Musiker Magazin 03/2016

C 10973 F | N o 3/2016 | 3,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

Annina Struve & 

Hugoonion 

Funkustic Rock ’n’ Soul 

Volkwin Müller 

»Mit anderen Augen« 

Magistarium 

Eine internationale deutsche 

Metalband 

Deutscher 

Rock & Pop Preis 2016 

10. Dezember 2016 

Siegerlandhalle, Siegen 

KLIMA

Blaue Stunde mit bst. 

Damit auch die Zwischentöne gut ankommen.

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG 

MUSIKER MAGAZIN UND ERPAM 

PRÄSENTIEREN: 

MUSIKERVERBAND 

e.V. 

Bundesnachwuchswettbewerb für Rock & Pop Musikgruppen 

und SängerInnen aller musikstilistischen Bereiche 

Hauptkategorien 

beste Rockband 

Deutscher Rock Preis 2016 

beste Popband 

Deutscher Pop Preis 2016 

beste(r) Sänger(in) – Eigenkompositionen 

Deutscher Singer-Songwriter Preis 2016 

beste(r) Sänger(in) – Coversongs 

beste Hardrock-Band 

beste Alternative Band 

beste Country- & Folk-Band 

beste Funk- & Soul-Band 

64 Nebenkategorien 

25 Sonderkategorien 

28 Sonderauszeichnungskategorien 

Schirmherren 

Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen 

Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, 

des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. und des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V. 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften. 

KONGRESSZENTRUM SIEGERLANDHALLE 

10. Dezember 2016 • 13:30–23:00 Uhr • Siegen 

Tickets: www.musiker-online.com/deutscher-rockpop-preis/tickets/ – Preis: 20,00 Euro – Einlass: 12:00 Uhr

10 FESTIVAL 

34. DEUTSCHER 

ROCK & POP PREIS 2016 

am 10. Dezember 2016, Kongresszentrum Siegerlandhalle – Siegen 

1. ZIEL/KONZEPT 

In 2016 werden zum 34. Mal insgesamt über 

125 „Deutsche Rock & Pop Preise“ der verschiedensten 

musikalischen Bereiche an heraus ra - 

gende Nachwuchsmusikgruppen, Nachwuchs - 

einzel künstler/-innen sowie zum ersten Mal 

durch eine Fachjury ausgewählte professionelle 

Musik gruppen und Einzelkünstler/-innen mit 

Ton trä ger vertrag verliehen. So sollen auch in diesem 

Jahr Nachwuchskünstler so unterschiedlicher 

musik stilistischer Bereiche wie Rock, Pop, 

Country, Hard & Heavy, Alter native, Weltmusik, 

Reggae, Funk & Soul u.v.a.m. geehrt werden. 

Einziges Kriterium ist dabei der künstlerische 

Anspruch. In ihrer kulturellen und künstlerischen 

Aus rich tung steht diese Kultur ver an stal - 

tung damit im bewussten Gegensatz zu bisherigen 

Veranstal tungszeremonien von Industrie - 

preisen und TV-Anstalten. 

Durch die Auszeichnung in über 125 verschiedenen 

Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Pop musik 

Rechnung getragen. Damit soll erreicht werden, 

dass sich möglichst viele Musikgrup pen, Einzel - 

künstlerinnen und -künstler in ihrer Stilistik wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als 

Platt form des kreativen Nachwuchses, aber auch 

als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler/- 

innen und Persönlichkeiten des musikalischwirtschaftlichen 

Umfeldes dienen. 

2. FINANZIERUNG 

Diese Kulturveranstaltung wird im Wesent li - 

chen – wie in den vergangenen Jahren auch – 

durch die Deutsche Popstiftung, den Deutschen 

Rock & Pop Musikerverband e.V. und die am 

Wettbewerb beteiligten Musikgruppen und 

Künstler/-innen finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten 

kulturellen Wettbewerbs wird – ebenfalls wie in 

den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form 

einer geringen Anmeldegebühr verlangt. Alle 

durch die Bundesjury ausgewählten Final teil - 

nehmer sowie durch die Bundesjury nominierten 

Preisträger der Neben- und Sonderkate - 

gorien zahlen außerdem einen Teilnahme be trag 

pro Musiksparte, um die Selbstfinanzierung dieses 

musikereigenen Kulturfestivals auf Bundes - 

ebene zu gewährleisten. Diese solidarische 

Ge mein schafts finanzierung ist in Deutsch land 

einmalig: Damit wird auch der 34. Deutsche 

Rock & Pop Preis wieder ge meinschaftlich finanziert 

durch die Stiftungs- und Verbands trä ger, 

die ca. 3 000 Mu sik grup pen, Musi kerinnen und 

Musiker im Deutschen Rock & Pop Musiker - 

ver band e.V. sowie durch die über 1 000 Teil - 

neh mer dieses Festivals. 

3. KATEGORIEN 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musik - 

preisen werden die Deutschen Rock & Pop 

Preise 2016 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise 

können an herausragende etablierte Musik - 

gruppen, Musikerinnen und Musiker sowie in 

den Unterkategorien „Bester Gitarrist”, „Bester 

Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen

11 

werden. Hierfür kann man sich direkt bewerben. 

Die Bundesjury entscheidet, ob besondere 

Leistungen in diesen Bereichen vorliegen. 

FOLGENDE EINZELKATEGORIEN 

WERDEN AUSGESCHRIEBEN: 

8 Hauptkategorien 

64 Nebenkategorien 

25 Sonderkategorien 

28 Sonderauszeichnungskategorien 

Durch die differenzierte Auswahl an Kate go - 

rien und Unterkategorien wird gewährleistet, 

dass eine große Anzahl vielversprechender 

Musik gruppen, Interpreten und Künstler/-innen 

in musikhistorisch bedeutenden, aber bisher 

bei Preisverleihungen vernachlässigten Musik - 

rich tungen ebenfalls gewürdigt werden können. 

In den acht Hauptkategorien werden die Final - 

aus scheidungen (und/oder Halbfinal vor ent - 

scheide) tagsüber live am Festivalort auf der 

Bühne er folgen. In den übrigen Kategorien entscheidet 

die Bundesjury allein aufgrund des 

eingeschickten Materials über eine Nominie - 

rung bzw. Aus zeichnung bei der Preisver lei hung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich 

mit dem künstlerischen und technischen Um - 

feld einer CD-Produktion und des Musik ma na - 

ge ments auseinandersetzen (Studioproduktion, 

CD-Design, Independent-Label, Künstler agentur 

etc.), sollen – wie im Vorjahr – auch diese an - 

son sten im Schatten von künstlerischen Aus - 

zeich nungen stehenden Firmen und Personen 

geehrt werden. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer 

CD/einem Musikvideo pro Kategorie (möglichst 

eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Pop - 

stiftung für die verschiedenen Kategorien be - 

werben. 

ANMELDEGEBÜHR: 

DRMV-Mitglieder 20,– Euro, 

DRMV-Nichtmitglieder 30,– Euro. 

Nach dem Bewerbungsschluss ermitteln un - 

abhängige Expertenjuroren, die von der Deut - 

schen Popstiftung eingesetzt werden, die Teil - 

neh mer am Finale und die Preisträger der Nebenund 

Sonderkategorien des 34. Deut schen Rock 

& Pop Preises 2016. Mithilfe eines detaillierten 

Bewertungsbogens (Arran ge ment, Instrumen - 

tierung, Gesang, Text, Kom position, Originali - 

tät, Kreativität etc.) ermittelt die Festivaljury die 

live im Finale des 34. Deutschen Rock & Pop 

Preises 2016 auftretenden Musikgruppen und 

Einzelinterpreten der Hauptkategorien. Um eine 

gerechte Preis ver leihung zu gewährleisten, 

kann die Bundes jury, wenn die Einordnung den 

Juroren passend erscheint, Preise auch in 

anderen als den durch die Künstler ursprünglich 

beworbenen Katego rien zuerkennen. 

4. PREISVERLEIHUNG/FESTIVAL 

Die Teilnehmer am Finale des 34. Deutschen 

Rock & Pop Preises 2016 erhalten durch die 

Deutsche Popstiftung eine Einladung nebst Teil - 

nahmeformular. Die in allen Sparten und Be - 

reichen nominierten Bands und Künstler/-innen 

werden persönlich eingeladen. Erst die Rück - 

sendung des ausgefüllten Teilnahmeformulars 

und die Entrichtung der Teilnahmegebühr in 

Höhe von 150,– Euro je Hauptkategorie sowie 

100,– Euro je Sonder- oder Nebenkategorie (je 

zuerkannter Preissparte) garantieren die Teil nah - 

me am 34. Deutschen Rock & Pop Preis 2016. 

Die Finalisten (Einzelkünstler/-innen und Musik - 

gruppen) der Hauptkategorien erhalten im Ge - 

genzug je 50 Eintrittskarten im Gesamtwert von 

1 000,– Euro für den eigenen Gäste-/Fan kreis 

(s. zusätzliche Publikumsabstimmungen), die 

ausgezeichneten Preisträger der Sonder- und 

Nebenkategorien erhalten ebenfalls je 50 Ein - 

trittskarten im Gegenwert von 1000,– Euro für 

die eigenen Gäste/Fans. Mit der Nichtrück sen - 

dung des Anmeldeformulars und der Nicht ent - 

richtung der Teilnahmegebühr verfällt die Teil - 

nah me und Preiszuerkennung. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung 

durch die Festivaljury werden auf der Home - 

page des DRMV www.musiker-online.tv und 

durch die Kulturzeitschrift musiker Magazin 

nach dem Festival veröffentlicht. 

Die jeweils ersten Preisträgerbands der 

Haupt kategorien „Rock“, „Pop“ und „Alter- 

na tive“ erhal ten eine einjährige kostenlose Mit - 

glied schaft im DRMV und ein einjähriges 

Rechts- und Fachberatungsprogramm. Die teil - 

nehmen den Preisträger der verschiedensten 

Deut schen Rock & Pop Preise 2016 erhalten 

als Auszei ch nung eine Ehrenurkunde. Die jeweils 

ersten Preis träger der Hauptkategorien erhalten 

zu sätzlich einen Rock- & Pop-Oscar. 

WEITERE INFORMATIONEN: 

WWW.DEUTSCHERROCKPREIS.DE 

TEXT: OLE SEELENMEYER 

FOTOS: LUDWIG CZAPLA

12 STORIES 

Annina Struve & 

HUGOONION 

Annina Struve, Markus „Hugo“ Schröder 

und Mario „Zwiebel“ Zielenbach touren 

als Hugoonion mit Bass, Gitarre, Schlagzeug 

und einer funkigen Rock-Mischung über die 

Bühnen. Im Interview spricht Annina über die 

Gründung der Band, Herausforderungen und 

zukünftige Projekte. 

MM: Die Gründung von ANNINA STRUVE & 

HUGOONION ist eher ungewöhnlich. Erzähl, 

wie es dazu kam. 

ANNINA STRUVE: Durch eine Reihe von 

Zufällen lernten Markus und ich uns bei der 

Arbeit für ein Musikprojekt kennen. Sofort beim 

ersten Auftritt funkte es zwischen uns auf der 

Bühne. Die Fotos des Auftritts benutzten wir 

sogar für unsere Hochzeitseinladungskarten. 

Denn es sah beinahe so aus, als würde mir 

Markus auf der Bühne einen Antrag machen. 

Zunächst spielten wir als Duo und schrieben 

unsere ersten Songs. Nach einiger Zeit suchten 

wir einen Percussionisten, der die Songs 

fühlen und umsetzen konnte. Markus hatte 

Jahre vorher mit Zwiebel zusammen Sessions 

gespielt. Er war sich sicher, dass er der Richtige 

für unser Projekt ist. Direkt bei der ersten Probe 

war uns allen klar, dass es passt. 

MM: Sowohl privat als auch auf der Bühne 

ein harmonisches Duo? Mal ehrlich, was sind 

Herausforderungen, wenn man so oft zusam - 

men ist? 

ANNINA STRUVE: Unser Proberaum ist zu 

Hause und es kann mal vorkommen, dass wir 

musiker MAGAZIN 3/2016

STORIES 13 

Funkustic 

Rock ’n’ Soul 

aus verschiedenen Richtungen zur Probe kommen. Denn im 

Alltag gibt es natürlich die üblichen Ehe-Nervigkeiten. Aber Musik 

ist ein wunderbares Kommunikationsmittel und bringt uns schnell 

wieder zusammen. Nach spätestes drei Takten ist die Welt in 

Ordnung und der gemeinsame Groove steht wieder. 

Du hast einen 

Weltstar in der 

Band 

So sehen Kultklassiker aus: Mikrofonstative von 

König & Meyer. Auf der ganzen Welt bewährt. Warum? 

Weil sie Musiker vor bösen Überraschungen bewahren. 

Weil solide Verarbeitung und Top-Materialien dafür sorgen, 

dass das Stativ auch nach vielen Auftritten und intensivem 

Gebrauch immer noch einwandfrei funktio niert. Das gibt 

Sicherheit und macht Lust auf den nächsten Auftritt. Keine 

Kompromisse: Highend-Zubehör von König & Meyer 

für Sänger & Co. 

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MM: Ihr spielt „Funkustic Rock ’n’ Soul“ – was kann man sich 

darunter vorstellen? 

ANNINA STRUVE: Funkustic ist eine Wortschöpfung unseres 

Bassmanns und stammt aus der Anfangszeit, in der wir noch in 

akustischer Besetzung aufgetreten sind. Von Beginn an war unsere

14 STORIES 

»Im Alltag gibt es 

natürlich die üblichen 

Ehe-Nervigkeiten, 

aber Musik ist 

ein wunderbares 

Kommunikationsmittel 

und bringt uns 

schnell wieder zusammen. 

Nach spätestes drei Takten 

ist die Welt in Ordnung 

und der gemeinsame Groove 

steht wieder.« 

Musik überwiegend funky angelegt, entwickelte 

sich über die Jahre aber absolut vielseitig. 

Unsere Live Gigs sind extrem dynamisch. Im 

Pro gramm gibt es vom sprichwörtlichen 

„Stecknadel-fallen-Hören“ bis zum Sound ge - 

witter alles Mögliche. Rock und Soul sind weitere 

wichtige Elemente. Wir haben sie hinzugefügt, 

um auch denen, die uns noch nicht gehört 

haben, eine bessere Vorstellung zu bieten. 

MM: Wie entstehen eure Songs? 

ANNINA STRUVE: Die meisten Songs stammen 

aus meiner Feder. Oft steht der Text oder zu - 

mindest eine Textzeile an erster Stelle. Mit der 

Gitarre finde ich schnell Harmonie, Melodie und 

Groove dazu. Die Jungs verstehen sofort, in 

welche Richtung meine Ideen gehen. Was sie 

spontan dazu spielen, ist oft schon so rund, 

dass wir die Songs direkt ins Programm nehmen 

und live spielen können. Mit der Zeit entwickeln 

sich die Songs weiter. 

MM: Im Dezember habt ihr den Deutschen 

Rock & Pop Preis in der Kategorie „Funk & 

Soul“ gewonnen. Was war das Besondere 

an diesem Event und eurem Auftritt? 

ANNINA STRUVE: Es war gar nicht so einfach, 

unseren Song „Unbreakable“ auf die geplante 

Zeit von drei Minuten zu kürzen. Wir haben ihn 

vorher oft live ohne Zeitbegrenzung, mit Im - 

provisation und Interaktion mit dem Publikum 

gespielt. Das ist stark im Unterbewusstsein 

verankert, sodass wir den gekürzten Ablauf oft 

proben mussten, damit die Gewohnheit nicht 

durchbricht. Da gab es kurz vor dem Event noch 

Unsicherheiten. Live hat es gut geklappt und 

unsere gewohnte Spielfreude kam auf. 

MM: Wie geht es nun mit Hugoonion weiter? 

ANNINA STRUVE: In erster Linie: spielen, spielen, 

spielen! Unser langfristiges Ziel ist es, be - 

kannter zu werden. 

Im Moment arbeiten wir mit einem mit uns 

befreundeten Produzenten, Robert Schuller, im 

Studio an einigen unserer Songs. Unsere bisherigen 

Aufnahmen haben wir selbst gemacht, 

auch das Bewerbungs-Demotape zum DRPP. 

Robert, der schon mal mit den Foo Fighters 

ge arbeitet hat, gibt uns Impulse, wie wir die 

Songs radiotauglicher arrangieren, ohne ihnen 

den Flair zu rauben, der die Songs live auszeichnet. 

MM: Einige Lieder von euch gibt es auch bei 

Soundcloud. Warum? 

ANNINA STRUVE: Um Veranstaltern und Kon - 

zertgängern einen schnellen Höreindruck zu ver - 

mitteln, ist es gut geeignet. Da wir uns um unser 

Booking selbst kümmern, ist Sound cloud ein 

unkomplizierter Weg, um Kontakt aufzunehmen 

und die Band kurz vorzustellen. 

MM: Wie beurteilt ihr Streaming? 

ANNINA STRUVE: Mit gemischten Gefühlen. 

Für die meisten User ist es sicherlich sehr 

praktisch, aber mal abgesehen von der oftmals 

schlechten Bezahlung der Künstler geht in 

unseren Ohren viel verloren. Viele tolle Künstler 

sind vor allem für die großen Anbieter uninte - 

ressant. Ein Album, das als Gesamtkunstwerk 

angelegt ist, wird wegen des Streamings oftmals 

nie komplett gehört. Vieles dreht sich nur 

um den einen großen Hit. Das ist für uns als 

Musiker – und als Musikhörer – eher kritisch zu 

sehen. 

MM: Mit wem – egal, ob schon gestorben 

oder noch voll am Rocken – würdet ihr gern 

mal gemeinsam musizieren? Warum? 

ANNINA STRUVE: Wir haben zwar in vielen 

musi kalischen Belangen ähnliche Vorlieben, 

aber nach einem gemeinsamen musikalischen 

Idol haben wir noch nicht gesucht. Zwiebel 

würde gerne mal mit Eddie Van Halen spielen, 

weil es sein größtes musikalisches Vorbild ist. 

Für Markus ist schon ein Traum in Erfüllung ge - 

gangen, als wir als Vorgruppe von Frank Zappas 

„(Grand)Mothers of Invention“ aufgetreten sind. 

Ich würde gere mal die Bläser von „Tower of 

Power“ in unseren Proberaum einladen, ein 

Glas Wein mit Sting in der Toskana trinken und 

dabei eine Akustiksession machen. 

WEB: WWW.HUGOONION.DE 

INTERVIEW: JANINA HEINEMANN 

FOTOQUELLE: ANNINA STRUVE 


STORIES 15 

»TANZMUCKE ADE, 

WILLKOMMEN EIGENE PLÄNE.« 

Interview mit Linda Schinkel 

Nach neun Jahren 

als Sängerin 

in einer Top-40-Band 

singt Linda heute 

ihre eigenen Songs. 

Nebenbei schreibt 

und komponiert sie 

erfolgreich 

Kinderlieder. 

Im Interview hat sie 

uns erzählt, 

wie sie den Sprung 

geschafft hat. 

MM: Bis ins letzte Jahr bist du als Sängerin 

mit Top-40-Musik aufgetreten. Warum hast 

du das hinter dir gelassen? Welchen Tipp 

kannst du anderen Musikern mitgeben, die 

von Covermusik auf eigene Songs wechseln 

wollen? 

LINDA SCHINKEL: Schon immer wusste ich: 

Nach der Schule werde ich Sängerin und spiele 

meine eigenen Songs. Nach meinem Abitur 2007 

stieg ich sofort in eine Top-40-Band ein, um erste 

Bühnenerfahrungen zu sammeln. Ab dem 7. Jahr 

Sängerin in ein und derselben Band sang ich 

zusätzlich in weiteren Bands als Aushilfe. Jedes 

Wochenende und jeden Feiertag ging’s ab auf 

die Bühne. Nebenbei studierte ich erst Sozio logie 

in Bremen und danach Musik auf Lehramt in 

Oldenburg. Beide Studiengänge habe ich nicht 

abgeschlossen. Es war durch die hohe Auftrags - 

lage einfach nicht möglich, seriös zu studieren. 

Überhaupt gab es für mich keinen Freiraum mehr, 

geschweige denn Zeit für meine eigenen Lieder 

und meine Freunde. Zusätzlich eine Karriere als 

Singer-Songwriterin – nicht dran zu glauben, keine 

freien Termine. Mein ursprüngliches Ziel verlor ich 

aus den Augen. Erst nach sage und schreibe 

neun Jahren riss ich mich endlich los. 

Auf der Top-40-Bühne war ich „Die-da, oder 

Lisa oder Lena oder wie-war-das-noch-mal?“. 

Auf der Singer-Songwriter-Bühne bin ich „Linda“. 

Hier sind die Beweggründe des Publikums ganz 

anders. Und auch ich habe als Musiker eine 

andere Aufgabe: Menschen emotional durch 

Musik zusammenführen und eine starke Ge mein - 

schaft bilden. Genau das möchte ich ihnen mit 

meinem Gesang und meiner Musik geben. Wenn 

auch mit weniger Gage, aber das ist mit steigendem 

Bekanntheitsgrad ausbaufähig. 

Ich stütze mich auf verschiedene musikalische 

Standbeine. Es gibt viele Arbeitsmöglichkeiten für 

Musiker. 

 

3/2016 musiker MAGAZIN

16 STORIES 

designen und selbst drucken mit spezieller Soft - 

ware und CD-Drucker, Inlays für CDs herstellen, 

dann selbst schneiden, YouTube, Facebook, 

Musikernetzwerke, Kontakte pflegen, E-Mails 

rein und raus. Natürlich alles in professioneller 

Qualität. Außerdem ist die musikalische Aktivität 

am PC nicht zu unterschätzen. Ich arbeite mit 

der DAW (Digital Audio Workstation) Cubase. 

Hinzu kommen: Songs komponieren, Texte 

schreiben, Lieder üben, Klavier üben, für eine 

Trauung mit Wunschtiteln üben und vieles mehr. 

LINDA SCHINKEL 

WWW.FACEBOOK.COM/SAENGERIN.LINDASCHINKEL 

WWW.LINDA-SCHINKEL.DE 

WWW.KINDER-SCHLAFLIEDER.DE 

MM: Welchen Tipp kannst du anderen Mu si - 

kern mitgeben, die von Covermusik auf 

eigene Songs wechseln wollen? 

LINDA: Wer schon Tanzmusik macht oder beginnen 

möchte, sollte sich fragen, mit welchem Ziel. 

Um sich einen Namen als Künstler zu machen, 

ist die Top-40-Kiste nicht geeignet. Sie bietet kaum 

Raum für künstlerische Freiheit oder Anerken nung 

für die enorme Arbeit, die man auf der Bühne 

leistet, teilweise zehn Stunden am Stück unter 

Extrem-Bedingungen. Wer groß hinaus will, sollte 

lieber gleich mit seinem eigenen Repertoire 

starten und dafür noch mehr harte Arbeit in Kauf 

nehmen. Durchboxen muss man sich überall, 

dann kann man auch gleich mit seinem Vor haben 

starten. Also: „Tanzmucke Ade, willkommen eigene 

Pläne.“ 

MM: Du schreibst, komponierst und produzierst 

deine Songs selbst. Bei wem holst du 

dir eine zweite Meinung ein? 

LINDA: Häufig produziere ich meine Lieder so, 

wie ich es auf der Bühne als Solistin anbieten kann. 

Sobald ein neuer Song fertig ist, nehme ich ihn in 

mein Bühnenrepertoire auf. Ganz gespannt bin ich 

dann auf die Reaktion des Publikums, die ist sehr 

entscheidend. Das ist die für mich wichtigste zweite 

Meinung. Außerdem nehme ich verschiedene 

Bandcontests wahr oder spiele auf sogenannten 

Singer-Songwriter-Slams. Ansonsten habe ich 

Kontakte zu einigen Radiosendern hergestellt, mit 

OSRadio 104.8 bin ich in regelmäßigem Aus - 

tausch. Auch hier bekomme ich wertvolles Feed - 

back. 

Für spezielle Details bezüglich Band arran ge - 

ments oder Soundqualität frage ich Musiker kol - 

le gen oder meine Familie. Einige Textschlüssig - 

keiten be spreche ich mit meiner Mutter, die gleichzeitig 

auch meine Kollegin ist. 

MM: Gibt es sonst Kollegen, mit denen du 

regelmäßig zusammenarbeitest? 

LINDA: Seit 2015 singe ich in der Band Red Noise. 

Wir covern die Sahnehäubchen aus Funk, Soul 

und Pop. Wir setzen uns stark mit den Arrange - 

ments auseinander und gestalten eigene Ver - 

sionen der Songs. Das ist enorm lehrreich und 

streckenweise sehr zeitaufwendig. Deshalb proben 

wir wöchentlich. Das ist alles andere als ein 

klassisches Top-40-Konzept. Hier habe ich sehr 

großen sängerischen Spielraum und auch meine 

Singer-Songwriter-Karriere kommt nicht zu kurz. 

Meine Mutter und ich führen zusammen unseren 

eigenen Musikverlag „Ardemus“. Über einen 

Onlineshop vertreiben wir personalisierte Kinder - 

schlaflieder-CDs. Meine Mutter ist Geschäfts füh - 

rerin und erledigt Management, Promotion, Buch - 

haltung, Media und vieles mehr. Ich komponiere, 

produziere und personalisiere die Lieder und Texte. 

Wir ar beiten jeden Tag zusammen. 

MM: Wie sieht ein typischer Arbeitstag für 

dich als hauptberufliche Musikerin aus? 

LINDA: Ab halb neun bin ich im Büro, das auch 

gleichzeitig das Aufnahmestudio ist. Zunächst 

arbeite ich die Bestellungen der Kinder schlaf lieder- 

CDs ab. Ich personalisiere die Lieder und Texte mit 

dem Namen des Kindes. Dies kann einige Zeit in 

Anspruch nehmen, je nach Auf trags lage. 

Es steht auch immer sehr viel Hintergrund - 

arbeit an: Fotos schießen, Fotos bearbeiten, Flyer 

designen, Visitenkarten designen, CDs selbst 

MM: Dein Herzensprojekt sind für dich deine 

Kinderschlaflieder. Warum ist dir das so 

wichtig? 

LINDA: Wir sind mit einer kleinen Idee gestartet 

und haben sie größer werden lassen. Nieder - 

lagen haben wir weggesteckt und weiterhin an 

unser Gelingen geglaubt. Alles notwendige Wissen 

haben wir uns Stück für Stück angeeignet. Wie 

gründet man einen Musikverlag, welche Voraus - 

setzungen gibt es? Welche Rolle spielt die GEMA? 

Durch viele Fragen haben wir uns durchgewühlt. 

Inzwischen haben wir zwei Alben veröffentlicht 

und bekommen täglich positive Rückmeldung von 

zufriedenen Eltern, Großeltern, Tanten und Onkels 

und auch von Hebammen werden wir weiterempfohlen. 

Wir haben große Gedanken zugelassen. 

Ich glaube, auch das war der Schlüssel zu 

diesem Erfolg. Diese Gedanken bewahre ich mir 

für alles Weitere. 

MM: Das Besondere an den Liedern ist, dass 

ihr die Kinder individuell ansprecht. Wie bist 

du auf diese Idee gekommen? 

LINDA: In meiner Kindheit habe ich abends auf 

einem Gute-Nacht-Lied bestanden und ich war 

immer hellauf begeistert, wenn meine Mutter 

meinen Namen einbaute. Also war es eigentlich 

meine Mutter, die den ersten Funken sprühte. 

Schlaflieder, weil wir den Kindern mit unseren 

Schlafliedern die ganz besondere Abendruhe 

geben möchten. Viele Eltern schreiben uns, dass 

unsere CDs das neue Einschlafritual für ihre 

Kinder seien und die Kleinen sich schon auf das 

Zubettgehen freuen würden, gerade weil sie persönlich 

angesprochen werden und sie genügend 

Zeit haben, sich auf den Schlaf einzulassen. 

MM: Gab es anfänglich Probleme bei der 

Um setzung? Wie hast du sie gelöst? 

