KF_Retrospektive_v24_ebook

Klaus Fessmann
Retrospektive

Klaus Fessmann
Retrospektive
für Andrea

Beobachten und Zuhören,
absichtsloses Tun der Augen und der Ohren
… das sind die ersten beiden Leben
Verstehen und Lernen,
absichtsvolles Tun des Geistes
… das ist das nächste Leben
Üben, üben um sich zu erkennen
Konzertieren, nach Außen gehen,
… das ist das vierte Leben
Der Weg zu Gott und den Göttern
… das ist das fünfte Leben

Inhalt
Contents
Satori 4
AeLaLeA 6
Galaxien 8
Kreise I 12
Kreise II 14
Die Transformation von Musik in Architektur 16
Drei Wege für einen Gitarristen 22
Minimalgraphiken 28
Thomas Bernhard Texte I 32
Mahler Texte 34
Metamorphosen 36
Metamorphosen für acht Frauenstimmen 38
Orient Meets Occident 42
Mozart in Art: Tre Balli 46
Segantini 48
Ingeborg Bachmann Zyklus 52
Werner Dürrson Zyklus „Höhlensprache“ 56
Dürrson 1 58
Dürrson 2 62
Dürrson 3 64
Gertrude Stein Zyklus 66
Thomas Bernhard Zyklus – Alte Meister 72
Eduard Mörike / Hugo Wolf Zyklus 78
Gustav Mahler Zyklus 84
Laetare – Da Pacem Domine 90
Laetare – Benedicat 94
Vorträge 100
Klaus Fessmann 104
Satori 4
AeLaLeA 6
Galaxia 8
Circles I 12
Circles II 14
The Transformation of Music into Architecture 16
Three Paths for a Guitarist 22
Minimal Graphics 28
Thomas Bernhard Texts I 32
Mahler Texts 34
Metamorphoses 36
Metamorphoses for Eight Female Voices 38
Orient Meets Occident 42
Mozart in Art: Tre Balli 46
Segantini 48
Ingeborg Bachmann Cycle 52
Werner Dürrson Cycle “Höhlensprache” (“Cave Language”) 56
Dürrson 1 58
Dürrson 2 62
Dürrson 3 64
Gertrude Stein Cycle 66
Thomas Bernhard Cycle – Old Masters 72
Eduard Mörike / Hugo Wolf Cycle 78
Gustav Mahler Cycle 84
Laetare – Da Pacem Domine 90
Laetare – Benedicat 94
Lectures 100
Klaus Fessmann 104
Die in diesem Katalog ausgewählten Werke und Inhalte stellen einen
Teil des Schaffens von Klaus Fessmann dar. Seine Arbeit ist ein dauernder
spannender Prozess. Weitere, sich immer wieder erneuernde
Zusatzinformationen, Hintergründe, sowie verschiedene Medien wie
Grafiken, Videos, Musik finden Sie unter:
www.klaus-fessmann.de/retrospektive
The artworks contained in this catalogue represent only a facet
of Klaus Fessmann‘s Œuvre. His work is an ongoing and exciting
creative process. More information and background insights
including videos, mixed media and graphics are available under:
www.klaus-fessmann.de/retrospektive

Satori
Satori
Der aus dem Zen-Buddhismus stammende Begriff SATORI war in
den Jahren meines Musikstudiums eines meiner bedeutungs vollsten
Ziele. Er kristallisierte sich aus einer scheinbar sehr widersprüchlichen
Mischung heraus: der Beschäftigung mit Zen, indischer Musik,
den Sufis, Psycho analyse, Marxismus, Theosophie, Mozart, den
Doors, Freejazz und noch vielen anderen Dingen.
Die musikalische Graphik SATORI fasst all das in drei Kreise zusammen.
Im Zentrum der Zeichnung stehen die Verschiedenheiten der
Musiken, die jeweils durch Kreise umgeben und durch sie festgehalten
werden. So gab mir dieses Fassen die Kraft, alle mir wichtigen
Diversitäten leben zu können.
SATORI war eine der ersten visuellen Aufzeichnungen der Musik, die
ich in mir hörte.
SATORI, a term originating in Zen Buddhism, was one of the most
meaningful goals I had during my years as a music student. It
developed out of a seemingly highly contradictory mixture: involvement
with Zen, Indian music, Sufis, psychoanalysis, Marxism, theosophy,
Mozart, The Doors, free jazz, and many other things.
The musical drawing SATORI combines all that in three large circles.
The center of the drawing shows the disparities in the various kinds
of music, disparities that are encompassed and contained by separate
circles. Through embracing this I was given the strength to live
out all the disparities that were important to me.
SATORI was one of the first visual recordings of music that I heard
within myself.
4

Tusche auf Papier, 60 x 60 cm, 1976
India ink on paper, 60 x 60 cm, 1976
5

AeLaLeA
AeLaLeA
AeLaLeA ist eine aus drei Schichten bestehende Einzelgraphik,
welche sich aus der Beschäftigung mit Zeichen anderer Kulturen
entwickelte. Dem Symbol liegen drei Kreise unterschiedlicher Größe
zu Grunde. Zwei Kreise sind vollständig notiert, die anderen Kreisausschnitte
sind jeweils gedrittelt und an ihren Endpunkten zusammengeführt.
Die Kreise werden mit einer Verschachtelung eckiger,
kantiger graphischer Formen, die Musikausschnitte unterschiedlicher
Stile enthalten, schattenhaft kontrapunktiert.
Die einzelnen Blätter können auch ausgetauscht und im Winkel verschoben
werden. Eine Vielzahl von Kombinationsmöglichkeiten ist
somit denkbar und in der Idee angelegt.
AeLaLeA, a single drawing made up of three different layers, evolved
through the study of signs from other cultures. Circles of different
sizes form the basis of the symbol. Two circles are drawn full circle,
the other sectors are each one-third of a circle and are joined at
their endpoints. The circles are set in counterpoint to the shadowy
interlocking of angular, polygonal, graphic forms containing musical
notations in various styles.
The different layers can also be interchanged and the angles shifted.
A multitude of combinatory possibilities is conceivable and inherent
to the idea.
6

Tusche auf Transparent, 3 Blätter, 50 x 80 cm, 1979
India ink on transparent paper, 3 sheets, 50 x 80 cm, 1979
7

Galaxia
Galaxia
GALAXIA entstand ebenfalls aus der Beschäftigung mit symbolischen,
oft archaischen Zeichen und Symbolen. Drei sich nicht berührende
Kreise, jeweils im dritten Drittel geöffnet, werden von einem
nicht gezeichneten hypothetischen Kreis erfasst, während in einem
Sechstel der drei weiteren umfassenden Kreise die Musik notiert ist.
Dieses Symbol wird in vier verschiedenen Größen variiert auf Transparentpapier
notiert und auf einer Mittelachse übereinandergelegt.
Die Wahrnehmung der Symbole wird immer unschärfer, je weiter die
Schicht nach hinten rückt.
In einem Spezialverfahren wurden die Blätter auf Plexiglas aufgezogen
und hintereinanderliegend in ein Fenster eingebaut. Die
aufgehende Sonne erwärmt gleichmäßig die Scheiben und daraus
entsteht der Eindruck, als ob sich die Kreise zu drehen beginnen.
GALAXIA also evolved through the study of symbolic, often archaic
signs and symbols. Three non-touching circles, each with its third
part opened, is encompassed by an undrawn, hypothetical circle,
with the music being notated in the sixth part of three other encompassing
circles. This symbol is repeated, each in a different size, on
four sheets of transparent paper which are then placed one on top
of the other on a central axis. The symbol appears more and more
blurred to the eye the farther back the sheet is located.
In a special procedure the sheets were mounted on Plexiglas panels
and installed, one behind the other, into a window. The rising sun
heats the panels evenly, creating the impression that the circles
begin to rotate.
8

Tusche auf Plexiglas, 80 x 80 cm, 1981, als Druck: Tusche auf Transparentpapier, 4 Blätter, 1983
India ink on Plexiglas, 80 x 80 cm, 1981, as print: India ink on transparent paper, 4 sheets, 1983
9

10

11

Kreise I
Circles I
Diese Komposition war der Beginn meiner künstlerischen Arbeit mit
dem Ziel, Text in die musikalisch-graphischen Zeichen und Strukturen
einzubauen, um somit den Klang der Sprache mit dem Klang der
Musik mittels Zeichen in Verbindung zu bringen.
This composition was the beginning of my artistic work having the
goal of incorporating text into the musical graphical signs and structures
in order to link the sound of speech to the sound of music by
means of signs.
12

Bleistift auf Papier, 50 x 70 cm, 1977
Pencil on paper, 50 x 70 cm, 1977
13

Kreise II
Circles II
Die zweite Kreis-Graphik kontrapunktiert die Kreise auf der hinteren
Ebene mit den Fünfecken auf der vorderen Ebene. Es wurden
Buchstaben aus den Worten aufgegriffen, Zahlen, Pfeile und andere
graphische Zeichen, die sich im Schreiben entwickelten, wurden
festgehalten, so dass verschiedene Verdichtungen entstanden, die
sich zu Landschaften gruppierten und der Öffnung in den Hintergrund
gleichzeitig Platz machten. So entstand im visuell-klanglichen
Tun das Werk erst durch seine Mehrschichtigkeit, die Unschärfe
entwickelte die Qualitäten.
In the second circle drawing, the circles on the deeper level form
a counterpoint to the pentagons on the front surface. Letters were
gleaned from the words; numbers, arrows and other graphic elements
that took shape during writing were retained, forming different
consolidations and grouping themselves into landscapes while at
the same time leaving room for an opening to the background. Thus
this work, in the visual-tonal doing of it, emerged primarily through its
multi-layerdness; the blurriness developed the qualities.
14

