NPHM_Frühjahr 2015

10 JAHRE 

MUSIKWERKSTAT T 

JUGEND 

KONZERTWOCHE 11. – 18. März 2015 

NEUE 

PHILHARMONIE 

NEUE 

MÜNCHEN PHILHARMONIE 

MÜNCHEN 

SINFONIETTA 

KINDERORCHESTER ISARTAL 

www.musikwerkstatt-jugend.de 

www.nphm.info

Die Neue Philharmonie München dankt für die Unterstützung: 

SPIESZDESIGN 

BÜRO FÜR GESTALTUNG 

Elisabeth‘s 

MONATSPROGRAMM 

Kulturmagazin für die oberbayerischen Regionen 

Förderverein des LIONSCLUBs 

Wolfratshausen-Geretsried e.V. 

MTS Incoming and Touristic Services s.l.

ÜBERBLICK – JUBILÄUMSWOCHE 

10 JAHRE |||| MUSIKWERKSTATT JUGEND 

Mi 11. März 2015, 20 Uhr 

Fürstenfeldbruck | Stadtsaal 

Sinfoniekonzert der 

Neuen Philharmonie München 

BARTÓK, Violinkonzert Nr. 2 

Mathieu van Bellen, Violine 

MAHLER, Sinfonie Nr. 4 

Talia Or, Sopran 

Leitung: Yoel Gamzou 

Do 12. März 2015, 20 Uhr 

Wolfratshausen | Loisachhalle* 



JUBILÄUMSKONZERT 

BARTÓK, Violinkonzert Nr. 2 

Mathieu van Bellen, Violine 




Fr 13. März 2015, 19 Uhr 

Icking | Aula der Grundschule 

Konzert des Kinderorchesters 

Isartal und der Sinfonietta 

Werke von Vivaldi, Mozart, Willeitner, 

Elgar, Schubert 

KOOPERATION 

KLANGWELT & MUSIKWERKSTATT 

Sa 14. März 2015, 19.30 Uhr 

Icking | Rilke Konzertsaal 

Internationale Kammermusikreihe 

meistersolisten im isartal 

Klavierabend mit Nareh Arghamanyan 

Werke von Brahms, Schumann, 

Tschaikowsky, Rachmaninov 

KOOPERATION 

MUSIKWERKSTATT & KLANGWELT 

So 15. März 2015, 16 Uhr 

Icking | Rilke Konzertsaal 

Kammermusik mit Mitgliedern 

des Kinderorchesters Isartal 

und der Sinfonietta 

Werke von Bach, Mozart, Schumann, Müller, 

Kreisler, Firsowa u.a. 

Mo 16. März 2015, 20 Uhr 

Grünwald | August-Everding-Saal 

Kammermusik mit Mitgliedern der 


Benefizkonzert zugunsten der Rockola-Stiftung 

Werke von Mendelssohn-Bartholdy, 

Brahms, Mahler 

Mi 18. März 2015, 20 Uhr 

München | Herkulessaal der Residenz* 



Benefizkonzert zugunsten des 

Hilfsfonds Darmkrebs der Felix-Burda-Stiftung 

BARTÓK, Violinkonzert Nr.2 

Gilles Apap, Violine 




*Konzerteinführung: Yoel Gamzou, 19.15 Uhr 

Änderungen vorbehalten!

GRUSSWORT DR. BEATE MERK 

Zum 10-jährigen Bestehen der Musikwerkstatt Jugend gratuliere ich herzlich. 

Was in dieser Zeit für die musische Bildung der Jugend und für unsere klassische Musikkultur geleistet 

wurde, verdient Dank und Anerkennung. Das Kinderorchester Isartal, die Sinfonietta Isartal und die 

Neue Philharmonie München bilden drei Stufen, auf denen musikalische Talente geweckt, gefördert 

und zu großartigen Leistungen geführt werden. 

Die Neue Philharmonie München ist ein Sprungbrett in eine künstlerische Karriere für begabte Musiker 

aus allen Teilen Europas geworden. Darüber freue ich mich besonders. Das Orchester überzeugt 

nicht nur durch professionelle Proben und die Zusammenarbeit mit renommierten Solisten, sondern 

auch durch seinen internationalen Charakter. Junge Menschen aus unterschiedlichen Ländern zu 

gemeinsamen musikalischen Projekten zusammenzubringen, ist eine nachhaltige Förderung von 

Kunst und Kultur. Zudem ist dies ein wertvoller Beitrag zur Verständigung und zum Zusammenleben 

der Völker in Europa. 

Was wäre passender, als das 10-jährige Bestehen der Musikwerkstatt Jugend mit einer Folge von 

Konzerten aller drei Ensembles zu feiern? Einen Höhepunkt bildet dabei das große Benefizkonzert 

der Neuen Philharmonie München im Herkulessaal, dessen Erlös dem Hilfsfonds Darmkrebs der 

Felix Burda Stiftung zugutekommt. Für dieses Engagement danke ich allen Mitwirkenden herzlich. 

Ich wünsche den Besuchern der Jubiläumskonzerte viel Vergnügen, dem Benefizkonzert einen namhaften 

Erlös für den guten Zweck und der Musikwerkstatt Jugend weiterhin eine erfolgreiche Arbeit. 

Dr. Beate Merk, MdL 

Staatsministerin für Europaangelegenheiten 

und regionale Beziehungen 

in der Bayerischen Staatskanzlei.

GRUSSWORT DES OBERBÜRGERMEISTERS DER STADT MÜNCHEN 

Wenn in diesem Jahr die Musikwerkstatt Jugend ihr 10-jähriges Jubiläum feiert, stehen damit 

gleich drei Klangkörper im Fokus, die aus dem Musikleben der Region München längst nicht mehr 

wegzudenken sind. 

Das Kinderorchester Isartal, die Sinfonietta Isartal und die Neue Philharmonie München haben sich 

in den letzten zehn Jahren zu einem Erfolgsmodell entwickelt, das alle Kriterien einer gelungenen 

musikalischen Nachwuchsförderung erfüllt. 

Während in den beiden Klangkörpern für die jüngeren Instrumentalistinnen und Instrumentalisten 

Kinder und Jugendliche aus der Region mit Leidenschaft an das gemeinsame Musizieren und die 

Freude am Orchesterspiel herangeführt werden, hat sich die Neue Philharmonie München inzwischen 

zu einem begehrten Studentenorchester entwickelt, in dem auf eindrucksvollem Niveau viele 

angehende Profimusikerinnen und -musiker aus den verschiedensten Ländern Europas gemeinsam 

anspruchsvolle Programme erarbeiten und national sowie international präsentieren. 

In der musikalischen Arbeit entstehen dabei Begegnungen zwischen Menschen unterschiedlicher 

Herkunft und Kultur, die gerade in heutiger Zeit von unschätzbarem Wert sind, weil sie einmal mehr 

die verbindende Kraft der Musik unter Beweis stellen, die weit in andere Lebensbereiche hineinwirkt. 

Mit den besten Wünschen für ein erfolgreiches Musizieren in den kommenden Jahren gratuliere ich 

der Musikwerkstatt Jugend mit seinen drei Orchestern zu ihrem 10-jährigen Jubiläum und danke 

den Verantwortlichen des Trägervereins, dem Team der Musikwerkstatt sowie allen Dozentinnen 

und Dozenten für ihre engagierte und wertvolle Arbeit. 

Dieter Reiter 

Oberbürgermeister der Stadt München

GRUSSWORT DER ERSTEN BÜRGERMEISTERIN DER GEMEINDE ICKING 

Wir leben in einer kleinen oberbayerischen Gemeinde, eingebettet in die herrliche Voralpenlandschaft, 

umrahmt von Isar und Starnberger See. Zu dieser landschaftlichen Schönheit kommt eine 

nicht minder reiche Kulturlandschaft, die längst überregionale Bedeutung erlangt hat. 

Einer der Eckpfeiler ist dabei unbestritten die „Musikwerkstatt Jugend“, die heuer nicht nur auf ein 

zehnjähriges Bestehen, sondern auch auf große Erfolge und allgemeine Anerkennung verweisen 

kann. Zugrunde liegt die Idee, herausragende musikalische Talente aus der Region auszubilden und 

zu fördern. Sie hilft entscheidend, den talentierten musikalischen Nachwuchs zu entdecken und ihn 

auf seinem dornenreichen Weg zu unterstützen. Entstanden sind hierzu drei, nach Altersgruppen gestaffelte 

Ensembles, geeint und getragen vom gemeinsamen Ziel des Musizierens auf hohem Niveau. 

Dass aus dieser Idee in nur zehn Jahren ein anerkanntes Vorzeigeprojekt geworden ist, stellt den 

Verantwortlichen mit Franz Deutsch an der Spitze ein hervorragendes Zeugnis aus. Ihre konsequente 

Arbeit mit jungen musikalischen Talenten war und ist der Schlüssel zum Erfolg. Auftritte in Icking, 

im Landkreis, aber auch Konzertreisen in andere Länder und Kulturkreise verdeutlichen die hohe 

Wertschätzung aller drei Ensembles. Nicht umsonst zählt die „Musikwerkstatt Jugend“ zu einer der 

arriviertesten Ausbildungsstätten für aufstrebende junge Musikerinnen und Musiker im In- und 

Ausland. Ich bin sicher, dass die verschiedenen Auftritte im Rahmen des Jubiläums dies wieder 

auf eindrucksvolle musikalische Weise unter Beweis stellen werden. Gleichzeitig bestätigen sie die 

Feststellung des ehemaligen Bundespräsidenten Köhler: „Ohne musikalische Bildung wäre unsere 

Gesellschaft nicht nur ärmer – sie wäre in vieler Hinsicht auch schlechter dran“. 

Alle Besucher der Jubiläumsveranstaltungen erwarten wie gewohnt interessante und musikalisch 

hochklassige Aufführungen. In diesem Sinne bleibt mir nur noch, allen Besuchern viel Freude und 

gelungene Konzertereignisse zu wünschen. Ich bin sicher, dass unsere gemeinsame Welt durch die 

Musik, durch das Hören und Zuhören reicher und interessanter wird. 

Margit Menrad 

Erste Bürgermeisterin der Gemeinde Icking

GRUSSWORT DES LANDRATS VON BAD TÖLZ-WOLFRATSHAUSEN 

10 Jahre „Musikwerkstatt Jugend“ – das bedeutet 10 Jahre hochwertiger engagierter Arbeit mit jungen 

musikalischen Talenten aus der Region. Es bedeutet zugleich attraktive und gelungene Konzerte, die 

stets ein breites Publikum gefunden haben. 

Dieses Jubiläum macht aber auch besonders deutlich, wie zukunftsweisend die Idee der Verantwortlichen 

war, mit jungen hoffnungsvollen Musikerinnen und Musikern zu arbeiten. Diese behutsam 

aber doch konsequent fortzuentwickeln und sie in gemeinsamen Auftritten konzertante Erfahrungen 

sammeln zu lassen. Die Auftritte in der Region sowie die verschiedenen Konzertreisen ins Ausland belegen, 

dass der eingeschlagene Weg der richtige ist. Über die drei verschiedenen nach Altersgruppen 

gegliederten Orchester erhalten die jungen Talente ein Podium und können so wertvolle Erfahrungen 

sammeln. Gerade die Arbeit mit jungen Musikern halte ich für besonders wertvoll und der Sache 

dienlicher, als Solisten und Orchester von weither in unseren Landkreis zu Auftritten zu verpflichten. 

Das Regionalprinzip verspricht auch in diesem Bereich längst zu einem Erfolgsmodell zu werden. 

Wenn dieser Weg konsequent weiter beschritten wird, so bin ich sicher, dass die „Musikwerkstatt 

Jugend“ noch viele Jubiläen wird feiern können. 

Josef Niedermaier 

Landrat

GRUSSWORT DES KULTURREFERENTEN DER STADT WOLFRATSHAUSEN 

„Der Wert einer Idee liegt in ihrer Umsetzung“ Thomas Alva Edison 

Vom ersten Funken einer Idee an durchläuft jedes Vorhaben, jedes Produkt, jeder Wunsch viele 

Optimierungsphasen. So auch begann die Musikwerkstatt Jugend e.V. vor 10 Jahren als ein Orchesterprojekt 

für das Oberland. Aus einem Kinderorchester sind drei unterschiedlich autarke Altersstufenorchester 

hervorgegangen. Aus der wöchentlichen Probe sind dedizierte Projektwochen für 

die intensive Förderung des Musikverständnisses entwickelt worden. Aus der anfänglich regionalen 

Orientierung ist die Zusammensetzung der Teilnehmer international geworden. 

Das erforderliche „fine-tuning“ der Idee Musikwerkstatt Jugend e.V. ist ein Dauerprozess. Es beginnt 

mit dem ersten Vorspiel der kleinsten Musiker/innen und läuft weiter, auch wenn so manche Großgewordene 

in das Berufsleben der Musik entlassen werden. Dies ist Engagement im besten Sinne. 

So gebührt den Verantwortlichen der Musikwerkstatt Jugend e.V., insbesondere ihrem Initiator 

und Vereinsvorsitzenden Franz Deutsch, höchster Respekt für ihre fachliche Kompetenz, ihren 

stets steigenden Qualitätsanspruch, sowie für ihr Durchhaltevermögen bei der Umsetzung dieser 

großartigen Idee. 

Die Herausforderungen unserer Zeit mit der Allverfügbarkeit von Musik, Medienüberflutung und nicht 

zuletzt der Höchstgeschwindigkeit des Alltags sind enorm. Dennoch, die besonderen Talente unserer 

Jugend behutsam zu fordern und zu fördern, einen Nährboden für die vielseitige Entwicklung der 

Jugendlichen zu kultivieren sowie ihre Reifeprozesse langjährig zu begleiten, sind auch eine enorme 

Aufgabe. Dieses vielfältige Angebot ist nicht nur eine schöne Nebensache. Diese Art der Kulturpflege 

ist unabdingbar für die Fortentwicklung unserer Gesellschaft in allen Bereichen. Der Wert der Arbeit 

der Musikwerkstatt Jugend e.V. geht über die Musik weit hinaus. Weiter so! 

Alfred Fraas 

Kulturreferent & Stadtrat der Stadt Wolfratshausen

© Sabine Weinert-Spieß

GRUSSWORT DES HILFSFONDS DARMKREBS DER FELIX BURDA STIFTUNG 

Wussten Sie, dass Darmkrebs die einzige Krebserkrankung ist, 

die sich durch Vorsorge verhindern lässt? 

Kein anderer Krebs kann so einfach und wirkungsvoll verhütet werden. 

Deshalb nehmen auch immer mehr Menschen in Deutschland die Präventionsangebote war: Dank 

der Vorsorge-Darmspiegelung konnten in 10 Jahren bereits rund 80.000 Sterbefälle an Darmkrebs 

verhindert werden. Das entspricht in Einwohnern in etwa dem kompletten Stadtteil Bogenhausen! 

Für viele dagegen kommt die Vorsorge noch immer zu spät. 

Sie erkranken an Darmkrebs, durchleiden Operationen und Therapien und geraten dadurch auch 

oft in finanzielle Schwierigkeiten. Denn Gehaltseinbußen auf der einen Seite und zusätzliche Kosten 

auf der anderen, sorgen neben der Erkrankung selbst, für eine zusätzliche Belastung, die für viele 

nicht mehr zu verkraften ist. 

Die Felix Burda Stiftung hilft hier seit Jahren mit ihrem Hilfsfonds Darmkrebs. 

Dieser unterstützt derartige Härtefalle mit kleinen finanziellen Hilfen, so dass wenigstens Strom- und 

Heizkosten wieder bezahlt werden können. 

Mit Ihrem Besuch dieses Benefizkonzertes leisten Sie einen wichtigen Beitrag zu dieser Hilfe. 

Die Erlöse dieses Konzertabends gehen 1:1 an die Betroffenen. 

Daher danke ich Ihnen sehr für Ihre Unterstützung und wünsche Ihnen einen entspannten 

Hörgenuss im festlichen Herkulessaal der Münchner Residenz. 

Herzlichen Dank 

Ihre Christa Maar 

Vorstand Felix Burda Stiftung 

PS: Dieser Online-Test informiert Sie in 2 Minuten über Ihr eigenes Risiko für Darmkrebs 

www.schnellcheck-darmkrebs.de

GRUSSWORT DES VORSITZENDEN DES VEREINS MUSIKWERKSTATT JUGEND E.V. 

Sehr geehrte Konzertbesucherinnen und Konzertbesucher, 

liebe Freunde der Musikwerkstatt Jugend! 

Nach 10 Jahren intensiver Arbeit freue ich mich einerseits über die großen Erfolge und die musikalische 

Entwicklung, die bei allen drei Orchestern vorzuweisen sind, anderseits reflektiere ich, welche 

Beweggründe am Anfang standen, diesen Verein ins Leben zu rufen und wie die Einstellung heutzutage 

zu unserer Arbeit ist. 

Vieles ist in den letzten Jahren geschehen. 

Nicht nur durch den großen Zuhörerzuspruch bei den vielen Auslandsreisen, zuletzt mit der NEUEN 

PHILHARMONIE MÜNCHEN nach China, gewannen wir einen Eindruck, wie groß die Nachfrage 

nach klassischer Musik aus unserem Kulturkreis ist, auch bei JUGEND MUSIZIERT, dem heute allseits 

bekannten Nachwuchswettbewerb zeigt sich eindrucksvoll, wie groß das Interesse an klassischer 

Musik in Deutschland ist. 

