Lernpaket Mel Ramos - Völklinger Hütte

Weltkulturerbe Völklinger Hütte 

Europäisches Zentrum für Kunst und Industriekultur 

Generaldirektor Prof. Dr. Meinrad Maria Grewenig 

Lernpaket für Lehrer und 

Schüler 



66302 Völklingen / Saar 

Redaktion: Peter Backes, Frank Krämer, Jeanette Wagner 

Tel. 06898/9100-159, Fax 06898/9100-111 

mail@voelklinger-huette.org Seite 1




Mel Ramos 

50 Jahre PopArt 

18. Juni 2011 bis 8. Januar, täglich ab 10Uhr 

Lernpaket für Lehrer und Schüler 

Inhalt 

1. Ausstellungsdaten und Service für Schulen S.3 

2. Vorwort S.5 

3. PopArt S.7 

4. Mel Ramos S.8 

5. Biographie: Mel Ramos S.11 

6. Werkphasen S.14 

7. Schlüsselwerke S.30 

8. Zeitleiste S.38 

9. Unterrichtsvorschläge S.43 

10. Quellentexte S.55 

11. Zitate S.70 

12. PopArt-ABC S.73 

13. Katalog zur Ausstellung S.77 

14. Literatur S.77 

15. Links S.81 

Impressum 





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1. Ausstellungsdaten und Service für Schulen 

Öffnungszeiten 

bis 8. Januar 2011 

Erzhalle, täglich von 10 bis 19 Uhr 

Ermäßigt 10,00 € 

Normal 12,00 € 

Familien (2 Erwachsene mit Kindern 

und Jugendlichen bis 16 Jahre) 25,00 € 

Kinder und Jugendliche 3,00 € 

Kinder und Jugendliche im Klassenverband 3,00 € 

Gebuchte Führung 80,00 € (plus ermäßigten Eintritt) 

(max. 30 Personen, Dauer der Führung ca. 1,5 Stunden). 

Jahreskarten 

Jahreskarten Kinder/ Schüler 6,00 € 

Erwachsene 25,00 € 

Familien 55,00 € 

Sonderkonditionen für Schulen 

Schulklassenführung im Bonuspaket zum Preis von 100 Euro inkl. Führung 

(max. 30 Personen einschließlich Lehrkraft) in der Zeit von Montag bis Freitag 

zwischen 10 und 14 Uhr. 

Bucht eine Schule zum gleichen Termin drei Führungen zahlt sie nur 2! 

Kontakt /Besucherservice 

Telefon +49 (0)6898 - 9 100 100 

+49 (0)6898 - 9 100 106 

Fax +49 (0)6898 – 9 100 111 





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Service zur Ausstellung 

Sonderpublikation zur Ausstellung, 

Mel Ramos, 50 Jahre PopArt, 2011, Edition Völklinger Hütte, Ostfildern 2011, 

280 Seiten, 150 Farbabbildungen, Sonderpreis 19,80 € 

Lucky Lulu Blonde 

1965 

Öl auf Leinwand 

122 x 102 cm 

Louis K. Meisel Gallery, New York 





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2. Vorwort 

Mel Ramos, PopArt und die Völklinger Hütte 

Sehr geehrte Frau Fachleiterin, sehr geehrter Herr Fachleiter, liebe Freunde 

des Weltkulturerbes Völklinger Hütte, 

die Pop-Kultur hat unsere Gesellschaft und unser Leben seit den 

sechziger Jahren des 20. Jahrhunderts vollständig verändert. Dank der 

PopArt gibt es heute keine Trennung mehr zwischen Hochkultur und 

Alltagskultur. Die Wirklichkeit des Alltagslebens ist im 21. Jahrhundert – 

dank und wegen der PopArt - genauso kunstfähig wie industrielle 

Massenproduktion mit ihrem seriellen Gepräge, wie weggeworfene und 

übrig gelassene Dinge des Lebens oder die Stereotypen der Werbung, 

wenn sie von Künstlerinnen und Künstlern in den 

Transformationsprozess ihrer Kunst einbezogen werden. Ohne die tief 

gehende Bewusstseinsveränderung und Perspektivverlagerung der 

PopArt, die unseren Bewertungsmaßstab von Kultur vollständig neu 

definiert hat, wäre die 1986 stillgesetzte Völklinger Eisenhütte nie in den 

Rang eines UNESCO Weltkulturerbe gelangt. Als 1994 die Völklinger 

Eisenhütte von der UNESCO zum Weltkulturerbe der Menschheit 

klassifiziert wurde, war das der erste Höhepunkt eines Prozesses, der 

wesentlich von der PopArt ausgelöst wurde. Der ehemals industrielle 

Produktionsort, mit seinen gigantischen Maschinen und Gebäuden, an 

dem in aktiver Zeit über 17.000 Menschen am Tag arbeiteten, wird 

Schritt für Schritt zu einem Kulturort umgewertet. Es gehört zum 

Programm eines solchen Prozesses, bedeutende Positionen der PopArt 

am Ort sichtbar zu machen. 

Es ist uns deshalb eine große Freude, dass wir nach der Ausstellung 

„Duane Hanson - Sculptures of the American Dream“ die Kunst Mel 

Ramos mit ihren künstlerisch synthetisierten Bildern einer Warenwelt 

und ihren Frauenbildern, welche die Verlockungen der Werbebotschaften 

transportieren und symbolisieren, als weitere bedeutende internationale 

Position der PopArt in der Völklinger Hütte zeigen können. 

Herzlicher Dank gilt all denen, die dieses spannende Projekt ermöglicht 

haben, Otto Letze für die Tournee, meinem Kollegen Manfred Baldauf in 

der Geschäftsführung, unserer Gesellschaft und meinem 





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Weltkulturerbeteam um Frank Krämer für die Einrichtung der Mel 

Ramos- Ausstellung. 

Meinrad Maria Grewenig 

Generaldirektor und CEO 

des Weltkulturerbe Völklinger Hütte - Europäisches Zentrum für Kunst 

und Industriekultur 

Campari: The Lost Painting of 

1965 #19 

2000 


182 x 125,5 cm 

Privatsammlung 





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3. PopArt 

Mitte der 1950er Jahre entwickelte sich unabhängig in New York und 

London das Phänomen PopArt. Künstler wie Peter Blake, Andy Warhol und 

Roy Lichtenstein entdeckten die Welt der Unterhaltungsindustrie und der 

Werbung als Quelle der Inspiration für ihre Kunst. 

Sie isolierten, vergrößerten und verfremdeten die Motive der Massenmedien 

in ihren Arbeiten. Andy Warhol erlangte mit der Darstellung einer 

Suppendose der Firma Campell 1968 weltweite Berühmtheit. 

Die PopArt entstand vor dem Hintergrund der damals vorherrschenden 

abstrakten Kunstströmungen. Indem die Künstler ihre Werke mit der 

Lebenswirklichkeit des Betrachters verbanden, verweigerten sie sich nicht 

länger ihrer realen Umwelt. Der britische PopArt Künstler Richard Hamilton 

forderte der PopArt ab „populär, vergänglich, verbrauchbar, billig, 

massenproduziert, jung, witzig, sexy, spielerisch, verführerisch, 

geschäftstüchtig“ zu sein. 

Bildquelle: www.ludwigforum.de Bildquelle: www.ac- amiens.fr 

Andy Warhol Roy Lichtenstein 

Campbell's Soup Can I M-maybe 

1968 1965 





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4. Mel Ramos 

Der kalifornische Maler ist einer der bedeutendsten Repräsentanten 

der PopArt-Bewegung. Wie auch Andy Warhol oder Roy 

Lichtenstein übernimmt Mel Ramos Motive aus den Massenmedien 

und der Werbung für seine Werke. Dabei setzt er unterschiedliche 

Konsumgüter zusammen mit makellosen, selbstbewussten oft 

nackten Frauen auf der Leinwand in Szene. 

Mel Ramos, 2010 

© Dieter Zeitler, Nürnberg 

Die Vorbilder für diese weiblichen Akte entnimmt er den Pin-up-Magazinen der 

1950er und 1960er Jahre sowie den heutigen Lifestylemagazinen und malt sie in 

lasziver Haltung eng verschlungen mit Produkten überdimensionierten Cola- oder 

Ketchupflaschen. Aufgrund eines Unfalls in der Kindheit, der der eine Schädigung 





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des Sehnervs zur Folge hatte, bereitet es ihm Schwierigkeiten, von nah auf fern 

umzustellen, und umgekehrt. Das ist der Hauptgrund, weshalb Mel Ramos 

Fotografien oder Abbildungen als Vorlage verwendet. Noch heute sorgen seine 

Motive, die bereits in den 1960er Jahren zu Ramos Markenzeichen wurden, in der 

Öffentlichkeit für Aufruhr. 

Zwar hat sich der in Kalifornien geborene Künstler durch seine Commercial Pin-ups 

einen Namen in der Kunstwelt gemacht, jedoch ist ein Œuvre vielfältiger. Seine 

künstlerischen Interessen gelten beinah der gesamten Kunstgeschichte. 

Erste Bilder entstanden bereits in den 1950er Jahren, als in den amerikanischen 

Kunsthochschulen Abstrakter Expressionismus unterrichtet wurde. Mel Ramos 

versuchte damals seinen eigenen kreativen Weg zu finden und malte nicht im 

abstrakten Stil, wie viele seiner Zeitgenossen, sondern figurativ. Anschließend griff 

er Comic-Motive auf. Gemalte oder gezeichnete Comic-Helden wie Batman oder The 

Flash waren die Bildmotive der folgenden Jahre. Von da aus war es kein weiter Weg 

zu den Wonder Women Comic-Heldinnen, welche die Vorgängerinnen seiner Pin-up- 

Girls werden sollten. 

Später bediente er sich bedeutender Gemälde aus der Kunstgeschichte wie 

u.a. Modiglianis Akte oder Mondrians Farbkompositionen in verschiedenen 

Serien: A Salute to Art History, Unfinished Paintings, Drawing Lessons, The 

Artist‟s Studio. Dem Zentralmotiv seiner Werke bleibt er nach wie vor treu: 

dem weiblichen Akt, akribisch ausgeführt und frei von Macken oder 

Unreinheiten. Er malt seine Modelle lebendig, gleichzeitig wirken sie jedoch 

künstlich, was wiederum ein Verweis auf Medienwelt ist. 

Die Ausstellung MEL RAMOS. 50 Jahre PopArt zelebriert den Künstler anlässlich 

seines 75. Geburtstages. Sein zeichnerisches und malerisches Werk sowie auch 

Exkurse in die Welt der Skulptur sind zum ersten Mal in dieser größten europäischen 

Retrospektive versammelt. Zu sehen sind rund 90 Arbeiten, von seinen ersten 

menschlichen Darstellungen, Comic-Helden und Heldinnen, seinen prominenten Pin- 

up-Girls bis hin zu seinen aktuellsten Arbeiten, Skulpturen und Gemälde aus der 

Serie Galatea. Der Künstler hat an der Konzeption der Ausstellung mitgewirkt. 





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5. Mel Ramos – Biographie 

1935 

Geburt von Melvin John Ramos am 24. Juli 1935 als Sohn eines Rennfahrers 

portugiesischer Abstammung in Sacramento, Kalifornien 

1954-1956 

Kunststudium am Sacramento Junior College und am San José State College 

1955 

Heirat der Künstlerin und kalifornischen Schönheitskönigin Lolita Alice (Leta) 

Helmers 

1957-1958 

Studium und Abschluss am Sacramento State College bei Wayne Thiebaud 

1958-1966 

Lehrtätigkeiten an verschiedenen High Schools in Sacramento 

Erstmals Teilnahme an PopArt-Ausstellungen im Oakland Museums of 

California und im Contemporary Art Museum Houston 

1964 

Etablierung als Hauptvertreter der PopArt neben Andy Warhol und Roy 

Lichtenstein durch eine Einzelausstellung in der Bianchini Gallery New York 

1965 

Teilnahme an der Gruppenausstellung „Pop Art, Nouveau Réalism, etc.“ im 

Palais des Beaux-Arts, Brüssel 

1965-1966 

Lehrtätigkeit an der Sacramento State University 

1966-67 

Teilnahme an der Wanderausstellung „11 Pop Artists“ durch die USA 





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1967 

Aufnahme der Lehrtätigkeit an der California State Universtiy, Hayward 

Einzelausstellung im San Francisco Museum of Art 

1969 

Erste Einzelausstellung in Deutschland im Gegenverkehr, Zentrum für aktuelle 

Kunst, Aachen 

1972 

Einzelausstellung im Utah Museum of Fine Arts 

1974 

Teilnahme an einer PopArt-Ausstellung im Whitney-Museums of American Art 

in New York 

1975 

Einzelausstellung im Museum Haus Lange, Krefeld 

1977 

Erste Retrospektive im Oakland Museum of California 

1980-1997 

Professor an der California State University, Hayward 

1986 

Auszeichnung mit dem Visual Artits Fellowship Grant durch die National 

Endowment for the Arts 

Reise nach Frankreich im Rahmen eines Austauschstipendiums 

1991-1993 

Teilnahme an der großen internationalen Wanderausstellung „Pop Art“ (Royal 

Academy of Arts, London; Museum Ludwig, Köln; Museo Nacional Centro de 

Arte Reina Sofia, Madrid; The Montreal Museum of Fine Arts) 

Seit 1992 

Zweitwohnsitz in Horta de San Juan, Spanien 





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1999 

Teilnahme an der druckgraphischen Gruppenausstellung „Pop Impressions“ im 

Museum of Modern Art, New York 

2007-2008 

Teilnahme an der Ausstellung „Pop Art Portraits“ in der National Portrait 

Gallery in London und in der Staatsgalerie in Stuttgart 

Mel Ramos lebt und arbeitet in Oakland, Kalifornien, und Horta de San Juan, 

Spanien. 





