

seinem ganz eigenen Stil. Wo der Auteur in seinen Kurzfilmen noch 

Anleihen bei so unterschiedlichen Vorbildern wie Dreyer, Eisenstein, 

Leni Riefenstahl oder dem Fotografenpaar Pierre et Gilles erkennen 

ließ, mit denen er lustvoll spielte, ist sein erster Spielfilm nun ein in 

sich geschlossenes ästhetisches Universum, das eine völlig originäre 

Sprache hat. Deren Quelle ist eine gewisse Zeitlosigkeit. Von Kostümen 

über die Frisuren und Orte bis zum Licht ist man sich nie sicher, 

in welchem Jahr der Film denn nun spielt, Anfang der 70er, heute, 

irgendwo dazwischen? Ein gewollter Kunstgriff. „Wir haben nicht 

versucht, den Film zeitlich genau zu verorten, sondern uns eher überlegt, 

was man heute noch tragen, sagen oder tun würde.“ Der Effekt 

ist berauschend: Als Zuschauer betritt man eine Welt, in der zwar 

Referenzen an eine bestimmte Periode auftauchen, ist aber bei den 

Konflikten der Figuren immer hautnah dabei, weil man sie eben nicht 

historisieren und so von sich wegschieben kann. „Unsere Jungend, 

irgendwann in den letzten Jahren“, so beschreibt es Defurne selbst. Der Film scheint aus der 

Zeit gefallen und an jedem Ort, an dem es Meer gibt, spielen zu können. Wie in Träumen oder 

im Märchen, aber eben so, dass man nicht umhin kommt, die Parabel auch auf sich zu beziehen. 

Noordzee, Texas ist nicht Die fabelhafte Welt der Amélie, aber schon eher dem französisch 

magischen Realismus verhaftet als deutschen Sozialdramen, in denen nicht weniger, aber viel 

ernsthafter geschwiegen wird. 

Das ist bei Defurne immer so, weil all seine Protagonisten, vom heiligen Sebastian zu jungen 

Männern an Lagerfeuern, diese lose Perspektive zulassen. Schließlich befinden sich alle 

seine Charaktere auf einem Gleis irgendwo zwischen kindlicher Naivität und dem Ernst des 

Lebens. Dem Ort also, wo wir darauf hoffen, dass irgendjemand, zum Beispiel wir selbst, am 

richtigen Hebel zieht und es dann ab geht in eine schönere Zukunft, von der aus wir gelassen 

und voller sentimentaler Erinnerung auf die Zeit zurückblicken können, in der wir uns gerade 

befinden. 

Was nicht heißen muss, wir hätten gerade keinen Spaß. Defurne versteht es wie viele 

große schwule Regisseure vor ihm, seine schwebende Weltsicht durch seine Frauenfiguren 

zu verankern. Wie die wunderbare Eva van der Gucht ihre gesamte, beachtliche Körperlichkeit 

benutzt, um Pims Mutter Yvette eben nicht zu einem Monster zu machen, das 

letztendlich ihr Kind sitzen lässt, sondern zu einer Frau, die so viel mehr vorhat, als zu Hause 

herumzusitzen und auf den Tod zu warten, wie Katelijne Damen als Ginos Mutter Marcella 

ihr immer kleiner werdendes Lebenslicht nur aus ihren müden Augen hell scheinen lässt, 

wie Nina Marie Kortekaas ihrer Sabrina trotz deren enttäuschter Liebe keinerlei Bitterkeit 

mitgibt, dass alles braucht und hat einen Regisseur, der Frauen als mehr betrachtet, als als 

Stellschrauben für die Liebesgeschichte seiner beiden jungen Helden. Und das ist ein feministisches 

Fest, wie es im Kino in dieser leichtfüßigen Komplexität selten eines zu sehen gibt. 

Keine weiblichen Abziehbilder wie bei Ozon, echte Frauen in echten Körpern in einer traumhaften 

Umgebung. 

Bleibt noch der Sex. Der schwierig sein könnte, wenn man ihn ironisieren würde, oder 

anstrengend, wenn er zu voyeuristisch betrachtend inszeniert wäre. Aber auch hier macht 

Defurne wirklich alles richtig. Die erste Liebe zwischen Pim und Gino ist tapsig, ungeschickt, 

gierig und wird an den passenden Stellen ausgeblendet, weil sie sonst die Erzählung beschädigen 

würde. Auch die sexuelle Überinszenierung einiger seiner früheren Filme, die auch eine 

Scham im Umgang mit Körpern bedeuten kann, löst sich in Noordzee, Texas in liebevolles 

Wohlgefallen auf. 

Auf Defurnes nächsten Film werden wir wohl nicht wieder zehn Jahre warten müssen. 

Souvenir befindet sich, nachdem Noordzee, Texas ein weltweiter Festivalerfolg ist, schon in 

der Produktion. Er erzählt die Geschichte einer ehemaligen Teilnehmerin am Grand Prix de 

la Chanson, die sich mit Anfang 50 in einen 18-jährigen Boxer verliebt. Ein Traum, oder? Wir 

können es kaum erwarten. s 


noordzee, Texas 

von Bavo Defurne 

BE 2011, 94 Minuten, 

flämische OF mit dt. UT 


Im Kino 

Gay-Filmnacht im April 



Kurzfilme von Bavo Defurne 

BE 1995–2000, 94 Minuten, 

flämische OF mit dt. UT 

Auf DvD bei der Edition Salzgeber, 

www.salzgeber.de 

16 17

kino 

geSchlechteRRiten 

im PRäliminARfRieDen 

von bIru DavID bInDer 

Die zehnjährige Laure ist mit ihrer Familie umgezogen und nutzt die Chance, sich ihren neuen Freunden als „Michael“ 

vorzustellen. Die meisten halten sie ohnehin für einen jungen. Céline Sciammas („Waterlilies“) zweiter Spielfilm „Tomboy“ erhielt 

auf der 2011er Berlinale den Spezialpreis der Teddy-jury, kommt am 3. Mai ins Kino und läuft vorab in der April-Ausgabe der 

L-Filmnacht. 

s „Du bist nicht wie die andren …“, stellt Lisa (Jeanne Disson) in 

einer Mischung aus Ernst, Überraschung und Anerkennung fest, als 

sie mit dem neuen Nachbarsjungen Michael (Zoé Heran) am Rande 

des Fußballfeldes steht. „Ich spiele nicht, ich schaue lieber zu …“, hatte 

der zuvor gesagt. 

Für den zweiten Kinofilm nach ihrem Debut Naissance des pieuvres 

(Wasserlilien) im Jahr 2007 ging die 1978 geborene und in einem 

Pariser Vorort aufgewachsene Regisseurin und Drehbuchautorin 

Céline Sciamma gleich mehrere vermeintliche Schritte zurück: mit 

einem Budget von mickrigen 500.000 Euro, einer 15-köpfigen Crew, 

in einem Zwanzig-Tage-Dreh im August 2010, nachdem sie das Skript 

Ende März des selben Jahres begonnen hatte. ‚A philosophy‘, nannte 

Sciamma diese Radikalität ihres Projektes Tomboy, die dem Mythos 

vom zweiten und schwersten aller Filme einer Regiekarriere ein 

Schnippchen schlagen solle. 

Also vier zurück, um acht Schritte vorangekommen zu sein? Tomboy 

ist ein Film, der mit einer Handvoll von Erwachsenen in Nebenrollen 

auskommt – ob’s deshalb ein „Kinderfilm“ ist, sollten Kinder 

ALAMoDE FILM 

selbst entscheiden (dürfen). Und deshalb ergo wohl eher 

fünf Schritte zurück in einer auf Erwachsene(nrollen) 

fokussierten (Film-)Welt. Dabei ist Sciammas Regiearbeit, 

aber vor allem das Spiel der Kinder so atemberaubend, 

dass sich einem die Armhärchen aufstellen vor 

Erinnerung oder Schreck, ihnen beiwohnen zu dürfen 

und qua dieser Reaktion ein wenig schmerzhaft und 

schmollend erkennen zu müssen, wohl eben das: kein 

Kind mehr zu sein. 

„Das Kind“ – im Deutschen ein Neutrum – mag 

mensch sich bei Tomboy besinnen, hat zuvorderst keinen 

Schnipsel eines irgendwie „natürlich“ gearteten Bezugs 

zu den Erwartungen seiner nicht-kindlichen Umwelt 

an sein Verhalten aufgrund eines ihm bei der Geburt 

zugewiesenen Geschlechts. „Das Kind“ verhält sich 

zuvorderst wie’s ihm gefällt und mag damit, o glücksversprechender 

Zufall, ebensolchen Erwartungen gerecht 

werden, wofür es zumeist wiederholt und ausgiebig 

belohnt wird. Wurde „das Kind“ – so in Tomboy – von seinen 

Eltern Laure genannt, lautet demnach die Vereinbarung 

der allermeisten (Nicht-Kinder): Das Kind Laure hat 

sich Laure zu nennen und als Mädchen zu erkennen zu 

geben. Wie aber nur, wenn das Konzept „Mädchen“ dem 

Kind erst einmal so abstrakt ist wie, sagen wir, „Kapitalismus“? 

Nennt sich dieses Kind namens Laure aber selbst 

Michael und nennt es sich nicht „Mädchen“ vor den anderen 

Kindern, dann gibt’s Ärger mit, sprich: Bestrafung 

durch seine nicht-kindliche Umgebung. Wie sehr dieses 

etwas stumpf-simpel anmutende Belohnungs-/ Bestrafungsgebaren 

selbst bei Zehnjährigen bereits verinnerlicht 

sein kann und reproduziert wird, so und so sehr, 

dass diese selbst die an ihnen verübten oder zumindest 

vorgelebten Bestrafungsmechanismen an Gleichaltrigen 

ausüben, auch dies zeigt Tomboy in einer seiner grausamsten 

Sequenzen. 

Was aber soll das ganze „Spiel“ der nicht-kindlichen 

Umgebung? „Ich muss das tun!“, behauptet die Mutter 

(Sophie Cattani) Michaels/Laures, nachdem sie ihn in 

ein Kleid gezwungen und zur Nachbarschaft gezerrt hat, 

um in seiner Anwesenheit vor ausgesuchten Müttern mit 

ihren jeweiligen Kindern im von Foucault so eingehend 

beschriebenen, vorbildlichsten Sinne nicht etwa nur zu 

sagen, sondern zu gestehen, dass ihre Tochter ein Mädchen 

sei und sie keinen Sohn namens Michael habe [ah, 

zwei weiße Schimmel?]. Nee, klar … Was offenbar wird in 

diesen Sequenzen, ist eben nicht die „story of a lie“ als 

die Sciamma ihren Film zusammenfasste. Geschlecht 

„muss“ überhaupt und hier ganz konkret offensichtlich 

zurechtgerückt und „klar“ gestellt werden, damit es 

„wahr“ wird, damit die basale (kindlich-)geschlechtliche 

Tendenz zur Uneindeutigkeit vermeintlichen Eindeutigkeiten 

von Mädchen/Junge und richtig/falsch zugeführt 

werden kann. Gibt es sie, die Geschichte einer „Lüge“ in 

Tomboy? Wessen Lüge ist das? Gibt es sie, die „wahre“ 

Geschichte? Falls ja, wessen Geschichte ist das? 

An dieser Stelle gesteht der Autor freimütig ein, sich 

für den Part der Mutter Michaels/Laures aufs Unangenehmste 

fremdgeschämt zu haben. Die mit einem weiteren 

Male in einer Ohrfeige physisch werdende Gewalt 

der Mutter wirft die Frage auf: Wie groß muss die Angst 

dieser Mutter gewesen sein? Womöglich panischen Ausmaßes, 

sei es aus Angst um ihr Kind, vor ihrem Kind 

und seiner „Tat“, vor deren Zeugen, vor sich selbst oder 

einer Gemengelage aus der Summe mindestens dieser 

einzelnen Teile. Die zur Herrschaft erstarrte, in physische 

Bestrafung geronnene (Ohn)Macht (im Angesicht) 

der binären Geschlechterordnung wird hier beispielhaft 

greifbar. Da wird auch nichts versöhnt durch einen 

Mutter-Liebesschwur samt „Ist doch für mich total okay, 

wenn du dich jungenhaft benimmst!“. Denn: Ist dieses 

erzwungen inszenierte Geständnis gleichermaßen „total 

okay“ für Michael? Ist tatsächlich kein anderer Umgang 

mit einem Kind denkbar, das offenbar erfolgreich (siehe 

Die geschichte eines 

geschlechtereigenwillig 

agierenden Kindes 

auch die ersten fast 15 Minuten für die Zuschauenden) 

wie glücklich als Michael über einen Sommer lang lebt? 

Mysteriös erscheint der filmtitelgebende Ausdruck 

„Tomboy“ selbst, auf den sich der Autor noch nie einen 

Reim machen konnte, auch nach diesem Film nicht – ein 

Tomboy, ein JungeJunge also? Noch mysteriöser wird 

der Ausdruck, denkt mensch an sein vermeintliches Pendant 

„Sissyboy“ – der Referenzpunkt scheint auf Gedeih 

und Verderb der Junge zu sein. Warum dann im ersten 

Fall nicht Tomgirl, wenn das (angebliche) Girl ein „falscher 

(?) Tom“ ist oder sein mag? Das kann sich kaum 

ein „Girl“ ausgedacht haben … Ganz grantig konsequent 

weitergedacht, mag der Begriff „Tomboy“ (und nicht 

Tomgirl) dann auf Tomboys Michael zutreffen, der spielt 

zwar „Mädchen“ mit Lisa und ganz famos Fußball mit 

den Jungs, nur Michael, den spielt er nicht. 

Durch Tomboys bewussten und auf diese Weise wohl 

bislang einzigartigen Fokus auf die Geschichte eines 

geschlechtereigenwillig agierenden Kindes (und, möchte 

mensch hinzufügen, seiner Schwester Jeanne, hinreißend 

gespielt von Malonn Lévana) wird eine Offenheit 

an Interpretationsfläche gespannt, die sich jeglichem 

Schablonieren in ‚weibliche Hete auf Abwegen‘ versus 

‚Butch-Lesbe‘ versus ‚Trans*‘ konsequent zu entziehen 

vermag. Die Hauptdarstellerin Zoé Heran, die laut Sciamma 

vor ihrer Rolle in Tomboy selbst mit ihren langen 

Haare Schwierigkeiten hatte, aufgrund ihrer Ausstrahlung 

gebucht zu werden, erhielt in New York den Newfest 

Best Actress Award [sic!]. 

Und doch: Das Film-Ende erscheint banal-feige und 

wird aufgrund der impliziten Entlassung der Zuschauenden 

in die Harmlosigkeit einer kindlichen „Sommerlüge“ 

die Angepasste(re)n, die rar Zweifelnden und die Gewalt 

des binären Geschlechterdispositivs leugnenden Gemüter 

auf- und ausatmen lassen. Auf den zweiten Blick erscheint 

die letzte Szene vielleicht aber als das, was sie wohl 

ebenso sein mag: als ein Präliminarfrieden. Denn, gezeigt 

zum Beispiel in Klassenzimmern, wird sich vielleicht die 

ein oder andere Stimme erheben und daran erinnern, dass 

die Hauptfigur erst zehn Jahre alt ist und darum gewiss 

geneigt, der Mutter hinterherzuplappern, was Muttern 

gefällt, denn ohne Ohrfeigen lebt’s sich schlicht unbeschwerter, 

ganz gleich welchen Geschlechts. Ob’s beim 

Hinterherplappern der Perlen mütterlicher Weisheit 

bleibt, ist wohl mehr als ungewiss. s 

Tomboy 

von Céline Sciamma 

FR 2011, 82 Minuten, dt SF 

Alamode, www.alamodefilm.de 

Im Kino 

L-Filmnacht im April 



Water lilies 

von Céline Sciamma 

FR 2006, 81 Minuten, französische 

OF mit dt. UT 



18 19 

kino

kino kino 

Siehe da: 

ein Penis! 

von paul Schulz 

Müssen schwule Männer erst ihre Hosen 

ausziehen, um sich zueinander bekennen 

zu können? Ein kulturtheoretischer 

Diskurs über den Schwanz als Merkmal 

der Menschwerdung am Beispiel der 

Sexcomedy „Longhorns“ (Gay-Filmnacht 

im Mai). 

s Als ich noch Protestant war, so mit fünf, 

habe ich mich immer darüber gewundert, 

wie wenig Jesus meistens anhat. Links vom 

Taufbecken in unserer Dorfkirche hing ein 

Bild von seiner Geburt, auf dem Mama Maria 

den fröhlichen Säugling (später Weltenretter) 

so festhält, dass sie ihm dabei auf den 

Bauch drückt. Von meinen winzigen Cousins 

wusste ich schon: keine gute Idee. Nachdem 

dir ein grinsender Cherubin mal mit voller 

Wucht in dein interessiertes Kindergesicht 

gestrullt hat, lernst du ganz schnell, dass 

man Babys am Kopf und am Po, aber nicht in 

der Mitte anfasst. Nachdem ich einige langweilige 

Predigten damit zugebracht hatte, 

mir vorzustellen, wie Gottes Söhnchen sich 

vor der versammelten Gemeinde in hohem 

Bogen ins Taufbecken entleert und danach 

seine Mutter triumphierend anguckt, fiel 

mir auf: der Kleine war nackt, im Dezember, 

in Judäa: Maria war eine ganz schlechte 

Mutter. Nachdem ich unseren Pfarrer darauf 

aufmerksam gemacht hatte, bekam ich 

die Auskunft, das hätte schon Gründe, dass 

Jesus nichts anhat, ich würde das, wenn ich 

groß wäre, schon verstehen. Und so geschah 

es auch. 

Denn kaum 15 Jahre später, erklärte mir 

ein Professor für Kunstgeschichte in einem 

Seminar, das einer Predigt nicht unähnlich 

war, dass es sehr wichtig sei, dass man Jesus’ 

„Männlichkeit“ sähe, nur so würde seine 

Menschwerdung veranschaulicht. Erwachsene 

Engel beispielsweise hätten, genau wie 

Barbies, keine primären Geschlechtsmerkmale. 

Der Sohn Gottes sei da anders. Er 

käme, um die Welt in Menschengestalt zu 

erlösen: „Und siehe da, ein Penis.“ 

Ähnlich scheinen die Macher amerikanischer 

Sex-Comedys ihre Protagonisten 

zu sehen: Niemand scheint wirklich schwul 

zu sein, bevor er sich nicht untenrum frei 

macht. Angefangen damit hat 2004 Q. Allan 

Brocka in Eating Out, einer Reihe, die seitdem 

in sechs (!) fröhlichen Teilen postuliert: 

Zeig mir deinen Schwanz und ich sage dir, 

was du bist. 

Der aktuelle Beleg für diese Maxime heißt 

Longhorns, was sich entweder lose mit „Büffel“ 

oder als Vorschlaghammermetapher mit 

„Langhörner“ übersetzen lässt. Erzählt wird 

die komplett nebensächliche, aber amüsante 

Geschichte von Kevin, der in den 1980ern an 

einem amerikanischen Provinz-College sein 

Coming-Out hat, weil er sich ganz furchtbar 

in einen Mitstudenten verliebt. Auf der 

Flucht vor seinem wahren Ich, zieht er sich 

kurzzeitig mit zwei Freunden auf eine Ranch 

im Nirgendwo zurück und masturbiert sehr 

unterhaltsam. Es gibt die üblichen Sprüche, 

die üblichen Komplikationen, und das filmemacherische 

Niveau der Angelegenheit liegt 

nicht spürbar über, aber auch nicht unter 

dem von Porgys oder American Pie, nur eben 

in schwul. Wer das subversive Potential dreckiger 

Witze schätzt, und wer täte das nicht, 

hat sehr unterhaltsame anderthalb Stunden 

mit Longhorns. Nur die Anzahl der gezeigten 

Schwänze liegt eben deutlich über dem ähnlich 

gelagerter heterosexueller Kost. 