LINDA: Zu Beginn gab es auf jeden Fall viele 

Bausteine und viele offene Fragen. Vor allem 

fehlte uns jedoch die Erfahrung mit solch einem 

Geschäft. Wir zahlten viel Lehrgeld und Zeit. Wir 

haben in ineffektive Werbung investiert, viele 


STORIES 17 

Bei uns läuft sehr viel über Mundpropaganda, 

und zusätzlich versuchen wir ständig, mit kleinen 

Mitteln zu werben. „Wer nicht wirbt, der stirbt.“ Wir 

legen Flyer aus, betreiben Facebook, schalten in 

Kinderzeitschriften kleine Artikel und wir lassen 

unsere CDs testen, zum Beispiel von Heb ammen 

und Eltern. Glückliche Zufälle sind natürlich auch 

dabei. Tatsächlich haben wir auch sehr viele 

Wieder holungsbestellungen, also Kunden, die 

zuvor das erste Album bestellten, bestellen nach 

einigen Wochen auch gleich das zweite Album. 

Online shops mussten getestet werden, weil nur 

wenige auf personalisierte Bestellungen ausgerichtet 

sind, das Equipment fürs Studio musste 

unseren Sound-Ansprüchen angepasst werden 

und viele Lieder und Texte wurden nochmals aufgenommen. 

Das sind Erfahrungen, die wir machen 

mussten, um unsere Strategie stetig zu verbessern. 

Jetzt arbeiten wir auf sehr hohem Niveau mit 

professioneller Qualität. 

MM: Kinder sind eine spezielle Zielgruppe. 

Wie schreibst und komponierst du kindgerechte 

Lieder? 

LINDA: Ich selbst habe meine Kindheit sehr gut 

in Erinnerung, diese Zeit nahm ich sehr intensiv 

wahr. Ganz bestimmt lag das auch an meinen drei 

Schwestern. Heute kann ich rückwirkend nachempfinden, 

warum und wann es mir gut ging und 

welche die besonders schönen Erinne run gen sind. 

Nach meiner Konfirmanden zeit habe ich ehrenamtlich 

Jahr für Jahr Kinderfreizeiten als Be treuerin 

begleitet. Auch hier erlebte ich bei Kindern gleiche 

oder ähnliche Empfindungen. Heute bin ich 

vierfach Tante. Meine Kindheit und der direkte 

Draht zu Kindern helfen mir sehr bei der Text - 

findung und Melodiegestaltung der Schlaf lieder. 

MM: Die Alben werden mittlerweile von He b - 

ammen empfohlen. Ist das ein glücklicher 

Zufall oder habt ihr die CD speziell in diesen 

Kreisen beworben? 

MM: Woran arbeitest du zurzeit noch? 

LINDA: Momentan arbeite ich an der Fertig stel lung 

des dritten Schlafliederalbums, das in Kürze veröffentlicht 

werden soll. Dazu geben wir Auskunft auf 

unserer Homepage: www.kinder-schlaflieder.de. 

An meinen eigenen Songs arbeite ich ebenfalls 

stetig. Meine Aktivität als Künstlerin kann gerne auf 

meiner Homepage www.linda-schinkel.de oder 

auf Facebook verfolgt werden. 

Über Anregungen und Feedback freuen wir uns 

immer sehr. 

INTERVIEW: JANA MOYSICH 

FOTOS: CAROLIN SCHINKEL 

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Gitarre genauso, wie Du es am liebsten hast. Auch optisch bist Du mit 

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18 STORIES 

EINE INTERNATIONALE DEUTSCHE 

METALBAND 

»Hard Rock ist die Musik, die uns geprägt hat. 

Die hat Eier. Wir spielen überall, wo es eine Steckdose gibt.« 

MM: Seit wann macht ihr zusammen Musik 

und wie habt ihr zueinander gefunden? 

MICHAEL: 2009 haben wir das erste Album „Faith 

In Salvation“ herausgebracht. Das ist das Ge burts - 

datum der Band. Die Wege des Zuein ander fin - 

dens waren unterschiedlich. 2006 lernte ich Oleg 

in einem Deutschsprachkurs kennen, bei dem 

wir nach unserer Auswanderung aus unseren 

Heimatländern mitmachten. Oleg kommt aus der 

Ukraine, ich aus Russland. Nach langer Suche 

stießen wir über ein Internetmagazin auf Sebastian 

und Volker. Unseren neuen Bassisten, Ingo, der 

mittlerweile ein Jahr bei uns ist und das letzte 

Album mit aufgenommen hat, lernte ich bei dem 

Heavy-Metal-Band-Projekt THOMSEN kennen. 

Ingo hat eine unglaubliche Spielkom petenz, enorme 

Live-Erfahrung und ein bisschen Dis zi plin in 

unsere Band gebracht. 

MM: Warum Metal? Was mögt ihr an den 

harten Sounds? 

MICHAEL: Seit meinem 14. Lebensjahr begleitet 

mich Metalmusik täglich. Ob Metal oder Hard 

Rock, für mich ist diese Musik längst zu meiner 

Lebenseinstellung geworden. Wir haben uns mit 

der Band nie extra zusammengesetzt und uns 

einen Kopf gemacht, was für Musik wir spielen 

wollen. Die Musik, die wir früher hörten und jetzt 

immer noch hören, hat es für uns entschieden. 

Sie war schon in uns drin. Ich glaube, dass viele 

mir zustimmen, dass diese Musik eine unglaubliche 

Energie in sich trägt und eine enorme An - 

ziehungskraft hat, die man in dieser Form kaum 

von den anderen Musikrichtungen kennt. Des - 

wegen Metal! Trotzdem muss man sich als 

Musiker auch für andere Musikrichtungen interessieren. 

Das Interessante bei uns ist, dass wir 

zur Hälfte aus Russen und Ukrainern bestehen. 

Deswegen haben wir einen leicht russischen Ein - 

schlag in der Musik. Und ein Ostfriese ist dabei. 

Das ist geil. Hard Rock ist die Musik, die uns 

geprägt hat. Die hat Eier. Wir spielen überall, wo 

es eine Steckdose gibt. 

MM: Im November habt ihr euer zweites 

Album „5’55’’ Till the End Of Days“ veröffentlicht. 

Wie hat sich eure Musik im Vergleich 

zum Debütalbum 2009 weiterentwickelt? 

MICHAEL: Ich finde, dass das aktuelle Album im 

Vergleich zu unserem Debütalbum viel anspruchs - 

voller und erwachsener klingt, weil wir als Musiker 

erwachsener und anspruchsvoller geworden 

sind. Das zweite Album bietet eine breitere Palette 

der verschiedenen Metal-Genres an. Da ist alles 

von Heavy Metal über Power Metal bis hin zu 


MAGISTARIUM 

Das sind 

Michael (Gitarre), 

Oleg (Gesang), 

Volker (Keyboard), 

Ingo (Bass) und 

Sebastian (Schlagzeug). 

Seit 2009 machen die 

fünf zusammen Musik. 

Metal. Harte Sounds 

mit ganzer Seeler 

und viel Energie. 

Beim Deutschen Rock & 

Pop Preis belegten 

sie in der Kategorie 

„Hard Rock“ 

den ersten Platz. 

Im Interview erzählt 

Michael über die 

Anfänge, Streaming 

und Tourpläne. 

STORIES 19 

view-Anfragen, CD-Reviews und CD-Bestellungen 

aus Japan, Brasilien, Großbritannien, der Schweiz, 

Russland und, und, und. 

MM: Sind Platten zukunftsfähig? Warum 

bzw. warum nicht? 

MICHAEL: Ich glaube, ja. Denn es wird immer 

Menschen geben, die es schöner finden, eine 

CD mit einem farbigen Booklet in der Hand zu 

halten als noch einen Ordner auf ihrem PC oder 

noch eine Datei in ihrem Smartphone zu haben. 

MM: Ihr habt beim DRPP 2015 in der Ka - 

tegorie „Hard Rock“ die Jury als „Beste 

Band“ überzeugt. Glückwunsch. Wie war 

es, in Siegen auf der Bühne zu stehen? 

MICHAEL: Vielen Dank! Uns hat es sehr viel Spaß 

gemacht. Schade war nur, dass die Spielzeiten 

so kurz waren. Das ist bei so vielen teilnehmenden 

Künstlern allerdings kein Wunder. Der Auf - 

tritt war gut und schnell. Wir hätten natürlich die 

ganze Nacht gespielt. 

MM: Was waren besondere Herausfor de - 

run gen bei diesem Auftritt? 

MICHAEL: Das einzige, was mir sofort einfällt, ist, 

dass wir ganz lange diskutieren mussten, welchen 

Song wir spielen wollen. Das ist normalerweise 

bei uns nicht der Fall. Ach so, noch eins: 

die mit Sitzplätzen ausgestattete Halle bei unserer 

Show! Das haben wir noch nie gehabt. Ich 

meine, auf Metalkonzerten sieht man normalerweise 

nur stehendes Publikum. 

MM: Wie geht es nun weiter? Welche Ziele 

habt ihr als Band? 

MAKE 

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Progressive Metal vertreten. Was sich aber gar 

nicht verändert hat und sich hoffentlich nie verändern 

wird, ist, dass unsere Musik vom Herzen 

geschrieben und sehr melodisch ist. Gute Melo - 

dien stehen für uns im Vordergrund. 

MM: Eure neue CD gibt es auch bei iTunes 

und Amazon als MP3-Downloads. Warum 

habt ihr euch zu diesem Schritt entschieden? 

MICHAEL: Wir haben weder ein Label noch eine 

Promotionagentur und müssen uns daher selbst 

um die ganze Promotion kümmern. Es war für 

uns wichtig, alle Register zu ziehen, damit unsere 

CD möglichst viele Länder und ein breites 

Zuhörerspektrum erreicht. Ohne in irgendeiner 

Form Werbung für Streaming-Dienste zu machen: 

Das Ergebnis hat alle Erwartungen übertroffen! 

Wir haben momentan eine ganze Menge In ter - 

MICHAEL: Wir freuen uns auf die kommenden 

Konzerte und sind in bester Form, Leute mit 

unserer Musik zu begeistern. Momentan sind wir 

mitten in den Verhandlungen über eine mögliche 

Tour mit einer im Metalbereich sehr bekannten 

Band, deren Namen wir noch nicht nennen dürfen. 

Wir sind aber sehr optimistisch, dass das 

klappt. Nächstes Jahr wollen wir gern eine 

Europa tournee machen. Rock on!!! 


FOTOQUELLE: MAGISTARIUM 

MAGISTARIUM 

„5’55’’ till the End of Days“ 

VÖ: 02.10.2015 

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20 STORIES 

KLIMA 


STORIES 21 

MM: Zwei Schwestern, die zusammen mu - 

sizieren – klappt das oder gibt es manchmal 

den berühmten Zickenterror? 

KLIMA: Beides! Das Musizieren klappt eigentlich 

immer sehr gut, nicht zuletzt dadurch, dass 

wir uns auf der Bühne praktisch blind verstehen. 

Das ist ein großer Vorteil. Wenn die eine 

den falschen Text singt, singt die andere automatisch 

mit. Zickenterror gibt es eher abseits der 

Bühne. Zum Beispiel waren wir sechs Wochen 

mit PUR auf Support Tour und hatten zusammen 

ein Doppelzimmer. Da kracht es dann doch 

ordentlich – wenn es nur eine Steckdose im 

Bad gibt … 

MM: Was hat euch und eure Musik geprägt? 

KLIMA: Wir sind in einer sehr musikalischen 

Familie aufgewachsen. Es wurde viel musiziert. 

Aus der Stereoanlage kam der Sound der 60er 

und 70er. Geprägt hat uns das Klangbild der 

„handgemachten“ Musik. Als wir Teenager 

waren, hatten wir natürlich unsere eigenen großen 

Idole. Bei Vera war das Alanis Morissette. 

Ihr Album „Jagged Little Pill“ lief rauf und runter. 

Das beeinflusst das eigene Songwriting. 

MM: Beeindruckend ist, wie gut eure Stim - 

men zueinander passen. Habt ihr euch dafür 

professionell gebildet oder harmoniert ihr 

von Natur aus? 

KLIMA: Das wurde uns in die Wiege gelegt. Wir 

sind füreinander geschaffen. 

MM: Wie entstehen eure Lieder? Schreibt 

ihr gemeinsam? 

Zwischen den beiden Schwestern 

Vera und Sarah Klima herrscht 

gutes Klima – sowohl musikalisch 

als auch emotional. 

Die beiden sagen, sie seien 

unzertrennlich. Ihren Songs merkt man 

das gemeinsame Ziel, 

zusammen Musik zu machen, an. 

KLIMA: Vera schreibt die Songs, den Fein - 

schliff machen wir zusammen. Die Entstehung 

ist unterschiedlich – manchmal sitzt man im 

Zug, schreibt den Text und vertont ihn hinterher. 

Manchmal pfeift man auf dem Fahrrad 

eine Melodie vor sich hin und sucht dafür 

nachträglich die richtigen Worte. Im besten Fall 

hat man beides gleichzeitig im Kopf. Auf jeden 

Fall schreibt Vera immer über Themen und 

Situationen, die sie selbst erlebt hat oder die 

sie bewegt haben. Über das Leben mit all seinen 

Höhen und Tiefen eben. Es gibt Songs, die 

an einem Tag entstehen, und andere, für die wir 

ein halbes Jahr brauchen. Da haben wir keine 

pauschale Vorgehensweise. 

 


22 STORIES 

MM: Was wollt ihr mit eurer Musik erreichen? 

KLIMA: Wenn wir mit unseren Songs die Men - 

schen berühren – egal, ob es 100 000 oder nur 

zehn sind –, haben wir alles erreicht. Natürlich 

wäre es schön, wenn wir von unserer eigenen 

Musik leben könnten. Dann könnten wir uns 

nur auf unsere große Leidenschaft konzentrieren. 

Man darf den Spaß an der Musik nicht verlieren. 

Wenn es dabei „nach oben“ geht und 

wir mehr Fans bekommen, ist das super. 

MM: Ihr wart vor vielen Jahren beim Deut - 

schen Rock & Pop Preis, habt dort mehrere 

Preise gewonnen. Beschreibt die Atmos 

phäre. Was waren eure Höhepunkte? 

KLIMA: Wow – das war 2004. Es gab für uns 

keinen einzelnen Höhepunkt. Es war von vorne 

bis hinten ein Abenteuer. Wir waren damals 18 

und 20 Jahre alt. Es war unsere erste weite 

Reise mit der Band. Wir waren ganz schön aufgeregt, 

als wir in Hamburg ankamen. Aber dann 

haben wir uns ziemlich schnell entspannt in der 

lockeren Atmosphäre dort. Bei den Vorrunden 

ging alles ganz schnell – einfach raus und spielen. 

Aber für die finalen Entscheidungen mussten 

wir auf die große Bühne im Theater „Neue 

Flora“. Da klopfte das Herz schneller. Zu dem 

Zeitpunkt hatten wir noch nicht so viel Bühnen - 

erfahrung. Als wir erfuhren, dass wir in drei Kate - 

gorien ausgezeichnet wurden, waren wir total 

happy! 

MM: Ihr habt eine Band zusammengestellt, 

die euch mit Bass, Schlagzeug und E-Gitarre 

unterstützt. Wie habt ihr euch gefunden? 

KLIMA: Unseren ersten Drummer haben wir 

gecastet. Wir haben eine Anzeige in ein Kultur - 

magazin gesetzt und aus einigen Bewerbern 

ausgewählt. Durch ihn haben wir unseren jetzigen 

Bassisten und Gitarristen kennengelernt. 

Der Drummer von damals ist mittlerweile nicht 

mehr in der Band – da gab es eine Umbeset - 

zung durch ein Casting. Man muss herumfragen. 

Die Musikerbranche in München ist nicht 

groß. Jeder kennt jeden. 

MM: Seit April gibt es euer Album. Schon 

vorher habt ihr die Single „Schwesterherz“ 

veröffentlicht. Was bedeutet das Album und 

speziell dieser Song für euch? 

KLIMA: Dieses Album ist unser drittes Album. 

Wir haben 2008 und 2012 in Eigenregie Alben 

aufgenommen, veröffentlicht und vertrieben. 

„Irgendwann ist jetzt“ ist aber trotzdem eine Art 

erstes Album für uns. Denn es ist unser Major 

Debut bei einer großen Plattenfirma. Da läuft 

einiges anders. Man gibt Dinge aus der Hand, 

um die man sich vorher selbst gekümmert hat. 

Das ist schwer, kann aber auch eine Erleichte - 

rung sein, weil man sich auf die Musik konzentrieren 

kann und sich nicht um das Drum herum 

kümmern muss. „Schwesterherz“ ist für uns ein 

ganz besonderer Song. Ich (Vera) habe ihn für 

Sarah geschrieben, als es ihr nicht gut ging. Da 

weiß man wieder, was im Leben wirklich wichtig 

ist. Das vergisst man viel zu schnell im Strudel 

des Alltags und der Unzufriedenheit. Für uns war 

klar, dass dieser Song unsere erste Single wird! 

MM: Wie wird es mit KLIMA weitergehen? 

KLIMA: Nachdem die Hallentour mit PUR sehr 

gut gelaufen ist, haben uns Band und Mana ge - 

ment gefragt, ob wir Lust hätten, auch auf der 

Festivaltour im Sommer bei einigen Terminen 

dabei zu sein. Das hat uns total gefreut. Wir 

sind jetzt bei elf Terminen mit von der Partie. 

Im Sommer wird es eine zweite Single geben, 

im Herbst vielleicht eine dritte. Wir hoffen, dass 

wir Anfang kommenden Jahres auf Clubtour 

gehen und uns viele PUR-Fans besuchen. 


FOTOQUELLE: KLIMA 

KLIMA 

„Irgendwann ist jetzt“ 

VÖ: 01.04.2016 

WWW.KLIMAMUSIK.DE 

/WWW.FACEBOOK.COM/ 

KLIMAMUSIK 


STORIES 23 


24 STORIES 

CENTURY LETTERS 

Eine musikalische Reise durch Erfahrungen, 

eingebunden in ehrliche Texte 

»Die Band erzeugt eine Dream-Pop-Soundkulisse aus ergreifenden Stimmen 

und Melodien, getragenen Delay-Gitarren und Synth-Flächen.« 

Melanie Kamper und Viktor Nordir machen 

erst seit letztem Jahr gemeinsam Musik. 

Im Dezember wurde ihre Arbeit mit dem Deut - 

schen Pop Preis ausgezeichnet. Uns haben sie 

erzählt, warum ihre Zusammenarbeit so gut funk - 

tioniert. 

MM: Ihr macht erst seit 2015 zusammen 

Musik und habt gleich den dritten Platz beim 

Deutschen Rock und Pop Preis ge macht. Wie 

könnt ihr euch den schnellen Erfolg erklären? 

CENTURY LETTERS: Vor den ersten Auftritten 

haben wir ein stimmiges Gesamtkonzept mit 

Songs, Performance und Projektionen für unser 

Projekt erarbeitet. 

MM: Wie ist eure Band im letzten Jahr entstanden? 

CENTURY LETTERS: Wir kannten uns schon aus 

der Musikerszene in Ulm. Wir beide haben uns 

bereits durch vorige Projekte einen Bekannt - 

heits grad in Ulm aufgebaut. Bei einem Konzert 

und gemeinsamen Austausch entstand die Idee, 

ein ganz neues Projekt zu starten. Die Songideen 

waren für beide sofort stimmig. 

MM: Eure Musik nennt sich Dream Pop. 

Wodurch zeichnet sich dieses Genre aus? 

CENTURY LETTERS: Eine klare, melodische 

Song struktur, die durch sphärische Elemente er - 

gänzt wird. Unsere Songs bekommen so ihren 

verträumten Charakter. 

MM: Eure Songs schreibt ihr gemeinsam. 

Könnt ihr uns einen Einblick in eure Zusam - 

men arbeit geben? 

CENTURY LETTERS: Wir bauen unsere musikalischen 

Arrangements bereits sehr früh im Pro - 

zess mit komplettem instrumentalen Grund ge - 

rüst aus und lassen sie reifen. 

MM: Wie habt ihr zu diesem Sound gefunden? 

CENTURY LETTERS: Zwei Musiker mit ähnlichen 

Vorstellungen und Visionen. Durch das ge mein - 


STORIES 25 

same Songwriting haben sich unsere musikalischen 

Vorlieben getroffen und gemeinsam weiterentwickelt. 

MM: Wie geht ihr mit Meinungsver schie den - 

heiten um? 

CENTURY LETTERS: Eine wichtige Qualität unserer 

Band ist, dass wir viel Wert auf klare und ehrliche 

Kommunikation legen. 

MM: Live unterstützt euch außerdem ein 

Schlagzeuger. Habt ihr euch bewusst gegen 

ein weiteres festes Bandmitglied entschieden? 

CENTURY LETTERS: Unser Livedrummer ist in 

unserem Bandgefüge voll integriert. Das Kon - 

zept, das wir nach außen geben, ist so, wie es jetzt 

ist, für uns stimmig und rund. Wir haben bewusst 

ein minimalistisches und außergewöhnliches Set - 

up gewählt. 

MM: Mit eurem Schlagzeuger nehmt ihr 

außerdem gerade Songs für euer erstes 

Album auf. Wer unterstützt euch noch bei 

der Produktion? 

CENTURY LETTERS: Wir nehmen alles in Eigen - 

regie auf. 

MM: Euer Booking läuft über salea music. 

Wie kam die Zusammenarbeit zustande? 

GOODBYE 

FEEDBACK. 

CENTURY LETTERS: Ein guter Freund der Band 

glaubt sehr an uns und hilft uns beim Erledigen 

der Bookingarbeit. 

MM: Habt ihr Tipps für andere Musiker, wie 

man wertvolle Kontakte schließen kann? 

KSM8 

DUALDYNE GESANGSMIKROFON 

CENTURY LETTERS: Gegenseitige Hilfe und 

Unterstützung sowie ein „Szenendenken“ helfen 

sehr weiter, um gemeinsam mit anderen gleichgesinnten 

Bands voranzukommen. 

MM: Auf Soundcloud und YouTube kann man 

bereits Songs von euch hören. Was können 

wir sonst noch auf dem Album erwarten? 

CENTURY LETTERS: Jeder Song hat seine sehr 

eigene Geschichte und seinen eigenen Charak ter. 

Die Zuhörer erwartet eine Bandbreite an musikalischer 

Vielfalt. Mit viel Liebe zum Detail und Leiden - 

schaft wurde fürs Album gearbeitet. 

die wir jemals entwickelt haben. 

Kabelgebundene und kabellose Optionen in schwarz 

oder gebürstetem Nickel erhältlich. 

WEB: FACEBOOK.COM/CENTURYLETTERS 

INTERVIEW: JANA MOYSICH 

FOTOQUELLE: CENTURY LETTERS 

www.shure.de 

© 2016 Shure Europe GmbH

26 STORIES 

FIETE »Sie hört Musik« 

»Jeder 

Konzert abend ist 

einzigartig. 

Plötzlich steht ein 

Einkaufs wagen 

mit drei Betrunkenen 

vor der Bühne – 

das kann dir 

im Studio nur schwer 

passieren.« 

MM: Mit „Sie hört Musik“ habt ihr beim 

Deutschen Rock & Pop Preis 2015 den zweiten 

Platz in der Kategorie „Alternative“ ab - 

geräumt. Nun habt ihr ein Video dazu ge - 

dreht. Was passiert in dem Clip? 

FIETE: Das kann man am besten herausfinden, 

indem man sich das Video auf YouTube ansieht. 

Aber eine kleine Zusammenfassung kann ja nicht 

schaden: Die Protagonistin Maya streift durch die 

Straßen und sieht einen Zettel, der sie zu einem 

Privatkonzert einlädt. Sie geht zur angegebenen 

Adresse und – voilà – da sind die fünf Dullies von 

FIETE und spielen „Sie hört Musik“. Im Laufe des 

Videos hören immer mehr Menschen das Lied, 

reagieren darauf und lassen ihren Emotionen freien 

Lauf. 

MM: Warum wolltet ihr gerade diesen Song 

visualisieren? 

FIETE: Das hat sich irgendwie ergeben. Das Lied 

entstand kurz nach den Aufnahmen für unsere 

erste EP „Schimpansencrew“. Wir wollten nicht 

warten, bis wir wieder ein Album oder eine Single 

aufnehmen. Also haben wir „Sie hört Musik“ separat 

aufgenommen und für das Video verwendet. 

MM: Wie ist das Video entstanden? 

FIETE: Mit viel Stress und Arbeit. Wir hatten ziemlich 

größenwahnsinnige Ideen. Unser Regisseur, 

Mathias Gaumann, hat uns gedämpft. Wir haben 

mit ihm zusammen die aktuelle Idee erarbeitet. 

Anschließend mussten wir Komparsen akquirieren. 

Schließlich stand der Drehtag an. Weil unsere 

Location kurzfristig mitteilte, dass wir nur an 

einem einzigen Tag filmen könnten, wurde das 

ein 16-Stunden-Tag. Wir schafften es, fielen aber 

erschöpft ins Bett. Für das Filmteam fing dann die 

Arbeit mit Schneiden an. 

MM: Welche musikalischen Vorbilder habt 

ihr? 

FIETE: „Vorbilder“ ist, glaube ich, der falsche Begriff. 

Gerade in der Musik kann man schwer Karrieren 

nachstellen, weil neben Talent auch Back ground, 

Kontakte und Glück eine Rolle spielen. Deshalb 

muss man sich seinen eigenen Weg bahnen. Ein - 

flüsse haben wir allerdings viele: Von Hip-Hop über 

Elektro, Punk, Klassik und Jazz hören wir in der 

Band so ziemlich das ganze Genre-Register durch. 

Das hilft, sich nicht zu eng an einem Schema zu 

orientieren und aus Schubladen auszubrechen. 

MM: Spielt ihr lieber live oder im Studio? 

Warum? 

FIETE: Das kann man nicht direkt vergleichen, 

aber eher live. Dort bekommt man ein unmittel- 


STORIES 27 

bares Feedback vom Publikum. Jeder Konzert - 

abend ist einzigartig. Plötzlich steht ein Einkaufs - 

wagen mit drei Betrunkenen vor der Bühne – das 

kann dir im Studio nur schwer passieren. (lacht) In 

der Live-Situation hat man nur eine Chance: Der 

Auftritt muss sitzen, alles muss sichineinanderfügen. 

Man macht Fehler, die ein Konzert ein zigartig 

machen. Im Studio spielt man alles doppelt und 

dreifach ein. Natürlich kann man auch im Studio 

kreativ sein, aber irgendwann wird es repetitiv. 

MM: Was mögt ihr am meisten am FIETE- 

Sound? 

FIETE: Unsere Tightness gefällt uns sehr. Valentin 

spielt schöne Drumparts, die vom einfachen Vier- 

Viertel-Takt abweichen, ihn variieren. Das verleiht 

den Liedern Abwechslung. Dazu stimmen wir die 

Gitarren- und Bassparts ab, sodass am Ende 

nichts herummatscht. Das ist bei drei Gitarren 

essenziell. 

MM: Was können wir von FIETE in den 

nächsten Jahren erwarten? 

FIETE: Schlechte Wortwitze, lustige Facebook- 

Posts und energiegeladene Konzerte. Vielleicht 

auch eine Expedition zum Mond oder ein Akustik- 

Set im Bernsteinzimmer. Wir sind für alles offen. 

MM: Wie seht ihr den deutschen Musik - 

markt? 

FIETE: Es ist schön, dass im Radio mittlerweile 

viel deutschsprachige Musik läuft. Das war in den 

2000er-Jahren nicht der Fall. Ansonsten kennen 

wir das regionale Musikding. Das ist tricky. Man 

will aus der eigenen Region raus, seine Kreise 

auch außerhalb ziehen. Dort muss man viel Klin - 

ken putzen und bekommt teilweise nicht mal die 

Spritkosten herausgespielt. In Zeiten, in denen 

Tausende Leute jeden Sommer zu allen möglichen 

Festivals rennen, werden die kleinen Club kon zerte 

manchmal vergessen. 

MM: Könnt ihr von eurer Musik leben? 

FIETE: Bei uns läuft es noch besser: Wir müssen 

nicht von unserer Musik leben! Die Band trägt 

sich weitestgehend selbst, ist unser Hobby. Ein 

Hobby, das wir ernst nehmen, in das wir unsere 

Zeit stecken. Aber wir sind keine Berufsmusiker. 

So, wie wir momentan Konzerte spielen, könnten 

wir nicht davon leben. Dafür sind FIETE nicht 

ausgelegt. 

WEB: FACEBOOK.COM/FIETEOFFICIAL/ 


FOTOQUELLE: FIETE

28 STORIES 

SOLO 

Seit 2011 machen 

die fünf Indie-Rocker 

zusammen Musik. 

