Seite 1 Anfang Die Wupper Geboren und ... - Thomas Reichert

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Die Wupper 

Thomas Reichert – www.regie-thomasreichert.de – kontakt@regie-thomasreichert.de 

Geboren und aufgewachsen an der Tiroler Ache, was auch heute 

wieder meine Adresse ist, bin ich nach Umwegen 1972 an die 

Münchner Falkenbergschule und von dort als Assistent an die 

Münchner Kammerspiele gekommen. Engagiert hatten mich der 

damalige Oberspielleiter Johannes Schaaf. Rosemarie Fendel hatte 

für mich geworben, ihnen beiden habe ich meinen Einstieg ins 

Theater zu verdanken. Adolf Dresen machte in dieser Zeit - er war 

der erste Gastregisseur, der aus der DDR einreisen durfte – „Die 

Wupper“. Es war eine aufregende Arbeit vor einem großen, weiten 

Hintergrundwissen über die Gesellschaft zur Zeit von Lasker- 

Schülers Wuppertal, ihrem Leben und gesamten Werk. Dresen und 

seine Dramaturgin Ilse Galfert brachten ein Wissen, eine ungeheure 

Bildung mit, die im Westen völlig ungewöhnlich war. Und ich durfte 

assistieren. 

Von einem der auszog das Fürchten zu lernen bis zu den 

Rassen 

1975 kam ich, erst noch als Assistent, nach Frankfurt zu Peter 

Palitzsch, wo ich dann im zweiten Jahr meine erste Inszenierung in 

Co-Regie mit ihm machte, „ein Weihnachtsmärchen“. Das nächste 

Märchen durfte ich dann schon allein inszenieren und auch die 

Bearbeitung selber schreiben „Von einem der auszog das Fürchten 

zu lernen“. Mir waren die damals üblichen Märchenbearbeitungen zu 

harmlos, zu „sozialphilharmonisch“. Mir schien es falsch, die Kinder 

schützen zu wollen, viel wichtiger ist, dass sie erleben können, wie 

man in der Phantasie vergnüglich die schwarze Seite unserer Seele 

ausleben und dabei abarbeiten kann – eine Art „Schwarzarbeit“. Es 

wurde dank der Ausstattung von Nina Ritter auch vom Bild her eine 

tolle Inszenierung. 

Die letzten beiden Jahre der Intendanz von Peter Palitzsch war ich 

dort erstmals als fest angestellter Regisseur engagiert. Meine 

wichtigste Arbeit war „Rassen“ von Bruckner mit Michael Altmann, 

Peter Danzeisen und Axel Wagner, mit dem ich auch einige Jahre 

zusammen in einer Wohnung lebte. Sehr viel, auch was ich über 

Theater und Musik weiß, verdanke ich Axel. 

Ich habe mit diesem Stück, das Bruckner auf seiner Flucht vor 

Nazideutschland geschrieben hatte, versucht meine problema- 

tischen Erfahrungen mit den 68-ern zu thematisieren. War ich doch 

mit so Vielen, begeistert von dem Gefühl aus der klein bürgerlichen 

Isolierung befreit zu sein, auf die Straße gelaufen und hatte 

irgendwelche Slogans mit gebrüllt, ohne mir klar zu sein, was ich da 

in den Mund nahm. Mein Glück war, für Einen meiner Generation 

stand ich wohl auf der „richtigen“ Seite... 

Wir schreiben das Jahr 1980. Die Intendanz von Peter Palitzsch ist 

beendet. Das Modell Mitbestimmung ist ausgeträumt und es 

erscheint das Buch zu diesen aufregenden 10 Jahren unter dem 

Titel „War da was?“ 

Posada, oder Der große Coup im Hotel Ritz 

Boy Gobert holte mich 1980 ans Schillertheater. Ich durfte seine 

Berliner Intendanz am Schlossparktheater, damals zweite Spielstätte 

des Schillertheaters, eröffnen. Ich inszenierte die Uraufführung von 

Marieluise Fleißers „Tiefseefisch“ mit Elisabeth Rath und Dieter 

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Laser. Noch während den Proben bot mir Gobert den 

Oberspielleiterposten an. Ich konnte nicht annehmen, zu fern schien 

mir diese Art von Theaterbetrieb von dem, was da in Frankfurt so 

intensiv - manchmal sogar mit Humor - gesucht wurde. „Tiefseefisch“ 

wurde ein großer Erfolg, die Presse war begeistert, das Haus 

glücklich. Peter Zadek erteilte mir den „Ritterschlag“. Das war nach 

der Premiere im Foyer, er kam auf mich zu und gratulierte. Thomas 

Reichert war in Berlin angekommen. Ein ganz besonderes Highlight 

wurde die Uraufführung von "Posada, oder der große Coup im Hotel 

Ritz" von Walter Serner mit Sabine Sinjen und Peter Matic. Keiner 

hatte zuerst daran geglaubt, dass es möglich sei, dieses Stück des 

großen Dadaisten auf die Bühne zu bringen, aber mit Serners Text 

„Letzte Lockerungen“ unterm Kopfkissen gelang es und wurde auch 

ein großer Publikumserfolg. 

Dazwischen inszenierte ich „Amphitryon“. Begeistert von diesem 

Text, versuchte ich ihn in seiner ganzen Fülle auf die Bühne zu 

bringen, also Kleists Sicht auf die Geschichte, nicht den flotten 

Dreier, der bei Moliere die Hauptrolle spielt, sondern die 

Unvereinbarkeit von Macht und menschlichem Gefühl. So wurde es 

schliesslich mehr das Stück über Einsamkeit und Liebe, Einsamkeit 

in der Liebe, denn eine Komödie. Das Bühnenbild dazu schuf, wie 

auch schon beim Tiefseefisch, Nina Ritter. Die Premiere bleibt mir 

unvergessen. Von den ersten Verbeugen der Schauspieler an wurde 

ausgepfiffen, man wartete gar nicht erst auf die Regiemannschaft. 

Die Kritiken habe ich aufbewahrt, sie sollten sich das Vergnügen 

nicht entgehen lassen. 

Sturm und Drang 

Es war ein wenig kälter um mich herum geworden. Ich musste Berlin 

verlassen. Aber zum Abschluss wollte ich dort ein Projekt machen, 

das mir schon länger sehr am Herzen lag, eine einstündige 

Bearbeitung von Klingers „Sturm und Drang“, reduziert auf fast keine 

Handlung und 7 Personen, also Maria Hartmann, Sona McDonald, 

Liselotte Rau und bei den Männern erinnere ich besonders Axel 

Radler, der bei Gobert für ein Weiterspielen der Aufführung kämpfte, 

weil sie zwar schlecht besucht, aber ungeheuer wichtig sei. Und wie 

schon bei Posada arbeitete ich wieder mit dem Künstler Georg 

Herold zusammen. Wir waren auf der Höhe der Zeit, der Misserfolg 

zwar groß, aber Georg und ich uns sicher, dass das Theater einfach 

viel zu weit hinter den Entwicklungen der Kunstszene zurück hinke. 

Freiburg mit Barbara Melzl und Henning Heers 

Freiburg, das war für mich vor Allem die Zusammenarbeit mit den 

Schauspielern dort, allen voran Barbara Melzl und Henning Heers. 

Beide konnte ich später nach Hannover holen, und sie kamen auch 

mit nach München ans Residenztheater. 1983 „Was ihr wollt“ mit 

Barbara als Viola und Sebastian und Henning Heers als Malvolio, 

Anke Schubert als Herzog. Dann machten wir „Kasimir und 

Karoline“, ich zum ersten Mal auch das Bühnenbild und Christoph 

Marthaler die Musik. Als letzte Arbeit in Freiburg „Maria Stuart“, 

wieder in toller Besetzung. Wir haben die längste Zeit der Proben in 

irgendwelchen Übungsräumen zugebracht, um die faszinierende 

Rhythmik des Schillertextes auf heutige Art laut werden zu lassen. 

Das Bühnenbild entwarf Michael Simon, mit dem ich später immer 

wieder zusammenarbeitete. 

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Die Räuber 

Wieder zurück in Frankfurt 

Horst Laube, der große Dramaturg und wesentlicher Gestalter der 

Zeit der Mitbestimmung bei Peter Palitzsch, war wieder in Frankfurt, 

wo Adolf Dresen Intendant war. Und so kam ich wieder an das Haus. 

Zuerst mit „Sommer“ von Bond. Ein gut gebautes, wirkungsvolles 

Stück Theater, „linkes“ Theater und so in seiner letzten Aussage ein 

wenig naiv. Sozialistensohn und Kapitalistentochter tun sich 

zusammen, am Horizont der neue Mensch. Ich konnte das so klebrig 

nicht stehen lassen und setzte an den Schlussdialog der beiden 

Jungen den Satz: „Wir telefonieren“ und - Alles war wieder offen. 

Aber so was galt als krasse Eigenmächtigkeit und war damals nicht 

gern gesehen. Es war eine wunderbar verrückte Probenzeit mit 

Rosemarie Fendel und Ingrid Engelmann, die ich dafür von 

Düsseldorf geholt habe. Dann „Die Räuber“ von Schiller. Wieder 

interessierte mich am meisten, wie so eine Vereinigung zusammen 

kommt, wie sich Treue auf Tod und Teufel schwört und bei allen 

Widerständen, intern wie extern, zusammen bis ins Ende bestehen 

bleibt. Es spielten u. a. André Jung, Thomas Thieme, Martin Wuttke, 

Thomas Anzenhofer, Rufus Beck. 

