Musiker Magazin 04/2016 – 01/2017

C 10973 F | N o 4/16 – 1/17 | 3,00 Euro
Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker
www.musiker-online.tv
Geschichten van
der Spree
Interview mit
Vivian van der Spree
Carlotta Trumann
Bringt powervollen
Teenage-Spirit auf die Bühne
Kreative müssen
Einzelkämpfermentalität
ablegen
Interview mit
Bruno Kramm zu GEMA-Urteil
Hörgerät
Rocken auf Deutsch
»Queen of
Oriental Rock«

Mit unserer Großen unterwegs.
Alphastage 160 – jedem Konzert gewachsen.
© Fotos: Markus Kohz, cross-effect
Aufbau in drei Stunden: vier Personen + hydraulische Unterstützung.

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V.
DEUTSCHE POPSTIFTUNG
MUSIKER MAGAZIN UND ERPAM
PRÄSENTIEREN:
Preisträger der Hauptkategorien
Sparte Rock: 1. April Art, 2. Alyzee , 3. Alice Roger; Sparte Pop: 1. Superuse, 2. Andy Ost, 3. Kesh;
Sparte Singer Songwriter: 1. Di Mari, 2. Linda Schinkel, 3. Jenny Bright; Sparte Singer: 1. Linda Schinkel, 2. Björn Amadeus, 3. Butch Williams;
Sparte Hard Rock: 1. Mandragora Thuringia, 2. Fahrenheit 212, 3. High Roller; Sparte Alternative: 1. Couscous, 2. April Art, 3. Earmarked;
Sparte Country: 1. Nobody Knows; Publikumspreis: 1. Nobody Knows
MUSIKERVERBAND
e.V.
Preisträger der Sonder-, Neben- und Sonderauszeichnungskategorien
Beste Filmmusik: 1.Oscar Pixner, 2.Julian Angel;
Bestes Kinderlieder-Album: 1. Linda Schinkel, 2. herrH, 3. Minimusiker;
Beste Experimentalband: 1. Karin Devaki & Peter Ponduranga Bayreuther; Beste Progressiveband: 1. Necronomicon, 2. Philazur, 3. Bates Motel;
Beste Elektropopband: 1. Kosmos, 2. ALPHAMAY;
Beste Cover/Revivalband: 1. exxited - Tribute Hit Show, 2. Crackerjacks, 3. Partyband Power;
Beste A-Capella-Band: 1. Lukas Nadjiri; Beste Punkband: 1. Room Six, 2. G-Nurse;
Bester Schlagersänger: 1. Fränk Hechler, 2. Thorsten Schmidt;
Beste Schlagersängerin: 1. Lara Schröder, 2. Ines-Marie Jäger, 3. Anja Schröter, 3. Petra Schwar;
Bestes traditionelles Weltmusikalbum: 1. Reidar Jensen; Bester Rocksänger: 1. Peer Lord, 2. Dorian Black;
Bester Rocksong: 1. ALICE ROGER, 2. Andy Ost, 3. Impuls;
Beste Popsängerin: 1. Jenny Bright, 2. Cathrine Jauer + Band, 2. Melanie Roth („Andy Ost“), 3. Pizzico di sole;
Bester Popsänger: 1. Guiseppe Angelone, 2. Dorian Black, 3. Reset;
Bester Popsong: 1. BB Thomaz, 1. Sabrina D’Andrea, 2. Radio Molino, 2. René Moreno, 3. Zweispur, 3. Echtzeit;
Bestes Popalbum: 1. Couscous, 2. Pizzico di sole, 3. Zweispur; Beste Funk & Soul Sängerin: 1. Linda Schinkel, 2. Steff Heinken;
Bester Funk & Soul Song: 1. René Moreno; Bester Hard Rock Song: 1. RAZZMATTAZZ, 2. RAZZMATTAZZ, 3. Confused Head;
Bestes Hard Rock Album: 1. RAZZMATTAZZ, 2. Fahrenheit 212; Beste Metal-Band: 1. Mandragora Thuringia;
Bester Metal-Song: 1. Mandragora Thuringia; Bester Jazz-Rock-Song: 1. Bonner Lunder;
Bester Alternative-Song: 1. BB Thomaz, 2. Thomas Haag, 3. NiMa Lindner;
Bestes Alternative-Album: 1. Couscous, 2. Mockemalör, 3. NiMa Lindner;
Beste New-Age-Band: 1. Karin Devaki & Peter Ponduranga Bayreuther;
Bester New-Age-Song: 1. Thomas Haag, 2. Reptile Expression, 3. Ganymed Swamp; Bester Rhythm & Blues Song: 1. ALWIN SMOKE;
Bester Reggae-Sänger: 1. René Moreno; Bester Latin-Pop-Sänger: 1. René Moreno;
Bester Latin-Pop-Song: 1. Thomas Haag, 2. René Moreno;
Beste Folkrocksängerin: 1. Wendrsonn, 2. Karin Devaki & Peter Ponduranga Bayreuther, 3. Karin Devaki & Peter Ponduranga Bayreuther;
Bester Folkrocksänger: 1. Wendrsonn, 2. Reidar Jensen, 3. Karin Devaki & Peter Ponduranga Bayreuther;
Beste Folkrockband: 1. Nobody Knows, 2. Wendrsonn; Bester Folkrocksong: 1. Günter Ermann, 2. Klangfeder, 3. Wendrsonn;
Bestes Folkrockalbum: 1. Wendrsonn, 2. Corny Held Band, 3. Nobody Knows; Beste Country-Sängerin: 1. Jenny Bright;
Bester Country-Song: 1. Günter Ermann, 2. Jenny Bright, 3. Nobody Knows; Bestes Country-Album: 1. Nobody Knows;
Beste Musicalsängerin: 1. Lara Schröder, 2. Schlossfestspiele Biedenkopf;
Bester Musicalsänger: 1. Lukas Nadjiri, 2. Schlossfestspiele Biedenkopf;
Bestes Musicalalbum: 1. Schlossfestspiele Biedenkopf; Bestes Rock-/Pop-Tonstudio: 1. cvmusic film/ton, 2. Detlef Blanke / d-tone;
Kulturpreis für die Förderung der Rock- und Popmusik: 1. Conny Conrad, 2. Jennifer Sturm;
Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres: 1. Cathrine Jauer + Band, 2. Dorian Black, 3. Lyn Conary, 3. Riesenherz;
Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig): 1. Klangfeder, 2. Fährhaus, 3. Vivian van der Spree;
Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig): 1. Alyzee, 1. Couscous, 2. Viola Tamm, 3. Cathrine Jauer + Band;
Bester Song des Jahres (deutschsprachig): 1. Andy Ost, 2. Reset, 3. Kosmos;
Bester Song des Jahres (englischsprachig): 1. Jaywalk, 2. Claudia K.;
Beste Studioaufnahme des Jahres: 1. Zweispur, 2. Detlef Blanke / d-tone, 3. cvmusic film/ton;
Beste Single des Jahres: 1. Jennifer Loosemore, 2. Ines-Marie Jäger;
Bestes Musikvideo: 1. Sabrina D’Andrea, 2. Circus Genard, 2. Stefan Lauterbach, 3. Jaywalk;
Beste Komposition: 1. Lisa Vuoso, 1. FR, 2. Pizzico di sole, 3. Pizzico di sole;
Bester deutscher Text: 1. Vivian van der Spree, 2. Lisa Vuoso, 3. Fränk Hechler, 3. Herr Witte;
Bestes Booklet und Inlaycard: 1. Fahrenheit 212, 2. Klangfeder, 3. Couscous; Bestes Instrumentalalbum: 1. Suntrigger;
Bester Instrumentalsolist: 1. Wendrsonn; Bester Gitarrist: 1. Jimmy Gee, 2. Joe Heckel, 3. Mario S; Bester Schlagzeuger: 1. Quinju, 2. Leon Huber;
Bestes Arrangement: 1. Reset; Bestes Blasinstrument: 1. Bettina Alms, 2. Quinju;
Schirmherren
Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen | Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates
Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung,
des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. und des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V.
Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1.
Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften.
KONGRESSZENTRUM SIEGERLANDHALLE – SIEGEN – 10. DEZEMBER 2016

10 FESTIVAL
34. DEUTSCHER
ROCK & POP PREIS 2016
Fast 80 Bands in sieben Stunden auf einer Bühne – das ist nicht nur wahnsinnig
abwechslungsreich, sondern auf liebenswürdige Weise auch ganz schön verrückt.
Und so ist der „Deutsche Rock & Pop Preis“ (DRPP) eine liebenswürdig-verrückte
Veranstaltung, bei der Nachwuchsmusiker im olympischen Sinne um den Sieg kämpfen.
Ohne Hauen und Stechen, dafür mit viel Herzblut und Liebe zur Rock- und Popmusik.
Am 10. Dezember 2016 war es wieder
soweit. Der Deutsche Rock & Pop Mu -
siker verband (DRMV) lud zum Wettbewerbs-
Marathon. Was da so alles abging, zeigt hier
das Musiker Magazin im Detailprotokoll:
11.37 Uhr: Zahlreiche Musiker warten vor der
Tür und drängen bei Öffnung um kurz nach 12
Uhr ins Foyer. Währenddessen werden im Saal
beim Soundcheck letzte Feinheiten abgestimmt.
Hinter den Kulissen fiebern die Helfer dem Start -
schuss entgegen, bereiten Künstler garderoben
und die Verpflegung für die Jury, ca. 50 Helfer
und Gäste vor.
12.03 Uhr: Thorsten Schmidt von von der
Firma Sonor, „Sechserpack“ und „Lahntal musi -
kanten“, bekannt für tolle Schlager, Rock, coole
Sprüche und Witz begutachtet die Halle. Dieses
Jahr steht er aber nicht als Kandidat auf der
Bühne, sondern bewertet als Juror die Acts. Als
DRPP-Initiator Ole Seelenmeyer ihn fragte, ob
er dazu bereit sei, war ihm sofort klar: „Das
mache ich.“ Denn: „Das Konzept vom DRPP ist
gut, weil eine große musikalische Bandbreite
abgebildet wird.“ Dem Musiker gefällt vor allem,
dass es nicht um Geld-Preise geht, sondern einzig
darum, jungen Bands eine Plattform zu bieten,
ihre Musik zu präsentieren. „Das ist Rock ’n’
Roll wie früher“, sagt Thorsten. „Alles ist völlig
locker, ungezwungen und trotzdem gut organisiert.“
Seine Aufgabe als Juror nimmt er ernst:
„Man muss seine privaten Hörvorlieben ausblenden
und nach objektiven Kriterien bewerten.“
12.35 Uhr: Letzter Soundcheck mit ALYZEE,
die als Erste auftreten wird. Thorsten lauscht mit
Kaffee in der Hand und prüft, ob der Schlag zeug-
Sound gut ist. Denn die zwei Schlagzeuge hat
seine Firma (Sonor) gestellt.
13.41 Uhr: Start des 34. Deutschen Rock & Pop
Preises. Ole Seelenmeyer bedankt sich bei allen
Musikern: „Ihr lasst die Rock- und Pop musik
weiterleben. Heute steht ihr im Mittelpunkt.“
14.15 Uhr: ALYZEE eröffnet rockig-orientalisch
den Band-Marathon auf der Bühne.
14.48 Uhr: KESH hat gerade eine elektrisierende
Performance abgelegt und gezeigt, wie
wahn sinnig toll es klingt, wenn man Rap mit

11
Funk, Blues und Pop mischt. „Der Sound war
super“, sagt der smarte Mittzwanziger. Er hatte
vorher nur ein Problem: „Wir passen in keine
Kategorie so richtig rein, weil wir alles mit Rap
mischen.“ Der Jury gefiel der Auftritt; am Ende
gab es den dritten Platz in der Kategorie „Pop“.
15.12 Uhr: Lag es am Bandnamen? Bei „Reset“
streikt die Anlage, muss neu gestartet werden.
Die Techniker von „bst“ sind super schnell, dieser
kurze Aussetzer bleibt die einzige Panne. Eine
tolle Leistung bei knapp 80 Bands in zehn Stun -
den!
15.44 Uhr: Als letzte Band im Bereich „Pop“
treten die beiden poppigen Rapper von „Laut-
stärkA“ auf. „Wir sind keine bösen Rapper, sondern
haben uns bei der Krankenpfleger-Aus -
bildung kennen gelernt“, sagt Alex. Dafür, dass
sie ihren ersten Auftritt überhaupt absolvieren,
kommen sie erstaunlich gelassen rüber. Patrick:
„Wir haben Sonnenbrillen auf, damit wir nicht die
vielen Leute sehen.“
15.55 Uhr: Für die Jury beginnt ein Kraftakt:
29 Solo-Künstler und Bands treten nonstop in
der Kategorie „Singer/Songwriter“ an.
16.36 Uhr: An der Instrumentengarderobe kleiden
sich Günter Ermann und Michael Schank -
weiler ein. Obwohl Günter schon seit mehr als
40 Jahren Musik macht, ist er zum ersten Mal
beim DRPP dabei. „Wir sind zwar keine Nach -
wuchskünstler mehr, aber ich habe bisher nur
gecovert.“ Seit knapp zwei Jahren schreibt er
eigene Songs, meist auf deutsch, manche mit
fränkischem Dialekt. Vom Wettbewerb ist er
be geistert: „Die Bandbreite ist erstaunlich. Bei
jedem Künstler sprüht das Engagement aus
dem Körper.“
16.52 Uhr: Jenny Bright fällt ein Stein vom
Herzen. Gerade hat sie ihren Auftritt hinter sich.
„Sonst spiele ich in Cafés und Bars; die große
Bühne war voll cool.“ Sie war nicht die einzige
Jung-Musikerin, die sich beweisen musste.
DIE HAUPTGEWINNER:
• APRIL ART
WWW.APRILART.DE
• SUPERUSE
WWW.SUPERUSE-MUSIC.COM
• DI MARI
WWW.DIMARI-MUSIK.DE
• LINDA SCHINKEL
WWW.LINDA-SCHINKEL.DE
• MANDRAGORA THURINGIA
WWW.MANDRAGORA-THURINGIA.DE
• COUSCOUS
WWW.COUSCOUSMUSIC.COM
• NOBODY KNOWS
NOBODYKNOWS.DE
18.47 Uhr: Auch die Alternative-Rocker von
CONFUSED HEAD standen noch nicht auf so
großer Bühne. Sie eröffnen den rockigen Teil
des Abends – die Kategorie „Hard Rock/Alter na -
tive“. Schöne Geschichte: Weil sich der Gitarrist
die Hand gebrochen hat, springt der Vater vom
Drummer ein. Er greift in die Saiten, dass es
eine Freude ist!
18.51 Uhr: Ein Raunen geht durch den Saal,
als für FAHRENHEIT 212 vier beklebte Ölfässer
auf der Bühne platziert werden. Die vier Hard-
Rocker werden von vier „Sambakids“ percussionistisch
begleitet. Das Lied „Vaka teatea“
drückt die Zuhörer in die Sitze, so viel Wumms
hat es. „Der Text stammt von den Maori der
Oster insel“, sagt Oliver Kranz. Die Rocker machten
extra eine Reise dorthin, gaben als erste
euro päische Band ein Konzert auf der Insel.
Trotzdem war der Auftritt beim DRPP eine
Heraus forderung. „Du hast nur drei Minuten
Zeit, musst auf den Punkt genau da sein. Das
ist Adrenalin pur“, sagt Oliver. Aber es hat sich
gelohnt: Platz Zwei der Kategorie „Hard Rock“
geht an FAHRENHEIT 212.
18.56 Uhr: Interessanter Anblick: „Mandragora
Thuringia“ treten in Wikinger-Gewändern auf.
Mit ihrem Epic Folk Metal fallen sie auf, bereichern
das ohnehin bunte Programm. Ursprüng -
lich eine reine Rock-Cover-Band sind sie nun
mittelalterlich mit Dudelsack unterwegs. Größte
Herausforderung beim DRPP: „Es war eigenartig,

12
DANKSAGUNG
Der Deutsche Rock & Pop Musikerverband e.V. und die Deut sche Popstiftung
möchten sich als Veranstalter des 34. Deutschen Rock & Pop Preises 2016 bei dem
Bürgermeister der Stadt Siegen Herrn Steffen Mues, beim gesamten Team der
Sieger landhalle, bei der Versicherung „erpam“, bei allen Helfern und Juroren, bei allen
Technikern und Mode ra toren, bei den Musikgruppen und Sänger/-innen für ihren
ehrenamtlichen Einsatz an diesem Kulturfestival sowie bei allen Spon soren und unterstützenden
Firmen bedanken.
Dieses Kulturfestival wurde wie in den Jahren zuvor durch die beteiligten Teil nehme -
rinnen und Teilnehmer an diesem Festival, durch die Mitglieder des Deutschen Rock
& Pop Musiker ver ban des, die Deutsche Popstiftung und „erpam“ finanziert. Damit
handelt es sich bei dieser großen Kulturveranstaltung im jugend kulturellen Bereich der
Rock- und Pop musik um das einzige bundesweite Festi val, das von Musikern, Kompo -
nisten, Tex tern für junge, kreative Nachwuchs musiker aus ideellen Gründen und ohne
irgendeinen kommerziellen Hintergrund getragen und or ga nisiert wurde.
(Pop), Di Mari (Singer/Songwriter), Linda Schinkel
(Singer), MANDRAGORA THURINGIA (Hard
Rock), COUSCOUS (Alternative) und NOBODY
KNOWS (Country sowie Publikums preis).
Ab Mitternacht geben BLOCKRUDEL um Ex-
LUXUSLÄRM-Schlagzeuger Jan Zimmer ein
kleines Konzert. 2008 sahnte er mit LUXUS -
LÄRM in mehreren Kategorien beim DRPP ab.
Am Ende ist die Halle leer – was bleibt, sind
dutzende glückliche Künstler, eine erschöpfte
Jury und die Gewissheit, dass es in Deutschland
eine breit gefächerte, höchst interessante und
bunte Musiklandschaft gibt, die es lohnt, zu entdecken.
In diesem Sinne kann man sich bereits
jetzt auf den 35. Deutschen Rock & Pop Preis im
kommenden Jahr freuen.
dass das Publikum so weit weg ist und sitzt“,
sagt Manu. „Man sieht nicht, ob die mitgehen
und etwas zurückkommt.“ Spaß hatten sie trotz -
dem. Und der Jury hat es auch gefallen. Für
die tolle Performance gab es den ersten Platz
der Kategorie „Hard Rock“.
19.15 Uhr: Obwohl der Wettbewerb nun schon
seit fast sechs Stunden in Gange ist, sitzen nach
wie vor rund 800 Zuhörer im Saal, genießen den
abwechslungsreichen Abend.
Rockmanier. So viel Power überzeugt: Der erste
Platz in der Kategorie „Rock“ geht nach Gießen.
22.41 Uhr: Die Bühne füllt sich. Die Gewinner
in den 117 Neben- und Sonderkategorien be -
kom men ihre Auszeichnungen überreicht, strahlen
mit den Scheinwerfern um die Wette.
23.30 Uhr: Die Gewinner der acht Haupt kate -
gorien werden auf der Bühne geehrt. Die ersten
Plätze belegen APRIL ART (Rock), SUPERUSE
BEWERBUNG FÜR 2017
Am 1. März 2017 startet die Bewer bungs -
phase für den 35. Deutschen Rock & Pop
Preis 2017.
WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/DEUTSCHER-
ROCKPOP-PREIS
TEXT: JANINA HEINEMANN
FOTOS: LUDWIG CZAPLA
20.32 Uhr: Richtig schnell und beschwingt
legen „Nobody Knows“ ihren Auftritt hin. Mit
viel Witz und Klängen zwischen Folk, Country
und Polka reißen sie das Publikum mit. „Das
war Bombe“, sagt Max Heckel nach dem Auf -
tritt. „Schade, dass wir so wenig Zeit hatten –
man erobert das Publikum nicht in fünf Minu -
ten.“ Tut man doch! Weil ihre Performance so
mitreißend war, gab es sowohl den Publikums -
preis als auch den ersten Platz in der Kategorie
„Country“. Da hat sich die sechsstündige An -
fahrt doch gelohnt.
21.24 Uhr: In der Königsklasse „Rock“ imponieren
„Pottgod“ mit einer Wagenladung Fans,
die rote Rosen auf die Bühne werfen.
22.03 Uhr: Dass man auch „fremde“ Fans
mobilisieren kann, zeigen „April Art“. Frontfrau
Lisa-Marie Watz holt rund 70 Leute vor die
Bühne, springt wild herum, singt in feinster
MODERATION
Steff Heinken, John Silver und Alina Sebastian
TECHNIK
VIDEOAUFZEICHNUNG: Ronja Rabe, Thomas Eggers, Philipp Netzlaff, Nico Rüter,
Markus Friebe, Brian Plöhn, Martin Schaumburg, Jakob Günther, Michael Lippoldt
MODERATION FESTIVAL TV: Alina Sebastian
LEINWANDPRODUKTION: Sandra „Joey“ Peters, Pascal Ritter
VERANSTALTUNGSTECHNIK: bst – für Veranstaltungen – bst.de
FOTOS: Ludwig Czapla – www.fotoknips.de
BACKSTAGE-FOTOS: Janina Heinemann, Michaela Kompalla
MITARBEITER UND HELFER
Ole Seelenmeyer, Katja Rake, Hinrich Vogt, Ronja Rabe, Pascal Ritter, Ana Seelenmeyer,
Thanushanth Anandarajah, Niklas Bähnk, Jan Bockelmann, Florian Eggers, Yogarajah
Garthigeyan, Mirsad Hadzipasic, Lara Hannemann, Janina Heinemann, Sören Kann,
Michaela Kompalla, Heidi Neumann, Hendrik Pain, Pia Rurup, Tobias Schnell, Carsten
Schütt, Berenike Schütze, Florian Stachowski, Philipp Strunk, Erik Teichmann, Merle
Trautwein u.v.a.

ANMELDUNG
35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017
Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2017 an.
FESTIVAL 13
Band/Künstler/-in: .........................................................
Ansprechpartner/-in: ......................................................
Straße: ..........................................................................
PLZ Ort: ........................................................................
Bundesland: ..................................................................
Tel.: ...............................................................................
Mobil: ............................................................................
Fax: ....................................................................................
E-Mail: ................................................................................
Internet: ..............................................................................
DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................
GEMA-Mitglied?: ❑ nein ❑ ja:
❑ angeschl. ❑ außerord. ❑ ordentlich
Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich.
Anmeldegebühr pro Musiksparte: EUR 20,– DRMV-Mitglieder /EUR 30,– DRMV-Nichtmitglieder
Die Anmeldegebühren in Höhe von EUR ............ ❑ in bar beigelegt ❑ als Scheck beigelegt ❑ per Überweisung
Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF
Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 15. Juli 2017 an:
Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2017, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg
Teilnahmegebühr: EUR 150,– je Sparte in der Hauptkategorie bei Auswahl durch die Bundesjury.
(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans)
Teilnahmegebühr: EUR 100,– je Sparte in den Sonder- oder Nebenkategorien bei Nominierung durch die Bundesjury.
(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von EUR 1.000,– für eigene Gäste/Fans)
35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017: HAUPTKATEGORIEN
Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet!
❑ 1
❑ 2
❑ 3
❑ 4
❑ 5
❑ 6
❑ 7
❑ 8
Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band)
Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band)
Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band)
Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band)
Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band)
Deutscher Singer/Songwriter Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Eigenkomposition und Stimme)
Deutscher Singer Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Stimme)
Deutscher Country Preis (beste Country-Band)
In 2017 können sich auch
professionelle Musikgruppen und Musiker/-innen
mit Labelvertrag bewerben!
35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017: SONDERKATEGORIEN
❑ 9
Beste Filmmusik
❑ 18
Beste Tranceband
❑ 26
Beste A-Capella-Band
❑ 10 Bestes Kinderlieder-Album
❑ 11 Beste Experimentalband
❑ 12 Beste Fusionband
❑ 13 Beste Hardcoreband
❑ 14 Beste Industrialband
❑ 15 Beste Progressivband
❑ 16 Beste Skaband
❑ 19
❑ 20
❑ 21
❑ 22
❑ 23
❑ 24
Beste Electronic-Band
Bester Electronic-Interpret
Bestes Dancehall-Album
Beste Elektropopband
Bestes traditionelles Blues-Album
Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband
❑ 27
❑ 28
❑ 29
❑ 30
❑ 31
❑ 32
Beste Fusion-Jazz-Rockband
Beste Punkband
Beste Gothic/Wave-Band
Beste Schlagersängerin
Bester Schlagersänger
Bestes Weltmusikalbum
❑ 17
Beste New-Metal-Band
❑ 25
Beste Cover/Revivalband
❑ 33
Bestes Hip-Hop-Album
✁
EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2017
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

14 FESTIVAL
35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017: NEBENKATEGORIEN
Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet!
BEREICH ROCK:
❑ 34 Beste Rocksängerin
❑ 35 Bester Rocksänger
❑ 36 Bester Rocksong
❑ 37 Bestes Rockalbum
BEREICH POP:
❑ 38 Beste Popsängerin
❑ 39 Bester Popsänger
❑ 40 Bester Popsong
❑ 41 Bestes Popalbum
BEREICH FUNK & SOUL:
❑ 42 Beste Funk-&-Soul-Sängerin
❑ 43 Bester Funk-&-Soul-Sänger
❑ 44 Bester Funk-&-Soul-Song
❑ 45 Bestes Funk-&-Soul-Album
BEREICH HARD ROCK:
❑ 46 Beste Hard-Rock-Sängerin
❑ 47 Bester Hard-Rock-Sänger
❑ 48 Bester Hard-Rock-Song
❑ 49 Bestes Hard-Rock-Album
BEREICH METAL:
❑ 50 Beste Metal-Sängerin
❑ 51 Bester Metal-Sänger
❑ 52 Beste Metal-Band
❑ 53 Bester Metal-Song
❑ 54 Bestes Metal-Album
BEREICH JAZZ-ROCK:
❑ 55 Beste Jazz-Rock-Sängerin
❑ 56 Bester Jazz-Rock-Sänger
❑ 57 Beste Jazz-Rock-Band
❑ 58 Bester Jazz-Rock-Song
❑ 59 Bestes Jazz-Rock-Album
BEREICH ALTERNATIV:
❑ 60 Beste Alternativ-Sängerin
❑ 61 Bester Alternativ-Sänger
❑ 62 Bester Alternativ-Song
❑ 63 Bestes Alternativ-Album
BEREICH NEW AGE:
❑ 64 Beste New-Age-Band
❑ 65 Bester New-Age-Song
❑ 66 Bestes New-Age-Album
BEREICH RHYTHM & BLUES:
❑ 67 Beste Rhythm-&-Blues-Sängerin
❑ 68 Bester Rhythm-&-Blues-Sänger
❑ 69 Beste Rhythm-&-Blues-Band
❑ 70 Bester Rhythm-&-Blues-Song
❑ 71 Bestes Rhythm-&-Blues-Album
BEREICH REGGAE:
❑ 72 Beste Reggae-Sängerin
❑ 73 Bester Reggae-Sänger
❑ 74 Beste Reggae-Band
❑ 75 Bestes Reggae-Album
BEREICH LATIN-POP:
❑ 76 Beste Latin-Pop-Sängerin
❑ 77 Bester Latin-Pop-Sänger
❑ 78 Beste Latin-Pop-Band
❑ 79 Bester Latin-Pop-Song
❑ 80 Bestes Latin-Pop-Album
BEREICH FOLKROCK:
❑ 81 Beste Folkrocksängerin
❑ 82 Bester Folkrocksänger
❑ 83 Beste Folkrockband
❑ 84 Bester Folkrocksong
❑ 85 Bestes Folkrockalbum
BEREICH COUNTRY:
❑ 86 Beste Country-Sängerin
❑ 87 Bester Country-Sänger
❑ 88 Bester Country-Song
❑ 89 Bestes Country-Album
BEREICH GOSPEL:
❑ 90 Beste Gospel-Sängerin
❑ 91 Bester Gospel-Sänger
❑ 92 Beste Gospelgruppe
❑ 93 Bester Gospel-Song
❑ 94 Bestes Gospel-Album
BEREICH MUSICAL:
❑ 95 Beste Musicalsängerin
❑ 96 Bester Musicalsänger
❑ 97 Bestes Musicalalbum
(Pro Einzelsparte können bis zu 3 Preisträger ausgezeichnet werden!)
Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden.
35. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2017: SONDERAUSZEICHNUNGSKATEGORIEN
MUSIKBUSINESS:
❑ 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis)
Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc.
❑ 99 Bestes kreatives Independent-Label (Rock & Pop)
Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc.
❑ 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop)
Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc.
❑ 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop)
Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht
❑ 102 Erfolgreicher Musikmanager (Rock & Pop)
Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen
❑ 103 Erfolgreicher Musikproduzent (Rock & Pop)
Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD
❑ 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik
in Deutschland
Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig!
MUSIKPRODUKTION:
❑ 105 Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres
❑ 106 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig)
❑ 107 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig)
❑ 108 Bester Song des Jahres (deutschsprachig)
❑ 109 Bester Song des Jahres (englischsprachig)
❑ 110 Beste Studioaufnahme des Jahres
❑ 111 Beste Single des Jahres
❑ 112 Bestes Musikvideo
❑ 113 Beste Komposition
❑ 114 Bester deutscher Text
❑ 115 Bestes Booklet und Inlaycard
❑ 116 Beste Instrumentalband
❑ 117 Bestes Instrumentalalbum
INSTRUMENTALISTEN:
❑ 118 Bester Instrumentalsolist
❑ 119 Bester Gitarrist
❑ 120 Bester Keyboarder
❑ 121 Bester Schlagzeuger
❑ 122 Bester Bassist
❑ 123 Bester Percussionist
❑ 124 Bestes Arrangement
❑ 125 Bestes Blasinstrument
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17
EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2017
✁

