DT Magazin | Ausgabe 1 - Spielzeit 2011/12 - Deutsches Theater

dt-Magazin - Ausgabe 1 

Ausgabe 1 - Spielzeit 2011/12 

Ich denke mir Sachen aus – 

und Jürgen macht sie wieder kaputt 

Tom Kühnel und Jürgen Kuttner im Gespräch 

Reisen im Stillstand 

Über Elfriede Jelineks ‚Winterreise’ 

Glaube, Leere, Hoffnung 

Michael Thalheimer inszeniert ‚Unschuld’ 

von Dea Loher 

dt Magazin 

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Spielzeit 2011/12

Auf den Titel: Katrin Wichmann in ‚Unschuld‘ von Dea Loher 

Inhalt 

Claus Caesar blickt auf den Saisonstart und 

die Vortragreihe DT-Thema, Seite 8 

Das Prinzip Freude ist für Lilja Rupprecht die Ausgangsbasis ihrer Arbeit, erfährt Anika Steinhoff im 

Gespräch mit der jungen Regisseurin über ‚Blinde Punkte. Sterne‘, Seite 17 

John von Düffel entdeckt Glaube, Leere, Hoffnung in Dea Lohers ‚Unschuld‘, Seite 18 

Christoph Koch befragt Tom Kühnel und Jürgen Kuttner zu ‚Capitalista, Baby!‘ 

und weiß jetzt, dass Kühnel sich Sachen ausdenkt und Kuttner sie wieder kaputt macht, Seite 4 

© Urban Zintel/ 

Blanvalet Verlag 

Als ‚Reisen im Stillstand‘ fasst Meike Schmitz ihre Eindrücke über Elfriede Jelineks ‚Wintereise‘ zusammen, Seite 12 

Jens Hillje plaudert mit Katharina Matz und Nurkan Erpulat 

über Kafkas ‚Das Schloss‘ und erfährt dabei Einiges über Identität und Zugehörigkeit, Seite 14 

Maren Eggert spielt die Titelfigur in ‚Trauer muss Elektra tragen‘. 

Die neue Rolle schwirrt ihr im Kopf herum, erzählt sie im Interview mit Sonja Anders, Seite 22 

Lydia Brakebusch beim Ortstermin mit Peter Keune: ‚Der Wünsch-Dir-Was-Heini‘, Seite 16 

Ulrich Beck spricht während der Proben zu Roland Schimmelpfennigs ‚Die vier Himmelsrichtungen‘ mit dem Bühnenbildner Johannes Schütz, der den Blick in die Sterne aushält, Seite 24 

© Arno Declair (12) 

© Peter Langer 

Christina Weiss redet über Europa, Seite 21 

PS: Hinweise zu Sonderveranstaltungen erhalten Sie auf Seite 28 

© Doris Spiekermann-Klaas

© Arno Declair 


Ich denke mir 

Sachen aus – und Jürgen 

macht sie 

wieder kaputt 

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Christoph Koch interviewt Tom Kühnel und Jürgen Kuttner 

Spielzeit 2011/12 

Tom Kühnel, 40, und Jürgen Kuttner, 53, arbeiten seit fast zehn 

Jahren als Regie-Duo zusammen. Für ihren Abend ‚Capitalista, 

Baby!‘ am Deutschen Theater haben sie sich eine Autorin 

vorgenommen, die für Amerikas Konservative schon seit 

den 50er Jahren eine Lichtgestalt ist, für den Rest der Welt 

aber nahezu unbekannt: Ayn Rand. Ein Interview über Rands 

Philosophie, Ich-stärkende Selbsthilfeliteratur und ungebremsten 

Kapitalismus in der Gartenlaube. 

‚Atlas Shrugged‘ – oder auf deutsch ‚Atlas wirft die Welt ab‘ – 

wurde vor einiger Zeit in einer seriösen US-Umfrage zum zweiteinflussreichsten 

Buch nach der Bibel gewählt. In Deutschland 

kennt die Autorin Ayn Rand und ihre Bücher fast niemand, zeitweise 

waren sie nicht mal auf deutsch lieferbar. Woran liegt das? 

Kuttner: An ihrer politischen Radikalität. Der Kapitalismus, 

den Ayn Rand vertritt und beschreibt, hat mit der sozialen 

Marktwirtschaft wie sie hierzulande propagiert wird, nichts 

zu tun. Im Gegenteil ist die Sozialdemokratie ihr erklärtes 

Feindbild. Einer ihrer Erzschurken, Ellsworth Toohey, ist zum 

Beispiel dem berühmten englischen Labour-Politiker Harold 

Laski nachempfunden. 

Aber wendet sie sich nicht vor allem gegen den Totalitarismus 

Stalinscher Prägung? 

Kuttner: Ja, aber das ist bei ihr so eine Drohkulisse. Ihr unmittelbarer 

Feind ist dieses sozialdemokratische Wohlstandsdenken, 

in ihren Augen die Herrschaft des Mittelmaßes. 

Sie sind beide in der DDR aufgewachsen – waren die Bücher von 

Ayn Rand, die in den 20ern aus Russland in die USA emigriert 

war, verboten? 

Kuttner: Och, die musste man gar nicht verbieten. Die kannte 

sowieso niemand. Hätte sie eine andere Präsenz in Deutschland 

oder in Europa generell gehabt, wäre sie sicherlich auf 

dem Index gelandet. Sie hatte sich radikal zu den USA bekannt 

und beispielsweise auch explizit darum gebeten, vor 

dem Komitee für unamerikanische Aktivitäten aussagen zu 

dürfen und hat wohl derart scharf ausgesagt, dass sie nicht 

wieder eingeladen wurde. 

Kühnel: Man kann sie da vielleicht mit George Orwell vergleichen. 

‚Anthem‘ (oder deutsch ‚Hymne‘) ist eine frühe 

Novelle von ihr, eine harte, anti-kollektivistische Dystopie, in 

der sie mit all dem abrechnet, was sie in Russland erlebt hat. 

Wie lief denn ihre Emigration in die USA damals ab? 

Kühnel: Sie wurde 1905 als Alisa Rosenbaum in Petersburg 

geboren, ihr Vater hatte eine Apotheke, jüdischer Mittelstand. 

Zuerst emigrierte die Familie während der Revolution 

auf die Krim, 1921 kehrten sie aber zurück nach Petersburg, 

in der Hoffnung die Apotheke noch retten zu können. Aus 

ihrer Wohnung war aber inzwischen eine Kommunalka geworden, 

in der mehrere Familien lebten, und sie selber bekamen 

gerade noch ein einziges Zimmer. Das war natürlich der 

blanke Horror, und als Alisa Rosenbaum 1925 ein Visum 

bekam, um Verwandte in den USA zu besuchen, reiste sie 

dorthin, blieb zuerst in Chicago und siedelte später nach 

Hollywood um. 

Die restliche Familie blieb aber in Petersburg? 

Kühnel: Ja, darunter hat Ayn Rand, wie sie sich dann nannte, 

auch stets gelitten. Selbst eine Schwester, die sie in den 70ern 

mal besuchte, konnte ihre USA-Begeisterung nicht teilen 

und kehrte schnell wieder in die Sowjetunion zurück. Letztlich 

ist aber auch Rands uneingeschränkte Begeisterung für

den Kapitalismus nur zu verstehen, wenn man sich vor 

Augen führt, wie sie die russische Revolution und die Enteignung 

hautnah erlebt hat. 

Viele ihrer Fans sehen in ihr ja keine Schriftstellerin, sondern 

eine Philosophin. War sie das wirklich? 

Kühnel: Sie hat eine seltsame Zwitterstellung zwischen Philosophie 

und Kolportage-Literatur oder Groschenromanen. 

Die Geschichten und Charaktere sind wahnsinnig schemenhaft 

und schwarz-weiß gezeichnet und arbeiten immer 

ex-trem stringent auf ihre philosophische Botschaft hin. In 

der Wissenschaft wiederum wurde Ayn Rand nie richtig 

ernst genommen, ihr Objektivismus hat es zum Beispiel nie 

in den Kanon akademischer Philosophie geschafft. 

Kuttner: Die Nachwehen ihrer Werke landen oft in so einer 

psychologischen Lebenshilfe-Ecke. Ihr 25 Jahre jüngerer 

Geliebter Nathaniel Branden gründete Ende der 50er Jahre 

ein eigenes Institut, das erst ihre Ideen verbreitete und sich 

später zu einer reinen Selbsthilfe-Schule wandelte. „Sei du 

selbst! Bekenne dich zu deinem Ego! Geh deinen eigenen 

Weg! Gib nichts auf die Meinung anderer!“ Solche Ratschläge 

eben. 

Zu Ayn Rands erklärten Fans zählen so unterschiedliche 

Menschen wie der ehemalige US-Notenbank-Chef Alan Greenspan 

oder der Wikileaks-Gründer Julian Assange. Worin liegt 

ihre Faszination? 

Kuttner: Sie spielt auch in der Popkultur und Popliteratur 

eine große Rolle. Bezüge zu ihr kommen in den Comics von 

Frank Miller vor, es gibt einen eigenen Comic über sie. Sie 

taucht auch in der TV-Serie ‚Die Simpsons‘ auf und das 

Computerspiel ‚Bioshock‘ basiert auf ihren Ideen. Ich glaube, 

das hängt mit dem Kolportagehaften in ihren Werken zusammen. 

Wenn man Amerikaner fragt, haben viele Ayn Rand in 

der Pubertät gelesen – und das fast immer mit großer Begeisterung. 

So wie in Deutschland jeder mit 15 den ‚Steppenwolf‘ von 

Hermann Hesse liest? 

Kuttner: So in etwa. Das liegt vielleicht an diesen Momenten 

der Ich-Stärke, die Ayn Rand immer wieder betont und 

die einen in der Pubertät besonders ansprechen. Das ist 

schließlich eine Entwicklungsphase, in der man alle anderen 

für Idioten hält. So kann man auch erklären, warum jemand 

wie Julian Assange von ihr fasziniert ist. Alan Greenspan 

wiederum identifiziert sich komplett mit ihrer Vision einer 

Gesellschaft. 

Also einem völlig unregulierten Laissez-Faire-Kapitalismus? 

Kühnel: „Zivilisation ist die Befreiung des Menschen von 

den Menschen“, heißt es bei ihr. Das heißt also: Hände weg! 

Staat, halt die Klappe! Die Gier des Einzelnen führt in ihren 

Augen dazu, dass es allen besser geht. 

Was wird den Zuschauer bei einem Abend namens ‚Capitalista, 

Baby!‘ erwarten? 

Kuttner: Vielleicht trügt der Titel ‚Capitalista, Baby!‘ ein 

bisschen, weil das so diskurstheoretisch klingt. Dabei ist es 

das gar nicht. Sondern vielmehr das unhinterfragte, radikale 

Bekenntnis zu den kapitalistischen Werten, zur kapitalistischen 

Ideologie. Denn wenn man es genau nehmen will, hat 

Ayn Rand diese ja erst aufgeschrieben. Sie hat der kapitalis- 

Interview Tom Kühnel, Jürgen Kuttner 

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tischen Partei gewissermaßen ein Manifest verpasst – nur 

dass diese Partei eben gar keine Partei sein kann, sondern 

immer nur der Einzelne. Ihre Welt ist die Welt der großen 

Einzelgänger. Das Irre dabei ist nur, dass ihre Ideologie am 

Ende selbst wieder totalitäre Züge bekommt, obwohl sie so 

extrem gegen den Totalitarismus war. 

Inwiefern? 

Kuttner: Es gibt in ihrem Denken nur die großen Schöpfer, 

eine Handvoll Macher, die die Geschicke der Welt lenken. 

Bleibt nur die Frage: Und was ist mit den anderen? Die tauchen 

in ihrem Denken gar nicht auf. Was sie also schreibt, 

behauptet sich als Gesellschaftsphilosophie, ist aber nur 

eine modellhafte, kapitalistische Insel-Utopie. 

Das Wall Street Journal schrieb vor einiger Zeit, dass viele 

Schreckensvisionen von Ayn Rand schon längst Wirklichkeit 

geworden sind: Politiker bekämpfen jede Krise mit einem neuen 

Maßnahmenpaket, neuen Steuern, neuen Subventionen – und 

erzeugen dadurch nur noch schlimmere Krisen. Wird es bei 

‚Capitalista, Baby!‘ auch um Banken-Bail-Out und Milliardensubventionen 

gehen? 

Kühnel: Das Buch ‚The Fountainhead‘, das wir uns aus dem 

Werk von Ayn Rand ausgesucht haben, spielt zwar vor dem 

Hintergrund der Wirtschaftskrise von 1929, aber das ist eher 

das Setting und weniger das Thema – auch für uns nicht. 

Kuttner: Wir wollen auf so ein Diskurstheater und aktuelle 

Bezüge mit dem Holzhammer ganz bewusst verzichten. Da 

finde ich so ein theatralisches Durchspielen eines Menschenbildes, 

wie Ayn Rand es hat, viel interessanter. 

In England hat der erzkonservative Journalist Charles Moore – 

der sicher auch Ayn Rand im Regal stehen hat – vor kurzem 

geschrieben: „Es hat mehr als 30 Jahre gedauert, bis ich mir als 

Journalist diese Frage stelle, aber in dieser Woche spüre ich, 

dass ich sie stellen muss: Hat die Linke nicht am Ende Recht?“ 

Was würden Sie ihm entgegnen? 

Kuttner: Wenn so ein klassischer englischer Konservativer, 

der an einer Thatcher-Biographie arbeitet, derart ins Zweifeln 

gerät, dann haut einen das schon um. Da muss die Verunsicherung 

schon tief sitzen. Wenn Warren Buffet und der 

CEO von Starbucks, Howard Schultz, höhere Steuern fordern, 

dann ist da wohl doch schon einiges ins Schieben gekommen. 

Fast schade, dass uns diese Zweifel in Deutschland nur 

in Form von Frank Schirrmacher erreichen. 

Aber kann man es Ihrer Meinung nach wirklich auf diese simple 

Formel bringen: Die Linken haben es immer gewusst? 