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Scott 

1968 

Öl auf Leinwand, Sechseck 

30 x 30 cm 

Sammlung Familie Leta und Mel 

Ramos




6. Werkphasen 

1. Grafiken und Zeichnungen 

Im Alter von fünfzehn oder sechzehn Jahren inspiriert ihn Salvador Dalis Werk „ 

Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen (Vorahnung des Bürgerkriegs)“ aus dem 

Jahre 1936 selbst Künstler zu werden. So fertigt er in seiner Highschool-Zeit bereits 

Plakate für seine Schule an. Auch im späteren Werk von Ramos tauchen 

typografische Elemente wieder auf. Auf dem College adaptiert er zunächst den Stil 

der „Bay Area Figurative School“, den sein Professor Wayne Thibaud, selbst ein 

Vertreter dieser Stilrichtung, lehrte. Weiterhin sind in Mel Ramos„ Gemälden dieser 

Zeit Einflüsse des Abstrakten Expressionismus zu erkennen, welcher seit den späten 

1940er Jahren in Amerika en vogue war. Charakteristisch für diese erste Werkphase 

waren einzelne Personen vor einem undefinierten Hintergrund als Motiv, der pastose 

Farbauftrag, sowie pastellige Farbtöne. 

Walking Girl 

1960 


28 x 23 cm 

Sammlung Familie Leta und Mel Ramos 





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2. Comic-Helden 

Mit dem Jahr 1961 kommt der Wendepunkt: die Motivik seiner Gemälde 

wechselt von gewöhnlichen Menschen aus dem Alltag zu Comic-Helden. Er 

stellt sowohl Frauen, als auch Männer dar. Bei den weiblichen Heldinnen 

orientiert er sich daran, wie Frauen in den Medien dargestellt werden. Die 

Farben werden greller, der Stil wird verfeinert. Trotz der neuen Bildthematik 

sind gestalterische Einflüsse aus der Vergangenheit nicht zu leugnen. Wonder 

Woman ist eine Art Prototyp für die folgenden Frauendarstellungen. 

Wonder Woman #1 

1962 


127 x 112 cm 

Sammlung Rochelle Leininger 





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3. Pin-ups 

Mitte der 60er Jahre transformiert Ramos seine Comic-Heldinnen in Heldinnen der 

Werbung. Die Darstellung des weiblichen Körpers erfolgt auf eine sehr realistische 

Weise, auch die Bikinistreifen der California-Girls wurden mit aufgenommen. Im 

Gegensatz zum pastosen Farbauftrag der frühen Werke, wirken die Bilder nun wie 

retuschiert, vergleichbar mit Abbildungen aus Hochglanzmagazinen. 

Ramos persifliert die Werbestrategien, in denen nach dem Motto „Sex sells“ mit 

attraktiven Frauen so gut wie jedes Produkt beworben wird, egal ob es nun passt 

oder nicht. Es geht ihm dabei nicht um die Kritik daran, sondern um eine Offenlegung 

von vorherrschenden Zuständen. Vorlagen für seine Pin-up-Girls fand er im 

„Playboy“ oder dem „Esquire“. 

Lola Cola 

Ohne Jahr 

Lithographie auf Papier 

82 x 67 cm 






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4. Fashion Paintings 

Ebenfalls Mitte der 60er begann Mel Ramos mit der Serie „Fashion Paintings“. 

Inspiriert wurde er von Modedesignern wie Rudi Gernreich, Emanuel Ungaro 

oder André Courrèges. Interessant ist hierbei die Tatsache, dass der Künstler 

seine Modelle wie üblich auf die Leinwand malte, für Kleidung und Accessoires 

aber mit einer Holzfaserplatte arbeitete. Typisch für die Fashion Paintings sind 

die monochromen Farbquadrate im Hintergrund, sowie die modisch elegant 

gekleideten Frauen im Vordergrund; sie scheinen, als seien sie einem 

Modekatalog entnommen. 

Lolita 

1966 

Öl auf Leinwand und Holzfaserplatte 

152 x 102 cm 






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5. Animal Paintings 

Modelle mit Tieren zusammen zu malen war Ramos„ künstlerischer Schwerpunkt in 

den Jahren von 1964-1971. Mel Ramos ist jedoch keineswegs der Erste, der sich mit 

diesem Thema beschäftigte. Im Gegenteil, es besitzt eine lange Tradition innerhalb 

der Kunstgeschichte, denken wir zum Beispiel an das oft behandelte Topos Leda mit 

Zeus in Gestalt eines Schwanes. Um die Tiere so realistisch wie möglich zu malen, 

verwendete er als Vorlage Fotographien aus der Zeitschrift „National Geographic“. 

Da der Hintergrund eine monochrome Farbfläche darstellt, wird hier der 

naturalistische Charakter des Bildmotivs relativiert. 

Elephant Seal 

1970 


165 x 203 cm 

Sammlung Familie Leta und 






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6. „You get more Salami with a Modigliani“ 

Aus den 70er Jahren stammend, sind die Werke dieser Phase an den 

italienischen Maler und Bildhauer Amedeo Modigliani angelehnt. Vergleicht 

man sein Werk mit dem von Mel Ramos, sind einige Parallelen in der 

Bildthematik zu finden. Beide beschäftigten sich mit der Portrait- und 

Aktmalerei, sowie der Darstellung von Landschaften, wenngleich letzteres nur 

marginal als Thema aufgegriffen wurde. 

You Get More Salami With 

Modigliani#15 

1976 

Aquarell auf Papier 

87,5 x 68 cm 







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7. „Salute to Art History“ 

Französische Maler des 18. und 19. Jahrhunderts dienten Mel Ramos als 

Vorlage für diese Reihe. So transformiert er Gemälde von Jean-Auguste- 

Dominique Ingres und Edouard Manet in das Hier und Jetzt, oder bedient sich 

der griechischen Mythologie, indem er den jeweiligen Topos in seinem eigenen 

Stil behandelt. Das Zitieren bekannter Werke der Kunstgeschichte findet sich 

in einigen seiner Werkphasen wieder. 

Bonnards Bath 

1979 


58 x 78,5 cm 

Sammlung Kirk Wayland 





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8. „I Still Get a Thrill When I See Bill” 

Ramos zitierte nicht nur die Werke der alten Meister, auch Willem de Kooning 

diente ihm als Quelle seiner Inspiration. Insbesondere dessen „Women-Serie“ 

aus den 1950er Jahren war für Mel Ramos gut 20 Jahre später von Bedeutung. 

Wie schon in vorherigen Pin-up-Serien geschehen, setzte er den abstrahierten 

Körpern berühmte Köpfe auf, so zum Beispiel den von Farrah Fawcett. Die US- 

amerikanische Schauspielerin wurde unter anderem durch die Fernsehserie 

„Drei Engel für Charly“ bekannt. 

I Still Get a Thrill When I See Bill #12 

1977 


182 x 127 cm 






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9. Landschaften 

Mit Beginn der 80er widmete sich Mel Ramos eines bis dato seinerseits noch 

nicht behandelten Sujets, den Landschaftsdarstellungen. Als Motiv wählte er 

häufig kalifornische Landschaften. Dabei erfolgt die malerische Umsetzung 

nicht in der von uns erwarteten Art und Weise des Panoramas. Ramos gibt 

stattdessen lediglich den Blick nach oben frei, der von zwei Gegenständen an 

den Bildrändern flankiert wird. In diesem Fall sind es zwei Palmen, die er sah, 

wenn er aus seinem Atelierfenster in Oakland blickte. 

The Four Seasons: Autumn 

1982 


107 x 254 cm 






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10. „The Artist‟s Studio“ 

In dieser Phase, die ihre Wurzeln in den 80er Jahren hatte, ging es um die 

Darstellung des künstlerischen Schaffensprozesses, deutlich gemacht, indem hier 

Einblicke in das Atelier des Künstlers gegeben werden. Im Mittelpunkt stehen hier 

Vorzeichnung und der immer wieder auftauchende Spiegel, welcher die Reflexion 

der Modell sitzenden Frau zeigt. Der Akt spielt jedoch hier nicht mehr die Hauptrolle. 

Vielmehr geht es in der Bildserie darum, wie ein Gemälde entsteht. 

The Artist's Studio #1 

1987 


157 x 207 cm 






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11. „Unfinished Paintings“ 

In den 90er Jahren fertigte Mel Ramos unter anderem eine Serie scheinbar 

unvollendeter Bilder. Der Eindruck wird dadurch erweckt, dass sie halb 

gezeichnet und halb gemalt sind. Wie schon bei „The Artist‟s Studio“ gesehen, 

steht hier der Entwicklungsprozess eines Werkes im Fokus. Die Zeichnungen 

lassen sein Talent Proportionen exakt wiederzugeben erkennen. 

Unfinished Painting Delacroix 

1990 


55 x 85,5 cm 

Courtesy LEVY, Hamburg 





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12. „The Drawing Lessons“ 

Mel Ramos zeigt mit dieser Reihe von Bilder aus den 90er Jahren eine neue Facette 

eines Œuvres. Dis bisher zumeist in einer gestellten Pose verharrenden Modelle sind 

nun sich bewegenden Körpern gewichen, deren Haltung auf eine Art 

Momentaufnahme hindeutet. Der gezielte Einsatz von Licht und Schatten hebt die 

Plastizität hervor. Konträr zu den Pin-up-Girls tragen die hier abgebildeten Frauen 

keine Bikini-Streifen mehr. 

The Drawing Lesson: Ode to Ang #1 

1990 

Bleistift auf Papier 

69 x 48cm 






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13. „The Lost Paintings of 1965“ 

In dieser Werkphase greift Mel Ramos Themen aus vergangenen Schaffensphasen 

auf. Anhand von Zeichnungen und Entwürfen, die er beispielsweise während der 

60er Jahre begonnen hatte, produziert er, 30 Jahre später, neue Gemälde. Der Titel 

„verlorene Gemälde“ ist jedoch etwas irreführend, handelt es sich doch im Grunde 

genommen um eine Vollendung eines Bildzyklus, dessen Ideen Jahrzehnte 

zurückliegen. Die Gemälde thematisieren vorrangig Pin-up-Mädchen mit Produkten 

aus der Werbeindustrie. 

Candy 2: The Lost Painting of 

1965 #32 

2003 


96 x 63,5 cm 






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14. „The Transfiguration of Galatea“ 

Seit dem Jahr 2000 hat Mel Ramos das Thema antike Sagen für sich entdeckt. 

Besonders faszinierte ihn der griechische Mythos von Galatea. Galatea war 

eine der Nymphen des Mittelmeeres. Ihr Geliebter Acis wird von dem Zyklopen 

Polyphem aus Eifersucht mit einem Fels erschlagen. Sie, Galatea, verwandelte 

das Blut von Acis in einen Fluss. Mel Ramos verwendete jedoch eher die 

antiken Vorlagen Galateas für seine Gemälde, als die Geschichte an sich. 

The Transfiguration of Galatea #7 

2003 


164 x 100 cm 






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15. Skulpturen 

Neben den Gemälden, wandte sich Mel Ramos im Laufe seines Lebens auch der 

Bildhauerei zu. Wenn man so will, überträgt er seine Pinup-Darstellungen von 

der Leinwand in die Dreidimensionalität. 

Aus diesem Grund finden wir hier die bekannten Motive von Ramos wieder: Frauen, die mit 

überdimensionalen Konsumgegenständen dargestellt werden. 

Five Flavor Frieda 

2010 

Bemaltes Harz 

50x96x22,5 cm 

Galerie Ernst Hilger, Wien 





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16. Hollywood-Ikonen 

Die aktuelle Werkreihe ist berühmten Hollywoodschauspielerinnen gewidmet, die in 

Form eines Aktes in Verbindung mit jeweils einem Buchstaben des Wortes 

Hollywood treten. Die Gesichter verraten, um welche Schauspielerin es sich handelt. 

Schon zu früheren Zeiten hat er gerne das Konterfei einer berühmten Persönlichkeit 

in seinen Akten verwendet, im vorliegenden Fall handelt es sich um das Portrait von 

Cameron Diaz, einer US-amerikanischen Schauspielerin. 

Hollywood Suite #9 D 

2009 


102x76cm 

Galerie Ernst Hilger, Wien 





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7. Schlüsselwerke 

1. „Pete“ 

Wir sehen hier einen räumlich nicht definierten Hintergrund, welcher von der 

Farbigkeit in Schlamm- bzw. Erdtönen gehalten ist. Die männliche Person auf dem 

Gemälde steht seitlich im Profil zum Betrachter; seine Hände sind locker in die 

Hosentaschen gesteckt. Durch die Drehung des Kopfes nach rechts, kommt es dem 

Betrachter so vor, als schaue die Person auf einen unbestimmten Punkt aus dem 

Bild heraus. Durch die Farbwahl im Bild und den Gestus des Mannes strahlt dieses 

Gemälde eine melancholische Stimmung aus. 

Pete 

1961 


28 x 23 cm 







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2. „The Flash“ 

Dieses Gemälde zeigt einen Helden aus Mel Ramos„ Kindheit: The Flash. In 

Deutschland ist diese Comicfigur aus dem amerikanischen Verlag D.C. Comics auch 

bekannt als der Rote Blitz oder der Blitzmann. Er trägt seinen charakteristischen 

Hut, ein rotes Oberteil auf dem ein Blitz zu sehen ist, sowie einen Gürtel, eine blaue 

Hose und rote Stiefel, an denen sich ebenfalls Blitze als Applikation befinden. Trotz 

des neuen Genres, bleibt er dem pastosen Farbauftrag treu, malt jedoch die 

Konturen präziser. Insgesamt erscheinen die Figuren im Vergleich zu den früheren 

Arbeiten plastischer und dynamischer. Dieser Eindruck wird vor allem durch die 

Bewegtheit der Comichelden erzeugt. 

The Flash #2 

1962 


77 x 48 cm 

Sammlung Skot Ramos 





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3. „Della Monty“ 

„Della Monty“ ist ein typisches Beispiel für die sogenannten Commercial Pin-ups. 

Das Model steht hier hinter einer überlebensgroßen Flasche Ketchup und stützt sich 

lasziv-locker auf ihr ab, dabei ist ihr Körper zum größten Teil vom Gegenstand 

verdeckt. Durch dessen Überdimensionierung finden sich Mensch und Produkt in 

einer Art Konkurrenz wieder, in dem um die Aufmerksamkeit des Betrachters 

gebuhlt wird. Sowohl der menschlicher Körper, als auch das Produkt sind sehr real 

dargestellt. Dieser hohe Ikonizitätsgrad wird unter anderem durch die Lokalfarbe 

und die Licht- und Schattenwirkung erreicht. 