STORIES 15
Die
Nachwuchsrockerin
aus Hannover
bringt powervollen
Teenage-Spirit
auf die Bühne, der
jede Menge Spaß
macht!
MM: Jahrelang warst du solo unterwegs. Nun
gehst du mit deiner Band als „Carlotta & The
Truman-Show“ auf Tour. Wie kam es dazu?
CARLOTTA: Mir wurde es langweilig allein auf den
Bühnen der Republik. Also habe ich Kommi litonen
gefragt, ob sie mir Gesellschaft leisten wollen. Ich
liebe die Flexibilität und Interaktion, die jetzt auf
der Bühne und beim Proben möglich sind. Außer -
dem kommt durch meine Mitmusiker mehr Ab -
wechslung in die Musik. Den Namen „Carlotta &
The Truman-Show“ finde ich witzig.
MM: Was waren musikalische Einflüsse, die
dich und das, was du tust, beeinflusst haben?
CARLOTTA: Ich stehe total auf Joss Stone. Zu
ihren CDs habe ich krass viel gesungen und da -
durch eine Menge gelernt. Zu meinen CD-Ge -
sangslehrerinnen zählen auch Amy Winehouse
und Lauryn Hill. Ich bin ein Riesenfan der Red
Hot Chili Peppers und hab mich sehr über deren
Konzert im November gefreut! Außerdem fühle
ich mich mit Bands und Künstlern wie Paramore,
Blink182 und Avril Lavigne verbunden. Das hört
man auf meiner neuen EP „Pointless Fun“ sehr
stark. Pop-Punk hat eine Message und vermittelt
einen Lifestyle, der super zu mir passt.
CARLOTTA
TRUMAN
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

16 STORIES
MM: Du sagst, du machst Rock-Punk-Pop-
Soul. Was ist das für ein Gemisch? Wie entstand
es?
CARLOTTA: Pop-Punk ist rockig. Aber ein wenig
Joss Stone kommt bei mir hin und wieder mal
durch.
MM: Was waren Meilensteine auf dem Weg
deiner kurzen musikalischen Karriere?
CARLOTTA: Ich stehe seit mehr als acht Jahren
auf immer größeren Bühnen. Meilensteine waren,
mit zehn Jahren im Finale vom Supertalent zu stehen,
auf Tour durch die größten Hallen Deutsch -
lands zu gehen, mit elf als Lena-Double in der ARD
aufzutreten, mit zwölf als bisher jüngste Teil -
nehmerin des Deutschen Rock und Pop Preises
in fünf Kategorien zu werden. Nun mache ich
mein Musikstudium. Meilenstein ist auch, meine
Songs veröffentlicht zu haben.
»Aufwachsend
in einer deutsch-britischen
Familie, mit zwei
Geschwistern, gilt
Carlottas Vorliebe
der englischsprachigen
Rock-Punk-Pop- und
Soulmusik.«
MM: Wie entstehen deine Songs? Was be -
deuten deine Songs für dich?
CARLOTTA: Meine Songs entstehen unterschiedlich.
Mal alleine, mal im Team oder im Songwriting-
Seminar. Mit meinen Songs will ich mehr Teen -
spirit in diese Welt bringen. Die Lieder sind schnell,
energiegeladen und klingen am besten laut. Das
liebe ich an ihnen. Auf Bühnen und im Probe raum
dazu rumzuspringen und ein wenig zu eskalieren
macht am meisten Spaß!
CARLOTTA TRUMAN
„Pointless Fun“
VÖ: 15.07.2016
CARLOTTA-TRUMAN.COM
WWW.FACEBOOK.COM/
CARLOTTATRUMANMUSIC
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

STORIES 17
MAKE
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»Meine Lieder sind schnell,
energiegeladen und klingen am besten laut.
Das liebe ich an ihnen.«
»Auf Bühnen und im Probe raum dazu
rumzuspringen und ein wenig zu eskalieren
macht am meisten Spaß!«
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MM: Was begeistert dich an Musik?
CARLOTTA: Zum einen begeistert mich, wie komplex
Musik ist. Was man alles über sie lernen und
wissen kann, aber nicht muss, um sie zu machen.
Musik ist ein selbstverständlicher, aber doch
besonderer Teil im Leben von allen Men schen.
Es gibt Songs, mit denen Menschen sich an
längst vergangene Dinge erinnern. Musik gibt es
für jede Lebenssituation, die jeden Moment
bereichern oder repräsentieren kann. Es gibt
Texte, die einen wissen lassen, dass man mit
Gedanken nicht alleine ist. Musik kann ablenken.
Musik kann lehren, sich besser zu fühlen, seine
Emotionen besser zu spüren. Musik ist ein täglicher
Begleiter und in allen Formen und Farben
immer da. Wer Musik macht, weiß, dass sie einem
Freiheit in einer Form gibt wie nichts anderes.
MM: Was machst du am Music College?
CARLOTTA: Am Music College Hannover studiere
ich Popularmusik mit dem Hauptfach Ge -
sang. Es ist ein Vollzeitstudium. Ich lerne von
Dozenten und mit Mitstudenten alles, was ich für
meinen Job als Sängerin oder Musikerin brauche.
MM: Du hast einen eigenen YouTube-Channel.
Was erhoffst du dir davon?
CARLOTTA: Mit meinem YouTube-Channel kann
ich meine Fans überall hin mitnehmen: ob auf die
Bühne, in den Backstagebereich oder zu ande rem
Kram, den ich als Rockstar-Azubi erlebe. Meine
Leute können so immer dabei sein.
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MM: Wie stellst du dir deine weitere Musiker-
Karriere vor?
CARLOTTA: Mein Ziel ist es, auf den größten
Büh nen der Milchstraße auszurasten!
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INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: CARLOTTA TRUMAN
BANDFOTO: SPANKA FOTOGRAFIE
alfredverlag.de | alfredmusic.de

18 STORIES
»Mit „My Life“ gelingt
ALYZEE auf Anhieb das,
was nur wenige
Popmusiker schaffen:
sie berührt die Herzen
der Menschen,
egal welcher Kultur
sie angehören.«

STORIES 19
»Queen of Oriental Rock«
2015 gründet ALYZEE ihre eigene Band und
arbeitet mit renommierten Produzenten an ihrem
Debüt-Album. Es wird ein völlig neuartiger Mix aus
westlichem Pop, Rock und einer Brise orientalischer
Klänge.
MM: Du beschreibst deinen Stil als „Orien-
tal Pop Rock“. Was genau ist das?
ALYZEE: Ich beschreibe meine Musik als den
Sound track meines Lebens. Westliche Pop musik
mit Ohrwurmcharakter in Verbindung mit harten
Gitarrenriffs, elektronischen Elementen und einem
Hauch orientalischer Klänge durch die Ud, dem
Darbuka und der Duduk. Dazu wunderschöne
Gänsehaut erzeugende Melodien von Streichern
und die Art, wie ich mit meiner Stimme phrasiere.
Das Schöne ist, dass meine Musik auf dem Album
etwas poppiger klingt und live mit meiner Band
viel rockiger!
MM: Warum diese Mischung der verschiedenen
Stile und Kulturen?
ALYZEE: Ich bin in der Türkei geboren und in
Deutschland aufgewachsen. Und für mich war
es von Anfang an wichtig, ehrliche Musik zu
machen. Nicht andere kopieren, sondern etwas
ganz Eigenes kreieren. Und so ist ein Stück von
beiden Welten in meine Musik mit eingeflossen.
MM: Deine Songs sind sehr persönlich.
Warum?
ALYZEE: Wenn ein Künstler seine eigene Musik
macht, schreibt bzw. komponiert, ist es immer
etwas Persönliches. Und für mich ist es sehr
wichtig, mit und durch meine Musik ein kleines
Stückchen in dieser Welt zu bewirken. Menschen
Mut machen, ihnen Hoffnung geben.
MM: Welche Geschichte steht beispielsweise
hinter „The Search“?
ALYZEE: „Auf der Suche nach dem Sinn des
Lebens habe ich zu mir selbst gefunden.“
Viele suchen oft das Glück in materiellen Dingen,
oder irgendwo draußen, bei anderen Menschen,
in Situationen usw. Aber nicht dort, wo es in
Wirklichkeit ist. Wenn der Mensch mit sich selbst
nicht im Reinen ist, sich selbst nicht genug achtet,
kann er das wahre Glück nicht finden. Das ist
vielen nicht bewusst, wie es auch mir nicht immer
bewusst war. Wenn man sich selbst zu reflektieren
lernt und lernt, auf sein Bauchgefühl zu hören,
besteht die Chance, das wahre, beständige Glück
zu empfinden.
MM: Deine Mutter starb, als du noch ein
Kleinkind warst. Inwieweit hat dich das musi -
kalisch beeinflusst?
ALYZEE: Ich fand Trost in der Musik. Worte hätten
mir in dem Alter nicht viel geholfen. Den
ersten Song „One Blood“, den ich für mein
Album komponierte, schrieb ich für meine Mutter.
Inzwischen habe ich einen zweiten Titel „Mothers
Love“ komponiert, den ich für alle Mütter schrieb.
In dem ich beschreibe, wie wichtig Mutterliebe
ist. Ich wünsche es jedem, der noch eine Mutter
hat, sie zu schätzen. Denn ich weiß, wie es ist,
wenn man sie nicht mehr hat.
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20 STORIES
ALIZEE
Gewinner des
Deutschen Rock & Pop Preises 2016:
„BESTES ALBUM (INTERNATIONAL)“
★ Platz 1 – „MY LIFE“
„BESTE ROCKBAND”
★ Platz 2
ALYZEE
„My Life“
VÖ: FRÜHJAHR 2017
WWW.ALYZEE-MUSIC.COM
WWW.FACEBOOK.COM/
ALYZEEOFFICIAL
MUSIKVIDEO „ONE WISH“:
WWW.YOUTUBE.COM/WATCH?V=64V70QPZAO0
ALYZEE „MY LIFE“ TOUR DATEN
15. April – Aalen | 16. April – Nürnberg
20. April – Flensburg | 21.April – Wiehl
22. April – Erfurt | 13. Mai – Wetzikon (CH)
WEITERE TERMINE UNTER: WWW.ALYZEE.DE
MM: Viele Künstler gründen heute – wie du –
ein eigenes Label. Was sind deiner Meinung
nach die Vor-und Nachteile?
ALYZEE: Der Vorteil ist, dass man als Künstler
den Überblick behält und frei entscheiden kann,
wann man genau was machen möchte. Und
dazu hat man die künstlerische Freiheit, sich
selbst treu zu bleiben. Man muss sich nicht nach
irgendeinem schon da gewesenen Schema oder
Konzept anpassen und sich in eine Schublade
stecken lassen! Das war mir persönlich auch
sehr wichtig. Nachteile gibt es so gesehen nicht
wirklich. Allerdings braucht man eine gute
Portion Geduld für das ganze Schriftliche bei der
Beantragung eines eigenen Label Codes. Und
das ist nicht alles. Neben der Produktion und
Veröffentlichung gibt es noch weitere wichtige
Punkte, um sein Werk in die Welt rauszutragen,
wie z. B. Band-Gründung, Vertrieb, Vermarktung,
Musikvideo-Dreh, Organisierung der Konzerte,
Social Networking und vieles mehr. Ganz wichtig
ist auch ein klares Konzept, um alles zu realisieren.
MM: Bereust du deine Entscheidung?
ALYZEE: Ich würde es jederzeit wieder tun.
MM: Du warst im arabischen und türkischen
Raum eine erfolgreiche Sängerin. Warum
hast du das aufgegeben?
ALYZEE: Damals schrieb ich nicht meine eigene
Musik. Ich muss dazu sagen, dass ich meine Ziele
unbewusst nicht ganz richtig gesetzt hatte. Ich
wollte hauptsächlich singen und das auf vielen
großen Bühnen. Und das geschah dann auch. Ich
wurde beinahe über Nacht berühmt und darauf
folgten viele Auftritte in TV-Shows und eine große
Tour.
Ich merkte, dass mich das absolut nicht erfüllte.
Ganz im Gegenteil. Toll, ich war auf vielen Bühnen
und konnte singen. (Das hatte ich mir ja anfangs
gewünscht.) Ich fühlte mich immer mehr wie eine
Marionette für andere. Als mir das bewusst wurde,
stieg ich aus. Von da an stand für mich eines ganz
fest: Ich wollte meine eigene Musik schreiben und
dem Ganzen einen tieferen Sinn geben. Und das
tat ich dann auch mit meinem Album „My Life“.
Heute bin ich voll und ganz in meinen Ele ment
und liebe, was ich tue!
MM: Wie soll es musikalisch bei dir weitergehen?
ALYZEE: Aktuell haben wir das Video zu meiner
ersten Single „One Wish“ veröffentlicht. Demnächst
starten die Dreharbeiten für das nächste Musik -
video.
2017 werden wir bundesweit Konzerte spielen.
Mein Album erscheint im Frühjahr 2017 in Ver bin -
dung mit meiner Single „I’d Give My Life“.
WEB: WWW.ALYZEE-MUSIC.COM
WWW.FACEBOOK.COM/ALYZEEOFFICIAL
INTERVIEW: JANINA HEINEMAN
FOTOS: ULRICH H. M. WOLF
GRAFIK: © KATYAU/FOTOLIA.COM
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

Angebot
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Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir
produzieren mit euch eine komplette Studiosendung
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fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged
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Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein
und stellen es vor!
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künstler und euer musikalisches Schaffen.
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• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras
• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene
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• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2)
• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden*
• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur
Verfügung – hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken
einbauen
• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange
• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und
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zur Verfügung für noch mehr Reichweite
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* für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund
auch unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis
nachträglich von uns abgemischt werden)
Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg
Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

22 STORIES
Die Band rockt nun seit 2003 mit ihrem
Deutsch-Programm. In dieser Zeit haben
sich die fünf Jungs zu einer der beliebtesten
Deutsch-Rock-Bands etabliert. Mehrere hundert
mitreißende Konzerte haben sie gespielt. Kein
bisschen leiser, kein bisschen ruhiger, ob Cover
oder ihre eigenen Songs – Leidenschaft und Ge -
fühl sind das, was zählt. Wie sagen die Jungs
immer kurz vor ihren Konzerten: Kommt zuhauf!
HÖRGERÄT
»ROCKEN AUF DEUTSCH«
Interview mit dem Sänger Andy Link
MM: Doofe Frage zu Anfang: Wieso heißt ihr
„Hörgerät“?
ANDY LINK: Doofe Antwort zurück (lacht): Wir
suchten einen Bandnamen. Nach der ersten
Probe gingen wir alle auf die Suche. Bei der zweiten
wurden die Ideen sondiert. Mein Vorschlag
„Hörgerät“ wurde genommen. Ich fand den Namen
passend und witzig. Man darf nicht vergessen:
Ein Hörgerät ist etwas Positives! Es hilft Men schen,
die Probleme mit ihrem Gehör haben, ihr Umfeld
wieder besser wahrzunehmen.
MM: Fünf Männer auf einem Haufen – wie
kann das gutgehen? Wie geht ihr mit Reibe -
reien um?
ANDY: Mit Respekt und Verständnis. Klar wird bei
uns der Ton auch ab und an mal rauer, aber wir
sind keine pubertierenden Jungs mehr. Abgesehen
davon hat die Musik bei uns Freundschaften ge -
schlossen. Da sind wir stolz drauf. Hinzu kommt,
dass wir zwei Backgroundsängerinnen haben, die
gut schlichten können.
MM: Wie könnt ihr Job, Familie und Band
vereinbaren?
ANDY: Ehrlich? Manchmal ist das ein Gang auf
Messers Schneide. Gerade die Sommermonate
sind extrem. Zum Glück haben wir alle Menschen
um uns, die mit unserer Situation gut umgehen
können. Musik nimmt uns da sehr viel, aber gibt
uns auf der anderen Seite genau das, was wir
zum Leben brauchen. Man muss schon verrückt
sein, um das alles mit „Hörgerät“ durchzuziehen.
Aber es ist wie eine Sucht – ohne geht nicht.
MM: Euer Motto ist „Rocken auf Deutsch“.
Warum findet ihr gerade Deutsch-Rock gut?
ANDY: Damit können wir am besten unsere Ge -
fühle mitteilen. Das Publikum versteht uns, kennt
die Texte. Es macht alles viel einfacher und schöner.
Wir liebe es einfach.
MM: Angefangen habt ihr als Coverband,
spielt aber immer mehr eigene Songs. Wie
kam das?
ANDY: Es war eigentlich geplant, nur eigene Songs
zu machen. Nach vielen Gesprächen haben wir
uns damals entschlossen, auch zu covern. Das
wurde ein Selbstläufer. Dann kamen die eigenen
Songs. Wir haben diese in unser Programm aufgenommen
und das Publikum hat sie begeistert
aufgenommen. Was will man mehr? Ich liebe es,
wenn ein Plan gelingt.
MM: Was macht euch mehr Spaß – Cover
oder Eigenes?
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STORIES 23
ANDY: Beides hat seinen Reiz. Solange das Pu -
bli kum Spaß hat mit dem, was wir machen, ist es
fast egal, ob eigene oder gecoverte Songs. Wobei:
Wenn eigene Songs abgefeiert werden, hat das
etwas Besonderes. Das macht stolz.
MM: Ihr kennt sowohl große Bühnen als auch
kleine Clubs. Was mögt ihr lieber? Warum?
ANDY: Wir lieben die großen Bühnen und das
dazugehörige Publikum. Wenn man oben steht
und Tausende abgehen, berührt das. Aber wenn
man in kleinen Clubs spielt, die Leute direkt vor
einem stehen und man direkt eine Rückmeldung
bekommt – das hat was. Man kann in kleinen
Clubs eher zeigen, was man kann. Somit lieben
wir es, sowohl auf großen als auch auf kleinen
Bühnen zu stehen. Hauptsache, das Publikum hat
genauso Spaß wie wir!
MM: Du, Andy, wurdest im vergangenen Jahr
als „Bester Popsänger“ beim Deutschen
Rock & Pop Preis ausgezeichnet. Bedeutet
dir das etwas oder geht das in eurem Erfolg
und Auftritten unter?
ANDY: Sicher geht so was nicht ganz unter. Es tut
gut, wenn man eine Auszeichnung für das be -
kommt, was man macht. Aber ich bin ein Teil der
Band. Ohne die anderen wäre ich nichts. Somit
sehe ich diesen Preis nicht als persönliche, sondern
als Bandleistung. Jeder innerhalb der Band
hat ihn verdient.
GOODBYE
FEEDBACK.
MM: Welche Ziele habt ihr noch als Band?
ANDY: Wir wollen endlich unser Album fertig be -
kommen. Leider ist es aus Zeitmangel nicht möglich,
so daran zu arbeiten, wie wir wollen. Das nervt
uns.
KSM8
DUALDYNE GESANGSMIKROFON
MM: Was würdet ihr als „alte Hasen“ jungen
Deutsch-Rockern raten?
ANDY: Macht eine Ausbildung, erlernt einen Beruf
und verlasst euch nicht auf den großen Erfolg mit
der Musik. Bleibt authentisch und macht das,
worauf ihr Bock habt. Alles andere wirkt künstlich
– das Publikum merkt das. Jeder weiß immer
alles besser, aber es ist eure Musik, also gelten
eure Regeln. Also: Rock ’n’ Roll!
die wir jemals entwickelt haben.
Kabelgebundene und kabellose Optionen in schwarz
oder gebürstetem Nickel erhältlich.
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
GRAFIK: © KARANDAEV / FOTOLIA.COM
HÖRGERÄT
„Filmriss“ – Single
VÖ: 28.11.2014
WWW.ROCKEN-AUF-
DEUTSCH.DE
www.shure.de
© 2016 Shure Europe GmbH

24 STORIES
»GESCHICHTEN VAN DER SPREE«
Interview mit Vivian van der Spree
Die Berlinerin Vivian van der Spree legt Wert
darauf, alle ihre Songtexte und Melodien
selbst zu schreiben. Sie will ihre eigene Chefin
sein, macht Deutsch-Pop mit Funk- und Soul-
Elementen. Nun hat sie ihr zweites Album veröffentlicht.
MM: Deutsch-Pop mit Funk- und Soul-Ein -
flüssen. Welche Musik oder Bands haben
dich und deinen Stil geprägt?
VIVIAN: Die frühen Musikeinflüsse kamen über die
alten Manfred-Krug-Platten der 70er, Holger
Biege, Ray Charles, Aretha Franklin, Stevie
Wonder, Amy Winehouse. Ich habe aber auch
viel Hip-Hop gehört. Beim Funk geht es wie beim
Hip-Hop darum, mit dem Rhythmus zu spielen,
tight zu sein, gegen den Beat zu singen. Das
mochte ich schon immer, weil das ordentlich
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

STORIES 25
groovt. Ich arbeite mit ausgebildeten Jazzern zusammen, die den Groove
im Blut haben und in die Musik mitbringen.
MM: Deine Songs sind emotional, nehmen einen mit. Wie entstehen
sie?
VIVIAN: Ich gehe nie ohne Notizbuch aus dem Haus. Wenn mir eine Me -
lodie oder eine Textzeile einfällt und ich nicht Zettel und Stift dabei habe,
wäre ich aufgeschmissen. Meist merke ich, wenn ein Song kommt. Das
ist ähnlich wie beim Kotzen – nur mit erfreulicherem Ergebnis. Oft sind
Melodie und Text gleichzeitig da, sodass ich alles an einem Stück schreibe.
Es gibt aber auch Songs wie „Such dein Glück nicht bei anderen
Leuten“: An dem habe ich zehn Jahren lang geschrieben, ihn immer mal
weggelegt. Mich hetzt ja keiner.
5. – 8. 4. 2017
Frankfurt am Main
Tickets und Infos:
musikmesse.com
MM: Warum singst du auf Deutsch?
VIVIAN: Ich hatte verschiedene Bands in unterschiedlichen Genres: Rock,
Jazz, Punk, Big Band. Früher habe ich nur englische Songs geschrieben
und gesungen, mich aber vor etwa zwölf Jahren bewusst dafür entschieden,
ab jetzt nur noch auf Deutsch zu singen. Hinter englischen Texten
konnte ich mich verstecken, aber es frustrierte mich, wenn ich mir das
Herz raussang und die Leute am Ende sagten: „Schöne Melodie, aber
worum geht’s?“ Für deutsche Texte braucht man Mut, aber es lohnt sich.
MM: Im Juni hast du dein zweites Album in Eigenregie veröffentlicht.
Was bedeutet das für dich?
VIVIAN: „Geschichten van der Spree“ ist mein zweites Baby nach „Zurück
in Berlin“. Ich habe bei beiden Alben darauf geachtet, dass sich die Songs
so anhören wie in meinem Kopf. Ich habe meinen Jungs Demos von den
Songs geschickt, die ausnotierten Lead-Sheets vorgelegt und dann ging
es los. Sie fanden hilfreich, dass die Marschroute vorgegeben war – sie
wollten spielen, nicht diskutieren.
MM: Wie ist es, sich als Frau in der Musikbranche durchzusetzen?
It’s my tune.
VIVIAN: Es hat Vor- und Nachteile. Als Frontfrau fällst du auf, auch unter
anderen Bands. In Proberäumen, die sich viele Bands teilen, wirst du als
einzige Frau angeguckt wie ein Alien. Ich wundere mich, dass es nicht
mehr Frauen in der Branche gibt. Unschön wird es, wenn die Diva-Karte
gespielt wird: Jungs, die sich behaupten, fordern ganz natürlich und selbst -
bewusst ihr Recht ein und alle sagen „wow“. Bei Frauen heißt es oft: „Ach,
sind wir heute die Diva, ja?“ Ich bin seit mehr als 15 Jahren Frontfrau und
kann Mädels nur raten: Cool bleiben und drüberstehen! Die Diven sind
meistens die Jungs selbst, die dich als Diva bezeichnen.
MM: Erzähl uns von dem Album. Worum geht es?
VIVIAN: Das erste Album „Zurück in Berlin“ war jazziger. „Geschichten van
der Spree“ hat verschiedene Genres: Pop, Rock, Funk, Hip-Hop, Bossa
Nova, Balladen, sogar etwas Country mit der Single „Junge“. Ein Mit ar -
beiter eines Majors hat mir geraten, die Platte homogener zu machen,
aber ich wollte unbedingt diese Mischung ausprobieren. Textlich ist Berlin
die Kulisse, aber ich singe nicht ständig davon, wie schön der Fernseh -
turm ist. Es geht eher um kleine Szenerien: der Späti nebenan, meine Wut
darüber, wie prekär die Lage für Musiker ist, und um Menschen, die mir
am Herzen liegen.
Vier Tage Musik.
Massig Events. Ganz Frankfurt.
Im April 2017 wird Frankfurt zur Hauptstadt der Musik:
Instrumente zum Ausprobieren und Festival atmosphäre
auf dem Messegelände und in der ganzen Stadt. Dazu bringt
das Musikmesse Festival inter na tionale Top-Acts live auf
die Center Stage und massig Events und Konzerte an unterschiedlichste
Locations.
Erleben Sie die Musikmesse 2017 in ihrer ganzen Fülle
mit Highlights und Neuheiten, Workshops, Know-how und
Ausstellern aus aller Welt.

