Musiker Magazin 3/2017

C 10973 F | N o 3/2017 | 3,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

Matija 

Die Ruhe 

vor dem Sturm 

CousCous 

„In einer 

anderen Welt“ 

April Art 

Kraftvolle Musik mit 

einer Aussage, 

die im Kopf bleibt 

Deutscher 

Rock & Pop 

Preis 

Am 9. Dezember 

in der Siegerlandhalle, 

Siegen 

DIE 

PLANK 

Musik mit wildem Herzen

Angebot 

❶ Studiosendung 

Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir 

produzieren mit euch eine komplette Studiosendung 

wie in den goldenen Zeiten des Musik - 

fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged 

und live auch möglich) und Interview. 

(30 – 40 Minuten Videoclip) 

➜ 500 Euro 

+ Eine Seite Interview und Foto 

im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare) 

➜ 1 000 Euro 

+ Zwei Seiten Interview und Foto 


➜ 1 500 Euro 

Die Vorteile im Überblick: 

❷ CD-Hearing / 

Interview für 

Promozwecke in 

einem unserer 

Filmstudios 

Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein 

und stellen es vor! 

Oder es geht einfach um euch als Band / Einzel - 

künstler und euer musikalisches Schaffen. 

(30 Minuten) 

+ Halbe Seite Interview und Foto 


➜ 500 Euro 

• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter 

• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras 

• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene 

• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht 

• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2) 

• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden* 

• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur 

Verfügung – hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken 

einbauen 

• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange 

• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und 

Abspann 

• auf Wunsch stellen wir das Video on-demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken 

zur Verfügung für noch mehr Reichweite 

❸ Aufzeichnung 

Live-Konzert 

Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um 

euch für Konzerte zu bewerben? 

Kommt in unser Rock-TV-Studio! 

(30 Minuten Videoclip) 

➜ 1 000 Euro 

★ Unser 

Film-Team ist 

auch mobil! 

Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh, 

drinnen oder draußen. 

Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um 

mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen. 

Auf Anfrage machen wir euch gern ein 

individuelles Angebot. 

© KZENON/FOTOLIA 

* Für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund 

auch Unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis 

nachträglich von uns abgemischt werden). 

Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg 

Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

EDITORIAL 03 

Am 9. Dezember werden 

in der Siegerlandhalle in Siegen über 1000 Musikerinnen 

und Musiker zusammenkommen, 

um sich beim Deutschen Rock & Pop Preis, Deutschlands ältestem 

und erfolgreichstem Musik-Wettbewerb der Popularmusik, 

auszutauschen und live zu präsentieren. 

Auf diesem künstlerischen Wettbewerb werden sich ca. 90 Einzel - 

interpreten und Bands aus den unterschiedlichsten musikstilistischen 

Bereichen der Rock- und Popmusik mit jeweils einem Song live den Juroren 

und dem Publikum vorstellen. 

Die Fachjury aus Vertretern der Musik- und Medienbranche sowie qualifizierten 

Musiker/-innen, die dieses Jahr ehrenamtlich dem Kulturfestival 

zur Seite stehen, wird über diese Konzertauftritte urteilen und am Ende der 

Veranstaltung die Gewinner ermitteln. 

Im bewussten Gegensatz zu kommerziellen Musik- oder Firmenwett be - 

werben zählt beim Deutschen Rock & Pop Preis als einziges Kriterium der 

künstlerische Anspruch in den Einzelbereichen Komposition, Text, Instru - 

men tation, Gesang, Performance, Originalität und Kreativität. 

Finanziert wird dieser musikalische Wettbewerb durch die gemeinnützige 

Musikergemeinschaft des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. 

zusammen mit allen mitwirkenden Teilnehmern (mittels geringer Bewer bungsund 

Teilnahmebeiträge), ohne Bundes- oder Landes-Förder- und Finan - 

zierungsmittel! Die gastgebende Kommune stellt den Aus rich tungsort zur 

Verfügung. Diese Gemeinschaftsfinanzierung eines jährlichen großen 

gemeinnützigen Kulturfestivals durch alle (direkt und indirekt) beteiligten 

Musiker/Musikgruppen/Künstler ist in Deutschland und Europa einzigartig! 

Musikgrößen wie Pur, Juli, Yvonne Catterfeld, Pasquale Aleardi oder 

Luxuslärm nahmen an diesem kulturellen Wettbewerb teil oder nutzten den 

Titel als Sprungbrett für ihre Karriere. 

Der 35. Deutsche Rock & Pop Preis 2017 wird von der Deutschen 

PopStiftung, dem Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V., der 

Fachzeitschrift Musiker Magazin sowie der gastgebenden Stadt Siegen 

präsentiert. 

Das vor und nach der jährlichen Preisverleihung folgende Presse-Echo 

von bundesweit hunderten Tageszeitungen mit z. T. halbseitigen Be richt - 

erstattungen über diese Kulturveranstaltung und seine musikalischen Teil - 

nehmer und Gewinner ist inzwischen eines der umfangreichsten positiven 

Tageszeitungs-Medienechos, das auf ein bekanntes Kulturfestival oder 

Rock- & Popkonzert in Deutschland, Österreich oder der Schweiz erfolgt … 

(s. jährliche Pressedokumentation der professionellen Ausschnittdienste). 

Die Schirmherrschaft übernehmen in 2017 wieder der Bürgermeister 

der Stadt Siegen, Herr Steffen Mues, sowie seit nunmehr 17 Jahren der 

Präsident des Deutschen Musikrats, Prof. Martin Maria Krüger. 

WEITERE INFORMATIONEN UNTER: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM 

TEXT: OLE SEELENMEYER 

3/2017 musiker MAGAZIN

10 FESTIVAL 

35. DEUTSCHER 

ROCK & POP PREIS 2017 

am 9. Dezember 2017, Kongresszentrum Siegerlandhalle – Siegen 

1. ZIEL/KONZEPT 

In 2017 werden zum 35. Mal insgesamt über 

125 „Deutsche Rock & Pop Preise“ der verschiedensten 

musikalischen Bereiche an heraus ra - 

gende Nachwuchsmusikgruppen, Nachwuchs - 

einzel künstler/-innen sowie zum ersten Mal 

durch eine Fachjury ausgewählte professionelle 

Musik gruppen und Einzelkünstler/-innen mit 

Ton trä ger vertrag verliehen. So sollen auch in diesem 

Jahr Nachwuchskünstler so unterschiedlicher 

musik stilistischer Bereiche wie Rock, Pop, 

Country, Hard & Heavy, Alter native, Weltmusik, 

Reggae, Funk & Soul u.v.a.m. geehrt werden. 

Einziges Kriterium ist dabei der künstlerische 

Anspruch. In ihrer kulturellen und künstlerischen 

Aus rich tung steht diese Kultur ver an stal - 

tung damit im bewussten Gegensatz zu bisherigen 

Veranstal tungszeremonien von Industrie - 

preisen und TV-Anstalten. 

Durch die Auszeichnung in über 125 verschiedenen 

Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Pop musik 

Rechnung getragen. Damit soll erreicht werden, 

dass sich möglichst viele Musikgrup pen, Einzel - 

künstlerinnen und -künstler in ihrer Stilistik wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als 

Platt form des kreativen Nachwuchses, aber auch 

als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler/ 

-innen und Persönlichkeiten des musikalischwirtschaftlichen 

Umfeldes dienen. 

2. FINANZIERUNG 

Diese Kulturveranstaltung wird im Wesent li - 

chen – wie in den vergangenen Jahren auch – 

durch die Deutsche Popstiftung, den Deutschen 

Rock & Pop Musikerverband e.V. und die am 

Wettbewerb beteiligten Musikgruppen und 

Künstler/-innen finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten 

kulturellen Wettbewerbs wird – ebenfalls wie in 

den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form 

einer geringen Anmeldegebühr verlangt. Alle 

durch die Bundesjury ausgewählten Final teil - 

nehmer sowie durch die Bundesjury nominierten 

Preisträger der Neben- und Sonderkate - 

gorien zahlen außerdem einen Teilnahme be trag 

pro Musiksparte, um die Selbstfinanzierung dieses 

musikereigenen Kulturfestivals auf Bundes - 

ebene zu gewährleisten. Diese solidarische 

Ge mein schafts finanzierung ist in Deutsch land 

einmalig: Damit wird auch der 35. Deutsche 

Rock & Pop Preis wieder ge meinschaftlich finanziert 

durch die Stiftungs- und Verbands trä ger, 

die ca. 3 000 Mu sik grup pen, Musi kerinnen und 

Musiker im Deutschen Rock & Pop Musiker - 

ver band e.V. sowie durch die über 1 000 Teil - 

neh mer dieses Festivals. 

3. KATEGORIEN 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musik - 

preisen werden die Deutschen Rock & Pop 

Preise 2017 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise 

können an herausragende etablierte Musik - 

gruppen, Musikerinnen und Musiker sowie in

FESTIVAL 11 

den Unterkategorien „Bester Gitarrist”, „Bester 

Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen 

werden. Hierfür kann man sich direkt bewerben. 

Die Bundesjury entscheidet, ob besondere 

Leistungen in diesen Bereichen vorliegen. 

FOLGENDE EINZELKATEGORIEN 

WERDEN AUSGESCHRIEBEN: 

 

 

 

 

8 Hauptkategorien 

64 Nebenkategorien 

25 Sonderkategorien 

28 Sonderauszeichnungskategorien 

Durch die differenzierte Auswahl an Kate go - 

rien und Unterkategorien wird gewährleistet, 

dass eine große Anzahl vielversprechender 

Musik gruppen, Interpreten und Künstler/-innen 

in musikhistorisch bedeutenden, aber bisher 

bei Preisverleihungen vernachlässigten Musik - 

rich tungen ebenfalls gewürdigt werden können. 

In den acht Hauptkategorien werden die Final - 

aus scheidungen (und/oder Halbfinal vor ent - 

scheide) tagsüber live am Festivalort auf der 

Bühne er folgen. In den übrigen Kategorien entscheidet 

die Bundesjury allein aufgrund des 

eingeschickten Materials über eine Nominie - 

rung bzw. Aus zeichnung bei der Preisver lei hung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich 

mit dem künstlerischen und technischen Um - 

feld einer CD-Produktion und des Musik ma na - 

ge ments auseinandersetzen (Studioproduktion, 

CD-Design, Independent-Label, Künstler agentur 

etc.), sollen – wie im Vorjahr – auch diese an - 

son sten im Schatten von künstlerischen Aus - 

zeich nungen stehenden Firmen und Personen 

geehrt werden. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer 

CD/einem Musikvideo pro Kategorie (möglichst 

eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Pop - 

stiftung für die verschiedenen Kategorien be - 

werben. 

ANMELDEGEBÜHR: 

DRMV-Mitglieder 20,– Euro, 

DRMV-Nichtmitglieder 30,– Euro. 

Nach dem Bewerbungsschluss am 1. Se p te - 

m ber 2017 ermitteln unabhängige Experten - 

juroren, die von der Deutschen Popstiftung ein - 

ge setzt werden, die Teilnehmer am Finale und 

die Preisträger der Neben- und Sonderkate go - 

rien des 35. Deutschen Rock & Pop Preises 

2017. Mithilfe eines detaillierten Bewer tungs bo - 

gens (Arran ge ment, Instrumentierung, Gesang, 

Text, Kom position, Originalität, Kreativität etc.) 

ermittelt die Festivaljury die live im Finale des 35. 

Deutschen Rock & Pop Preises 2017 auftretenden 

Musikgruppen und Einzelinterpreten der 

Hauptkategorien. Um eine gerechte Preis ver - 

leihung zu gewährleisten, kann die Bundes jury, 

wenn die Einordnung den Juroren passend 

erscheint, Preise auch in anderen als den durch 

die Künstler ursprünglich beworbenen Katego - 

rien zuerkennen. 