Tusche auf Transparentpapier, 2 Blätter, 110 x 80 cm, 1983
India ink on transparent paper, 2 sheets, 110 x 80 cm, 1983
15

Die Transformation von
Musik in Architektur
The Transformation of Music
into Architecture
Die beiden bedeutendsten menschlichen Sinne, das Sehen und
das Hören sind die wichtigsten Bereiche bei der Entstehung von
Musik, von Klang. Das Hörend-Klingende und das Sehend-Tönende
wird schon von Anbeginn der Menschheit zu einem Raum, einem
Gebäude, einer Landschaft, die aus dem Klang, aus dem Gehalt des
Klangs kommt. Leben im Klang heißt eins zu sein mit sich selbst im
Tönen, heißt, das griechische Ideal der Musica Humana, der inneren
Musik des Menschen im Außen gefunden, entwickelt und gebaut zu
haben.
Im Jahr 2000 entstand für mich die Möglichkeit, diese Vorstellungen
in einem konkreten Bauprojekt umzusetzen. Ich transformierte Verdis
RIGOLETTO-, TRAVIATA- und AIDA-Ouvertüre in den Garten bau,
MOZARTsche Divertimenti in drei unterschiedliche Ein- und Mehrfamilienhäuser,
ein HÄNDELsches Concerto Grosso in das auf Seite
17 zu sehende Baufeld zwischen der historischen Wand und auf das
Gebäude mit den tanzenden Balkonen auf der gegenüberliegenden
Seite, dazwischen Mehrfamilienhäuser und der aus dem 5. Satz entwickelte,
dem Italienischen verpflichtete Garten mit dem Wasserlauf.
Dazu kamen Sonaten von SCARLATTI, MENDELSSOHN und ein
eigener Zyklus für ein Reihenhausbaufeld, welches aus einem
Thema 20 Variationen entstehen ließ.
Abgeleitet wurde dies alles aus graphischen Skizzen, wie sie als
Beispiele auf Seite 21 abgebildet sind. Neben der Vorlage für die
Architektur und die öffentlichen Plätze wurden sie u. a. auch in Beton
gegossen und als Bodenplatten verwendet, wie auf Seite 20 ersichtlich.
Die angefügten Photos vermitteln Impressionen dieser aus der
Musik, aus dem Hören heraus entwickelten Architektur, ihre ganz
spezielle Schönheit, die von ihr vermittelte Behaglichkeit, das
Wohl-Fühlen im Klang, in der Musik.
Der auf Seite 19 abgebildete Plan zeigt einen verkürzten Überblick
über die Umsetzung des RIGOLETTO-Vorspiels in einen Gartenplan.
Tonhöhen, Harmonik, Klangfarbe, Struktur werden in Zeichen verwandelt,
die wiederum der Gartenarchitekt in seine Gartenarchitektur
umsetzen kann. Klangfarbe zu Pflanzenfarbe, Tonhöhenverlauf zu
Breite und Höhe der Pflanze, Harmonik zu Verbindung vom Einzelphänomen
zum Ganzen. Heute wohnen hier über 2.500 Menschen.
Mit dem Projekt wurden mehrere bedeutende Preise gewonnen.
The two most important human senses, seeing and hearing, are the
decisive areas for the development of music, of musical sound. Since
the beginning of humankind the experience of both hearing and
seeing sound evolves into a room, a building, a landscape, all flowing
from the essence of sound itself. Living in sound means being
one with oneself in sound, it means having developed and established
the Greek ideal of “musica humana,” the inner music of human
beings found in the external world.
In the year 2000 a possibility arose for me to implement these
ideas in a concrete building project. I transformed Verdi’s overtures
to RIGOLETTO, LA TRAVIATA and AIDA into horticulture, Mozart’s
divertimenti into three different kinds of single- and multiple-family
dwellings, and one of Händel’s concerti grossi into the housing area
pictured on page 17 and situated between the historical wall and
the building with the dancing balconies on the opposite side. In
between there are apartment houses and an Italian-inspired garden
area, including a watercourse, that was developed out of the fifth
movement.
In addition, sonatas by SCARLTTI and MENDELSSOHN were used,
as well as a series of my own that was transformed for a site for row
houses, giving rise to twenty variations based on one theme.
All this was derived from graphic sketches such as the ones pictured
on page 21. These sketches not only served as drafts for the architecture
and the public spaces, but were also poured in concrete and
used as paving slabs as shown on page 20.
The accompanying photographs give impressions of this architecture
that was developed from music, from hearing, architecture of
a special beauty, conveying the comfort and sense of well-being in
sound and music.
The diagram on page 19 shows an abbreviated overview of the
implementation of the overture to RIGOLETTO into plans for the
garden. Pitch, harmony, timbre, and structure are all converted into
signs and symbols that the garden architect can use for his garden
architecture. Timbre translates into plant color, pitch progression into
the width and height of plants, harmony into the relationship of isolated
phenomena to the whole. Today over 2,500 people live here.
Several major prizes have been awarded to this project.
16

Ein Ausschnitt aus dem Bauprojekt „Quartier am Turm“ – Architektur aus Musik · Gesamtbild HÄNDEL Concerto Grosso op. 6 Nr. 5
A detail of the construction project “Quatier am Turm” – architecture from music · General view of HÄNDEL Concerto Grosso op. 6 Nr. 5
17

Impressionen
Impressions
18

Bepflanzungsplan, Transformationen aus der Oper RIGOLETTO von VERDI
Planting scheme, transformations from the opera RIGOLETTO by VERDI
19

Graphiken wurden in Beton gegossen und liegen als Bodenplatte vor jedem Haus. Je Platte, 80 x 80 cm, 2005
Graphics were poured in concrete and used as paving slabs in front of each house. Each slab 80 x 80 cm, 2005
20

Die ersten Skizzen ... hieraus entwickelte sich das Gesamtprojekt „Quartier am Turm“
The first sketches… From these evolved the whole project “Quartier am Turm”
21

Drei Wege für einen Gitarristen
Three Paths for a Guitarist
Diese drei Kompositionen entstanden in den 70er Jahren des
20. Jhds. und wurden für meinen Freund HUCKE EICHELMANN
geschrieben. Es sind einzelne Blätter, welche in einer Mappe zusammengefasst
drei unterschiedliche Denk- und Notationsweisen musikalisch-visuell
realisieren.
These three compositions were written during the 1970s for my
friend HUCKE EICHELMANN. The single sheets are collected in a
portfolio and capture musically and visually three different modes of
thought and notation.
22

Tusche auf Papier, 1977–1979
India ink on paper, 1977–1979
23

Der erste Weg stellt ein permanentes Continuum dar, in einer Linie durchgeschrieben, mit Wiederholungs möglichkeiten versehen.
Der Hintergrund ist die Zeit in ihrer Unentrinnbarkeit.
The first path represents a permanent continuum, written straight through in one line with and provided with the possibility for repetition.
The background is time in its inescapability.
24

Der zweite Weg ist nach dem Prinzip des sogenannten Mobiles gebaut. In einer graphisch angelegten Form werden einzelne musikalische
Motive unterschiedlicher Länge notiert. Die Reihenfolge der zu spielenden Kästchen ist mit Einschränkungen frei wählbar (siehe Legende).
Der Interpret bestimmt den formalen Ablauf des Stücks. Das mittlere sechseckige Kästchen wird am Ende gespielt.
The second path is built upon the principle of a so-called mobile. Individual musical motifs of differing length are written down in a graphically arranged form.
The order of sequence in which the motifs in the boxes should be played can, with certain restrictions (see legend), be selected freely. It is the performer who
determines the formal course of the piece. The hexagonal box in the middle is to be played at the end.
25

Der dritte Weg basiert auf dem indischen Ragadenken. Das Chakra-Zeichen für den Atem suggeriert die Leichtigkeit des notierten Akkords, der wiederholt
wird in einer genau vorgeschriebenen Folge. Die tiefe E-Saite wird auf D heruntergestimmt und läuft als Bordun in unterschiedlichen Tempi durch. Im mittleren
Block kommt das Klopfen auf der Gitarre dazu und der dritte Teil ganz rechts isoliert in virtuoser Manier die beiden letztgenannten Spieltechniken.
The third path is based on Indian Raga thought. The chakra symbol for breath is suggested by the lightness of the written chord that is to be repeated in a
precisely prescribed sequence. The low E-string is tuned down to D and played as a persistent bass note (drone-bass) in different tempi throughout the piece
and the third section on the extreme right isolates in a virtuoso manner both of the lastly named techniques.
26