Als engagierter Musiker und Pädagoge war mir schon vor vielen Jahren bewusst, dass dieser erfreuliche 

Zustand nicht ohne Aufbauarbeit und Pflege der Musik im Nachwuchsbereich zu erreichen ist. 

Schon damals war die Rede vom überalterten Publikum und mangelnden Interesse bei der jungen 

Generation. 

Der interessierte Konzertbesucher wird hauptsächlich durch eigene, aktive Musikausübung geschaffen. 

Ein wesentlicher Aspekt war für mich die Erfahrung mit Sergio Celibidache, als er bei Antritt seiner 

Verpflichtung bei den Münchner Philharmonikern mehr Probenzeit forderte. 

Dieses Ansinnen, bei höchstem technisch perfekten Können, vor allem auch in die geistige und 

seelische Tiefe eines Werkes einzutauchen, begleitete mich seit Gründung der MUSIKWERKSTATT 

JUGEND bei allen wechselnden Dirigenten, Solisten und Dozenten. 

Mir war es ein Anliegen, gerade das Jubiläumsjahr mit manchen Weggenossen zu feiern, die für mich 

diesen Anspruch abseits von Routine und Dienstausübung erfüllen, um mit ihrem Esprit und ihrer 

unbändigen Begeisterung der Musik im Allertiefsten gerecht zu werden.

So kann die Begeisterung auch an das Publikum weiter gegeben und der unseligen Entwicklung 

Paroli geboten werden, die sich u.a. in der Konzertsaaldebatte, der Begrenzung des B4 Klassiksenders 

oder der Überbelastung unserer Kinder und Jugendlichen durch das 8-jährige Gymnasium zeigt. 

Ich bin mehr denn je davon überzeugt, dass die Arbeit der MUSIKWERKSTATT JUGEND ein kleiner, 

aber notwendiger Schritt für den Erhalt der Klassik in der abendländischen Kultur ist. 

An dieser Stelle möchte ich unserem verehrten, mittlerweile verstorbenen Dirigenten Ulrich Weder 

gedenken, der das Orchester zwei Jahre lang leitete und der gerade trotz seines hohen Alters die 

Lebendigkeit des Musizierens vorlebte. 

Ich wünsche mir, Sie mit unserer Musik zu erreichen und zu begeistern. 

Ihr Franz Deutsch 

Erster Vorsitzender des Vereins Musikwerkstatt Jugend e.V. 

Der Vorstand bedankt sich für den großen Einsatz bei ihren ehrenamtlichen Mitarbeitern: 

Carmen Aringer 

Elisabeth von Campenhausen 

Valerie Dohna 

Sigrid Dumann-Brusis 

Hans Gottwald 

Helga Grundner-Hohenester 

Dr. Adalbert Hohenester 

Dr. Gunther Joppig 

Stefan Kühnel 

Christiane Ludwig 

Renate Meitner 

Sieglinde Schmidt 

Alexandra Schmittmann 

Peter Schulz 

Anke Wätjen 

Dr. Ines Weyer 

Peter Worm 

Thomas Zaneboni 

Ein besonderer Dank des Vorstandes der Musikwerkstatt Jugend e.V. gilt Angela Zahn für ihre 

unermüdliche Arbeit in den vielfältigsten Funktionen, so z.B. langjähriges und immer präsentes 

Vorstandsmitglied, als Notenwart, als treibender Teil bei der sehr aufwendigen Sponsorenbetreuung, 

als Organisatorin und Veranstalterin der Konzerte in Grünwald und nicht zuletzt als großzügige 

Gastgeberin für auswärtige Musiker und wunderbare Köchin. 

Hervorzuheben sei hier auch die ehrenamtliche Gestaltungsarbeit von Sabine und Werner Spieß 

von SPIESZDESIGN. Ihnen haben wir das neue grafische Auftreten mit Logo, Plakaten, Flyern und 

Internetauftritt, sowie Fotos und Filme der Konzerte zu verdanken. Mit ihrer professionellen Gestaltung 

bauten sie uns eine Brücke in eine neue Qualität unserer Orchester, v. a. der Neuen Philharmonie 

München. Auch ihnen möchten wir besonders danken.

VEREIN & ZIEL | KONTAKTDATEN | ORGANISATION 

Der Verein und seine Ziele 

Die Musikwerkstatt Jugend e.V. ist ein gemeinnütziger Verein, der nicht auf die Erzielung von Gewinn 

ausgerichtet ist, sondern sich zum Ziel gesetzt hat, junge musikalische Talente umfassend zu fördern, 

im Wissen, dass Musik die ganzheitliche Entwicklung des Menschen besonders unterstützt. Die Musikwerkstatt 

Jugend bietet ein breit angelegtes Förderkonzept für alle jungen Musiker, d.h. eine differenzierte 

Orchesterarbeit im Kinderorchester Isartal, im Jugendorchester „Sinfonietta” und in der Neuen 

Philharmonie München. 

Grundgedanke ist die breit angelegte Begleitung vom Kindesalter an, die sich mit den entwickelnden 

Fähigkeiten der jungen Musiker ausweitet bis zur Förderung spezieller Begabungen. Neben der professionell 

betreuten Orchesterarbeit werden auch individuelle Maßnahmen bis hin zu Meisterkursen 

angeboten. Renommierte Musiker und Ensembles ermöglichen gezielt die Hinführung zur Kammermusik. 

In der Arbeit mit den Kindern und Jugendlichen wird Musik in ihrer intellektuellen, emotionalen und 

spirituellen Dimension erschlossen und durch eine sensibel geführte Gradwanderung zwischen hohem 

Anspruch an Qualität und Spaß am Musizieren zum spannenden Erlebnis. 

Kontaktdaten 

Musikwerkstatt Jugend e.V. 

Spatzenloh 10, 82057 Icking 

Tel. 08178 / 90 018 

Fax 08178 / 90 89 188 

deutsch@ 

musikwerkstattjugend.de 

Registergericht: 

Amtsgericht Wolfratshausen 

Registernummer: VR 864 

Bankverbindung 


Sparkasse Bad Tölz- 

Wolfratshausen 

IBAN: 

DE 10 7005 4306 0055 3666 45 

BIC: BYLADEM1WOR 

14 

Organisation NPHM 

Franz Deutsch 

Tel. 08178 / 90018 

deutsch@nphm.info 

Corinna Glockzin 

Tel. 08856 / 804 402 

org@nphm.info 


Tel. 08178 / 99 79 172 

sijobrusis@web.de 

Rechnungsprüfer 

Helga Grundner-Hohenester 

Sponsorenbetreuung 

Angela Zahn 

Tel. 089 / 6493 9864 

zahn@nphm.info 


adalbert.hohenester@gmx.de 

Notenwart NPhM 

Kristina Kerestey 

mobil 0152 / 5619 7613 

kris@kerestay.net 

Orchestersprecher NPhM 

Florian Huber 

mobil 0176 / 6187 1285 

flohu9@gmail.com 

Organisation Sinfonietta 

Katharina Susanne Müller 

Tel. 0171 / 260 5639 

katharina.susanne.mueller@ 

gmx.de 

Organisation 

Kinderorchester Isartal 


Tel. 08856 / 804 402 

org@nphm.info 

Mitgliederbetreuung 


Tel. 08178 / 99 79 172, 

sijobrusis@web.de 

Gestaltung / Website 

Spieszdesign Neu-Ulm 

design@spiesz.de 

Tel 0731 / 9726733

VEREINSVORSTAND 

Der Vorstand des Vereins ab 2014 

Franz Deutsch, 1. Vorsitzender 

Franz Deutsch studierte am Leopold Mozart Konservatorium in Augsburg 

Klavier bei Sylvia Hewig Tröscher und Querflöte bei Gedeon Trier. Nach 

erfolgreichem Studienabschluss ging er nach München und absolvierte 

bei Jo Haider ein Aufbaustudium für Jazz und Improvisation, bei Hildegard 

Müller Besemann ein Fortbildungsstudium in Klavierdidaktik und bei Prof. 

Schochow Kurse für Querflöte. 

Ein längerer Asienaufenthalt führte ihn u.a. nach Bali, wo er erste Eindrücke 

der pentatonischen Gamelinmusik erhielt. Er lebt als Musikpädagoge für 

Klavier und Querflöte in Icking. Auf beiden Instrumenten gewannen seine 

Schüler zahlreiche Preise beim Wettbewerb Jugend Musiziert auf Regional-, 

Landes- und Bundesebene. 

Seit 1994 veranstaltet Deutsch regelmäßig Schülerkonzerte, bei denen auch 

ambitionierte Schüler anderer Lehrer auftreten. In diesen 20 Jahren wurden 

von seinen Schülern immer wieder auch Klavierkonzerte mit Orchesterbegleitung 

aufgeführt. Dies führte unter anderem 2005 zur Gründung der 

Musikwerkstatt Jugend e.V., die mit ihrem dreigliedrigen Orchesterangebot 

allen jungen Musikern eine Plattform gibt, sich auch in der Orchestermusik 

zu bilden und dort Erfahrungen zu sammeln. 

Seit 2007 ist er erster Vorsitzender der Musikwerkstatt Jugend e.V. und setzt 

sich sehr ambitioniert für den Nachwuchs ein. Außerdem ist er Jurymitglied 

bei „Junge Stars in Fürstenfeld” in Fürstenfeldbruck. 

Corinna Glockzin, Stellvertretene Vorsitzende 


Katharina Susanne Müller ist Komponistin und Geigerin. Sie wurde 1994 in 

Starnberg geboren. Im Alter von elf Jahren erhielt sie das Hans-Stieber-Diplom 

für ihre Komposition Zahnschmerzenblues für Klavier vierhändig, und 2012 

gewann ihre Sonatine für Violine und Klavier den ersten Preis beim 1. Münchner 

Kompositionswettbewerb für Kinder und Jugendliche. Im gleichen Jahr 

begann ihre Zusammenarbeit mit dem Regisseur Levin Handschuh, seither 

ist sie zunehmend als Komponistin und Performerin im Musiktheater tätig 

und schrieb u.a. die Bühnenwerke Gletscher (Musiktheater, 2013) und Alice im 

Wunderland (gemeinsam mit Samuel Penderbayne, Experimentelles Musical, 

2014). In der Spielzeit 2014/15 wird sie neue Werke für das Londoner „Kreutzer 

Quartet“ um Peter Sheppard Skærved(Kompositionsauftrag der musica 

femina münchen) und den Kinderchor der Bayerischen Staatsoper schreiben. 

Als Geigerin bekam sie ihren ersten Unterricht im Alter von vier Jahren bei 

Jorge Sutil und später bei Prof. Markus Wolf. Nachdem sie 2010 zwei 3. Preise 

Franz Deutsch, 

1. Vorsitzender 


Stellv. Vorsitzende 


15

VEREINSVORSTAND | EHEMALIGE VORSTÄNDE | MITARBEITER 

Winfried Grabe 

(Solo und Kammermusik) beim Bundeswettbewerb Jugend musiziert gewann, 

nahm sie am Deutschen Kammermusikkurs 2011 und 2012 teil, wo sie u.a. 

von den Mitgliedern des Fauré Quartetts und Prof. Angelika Merkle wichtige 

Anregungen bekam. Sie spielt regelmäßig in der „Neuen Philharmonie 

München“, ist Konzertmeisterin und künstlerische Leiterin des „Ensemble 

Eberfing“ – eines Laienensembles mit einem Schwerpunkt auf italienischer 

Barockmusik – und wirkt im „Breakout Ensemble“ mit, das sich zeitgenössischen 

Werken und der Weltmusik widmet sowie zahlreiche interdisziplinäre 

Projekte verwirklicht. 

Derzeit studiert sie an der Hochschule für Musik und Theater München Violine 

bei Dorothea Ebert sowie Komposition bei Prof. Moritz Eggert. 

Winfried Grabe (Vita siehe Seite 58) 

Vorstand / Gründung (2005 – 2007) 

Gerd Michael Herbig, 1. Vorsitzender 

Franz Deutsch, Stellv. Vorsitzender 

Johannes Schempp 

Angela Zahn, Schriftführerin 

Marianne Holzer, Kassiererin 

Vorstand (2007 – 2014) 

Franz Deutsch, 1. Vorsitzender 

Gerd Michael Herbig, Stellv. Vorsitzender 

Angela Zahn, Sponsorenbetreuung 


Prof. Johannes Umbreit 

Hanno Simons 

Katharina Rosenfelder, Orchestersprecherin 

Johannes Zahn, Orchestersprecher 

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ORCHESTERSPRECHER | KOOPERATIONSPARTNER 

Florian Huber, Orchestersprecher-Vertreter 

Florian Huber ist 1992 in München geboren. Bereits im Alter von 5 Jahren 

begann seine musikalische Ausbildung mit Violinunterricht an einer staatlichen 

Musikschule und schon bald darauf die Mitwirkung in verschiedenen 

Kinder- und Jugendorchestern. Nach weiteren künstlerischen Anregungen 

durch Lehrer und Professoren in München und Berlin, wo er freischaffend 

als Bratschist tätig war, studiert Florian nun seit Oktober 2014 Komposition 

bei Prof. Fredrik Schwenk an der hfmt Hamburg. Seit 2008 nimmt Florian 

regelmäßig an den Projekten der Neuen Philharmonie München teil, bei der 

er ab 2010 als Konzertmeister tätig war, bevor er ein Jahr später zur Bratsche 

wechselte. Die enge Verbundenheit und konstruktive Zusammenarbeit mit 

diesem Orchester führten schließlich zur Mitgliedschaft im Vorstand der 


Florian Huber, 

Orchestervertretung 

Orchestersprecher vom Frühjahr 2014 bis Frühjahr 2015 

Florian Huber Viola, Vertreter der Orchestersprecher 

Darius Fischer, Viola 

Johannes Zahn, Violoncello 

Alvar Ceamanos, Violine 

Franziska Döpper, Querflöte 

Fidelis Edelmann, Klarinette 

Leonhard Kohler, Fagott 

Kooperationen der Musikwerkstatt Jugend e.V. 

Neue Philharmonie München: 

Chöre 

Vokalensemble Icking 

Chor St. Benedikt Gauting 

Wolfratshauser Kinderchor 

Arcis Vocalisten 

Vokalensemble Fünfseenland 

Schulen 

Richard Strauss-Konservatorium 

Hochschule für Musik und 

Theater München 

Institutionen 

Festkonzert zum Gedenken des 

Ungarn-Volksaufstandes 1956 

(Konsulat der Republik Ungarn) 

Rotary Club Grünwald 

Justin-Rockola - Soforthilfe e.V. 

Stadt Wolfratshausen 

Rotary4 Hauner 

Gesellschaft macht Schule 

Die Johanniter 

Klangwelt Klassik 

Lionsclub Wolfratshausen- 

Geretsried e.V. 

Aktion 100000 Stadt Ulm 

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SOLISTEN | DIRIGENTEN | DOZENTEN 

Solisten 

Prof. Sonja Korkeala, Violine 

Burkard Jäckle, Querflöte 

Prof. Gitti Pirner, Klavier 

Anne Yumino Weber, Violoncello 

Mona Asuka Ott, Klavier 

Henrik Wiese, Querflöte 

Prof. Hedwig Bilgram, Cembalo 

Katharina Jäckle, Violoncello 

Johannes Zahn, Violoncello 

Eric Ferrand-N Kaoua, Klavier 

Gilles Apap, Violine 

Prof. Alfredo Perl, Klavier 

Sophia Herbig, Violine 

Jozsef Lendvay, Violine 

Anne Solveig Weber, Violine 

Michael Korstick, Klavier 

Ching Ting Jang, Violine 

Wonji Kim Ozim, Violine 

Raphael Paratore, Violincello 

Hanno Simons, Violincello 

Valentina Babor, Klavier 

Johannes Lechner, Violine 

Eric Terwilliger, Horn 

Prof. Jürgen Weber, Viola 

Katharina Rosenfelder, Oboe 

Andrea Secchi, Klavier 

Benedikt Seel, Fagott 

Lionel Wartelle, Klarinette 

Afonso Fesch, Violine 

Franziska Döpper, Querflöte 

Kristina Kerestey, Violine 

Sophia Kraus, Violine 

Sumi Hwang, Sopran 

Benjamin Moser, Klavier 

Clara Baesecke, Violoncello 

Jessica Kaiser, Gitarre 

Jieni Wan, Klavier 

Dirigenten 

Dirigenten der NPhM 

Folko Jungnitsch 2005 – 2007 

Ulrich Weder 2008 – 2009 

Yoel Gamzou 2010 – 2012 

Fuad Ibrahimov ab 2013 

Dozenten 

Violinen: 

Florian Sonnleitner 

Anar Ibrahimov 


Viola: 

Prof. Jürgen Weber 

Manuela Mocanu 

Celli: 

Hanno Simons 

Clemens Weigel 

Gastdirigenten der NPhM 

Philipp Amelung 

Nils Schad 

Prof. Gerhart Darmstadt 

Maria Benyumova 

Prof. Thomas Gropper 

Prof. Johannes Umbreit 

Dorian Keilhack 

Prof. Reinhard Goebel 

Rüdiger Lotter 

Andreas Sczygiol 

Kontrabässe: 

Prof. Matthias Weber 

Frank Reinecke 

Holzbläser: 

Ricardo Döringer 

Jürgen Borchers 

Tobias Vogelmann 

Bettina Faiss 

Lionel Wartelle 

Sinfonietta Isartal 

Gerd Michael Herbig 

Folko Jungnitsch 

Josi Vorbuchner 

Johannes Zahn 



Barbara Hubbert 

Blechbläser: 

Dankwart Schmidt 

Thomas Berg 

Prof. Hansjörg Profanter 

Prof. Jan Schroeder 

Schlagzeug: 

Prof. Dr. Dr. h.c. Peter Sadlo 

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SPONSOREN, FREUNDE UND FÖRDERER | VORSCHAU 2015 

Sponsoren, Freunde 

und Förderer 

AKO Capital AG, Zürich 

Bank Vontobel AG 

Erich und Ute Decker 

Kulturstiftung 

Gemeinde Icking 

Generalkonsulat der 

VR China in München 

Goetheinstitut München 

Hermes Arzneimittel GmbH 

KW AG 

LfA Förderbank Bayern 

Opel Steingraber, 

Holzkirchen 

Raiffeisenbank Isar- 

Loisachtal 

Robert Bosch 

Hausgeräte GmbH 

SVG Bayern AG 

Sparkasse Bad Tölz- 

Wolfratshausen 

Traudl Bergau 

Steinle Wohnbau 

Air China 

Asia-med GmbH 

Blumen Geisler 

Hohenschäftlarn 

Bayerischer Musikrat / 

Förderung internationaler 

musikalischer Begegnungen 

Bezirk Oberbayern 

Busbetrieb Darchinger 

Caroli Dienst 

DB Schenker AG 

Ev. Kirchengemeinde 

Ebenhausen 

Frühwirt Elektrotechnik 

Hans Gottwald 


Dr. Gunther Joppig 

Dr. Hellmut Kirchner 

Dr. Martin und Ulrike Kölsch 

Kulturfonds der Bayerischen 

Landesregierung 

Landratsamt Bad-Tölz 

Gerda Possinger 

Nikola Keim 

MTS Incoming and Touristic 

Services s.l. 

