PDF Katalog - Koller Auktionen

Moderne Kunst
Lot 3201- 3257
Auktion: Freitag, 7. Dezember 2012, 16.00 Uhr
Vorbesichtigung: 24. November bis 2. Dezember 2012
Bearbeitung: Barbara Guarnieri, Fabio Sidler, Sandra Sykora, Silke Stahlschmidt
English translation of our catalogue available on our homepage www.kollerauctions.com

Moderne Kunst
Die Zustände der Werke sind im Katalog nur zum Teil und in Einzelfällen angegeben.
Gerne senden wir Ihnen einen ausführlichen Zustandsbericht zu.
The condition of the works are only partly and in particular cases noted in the catalogue.
Please do not hesitate to contact us for a detailed condition report.
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3201
3201
VUILLARD, EDOUARD
(Cuiseaux 1868 - 1940 La Baule)
La Prairie aux Clayes. Um 1932-38.
Pastell auf Papier. Mit dem Atelierstempel
unten rechts: EV.
26 x 34,5 cm.
Provenienz:
- Atelier des Künstlers.
- Amante Paris.
- A.P. Waechter, Vaduz, 1963.
- Georg Waechter Memorial Foundation,
Vaduz.
- Koller Auktionen, Zürich, A 141,
28. November 1996, Lot Nr. 3019.
- Privatbesitz Schweiz.
Literatur: Salomon, Antoine/Cogeval, Guy:
Vuillard. The Inexhaustible Glance. Critical
Catalogue of Paintings and Pastels, Vol. III,
Paris, 2003, Nr. XII-365 (mit Abb).
CHF 18 000.- / 24 000.-
(€ 15 000.- / 20 000.-)
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Moderne Kunst
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DAUMIER, HONORÉ
(Marseille 1808 - 1879 Valmondois, Val d’Oise)
Ratapoil. Um 1851.
Bronze. 12/20. Guss ab 1925. Auf oberer Seite
des Sockels nummeriert: 12/20. Auf der
Rückseite des Sockels mit dem Giesserstempel:
ALEXIS RUDIER Fondeur PARIS.
Höhe: 44,5 cm.
Provenienz:
- Henry Bing, Paris.
- E. Ruckstuhl (Sammlung Ruckstuhl-
Siegwart), Küssnacht a. R. (Von H. Bing zwischen
1926-1939 gekauft).
- Privatbesitz Schweiz (durch Erbschaft an den
heutigen Eigentümer).
Literatur:
- Alexandre, Arsène. Honoré Daumier,
L’Homme et l’Oeuvre, Paris 1888, S. 297 (mit
Abb. der Gipsversion).
- Gobin, Maurice. Daumier Sculpteur, Avec un
catalogue raisonné et illustré de l’oeuvre sculpté,
Genf 1952, S. 294, Nr. 61 (mit Abb. der
Gipsversion S. 295 und S.297; ausserdem mit
Abb. eines anderen Abgusses auf S. 298-299).
- Wassermann, Jeanne. Daumier Sculpture,
A Critical and Comparative Study,
Cambridge, Massachusetts 1969, S. 163, Nr.
37c (Gipsversion und andere Abgüsse abgebildet
auf S. 162-163 und S. 166).
- Millard, Charles W. The Sculpture of Edgar
Degas, Princeton 1976, S. xi, Nr. 25 (mit Abb.
eines anderen Abgusses, S. 155).
- Passeron, Roger. Daumier, Témoin de son
temps, Fribourg 1979, S. 169, Nr. 100 (mit
Abb. eines anderen Abgusses).
- Penny, Nicholas. Catalogue of European
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Sculpture in the Ashmolean Museum, 1540 to
the Present Day, Oxford 1992, Bd. II. S.34,
Nr. 274 (mit Abb. eines anderen Abgusses,
S. 35).
„Ah! Vous avez atteint en plein l’ennemi! Voilà
l’idée bonapartiste à jamais pilorisée par vous!“
(Ah! Sie haben den Feind voll getroffen! Das
Inbild des Bonapartismus, von Ihnen auf ewig
an den Pranger gestellt!“).
Es wird berichtet, dass der republikanische
Historiker Jules Michelet Honoré Daumier in
genau dem Moment kennen gelernt habe, als
dieser seinen „Ratapoil“ in Ton modellierte, und
dass er dabei diese Worte der Begeisterung ausgerufen
haben soll (Arsène Alexandre, Honoré
Daumier: L’homme et l’oeuvre, Paris 1888, S.
295). Tatsächlich ist bekannt, dass Honoré
Daumier für seine Karikaturen Plastiken aus
ungebranntem Ton fertigte, um sie sich dreidimensional
zu vergegenwärtigen. Was Michelet
in diesem Fall antraf, ist eine hagere Figur mit
geierartigem Kopf, spitzer Nase, Spitz- und
Zwirbelbart, gekleidet in lange Steghosen,
zugeknöpftem, doppelreihigem Gehrock, in
welchem der Beutel mit dem Spitzellohn zwischen
die Knöpfe eingesteckt sichtbar ist. Sie
trägt ausserdem einen zerbeulten Zylinder und
Abb.1: Foto Napoleon III.
aufgeplatztes Schuhwerk. Lässig stützt sie sich
in den Hüften auf ihren langen Schlagstock.
Dadurch präsentiert sie sich in sehr verdrehter
und raumgreifender Gebärde. Die Figur des
„Ratapoil“ taucht allerdings bereits ab 1850 im
Charivari auf, in Daumiers politischen
Karikaturen (vgl. Abb. 2).
Sie entsteht in der Zeit des Übergangs von der
Zweiten Republik zum Zweiten Kaiserreich.
Der Neffe Napoleons I. geht nach gescheiterten
Putschversuchen ins Exil nach England. Nach
der Februarrevolution von 1848 kehrt er nach
Frankreich zurück und schafft es auf demokratischem
Wege an die Macht zu kommen: Im
Dezember 1848 auf vier Jahre zum Präsidenten
der Republik gewählt, erzwingt er sich zwei
Jahre später, im Dezember 1851 durch einen
Staatsstreich diktatorische Vollmachten. Kurz
danach, im Januar 1852, bestätigt eine
Verfassungsänderung die Präsidentschaft auf
zehn Jahre, und im darauf folgenden November
wird das Kaiserreich per Plebiszit mit einer
überwältigenden Mehrheit wieder installiert.
Honoré Daumiers politische Karikaturen richteten
sich zunehmend gegen Louis Napoleon und
die seine reaktionäre Politik vorantreibenden
Helfershelfer. Der Spottname Ratapoil bedeutet

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Moderne Kunst
wörtlich „Hautratte“ (rat-à-poil), also eine Ratte
ohne Fell, eine nackte Ratte. Der Name ist
ausserdem sehr lautmalerisch und ist dem Wort
„rataplan“, Trommelwirbel, sehr nahe.
Betrachtet man Abbildungen von Napoleon III.
(vgl. Abb. 1) fallen einem einige Ähnlichkeiten
auf, vor allem die markante Barttracht. Nun
kann man annehmen, dass diese Daumier an die
Schnauzhaare der angespielten Nagetiere denken
liess, weswegen er der Figur nicht nur diesen
Namen gab, sondern sie besonders bei der
Atelierplastik in einer verdrehten Körperhaltung
darstellt, was vielleicht auch von ähnlichen
Haltungen stehender Ratten inspiriert ist. Es ist
dem Meister der Karikatur mit dieser dreidimensionalen
Ausführung der Figur gelungen,
durch formelle Verzerrungen einen treffenden,
kritischen Kommentar zum politischen
Zeitgeschehen zu schaffen.
Honoré Daumier lässt von seinem Freund
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Adolphe-Victor Geoffroy-Dechaume einen Gips
nach seinem Tonmodell herstellen, wobei die
ungebrannte, zerbrechliche Statuette wohl zerstört
worden ist. Dieser Gipsabguss, der zwar als
Karikatur veröffentlichten Figur wird zeitlebens
versteckt gehalten. Seit 1954 befindet er sich in
der Albreight-Knox Art Gallery in Buffalo. Den
ersten Guss nach ebendiesem Gipsoriginal stellt
Siot-Decauville 1891 im Sandgussverfahren in
einer Auflage von mindestens 6 Exemplaren
her. 1892 erstellt dieselbe Werkstatt eine zweite
Auflage von 20 Exemplaren. Dasselbe
Gipsmodell dient auch als Vorlage bei der
Rudier-Auflage von 1925, aus der das vorliegende
Exemplar stammt. Das Gussverfahren
(Sandguss oder Wachsausschmelzverfahren)
lässt sich weder anhand der Quellenlage noch
der technologischen Befunde mit letzter
Sicherheit bestimmen.
Von den wohl 21 (nummeriert von 0 bis 20/20)
von Henry Bing für die Rudier Giesserei erstell-
Abb.2: RATAPOIL et CASMAJOU. Membres les plus
actifs de la société philantropique du dix Décembre: portraits
dessinés d'après nature et réellement frappans. Lithographie
für Charivari, Ausgabe 11. Oktober 1850.
ten Bronzeabgüssen befinden sich folgende
Versionen in bekannten Museen: Nr. 0 Los
Angeles, County Museum of Art LACMA; Nr.
7 Hamburger Kunsthalle; Nr. 9 Frankfurt,
Städelsches Kunstinstitut; Nr. 13 Kunstmuseum
Winterthur. Vorliegendes Exemplar, welches
sich lange in Schweizer Privatbesitz befand und
direkt bei Bing erworben wurde, ist eine kunsthistorisch
bedeutende Rarität.
CHF 50 000.- / 70 000.-
(€ 41 670.- / 58 330.-)

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Moderne Kunst
3203
3203
ERLER, FRITZ
(Frankenstein 1868 - 1940 München)
Frau im Park am Brunnen. Um 1900.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Erler.
100 x 119 cm.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz.
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
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3204
3204
LEBOURG, ALBERT
(Montfort-sur-Risle 1849 - 1928 Rouen)
Am Flussufer. 1909.
Öl auf Leinwand. Unten links signiert und
datiert: Lebourg 1909.
46 x 76,5 cm.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz.
Ausstellung: Paris 1923: Exposition Albert
Lebourg, 3. - 19. November 1923, Paris.
(Verso mit Etikett)
CHF 32 000.- / 42 000.-
(€ 26 670.- / 35 000.-)
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Moderne Kunst
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RODIN, AUGUSTE
(Paris 1840 - 1917 Meudon)
Helene von Nostitz. 1902-08.
Bronze. Unten rechts signiert: A. Rodin.
Höhe: 23 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Alain
Beausire, Paris 10. Oktober 2012, bestätigt (Ref.
0085-ARbs).
Provenienz:
- Europäische Privatsammlung.
- Privatsammlung Schweiz.
1900 ist Helene von Hindenburg zum Zeitpunkt
des ersten Treffens mit August Rodin anlässlich
dessen Ausstellung im Pavillon de l’Alma 22
Jahre alt. Während der Weltausstellung erhält
der im hohen Alter noch amtierende Deutsche
Botschafter in Paris, Graf, später Fürst Münster
von Derneburg, Besuch von seiner Tochter
Sophie von Beneckendorff und ihrem Mann
von Hindenburg, ein Vetter des späteren
Generalfeldmarschalls und Reichspräsidenten
Paul von Hindenburg, und deren Tochter
Helene. Sie nimmt vier Jahre später, im Oktober
1904, durch Heirat den Namen Nostitz an. Die
Damen besichtigen dabei auch den Pavillon mit
der Oeuvre-Ausstellung Rodins. Sie sind begeistert
von dessen Werken und suchen die
Bekanntschaft des Künstlers, treffen ihn min-
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destens zweimal im Pavillon an. Seit dieser
Begegnung pflegen sie zu diesem ein reges und
„passioniert“ intellektuelles Verhältnis. Helene
ist Musikerin und übersetzt für ihn Sonette von
Michelangelo, man empfängt ihn als Gast in der
Villa der Mutter in Ardenza in der Toscana.
Hier ist es, wo sie im November 1902 akzeptiert
für Rodin Modell zu sitzen, woraus die hier in
Bronze vorliegende Büste entsteht. Sie gilt als
eine wohl sehr intime Arbeit Rodins. Er selber
äussert den Wunsch eine Büste der jungen
Helene zu modellieren in einem Brief vom 23.
Mai 1902 an sie. Die schwärmerischen Berichte
und Briefe von ihr unterrichten uns über diese
Tage, die angefüllt sind mit Besichtigungen,
Musizieren (vor allem Beethoven), Vorlesungen
in Französisch und mit dem Anfertigen von
Skizzen. Während der Sitzungen spielt Helene
immer wieder auf Wunsch des Bildhauers
Beethoven, Gluck und Mozart.
CHF 120 000.- / 180 000.-
(€ 100 000.- / 150 000.-)

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Moderne Kunst
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3206
3206
MEIFREN Y ROIG, ELISEO
(1857 Barçelona 1940)
Jardin con Flores.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert:
E. Meifren.
60 x 73 cm.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz.
CHF 18 000.- / 24 000.-
(€ 15 000.- / 20 000.-)

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3207
FRIESZ, ACHILLE EMILE OTHON
(Le Havre 1879 - 1949 Paris)
Paysage. 1909.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und
datiert: Othon Friesz 09.
65 x 80 cm.
Dieses Werk wird in den Catalogue Raisonné,
Bd. II, "Oeuvre Peint d'Emile Othon Friesz, aufgenommen,
der bei der Edition Galerie
Aittouarès in Vorbereitung ist.
Provenienz: Privatbesitz Schweiz.
CHF 12 000.- / 14 000.-
(€ 10 000.- / 11 670.-)
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Moderne Kunst
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3208
KANELBA, RAJMUND
(1897 Warschau 1960)
Frauenporträt.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert:
Kanelba.
80 x 59 cm.
Provenienz:
- Kunsthandel Victor Hartberg, Berlin
(verso mit Etikett).
- Privatsammlung Schweiz.
Ausstellung: Bordeaux 1927: Exposition
Internationale des Beaux Arts, Museé de
Bordeaux, 1927.
CHF 8 000.- / 12 000.-
(€ 6 670.- / 10 000.-)
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SPADINI, ARMANDO
(Poggio a Caiano 1883 - 1925 Rom)
Bildnis Mutter mit Kind.
Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand
bezeichnet: Spadini.
73 x 54 cm.
Provenienz: Privatsammlung.
Literatur: Vgl. Emilio Cecchi, Adolfo Venturi;
Armando Spadini, Mailand 1927.
CHF 30 000.- / 40 000.-
(€ 25 000.- / 33 330.-)