Top Girls 

Gerd Heinz und sein Chefdramaturg Peter Rüedi hatten mich 1983 

an das Züricher Schauspielhaus geholt, wo es nicht nur diese 

wunderbare Leitung gab, sondern auch tolle Schauspielerinnen. 

„Top Girls“, mit Sieben von ihnen inszenierte ich das Stück von Caryl 

Churchill über die Blüten weiblicher Emanzipation. Mich faszinierte 

nicht nur, wie die Churchill mit der Thematik umging, sondern 

vielleicht vor Allem, wie sie den Text rhythmisch notiert hatte; das 

Sprechen zu zweit, manchmal zu dritt. Dabei waren Eva Rieck als 

„Marlene“, Ursula Andermatt als „Tolle Grete“ und Reinhild Solf, 

Renate Schröder. Das Bühnenbild von Stefan Mayer, die Kostüme 

von Stephanie Geiger. 

Victor oder Die Kinder an der Macht 

André Jung und Norbert Schwientek 

Die Faszination der Arbeit in Zürich war die Zusammenarbeit mit den 

Partnern auf der Bühne. Norbert Schwientek hatte ich mit Peter 

Rüedi vom Schillertheater geholt und André Jung, wir haben bei den 

„Räubern“ zusammengearbeitet, aus Frankfurt. Diese Schauspieler 

und die Schauspielerinnen, die ich zum Teil schon genannt habe, 

dazu noch Maria Becker , gaben dem Theater am Pfauen das 

Außergewöhnliche. 

Sardanapal 

zu den Junifestwochen 1987 von Lord Byron. Bühne und Kostüme 

wieder von Nina Ritter und auch die Musik wieder von Christoph 

Marthaler. 

SARDANAPAL, ein Stück am Rande der Phantasie, 

deren Zentrum und Motor der Klang Ninive, 

erinnert an 

Namen wie Babylon, Atlantis, Rom 

und lässt deren Schicksal vermuten. 

Das Schicksal des fetten Nordens morgen. 

Ninive, Hauptstadt der bekannten Welt, 

mehr Geschwür als Metropole, 


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fett auf Kosten dieser Welt, 

riesige Gärten, künstlich bewässert 

und Mauern, sich zu schützen, so gewaltig: 

«Dass diese Stadt vor Menschen nie erliege 

solange nicht der Strom ihr Gegner wird.» 

In der Mitte der König, noch behütet 

vor der Wirklichkeit des «Aus und Vorbei». 

Der König spielt, gespielt wird Liebe 

wie jeden Tag seit dieser Herrscher ist. 

Das unregierbare Reich stöhnt und ächzt, 

der König tritt Assyriens Tugenden mit Füssen 

ein Narr, den man vergessen hat 

am Aschermittwoch auszuwechseln. 

(Text von Thomas Reichert) 

1986, mit demselben Team die böse Komödie „Victor oder Die 

Kinder an der Macht“ von Roger Vitrac, neben Schwientek als Victor, 

Jung, Rieck, Wildenauer, Cziesla und Babette Arens als Esther. 

Was haust in uns das hurt lügt raubt und mordet 

1985 „Britannicus“ von Racine mit Norbert Schwientek als kindlicher 

Nero, Maria Becker als seine Mutter. Ausstattung von Nina Ritter. 

Wie können aus Kindern so böse Erwachsene werden? 

Ein schrecklich guter Text auf der Suche: ist da eine Seele und wenn 

ja wie viele und wer ist Schuld an wessen Abgründen? 

Meine wichtigste Lektüre, um die in ihrer Struktur immer krimiartigen 

Stücke von Racine fassen zu können, war Ross McDonald“s „Blauer 

Hammer“ - eine vergnügliche Empfehlung damals von Francoise 

Bondy. 

Den Sitz der Seele mit dem Messer suchend 

Dieser genial geklaute Satz von Heiner Müller aus „Titus 

Andronicus“ ist der Leitsatz für meine Arbeit geworden. 

Der Auftrag 

1988 begann ich mit Eberhard Witt seine neue Intendanz für das 

Schauspiel Hannover vorzubereiten. 

1989 ging ich dann als fester Regisseur und künstlerischer Leiter 

nach Hannover. Wir engagierten Schauspieler wie Barbara Melzl, 

Alfred Kleinheinz, Henning Heers und Anfänger wie Jan-Gregor 

Kremp, Oliver Stokowski und Juliane Köhler, die dort bald zu Stars 

heranwuchsen. So entstand in recht kurzer Zeit ein sehr gutes, ganz 

besonderes, neugieriges Ensemble, voller Spiellust. Aus dem Kern 

dieses Ensemble heraus entstand auch der „Auftrag“, der alle Heiner 

Müller-Vorurteile von übergescheiten, trockenen, schwer spielbaren 

Texten Lügen strafte. Wir spielten das Stück von April 89 bis 

Sommer 90, das war sicher die spannendste Aufführungsserie, die 

ich je erlebt habe - war doch fast bei jeder Vorstellung die politische 

Wetterlage schon wieder eine andere. Die Grenze ging auf. Ost- 

West, dieser Konflikt veränderte drastisch seine Bedeutung. Als wir 

z.B. mit dem Stück in Leipzig gastierten, war dort gerade die CDU an 

die Macht gekommen und auf der Bühne hörte man von 

Westdeutschen den Satz „Die Revolution hat keine Heimat mehr, 

das ist nicht neu unter dieser Sonne ...“ Da knarzten im 

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Zuschauerraum nicht nur die alten Holzstühle. 

Davor, 1989 habe ich die „Möwe“ in Hannover zur Eröffnung 

inszeniert. Die Jugend und deren große „Chance zu scheitern“ das 

Thema; das alte und neue Ensemble zusammenzubringen die 

Aufgabe. Und auch in der ersten Spielzeit zwei Einakter von Havel 

zusammen mit Becketts Hommage an ihn: „Katastrophe“. Havel war 

damals mal wieder ins Gefängnis gesteckt worden. Jan-Gregor 

Kremp wurde in der Rolle des Braumeisters bereits zu diesem 

Zeitpunkt ein Liebling des Publikums. 

Kabale und Liebe 

Im zugespitzten Bühnenraum von Michael Simon, einem radikalen 

Nichts, was die Spielfläche betraf, drängten sich die von falschen 

Interessen Getriebenen ihrem jeweiligen K.o. entgegen. Alfred 

Kleinheinz als Wurm, der Luise so sehr wie hoffnungslos liebt, dass 

er die Intrige zu Hilfe nehmen muß, um wenigstens eine Szene mit 

ihr spielen zu können... Und Luise, die mit der Kraft ihrer Sehnsucht 

die Milford der Elisabeth Rath immer wieder von der Bühne treibt. 

Sie, Juliane Köhler und Ferdinand, Jan-Gregor Kremp, die 

wunderschön zusammen musizieren können, sie Cello er Klavier, 

aber in so gänzlich anderen Wirklichkeiten gefangen sind. Aber 

Theater ist gnädig: Ferdinand und Luise dürfen zusammen sterben, 

alle anderen müssen als Krüppel weiterleben. 

Das weite Land 

Schnitzler gehört auch zu den Autoren, die völlig unsentimental und 

wenig wertend dieses Geschöpf Mensch unters Messer nehmen. Ich 

erschrecke oft bei Schnitzlers Texten: „oh Gott, woher weiß der 

das?“ und diese Schrecken versuche ich auf die Bühne zu bringen. 

Als Regieanfänger in Frankfurt hatte ich schon drei Einakter von 

Schnitzler inszeniert: „Überspannte Person“, „Das Bachusfest“ und 

„Halb Zwei“. Diese Arbeit, das dabei immer größer werdende 

Interesse an den Abgründen der Seele, hat mich sehr geprägt. 1990 

also machte ich in Hannover „Das weite Land“. In einem Bühnenbild 

von Nina Ritter spielten Juliane Köhler, Elisabeth Rath als Genia, 

Henning Heers als Hofreiter, Alfred Kleinheinz als Mauer, und als 

Dichter Rohn Jan Gregor Kremp. 

Warten auf Godot 

ganz jung besetzt, wurde eine äußerst vergnügliche und überaus 

spannende Produktion, auch weil ich das Stück erst im „Alten 

Magazin“ herausbrachte und es zwei Jahre später auf der neu 

erbauten Spielstätte „Probebühne“ wiederaufnahm. Jan-Gregor 

Kremp (28 Jahre) und Oliver Stokowski (27 Jahre) spielten Vladimir 

und Estragon. Das Warten war für die Beiden zuerst so gar kein 

metaphysisches Thema, sondern ganz handfest: warten auf einen 

Studienplatz, aufs nächste Vorsprechen auf den Anruf, das 

Engagement, das Honorar.. 

Glaube Liebe Hoffnung 

Juliane Köhler betrat allein und ein wenig scheu als Erste die große 

Bühne des neu gebauten Schauspielhauses in Hannover. Mehr als 

ein neues Kapitel in der Geschichte des Hannoverschen Theaters 

war damit eröffnet. Beim dritten Versuch, einen würdigen Ersatz für 

das im Krieg zerstörte Schauspielhaus zu schaffen, gelang es und 

es war endlich so weit. 