Solo, aber nicht allein. 

Im Dezember wurden 

sie Dritter beim 

Deutschen Rock & Pop 

Preis in der Kategorie 

„Alternative“. 

MM: Wie habt ihr fünf musikalisch zueinander 

gefunden? 

SOLO: Wir haben ursprünglich zu zweit begonnen, 

hatten aber Bock, etwas mit Cajon zu machen. 

Torsten kannte Mario und es kam zu ersten 

gemeinsamen Test-Proben, die Spaß gemacht 

haben. Es hat sofort gefunkt. Nach ein paar 

Experimenten mit unterschiedlichen Instrumen - 

ten und Musikern wurde Markus festes Mitglied. 

Er hatte schon bei unserem ersten Album Bass - 

spuren eingespielt. Heiko hatte die Produktion 

des ersten Albums übernommen und ist während 

der Aufnahmen zum zweiten Album dauerhaft 

bei SOLO eingestiegen. Durch seine Viel - 

seitigkeit – er spielt Piano, Akkordeon und Mando - 

line – haben wir neue musikalische Nuancen hinzugewonnen. 

MM: Was begeistert euch an Indie? 

SOLO: Der Terminus ist bandintern sehr umstritten. 

Für mich bedeutet Indie, keine klassischen 

Mainstream-Songs zu schreiben. Allerdings müssen 

wir uns eingestehen, dass unsere Entwick - 

lung zuletzt stark in Richtung Pop ging. Die Songs, 

an denen wir gerade arbeiten, werden wieder 

mehr Kante bekommen. Das Genre Indie ist 

extrem vielfältig. Dadurch wird die Musik spannend. 

Es gibt immer neue Seiten, Einflüsse und 

Instrumente zu entdecken. Das finden wir inspirierend. 

MM: Warum heißt ihr SOLO, obwohl ihr zu 

fünft seid? 

SOLO: Torsten ist Han-Solo-Fan. Das ist der Typ 

aus Star Wars. Torsten ist Urvater der Band und 

gibt Han Solo so eine Hommage. 

MM: Was hat Han Solo mit eurer Musik zu 

tun? 

SOLO: Nichts. 

MM: Ihr singt ausschließlich auf Deutsch. 

Warum hat deutsche Musik Zukunft? 

SOLO: Trotz immer stärkerer Globalisierung und 

Internationalisierung (nicht nur im Musikbusiness) 

hat deutsche Musik im deutschsprachigen Raum 

in den vergangenen Jahren stetig an Bedeutung 

gewonnen. Das ist toll, war für uns aber nicht 

ausschlaggebend. Wir fanden es einfach spannend, 

nach mehreren Jahren in englischsprachigen 

Bands in unserer Muttersprache zu schreiben 

und zu singen. Das macht es einerseits einfacher, 

weil die sprachlichen Möglichkeiten größer 

sind als in einer für uns fremden Sprache. 

Andererseits ist es schwierig, weil die Gefahr, 

sich „nackig“ zu machen, deutlich größer ist. 

Außer dem geht das Publikum mit deutschen 

Texten kritischer um. Da jedes Wort verstanden 

wird, wird es auf die Goldwaage gelegt. Wir sind 

überzeugt, dass deutschsprachige Musik hierzulande 

weiterhin erfolgreich sein wird. Die Gründe 

dafür sind vielschichtig. 

MM: Wie geht es mit SOLO weiter? Was 

sind eure Ziele? 

SOLO: Derzeit liegt der Fokus darauf, viele Kon - 

zerte zu spielen und unseren Radius zu erweitern. 

Außerdem arbeiten wir an neuen Songs. 

Wir sind keine 18-jährigen Teens mehr, auf der 

Suche nach dem großen Durchbruch. Gemein - 

sam Musik zu machen und in netten Locations 

zu spielen ist genau das, was wir wollen. 

MM: Eure Alben gibt es auch bei iTunes und 

Amazon als Download. Hört ihr selbst Musik 

digital oder analog? Warum? 

SOLO: Für unser letztes Album haben wir diesbezüglich 

noch ein paar Hausaufgaben zu erledigen. 

Wir haben nicht alle die gleichen Hör - 

gewohnheiten. Martin hört zu Hause meistens 


STORIES 29 

MM: Wo würdet ihr gern mal ein Konzert 

spielen? Warum? 

SOLO: Wir würden gern mal auf einem größeren 

Festival wie dem Haldern Pop Festival spielen. Da 

würden wir gern die Dynamik mit vielen anderen 

aufstrebenden Bands erleben. 

MM: Welchen Stellenwert hat Musik bzw. 

eure Band in eurem Leben? 

»Das Publikum geht mit deutschen Texten 

kritischer um. Da jedes Wort verstanden wird, wird es 

auf die Goldwaage gelegt.« 

SOLO: Die Band hat wegen des zeitlichen Auf - 

wands einen hohen Stellenwert. Ohne die Band 

würden wir uns deutlich weniger sehen, was 

schade wäre. Musik nimmt in unser aller Leben 

einen wichtigen und großen Teil ein. Enden wir 

doch mit einem schönen Zitat von Yehudi 

Menuhin: „Die Musik spricht für sich allein. Voraus - 

gesetzt, wir geben ihr eine Chance.“ 


FOTOQUELLE: SOLO 

Vinylplatten. Für ihn ist das Auflegen einer Platte 

eine Art sakraler Akt. Dadurch ist die Wertschät - 

zung der Platte und dem Künstler gegenüber 

eine ganz andere, als wenn man digital etwas hört. 

Auf Spotify und andere Streaming-Platt formen 

wollen wir trotzdem nicht verzichten. Es sind 

spannende Tools, um neue Musik zu entdecken 

oder unterwegs etwas zu hören. Wenn einem 

etwas wirklich gut gefällt, kauft er sich daraufhin 

die Platte oder die CD. 

SOLO 

„JETZT“ 

VÖ: 24.10.2015 

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30 STORIES 

MM: Du bist als Liedermacher unterwegs, be - 

nutzt dabei auch Elemente der Rock-, Jazzund 

Folk-Musik. Wie kam es zu dieser Mi - 

schung? 

VOLKWIN MÜLLER: Das sind Musikstile, die ich 

im Laufe meiner 25 Jahre on the road gestreift 

habe. Ich habe viele Kollegen kennengelernt, die 

verschiedene Schwerpunkte hatten und mit 

denen ich eine Weile gespielt habe. So ist dann 

dieser spezielle Mix entstanden. Außerdem gibt 

es bekannte Musiker, an denen man sich im 

Laufe seiner Karriere orientiert. Bei mir waren das 

James Taylor, Jackson Browne oder auch Sting. 

MM: Wenn du solo auftrittst, spielst du Akus - 

tik- oder E-Gitarre, singst und begleitest dich 

selbst mit einem Fußschlagzeug. Wie schaffst 

du das? Was sind die Herausforde run gen? 

»MIT ANDEREN 

AUGEN« 

Liedermacher, Songpoet und Gitarrist 

Volkwin Müller lädt ein 

zur Seelenschau 

eines Mannes mit Gefühl 

VOLKWIN: Gerade weil ich solo spielen wollte, 

musste ich mir ein abwechslungsreiches Pro - 

gramm ausdenken. Dazu gehören abwechslungs - 

reiche Songs und Besetzungen, die ich allein anbieten 

muss. Gesang und Gitarre habe ich von Anfang 

an gemacht. Als ich den Kollegen Stoppok ent - 

deckte, war schnell klar, dass seine Art, das Fuß - 

schlagzeug zu spielen, etwas für mich war. Aber mir 

wird nachgesagt, dass ich beim Spielen von Songs 

immer eine Band im Kopf habe. Mit meiner Solo- 

Besetzung kann ich das gut abbilden. 

MM: Was möchtest du mit deinen Songs 

erreichen? 

VOLKWIN MÜLLER 

„Mit anderen Augen“ 

VÖ: 2016 

WWW.VOLKWIN.DE 

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VOLKWIN.MULLER 

VOLKWIN: Es geht hauptsächlich darum, dass 

ich Dinge ausdrücken möchte, die mir auf der 

Seele brennen. Sachen, die mich berühren. Es 

geht in den Songs darum, wie man damit um - 

geht. Erst später wurde mir klar, dass andere 

Leute in meinen Songs und Texten Dinge von 

sich wiedererkennen. Das freut mich. Zum Bei - 

spiel geht es in meinen neuen Song „Du wirst 

Dich noch wundern“ darum, sich an seine Träume 

zu erinnern und zu fragen, wie viel davon geblieben 

ist. Ich habe festgestellt, dass dieses Thema 

viele berührt, die in meinem Alter sind. 

MM: Inwiefern haben John Lennon oder die 

Beatles deine Musik beeinflusst? 

MM: Wie kam es zur Begegnung mit dem 

Beatles-Freund Klaus Voormann? 

MM: Gemeinsam mit Achim Amme tourst 

du mit dem „Lennons letzte Jahre“ durch 

Deutschland. Was fasziniert dich an John 

Lennon? 

VOLKWIN: John Lennon ist für mich jemand, der 

eine Art „Seelenrock“ gemacht hat. Es ging ihm 

um persönliche Anliegen, die man am Anfang seiner 

wahnsinnig erfolgreichen Karriere gar nicht 

erkannt hat. Er hat besonders persönliche Texte 

geschrieben. Das hat mich fasziniert. 

VOLKWIN: Von John Lennon habe ich lernen 

können, wie ich persönliche Sachen so ausdrü - 

cken kann, dass andere Menschen nicht abgeschreckt 

werden, sondern ihre eigenen Bilder 

hineinprojizieren können. Das ist eine hohe Kunst. 

Außer Lennon beherrschen das Dylan, Spring - 

steen und Wolfgang Niedecken. Von den Beatles 

konnte man lernen, dass man Dinge in der Musik 

ausprobieren darf und soll. Nur so haben sie ihren 

hohen Stellenwert erreichen können. Sie waren 

mutig und authentisch. 

VOLKWIN: In meiner Jugendzeit war ich Bassist. 

Klaus Voormann war für mich ein besonderer 

Musiker. Und ich war Beatles-Fan. Eines Tages 

habe ich ihn einfach angeschrieben und gefragt, 

ob er für mich ein Cover machen kann. Er hat 

tat sächlich geantwortet und später haben wir 

telefoniert. Er hat mir Geschichten von früher er - 

zählt. Es war der reine Wahnsinn. Ich konnte es 

kaum glauben, als ich einen Monat später ein 

CD-Artwork von ihm in der Post hatte. Ich bin 

dankbar, dass ich ihn später persönlich kennen- 


STORIES 31 

VOLKWIN: Ich bin Musiker und Unternehmer. Wer 

heute mit Musik Geld verdienen möchte, muss 

beides sein. Musikmachen ist nur ein kleiner Teil 

dieser Aufgabe. Man hat viel mit Konzert booking 

und Vermarktung zu tun. Ich kenne Mu siker, die 

ihre eigenen Plakate für Konzerte kleben. Man 

muss in der Selbstvermarktung sehr kreativ sein, 

um davon leben zu können. 

MM: Ist es schwieriger geworden, von der 

Kunst zu leben? Wenn ja, warum? 

VOLKWIN: Es ist schwierig bis fast unmöglich 

ge worden, da den Konsumenten nicht bewusst 

ist, dass Musik zu produzieren Geld kostet. Ganz 

zu schweigen, dass Menschen davon leben müssen. 

Obwohl heutzutage mehr Menschen Kunst, 

Kultur und Musik als je zuvor für die seelische 

Ge sund heit bräuchten, ist es immer weniger im 

Be wusstsein der Gesellschaft wert. Das ist eine 

be denkliche Entwicklung. 

MM: Wie beurteilst du den Musikmarkt in 

Deutschland? 

VOLKWIN: Es gibt inzwischen doch recht viele 

jüngere Musiker, die erstaunliche Songs schreiben. 

Und daneben auch zahlreiche etablierte 

Song schreiber, die sich auf keinen Fall hinter 

internationalen Maßstäben verstecken müssen. 

Das finde ich sehr positiv. Auch im Radio kann 

man heute mehr als vor 20 Jahren deutschsprachige 

Musik hören. Das ist schon etwas. Aber 

ich frage mich, warum man stundenlang durch 

die USA auf der Route 66 entlangfahren kann 

und kein Schwanz auf die Idee kommt, ausländische 

Musik zu spielen. Dort hörst du ausschließlich 

amerikanische Musik. Warum hat man hier 

immer noch das Gefühl, dass wir deutschen 

Liedermacher hart für unsere deutschsprachigen 

Radioeinsätze kämpfen müssen? 

»Man muss in der Selbstvermarktung 

sehr kreativ sein, um von der Musik leben zu können.« 

lernen durfte und er für drei meiner CDs das Art - 

work gemacht hat. 

MM: Manchmal trittst du mit Band-Ver stär - 

kung auf. Was sind Vor- und Nachteile des 

Solo- und Band-Konzerts? 

VOLKWIN: Ich habe das Glück, dass ich als Band 

inzwischen mit Topleuten aus dem Umfeld des 

Hamburger Ausnahmegitarristen Uli Kringler spie - 

len darf. Ich habe Uli durch die Produktion meiner 

neuen CD kennengelernt. Bei einem Band - 

konzert mit diesen Topmusikern ist es möglich, 

die Songs so zu spielen, wie sie klingen sollen. 

Die Jungs können alles spielen. Sie sind so gut, 

dass es keine spieltechnischen Hürden gibt. Das 

macht Spaß. Auf der anderen Seite ist ein Band - 

konzert technisch wesentlich aufwendiger und 

teurer als ein Solo-Konzert. 

MM: Du bist freischaffender Künstler. Mal ehr - 

lich – wie kann man heutzutage davon leben? 

MM: Wie stehst du zu Streaming-Diensten? 

VOLKWIN: Man muss dort vertreten sein, da 

junge Leute sich fast nur dort orientieren. So ge - 

sehen sind Streaming-Dienste eine Art Google 

für Songs. Wenn du nicht dabei bist, dann bist 

du weg von der Bildfläche. Das Problem ist, 

dass kein Musiker davon leben kann. Selbst die 

großen Stars haben erhebliche Probleme. Falls 

die Streaming-Dienste weiter den Käufermarkt 

dominieren sollten, werden kaum noch talentierte 

Leute neue Musik produzieren, weil sie davon 

nicht leben können. 

WEB: WWW.VOLKWIN.DE 


FOTOS: WWW.SCHELPMEIER.COM 


MUSIC IS OUR PASSION

34 STORIES 

VON BRACKEN DUO – 

EINGÄNGIGE SONGS VON JAZZ BIS POP 

Interview mit Rick und Andrea von Bracken 

Obwohl sie schon seit über 20 Jahren ein 

Ehepaar sind, existiert das Duo der Öhringer 

Profi-Musiker erst seit 2013. 

Lange beschritten sie musikalisch getrennte 

Wege, auf denen sie mit diversen Projekten und 

Ensembles unterschiedliche Genres pflegten. 

Von diesen vielfältigen, sich ergänzenden Er fah - 

rungen profitiert ihre heutige Zusammenarbeit, 

für die sie bekannte wie auch selten gehörte Jazz- 

Stan dards, Pop-Songs und Musical-Nummern zu 

einem attraktiven, kurzweiligen Cocktail mixen, 

gewürzt mit einer feinen Prise augenzwinkernder 

Selbstironie. 

MM: Was für Musik macht ihr? 

RICK: Wir spielen alte Musical-Nummern, ausgewählte 

Songs von den Beatles bis Norah 

Jones, Udo Jürgens und Jazz-Standards, die 

uns gefallen. Wir interpretieren alles im jazzigkammermusikalischen 

Stil. 

MM: Könnt ihr von eurer Musik leben? 

ANDREA: Vom Duo allein noch nicht, aber die 

An fragen häufen sich. 

RICK: Wir leben von Musik, geben Privat un ter - 

richt und wirken bei anderen Projekten mit. 

MM: Welche musikalische Ausbildung habt 

ihr, wie war euer Werdegang? 

RICK: Ich bekam als Kind 13 Jahre lang klassischen 

Klavierunterricht, habe mir ab 14 Saxofon - 

spielen selbst beigebracht. Mit 13 gründete ich 

als Pianist meine erste Schüler-Jazzband mit 

Nachbarschaftsjungs aus unserer Fahrrad bande. 

Das war 1977. 

ANDREA: Ich hatte klassischen Klavierunterricht, 

zusätzlich für zwei Jahre Geigenunterricht. Mit 

15 Jahren lernte ich Querflöte. Nach dem Abitur 

absolvierte ich ein klassisches Musikstudium mit 

Hauptfach Klavier. 

RICK: Ich habe theoretische Musikwissenschaft 

studiert. Währenddessen spielte ich in vielen 

Bands, von allen Jazzstilen bis hin zu Blues, Soul 

und sogar Punk. In den 80ern unterrichtete ich 

jede Woche mehr als 30 Saxofonschüler. Am 

Ende machte ich so viel Musik, dass ich keine 

Zeit mehr fürs Studieren hatte. 

MM: Andrea, wie kamst du auf Pop und Jazz? 

ANDREA: Über Querflöte. Schon mit 16 spielte ich 

die in einer Rockband, die neben eigenen Stücken 

auch welche von Jethro Tull im Programm hatte. 

Bald wirkte ich bei einer weiteren Band mit, die nur 


STORIES 35 

Eigenkompositionen aufführte. Ein Gitarren duo lud 

mich zur Zusammenarbeit, dort sang ich das erste 

und für lange Zeit letzte Mal. Jazz habe ich immer 

gern gehört – etwa das United Jazz- und Rock- 

Ensemble. Aber zur Jazz-Praxis kam ich erst 

durch Rick. Er gab mir Anregungen, half mir, 

Akkordsymbole umzusetzen. Ich kannte vorher so 

etwas wie Lead Sheets oder Real Books nicht. 

MM: Warum hast du so lange nicht gesungen? 

ANDREA: Nach einer Stimmbanderkrankung traute 

ich mich lange nicht, rockig „die Sau rauszulassen“. 

Irgendwann wurde mir bewusst, dass 

ich im Alltag oft leise singe – etwa auf dem Weg 

zum Einkauf. Der Durchbruch kam, als ich auf einer 

Jam-Session, auf der Rick spielte, zum Spaß einen 

Blues sang. 

MM: Rick, wie kamst du zum Saxofon spie - 

len? 

RICK: In den 1970ern gab es nicht E-Pianos mit 

gutem Sound, so wie heute, die man mit sich tragen 

kann. Also musste ich als Pianist entweder 

das Klavier nehmen, das am Auftrittsort vorhanden 

war, oder eines mieten. Das war natürlich 

teuer. Einmal machten das meine Eltern mit, dann 

streikten sie. Wir mussten Gigs absagen, weil ich 

als Bandleader nicht mitspielen konnte. Ich 

brauchte ein transportables Instrument. Saxofon 

hatten wir noch nicht, ich kannte niemanden, der 

es spielte. Ich bettelte meine Eltern an, bis sie mir 

ein gebrauchtes Tenorsaxofon kauften. 

MM: Wie lange arbeitet ihr gemeinsam? 

ANDREA: Seit 2013, als Rick mich für einen Auftritt 

zum Begleiten am Klavier überredet hat. Da war 

von Gesang noch keine Rede. Dafür musste er 

mich ein Jahr länger überreden! 

»Ich war es leid, 

überregional Begleiter 

engagieren zu müssen – 

wenn man eine 

talentierte Pianistin 

direkt im Haus hat!« 

RICK: Bei uns im Raum Heilbronn-Hohenlohe gibt 

es wenige gute Musiker. Ich war es leid, überregional 

Begleiter engagieren zu müssen – wenn 

man eine talentierte Pianistin direkt im Haus hat! 

MM: Welche anderen Projekte habt ihr außer 

eurem Duo? 

ANDREA: Ich habe sonst gerade nichts Festes, 

begleite auf Anfrage Solisten oder Chöre. Vor - 

wie gend gebe ich Klavierunterricht. 

RICK: Alles Mögliche vom Duo bis zur eigenen 

Big-Band. Leider spiele ich nur wenig in meiner 

Ge gend. Dafür unterrichte ich deutlich weniger als 

Andrea. 

MM: Wie ist die musikalische Zusammen ar - 

beit als Ehepaar? Gibt es da nicht manchmal 

Knatsch? 

RICK: Doch, das kommt natürlich vor, weil jeder 

seinen Dickkopf hat. Aber wir lösen unsere Kon - 

flikte möglichst konstruktiv. 

MM: Was plant ihr für eure musikalische 

Zukunft? 

ANDREA: Unser Duo wollen wir weiter ausbauen. 

Wir spielen jetzt oft mit zusätzlichen Musikern wie 

Bassisten und Schlagzeugern. Ständig be kom - 

men wir neue Gig-Anfragen. 

RICK: Wir werden oft nach einer CD gefragt. Das 

wäre ein Ziel für uns. 2015 waren wir sogar im 

Studio. Allerdings nur für Demos, die man auf 

unserer Homepage findet. Eigene Lieder wären 

schön – mal sehen, was uns einfällt. 

WEB: WWW.VONBRACKEN.DE 


FOTOS: MICHAEL BREM 


36 STORIES 

TEIL 5: UNVERGLEICHLICH – 

RORY GALLAGHER 

Ende der 1960er-Jahre gehörten Vorurteile 

der Erwachsenengeneration gegen Rock - 

musik längst nicht der Vergangenheit an. Die 

Elektrogitarre galt den Gegnern dieser Musik 

nach wie vor kaum mehr als ein Instrument, 

mit dem angebliche Musiker, denen fehlendes 

Interesse unterstellt wurde, ihren Lebens un ter - 

halt „ordentlich“ zu verdienen, elektrisch verstärkten 

Lärm produzierten. Die Unterschei dung 

zwischen E- und U-Musik (gemeint sind ernsthafte 

Musik und Unterhaltungsmusik) war an 

der Tagesordnung, und Rockmusik fiel in die 

zweite Kategorie, galt also von vornherein als 

geringwertig. 

Selbst die Beatles waren vielen weiterhin 

suspekt, obwohl sie sich mit Siebenmeilen - 

stiefeln weiterentwickelt hatten und ihre Musik 

mit dem Stereotyp „Beatmusik“ längst nichts 

mehr gemein hatte; in Deutschland hatte man 

ohnehin ja auch den Rock ’n’ Roll so gut wie 

verschlafen. Der heutige Klassiker Beat-Club 

war ein Nischenprodukt für junge Zuschauer. 

Dennoch zeichnete sich zögernd eine Änderung 

ab. Ende 1968 verordnete sich das ARD- 

Fernsehen eine Verjüngungskur und hob den 

Anteil von Pop- und Rockmusik im Unter hal - 

tungsprogramm auf immerhin 25 % an. 

Der Prozess des Umdenkens verlief gleichwohl 

schleppend. Im Frühjahr 1969 hatte ich mir 

während einer großen Schulpause die neueste 

Beatles-LP „Yellow Submarine“ gekauft und mit 

in den Klassenraum genommen, wo mich zu 

Unterrichtsbeginn mein Griechisch-Lehrer mit 

dem Album aufbrachte. Er zog die LP aus der 

Einkaufstragetasche und gab mir vor versammelter 

Klasse zu verstehen, in einen Abgrund 

zu blicken, weil ich mich für derart niveaulose 

Musik interessiere. Seufzend zog er die LP aus 

dem Cover und stieß auf der Innenhülle zu seiner 

Freude auf die Abbildung der LP, O Mosella 

– eine musikalische Moselfahrt. Diese Musik 

möge ich mir besser nicht anhören, riet er mir, 

und empfahl im gleichen Atemzug „Willy 

Schneider singt fröhliche Lieder vom Rhein“. Der 

Blaue Bock ließ also nachdrücklich grüßen, in 

dem derlei Musik ihren Platz hatte, durchaus 

eine Art Vorläufer des Jahre später ins Leben 

gerufenen und anscheinend nicht tot zu bekom- 


STORIES 37 

menden Musikantenstadl. Was hätte mein Leh - 

rer wohl gesagt, wenn er mich nicht mit zwei 

weiteren LPs erwischt hätte, auf die ich nun zu 

sprechen komme. Schon die Cover hätten ihn 

vermutlich endgültig verstört. 

Im Frühjahr 1969 waren mit nur etwas gutem 

Willen mit Eric Clapton und Jimi Hendrix 

wenigstens schon zwei absolute Virtuosen der 

Rockgitarre zu erkennen. Ihnen sollte in Kürze 

der irische Vollblut-Gitarrist und -Rocksänger 

Rory Gallagher folgen, für die nächsten gut 25 

Jahre einer der großen, charismatischen Live- 

Performer, der ästhetisch alle Gitarrentech niken 

beherrschte, reihenweise überzeugende Riffs 

schuf, sich die Seele aus dem Leib sang oder 

sogar schrie und zuweilen seine Stimme wie 

ein zweites Instrument neben seiner Gitarre 

klingen ließ. Dabei trat er gleichzeitig sympathisch 

bescheiden auf in verwaschenen Kauf - 

haushemden, vielbenutzten Turnschuhen und 

meist mit seiner schon in den 1960er-Jahren 

sehr stark mitgenommenen Stratocaster, die er 

nie optisch aufarbeiten ließ und der er bis ans 

Lebensende treu blieb. Glamour war nicht 

Gallaghers Sache. 

Man mag TASTE zwar zur „British Blues In - 

vasion“ zählen, die Gruppe war aber neben Van 

Morrisons Them eine der nur wenigen irischen 

pro gressiven Bands der 1960er-Jahre. Damals 

dominierten die sogenannten Showbands die 

Unterhaltungsmusik für Tanzveran staltungen irischer 

Jugendlicher mit US-amerikanischen und 

TASTEs musikalischer Wucht, und welche 

Vitalität geht von den langen Blues-Nummern 

„Sugar Mama“ und „Catfish“ aus, feste Be - 

stand teile des Taste-Live-Repertoires! Das 

nachfolgende Album „On The Boards“ beweist 

eine musikalische Weiter entwicklung in atemberaubendem 

Tempo mit dem komplexen Hit 

Mit der Band TASTE spielt Gallagher 1968 

zwei herausragende Alben ein, die zeitlich versetzt 

auf den Markt gebracht wurden, im 

Frühjahr 1969 das gleichnamige Debutalbum 

und Anfang 1970 „On the Boards“. Mit dem 

Bassis ten Richard McCracken und dem 

Drummer John Wilson tourte er seit 1968 

durch Groß britannien. TASTE trat unter anderem 

im Londoner Marquee Club auf, wo Ende 

Oktober 1968 eines der Konzerte der Band 

mitgeschnitten wurde, das 1977 als Ariola-LP 

„In Concert“ veröffentlicht wurde. Das Publikum 

wird das Feuer der drei Musiker gespürt haben. 

Bei den Cream-Abschiedskonzerten Ende 

November 1968 in der Londoner Royal Albert 

Hall und 1969 auf der US-Tournee der kurzlebigen 

Band Blind spielten TASTE als Vor - 

gruppe, und kein Geringerer als Jimi Hendrix 

antwortete, als er gefragt wurde, wie er sich als 

weltbester Gitarrist fühle: „Keine Ahnung, da 

müssen Sie Rory Gallagher fragen.“ 

TASTE war durchaus nicht nur eine Band mit 

einem Star als Frontmann und einer „gesichtslosen 

Rhythmusgruppe“. Zweifelsohne stach 

der gerade einmal 21-jährige Gallagher hervor. 

McCracken und John Wilson waren beileibe 

nicht nur „notwendiges Beiwerk“, sondern mitprägende 

Musi ker, mit denen sich ihre Vor gän - 

ger, die Gallagher 1967 für ein erstes Album be - 

gleiteten, künstlerisch nicht messen konnten; 

folgerichtig wurde diese LP auch erst nach dem 

durchschlagenden TASTE-Erfolg veröffentlicht. 