3209
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Moderne Kunst
3210*
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Stillleben mit zwei Vasen auf Piedestal. 1907.
Öl auf Holz.
17,7 x 14 cm.
Achim Moeller hat die Echtheit des Werkes
bestätigt. Das Werk ist im Archiv des Lyonel
Feininger Project, New York - Berlin, mit der
Nummer 1174-10-08-12 registriert und wird in
den ersten Band des Werkverzeichnisses der
Gemälde von Lyonel Feininger, herausgegeben
von Achim Moeller, aufgenommen.
Provenienz:
- Besitz des Künstlers, bis 1920/30er Jahre.
- Dr. Alois J. Schardt (1889-1955), Halle, ca.
1920/30er - 1955.
- Privatsammlung.
- Privatsammlung New York, seit 1990.
Ausstellungen: Wuppertal 2006, Von der
Heydt-Museum, „Feininger: Frühe Werke und
Freunde“, 17. September - 19. November 2006,
S. 54 (Farbabb.).
Literatur:
Hess, Hans. Lyonel Feininger. Stuttgart: Verlag
W. Kohlhammer, 1959 [Nachdruck: Stuttgart:
Verlag W. Kohlhammer, 1991. Englische
Ausgabe: New York: Abrams, 1961], Nr. 1, S.
249 (s-w. Abb., Stillleben; Anmerkung: In Paris
gemalt, Frühjahr 1907) .
Es ist der 21. April 1907 als Lyonel Feininger im
Alter von 35 Jahren in seinem Atelier am 242
Boulevard Raspail in Paris den Pinsel greift und
sein erstes Gemälde, ein Stillleben in Öl auf
Karton, fertigstellt. Von diesem Tag an ist er
nicht mehr Karikaturist, sondern Maler. Im
Innersten hegt er schon seit langem den
Wunsch, als freier Künstler tätig zu sein und
nicht fortwährend Rechenschaft darüber able-
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gen zu müssen, „warum (er) das Wasser - violett
und nicht blau“ (Brief von Lyonel Feininger an
Julia Feininger, vom 7. November 1905) gemalt
hat. Es ist vor allem seine Lebensgefährtin Julia
Berg (geb. Lilienfeld, 1880-1970), die ihn darin
bestärkt sowie ein Vertrag mit der Chicago
Sunday Tribune, der ihm dank finanzieller
Sicherheit zu diesem Schritt ermutigt. 1912
schreibt er dazu an seinen Freund Alfred Kubin
(1877-1959), „Dann, plötzlich kam die Befreiung!
Ein Kontract mit Chicago - der mir ermöglichte,
nach Paris zu übersiedeln und endlich einmal
die Welt der Kunst kennen zu lernen! Ich kam
zum ersten Male wieder dazu, überhaupt für
mich zu denken und empfinden, und zu arbeiten“
(in: Hans Hess, Lyonel Feininger, 1959: S.
38/39).
In der Vertrautheit seines Ateliers schafft
Feininger kurz darauf zwei weitere Stillleben in
Öl, die jeweils Vasen und Gefäße aus seiner
Wohnung zeigen. Stillleben mit zwei Vasen auf
kleinem Tisch (1907) ist sein drittes Ölgemälde.
Es zeigt einen bedeckten hölzernen Tisch, auf
dem vor einem blauen Vorhang eine graue Vase
und ein gelb-gold schimmerndes Gefäß mit
Henkel arrangiert sind. In diesem seltenen
Kleinod aus der Frühphase des Malers zeigt
sich, wie Hans Hess es formulierte, „eine
erstaunliche Reife und Sicherheit. Die Bilder
(aus seiner Frühphase) sind kräftig gemalt und
räumlich klar organisiert. (...) er hat mit der
Unschuld des Anfängers gleich die Materie
gemeistert“ (Hess, S. 40).
CHF 40 000.- / 60 000.-
(€ 33 330.- / 50 000.-)

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Moderne Kunst
3211*
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Ohne Titel (Haus mit Stall, Normandie). 1906.
Bleistift und Buntstift auf kariertem Papier.
Unten links datiert: 25. VIII. 06.
13,5 x 21,8 cm.
Achim Moeller hat die Echtheit des Werkes
bestätigt, es ist im Archiv des Lyonel Feininger
Project, New York - Berlin, mit der Nummer
1163-09-10-12 registriert.
Provenienz:
- Alois J. Schardt, Halle/Pomona, Kalifornien.
- Privatsammlung New York.
Im Februar 1906 bekommt Lyonel Feininger
den Auftrag, zwei Comicserien für die Chicago
Sunday Tribune zu entwickeln. Dieser bringt
ihm eine gewisse finanzielle Sicherheit und
ermöglichte es ihm, nach Paris umzuziehen.
Während er die erste Comicserie, die Kin-Der
Kids, bereits in Deutschland entwickelt, holt er
sich für die zweite Serie, Wee Willie Winkie’s
World, entscheidende Anregungen bei einer
Reise in die Normandie im August und
September 1906. Feininger besucht u.a.
Quiberville-sur-Mer, Ouville-la-Rivière und
Longueil, und fertigt dort, im Tal der unteren
Saâne, am 25. August 1906 diese Zeichnung an.
CHF 5 000.- / 7 000.-
(€ 4 170.- / 5 830.-)
3212*
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Weg mit Bäumen an der Ostsee. 1910.
Bleistift auf Papier. Oben rechts datiert:
Sep 22 10.
16,3 x 20,7 cm.
Achim Moeller hat die Echtheit des Werkes
bestätigt, es ist im Archiv des Lyonel Feininger
Project, New York - Berlin, mit der Nummer
1170-09-10-12 registriert.
Provenienz:
- Alois J. Schardt, Halle/Pomona, Kalifornien.
- Privatsammlung New York.
Wie so viele Sommer zuvor verbringt Lyonel
Feininger auch den Sommer 1910 an der Ostsee.
Kurz nach der Geburt seines dritten Sohnes T.
Lux (1910-2011) im Juni fährt er im Juli zunächst
nach Heringsdorf und bleibt dann circa einen
Monat in Neppermin auf der Insel Usedom.
Kurz vor seiner Abreise zurück nach Berlin entsteht
dort diese Zeichnung am 22. September.
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
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3213
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FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Mann mit Leine, Ostsee. 1910.
Kreide auf Papier.
Unten rechts datiert: Sep. 2 . 10.
21 x 24 cm.
Achim Moeller hat die Echtheit des Werkes
bestätigt, es ist im Archiv des Lyonel Feininger
Project, New York - Berlin, mit der Nummer
1165-09-10-12 registriert.
Provenienz:
- Alois J. Schardt, Halle/Pomona, Kalifornien.
- Privatsammlung New York.
Wen oder was muss der nach hinten gebeugte
Mann mit der Leine, den man in der Bildmitte
sieht, zurückhalten? Diese Frage stellt sich dem
Betrachter dieser am 2. September 1910 auf
Usedom an der Ostsee entstandenen Zeichnung
von Lyonel Feininger (1871-1956). Vor dem reetgedeckten
Fischerhaus im Bildhintergrund
bleibt diese Frage offen, verdeutlicht jedoch den
Humor und sicheren Blick des Künstlers und
macht den besonderen Charme dieser
Zeichnung aus.
CHF 8 000.- / 13 000.-
(€ 6 670.- / 10 830.-)
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Moderne Kunst
3214
3214
NOLDE, EMIL
(Nolde 1867 - 1956 Seebüll)
Marschlandschaft. 1930er Jahre.
Aquarell auf Japanpapier. Unten rechts signiert:
Nolde.
36,3 x 47,3 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Dr.
Manfred Reuther, Seebüll, 26. November 2006,
bestätigt.
Provenienz: Schweizer Privatbesitz.
„So sind auch seine Landschaftsbilder - nun
ganz im Sinne der romantischen
Landschaftskunst eines Caspar David Friedrich
- nicht blosse Stimmungsbilder, sondern wahre
„Seelenlandschaften“, freier und unmittelbarer
Ausdruck des künstlerischen und menschlichen
Erlebens“ (zit.: Urban, Martin. Emil Nolde.
Landschaften. Aquarelle und Zeichnungen,
Köln 1969, S. 7).
Emil Noldes grossformatige Landschafts-
aquarelle gehören zu den herausragenden
Werken im Oeuvre des Expressionisten. Das
hier angebotene Werk entsteht in den 1930er
Jahren und zeigt die Landschaft um Seebüll -
Noldes Heimat in Ostfriesland. Eine weite,
grüne Wiese erstreckt sich im Vordergrund des
Bildes. Am Horizont sieht man einzelne rote,
reetgedeckte Bauernhöfe über denen sich blauviolette
Wolken erheben. Die untergehende
Sonne scheint noch hinter den Wolken zu sein
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und taucht den Himmel in ein kräftiges Orange.
Die leuchtenden, ineinander verschwimmenden
Farben ziehen den Blick des Betrachters bis
zum Horizont und eröffnen eine einzigartige
stimmungsvolle und friedliche Landschaft.
In Noldes Gesamtwerk nehmen die Aquarelle
einen besonderen Platz ein. Kein anderer
Künstler des 20. Jahrhunderts hat sich über
Jahrzehnte immer wieder mit dieser Technik
auseinander gesetzt, experimentiert und sie bis
zur Perfektion weiterentwickelt.
Um 1895 entsteht plötzlich ein Werk, in dem er
Farbe und Stimmung entdeckt, was aber noch
für einige Zeit eine Ausnahme bleiben soll, bis
Nolde dann um 1904, beeinflusst durch die
Spätimpressionisten, zu seinem eigentlichen
Ausdrucksmittel findet - Farbe. „Gelb kann
Glück malen und auch Schmerz. Es gibt
Feuerrot, Blutrot und Rosenrot. Es gibt
Silberblau, Himmelblau und Gewitterblau. Jede
Farbe trägt in sich ihre Seele, mich beglückend
oder abstossend und anregend. [...] Und sind
nicht Träume wie Töne und Töne wie Farben
und Farbe wie Musik. Ich liebe die Musik der
Farben. [...] Farben war mit ein Glück, und mir
war es, als ob sie meine Hände liebten“ (zit.:
Urban, Martin, ebenda, S. 16). Mit der aufkommenden
Farbe und dessen freiem Einsatz in seinem
Oeuvre stellt er auch die bisherigen
Gestaltungsmittel in Frage. Im Laufe der Zeit
treten Perspektive und Gegenstandsbezeich-
nungen immer mehr in den Hintergrund und
einzig durch den Zusammenklang der farbigen,
vibrierenden Flächen wird das Bild gestaltet.
Beherrschte Konturen und Formen verschwinden
hinter den expressiven und kräftigen, ineinander
verlaufenden Farbfeldern. Das seit
Anfang der 1910er Jahre verwendete Japan-
papier dient dieser Entwicklung: es saugt die
Farbe schnell auf, wobei die Flächengrenzen
aber stärker verlaufen und Formen verändert
werden. Indem Emil Nolde „nass in nass“ malt,
ist es ihm als Künstler immer noch möglich
durch Übermalung stärkere farbliche Akzente
zu setzen oder Konturen einzufügen.
Wir erleben beim Betrachten von Noldes
Aquarellen eine phantastische, gewaltige und
farbenintensive Natur, in der wir zuweilen erst
nur die Farbenpracht wahrnehmen, bei genauem
Hinsehen aber auch die tiefliegende
Komposition erkennen können. Die Form ist für
Nolde der Ausdruck seelischer Stimmungen,
die er auch in dem vorliegenden Aquarell eindrucksvoll
aufzeigt. „Nolde hat Form nie als
etwas Eigenwertiges verstanden. [...] Form ist
Äquivalent für seelische Stimmungen, nichts
Äusseres, das dem Bild aufgezwungen werden
kann, sie muss für jedes Bild neu gefunden werden.“
(zit. Urban, Martin, ebenda, S. 20).
CHF 180 000.- / 250 000.-
(€ 150 000.- / 208 330.-)

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Moderne Kunst
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3215*
GROSZ, GEORGE
(1893 Berlin 1959)
Zwei Clowns. Um 1920.
Tusche auf Papier. Unten rechts signiert: Grosz.
Verso mit dem Nachlassstempel 3 9 2, zudem
mit Bleistift handschriftlich datiert und mit der
Inv.Nr. 1538 versehen.
40,5 x 25,67 cm.
Provenienz:
- Nachlass des Künstlers.
- Privatsammlung New York.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)

3216
3216*
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Mann im blauen Anzug mit Hut. Verso: Mann
mit Regenschirm. 1912.
Bleistift und Buntstift auf Papier. 14 x 8,4 cm.
Achim Moeller hat die Echtheit des Werkes
bestätigt, es ist im Archiv des Lyonel Feininger
Project, New York - Berlin, mit der Nummer
1169-09-10-12 registriert.
Provenienz:
- Alois J. Schardt, Halle/Pomona, Kalifornien.
- Privatsammlung New York.
Diese Zeichnung ist 1912 in Berlin entstanden
und zeigt einen Mann im blauen Anzug mit
„Prinz-Heinrich-Mütze“, der mit den Händen in
den Taschen und schnellem Schritt seinem Ziel
entgegeneilt. Schon in seinen wenigen flüchtigen
Strichen zeigt sich die Bravour, zu der es
Feininger als Zeichner gebracht hat.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
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Moderne Kunst
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3217*
GROSZ, GEORGE
(1893 Berlin 1959)
Ick vazeih dia allet - mir is so mies.
Kreidezeichnung auf Papier. Unten links signiert:
Grosz, zudem in der Darstellung betitelt.
Verso mit dem Nachlassstempel, dort mit der
handschriftlichen Bezeichnung 24 159 4“ sowie
datiert „ca. 1926".
59 x 45 cm.
CHF 8 000.- / 10 000.-
(€ 6 670.- / 8 330.-)