Della Monty 

1971 


152 x 127 cm 






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4. „David‟s Duo“ 

Mit der Serie „A Salute to History“ zeigt Mel Ramos seine Affinität zu den alten 

Meistern der Kunstgeschichte, indem er berühmte Werke zitiert. Das Gemälde 

„David‟s Duo“ zeigt ein Selbstportrait des Künstlers mit einer Frau auf einem 

Kanapee in einem nahezu steril anmutenden Raum. Die Szene scheint den Moment 

nach dem Geschlechtsakt darzustellen und verweist auf das Gemälde „Amor und 

Psyche“ von Jacques-Louis David aus dem Jahre 1817. Ramos hat hier Personen, 

Bühnenbild und Requisiten ausgetauscht. Er selbst schlüpft in die Rolle des 

Liebesgottes Amor, auch Cupido genannt. Dass es sich hierbei um Amor handelt, ist 

an seinen Attributen wie den Flügeln und dem Bogen zu erkennen. Der 

Fensterausschnitt zeigt im Gegensatz zum Original eine kalifornische Landschaft bei 

Sonnenuntergang. Ramos parodiert hier den Klassizismus. 

David's Duo 

1973 


178 x 244 cm 






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5. „Karnak. Ode to Moe“ 

„Karnak. Ode to Moe“ malte Ramos als Hommage an den Maler US-amerikanischen 

Morris Louis, ein Vertreter der Farbfeldmalerei an. Zu sehen ist die Tempelanlage 

von Karnak, jedoch keineswegs in der Totalen. Dem Betrachter wird stattdessen 

eine Blickrichtung gen Himmel vorgeben. Vom eigentlichen Bildthema sind lediglich 

die Hälften von zwei Statuen zu sehen, welche die beiden Bildränder flankieren. 

Somit entsteht in der Mitte eine große graue Farbfläche. 

Karnak. Ode to Moe 

1980 


56 x 76 cm 






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6. „The Artist‟s Studio #1“ 

Zur gleichnamigen Werkserie hat Ramos hier ein Atelier gemalt. In der rechten 

Bildhälfte sehen wir eine Kohlzeichnung auf einer Staffelei; diese kann als 

Vorzeichnung zu Ingres „Grand Odalisque“ von 1814 angesehen werden kann. Im 

Vordergrund sind Farbtuben und Pinsel zu entdecken, mit denen der Künstler im 

Anschluss an die Vorzeichnung arbeitet. In der linken Bildhälfte ist ein gerahmter 

Spiegel an die Ecke des Zimmers gelehnt, worin sich das Modell des Künstlers 

spiegelt. So haben wir zwei Thematiken in einem Bild vereint: Die Darstellung des 

Schaffensprozesses und den bereits bekannten Rückgriff auf die Kunstgeschichte. 

The Artist's Studio #1 

1986 


46 x 61 cm 






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7. „Unfinished Painting #1“ 

„Unfinished Painting #1“ zeigt einen weiblichen Akt, dessen Oberkörper und 

teilweise auch der Hintergrund koloriert sind. Ab etwa der Mitte des Bauches 

verschwindet die Farbe und wir sehen die Vorzeichnung. Die Pose des Modells ist als 

relativ locker zu bezeichnen. Der Kopf ist nach rechts gedreht, die Hände sind 

jeweils seitlich in die Taille gestemmt und die Hüfte nach rechts eingeknickt, die 

Füße sind leicht nach außen geöffnet. Aufgrund gezeichneten Teiles im Kontrast 

zum colorierten Teil der Frau, wirkt letzterer viel plastischer und lebensechter. 

Unfinished Painting #1 

1991 

Oil on Canvas 

181,5 x 130 cm 






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8. „Martini Miss“ 

Die Skulptur „Martini Miss“ besteht aus einer Blondine, die sich in einem Glas mit 

Martini räkelt. Neben dem Glas liegt eine Olive am Spieß, die als klassische Zugabe 

zu diesem Drink gereicht wird. Mel Ramos fertigte seine Skulpturen aus Kunstharz 

und besprüht sie anschließend mit Airbrush. Die Pose der Figur erinnert an Auftritte 

von Dita von Teese, eine US-amerikanische Burlesque-Tänzerin, die darüber hinaus 

schauspielert und sich als Aktmodell betätigt. Ihre Performance in einem 

Champagnerglas verhalf ihr zu weltweiter Bekanntheit. 

Martini Miss 

2008 

Bemaltes Harz 

50 x 36 x 72 cm 

Galerie Patrice Trigano, Paris 





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8. Zeitleiste historischer und politischer Entwicklungen 

von den 1960er bis zu den 1990er Jahren 

Die 1960er Jahre 

1960 

Bürgerrechtsbewegung 

in den USA 

1961 

Bau der Berliner Mauer 

1962 

Kuba-Krise 

1963 

Ermordung John F. 

Kennedys 

1964 

Vietnamkrieg 

Seit Mitte der 1950er Jahre kämpfen große Teile der 

afroamerikanischen Bevölkerung und ihr Hauptvertreter 

Martin Luther King friedlich um die Aufhebung der 

Rassentrennung. 

Vom 13. August 1961 bis zum 9. 1989 trennt die Mauer 

West-Berlin vom Ostteil der Stadt. 

Ist eine äußerst ernste Konfrontation zwischen den 

Vereinigten Staaten und der Sowjetunion . Auslöser ist 

die Stationierung US-amerikanischer, nuklearer 

Mittelstreckenraketen in Italien und der Türkei im Jahre 

1959, gefolgt von der Stationierung sowjetischer 

Raketen auf Kuba im Jahre 1962. Niemals zuvor ist ein 

Atomkrieg so wahrscheinlich wie zu diesem Zeitpunkt. 

Am 22. November 1963 wird Präsident John F. Kennedy 

in Dallas/ Texas mit mehreren Gewehrschüssen während 

einer Fahrt im offenen Wagen durch die Innenstadt 

ermordet. 

Beginn der amerikanischen Beteiligung am zweiten 

Indochinakrieg. Die brutalen Kampfeinsätze der 

Amerikaner werden im Verlauf des Krieges von der 

eigenen Bevölkerung stark verurteilt. 

1965 Mehr als 17.000 Menschen arbeiten in der Völklinger 

Hütte. Es ist die höchste Beschäftigtenzahl in der 

Geschichte der Völklinger Hütte. 





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1966 

Kulturrevolution in China 

1967 

Jungfernflug der Boeing 

737 

Start des 

Farbfernsehens in der 

BRD 

1968 

Höhepunkt der 

Studentenbewegung 

1969 

erste Mondlandung mit 

Apollo 11 


1972 

Geiselnahme von 

München bei den 

Olympischen Spielen 

Eine von Mao Zedong ausgelöste politische Kampagne, 

um seine Macht gegenüber realen und vermeintlichen 

Gegnern in der kommunistischen Partei zu behaupten 

und die Volksrepublik China ganz nach seinen 

persönlichen Vorstellungen umzugestalten. Während 

ihrer dreijährigen Hochphase kam es zu Morden, 

Misshandlungen, Zerstörungen und Restriktionen. 

Im Dezember 1969 erfolgte die Auslieferung der ersten 

Boeing 737-100 an die Lufthansa. Die Boeing 737 ist 

heute eines der meistgebauten Flugzeugtypen; etwa alle 

sechs Sekunden startet eine Maschine. 

ARD und ZDF übertragen ab dem 25. August 1967 um 

14.30 Uhr in Farbe. Als gemeinsame Testsendung wurde 

der französische Film „Cartouche, der Bandit“ gezeigt. 

Zusammenschluss von Studenten in den USA und 

Deutschland, die gegen die politischen und 

gesellschaftlichen Verhältnisse (Vietnamkrieg, autoritäre 

Erziehung) und für die Gleichstellung von Minderheiten 

protestieren. 

Am 16. Juli 1969 starten Armstrong, Michael Collins und 

Edwin Aldrin mit der Raumfähre Apollo 11 in Richtung 

Mond. Vier Tage später betritt Armstrong als erster 

Mensch den Mond. 

Am 5.September nehmen palästinensische Terroristen 

elf israelische Athleten als Geiseln. Bei einem 

gescheiterten und unzulänglichen Befreiungsversuch 

kommen alle Geiseln, ein deutscher Polizist und fünf 

Terroristen ums Leben. 

Erstes Videospiel Das von Atari entwickelte Spiel „Pong“ gilt als Urvater 

der Videospiele. Es ist ein virtuelles Tischtennisspiel. 





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1973 

Ölkrise 

1974 

Watergate-Affäre 

1975 

Ende des Vietnamkrieges 

1977 

Deutscher Herbst 


1981 

der erste PC kommt auf 

den Markt 

Die erste und bisher folgenreichste Ölkrise beginnt im 

Herbst 1973, als die Organisation der 

erdölexportierenden Länder bewusst die Fördermengen 

drosseln um den Preis für Erdöl zu erhöhen. Dieses 

Ereignis geht auch unter dem Namen "Ölembargo" in die 

Geschichte ein. Die angesprochene Drosselung der 

Fördermengen ist Kalkül und politisches Druckmittel der 

OPEC-Staaten, die mit der Politik einiger 

erdölimportierender Staaten nicht einverstanden sind. 

Gravierende „Missbräuche von Regierungsvollmachten, 

während der Amtszeit des republikanischen US- 

Präsidenten Richard Nixon zwischen 1969 und 1974. 

Deren Offenlegung ab Juni 1972 führt 

Verfassungskonflikt, der mit dem Rücktritt Nixons endet. 

Trotz der amerikanischen Interventionen steht Indochina 

ab diesem Zeitpunkt unter kommunistischer Kontrolle. 

Die Zeit und die politische Atmosphäre in 

Westdeutschland im September und Oktober 1977, ist 

geprägt durch Anschläge der linksextremistischen 

Terrororganisation Rote Armee Fraktion. Die Entführung 

und Ermordung Hanns Martin Schleyers, die Entführung 

des Lufthansa-Flugzeugs "Landshut" und die 

Selbstmorde der inhaftierten führenden Mitglieder der 

ersten Generation der RAF stellen den Höhepunkt des 

deutschen Terrorismus dar. 

Der erste Personal Computer des Unternehmens IBM 

kommt auf den Markt. Apple hatte bereits 1977 den 

ersten industriell gefertigten Computer vorgestellt. 

Aids wird als Pandemie eingestuft 

1984 Stillsetzung der Völklinger Hütte: Der letzte Hochofen 

wird abgestochen. 





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1985 Patrick Süskinds Roman „Das Parfum“ erscheint. Bis 

heute wurde er in 46 Sprachen übersetzt und 2006 

1986 

Atomreaktor 

Katastrophe in 

Tschernobyl 

1989 

Fall der Berliner Mauer 


1990 

Wiedervereinigung 

Deutschlands 

1991 

zweiter Golfkrieg: 

1991-1995 

Zerfall Jugoslawiens 

verfilmt. 

Bedienungsfehler und Mängel der Konstruktion des 

Reaktors lösen einen so genannten Super-GAU aus, das 

heißt einen Unfall, der die Möglichkeiten der 

eingesetzten Sicherheitstechnik überfordert. Große 

Mengen an radioaktiver Materie werden in die Luft 

geschleudert und verteilten sich hauptsächlich über die 

Region nordöstlich von Tschernobyl, sowie über viele 

Regionen Europas. 

Nach mehr als 28 Jahren Bestand werden in der Nacht 

vom 9. auf den 10. November die Grenzen der DDR zur 

Bundesrepublik geöffnet. 

Am 3. Oktober vollzieht sich die offizielle Deutsche 

Einheit. 

Das Internet wird für kommerzielle Zwecke nutzbar 

gemacht. 

Der Irak überfällt Kuwait. Alliierte Kräfte unter der 

Führung der USA befreien den Golfstaat. 

Der durch Unabhängigkeitserklärungen der 

Teilrepubliken Slowenien, Kroatien, Mazedonien und 

Bosnien-Herzegowina und der damit verbundenen 

Problematik der ethnischen Vielfalt in den neu 

gebildeten Nationalstaaten aufbrechende Balkankonflikt 

zieht eine Reihe von Bürgerkriegen nach sich. 

1994 Die UNESCO erklärt die Völklinger Hütte zum 

Weltkulturerbe. 





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Völkermord in Ruanda Der Völkermord in Ruanda an den Tutsi und an 

gemäßigten Hutu beginnt in der Nacht vom 6. April zum 

7. April 1994 und kostet innerhalb von nur 100 Tagen 

500.000 bis 1 Million Menschenleben. Anlass ist der 

Konflikt zwischen der damaligen ruandischen Regierung 

und der Rebellenbewegung Ruandische Patriotische 

Front. 

Nach dem Ende der Apartheid wird Nelson Mandela zum 

ersten schwarzen Präsidenten Südafrikas gewählt. 

1996 Dolly, das erste geklonte Säugetier, wird geboren. 

1997 

Lady Diana stirbt 

Der letzte von Frankreichs 210 Atombombentests wird 

auf dem Moruroa-Atoll durchgeführt. 

Am 31. August 1997 kommt Lady Di bei einem Autounfall 

in Paris ums Leben. Die Unfallursache bleibt ist bis heute 

ungeklärt. 

Die Sonde Pathfinder landet am 4.Juli mit dem 

Geländewagen Sojourner auf dem Mars. 

1998 Japan bringt den „Game Boy“ auf den Markt. 

„Karfreitagsabkommen“ Am 30. April wird das Friedensabkommen für Nordirland 

geschlossen, das „Karfreitagsabkommen“ (Good Friday 

Agreement). 

1999 Die Anzahl der weltweit lebenden Menschen übersprang 

nach Berechnungen der UN erstmals die 6-Milliarden- 

Marke. 

11. August 1999 – an diesem Tag findet in Europa eine 

totale Sonnenfinsternis statt. 





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9. Unterrichtsvorschläge 

Fächerübergreifende Unterrichtsvorschläge für Deutsch, 

Bildende Kunst und Politik (gymnasiale Oberstufe) 

Unterrichtsvorschlag für das Fach Kunst (Oberstufe) 

Im Unterricht 

Thema: PopArt 

Da Mel Ramos einer der bekanntesten PopArt-Künstler ist, ist es wichtig zu 

klären, was man unter dieser Stilrichtung versteht. Dazu können weitere 

Vertreter wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein oder Jasper Johns besprochen 

werden. Begleitend zu dieser Unterrichtseinheit sind im Lernpaket 

Informationen zu den genannten Künstlern aufgeführt, sowie eine kurze 

Erläuterung zur PopArt und ein PopArt-ABC, in dem die wichtigsten Begriffe 

zum Thema aufgeführt sind. 