Wolfgang Scharff Geigenbau 

Sieglinde Schmidt 

Alexandra Schmittmann 

Verein zur Förderung junger 

Musiker e. V. 

Klavierhaus Vogel 

München-Wolfratshausen 

Otto und Marianne Zinnecker 

SPIESZDESIGN Neu-Ulm 

VORSCHAU PROJEKTE DER NPHM 2015 

Sommer 2015 

Opernprojekt in Oberammergau 

Giuseppe Verdi (1813-1901) Oper Nabucco 

Ainars Rubikis Leitung 

Christian Stückl Regie 

Fr 3. Juli, 20 Uhr (Premiere) / So 5. Juli, 20 Uhr 

Fr 17. Juli, 20 Uhr / So 19. Juli, 20 Uhr 

Fr 24. Juli, 20 Uhr / Fr 26. Juli, 20 Uhr 

Passionstheater Oberammergau / Oberbayern 

Baku-Reise Herbst 2015 

Konzertreise nach Aserbaidschan zum 

Intern. Music Festival „Uzeyir Hacibeyli“ 

Fuad Ibrahimov Leitung 

Fr 9.10., 20 Uhr, Wolfratshausen / Loisachhalle 

Sa 10.10., 20 Uhr, München / Herkulessaal 

So 11.11., 19 Uhr, Fürstenfeldbruck / Stadtsaal 

Prokofjew, Sinfonie Nr. 1 D-Dur, op. 25 

Konzert N.N. (Blasinstrument solo) 

Beethoven, Sinfonie Nr. 6 op. 68 „Pastorale” 

19

PROGRAMM | SINFONIEKONZERTE 

Die Sinfoniekonzerte 

der Neuen Philharmonie München unter Leitung von Yoel Gamzou 

NEUE 

PHILHARMONIE 

MÜNCHEN 

Mittwoch, 11. März 2015, 20 Uhr * Fürstenfeldbruck | Stadtsaal 

Donnerstag, 12. März 2015, 20 Uhr * Wolfratshausen | Loisachhalle 

JUBILÄUMSKONZERT 

Konzerteinführung mit Yoel Gamzou um 19.15 Uhr 

Mittwoch, 18. März 2015, 20 Uhr ** München | Herkulessaal der Residenz 

Benefizkonzert zugunsten der Felix Burda Stiftung 

Konzerteinführung mit Yoel Gamzou um 19.15 Uhr 

Béla Bartók | Konzert für Violine und Orchester Nr. 2 Sz. 112 

Allegro non troppo 

Andante tranquillo 

Allegro molto 

Pause 

Gustav Mahler | Sinfonie Nr. 4 G-Dur 

Bedächtig, nicht eilen 

In gemächlicher Bewegung, ohne Hast 

Ruhevoll 

Sehr behaglich 


Mathieu van Bellen, Violine * 

Gilles Apap, Violine ** 

20

PROGRAMM | KAMMERKONZERT GRÜNWALD 

Das Kammermusik-Konzert 

der Neuen Philharmonie München unter Leitung von Yoel Gamzou 

Montag, 16. März 2015, 20 Uhr August-Everding-Saal Grünwald 

Benefizkonzert zugunsten der Rockola-Stiftung 

Gustav Mahler | Rückert-Lieder für Mezzo-Sopran und Kammerorchester 

Pihla Terttunen, Mezzo-Sopran 

Librettist: Friedrich Rückert (1788-1866) 

Blicke mir nicht in die Lieder! 

Ich atmet‘ einen linden Duft! 

Liebst du um Schönheit 

Um Mitternacht 

Ich bin der Welt abhanden gekommen 

Felix Mendelssohn-Bartholdy | Streichoktett in Es-Dur, op. 20 

Violine: Artiom Shishkov, Sabine Poiesz, Kristina Kerestey, Monika Koscielna 

Viola: Florian Huber, Bodil Schnurrer | Violoncello: Julia Willeitner, Clara Baesecke 

Allegro moderato ma con fuoco 

Andante 

Scherzo. Allegro legierissimo 

Presto 

Pause 

Richard Strauss | Serenade für 13 Bläser in Es-Dur, op. 7 

Flöte: Martha Flamm, Alice Kremer | Oboe: Fernando Martinez, Alba Yanez 

Klarinette: Franziska Mees, Fidelis Edelmann 

Fagott: Leonhard Kohler, Matthias Delazer, Johannes Stefaniak 

Horn: Aileen Jenter, Berit Kumkar, César Nunes, Amelie Brall 

Andante 

Peter I. Tschaikowsky | Streichsextett in d-Moll „Souvenirs de Florence“ op. 70 

Violine: Therese Mitreuter, Anna Wiedemann | Viola: Alfonso Avitabile, Maria Kaiser 

Violoncello: Jakob Kuchenbuch, Beata Koscielna 

Allegro con spirito 

Adagio cantabile e con moto 

Allegro moderato 

Allegro vivace 

21

WERKEINFÜHRUNG 

Béla Bartók (1881–1945): 

Konzert für Violine und Orchester Nr. 2 Sz. 112 

Allegro non troppo 

Andante tranquillo 

Allegro molto 

© Wikipedia 

Das Jahrfünft von 1935 bis 1939 war eine Hochzeit für Violinkonzerte. Damals 

entstanden in kurzer Folge mehrere bedeutende Werke für Solovioline und 

Orchester, offenbar ohne dass die Komponisten voneinander wussten. Den 

Anfang machten 1935 Alban Berg sowie Sergei Prokofieff mit seinem zweiten 

Konzert. Dann folgten 1936 Arnold Schönberg und 1937 bis 1938 Béla 

Bartók. Von 1938 bis 1939 schrieb William Walton sein Violinkonzert, und 

1939 entstanden schließlich das Konzert von Samuel Barber sowie der erste 

Gattungsbeitrag von Walter Piston. Andere, vergleichbare Zeiträume des 20. 

Jahrhunderts weisen keine derartige Häufung großer Konzerte für die Solovioline 

auf. Zufall, oder lag damals die Gattung des Violinkonzerts in der Luft? 

Da die Komponisten in der Regel vom Klavier herkamen, waren die meisten 

Violinkonzerte Auftragsarbeiten für Virtuosen auf der Geige. So auch im Fall 

des Bartók-Konzerts: der ungarische Violinist Zoltán Székely (1903–2001), der 

mit Bartók befreundet war, bat den Komponisten um ein Werk für die Solovioline 

mit Orchester. Székely hatte selbst Komposition studiert; er schrieb 

aber hauptsächlich Kammermusik und war mit der Orchesterbehandlung 

nicht vertraut. Bartók hingegen stand auf der Höhe seines Schaffens und 

galt als der bedeutendste Komponist Ungarns. Er hatte bereits ein Werk für 

Székely geschrieben, die zweite Violin-Rhapsodie von 1928; umgekehrt war 

Székely als Primarius des Ungarischen Streichquartetts einer der berufensten 

Interpreten von Bartóks Quartetten. 

Als Székely im August 1936 an Bartók herantrat und ihn um ein Violinkonzert 

bat, dachte der Komponist zunächst an ein einsätziges Werk, an einen Zyklus 

von Variationen. Dem Geiger aber schwebte ein dreisätziges Konzert mit der 

traditionellen Satzfolge schnell–langsam–schnell vor, gerade im Gegensatz 

zu den früheren Rhapsodien. Bartók bat sich Bedenkzeit aus und ließ sich 

von seinem Verleger einige neuere Violinkonzerte schicken, um sich mit den 

aktuellen Entwicklungen der Gattung vertraut zu machen. Auf diese Weise 

lernte er das Konzert von Alban Berg aus den Noten kennen. 

Es dauerte ein Jahr, bis der Komponist im August 1937 das Violinkonzert 

ernstlich in Angriff nahm. Die erste erhaltene Notiz dazu sind zwei Themen, 

skizziert auf der Rückseite eines Blatts der fast vollendeten Sonate für zwei 

Klaviere und Schlagzeug. Die Komposition zog sich über mehr als ein Jahr hin; 

erst am Silvesterabend 1938 legte Bartók letzte Hand an das Konzert. Anfang 

22


März 1939 trafen sich Bartók und Székely in Paris zu gemeinsamen Proben; 

der Komponist nahm dabei noch kleinere Modifikationen am Solopart vor. 

Schließlich fand die Uraufführung des Violinkonzerts am 23. März 1939 in 

Amsterdam statt; Willem Mengelberg leitete das Concertgebouw-Orchester, 

und Zoltán Székely war der Solist. 

Der Aufbau des Violinkonzerts verbindet in genialer Weise die Variationenform 

mit der dreisätzigen Anlage und wird daher den Wünschen sowohl Bartóks 

als auch Székelys gerecht. Der Mittelsatz ist der wohl konsequenteste Zyklus 

von Variationen, die Bartók jemals geschrieben hat. Außerdem variieren die 

Themen des Finales die des Kopfsatzes; etwas überspitzt lässt sich sogar der 

gesamte Schlusssatz als eine Variation des ersten Satzes auffassen. 

Das einleitende Allegro non troppo beginnt mit H-Dur-Akkorden in der 

Harfe; manche Kommentatoren weisen dem Werk insgesamt die Tonart 

H-Dur zu, obwohl keine Vorzeichen geschrieben sind. Die Solovioline stellt 

das Hauptthema vor, eine weitgespannte, rhythmisch prägnante Melodie im 

Verbunkos-Stil. Das Thema ist hauptsächlich aus Quarten aufgebaut; durch die 

fast konsequente Vermeidung von Halbtonschritten erhält es einen pentatonischen 

Charakter. Später präsentiert das Soloinstrument noch ein zweites, 

wesentlich ruhigeres Thema aus zwölf verschiedenen Tönen. „Ich wollte 

Schönberg zeigen, dass man alle zwölf Töne verwenden und doch tonal bleiben 

kann“, erläuterte Bartók später dazu. Und in der Tat: durch die Begleitstimmen 

behält das zwölftönige Thema stets die Beziehung zum Grundton A. Auch 

bei einigen nachfolgenden Zwölftonreihen im Orchester geht der tonale 

Bezug nie ganz verloren. Die Exposition endet in F-Dur; so beginnt auch die 

Durchführung, die hauptsächlich das erste Thema verarbeitet und kurz vor 

ihrem Ende das Hauptthema mehrfach in der Umkehrung zitiert. Die Reprise 

folgt frei der Exposition und endet mit einer äußerst virtuosen auskomponierten 

Kadenz. Danach fügt der Komponist noch eine Coda an, die vom 

Soloinstrument eine Reihe äußerst unangenehmer Doppel-, Dreifach- und 

Vierfachgriffe verlangt. Zuletzt schließt der Satz auf der leeren Quint H-Fis. 

Im Mittelsatz Andante tranquillo stellt – nach einem Einleitungstakt des 

Orchesters – die Solovioline das schlichte, fast volksliedhaften Thema aus 

zweimal vier Takten vor. Die Tonart ist G-Dur, aber mit Cis statt C, so dass 

die lydische Kirchentonart entsteht. Von besonderer Schönheit ist die Wiederholung 

der letzten zwei Takte durch das Orchester. Über dieses Thema 

schreibt Bartók sechs Variationen in stets wechselnden Tempi. Auch die Tonart 

bleibt nicht gleich; so scheint die zweite Variation in h-Moll zu stehen, die 

vierte in Des-Dur. Die fünfte Variation Allegro scherzando hat die Funktion 

eines Scherzos inne. Dann folgt noch eine Variation Comodo, in der außer 

dem Soloinstrument nur Streicher und Schlagzeug beteiligt sind; die Bläser 

23


schweigen. In einer Coda zitiert der Solist das Thema vollständig, aber in der 

oberen Oktave. Auch diesmal wiederholt das Orchester die letzten beiden 

Takte, jetzt aber im Pianissimo, und lässt so den Satz leise ausklingen. 

Das Finale Allegro molto beginnt wie ein wilder Tanz. Doch gleich beim 

ersten Einsatz der Solovioline hören wir ein Thema, das ganz klar aus dem 

Hauptthema des Kopfsatzes hergeleitet ist, zum Dreiertakt verändert. Auch 

das zweite Thema aus dem ersten Satz erscheint im Dreiertakt, jetzt aber 

durch Zusatznoten erweitert, so dass der zwölftönige Charakter verlorengeht. 

Bartók begnügt sich nicht damit, die Struktur des ersten Satzes einfach 

nachzuzeichnen, sondern er verarbeitet die Themen auf eine neue Weise. 

Besonders auffällig sind die immer wiederkehrenden Signalmotive aus aufoder 

absteigenden Quarten in den Bläsern. Ursprünglich hatte der Komponist 

geplant, den Solopart 26 Takte vor dem Schluss des Werks enden zu lassen, 

aber Székely bat ihn, das Ganze wie ein Konzert und nicht wie eine Sinfonie 

zu beenden. Bartók ließ sich erweichen und erweiterte den Solopart um 

diese 26 Takte, so dass der Solist und das Orchester bis zuletzt als gleichwertige 

Partner agieren. Das Werk schließt mit einem kurzen, wie abgerissenen 

H-Dur-Akkord im Fortissimo. 

Bartóks Violinkonzert wurde schon bald als eines der wichtigsten Werke für 

die Solovioline im 20. Jahrhundert anerkannt; nicht wenige Kommentatoren 

stufen es als das bedeutendste Violinkonzert seit Brahms ein. Der Komponist 

spielte selbst nicht Geige; umso bemerkenswerter ist es, mit welchem 

Geschick er im Solopart den Möglichkeiten des Instruments gerecht wird. 

Sicher mag der eine oder andere Ratschlag Székelys eingeflossen sein, aber 

im Wesentlichen ist die Solostimme doch Bartóks eigene Erfindung. Auch das 

Orchester ist mit sehr anspruchsvollen Aufgaben bedacht, und insbesondere 

die Harfe hat eine wichtige Rolle inne, fungiert an manchen Stellen sogar wie 

ein zweites Soloinstrument. Für Bartók war das Violinkonzert eines der letzten 

in Europa geschaffenen Werke. Im Jahr nach der Uraufführung emigrierte 

der Komponist nach Amerika, wo noch ein weiteres großes Violinwerk, die 

Sonate für Violine solo, entstehen sollte. 

Székely, Mengelberg und andere Zeitgenossen betrachteten das Konzert als 

das eine und einzige Bartók-Violinkonzert. Nach dem Tode des Komponisten 

1945 fanden sich im Nachlass jedoch die Noten eines weiteren Konzerts 

für die Solovioline, 30 Jahre früher entstanden und nie veröffentlicht. Der 

Nachlassverwalter entschied sich, das ältere Werk als Violinkonzert Nr. 1 

herauszugeben. So avancierte das Konzert von 1939 posthum zu Bartóks 

zweitem Violinkonzert, und das ist es bis heute geblieben. 

24


Gustav Mahler (1860–1911): Sinfonie Nr. 4 G-Dur 

Bedächtig, nicht eilen 

In gemächlicher Bewegung, ohne Hast 

Ruhevoll 

Sehr behaglich 

Die vierte Sinfonie ist die letzte der drei Wunderhorn-Sinfonien von Gustav 

Mahler. Hier, ebenso wie zuvor in seiner zweiten und dritten Sinfonie, verarbeitete 

der Komponist Texte aus der Gedichtsammlung Des Knaben Wunderhorn. 