»Von 1971 bis 1982 brachte Rory Gallagher neun 

Studio- und drei Live-Alben heraus, prallvoll mit Songs 

unterschiedlichen Charakters, die den Künstler 

als einfallsreichen Rockmusik-Virtuosen ausweisen, 

der filigrane, melodische und knallharte Soli 

aus dem Ärmel geschüttelt zu haben schien, ohne dass 

sie sich in Wiederholungen ergingen.« 

britischen Hits, die sie mimikry-artig nachspielten, 

ohne Eigenes zu bieten. Der junge Rory 

Gallagher gehörte einer solchen Showband an 

und sammelte mit ihr auf Tourneen durch Europa 

Erfahrungen im Show geschäft. Musi kalisch 

war er bei seinem außergewöhnlichen Können 

damit unterfordert. Er löste sich von der Hit - 

pardenmusik anderer und wandte sich der 

Rock musik zu, bei der er mit einem Bluesrock- 

Schwerpunkt einen großen Facettenreichtum 

bewies. So ist bereits die erste mit McCracken 

und Wilson aufgenommene LP beeindruckend 

einfalls- und ab wechs lungsreich, bestückt mit 

immer neuen, überzeugenden Gitarrensoli. Ob 

die Stücke nun laut oder leise sind, die Band 

bleibt durch weg druckvoll. Solche Alben wirken 

auch nach dem soundsovielten Anhören 

Jahrzehnte nach der Veröffentlichung immer 

wieder aufs Neue frisch. Gleich der erste Titel 

„Blister On The Moon“ lässt keinen Zweifel an 

„What’s Going On“ (gegen Gallaghers Willen 

auch als Single veröffentlicht), den spannungs - 

geladenen Stücken „Railway And Gun“ und 

„Eat My Words“ mit wunderbaren Slide-Parts 

und unter anderem zwei ausgedehnten Aus - 

flügen in Jazzgefilde, bei denen Gallagher auch 

Saxophon spielte. Im Beat-Club war davon „It’s 

Happened Before, It’ll Happen Again“ zu be - 

wundern. 

Rory Gallagher hatte stets auch eine Vor liebe 

für nicht elektrisch verstärkt gespielte Songs, 

bei denen er mit seinem Fingerpicking brillierte. 

Schon auf dem Debütalbum finden sich davon 

„Leavin’ Blues“, „Hail“ und „I’m Moving On“, sie 

stehen im wunderbaren Kontrast zu den elektrischen 

Schwergewichten. Man kann sogar den 

Blues „Too Much Alcohol“ direkt ver gleichen, 

elektrisch gespielt auf dem Album „Irish Tour“ 

und akustisch auf der National Steele Guitar 

 


38 STORIES 

»Über das 

Auseinanderbrechen 

von TASTE gibt es 

unterschiedliche Versionen. 

Dass Gallagher als 

Aus nahmetalent 

mit wachsendem Erfolg 

von TASTE zielstrebig 

eine Solokarriere 

mit angestellten Begleit - 

musikern verfolgte, 

um allein zu bestimmen, 

wird aber kaum von der 

Hand zu weisen sein.« 

während Gallaghers Auftritt auf dem Montreux 

Jazz Festival 1975. Das war alles zu einer Zeit, 

als der Begriff unplugged für das Musik- 

Business noch unbekannt war. Als MTV seine 

„Unplugged“-Konzerte im Jahr 1989 startete, 

war Gallagher für das breite Musikpublikum leider 

nicht mehr „in“. 

Als Drei-Mann-Formation rückten TASTE mit 

ständiger Bühnenpräsenz für viele in die Nähe 

von Cream. Siedepunkt war Ende August 1970 

der fulminante Auftritt auf dem 3. Isle of Wight 

Festival. Spielfreude, Abwechslungsreichtum 

und druckvolle Energie waren unglaublich, 

Gallagher spielte sich entfesselt die Seele aus 

dem Leib, das Publikum war aus dem Häuschen 

und entlockte der Band drei Zugaben. Über 

viele Jahre war für mich TASTEs Auftritt auf dem 

Montreux Jazz Festival wenige Tage darauf das 

bessere Konzert, da es so überzeugend auf dem 

dritten Album der Band klingt: „TASTE Live“. Im 

Dokumentarfilm über das Isle of Wight Festival 

ist Gallagher nur allein mit „Gambling Blues“ 

zu sehen. Meine Wertschätzung für das 

Montreux-Konzert hat überhaupt nicht gelitten 

– ein absolutes Muss für Freunde von TASTE 

und Gallagher –, aber seit Herbst 2015 lässt 

sich neu zu bewerten, welch ein Ereignis der 

TASTE-Auftritt auf der Isle of Wight gewesen 

ist. Sein größter Teil ist nun auf der DVD/Blu-Ray 

„What’s Going On – TASTE Live At The Isle Of 

Wight“ samt der frenetischen Reaktionen der 

Festivalbesucher zu bewundern. Auf der parallel 

dazu veröffentlichten CD sind es noch drei 

Stücke mehr (wobei gegenüber dem Film wiederum 

der „Gambling Blues“ fehlt). Die Musiker 

harmonierten offenbar traumwandlerisch sicher 

miteinander, noch besser als auf den ebenfalls 

im Herbst 2015 in der 4-CD-Box erstmals veröffentlichten 

Live-Aufnahmen. Man mag es 

kaum glauben, dass Ende August 1970 die Auf - 

lösung der Band bereits beschlossene Sache 

war. Deswegen verwundert der darauf folgende 

vor zügliche Montreux-Auftritt noch mehr. Über 

das Auseinanderbrechen von TASTE gibt es 

unterschiedliche Versionen. Dass Gallagher als 

Aus nahmetalent (Gitarrist, Sänger, Songwriter 

und Performer) mit wachsendem Erfolg von 

TASTE zielstrebig eine Solokarriere mit angestellten 

Begleitmusikern verfolgte, um allein zu 

bestimmen, wird aber kaum von der Hand zu 

weisen sein. Ohne ihn war TASTE letztlich auch 

nicht vorstellbar: 2009 belebten McCracken und 

Wilson TASTE mit dem Gitarristen Sam 

Davidson auf dem Album „Wall to Wall“ neu, 

was nicht schlecht geriet, aber ein Schatten 

der Band blieb, der Gallagher angehört hatte. 

Bis Ende 1970 hielten TASTE durch, und 

danach gab es nur noch Rory Gallagher und 

seine Band. Von 1971 bis 1982 brachte er neun 

Studio- und drei Live-Alben heraus, prallvoll mit 

Songs unterschiedlichen Charakters, die den 

Künstler als einfallsreichen Rockmusik-Vir tuosen 

ausweisen, der filigrane, melodische und knallharte 

Soli aus dem Ärmel geschüttelt zu haben 

schien, ohne dass sie sich in Wiederholungen 

ergingen. Genau das fesselte Gallaghers Fans, 

die in seine Konzerte strömten und ihn in 

Deutschland zu einem Liebling der Rockmusik- 

Liebhaber machten, der immer wieder Gast im 

Beat-Club und im Rockpalast war. 


STORIES 39 

Gallagher hat damit neue Maßstäbe gesetzt. 

Aus der Fülle der zahlreichen einprägsamen 

Songs greife ich „Sinner Boy“, „Laundromat“, 

„In Your Town“, „Souped-Up Ford“, „Secret 

Agent“ und „A Million Miles Away“ heraus und 

die akustischen Publikums-Lieblinge „Pistol 

Snapper Blues“, „As The Crow Flies“, „Out On 

The Western Plain“, „Going To My Home Town“, 

„Barley And Grape Rag“ und „Ride On Red“. 

Dass die Rolling Stones an einem derart 

hochkarätigen Künstler Interesse zeigten, als 

1974 Mick Taylor die Band verließ, nimmt nicht 

Wunder. Tatsächlich spielte Gallagher mit der 

Band einige Konzerte. Als Frontmann mit eigener 

Band war es für ihn auf die Dauer aber kaum 

verlockend, bei den Stones als zweiter Gitarrist 

einzusteigen, dem Mick Jagger und Keith 

Richards nur von Zeit zu Zeit zugestanden hätten, 

einmal nach vorn zu treten, wohl kaum 

dann aber auch als Leadsänger. Dennoch blieb 

Gallagher ein gesuchter Gastmusiker, zum 

Beispiel an der Seite von Jerry Lee Lewis, 

Muddy Waters, Albert King, Chris Barber und 

den Dubliners. 

Als Publikumsliebling schrieb er mit insgesamt 

fünf Auftritten von 1976 bis 1990 im legendären 

Rockpalast TV-Geschichte, die wohl noch 

mehr als Tony Palmers Konzert-Dokumentar - 

film „Irish Tour“ von 1974 die Wertschätzung für 

Rory Gallagher gefestigt haben; sie sind alle 

auf DVD erhältlich. Welche Spannung lag in der 

Luft, als für den 23. und 24. April 1977 die erste 

Rockpalast-Nacht als Eurovisionssendung an - 

gekündigt wurde, mit parallel im Radio gesendetem 

Stereoton zu hören, und Rory Gallagher 

sollte sie eröffnen! Tonbandgeräte einschalten, 

war die Devise. Meine hohen Erwartungen wurden 

nicht enttäuscht, er spielte ein fantastisches 

Konzert und sprang mitunter wie ein Irrwisch 

über die Bühne, ohne nur einen Augenblick die 

Kontrolle über sein Gitarrenspiel zu verlieren. 

Wieder einmal gab er alles, und natürlich ge - 

hörte auch der beliebte „Bullfrog Blues“ zum 

Pro gramm. Staunen mit offenem Mund und 

unglaubliche Freude. (Überhaupt war diese 

Rock palast-Nacht, wie künftige auch, bis in die 

frühen Morgenstunden ein besonderes musikalisches 

Erlebnis.) Dass er sich im Handum - 

drehen auf andere Musiker einstellen konnte, 

zeigt eindrucksvoll sein Rocklife-Konzert in der 

Kölner Music Hall von 1990, als in der Reihe 

Ohne Filter auch ein anderes sehenswertes 

Gallagher-Konzert gesendet wurde. Jack Bruce 

hatte gerade sein eigenes Konzert in einem 

anderen Saal der Music Hall beendet und kam 

zu Gallagher, um mit ihm drei Stücke zu spielen, 

darunter den Cream-Klassiker „Politician“. 

Bevor dieser Set startete, sang Gallagher hinter 

der Bühne kurz diesen Song an, und schon 

brillierte Gallagher auf der Bühne aus dem Steg - 

reif mit einem auf das Stück zugeschnittenen 

Solo. 

Seine mitreißende Präsenz belegen natürlich 

auch Aufnahmen für die BBC und ein Live- 

Mitschnitt von 1979 in dem Set „Notes From 

San Francisco“, genauso die DVDs The Beat 

Club Sessions 1971–72“ (mit herrlichen Aufnah - 

men, die seinerzeit überwiegend nicht im Fern - 

sehen gezeigt worden waren – unglaublich, was 

man Jahrzehnte lang im Archiv hatte schmoren 

lassen) mit der Dokumentation „Ghost Blues“, 

Gallaghers Konzert aus dem Jahr 1987 im Cork 

Opera House, und seine fünf Auftritte auf dem 

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40 STORIES 

»Zuletzt konnte der einstmals 

wieselflinke Musiker nur noch im 

Sitzen spielen.« 

wickelt – fatal für einen Musiker, der rund um 

den Globus tourte. Nun nahm er auch noch 

Steroide ein. All das blieb nicht ohne körperliche 

Auswirkungen. War Gallagher bislang gertenschlank 

und drahtig gewesen, nahm er jetzt 

stark zu, worunter seine Agilität litt. Ver glichen 

mit seinem zuweilen ekstatischen Auftritt während 

der Rockpalast-Nacht Ende April 1977 

wirkte er Ende August 1982 auf der Loreley 

schon nicht mehr ganz so quirlig. Wenige Jahre 

später war er aufgedunsen und bot 1994 bei 

seinem letzten Konzert für das Montreux Jazz 

Festival ein Bild des Jammers, von den Folgen 

seines Alkoholismus zudem gezeichnet im 

Gesicht und an den Händen, die bei weiteren 

Auftritten sogar bluteten. Zuletzt konnte der 

einstmals wieselflinke Musiker auch nur noch 

im Sitzen spielen. 

Montreux Jazz Festival von 1975 bis 1994, festgehalten 

mit zahlreichen Ausschnitten auf einer 

Doppel-DVD. Viele Gallagher-Klassiker, und 

immer wieder dabei fantastische Blues- 

Variationen und akustische Bravour-Stücke. 

Seine legendäre „Irish Tour“ ist neben Palmers 

Film mittlerweile sogar auf sieben CDs ausführlich 

dokumentiert. Wer sich an dem Aus - 

nahmemusiker nicht sattgesehen hat, kann sich 

außerdem auf die Suche nach weiteren TV- 

Konzerten aus dem deutschsprachigen Raum, 

aus Frankreich und Großbritannien machen und 

das Sergeant-Pepper-Motto der Beatles bestätigt 

finden: „A splendid time is guaranteed for 

all“. 1992 brachte Gallagher übrigens getreu 

Frank Zappas Motto „Bootleg the Bootleggers“ 

auch das Set „Official Bootleg Series Vol. 1“ mit 

drei Live-Konzerten heraus, die trotz aufnahmetechnisch 

bedingter Einschrän kungen viel 

Vergnügen bereiten. Posthum erschienen 2001 

der soundtechnisch leider unbefriedigende Mit - 

schnitt eines Konzerts kurz vor Weihnachten 

1993 unter dem Titel „Meeting With The G- 

Man“ (2003 mit sechs zusätzlichen Titeln noch 

einmal veröffentlicht) und 2003 das Album 

„Wheels Within Wheels“, das Gallagher überwiegend 

ohne seine Stratocaster mit rein akustischen 

Auf nahmen präsentiert, bei dem musikalische 

Ein flüsse seiner Heimat deutlich werden. 

Offenbar konnte Gallagher aus dem Vollen 

schöpfen und sich sogar leisten, ein 1978 in 

den USA eingespieltes Studioalbum nicht zu 

veröffentlichen, weil er mit der Produktion un - 

zufrieden war. Stattdessen kam Ende des Jahres 

die in Deutschland aufgenommene LP „Photo 

Finish“ heraus, die wieder einmal keine Wünsche 

übrig ließ. Das damals zurückgehaltene US- 

Album ist mittlerweile offiziell erhältlich, und es 

bereitet sehr viel Vergnügen. 1982 erschien mit 

„Jinx“ Gallaghers vorerst letzte LP in einem 

regel mäßigen Rhythmus, wovon sein Rock - 

palast-Auftritt auf der Loreley mit anschließender 

Jam Session nichts ahnen ließ. Sein Label 

erachtete seine Musik als überholt. Zu seinen 

Leb zeiten veröffentlichte er schließlich nur 

noch zwei Studioalben, 1987 „Defender“ und 

1990 „Fresh Evidence“, beide ohne Qualitätsein - 

bußen. So auch zwei akustische Stücke, die 

Gallagher im Mai 1994 eigens für die Tribute- 

Doppel-CD „Peter Green Songbook“ (wiederveröffentlicht 

als „Rattlesnake Guitar – The Music 

of Peter Green“) beisteuerte, den quälenden 

„Showbiz Blues“, der sich durchaus auch auf 

Gallaghers eigene verfahrene Situation beziehen 

lässt, und der „Leavin’ Town Blues“. Sie 

zählen zu den High lights dieses Projektes. 

In den ersten Jahren seiner Karriere soll 

Gallagher noch unwirsch reagiert haben, wenn 

in seiner Gegenwart auch nur Bier getrunken 

wurde. Im Laufe der Jahre verfiel er jedoch 

dem Alkohol und brauchte zuletzt bis zu zwei 

Flaschen Whiskey pro Tag. Womöglich kam er 

nicht damit zurecht, dass es ihm nicht gelungen 

war, eine Beziehung zu einer Frau aufzubauen 

und eine Familie zu gründen. Ende der 

1970er-Jahre hatte er überdies Flugangst ent- 

1995 musste Gallagher sich einer Leber - 

transplantation unterziehen, an deren Folgen er 

am 14. Juni 1995 verstarb. Sein Tod löste große 

Betroffenheit aus. Nicht einmal 50 Jahre ist 

dieser Ausnahmemusiker geworden, der sich 

immer gewünscht hatte, wie sein Vorbild Muddy 

Waters bis ins Alter auf der Bühne zu stehen. In 

freundschaftlicher Verbundenheit reagierte die 

Rockpalast-Redaktion vier Tage nach dem Tod 

des Gitarristen mit einem Nachruf, am 26. Juli 

1996 fand zu seinen Ehren auf der Loreley ein 

Open-Air-Konzert des Rockpalastes der Gruppe 

Nine Below Zero (sie nannte sich dabei Band 

of Friends) mit drei Mitgliedern von Gallaghers 

ehemaligen Bands, außerdem folgte eine 90- 

minütige Dokumentation über ihn. 

Nach seinem Tod hat Gallaghers Bruder und 

Manager Dónal das musikalische Erbe behutsam 

gepflegt. So hat er alle offiziellen Alben der 

Solokarriere mit hörenswerten Bonustracks 

wiederveröffentlicht und dazu viele Highlights 

herausgebracht. Bleibt zu hoffen, dass er dies 

mit weiteren spannenden Veröffentlichungen 

fortführt und eines Tages in Bild und Ton auch 

TASTEs vollständiger Auftritt in Montreux von 

Anfang September 1970 dabei sein wird. 

NÄCHSTE FOLGE: 

DAVID LINDLEY – DER SAITEN-WIZARD 

TEXT: DR. NORBERT APING 

FOTOQUELLE: WIKIPEDIA 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, Buchautor 

und Leiter des Amtsgerichts 

in Buxtehude. 


THE TONE 

MACHINE. 

Vertrieb für Deutschland und Österreich: MUSIK MEYER GmbH, Postfach 1729, 35007 Marburg, www.musik-meyer.de · Vertrieb Schweiz: MUSIK MEYER AG, Spitalstraße 74, CH-8952 Schlieren, Schweiz, www.musikmeyer.ch 

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42 STORIES 

MM: Kris, du hast mit Black Penny Records 

ein Blues-Label gegründet. Wie kam es dazu? 

KRIS: Ich habe mir in den vergangenen zehn 

Jahren in der deutschen Bluesszene einen ganz 

guten Ruf erarbeitet. Bei meinem zweiten Album 

„One For Sorrow“, das 2012 erschienen ist, 

hatte ich das Interesse von zwei Blues Labels 

geweckt. Ich war überglücklich, als ich die Ver - 

tragsangebote bekommen habe, war aber er - 

staunt, wie wenig ich bei einem Bandüber nahme- 

Vertrag verdienen würde. Es war erschreckend, 

wie wenig Gewinnpotenzial da drin steckte. Ich 

hatte Tausende von Euro in die Aufnahmen investiert 

und damit ich einen Breakeven erreichen 

würde, müsste das Label Tausende CDs verkaufen. 

Als Künstler wenige Prozente vom Händler - 

ab gabepreis zu verdienen, finde ich nicht richtig. 

Mein Erfolg lag zu 100 Prozent in den Händen 

vom Label. Die Labels waren nicht transparent. 

Da war von Anfang an Misstrauen da. Alles, was 

sie als Mehrwert im Sinne von Werbung und 

Vertrieb verkauften, hatte ich bereits als Band - 

leader getan. Also entschied ich, selbst ein Label 

zu gründen, das fairer mit den Bands umgeht. 

Zur Veröffentlichung meines Albums „Taylor 

Road” im Januar 2015 habe ich Black Penny 

Records gegründet. Mit dem Album habe ich 

ver sucht, alle Labelaktivitäten zu verstehen, zu 

lernen und zu dokumentieren. Ich habe eine 

Blues-Presse-Datenbank mit allen Presse kon - 

tak ten, Kosten für Anzeigen in diversen Zeit - 

schriften und Radiosendern, die Blues spielen, 

erstellt. Ich habe mein Netzwerk erweitert, den 

Markt studiert und Vertriebspartnerschaften ge - 

schlossen. Dann war ich bereit für andere Bands. 

Ich habe ein Modell für die Zusammenarbeit mit 

jungen, hungrigen Bands entwickelt, damit die 

Bands auch etwas verdienen. Ich liebe Blues 

und habe vor zehn Jahren als Neuling angefangen. 

Ich wusste nicht, wie ich ein Album herausbringen 

kann. Keiner hat mir geholfen. Ich will nun 

anderen Bands helfen und ihnen die Chance 

geben, erfolgreich zu sein und Geld zu verdienen. 

BLACK PENNY 

RECORDS 

Interview mit Kristian Pohlmann 

MM: Wonach entscheidest du, welche Bands 

du unter Vertrag nimmst? 

KRIS: Die Band muss Bluestalent haben. Ich 

muss die Band interessant finden. Musikalisches 

Können ist das A und O. Ich habe wenig Lust auf 

langweilige Zwölftaktschema-Bluesbands. Die gibt 

es in jeder Kneipe bei einer Jamsession. Die Band 

muss den Blues verstehen und ihn weiterbringen. 

Die Band muss hungrig und lernfähig sein 

und Businesskonzepte verstehen. Es macht keinen 

Sinn, wenn eine Band mich fragt, ob ich sie 

unter Vertrag nehmen kann, wenn sie nicht einmal 

fünf Konzerte im Jahr geben. 


STORIES 43 

Der größte Merchandise- und Albumumsatz 

entsteht bei Live-Aufritten. Das Verdienstpotenzial 

muss hoch sein. Die Band muss motiviert sein, 

hart für den Erfolg zu arbeiten. 

MM: Wie entdeckst du neue Bands? 

KRIS: Ich lese viel und höre viel Musik. Ich schaue, 

wer live unterwegs ist. Außerdem bin ich Mit be - 

sitzer eines Tonstudios und arbeite mit zwei Pro - 

duzenten zusammen. So habe ich Minor Cabinet 

entdeckt. Mein Produzent hatte Minor Cabinet 

aufgenommen und hat sie mir empfohlen. Ich 

hörte die Aufnahmen an und suchte sofort den 

Kontakt. Ich wusste, dass ich diese Band unter 

Vertrag nehmen wollte. Die Band klang frisch 

und voller Energie. Mit Minor Cabinet läuft das alles 

super. Nun suche ich nach einer weiteren Band. 

MM: Du sagst, du nimmst nur Künstler, die 

mit dir auf einer Wellenlänge sind. Warum? 

Und wie sind solche Künstler drauf? 

KRIS: Bei Minor Cabinet war schon in den ersten 

Gesprächen deutlich, dass sie hungrig waren, 

dass sie den nächsten Schritt erreichen wollten. 

Die Band wusste etwas vom Markt, vom Album - 

prozess, von Marketing und Promotion. Die Band 

hatte viele Fragen gestellt. Ich konnte sehen, dass 

sie bereit waren zu lernen und hart zu arbeiten. 

Ich habe der Band erklärt, was ich als Label 

anbiete, was ich für sie tun würde und was ich 

von der Band erwarte. Ich bin vom Beruf her 

Berater und Projektmanager. Ich arbeite hart, 

aber effizient. Ich investiere meine Zeit nur da, 

wo es Sinn macht und wo ich das Maximale wiederbekomme. 

Nicht nur finanziell, sondern wo 

ich den Erfolg sehen kann. Bei Minor Cabinet 

»Ich arbeite hart, aber effizient. Ich investiere meine 

Zeit nur da, wo es Sinn macht und wo ich 

das Maximale wiederbekomme. Nicht nur finanziell, 

sondern wo ich den Erfolg sehen kann.« 

war das genau richtig. Ihr Debüt-Album „Black 

Ink On White Sheets“ wurde im September veröffentlicht 

und wurde als „Album des Monats“ 

bei „Blues In Germany“ ausgezeichnet. Ein toller 

Erfolg für die junge Band und das Label. 

MM: Blues braucht Nachwuchs, „neues 

Blut“, so steht es auf deiner Website. Warum 

braucht der Blues das nötiger als andere 

Musikrichtungen? 

KRIS: Ich weiß nicht, ob es bei Blues notwendiger 

ist als bei anderen Musikrichtungen. Aber beim 

Blues ist es leider so, dass die Musik eher für 

etwas ältere Leute ist. In der Clubszene sind die 

Zuschauer im Schnitt um die 50 bis 60 Jahre alt. 

Die meisten Bands in der Szene sind auch seit 

Ewigkeiten aktiv. Es fehlt, zumindest in Deutsch - 

land, an jungen, wirklich frischen Bands. Das 

würde ich gerne ändern. 

MM: Du machst selbst seit vielen Jahren 

professionell Musik. Was war ausschlaggebend, 

dich mit Musik selbstständig zu 

machen? 

KRIS: Meine erste Band habe ich gegründet, als 

er mir bewusst wurde, dass ich es mit 28 nicht 

mehr schaffen würde, Profifußballer zu werden. 

Erst nachdem ich einige Konzerte gespielt hatte, 

wusste ich, dass ich das nicht halbherzig angehen 

kann. Ich habe, seit ich Teenager bin, Gitarre ge - 

spielt und studiert. Erst Ende 20 wurde mir be - 

wusst, wie toll es ist, Musik in einer Band live zu 

spielen. Mit der Zeit wurde das erfolgreicher. Meine 

eigene Band (Kris Pohlmann) und das Label laufen 

gut. Das motiviert mich, weiterzumachen. 

MM: Geboren bist du in England, kamst mit 

22 Jahren nach Deutschland. Warum? 

KRIS: Mein Vater ist Deutscher. Als ich ein Kind 

war, haben wir viel Zeit in Frankfurt bei meinen 

Großeltern verbracht. Später habe ich Informatik 

in Aachen studiert. Nach meinem Studium habe 

ich in Düsseldorf als Unternehmensberater an - 

gefangen. Ziel war, ein oder zwei Jahre hier zu 

bleiben. 16 Jahre später ist Düsseldorf zu meiner 

Heimat geworden. 

MM: Wie würdest du den deutschen Musik - 

markt beschreiben? 

KRIS: Die Bluesszene ist hart. Man tourt und 

spielt generell in kleinen Clubs. Wenn 100 Leute 

zu den Shows kommen, ist das wirklich gut. 

Dementsprechend können die meisten Blues - 

künstler nicht vom Blues leben. Man kämpft um 

jeden Zuschauer. Man kämpft um jeden CD- 

Verkauf. Aber die deutschen Bluesfans sind loyal 

und enthusiastisch, die Bluesszene ist eine schöne 

große Familie. Blues ist etwas Besonderes. Ich 

sage immer wieder, dass die Musik mich ausgesucht 

hat und nicht andersherum. Ich kann mir 

nicht vorstellen, irgendeinen anderen Musikstil zu 

spielen. Wenn aus meiner Leidenschaft Erfolg für 

mich und meine Bands entstehen kann, dann 

lebe ich meinen Traum. 

WEB: WWW.BLACKPENNYRECORDS.COM 


FOTO: OLIVER POHLMANN 


44 MUSIKBUSINESS 

DAS NACKTE HÖREN 

Kann man als MusikerIn das Hören abstellen? 

Ich bezweifle es. Und doch: manchmal, an 

schlechten Tagen, wünsche ich mir ein Sauer - 

stoffgerät, um mich damit in die Badewanne zu 

legen. Um für ein, zwei Stunden unterzutauchen 

und nichts – oder fast nichts mehr – zu hören bis 

auf das gedämpfte Gurgeln und Schwappen des 

Wassers, wenn ich mich bewege. Es erinnert mich 

an das dumpfe Geräusch im Film „Die Wand“, wo 

Martina Gedeck, die als Einsiedlerin irgendwo in 

einer Hütte in der Wildnis lebt, mitten auf dem 

Weg plötzlich gegen etwas stößt und nicht mehr 

weiterkommt. Sie entdeckt, dass sie von einer un - 

sichtbaren Wand umgeben und fortan in diesem 

Stück Wildnis wie in einem Kokon gefangen ist. 