Die theoretische Behandlung der Kunstrichtung kann durch eine praktische 

Arbeit ergänzt werden. 

Vorschläge 

Seriendrucke/Siebdruckverfahren 

Werbegrafiken 

In der Ausstellung 

Anhand der Exponate ist es möglich, die Merkmale der PopArt noch einmal 

nachzuvollziehen oder den Besuch als Vorbereitung für den theoretischen Teil 

zu nutzen. 

Thema: Akt in der Kunstgeschichte 

Aktdarstellungen sind in der Kunstgeschichte ein oft gewähltes Sujet, welche 

auch Mel Ramos„ künstlerischen Schwerpunkt bilden. Anhand von Werken aus 

der Vergangenheit können Unterschiede und Gemeinsamkeiten zu Ramos„ 

Gemälden erarbeitet werden. 





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Mögliche Fragen: 

1. Wie hoch ist der Ikonizitätsgrad? 

Licht/Schatten 

Stofflichkeit 

Proportionen 

2. Wie hat sich die Rezeption solcher Darstellungen verändert? Als Beispiel 

könnte man an dieser Stelle Edouard Manets „Olympia“ (1863) anfügen, 

welches bei seiner ersten Präsentation einen Skandal auslöste. 

Skandale 

Akzeptanz 

Begeisterung 

Als Beispiele können unter anderem die Werke herangezogen werden, die im 

Kapitel Werkvergleich zu finden sind. 


Die im Unterricht erarbeiten Ergebnisse können in schriftlicher Form mit in die 

Ausstellung genommen werden und vergleichend zu Mel Ramos„ Arbeiten 

vorgestellt werden. 

Thema: Proportion 

Mel Ramos„ Pin-up-Girls zeichnen sich durch eine nahezu hyperrealistische 

Gestaltung aus. Dieser Eindruck wird unter anderem durch deren Proportionen 

erweckt. Mit Hilfe von Fotos oder einer Gliederpuppe kann das korrekte 

Wiedergeben von Körperrelationen geübt werden. 





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Thema: Werkvergleich 

Innerhalb der Kunstgeschichte ist häufig zu beobachten, dass sich Künstler 

durch ihre Werke gegenseitig inspirieren. Auch Mel Ramos adaptierte im 

Rahmen seiner Laufbahn Arbeiten von alten Meistern, aber auch von Malern 

aus dem 20.Jahrhundert. Hier bietet es sich an, das Original und die Adaption 

von Ramos einander gegenüber zu stellen. 

Da ein Werkvergleich formalen Kriterien unterliegt, können diese zur 

Vorbereitung besprochen werden. 

Vorschläge für den Werkvergleich: 

1. 

Jean-Auguste-Dominique Ingres: La Grande Odalisque, 1814 

Mel Ramos: Plenti-Grand Odalisque, 1973 

http://www.artchive.com/artchive/I/ingres/ingres_gr 

and_odalisque.jpg.html 





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2. 

Jacques- Louis David: Amor & Psyche, 1817 

Mel Ramos: David‟s Duo, 1973 

http://www.kzu.ch/fach/as/gallerie/myth/goetter/a 

phrodite/aphr41.htm 





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3. 

Francis Picabia: Portrait d‟une jeune fille américaine dans l‟état de nudité, 1915 

Mel Ramos: A.C. Annie, 1971 

http://www.dadart.com/dadaism/dada/ 

011-dada-francis-picabia.html 





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4. 

Amedeo Modigliani: Nu assis (Sitzender Akt), 1917 

Mel Ramos: You Get More Salami With Modigliani #7, 1977 

http://www.moreeuw.com/histoireart/biographie-amedeomodigliani.htm#peintures-modigliani 





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5. 

Willem de Kooning: Woman I, 1950-1952 

Mel Ramos:I Still Get a Thrill When I See Bill #1, 1977 

http://www.moma.org/collection/object 

.php?object_id=79810 





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Thema: Werbung 

Seine Commercial Pin-ups verhalfen ihm zum Durchbruch als Künstler. Dabei 

setzt Ramos attraktive Frauen mit überdimensionierten Konsumgütern in 

Szene, wodurch eine gewisse Ironisierung der Werbeindustrie erreicht wird. In 

diesem Zusammenhang bietet es sich an, eine Plakatwerbung oder 

Werbeanzeige in einer Zeitschrift zu analysieren. 

Mögliche Fragen: 

1. Um welches Produkt handelt es sich? 

Kosmetik 

Auto 

Bekleidung 

2. Welche Zielgruppe wird angesprochen? 

Frauen 

Männer 

Erwachsene 

Jugendliche Kinder 

3. Wie ist das Plakat/die Anzeige gestaltet? 

Motiv 

Farbigkeit 

Slogan 





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Unterrichtsvorschlag für das Fach Politik (Oberstufe) 

Thema: Die Rolle der Frau 

Kritiker behaupten, Mel Ramos reduziere eine Frau auf ihr Äußeres, so dass sie 

lediglich als Lustobjekt angesehen wird. Sie unterliegen einer stereotypen 

Darstellung, die klar die physischen Reize in den Vordergrund stellt. 

Als Diskussionsgrundlage kann folgendes Zitat verwendet werden: 

[…] Meine Arbeit sollte Der menschliche Körper ist ein potentes und 

fruchtbares Arbeitsfeld, aber es gibt nur wenige Möglichkeiten, ihn 

unkonventionell darzustellen, und im Laufe der Kunstgeschichte ist ihm seine 

Vertrautheit zum Fluch geworden. Was ich versucht habe, ist diese Kastration 

rückgängig zu machen. 

(aus: Rosenblum, Robert: Mel Ramos. PopArt Images, Köln 1997, S. 72) 


Bei diesem Thema ist es sinnvoll, sich die Werke vor Ort anzuschauen. Die 

nachstehend aufgeführten Arbeiten dienen als Beispiele 

Monterey Jackie, 1965 

Miss Fruit Salad, 1990 

Stella Strellson, 2007 

Thema: Historische und gesellschaftliche Ereignisse von den 1960ern bis in die 

1990er Jahre. 

Hier kann die im Lernpaket enthaltene Zeitleiste den Ausgangspunkt bilden, 

um Themen auszusuchen. 

Mögliche Themen: 

Bürgerrechtsbewegung in den USA 

Ölkrise 

Fall der Berliner Mauer 





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Unterrichtsvorschlag für das Fach Deutsch (Oberstufe) 

Thema: Antike Sagen und Mythen 

Leda und Zeus– ein griechischer Mythos, mit dem sich Mel Ramos auf 

verschiedene Art und Weise in seinen Gemälden beschäftigt hat. Im Rahmen 

des Deutschunterrichtes kann die Sage besprochen werden. 

Leda und Zeus 

Diese Sage handelt von Leda, die laut griechischer Mythologie, die Tochter des 

ätolischen Königs Thestios und Eurythemis war. Die Geschichte von Zeus und Leda 

ist in zwei Versionen überliefert. Die erste besagt, dass sich Zeus nicht in Leda, 

sondern in die Rachegöttin Nemesis verliebt habe. Um den Nachstellungen des 

Liebhabers zu entkommen, verwandelte sie sich in vielerlei Tiere, zuletzt in eine 

Gans. Sogleich war Zeus in Gestalt eines schönen Schwanes zur Stelle, verführte 

und schwängerte sie. 

Doch auch ihr Mann Tyndareos schlief in dieser Nacht mit ihr. Leda gebar alsdann 

zwei Eier mit vier Kindern - von Zeus Helena und Polydeukes (lateinisch Pollux), von 

Tyndareos Klytaimnestra und Kastor. Helena und Polydeukes waren dadurch 

unsterblich, letztere dagegen sterblich. In einigen Versionen ist es nur Helena, die 

aus einem Ei schlüpft, in anderen werden sie, Kastor und Polydeukes aus demselben 

Ei geboren. 

Eine andere Version besagt, dass das göttliche Ei von der Rachegöttin Nemesis Leda 

untergeschoben wurde, da sie dem spartanischen Königsgeschlecht feindlich gesinnt 

war. Somit wäre Leda nur die Milchmutter der Helena gewesen. 





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Thema: Comics 

Besonders in der Anfangszeit seiner künstlerischen Laufbahn beschäftigte sich 

Ramos mit den Helden seiner Kindheit und brachte Comicfiguren wie 

Superman, Wonder Woman oder The Flash auf Leinwand. 

Die Gattung Comic kann im Unterricht besprochen werden. Darüber hinaus ist 

es denkbar, einzelne Comichefte miteinander zu vergleichen, um Unterschiede 

und Gemeinsamkeiten herauszuarbeiten. 

Um dieser Unterrichtseinheit einen aktuellen Bezug zu geben, ist es denkbar 

die Frage zu stellen, wer die Helden unserer Zeit sind. 

Superman Wonder Woman 

Phantom Lady 

Green Lantern 





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Captain Midnight Batman 





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10. Quellentexte 

Mel Ramos. Lebenslauf/Werklauf 

von Maria Espinosa und Otto Letze 

„Und die Antwort lautete stets: nein“, sagt Mel Ramos zur der sich selbst wohl täglich 

gestellten Frage, ob überhaupt irgendein anderes Sujet ihn so sehr faszinieren könnte wie 

die Frauen. Frauen, Heldinnen, Modeköniginnen, Schauspielerinnen, Musen. Frauen, leicht 

angezogen, nackt, Frauenköpfe, Frauenbüsten. Frauen verewigt der kalifornische Künstler 

Mel Ramos in seinem Werk von seinen Anfängen bis heute. Und keine Wende ist in Sicht. 

Melvin John Ramos wurde am 24. Juli 1935 als Sohn eines Rennfahrers portugiesischer 

Abstammung in Sacramento, Kalifornien, geboren. Dort verbrachte er auch den größten Teil 

seiner Jugend. Die Faszination für die Kunst spürt er bereits im Alter von elf Jahren: 

„1946, ich war damals elf, durfte ich meinen Vater und seine Freunde auf die Jagd begleiten. 

[…] Auf unserem Lagerplatz – er hieß ›Two Back Tuttle‟s Place‹ – vertrieb mir einer der 

Jagdfreunde meines Vaters abends die Zeit damit, stilisierte Zeichnungen von Insekten für 

mich anzufertigen, die er als ›Läuse‹ bezeichnete. Das war meine erste ernsthafte 

Begegnung mit der Kunst. Ich erinnere mich noch, dass ich mächtig beeindruckt war, mit 

welcher Leichtigkeit er diese Lebewesen aufs Papier warf, und dass ich Stunden damit 

zubrachte, diese Geschöpfe zu kopieren.“ 

Die nächste künstlerische Erfahrung dürfte seine Begegnung mit Salvador Dalís Werk 

„Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen (Vorahnung des Bürgerkriegs)“ von 1936 

gewesen sein. Dieses Werk des großen Meisters des Surrealismus sah Ramos mit fünfzehn 

oder sechszehn Jahren und war so fasziniert, dass er daraufhin beschloss, selbst Künstler zu 

werden. Bereits in der Highschool begann er, erste eigene künstlerische Erfahrungen zu 

sammeln. In dieser Zeit gestaltete er Plakate, beispielsweise für das Basketballteam seiner 

Schule. Er entwarf ebenfalls Teile des Logos seiner Schule, der C. K. McClatchy High School. 

Diese Tätigkeit als „Grafiker“ sollte ihn fortan begleiten: Schriften sind ein immer 

wiederkehrendes Element in seinem Werk. Sein typografisches Wissen hatte er sich zum 

großen Teil autodidaktisch angeeignet, er belegte später aber auch Kurse in grafischer 

Gestaltung. 1954 begann er sein Studium der Kunst und Kunstgeschichte am Sacramento 

Junior College. Anschließend studierte er am Sacramento State College bei dem Professor 

und Künstler Wayne Thiebaud. Anders als die meisten seiner Kollegen vermittelte dieser 

seinen Studenten nicht den Stil des Abstrakten Expressionismus. Vielmehr war er einer der 

prominentesten Vertreter der „Bay Area Figurative School“. Thiebaud war für die 

Konzeption und die Umsetzung der Gestaltung für die jährlich stattfindende Ausstellung in 

der „California State Fair Exposition“ zuständig, und Ramos assistierte ihm zusammen mit 





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anderen Studenten über mehrere Sommer hinweg bei den Vorbereitungen und dem Aufbau 

der Schauen. 

Die künstlerische Sprache Dalís sowie Thiebauds mit der Bay Area Figurative School, aber 

auch der Abstrakte Expressionismus waren die wesentlichen Einflüsse in Ramos‟ früher 

künstlerischer Entwicklung. […] 

Ramos‟ erste Gemälde kristallisieren sich aus der Auseinandersetzung mit den Stilen beider 

Schulen heraus. Die 1957 entstandenen Werke stellen einzelne Figuren mehr oder weniger 

abstrakt vor einem räumlich nicht genauer definierbaren Hintergrund dar, mit dem die Figur 

zu verschmelzen scheint. Aus diesen ersten Beiträgen zur Kunst nahm er die Figur und die 

Pastosität der Farbe für seine weitere kreative Reise mit und löste sich allmählich von 

bereits bestehenden Stilen und Techniken. Präzision und Klarheit sollten sich allmählich zu 

seinen technischen Qualitäten entwickeln. 

1955, kaum 20-jährig und noch mitten im Studium, hatte er seine Jugendliebe, die Künstlerin 

Leta geheiratet. Diese sein Leben prägende Zielstrebigkeit bewirkte, dass er bereits 1957 

erste Lehrtätigkeiten an der Elk Grove High School übernahm; 1958 schloss er sein Studium 

ab. Von 1967 bis 1998 lehrte er an der California State University in Hayward und finanzierte 

damit seine künstlerischen Aktivitäten. Von seinen ersten Werken bis heute bleibt die 

Faszination für die menschliche, überwiegend die weibliche Figur ungebrochen. Ende der 

1950er-Jahre malt er den menschlichen Körper bewusst im Stil des ebenfalls aus Oakland 

stammenden Künstlers Nathan Oliveira, der ebenfalls der Bay Area Figurative School 

angehörte. Später sind es gemalte weibliche Akte, ebenso bewusst im Stil des großen 

Meisters des Abstrakten Expressionismus Willem de Kooning gehalten. Eigene Elemente 

wurden freilich integriert und ließen schon damals Bestandteile dessen, was sein eigener Stil 

werden sollte, erkennen: farbenprächtige, peinlichst genau wiedergegebene weibliche 

Körper. Charakteristisch für diese früheren Werke waren die dick aufgetragenen Ölfarben 

sowie der grobe Pinselstrich. Mel Ramos blieb wie viele der anderen kalifornischen Künstler 

den traditionellen Maltechniken der Westküste eng verbunden. 