3218
3218
FEININGER, LYONEL
(1871 New York 1956)
Departure. 8.8.43.
Aquarell und Tusche auf Japanpapier. Unten
links signiert: Feininger, zudem unten rechts
datiert: 8.8.43.
19,7 x 29, 8 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Achim
Moeller, The Lyonel Feiniger Project LLC, New
York, bestätigt, 15. August 2012. Das Werk wird
in das Lyonel Feininger Archiv für Zeichnungen
und Aquarelle aufgenommen und ist unter der
Nummer 1160-08-15-12 dort registriert.
Provenienz:
- Privatsammlung Connecticut.
- Galerie Thomas, München.
- Kauf bei Galerie Thomas 1991, seitdem in
Schweizer Privatbesitz.
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)
| 25

Moderne Kunst
3219
KLIMT, GUSTAV
(1862 Wien 1918)
Vorgebeugt sitzende Aktfigur, teilweise verdeckt.
1914.
Bleistift auf Papier, auf Karton aufgelegt. Unten
links signiert und datiert: Gustav Klimt 1914.
56,5 x 36,5 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Frau
Dr. Marian Bisanz-Prakken, Albertina Wien,
bestätigt. Sie wird diese Zeichnung in den
Ergänzungsband des Werkverzeichnisses der
Zeichnungen Gustav Klimts aufnehmen. Wir
danken ihr für ihre wissenschaftliche Hilfe und
ihren Textbeitrag.
Provenienz:
- Sammlung Alfred Lohner (Schauspieler am
Burgtheater Wien von 1918-1928).
- Durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer,
Schweiz.
Gustav Klimt hat seine Zeichnungen mehrmals
signiert, aber nur selten datiert. Datierte Blätter
sind zumeist von den späten 1870er Jahren bis
1904, vereinzelt bis 1910 anzutreffen. Mit dieser
1914 datierten und signierten Studie einer sitzenden,
teilweise verdeckten Aktfigur liegt das
bisher späteste Beispiel einer datierten Klimt-
Zeichnung vor. Ebenso selten im Bereich der
Zeichenkunst ist die Art, in der Klimt Signatur
und Datum miteinander verbindet. Unterhalb
der übereinander positionierten, blockhaft
zusammengefassten Wörter GUSTAV und
KLIMT - eine an sich häufig verwendete
Signatur - bilden die durch einen Leerraum
getrennten Zahlen 19 und 14 gleichsam die
Pfeiler für die beiden Querbalken. Ähnliche
„architektonische“ Kombinationen von Signatur
und Jahreszahl kommen sonst nur bei den
Gemälden vor, vor allem im Bereich der
Figurenmalerei. In Porträtgemälden wie „Emilie
Flöge“ (1902), „Margarete Stonborough-
| 26
Wittgenstein“(1905), „Fritza Riedler“ (1906)
oder „Adele Bloch-Bauer“ (1907) wie auch in
„Salome“ (1909) werden Schrift und Datum von
einem goldenen Quadrat eingefasst. Im
Gemälde "Der schwarze Federhut" (1910) stehen
Signatur und Datum wie in der vorliegenden
Zeichnung frei im Raum.
Obwohl Funktion und Bestimmung der ganz für
sich stehenden Zeichnung nicht bekannt sind,
hat Klimt dieser Arbeit angesichts der aussergewöhnlichen
Art des Signierens und Datierens
zweifellos eine besondere Bedeutung zugemessen.
Die hagere Sitzgestalt, deren Expressivität
an die Figuren von Egon Schiele erinnert,
besticht durch die Intensität des
Gesichtsausdrucks wie auch durch die heftigen
Strichkonzentrationen außerhalb der pulsierenden
Körperkonturen. Die scharfen Umrisse der
teilweise verdeckten Brust und des linken
Oberarms stehen den flüchtigen Linien der
Hand und des Umhangs markant gegenüber.
Die komplexe Räumlichkeit der vorgebeugt
Sitzenden und die zu einem leeren Rechteck
reduzierte Sitzgelegenheit halten einander die
Waage. Wirkungsvoll setzt Klimt Signatur und
Datum in den Leerraum der vorderen Bettkante
hinein. In dieser kalligraphischen Insel begegnen
sich die Horizontal- und Vertikalachsen der
Füße und der Beckenpartie; Signatur und
Datum werden so zum stabilisierenden Element
der Komposition.
CHF 60 000.- / 80 000.-
(€ 50 000.- / 66 670.-)

3219
| 27

Moderne Kunst
3220
ROUAULT, GEORGES
(1871 Paris 1958)
Tête d’homme (profil). 1918.
Aquarell und Kreide auf Papier. Unten mittig
datiert und signiert: 1918_G.Rouault_.
Verso mit eigenhändigem Gedicht.
31 x 20,5 cm.
Provenienz:
- John Quinn, New York.
- Auktion Hotel Drouot „Tableau Modernes
- Aquarelles, Gouaches, Dessins (...) provenant
de la Collection John Quinn", Paris,
Oktober 1926, Los Nr. 1077.
- Privatsammlung Paris.
- Privatsammlung Schweiz (durch Erbschaft
an den heutigen Eigentümer).
Literatur: Dorival, Bernard/Rouault,
Isabelle: Rouault, L’oeuvre peint. Monte-
Carlo 1988, Bd. I, Nr. 598, S. 170 (mit
Abb.).
Die beiden Aquarelle (3220, 3221) waren
einst im Besitz des bekannten amerikansichen
Sammlers John Quinn. Zusammen mit
einem ähnlichen Werk aus der Serie, welches
den Namen „Superhomme“ trägt
(Dorival, Rouault Nr. 610), wurden sie 1926
in Paris versteigert. Interessant dabei ist,
dass auf der Rückseite des vorliegenden
Blattes ein eigenhändiges Gedicht von
Rouault steht, in dem es um eben diesen
„Superhomme“ geht:
Superhomme apparaît
Joseph Prudhomme disparaît
te voilà mort et enterré
et combien regretté
même par ceux qui t’avaient le plus blagué
Superhomme va régner
et pour sa baudruche dégonfler
tout le genre humain devra s’allier!
CHF 10 000.- / 20 000.-
(€ 8 330.- / 16 670.-)
| 28
3220

3221
3221
ROUAULT, GEORGES
(1871 Paris 1958)
Tête de Femme. Profil. 1910-19.
Aquarell auf Papier.
28 x 19 cm.
Provenienz:
- John Quinn, New York.
- Auktion Hotel Drouot „Tableau Modernes -
Aquarelles, Gouaches, Dessins (...) provenant
de la Collection John Quinn", Paris, Oktober
1926, Los Nr. 1049.
- Privatbesitz Paris.
- Privatbesitz Schweiz.
Literatur: Dorival, Bernard/Rouault, Isabelle:
Rouault, L’oeuvre peint. Monte-Carlo 1988, Bd.
I, Nr. 702, S. 208 (mit Abb.).
CHF 10 000.- / 20 000.-
(€ 8 330.- / 16 670.-)
| 29

Moderne Kunst
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3222
3222
HESSE, HERMANN
(Calw 1877 - 1962 Montagnola)
Tessiner Dorf. Um 1919.
Aquarell auf Papier.
Auf dem Unterlagekarton mit dem
Besitzerstempel: Bruno Hesse CH-3399
Oschwand, sowie datiert: 1919.
21 x 17 cm.
Provenienz:
- Privatsammlung Bruno Hesse, Oschwand (bis
1999).
- Frau Rose Berger-Bühlmann (zweite Frau von
Bruno Hesse).
- Privatsammlung Bern.
CHF 5 000.- / 7 000.-
(€ 4 170.- / 5 830.-)

3223
3223
HESSE, HERMANN
(Calw 1877 - 1962 Montagnola)
O Täler weit. 1919.
Aquarell und Gouache auf Papier.
Unten mittig signiert und datiert: Hesse 19.
Verso mit dem Besitzerstempel: Bruno Hesse
CH-3399, bezeichnet und datiert: Hesse O
Täler weit 1919. Auf dem Unterlagekarton mit
dem Besitzerstempel: Bruno Hesse CH-3399
Oschwand, sowie signiert und bezeichnet : H.
Hesse O Täler weit.
18 x 14 cm.
Provenienz:
- Privatsammlung Bruno Hesse, Oschwand (bis
1999) (verso mit dem Stempel).
- Frau Rose Berger-Bühlmann (zweite Frau von
Bruno Hesse).
- Privatsammlung Bern.
CHF 5 000.- / 7 000.-
(€ 4 170.- / 5 830.-)
| 31

Moderne Kunst
3224
HESSE, HERMANN
(Calw 1877 - 1962 Montagnola)u
Landschaft bei Montagnola. 1920.
Aquarell auf Papier. Unten rechts datiert:
14.II.1920.
Auf dem Unterlagkarton mit dem
Besitzerstempel: Bruno Hesse CHF-3339
Oschwand, sowie von Bruno Hesse betitelt und
datiert: Montagnola 1920.
8.5 x 14 cm.
Provenienz:
- Privatsammlung Bruno Hesse, Oschwand (bis
1999).
- Frau Rose Berger-Bühlmann (zweite Frau von
Bruno Hesse).
- Privatsammlung Bern.
CHF 3 000.- / 5 000.-
(€ 2 500.- / 4 170.-)
3225
HESSE, HERMANN
(Calw 1877 - 1962 Montagnola)
Montagnola. Wohl 1920.
Aquarell auf Papier. Unten links datiert: 14.
VI.20.
Auf dem Unterlagekarton mit dem
Besitzerstempel: Bruno Hesse CH-3399
Oschwand, sowie von Bruno Hesse betitelt und
datiert: Montagola 1920.
12 x 16,3 cm.
Provenienz:
- Privatsammlung Bruno Hesse, Oschwand (bis
1999).
- Frau Rose Berger-Bühlmann (zweite Frau von
Bruno Hesse).
- Privatsammlung Bern.
CHF 5 000.- / 7 000.-
(€ 4 170.- / 5 830.-)
| 32
3224
3225