4. PREISVERLEIHUNG/FESTIVAL 

Die Teilnehmer am Finale des 35. Deutschen 

Rock & Pop Preises 2017 erhalten durch die 

Deutsche Popstiftung eine Einladung nebst Teil - 

nahmeformular. Die in allen Sparten und Be - 

reichen nominierten Bands und Künstler/-innen 

werden persönlich eingeladen. Erst die Rück - 

sendung des ausgefüllten Teilnahmeformulars 

und die Entrichtung der Teilnahmegebühr in 

Höhe von 150,– Euro je Hauptkategorie sowie 

100,– Euro je Sonder- oder Nebenkategorie (je 

zuerkannter Preissparte) garantieren die Teil nah - 

me am 35. Deutschen Rock & Pop Preis 2017. 

Die Finalisten (Einzelkünstler/-innen und Musik - 

gruppen) der Hauptkategorien erhalten im Ge - 

genzug je 50 Eintrittskarten im Gesamtwert von 

1 000,– Euro für den eigenen Gäste-/Fan kreis 

(s. zusätzliche Publikumsabstimmungen), die 

ausgezeichneten Preisträger der Sonder- und 

Nebenkategorien erhalten ebenfalls je 50 Ein - 

trittskarten im Gegenwert von 1000,– Euro für 

die eigenen Gäste/Fans. Mit der Nichtrück sen - 

dung des Anmeldeformulars und der Nicht ent - 

richtung der Teilnahmegebühr verfällt die Teil - 

nah me und Preiszuerkennung. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung 

durch die Festivaljury werden auf der Home - 

page des DRMV www.musiker-online.tv und 

durch die Kulturzeitschrift musiker Magazin 

nach dem Festival veröffentlicht. 

Die jeweils ersten Preisträgerbands der 

Haupt kategorien „Rock“, „Pop“ und „Alter- 

na tive“ erhal ten eine einjährige kostenlose Mit - 

glied schaft im DRMV und ein einjähriges 

Rechts- und Fachberatungsprogramm. Die teil - 

nehmen den Preisträger der verschiedensten 

Deut schen Rock & Pop Preise 2017 erhalten 

als Auszei ch nung eine Ehrenurkunde. Die jeweils 

ersten Preis träger der Hauptkategorien erhalten 

zu sätzlich einen Rock- & Pop-Oscar. 

INFOS: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM/ 

DEUTSCHER-ROCKPOP-PREIS 

ANMELDUNG: 

MUSIKER-ONLINE.COM/ANMELDUNG 


FOTOS: LUDWIG CZAPLA

12 STORIES 

musiker MAGAZIN 3/2017

STORIES 13 

DIE PLANK 

Musik mit wildem Herzen 

Julia Plank ist Musikerin 

mit ganzem Herzen. 

Mit 15 Jahren den ersten 

Songcontest in ihrer 

Heimat gewonnen, 

hat sie heute, 

20 Jahre später, 

viel über sich selbst und 

Musik gelernt. 

Ihr aktuelles Album 

„Wildes Herz“ 

berichtet genau 

von diesen Erfahrungen 

und der Sehnsucht 

nach mehr. 

Im Interview erzählt sie 

von ihrer Solokarriere 

als „Die Plank“ und 

erklärt uns, warum sich 

Crowdfunding für junge 

Musiker nicht rechnet. 

MM: Im letzten Jahr ist dein Debütalbum 

„Wildes Herz“ unter deinem Künstlernamen 

„Die Plank“ erschienen. Was können Hörer 

von diesem Album erwarten? 

JULIA PLANK: Das Album ist eine Hommage an 

eine Zeit in meinem Leben, als ich noch nicht so 

recht wusste, wer ich eigentlich bin. Die Songs 

erzählen davon, wie sehr man sich verlaufen kann, 

von den damit verbundenen enttäuschten Er - 

war tungen an Menschen und Situationen. Und es 

erzählt von der Sehnsucht, sich selbst eine neue, 

eigene Richtung zu geben. Die Songs heißen 

beispielsweise „Kaffee“, „Spiel mit mir“, „Durch die 

Nacht“ – und sie laden ein, sich wirklich Zeit zum 

Zuhören zu nehmen. Es ist Singer-Song writer- 

Pop, zwischen Folk, Jazz und Chanson. Wir 

haben bewusst alles ganz pur arrangiert und die 

Geschichten der Songs in den Mittelpunkt ge - 

stellt. Und weil wir den Leuten gern Zeit schenken 

möchten, wirklich reinzuhören und in Texte und 

Melodien abzutauchen, gibt’s das Album nicht nur 

digital und als CD, sondern auch als Schallplatte. 

MM: Das Album hast du durch Crowd fun ding 

finanziert. Was gefällt dir an diesem Vor - 

gehen? 

JULIA: Nach meinen Erfahrungen sehe ich das 

Ganze heute differenziert und würde eine Projekt - 

finanzierung für ein kleines Solo-Musik-Projekt 

nicht mehr per Crowdfunding machen. Auch wenn 

mein Album damit erfolgreich finanziert werden 

konnte. Crowdfunding hat mich eingefangen mit 

dem sympathischen, unkonventionellen Vorgehen, 

der scheinbaren Einfachheit und der Öffentlichkeitswirksamkeit, 

die erzielt werden kann. Nach - 

dem ich beruflich aus dem Bereich Marketing 

und PR komme, wusste ich, dass ich mit eigenen 

Mitteln in der Lage bin, eine Low-Budget-Kom - 

mu nikationskampagne über alle Kanäle auszurollen. 

Mailings, Social Media, lokale Presse und 

das persönliche Netzwerk. Mein Spielfeld! Und 

trotzdem haben nur rund 60 Personen tatsächlich 

mitgemacht. Da habe ich erstmals ein Gefühl 

dafür bekommen, wie viel interdisziplinäre Maßnah - 

men-Power dahinterstecken muss, wenn die 

 


14 STORIES 

»Entstanden ist eine 

wunderschöne 

Nischen-Produktion und 

eine Interpretation 

meiner Songs, die sich 

an nichts misst, 

als an der Atmosphäre, 

die uns bei den 

Aufnahmen be gleitet hat.« 

Unterstützer in die Tausende gehen. Wer hier 

keine Erfahrung hat, dem würde ich raten, sich 

bewusst zu machen: Das Internet ist kein Selbst - 

läufer! Man braucht eine Menge finanziellen Schub, 

Handwerkszeug und Erfahrung, um Menschen 

nicht nur zu erreichen, sondern sie auch noch zu 

bewegen, Geld zu geben, für etwas, das sie noch 

nicht sehen, hören oder anfassen können. 

Unterschätzt habe ich selbst aber den ganzen 

Bereich der Finanzierungsthematik. Da hatte ich 

nämlich damals wenig Ahnung. Und da liegt meines 

Erachtens auch die Krux: Crowdfunding setzt 

da an, wo die Ahnung der meisten aufhört, und 

verknüpft mit Öffentlichkeitsarbeit und Finan zie - 

rung zwei komplexe Disziplinen miteinander, die 

über das Online-Portal scheinbar zum Kinder spiel 

für jedermann werden. Dass daraus in Wahrheit 

für den Nutzer eine superteure Finanzierungs form 

entsteht, im Vergleich zu möglichen anderen, 

wird natürlich nicht gesagt. Denn auch wenn die 

Crowdfunding-Portale eine tolle und auf ihrer 

Seite kostengünstige Sache sind, sie sind allenfalls 

Vermittler auf dem Markt der Ideen und bringen 

Akteure und Unterstützer zusammen. Das ist 

hipper, als jemanden einfach zur Bank zu schikken, 

wo diese ja ohnehin um ihr Image ringen. 

Als Finan zierungsform betrachtet, rechnet Crowd - 

fun ding sich unterm Strich allerdings nicht. 

Jedenfalls nicht für Künstler, die ihre eigenen kleinen 

Projekte wie Alben und Videos damit realisieren 

möchten. Denn da die Unterstützer im 

Vorfeld v. a. definierte Produkte oder Dienst leis - 

tun gen von den Künstlern kaufen, und nicht nur 

frei gewählte Beträge geben, fallen auf die verkauften 

Dinge regulär Steuern an. Unser erzieltes 

Crowd funding-Budget wurde auf diese Weise 

um rund ein Drittel gekürzt. Diese Reduzierung 

muss man von Anfang an in seine Kalkulation 

einplanen, sonst erlebt man eine böse Überraschung. 

Das wiederum kann man aber nicht 

wirklich, weil nicht vorhersehbar ist, welche 

Unter stüt zungsform ge wählt wird. 

Ich habe also gelernt: Planbarer, sicherer und 

deutlich günstiger bei der aktuellen Niedrig zins - 

lage ist einfach ein klassischer Ratenkredit mit 

festem Zinssatz. Mein Fazit: Erstens: Ich würde 

in jedem Fall beim nächsten Mal direkt zur Bank 

gehen. Zweitens: PR und Fanarbeit sind wichtig, 

muss man aber auch unabhängig von Crowd - 

funding machen. Drittens: Crowdfunding ist nicht 

gleich Crowdfunding. Es wird auch von Platten - 

firmen produkt-strategisch eingesetzt als Investi - 

tion im Sinne einer PR-Kampagne, die sich gleich 

noch zum Teil selbst gegenfinanziert. Die leuchtenden 

Beispiele, an denen man sich aber als 

Künstler in Eigenregie nicht zu orientieren braucht. 

MM: Beim Crowdfunding bietet man den 

Unterstützern sogenannte Dankeschöns an. 

Dadurch duften deine Fans bei einem Musik - 

video mitspielen und du hast Wohn zimmer - 

konzerte gegeben. Wie war es, deine Fans so 

nah und persönlich kennenzulernen? 

JULIA: Bei den Leuten zu Hause in ihren eigenen 

vier Wänden zu spielen ist immer ein Erlebnis, 

weil es so direkt und unmittelbar ist und du viel 

besser verstehst, wer deine Musik eigentlich hört. 

Ich mag das sehr! Und außerdem gibt’s an den 

selbst gemachten Buffets immer die leckersten 

Dinge! Der Videodreh zum Song „Wo kommst 

du denn jetzt her“ mit unseren Unterstützern war 

schon etwas ganz Besonders. Wir hatten ältere 

Herrschaften ebenso dabei wie Kinder und wir 

haben mit ihnen, passend zum Song, Begeg - 

nungs szenen gespielt. Da sind so schöne, goldige 

Sequenzen entstanden, dass ich vor lauter 

Freude zum Schluss noch in den unbeheizten 

Außen pool unserer Location gesprungen bin. Im 

No vem ber. 

MM: Erklärtes Ziel des Albums war auch die 

Ansprache von Labels, Agenturen und Radios. 

Wie hat das bisher geklappt? 

JULIA: Stimmt, das hatten wir in unseren Kam - 

pagnen-Teaser des Crowdfundings geschrieben. 

Aber schon im Studio haben wir festgestellt, dass 

wir noch nicht bereit sind, uns musikalisch von 

unseren Wurzeln zu lösen und wirklich kommerziell 

zu klingen. Entstanden ist eine wunderschöne 

Nischen-Produktion und eine Interpretation 

meiner Songs, die sich an nichts misst, als an 

der Atmosphäre, die uns bei den Aufnahmen be - 

gleitet hat. Das wird gern von unseren Regional - 

sendern gespielt, findet natürlich aber keinen 

Platz auf Playlisten kommerzieller Radiosender. 

Agen turen und Labels habe ich erst einmal hinten 

angestellt, da ich gerade noch ein nebenberufliches 

Studium begonnen habe, für das ich viel 

Zeit brauche. Dafür darf ich an vielen Stellen, so 

wie mit euch hier im MUSIKER MAGAZIN, über 

unser schönes Projekt sprechen. Ich war zudem 

im Frühjahr u. a. Titelstory des Frauenmagazins 

„Rosenheimerin“, mit dem Song „Barfuß“ live zu 

Gast in der Abendschau des Bayerischen Rund - 

funks und bei „Mensch, Otto!“, der bekannten 

bayerischen Radio-Talk-Show auf Radio Bayern 3. 

