KUNSTINVESTOR AUSGABE MÄRZ 2017

Mehr als nur Worte - [Über das Poetische]
Auktionen in Wien – ‚Kompromislose Suche‘
‚Die Kunst ist eine Tochter der Freiheit‘
Visionen in Farbe und Form- Fashion Redefined
„Special Edition“: Konzertserie in der Galerie Gugging
MÄRZ 2017

KUNST.INVESTOR Editorial
Liebe Leserinnen
und Leser!..
Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des e-Magazin
KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und
stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle
Entwicklungen informieren wir Sie rund um alle wichtigen
Themen, die nationalen und internationalen
Kunstmärkte betreffend. So spannend war der
Kunstmarkt noch nie- besonders der Monat wird
turbulent: Die Kalender der Sammler und
Kunstinvestoren sind voll. Auktionen, Ausstellungen
und Previews, ein Termin jagt den nächsten. Und dem
Geschäft mit den schönen Dingen mangelt es
keineswegs an Härte, ganz im Gegenteil, auf der Suche
nach neuen Kunden und Märkten bedarf es Flexibilität
und Wandlungsfähigkeit. Der österreichische Kunstmarkt
mit seiner prosperierenden Galerieszene boomt
und Österreichs Auktionshäuser legen an Internationalität
kräftig zu. Kunst ist ein interessantes Portfolio und
unbestritten die schönste Beimischung für Ihr Investment
Inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht. Auch
der ganz „normale“ Kunstliebhaber, der ein Bild bei sich
zuhause an die Wand hängt, wird zu einem Überzeugungstäter.
Er kultiviert später einen sehr selektiven
Blick. Er wird daran gemessen; „ja, es ist seine ganz
persönliche Visitenkarte“. Mit diesem Bild zeigt er ein
Stück von sich, ein Stück von dem, woran er glaubt, ein
Stück von seinen Gefühlen, Hoffnungen, Ängsten- eine
intensive Auseinandersetzung mit Kunst ist ohne
emotionale Beteiligung nicht möglich………..…..
Weil es bei allen Dingen des Lebens immer auf den
richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit
fundierten Hintergrundberichten, präzise recherchierten
Topstories, auch mit wichtigen Nachrichten und
aktuellen Themen begeistern. Lesen Sie die aktuelle
Ausgabe KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles
Bild über den Kunst- & Geldmarkt verschaffen könneneine
wirklich gute Investition.
Viel Spaß wünscht Ihnen
Michael Ruben Minassian
IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian. Mail:
michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH,
1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1 / 919
20- 9045, Fax: + 43 1/29 81 298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Kunsthalle Wien, "Mehr als nur Worte-
Über das Poetische", Bruno Munari, Supplemento al dizionario italiano – I Gesti, © Bruno Munari, 1963

KUNST.INVESTOR Kommentar
Die Kunst ist eine
Tochter der Freiheit
Otto Hans Ressler Auktionator
und Geschäftsführer der
„Ressler Kunst Auktionen“
über die Freiheit der Kunst
Foto: © Ressler Kunst Auktionen
Am 12. Mai 1982 wurde die „Freiheit der Kunst“ durch
einen einstimmigen Beschluss des Parlaments im
Artikel 17a der österreichischen Bundesverfassung
gesetzlich verankert: „Das künstlerische Schaffen, die
Vermittlung von Kunst sowie deren Lehre sind frei.“
Die Absicht hinter diesen wenigen Worten war es nicht
nur, die Kunst vor staatlichen Übergriffen und Zensur
zu schützen, sondern Kunst überhaupt erst zu
ermöglichen; und zwar durch finanzielle Unterstützung
jener Künstler, die nicht wohlhabend genug sind, Kunst
unabhängig von einem Einkommen zu schaffen. Damit
ist aber eine viel weiter gehende Freiheitsgarantie verbunden:
Nicht nur dem Kunstschaffenden wird die
individuelle Freiheit von Lohnabhängigkeit zugesichert,
sondern das Kunstwerk selbst wird von der Logik der
Verwertung befreit. Kunst ist die „kulturelle Ausnahme“,
sie hat die Freiheit, keine Ware zu sein. Natürlich ist ein
Gesetz immer nur so gut wie die Bereitschaft jener, die
verantwortlich sind, es zu vollziehen. Dazu hatten
österreichische Gerichte schon bald Gelegenheit. Am
18. November 1983 wurde zum ersten Mal in der
Geschichte der Zweiten Republik ein Film vor seiner
Erstaufführung beschlagnahmt. Der nach dem Verbotsgesetz
wegen Bestreitung von NS-Verbrechen
verurteilte damalige „Schriftleiter“ der „Aula“, Herwig
Nachtmann, hatte Anzeige gegen Herbert
Achternbuschs Film „Das Gespenst“ wegen „versuchter
Herabwürdigung religiöser Lehren“ erstattet. Wenige
Wochen später wurde auch das Buch zum Film
beschlagnahmt. Anfang 1984 gab es im Auditorium
Maximum der Universität Wien unter dem Titel „Die
Kunst ist frei“ eine Podiumsdiskussion, an der Kurt
Dieman, der die Zeitschrift „Kulturkontakte“ angezeigt
hatte, weil sie für ihr Titelbild ein Standbild aus dem
beschlagnahmten Film gewählt hatte, die Kultursprecherin
der SPÖ, Hilde Hawlicek, der Verfassungsjurist
Manfred Matzka, Dieter Pochlatko, in
dessen Kino der Film erstmals gezeigt werden sollte,
der Mediensprecher der ÖVP, Heribert Steinbauer, der
Presserichter Bruno Weis, Franz Schuh und Elfriede
Jelinek teilnahmen. Nach der Diskussion wurde der
Film gezeigt: Dieman, Steinbauer und Weis verließen
demonstrativ den Saal. Der Geschäftsführer der IG
Autorinnen Autoren, Gerhard Ruis, wurde wegen der
Vorführung rechtskräftig verurteilt. 1985 bestätigte das
Oberlandesgericht Graz das Aufführungsverbot für den
Film, ein Jahr später kam der Oberste Gerichtshof in
Wien zur selben Auffassung, ohne sich freilich
überhaupt mit der „Freiheit der Kunst“ zu beschäftigen.
Einer Überprüfung des Urteils durch den Verfassungsgerichtshof
wurde keine Zustimmung erteilt. Das
Aufführungsverbot ist bis heute aufrecht, die
Beschlagnahme des Buches rechtskräftig. Zwei Jahre
später gab es erneut eine Gelegenheit, die Freiheit der
Kunst hochzuhalten: Die für den 4. November 1988
geplante Uraufführung von Thomas Bernhards
„Heldenplatz“ am Wiener Burgtheater sorgte bereits im
Vorfeld zu erregten Debatten.

KUNST.INVESTOR Kommentar
Obwohl der Text des Theaterstücks geheim gehalten
wurde und der Verlag keine Vorabdrucke autorisierte,
titelte die „Neue Kronen Zeitung“ am 7. Oktober:
„Österreich, 6,5 Millionen Debile!“ Von da an gab es
kein Halten mehr. Am 9. Oktober lautete die
Schlagzeile: „Steuerzahler soll für Österreich-
Besudelung auch noch bezahlen!“ Am 11. Oktober
setzte der „Kurier“ nach: „Waldheim: Bernhard-Stück
‚Heldenplatz’ eine Beleidigung des österreichischen
Volkes.“ Die „Krone“ setzte dem Ganzen die Krone auf:
In ihrer Ausgabe am 4. November brachte sie eine
ganzseitige Anzeige mit einer Fotomontage, die das
Burgtheater in Flammen zeigte. Der dazu passende
Text lautete: „Heute, 19.00 Uhr: Heldenplatz-Premiere.
Was wird gespielt? Was wird verspielt? Die Krone lässt
sich nichts vorspielen. Und sagt, was sich hinter den
Kulissen abspielt. Naturgemäß! ... uns ist nichts zu
heiß!“ Naturgemäß äußerten sich auch Politiker: Jörg
Haider plädierte für ein Aufführungsverbot und die
Ausweisung von Burgtheaterdirektor Claus Peymann,
Alois Mock schloss sich ihm im ersten Punkt an, Erhard
Busek rief zum Publikumsboykott auf, Kurt Waldheim
prangerte die „grobe Beleidigung des österreichischen
Volkes“ an – alles, wie gesagt, ehe irgend jemand das
Stück gesehen oder den Text gelesen haben konnte.
Lediglich die für Kunstagenden zuständige Ministerin,
Hilde Hawlicek, Finanzminister Ferdinand Lacina und
die Wiener Kulturstadträtin Ursula Pasterk schwangen
sich zu einer Verteidigung der Freiheit der Kunst auf.
Die Premiere wurde dann immer wieder durch
Trillerpfeifen und Protestgejohle gestört, doch keiner
der Schreihälse aus dem Theater geworfen.
Auch vor der Burg hatten die Bernhard- und Peymann-
Hasser freie Hand: Sie konnten Mist abladen, die
Premierenbesucher beschimpfen – die Polizei blieb
passiv. Damit fehlte der Demonstration aber jeder
Schwung; bei all der Aufregung – das Stück wurde
später ja ein großer Publikumserfolg – könnte das der
richtige Umgang gewesen sein. Vor der
Nationalratswahl 1995 ließ die Wiener FPÖ Plakate
affichieren: „Lieben Sie Scholten (den damaligen
Kunstminister), Jelinek (die spätere Literaturnobelpreisträgerin),
Häupl (den Wiener Bürgermeister),
Peymann (den Burgtheaterdirektor), Pasterk (die
Wiener Kulturstadträtin) ... oder Kunst und Kultur?“ Die
Absicht dieser Hetze war klar: Die FPÖ rechnete mit
den Vorbehalten vieler Menschen gegenüber moderner
Kunst und erwartete breiten Zuspruch. Der Affront
gegen Kunst und Kultur blieb auch im Ausland nicht
unbemerkt. Zensur und Kunstfeindlichkeit hat es freilich
schon gegeben, lange bevor die „Freiheit der Kunst“ in
Verfassungsrang gehoben wurde. Einen der größten
Skandale provozierten die Fresken Max Weilers für
seinen „Herz- Jesu-Zyklus“ in der Theresienkirche in
Innsbruck. Die 1946/1947 entstandenen Fresken gelten
heute als bedeutendstes kirchliches Kunstwerk
Österreichs im 20. Jahrhundert. Vor 60 Jahren wurde
Max Weiler freilich gezwungen, drei der vier Wandbilder
zu ver- hüllen, um einer vom Vatikan verordneten
Entfernung zuvorzukommen. Aber nicht nur die Kirche,
auch die Tiroler fühlten sich wegen der angeblichen
Beleidigung der Ehre ihres Bauernstandes provoziert:
Weiler hatte die mystischen Herz-Jesu-Visionen und
biblischen Szenen in die Tiroler Gegenwart übersetzt:
Wiltener Chorherren spielten die Engel der „Herz-Jesu-
Sonne“, Christi Ölbergleiden wurde nach Hall versetzt,
und Tiroler Schützen und Bauern exekutierten die
Kreuzigung. Vor allem an dieser Szene schieden sich
damals die Geister.

KUNST.INVESTOR Kommentar
Der Künstler, der beabsichtigt hatte, den ganzen
Kirchenraum mit Ausnahme der Apsis mit Fresken zu
bedecken, musste die Arbeiten 1947 einstellen. Die
Kirche blickt ja überhaupt auf eine lange Geschichte
der Zensur und Verhinderung zurück. Nicht nur Hexen
und Ketzer landeten auf dem Scheiterhaufen, auch
Kunstwerke. Veronese musste sein „Letztes
Abendmahl“ unter dem Druck der Inquisition in
„Gastmahl im Haus des Levi“ umtaufen. Michelangelos
„Jüngstes Gericht“ in der Sixtina wurde im Auftrag von
Papst Paul IV. die zweifelhafte Ehre einer Übermalung
der Geschlechtsteile durch einen Signor Voltera zuteil.
Papst Pius V. ließ 1566 gar anstößige Stellen ganz
entfernen. Eine Skulptur Berninis von 1660 wurde 1863
in der St. Isidor-Kirche in Rom mit einem Tuch umhüllt,
das erst vor wenigen Jahren entfernt worden ist. Und
der später so beliebte Papst Johannes XXIII. verbot als
Erzbischof von Venedig den Gläubigen, eine Picasso-
Ausstellung zu besuchen. Die Kirche hat Aufführungen
von Theaterstücken und Opern verboten. Auch wenn
sich später weltliche Gerichte um die Zensur
kümmerten, steckten oft kirchliche Stellen hinter den
Forderungen. Der Staat beurteilte, was die Religion
beleidigte. In Wien wurde die „Salome“ von Richard
Strauß verboten, und als 1919 Alban Bergs „Lulu“
uraufgeführt wurde, protestierte die Kirche im Namen
der Steuerzahler dagegen, dass eine Bühne, die
öffentliche Mittel erhalte, zum Saustall erniedrigt werde.
Das klingt auch heute alles sehr vertraut. Während Max
Weiler aber zweifellos keinen Skandal entfachen wollte,
ist dies in anderen Fällen durchaus so gewesen. Als
sich Adolf Frohner, Hermann Nitsch und Otto Mühl
1962 im Rahmen der Aktion „Die Blutorgel“ in einem
Keller im 20. Wiener Gemeindebezirk einmauern
ließen, diskutierten sie bereits im Vorfeld, wie weit dies
zu einem Skandal führen könnte.
Und auch die so genannte „Uni-Ferkelei“, die Aktion
„Kunst und Revolution“ im Hörsaal 1 der Universität
Wien 1968, die eine nachhalte Bedeutung für die
österreichische Nachkriegsgeschichte bekommen
sollte, ist nicht einfach so „passiert“: Die Provokation
war geplant. Nicht geplant waren die harten Strafen, die
Günter Brus, Otto Mühl und Oswald Wiener dafür
erhielten, dass sie sich mit Kot beschmierten und
onanierten, während sie die Bundeshymne sangen.
Auch als Hermann Nitsch bei seinem „Orgien-
Mysterien-Theater“ religiöse Handlungen nachstellte
und Tierblut über Leinwände schüttete, beschränkte
sich die Erregung und der Unmut nicht nur auf Kirche
und Tierschützer. Nitsch wurde für seine Aktionen drei
Mal gerichtlich verurteilt. Noch Jahrzehnte später, als
seine Schüttbilder längst als Hintergrund für
Politikerauftritte fungierten, weigerten sich die Wiener
Linien, ihre Busse und Straßenbahnen für eine Nitsch-
Retrospektive werben zu lassen. Aus dem Kulturbetrieb
sind Skandale kaum wegdenkbar. Sie gehören
mittlerweile fest zu den Erfolgsstrategien der Moderne.
Sie sind ein Spiel, bei dem es fast nur Gewinner gibt.
Der Künstler steigert seinen Bekanntheitsgrad und
damit seinen Marktwert, Politiker können sich ungeniert
empört geben und als Hüter von Sitte und Anstand
präsentieren, die Medien machen mit solchen
Schlagzeilen höhere Auflagen und damit Kasse. Dabei
wird zuweilen fast vergessen, worum es eigentlich geht.
Im Sommer 2003 wurde in der Nähe des Salzburger
Festspielhauses eine Skulptur aus Kinderplastilin
aufgestellt: „Arc de Triomphe“ von der Künstlergruppe
Gelatin (mittlerweile nennt sie sich Gelitin) zeigte einen
nackten Mann, der aus seinem erigierten Glied in den
eigenen Mund urinierte. Die Aufregung folgte der
Aufstellung auf den Fuß.