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Ausgerechnet Bananen“, der berühmte Schlager aus den Jahren der 

Weltwirtschaftskrise, als Horváth das Stück geschrieben hatte, 

waren die ersten Töne, die Juliane vor sich hinträllerte, um sich ein 

wenig Mut zu machen auf dem Weg zu den Präparatoren, denen sie 

ihre Leiche für ein paar Mark verkaufen wollte, jetzt wo auch sie ihre 

Arbeit verloren hat... 

Die Kosten der Einheit hatten den Glauben an die Wirtschaftsmacht 

Deutschland endgültig erschüttert. Das war der Zeitpunkt der 

Eröffnung des neuen Hauses zu dem es große Reden gab und 

Politiker die sich plötzlich alle als Kunst-Ermöglicher hinstellten. In 

dieser Situation schien es mir notwendig auch den Verlierern 

unserer Gesellschaftsordnung eine Stimme zu geben. Thorsten 

Nindel als Schupo, Jan-Gregor Kremp als Präparator, Barbara Melzl, 

Thomas Limpinsel und vielen mehr in Nina Ritters Bühnenraum von 

gespenstisch kalter Architektur. 

Es war einmal ein Mensch, der oft stolperte, natürlich lachten 

ihn jedes Mal alle aus. Eines Tages, er war schon sehr traurig, 

täuschte er einen Stolperer vor. Alle lachten. Da wusste er, was 

er zu tun hatte. 

Eine Boulevardkomödie pro Spielzeit war auch eine der Aufgaben, 

die wir uns für unser Ensemble gestellt hatten. Türe auf, Türe zu und 

dazwischen, meist sehr schnell, Sätze präzise platzieren. Es gibt 

keine bessere Stückgattung für Berufsanfänger das Handwerk der 

Schauspielerei zu erlernen als diese Art Komödien. Musikalität und 

ein genaues Gespür was zwischen Bühne und Zuschauerraum 

vorgeht sind wesentliche Vorraussetzungen für gute Pointen, damit 

der Zuschauer auf seine Kosten kommt in der „schrecklichen“ 

Freude des: Gott sei dank, dass ich’s nicht bin. Ich inszenierte 

„Komödie im Dunkeln“ 1991 und 

„Othello darf nicht platzen“ 1993, harte Proben waren das, aber wie 

schön, wenn ein ganzer Zuschauerraum lacht. 

Abschied 

Vier Jahre voller schöner, aufregender Arbeiten habe ich in 

Hannover verbracht, der Stadt an der Leine, erst im alten Ballhof, 

der zwischen den Kriegen eine Kneipe war – berühmt durch einen 

Stammgast, durch vielleicht Hannovers prominentesten Sohn, Fritz 

Haarmann. „Das ist der, wo es so „schöne“ Kinderreime von gibt“. 

Dann im 4ten Jahr Umzug in das neuerbaute Schauspielhaus an der 

Prinzenstrasse. 

Auch steht in Hannover das Sprengelmuseum, voll von Werken der 

klassischen Moderne. Viele Nachmittage bin ich dorthin spaziert. 

Prominente Hannoveraner wurden alle Jahre mal gebeten, eine 

Führung nach ihren Vor-lieben und Interessen durch dieses Museum 

zu machen. Ich wurde auch dazu eingeladen, es war eine ganz 

besondere Ehre und … ein Vergnügen. 

1993 “Frau vom Meer“, eine Zerreißprobe zwischen Traum und 

Wirklichkeit, Sehnsucht und Leben von Ibsen mit Alfred Kleinheinz 

als Dr. Wrangel, Elisabeth Rath, Natali Seelig, Werner Heindl. Ich 

habe eine wehmütige Erinnerung an diese Arbeit, sicher auch, weil 

sie die letzte meiner Arbeiten in Hannover war. 


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Ab nach München 

Der Erfolg schwemmte uns ans Resi. Das Haus war voll in 

Hannover, die Zuschauer mochten uns, das Ensemble war homogen 

und Theaterleute, die uns besuchten, waren beeindruckt. Ich 

erinnere mich noch an Wilfried Minks: er hätte nicht geglaubt das so 

ein Zusammenhalt, so ein Klima an einem Staatstheater möglich sei. 

Aber das war es natürlich nicht, was uns nach München brachte. In 

einer frühen Saisonbilanz im „Theater Heute“ wurden wir sehr positiv 

gewertet. Und in einem Teil davon, welcher Henning Rischbieter 

verfasst hat, war anhand der Aufführung „Macbeth“, Regie: D. 

Gotscheff und „Auftrag“, Regie: Thomas Reichert vom 

„Theaterwunder Hannover“ die Rede. Da war es, ein Wunder, denn 

viele Kritiker in Ermangelung von Eigeninitiative oder geplagt von 

ständigen Entzugserscheinungen nahmen es gierig auf. Wie ein Ball, 

den man sich zuwarf über die Köpfe der Betroffenen hinweg, die 

natürlich nicht anders konnten als zumindest ab und zu begierig die 

Hände danach zu strecken und ein wenig in die Höhe zu hopsen. 

Und da saß man dann plötzlich in den Armen der Ballwerfer oder ist 

ausgerutscht und sitzt anders im Dreck. Aber das Spiel war 

angepfiffen und viele wollten dabei sein und hatten keine Zeit zu 

schauen, ob der Ball nicht vielleicht ein Luftballon ist, den der Wind 

schnell verbläst oder er platzt. Ganz wichtig auch die Spielverderber 

deren Rolle gerade beim Aufrechterhalten - speziell von sinnlosen 

Spielen - nicht hoch genug eingeschätzt werden kann. Der Anlass 

dieses Spiels – wir – wir waren plötzlich eine Hoffnung. Das ging 

alles sehr schnell, eine Gesellschaft ohne Zukunft braucht immer 

Alles – und zwar sofort; aber so wurden wir wie man so sagt 

überregional bekannt. Dieser Erfolg brachte uns ans Bayrische 

Staatsschauspiel München. Intendant: Eberhard Witt, Künstlerische 

Leitung: Matthias Fontheim, Matthias Hartmann Amélie Niermeyer 

und ich. 

Die Wildente 

1993, eine grausame Geschichte um eine Wette zwischen Vater und 

Sohn. Ob und wie weit sich eine von ihnen finanziell abhängige 

Familie korrumpieren lässt. Ob Geld zählt oder Freundschaft und 

Moral. Das 19te Jahrhundert geht unter im alten Ekdal. Anrührend 

gespielt von Kurt Meisel, es sollte seine letzte Arbeit sein, er starb 

unmittelbar vor unserer Derniere. 

Am Dachboden spielt diese Komödie der Blindheit. Die Zukunft wird 

aus Versehen erschossen: die Wildente gespielt von Natali Selig. 

Mittendrin Gina, die Mutter, die alles weiß, aber um den Preis des 

Überlebens alles ausgleichen will. Durch das großartige Spiel von 

Eva Rieck bekam diese Rolle das Gewicht und die Aufmerksamkeit, 

die ihr gebührt. Oliver Stokowski als ihr Mann, der naiv gefährlich 

durch das Leben dümpelt, lacht und nicht merkt dass ihm nur der 

Platz des Verlierers bleibt. Sein Kind ist nicht sein Kind, seine Arbeit 

nicht seine Arbeit. Alfred Kleinheinz als Doktor, der immer eine 

intelligente Begründung für den Sieg der Vergangenheit über die 

Zukunft parat hat. In der Situation des Fehlens jeglicher durch Utopie 

bestimmten Zukunft, sind alle gierig auf kluge Entschuldigungen. 

Die Mutter 

in der Urfassung von Maxim Gorki, geschrieben 1909, als Gorki 

noch nicht wissen konnte wohin sich das alte Jahrhundert auflösen 

wird. Die Männer sind schwach geworden. Wassa, gespielt von 

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Margit Carstensen - eine sagenhafte Begegnung war das mit dieser 

so wunderbar kindlich neugierigen Frau - versucht den Sauladen 

noch irgendwie zusammenzuhalten, versucht, ihre Söhne als Erben 

auszuboten. Sie weiß, die haben das Unternehmen in Null-Zeit 

ruiniert. Wassa will es ihren Schwiegertöchtern übergeben. Dazu 

müssen sich drei verstrittene und gnadenlose Frauen zusammentun. 

Sie können sich zwar nicht riechen, wissen aber, dass sie diesen 

Männern nichts mehr überlassen dürfen. Assistiert wird Wassa von 

einem korrupten Angestellten, wunderbar gespielt von Alfred 

Kleinheinz. 

Eingebildeter Kranker 

1994 am Residenztheater wieder mit Nathali Seelig, Alfred 

Kleinheinz, Timo Dierkes und Johanna Gastdorf. Eine bearbeitete 

Übersetzung von mir nach Kortner liegt beim Verlag „Bloch Erben“. 