3226
3226
CAMOIN, CHARLES
(Marseille 1879 - 1965 Paris)
Gairaut. 1958.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert:
Ch Camoin.
60 x 73 cm.
Dieses Werk wird in den von den Archives
Camoin in Vorbereitung befindlichen Catalogue
Raisonné der Gemälde von Charles Camoin
aufgenommen.
Provenienz:
- Kunsthandel Beda Eberhard, Schweiz.
- Pivatsammlung Schweiz (bei obigem 1961
erworben).
CHF 15 000.- / 25 000.-
(€ 12 500.- / 20 830.-)
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Moderne Kunst
3227*
SIGNAC, PAUL
(1863 Paris 1935)
Les Andelys. Château-Gaillard. 1921.
Öl auf Leinwand. Unten links signiert: P.
Signac.
65 x 92 cm.
Provenienz:
- Georges Lévy, Paris (April 1922).
- Gleises Paris (Februar 1926).
- Gérard Frère, (Januar 1928).
- Galerie Rodriguès Henriques, Paris (1930).
- Gaston Lévy, Paris.
- Drouot Paris, Auktion, 17. November 1932,
Kat.Nr. 110 (mit Abb.).
- Maurice Bernheim.
- Privatsammlung Paris (durch Erbschaft).
- Privatsammlung.
Ausstellung:
- Paris 1922. Salon des Independants, Nr. 3226,
Paris 1922.
- Brüssel 1923: Galerie Giroux, Brüssel 1923.
- Köln 1997: Pointillismus auf den Spuren von
Georges Seurat, Wallraf-Richartz-Museum,
Köln, 6. September - 10. November 1997.
- Hiroshima 2003/2004: Monet and Renoir:
Two Great Impressionist Trends, Prefectural
Art Museum, 1. November 1 2003 - 15.
January 2004, no.38, S.71 (mit Abb.).
Wanderausstellung: Tokyo, The Bunkamura
Museum of Art, 7. Februar - 9. Mai 2004.
Literatur:
- Chavance, René „Le Salon des Indépendants“,
La Liberté, 28. Januar 1922, S. 2.
- Hébert, P. „Le Salon des Indépendants“, La
Justice, 6. Februar 1922, S. 2.
- „Enquête, Tableaux de chevalet ou peinture
décorative“ in Le Bulletin de la vie artistique,
15. Februar 1922, S. 77 (mit Abb.).
- Chavance, Réne. „Le Salon des
Indépendants“, L’Explorateur Français, 20.
Februar 1922, S. 582.
- Kahn, Gustave. „Exposition des
Indépendants“, Mercure de France, 1. März
1922, S. 487.
- Roger-Marx, Claude. „Le 33e Salon des
Indépendants“, Art et Décoration März 1922,
S. 66.
- Cachin, Françoise. Signac - Catalogue
Raisonné de l’oeuvre peint, Gallimard, Paris
2000, Nr. 547, S. 316 (mit Abb.), Masse im
Werkverzeichnis abweichend.
Paul Signac gehört zu den einflussreichsten
Künstlern des auslaufenden 19. Jahrhunderts,
der mit der Erfindung des sogenannten
Pointillismus die Türen für viele moderne
Kunstströmungen geöffnet hat. 1884 treffen
Paul Signac und Georges Seurat zusammen und
entwickeln gemeinsam den divisionistischen
Malstil, der als Post-Impressionismus oder
Pointillimus in die Kunstgeschichte eingeht.
Durch Seurats frühen Tod im Jahr 1891 wird
Signac zum Wortführer dieser Kunstrichtung.
Seine Farbtheorie legt er 1899 in dem
Standardwerk „D’Eugène Delacroix au Néo-
| 34
Impressionisme“ fest; untermauert wird dieses
Traktat durch den Kritiker Felix Fénéon und
den Naturwissenschaftler Charles Henry.
Signac hält sich konsequent an seine Theorie
und setzt sie auch in unserem Gemälde eindrücklich
um. Anders als sein grosses Vorbild
Claude Monet mischt er die Farben nicht mehr
auf seiner Palette, sondern nutzt die neu aufgekommene
Farbenlehre und setzt die Pigmente
auf den Gemälden nebeneinander. Auf diese
Weise bleiben die verwendeten Farben rein,
kräftig und strahlend und das Auge des
Betrachters übernimmt selbst die „Vermischung
der Farben“. Erst direkt vor dem Bild erkennen
wir, dass es sich um einzelne, aneinander gesetzte
Farbpunkte handelt; von Weitem erschliesst
sich dem Betrachter ein einheitliches Gemälde.
Dieser revolutionäre Einsatz von Farben macht
es notwendig, den Werken eine klare
Komposition zu Grunde zu legen, damit diese
einzigartige Wirkung in Kraft tritt. Signac führt
aber mit dem Pointillismus nicht nur eine neue
Kunstgattung im ausgehenden 19. Jahrhundert
ein, sondern die „formal abstrahierende pointillistische
Technik“ legt den Grundstein für die
„gegenstands - und raumauflösenden Tendenzen
des 20. Jahrhunderts“ (zit.: art Directory).
Am Ufer der Seine stehend blickt der
Betrachter auf das kleine Dorf Les Andelys und
die sich darüber erhebenden Ruinen des
geschichtsträchtigen Château-Gaillard. 1194
kehrt Richard Löwenherz, König von England,
von seinem Dritten Kreuzzug zurück und will
die englische Oberherrschaft an der Ostgrenze
der Normandie festigen. Aus diesem Grund
nutzt er den vom Papst auferlegten Frieden
nach der Schlacht von Vêndome, um in nur
zwei Jahren die gewaltige Grenzfestung
Château-Gaillard mit Blick über das Seinetal,
ca. 100 Kilometer von Paris entfernt, zu errichten.
Unter Richards Bruder und Nachfolger
Johann Ohneland wird die Festung zu Beginn
des 13. Jahrhunderts von den Franzosen erfolgreich
belagert, so dass 1204 die Normandie an
Frankreich fällt. Im 14. Jahrhundert werden hier
historische Persönlichkeiten wie Margarete von
Burgund oder Karl II. von Navarra eingekerkert.
Im 15. Jahrhundert folgen zahlreiche
Belagerungen und die Burg fällt zwischendurch
wieder an die Franzosen. Zuletzt wird sie durch
Heinrich von Navarra belagert, geschliffen und
an die Mönche von Les Andelys übergeben.
1611 beginnen die Abrissarbeiten, die nach kurzer
Unterbrechung durch Richelieu fortgesetzt
werden. 1852 werden die Ruinen in die Liste
der monument historiques aufgenommen.
Die Bäume am Ufer scheinen die Ruinen fast
einzurahmen und lenken, auch durch ihre dunkleren
Farben, den Blick des Betrachters direkt
auf die hellen, in Gelb-, Rosa- und Weisstönen
gehaltenen Ruinen. Darüber hinaus setzt Sigac
die Spiegelung der Burg in der Seine effektvoll
ein - fast hat man den Eindruck, sie würde bis
zu unserem Ufer reichen. Pyramidenförmig läuft
die Spiegelung auf uns zu und zieht unsere
Aufmerksamkeit voll und ganz zu dem historischen
Monument. Die überwiegend hellen,
aber kräftigen Farben sind typisch für Signacs
Farbpalette und erzeugen die für ihn so charakteristische,
warme Atmosphäre.
Bereits 1886, zwei Jahre nach seinem ersten
Zusammentreffen mit Georges Seurat, hält sich
Paul Signac mehrere Monate in Les Andelys,
im Norden der Normandie, auf; es entstehen
zahlreiche Werke, die die Umgebung wiedergeben
(siehe: Francoise Cachin, Signac. Catalogue
raisonné, Nr. 119 - 128). Unter diesen Werken
befindet sich auch eine Ansicht des Château-
Gaillard (siehe Abb. 1). 1921 reist er erneut nach
Les Andelys und schafft u.a. eine zweite
Version der Ansicht des Château Gaillard, die
eindrucksvoll seine künstlerische Entwicklung
darlegt. Die Version von 1886, heute im Nelson-
Atkins Museum of Art in Kansas, ist Signacs
Frühwerk zuzuordnen. Der Bildaufbau ist sehr
streng und akademisch: im Vordergrund erstrecken
sich Bäume, dahinter das Dorf, angedeutet
durch die Häuser, und über allem erhebt sich
die Burgruine. Die Punkte sind noch sehr klein,
beschreiben aber exakte Farbflächen ohne dass
es zu einer Vermischung kommt. Obwohl man
den Weg in die Moderne und die neue
Kunstrichtung sieht, spürt man doch noch die
Unsicherheit des Künstlers. Ganz anderes in
unserem Werk, das 25 Jahre später entsteht.
Dieses Werk zeigt eindrucksvoll das Können
des Künstlers, der seinen neuen Stil gefunden
hat und ihn selbstsicher und qualitätsvoll
umsetzt. Die Punkte sind freier und grösser
geworden, die Farbflächen begrenzen sich nicht
mehr gegenseitig, sondern fliessen zum Teil
ineinander über, so dass die Komposition mehr
Tiefe erhält. Gleichzeitig wird die Farbpalette
reicher und vielseitiger. Auch der Bildaufbau
zeigt einen reifen, erfahrenen Künstler. Das
Augenmerk des Betrachters wird immer noch
auf die Burg gezogen, aber Signac benötigt
keine klassische Komposition mehr, sondern
schafft mit subtilen Mitteln wie dem Einsatz der
Farbe, der Spiegelung und auch der
Positionierung des Betrachterstandpunktes am
Ufer, unseren Blick zu lenken.
CHF 3 200 000.- / 3 800 000.-
(€ 2 666 670.- / 3 166 670.-)

3227
Ausklapper
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Moderne Kunst
3227*
SIGNAC, PAUL
(1863 Paris 1935)
Les Andelys. Château-Gaillard.
Oil on canvas. Signed lower left: P. Signac.
65 x 92 cm.
Provenance:
- Georges Lévy, Paris (April 1922).
- Gleiszes, Paris (February 1926).
- Gérard Frère, (1928).
- Galerie Rodriguès Henriques, Paris (1930).
- Gaston Lévy, Paris.
- Drouot Paris, Auction, 17 November 1932, Cat
No. 110 (with ill.).
- Maurice Bernheim.
- Private collection, Paris.
- Private collection.
Paul Signac is one of the most influential artists
of the end of the 19th century, who, with the
invention of the technique known as Pointillism,
opened the doors for many movements in
Modern Art. In 1884 Paul Signac and Georges
Seurat met and together developed the divisionist
style of painting, which entered the history
of art under the name of Post-Impressionism or
Pointillism. With Seurat’s early death in 1891
Signac became the spokesman of this artistic
tendency. In 1899 he set down his colour theory
in the definitive text “D’Eugène Delacroix au
Néo-Impressionisme”; this treatise was backed
by the critic Felix Fénéon and the natural scientist
Charles Henry. Signac stayed true to his
theory and brought it into play most effectively
in our painting here. Unlike Claude Monet, on
whom he had most modelled himself, he no longer
mixed the colours on the palette, but
employed the newly developed colour theories,
placing the pigments alongside each other on
the paintings. In this way the colours remain
pure, powerful and gleaming and it is the eye of
the observer which undertakes the mixing of
the colours. Only when we are directly in front
of the painting we recognise that these are single
points of colour placed alongside each other;
viewed from a distance this becomes a unified
painting. This revolutionary use of colours
requires the underpinning of a clear composition
so that the full power of this unique effect can
emerge. With Pointillism, however, Signac introduced
not only a new artistic genre at the end
of the 19th century, but with the “abstraction of
form of the pointillist technique” he laid the
foundation for “the 20th century trend towards
the dismantling of form and space” (quote: art
Directory).
| 36
Standing on the bank of the River Seine the
observer looks over towards the small village of
Les Andelys and the ruins of the historically
important Château-Gaillard which tower above
it. In 1194 Richard the Lionheart, King of
England, returned from his third crusade and
wished to consolidate English rule over the eastern
border of Normandy. For this reason he
made use of the peace imposed by the Pope
after the Battle of Vêndome, in order to erect in
only two years the mighty boundary stronghold
Château-Gaillard with its view over the Seine
valley, around 100 km from Paris. Under
Richard’s brother and successor John the
Landless, the stronghold was successfully besieged
by the French at the beginning of the 13th
century, with the result that in 1204 Normandy
fell to France. In the 14th century, historical
figures such as Margaret of Burgundy and Carl
II of Navarre were imprisoned there. In the 15th
century many sieges ensued and the castle fell
again to the French. The castle was finally
besieged by Henry of Navarre, razed and handed
over to the monks of Les Andelys. In 1611
the work of demolition began, which, having
been discontinued briefly under Richelieu, was
then resumed. In 1852 the ruins were included
in the list of monuments historiques (historically
significant buildings).
The trees on the river bank appear to almost
frame the ruins and, thanks especially to the
contrast with the dark colours of the trees, the
observer’s gaze is guided directly towards the
ruins rendered in light yellow pink and white
tones. In particular, Signac employs the reflection
of the castle in the Seine to great effect –
we almost have the impression that it will reach
as far as our part of the river bank. Pyramidlike,
the reflection tapers towards us and draws
our attention fully and completely to the historical
monument. The predominantly light but
powerful colours are typical of Signac’s palette
and create the warm atmosphere which is typical
of his work.
Already in 1886, two years after his first meeting
with Georges Seurat, Paul Signac spent
several months in Les Andelys in Northern
Normandy; numerous works ensued which
reflect the surrounding area (see: Francoise
Abb. 1: Paul Signac. Les Andelys, Château Gaillard, 1886. Oil on canvas,
17 11/16 x 25 9/16 inc. (44.9 x 64.9 cm). The Nelson-Atkins Museum of
Art, Kansas City, Missouri. Purchase: acquired through the generosity of
an anonymous donor, F78-13. Photo: Mel McLean
Cachin, Signac. Catalogue raisonné, No. 119 -
128). Amongst these works is a view of
Château-Gaillard (fig. 1). In 1921 he travelled
again to Les Andelys and (amongst other
works) created a second version of the view of
Château Gaillard, which most effectively
demonstrates his artistic development. The
1886 version, today at the Nelson-Atkins
Museum of Art in Kansas, belongs to Signac’s
early period. The composition is very strict and
academic: trees occupy the foreground, behind
is the village indicated by the houses, and the
castle ruins rise above them. The dots are as yet
very small, conveying precise colour surfaces
without any kind of mixing. Although we can
see signs of Modernism and a new artistic direction,
we are still aware of the artist’s uncertainty.
It is an entirely different matter in the work
presented here, which was made 25 years later.
This work reveals with some force the power of
the artist who has found his new style and who
expresses it with confidence and great skill. The
dots have become looser and larger, the colour
planes are no longer sharply delineated, but flow
to some extent into one another, so that the
composition has more depth. At the same time
the colour palette has become richer and more
multifarious. The composition too reveals an
artist of maturity and experience. The
observer’s eye is still drawn to the castle, but
Signac no longer requires a classic composition:
by subtle means, such as the use of colour, the
reflection and the positioning of the observer’s
standpoint on the river bank, he succeeds in
directing our gaze.
CHF 3 200 000.- / 3 800 000.-
(€ 2 666 670.- / 3 166 670.-)

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Moderne Kunst
| 38
3228
3228*
FOUJITA, LÉONARD TSUGUHARU
(Tokio 1886 - 1968 Zürich)
Liegender Akt, Brustporträt. (Portrait de
Femme en Buste). 1924.
Tusche und Bleistift auf Papier. Unten links
japanisch signiert, zudem arabisch signiert und
datiert: Foujita 1924.
29,5 x 39 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Gilbert
Pétridès bestätigt, Paris 24. Mai 1984. Das
Werk ist in seinem Archiv unter der Nummer
17.632 registriert.
CHF 10 000.- / 20 000.-
(€ 8 330.- / 16 670.-)