„… und wenn es die Sterne sind“, Tusche auf Transparentpapier, 3 Blätter, 110 x 80 cm, 1978
Die Anordnung sowohl der Musik als auch der Texte basiert auf dem gebräuchlichen Notenliniensystem, welches teilweise zu einer Vielzahl von
Linien erweitert wurde. Die Gesamtheit des Werkes ist das Bild einer im Traum gehörten Musik. Ich notierte dieses Bild im Aufwachen und habe es
danach nur noch verfeinert und teilweise erweitert.
“…and if it is the stars.” India ink on transparent paper, 3 sheets, 110 x 80 cm, 1978
The organization of both the music and the texts is based on the conventional staff system which was then partially expanded to include a multiplicity of lines.
The work in its entirety is the picture of music heard in a dream. I sketched this picture upon waking and since then have only refined it and partially
expanded it.
27

Minimalgraphiken
Minimal Graphics
Die Minimalkunst entstand in den 70er Jahren des vorhergehenden
Jahrhunderts und bedeutet in den einzelnen Künsten Unterschiedliches.
In der Musik versteht man unter dem Begriff eine
Kompositionstechnik, welche primär mit Wiederholungen arbeitet.
Wiederholungen sind durchaus typisch für die Arbeit mit Klängen. In
der Geschichte nennt man solche Techniken Ostinato, Bordun, später
Pattern. Die Wirkung dieser Techniken ist vergleichbar mit dem
Beten des Rosenkranzes, dem Mantra-Singen, dem In-Trance-Geraten,
dem Meditieren. In der Bildenden Kunst wird der Begriff Minimalkunst
zur Kennzeichnung minimaler Veränderungen verwendet. Aus
diesen Ideen heraus und dem täglichen stundenlangen Üben von
Wiederholungen entstanden eine Reihe von graphischen Arbeiten,
die mit diesen Techniken im Visuellen und Klanglichen umgehen.
Minimal art hat its beginnings during the 1970s and means different
things to the different art genres. In music the term refers to
a technique of composition that deals primarily with repetition.
Repetitions are quite typical for work with sounds. In the history of
music such techniques have been called ostinato, drone, and, later
on, pattern. The effect of these techniques is similar to the effect of
praying the rosary, of mantra singing, of entering a state of trance, of
meditation. In the visual arts the term minimal art is used for designating
minimal changes. From this idea and from daily hours of practicing
repetitions, a series of graphic works was developed that deals
with such techniques both visually and musically.
28

Bleistift auf Millimeterpapier, 50 x 40 cm, 1983
Pencil on millimeter paper, 50 x 40 cm, 1983
29

Bleistift auf Millimeterpapier, 50 x 40 cm, 1983
Pencil on millimeter paper, 50 x 40 cm, 1983
30

Bleistift auf Millimeterpapier, 50 x 40 cm, 1983
Pencil on millimeter paper, 50 x 40 cm, 1983
31

Thomas Bernhard Texte I
Thomas Bernhard Texts I
Die Sprache des österreichischen Schriftstellers Thomas Bernhard
besitzt auf verschiedenen Ebenen einen sehr hohen Grad von musikalischen
Parametern. Eine meiner ersten Auseinandersetzungen mit
seinem Werk war der Roman „Korrektur“. Ich verwendete zur Transformation
in Musik das Material Plexiglas und beschriftete dasselbe
auf der Vorderseite mit handgeschriebenem Text mit weißer Tusche
und die Rückseite mit musikalischen Bewegungslinien mit schwarzer
Tusche.
Die Scheiben können unterschiedlich miteinander verbunden und
kombiniert werden, so dass Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund
permanent wechseln.
The language of the Austrian writer Thomas Bernhard is distinguished
by a very high degree of musicality on different levels. One of
my first encounters with his work was the novel “Correction.” For its
musical transformation I chose the material Plexiglas and inscribed
the front surface of the panels with hand-written text in white ink and
the back surface of the panels with musically moving lines in black
ink.
The panels can be combined in different ways so that foreground,
middle ground and background are always changing.
32

Tusche weiß und schwarz auf Plexiglas, 120 x 20 cm, ca. 2002
India ink white and black on Plexiglas, 120 x 120 cm, ca. 2002
33

Mahler Texte
Mahler Texts
Die Musik Gustav Mahlers fasziniert mich von jeher. Neben dem symphonischen
Werk sind es speziell die Orchesterlieder, die Beziehung
von Text und Musik, die mich beeinflussten. Eine der ersten Annäherungen
an diese Kunst war immer, aus den Texten heraus sich der
Musik zu nähern und die Texte aus der Musik heraus zu denken.
The music of Gustav Mahler has always fascinated me. Besides the
symphonic works it is the orchestral songs - the relationship between
text and music - that have especially influenced me. When first
approaching these artworks I always tried to get closer to the music
through the text and to grasp the text through the music.
34

Tinte, Tusche mehrfarbig auf Transparentnotenpapier, 30 x 55 cm, ca. 2008
Ink, India ink multi-colored on transparent music paper, 30 x 55 cm, ca 2008
35

Metamorphosen
Metamorphoses
Aus einem von mir graphisch dargestellten Gedicht, beeinflusst
durch FRIEDRICH HÖLDERLINS DIOTOMA-Figur, WOLFGANG BOR-
CHERTS BECKMANN sowie expressionistischer Lyrik, entstanden
Klänge, aus welchen ich eine Reihe von musikalischen Graphiken
und eine Komposition in drei Sätzen für acht Frauenstimmen schrieb.
Under the influence of FRIEDRICH HÖLDERLINS figure DIOTOMA,
WOLFGANG BORCHERTS BECKMANN as well as expressionist lyric
poetry, I created a graphic representation of a poem, and from the
tones that emanated from this poem, I made a series of musical drawings
and wrote a composition in three movements for eight female
voices.
36

Tusche auf Papier, Vorgefertigte Buchstaben auf Transparentpapier, 110 x 70 cm, 1979
India ink on paper, ready-made letters on transparent paper, 110 x 70 cm, 1979
37

Metamorphosen
für acht Frauenstimmen
Metamorphoses
for Eight Female Voices
Die Komposition Metamorphosen für acht Frauenstimmen ist eine
meiner frühen Auseinandersetzungen mit graphischer Notation.
Töne, Klänge, ganze musikalische Formverläufe nahmen seit jeher in
meinem Denken zumindest eine Gestalt an, die sowohl real sichtbar
in Zeichen als auch (scheinbar) unsichtbar in ihrer ausschließlichen
Klanglichkeit erscheinen konnte. Beide Erscheinungsformen ergänzen
sich, beeinflussen sich gegenseitig, entwickeln ein eigenes
Ganzes. Dieses Denken zieht sich durch das Mehrdimensionale von
Raum und Zeit meines künstlerischen Tuns. In einer ersten Vielfalt
konkretisierte sich dies in der vorliegenden Komposition.
The composition “Metamorphoses for Eight Female Voices” was
one of my early experiments with graphic notation. Tones, sounds,
whole sequences of musical forms have always taken on shape in
my thought at least, shape that could either appear real and visible
in signs or remain (apparently) invisible in its sound alone. Both manifestations
complement each other, influence each other, and create
a special kind of wholeness. This line of thought flows through the
multidimensional aspect of space and time in my artistic activity. With
an onset of diversity this was concretized in the composition at hand.
38

Tusche auf Transparentpapier, 42 x 30 cm, 1979/1980
India ink on transparent paper, 42 x 30 cm, 1979/1980
39

Tusche auf Transparentpapier, 50 x 40 cm, 1979
India ink on transparent paper, 50 x 40 cm, 1979
40

Tusche auf Transparentpapier & Transparentnotenpapier, 50 x 40 cm, 1979
India ink on transparent paper and transparent music paper, 50 x 40 cm, 1979
41

Orient Meets Occident
Orient Meets Occident
ORIENT MEETS OCCIDENT war der Titel einer Ausstellung, die
anlässlich einer Neuinszenierung der Oper ENTFÜHRUNG AUS
DEM SERAIL von WOLFGANG AMADEUS MOZART in Ludwigsburg
veranstaltet wurde. Hierzu schuf ich das abgebildete Objekt,
bestehend aus 12 Plexiglasscheiben, die, wellenförmig überlappend
angeordnet, in einem Abstand von 20–30 cm zur Wand, in einem frei
hängenden Metallrahmen befestigt sind. Hinter dem Rahmen sind 16
Spiegelkästen mit unterschiedlichen Neigungswinkeln montiert.
Auf den Plexiglasscheiben sind eine ganze Reihe verschiedener
ineinander verflochtener Kompositionen notiert, deren Hauptmerkmal
die Verbindung und Auseinandersetzung von aus dem Orient
kommenden Zeichen (die sichtbaren Bögen und die fein ziselierten
Flächen) mit denjenigen aus meiner eigenen musikalisch-graphischen
Sprache des Occidents sind. Im Gegenspiel zu den freien
und raumgreifenden Bögen sind meine graphischen Kompositionen
zumeist in Kästen geordnet, klar, komplex und hoch virtuos. Im
mittleren Querkasten verbinde ich beides und zitiere ein Kapitel aus
einem Märchen aus TAUSEND UND EINE NACHT.
Das Objekt klingt, nach Erwärmung der Scheiben durch das Sonnenlicht,
aus sich selbst heraus. Die Zeichen, speziell die orientalischen
Schriftzeichen, kommen wie bei einem Vexierbild aus den Spiegeln
hervor und beginnen zu tanzen. So kann die Musik in einem selbst
klingen, kann aber auch, durch Bewegung der Zeichen hervorgerufen,
zu einem tatsächlich klingenden Ereignis gebracht werden.
Aufgrund der Dimension dieses Werkes habe ich die beiden weiteren
geplanten Teile noch nicht realisiert. Sie sind in den Plänen und
Skizzen fertiggestellt.
ORIENT MEETS OCCIDENT was the title of an exhibition that
was organized in connection with a new production of the opera
THE ABDUCTION FROM THE SERAIL by WOLFGANG AMADEUS
MOZART in Ludwigsburg. It was for this occasion that I created
the artwork pictured here. It is made up of twelve Plexiglas panels
arranged in a wave-like, overlapping manner in a free-hanging metal
frame that is situated about 20-30 cm from the wall. Installed behind
the frame there are 16 boxes containing mirrors set at different
angles of inclination.
A whole range of different interwoven compositions is written on the
Plexiglas panels, their main feature being the connectedness and
simultaneous conflict of the signs and symbols from the Orient (the
visible arcs and the finely engraved surfaces) with those of my own
musical-graphic language of the Occident. In contrast to the free and
expanding arcs, my graphic compositions are mostly arranged in
compartments: clear, complex and highly virtuoso. In the oblong box
in the middle I combine both Occident and Orient and quote a chapter
from a fairy tale from THE THOUSAND AND ONE NIGHTS.
The object begins to sound when the panes are heated by sunlight.
The signs and symbols, especially the oriental ones, emerge
from the mirrors in the manner of an optical illusion and begin to
dance. Music can begin to sound within oneself, or, induced by the
movement of the signs and symbols, it can be developed into an
actual sounding occurrence.
Owing to the dimension of this work, I have not yet completed the
two other parts that are planned to follow. Plans and sketches are
already in place.
42