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Alle waren begeistert: Das Volk erregte sich über der
Frage, ob das Kunst sei, die Politiker aller Parteien
gaben ihren Senf dazu, die Medien stopften ihr
Sommerloch, die für die Aufstellung verantwortliche
Direktorin des Rupertinums, Agnes Husslein, profilierte
sich als Verteidigerin der Freiheit der Kunst, Gelatin
wurde über Nacht berühmt. Sogar die Feuerwehr kam
zu einem ungewöhnlichen Einsatz: Sie musste den
„Kunstschiffer“ unter einem Holzverschlag verstecken.
Der Erfolg dieses Stücks war so groß, dass es
unbedingt wiederholt werden musste. Im Sommer 2005
errichtete Markus Lüpertz die Skulptur „Mozart – eine
Hommage“ auf dem Ursulinenplatz in Salzburg: Eine
nackte Frauenfigur ohne Hände, mit weiß getünchtem
Gesicht und einem barocken Zopf. Es trat ein, was alle
erhofft, aber nicht auszusprechen gewagt hatten:
„Pornojäger“ Martin Humer teerte und federte die
Skulptur. Ein öffentlicher Sturmlauf gegen die
„Mozarthommage“ setzte ein, der wochenlang die
ganze Stadt in Atem hielt. Ein Jahr später brauchte es
nur noch eines auf den Kopf gestellten Hubschraubers,
eines Projekts der Mailänder Künstlerin Paola Pivi, vor
dem Mozartdenkmal auf dem Mozartplatz, um die
erprobten Reaktionen auszulösen. Während diese
Vorfälle geradezu als Folklore zur Hebung des
Fremdenverkehrs durchgehen könnten, war ein Vorfall
im Sommer 2001 in Genua schon viel ernster. Nach
Ende des G8-Gipfels wurden 17 Mitglieder der
Tourneetheatergruppe „VolxTheaterKarawane“ in
Italien verhaftet. Die österreichische Außenministerin,
Benita Ferrero-Waldner, stellte sich ihrem italienischen
Amtskollegen quasi als Belastungszeugin zur
Verfügung und erklärte, dass einige Inhaftierte bereits
einschlägig aufgefallen und polizeilich vorgemerkt
seien; sie dürften sich also nicht wundern, von der
Polizei untersucht zu werden.
Die Freiheit der Kunst besteht aber, wie gesagt, nicht
nur im Schutz vor staatlichen Übergriffen und Zensur
(über das Funktionieren dieses Schutzes kann sich
jeder selbst ein Bild machen), sie besteht auch in der
Freiheit der Künstlerinnen und Künstler von
Lohnabhängigkeit und in der „kulturellen Ausnahme“ für
Kunstwerke, keine Ware zu sein. Nun ist aber nicht nur
der künstlerische Prozess selbst im Grunde prekär –
stets bleibt die Kunst ein Risiko, stets ist sie ein Wagnis
mit offenem Ausgang, dessen Gelingen vorab nicht
garantiert werden kann, eben weil genau in diesem
Wagnis die Freiheit der Kunst besteht – die Arbeitsund
Lebensumstände der Künstler sind es umso mehr.
In allen Sparten der so genannten „freien“ Künste
wechseln kurzfristige Selbständigkeit, projektbezogene
Beschäftigung und Arbeitslosigkeit. Offenbar sind die
Künstlerinnen und Künstler auch bezüglich ihrer
Situation in der Arbeitswelt Avantgarde: Und zwar für
die immer weiter gehende Aufweichung der sozialen
Standards in westlichen Industriestaaten. Die Einkünfte
Kunstschaffender erlauben nur selten eine soziale
Existenzabsicherung. Die Freiheit künstlerischer Arbeit
steht damit im eklatanten Widerspruch dazu, damit das
eigene Überleben wenigstens notdürftig absichern zu
können. Am 1. Juli 1998, dem Tag, an dem Österreich
den Ratsvorsitz der Europäischen Union für ein halbes
Jahr übernahm und sich in diesem Zusammenhang als
große Kulturnation präsentierte, forderten rund 1.500
Künstlerinnen und Künstler in einem „Umzug der
Maroden“ auf dem Ring eine soziale Absicherung, die
dem Standard aller anderen Berufs- und Bevölkerungsgruppen
entsprach. Die Künstler fuhren mit
Spitalsbetten auf, auf denen Filmrollen und Bücher
lagen, sie gingen, gehüllt in weiße Nachthemden, auf
Krücken.

KUNST.INVESTOR Kommentar
Unmittelbar danach gab es zwar Verhandlungen, aber
sie endeten bald ergebnislos. Solche Privilegien, wie
sie da gefordert würden, sagte die Sozialministerin
Eleonore Hostasch, könne sie keiner Billa-Kassiererin
plausibel machen. Die Gespräche scheiterten freilich
nicht an angeblicher sozialer Ungerechtigkeit, sondern
am Geld. 2002 wurde zwar ein Sozialversicherungsfonds
für Künstler eingerichtet, gelungen ist die
soziale Absicherung damit aber keineswegs – das
Hungertuch gehört weiterhin zum Künstleralltag. Die
prekäre wirtschaftliche und soziale Situation der
Künstler ist aber nur eine Seite der Medaille. Die
andere ist, dass der zweite Aspekt der verfassungsmäßig
garantierten Freiheit der Kunst geschnitten
wird: Geradezu selbstverständlich und meist
unwidersprochen wird gefordert, dass sich auch Kunst
„rechnen“ müsse. Quote und Umwegrentabilität, Sponsoring
und Orientierung am Kunstmarkt sind die
Lieblingsvokabel der Kunst- und Kulturpolitik der letzten
Jahre geworden. Quote und Umwegrentabilität verlangen
aber nichts anderes, als dass sich die Kunst
dem Massengeschmack unterzuordnen habe, dass sie
sein solle, wie wir sie gerne hätten, dass sie ist: Leicht
konsumierbar und vertraut. Das ist Kunst aber schon
per definitionem nicht; ihre primäre Forderung, neu zu
sein, schließt Vertrautheit aus und spießt sich mit
Konsumierbarkeit, weil wir, die Konsumenten, in aller
Regel recht lange brauchen, bis wir uns an etwas
Neues gewöhnt haben. „Kunst darf alles, aber muss
nichts“, hat der Publizist Günter Nenning einmal gesagt.
Nun, nach den aktuellen Vorstellungen der Politik soll
sie vor allem dann alles dürfen, wenn sie nichts kostet,
wenn sie sich selbst finanziert – über Sponsoring oder
den Markt. Sponsoring und der Markt sind aber schon
deshalb keine Lösung, weil die Freiheit der Kunst nicht
von noch so kunstaffinen Firmenchefs und engagierten
Sammlern, sondern nur von uns allen, also dem Staat,
auf Dauer garantiert werden kann. Denn Freiheit von
Kunst heißt immer auch: Geld zur Verfügung zu stellen,
um sie zu ermöglichen. Aus dieser Verantwortung
dürfen wir den Staat nicht entlassen. Denn damit
würden wir den neoliberalen Handlungsmaximen in die
Hand spielen und die so mühsam erreichte Freiheit der
Kunst, keine Ware zu sein, aufgeben. Und deshalb ist
es durchaus angemessen, gegenüber einigen
Initiativen, die auf den ersten Blick ganz harmlos
daherkommen, ein gewisses Misstrauen entgegenzubringen.
Auch ich bin der Meinung, dass es neben
dem Staat privater Initiativen bedarf, dass Sponsoring
eine gute Sache ist, dass der Markt wichtig ist; aber wer
die Freiheit der Kunst in allen ihren Aspekten ernst
nimmt, muss mehr statt weniger Staat fordern. Und das
bedeutet: Eine soziale Absicherung der Künstlerinnen
und Künstler, eine großzügige Förderungen der
Galerien, das Bewusstsein, dass nicht allein die
Hochkultur das Ansehen und die Attraktivität eines
Staates bildet, dass nicht nur subventioniert wird, was
die Identität und die kulturelle Tradition stärkt, dem
Fremdenverkehr nützt und dem Image dient, sondern
auch neue Kunst, junge Künstlerinnen und Künstler,
insbesondere jene, die innovative, (noch) nicht breit
anerkannte Richtungen beschreiten, weil sie das
Potential der gegenwärtigen und zukünftigen Kultur
bilden. Das bedeutet, dass der Anspruch auf Förderung
durch die öffentliche Hand schon deshalb anerkannt
wird, weil die Kunst als positives, vielfach bildendes,
intellektuell anregendes Medium dem Einzelnen wie
dem Staat wichtige Werte vermittelt. Die Notwendigkeit
der Förderung ergibt sich aber auch aus ihrer Funktion,
ein Korrektiv zu sein gegen die Tendenzen der
Gesellschaft, allem Neuen skeptisch gegenüberzustehen.
Denn die Aufgeschlossenheit gegenüber
dem Neuen ist der Schlüssel für unsere Zukunft.

KUNST.INVESTOR Kommentar
Roter Faden „Qualität“
Dorotheum Möbelexperte Ulrich Prinz
über die Auflösung des stilgetreuen
Ensemble-Einrichtens hin zum qualitätvollen Stilmix
Foto: © Dorotheum
Bei der Arbeit eines Auktionsexperten stellen sich die
meist relevanten Fragen: „Was ist heutzutage „in“? Was
lässt sich gut verkaufen? Wie soll man eine Auktion -
also das Angebot - gestalten um dem Anspruch - also
der Nachfrage - des Kunden am besten entsprechen zu
können?
Wie es einmal war, wissen wir aus unserer langjährigen
Arbeitspraxis. Wohnungsauflösungen bzw. Hinterlassen-schaften
aus dem bürgerlichen und großbürgerlichen
Milieu zu bewerten gehört zur Routinearbeit.
Hierbei lässt sich sehr einfach analysieren, wie sich der
humanistisch gebildet , kunstaffine Aristokrat, Unternehmer,
Oberarzt, Rechts-anwalt etc. repräsentativ
eingerichtet hat und was zum „guten Ton“ der
sogenannten „kaufkräftigen Oberschicht“ in Sachen
Einrichtung gehörte.
Es gab in der Regel einen Salon im barocken oder
klassizistischen Geschmack , der Hausherr bevorzugte
im Arbeits- bzw. Herrenzimmer eher Renaissance- oder
Frühbarocke Stilformen und die Dame des Hauses zog
sich gerne ins Biedermeierzimmer zurück. Alle Räume
vertraten, mehr oder weniger konsequent, ein Ambiente
im Ensemblecharakter. Und dies in einer Üppigkeit –
von Möbeln, Teppichen, Bildern bis hin zu
Kleinkunstobjekten und Wohnaccessoires -, die heutzutage
häufig als übertrieben empfunden wird .
Das war einmal! Aber wie ist die aktuelle Situation - und
wie lautet die Prognose für die mittelfristige Zukunft ?
Wie Auktionsergebnisse der vergangenen Jahre
belegen, geht der Trend eindeutig in die „Moderne“. Die
Preisentwicklung in der Sparte „Design des 20
Jahrhunderts“ lässt so manchen Barockmöbelspezialisten
vor Neid erblassen. Hinzu kommt, dass der
Trend in Richtung barrierefreies, reduziertes Wohnen
mit großen Glasflächen und wenigen „Staubfängern“
geht. Ein Solitärstück neben moderner oder zeitgenössischer
Kunst im loftartigem Ambiente - that‘s it!
Bezüglich der Bestückung in Sachen Mobiliar trifft der
Slogan „erlaubt ist, was gefällt“ wohl am ehesten zu. Ob
der Esstisch nun von Prouvé, Saarinen oder gar aus
einem italienischen Kloster des 16. Jahrhundert
stammt, ist nicht wichtig. Ausschlaggebend sind
Qualität und Exklusivität und letztendlich die generelle
Kombinationsfähigkeit im modernen Wohnambiente.
Am freien Markt ist dies durch die Preisentwicklung
abzulesen und wir Experten im klassischen Bereich
sind fieberhaft auf der Suche nach der „modernen Antiquität“.

KUNST.INVESTOR News
ART COLOGNE beauftragt
Michael Riedel für
großflächige Installation
Erstmals Präsentation einer
zeitgenössischen Positio
in der Messe
Vom 26. bis 29. April 2017 öffnet die ART COLOGNE
der internationalen Kunstwelt ihre Tore. Als diesjähriges
Highlight erwartet die Besucher im Eingangsbereich
Süd eine Kunstinstallation der besonderen Art des
deutschen Künstlers Michael Riedel. Mit der diesjährigen
Ausstellung des Künstlers Michael Riedel in der
Eingangshalle zeigt die ART COLOGNE anders als in
den vergangenen Jahren keine kunsthistorische,
sondern erstmals eine zeitgenössische Position. Die
Grundlage des Kunstwerks bildet ein von Michael
Riedel verfasster Text „L“, der die Zulassungssitzung
zur Messe wiedergibt, in der über die Annahme oder
Ablehnung der sich beworbenen Galerien zur ART
COLOGNE entschieden wurde. Der knapp dreistündige
Mitschnitt ergab ein 29-seitiges Dokument mit
insgesamt 53.689 Zeichen, in dem 1.894-mal der
Buchstabe L vorkommt. Mit der daraus entstandenen
Installation "L", die eigens für die Messe entworfen
wurde, präsentiert Riedel eine sachlich neue Sichtbarkeit,
in dem er den Bereich nicht realisierter
Möglichkeiten sichtbar macht. Die Installation "L" ist
dabei sowohl von der Standarchitektur als auch von
versteckten Aspekten hinter den Kulissen der ART
COLOGNE inspiriert. Auf einer 350 Quadratmeter
großen Bodenfläche und einem sich daraus auffaltenden
Messestand in L-Form verwandelt Riedel die dem
Kunstsystem entnommene Kommunikation in komplexe
grafische Muster. „Wir freuen uns, das wir dieses
besondere Projekt gemeinsam mit Michael Riedel
realisieren können. Zukünftig möchten wir gern jedes
Jahr einen aktuellen Künstler oder eine Künstlerin
gewinnen, um den Eingangsbereich als Willkommenstor
der ART COLOGNE zu gestalten. Ziel soll es sein,
anstelle mehrerer großformatiger Projekte den Fokus
auf ein starkes einzelnes Statement zu lenken“, erklärt
Daniel Hug, Direktor der ART COLOGNE.