Kuttner: Ich will bestimmt kein Apokalyptiker sein und ich 

würde mir sicher auch etwas anderes wünschen, aber ich 

bin da eher ratlos-pessimistisch. Das fängt als Immobilienkrise 

an, dann wird es eine Bankenkrise, schließlich wird es 

eine Staatsschuldenkrise. Als Immobilienbesitzer hast du 

immer noch die Bank, als Bank hast du immer noch den Staat. 

Wen hat denn der Staat, wenn er pleite ist? Da kommt doch 

irgendwas ans Ende. 

Und am Ende stehen Aufstände, wie wir sie gerade in England 

gesehen haben? Auch bei Ayn Rand ist öfter von „looters“ und 

„moochers“ die Rede, von Plünderern und Schmarotzern, die 

den hart arbeitenden Alphamenschen die wohlverdienten 

Gewinne wegnehmen wollen. Das wurde den Plünderern in 

London und Tottenham auch oft vorgeworfen – dass sie einfach 

nur kostenlose Flachbildfernseher haben wollen. 

Kuttner: Der englische Premier Cameron hat es sich da 

schon sehr einfach gemacht, wenn er nur sagt, den Plünderern 

fehlt es an Anstand und bürgerlichen Werten und er 

jede soziale Komponente einfach unter den Tisch fallen 

lässt. Aber diese Menschen sind einfach draußen, die sind 

gesellschaftlich komplett abgehängt. Gleichzeitig bekommen 

sie ständig vorgemacht, wie es geht: einfach hingehen 

und nehmen. Da muss man sich nicht wundern, wenn es 

denen irgendwann reicht. 

Zurück zu ‚Capitalista, Baby!‘ – was waren die Herausforderungen 

bei der Inszenierung des ‚Fountainhead‘-Stoffes von Ayn 

Rand? 

Kuttner: Dass der Roman so modellhaft-typologisch ist und 

gleichzeitig eine perverse Melodramatik hat. Einerseits sind 

alle Charaktere Sprachrohre von Rands Weltsicht, andererseits 

ist das alles totale Gartenlaube (lacht) – das ist schon 

nicht so leicht zusammenzubringen. Aber wenn es gelingt, 

kann es ganz spannend sein. 

Zuletzt haben Sie beide für das DT ‚Die Sorgen und die Macht‘ 

von Peter Hacks inszeniert. Nun kommen Peter Hacks und Ayn 

Rand ideologisch aus komplett gegensätzlichen Ecken, haben 

aber die Gemeinsamkeit, dass beide auf ihre Art extrem umstritten 

waren. Von den einen als Visionär gefeiert, von den anderen 

als verrückt bezeichnet. Was fasziniert Sie an solchen Personen? 

Kuttner: Wir haben tatsächlich im Grunde nach einer Art 

Gegen-Hacks gesucht. 

Kühnel: Der ist ja auf seine Art auch sehr radikal und elitär. 

Kuttner: Und er dekliniert auch etwas bis zum Ende durch: 

Bei ihm beginnt der Zerfall des Sozialismus mit dem Ende 

Stalins – wo die meisten anderen sagen, da haben die Chancen 

erst begonnen. Ayn Rand wiederum dekliniert Kapitalismus 

als die maximale Freiheit des Einzelnen durch. 

Wenn über Sie beide geschrieben wird, liest man oft Gegenüberstellungen 

wie „Kuttner der Laute und Kühnel der Leise“, „der 

lustige Macher und der vorsichtige Denker“ – trifft das wirklich 

zu oder ist das nur ein bequemes Klischee für Journalisten? 

Kuttner: Das trifft schon zu und macht auch ein Stück weit 

das Interesse am Anderen aus. Man stellt sich gegenseitig 

in Frage und ergänzt sich, wenn man Glück hat. Natürlich 

ist das auch anstrengend – mal mehr und mal weniger. Aber 

inzwischen funktioniert es ja auch schon seit zehn Jahren 

relativ gut. 

Kühnel: Ich weiß im Grunde schon wenn ich auf einen bestimmten 

Stoff stoße, dass ich den gar nicht alleine machen 

will, sondern lieber mit Jürgen zusammen. 

Wie ergänzen Sie sich zum Beispiel bei ‚Capitalista, Baby!‘? 

Kühnel: Momentan noch so, dass ich mir Sachen ausdenke 

und Jürgen sie wieder kaputtmacht (lacht). 

Weil Sie das Theater lieben und er es hasst, wie Sie es mal in 

einem Interview gesagt haben? 

Kühnel: Ein wenig schon. Auch wenn das natürlich zugespitzt 

formuliert war. 

Kuttner: War aber ein schöner Satz! 

Kühnel: Aber inzwischen liebt er das Theater ja auch jeden 

Tag ein bisschen mehr. 

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Tom Kühnel 

Geboren 1971 in Cottbus. Regiestudium an der Hochschule 

für Schauspielkunst ‚Ernst Busch‘ in Berlin. Regieduo 

mit Robert Schuster bis 2000 Bereits seit seinem 

Regiestudium und seinen Inszenierungen am Frankfurter TAT 

arbeitet Tom Kühnel zusammen mit Suse Wächter. Für ‚Helden 

des 20. Jahrhunderts‘ verbanden sie sich 2005 erstmals 

mit Jürgen Kuttner. Seit 2000 inszeniert er u.a. an der Berliner 

Schaubühne, am Theater Basel, am Deutschen Theater Berlin, 

an der Volksbühne Berlin, am Thalia Theater Hamburg, am 

Schauspiel Graz und am Schauspiel Köln. Seit der Spielzeit 

2009/10 ist er Hausregisseur am Schauspiel Hannover. Gemeinsam 

mit Jürgen Kuttner inszenierte er im September 2010 am 

Deutschen Theater ‚Die Sorgen und die Macht‘. Ein Stück über 

die Zukunft von gestern nach Peter Hacks. 

Jürgen Kuttner 

Geboren in Ost-Berlin. Studium der Kulturwissenschaften Bis 

zur Wende Mitarbeiter beim Zentralvorstand des Verbandes 

Bildender Künstler der DDR. 1990 Beteiligung an der Gründung 

der Ostausgabe der ‚tageszeitung‘. 1992 bis 2007 ‚Sprechfunk‘auf 

Radio Fritz (in Kooperation mit ORB/RBB). Neben seinen 

Tätigkeiten als Moderator ist er für seine monatlichen Videoschnipselvorträge 

u.a. an der Berliner Volksbühne bekannt. 

Ebenso wirkt er an verschiedenen Theaterprojekten als Autor, 

Darsteller und/oder in der Regiearbeit mit. Seit 2001 Zusammenarbeit 

mit Tom Kühnel. 

Capitalista, Baby! 

nach ‚The Fountainhead‘ 

von Ayn Rand 

Regie: Tom Kühnel, Jürgen Kuttner, Bühne: Jo Schramm, 

Kostüme: Daniela Selig, Dramaturgie: Claus Caesar, 

Es spielen: Felix Goeser, Daniel Hoevels, 

Jürgen Kuttner, Matthias Neukirch, Michael Schweighöfer, Natali Seelig 

Uraufführung: 11. September 2011, Kammerspiele

© Tina Berning 


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Essay 

Nichts auf der Erde 

wird dem Menschen 

Soziale Utopien lassen sich an dreierlei 

messen: an der Schönheit ihrer Argumentation, 

an der Größe ihres Glücksversprechens 

und an der Tauglichkeit 

für die gesellschaftliche Praxis. Scheitern 

sie, rechtfertigen sich ihre Befürworter 

gerne damit, dass diese oder jene 

Faktoren hinderlich waren, dass diese 

oder jene Einschränkungen störten, 

kurz, dass die Utopie ihrem eigentlichen 

Gehalt nach noch gar nicht verwirklicht 

worden sei. So bleibt zwar der Makel, 

beim Realitätsabgleich durchgefallen zu 

sein, gleichzeitig aber bleibt auch die 

Hoffnung, dass es beim nächsten Mal, 

unter anderen Umständen, besser werden 

wird. Der Glutkern der Utopie 

glimmt weiter. 

Wie jeder weiß, steht es mit dem Kapitalismus 

westlicher Prägung nicht zum 

Besten. Und nichts erschiene derzeit befremdlicher, 

als ihn mit der Vorstellung 

einer Utopie zusammenzudenken. Vielleicht 

aber haben wir bei seiner Um- 

setzung einfach ein paar grundsätzliche 

Fehler gemacht. Vielleicht hängen die 

momentanen Krisen damit zusammen, 

dass man von Kapitalismus in einem 

strengen Sinn gar nicht sprechen kann: 

zu groß ist der Lenkungswille des Staates, 

zu stark sind die kollektivistischen Tendenzen, 

zu hoch die Beschränkungen der 

Unternehmer. Das jedenfalls wäre, würde 

sie noch leben, die Behauptung der amerikanischen 

Autorin Ayn Rand. ‚Kapitalismus: 

Das unbekannte Ideal‘ hat sie eines 

ihrer Bücher überschrieben und darin den 

Kapitalismus als die eigentliche Utopie, 

geschenkt 

Claus Caesar über die ersten Premieren der Spielzeit 

und die Vortragsreihe DT Thema 

als das einzig „moralische Sozialsystem“ 

bezeichnet. Alles Denken und Handeln 

habe von der Voraussetzung auszugehen, 

dass es dem Menschen zuallererst um 

sich selbst gehe: dass er egoistisch sei. 

Nur eine wahrhaft freie Gesellschaft – d.h. 

eine Gesellschaft, in der der Staat bis auf 

die Verteidigung nach außen und die 

Wahrung der (Rechts-)Sicherheit nach 

innen inexistent ist – sei deshalb in der 

Lage, den Egoismus der „Prime Mover“, 

der treibenden wirtschaftlichen und moralischen 

Kräfte, zu seinem Recht kommen 

zu lassen. Und eine solche Ökonomie 

werde dann auch nicht kollabieren. 

Anders als in den USA führt Ayn 

Rands libertäre, die ganze Existenz umfassende 

Philosophie in Deutschland bestenfalls 

ein Nischendasein (mehr zu Tom 

Kühnels und Jürgen Kuttners Inszenierung 

von ‚The Fountainhead‘ ab Seite 4f.). 

Doch liefern ihre Thesen eine Folie, vor 

der eigene Gewissheiten neu zu sichten 

wären: Hat Botho Strauß etwa Recht, 

wenn er jüngst in der FAZ schreibt, es 

gebe in der Gesellschaft die „gefährliche 

Bequemlichkeit sich forterbender antikapitalistischer 

Affekte“? Sollte man nicht 

tatsächlich die Freiheit des Individuums 

uneingeschränkt befürworten, unter der 

Maßgabe, niemand anderem zu schaden? 

Und wer wollte der Kreativität ernsthaft 

Grenzen setzen? 

Deformationen der Psyche 

Unter dem Label der „digitalen Bohème“ 

wurden vor einigen Jahren auch hierzu- 

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lande Ideen en vogue, die das allein sich 

selbst verpflichtete, flexible und mobile 

„unternehmerische Selbst“ (Ulrich Bröckling) 

zum Rollenmodell ausriefen. Doch 

das damit verbundene Freiheitsversprechen 

– „etwas Besseres als eine Festanstellung 

finden wir überall“ (Holm Friebe) 

– hat mittlerweile viel von seiner Überzeugungskraft 

eingebüßt. Stattdessen beschreiben 

Theoretiker wie Hartmut Rosa, 

Byung-ChulHan oder Ulrich Bröckling 

zunehmend die Deformationen des Subjekts 

und seiner Psyche unter den Bedingungen 

der Gegenwart, die da heißen: 

Beschleunigung der Gesellschaft, Ökonomisierung 

der Lebenswelten und Verflüssigung 

des Sozialen. Bei aller Unterschiedlichkeit 

eint ihre Diagnosen die 

Einsicht in die Unhintergehbarkeit der 

von ihnen beschriebenen Prozesse und 

Selbstverhältnisse. Kein Ort existiert, an 

dem ihnen zu entkommen wäre. 

So insistiert beispielsweise Hartmut 

Rosa bei seinen Analysen unserer „Beschleunigungsgesellschaft“ 

darauf, dass 

es nichts nütze, wenn der Einzelne beschließe, 

langsamer zu leben. Wenn eine 

ganze Gesellschaft das Tempo anziehe, 

falle derjenige, der nicht mitmache, irgendwann 

aus den Zusammenhängen 

heraus. „Nicht Gier regiert die Welt, sondern 

Angst“, schreibt Rosa. Und Ulrich 

Bröckling stellt fest, dass das moderne 

Subjekt, das sich als „unternehmerisches 

Selbst“ den ökonomischen Imperativ 

nach Flexibilisierung, Mobilität und Optimierung 

zu eigen gemacht habe, immer 

noch flexibler, noch mobiler und noch optimierter 

sein könne. So kommt ein Pro-

© Arno Declair (2) 

Essay 

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Nichts auf der Erde wird dem Menschen geschenkt 

Moritz Grove in ‚Das Schloss‘ nach Franz Kafka Natali Seelig und Daniel Hoevels in ‚Captalista, Baby!‘ 

nach ‚The Fountainhead‘ von Ayn Rand 

zess in Gang, der prinzipiell nicht abschließbar sei und zu Überforderung 

und Angst vor dem Versagen führe. Noch weiter 

gehen die Überlegungen Byung-Chul Hans, der am ZKM in Karlsruhe 

Philosophie lehrt und im Oktober die Vortragsreihe DT 

Thema eröffnet. Für Byung-Chul Han erleben wir derzeit einen 

grundlegenden Wechsel in unserer Stellung zur Welt. „Das vergangene 

Jahrhundert ist ein immunologisches Zeitalter“, 

schreibt er in seinem Buch ‚Müdigkeitsgesellschaft‘. „Es ist eine 

Epoche, in der eine klare Trennung von Innen und Außen, von 

Freund und Feind oder von Eigenem und Fremdem vorgenommen 

wurde.“ Während die Gewalt für das Subjekt in der Vergangenheit 

also stets von außen kam – Hans Metapher dafür ist 

der Virus –, ist sie nun ein Produkt des Systems selbst, eine Konsequenz 

aus seinem gewalttätigen Zuviel, dem ständigen Übermaß. 