26 STORIES
MM: Berlin ist also zentrales Thema. Ein paar
Sätze: Was ist Berlin für dich?
VIVIAN: In Berlin bin ich geboren. Hier lebe ich
und viele Menschen, die mir wichtig sind. Die
Stadt ist mein Biotop; ich singe über das, was
mich umgibt. Warum sollte ich so tun, als sei ich
eine coole Band aus England – das kauft mir
doch niemand ab. Berlin steht für das, was ich
erlebe und in Songs verpacke, bildet so die
Klam mer. Außerdem kommt von Berlin langsam
etwas zurück: Ich habe für eine Frankreich-Tour
und das zweite Album je ein Stipendium vom
Senat erhalten, quasi als Kulturbotschafterin der
Stadt. Dafür bin ich dankbar.
MM: Und das schönste?
VIVIAN: Für mich ist es immer irre, wenn Leute
die Texte mitsingen. Zu sehen, dass sie die Musik
bewegt oder wenn sie mir sagen, sie bekommen
diesen und jenen Song nicht aus dem Kopf.
Insgesamt eine der schönsten Begebenheiten war
aber, als wir bei einem Heiratsantrag unter dem
Balkon die Musik dazu spielen durften.
MM: Wenn du nicht grad Musik machst, was
tust du dann?
VIVIAN: Ich bin selbstständig als Musikerin und
Social-Media-Beraterin.
»Meist merke ich,
wenn ein Song kommt.
Das ist ähnlich wie
beim Kotzen –
nur mit erfreulicherem
Ergebnis. «
MM: Die Songs gibt es auch bei Spotify.
Warum hast du dich für Streaming entschieden?
VIVIAN: Das war die Entscheidung von Label und
Vertrieb. Ich hatte nichts dagegen. Ich weiß vom
ersten Album, dass ein Großteil über Spotify ge -
hört wird und dadurch theoretisch die Song ver -
käufe sinken. Auf der anderen Seite bringt es ein
größeres Publikum, das vielleicht mal dein Kon zert
besucht. Spotify wird von außen komischerweise
als der große Ritterschlag wahrgenommen. Ich
habe oft verwundert gehört: „Wahnsinn, du bist
sogar bei Spotify!“ Keine Ahnung, warum. Die Aus -
schüttungen für Künstler liegen im Nano-Bereich.
Das sollte dringend geändert werden.
MM: Du warst auf Deutschland-Tour. Was
war dein skurrilstes Bühnenerlebnis?
VIVIAN: In Hamburg war das Kind eines Band -
mitglieds dabei, das mitten im Song auf die Bühne
kletterte, Papa völlig unbeeindruckt am Hosen -
bein zupfte und sagte, dass es jetzt müde sei.
Das baut man dann elegant ins Programm ein.
MM: Tauschst du dich mit anderen Künst -
lern aus?
VIVIAN: Ich tausche mich mit Kollegen egal welchen
Alters aus. Man gibt sich Tipps. Community-
Foren im Internet sind da hilfreich.
MM: Hat es Vorteile, wenn man als Singer-
Songwriter seine Lieder schreibt?
VIVIAN: Ein selbst geschriebenes Lied singe ich
ganz anders, als wenn mir jemand was vorlegt
und sagt: „Sing das mal!“ Das ist der emotionale
Vorteil. Es gibt aber auch einen technischen: Wer
sich mit Gesang auskennt, weiß, dass man be -
stimmte Tonhöhen mit bestimmten Vokalen besser
trifft. Das nutze ich schon beim Songwriting: Bei
„Wie viele das sind“ habe ich im Refrain bei den
höchsten Tönen mit „wie viele“ extra ein paar i’s
mit eingebaut. Da kann ich sich quasi gar nicht
versingen.
WEB: VIVIANVANDERSPREE.DE
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOS: KATHRIN TSCHIRNER
VIVIAN VAN DER SPREE
„Geschichten van der Spree “
VÖ: 24.06.2016
VIVIANVANDERSPREE.DE
WWW.FACEBOOK.COM/VIVIANVANDERSPREE
WWW.YOUTUBE.COM/USER/VIVIANVANDERSPREE
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STORIES 27
MM: Was verbirgt sich hinter deinem musikalischen
Projekt “Dorian Black”?
DORIAN BLACK: DORIAN BLACK ist mein Solo -
projekt, die Songtexte und die meisten mu si -
ka lischen Ideen kommen von mir, und ich nehme
auch selbst fast alle organisatorischen Aufgaben
wahr. Ich habe ein eigenes Plattenlabel und
einen Musikverlag gegründet. Live spiele ich
aber mit mehreren zusätzlichen Musikern.
DORIAN BLACK
»Das Streben nach ewiger Jugend
und den Wunsch, dass man zeitlos durch die Epochen
schweben möchte«
MM: Dein Künstlername ist eine Anlehnung
an den Roman “The Picture of Dorian Gray”.
Inwiefern beeinflusst das Buch dich musikalisch?
DORIAN BLACK: „The Picture Of Dorian Gray“
ist als einziger veröffentlichter Roman von Oscar
Wilde mit Recht sehr populär geworden und
wurde mehrmals erfolgreich verfilmt. Die Idee,
durch eine Art faustischen Pakt die ewige
Jugend zu bewahren und stattdessen ein Bild
altern zu lassen, hat schon auf viele Ge nera tio -
nen attraktiv und inspirierend gewirkt … Auch
mich fasziniert dieses Thema. Wiederkehrende
Komponenten meiner Texte sind ja Sinnlichkeit
und Erotik. Vielleicht erschien mir zusätzlich
die Vorstellung, dass es einen dunkleren Dorian
geben könnte, interessant … Die düstere
Ironie des Schicksals, dass die unvergängliche
Jugend auch ein Gefängnis sein kann und dafür
ein hoher Preis gezahlt werden muss, wird in
meinem Song „Dorian Gray“ thematisiert.
Darüber hinaus enthält der Roman allerdings
auch viele Lebensweisheiten und denkwürdige
Passagen.
MM: Woher beziehst du sonst deine Inspi -
ration?
DORIAN BLACK: Überwiegend kombiniere ich
in meinen Songtexten Autobiografisches mit
Fiktion. Ich denke, man muss seine eigenen
Geschichten erzählen, um erfolgreich zu sein.
Allerdings möchte ich das auf eher hintergründige
Weise versuchen … Quellen der Inspi ra -
tion sind für mich auch oft Bücher und Filme.
Ich bin ein ausgesprochener Cineast und liebe
das Kino.
MM: Auffällig ist die schwarz-weiße Farb ge -
bung des Videos zu „Share My Desire“ und
vieler deiner Fotos. Wieso hast du dich oft
für dieses Stilmittel entschieden?
DORIAN BLACK: In Schwarz-Weiß wirken manche
Motive einfach stärker, weil Kontraste zwischen
Licht und Schatten, Formen, Strukturen,
Einstellungen und Bildausschnitte die Auf nah -
men dominieren und die Betrachter weniger
durch Farben abgelenkt werden. Das ist auch
bei Filmen oder Musikvideos ein inszenatorisches
Stilmittel. Die Zuschauer können sich stärker
auf Details konzentrieren, die ihnen sonst
verborgen bleiben würden. Die Ideen und
Visionen der Foto- und Filmkünstler werden für
die Betrachter leichter sichtbar. Der schwarzweiße
Musikclip zu „Share My Desire“ besitzt
zusätzlich diese Stummfilm-Ästhetik und passt
viel besser zur etwas düsteren Story des Songs
als eine farbenfrohe Darstellung. Die Essenz der
erzählten Geschichte und die Charaktere werden
präziser wahrgenommen.
MM: Viele der anfallenden Aufgaben während
der Songproduktion und -promotion erledigst
du selber. Warum gibst du so ungern
Arbeit aus der Hand?
DORIAN BLACK: Nachdem ich mich zwischenzeitlich
mehrere Jahre nicht intensiv mit Musik
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28 STORIES
tum sowie überwiegend tiefgründige Texte zu
bieten. So findet man rhythmusorientierte Songs
ebenso wie melancholische, düstere, schaurigschöne
Stücke. Es sind Uptempo-Rocker dabei,
aber auch tanzbare Grooves und schwermütige
Balladen. Darüber hinaus binde ich gern Ele -
mente aus der klassischen Musik ein.
MM: Inwieweit hast du ihn neu interpretiert
oder einen Remix erstellt?
DORIAN BLACK: Von der zuvor eher rockigen
Nummer hat er sich mehr in die dunkelromantische
Richtung entwickelt. Der Song, zu dem es
einen recht ästhetischen Videoclip gibt, geht nun
»DORIAN BLACK ist für mich die Gelegenheit,
meine eigenen Songs und Vorstellungen endlich
umsetzen zu können.«
beschäftigen konnte, liegt mir heute viel daran,
alles so gut zu machen, dass ich auch später
noch selbst damit zufrieden sein kann und mich
nicht ärgern muss, etwas nicht auf bestmögliche
Weise verwirklicht zu haben. Dazu gehören
auch das gesamte Erscheinungsbild von
DORIAN BLACK sowie die Ästhetik von Fotos
und Clips. Ich bin ziemlich perfektionistisch
veranlagt und habe meist klare Vorstellungen.
Das eigene Label, der eigene Verlag und die
damit im Zusammenhang entwickelte Marke
garantieren mir die maximale künstlerische Frei -
heit. Gegenwärtig redet mir niemand hinein.
Die Kehrseite ist, dass ich die Schuld auch im
Wesentlichen bei mir selbst suchen muss, wenn
etwas nicht wie erhofft gelingt.
MM: Welchen deiner Songs empfiehlst du
Menschen, die dich noch nicht kennen, als
ersten Anspieltipp?
DORIAN BLACK: Wahrscheinlich würde ich
dafür „Harmony“ vorschlagen. Der Song ist sehr
tanzbar und mit seinem eingängigen Groove und
den markanten Gitarrenlicks auch clubtauglich.
MM: Wie würdest du deinen musikalischen
Stil charakterisieren?
DORIAN BLACK: Ich versuche einen Brücken -
schlag von gitarrenorientiertem Rock ’n’ Roll
über Elektro-Rock und Synth-Pop bis zu Gothic
und Glam. Mein Anspruch ist es, inhaltsreiche
Kompositionen, musikalischen Facettenreich -
Das Klangspektrum ist relativ groß. Ich möchte
meine musikalische Vielseitigkeit zeigen.
„Dorian Gray“ ist beispielsweise ein sehr innovativer
und komplexer Song, der einen Taktbzw.
Rhythmuswechsel enthält, instrumental
einiges zu bieten hat und wohl auch eine interessante
Gesangsleistung enthält. Auf der
anderen Seite ist „Winter“ eine melancholische,
schwer mütige Ballade mit einem sehr traurigen
Text.
MM: Welche Bedeutung hat Musik für dich?
DORIAN BLACK: Musik spielt in meinem Leben
eine dominierende Rolle. Ich bin von Kindes -
beinen an mit Musik aufgewachsen, geprägt
durch das Musikinteresse meiner Eltern. Meine
Mutter ist Musiklehrerin. Besonders fasziniert
hat mich schon immer das Singen; mit fünf
Jahren habe ich begonnen, kleinere Auftritte zu
geben. Ich habe mir alles weitgehend autodidaktisch
angeeignet. Erst mit 17 Jahren belegte
ich ein Jahr Gesang auf der Musikschule und
sang auch für die Musikschulband. Viele Songs
entstanden dann im Alter von 20 bis 22 Jahren,
als ich in einer weiteren Band aktiv war und in
kurzer Zeit viele Songideen entwickelte. Dann
musste ich unfreiwillig einige Zeit pausieren.
DORIAN BLACK ist für mich die Gelegenheit,
meine eigenen Songs und Vorstellungen endlich
umsetzen zu können.
MM: „Share My Desire“ – Der Song ist schon
etwas älter, denn du hast ihn bereits mit 18
Jahren geschrieben. Hat sich etwas verändert?
DORIAN BLACK: Ich denke schon, denn es ist
schwierig, den Song noch mit den ursprünglichen
Emotionen zu verknüpfen. Aber ich singe
ihn immer noch gern. Die Worte haben nichts
von ihrer Bedeutung verloren.
stilistisch eher in Richtung Gothic – ein Song mit
einer erotischen Story. Er handelt von unerfülltem
bzw. unerfüllbarem Verlangen. Man könnte
das auch als gitarrendominierten Synth pop
bezeichnen. Der Song ist tatsächlich neu gemixt
sowie in Teilen neu aufgenommen worden.
MM: Man könnte sagen, du bist erwachsener
geworden.
DORIAN BLACK: Ja, möglicherweise hat das
auch etwas damit zu tun.
MM: Du hast jetzt mit DORIAN BLACK dein
erstes Soloprojekt gestartet. Es gibt ja ganz
viele Einflüsse aus deiner Vergangenheit, aus
den Erfahrungen, die du gesammelt hast. Wie
würdest du dieses Projekt beschreiben? Was
ist anders als in den vorherigen Bands?
DORIAN BLACK: Ich glaube, der wesentliche
Unterschied ist, dass ich jetzt völlig auf mich
allein gestellt bin, aber auf der anderen Seite
auch die Vorstellungen umsetzen kann, die ich
habe, und weniger Rücksicht auf Bandmates
und andere Ideen nehmen muss, was auch
sehr reizvoll ist.
MM: Ich habe vorhin schon angesprochen,
dass du eine Affinität zu dem Roman „The
Picture of Dorian Gray“ von Oscar Wilde
hast. Wie kam es dazu, dass du einen Teil
dieses Namens auch in deinen Künstler -
namen einbezogen hast?
DORIAN BLACK: Die Farbe Schwarz ist meine
Farbe. Ich habe sehr früh erkannt, dass sie am
besten zu mir passt. DORIAN leitet sich tatsächlich
aus dem Roman „The Picture Of Dorian
Gray“ von Oscar Wilde ab. Die Namensgebung
bezieht sich auf das Streben nach ewiger Ju -
gend und den Wunsch, dass man zeitlos durch
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STORIES 29
die Epochen schweben möchte, ohne dass
diese Alterserscheinungen sichtbar werden.
MM: Wie stehst du denn zu deinem Alter
und zum Älterwerden?
DORIAN BLACK: Ich versuche, jünger auszusehen
(lacht).
MM: Du siehst das Altern also durchaus als
eine Schwierigkeit an.
DORIAN BLACK: Ja, auch wenn ich nicht unter
dem bekannten Dorian-Gray-Syndrom leide, ist
es definitiv wichtig, die Alterserscheinungen
nicht zu sehr nach außen wirken zu lassen.
MM: Musikalisch sind Einflüsse vieler Künst -
ler zu erkennen, deine Musik ist sehr facettenreich.
Gibt es konkrete Bands oder
Sänger, die du als deine absoluten Vorbilder
bezeichnen würdest?
DORIAN BLACK: Der Haupteinfluss sind sicher
ursprünglich die Rolling Stones gewesen und
geblieben, die meine Begeisterung für Musik
und für das Singen neu geweckt haben. Ich
konnte bei vielen Konzerten die Energie, die sie
mit ihrer Musik transportieren, als Zuschauer
spüren und in mir aufnehmen. Das beflügelte
und trug mich immer für mehrere Tage. Später
kamen dann weitere Einflüsse dazu, z.B. Neil
Young, der seine Vorstellungen auch gegen
Widerstände durchgesetzt hat und dabei stets
authentisch geblieben ist, und natürlich
Depeche Mode, mit denen ich quasi aufgewachsen
bin. Mich begeistern die musikalische
Vielfalt und die künstlerische Wandlungs -
fähigkeit von David Bowie, den ich auch als
Stilikone sehr verehre. Als deutsche Band ragen
Alphaville heraus, die vor allem in den 1980er-
Jahren bahnbrechende Songs geschaffen
Idee + Foto: Christian Raith · Agentur: www.milk-and-honey.de
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30 STORIES
»Ich bin nicht unbedingt
ein Kontrollfreak,
aber andererseits
kann ich davon ausgehen,
dass ich die volle
Verantwortung trage.
Wenn etwas
schiefläuft, bin ich auch
selbst schuld.«
haben. Aus jüngeren Zeiten sind verstärkt Amy
Wine house, Placebo und IAMX zu nennen. IAMX
ist ein faszinierendes Projekt des Künstlers Chris
Corner, den ich ganz großartig und inspirierend
finde.
MM: Man kann auch einige Einflüsse des
Stones-Frontmanns Mick Jagger in deiner
Bühnenperformance erkennen. Du hast ja bei
sehr vielen Stones-Konzerten in der ersten
Reihe gestanden und quasi den Schweiß
Jaggers abbekommen. Da hast du dich sicher
auch sehr inspirieren lassen.
MM: Kannst du in einem Satz erklären,
worum es in „Kinder der Nacht“ geht?
DORIAN BLACK: Es geht darum, von einer Frau
verzaubert zu werden, sich daraufhin in einer
Traumwelt zu verlieren, und das Ganze hat mit
Tangomusik, dunklen Klängen und dunklen
Gassen zu tun. Man bemerkt schon den roten
Faden: Ein bisschen Darkness, Dunkelheit
muss dabei sein …
MM: „Lady Violet“ würdest du in die Richtung
„Raga Rock“ einordnen. Warum?
viele große Bands und Künstler, die irgendwann,
nachdem sie das Erfolgsrezept gefunden hatten,
einfach stehen geblieben sind, vielleicht
auch, weil die Fans einen bestimmten Sound
von ihnen erwarten. Doch dann läuft man Ge -
fahr, ein und denselben Song mit anderen Texten
und leichten Abwandlungen immer wieder zu
schreiben, und das würde ich gern vermeiden,
solange es geht.
MM: Inwieweit hast du eine musikalische
Ausbildung genossen, oder hast du dir alles
autodidaktisch angeeignet?
DORIAN BLACK: Ja, das ist richtig. Man kann
sich dem kaum entziehen. Die Stones haben
eine beinahe unheimliche Bühnenpräsenz und
eine Live-Show, die sicherlich unnachahmlich
sind. Da ist es sehr schwer, mitzuhalten. Es
bleibt nicht aus, dass man die eine oder andere
Bewegung aufnimmt.
MM: Das finde ich auch sehr cool. Du singst
aber nicht nur auf Englisch, sondern auch
Deutsch. Warum hat der Song „Kinder der
Nacht“ einen deutschen Text?
DORIAN BLACK: Die meisten Songs sind von
mir in Englisch geschrieben worden. Auch von
„Kinder der Nacht“ gibt es eine englische Fas -
sung – „Child of the Night“. Bald gewann ich
aber den Eindruck, dass die deutsche Sprache
wohl besser dazu passt und dem Song etwas
mehr Kontur verleiht.
DORIAN BLACK: Der Song ist musikalisch vielschichtig
und führt mit psychedelischen An -
klän gen nahöstliche Assoziationen herbei. Da
gibt es Einflüsse aus der Ethno-Musik oder fast
aus der türkischen Richtung. Wenn man an das
Haupt-Riff denkt, was eher an südländische
Sounds erinnert, sind also derartige Facetten
in dem Song zu hören. Der Song sollte kein ge -
wöhnlicher Rocker sein, sondern auch mehrere
Kulturen miteinander verknüpfen.
MM: Möchtest du dich musikalisch einfach
nicht festlegen, oder bist du noch auf der
Suche und wirst dich irgendwann für eine
Richtung entscheiden?
DORIAN BLACK: Ich finde es spannend, unterschiedliche
Stilrichtungen auszuprobieren und
zu mixen. Ich glaube auch, dass man sich weiterentwickelt,
solange man das tut. Es gibt ja
DORIAN BLACK: Im Wesentlichen bin ich Auto -
didakt. Ich habe einmal kurzzeitig Gesangs -
unterricht genommen, aber ich bin schon im
Alter von fünf Jahren vor Publikum aufgetreten
und habe damals bekannte Popsongs interpretiert.
Ich hatte eigentlich schon immer diese
Affinität zum Singen. Das wollte ich, seit ich
denken kann.
MM: Du machst sehr viel allein. Du hast ein
eigenes Label, einen eigenen Musikverlag.
Du produzierst auch deine Musikvideos
selbst und ziemlich professionell. Musst du
alles kontrollieren, weil es nicht gut wird,
wenn man es aus der Hand gibt?
DORIAN BLACK: Ich bin nicht unbedingt ein
Kontrollfreak, aber andererseits kann ich davon
ausgehen, dass ich die volle Verantwortung
trage. Wenn etwas schiefläuft, bin ich auch
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STORIES 31
selbst schuld. Bin ich nicht zufrieden, dann liegt
die Ursache auch bei mir, und ich muss die
Schuld bei niemand anderem suchen.
MM: Wenn man sein eigenes Label, seinen
eigenen Musikverlag hat, bleibt einem am
Ende auch mehr. Hast du das also aus wirtschaftlichen
Gründen gemacht, oder arbeitest
du diesbezüglich nicht so gern mit
anderen zusammen?
DORIAN BLACK: Es gibt mir eine gewisse Frei -
heit, die Projekte umzusetzen, die ich umsetzen
möchte, und relativ unabhängig zu arbeiten,
zumal heutzutage die Musik über sehr viele
Kanäle zu hören ist und bezogen werden kann.
Die großen Labels haben zwar nicht ihre Be -
deutung verloren, aber man muss heute auch
viele andere Möglichkeiten ergreifen, um auf sich
aufmerksam zu machen.
MM: Gibt es Momente, in denen du dir Hilfe
holst?
DORIAN BLACK: Ich arbeite unheimlich gern
mit anderen Musikern zusammen. Ich suche ge -
zielt Musiker, die ungewöhnliche Instru mente
spielen können, wie z. B. das Bandoneon bei
„Kinder der Nacht“. Auch verschiedenste Gi tar -
ren stimmungen und -sounds sind mir wichtig,
um besondere Klänge zu erzeugen.
MM: „Your Room“ ist ein Song, der vielleicht
auch den Rolling Stones genehm wäre.
DORIAN BLACK: Das ist mit Sicherheit ein
Song, der Riffs enthält, die eventuell auch von
den Rolling Stones stammen könnten.
DORIAN BLACK: „Revenge“ hat eine interessante
Geschichte. Ich habe vor etwa drei Jahren
einen Film eines japanischen Regisseurs gesehen
– „Guilty of Romance“. Das ist ein ganz
und gar ungewöhnlicher Film, der in der japanischen
Kultur spielt, wo aber auch viel Verlo -
genheit zum Vorschein kommt und alles gar
nicht so perfekt und harmonisch verläuft. Eine
brave Ehefrau ist von ihrem Gatten enttäuscht
und wählt den Weg ins Rotlichtmilieu, wo sie ihn
jedoch überraschend wiedertrifft. Diese Story
war so interessant, dass ich sie in dem Song
verarbeitet habe.
MM: Das klingt auf jeden Fall sehr spannend.
Du ziehst Inspiration aus Büchern, aus Fil -
men, von anderen Künstlern, aber auch aus
deinem eigenen Leben. Wahrscheinlich muss
man das auch, um authentisch zu bleiben,
oder?
DORIAN BLACK: Wenn man nicht über sich
selbst schreibt, merken meiner Meinung nach
auch die Zuhörer, dass das Ganze nicht von dir
kommt. Es wirkt dann künstlich.
MM: DORIAN BLACK ist dein Soloprojekt.
Gibt es auch Gelegenheiten, bei denen du
live ganz allein auftrittst? Oder hast du immer
einen Support dabei?
DORIAN BLACK: Es gab selten Momente, in
denen ich ganz allein aufgetreten bin. Meistens
habe ich Begleitmusiker dabei. Entweder es
handelt sich dabei um eine intime Session, wo
lediglich eine akustische Gitarre oder ein Piano
dabei ist, oder um die volle Bandbesetzung.
MM: Die dann wäre?
DORIAN BLACK: Ich spiele dann mit fünf Be -
gleit musikern – also zwei Gitarren, Bass, Schlag -
zeug und Keyboards.
MM: Final würde ich gern deine Pläne für
die Zukunft erfahren. Es wird ja eine EP und
ein Album geben.
DORIAN BLACK: Ich möchte in jedem Fall sehr
ambitioniert damit starten. Mit den neuen Songs
will ich ein möglichst breites Publikum finden
und einige ehrgeizige Ziele erreichen. Ich bin
heiß darauf, damit live aufzutreten …
MM: … und ganz groß herauszukommen.
DORIAN BLACK: Das wäre natürlich toll, richtig
Resonanz zu finden. In erster Linie möchte ich
gern damit touren und einige spannende Lo ca -
tions bespielen.
MM: Gibt es eine Wunschlocation, in der du
gern einmal auftreten würdest?
DORIAN BLACK: Ja, vielleicht das Docks in
Hamburg. Da ist eine sehr interessante Loca -
tion, in der ich auch gern einmal spielen würde.
Auch das Kulturhaus Astra in Berlin ist sehr
reizvoll.
MM: Wir kommen auf jeden Fall vorbei. Vielen
Dank, dass du bei uns warst.
DORIAN BLACK: Ich danke Euch für das Ge -
spräch.
MM: Kannst du mir zu „Revenge“ noch
etwas erzählen?
INTERVIEW: HANNAH THALHAMMER / JANA MOYSICH | FOTOQUELLE: DORIAN BLACK
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32 STORIES
KARA
»Musik ist die
Sprache, die jeder
versteht, eine Gabe,
die es erlaubt,
anderen Menschen
ohne Worte Gefühle
zu schenken.«
MM: Du trittst als Sängerin bei Hochzeiten
auf. Warum hast du dich darauf spezialisiert?
KARA: Ich habe im Chor einer katholischen Kirche
in Polen mit dem Singen angefangen. Mein erster
Solo-Auftritt war auf einer Hochzeit. Ich sang „Ave
Maria“ von Schubert und war wahnsinnig aufgeregt.
Es war wunderschön, die Menschen glücklich
zu sehen. Das spendet mir unheimlich viel
positive Energie, macht mich selbst glücklich und
dankbar, dass ich diesen Job machen darf. Ich
danke Gott für diese Gabe.
MM: In deinem Repertoire finden sich sowohl
klassische Lieder und Hymnen als auch Hits
aus Rock und Pop. Was singst du am liebs -
ten? Warum?
KARA: Mein Repertoire ist tatsächlich sehr breit:
Ich singe gern alle Songs, die mich selbst berühren.
Zwar habe ich im klassischen Bereich angefangen,
aber mit der Zeit kamen Musical, Rock,
Pop und Schlager dazu. Als ich von Kielce nach
Breslau umgezogen bin, habe ich in einem Theater
gearbeitet, nebenbei weiter auf Hochzeiten ge sun -
gen. Ich wollte schon immer alle Musikrichtun gen
ausprobieren, um herauszufinden, welche Musik -
art zu mir passt.
MM: Wie ist es, wenn sich Menschen Lieder
wünschen, die du gar nicht magst?
KARA: Eine Hochzeit ist ein besonderes Ereignis
im Leben, dazu gehört ein besonderer Song.
Musik ist eine Sprache, die alle verstehen. Be -
sondere Wünsche sind für mich eine Heraus for -
derung. Ich versuche, es auf meine eigene Art und
Weise umzusetzen, um den Menschen einen
besonderen Moment zu schenken – mit einem
kleinen Stück von mir.
MM: Du hast ja auch in verschiedenen Bands
und Projekten ausgeholfen, unter anderem
im Country-Bereich. Willst du langfristig eine
eigene Band haben oder lieber solo un ter -
wegs sein? Warum?
KARA: Ich habe verschiedene Musikrichtungen
aus probiert, mit Bands und dem Produzenten Tom
Crovelfierd zusammengearbeitet. Wir haben tolle
Songs zusammen gemacht. Ich liebe beides, solo
und Bands. Von anderen Musikern kann ich viel
lernen und weiterentwickeln.
MM: Du bist Mutter und willst von deiner
Musik leben. Wie schaffst du es, alles unter
einen Hut zu kriegen?
KARA: Es ist nicht einfach, die Familie zu managen
und Musik zu machen. Meine Familie unterstützt
mich glücklicherweise, weil sie weiß, dass ich ohne
Musik nicht existieren kann. Musik ist mein Aus -
gleich zum Alltag. Wenn ich Songs schreibe, spreche
ich über mich. Ich singe mich frei – dann ist
alles gut. Ich bin ein positiver Mensch, glaube
daran, dass alles im Leben seinen Sinn hat und
dass das Leben einmalig ist. Man darf nie aufgeben,
denn es geht immer weiter.
MM: Was sind die größten Herausforderun -
gen für dich, um erfolgreich zu sein?
KARA: Erfolg ist für mich, wenn ich einen Song
gesungen habe und jemand sagt: „Kara, du hast
geschafft, dass ich Gänsehaut bekommen habe.“
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STORIES 33
Das ist Erfolg, weil meine Botschaft angekommen
ist. Erfolg ist für mich auch, wenn ich einen
Song geschrieben habe, der gut angekommen
ist Besonders, wenn ich auf Deutsch schreibe,
weil es nicht meine Muttersprache ist.
MM: Im vergangenen Jahr bist du beim
Deut schen Rock & Pop Preis als „Beste Pop -
sängerin“ ausgezeichnet worden. Was be -
deutet das für dich? Inwieweit hat dir die
Auszeichnung geholfen?
KARA: Der Preis bedeutet mir viel. Ich bin sehr
dankbar für die Anerkennung. Es hat mir gezeigt,
dass man nie aufgeben soll zu träumen und an
sich zu glauben. Was wir mit unserem Herzen
geben, bekommen wir mit Herz zurück.
MM: Im Moment arbeitest du an eigenen
Songs mit Tom Crovelfierd zusammen. Was
erwartet uns?
KARA: Ich habe in diesem Jahr viel erlebt, habe
neue Songs, neue Ideen und Pläne. Mein neustes
Projekt ist die Zusammenarbeit mit der Band
„InXtreme“. Die Band gibt es schon seit 2005,
hat jedoch einen Reboot vollzogen, bei dem viele
Positionen neu besetzt wurden. „InXtreme“ ist eine
Rock- und Party-Coverband, die sich mit ihrem
Repertoire aber außerhalb der üblichen Setlisten
bewegt. Zurzeit überarbeiten wir gemeinsam das
Repertoire, um so schnell wie möglich „im neuen
Kleid“ auf die Bühne zu kommen. Sobald dieser
Grundstein gelegt ist, werde ich mit der Band einige
eigene Songs einspielen und hoffentlich bald
dem Publikum vorstellen können. Und vielleicht
beim Deutschen Rock & Pop Preis 2017 präsentieren.
WEB: WWW.SAENGERINKARA.DE
WWW.FACEBOOK.COM/KARA.SANGERIN
INTERVIEW: JANINA HEINEMANN
FOTOQUELLE: KATI LUFT