MM: Du arbeitest im Marketing, mit Pro mo - 

tion hast du also Erfahrung. Gibt es be stim mte 

Tricks, auf die man als Musikerin zurück - 

greifen kann, um Aufmerksamkeit zu ge - 

winnen? 

JULIA: Puh! Das ist so eine Alles-oder-nichts- 

Frage. Bevor ich mich jetzt in einzelnen Maß - 

nahmen verliere und womöglich was vergesse, 

versuche ich es mit einem Bild. Kommunikation 

ist ein Kosmos. Dass Menschen beginnen, deine 

Musik zu mögen und ihren Freunden von dir zu er - 

zählen, setzt voraus, dass du einen tollen, großen, 

weitläufigen Raum um dich erschaffst, in dem 

Men schen sich wohlfühlen und in dem sie alles 

finden, was sie über dich wissen sollen. Er be - 

steht aus Hard Facts, aus Geschichten rund um 

dein Projekt, aus deiner Musik, aus Bildern, Videos, 

Social-Media-Profilen und aus deiner Website, in 

der du alle Informationen schick und modern 

zusammenführst. Und dann beginnst du, Ein la - 

dungen auszusprechen, dich in deinem Kosmos 

zu besuchen. Dazu versendest du speziell ge - 

schnürte Einladungspäckchen. Du tust genau das 

rein, was der andere braucht, um gut damit weiterarbeiten 

zu können. Veranstalter, Journalisten, 

dein Publikum. Manche sind ganz schön bockig 

(weil sie so viele Einladungen von allen Seiten 

erhalten), ignorieren deine freundlichen Einladun - 

gen und du brauchst eine sehr hohe Frustrations - 

grenze, um nicht müde zu werden, immer und 

immer wieder freundlich nachzuhalten und die 

neuesten Highlights aus dem Ärmel zu zaubern. 

Ab einem gewissen Umkreis und Anzahl von An - 

sprechpartnern ist eine Eins-zu-eins-Behandlung 

dieser Art natürlich nicht mehr möglich. Dann 

braucht man mehr Wums im Sinne von Infra - 

struktur, Kontakt-Verteilern und Geld. Und das ist 

das, was Agenturen oder entsprechende Ab - 

teilungen von Plattenfirmen leisten. 

MM: Du hast schon als Jugendliche professionell 

Musik gemacht, sogar Songs auf 

Mallorca aufgenommen. Dein Durchbruch 

als Sängerin scheiterte schließlich an Strei - 

tereien und Missmanagement. Was hast du 

daraus gelernt? 

JULIA: Ja, gestritten haben wir in dieser Mädels- 

Band mit unseren 18,19 Jahren. Aber das Wort 

Missmanagement ist nicht ganz richtig. Vielmehr 


15 

»Als Künstler gibt man 

sich selbst gern eine 

unnahbare Aura, die einen 

von wirtschaftlicher und 

rechtlicher Verantwortung 

entbindet – aber eben 

auch von deren 

Sicherheiten und Vorteilen, 

die sie ja bietet.« 

ist das passiert, was ganz häufig unter Künstlern 

und Semi-Profis passiert und was die meisten 

von uns kennen: Missverständnisse und Ent täu - 

schung. Auch diese Erfahrung von damals hat 

dazu geführt, dass ich derzeit bei der IHK das 

Studium zur Betriebswirtin mache. Ich finde es 

schade, dass speziell Musiker gern die Dis zi - 

plinen Kunst, Recht und Wirtschaft gegeneinander 

ausspielen, anstatt sie zu verbinden und für 

sich nutzbar zu machen. Als Künstler gibt man 

sich selbst gern eine unnahbare Aura, die einen 

von wirtschaftlicher und rechtlicher Verant wor - 

tung entbindet – aber eben auch von deren 

Sicherheiten und Vorteilen, die sie ja bietet. Es 

besteht die verbreitete Annahme, das sei alles zu 

komplex und unverständlich und bürokratisch. 

Das kenn ich ja selbst und zum Teil stimmt das 

auch. Und so bleibt man lieber vage in allem was 

man tut, und laviert sich durch, anstatt sich einmal 

genauer mit den betreffenden Bereichen 

aus einanderzusetzen. Wie oft habe ich Sätze 

gehört wie „Das machen wir schon irgendwie“ 

oder „Das müssen wir nicht aufschreiben, wir 

sind ja Freunde“. Und wo ich den Vorstoß ge - 

macht habe, ein Projekt doch einmal fundiert 

aufzusetzen, bin ich auf Abwehr und Misstrauen 

gestoßen, weil so viel Unwissen da ist, dass die 

 


16 STORIES 

Angst groß ist, übervorteilt zu werden. So kursieren 

auch jede Menge falsche Informationen ge - 

gen über Plattenfirmen und Agenturen, sodass 

echte Scheinheilige nicht mehr trennscharf von 

denen unterschieden werden, die wirklich gut für 

ihre Künstler arbeiten. Dadurch bleibt so viel echtes 

musikalisches Potenzial auf der Strecke und 

das finde ich sehr schade. 

MM: Gibt es dadurch konkrete Dinge, die du 

heute bewusst anders handhabst als damals? 

JULIA: Na klar. Ich weiß heute einfach selbst viel 

mehr und gehe konkreter an die Dinge heran. Ich 

brauche keine Angst mehr zu haben, über den 

Tisch gezogen zu werden, weiß, worauf grundsätzlich 

zu achten ist, und ich weiß auch, wann 

ich für besondere Fragen einen Spezialisten hinzuziehen 

sollte. 

MM: Inspiration zu einem zweiten Versuch 

als Sängerin fandest du auf einer Kuba- 

Reise. Was hat dich dort so fasziniert? 

DIE PLANK – „Wildes Herz“ 

VÖ: 21.10.2016 

WWW.JULIA-PLANK.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/JULIA.PLANK.FANS 

JULIA: Ganz prinzipiell ist Kuba ein wunderschöner 

inspirierender Ort, zum Lachen und zum 

Weinen. Größte Lebenslust liegt da direkt neben 

tiefster Verzweiflung und mangelnden Zukunfts - 

perspektiven. Aber die Menschen haben Herz. 

Dieses Gefühlsgemenge, in Verbindung mit den 

vielschichtigen ethnischen, kulturellen und religiösen 

Hintergründen seiner Bewohner, ist ein 

Brutkasten für Kultur. Und weil Kultur auch Unter - 

haltung ist und Unterhaltung ein politisches Instru - 

ment, werden alle künstlerischen Disziplinen dort 

staatlich extrem gefördert. Aber auch der gesellschaftliche 

Wert ist enorm. Jeder Künstler wird 

dort hochgehalten wie bei uns Atomphysiker oder 

Astronauten. Ich kam mir dort vor wie eine verwunschene 

Prinzessin. Meine Reise ist nun zehn 

Jahre her, aber sie fand zu einer Zeit statt, in der 

ich noch sehr grün hinter den Ohren war, unsicher 

in vielerlei Hinsicht und versucht habe, den 

Erwartungen anderer gerecht zu werden. Kuba 

hat mich in der Seele gepackt, dort wo ich am 

empfindsamsten bin, und ich habe verstanden, 

dass, egal welche sehr irdischen und pragmati- 

schen Fähigkeiten ich sonst noch habe, mein 

größtes Wesensmerkmal sicherlich dort in der 

Tiefe liegt, in dem was singt, pulsiert, tanzt. 

MM: Die daraus entstandene Band „Plank- 

ton“ löste sich 2012 auf. Warum kam es zur 

Trennung? 

JULIA: Wie vieles haben auch musikalische Pro - 

jekte Lebenszyklen. Ich wollte einfach immer 

schon mehr machen aus meiner Musik, mehr 

Menschen erreichen als den eigenen Landkreis. 

Und so haben wir damals ganz ehrlich und einvernehmlich 

miteinander entschieden, dass sich 

die Wege trennen. 

MM: Durch deine gesammelten Erfah run gen 

und mithilfe deines Pianisten Jörg Müller 

wurdest du schließlich zu „Die Plank“. Was 

habt ihr für die Zukunft musikalisch ge plant? 

JULIA: Ja, die Zusammenarbeit mit Jörg ist wirklich 

klasse. Es gibt wenige Pianisten, die Sänger 

auf diese besondere Weise begleiten können. Ab 

2018 werden wir wieder Konzerte geben. Das 

aktuelle Jahr steht erst einmal noch ganz im 

Zeichen unseres Albums WILDES HERZ, das wir 

den Menschen in Interviews aller Art vorstellen. 

Und dann hab ich wie immer schon Ideen, um das 

Ganze weiterzuentwickeln. Aber die verrate ich 

natürlich jetzt noch nicht. 

INTERVIEW: JANA MOYSICH 

FOTOS: PICTURE LIFE, DOROTHEA PERL 

GRAFIK: © SINNA-NYAN/FOTOLIA.COM

STORIES 17 

MATIJA 

Die Ruhe 

vor dem Sturm 

Matija fühlen sich bereit, 

ihr Album ist produziert, 

die erste Single 

„Song for Celine“ bereits 

veröffentlicht. 

Um an diesen Punkt 

zu kommen, haben 

die vier Münchner einen 

Neuanfang gewagt 

und ihren alten Bandnamen 

abgelegt. Auch am eigenen 

Sound wurde gefeilt, um 

sich die Albumproduktion 

zu erarbeiten. 

Wir haben mit Matija Clupacek, Sänger, Blockflötist und zweiter 

Gitarrist, über die Entwicklung der Band, Inspiration und das kommende 

Debütalbum gesprochen. 

MM: Ihr habt als Schülerband in München unter THE CAPITOLS 

angefangen. Nun kommt der musikalische Neuanfang mit MATIJA. 

Was nehmt ihr von THE CAPITOLS mit und was lasst ihr bewusst 

hinter euch? 

MATIJA: Von THE CAPITOLS nehmen wir eine große Menge an Erfahrung, 

besonderen Momenten, prägenden Konzerten und wegbereitenden Erinne - 

rungen mit. THE CAPITOLS ist unsere Vergangenheit und definitiv unsere 

erste Entwicklungsstufe; es wäre fahrlässig, sie zu verleugnen oder zu 

ignorieren. Bewusst hinter uns lassen wir allerdings einen musikalischen 

Farbton, den des britischen Klischee-Indie-Rocks. Wir spielen sicherlich 

noch einige der alten Indie-Tanz-Nummern live, ihre Funktionalität in einem 

bunten Liveset ist unumstritten, aber unser erstes MATIJA-Album wird eine 

andere Hausnummer sein und eher in die Alternative-Pop-Schiene fallen. 

MM: Vor Kurzem ist das Video zu „Song For Celine“ erschienen. Song 

und Video wirken träumerisch, aber auch sehr dramatisch. Wieso habt 

ihr euch für dieses Lied als erste Single-Auskopplung entschieden? 

MATIJA: „Song For Celine“ soll Ruhe vor dem Sturm ausstrahlen. Es ist ein 

Song voller unterdrückter Emotionen, man kann die Anspannung spüren, 

der Vulkan brodelt, bricht allerdings noch nicht aus. Lasst euch mal über- 


18 STORIES 

raschen, wir sehen es als perfekte Vorbereitung für unsere zweite Single, 

„White Socks“, die bald erscheinen wird und auf die wir den Hauptfokus 

dieser Albumveröffentlichung gelegt haben. 

MM: Euer Sound klingt nicht nach Newcomern, sondern auffällig 

international und professionell. Ist das Arbeit des Labels oder einfach 

der natürliche Reifungsprozess als Band? 