3229
3229
BAUMEISTER, WILLI
(1889 Stuttgart 1955)
Sitzender Akt. Um 1912.
Öltempera auf Karton. Verso auf Klebezettel
bezeichnet: W. Baumeister Sitzender Akt, 1670.
58 x 74 cm.
Das Werk wird in den in Vorbereitung befindlichen
Nachtrag des Werkverzeichnis der
Gemälde von Peter Beye und Felicitas
Baumeister unter der Nummer 83A aufgenommen.
Provenienz:
- Kunsthandel Beda Eberhard, Schweiz.
- Privatsammlung Schweiz.
CHF 6 000.- / 9 000.-
(€ 5 000.- / 7 500.-)
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„Kunst war ihre Leidenschaft“
Sammlung Marianne Hold
Zusammen mit Luis Trenker suchte Marianne Hold das beeindruckende Werk „Mädchen mit Fahne“ von Karl
Hofer für ihre Sammlung aus. Es standen mehrere Bilder des deutschen Malers zur Auswahl, doch sie entschied
sich eindeutig für dieses grossformatige Gemälde. Im Frühjahr des Jahres 1959 holte Luis Trenker das Bild in
Berlin für Marianne Hold ab und brachte es ihr nach München.
Nach der Flucht mit ihrer Mutter und ihren beiden Brüdern von Johannisburg (Ostpreussen), über Berlin
und schliesslich nach Innsbruck ging Marianne Hold 1948, gerade 15 Jahre alt, alleine nach Rom. Sie wollte
Schauspielerin werden und hoffte in der italienischen Traumfabrik „Cinecittà“ eine Chance zu bekommen. Vorerst
musste sie sich mit Gelegenheitsarbeiten ihren Unterhalt verdienen, bis sie als Assistentin in den Schnittstudios
der berühmten Filmstudios endlich einen Fuss in der Tür hatte. Dort lernte sie Luis Trenker kennen, der ihr schon
1949 eine Rolle in seinem Film „Duell in den Bergen“ anbot. Dies war ihre erste Rolle, es folgten einige weitere
eher kleine Rollen, bis sie noch im selben Jahr ihren ersten grossen Erfolg mit dem italienischen Film „La Bionda
Marianna“ hatte. Sie wurde zum neuen Star des italienischen Films.
In Deutschland drehte sie 1952 ihren ersten Film, der grosse Durchbruch gelang ihr erst 1956 mit dem Film „Die
Fischerin vom Bodensee“. Dieser gutbesetzte Film wurde zum Kassenschlager und Marianne Hold avancierte
zusammen mit ihrem Filmpartner Gerhard Riedmann zum Top-Star des deutschen Heimatfilmes.
Das Genre des Heimatfilmes erreichte in diesen Jahren seinen Höhepunkt. Die Zuschauer waren von den
Filmen, die die unberührte Landschaft der Berge, das Voralpenland aber auch die norddeutsche Heidelandschaft
zeigten, begeistert. Die Drehbücher waren so lebensnah, positiv und mit einem Happy End konzipiert, dass es
den Zuschauern leicht fiel, sich mit den Figuren zu identifizieren. Mit regionalen Trachten, alten Traditionen und
volkstümlicher Musik wurden die Geschichten ausgeschmückt und so wurden die Filme zu einer harmonisch
abgerundeten, bunt ausgestatteten Faszination, die den Menschen der Nachkriegszeit eine kurze Reise oder
gar Flucht in eine „Heile Welt“ ermöglichten.
Drei weitere Filme drehte Marianne Hold noch mit Gerhard Riedmann, dazwischen arbeitete sie immer wieder
mit ihrem Entdecker Luis Trenker. Zusammen drehten sie drei weitere Filme „Flucht in die Dolomiten“, „Von der
Liebe besiegt“ und „Wetterleuchten um Maria“. Es folgten u.a. Filme mit Freddy Quinn, Peter Weck und Hans
Joachim Kulenkampff. Anfang der 1960er Jahre drehte sie noch weitere Heimatfilme, doch das Genre hatte
an Nachfrage verloren, die Filme erfreuten sich keines grossen Interesses mehr, da Abenteuerfilme für die
Zuschauer interessanter waren. Ihren letzten Auftritt in einem Film hatte sie 1964 in einer Karl-May-Verfilmung
„Der Schut“ mit Lex Barker in der Hauptrolle.
In diesem Jahr wandte sich die grosse deutsche Schauspielerin von der Öffentlichkeit und der Filmbrache ab,
um sich in ihr Privatleben zurückzuziehen. Sie heiratete den australischen Manager und späteren Schauspieler
Frederick Stafford (eigentlich Fridrich Strobl von Stein) und gebar ein Jahr später ihren einzigen Sohn Roderik.
Ihre Leidenschaft gehörte in diesen Jahren noch mehr als zuvor der Kunst. Sie war immer schon von der
Malerei, der Musik und dem Theater fasziniert. Ihre eigene Gemäldesammlung hatte sie all die Jahre immer sehr
aufmerksam und gezielt vergrössert. Zu dem bedeutenden Werk „Mädchen mit Fahne“ erwarb sie noch weitere
Werke von Karl Hofer. Sie orientierte sich jedoch nicht nur an den grossen Namen, sondern unterstützte auch
junge und unbekannte Künstler, indem sie ihre Werke kaufte. Marianne Hold hatte eine sehr vielschichtige und
abwechslungsreiche Sammlung zusammengetragen. Wir freuen uns sehr, dass wir im Folgenden einige der
Werke der Modernen und Zeitgenössischen Kunst aus ihrer Sammlung präsentieren können.
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Marianne Hold ©Foto A.Grimm/Delos/Constantin
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Moderne Kunst – Sammlung Marianne Hold
3230
HOFER, KARL
(Karlsruhe 1989 - 1955 Berlin)
Die grüne Fahne (Mädchen mit Fahne). 1934.
Öl auf Leinwand. Unten links monogrammiert
und datiert: CH 34.
137,5 x 82 cm.
Provenienz:
- Nachlass des Künstlers.
- Über Luis Trenker an Marianne Hold, 1959.
- Sammlung Marianne Hold, München/
Schweiz.
- Durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer.
Ausstellung:
- Köln 1935: Karl Hofer, Kölnischer
Kunstverein, Köln 1935.
- Museum of Modern Art, New York (verso mit
dem Aufkleber).
- Berlin/Karlsruhe 1956/57:
Gedächtnisausstellung: Karl Hofer, Kat.Nr. 73,
Berlin 1956/57 (verso mit dem Aufkleber).
- Rom 1957/58: Arte tedesca dal 1905 ad oggi,
S. 43, Nr. 108 (mit Abb.), (verso mit dem
Aufkleber).
Literatur:
- Brües, O. Die Tragödie des Geschmacks, in:
Kölnische Ztg., Nr.36, Köln 16.02.1935.
- Der Maler C.H., in: Freiheit (Düsseldorf),
9.5.1947.
- McGraw-Hill Dictionary of Art, Bd. 3,
London 1969, S. 108 (mit Abb.).
- Wohlert, Karl Bernhard. Karl Hofer:
Werkverzeichnis der Gemälde, Köln 2007, Bd.
II, S. 208, Kat.Nr. 1068 (mit Abb.).
„Und wenn die Hysteriker Krämpfe kriegen,
das Zentralproblem der bildenden Kunst ist und
bleibt der Mensch und das Menschliche, das
ewige Drama“ (zit. Karl Hofer, www.karl-hofer.
de).
Karl Hofer wird 1878 als Sohn eines
Militärmusikers in Karlsruhe geboren. Nach
einer kaufmännischen Lehre beginnt er 1897 bei
Leopold von Kalckreuth und Hans Thoma sein
Studium an der Grossherzoglichen Badischen
Akademie der Bildenden Künste in seiner
Heimatstadt. Sein Mäzen, der Schweizer
Kaufmann Theodor Reinhart, ermöglicht ihm
einen mehrjährigen Aufenthalt in Rom, der
grossen Einfluss auf seine künstlerische
Entwicklung haben soll. In Rom setzt er sich,
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auf Anraten Julius Meier-Graefes, mit der Kunst
des Deutsch-Römers Hans von Marées auseinander.
Bisher ist Hofer geprägt durch die Kunst
des Symbolismus, die sich ebenso wie die
Historienmalerei, durch inhaltliche und narrative
Aspekte definiert. Hofer beginnt in Rom sich
von dieser Vorstellung zu lösen und gibt, wie
sein Vorbild Marées, Form und Farbgebung den
Vorzug. 1908 zieht er nach Paris und lernt die
Werke Cézannes, Picassos, Braques und El
Grecos kennen. Mit seiner Internierung kurz
nach Ausbruch des Ersten Weltkrieges verändert
sich sein Leben grundlegend. Er kehrt erst
1919, nach einem Schweiz-Aufenthalt, nach
Deutschland zurück. In Berlin entwickelt Karl
Hofer seinen unverkennbaren expressiven Stil
und seine typische Farbpalette. Verträge mit der
Kunsthandlung Cassirer sowie Ausstellungen in
der Galerie Flechtheim Berlin, Galerie Caspari
München und der Städtischen Kunsthalle
Mannheim führen in der frühen Weimarer
Republik zu seinem künstlerischen Durchbruch.
Mit der Machtübernahme der
Nationalsozialisten 1933 verliert er umgehend
seine Professur an der Akademie der Künste in
Berlin und gehört 1937 zu den Künstlern, die in
der Ausstellung „Entartete Kunst“ in München
diffamiert werden. Im Krieg wird durch einen
Bombenangriff sein Atelier und somit ein
Grossteil seines Werkes zerstört. Nach dem
Zweiten Weltkrieg ernennt man Hofer zum
Direktor der Akademie der Bildenden Künste.
In dieser Funktion setzt er sich besonders für
die kulturpolitische Arbeit ein. Als einer der
bedeutensten Vertreter der figürlichen Malerei
in Deutschland wehrt er sich vehement gegen
die zunehmende Strömung Abstrakter Kunst in
Deutschland. 1955 stirbt Karl Hofer in Berlin.
„Die grüne Fahne“ malt Hofer 1934, als er von
den neuen Machthabern bereits diffamiert und
seines Postens an der Akademie enthoben worden
ist. Eine junge Frau mit leuchtend gelbem
Kleid steht im Mittelpunkt des Werkes und hält
eine an einem Stock befestigte Fahne vor sich.
Nichts lenkt den Blick des Betrachters von der
Frau ab. Das gelbe Kleid hebt sich effektvoll
Marianne Hold und Luis Trenker (Flucht in
die Dolomiten) 1955 ©Foto: Privatsammlung
R.Strobl.
vom bräunlichen Hintergrund ab. Ihr fester
Griff und die selbstbewusste Haltung strahlen
Kraft und Selbstsicherheit aus, die aber durch
den ausweichenden, in sich gekehrten und für
Hofer so typischen Blick leicht revidiert werden.
Sie wirkt sehr einsam, zwar selbstbewusst,
aber nicht bereit, mit ihrer Fahne in den Kampf
zu ziehen. Immer wieder wird Karl Hofer die
Fähigkeit zugeschrieben, in seinen Werken die
politischen und gesellschaftlichen
Entwicklungen vorauszusehen. Ist es auch in
unserem Bild der Fall? Deutet er hier die
Notwendigkeit und gleichzeitige Sinnlosigkeit
des Kampfes des Einzelnen gegen das neue
Regime an?
Hofer verwendet dieses Motiv in seinem
Oeuvre vier Mal - die früheste Darstellung
stammt aus dem Jahr 1921 (Wohlert 452), zwei
spätere Versionen von 1943 (Wohlert 1671) und
von 1952 (Wohlert 2456) sowie unsere Version
von 1934. Der Vergleich der vier Versionen zeigt
immer denselben Bildaufbau, allein an den
Figuren erkennt man, dass es sich bei unserem
vorliegenden Werk um den reifen Stil des
Künstlers der 30er Jahre handelt. Die
Körperhaltung ist frei und dynamisch, wogegen
sie in anderen Versionen eher statisch wirkt.
Auch die Kopfform hat nicht mehr eine etwas
unbeholfene, runde Form, sondern vermittelt
durch ihre ovale Form dem Betrachter das
Gefühl von Harmonie und Schönheit.
Karl Hofer gehört in der ersten Hälfte des 20.
Jahrhunderts zu den bedeutendsten Künstlern in
Deutschland. Er wird beeinflusst durch die
Kunst der Zeit, hält aber immer an seinem eigenen
Stil fest.
CHF 120 000.- / 180 000.-
(€ 100 000.- / 150 000.-)

3230
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Moderne Kunst – Sammlung Marianne Hold
3231
3231
DIMAI, RUDOLF
(Innsbruck 1899 - 1986 Salzburg)
Blick auf Salzburg. 1953.
Aquarell auf dickem Papier. Unten rechts signiert
und datiert: Dimai 1953.
62 x 86 cm.
Provenienz:
- Sammlung Marianne Hold, München/
Schweiz.
- Durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer.
CHF 400.- / 600.-
(€ 330.- / 500.-)
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3232
HOFER, KARL
(Karlsruhe 1989 - 1955 Berlin)
Atalante (Amor mit Pfeil und Bogen). Um 1940.
Öl auf Malkarton. Unten rechts monogrammiert:
CH.
55 x 37,5 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von Karl
Bernhard Wohlert bestätigt, Dortmund,
25. September 2008. Das Werk wird in den in
Vorbereitung befindlichen Nachtrag zu dem
Werkverzeichnis der Gemälde unter der
Nummer 2910 aufgenommen.
Provenienz:
- Nachlass des Künstlers.
- Sammlung Marianne Hold, München/
Schweiz.
- Durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer.
Literatur:
- Vgl. Wohlert, Karl Bernhard. Karl Hofer:
Werkverzeichnis der Gemälde, Bd. II, Kat.Nr.
817, 1789, 1790 (A - C).
CHF 25 000.- / 35 000.-
(€ 20 830.- / 29 170.-)

3232
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Moderne Kunst – Sammlung Marianne Hold
3233
3233
MAIRE, ANDRÉ
(1898 Paris 1984)
Landschaft mit Figuren. 1957.
Gouache auf Papier. Unten rechts signiert und
datiert: André Maire 1957.
50 x 65,3 cm.
Provenienz:
- Sammlung Marianne Hold, München/
Schweiz.
- Durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer.
CHF 3 000.- / 5 000.-
(€ 2 500.- / 4 170.-)
| 46
3234
NOVATI, MARCO
(1895 Venedig 1975)
Dalle Zattere - Mattino. (Venedig). 1956.
Öl auf Holz. Unten links signiert:
MARCONOVATI.
35 x 49,5 cm.
Provenienz:
- Sammlung Marianne Hold, München/
Schweiz.
- Durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)
3235
NOVATI, MARCO
(1895 Venedig 1975)
Stadtansicht.
Öl auf Pavatex. Unten rechts signiert:
MARCONOVATI.
51 x 72 cm.
Provenienz:
- Sammlung Marianne Hold, München/
Schweiz.
- Durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)