MUSIC IS OUR PASSION

36 STORIES
MARIE-LUISE CASSAR
Nach 40 Jahren Pause entdeckt sie die Rock-Musik wieder für sich
und plant ihre letzte große Show
MM: Marie-Luise, seit 2004 hast du in
Nienburg vier eigene Musicals zur Auffüh -
rung gebracht sowie mehrere Konzerte ge -
spielt. Du hast, wenn ich richtig mitgezählt
habe, rund 100 Songs veröffentlicht.
MARIE-LUISE CASSAR: Ja – das stimmt. Musik
ist mein großes Hobby, das ich nach 40 Jahren
Pause durch Beruf und Familie jetzt als Rentnerin
voll ausleben kann – vor allen Dingen Rock und
verwandte Stilrichtungen. Und da es erfahrungsgemäß
schwierig ist, in einer vorhandenen Band
eigene Stücke durchzusetzen, habe ich meine
Stücke eben mit meinen eigenen Projekten zur
Aufführung gebracht.
MM: Und wie ist es mit Jazz?
M-L.C: Ich fahre jedes Jahr zur Jazz-Rock-Blues-
Werkstatt nach Hildesheim und habe durchaus
schon einige Jazzakkorde in meine Songs eingebaut.
Ich möchte diese nun nicht ausschließlich
spielen, finde aber, dass die Jazzakkorde oft schöne
Harmonien ergeben. Ich stehe ja der Musik mit
offenen Ohren gegenüber.
MM: Magst du auch klassische Musik?
M-L.C: Na klar. Ich hatte in meiner Jugend acht
Jahre klassischen Klavierunterricht, und der hat
mir damals – zumindest die letzten vier Jahre –
sehr viel Spaß gemacht. Beethoven (Mondschein-
Sonate) und Chopin (A-Dur Polonaise) waren
meine Lieblingskomponisten. Ich habe auch schon
etwas in Klassik-Richtung komponiert: mein ln -
strumentalstück „Reformation“, was ich aber völlig
anders – mithilfe der klassischen Musi kerinnen
Tonka Angheloff (Geige) und Valentina Rump
(Piano) und meinem Enkel Erik Regul (Schlag-
werk) – aufgenommen habe.
MM: Du gehst ja mit deinen neuen Songs
gleich zu Erik ins Studio ...
M-L.C: Ja. Seit einigen Jahren hat Erik sein
„Horizont Studio“ in Nienburg und seitdem nehme
ich natürlich meine Stücke bei ihm auf. Er spielt
mir auch den Bass und das Schlagzeug ein –
manchmal spielt er auch Orgel oder singt. E-
Gitarren spiele ich natürlich selber ein und meist
auch die Pianostimme, deren Noten ich vorher
genau geschrieben habe.
MM: Erik hat erzählt, dass normalerweise
zuerst der Klangteppich von Schlagzeug,
Bass und Akkorden gelegt wird und die
Melodie erst später darauf gespielt wird. Bei
dir ist das nicht so?
M-L.C: Stimmt. Wenn ich meine Songs aufnehme,
dann spiele ich immer zuerst die Melodie mit der E-
Gitarre ein. Das ist sozusagen der Pilot. Erst da -
nach kommen die anderen Instrumente. Ver mutlich
ist das so, weil ich das Solieren auf der Gitarre so
liebe. Daher möchte ich meine Auf nahmen auch
damit beginnen. Die Pianospur spiele ich meist
auch selbst ein. Interessanter weise benötige ich
dazu immer die Noten, die ich selbst geschrieben
habe, weil ich es von Kind an gewohnt war, vom
Blatt zu spielen. Mit meiner E-Gitarre ist das anders,
da habe ich gelernt‚ aus wendig zu spielen.
Ich liebe meine E-Gitarre – eine Schecter
Hellraiser, die ich vorletzte Weihnachten von meiner
jüngsten Tochter geschenkt bekommen habe.
Wenn meine Zeit es erlaubt, spiele ich jeden Tag
ein bis zwei Stunden, probiere etwas aus oder
schreibe ein neues Stück. Oft spiele ich zu meiner
Santana-CD und improvisiere selbst Melo dien
und Läufe, denn ich habe eine CD, bei der ich die
von Carlos Santana gespielten Soli ausblenden
kann. Er ist mein großes Vorbild, ebenso wie Brian
May von Queen.
MM: Du hast ja über die Jahre ein Netzwerk
von Musikern aufgebaut, mit denen du deine
Songs bei deinen Veranstaltungen aufführst,
und auch dein Enkel Erik Regul nimmt dabei
einen wichtigen Raum ein.
M-L.C: Ja – das ist richtig. Für mein neues Projekt
„Marie-Luise’s Last Show“ konnte ich schon die
bewährten Musiker (in alphabetischer Reihen folge)
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STORIES 37
daher immer Papier und Stift am Bett liegen. Ich
schreibe alles immer sofort auf. Auch wenn es
nur Fragmente sind. Später entscheide ich, was
ich wofür verwenden kann.
MM: Was fällt dir denn zuerst ein? Der Text
oder die Melodie?
M-L.C: Das ist ganz unterschiedlich. Oft habe ich
eine Melodie im Kopf, die ich dann an der Gitarre
weiter entwickele. Den passenden Text suche ich
dann aus vorhandenen Textfrag menten oder mir
fällt noch etwas Passenderes ein. Es ist auch
schon vorgekommen, dass mir unterwegs auf
dem Fahrrad ein komplettes Lied eingefallen ist
und ich dann ganz schnell nach Hause gefahren
bin, um es aufzuschreiben.
MM: Du entwickelst die Musik an der E-
Gitarre und nicht am Klavier?
M-L.C: Meist ja. Oft fange ich mit der Melodie an
und erst später kommen die Gitarrenakkorde
dazu. Am Klavier habe ich aber kürzlich einen
Gospel geschrieben.
»„Marie-Luise’s Last Show“ wird auf jeden Fall
autobiografisch sein und behandelt
im Großen und Ganzen die vergangenen zwölf Jahre.«
Tonka Angheloff (Geige und Erzählerin), Emil
Gemedzhiev (E-Gitarre), Arne Juschkat (Neuzu-
gang am Schlagzeug), meinen besagten Enkel Erik
Regul (E-Bass und Piano) und Valentina Rump
(Piano) gewinnen. Auch ich werde zwei Stücke mit
meiner E-Gitarre spielen. Als Sänger/-innen werden
auftreten: Nathalie Cassar‚ Joana Cassar, Anja und
Jürgen Regul und Sarah Wülpern. Außer dem
werde ich wieder meinen kleinen Traum welt-Chor
zusammenholen.
MM: Wann hast du eigentlich angefangen,
deine eigene Musik zu schreiben?
M-L.C: So Anfang 2000. Ich war in einem Frauen -
band-Projekt und jemand von Verein „Mensch-
lichkeit“ kam und fragte, ob wir nicht für ein Pro -
jekt einen Song zum Thema Menschlich keit
schreiben könnten. Das habe ich dann gemacht.
Es ging besser als gedacht. Ich habe den Titel
„Humanity“ genannt und wir haben ihn dann mit
einer kurzfristig zusammengestellten Band bei
dem Festival im ehemaligen Nienburger Theater
auch gleich aufgeführt.
MM: Aha, und da hat es dich also gepackt?
M-L.C: Ja, von da an ging es dann immer weiter.
Irgendwann hatte ich so viele Stücke zusammen,
dass ich diese zu Musicals zusammengestellt
habe.
MM: Die Texte deiner Songs klingen sehr
persönlich. Erzählen sie wirklich von dir und
deinen Erfahrungen?
M-L.C: Ja. Alle meine Texte haben in irgendeiner
Form mit mir zu tun. Wenn mich irgendetwas
beeindruckt, ärgert, freut oder stark interessiert,
dann muss ich das musikalisch verarbeiten.
Manchmal werde ich nachts sogar wach, weil
mir eine Melodie oder ein Text einfällt. Ich habe
MM: Auf diese Weise sind ja auch schon vier
Musicals von dir entstanden. Jetzt steht
dein fünftes Projekt – „Marie-Luise’s Last
Show“ – an, was am Samstag, dem 20. Mai
2017, im Nienburger „Theater auf dem Horn -
werk“ aufgeführt werden soll.
M-L.C: Ja – die Planungen laufen auf Hoch touren.
Es wird auf jeden Fall autobiografisch sein und be -
handelt im Großen und Ganzen die vergangenen
zwölf Jahre. Manchmal sind es nur Kleinig kei ten,
die mich beschäftigen und einen Song entstehen
lassen. Meist sind es Geschehnisse aus meinem
Umfeld oder mit meiner geliebten Groß familie, aber
auch Alltägliches. Das Stück‚ „27 Skulls“ zum Bei -
spiel basiert auf meiner Be obach tung bei einem
Zahnarztbesuch, als ich auf dem Behandlungsstuhl
saß und aus dem Fenster auf einen gegenüberliegenden
Giebel mit 27 Toten masken geschaut
habe. Aus den Toten masken habe ich dann Toten -
köpfe gemacht und mir vorgestellt, was in dem
Haus alles so passiert sein könnte. Ein anderes
Stück beschreibt meine Ein drücke bei den Deich -
brandfestivals 2014 und 2015. Die Tickets haben
mir meine beiden Enkel Erik und Patrick ge -
schenkt, die mich auch mitgenommen und sich
um mich gekümmert haben.
MARIE-LUISES LAST SHOW
THEATER NIENBURG: 20.05.2017 – 20 UHR
KARTENHOTLINE: 05021/87264
TICKETS: WWW.THEATER.NIENBURG.DE
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38 STORIES
In der zweiten Hälfte
der 1960er-Jahre
entwickelten sich
große Gitarren-Talente
in einem rasanten
Tempo und bescherten
der Rockmusik
einen kreativen
Schub, der seither
seinesgleichen sucht.
Deutschland war schon damals ein großer
Markt für Tonträger, sodass sich diese
Entwicklung auch hier abzeichnete. Der Filter der
Vertriebswege sortierte allerdings vor. Schall -
platten-Labels brachten zum Beispiel Rock aus
den USA dann auf den deutschen Markt, wenn
man sich damit finanziellen Erfolg versprach. Den
heute selbstverständlich erscheinenden Zugriff
auf den Weltmarkt der Musik hatte man damals
nicht. In größeren deutschen Städten gab es je -
doch die sogenannten Import-Läden mit Schall -
platten außerhalb des inländischen Vertriebs -
netzes. Und dort ließ sich hin und wieder etwas
entdecken.
David Lindleys Langspielplatten aus jener Zeit
mit der US-Band KALEIDOSCOPE waren ein Fall
für Import-Geschäfte. Ungeachtet der beachtlichen
Musikalität der Band galten die Alben wahrscheinlich
hierzulande nicht als „massentauglich“
und „marktgängig“. Man hörte auf ihnen anders
als auf reinen Rockalben ungewohnte Instru men te,
und durch den Mix mit orientalischen Klängen
war KALEIDOSCOPEs Musik so etwas wie ein
frühes Beispiel von Welt-Musik. Dass die Band
die Backing Group auf Leonard Cohens erstem
Album „Songs of Leonard Cohen“ von Ende 1967
war, und dieses war in Deutschland erfolgreich,
ging einem nur auf, wenn einem die Namen der
Band mitglieder etwas gesagt hätten. Im Übrigen
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

STORIES 39
TEIL 6:
DAVID
LINDLEY
– der
Saiten-Wizard
waren David Lindleys Aktivitäten aus den 1960er-
Jahren mit der DRY CITY SCAT BAND und den
RODENTS so abgelegen, dass davon damals erst
recht nichts auf den deutschen Markt kam.
Auf David Lindley, Jahrgang 1944, stieß ich An -
fang der 1970er-Jahre auf einem Umweg. Im örtlichen
Schallplattenladen stand unter „Ver-
schiedenes“ der Bellaphon-Sampler „Anthology of
the Banjo“. Darauf war unter anderem der Byrds-
Gitarrist Roger McGuinn vertreten und das machte
mich hellhörig. Beim Durchhören der LP in der
Hörkabine des Geschäfts (ein längst vergessener,
damals aber selbstverständlicher Service)
stieß ich auf zwei Stücke von David Lindley von
1961. Da war ein dem Bluegrass verbundener
Meister am Werk, der bereits in jungen Jahren
verschiedene US-Wettbewerbe für Banjo und
Geige gewonnen hatte.
»Lindley solo markiert
auch seine Wandlung
zum „Prince Of Polyester“.
Als Frontmann
wollte er offenbar
auffallen, und so pflegt er
seither das Freak-Image
mit betont
unmoderner Kleidung
aus Synthetik,
die aus dem Fundus
der Heils armee
zu stammen scheint.«
Nicht jedem bedeutenden Instrumentalisten
liegt es allerdings, eine eigene Band auf die Füße
zu stellen und in dieser zudem als Sänger Ver -
ant wortung zu übernehmen. So gute Gitarristen
aus den 2000er-Jahren wie zum Beispiel an
Freddy Koella (The Mink DeVille Band) und José
Pires de Almeida Neto (Steve Winwoods Band)
wird man wohl nicht als Bandleader kennenlernen.
Bei David Lindley schien es geraume Zeit
genauso zu bleiben. Seit 1971 war er mit seinem
exquisiten Können auf Slide-Gitarre und Geige
ein gefragter Session-Musiker für Rockmusiker
unterschiedlichster Art. Die beeindruckend lange
Liste von Alben, die auf seiner Internet-Seite Aus -
kunft darüber gibt, ist nicht einmal vollständig.
(So fehlen zumindest der Lowell-George-Tribute
„Rock ’n’ Roll Doctor“ aus dem Jahr 1998 und
Warren Zevons bewegendes letztes Studio -
album „The Wind“ von 2003.) Nicht nur Insider
wussten seine Virtuosität zu schätzen, sondern
auch Größen wie Bob Dylan auf dem Album
„Under the Big Red Sky“ (1990).
Die Begeisterung für den Byrds-Frontmann
Roger McGuinn war der Auslöser für die Elek -
trifizierung von Lindleys Musik. Es war aber der
1939 geborene schwarze Slide-Gitarrist Freddie
Roulette, der in Lindley den Wunsch weckte, die
Lap Steel Guitar zu beherrschen. Lindley war ein
besonders begabter und schneller Schüler. Als
das Songwriter-Schwergewicht Jackson Browne
auf ihn aufmerksam wurde, hatte Lindley sein
Ziel längst erreicht. Browne trat mit ihm seit 1973
als Akustik-Duo auf, wovon zum Beispiel Radio -
konzerte aus dem Main Point/Philadelphia von
1973 und 1975 auf CD veröffentlicht wurden;
von 2006 datiert ein weiterer gemeinsamer akustischer
Live-Auftritt der beiden mit spanischen
Musikern: „Love Is Strange. En vivo con Tino“
(2010). Vor allem aber integrierte Browne Lindley
als formidablen elektrischen Gitarristen in viele
seiner Alben, darunter der Live-Klassiker „Running
On Empty“. Lindleys Gitarren-Parts waren so be -
sonders, dass man ihn geradezu vermisst, wenn
er nicht mit von der Partie ist. Browne und er
sind erfreulicherweise gemeinsam auf DVD zu
erleben, zum Beispiel auf „Going Home“ (1994)
und „Live at The Glastonbury Festival“ von 2010.
Ähnliches Gewicht wie für Jackson Browne
besaß Lindley Mitte der 1970er-Jahre für das
Duo Crosby and Nash, das mit exzellenten Be -
gleitmusikern an Erfolge anknüpfte, die das Duo
zuvor mit Stephen Stills und Neil Young als
Crosby, Stills, Nash and Young erzielt hatte.
Lindley hatte mit herausragenden Soli auf Lap-
Steel-Gitarre und Geige prägenden Anteil an der
Musik von Crosby and Nash, und erst recht wurde
das bei den erfolgreichen Liveauftritten deutlich.
Nicht ohne Grund ist Lindley auf dem Bandfoto
für das Album „Whistling Down the Wire“ in erster
Reihe direkt neben David Crosby zu sehen. Aus
etwa dieser Zeit datiert auch Lindleys Beteili gung
an Rod Stewarts Millionenseller „Atlantic Crossing“.
Immer wieder kam ins Gespräch, dass der so
gesuchte Lindley ein Soloalbum herausbringen
würde, und siedelte die Erwartungen an dessen
Richtung im kalifornischen Folkrock an. 1981
überraschte Lindley mit seinem Album „El Rayo-
X“ (zugleich der Name seiner Band) jedoch alle
gründlich: Kein Folkrock, sondern Reggae und
erdiger Rock standen absolut im Vordergrund
mit Lindley als versierten Leadsänger und, wie
die Liveauftritte zeigten, geborenen, zuweilen
schelmisch auftretenden Performer, der gemeinsam
mit seinen Bandmitgliedern einen ausgezeichneten
Harmoniegesang pflegte. Klassikern
wie „Bye Bye Love“ und „Twist and Shout“ hauchte
Lindley mit Reggae gefühlvoll völlig neues
Leben ein, coverte damit einen Song wie „She
Took Off My Romeos“ und präsentierte druckvoll
facettenreiche Songs wie „Quarter of Man“, „Your
Old Lady“ und „Don’t Look Back“, dazu fulminanter
Rock auf der elektrischen Slide-Gitarre
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

40 STORIES
Der Erfolg des Debüt-Albums ließ sehr schnell
das zweite, etwas mehr dem Rock zugewandte
Album „Win This Record“ (1982) folgen. Ebenso
sorgfältig produziert enthält es solch gelungene
Songs wie „Turning Point“ und „Talk to the
Lawyer“. Daran knüpft nahtlos das Live-Mini album
von 1983 mit leider nur sechs Titeln an, die es
allerdings in sich haben! Lindleys drei erste Solo -
alben sind durchweg Musterbeispiele für Ab -
wechslungs- und Einfallsreichtum, Könner schaft,
Spielfreude und Banddienlichkeit. Denn auch live
uferten Lindleys Soli nie aus, sondern standen
bei aller Variation stets im Dienst von Song struk -
tur und Bandgefüge.
Lindley und El Rayo-X stellten ihr Potenzial
anlässlich ihres Open-Air-Rockpalast-Konzertes
auf der Loreley am 28. August 1982 besonders
eindrucksvoll unter Beweis und übertrafen blendend
aufgelegt ihren Rockpalast-Auftritt vom
3. November 1981 im Berliner Metropol, der seinerzeit
nur von WDRIII ausgestrahlt wurde. Ein
Traum, der in den siebenten (Gitarren-)Himmel
entführte und damit den Wunsch nach immer
mehr weckte – kurz: Gänsehaut pur. Lindleys
Soli auf Slide-Gitarren, verschiedenen elektrischen
Gitarren und der elektrischen Saz waren berauschend,
die Live-Versionen von „Mercury Blues“
und des Paradestücks „Rag Bag“ fantastisch,
die John-Lennon-Hommage „Brother John“ mit
einem elektrischen Slide-Aus flug in „Amazing
Grace“ bewegend! Ein besonderes Bonbon war
zudem zum Ausklang dieses Rockpalast-Festi -
vals die Jam Session mit Rory Gallagher, Eric
Burdon und Mitgliedern von BAP, bei der Lindley
seine tragbare Mellobar spielte.
»Lindleys drei erste Solo alben sind durchweg
Musterbeispiele für Ab wechslungs- und
Einfallsreichtum, Könnerschaft, Spielfreude und
Banddienlichkeit.«
Trotz des Erfolges konnte Lindley seine damalige
Formation El Rayo-X nicht zusammenhalten.
1984 tourte er mit den Gitarristen Richard
Thompson (Fairport Convention) und Steve Morse
von den Dixie Dregs als New Acoustic Guitar
Trio, womöglich anknüpfend an den phänomenalen
Erfolg des Guitar Trio mit Al Di Meola, John
McLaughlin und Paco de Lucía mit dem Live-
Album „Friday Night in San Francisco“ (1980).
Das New Acoustic Guitar Trio blieb eine Episode,
auf Tonträgern wurde nichts veröffentlicht.
der Marke Mellobar. Es gibt wohl kaum eine
spannendere, atemberaubendere Fassung von
„Mercury Blues“ als die von David Lindley und El
Rayo-X, was bei Live-Auftritten wunderbar konzentriert
noch weiter zu einer Tour de Force ausgespielt
wurde – wie zum Beispiel bei dem frühen
herrlichen Radiokonzert der Band vom 30.
Juni 1981 im New Yorker Bottom Line (etwa zwei
Monate nach dem Erscheinen des Albums), das
2016 offiziell als CD erschienen ist.
Lindley solo markiert auch seine Wandlung
zum „Prince Of Polyester“. Als Frontmann wollte
er offenbar auffallen, und so pflegt er seither das
Freak-Image mit betont unmoderner Kleidung aus
Synthetik, die aus dem Fundus der Heils armee
zu stammen scheint. Ähnlich verschroben wirken
auch manche ungewöhnlich aussehende
Gitarren, die er unter anderem in Pfandhäusern
erworben hat. „Pawn Shop Beauties“ nennt er sie
folgerichtig.
1985 aber erschien Lindleys Soloalbum „Mr.
Dave“. Abgesehen von einigen gelungenen Stü -
cken konnte es nicht an die Originalität, Viel sei -
tig keit und Geschlossenheit der Aufnahmen mit
El Rayo-X anknüpfen. Das lag nicht zuletzt am
Produzenten Danny Kortchmar. Er setzte häufig
auf Synthesizer, was zu unnötigen Kompro mis sen
führte und durch künstlichen Klang von Lindleys
Virtuosität ablenkte. Lediglich die beiden letzten
Songs „Alien Invasion“ und „Starting All Over
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