Mehr noch, Mahler selbst hat geäußert, dass die Wunderhorn-Sinfonien 

gemeinsam mit der rein instrumentalen ersten Sinfonie als „eine durchaus in 

sich geschlossene Tetralogie“ zu verstehen seien, die erst mit der Vierten „ihren 

Abschluss“ fände. 

Die Sammlung von Volksliedtexten, die zwischen 1805 und 1808 in drei 

Bänden unter dem Titel Des Knaben Wunderhorn erschienen war, traf den 

Nerv des romantischen Nationalgefühls zu Beginn des 19. Jahrhunderts. 

Die Herausgeber Clemens Brentano und Achim von Arnim hatten Liebes-, 

Soldaten-, Wander- und Kinderlieder gesammelt, die teilweise bis auf das 

Mittelalter zurückgingen. Inwieweit die Texte authentisch sind und in welchem 

Maße sich die Herausgeber Eingriffe und Nachdichtungen gestattet 

haben, ist bis heute umstritten. Doch hat dies der Beliebtheit der Sammlung 

keinen Abbruch getan, und verschiedene Komponisten – darunter Carl Maria 

von Weber, Felix Mendelssohn Bartholdy, Robert Schumann und Johannes 

Brahms – haben einzelne Gedichte daraus vertont. 

Aber erst bei Gustav Mahler rückte das Wunderhorn ins Zentrum des musikalischen 

Interesses. Schon die Vierzehn Lieder und Gesänge aus der Jugendzeit, ab 

etwa 1880 entstanden, enthielten neun Vertonungen von Wunderhorn-Gedichten. 

Auch das erste der Lieder eines fahrenden Gesellen von 1884-1885 

ging auf einen – vom Komponisten veränderten – Wunderhorn-Text zurück. 

Zwischen 1892 und 1898 schließlich schuf Mahler zwölf Orchesterlieder nach 

Des Knaben Wunderhorn – wenn man Urlicht (zweite Sinfonie), Es sungen drei 

Engel (dritte Sinfonie) und Das himmlische Leben (vierte Sinfonie) mitrechnet, 

sind es sogar fünfzehn. Keinem anderen Dichter, keiner anderen Sammlung 

hat sich Mahler derart intensiv gewidmet wie dem Wunderhorn. 

Was faszinierte den Komponisten an diesen Volksliedern? In einem Gespräch 

mit Ida Dehmel, der Ehefrau des Dichters Richard Dehmel, hat Mahler gerade 

auf die Unvollkommenheit der Gedichte hingewiesen. „Es käme ihm immer wie 

Barbarei vor, wenn Musiker es unternehmen, vollendet schöne Gedichte in Musik 

zu setzen“, so zitierte Ida Dehmel aus der Erinnerung. Die Wunderhorn-Texte 

25


hingegen „seien keine vollendeten Gedichte, sondern Felsblöcke, aus denen jeder 

das Seine formen dürfe.“ Interessanterweise hat sich Mahlers Zeitgenosse Max 

Reger zu seiner oft kritisierten Liedtext-Auswahl ganz ähnlich geäußert. 

Mahler hat seine oft todtraurigen Wunderhorn-Orchesterlieder als Humoresken 

bezeichnet, und ursprünglich sollte die vierte Sinfonie als Gegenstück 

zu den Liedern eine instrumentale Humoreske bilden. „Symphonie Nro IV/ 

Humoreske“ lautet der Titel des wohl frühesten Konzepts. Demnach sollte die 

Sinfonie sechs Sätze umfassen, abwechselnd instrumental und vokal: Die Welt 

als ewige Jetztzeit (G-Dur), Das irdische Leben (es-Moll), Caritas (Adagio) (H-Dur), 

Morgenglocken (F-Dur), Die Welt ohne Schwere (Scherzo) (D-Dur) und zuletzt 

Das himmlische Leben (G-Dur). Sämtliche Texte entstammen Des Knaben 

Wunderhorn. Das irdische Leben („Mutter, ach Mutter, es hungert mich“) ist 

eines der zwölf Orchesterlieder, und hinter den Morgenglocken verbirgt sich 

vermutlich der fünfte Satz der dritten Sinfonie „Es sungen drei Engel einen süßen 

Gesang“ mit dem begleitenden „Bimm bamm“ des Knabenchors. Lediglich Das 

himmlische Leben („Wir genießen die himmlischen Freuden“) ist in der Endfassung 

der vierten Sinfonie verblieben, obwohl der Komponist eine Zeitlang erwogen 

hatte, auch diesen Satz in die Dritte zu verschieben. 

Wenngleich Gustav Mahler sein ursprünglich sechssätziges Konzept der 

Vierten Sinfonie nicht verwirklicht hat, so werfen die Satzüberschriften und 

die Textauswahl doch Licht auf seine Absichten. Das irdische Leben beschreibt 

den Hungertod eines Kindes; Es sungen drei Engel erzählt von der Erlösung 

des Petrus beim Abendmahl, und Das himmlische Leben ist insbesondere 

dadurch ausgezeichnet, dass es keinen Mangel an Essen und Trinken gibt. 

Das Programm ist offensichtlich: Hunger auf der Erde – Erlösung beim Mahl 

– kein Hunger im Jenseits. Die Instrumentalsätze ergänzen und erweitern 

diesen Ablauf: Die Welt als ewige Jetztzeit bereitet die Hungergeschichte vor; 

Caritas verweist darauf, dass Petrus durch seine Liebe zu Gott erlöst wird, 

und Die Welt ohne Schwere ist das Jenseits, in dem niemand mehr Hunger 

leiden muss. In der fertigen Sinfonie sind davon nur der Kopfsatz und das 

Finale übriggeblieben; die übrigen Vokalsätze wurden ausgeschieden, und 

die Mittelsätze stimmen in Tonart, Tempo und Funktion nicht mit dem ursprünglichen 

Konzept überein. 

So entstand eine klassisch viersätzige Sinfonie, wie es schon die Erste gewesen 

war, mit traditioneller Satzfolge. Auf einen Kopfsatz in Sonatenform folgen ein 

Scherzo, ein langsamer Satz und ein Finale. Auch der Umfang der Sinfonie ist 

gegenüber der Zweiten und der Dritten reduziert. In einem Brief an Natalie 

Bauer-Lechner hat Mahler erklärt, die vierte Sinfonie werde insgesamt nur so 

lange dauern wie der riesige Kopfsatz der Dritten. Das ist sicher untertrieben; 

auch die Vierte hat eine Spieldauer von fast einer Stunde. Dennoch ist sie, 

im Gegensatz zu ihren Vorgängern, kein abendfüllendes Werk. Und auch die 

26


Besetzung hält sich im Rahmen, verglichen mit den Riesenorchestern der 

zweiten und dritten Sinfonie. Lediglich eine Schelle fügt Mahler zum ohnehin 

umfangreichen Schlagzeug neu hinzu. Der Vokalpart beschränkt sich auf eine 

einzige Sopranstimme, während in den beiden vorangegangenen Sinfonien 

große Chöre zum Einsatz kamen. 

Die – durchwegs in deutscher Sprache abgefassten – Satzbezeichnungen 

weisen alle auf Ruhe und Gemächlichkeit hin. Der Kopfsatz Bedächtig, nicht 

eilen ist ein regulärer Sonatensatz. Nach wenigen Einleitungstakten der Schellen, 

Flöten und Klarinetten hören wir in den Violinen das Hauptthema in der 

Grundtonart G-Dur, ganz klassisch-melodisch und regelmäßig kadenzierend. 

Die Idylle der Fortspinnung wird nur einmal getrübt, wenn die Klarinetten ein 

scharf kontrastierendes Motiv einwerfen, das an das Kinderlied Es tanzt ein 

Bi-Ba-Butzemann erinnert. Auch das Seitenthema ist melodisch eingängig; 

die Celli stellen es in der Dominanttonart D-Dur vor. Es gibt auch noch eine 

kurze Schlussgruppe, bevor die Schellen und Flöten zur sehr ausgedehnten 

Durchführung überleiten. Hier werden die Themen durch ungewöhnliche 

Harmonien und Instrumentierungen verfremdet, ja bis zur Unkenntlichkeit 

verzerrt, bevor die Reprise, als wäre nichts gewesen, wieder in G-Dur einsetzt. 

Diesmal ertönt der Butzemann in den Violinen. Nachdem alle Themen in der 

Grundtonart erklungen sind, fügt der Komponist noch eine Coda an, die die 

Bewegung fast bis zum Stillstand verlangsamt, bevor eine kurze Stretta den 

Satz zum Abschluss bringt. 

Der zweite Satz In gemächlicher Bewegung hat die Funktion eines Scherzos. 

Die Solovioline, die schon im Kopfsatz gelegentlich vorkam, spielt hier 

durchgängig eine wichtige Rolle, und Mahler verlangt, dass alle Saiten des Instruments 

um einen Ganzton höhergestimmt werden. Dementsprechend ist 

die Stimme in der Partitur um einen Ton tiefer notiert als sie klingt. Eine solche 

abweichende Saitenstimmung nennt man Skordatur; das Verfahren ist seit der 

Barockzeit bekannt. Hier dient die Skordatur nicht der Spielerleichterung, ganz 

im Gegenteil. Der Hauptteil des Satzes steht in c-Moll; der Sologeiger muss 

also b-Moll greifen, eine für Streicher sehr unangenehme Tonart. Dadurch 

entsteht ein schriller, spukhafter Klang, der durch die chromatische Melodieführung 

und die unruhige, ständig wechselnde Instrumentierung noch 

verstärkt wird: „Freund Hein spielt auf“. Ein Hornsignal leitet über zum ersten Trio 

in F-Dur, bei dem die Solovioline schweigt. Die friedliche Ländlerstimmung 

wird durch jähe Signaleinwürfe der Klarinette empfindlich gestört. Dann kehrt 

der c-Moll-Hauptteil variiert wieder. Trompetengeschmetter leitet über zum 

zweiten Trio, wieder in F-Dur und ebenfalls mit kräftigen Klarinettensignalen. 

Ein letztes Mal erklingt der Hauptteil, erst in D-Dur, später in C-Dur, und in 

dieser Tonart schließt der Satz. 

27


Der dritte Satz trägt die Tempobezeichnung Ruhevoll und ist der einzige 

Variationenzyklus, den Mahler je geschrieben hat. Es handelt sich um Doppelvariationen 

über zwei kontrastierende Themen, die abwechselnd variiert 

werden, darin vergleichbar den langsamen Satz von Beethovens Neunter 

Sinfonie. Mahler erreicht ein weiches, üppiges Klangbild durch die vielfache 

Unterteilung der Streicherstimmen. Gleich zu Beginn sind die Bratschen 

und Celli geteilt; die oberste Cellostimme stellt das langsam aufsteigende 

erste Thema in G-Dur vor. Nach und nach kommen die Violinen hinzu, die 

Oboen, die Hörner, die Fagotte, doch alles bleibt leise, verhalten. Nach dem 

Ende des Themas führt die erste Oboe das zweite Thema in e-Moll ein, ein 

klagender Gesang, der sich leidenschaftlich steigert, um wieder ins Pianissimo 

zurückzusinken. Die erste Variation des ersten Themas steht in einem 

deutlich rascheren Tempo; die erste Variation des zweiten Themas hingegen 

behält das ruhige Zeitmaß bei. Dann erklingt die zweite und letzte Variation 

des ersten Themas, die mit mehreren abrupten Tempo- und Taktwechseln 

aufwartet. Der Satz will schon im Pianissimo verklingen, da brechen plötzlich 

E-Dur-Akkorde im Fortissimo des vollen Orchesters herein mit wilden Aufund 

Abwärtsbewegungen der Streicher. Die Hörner schmettern, wie eine 

Vorankündigung, das Hauptmotiv des Finales. Schließlich beruhigt sich die 

Musik doch wieder, und der Satz geht in G-Dur zu Ende, allerdings nicht auf 

der Tonika, sondern auf der Dominante. 

Die Auflösung zur Tonika vollzieht sich erst mit dem Beginn des Finales Sehr 

behaglich. Hier hören wir nun die vier Strophen des Wunderhorn-Lieds vom 

himmlischen Leben, das bei Brentano und Arnim den Titel Der Himmel hängt 

voll Geigen trägt und als Bayerisches Volkslied bezeichnet ist. In kindlich-naiver 

Weise wird eine Vision vom Paradies beschrieben, und Mahler hat gegenüber 

Natalie Bauer-Lechner geäußert, es sei das Kind, das im Finale erkläre, wie alles, 

was sich zuvor ereignet habe, gemeint sei. Zwei der vier Strophen handeln 

vom Essen und Trinken; der Text entstand wohl zu einer Zeit, als die Sorge um 

das tägliche Brot das Leben dominierte. Da werden die Attribute der Heiligen 

– das Lamm Johannes des Täufers, der Stier des Evangelisten Lukas – zu Nahrungsquellen 

umfunktioniert, der Kindermörder Herodes wird zum Metzger, 

Petrus besinnt sich auf seinen Beruf als Fischer, und als Köchin fungiert die 

Heilige Martha – dieselbe, die nach dem Lukasevangelium Jesus bewirtete, 

während ihre Schwester Maria lieber Jesus zuhörte. Aber bei aller Naivität 

ist Mahlers Musik alles andere als simpel oder volksliedhaft. Der Komponist 

setzt das volle Orchester mit differenziertester Instrumentierung ein, schreibt 

aber zugleich ausdrücklich vor, dass die Sängerin äußerst diskret zu begleiten 

sei. Zuletzt verklingt die Sinfonie in E-Dur. Wie bei Haydns Abschiedssinfonie 

beteiligen sich weniger und weniger Instrumente an der Musik, bis zuletzt 

28


ein einsames Kontra-E der Kontrabässe im dreifachen Piano übrigbleibt. 

Mahler hatte das Lied Das himmlische Leben bereits 1892 im Rahmen seiner 

Wunderhorn-Orchesterlieder komponiert. Indem er sich entschloss, dieses 

Lied zum Finale seiner vierten Sinfonie zu erheben, wurde es zum „Keim, aus 

dem die drei Vordersätze erwuchsen“ (Constantin Floros). Der Komponist hat 

während seines Sommeraufenthalts 1899 in Bad Aussee in nur zehn Tagen 

die drei ersten Sätze entworfen. Mit der Ausarbeitung begann er im Folgejahr, 

als er die Sommerpause in Maiernigg verbrachte. Am 5. Januar 1901 legte 

er letzte Hand an die Partitur, und am 25. November 1901 fand in München 

die Uraufführung statt; Mahler selbst dirigierte. Publikum und Fachkritik, die 

ein gewaltiges Riesenwerk ähnlich der Zweiten und Dritten erwartet hatten, 

waren über den bescheidenen Umfang und die reduzierten instrumentalen 

und vokalen Mittel der Sinfonie befremdet und reagierten zurückhaltend bis 

ablehnend. „Technik, Berechnung und innere Verlogenheit, eine kränkliche, abschmeckende 

Übermusik“ konstatierte ein Kritiker, und ein anderer meinte: „Das 

Ausklingen des sinfonischen Werkes in einem Sologesang befriedigte in formaler 

Hinsicht durchaus nicht.“ Zu den wenigen lobenden Stimmen gehörte der 

Mahler-Freund Ernst Otto Nodnagel, der die Uraufführung der Vierten als „das 

erste wirkliche musikalische Ereignis des zwanzigsten Jahrhunderts“ bezeichnete. 

Heute gehört die vierte Sinfonie gerade wegen ihres überschaubaren Umfangs 

und wegen ihrer Abkehr vom spätromantischen Pathos zu den beliebtesten 

Werken Gustav Mahlers. In ihrer klassisch-viersätzigen Anlage entspricht 

sie der ersten, sechsten und neunten Sinfonie; Mahler selbst schrieb, dass 

seine Neunte am ehesten der Vierten an die Seite zu stellen sei. Mehr noch, 

die paradiesische Apotheose des Finalsatzes rückt die Vierte in die Nähe der 

großen Sinfonien von Beethoven und Brahms und scheint einmal mehr den 

Weg „per aspera ad astra“ zu beschreiten. Man sollte freilich nicht vergessen, 

was Theodor W. Adorno in seiner großen Mahler-Abhandlung über die vierte 

Sinfonie und ihr Finale geschrieben hat: „Sie malt das Paradies bäuerlich-anthropomorph 

aus, um anzumelden, dass es nicht sei.“ Und in der berühmten 

Wiener Gedenkrede für Mahler führt Adorno aus: „Kaum ein Thema, geschweige 

ein Satz von ihm, der buchstäblich als das genommen werden könnte, als was er 

auftritt; ein Meisterwerk wie die vierte Sinfonie ist ein Als-Ob von der ersten bis zur 

letzten Note. Musikalische Unmittelbarkeit und Natur wird von dem angeblich so 

naturseligen Komponisten bis in die Zellen der Erfindung hinein in Frage gestellt.“ 

Reinhard Szyszka 

Fotos: wikipedia 

29

DIRIGENT 

Yoel Gamzou– Dirigent 

Von „atemberaubendem Furor“ und dem „vielleicht aufregendsten Beitrag 

zum Hamburger Mahler-Jubiläum“ sprach das Hamburger Abendblatt. Die FAZ 

widmete Yoel Gamzou eine komplette Seite und übertitelte sie: „Unbeirrbar, 

radikal, kompromisslos – Porträt eines genialisch Besessenen“. 