Es ist ein „Terror der Immanenz“ den Han ausmacht. Dessen 

deutlichstes Symptom sind die steigenden Fallzahlen 

psychischer Erkrankungen. „Sie sind keine Infektionen, sondern 

Infarkte, die nicht durch die Negativität des immunologisch 

Ander en, sondern durch ein Übermaß an Positivität bedingt 

sind.“ Denn „die Klage des depressiven Individuums ‚Nichts ist 

möglich‘ ist nur in einer Gesellschaft möglich, die glaubt, ‚Nichts 

ist unmöglich‘.“ 

Selbstverluste: Kafka, Jelinek, Loher 

Nun gehört die Erfahrung, dass sich das Subjekt trotz des „Autonomieversprechens“ 

der Moderne (Rosa) nicht selbst gehört, 

zum Begleitprogramm der Moderne selbst. Unter den (literarischen) 

Texten, die diese Erfahrung früh und nachdrücklich formulieren, 

nimmt Franz Kafkas unvollendeter Roman ‚Das 

Schloss‘, den Nurkan Erpulat und Jens Hillje nun für die Kammerspiele 

adaptieren, zweifellos eine besondere Stellung ein. 

(mehr zu Nurkan Erpulats Inszenierung ab Seite 14f.). „K. tritt 

seinen Weg durch den Roman im Zeichen eines Selbstverlusts 

an, der seiner Ankunft vorausgegangen ist“, schreibt der Berliner 

Germanist Peter-André Alt. „Da ihn keiner kennt, besitzt 

er a priori kein soziales Ich, das ihn eingliedert und behaftbar 

macht. K. ist ein Homo sacer, der nachts auf der Brücke zum 

Dorf erscheint und ziellos durch die Nacht irrt.“ Der Text ist in 

der Folge als Versuch K.s lesbar, sich dieses fehlende soziale Ich 

zu verschaffen bzw. zu konstruieren, ein Versuch, der ihn zugleich 

in zuvor nicht vorhandene Zwänge hineinführt. Noch einmal 

Alt: „Mit Hilfe der Sprache gliedert der Protagonist den leeren, 

weißen Raum, der ihn umgibt – der Winter wird so zur 

Chiffre des unbedingten Anfangs –, schafft jedoch auf diese 

Weise einen Bedeutungszusammenhang, der ihn selbst 

determiniert.“Markiert also Kafkas ‚Schloss‘ einen Ausgangspunkt 

der modernen Erfahrung des Selbstverlusts, so stehen 

Elfriede Jelineks ‚Winterreise‘ und Dea Lohers ‚Unschuld‘ gewissermaßen 

am Fluchtpunkt dieser Erfahrung; beide Stücke haben 

im September Premiere im Deutschen Theater. Während in 

Elfriede Jelineks ‚Winterreise‘ eine Fremdheit zur Sprache 

kommt, die dem Verhältnis eines Ichs zu seiner eigenen Zeitlichkeit 

geschuldet ist (mehr zu ‚Winterreise‘ und der Inszenierung 

von Andreas Kriegenburg ab Seite 12f.), entfalten Dea 

Lohers am Rand der Gesellschaft existierende Figuren eine so 

überraschende wie irritierende Ökonomie der Schuld. In jemandes 

Schuld zu stehen, ist gleichfalls eine Form der Bindung, vielleicht 

ja sogar die letzte Form der Stabilität in der Welt der Unzuverlässigkeit, 

wie Loher sie zeichnet. Für Dea Lohers Figuren 

aber hat Schuld wenig mit tatsächlichen Taten oder wirtschaftlichen 

Verpflichtungen zu tun (ab Seite 18f). Viel mehr spielen 

unterlassene oder imaginierte Handlungen eine Rolle: ein Verschuldetsein 

also, von dem der (vermeintliche) Gläubiger nichts 

wissen will oder kann. Es ist eine Schuld, die den Schuldner seiner 

selbst enthebt, ihn aber trotzdem einsam zurücklässt. Und 

mit der Figur der Frau Zucker erfindet Dea Loher eine der sinnfälligsten 

Allegorien des Selbstverlusts: An Zucker erkrankt, 

zieht sie nicht nur wieder bei ihrer Tochter Rosa ein, sie büßt 

auch durch die fortschreitenden Amputationen Stück für Stück 

ihren Körper ein: eine Selbstpreisgabe im doppelten Sinn. 

Die Welt gestalten – ‚Kleine Utopien‘ 

„Nichts auf der Erde wird dem Menschen geschenkt. Alles, was 

er braucht, muss erzeugt werden“, heißt es in ‚The Fountainhead‘. 

Ayn Rands Heroen betrachten kein Metall, ohne dessen 

Bearbeitung zu antizipieren, sie sehen kein Stück Natur, ohne 

sich bereits Schienen und Straßen darin vorzustellen. Ihre heroischen 

Subjekte, die aus den 40er Jahren des letzten Jahrhunderts 

(in der Nachfolge Nietzsches) zu uns hinüberrufen, wirken 

heute wie aus der Zeit gefallen (im Unterschied zu Ayn 

Rands Postulat eines unbedingten Egoismus‘). Doch das Begehren 

ihrer Helden, die Welt auch gestalten zu wollen, die 

sich vor ihnen eröffnet, beschreibt einen Vorgang, dessen Konsequenzen 

bis in die Gegenwart noch gar nicht erfasst sind. Das 

jedenfalls sagt Christian Schwägerl, Spiegel-Journalist und im 

November zu Gast bei ‚DT Thema‘. In seinem Buch ‚Menschenzeit‘ 

fordert Schwägerl dazu auf, diejenigen Dualismen zu überwinden, 

die das Denken der westlichen Zivilisation bisher strukturieren, 

an ihrer Spitze: den Gegensatz von Natur und Kultur. 

Bald, so sagt Schwägerl, werde es keinen Ort auf der Erde mehr 

geben, der nicht von Menschen betreten, bearbeitet, beeinflusst 

worden sei. Von daher müsse man nicht nur ein neues Erdzeitalter 

ausrufen: die Menschenzeit, das Anthropozän, sondern der 

Dualismus Kultur versus Natur selbst werde hinfällig. „Die Grenzen 

dessen, was Natur an uns ist, was Kultur, was Natur an der 

Kultur und Kultur an der Natur, lösen sich auf, sofern es sie je 

gegeben hat. Das Gewebe des Lebens wird ein Gewebe des 

Gedachten.“ Wenn aber die Erde in diesem Sinne zum Human - 

system geworden ist, dann hilft kein ‚Zurück zur Natur‘, um 

beim Klimawandel, den bedrohten Ökosystemen und Fehlentwicklungen 

der Landwirtschaft gegenzusteuern. Stattdessen 

müssten Ökologie und Technologie miteinander versöhnt werden. 

Schwägerl schreibt: „Die schwächlichen Umweltbewegungen 

von heute müssten zu einer echten kulturellen Kraft werden. 

Das heißt auch, die Sehnsucht nach der guten alten Zeit zu 

beenden. Die Umweltbewegung der Zukunft ist zugleich eine 

globale Forschungs- und Entwicklungsbewegung. Mehr Mut 

zum Biofuturismus würde den Umweltorganisationen gut tun.“ 

Mit dem notwendigen Wandel der Wachstumsgesellschaft befasst 

sich auch der Essener Kulturwissenschaftler und Philosoph 

Ludger Heidbrink. Verantwortung heißt der zentrale Ausgangspunkt 

seiner Überlegungen. Und so setzt Heidbrink, 

anders als der „grüne Utopist“ (Süddeutsche Zeitung) Schwägerl, 

bei einer vergleichsweise bescheidenen Ebene an: dem Konsum, 

einer Tätigkeit, die alle Mitglieder der Gesellschaft ausüben. Der 

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verantwortliche Konsument ist einer, der nicht nur seine eigenen 

Bedürfnisse, sondern zugleich diejenigen des Gemeinwohls 

im Auge hat. Doch was genau heißt das: Verantwortung der 

Verbraucher? Woher beziehen sie ihre Entscheidungskriterien? 

Haben sie überhaupt genug Einfluss, um am Markt für Änderungen 

zu sorgen? Dienen bestimmte Änderungen im Konsumverhalten 

nicht eher dem Distinktionsgewinn als der Nachhaltigkeit? 

Und mit welcher Konsequenz werden sie befolgt? 

Neben Christian Schwägerl und Ludger Heidbrink wird im 

Februar nächsten Jahres bei ‚DT Thema: Kleine Utopien‘ dann 

auch der Theologe Friedrich Wilhelm Graf erwartet, dessen 

Buch ‚Kirchendämmerung‘ jüngst für Furore sorgte. 

DT Thema 

Kleine Utopien 

17.10.11, 20 Uhr, Saal 

Byung-Chul Han (Karlsruhe) 

Versuch über die Gewalt 

1.12.11, 20 Uhr, Saal 

Christian Schwägerl (Berlin) 

Willkommen im Anthropozän! – Was es bedeutet, 

auf einem völlig vom Menschen dominierten Planeten zu leben 

weitere Vorträge von Ludger Heidbrink (Januar 2012) 

und Friedrich Wilhelm Graf (Februar 2012)


12 


Maria Schrader, Judith Hofmann, Anita Vulesica 

„Was erfährt man im Stillstand? Das, was man von seinem 

Standort aus ringsherum sehen kann? Das, was man schon 

weiß? Kann man es sagen, wenn man nicht mehr vom Fleck 

kommt? Wenn es keinen Ausweg aus dem Stillstand gibt, 

kann man höchstens noch das Vergessen erfahren, aber 

darüber hat man keine Gewalt. Macht hat man sowieso keine. 

Ist der Stillstand schon ein Nach-Hause-Kommen? Ist man 

ange kommen, oder kann man noch hoffen wegzukommen? 

Ich glaube, gerade in diesem Stillstehen, aus dem heraus ich 

schreibe, sind da vielleicht Wurzeln, die mich auf und an der 

Stelle festhalten, wie sie jeder merkt, wenn er versucht, von 

dem Ort wegzukommen, den er sein Zuhause nennt.“ 

Elfriede Jelinek anlässlich der Verleihung des Mülheimer Dramatikerpreises 

2011 für ‚Winterreise‘ 

Seit der Verleihung des Nobelpreises 2004 hat sich Elfriede 

Jelinek aus der Öffentlichkeit zurückgezogen. Sie gibt keine 

Inter views, übermittelt Dankes- oder Grußworte meist schriftlich 

oder über das Internet und besucht bei Uraufführungen 

ihrer Stücke lieber die Generalprobe als die Premiere. Überhaupt 

geht sie nur noch wenig aus dem Haus, eine Angsterkrankung, 

so beschreibt sie ihren Zustand selbst, hindert sie daran „am 

Leben teilzunehmen“. Trotzdem hat Elfriede Jelinek nun einen 

Theatertext über eine Reise geschrieben, eine „Reise im Stillstand“, 

wie sie es in ihren Dankesworten zur Verleihung des 

Mülheimer Dramatikerpreises nennt, mit dem Titel ‚Winterreise‘. 

Als Ausgangsmaterial dient ihr dabei der berühmte, gleichnamige 

Liederzyklus, der von dem heute fast vergessenen Dichter 

Wilhelm Müller geschrieben und 1823 von Franz Schubert 

vertont wurde. 

Die Geschichte der ‚Winterreise‘ von Schubert/Müller ist folgende: 

Ein junger Mann, wahrscheinlich ein Deserteur, kommt 

in ein Dorf. Es ist Frühling und er lernt ein Mädchen kennen. Die 

beiden verlieben sich, verbringen einen Sommer zusammen, sie 

sagt ihm, dass sie ihn liebe. Doch dann verlässt sie ihn und der 

junge Mann begibt sich auf eine einsame und lebensbedrohliche 

Wanderung durch Schnee und Eis. In 24 Liedern beschreibt 

die ,Winterreise‘ nicht nur die äußere sondern vor allem die innere 

Reise des Wanderers, eine Reise größter Einsamkeit, Heimatlosigkeit, 

der Fremdheit sich selbst und der Welt gegenüber. 

Die Musik Schuberts hat Elfriede Jelinek, die ab ihrem sechsten 

Lebensjahr Klavier lernte und später diverse Instrumente 

studierte, seit ihrer Kindheit begleitet. Insbesondere die ‚Winterreise‘ 

spielt in ihrem Leben eine wichtige Rolle: Kein Werk 

der Kunst, so schreibt sie, habe ihr je mehr bedeutet. Für ihre 

eigene ‚Winterreise‘ wird der Liederzyklus nun zur literarischen 

Quelle, zum Material, das sie in bekannter Manier verwendet: 

Zitate, Wortspiele und Motivbezüge auf den Originaltext durchziehen 

das Stück als ein dichtes Netz und fungieren als Motor, 

Winterreise 

Reisen 

im Stillstand 

Auf den Spuren des Wanderers aus Franz Schuberts ‚Winterreise‘ macht sich Elfriede Jelinek 

auf eine Reise durch unsere Gegenwart in ihre eigene Vergangenheit. 

13 


der die Autorin immer wieder in neue Gefilde, auf unterschiedlichste 

Themengebiete treibt. Die Zitate aus den Gedichten 

seien Wasser auf ihre Mühlen, erklärt sie: „Ich brauche sie, um 

im Stehen vorwärtszukommen.“ 

Es ist ein großer Radius, den Elfriede Jelinek dem Zuschauer 

auf diese Weise, im Stehen wandernd, erschließt: Das Themenspektrum 

reicht von aktuellen Ereignissen, wie etwa dem Entführungsfall 

Natascha Kampusch – ein grausameres und prägnanteres 

Beispiel für ein Leben im absoluten Stillstand ist kaum 

denkbar – bis hin zu sehr persönlichen Erlebnissen: die Erinnerung 

an Mutter und Vater. Im Verlauf des Stücks schreibt sich 

die Autorin immer weiter heran an einen unbekannten Schmerzpunkt, 

erreicht dabei Gebiete größter Inti mität und nähert sich 

den Wurzeln, die sie „auf der Stelle festhalten“. Sie selbst hat 

ihr Wandern im Stück als ein Wandern von hinten nach vorn beschrieben: 

„Das was gewesen ist, auch das, was mich seit meiner 

Kindheit gequält hat, kommt jetzt an.“ 

Während in ihrem Roman ‚Die Klavierspielerin‘ (1983) noch 

die Auseinandersetzung mit ihrer übermächtigen Mutter im 

Zentrum stand, konfrontiert sich Elfriede Jelinek in ‚Winterreise‘ 

vorrangig mit der schmerzhaften Erinnerung an ihren Vater. 