STORIES 41
»Lindleys Repertoire,
manchmal mit Ausflügen
in orientalische Klänge,
ist ebenso breit gefächert
wie vielschichtig
und bietet
zahlreiche Perlen,
mit denen der
Ausnahmemusiker
seine Zuhörer auf hohem
Niveau und mit großer
Spielfreude unterhält.«
Again“ sind Lindley-Reggaes reinsten Wassers à
la El Rayo-X, die zum Glück von Künstlichkeit ver -
schont geblieben sind. Musikalisch beachtlich sind
gewiss auch die durch die Synthesizer verwässerten
Stücke „Hearts On Fire“ und „Hands Like A
Man“, die live und ohne Synthesizer bestimmt ge -
zündet hätten.
1988 jedoch war es Linda Ronstadt als Pro -
duzentin zu verdanken (auch auf einigen von ihren
Alben ist Lindley zu hören), dass Lindley mit der
personell veränderten Band El Rayo-X das musikalisch
absolut runde und überzeugende Album
„Very Greasy“ herausbrachte. Die Produktion wirkt
wie eine Herzensangelegenheit und ist sogar
Lindleys bis dahin stimmigstes Album geworden
mit vielen musikalischen Glanzlichtern und einem
hohen Vergnügungswert. Aus der Fülle seien
„Werewolves of London“ aus der Feder von Warren
Zevon, auf dessen Alben Lindley ebenfalls gas -
tierte, „Tiki Torches at Twilight“ und das Cover
von „Papa Was A Rolling Stone“. Letzterer Song
glänzt mit einem kurzen, druckvollen, schneidend
scharfen Solo Lindleys auf der elektrischen Lap-
Steel-Gitarre, das unglaublichen Raum schafft.
„Very Greasy“ hatte Lindley ohne schriftlichen
Plattenvertrag aufgenommen. Er unterschrieb ihn
auch nicht nachträglich. Denn dann hätte er nicht
mehr als Session-Musiker arbeiten und Konzerte
mit anderen, zum Beispiel mit seinem Freund Ry
Cooder, geben können. Den hatte er vorzüglich
auf einigen Alben (besonders bemerkenswert auf
den hervorragenden Alben „Jazz“ und „Bop Till
You Drop“ von 1978 und 1979) unterstützt und
unter anderem beim Soundtrack „The Long
Riders“ (1980), wodurch Lindley 1991 zur Mit -
arbeit am Soundtrack Indian Runner (mit Jack
Nitzsche) und 2007 zu Werner Herzogs
„Encounters At The End Pf The World“ (mit Henry
Kaiser) kam. 1979 war er mit Cooder und dessen
Repertoire durch Australien und Japan ge -
tourt; kürzlich ist davon ein japanischer Radio -
mitschnitt unter dem Titel „If Walls Could Talk“
als CD herausgebracht worden. 1990 und auch
später waren die beiden abermals gemeinsam
unterwegs, unter anderem am 1. Juli 1990 im
Hamburger Stadtpark und Mitte der 1990er-
Jahre mit Familienmitgliedern in Wien. Die beiden
sehr empfehlenswerten CDs „Cooder-Lindley-
Family Live at the Vienna Opera House“ hat
Lindley 1995 selbst verlegt.
Nach „Very Greasy“ trat er Anfang der 1990er-
Jahre unter anderem auch mit dem Slide-Gitar -
risten Bob Brozman auf, ein Album kam dabei
aber nicht heraus. Außerdem lebte Lindley seine
Weltmusik-Ambitionen gemeinsam mit dem Gitar -
risten Henry Kaiser auf vier hörenswerten CDs
aus den Jahren 1992 bis 1994 mit madegassischer
und norwegischer Musik aus: „A World Out
of Time Vol. 1 – 3“ und „The Sweet Sunny North“.
1986 hatte Paul Simon für sein sehr erfolgreiches
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42 STORIES
»David Lindley
ist ein Mittler zwischen
Erde und Himmel,
Vergangenheit
und Gegenwart,
Ost und West,Whisky
und Sho-Chu.«
Album „Graceland“ afrikanische Musikanteile mit
Mainstream kombiniert. Lindley und Kaiser hingegen
spielten mit madegassischen und norwegischen
Musikern einfühlsam deren Musik, was
freilich nicht Mainstream-tauglich war. Ein empfehlenswertes
Album ist außerdem „Wheels Of The
Sun“ des Japaners Kazu Matsui aus dem Jahr
1993, auf dessen Cover es „featuring David
Lindley“ heißt. Entgegen den Vermutungen ist
„Wheels Of The Sun“ allerdings kein „Japan-
Album“. Es enthält schöne Musik, die sich keiner
be stimmten Richtung zuordnen lässt und bei der
Asien, Orient, Karibik und USA musikalisch zu
verschmelzen scheinen, eingeflochten dabei
Reggae und Zydeco. Lindley, der sich ganz in
den Dienst des Projektes gestellt hat, spielt auf
allen Stücken mit, meistens auf der Slide-Gitarre.
Der Song „Cargo and Oyster“ hätte sogar gut
auf ein El-Rayo-X-Album gepasst, und auch
„Bakemono Shuffle“, wenn Lindley anstelle von
Matsuis Shakuhachi (eine japanische Flöte) ge -
sungen hätte. Über Lindley sagt Matsui im Booklet
der CD: „David Lindley ist ein Mittler zwischen
Erde und Himmel, Vergangenheit und Gegen wart,
Ost und West, Whisky und Sho-Chu (hochprozentiger
japanischer Schnaps).“
Vor allem hat Lindley weiter solo gearbeitet,
nun aber seine Live- und Studio-Alben in eigener
Regie produziert und vertrieben. So konnte er
ohne Produktionszwänge von dritter Seite und
ohne Kompromisse nach Belieben seine Musik
präsentieren. Meistens spielte er im Duo, zu nächst
mit dem palästinensischen Percussionisten Hani
Naser („Playing Real Good“ und „Playing Even
Better“ von 1993 und 1995) und dann fast immer
mit dem Drummer Wally Ingram (ab „Twango
Bango Deluxe“), der sich mit seinem Facetten -
reichtum für Lindley als Glücksgriff herausstellte.
Aus dieser Zusammenarbeit ist zum Beispiel der
Reggae-Slide-Song „Cat Food Sandwiches“ entstanden,
weil man den beiden nach ihren Kon -
zerten gelegentlich ungenießbares Essen vorsetzte;
bei seinen Auftritten beschwert Lindley sich
manchmal ausführlich und sehr unterhaltsam darüber.
Ingram und Lindley klangen wie eine komplette
Band. Seine Slide-Gitarren hatte Lindley
dafür mit einer dicken Bass-Saite bestückt und
ersetzte dadurch den Bassisten. Neben Lap-Steel-
Gitarre und Weissenborn Hawai-Gitarre spielte
Lindley meisterlich unterschiedliche Saiten-In stru -
mente wie Bouzouki, orientalische und asiatische
Langhals lauten, die 12-saitige türkische Chum bush
und Zithern. Bis 2007 hat er außer den beiden
Cooder-Lindley-Family-CDs sieben Alben selbst
veröffentlicht, zuletzt „Big Twang“, und mitunter
waren Gastmusiker mit von der Partie. Lindleys
Reper toire, manchmal mit Ausflügen in orientalische
Klänge, ist ebenso breit gefächert wie
vielschichtig und bietet zahlreiche Perlen, mit
denen der Aus nahmemusiker seine Zuhörer auf
hohem Niveau und mit großer Spielfreude unterhält.
Das Album „Twango Bango III“ (2003) zum
Bei spiel enthält viele druckvoll-treibend gespielte
Stücke, allen voran den „Metagrinder Blues“, bei
dem Lindleys Tochter Rosanne ihren Vater als
beachtliche Leadsängerin ablöst. Mit dem federleicht
gespielten Reggae „Tokyo Bootlegger Man“
nehmen Lindley und Cooder Bootlegs aufs Korn;
Lindley und Ingram nannten sich für dieses Album
Los Chromasomés Ely Rayo X y El Rayo Y. 2000
waren in Zusammenarbeit mit Lindley beim
Berliner Label Ulftone unter dem Titel „El Rayo-X
Live!!“ sogar noch Konzertaufnahmen herausgekommen,
die fast alle 1986 entstanden sind, dabei
Songs, die man auf keinem anderen El-Rayo-X-
Album findet! Eine Reunion wird es jedoch wohl
nicht mehr geben. Aber immerhin tourt Lindley
2016/17 wieder solo, und dabei werden die Be -
sucher bestimmt auf ihre Kosten kommen.
NÄCHSTE FOLGE:
JIMI HENDRIX – DAS UNERREICHTE GENIE
TEXT: DR. NORBERT APING
WEB: WWW.DAVIDLINDLEY.COM
FOTOS: CC | ROB BRUCE; K8 FAN; SCHORLE
DR. NORBERT APING
Geboren 1952, Buchautor
und Leiter des Amtsgerichts
in Buxtehude.
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

E D I T A B L E
100 editable presets :… Old School
Slapback/ Ambience/
JVM Drive/ American 60 ‘’s/
70’s Blues/ DSL Clean
Vertrieb für Deutschland und Österreich: MUSIK MEYER GmbH, Postfach 1729, 35007 Marburg, www.musik-meyer.de
Vertrieb Schweiz: MUSIK MEYER AG, Spitalstraße 74, CH-8952 Schlieren, Schweiz, www.musikmeyer.ch

44 MUSIKBUSINESS
DAS AUS FÜR DEN MUSIKMARKT
REISST EINE LÜCKE
Meint man es als freier Journalist ernst und
möchte von seiner Arbeit leben, ist man
auf Partner angewiesen, mit denen man vertrauensvoll,
langfristig und auf Augenhöhe zusammenarbeitet.
Meine Partnerschaft mit dem Musikmarkt
hat ziemlich genau neun Jahre angehalten. Sie
begann Anfang 2007.
Ich hatte ein Hörbuch-Thema aufgetan und
wollte es einem Branchen-Magazin anbieten. Ich
stieß auf den Musikmarkt, griff zum Hörer und
wurde ohne Umwege direkt mit Chefredakteur
Stefan Zarges verbunden. Ich war beeindruckt,
wie selbstverständlich es für ihn war, sich mein
Thema anzuhören und wie offen er war für das An -
liegen einer Person, die er gar nicht kannte. Das
ist nicht selbstverständlich.
Zwar musste er mir für mein Thema eine Ab -
sage erteilen, bat mich aber darum, einmal ein
paar Arbeitsproben zu schicken. Dann bekam ich
meinen ersten Auftrag und die Aussicht auf eine
langfristige Zusammenarbeit, sollte es mit uns
funktionieren. Es funktionierte. Unzählige unterschiedliche
Themen habe ich seitdem für den
Musikmarkt entdecken dürfen in einer ungemein
spannenden Branche und gemeinsam mit einem
tollen Redaktionsteam. Dafür bin ich sehr dankbar.
Umso fassungsloser und entsetzter war ich,
als ich erfuhr, dass der Musikmarkt eingestellt
wird. Klar, die vergangenen Jahre waren schwierig.
Doch der Musikmarkt hat reagiert. Er hat sich
thematisch immer breiter aufgestellt und sich
weiterentwickelt. Mutig war der Schritt weg von
der wöchentlichen hin zur monatlichen Erschei -
nungs weise. Dadurch hatte das Magazin gewonnen:
insbesondere die gut recherchierten, großen
Geschichten über viele Seiten hinweg waren
ein Qualitätskennzeichen und ließen den Leser tief
in die Thematik eintauchen. Diese thematische
Tiefe und Breite war allerdings nicht nur ein Quali -
tätsmerkmal des Musikmarkt, sondern ganz klar
auch ein Alleinstellungsmerkmal. Das wird fehlen,
hier bleibt eine Lücke.
Ich kann und mag mir nicht vorstellen, dass
dies Labels, Veranstaltern, allen mit der Branche
Verbundenen gefallen kann. Denn ihnen bricht
mit dem Musikmarkt eine wichtige Plattform weg.
Doch auch hinsichtlich der journalistischen Viel -
falt ist das Aus für den Musikmarkt bedenklich.
»Journalistische Vielstimmigkeit
ist sinnvoll und nötig, egal in welcher Branche.
Deswegen wünsche ich mir, ja ich möchte es sogar
gerne er warten, dass nicht gleich nach den
zahlreichen Beileidsbekundungen ein Haken hinter
die Sache gesetzt wird.«
Natürlich sind solche Wünsche letzten Endes
verwegen, denn dies würde in der Konsequenz
einmal mehr (verlegerischen) Mut, Risikobereit -
schaft und dann Durchhaltevermögen erfordern.
Aber warum sollten dabei nicht aussichtsreiche
Konzepte entstehen, die die Marke Musikmarkt
und das, wofür sie steht, erhalten? Oder es entwickeln
sich komplett neue Magazin-Ansätze, mö -
gli cherweise auch ganz weg von Print. Haupt -
sache, der journalistisch vielstimmige Branchen -
dialog bleibt erhalten.
Was in jedem Fall erhalten bleibt, sind 57 Jahre,
in denen der Musikmarkt das Branchen ge sche hen
maßgeblich begleitet hat. Für mich als freien
Journalisten war es unglaublich wertvoll, Teil eines
Redaktionsteams zu sein, das nicht nur auf der
professionellen Ebene klasse war, sondern auch
im partnerschaftlichen Miteinander. Danke hierfür.
Dem gesamten Musikmarkt-Team wünsche
ich, dass es beruflich nahtlos weitergeht.
TEXT: SIMON COLIN
FOTOQUELLE: MUSIKMARKT
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

MUSIK & RECHT 45
KAMMERGERICHTSURTEIL BERLIN
GEMA / MUSIKVERLAGE
Grafikquelle: GEMA
Am 14. November 2016
fällte das Kammergericht
Berlin in Bezug auf die
Mitgliedschaft und
Rechte der Musikverleger
in der GEMA ein
außergewöhnliches Urteil,
bei dem Herr Dr. Poll
als Fachanwalt
die Klägerseite vertrat.
Dieses Urteil hat
erhebliche Folgen für
die Musikurheber
und Musik verleger in
Deutschland.
MM: In dem bahnbrechenden Urteil des KG
Berlin vom 14.11.2016 vertraten Sie, Herr Dr.
Poll, den Kläger und Urheber Bruno Kramm
gegen die GEMA. Da dieses wichtige Urteil
für die Urheberseite juristisch von Ihnen
erstritten wurde, möchte ich an Sie eingehend
die Frage stellen, was Sie dazu bewogen
hat, diesen Rechtsfall zu übernehmen.
DR. GÜNTER POLL: Ich habe in den 70er-Jahren
für die GEMA gearbeitet – zuletzt als stellv. Justi -
ziar und persönlicher Assistent des Vorstands
(Schulze). Schon damals ist mir aufgefallen, dass
das Konstrukt aus Verlagsverträgen (die hinsichtlich
der Rechteeinräumung leer laufen, weil die
Urheber ihre Rechte regelmäßig vor Abschluss
des Verlagsvertrages bereits vollständig auf die
GEMA übertragen haben), Berechtigungsvertrag
(den die GEMA nicht nur mit den Urhebern, sondern
auch den Verlegern abschließt, obwohl
diese ihr aus dem zuvor genannten Grund keine
Rechte übertragen können) und GEMA-Ver tei -
lungsplan (der die Verleger trotz fehlender Rechte -
inhaberschaft als „Berechtigte“ behandelt und
ihnen – unabhängig davon, ob und was sie für
die Urheber tatsächlich leisten – ein Drittel bzw.
40 % der Einnahmen überlässt) mit dem geltenden
Recht nicht zu vereinbaren ist.
Nachdem der BGH im Frühjahr 2016 in Sachen
Vogel ./. VG Wort den Verteilungsplan der VG Wort
als rechtswidrig und willkürlich bezeichnet und
den (eigentlich selbstverständlichen) Grund satz
auf gestellt hat, dass nur diejenigen Mitglie der der
Verwertungsgesellschaft an den Einnahmen be -
teiligt werden dürfen, die eigene oder abgeleitete
Rechte oder Vergütungsansprüche in sie eingebracht
haben (was bei den Verlegern, wie gesagt,
nur sehr selten vorkommt), war der Weg für diese
Klage vorgezeichnet.
MM: Die Satzung der GEMA ist in erster Linie
den Urhebern verpflichtet und nicht den
Musikverlegern. Warum vertrat die GEMA in
diesem Rechtsverfahren ausschließlich den
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

46 MUSIK & RECHT
DR. GÜNTER POLL |
WWW.POLL-MEDIALAW.DE
Verlegerstandpunkt und nicht an erster Stelle
den Rechtsstandpunkt der Urheber?
DR. POLL: Diese absolut berechtigte Frage kann
ich beim besten Willen nicht beantworten. Sie sollten
sie dem GEMA-Vorstand und/oder -Aufsichts-
rat stellen. Der Vorstandsvorsitzende Dr. Heker
kommt vom Börsenverein des Deutschen Buch -
handels und hat schon von daher hauptsächlich
Verlegerinteressen im Auge. Dass die GEMA unter
seiner Führung aber – im Widerspruch zur Sat -
zung – Letzteren eindeutig den Vorrang vor den
Urheberinteressen gibt, ist meines Erachtens
skan dalös.
Um dies zu verschleiern, tut die GEMA-Füh -
rung so, als ob sich Verlegerinteressen und Urhe -
berinteressen decken. Das ist – freundlich formuliert
– eine reine Fiktion, durch die die Tatsache verschleiert
wird, dass die beiderseitigen Interessen
sich bestenfalls teilweise decken. Ein Urheber,
der einen Verlagsvertrag mit einem Verleger ab -
geschlossen hat, der ihm zwar einen Vorschuss
gezahlt hat, ansonsten aber wenig oder nichts
für ihn tut (davon gibt es nach meiner langjährigen
Erfahrung eine ganze Menge), hat keinerlei
Interesse daran, bei jeder GEMA-Ausschüttung
ein Drittel bzw. 40 % der auf die Nutzung seiner
Werke entfallenden Einnahmen an den Verleger
zu verlieren. Wer etwas anderes behauptet, weiß
nicht, wovon er redet.
MM: Warum wurde über dieses bahnbrechende
Urteil des Kammergerichts Berlin
bisher in den verschiedenen Fachmedien
nicht oder nur ungenügend berichtet? Warum
findet keine transparente, neutrale und
objektive Diskussion über dieses Kam mer -
gerichtsurteil in den Fachverbänden der
Musikurheber statt?
DR. POLL: Die Erklärung für diese erstaunliche,
an die italienische „Omerta“ erinnernde Verschwö -
rung des Schweigens ist leicht verständlich, wenn
man sich klarmacht, dass die bestens organisierten
Verleger mit tatkräftiger Unterstützung
der GEMA seit Bekanntwerden des Urteils daran
arbeiten, das bisherige rechtswidrige Verteilungs -
system zu retten (also kein Interesse an einer
Fotoquelle: Dr. Günter Poll
offenen Diskussion darüber, wie es anders gehen
könnte, haben), während die in wirtschaftlichen
Dingen unerfahrenen Urheber irrigerweise davon
ausgehen, ihre Interessen seien bei der GEMA
gut aufgehoben. Außerdem spielt natürlich eine
Rolle, dass viele Komponisten ihre Werke in einem
eigenen Verlag führen und so unter dem Strich
100 % der GEMA-Einnahmen erhalten.
MM: Es steht außer Zweifel, das zwischen
Urhebern und GEMA ein Treuhand ver hältnis
besteht, nicht aber zwischen Ver legern und
GEMA. In dem Urteil des Kam mergerichtes
Berlin wurde klargestellt, dass ein Anspruch
der Verleger gegen die GEMA auf Ausschüt -
tung eines Anteils der originär nur den
Ur hebern zustehenden Erlöse aus der Ver -
wer tung ihrer Nutzungsrechte bzw. Geltend -
machung der gesetzlichen Vergütungs an -
sprüche einer besonderen Rechtfertigung
bedarf, weil die Verleger im Normalfall keinerlei
Rechte in die GEMA einbringen, die
Rechte einbringung nach dem Urteil des
Bundesgerichtshofes vom 21.04.2016 (Vogel
./. VG Wort) aber grundsätzlich die Vorausset -
zung für den vorgenannten Anspruch ist.
Warum hat die GEMA in den letzten 60 Jahren
eine rechtsgültige Integration der Musikver -
leger in ihre Inkassogesellschaft übersehen?
Wie ist es möglich, dass der GEMA bis heute
dieser Rechtsfehler nicht aufgefallen ist
und/oder von sich aus versucht hat, diesen
Rechtsfehler zu beheben?
Warum haben die Musikverleger in Deutsch -
land in der Mehrheit in ihren Verlagsverträgen
mit den Urhebern keine eindeutige unwiderrufliche
(teilweise) Abtretung des Ausschüt -
tungs anspruchs der Urheber an ihre Ver leger
aufgeführt und der GEMA unter Hinweis auf
diese Abtretungen vorgelegt?
Warum haben die Musikverleger und die
GEMA nicht rechtzeitig reagiert, obwohl
ihnen das Urteil des OLG München in Sachen
Vogel ./. VG Wort vom 13.05.2014 bekannt
war, dem sich diese Rechtsgrundsätze entnehmen
lassen und das erstmals mit der
Vor stellung aufgeräumt hat, „es könne ewig
so weitergehen“? War es nicht Aufgabe des
GEMA-Vorstands, rechtzeitig juristische und
satzungsgemäße Schritte einzuleiten (rechtliche
Absicherung entsprechender Än derun -
gen der Verlagsverträge)?
DR. POLL: Es ist für mich völlig unerklärlich, dass
die GEMA nicht schon aus den beiden Urteilen
des LG München und OLG München in Sachen
Vogel ./. VG Wort die richtigen Konsequenzen
gezogen hat, obwohl dazu jede Menge Zeit zur
Verfügung stand. Das Erfordernis von eindeutigen
Abtretungserklärungen ergibt sich bereits aus
diesen beiden Urteilen (aber natürlich auch aus
dem BGH-Urteil) und entspricht im Übrigen den
allgemeinen zivilrechtlichen Grundsätzen. Natür lich
wäre es Aufgabe des GEMA-Vorstands gewesen,
rechtzeitig (im eigenen Interesse, aber vor
allem im Interesse der Urheber) für eine recht lich
einwandfreie Regelung zu sorgen, so wie er jetzt
versucht, die alte unwirksame Re ge lung durch
eine neue (inhaltlich identische) Re gelung zu er -
setzen (d. h., den Status quo ante im Interesse
der Verleger wiederherzustellen). Bedauer licher -
weise hat der Gesetzgeber sich mit der Neu re -
ge lung in § 27 Abs. 2 VGG vor den Karren von
GEMA und Verlegern spannen lassen, obwohl
das Änderungsgesetz die Bezeich nung „Gesetz
zur verbesserten Durchsetzung des Anspruchs
der Urheber und ausübenden Künstler auf angemessene
Vergütung“ trägt.
MM: Aufgrund dieses Urteils des Kammer -
gerichts Berlin haben jetzt erstmals die Ur -
heber in Deutschland eine vollständige Ver -
handlungs- und Vertragsfreiheit, wie sie in
allen anderen Lebensbereichen ganz selbst -
verständlich ist. Wie wirkt sich dieses von
Ihnen erstrittene Recht in Zukunft auf die
Verhandlungsfreiheit der Musikurheber bei
Formulierung von Musikverlagsverträgen mit
Musikverlegern aus?
DR. POLL: Eigentlich müsste das Urteil ja dazu
bei tragen, dass die Urheber von der in diesem
Bereich erstmals bestehenden Vertragsfreiheit Ge -
brauch machen, d. h., mit den Verlegern auf gleicher
Augenhöhe über die Konditionen des Ver -
lagsvertrags (Leistung und Gegenleistung,
Vertragsdauer etc.) verhandeln. Die GEMA könnte
ihnen – wenn sie ihre satzungsgemäße Auf -
gabe (Schutz der Urheber) endlich ernst nehmen
würde – eine wertvolle Hilfestellung leisten, um
das Gefälle zwischen mächtigen, da wirtschaftlich
erfahrenen Verlegern und schwachen, da
wirtschaftlich unerfahrenen Urhebern auszugleichen
(z. B. durch Beratungsangebote, Entwick -
lung von Vertragsmustern etc.). Stattdessen versucht
sie, das Urteil bzw. die sich aus dem Urteil
für die Urheber ergebenden Möglichkeiten herunterzuspielen,
das Ganze als einen Irrweg er -
scheinen zu lassen und mit allen Mitteln den Status
quo ante zu verteidigen bzw. wiederherzustellen.
Das grenzt an gezielte Desinformation, die in
einem Treuhandverhältnis (!) nichts zu suchen hat,
und lässt gleichzeitig jeden Respekt vor den
höchsten deutschen Gerichten vermissen.
INTERVIEW: OLE SEELENMEYER
FOTO: © ICEDMOCHA/FOTOLIA.COM
GRAFIK: © RCFOTOSTOCK/FOTOLIA.COM
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

MUSIK & RECHT 47
»KREATIVE MÜSSEN
EINZELKÄMPFER-
MENTALITÄT ABLEGEN«
Interview mit
Bruno Kramm zu GEMA-Urteil
Ein Urteil des Kammergerichts Berlin hat eine automatische Ausschüttung
von Vergütungen der GEMA an Musikverlage für unzulässig erklärt.
Im Interview erklärt Bruno Kramm, einer der Kläger, seine Beweg- und die
Hintergründe des Verfahrens.
Bruno Kramm ist als Musiker, Komponist und
Produzent für seine Band „Das Ich“ tätig.
Bis September 2016 war er außerdem Landes -
vor sitzender der Piratenpartei Berlin, wechselte
dann zu den Brandenburger Grünen und nach
kurzer Zeit wieder zu den Piraten zurück. Im In -
terview mit netzpolitik.org geht es um ein Urteil
des Berliner Kammergerichts (Az. 24 U 96/14,
Besprechung bei irights.info) in einem von Kramm
und anderen angestrengten Prozess gegen die
Musikverwertungsgesellschaft GEMA, wonach
Ver lage kein Recht haben, ohne Weiteres an den
Einnahmen aus Urheberrechten von Kompo nisten
und Textern beteiligt zu werden.
Nachdem die Verlegerbeteiligung in den Aus -
schüttungen der VG Wort für rechtswidrig
erklärt wurde, hat das Kammergericht Berlin
auch die Verlegerbeteiligung in der GEMA
für rechtswidrig erklärt. Du warst in dem Ver -
fahren gemeinsam mit anderen der Kläger.
Warum hast du das Verfahren angestrengt?
BRUNO KRAMM: Das hat zwei Ebenen. Auf der
persönlichen ging es darum, endlich einen Musik -
verleger, der sich schamlos seit den frühen
1990ern an meiner Band bereichert hat, endlich
von seinen Einnahmen zu trennen. Im Gegensatz
zur landläufig verbreiteten Ansicht, Urheber könnten
sich ohne Weiteres aus einem Verlagsvertrag
befreien, ist es in der Tat sehr schwer, dem Ver -
leger Verstöße nachzuweisen, die den Verlags -
vertrag komplett beenden und die abgetretenen
Rechte an die Urheber zurückfallen lassen. Der
ideelle Hintergrund der Klage ist jedoch noch
weit wichtiger: Mögen Musikverleger vor Jahr -
zehnten als Hersteller von Notendruckerzeugnissen
durchaus einer sinnvollen Funktion nachgegangen
sein, so ist ihre außergewöhnliche Stellung
innerhalb der Verwertungsgesellschaft GEMA
kaum nachvollziehbar. Eine moderne Verwer -
tungsgesellschaft, die Ausschüttungen aus ur he -
berrechtlichen Lizenzen, also Vergü tungs an -
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

48 MUSIK & RECHT
sprüchen und Nutzungsrechten, vornimmt, sollte
diese ausschließlich, so wie vom Urheberrecht ge -
dacht, an die Schöpfer von Werken ausschütten.
Wie wurde denn bislang das Geld verteilt bzw.
welcher Anteil ging an Musikverleger?
B.K.: Musikverleger haben sich je nach Vertei -
lungsplan 33 Prozent bzw. 40 Prozent dieser
Lizenzen gesichert und verdienen damit häufig
mehr als der einzelne Textdichter oder der Kom -
po nist. Die Gegenleistung für diese Beteiligung,
die wegen der urheberrechtlichen Schutzfrist bis
viele Jahrzehnte nach dem Tod des Urhebers
wirksam ist, fällt jedoch sparsam und schwammig
aus. Die versprochenen administrativen Auf -
gaben wie die Abrechnung mit der GEMA kann
der Urheber auch selber organisieren, und unterstützende
Promotion und Werbe- und Film kopp -
lung sind Versprechungen, die nie garantiert werden
können. Vorschüsse, die dann mit GEMA-
Tantiemen verrechnet werden, bekommt man als
Musiker entsprechend günstiger von einer Bank,
über eine Crowdfunding-Initiative oder eben als
Vorschuss von seiner Plattenfirma oder Vertrieb.
Aber sind Musikverlage nicht doch auch mit
Buchverlagen vergleichbar?
B.K.: Im Gegensatz zu Buchverlagen ist der
Musik verlag nicht der Produzent des finalen Pro -
dukts und kümmert sich nicht um Marketing,
Her stellung und Vertrieb von Musik. Diese Auf -
gabe erfüllen heute für die klassische Band kon -
stellation die Plattenfirmen. Dazu kommt, dass
Verleger aufgrund der Quantität von Rechten
innerhalb der GEMA immer mehr Möglichkeiten
haben, ihre Interessen bei Verteilungsplänen und
der internen Organisation der GEMA durchzusetzen.
Im Gegensatz zum Urheber, der nur seinen
eigenen Rechtekatalog seiner Songs hält,
bringt der Verleger eben die Repertoires vieler Ur -
heber ein und hat entsprechend gänzlich andere
Schwerpunkte und Interessen. Das Ungleich ge -
wicht ist vorprogrammiert. Unsere Klage sollte es
Urhebern jetzt ermöglichen, die Arbeit ihres Ver -
lages zu evaluieren und gegebenenfalls auszusteigen
oder neu zu verhandeln. Und es bedeutet,
den Verlegern Macht innerhalb der GEMA zu
entziehen, zugunsten von Urheberinnen und Ur -
hebern.
Was genau sind jetzt die Folgen der Ent -
scheidung für Kunstschaffende, also für
Text dichter, Komponisten und ausübende
Künstler?
B.K.: Urheber können jetzt endlich evaluieren, ob
die so oft zitierte Symbiose wirklich stimmt. Ist
»Mögen Musikverleger vor Jahr zehnten als
Hersteller von Notendruckerzeugnissen durchaus
einer sinnvollen Funktion nachgegangen sein,
so ist ihre außergewöhnliche Stellung
innerhalb der Verwertungsgesellschaft GEMA
kaum nachvollziehbar.«
mir die Arbeit meines Verlegers wirklich 33
Prozent bzw. 40 Prozent wert? Möchte ich kürzere
Laufzeiten, um dann immer wieder neu zu
verhandeln? Oder hätte ich gerne einen opulenten
Vorschuss für die bisher eingeräumten Rechte,
da ich mich als Urheber heute besser einschätzen
kann? Oder will ich vielleicht in Zukunft ganz
ohne Verleger arbeiten? Alles wesentliche Fragen,
die mit der Lebensrealität von Kreativen heute
zusammenfallen. Der digitale Wandel hat eigentlich
alles auf den Kopf gestellt. Zwar hat jeder
Mu siker heute mannigfaltig mehr Möglichkeiten,
sich selbst via Internet zu vermarkten, und auch
die Produktionsmittel wurden günstiger, aber
gleichzeitig existieren heute ein viel größerer Wett -
bewerb, Verdrängung und Aufmerksamkeits öko -
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