Auch wenn man Superlativen mit größter Vorsicht begegnen muss, steht 

zweierlei außer Frage: dass der 26jährige israelisch-amerikanische Dirigent 

Yoel Gamzou ein singuläres Talent hat und dass er – als stetig Suchender 

seinem Instinkt folgend – konsequent seinen eigenen Weg geht. Der ist eckig 

und jenseits aller Normen. 

Yoel Gamzou wuchs in einer Künstlerfamilie auf, verbrachte seine Kindheit in 

New York, London und Tel Aviv und begann mit vier Jahren mit dem Cellospiel. 

Es war die Entdeckung der Musik Gustav Mahlers im Alter von 7 Jahren, 

die ihn dazu gebracht hat, sich mit 12 Jahren dem Dirigieren zuzuwenden. 

Zu Yoel Gamzous Lehrern gehören Winston Dan Vogel und Piero Bellugi. 

Sein wichtigster Mentor jedoch wurde Carlo Maria Giulini, mit dem Gamzou 

in Mailand bis zu dessen Tode zwei Jahre lang mehrmals wöchentlich 

zusammenarbeitete. 

2006 gründete Yoel Gamzou mit dem International Mahler Orchestra (IMO) 

sein eigenes Orchester, dessen künstlerischer Leiter und Chefdirigent er 

seitdem ist. Es besteht aus sorgfältig ausgewählten Mitgliedern aus über 25 

Ländern und zeichnet sich in seinen Aktivitäten durch einen „demokratischen 

Ethos“ sowie durch innovative Konzert- und Publikumsentwicklung aus. 

30

YOEL GAMZOU 

Im Alter von 19 Jahren wurde Gamzou beim Gustav Mahler-Dirigierwettbewerb 

der Bamberger Symphoniker mit einem Sonder-Förderpreis ausgezeichnet. 

Alle hieraus resultierenden Einladungen zu Gastdirigaten lehnte Yoel Gamzou 

zunächst ab, um sich selbst genügend Zeit zur Weiterentwicklung zu geben. 

Große internationale Beachtung fand im Jahr 2010 die Veröffentlichung von 

Yoel Gamzous Vervollständigung der unvollendeten 10. Symphonie Gustav 

Mahlers (Weiterentwicklung und Realisation der unvollendeten Skizzen). Veröffentlicht 

im Schott-Verlag und uraufgeführt in Berlin mit dem International 

Mahler Orchestra und anschließend auf Tournee, wurde Gamzous Fassung 

von Mahler-Experten, Presse und Publikum mit großem Beifall bedacht. 

Beim Staatsorchester Kassel sprang er 2011 kurzfristig mit Mahlers 9. Sinfonie 

ein. Das von Orchester und Publikum gleichermaßen gefeierte Debut 

führte zu einer sofortigen Wiedereinladung und zur Ernennung zum ersten 

Gastdirigenten. Seit Beginn der Spielzeit 2012/2013 ist Yoel Gamzou Erster 

Kapellmeister und Stellvertretender Generalmusikdirektor am Staatstheater 

Kassel und feierte dort einen umjubelten Einstand mit einer Neuproduktion 

von Fidelio. Nur 2 Monate nach Antritt der Position wurde sein Vertrag bis 

2014 verlängert und im Herbst 2013 um die Saison 2014/2015 erweitert. In 

der Spielzeit 2013/2014 wurde Yoel Gamzou von Publikum und Kritik unter 

anderem für seine Premieren von Rigoletto und Tosca sowie für seine Leitung 

von vier Sinfoniekonzerten hoch gelobt. 

Yoel Gamzou dirigierte Orchester wie das Israel Philharmonic Orchestra und 

die Bamberger Symphoniker, das Mozarteum Orchester Salzburg, die Hamburger 

Symphoniker und die Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken 

Kaiserslautern. Seine kontinuierliche Tätigkeit in Kassel verbindet Gamzou 

mit wenigen gezielten Gastdirigaten, in den kommenden Spielzeiten unter 

anderem bei den Stuttgarter Philharmonikern, dem Belgrade Philharmonic 

Orchestra und dem Philharmonia Orchestra London. 

Im Februar 2012 wurde Gamzou mit dem Berenberg Kulturpreis 2012 ausgezeichnet, 

im März 2013 wurde ihm der Princess Margriet Award der European 

Cultural Foundation verliehen. 

31

SOLISTIN - MAHLER 4. SINFONIE - SPOPRAN 

32 

Talia Or – Sopran 

Talia Or wurde in Jerusalem geboren und wuchs in Deutschland auf. Ihr 

Gesangsstudium schloss sie an der Hochschule für Musik und Theater in 

Hamburg mit Auszeichnung ab. Noch während des Studiums gab sie ihr 

Bühnendebüt als Taumännchen in „Hänsel und Gretel” und als Papagena in 

„Die Zauberflöte” an der Hamburgischen Staatsoper. Am La Monnaie in Brüssel 

debütierte sie im Rahmen des Young Artists Program als Cherubino in „le nozze 

di figaro”. Im Anschluss an ihr Studium wurde sie als Mitglied des Jungen 

Ensembles der Bayerischen Staatsoper München verpflichtet und sang zudem 

als Gast am Staatstheater am Gärtnerplatz. 

Höhepunkte ihrer vielfältigen Arbeit im Konzertbereich waren u.a. Mahlers 

2. Sinfonie unter Zubin Mehta mit dem Israel Philharmonic Orchestra, Bernsteins 

„Mass” unter Ingo Metzmacher mit den Hamburger Philharmonikern, 

Bachs „Weihnachtsoratorium” unter der Leitung von Peter Schreier mit dem 

Orchester des Maggio Musicale Fiorentino und Bach-Kantaten unter Ivor Bolton 

mit dem Bayerischen Staatsorchester. Ihr breit gefächertes Konzertrepertoire 

reicht von Bach über Haydn und Mozart bis Offenbach, Schönberg sowie 

Richard Strauss bis zu zeitgenössischen Komponisten wie Fabio Vacchi und 

führte sie u.a. an namhafte Konzertbühnen wie das OSESP São Paolo, die 

Philharmonie Tel Aviv, das Salzburger Festspielhaus, die Hamburger Musikhalle 

und den Münchner Gasteig. 

Kürzlich feierte sie große Erfolge als Rosalinde in „Die Fledermaus” unter Leo 

Hussain am Landestheater Salzburg, als Frau Fluth in „Die Lustigen Weiber von 

Windsor” beim Festival in Klosterneuburg und als Pamina in „Die Zauberflöte” am 

Teatro Lirico Cagliari. In der Saison 2014/15 wirkt Talia Or in der Neuproduktion 

von Wolfgang Riehms „Jakob Lenz” an der Oper Stuttgart und „La Monnaie” 

mit. Talia Or sang die Rosalinde in der „Fledermaus” unter Leo Hussein am 

Salzburger Landestheater.

SOLISTIN - MAHLER „RÜCKERT-LIEDER” - MEZZOSOPRAN 

Pihla Terttunen – Mezzosopran 

Pihla Terttunen ist eine junge Mezzosopranistin aus Finnland. Sie studiert 

gerade im ersten Jahr des Master-Programms der Operahögskolan in Stockholm 

bei ihrem Gesangslehrer Thomas Lander. 

Im Frühjahr 2014 schloss sie ihr Studium an der University of Applied 

Sciences Metropolia (Helsinki) mit klassischem Gesang als Hauptfach unter 

Sirkku Wahlroos-Kaitila ab. Vor ihren professionellen Studien besuchte sie 

das „Suzuki-Voice-Pragramme“ in Finnland. 

Außerdem hatte sie Gesangsunterricht bei Opernsänger Muka Kares und 

besuchte Meisterkurse u.a. bei Elisabeth Werres, KS Edith Lienbacher und 

Norbert Schmittberg. 

Pihla Terttunen hat an der Metropolia den „Dritten Knaben“ in Mozarts 

Zauberflöte und „Medoro“ in der Produktion „Orlando Furioso“ mit Musik 

von Händel, Caccini und Haydn gesungen und im „Suzuki-Voice-Programme“ 

die Rollen der „Aatu“ in der Oper „Der kleine Roope“ und die der Mutter in 

Kimmo Ruotsalas Märchen-Musical „Schneeweißchen und Rosenrot“ übernommen. 

Im Sommer 2013 wurde sie beim Timo Mustakallio Wettbewerb mit dem 

Eero Rantala Stipendium der Finnischen Kulturstiftung ausgezeichnet. 

33

SOLIST – BARTOK - VIOLINKONZERT NR. 2 – 11.3. UND 12.3.2015 

© Alex Rumford 

34 

Mathieu van Bellen, Violine – Solist am 11. und 12. März 2015 

Mathieu van Bellen wurde in den Niederlanden geboren und begann seinen 

Violinunterricht in Belgien bei Nico Baltussen. Er führte seinen Unterricht bei 

Jan Repko fort, zunächst am Amsterdam Conservatoire, danach an Chethams 

School of Music in Manchester, für das er das Stipendium der VandenEnde-Stiftung 

erhielt. Anschließend ging er an das Royal College of Music in London 

zu Itzhak Rashkovsky und zu Ulf Wallin an der Hochschule für Musik in Berlin. 

Er besuchte Meisterkurse mit Ida Haendel, Shlomo Mintz, Pinchas Zukerman, 

Maxim Vengerov und Bernard Greenhouse. 

Er ist Preisträger des „Yehudi Menuhin-, Wieniawski-, Prinses Christina- und Oskar 

Back-Wettbewerbs” und erhielt den MBF, RPS Emily Anderson Prize, Philharmonia 

Martin Musical Scholarship Fund Awards und Making Music Awards. Ihm wurde 

außerdem der „Bach Prize” und „String Player of the Year 2008-Preis” des Royal 

College of Music verliehen. Er gab bereits Konzerte in Europa, Asien und den 

USA, spielte auf großen Musikfestivals wie den Festspielen MV in Deutschland 

und auf Kammermusikfestivals in ganz Europa. Er erschien mehrfach im Fernsehen 

und Radio und trat in bekannten Konzertsälen wie dem Purcell Room 

am Southbank Centre, Royal Festival Hall London, Concertgebouw Amsterdam, Tel 

Aviv Oper und Megaron in Athen auf, begleitet von Orchestern wie dem Nationalorchester 

von Belgien, dem International Mahler Orchestra, Holland Symfonia, 

Southbank Sinfonia, und der Camerata Athena. Er ist momentan Konzertmeister 

des European Union Youth Orchestra. 

Als Geiger des Busch Ensemble, einem Trio aus London, ist Mathieu ein aktiver 

Kammermusiker. Er spielte zudem bereits Kammermusik mit großen 

Künstlern wie Shlomo Mintz, Michael Collins und Bruno Giuranna. Seine 

erste CD erschien im November 2014 mit Solostücken von Bach, Blaha und 

Bartók. Mathieu spielt auf einer Geige von J.B. Guadagnini (Turin, 1783), die 

ursprünglich von Adolf Busch gespielt wurde und die ihm dank eines privaten 

Stipendiums geliehen wurde, wofür er sehr dankbar ist.

SOLIST – BARTOK - VIOLINKONZERT NR. 2 – 18.3.2015 

Gilles Apap, Violine – Solist am 18. März 2015 

Gilles Apap, von Yehudi Menuhin „der exemplarische Geiger des 21. Jahrhunderts” 

genannt, wird weltweit nicht nur wegen seiner virtuosen Interpretationen 

von Standardwerken der klassischen Geigenliteratur geschätzt, sondern 

auch aufgrund seines sinnlichen, völlig gelösten, dabei hoch intensiven 

Musizierens, das jeden unmittelbar anspricht und mitnimmt in die Freude 

an der Musik – sei sie von Bach, Mozart und Ravel oder Traditionelles aus 

Europa, Amerika oder Indien. 

1963 in Algerien geboren und in Nizza aufgewachsen, war Apap Schüler 

von André Robert, Gustave Gaglio und Vera Reynolds. Mit 19 Jahren beendete 

er seine Ausbildung mit besonderer Auszeichnung und war Stipendiat 

verschiedener großer Kunststiftungen. Anschließend ging er nach Amerika 

zum Curtis Institute of Music, war bis 2003 Konzertmeister des Santa Barbara 

Symphony Orchestra und lebt seitdem in Kalifornien. 

Als er 1985 den Internationalen Yehudi Menuhin-Wettbewerb in der Kategorie 

„Zeitgenössische Musik” gewann, wurde Menuhin auf ihn aufmerksam. Daraus 

entstand ein freundschaftlicher Kontakt, der bis zum Tode Menuhins 

andauerte. Gemeinsam arbeiteten sie noch kurz vor Menuhins Tod an einem 

Film über Mozarts 3. Violinkonzert, in deren 3. Satz Apap jene inzwischen 

legendäre Kadenz spielt, die Menuhin faszinierte und zu dem gemeinsamen 

Filmprojekt inspirierte. 

Heute arbeitet Apap als Solist und zunehmend auch als musikalischer Leiter 

und Dirigent mit Orchestern in ganz Europa, Nord- und Südamerika sowie 

dem nahen und fernen Osten und hat Konzert-Tourneen in Kanada, Nord- und 

Südamerika, Japan, Israel, Skandinavien, Frankreich, Portugal, Spanien, Italien 

und Deutschland unternommen. Der Film über Gilles „Apap Masala – Ein 

Musiker auf Reisen“ ist als DVD erschienen. 

35

DAS ORCHESTER 

NEUE 

PHILHARMONIE 

MÜNCHEN 

© Weinert-Spieß 

Neue Philharmonie München 

Die Neue Philharmonie München hat sich seit ihrer Gründung 2005 zu einem 

der meist beachteten jungen Orchester der Region München entwickelt 

und wurde im Lauf dieser Zeit zum Medium einer professionell ausgerichteten 

Vorbereitungszeit. 17- bis 30-jährige besonders begabte junge Musiker, 

darunter v.a. Jungstudenten und Studenten von Musikhochschulen aus 

ganz Deutschland und dem europäischen Raum, schätzen die vielseitigen 

Orchesterprojekte mit Konzerten im In- und Ausland, in denen sie u.a. von 

erfahrenen Hochschulprofessoren und Mitgliedern des Symphonieorchesters 

des Bayerischen Rundfunks an die Kompetenz und Qualifikation des Orchestermusikerberufes 

herangeführt werden. 

Die Förderung von Nachwuchsmusikern durch erfahrene Solisten und Experten 

ist Teil des Konzeptes der Musikwerkstatt Jugend e.V., für das sie 2006 

den Tassilo-Kulturpreis der Süddeutschen Zeitung erhielt. 

Dieses überregionale Orchester arbeitet projektweise und tritt regelmäßig u.a. 

im Herkulessaal in München, in weiteren deutschen Städten und im Ausland 

auf. Dabei sei besonders die Teilnahme an dem Internationalen Musikfestival 

in Baku/Aserbaidschan im Herbst 2013 hervorzuheben. Konzertreisen nach 

Italien, Frankreich, die Schweiz und China gehören zum Programm. 

Die Herbstkonzerte 2014 in München und Wolfratshausen erfolgten auf eine 

erlebnisreiche Konzertreise durch China. Mit ihrer Solistin, der Pianistin Jieni 

Wan, spielte die Neue Philharmonie München Chopins 1. Klavierkonzert. 

Des Weiteren standen Brahms „Variationen zu einem Thema von Hadyn” und 

Beethovens 3. Sinfonie „Eroica” auf dem Konzertprogramm. 

Im Konzert in Fürstenfeldbruck begleitete die NPhM die „Jungen Stars”, so 

auch die Musicalsängerin Sophie Mefan. 

36

KONZERTREISEN DES ORCHESTERS 

Die Neue Philharmonie 

München in China 

unter Leitung von 

Fuad Ibrahimov, 

Herbst 2014. 

© Barbara Doll 

Konzertreise 2014 nach China 

Im Herbst 2014 ging die Neue Philharmonie München nach einer intensiven 

Probenphase in München auf 10-tägige Konzertreise nach China. Mit ihrer 

Solistin, der Pianistin Jieni Wan, spielte die Neue Philharmonie München im 

Konzertsaal der Tongji-University Shanghai, dem Neuen Konzertsaal von Taicang 

und in der Beihang University Beijing. Zeit für Besichtigung der Städte Shanghai, 

Taicang sowie Peking blieb den Musikern auch. Sie besuchten die „Chinesische 

Mauer”, die „Verbotene Stadt” und besichtigten die Skyline Shanghais. 

Konzertreisen 2013: Italien, Schweiz und Aserbaidschan 

Im Frühjahr 2013 ging die Neue Philharmonie München auf Konzertreise 

nach Italien und in die Schweiz. Unter Leitung von Dorian Keilhack 

spielten sie in Rom, Latina und Altdorf Konzerte mit Beethovens Sinfonie 

Nr. 7, Wagners „Siegfriedidyll” und das Cello-Konzert Nr. 1 von Haydn. Solistin 

war die 17-jährige Clara Baeseke aus München. Im Juni wurden in Oberammergau, 

zu den dortigen Festspielen, und im Everdingsaal in Grünwald weitere 

Konzerte mit diesem Programm gegeben. 

Ein besonderes Highlight 2013 war die Einladung der Neuen Philharmonie 

München zum „5. Uzeyir Hajibeyov International Music Festival” in Baku, Aserbaidschan. 