Die Frage ist: Warum? Ich wage zu 

behaupten: Das ist wie bei Jesus. Schwule 

Sexualität, deren Ausleben enormen Anteil 

an der selbstbewussten Menschwerdung 

jedes schwulen Mannes hat, ihn eigentlich 

erst zu dem werden lässt, was er ist, und mit 

ihr das offensichtliche Begehren eines baugleichen 

Körpers, lässt sich eben am besten 

darstellen, indem man einen Schwanz zeigt 

oder zwei. So retten wir uns selbst die Welt, 

ganz ohne Hilfe von oben. Das ist bei Heteros 

nicht nötig, Küsse, okay, Hände, feine Sache, 

Ärsche, selbstverständlich, Brüste, wenn ihr 

euch das traut, aber Schwänze? Fehlanzeige. 

Man muss das gesellschaftlich dominierende 

Steckspiel nicht mehr en detail erklären, es 

ist in den letzten 5000 Jahren millionenfach 

erläutert worden. 

Für das sexuelle Vergnügen der Minderheit 

gilt das nicht. Und für Mainstreamschauspieler 

auch nicht. Jeder volle Frontalauftritt 

eines männlichen Stars lässt das 

Internet für ein paar Tage erzittern und es 

gibt Bücher, Webpages und jede Menge notgeiler 

Nerds, die sich mit nichts weiterem 

beschäftigen, als dem kanonischen Erfassen 

jedes künstlerisch gerechtfertigten Untenohne 

männlicher Darsteller. Und das ist gut 

so. Denn die scheinbar nutzlose und nur 

der Erotisierung des Publikums hinterhergeiernde 

Sexszene in schwulen Filmen ist 

eine echte Notwendigkeit. Weil der schwule 

Mann nach Ansicht vieler Filmemacher wohl 

wirklich erst dann zum schwulen Menschen 

wird, wenn er sich zu seinem Penis und dem 

anderer Männer bekennt, ihn betrachtet und 

offen begehrt. Und wenn Schwule in ihren 

30ern jesusgleich nur in eine Windel gehüllt 

an Kreuzen hängen, ist das freiwillig und 

eine zutiefst gottlose Angelegenheit. 

Longhorns fügt diesem zutiefst freiheitlichen 

Gedanken fünf weitere Belege hinzu. 

Und das ist doch prima. s 

longhorns 

von David Lewis 

US 2011, 74 Minuten, englische OF 

mit dt. UT 


Im Kino 

Gay-Filmnacht im Mai 



Komm her, geh weg! 

von rIcharD Garay 

Mit der vielfach ausgezeichneten lesbischen Altersromanze „Hannah Free“ machte 

die regisseuren Wendy jo Carlton 2009 auf sich aufmerksam. Mit ihrem neuen Film 

„jamie und jessie sind nicht zusammen“ wagt sie sich auf leichteres Terrain und 

erzählt die Geschichte einer besonderen Freundschaft, die viel zu eng für Gefühle ist. 

Im Mai läuft der Film in der L-Filmnacht. 

s Zu viel Nähe kann ganz schön unangenehm 

sein. Mir war z.B. neu, dass es im 

Amerikanischen den Begriff „close talker“ 

für Menschen gibt, die einem beim Reden 

zu nahe rücken („one who leaves little space 

in face-to-face chatter“, Urban Dictionary). 

Einander genug Raum lassen – das ist ohnehin 

nicht die Stärke von Close-Talkerinnen 

Jamie und Jessie, die sich in Chicago ein 

Apartment teilen. Jessie denkt, dass sie 

eigentlich in Jamie verliebt ist. Aber wie soll 

Liebe entstehen, geschürt und schließlich 

gestanden werden, wenn man die Mitbewohnerin 

sogar an der eigenen Wäsche riechen 

lässt, um zu entscheiden, ob ein Waschgang 

nötig ist? Was einem so nah ist, kann nicht 

mehr erobert werden. 

Ok, wir sind unter kreativen, hübschen, 

intelligenten Indie-Mädchen in Chicago, 

die sich zugute halten, ziemlich neurotisch 

zu sein. Die sich grundsätzlich zu nah sind 

und immer im entscheidenden Moment 

auf Abstand gehen. Die Angst vor Spinnen 

haben, allergisch auf Gras (also den natürlichen 

Bodenbelag) reagieren, sich begrüßen 

mit „You look like Shit!“, und schon mal nach 

einem Kuss (Vorsicht: Nähe!) angewidert 

feststellen: „Du rauchst ja!“ 

Jessie ist da ein besonderes Exemplar, 

die um ihre Neurosen weiß und trotzdem 

instinktiv zwei Schritte nach vorne macht, 

wenn sie eigentlich zurückweichen will. 

Toll, wie Jessica London-Shields das spielt: 

einen Großstadt-Tolpatsch mit ständig verwirrtem 

Gesichtsausdruck und einer irritierend 

explosiven Lache, die ihre hysterischen 

Redeanfälle rhythmisch strukturiert. 

Jessies Eigentlich-Beziehung zu Jamie ist 

ziemlich gemein vom Drehbuch angelegt, 

denn ständig steht sie im Schatten ihrer 

burschikosen Freundin, ständig ist sie drei 

Schritte hinterher, ob es nun die Schauspielkarriere 

ist, der bevorstehende Umzug nach 

New York oder die sexuellen Affären. Aber 

da findet der Film auch sein Thema, denn es 

ist eine besondere Emanzipationgeschichte, 

die er erzählen will: von einer, die ihre große 

Liebe verlässt, um endlich selbst liebenswert 

zu werden. 

Jamie sitzt auf Umzugskartons und wird 

bald die Stadt verlassen. Jessie muss wissen, 

ob sie ihr fehlen wird. Jessie versucht, 

sich zu entziehen, um Nähe zu provozieren, 

stattdessen gelingt ihr endlich der Sprung 

aus dem Schatten und eigentlich alles, was 

sie sonst noch so will. Auf ganz tölpelhafte, 


neurotische und sehr witzige Weise. Wir 

freuen uns für sie, denn gelitten hat sie wirklich 

genug. Wie gemein ist das denn, wenn 

man zum Vorsprechen für eine Lieblingsrolle 

eingeladen wird, die Mitbewohnerin zur 

Unterstützung mitnimmt, diese aber dann 

ungewollt vom Fleck weg engagiert wird? 

Schon sehr gemein. Aber es geht noch gemeiner 

– als der Anruf mit dem Rollenangebot 

für Jamie kommt, kann sich die Kamera an 

Jessies Verletzung nicht sattsehen. Und als 

Jamie pflichtschuldig die Rolle ablehnt, klingelt 

Sekunden später Jessies Telefon mit den 

schönen Nachrichten. Und jetzt sehen wir die 

milde lächelnde Jamie. So sieht Erniedrigung 

aus … „Manche kriegen einfach alles, was sie 

wollen!“, stöhnt Jessie, kurz bevor sie selbst 

vom Drehbuch alles kriegt, was sie will. 

Jetzt können alle queer-aktivistischen 

Festivalkurator_Innen wieder stöhnen und 

sich fragen, was diese überdrehten Mädchen 

in einem Chicago, das so schön fotografiert 

ist und so viele schöne Frauen beherbergt 

(sehr sexy z.B. Fawzia Mirza als Jamies 

Freundin Rhonda), dass man gar nicht versteht, 

warum Jamie und Jessie nach New 

York abhauen wollen, eigentlich für Probleme 

haben. Die sie so ausgiebig diskutieren 

und gerne auch mal in plötzlichen Musical- 

Nummern vorsingen. Aber das ist ziemlicher 

Unsinn, denn warum darf man nicht 

90 Minuten mit süßen und etwas verwirrten 

Frauen verbringen, die wie alle anderen ihre 

kleinen Dramen durchstehen müssen und 

immer wieder auch ihr kleines Glück finden. 

Warum sollte man vor einer „lesbian Musical 

Romantic Comedy with a big fat heart!“ 

(Webseite) davonlaufen? Hiergeblieben! 

Jamie und Jassie sind nicht zusammen ist 

eine filmische Naherholung. s 

Jamie und Jessie sind nicht 

zusammen 

von Wendy Jo Carlton 


mit dt. UT 


Im Kino 

L-Filmnacht im Mai 


20 21

kino 

22 


Ostler 

In „Unter Männern“ macht sich der junge Filmemacher Ringo Rösener auf die Suche nach seinen Vorvätern: Schwulen 

in der DDR. Er findet sie und mit ihnen auch ein Stück von sich selbst. Der Film wurde nach der Uraufführung auf der 

Berlinale für den Teddy Award nominiert und startet am 26. April in den Kinos. Zwei Autoren, die als Schwule die DDR 

er-lebt haben, haben sich den Film angesehen und dazu positioniert. 

DAS ungeSAgte, 

AbeR mitgeDAchte 

von Paul Schulz 

s Will man Irgendetwas über persönliche Beziehungen 

in der DDR erfahren, gibt es dafür eigentlich nur zwei 

Quellen: Stasi-Akten und persönliche Gespräche mit 

denen, die dabei waren. Wobei die Stasi-Akten die verlässlicheren 

Auskünfte geben. Die Akribie und Wahllosigkeit, 

mit der der Apparat auch die kleinsten Details aus 

dem Leben seiner Beobachtungsobjekte katalogisierte, 

hilft hier, wenn man selbst in der Lage ist, eine Sortierung 

vorzunehmen – und ähnlich viel Zeit mitbringt wie 

die Sammler des Materials. Ansonsten gibt es wenig, was 

man gebrauchen könnte, um zu erfahren, wie es so war. 

Das ist so, weil sich über alles andere die staatstragend 

repressive Patina des Arbeiter- und Bauernstaates, 

die freundlich kolonialisierende Attitüde westdeutscher 

Berichterstattung über denselben oder der weichzeichnende 

Schleier der Erinnerung ans eigene Leben legt. 

Jedes Buch, jeder Artikel, jedes Foto, jeder Schnipsel 

Film, mit dem man heute historisch betrachtend arbeiten 

möchte, wurde in seinem Herstellungsprozess sanft oder 

unsanft auf seine Propaganda-Verwendbarkeit für die eine 

oder andere Seite abgeklopft. So ist das in Kriegen, zumal 

in kalten, die öffentlich eben hauptsächlich über Medien 

geführt wurden. Und die oft strikte Trennung zwischen 

privaten und öffentlichen Räumen im Bewusstsein von 

DDR-Bürgern ist zwar gut für die Reinerhaltung der einzelnen 

Auskünfte aus dem jeweiligen Gebiet, macht es für 

Außenstehende aber schwer, gedankliche Verbindungen 

zwischen ihnen herzustellen und zu belegen, wie genau 

sich staatliche Politik aufs Zwischenmenschliche ausgewirkt 

hat. Jeder, der in der DDR groß geworden ist, kennt 

das Phänomen des Ungesagten, aber Mitgedachten, das 

seine besten Ausdrücke deswegen in Metaphern, Witzen 

und Fabeln fand, weil man es umschreiben musste, um es 

überhaupt erfassen zu können. Aus diesem Grund reden 

Ostdeutsche und Westdeutsche auch 22 Jahre nach der 

Wende oft aneinander vorbei. 

Schwule in der DDR waren eine staatlich geduldete 

Untergrundkultur. Nicht so verfolgt wie andere, aber 

auch alles andere als gefördert. Die Artikel, Bücher und 

Filme über sie von vor 1989 passen bequem auf ein Regalbrett. 

Deswegen ist das Reden über sie und mit ihnen erst 

einmal eine Sammlung von Fakten, die sich wohl nicht 

einmal allen Interviewten in Unter Männern – Schwul in 

der DDR von Ringo Rösener und Markus Stein zu einem 

Gesamtbild erschließen wird, obwohl die beiden jungen 

„Unter der Dusche“ (Jürgen Wittdorf, 1964, Ausschnitt) 

kino 

Filmemacher ihr Möglichstes versuchen. Rösener wurde 

1983 in Anklam geboren, wusste nichts über schwules 

Leben in der DDR, wollte das ändern und begibt sich 

vor der Kamera auf die Suche nach seinen Vorvätern. 

Er bedient sich mit seinem filmisch autobiografischen 

Bericht über eigene Erkenntnisse eines im DDR-Kulturbetrieb 

gern genutzten Mittels, zu erzählen, was zu erzählen 

nicht erlaubt ist, weil man das Persönliche exemplarisch 

wiedergibt, während man parallel durch die postulierte 

„eigene“ Perspektive versucht, der politischen Instrumentalisierung 

des Gesagten zuvorzukommen. Was in 

Nachdenken über Christa T. geklappt hat, gelingt auch in 

Unter Männern hervorragend. 

Rösener und Stein lassen ihre völlig unterschiedlichen 

Protagonisten (vom punkig schillernden Star- 

Friseur bis zum verbitterten 80-Jährigen ist alles dabei) 

ihre eigenen Geschichten erzählen und so verdeutlichen: 

„Das schwule Leben“ in der DDR gab es gar nicht. Es 

gab eine Menge Einzelschicksale, die ihre Gemeinsamkeit 

nur daraus bezogen, anders als der Durchschnitt 

zu sein und so mit dem System in Konflikt zu geraten. 

Wenn Coiffeur Frank Schäfer fröhlich davon berichtet, 

wie er von einem Stasioffizier „quasi vergewaltigt“ 

wurde, hat das mit der Biografie von Eduard Stapels, 

dem „Homopfarrer“ des wilden Ostens, der einer der 

ersten war, der innerhalb der Kirche Schwulengruppen 

gründete, in der persönlichen Wahrnehmung des jeweils 

Erzählenden nichts zu tun. Beide stehen aber für eine 

ganze Reihe ähnlicher Schicksale 

Die filmische Klammer, die Rösener für seine Suche 

findet, Ausschnitte aus Coming Out von 1989 mit seiner 

eigenen Perspektive des Spätgeborenen abzugleichen, 

funktioniert hinreichend, weil sie die Veränderung der 

letzten zwanzig Jahre gut illustriert, verdeutlicht aber 

auch, dass man den Film nicht einmal als Laser für die 

sechs Männer benutzen kann, die in Unter Männern 

beschrieben werden. Das Coming-out des ostdeutschen 

Schwulen wird durch diesen Widerspruch in seiner Verschiedenheit 

hübsch illustriert. 

Es wird spannend sein zu beobachten, wie Ost- und 

Westdeutsche den Film aufnehmen. Die Unterschiede 

werden groß sein, denn wo bei den einen ein Wiedererkennen 

möglich ist, bleibt den anderen immer noch und 

immer wieder nur ein Besuch im Zoo der Geschichte, in 

dem man den Tieren, die man betrachtet, mit größtmöglichem, 

aber beschränktem Einfühlungsgefühl begegnet. 

Dass klar zu erkennen ist, dass Rösener zur ersten 

Gruppe gehört, ist vielleicht das Spannendste an Unter 

Männern, weil es andeutet, dass es wohl eine Sehnsucht 

nach historisch stringenter Gemeinsamkeit gibt, die sich 

aus mehr als nur Sexualität speist. Das „Sehr wertvoll“ 

für Unter Männern gab es schon während seiner Weltpremiere 

auf der Berlinale und zwar ganz zu Recht. s 

23

kino kino 

Friseur Frank Schäfer (links), Künstler Jürgen Wittdorf 

nAivität iSt ’ne 

gROSSe KRAft 

von Michael Sollorz 

s Zu Beginn sehen wir den Hauptdarsteller in Heiner Carows 

Coming Out 1989 auf seinem Fahrrad, und hineingeschnitten, dieselbe 

Strecke radelnd, kommt anno heute der junge Filmemacher. „Ich 

glaube, ich bin ein verhinderter Ossi.“ Sinnlicher, schöner Beginn, wie 

ein Versprechen. Beim Mauerfall war Rösener sechs, und angeblich 

will er nun wissen: „Wie hat man als Schwuler in der DDR leben können?“ 

So strampelt er los, um ein paar Antworten einzusammeln, raus 

aufs Minenfeld Geschichte. Gerührt folgt ihm der Betrachter, und 

nach dem Abspann kommen die Fragen. 

Was bedeutet der Titel, geht’s auf ein Kriegsschiff? Was erhellt es, 

dass der privilegierte Prominenten-Sohn Frank Schäfer als schriller 

Szene-Friseur im vergleichsweise aufgeklärten Ostberlin der Vorwendezeit 

andere Erfahrungen machte als ein schüchterner Schullehrer 

im Sachsen der 70er? Soll hier Vielfalt vermittelt werden? Wenngleich 

das „Sammelgebiet“ als abgeschlossen gilt – empfähle sich nicht eine 

stärkere Fokussierung, um der Beliebigkeit Herr zu werden? 

Und wo streifte der Film, als DDR-Kennzeichen erster Güte, auch 

nur ein einziges Mal den Konflikt zwischen Individuum und Kollektiv, 

wie ihn westlich der Elbe nach dem Krieg keine Seele mehr 

vergleichbar auszutragen hatte? Waren nicht auch die Schwulen 

zunächst einmal Staatsbürger? Versprochen wurde ein besseres 

Leben, frei von Ausbeutung. Ganze Generationen glaubten daran, 

legten sich ins Zeug. Ein schwerer gemeinsamer Weg, die Mühen 

der Ebene, und als Lohn winkte eine radikal neue Gesellschaft, in 

der das Geld abgeschafft war und sich jede einzelne Persönlichkeit 

nach ihren Fähigkeiten frei entfalten würde. Bis dahin galt es, sich zu 

bescheiden, zurückzutreten hinter die Erfordernisse des Fortschritts. 

Bediente die Forderung nicht treffsicher das verheerende Muster 

schwuler Selbstablehnung, den Wunsch, wie jedermann zu sein? 

Wurden nicht andere ebenfalls unentwegt vertröstet, man werde sich 

ihrer Bedürfnisse annehmen, sobald erst vorrangigere Probleme des 

Aufbaus gelöst wären? Soufflierte nicht Hegel selbst der Einheits- 

Partei, Freiheit sei Einsicht in die Notwendigkeit? 

Etwas diesem Gemeinschafts-Pathos vergleichbar Wirkmächtiges 

existiert für den Westen heute nicht mehr und wird seit über 20 

Jahren in Betrachtung des sozialistischen Experiments als Drangsal 

dargestellt, als pathologisch diffamiert oder der Einfachheit halber 

völlig ausgeblendet. Im Ergebnis wird die DDR hinter dieser „Aufarbeitung“ 

zunehmend unkenntlicher, und nicht erst Unter Männern 

provoziert die Frage, ob unter Verzicht auf die ideelle Dimension in 

der Lebenserfahrung des Einzelnen überhaupt irgendwas herausgefunden 

werden kann, das nicht ebenso anderswo zuträfe. Auf andere 

Leute. Zu anderer Zeit. 

Warum, ausgerechnet, findet der Film erst in der Gegenwart 

erzählerische Sicherheit, in seinem starken Schlussbild von der ewigen 

Provinz? Im thüringischen Glasbläser-Kaff Lauscha geht ein 

Mittvierziger im weißen Ballkleid seine steile Straße runter, aus 

ihren Fenstern glotzende Nachbarn grüßend. Priscilla im Landkreis 

Sonneberg, eine derbe Fee aus unser aller Hinterwald, bevölkert von 

immer den gleichen Zwergen. 