MATIJA: Ein Label definiert nicht den Sound einer Band. Es kann zwar der 

Band vorschreiben, „Spielt Orange Amps und Telecaster und dann klingt 

ihr wie die Wombats“, aber so eine unorganisch auferlegte Sound-Direktive 

ist meist sehr leicht zu durchschauen und nicht authentisch. Danke für das 

Kompliment für unseren Sound, wir freuen uns, dass er international klingt, 

wir wollen nämlich nicht lokal begrenzt klingen. Ich denke, der Klang hat 

sich durch die Metamorphose von THE CAPITOLS zu MATIJA ergeben, mit 

einer großen Prise Umschwung unseres Produzenten Johann Scheerer, 

der wegbereitende Arbeit in diesem Shaping zu leisten wusste. 

Er brachte unseren Bassisten Johann neben dem E-Bass auch zum 

Syn thesizer, unseren Gitarristen Jan zur Abwechslung mal an ein Fender- 

Rhodes-Piano und er nahm unserem Schlagzeuger Sami die Becken und 

die Toms weg. So ließ er ihn mit einem auf Bass Drum, Snare und Hi-Hat 

reduzierten Kit einen puristischen, simplen und mächtigen Schlagzeug- 

Sound der Band kreieren. All dies hat die Klangwelt der Band verändert. 


STORIES 19 

Sami, unser Schlagzeuger, hat beispielsweise unsere Website komplett 

selbst erstellt. Und auch bis zur Zusammenarbeit mit unserer Booking- 

Agentur habe ich das meiste selber gebucht. 

MM: Euer Produzent ist Johann Scheerer, der schon mit großen 

Namen wie Pete Doherty zusammengearbeitet hat. Wie kam der 

Kontakt zustande? 

MATIJA: Unser Gitarrist Jan ist ein großer Fan von Omar Rodriguez Lopez, 

einem mexikanischen Musiker, der mit Johann Scheerer bereits zusammen - 

gearbeitet hatte. Durch sein Social Media wurde er auf Johanns Studio 

„Clouds Hill“ aufmerksam und fragte Johann via Facebook, ob er nicht 

Lust hätte, eines unserer Konzerte zu besuchen. 

Als wir in Hamburg auf Tour mit „Swim Deep“ waren, konnten wir Johann 

durch unsere Show überzeugen, ein paar Demos mit uns aufzunehmen. 

Aus einer Affäre begann eine Liebe … aus Demos wurde ein Debüt-Album. 

MM: Er war es auch, der euch zu Synthies geraten hat, die ihr mittlerweile 

als „Kreativmotor“ bezeichnet. Was fasziniert euch an diesem 

Instrument? 

»Ein Label definiert nicht 

den Sound einer Band. 

Es kann zwar der Band 

vorschreiben, „Spielt Orange 

Amps und Telecaster 

und dann klingt ihr wie 

die Wombats“, 

aber so eine unorganisch 

auferlegte Sound-Direktive 

ist meist sehr leicht 

zu durchschauen 

und nicht authentisch.« 

MM: Label, Booking-Agentur und Co ermöglichen Musikern sich auf 

die Musik zu konzentrieren. Wie sind die Aufgaben verteilt? Was 

macht ihr selbst und welche Tätigkeiten gebt ihr gerne ab? 

MATIJA: Wir dürfen uns geehrt fühlen, ein großartiges Team um uns zu wissen, 

von einem Top-Produzenten, einem Manager, der gleichzeitig ein Freund 

der Band ist, einer tollen Booking-Agentur, einem tollen Produktmanager, 

einem sensationellen PR-Team bis zu allen anderen Leuten, die den Kreis 

um die Band ausmachen. Wir sind tatsächlich gerne immer up-to-date mit 

allem, was gerade passiert und stecken gerne immer unsere Nasen überall 

rein, daher machen wir immer wieder mal was selbst, wo es gerade was 

braucht. 

MATIJA: Synthesizer gehören zu einer Art von Instrumenten, die bereits durch 

ihre natürliche Beschaffenheit eine unglaubliche Klangwelt erschaffen können, 

in der sich jeder Zuhörer verlieren kann. Sie haben eine gewisse Macht, 

eine Mystik, eine unerreichbare Komponente, die sie von allen anderen 

Instrumenten unterscheidet. 

Gewissermaßen könnte man den Synthesizer als den Außerirdischen 

unter den Instrumenten bezeichnen, der eben nicht von dieser Welt ist. Wir 

arbeiten mit einem Roland Jupiter 6 und einem Moog Sonic Six, alte Vintage- 

Synthesizer die eine fantastische Wolke aus Emotionen und Möglichkeiten 

erzeugen. 

MM: Euer Album habt ihr bei ihm in Hamburg aufgenommen. Wie 

verlief die Studioarbeit? 

MATIJA: Es war fantastisch. Und sehr lehrreich. Am Anfang der Album auf - 

nahmen war unser Produzent Johann Scheerer noch nicht der Überzeugung, 

die Band sei weit genug, um bereits aufzunehmen. Also reisten wir 

vorerst getrübter Stimmung zurück nach München, um den Sommer im 

Proberaum zu verbringen, während andere ihr Bier im Park genossen und 

befreundete Künstler Festivals spielten. Wir übten täglich bis zum Umfallen, 

kehrten nach Hamburg zurück und überzeugten unseren Produzenten 

vom vorbereiteten Material. Die Vorbereitungen waren so gut gewesen, 

dass das Album de facto in fünf Tagen im Kasten war, gefolgt von Detail - 

arbeit und diversen kreativen Abänderungen im Einzelnen. 

MM: Die „Vice“ bezeichnet eure Musik als Mischung aus David 

Bowie, Lana Del Rey und Radiohead. Seht ihr diese Künstler selbst 

als Inspirationsquelle? 

MATIJA: Damit sind besonders meine größten Inspirationen genannt. Die 

anderen Mitglieder der Band mögen sie sicher auch, sehen aber in ihrem 

Fall eher Künstler wie Tom Waits, Kasabian oder The Mars Volta als 

Inspirationen. Aber für mich, ja, das sind die Künstler, die mir am meisten 

geben. Ich bewundere ihre Ferne von dieser Welt, ihr Streben nach einem 

gewissen Gefühlszustand, nach einer Ideologie von Freiheit, Weite und 

Fernweh. 

 


20 STORIES 

»Die Vergangenheit ist das, 

was uns zu dem macht, was wir sind. 

Ich denke, dass wir alle, 

manche mehr, manche weniger, 

in unseren Köpfen 

Tragträumer sind und uns gerne mal 

in unterschiedlichen Zeitepochen 

verlieren, um nach Kunst 

zu suchen und sie in die Gegenwart 

zu holen.« 

„Lana Del Rey“ ist wie eine Droge für die Ohren, man schwebt in einem 

analogen Farbfilter, mit Zigarette und Kaffee – einer der besten Kombis 

meiner Meinung nach, die diese Welt so anzubieten hat. 

David Bowie empfehle ich beim Autofahren, in einer großen Stadt, am 

besten „Rebel Rebel“ zusammen mit ein paar rebellischen Gestalten auf 

dem Beifahrersitz, das Hemd weit geöffnet, das Herz auf der Zunge. 

Radiohead sind perfekt für ein Hotelzimmer im 40. Stock in Tokyo, auf 

dem Balkon, in die Nacht blickend. 

Wie man merkt, ich suche den Moment, nicht den roten Faden. Ich glaube 

an eine gewisse Magie in jedem Moment unseres Lebens, und ich bin mir 

sicher, dass diese Künstler das genauso sehen. 

MM: In eurem Pressetext dagegen sprecht ihr von der Hip-Hop-Poesie 

des Kendrick Lamar, der gerade als großes Talent gefeiert wird. 

Was fasziniert euch an diesem Musiker? 

MATIJA: Kendrick Lamar ist ein Visionär und fusioniert Rap mit so viel mehr. 

Seine Lyrik, sein Flow sind für meine Texte prägend. Ich finde in seiner 

Musik die Möglichkeit, Worte immer wieder auf neue Art und Weise miteinander 

zu vereinen. 

MATIJA: Die Vergangenheit ist das, was uns zu dem macht, was wir sind. 

Ich denke, dass wir alle, manche mehr, manche weniger, in unseren Köpfen 

Tragträumer sind und uns gerne mal in unterschiedlichen Zeitepochen verlieren, 

um nach Kunst zu suchen und sie in die Gegenwart zu holen. Es gibt 

einen großen Zusammenhang zwischen allem, was heute passiert, jemals 

passiert ist und jemals passieren wird. Wieso also nicht die Musik ungebunden 

von Zeit fühlen und gestalten? 

MM: Auch eure eigene Vergangenheit ist beeindruckend. Ihr wart 

schon Vorband von THE 1975 und habt auf großen Festivals ge spielt. 

Welches Ziel habt ihr jetzt vor Augen? 

MATIJA: Es gibt bei uns keinen Moment, gab es nie, wird es nie geben, in 

dem wir gesagt hätten „Ah super, kann man jetzt so lassen“. Es gibt immer 

etwas zu tun, immer mehr und immer größere Konzerte zu spielen, immer 

mehr Leute zu erreichen und ihnen etwas auf den Weg zu geben, ihnen 

den Weg zur Arbeit zu erleichtern, das Lied für ihre Hochzeit zu schreiben 

oder sogar den Soundtrack einer Generation zu prägen, womit wir natürlich 

nicht rechnen. Ich möchte nur betonen, dass nichts unmöglich ist. Nur 

wer so denkt, kann Großes erreichen. Träumen darf man, wir tun es und 

sind gespannt, was wir erreichen können. Bereit sind wir definitiv. 

MM: Im Allgemeinen kann man bei euch einen Hang zur Nostalgie – 

sowohl modisch als auch in der Bildsprache – feststellen. Woher 

kommt die Liebe zu Vergangenem? 

WEB: WWW.FACEBOOK.COM/MATIJA.WORLD 


FOTOS: TIMOTHY BARNES | BANDFOTO: © RUE NOUVELLE 


STORIES 21 

JENNY BRIGHT 

Schwarzer Hut, rote 

Locken und ein 

frech-kurzes Kleidchen – 

schon der erste Blick 

verrät, dass hinter diesem 

jungen Mädchen 

eine eher ungewöhnliche 

Person steckt. 

Die 19-jährige 

Singer-Songwriterin 

Jenny Bright macht 

leidenschaftlichen 

Country-Pop – und das in 

Deutschland! 

Was ist überhaupt ein Banjo? Mit dieser 

Frage fing alles an bei Jenny Bright. Sie 

landete im Country-Pop und liebt diese unbeschwerte, 

emotionale Musikrichtung über alles. 

MM: Country-Pop – wie hast du zu dieser eher 

ungewöhnlichen Musikrichtung ge fun den? 

JENNY BRIGHT: Tatsächlich war der entscheidende 

Moment dafür, als vor neun Jahren eines 

Nachmittags das Musikvideo zu Taylor Swifts 

„Love Story“ bei „Viva“ lief. Ich saß im Wohn - 

zimmer auf der Couch und war am Durchzippen. 

Davor kannte ich diese Musikrichtung überhaupt 

nicht. Aber ich war wie verzaubert. Die Leich tig - 

keit und Emotionalität, die der Musik inneliegt, 

Klänge eines Instruments namens Banjo, das ich 

damals noch nicht kannte, die Art, wie Streicher 

eingesetzt werden – es war ein Klangbild, das ich 

noch nie gehört hatte. Poppig und modern, aber 

trotzdem anders und besonders. Damals verstand 

ich überhaupt nicht, was da musikalisch passiert. 

Aber es gefiel mir. Ich forschte nach, wo die Musik 

herkommt, wie sie heißt, was es noch für Künstler 

in dieser Richtung gibt. Ich habe mir stundenlang 

Live-Konzerte amerikanischer Country-Pop-Stars 

im Internet angeschaut und war fasziniert. 