KUNST.INVESTOR News
Ausstellungsansicht The Vulgar. Fashion Redefined, Barbican Centre, London, Foto: © Barbican Centre
Vulgär? - Fashion Redefined
Die Schau Vulgär? Fashion Redefined beschäftigt sich
mit dem umstrittenen und zugleich fesselnden Thema
des Geschmacks in der Mode. Objekte von der
Renaissance bis zum 21. Jahrhundert regen ab März
2017 in Prinz Eugens prunkvollem Winterpalais zum
Diskurs über die Definition des an. Basierend auf
Aussagen von Menschen so unterschiedlich wie Coco
Chanel und Jonathan Swift ist die unterschwellige
These der Ausstellungsmacher: (Guter) Geschmack ist
letztendlich Einstellungssache. Ausgangspunkt der von
Kuratorin Judith Clark und Psychoanalytiker Adam
Phillips konzipierten Schau sind Definitionen des
Begriffs Anhand verschiedener Kategorien, so zum
Beispiel in der Darstellung des Verhältnisses von Mode
zum menschlichen Körper, zeigt die Ausstellung, dass
Facetten des der Mode inhärent ist. Historische
Bekleidung, Couture und Konfektionsmode werden
Stoffmuster, Handschriften, Fotografien und Filme
gegenübergestellt. Damit soll die Sprunghaftigkeit
von Geschmack vermittelt werden: Modeschöpfer
machen ehemals salonfähig und kreieren als
empfundene Neuschöpfungen aus ehemals
Salonfähigem. Die Ausstellung, die zuvor im Londoner
Barbican Center zu sehen ist, zeigt Leihgaben aus
wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen aus
aller Welt sowie Beiträge von führenden modernen und
zeitgenössischen Designern und Modehäusern wie
Christian Dior, Jeanne Lanvin, Christian Lacroix, Louis
Vuitton und Vivienne Westwood. Für die
Ausstellungskonzeption wurden die neuesten
Forschungserkenntnisse der Psychologie zu
verschiedenen Auslegungen und Ursprüngen des mit
einbezogen- kuratiert von Judith Clark und Alfred
Weidinger.[ Belvedere-Winterpalais. Ausstellungsdauer
von 3. März bis 25. Juni 2017 – Foto: © Belvedere]

KUNST.INVESTOR News
The Vulgar: Fashion Redefined, Jeremy Scott for Moschino
Courtesy Moschino
The Vulgar: Fashion Redefined, Pam Hogg, Cape, shorts and headdress,
‘Diamond Dogs and Demons’ Collection Foto SimonArmstrong.com
The Vulgar: Fashion Redefined, Jeremy Scott for Moschino,
Courtesy Moschino
The Vulgar: Fashion Redefined, John Galliano for Christian Dior,
Crown created by Stephen Jones © Guy Marineau

KUNST.INVESTOR News
Galerie Gugging
„Special Edition“
Die neue Konzertserie mit
Lubomyr Melnyk live
am 19. März 2017 um 15:00
Uhr
Die in der internationalen Kunstwelt fest etablierte und
für ihre einzigartige Art Brut-Kunst bekannte Galerie
Gugging präsentiert im Jahr 2017 die neue intime
Galerie-Konzertreihe. Mit einem Mix von experimenteller
Elektronikmusik über bri tischen Indie-Rock bis zu
zeitgenöss-ischer Klaviermusik und Gospel öffnet sich
die Galerie Gugging einem neuen Publikum und startet
mit einer musikalischen Sensation in das erste Jahr.
Den Auftakt zu dieser besonderen Serie bestreitet mit
Lubomyr Melnyk am 19. März einer der faszinierendsten
Komponisten und Pianisten unserer Zeit. Er ist
ein wahrer Pionier, der neue Pfade für zeitgenössische
Musik erkundet und mit seiner von ihm begründeten
„Continuous Music“ eine völlig neue Sprache für das
Klavier entwickelt hat. Seine Konzerte sind
unvergessliche Erlebnisse und begeistern das
Publikum in aller Welt. Selten konnte man ihn bisher in
solch intimen Rahmen live erleben. Lubomyr Melnyk
sieht sich als „Prophet of the Piano“ und komponiert
Klavierwerke, die sich mit ihren Klangwellen in einem
ständigen Fluss befinden und einen faszinierenden Sog
erzeugen. Als „Continuous Music“ bezeichnet Melnyk
diese von ihm entwickelte Klangsprache, in der u.a.
Einflüsse der amerikanischen Minimal Music mit
spätromantischen Harmonien und Melodien
miteinander verschmelzen. Seit den frühen 1970er-
Jahren ist so ein erstaunliches, über 120 Werke
umfassendes Schaffen entstanden und das New Yorker
Magazin „Village Voice“ kürte eine Einspielung von
Melnyk gar zu den „10 Alben, ohne die man einfach
nicht leben kann“. Dank seiner brillanten Klaviertechnik,
die er erstmals 1978 auf Tonträger unter Beweis stellte,
genießt Lubomyr Melnyk schon lange den Ruf als einer
der schnellsten Pianisten der Welt. So schafft er es,
fast 19,5 Einzelnoten pro Sekunde zu spielen. Neben
dieser speziellen Technik, bei der sich die Konturen der
Noten auflösen, sorgt ein dauerhaft gedrücktes
Klavierpedal für die besondere hypnotische Atmosphäre
der Klavierstücke, die stets etwas von einem
großen Sound-Kontinuum besitzen. (Foto: © Galerie
Gugging]

KUNST.INVESTOR News
Christine Hill
ASSETS
MUSTERBRETT, 2012. Photo: Bill Orcutt. Courtesy of
Galerie EIGEN+ART Leipzig/Berlin; Ronald Feldma
Fine Arts New York and Volksboutique.
Die seit 1991 in Berlin lebende US-amerikanische
Künstlerin Christine Hill arbeitet seit Beginn der 1990er-
Jahre an dem Projekt "Volksboutique", die erstmals
1997 auf der documenta X in Kassel der internationalen
Öffentlichkeit vorgestellt wurde. Heute ist Volksboutique
eine Marke, und darüber hinaus eine Werkstatt, unter
der verschiedenste Projekte von Christine Hill zusammengefasst,
vertrieben oder als Organisationsform
erprobt werden. Volksboutique befasst sich mit Wertkonzepten
in unserer Kultur und lädt überkommene
Gegenstände wieder mit Bedeutung und Nutzen auf.
Als eine Art Hobbyarchivarin und -bibliothekarin erstellt
Christine Hill damit Inventare bestimmter Alltagsphänomene.
1995 gründete Christine Hill die mittlerweile
legendäre Volksboutique, die an verschiedenen
Orten in Europa und USA temporär eingerichtet wurde
und heute ihren Platz in New York und Berlin hat. Mit
diesem Projekt wurde Hill im internationalen Kunstbetrieb
zu einer festen Größe. Von einem
Secondhandshop in Berlin, in dem man sich mithilfe der
Beratung der Künstlerin einkleiden konnte, entwickelte
sich die Volksboutique seit Mitte der neunziger Jahre
von einem Treffpunkt und sozialem Raum zu einem
Label, das von einem konkreten Ortsbezug abgekoppelt
ist. Heute ist Volksboutique eine Marke, und
darüber hinaus die Bezeichnung für eine Werkstatt,
unter der verschiedenste Projekte von Christine Hill
zusammengefasst, vertrieben oder als Organisationsform
erprobt werden. Volksboutique befasst sich mit
Wertkonzepten in unserer Kultur und füllt überkommene
Gegenstände wieder mit Bedeutung und
Nutzen. Als eine Art Hobbyarchivarin und -
bibliothekarin erstellt Christine Hill auf diese Weise
Inventare bestimmter Alltagsphänomene. Christine Hill,
Professorin an der Bauhaus-Universität Weimar, gehört
zu den bedeutendsten zeitgenössischen Künstlern. Ihr
Arbeitsgebiet ist im Besonderen die konzeptuelle
Entwicklung kommunikativer Situationen und die
Reflektion von Themen wie „Lifestyle“ oder „Strategien
von Marken“. Hill ist auf vielen Ausstellungen weltweit
vertreten; ihre letzte große Installation präsentierte sie
auf der 52. Biennale in Venedig 2007 auf Einladung von
Robert Storr, von 1990 bis 2002 Kurator am Museum of
Modern Art, New York.(Ausstellungsdauer: 18. Februar
bis 15. April 2016 - Foto: Kunstraum Innsbruck)

KUNST.INVESTOR News
Martina Funder
Die VerTonung der Welt
The World Composed in Clay
Buchpräsentation mit Ausstellung
Donnerstag, 02. März 2017, 19:00 Uhr
Die VerTonung der Welt: Angreifen und begreifen,
erfassen und gestalten, wahrnehmen und transformieren.
Ton als Ausdrucks- und Gestaltungsmittel ist für
die Keramikerin und Künstlerin Martina Funder das
Material, das der Erde am Nächsten ist. Bevor sich
Martina Funder dem Ton als Werkstoff konsequent
zuwendet, studiert sie zunächst von 1973 bis 1978
Malerei in der Meisterklasse von Gustav Hessing an
der Akademie der bildenden Künste in Wien. Nach
ihrem Diplom und geprägt vom familiären Umfeld -
ihren Bezügen zu einer der ältesten in Wien ansässigen
Hafnerdynastien -, entscheidet sie sich für ein weiteres
Studium, das für ihr zukünftiges künstlerisches Schaffen
entscheidend und bestimmend sein wird. Von 1981
bis 1985 studiert sie Keramik in der Meisterklasse von
Günter Praschak an Hochschule für künstlerische und
industrielle Gestaltung in Linz. Zunächst bedient sie
sich bei ihren Versuchen, sich der Welt anzunähern, sie
zu verstehen und in neue Sinnzusammenhänge zu
stellen, der Medien Zeichnung und Malerei. Mit den
ersten künstlerischen Arbeiten, die sie verkauft, erwirbt
sie ihren eigenen Brennofen und entdeckt den
Werkstoff Ton als Möglichkeit, ihr kreatives Potential zu
erforschen und auszuloten. Ton wird für sie zum
Kunstmedium schlechthin und Markenzeichen ihrer
Ausdruckskraft jenseits einer banalen Nachahmung von
Wirklichkeit.
Die VerTonung der Welt / The World Composed in Clay
mit Texten von Rainald Franz, Renée Gadsden, Hartwig Knack,
Anna Lorenz in deutscher und englischer Sprache
Grafikdesign: Maria Anna Friedl
Paperback, 22,2 x 16,7 cm
104 Seiten, 76 Abb. in Farbe
Euro 24,00
Verlag für moderne Kunst
ISBN 978-3-903131-65-1
GALERIE
Beethovengasse 7, 2500 Baden
www.kunstvereinbaden.at

Lampalzer / Oppermann (A): Microtheorie
Magdolna Szabó (S): Perpetual
Vernissage: Freitag, 10. 3 . 2017, 19.00 Uhr
Ausstellungsdauer: 11. 3. 2017 – 23. 4. 2017
Lampalzer /Oppermann: Microtheorie
Ein waschechter Künstler ist und bleibt Künstler, auch wenn er in seinem ganzen Leben kein Kunstwerk schafft.
Lampalzer/Oppermann folgen den Spuren der Kunst vom Persönlichen ins Allgemeine und zurück. Dabei werden
Assoziationsgebilde aufgebaut, mit denen man je nach Montagerichtung neue künstlerische Axiome bilden kann.
Katalysator ist der unendliche Strom des Medialen.
Magdolna Szabó (S): Perpetual
Magdolna Szabó in Kunstverein Baden gives an insight into her, since 1996 ongoing project, based on limited
conditions: using a few rounded shapes (cut from a square) and only primary colors. The project started
spontaneously, when Szabó was working on a limited edition of her silkscreen print Untitled. Occasionally she would
print the component shapes of the image on separate sheets of paper, outside the print edition, as a sort of mechanical
sketching in reverse. So far, the project has resulted in a suite of several hundreds of monotypes The Stream and the
Waves, an animation with the titel Kinetic Silence and the book Perpetual which is also in the focus of the exhibition in
Kunstverein Baden. "Why constraints stimulate a feeling of freedom" is one of several possible issues in the interactive
book of Magdolna Szabó.
GALERIE
Beethovengasse 7, 2500 Baden
www.kunstvereinbaden.at

KUNST.INVESTOR News
Lawrence Alma-Tadema
Dekadenz & Antike
Lawrence Alma-Tadema, Entrance of the Theatre (Entrance to a Roman Theatre), 1866
Der Niederländer Lawrence Alma-Tadema avancierte
im viktorianischen England zum Starkünstler. Seine
sinnlichen Darstellungen alltäglicher antiker Szenen
machten ihn über die Grenzen Großbritanniens hinaus
berühmt. Im Unteren Belvedere wird der Künstler vom
24. Februar bis 18. Juni 2017 mit einer Einzelausstellung
gewürdigt, die seit Oktober 2016 im
niederländischen Fries Museum zu sehen ist. In
Friesland geboren und aufgewachsen erhielt Alma-
Tadema seine Ausbildung in Belgien bevor er 1870
nach London auswanderte. Dort lebte und arbeitete er
mit seinen beiden Töchtern aus erster Ehe und seiner
zweiten Frau Laura Theresa Epps, die ebenfalls
Künstlerin war. Die gemeinsam eingerichteten
Atelierhäuser der Familie waren für ihn von zentraler
Bedeutung. Das Paar sammelte Stoffe, Objekte und
Möbel aus verschiedenen Jahrhunderten und
Kulturkreisen - im Original oder als Kopie – und viele
dieser Gegenstände finden sich in Alma-Tademas
Gemälden wieder. Fasziniert von der Antike ließ Alma-
Tadema alltägliche Szenen im alten Rom, Pompeji und
alten Ägypten in seinen Werken zum Leben erwachen.
Akribische Studien altertümlicher Objekte und
Bauwerke trugen ihren Teil zu Reiz und
Glaubwürdigkeit der Darstellungen bei. Die
meisterhafte Wiedergabe von Stofflichkeit, die
innovative Herangehensweise an die Darstellung von
Raum und das ausgeprägte narrative Element seiner
Gemälde begeisterten seine Zeitgenossen. So wurde er
zu einem der meistgefragten und teuersten Künstler
seiner Zeit. Seine Kompositionen prägten die damalige
Vorstellung der Menschen vom Leben in der Antike.
Filmemacher epischer Historienfilme wie Quo Vadis?
von Enrico Guazzoni (1913) und Ridley Scotts
Gladiator (2000) orientierten sich an Alma-Tademas
Bildern für Kostüme und Filmsets. Mit bedeutenden
Hauptwerken aus aller Welt gibt die Ausstellung im
Unteren Belvedere einen Einblick in Leben und Werk
des Künstlers und lädt dazu ein, in die dekadente Welt
des englischen Ästhetizismus einzutauchen. (Foto: ©
Belvedere)

KUNST.INVESTOR News
Lawrence Alma-Tadema, The Roman Potters in Britain (Hadrian in England), 1884
Lawrence Alma-Tadema, The Finding of Moses, 1904