Tusche auf 12 Plexigläser, jeweils 150 x 150 cm, ca. 1992
India ink on 12 Plexiglas panels, each 150 x 150 cm, ca. 1992
43

Detailaufnahme der Zeichen des Objekts „Orient meets Occident“. Der mittlere Block zitiert das Märchen „Tausend und eine Nacht“.
Detail of the signs and symbols of the object “Orient meets Occident.” The middle block quotes the fairy tale “The Thousand and One Nights.”
44

Gesamtbetrachtung des Objekts „Orient meets Occident“, bevor es auf die Plexiglasscheiben übertragen wurde.
Overall view of the object “Orient meets Occident” before it was transferred to the Plexiglas panels.
45

Mozart in Art: Tre Balli
Mozart in Art: Tre Balli
Mit dem Objekt TRE BALLI, Hommage à D.G. begann meine künstlerische
Beschäftigung mit Werken anderer Komponisten (später
HUGO WOLF, GUSTAV MAHLER u.a.). Der Titel bezieht sich auf die
berühmte Tanzszene aus der Oper DON GIOVANNI von MOZART. In
dieser Szene am Ende des 1. Aktes werden drei progressiv geordnete
Tänze einander überlagert, einer im 3 Vierteltakt (Menuett),
einer im 2 Vierteltakt (Kontertanz) und einer im 3 Achteltakt (der
Deutsche). Sie ist, soweit mir bekannt, die komplexeste Stelle in der
klassischen Musik. Ich experimentierte mit diesem Terzett, hörte es
ununterbrochen tagelang, reduzierte den Schlaf um in einen Zustand
zu geraten, in welchem ich die Komplexität in der Summe aller Teile
verstehen konnte. In diesem Erkenntniszustand entstand diese
Objekt, gebaut aus acht niemals gleichen Plexiglasscheiben, gehalten
von einem Rahmen, der das Mozartsche M auseinander biegt, so
dass es nur noch auf zwei Spitzen steht, wie ein Hauch. …. und auf
der hintersten Ebene schaut Mozart versonnen dem Treiben zu …
Nach über 2-jähriger Reise durch Galerien der Welt steht das Objekt
wieder im Atelier.
With the object MOZART IN ART: TRE BALLI, Hommage à D.G., my
artistic preoccupation with the works of other composers began
(later HOGO WOLF, GUSTAV MAHLER, et al.). The title refers to the
famous dance scene from the opera DON GIOVANNI von MOZART.
In this scene at the end of Act 1 three separate, progressively arranged
dances are performed simultaneously and superimposed on
each other, one in three-quarter time (minuet), one in two-quarter
time (country dance), and one in three-eight time (allemande). This
is, according to my understanding, the most complex passage in
classical music. I began to experiment with this trio, listened to it continuously
all day long, reduced my sleep in order to reach a state in
which I would be able to understand the complexity in the sum of all
the parts. In this state of awareness this artwork evolved, built out of
eight never identical Plexiglas panels and held by a frame that stretches
the M of Mozart apart so that it stands on only two points, like a
breath… and on the farthest removed plane Mozart, lost in thought,
observes the ongoing bustle…
After a two-year journey to galleries throughout the world, the object
is now back in my studio.
46

Tusche auf 8 Plexigläser unterschiedlicher Größe und Form, 1989
India ink on 8 Plexiglas panels of varying size and form, 1989
47

Segantini
Segantini
GIOVANNI SEGANTINI, Maler aus dem Oberengadin, war für mich
ein bedeutender Lehrmeister, insbesondere im Umgang mit dem
Licht. Die Verbindung von Heliozentrik und Klang ist für mein Denken
sehr bedeutungsvoll. Vor seinem großen Triptychon im Sankt
Moritzer Museum brachte ich Tage zu, beobachtete die durch die
Änderung der Lichtverhältnisse hervorgerufenen Veränderungen
der Farben in diesem monumentalen Werk. Sie räsonierten in meiner
Innerlichkeit und verwandelten sich in Klang und musikalische
Erkenntnis. Im Fluss im Bergell fand ich einen Stein, dessen Adern
diesen Zustand symbolisierten. Diesen öffnete ich und baute eine
Partitur ein, notiert auf Plexiglas vor zwei winkelverschobenen
Spiegelkästen, auf welche ich mit weißer Tusche Text geschrieben
hatte. Beim Versuch den Text zu lesen gerät man durch die zigfache
Spiegelung immer mehr zu sich selbst, denn der Inhalt transformiert
sich in Klang.
GIOVANNI SEGANTINI, a painter from the Upper Engadine, was an
important master teacher for me, especially in regard to the treatment
of light. The connection between heliocentrism and sound is
for my thinking very meaningful. In the museum in St. Moritz I spent
days in front of his monumental triptych, observing the changing of
the colors brought about by the changing of the light conditions.
They resonated in my inner being and became transformed into
sound and musical awareness. In a river in the Val Bregaglia I found
a stone with veins that symbolized this state of mind. I opened the
stone and inserted a musical score written on Plexiglas. This I placed
in front of two boxes containing mirrors set at different angles, mirrors
on which I had written a text in white India ink. When attempting
to read the text, the myriad reflections have the effect of letting one
come ever closer to one’s own inner being, because the content is
transformed into sound.
48

Mit Tusche beschriftete Spiegelgläser, Tusche auf 2 Plexigläser, 2 Klangsteine auf Holzkästen, ca. 1994
Mirrors lettered in white India ink, India ink on 2 Plexiglas panels, 2 Soundstones on wooden pedestals, ca. 1994
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Reklame
Wohin aber gehen wir
ohne sorge sei ohne sorge
wenn es dunkel und wenn es kalt wird
sei ohne sorge
aber
mit musik
was sollen wir tun
heiter und mit musik
und denken
heiter
angesichts eines Endes
mit musik
und wohin tragen wir
am besten
unsre Fragen und den Schauer aller Jahre
in die Traumwäscherei ohne sorge sei ohne sorge
was aber geschieht
am besten
wenn Totenstille
eintritt
Ingeborg Bachmann Zyklus
Ingeborg Bachmann Cycle
Anlässlich einer Radiosendung hörte ich die Schriftstellerin
INGEBORG BACHMANN aus Österreich ihr Gedicht ERKLÄR MIR
LIEBE sprechen. Der Klang dieser Sprache traf mich unmittelbar.
Ich sammelte alle erhältlichen akustischen Dokumente und hörte,
so oft ich konnte, dieser Sprache zu. Erst Monate später begann
ich Ihre Gedichte zu lesen. Aus dieser mich unterschiedlich berührenden
Fülle wählte ich 18 Gedichte aus und begann sie, ihrem
Klang folgend, zu ordnen. Es geschah etwas Faszinierendes, die
Form der Musik dieser 18 Texte begann sich in ihrer klanglich-visuellen
Gesamt-Gestalt zu verwandeln. Nach und nach entstand eine
musikalisch gedachte Gesamtform, die sich, vereinfacht gesprochen,
aus dem Horizontalen ins Vertikale entwickelte, diverse Prozesse
durchlief, um am Ende in einer 16-eckigen Graphik zu enden, welche
ich bis heute nicht komponiert habe.
In seiner gesamten Darstellung benötigt der Zyklus eine Länge von
ca. 40 Metern. Auf Seite 53 ist die erste Graphik, auf 4 Plexiglasscheiben
notiert abgebildet. Auf den Seiten 54 und 55 sind zwei weitere
Beispiele, notiert auf Transparentpapier und Folie abgebildet.
Once while listening to a radio program I heard the Austrian writer
INGEBORG BACHMANN recite her poem “EKLÄR MIR, LIEBE” (“Explain
to me, love”). I was immediately struck by the sound of this language.
I collected every available acoustical document and listened
to this language as often as I could. It was only months later that I
began to read her poems. From this wealth of poems, each touching
me in a different manner, I chose 18 poems and began order them
according to their sound. Then something fascinating happened: the
musical form of these 18 texts began to transmute in its tonal-visual
entirety. Little by little a musically motivated overall shape emerged
that, to put it quite simply, grew from the horizontal into the vertical,
underwent various processes, and finally ended as a 16-cornered
drawing that to this day I have yet to compose.
To present the cycle in its entirety, a length of ca. 40 meters is necessary.
The first section, comprising 4 Plexiglas panels, is pictured on
Page 53. On Page 54 and 55 there are two further examples, these
using transparent paper and transparency sheets for the notations.
52