1961 fand in seiner Bildmetaphorik eine Wende statt: „Ich beschloss, nicht die Menschen zu 

malen, die ich kannte, sondern Menschen, mit denen ich groß geworden war und die ich 

bewunderte.“ Die Sujets seiner Arbeiten aus den frühen 1960er-Jahren entnahm Ramos den 

Bilderwelten von Comicheften. Er beschäftigte sich mit den Alltagsmythen dieser Zeit. 

Bereits seine frühen Gemälde zelebrieren die Idole seiner Kindheit: Superman, Hawkman 

oder Captain Midnight. Diese Auseinandersetzung mit dem Medium Comic war in der 

Kunstwelt nicht neu. Seit dem ersten Erscheinen von Comics Ende des 19. Jahrhunderts gab 

es zahlreiche Interaktionen mit der Welt der Kunst. Zu Ramos‟ Zeit befasste sich der PopArt- 

Maler Roy Lichtenstein damit. Mel Ramos‟ erstes Motiv war Superman. So zog er seinen 

Figuren ein blaues Kostüm an, ähnlich demjenigen, das Clark Kent in Superman verwandelt. 

Die Motive aus den Comics verliehen seinem Werk Leichtigkeit und Heiterkeit, womit er sich 





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auch von der Bay Area Figurative School und dem Abstrakten Expressionismus distanzierte 

und neue bildnerische Dimensionen ansteuerte. Er verfeinerte allmählich seinen Stil, die 

Figur wurde stets plastischer und genauer in der Ausführung. Porträts und 

Ganzkörperhelden – mitten in einer Bewegung verewigt – ließen seine Bilder wie 

Comicszenen in Öl aussehen. 

Parallel zu dieser „Menschwerdung“ der Figur wurde Ramos‟ Farbpalette greller und reiner. 

Die Cartoon-Serie von 1962 bis 1964 führte zu seinem Durchbruch als PopArt-Künstler und 

beinhaltete bereits die ersten Motive, die ihn für den Rest seines künstlerischen Lebens bis 

heute beschäftigen sollten: Frauen, damals noch in der Form von Heldinnen oder „Wonder 

Women“, feminine amerikanische Wunderwaffen: „Wonder Woman, Phantom Lady, Camilla, 

Sheena, Königin des Dschungels – ich wollte alle meine Lieblingshelden und Heldinnen aus 

den Comicbüchern malen, die ich als Jugendlicher so geliebt hatte!“ . Seine Heldinnen 

besaßen nicht nur übermenschliche Kräfte, sondern auch deutliche physische Reize. Ramos 

schöpfte zusätzliche Inspiration aus der Pin-up-Fotografie und übertrug Gesichtszüge und 

Körper verschiedener Modelle auf seine Heldinnen. 

Phantom Lady 

2007 

Jacquard Wandteppich 

173 x 132 cm 


Wenn er zuvor seine einsamen Figuren mit einem blauen Superman-Anzug bekleidet hatte, 

so entkleidete er nun die lasziven Wonder Women. Von Bedeutung in dieser Schaffensphase 

waren Fotografien und Postkarten von Earl Moran und Zoë Mozert. Auch George Petty, der 

von 1933 bis 1941 die Pin-ups für die Zeitschrift Esquire zeichnete, und Alberto Vargas, der 

ihm 1941 bis 1946 folgte und auch den „Playboy“ belieferte, inspirierten Ramos. Ihr Verdienst 

war es gewesen, die Pin-up-Zeichnung in die Massenmedien der USA integriert und ihnen 

somit eine weithin anerkannte Geltung verschafft zu haben. […] Bereits in seinen Anfängen 

bezog sich der aufmerksame Medienbeobachter Ramos auf die Fotografie und 

Illustrationszeichnung, was sich in der Genauigkeit und Klarheit seines Œuvres 

niederschlägt. Jedem Gemälde gehen etliche Skizzen und Zeichnungen voraus. Schon seine 





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Inspirationsquellen sind von der erotischen Aufladung gekennzeichnet, welche Ramos‟ Arbeit 

von den Comicheldinnen des Frühwerks bis heute ununterbrochen prägt. […] 

Nach den Comicmotiven war seine Ehefrau Leta eines seiner ersten Modelle. Die 

Comicheldinnen verwandelten sich in Warenheldinnen. Sie wurden freizügiger, erotischer und 

frecher. Sie versuchten nicht mehr die Welt zu retten, sondern sie zu verkaufen. Ramos 

wendete sich Mitte der 1960er-Jahre fast ausschließlich dieser Darstellungen weiblicher 

Einzelfiguren zu. […] In dieser Zeit entstand auch die Serie „Wolf Calls“. Sie zeigt 

lebensechte Porträts vor dem Hintergrund großer Buchstaben, welche die Bildunterschrift 

bilden. […]Typografische Elemente hatte Ramos bereits bei seinen „Wonder Women“ 

eingesetzt. Nun fanden sie bei den ersten Pin-up-Girls in Zusammenhang mit Obst und 

Gemüse erneut Verwendung. 

Für die darauffolgende Serie, die sogenannten „Peek-A-Boo“, ließ sich Ramos von den 

erotischen Bildern des Mutoskops inspirieren. Das Mutoskop ist ein Gerät zur Vorführung 

bewegter Bilder – ähnlich einem Daumenkino. Ramos übersetzte diese technische Erfindung 

in die Malerei, indem er das Bild als voyeuristischen Blick durch die dunkle Silhouette eines 

Schlüssellochs konzipierte. Der Betrachter kann sich so unbeobachtet und in aller Ruhe an 

einer nackten oder leicht bekleideten Frau sattsehen. Gerade im Begriff sich zu entkleiden 

oder in einer sexy Stellung verharrend, blickt die junge Heldin ihrem unsichtbaren 

Beobachter fröhlich und ohne Scham entgegen. Mit diesen Bildern werden die Farben greller 

und die Figuren „fleischiger“, was für einen besonders starken Kontrast zum schwarzen 

Rahmen des Schlüssellochs sorgt. 

Eine weitere Serie aus den 1960er-Jahren zeigte sich durch die Welt der Mode inspiriert. Die 

1938 in die USA ausgewanderte österreichische Modeikone Rudi Gernreich ist der 

Impulsgeber. Seine provokativen und bahnbrechenden Designs freizügiger Frauenmode 

machten aus ihm einen der einflussreichsten Modeschöpfer des 20. Jahrhunderts. Auch 

Ramos war von ihm fasziniert. In vielen seiner Werke aus den Jahren 1965 und 1966 bezog er 

sich auf Entwürfe des revolutionären Modemachers, so zum Beispiel auf den „Monokini“ oder 

die Unisex-Mode, welche die amerikanische Gesellschaft in den 1960er-Jahren erschütterten. 

[…] Weitere Modekreationen entnahm er den Kollektionen von Emanuel Ungaro oder André 

Courrèges. […] 

Der Künstler präsentiert nun die ausgezogenen Pin-up-Girls zusammen mit Alltagsprodukten 

aus der amerikanischen Konsumgesellschaft der 1950er- und 

1960er-Jahre wie Zahnpasta oder Erfrischungsgetränke mit den „erotischen“ Vorbildern der 

Zeit, welche er den oben genannten Zeitschriften entnahm. Bereits in diesen frühen Arbeiten 

Mitte der 1960er-Jahre wagte er es, die Körper der Frauen mit „berühmten Häuptern“ zu 

bestücken, wie zum Beispiel den Köpfen von Elizabeth Taylor oder Ursula Andress. 

Die Idee von verführerischen Frauenfiguren, die für Produkte, Themen oder Aktivitäten 

werben, gibt es seit Jahrhunderten. Bereits 1491 wirbt ein Holzschnitt für die belgische 





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Ausgabe des Buches „Histoire de la belle Melusine“ von Jean d‟Arras. Dieses illustrierte 

Plakat zeigt Melusine, die halb nackte Hauptfigur des Buches, beim Baden. Der Sex-Appeal 

der Frauen scheint sich auf das Produkt zu übertragen– so zumindest die Hoffnung der 

Werber – und suggeriert, dass das Buch unterhaltsame und anregende Stunden garantiert. 

An dieser Werbestrategie hat sich im Laufe der Geschichte nichts geändert. 

Vantage 

1971 


152 x 127 cm 


Die erotisch aufgeladene Werbebotschaft birgt bis heute das Versprechen, dass der Sex- 

Appeal auf das Produkt und in der Folge auf den Käufer überspringt. Die 

Überdimensionierung der beworbenen Markenprodukte verschafft Ramos‟ Bildern eine 

ironische Komponente und irritiert unsere Sehgewohnheiten. Durch die verhältnismäßig 

kleine weibliche Figur neben dem überdimensionalen Produkt wird die ursprüngliche 

Werbebotschaft in die Dimension des Absurden verschoben. Seine Bilder sind nicht zwingend 

als Kritik an der Konsumgesellschaft zu verstehen; vielmehr scheint er ihre werberischen 

Mechanismen mit Gelassenheit und Humor zu begleiten. 

1964 bis 1971 waren Mel Ramos Bilder von provozierenden Frauengestalten bevölkert, die 

höchst erotisch mit Tieren interagieren: „The Animal Paintings“. Solche Darstellungen sind 

bereits in der Antike zu finden, wie der Künstler sehr wohl weiß, denn er schöpft nicht nur für 

diese Serie aus dem Fundus der Kunstgeschichte. Der wolllustige Satyr mit den Nymphen, 

Leda mit Zeus in Gestalt eines Schwanes, aber auch King Kong mit einer zarten Blonden sind 

immer wiederkehrende Verkörperungen jenes mythischen Topos, den Ramos in die 

Bildsprache der modernen Gesellschaft übersetzt. […] Mit dem weiblichen Akt bedient sich 





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Ramos eines der beliebtesten Motive nicht nur der Werbung, sondern auch der Kunst. Dies 

gilt auch für die Künstler der PopArt-Bewegung. Doch Ramos‟ Darstellungen unterscheiden 

sich wesentlich von denen anderer PopArt-Künstler: Weder instrumentalisierte er den 

weiblichen Akt noch reduzierte er die Frau auf ihre Sexualität. Seine Frauen wirken 

selbstbewusst und menschlich, im Einklang mit dem präsentierten Produkt oder Gegenstand 

sowie mit sich selbst. Ihrem Blick kann man eine gewisse Ironie über die dargestellte 

Situation ablesen. Dies gilt auch für seine Tierdarstellungen. Ob schmuckvoll zu 

Markenwaren drapiert oder lustvoll auf Tieren reitend, bewahren Ramos‟ weibliche Figuren 

stets eine graziös anmutende Körperhaltung, die an die Akte der klassischen Meister der 

Kunstgeschichte erinnert. Gleichwohl wird er für seine Vorliebe für das Nackte nicht nur von 

Feministinnen kritisiert. Seine makellosen Frauendarstellungen werden oft als ordinäre 

Übersteigerungen und sexistische Idealisierungen denunziert. Seine erotisch aufgeladenen 

Bilder provozieren den Geschmackskonsens des normalen Kunstkonsumenten noch heute, 

obschon Ramos lediglich eines der ältesten Motive der Kunstgeschichte neu belebt: den 

weiblichen Akt. Wie seine großen Vorbilder thematisiert er die Sinnlichkeit des Körpers, die 

Anmutung und Haltung der Modelle übernimmt er häufig direkt von den Vorbildern. Aller 

Widerrede zum Trotz bedient Ramos letztendlich in aller Großzügigkeit die geheimen 

Wünsche unserer visuellen Konsumkultur. 

Seit Ramos nach den ersten Werkserien seinen verfeinerten plastischen Malstil erreicht hat, 

hat sich seine malerische Vorgehensweise kaum geändert. Der Arbeitsprozess ist, wie er 

einmal sagte, von seinen „schlechten Augen“ bestimmt. Aufgrund eines Sehfehlers hat er 

Schwierigkeiten mit der Fokussierung beim Wechsel zwischen Nah und Fern. Um solche 

Fokussierungsprobleme zu umgehen, arbeitet er für gewöhnlich auf der Basis von 

Fotografien, die er selbst anfertigt, in Lifestylemagazinen findet oder in jüngerer Zeit im 

Computer zu den angedachten Szenen oder Motiven komponiert. Wenn er mit Modellen 

arbeitet, fotografiert er diese in den von ihm vorgegebenen Posen. Seine Gemälde sind 

durchdacht und genauestens inszeniert. Fotomaterial und mittlerweile auch 

Computerentwürfe bilden schließlich die Basis für die darauffolgenden kreativen Schritte: Er 

fertigt Entwürfe und Zeichnungen an, anhand derer die Gemälde entstehen. Ramos malt ganz 

nah an der Leinwand. Er arbeitet sogar mit einem Vergrößerungsglas, um jeden Millimeter 

der Oberfläche peinlichst genau zu bearbeiten. Die Anwendung der Fotografie als Vorlage für 

das gemalte Werk stellt ihn in die Nähe der Fotorealisten, welche die Fotografie ebenfalls als 

Basis ihres Schaffens betrachten. Allerdings sind Fotografien für Ramos nicht unantastbar 

und unabdingbar. Er kombiniert oder verändert sie, um die von ihm angestrebte Inszenierung 

zu erzielen. Sein Umgang mit Farbe, die er mit Emotionen auflädt und nicht selten extrem 

intensiviert, distanziert ihn zusätzlich vom Fotorealismus. 