Der junge aserbaidschanische Dirigent Fuad Ibrahimov bestritt 

gleich zwei Konzertabende mit unterschiedlichem Programm. Dazu studierte 

er mit dem leistungsfähigen Orchester Beriots „Scène de ballet” (Violine: Anar 

Ibrahimov), Borodins „Polowetzer Tänze”, Rodrigos „Concertino de Aranjuez” 

(Gitarre: Jessica Kaiser), Strawinskis „Feuervogel” und Ravels „Bolero” sowie 

Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung” ein. Ein großer Erfolg war auch die 

Ouvertüre „Koroglu” des Festival-Namensgebers Hacibeyli. Die Reise war ein 

unvergessenes Erlebnis mit unwiederbringlichen Eindrücken. 

© Marianne Spieß 

37

MUSIKER – NEUE PHILHARMONIE MÜNCHEN 

Artiom Shishkov (KM) 

Violine, Weißrussland 

Sabine Elisabeth Poiesz 

Violine (st. KM), Salzburg 

Mary-Ann Eessaar 

Violine, Amersfoort, 

Niederlande 

Carolin Grizfeld 

Violine, Karlsruhe 

Monika Kościelna 

Violine, Lubliniec, Polen 

Mary Manna 

Violine, Prato, Italien 

Therese Mitreuter 

Violine, Salzburg, 

Östereich 

Eleonora Píraga 

Violine, Riga, Lettland 

Marta Sembele 

Violine, Baldone, Lettland 

Nezka Starc, Violine 

Besnica, Slowenien 

Milica Tričković 

Violine, Belgrad, Serbien 

Aleksandar Vrbic 


Magdalena Warmińska 

Violine, Piekary Śląskie 

Polen 

Alvar Ceamanos 

Violine, Augsburg 

Franziska Groß 

Violine, Weilheim 

Igor Havran 

Violine, Stara Pazova, 

Serbien


Patricia Hibler 

Violine, Farchant 

Sophia Kraus 

Violine, Rostock 

Olena Kravets 

Violine, Lviv, Ukraine 

Mona Pishkar 

Violine, München / Iran 

Charlotte Leonie Rehfueß 

Violine, München 

Nevena Šimšić 


Juliane Helene Spieß 

Violine, Neu-Ulm 

Sophia Stiehler 

Violine, Erlangen 

Anna Wiedemann 

Violine, Buchenberg 

Manuela Mocanu (SF) 

Viola, Berlin 

Florian Huber (SF) 

Viola, Berlin 

Alfonso Avitabile 

Viola, Augsburg 

Maria Kaiser 

Viola, Dresden 

Milan Radočaj 

Viola, Belgrad, Serbien 

Amalija Kokeza 

Viola, Maastricht, 

Niederlande 

Petar Obradović 

Viola, Banja Luka, 

Bosnien-Herzegowina


Mareike Peissner 

Viola, Stuttgart 

Bodil Schnurrer 

Viola, Egling 

Daniel Yasnyskyy 

Viola, Lviv, Ukraine 

Stefan Hadjiev (SF) 

Violoncello, Bulgarien 

Clara Baesecke 

Violoncello, Pullach 

Marta Domagała 

Violoncello, 

Kochanowice, Polen 

Beata Kościelna 

Violoncello, 

Warschau, Polen 

Jakob Kuchenbuch 

Violoncello, Hamburg 

Ana Ristić 

Violoncello, 

Belgrad, Serbien 

Julia Willeitner 

Violoncello, Passau 

Markus Baumann 

Kontrabass, Egling 

Pasquale Cappabianca 

Kontrabass, 

Vitulazio, Italien 

Francesco Giordano 

Kontrabass, Rutino, Italien 

Corinna Mitterer 

Kontrabass, Karlsruhe 

Tiago Rodrigues 

Kontrabass, 

Barcelos, Portugal 

Philipp Schmid 

Kontrabass, München


Moritz Wagmüller 

Kontrabass, München 

Emiliano Zenodocchio 

Flöte (Dzt), Italien 

Martha Flamm 

Flöte, Weimar 

Lea-Christina Arenz 

Flöte/Picc, Lübeck 

Alice Kremer 

Flöte/Picc, Hamburg 

Michael Hertel 

Oboe, Würzburg 

Fernando José Zavala 

Martinez, Oboe, 

Leipzig / Honduras 

Alba Yáñez 

Oboe, Leipzig / Spanien 

Fidelis Edelmann 

Klarinette, Weilheim 

Luisa Hänsel 

Klarinette (Es), Augsburg 

Franziska Mees 

Klarinette (Bkl), Hamburg 

Leonhard Kohler 

Fagott, München 

Matthias Delazer 

Fagott, St. Ulrich, Italien 

Johannes Stefaniak 

Fagott, Augsburg 

César R. Marques Nunes 

Horn, Porto, Portugal 

Aileen Jenter 

Horn, Trossingen


Amelie Brall 

Horn, Rottweil 

Berit Kumkar 

Horn, Trossingen 

Rui Miguel Tavares Vidal 

Trompete, Porto, Portugal 

Annalena Hösel 

Trompete, Hamburg 

Peter Kisgyörgy 

Trompete, München 

Gabriel Höller 

Posaune, Bozen, Italien 

Mario Martinez 

Posaune, Milan, Italien 

Bernd Wadenspanner 

Posaune, Landshut 

Mátyás Gergö 

Tuba, Planegg / Ungarn 

Peter Fleckenstein 

Pauke, Starnberg 

Markus Hindinger 

Schlagwerk, Gießen 

Alexander Lenk 

Schlagwerk, Hannover 

Godwin Schmid 

Schlagwerk, Harlach 

Sebastian Forster 

Schlagwerk, 

Berenike Brusis 

Celesta, Hohenschäftlarn 

Clara Simarro Röll 

Harfe, Frankfurt/Main

KAMMERORCHESTER NPHM / LEHRKRÄFTE 

Musiker des Kammerorchesters der NPhM für Mahler Rückert-Lieder 

Flöte: Emiliano Zenodocchio, Martha Flamm | Oboe: Fernando Martinez | 

Engl.Horn: Alba Yanez | Klarinette: Franziska Mees, Fidelis Edelmann | 

Fagott: Leonhard Kohler, Matthias Delazer, Johannes Stefaniak | 

Horn: Berit Kumkar, César Marques Nunes, Amelie Brall, Aileen Jenter | 

Trompete: Rui Vidal | Posaune: Gabriel Höller, Mario Martinez, Bernd Wadenspanner | 

Tuba: Mátyás Gergö | Pauke: Peter Fleckenstein | Harfe: Clara Simarro Röll | 

Violine I: Mary-Ann Eessaar, Sophia Stiehler, Milica Tričković | 

Violine II: Magdalena Warmińska, Olena Kravets, Juliane Spieß | 

Viola: Mareike Peissner, Amalija Kokeza, Daniel Yasnyskyy | 

Violoncello: Ana Ristić , N.N. | Kontrabass: Pasquale Cappabianca 

Lehrkräfte der Orchestermitglieder im Frühjahrsprojekt 2015 

Violine 

Prof. Nikola Aleksic 

Prof. Volodja Balžalorsky 

Prof. Eva Bindere 

Bernd Buß 

Harry Christian 

Dorothea Ebert 

Prof. N. Erlich 

Tamás Füzesi 

Bożena Hordziej-Mucharska 

Prof. Hutcap 

Prof. Marko Josifoski 

Prof. Kerschner 

Prof. Sonja Korkeala 

Prof. Evgenisa Kravcev 

Prof. Martin Mumelter 

Brigitte Schmid 

Prof. Lidia Shutko 

Prof. Lavard Skou-Larssen 

Prof. Krzysztof Smietana 

Verena Sommer 

Prof. Juris Švolkovskis 

Prof. Eliva Vákálá 

Maestro Marco Zurlo 

Viola 

Prof. Y. Daleckiy 

Christoph Klein 

Piotr Szumiel 

Marc Tooten 

Prof. Panta Veličković 

Violoncello 

Prof. Rene Berman 

Prof. Enrico Bronzi 

Rupert Buchner 

Prof. Dragan Đordević 

Paweł Głombik 

Prof. Bernhard Gmelin 

Natalia Kurzac 

Dr. Dominik Połoński 

Kontrabass 

Prof. Heinrich Braun 

Prof. Caius Oana 

Prof. Alexandra Scott 

Maestro Gianni Stocco 

Flöte 

Prof. Angela Firkins 

Prof. Hans-Udo Heinzmann 

Prof. Ulf-Dieter Schaaff 

Oboe 

Prof. Müller-Brinken 

Prof. Nick Shay Deutsch 

Klarinette 

Prof. Alexander Bachl 

Prof. Harald Harrer 

Fagott 

Prof. Alberti Claudio 

Prof. Dag Jensen 

Prof. Karsten Nagel 

Horn 

Abel Pereira 

Prof. Szabolcs Zempléni 

Trompete 

Prof. Hannes Läubin 

Bob Lanese 

Prof. Eckhart Schmidt 

Kevin Gerald Wauldron 

Posaune 

Dr. Eugenio Abbiatici 

Prof. Hansjörg Profanter 

Bassposaune 

Prof. Christian Sprenger 

Tuba 

Prof. Josef Steinböck 

Pauke 

Prof. Johannes Fischer 

Schlagwerk 

Franz Bach 

Stefan Blum 

Prof. Andreas Boettger 

Erich Trog 

Guido Rückel 

Celesta 

Franz Deutsch 

Harfe 

Prof. Francoise Friedrich 

43

ORCHESTERKONZERT KINDERORCHESTER UND SINFONIETTA | ICKING 

KINDERORCHESTER ISARTAL 

UND SINFONIETTA 

Freitag, 13. März 2015, 19 Uhr | Icking, Aula der Grundschule 

Konzertprogramm 


Leitung: Barbara Hubbert 

Antonio Vivaldi | Sinfonia C-Dur RV 719 

Allegro 

Andante e Pianissimo 

Presto 

Wolfgang Amadé Mozart | Streichquartett G-Dur KV 156 

Presto 

Adagio 

Tempo di Menuetto 

Florian Willeitner | Filmmusik „Pippi Langstrumpf“ 

Pause 

Sinfonietta 

Leitung: Winfried Grabe 

Edward Elgar | Serenade für Streicher e-Moll op. 20 

Allegro piacevole 

Larghetto 

Allegretto 

Franz Schubert | Sinfonie Nr. 5 B-Dur D485 

Allegro 

Andante con moto 

Menuetto. Allegro molto - Trio 


44

KAMMERKONZERT KINDERORCHESTER UND SINFONIETTA | ICKING 

Sonntag, 15. März 2015, 16 Uhr | Icking, Rilke-Konzertsaal 

Programm Kammermusik: Kinderorchester Isartal und Sinfonietta 

Charles Dancla (1817 – 1907) 

Ballade op. 123 Moderato flebile 

Paula Zoelch, Violine 

Florian Pichler, Klavier 

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827) 

Rondo G-Dur, Allegro 

Katharina Jellema, Violine 

Christian Jellema, Klavier 

Fritz Kreisler (1875 – 1962) 

Andantino im Stile von P. Martini 

Bernadette Hofberger, Violine 

Prof. Johannes Umbreit, Klavier 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791) 

Sonate für Klavier und Violine e moll KV 304 

1. Allegro 

Anna Günther, Violine 


Jelena Firsowa (*1950) 

Invention 2: Allegretto 

Jasmin Binde, Querflöte 


Streichqartett G-Dur KV 156, 2. Adagio 

Catalina Pires, Violine 

Anna-Katharina Glockzin, Violine 

Anna Günther, Violine 

Constantin Yogeshwar, Violoncello 

Pablo de Sarasate (1844 – 1908) 

Zigeunerweisen op. 20 

Rebecca Yogeshwar, Violine 


Pause 

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) 

Partita E-Dur 

1. Preludio 

Catalina Pires, Violine 

Benedetto Marcello (1686 – 1739) 

Sonate für Viola und Klavier in G-Dur 

3. Grave, 4. Allegro 

Johann Wenzel Kalliwoda (1801 – 1866) 

Aus „Sechs Nocturnes für Viola und Klavier“ 

op. 186 

4. Nocturne: Allegretto, ma un poco vivo 

Anna-Magdalena Glockzin, Viola 


Katharina Susanne Müller (*1994) 

Sonatine für Violine und Klavier 

1. Mobile 

2. Sarabande 

3. Tarantella 

Eliana Wildgruber, Violine 

Philipp Rhein, Klavier 

Robert Schumann (1810 – 1856) 

Fantasiestücke op. 73 

I. zart und mit Ausdruck 

II. lebhaft, leicht 

III. rasch und mit Feuer 

Katja Deutsch, Violoncello 

Berenike Brusis, Klavier 


Flötenquartett D-Dur, KV 285 

1. Allegro 

2. Adagio 

3. Rondeau. Allegretto 

Johanna Kiening, Querflöte 

Sophie Kiening, Violine 

Sophia Pustet, Viola 

Helena Dechentreiter, Violoncello 

Änderungen vorbehalten. 

45


Antonio Vivaldi (1678–1741): 

Sinfonia C-Dur RV 719 

Allegro 

Andante e Pianissimo 

Presto 

Antonio Vivaldi ist in erster Linie für seine Concerti bekannt. Seine Werke für 

Solovioline und Streichorchester – allen voran die berühmten Vier Jahreszeiten 

– erfreuen sich ungebrochener Beliebtheit bei Ausführenden und Zuhörern. 

Auch die Konzerte für zwei, drei oder vier Soloviolinen, für Solocello oder für 

diverse solistische Blasinstrumente werden immer wieder gerne gespielt. 

Weniger bekannt ist, dass der Meister auch Opern geschrieben hat. Dabei 

sind nicht weniger als 40 Opern von Vivaldi überliefert, entstanden über einen 

Zeitraum von mehr als 25 Jahren; hinzukommen einige nur fragmentarisch 

überlieferte Werke. Somit erweist sich Vivaldi als ein ähnlich fruchtbarer 

Opernkomponist wie sein jüngerer Zeitgenosse Georg Friedrich Händel, der 

sich in erster Linie als Musikdramatiker verstand. 

Auch die Sinfonia in C-Dur, die heute Abend erklingt, verdankt ihre Entstehung 

dem Opernschaffen Vivaldis: sie ist das Vorspiel zur Oper L’incoronazione di 

Dario (Die Krönung des Darius), einer Opera seria aus dem Jahr 1716. Wie so 

viele Opern der Barockzeit, basiert auch diese auf einem antiken Stoff. Im 

Mittelpunkt steht der persische Großkönig Darius I. (549–486 v.Chr.), um 

dessen Thronbesteigung im Jahr 522 v.Chr. sich schon im Altertum etliche 

Legenden rankten. Vivaldis Librettist Adriano Morselli macht daraus eine 

abenteuerliche Räuberpistole. Da gibt es zwei Mitstreiter von Darius um die 

Königswürde, eine Prinzessin, die sich gleich mit allen drei Kandidaten verlobt, 

eine intrigierende Schwester dieser Prinzessin und vieles andere mehr. 

Am Schluss, als Darius endlich König von Persien geworden ist, darf er allen 

Gegnern großmütig verzeihen. Das war der Hauptzweck jeder Opera seria: 

einen großmütig verzeihenden Herrscher auf die Bühne zu stellen, in dem 

sich der jeweils regierende Fürst selbst wiedererkennen sollte. 

Die Instrumentalvorspiele solcher Barockopern, Sinfonia genannt, nahmen 

keinen Bezug auf die Handlung oder auf die Musik der Opern selbst. Sie 

waren meist dreisätzig in der Form schnell-langsam-schnell angelegt und 

weitgehend untereinander austauschbar. Im Laufe der Zeit hat sich der Bezug 

zur Oper ganz gelöst, und es entstand die Gattung der Sinfonie als eines 

mehrsätzigen Orchesterwerks ohne heraustretende Soloinstrumente. Individualisierte 

Opernvorspiele, die gezielt für eine bestimmte Oper komponiert 

und ausschließlich für diese geeignet waren, kamen erst mit der Opernreform 

von Christoph Willibald Gluck auf. 

46


Auch Vivaldis Sinfonia in C-Dur weist weder inhaltliche noch musikalische 

Berührungspunkte mit den Arien und Ensembles der Darius-Oper auf. Die 

Besetzung beschränkt sich auf Streichinstrumente mit Basso continuo, weil 

am Teatro di Sant’Angelo in Venedig keine Bläser zur Verfügung standen. 

Das einleitende Allegro beginnt mit einem markanten Thema im Unisono, 

welches im weiteren Verlauf noch mehrfach wiederkehrt und dabei durch 

verschiedene Tonarten wandert. Der größte Teil des Satzes ist gekennzeichnet 

durch eine Achtelbewegung in den Violinen und Sechzehntel-Tonrepetitionen 

in den Unterstimmen, was einen flirrenden Eindruck erzeugt. An manchen 

Stellen dreht Vivaldi diese Aufteilung auch um und schreibt Sechzehntelläufe 

für die Violinen, Achtel für die Unterstimmen vor. Zuletzt endet das Allegro 

auf der Dominante G. 

Die Auflösung zur Tonika erfolgt erst mit dem Einsatz des langsamen Satzes 

Andante e Pianissimo. Dieser Satz steht in c-Moll und wird getragen von 

durchgehenden gleichmäßigen Viertelnoten in den Unterstimmen. Darüber 

erhebt sich eine bewegte Melodie der Violinen in Achteltriolen. Das abschließende 

knappe Presto kehrt nach C-Dur zurück. Der Satz hat tänzerischen 

Charakter, ist wohl am ehesten als Bourrée anzusprechen. Er besteht aus zwei 

Gruppen von acht Takten, die jeweils wiederholt werden. 