All die vielen Geräusche, der Lärm von Straßen - 

verkehr und Baustellen, die Dauerberieselung 

mit (Werbe-)Musik in Bahnhöfen, Supermärkten, 

Arztpraxen – auch das vielleicht eine Form des 

Gefangenseins: der zivilisierte Mensch ist eingesperrt 

in eine Zelle mit tonalem Dauerbe schuss, 

ohne Tür und ohne Ausschaltknopf. Ich versuche, 

mich zu erinnern, wann ich das letzte Mal Stille 

erlebt habe. Eine Stille, in der nicht nur kein Fern - 

sehen, kein Handy und keine Musik zu hören 

war, sondern auch keine Motorengeräusche von 

der Straße, keine Baumaschinen aus dem Neu - 

bau viertel, keine Klimaanlage, kein Kühl schrank - 

surren, einfach gar nichts. Es muss damals bei 

dem Zweitagestrip in die Sahara in Tunesien/ 

Nord afrika gewesen sein – ein Erlebnis, das ich 

nie vergessen werde: Nie zuvor habe ich einen 

Himmel mit Millionen und Abermillionen solch 

strahlender Sterne gesehen und einer so großen 

Stille gelauscht. Wo geht das noch? Hier, in 

Deutschland? Selbst kilometerweit in einen dichten 

Wald zu wandern schützt nicht vor Flugzeug - 

lärm. So, wie man in vielen Teilen Deutschlands 

keinen Fernblick mehr ohne die Windräder, die 

wie überdimensionierte Spargelstangen in die Luft 

ragen, genießen kann, so findet man kaum noch 

Orte der Stille. Und doch nehmen wir das hin. Es 

ist halt so, sagen wir. Schon seltsam, dass für 

manche Menschen spielende Kinder und bellende 

Hunde viel häufiger Grund zur Beschwerde 

oder gar Klage sind als künstliche, maschinenproduzierte 

Geräusche. Und zu Hause funken 

Fern seher, Handy und Computer im Dauer betrieb 

Sig nale ans Hirn. Von wegen Entspan nung! Eher 

sind Kopfschmerzen, gestörte Kon zen tra tions - 

fähig keit oder gar Aggressionen die Folgen dieser 

permanenten Reizüberflutung. Und Kreati vität 

wird unter gepflügt, ist in diesem Messie-Chaos 

nicht mehr auffindbar. Für Musiker (wie für alle 

Künstler) eine Katastrophe wenn der Zustand 

anhält. 

Seit einigen Jahren liegen Schweigeseminare 

im Trend, in denen nicht nur gestresste Manager, 

sondern Menschen verschiedenster Berufs- und 

Altersklassen sich für ein paar Tage in ein Kloster 

begeben und dort im Schweigen Ruhe und Ein - 

kehr suchen, in der Hoffnung, wieder zu sich selbst 

zu finden. Die eigene, innere Musik wieder zu 

hören ist das Ziel – auch wenn viele Seminar - 

teilnehmer später erzählen, sie hätten während 

ihrer Exkursion ins Schweigen eher das Gefühl 

gehabt, in sich eine dröhnende Großbaustelle 

vor zufinden. Jedenfalls zuerst einmal. Nicht immer 

müssen solche Exerzitien eine dramatische innere 

Wandlung bewirken; aber es gibt sie, die Men - 

schen, die nach vier Tagen Schweigen plötzlich 

mit traumwandlerischer Sicherheit wissen, was 

sie nicht wollen – und Montagfrüh um acht dem 

Chef die Kündigung auf den Tisch knallen. Auch 

zu wissen, was man nicht will, kann ja sehr erhellend 

sein. Wie wäre es also mit einer Fastenkur 

für die Ohren oder für die Seele? Oder für beides? 

Und, ganz bestimmt, auch für Inspiration und 

Kreati vität? Zum Einstieg kann es ja – schon 

Herausforderung genug – erst mal ein Schweigeund 

Stilletag zu Hause sein. 

Und was dann? – Hören natürlich! So, als ob 

man es zum ersten Mal täte. Nach Tagen des 


MUSIKBUSINESS 45 

Schweigens und der Stille ist „The Köln Concert“ 

von Keith Jarrett einmal mehr eine Offenbarung, 

ein Fest. Was für eine Musik! Und: leises Lachen, 

vereinzeltes Hüsteln und gemurmelte Worte aus 

dem Publikum, das Geräusch, wenn Jarrett das 

Pedal tritt, wenn er summt, all das dringt intensiv 

ins Bewusstsein. Es ist ein bisschen wie der erste 

Apfelschnitz nach fünf Tagen Fasten: Zuerst riecht 

man den süßsäuerlichen Duft, dann, bei der Be - 

rührung des Apfels mit den Lippen, fühlt man die 

feuchte Kühle des rauen Fruchtfleisches und der 

glatten Schale, hört das Krachen beim Abbeißen 

eines Stückchens Apfel und spürt das wohligwarme 

Gefühl, das sich im Innern ausbreitet. 

Kurios: Das Schmecken schließlich kommt erst 

ganz zum Schluss. 

So können nach der Stille das Hören und die 

Musik wieder neu entdeckt werden, kann die 

lauschende Seele Ton für Ton bunte Klangsterne 

in den blauschwarzen Nachthimmel tupfen. Musik 

pur. Ohne Licht- und Lasereffekte, ohne gigantische 

Bildschirme, auf denen in halsbrecherischer 

Geschwindigkeit Filmszenen ablaufen, ohne 

Hightech-Effekte und all den anderen Schnick- 

»Wie wäre es also 

mit einer Fastenkur für die 

Ohren oder für die Seele? 

Und, ganz bestimmt, 

auch für Inspiration und 

Kreati vität?« 

Schnack: das nackte Hören – und dabei doch so 

viel sehen. Wie damals, in dem verrauchten kleinen 

Jazz-Club, wo der Kaffee so schwarz und 

stark war wie der Rioja dunkel und schwer. Oder 

zu Hause: mal wieder Musik über Kopfhörer hören 

– und nicht nebenbei bügeln, facebooken oder die 

Steuererklärung machen. Hören mit ge schlosse - 

nen Augen, bis der Regenbogen schimmert, den 

Jarretts Klavierspiel herbeizaubert. Und man den 

wohligen Schauer spürt, wenn sich die kleinen 

Härchen zu einer Gänsehaut aufrichten, als ob 

eine frische Meeresbrise sie streift. Fast glaubt 

man, den salzigen Duft zu schmecken und die 

Brandung der Wellen zu hören: zuerst nur als leises 

Rauschen, das sich bald zu einem Rausch 

aus Farben und Tönen steigert, wenn – gegen 

Ende von Part I – die Musik die Sonne hinter den 

Bergen aufgehen und den Tau glitzern lässt: Ein 

Hoch auf die Ohren, das Geschenk des Hörens, 

die Musik – und auf Keith Jarrett. 

MUSIKTIPP: 

KEITH JARRETT – „THE KÖLN CONCERT“ 

TEXT: LEEZA NAIL 

FOTOS: © PATHDOC/FOTOLIA.COM


IMPROVISATION 

(auf der Gitarre) 

Der Begriff Improvisieren geht auf das lateinische 

Wort improvisus zurück und be - 

deutet in etwa so viel wie unvorhergesehen oder 

unerwartet. Unvorhersehbare und unerwartete 

Ele mente in einem Vortrag, ganz gleich ob auf 

einer Theaterbühne, im Bundestag oder in einem 

Konzert, sind ein wichtiges Mittel, um ein Publi - 

kum zu unterhalten und einen direkten Draht zu 

ihm zu entwickeln. So ist die Fähigkeit zur Impro - 

visation eine wichtige Voraussetzung für die Arbeit 

als Unterhaltungskünstler, ob als Talkmaster, Musi - 

ker, Schauspieler oder Comedian. Eine Darbie - 

tung wird erst lebendig, wenn ein Künstler auf 

eine bestimmte Atmosphäre oder Gefühlslagen 

und Stimmungen situativ reagieren kann. 

Mit Improvisation in der Musik verhält es sich 

genauso. In allen lebendigen, also sich weiterentwickelnden 

Musikrichtungen und Genres, ist 

Improvisation ein wichtiges Element. Improvi sierte 

Teile oder zumindest Elemente sind oft das Salz 

in der Suppe und manchmal sogar noch mehr. 

Improvisationen finden sich nicht nur in westlicher 

Musik, sondern auch in der indischen Musik 

(besonders der nordindischen) oder der orientalischen 

Musik (hier werden sie Taksim genannt). 

Es gab Improvisation (über Ostinatobässe) früher 

auch in der Renaissance und im Barock. Impro - 

visation ist wahrscheinlich das Wesens merkmal 

des Jazz, ist aber auch in verwandten populären 

Musikrichtungen wie Blues, Blues Rock, Classic 

Rock (Jimi Hendrix, Eric Clapton, Pink Floyd etc.) 

und dem Jazzrock zu Hause. 

✱ HISTORIE DER IMPROVISATION 

In der europäischen Musik seit der Re nai s - 

sance oder solcher Musik, die zumindest von 

europäischer Musikkultur beeinflusst ist (wozu 

auch Jazz, Blues und Rockmusik zählen), liegt 

der Improvisation meist ein harmonisches Gerüst 

(also eine bestimmte Akkordfolge) zugrunde. Die 

Improvisation in der europäischen Musik des 

Mittelalters basierte zumeist nur auf Melodien, 

die durch Verzierungen, Variationen und Impro vi - 

sationen ausgeschmückt wurde. Harmonik im 

engeren Sinn war damals noch unbekannt. In der 

Musik anderer Kulturkreise (z.B. orientalischer 

und indischer Musik) ist dies im Wesentlichen noch 

heute so. In diesen Musikrichtungen wird häufig 

durch eine bestimmte Skala der tonale Rahmen 

für Improvisationen vorgegeben. Diese Ton leitern 

werden in der indischen Musik als Ragas be zeich - 

net, in der arabischen Musik heißen sie Maqam 

(Einzahl) oder Maqamat (Mehrzahl). Sie geben 

(neben den rhythmischen Mustern bzw. Metren) 

den Improvisationen ihre Farbe, Stim mung und 

Struktur. 

Im Extremfall wird Improvisation als vollkommen 

voraussetzungsloses spontanes Spiel verstanden, 

wie in bestimmten Formen des Free 

Jazz. Etabliert hat sich dieser Ansatz nie. Offen - 



»Die Fähigkeit zur 

Impro visation ist eine 

wichtige Voraussetzung 

für die Arbeit als 

Unterhaltungskünstler. 

Eine Darbie tung wird 

erst lebendig, wenn 

ein Künstler auf eine 

bestimmte Atmosphäre 

oder Gefühlslagen und 

Stimmungen 

situativ reagieren 

kann.« 

bar sind (stilistische) Spielregeln und Strukturen 

für den Zuhörer von so großer Bedeutung, dass 

sich diese Versuche nie wirklich durchsetzen konnten. 

Wie sich am Jazz oder auch an der indi - 

schen Musik zeigen lässt, sind diese Spielregeln 

und Elemente tatsächlich so wichtig, dass im - 

pro visierende Musiker zum einen außerordentlich 

viel Zeit in das Studium des von ihnen verwendeten 

Materials investieren und zum anderen Mu - 

siker mit einem wirklich originären Individualstil 

von einem kundigen Hörer anhand charakteristischer 

Elemente sofort erkannt werden können. 

✱ IMPROVISATION IM JAZZ 

In keinem anderen Musikstil allerdings spielt 

die Improvisation eine so herausragende Rolle 

wie im Jazz. Die Improvisation gilt geradezu als 

DAS konstituierende Merkmal des Jazz. So hat 

sich im Jazz ein ausgeklügeltes System entwikkelt, 

das durch die arbeitsteilige Aufgaben ver - 

teilung erst das kollektive improvisierende Zu - 

sammenspiel in einer Gruppe ermöglicht. In der 

typischen Besetzung eines klassischen Jazz- 

Quartetts sieht die Besetzung und Aufgaben ver - 

teilung in etwa so aus: das Schlagzeug, das einzig 

und alleine rhythmische Aufgaben wahrnimmt und 

tonal nicht mit anderen Instrumenten in Konflikt 

geraten kann; der (Kontra-)Bass in der tiefen Lage; 

Klavier (oder Gitarre) als Akkordinstrument in der 

mittleren Lage sowie ein einstimmiges Me lodie - 

instrument in relativ hoher Lage (Saxo phon, Trom - 

pete). Alle Instrumentalisten können im Rahmen 

der ihnen zugewiesenen Aufgaben improvisieren, 

wobei immer das Aufeinandehören Voraus - 

setzung für das Funktionieren ist. 

✱ IMPROVISATION 

IN DER ROCKMUSIK 

Die Wurzeln der Improvisation in der Rock - 

musik liegen im Blues. In der Rockmusik wurde 

Improvisation ab ca. 1967 im Zuge des britischen 

Blues Revivals der 1960er-Jahre vor allem im 

Blues Rock und Psychedelic Rock (Acid Rock) 

sehr bedeutend. Pink Floyd, Soft Machine oder 

die deutsche Band Can verwendeten häufig Im - 

pro visationstechniken, die Spielweisen aus dem 

Blues mit Klangexperimenten und Live-Elektronik 

verbanden. Bei näher am Blues orientierten 

Bands, wie Deep Purple und Cream, be kamen 

die Improvisationen einen vergleichbaren Stellen - 

wert wie im Jazz. Hier konnten sich die Solisten 

mit langen Soli ausgiebig profilieren. Jimi Hendrix 

kann dabei als der Protagonist und Pionier in beiden 

Genres angesehen werden (u.a. mit seinem 

Album „Electric Ladyland“), der mit zu den über - 

zeugendsten Ergebnissen gelangte. 

Einen entsprechenden Stellenwert hat die 

Improvisation in der Rockmusik dann leider nicht 

behalten. Der Blues Rock mit Schwerpunkt Im - 

pro visation auf der E-Gitarre verband sich kulturell 

mehr und mehr mit dem Jazzrock (Prota go - 

nisten dieser Richtung sind Gitarristen wie Jeff 

Beck, Eric Johnson, Carl Verheyen und Scott 

Henderson) und wurde zu einer eher unkommerziellen 

Nebenströmung, während zwei andere, 

weitaus kommerziellere Strömungen in der 

Rock musik weitgehend ohne Improvisationen 

aus kamen. Einerseits war das die Entwicklung 

des Heavy Metal mit der eindimensionalen 

Fokussierung auf Geschwindigkeit und „Dampf- 

hammer-Riffs“ und der damit einhergehenden 

Not wendig keit zur Vorbereitung von fest ausgearbeiteten 

(Solo-)Passagen, andererseits die 

auch in anderen Bereichen des Rock (vor allem 

dem Progressive Rock) zu beobachtende Ent - 

wick lung, immer mehr auf Kosten der Impro visa - 

tion durchzukomponieren und durchzuarrangieren 

(wie bei Yes, Genesis, Queen); auch da, 

wo künst lerisch außerordentlich profilierte und 

stilbildende In stru mentalisten mitwirkten, wie z. B. 

Brian May in der Gruppe Queen. 

Trotzdem gab und gibt es auch im Rock - 

bereich außerordentlich versierte und eigenständige 

Improvisatoren wie Eric Johnson oder Jeff 

Beck. Um zu zeigen, aus welchen Elementen sich 

so ein eigenständiger (über die Jahre natürlich 

auch weiter entwickelnder) Stil bestehen kann, 

möchte ich an dieser Stelle eine kleine Stil ana lyse 

von Jeff Beck und Eric Johnson vornehmen: 

✱ JEFF BECKS GITARRENSTIL 

Jeff Beck kam 1965 als Nachfolger für Eric 

Clapton zu den Yardbirds und wurde später mit 

der Jeff Beck Group (in der anfangs Rod Stewart 

sang) bekannt. Jeff Beck hat immer wieder andere 

Pedale und Gitarreneffekte benutzt, ohne dass 

sich sein markanter Sound dadurch substantiell 

verändert hätte. Das zeigt, dass Sound in erster 

Linie im Kopf und mit den Fingern des Spielers 

erzeugt wird und nicht mit den verwendeten Gi - 

tarren, Verstärkern oder Effektgeräten. Zu Becks 

unverwechselbarem Stil und Marken zeichen ge - 

hören folgende „Trademark-Techniken“: 

Beck spielt wie Mark Knopfler mit den Fingern 

und nicht mit dem Plektrum. Im Gegensatz zu 

Knopfler ist sein Stil aber viel rauer. So lässt er 

auch gerne mal die Saiten wie ein Bassist beim 

Poppen auf das Griffbrett fatzen und erzeugt 

damit sehr expressive Sounds. 

Er benutzt den Lautstärkeregler der Gitarre häufig 

für sogenannte Volume Swells, also um den 

Attack der Noten zu unterdrücken und so ein violinartiges 

Einschwingen des Tons zu er zeugen. 

Er verwendet den Lautstärkeregler der Gitarre 

(wie viele andere Gitarristen übrigens auch), um 

den Verzerrungsgrad zu regulieren. 

Im Umgang mit dem Tremolo-Arm (Whammy 

Bar) ist Jeff Beck einer, wenn nicht gar der Groß - 

meister auf der E-Gitarre. Er benutzt ihn sowohl 

für sanftes Vibrato, Mikrotöne, als auch für thea- 



tralischer Effekte wie „Dive Bombs“. Besonders 

gerne benutzt er ihn auch zum An schleifen von 

Tönen. 

Er nutzt ausgiebig die unterschiedlichen Klang - 

farben der verschiedenen Pickups: den Bridge- 

Pickup für Helligkeit und Biss, der Hals-Pickup 

für Schmelz im Ton. Dabei nutzt er zusätzlich 

noch die möglichen Klangfarben, die sich durch 

unterschiedliche Positionierung der Anschlag hand 

ergeben. Im Gegensatz zu traditionelleren Spielern 

wie Clapton beginnt und endet er seine Phrasen 

gerne auch mal mit ungewöhnlichen spannungsreicheren 

Intervallen wie einer Quarte oder Sexte. 

Beck hat auch einen ganz eigenen Slidestil auf 

einer in Standardstimmung gestimmten Gitarre 

entwickelt, bei dem er in der Lage ist, selbst Mikro - 

töne sehr genau zu intonieren und sich sogar 

den tonalen Feinheiten indischer Ragas gewachsen 

zeigt, wie man z. B. bei dem Stück „Nadia“ 

hören kann. Auch seine Bending-Technik ist sehr 

eigenständig. Er kann damit u.a. auch den Sound 

eines Keyboard-Pitch-Wheel imitieren und hat 

sich auf diese Weise in den 1970er-Jahren schon 

regelrechte Battles mit dem Keyboarder Jan 

Hammer geliefert. 

✱ ERIC JOHNSONS GITARRENSTIL 

Am Beispiel von Eric Johnson lässt sich zeigen, 

wie sich durch gezielte Übernahme von Stil - 

elementen anderer Gitarristen ein ganz eigener 

Personalstil formen lässt. So hat Eric Johnson in 

seinem Spiel Elemente von gänzlich unterschiedlichen 

Gitarristen aus ganz verschiedenen Genres, 

»In allen „lebendigen“, 

also sich weiter 

entwickelnden 

Musikrichtungen und 

Genres, ist 

Improvisation ein 

wichtiges Element. 

Improvi sierte Teile 

oder zumindest 

Elemente sind oft 

das Salz in der Suppe 

und manchmal 

sogar noch mehr.« 

wie Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jeff Beck, Wes 

Montgomery, Jerry Reed, Chet Atkins, Lenny 

Breau und Keith Richards, zu etwas ganz und gar 

Eigenem verwoben und transformiert. Die unterschiedlichen 

Elemente wie z.B. Wes’ Oktav technik 

oder Hendrix’ „Memphis-Soul“-Akkordtechnik 

fließen bei ihm auch in seinen Kompositionen so 

organisch ineinander und sind so miteinander ver - 

woben, dass sie zwar noch als unterschiedliche 

Elemente wahrgenommen werden, aber trotzdem 

einen neuen, eigenständigen Charakter be - 

kommen. Allerdings kann man ihn nicht auf dieses 

Übernehmen reduzieren. Er hat auch ganz eigene 

Elemente wie z. B. seinen originellen „Koto- 

Stil“ entwickelt und vieles von dem, was er ur - 

sprünglich einmal übernommen hat (z.B. von Keith 

Richards), noch einmal zu etwas Eigenständigem 

weiterentwickelt. 

✱ GEGENWART & AUSBLICK 

Durch viele am Jazz geschulte junge Rock - 

gitarristen ist das Thema Improvisation in den 

letzten Jahren zum Glück wieder aktueller ge - 

worden. Junge Gitarristen wie Guthrie Govan und 

Greg Howe, die im Jazz, Rock, Country und Blues 

gleichermaßen zu Hause sind, zeigen, dass Vir - 

tuosität und Spontaneität kein Widerspruch sein 

müssen und sorgen so dafür, dass das Thema 

auch für junge Gitarristen heute (wieder) aktueller 

ist denn je. 

TEXT: WIELAND HARMS 

GRAFIKEN: © BIGMEN/FOTOLIA.COM 

HÖRTIPPS (NICHT NUR) 

FÜR GITARRISTEN: 

In die folgende Liste (die keinen Anspruch 

auf Vollständigkeit erhebt) habe ich Gi tar - 

risten aus verschiedenen Stilrichtungen und 

Genres aufgenommen, bei denen Impro - 

visation einen relativ großen Stellenwert hat 

und die dabei zu einem eigenständigen Stil 

gefunden oder sogar stilprägend wurden 

(wie Jimi Hendrix, Wes Montgomery oder 

Django Reinhardt). 

CLASSIC BLUES: T-Bone Walker, Muddy 

Waters, B.B. King, Freddie King, Albert King, 

Albert Collins 

BLUES: Stevie Ray Vaughan, Eric Gale, 

Jeff Healey, John Mayer, Jonny Lang, Joe 

Bonamassa 

ROCK ‘N’ ROLL / ROCKABILLY: Chuck 

Berry, Brian Setzer 

CLASSIC BLUES ROCK: Mike Bloomfield, 

Mick Taylor, Eric Clapton, Peter Green, 

Duane Allman, Johnny Winter, Gary Moore 

CLASSIC ROCK: Jimi Hendrix, David 

Gilmour, Ritchie Blackmore, Carlos Santana 

CLASSIC COUNTRY: Chet Atkins, Jerry 

Reed, James Burton 

COUNTRY / COUNTRY ROCK: Danny 

Gatton, Albert Lee, Lenny Breau, Mark 

Knopfler, Jerry Donahue, Brent Mason, Greg 

Koch 

ROCK: Jeff Beck, Brian May, Steve Lukather, 

Slash 

HARD ROCK / HEAVY METAL: Jimmy 

Page, Randy Rhoads, Eddie Van Halen, 

Steve Morse, Michael Schenker, Uli Jon 

Roth, Yngwie Malmsteen, Joe Satriani, 

Steve Vai, Slash, Paul Gilbert, Ritchie Kotzen 

JAZZ: Eddie Lang, Django Reinhardt, Wes 

Montgomery, Joe Pass, George Benson, 

Pat Martino, Bireli Lagrene, Ulf Wakenius 

MODERN JAZZ: Pat Metheney, John 

Scofield, Bill Frisell, Mike Stern, Kurt 

Rosenwinkel 

WEST-COAST-FUSION: Lee Ritenour, 

Larry Carlton, Robben Ford 

JAZZROCK / FUSION: Larry Coryell, John 

McLaughlin, Al DiMeola, Terje Rypdal, Allan 

Holdsworth, Frank Gambale 

MODERN ROCK/JAZZROCK/FUSION: 

Eric Johnson, Michael Landau, Carl 

Verheyen, Scott Henderson, Shawn Lane, 

Andy Timmons, Guthrie Govan, Greg Howe 


Angebot 

❶ Studiosendung 

Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir 

produzieren mit euch eine komplette Studiosendung 

wie in den goldenen Zeiten des Musik - 

fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged 

und live auch möglich) und Interview. 

(30 – 40 Minuten Videoclip) 

➜ 500 Euro 

+ Eine Seite Interview und Foto 

im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare) 

➜ 1 000 Euro 

+ Zwei Seiten Interview und Foto 


➜ 1 500 Euro 

Die Vorteile im Überblick: 

❷ CD-Hearing / 

Interview für 

Promozwecke in 

einem unserer 

Filmstudios 

Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein 

und stellen es vor! 

Oder es geht einfach um euch als Band / Einzel - 

künstler und euer musikalisches Schaffen. 

(30 Minuten) 

+ Halbe Seite Interview und Foto 


➜ 500 Euro 

• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter 

• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras 

• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene 

• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht 

• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2) 

• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden* 

• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur 

Verfügung – hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken 

einbauen 

• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange 

• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und 

Abspann 

• auf Wunsch stellen wir das Video On-Demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken 

zur Verfügung für noch mehr Reichweite 

❸ Aufzeichnung 

Live-Konzert 

Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um 

euch für Konzerte zu bewerben? 

Kommt in unser Rock-TV-Studio! 

(30 Minuten Videoclip) 

➜ 1 000 Euro 

★ Unser 

Film-Team ist 

auch mobil! 

Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh, 

drinnen oder draußen. 

Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um 

mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen. 

Auf Anfrage machen wir euch gern ein 

individuelles Angebot. 

© KZENON/FOTOLIA 

* für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund 

auch unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis 

nachträglich von uns abgemischt werden) 

Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg 

Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315


MUSIK-CHARTS 

Welchen Einfluss haben sie noch auf die Musikplanung im Radio? 

Im Jahr 2003 stieg die Gesellschaft für Kon - 

sum forschung (GfK) mit in die Chart-Ermittlung 

ein, es entstand Media Control GfK International. 

2013 übernahm die GfK vollständig die Chart- 

Erstellung 

Zu aktuellen Fragen der Chart-Ermitt lung sprach 

RADIOSZENE mit GfK Entertainment-Ge schäfts - 

führer Dr. Mathias Giloth. 

GfK Entertainment erhebt im Auftrag für den 

Bundesverband Musikindustrie die wöchent - 

liche Bestenliste. Nach welchen Kriterien 

werden diese Charts ermittelt? 

DR. MATHIAS GILOTH: Basis der „Offiziellen 

Deutschen Charts“ sind die Verkäufe bzw. erzielten 

Umsätze von Musikprodukten in einer Chart - 

Woche (Freitag bis Donnerstag). Berücksichtigt 

für die Single-Charts werden physische Produkte 

(CD, DVD, Vinyl), digitale Produkte (Downloads) 

und Premium-Streams. Werbefinanzierte Streams 

oder auch Musikclips werden nach dem Regel - 

werk des BVMI nicht berücksichtigt. 2 800 Händler 

aller Absatzkanäle (stationärer Handel, E-Com - 

merce, Download, Streaming) liefern uns täglich 

ihre Verkaufsdaten, die geprüft, elektronisch verarbeitet 

und schließlich gemäß den Regularien 

zusammengestellt werden. 

Und wie läuft die Erfassung der Album- 

Charts? 

DR. MATHIAS GILOTH: Bei der Erfassung der 

Album-Charts spielen die gleichen Kriterien eine 

Rolle. Sogar Premium-Streams werden seit An - 

fang 2016 berücksichtigt. 

Wer bestimmt das Regelwerk und kontrolliert 

die Erhebung Ihrer Arbeit? 

DR. MATHIAS GILOTH: Das Regelwerk wird vom 

Bundesverband Musikindustrie erstellt. In Zu sam - 

menarbeit mit den Gremien des Bundes ver ban - 



des wird dieses immer wieder überprüft und auf 

aktuelle Marktveränderungen angepasst. So fließen 

seit Anfang 2016 Premium-Streams in die 

Album-Charts ein. Die Industrie hat in vielen Fällen 

ebenfalls Zugang zu Marktdaten und kann so die 

Charts nachvollziehen. 

Wie barrierefrei sind die Charts? Kann sich 

jeder Tonträger beziehungsweise jeder Song 

auch ohne Mitgliedschaft beim Verband in 

den Bestenlisten platzieren? 

DR. MATHIAS GILOTH: Grundsätzlich besteht 

für jeden Titel die Möglichkeit, sich in den Charts 

zu platzieren. Artikelstamminformationen müssen 

jedoch vorhanden sein. Diese können entweder 

über Phononet oder bei GfK angemeldet werden. 

Außerdem muss der Händler, der das Produkt ver - 

kauft, an unser Panel angeschlossen sein. Titel, 

deren Stammdaten unbekannt sind, können leider 

nicht erfasst werden. 

zu erkennen. Dies läuft unter dem Begriff „fraud 

detection“ und nimmt einen zentralen Platz in der 

Qualitätssicherung unserer Charts ein. Bei Ver - 

dachts fällen wird ein umfassender Prüf pro zess 

ausgelöst, den auch die Industrie und der Bundes - 

verband intensiv begleiten. 

Welche Arbeit steckt hinter der wöchentlichen 

Erhebung und wie groß ist das daran 

beteiligte Team? 

DR. MATHIAS GILOTH: Es ist ein aufwendiger 

Pro zess mit einem größeren Team, der insbesondere 

viele Prüfschritte wie z. B. auf Vollstän - 

dig keit und Richtigkeit der Händlerdaten und 

Qualitätssicherungsmaßnahmen enthält. Daneben 

aber auch und insbesondere vorbereitende 

Schritte, wie das Coding neuer Titel und Alben. 