„Naivität ist ja auch ’ne große Macht und ’ne große Kraft“, 

erinnert sich der Grafiker Jürgen Wittdorf. Nimmt Rösener sie als 

Arbeits-Haltung für sich in Anspruch? Was eine Klappe sei, fragt 

er seinen mehr als doppelt so alten Interviewpartner. Meint er das 

ernst oder geht es um den O-Ton? Funktioniert Ahnungslosigkeit als 

produktives Prinzip? Was sollte man mitbringen, will man von Menschen 

etwas erfahren und Dritten mitteilen? Gegen Ende bekennt der 

alte Lehrer: „Ich denke, wenn ich mich geoutet hätte, wäre das besser 

gewesen. Da war ich zu feige.“ Ein Moment, der Stille verlangt, schon 

aus Respekt. „Aber weswegen ist man denn feige?“ kommt es prompt 

aus dem dem Off, und dem Betrachter verschlägt es die Sprache. Kann 

ein junger Mann 2012 wirklich schon so herausgewachsen sein aus 

der „Geschichte der eigenen Geschichte“? Erfüllt sie sich womöglich 

doch noch, die unausrottbare These vom Verschwinden der Homosexualität 

mit dem Verschwinden ihrer Verfolgung? Naht uns der Tag, 

da erstaunt gefragt wird, was das denn überhaupt sei, ein Schwuler? 

Sind wir nicht heute schon alle queer? s 

unter Männern – 

Schwul in der DDR 

von Ringo Rösener und 

Markus Stein 

DE 2012, 91 Minuten, dt. OF 

Edition Salzgeber, 


Im Kino 

ab 26. April 2012 

Coming Out 

von Heiner Carow 

DDR 1989, 108 Minuten, dt. OF 

Auf DvD bei Icestorm 

Entertainment, www.icestorm.de 

Westler 

von Wieland Speck 

DE 1985, 96 Minuten, dt. OF 

Auf DvD bei der Edition 

Salzgeber, www.salzgeber.de 


nostalgie und 

exorzismus 

IntervIeW: thomaS abeltShauSer 

Neben Chéreau, ozon, Lifshitz und Morel ist Christophe Honoré der wichtigste und 

unter ihnen wahrscheinlich unberechenbarste Filmemacher des französischen Queer 

Cinema. Demnächst erscheint seine jüngste große Kinoproduktion „Die Liebenden“, 

Abschlussfilm Cannes 2011 mit Cathérine Deneuve und Ludivine Sagnier, im Kino und 

kurz darauf der radikale No-Budget-Film „Man at Bath“ mit François Sagat auf DVD. 

SISSY hat mit ihm über beide und ihren notwendigen Zusammenhang gesprochen. 

SENATor 

sissy: In „Die Liebenden“ ist eine Nostalgie 

für eine Ära zu spüren, in der Sie noch nicht 

einmal geboren waren. 

Christophe Honoré: Oh, ich hoffe nicht, dass 

ich nostalgisch bin! Was mich interessiert 

hat, war die Epochenwende, die sich da 

vollzogen hat. Deshalb habe ich die Zeit, 

als meine Eltern jung waren, mit meiner 

eigenen Jugend verglichen. Anfangs wollte 

ich einen Film über die Liebe machen und 

was sie auszeichnet. Denn der große Unterschied 

zwischen meinen Eltern und mir ist 

nicht Politik oder Ideologie oder wie gut wir 

mit Computern umgehen können, sondern 

was wir unter Liebe verstehen. Für sie ist 

Liebe, Sex und Verlangen immer mit Hoffung 

verbunden. Denn Hoffnung gab es in 

den 1960er Jahren, selbst wenn es manchmal 

schwierig war, z.B. für Mädchen, die 

ungewollt schwanger wurden. Mitte der 

Achtziger dagegen, als ich ins Alter kam, 

mich für Liebe und Sex zu interessieren, war 

das Klima geprägt von Angst. Unsere Eltern 

haben uns vor anonymem Sex und ungeschütztem 

Geschlechtsverkehr gewarnt. 

Durch Aids hatte es alles Spielerische verloren, 

Sex wurde zu einer tödlichen Gefahr, 

man konnte davon sterben. Ich glaube 

unsere Generation, und ich rede nicht nur 

von den Schwulen, hat in ihrer Jugend Liebe 

und Tod sehr eng miteinander verknüpft. 

Und das haben wir immer noch im Kopf, 

auch wenn wir damit umzugehen gelernt 

haben. Deshalb kann man vielleicht den Eindruck 

gewinnen, dass mein Film nostalgisch 

ist, aber ich beschreibe nur. 

Sind Liebe und Beziehungen auch komplizierter 

geworden? Unser Klischee von den Sechzigern 

ist ja das der freien Liebe … 

Was natürlich eine Illusion ist! Aber ich male 

mir die Zeit, als meine Eltern jung waren, so 

schön aus. Es muss toll gewesen sein damals, 

schließlich haben sie mich gezeugt. Aber mir 

ist schon klar, dass es auch eine rückständige 

Zeit war und ich bin sehr froh, heute zu 

leben. Allerdings nicht als Filmemacher, die 

Goldene Ära des französischen Kinos waren 

die Sechziger. Ich bevorzuge die Nouvelle 

Vague gegenüber den Regisseuren meiner 

Generation. Da habe ich keine andere Wahl … 

Aber haben Sie heute nicht viel größere Freiheiten 

als Filmemacher? 

Ich glaube nicht. Wir sind in Frankreich 

natürlich sehr privilegiert, was unsere Filmindustrie 

und Filmförderung angeht. Aber 

als Künstler ist es doch viel anregender, einer 

Gruppe anzugehören, die man verehrt und 

auf die alle Welt schaut, weil von hier die 

Innovationen ausgehen. Das ist in Frankreich 

schon lange nicht mehr der Fall. Wenn 

wir pro Jahr zehn gute Filme produzieren, 

ist es schon viel. Und die heute erfolgreich 

24 25

kino 

„Die Liebenden“ (2011) 

sind, interessieren mich nicht. Damals machten Leute wie Godard, 

Chabrol und Rivette Filme, weil sie Cinephile waren. Wenn man sich 

heute auf sie bezieht, wird einem gleich Nostalgie vorgeworfen. Die 

Probleme draußen auf der Straße soll man filmen, aber dieser Realismus 

ist doch bloße Konvention. Realismus und Wahrheit sind nicht 

dasselbe! 

Sie nehmen sich doch aber zumindest die Freiheit, neben einem großen 

Mainstream-Film mit Starbesetzung auch einen kleinen Experimentalfilm 

wie „Man at Bath“ zu drehen. 

Ich wusste, dass mich Die Liebenden lange in Anspruch nehmen 

würde, deswegen wollte ich davor etwas ganz anderes machen. Ich 

habe Man at Bath in einer Woche gedreht, ohne Drehbuch und mit 

Darstellern, die ich auf der Straße oder in einer Homobar gefunden 

habe. Es stimmt, dass ich diese Freiheit nutze. Aber in dem Film steckt 

auch kein Geld, deswegen habe ich da auch keinen Druck. Man at Bath 

ist sehr viel näher an den Filmen der Sechziger, vielleicht ist der Film 

sehr viel nostalgischer als Die Liebenden, in der Art wie er gedreht 

wurde. Stell deine Freundin oder deinen Freund vor die Kamera und 

fang an zu drehen, das reicht. Das ist für mich das Ideal der Nouvelle 

Vague. Man braucht kein großes Thema, um einen guten Film zu 

machen. Aber viele haben Man at Bath nicht verstanden. Sie haben 

nach Chanson der Liebe einen anderen Film erwartet. Aber für mich 

ist es sehr wichtig, beide Arten von Filmen machen zu können. Ich 

brauche diese kleinen Filme als Exorzismus. Und es ist beruhigend zu 

wissen, dass, wenn ich nächstes Jahr kein Geld für einen neuen Film 

bekommen sollte, ich immer Filme wie Man at Bath machen kann. 

Und wer weiß, vielleicht bin ich damit sogar glücklicher. Verstehen 

Sie mich nicht falsch, ich mag Die Liebenden wirklich sehr, aber in 

Man at Bath steckt viel Risiko. 

Und auch in Bezug auf Liebe und Beziehungen ist „Man at Bath“ ein 

Gegenstück zu „Die Liebenden“. Er zeigt, dass Beziehungen heute sehr 

viel komplizierter, aber auch freier sind, was etwa Geschlechterrollen 

angeht. 

Stimme ich voll zu. Mir ging es bei Die Liebenden um einen Vergleich 

zwischen der Generation meiner Eltern und meiner. Und Man at Bath 

wiederum handelt von einer neuen Generation, in der François Sagat 

wie ein Dinosaurier ist, ein altmodisches Modell aus den Neunzigern 

mit seinem muskulös überdefinierten Körper. Die heute Zwanzigjährigen 

definieren sich ganz anders, sie haben ein anderes Verständnis 

davon, was männlich ist. Und sie gehen sehr offen mit ihrer Sexualität 

um, die Orientierung ist da eher zweitrangig. Ich war sehr überrascht, 

als ich Jungs auf der Straße für den Film ansprach. Ich sagte, er ist mit 

einem Pornostar als Hauptdarsteller und etlichen Nacktszenen und 

stieß damit gleich auf große Begeisterung. 

Ist der Filmemacher Omar in „Man at Bath“ Ihr alter Ego? 

Ich wäre gerne wie Omar, aber er hat definitiv mehr Glamour als ich. 

Ich habe die Figur auch als Filmemacher angelegt, um Aufnahmen, 

SENATor ALAMoDE FILM 

„Man at Bath“ (2010) 

die ich selbst in New York gedreht hatte, als eine Art Tagebuch in den 

Film einzubauen. 

Neben Ihren eigenen Filmen haben Sie auch die Drehbücher zu Gaël 

Morels Filme „Brüder Liebe“ und „Après lui“ verfasst. Wie würden Sie 

ihr Verhältnis beschreiben? 

Ich habe nicht viele Freunde in der Branche und Gaël ist einer von 

ihnen. Ich mag ihn sehr. Wir sind beide nicht ursprünglich aus Paris, 

wir kommen beide aus der Provinz und sind in recht einfachen Verhältnissen 

aufgewachsen. Wir teilen also das Gefühl, in der französischen 

Filmfamilie nie so richtig dazuzugehören. Wir machen ganz 

unterschiedliche Filme, schätzen einander und das Urteil des anderen 

aber sehr. Und ich glaube auch, dass Man at Bath Gaël ermutigt 

hat, Unser Paradies zu drehen. 

Sie schreiben auch Romane und Kinderbücher. Gibt es einen roten 

Faden, der Ihre unterschiedlichen Werke zusammenhält? 

Literatur spielt auch in meinen Filmen eine große Rolle. Chanson der 

Liebe etwa habe ich basierend auf Liedtexten geschrieben, Ma mère 

ist nach einem Roman von George Bataille, Dans Paris von Salinger 

beeinflusst und auch in Die Liebenden sind Lieder sehr wichtig. 

Umgekehrt vergesse ich beim Schreiben eines Romans ganz den Filmemacher, 

weil es mir nicht weiterhilft. s 

Die liebenDen 

Von 1963 bis 2008 geht der reigen 

der Liebesaffären mehrerer Figuren 

in Honorés aktuellstem Spielfilm. 

Gegenübergestellt werden die 

elterngeneration, die sich in den 

1960ern sexuell emanzipiert, 

und die Generation des Autors 

und regisseurs, deren sexuelles 

erwachen unter dem Fanal von Aids 

stattfand. Honoré lässt Motive aus 

vielen seiner Filme zusammenfließen 

und variiert sie neu: Der Umgang 

mit Aids war schon das thema 

seines ersten Spielfilms „Mein 

Bruder Leo“, Gesangseinlagen 

gab es schon in „Chansons der 

Liebe“, die Beziehungen von 

Frauen zu schwulen Männern 

interessierte Honoré bereits in 

„17 Mal Cécile Cassard“. Auch 

in „Die Liebenden“ glaubt er 

an die Kraft des Kinos, nicht an 

sozialrealistische Beschreibungen. 

nur so kann er die disparaten 

elemente seiner erzählung in einen 

einzigen Film einfließen lassen. 

Die liebenden 

von Christophe Honoré 

FR 2011, 139 Minuten, deutsche SF 

Senator, www.senator.de 

Im Kino 

ab 3. Mai 2012 

mAn At bAth 

Der Film schildert in losen 

Bruchstücken das nachspiel einer 

zu Bruch gegangenen Beziehung 

zweier Männer, die sich beide 

beweisen müssen, dass sie auch 

ohne den anderen leben können. 

Während der eine (Omar Ben 

Sellem) nach new York fliegt, um 

seinen Film dort zu präsentieren, hat 

sein Partner (François Sagat) Zeit, 

aus der gemeinsamen Wohnung 

auszuziehen. In nebenrollen sind 

u.a. Chiara Mastroianni und die 

Ikone der US-amerikanischen Queer- 

Literatur Dennis Cooper zu sehen. 

Man at Bath 

von Christophe Honoré 

FR 2010, 72 Minuten, OmU 

Auf DvD ab 22. Juni 2012 bei Pierrot 

Le Fou, www.alamodefilm.de. 

Mehr dazu im nächsten Heft. 

26 27 

kino

kino kino 

Der kalte blick 

von anDré WenDler 

Im ohnehin schon etwas schrägen Milieu der konservativen weißen oberschicht 

Südafrikas spielt olivier Hermanus’ Spielfilm „Beauty“, der im letzten jahr in Cannes 

die „Queer Palm“ gewann. Noch schräger ist der Verlauf der Geschichte, in der ein 

voyeuristisch auf einen jungen Mann fixierter Familienvater kein Ventil für Begierde 

und Aggression findet. Die handgreifliche Tod-in-Venedig-Variante startet am 8. März 

in den Kinos. 

s Alles beginnt auf einer unauffälligen Hochzeit: schön gekleidete 

Gäste, Blumensträuße, Sektgläser, Frauen mit etwas ausgefalleneren 

Frisuren, Männer in belanglos-feierlichen Krawatten, ein Brautpaar, 

Geschenke, Küsschen. Es könnte alles ganz normal sein, das Glück der 

heterosexuellen Mittelschicht. Noch bevor ich aber weiß, in welchen 

Abgrund mich der Film gleich schauen lässt, ahne ich, dass es mit der 

Normalität hier nicht so weit her sein kann, wie es auf den ersten Blick 

scheint. Die Farben sind, wie später im ganzen Film, auffällig matt, 

ertränkt in einem hoffnungslosen Beige und verwaschenem Taubenblau. 

All das Lächeln, all die zauberhaften Kleider sehen irgendwie 

falsch aus. Die Kamera schwenkt sehr langsam und sehr gleichmäßig 

nach links, überblickt die ankommenden Gäste und kommt auf einer 

geöffneten Doppeltür zum stehen, vor der das Hochzeitspaar Glückwünsche 

entgegen nimmt. Kurz bleibt das symmetrische Bild mit der 

Tür in der Mitte stehen, bevor ein Zoom sehr langsam auf die Mitte des 

Bildes zielt. Gleichzeitig verlagert sich die Schärfe hinter all die fröhlichen 

Menschen, die das schrumpfende Bildfeld bevölkern. Immer 

weniger beige Menschen sind in diesem Bild und wir sehen, was sich 

in dem Mittelpunkt befindet, auf den sich das Bild zu bewegt. Es ist 

ein etwas pausbäckiger und ziemlich gutaussehender junger Mann, 

der gerade mit zwei blonden Frauen spricht und scherzt. Er sieht sich 

um, grüßt hierhin und zwinkert dorthin. Schnitt. Ein anderer, älterer 

Mann in Nahaufnahme blickt ebenfalls in die Richtung der Kamera 

und ich bin genötigt, die vorherige Einstellung als seinen Blick zu 

interpretieren. Schnitt zurück. Der junge Mann schaut nach rechts, 

nach links und plötzlich direkt in die Kamera. Sofort Schnitt auf den 

anderen Mann. Dieser wendet sich unmittelbar ab und vermeidet es, 

wieder in die Richtung der Kamera, in die Richtung dieser anderen 

Einstellung und also in Richtung des jungen Mannes zu blicken. 

Ich weiß nach diesen knappen vier Minuten noch nicht, was der 

ältere François dem jüngeren Christian später antun wird, aber ich 

weiß aus den präzise gefilmten Bildern, dass alles an dieser Begegnung 

vom ersten Moment an falsch ist und bis zum letzten Augenblick 

falsch bleiben wird. Ich weiß, dass es mit Liebe nichts zu tun hat, 

ich weiß, dass es mich schrecklich peinigen wird und ich weiß, dass 

ich vor diesen Bildern am liebsten flüchten würde, so wie Christian 

das unbedingt tun sollte. Die maschinenhafte Gleichförmigkeit des 

Schwenks und des Zooms, die im Schnitt als Blick eines Menschen 

ausgegeben werden, haben nichts Menschliches an sich, so wie François 

jede Menschlichkeit verlieren wird. Die Vorstellung, ein so präzise 

geführter Kamerablick sei eine menschliche Wahrnehmung, ist 

eine so offensichtliche und mit Ruhe vorgetragene Lüge, wie François 

sie ständig an seine Mitmenschen verteilt. 

Immer wieder verknüpft der Film ähnliche Überwachungsbilder 

mit dem Blick von François: am Strand, an dem Christian mit einer 

jungen Frau liegt, in einem Restaurant, wo zwei Männer miteinander 

sprechen und sich küssen. Die Kamera bleibt jederzeit kalt und unbe- 

teiligt. Sie nimmt den verrauschten Porno, in dem zwei gut aussehende 

Boys mechanisch miteinander ficken, mit der selben Gleichgültigkeit 

zur Kenntnis wie die animalisch grunzenden Männer, die es vor dem 

Fernseher miteinander treiben. Bevor die Figuren des Films irgendeinen 

Ort in einen Schauplatz von Gefühlen, Hoffnungen, Ängsten 

verwandeln, ist die Kamera oft schon da: sie liegt in einem Auto, in 

das gleich jemand einsteigen wird, sie steht in einem Büro, das gleich 

einer betritt, sie hat sich schon in einem noch leeren Hotelzimmer 

niedergelassen. Und wenn die Filmfiguren längst schon wieder weg 

sind, glotzt die Kamera mit der gleichen Neutralität in die Gegend: ob 

hier gerade etwas geschehen ist, oder ob gleich etwas geschehen wird, 

spielt für automatische Bildaufzeichnung keine Rolle. Die erfüllten 

oder enttäuschten Konventionen der Montage und die erfüllten oder 

enttäuschten Erwartungen der Zuschauer_innen sind es, die all das 

mit Sinn überfluten. 

Dem Film gelingt es, beide Seiten dieses sehr schmalen Grades 

gleichermaßen zu denken und zu erfüllen. Während man ihn nämlich 

oberflächlich als eine jener schlimmsten filmischen Katastrophen 

sehen könnte, die ihre Zuschauer_innen dazu nötigt, sich mit 

den Motiven und Gedanken eines Vergewaltigers zu identifizieren 

oder sie nachzuvollziehen, tut er genau das Gegenteil. Man glaubt 

nur, seine Blicke zu teilen. Was wie Point-of-View-Shots aussieht, sind 

in Wirklichkeit die Bilder einer Kamera und eine Montage, die nur 

deshalb den Mut und die Kraft finden, das Schrecklichste festzuhalten, 

weil sie dem blutenden und fast toten Gesicht Christians mit der 

selben Kälte begegnen, wie den Maschinen eines Sägewerks, Wassertanks 

vor einem Farmhaus oder Tankern in der Bucht von Kapstadt. 