Die Sinfonia ist charakteristisch für den Stil Vivaldis, der mit einfachsten Mitteln 

überzeugende Wirkungen erzielt. Erste und zweite Violine spielen fast 

durchwegs unisono; lediglich im ersten Satz gibt es einige wenige Takte, wo 

die beiden Stimmen sich trennen. Die Bratschen und Celli liefern überwiegend 

das harmonische Grundgerüst. Und ebenso wie viele Opernouvertüren 

von Mozart, Wagner und Verdi, die als selbstständige Orchesterwerke in das 

Konzertrepertoire eingegangen sind, erweist auch Vivaldis Sinfonia ihre Lebensfähigkeit 

unabhängig von der Oper, für die sie komponiert worden ist. 

Wolfgang Amadé Mozart (1756–1791): 

Streichquartett G-Dur KV 156 

Presto 

Adagio 

Tempo di Menuetto 

„Der Wolfg. befindet sich auch wohl; er schreibt eben für die lange Weile ein quatro“ 

schrieb Leopold Mozart am 28. Oktober 1772 aus Bozen ins heimische 

Salzburg. Vater und Sohn Mozart befanden sich auf ihrer dritten und letzten 

Italienreise, waren aber in Südtirol durch heftige Regengüsse aufgehalten. In 

ihrem weiteren Verlauf führte die Reise nach Mailand, wo der junge Mozart 

nicht nur die Oper Lucio Silla, sondern auch fünf weitere „quatros“ kompo- 

47


nierte. Die sechs Streichquartette aus Bozen und Mailand sind unter der 

Bezeichnung Mailänder Quartette bekannt. 

Es waren dies nicht die ersten Versuche Mozarts in der Gattung Streichquartett. 

Bereits auf seiner ersten Italienreise hatte der junge Komponist 1770 ein 

erstes Quartett geschrieben. Später, in Salzburg, kamen drei Divertimenti für 

zwei Violinen, Bratsche und Bass hinzu, die aber meist orchestral aufgeführt 

und daher Salzburger Sinfonien genannt werden. Die Mailänder Quartette 

bilden in Mozarts Schaffen die erste Gruppe von sechs Streichquartetten; es 

war zu Mozarts Zeiten gang und gäbe, Werke gleicher Besetzung zu Sechsergruppen 

zu bündeln. Auch Joseph Haydn hat seine Streichquartette zumeist 

in Gruppen von sechs Werken herausgegeben. Es ist aber anzunehmen, dass 

Mozart zu diesem Zeitpunkt Haydns Quartette noch nicht gekannt hat, denn 

Haydn hatte damals bereits die Viersätzigkeit als Standard für Streichquartette 

etabliert, während sich Mozarts Mailänder Quartette noch durchwegs auf 

drei Sätze beschränken. 

Die sechs Mailänder Quartette sind in Dur-Tonarten geschrieben und im 

Quintenzirkel angeordnet: D – G – C – F – B – Es. Das G-Dur-Quartett, welches 

heute Abend erklingt, beginnt mit einem knapp gefassten Presto in 

Sonatenform. Das erste Thema ist kaum vorgestellt, da erfolgt schon nach 

wenigen Takten die Modulation zur Dominante. Daran schließt sich das ausgedehntere 

Seitenthema an, und kurz vor Ende der Exposition gibt es noch ein 

drittes Thema. Die Durchführung wird von einem markanten Ostinato-Motiv 

beherrscht, das zunächst in der zweiten Violine erklingt, später auch durch 

die anderen Stimmen wandert. Die Reprise schließt sich Takt für Takt eng an 

die Exposition an, verbleibt aber natürlich in der Tonika G-Dur. 

Zu diesem Quartett hat Mozart gleich zwei langsame Sätze geschrieben, 

beide mit der Tempobezeichnung Adagio, beide in e-Moll. Das erste Adagio, 

das an eine italienische Serenade erinnert, hat der Komponist durchgestrichen 

und durch einen Satz in freier Sonatenform ersetzt. Weitgespannte Melodien 

und starke dynamische Kontraste auf engstem Raum verleihen diesem Satz 

ein ausdrucksvolles Pathos im empfindsamen Stil eines Carl Philipp Emanuel 

Bach. Hinzu kommen Seufzermotive, auskomponierte Verzierungen und 

synkopische Mittelstimmen. Dieses Adagio ist sowohl musikalisch als auch 

emotional erheblich vielschichtiger als der erste Versuch, und es ist fast so 

lang wie die beiden anderen Sätze zusammen, so dass es den Rahmen des 

Werks nahezu sprengt. 

Das gravitätische Tempo di Menuetto kehrt zur Grundtonart G-Dur zurück. 

Mozart zeigt sein kontrapunktisches Können, indem er immer wieder die 

Stimmen kanon- oder fugatoartig nacheinander einsetzen lässt. Einen originellen 

Scherz erlaubt sich der Komponist im zweiten Abschnitt des Menu- 

48


ett-Hauptteils, wo er die zweite Violine scheinbar „patzen“ und einen Takt zu 

früh einsetzen lässt. Das Trio steht in g-Moll und ist besonders fein gearbeitet. 

Mozart stellt erste Violine und Bratsche einerseits, zweite Violine und Cello 

anderseits einander gegenüber als zwei Gruppen, die sich gegenseitig die 

Bälle zuspielen. 

Der Mozart-Forscher Alfred Einstein hat das G-Dur-Quartett als „in seiner Art 

vollkommen“ bezeichnet. In der Tat erweist sich der sechzehnjährige Komponist 

als völlig sicher in der Beherrschung aller musikalischen Mittel, erfindungsreich 

und originell. Noch ist nichts zu ahnen von der „langen und mühevollen 

Arbeit“, die ihm gerade die Quartettkomposition in späteren Jahren bereiten 

sollte. Natürlich erreichen Mozarts frühe Quartette noch nicht die Reife und 

Tragik der späteren Meisterwerke, doch sind sie weit mehr als nur interessante 

Dokumente der Entwicklung eines großen Komponisten, sondern vollgültige 

Werke, die ihre eigenen musikalischen Qualitäten besitzen. 

Florian Willeitner (geb. 1991): Filmmusik „Pippi Langstrumpf“ 

Pippi Langstrumpf! Generationen von Kindern sind aufgewachsen mit dem 

frechen rothaarigen Mädchen, das einerseits voll und ganz Kind ist, andererseits 

wie eine selbstständige und verantwortliche Frau agiert. Für die 

Autorin Astrid Lindgren bedeuteten die drei Pippi-Langstrumpf-Bücher, die 

zwischen 1945 und 1948 erschienen sind, den Durchbruch. Und auch wenn 

sich Lindgren später einem mehr realistischen Schreibstil zugewandt hat, so 

zeigt sich doch schon bei Pippi Langstrumpf, was den Erfolg der Schriftstellerin 

ausmacht: sie nimmt die Kinder mit ihren Problemen absolut ernst, behandelt 

sie weder als kleine Erwachsene noch als hilfsbedürftige, unselbständige 

Wesen. Daher verzichtet sie in ihren Kinderbüchern konsequent auf jeden 

belehrenden Zeigefinger und auf jeden herablassenden Tonfall. 

Schon 1949 ist Pippi Langstrumpf in Schweden erstmalig verfilmt worden. 

Großen internationalen Erfolg hatte aber erst die deutsch-schwedische Fernsehserie 

von 1969 mit Inger Nilsson in der Titelrolle sowie einige daraus entstandene 

Kinofilme. Seither ist Pippi Langstrumpf untrennbar mit dem Lied 

Hey, Pippi Langstrumpf, trallahi, trallahei, trallahopsasa verbunden, das auf einen 

Originaltext von Astrid Lindgren zurückgeht. Der schwedische Jazzmusiker 

Jan Johansson und der deutsche Filmkomponist Konrad Elfers haben Lindgrens 

Text vertont; die deutsche Textfassung stammt von Wolfgang Franke 

und Helmut Harun. Das Lied war die Titelmelodie der Fernsehserie und aller 

nachfolgenden Filme, wird aber auch unabhängig davon gerne gesungen. Die 

Textpassage „Ich mach‘ mir die Welt, widde-widde-wie sie mir gefällt“ ist sogar in 

49


den politischen Diskurs eingegangen und wird als Pippi-Langstrumpf-Prinzip 

zitiert, um dem Gegner Wunschdenken vorzuhalten. 

Der Violinist, Arrangeur und Komponist Florian Willeitner aus Passau, der 

schon wiederholt für die Musikwerkstatt Jugend e.V. tätig gewesen ist, hat 

das Pippi-Langstrumpf-Lied für Streichorchester gesetzt. Dabei hat er sich 

auf Jan Johanssons Wurzeln im Jazz besonnen und das schlichte Kinderlied 

um Jazzelemente erweitert. Am Anfang von Willeitners Arrangement stehen 

leere Dudelsack-Quinten in den Celli; darüber erhebt sich das Vorspiel im klassischen 

Satz. Die Gesangsmelodie des Originals wandert durch die Stimmen 

des Streichorchesters. Bei Hey, Pippi Langstrumpf tauchen im Cello erstmals 

Samba-Rhythmen auf, und bald darauf treten die Violinen mit swingenden 

Achteln hervor. An der Stelle Ich hab‘ ein Haus setzt in den Celli ein Walking 

Bass ein. Die Liedmelodie schreitet unbeirrt fort, doch die Rhythmen der 

Gegenstimmen werden immer komplexer, Blue Notes und freche Harmonien 

kommen hinzu. Zuletzt löst Willeitner den Gesang in eine freie, quasi improvisierte 

Jazzmelodie der ersten Violine auf, die das ursprüngliche Lied aber 

immer noch erkennbar andeutet. Mit einem Tremolo-Akkord im Fortissimo 

geht das Arrangement wirkungsvoll zu Ende. 


50


Edward Elgar (1857–1934): 

Serenade für Streichorchester e-Moll op. 20 

Allegro piacevole 

Larghetto 

Allegretto 

Edward Elgar zählt zu den Spätentwicklern unter den Komponisten. Er stammte 

aus einer künstlerisch interessierten und aktiven Familie: sein Vater war Musikalienhändler 

und auch als Geiger, Organist und Klavierstimmer tätig; seine 

Mutter vermittelte den Zugang zu Malerei und Literatur. Der junge Edward 

lernte Klavier, Violine und Fagott und wirkte in verschiedenen Orchestern 

mit, begann auch bald zu dirigieren. Als Komponist aber war er Autodidakt: 

er hat niemals ein Konservatorium besucht, sondern sich seine Kenntnisse 

durch intensive Lektüre selbst angeeignet. Sein Leben lang fühlte er sich 

deshalb den akademisch geschulten Komponisten unterlegen, und auch 

seine bescheidene Herkunft machte ihm zu schaffen. Aber letztlich hinderte 

ihn das alles nicht, einer der bedeutendsten englischen Komponisten seiner 

Zeit zu werden. 

Elgars hatte als Kind erste Kompositionsversuche unternommen; einige 

Skizzen aus dieser Zeit arbeitete er Jahrzehnte später mit gereifter Kompositionstechnik 

aus. Die ersten vollständigen Werke waren für den Eigengebrauch 

bestimmt: Stücke für die Orchester und Kammerensembles, in denen er mitspielte. 

Dadurch erlangte er allmählich eine gewisse Reputation in Mittelengland, 

und auch andere Orchester und Chöre baten ihn um Kompositionen. 

Elgar beschloss, als freischaffender Komponist zu arbeiten, aber noch lange 

Zeit musste er nebenher Musikunterricht erteilen, um den Lebensunterhalt 

für sich und seine Familie zu bestreiten. Viele der frühen Werke zeigen noch 

deutliche Einflüsse von Schumann, Dvořák, Brahms und Wagner und nur wenige 

Anzeichen von Elgars eigenem Stil. Die erste vollgültige Komposition, mit 

der er selbst zufrieden war und die sich bis heute im Repertoire gehalten hat, 

ist die Serenade für Streichorchester, entstanden 1892. Da war der Komponist 35 

Jahre alt – ein Alter, welches Franz Schubert nicht zu erreichen vergönnt war. 

Die Serenade für Streichorchester wurde in Worcestershire geschrieben, der Heimat 

des Komponisten, wohin er nach einer kurzen Zwischenstation in London 

zurückgekehrt war. Es wird vermutet, dass das Werk auf eine wenige Jahre zuvor 

entstandene Suite zurückgeht, die Elgar jetzt umarbeitete und entscheidend 

verbesserte. Der Titel ist an Tschaikowski und Dvořák angelehnt, die jeder eine 

Serenade für Streichorchester komponiert haben. Im gleichen Jahr wie Elgar, 

also 1892, schrieb auch Dvořáks Schüler Josef Suk eine derartige Serenade; 

im Vorjahr hatte der russische Komponist Wassili Kalinnikow ebenfalls eine 

51


Streicherserenade vorgelegt, und im Jahr darauf folgte der Deutsch-Italiener 

Ermanno Wolf-Ferrari. Die Gattung scheint damals in der Luft gelegen zu haben. 

Auffällig bei Elgars Serenade ist die enge Verwandtschaft der Themen. Die 

Hauptthemen aller drei Sätze beginnen mit einer nach oben strebenden Linie, 

die zu einem größeren Aufwärtssprung führt, bevor sie nach unten abbiegt. 

Der Kopfsatz Allegro piacevole steht in der Grundtonart e-Moll. Er beginnt 

mit einem pulsierenden Rhythmus in den Bratschen, bevor die Violinen das 

erste Thema vorstellen. Bald erklingt in der zweiten Violine ein absteigendes 

Seitenthema, und trotz der Kürze des Satzes gibt es sogar noch ein drittes 

Thema, das mit einem markanten Septimensprung nach oben beginnt und 

bei dem die Musik nach E- Dur wechselt. Für wenige Takte tritt eine Solovioline 

aus dem Streichorchester hervor. Dann markiert der pulsierende Rhythmus 

die Wiederkehr des ersten Themas, das den Satz ruhig und melancholisch in 

e-Moll zu Ende führt. 

Das nachfolgende Larghetto, der künstlerisch ausgereifteste Satz des Werks, 

verwendet die Tonart C-Dur. Das Hauptthema ist im Grunde nur ein kurzes 

Motiv, das kontrapunktisch durch die Oberstimmen wandert. Dann erklingt 

das zweite Thema, eine weit gespannte Melodie in der ersten Violine, in der 

das Motiv des Hauptthemas immer wieder anklingt. Eine kurze schmerzlich-bewegte 

Moll-Passage leitet zur Wiederkehr des zweiten Themas, jetzt von den 

geteilten ersten Violinen in Oktaven gespielt, während die zweiten Violinen und 

die Bratschen in Sechzehnteltriolen begleiten. Zuletzt hören wir noch einmal 

das Hauptthema, mit dem der Satz im Pianissimo verklingt. 

Das abschließende Allegretto beginnt zunächst in G-Dur. Nach wenigen Einleitungstakten 

wird das Hauptthema erreicht, das seine Herkunft vom ersten 

Thema des Kopfsatzes nicht verleugnet. Der Komponist führt sein Thema zu 

einer Steigerung und lässt es wieder ins Pianissimo zurücksinken. Dann hören 

wir den pulsierenden Rhythmus aus dem ersten Satz, und Elgar zitiert sowohl 

das absteigende Seitenthema aus dem Kopfsatz als auch das dritte Thema mit 

dem Septimensprung. Bei diesem dritten Thema wechselt die Musik, genau wie 

im ersten Satz, nach E-Dur. Zuletzt steigt die melodische Linie höher und höher, 

und mit einem E-Dur-Akkord des vollen Streichorchesters, aber im Pianissimo, 

geht die Serenade zu Ende. 

Noch im Entstehungsjahr 1892 leitete Elgar selbst die private Uraufführung seiner 

Streicherserenade in Worcester; die Worcester Ladies‘ Orchestra Class spielte. Im 

Folgejahr erschien die Partitur in London im Druck. Bis zur ersten öffentlichen 

Aufführung sollten noch drei Jahre vergehen: am 23. Juli 1896 erklang die 

Serenade in Antwerpen, nochmals drei Jahre später dann auch in England. 

Etwa um diese Zeit erreichte Edward Elgar mit den Enigma-Variationen seinen 

internationalen Durchbruch als Komponist. Er galt nun als der bedeutendste 

52


lebende Tonschöpfer Englands, und sein Ruhm strahlte natürlich auch auf die 

Serenade für Streichorchester zurück, die zu einem der meist aufgeführten Werke 

Elgars avancierte. 

Der Komponist selbst hat die Streicherserenade immer als sein erstes vollgültiges 

Werk anerkannt, und sie wuchs ihm im Laufe der Jahre mehr und mehr 

ans Herz. Er bezeichnete die Serenade als „very stringy in effect“, ein Wortspiel: 

stringy bedeutet eigentlich zäh, ist aber hier als Anspielung auf die strings = 

Streichinstrumente zu verstehen. In Elgars letzten Lebensjahren war die Serenade 

seine Lieblingskomposition unter seinen eigenen Werken, und ein Jahr vor seinem 

Tod dirigierte der Komponist eine Schallplatteneinspielung der Serenade, 

die seine eigene Interpretation festhält und daher bis heute maßstabsetzend 

geblieben ist. 