Recht früh war dieser an Alzheimer erkrankt, lebte zunächst 

noch bei Frau und Tochter, bis sie ihn in ein Pflegeheim brachten. 

Für Elfriede Jelinek ist der Vater, den sie auch schon in früheren 

Werken mit der Figur des einsamen Wanderers verknüpft, 

zur Symbolfigur für Schuld geworden, einer Schuld, die man 

nicht mehr abtragen kann. „Wir werfen den Papa einfach ab, 

wir werfen ihn hier einfach ab, der uns nie das Liebste war, nie 

das liebe Liebste [...] so hätte er nicht leben wollen, wir wissen 

es genau, dass er so nicht hätte leben wollen, doch er lebt immer 

noch, aber nicht sehr.“ 

Was erfährt man also im Stillstand? In ihrer ‚Winterreise‘ findet 

Elfriede Jelinek Antworten auf diese Frage. Es ist eine Reise 

in der passiven Bewegung, auf der innere und äußere Landschaften 

vorbeiziehen, auf der sie in Gebiete vordringt, die sie 

im Wandern wohl nicht erreicht hätte. 

Text: Meike Schmitz 

Winterreise 

von Elfriede Jelinek 

Regie: Andreas Kriegenburg, Bühne: Nikolaus Frinke, 

Kostüme: Andrea Schraad, Dramaturgie: Meike Schmitz, 

Es spielen: Judith Hofmann, Annette Paulmann, 

Maria Schrader, Anita Vulesica, Susanne Wolff 

Premiere: 9. September 2011, Deutsches Theater

Identität 

Zugehörigkeit 

Teilhabe 

Jens Hillje im Gespräch mit dem Regisseur Nurkan Erpulat 

und der Schauspielerin Katharina Matz über die Arbeit an Kafkas Roman ‚Das Schloss‘, 

über Ausgrenzung, Minderheiten und Glücksmomente 


Thorsten Hierse, Sesede Terziyan, Thomas Schumacher, Katharina Matz, Moritz Grove 

14 


Katharina, Du warst von 1954-1958 unter Wolfgang Langhoff am 

Deutschen Theater engagiert. Dann bist du nach Hamburg gegangen. 

War das eine bewusste Entscheidung aus Ost-Berlin 

wegzugehen? 

Katharina Matz: Nein. Ida Ehre war damals Leiterin der Kammerspiele 

in Hamburg und suchte eine Luise für ‚Kabale und 

Liebe‘. Ich habe ihr vorgesprochen und habe einen Vertrag 

bekommen. So bin ich ganz offiziell mit Interzonenpass nach 

Hamburg gegangen. Nach einem Vierteljahr hätte ich wieder 

zurückfahren müssen, aber ich kam dort gut an. Während 

meiner Zeit am Thalia Theater wurde ‚Das Schloss‘ als 

Fernsehfilm gedreht. Ich weiß nur noch, dass Heinz Bennent 

den K. spielte und ich eine der beiden Schwestern, Olga oder 

Amalia. Das ist so lange her, 50 Jahre (lacht). Und nun wird 

es Zeit, mal wieder an ‚Das Schloss‘ zu denken. 

Und wie war das nach 50 Jahren? 

Katharina Matz: Schön, und es hat mich wahnsinnig gefreut, 

dabei zu sein. Ich war sehr gespannt auf das Team – eine 

junge Schauspielerin aus armenischer Familie, ein junger 

Schauspieler aus türkischer Familie, und eben ein junger Regisseur 

aus der Türkei. Die Kunst des Regieführens ist international. 

War die Rückkehr an das Deutsche Theater wie heimkommen? 

Katharina Matz: Ja. Irgendwie schließt sich der Kreis. Ich 

hatte seit ‚Ein Sommernachtstraum‘ keine Proben hier, bis 

zu dem Angebot von Ulrich Khuon, beim ‚Schloss‘ mitzuspielen. 

Es war ein Glücksmoment. 

Ein Anruf, wie ihn K. erhält, als das Schloss ihn als Landvermesser 

anerkennt. Durch diesen Anruf wir ihm auch eine Identität 

zuerkannt? 

Nurkan Erpulat: Wenn ich ‚Das Schloss‘ lese, denke ich, dass 

man nicht genau benennen kann, warum K. gerade eine 

Identität annimmt bzw. erfindet. 

Du gehst davon aus, dass K. sich als Landvermesser erfindet? 

Nurkan Erpulat: Das ist meine Interpretation. 

Man könnte auf die Idee kommen, dass sie alle die ganze Zeit 

Theater spielen. 

Nurkan Erpulat: Auf eine Art und Weise ja. Aber ich kann 

mir auch vorstellen, dass K. seine Identität nicht erfindet, 

weil er es so geplant hat, sondern weil sie sich aus dem 

Widerstand und der Differenz zu den anderen ergibt. 

Katharina Matz: Aber warum kommt er zu diesem Schloss? 

Nurkan Erpulat: Weil keiner will, dass er zum Schloss geht. 

Er bleibt, weil die Anderen wollen, dass er geht. 

Nurkan Erpulat: Ich habe das Gefühl, dass die Frage der 

Zugehörigkeit ständig hin und her geht. K. will dazugehören. 

Sobald er aber etwas mehr Einbindung in die Dorfgemeinschaft 

erfährt, schreckt ihn das ab. Mit seiner Beziehung 

zu Frieda ist es ähnlich. Schnell finden sie zueinander, 

doch sobald die Beziehung für ihn zu eng wird, denkt er, es 

wäre besser, allein zu bleiben. Als sich Frieda dann von ihm 

zurückzieht, bedauert er den Verlust der Perle. 

Katharina Matz: Auf der einen Seite genießt er es, und auf 

der anderen Seite hat er das Gefühl, dass er umkommt. 

Nurkan Erpulat: Wie ich als türkischer Regisseur in Deutschland 

einerseits die Aufmerksamkeit genieße und andererseits 

mit den Vorurteilen kämpfe. 

Das Schloss 

15 


Man tendiert dazu, sich zu beklagen, aber würde es die Vorurteile 

nicht geben, würde der Widerstand fehlen. Deswegen begibt 

man sich als Künstler trotz seiner Harmoniesucht ständig 

in Situationen, in denen man sich dann behaupten und wehren 

muss. Kreativ, produktiv. 

Nurkan Erpulat: Ich war ja immer in der Minderheit. Schon 

als ich in der Türkei von Stadt zu Stadt gezogen bin. Hier in 

Deutschland bin ich neben der ethnischen Minderheit auch 

eine sexuelle Minderheit. Ich will natürlich nicht der einzige 

und allein sein. Das würde mich total langweilen. Es würde 

mich sogar deprimieren. Aber ich will auch nicht zur Masse 

gehören. Die Möglichkeit zu sagen, ich gehöre irgendwo hin, 

wo es keine Mehrheit gibt, das wäre interessant. So brauche 

ich innerhalb des Regieteams Harmonie, um mich gemeinsam 

mit ihm gegen die Welt behaupten zu können. 

Katharina Matz: Spannungen während der Proben entstehen 

ja fast von allein. 

Nurkan Erpulat: Nur durch Reibung entsteht Wärme, so 

heißt doch ein Sprichwort. 

Nurkan, aus welchem Grund bist du nach Deutschland gegangen? 

Bist du aus der Türkei weggegangen oder bist du nach 

Deutschland gegangen. 

Nurkan Erpulat: Ich wollte aus der Türkei weggehen. Eigentlich 

wollte ich nach Paris. Ich wollte damals unbedingt Paris 

sehen und mich in das Pariser Nachtleben hinein begeben. 

Dann habe ich aber festgestellt, dass es in Frankreich 

keine Regieausbildung gibt und bin nach Berlin gekommen. 

Katharina, bist du in Berlin geboren und aufgewachsen? 

Katharina Matz: Nein, ich bin im heutigen Tschechien geboren, 

in Böhmen. Mein Vater war Apotheker und wir mussten 

alle paar Jahre umziehen. Im Januar 1945 sind wir vor 

den Russen ins Sudetenland zu unseren Verwandten geflohen, 

im Mai 1945 mussten wir die Tschecheslowakei verlassen 

und sind schließlich als Flüchtlinge in Sachsen-Anhalt 

gelandet. Ich habe dann in der DDR keinen Studienplatz für 

Tiermedizin bekommen, weil ich kein Arbeiter- und Bauernkind 

war und mein Abi gerade so bestanden hatte. Meine 

Mutter ist zum Rektor gegangen und hat gesagt, was machen 

wir jetzt mit dem Kind, und der sagte, sie hat ja immer 

ganz begabt Gedichte aufgesagt, soll sie doch Schauspielerin 

werden. So kam ich auf die Schauspielschule. Wieder 

wurde etwas mit mir gemacht. Als ich 2009 am Thalia Theater 

in Hamburg gekündigt habe und nach Berlin kam, war 

das mein erster selbstständiger Entschluss. Berlin finde ich 

wunderbar. Wie findest du Berlin? 

Nurkan Erpulat: Wunderbar. Ich bin sehr glücklich hier. 

Katharina Matz: Ich auch! Umziehen möchte ich nicht mehr. 

Das Schloss 

nach dem Roman von Franz Kafka 

in einer Fassung von Nurkan Erpulat und Jens Hillje 

Regie: Nurkan Erpulat, Bühne: Magda Willi, Kostüme: Esther 

Krapiwnikow, Musik: Tobias Schwencke, Florian Tippe, Dramaturgie: 

Jens Hillje. Es spielen: Tamer Arslan, Moritz Grove, Thorsten Hierse, 

Katharina Matz, Max Pellny, Thomas Schumacher, Sesede Terziyan 

Berlin-Premiere: 8. Oktober 2011, Kammerspiele 

Uraufführung in Koproduktion mit der Ruhrtriennale


Peter Keune ist Technischer Inspektor 

am DT und leitet die Abteilung Betriebs- 

und Gebäudemanagment. Er koordiniert 

20 Mitarbeiter, von der Postfrau über die 

Betreibstechnik bis zum Kraftfahrer. Er 

ist der Vermittler zwischen allen Welten. 

Nach siebeneinhalb Jahren verlässt er 

das Deutsche Theater. 

Der Boden öffnet sich. Vor der Treppe 

am Eingangsportal des Theaters gähnen 

große Löcher zwischen großen Sandhaufen. 

Ein Bauarbeiter verschwindet darin, 

sein behelmter Kopf lugt hervor, taucht 

ab, lugt hervor – wie der eines Erdmännchens. 

Hier entsteht eine Hubtreppenanlage 

für Rollstuhlfahrer. Peter Keune, 

technischer Inspektor am Deutschen 

Theater, zeigt auf Berge von Pflastersteinen. 

„Am 9. September, bei der Premiere 

nach der Sommerpause, stehen dort die 

Leute mit Sektgläsern in den Händen.“ 

Er sagt es wie zur Selbstvergewisserung. 

Dann sitzt er mit dem Morgenkaffee in 

der Sonne, wer vorbeiläuft, klopft ihm 

auf die Schulter, flachst ein bisschen. 

Mancher schaut irritiert: Keune, bewegungslos 

auf einem Stuhl? Normalerweise 

läuft er kreuz und quer über die 

24.000 Quadratmeter Bruttogeschossfläche 

des DT. Springt zwischen den Etagen 

hin und her. Er nimmt immer zwei 

Stufen auf einmal, manchmal auch drei. 

Jetzt aber sitzt er da und erzählt, warum 

er aufhört. „Nutzervertreter“ sei er, 

sagt Keune. Das Land Berlin beauftragt 

und zahlt, eine Firma liefert, er steht 

dazwischen und kontrolliert: Kriegt die 

Stadt, was sie bestellt hat? „Ich bin 

immer die Maulbacke, der ‚Wünsch-Dir- 

was-Heini‘.“ Keune, der Vermittler. Er 

muss all den ständig wechselnden Regieassistenten 

und -hospitanten erklären, 

warum sie die Brandschutztüren 

nie offen lassen dürfen. Warum man eine 

Wandzeitung nicht einfach irgendwo 

hinhängen kann. „Ach, schon wieder der 

Sicherheitsfuzzi“, hört er sie dann den- 

ken. 20 Mitarbeiter hat er unter sich, 

„die Postfrau interessiert nicht, was der 

Betriebselektriker in der Spätschicht 

macht“, die Bauarbeiter können keine 

Rücksicht auf jede kreative Pause nehmen. 

Und wenn ein Regisseur fragt 

Ortstermin 

Der 

Wünsch-Dir-was 

Heini 

„Warum ist das so laut?“, ist es Keune, 

der eine Antwort finden muss. 

Man könnte meinen, Peter Keune mag 

seinen Beruf nicht besonders. Doch dann 

sagt er Sätze wie diesen: „Die vielbeschworene 

Theaterfamilie gibt es wirklich.“ 

Der 43-jährige mit den dicken goldenen 

Creolen in den Ohren – vier links, 

zwei rechts –, den nach hinten gegelten 

Haaren und dem herzlichen Lachen 

war bei fast allen Premierenfeiern dabei, 

hat unzähl ige Theater-Vorstellungen 

besucht. Das Endprodukt müsse 

einem vertraut sein, sagt er. „Ein VW-Angestellter 

muss doch auch wissen, wie 

ein Golf aussieht.“ Freundschaften sind 

entstanden. Arroganz – hier die Kunst, 

da die profane Technik – gab es nie. Eine 

so heterogene Kollegschaft sei vielleicht 

beruflich manchmal von Nachteil, 

sagt Keune, der Vermittler. Emotional 

aber sei es ganz klar ein Vorteil. Das ist 

es wohl, was ihn ans Theater verschlagen 

hat. In der DDR arbeitete der Baufacharbeiter 

auf dem Bau, als Kraftfahrer 

oder Maurer. Dann Studium der Theater- 

Veranstaltungstech nik. Nach zwei Jahren 

am Gorki wechselt Keune zum Deutschen 

Theater, wird Abteilungsleiter im 

Bereich Betriebs- und Gebäudemanagement. 