Die filmisch falsche Nähe zu den Blicken und dem leeren Starren des 

Täters erlaubt uns, ihn zu sehen, ohne uns unfreiwillig mit ihm zu 

verbünden. Man kann in diesem Film etwas verstehen: dass sich das 

Unmenschliche, was sich dort auf der Leinwand abspielt, nicht allein 

mit Menschlichkeit begreifen lässt. Dass die Unterschiede winzig 

klein werden, wenn wir es dennoch versuchen, und dass wir die Hilfe 

des Kinos dankbar annehmen sollten bei dem Versuch, zu verstehen, 

was Menschen allein nicht begreifen können. s 

Beauty 

von Oliver Hermanus 

ZA/FR 2011, 105 Minuten, 

Englisch-Afrikaans mit dt. UT 

Pro-Fun Media, www.pro-fun.de 

Im Kino 

ab 8. März 2012 

Pro-FuN MEDIA 

28 29

kino 

Muttis Berliner 

Bergtour 

von manuel Schubert 

Lange Texte über kurze Filme, in diesem Fall zügige 64 Minuten, sind eine Herausforderung. 

unser SISSY-Autor stellt sich ihr. Denn „Mommy Is Coming“, der neue Film 

von Cheryl Dunye, startet am 8. März in den Kinos und muss empfohlen werden. 

s voluptuous Panic. Über die Story von 

Mommy Is Coming gibt’s nur wenig zu schreiben. 

Ein junges Lesben-Paar streunt getrennt 

voneinander durch Berlin auf der Suche nach 

sexueller Selbsterfahrung. Die Mutter einer 

der beiden Frauen reist überraschend an, 

nur vordergründig besorgt um das seelische 

Wohl ihrer Tochter. Sie sucht eigentlich nach 

jener sexuellen Erfüllung, die sie von ihrem 

Ehemann nicht mehr bekommt. Es gibt ein 

schrilles Finale und Happy End. Abspann. 

Ok, ein bisschen mehr passiert doch noch. 

Aber erzählen wir stattdessen besser andere 

Geschichten. 

Mommy is coming. Ich sah einige Szenen dieses 

Films erstmals im August 2011. Der Regisseur, 

Schauspieler und Sektionsleiter des 

Berlinale-Panoramas, Wieland Speck, feierte 

im Berliner Kino Arsenal seinen Geburtstag 

nach. Einen Monat lang „Speck-Schau“. Private 

Memorabilien, Gespräche, Filme. Sogar 

jene Pflanzen, die Speck 30 Jahre zuvor an 

derselben Stelle ausgegraben und anschließend 

auf seinem Balkon kultiviert hatte, 

schleppte er ins Foyer des Arsenals. Zu erleben 

war auch ein Filmschnipsel-Vortrag über 

die kurze Vita des Schauspielers Speck. Unter 

anderem spielte er Nebenrollen für Ulrike 

Ottinger und im letzten Film von Marlene 

Dietrich. Es blieb bei Nebenrollen. Die amerikanische 

Underground-Regisseurin Cheryl 

Dunye bat Speck, nun einen Part in ihrem 

neuen Film zu übernehmen. In Mommy Is 

Coming erscheint er in der (Neben-)Figur des 

Hans Eberhardt. Ein heterosexueller Mann, 

der Wert auf die Feststellung legt, erst 59 

Jahre alt zu sein. Der seiner Frau sexuelle 

Apathie simuliert und heimlich mit zwei 

Geliebten davon fährt. Paraderolle. 

Fuck london. Mommy Is Coming ist eine Art 

moderner Heimatfilm. Heimatfilme kommen 

qua Definition nicht ohne Klischees und 

Berge aus. Hier heißen die Berge Kreuzberg 

und Schöneberg. Die Klischees sind jene des 

billigen, dreckigen, wilden Berlin – in dem 

natürlich alles geht. „Berlin is where your 

dreams come true“, sagt Regisseurin Cheryl 

Dunye in ihrer Rolle als alles verbindende 

Taxifahrerin. „Berlin ist wie San Francisco, 

nur besser“, heißt es in einer der inszenierten 

Interview-Sequenzen, die diesen Film narrativ 

durchsetzen. Too much Berlin, möchte 

man ihnen antworten. Zu ihrer Verteidigung 

könnte man aber auch behaupten, der Film 

GM-FILMS / jürGEN BrüNING FILMProDuKTIoN / EMILIE jouVET 

spiele lediglich lustvoll mit dem Berlin-Hype. 

Dieses Werk ist jedenfalls auf beiden Seiten 

der Kamera ein Mikrokosmos der nicht-heterosexuellen 

Underground-Szene der Stadt. 

Interstellar love. Kaum Innovationskraft, 

das Internet, Amateure und ihre Smartphones. 

Der schwule Porno ist vor einigen Jahren 

zugrunde gegangen. Die explizite Darstellung 

von Männersex zählt heute zu den 

abgekautesten Formen des Bewegtbilds. Die 

festgefahrenen Rollenklischees des schwulen 

Pornos wurden inzwischen von progressiven 

lesbischen Regisseurinnen wie Courtney 

Trouble oder hier Cheryl Dunye in die 

sexuelle Performance on screen transferiert. 

Das ist nur auf den ersten Blick ein Paradox. 

Zwar ähnlich im Erscheinungsbild, verfügt 

lesbischer und genderqueerer Porno über 

eine komplett andere Energie. Es scheint 

sichtbar mehr Aktionsfreude bei den Darstellerinnen 

zu geben und fühlbaren Spaß an 

der Zitierung und Überzeichnung von Rollen 

und Geschlechternormen des Genres. Lesbischer 

Porno brodelt und begeistert, auch in 

Mommy Is Coming. 

Das ende kommt zum Schluss. Trash, zentrales 

Element des nicht-heterosexuellen 

Filmschaffens. Dieser Streifen reiht sich 

ein in eine endlose Liste von Filmen, deren 

Hauptmerkmal ihr hoher Gehalt an gezielter 

Überzeichnung von allem ist, Ernsthaftigkeit 

oder Talent ausgenommen. Logisch: Auch 

Wieland Specks Performance ist ganz dem 

Trash verpflichtet. Und selbstverständlich 

ist der Filmtitel doppeldeutig zu lesen. In 

diesem Sinne und als Abschluss eine Frage: 

Wann haben Sie, liebe Leser und Leserinnen, 

zuletzt über Sex mit ihrer Mutter nachgedacht? 

Mommy Is Coming – schrille Absurdität. 

Wunderbar. s 

Mommy Is Coming 

von Cheryl Dunye 

DE 2012, 65 Minuten, englische 

OF mit dt. UT 

GMFilms, www.gmfilms.de 

Im Kino 

ab 8. März 2012 

The Watermelon Woman 

von Cheryl Dunye 


mit dt. UT 

Auf DvD bei der Edition Salzgeber, 


Der Prototyp 

von Jan künemunD 

„König des Comics“ ist ein dokumentarisches Porträt von rosa von Praunheim über 

ralf König. Nicht mehr, nicht weniger. Ein schwuler Promi, der was geleistet hat, 

wird der Filmgeschichte hinzugefügt. Das lief selbstverständlich im Panorama der 

Berlinale. und gleich anschließend (seit 23. Februar) im Kino. und selbstverständlich 

wird das von uns empfohlen. 

s Das erste Bild dauert gerade mal 9 Sekunden: 

Ralf König zeichnet. Das reicht nicht, 

um zu sehen, wie er zeichnet. Es reicht nur 

für die Information: Ralf König zeichnet. 

In Rosas Dokumentarfilmen kann man sich 

das Beobachten wie üblich abschminken. 

Information, intimpersönlichprivate Frage, 

weiter geht’s. Zack, Schnitt, Dom: ah, Köln. 

Ralf Morgenstern sagt was, Hella von Sinnen 

sagt was. Die Kölner Szene hat eine 

Meinung zum Kölner Szenemitglied König. 

Der Ralf. Mal gleich vorwegschicken, dass 

der bewegte Mann ein schwuler Comic war, 

der zum Mainstream-Hetenfilm verbogen 

wurde. Der „Producer“ von der Ufa sieht das 

anders. Ralf Königs schöne Leseperformances 

(eine Diashow der Panels mit Sprechblasenvortrag) 

sind Rosas Steilvorlage, auch die 

Comics filmisch einzusetzen. Naheliegend 

und gut. Zuschauer werden befragt und ein 

Comicladenbesitzer. Rosa fragt nicht: Welche 

Bedeutung hat das Werk Ralf Königs? 

Rosa fragt den Comicladenbesitzer: Kannst 

du darüber auch als Hete lachen? Und den 

Heterozuschauer fragt er: Machen Ralf 

Königs Zeichnungen schwul? (Nach rasanten 

15 Minuten:) Jetzt aber mal Biografie. 

Als ich gehört habe, Rosa macht einen 

Film über Ralf König, im Auftrag von ZDF/ 

Arte, dachte ich: naja. Alle mögen Ralf 

König, Ralf König ist schwul. Reicht das? 

Das Übliche also: aufgewachsen in, gelebt 

in, erster Erfolg durch, Krise während, Geld, 

Freunde, Karriere, zurückblickend heute … 

Alte Schulfreundinnen werden besucht, 

Joachim Król hat bewegte Dreharbeiten 

erlebt, dann kommen die besten König- 

Pointen (Suck my Duck!), Knollennase und 

Prototyp, der 50. Geburtstag wird gefeiert, 

der neue Beziehungspartner darf „Ich liebe 

dich“ sagen, Abspann. Steht irgendwie alles 

auch auf Wikipedia. Rosa hat die rosa Brille 

auf: Und, wie war DEIN Coming-Out, warst 

AUCH DU schwulenbewegt, wie war das in 

DEINEM Freundeskreis mit Aids, und findest 

du die katholische Kirche und die Islamisten 

nicht AUCH bescheuert? Und wie 

hast du mit deinen Zeichnungen auf all das 

reagiert? (Mutig, selbstbewusst, kontrovers, 

mit Humor.) Ein bewegtes schwules Familientreffen. 

Und dann kommen sie doch, die Bilder. Im 

Kopf. Der „Sauerkrautbach“ (ein stinkendes 

Rinnsaal in Westönnen, in das die nahe Fabrik 

was einleitet und wo Ralf die ersten sexuellen 

Erfahrungen macht). „Elvira Brunftschrei“ 

im „Kommunikationszentrum Ruhr“ 

(erste Theatererfahrungen in Dortmund). 

BASIS-FILM VErLEIH 

König des Comics 

von Rosa von Praunheim 

DE 2012, 80 Minuten, deutsche OF 

Basis-Film, www.basisfilm.de 

Im Kino 

seit 23. Februar 2012 

Die Düsseldorfer Kunstakademie-Lehrer, die 

drei ungeordnete Knollennasen sehen und 

den jungen Bewerber sofort annehmen. Die 

spitzen Finger der Rowohlt-Sekretärin, die 

ihrem Chef angewidert das erste Manuskript 

überreicht. „Der Brasilianer“ (kein Name 

und kein Bild) und die leidenschaftlichsten 

Jahre. Der Karikaturenstreit, gerade, als 

„Dschinn Dschinn“ in Vorbereitung ist. Das 

größte Kompliment: „Ich habe mir auf deinen 

Comic einen runtergeholt.“ 

Und dann ein typischer Rosa-Einfall: 

Statt selbst zu fragen, setzt er Ralf König 

einen Fan aufs Sofa, einen promisken Zahnarzt 

aus Zürich, der ein knappes T-Shirt 

angezogen hat und den Herrn König nach 

seinem „Männertyp“ ausfragt. Der Herr 

König ist charmant verlegen. Und nach 80 

Minuten ist einem das Familienmitglied sehr 

ans Herz gewachsen. 

Ende der 70er entdeckt Herr König aus 

Westönnen bei seinem Sohn im Buchregal 

„Sex & Karriere“ von Rosa von Praunheim. 

Konflikt, Coming-Out und erzwungene 

Nestflucht waren die Folge. 2012 fragt Rosa 

den Ralf über Sex & Karriere aus. Auf Rosa 

ist eben Verlass. Findet auch Arte. So habe 

ich das schon öfters gesehen. Macht aber 

nichts. s 

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kino

dvd dvd 

Der Schmutz 

von außen 

von FrItz Göttler 

Vielleicht im Fahrwasser des Erfolgs von „Das weiße Band“ 

ist nun endlich „jagdszenen aus Niederbayern“ auf DVD 

erschienen, Peter Fleischmanns 1969er Verfilmung des 

berühmten Stücks von Martin Sperr, über die Ausgrenzung 

eines jungen Schwulen aus der heilen Welt eines 

selbstgefälligen süddeutschen Dorfs. „Eine Schande für 

Niederbayern“ war das damals für viele – nicht die Handlung, 

sondern der Film. 

s Ein Erfolgsrezept, gleich zu Beginn des Films: Wir stehen früh auf 

und leben gesund … So erklärt einer der gstandenen niederbayerischen 

Mannsbilder gleich zu Beginn des Films den Drive seines Dorfes, und 

dann legt er gleich noch einen ganz konkreten Tipp drauf: Nicht so 

viel in der Horizontale arbeiten! Die Sinnenlust wird groß geschrieben, 

das Derblecken und der Sex, und keiner kann sicher sein, dass 

er im nächsten Augenblick nicht das Opfer von Spottlust, Vorurteilen 

und geilem Begehren wird. 

Eins der begehrtesten Opfer ist die junge Hannelore, gespielt von 

Angela Winkler, ein Mädel, das unbedarft und frech ist, von einer 

koketten Naivität, der keiner widerstehen kann. Sie hat ein Kind vom 

spröden Abram, sagt sie, der nach einiger Zeit zurück ist im Dorf, er 

sei im Gefängnis gewesen in Landshut, heißt es, er hätte merkwürdige 

Sachen gemacht, er sei anders, ein Schwuler. 

Eine Sauerei sei der Film, eine Schande für Niederbayern, hieß 

es damals nach der Uraufführung, Juni 1969, in Leserbriefen in der 

Landshuter Zeitung. Begriffe wie heiliger Zorn und Entartung, 

gesundes Empfinden und Vätersitte fanden spontan ihren Weg in die 

Diskussion zurück. Er habe den Film aus Liebe zu Bayern gemacht, 

sagt dagegen der Produzent Rob Houwer. 

Es sind Lausbubengeschichten der bösen Art, die der Film präsentiert. 

Verachtung und Diskriminierung, Stichelei und Denunziation, 

Lynchmobstimmung und Menschenjagd. Die Mobilisierung der 

Gesellschaft. Gewaltige Mähdrescher drücken sich bedrohlich durch 

die engen Dorfstraßen. Starfighter durchschneiden regelmäßig den 

Himmel über dem Dorf. 

Der Film sei Kitsch, hieß es in einem der Leserbriefe, „größerer 

Kitsch als der kitschigste Heimatfilm seligen Angedenkens“. Auch 

das Dumpfe und Derbe hat seinen Kitsch, die Geilheit und der Dreck. 

Ein Begriff, mit dessen Hilfe in der ästhetischen Diskussion der Nach- 

EuroVIDEo 

kriegszeit Diskriminierung an die Stelle der Analyse gesetzt wurde. 

Kitsch, das Gegenstück zur echten, wahren, tiefen Kunst. Kitsch ist 

nicht der Rede, des Nachdenkens wert, der Intellekt ist nicht gefordert. 

Mit der Kitsch-Blindheit hat dann in den Siebzigern das junge 

deutsche Kino Schluss gemacht, das auf die Oberflächen schaut und 

auf die Emotionen. Kurz nach den Jagdszenen fingen Schlöndorff, 

Kitsch ist nicht der Rede, des nachdenkens wert, 

der intellekt ist nicht gefordert. 

Hauff, Vogeler, Brandner mit ihren neuen Heimatfilmen an, andere 

Jagdszenen, mit Outlaws, am Western orientiert. 

Auch bei Fleischmann schimmern amerikanische Muster durch, 

die Provinzmelodramen der Fünfziger, von Picnic bis Some Came 

Running – der Bus, der in das Dorf einfährt und auf dem Marktplatz 

Station macht, das ist eine klassische Szene des Genres. Der Junge, 

der von draußen zurückkommt und nicht mehr in die Gemeinschaft 

zurückfindet. 

Der Außenseiter, der bestraft wird für sein Anderssein, für das 

Wagnis, anders zu sein – und die Lust, die das bedeutet. Beim Wiedersehen 

wird Abrams Schicksal von dem Martin Sperrs überlagert, 

der das Stück schrieb und im Film selbst den Abram spielt. Er hatte 

innerhalb weniger Jahre eine aufregende Karriere gestartet, die jäh 

abgebrochen wurde nach einer Gehirnblutung, von der er sich nie 

wieder restlos erholte. 

Die Jagdszenen sind in Schwarzweiß gedreht, mit einem sanften, 

liebevollen Blick fürs Detail, ein Stillleben, in dem jedes Fenster ein 

feines Blumengesteck aufweist. Das Natürliche und das Künstliche 

sind manchmal nicht mehr zu unterscheiden, das Normale und das 

Abartige – so wie man es aus den Filmen von Buñuel kennt, Las Hurdes, 

aber auch den Spielfilmen. Die Bewohner des Dorfes Unholzing 

im Landkreis Landshut spielen mit, und selbst in den hässlichsten 

Momenten – das hebt den Film dann doch über simple Denunziation 

hinaus – meint man irgendwie den Geist der Commedia dell’arte zu 

spüren. 

In langen Kamerafahrten bringt der Film seine Figuren zusammen, 

beim Kirchgang, beim Sauschlachten, beim Erntefest, dabei 

kriegt das Dorf einen gemeinsamen Körper, wird community. Die 

Bösartigkeit, Grausamkeit, Gemeinheit, die hier sich auswirken, wurzeln 

in einer urtümlichen Anarchie, die Peter Fleischmann in seinen 

weiteren Filmen immer stärker beschworen hat. Sie mag eine Gesellschaft 

degenerieren lassen, aber sie garantiert ihr auch einen Rest an 

Vitalität. s 

Jagdszenen aus niederbayern 

von Peter Fleischmann 

DE 1969, 85 Minuten, 

deutsche OF 

Auf DvD bei EuroVideo, 

www.eurovideo.de 

32 33 

EuroVIDEo (2)

dvd 

Sex und gewalt und die 

Sehnsucht nach liebe 

von Jan Gympel 

Eigentlich ist Peter Kern seit jahrzehnten eine feste Größe im deutschsprachigen Kino. Als Schauspieler, 

aber in mindestens dem gleichen Maße auch als Filmemacher. Doch wie viele seiner Werke sind wirklich 

präsent, zumal außerhalb seiner österreichischen Heimat? Sind seine Arbeiten zu quer und vielleicht auch 

zu queer, um in die Kinos zu kommen und im Fernsehen zu laufen? überprüfen kann man dies an Hand 

einiger von Peter Kerns Filmen, die immerhin auf DVD verfügbar sind. 

s Es gibt Regisseure, die drehen fleißig Filme, und dies nicht unter 

komfortablen Bedingungen, denn sie sind Außenseiter geblieben. Sie 

erhalten nicht leicht eine Förderung nach der anderen und einen Fernsehauftrag 

nach dem nächsten, haben keine Aufnahme gefunden in 

jene Branchenzirkel, wo man sich gern gegenseitig Preise verleiht – 

und dennoch bekommen sie nicht einmal als Exoten die ihnen gebührende 

Aufmerksamkeit. 