Franz Schubert (1797–1828): 

Sinfonie Nr. 5 B-Dur D 485 

Allegro 

Andante con moto 

Menuetto: Allegro molto 


Die B-Dur-Sinfonie ist der Geniestreich unter den sechs frühen Sinfonien 

Schuberts. Nirgendwo sonst bricht sich die Persönlichkeit des Komponisten 

so selbstverständlich und ungezwungen Bahn, stehen graziöse und beschwingte 

Passagen so natürlich und ausgewogen neben ernsteren Tönen. 

Man hat in der Sinfonie den Einfluss Mozarts erkennen wollen, und doch 

atmet das Werk durch und durch den Geist Schuberts. 

Zwischen 1813 und 1818 schrieb der junge Franz Schubert sechs viersätzige 

Sinfonien. Die ersten entstanden noch während der Internatszeit des 

Komponisten am Wiener Stadtkonvikt, die letzten im Wiener Vorort Roßau, 

wohin die Familie Schubert umgezogen war. All diese Sinfonien sind bestimmten, 

dem Komponisten persönlich bekannten Ensembles auf den Leib 

geschrieben und nehmen auf deren Fähigkeiten Rücksicht. Meist handelte 

es sich um Liebhaberorchester, die von Berufsmusikern durchsetzt waren 

und die sich ständig auf der Suche nach musikalisch dankbaren, technisch 

nicht allzu schwierigen Neukompositionen befanden. Ein solches Orchester 

war aus dem Streichquartett im Hause von Vater Schubert entstanden, und 

man kann mit Sicherheit annehmen, dass dieses Orchester einige der frühen 

Schubert-Sinfonien aus der Taufe gehoben hat. 

Franz Schubert selbst betrachtete seine ersten sechs Sinfonien nicht als 

vollgültige Werke, sondern als „Lehrstücke“, um mit der Orchesterbehand- 

53


lung und Instrumentierung besser vertraut zu werden. In einem Brief vom 

31. März 1824 an seinen Freund Leopold Kupelwieser schrieb Schubert: „In 

Liedern habe ich wenig Neues gemacht, dagegen versuchte ich mich in mehreren 

Instrumental-Sachen, denn ich componirte 2 Quartetten für Violine, Viola und 

Violoncelle u. ein Octett u. will noch ein Quartetto schreiben, überhaupt will ich 

mir auf diese Art den Weg zur großen Sinfonie bahnen“ – als hätte es die sechs 

frühen Sinfonien nie gegeben. Offensichtlich erkannte der Komponist seine 

bisherigen sinfonischen Werke nicht als große Sinfonien an, eine Gattung, zu 

der der Weg erst gebahnt werden musste. Kein Wunder, lebte doch Schubert 

in derselben Stadt wie sein älterer Zeitgenosse Ludwig van Beethoven, und 

der jüngere Meister war sich wohl bewusst, auf sinfonischem Gebiet den 

Rang Beethovens noch nicht erreicht zu haben – das sollte ihm erst mit der 

Großen C-Dur-Sinfonie gelingen. 

Spätere Musiker und Sachverständige haben dieser Selbsteinschätzung 

Schuberts, was die ersten sechs Sinfonien anbelangt, zugestimmt. Johannes 

Brahms etwa, der die Herausgabe der frühen Schubert-Sinfonien redigierte, 

bezeichnete sie als „Vorarbeiten“, die man besser nicht publizieren, sondern 

in Pietät bewahren solle. Andere Kommentatoren entdeckten langatmige 

Stellen, Leerlauf, Wiederholungen und ungeschickte Instrumentation. Einzig 

die B-Dur-Sinfonie blieb von diesem Tadel verschont und wurde immer als 

ein frühes Meisterwerk anerkannt, in dem Schubert nicht seine Vorbilder 

Haydn, Mozart, Beethoven nachzuahmen versuchte, sondern unbeirrt und 

scheinbar mühelos seinen eigenen Weg ging. 

Entstanden ist die B-Dur-Sinfonie im September und Oktober 1816. Als einzige 

unter allen Schubert-Sinfonien verzichtet sie auf Klarinetten, Trompeten und 

Pauken sowie die zweite Flöte, sicher im Hinblick auf die verfügbaren Musiker, 

die das Werk aufführen sollten. Doch trotz dieser reduzierten Besetzung gibt 

es keine Eintönigkeit des Klanges. Der Kopfsatz Allegro ist in Sonatenform 

gehalten mit zwei deutlich kontrastierenden Themen, die beide zuerst in 

den Streichern vorgestellt werden, bevor die Bläser hinzutreten. Vor dem 

ersten Einsatz des Hauptthemas gibt es eine viertaktige Einleitung, die von 

B-Dur über g-Moll, c-Moll und F-Dur nach B-Dur zurückführt, gewissermaßen 

die Eingangspforte des Satzes. Zu Beginn der Durchführung wiederholt der 

Komponist diese Einleitungstakte und erweitert sie zu einer großangelegten 

Modulation, die von Des-Dur über mehrere Zwischenstufen letztlich nach es- 

Moll führt. Bei der Überleitung zur Reprise aber, wo der Hörer diese Takte ein 

drittes Mal erwarten würde, fehlen sie, und die Reprise beginnt direkt mit dem 

Hauptthema, aber nicht in der Tonika B-Dur, sondern in der Subdominante 

Es-Dur. Auf diese Weise führt die Modulation zwischen erstem und zweitem 

Thema wieder zur Tonika zurück, und Schubert gestaltet die Reprise ganz 

54


entsprechend der Exposition. Lediglich der Schluss ist deutlich erweitert und 

führt den Satz triumphal zu Ende. 

Das nachfolgende Andante con moto ist in der Form A-B-A-B-A geschrieben. 

Der A-Teil ist eine zweiteilige liedartige Melodie in Es-Dur, die bei jeder 

Wiederkehr variiert und erweitert wird. Im Gegensatz dazu ist der B-Teil ein 

eher instrumental empfundenes Thema, das Möglichkeiten zu vielfältigen 

Modulationen bietet. Beim ersten Mal beginnt dieser Abschnitt in Ces-Dur 

und führt über h-Moll, G-Dur und g-Moll nach D-Dur. Eine längere Rückmodulation 

leitet zum A-Teil in Es-Dur zurück. Wenn der Abschnitt B dann zum 

zweiten Mal erklingt, beginnt die Reise in Ges-Dur und endet in B-Dur. Dann 

ertönt zum letzten Mal die Liedmelodie in Es-Dur und bringt den schönen 

Satz zum Abschluss. 

Das Menuetto – vom Tempo her eher ein Scherzo – steht überraschenderweise 

in g-Moll und beschwört die Atmosphäre von Mozarts großer 

g-Moll-Sinfonie herauf. Das Trio ist ein freundlicher Ländler in G-Dur. Beim 

Finale Allegro molto – wieder in B-Dur – lässt das liedhaft-geschlossene 

Hauptthema zunächst ein Rondo erwarten, zumal der Komponist für den 

zweiten Teil des Themas eine Wiederholung vorschreibt. Aber nein: es ist 

wieder eine Sonatenform mit kontrastierendem Seitenthema in der Dominante 

F-Dur. Dieses Mal lässt Schubert, anders als im Kopfsatz, die Reprise 

auf der Tonika B-Dur beginnen, so dass er die Überleitung zum Seitenthema 

variieren muss, um auch dieses Thema in B-Dur zu bringen. 

Schuberts Lieder – insbesondere die großen Liederzyklen – waren seit ihrer 

Entstehung immer im Bewusstsein der Musiköffentlichkeit präsent. Die Sinfonien 

hingegen gerieten nach dem Tod des Meisters in Vergessenheit; einige 

von ihnen hat er selbst wohl nie gehört. Erst Robert Schumann entdeckte 

zehn Jahre nach Schuberts Tod im Nachlass die Große C-Dur-Sinfonie und 

sorgte für die postume Uraufführung 1839 in Leipzig unter Mendelssohns 

Stabführung. Schon zwei Jahre darauf wurde dann die B-Dur-Sinfonie wiederaufgeführt: 

am 17. Oktober 1841 dirigierte Michael Leitermayer, der Schubert 

persönlich gekannt hatte, das Werk im Theater in der Josefstadt in Wien. Es 

sollten noch Jahrzehnte vergehen, bis die Unvollendete und die übrigen 

Sinfonien dem Dornröschenschlaf entrissen wurden. Die Sinfonie in B-Dur 

aber verschwand nie mehr aus dem Konzertrepertoire und hat ihren Rang 

behauptet als die beste unter den frühen Sinfonien Schuberts. 


55

MUSIKER DER SINFONETTA ISARTAL 

Eliana Wildgruber, KM 

Violine I, Baierbrunn 

Moritz Defregger 

Violine I, Eberfing 

Sophie Kiening 

Violine I, Lenggries 

Katharina Müller 

Violine I, Wielenbach 

Julia Pauli 

Violine I, Holzkirchen 

Rebecca Yogeshwar 

Violine I, Münsing 

Laetitia Eberle, SF 

Violine II, Hohenschäftlarn 

Jasmin Binde 

Violine II, Baierbrunn 

Justus Brandis v.,Violine II 

Ebenhausen-Zell 

Kristinka Kerestey 

Violine II, München 

Johanna Strehler 

Violine II, München 

Anna-Magdalena, SF 

Glockzin, Viola, Penzberg 

Sophia Pustet 

Viola, Lenggries 

Bodil Schnurrer 

Viola, Egling 

Katja Deutsch, SF 

Violoncello, Icking 

Lenz Defregger 

Violoncello, Eberfing

MUSIKER DER SINFONETTA ISARTAL 

Justus Blum, Violoncello 

Hohenschäftlarn 

Berenike Brusis 

Cello, Hohenschäftlarn 

Julius Günther 

Violoncello, Attenham 

Max Bäumler 

Kontrabass, Grünwald 

Johanna Kiening 

Flöte, Lenggries 

Constanze Ferstl 

Fagott I, Eichstätt 

Esther Beaujean 

Fagott I, München 

Lehrkräfte der Sinfonietta-Orchestermitglieder 

Violine 

Dr. Andrea Becker 

Gerd Michael Herbig 

Barbara Hubbert 

Angelika Lichtenstern 

Katharina S. Müller 

Bettina Schumacher-Sussmann 

Florian Simons 

Viola 

Christiane Hörr 

Bettina Schumacher-Sussmann 

Violoncello 

Eva-Christiane Laßmann 

Hanno Simons 

Michael Weiß 

Kontrabass 

Giorgi Makhoshvili 

Querflöte 

Annette Eiche 

Gabriele Henn 

Fagott 

Johannes Overbeck 

57

SINFONIETTA 

Die Sinfonietta der Musikwerkstatt Jugend e.V. 

Die Sinfonietta unter der Leitung von Winfried Grabe ist konzipiert als Jugendorchester 

der Region. Eine gezielte Orchesterausbildung des Nachwuchses 

ergänzt die Arbeit der Musikschulen in dem Sinn, dass begabte, 

motivierte Jugendliche mit ihrem Instrument in einem instrumentaltechnisch 

homogenen Ensemble spielen können. 

Es ist das erklärte Ziel, die Jugendlichen in ihrer Entwicklung ganzheitlich und 

umfassend zu fördern und zu fordern. Unter professioneller Anleitung sollen 

sie an anspruchsvolle Orchesterliteratur herangeführt werden und dabei auch 

ein tieferes Verständnis von Musik erlangen. 

Winfried Grabe, Leitung 

Winfried Grabe, 1963 in München geboren, absolvierte sein Violin-Studium 

an der Hochschule für Musik in München bei Prof. Otto Büchner und Prof. 

Kurt Guntner. Orchestererfahrung sammelte er in den Jahren 1984 bis 1989 

im Bayer. Staatsorchester und bei den Münchner Philharmonikern, seit 1992 

wird er regelmäßig vom Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks 

engagiert. Trotz der häufigen Orchestertätigkeit hat sich Winfried Grabe 

entschlossen, beruflich ungebunden zu bleiben, um sich den vielfältigen 

musikalischen Aktivitäten frei widmen zu können. 

Als Primarius des 1985 gegründeten SERAPHIN-QUARTETT studierte er Kammermusik 

beim Melos-Quartett an der Musikhochschule Stuttgart und bei 

Franz Beyer in München. 

Seit 1991 ist Winfried Grabe Konzertmeister des AMATI-ENSEMBLE München, 

der Augsburger Kammersolisten und des Würzburger Bachorchesters. Darüber 

hinaus ist er regelmäßig als Solist mit einem Repertoire vom Barock bis 

zur Moderne zu hören. 

Seit 1992 dirigiert Winfried Grabe als künstlerischer Leiter das “Ensemble 

Haar”, ein Kammerorchester, das sich in München einen guten Namen gemacht 

hat. 1994 war sein Debut in Wien, Köln und Düsseldorf mit dem NES 

Chamber Orchestra und dem Geiger Dmitry Sitkovetzky. Als Kammermusikpartner 

von Sitkovetzky spielte er auf zahlreichen Festivals, u.a. in den USA 

und Skandinavien. 

Auftritte als „Geigender Kabarettist” mit eigenen Solo-Programmen und die 

Tätigkeit als Komponist im Bereich der Filmmusik, z.B. mit Kompositionen 

für die Filme „Schlafes Bruder”, oder „Comedian Harmonists”, sowie Komposition 

der gesamten Filmmusik zu Dana Vavrova’s Kinofilm „Hunger” und zu 

Johannes Kiefer’s Kurzfilm „Gregor’s größte Erfindung“, der 2002 für die Oskar-Nominierung 

vorgeschlagen wurde, runden Grabes musikalisches Feld ab. 

58

DAS KINDERORCHESTER ISARTAL 

KINDER 

ORCHESTER 

ISARTAL 

Das Kinderorchester Isartal der Musikwerkstatt Jugend e.V. 

Das Kinderorchester Isartal bietet Kindern zwischen 8 und 12 Jahren, die 

ihr Instrument schon sicher beherrschen, eine intensive Begegnung mit 

klassischer Musik. 

Das Ziel ist, den Kindern möglichst früh das gemeinsame Musizieren in einem 

Ensemble auf hohem Niveau zu ermöglichen, eine gute Basisarbeit in 

der Kunst des Zusammenspiels und das freudige Verstehen von Musik nahe 

zu bringen. 

Barbara Hubbert, Leitung 

Sie studierte am Richard-Strauss-Konservatorium München Violine bei Urs 

Stiehler, später an der Musikhochschule Mannheim bei Prof. Valeri Gradow. 

Zusätzlich absolvierte sie eine Ausbildung für musikalische Früherziehung. 

Sie unterrichtet Violine und leitet seit 10 Jahren das Kinderorchester Isartal 

der Musikwerkstatt Jugend. Ihre Schüler gewannen zahlreiche Preise beim 

Wettbewerb „Jugend musiziert“ auf Regional-, Landes- und Bundesebene. 

Violine I 

Catalina Pires 

Anna-Katharina 

Glockzin 

Anna Günther 

Bernadette Hofberger 

Lydia Mussenbrock 

Anna Emilia Ruß 

Violine II 

Antonia von Brandis 

Antonia Eigler 

Katharina Jellema 

Tabea Steegmann 

Paula Zoelch 

Violine III 

Barbara Lang 

Anouk Rathnow 

Viola 

Charlotte v. Brandis 

Violoncello 

Flurina Schuster 

Constantin Yogeshwar 

Anna-Louisa Glockzin 

Leo Zoelch 

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EINLADUNG ZUM 

2. FESTIVAL 

ICKINGER 

FRÜHLING 

INTERNATIONALES 

STREICHQUARTETT- 

FESTIVAL IM RILKE KONZERTSAAL ICKING 

BRAHMS A-MOLL QUARTETT 

Samstag 9.5., 16:00 Uhr 

Oliver Wille und Cavaleri Quartet 

Gesprächskonzert mit anschließender Aufführung 

ABEND DES STREICHQUARTETTS 

Samstag 9.5., 19:30 Uhr, Einführung 18:30 Uhr 

KUSS QUARTETT Berlin 

Beethoven · Lutosławski · Mendelssohn Bartholdy 

MENDELSSOHN OKTETT 

Sonntag 10.5., 11:00 Uhr, Einführung 10:00 Uhr 

Cavaleri Quartet London 

Mozart · Bartók · Mendelssohn Bartholdy mit Zemlinsky Quartet Prag 

BEETHOVEN GROßE FUGE 

Sonntag 10.05., 15:00 Uhr 

Oliver Wille und Zemlinsky Quartet 

Gesprächskonzert mit anschließender Aufführung 

ABSCHLUSSKONZERT 

Sonntag 10.5., 19:30 Uhr, Einführung 18:30 Uhr 

Zemlinsky Quartet Prag 

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München im 

Herbst 2013 vor 

dem Konzert in Baku / 

Aserbaidschan. 

© Phillippe Schwarz 

Die Arcis-Vocalisten mit 

der Neuen Philharmonie 

München unter Leitung 

von Thomas Gropper 

März 2015 in der 

Klosterkirche Schäftlarn. 


München mit der 

chinesischen Pianistin 

Jieni Wan im Stadtsaal 

von Fürstenfeldbruck, 

Herbst 2014. 

© Sabine Weinert-Spieß © Sabine Weinert-Spieß 

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