Ab und zu, wenn es das Motiv erfordert, engagiert er professionelle Modelle oder Studenten, 

wie zum Beispiel für die Serie zu Amedeo Modiglianis Gemälden, „You Get More Salami with 





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Modigliani“ aus den 1970er-Jahren. Die Figur der Modelle kombiniert er mit bekannten 

Gesichtern aus der Medienwelt, aber auch mit den Gesichtszügen seiner Ehefrau oder 

anderer Vorlagen. […]“Was meine Kunst ausmacht, ist, dass Kunst aus Kunst entsteht. Das 

ist das Wesentliche, und dabei spielt es keine Rolle, ob es sich um anspruchsvolle Kunst, 

primitive Kunst, populäre Kunst oder was auch immer handelt.“ 

Wie bereits erwähnt erinnern Ramos‟ weibliche Figuren in ihren graziös anmutenden 

Haltungen an die Ikonografie der Aktmalerei der klassischen westlichen Kunst. 1972 begann 

er mit seiner Serie „A Salute to Art History“. In diesem Bilderzyklus ehrt der Künstler alle 

Vorbilder und Quellen seiner Inspiration, insbesondere die französischen Meister des 18. und 

19. Jahrhunderts. Mel Ramos imitiert den Stil von Künstlern wie Jean-Auguste-Dominique 

Ingres oder Édouard Manet nicht, er übersetzt die Gemälde dieser und anderer Meister in 

seinen eigenen Stil und in seine eigene Zeit. Der Künstler selbst beschreibt diesen Vorgang 

als „das Saubermachen der Porträts“: Die Bilder sind die gleichen, er habe ausschließlich die 

kunsthistorische Patina entfernt. In der Tat erweisen sich die Gemälde beim genaueren 

Betrachten als nicht identisch mit den Vorbildern, sie haben nicht nur ein »Update« erfahren. 

Ramos tauscht auch Attribute aus oder fügt andere hinzu. Die Farben entsprechen der 

Künstlichkeit der PopArt und Ramos‟ eigener Farbpalette. Obwohl die kalifornischen 

Schönheiten in den Olymp der Mythen und göttlichen Wesen enthoben worden sind, zieren 

Bikinistreifen ihre Haut, was ihnen eine „irdische Patina“ verleiht. […]Mel Ramos‟ 

Künstlervorbilder stammen nicht nur aus vergangenen Jahrhunderten. Ein konkretes 

Beispiel stellt die Auseinandersetzung 

mit seinem Beinahe-Zeitgenossen Willem de Kooning dar. Mitte der 1970er-Jahre befasste 

sich Mel Ramos in seinem Zyklus „I Still Get a Thrill When I See Bill“mit de Koonings 

„Women“-Serie aus den 1950er-Jahren. 

I Still Get a Thrill When I See Bill 

1977 

Zeichnung und Fotografie auf Papier 

98,5 x 75,5 cm 






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Erneut stellte Ramos unter Beweis, wie unbekümmert er sich aus dem unerschöpflichen 

Fundus der Kunstgeschichte großzügig bedienen und mit fantasievollen Verknüpfungen 

unterschiedlichster Stilrichtungen einzigartige Kreationen auf die Leinwand bringen kann. 

Ramos übernimmt die aggressive Kraft der spontanen Linienführung von de Kooning, ziert 

die so entstandenen, geradezu monströsen Frauenbilder allerdings mit perfekt naturgetreu 

gemalten Köpfen. Der Körper wirkt wie ein Kokon, ja fast wie eine Ritterrüstung, deren 

Bestimmung die Verhüllung dieses zierlich wirkenden Frauenkopfes ist. Ein weiterer 

Bildzyklus aus den 1970er-Jahren verbindet ihn mit einem anderen einmaligen Künstler. In 

der Serie „You Get More Salami with Modigliani“ verfuhr Ramos mit Amedeo Modiglianis 

Werken ähnlich wie mit denen de Koonings. 

In den 1980er-Jahren begab sich Ramos auf für ihn noch unerforschte Terrains: 

Selbstporträts und überraschenderweise Landschaften – überwiegend kalifornische – füllen 

nun seine Leinwände. In der Serie „The Four Seasons“ erfolgt die geografische Situierung 

ausschließlich anhand eines Hauptmerkmals der Region. […] 

In den 1980er- und 1990er-Jahren wendete sich Ramos auf verschiedenen Wegen der 

Zeichnung zu. In den 1980er-Jahren stellte er das Modell in den Mittelpunkt. Der Frauenakt 

war nach wie vor Vorwand für die Bildkomposition. Doch der Betrachter von Ramos-Akten 

dieser jüngeren Periode genießt nicht nur den Blick auf einen perfekt vollendeten Frauenakt; 

ihm wird vielmehr auch der kreative Schaffensprozess des Werkes veranschaulicht. 

In der Serie „The Artist‟s Studio“ (1980er-Jahre) übernimmt die Gattung Zeichnung eine 

wesentliche Rolle. Weibliche Figuren posieren neben abstrakt stilisierten Zeichnungen ihrer 

selbst. Mit dieser Serie würdigte Mel Ramos die Gattung Zeichnung, die oft nur als 

Vorbereitungsmittel für Gemälde angesehen wird, und unterstreicht ihre Eigenwertigkeit. 

[…]Nicht zufällig wählte Ramos die Meister Matisse und Picasso für die zeichnerischen Zitate 

in den Gemälden, denn diese beiden Maler haben im 20. Jahrhundert intensiv den Topos des 

Malers und seines Modells in ihrem Werk reflektiert. 

Der Schaffensprozess wird nicht nur durch die Präsenz der Zeichnung im Gemälde 

gewürdigt, sondern auch durch die Präsenz gemalter, nicht gezeichneter Arbeitsgeräte von 

Malern wie zum Beispiel von Staffeleien, Pinseln und Farbtuben. Dadurch wird zudem die 

Ahnung eines Arbeitsraumes geweckt: „The Artist‟s Studio“. Dies ist ebenfalls eine 

Besonderheit der so benannten Serie, denn selten spielt die Räumlichkeit eine solch 

bedeutende Rolle für den kalifornischen Künstler. Darüber hinaus wird nicht die gemalte 

Figur dem Betrachter präsentiert, sondern ihr Spiegelbild. Diese Einrahmung der Figur durch 

den Spiegel lässt sie wie ein vollendetes Bild erscheinen und verleiht dadurch dem Topos des 

Bildes im Bild, der Vergegenwärtigung des Schaffensprozesses, eine weitere Dimension. 

Darüber hinaus demonstriert der Künstler mittels der Spiegelung des Bildes im Bild und der 

damit einhergehenden Multiplizität des Betrachtungswinkels sein herausragendes 

technisches Vermögen. 





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In seinem Zyklus „Unfinished Paintings“ aus den 1990er-Jahren thematisiert Ramos 

abermals den Topos des Schaffensprozesses. Die in klassischen Posen dargestellten, halb 

gemalten und halb gezeichneten weiblichen Figuren erwecken den Eindruck, das Bild sei 

noch nicht fertig. […] Den endgültigen Schritt zur Würdigung der Gattung Zeichnung vollzog 

Ramos dann in den 1990er-Jahren mit dem Bildzyklus „Drawing Lesson“. Hier wird die 

Bildfläche fast ausschließlich von der Zeichnung und dem posierenden Modell in Beschlag 

genommen. Thematisch steht die Auseinandersetzung mit dem Modell erneut im Mittelpunkt: 

[…]Ebenfalls in den 1990er-Jahren entstand die Serie „The Lost Paintings of 1965“. Dabei 

handelt es sich um Überarbeitungen von Themen und Stilen aus vergangenen Arbeitsphasen. 

Es sind, anders als die Bezeichnung der Serie nahelegt, keine neuen Interpretationen bereits 

existierender Werke, sondern nie verwirklichte Gemälde, die auf früheren Zeichnungen und 

Entwürfen basieren. […] 

Heidi Heinz 

2009 

Bemaltes Harz 

43 x 43 x 90 cm 


In den letzten Jahren hat Ramos einige Exkurse in die Bildhauerei unternommen. Seine auf 

Zigarren reitenden Amazonen erinnern an phallische Amulette der römischen Antike, so wie 

sie unter anderem in Pompeji gefunden wurden. Allerdings scheinen sich Ramos‟ Heldinnen 

in der Glattheit der Zweidimensionalität einer Leinwand wohler zu fühlen. Auch hier 

beschäftigt er sich hinsichtlich des Sujets mit Vorbildern aus der antiken Plastik. 

Seit dem Jahr 2000 stellt der Künstler mit der Serie „The Transfiguration of Galatea“ die 

griechische Mythologie in den Mittelpunkt. […] Wie bereits erwähnt ist das Zurückgreifen auf 

Themen und Motive früherer Jahre programmatisch für Ramos‟ Werk, wie die Serie „The 





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Lost Paintings of 1965“ bezeugt. Darüber hinaus taucht ab Ende der 1970er-Jahre zum 

Beispiel das Comicthema seiner Anfangsjahre wieder auf. In diesen letzten Jahren 

beschäftigt sich Ramos immer wieder mit vergangenen Werken, versucht außerdem diese in 

für ihn neue Medien wie die schon erwähnten Skulpturarbeiten oder Emailleplatten zu 

übertragen. Seine aktuellste Serie – entstanden zwischen 2008 und 2009 – übernimmt nicht 

nur die Gesichtszüge bekannter Hollywoodschauspielerinnen, sondern spricht zum ersten 

Mal direkt eine seiner Inspirationsquellen explizit an: Hollywood, dessen neun 

überdimensionale in den Berg gestellte Buchstaben – das weltweit bekannte Markenzeichen 

für die Scheinwelt des Films – in Ramos‟ neuer Serie mit seinen weiblichen Ikonen präsentiert 

werden. 

Mit welchen Werken der unermüdliche Künstler uns in der Zukunft noch überraschen wird 

vermögen wir nicht zu erahnen, humorvoll, ironisch und höchstwahrscheinlich mit weiblichen 

Wesen bestückt werden sie in jedem Fall sein. Und keine Wende ist in Sicht. 

Auszüge aus dem Katalog: Maria Espinosa/Otto Letze: Mel Ramos. 

Lebenslauf/Werklauf, in: Otto Letze/Prof. Dr. Meinrad Maria Grewenig (Hg.):Mel 

Ramos. 50 Jahre PopArt, Edition Völklinger Hütte, Ostfildern 2007 

Stella Strellson 

2007 


95 x 64,5 cm 

Strellson AG, 

Kreuzlingen 





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Girls, Candies, and the Art- die Welt von Mel Ramos 

von Klaus Honnef 

Da er sein ästhetisches Repertoire zuweilen aus den Medien der populären Bildwelten bezog, 

findet sich Mel Ramos in der einschlägigen Literatur meist unter dem Stichwort der PopArt 

wieder. Gleichwohl zeugt sein stilistisches Konzept, gemessen an den Werken, die so 

bedeutende Künstler wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist oder Tom 

Wesselmann realisiert haben, von tendenziellen und auch prinzipiellen Unterschieden. Denn 

anders als den genuinen PopArt-Künstlern („Hardcore Pop Artists“) kam es Ramos nie 

darauf an, die Zeichen und Produkte der kommerziellen Massenmedien ins Feld der Kunst zu 

spielen und sie ästhetisch aufzuwerten. 

Während Warhol die Fotografien der Massenmedien durch ständige Wiederholungen in 

moderne Bildikonen verwandelte, Lichtenstein die visuelle Sprache der populären 

Comiczeichner aufblies und vereinfachte, Rosenquist Details aus Reklamebildern zu 

gewaltigen Montagen verschmolz und Wesselmann das kosmetische Frauenbild der 

Amerikaner zugleich ver- und enthüllte, indem er es auf Kontur und symptomatische 

Signalreize reduzierte, verwendete Ramos ausgewählte Elemente der industriell fabrizierten 

Idiome allein im Sinne traditioneller Verfahren der Kunst. Mit signifikanten Variationen der 

erkorenen Vor-Bilder verlieh er seinen Gemälden und Papierarbeiten eine eigenständige, 

kunstimmanente Gestalt. 

Die Bilder, die er malt und zeichnet, orientieren sich an den überlieferten Kriterien der Kunst 

stärker als an der ausgesprochenen und unausgesprochenen Absicht der PopArt, die Kluft 

zwischen Kunst und Realität einzuebnen. Performative Künste wie Happening und Fluxus 

haben dieser Tendenz den Boden bereitet. Als Warhol im Kielwasser Marcel Duchamps 

handelsübliche Kartons für das Waschmittel Brillo vom Warenhaus in eine Kunstgalerie 

verpflanzte, öffnete er den Horizont der Kunst für einfache Gebrauchsgegenstände, für die 

Dinge der Alltagskultur. Im Gegensatz zu dem Franzosen Duchamp, den der Protest gegen 

eine bürgerliche Kultur antrieb, die seiner Meinung nach in den Materialschlachten des 

Ersten Weltkriegs untergegangen und nur als falscher Schein übrig geblieben war, liegt dem 

Amerikaner Ramos jeder Gedanke an Provokation fern. Ihm gelang durch seine Aktion 

vielmehr die Aufhebung eines eingewurzelten Widerspruchs der autonomen Kunst. Einerseits 

gab er seiner Faszination der industriellen Alltagskultur Ausdruck, zugleich bekräftigte er die 

unverminderte Definitionsmacht der durch Museen und Galerien institutionalisierten Kunst. 

Denn im Warenhaus wären die Kartons nicht als sie selbst, als formale Gegenstände 

wahrgenommen worden, sondern als Verpackungsmaterial; nur in den Räumen der Kunst war 

der Perspektivwechsel möglich. Es ist überflüssig, festzustellen, dass Warhols 

Waschmittelkartons täuschend echt nachgeahmt und aus Holz gefertigt waren. 





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So eng die nachgerade legendär gewordenen Gemälde von Ramos im kalifornischen 

Windschatten der PopArt auch dem Design der Werbemaschinerie verwandt erscheinen, weil 

sie adrette Pin-up-Girls mit geläufigen Nahrungs- und Genussmitteln verbinden – mit der 

einschlägigen Reklame haben sie allenfalls die äußere Prägung gemein, außerdem die 

gesellschaftlichen Bedingungen, innerhalb derer sich beide Bildformen entfalten. Was sie 

deutlich trennt, ist die Ebene der Reflexion. Ein Vergleich liefert den Beweis. So haben sich in 

den Bildern von Ramos die Proportionen erheblich verschoben: Eine Colaflasche hat die 

Größe eines Pin-up-Girls; ein anderes hockt auf einem Hamburger. Die Produkte wirken 

monströs. Die Pin-up-Girls werben nicht für sie, entwickeln allenfalls ein spielerisch- 

ironisches Verhältnis zu ihnen, was der Werbung eher abträglich ist, sie nutzen sie als Mittel, 

sich selbst ins rechte Licht zu rücken. Außerdem gesellen sich zu den halb oder vollständig 

nackten weiblichen Körpern anstelle der Konsumgüter alsbald Tiere wie Seelöwen oder 

Vögel. Sie verleihen den Bildern einen Zug ins Mythische. Und schließlich werden die sterilen 

Schönen mitunter durch Blenden und überdimensionale Schlüssellöcher beobachtet. Doch 

die Girls wissen, dass sie beobachtet werden. Die Blenden und Schlüssellöcher dienen als 

Rahmen und simulieren den indiskreten Blick nur. 