Einer dieser ebenso unermüdlichen wie unabhängigen Außenseiter 

ist Peter Kern. In den Siebzigern hinterließ der 1949 geborene 

Wiener schon dank seines leicht wiedererkennbaren Äußeren – (sehr) 

runde Körperformen, rundes Gesicht, Kulleraugen – in vielen Filmen 

einen bleibenden Eindruck, ob mit kurzen Auftritten wie als übertölpelter 

Blumenhändler in Fassbinders Schwulendrama Faustrecht 

der Freiheit oder mit Hauptrollen wie in Walter Bockmayers und Rolf 

Bührmanns Frühwerk Flammende Herzen, wo er 1977 an der Seite 

von Barbara Valentin – und einer echten Kuh – agierte. Für Letzteres 

und für seine Mitwirkung in Hans-Jürgen Syberbergs Hitler – Ein 

Film aus Deutschland erhielt Peter Kern den Bundesfilmpreis in Gold. 

1975 war er damit bereits als Mitglied des Ensembles von Wim Wenders’ 

Goethe-Adaption Falsche Bewegung ausgezeichnet worden. 

In den Achtzigern begann Kern, der auch bei Hans W. Geißendörfer, 

Daniel Schmid oder Helmut Dietl spielte – sehr schön sein Part in 

der ersten und wohl besten Kir Royal-Folge als Wirt des einfallslosen 

Nouvelle-Cuisine-Restaurants, das von Baby Schimmerlos am Ende 

notgedrungen zum neuen In-Lokal hochgeschrieben wird –, selbst 

Filme zu drehen. Was bei ihm seither meist bedeutete: Er schrieb, 

produzierte und inszenierte sie. 

Eine Handvoll Vergnügen – Crazy Boys, 1987 im Berlinale-Panorama 

gezeigt, war seine erste Spielfilmregie. Nach eigenem Drehbuch schilderte 

Kern die Rettung der angeschlagenen Hamburger Szenebühne 

„Pulverfass“ durch eine damals noch relativ neuartige und originelle 

Idee: Beim Striptease mal die Rollen zu vertauschen und schmucke 

Männer sich zum Vergnügen von Frauen entblättern zu lassen. 

In diesem Streifen fanden sich bereits viele Elemente, die für Peter 

Kerns Filmschaffen typisch werden sollten. Etwa die Vermischung 

von Realität und Fiktion: Kerns Spielfilme spielen gern mit der Wirklichkeit 

(allen voran bei der Polit- und Medienfarce Haider lebt, die 

Jahre vor dem tatsächlichen Unfalltod des Titelhelden entstand) und 

beinhalten oft nahezu phantastische Elemente, die nicht zuletzt aus 

einer gewissen Stilisierung oder dem Unwillen zur naturalistischen 

Nachinszenierung von Geschichte oder Gegenwart entstehen – so die 

Szenen aus der NS-Zeit in Blutsfreundschaft oder die umfangreichen 

Sequenzen aus den Kinder- und Jugendjahren der einstigen Starhure 

und späteren Huren-Aktivistin Domenica Niehoff in Domenica, die 

Kern 1994 einfach im Ambiente der damaligen Gegenwart drehte. 

Zugleich inszeniert er bei seinen Dokumentationen auch manches – 

mal mehr, mal weniger deutlich. Eigentlich haben alle Regiearbeiten 

Peter Kerns etwas Essayistisches, sind souveräne Äußerungen eines 

„Blutsfreundschaft“ (2009) 

engagierten, da über die Zustände empörten Künstlers, der sich an 

Kino- wie andere Konventionen nicht halten mag. 

Für gewöhnlich wird in seinen Filmen eine Handlung denn auch 

nicht „ordentlich“ – also im gewohnten Ablauf – erzählt, und auch 

Portraits oder Biopics zeichnen kein vollständiges Bild der im Fokus 

stehenden Personen, ihres Charakters und Schicksals. Peter Kern hat 

den Mut zur Lücke, welche die Zuschauer durch ihr eigenes Denken 

und ihre eigene Phantasie füllen dürfen, seine Filme lassen Fragen 

offen. Die Schilderung eines bedeutenden Moments scheint ihm meist 

wichtiger als eine Geschichte detailliert darzustellen. 

Eine inhaltliche Konstante in Peter Kerns Filmschaffen ist sein 

Interesse für das, was gern – im weitesten Sinne – als „Rotlichtmilieu“ 

bezeichnet wird: Immer wieder fungieren der Straßenstrich und 

gewisse „Etablissements“ als Schauplätze, spielen Stricher, Huren, 

Freier, Transvestiten und Transsexuelle wichtige Rollen. 

Aber darf man Transvestiten und Transsexuelle denn so einfach 

zum „Rotlichtmilieu“ zählen? Natürlich nicht. Doch für Kern sind 

diese wie andere Menschen, die sich eher freiwillig oder auch unfreiwillig 

im „Milieu“ aufhalten, nicht aus voyeuristischen Gründen von 

Interesse, sondern als Außenseiter, dramatischer ausgedrückt: Ausgestoßene 

der Gesellschaft. Dies gilt für die schon erwähnte Domenica 

Niehoff, die aus desolaten familiären Verhältnissen kam und aus 

blanker finanzieller Not ihre Tätigkeit als Sexarbeiterin begann. Es 

gilt für die alternden oder bereits alten Kölner Schwulen, die sich rund 

um das Szene-Original Mutter Colonia ein Biotop – oder genauer: eine 

Ersatzfamilie – geschaffen haben und in Knutschen, kuscheln, jubilieren 

portraitiert werden. Und es gilt für den halbwüchsigen Titelhelden 

von Gossenkind, der von seiner Mutter beschimpft und verstoßen, 

von seinem Stiefvater geschlagen, bestohlen und sogar vergewaltigt 

wird, und auf der Straße und dem Straßenstrich eine nicht gute, aber 

bessere Heimat gefunden zu haben scheint. 

Zwischen diesem Film, den Peter Kern 1991 in seiner damaligen 

Wahlheimat Düsseldorf drehte, und dem 2009 in Wien entstandenen 

Blutsfreundschaft gibt es einige bemerkenswerte Parallelen: In beiden 

Fällen heißt der jugendliche Protagonist Axel und findet Zuflucht 

bei einem biederen Mann – in einigen Szenen ähneln die Kleidung 

und der Habitus des von Winfried Glatzeder in Gossenkind gespielten 

Familienvaters mittleren Alters mit heimlicher Neigung zu Minderjährigen 

sogar der Erscheinung des von Helmut Berger verkörperten 

betagten Schwulen in Blutsfreundschaft. In beiden Fällen ist das 

Glück zwischen dem Jungen und dem Älteren brüchig und daher nur 

von kurzer Dauer, letzterer zeigt suizidale Tendenzen, und auch dem 

Heranwachsenden winkt kein Happy End. 

Den wesentlichsten Unterschied zwischen den beiden Filmen bildet 

die „Nazi-Komponente“: Während Rechtsradikale – trotz des Aufflammens 

fremdenfeindlicher Gewalt in den frühen Neunzigern und 

obwohl jenes Axels bester Freund farbig ist – in Gossenkind gar keine 

Rolle spielen, nehmen sie in Blutsfreundschaft eine zentrale Position 

34 35 

dvd 

FILMGALErIE 451

dvd wir verreisen 

„Gossenkind“ (1991, links), „Knutschen kuschlen jubilieren“ (1998) 

ein. Das Schwanken des entwurzelten, desorientierten dortigen Axels 

zwischen seinen Neonazifreunden und dem alten Reinigungsbesitzer, 

den er eigentlich für sie ausspionieren soll, wird gespiegelt durch die 

Erinnerungen dieses Mannes an seine erste Liebe im „Dritten Reich“, 

die mit Entdeckung, Verrat, drakonischer Bestrafung und Tod endete. 

Dank des nun bereits mehr als zwei Jahrzehnte währenden Erfolgs 

der FPÖ und ihrer Abspaltungen mag die Auseinandersetzung mit der 

extremen Rechten für den politisch engagierten Österreicher Peter 

Kern naheliegen. Sie findet sich denn auch schon in seinem 2003 entstandenen 

Film Haider lebt – 1. April 2020, wo ein bizarres Zukunftsbild 

entworfen wird: Der (nur angeblich?) tote Ex-Bundeskanzler Jörg 

Haider avanciert zum Idol all jener Österreicher, die sich gegen die 

umfassende Übernahme ihres Landes durch die Amerikaner wehren; 

ein TV-Journalist (August Diehl) geht Hinweisen nach, Haider sei 

noch am Leben. Und der ein Jahr ältere Hamlet – This is your family 

ist die filmische Dokumentation oder eher Ergänzung von Christoph 

Schlingensiefs Projekt um Neonazis und vor allem – womöglich nur 

vorgebliche? – Aussteiger aus der Neonaziszene (womit sich der Film 

wiederum um, glücklicherweise, Außenseiter dreht). 

Bedenkt man, wie schwer es der Produzent und Regisseur Peter 

Kern zumindest in der bundesdeutschen Filmszene hat, wie relativ 

wenig Anerkennung er hier genießt, so erstaunt, wie viele Prominente 

sich immer wieder in den Besetzungslisten seiner Werke 

finden. Christoph Schlingensief beispielsweise, der bereits in Gossenkind 

einen geistig zurückgeblieben wirkenden Knecht spielte, 

arbeitete vor wie hinter der Kamera häufiger mit Kern zusammen, 

der auch unter Schlingensiefs Regie agierte. Beide schätzten einander 

sehr. Es gibt einige Ähnlichkeiten hinsichtlich der Art, wie sie 

auf politische und gesellschaftliche Entwicklungen reagierten und 

diese in ihren Arbeiten reflektierten. Allerdings wird kaum jemand 

auf die Idee kommen, Kern vorzuwerfen, er führe seine Außenseiter 

vor oder beute sie in anderer Weise aus. Dazu dürften auch zu viel 

eigene Betroffenheit, zu viele eigene Erfahrungen in seine Filme eingeflossen 

sein – als von je her stark übergewichtiger Schwuler konnte 

er sich bestimmt auch innerhalb der so gern gepriesenen „Community“ 

Ausgrenzung sicher sein und erleben, wie gern Diskriminierte 

einmal selbst diskriminieren. 

Deutlich kreisen Peter Kerns Filme letztendlich auch immer um 

Sex und Gewalt und – kann man sagen: „andererseits“? – um Einsamkeit 

und die Sehnsucht nach Liebe. Wobei offen bleibt, inwieweit sich 

manch einer seine Hölle selbst kreiert: Zumindest die älteren Schwulen 

scheinen die so dringend begehrte Zuneigung nur von jungen bis 

sehr jungen Männern erhalten zu wollen, gleichaltrige betrachten sie 

als so unattraktiv wie sie selbst – zu ihrem Schmerz – als unattraktiv 

betrachtet werden. Und es geht immer wieder um die Irrwege, auf die 

fehlgeleitete oder falsch verstandene Liebe führen kann – was wiede- 

rum als ein Thema erscheinen mag, das sich einem österreichischen 

Filmemacher aufdrängt, nachdem aus alpenländischen Kellern manch 

Ungeheuerliches bekannt geworden ist. Peter Kerns vorletztes Werk 

Mörderschwestern, das erst kürzlich seine bundesdeutsche Erstaufführung 

erlebte, wurde von den authentischen Fällen österreichischer 

Krankenschwestern inspiriert, die Patienten „aus Mitleid“ töteten. 

Es sind sehr grundlegende Dinge, die Peter Kern in seinen Filmen 

behandelt, auch wenn dies zuweilen von manch grellen Elementen 

und Tabubrüchen verdeckt zu werden droht. Filme, die der Entdeckung 

wert sind und zu denen sich ständig weitere gesellen. Nach 

dem 2009 entstandenen Blutsfreundschaft hat der höchst Produktive 

schon wieder drei weitere Werke fertiggestellt: King Kongs Tränen, 

die erwähnten Mörderschwestern und – jüngst im Berlinale-Panorama 

zu sehen gewesen – Glaube, Liebe, Tod, in dem er selbst einen alten, 

kranken Schwulen spielt, der um die Liebe seiner Mutter kämpft. Mal 

sehen, ob der Film in die deutschen Kinos kommen wird. s 

Blutsfreundschaft 

von Peter Kern 

AU 2009, 95 Minuten, 

deutsche OF 

Knutschen kuscheln jubilieren 


DE 1998, 87 Minuten, 

deutsche OF 

Haider lebt - 1 April 2021 



deutsche OF 

gossenkind 


DE 1991, 85 Minuten, deutsche OF 

Beide auf DvD bei Pro-Fun Media, 

www-pro-fun.de 

Hamlet – This Is Your Family 



deutsche OF 

Alle drei auf DvD bei der 

Filmgalerie 451, 

www.filmgalerie451.de 

Pro-FuN MEDIA (2) 

Queer und 

erwachsen 

von anDré WenDler 

Die schönsten Entdeckungen des Berlinale-Queer-Programms 

– und ein paar grundsätzliche überlegungen. 

s Es kommt die Zeit im Leben der meisten queeren Menschen, wo 

Coming-Out und erste nicht-heterosexuelle Erfahrungen lange vorbei 

sind und die damit verbundenen Fragen und Probleme ihre Dringlichkeit 

verlieren. Das queere Kino befasst sich gern mit solchen Erweckungsszenarien, 

vielleicht, weil sich dann das straighte Publikum 

einreden kann, es habe für alle eine Zeit des Normal-Seins gegeben. 

Mit großer Genugtuung und auch Überraschung habe ich im diesjährigen 

Berlinale-Programm eine Reihe queerer Filme gesehen, in 

denen keine Gründungsmythen diverser Identitäten heruntergebetet 

werden, sondern in denen erwachsene queere Menschen erwachsene 

Probleme haben, die auch jede_r andere haben könnte, die aber eine 

spezifisch queere Farbe bekommen. Jaurès ist einer dieser Filme, der 

glücklicherweise und völlig zu Recht den Spezialpreis der Teddy- 

Jury bekommen hat. Der Regisseur zeigt einer Kollegin einen Film, 

den er in der Wohnung seines ehemaligen Geliebten Simon gedreht 

hat. Zu sehen sind afghanische Flüchtlinge, die vor dem Fenster am 

Kanal kampieren müssen, weil sie illegal in Frankreich sind und ein 

Ende ihrer Illegalität nicht in Sicht ist. Gleichzeitig erzählt er ihr von 

seinem Geliebten, dem Schmerz und der Freude, die ihre in vielerlei 

Hinsicht besondere Beziehung produziert hat. Die Spannung, die sich 

zwischen den intimen Überlegungen zur Liebe zweier Männer, von 

denen einer schon Opa ist, und der distanzierten Beobachtung der 

Flüchtlinge ergibt, ist nicht immer leicht zu ertragen. Sie zeigt aber, 

das queeres Begehren niemals jenseits der räumlichen und zeitlichen 

Zufälle urbanen Lebens existiert und fortwährend mit Dingen konfrontiert 

ist, die vordergründig scheinbar wenig miteinander zu tun 

haben. Jaurès verkneift sich dabei Plattitüden über das Politische der 

persönlichen Beziehungen und fordert seine Zuschauer_innen dazu 

auf, sich zu den Zutaten seines filmischen Experimentierkastens 

selbst in Beziehung zu setzen. 

Der Gewinner des Teddy Awards, Keep the Lights on, weiß von 

derartigen formalen Experimenten nichts. Es ist ein ziemlich geradeheraus 

erzählter Spielfilm über die Beziehung zweier Männer, die 

über etwa zehn Jahre begleitet wird. Die beiden gehen durch alle 

Phasen, die sich in einer Beziehung denken lassen. Vieles von dem, 

was den beiden begegnet, von der Frage nach Treue oder Polyamorie, 

Verbindlichkeit, Lachen und Leiden, könnte in ähnlicher Form in fast 

jeder Beziehungskonstellation auftauchen. Der Film schafft es aber, 

diese generellen Beziehungsfragen immer wieder um spezifisch 

großstädtisch-schwule Belange zu ergänzen. An der komischen und 

unerträglich traurigen Beziehung von Eric und Paul ist alles allgemein 

und spezifisch zugleich. Beziehungsarbeit ist damit immer 

auch die Justierung der spezifischen Situation am jeweiligen Erwartungshorizont. 

Im Kino bilden die klassischen Beziehungsnarrative 

noch immer diesen Horizont. Keep the Lights on hat diese Erzählungen 

immer im Hinterkopf und serviert sie einmal in Reinform, 

„Keep The Lights On“ von Ira Sachs (2012) 

um ihnen beim nächsten Mal in einer gewitzten Volte auszuweichen. 

Im Forum der Berlinale haben zwei Filme, die man unbedingt 

zusammen sehen muss, einmal dem Zustand heterosexueller Ehen 

und Beziehung auf den Zahn gefühlt. What is Love und Beziehungsweisen 

haben offenbar bis ins Letzte verstanden, was daraus folgt, 

wenn eine éducation sentimentale unter den Bedingungen des Kinos 

absolviert wird. In beiden Filmen werden Paarbeziehungen durch 

das Kinoauge betrachtet: Einmal sitzen Schauspieler_innen als Paare 

in Paartherapien, einmal spielen Familien Szenen aus ihrem Leben, 

als seien sie darin nur die Statisten. Die Begegnung der beiden Filme 

ist spannend: An den echten Personen hängen ihre realen Probleme 

wie ausgetragene übergroße Kleidungsstücke. Die Schauspieler 

hingegen stecken in ihren Rollen wie in Maßanzügen. Die Liebes- 

und Beziehungskonzepte, die in beiden Filmen vorgeführt werden, 

bleiben immer auf Film und Kino bezogen. Calle Overweg hat die 

Geschichten, die den Improvisationen seiner Schauspieler_innen als 

Grundlage dienen, von ihm geschätzten Filmen entnommen. Die Bilder 

von Ruth Mader sehen aus wie neueste Berliner Schule. Wir können, 

so scheinen sich beide Filme gegenseitig zu kommentieren, jenseits 

kinematografischer Techniken und Repräsentationen gar nicht 

mehr verstehen, was Pärchen sind und wie sie funktionieren. Das 

wäre nun aber, bei aller Konventionalität der Anordnungen in beiden 

Filmen, eine ziemlich weitreichende These. In jedem Darkroom, in 

jedem Ehebett, bei jedem Date, bei jeder Trennung, schliefen, stritten, 

küssten, fickten, weinten Kinobilder, Kinofiguren, Kinokonzepte, 

Kinoliebhaber_innen mit. 

In anderen Filmen der diesjährigen Berlinale finden wir ähnliche 

Konstellationen: Die Beziehung der beiden Jungs in Westerland lässt 

sich nur verstehen, wenn man sie nicht nur vor dem Hintergrund der 

gleichnamigen Landschaft begreift. Man muss das ganze Repertoire 

affektiver Liebeslandschaften des amerikanischen Western oder des 

Heimatfilmes mitdenken, um zu verstehen, warum Beziehungen in 

den Tönen der gefrorenen Nordsee etwas anderes sind als solche aus 

der Glut des Südens. Die Wiederaufführung von Tom Kalins Swoon 

hat uns daran erinnert, wie untrennbar bestimmte Paarbeziehung an 

die Kinobilder ihrer Zeit gebunden sind. Der Film reflektiert nämlich 

nicht nur die politischen Fragen seiner Entstehungszeit, sondern mindestens 

genauso intensiv die Konventionen schwuler Beziehungsbilder 

der 1920er Jahre, in denen er spielt. Filme wie diese haben uns in 

diesem Jahr daran erinnert, dass mit queeren Inhalten und Figuren 

allein kein queeres Kino zu machen ist. Queeres Kino muss immer 

beiden gerecht werden: den Queers und dem Kino. Filme, die beide 

Register ziehen können, sind für mich erwachsenes queeres Kino. 