Tusche, 4 Plexigläser, 100 x 155 cm, ca. 1983, der Zyklus umfasst 16 Graphiken
India ink, 4 Plexiglas panels, 100 x 155 cm, ca. 1983, the cycle includes 16 sectons altogether
53

Tusche auf Transparentpapier, zerteiltes Photo Ingeborg Bachmann, Komposition nach dem Gedicht „Einem Feldherrn“
India ink on transparent paper, dissected photograph of Ingeborg Bachmann, Composition based on the poem “Einem Feldherrn” (“To a General”)
54

Tusche auf Transparentpapier und Folien, 4 Schichten, Komposition nach dem Gedicht „Lieder auf der Flucht IV“
India ink on transparent paper and transparency sheets, 4 layers, Composition based on the poem “Lieder auf der Flucht IV” (“Songs in Flight IV”)
55

Werner Dürrson Zyklus
„Höhlensprache“
Höhlen übten auf mich lange eine große Faszination aus. Die
räumliche Abgeschlossenheit, die Dunkelheit, der Rückzugsort,
die Klausur, all das waren Synonyme für einen Ort, der mich betraf.
Eines Tages hielt ich ein Büchlein des bedeutenden Sprachkünstlers
WERNER DÜRRSON in Händen, welches die Sprache der Höhle zum
Thema hatte. Der Zyklus HÖHLENSPRACHE umfasst 13 Gedichte
/ Texte / sprachliche Brocken / graphische Treppen / Blöcke. Es
war die sprachliche Findung und Aufzeichnung von räsonierenden
Sprachklängen, die als Resultat des Versuchs, einige Zeit in einer
Höhle zu leben, entstand. Als Dürrson dem Klang auf die Spur
gekommen war, brach er den Eigenversuch ab. Ich hatte ihn, den
Klang, die Musik unmittelbar im Text lesend gehört und begann die
30 Graphiken auf Papier zu bringen, wie sie auf Seite 57 sichtbar
werden.
Werner Dürrson Cycle
“Höhlensprache”
(“Cave Language“)
For a long time caves exerted great fascination for me. Spatial
seclusion, darkness, place of retreat, enclosure, all of these were
synonyms for a place that had something to do with me. One day I
came across a small book by the eminent language artist WERNER
DÜRRSON which had as its subject matter the language of the cave.
Dürrson’s HÖHLENSPRACHE comprises 13 poems, texts, fragments
of speech, graphic stairs, blocks. Its genesis involved detecting and
recording the resonating speech sounds which came about as the
result of his experiment of living for a period of time in a cave. Once
Dürrson had succeeded in tracking down this sound, he ended his
self-imposed experiment. I had heard it, the sound, the music, directly
upon reading the text and began to put down on paper the 30
drawings as they appear on Page 57.
56

Alle Graphiken: Tusche auf Transparentpapier und Folien, verschiedene Formen und Größen, 1989
All drawings India ink on transparent paper and transparency sheets, various forms and sizes, 1989
57

Gedichte III / VIII / X aus „Höhlensprache“
Poems III / VIII / X from “Höhlensprache” (“Cave Language”)
58

Tusche auf Transparentpapier und Folien, 7 Schichten, 110 x 80 cm, 1989
Die drei Gedichte werden in der Verbindung zwischen Stimme und ​Kontrabass komponiert. Die Silben der Texte gehen in graphische ​Zeichen über.
Diese Beziehung funktioniert in beide Richtungen.
India ink on transparent paper and transparency sheets, 7 layers, 110 x 80 cm, 1989
The three poems are composed in the combination between voice and contrabass. The syllables of the text transmute into graphic markings.
This connection functions in both directions.
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Kleine Wetterkunde
Viel reden hörte ich über
des Wetters Schlechtigkeit.
Wer den Regen lobte
oder Gewitter
war sofort verdächtig.
Zu schweigen von künftigem
Schnee.
Nur lähmende Schwüle blieb
unangefochten.
Dann Nebel, Blätterfall.
Frost.
Hinter Gittern
das Licht sieht
seinem Urteil entgegen.
Dürrson 1
60

Tusche auf Plexiglas, 5 Schichten, 100 x 100 cm, 1986
Die fertige Grafik entsteht durch Übereinanderschichtung der auf Transparentpapier gezeichneten Einzelblätter auf der linken Seite.
India ink on Plexiglas, 5 layers, 100 x 100 cm, 1986
The drawing is completed by placing the separate sheets of transparent paper with the drawings (see page on the left) one on top of the other.
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Volkstümlich
Wir wollen ihn
nicht hängen lassen
wir wollen den Kopf
nicht hängen lassen
habt ihr gehört
davon hätten wir nichts
ja nichts
wir wollen den Kopf
nicht ihn
nicht hängen lassen
den Kopf ja Kopf
den wollen wir
her damit
her damit
Dürrson 2
Dürrson 2
Dieser Komposition liegt der oben zitierte lyrische Text zugrunde.
Aus ihm werden Lautgruppen herausgenommen und graphisch neu
geordnet. Die Musik legt sich wie ein Netz über diese Laute. Die
verschiedenen Kompositionsteile überlagern sich gegenseitig in progressiver
Art und Weise. Eine dreischichtige Zeitordnung strukturiert
den Ablauf aus dem Nichts herauskommend hin zu immer höherer
Dichte und Komplexität. Das Ende des Textes wird ausgelassen, die
Graphik bricht ab.
This composition is based on the lyric text quoted above. Phonetic
groups are isolated and arranged graphically in a new order. The
music spreads itself like a net over the sounds. The different parts
of the composition overlay each other in a progressive manner. A
three-layered time arrangement structures the process that, coming
from nothing, progresses toward ever higher density and complexity.
The end of the text is omitted, the drawing is cut short.
62

Tusche auf Transparentpapier, 120 x 35 cm, 1987
India ink on transparent paper, 120 x 35 cm, 1987
63

Ins Freie
Eingeklemmt in das System
verkaufter Landschaft bleibt mir
der See noch, geh ich auf vorgeschriebenem
Weg von
Schildern belauert hangabwärts
Mauern Zäunen entlang am
Schloß vorbei komme ich zum
gefängnistorbreiten Uferstück
der Besitzlosen:
Raum der sich
auftut, befremdliche Weite
schattenlos Licht frischen
Wind um die Hüften kann ich
durch Faulschlamm durch Schlick
ins soziale Klärwasser waten
ferne Strände vor Augen hinausschwimmen
bis zur Erschöpfung
Dürrson 3
Dürrson 3
In dieser Komposition werden verschiedene musikalisch-graphische
Elemente kombiniert, die sich aus der musikalischen Inhaltlichkeit
des Gedichts von Werner Dürrson ergeben. Diese Teile wie die im
Vordergrund sichtbaren Blöcke und graphischen Figuren werden
rein musikalisch ausgeführt und zeigen unterschiedlich blockhafte
und filigrane Elemente. Ganz im Hintergrund wird eine Fläche gestaltet,
die hauchdünne Linien ausbreitet und einen Klangteppich imaginiert.
Der Text wird den im hinteren Mittelgrund sichtbaren Blöcken
in unterschiedlichen Schrifttypen zugeordnet, die Höhe der Blöcke
ist über eine nach oben und nach dem Erreichen des Höhepunkts
nach unten führende Linie geordnet.
In this composition different musical graphical elements are combined
that arise from the musical substance contained in the poem
by Werner Dürrson. The elements, both blocky and filigree, that are
visible in the foreground, are executed in a purely musical manner. In
the far background a surface is designed with thin, spreading lines
and imagined as a carpet of sound. The text, written in various typefaces,
is assigned to the blocks appearing towards the back of the
middle ground. The bottom of these blocks is determined by a line
leading upwards to its highest point and then continuing downwards.
64

Tusche auf Transparentpapier, 80 x 40 cm, 1987
India ink on transparent paper, 80 x 40 cm, 1987
65