3234
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Moderne Kunst
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3236
3236*
DALÍ, SALVADOR
(1904 Figueras 1989)
Profil d’Homme avec Étoile. 1934.
Bleistift auf Papier.
25,2 x 19,5 cm.
Robert Descharnes hat die Authentizität der
Zeichnung bestätigt. Ein Zertifikat kann vom
Käufer bei ihm angefordert werden.
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
3237*
DALÍ, SALVADOR
(1904 Figueras 1989)
Benvenuto Cellini und Jupiter. 1945.
Aquarell, Bleistift und Tinte auf feinem Karton.
Unten links signiert und datiert: Dalí 1945.
Zudem am unteren Rand, ausserhalb der
Darstellung von Gala bezeichnet: volume 2ieme
page 42 „j’allumai m’a torche et comme elle se
trouvait un peu au dessus de la tête du Jupiter,
... produisaient un effet merveilleux.“
18,8 x 10,8 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von
Nicolas Descharnes bestätigt, Mai 2012, das
Zertifikat ist von Robert, Nicolas und Oliver
Descharnes unterschrieben.
Provenienz:
- Galerie du Dragon, Paris.
- Christie’s London, 5. Dezember 1978, Los 170
(mit Abb).
- Privatsammlung Deuschland, bei obiger
Auktion erworben.
CHF 110 000.- / 150 000.-
(€ 91 670.- / 125 000.-)

3237
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Moderne Kunst
3238*
DALÍ, SALVADOR
(1904 Figueras 1989)
Paysage du Port Lligat avec anges familiers et
pêcheurs. 1950.
Öl auf Leinwand. Unten mittig signiert und
datiert: Dali 1950.
61 x 61 cm.
Provenienz:
- Sammlung Albert D. und Mary Lasker,
New York.
- Privatsammlung.
Ausstellung:
- Tokyo, 1964: Salvador Dalí: Exhibition Japan
1964, Tokyo Prince Hotel Gallery, Tokyo,
1964, Ausst.Kat. S. 85.
- Rotterdam, 1970: Dalí, Museum Boymans-van
Beuningen, 1970, Ausst.Kat. Nr. 79.
- Baden-Baden, 1971: Dalí: Gemälde,
Zeichnungen, Objekte, Schmuck, Staatliche
Kunsthalle, Baden-Baden, 1971, Ausst.Kat.
Nr. 65.
Literatur:
- Ausst.Kat.: „The Albert D. Lasker
Collection“, mit einem Vorwort von Alfred
Frankfurter, New York 1957, S. 97 (mit Abb.).
- Dopangne, J. Dalí, Fernand Hazen, Paris,
1974, S. 70 (mit Abb., Detail).
- Romero, L. Tout Dalí en un visage, Chêne,
Paris, 1975, S. 130.
- Chartwell Books, Hommage a Dalí, Secaucus,
New Jersey, 1980, S. 83.
- I Dalí d’oro di Salvador Dalí, Museo di Storia
della Scienza, Florenz 1984.
- Alexandrian, S. Dalí, Fernand Hazen, Paris,
1985, S. 70 (mit Abb., Detail).
- Feldman, Habsburg. The Art of Dalí: paintings
watercolours and drawings, Genf, 1989,
S. 38.
- Capua, M. di. Dalí, Librairie Gründ, Paris,
1994, S. 232.
- Descharnes, Robert/Néret, G. Salvador Dalí,
l’oeuvre peint 1946-1989, Köln 1993/94, Bd.
II, S. 434, Nr. 956 (mit Abb.).
- Fundació Gala-Salvador Dalí, Salvador Dalí,
Catalogue Raisonné of Paintings, Nr. 654,
www.salvador-dali.org.
Salvador Dalí ist Katalane durch und durch. Der
Küstenlandschaft bei Cadaqués, einem
Küstendorf an der Costa Brava in Katalonien,
ist er zeitlebens verbunden. Hier hat seine
Familie ein eigenes Sommerhaus besessen. Mit
seiner späteren Ehefrau Gala kauft er 1930 in
Port Lligat, das an einer schmalen Bucht an der
Halbinsel Cap de Creus nahe Cadaqués liegt,
mehrere kleine Fischerhäuschen und baut sie
später zu einem Wohnsitz um, der heute das
Museum Casa-Museu Salvador Dalí beherbergt.
Die Landschaft von Port Lligat inspiriert Dalí zu
vielen seiner berühmtesten Gemälde. Um 1949-
51 wird das Örtchen mit der eigentümlich terrassierten
Erhebung, die auf unserem Werk
rechts oben gut erkennbar ist, gleich für mehrere
Bilder namensgebend. Dazu zählen zwei
Versionen der berühmten „Madonna von Port
| 50
Lligat“, die im Haggerty Museum of Art at
Marquette University in Milwaukee, USA
(Fassung von 1949) und im japanischen Fukuoka
Art Museum (1950), zu finden sind.
Ein Grund für die gehäufte Darstellung dieser
Landschaft Ende der 1940er und Anfang der
1950er Jahre könnte in Dalís Heimkehr aus den
USA liegen, wo der Künstler und Gala zwischen
1940 und 1948 gelebt haben. Der spanische
Bürgerkrieg und der Zweite Weltkrieg hat
das Paar zunächst zu zahlreichen Ortswechseln,
dann zur Ausreise nach Übersee getrieben.
Dalí beschäftigt sich in den Jahren nach ihrer
Rückkehr intensiv mit Mystizismus und der
katholischen Lehre, auch davon zeugt die oben
erwähnte „Madonna von Port Lligat“, deren
erste Fassung der Maler gar von Papst Pius XII.
im Wortsinne „absegnen“ lässt. Dalí ist auch
Co-Autor des Bandes „Magie des extrêmes“,
der 1952 in einer Studienreihe des
Karmeliterordens erscheint. Pater Bruno de
Jesús Maria (bürgerlicher Name Jacques
Froissart, 1892 -1962), ein Spezialist für die
Spiritualität des Karmeliterordens und ebenfalls
Co-Autor dieses Buchs, erinnert sich „Salvador
Dalí hat mir gesagt, dass ihn nichts so sehr stimuliert
wie die Idee des Engels. Dalí wollte den
Himmel malen, in das Himmelsgewölbe eindringen,
um mit Gott zu kommunizieren. Gott ist
für ihn eine unfaßbare Idee, unmöglich zu konkretisieren.“
(zitiert nach: Robert Descharnes &
Gilles Néret: Salvador Dalí. 1904-1989, Köln,
1994, Bd. II. S. 423).
Unmöglich zu konkretisieren - aber vielleicht
anzudeuten mithilfe jener alten Formel in der
Kunst, die den Allmächtigen als göttliches Licht
darstellt. Auf Dalís „Ankunft“ brechen gleissende
Sonnenstrahlen durch die Wolken und spiegeln
sich auf den kleinen Wellen der
Meeresbucht von Port Lligat. Die gelben und
blauen Strahlen finden ihre farbliche
Entsprechung in den beiden Engeln rechts
unten. Sie scheinen sich voller Freude mit erhobenen
Armen entgegen zu laufen. Die langen
Schleppen ihrer Gewänder, die sich durch die
Bewegung kräuseln, und die schmalen, hoch
aufragenden Flügel erinnern an die Engel der
Renaissance.
Auch die auf der linken Seite ankernde Barke
kann als Zitat - oder ironische Anspielung, gar
als Persiflage eines berühmten Vorbilds gelesen
werden, nämlich Antoine Watteaus
„Einschiffung nach Kythera“, auf der eine vornehme
Gesellschaft in einem prächtigen, saftiggrünen
Garten darauf wartet, zu einer sagenumwobenen
Liebesinsel übersetzt zu werden.
Ausgedörrt, kahl und leer, bevölkert von seltsam
substanzlosen, fast durchscheinenden Gestalten
ist die Bucht von Port Lligat aber kein Paradies,
sondern erscheint als geheimnisvoller Ort eines
Traums, der von einem mystischen Licht durchdrungen
wird.
Visionen ganz anderer Art hatte der
US-amerikanische Unternehmer Albert D.
Lasker (1880-1952), in dessen Sammlung sich
das Werk einst befand. Er gilt als Erfinder der
modernen Werbung. Seine legendären
Werbekampagnen u.a. für Zigaretten, Seife und
Orangensaft revolutionierten die gesamte
Werbeindustrie und sind aus der Popkultur
heute nicht mehr wegzudenken. Sie machten
ihn zum vermögenden Mann mit exzellenten
Beziehungen in die höchsten Kreise der
US-Wirtschaft, Finanzen und Politik. Lasker
war dreimal verheiratet. Seine dritte Ehefrau,
Mary Woodard Lasker, die er 1940 heiratete,
besass einen Abschluss in Kunstgeschichte vom
renommierten Radcliffe College (das später mit
der Harvard University verschmolz), hatte in
einer Galerie gearbeitet und war erfolgreiche
Designerin.
Ihr Impuls war es, der dem damals bereits
64Jährigen im Jahr 1944 die Augen öffnete und
bei ihm die Leidenschaft für die Kunst entfachte.
In nur neun Jahren bis zu seinem Krebstod
1952 trug er eine exquisite Sammlung von fast
100 Gemälden zusammen. Corot, Renoir, van
Goghs „Weisse Rosen“, die heute im
Metropolitan Museum New York hängen,
Picasso, Dalí: es musste die „Crème de la
Crème“ sein.
Die Sammlung wurde weithin berühmt. Seine
Witwe Mary Woodard Lasker, die in den USA
wegen ihres unermüdlichen Kampfes für das
amerikanische Gesundheitssystem und die
medizinische Forschung selbst bis heute als
bedeutende Amerikanerin gewürdigt wird, liess
die - heute zerstreute - Sammlung in dem
prächtigen, in herausragender Qualität bebilderten
Band „The Albert D. Lasker Collection:
Renoir to Matisse“ (mit einer Einführung des
bekannten Kunsthistorikers Alfred Frankfurter;
New York: Simon and Schuster, 1957) unsterblich
werden. Neben zwei Aquarellen ist unsere
„Ankunft“ dort das Glanzstück der kleinen
Dalí-Werkgruppe.
CHF 2 800 000.- / 3 500 000.-
(€ 2 333 330.- / 2 916 670.-)

3238
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Moderne Kunst
3238*
DALI, SALVADOR
(1904 Figueras 1989)
Paysage du Port Lligat avec anges familiers et
pêcheurs. 1950.
Oil on canvas. Signed and dated centre bottom:
Dali 1950.
61 x 61 cm.
Provenance:
- Collection of Albert D. and Mary Lasker,
New York.
- Private collection.
Salvador Dalí was a Catalan through and
through. He had a lifelong bond with the coastal
landscape near Cadaqués, which is a coastal
village on the Costa Brava in Catalonia. It was
here that his family had their own summer
house. In 1930 with his wife Gala, he bought
several small fishing cottages in Port Lligat,
which lies on a narrow bay by the peninsular of
Cap de Creus near Cadaqués, and later converted
them into a residence, which now houses
the museum Casa-Museu Salvador Dalí.
The landscape of Port Lligat was the inspiration
for many of Dali’s most important paintings.
Around 1949-51 this tiny place with its characteristic
terraced hillside, easily recognisable in
the upper right of the work presented here, gave
its name to many of Dali’s pictures. There are
also two versions of the famous “Madonna of
Port Lligat”, which can be found at the
Haggerty Museum of Art at Marquette
University in Milwaukee, USA (1949 version)
and at the Fukuoka Art Museum, Japan (1950
version).
One reason for his repeated depiction of this
landscape at the end of the 1940s and beginning
of the 1950s may have been that Dali had just
returned from the United States, where he and
Gala had lived between 1940 and 1948. The
Spanish Civil War and the Second World War
had initially driven the couple to move location
frequently and then to travel overseas.
In the years following his return Dalí was
intensely involved with mysticism and Catholic
doctrine: the “Madonna of Port Lligat”, mentioned
above was witness to this, the artist having
had the first version of this work literally blessed
by Pope Pius XII. Dalí was also co-author of the
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Foto: Port Lligat, Katalonien, Spanien
volume “Magie des extrêmes”, which appeared
in 1952 as a series of studies on the Carmelite
order. Pater Bruno de Jesús Maria (born Jacques
Froissart, 1892 -1962), a specialist in the spirituality
of the Carmelite order and also co-author
of this book, recalls that “Salvador Dalí told me
that nothing stimulated him as much as the idea
of the angel. Dalí wished to paint the heavens,
to enter the heavenly sphere in order to commune
with God. God is for him an intangible idea,
impossible to make concrete. “ (quote from:
Robert Descharnes & Gilles Néret: Salvador
Dalí. 1904-1989 (vol. II), Benedikt Taschen,
Cologne, 1994, p. 423).
Impossible to make concrete – but it is perhaps
possible to hint at the presence of God with the
help of the old artistic convention, that of depicting
the Almighty as holy light. In Dalí’s “The
Arrival” glistening rays of sun break through the
clouds and reflect on the tiny waves at the bay
of Port Lligat. The yellow and blue rays find
their chromatic correspondence in the two
angels below right. They appear to be running
joyfully with raised arms towards one another.
Their long trailing garments, which ripple with
the movement, and their tall slender wings bring
to mind the angels of the Renaissance.
Also to the left the boats at anchor can be seen
as a quote – or ironic play, even satire on the
famous model, Antoine Watteau’s “The embarkation
for Cythera”, in which an elegant gathering
wait in a splendid, luscious green garden, to
be transported to the legendary island of love.
Parched, barren and empty, peopled by strange,
insubstantial, almost transparent figures, the bay
of Port Lligat is not paradise, but appears as a
mysterious place in dream, flooded with a
mystical light.
The US entrepreneur Albert D. Lasker (1880-
1952) in whose collection this work once belonged,
had visions of a quite different nature. He
is known as the inventor of modern advertising.
His legendary advertising campaigns for cigarettes,
soap and orange juice for example revolutionised
the entire advertising industry and are
today an integral part of popular culture. These
made him into a wealthy man with excellent
contacts in the highest circles of American business,
finance and politics. Lasker married three
times. His third wife, Mary Woodard Lasker,
whom he married in 1940, had graduated in art
history at the renowned Radcliffe College
(which later merged with Harvard University),
had worked in a gallery and was a successful
designer.
Her mission was to open the eyes of this 64 year
old, as he was in 1944, and to ignite in him a
passion for art. In only nine years until his death
of cancer in 1952 he brought together an exquisite
collection of almost 100 paintings. Corot,
Renoir, van Gogh’s “White roses”, which now
hang in the Metropolitan Museum New York,
Picasso, Dalí: he wanted only the “Crème de la
Crème”.
The collection became widely known. His
widow Mary Woodard Lasker, who in the
United States is honoured in her own right even
today because of her tireless campaign for the
American health system and medical research,
ensured that the collection, now dispersed,
would be immortalised in the splendid and
superbly illustrated volume “The Albert D.
Lasker Collection: Renoir to Matisse” (with introduction
by the renowned art historian Alfred
Frankfurter; New York: Simon and Schuster,
1957). Alongside two watercolours, our painting
“The Arrival” was the highlight of the small
group of works by Dalí.
CHF 2 800 000.- / 3 500 000.-
(€ 2 333 330.- / 2 916 670.-)