Daran sollten sich nicht nur die Filmemacher_innen von Zeit zu Zeit 

erinnern, sondern auch die Auswahlkommissionen der Filmfestivals 

mit verstärkt queeren Ansprüchen. s 

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BErLINALE / jEAN CHrISToPHE HuSSoN

film-flirt 

valeska gert – 

Ästhetik der Präferenzen 

von Wolfgang Müller 

Martin Schmitz Verlag, Berlin 2010 

Subkultur West-Berlin 1979–1989 


Philo Fine Arts, Hamburg 2012 

Kosmas 


Verbrecher Verlag, Berlin 2011 

Die elfe im Schlafsack 


Verbrecher Verlag, Berlin 2011 

38 

Der moment 

SchriftSteller Sehen filme: Wolfgang müller 

Wolfgang Müller, Autor, Künstler, Musiker und Elfenfachmann, nimmt den „protoqueeren“ 

„Kiss“ von Andy Warhol und das Homo-Mahnmal in Berlin zum Anlass, 

über den Film-Moment des Kusses nachzudenken. Genauer: über die Verbindung von 

Schönheit und Ekel. 

s Im Homo-Mahnmal von Künstlerduo Elmgreen und Dragset ist ein Film integrierter Teil 

des Gesamtkonzeptes. In einer Betonauslassung sollten, so plante das Künstlerduo, die Videoaufnahmen 

zweier küssender Männer erscheinen. Nachdem die Entscheidung zum Bau des 

Homo-Mahnmals gefallen war, erhob sich Streit: Emma-Chefredakteurin Alice Schwarzer 

und andere wiesen darauf hin, dass lesbische Frauen als Opfer des Naziterrors durch diese 

Entscheidung vollkommen ausgeblendet seien. Unterstützung erhielt ihre Kritik von Comiczeichner 

Ralf König und weiteren schwulen und lesbischen Prominenten. Der heftige Streit 

führte dazu, dass nach einer Bundestagsdebatte beschlossen wurde, den Videoclip im Inneren 

des Mahnmals alle zwei Jahre durch einen neu zu produzierenden Film auszuwechseln. 

Natürlich gilt die Autonomie der Kunst noch weniger für Denkmäler und Mahnmale als für 

„reine“ Kunst. Bei Denkmälern besteht ganz generell die Problematik, dass ausführende 

Künstler gezwungen sind, zahlreiche Stimmen, Ansichten und Interessen von vorneherein 

mit zu berücksichtigen – von den zu gedenkenden Opfern und Toten, die nicht gefragt werden 

können, bis hin zu Baustadträten und Gleichstellungsbeauftragten, die ebenfalls ihre aktuellen 

politischen Interessen geltend machen wollen. Weigern sich Künstler, auf all diese Änderungswünsche 

einzusteigen, endet die Forderung nach ständiger Nachbesserung des Mahnmals 

keineswegs automatisch. Der von Elmgreen und Dragset geplante „Schwulenkuss“ (Sirko 

Salka in der „Siegessäule“) wurde also in einer parlamentarischen Diskussion durch einen 

„Lesbenkuss“ erweitert (angeglichen? vervollständigt?). Eine „ExpertInnenjury“ entscheidet 

nun über die Auswahl der zwei Jahre gezeigten Kusssequenzen. Das klingt sehr demokratisch, 

aber vielschichtige Kunst ist weder demokratisch, noch kann sie Mehrheitsentscheidungen 

berücksichtigen. Da miteinander küssenden Frauen in den bestehenden gesellschaftlichen 

Hierarchien und den ihr innewohnenden Ästhetiken eine völlig andere Stellung zugewiesen 

wird als zwei küssenden Männern, werden die Normalitätsregime der Mehrheit durch diese 

Inklusion keineswegs irritiert, sondern weiterhin bestätigt. Die Unterdrückung von Frauen 

ist völlig anders strukturiert als die von Schwulen, die immerhin das Privileg genießen, zur 

bevorzugten Gruppe „Mann“ zu zählen. Extrem zwiespältig klingt der Wunsch des Regisseurs 

des aktuellen Videos, Gerald Backhaus: „Schön wäre es, wenn sich andere Leute an den 

Küssen erfreuen würden (…)“, da es genau das bedient, was andere als Homonationalismus 

oder queere Rassifizierungspolitiken zu diskutieren versucht haben. Denn der Appell an den 

normalen Geschmack manövriert genau von der Schwelle Normalität/Perversion wie selbstverständlich 

zur Affirmation bestehender Geschmackshierarchien. Die große Differenz zwischen 

„homosexuell“ und „homosozial“, zwischen „privat“ und „öffentlich“, zwischen „Männerküssen“ 

und „Frauenküssen“ lässt sich gut an den politischen Bruderküssen zwischen 

Honecker/Gorbatschow, aber auch aktuell Sarkozy/Merkel beobachten. Es wäre natürlich 

schön, wenn dieses neo-individual-liberale Einerlei irgendwie ausgrenzende Diskriminierungsstrukturen 

irritieren würde. Denn wenn dem so einfach wäre, hätte das ganze Denkmal 

einen rein nostalgischen Zweck. 

Auf unübertreffliche Weise gelingt es mit ganz ähnlichen Kussmotiven, Andy Warhols Film 

Kiss von 1963, die ganze Ambivalenz zwischen Intimität und normalen Geschmackspolitiken 

in einem Raum ins Spiel zu bringen. Schönheit und Ekel garantiert inklusive. In diesem 16mm- 

Schwarzweiß-Stummfilm küssen sich über fünfzig Minuten lang Paare unterschiedlichster 

sexueller Orientierung. Oft ist wegen der Schwarz-Weiß-Kontraste und der bewegten Kamera 

nicht ohne Weiteres erkennbar, wer da welches Geschlecht aufweist. Unter den Küssenden 

befinden sich der 1923 geborene, schwule Popart-Künstler Robert Indiana, dessen „LOVE“ allseits 

bekannt ist, als auch Warhol-Superstar Baby Jane Holzer, Jahrgang 1940 – benannt nach 

Robert Aldrichs gleichnamigen Film Baby Jane. Sie betreibt heute einen Eisladen in Florida 

und arbeitet als Immobilienmaklerin. Warhols Küsse sind revolutionär – bis heute. Sie sind 

film-flirt 

Blixa Bargeld (rechts im Bild) überraschte den Autor Wolfgang Müller im Westberlin von 

1980 mit einem Zungenkuss. 

in unterschiedlichster Hinsicht proto-queer und übertreffen fünfzig 

Jahre nach ihrer Aufnahme noch jeden bisher im Mahnmal von 

Elmgreen und Dragset integrierten Kussfilm. Zum einen findet sich 

in Kiss das genaue Gegenstück zum perfekt inszenierten Hollywood- 

Filmkuss, in dem kein Speichelfaden oder gequetschte Gesichtsteile 

die Ästhetik irritieren sollen. Und – sehr wichtig – sie kümmern sich 

nicht einmal darum, ob der jeweilige Kuss nun auf allgemeines Gefallen 

stößt oder ob er es nicht tut. Trotzdem tut Kiss beileibe nicht so, 

als ob die angestrebte Utopie bereits verwirklicht wäre, also es völlig 

egal sei, ob Frauen Frauen oder Männer Männer körperlich berühren 

und begehren. Mancher Kuss in Kiss sieht vielleicht lecker aus, mancher 

eher komisch oder gar abstoßend – aber die Ästhetik des Kusses 

spielt keine Rolle. Vielleicht macht den Küssenden ja viel Spaß, was 

für die Betrachter so aussieht, als schnappe ein kranker Karpfen nach 

Luft? In seiner Entstehungszeit 1963 stellt Kiss eine zusätzliche Provokation 

dar, eben dadurch, dass er gesellschaftlich eine Attacke auf 

Mehrheitsregime und ihre Ästhetik war, in vielerlei Hinsicht. Die weißen 

Punkte am Ende jeder auslaufenden Filmrolle, die Andy Warhol 

deutlich sichtbar in seinen Filmen beließ, sind das Signal für Filmvorführer 

zum Wechsel bei der Vorführung. Andy Warhol outet damit 

außerdem den Wechsel der Rollen, er macht sichtbar, was eigentlich 

nur der Vorführer wissen soll, nicht aber die Zuschauer – das offene 

Geheimnis, das eigentlich im Verborgenen bleiben soll. Und dadurch, 

dass er die sexuelle Orientierung der jeweils Küssenden zur zweitrangigen 

Angelegenheit macht – Homosexualität war 1963 sicherlich 

absolut keine „Nebensache“, schon gar nicht für die Empfindungen 

und Gefühle der Mehrheit – entfaltet Andy Warhols Kiss über diesen 

Umweg der Wahrnehmungen seine bis heute unübertroffene subversive 

Energie. s 

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WoLFGANG MüLLEr / ANNo DITTMEr

frisch ausgepackt frisch ausgepackt 

neu auf DvD 

von chrIStoph meyrInG (cm), paul Schulz (pS) unD Jan künemunD (Jk) 

das TraurIge LeBeN der gLorIa s. 

DE 2011, regie: ute Schall & Christine Groß, Edition 

Salzgeber 

Eine bitterböse, rabenschwarze 

Komödie über 

zwei starke Frauen, die 

sich gegenseitig verdient 

haben: Die eine ist Schauspielerin 

und braucht 

dringend einen Job; die 

andere ist Regisseurin 

und muss dringend einen 

Film über prekär lebende Frauen machen. 

Christine Groß und Ute Schall haben daraus 

eine durchgeknallte Farce über das falsche Bild 

vom wahren Leben und über glamouröse Überlebensstrategien 

gemacht. 

„Bevor das Spiel mit der Inszenierung von Realität 

in Gang kommt, sei zumindest noch der 

Vollständigkeit halber darauf hingewiesen, 

dass der Film zumindest skizzenhaft versucht, 

noch eine weitere Realitätsebene einzubauen, 

die auf die konkrete Realität der Figuren verweist. 

Auf dieser Ebene ist Das traurige Leben 

der Gloria S. weitgehend ein Frauenfilm. Da ist 

die erfolglose, unter prekären Bedingungen lebende 

Schauspielerin Gloria, die, wiewohl sie 

in einer nicht unproblematischen lesbischen 

Beziehung lebt, sich als integraler Bestandteil 

einer zwar kaputten, aber strukturell der 

Norm entsprechenden Kleinfamilie inszenieren 

muss/will. Charlotte, die Filmemacherin, 

sucht wiederum den Kontakt zur sozialen 

Realität aufgrund einer diffusen Krisenerfahrung, 

weil ihre Parameter einer Erfahrung des 

Politischen nicht mehr zu greifen scheinen. Als 

‚Realitätsprinzip‘ fungiert die toughe Filmproduzentin 

von Lösch, die das fadenscheinige 

Spiel früh und instinktiv durchschaut. (Ulrich 

Kriest in SISSY 4/2011) 

LoLLIPoP MoNsTer 

DE 2010, regie: Ziska riemann, Edition Salzgeber 

Die quietschbunte Ari 

und die düstercoole Oona 

werden Freundinnen, die 

sich gegen ihre Familien 

wehren und gemeinsam 

explodieren. „Unstet wie 

pubertäre Stimmungsschwankungen 

wechselt 

der Film von der Story in 

Musikclips, vom Spielfilm über Super8 in eine 

Comicästhetik. Egal, wann man jung war, ob 

zu Tolle-, Flattop-, Föhnwelle- oder Stachelfrisurzeiten, 

egal, ob die Eltern einem Rolling 

Stones, Joy Division oder Chicago House verbieten 

wollten: Riemanns Film, bei dem die 

Berliner Comiczeichnerin, Autorin und Musikerin 

erstmalig Regie führte, versucht, das globale 

Pubertistinnengefühl einzufangen, und es 

in der gleichen Windstärke bildlich umzusetzen, 

in der es subjektiv empfunden wird. Sie 

hat dazu Musik er- und gefunden, die das Außenseitermotiv 

illustriert: Die imaginäre 

Oona- und Ari-Lieblingsband ‚Tier‘, deren Sänger 

aussieht wie der Voodoo-Priester Baron Samedi 

(aus James Bonds Leben und sterben lassen), 

und die in Rammstein-Manier rocken, nur 

mit mehr Gitarre, besingen ‚Trieb, Lust und 

Instinkt‘. Eine andere der vielen Musikeinlagen 

zeigt strippende Barbiemädchen beim Teddypeitschen. 

Wer das ein bisschen protzig und 

übertrieben findet, hat Recht. Aber es geht hier 

schließlich um Aufruhr im Hypothalamus.“ 

(Jenni Zylka in SISSY 2/2011) 

HerBsTgefÜHLe – 80 eguNeaN 

ES 2010, regie: jose Garaño & josé María Goenaga, 

Edition Salzgeber 

Zwei Damen um die 70 

fragen sich, ob sie ihre 

Gefühle füreinander endlich 

zulassen wollen. 

„Maite küsst Axun in einem 

Arrangement wie 

damals in der Sepia-Erinnerung. 

Axun küsst sekundenlang 

zurück, entschließt 

sich dann zur Abwehr. Der 

dramatische Ausbruch der lange verschlossen 

gehaltenen Gefühle findet auch metaphorische 

Entsprechungen: Das Boot der beiden 

hängt seeuntüchtig in den Seilen, als sie zum 

Steg zurück kommen, Axun schließlich fällt 

ins Wasser und Maite springt hinterher. Die 

sexuelle Konnotation der klatschnassen Körper, 

der unmittelbare physische Kampf zwischen 

beiden nach all den Gesprächen, Berichten, 

Diskussionen wirkt befreiend. Gefragt, 

wie sie auf die Idee für einen lesbischen Liebesfilm 

über 70-jährige Frauen gekommen 

seien, sagten die beiden Regisseure, die einzige 

Vorgabe für sie wäre gewesen, es sollte von 

älteren Menschen handeln und Baskisch sollten 

sie sprechen. Ansonsten hätten sie keine 

Randgeschichte, auch keine kämpferische 

Emanzipationsgeschichte erzählen oder ein 

Coming-Out beschreiben wollen, sondern eine 

universale Geschichte. Ein Stück Normalität.“ 

(Angelika Nguyen in SISSY 4/2011) 

scHLafKraNKHeIT 

DE/Fr/NL 2011, regie: ulrich Köhler, Lighthouse 

Ein Arzt geht in Afrika 

verloren. Ein anderer 

kommt gar nicht erst an. 

Letzterer ist „eine Identifikationsfigur, 

findet Regisseur 

Ulrich Köhler: 

Alex Nzila, der schwule, 

schwarze WHO-Bürokrat 

aus Paris, dessen erster 

Auftrag eine Reise nach Afrika ist, das er nur 

soweit wahrnimmt wie der Schein seiner kleinen 

Taschenlampe reicht. Tatsächlich ist das 

eine originelle Figur, unbeholfen, ängstlich, 

schwach – so ganz anders als die kolonialen 

und postkolonialen Herren, die sich die Fremde 

verständlich machen und dann aneignen 

wollen, in den kolonialkritischen Erzählungen 

aber schließlich scheitern und degenerieren, 

zu Nicht-Afrikanern und Nicht-mehr-Europäern 

werden. Auch diese Figur gibt es in Schlafkrankheit, 

Ebbo, der andere Mediziner, der natürlich 

auch weiß, was man bei Schwulsein in 

Afrika verschreibt (‚bloß keinem erzählen‘). 

Der Film hat seine zwei Teile um diese zwei Figuren 

herum aufgebaut, weniger, um Thesen 

kultureller Fremdheiten gegeneinander auszuspielen, 

sondern eher, um undurchdringliche 

Bilder zu setzen und vom Scheitern der Strategien 

zu erzählen, Fremdheit aufzulösen, die 

eigentlich selbstgemacht ist.“ (Jan Künemund 

in SISSY 2/2011) 

VIer MÄNNer uNd eINe HocHZeIT 

GB 2011, regie: Trevor Garlick, Pro-Fun Media 

Wenn Danny Weatherill 

sein Erbe nicht verlieren 

möchte, dann sollte er 

möglichst bald vom Single-Markt 

verschwunden 

sein. Eine Klausel im Testament 

seines verstorbenen 

Vaters bestimmt nämlich, 

dass er bis zu einem 

nicht mehr allzu fernen Termin verheiratet sein 

muss, um es antreten zu dürfen. Ob mit einer 

Frau oder einem Mann, lässt der entsprechende 

Passus offen. Gott sei dank, denn Danny hat sich 

nach seiner ersten gescheiterten Ehe mit einer 

Frau sexuell umorientiert. Um nun auf die 

Schnelle einen geeigneten Lebenspartner zu 

finden, setzt er einen ausgeklügelten Dating- 

Masterplan in die Tat um. Die letzten drei sorgsam 

ausgesiebten Kandidaten werden am Abend 

vor der Hochzeit in ein Schlosshotel eingeladen, 

wo anderntags einer von ihnen vor den Traualtar 

geführt werden soll … Die Grundidee für diese 

britische Komödie scheint indessen, wie unschwer 

zu erkennen ist, von TV-Casting-Shows 

á la Der Bachelor vorgezeichnet worden zu sein. 

Nach der Zugabe von einigen auch nicht mehr 

ganz taufrischen Zitat-Zutaten aus Kino-Vorbildern, 

allerdings ohne würzenden und bindenden 

Schuss Witz, ist aus dem Homo-Lustspiel 

leider etwas eher Fades von bröckelig-heterogener 

Konsistenz geworden. Dies betrifft leider 

auch die Leistung der Darsteller − nicht zuletzt 

die des Hauptdarstellers, dessen enervierende 

Dauer-Aufgeräumtheit zuweilen abrupt von einer 

ebenso aufgesetzten Gefühligkeit unterbrochen 

wird. Und zuletzt sei noch an den Haager 

Gerichtshof appelliert, den unsäglichen (Speed-) 

Dating-Gag (Held sitzt im Café, trifft skurrile 

Type Nr. 1, Schnitt, skurrile Type Nr. 2, Schnitt, 

Nr. 3 etc. pp.), ohne den seit gefühlten drei Jahrzehnten 

kaum noch eine Beziehungskomödie 

auszukommen meint, endlich als Menschenrechtsverletzung 

anzu erkennen und dafür empfindliche 

Strafen in Aussicht zu stellen! cm 

ToasT 

GB 2011, regie: S.j. Clarkson, Ascot Elite 

Toast ist ein Film über die 

Kindheit und Jugend von 

Nigel Slater, Englands berühmtestem 

Fernsehkoch. 

Ja, es gibt auch in England 

berühmte Köche. Sollte 

man nicht denken, wenn 

man mal versucht hat, die 

englische Küche zu genießen, 

ist aber so. Dazu kommt: Toast ist ein toller 

Film, weil er nicht in den Küchen von Nobelrestaurants, 

sondern in einer Arbeitersiedlung 

spielt. Hier wächst der kleine Nigel auf. Als seine 

Mutter stirbt, holt sich sein Vater eine neue Frau 

ins Haus: Mrs. Potter, die sich vor allem dadurch 

auszeichnet, kochen und exzellent putzen zu 

können und Mr. Slater die Einsamkeit zu vertreiben. 