Gertrude Stein Zyklus
Gertrude Stein Cycle
Die amerikanische Schriftstellerin GERTRUDE STEIN wurde berühmt
durch ihre Radikalität, ihre experimentelle Sprache, die sich über
jegliche Konvention hinwegsetzte. Ihr berühmtester Satz war das
minimalistische Wiederholungs-Wortspiel „Rose is a rose is a rose is
a rose“. Ich zitierte ihn anlässlich eines Gertrude Stein Kongresses
in Frankreich und machte ihn zum Titel meines Zyklusses, welcher
verschiedene musikalisch- und sprachlich-graphische Minimaltechniken
verwendet. Der Zyklus ist ein work in progress, er ist endlos,
wird immer wieder neu aufgerollt, es kommt ein neues Bild hinzu,
das eine oder andere Bild verschwindet, wird verkauft, so bleibt alles
in Bewegung.
The American writer GERTRUDE STEIN became famous for her
radicalness, her experiments with language that flouted every kind
of convention. Her most famous sentence was the minimalist and
repetitious play on words “Rose is a rose is a rose is a rose.” I quoted
this line at a Gertrude Stein congress held in France and adopted it
as the title of my cycle that uses different minimalist techniques for
the musical and linguistic graphical elements. The cycle is a work in
progress, it is an endless undertaking, work on it is resumed from
time to time, a new picture is added, one or the other disappears or
is sold, in this way everything stays in motion.
66

Tusche auf Transparentpapier, Photographien, Negative, acht verschiedene Rahmengrößen, work in progress, ca. 1993–1994
Ausstellung Gertrude Stein-Zyklus im Schloß Haigerloch in der Nähe von Hechingen 1995
India ink on transparent paper, photographs, negatives, eight different frame sizes, work in progress, ca. 1993-1994
Exhibition of Gertrude Stein Cycle in Haigerloch Castle located near Hechingen 1995
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Der Zyklus umfasst 8 Rahmengrößen, die formal im Weiterschreiben des Zyklusses bestehen bleiben.
Eight stipulated sizes of frames remain a constant formal element of the cycle in its ongoing development.
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Tusche auf Transparentpapier, 4 Schichten, 52 x 72 cm, 1993–1994
India ink on transparent paper, 4 layers, 52 x 72 cm, 1993-1994
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Tusche auf Transparentpapier, 4 Schichten, 52 x 72 cm, 1993–1994
India ink on transparent paper, 4 layers, 52 x 72 cm, 1993-1994
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Tusche auf Transparentpapier, 4 Schichten, 52 x 72 cm, 1993–1994
India ink on transparent paper, 4 layers, 52 x 72 cm, 1993-1994
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Thomas Bernhard Zyklus –
Alte Meister
Thomas Bernhard Cycle –
Old Masters
Der Roman ALTE MEISTER des Schriftstellers THOMAS BERNHARD
ist ein hochgradig musikalisches Sprachwerk. Rhythmische Ordnungen,
Motivtechniken, Variationsprinzipien zeigen einen virtuosen
Künstler. Beim stets Lauten-Lesen hörte ich die verschiedenen Melodien
in den Konsonanz-Folgen, je nachdem wem diese Motive zugeordnet
waren, entweder REGER oder IRRSIGLER oder dem Autor
selbst. Vier Materialien ordnete ich einzelnen Personen, Szenen und
Ereignissen zu: freie Linien mit schwarzer, blauer und roter Tusche
auf weißem Papier, zerschlagene mit weißer Tusche beschriftete
Spiegel, Folien des Fotos des weißbärtigen Mannes von TINTO-
RETTO, und hauchdünne feine filigrane Linien auf Transparentpapier.
Diese Materialien werden analog zu einer Auswahl von Szenen des
Romans immer wieder neu variiert.
The novel “ALTE MEISTER” (“Old Masters”) by the Austrian writer
THOMAS BERNHARD is an extremely musical literary work. Rhythmic
arrangements, motif techniques, variation principles are indications
of a virtuoso artist. When reading it, always aloud, I heard the various
melodies in the sequences of consonants, depending on which
figure the motif was associated with, either REGER or IRRSIGLER or
perhaps with the author himself. I used four different kinds of materials
for designating individual persons, scenes, and incidents: free-flowing
lines in black, blue, and red India ink on white paper; broken
mirrors with lettering in white India ink; transparency sheets with the
photograph of the man with the white beard by TINTORETTO; and
thin filigree lines on transparent paper. These materials are combined
in ever new variations analogous to a selection of scenes from
the novel.
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Tusche mehrfarbig auf Papier, Text mit weißer Tusche auf Spiegelfragmenten, Negativ-Photo auf Folie, Tusche auf Transparentpapier
Insgesamt 500 Stück à 22 x 22 cm, (o.R.) 1999
India ink multicolored on paper, text in white India ink on mirror fragments, negative photo on transparency sheet, India ink on transparent paper
Altogether 500 pieces, each 22 x 22 cm (without frame), 1999
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Du bist Orplid, mein Land!
Das ferne leuchtet;
Vom Meere dampfet dein besonnter Strand
Den Nebel, so der Götter Wange feuchtet.
Uralte Wasser steigen
Verjüngt um deine Hüften, Kind!
Vor deiner Gottheit beugen
Sich Könige, die deine Wärter sind.
Eduard Mörike / Hugo Wolf
Zyklus
Eduard Mörike / Hugo Wolf
Cycle
ORPLID war das Fantasieland, der ideale Lebensplatz des schwäbischen
Dichters und Pfarrers EDUARD MÖRIKE. Ein Land, das ferne
leuchtet. Sein Land, das innere Land Mörikes, ein besonnter Strand,
der vom Meer her dampft. Die sprachlichen Fantasiebilder retteten
ihn oft vor der Unbill des Alltags. Zu finden sind derartige Plätze im
Schwäbischen nicht. Durch die Vertonung des Österreichers HUGO
WOLF bekam dieser Text noch weitere, ganz andere Dimensionen,
steinverwoben, im ARPEGGIO angesiedelt, um die Leichtigkeit der
mächtigen Akkorde zu bauen. Ich brachte beide, den Lyriker und
den Komponisten zueinander und zu sich selbst. Zwölf Mal entstand
eine Fantasie-Verbindung, geprägt von den Farben des Steins und
dem eigenen Tönen.
ORPLID was the fantasy land, the ideal place to live for the Swabian
poet and pastor EDUARD MÖRIKE. A land that gleams in the distance.
His land, Mörike’s inner land, a sunny shore, misty from the
ocean spray. These literary fantasies rescued him oftentimes from
the hardships of daily life. Such places are not to be found in Swabia.
When HUGO WOLF put this poem to music, the text received
other, wholly different dimensions, intertwined with stone, residing
in the ARPEGGIO, in order to bring lightness to the powerful chords.
I brought them, the poet and the composer, both together and to
themselves. Twelve times a fantasy-connection was created, defined
by the colors of the stone and my own tones.
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Montagen aus Photofolien, Transparentpapier. Photographiert, bearbeitet, 100 x 100 cm, 2008–2009
Montages of photographic transparencies, transparent paper. Photographed and reworked, 100 x 100 cm, 2008-2009
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Gustav Mahler Zyklus
Gustav Mahler Cycle
Bei der Beschäftigung mit der Musik GUSTAV MALERs verblieb für
mich, als visuelles Pendant zum Klang, immer das Foto, auf welchem
der Komponist, sitzend mit Fliege, Anzug und Jacke, den linken Fuß
über den rechten gekreuzt, die linke Hand halboffen auf dem linken
Oberschenkel liegend, die rechte geöffnet den Knauf des Sessels
umfassend, hinter der runden Nickelbrille in meine Richtung blickend,
sich selbst schauend nicht den Adressaten, in der Melancholie
des Moments verharrend, in sich hörend eventuell die Klangfäden
spinnend, festgehalten ist. Dazu kam später der Film, als, auf dem
ADAGIETTO der Fünften Symphonie schwimmend, dieses Bild auf
die Lagune hinausfuhr und eins wurde mit all dem jenseits dieser
Welt Seienden. Das blieb immer miteinander verbunden bis ich, weiterhin
solche Bilder suchend, in diesen Ton eintauchte, um ihn mit
seiner Musik, seinem eigenen Ich, den Farben seiner Klänge wieder
zu finden. So entstand, nach Fibonacci geordnet, Mein MAHLER, um
am Schluss, im letzten Bild, mit den Dutzenden von kleinen Spiegeln
mich in ihn zurückziehen zu dürfen.
During my involvement with the music of Gustav Mahler there was
a certain photograph that stayed in my mind as a visual counterpart
to the sound of the music. In this photograph the composer is sitting
with bow tie, suit, and vest, the left foot crossing the right, the left
hand half open resting on the left thigh, the right hand clasping the
chair’s armrest, looking in my direction from behind round nickel
eyeglasses, but looking within himself, not at some addressee,
pausing in the melancholy of the moment, listening within himself,
perhaps spinning threads of tone. Later on a film provided another
image: the image of moving out onto the waters of the Venice
Lagoon, floating on the ADAGIETTO of the Fifth Symphony, and
becoming one with everything existing beyond the bounds of this
world. This all remained interconnected until, still in search of such
images, I immersed myself in this tone in order to find it again with
his music, with Mahler’s own self, with the timbre of his sounds.
Finally, my MAHLER emerged, organized according to Fibonacci, and
culminating in the final picture that is sprinkled with dozens of tiny
mirrors so that I myself may retreat into him.
84