Nicht zu vergessen die unterstützenden Aufgaben, 

wie Händlerbetreuung, die Pflege und Weiter ent - 

wicklung der Systeme, Anpassungen auf die sich 

In den Song-basierten Charts finden sich 

auffallend wenige Schlager-Titel … 

DR. MATHIAS GILOTH: Das Genre Schlager funktioniert 

besser in den Album-Charts. Hier sind 

regelmäßig Schlagerkünstler auf den vorderen 

Plätzen vertreten. Fans von Schlagermusik kaufen 

lieber gleich das ganze Album als nur einen 

einzelnen Song oder eine Single. 

Welche aktuellen Trends kann man derzeit 

aus den deutschen Charts ableiten? 

DR. MATHIAS GILOTH: In den „Offiziellen Deu t - 

schen Album-Charts“ sind Genres wie Hip-Hop 

und Schlager sehr beliebt. Außerdem geht der 

Trend hin zu deutschen Künstlern. Diese platzieren 

sich häufiger bzw. sind länger dabei als internationale 

Künstler. In den Single-Charts ist das 

anders. Hier haben internationale Künstler in vielen 

Fällen die Nase vorn. 

»In den „Offiziellen Deu t schen Album-Charts“ geht 

der Trend hin zu deutschen Künstlern. 

Diese platzieren sich häufiger bzw. sind länger dabei 

als internationale Künstler.« 

Die „Offiziellen Deutschen Charts“ haben 

eine hohe Bedeutung für Handel, Medien 

und Öffentlichkeit. Zu welchem Zeitpunkt 

und über welche öffentliche Kanäle werden 

die Ranglisten verbreitet? 

DR. MATHIAS GILOTH: Die „Offiziellen Deutschen 

Charts“ erscheinen jeden Freitag um 15 Uhr. Dazu 

gibt es eine Pressemeldung und Posts auf unseren 

Social-Media-Kanälen. Außerdem sind sie über 

unsere Website www.offiziellecharts.de zugänglich. 

Zu unseren Partnern und Kunden gehören 

Zeitungen, Radiosender, TV-Sender, Onlineseiten 

(VIVA, Ampya), die regelmäßig die Top 100, Genre - 

Charts oder auch Auszüge daraus veröffentlichen. 

Wer finanziert die doch offenbar sehr aufwendige 

Erhebung dieser Bestenlisten? 

DR. MATHIAS GILOTH: In Deutschland werden 

die Charts über die Partnermedien finanziert, die 

die Veröffentlichungsrechte an den Charts er wer - 

ben. 

Wie sichern Sie das System gegen mögliche 

Manipulationsversuche ab? 

DR. MATHIAS GILOTH: Unsere Systeme sind darauf 

ausgelegt, mögliche Manipulationen sofort 

verändernden Marktbedingungen wie Streaming 

und eben die Kommunikation der Charts und die 

Verleihung des „#1 Award der Offiziellen Deut - 

schen Charts“. 

Erhebt Ihr Unternehmen noch weitere Be s - 

tenlisten aus dem Musikbereich bzw. weiterer 

Mediengattungen? 

DR. MATHIAS GILOTH: Ja, GfK Entertainment ist 

seit vielen Jahrzehnten offizieller Chart-Ermittler 

und betreibt Marktforschung im Entertainment- 

Be reich. Wir erstellen offizielle Charts in den Be - 

reichen Musik, Buch, Video und Games. Hier ar - 

beit en wir eng mit den entsprechenden Ver bän den 

zusam men und sind insgesamt als 100 pro zentige 

Tochter der GfK in mehr als 30 Ländern weltweit 

tätig. 

Neben den „Offiziellen Deutschen Musik-Charts“ 

entstehen in Baden-Baden viele weitere Hit listen. 

Musik: u.a. Streaming-Charts, Download- 

Charts, Vinyl-Charts, Musikvideo-Charts, Hip- 

Hop-Charts, Dance-Charts etc.; 

Buch: Sachbuch, Ratgeber, Belletristik, Kinder - 

bücher, Jugendbücher etc. 

Video: DVD, Blu-Ray, Neuerscheinungen; 

Games: PC, einzelne Konsolen (Xbox One, 

Xbox 360, PS4, PS3, Wii, Wii U, NDS etc.). 

Zuletzt erreichen im Vergleich zu früheren 

Jahren relativ viele zuvor unbekannte Künst - 

ler die Song-Charts. Gibt es hierfür besondere 

Gründe? 

DR. MATHIAS GILOTH: Es gibt mehrere Ein - 

fluss faktoren. Zum einen haben sich die technischen 

Voraussetzungen, Musik in guter Qualität 

zu produzieren, enorm verbessert, und so ist es 

für Künst ler einfacher geworden, sich mit ihrer 

Kreati vität dem Wettbewerb zu stellen. Zum anderen 

haben sich mit Social Media Plattformen herausgebildet, 

die es ermöglichen, neue Songs ohne 

hohe Kosten vorzustellen und zu verbreiten. 

Steht dann noch ein gutes Label mit einer guten 

Kampagne hinter dem Künstler und treffe ich mit 

meiner Musik den Geschmack der Fans, steht 

einer Chart-Platzierung eigentlich nichts mehr im 

Wege. 

Gibt es Erkenntnisse, welche medialen oder 

sonstige Quellen besonderen Einfluss auf die 

Platzierungen der Charts haben? 

DR. MATHIAS GILOTH: Man merkt es immer wieder, 

dass nach Großereignissen oder großen TV- 

Shows die Künstler in den „Offiziellen Deutschen 

Charts“ nach oben klettern. Das ist bei Kon zerten 

nicht anders. Befindet sich eine Band gerade auf 

Tour, kann man fast davon ausgehen, dass sie 

auch in den Charts höher platziert ist als sonst. 

Auch Titelsongs von Kinofilmen profitieren oft vom 

Erfolg des Films. 

WEB: WWW.OFFIZIELLECHARTS.DE 

TEXTQUELLE: WWW.RADIOSZENE.DE 

FOTO: © DENISISMAGILOV/FOTOLIA.COM 


52 PRODUKT-NEWS 

DA-3000 – HOCHAUFLÖSENDER STEREORECORDER 

A/D- / D/A-WANDLER 

Entwickelt als Nachfolger des weithin bekannten DV- 

RA1000HD – einem 2006 eingeführten, hochauflösenden 

Masterrecorder, der eine Festplatte oder DVDs als Speicher - 

medien nutzte –, ist der DA-3000 Tascams neues Flagg - 

schiff für hochauflösende Audioaufnahmen sowie A/D- und 

D/A-Wandlung. 

Der schlanke, moderne DA-3000 passt in jedes professionelle 

oder Heimstudio, ob für die Aufnahme, das Mastering 

oder als Live-Einspieler in Sendestudios, ist ideal als Ersatz 

für einen DAT-Recorder oder für Audiophile, die den nächs - 

ten Schritt hin zur Perfektion nehmen wollen. Der Re corder 

zeichnet auf hochgradig zuverlässige SD- oder Compact- 

Flash-Medien auf und bietet herausragende Klang qualität 

dank weithin geachteten Burr-Brown-Wandlern sowie hochentwickelten 

Vorverstärkern aus selektierten Komponenten. 

Durch den Verzicht auf Lüfter oder andere mechanische 

Geräuschquellen ist das Gerät zudem wartungsfrei und arbeitet 

völlig lautlos und äußerst zuverlässig. 

Der DA-3000 unterstützt Abtastraten bis 192 kHz (PCM) 

und 5,6 MHz (DSD). Hochpräzise temperaturkompensierte 

Quarzoszillatoren und getrennte Mono-Wandler in jedem 

Kanal ermöglichen die Taktsynchronisation mit Sample - 

genauigkeit und natürlichen Klang bei der Aufnahme und 

Wiedergabe. Mehrere DA-3000 können auf einfache Weise 

miteinander verbunden werden, um synchrone Mehrkanal-/ 

Mehrspuraufnahmen zu ermöglichen. Und eine Vielzahl von 

Anschlüssen auf der Rückseite erlaubt die Einbindung in 

praktisch jedes Umfeld. Große, hell leuchtende LED-Pegel - 

anzeigen und ein OLED-Display sorgen für einen weiten 

Ablesewinkel und gute Lesbarkeit selbst bei ungünstigen 

Lichtverhältnissen. 

Der DA-3000 wird mit einer Infrarot-Fernbedienung und 

einem Anschluss für eine Computertastatur ausgeliefert, 

mit der sich Dateien/Ordner einfach benennen lassen und 

der Recorder auch gesteuert werden kann. 

Tascam hat seinem Master-Recorder DA-3000 ein größeres 

Firmware-Update auf Version 2.0 spendiert. Neben verschiedener 

Bugfixes bietet die neue Firmware Anwendern 

die Möglichkeit, SDXC-Speicherkarten mit Kapazitäten bis 

256 GByte für die Aufnahme zu verwenden. Zudem lassen 

sich SD-Karten künftig auch vollständig formatieren, um 

typbedingten Problemen bei sehr häufigem Gebrauch über 

einen langen Zeitraum zu begegnen. 

Der DA-3000 ist Tascams Flaggschiff für die hochauflösende 

Audioaufnahme im PCM- oder DSD-Format und bereits 

mehrfach ausgezeichnet worden. Die neue Firmware steht 

auf der Tascam-Website zum Download bereit. 

Weitere Informationen: www.tascam.eu 

NEUE FUNKTIONEN FÜR TASCAM-FELDRECORDER HS-P82 

Tascam hat ein größeres Firmware-Update für seinen professionellen 

8-Spur-Feldrecorder HS-P82 veröffentlicht. 

Die neue Firmware 2.00 ergänzt das Gerät um eine Reihe 

neuer Merkmale, die von professionellen Dialogeditoren und 

Sounddesignern gefordert wurden. 

So beherrscht der Recorder nun die gespiegelte Aufnahme, 

bei der er identische Dateien auf beiden CompactFlash- 

Karten aufzeichnet. Dies dient nicht nur der Redundanz im 

Falle eines Kartenfehlers, der Nutzer kann sein Tageswerk 

auch jeweils direkt an zwei Teams weitergeben. Take-Be - 

zeich nungen, Löschvorgänge und alle Änderungen an den 

Metadaten werden auf beiden Karten synchron gehalten. 

Zu den weiteren neuen Merkmalen gehören eine optionale 

Anzeige für den Timecode-Generator, Kurzbefehle für das 

schnelle Benennen von Takes am Set, verbesserte Kom pa - 

tibilität von Metadaten für Avid-Nutzer sowie eine Reihe 

neuer Tastenbefehle, die die Bedienung beschleunigen. 

Die neue Firmware steht auf der Tascam-Website zum 

Down load bereit. 

Weitere Informationen: www.tascam.eu 


PRODUKT-NEWS 53 

NEUES KÖNIG & MEYER 

LOGISTIKZENTRUM 

Von Februar bis Oktober dieses Jahres wurde auf dem 

Reinhardshof Wertheim ein neues König-&-Meyer-Logistik - 

zentrum gebaut. Mit dieser Expansion macht König & Meyer 

die größte Investition seit der Errichtung des Werks II 1969. 

Da die Lagerkapazitäten am Hauptstandort in Bestenheid 

an die Grenzen stoßen, entschloss man sich, rund 7000 

neue Palettenplätze zu schaffen. So wird man die ausgezeichnete, 

vom Kunden auch geforderte Warenverfüg bar keit 

sowie Lieferfähigkeit weiterhin sicherstellen. 

Es ist ein großer und wichtiger Schritt in die Zukunft und 

gleichzeitig eine Reminiszenz an die Vergangenheit. Mit dem 

Bau des neuen Logistikzentrums, für das Mitte Februar 

symbolisch der erste Spatenstich gesetzt wurde, kehrt die 

Firma König & Meyer auf den Reinhardshof in Wertheim 

zurück, wo vor nunmehr fast 70 Jahren die Geschichte des 

Unternehmens begann, das sich zu einem weltweit führenden 

Hersteller von Musikzubehör entwickelt hat. 

Man habe sich diesen Schritt lange überlegt und darüber 

diskutiert, sagte Gabriela König. Aber am Hauptstandort seien 

die Lagerkapazitäten an ihre Grenzen gestoßen, so die kaufmännische 

Geschäftsführerin. „Unsere Produkt vielfalt ist in 

den letzten Jahren stark angestiegen und wächst weiter. 

Viele Produkte werden voluminöser, außerdem nehmen die 

individuellen Kundenwünsche weiter zu. Durch eine bessere 

Warenverfügbarkeit werden wir unsere ausgezeichnete, 

vom Kunden aber auch geforderte Lieferfähigkeit weiterhin 

sicherstellen und dadurch den Kundenservice weiter verbessern 

können.“ 

Da sich am Hauptstandort leider keine Möglichkeit ergab, 

weiter zu wachsen, habe man schließlich nach einem alternativen 

Standort in Wertheim für das Lager gesucht und ihn 

gefunden. 

Das neu entstandene Logistikzentrum hat eine Lagerhöhe 

von 7,50 Metern, eine Kapazität von gut 7 000 Paletten - 

plätzen, Büro- und Sozialräume und einen Betriebshof und 

Parkplätze. Nach dem für das Frühjahr 2017 geplanten 

Umzug sollen etwa 25 Beschäftigte aus dem bisherigen Per - 

sonalbestand im neuen Lager arbeiten. Veränderungen soll es 

dann auch im Hauptwerk geben, kündigte Gabriela König an. 

Dort erhalte man mehr Fläche für Prozessan pas sungen in der 

Produktion. „Durch entsprechende Umstruk turierungen können 

wir hier kürzere Wege für die Fertigung und damit einen 

besseren Produktionsfluss erreichen, um weiterhin effizient 

und effektiv zu arbeiten. Denn nur mit qualitativ hochwertigen 

Produkten und gutem Service können wir uns am Markt auch 

zukünftig behaupten. Das dient letztlich auch der Wett be - 

werbsfähigkeit und dem Erhalt der Ar beitsplätze am Standort 

Wertheim“, so die Geschäftsführerin. 

Der Bau des Logistikzentrums ist nach ihren Angaben die 

größte Investition der Firma seit der Errichtung des Werks II 

im Jahr 1969 und werde „weit in die Zukunft des Unter - 

nehmens reichen“. Auf dem ersten Spatenstich baue alles 

auf. „So muss danach das Fundament stimmen, das Ge - 

bäude muss fest im Boden verankert sein, damit es einen 

guten Stand hat. Eben genau wie ein Unternehmen eine 

sichere Basis braucht.“ 

In einem Grußwort würdigte der Oberbürgermeister der großen 

Kreisstadt Wertheim Stefan Mikulicz die Lebens leis tung 

von Martin König, der Anfang Februar seinen 80. Geburts - 

tag feiern konnte und der die Entwicklung von König & Meyer 

aus kleinen Anfängen durch seine Beharrlichkeit entscheidend 

mit vorangetrieben habe. Wie zuvor Gabriela König 

hob Mikulicz die gute Zusammenarbeit zwischen der Firma, 

der Kommunalpolitik und der Verwaltung hervor. Er lobte 

den gezeigten unternehmerischen Mut und den Weitblick 

der Verantwortlichen. 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

Albert Hoppenrath 

Peter Kittler 

Mirko Lo Porto 

Thomas Kittler 

CORDIAL VERSTÄRKT VEETRIEB DURCH VIER NEUE HANDELSVERTRETER 

Gleich vier neue Handelsvertreter verstärken ab September 

2016 die CORDIAL-Präsenz in den Bereichen MI und In - 

dustrie. 

Albert Hoppenrath, studierter Musiker und Ingenieur 

Nach richtentechnik, übernimmt die Vertriebsrepräsentanz 

Deutsch land West. Albert arbeitet zudem nebenberuflich 

als Toningenieur mit Spezialgebiet Orchester/Gala/TV. 

Die Brüder Peter und Thomas Kittler übernehmen die Re prä - 

sentanz Deutschland Süd/Ost. Beide sind studierte Diplom- 

Volkswirte und bereits das ganze Berufsleben über im Pro- 

Audiobereich tätig. 

Im Gebiet Süd/West wird CORDIAL künftig durch den Kom - 

munikationselektroniker Mirko Lo Porto präsentiert. Mirko 

ist seit 1993 in der Veranstaltungstechnik tätig und darüber 

hinaus Inhaber einer eigenen Eventservice-Firma. 

Weitere Informationen: www.cordial.eu 



VON DANIEL VINCENT MULLOWNEY 

DRUMMER WANTED 

A Reference Guide to Prepare Drummers 

for Real-World Gig 

SHURE SE535LTD 

SOUND ISOLATING OHRHÖRER 

ALS SPECIAL EDITION 

Sowohl anspruchsvollen Musikern als auch Musiklieb ha - 

bern ermöglicht der SE535 mit seinen drei High-Definition 

MicroDrivers, bestehend aus einem Hochtöner und zwei 

Tieftönern, ein räumliches, lebendiges Klang er lebnis. Die 

Limited Edition SE535LTD bietet zudem eine erweiterte 

Feinzeichnung der hohen Frequenzen. 

Achieve versatility. Become more marketable. Get realworld 

gigs. Drummer Wanted is a styles book and playalong 

that provides intermediate to advanced drummers 

with a foundation necessary to play a multitude of gigs: 

Broadway, West End, Vegas, cruise ships, theme parks, studio, 

television, casinos, resorts, and theatre. Loaded with 

84 stylistic beats and 29 tailored play-along charts, this 

book opens the door to real-life drumming skills and provides 

the tools essential in succeeding as a working drummer. 

Der Shure SE535 Sound Isolating Ohrhörer bekommt eine 

spezielle Sonderedition zur Seite gestellt. Während das 

bekannte SE535-Modell sich vor allem durch einen räumlichen 

Klang mit sattem Bass auszeichnet, liefert die limitierte 

SE535LTD Special Edition darüber hinaus eine verbesserte 

Abbildung der hohen Frequenzen. Auch optisch ist der 

SE535LTD dank seiner auffälligen, roten Farbgebung ein 

echtes Highlight. Die Länge des abnehmbaren Kabels be - 

trägt 116 cm, perfekt für den mobilen Musikgenuss. 

Der Shure SE535LTD wird mit einer großen Auswahl an 

Zubehör geliefert, darunter mehrere Ohrpassstücke in verschiedenen 

Größen für die Reduzierung von Umge bungs - 

geräuschen um bis zu 37 dB. Das ergonomisch geformte 

Gehäuse, das am Ohr formstabile Kabel und die große Aus - 

wahl an Ohrpassstücken garantieren einen sicheren, angenehmen 

Sitz. Die Kabel sind per Bajonett-Clip mit dem Ohr - 

hörer verbunden, können dabei aber leicht abgenommen 

und bei Bedarf ausgetauscht werden. 

Die limitierte Sonderedition SE535LTD ist ab sofort im autorisierten 

Fachhandel verfügbar. 

Weitere Informationen: www.shure.de 

Stilistische Vielseitigkeit erreichen, um sich besser als 

Drummer vermarkten und weltweit gebucht werden zu 

können, ist das Thema von „Drummer Wanted“. Es wendet 

sich an fortgeschrittene Drummer, die sich darauf vorbereiten 

wollen, am Broadway, West End, Vegas, auf Kreuz fahrt - 

schiffen, in Themenparks, im Studio, Fernsehen, in Casinos, 

Resorts und am Theater spielen zu können. Angelegt als 

„Style Book“ mit dazugehörigen Play-alongs auf der beiliegenden 

CD bietet diese englischsprachige Alfred-Publi - 

kation eine breite Palette an Drum-Stilistiken. Ausgestattet 

mit 84 stilistischen Beats und 29 zugeschnittenen Playalongs, 

öffnet es das Tor zu den „real-life“-Anforderungen 

an Drummer und stellt die grundlegenden Werkzeuge zur 

Verfügung, die ein Drummer benötigt, der von seiner Kunst 

leben möchte. 

DRUMMER WANTED 

Buch & CD | 230 x 305 mm 

ISBN 978-1-4706-1674-8 | Art.-Nr.: 42882 

80 Seiten | 23,95 Euro 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de 

VON JIM RILEY 

SURVIVAL GUIDE FOR 

THE MODERN DRUMMER 

A Crash Course 

in All Musical Styles for Drumset 

Jim Riley, einer der gefragtesten Drummer in Nashville, bietet 

in seinem neuesten Werk „Survival Guide for the Modern 

Drummer“ jedem Drummer zahlreiche Tools, mit denen 

Ein steiger, Fortgeschrittene oder Profis ihre stilistischen 

Kenntnisse erweitern können. Von Pop bis Country, Metal 

bis Jazz, Latin bis Motown hat Jim dieses Buch mit seinen 

beachtlichen Bühnen- und Studioerfahrungen vollgepackt. 

Die beiden MP3-CDs enthalten u.a. 124 Play-along-Tracks, 

eingespielt von Spezialisten jedes Genres, sowie 318 Drum 

Grooves. Wer sein Spiel auf das nächste Level bringen möchte, 

der ist mit „Survival Guide for the Modern Drummer“, 

dem Guide für den Dschungel durch das Musikbusiness, in 

jeglicher musikalischen Gig-Situation gut beraten. 

Buch & 2 CDs | 80 Seiten | 230 x 305 mm | ISBN 978-0-692-28408-7 | Art.-Nr.: 98-0692284087 | 29,95 Euro 

Weitere Informationen: www.alfredmusic.de 



PERFEKTER KLANG ZUM FEST: 

SENNHEISERS WIRELESS-KOPFHÖRER SIND DAS 

IDEALE GESCHENK FÜR MUSIKLIEBHABER 

Die Weihnachtszeit steht vor der Tür – und 

damit beginnt wie in jedem Jahr auch die 

Suche nach passenden Geschenken. Mit 

einer Auswahl an ausgezeichneten Wireless- 

Kopfhörern bietet Audiospezialist Sennheiser 

das perfekte Weihnachtsgeschenk für an - 

spruchsvolle Musikliebhaber und Technik- 

Fans. 

Immer mehr Menschen schätzen die Frei - 

heit kabelloser Kopfhörer. Vom Reise kopf - 

hörer mit ausgezeichneter Geräusch unter - 

drückung bis hin zum Lifestyle-Hörer im 

edlen Design – Sennheiser bietet für jeden 

Anspruch den perfekten Wireless-Kopf hörer, 

der für Begeisterung unter dem Weihnachts - 

baum sorgen wird. 

PXC 550 WIRELESS: 

DIE PERFEKTE WAHL FÜR BUSINESS- 

REISENDE 

Musikliebhaber, die viel unterwegs sind, werden 

über dieses Upgrade in die First Class 

der Audiowelt begeistert sein: Der brandneue 

Sennheiser PXC 550 Wireless wurde 

als smarter Reisebegleiter für anspruchsvolle 

Reisende entwickelt. Der leichtgewichtige, 

kabel lose Kopfhörer liefert Sennheisers aus - 

gezeichnete Soundqualität und ist mit der 

adaptiven Geräuschunterdrückung Noise - 

GardTM Hybrid ausgestattet. Die Akku lauf - 

zeit von bis zu 30 Stunden reicht aus, um 

einmal die Welt zu umfliegen. 

Der aus hochwertigen Materialien gefertigte 

und flach zusammenfaltbare Reise kopf - 

hörer ist nicht nur schick, sondern auch 

smart: Der PXC 550 Wireless erlaubt müheloses 

NFC-Pairing und verwendet apt-X® 

für eine qualitativ hochwertige Bluetooth- 

Audioübertragung mit unverfälschtem Klang. 

Ein Touch-Panel an der Ohrmuschel, mit dem 

sich der Kopfhörer intuitiv steuern lässt, und 

Sprachmeldungen, die beispielsweise den 

Ladezustand des Akkus angeben, machen 

den kabellosen Kopfhörer besonders einfach 

zu bedienen. Zudem kann der PXC 550 

Wireless Musik und Anrufe automatisch 

pausieren, sobald der Kopfhörer abgesetzt 

wird. Mit Sennheisers CapTune App lässt 

sich das Hörerlebnis dabei an die individuellen 

Vorlieben anpassen. 

MOMENTUM WIRELESS UND MOMENTUM 

ON-EAR WIRELESS: 

KOMPROMISSLOS GUTER SOUND, 

MINIMALISTISCHES DESIGN UND EDLE 

MATERIALIEN 

Soll es für Puristen ein Geschenk mit zeitlosem 

Design sein, dann sollte ein Modell der 

MOMENTUM-Reihe unter dem Weihnachts - 

baum liegen. Die Modelle MOMENTUM 

Wireless und MOMENTUM On-Ear Wireless 

vereinen kompromisslose Klangqualität, 

minimalistischen Stil und luxuriöse, hoch- 

wertige Materialien mit innovativer Wireless- 

Technologie. Edle, leichtgewichtige Edelstahl - 

bügel sorgen für einen puristischen Look. 

Großartigen Tragekomfort bieten die weichen 

Ohrpolster, die für den MOMENTUM Wireless 

aus feinem Leder und für den MOMENTUM 

On-Ear Wireless aus geschmeidigem Alcan - 

tara® gefertigt werden. 

Die kabellosen MOMENTUM-Modelle nutzen 

NFC-Technologie für bequemes Pairing und 

apt-X® für eine Bluetooth-Audioübertra - 

gung, die den einzigartigen MOMENTUM- 

Sound unverfälscht wiedergibt – detailreich, 

klar und mit dezenter Bassbetonung. 

Sowohl der MOMENTUM Wireless als auch 

der ohraufliegende MOMENTUM On-Ear 

Wire less ist mit der aktiven Geräusch un ter - 

drückung NoiseGard ausgestattet, die 

Um gebungsgeräusche zuverlässig herausfiltert 

und selbst in lauten Umgebungen per - 

fekten Hörgenuss garantiert. Das macht die 

MOMENTUM-Kopfhörer zu einem Geschenk, 

das sowohl zu Hause als auch unterwegs 

für viel Freude sorgen wird. 

Weitere Infos: www.sennheiser.com 

THOMAS WAETKE – RECHTSANWALT IM EVENTRECHT 

MIKE SABOKAT – SHOP FÜR EVENTBEDARF 

CHRISTIAN RAITH – SPEZIALVERSICHERUNGSMAKLER FÜR EVENTS 

ROADSHOW 

EVENTS – SICHER ANDERS 

Unter dem Motto „Events – sicher anders“ veranstaltete Eberhard, Raith & Partner GmbH gemeinsam mit allbuyone 

GmbH und Schutt, Waetke Rechtsanwälte eine Roadshow zum Thema Veranstaltungssicherheit etc. für Berufs - 

schüler und eingefleischte Kenner der Entertainment- und Eventbranche. 

Sie sind die handelnden Akteure und seit vielen Jahren in der Szene 

bekannt. Wie wichtig die Spezialisierungen und deren richtige Ver - 

net zung für eine erfolgreiche Veranstaltung sind, haben die Veran - 

stalter schon früh erkannt und sich entschlossen, eine Reihe von 

Aktionstagen in ganz Deutschland zu veranstalten – aber eben nicht 

nur mit langweiligen Monologen, wie man sie bei Veranstaltungen an 

jeder Ecke bekommt, sondern mit praktischen Elementen, wobei 

durchaus auch einmal etwas in Flammen aufgehen kann ... 

Immer steht jedoch das Thema Sicherheit im Vordergrund. 

Die Veranstalter beleuchteten die rechtlichen Aspekte und deren Ab - 

sicherungsmöglichkeiten und zeigten auf, dass das richtige Equipment 

auch zur Sicherheit bei Veranstaltungen beitragen kann. 

Weitere Infos unter: facebook.com/EventsSicherAnders 



2525H MINI JUBILEE – 

20-WATT-VOLLRÖHREN-TOPTEIL 

• Silver-Jubilee-Preamp-Funktion und -Sound 

• Ausgangsleistungs-Umschaltung 20 W auf 5 W 

• Effekt-Loop 

• ECC83- und EL34-Röhrensatz 

• 4-/8-/16-Ohm-Boxenausgänge 

• Fußschalter für Kanalumschaltung inklusive 

• Made in England 

2525H MINI JUBILEE / SPEZIFIKATIONEN 

• Modell 2525H Mini Jubilee 

• 20 Watt RMS Ausgangsleistung 

• Vollröhrentechnik 

• 2 fußschaltbare Kanäle - Rhythm und Lead 

• Elektronik 

• High/Low Output (Pentode-/Triode-Umschaltung der End - 

stufe von 20 Watt auf 5 Watt) 

• Presence-, Bass-, Middle-, Treble-Regler 

MINI JUBILEE 

TOPTEIL UND COMBO 

Die JCM25/50 „Silver Jubilee“-Serie wurde 1987 aufgelegt, 

um 25 Jahre MARSHALL Amplification und 50 Jahre 

Jim Marshall erfolgreich im Musikbusiness zu feiern. 