Andromache 

Die deutsche Erstaufführung dieses Stückes von Racine war ein 

besonderer Höhepunkt meiner Arbeit am Residenztheater. In der 

präzisen, wie musikalisch perfekten Übersetzung von Simon Werle, 

ein Vergnügen der besonderen Art. Orest liebt Hermione, die 

Pyrrhus liebt, der Andromache liebt, die Hektor liebt, der tot ist. Die 

Konstellation der Liebeskette ist an die Stelle des Mythos getreten, 

um eine unentrinnbare Situation zu bezeichnen, in der das Subjekt 

nicht bekommt, was es am sehnlichsten wünscht. Der oder die 

Andere bleiben immer nur begehrtes Objekt, werden nicht 

geachtetes Subjekt und so bleibt nur 

Haben wollen oder Verachtung als große Gefühle und statt Handeln 

Taktieren. Und so hat das Stück nur scheinbar Handlung, ist Struktur 

und spielt gnadenlos durch die Mechanik der Affekte. Juliane Köhler 

sagte mal bei den Proben, das ist ja in den Abläufen wie bei der 

Fernsehserie „Dallas“, nur statt der Mauerschau gibt’s halt Telefon. 

Juliane Köhler spielte Hermione, Christiane Rossbach Andromache, 

Timo Dierkes Orest, dazu Steffen Wink, Judith Hofmann, Lukas 

Miko, Lars Wellings und Lara 

Körte. Daniela Kranz war meine Assistentin, sie, die ich noch in 

Hannover ins Team geholt hatte und die sicher die selbstständigste 

und spannendste Assistentin an meiner Seite war. 

Ich verließ München 1995 

Erst unmerklich, dann immer offensichtlicher hatte es uns auch 

erwischt, es zählte, als wir in München waren, tatsächlich nur mehr 

der Erfolg im Feuilleton und natürlich die Angst, ihn nicht zu haben. 

Und aller Inhalt, aller Grund warum wir zusammen Theater machen 

wollten, war auf der Strecke geblieben und so kämpften wir um jede 

„gute“ Zeile in fast jedem Blatt. Der Zuschauerraum war zwar immer 

ziemlich voll, wir dagegen oft recht leer. Es gab gute Produktionen, 

aber sie konnten nicht wirklich stark werden ohne das gemeinsame 

Wollen unter dessen Prämisse wir angetreten waren. Und so fanden 

wir uns ganz schnell in einem hochsubventionierten, zwar gut 

besuchten aber mittelmäßigen Staatstheater mit der üblichen Kanti- 

nenstimmung wieder. Ich konnte nicht wirklich dagegenhalten und 

verließ das Haus nach zwei Jahren. 


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Wieder unterwegs, auf der Suche 

In Weimar beim Kunstfest 1996 hatte ich die Möglichkeit selbst zu 

spielen in Heiner Müllers Bildbeschreibung, inszeniert von Michael 

Simon, der mich zunächst als Dramaturg zu dieser Arbeit geholt 

hatte. 

Bildbeschreibung, ein einziger Satz, acht Seiten lang. Ein Stück 

Prosa fürs Theater geschrieben. 

Müller verweigert jede Art von Handlung mit einem Anfang, 

Höhepunkt, Ende. Die traditionelle Bewegung von rechts nach links, 

von oben nach unten ist, wenn vorhanden, beliebig, eine gefährliche 

Schleuderbewegung, eine Reise in die Zeit. Und der da sieht und 

beschreibt ist fest, völlig unbeweglich auf einem Stativ befestigt. Sein 

Auge, sein – lidloser – Blick in unverrückbarer Position, wie eine 

Kamera, die in defekt rasendem Zoom sich aufs Bild zu bewegt, 

stolpernd, stotternd die Bewegung verbrennt den Zusammenhang, 

isoliert die Details, durchstößt die Bildoberfläche, die Schärfe- 

automatik findet keinen Fixpunkt mehr, der Weg zurück durch das 

vielleicht rettende Loch wird zur Odyssee durch alle Schichten des 

Bewusstseins, vergleichbar nur noch mit Karl Valentins 

Katastrophenszenarien, wo er stolpernd, stotternd z.B. von einem 

ZUFALL erzählen will. 

Ich wollte unbedingt aber auch spielen und so übertrug mir Michael 

auch diese Aufgabe. Die Herausforderung für mich als Spieler war: 

ich wollte beweisen, dass H. Müllers Text auf komplexe Art ganz 

einfach ist und auf jeden Fall nicht gescheit, keine Hirnerei. 

Dieser Text begleitet mich bis heute. 

An anderer Stelle können Sie lesen, was ich bei einem Symposium, 

veranstaltet von der Uni Bochum, zu diesem Text von Heiner Müller 

vorgetragen habe mit dem Titel: „Sag mal ist das ein Stück“. 

Wieder Berlin 1997 bis 1999 

Wieder war es Michael Simon, der inzwischen als fester Regisseur 

an der Schaubühne arbeitete, und mich nach Berlin rief als 

Dramaturg und Mitarbeiter. Zuerst machten wir "Woyzeck“ mit 

Roland Renner und Rainer Philippi. Ich erarbeitete dazu eine 

Fassung, die im Zentrum immer wieder von Andres und Woyzeck 

ausging, die beiden Schauspieler die Rollen immer wieder tauschten 

und aus diesem Kern wurde auch Woyzeck und Marie oder 

Woyzeck und Hauptmann u.s.w. 

Das Büchner-Fragment lesen wie den Pergamon-Fries. 

Meine Faszination an diesem Text formulierte ich für das Pro- 

grammheft der Schaubühne. 

Dance me to the end of love 

Zu dem Team Michael Simon, Daniela Kranz und mir stieß Stefan 

Pucher, zuständig für die Musik und für sehr viel mehr 

verantwortlich. Wir machten „Von einem der auszog das Fürchten zu 

lernen“ mit Robert Hunger-Bühler in der Titelrolle. 

Danach verließ Michael Simon die Schaubühne. Andrea Breth war 

kurz zuvor gegangen und nun sollte ich mit Gerhard Ahrens, mit dem 


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ich die künstlerische Leitung des Hauses teilte und Jürgen 

Schitthelm eine neuen Anfang für dieses Theater finden. Mit dem 

Einstieg von Thomas Ostermeier und Sasha Waltz war meine Arbeit 

in Berlin beendet. 

Während dieser Zeit kam ich auch wieder zum Spielen. Ich konnte in 

drei verschiedene Rollen einspringen: in einer wunderbaren Arbeit 

von Edith Clever mit Martina Krauel als Elektra, für Robert Hunger- 

Bühler in Schroffenstein von Kleist und für Wolf Redl in einem Stück 

von Eduardo de Filippo. 

Diese zwei Jahre in Berlin waren sicher nicht mehr die große Zeit 

der Schaubühne, aber um die Bühne herum war noch der Geist 

eines außergewöhnlichen Theaters in dem die einzelnen 

Abteilungen nicht wie üblich und meist kaum vermeidbar einen 

großen Teil ihrer Energie untereinander oder gar in sich selbst 

aufzehren, sondern alles arbeitete im lustvollen Einsatz für die 

jeweilige Vorstellung und egal, ob Premiere oder irgend eine andere 

Vorstellung. Ich erinnere noch die 

Bauprobe von „Woyzek“. Wie selbstverständlich waren alle 

Abteilungen dabei, von der Requisite über den Ton, die Werkstätten, 

Licht u.s.w. und die Schauspieler. Und alle spielten irgendwie mit. 

Ein ganzes Theater machte Theater. 

Was Ich vorausdenke, kann gar nicht eintreten, dafür ist sich 

jede Wirklichkeit zu schade, dass 

sie sich von mir erfinden lässt. 

(Theresia Walser) 

Neue Heimat. Graz. Theatermacher. 

Von 2000 bis 2004 habe ich bei Matthias Fontheim, inzwischen 

Schauspieldirektor in Graz, inszeniert, nachdem wir uns in Freiburg 

kennen gelernt hatten und später in Hannover und München in den 

Leitungsteams zusammenarbeiteten. 

Theatermacher 

mit Otto David in der Titelrolle. Otto wurde für mich etwas ganz 

Besonderes und ich konnte mir eigentlich kein Stück in Graz ohne 

ihn vorstellen. Mit dem Theatermacher wollte ich auch meine Rolle in 

diesem Gewerbe überprüfen und da kam mir Thomas Bernhards 

Stück über Glanz und Elend, Sehnsucht und Wirklichkeit und sein 

notwendig größenwahnsinniger Anspruch gerade recht. 

„King Kongs Töchter“ und „Kleine Zweifel“ 

von Theresia Walser 

Mit Monique Schwitter und erstmals auf der Bühne Martin 

Bretschneider. Er spielte die Figur des Rolfi, bezaubernd. Wie schon 

beim Theatermacher hab ich auch das Bühnenbild gemacht. 

Auf der Bühne die Versuchsanordnung. Eine verschworene 

Gesellschaft aus Pflegerinnen und Alten spielen den Ernstfall 

unerbittlich durch, schenken sich nichts, sind trunken vor 

Anstrengung – nüchtern kann man das Problem Sterbehilfe wohl 

nicht zu Ende denken. Ein Text, der auf einem Vulkan tanzt, der 

täglich gewaltiger wird. 

Wie gehe ich mit dem Alter um, wie kann man sich mit Anstand 

verabschieden... Eltern, zum Beispiel, wie bleiben sie in meinen 


_________________________


Augen voll und kräftig, die ersten Helden eines Kindes, wie behalten 

sie ihre Würde. Was ist zu tun, damit sie nicht in die Matratze 

sickern. Und die Alten, jeder allein in dem Grauen, was stirbt da alles 

ab. Der Blick in den Spiegel, an sich hinunter, was sollen all diese 

Gliedmaße, was haben sie alles getan, was haben sie alles 

versäumt. 