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Moderne Kunst
3239
LANSKOY, ANDRÉ
(Moskau 1902 - 1976 Paris)
Portrait d’un jeune homme.
Öl auf Leinwand. Oben rechts signiert:
Lanskoy.
80 x 60 cm.
André Schoeller, Paris, bestätigt die
Authentizität des Werkes. Dem Käufer kann
auf Wunsch ein Zertifikat ausgestellt werden.
Provenienz:
- Atelier des Künstlers, Paris.
- Privatbesitz Paris (direkt vom Künstler erworben).
- Privatbesitz Schweiz (durch Erbschaft an den
jetzigen Eigentümer).
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
3240
LANSKOY, ANDRÉ
(Moskau 1902 - 1976 Paris)
Intérieur au Piano.
Öl auf Leinwand. Oben rechts signiert:
Lanskoy.
53 x 80 cm.
André Schoeller, Paris, bestätigt die
Authentizität des Werkes. Dem Käufer kann
auf Wunsch ein Zertifikat ausgestellt werden.
Provenienz:
- Atelier des Künstlers, Paris.
- Privatbesitz Paris (direkt vom Künstler erworben).
- Privatbesitz Schweiz (durch Erbschaft an den
jetzigen Eigentümer).
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
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3239
3240

3241
3241
BISSIER, JULIUS
(Freiburg im Breisgau 1893 - 1965 Ascona)
Stillleben mit Springerli und Haselnüssen. 1935.
Öl auf Gips, auf Eternitplatte. Oben links
monogrammiert und datiert: 1935, zudem verso
eigenhändig betitelt.
15 x 18,5 cm.
Das Werk ist im Archivio Bissier, Ascona unter
folgender Referenz "Tarnbild/"Kinderköpfchen
u. Haselnüsse" 1953/Ekta N° 785 verzeichnet.
Provenienz: Direkt vom Künstler erhalten, als
Geschenk an die Eltern des Einlieferers.
CHF 4 000.- / 6 000.-
(€ 3 330.- / 5 000.-)
| 55

Moderne Kunst
3242
KLEE, PAUL
(Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940 Muralto)
Gebirgs-Gärtlein. 1939.
Aquarell mit Kleistergrund auf Papier, auf
Karton aufgelegt. Unten links signiert: Klee.
Auf dem Karton mit Randleiste unten mittig
bezeichnet: 1939 M 10 Gebirgs-Gärtlein.
26,5 x 21 cm.
Provenienz:
- Lily Klee, Bern (1940-1946).
- Klee-Gesellschaft, Bern (ab 1946).
- Galerie Feilchenfeldt, Zürich.
- Galerie Beyeler, Basel (bis 1957).
- Galerie Beyeler, Basel (1969-1973) (verso mit
Etikett).
- Privatbesitz Basel (1973 bei obiger Galerie
erworben).
Ausstellungen:
- Zürich 1940: Paul Klee. Neue Werke.
Kunsthaus Zürich, 16. Februar - 25. März
1940, Nr. 82. - Basel/London 1972:
Gegenstandslose Welt 1939-1955. Annely Juda
Fine Art, London, 6. Juli 1972 - 8. September
1972, Kat. Nr. 94 (verso mit Etikett) / Galerie
Liatowitsch, Basel, 19. September 1972 - 26.
Oktober 1972 (verso mit Etikett).
- Riehen/Hannover 2003/2004: Paul Klee - Die
Erfüllung im Spätwerk, Galerie Beyeler, Basel,
Nr. 63.
Literatur: Paul Klee Stiftung (Hrsg.). Catalogue
Raisonné Paul Klee. Bern 2004, Bd. 8, S. 82,
Nr. 7834 (mit Abb.).
Nach der langen Lehrtätigkeit am Bauhaus in
Dessau wird Klee 1931 als Professor an die
Düsseldorfer Staatliche Kunstakademie berufen.
Hier entwickelt er seinen berühmten „pointillistischen“
Stil mit dem unverkennbaren hellen,
farbenprächtigen Kolorit.
| 56
Mit der Machtergreifung der Nationalsozialisten
wird Klee 1933 mit sofortiger Wirkung beurlaubt
und emigriert in seine Heimatstadt Bern.
Sein Stil verändert sich stark, aus den pulsierenden
Farbflächen werden eingeschränkt wirkende
eher grafische Arbeiten, die seinen inneren
Bruch dokumentieren.
Im Jahr 1935 erkrankt Klee an einer unheilbaren
Krankheit. Diese zusammen mit seiner schon
schweren politischen Lebenslage, lassen seine
Schöpferkraft völlig erlöschen. Fast zwei Jahre
lang produziert Klee sehr wenig und sein
Interesse an Form und Farbe scheint vollkommen
verschwunden zu sein. Erst 1937 stabilisiert
sich sein Gesundheitszustand etwas und ein
Gefühl einer neuen künstlerischen Freiheit
kehrt zurück, zwar zerbrechlich, aber dennoch
ein Motor für eine neue Produktivität. Vor allem
im darauffolgenden Jahr 1938 erlebt Klees
Arbeit einen ungeahnten Aufschwung, Klee
malt mehrere grossformatige Gemälde, darunter
die grössten und kapitalsten Werke seines
Spätwerkes wie zum Beispiel die „Wald-Hexen“
(Fondation Beyeler, Basel) oder „Reicher
Hafen“ (Kunstmuseum Basel). Das Jahr 1939,
aus dem auch das vorliegende Werk stammt, ist
mehr von einer starken zeichnerischen
Produktivität geprägt. Sein zeichnerisches
Repertoire ist reduziert und bekommt fast
archaische Züge. Das „Gebirgs-Gärtlein“
besteht aus zerklüfteten, kalligraphischen
Linien, die sich leicht vertieft in den braunweissen
Untergrund einfügen. Mit beeindruckender
Präzision und gekonnter Platzierung komponiert
Klee die Linien in den Untergrund, seien es die
Mauern eines Labyrinthes, das Labyrinth des
Lebens ohne Ausweg oder doch die Mauern,
die die Terrassen eines Gebirgsgarten begrenzen,
eines Garten des Lebens, der Leben, Sein
und Vergehen im ewigen Wandel der
Jahreszeiten spiegelt.
Die Deutung des Werkes bleibt dem Betrachter
jedoch weitgehend verschlossen, sind die dunklen
Linien auf farbigen Untergrund wirklich
Versatzstücke einer Landschaft oder vielmehr
reine abstrakte Formen oder doch Hinweise auf
Zeichen und Symbole. Klee lässt die Deutung
offen, nur der Titel gibt dem Betrachter einen
Anhaltspunkt. Er schafft es meisterlich in dem
Werk eine enorme Spannung zu erzeugen, zwischen
der einfachen Deutung des Bildes unterstützt
durch den Titel und der für den Intellekt
nicht greifbaren Ebene einer abstrakten
Darstellung, im übertragenen Sinne der
Existenz des Werkes und im weiteren Sinne der
Menschen. Die Arbeiten des Spätwerkes von
Klee offenbaren sich „als Vollendung seines
Schaffens im Sinne von Erweiterung und
Transformation“ (Paul Klee Stiftung (Hrsg.).
Catalogue Raisonné Paul Klee. Bern 2004, S.1).
CHF 120 000.- / 160 000.-
(€ 100 000.- / 133 330.-)

3242
| 57

Moderne Kunst
3243
KOKOSCHKA, OSKAR
(Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)
Elrig (Schottland). 1942/44.
Farbkreide auf Papier. Unten links monogrammiert
und datiert: Ok 44. Sowie verso unten
links bezeichnet und datiert: Elrig, Aug 1942.
25,1 x 35,5 cm.
Provenienz.
- Galerie Welz, Salzburg.
- Privatbesitz Schweiz.
- Privatbesitz Schweiz (von Obigem Anfang der
90er Jahre privat erworben).
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
3244
KOKOSCHKA, OSKAR
(Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)
Ullapool (Schottland). 1944.
Farbkreide auf Papier. Unten rechts signiert und
datiert: OKokoschka 44. Zudem verso unten
links bezeichnet und datiert: Ullapool July 44.
25,1 x 35,5 cm.
Provenienz.
- Galerie Welz, Salzburg.
- Privatbesitz Schweiz.
- Privatbesitz Schweiz (von Obigem Anfang der
90er Jahre privat erworben).
CHF 8 000.- / 12 000.-
(€ 6 670.- / 10 000.-)
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3243
3244

3245
3245
ROSAI, OTTONE
(Florenz 1895 - 1957 Ivrea/Piemont)
Strada. Um 1956.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert:
O. Rosai.
60,5 x 45,1 cm.
Die Authentizität der Arbeit wurde von Prof.
Luigi Cavallo bestätigt, Mailand, 22. Juli 2012.
Das Werk ist in seinem Archiv registriert.
Provenienz: Privatsammlung Schweiz.
CHF 8 000.- / 12 000.-
(€ 6 670.- / 10 000.-)
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Moderne Kunst
3246
3246*
BORÈS, FRANCISCO
(Madrid 1898 - 1972 Paris)
Stillleben. 1953.
Aquarell und Gouache auf Papier.
Unten rechts signiert und datiert: BORÈS 53.
32 x 35 cm.
Provenienz:
- Galerie D’Eent, Amsterdam.
- Privatsammlung Niederlande.
Ausstellung:
- Basel 1981: Art Basel, Galerie d’Eent, Juni 1981 Basel.
CHF 2 200.- / 3 000.-
(€ 1 830.- / 2 500.-)
| 60

3247*
BRIANCHON, MAURICE
(Fresnay-sur-Sarthe 1899 - 1979 Paris)
Sonnenblumen und Pfirsich.
Öl auf Leinwand.
Unten rechts signiert: Brianchon.
62 x 38 cm.
CHF 8 000.- / 12 000.-
(€ 6 670.- / 10 000.-)
| 61

Moderne Kunst
3248
BONNARD, PIERRE
(Fontenay-aux-Roses 1867 - 1947 Le Cannet)
Panier de Fruits. Um 1935.
Gouache auf Papier, auf Leinwand aufgelegt.
Unten mittig signiert: Bonnard.
31 x 23 cm.
Provenienz:
- Galerie Beyeler, Basel.
- Privatbesitz Basel (1974 bei obiger Galerie
erworben).
Ausstellungen:
- Rom 1971/72: Galleria Nazionale D’Arte
Moderna, Pierre Bonnard, 18. November 1971
- 23. Januar 1972, Rom, Nr. 31.
- Turin 1972: Bonnard (1867 - 1947). Galleria
Civica d’Arte Moderna, Turin, 31. Januar 1972
- 27. Februar 1972.
- Winterthur 2004: Kunstmuseum Winterthur:
Bonnard - Gemälde und Zeichnungen, Werke
aus Schweizer Sammlungen, 28. März 2004 -
20. Juni 2004, Nr. 242, S.250 (mit Abb., S.
156).
Durch die Wertschätzung des einfachen, häuslichen
Lebens, wo das scheinbar Unbedeutende
| 62
zum Bedeutenden wird, erprobt Bonnard gerade
am Stillleben als einer der ältesten
Gattungen der Malerei seine nie ermüdende
Bereitschaft, Objekte immer wieder von Neuem
zu sehen. Nach 1930 beginnt Bonnard die
Wirklichkeit nur noch am Zusammenhang der
Farben zu messen. Lokalton des Gegenstandes
und die konventionelle Zeichnung der Form
verlieren sich zusehends. Das vorliegende Werk
ist ein sehr schönes Beispiel, an dem diese
Entwicklung ersichtlich wird. Mehr als eine
Skizze sind die Farbflächen sehr ausgearbeitet
und wirken probend auf eine Harmonie hintastend
gewählt. Typisch für Bonnards Stillleben
ist die Umgebung des im Atelier arrangierten
Korbes nur andeutungsweise ersichtlich.
CHF 70 000.- / 90 000.-
(€ 58 330.- / 75 000.-)

3248
| 63

Moderne Kunst
3249*
DUFY, RAOUL
(Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier)
Semis de Roses bleues et jaunes. 1930.
Gouache auf Papier. Bezeichnet: 53053.
49,7 x 37 cm.
Die Authentizität des Werkes wurde von Fanny
Guillon-Lafaille betätigt, Paris, 2. Juni 2001.
Das Werk wird in den in Vorbereitung befindlichen
"Catalogue Raisonné des projet de tissus
de Raoul Duffy" unter der Nummer T01-1399
aufgenommen.
CHF 2 000.- / 3 000.-
(€ 1 670.- / 2 500.-)
3250*
DUFY, RAOUL
(Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier)
Paysage de Méditerrannée. Um 1926/28.
Bleistift auf Papier. Unten rechts mit dem
Nachlassstempel: Atelier Raoul Dufy. Zudem
unten links mit der Farbbeschreibung handschriftlich
bezeichnet.
41 x 54 cm.
CHF 4 000.- / 5 000.-
(€ 3 330.- / 4 170.-)
| 64
3249
3250