KUNST.INVESTOR News
Copyright © 2017 Sammlung Friedrichshof
STEINBRENER / DEMPF & HUBER - Handarbeiten
Das 2005 gegründete Künstler-Kollektiv bestehend aus
dem Bildhauer Christoph Steinbrener, dem Fotografen
und Grafiker Rainer Dempf und dem Architekten Martin
Huber ist vor allem für seine Interventionen und
temporären Skulpturen im öffentlichen Raum bekannt.
Aktuell kommentieren ihre Arbeiten Sign of the Times,
an der Fassade des Hotel InterContinental, und Lunch
Atop, auf dem Dach des Hochhauses Nordbergstraße
15, Wiener Architekturvorhaben. Im STADTRAUM der
SAMMLUNG FRIEDRICHSHOF zeigen Steinbrener/
Dempf & Huber ihre nur selten präsentierten
Studioarbeiten. Der Ausstellungstitel Handarbeiten
bezieht sich auf den für die Gruppe eher
ungewöhnlichen Produktionsprozess der gezeigten
Werke. Die Umsetzung ihrer großformatigen Skulpturen
wird meist ausgelagert. Die Handarbeit im Studio
ermöglicht den Künstlern, im Gegensatz zu den
minutiös zu planenden Abläufen bei Arbeiten für den
öffentlichen Raum, ein freieres Herangehen. Der
experimentelle Zugang ist charakteristisch für diese
Werke, die auch als dreidimensionale Entwürfe und
Ideenskizzen gelesen werden können. Die Künstler
komponieren Sujets aus historischen Publikationen,
Kopien wissenschaftlicher oder kultureller Bildwerke
und Reproduktionen ihrer eigenen Arbeiten zu
filigranen Collagen und Miniatur-Dioramen, indem sie
diese ausschneiden, übereinanderschichten, ineinander
montieren und kleben. Assoziativ arrangieren sie
Motive und Formen mit verschiedenen Größenverhältnissen
und Volumen zu surrealistisch
anmutenden Räumen. Daraus resultieren Überlagerungen,
sowohl im Raum, als auch auf der
Bedeutungsebene. Die Arbeiten wirken anekdotisch,
humorvoll und spielerisch. Sie sind Konversations-
Stücke im übertragenen Sinn, die das Gespräch und
den künstlerischen Austausch zwischen dem Bildhauer,
dem Fotografen und dem Architekten visualisieren.
[Sammlung Friedrichshof STADTRAUM, 1040 Wien.
Dauer der Ausstellung: 23.Februar 2017 bis 21. April
2017 – Foto: © Sammlung Friedrichshof]

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Friedrich Frank, Blick auf Florenz, Aquarell auf Papier; 55 × 95 cm (Passep.-Ausschnitt); Rufpreis € 3.000
115. KINSKY-AUKTION - „KOSTBARKEITEN“
Alte Meister, Bilder des 19. Jahrhunderts, Klassische Moderne,
Zeitgenössische Kunst, Antiquitäten und Jugendstil & Design
28. Februar bis 1. März 2017
Das Jahr beginnt im Kinsky schon traditionell mit einer
Auktion der Kostbarkeiten und wirft den Blick auf
Kunstwerke, deren Qualität überzeugt, die aber
dennoch im Preis günstig sind. Alle sechs Sparten des
Hauses, von den Alten Meistern bis zu den
Zeitgenossen sind vertreten und bieten mit über 900
Objekten eine umfangreiche und vielseitige Auswahl für
jeden Sammler. Bei den Alten Meistern kann man
durch die Jahrhunderte streifen und sich zwischen
ländlichen Idyllen, schönen Frauen und aufregenden
Szenen aus Mythologie und Historie entscheiden. In
der Sparte des 19. Jahrhundert begeistern zwei
ungewöhnliche Stadtprospekte: Einmal der Blick auf
Florenz von Friedrich Frank bei herrlichem Sonnenlicht
und atmender Luft und einmal der Blick auf Landeck in
Tirol von Hubert Sattler. Letzterer war ja für seine
Reisen und aufregenden Städtebilder besonders
berühmt, seine nüchterne Klarheit mit großer Raumtiefe
wirkt wie eine Vorwegnahme des zeitgenössischen
Photorealismus. Marie Egners reizvolle Aufnahme der
Lagune von Grado oder Friedrich Gauermanns schnelle
Skizze eines Hirschen im kalten Gebirgssee bieten
Kostbarkeiten der spontanen Studie vor Ort. Gewohnt
vielseitig ist das Angebot der Antiquitäten.

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Norbertine Bresslern-Roth, Tukanjäger, 1943, Öl auf Jute; 90 × 70 cm; Schätzpreis € 20.000-40.000

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Helmut Leherb, Ma vie phantastique (Das Manifest der inneren Unruhe), 1963 Öl auf Leinwand
gerahmt; 85,5 × 65,5 cm; Schätzpreis € 40.000 – 80.000

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘
Paar seltene Vasen, Florenz oder Pisa, um 1575, dunkelgrünes Glas
Bronze, vergoldet; H. 15 cm; Rufpreis € 6.000
Tafelbesteck von Josef Karl Klinkosch stellt mit €
15.000 den höchsten Schätzpreis dar, Glassammler
werden mit einem Paar seltener Vasen aus Italien ihre
Freude haben und die Auswahl der Möbel reicht von
gotischer Giebeltruhe bis hin zu einem barocken
Nasenschrank. Otto Prutscher, Josef Hoffmann,
Dagobert Peche, Franz Hagenauer oder Eduard
Klablena sind klingende Namen in der Sparte des
Jugendstil, Silbertabletts, Vasen, Keramikfiguren,
Kerzenleuchter stehen zur Auswahl. In der Klassischen
Moderne reicht die Bandbreite des Angebots von
Zeichnungen Gustav Klimts über die suggestiven
Landschaften von Josef Stoitzner, zu den klappernden
Tukanen von Norbertine Bresslern-Roth und den
Bergbauernhöfen von Oskar Mulley. Und passend zur
Jahreszeit werden Schneelandschaften von Wilhelm
Thöny und Hans Weber-Tyrol angeboten. Farbkräftig
und phantastisch präsentieren sich die Zeitgenossen:
Ernst Fuchs großformatige Lady Gainsborough und
Helmut Leherbs Triumph des Jean Jacob entführen in
Traum- und Phantasie-welten während Gunter Damisch
gewohnt in Gefilde jenseits unserer sichtbaren Welt
führt. Ein besonderes Angebot bietet die Sammlung
von Werken des früh verstorbenen, genialen Wiener
Malers Alfred Kornberger. (Foto:© ‚im Kinsky)

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Foto:© Dorotheum

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Marcel Kammerer-Schrank, Wien um 1910 (Schätzwert € 4.000-5.500
Lounge Sessel im Bauhaus-Stil (€ 1.200-1.600) - Art Déco Tischlampe (€ 1.200-1.600)
"SELECTED BY PHILIP HOHENLOHE"
Interieur-Spezialist Hohenlohe arrangiert Bilder, Möbel, Dekor im Dorotheum
Blick zurück nach vorne: „Klassisches Design, klassische Architektur, Studium der Geisteswissen-schaften: Vielleicht
müssen wir wieder den Blick zurückwerfen, uns auf unsere Wurzeln besinnen“, sagt Designer Philip Hohenlohe in
seinem Katalogvorwort zur Auktion „selected by Philip Hohenlohe“ am 2. März 2017 im Dorotheum.
Gute Proportionen: Symmetrie, Harmonie –
überhaupt: gute Proportionen, eine Gemütlichkeit
jenseits des reinen Biedermeier propagiert der
Interieur-Profi, dem der landläufige Purismus-
Konformismus ein Gräuel ist. Vielmehr schafft er mittels
Licht und Farbe behagliche Stimmungswelten, die er
mit Dorotheum-Auktionsangebot aus dem Historismus
des 19. Jahrhunderts, Entwürfen des Bauhaus‘ und Art
Déco sowie Dekorationsgegenständen zu einem neuen
Ganzen zusammenfügt. Dieser Eklektizismus wird etwa
mittels Bakelitmodellen von Kristallen oder - nach der
ersten vergleichbaren Auktion 2011 eine Novität - mit
eigenen Hohenlohe-Entwürfen von Lampen, Sesseln
und Tischen gemischt.
Stimmungswelten: Salons a la Visconti schweben
dem ehemaligen Filmstudenten und production
designer vor. Und diese Einrichtungen seien nicht an
großes Budget gebunden, darauf legt Stilexperte Philip
Hohenlohe wert. Die Schätzwerte der rund 200
Auktionsobjekte liegen zwischen 300 und 20.000
Euro.„Wieso ist etwas vulgär oder elegant? Warum
empfinden wir etwas als schön oder hässlich? Was ist
Kitsch, und warum?“ Fragen, die Philip Hohenlohe sein
ganzes Leben lang begleitet haben. Anhand von
Hohenlohes Raumkonzeptionen kann man
Grundfragen der Ästhetik wieder überprüfen, sich
inspirieren lassen– und mitsteigern. (Foto:©Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Dorotheum
DOROTHEUM-Auktionswoche mit Alten
Meistern, Gemälden 19JH,
Antiquitäten und Juwelen
(25. bis -27. April)
Glas und Porzellan Deckelvase mit dem Porträt Ludwig XV,
Mitte 19. Jh € 100.000 – 150.000
Recht ungewöhnlich ist diesmal das Konvolut Musterzeichnungen WW. Ansonsten werden französisches Glas, Wiener
Keramik auch die Powolny-Figuren, Bronzen, Möbel darunter ein toller Paravent, ohne Künstlerangabe sowie einige
Zeichnungen und Bilder aus dem ehemaligen Besitz des Architekten Clemens Holzmeister angeboten.
19. Jahrhundert: 1740 schuf Johann Joachim Kändler
auf Bestellung von August III. ein repräsentatives
Ensemble von drei Deckelvasen und zwei Kannen: Es
war als wertvolles Geschenk an Ludwig XV. gedacht,
wie es nur hochrangigen Persönlichkeiten zu
besonderen Anlässen überreicht wurde, und trug
dessen Porträt sowie die Wappen von Bourbon und
Navarra. Die Vase ist von besonderer Pracht und
Schönheit, aber nicht überladen. Vielmehr zeigt sie an
der Vorder- und Rückseite bereits aufgelöste
Blumenzweige, locker gesetzt, sehr modern. Etwa 100
Jahre später wurde dann unsere Vase hier produziert,
wohl in sehr kleiner Auflage. Sie ist perfekt erhalten, auf
dem Kunstmarkt eigentlich nicht zu finden und daher
wirklich eine Besonderheit.“
Konvolut von Wiener Werkstätte Musterzeichnungen, Musterblättern
und Heft, Tusche auf Papier, Offsetdrucke, ein Foto sowie je eine
Preisliste für Metall-, keramische und Glaswaren, insgesamt 40
Stück,(B). Schätzwert € 3.000 – 4.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Vase in Eisenfassung, Daum frères/Louis Majorelle, Nancy 1918/25, orange unterfangenes Glas mit farbigen
Einschmelzungen und zerplatzten Silberfolieneinschlüssen, in eine Eisenform geblasen, Unterseite mit nadelgeätzter
Signatur, Höhe 18 cm,(B). Schätzwert € 1.000– 1.300
Aufsatz mit Schmetterlingen,Amphorawerke Riessner, Stellmacher & Kessel, Turn-Teplitz um 1905, Keramik,
hellblau glasiert und mit farbig und goldstaffiertem Reliefdekor, 4 seitliche Streben in Form von Schmetterlingen,
Goldrand, restaur., Unterseite mit Pressmarken, Höhe 16,5 cm,(B). Schätzwert € 1.000 – 1.300

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Möbel: Dieser Flöten-Uhrensekretär vereint mehrere
Komponenten, die mich als Experten faszinieren.
Zunächst ist da sein guter, nahezu unverfälschter
Zustand. Das Möbel wurde weder technisch noch
konstruktiv verändert oder gar durch eine schlechte
Restaurierung in der Substanz beeinträchtigt. Die
Signaturen und die Datierung machen es möglich, den
Sekretär sowohl zeitlich als auch geografisch sehr gut
festzumachen. Bei diesem außergewöhnlichen Möbel
kommt noch die technische Komponente hinzu. Uhr,
Walzen- und Flötenspielwerk in einem
mahagonifurnierten Korpus mit Schnitzereien aus
Palisanderholz, und das in dieser Einheitlichkeit und
Harmonie …
Musealer Biedermeier Flöten-Uhrensekretär des Uhrmachers und Mechanikus Georg Friedrich Christoph Hausleiter,
Ansbach 1826, Schätzwert € 18.000 bis 25.000

KUNST.INVESTOR Dorotheum
Alte Meister: Hingegen kennt Ovid neun pierische
Musen, deren Mutter Euippe gewesen sein soll; sie
stammen aus Ägypten und fordern die „jüngeren“
olympischen Musen heraus (Wettstreit der Mnemoniden
und Pieriden). Nach ihrer Niederlage werden sie zur
Strafe für ihr anmaßendes Verhalten in Elstern
verwandelt. Diese neun Töchter des Pieros wurden
auch Vögeln gleichgesetzt und trugen gelegentlich die
Namen: Colymbas, Lyngx, Cenchris, Cissa, Chloris,
Acalanthis, Nessa, Pipo und Dracontis- eine Muse auf
dem Bild scheint schon davonzufliegen, sie hat bereits
Vogelflügel. (Foto: © Dorotheum)
Das Bild ist selten bei Achenbach, weil Venedig-Motiv und bei Tag (sonst eher Neapel bei Nacht..) Oswald Achenbach
Blick zur Piazzetta mit Biblioteca Marciana, Santa Maria della Salute und Dogana Öl auf LW, 138,5x196cm
Schätzwert €150.000 – 250.000
Marten de Vos. Der Wettstreit zwischen den Musen und den Pieriden, Öl auf Holz, 77x135
Schätzwert € 150.000 – 250.000

KUNST.INVESTOR Ressler Kunst Auktionen
Arnulf Rainer, Ohne Titel (Vorderseite Schwarz- und Rückseite Rosaübermalung)
Rufpreis 18.000, € - UNVERKAUFT
Kompromisslose Suche
Wie kaum ein anderer Künstler hat Arnulf Rainer in seiner Suche nach
künstlerischen Ausdrucksmitteln radikal neue Wege beschritten.
Aber nicht nur der Künstler sucht ständig nach neuen
künstlerischen Ausdrucksmittel, auch der Markt ist
permanent auf der Suche: Bei der Auktion der
RESSLER KUNST AUKTIONEN am 20. Februar in der
ehemaligen Anker Brotfabrik wurden 6 Werke Arnulf
Rainers angeboten, fünf wurden verkauft. Eine
„Graubraune Übermalung“ aus 1962, überarbeitet
1973, wurde auf 55.000 Euro gesteigert. Inklusive des
Aufgeldes, der Umsatzsteuer und dem Folgerecht (das
ist der Betrag, den der Künstler als Anteil aus dem
Verkauf erhält), mussten also mehr als 70.000 Euro für
Arbeit bezahlt werden. Zwei kleine Übermalungen aus
den frühen 1970er Jahren erzielten Meistbote von
16.000 und 14.000 Euro. „Der Waldmensch“ wurde um
13.000 Euro verkauft, eine Naturübermalung wurde in
der Auktion auf das gleiche Niveau gehoben. Lediglich
eine Arbeit scheiterte – noch dazu eine ganz besonders
Interessante: 1959 stellte Rainer den Entwurf für eine
Plastik in der Vorgartenstraße vor. Allein, die Verant-
.
wortlichen der Gemeinde Wien wollten sich seinem
Vorschlag nicht anschließen – was sie heute heftig
bedauern sollten. Die rosafarbige Zentralgestaltung (auf
der Rückseite hat der Künstler eine seiner wunderbaren
schwarzen Übermalungen vorgenommen, die freilich
nicht „schwarz“ ist, sondern irisierend in violetten
Tönen) ist für Arnulf Rainer sehr ungewöhnlich. Der
Künstler hat 1974 die beiden Flächen im Rahmen einer
Restaurierung überarbeitet, herausgekommen ist ein
doppelseitiges Werk, das jedenfalls auf der rosafarbigen
Seite so ungewöhnlich ist, dass sich offenbar
kein Sammler traute, es zu erwerben. Der Rufpreis
betrug 18.000 Euro, ein durchaus amikaler Preis für
einen der wichtigsten Künstler der Gegenwart. Arnulf
Rainer war seit jeher ein kompromissloser, ja radikaler
Künstler. Nach künstlerischen Kontroversen verließ er
sowohl die Angewandte als auch die Akademie
innerhalb weniger Tage.