Zuvor hatte ich zusammen mit Daniela Kranz den großartigen ersten 

Theatertext von Theresia Walser inszeniert und ausgestattet. „Kleine 

Zweifel“ mit Regina Schweighofer als Wendla Teusch. 

Goethes Iphigenie 

2001. In einem Bühnenbild von mir, einem Raum am Rande der 

Unendlichkeit. Wieder mit Monique Schwitter und Martin 

Bretschneider als Iphigenie und Orest. Kostüme Rike Russig, Musik 

Matthias Thurow. 

... Schönheit oder Intelligenz, ein deutscher Gegensatz, aber die 

Interpretation von Iphigenie hat darunter immer gelitten. 

Ich denke, dass mit der Schönheit hat sich so ziemlich erledigt, wenn 

man den Kritikern trauen darf in ihrer Beurteilung des Sprechens von 

gebundener Sprache am Theater. Nun, wir haben sicher viel 

vergessen von der Tradition, wie man solche Verse spricht, aber viel 

haben wir auch zu recht vergessen. Es ist eine neue, unsere Zeit, 

um adäquate Formen zu finden, wie man 

Goethes großartigen Versen gerecht wird. Und ich meine, das der 

Schlüssel heute wesentlich im radikalgeformtem Rhythmus zu 

suchen ist, in schnellen Tempi, in harten Tempowechseln, 

gewonnen aus dem Widerstreit von Inhalt und Form. Größtmögliche 

Transparenz bei oftmals ganz hartem Beat oder weichsten 

Balladentönen; Pausen. 

Wie dünn liegt Kultur und Barbarei beieinander. Wir wissen es heute, 

nicht mal mehr ein Blatt Papier ist dazwischen, nur mehr ein Mouse - 

Click. Und Goethes Sprache - der sogenannte Wohlklang seiner 

Verse - sind Einlassung, sind Kampf, gegen das bösartige Chaos, 

das Grauen der menschlichen Natur, die Willkür der Götter. 

Die wütende Verständnislosigkeit über den „Schuldzusammenhang 

alles Lebendigen“ (W.Benjamin). 

Bis aufs äußerste knapp unter Goethes Versen gibt es kein Halten 

mehr. In ihnen hat es die zitternde Schönheit des weiten Blicks, den 

man genießen kann, wenn man mitten im Lager von Buchenwald 

nahe Weimar steht. 

Dianens Hain, ein dünner Ort am Rande der Unendlichkeit. Dort 

kämpft Iphigenie mit ihrer Liebe zur Wahrheit - vielleicht ihr Erbteil 

seit sie nach Aulis gelockt wurde – entscheidet sie sich, den 

gefährlichsten Weg zu gehen. 

Die, von so vielen Interpreten geschmähte Tat Iphigenies, sich und 

„ihr Volk“ Thoas auszuliefern mit der Preisgabe der Verschwörung, 

ist ihre große Tat - sie steht mit größtmöglichem Risiko zu ihrer 

Überzeugung wie der Held in fast jeder guten Geschichte. Human 

wird sie erst in dem Augenblick, in dem Humanität nicht länger auf 

sich und ihrem höheren Recht beharrt. 


_________________________


Nathan der Weise 

Lessings kleines Welttheater, großes Volkstheater um die 

Katastrophen seiner Zeit, die in vielem noch und immer mehr die 

Katastrophen unser Zeit sind. Mit Otto David als Nathan, Martina 

Stilp, wieder Martin Bretschneider und für mich neu, eine tolle 

Begegnung, Barbara Hammer als Daja, die dem Stück mit ihrer 

Person das wesentliche Zentrum gab. Bühne von mir, Kostüme Gabi 

Mai und Musik Matthias Thurow. 

Über dieses Stück von Lessing ließe es sich stunden-lang erzählen, 

ich will versuchen, mich auf ein paar, mir wesentliche Punkte zu 

konzentrieren. Auf diesen bitteren und gleichzeitig humorvollen 

Aufriss, auf diese Herausforderung der Extraklasse, Lessings Wut 

und Lessings Lachen als Chance in die größer werdenden Risse der 

Welt hineinzufallen. 

Dieser wunderbar fein ziselierte Nagel, eingeschlagen in Fleisch und 

Blut, in das Chaos des Leidens, in schier unendlichen Tod. 

Das Stück spielt in Jerusalem zur Zeit der Kreuzzüge. Unter den 

Brettern die die Welt bedeuten lauern die Toten und schreien nach 

Rache. Der Tanz der Toten, der immer wieder die Lebenden in ihren 

Reigen zwingt. Die Aufgabe jeder Kultur, diese Macht zu brechen, 

oder vielleicht besser, in friedliche Bahnen zu lenken. 

Die Bilder der Toten, Nathans, des Tempelherrn, Saladins usw., sind 

eingebrannt in ihre Gehirne und fressen sich langsam aber stetig in 

ihre Seelen. Dort würden sie haften bleiben und das tun sie auch bei 

allzu vielen Menschen und nicht selten ein Leben lang und länger, 

werden als Vermächtnis weitergegeben. 

Die Toten haben keinen Ruheplatz in ihren Herzen gefunden. So 

geistern sie durch die Körper auf der Suche nach Orten, von denen 

aus sie die Lebenden bestimmen, anführen können. Das kann der 

Kopf, die Gedanken, das Sprachzentrum ebenso sein wie die Faust, 

das Auge, der Ellenbogen. Scheint der Lebende sie an einem Ort 

ihrer Macht besiegt zu haben, sind sie leicht schon an einem 

anderen und richten von dort großen Schaden an, bevor wir sie 

vielleicht dann dort lokalisieren. So wird es bleiben bis wir sie zur 

Gänze erkannt und ihnen einen Ruheplatz in unserem Herzen 

zugewiesen haben. 

Saladin mordet prinzipiell alle Tempelherrn, die ihm unter die Finger 

kommen; da lässt er einen leben, ganz sentimental, weil er ihn an 

seinen verschwundenen Bruder erinnert, und hat das sogleich 

wieder vergessen. Nathan erinnert ihn wieder an diesen Menschen 

und er ist gezwungen nun endlich doch einmal, diese Geschichte 

des verschwundenen, toten Bruders zu formulieren, anzunehmen 

und in Person des Tempelherrn mit allen seinen Seiten, den guten 

wie den schlechten, zu erkennen. 

Die Figuren in diesem Stück versuchen viel, um ihr Handeln nicht 

von Vorurteilen – von den Toten her - bestimmen zu lassen, da sie 

diese aber oft noch nicht wirklich überwunden haben, noch nicht mal 

ihre Existenz kennen, finden die Toten den Weg in ihr Herz nur allzu 

oft. 

Ob wir unser Ohr an diesen möglichen Katastrophen haben, also 

den Mut zum heiligen und heilenden Schrecken, zum befreienden 

Lachen, wird über die Schönheit einer Aufführung entscheiden. 

_________________________ 



Der Schein trügt 

Mein drittes Stück von Bernhard, ich hatte 1980 am Bremer Theater 

„Vor dem Ruhestand“ inszeniert, das rhythmisch für mich am 

radikalsten gebaute Stück von ihm. Und ich habe schon damals eine 

Hassliebe zu diesem Autor entwickelt. Immer wenn man mich 

aufforderte ein Stück von ihm zu machen, habe ich erst mal 

abgesagt. „Theatermacher“ sollte ich schon mal in Zürich machen. 

Anfangs geht mir dieses unendliche Gequatsche immer unendlich 

auf die Nerven, aber, wenn ich dann mal am arbeiten bin, faszinieren 

mich Bernhards Wortkaskaden immer und immer mehr. 

Trotzdem, jedes Mal stelle ich mir die Frage neu: Sind diese 

Vernichtungs- und Selbstvernichtungsorgien von Bernhard produktiv 

und besonders jetzt, wo er so völlig zum unwidersprochenen 

Klassiker gemacht wurde. Taugt er überhaupt, wenn das Vergnügen 

der Provokation wegfällt. Ist der Narr zum Opa geworden wie sein 

wichtigster Regisseur, der große Clown, an dem nur mehr die 

Pappnase rot ist. 

Natürlich, Bernhards Wortschöpfungen sind oft vergnüglich, die 

Radikalität seiner Formulierungen großartig. 

Aber in unserer Zeit, wo das alte Mitteleuropa seine geschützte 

Position zwischen den Blöcken verloren hat und immer unerbittlicher 

in die Kälte der internationalen Kapital/Machtverhältnisse 

hineingehalten wird, das antiautoritäre Kind mit reichen Eltern, 

natürlich krank, natürlich vom Wehrdienst befreit, muss plötzlich 

Haltung zeigen, den Kopf hinhalten - sind da nicht Bernhards 

schönste Orgien der sich im Schmerz windenden Körperköpfe nur 

mehr geschmacklos, nur mehr witzig. Obszöne Nabelschau. 