Sie wird es sein, die den Jungschwulen 

Nigel anspornt, ein Spitzenkoch zu werden, allerdings 

indirekt: Der Kleine hasst den ordinären 

Mutterersatz und versucht einfach, in der 

Küche besser zu sein als sie, um sie wieder los zu 

werden. Freddie Highmore und Helena Bonham-Carter 

liefern sich in den beiden Rollen 

nicht nur in der Küche, sondern auch auf der 

Leinwand eine leise Schlacht, die man gesehen 

haben sollte. Das ist großes, wunderbares 

Schauspielerkino, das von Regisseurin S.J. Clarkson 

gekonnt umgesetzt wird. Als Nigel, nachdem 

Mrs. Potter seinen Vater mit zu viel guter 

Kost zu Grunde gerichtet hat, in den letzten 

Filmminuten seinen ersten Mann küsst, weiß 

man, ab hier geht es aufwärts mit ihm. ps 

sTory of a Bad Boy 

uSA 1999, regie: Tom Donaghy, Edition Salzgeber 

Pauly ist notgeil wie alle 

17-Jährigen. Sein Leben 

kreist um seine Körpermitte 

und um die nächste 

Gelegenheit, seinen Hormonstau 

zu beheben. Dabei 

flirtet er mit Nonnen, 

Messdienern und seinem 

verschreckten Schauspiellehrer 

Noel, der nicht so Recht weiß, wohin mit 

sich oder seinem Zögling. Dass sein Leben so 

schwanzgesteuert ist, ist nicht gut für Pauly, 

denn so kommt er permanent in Schwierigkeiten. 

Story Of A Bad Boy ist ein erfreulicher kleiner 

Film, der gut gealtert ist und der, obwohl er 

schon 13 Jahre auf dem schmalen Buckel hat, 

nichts von seiner amüsanten Frische verloren 

hat. Was auch an seinem 1980er Setting liegen 

mag, das ihm einige Witze gestattet, die man in 

der Gegenwart so nicht machen würde. Der 

Film verschwand, nachdem er kurz nach seiner 

Entstehung auf vielen Festivals lief und paar 

Mal im deutschen Fernsehen zu sehen war, 

spurlos von der Bildfläche. Dass Salzgeber die 

überdrehte Komödie dem Publikum nun auf 

DVD wieder zugänglich macht, ist schön. ps 

augusT 

uSA 2011, regie: Eldar rapaport, Pro-Fun Media 

Als Troy nach Jahren aus 

Spanien nach Los Angeles 

zurückkehrt, versucht er 

da anzuknüpfen, wo er 

aufgehört hat – vor allem 

bei seinem Exfreund Jonathan. 

Dass der längst 

einen neuen Freund hat, 

ist für Troy aber kein 

wirkliches Hindernis. Das Ergebnis ist eine 

Dreiecksgeschichte mit explosivem Ausgang. 

Regisseur und Drehbuchautor Eldar Rapaport 

liefert mit August die Langfassung seines guten 

ersten Kurzfilms Postmortem von 2005 ab, 

und hat dabei viel richtig gemacht. August ist 

eine Geschichte über heiße Leidenschaft, die 

er in eiskalte Bilder wickelt. Das ergibt einen 

reizvollen Widerspruch, den er erzählerisch zu 

nutzen versteht. Auch seine beiden Hauptdarsteller 

Daniel Dugan (Jonathan) und Murray 

Bartlett als Troy waren schon in der Kurzfassung 

dabei und haben sichtlich Freude daran, 

ihren Charakteren jetzt mehr Hintergrund 

und Tiefe zu geben. Das, was einige an August 

allerdings am aufregendsten finden werden, ist 

die nicht-lineare Erzählweise und der Schnitt. 

Modern oder anarchisch? Geschmackssache, 

ich fand’s super. ps 

sWaNs – HuNger NacH LeBeN 

PT/DE 2010, regie: Hugo Vieira da Silva, Edition Salzgeber 

„Aus Portugal kommen 

sie. Der Vater, Tarso, arbeitet 

im Import-Export- 

Gewerbe, kauft Autos in 

Deutschland, die er in 

Portugal mit Gewinn wieder 

verkauft. Der Sohn, 

Manuel, ist ein Skater, ein 

sehr virtuoser, von einem 

Sponsor ist die Rede, auch davon, dass es der 

Vater ist, der seine Miete bezahlt. Im Zentrum 

des Films jedoch steht die Ex-Frau des Vaters, 

die Mutter des Sohnes, der jedoch keine Erinnerung 

an sie hat. Man muss genauer auch sagen: 

Die Mutter steht nicht, sondern liegt. Sie 

ist nach einer aggressiven Krebs-Chemotherapie 

ins Koma gefallen; nicht bei Bewusstsein, 

komplett immobil. (…) Swans ist ein Körperhorrorfilm. 

Das Koma als vollständiger Kontrollverlust, 

der in die Bewegungs- und Leblosigkeit 

führt. Die totale Kontrolle des Skaters beim 

Skaten. Einmal macht der Vater Meditationsübungen 

und überlässt sich dabei ganz den Anweisungen 

der von ihrem Körper dissoziierten 

Stimme von der CD. Wie Sonden sind die Figuren 

in der Stadt unterwegs, auf einer Suche, sie 

wissen nur nicht, wonach. Reinhold Vorschneiders 

Kamera liegt mit ihren virtuosen Fahrten 

und Eigenbewegungen, das Berührungs- als 

Abbildungsbegehren verdoppelnd, noch einmal 

quer dazu. Der Film selbst nimmt zu alledem 

die einzig plausible Position ein: Er hält es 

konsequent fest, unter enigmatischem Titel, 

und mobilisiert den Betrachter, indem er sich 

seinem schnellen Begreifen entzieht.“ (Ekkehard 

Knörer in SISSY 2/2011) 

My LasT rouNd 

CHI/ArG 2011, regie: julio jorquera Arriagada, Bildkraft 

Kurz nachdem er seine 

Großmutter beerdigt hat, 

lernt der junge Restaurantmitarbeiter 

Hugo in 

der chilenischen Provinz 

den etwas älteren Boxer 

Octavio kennen, der ebenfalls 

mit einem Verlust 

fertig werden muss. Denn 

gesundheitliche Probleme zwingen ihn, seine 

Boxhandschuhe endgültig an den Nagel zu 

hängen. Aus schüchterner Annäherung wird 

unversehens Liebe. Und da die beiden ohnehin 

kaum mehr etwas zu verlieren haben, beschließen 

sie einen gemeinsamen Neuanfang in der 

Hauptstadt Santiago, wo der gelernte Friseur 

Octavio schnell eine Anstellung in einem Herrensalon 

findet. Hugo kommt als Fahrer in einer 

Tierhandlung unter. Doch das Zusammenleben 

„wie Mann und Frau“ in der kleinen, 

ärmlichen Wohnung ist nicht nur mit einem 

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frisch ausgepackt frisch ausgepackt 

Versteckspiel vor der homophoben Umwelt verbunden, 

es mutet auch irritierend an, da es klassisch 

männliche Rollenvorstellungen in Frage 

stellt. Problemverschärfend kommt noch hinzu, 

dass die Tochter des Tierhändlers Hugo 

schöne Augen macht, während Octavio mit einem 

lebensgefährlichen Comeback im Ring 

liebäugelt … Der Umstand, dass die an Rocky, 

Wie ein wilder Stier, The Wrestler und unzählige 

andere Kinovorbilder erinnernde Lebenskampf-Metapher 

mithin selbst reichlich abgekämpft 

erscheint, sollte für das potenzielle Publikum 

kein K.o.-Kriterium darstellen. Denn 

nicht nur die in regenschleierverhangenen, melancholischen 

Schlechtwetterbildern schwelgende, 

überraschend kunstsinnige Kamera 

sorgt dafür, dass Julio Jorqueras Regie-Debüt 

mit weit weniger als einem blauen Auge davonkommt. 

Auch − und vor allem − das reduzierte 

und in jeder Situation glaubwürdige Spiel der 

beiden hervorragenden Hauptdarsteller beschert 

diesem Film schließlich einen eindeutigen 

Sieg nach Punkten. cm 

I WaNT To geT MarrIed 

uS 2011, regie: William Clift, Pro-Fun Media 

Nachdem er in seiner 

quietschbunten Wohnung 

die Hochzeit seiner 

lesbischen Freundinnen 

Rebecca und Susan ausgerichtet 

hat, fasst Paul 

Roll, Inhaber einer Werbagentur, 

den festen Entschluss, 

demnächst auch 

selbst mit dem Mann seiner Träume die Ringe 

zu tauschen. Es gibt dabei nur ein paar Probleme: 

Da die Homoehe in Kalifornien aufgrund 

eines bevorstehenden Volksentscheids (Proposition 

8) bald wieder abgeschafft werden 

könnte, steht dafür − erstens − mitunter nur 

ein sehr kleines Zeitfenster offen. Zweitens ist 

noch überhaupt gar kein Traummann in Sicht. 

Und drittens ist Paul zwar im Job ein Genie, 

abgesehen davon aber extrem schüchtern, 

nicht sonderlich attraktiv und so schrullig, 

dass ihn die Weltvereinigung aller Nerds einstimmig 

zu ihrem Vorsitzenden wählen würde. 

Jetzt ist Zweck optimismus gefragt … Regisseur 

William Clift begibt sich mit seiner 

schwulen Heiratskomödie, die auch als kritischer 

Kommentar zum zeitgleich mit Obamas 

Wahlsieg vollzogenen kalikornischen Rollback 

in Sachen Homoehe zu verstehen ist, eindeutig 

auf das Gebiet des Trash, wo man sich 

fast alles herausnehmen kann. Das Wenige, 

das man sich nicht herausnehmen darf, was 

sich dieser Film aber leider nicht verkneift, besteht 

− erstens − darin, sich nicht genug herauszunehmen, 

also zu wenig absurd, überdreht 

und geschmacklos daherzukommen. 

Zweitens verträgt ein Trash-Machwerk weder 

Sentimentalität noch vernunftbegabte, ganz 

42 

„normal“ agierende Charaktere, die hier einmal 

mehr lesbisch sein müssen. Und drittens 

reicht es nicht, sich eine Woody-Allen-Brille 

auf die Nase zu setzten, um auf so witzige Weise 

tollpatschig zu wirken wie Besagter in seinen 

frühen Slapstick-Komödien. Matthew 

Montgomerys Darstellung lässt zuweilen sogar 

an die mütterliche Ermahnung „Darüber 

lacht man nicht!“ erinnern. Zu lachen gibt es 

zwar manchmal schon etwas, aber eindeutig 

zu wenig für einen lustigen DVD-Abend. cm 

dIe MIssIoN 

uSA 2009, regie: Peter Bratt, Pro-Fun Media 

Die Mission ist eine Familienangelegenheit:Hollywoodstar 

Benjamin Bratt 

spielt die Hauptrolle in einem 

Film, den sein Bruder 

Peter geschrieben und als 

Regisseur betreut hat. Das 

ist keine Gefälligkeit unter 

Geschwistern, sondern 

ein geschickter Karriereschritt auf beiden Seiten. 

Benjamin kann als Raubein, das im Hispanic-Viertel 

von San Francisco einen schwulen 

Sohn großziehen und dabei seine eigenen Vorurteile 

überwinden muss, eine Glanzleistung 

abliefern, die ihm viel mehr abverlangt als sein 

schönes Gesicht – und Peter hat einen großen 

Namen über dem Titel. Der Film ist das feinfühlige 

Porträt einer gespaltenen Figur und eine 

Studie darüber, wie weit sich eine in Machismo 

getränkte Kultur von ihren Wurzeln entfernen 

kann, ohne in der Luft zu hängen. Die Antwort 

lautet: sehr weit, aber langsam. Fein beobachtet, 

noch besser geschrieben und brillant gespielt: 

Mehr kann man von einem Film nicht 

wollen. Dass Die Mission daneben stellenweise 

auch noch sehr witzig und hochgradig unterhaltsam 

ist, sind feine Zugaben. ps 

PrIVaTe roMeo 

uS 2010, regie: Alan Brown, Edition Salzgeber 

Private Romeo liebt Private 

Juliet – quatsch: Private 

Glenn. Die größte 

Liebesgeschichte aller 

Zeiten in schwul, unter 

Soldaten und im Originaltext 

von Shakespeare. „Du 

bist in diesem verlassenen 

Militärstützpunkt gefangen 

und außer ein paar merkwürdig poetisch 

veranlagten Soldaten gibt es da auch nicht viel. 

Aber trotzdem wäre ich jetzt gerne bei dir und 

würde dafür auch Shakespeare auswendig lernen. 

Das machen diese merkwürdig poetisch 

veranlagten Soldaten ja auch die ganze Zeit. 

Die habe ich echt falsch eingeschätzt. Sitzen da 

wie die letzten Macker in diesem Army-Klassenzimmer 

und zitieren fleißig aus Reclam- 

heftchen, oder wie die bei euch in den Staaten 

heißen. ‚Reclaim‘-Heftchen vielleicht. Reclaim 

the classics – Erobere die Klassiker zurück. 

Naja, egal. Erst sitzen sie da wie die Obermachos 

und plötzlich wird der ganze Stützpunkt 

zur magischen Bühne und du natürlich in der 

Mitte.“ (Tobias Rauscher in SISSY 3/2011) 

gIgoLa 

Fr 2010, regie: Laure Charpentier, Pro-Fun Media 

Laure Charpentiers 

schwelgerische Ode an die 

Pariser Garçonnes der 

frühen 60er Jahre beruht 

auf ihrem eigenen Roman 

– und auf ihren eigenen 

Erinnerungen. „Es gibt 

Momente von ungeheuerer 

Kälte und verstörender 

Härte in Gigola. Wenn Georges zum ersten Mal 

der reichen Odette begegnet, sich ihr anbietet 

und sie dabei zugleich unterwirft, ist ihr Triumph 

und Odettes Niederlage schon beim ersten 

Tanz besiegelt – Camillo Felgen singt ‚Sag 

warum‘ und erzählt dabei eben auch von der 

unendlichen Einsamkeit der älteren Frau. Wie 

das ‚Ich‘ des Lieds stürzt auch sie durch die Liebe 

in eine noch tiefere Einsamkeit. Sie verfällt 

Gigola und wird sie nie besitzen … sag warum. 

Aber selbst eine Antwort auf diese Frage wäre 

kein Trost. Die Liebe und das Begehren treiben 

alle Figuren Laure Charpentiers an, aber Erfüllung 

oder gar Erlösung findet keine von ihnen. 

Die Nacht ist und bleibt die einzige Antwort. Sie 

ist die Zeit des Dahin-Treibens, des Vergessens, 

der Lust und der Schönheit.“ (Sascha Westphal 

in SISSY 3/2011) 

MeIN soMMer MIT MarIo 

Ar/Fr/ES 2009, regie: julia Solomonoff, GMFilms 

Es ist der Sommer der Abschiede 

und Neuanfänge, 

des Erwachsenwerdens, 

der Emanzipation. Zwischen 

Mario und Jorgelina 

entsteht einen Urlaubsfreundschaft 

in der 

argentinischen Pampa: Sie 

reiten, baden an schlammigen 

Flussufern, sammeln Schlangenhäute. 

Doch was so unbeschwert aussieht, hat viel zu 

unterschiedliche Voraussetzungen: Jorgelina 

ist eine etwas verwöhnte Arzttochter, die das 

Problem hat, dass ihre Schwester jetzt mehr an 

Jungs interessiert ist als daran, mit dem kleinen 

„Tomboy“ zu spielen. Mario dagegen ist das 

Kind von Farmarbeitern, der die Schule schmeißen 

musste, um seinem Vater zu helfen, ein von 

den anderen Jungs argwöhnisch beobachtetes 

Reitertalent. Als Jorgelina entdeckt, dass mit 

Marios Körper ähnliche Dinge ablaufen wie bei 

ihrer Schwester, greift sie zum Anatomiebuch 

ihres Vaters und deckt ein gut gehütetes Geheimnis 

auf. Ihr Vater, der Arzt, drängt auf 

Klarheit. Die Menschen vom Land regeln das 

pragmatisch. Jorgelina hört auf ihre Gefühle 

und wird dadurch erwachsen. 

Feinfühlig erzählt das der Film, etwas hastig 

vielleicht und sehr problemfixiert, womit den 

jungen Darsteller etwas zu viel aufgebürdet 

wird. Seit XXY ist das Intersexualitätsthema 

im argentinischen Kino etabliert. Problematisiert 

werden sollten aber vielleicht eher die 

‚normalen‘ Männlichkeitskonzepte. Mario jedenfalls, 

der ein Pferderennen gewinnen soll, 

um zu zeigen, dass er ein Mann ist, macht das 

mit links und reitet dann noch ein Stück weiter. 

Hier würde auch mal ein Film anfangen. jk 

KLeINe WaHre LÜgeN 

Fr 2010, regie: Guillaume Canet, universal 

Sommerurlaub mit Freunden 

in einem schwierigen 

Alter (Mitte 30). Einer ist 

darunter, der einem anderen 

nach vielen Jahren 

plötzlich die Liebe gesteht. 

Für den bourgeoisen Reigen 

wohlhabender Franzosen 

in der Lebenskrise 

ist Schwulsein eine ernsthafte Überforderung. 

„Gemeinsam mit einigen der angesagtesten 

Darsteller des aktuellen fran zö sischen Kinos 

gelingt es Schauspieler-Regisseur Guillaume 

Canet mit seiner dritten Regie-Arbeit, dem strapazierten 

Begriff der Tragi komödie insofern 

eindrucksvoll gerecht zu werden, als man an 

vielen Stellen nicht mehr weiß, ob man noch lachen 

kann oder schon weinen möchte. Der überdies 

meisterlich fotografierte und erklärtermaßen 

an Erfolge wie Lawrence Kasdans Der 

große Frust und Kenneth Branaghs Peter’s 

Friends anknüpfende Film avancierte in Frank- 

reich mit mehr als 5,3 Mio. Besuchern zum 

zweiterfolgreichsten des Kinojahres 2010.“ 

(Christoph Meyring in SISSY 2/2011). 

THe oNe − MeINe WaHre LIeBe 

uS 2011, regie: Caytha jentis, Pro-Fun Media 

Wir freuen uns auf Euch! 

Der New Yorker Tommy, 

von Beruf − richtig geraten! 

− Anwalt, trifft seinen 

Jugendfreund David 

− ganz genau: Typ athletisch 

gebauter Kapitän irgendeiner 

High-School- 

Mannschaft aus gutem 

Hause − zufällig wieder 

und verbringt mit ihm eine Liebesnacht. David 

ist aber − schon wieder richtig geraten! − „eigentlich 

hetero“ und will in Kürze − volle 

Punktzahl erreicht! − seine Verlobte Jen ehelichen, 

was er aus Pflichtgefühl und Familienrücksichten 

dann auch tut. Die Frage, ob das 

wohl gut gehen kann, zählt nun nicht mehr 

zum Ratespiel, da offensichtlich von rhetorischer 

Natur. Der Rest − „Ich bin schwanger“, 

„Liebst du ihn?“, „Wie konntest du mir das antun“ 

− ist dementsprechend vorprogrammiert. 