3251
3251*
DUFY, RAOUL
(Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier)
Etude pour la Famille Kessler à Cheval. 1937.
Tusche auf Papier. Unten rechts signiert: Raoul
Dufy. Oben rechts mit der Datierung: 37.
50 x 66,8 cm.
Mit einer Fotoexpertise von Fanny Guillon-
Laffaille, Oktober 2010. Das Werk wird in den
in Vorbereitung befindlichen Nachtrag des
Catalogue Raisonné aufgenommen.
Provenienz: Privatbesitz Amsterdam.
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
| 65

Moderne Kunst
3252*
KOKOSCHKA, OSKAR
(Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)
Kopf (Studie). Um 1925.
Blaue Farbstiftzeichnung auf Papier.
50,5 x 39 cm.
Das Werk wird in den zweiten Band des in
Vorbereitung befindlichen Werkverzeichnisses
von Herrn Dr. Alfred Weidinger, Wien, aufgenommen.
CHF 5 000.- / 6 000.-
(€ 4 170.- / 5 000.-)
3253*
LEGER, FERNAND
(Argentan 1881 - 1951 Paris)
Les Jouets.
Kugelschreiberzeichnung auf Papier.
44 x 32 cm.
CHF 5 000.- / 6 000.-
(€ 4 170.- / 5 000.-)
| 66
3252
3253

3254
3254
KOKOSCHKA, OSKAR
(Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)
Trudl. 1931.
Bleistift auf Papier. Unten rechts signiert und
datiert: Oskar Kokoschka 31.
30 x 45 cm.
Provenienz:
- Franz Kochmann, Wien/Dresden/Utrecht
(Notiz verso).
- Otto Brill, London (verso mit
Sammlungsstempel).
- Galerie Nicoline Pon, Zürich.
- Privatbesitz Basel (1976 bei obiger Galerie
erworben).
CHF 15 000.- / 20 000.-
(€ 12 500.- / 16 670.-)
| 67

Moderne Kunst
3255
3255*
GODLEWSKY, IVAN
(Dobromerici 1908 - 1998 Leningrad)
Hafen mit Krahn und Frachter.
Öl auf Karton, auf Karton aufgezogen.
60,5 x 80 cm.
Provenienz: Privatsammlung Deutschland.
CHF 6 000.- / 8 000.-
(€ 5 000.- / 6 670.-)
| 68

3256
3256
BOMBOIS, CAMILLE
(Vénarey Côte d’Or 1883 - 1970 Paris)
La pêche à la ligne.
Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert:
Bombois. Cll.
54,6 x 64,4 cm.
Provenienz:
- Pearls Gallery, New York (verso mit Etikett).
- Lotte Zander, Galerie für Naive Kunst und
Art Brut, München, ab 1992 (verso mit
Etikett).
- Privatsammlung Schweiz.
Ausstellung:
- Köln 1992: Art Cologne. 1992 (verso mit
Etikett).
- München 1992: Charlotte - Galerie für Naive
Kunst und Art Brut, Bombois, 11. September
1992 - 2. Dezember 1992.
Literatur:
- Ausstellungskatalog München 1992, Charlotte
- Galerie für Naive Kunst und Art Brut,
Bombois, 11. September 1992 - 2. Dezember
1992 (Titelbild und aufgeführt).
CHF 20 000.- / 30 000.-
(€ 16 670.- / 25 000.-)
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Moderne Kunst
3257*
PICASSO, PABLO
(Málaga 1881 - 1973 Mougins)
Nue assis appuyé sur des coussins (Jacqueline
II). 1964.
Öl auf Leinwand.
Unten rechts signiert: Picasso.
Verso auf der Leinwand datiert: 30.12.64 II.
54,5 x 64 cm.
Provenienz:
- Galerie Louise Leiris, Paris.
- Privatsammlung Italien.
- Galerie de Bellecour, Lyon.
- Lilian Heidenberg Fine Art, New York.
- Privatsammlung.
- Sotheby’s, New York, 12. Mai 1999, Los 445.
- Privatsammlung, bei obiger Auktion erworben.
- Christie’s, New York, 7. November 2001, Los
285.
- Privatsammlung, bei obiger Auktion erworben.
- Christie’s, New York, 3. Mai 2011, Los 28.
- Privatsammlung, bei obiger Auktion erworben.
Literatur:
- Zervos, Christian. Pablo Picasso, Oeuvres de
1964, Bd. 24, Paris, 1971, Nr. 354.
- The Picasso Project, ed., Picasso’s Paintings,
Watercolors, Drawings and Sculpture. The
Sixties II, San Francisco, 2002, Nr. 64-353, S.
125 (Abb.).
Mit Schwarzen Haaren und einem stechenden
Blick begegnet Jacqueline Roque Pablo Picasso
im Jahr 1953 in der Keramikwerkstatt Madoura
in Vallauris. Sie wird sein Modell und acht Jahre
später im März 1961 seine Frau. Das Paar lebt
zurückgezogen in Südfrankreich, erst in La
Californie und dann im Schloss Vauvenargues
bei Aix-en-Provence. Ihr gelingt was viele
Frauen Picassos sich gewünscht hätten, sie hat
den Malerfürsten ganz für sich allein.
Die 60er Jahre sind geprägt von einer starken
Produktivität. Picasso arbeitet viel und intensiv
auch an verschiedenen grafischen Serien, mit
seiner Virtuosität und zeichnerischen Präzision
schafft er vorwiegend Radierungen. Was er bei
der Grafik meisterlich beherrscht, wie das
Überarbeiten der Platte und das verändern nur
kleinster Details, um der Radierung das
gewünschte, perfekte Aussehen zu geben, überträgt
er in diesen Jahren auch auf die Malerei.
Für die Malerei bedeutet dies, dass Picasso das-
| 70
selbe Motiv mehrfach malt und bei den einzelnen
Gemälden kleine Details wie Farben,
Positionen der Figur und Kompositionselemente
verändert. Er ist fasziniert von den Variationen
und der Vielfältigkeit, die eine Serie ermöglicht.
Im Jahr 1964 malt Picasso eine Serie liegender
Akte, für die Jacqueline Modell steht. Obwohl
sie nie „im klassischen Sinne“ für ihn posiert,
denn Picasso arbeitet nie direkt vor dem
Modell, sind ihre Gesichtszüge, ihre charakteristischen
schwarzen Haare und dunklen Augen
auf den Werken dieser Zeit deutlich zu erkennen.
Bei der Betrachtung des Gemäldes „Nue
assis appuyé sur les coussins, (Jacqueline)“ ist
die Faszination Picassos für Tizian und Goya
offensichtlich. Picasso hat sich in den vergangenen
Jahren häufig von Gemälden Alter Meister
inspirieren lassen, auch bei der Umsetzung der
Serie des „Liegenden Aktes“ erinnert die
Ikonographie der Darstellung an die „Maja
Nuda“ von Goya und an die „Liegende Venus“
von Tizian.
Der liegende weibliche Akt zeigte in den vergangenen
Jahrhunderten die Idealvorstellung
einer Frau, die idealisierte naturalistische
Wiedergabe des menschlichen Körpers. Durch
die Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert
wurde dann die naturgetreue Wiedergabe des
menschlichen Körpers durch die Malerei sinnlos.
Die Künstler verliessen diese Ebene der
Darstellung wieder, und allen voran schuf
Picasso durch Abstraktion und durch den
Kubismus eine neue Ausdrucksform des
menschlichen Körpers. So liegen unserem
Gemälde die Alten Meister als Vorlagen zu
Grunde, doch neben den ikonographischen vergleichbaren
Elementen ist die Umsetzung des
Themas modern und der Abstraktion verpflichtet.
Jacqueline liegt mit leicht erhobenen
Oberkörper rechts im Bild auf einem Kissen,
einen Arm hebt sie an während der andere am
Körper liegt. So beschreibt die Armhaltung der
Jacqueline förmlich die Umarmung eines
Unsichtbaren. Die tiefe Erotik dieser
Darstellung liegt auf der Hand.
Mit expressiver Farbigkeit und breitem
Pinselduktus fängt Picasso die Erotik der Frau
ein und überträgt sie auf die Leinwand. Die
dunklen stechenden Augen und das durch
schwarze Punkte angedeutete Haar geben dem
Akt seine intensive Ausstrahlung. Die enge und
intensive Beziehung zwischen Picasso und
Jacqueline wird für den Betrachter greifbar.
Es scheint, als habe Picasso dieses Werk förmlich
aus der Eingebung eines Augenblicks heraus
gemalt, so als sei Reflexion über die
Malweise bewusst vermieden worden. Der Sinn
dieses Gemäldes liegt im Festhalten eines spontanen
Gedankens - wohl eines erotischen
Gedankens.
Picasso hat in diesen Jahren die Serie für sich als
Malkonzept entdeckt und entgegen der
Vermutung, dass die Häufung und die
Wiederholung des Motivs, dem einzelnen Werk
Kraft und Intensität rauben könnte, beweist das
vorliegende Werk das Gegenteil.
Der Suggestivität der starken Formen und
Inhalte unseres Werkes vermag sich der
Betrachter nicht zu entziehen und wird mit ganzer
Kraft von dem Gemälde angezogen. Eben
diese Kraft und Intensität, die Picasso in seinen
späten Werken mit meisterlicher Virtuosität
entstehen lässt, ist das Merkmal seiner letzen
Schaffensphasen.
CHF 2 200 000.- / 2 800 000.-
(€ 1 833 330.- / 2 333 330.-)

3257
Ausklapper
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Moderne Kunst
3257*
PICASSO, PABLO
(Málaga 1881 - 1973 Mougins)
Nue assis appuyé sur des coussins (Jacqueline
II). 1964.
Oil on canvas. Signed lower right: Picasso. Also
dated verso on canvas: 30.12.64 II.
54.5 x 64 cm.
Provenance:
- Galerie Louise Leiris, Paris.
- Private collection, Italy.
- Galerie de Bellecour, Lyon.
- Lilian Heidenberg Fine art, New York.
- Private collection.
- Sotheby’s, New York, 12 May 1999, Lot 445.
- Private collection, acquired at the above auction.
- Christie’s, New York, 7 November 2001, Lot 285.
- Private collection, acquired at the above auction.
- Christie’s, New York, 3 May 2011, Lot 28.
- Private collection, acquired at the above auction.
Pablo Picasso met Jacqueline Roque, of the
dark hair and piercing gaze, in 1953 at the
Madoura ceramics workshop in Vallauris. She
became his model and eight years later, in
March 1961, became his wife. The couple led a
secluded life in Southern France, first in La
Californie and then at Vauvenargues castle near
Aix-en-Provence. She succeeded in obtaining
what many of Picasso’s women would have desired:
she had the prince of painters entirely to
herself.
The 1960s were a period of great productivity.
Picasso also worked hard and intensively on
various graphic series, and, using his virtuosity
and draftsman’s precision, he produced mostly
etchings. What he mastered in graphic art - the
reworking of the plate and changing the smallest
of details in order to give the etching the
perfect desired effect - he was then able to
transfer to the painted works of this period. In
painting this meant that Picasso would paint the
same motif several times and in each painting he
would alter small details such as the colour, the
positioning of the figure and compositional ele-
| 72
Vecellio di Gregorio Tiziano "Venus recreándose on el Amor y la Música", 1555, Öl
auf Lwd., ©Museo Nacional del Prado - Madrid - Spanien..
ments. He was fascinated by the variations and
multiplicity which were possible within a series.
In 1964 Picasso painted a series of reclining
nudes for which Jacqueline was the model.
Although she did not pose for him in the classic
sense, since Picasso never worked directly before
a model, her facial features, her characteristic
black hair and dark eyes can be clearly recognised
in the works of this period.
On contemplating this painting “Nue assis
appuyé sur les coussins, (Jacqueline)” Picasso’s
fascination with Titian and Goya is clear. In the
past Picasso had frequently been inspired by the
paintings of the Old Masters, and in the series
of the “Reclining nude” the iconography of the
“Maja desnuda” by Goya and the “Reclining
Venus” by Titian come to mind.
The reclining female nude of past centuries was
an ideal representation of a woman, the idealised
naturalistic rendering of the human body.
With the invention of photography in the 19th
century, a true-to-nature depiction of the
human body through painting was rendered
meaningless. Artists departed from this sphere
of representation and, led by Picasso with abstraction
and cubism, created a new form of
expression of the human body. While the Old
Masters serve as underlying model to our painting,
alongside the recognisable iconographic
elements, the realisation of this theme is modern
and committed to abstraction.
Jacqueline, to the right of the picture, reclines
on a cushion with a slightly raised upper body,
with one arm raised while the other is by her
side. Thus the position of Jacqueline’s arms
describes the embrace of an invisible partner.
The deep eroticism of this image is clear.
With an expressive choice of colour and broad
brush strokes Picasso captures the eroticism of
the woman and transfers it to canvas. The dark
piercing eyes and the hair rendered with black
dots, give the nude its intense vibrancy. The
close and charged relationship between Picasso
and Jacqueline is tangible to the observer.
It appears as though Picasso has painted this
work on the spur of the moment, as though
reflections on painting style have been consciously
avoided. The meaning of this painting
lies in the capturing of a spontaneous thought –
probably an erotic thought.
Picasso had in this period discovered the series
as a painting concept and, contrary to the
assumption that the accumulation and repetition
of a motif might rob an individual work of its
power and intensity, proved in the present work
quite the opposite.
The suggestiveness of the bold forms and their
meaning prevents the observer from pulling
away and he is powerfully drawn towards the
painting. It is this very power and intensity,
which Picasso brings about with consummate
virtuosity in his later works, which are characteristic
of this period.
CHF 2 200 000.- / 2 800 000.-
(€ 1 833 330.- / 2 333 330.-)

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Moderne Kunst
3258
3258
NOLDE, EMIL
(Nolde 1867 - 1956 Seebüll)
Gebirgslandschaft. 1948.
Aquarell auf Papier.
Unten rechts signiert: Nolde.
26 x 45,5 cm.
Provenienz:
- Galerie Beyeler, Basel (verso mit Etikett).
- Privatbesitz Schweiz.
CHF 90 000.- / 120 000.-
(€ 75 000.- / 100 000.-)
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