 


22 STORIES 

MM: Was magst du an Country-Pop? Gab es 

musikalische Vorbilder? 

JENNY: Ich mag, dass Country ehrlich und au - 

thentisch ist. Es sind oft alltägliche Themen, um 

die es in den Songs geht. Deshalb können sie 

viele Menschen nachempfinden. Außerdem klingt 

der traurigste Liebessong immer noch hoffnungsvoll. 

Diese Musikrichtung hat etwas Leichtes, Un - 

beschwertes. Wenn man diese Elemente mit Pop - 

musik verbindet, ist es die perfekte Mischung! 

Mein größtes Vorbild ist bis heute Taylor Swift. 

Aber auch Künstler wie The Band Perry, Carrie 

Underwood und Jewel haben mich beeinflusst. 

MM: Du hast mal gesagt, deine Liebe zur 

Musik kommt daher, dass deine Großeltern 

mit dir auf Spaziergängen gesungen haben. 

Was wurden da für Lieder gesungen? Doch 

sicher kein Country-Pop, oder? 

JENNY: Wir haben einfache Volks- und Kinder - 

lieder gesungen. Obwohl es kein Country war, hat 

es meine spätere Affinität geprägt, weil Country 

genau wie Volkslieder etwas sehr Ursprüngliches 

hat. 

MM: Deine Texte sind sehr persönlich. Warum 

schreibst du so? 

JENNY: Weil es mir wichtig ist, authentisch zu sein. 

Musik ist für mich die einfachste Form, das, was 

ich denke und fühle, auszudrücken. 

MM: Du bist schon bei einigen Country-Festi - 

vals aufgetreten. Beschreibe die Country- 

Szene. Was gefällt dir, was nervt? 

JENNY: Die Country-Szene in Deutschland ist eine 

andere als die in den USA. Viele Leute hierzulande 

haben ein falsches Bild davon, was Country 

heutzutage ist. Es ist nämlich nicht mehr nur der 

klassische, konventionelle Country, wie wir ihn 

von vor vielen Jahren kennen. Country ist poppiger 

geworden und in den USA eine total moderne 

Musikrichtung, die alle Altersgruppen an spricht. 

In Deutschland trifft man auf Country-Festivals die 

ältere Generation. In Deutschland gibt es wenig 

junge Künstler, die diese Musikrichtung machen. 

Ich bin mir aber sicher, dass Country-Pop vielen 

jungen Menschen gefallen würde. Aber in Deutsch - 

land wird zu wenig davon geboten. Das will ich 

ändern. 

MM: Auch bei mehreren Wettbewerben, unter 

anderem dem Deutschen Rock & Pop Preis, 

standest du auf der Bühne. 

Warum sind dir solche Wettbewerbsteilnah - 

men wichtig? 

JENNY: Wettbewerbe sind gute Plattformen, um 

sich einem breiten Publikum zu präsentieren und 

Rückmeldung von einer Fachjury sowie vom Pu - 

blikum zu bekommen. Man lernt andere Künstler 

kennen und kann sich austauschen. 

MM: Wie unterscheiden sich solche Wett be - 

werbe bzw. wo warst du besonders gern? 

JENNY: Bei „Jugend musiziert“ gibt es seit ein paar 

Jahren die Kategorie „Pop-Gesang“, bei der ich 

zweimal erfolgreich mitgemacht habe. Hier geht es 

um Gesangstechnik und musikalische Fertig - 

keiten. Bei anderen Wettbewerben werden mehr 

die Performance und das kreative Schaffen bewertet. 

Der Deutsche Rock & Pop Preis hat mir gut 

gefallen, weil so eine Vielfalt an Musik vorhanden 

ist. Es gibt viele unterschiedliche Kategorien, was 

den Vorteil hat, dass nicht total verschiedene 

Musikstile miteinander verglichen werden. 

MM: Du bist bei Facebook sehr aktiv, postest 

fast jeden Tag Konzertankündi gun gen, Vi - 

de os, Fotos. Warum ist das wichtig? 

JENNY: Ich will meine Fans auf dem Laufenden 

halten, mit ihnen im Kontakt stehen. Online aktiv zu 

sein, ist in unserer digitalisierten Welt wichtig für 


STORIES 23 

»Viele Leute hierzulande haben 

ein falsches Bild davon, 

was Country heutzutage ist. 

Es ist nämlich 

nicht mehr nur der klassische, 

konventionelle Country, 

wie wir ihn von vor vielen 

Jahren kennen. 

Country ist poppiger geworden 

und in den USA eine total 

moderne Musikrichtung, die 

alle Altersgruppen an spricht.« 

JENNY BRIGHT 

„FAR AWAY“ (EP) 

VÖ: MÄRZ 2016 

WWW.JENNY-BRIGHT.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/ 

JENNYBRIGHTMUSIC 

Du hast einen 

Weltstar in der 

Band 

Künstler. Durch den Musikverkauf kann man kaum etwas verdienen. Jetzt 

geht es darum, Menschen zu erreichen, die zu Live-Konzerten kommen. 

MM: Was machst du zurzeit? Arbeitest du an neuen Songs/einem 

Album? 

JENNY: Ich habe viele unveröffentlichte Songs auf Lager. Momentan 

arbeite ich daran, wie meine Musik im Bandkontext klingen kann. Dieses 

Jahr habe ich einen gut gefüllten Terminkalender mit Live-Auftritten. 

So sehen Kultklassiker aus: Mikrofonstative von 

König & Meyer. Auf der ganzen Welt bewährt. Warum? 

Weil sie Musiker vor bösen Überraschungen bewahren. 

Weil solide Verarbeitung und Top-Materialien dafür sorgen, 

dass das Stativ auch nach vielen Auftritten und intensivem 

Gebrauch immer noch einwandfrei funktio niert. Das gibt 

Sicherheit und macht Lust auf den nächsten Auftritt. Keine 

Kompromisse: Highend-Zubehör von König & Meyer 

für Sänger & Co. 

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www.k-m.de 

WEB: WWW.JENNY-BRIGHT.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/JENNYBRIGHTMUSIC 

INTERVIEW: JANINA HEINEMANN 

FOTO-QUELLE: JENNY BRIGHT

24 STORIES 

Tradition der Jazzer diesbezüglich inspirierend: 

ein vorgegebenes Gerüst mit Klangfarbe und 

„Deko“ zu schmücken. Die jeweilige Beset zung 

macht es mit ihren Klangfarben bunt. 

MM: Was gefällt dir am Jammen? 

PEER: Das Unerwartete, wenn unterschiedliche 

Stilistiken und Genres vorurteilsfrei aufeinander - 

treffen und etwas Einmaliges im Moment des 

Livespielens entsteht. Auch, dass mal etwas 

schiefgeht oder Fehler passieren, finde ich char - 

mant. So ist das wirkliche Leben ja auch. Beim 

Improvisieren zeigt sich jeder mit Hin gabe und 

seiner Persönlichkeit. 

MM: Welches war dein schönstes 1st-Class- 

Session-Erlebnis? 

PEER FRENZKE 

Peer begann seine 

Karriere als Profigitarrist, 

Anfang der 90er-Jahre, 

in verschiedenen Top-40-, 

Blues-Rock-, Soul-Funk-, 

Country- und 

Big Bands mit vielen 

nationalen und 

internationalen Konzerten 

sowie TV- und 

Rundfunkauftritten. 

Ausland wie zum Beispiel den Sänger von Toto, 

Bobby Kimball, den Bassisten von James Brown 

und Tina Turner, TM Stevens, oder den Gitarris - 

ten von Super tramp, Carl Verheyen. Mittlerweile 

haben wir uns vom Spielen auf Zuruf hin zu 

songorientiertem, konzertantem Rahmen mit viel 

Raum zur Improvisa tion weiterentwickelt. Es gibt 

immer einen Mix aus eigenem Material der 

Küns t ler und Fremd kom po sitionen, die wir frei 

interpretieren. Bei uns geht es nicht um ein Zur - 

schaustellen von „Zirkus pferden“, die durch 

Virtuosität beeindrucken, sondern um sensibles, 

songdienliches Spiel. Das heißt: um den Klang - 

körper mit Spannungs bögen und Puzzle teilen. 

Und es geht um Persönlichkeiten. Ich liebe 

Künst ler, die Ge schichten erzählen und Men - 

schen emotional berühren. 

MM: Wie bist du auf die Idee gekommen, so 

bunte Bands zusammenzustellen? 

PEER: Besonders war die Elektropop-Session 

mit Angie Taylor. Wir hatten alle Kriegsbe malung 

und Perücken auf dem Kopf. Das war eine ganz 

eigene Welt. Am schönsten finde ich Augen - 

blicke, in denen ich im Publikum Menschen 

sehe, die durch unsere Musik in Bewegung 

versetzt werden, vielleicht sogar weinen oder 

ausgelassen tanzen. Musik, die emotional be - 

rührt, ist gute Musik. Für mich ist es ein 

Geschenk, mit so talentierten und versierten 

Musikern auf der Bühne stehen zu dürfen. 

Jeder muss ein Ego haben und sicher auch ein 

bisschen bekloppt sein, um überhaupt eine 

Bühne zu betreten. Dennoch muss man kein 

Zyniker oder ein Ellenbogentyp sein, um in dem 

harten Geschäft Erfolg zu haben. 

MM: Gab es auch mal eine absolute Katas - 

trophe, einen Abend, an dem gar nichts 

klappte? Wie sah der aus? 

PEER: Es gab in den zehn Jahren keine Session, 

die komplett gestrandet wäre. Es gab vor einigen 

Jahren mal eine Begegnung mit einem 

Sänger, der nicht so gut mit der Band kooperieren 

wollte. Er hat sich recht rücksichtslos 

und respektlos verhalten. Den haben wir später 

nicht so gut aussehen lassen. Eine Band hat 

schon eine gewisse Macht bzw. ein paar Stell - 

schrauben, an denen gedreht wird. Das war 

aber eine absolute Ausnahme. 

MM: Du bist Initiator der „1st Class Session“, 

einer monatlichen Musikveranstaltung. Was 

genau passiert da? 

PEER FRENZKE: Es treffen sich Musiker und 

Sän ger der nationalen Spitzenklasse zu einem 

ungezwungenen, spontanen Miteinander-Musi - 

zieren. Ab und zu haben wir Gäste aus dem 

PEER: Aus einer Bierlaune heraus. (lacht) 2007 

haben der Betreiber einer Bar und ich bei einem 

gemeinsamen Bier beschlossen, spontan mit 

ein paar Leuten aus der Region zu jammen. Es 

gab keinen Masterplan. Dass es sich weiterentwickelt 

hat, ist eine Mischung aus Eigen - 

dynamik und der ständigen Reflexion darüber, 

was man optimieren könnte. Ich finde die 

MM: Du unterrichtest an einer Schule Rock 

und Pop. Warum eignet sich gerade Rock-/ 

Pop-Musik für den Unterricht? 

PEER: Seit drei Jahren arbeite ich an einer Ober - 

schule mit heterogenen Lerngruppen – Flücht - 

lingskinder, Kinder mit Beeinträchtigungen und 

Hochbegabte. Kinder und Jugendliche müssen 


STORIES 25 

»Ich liebe Künstler, 

die Geschichten erzählen 

und Menschen 

emotional berühren.« 

sich selbst für etwas begeistern und sich aus 

einer intrinsischen Motivation heraus etwas 

aneignen wollen. Nur dann gelingt erfolgreiches, 

nachhaltiges Lernen. Es geht um Emotionen. 