Die Teile 2–4 des Zyklusses auf Tableaus montiert, dazwischen das auseinandergenommene Photo von Mahler.
Montagen aus Photographien, Photofolien, Transparentpapier
8 Stück 8 x 8 cm, 5 Stück 13 x 13 cm, 3 Stück 21 x 13 cm, 2 Stück 34 x 21 cm, 1 Stück 55 x 34 cm, 1 Stück 89 x 55 cm, 1 Stück 144 x 89 cm, 1 Stück 233 x 144 cm
Parts 2-4 of the cycle, mounted on panels, with the divided photograph of Mahler in between
Montages of photographs, photographic transparencies, transparent paper
8 pieces 8 x 8 cm, 5 pieces 13 x 13 cm, 3 pieces, 21 x 13 cm, 2 pieces 34 x 21 cm, 1 piece 55 x 34 cm, 1 piece 89 x 55 cm, 1 piece 144 x 89 cm, 1 piece 233 x 144 cm
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Das obere Bild des 4. Teils des Zyklusses
The upper picture of Part 4 of the cycle
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Das untere Bild des 4. Teils des Zyklusses
The lower picture of Part 4 of the cycle
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Das Bild des 5. Teils des Zyklusses
The picture of Part 5 of the cycle
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Das Bild des 7. Teils des Zyklusses
The picture of Part 7 of the cycle
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Laetare – Da Pacem domine
Laetare – Da Pacem domine
LAETARE ist der Name eines Ensembles mit Andrea Letzing-Fessmann,
Stimme, Georg Baum, keltische Harfe und ich selbst mit
Klangsteinen. Die Musik knüpft an altes Wissen an, altes Können, an
die alten, uralten Klänge, die die Welt bewegen, die von der Welt,
dem Innen und Außen bewegt werden.
Hörbar wird dies in einem Tönen, welches eine spezielle, einmalige
Balance zwischen verschiedenen Welten fühlbar werden lässt. Sichtbar
wird dies in Partituren, deren Geist aus der Gregorianik schöpft,
sich die mönchische Zeit zu nehmen scheint, um den Geist dieser
Kultur sehend zum Hören und hörend zum Sehen zu bringen.
Die erste Partitur war das DA PACEM DOMINE, ein zentrales Werk
der Musik dieses Ensembles.
Die ersten beiden Seiten hauchen den Geist dieser Musik in die
Filigranzeichen, die dritte Seite verbindet notwendige Pragmatik mit
dieser Schönheit.
LAETARE is the name of an ensemble with Andrea Letzing-Fessmann,
voice, Georg Baum, Celtic harp, and myself on Soundstones.
The music builds on old knowledge, old skills, on the old, age-old
sounds that move the world and that are moved by the world, by that
which is internal and that which is external.
This becomes audible in tones that make palpable a special, unique
balance between different worlds. It becomes visible in the musical
scores that draw spiritual inspiration from the Gregorian chant and
evoke the age of the monks in order to make the spirit of this culture
visibly audible and audibly visible.
The first score was the DA PACEM DOMINE, a pivotal work in the
music of this ensemble. The first two pages breathe the spirit of this
music into the filigree figures, the third page combines the necessary
pragmatics with the beauty.
90

Da Pacem Domine notiert aus dem Denken der Gregorianik heraus, Tusche in 7 verschiedenen Stricharten auf Transparentpapier, DIN A3, 2010
De Pacem Domine notation, inspired by Gregorian chant, India ink in 7 different types of lines on transparent paper, DIN A3, 2010
91

92

Die Stimme ist in Strichen notiert, um die Linearität des Singens zu verdeutlichen, die Harfe benutzt die traditionelle Notenschrift, der Klangstein ist auf
3 Ebenen notiert. Auf der ersten Ebene wird eine Art Tabulator verwendet, die zeigt, wann und wo gespielt wird. Die zweite Ebene zeigt die Basstöne, die mit
den Ballen an bestimmten Stellen erzeugt werden, auf der dritten Ebene wird der Rhythmus und die Anzahl der Lamellen, die gespielt werden, notiert.
The vocal part is notated in lines in order to accentuate the linearity of the singing, the harp uses the traditional musical notation, the Soundstone is notated
on three levels. On the first level a kind of tabulator is used to indicate when and where it should be played. The second level shows the bass tones which are
produced by the ball of the hand and to be played at certain places. On the third level the rhythm and the number of blades to be played are notated.
93

Laetare – Benedicat
Laetare – Benedicat
Das BENEDICAT ist ein aus den gregorianischen Gesängen entnommenes
Segnungs- und Weihungsgebet. Seine Aufgabe besteht
im Rühmen und Preisen Gottes. Diese Komposition des Ensembles
LAETARE erinnert in den solistischen Teilen der Harfenstimme visuell,
durch die im Hintergrund montierten Notationsformen aus alten
Partituren, an mittelalterliche Musik, wenn die Stimme hinzukommt,
bleibt die Geschichte unsichtbar im Hintergrund, übernimmt die
Stimme diese Aufgabe. Die graphische Schreibweise bleibt in ihrem
Charakter der Feinheit und dem Intimen dieser Musik verpflichtet.
The BENEDICAT, a prayer of benediction and consecration, is taken
from Gregorian chants. Its function is to exalt and praise God. This
composition of the ensemble LAETARE recalls medieval music by
visual means as well, by inserting notations from old musical scores
into the background of the soloistic passages for the harp. When
the vocal part is added, the historical references in the background
become invisible. The audible voice takes over the function of historical
reference. The graphic form of notation remains committed in its
character to the delicacy and intimacy of this music.
94

Montage von Tusche auf Transparentnotenblätter, Photofolien, mehrere Schichten, Steinfarben auf Papier, DIN A2, 2014
Auf dieser und den beiden folgenden Seiten sieht man die Harfenstimme auf 3 Systemen notiert, die Stimme wird auf der ersten Seite durch den gelben Hintergrund
angezeigt, auf Seite 96 und 97 sieht man die Notation mit blauem Strich sich eigens abheben. Jedes Mal wenn die Stimme aufhört, werden aus der
Musikgeschichte Folien eingebaut, die die Schönheit der damaligen Schreibweise zeigen und diese Musik in der Erinnerung belassen sollen.
Montage of India ink on transpartent music paper, photographic transparencies, several layers, stone-based pigments on paper, DIN A2, 2014
On this page and on the next two pages the part for harp can be seen, notated in three systems. The vocal part is indicated by the yellow background, on
pages 96 and 97 one can see how the notation with the blue line stands out. Each time the singing stops, reproductions from the history of music are inserted
that show the beauty of the old forms of notation and that should keep this music in remembrance.
95

96

97

Während der Arbeit an der Partitur Benedicat entstanden in Silber und Gold gehaltene Klangflächenskizzen.
Tusche Silber und Gold, auf Transparentpapier, DIN A2, 2014
98

99
During work on the score of Benedicat, sketches of sound surfaces were made in silver and gold.
India ink silver and gold, on transparent paper, DIN A2, 2014

Vorträge
Lectures
Die von mir verfassten und gehaltenen Vorträge sind immer Arbeiten,
die sich auch in der visuellen Darstellung mit dem Thema Sehen
und Hören beschäftigen. Ausschließlich einen sprachlichen Text
ohne weitere Informationen zu erstellen, erachtete ich zunehmend
als unzureichend. So begann ich Vorträge zu schreiben, in welche
ich musikalische Zeichen und Graphiken einbaute, vorproduzierte
Musik über beiliegende CDs zur Verfügung stellte und die an
bestimmten Stellen gehört werden mussten. In dieser Arbeitsweise
entwickelte ich visuelle und auditive künstlerische Subebenen. Im
Laufe der Zeit wurden aus Vorträgen eigene ganzheitliche Kunstwerke,
auf speziellen Papieren gedruckt oder mit Tusche gezeichnet.
Hier als Beispiel drei Seiten aus den Frühformen dieser Arbeit.
All the lectures that I have written and held are works that deal
with the theme of seeing and hearing and always include visual
representations. It was my growing conviction that a purely literary
text without further information was insufficient. Because of this, I
began to write lectures which included musical signs, graphics, and
pre-produced music that was provided on accompanying CDs to be
listened to at certain points. Working in this way I developed visual
and auditory artistic sub-levels. The lectures grew, over the course
of time, into distinctive holistic artworks, printed on special sorts of
paper or drawn with India ink. As an example, here are three pages
taken from the early forms of this work.
100