Natürlich Theaterfutter, haben diese Texte doch schon viele, soge- 

nannte große Schauspieler ihr Handwerk vorführen lassen zur 

Mehrung ihres Ruhmes und Bernhards. Ein Jahrmarkt der 

Eitelkeiten. Nur die sog. Skandale gaben diesen Stücken den Schein 

der Moderne, dahinter teuerst ausgestattetes braves Staatstheater, 

unbehelligtes Schlafen im Zuschauerraum einerseits, theatralischste 

Empörung andererseits, aber warum sollten ausgerechnet das 

Publikum, besser die Kritiker, die einzigen sein, die bei diesen 

Veranstaltungen sich uneitel geben. 

Oder ist Bernhard doch Becketts Erbe. Liegt hinter den äußerlichen 

Schrecken, den Skandalen, die ihn erst mal berühmt machen 

mussten, der wahre Schrecken: „Wir können die Welt nur 

verbessern wenn wir sie abschaffen“ und die Formulierung als 

einzige Utopie. 

Handelt es sich bei Bernhard vielleicht doch um eine besondere, 

eine österreichisch - süddeutsche Spielart der Kritik an unseren 

Wertvorstellungen, der unabdingbaren Verlogenheit unseres 

täglichen Tuns. So spezifisch krass in dieser Landschaft, die so 

besonders gesegnet ist mit Naturschönem und Kunstschönen. Und 

in Bernhards so unendlichen kleinem Reden, Reden, Reden zeigt 

sich vielleicht am radikalsten, dass alles Sehnen nach Werten, nach 

objektiven Werten, jede Standortbestimmung, jedes 

Glücksversprechen korrumpiert wird, schon korrumpiert ist, schon 

beim Formulieren ins Grauen umschlägt, wenn dahinter das Kalkül 

zum Vorschein kommt. 

Ich meine damit, in unserer Gesellschaft ist doch alles verfemt, was 

sich nicht rechnet. Gleichzeitig geht alle Sehnsucht nach dem, was 


_________________________


sich nicht rechnet, zum Beispiel nach bedingungsloser Liebe oder 

nach Hingabe an eine Tätigkeit unabhängig von der Gratifikation, 

nach sportlichen und geistigen Leistungen, die keinem Kalkül 

unterworfen sind, nach zweckfreiem Dösen und Faulenzen oder 

auch nach grenzenlosem Luxus und rücksichtsloser 

Verschwendung. Alle diese Sehnsüchte werden enttäuscht, wenn 

sich ihre Erfüllung als verkapptes Geschäftsgebaren erweist, wenn 

also doch alles wieder einem Kalkül zugrunde liegt. Der 

Kapitalismus, der seinem Selbstverständnis zufolge angetreten ist, 

der größtmöglichen Zahl der Menschen das größtmögliche Glück zu 

ermöglichen, beeinträchtigt und beschädigt dieses Glück 

fortwährend, weil es ihm nicht gelingt, dass Kalkül, das dahinter 

steckt, unsichtbar zu machen. 

Bernhard ist vielleicht der radikale Sichtbarmacher dieser 

Katastrophe. 

In Bernhards Monolog kann es also keinen Punkt geben, denn keine 

Behauptung hält länger als ihre Formulierung dauert. 

Karl und Robert. Die Zeit hat sie totgeschlagen, jetzt schlagen sie 

die Zeit tot. Einsam, von Gott und der Welt verlassen, spüren sie 

sich nur mehr an ihrem Absterben. Und ihr Reden bunte Schreie, um 

die Buh-Rufe der Gesellschaft nicht mehr hören zu müssen. 

Lumpazivagabundus 

Und das in Graz, der Stadt, die sich so gern mit ihrem Nestroy 

schmückt. Ein nicht einfaches Unterfangen, zumal ich die drei 

berühmten Rollen der Handwerker mit jungen Schauspielern 

besetzte. Martin Bretschneider, Alexander Weise, Sebastian Reiss. 

Ich folgte dem Alter Nestroys als er das Stück schrieb und spielte, 

nicht der Aufführungstradition, bei der immer die Altkomiker dies 

Rollen „Knieriem“ und „Zwirn“ beanspruchen. Aber natürlich, Otto 

David durfte nicht fehlen, er spielte den Tischler Hobelmann. 

Für mich war entscheidend endlich einmal zu zeigen, das Nestroy 

auf der Bühne sichtbar und nicht nur bei Karl Kraus und anderen 

Verfechtern nachzulesen, ein richtig guter Autor ist. Ich wollte das 

schon seit meiner Schauspielschulzeit machen, aber bei all den 

Aufführungen, die ich zu Gesicht bekam, wirkte letztendlich doch 

alles immer so läppisch. Aber dann, in Graz, wusste ich: bei Nestroy 

gibt es nicht diese dummen Figuren, die in noch dümmere 

Situationen tapsen. Nestroy liebt die Menschen und findet 

bescheuert, hasst fast alles was sie tun. Das ist erstmal die 

Vorraussetzung. Es wurde eine richtig gute Arbeit. Für die großartige 

Musik war Matthias Thurow verantwortlich, der auch die 

wunderbaren Töne zu Iphigenie komponiert hatte. Thomas Limpinsel 

hat sich der Couplettexte angenommen und Martin Bretschneider 

hat manchmal bei Vorstellungen seine Texte auf den Punkt neu 

erfunden. 

Sündenfälle 

Theater mit Puppen in der Wiener Porzellangasse im 9.Bezirk 

Meine Schwester Julia Reichert hat zusammen mit Christopher 

Widauer vor fünfzehn Jahren ein Figurentheater, das 

„Kabinetttheater“ gegründet. Wunderbare Dinge gelangen in den 

ehemaligen Räumlichkeiten der „1. Wiener Porzellanmanufaktur“ zur 

Aufführung in dem seit acht Jahren das Theater beheimatet ist und 

in dem meine Schwester auch lebt. So kann man in diesem letzten 

_________________________ 


TThomas 

Reicchert 

– www w.regie-thomasreichert.de 

– kontakt@ @regie-thommasreichert.de 

Wienerr 

Salon eein 

an de er Kasse gekauftes Zusehen 

anstrenngungslos 

zuum 

intimen Gespräch G amm 

Herd mutier ren. 

Das „KKabinetttheateer“ 

hat seit ein e paar Jahren 

seine Bü ühne auch 

für lebbendige 

Scchauspieler 

geöffnet unnd 

produzie erte 2004 

„Sündeenfälle“ 

mit Texten von 

Daniel Chharms 

und Konstanty 

Ildefonss 

Galczinskky. 

Hier ka am ich ins Spiel. Es galt ein 

Zusammenspiel 

von 

Puppen in verschiedennen 

Größen und auch 

Schausspielern, 

darunter 

der in diesen Dingeen 

schon ge eübte Wolfi 

Berger, 

zu inszenieren. 

Die Figuren dess 

Stücks we erden von 

Puppenn 

getragen, aber manchmal 

geben ssie 

ihre Figur 

an einen 

Schausspieler 

ab, später kommt 

die Rolle 

wieder zur z Puppe 

zurück oder bleibt in beiden präsent. p Ein spannender r Vorgang. 

Für dieese 

und für ddie 

gesamte, , erfolgreichee 

Arbeit dieses 

ganz 

besondderen 

Theaters 

wurden n wir, das „Kabinettthe eater“ und 

ich, mmit 

dem össterreichischen 

Theaterppreis 

„Nestro oy“ ausgezeichneet. 

Weitere Arbeiten folgten, f darrunter 

die Reihe R „Das 

an-deree 

Konzert“ amm 

Wiener Ko onzerthaus. 

Das anndere 

Konzeert 

2004 - 20 0011 

Mit Chrristopher 

Widdauer, 

der di ie Puppe fühhrt, 

entwickel lte ich und 

inszenierte 

einen DDialog 

zwisc chen einer bbeinahe 

lebe ensgroßen 

Klappmmaulpuppe 

und 

ihrem An nimator. Eineen 

Dialog de er sich um 

ausgessuchte 

Kom-ppositionen 


dessen KKomponisten 

dreht. Ich 

habe ees 

kaum zu glauben gew wagt: ein Meensch, 

neben 

sich die 

Puppe, , beide sitzennd, 

zwischen n manchmal hundert Mus sikern und 

vor 19000 

Zuschaueern 

- das träg gt, ja es funkttioniert 

richtig g gut. 

2004 

Modestt 

Musorgsky: 

„Bilder eine er Ausstellung“ 

ML: Rooberto 

Abbaddo 

2005 

Wolfgaang 

Amadeuss 

Mozart: „Da avidde peniteente“ 

ML: Toon 

Koopman 

Anton WWebern: 

Secchs 

Stücke fü ür Orchester r und „ Passa acaglia“ 

Franz SSchubert: 

Syymphonie 

Nr. 

7 

ML: Maarko 

Letonja 

Antoninn 

Dvorák: Syymphonie 

Nr. 