Chic 

1965 


41 x 36 cm 


Es dauerte einige Zeit, bis Mel Ramos Distanz zu den Motiven seiner Bilder gewonnen und die 

ästhetische Fähigkeit erworben hatte, aus dem Vorgefundenen eine eigenständige Bildwelt 

zu entwerfen, die über das Offensichtliche hinauswies. Noch anno »1962 und 1963 malte er 

die Super-Helden und -Heldinnen der Comic-Books, ›Batman‹, ›Crime Buster‹ und ›Glory 

Forbes-Vigilante‹, wobei es seine erklärte Absicht war, diese ohne Einschränkung zu 

verherrlichen«, schrieb Nancy Marmer in einer frühen Analyse seines Werkes. Anders aber 





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als der Bezug Lichtensteins oder gar Warhols zu den Comics war seiner persönlicher, 

intensiver, weniger geschäftsmäßig. In der Manier seiner Malerei dokumentierte sich dies. 

Ramos hatte sich für einen pastosen Malauftrag entschieden, gegen eine anonyme 

Herstellungstechnik, wie sie Lichtensteins Malerei kennzeichnet. Und die Spuren seines 

Pinselstrichs bekunden sichtbar ein subjektives Moment. Darin manifestiert sich alles andere 

als der Wunsch, eine Maschine zu sein (Andy Warhol). Ramos‟ Art zu malen ist von der 

künstlerischen Auffassung des New Yorker Pop weit entfernt. Sie ist eher der Haltung eines 

Naturalisten verwandt, der die Gegenstände seiner Neigung getreulich abbildet, ohne seine 

Sicht maltechnisch zu bagatellisieren. […] 

Als sich der Künstler im Jahr 1963 von den Comics ab- und dem neuen Topos der Pin-up-Girls 

zuwandte, trat der surrealistische Aspekt in den Hintergrund. Seither demonstriert Ramos in 

unaufhörlich variierten Folgen die mehr oder minder standardisierten Modelle der 

Vorzeigemädchen in unterschiedlichen Posen. Die zunächst von kommerziellen Zeichnern 

entworfenen Bilder und später die fotografierten Modelle haben ihren Namen daher, dass sie 

in einer frauenlosen Gesellschaft, der Welt männlicher Soldaten, auf die Türen der Spinde 

gepinnt wurden. Die Abbildungen mit akzentuierten weiblichen Geschlechtsmerkmalen, 

namentlich Busen und Po – bis in die 1980er-Jahre unter peinlichster Aussparung der 

Schampartie –, beschwören Männerfantasien. Hollywoodstars wie Betty Grable, noch im 

züchtigen Badekostüm, stellten die Vorbilder im Zweiten Weltkrieg; Schauspielerinnen wie 

Marilyn Monroe begannen damit ihre Karrieren. Ramos holte seine Inspirationen zunächst 

aus den Comics, die ebenfalls häufig von vollbusigen Frauenfiguren bevölkert wurden, und 

den grellen Kinoplakaten, danach aus dem „Playboy“ und sonstigen Sexmagazinen. Nicht nur 

in den USA leitete der „Playboy“ eine veränderte Haltung zum Thema Sex ein. Von einer 

sexuellen Befreiung ist indes nicht mehr die Rede. 

Obwohl Mel Ramos in den ersten seiner gemalten Pin-up-Bilder noch nicht auf den 

dickflüssigen Farbauftrag verzichtete, muten seine Arbeiten kühler an als die gedruckten, 

quasinaturalistischen Urbilder mit ihrem unverblümten Lustappell. Auch er inszenierte seine 

Modelle spärlich bekleidet und alsbald völlig nackt in verlockenden Haltungen, kühlte ihre 

Intensität jedoch ab, indem er sie meistens im Bildzentrum ansiedelte, streng vertikal und 

mit der Konsequenz einer symmetrischen Bildstruktur: ein Prozess der distanzierenden 

Ästhetisierung. Darüber hinaus schaffte er Abstand durch die Zwischenschaltung von 

Kreisblenden und Schlüssellochumrissen. Dadurch ergibt sich eine Pendelbewegung 

zwischen dem Objekt der Schaulust, dem Pin-up-Girl, und der Sehlust selber, die sich 

sozusagen vergegenständlicht und als voyeuristischer Akt begegnet. Allmählich verdünnte 

und glättete er zudem die Oberflächen der Bilder und fügte als zusätzliches 

Verfremdungsmittel wohlfeile Konsumgüter wie Käsepäckchen, Zahnpastatuben und 

Flaschen mit Tomatensauce hinzu. Nicht auf einem einladenden Bett, sondern auf der 

silbernen Folie eines Schmelzkäses aus der Fabrik räkelt sich der herausfordernde 





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Rückenakt in „Val Veeta“ (1965), mit einem vielsagenden Blick aus den Augenwinkeln auf die 

Betrachter. 

Kein Zweifel, die Bilder des Künstlers sind ambivalent. […] Entscheidender jedoch ist, dass 

Ramos offenbar keine wirklichen Modelle zum Gegenstand seiner Bilder macht, sondern 

kommerzielle Zeichnungen oder Fotografien. Doch selbst wenn seine Modelle echt sein 

sollten oder gar sind, wie die durchaus differenzierten Ausdrucksformen der Gesichter 

signalisieren (könnten), ähneln seine Bilder viel stärker massenmedial verbreiteten 

Wunschbildern als porträtähnlichen Darstellungen. […] 

Verdanken sich die gezeichneten Bilder in den Magazinen der individuellen Hand eines 

Zeichners, führen sich die fotografierten auf die Inszenierungskünste eines Fotografen 

zurück. Ramos‟ Bilder positionieren sich irgendwo dazwischen, ohne fixierten Ort. Ihr 

schillernder Charakter ist programmatisch. 

The Drawing Lesson #4 

1989 


182 x 136 cm 


Eine vergleichbare Aufgabe erfüllt die Kontur. Sie ist von unregelmäßiger Dichte. Manchmal 

verdickt sie sich zu einem winzigen Schattenriss. Dementsprechend plastisch heben sich die 

ausgeformten Körper der Pin-up-Modelle von den flachen, mitunter auch leicht wolkigen 

Farbfonds ab. Doch ganz so einfach ist es nicht. Denn die Konturen verankern die Modelle 

auch in der Fläche. Sie nehmen zwischen Volumen und Bildfläche eine vermittelnde Funktion 

wahr und absorbieren die mögliche Ausdehnung in einen imaginären Raum. Spannung 

entsteht an den Grenzen von Körpern und Fond: ein Flimmern, eine Reibung, die daran 

erinnert, dass auch die körperlichen Volumina in der Malerei als illusionäre Gebilde 

tatsächlich der Fläche angehören. […] In späteren Gemälden fällt die Kontur meist zugunsten 

einer kräftigeren Binnenmodellierung der Körper weg. Vereinzelt blitzt sie noch als knappe 





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Trennungslinie auf. Demgegenüber gliedert sich der vormals neutrale Bildgrund in eine Reihe 

hintereinander gestaffelter Scheinräume aus Spiegeln, Rahmen, Brüstungen und Gemälden. 

Die Modelle erscheinen nun wie vordem die Bilder des Künstlers, sie sind irgendwo 

dazwischen; zwischen den einzelnen Bildelementen. So hat die Kontur ihre formale Aufgabe 

als Verklammerungs- und Scheidungselement auch in diesen Bildern eingebüßt. 

In einer seit 1968 geschaffenen Werkgruppe von Gemälden und Papierarbeiten mit 

übermächtigen Tierfiguren changiert die Kontur noch ins weißlich Graue, bevor sie nach und 

nach völlig verschwindet. Augenscheinlich schlägt Ramos mit dem Aufmarsch der Seelöwen, 

Affen, Nashörner, Leoparden und Kängurus erneut die sur-realistische Seite seiner Kunst an. 

Die Tiere haben für eine Weile die Konsumartikel ersetzt. […] 

Einigen der wohl spektakulärsten Gemälden der Kunstgeschichte widmete Mel Ramos eine 

Anzahl seiner beziehungsreichsten und deshalb provokantesten Bilder; es sind Gemälde, die 

durch Reproduktionen bekannter geworden sind als vermöge individueller Anschauung – wie 

zum Beispiel Jean-Auguste-Dominique Ingres‟ „Die große Odaliske“ (1814) oder Edouard 

Manets „Olympia“ (1863). Zwar veränderte Ramos an der Grundstruktur der Kompositionen, 

ihrem Schema, nichts Wesentliches. Dennoch weichen seine Variationen beträchtlich vom 

Original ab. Sie betreffen die Farbe, die Malweise und zahlreiche figürliche Details. […] 

Besitzen die Gemälde der Altmeister Glanz, obgleich nicht im selben Maße, stattete Ramos 

seine Bilder mit Glamour aus. Glamour bedeutet in der Übersetzung zwar das Gleiche wie 

Glanz, bezeichnet aber einen kulturellen Wandel in der Qualität der visuellen Anmutung von 

der Moderne hin zur Spätmoderne in Richtung einer stärkeren Veräußerlichung. […] 

Spätestens seit Ramos‟ beziehungsreichen Paraphrasen der Kunstgeschichte – neben den 

erwähnten Künstlern wären noch Peter Paul Rubens e tutti quanti zu nennen – geschieht in 

seiner Kunst das Gegenteil einer Nobilitierung des Trivialen: nämlich eine subversive 

Trivialisierung der hohen, oder präziser: der hegemonialen Museumskunst, die ihrerseits 

durch tausendfache Reproduktion in Büchern und Bildkarten trivialisiert worden ist. Mel 

Ramos schlägt keine längst ausgefochtenen ästhetischen Schlachten. Er unterhöhlt 

stattdessen die falschen, idealisierenden Vorstellungen der Kunst. 

Nachbemerkung: Dieser Essay ist die überarbeitete Fassung eines ausführlichen Aufsatzes, 

den der Autor im Katalog der ersten europäischen Solo-Schau des Künstlers außerhalb der 

privaten Galeriensphäre verfasst hat. »Eine Analyse des malerischen Werks von Mel Ramos 

von Klaus Honnef«, in: Mel Ramos, Ausst.-Kat. Gegenverkehr Aachen, Zentrum für aktuelle 

Kunst, Aachen 1969. 

Auszüge aus dem Katalogtext: Klaus Honnef: Girls, Candies, and the Art. Die Welt von 

Mel Ramos, in: Otto Letze/ Prof. Dr. Meinrad Maria Grewenig (Hg.):Mel Ramos. 50 

Jahre PopArt, Edition Völklinger Hütte, Ostfildern 2007 





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11. Zitate 

Als ich mit fünfzehn, sechzehn zum ersten Mal eine Reproduktion eines Gemäldes 

von Salvador Dali sah, stand für mich fest, dass ich Künstler werden wollte. 


Mein Schaffen ist zweifelsohne vom Surrealismus geprägt. 


Einmal wollte jemand wissen, ob ich bei den Comichelden eine bestimmte 

Arbeitsmethode hätte. Da ging mir durch den Kopf, dass Homer die Götter besungen 

hat, aber erfunden hat er sie nicht, ebensowenig wie die Allegorien, in denen sie 

beschrieben sind. Er spürte die Bedeutung dieser mythischen Figuren, gab seinem 

Material eine sinnvolle Ordnung und bot es überzeugend dar. Ich denke mir, das ist 

auch meine Methode. 


Ich interessiere mich sehr für die Kunstgeschichte, und sie ist die wichtigste 

Triebfeder meiner Arbeit. 


Meine Themen haben mit Kunstklischees zu tun, den symbolhaften Verweisen, 

denen man in der Kunstgeschichte immer wieder begegnet. 


Wenn man nach Inspirationen für ein Bild sucht, dann gibt es keine bessere Quelle 

als die Kunstgeschichte. Ich habe ein paar alte Bilder gereinigt. Die Bilder sind 

geblieben, aber ich habe die kunsthistorische Patina entfernt. 


Mir ist es wichtig, solche Dinge zu benutzen, die in der Gesellschaft bereits zu 

Klischees geworden sind und die jeder sofort erkennt. 


Mein Interesse gilt seit jeher der Malerei als Malerei. Eine Konstante meiner 

Arbeiten ist, dass man die Tatsache, dass es sich um eine gemalte Oberfläche 

handelt, niemals aus den Augen verlieren darf. 






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An Cézannes Aquarellen bewundere ich die Ideen; aber an Winslow Homer 

bewundere ich die technische Virtuosität. Die Beherrschung des Mediums hat 

Vorrang vor der Idee. Als Marshall McLuhan verkündete, dass „das Medium die 

Botschaft ist“, war ich als Maler ungeheuer erleichtert. 


Mein Interesse galt dem Bodensatz, dem, was von der visuellen Explosion der 

Reklame übrigblieb, der Art und Weise, wie dieser Bodensatz unser Denken 

beeinflusste. 


Meine Arbeiten sind eng mit der Werbegrafik verwandt, denn sie durchbrechen 

intellektuelle Posen und machen eine direkte Aussage. 


Das Fleisch ist geradezu übertrieben fleischlich gemalt. Die Farben sind wirklich 

beißend, reines Kadmiumgelb, reines Kadmiumorange und so weiter. Und an den 

Rändern arbeite ich viel mit Überstrahlung. 


Ich schaue gern. 


Alles wird Kunst sein, und nichts wird Kunst sein, weil alles, wie ich glaube, schön ist. 

Andy Warhol 

Warenhäuser werden zu Museen, Museen werden zu Warenhäusern. 

Andy Warhol 

[…] Du kannst Fernsehwerbung für Coca Cola sehen und du weißt, daß der Präsident 

Coke trinkt, daß Liz Taylor Coke trinkt und, denk‟ nur – auch du kannst Coke trinken. 

Coke ist Coke, und keine Summe Geld kann dir ein besseres Coke verschaffen als 

das, das der Penner an der Ecke trinkt. Jedes Coke ist gut. Liz Taylor weiß es, der 

Präsident weiß es und du weißt es. 