MUSIK & RECHT 49
nomie. Somit müssen gerade Urheber, die von ihren Schöpfungen leben,
die Möglichkeit haben, über die Wertschöpfungskette selbst zu bestimmen.
Was bedeutet das ganz konkret?
B.K.: Praktisch bedeutet das Urteil Folgendes: Um nicht die Ansprüche aus
dem Jahr 2013 verjähren zu lassen, sollte jeder Musiker mit GEMA- und
Verlagsvertrag per eingeschriebenen Brief an die GEMA eine Ver jäh rungs -
verzichtserklärung einfordern, ebenso natürlich die Aufstellung und Rück -
for derung von an Verlage ausgeschütteten Anteilen aus allen Vertei lungs -
arten (Nutzungsrechte und Vergütungs an sprüche). Die Piratenpartei hat auch
eine Seite online gestellt, um mit unserem Anwalt für ein weiteres Pro zedere
in Kontakt zu treten. Man darf nicht vergessen, wir reden hier von ungefähr
zwei Milliarden Euro Rückfor de run gen. Mit einem bekannten Hip-Hop-
Artisten aus Deutschland habe ich vor wenigen Tagen eine mögliche Rück -
for de rungs summe von 1,5 Millionen Euro nur für sein Repertoire errechnet.
»Somit müssen gerade
Urheber, die von ihren Schöpfungen
leben, die Möglichkeit haben,
über die Wertschöpfungskette selbst
zu bestimmen.«
Bist du mit dieser Entscheidung zufrieden?
B.K.: Ich bin über das Urteil sehr froh, denn nicht nur Vergütungs an sprüche
(Pauschalabgaben für Medien aller Art), sondern auch Nutzungs rechte
(Aufführungs- und Senderechte, mechanische Rechte) wurden uns vom
Kammergericht zugesprochen. Im Zuge des VG-Wort-Urteils des BGH wähnten
wir uns in Sachen Vergütungsansprüche schon auf der sicheren Seite.
Aber die Nutzungsrechte sind natürlich der weit größere Anteil. Ebenso bin
ich froh über die Verpflichtung der GEMA, über die an Verleger ausgeschütteten
Beträge Auskunft zu erteilen.
Du hast einen
Weltstar in der
Band
Es gibt aber auch heftige Kritik am Urteil, in der SZ ist von einem
„fatalen Urteil“ die Rede, mit existenzbedrohenden Folgen, insbesondere
auch für Klassikverlage. Letztlich sei den Urhebern mit
dem Verfahren ein „Bärendienst erwiesen“ worden. Was kannst du
dem entgegenhalten?
B.K.: Natürlich mag das Urteil für so manchen Verlag, der es sich auf dem
Rücken von Urhebern jahrzehntelang gutgehen ließ, niederschmetternd sein.
Dennoch ist die Einschätzung des SZ-Redakteurs vollkommen falsch. Die
Neue Musikzeitung, ein Branchenblatt der Jazz- und Klassikszene, kam
ent sprechend auch zu einer komplett anderen Einschätzung. Wer mit der
Arbeit seines Verlages zufrieden ist, kann jederzeit durch einen entsprechenden
Zusatz zum Verlagsvertrag den alten Status aufrechterhalten. Wer wirklich
ein vertrauensvolles, symbiotisches Verhältnis zu seinem Ur heber hatte,
braucht dieses Urteil dann auch nicht zu fürchten.
So sehen Kultklassiker aus: Mikrofonstative von
König & Meyer. Auf der ganzen Welt bewährt. Warum?
Weil sie Musiker vor bösen Überraschungen bewahren.
Weil solide Verarbeitung und Top-Materialien dafür
sorgen, dass das Stativ auch nach vielen Auftritten
und intensivem Gebrauch immer noch einwandfrei
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Die GEMA hat bereits eine umfangreiche Seite online gestellt, in der die
Vorgehensweise dokumentiert ist, wie man seinem Verlag die alte Rechts -
sicherheit gibt. Skandalös finde ich nur, dass die GEMA, die eigentlich in
erster Linie die Interessen der Urheber wahren sollte, in keinem einzigen
Satz darauf eingeht, dass Urheber jetzt die einmalige Möglichkeit haben,

50 MUSIK & RECHT
»Wir Kreative müssen uns
endlich aus unserer
Einzelkämpfermentalität
befreien – so schwer es
uns auch fallen mag, sonst
bleibt jeder kleine Sieg,
egal ob vor einem
Kammergericht oder EUGH,
nur ein Pyrrhussieg«
Gerichtshof mit guten Aussichten dagegen streiten,
im Falle der GEMA nur gegen die Verfas -
sungs rechtmäßigkeit mit wohl mäßiger Aussicht.
Skandalös, wie dieses so wichtige Thema unter
Ausschluss der Öffentlichkeit einfach durchgedrückt
wird. Bevor der große Teil der Musiker über -
haupt weiß, worum es geht, wurde auf ihrem
Rücken und zu ihren Ungunsten bereits Tabula
rasa gemacht. Gerade die Koalition macht eigentlich
in Sachen Urheberrecht all das, was ihr GEMA,
Börsenverein und andere Verwerter lobbys diktieren.
Dazu kommt, dass die klassischen Medien
und Zeitschriften kaum über die Reichweite unseres
Urteils berichtet haben.
Also wahrscheinlich doch keine nachhaltige
Wirkung des Urteils?
die Arbeit ihres Musikverlegers zu bewerten und
gegebenenfalls entweder die weitere Zusam men -
arbeit ablehnen oder zumindest neu verhandeln
zu können. Aus diesen Dokumenten spricht die
ganze aktuelle Fehlkonstruktion. Die GEMA vertritt
zum allergrößten Teil nur die Interessen der
Musikverleger.
Andererseits ist es so, dass die Rechts wi drig -
keit der Verlegerbeteiligung mit mangelnder
rechtlicher Grundlage begründet wurde.
Jetzt ist aber bereits eine Reparatur des
Urheberrechtsgesetzes in Vorbereitung, die
Verlegerbeteiligungen wieder legalisieren
soll. War damit das Urteil nicht letztlich
ein Pyrrhussieg, aus dem die Verleger sogar
gestärkt hervorgehen?
B.K.: Leider hat sich hier das „Teile und herrsche“
längst durchgesetzt. Urheber aller Sparten und
Genres haben es nie verstanden, sich in einer
Gewerkschaft zu organisieren. Demgegenüber ist
die Verbandsstruktur von Verlegern und Ver wer -
tern unglaublich gut in die Legislative vernetzt.
Nicht umsonst betreibt die GEMA in Berlin und
Brüssel umfangreiche Büros zur politischen Kom -
munikation. Erst kürzlich wurden wieder Mitglie der
des Bundestags und Mitarbeiter der Frak tionen zu
einem Brunch eingeladen, um die Symbiose von
Urheber und Verlag zu beschwören. Und kürzlich
ging ein neuer Änderungsantrag zum VG-Gesetz
in den Bundestagsbüros ein, der ohne Lesung
durchgepeitscht werden soll, um dann am 16.
Dezember durch den Bundesrat zu laufen.
Worum geht es in diesem Änderungsantrag?
B.K.: In diesem Antrag wird in einer Art Kuh -
handel ein bisschen Positives im Sinne des Ur -
he bervertragsrechtes zugunsten einer Verleger -
beteiligung im VG-Gesetz eingearbeitet. Das be -
deutet dann: Rechte können mehrfach bei Ver -
wertungsgesellschaften eingebracht werden. Im
Falle VG Wort könnte man vor dem Europäischen
B.K.: Natürlich hat das auch mit den Verlags in -
teressen großer Zeitungen zu tun, denn ein Ein -
gestehen der unrechtmäßigen Musik verleger be -
teiligung würde auch sofort die gleiche Legiti ma -
tion im VG-Wort-Streit bedeuten und das be rech -
tigte Interesse von Autoren stärken. Appellieren
kann ich hier nur an eines: Kreative aller Branchen,
solidarisiert euch! Egal ob Blogger, Musiker, Pro -
grammierer oder Autor, jede Gruppe sollte sich
solidarisch mit den anderen Kreativen ge genüber
den Verwerterstrukturen aufstellen, um langfristig
den gordischen Digitalknoten zu lösen. Sonst wird
von Leistungsschutzrecht bis Urhe berrechts re -
form alles weiterhin im Sinne der Verwerter ausgelegt.
Wir Kreative müssen uns endlich aus
unserer Einzelkämpfermentalität befreien – so
schwer es uns auch fallen mag, sonst bleibt jeder
kleine Sieg, egal ob vor einem Kammergericht
oder dem EuGH, nur ein Pyrrhussieg.
TEXT: LEONHARD DOBUSCH
QUELLE: NETZPOLITIK.ORG
FOTO: © JÜRGEN FÄLCHLE /FOTOLIA.COM
FOTOS KRAMM: © CC-BY-SA / BARTJEZ
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

PRODUKT-NEWS 51
ist relativ einfach: Es gibt keine umfassende Aufstellung
auch nur der gängigen Sticktricks – und es fehlt eine einheitliche
Namensgebung.
STICK TRICK BIBLE
STICK TRICKS TRAINIEREN
MIT ULF WINTER
„Ich suche den Trick, bei dem ...“ , „Weiß einer, wie der
Trick heißt, wenn ich ...“ , „Kann mir einer sagen, wie dieser
Trick funktioniert ...“. Fast jeder Schlagzeuger, der über die
ersten Rudiments hinaus ist, beginnt damit, seine Perfor -
mance mit Tricks „aufzuwerten“ – und steht dann vor den
oben angesprochenen Problemen, die in jedem Drummer-
Forum gleich dutzendfach angesprochen werden. Der Grund
Ulf Winter gibt mit dieser ersten systematischen Sammlung
von Tricks, im Buch dargestellt in detaillierten Foto sequenzen
mit exakten Beschreibungen der Abläufe, Schlagzeugern
nun eine Bibel an die Hand. So können Stick Tricks nun
endlich auch effektiv geübt werden. Auf der beigefügten
DVD demonstriert er alle Tricks, auch in Slow Motion, das
ermöglicht ein sorgfältiges Training, bis der Trick richtig
sitzt.
Ulf Winter, geboren 1992 in Lahr, spielt seit seinem 6.
Lebensjahr Schlagzeug, Pauken und Percussion. Er begann
seine musikalische Ausbildung zum Schlagzeuger bei Charly
Lüftner an der städtischen Musikschule. Neben seinen über
400 nationalen und internationalen Auftritten in diversen
Pop-, Rock-, Electro- und Metallbands, dem Luftwaffen -
musikkorps 2 sowie klassischen Sinfonieorchestern haben
den langjährigen Endorser von Agner-Drumsticks und
Cympad-Beckenfilzen sein fulminantes Drumset-Spiel und
seine akrobatischen Neon-Sticks-Performances einem
breiten Publikum bekannt gemacht.
192 Seiten, Hardcover, Farbdruck, incl. DVD 39,80
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52 PRODUKT-NEWS
WOLFGANG LUDESCHER
QUINTOLOGY
Arbeitsbuch mit CD für Quintolen-Grooves
Der erste vollwertige Light-Controller als Fußleiste
EUROLITE DMX MOVE BIGFOOT – ES GIBT IHN WIRKLICH!
Steuern Sie Licht mit einem Fußcontroller, so präzise wie
noch nie: Mit dem Bigfoot arbeiten Sie flexibler als mit allen
anderen. Er ist ein vollwertiges Pult – verpackt in einer Fuß -
leiste. Bislang konnten Sie mit dem Fuß nur Stimmungen
abspielen, die bereits in der Leiste vom Hersteller programmiert
waren. Jetzt sind Sie wesentlich flexibler: Steuern Sie
eine echte Lichtshow mit den Füßen!
Quintolen als neues Rhythmuskonzept. Die uns geläufige
Musik ist in ihrer Grundstruktur entweder binär (Rock, Pop,
viele Latin-Styles, Funk u. v. a.), ternär (Jazz, Blues, Reggae
u.a.) aufgebaut, oder in einigen Fällen eine Mischung aus
beiden „Groove-Geschlechtern“ – sogenannten Hybrid-
Rhythmen (manche Samba-Styles, Hip-Hop-Grooves u.a.).
Dieses neue Groove-System ist auf Quintolen aufgebaut
(quinär) und hat – in der jeweiligen Taktart – fünf Unter tei -
lungen pro Viertelnote. Somit entstehen völlig neue Rhyth -
mus-, Stil- und Ausdrucksmöglichkeiten.
STEUERN SIE BEWEGUNGEN UND FARBEN
Ihr Bigfoot steuert einfache PAR-Scheinwerfer genauso wie
Moving-Heads oder komplexe Effektgeräte. Sogar vorprogrammierte
Bewegungen und Farbeffekte binden Sie ganz
einfach in Ihre Show ein. Insgesamt können Sie 12 Schein -
werfer mit je 16 DMX-Kanälen steuern – und diese zu 15
programmierbaren Chases zusammenstellen.
STEUERN SIE DIE GESCHWINDIGKEIT UND MEHR
Den Licht-Rhythmus bestimmen Sie entweder über das Musik -
signal oder über einen Tap-Taster. Sie drücken lediglich
zwei mal im gewünschten Zeitabstand darauf und schon
über nimmt das System den Takt. Über einen Knopf druck
halbieren oder verdoppeln Sie die Geschwindigkeit – wenn
es erforderlich ist.
Der Zweck dieses Buches ist es, sowohl dem fortgeschrittenen
als auch dem ungeübten Drummer Einblicke in quintolen-gerasterte
Grooves zu vermitteln. Jedem Musiker, der
die herkömmlichen Rhythmen und Musikstile grundsätzlich
beherrscht, sind die zehn Basis-Unterteilungen in Fleisch und
Blut übergegangen. Wer sich mit dem Quintology-System
beschäftigt, ist gefordert und muss sich ein neues rhythmisches
Gefüge erarbeiten.
Ein praxisnahes Arbeitsbuch mit CD für Anfänger und Fort -
geschrittene, die sich mit Quintolen-Grooves beschäftigen
wollen; einsetzbar sowohl im Einzelunterricht als auch im
Selbststudium. Die konsequente Notierung sämtlicher
Übungs möglichkeiten macht dieses Lehrmittel zu einem
um fassenden und unentbehrlichen Standardwerk.
Wolfgang Ludescher absolvierte die Jazzschule in St.
Gallen/Schweiz und arbeitet als Schlagzeuglehrer, Profi-
Musiker, Komponist und Arrangeur in vielen musikalischen
Bereichen.
196 Seiten, Spiralbindung, mit CD 29,80 Euro
ISBN 978-3-89775-168-2
Zu bestellen: www.leu-verlag.de
DIMMEN SIE ERSTMALS MIT PEDALEN
Die Helligkeit und die Überblendungen kontrollieren Sie an
der Leiste über zwei große Pedale. Dadurch arbeiten Sie
deutlich intuitiver und gefühlvoller als mit den sonst üblichen
Knöpfen: Sanftere Übergänge sind möglich.
FUNKTIONEN FREI PATCHBAR – WÄHLEN SIE AUS
Mit Ihrem Helligkeitsregler müssen Sie nicht die ganze Licht -
anlage steuern. Sie können das System einstellen, wie es
Ihnen gefällt. Wählen Sie zum Beispiel nur das Frontlicht,
die Blinder oder ein Stroboskop aus, während die Moving-
Heads unabhängig vom Dimmer ihre leuchtenden Kreise
ziehen. Sorgen Sie für mehr Übersicht und geben Sie sämtlichen
Chases eigene Namen.
DISPLAYS ERLEICHTERN IHNEN DIE STEUERUNG
Welche Szene läuft gerade? Ein kurzer Blick auf das untere
Display verrät es Ihnen. Es ist rot hinterleuchtet und wichtig
für den Livebetrieb. Das obere Display, blau hinterleuchtet,
ist für die Programmierung vorgesehen.
ENTDECKEN SIE DIE INTELLIGENTE PROGRAMMAUSWAHL
Ein großes Manko von Fußsteuerungen war bislang die Pro -
grammauswahl. Meist mussten Sie sich durch die Liste der
Programme drücken – wobei jedes angewählte Programm
direkt startete. Beim Bigfoot wählen Sie das gewünschte
Programm vor. Und erst wenn Sie die GO-Taste betätigen,
startet es. Sie können also in aller Ruhe das nächste Pro -
gramm vorwählen.
TRETEN SIE ORDENTLICH ZU – ER HÄLT ES AUS
Eine Fußleiste muss es verkraften, wenn sie stark beansprucht
wird. Kein Problem für den Bigfoot: Alle verwendeten
Bauteile sind aus extrem haltbarem Material. Das Ge -
häuse ist etwa aus stabilem Blech gefertigt. Der große Griff
erleichtert Ihnen nicht nur das Tragen, sondern schützt auch
die Drehpotis vor allzu vielen Fußabdrücken.
EUROLITE – DMX Move Bigfoot Fußcontroller 192
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musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

PRODUKT-NEWS 53
CORDIAL ETHERCON QUAD
DMX-AES/EBU-ADAPTER
Verleiher und Eventdienstleister investieren
im Zuge des allgegenwärtigen Trends zu
„Audio und Video over IP“ zunehmend in
hochwertige Netzwerk-Kabeltrommeln. Der
süddeutsche Kabelhersteller CORDIAL er -
weitert jetzt deren Nutzungsmöglich keiten
durch vier trickreiche Adapter.
Die neuen Ethercon QUAD DMX-AES/EBU-
Adapter nutzen hierbei jeweils ein Ader pär -
chen eines gebräuchlichen 4-paarigen CAT-
Kabels und ermöglichen so den kosteneffizienten
Transport von vier parallelen DMXoder
AES/EBU-Signalen.
Angeboten werden Versionen mit schwarzen
male oder female NEUTRIK-XLR-Metall-
Steckverbindern in 3- oder aber auch in 5-
poliger Ausführung. Die Einzelkabel sind
TIA 568 A farbmarkiert und enden nach 70
cm Spliss in einer speziellen Metall-Kabel -
buchse mit Zugentlastung und Knickschutz
auf Basis des bekannten NEUTRIK NE8FF.
CORDIAL empfiehlt für die dazwischenliegende
Langstrecke Netzwerkkabel mit min -
destens einem Gesamtschirm, bei Verwen -
dung des hochwertigen hauseigenen COR-
DIAL CCAT 7A LONG RUN mit einer Ader -
stärke von AWG 23 sind Distanzen von bis
zu 150 Metern möglich.
ERHÄLTLICHE TYPEN:
• CDX 0,7 FN 5 QUAD-DMX (4x XLR
female 5-pol. auf die Ethercon-Buchse)
• CDX 0,7 MN 5 QUAD-DMX (4x XLR
male 5-pol. auf die Ethercon-Buchse)
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female 3-pol. auf die Ethercon-Buchse)
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DIE BAND HURTS IST NEUER K&M ENDORSER
Als Musikzubehörhersteller sucht König & land, Österreich, der Schweiz sowie in Finn -
Meyer stets den direkten Kontakt zu Musi - land und Luxemburg. Sie verkauften weltweit
kern. So freut es den Marktführer, mit einer über 3 Mio. Singles und 1,5 Mio. Alben,
ganze Reihe an Bands und Musikern diverser
Genres zu kooperieren. Das gibt König wurden. Im Vereinten Königreich galten Hurts
wo für sie mit Gold & Platin ausgezeichnet
& Meyer die Chance, Feedback zu erhalten als einer der erfolgreichsten Debut Acts der
und zu sehen, wie mit den Produkten gearbeitet
wird. Dadurch ergaben sich bereits 2013 erschien das zweite Album. „Exile“
letzten fünf Jahre.
Ideen für neue Produkte, Verbesserungs vor - schaffte es ebenfalls in die Top 10 und wurde
schlä ge, gemeinsame Produktenwicklungen auf der ausverkauften Europatournee ge -
oder Praxistests.
feiert. Im Folgejahr sicherte sich die neue
Neben Künstlern wie Silbermond, Accept, Single „Under Control“ in den UK-Charts den
Nightwish, Rea Garvey oder Joris reiht sich ersten Platz. Hurts arbeiteten währenddessen
schon am neuen Album „Surrender“,
nun eine weitere Erfolgsband ein: Hurts!
Das britische Duo, bestehend aus Sänger welches 2015 erschien.
Theo Hutchcraft und Gitarrist / Synthesist
Adam Anderson ist der neuste Zuwachs in König & Meyer freut sich, das Erfolgs-Duo
unserer „Endorser-Familie“.
nun auf seinem Weg zu begleiten.
Hurts eroberte erstmalig 2010 die Charts –
und das gleich in Großbritannien, Deutsch - Weitere Informationen: www.k-m.de
Zeitlos und elegant:
NEUE KÖNIG-&-MEYER-PRODUKTE IN WEISS
Weiß ist das neue Schwarz, schlicht und dennoch elegant. Genauso
kommen die neue Keyboardbank 14077, die LED-Pianoleuchte
12297 und die Klavierbank „Uplift“ daher.
Die neue Keyboardbank 14077 ist eine breite und
extrem stabile Bank, deren großer, hochwertiger, gepolsteter
Sitz mit reinweißem Kunstleder umspannt ist.
Die Höheneinstellung erfolgt stufenweise, von 405 bis
605 mm, und garantiert einen absolut sicheren Halt.
Die Keyboardbank kann einfach zu einem flachen und
handlichen Packmaß zusammengelegt werden.
Die 12297 LED Pianoleuchte erstrahlt in neuer weißer
Optik. Die LED-Technologie gewährleistet helles Licht
(12 LEDs, 2500 Lux), lange Lebensdauer und einen
geringen Energieverbrauch. Dank eines langen, flexiblen
Schwanenhalses (415 mm Länge) kann man sich
das Licht optimal positionieren. Der schwere Sockel sorgt
für einen stabilen Stand, das Netzteil ist inklusive.
Die beliebte 14080 Klavierbank „Uplift“ gibt es nun auch
in reinweiß. „Uplift“ ist eine Weiterentwicklung im Be reich
der Klavierbänke und bietet Komfort pur. Dank eingebauter
Gasdruckfedern kann die Höhenverstellung
äußerst bequem im Sitzen vorgenommen werden. So
findet jeder im Handumdrehen seine individuelle Sitz -
position. Über einen breiten, leicht zu bedienenden Bügel
wird die Arretierung gelöst. Die kompakte Stahl rohr -
kon struktion und die großen runden Parkettschoner
verleihen der formschönen Bank eine sehr hohe Sta -
bilität. Der herausragende Sitzkomfort, mit dem strapazierfähigem
reinweißem Skailederbezug, schafft die
perfekte Voraussetzung für ein angenehmes und entspanntes
Musizieren.
Die drei Neuheiten ergänzen die wachsende Produkt -
palette an weißen Produkten wie zum Beispiel die Boxen -
stative 26735 und 214/6 oder das Mikrofonstativ 260/1.
Weitere Informationen: www.k-m.de
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

54 PRODUKT-NEWS
TOP AKUSTIKGITARREN-AMPS
FÜR DIE BÜHNE
Falls du auf der Suche nach dem richtigen Akustikgitarren-
Verstärker bist, gibt es einige Fragen, die du an ihn stellen
solltest: Wie mobil er sein muss, ob und welche Effekte er
mitbringen soll, ob er einen Mikrofoneingang an Bord hat
und wie es mit einer Feedback-Unterdrückung aussieht. Aber
die wichtigste Frage ist natürlich die nach der Leistung und
ob er in der Lage ist, den Klang deines Instrumentes angemessen
wiederzugeben. Im Folgenden haben wir dir die
fünf Favoriten unserer Kunden aufgelistet und ihre Eigen -
schaften und Stärken näher beleuchtet.
AER COMPACT 60 III BK
Der AER Compact 6 hat sich zum Maßstab seiner Klasse
entwickelt und gilt vielen als das Nonplusultra unter den
Akustikverstärkern. Er ist robust und kompakt, wie schon
sein Name sagt, aber vor allem präzise: Seine Wiedergabe
ist unglaublich klar, sehr transparent und neutral und gibt
den Klang des angeschlossenen Instrumentes detailgetreu
und ohne jede Verzerrung wieder. Die eingebauten Effekte
sind hochwertig und vor allem der Hall absolut beeindruckend.
Der zweikanalige Combo verfügt dazu noch über
eine Menge Anschlussmöglichkeiten: Eingänge für Gitarre,
Mikro fon und Stimmgerät, einen Effekt-Loop und diverse
Aus gänge für Line, Kopfhörer und DI. Sechseinhalb Kilo Be -
geisterung, und eigentlich ein Muss!
mit einem Schalter für die Feedback-Unterdrückung, einem
XLR-Ausgang mit Level-Poti und einem USB-Anschluss für
Digitalrecording. Eine Komplettlösung, die sich auch mit deiner
E-Gitarre verträgt. Und das alles in bewährter Fender-Qualität.
MARSHALL AS100D
Der AS100D ist für seine akkurate Wiedergabe akustischer
Gitarren bekannt. Der Combo bietet dir vier unabhängige
Kanäle und dazu zwei 8’’-Lautsprecher und zwei Hoch -
töner! Die Kanäle 1 bis 3 warten auf den Anschluss von akustischen
Instrumenten oder Mikrofonen, während Kanal 4
über einen AUX-Eingang zum Anschluss von Drumcomputer
oder MP3-Player verfügt. Und dazu diverse Regel- und
Einstell mög lich keiten, mit denen du den Klang sehr effektiv
anpassen und bei Bedarf mit dem eingebauten Hall oder
den anderen Stereo-Effekten veredeln kannst.
gibt’s diesen kompakten Akustik-Combo mit 8’’-Laut -
sprecher und einem 1’’- Tweeter, die zusammen für einen
transparenten, druckvollen Akustiksound stehen. Dazu zwei
Kanäle mit zupackender Klangregelung und diversen weiteren
Einstell möglichkeiten, ein Mikrofonanschluss und
eine Effekt sektion mit Hall, Chorus und Echo für die Klang -
kosmetik. Nicht nur, dass der kleine Combo erheblich größer
klingt, als er misst, er wartet auch mit zusätzlichen An schluss -
möglichkeiten auf, die mit AUX, MP3-Eingang, Tuner-Out,
Effekt-Loop, Line-Out, symmetrischem DI-Out, Kopfhörerund
Fußschalter an schluss weit über das hinausgehen, was
man von einem Combo dieser Preisklasse üblicherweise
er warten kann.
FISHMAN LOUDBOX ARTIST PRO
FENDER ACOUSTASONIC 150
Dieser Verstärker hat alles, was du brauchst: ein cooles
Äußeres, 2 x 75 Watt pure Power, eine „Voicing“-Regelung,
mit der du eine Jumbo-, eine Dreadnought- oder eine
Parlor-Korpusform simulieren kannst, und natürlich eingebaute
Effekte. Der Fender Acoustasonic kommt außerdem
HARLEY BENTON AC PRO 60
Satte 60 Watt und eine Ausstattung, die eigentlich einen weit
höheren Preis rechtfertigen würde: Für weniger als 200 Euro
120 Watt Leistung und seine Vielseitigkeit machen den
Loud box Artist PRO zu einem Verstärker, der in jeder Um -
gebung und jeder Stilistik eine hervorragende Figur abgibt.
Sein kristallklarer Ton ist beispielhaft und garantiert dir zu -
sammen mit den eingebauten Effekten die Grundlage für eine
perfekte Performance. Mit seinen zwei separaten Kanälen
mit getrennten Ausgängen und Effekt-Loops wird dieser
Combo zu einem der vielseitigsten Akustik-Amps. Natürlich
gehören auch eine Klangregelung pro Kanal sowie ein AUX-
Eingang und Kopfhörer-Ausgang zur Standardausstattung
dieses preiswerten Akustikverstärkers.
Text: Meon | Textquelle: www.thomann.de/blog/de
Alle Amps erhältlich bei www.thomann.de
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