„Ich bin Teil eines Kulturbetriebes“, 

sagt er. „Ich bin ja nicht auf eine 

Werft gegangen oder auf dem Bau geblieben.“ 

Aber irgendwie hat er dann eben 

doch „den schwarzen Peter gezogen“, 

16 


mit diesem „Faxenkram“. Irgendwie hat 

er eben doch wenig mit Theater zu tun. 

Genug geredet. Keune muss weiter, zur 

nächsten Bauabnahme. Zack, zack, hoch 

die Treppen, zu Frau Ernst von der Bauleitung. 

Unter ihrem Arm klemmt ein 

Leitz-Ordner mit der Aufschrift „DT – 

Bodenbelag“. Keune klopft auf WC-Fliesen, 

inspiziert Treppenfugen und nickt 

zufrieden. Am Ende unterschreibt er. 

„Wenn jetzt was kaputtgeht, hat das DT 

selber schuld.“ Es geht weiter, kreuz und 

quer durchs Haus, Schultern klopfen, im 

Vorbeigehen Dokumente unterzeichnen, 

Anrufe entgegennehmen. Keune lässt 

seine Leute mitreden, auch bei der Bürogestaltung. 

„Die sitzen ihr halbes Leben 

im Büro, warum soll ich ihnen nicht die 

Wände in ihrer Wunschfarbe anmalen? 

Rosa oder grün … so ein Drops Abtönfarbe 

kostet doch nix!“ 

Um elf Uhr ist Mitarbeiterrunde. Peter 

Keune sitzt an seinem Schreibtisch, vier 

Kollegen haben sich davor versammelt. 

Aufgabenplanung. 

Zu wenige Feuer löscher auf der Probebühne 

Reinhardtstraße. Der TÜV muss 

beauftragt werden, für die Fahrstühle. 

Briefkastenschlüssel? Verbandskästen? 

Pinnwand oder Magnettafel, was ist 

billiger? Die Goldleiste im ersten Rang 

– wurde die nun gestrichen? Das „Bitte 

Ruhe“-Schild müsste rot leuchten, das 

hat die Werkstatt nicht geschafft. Und 

haben wir eigentlich Bierbänke? Um 

Bierbänke muss sich Keune bald nicht 

mehr kümmern. Er wechselt in ein Planungsbüro, 

das u.a. bei der Sanierung 

der Staatsoper beteiligt ist. „Glamourfaktor 

und Feierquote werden da sicher sinken“, 

sagt er und wirkt dann doch etwas 

wehmütig. „Da muss ich kein Prophet 

sein, um zu wissen, dass ich weiterhin 

hierher komme.“ Dann dreht er sich um, 

läuft los, zum nächsten Termin, irgendwo 

auf den 24.000 Quadratmetern. Frau 

X braucht ein Regal und einen Spiegel, 

Frau Y findet die Toilette der Probebühne 

zu dreckig. Zack, zack. Rauf auf den Treppenabsatz. 

Immer zwei Stufen auf einmal. 

Manchmal drei. Weg ist er. 

Text: Lydia Brakebusch 

Wie würdest Du deine Arbeitsweise beschreiben, was interessiert 

Dich am Theatermachen? 

Es hört sich vielleicht platt an, aber für mich ist der Weg das 

Ziel. Ich merke, dass ich nur Lust an der Arbeit habe, wenn 

ich das gemeinsam mit Leuten tue, die sich ‚dafür‘ entschieden 

haben. Es gibt ja immer einen Punkt zu Beginn einer 

Produktion wo man merkt, ob man sich reinwerfen will und 

gerne an etwas arbeitet oder das Gefühl hat, es geht ums 

Durchstehen und sich ansonsten fernhalten möchte. Ich versuche 

immer, allen Beteiligten das Versprechen abzunehmen, 

dass wir eine gemeinsame Sache machen, die uns 

Freude bringen soll, die wir gern spielen und das wird dann 

hoffentlich auch für das Publikum sichtbar. 

Du bist im dritten Jahr des Regie-Studiums an der ‚Ernst-Busch‘ 

und hast nebenbei eine Ausbildung zur Yogalehrerin gemacht. 

Theater und Yoga – wie geht das zusammen? 

Eigentlich ja gar nicht. Gleichzeitig könnte ich aber Theater 

ohne Yoga nicht machen. Durch Yoga bekomme ich die 

nöti ge Ruhe und Kraft, die man im Theater braucht, um das 

irgendwie gut durchzuhalten, um immer wieder neue Energie 

zu haben, um immer wieder inspiriert zu sein, um immer 

wieder bei sich zu bleiben, egal wie groß die Panik und 

Anspan nung manchmal ist. Theater und Yoga haben die 

Gemein samkeit, dass es um den Moment geht, es geht nicht 

ums Gestern, es geht nicht ums Morgen, es geht immer ums 

Jetzt. Es ist die Wiederholung von etwas, es ist aber auch 

die ständige Veränderung. Du kannst im Theater ja nichts 

konservieren, es verändert sich immer weiter – das ist so 

beim Inszenieren und beim Yoga. Es gibt einem ein Zuhause, 

das sich trotzdem permanent verändert. Und es gibt mir die 

Konzentration und Leichtigkeit, mein Bestes zu geben, ohne 

verbissen zu sein. 

‚Blinde Punkte. Sterne‘ ist die Geschichte von zwei liebenswerten 

Losern, Leon und Patrick, denen ein nerviges Wunder in Gestalt 

des 13-jährigen Mädchens Ivy begegnet – was reizt Dich 

an dem Stück? 

Was ich im Moment spannend finde, wo ich aber auch gerade 

ein bisschen ins Schleudern komme, ist, diese Jungsfreundschaft 

auf eine überraschende Weise zu erzählen, 

gewissermaßen zu versuchen, einen Perspektivwechsel vorzunehmen 

und mich an diese Jungswelt heranzupirschen. 

Mich interessieren an dem Stück die Fragen: Wie geht man 

durchs Leben, wie versucht man zu sein, wie kommt man 

auf Dinge, die einen wirklich interessieren? Wie kriegt man 

sich in die Gänge, wo verpasst man was, wo verpasst man 

sich? Und worauf kann man sich wirklich verlassen – auf eine 

Freundschaft, auf eine innere Stimme, auf die Offenheit dem 

Leben gegenüber? Patrick und besonders Leon wollen nicht 

so richtig auf die Suche gehen, sie sitzen zu Hause, machen 

Blinde Punkte. Sterne 

Das Prinzip Freude 

Lilja Rupprecht inszeniert die Entdeckung der Autorentheatertage 2011, 

‚Blinde Punkte. Sterne‘ von Mathilda Onur 

17 


irgendwelche Jobs, aber nur fürs Geld, nicht aus Interesse, 

sind unzufrieden, ändern aber nichts. 

Bei der Besetzung der Ivy haben wir lange überlegt, was diese 

Figur bedeutet, als was man sie lesen könnte und Du hast Dich 

entschieden, sie tatsächlich, wie im Stück beschrieben, mit 

einem 13-jährigen Mädchen zu besetzen. 

Mich reizt es, mit jemandem zu arbeiten, der nicht so abgesichert 

ist, der sich anders reinwagen muss, damit es funktioniert. 

So wird auch die Begegnung mit Leon und generell 

mit der Welt, die sie umgibt, viel brutaler. Jannika Sie ist 

noch so verletzlich und gleichzeitig schon so stark und tough 

mit ihren 13 Jahren und ihrer Zahnspange. Auf der einen 

Seite muss die Figur der Ivy etwas Strahlendes, Naives 

haben und auf der anderen Seite eine Penetranz, einen Fanatismus, 

eine Unbedingtheit in ihrer Liebe. Sie erinnert sehr 

an Kleists ‚Käthchen von Heilbronn‘, allerdings an ein viel 

frecheres, moderneres. 

Interview: Anika Steinhoff 

Ole Lagerpusch, Elias Arens, Jannika Hinz, Barbara Heynen, Ingo Schröder 

Blinde Punkte. Sterne 

von Mathilda Onur 

Regie: Lilja Rupprecht, Bühne: Nikolaus Frinke, 

Kostüme: Bettina Schürmann, Dramaturgie: Anika Steinhoff 

Es spielen: Elias Arens, Barbara Heynen, 

Jannika Hinz, Ole Lagerpusch; Ingo Schröder (Live-Musik) 

Uraufführung: 15. September 2011, Box 

© Arno Declair


Wenn es ein geheimes Motto dieses Spielzeitanfangs im DT 

gibt, dann ist es vielleicht „verkehrte Welt“. Andreas 

Kriegen burg inszeniert Elfriede Jelineks ‚Winterreise‘ in einer 

Art imaginärem Partnertausch mit Nicolas Stemann. 

Michael Thalheimer inszeniert ‚Unschuld‘ von Dea Loher und 

tauscht auf diese Weise Texte mit Andreas Kriegenburg, der 

als der Uraufführungsregisseur von Loher überhaupt gilt, so 

auch im Fall von ‚Unschuld‘, das er im Oktober 2003 als 

Auftrags werk für das Hamburger Thalia Theater erstmals in 

Szene setzte. Knapp acht Jahre später also eine Neuinszenier 

ung unter veränderten Vorzeichen mit einer ganz anderen 

Regiehandschrift. 

Auf den ersten Blick ist das vielleicht verblüffend oder gar 

verwegen, auf den zweiten nicht. ‚Unschuld‘ ist eines der besten 

deutschsprachigen Stücke der letzten zehn Jahre. Mit diesem 

Text hat Dea Loher das dramatische Modell geschaffen, das 

Glaube, Leere, Hoffnung 

18 


Michael Thalheimer inszeniert ‚Unschuld‘ von Dea Loher 

für ihre weiteren Stücke ‚Das letzte Feuer‘ und ‚Diebe‘ die Form 

ihres Erzählens auf der Bühne geprägt hat. Und selten ist Dea 

Loher in einem Stück die Berührung so vieler Extreme gelungen: 

der Komik und Trauer, der Fremdheit und Nähe, der Wut 

und Zärtlichkeit, des Politischen und Persönlichen. 

Kein Wunder also, dass sich Michael Thalheimer für seine 

erste Inszenierung eines deutschsprachigen Gegenwartsdramas 

Dea Lohers ‚Unschuld‘ ausgesucht hat. Eine selbstgewählte 

Herausforderung, nachdem er sich vor allem durch die 

Reduktion großer klassischer Stoffe auf ihren Kern einen Namen 

gemacht hat, immer auf der Suche nach dem „pulsierenden Zentrum“ 

eines Stückes. Dea Lohers Text sperrt sich gegen eine 

solche Herangehensweise. Anstelle einer Kernaussage stehen 

bei ihr verwobene Geschichten und Episoden. Anstatt aus einer 

kraftstrotzenden dramatischen Mitte erzählt sie von den 

Rändern und der Peripherie her. Und sie zielt auch nicht auf ein 

Tod und Schrecken bringendes Finale, sondern stellt ihre kleinen 

und großen Geschichten in eine Offenheit und Schwebe, die 

bei aller Traurigkeit auch Momente von Hoffnung und Versöhnung 

enthält. 

In fünf Erzählsträngen, die sie zuerst nebeneinander ausbreitet, 

dann kunstvoll verwebt, um schließlich die losen Enden 

zusammenzuführen, erzählt Dea Loher von der „Unzuverlässigkeit 

der Welt“: von Existenzen am Rand unserer Gesellschaft, 

Illegalen, ortlos Gewordenen, Sinnsuchern. Ihre Geschichten 

kreisen dabei um nichts Geringeres als um die großen Motive 

von Schuld und Versäumnis, Glaube und Tod. Ohne Scheu berührt 

Loher die letzten Fragen – und vermittelt doch nicht mehr 

als ein subtiles Ahnen, ein vages Gefühl, was all das bedeuten 

könnte. 

Der Text entzieht sich jeder Eindeutigkeit, verweigert definitive 

Antworten. Man kann Dea Loher heraushören, wenn die 

19 


Peter Moltzen, Katrin Wichmann, Andreas Döhler 

Philosophin Ella in einer ihrer verzweifelten Tiraden die Devise 

ausgibt: „Ich will keine Draufsicht / Ich will keine Überblicksphilosophie, 

/ ich will keine lückenlose Zusammenhangserklärung, 

/ ich hasse Systeme, / ich werde mich ganz dem Fragment, 

dem Lückenhaften / dem Unvollkommenen, dem Bruch, dem 

Rest, dem Unverstandenen widmen.“ Man kann das auch als 

Dea Lohers poetisches Programm verstehen, als Credo für ihre 

unverwechselbare Art, vom Leben in Mikroausschnitten zu 

erzählen. 

Mehr Schuld als Unschuld 

In die Reihe seiner bisherigen Inszenierungen würde ein Stücktitel 

wie ‚Schuld‘ wohl besser passen als ‚Unschuld‘, stellt 

Michael Thalheimer zu Beginn der Proben lachend fest. Die 

© Arno Declair

Kategorien der antiken Tragödie, Schicksal, Schuld, Ausweglosigkeit, 

sind ihm aus der Arbeit sehr vertraut, und doch fordert 

‚Unschuld‘ zu einer neuen Auseinandersetzung mit dem Thema 

heraus, diesseits des antiken Schuldbegriffs. Wir sehen kein 

hero isches Einzelschicksal, keinen Protagonisten, der ausweg- 

und alternativlos seinem Untergang entgegengeht oder durch 

seinen Auftrag schuldig wird und reift. 

Die Beziehungen von Lohers Figuren zu Schuld sind ungleich 

vielfältiger und verzweigter. Sie berühren oder streifen die 

Schuldfrage auf ganz unterschiedlichen Ebenen: in ihrer moralischen, 

religiösen, politischen und ganz persönlichen Dimension. 

Heroisch ist keine dieser Figuren, ein fatalistischer Schicksalsbegriff 

verfehlt. Vielmehr scheint dann und wann, in 

behutsam gezeichneten Momenten der Annäherung, die Möglichkeit 

auf, dass alles doch auch ganz anders sein könnte. 