KUNST.INVESTOR Ressler Kunst Auktionen
Arnulf Rainer, Ohne Titel, (Rückseite Rosa- und Vorderseite Schwarz übermalung)
Rufpreis 18.000, € - UNVERKAUFT
Er bildete sich fortan autodidaktisch weiter. Durch die
gestische Malerei von Jackson Pollock, Jean Paul
Riopelle und Wols beeindruckt, wandte er sich vom
Surrealismus ab und ging zu abstrakten Mikrostrukturen
über. Die ersten „Übermalungen“, die sein
gesamtes Werk prägten, entstanden um 1953. In den
Jahren 1956/57 fanden religiöse Themen, meist
Kruzifikationen, Eingang in sein Werk. In den 1960er
Jahren begann Arnulf Rainer, Fotos der eigenen
Physiognomie und des eigenen Körpers sowie
Abbildungen alter Meister und zeitgenössischer
Künstler zu übermalen. Die Untersuchungen der
Körpersprache und die Frage nach der eigenen
Identität manifestierten sich in den Serien der „Face
Farces“ und „Body Poses“. Dabei ergaben sich
Berührungspunkte mit dem Wiener Aktionismus. Arnulf
Rainer setzte sich immer wieder über gesellschaftliche
Tabus hinweg, nicht nur im Bereich der Erotik, sondern
auch in der Serie der Totenmasken und Totenzeichnungen.
1978 und 1980 vertrat er Österreich auf der
Biennale in Venedig. Seit 1981 ist er Mitglied der
Akademie der Künste Berlin und war bis 1995 Leiter
einer Meisterklasse für Malerei an der Akademie der
bildenden Künste in Wien. 1984 fand eine große
Werkschau im Centre Pompidou in Paris statt. 1989
kam es zu einer großen Retrospektive im Guggenheim
Museum New York – der ersten eines lebenden
europäischen Künstlers überhaupt. Seither widmeten
ihm bedeutende Kunstinstitutionen wie das Stedelijk
Museum in Amsterdam Retrospektiven, die Pinakothek
der Moderne in München widmet ihm permanent einen
ganzen Ausstellungsbereich. „Ressler Kunst Auktionen
sucht permanent Werke Arnulf Rainers für seine
Auktionen“, so Otto Hans Ressler Geschäfts-führer und
Auktionator des Auktionshauses.. (Foto: © Ressler
Kunst Auktionen)
Nachverkaufskatalog

KUNST.INVESTOR Ressler Kunst Auktionen
Arnulf Rainer, „Graubraune Übermalung“, Rufpreis € 45.000 – Verkauft € 68.750

KUNST.INVESTOR Ressler Kunst Auktionen
Arnulf Rainer, „Krummer Rücken“, Rufpreis € 10.000 – Verkauft € 20.000

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
Natalie Czech, Avatar / Me, 2016, © Bildrecht, Wien, 2017, Courtesy Kadel Willborn, Düsseldorf und Capitain Petzel, Berlin
João Maria Gusmão & Pedro Paiva, Glossolalia (“Good Morning”), 2014, Produziert von Fondazione HangarBicocca, Milan
Courtesy die Künstler

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
Mehr als nur Worte
[Über das Poetische]
„Was macht eine verbale Botschaft
zum Kunstwerk?“ (Roman Jakobson)
Bruno Munari, Supplemento al dizionario italiano – I Gesti,
© Bruno Munari, 1963 – All rights reserved to Maurizio Corraini s.r.l.
Der Linguist Roman Jakobson (1896–1982)
unterscheidet in der zwischenmenschlichen Kommunikation
sechs verschiedene Sprachfunktionen. Die für
ihn wichtigste Funktion ist die poetische, durch die
Sprache „in ihrer formalen Erscheinung zu einer Art
besonderer Information wird.“ Poetische Sprache lebt
von Konnotationen und Mehrdeutigkeit, ergänzt die
Darstellung von etwas um Klang und Rhythmus und
stellt die Form über den Inhalt. Poetische Sprache ist
(noch nicht) Dichtung. Bereits wenn Wörter bewusst in
ihrer ästhetischen und klanglichen Dimension wahrgenommen
werden, wenn sie nicht nur als praktisches
Kommunikationselement verstanden werden, ist die
poetische Sprachfunktion am Werk.Mehr als nur Worte
[Über das Poetische] erhebt die Idee der poetischen
Funktion zum Ausgangspunkt für gedankliche Ausdrucksmöglichkeiten
jenseits semantischer Eindeutigkeit.
Im Blickpunkt steht eine Sprache der
morphologischen Ungewissheiten und der unendlichen
Hermeneutik. Zu entdecken ist sie in Filmen,
Fotografien, Skulpturen, Installationen und Performances,
die sich in ein avantgardistisches Display
einfügen, das sich wie eine Visualisierung von Silben
im Raum lesen lässt.
Sprache ist mehr als Worte und auch das Wort ist mehr
als eine bloße Aneinanderreihung von Buchstaben. Der
amerikanische Konzeptkünstler John Baldessari führt
auf die richtige Fährte, wenn er aufzeigt, welch
hintergründiger Witz der künstlerischen
Auseinandersetzung mit Sprache/Poesie innewohnt: In
Teaching a Plant the Alphabet (1972) sehen wir die
Hand des Künstlers, wie sie einer Topfpflanze nach und
nach Lernkarten mit dem Alphabet vorhält. Jeder
einzelne Buchstabe wird in Groß- und Kleinschreibung
und mit diversen Wortbeispielen visuell vermittelt.
Neben der Verbindung von Kunst und Sprache und der
Bildwerdung von Schrift, welche die Kunst seit dem
Beginn des 20. Jahrhunderts prägt, steht vor allem das
Interesse an einer Sprache, die sich der algorithmischen
Verwertung und einfachen Übersetzbarkeit
entzieht. Eine Sprache, die auf eine Abfolge von Codes
ausgerichtet ist, aber weder geschrieben noch
gesprochen wird, verwendet Elisabetta Benassi in ihrer
Arbeit Finalmente solo, finalmente tutti (2013): Zwei
Morselampen stehen einander in einem dunklen Raum
gegenüber. Abwechselnd senden sie durch Auf- und
Abblenden Signale, die als Abfolge von Buchstaben
entziffert werden können. Der so übertrage Text
stammt von Mario Merz und ist seinem Buch Voglio fare
subito un libro (Ich möchte sofort ein Buch machen)
entnommen.

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
Artur Żmijewski, Blindly, 2010, Courtesy der Künstler, Foksal Gallery Foundation, Warschau und Galerie Peter Kilchmann, Zürich
John Baldessari, Teaching a Plant the Alphabet, 1972, Courtesy Electronic Arts Intermix (EAI), New York

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
Wenn João Maria Gusmão und Pedro Paiva in ihrem
16mm Film Glossolalia (2014) einen Papagei langsam
seine Flügel spreizen, sich drehen und den Schnabel
öffnen lassen, ist der/die Betrachter/in in gespannter
Erwartung. Doch mit dem Öffnen des Schnabels endet
der (Stumm-)Film und lässt uns mit der Frage zurück:
Welche Sprache spricht ein sprechender Papagei?
Nicht nur die Stimme, auch und vor allem Gesten
vermitteln dieses „mehr als nur Worte“: Bruno Munaris
Sammlung von Gesten im Supplemento al dizionario
italiano – I Gesti (1958) zeigt Fotos von rund fünfzig
Handbewegungen, ergänzt um deren Anwendung und
Bedeutung. Ketty La Roccas Fotoserie Le mie parole, e
tu? (1974) zeigt ebenfalls Hände als Ausdrucksträger
und Symbol des Körpers. Anders als bei Munari, wo
Handzeichen als Form der Kommunikation auf ein
intuitives Verständnis abzielen, sind es bei Ketty La
Rocca Hände, auf die Worte und Sätze appliziert sind –
Hände, in die sich Sprache sprichwörtlich einschreibt.
Fast ein Jahr lang arbeitete die Künstlerin Erica Scourti
an ihrem Projekt Life in AdWords (2012/13). Sie
erstellte ein digitales Tagebuch, in dem sie sich mit der
Webcam ihres Computers täglich dabei filmte, wie sie
von einem Algorithmus erzeugte Keywords, wie einen
Wordrap vorträgt. Die vorgeschlagenen Worte ergaben
sich aus personalisierter Werbung, die ihr als Reaktion
auf ihr digitales Tagebuch vorgeschlagen wurde. So
wurde täglich eine lange Liste an Objekten, Marken,
emotionalen Zuständen und Wünschen kreiert.
Auch performative Elemente prägen die Ausstellung, so
etwa Jason Dodges Skulptur Rose light to white light to
rose light over and over by hand, die während der
Dauer der Ausstellung an unterschiedlichen Tagen die
existierenden Neonröhren im Raum durch rosafarbene
Röhren austauschen lässt, um diese dann wiederum
durch die ursprünglichen zu ersetzen. Diese Arbeit führt
vor Augen, wie sich allein durch den Wechsel des
Lichts, die Wahrnehmung verändert. Eine punktuelle
Wahrnehmungsverschiebung nimmt auch Fernando
Ortegas Transcription vor. Ortega hat das Summen
einer Mücke in eine Komposition übersetzt, die von
einem Violinisten an unterschiedlichen und nicht vorab
bekanntgegebenen Tagen in der Ausstellung gespielt
wird. Poesie ist sprachlicher Überschuss. Es ist eine
Sprache, die sich der Logik der effektiven Sinnstiftung
und des funktionalen Zeichenaustauschs widersetzt.
Eine Sprache, die sich der Logik ökonomischer
Abstraktion und den Regeln des Pragmatismus
entzieht. Kombinationen von semiotisch befreiten
Silben und Wörtern, die spielerisch Bedeutung
erzeugen, überspringen, vermischen. „Poesie muss von
allen gemacht werden“, verkündete der Comte de
Lautréamont bereits 1870: ein kollektiver Akt, der sich
auch im Format Ausstellung als Zusammenspiel der
Werke und ihrer Aufführung, im Solo und als Ensemble
widerspiegelt. [Kunsthalle Wien. Kuratiert von Luca Lo
Pinto und Vanessa Joan Müller. Ausstellungsdauer: 8.
März bis 7. Mai 2017 – Foto Kunsthalle Wien]
Künstler/innen: John Baldessari, Elisabetta Benassi, Nina Canell, Natalie Czech, Michael Dean, Jason Dodge, João
Maria Gusmão / Pedro Paiva, Ketty La Rocca, Bruno Munari, Olaf Nicolai, Fernando Ortega, Jenny Perlin, Gerhard
Rühm, Olve Sande, Erica Scourti, Michael Snow, Mladen Stilinović, Artur Żmijewski

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging
Michael Vonbank, 2004, Ohne Titel, Ölkreide, 21 x 29,7 cm, Courtesy galerie gugging
Franz Kamlander & Co: „viechereien“
Die Tierwelt, in allen ihren Facetten, ist faszinierend
und wird auch in der Art Brut immer wieder als Thema
gewählt. Der Gugginger Künstler Franz Kamlander ist
mit seinen Zeichnungen und Gemälden von Tieren
berühmt geworden. Von einem Bauernhof in
Niederösterreich stammend, war sein eindeutiges
Lieblingsthema die Darstellung von Kühen. Das liebe
„Vieh" - das ist die Bezeichnung von zumeist
domestizierten Nutztieren in der Landwirtschaft - wurde
von ihm als Symbol seiner Jugend, die er zu Hause
verbracht hat, in unzähligen Varianten gezeichnet und
auch gemalt. Es geht bei ihm und all seinen
Künstlerkollegen nicht um ein möglichst naturgetreues
Abbild eines Tieres, sondern darum, die Emotionen
dieses Tieres zu vermitteln. Es sind Empfindungen von
Tieren, die dargestellt werden und die Wahrnehmung
dieser Gefühle durch den Künstler. Erlebnisse und
Erinnerungen finden ihren Ausdruck in Zeichnungen,
Gemälden und Objekten. Rund um Franz Kamlanders
Werk vermitteln weitere 25 KünstlerInnen, von Laila
Bachtiar bis zu August Walla, einen Einblick in die
„brute" Tierwelt. Dichte, archaische Arbeiten von Michel
Nedjar, feine Zeichnungen von Oswald Tschirtner
sowie farbintensive Werke von August Walla
veranschaulichen, wie unterschiedlich die
Herangehensweise an dieses Thema ist. Wir zeigen
Raritäten von Anton Dobay und Ernst Herbeck und
erstmals auch Objekte von Jens Mohr, Gemälde von
Ernst Schär und Zeichnungen von Michael Vonbank.
Begleitend zur Ausstellung wurde ein Katalog
produziert, der mit Texten von Ernst Herbeck und
Michael Vonbank einen kleinen Einblick in die
„Viechereien" der Art Brut gewährt. [Galerie Gugging,
Vernissage: Mittwoch, 15. Februar 2017, 19 Uhr.
Ausstellungsdauer: 16. Februar bis 9. Mai 2017 – Foto:
© Galerie Gugging]

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging
Philipp Schöpke, 1977, Ferht Schimel, Bleistift, Farbstifte, 22,1 x 30,2 cm, © Privatstiftung - Künstler aus Gugging
Michel Nedjar, 2001, untitled / Paris St.-Martin 2001, Mischtechnik auf Kuvert 23 x32,5 cm, © Michel Nedjar

KUNST.INVESTOR Belvedere
Alfred Wickenburg, Wahrsagerin, 1973, © Belvedere, Wien/Leihgabe aus Privatbesitz, New York
Alfred Wickenburg – Visionen in Farbe und Form
Die erfolgreiche Ausstellungsserie Meisterwerke im Fokus, die zweimal pro Jahr eine österreichische Künstlerpersönlichkeit
in den Mittelpunkt rückt, zeigt im Frühjahr 2017 ausgewählte Arbeiten des Grazer Künstlers Alfred Wickenburg.
Alfred Wickenburg wurde im Juli 1885 in Bad
Gleichenberg in der Steiermark in eine adelige Familie
geboren. Er wuchs in einem kultivierten und
kunstinteressierten Umfeld auf. Bereits die Wahl
seines künstlerischen Ausbildungswegs verweist auf
eine aufgeschlossene, den internationalen
zeitgenössischen Kunstströmungen unvoreingenommen
gegenüberstehende, äußerst interessierte Persönlichkeit.
Mit 19 Jahren ging Wickenburg nach
München. Nach einem kurzen Aufenthalt in der
Dachauer Künstlerkolonie folgten vier Jahre in Paris,
wo er an der Académie Julian bei Jean-Paul Laurens
studierte. Von 1910 bis 1914 besuchte er an der
Stuttgarter Akademie neben Oskar Schlemmer und Willi
Baumeister u. a. die Meisterklasse von Adolf Hölzel.
Nach dem Krieg folgten Studienaufenthalte in Rom,
Florenz und Venedig, bevor Wickenburg 1923 wieder in
die Steiermark zurückkehrte um zahlreiche Eindrücke
sowie um die Schulung und Wissenserweiterung
durch hervorragende Lehrer reicher. Expressionistische,
fauvistische, kubistische und futuristische
Einflüsse machen sich in seinen meist farbintensiven
und großformatigen Werken bemerkbar.