PRODUKT-NEWS 55
DER NEUE DOWNLOAD STORE VON THOMANN
Software schnell & direkt herunterladen
CORDIAL DESIGNKABEL „METAL“ – THE SOUL OF
PURE COPPER
Hochreines Kupfer ist die Seele eines jeden
Spitzenklasse-Kabels. In diesem Sinne er -
wei tert der süddeutsche Kabelhersteller
CORDIAL seine Designkabel-Serie um ein
kon sequent gestaltetes und technisch außer -
gewöhnliches Gitarrenkabel – das CSI PP
METAL.
Basierend auf dem Top-Meterwaren-Produkt
CORDIAL CGK 175 bietet „METAL“ eine von
Conductive Plastic umhüllte großflächige
Leiterisolation und erreicht so extrem niedrige
kapazitive Werte von 88pF/m für glasklaren
ungetrübten Klang auch bei Längen
bis zu 15 Metern. Die Verwendung sauerstofffreien
Materials für alle Kupfer-Kom po -
nenten und die ungewöhnlich hohe Anzahl
von 42 Innenleiter-Litzen ergeben niedrigste
Widerstandswerte bei gleichzeitig hochflexiblen
Bewegungseigenschaften.
Optisch abgerundet wird „METAL“ durch
den halbtransparenten und robusten PVC-
Außenmantel in Kombination mit massiven
NEUTRIK-NP2x-Steckverbindern mit vergoldeten
Kontaktflächen und kupferfarbener
Sonderlackierung.
Lieferbare Längen: 3, 6, 9, 12 und 15 Meter
Empfohlener VK inkl. MwSt.: z. B. CSI 6 PP-
METAL, 6-Meter-Variante, 46,90 €
Weitere Informationen: www.cordial.eu
Thomann bietet jetzt im neuen Download
Store auf www.thomann.de Software pro -
dukte aller Art zum direkten Download an –
unter anderem virtuelle Instrumente, Effekt -
Plugins, DAWs und weitere Anwendungen.
Die brandneue Funktion ist vor allem für
Tonkünstler und Sounddesigner interessant
und hat viele Vorteile: Nach dem Kauf einer
Lizenz ist die gewünschte Software innerhalb
weniger Minuten direkt herunterladbar, ohne
auf eine Paketlieferung warten zu müssen.
Versandkosten entfallen außerdem.
Thomann bietet bereits über 900 aktuelle
und angesagte Software-Titel namhafter Her -
steller im Download Store an und weitere
werden bald folgen. Über 500 Pro dukte sind
sogar neu im Webshop erhältlich, darunter
Marken wie Sugar Bytes, U-HE, Nugen Audio,
XILS Lab oder Positive Grid.
Weitere Informationen: www.thomann.de

56 PRODUKT-NEWS
GUNTRAM PAULI
DIE ROCK REQUIEM STORY
Die außergewöhnliche Geschichte eines
außergewöhnlichen Werkes
Als Guntram Pauli, Christian Kabitz und Klaus Haimerl
1978 dieses Werk für ihren plötzlich verstorbenen
Freund und Musikerkollegen Lothar Thorand schrieben
und im selben Jahr aufführten, konnte niemand ahnen,
welche Furore das Opus in der Folge machen würde.
Mittlerweile, fast vierzig Jahre danach, blickt dieses moderne
Requiem, das auf bislang nicht dagewesene Art und
Weise eine Brücke zwischen sakraler Klassik auf der einen
und Rock, Pop, Jazz auf der anderen Seite schlägt, auf eine
Geschichte zurück, die ihresgleichen sucht. An den beiden
Produktionen 1981 und 2008 war nichts „normal. Mit
geliehenem Geld von Freunden und ohne Plattenfirma im
Rücken produzierten Pauli und seine Mitstreiter zunächst
eine opulente Doppel-LP, später dann einen nicht weniger
aufwendigen Film. Es war jedes Mal ein Drahtseilakt ohne
Netz und doppelten Boden. Alle gut gemeinten Ratschläge
von Insidern schlug man in den Wind, Idealismus, Fantasie
und Kreativität mussten wettmachen, was an finanziellen
Mitteln fehlte. Wohl nicht zuletzt dadurch wurde dieses
Musikstück auf eine Art ehrlich und authentisch, wie sie in
der Branche ziemlich einmalig sein dürfte. Das Publikum -
im Laufe der Jahre erlebten fast zweihunderttausend
Besucher das Opus live – dankte es mit Ovationen und
ungewöhnlicher Treue, und selbst das strenge Feuilleton
feierte das ROCK REQUIEM über alle Maßen. Etliche Kritiker
stellten es in eine Reihe mit legendären Crossoverwerken
von Jon Lord, Procol Harum oder Alan Parsons.
Auf Anregung seines langjährigen musikalischen Weg -
gefährten Martin Schuster hat Pauli nun die außergewöhnliche
Geschichte dieses Werkes niedergeschrieben. Es ist
ein reich bebildertes, ebenso spannendes wie amüsantes
Dokument über den geglückten Versuch einiger Idealisten
geworden, in einer knallharten Branche erfolgreich gegen
den Strom zu schwimmen.
Shaker Media GmbH | Erscheinungsdatum: 25.01.2017
16,90 Euro | 219 Seiten | 82 Abbildungen
ISBN 978-3-95631-535-0
HOHNER
OZZY OSBOURNE HARP
In enger Kooperation mit einem der größten Metal-Front -
männer, -Sänger und -Songschreiber aller Zeiten hat HOH-
NER die wohl „hardest rocking harmonica“ der Welt ge -
schaffen – die Ozzy Osbourne Signature Harp ist da!
Die Verbindung zwischen dem Fürsten der Finsternis und
HOHNER Mundharmonikas begann vor vielen Jahren. „Es
schien eine natürliche Entwicklung zu sein, da ich ihre Mund -
harmonikas von Anfang an gespielt habe“, verriet Ozzy vor
Kurzem in einem Interview. „Black Sabbath starteten als
Blues Band, deshalb sind Elemente davon sowohl in der
Musik der Gruppe als auch in meinen Soloalben zu finden.“
UM OZZY ZU EHREN, BRINGT HOHNER
NUN DIE OZZY OSBOURNE HARMONICA HERAUS.
„Es war fantastisch, zusammen mit einer Rocklegende an
einer Mundharmonika zu arbeiten. Als großer Fan des In stru -
ments hatte Ozzy ganz klare Vorstellungen darüber, wie sein
Signature-Modell aussehen und sich anfühlen sollte“, erklärt
Morgan Franke, Export-Marketingleiter der Hohner Musik -
instrumente GmbH. „Das Ergebnis spiegelt Ozzy wieder und
ist zu einer meiner Lieblingsmundharmonikas ge worden.“
Das Instrument bietet Profi-Qualität „Made in Germany“ und
ist sowohl für Sammler wie auch für Spieler gedacht (inkl.
30 Tage kostenlosem Online-Unterricht!). Ein lichtdurchlässiger,
schwarzer Kanzellenkörper sowie schwarze Deckel
verkörpern die wahre Essenz von Ozzy Osbourne, während
das Stahlblechetui in der Form eines Sarges als angemessene
Schatulle für dieses einmaliges Instrument dient.
Von Anfang an wollte Ozzy seinen treuesten Fans mit diesem
Projekt ein besonderes Geschenk machen. Er bat
HOHNER, den Instrumenten seiner Signature-Serie nach
dem Zufallsprinzip 50 goldene Karten beizulegen. Die -
jenigen glücklichen Käufer rund um den Globus, die eine
goldene Karte entdecken, bekommen eine streng limitierte
handsignierte Ozzy Harp.
• Schwarz lackierte Deckel mit goldenem Logo
• Schwarzer Kanzellenkörper
• Messing Stimmplatten 0,9 mm
• Schwarzes Etui in Sarg-Form
• Tonart: C-Dur
• Made in Germany
• Zugangscode für 30 Tage kostenlosen Online-
Mundharmonikaunterricht bei bluesharmonica.com
• Bestellnummer: M666
Lieferbar ab Ende März 2017
Weitere Informationen: ozzy.playhohner.com/de/
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

PRODUKT-NEWS 57
NAMM 2017:
DAS NEUMANN U 67 WURDE IN DIE TECNOLOGY
HALL OF FAME AUFGENOMMEN
Lang Lang
DIE LANG LANG KLAVIERSCHULE FÜR KINDER
Der Studiospezialist Neumann.Berlin gibt be -
kannt, dass sein Mikrofonklassiker U 67 in
die TECnology Hall of Fame der Technical
Excellence and Creativity (TEC) Foundation
aufgenommen wurde. Die Preisverleihung
fand am 21. Januar im Rahmen der NAMM
Show in Anaheim statt. Wolfgang Fraissinet,
Geschäftsführer der Georg Neumann GmbH,
nahm die Auszeichnung entgegen.
Das U 67 mit drei umschaltbaren Richt cha -
rakteristiken wurde 1960 als Nachfolger
des U 47 vorgestellt und war speziell für die
Nahmikrofonierung ausgelegt, insbesondere
von Gesang und Sprache im Aufnahme -
studio. Das Mikrofon war sofort ein weltweiter
Erfolg und erwarb sich unter Toningenieuren
bald den Ruf eines leistungsfähigen Arbeits -
pferds, das sich in den angesehensten Stu -
dios an einer Vielzahl von Klangquellen be -
währt hat.
„Wir fühlen uns geehrt, dass die TECnology
Hall of Fame die bemerkenswerte Ingenieurskunst
des U 67 auszeichnet“, sagt Fraissinet.
„Nichts demonstriert seine herausragende
Qualität besser als die Tatsache, dass es in
den vergangenen 50 Jahren in nahezu jedem
Top-Studio dieser Welt anzutreffen war –
und noch ist – und für zahllose Aufnahmen
eingesetzt wurde. Das U 67 repräsentiert auf
perfekte Weise Neumanns Engagement für
Innovation und unübertroffene Klangqualität:
ein Engagement, das bis heute anhält.“
Die 2004 von George Petersen gegründete
TECnology Hall of Fame, die seit 2015 vom
NAMM MUSEUM of Making Music präsentiert
wird, zeichnet Produkte aus, die einen
bedeutenden Beitrag zum Fortschritt der
Audiotechnik geleistet haben.
EIN MIKROFON MIT LANGER GESCHICHTE
Ende der 1950er-Jahre kündigte der deutsche
Elektronikkonzern Telefunken an, die
Produktion der VF 14 M Stahlröhre zu beenden,
die im beliebten U 47 eingesetzt wurde.
Somit blieb nur mehr ein allerletzter Pro -
duktionslauf für eine Schlüsselkomponente
jenes Mikrofonklassikers. Für Neumann be -
deutete dies, dass man als führender Her -
steller von Studio-Gesangsmikrofonen einen
würdigen Nachfolger entwickeln musste. Das
Ergebnis war ein neuer Höhepunkt der schon
damals über 30 Jahre währenden Mikrofonentwicklung
bei Neumann: das U 67.
Das von Dr. Ing. Gerhart Boré entwickelte U
67 verband klassische Neumann-Klang quali -
tät mit den neuesten Innovationen der Mikro -
fon technologie als Antwort auf die sich
rasch verändernden Bedürfnisse im Auf -
nahmestudio. Nachdem bereits das Klein -
membranmikrofon KM 56 mit dreifach
umschaltbaren Richtcharakteristiken ausgestattet
war, wollte Neumann diese Funk -
tionalität auch dem neuen U 67 verleihen.
Das führte zur Neuentwicklung der K-67-
Kapsel, einer Doppelmembrankapsel mit
ge trennten Gegenelektroden, die mit Kugel-,
Nieren- und Achtercharakteristik optimale
Anpassungen an die Aufnahmesituationen
ermöglichte. Gleichzeitig war die Kapsel für
einen ebenen Frequenzverlauf von 40 Hz
bis 15 kHz ausgelegt, um Klangquellen aller
Art mit bislang unerreichtem Realismus und
Detailreichtum abzubilden.
Das U 67 war ein sofortiger Erfolg und wurde
allenthalben für seine unerreichte Funk tio -
nalität, Vielseitigkeit und Klangqualität gelobt.
Aufgrund dieser Eigenschaften gehörte es
bald zur Mikrofonausstattung der Top-Studios
weltweit und übernahm das Zepter vom
inzwischen eingestellten U 47. Alleine in
den ersten fünf Produktionsjahren wurden
mehrere Tausend Exemplare verkauft. Seine
schaltbaren Richtcharakteristiken, die flexible
Bassabstimmung und ein ebener Fre -
quenzgang machten das U 67 für ein solch
breites Anwendungsfeld nutzbar, dass man
es liebevoll „The Workhorse“ nannte. Viele
der Innovationen dieses Mikrofonklassikers
wurden 1967 für Neumanns nächsten Klas -
siker übernommen: ein Transistor mikrofon
namens U 87.
Weitere Informationen: www.neumann.com
Lang Lang, weltweit als erfolgreichster und
populärster Konzert-Pianist anerkannt, hat
mit seinem Talent und Charisma Millionen
Men schen für das Klavierspiel begeistert.
Allein in China wird dem Lang-Lang-Effekt
zugeschrieben, über 40 Millionen Kinder
zum Klavierlernen ermuntert zu haben.
Seine Lang Lang Klavierschule für Kinder ist
nun auch in deutscher Sprache erhältlich.
Sie ist der neue Weg für junge Einsteiger,
mit dem beliebtesten Konzert-Pianisten
Klavier spielen zu lernen. Lang Lang hat sie
speziell für Kinder entwickelt, um seine Lei -
denschaft für das Klavierspiel mit ihnen zu
teilen. Er hat seine enorme Fachkompetenz
und Erfahrung in diese Lehrmethode einfließen
lassen mit dem Ziel, die motorischen
Fertigkeiten und die musikalische Aus -
drucks fähigkeit von Beginn an zu fördern.
Die kindgerechte Aufmachung mit vielen an -
sprechenden, vierfarbigen Illustrationen und
Lang Lang als Cartoon-Figur, die junge Pia -
nisten Schritt für Schritt durch die einzelnen
Lektionen führt, erleichtern den Zugang zu
Lang Langs persönlicher und aufregender
Welt des Klavierspiels. So erleben Kinder mit
ihm außergewöhnliche Piano-Abenteuer, ob
auf einer Reise nach Afrika oder China, bei
einem Feuerwerk oder Drachenboot-Rennen
oder sogar im Weltall auf fernen Galaxien!
Und das auf eine einzigartige und fantasievolle
Weise:
Schritt für Schritt, in drei Bänden und mit
online verfügbaren Hörbeispielen, auch zum
Download. Von Anfang an gibt es viel auf
der Klaviertastatur zu entdecken. Die lustigen
und einfallsreichen Klavierstücke fördern die
gleichberechtigte Entwicklung beider Hände,
bereiten Spaß und Vergnügen und stärken
die innere Vorstellungskraft.
Begleitende Audiobeispiele mit exklusiven
Ein spielungen von Lang Lang selbst fördern
den Lernprozess. Praktische Anwendungen
der musiktheoretischen Inhalte sowie Lang
Langs Aufnahmen von klassischen Werken
für Kinder tragen entscheidend zur Ent fal tung
der Musikalität bei.
Band 1 führt den Klavieranfänger an die
ersten Fünf-Finger-Lagen über die gesamte
Tas tatur heran. Bereits auf den ersten Seiten
spielen beide Hände gleichberechtigt; eine
entscheidende Unterstützung für die Ent wick -
lung der Fingergeschicklichkeit und der Un -
abhängigkeit der Hände. Notenlesen wird
gefordert und gefördert. Und zum krönenden
Abschluss steht online eine Urkunde zur
Verfügung, die der Klavierlehrer unterzeichnen
kann.
Band 2 führt die Methodik von Band 1 konsequent
fort, erweitert den Tonraum auf
eine Oktave, widmet sich der Vertiefung von
Achtelnoten, Dynamik und Artikulations tech -
n iken. Neu eingeführt werden Vorzeichen,
Daumenuntersatz, Fingerübersatz, Tonleitern
und Tonarten.
Band 3 erscheint voraussichtlich zur Frank -
furter Musikmesse im April 2017.
Band 1 | Online Audio | DIN A4 Querformat |
44 Seiten | 12,95 Euro
20194G | ISBN-13: 978-3-943638-25-7
Band 2 | Online Audio | DIN A4 Querformat |
48 Seiten | 12,95 Euro
20195G | ISBN-13: 978-3-943638-26-4
BAND 3: Online Audio | DIN A4 Hochformat |
60 Seiten | 12,95 Euro
20196G | ISBN-13: 978-3-943638-27-1
Weitere Infos: www.alfredmusic.de
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

58
iOS- & USB-AUFNAHMELÖSUNGEN FÜR MUSIKER
DIE WELT IST DEIN STUDIO.
»Halte den Moment fest,
anstatt dich nur an ihn zu erinnern.«
JOST NICKEL
JOST NICKEL FILL BOOK
Jost Nickel, seit 2006 Drummer bei Jan Delay & Disko No. 1,
ist einer der Top-Session- und Tour-Drummer Deutschlands
und gehört zur aktuellen „goldenen Generation“ deutscher
Schlagzeuger. Freunde und Kollegen wie Benny Greb, Marco
Minnemann oder Anika Nilles (übrigens eine seiner Schü -
ler innen) sind mit seinem Namen in einem Atemzug verbunden
– alle stehen sie für wegweisendes, modernes Drumming
der absoluten Weltklasse.
Mit dem JOST NICKEL FILL BOOK legt Jost sein zweites
Lehrwerk für Drummer vor. Widmete er sich in seinem er -
folgreichen Erstlingswerk noch dem Thema Groove, so steht
sein neues Werk ganz im Zeichen von Fills.
In klaren Schritten stellt Jost universell einsetzbare rhythmische
Konzepte in verschiedenen Schwierigkeitsgraden vor,
zeigt Orchestrierungsideen, Phrasierungsmöglichkeiten sowie
Dynamik- und Akzentuierungsübungen.
Eine Fülle verschiedener Fill-Konzepte präsentiert Jost in diesem
Buch für alle diejenigen, die eine Entdeckungsreise in
die weite Welt der Fills unternehmen wollen.
„Mein FILL BOOK soll Freude bereiten und inspirieren“, sagt
Jost, „und zum grundlegenden Verständnis der theoretischen
Grundlagen der jeweiligen Fills beitragen, um dich in die Lage
zu versetzen, dir eigene Fills auszudenken“.
Er widmet sich den verschiedenen Subdivisions, die für das
Spiel von Drum-Fills entscheidend sind, und präsentiert
Fills für gerade Grooves sowie Fills für Shuffle-Grooves.
„Ideen wie Switch & Path Orchestration, Diddle Kick, Clock -
wise & Counterclockwise-Spielweise werden dein Spiel ebenso
bereichern wie Step-Hit-HiHat, Hand & Foot-Rolls, Cymbal
Choke, Stick-Shot und vieles mehr.“
Dem JOST NICKEL FILL BOOK liegt eine MP3-CD bei, für die
Jost viele Fills in verschiedenen Tempi eingespielt hat. Zu -
sätzlich finden sich online zwanzig Videos, die alle Fills zeigen,
bei denen es hilfreich ist, den Bewegungsablauf zu sehen.
Eine 12-seitige Beilage mit Lesetexten rundet das Konzept
des JOST NICKEL FILL BOOK ab.
Buch & MP3-CD | DIN A4 | 144 Seiten | Online Videos |
Beilage Lesetexte | 21,95 Euro
Best.-Nr.: 20256G | ISBN-13: 978-3-943638-94-3
Weitere Informationen: www.alfredmusic.de
Ob du deine ersten Inspirationen sammelst, mit Ideen ex -
pe ri mentierst, Probeaufnahmen machst oder Live-Auftritte
in Stereo aufnimmst, MOTIV iOS- und USB-Mikrofone sind
die einfache, intuitive Lösung für Musiker, um professionelle
Audioaufnahmen zu erzielen – egal wo. Das kompakte Vin tage-
Design in Kombination mit komfortabler Anschluss möglich -
keit sorgt dafür, dass du überall aufnehmen kannst – in
deinem Wohnzimmer, im Proberaum, Heimstudio oder im
Club. Einfach zu bedienende Kontrollfunktionen und Moni -
toring via Kopfhörer bieten maximale Flexibilität, während
die kostenfreie ShurePlus MOTIV iOS App die Aufnahme
und Bearbeitung dank der Kontrolle von Gain, EQ, Kom -
pression und Co. zusätzlich erleichtert. Mit den MOTIV iOSund
USB-Mikrofonen verpasst du garantiert keinen großartigen
musikalischen Moment mehr, halte ihn einfach direkt
auf deinem iPhone, iPad, iPod, Mac oder PC fest. Für alle
Musiker, die bessere Klangqualität suchen, unabhängig davon,
wo ihre Musik sie hinführt.
Weitere Informationen: www.shure.de
MV88 IOS STEREO-KONDENSATORMIKROFON
Das digitale MV88 iOS Stereo-Kondensatormikrofon bietet
Musikern unübertroffene Performance und hochwertige
Audioaufnahmen on-the-go. Einfach direkt an dein iPhone,
iPad oder iPod einstecken, deine Audio- oder Video-Auf -
nahme-App betätigen und schon kannst du Stereo-Aufnah -
men in Live-Qualität machen. Du kannst deinen Sound
auch mit der kostenfreien ShurePlus MOTIV App kontrollieren
und mit Stereo-Aufnahmewinkel, Richtcharakteristiken,
EQ und mehr experimentieren.
• Recorden, Editieren und Teilen von Aufnahmen über
die kostenfreie ShurePlus MOTIV App
• Lightning-Anschluss – einfach direkt an dein iPhone,
iPad und iPod einstecken und fertig
• Kompatibel mit führenden iOS-Audio- und Video-Apps
• Mikrofonelement ist schwenk- und drehbar und lässt
sich damit optimal für jede Aufnahmesituation (inkl.
Video) ausrichten
• Anpassbarer Stereo-Aufnahmewinkel, Richtcharak teris -
tik (bidirektional, Niere) und MS-Stereo-Einstellungen
• Kein Kabel notwendig – einfach via Lighnting-An schluss
direkt an dein iOS-Gerät anbringen
• Live-ähnliche Stereoaufnahmen dank MS-Stereo
• Mikrofonelement um 90° dreh- und schwenkbar für
optimale Stereo- oder Mono-Positionierung
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PRODUKT-NEWS 59
SS-CDR250N
NETZWERKFÄHIGER SOLID-STATE-/CD-AUDIORECORDER
TM-AR1– REFLEXIONSFILTER
Das Reflexionsfilter TM-AR1 hilft Ihnen, ein trockenes
Mikro fonsignal für Ihre Aufnahme zu erhalten. Es absorbiert
Schall, der normalerweise in Ihrem Raum reflektiert und
zum Mikrofon zurückgelangt, während es zugleich Um -
gebungsgeräusche darin hindert, das Mikrofon von hinten
und von den Seiten zu erreichen. Das Ergebnis ist ein viel
trockener und klarerer Klang, der sich leichter weiterbearbeiten
lässt.
Der netzwerkfähige Solid-State-/CD-Recorder und -Zu spieler
SS-CDR250N bietet eine Vielzahl von Steuerungsmöglich -
keiten für professionelle Anwendungen etwa in Sende an -
stalten oder in der Festinstallation. Er zeichnet im WAV- und
MP3-Format auf SD/SDHC/SDXC- und USB-Sticks oder im
MP3- und Audio-CD-Format über ein platzsparendes Ein -
zugs laufwerk auf CD auf. Da der Recorder in der Lage ist,
sich über ein Netzwerk mit einem FTP-Server zu verbinden,
kann er Dateien nach der Aufnahme automatisch hochladen
oder Dateien für die Wiedergabe herunterladen. Die
Zeitsynchronisation über SNTP ist ebenfalls möglich.
Im Vergleich zu herkömmlichen Recordern bietet der SS-
CDR250N mit seinen zwei SD-Kartenschächten mehr Sicher -
heit für Ihre wertvollen Dateien. Er kann während der Auf -
nahme Sicherungen auf der zweiten Speicherkarte erstellen
oder zur zweiten Karte wechseln, sobald die Kapazität auf
der ersten Karte zur Neige geht. Zudem schließt er Dateien
automatisch, wenn während der Aufnahme der Strom ausfällt,
damit nicht die gesamte Aufnahmesitzung verloren ist.
Der SS-CDR250N lässt sich auf verschiedene Weisen steuern:
Die Fernbedienung RC-SS150 bietet eine komfortable
Oberfläche mit LC-Farbdisplay und 12 Sofortstart-Tasten.
Zudem gibt es eine eigene App für iOS- und Android-Geräte,
mit der man den Transport steuern und verschiedene Ein -
stellungen vornehmen kann. Oder Sie nutzen die serielle
und Parallelschnittstelle, um den Recorder in vorhandene
Umgebungen zu integrieren.
Für Audioverbindungen stehen symmetrische und unsymmetrische
Analogein- und -ausgänge sowie koaxiale SPDIFund
AES/EBU-Digitalein- und -ausgänge mit Abtastratenwandler
zur Verfügung. Eine optionale Dante-Interfacekarte bietet
einen zweikanaligen Ein- und Ausgang für Dante-Audio netz -
werke.
Weitere Informationen: www.tascam.eu
Die Installation des TM-AR1 ist einfach. Mithilfe von zwei
robusten Schrauben können Sie ihn an Ihrem Mikrofon-
Bodenstativ befestigen. Zwei verstellbare Mikrofonhalte run -
gen mit unterschiedlicher Länge sind im Lieferumfang enthalten,
sodass Sie Ihre elastische Aufhängung oder Klam mer
mit einem beliebigen Mikrofon darauf befestigen können.
Der Abstand zwischen der Halterung und der Rückseite lässt
sich verstellen. Sie können das Mikrofon auch am Arm Ihres
Galgenstativs befestigen, wenn Sie flexibler sein wollen.
Faltbare Flügel sparen Platz, wenn der Reflexionsfilter nicht
im Einsatz ist, und erlauben Anpassungen je nach Umgebung.
TM-280 – GROSSMEMBRAN-KONDENSATORMIKROFON
dafür, dass das TM-280 die erwünschte Schallquelle er fasst,
während es den außerhalb der Achse eintreffenden Schall
unterdrückt.
Tascam TM-280Das TM-280 ist das Topmodell in der Reihe
der Tascam-Mikrofone und bietet einen satten, warmen und
klaren Klang mit geringem Rauschpegel. Sein weiter Frequenz -
bereich mit einem leicht angehobenen Hoch ton bereich ist
ideal für die präzise und angenehme Re pro duktion von Ge -
sang, akustischen Saiteninstrumenten, Blech bläsern und
anderen Schallquellen in Ihrem Heim- oder Projektstudio.
Ein schaltbares Tiefenfilter ermöglicht es, durch Absenken
unerwünschter Tiefenanteile die Klarheit einer Aufnahme zu
erhöhen oder den Nahbesprechungseffekt zu verringern.
Zudem gibt es einen Schalter, um den Ausgangspegel ab -
zusenken und damit das Risiko von Verzerrungen zu minimieren,
die durch übermäßig laute Geräusche entstehen
könnten. Und die nierenförmige Richtcharakteristik sorgt
Das TM-280 ist ein Kondensatormikrofon im Gegensatz zu
dynamischen Mikrofonen, die in der Regel bei Live-Auf trit ten
genutzt werden. Im Gegensatz zu dynamischen Mikrofonen
braucht ein Kondensatormikrofon keinen relativ schweren
Magnet und keine Schwingspule, um Schallwellen in elektrische
Signale umzuwandeln. Stattdessen verwendet es eine
Membran, die an einen elektrischen Kondensator ge koppelt
ist, wo Schwingungen in Kapazitätsänderungen um gewandelt
werden. Dadurch entsteht eine leichte Konstruk tion, mit der
sich ein breiterer und glatterer Frequenzverlauf erzielen lässt.
Um aus den Kapazitätsänderungen ein Signal zu gewinnen,
wird elektrische Energie (hier eine Batterie) benötigt.
Weitere Informationen: www.tascam.eu
AUSSTATTUNGSMERKMALE:
• Reflexionsfilter, das dabei hilft, ein trockenes Mikrofon -
signal für die Aufnahme zu erzielen
• Verhindert akustische Reflexionen durch schallabsorbierendes
Material
• Faltbare Konstruktion spart Platz und erlaubt An pas -
sungen je nach Umgebung
• Kann auf zwei unterschiedliche Weisen an einem Stativ
befestigt werden
• Zwei Halterungen mit unterschiedlicher Länge
• Position des Mikrofons lässt sich anpassen
• Gewindedurchmesser der Befestigungsschraube: 5/8
Zoll (15,875 mm)
• Adapterschraube 5/8 Zoll auf 3/8 Zoll im Liefer umfang
enthalten
• Abmessungen (B × H × T): 400 mm × 320 mm ×
260 mm
• Gewicht: 3 kg
Weitere Informationen: www.tascam.eu
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