Das Stück 

Irgendwo in Europa. Eine Stadt am Meer. Verschiedene 

Geschich ten und Schicksale: Die illegalen Einwanderer Elisio 

und Fadoul beobachten eine junge Frau mit roten Haaren, die 

ins Wasser geht und ertrinkt. Ein Unfall? Selbstmord? Ein Tod 

ohne Geschichte? Die verpasste Möglichkeit, die Frau mit den 

roten Haaren zu retten, ihr gemeinsames Versagen im Moment 

der Not, wird für Fadoul und Elisio zu einer erdrückenden Schuld 

und führt sie auf unterschiedliche Wege. Sie scheiden sich in 

der Begegnung mit dem Absoluten in Gestalt einer blinden 

Stripperin und dem Geld, das sie in einer Tüte finden. – Frau 

Zucker ist Mutter, hat Diabetes im Endstadium und sucht ihre 

jüngste Tochter heim, der sie „die Verantwortung für sich übergibt“. 

Für ihr nichtgelebtes Leben rächt sie sich, indem sie immer 

wieder die Träume durchspielt, die sie vierzig Jahre auf dem 

Postamt geträumt hat. Ihre Tochter Rosa ist keine Mutter, wäre 

es aber gerne. Ihr Mann Franz verweigert sich der Familiengründung, 

und Rosa sieht bereits die versäumte Zukunft vor ihrem 

inneren Auge ablaufen, so als zöge sich das Leben immer mehr 

von ihr zurück. Franz wird nach einem abgebrochenen Medizinstudium 

Leichenwäscher. Seine Liebe und sein Mitgefühl gelten 

ganz den Toten. Die Möglichkeit der Liebe mit der noch ganz 

lebendigen Rosa lässt er ungenutzt, ja unberührt verstreichen. 

– Frau Habersatt entschuldigt sich unentwegt für einen Sohn, 

den sie zu ihrem eigenen Leidwesen nie hatte, der aber ein Mörder, 

Vergewaltiger und Amokläufer hätte sein können, und die 

Philosophin Ella verwirft nahezu alle Theorien, denen sie ihr 

Leben gewidmet hat. 

Glaube – Leere – Hoffnung 

Als „zutiefst religiöses Stück“ bezeichnet Michael Thalheimer 

Dea Lohers ‚Unschuld‘, und tatsächlich gibt es in dieser Welt 

der Zufälle und Unzuverlässigkeiten immer wieder Dinge, die 

Unschuld 

20 


an Zeichen grenzen, so zum Beispiel die mit Geld gefüllte Tüte 

an einer Bushaltestelle, mit der die ohnmächtigsten, mittellosesten 

Figuren des Stückes auf einmal Macht und Handlungsmöglichkeiten 

bekommen. Wozu ist es da, dieses Geld? Was 

sollen sie damit tun? Ist es unrechtmäßig oder gottgewollt? 

Fadoul glaubt fest an einen göttlichen Auftrag, der ihm zuteil 

wurde, um ein Werk zu vollbringen und so seine Schuld zu tilgen. 

In seiner Hybris beschließt er, der blinden Stripperin Absolut 

durch eine Operation das Augenlicht zu schenken. Ein Versuch, 

der fehlschlägt. Die Tänzerin Absolut wird kein Teil der 

sehenden Welt Fadouls. 

War das Geld also kein göttlicher Wink, sondern nur Zufall 

und sein „Auftrag“ ein bloßes Missverständnis? Für Fadoul 

nicht. Er gibt das Geld und den einmal gefundenen Sinn nicht 

wieder her. Lieber verurteilt er seine Freunde als „Ungläubige“ 

und beharrt auf seiner religiösen Sendung, die ihn in Isolation 

und Einsamkeit führt. Anders Elisio. Er geht den entgegen 

gesetz ten, lebenspraktischen Weg unter die Menschen und 

macht sich auf die Suche nach der Identität der Ertrunkenen, in 

der Hoffnung, Beweise für einen geplanten Selbstmord zu finden, 

die ihn aus der Verantwortung entlassen würden. Er sucht 

ihren Namen und die Geschichte, die zu ihrem Tod führt, um 

sich von seiner Schuld zu befreien. 

„Nun aber bleiben Glaube, Hoffnung, Liebe, diese drei, am 

größten jedoch unter ihnen ist die Liebe“, heißt es bei Paulus. 

Glaube und Hoffnung finden sich in Dea Lohers Stück in verschiedenster 

Form und Gestalt. Die wichtigste christliche 

Tugend aber, die Liebe, bleibt in ‚Unschuld‘ ein unerfüllter 

Wunsch, eine verpasste Möglichkeit, die kurz aufscheint, aber 

nicht verwirklicht wird. Was Dea Loher indessen keineswegs 

schuldig bleibt, ist die immer dichtere Verknüpfung der Einzelschicksale. 

Die Figuren begegnen sich auf ihrer Suche nach Auswegen 

aus der Schuld. Die einzelnen Lebenslinien verweben 

sich miteinander, und aus den Verlorenen und Randständigen 

des Stückes wird immer mehr eine Gruppe, ein Ensemble. Für 

Dea Lohers Figuren ist das noch lange keine Rettung, aber vielleicht 

ein Trost. 

Text: John von Düffel 

Unschuld 

von Dea Loher 

Regie: Michael Thalheimer, Bühne: Olaf Altmann, 

Kostüme: Michaela Barth, Musik: Bert Wrede, 

Chorleitung: Marcus Crome, Dramaturgie: John von Düffel 

Es spielen: Andreas Döhler, Michael Gerber, Olivia Gräser, 

Gabriele Heinz, Ingo Hülsmann, Jürgen Huth, Sven Lehmann, Peter 

Moltzen, Kathleen Morgeneyer, Barbara Schnitzler, Katrin Wichmann 

Premiere: 29. September 2011, Deutsches Theater 


Szenen im DT 

Die Aufenthaltsräume der Bühnentechniker werden saniert. Kein Problem – in der Containerdatscha auf dem Hinterhof 

haben sie sich gemütlich eingerichtet. Und eine Terasse mit Frischluft gibt es sonst auch nicht. 

21 



Der Krieg ist auch 

in den Menschen 

Für Maren Eggert beginnen in Kürze die Proben für 

Eugene O’Neills ,Trauer muss Elektra tragen‘. 

In Stephan Kimmigs Inszenierung spielt sie die Lavinia/Elektra, 

eine Frau, die Liebe und Hass gleichermaßen intensiv und mit einer 

Konsequenz lebt, die weit über psychologischen Realismus hinausgeht. 

22 



Vor sieben Wochen haben wir unsere Strichfassung von ‚Trauer 

muss Elektra tragen‘ zum ersten Mal gemeinsam gelesen. Diese 

Woche fangen nun die Proben an. Hast Du das Stück in die 

Sommer pause mitgenommen? 

Ich habe zwar einen Ausdruck des Stückes mit in den Urlaub 

genommen, es hat mich dann aber vor allem gedanklich 

beglei tet. Bestimmte Nachrichten oder Themen haben sich 

automatisch mit ‚Trauer muss Elektra tragen‘ verbunden den 

Sommer über. Mir gefällt es so ganz gut: Ich lasse das Stück 

in Ruhe – und es schwirrt mir im Kopf herum. 

Hast Du dich in der Zeit mit deiner Rolle beschäftigt oder tust 

Du das in der Regel erst, wenn die Proben beginnen? 

Das mache ich immer wie es kommt. Ich nehme es mir nicht 

gezielt vor. Dieses Mal war es eher so, dass mich alle Figuren 

aus dem Stück sehr beschäftigt haben, ihr Zusammenhang, 

ihre Eigenheiten und wie sie miteinander umgehen. 

Meine Rolle wird erst jetzt in der direkten Vorbereitung auf 

den Probenbeginn wichtiger für mich. Zurzeit ist sie noch 

eine Fremde. Aber irgendwann nähere ich mich der Figur 

natürlich an und suche etwas, was mich an ihr berührt, egal 

wie fürchterlich sie ist. Ich finde es sehr tricky den richtigen 

Zeitpunkt dafür zu finden, auf seine Figur zuzugehen. Es 

kann zu früh, aber es kann auch zu spät sein. Das ist wie die 

Begegnung mit einer realen Person: Es ist wichtig das richtige 

Timing, eine gute Chemie hinzubekommen. 

O’Neill hat die ‚Orestie‘ von Aischylos überschrieben und das 

Geschehen in den Amerikanischen Bürgerkrieg verlegt. Entsprechend 

der Vorlage wimmelt es von radikalen Persönlichkeiten, 

von Mörderinnen und fanatisch Liebenden. Wie nähert man sich 

einer solchen Figur als Schauspielerin an? 

Das ist nicht einfach. Die Mutter umzubringen, nur weil sie 

den Vater betrügt, erscheint schon fremd. Dieser Mutterkonflikt 

ist im Stück enorm ausgeprägt, ich persönlich kann ihn 

kaum als realistisch empfinden. Aber überraschenderweise 

erinnert mich Lavinia ein wenig an Hamlet – der Konflikt mit 

der Elterngeneration und der Ekel vor den erotischen Entgleisungen 

der Mutter zum Beispiel ist beiden Figuren eigen. 

Und dieses lange Warten, Zögern, ohne zu handeln. Solche 

Parallelen helfen manchmal, sich einer Figur zu nähern. 

Trotz ihrer Wut ist Lavinia auch eine Figur voller Sehnsucht. 

Irgend wie liebt sie fast alle Menschen im Stück – auf ihre Weise. 

Möchte sie vielleicht nur selbst geliebt werden? 

Sie ist zerrissen. Ich habe den Eindruck, sie möchte einen 

Platz in der Gemeinschaft haben. Auch diese übertriebene 

Liebe zum Vater ist für mich ein Indiz für eine intensive 

Suche nach Zugehörigkeit. Dabei ist ihr selbst unklar, welche 

Rolle sie in der Familie wirklich hat, welche Identität. 

Die Entsprechungen zum Elektra-Stoff sind für mich hierbei 

wichtig. Irgendwie erklärt sich darüber das Monströse leichter: 

Es ist kein realistisches Stück über eine normale, amerikanische 

Familie. Die Situation ist sehr zugespitzt, die 

Figur en leben abgekapselt in ihrem Haus, es gibt keinen 

Austausch, keine Luft von außen. Die Konflikte schwelen wie 

eine abgekapselte Entzündung. Und die Figuren sind sehr 

brutal im Umgang miteinander. Der Krieg ist auch in den 

Menschen. Mord ist ein normales Mittel, sich durchzusetzen. 

Das fängt bei meiner Figur und der Mutter an: Beide spielen 

Trauer muss Elektra tragen 

23 


ein Spiel von Liebesentzug und Machtdemonstration. Die 

Figuren sind im stetigen Kampf um Dominanz, dabei gibt es 

keine Gewinner. 

‚Trauer muss Elektra tragen‘ beschreibt eindrucksvoll, was es 

heißt jemanden zu töten und dass der Mensch danach nicht 

mehr derselbe ist. Ist Krieg ein Thema, das Dich angeht? 

Ich fühle mich – ähnlich wie die Frauen im Stück – sehr in 

Distanz zu jeglichem Kriegsgeschehen, ich habe keine Ahnung, 

was Krieg wirklich heißt. Das Thema ist wichtig – aber 

meine persönliche Erfahrungswelt ist ähnlich entfernt von 

so etwas wie Krieg wie die Lavinias. O‘Neill beschreibt sehr 

gut, was der Krieg mit den Menschen macht. Wenn Orin über 

Hazel sagt, dass sie immer noch so wie vorher ist, wird deutlich, 

dass er keine gemeinsame Zukunft mehr mit ihr sieht: 

Was er erlebt hat, lässt sich nicht zurückschrauben, er kann 

nicht zurück in sein normales Leben. Nach seinen Kriegserfahrungen 

leben sie in verschiedenen Welten. 

Mit Stephan Kimmig hast Du schon öfter gearbeitet, zuletzt in 

‚Über Leben‘. Was macht diesen Regisseur für Dich aus? 

Stephan hat die ausgeprägte Gabe, einen wahrzunehmen. 

Ihn interessiert nicht, was ein Schauspieler vorspielt, sondern 

er sieht das, was darunter ist. Ich finde ihn sehr mutig, 

er lässt Grenzüberschreitungen zu, sowohl bei seinen Schauspielern 

als auch bei seiner eigenen Arbeit. Ich empfand 

seine Arbeitsweise früher eher als impulsiv und verspielt, in 

letzter Zeit dagegen fast als weise. Er lässt mehr geschehen 

und hat einen längeren Atem. Er ist konsequent in seiner 

Suche nach einer transparenten Spielweise. Er könnte einfach 

ganz normales psychologisches, wirkungsbewusstes 

Theater machen, aber das interessiert ihn nicht. 

Freust du Dich auf die historischen Kostüme, die die Kostümbildnerin 

Anja Rabes für dieses Stück entworfen hat? 

Es ist toll, wenn man solch fremde, opulente Kostüme trägt. 

Es macht gleich etwas mit einem, bewegt die Fantasie, 

schon bei der Anprobe. 

Fragen: Sonja Anders 

Trauer muss Elektra tragen 

von Eugene O‘Neill 

Regie: Stephan Kimmig, Bühne: Katja Haß, Kostüme: Anja Rabes, 

Musik: Ingo Schröder, Dramaturgie: Sonja Anders 

Es spielen: Natalia Belitski, Maren Eggert, Sebastian Grünewald, 

Friederike Kammer, Alexander Khuon, Helmut Mooshammer, Bernd Moss 

Premiere: 18. Oktober 2011, Deutsches Theater 

O’Neills Familiendrama, basierend auf der ‚Orestie‘, spielt in der Zeit 

nach dem amerikanischen Bürgerkrieg. Ezra Mannon kehrt aus dem 

Krieg zurück. Während seine Tochter Lavinia ihn sehnsüchtig erwartet, 

plant seine Frau Christine mit ihrem Geliebten Adam Brant bereits 

seinen Tod. Lavinia, ebenfalls verliebt in Brant, droht ihrem Vater 

alles zu berichten. Christine vergiftet ihren Mann. Als Lavinias Bruder 

Orin traumatisiert aus dem Krieg heimkehrt, erzählt seine Schwester 

ihm alles und gemeinsam schmieden sie einen Mordplan.