Klaus Feßmann Vortrag IFG ULM
Über
die
Erkenntnisfähigkeit
visuellen
Denkens
in
musikalisch
Gefügtem
oder
I moved
from
ideas
of order
to
no ideas
of
order
Vortrag IFG ULM Symposium mit Konzert im Ulmer Münster
Montagen, Text Schreibmaschine Papier, Text auf Folie, Graphiken auf Folie, DIN A4, 1989–1995
Lecture IFG Ulm Symposium with a concert in the Ulm Münster
Montages, typewriter text on paper, text on transparencies, graphics on transparencies, DIN A4, 1989-1995
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Vortrag Tonkünstlerfest Baden-Württemberg 1989
Montagen, Text Schreibmaschine Papier, Text auf Folie, Graphiken auf Folie, DIN A4, 1989–1995
Lecture Tonkünstlerfest Baden-Württemberg 1989
Montages, typewriter text on paper, text on transparencies, graphics on transparencies, DIN A4, 1989-1995
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Vortrag Tonkünstlerfest Baden-Württemberg 1989
Montagen, Text Schreibmaschine Papier, Text auf Folie, Graphiken auf Folie, DIN A4, 1989–1995
Lecture Tonkünstlerfest Baden-Württemberg 1989
Montages, text typewriter paper, text on transparencies, graphics on transparencies, DIN A4, 1989-1995
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Klaus Fessmann
Klaus Fessmann
Klaus Fessmann (*03.07.1951 in Nürtingen) ist Pianist, Komponist,
KlangKünstler, Autor und Pädagoge. In seiner Existenz als Musiker
spielt er Instrumente, erforscht Materie, um an den Klang zu kommen,
schreibt Zeichen, die oft nicht mehr als Noten bezeichnet
werden, in denen er seine inneren Klänge sehend hört, baut Skulpturen
und Objekte aus der derselben Motivation und Aufgabe heraus,
schreibt Bücher, Texte und Gedichte in diesem Denken – zusammen
bedeutet dies, dass er in diesen Klängen, in dieser Musik lebt.
Er studierte an der Musikhochschule Stuttgart zunächst Schulmusik
(Klavier/Komposition) und anschließend Komposition sowie Musikwissenschaft.
Nach dem Studium wurde er Dozent für Musiktheorie
im gleichen Haus und erhielt 1997 einen Ruf als O. Univ. Prof. an die
renommierte Musikuniversität Mozarteum Salzburg.
Klaus Fessmanns künstlerische Entwicklung ist geprägt von einer
Begabung, die in den Grenzbereichen zwischen Musik, Bildender
Kunst, Literatur, Bildhauerei, multimedialem Denken und Architektur
angesiedelt ist. Neben der Vorliebe für klassische Musik konzertiert
und komponiert Fessmann in den Bereichen experimenteller Musik,
indischer Musik, Avantgarde, Folkmusic, Jazz, Weltmusik.
Der erste Schwerpunkt seines künstlerischen Arbeitens liegt in der
Entwicklung neuer musikalischer Notationsformen. Seine Kompositionen
notierte und notiert er nicht mehr ausschließlich im traditionellen
Notensystem, sondern er arbeitete mit mehreren Schichten über
Spezialpapier und Folien. In der Weiterentwicklung dieser Technik
nahm er Glas, Spiegel und Plexiglas hinzu, entwickelte neue Zeichen,
baute Objekte, die zum Teil als kybernetische Modelle funktionieren.
Er schuf bisher fast 800 Musikalische Graphiken, die in erster
Linie mit lyrischen Texten arbeiten.
Anfang der 90er Jahre des 20. Jahrhunderts komponierte Klaus
Fessmann den Zyklus „Höhlensprache“ von Werner Dürrson, über
den er auf das Material Stein als Klangmaterial stieß. Er begann
Musik aus den Steinen zu erforschen. Diese wurde nach und nach
der künstlerische Mittelpunkt seines Arbeitens. Er erforschte an
verschiedenen Steinarten die Klangtypen, stellte mit verschiedenen
Verfahren Messungen an, um die Entwicklung der Steinklänge
begründen zu können. Er gründete mehrere Ensembles, um diese
Musik zu verbreiten, schrieb das erste Buch über Klangsteine und
nahm bis 2014 zehn CDs auf.
Aus der Arbeit mit den Steinen entstanden weitere von Klaus Fessmann
entwickelte Projekte. Zunächst ist das pädagogisch-künstlerische
Konzept „Kieselschule“ zu nennen, die gegenwärtig einzige
elementare Musik- und Kompositionsschule. Sie arbeitet mit Kiesel-
Klaus Fessmann, born on July 3, 1951, is pianist, composer, sound
artist, author and educator. In his life as a musician he plays instruments,
investigates matter in order to track down the sound, writes
signs that can often no longer be designated as notes, signs in which
he visually hears his inner sounds, and, driven by the same motivation
and mission, builds sculptures and objects, writes books, texts,
and poetry within this sphere of thought. Altogether this means that
he lives in these sounds, in this music.
He studied at the State University of Music and the Performing Arts
Stuttgart, first school music (piano/composition) and then composition
as well as musicology. After completing his studies he became
an instructor for music theory at that same institution, and in 1997 he
was offered a full professorship at the renowned University Mozarteum
Salzburg.
Klaus Fessmann’s artistic development is characterized by a talent
that encompasses music, visual arts, literature, sculpture, multimedia
thought, and architecture. In addition to his passion for classical
music, Fessmann gives concerts and composes music in the areas of
experimental music, Indian music, avant-garde, folk music, jazz, and
world music.
In his artistic endeavors, his first focus lay on the development of
new forms of music notation. For his compositions he used, and
continues to use, not only the traditional method of notation, but also
a method using several layers of special paper and transparencies.
In the further development of this technique, he added glass, mirrors,
and Plexiglas, designed new signs, and built objects that partly function
as cybernetic models. Fessmann has created nearly 800 works
of musical graphic art that incorporate primarily lyrical texts.
During the beginning of the 1990s, while composing the cycle “Höhlensprache”
(“Cave Language”) by Werner Dürrson, Klaus Fessmann
came across stone as a sounding material. He began to do research
on music produced by stones, and this eventually became the artistic
center of his work. He investigated different types of stones for their
sound qualities and did measurements using various methods in
order to be able to explain the development of stone sounds. He
founded several ensembles in order to propagate this music, wrote
his first book on Soundstones, and recorded ten CDs.
Arising from his work with stones, further projects were developed
by Klaus Fessmann. First of all, there was the educational-artistic
concept of the “Kieselschule” (“Pebble School”), currently the only
existing elemental school of music and composition. This school
works with pebbles; its methods are used in elementary education
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steinen und wird in der Elementarpädagogik sowie der Gewaltprävention
eingesetzt.
Als nächstes erfolgte die Erforschung der therapeutischen Wirkungsweise
der Klangsteine, die seit 2008 an verschiedenen Kliniken des
deutschsprachigen Raumes sehr erfolgreich durchgeführt wird.
Im Jahr 2004/05 entwickelte Klaus Fessmann das Projekt „ReSonanz&AkzepTanz“,
welches bislang das einzige erfolgreiche, wissenschaftlich
begleitete pädagogische Projekt für Schulen mit einem
hohen Migrationshintergrund ist. Von Beginn an gelang es, u. a. den
Sprach- und Rechenkompetenzerwerb der Schüler um über 40%
zu steigern. Das Projekt wurde 2009 mit dem ECHO-Klassik ausgezeichnet.
and in the prevention of violence.
The next project was devoted to research on the therapeutic effectiveness
of Soundstones. Since 2008 research has been successfully
implemented in various clinics located in German-speaking countries.
In 2004/05 Klaus Fessmann developed the project “ReSonanz&AkzepTanz”
(“ReSonance&AcceptDance”). This is as yet the only successful
scientifically supported educational project for schools with a
high percentage of pupils coming from a migrant background. From
the outset it was possible to improve the language and numbers
skills of the pupils by over 40%. In 2009 the project was awarded the
“ECHO-Klassik” prize.
Ausstellungen
Exhibitions
Nürtingen
Echterdingen
Bath, England
Salzburg
Stuttgart
Köln
Fellbach
London
Yokohama
Hildesheim
Riedlingen
Stuttgart
Ludwigsburg
Iffeldorf
Haigerloch
Stuttgart
Schorndorf
Culos, Frankreich
Stuttgart
Mannheim
Tutzing
Meiningen
Stuttgart
Reudern
Hamburg
Göppingen
Reutlingen
Darmstadt
Galerie Hexenhaus
Galerie der Stadt Echterdingen
Galerie der Universität
Mozarts Geburtshaus
Staatsgalerie
Philharmonie
Galerie der Neckarwerke
Center of Modern Arts
Galerie der Stadt
Galerie der Stadt Hildesheim
Galerie der Kreissparkasse
Wilhelmspalais
Schloss
Gemeindezentrum
Galerie Schwenk des Schlosses Haigerloch
Galerie des Kunsthauses Schaller (2x)
Galerie der Stadt Schorndorf
Galerie der Stadt Culos (Gertrude Stein-Festival)
Wilhelmatheater
Galerie der Stadt Mannheim
Evangelische Akademie
Städtische Galerie
Musikhochschule
Galerie die Treppe
Amerikahaus
Galerie der Neckarwerke
Ausstellung der Stadt
Institut für Neue Musik
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IMPRINT
Retrospektive
Klaus Fessmann
published by: Emanomedia GmbH, Zürich
Copyright: © 2015, Emanomedia GmbH, Zürich
All rights reserved
ISBN 978-3-03836-009-4
www.emanomedia.com
Klaus Fessmann
Auf der Trat 4
D-82393 Iffeldorf
www.klaus-fessmann.de
Zusammenarbeit mit:
Forum Kunst&Dialog UG
Dr. Evamaria Brehm, Geschäftsführerin
Groote Kamp 37
D-25474 Hasloh
www.forumkunstunddialog.de
Übersetzung:
Sylvia Heckmann
Fotos der Werke:
Wolfgang Horny, Stuttgart; Labor Grieger, Stuttgart;
Guntram Gerst, Stuttgart; Rüdiger Köhler, München;
Wolfgang Steche, Heidelberg; Klaus Fleckenstein, Habach;
Raphael Fleckenstein, Habach.
Gesamtgestaltung:
Atelier Fleckenstein, Habach
Alle Rechte vorbehalten
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