60 PRODUKT-NEWS
IBANEZ JEM 30TH ANNIVERSARY LIMITED EDITION
mal 18 mm Stärke unter dem Sattel bietet der Hals darüber
hinaus die perfekte Rennstrecke für virtuoses Shredden.
Nicht zuletzt sind die Bünde 21 – 24 scalloped, um auch
Licks in hohen Lagen ein angenehmes Handling zu verleihen.
IBANEZ EDGE TREMOLO
Wie es sich für eine echte Shredder-Gitarre gehört, ist die
Ibanez JEM777-LG Lochness Green außerdem mit dem
bewährten Ibanez Edge Tremolo ausgestattet, das dank
Double-Locking-Aufbau selbst die härtesten Einsätze des
Whammy Bar einsteckt, ohne dass sich die E-Gitarre verstimmt.
Hierbei überzeugt das System außerdem mit der
butterweichen Handhabung. Als Besonderheit bieten außerdem
zwei Tremolo Back Stops dem Ibanez Edge einen festen
Nullpunkt, sodass die JEM auch bei einer gerissenen Saite
in tune bleibt. An der Kopfplatte überzeugen darüber hinaus
Mechaniken von Gotoh mit sahnigem Lauf und hoher
Stimmpräzision.
DIMARZIO EVOLUTION PICKUPS FÜR DEN
TYPISCHEN VAI-SOUND
Als Tonabnehmer kommt auf der Ibanez JEM777 selbstverständlich
die Kombination aus zwei DiMarzio Evolution
Humbuckern und einem Evolution Single Coil zum Einsatz,
Im Jahr 2017 feiern Gitarrenvirtuose Steve Vai und Ibanez
das 30-jährige Bestehen ihrer äußerst fruchtbaren Zusam -
men arbeit. Grund genug für den japanischen Gitarren her -
steller, mit den in Japan gefertigten Ibanez JEM777
Anniversary die ursprüngliche JEM wieder aufzulegen. Am
auffälligsten hierbei sind zweifelsohne die farbenfrohen
Fini shes in Lochness Green, Desert Sun Yellow und Shocking
Pink, die den Vibe der wilden 80s versprühen. Darüber hinaus
bietet die Ibanez JEM777 mit Disappearing Pyramid
Inlays, Monkey Grip, Lion’s-Claw-Fräsung unter dem Edge
Tremolo und DiMarzio Evolution Pickups die typische Aus -
stattung, mit der sie zur Ikone der virtuosen Gitarrenmusik
wurde.
URSPRÜNGLICHE KONSTRUKTION ZUM SHREDDEN
Bei der Konstruktion der Ibanez JEM777-LG Lochness Green
folgt Ibanez den gemeinsam mit Steve erarbeiteten, historischen
Vorgaben aus dem Jahr 1987. Dementsprechend
besitzt die Signature-E-Gitarre einen Linde-Korpus, dem
durch den Monkey Grip und die Lion’s-Claw-Fräsung unter
dem Tremolo die typische Silhouette verliehen wird. Der
geschraubte Hals wird darüber hinaus aus Ahorn mit Sperr -
streifen aus Walnuss gefertigt und trägt ein Ahorn-Griffbrett
mit den typischen Disappearing-Pyramid-Einlagen. Mit seinem
extrem flachen, komfortablen D-Profil mit gerade eindie
von der New Yorker Pickup-Schmiede in enger Gitarren -
arbeit mit Steve Vai entwickelt wurde. Der Evolution Steg-
Humbucker überzeugt dementsprechend mit seinem durch -
setzungsfähigen Sound, der jede Note sauber herausstellt
und mit hoher Mittenpräsenz im noch so dichten Mix durch -
setzt. Sein Pendant am Hals hingegen überzeugt mit einem
fetten, warmen Klangbild, das jedes Solo zum Singen bringt,
ohne dass Definition und Attack untergehen. Ergänzt werden
die beiden Humbucker um den Evolution Single Coil in
der Mitte, der einen modernen Single-Coil-Sound mit glokkiger
Ansprache und hoher Tondefinition liefert. Zur Klang -
rege lung stehen Master-Volume- und Master-Tone-Regler
sowie ein 5-Weg-Schalter bereit.
Erhältlich in Loch Ness Green, Shocking Pink und Desert
Sun Yellow bei Music Store
Bestellung: www.musicstore.de
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

CD-REZENSIONEN 61
THE SOULS
»Eyes Closed«
Nachdenklich und melancholisch führen die sechs Alter -
native-Rocker von THE SOULS durch ihr Debütalbum „Eyes
Closed“. Vorher haben sie als UNDISCOVERED SOULS die
EP-Trilogie „Yellow“, „Purple“ und „Green“ veröffentlicht.
Neuer Name, erste LP: Der Eröffnungstrack „Silver Rain“
erinnert an die frühen Songs von Placebo, die düster-traurige
Stimmung setzt sich bei „Close My Eyes“ fort. „Run
Baby Run“, „Live“ und „Promised Land“ sind poppiger mit
Synthesizer-Klängen, „Cry“ schmalzt Sänger Jay Messerli
fast leidend ins Mikrofon. Die melancholische Grund stim -
mung bleibt in allen zwölf Songs bestehen. Dennoch ist das
Album abwechslungsreich, Messerlis Stimme angenehm,
die Instrumente sind behutsam eingesetzt. Ein vielversprechendes
Debüt der Schweizer Band, von der man sicherlich
noch hören wird. Völlig verdient, dass sie mit ihrem Werk
Platz 3 der Schweizer Album-Charts erreichten.
www.thesouls.ch
J.H.
FLYING CIRCUS
»Starlight Clearing. A Story«
Episch mit imposanten Kirchenorgelklängen startet der erste
Song „The Promise“ auf dem neuen Album von FLYING
CIRCUS, um direkt von harten Gitarrensounds abgelöst zu
werden. So wird ein richtig toller Prog-Rock-Song daraus.
Seit mehr als 25 Jahren sind die fünf Hardrocker im Ge -
schäft, hauen ungebremst progressiv, abwechslungsreich
und hart ihre 16 neuen Songs raus. „More Than One“ könnte
aus den 70ern oder 80ern kommen, weist interessante,
verspielte Keyboard-Soli auf, „No Way Back“ strotzt wieder
vor harten Gitarrenriffs und groovigen Bassläufen. Die Old -
school-Rocker habe es immer noch voll drauf. Das beweisen
sie auch immer wieder live. Deshalb gibt’s das neue Album
als Sonderedition – inklusive einer Live-CD und einer Live-
DVD vom Jubiläumsauftritt 2015, als das 25-jährige Band -
bestehen zelebriert wurde. Dort liefern sie ein Feuerwerk
ihrer Hymnen, Balladen und harten Bretter. Lohnenswert!
www.hardprog.de/band_d.html
J.H.
alltäglichen Lebens. Wie ein guter Tag beginnt auch die CD
mit „Kaffee“, erinnert an längst vergangene Zeiten, als Schla -
ger noch auf allen Radiosendern gespielt wurden. Einen
leicht jazzigen Einschlag hat das beschwingte „Küss mich“,
Titeltrack „Wildes Herz“ ist ruhig und nachdenklich. Julia
Plank zeigt, wie abwechslungsreich ihre Stimme ist – wie
das Leben auch. Und so führt sie sicher durch verschiedene
Emotionen. Am Ende ist man als Hörer tiefenentspannt.
Die Spieluhr beim letzten Lied „Glück“ scheint das zu un -
terstreichen und die vorletzte Zeile könnte auch als Planks
Resümee gelten: „Es ist alles gut, so wie es war.“
www.julia-plank.de
J.H.
RIGHTEOUS KILL
FEAT. ASHONTE „DOLO” LEE
»Live at Conrad Sohm«
ROBERT CARL BLANK
»Fairground Distractions«
Der 1975 in Frankfurt geborene Robert Carl Blank versuchte
sich früh an Arrangements mittels Drum-Computer und
Kassettenrekorder und ließ sich von Frank Zappa beeinflussen.
Sein Debütalbum wurde von Edo Zanki produziert und
Blanks Band eröffnete live für Stars wie Elton John und Eros
Ramazotti. Nach einem USA-Aufenthalt sollte der Blues mehr
Einfluss in Robert Carls Schaffen bringen. Das Album
„Fairground Distractions“ klingt dabei nach Vintage, Blues
und Swing. In Besetzung mit illustrer Instrumentie rung:
Pauken, Geigen, Banjos, Akkordeons. In unserem Kultur kreis
fallen mir nur Fool’s Garden ein, die ähnliche Lied chen zum
Besten gaben. Niedlich, nett, melodisch, wie aus den besten
Zeiten der Beat-Ära. Dabei bleibt Robert Carl Blanks Stil ein
ganz eigener individueller. Die Liebe mit all ihren bittersüßen
Rückblicken ist Inhalt der Geschichten, die hier vertont sind.
Jeder Song ist ein Anspieler und einige davon würden als
radiotaugliche Geschichten hervorragend rotieren. Zwischen
Passenger und Jack Johnson kann Robert Carl Blank ein
bedeutender Platz eingeräumt werden. Heiße Empfehlung!
www.robertcarlblank.de
C.S.
LIONCEAU
»Noble Earth«
Ein abwechslungsreiches Debüt liefert der „kleine Löwe“
LIONCEAU mit dem zehn Track umfassenden Album „Noble
Earth“. Seine Stimme ist angenehm, auch wenn ihr etwas
Charakteristisches fehlt. Die Songs liegen irgendwo zwischen
Folk, Rock, Indie und House. Der Musiker mixt
Akustik-Klänge mit elektronischen Beats und Synthesizern;
einige seiner Lieder sind durchaus tanzbar. „Avatar“ ist ein
schneller Folk-Song, der Titeltrack „Noble Earth“ erinnert mit
den Synthie-Beats an einen Popsong der 90er-Jahre. So
experimentierfreudig ist LIONCEAU auch mit seiner Sym -
biose von Akustik und Elektro.
www.lionceau.de
J.H.
DIE PLANK
»Wildes Herz«
Mit wunderbar sanfter Stimme mit leichtem Soul-Einschlag
streichelt Sängerin Julia Plank die Seele ihrer Hörer. Auf ihrem
Album „Wildes Herz“ singt sie elf Chansons über Themen des
Mit tollem Groove sorgen die Neo-Soul-Musiker RIGHTE-
OUS KILL um „The Voice of Germany”-Teilnehmer Ashonte
„Dolo“ Lee für Stimmung. Die Live-Stimmung kommt beim
Konzertmitschnitt „Live At Conrad Sohm“ hervorragend
rüber. Lee hat eine Wahnsinns-Soul-Stimme und sich mit
der Rhythmusgruppe von „Grand Slam“ professionelle Per -
cussion-Unterstützung geholt. „Everyday“, „Sure Boy“ und
„Prisoner“ vereinen traditionellen Soul, Blues und Funk mit
modernen Hip-Hop- und R’n’B-Elementen. 45 Minuten lang
Dauer-Groove, die nicht nur Soul-Fans Spaß machen!
www.facebook.com/RighteousKillband
J.H.
ENDFIELD
»Right To The Top«
Glyn Brookman, ehemals Drummer der Jan Josef Liefers
Band, stellte nach und nach das deutsch-englische Rock -
projekt ENDFIELD mit einer Reihe erfahrener Musiker zusammen.
2006 erschien die erste Single „Good Timing“. Glyn,
4/16 | 1/17 musiker MAGAZIN

62 CD-REZENSIONEN
jetzt der Mann am Mikrofon, hat an seiner Seite Stefan
Pfaffinger (Bassgitarre), Carsten Enghardt (Drums), Toni
Jablonski (Keys), Sven Hanke aka Doc (Gitarren) – Musiker
von Format. Produziert wurden sie von Fabio Trentini (Guano
Apes, H-Blockx). Die Stadionhymne „The Game“ wird mit den
Raps von Breezy effektvoll angereichert. Die Band selbst
nennt das Motto Full Power Rock & Pop für „Right To The
Top“. Treffender kann das Album mit dem Propellerflieger auf
dem Cover nicht umschrieben werden. „Not Alone“ ist als
herausragende Nummer zu nennen, auch als Single-Aus -
kopplung veröffentlicht. Glyn klingt emotional, handelt es sich
doch um einen persönlichen Song über den Herz infarkt seines
Vaters. Der Song erinnert an Roxy Music in Bestform,
deshalb auch fürs Radio eine Empfehlung. Main stream Rock
aus einem Guss, E-Gitarren dominieren, melodiös mit Glyns
kraftvoller Stimme – das ist der rote Faden auf diesem Album.
www.endfield.de
C.S.
melancholisch angehaucht, gefühlvoll setzt der Gitarrist
sein Instrument ein. Er zeigt die Bandbreite der Gefühls -
welt, ist dabei immer ausdrucksstark. Bei „King Of The
Blues” und „Dreamer” tobt er sich noch mal richtig aus, zieht
die Gitarrensounds, spielt vertrackte Soli, sodass man einfach
mitschmachtet und jeden Ton genießt. Liebhaber solider
Bluesmusik kommen bei dieser CD voll auf ihre Kosten.
www.zedmitchell.com
J.H.
Sein Album „Autumn In Berlin“ lässt jedes Blueser-Herz
höher schlagen. Von Südstaaten-Sound und Rhythm ’n’ Blues
bis Balladen hat die Scheibe alles, was man von einer heißen
Blues-Rock-Scheibe erwartet. Eine hervorragende Produktion
macht jeden Song hörenswert. Dabei ragen Anspielem pfeh -
lungen heraus: „Tears In Blue“, wegen eines Themas wie in
„Still Got The Blues“ von Gary Moore. „Like You Do” wegen
des Downtempo. Blues im Stile eines Billy Gibbons. Als
Favorit kröne ich an dieser Stelle „Blue Heart“, das eine
Knopflersche Kühle mit einer Neon schimmernden Ästhetik
verbindet. So klingt Blues nur von absoluten Könnern, wie
Zed Mitchell einer ist.
www.zedmitchell.com
C.S.
ZED MITCHELL
»Winter In Amsterdam«
ANNA MAE
»Let It Roll«
Vorurteile über die Schweiz gibt es viele: Das Land der
Nummernkonten, des Emmentalers und der dreieckigen
Schokolade mit dem Gipfel. Dabei hat das Land schon
immer eine lebhafte Musikszene, die gar nicht provinziell
ist, sondern vielseitig, multikulturell und lebensfroh. Anna
Mae ist ein zauberhaftes Geschöpf von Sängerin, die sich
im Country und dem Chanson wohlfühlt. Ihre Vorzüge und
Vorlieben hat sie auf eine EP gebannt und zeigt der Welt,
wie die Schweiz musikalisch klingen kann. „Don’t Go Away“
ist ein Country-Song, der mitreißt und an die besten Zeiten
mit einem Johnny Cash zu erinnern vermag. „Lead Me“ folgt
mit ebensolcher Stimmung und Slide-Guitar-Begleitung. „It
Is Love“ ist rhythmischer und umso mitreißender, dezent be -
setzt, aber ungemein groovig. Eine hingebungsvolle Chan son-
Darbietung ist „Redonne-Moi Ton Coer“, wie von Edith Piaf
zelebriert. Dieses kleine feine Album der akademisch ausgebildeten
Musikerin Anna Mae – das ist der Gipfel – ohne
jedes Vorurteil!
www.anna-mae.net
C.S.
ZED MITCHELL
»Springtime in Paris«
Vom ersten Ton bis zur letzten Note überzeugt der Aus -
nahme-Gitarrist Zed Mitchell mit tollem Bluesrock. Er hat
den Groove im Blut und verdient auch Geld damit – „Money
For My Blues“ beweist es. Beschwingt, hüpfend und dennoch
lässig groovt sich Mitchell durch die 13 Tracks seines
Solo-Debütalbums „Springtime in Paris“. Der Titelsong ist
ZED MITCHELL
»Summer in L.A.«
Mit seinem verzerrten, prägnanten Gitarrensound und seiner
Blues-Stimme entführt Zed Mitchell die Hörer seines
Albums „Summer in L.A.“ nach Amerika. In Songs wie „Don’t
Lie To Me“ und „It’s Killing Me“ legt er viel Gefühl. Mal virtuos,
mal melancholisch, doch immer rockig und ausdrucks -
stark zaubert er auf seiner E-Gitarre. Bluesig wird es bei
„All Alone“ und „Silence“ – Gänsehaut ist vorprogrammiert.
Einfach die Augen schließen und die 14 Tracks des Albums
genießen. Ganz leise mit sanftem Groove endet es mit
„Somebody Told Me“. Auch wenn die CD bereits 2010 auf
den Markt gekommen ist, lohnt es sich, ein Exemplar ab -
zugreifen, denn sie darf in keiner Blues-Sammlung fehlen.
www.zedmitchell.com
J.H.
ZED MITCHELL
»Autumn In Berlin«
Zed Mitchell zog es im Herbst nach Berlin. Dieses Album
jedoch entstand 2013 in einem Studio in Essen. Mitchell ist
für Größen wie Phil Collins, Tina Turner und Leslie Mandoki
im Studio gestanden. Der Komponist und Sänger ist wohl
der beste Saitenzauberer in Sachen Blues-Rock diesseits des
Atlantiks. Das bemerkte wohl auch einer seiner Freunde,
kein geringerer als B. B. King, und holte ihn als Support Act.
Als musikalischer Tausendsassa ist Zed Mitchell wohl be -
kannt, darüber hinaus einer der besten Gitarristen Europas.
Seine Stimme umfasse fünf Oktaven, heißt es auf seiner
Seite im Netz. Zwanzig Alben umfasst seine Diskografie.
Auf dem jüngsten Werk beglückt er uns mit einer hervorragend
aufgelegten Band in Blues-Rock-Besetzung. Seine Art
und Weise, den Blues mit Rock zu vermengen, ist in den
70er-Jahren entstanden. Bald schon stand der aus dem
früheren Jugoslawien stammende Gitarrist, Komponist und
Sänger als Support von Deep Purple oder Focus auf den
Bühnen. Er begründete in Belgrad die Schule für Rock-
Gitarre. Alle namhaften Größen des Business hatten ihn ins
Studio geholt: Mandoki, Lindenberg, Ramazotti, Tina Turner
und sogar Pink Floyd machten sich seine Künste zunutze.
Als Support für B.B. King gespielt – geschenkt. Mitchell hat
Lorbeeren, die ihn nicht zum Rasten einladen, reichlich
gesammelt. Doch zum Album: Routiniert, dabei mit viel
Herz und Blues klingt „Winter In Amsterdam“. Das Thema
vom Titelsong erinnert gerne an die Traveling Wilburys.
Etwas rauer klingt Mitchells Stimme hingegen dann doch.
In „One Day At A Time“ demonstriert er Blues-Boogie-
Standard at it’s best. “I Didn’t Forget You“ besticht durch
akustisches Fingerpicking und Bluesfeeling, wie aus dem
Blues Heaven, und erinnert an Eric Clapton. Als Fazit bleibt
hängen: Höchste Ansprüche erfüllt, tolle Scheibe und Mitchell
live schauen!
www.zedmitchell.com
C.S.
JANET M. CHRISTEL
»Three Ships«
„I saw 3 ships come sailing in … on Christmas Day …“,
klingt’s aus glockengleicher Stimme der Sängerin Janet M.
Christel. Im schottischen Dialekt und völlig authentisch hei-
musiker MAGAZIN 4/16 | 1/17

CD-REZENSIONEN 63
matverbunden trägt sie in dezenter Art und originaler Be -
setzung vor. Sie studierte Germanistik und englische Literatur,
und es überkam sie Heimweh, was sie zu Gesang und Rezita -
tion in ihrer Heimatsprache brachte. Ihre Band bildet Chöre
und setzt Gitarre, Ukulele, Akkordeon, Whistles, Querflöte,
Dobro, Saxophon und einen Electric-Upright-Bass ein. Die
Musiker verstehen es, die zentrale Rolle von Janets Gesang
bestens zu transportieren. Das Album ist oft traditionell, mit
nur leichten Pop-Anleihen gefühlvoll umgesetzt. Selten entgehen
mir Details: Hat Cat Stevens etwa „Morning Has Broken“
schlicht von „Child In The Manger“ übernommen? So, wie
dieses wunderschöne Stück, handelt es sich bei den Stücken
auf dem Album weitgehend um Traditionals. Das Album kann
zu besonders feierlichen Abenden gehört und zur besten
Teezeit genossen werden – nicht nur zur Weihnachtszeit.
www.janetmchristel.com
C.S.
Frida Hildebrand kommt die Literatur in Korrespondenz mit
der Klassik aus den Keyboards von POND. Das Album enthält
zwei CDs und trägt den Untertitel Poesie & Klassik. CD 1
mit den Texten zur Musik – vorgetragen von Rundfunk -
sprecher Frank Schröder. Zu den Texten werden unter anderem
bekannteste klassische Werke von Beethoven, Bach
und Grieg gespielt. Auf CD 2 ist die Musik pur enthalten.
„Die Erinnerung ist eine holde Fata Morgana, die uns die
glücklichsten Tage unseres Lebens in verklärtem Lichte
zeigt“, lässt uns die Autorin wissen, so auf dem Cover verewigt.
Ein Kleinod aus dem ganzen Werk, das POND uns
hier präsentiert. Erstaunlich, wie transparent und analog so
eine Darbietung klingen kann! Mit seinen Ideen ist es nicht
verwunderlich, dass POND, das Ein-Mann-Electronic-Projekt
immer mehr Anhänger findet.
www.ponderosa-records.de
C.S.
lege ich die schlichte CD ein und staune nicht schlecht, als
Klänge im Cool-Pop-Stil der 80er erklingen. „Follow Your
Star“ eröffnet und erinnert halb an Marillion und halb an Eric
Carmen. Viel Delay verhilft den Songs zu einer melancholischen
Stimmung. Gitarren heulen von Ferne, Piano pulsiert,
Hammond wärmt, ein Sax überrascht. Synthies bauen sich
analog oder digital auf und ab und transportieren den Song
„Like Desert“. Die Songs schweben – irgendwo zwischen
Kosmos und progressiver Rock-Pop-Attitüde schmeichelnd
– ins Gehör. In seinen besten Momenten wie einst bei Barclay
James Harvest, wie gehört in „After Midnight“. Anspieltipp
wegen des tollen Chorus: „Under My Skin“. Romantik pur
und ein bisschen süßer Bombast.
www.creach.me
C.S.
BERÜHRT BAND
»Here We Are«
Chris Mainfield, Thomas Rittmeyer und Alexander Martin,
zusammen als „Berührt Band“ bekannt, bringen mit „Here
We Are“ ein Mini-Album heraus. Acht Tracks umfasst ihr
neues Werk, enthält Radio- und Unplugged-Versionen. Der
Bandname ist Programm – die Musik berührt. Gefühlvoll,
leicht, einfach schön zum Träumen beginnt der Kurztrip. Bei
„Here We Are” wird tiefe Sehnsucht deutlich, wenn die drei
Musiker „Want to be free“ singen. Dabei plätschert der
Song trotzdem wie ein sanfter Fluss seine 3.45 Minuten
dahin. „We Fly So High” und „Meine Insel” kommen schneller
und fetziger daher, besonders die tollen E-Gitarren-Parts
überzeugen. Insgesamt ein solides Mini-Album, das Freun -
den dezent-rockiger Musik Freude machen wird.
www.beruehrtband.de
J.H.
POND
»Edelweiß«
Das POND-Shuttle ist wieder auf Kurs – in Richtung Zukunft.
Wolfgang „Paule“ Fuchs hat nach seinem meisterlichen
Projekt „Gemälde einer Vernissage“ mit dem Album „Edel-
weiß“ nachgelegt. Hintergrund ist, erneut eine Verbindung
von Kunstformen zu finden. Auf Grundlage eines kleinen,
vergilbten Büchleins mit Prosa der verstorbenen Autorin Elise
GÖTZ WIDMANN
»Sittenstrolch«
Mit gewohnt witzigen Texten und beschwingter Gitarren -
musik singt Liedermacher Götz Widmann davon, dass
Deutsch land mehr Latinas braucht, kotzt sich in bester
Punkmanier über digitalen Burnout aus, erzählt à la französischer
Chanson, wie ihn eine „Burkiniqueen“ fasziniert.
Widmann spricht Gesellschaftliches an, beschreibt All -
tägliches, Humorvolles, Skurriles. Dabei erhebt er nie mahnend
den Zeigefinger, sondern betrachtet es mit einem
Augenzwinkern. Gerade deshalb regt doch mancher Text
zum Nachdenken an. Das Album ist sowohl thematisch als
auch musikalisch abwechslungsreich. Schade, dass die Texte
nicht im Booklet abgedruckt sind. Dafür gibt es aber ein
kleines Poster mit dem grimassenschneidenden Widmann.
www.goetzwidmann.de
J.H.
CREACH
»Decisions«
Ein Gesicht, der Schriftzug CREACH ohne A-Strichlein, nur
als Satteldach, und der Titel „Decisions“. Simpel. Einfach.
Auf das Wesentliche beschränkt. So sieht das Album von
Dr. Olaf Kreichgauer aus. Ob die Informationen bewusst dünn
gesät sind, vom Protagonisten, der Profimusiker laut Info ist,
bleibt sein Geheimnis. Der Aura des Unbekannten folgend,
FALK
»Skizzen«
Hintergründig, nachdenklich, scharfsinnig, humorvoll – Lieder -
macher Falks neues Album „Skizzen“ zeichnet Augen blicke
und Gedanken nach. In „Psychologin“ klagt der Protagonist,
dass sein Frau ihn ständig analysiert, fährt also im nächsten
Song lieber nach Madrid, wo ja alle Deutschen hinfahren,
erlebt aber eine chaotische Reise mit Hanna und Kai. Bei Falk
stehen klar die Texte im Vordergrund, die Gitarre ist eher
Hintergrundgeschrammel. Das ist gut, denn so kommen die
pointierten Formulierungen besser hervor. Obwohl noch
recht jung, muss er sich nicht hinter seinem musikalischen
Ziehvater Götz Widmann oder anderen Liedermachern wie
Hannes Wader, Reinhard Mey oder Bodo Wartke verstecken.
Besonders witzig wird es mit Blasmusik beim „Männer club“,
ruhig und (un-)sinnlich bei „Weihnachtslied“. Mit 16 Lie dern
hat Falk ein weiteres tolles Album hingelegt. Man kann sich
auf mehr freuen.
www.liedermacherfalk.de
J.H.
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„Verlernt zu lieben“
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DIE PLANK
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bilgin.oktay@t-online.de
NIMA LINDNER
„Colours passing by“
VÖ: 21.10.2016
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MICHAEL GEMKOW
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KARL VALTA
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CASSROLL
„Alkohol“
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MAX KERN
„One Man Band“
VÖ: 13.05.2016
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CASSROLL
„Zeig uns“ (Video)
VÖ: 09.10.2015
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GINO SIMONS
„Singen, lachen, tanzen“
VÖ: 30.04.2015
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Verantwortl. Redakteur (V.i.S.d.P.):
Ole Seelenmeyer, os@musiker-online.com
Freie Mitarbeiter und Gastautoren:
Norbert Aping, Simon Colin,
Leonhard Dobusch, Janina Heinemann,
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Layout:
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Lektorat:
Heike Funke
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Musiker Magazin erscheint 4 x jährlich
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ISSN 1618-386X
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