Lässt mich etwas kalt, werde ich es nicht langfristig 

abspeichern, meine Kompetenz darin 

weiterentwickeln oder vertiefen. Insofern verstehe 

ich meine Aufgabe, möglichst breit an - 

gelegte Lernangebote (ähnlich wie ein gutes 

Büfett) für meine Schüler bereitzustellen. Der 

große Vorteil, den das Medium Pop-/Rockmusik 

an der Schule bietet, ist, dass die meisten 

Schüler gern Musik hören oder aktiv betreiben. 

Es entspricht ihrem Lebensgefühl und ihrer 

Lebenswelt. Meine eigene Begeisterung und 

Liebe zur Musik schwappt dabei auch über. 

Besonders faszinierend finde ich die „Neben- 

wirkungen“, die ich beim gemeinsamen Musi zie - 

ren mit Kindern und Jugendlichen wahrnehme: 

all die Kompetenzen, die für ihr späteres Leben 

wertvoll sind. Dazu gehören Teamfähigkeit, Em - 

pathie, abwarten können, dem anderen zuhören, 

aufeinander achten, Impulskontrolle und die Er - 

kenntnis, dass ein gelungenes, musikalisches 

Produkt nur entstehen kann, wenn alle zusammenarbeiten. 

MM: Was ist am Schul-/Klassenmusizieren 

anders als bei Bandprojekten? 

PEER: Es sind einfach mehr Leute in der Band – 

bis zu 25 Teilnehmer. Da muss man viel mehr 

koordinieren. Natürlich sind Schüler keine Profis 

und ich bin in den Klassenmusizier-Situationen 

eher Coach als Musiker. Die Zauberformel ist di - 

daktische Reduktion, Differenzierung, Indivi dua - 

lisierung und natürlich die Auswahl der Songs. 

WEB: WWW.1STCLASS-SESSION.DE 

WWW.FACEBOOK.COM/PEER.FRENZKE 


FOTO-QUELLE: PEER FRENZKE 

GRAFIK: © PRO_VECTOR/FOTOLIA.COM 

Idee + Foto: Christian Raith · Agentur: www.milk-and-honey.de 

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26 STORIES 

LISA 

VUOSO 

Charmant, 

authentisch und ein 

bisschen verrückt … 

Die hübsche Halbitalienerin Lisa Vuoso spricht 

mit ihrem Pop-Soul-R’n’B-Mix auch ernste 

Themen an: 

MM: Du hast im Dezember beim Deutschen 

Rock & Pop Preis den Preis für die „Beste 

Kom position“ für deinen Song „Integriert 

mich“ bekommen. Worum geht es in dem 

Lied? 

LISA VUOSO: In dem Song geht es um einen 

Flücht ling, der darum bittet, Teil der neuen Ge sell - 

schaft zu werden. Im Lied sind alle in Deutschland 

lebenden Menschen gemeint, den Flüchtlingen bei 

ihrer Integration zu helfen und ihnen die Angst vor 

einem Neuanfang in einem unbekannten Land mit 

einer unbekannten Kultur zu nehmen. 

MM: Warum singst du über Integration und 

Flüchtlinge? 

LISA: Weil mich das Thema berührt. Ich fühle mit 

den Menschen und ihren Schicksalsschlägen mit. 

Die plötzliche Flucht aus der eigenen Heimat 

könnte jederzeit jeden von uns treffen, egal aus 

welchem Land wir kommen. Genau in diesem 

Moment wäre jeder von uns dankbar, in einem 

fremden Land von fremden Menschen respektvoll 

aufgenommen und in die Gesellschaft integriert 

zu werden. Mit „Integriert mich“ will ich die 

Menschen in Deutschland auf das Thema Inte - 

gration und Flüchtlinge aufmerksam machen und 

sie dafür sensibilisieren. 

MM: Warum bist du überhaupt Sängerin ge - 

worden und schreibst eigene Songs? 

LISA: Nichts macht mich so glücklich wie Singen 

auf Bühnen. Das Schreiben eigener Songs hilft 

mir, Situationen, die ich selbst erlebt habe oder 

die mir andere Menschen erzählt haben, zu verarbeiten. 

Ich erzähle in meinen Songs in Melodien 

gehüllte Geschichten. Mein Ziel ist, Menschen zu

27 

berühren, ihnen Kraft und Mut zu geben. Das 

Faszinierende beim Songwriting ist, dass der eigenen 

Fantasie keine Grenzen gesetzt sind. 

MM: Zurzeit arbeitest du an deinem Debüt- 

Album. Was erwartet uns? 

LISA: Authentische Texte, facettenreiche Me lo - 

dien, ein kreatives Zusammenspiel von Beat und 

Instrumenten und eine extragroße Portion Lisa- 

Vuoso-Gefühl. 

MM: Du mixt Pop, R’n’B und Soul. Das klingt 

erst mal nicht innovativ. Wieso wagst du dich 

trotzdem auf den Musikmarkt? 

»Der Musikmarkt ist 

genau die richtige 

Plattform für mich. 

Ich darf den 

Überschuss an 

verrückt-italienischem 

Temperament 

und unaufhaltsamer 

Energie ausleben.« 

LISA: Ich polarisiere gern und will mich deshalb 

erst mal in den verschiedenen Musikrichtungen 

ausprobieren. Das mache ich so lange, bis ich die 

für mich am zutreffendsten empfundene Musik - 

richtung gefunden habe. Ich wage mich trotzdem 

auf den Musikmarkt, weil ich es liebe, mich 

immer wieder sowohl musikalisch als auch, was 

meine Persönlichkeit anbelangt, neu zu erfinden. 

Der Musikmarkt ist genau die richtige Plattform 

für mich. Nur auf ihm kann ich meine Kreativität 

beim Kreieren neuer Songs entfalten. Ich darf den 

Überschuss an verrückt-italienischem Tem p e ra - 

ment und unaufhaltsamer Energie ausleben. 

Außerdem kann ich meine tiefgründige Leiden - 

schaft zur Musik auf der Bühne verwirklichen. 

MM: Du bist halbe Italienerin – warum singst 

du aber auf deinem neuen Album nur auf 

Deutsch? 

LISA: Ich singe alle Songs auf Deutsch, weil ich im 

Alltag mehr Deutsch als Italienisch benutze und vor 

allem beim Texteschreiben mehr auf Deutsch als 

Italienisch denke. Außerdem glaube ich, dass es 

als Newcomerin leichter ist, mit deutschen Texten 

im Musikbusiness durchzustarten. Die meisten 

Men schen, die hier leben, sprechen und verstehen 

nun mal eher Deutsch als Italienisch. In der Ver - 

gangenheit habe ich einige Songs auf italienisch 

getextet. Irgendwann will ich ein Album aufnehmen, 

das komplett aus italienischen Songs besteht. 

MM: Träume groß: Wo möchtest du in zehn 

Jahren musikalisch stehen? 

LISA: In zehn Jahren möchte ich auf vielen Bühnen 

der Welt als international bekannte Künstlerin mit 

einer richtig coolen Tanzcrew auftreten und die 

Zu hörer mit meinen Texten und Songs zum Toben 

bringen. Ich würde gern auf Charterfolge, Zu - 

sam menarbeiten mit anderen Künstlern, Inter - 

views, Tourneen und Charity-Events zurückblicken. 

Als kleines Mädchen habe ich mir das Ziel 

gesetzt, mindestens einen Echo zu bekommen. 

Den will ich gern innerhalb der kommenden zehn 

Jahre in den Händen halten. 

MM: Was sind deine nächsten Schritte? 

LISA: Zunächst werde ich meinem Album Fein - 

schliff geben. So lange, bis mein Team und ich zu 

100 Prozent zufrieden damit sind. Dann muss ich 

einen Musikverlag finden. In naher Zukunft will 

ich Radiostationen von meinen Songs überzeugen, 

damit sie permanent gespielt werden. Und 

natürlich hab ich richtig Bock, alle meine Songs 

in kreativen Videos zu präsentieren – so, dass sie 

niemals in Vergessenheit geraten. 

MM: Wie schätzt du deinen (auch monetären) 

Erfolg als Musikerin ein ? 

LISA: Ich bin mir sicher, dass ich mit der richtigen 

Plattenfirma, dem richtigen Management, einem 

gut durchdachten Konzept langfristig Erfolg als 

Musikerin haben werde. Dazu brauche ich natürlich 

Hilfe von Menschen, die an mich glauben 

und hinter mir stehen. Ich will aber nicht wegen 

des Geldes Künstlerin sein. Ich liebe einfach Musik. 

Bedingungslos. 

WEB: WWW.FACEBOOK.COM/ 

LISAVUOSOFANPAGE 



28 STORIES 

APRIL 

ART 

»Unsere kraftvolle, rockende Musik 

soll ins Ohr gehen und mit einer inhaltlichen 

Aussage im Kopf bleiben.« 

ben. Rock’n’Roll und Pop waren früher progressive 

gesellschaftliche und politische Kräfte. Das 

müssen sie in schwierigen politischen Zeiten bleiben. 

Rund 30 Jahre Neoliberalismus haben die 

westlichen Gesellschaften in arm und reich ge - 

spalten und das Erstarken neuer Rechts po pu - 

listen gefördert. Dem sollte auch die (Rock-) Musik 

etwas entgegensetzen. 

MM: Ihr macht Karacho-Alternative-Rock, 

habt eine Power-Frontfrau. Wie habt ihr zu - 

einander gefunden? 

APRIL ART: Bassist Nico und Gitarrist Philipp 

haben sich schon als Teenager kennengelernt 

und gemeinsam in mehreren Bandprojekten ge - 

spielt. Als sie nach langer Pause beschlossen, 

wieder eine Band zu gründen, haben sie bei der 

Suche nach einer Sängerin Lisa mit ihrer damaligen 

Band auf dem Gießener Stadtfest gesehen. 

Nach nur einer gemeinsamen Probe stieg sie direkt 

in die Band ein. Schlagzeuger Ben ist erst vor 

Kurzem in die Band eingestiegen – nach einem 

Videodreh. 

MM: Welche Bands und Musiker haben euch 

beeinflusst? 

APRIL ART: Das ist recht vielfältig: Mike Portnoy 

(Dream Theater), Ray Luzier (Korn), Shannon 

Larkin (Godsmack), Exilia, Jerry Horton (Papa 

Roach), Wes Borland (Limp Bizkit), Red Hot Chili 

Peppers, Nirvana, Janis Joplin. Wir sind Kinder der 

Alter native-Rock-, Crossover- und Nu-Metal-Zeit. 

MM: Ihr sagt, ihr wollt „den deutschen Musik - 

markt aufmischen“. Warum und wie wollt ihr 

das anstellen? 

APRIL ART: Es kommen fast keine neuen Alter - 

native-Rockbands aus Deutschland. Es gibt entweder 

richtig harte Sachen oder seichte, inhalts - 

entleerte Deutsch-Pop-Schlager. Wir wollen die 

Lücke dazwischen schließen – mit unserer kraftvollen, 

rockenden Musik. Sie soll ins Ohr gehen 

und mit einer inhaltlichen Aussage im Kopf blei- 

MM: Ihr sucht einen Labelvertrag. Warum 

probiert ihr es nicht selbst? 

APRIL ART: Wir hoffen, mit einem starken Label 

mit Erfahrung, Kompetenz und Liquidität schneller 

zum Erfolg zu kommen. Die wenigen Beispiele, die 

es ohne Label zum Erfolg geschafft haben, kann 

man an einer Hand abzählen. Es ist immer noch 

so, dass man trotz YouTube und Facebook ohne 

wirtschaftliche Unterstützung wenig erreichen 

kann. Wir haben die letzten zwei Jahre zusammen 

mit unserem Produzenten-Team unsere erste 

Platte produziert. Nun wollen wir das Album fertigstellen 

und veröffentlichen. 

MM: Könnt ihr schon von eurer Musik leben? 

Wie finanziert ihr euch? 