Im letzten Jahr haben wir die Neuauflage dieses Klassikers 

vorgestellt. Inspiriert von diesem gefeierten Verstärker kom - 

binieren das neue 2525H „Small Box“-Topteil und der 2525C 

1x12’’-Combo die Silver-Jubilee-Preamp-Charakteristik und 

die besondere Optik mit niedrigerer Lautstärke – nicht nur 

für das Wohnzimmer. 

2525C MINI JUBILEE – 20-WATT-VOLLRÖHREN-COMBO 

• Klassische Silver-Jubilee-Preamp-Funktion und -Sound 

• Ausgangsleistungs-Umschaltung 20 W auf 5 W 

• Effekt-Loop 

• ECC83- und EL34-Röhrensatz 

• 4-/8-/16-Ohm-Boxenausgänge 

• Fußschalter für Kanalumschaltung inklusive 

• Made in England 

2525C MINI JUBILEE / SPEZIFIKATIONEN 

• 2 fußschaltbare Kanäle - Rhythm und Lead 

• High/Low Output (Pentode-/Triode-Umschaltung der End - 

stufe von 20 Watt auf 5 Watt) 

• Presence-, Bass-, Middle-, Treble-Regler 

• Output-Master-Regler (die Pull-Channel-Funktion => 

dient der Kanalumschaltung) 

• Lead Master (regelt die Lautstärke des Lead-Kanals) 

• Schaltbares Input Gain (Pull Rhythm Clip => Poti mit Pull- 

Funktion für die Vorwahl eines satteren Crunch-Pegels) 

• Serieller Effektweg 

• DI Output zum Anschluss an die PA oder für Recording 

• 4-, 8- & 16-Ohm-Lautsprecheranschlüsse 

• Lautsprecher: Celestion G12M-25 

• Röhren: Vorstufenröhren: 3 x ECC83; Endstufenröhren: 

2 x EL34 

• Inklusive Fußschalter für die Kanalumschaltung (PEDL- 

90003) 

• Abmessungen in mm: (B x H x T) 490 x 475 x 280 

• Silber Vinyl und silberne Frontplatte 

• Gewicht: 19 kg 

Weitere Informationen: www.marshallamps.de 

www.musik-meyer.de 

• Output-Master-Regler (die Pull-Channel-Funktion => 

dient der Kanalumschaltung) 

• Lead Master (regelt die Lautstärke des Lead-Kanals) 

• Schaltbares Input Gain (Pull Rhythm Clip => Poti mit 

Pull-Funktion für die Vorwahl eines satteren Crunch- 

Pegels) 

• Serieller Effektweg 

• DI Output zum Anschluss an die PA oder für Recording 

• 4-, 8- & 16-Ohm-Lautsprecheranschlüsse 

• Röhren: Vorstufenröhren: 3 x ECC83; Endstufenröhren: 

2 x EL34 

• Inklusive Fußschalter für die Kanalumschaltung (PEDL- 

90003) 

• Abmessungen in mm: (B x H x T) 510 x 232 x 220 

• Gewicht: 10 kg 



IMMANUEL BROCKHAUS 

DER KEYBOARDPROFI 

Von Pop bis Jazz mit Piano und elektronischen 

Tasteninstrumenten 

Technik, theoretische Grundlagen, 

Voicings, Begleitung, 

Harmonisation und Reharmonisation, 

Improvisation, stiltypische Grooves, 

Sound- und Spieltipps, 

Tipps für live und Studio, Equipment-Tipps, 

Play-alongs, Hörbeispiele und Midi-Files, 

Hörtipps, Bonusmaterial, 2 CDs 

ISBN 978-3-89775-160-6, 39,80 Euro 

224 Seiten mit 2 CDs 

Die CDs enthalten folgendes Material: 

CD 1 (enhanced CD) Hörbeispiele Track 1-57. 

Daten Teil: 1.) Midi Files 1 - 25, 2.) PDF-Dateien 

CD 2 Play Alongs 1-26 

Weitere Informationen: www.leu-verlag.de 

Dieses Buch behandelt in der überarbeiteten 2. Auflage die 

wichtigsten Grundlagen, um sich als Pianist und Key boar - 

der in vielfältigen musikalischen Situationen professionell 

zu bewegen. Besonders berücksichtigt werden dabei die 

stiltypischen Spielweisen, auch auf den gerade so populären 

Instrumenten wie Rhodes, Clavinet oder Synthesizer. 

Mit den beiliegenden Play-alongs und lebendigen Hör bei - 

spielen gibt es die Möglichkeit, jede Übung im Tempo zu 

ver tiefen und zu festigen. Das zusätzliche Bonusmaterial 

eröffnet weitere Themenfelder rund um die Spielpraxis. Alle 

Beispiele liegen als Audiodateien und als MIDI-Files vor. Die 

Midi-Files entsprechen exakt der Notenvorlage und können 

ebenfalls zu Übungszwecken verwendet werden. 

Die MIDI-Files geben die Möglichkeit, die einzelnen Stimmen 

in ein Notensatz-Programm zu importieren und dort zu 

transponieren oder zu bearbeiten. Sie können auch in ein 

Sequenzer-Programm importiert werden. Meist muss man 

Anpassungen vornehmen und die richtigen Klänge einstellen, 

dann wird’s ein flexibles Play-along. Man kann die 

Midi-Files auch direkt in eine iTunes-Bibliothek importieren. 

IMMANUEL BROCKHAUS ist Keyboarder, Komponist, Päda - 

goge und Wissenschaftler im Bereich Sound Studies. Er 

absolvierte ein Jazzstudium in Bern. Von 1989 bis 1993 

war er als Dozent an der Musikhochschule und an der Jazz 

& Rock Schule Freiburg im Breisgau tätig. Seit 1991 arbeitet 

er als Dozent in verschiedenen Bereichen der Hoch schule 

der Künste Bern, HKB. Mitwirkung in unzähligen Live- und 

Studioprojekten in Deutschland und der Schweiz. Nebenbei 

komponierte er Theatermusik in Warschau, Stockholm und 

Bern. 2001 Aufbau des Studiengangs Musik und Medien - 

kunst. Seit 2003 ist er Leiter der Master of Advanced Studies 

in Pop & Rock an der HKB Bern. 

Die passenden Spielstücke zu diesem Buch bietet die BAND- 

BUCH-Serie (29,80 Euro je Band) von Immanuel Brockhaus: 

FUNK – ISBN 978-3-89775-120-0 

HOUSE & DISCO – ISBN 978-3-89775-121-7 

ACID – ISBN 978-3-89775-122-4 

Je 212 Seiten mit Partitur, Einzelstimmen, Leadsheets in C, 

Bb, Eb, Rhythm Section, Vokal Hook, Background und Per - 

cussion. CD Audio, live eingespielt plus Midi-Files. 

MUSIC STORE verlost 2 x 2 Kombitickets für Freitag und 

Samstag! Schreibt einfach eine E-Mail mit dem Betreff 

„Ruhrpott Metal Meeting“ an gewinnspiel@musicstore.de 

und mit etwas Glück könnt ihr schon bald in erster Reihe 

mitbangen! 

Tagesticket Freitag: 38,50 Euro 

Tagesticket Samstag: 49,50 Euro 

Kombiticket Freitag + Samstag: 75,90 Euro 

DAS KOMPLETTE LINE-UP 

FREITAG – 02.12.2016 – RUHRPOTT STAGE 

ICED EARTH, ENSIFERUM, KATAKLYSM, UNEARTH, IZEGRIM, 

NAILED TO OBSCURITY 

HART, HÄRTER, RUHRPOTT METAL MEETING! 

MUSIC STORE präsentiert das härteste Festival Deutsch lands Zusätzlich kommen auf der FLÖZ Stage lokale Bands zum 

– das Ruhrpott Metal Meeting am 02. und 03.12.2016 in Zug. Hier geht es mit Rage meets Refuge, Darkness, Words 

der Turbinenhalle Oberhausen! 

of Farewell und anderen ordentlich zur Sache! 

Bei diesem Line-Up wird jeder noch so harte Metal-Fan weich: Tickets sind ab sofort auf der Internetseite des Ruhrpott 

Freut euch auf Blind Guardian, Iced Earth, Saxon, Ensiferum, Metal Meeting und bei den bekannten Vorverkaufsstellen 

Kataklysm, Legion of the Damned und viele weitere! erhältlich. 

SAMSTAG – 03.12.2016 – RUHRPOTT STAGE 

BLIND GUARDIAN, SAXON, LEGION OF THE DAMNED, 

DESASTER, BLIKSEM, SISTER 

SAMSTAG - 03.12.2016 – FLÖZ STAGE 

RAGE/REFUGE, DARKNESS, WORDS OF FAREWELL, 

TEUTONIC SLAUGHTER, DELIRIOUS, HOPELEZZ 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 



HEISSE ÄXTE 

EIN ÜBERBLICK ÜBER HEAVY-GITARREN 

Die Geschichte der Heavy-Gitarren startet 

1958 mit einem Versuch Gibsons, mit Ex - 

plorer und Flying V von den traditionellen 

Korpusformen abzuweichen und den eigenen 

Gitarren einen etwas modernen Touch 

zu verleihen. Zielgruppe waren damals eigentlich 

die Jazz-Gitarristen, und wie wir wissen, 

ging dieses Experiment relativ unspektakulär 

in die Hose. Die Produktion wurde schnell 

wieder eingestellt und erst Ende der 1960er- 

Jahre mit der Flying V und Mitte der 1970er 

mit der Explorer wieder aufgenommen. 

Grund dafür war, dass einige Hardrock- 

Gitarristen die Gitarren mit den zackigen 

Formen für sich entdeckt hatten. Diese beiden 

Modelle kann man ganz klar als die Ur - 

typen der Heavy-Gitarren bezeichnen, die 

folgerichtig auch bald von anderen Her stel - 

lern kopiert bzw. in leicht abgewandelter 

Form auf den Markt gebracht wurden. So 

orientierte sich zum Beispiel das Randy- 

Rhoads-Modell von Jackson eindeutig an 

der Flying V, lediglich ein „Flügel“ wurde 

gekürzt. Die Ibanez Iceman, lange Zeit die 

Hauptgitarre von Paul Stanley (Kiss), ist stark 

von der Korpusform der Explorer beeinflusst. 

In den 1980er-Jahren traten dann mit dem 

Metal-Boom immer mehr Hersteller auf den 

Plan, die sich in besonderem Maße diesem 

Gitarren-Genre widmeten: Charvel/Jackson, 

Dean, ESP, Kramer, Hamer oder BC Rich. 

Heavy-Gitarren unterscheiden sich von 

„normalen“ Instrumenten wie Stratocaster 

oder Les Paul einerseits durch ihr extravagantes 

Korpus-Design, aber in den meisten 

Fällen sind sie auch mit leistungsstarken 

Hum bucker-Pickups bestückt, um dem Amp 

noch die letzte Portion Verzerrung zu entlocken. 

In den 1980er-Jahren war ein Floyd- 

Rose-Tremolosystem extrem angesagt, das 

heute jedoch wieder etwas in den Hinter - 

grund gerückt ist. Mittlerweile wird sehr 

gerne und oft mit unterschiedlichen Down - 

tunings experimentiert, wofür dieses System 

nicht unbedingt geeignet ist. Mit dem Nu- 

Metal-Style Mitte der 1990er wurden die 

Gitarren vermehrt tiefer gestimmt und 7- 

saitige Instrumente mit tiefer B-Saite waren 

die logische Entwicklung. Ein erstes Serien - 

modell war die Universe von Ibanez, ein 

Instrument, das von Steve Vai mitentwickelt 

wurde. Mittlerweile sind achtsaitige Gitarren 

keine Besonderheit mehr, hier gibt es im 

Vergleich zum sechssaitigen Standard eine 

tiefere und eine höhere Saite mehr – die 

Allzweckwaffe für tiefes Riffing und hohe 

Soloparts. 

Das Feld der Heavy-Gitarren ist inzwischen 

recht breit aufgestellt und Hersteller wie 

Dean, ESP, Ibanez, Jackson oder Schecter 

gehören zu den beliebtesten Marken. 

GITARRISTEN & 

GITARREN 

Natürlich orientiert man sich gerne an seinen 

Helden, wenn es um die Wahl des eigenen 

Instrumentes geht. Viele bekannte 

Gitarristen im Heavy-Bereich arbeiten mit 

Herstellern zusammen, die ihnen ein Sig na - 

ture-Modell nach ihren Bedürfnissen anfertigen, 

das dann in der Regel auch in Serie 

gefertigt wird. Hier eine kleine Auswahl di - 

verser Gitarristen aus dem Heavy-Rock-Be - 

reich mit ihren bevorzugten Instru menten: 

JAMES HETFIELD (METALLICA): Hetfield 

spielt ESP und hat mehrere Signature-Mo - 

delle am Start (Iron Cross, Snakebyte, Truck - 

ster). Die Gitarren sind mit aktiven EMG- 

Pickups bestückt und ohne Tremolosystem 

– für seine Riffs benutzt Hetfield bomben - 

feste Tune-O-Matic Bridges mit Stop Tail piece. 

TONY IOMMI (BLACK SABBATH): Tony Iommi 

spielt überwiegend SG-Modelle von Gibson. 

Daher hat der Hersteller ihm eine SG Sig - 

nature mit 24 Bünden und Custom-Hum - 

bucker auf den Leib geschneidert, wobei die 

Pickups auch separat erhältlich sind. Die 

Gi tarre haben wir auch als preisgünstige 

Va riante von Epiphone. 

DIMEBAG DARRELL (PANTERA, DAMAGE - 

PLAN): Der leider viel zu früh verstorbene 

Gitarrist hat eine enge Verbindung zu Dean 

Guitars, einem Hersteller, der mittlerweile ver - 

schiedene Instrumente unter seinem Namen 

veröffentlicht hat. Die bevorzugte Korpus - 

form ist eine Kreuzung aus Explorer und 

Flying V und meist mit zwei Humbucker- 

Pickups bestückt. Darrell hat auf seinen 

Gitarren sehr häufig ein Floyd-Rose-Tre mo - 

los ystem installiert. 

JEFF LOOMIS 

(NEVERMORE, ARCH ENEMY): Jeff Loomis 

ist mit Schecter-Gi tar ren unterwegs. Das 

Hauptmodell ist seine Signature mit Strat- 

Style-Korpus, die als Sechs- oder Sieben - 

saiter erhältlich ist. Loomis bevorzugt 

Seymour Duncan Hum bucker und hat seine 

Gitarren entweder mit Floyd-Rose-Tremolo 

oder mit einer festen Brücke ausgestattet. 

Die Pickups sind auch als Set von Seymour 

Duncan einzeln erhältlich. 

SCOTT IAN (ANTHRAX): Scott Ian spielt seit 

langer Zeit Gitarren aus dem Hause Jackson. 

Seine Signature-Instrumente sind Soloist 

oder King-V-Modelle. Hierbei gibt es unterschiedliche 

Bestückungen – die Soloist wahl - 

weise mit zwei Humbuckern und Floyd Rose 

oder in einer abgespeckten Version mit einem 

Humbucker und fester Brücke. Ganz neu ist 

aktuell ein King-V-Modell mit zwei Hum - 

buckern erschienen und wahlweise mit oder 

ohne Floyd-Rose-Tremolo. Die Signature- 

Gitarren sind in der preisgünstigen X- oder 

in der USA-Serie erhältlich, für die man 

allerdings sehr tief in den Geldbeutel greifen 

muss. 

FREDRIK THORDENDAL/ 

MARTEN HAGSTROM (MESHUGGAH): Die 

beiden Meshuggah-Gitarristen benutzen 

Werk zeuge aus dem Hause Ibanez, wobei 

der Hersteller zwei Meshuggah-Signature- 

Modelle anbietet, beides Achtsaiter-Gitarren 

in schwarzem Finish und mit Double-Cut - 

away-Korpus. Bestückt sind die Instrumente 

mit einem Lundgren M8P Pickup (passiv) 

und einem Edge-III-8-Tremolosystem. Eine 

weitere Besonderheit ist der sehr lange 

Hals mit einer Mensur von 749 mm. Das ist 

auch nötig, denn die Saiten werden weit 



heruntergestimmt, tiefster Ton ist das F1, 

also fast eine Oktave tiefer als eine normale 

Gitarre. 

TOSIN ABASI (ANIMALS AS LEADERS): Tosin 

Abasi ist mittlerweile ebenfalls überwiegend 

mit acht Metalldrähten unterwegs. Ibanez hat 

zwei Signature-Modelle (TAM-100, TAM-10) 

nach seinen Wünschen angefertigt. Die Gi - 

tarren haben HSH (Humbucker-Single Coil- 

Humbucker) Pickup-Bestückungen von 

DiMarzio und eine etwas längere Mensur 

von 686 mm, denn die tiefste Saite wird nach 

E1 hinuntergestimmt, eine Oktave tiefer als 

eine Standard-Gitarre. Daher ist bei Animals 

As Leaders auch kein Bassist auf der Bühne. 

WAS IST WICHTIG BEI 

EINER HEAVY-GITARRE? 

KORPUS/HOLZ: Die Form ist natürlich in 

erster Linie Geschmackssache. Beim Korpus - 

holz gibt es unterschiedliche Ansätze und 

auch keine eindeutige Richtung, die Ge sch - 

mäcker sind eben verschieden. Tradi tio nell ist 

Mahagoni eine gute Wahl, das vor allem durch 

ein ausgezeichnetes Sustain ver halten und 

einen weicheren Ton besticht, der sich gut mit 

aggressiv klingenden Pick ups kombinieren 

lässt. Linde ist bei Heavy-Gitarren ebenfalls 

sehr beliebt; dieses Holz bringt zwar nicht so 

viel Sustain, aber einen sehr knackigen, 

anschlagsbetonten Sound, der bei schnellem 

Riffing für Klarheit sorgen kann. 

HALS/BÜNDE: Beim Hals ist überwiegend 

Ahorn oder Mahagoni im Einsatz und das 

Griffbrett besteht primär aus Palisander. 

Während diese Bauweise grundsätzlich dem 

Standard entspricht, ist das Profil der Hälse 

ein auffälliges Merkmal, denn diese sind in 

der Regel eher schlank und das Griffbrett 

hat eine geringere Wölbung. Die Saitenlage 

sollte auch recht flach sein, um schnelles 

Spiel zu begünstigen. Bei den Bünden sind 

Medium-Jumbo oder Jumbo-Ausfertigun gen 

erste Wahl, vor allem die massiven Jumbo- 

Bünde sind für Bendings sehr gut geeignet, 

weil man weniger Reibungsfläche am Griff - 

brett hat. Ritchie Blackmore oder Yngwie 

Malmsteen haben aus diesem Grund bei 

ihren Instrumenten das Griffbrett zwischen 

den Bünden zusätzlich aushöhlen lassen 

(Scalloped Fretboard). Die Anzahl der Bünde 

ist auch eine wichtige Sache, denn wer in 

hohen Gefilden solieren möchte, der sollte 

sich auf jeden Fall ein Instrument mit 24 Bün - 

den zulegen. 

TREMOLO ODER FESTE BRÜCKE? Die 

Frage ist eigentlich schnell beantwortet: Wenn 

ihr mit verschiedenen Downtunings arbeitet, 

wird ein frei schwebendes Tremolo keinen Spaß 

machen, denn bei diesem System verstimmen 

sich auch die Nachbarsaiten, sobald man eine 

Saite umstimmt. Die Saitenspan nung wird üblicherweise 

von den Tremolofedern aus geglichen, 

und sobald nur ein Element verändert wird, 

geht die komplette Stimmung aus dem Leim. 

Also mal eben von Standard-Tuning auf Drop D 

stimmen geht nicht so einfach wie mit einer 

fest eingestellten Bridge. Ein fester Steg ist für 

wechselnde Downtunings die einzig richtige 

Wahl. Wer aber auf Dive Bombs und harte 

Tremolo-Aktionen steht, der sollte mit einem 

stimmstabilen Tremolosystem arbeiten, eine 

Aufgabe, die auf vielen Gitarren einem Floyd- 

Rose-System überlassen wird. Bei ihm werden 

die Saiten am Sattel festgeklemmt und können 

mit den Feinstimmern an der Bridge ge stimmt 

werden. Die nahezu fehlende Rei bung erl aubt 

verstimmungsfrei auch extreme Tremolo arm- 

Bewegungen. Oftmals wird das Floyd Rose am 

Korpus unterfräst, um auch ordentlich nach 

oben „tremolieren“ zu können. Ein weiterer 

Knackpunkt ist die Auflagefläche, die bei der 

Brücke für die rechte Hand beim wichtigen 

Palm-Mute-Spiel zur Verfügung steht. Hier muss 

jeder selbst ausprobieren, denn eini gen Gitar - 

risten sind die Feinstimmer des Floyd Rose bei 

sie Technik im Weg. Wer es mag, seine Spiel - 

hand auch noch recht fest auf zulegen, wird 

zudem Probleme mit einem frei schwebenden 

Tremolo haben, denn durch den Druck des 

Hand ballens wird die Bridge bewegt und die 

Stimmung geht nach oben. Kerry King bevorzugt 

beim Tremolo aus diesem Grund das 

Kahler-System, weil das etwas unempfindlicher 

beim Palm-Mute-Spiel mit fester Hand auf lage 

ist. 

PICKUPS: Die Tonabnehmer sollten auf jeden 

Fall eine amtliche Ausgangsleistung mitbringen, 

denn es wird überwiegend mit hohem Zerr - 

grad gespielt und der wird besonders gut mit 

ordentlich Dampf von den Pickups erzeugt, weil 

diese die Vorstufe des Amps bzw. das Distortion- 

Pedal erst richtig in die Übersteuerung treiben. 

Aktive Pickups haben sich hier vielfach etabliert, 

weil sie außerdem den Vorteil mitbringen, recht 

unempfindlich gegenüber Nebengeräuschen zu 

sein. Die beliebtesten Hersteller im Heavy-Be - 

reich sind DiMarzio, EMG und Seymour Duncan. 

Alle Heavy-Gitarren erhältlich bei Thomann: 

www.thomann.de 

Text: MEON 

Textquelle: www.thomann.de/blog/de 

SHURE 

DRAHTLOSSYSTEME 

IM THALIA THEATER 

HAMBURG 

Reibungsloser Ablauf auf 

der Bühne und 

hinter den Kulissen 

SHURE ULX-D UND QLX-D LIEFERN DIGITALEN 

KOMFORT FÜR DEN BÜHNENKOMPLEX 

Das Hamburger Thalia Theater gehört zu den 

drei Staatstheatern der Hansestadt und bietet 

seinen Besuchern neben dem Großen 

Haus in der Hamburger Altstadt auch das 

dazugehörige „Thalia in der Gaußstraße“ im 

Stadtteil Altona. Hier findet seit der Eröff nung 

im Jahr 2000 auf insgesamt drei Bühnen 

(Studiobühne, Garage, Ballsaal, vier Probe - 

büh nen) sowohl modernes als auch experimentelles 

Theater statt, begleitet von gelegentlichen 

Lesungen und Konzerten. Zudem 

beherbergt das Thalia in der Gaußstraße zwei 

Probebühnen für das Ensemble des „großen“ 

Thalia Theaters. Für die qualitativ hochwertige 

und vor allem zuverlässige Funk über tra - 

gung der vielfältigen Aufführungen und Ver - 

anstaltungen setzt die Tonabteilung des Thalia 

bereits seit Mitte 2015 auf eine Kom bination 

der digitalen Shure-Drahtlossys teme ULX-D 

und QLX-D und hat bislang nur positive Er - 

fahrungen damit gemacht. 

ÜBERZEUGENDES SYSTEM 

„Wir mussten ein System finden, das für 

sämtliche Bühnen und Räume hier in diesem 

Komplex funktioniert und das sich je 

nach Produktionsgröße bei Bedarf gegenseitig 

ergänzen kann“, erläutert Ullrich 

Hübener, Leiter der Tonabteilung im Thalia 

Theater. Neben diesen Vorgaben spielte na - 

türlich auch die Digitale Dividende eine entscheidende 

Rolle bei der Auswahl. „Nach- 

dem wir die ersten Warnungen zu Stör - 

sendern in der Umgebung erhielten und 

auch der erste LTE-Mast auf Sendung ging, 

mussten wir etwas tun“, so Hübener weiter. 

„In Zusammenarbeit mit der Hamburger 

Firma Zeigermann_Audio hatten wir dann 

mehrere Teststellungen unterschiedlicher 

Her steller hier im Haus und die Kombination 

aus QLX-D und ULX-D hat uns einfach 

überzeugt.” Insgesamt verteilen sich die di - 

gi talen Shure-Funkstrecken auf zehn Kanäle 

ULX-D für die Studiobühne, jeweils vier Ka - 

näle QLX-D für die Garage und den Ballsaal 

sowie 16 QLX-D-Kanäle für die beiden 

Probebühnen. 

Maßgeschneidert in mobile Racks eingebaut 

wurde das Shure-Drahtlossystem von 

Zeigermann_Audio unter der Leitung von 

Geschäftsführer Volker Zeigermann, mit 

dem das Thalia Theater seit dem Jahr 2014 

eng zusammenarbeitet. „Diese Partner schaft 

ist für uns ein Glücksfall, denn im laufenden 

Vorstellungsbetrieb ist ein kompetenter und 

zuverlässiger Service vor Ort sehr wichtig”, 

erklärt Ullrich Hübener. 

Insbesondere bei mehreren Bühnen und 

Funk setups, die teilweise auch parallel spielen, 

ist eine lückenlose Konfiguration und 

Überwachung von Frequenzen und Mikro - 

fonsetups ein wesentlicher Faktor für ein 

reibungslos funktionierendes System. Hierfür 

arbeitet die Tonabteilung des Thalia Theaters 

in der Gaußstraße mit der Shure Wireless 

Workbench. 

Von Beginn an arbeitete die Tonabteilung 

zudem mit den SB900 Lithium-Ionen Akku - 

packs für die QLX-D- und ULX-D-Sender 

und zeigt sich mit dieser Investition höchst 

zu frieden: „Seitdem müssen wir uns keine 

Ge danken mehr um Akkulaufzeiten machen. 

Ob bei den Proben oder den Abendvor stel - 

lungen – wir machen die Sender morgens 

an und spät abends wieder aus – und es 

läuft. Auch die unkomplizierte Synchro nisie - 

rung von Sender und Empfänger via Infrarot 

zählt für die Thalia-Tonabteilung zu den 

großen Vorteilen in der täglichen Praxis: die 

Einheiten sind verbunden. Einfacher geht’s 

nicht, “ so Rothstein abschließend. 

Weitere Informationen: www.shure.de 


60 CD-REZENSIONEN 

RENÉ MORENO 

»Cinco« 

Musik der Richtungen Latin – Reggae – Pop aus der Feder 

eines Singer-Songwriters mit lateinamerikanischen und 

karibischen Einflüssen in deutscher und spanischer Sprache. 

Sonnige Melodien sorgen akut für gute Laune, animieren 

zum Tanzen und die einzigartigen Texte mit Tiefgang laden 

zum Mitsingen ein. 

Frontman René Moreno, der dieser Band seinen Namen 

gibt, ist Deutsch-Peruaner. Er verbrachte seine Kindheit 

und Jugend in Peru, wo er musikalisch geprägt und erstmalig 

aktiv wurde. Die Frankfurter Rundschau beschreibt 

ihn als „eine Instanz in Sachen Reggae und Latin-Musik 

[…] der es schafft, dass sogar in der U-Bahn die Sonne 

scheint.“ 

Begleitet wird René Moreno von vier weiteren Musikern – 

Bass, Perkussion & Drums. 

Im Frühjahr 2016 erschien das neue Album „Cinco“, das 

mit zwölf neuen und selbstgeschriebenen Songs, darunter 

einigen Sommerhits, aufwartet. 

www.renemoreno.de 

SKANKIN’ SUN 

»Skankin’ Sun« 

Genau so stellt man sich eine neue Reggae-Scheibe vor: Im 

schlichten Kartonschuber mit einem sonnengelben Booklet. 