8 

ML: Yaakov 

Kreizberg 

2006 

Robert Schumann: „Frühlingssy ymphonie“ 

ML: Faabio 

Luisi 

Igor Strrawinski: 

„Deer 

Feuervoge el“ 

ML: Maarc 

Piollet 

Wolfgang 

Amadeuss 

Mozart: „Eine 

kleine Naachtmusik“ 

2007 

Charless 

Ives: Threee 

Places in New N Englandd 

Gustavv 

Mahler: 2. SSatz, 

4. Symphonie 

ML: Inggo 

Metzmachher 



Reicchert 



Franciss 

Poulenc: KKonzert 

für zw wei Klaviere 

Gustavvo 

Dudamel, Katia und Marielle M Labèque 

(Klavier) 

Nikolai Rimski-Korssakow: 

„Sche eherazade“ 

ML: Vlaadimir 

Fedossejev 

2008 

Felix MMendelssohn-Bartholdy:“ 

Schottische“ “ 

ML: Ariild 

Remmereeit 

Béla Baartók: 

Violinkkonzert 

Nr. 2 

Heinricch 

Schiff und Patricia Kop patchinskayaa 

(Violine) 

Dimitri Schostakowwitsch: 

Symph honie Nr. 5 

ML: Yaakov 

Kreizberg 

2009 

Josephh 

Haydn: „Deer 

Bär“ 

ML: Faabio 

Luisi 

Jean Sibelius: 

Symphonie 

Nr. 2 

ML: Dimmitri 

Kitajenkko 

Peter Illjitsch 

Tschaikowsky: 

„Pa athetique“ 

ML: Dimmitrij 

Kitajenkko 

2010 

Modestt 

Musorgsky: 

Bilder einer r Ausstellungg 

Richardd 

Strauss: Tood 

und Verklärung 

Ludwigg 

van Beethooven: 

Konzer rt für Klavier und Orchest ter Nr. 1 

C-Dur oop. 

15 

ML: Aleexander 

Lonqquich 

2011 

Gustavv 

Mahler: Symmphonie 

Nr.3 3 

ML: Faabio 

Luisi 

Edwardd 

Elgar: Konzzert 

für Violo oncello u. Orcchester 

e-mo oll op. 85 

ML: Thomas 

Dausggaard 

Niemannd 

stirbt besser 

Zum 15jährigen 

Beestehen 

des s „Kabinettthheaters„ 

wurde 

im Juli 

2005 eeine 

Produktiion 

von Mini idramen gezzeigt. 

Dazu inszenierte 

ich einne 

Neuproduuktion: 

Heine er Müllers „ Herzstück“. Garantiert 

noch nie 

so großarrtig 

zur Auffü ührung gebraacht, 

denn dieser d Text 

ist wie für ein Tabbleau 

von Puppenspiel 

P 

und Mensch hentheater 

geschriieben. 

Zu diessem 

Ereigniss 

erschienen beim Sondeerzahlverlag 

das d Buch 

„Niemaand 

stirbt bessser“ 

Mein Beitrag 

dazu: 



Reicchert 



Der Traaum 

vom Spiel 

mit Puppe en 

endlichh 

schizophrenn, 

endlich fre ei 

zwei meinungen, 

zwwei 

haltunge en 

eine peerson 

spielerr 

und puppe 

subjekt 

oder obbjekt 

widersttreit 

von wirkklichkeit 

und künstlichkeitt 

von waahrheit 

und tääuschung 

alles sppiel 

keine hhierarchie 

wer könnnte 

unterscheiden 

wer schhöpfer 

, wer geschöpf 

der spieeler 

gibt durcch 

sein agier ren 

fleisch an die puppee 

ab 

die pupppe 

form undd 

haltung an den spieler 

(ihre emmotion 

ist immer 

fähigkeit 

, ist virtuossität) 

so werdden 

beide gleeichberechtigt 

geformt naach 

seinem bild 

spiegellbild 

also 

alles sppiegel 

verkehhrt 

tod odeer 

leben 

eine drrohung 

Zwischhen 

2007 unnd 

2010 

entstannden 

in Kopproduktion 

mit m dem ‚Theeater 

an de er Wien’ 6 

Arbeiteen 

im Spiel mit Puppe en, Schausppielern 

und Sängern. 

Spielorrt: 

Die "Hölle" ", in den 193 30ger Jahrenn 

Musikkabar rett, später 

großer Pausenraum. 

Seit das s Theater wwieder 

als Opernhaus O 

geführtt 

wird, wird dieser Pau usenraum ab 

und an als a zweite 

Spielstäätte 

genutzt. 

Das Bild, 

Bühnenbild 

in diesem 

Raum ttief 

unter de er großen 

Opernbbühne 

ein Arrsenal 

verstaubter 

Bühneenrequisiten, 

dazwischen 

drei DDiven 

aus längst 

verganggenen 

Tage en die von 

ihrer grroßen 

Zeit auf 

der Bühne 

oben träummen 

und imm mer, wenn 

sich maal 

ein Sängeer 

von oben in ihre Katakkomben 

verirrt, 

treiben 

sie ihree 

meist bössen 

Spielche en mit ihm bbevor 

er wie eder nach 

oben entlassen wwird, 

leider immer ohnne 

einen von v Ihnen 

mitzuneehmen. 

Gute GGötter 

– so eein 

Theater 

Erste AAuftragsarbeiit 

für das The eater an der Wien im Rah hmen des 

Programmms 

"Kabineetttheater 

in der Hölle" imm 

großen Pausenraum 

des TAAW. 

Regie: Thomas Reiichert 

Text: Juulia 

Reichertt, 

Thomas Re eichert, Chrisstopher 

Wida auer 

Musikaalische 

Arrangements: 

Ge eorg Schulz 

(Puppeen)Spieler: 

Eva 

Ebelt, Tho omas Kasebbacher, 

Jennifer 

Podehl, 

Christopheer 

Widauer 

Sängerr: 

Ulfried Hasselsteiner 

(Te enor) 

Musikeer: 

Yvonne WWeichsel 

(Flöt te), Ruth Stra raub (Cello) 



Don Giovanni fährt zur Hölle 

Theater an der Wien / "Kabinetttheater in der Hölle". 

Regie: Thomas Reichert 

Text: Julia Reichert, Thomas Reichert, Christopher Widauer 

Musikalische Arrangements: Matthias Thurow 

(Puppen)Spieler): Eva Ebelt, Thomas Kasebacher, Jennifer 

Podehl, Christopher Widauer Sänger: Alexander Puhrer 

Musiker: Krassimir Sterev (Akkordeon), Yi Chen Lin (Geige), 

Michael Kinn (Schlagzeug) 

Der fliegende Fidelio 

Theater an der Wien / "Kabinetttheater in der Hölle". 


Text: Julia Reichert, Thomas Reichert, Christopher Widauer. 

Musikalische Arrangements: Matthias Thurow. 

(Puppen)Spieler: Eva Ebelt, Thomas Kasebacher, Jennifer 

Podehl, Christopher Widauer 

Sänger: Steven Scheschareg (Bariton) 

Musiker: John Sass (Tuba), Michael Williams (Cello), Sandra 

Schennach (Klavier) 

Ein bekehrter Wüstling 

Theater an der Wien/"Kabinetttheater in der Hölle". 


Text: Julia Reichert, Thomas Reichert, Christopher Widauer 

Musikalische Arrangements: Florian Kovacic. 

(Puppen)Spieler: Eva Ebelt, Thomas Kasebacher, Jennifer 

Podehl, Christopher Widauer Phillip Stix (Gast) 

Sänger: Erik Arman (Tenor) 

Musiker: Antal Racz (Kontrabass), Sandra Schennach (Fender 

Rhodes), Haruhi Tanaka (Klarinette) 

Haydn bricht auf. 7 Tage, die die Welt veränderten 

Theater an der Wien / "Kabinetttheater in der Hölle" 

Libretto: Thomas Reichert 

Musikalische Leitung: Simeon Pironkoff 


Musik: Bernhard Lang 

(Puppen)Spieler: Thomas Kasebacher, Lukas Lauermann, 

Jennifer Podehl, Christopher Widauer 

Sänger: Anna Hauf (Mezzosopran), Tim Serverloh (Countertenor) 

Musik: Sylvie Lacroix (Flöte), Christoph Waldner (Horn), Michael 

Moser (Cello), Krassimir Sterev (Akkordeon) 

Philemon und Baucis 

Theater an der Wien / "Kabinetttheater in der Hölle" 

Arrangement, ML: Georg Schulz 

Text und Regie: Thomas Reichert 

(Puppen)Spieler: Ahmed Awad, Jennifer Podehl, Paula Podehl, 

Julia Reichert, Christopher Widauer 

Sänger: Beate Ritter (Sopran), Juliette Mars (Mezzosopran), 

Mathias Frey (Tenor), Alexander Puhrer (Bariton) 

Musiker: Ivana Poparic (Violincello), Philippe Mesin (Violine), 

Anton Hirschmugl (Klarinette), Georg Schulz (Akkordeon). 



Reicchert 



Im Kabbinetttheater 

2009 / 2010 

Winterrreise 

nach dder 

Musik von 

Franz Schubert. 

Mit Christopher 

WWidauer 

un nd Marino Formenti (Klaviere). 

Arrangeements: 

Marrino 

Forment ti, Regie: Thoomas 

Reiche ert. 