APRIL ART: Wir gehen unseren täglichen Jobs 

nach, um damit die Band und unser Leben zu 

finanzieren. Allerdings ist langsam Besserung in 


STORIES 29 

Aus sicht: Wir haben einen starken Verlagspartner und eine Kooperation 

mit einer großen Booking-Agentur, wir spielen auf Festivals und unsere 

Gagen steigen langsam an. 

MM: Eure Live-Auftritte sind ein Erlebnis. Was passiert mit euch bei 

Gigs? 

APRIL ART: Live spielen ist für uns der Grund, warum wir diesen ganzen 

Wahn sinn machen. Wir leben für die Bühne. Das sieht und spürt man. Im 

besten Fall schwappt es auf unser Publikum über. Die Leute freuen sich 

auf eine schweißtreibende Rock-Show mit handgemachter Musik, ehrlichen 

Texten und coolen Moves. 

MM: Wann können wir mit eurem ersten Album rechnen? 

APRIL ART: Ziel ist, das Album Ende des Jahres zu veröffentlichen. Vielleicht 

gibt es vorher schon eine Single, aber das hängt davon ab, wie schnell wir 

mit den Label-Verhandlungen vorankommen. 

MM: Wo kann man euch demnächst live erleben? 

APRIL ART: Wir haben eine schöne Festival-Saison vor uns und werden in 

ganz Deutschland unterwegs sein. 

WEB: WWW.APRILART.DE | FACEBOOK.COM/APRILARTBAND 


FOTOQUELLE: APRIL ART 

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30 STORIES 

Mit ihrer Band CousCous erzählen 

Tine und Moritz Geschichten. 

Musikalisch, durch verspielte Artworks 

und den passenden Roman, 

den sie zusammen mit ihrem letzten 

Album „Tales“ veröffentlicht haben, 

baut sich vor dem Auge des Hörers 

die CousCous-Welt auf. 

Mit uns hat das Duo über die Arbeit am 

Album, die laufende Tour 

und Inspiration gesprochen. 

MM: Mit „Tales“ habt ihr im letzten Jahr den 

Deutschen Rock und Pop Musik Preis in der 

Kategorie „Alternative“ gewonnen. Zu dem 

Album gehört auch ein Roman. Wie entstand 

die Idee, beides zu koppeln? 

MORITZ: Der Song „A Tale“, also „Eine Ge - 

schichte“, stand am Anfang. Daraus ist die Idee 

entstanden, ein Album über das Erzählen aufzunehmen. 

Wir lieben es, auch um die Musik 

herum immer etwas Besonderes zu machen – 

beim ersten Album „Paper Tiger“ gab es zum 

Beispiel zu jeder CD einen Origami-Tiger dazu. 

Für das Album „Tales“ war sofort klar: Wir wollen 

einen Roman schreiben, der die Songs verbindet. 

MM: Nun seid ihr schon seit einem Jahr auf 

„Tales“-Tour. Wie setzt ihr Album und Ro man 

live um? 

TINE: Seit dem Release hatten wir schon über 

50 Auftritte mit dem „Tales“-Programm. Und das 

ist wirklich einzigartig: Zwischen den Songs 

liest Moritz aus dem Buch vor – 

das passt perfekt und macht einfach Spaß. 


STORIES 31 

CousCous 

»In einer 

anderen Welt« 

MM: Eingespielt wurde das Album in einem 

Schloss aus dem Mittelalter. Wie hat die At - 

mosphäre die Arbeit am Album beeinflusst? 

MORITZ: Wir hätten keinen besseren Ort finden 

können, um „Tales“ aufzunehmen. Mit dem Kon - 

zept – die Geschichte, die Songs, die Arran ge - 

ments – wollen wir den Zuhörer ja in eine andere 

Welt entführen ... Genauso haben wir uns 

dort auch gefühlt, in diesem Märchenschloss, 

im Sommer 2015. 

TINE: Sehr wichtig für die Entstehung von 

„Tales“ waren auch die vielen wundervollen 

Menschen, die mit uns daran gearbeitet haben 

– von unserem Freund und Produzenten Peter 

Junge, der extra dafür aus London gekommen 

war, über das Studioteam und die Musiker bis 

hin zu den Fans und Unterstützern, die uns auf 

dem Weg begleitet haben. 

 


32 STORIES 

»Das, was unsere Songs 

und auch uns beide 

verbindet, ist, 

dass wir immer mit dem 

Herzen vorangehen. 

Was wir erschaffen, 

kommt aus dem Moment, 

aus dem Gefühl; 

und das wollen wir auch 

an das Publikum 

weitergeben.« 

COUSCOUS 

„Tales“ (CD + Buch) 

VÖ: 6.05.2016 

WWW.COUSCOUSMUSIC.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/COUSCOUSMUSIC 


MM: Als modernen Kontrast habt ihr das 

Album via Crowdfunding finanziert. Ist da - 

durch der Erwartungsdruck von außerhalb 

nicht besonders groß? 

TINE: Crowdfunding ist für uns seit dem ersten 

Album „Paper Tiger“ eine tolle Chance, zu - 

sammen mit vielen anderen etwas Großes 

möglich zu machen. Es hat etwas Be flü geln - 

des, wenn sich Hunderte von Menschen mit 

dir auf das Ergebnis freuen. 

MM: Mit eurer Musik verfolgt ihr den Leit - 

satz, dass alles so natürlich wie möglich 

sein soll. Das bedeutet, keine aufwendige 

Bild bear beitung für Pressefotos und keine 

Syn the sizer. Wieso verfolgt ihr diesen An - 

satz so vehement? 

MORITZ: Das, was unsere Songs und auch 

uns beide verbindet, ist, dass wir immer mit 

dem Herzen vorangehen. Was wir erschaffen, 

kommt aus dem Moment, aus dem Gefühl; 

und das wollen wir auch an das Publikum 

weitergeben. Wir glauben, dass wir das mit 

einem echten Streichquartett besser erreichen 

können als mit einem Synthesizer – 

oder mit einem Foto von uns auf einem echten, 

schwimmenden Klavier auf einem echten 

See. 

MM: Nichtsdestotrotz wirkt alles an Cous - 

Cous sehr durchdacht. Musik, Videos und 

Artwork ergeben ein stimmiges Gesamt - 

kon zept. Legt ihr viel Wert auf die Ge stal - 

tung neben der Musik? 

TINE: Danke schön! Wir möchten, dass man 

unsere Videos gerne anschaut, das Buch 

gerne aufschlägt (auf der ersten Seite faltet 

sich ein Pop-up auf, das die CD hält) und sich 

einfach daran erfreut. Wir haben großen Spaß 

daran, diese Dinge zu gestalten und damit die 

CousCous-Welt noch lebendiger zu machen. 

MM: Das Songwriting bleibt Herzstück 

eurer Arbeit. Wie entsteht ein Text bei 

euch? 

TINE: Der Text entsteht bei uns – wie die Musik 

– sehr intuitiv. Zuerst improvisieren wir zu - 

sammen das Stück und gleichzeitig die Ge - 

sangs melodie. Ich höre dann heraus, worum es 

in diesem Song geht, und schreibe es dann 

auf. Dies dauert unterschiedlich lang – manche 

Texte schreiben sich wie von selbst, bei 

anderen überlege ich lange, um genau die 

Worte zu finden, die den Song am besten 

ausdrücken. 

STORIES 33 

MM: Musikalisch ist Tine für den Gesang 

zu ständig und Moritz für Klavier und Gi - 

tarre. Wie teilt ihr die anderen anfallenden 

Arbeiten auf? 

MORITZ: Bei CousCous können wir uns tatsächlich 

in ganz vielen Bereichen verwirklichen. 

Ich zum Beispiel in der Gestaltung des Art - 

works und Tine im Schreiben von Texten. Die 

kreativen Ideen entstehen tatsächlich immer 

gemeinsam. Meist hat einer von uns eine verrückte 

Idee. „Wie wäre es, wenn wir für ein 

Foto shooting ein altes Klavier auf einem See 

schwimmen lassen?“ Und dann sprießen die 

Ideen („und dann setzen wir uns auf das Kla - 

vier!“ ) 

MM: Als Einflüsse nennt ihr Kate Bush und 

Regina Spektor. Was begeistert euch an 

diesen Musikerinnen? 

TINE: Wir lieben einfach authentische Künstler 

– die, die ihrem Weg treu bleiben und unabhängig 

von aktuellen Trends einfach ihre Musik 

machen. Diese Menschen berühren uns tief, 

dabei ist die Musikrichtung uns auch gar nicht 

so wichtig. Wichtig ist, dass die Musik von 

Herzen kommt. 

MM: Seit ich euren Bandnamen das erste 

Mal gehört habe, rätsle ich über die Be deu - 

tung. Woher kommt der Name „Cous Cous“? 

MORITZ: Der Name CousCous hat uns von 

An fang an gefallen, sozusagen aus dem Bauch 

heraus. Das Orientalische daran erinnert auch 

an die Märchen aus 1001 Nacht und passt 

damit richtig gut zu den Geschichten, die wir 

mit unserer Musik erzählen. 

MM: Eure Tour ging bis August. Habt ihr 

schon ein neues Projekt in Planung? 

MORITZ: Ja, bis in den September hinein gab 

es tolle Auftritte, auf die wir uns sehr gefreut 

haben, z. B. in Dresden vor historischer Kuli s - 

se, in Brandenburg bei einem Karne val auf dem 

Wasser und ganz in Deutschlands Norden an 

der Ostsee. 

TINE: Das Songwriting, das wir sehr lieben, 

passiert ständig … Ob im Zug, am See oder 

auf Tour – Inspirationen gibt es überall. Es wird 

auf jeden Fall ein drittes Album geben, aber 

mehr wird noch nicht verraten. 

WEB: WWW.COUSCOUSMUSIC.COM 


FOTOS: DANIEL SCHOLZ 

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34 STORIES 

»NEHMT UNS NICHT FÜR BARE MÜNZE« 

MM: Eure Musik ist auffallend facettenreich. 

Wie würdet ihr jemandem „Nobody Knows“ 

erklären, der euch noch nicht kennt? 

NOBODY KNOWS: Wir beschreiben unseren Stil 

als „postmoderne, bundesrepublikanische Folklore 

mit nordwesteuropäischer Note und ostokzidentaler 

Rhythmik“. Damit können grundsätzlich nicht 

viele Leute etwas anfangen – wir auch nicht. Wir 

waren es vor einigen Jahren leid, immer auf ein 

Genre – sei es Irish Folk oder Polka – festgenagelt 

zu werden, und haben uns aus diesem Grund eine 

stilistische Bezeichnung ausgesucht, die es keinem 

Hörer am Ende eines Konzertes ermöglicht 

zu behaupten, er habe nicht gehört, was in der 

Be schreibung stand. Generell sind wir zwischen 

unterschiedlichen Spielarten des Folk bzw. der 

Folklore, zwischen Country und Polka, aber auch 

Weltmusiker und Singer-Songwriter zu finden. 

MM: Zum einen habt ihr viele selbstironische 

und humoristische Lieder. Wie entstehen solche 

Text bei euch? 

NOBODY KNOWS: Es geht generell um zweierlei: 

Unterhaltung und Wachsamkeit. Unterhaltung 

ist insofern notwendig, als dass jeder Muße stun - 

den fernab alltäglicher Verpflichtungen braucht. 

Wachsamkeit meint das Einbauen von gesellschaftskritischen 

und politischen Themen im 

Modus eines Wilhelm Busch: Man übe die Kritik 

subtil genug, dass der Gescheite sie verstehen 

möge, indes der Nicht-ganz-so-Gescheite sich 

nicht auf den Schlips getreten fühlt. Das Verständ - 

nis von Ironie setzt dabei grundlegend voraus, 

dass man – sowohl als Musiker als auch als 

Zuhörer – gewillt ist, sich selbstkritisch und in 

erster Linie mit den eigenen Defiziten auseinanderzusetzen. 