Die vier Himmelsrichtungen 

Almut Zilcher, Andreas Döhler, Ulrich Matthes, Kathleen Morgeneyer 

Den Blick 

zu den Sternen muss 

man aushalten … 

Ein Gespräch mit dem Bühnen- und Kostümbildner Johannes Schütz 

zur Uraufführung von Roland Schimmelpfennigs ‚Die vier Himmelsrichtungen‘ 

Herr Schütz, in Roland Schimmelpfennigs neuem Stück ‚Die vier 

Himmelsrichtungen‘ geht es um Augenblicke der vier Figuren, 

die ihr Leben entscheidend beeinflussen. Was war Ihr „wichtigster 

Tag im Leben“? 

Das war der Tag, an dem ich geboren wurde. 

Und so einen Wendepunkt im Leben wie ihn der „kräftige Mann“ 

in ‚Die vier Himmelsrichtungen‘ nach einem Unfall erlebt hat, 

finden Sie bisher nicht in Ihrer Biografie? 

Die Tragik dieser Figur besteht möglicherweise darin, dass 

sie nur einen Wendepunkt im Leben hat. Es muss im Leben 

viele Wendepunkte geben, täglich passiert etwas, das sich 

gestern noch nicht ereignet hat, und im Idealfall soll man an 

jedem Tag etwas tun, was man am Tag zuvor noch nicht 

getan hat. 

Aber kann man sich das vornehmen? 

Nein, das kann man sich nicht vornehmen. Ich bin disponiert 

zur Wiederholung, die Unterbrechung kommt von außen. 

Und es ist dann auch eine Frage der Wahrnehmungsenergie 

und der Neugier, wie ich Begegnungen und Ereignisse täglich 

erlebe. 

24 


Mit Roland Schimmelpfennigs Texten haben Sie bereits mehrere 

Tage zugebracht … 

Mehrere Tage? Vielleicht Jahre. ‚Die vier Himmelsrichtungen‘ 

ist der zwölfte Text von Schimmelpfennig, an dem ich 

arbeite. Es begann mit ‚Push up‘ 2001 am Schauspielhaus in 

Hamburg in der Inszenierung von Jürgen Gosch. Die letzten 

Produktionen waren ‚Der goldene Drache‘ und ‚Peggy Pickit 

sieht das Gesicht Gottes‘, die Roland Schimmelpfennig beide 

am Akademietheater in Wien inszeniert hat. 

Können Sie Veränderungen in der Zusammenarbeit mit Roland 

Schimmelpfennig und seinen Texten feststellen? 

Die Arbeit an Texten von Schimmelpfennig hat meine Methode 

Theaterräume zu entwickeln verändert. Die Raumbeschreibung 

ist nie direkt und konkret formuliert, sondern 

immer konnotiert im Text der Darsteller. Kodiert in deren Dialogen 

und Erzählungen entstehen beim Lesen assoziative 

Vorstellungen von möglichen Räumen, in denen diese Texte 

aufgeführt werden können. Paradoxerweise müssen die 

Bühnen für diese Texte sehr real sein, dürfen aber gleichzeitig 

keine Information vermitteln. Früher hätten seine Stücke 

sicher eine Form von Überforderung oder Verstörung bei mir 


ausgelöst. Inzwischen ist es anders, wenn man die Stücke 

von Schimmelpfennig nach Arbeiten an Shakespeare und 

Tschechow kennengelernt hat, fühlt man sich ihnen eher gewachsen. 

Die Texte von Schimmelpfennig haben sich in den 

letzten Jahren sehr verändert in ihren Theaterschilderungen 

und Versuchsanordnungen. In der Abfolge der Stücke 

‚Vor langer Zeit im Mai‘, ‚Vorher Nachher‘, ‚Ambrosia‘, ‚Das 

Reich der Tiere‘ oder ‚Der goldene Drache‘ bis zu ‚Die vier 

Himmelsrichtungen‘ hat sich sein Blick auf das Theater, was 

man mit Schauspielern auf einer Bühne erzählen kann, immer 

enger fokussiert auf zwei Brennpunkte: Den Bericht und 

das Spiel. 

Es ist also eine Fortführung von einzelnen Motiven und Themen 

in seinen Stücken festzustellen? 

Ja. Und die Anstrengung sie aufzuführen und, dass man nie 

weiß wie man es machen soll, das ist geblieben. Die Texte 

überfordern die Möglichkeiten, sie gehen an die Grenze. Da 

hilft nur eins: Alles machen, was drin steht. 

An was dachten Sie, als Sie zum ersten Mal ‚Die vier Himmelsrichtungen‘ 

gelesen haben und wie hat sich Ihre Idee zum Bühnenbild 

entwickelt? 

Der Text ist anders als frühere Texte. Eine sehr musikalische 

Erzählung von großer sozialer Realität, über vier Menschen, 

von denen drei am Ende sterben und einer vielleicht für 

lange Zeit ins Gefängnis muss. In ‚Die vier Himmelsrichtungen‘ 

geht es um ein Quartett poetischer Stadtrandexistenzen, 

deren Zusammensein durch zufällige Gemein samkeiten 

bewirkt wird. Die Figuren, die aus vier Himmels - 

richtungen kommen, treffen sich an einem bestim mten 

zeitlichen und räumlichen Punkt und pflegen geraume Zeit 

urbane Kontakte miteinander. Wenn man es träumen würde, 

spielte das Stück nachts auf einer Kreuzung ohne Häuser, 

ein sich mit Abweichungen wiederholendes Vorstadt-Nocturne. 

Und das war dann das Ziel für die Bühne: Viel Platz, 

nachts, draußen, aus der bewölkten Nacht entwickeln sich 

die Tageszeiten mit Nebel, Regen und Schnee. Der Musikalität 

des Textes wegen dachten wir früh an ein kleines Konzertpodest, 

das in einer diesigen Landschaft steht. Wetter 

hat etwas mit Wolken zu tun. Und jetzt ist es diese Mischung 

aus frisch gepflügtem Acker und Bauerwartungsland. 

Außer der kleinen Bühne gibt es noch eine in der Landschaft 

liegengelassene Baggerschaufel. Das ermöglicht den Sternenhimmel. 

Eine Figur in ‚Die vier Himmelsrichtungen‘ findet im Straßengraben 

eine LKW-Ladung mit 400 Kisten Modellierballons, die 

eine andere Figur nach einem Unfall dort liegenlassen hat. Was 

würden Sie mit 400 Kartons Luftballons machen? 

Keine Bühne bauen (lacht). Es ist die alte Frage: Was passiert, 

wenn man einem Unfall beiwohnt: plündern oder helfen? 

Am Ende des Stückes erfahren die beiden Protagonisten, 

dass sie auf komplementäre Weise über diese 400 

Kartons etwas miteinander zu tun haben. Was dem einen 


25 


verlorengegangen ist, hat der andere geborgen. Havarien 

produzieren Strandgut, eine der häufigsten anthropologischen 

Wiederholungen. 

Und beide beschreiben diesen Tag als den „wichtigsten Tag“ in 

ihrem Leben. Unabhängig davon verlieben sie sich in eine junge 

Frau. Es gibt also noch ein weiteres verbindendes Element. Das 

Stück handelt vom Sterben und vom Tod, der jeden von uns ereilen 

wird. Glauben Sie an ein Leben nach dem Tod? 

Nein. Die Teile, aus denen Sie und ich zusammengesetzt sind, 

können der Erde nicht entkommen. In welchen Konstellationen 

sie sich auch neu zusammensetzen mögen, es ist 

keine Kontinuität des Ichs gewährleistet. Das Ich hört mit 

dem Tod auf. Falls ich mich täusche, werde ich mich, da ich 

nicht überraschungsresistent bin, über jedes postmortale 

Programm freuen (lacht). Aber das seelische Frieren im Tode 

hat man doch im Leben als Einsamkeitserfahrung auch auszuhalten. 

Den Blick zu den Sternen muss man aushalten. 

Interview: Ulrich Beck 


von Roland Schimmelpfennig 

Regie: Roland Schimmelpfennig, Bühne und 

Kostüme: Johannes Schütz, Musik: Satoshi Okamoto, 

Dramaturgie: Ulrich Beck 

Es spielen: Andreas Döhler, Ulrich Matthes, 

Kathleen Morgeneyer, Almut Zilcher 

Berlin-Premiere am 28. Okt. 2011, Deutsches Theater 

Uraufführung in Koproduktion mit den Salzburger Festspielen 

Ein Mann verunglückt mit seinem LKW. Er lässt die Ladung im Straßengraben 

liegen und macht sich auf den Weg in ein besseres Leben. 

Ein anderer findet auf dem morgendlichen Weg zur Arbeit die liegengebliebenen 

Kartons und hofft, mit Hilfe der bunten Modellierballons, 

die er darin entdeckt, sein Glück als Kleinkünstler zu finden. Der eine 

kommt aus dem Norden, bringt den Regen mit und kauft sich einen 

Revolver, der andere kommt aus dem Süden und hat zwei Zungen. 

Beide verlieben sich in die junge Frau mit den Schlangenhaaren. Sie 

arbeitet als Kellnerin und wird begleitet vom Wind aus dem Westen. 

Aus den vier Himmelsrichtungen führt das Leben die Menschen 

scheinbar planlos zusammen. Und nur Madame Oiseau, die Wahrsagerin 

aus dem Osten, weiß, dass sie einander zum Schicksal werden. 

Und dass heute jemand für immer geht.

© Tina Berning 

Reden über 

Am 23. Oktober startet im Deutschen Theater die Fortsetzung 

der ‚Reden über Europa‘, die von der Allianz-Kulturstiftung 

seit mehreren Jahren in München, in Wien und in Berlin als 

Forum der öffentlichen Debatte über Europa initiiert und veranstaltet 

wird. Eine das „Markteuropa“ transzendierende 

Idee, ein geistig-kulturelles Fundament, das den Menschen 

auch emotional einen Zugang zum Europagedanken 

öffnet,kann nur in der Diskussion miteinander entwickelt 

werden. Die erste Debatte im Herbst 2011 widmet sich der 

Frage „Europa – von der Zweck- zur Wertegemeinschaft?“ 

Worin bestehen die Herausforderungen der Globalisierung? 

In unserer heterogenen Welt brauchen wir vor allem ein gefestigtes 

Selbstbewusstsein, eine eigene kulturelle Identität 

und das Wissen um ihre Wurzeln, um uns inmitten der 

Herausforderungen von Verschiedenheit und Verstehensdefiziten 

behaupten zu können. Das Leben in dieser Welt 

fordert den Umgang mit Differenz, Komplexität und Fremdheit, 

es fordert die Fähigkeit, Anderssein mit Sympathie und 

Offenheit wahrzunehmen und das Fremde als Bereicherung 

und nicht als Bedrohung zu werten. 

Gibt es eine europäische Identität und hat sie mit Werten zu tun? 

Wenn wir Kultur definieren als das Regelwerk, wie wir miteinander 

und mit unserer Umwelt umgehen, dann sind es 

Werte, die dieses Regelwerk, die geistigen und sozialen Koordinaten, 

bestimmen. Diese Werte haben sich über Jahrhunderte 

herausgebildet aus religiösen Wurzeln und Einflüssen, 

aus dem Kommunikationstransfer der Künste und 

aus staatspolitischen Grundsätzen, wobei in Europa die Aufklärung 

die entscheidenden Staatswerte geprägt hat. Die 

Freiheit des Individuums schließt Gleichheit, Mündigkeit gegenüber 

Staatsmacht und Kirchenmacht ein und unter dem 

Begriff der ‚Brüderlichkeit/fraternité‘ auch Solidarität, Respekt 

vor dem anderen und Toleranz. Dieses historisch gewachsene 

Verständigungsnetzwerk quer durch die europäischen 

Gesellschaften hindurch hat eine europäische 

Identität ausgeprägt, die eine mehrdimensionale ist und Vielfalt 

unabdingbar einschließt. Es geht um die Kohärenz in der 

Vielfalt und um Toleranz der Verschiedenheit gegenüber. 

Europa 

Vier Fragen an Christina Weiss 

26 


Wann begann sich ein europäisches Bewusstsein zu entwickeln? 

Dieses europäische Bewusstsein ist ein kulturell geprägtes: 

es begann mit den wechselseitigen religiösen Einflüssen und 

Auseinandersetzungen zwischen Islam, Judentum und 

Christentum und es formte sich besonders mit dem Kulturtransfer, 

der sich vor allem in der Zeit der Renaissance quer 

durch Europa ausbreitete. Der Humanismus war eine der 

ersten großen geistigen Bewegungen in Europa. Der Austausch 

von Künstlern und Wissenschaftlern in Europa war 

selbstverständlich und intensiv. Die europäischen Fürstenhäuser 

betrieben diesen Austausch mit aktiver, grenzüberschreitender 

Einladungspolitik, die Kultur avancierte im 16. 

Jahrhundert zum großen Geschäft. Die Mobilität war damals 

für die geistige Elite eine Selbstverständlichkeit. Auf dieser 

Basis konnte sich das europäische Selbstbewusstsein entfalten, 

ohne die nationalen und regionalen Eigenheiten aufzugeben. 

Spielen die Künste eine besondere Rolle? 

Die Entwicklung der Kunst als freie, kreative Meinungsäußerung 

des Subjekts hat großen Anteil an der Entwicklung 

eines europäischen Selbst-Bewussteins. Dahinter verbirgt 

sich das Freiheitsrecht auf künstlerische Äußerung, auf Visionsentfaltung 

und subjektiven Kommentar zur Weltsicht. 

Die Erfahrung von Kunst trainiert eine geistige und emotionale 

Offenheit. 