KUNST.INVESTOR Belvedere
Alfred Wickenburg, Burgenländisches Stillleben II, 1968, © Belvedere, Wien/Leihgabe aus Privatbesitz, New York
Auch Gestaltungsprinzipien der Pittura metafisica oder
des Surrealismus finden Eingang in seine Arbeiten,
wobei er aus sämtlichen stilistischen Einflüssen seine
individuellen und eigenständigen Konsequenzen zieht.
Die zunehmende Reduzierung auf das Wesentliche des
Dargestellten und eine ausgewogene Balance des
Zusammenspiels von Linie, Form und Farbe bilden die
Hauptelemente im Schaffen Wickenburgs, der über
viele Jahre als Zeichenlehrer sowie als Leiter der
Abteilung für Freskomalerei an der Bundesgewerbeschule
Graz tätig war. Bis ins hohe Alter von 93 Jahren
blieb der Mitbegründer der Grazer Secession (1923)
Alfred Wickenburg künstlerisch aktiv. Zahlreiche
Preise und Ehrungen sowie eine intensive Ausstellungstätigkeit
im In- und Ausland, darunter die
Teilnahme an der Biennale in Venedig in den Jahren
1934, 1936, 1950 und 1958, begleiteten seine
langjährige künstlerische Laufbahn. Die Fokusausstellung
im Oberen Belvedere möchte durch ausgewählte
Beispiele die künstlerischen Einflüsse und
Entwicklungen im Werk Wickenburgs exemplarisch
aufzeigen. Neben dem noch unterrepräsentierten Spätwerk
sollen auch die Glasarbeiten im Ansatz
thematisiert werden, mit denen sich Wickenburg in den
1960er Jahren intensiv beschäftigte- Kuratiert von
Kerstin Jesse. [Oberes Belvedere. Ausstellungsdauer:
17. März bis 16. Juli 2017 – Foto: Belvedere]

KUNST.INVESTOR Belvedere
Alfred Wickenburg, Selbstbildnis in persischer Tracht, 1920, LENTOS Kunstmuseum Linz, Foto: Reinhard Haider

KUNST.INVESTOR Belvedere
Alfred Wickenburg, Zwei Glasfensterentwürfe für die St. Josefskirche in Greith: Apostelsymbol, um 1962
© Belvedere, Wien/Leihgabe aus Privatbesitz, New York

KUNST.INVESTOR Albertina
Anton Josef Trcka, Egon Schiele, 1914
Bromöldruck auf Untersatzkarton

KUNST.INVESTOR Albertina
Egon Schiele, Alte Häuser in Krumau, 1914, Bleistift und Deckfarben auf Japanpapier
Egon Schiele
Sie sind leidenschaftlich und höchst subjektiv, schonungslos und zugleich allegorisch: die
Meisterwerke Egon Schieles. Zum Auftakt des Gedenkens an seinen 100. Todestag leitet die Albertina
schon 2017 den Reigen der großen Jubiläumsausstellungen zu Schiele ein: 180 seiner schönsten und
bedeutendsten Gouachen & Zeichnungen führen in ein künstlerisches Werk ein, das sein großes
Thema in der existenziellen Einsamkeit des Menschen findet.
Egon Schiele ist nicht nur Mitbegründer des
Expressionismus und neben Klimt eine der beiden
Schlüsselfiguren der Wiener Jahrhundertwende, er ist
vor allem der größte Zeichner des 20. Jahrhunderts.
Zwölf Jahre nach der letzten großen Schiele-
Ausstellung zeigt die Albertina das grafische Werk des
Künstlers, das in seinem Schaffen als autonome
Gattung einen spezifisch hohen Rang einnimmt.
Unmittelbar nach seinem Studium an der Akademie, bei
dem er vor allem Studien nach den strengen
Vorschriften des dortigen Lehrbetriebs anfertigt, wendet
sich der junge Schiele zunächst dem Jugendstil zu,
wobei er vor allem in Klimt sein Vorbild findet. Doch im
Gegensatz zu Klimt, dessen Zeichnungen als Ideen,
Entwürfe oder Skizzen für seine Gemälde dienen,
betrachtet Egon Schiele seine Arbeiten auf Papier
bald als eigenständige, als autonome Kunstwerke. Um
1910 findet er als kaum Zwanzigjähriger zu einem ganz
unverwechselbaren, eigenem Stil– dies vor allem in
seiner Zeichenkunst. Mit sicherer, kräftiger
Linienführung umschreibt er seinen Bildgegenstand,
der meist der menschliche Körper ist. Einerseits
charakterisiert er ihn durch treffsichere Konturierung,
andererseits verfremdet er ihn durch gewagte
Perspektiven, durch überspitzte Gestik und Mimik und
durch dessen Fragmentierung. Gerade in seinen
präzise kalkulierten Zeichnungen erschließt er in
Bezug auf Ikonographie und Farbgebung neues
Terrain. Nicht zufällig wird das zeichnerische Œuvre
des Künstlers als seiner Malerei mindestens ebenbürtig
geschätzt - der Zeichner Schiele ist dem Maler Schiele
sogar weit überlegen.

KUNST.INVESTOR Albertina
Egon Schiele, Felderlandschaft (Kreuzberg bei Krumau), 1910
Schwarze Kreide, Aquarell, Deckfarben auf braunem Packpapier
Obwohl Schiele die internationalen Kunstströmungen
seiner Zeit interessiert verfolgt und auch Werke der
Kubisten wie Pablo Picasso, der Futuristen, der
Expressionisten und der frühen Abstrakten kennt, bleibt
er doch immer der Gegenständlichkeit verpflichtet und
schlägt nie den Weg zur Abstraktion ein. Nicht zuletzt
aufgrund der expressiven Qualitäten seiner Arbeiten
auf Papier wird er neben Oskar Kokoschka als der
bedeutendste österreichische „Expressionist“
betrachtet. Im Gegensatz zu den deutschen
Expressionisten, die den Schwerpunkt auf die
Eigenständigkeit der Formen legen und folgerichtig
auch zur Abstraktion gelangen, kann und will Schiele
den Gegenstand nicht verlassen, denn ihm geht es
letztlich immer um eine konkrete, inhaltliche Aussage,
eine Botschaft, die in der Abstraktion verloren gehen
würde. Vielleicht ist es aber gerade dieser
leidenschaftliche Versuch des Künstlers, etwas über
unsere Welt und über die existentielle Befindlichkeit des
Menschen mitzuteilen, die uns noch heute so direkt
anspricht, und uns so in den Bann zieht. Trotz seiner
kurzen Lebensspanne (1890–1918) und einer kaum
mehr als zehn Jahre währenden Phase künstlerischen
Schaffens hinterließ Egon Schiele ein umfangreiches
Werk. Es umfasst, seine Skizzenbücher nicht
mitgerechnet, über 330 Gemälde und über 2500
Zeichnungen. Die Albertina besitzt mit 180 Arbeiten
Werke aus jeder Phase des so kurzen Schaffens des
jung verstorbenen Genies: Die Sammlung beinhaltet
160 Zeichnungen sowie 13 Skizzenbücher und darüber
hinaus viele wertvolle Dokumente und Erinnerungen an
sein Leben. Die Ausstellung in der Albertina
veranschaulicht nicht nur die Dynamik der wechselnden
Perspektiven – die Nähe und Ferne zu den
Porträtierten, zum Aktmodell oder zum
Landschaftsmotiv – in Schieles Zeichenprozess.
Vielmehr wird der Versuch unternommen, die
vielfältigen Inspirationsquellen des Künstlers
aufzuzeigen, um einen neuen Zugang zur
Entschlüsselung seines oft so rätselhaft-allegorischen
Werks zu bekommen. Aus dieser Perspektive erweist
sich Schiele nicht nur als Künstler von größtmöglicher
Freiheit und ästhetischer Autonomie, sondern zugleich
auch als ein Verfechter hoher Ethik und
leidenschaftlicher Spiritualität. Die umfangreiche
Kollektion der Albertina bildet den Ausgangspunkt der
Ausstellung, die um einzelne, bedeutende Leihgaben
aus nationalen und internationalen Sammlungen und
Museen ergänzt wird. So richtet die Schau einen
einzigartigen Blick auf die künstlerische Entwicklung
Schieles, die sein plötzlicher Tod im Alter von nur 28
Jahren so jäh beenden sollte. [Albertina.
Ausstellungsdauer: 22. Februar bis 18. Juni 2017 –
Foto: © Albertina]

KUNST.INVESTOR Albertina
Egon Schiele, Der Maler Max Oppenheimer, 1910
Schwarze Kreide, Tusche, Aquarell auf braunem Packpapier

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstpreis
Bank Austria verleiht
höchst dotierten
Kunstpreis Österreichs
Bank Austria Kunstpreis 2016 geht
an Ars Electronica, united
heartbeat und Andrea Schurian.
Sowieso! holt Bank Austria
Sozialpreis in Wien
Foto: © UniCredit Bank Austria/Oreste Schaller
Als fixer Bestandteil der heimischen Kulturlandschaft
und einer der größten Kulturförderer des Landes vergibt
die Bank Austria mit dem Bank Austria Kunstpreis seit
2010 die mit 218.000 Euro höchstdotierte
Kulturauszeichnung des Landes in folgenden
Kategorien: Unterstützung von Crowdfunding-
Kampagnen aus dem Kulturbereich: 100.000 Euro.
Bank Austria Crowdfunding Preis (Auswahl durch die
Jury) für die Verbindung von kulturellem und sozialen
Engagement: 10.000 Euro. Bank Austria Kunstpreis
(Nominierung und Auswahl durch die Jury): 100.000
Euro. Bank Austria Kunstpreis für Kulturjournalismus
(Nominierung und Auswahl durch die Jury): 8.000 Euro.
„Kunst reflektiert gesellschaftliche Entwicklungen und
ist ein wichtiger Beitrag für die gesellschaftliche und
wirtschaftliche Stabilität eines Landes. Unser
Engagement in diesem Bereich ist integrativer
Bestandteil unserer gesellschaftlichen Verantwortung
als größter Kulturförderer des Landes“, erklärt Robert
Zadrazil, Vorstandsvorsitzender der UniCredit Bank
Austria, das Engagement seines Unternehmens. „Die
Bank Austria ist ein starker und zuverlässiger Partner
für Kunst- und Kulturschaffende in Österreich. Unsere
Kunstförderung setzt auf eine nachhaltige
Unterstützung wichtiger Kulturinitiativen. Daher fördern
wir Projekte und Institutionen, die durch herausragende
Leistungen unsere Kulturlandschaft prägen“, so
Zadrazil weiter. „Der Bank Austria Kunstpreis ist mir als
Zeichen der Anerkennung für außergewöhnliche
kulturelle Initiativen ein großes Anliegen. Da wir als
Bank Austria auf langfristige Impulse setzen, die dazu
beitragen, Bewährtes zu erhalten und neue Ideen zu
fördern, werden wir auch 2017 den Bank Austria
Kunstpreis ausschreiben und hoffen weiterhin auf
großes Interesse und zahlreiche Teilnehmer.“
Neuer Sonderpreis für erfolgreiche Crowdfunding-
Kampagnen: 2015 wurde der Kunstpreis neu konzipiert,
um vor allem den Förderbedürfnissen der
Kulturschaffenden noch besser gerecht zu werden und
insbesondere die Bundesländer zu stärken. So wurde
der Bank Austria Kunstpreis zur erfolgreichsten
Crowdfunding-Initiative der heimischen Kulturszene.
Hier konnten wieder mehr als 330.000 Euro der
österreichischen Kreativ-Szene gemeinsam mit privaten
Financiers zugeführt werden. Die Hebelwirkung der
Drittelfinanzierung macht den Bank Austria Kunstpreis
zum aktiven „Beschleuniger“ innovativer Kulturprojekte.
Zusätzlich kürte die Jury erstmals ein Projekt aus den
erfolgreichsten Crowdfunding-Kampagnen mit 10.000
Euro, das durch die Verknüpfung von Kunst und Kultur
mit sozialem Engagement einen besonders wichtigen
Beitrag zur positiven Gestaltung der Gesellschaft
leistet. Die Awards befassen sich mit quantitativen
Aspekten, wie Geschäftsvolumen sowie mit qualitativen
Fragen, wie Preisstellung, Kundenverständnis,
Innovationsfähigkeit und Kundenservice.