Etwas Außergewöhhnliches 

wur rde für michh 

die Zusam mmenarbeit 

mit Maarino 

Formeenti, 

diesem m ganz bessonderen 

Ausnahme- 

A 

musikeer, 

der die Idee 

hatte, im Kabinetttheeater 

die " Winterreise" 

W 

nach deer 

Musik vonn 

Franz Schu ubert zur Auffführung 

zu bringen b 

Marino Formenti saah 

in der vom 

Leben ehher 

bitter gez zeichneten 

Klapp Maulfigur dees 

"Onkels" und der zwwar 

großen, aber ganz 

unausggebildeten 

SStimme 

von Christopherr 

Widauer und u seiner 

eigenenn 

Möglichkeeit 

am Klavie er die Kompposition 

von n Schubert 

auszuddünnen, 

zu ffragmentierte 

en eine Chance 

das brü üchige und 

abgründige, 

das biitter 

politisch he in diesemm 

Liederzyklu us spürbar 

zu machen. 

Wie sehr die üb bliche Schubert-Rezepti 

ion davon 

meist nnichts 

weiß, kkann 

man mi it Martin Wallser 

erahnen: 

"Wie kklänge 

ein SSchubert-Lied 

d, wenn derr, 

der es sin ngt, nichts 

hätte als eine Stimme un nd eine Auusbildung, 

von dem 

Unerträäglichen 

abber, 

gegen das diese Lieder ge eschrieben 

wurdenn, 

hätte er keeine 

Ahnung! " 

Der Abend 

im Kabinetttheate 

er wollte auuch 

ein Bil ld für die 

"Uhraufführungssituuation" 

sein n, die J. vvon 

Spaun wie folgt 

beschriieben 

hat: 

"Schubbert 

war durrch 

einige Zeit Z düster gestimmt und 

schien 

angegrriffen. 

Auf meeine 

Frage, was in ihm vorgehe, erw widerte er: 

'Nun, ihhr 

werdet baald 

hören und d begreifen.' Eines Tage es sagte er 

zu mir: 'Komme heeute 

zu Scho ober, ich weerde 

euch einen 

Kranz 

schaueerlicher 

Liedeer 

vorsingen. . Ich bin beggierig 

zu höre en, was ihr 

dazu ssagt. 

Sie habben 

mich mehr 

angegrifffen, 

als dieses 

je bei 

andereen 

Liedern deer 

Fall war.' – Er sang uns nun mit t bewegter 

Stimmee 

die ganzee 

Winterreis se durch. WWir 

waren durch die 

düsteree 

Stimmung dieser Lieder 

ganz verblüfft, 

und d Schober 

sagte, es habe ihhm 

nur ein Lied, Der LLindenbaum, 

gefallen. 

Schubeert 

sprach hiierauf 

nur: 'M Mir gefallen diese Lieder 

mehr als 

alle, unnd 

sie werdenn 

euch auch noch gefalleen...' 

Die EISSPRINZESSIN 

von F.K. Waechter 

Des Teeufels 

Großßmutter 

steckt 

in einemm 

Dornbusch h fest und 

möchtee 

befreit weerden. 

Der König K von SSizilien 

liegt t davor in 

verzweeifelter 

Sehhnsucht 

nach n der Eisprinzes ssin. Die 

Eisprinzessin 

sitzt auf der Spit tze ihres Eissbergs 

und will w von all 

dem nichts wisssen. 

Aus diesen drrei 

untersc chiedlichen 

Bedürfnnissen 

zaubbert 

F. K. Waechter ein amüsa antes wie 

poetiscches 

Lehrstück 

über die Liebee 

und da as Glück. 

Der Weg 

dahin istt 

wundersam m, führt in ddie 

Hölle und 

auf das 

Meer, in fremde Kleider und d Länder. DDas 

Ziel sc cheint am 

weitestten 

entfernt, wenn es ganz g nahe ist ... Verw wicklungen, 

Verhüllungen 

undd 

wundersa ame Erfüllungen 

auf kleinstem 

dramattischen 

Raumm! 



Reicchert 



Regie: Thomas Reiichert 

Bilder uund 

Figuren: Ahmed Awa ad, Julia Reicchert, 

Mike 

Wanzeenböck 

Erzähleer: 

Wolfram BBerger 

Spiel: WWalter 

Kukla, 

Michaela Mahrhauser, M 

JJennifer 

Pod dehl 

Musik: Bartolo Mussil 

Kostümm: 

Burgis Paier 

Technikk: 

Martin Kerrschbaumer 

Regieaassistenz: 

Coonstantin 

Sch hwab 

Bastienn 

und Bastienne 

und Der D Schausppieldirektor 

für die Salzburger FFestspiele 

2006 

und 20007 

konnte ich h ein ganz 

besondderes 

Projektt 

realisieren. 

Am MMarionettenthheater 

Salz zburg: Holzzfigurenpupp 

penspieler, 

Sängerr, 

Schauspieeler 

und zw wei Opern zzusammenbringen 

von 

einem Komponisteen, 

Mozart, , aber auss 

zwei äuß ßerst weit 

auseinaander 

liegennden 

Schaffe ensperioden: 

ein Erstling 

‚Bastien 

und Baastienne’ 

mitt 

12 Jahren geschriebenn 

und ein spätes 

Werk 

‚Der Scchauspieldireektor’ 

mit gr roßer Musikk 

aber viel durchwegs d 

unbrauchbarem.Text. 

Also eine 

Geschichhte 

erfinden, die beide SStücke 

zusam mmenführt, 

ganz neue Textee 

schreiben. 

Ein Bühnnenbild 

daz zu finden, 

Marionetten 

gestalten. 

Da ann Sängeer 

beziehu ungsweise 

Schausspieler 

mit eeinbauen, 

die 

für die PPuppen 

spre echen und 

singen und, oder in eigener Person mit den Puppen 

spielen. 

Dazu eein 

Orchesteer 

für das es s im Marioneettentheater 

eigentlich 

keinen--Platz-gibt. 

Die Kunnst 

bestand also auch da arin, sehr vieele 

Dinge in der d 

Organissation 

ihrrer 

Kunst bis zuu 

den gewaltigen g 

Größennunterschiedden 

ihrer Pr rotagonisten zu einem Abend zu 

verwebben, 

aus demm 

Vielen ein Einfaches mmachen. 

Und es gelang 

letztlichh 

ganz selbbstverständlich 

in seineem 

Ablauf, in seiner 

Erzähluung 

und hummorvoll 

berühren 

in seinerr 

Stimmung. 

Die Fesstspiele 

konnnten 

2007 eine 

zweite Seerie 

ermöglic chen, dank 

der grooßzügigen 

Unnterstützung 

von Donald und Jeanne e Kahn. 

Und hhier 

und diesmal 

mus ss ich aufzzählen 

wer 

mitgemmacht.hat. 

Voran ddie 

Puppensspieler, 

dem so wunderbar 

professionellen 


verrückkten 

Ensemmble 

am Sa alzburger Maarionettenthe 

eater. Die 

Verspieeltheiten 

derr 

drei Protag gonistinnen Eva Füdler, , Michaela 

Obermayr 

und Ursula 

Winzer, die Erfinderffreude 

und technische t 

Neugieer 

von Pavell 

Tikhonov und u Vladimir r Fediakov. Die D immer 

hilfreichhe 

Gerda Miichel 

und de er Papa des Ganzen, der 

Chef der 

Bühne, , der hilfreicche 

Pierre Droin. D Die immmer 

noch tätige, die 

Erfolgssgeschichte 

des Haus ses in derr 

dritten Generation G 

bewahrrende 

Gretl Aicher. Und d Barbara HHeuberger, 

die d in ihrer 

uneitlenn 

Art den Laaden 

stemmt, 

schützt, viel, 

vielleicht t alles von 

sich daafür 

aufs Spieel 

setzt und die Traditionn 

des Theate ers liebend 

und ihr r nachhörendd 

immer auch h auf der Sucche 

nach Ne euem ist. 


da aller


Reicchert 



‚Das Neeue 

ist die SSehnsucht 

na ach dem Alteen’ 

ein schöner 

und so 

wunderrbar 

einfacher 

Ausdruck k für das Beemühen 

so vieler von 

uns. 

Und daa 

waren diee 

Sänger, der 

so berühhrend 

verspielte 

Radu 

Cojacaariu, 

als Assisstent 

des Direktors, 

der für das groß ße Casting 

den Anntreiber 

gibtt 

und der bei b dem, füür 

die letzte e Auswahl 

entscheeidenden 

‚Prrobedurchlau 

uf’ von ‚Bastien 

und Bastienne’ 

den 

Zauberr 

Cola gebenn 

muss. 

Bernhaard 

Berchthoold, 

der Te enor für deen 

Herrn Silberklang S 

agierennd, 

der aucch 

als Bast tien besteheen 

muss, ein e großer 

Puppennliebhaber 

in jeder Faser sseiner 

Pers son. Ina 

Schlinggensiepen 

uund 

Christiane 

Karg die in so olidarischer 

Konkurrrenz 

das Caasting 

bestreiten, 

dann die 

beiden Bastienne 

im 

Probeddurchlauf 

uum 

danach h in virtuoosesten 

Eifersuchts 

kolleratturen 

mit ihhren 

Marione ettendoubelnn 

den Bühn nenhimmel 

erklimmmen. 

Alfred KKleinheinz, 

Direktor D Frank 

der sich ve erständlich 

am Schhluss 

gegen niemanden entscheidenn 

mag. Und Lisi L Fuchs, 

die Ihr Orchester einfühlsam 

un nd präzis durrch 

den ganz zen Abend 

führt.

Seite 1 Anfang Die Wupper Geboren und ... - Thomas Reichert

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