Andy Warhol 





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Ich möchte eine Maschine sein. 

Andy Warhol 

Pop Art ist gewiss eines der Dinge, von denen ich glaube, dass sie zu den frechsten 

und erschreckendsten Charakteristika unserer Kultur gehören, Dinge, die wir 

hassen, die aber doch einen starken Einfluss auf uns haben. 

Roy Lichtenstein 

Die Welt ist draußen, Pop Art schaut hinaus in die Welt. 


Kunst soll etwas anderes tun als im Museum auf dem Hintern zu sitzen. 

Claes Oldenburg 

Ich bin für die Kunst verlorener oder weggeworfener Dinge… Ich bin für Kunst, die 

man raucht wie eine Zigarette… Ich bin für Kunst, die wie eine Fahne flattert. 

Claes Oldenburg 

In der Pop Art wird Kitsch erlöst und in einen neuen Zustand ästhetischer 

Erhabenheit versetzt. 

Umberto Eco 

Untitled Study (Shark Attack) 

1961 


24 x 18 cm 






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12. PopArt-ABC 

Abstrakter 

Expressionismus 

Bay Area Figurative 

Movement 

Als Abstrakten Expressionismus bezeichnet man eine aus 

Nordamerika stammende Kunstrichtung, die sich in den 

späten 1940 Jahren entwickelte. Innerhalb dieses Stils 

gibt es zwei Strömungen. Zum einen gibt es die Variante 

mit einer dynamischen Pinselführung zu arbeiten, zum 

anderen die Farbfeldmalerei. Einer der Hauptvertreter ist 

Jackson Pollock. 

Auch bekannt als Bay Area Figurative School. Es war eine 

Gruppe von Künstlern der San Francisco Bay Area, die 

sich in den 1950er und 1960er Jahren gegen den 

vorherrschenden Stil des Abstrakten Expressionismus 

wandte und die Rückkehr zum Figurativen proklamierten. 

Comic Strips Sie waren die wichtigste Inspirationsquelle für die Werke 

des Künstlers Roy Lichtensteins (siehe auch L). Er 

vergrößerte die Vorlagen aus Comic-Heften und 

übersetzte sie in seinen Arbeiten in eine Rasterstruktur 

aus farbigen Punkten. 

Dose Dosen werden häufig in Zusammenhang mit der Kunst von 

Andy Warhol gebracht, der 1968 Suppendosen der Firma 

Campell als Kunstwerk inszenierte. 

Environment Dieser englische Begriff steht für eine Ausdrucksform der 

Aktionskunst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. 

Es besteht aus einer Anordnung verschiedener 

Gegenstände und Materialien im Raum. Der Betrachter 

wird unmittelbar in das Kunstwerk miteinbezogen. 

Fotorealismus Gegen Ende der 1960er Jahre entstand diese 

Kunstrichtung in den USA. Die Künstler bedienten sich 

einer fotografischen Vorlage, die sie in naturalistischer 

Weise reproduzierten. 

Gegenstand Der Gegenstand in der PopArt ist meist von trivialer 





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Natur, dem Alltag, Comics oder der Werbung entnommen. 

Happening Als Happening bezeichnet man avantgardistische 

provokative Kunstveranstaltungen ab Ende der 1950er 

Jahre in Fortführung dadaistischer und surrealistischer 

Inszenierungen. Das Publikum ist Teil der vom Künstler 

erdachten Aktion. 

Independant Group 1952 wurde die Gruppe um den Kunstkritiker Lawrence 

Alloway in Großbritannien gegründet, die durch die 

Einbeziehung von Alltagsgegenständen in ihre Kunstwerke 

bahnbrechend war für die Durchsetzung der PopArt. 

Jasper Johns (*1930) Er ist zusammen mit Robert Rauschenberg (siehe auch R) 

der Wegbereiter der PopArt in den Vereinigten Staaten. 

Bekannt wurde Johns durch seine Serien von 

amerikanischen Flaggen und Zielscheiben. 

Konsum Die Welt des Konsums lieferte den PopArt Künstlern ihre 

Roy Lichtenstein (1923- 

1997) 

Bildmotive. Gegenstände wie Colaflaschen, Suppendosen 

und Hamburger wurden zur Kunst erhoben. 

Neben Andy Warhol ist er einer der wichtigsten Vertreter 

der PopArt. Lichtenstein greift für seine Arbeiten vor 

allem auf Zeitungsannoncen und Comic Hefte (siehe auch 

C) zurück. Er übertrug die Vorlagen in einer 

Rasterstruktur auf große Formate. Kurze, oft 

ironisierende Texte in Sprechblasen begleiten die 

Darstellungen. 

Medien Sie bilden eine entscheidende Inspirationsquelle für alle 

PopArt Künstler. Egal ob Zeitungsbericht, Werbeplakat 

oder Comic Heft. Die Künstler übernahmen die Motive und 

entwickelten sie in ihren Arbeiten weiter. 





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Nouveau Réalisme 

Der 1960 in Europa begründete Realismusbegriff basiert 

auf den Ideen des Dadaismus. Künstler wie Yves Klein und 

Jean Tinguely schufen Werke in die sie Gegenstände der 

Alltagswelt einbrachten. 

Original Im 20. Jahrhundert stellen die Künstler die Idee des 

originalen, einzigartigen Kunstwerkes und damit auch ihre 

eigene Rolle als Kunstproduzent radikal in Frage. Marcel 

Duchamp deklarierte industriell gefertigte 

Gebrauchsgegenstände als Kunstwerk und stellte sie aus. 

Auch Andy Warhol anonymisierte den Arbeitsprozess 

seiner Kunstwerke, in dem er sie in seiner „Factory“ 

seriell von Mitarbeitern herstellen ließ. 

Prominente Andy Warhol (siehe auch W) bediente sich prominenter 

Robert Rauschenberg 

(*1925) 

Idole aus Politik, Film und Musik wie z.B. Marilyn Monroe, 

Elvis Presley, Elizabeth Taylor und Mao Tse Tung als 

Motive für seine Kunstwerke. 

Er schuf 1953 eine neue Bildgattung: die 

Combinepaintings, in denen freistehende Objekte aus der 

Alltagswelt mit der Malerei kombiniert wurden. Hierdurch 

versachlichte Rauschenberg die ungegenständliche 

Malerei und wurde damit zum Vorreiter für die PopArt. 

Siebdruck Druckverfahren bei dem die Druckfarbe durch ein 

feinmaschiges Sieb aus Textil- oder Kunstfasern bzw. ein 

Drahtgeflecht gedrückt wird. Typische Technik für die 

Werke Andy Warhols (siehe auch W), die den plakativen 

Charakter seiner Arbeiten steigerte und den Stellenwert 

des Originals (siehe auch O) in Frage stellte. 

Vietnamkrieg Der Vietnamkrieg (auch Zweiter Indochinakrieg oder 

Amerikanischer Krieg) bezeichnet die letzte, besonders 

verlustreiche Etappe in einem dreißigjährigen bewaffneten 

Konflikt, der 1946 mit dem Widerstand der 





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Andy Warhol 

(1928-1987) 

vietnamesischen Kommunisten und anderer 

Gruppierungen gegen die französische Kolonialmacht 

begonnen hatte. 1950 erhielt Frankreich finanzielle und 

materielle Hilfe von den Vereinigten Staaten, die auch 

Truppen ins Land sendeten. Ab 1955 begann der 

Guerillakrieg der Vietcong gegen die Amerikaner. 

Aufgrund der aussichtslosen Lage den Krieg zu gewinnen 

und den unmenschlichen Kampfmethoden der 

amerikanischen Armee wurde die Kritik an der Beteiligung 

der USA immer lauter. Viele amerikanische Künstler 

verurteilten den Krieg. 

Andy Warhol war der führende Vertreter der PopArt. Für 

seine Werke vergrößerte er Details aus der Werbung und 

anderen Medien, reproduzierte sie in Variationen und 

reihte sie nebeneinander (siehe auch D). Seit 1962 

entstanden die meisten seiner Werke in der „Factory“, 

seiner Wohn- und Arbeitsstätte, durch eine Vielzahl von 

Assistenten. 

Chiquita Banana 

2008 

Bemaltes Harz 

110 x 110 x 170 cm 






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13. Katalog zur Ausstellung 

Otto Letze /Prof. Dr. Meinrad Maria Grewenig (Hg.) 

Mel Ramos. 50 Jahre PopArt 

Edition Völklinger Hütte, Ostfildern 2007 

280 Seiten, 150 Farbabbildungen, Sonderpreis: 19,80€ 

14. Literatur 

Literatur zu PopArt 

Cécile Whiting 

Pop L.A.: art and the city in the 1960s 

Berkely 2006 

Karl Ruhrberg/Manfred Schneckenburger/Christian Fricke/Klaus Honnef 

Ingo F. Walther(Hg.) 

Kunst des 20. Jahrhunderts, Band I und II 

Köln 2005 

Mark Francis 

Pop 

London 2005 

Walter Grasskamp (Hg.) 

Was ist Pop? Zehn Versuche 

Frankfurt am Main 2004 

Clare Oliver 

1960-80: experiments an new direction: from Op and Pop Art to Super-Realism, 

Minimalism and Conceptual Art 

Milwaukee 2001 

David McCarthy 

Kunst basics pop art 

Ostfildern 2001 





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Tilman Osterwold 

Pop Art 

Köln 1999 

Marco Livingstone (Hg.) 

Pop Art 

München 1992 

Jürgen Jacob 

Die Entwicklung der Pop Art in England. 

Von ihren Anfängen bis 1957 

Frankfurt am Main 1986 

José Pierre 

DuMont‟s kleines Lexikon der Pop Art 

Köln 1978 

Literatur zu Mel Ramos 

Thomas Levy/Alexander Sairally (Hg.) 

100+. Zeichnungen von Mel Ramos 

Bielefeld/Leipzig/Berlin 2010 

Galerie Ernst Hilger 


Wien 2009 

Marcel Strouk 

Galerie Rive Gauche: Mel Ramos 

Paris 2009 

Thomas Levy 


I Love Women 

Bielefeld 2007 

Mel und Leta Ramos im Atelier, 

1967 

©Archiv Mel Ramos 





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National Portrait Gallery, London 

Pop Art Portraits. 11.10.2007-20.01.2008 

Katalog 

London 2007 

Donald Kuspit/Louis K. Meisel 

Mel Ramos. Pop Art Fantasies. The Complete Paintings 

New York 2004 

Thomas Levy (Hg.) 

Heroines, Goddesses, Beauty Queens 

Bielefeld 2002 

Walter Guadagnini 


Modena 1999 

Louis K. Meisel Gallery 

Mel Ramos. The Heroines of 1962-64 

New York 1991 

Aaron Miller (Hg.) 

Mel Ramos. The Artist‟s Studio. 1986-1989 

Katalog 

New York 1989 

Elizabeth Claridge 

The Girls of Mel Ramos 

Chicago 1975 

Gegenverkehr, Aachen. Zentrum für aktuelle Kunst 

Mel Ramos. 23.10.-22.11.1969 

Katalog 7/69 

Aachen 1969 





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Literatur zu weiteren PopArt Künstlern 

Andy Warhol 

Mark Francis(Hg.) 

Andy Warhol: Photographs, films, videos, books, interviews 

München 2004 

Heiner Bastian (Hg.) 

Andy Warhol : Retrospektive in der Neuen Nationalgalerie Berlin 

Berlin 2001 


Avis Berman/Bob Adelman/Eckhard Schneider (Hg.) 

Roy Lichtenstein : Klassik des Neuen, Kunsthaus Bregenz 

Köln 2005 

Wieland Schmied (Hg.) 


Kestner-Gesellschaft Hannover 

Ausstellungskatalog 

Hannover 1968 

Jasper Johns 

Stephanie Barron/Lynn Zelevansky 

Jasper Johns to Jeff Koons : 

four decades of art from the Broad collections 

Los Angeles 2001 

Georges Boudaille 

Jasper Johns 

Paris 1989 

Photo Ring 

1962 

21 x 24 cm 

Louis K. Meisel Gallery, New York 





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15. Links 

Links zu Mel Ramos 

Die offizielle Website von Mel Ramos 

http://www.melramos.net/ 

Kurzbiographie 

http://www.ramos-mel.de/ 

ausführliche Biographie 

http://www.villastuck.de/ausstellungen/2010/ramos/bio.htm 

Links zu Andy Warhol 

Das Andy Warhol Museum Pittsburgh 

http://www.warhol.org/ 

Burda Museum Baden Baden, Kurzbiographie 

http://www.bad-bad.de/burda-museum/warhol.htm 

Website zu Andy Warhols “Factory“ 

http://www.factorymade.org/ 

Links zu Jasper Johns 

Jasper Johns im Museum of Modern Art New York 

http://www.moma.org/exhibitions/1996/johns/ 

Biographie 

http://www.kettererkunst.de/kunst/kd/bio/JasperJohns-1930.php 

Links zu Roy Lichtenstein 

Die Roy Lichtenstein Foundation 

http://www.lichtensteinfoundation.org/ 

Biographie 

http://www.roy-lichtenstein.de/ 

Links zur PopArt 

http://de.wikipedia.org/wiki/Pop_Art 

http://ddragon.interratec.de/kunst/kpopar00.php 





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Centre Pompidou, Abriss zur Pop Art auf englisch 

http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-Object-EN/ENS- 

objet-EN.htm 

Links zu PopArt Filmen 

Internet Movie Data Base, dort können Filme von Andy Warhol runtergeladen 

werden 

http://german.imdb.com/name/nm0912238/ 

Peek-a-Boo II 

2002 

Lithographie auf Papier 

80 x 58,5 cm 

Artoma Collection Hamburg 





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Impressum 

Herausgegeben von 

Meinrad Maria Grewenig 



© Weltkulturerbe Völklinger Hütte 


66302 Völklingen 

Tel +49 (0) 6898 / 9 100 100 

Fax +49 (0) 6898 / 9 100 111 

f.kraemer@voelklinger-huette.org 

www.voelklinger-huette.org 

Konzept und Redaktion 

Frank Krämer 

Recherche 

Jeanette Wagner 

Aufsätze 

Otto Letze/Maria Espinosa: Mel Ramos. Lebenslauf/Werklauf 

Klaus Honnef: Girls, Candies, and the Art- die Welt von Mel Ramos 

Stand 

Dezember Juni 2011 





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