Die junge, neunköpfige Band von der Musikschule Klaus 

Neuhaus hat sich dem Skankin’, dem Rocksteady und dem 

Ska unter der Überschrift des Reggae verschrieben. Der 

Spaß ist der Band anzuhören, ohne ihre deutschen Roots 

verstecken zu wollen. Raggamuffin mit deutschen Rhymes, 

ohne gespielten jamaikanischen Akzent, wie bei vielen Art - 

genossen schon gehört. Optimale Arbeitsaufteilung herrscht 

bei der Gesangsriege: Darius ist für die Raps verantwortlich, 

Jasmin hat die betörende Frauenstimme und Ede 

macht die melodiösen Frontvocals. Mit Gitarren, Keys, Sax 

und natürlich Rhythmussektion wird ein optimaler Teppich 

gelegt. Dabei geht es nicht nur um Reggae. Immer wieder 

fallen die Songs nahe am Rock aus, wie in der Ballade 

„Looking Forward“. Der Zeitgeist wird voll getroffen in „One 

Day“, einem feinen Deutsch-Reggae. So klingt der moderne 

Aussteigertraum. Die jamaikanischen Heroen der Szene 

Lee Scratch Perry und Laurel Aitken sollten die neun 

Musiker schon mal gehört haben. In Zweisamkeit geht es 

richtig zur Sache und man hört im Rhythmus – ganz richtig 

– das: „Skat, skat, skat!“ des Offbeats. So skankten alle 

dann live zur Musik von SKANKIN’ SUN beim Ruhr Reggae 

Summer im deutschen Sommer 2016. 

www.skankin-sun.com 

C.S. 

UNRAT 

»Eisenwelt« 

Der gelernte Bassist Stefan Frankenberg ist Mastermind, 

Texter, Arrangeur und der einzige Musiker des Projekts 

UNRAT. Mit „Eisenwelt“ legt der Multiinstrumentalist ein 

rockiges Progressive-Album vor. Von 1986 bis 1995 stand 

Frankenberg bei diversen Bands im Spektrum Rock, progressiver 

Metal und Deutschrock auf der Bühne. Nach 

einer Schaffenspause bis Ende 2009 begann er, Songs zu 

schreiben. Er griff zu Gitarre und Keyboard und programmierte 

Drums, um mit „Eisenwelt“ sein erstes Album zu 

veröffentlichen. Die Produktion und der Vertrieb entstanden 

mit Unterstützung des DRMV, und das ermöglichte ihm, sein 

Werk weltweit anzubieten. Das dreiteilige Titelstück eröffnet 

einen Reigen teutonischer Power-Rock-Songs, mal progressiv, 

mal näher an der Neuen Deutschen Härte. Dabei 

senden die Lyrics durchaus poetische Botschaften aus. So 

wie das im Arrangement an Kraftwerk erinnernde Lied 

„Regenbogensinfonie“. Wie ein Till Lindemann droht er in 

„Malus“, blutig und brutal. „Nord-Nord-West“ klingt vollends 

nach Rammstein. Abwechslung kommt bei „Evelyn“ auf, 

einer Uptempo-Nummer im Power-Metal-Stil, die richtig 

nach vorn geht. „Leben auf dem Mond“ ist schließlich eine 

stimmungsvolle Ballade, mit schönem Rock-Gitarren- 

Solo. „Eisenwelt“ ist eine bemerkenswert ambitionierte 

Scheibe voller toller Klänge. Und Frankenberg ist ein außerordentliches 

Multitalent. 

www.unrat-rocks.com 

C.S. 

GENTILITY 

»Wir haben der Welt noch 

was zu sagen« 

Gitarrensound und kritische Texte im Gewand aus Metal 

und Punk. Seit ihrem Wechsel ins lyrische deutschsprachige 

Fach kosten GENTILITY diese Möglichkeiten musikalisch 

aus. Aus der Hardrock-Formation wurde eine veritable 

Melodic-Deutsch-Punk-Combo. Julia Michaelis mit Bass - 

gitarre, Dirk Michaelis mit Gitarre und Gesang und Markus 


CD-REZENSIONEN 61 

Wieking, Schlagzeuger, lassen mit Bandkollegen und Gästen 

auf diesem Album zu den harten Worten auch eine harte 

Mischung aus deutschem 80er-Streetpunk bis Heavy Rock 

erklingen. GENTILITY spielen – ähnlich wie die Zeitge nossen 

von Hämatom – ab und zu mit Texten der klassischen Mär - 

chen poeten vom Format der Gebrüder Grimm. Mal wird es 

erotisch, wie in „Mein niederer Instinkt“, oder kritisch gegen 

Militarismus in „Schritt für Schritt“. Stilistisch kommt die 

Gruppe immer wieder an deutschen Power Metal der Sorte 

Accept heran. Das mag auch an der rostigen, ausdrucksstarken 

Stimme von Sänger Dirk Michaelis liegen. Nostalgie 

kommt dabei nicht auf, den GENTILITY gehen neue Pfade mit 

ihrem Sound. Mit heavy Gitarre und kritischen Texten wissen 

sie sicher auch bei ihren Live-Auftritten zu überzeugen. 

www.gentility.de 

C.S. 

MICK ZIMMER 

»Ich bleibe nicht stehen« 

„Für jeden ist was dabei“ 

„Musik aus dem Herzen“ 

Mit seiner markanten Stimme und seiner einzigartigen Art 

müsste man ihn sofort im Radio wiedererkennen. Er klingt 

nicht wie Tim Benzko oder Phillipp Poisel. Doch der junge 

Sänger und Songwriter schreibt deutschsprachige Popsongs, 

die ans Herz gehen. Wären seine Songs von bekannten 

Namen wie von Silbermond oder Juli gesungen, würden sie 

wohl auch im Radio rauf und runter laufen, denn mit den 

deutschsprachigen Bands, die neben Udo Lindenberg und 

Nena zu seinen größten Einflüssen zählen, kann der junge 

Künstler schon locker mithalten. Die Songs: „Verlernt zu lieben“, 

„Fliegen“ und „Freundschaft“ haben großes Hitpoten - 

zial. Mick Zimmer aus München hat sich endlich seinen 

größten Kindheitstraum erfüllt und über das Label „RockWerk 

Records“ sein erstes eigenes Album veröffentlicht. Alle Songs 

wurden von dem Sänger selbst geschrieben und komponiert. 

Er arbeitete zwei Jahre mit tollen Musikern an dem 

Album wie Curtis Lugay (ein Musikproduzent aus England) 

und auch sein Bruder beteiligte sich an der Komposition der 

Platte. Gemastert wurde die Platte von Stefan Noltemeyer, 

der unter anderem auch schon Songs für Rosenstolz und 

Ich und Ich gemastert hatte. 

Ab den 5. August ist das Gesamtkunstwerk auf dem Markt 

und weltweit in allen Online-Shops als CD und Download 

erhältlich. Und diese Nachricht ist wohl für alle Musikfans 

interessant. 

DIE PLATTE IST SEHR VIELSEITIG GEWORDEN. 

„Wir haben Rock-Elemente, Elektro, und wir haben einige 

Balladen, aber sogar einen Punk-Song“, so der 24-jährige 

Sänger. „Und so vielseitig wie der Sound ist, so vielseitig 

sind auch die Themen auf dem Album. Ich schreibe über 

alles, was mich bewegt, und spreche auch Themen an, die 

sonst nicht so oft angesprochen werden, wie zum Beispiel 

Mobbing! Das ist mir sehr wichtig, denn über so etwas sollte 

man nicht schweigen! Aber natürlich dürfen auch alltägliche 

Dinge wie Liebe und Freundschaft nicht fehlen. Und 

sogar über das alltägliche Berufsleben singe ich, allerdings 

mit einem kleinen Augenzwinkern, kritisiere ich die Arbeits - 

welt. Alles, was das Leben mit sich bringt, besinge ich gerne. 

Die Message meiner Songs ist mir sehr wichtig.“ 

Weitere Infos gibt es auf der Homepage von Mick Zimmer, 

die er zusammen mit einem Kumpel betreibt. Denn dem 

Künstler ist es wichtig, dass er alles selbst macht, und das 

zahlte sich auch bei seinem Album aus. 

www.mick-zimmer.com 

EVA KYSELKA 

»New Romance« 

Ob Eva Kyselka mit zu den besten Interpretinnen gehört, die 

Deutschland zu bieten hat, kann man beim Genuss ihrer 

neuen Songs beurteilen. Eine Maxi-Single-CD mit den beiden 

Songs „New Romance“ und „Liebe und Gewalt“ ist erschienen. 

Die Musikhochschulabsolventin und Frontfrau ihrer 

früheren Rockbands Phonolog und Phönix hat jede Menge 

Bühnen- und TV-Erfahrung. Nach dem Preis eines Inter - 

preten wettbewerbs im damaligen Karl-Marx-Stadt vertrat 

sie Deutschland beim internationalen Pop Festival in Bregenz. 

Heute tritt sie mit weltbekannten Musikern wie Ricardo 

Moreno, dem Cellisten Sonny Thet oder der Pianistin Carillio 

im Rahmen ihrer Clubkonzerte auf. Die Songs klingen nach 

Schlager, thematisch dreht es sich um die Emotionen rund 

um Liebe. „New Romance“ klingt angenehm gefällig, schwillt 

in seiner Dynamik rockig mit markanter E-Gitarre an. Liebe 

und Gewalt warten mit Romantik-Schlager auf und werden 

gewürzt – Achtung: so noch nie gehört – mit Raggamuffin- 

Gesang. Über allem schwebt Evas elfengleiche Stimme. Für 

Romantiker ein Muss und mit das Beste! 

www.evakyselka.de 

C.S. 

FÄHRHAUS 

»Wir können auch anders« 

Deutschsprachiger Poprock. Oder doch eher -Soul? Vielleicht 

auch ein bisschen -Jazz? Mit dem Album „Wir können auch 

anders“ von FÄHRHAUS ist Abwechslung auf jeden Fall 

garantiert. Mal rockig-frech wie in „Mit dir weitergehen“, 

mal schwärmerisch-verspielt wie in dem Duett „Lass uns 

träumen“. Die Texte schreibt die Songwriterin und Frontfrau 

Marita Boettcher selbst. Mitten aus dem Leben gegriffen, 

wirken die eingängigen Zeilen tiefsinnig und bisweilen kritisch. 

„Ist es nicht so, dass wir blind sind für das, was wirklich 

ist?“ Instrumental gesehen bestehen FÄHRHAUS aus 

einer klassischen Rockbandbesetzung: Bass, Schlagzeug, 

Gitarre & Keyboard. Für den Gesang holt sich Marita hier 

und da tatkräftige Unterstützung von ihren Band mitglie - 

dern, von denen einer sogar ihr Ehemann ist. Kein Wunder 

also, dass die Harmonie in der Mehrstimmigkeit nicht nur 

hör-, sondern regelrecht spürbar ist. Marita selbst überzeugt 

dabei mit ihrer klaren, tiefen Stimme, die den einen 

oder anderen an Nena erinnern mag. 

www.faehrhaus-musik.de 

C.H. 

HEJOE SCHENKELBERG 

»Ambiances« 

Hejoe Schenkelberg ist ein wahrer Musikmagier. In seinem 

Album „Ambiances“ lässt er, wie es der Titel schon ver muten 

lässt, mit jedem Stück eine einzigartige Atmosphäre entstehen. 

Er flechtet Verwebungen aus diversen Klängen, 

 

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62 CD-REZENSIONEN 

Instrumenten und Gesängen. Elektrische Gitarrenriffs treffen 

auf Opernstimmen, spacig treibende Rhythmen auf Tango 

und Wasserplätschern. Schenkelberg spielt Melodien, die 

Geschichten erzählen. Gekonnt, gezielt und handgemacht. 

Hauptdarsteller ist dabei, na klar, das Akkordeon, Hejoes 

Markenzeichen. Auch wer diesem Instrument vorerst mit 

einem eher skeptischen Auge entgegensieht, wird sich bald 

in die Töne des Künstlers verlieben. Wie von Zauberhand 

verschmelzen alle Songelemente zu einem Fluss, getrieben 

von einer Strömung aus Leichtigkeit. Die Harmonien 

der einzelnen Songs werden einen jeden Hörer noch über 

das Album hinaus begleiten. 

http://hejosche.de 

C.H. 

GENTLEMAN & 

KY-MANI MARLEY 

»Conversations« 

Nachdenklicher als gewohnt kommt GENTLEMANs neues 

Album daher. Der deutsche Reggae-Künstler hat sich dieses 

Mal mit Ky-Mani Marley, dem Sohn von Bob Marley, 

zusammengetan. „Conversations“ – Gespräche – darum geht 

es den beiden Sängern. In unserer heutigen Zeit sollte wieder 

mehr miteinander geredet werden, so die Aussage des 

Albums. So kriegt man mehr „Quality Of Life“. Insgesamt sind 

die 18 Tracks sehr stimmig. Definitiv kein Party-Album, aber 

ein wunderschönes, um entspannt zuzuhören. Und sich zum 

Nachdenken anregen zu lassen. Musik, die die Seele be - 

rührt, mit Texten, die in die heutige Zeit sprechen. Trotz der 

kurzen Produktionszeit ist den beiden Künstlern ein Kunst - 

werk gelungen. 

http://conversations.gentleman-music.com J.H. 

BARBARA ZANETTI 

»Unser Sommerlied« 

Ein wunderbar ruhiges und gefühlvolles Sommerlied aus 

der Feder der Südtiroler Liedermacherin Barbara Zanetti. 

Mit Leichtigkeit in der Stimme lässt die Sängerin Sonnen - 

strahlen aufblitzen, Schmetterlinge fliegen und ein laues 

Lüftchen wehen. Ihre Stimme scheint mit der Gitarre zu 

tanzen. Ein Lied zum Augenschließen und Träumen. Am 

besten in der Hängematte. Es lohnt sich, auf den Text zu 

achten. Denn der ist ein wunderbar lyrisches Gedicht. 

Zanetti malt schöne Bilder – zwischen Sommer, Liebe und 

Treue. Wer noch einen Soundtrack für seinen Sommer ur - 

laub braucht, sollte zugreifen. Oder wer schon einmal vorsorgen 

will gegen graue, kalte Wintertage ... 

www.barbarazanetti.com 

J.H. 

RODGAU MONOTONES 

»Genial« 

Die „Hesse“ sind zurück! Und sie geben „Vollgas“! Die sieben 

eingefleischten Deutsch-Rocker fetzen auf ihrem neuen 

Album „Genial“ 15 Songs ab. Wie immer sorgen die Texte 

für Lacher, laden zum Mitsingen ein. Und wie immer sind sie 

mit hessischem Dialekt gefärbt. Bei den treibenden Beats, 

schnellen Riffs und Saxofonsoli muss man einfach mitschnipsen 

und tanzen. Gewohnt rotzig schmettert Rockröhre 

Kerstin Pfau ins Mikrofon. Besonders schön ist, dass im 

Booklet zu jedem Song eine kurze Erklärung steht. So erfährt 

man, dass die Hesse wohl (wie wir alle, so ihre Unterstellung) 

„erst sehr nobel daherkommen, nach drei Pils aber den 

Wochenendproll rauslassen“. Wer Deutschrock mag, für 

den führt kein Weg drumherum: Er muss das neue Album 

seiner Plattensammlung zuführen. Denn die Hesse machen 

„Immer noch Spaß“! 

www.rodgau-monotones.de 

LÖSEKES BLUES GANG 

»Old Masters And Soul« 

J.H. 

Seit mehr als 40 Jahren steht LÖSEKES BLUES GANG für 

soliden Blues aus Deutschland. Die sechs Musiker blicken 

swingend und groovend auf ihre Bühnen-Erfahrungen zurück. 

Auf Zeiten, in denen sie anderen Blues-Meistern begegneten, 

mit ihnen zusammen auftraten. Auf ihrem Album „Old 

Masters And Soul“ performen sie zwölf mitreißende Songs, 

teils selbstgeschrieben, teils Cover von Größen der Szene. 

Muddy Waters und B.B. King werden genauso gewürdigt 

wie Little Walter und Jimmy Reed. Das Album überrascht 

zwar nicht, muss es aber auch nicht. Leicht und locker 

kommt es daher, mit einer spielerischen Selbstverständ lich - 

keit und sowohl schnellen als auch langsamen Blues-Songs. 

Hat das Potenzial, ein Geheimtipp-Klassiker für Blues freunde 

zu werden! 

http://loesekes-blues-gang.de 

J.H. 

SALTY MOUNTAIN BOYS 

»Gasoline« 

Frische Musik von den SALTY MOUNTAIN BOYS! Ihr zweites 

Album „Gasoline“ beinhaltet 14 bunte Country-Blues- 

Rock’n’Roll-Soul-Tracks. Off-Beats, einpägsame Refrains 

und entspannte Western-Guitar-Sounds lassen die Sonne 

in jedem Wohnzimmer aufgehen. Die CD ist wie ein geruhsamer 

Ritt durch die Prärie. Insgesamt ist das Album sehr 

entspannend – Musik zum Genießen und Seele-baumeln- 

Lassen. Die mit ihren fünf Jahren seit ihrer Gründung noch 

junge Band macht mit „Gasoline“ Lust auf mehr. Ein schönes 

Sommer-Album zum Augenschließen und Abschalten. 

Wer auf schnelle Songs steht, sollte allerdings die Finger 

davon lassen. 

www.saltymountainboys.com 

J.H. 

ELAIZA 

»Restless« 

Mit soulig-poppiger Stimme und schnellen Rhythmen überrascht 

das zweite Album des Berliner Damen-Trios ELAIZA. 

Es gibt ihn noch, den klassischen Folk-Pop der 90er! Gegen - 

über ihrem Debüt „Gallery“ klingt „Restless“ deutlich moderner 

und inspirierter. Die Ladys beweisen, dass Kontrabass, 

Akkordeon und Piano elektronisch aufgemöbelt werden 

können. Der Titel ist Programm – ohne Ruhe beschreiben 

sie ihre Zeit des Tourens und wie es ist, bekannt zu sein. 

„Shooting Star“ und „Summer Somewhere” klingen nicht nur 

fast forward, sondern auch einen Hauch melancholisch. 

Insgesamt könnte das Album von einer Girl-Band der 90er 

sein. Es mangelt etwas an Abwechslung. Dafür kommen 

Folk-Pop-Fans voll auf ihre Kosten. Den Namen ELAIZA sollte 

sich aber jeder merken – eine vielversprechende, junge 

Bandformation. 

www.elaiza.de 

J.H. 


CD-REZENSIONEN 63 

LLOYD RYAN’S JAZZ FORCE 

»Looking Back« 

Rhythmisch, swingend, jazzig! Der englische Meister an 

den Drums, Lloyd Ryan, ist mit seiner Band, der JAZZ FORCE, 

für ein neues Album ins Studio gegangen. Herausge kommen 

ist ein entspanntes Jazzalbum mit tollen Saxofon-Parts, 

Basslines, Piano-Soli und natürlich den hervorragend dezent 

und doch gerade dadurch hervorstechenden Drums. Nicht 

nur Jazzfans dürften die zehn Titel alter Jazzgrößen ge - 

nießen. Der Schlagzeuger wagt einen Rückblick auf die Ge - 

schichte „seiner“ Musik. Tatsächlich ist es ein tolles Swing- 

Album, eine Hommage an den Jazz. Beim Hören fühlt man 

sich auf das Parkett oder an den Tisch eines einstigen Swing- 

Salons versetzt. Ein Muss für jeden Swingliebhaber! 

http://lloydryansjazzforce.weebly.com 

J.H. 

ANDREA BRAND 

»The Only Way For Me« 

Brandneu ist das Album „The Only Way For Me” von Lieder - 

macherin Andrea Brand. Inbrünstig macht sie Mut, den 

eigenen Weg zu gehen. Die 13 Lieder fordern dazu auf, immer 

weiterzugehen, auch wenn es Rückschläge gibt. Insgesamt 

zeigt sich die Sängerin sehr vielseitig. Mal bluesig, mal mit 

Country-Elementen, mal pop-artig nimmt Andrea Brand 

ihre Hörer auf eine emotionale Reise mit. Wie das Leben 

hat das Album Höhen und Tiefen, ist laut und „Quiet“, stellt 

Fragen („Why“) und schwingt („Time For Joy“). Wegen seiner 

Bandbreite eignet es sich als tolle Begleit musik beim 

Autofahren. Also, CD einlegen und Track für Track die Straße 

(des Lebens) entlangfahren! 

www.andrea-brand.de/liedermacherin.html J.H. 

ACHIM SCHULTZ 

»Higher & Higher« 

Bekannt für seine 60er-Jahre-Musik nimmt Achim Schultz 

seine Hörer mit seinem neuen Album „Higher & Higher“ auf 

eine musikalische Zeitreise. „Girl No. 1“ ist im typischen 60er- 

Sound gehalten. Andere Songs wie „Lonely Nights” haben 

deutlich folkloristische Einflüsse. Übrigens: Der Musiker ist 

eingefleischter Beatles-Fan. Und das hört man besonders 

bei „Flashlight“ heraus. Insgesamt bleibt das Album eine 

Mischung aus Pop und bayerischer Schunkelmusik. Wer für 

zehn Songs etwa 50 Jahre in die Vergangenheit reisen will, 

sollte sich mit seiner Musikanlage „Higher & Higher“ begeben, 

die Augen schließen und Achim Schultz’ liebevoll 

zusam mengestelltes Album genießen. 

www.achim-schultz.de 

J.H. 

SIGGI SCHWARZ 

FEAT. ANDREAS KÜMMERT 

UND JESSY MARTENS 

»Heart & Soul« 

Für ein hammerstarkes Bluesrock-Album haben sich Siggi 

Schwarz, Andreas Kümmert und die junge Rockröhre Jessy 

Martens zusammengetan. Dabei singen und spielen sich 

die drei „Heart & Soul“ aus dem Leib! Jeder Song groovt, 

sowohl die schnellen als auch die ruhigen. Jessy Martens’ 

rauchige Stimme hat sich unglaublich weiterentwickelt. Mit 

viel Gefühl interpretiert sie Titel von Curtis Mayfield, Gregg 

Alman und John Lennon. Ihr zur Seite steht Andreas 

Kümmert, ebenfalls ein junger Musiker, der von Gitarren- 

Legende Siggi Schwarz für sich entdeckt wurde. Seine kräftige, 

auch mal kieksende Stimme rockt! Gänsehaut bringt 

„Ain’t No Sunshine“, Hüftwackeln ist bei „Rock And Roll 

Hoochie Koo“ angesagt und der „Crossroads Blues“ groovt 

aus dem Album heraus. Viel zu schnell sind die 14 Titel ab - 

gespielt. Also lieber gleich die Wiederholungs funktion einschalten. 

Von den Nachwuchs-Bluesrockern kann man nicht 

genug hören! 

www.siggi-schwarz.de 

ADAM & BROOKS 

»Two Of A Kind« 

Ein einfühlsames Country-Album des Amerikaners Lutz 

Adam. Bei „Two Of A Kind” macht er gemeinsame Sache 

mit Elke Brooks, die mit ihrer warmen Stimme hervorragend 

zu Adams rauem Country-Sound passt. Die beiden 

sind eben „Two Of A Kind“. Sowohl eigene Songs als auch 

Cover hat das Duo zusammengestellt. Bekannten Songs 

wie „Jackson“ oder „Love Is All Around“ drücken sie dabei 

behutsam ihren Stempel auf. Alle elf Titel klingen wie eine 

Liebeserklärung an den Country. Wer also eine Hör-Reise in 

die Südstaaten machen will, sollte sich das Album gönnen. 

www.adams-brooks.com 

J.H. 

KLIMA 

»Irgendwann ist jetzt« 

Das Leben in vollen Zügen auskosten – das wollen auch 

die beiden Songwriterinnen Sarah und Vera Klima. In einer 

kreativen Familie aufgewachsen gehörte Musik für sie von 

Anfang an dazu. Wenn die beiden Schwestern gemeinsam 

singen, dann bleibt die Welt für einen Moment lang stehen. 

Kein Wunder also, dass sie mit ihrer Band KLIMA bereits bei 

einigen renommierten Nachwuchswettbewerben als klare 

Sieger hervorgingen, so z. B. auch beim Deutschen Rock & 

Pop Preis. Seit Kurzem ist nun ihr drittes Album erhältlich. 

„Irgendwann ist jetzt“ – also los! All den unnötigen Ballast 

zur Seite schieben und auf geht’s! Auf, Richtung Sommer – 

Richtung Freiheit, Glück, Zufriedenheit. Das neue Album 

von KLIMA nimmt dich an die Hand und startet mit dir einen 

gut 40-minütigen Kurzurlaub. Ein Road Trip über 13 Songs. 

Eine Mischung aus treibenden Rhythmen und dem Gefühl 

von totaler Geborgenheit. Stets begleitet von akustischen 

Gitarren à la Jack Johnson, perfekt gesetzten Geigen- sowie 

Klaviertönen, vor allem aber von den Stimmen der Schwes - 

tern Sarah und Vera Klima, die harmonischer nicht klingen 

könnten. 

Die erste Singleauskopplung „Schwesterherz“ ist der wohl 

persönlichste Song auf dem Album. Geschrieben für ihre 

Schwester bringt Vera Klima die Beziehung der beiden zu - 

einander auf den Punkt. „Ich seh dich immer noch so wie 

ein Kind.“ Doch auch in den Melodien von jedem der zwölf 

weiteren Lieder kann man die starke emotionale Bindung 

der Schwestern spüren. Ebenfalls nicht zu überhören: ihre 

pure Lust am Leben. Ergänzt wird sie durch ehrliche, ein - 

gängige Texte, die trotz überwiegend melancholischer Zeilen 

nie die Hoffnung verlieren. KLIMA schaffen es, dass sich 

selbst ein „Mir wird klar, wie du mir fehlst, und die Nacht 

hat grad erst angefangen“ positiv anhört. Deutsch sprachi - 

ger Pop auf höchstem Niveau. 

www.klimamusik.de 

C.H. 

J.H. – JANINA HEINEMANN 

C.H. – CELIA HOFFMANN 

C.S. – CHRISTIAN SCHÖNING 


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Jan Sebo 

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Bewegung bringt“ 


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REIDAR JENSEN FEAT. 

DETLEF BLANKE 

„Covered by shame“ 


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NIMA LINDNER 

„Learn to fly“ 



Martin Halm 

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www.halm.biz 

JÖRG KUHFUSS 

„The Sound of Rock 

Mounten“ 


joerg-kuhfuss@t-online.de 

REINHARD MARKOWSKY 

„Wie der Wind“ 


bilgin.oktay@t-online.de 

CASSROLL 

„Frieden“ 



CD-Veröffentlichungen in den weltweiten 

digitalen Downloadportalen 

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– MUSIKER ONLINE – 

Infos: info@musikermagazin.de 

LOMKINA & LECHAIM 

„A. Lomkina & Lechaim“ 


lomkina@hotmail.com 

MICHAEL ZIMMERMANN 

„Verlernt zu lieben“ 



VOCALENSEMBLE 

MEMORIES 

„Let the sunshine in“ 

VÖ: 27.11.2015 

www.memories-web.de 

STÉPHANE ZAMBLÉ 

„Espoir“ 

DIE PLANK 

„Wildes Herz“ 

Bauer sucht Eich 

„Endlich wieder feiern“ 

UNRAT 

„Eisenwelt“ 

VÖ: 29.05.2015 

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CASSROLL 

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VÖ: 29.05.2015 


NIMA LINDNER 

„Colours passing by“ 



MICHAEL GEMKOW 

„Ein kleiner Dinosaurier“ 

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„Nämberch“ 

VÖ: 09.10.2015 

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GREYHOUND GEORGE & 

KARL VALTA 

„Apple Street Boogie“ 

VÖ: 29.05.2015 

www.greyhound-george.de 

CASSROLL 

„Alkohol“ 

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14.10.2016 


MAX KERN 

„One Man Band“ 


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CASSROLL 

„Zeig uns“ (Video) 

VÖ: 09.10.2015 


GINO SIMONS 

„Singen, lachen, tanzen“ 

VÖ: 30.04.2015 

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FÄHRHAUS 

„Wir können auch anders“ 


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VÖ: 18.03.2016 

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MYSTERY GIRL 

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