Ich will gerade im Bezug auf die Kunst einen der ersten Theoretiker 

der Demokratie als Staatsform zitieren, John Stuart 

Mill formuliert einen demokratischen Auftrag, für dessen 

Erfüllung die Erfahrung der Pluralität in den Künsten die 

beste Garantie ist: „Die Menschheit verliert die Fähigkeit, 

für Verschiedenheit empfänglich zu sein, wenn sie nicht anfängt, 

die Vielfalt in sich selber zu fördern.“ 

Die Begegnung mit einem Kunstwerk fordert immer dazu 

auf, die Grenzen der bislang gemachten Erfahrungen zu 

überschreiten und sich auf eine neue Weltsicht einzulassen, 

immer wieder neue Lesarten zu probieren. 

Die Veranstaltungen 

Europa – von der Zweck- zur Wertegemeinschaft? 

Christina Weiss, Staatsministerin für Kultur a. D. 

Navid Kermani, Schriftsteller, Hannah-Arendt Preisträger 2011 

(angefragt für key note) 

Marek Prawda, seit 2006 Botschafter 

der Republik Polen in Berlin 

Joachim Gauck, DDR-Bürgerrechtler, Börnepreisträger 2011 

Dagmar Reim, Intendantin Rundfunk Berlin-Brandenburg (rbb) 

Sibylle Lewitscharoff, deutsch-bulgarische Schriftstellerin, 

Kleist-Preisträgerin 

Wolfgang Schmale, Ordinarius für Neueste Geschichte, 

Universität Wien, Autor von ‚Geschichte und Zukunft 

der Europäischen Identität‘ 

23. Oktober, 12–14 Uhr, Deutsches Theater 

Deutschland vor der Wahl: 

Einwanderungsland oder Auswanderungsgesellschaft? 

Klaus J. Bade, Migrationsforscher und Publizist 

(Bericht ‚Migrationsland Deutschland‘) 

Vural Öger, Unternehmer und Mitglied des Europäischen 

Parlaments (MEP/SPD) 

Armin Nassehi, Soziologe und Autor von 

‚Gesellschaft verstehen‘ 

Memet Kilic, Integrationspolitischer Sprecher der Grünen 

Pascala Hugues, Journalistin und Schriftstellerin (angefragt) 

3. November, 18–20 Uhr, Allianz Forum 


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Was heißt hier eigentlich ‚Zigeuner‘? – 

Wie Europa mit seiner größten Mindertheiten umgeht 

Marion von Haaren, ARD-Korrespondentin Brüssel 

Vivianne Reding, Vizepräsidentin der Europäischen Kommission 

und EU-Kommissarin für Justiz, Grundrechte und Bürgerschaft 

Herta Müller, Nobelpreisträgerin für Literatur 2010 

Lívia Járóka, EP-Abgeordnete, Berichterstatterin des 

Ausschusses für die Roma-Strategie 

Romani Rose, Vorsitzender des Zentralrats 

Deutscher Roma und Sinti 

Klaus-Michael Bogdal, Literaturwissenschaftler und Autor von 

‚Deutschland erfindet die Zigeuner‘ 

10. November, 18–20 Uhr, Allianz Forum 

Sanftes Monster Brüssel? – 

Wieviel Regulierung braucht Europa? 

Hermann Rudolph, Herausgeber ‚Der Tagesspiegel‘ 

Hans Magnus Enzensberger, Schriftsteller, Autor von ‚Sanftes 

Monster Brüssel oder Die Entmündigung Europas‘ 

Günter Verheugen, Kommissar für Industrie 

und Unternehmenspolitik (2004–2010) und europäischer 

Vorsitzender des Transatlantischen Wirtschaftsrates 

Uwe Corsepius, Generalsekretär des Rates der Europäischen 

Union (angefragt) 

Frank Schäffler, FDP-Bundestagsabgeordneter (angefragt) 

27. November, 12–14 Uhr, Deutsches Theater 

In Zusammenarbeit mit der

Konzert 

Edda Magnason 

Eine einzigartige und poetische Mischung aus Jazz, Folk und 

Pop präsentiert die Pianistin, Sängerin und Songwriterin Edda 

Magnason. Im ländlichen Südschweden aufgewachsen, hat das 

junge Multitalent gerade das zweite viel gelobte Album ‚Goods‘ 

herausgebracht und tourt u.a. als Vorband von Nouvelle Vague 

durch Deutschland. Mit brillantem Pianospiel und Gesang entführt 

sie ihr Publikum in andere Realitäten, erzählt magische 

Geschichten aus dem Alltag und von fremden Welten. 

14. Oktober 2011 in der Bar 

Slapstick mit Buster Keaton, 

Charles Chaplin u. a. 

Ein Stummfilmabend mit Klavier und Elektrobeats 

Fliegende Torten, Bananenschalen und Stürze in allen Varianten: 

Nie wieder in der Filmgeschichte wurde mit solcher Lust 

und Virtuosität die Tücke des Objekts und die Fehlbarkeit des 

menschlichen Körpers gefeiert wie im Stummfilm. Trotzdem ist 

dieser Zweig des Kinos lange in der Fernseh-Klamottenkiste gelandet. 

43Characters holen ihn nun wieder hervor und präsentieren 

einen Slapstick-Abend mit allerhand weltberühmten und 

anonymen Meistern des gekonnten Hinfallens und Tortenwerfens. 

Ein Abend im Zeichen der Schadenfreude, der angewandten 

Akrobatik und der Musik. 

Mit: Dietrich Brüggemann, Hannes Gwisdek und Lars Künstler 

27. Oktober 2011 in der Bar 

Specials 

Ein Projekt des Jungen DT 

Was brauchen wir? 

Präsentation Herbstcamp 2011 

Auswege. Ein Bett. Chaos. Dinge. Energie. Fragen. Geschichten. Herz. Identifikation. Jemand, der uns sagt, wo’s lang geht. Kollektive. 

Luxus. Musik. Nicht viel. Offenheit. Perspektiven. Qualität. Raum. Stimme. Theater. Umwege. Visionen. Wahrheit. Zuhause. 

Was brauchen wir? Das junge DT wollte es wissen und hat Jugendliche, Künstler und Experten ins Herbstcamp eingeladen und um Antworten 

gebeten. Zehn Tage lang wurde in sechs Camps Theater gespielt, wurden Räume gebaut, Bilder produziert und Musik gemacht. Jetzt öffnet 

der ‚Zeltplatz der Visionäre‘ für das Publikum. In den Kammerspielen, in Box&Bar und an ungewöhnlichen Orten im und ums DT herum zeigen 

wir Werkstattaufführungen und Präsentationen. Im Saal gibt das Junge DT erstmals Einblicke in das Kinderzimmer, das uns die ganze Spielzeit 

begleiten wird. Künstler: Krista Burger, Bildende Künstlerin; Uwe Gössel, Dramaturg; Suzanne J. Hensel, Hörspielautorin; Uli Jäckle, Regisseur; 

Juliane Kann, Autorin; Christina Lagao, Sängerin; Christian Lagé, Designer; Anca Munteanu Rimnic, Bildende Künstlerin/Regisseurin; David 

Roesner, Musiker; Carsten Schneider, Hörspielautor; Tanja Spinger, Regisseurin. 

16. Oktober 2011 in den Kammerspielen 

Das ‚Kinderzimmer‘ wird ermöglicht durch die 

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Hans Schleif 

Eine Spurensuche 

von Matthias Neukirch und Julian Klein 

„Nun wird’s wohl klappen, wie immer in wirklich guten Zeiten 

siegt die Tugend!“ Hans Schleif war Architekt und Archäologe, 

renommierter Wissenschaftler, Professor für antike Baukunst, 

Familienvater und ranghohes Mitglied der SS. Sein Enkel 

Matthias Neukirch, Ensemblemitglied am Deutschen Theater, 

begibt sich auf die Suche nach seinem Großvater. Er möchte wissen, 

wieviel er gewusst haben muss. Er beginnt eine Recherche 

in Dokumenten, Archiven und den Erinnerungen von Zeitzeugen 

und seiner Mutter, die ihn mitten in die Gegenwart führt. 

Box-Extra: 13. und 31. Oktober 2011 in der Box 

Matthias Neukirch 


Boualem Sansal 

‚Das Dorf des Deutschen‘ 

Lesung und Gespräch 

Boualem Sansal, Friedenspreisträger 2011, spricht mit Thierry 

Chervel (Perlentaucher) über den ‚Arabischen Frühling‘ und 

seine Romane. Er hinterfragt die heutige Realität Algeriens, um 

Lösungen für ein Zusammenleben in demokratischen Verhältnissen 

zu finden. Das Ensemble des Deutschen Theaters präsentiert 

mit einer szenischen Lesung sein Buch ‚Das Dorf des 

Deutschen‘. „Dem Humanisten Sansal geht es um die Wahrheit 

– und er weiß, dass die nur in jenen Grauzonen zu finden ist, wo 

Schwarz und Weiß sich nicht mehr trennen lassen. Ein sprachlich 

so eleganter wie inhaltlich verstörender Roman“ 

(Neue Züricher Zeitung). 

20. Oktober 2011 im Deutschen Theater 

In Kooperation mit dem Börsenverein des Deutschen Buchhandels 

Specials 

Alice Schwarzer 

liest aus ihrer Autobiografie ‚Lebenslauf‘ 

Es gibt wohl kaum eine Person des öffentlichen Lebens in Deutschland, die über Jahrzehnte in einem solchen Übermaß Bewunderung 

und Aggressionen erfahren hat wie Alice Schwarzer. Sie ist die Stimme in Deutschland für die Rechte der Frauen. Zugleich 

ist sie eine der herausragendsten Journalistinnen und Essayistinnen des Landes, Autorin zahlreicher Bestseller und Blattmacherin. 

Ihre Leidenschaft, ihre Konfliktfähigkeit und ihr kämpferischer Elan sind Legende. Ein autobiografisches Buch über ihren eigenen 

Lebensweg jedoch gab es bisher nicht. In großer Offenheit schreibt sie nun über das, was sie geprägt hat. 

23. September 2011, 20 Uhr im Deutschen Theater 

Amerika 

nach Franz Kafka 

Kafkas Amerika wird für den Auswanderer Karl Rossmann nicht 

zum Land der unbegrenzten Möglichkeiten, sondern zu einer Welt 

des permanenten sozialen Abstiegs, in der er anstelle von Zugehörigkeit 

die ständige Wiederholung seiner Vertreibung erfährt. Zukunftsweisend 

schildert Kafka zu Beginn des 20. Jahrhunderts die 

Elemente der Moderne, hektische Arbeit und den niemals versiegenden 

Fluss des Verkehrs. Die Alptraumreise, auf die uns Regisseur 

Bastian Kraft in dem Gastspiel des Hamburger Thalia Theaters 

mitnimmt, ist Fantasma und Erleben eines einzigen Schauspielers. 

Regie: Bastian Kraft, Bühne: Peter Baur. Es spielt: Philipp Hochmair 

26./27./28. Oktober 2011 in der Box 

Gefördert von der Ilse und Dr. Horst Rusch-Stiftung 

29 


Alexander Osang und Anja Reich 

lesen aus ihrem gerade erschienenen Buch‚ 

,Wo warst Du? – Ein Septembertag in Berlin‘ 

Sie sind Korrespondent in New York und haben gerade eine Jahrhundertkatastrophe 

überlebt. Ein paar Meilen weiter wartet 

Ihre Frau mit den Kindern auf ein Lebenszeichen – wen rufen 

Sie an? Richtig: die Redaktion. 

So ist über den 11. September noch nie berichtet worden: persönlich, 

berührend und manchmal sogar komisch. Alexander 

Osang, damals Spiegel-Korrespondent, erzählt von seiner Odyssee 

durch das geschockte New York. Seine Frau und Kollegin 

Anja Reich sieht die schwarzen Wolken aus Manhattan auf ihr 

Haus in Brooklyn zukommen. Sie durchlebt diesen Tag mit den 

Kindern und Nachbarn in der Straße ganz anders, nicht weniger 

dramatisch – und ohne Nachricht von ihrem Mann. 

11. September 2011 im Deutschen Theater 

Gastspiele vom Thalia Theater Hamburg und dem Staatsschauspiel Dresden 

© Armin Smailovic 

Die Insel 

von Athol Fugard 

Tom und Chris sind Zellnachbarn auf einer Gefängnisinsel. Zusammen 

verteidigen sie ihre Identität und Selbstachtung gegen 

die physischen und psychischen Repressalien der totalitären Umgebung. 

Die Wahl ihrer Waffen fällt dabei auf das Theater: „Das 

Zusammenspiel zweier, die aufeinander geworfen worden und 

sich in ihrer Verschiedenheit gegenseitig Halt geben, ist berührend, 

zum Teil sehr komisch und vor allem enorm kraftvoll.“ Sächsische 

Zeitung 

Regie und Ausstattung: Fabian Gerhard, Dramaturgie: Julia 

Weinreich, Es spielen: Thomas Schumacher und Christian Clauß 

29./30. Oktober 2011 in der Box 

© Daniel Koch

Natalia Belitski 

zu sehen in ,Trauer muss Elektra tragen‘ 

Thomas Schumacher 

spielt in ‚Kleinbürger‘, ‚Das Schloss‘, 

‚Die Insel‘ (Gastspiel aus Dresden) 

Wir stellen vor: 

Neu im Ensemble 

Thorsten Hierse 

spielt in ‚Das Schloss‘ 

30 


Anita Vulesica 

zu sehen in ‚Über Leben‘ und 

‚Winterreise‘ 

Kartentelefon: 030.28441-225 

Tickets online unter: www.deutschestheater.de 

Besuchen Sie uns auch bei: www.facebook.com/DeutschesTheater 

Kathleen Morgeneyer 

zu sehen in ‚Unschuld‘ und 

‚Die vier Himmelsrichtungen‘ 

Impressum 

Herausgeber: Deutsches Theater Berlin, Schumannstraße 13a, 10117 Berlin, Intendant: Ulrich Khuon, Geschäftsführender Direktor: 

Klaus Steppat, Redaktion: Claus Caesar, Gaby Schweer, Gestaltung: Milena Fischer, Sabine Meyer, Zeichnungen: Tina Berning, 

Druck und Herstellung: agit-Druck, Berlin 

Medienpartner 


31 


Tina Berning für 

,Winterreise‘ von Elfriede Jelinek

DT Magazin | Ausgabe 1 - Spielzeit 2011/12 - Deutsches Theater

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