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstpreis
Foto: © UniCredit Bank Austria/Oreste Schaller
Foto: © UniCredit Bank Austria/Oreste Schaller
Hochkarätig besetzte Jury wählte die Gewinner: Eine
interdisziplinäre Jury kürte in einem mehrstufigen
Bewertungsverfahren die Preisträger: Thomas Angyan
(Intendant der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien),
Christine Dollhofer (Direktorin Filmfestival Crossing
Europe), Daniel Ebner (Künstlerischer Leiter Vienna
Independent Shorts), Andrea Ecker (Sektionschefin der
Sektion II für Kunst und Kultur im Bundeskanzleramt),
Herbert Föttinger (Direktor Theater in der Josefstadt),
Günter Friesinger (Philosoph, Künstler, Leiter des
paraflow Festivals für Digitale Kunst und Medien),
Andreas Leisner (Chefdramaturg, stellv. Künstlerischer
Leiter Tiroler Festspiele Erl), Johanna Rachinger
(Direktorin Österreichische Nationalbibliothek), Klaus
Albrecht Schröder (Direktor der Albertina) und Robert
Zadrazil (Vorsitzender des Vorstandes der UniCredit
Bank Austria).
Die Preisträger 2016: Ars Electronica war weltweit
eine der ersten Veranstaltungsreihen, die sich mit
digitaler Kunst und ihren Möglichkeiten
auseinandersetzte. 1979 erstmals im Rahmen des
internationalen Brucknerfestivals als Nachfolger des
forum metall mit der ersten Linzer Klangwolke eröffnet,
gilt das Festival längst als eines der besten und größten
internationalen Foren für den Austausch von Ideen und
Projekten an der Schnittstelle von Kunst, Technologie
und Gesellschaft. Heute umfasst Ars Electronica neben
dem 1979 initiierten Festival, den 1987 ins Leben
gerufenen Prix Ars Electronica, den traditionsreichsten
Medienkunstwettbewerb der Welt, in dessen Rahmen
die „Oscars“ der digitalen Kunst vergeben werden, das
1996 eröffnete und im Vorfeld von Linz09 maßgeblich
erweiterte Ars Electronica Center, eines der führenden
Museen für digitale Kunst und Medienkunst, sowie das
Ars Electronica Futurelab, das interdisziplinäre
Forschungsprojekte und Prototypen im Spannungsfeld
von Kunst, Technologie und Gesellschaft konzipiert und
umsetzt. Die Ars Electronica Linz GmbH ist eine 100
Prozent-Tochter der Stadt Linz.
Der Bank Austria Crowdfunding Preis wird erstmals
vergeben und geht an die united heartbeat
Organisation. united heartbeat hilft Musikerinnen und
Musikern, die ihre Heimat verloren haben, wieder Musik
zu machen, indem sie ihnen unter anderem ein
Instrument zur Verfügung stellt. Durch das hohe
gesellschaftliche Engagement liegt dieses
Crowdfunding-Projekt der Bank Austria besonders am
Herzen. Andrea Schurian erhält den Bank Austria
Kunstpreis für Kulturjournalismus 2016. Sie arbeitet als
Ressortleiterin für das Kulturressort der Tageszeitung
„Der Standard“, gestaltet Kulturdokumentationen,
moderiert und schreibt Reportagen und Künstlerporträts
für diverse Kulturmagazine und Feuilletons. Andrea
Schurian zählt zu den wichtigen KulturjournalistInnen in
Österreich.

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstpreis
Foto: © Kunstinvestor
Foto: © Kunstinvestor

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstpreis
Foto: © UniCredit Bank Austria/Oreste Schaller
Verbindung von Kunst und sozialem Engagement: Die
Bank Austria fühlt sich nicht nur dem wirtschaftlichen
Erfolg und der Kultur verpflichtet, sie übernimmt auch
soziale Verantwortung. Die Unterstützung benachteiligter
Menschen ist der Bank Austria dabei ein großes
Anliegen. Auch vor diesem Hintergrund hat die Bank
Austria vor sieben Jahren den mit insgesamt 85.000
Euro dotierten Bank Austria Sozialpreis ins Leben
gerufen, der seit 2014 in jedem Bundesland vergeben
wird und maßgeblich von der UniCredit Foundation, der
Unternehmensstiftung der UniCredit Group, unterstützt
wird. Die Jury mit Michael Landau (Caritasdirektor der
Erzdiözese Wien), Christian Moser (Geschäftsführer
SOS Kinderdorf Österreich), Robert Zadrazil
(Vorsitzender des Vorstandes der Bank Austria) und
Roman Jost (Nachhaltigkeitsmanagement der Bank
Austria) hat sich in einer Vorauswahl auf drei Projekte
pro Bundesland geeinigt. Aus dem anschließenden
Internet-Voting sind folgende Sieger hervorgegangen:
Wien: Sowieso! – Kunstworkshops für Kinder mit
Behinderung. Burgenland: Pink-Up-Help – Der Verein
begleitet zehn Flüchtlingsfamilien und 20 AsylwerberInnen
in Pinkafeld. Niederösterreich: Fit4life –
Ein Projekt zur Gesundheitsförderung junger Menschen
aus schwierigen sozioökonomischen Verhältnissen.
Oberösterreich: AMIGO@WORK – Wirtschaftstreibende
bieten Flüchtlingen während ihres
Asylverfahrens einen ersten wichtigen Einblick in den
österreichischen Arbeitsmarkt. Tirol: Frauen aus allen
Ländern – Niederschwellige Bildungs- und Beratungsangebote
für Frauen mit Migrations- oder Fluchterfahrung.
Vorarlberg: Köpfe wie Du & Ich – MUT
Menschenwürde und Toleranz – Jugendarbeit in
Lustenau mit dem Schwerpunkt gegen Sympathien von
Jugendlichen für radikale Gruppierungen vorzugehen.
Salzburg: Open Heart – Patenschaften für unbegleitete
minderjährige Flüchtlinge. Kärnten: Hospizbewegung –
Hospizbegleitung für Kinder, Jugendliche und junge
Erwachsene. Steiermark: Seniorenbetreuung am
Bauernhof – Angebot für alte Menschen mit
psychischen Erkrankungen wie Demenz oder
Depression. (Foto: © UniCredit Bank Austria/Oreste
Schaller)

KUNST.INVESTOR News
Daniel Richter, Bill, 2015, Privatsammlung, Rotterdam, Courtesy Galerie Thaddeus Ropac
London – Paris – Salzburg, © Jens Ziehe Photographie / © Bildrecht, Wien, 2017
Daniel Richter - Lonely Old Slogans
Daniel Richter ist einer der wichtigsten Maler seiner
Generation und für Wien nicht zuletzt aufgrund seiner
Professur an der Akademie der bildenden Künste von
großer Bedeutung. Mit der Ausstellung Daniel Richter –
Lonely Old Slogans zeigt das 21er Haus erstmals eine
umfassende Werkschau des Künstlers in Wien
(Österreich). Die als Wanderausstellung konzipierte
Schau wird zunächst im Louisiana Museum of Modern
Art in Humlebæk gezeigt, macht dann von 3. Februar
bis 5. Juni 2017 Station im 21er Haus und wird danach
in das Camden Arts Centre in London weiterreisen. Die
Ausstellung ist als Retrospektive angelegt und soll
Richters Entwicklung von den frühesten Arbeiten bis
heute dokumentieren. Gezeigt werden die unruhigen,
expressiven Abstraktionen der 1990er-Jahre, die an
seine damalige Tätigkeit als Gestalter von
Plattencovers verschiedener Punkrock-Bands denken
lässt, bis hin zu theatralischen figurativen Szenen. Die
jüngste Werkserie in der Ausstellung aus dem Jahre
2015 widmet sich vor allem der menschlichen Figur und
der erotischen Körperlichkeit. Richter, der immer auch
ein politisch motivierter Maler war und ist, beschrieb
seine theatralischen Arbeiten als eine Art
Historienmalerei im neuen Stil. Wobei die
Repräsentation eines konkreten historischen
Ereignisses im Bild allerdings abhandengekommen ist.
Die Bilder versuchen vielmehr einen bestimmten Geist,
eine bestimmte Stimmung der zeitgenössischen
Geschichte einzufangen, die vom Verschwinden der
großen politischen Utopien gekennzeichnet ist.
Kuratiert von Axel Köhne [21er Haus.
Ausstellungsdauer: 3. Februar 2017 bis 5. Juni 2017 –
Foto: © 21er Haus]

KUNST.INVESTOR News
Daniel Richter, Zwiesprache mit der Natur (beim Baden), 1996
Privatsammlung, Courtesy Jennifer VORBACH LLC, © Bildrecht, Wien, 2017
Daniel Richter, Tuanus, 2000, Deichtorhallen Hamburg / Falckenberg Collection, © Bildrecht, Wien, 2017

KUNST.INVESTOR News
Sammlung Klewan
Porträt(s) der Moderne
Giorgio de Chirico, Autoritratto, 1954
Sammlung Klewan, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016
Der leidenschaftliche Kunstkenner Helmut Klewan (geb.
1943) war als Galerist in Wien und München tätig. Er
hat in den vergangenen vier Jahrzehnten eine
beachtliche Sammlung zusammengetragen, die
bedeutende Werke der internationalen klassischen
Moderne bis hin zu zentralen Positionen der
Nachkriegskunst umfasst. In der Orangerie im Unteren
Belvedere werden vom 17. Februar bis 11. Juni 2017
insgesamt 193 Werke von mehr als fünfzig
Künstlerinnen und Künstlern aus dieser Sammlung
gezeigt. Der Hauptfokus liegt dabei auf
Porträtdarstellungen der unterschiedlichsten Künstler,
etwa von Francis Bacon oder dem nahezu
unbekannten Armand François Henrion. Im
übertragenen Sinn wird es dadurch möglich, der
Moderne in ihrer Vielfalt ein Gesicht zu geben. Die
Sammlung Klewan zeichnet sich nicht nur durch die
Vielgestaltigkeit der gesammelten Positionen aus,
sondern auch durch eine selbstbestimmte Rezeption.
So haben auch ausgefallene Werke der Kitschrezeption
darin ihren Platz. Eine Besonderheit stellt außerdem die
Sammlung von Schlüsselwerken der österreichischen
Kunst seit 1945 dar. Helmut Klewan pflegte Kontakt mit
bedeutenden österreichischen Künstlerinnen und
Künstlern, darunter Arnulf Rainer, Maria Lassnig oder
Friedensreich Hundertwasser. Als Galerist agierte er als
wichtiger Vermittler der österreichischen
Kunstproduktion im Ausland. [Belvedere.
Ausstellungsdauer: 17. Februar 2017 bis 11. Juni 2017
– Foto: © Belvedere]

KUNST.INVESTOR News
Maria Lassnig, Traum 1964, Sammlung Klewan

KUNST.INVESTOR News
Alfons Schilling; Kader aus dem Film Jackie Curtis, 1970; 16mm,
sw, ohne Ton, 1:10 Min. © Nachlass Alfons Schilling

KUNST.INVESTOR News
Alfons Schilling
Beyond Photography
Alfons Schilling; The Falling Man, 1969; Linsenrasterfotografie, 4 Ansichten; © Nachlass Alfons Schilling
Das Fotomuseum WestLicht zeigt erstmals in einer
Überblicksausstellung die fotografischen Arbeiten des
Schweizer Künstlers und Wahlwieners Alfons Schilling
(1934–2013), eine der faszinierendsten Positionen der
jüngeren österreichischen Kunstgeschichte. Sein Werk
verweigert sich beharrlich allen einfachen
Kategorisierungen, seine rebellische Neugier sprengte
die Grenzen einzelner Gattungen und Strömungen. Als
Student an der Akademie für angewandte Kunst
gehörte er Ende der Fünfzigerjahre mit Günter Brus zu
den Wegbereitern des Wiener Aktionismus, ging aber
bald ästhetisch wie geografisch eigene Wege. Mit
seinen Rotationsbildern führte er 1962 bei einem
Aufenthalt in Paris die Malerei für sich zu einem
Endpunkt. Der rastlose Forschergeist, der ihn noch im
selben Jahr weiter nach New York zog, wo er für die
folgenden zweieinhalb Jahrzehnte seine Basis hatte,
prägt auch seine fotografischen Arbeiten. Sie treiben
das Medium weit über die Grenzen der klassischen
Fotografie hinaus und erscheinen als missing link
zwischen den Bewegungsstudien eines Eadweard
Muybridge aus dem 19. Jahrhundert und
gegenwärtigen Formen des Cyberspace. Die Kippbilder
seiner Linsenrasterfotografien, die erst durch die
BetrachterInnen aktiviert werden, dynamisieren den
Blick und verschmelzen mehrere Aufnahmen in einem
Bild. Hologramme und Stereofotografien, in der
Ausstellung durch entsprechende Sichtgeräte
erfahrbar, öffnen die Bildoberfläche zu einem virtuellen
Raum. Wer heute mit head-mounted Displays 3-D-
Welten bereist, wandelt auf Pfaden, die Schilling schon
in den Siebzigerjahren beschritten hat. Die Ausstellung
legt den Fokus erstmals auf die erweiterte Fotografie
des Visionärs und zeigt sie im Kontext ausgewählter
Sehmaschinen, Malerei und filmischer Experimente.
Thema seines bahnbrechenden Schaffens ist eine Kritik
der Wahrnehmung, die Entfesselung des Sehens
selbst: „It’s not what‘s on the picture – it’s what is
behind it.“ [Fotomuseum WestLicht. kuratiert von
Rebekka Reuter und Fabian Knierim.
Ausstellungsdauer bis 14. Mai 2017 Foto: ©
Fotomuseum WestLicht]

KUNST.INVESTOR News
Alfons Schilling; Selbstporträt als Briefmarke, c. 1968
© Nachlass Alfons Schilling

KUNST.INVESTOR News
Alfons Schilling; 68 Chicago Demo, Gasmasken, 1968; Linsenrasterfotografie
© Nachlass Alfons Schilling

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KUNST.INVESTOR News
LA BIENNALE DI
VENEZIA 2017
Brigitte Kowanz und
Erwin Wurm im
Öserreich Pavillon
der 57. Internationalen
Kunstausstellung
Mit Brigitte Kowanz und Erwin Wurm präsentiert Christa
Steinle, Kommissärin des Österreich-Pavillons 2017,
zwei Kunstpositionen, in deren Mittelpunkt die
Auseinandersetzung und Weiterentwicklung des
Skulpturenbegriffs im internationalen Kunstdiskurs
steht. Mit ihren Oeuvres operieren Brigitte Kowanz und
Erwin Wurm – beide haben für ihr außergewöhnliches
Werk den Großen Österreichischen Staatspreis
erhalten – an der Schnittstelle von Skulptur und
Architektur, Wurm auf materielle Weise, Kowanz auf
immaterielle Weise. Beide reagieren auf die
Veränderungen unserer Raumwahrnehmung und
Raumerfahrung in den letzten 200 Jahren durch
Maschinen, Medien und neue Materialien. „Wenngleich
die berühmteste Werkphase von Wurm als performative
Skulptur bezeichnet wird und die Arbeiten von Brigitte
Kowanz als Lichtinstallationen, also in der Benennung
weit auseinanderzuliegen scheinen, arbeiten sie doch
im gleichen Feld, an der durch den Ausstieg aus dem
Bild eingeleiteten Expansion der Künste. Brigitte
Kowanz hat durch ihre Lichtinstallationen auf
immaterielle Weise Raum und Architektur neu definiert.
Erwin Wurm hat mit seinen berühmten
Häuserparaphrasen, von ‚House Attack’ (2006) bis zum
‚Narrow House’ (2010), auf materielle Weise die
Architektur in Skulptur verwandelt und mit seinen ‚One
Minute Sculptures’ die performative Wende der
Skulptur auf konsequenteste Weise weiterentwickelt.
Kowanz hat mit ihren Lichtobjekten und Lichträumen,
denen Schrift und Zeichen inhärent sind, eine
autonome Leistung für die Kunst erbracht. Mit ihren
innovativen und eigenständigen Beiträgen sind Kowanz
und Wurm Teil einer internationalen Bewegung
innerhalb des Spektrums eines erweiterten Skulpturund
Raumbegriffs“, kommentiert Christa Steinle ihr
ästhetisches Konzept für den Österreich-Pavillon. [Ort:
Österreich-Pavillon, Giardini della Biennale, Venedig .
Dauer der Ausstellung Samstag, 13. Mai - Sonntag, 26.
November 2017]