Wer nun schon angesichts dieser preisgünstigen, 

weil mithilfe des inneren Klischeebaukastens 

für US-amerikanisches Mainstream-Gay- 

Kino weitgehend selbständig zu montierenden 

Inhaltsangabe meint, diesen Film so oder so 

ähnlich bereits dreißigmal gesehen zu haben, 

wird in dieser Empfindung aufs Eindrucksvollste 

bestärkt, wenn er der wunderlichen Caprice 

nachgeben sollte, sich ihn tatsächlich 

anzusehen. Denn die Dialoge lassen sich nicht 

nur mühelos mitsprechen, auch der Tonfall, in 

dem sie vorgebracht werden, und die Mimik, 

die sie begleitet, verschaffen dem geschulten 

Zuschauer das behagliche Gefühl jahrzehntelanger 

Vertrautheit. Von daher ist The One aus 

voller Überzeugung, ohne Einschränkung und 

mit Nachdruck zu empfehlen − und zwar all 

denjenigen, die bereits kleinsten Überraschungen 

mit tiefer Abscheu begegnen und Malen 

nach Zahlen für ein Hochamt künstlerischer 

Kreativität halten. cm 

VIer WeITere JaHre − 

WaHLKaMPf ’MaL aNders 

S 2010, regie: Tova Magnusson-Norling, Pro-Fun Media 

„Viel los am rechten Flügel?“ 

− „Und selbst, wie 

geht’s in der Regierung?“ 

Mit diesen Sätzen beginnt 

eine belanglose erste 

Fahrstuhlplauderei zwischen 

zwei politischen 

Gegnern, nämlich dem offen 

schwulen Sozialdemokraten 

Martin Kovac und dem konservativen 

David Holst, der soeben die Ernennung zum 

schwedischer Ministerpräsidenten in letzter 

Minute verpasst hat. Gut so, denn David verbirgt 

hinter der Maske des aalglatten Berufspolitikers 

eine schlaffe Marionette, die mehr oder 

weniger willenlos an den Fäden seiner ehrgeizigen 

Ehefrau und seines persönlichen Referenten 

über das glitschige Parkett des Parlamentsbetriebes 

gelotst und von ihnen 

pünktlich mit Vorlagen, Reden und den aktuell 

opportunen Meinungen versorgt wird. Nach 

seinem Wahldebakel agiert David noch lustloser 

als sonst. Allein für den frechen Sozi Martin, 

der ihm in der Parlamentskantine zufällig 

wieder über den Weg läuft, zeigt er ein bald 

schon auffälliges Interesse. Und der andere − 

überraschender Weise − auch für ihn … 

Tova Magnusson-Norlings Screwball-Komödie 

überrascht ebenso − und zwar durch eine 

hochprofessionelle, temporeiche Erzählweise, 

durch ein wirklich witziges Drehbuch und 

Unser Paradies von Gaël Morel · Sharayet – Eine Liebe 

in Teheran von Maryam Keshavarz · Noordzee, Texas 

von Bavo Defurne · Tomboy von Céline Sciamma · 

Longhorns von David Lewis · Jamie uns Jessie sind 

nicht zusammen von Wendy Jo Carlton 

Mit freundlicher 

Unterstütung durch 

www.L-Filmnacht.de 

43 

www.Gay-Filmnacht.de

frisch ausgepackt 

durch wunderbare Hauptdarsteller, die den 

Wortwitz mit staubtrockener Lakonie auch 

zünden lassen − und außerdem einmal nicht 

aussehen wie im Sportstudio geformte Marzipanschweinchen. 

Vor allem Björn Kjellman 

versteht es, so verzweifelt-melancholisch 

dreinzublicken, sich so lustvoll im eigenen Unglück 

zu suhlen, sich zuweilen so linkisch daneben 

zu benehmen und dann wieder einen so 

kindlich-anrührenden Charme zu versprühen, 

dass man ihm bis zum Ende gerne dabei zusieht. 

Und an diesem Ende verzichtet der Film 

wohltuender Weise darauf, schließlich doch 

noch in Sentimentalität abzugleiten, sondern 

präsentiert eine schöne Schlusspointe. cm 

raBBIT HoLe 

uS 2010, regie: john Cameron Mitchell, Ascot Elite 

Things ain’t nice anymore. 

Der vierjährige Sohn von 

Becca und Howie ist bei 

einem Unfall ums Leben 

gekommen und sie kommen 

nicht darüber hinweg. 

Das ist eigentlich alles, 

was der Film erzählen 

will. Ein Schwebezustand 

um eine Leerstelle herum, mit kleinen Fluchten, 

unvermeidbaren Diskussionen, hilflosen Entscheidungen. 

Es trifft einen Mr. und eine Mrs. 

Perfect, weiß, intellektuell, gutaussehend, deren 

Vororttraum eines selbstgemachten Glücks 

mit einem Schlag ausgeträumt ist. Aber der Film 

denunziert sie nicht, er hat Mitleid mit ihnen. 

Wie überhaupt jede Figur hier zu ihrem Recht 

kommt, menschlich zu sein, auch in den kleinsten 

Nebenrollen. Das also ist der langerwartete 

neue Film von John Cameron Mitchell, der sich 

in Hedwig And The Angry Inch und Shortbus 

eher für Alternativen zu dieser Welt interessiert 

hatte. Man mag trotzdem in der Art und Weise, 

wie Mitchell hier den Finger auf die verwundete 

Normalität legt, eine Handschrift erkennen. Realistischerweise 

muss man den Film aber als Arbeitsbeschaffungsmaßnahme 

für einen talentierten 

Hollywood-Außenseiter sehen: ein 

Auftrag von Nicole Kidman (mach mir eine Oscar-Rolle 

– was auch beinahe geklappt hätte), 

ein pulitzerpreisgekröntes Theaterstück, das 

der Autor selbst umgeschrieben hat, eine gut 

ausgestattete Produktion von Fox Searchlight. 

Und doch stimmt alles an diesem Film: Nicole 

Kidman ist großartig, die Dialoge auch, jedes 

Bild sitzt. Und das alles, um das schwarze Loch 

einer Traurigkeit einzufangen, aus dem es keinen 

Ausweg gibt. Traurige Filme erscheinen 

hierzulande auf DVD und kommen gar nicht 

erst ins Kino. Die Parallelwelt, die Beccas jugendlicher 

Freund im Film in seine Comics 

zeichnet, ist den Bedürfnissen des deutschen 

Kinopulikums offensichtlich sehr ähnlich: „Irgendwo 

da draußen existieren andere Versionen 

von uns, die nicht traurig sind.“ jk 

44 

ÜBerLeBeN IN NeW yorK 

NeW yorK MeMorIes 

dIe JuNgs VoM BaHNHof Zoo 

DE 1989/2010/2011, regie: rosa von Praunheim, basis dvd 

Die dokumentarische 

Methode Rosa von Praunheims 

ist nichts für Feingeister: 

Hektisch geschnitten 

sind diese 

Filme, plakativ bebildert, 

laut in der Wahl von Orten, 

Szenen und Protagonisten, 

mit einer manchmal 

ehrlichen, manchmal eitlen Anwesenheit 

des Regisseurs in ihnen, das Ganze ungeheuer 

produktiv herausgehauen, mindestens ein 

Film pro Jahr, fast schon in fassbinderschen 

Dimensionen. Das hat Vor- und Nachteile – 

führt aber auch, was die einzelnen Filme angeht, 

zu ganz unterschiedlichen Ergebnissen. 

Einzigartig ist das Projekt, das dahintersteht: 

eine oft schwule, manchmal tatsächlich queere 

filmische Geschichtsschreibung über Erinnerungen, 

Sichtweisen und Menschen, die im 

‚offiziellen‘ Bewusstsein nicht dazu gehören, 

oder nicht „so“ dazugehören, wie Praunheim 

sie zeigt. Überleben und Erinnern sind die beiden 

Achsen dieses Konzepts. Überleben als alleinstehende 

deutsche Frau in New York während 

der Hochphase von Crack. Oder als Junge 

auf dem Berliner Strich. Erinnern an queere 

Kämpfe, wilde Zeiten, die eigene Jugend, an 

vergessene Stars. Ob das einen eigenen Drive 

kriegt, hängt vor allem von den Protagonisten 

ab, die Praunheim findet: Seine drei Frauen in 

New York sind nach wie vor unschlagbar, auch 

als Wiedergefundene im NY-Erinnerungsfilm. 

Ihre fremden Perspektiven, ihre ganz unterschiedlichen 

Strategien verbinden sich in Rosas 

Erfolgsfilm von 1989 mit der experimentellen 

Jazzmusik und den grenzgenialen Bildern 

des jungen Kameramanns Jeff Preiss zu einem 

atmosphärischen Gewebe, das einer Stadt, 

aber auch den Protagonistinnen in jedem Moment 

gerecht wird. Das gelingt in anderen Filmen 

nicht immer – den Berliner Strichern 

kommt man nicht nah, weil sie gar nicht genug 

Raum bekommen, weil ihre Geschichten von 

Initiativen und Hilfsprojekten vermittelt bzw. 

in den Film eingespeist werden, weil den Roma-Jungs 

sogar das Wort entzogen und durch 

eine Übersetzerstimme ersetzt wird. Und 

nicht alle Protagonisten in den eher persönlichen 

Filmen haben wirklich etwas zu sagen 

(die nervigen Geschwister Pohl im Memories- 

Film z.b., die wohl jede Kamera nehmen, die 

sie kriegen), manchmal auch er selbst nicht. 

Wie das Ganze zusammengeschnitten wird, 

ist oft bestürzend wirr und planlos – was 

manchmal passt (zur komplexen Recherche in 

Meine Mütter z.b., in der ja selbst irgendwann 

der Überblick verloren geht), manchmal aber 

auch schade ist, vor allem, wenn Menschen 

nur noch auf einzelne Statements reduziert 

werden wie die Berliner Stricher. 

Trotzdem wird man und muss man auf jeden 

neuen Praunheimfilm gespannt bleiben. 

So viele FilmemacherInnen gibt es nicht, die 

konsequent ‚unsere‘ Geschichte(n) erzählen. 

Vielleicht bräuchten die Projekte im Einzelnen 

mehr Zeit, um in die Tiefe zu gehen. Aber das 

könnten ja auch mal andere machen. Der Punk 

der schnellen Praunheimproduktionen steht 

für sich. jk 

VeruscHKa – INsZeNIeruNg 

(M)eINes KÖrPers 

DE 2005/11, regie: Paul Morissey & Bernd Böhm, Missing- 

Films / PF Media 

Wie üblich macht Vera 

von Lehndorff alles selbst. 

Auch den Veruschka-Karriererückblick. 

Dass der 

seit den 1970ern in die Obskurität 

gerutschte Paul 

Morissey (Flesh usw.) hier 

als Regisseur firmiert, 

darf nicht darüber hinwegtäuschen, 

dass das „erste deutsche Topmodel“, 

die „schönste Frau der Welt“ (Richard 

Avedon), die große Verwandlungskünstlerin 

hier selbst alles geschrieben, vorgelesen, erzählt 

hat, was sie zum Thema „Ich“ für relevant 

hält. Nichts Privates natürlich, sondern 

Prinzipien, Tricks, Werkberichte einer Künstlerin, 

die mit ihren vielen Identitäten spielt, 

wie sie lustig ist. Obwohl … lustig ist sie eigentlich 

nicht. Wenn sie ein Kinderfoto zeigt, sagt 

sie dazu: „Arischer Babyspeck im Schloss“. 

Ihre Model-Tätigkeit war für sie „Kleiderständer 

sein“. Und sie gibt nur zögerlich zu: 

„Manchmal war auch ich ein Fan von Veruschka 

– manchmal …“ 

Ein toller und verrückter Bilderbogen ist das 

hier, von einem Musikteppich zugedeckt wie 

eine Modenschau, von der knarzenden Stimme 

der Erzählerin angetrieben. Die tausend 

Verwandlungen der Vera von L. nehmen einem 

ohnehin den Atem, diese 1,83m „Storchensalat“ 

(Spitzname als Kind) mit Big Hair und 

Bodypaint, dessen Leitmotiv laut Susan Sontag 

war, „das Selbst in der Welt aufzulösen“. Kein 

Wunder, wenn man schon als Kind Model für 

Nazi-Inszenierungen war, wenn die Mutter 

die Rechnung für die Hinrichtung des Vaters 

bekam, wenn man in Sippenhaft genommen 

und vertrieben wurde, nie nur ein Körper, sondern 

Künstlerin war, in Deutschland aber vorzugsweise 

als „die nackte Gräfin“ bezeichnet 

wurde. Gerne hätte man mehr über Jet, ihren 

afghanischen Windhund erfahren. Oder ob sie 

noch andere Affären hatte als mit den vielen 

Kameras. Aber als Lehrstunde in Stil & Queerness 

reicht das. jk 

s Immer, wenn man Bernhard Reuther als 

Print-Journalist gegenübersitzt, ist man auf 

eine Art froh, nicht beim Hörfunk oder Fernsehen 

zu arbeiten. Denn er ist ein Zurückhaltender 

seiner Zunft, ja fast schon ein Stiller. 

Einer, der es partout nicht mag, sich zu produzieren. 

Der das gar nicht kann. Und das, 

wer wüsste es nicht, ist wunderbar! Wäre er 

anders, hätte er alles, nur nicht seit über zwölf 

Jahren ein kleines Kino im Osten von Dresden. 

Das k.i.d steht für „kino im dach“ – es ist 

Bernhard Reuthers kid. 

Reuther ist Dresdner, geboren in der Elbestadt, 

die eine einzigartige Infrastruktur in 

Sachen Kino aufzuweisen hat. 18 Spielstätten 

für 510.000 Einwohner gibt es hier, 55 

Säle mit über 10.000 Sitzen. Auch Bernhard 

Reuther freilich sieht „seine“ 98 am liebsten 

besetzt oder zumindest gut gefüllt. „Für 

den Zuschauer“, so der 33-Jährige, „kann 

es eigentlich nichts Besseres geben, als in 

einer solchen Stadt zu leben.“ Das bedeutet 

zudem ein nachgerade üppiges Angebot im 

Arthaus-Sektor, das über Jahre hinweg stabil 

und selbstredend umkämpft ist. Trotz einer 

erstaunlich grundsolidarischen Haltung der 

Betreiber untereinander. 

Reuther als Ein-Saal-Chef am Stadtrand 

bekommt seit jeher den rauen Wind der Branche 

zu spüren. Jammern aber hört ihn keiner. 

Denn seine Meinung, dass „es immer wieder 

kleine Filme geben wird, für die es sich zu 

kämpfen lohnt“, ist keine Attitüde, sondern 

Überzeugung. 

Oft spricht er dabei von der Balance, die 

es im Programm zu finden gilt. Bernhard 

Reuther balanciert seit 1999 im obersten 

Stockwerk eines Gebäudes, das von der Stadt 

als „Medienkulturhaus“ aufgebaut wurde 

und Initiativen, Vereine, Firmen dieser Richtung 

beherbergt. Er balanciert vor allem auch 

für „50 oder 80 glückliche Besucher in der 

Woche bei schwierigen oder eigenwilligen 

Filmen“. Dokumentarfilme gehören immer 

wieder dazu, sind gar zu einem inhaltlichen 

Schwerpunkt geworden. Ebenso Nachwuchsproduktionen 

und kleine, eher vernachlässigte 

deutsche Erstaufführungen, darunter – 

aus reinem Selbstverständnis – jene aus dem 

schwul-lesbischen Bereich. Reuther hat sie 

Bernhard The Kid 

von anDreaS körner 

Dresdens erste Kinoadresse für nicht-heterosexuelle und auch sonst besondere 

‚kleine‘ Filme ist das „Kino im Dach“ (k.i.d), das Bernhard reuther seit 1999 mit 

großer Leidenschaft führt. Für diese Leidenschaft bekam er im rahmen der Berlinale 

2012 den Manfred-Salzgeber-Preis. 

seit jeher ins Programm integriert, er braucht 

dafür keine ausgestellte Themenreihe oder 

ein „Extra“ wie die Konkurrenz. Er macht 

daraus gleich gar kein „Event“, was ihm, einer 

zwielichtigen Zeitströmung folgend, vielleicht 

sogar mehr Gäste bringen würde. Doch, 

will er das wirklich? Auf diese Weise? 

Jeder, der Bernhard Reuther kennt, weiß 

um die Antwort und seine Sehnsucht nach 

echten Überraschungen, wie es in den letzten 

Jahren Filme wie Kinshasa Symphony, 

Rubljovka – Straße zur Glückseligkeit, Die 

Frau mit den 5 Elefanten oder Kaboom gewesen 

sind. Dafür lohnt sich jedes Detail seiner 

Arbeit, die bei einem Kino dieser Größe und 

Stellung streng personenbezogen ist, immer 

den selbstausbeuterischen Aspekt der freien 

Szene in sich trägt, aber eben auch – und so 

unendlich hoch im Wert – die Silbe „frei“. 

Reuther will die Reaktionen der Besucher 

sehen und spüren, an 80 Prozent der Abende 

im Jahr ist er selbst im k.i.d. Wo sonst? Film 

war immer für ihn wichtig. In den bewegten 

90ern war er eine Art Springer beim „Filmfest 

Dresden“, aus dem längst das Internationale 

Festival für Animations- und Trickfilm 

gewachsen ist. Die Chance einer Spielstätte 

profil 

im Eigenbetrieb war zugleich eine Herausforderung, 

denn die altdeutsche Idee eines kommunalen 

Kinos wurde aus guten Gründen 

für Dresden sehr zeitig begraben. Und: „Zauberland“ 

heißt Reuthers eigener Filmverleih, 

den er in besseren Zeiten gegründet und dort 

kleine Feine wie SommerHundeSöhne, Wir, 

Jena Paradies oder Jagdhunde herausgebracht 

hat. Doch er weiß auch genau, wann er Nein 

sagen muss. Das traut man ihm gar nicht zu … 

Eigene Rechnung – eigenes Risiko – 

eigene Freude. Seit 1999 ging es im k.i.d um 

über 1.000 Filme, über 9.000 Vorstellungen 

für über 170.000 Besucher. Es ging nicht 

um Programmpreise von Institutionen, die 

Bernhard Reuther natürlich bekommen hat. 

Es geht sicher auch nicht um den „Manfred- 

Salzgeber-Preis“, der ihm gerade verliehen 

wurde. Nie vordergründig. Und doch sieht 

man Reuther an, wenn er sich darüber freut. 

„Zähne zusammenbeißen und durch!“. 

So treibt er sich selbst an, wenn es Durststrecken 

gibt. Man glaubt, er würde es nur 

flüstern … s 

Kino im Dach, Schandauer Str. 64, Dresden 

www.kino-im-dach.de 

45 

BLEND3/FrANK GräTZ

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herausgeber Björn Koll 

verlag Salzgeber & Co. Medien GmbH 

Mehringdamm 33 · 10961 Berlin 

Telefon 030 / 285 290 90 · Telefax 030 / 285 290 99 

Redaktion Jan Künemund, presse@salzgeber.de 

Art Director Johann Peter Werth, werth@salzgeber.de 

Autoren Thomas Abeltshauser, Biru David Binder, Richard Garay, Fritz Göttler, Jan 

Gympel, Peter Kern, Andreas Körner, Jan Künemund, Christoph Meyring, 

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Sollorz, André Wendler, Sascha Westphal 

Dank an Frieder Schlaich 

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SISSY erscheint alle drei Monate, jeweils für den Zeitraum Dezember/ 

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Druck Möller Druck, Berlin 

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Bielefeld, Bremen, Dresden, Essen, Hamburg, Hannover, Magdeburg, 

Mannheim, München, Münster, Oldenburg, Stuttgart. potsdam 

Hochschule für Film und Fernsehen „Konrad Wolf“. berlin BarbieBar, 

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