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KUNST.INVESTOR News
MAK forciert virtuellen
Sammlungszugang
Neu konzipierte „MAK-
Sammlung online“ bietet
Zugang zu 230 000 Objekten
Das MAK rückt der Idee des transparenten, virtuellen
Wissenszugangs zu seinen Sammlungsbeständen
deutlich näher. Seit heute, 1. Februar 2017, steht die
digitale Sammlungsdatenbank des MAK (MAK-
Sammlung online, sammlung.mak.at) der Öffentlichkeit
mit völlig neu konzipierten Rechercheoptionen zur
Verfügung. Stammdaten und Bildinformationen zu 230
000 Objekten der MAK-Sammlungsbereiche Asien,
Design, Gegenwartskunst, Glas und Keramik, Möbel
und Holzarbeiten, Metall und Wiener-Werkstätte-Archiv,
Textilien und Teppiche sowie der MAK-Bibliothek und
Kunstblättersammlung sind mittlerweile sowohl für
private als auch für wissenschaftliche Recherchezwecke
online abrufbar. In weiteren 70 000 Einträgen
werden zusätzliche Informationen zu beteiligten
KünstlerInnen und ausführenden Firmen geboten. Ende
2012 wurde das MAK vom Bundeskanzleramt mit dem
Aufbau einer zentralen Bilddatenbank/Collection and
Museum Management System (C/MMS) der MAK-
Sammlung beauftragt. Vorrangiges Ziel war die digitale
Erfassung und Vereinheitlichung der Stammdaten
sowie der Aufbau einer zentralen Bilddatenbank mittels
des angekauften Collection and Museum Management
Systems von Adlib. In einer ersten Version wurden die
Ergebnisse bereits im Dezember 2015 online verfügbar
gemacht. Die im vergangenen Jahr vorgenommene
Neugestaltung der MAK-Sammlung online konzentrierte
sich auf optimierte Suchfunktionen und eine
verbesserte Darstellung des Bildmaterials. Es ist nun
erstmals möglich, Objektlisten zu erstellen und zu
sichern sowie Anfragen zur Reproduktion von
Bildmaterial direkt online an die Reproabteilung des
Museums zu richten. Eine weitere Besonderheit der
neuen MAK-Sammlung online ist ihre Mehrsprachigkeit.
Der Großteil der Informationen zu den einzelnen
Objekten ist auch auf Englisch verfügbar. Der
umfassend bearbeitete Bestand an japanischen
Farbholzschnitten ist auch in japanischer Sprache
zugänglich. Die MAK-Sammlung online wird
kontinuierlich erweitert und aktualisiert. Langfristiges
Ziel ist es, den Sammlungsbestand des MAK, der nur in
Teilen im Museum ausgestellt werden kann, in seiner
Gesamtheit im World Wide Web zugänglich zu machen.

Grand Piano 214VC
Klängliche Brillanz in seiner elegantesten Form
Basierend auf dem großen Erfolg des Bösendorfer Konzertflügels 280VC
Vienna Concert , der für großes Aufsehen auf vielen namhaften Bühnen
sorgte, präsentiert Bösendorfer nun auch die einzigartigen Qualitäten der
VC Technologie auf 2.14 Metern Länge. Würde man ausschließlich dem
hörbaren Klangeindruck folgen, so überrascht dieser Flügel so manchen
größeren Konzertflügel mit Bösendorfer Strahlkraft. Atemberaubende Dynamik,
schier unbegrenzte Klangfarben und strahlende Brillanz: der neue 214VC
verkörpert das musikalische Erbe Bösendorfer in zeitgemäßer Perfektion. Ein
Klangerlebnis purer Emotion.

KUNST.INVESTOR Buchtipp
Michael Schultz
(Un)zensiert
Edition Braus
629 Seiten
48,00 €
ISBN 978-3-86228-155-8
(Un)zensiert - die Bekenntnisse über Kunst, Künstler. Über Gott. Den Islam. Über Sex, Fußball und die Tragödien
unserer Zeit. Zusammengestellt in Tagesbriefen, die als Daily News vier Jahre lang einen ausgewählten Kreis von
Empfängern erreichte. Von montags bis freitags, Woche für Woche, Jahr für Jahr. Dazu gehörte viel Durchhaltevermögen,
aber auch Verzicht. Auf Alkohol am Abend und Zärtlichkeit am Morgen. Immer on duty. Geschrieben von,
erschienen in der Edition Braus.

KUNST.INVESTOR Buchtipp
Alfred Zellinger
Flash Poetry
Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets
Arnold Schönberg im Café Museum
Doktor Faustus in London
James Joyce in Triest
Unsere Zeit bedarf schneller Kommunikation, ihre Kunst sollte dabei vorangehen. Postings, Slams, Jazz Slams – die
Zeiteinheiten werden immer kürzer; alles lässt sich heute twittern, sogar "Die letzten Tage der Menschheit" und wie
Kraus auch Joyce, ein neuer Faust oder Börsenstrategien – wofür in diesem Buch der Beweis angetreten wird. Das
neue Jahrtausend begann mit der 5-Minuten-Regel für Poetry Slams ebenso wie für die Pitches von Start-ups und
beschleunigte indessen zum "Elevator Pitch": 30 Sekunden, die Dauer einer Aufzugsfahrt. Alfred Zellinger beschleunigt
seine Prosa, rhythmisch und minimalistisch, in Blitzlichtern fragmentiert zur "Flash Poetry", zu interpretieren wie ein
Blues oder eine Ballade – vom Elevator-Pitch zur Minimal Prose. Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets / Arnold
Schönberg im Café Museum / Giacomo Casanova auf dem Wiener Graben / Doktor Faustus in London / James Joyce
in Triest /City Boys /Droge-Leben / BörsenBeben
Alfred Zellinger, geb. 1945, lebt als Schriftsteller in Wien und Gmunden. Während seiner, wie er es nennt, "40 Jahre im
Auge des Kapitalismus" arbeitete er für Konzerne wie Unilever und Procter & Gamble, für die englische Werbeagentur
Masius, war Marketingleiter bei Philips, Professor an der Kunstuniversität Linz; Werbechef und Bankdirektor der
BAWAG-PSK und CEO von Bösendorfer
edition pen Bd. 45
12,5 x 20,5 cm | Broschur
© 2016 Löcker Verlag
Ca. 200 Seiten | € 19,80
ISBN 978-3-85409-816-4

KUNST.INVESTOR Buchtipp
Otto Hans Ressler
Soshana
Als Susanne Schüller, wie Soshana eigentlich hieß, elf Jahre alt war, musste sie mit ihrer Familie aus Österreich
flüchten. Über Paris und London gelangte sie nach New York. Sie war siebzehn, als sie die Schule verließ und mit
ihrem Lebensgefährten, dem Maler und Bildhauer Beys Afroyim, durch Amerika zog und mit Porträts prominenter
Emigranten erste Lorbeeren als Künstlerin erwarb. In New York verkehrte sie mit den (damals noch unbekannten,
mittlerweile weltberühmten) Künstlern des Abstrakten Expressionismus und der Pop Art. Sie ging nach Paris und
schloss Freundschaft mit Constantin Brancusi, Frantisek Kupka, Yves Klein, Jean Paul Sartre und vor allem mit Alberto
Giacometti. 1953 lud Pablo Picasso sie nach Vallauris ein, die beiden hatten eine kurze, heftige Affäre, aus der
Soshana floh, weil sie befürchtete, von Picasso völlig vereinnahmt und erdrückt zu werden. Sie bereiste, längst eine
etablierte Künstlerin, die ganze Welt. 1999 hatte sie ihre letzte große Ausstellung im Musée Matisse in Nizza. Soshana
starb im Dezember 2015 in Wien.
„Wie in meinen letzten Büchern habe ich Soshanas Lebensgeschichte aus der Sicht der Künstlerin aufgezeichnet.
Dabei konnte ich mich auf tausende Tagebuchseiten stützen, die sich in der Österreichischen Nationalbibliothek
befinden. Trotzdem ist Soshana keine Biografie, sondern ein Künstlerroman.“ Otto Hans Ressler
Edition Va Bene (Verlag) 2016
Buch | Hardcover
Preis: 21,90 Euro
304 Seiten
ISBN 978-3-85167-302-9

KUNST.INVESTOR Buchtipp
Adolf Krischanitz
Das Inventar ist das
Ergebnis der Inventur
Basierend auf den Entwürfen für zahlreiche Gebäude aus den Bereichen Kultur, Wohnen, Gewerbe, Bildung etc. hat
Adolf Krischanitz Innenausstattungen entworfen, die sich mit wenigen Ausnahmen jeweils aus den laufenden
Bauaufgaben entwickelt haben. Die im Zuge der architektonischen Arbeit entstandenen Interieurs sind in der Regel
nicht nur Sessel, Tisch, Liege und Lichtobjekte, sondern sind konstitutiver Teil des räumlichen Aufbaus und der Gestion
des integralen architektonischen Raumes. Alles in allem liefert er durch sein Werk einen bemerkenswerten Beitrag zu
einem wichtigen Aspekt der jüngeren österreichischen Architekturgeschichte. Die Entwicklung dieser Arbeiten ist
anfänglich durch historisierende postmoderne Tendenzen gekennzeichnet, um schließlich in radikalere direkte
Versuche zur Anknüpfung an die inzwischen fast verloren gegangene Entwurfstradition des regionalspezifischen
Ausstattungshandwerks in Wien zu münden. Außerdem werden Kooperationen mit anderen Architekten (Otto
Kapfinger, Hermann Czech), mit Künstlern (Oskar Putz, Gilbert Bretterbauer, Helmut Federle, Gerwald Rockenschaub)
gesucht und zu spezifischen Entwurfsergebnissen gebracht, die sich jenseits aller modischen Tendenzen trotz oder
gerade wegen ihrer zeithältigen Materialität heute wie zeitlos gerieren.
Adolf Krischanitz, * 1946 in Schwarzach / Pongau gründete 1970, gegen Ende seines Studiums an der Technischen
Universität Wien, zusammen mit Angela Hareiter und Otto Kapfinger die Architektengruppe Missing Link. 1979 zählte
er zu den Begründern der Zeitschrift UmBau der Österreichischen Gesellschaft für Architektur und übernahm 1982 den
Vorsitz dieser Gesellschaft. Als Mitglied und schließlich Präsident der Wiener Secession (1991–1995) verantwortete er
die Gestaltung und Organisation zahlreicher Ausstellungen zeitgenössischerKunst. Als Gastprofessor war er 1989 an
der Technischen Universität München sowie an den Sommerakademien in Karlsruhe (1990), Neapel (1994/95) und
Wien (1996) tätig. 1992–2011 war er Professor für Stadterneuerung und Entwerfen an der Universität der Künste
Berlin. Seit 1979 arbeitet Krischanitz als freischaffender Architekt mit Ateliers in Wien und Zürich.
Herausgeber: Edelbert Köb
Texte: Sebastian Hackenschmidt, Otto Kapfinger, Adolf Krischanitz und Marcel Meili
ALBUM VERLAG, Wien 2016- Auflage: 1.000 Stück
224 Seiten, 210 x 260 mm, Preis: 46,- Euro
ISBN: 978-3-85164-196-7

KUNST.INVESTOR Buchtipp
Heinz Adamek
„KUNSTAKKORDE – diagonal“
Essays zu Kunst, Architektur Literatur und
Gesellschaft
Heinz P. Adamek stellt mit diesem Essay-Band beispielhaft „Kunstschritte vom 19. ins 21. Jahrhundert“ vor: Er
beleuchtet Persönlichkeiten aus bildender und angewandter Kunst, Architektur, Literatur, Theater und Film. Als
vormaliger Universitätsdirektor der Universität für angewandte Kunst Wien gewährt er in Beiträgen über Hermann
Heller, Anton Kenner, Bertold Löffler, Otto Niedermoser, Michael Powolny, Grete Rader-Soulek, Elli Rolf und Heinrich
von Tessenow - durchwegs prägenden Gestalten der „Angewandten“ - profunde Einblicke in deren Schaffen, anderseits
gilt sein Engagement als jahrelangem Initiator bzw. Kurator von Ausstellungen dem Oeuvre Giovanni Segantinis ebenso
wie Arbeiten internationaler Künstler der Gegenwart zum Thema Rezeption des Werkes von Gustav Klimt. Sein
Interesse für das Fin de Siècle und die frühe Moderne drückt sich auch in der Stückwahl für die Theateraufführungen
des Wiener European Studies Program der Central University of Iowa aus, für die der Autor als Dramaturg und
Regisseur eineinhalb Jahrzehnte verantwortlich zeichnete. Nicht zuletzt durchleuchtet der Arthur Schnitzler-Kenner
Adamek in zwei Essays wenig bekannte Seiten des prominenten Dichters.
Heinz Adamek
„KUNSTAKKORDE – diagonal“
250 Seiten, 107 Abbildungen
Hardcover, Schutzumschlag
Preis 30,- Euro
Verlag Böhlau Wien, Köln, Weimar
ISBN 978-3-205-20250-9

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien
Le Restaurant, Le Club, Le Design
Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das
gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine
Ruckendorfer und Architekt Alberto Bach perfekt
definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für
viele internationale Prestigebauten verantwortlich und
hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und
orientalischen Klischees. Beide wollten dem Aux
Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das
Licht wird durch die Neugestaltung tief in den Raum
geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert.
"Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten
kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen
Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von
großer Klarheit", erklärt Bach. "Verbindend dazu finden
sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit
klassisch marokkanischen Elementen." Eine
Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum
Einsatz kommt. Ruckendorfer Für Ruckendorfer ist das
Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem
Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 2000
Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten:
Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen &
Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar",
"Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes
mehr erwarten den Gast. "Orient Light" nennt sich das
frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für
die heißen Sommermonate in der City. Im "Lunch
Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von
libanesischen Mezze-Gerichten und marokkanischen
Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-
Buffets angeboten. Abends können diese auch à la
Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es
Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte
im Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte
Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat.
Abends kommt regional-österreichisches zum Einsatz,
wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem
Rinderprosciutto und Granatapfel, einem zarten
Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier
werden mit Gemüse-Tajine oder gebackenen Kartoffeln
mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip
verwöhnt.

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary
Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat
sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine
Signature-Drinks überlegt. So wird der berühmte
marokkanische Minztee, an dem bereits Winston
Churchill im La Mamounia schlürfte, im Sommer "on the
rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine
alkoholische Version des Traditionsgetränks aus der
Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt,
berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von
Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip
Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer
heißen Bar-Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht
fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach
einer klandestinen Rezeptur eines jamaikanischen
Barmans gemixt.
After Work-Shower
Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch
wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem
anstrengenden Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder
wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon
de Beauté schaffen Abhilfe. Für 15,- Euro können sich
Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen,
entspannen und für den Abend zu Recht machen. Im
Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk
(hausgemachte Limonaden und Eistees).
Verwöhnprogramm für Body & Soul
Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und
Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam &
Salon de Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das
nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf
bis Fuß verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf
500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches
Dampfbad, Behandlungs- und
Entspannungsräumlichkeiten in bester Orient-Manier.
Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, Peelings,
wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls
gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at