Niemand mag den erhobenen Zeige - 

finger. Im Modus der Ironie indes kommt Kritik 

durchaus auch zum Mitsingen und -Tanzen wohl - 

mundig daher. 

MM: Deutlich ruhiger ist eure Lyrik-Reihe, in 

der ihr bekannte und unbekannte Gedichte 

musikalisch unterlegt. Wie entstand die 

Idee? 

NOBODY KNOWS: Die Idee entstand aus der Affi - 

nität zur Lyrik und zur deutschen Sprache. Warum 

zur deutschen Sprache? Nicht aus Gründen idiotischen 

Patriotismus-Geschwafels, sondern weil es 

einfach die Sprache ist, die wir am besten verstehen. 

Wir haben anfangs folkloristisch die sogenannten 

Klassiker der Schule, wie bspw. den 

„Erlkönig“ oder das „Heidenröslein“, neu interpretiert. 

Dass daraus eine Reihe wurde, ergab sich 

aus der Vielzahl der Vertonungen, die ich ge - 

schrieben habe. 

MM: Auch eure Vita ist beeindruckend. Ihr 

macht seit über 16 Jahren gemeinsam Musik 

und habt mehr als ein Dutzend Tonträger 

veröffentlicht. Wie erreicht man als Musiker 

konstant so einen hohen Output? Habt ihr 

Ratschläge? 

NOBODY KNOWS: Ich weiß nicht, ob ein derartiger 

Output generell notwendig oder gar empfehlenswert 

ist. Jede Produktion geht mit Stress 

und Kosten einher, die – will man etwas ruhiger 


STORIES 35 

»Nobody knows 

the trouble I’ve seen« 

Dieses Spiritual ist 

namensgebend für 

die Band Nobodys Knows, 

die sich nicht so leicht 

einer Musikrichtung 

zuordnen lässt. 

Zwischen humoristischer 

Selbstkritik und 

deutscher Lyrik wird es 

neuerdings auch politisch. 

Wir haben mit 

Max Heckel über 

den selbst auferlegten 

Schaffensdruck 

als Musiker und die 

faszinierende 

Bandbreite von Nobody 

Knows gesprochen. 

leben – durchaus zu vermeiden sind. Die hohe 

Schlagzahl unserer Veröffentlichungen ist dem 

Umstand geschuldet, dass wir – insbesondere ich 

– wahnsinnige Angst vor kreativer Stagnation 

habe(n). Das Tätig- und Kreativbleiben zwingt uns 

bei jeder Produktion, wieder neue Wege einzuschlagen, 

uns immer wieder neu zu suchen und 

zu finden. Am Ende jeder Produktion verändern 

sich unser Stil und unsere Live-Präsenz. Ein Rat - 

schlag: Das Wagnis der Unbeständigkeit führt 

unweigerlich zu Neuem, das bisweilen nicht besser, 

aber in jedem Fall vorantreibend sein wird. 

Studiozeit ist Zeit des Genießens – und wer immer 

es sich leisten kann, möge sich mindestens eine 

Woche im Studio einschließen und dort genießen, 

wie aus Ideen ein physisches Medium wird. 

MM: Beim Deutschen Rock und Pop Preis 

2016 habt ihr nicht nur den Preis als „Beste 

Folk- & Countryband“ gewonnen. Auch der 

Publikumspreis ging in eure Hände. 

Wie baut man sich so eine treue Fanbase 

auf? 

 

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36 

»Das Wagnis der Unbeständigkeit 

führt unweigerlich zu Neuem, 

das bisweilen nicht besser, aber in jedem 

Fall vorantreibend sein wird.« 

NOBODY KNOWS: Puh, auch hier kann ich zu 

keinem Patentrezept raten. Wir haben einen 

wunder vollen und mittlerweile recht großen Fanund 

vor allem Freundeskreis: Leute, die uns selbst 

bei acht Stunden Fahrt begleiten, für uns Brötchen 

schmieren und für einen Aufritt der Dauer von 

fünf Minuten einen ganzen Tag Zeit investieren. 

Ich glaube, dass das Rezept einfach eine Form 

von Intimität ist. Regelmäßige und freundschaftliche 

Kommunikation, den Luxus, sich füreinander 

Zeit zu nehmen, mit Fans und Freunden zum 

Fußball oder wandern zu fahren – all das ist wohl 

integraler Bestandteil unserer sogenannten Fan - 

base. 

MM: Die Musikindustrie hat sich in dieser Zeit 

radikal verändert. Trauert ihr der alten Zeit 

nach oder begrüßt ihr Verände run gen? 

NOBODY KNOWS: Die Regularien seit November 

2016 im Verlagswesen begrüßen wir nicht. Sei 

es mit einem Verlag/Label oder mit Veranstalter – 

es gilt immer das Prinzip: leben und leben lassen. 

Insofern ist (zumindest mir) die Notwen dig keit 

von Veränderung hinsichtlich der GEMA-Regu la - 

tive nicht verständlich. 

MM: Bei meiner Recherche bin ich über den 

Satz, eure Musik bewege sich „zwischen 

Hass und Jazz“, gestolpert. Könnt ihr mir er - 

klären, was ihr damit meint? 

NOBODY KNOWS: Grundsätzlich unterstellen wir 

unserem Publikum die Fähigkeit, ironische Elastizi - 

tät verstehend sowie gewinnbringend anzuwenden. 

Dieser Satz ist einfach nur Firlefanz, der sig - 

nifi kant eines auf den Punkt bringt: Nehmt uns 

nicht für bare Münze. 

MM: Seit 2016 zählen auch gesellschaftskritische 

Inhalte zu eurem Repertoire. Warum 

widmet ihr euch nun auch diesen Themen? 

NOBODY KNOWS: Weil das Schweigen der 

Masse, die am Ende von nichts gewusst haben will, 

die Bedingung von jedweder Form von Ex tre mis - 

mus ist. Insbesondere im Zuge der Af(I)Dioti sie rung 

unserer Gesellschaft war es uns ein notwendiges 

Bedürfnis, Stellung zu beziehen und ggf. auch auf 

Zuhörer zu verzichten. Meines Erachtens sollten 

viel mehr – vor allem kleine Bands wie wir – den 

Mut aufbringen, sich deutlich gegen Hass, Un - 

moral und exklusive Patrio tis musverblödungen zu 

positionieren. Das Credo lautet: Pluralismus und 

Demokratie. Das entspricht unserem moralischen 

Ethos, den man – will man Integrität wahren – auch 

auf der Bühne nicht ab legen darf. 

MM: Zu guter Letzt interessiert uns natürlich: 

Woran arbeitet ihr zurzeit? 

NOBODY KNOWS: Derzeit arbeiten wir an einem 

neuen Album mit eigenen Interpretationen von 

klassischen deutschen Volksliedern, das für den 

Herbst unter dem Namen „Folksmusik“ oder 

„Folks lieder“ geplant ist. Nebenbei entstehen zwei 

Videos und auf Tour sind wir außerdem. Das reicht. 


FOTOQUELLE: NOBODY KNOWS 

RAHMEN: © DRED2010/FOTOLIA.COM 

NOBODY KNOWS 

„Folkslieder“ 

VÖ: 1.09.2017 

NOBODYKNOWS.DE 


NOBODYKNOWS.DE 


STORIES 37 

UNNACHAHMLICHER REIZ 

„Marie-Luises last Show“entzückte 

im Theater 

Ein bewegendes Musik- und Tanzereignis 

rollte im Theater auf dem Hornwerk ab. 

Die Nienburger Texterin, Kom ponistin und Musi - 

kerin Marie-Luise Cassar feierte mit „Marie- 

Luises last Show“ den krönenden Abschluss 

ihrer Musical-Laufbahn. 

Mit von der Partie waren acht Gesangs solis - 

ten, der Traumwelt-Chor, eine achtköpfige 

Band um die Moderatorin und Geigerin Tonka 

Angheloff‚ die Tanzgruppe vom TSC Blau Gold 

Nienburg‚ die Modem-Dance-Formation Xpres - 

sion und die Tanzgruppe The Midnight Circus 

mit der Solistin Fire. Regie führte Michael Suhr. 

Der Gegenstand der Show waren persönliche 

und Familienerfahrungen. Die Verflechtun - 

gen wurden darin deutlich, dass ein Song von 

ihrer Enkelin Joana Cassar‚ ein anderer von ihrer 

Tochter und ihrem Schwiegersohn Jürgen Regul, 

vertont von dessen Sohn Erik Regul, waren. 

Den Beginn machte in gefälligem Musical- 

Stil das Instrumentalstück „Fantasie“. Eine Hul - 

digung an ihre Enkelin Joana war „Lady Jo“. 

„Don’t Be Misled“ feierte die Unverwüstlichkeit 

ihrer Produktivität. Tieftraurige Depression füllte 

„Absolute Silence“. Unbändige Lebensfreude 

sprach aus „Vamos á ballar“. Dank an ihren 

Neffen drückte „Für Erik“ aus. Ein leicht 

schmalziger Gospel, „Trust The New Pathes“, 

schloss an. Turbulente Erlebnisse schilderte 

„Unforgettable Deichbrand-Fever“. 

In „Living In Another World“ bat die Kom - 

ponistin um weitere Schaffenskraft. „Coati" 

beschrieb ein putziges Tierchen. „Für Emil” 

pries einen der Musiker. Bedrohlich wurde es 

mit dem Katastrophen-Song „Riot In The 

Station“. Sehr abweisend wirkte „Don’t Come 

Too Close“. Heftige Anleihen bei anderen 

Komponisten brachte „Tango For Tonka“. 

Die Ballade „Twenty-seven Skulls“ (Toten- 

köpfe) beschrieb die gruseligen Reaktionen auf 

dieselben. Hier stand die Melodie von „Es war 

einmal ein König in Thule“ Pate. „Hands“ be - 

schrieb, was man alles mit ihnen machen kann. 

Depressiv wurde es wieder mit dem von der 

Enkelin Joana vorgetragenen Song „Wieso?“ 

Dank an eine der Musikerinnen brachte „For 

Valentina“. „My Friend Regine“ huldigte einer 

Freun din. In den Sound der 70er-Jahre entführte 

„Sadness“. Die Musik- und Tanzszene „Re- 

formation“ feierte dieselbe, hörbar inspiriert von 

Brecht/Weill „Am Grunde der Moldau wandern 

die Steine“. Den rauschend zusammenfassenden 

Abschluss machte „Life Of Luise“. 

Der unnachahmliche Reiz der Show bestand 

darin, dass die Musik von perfekten Tanz szenen 

begleitet wurde. Der poetische Höherpunkt war 

hier „Coati", in der die Tänzerin Fire und ihre 

Truppe The Midnight Circus einen Tanz mit 

roten Schleiern vollführten, der dann in einen 

indisch anmutenden Tempeltanz überging. 

Der etwas gewagte Wurf, sich selbst, die 

eigene Familie und die Freunde zum Gegenstand 

einer Show zu machen, gelang überzeugend. 

Die Zuschauer, 180 Personen, gingen 

be geistert mit und belohnten die Musiker und 

Tänzer mit prasselndem Applaus und Juhus! 

Ein schöner Abschluss der Theatersaison. 

TEXT: WOLFGANG MOTZKAU-VALETON 

COLLAGE: MARIE-LUISE CASSAR 

GRAFIK: © SERGEY NIVENS/FOTOLIA

38 STORIES 

VORBEREITET SEIN 

FÜR DIE GROSSE CHANCE 

Musiker, Moderator und Musicaldarsteller 

Johnny Silver über das Leben im Musikbusiness 

Steht da John Lennon auf der Bühne? Nein, 

es ist nur eines seiner besten Double – 

Johnny Silver. Warum Martin Kahlau als der 

Beatle auftritt, verrät er im MUSIKER MAGAZIN. 

MM: Du bist als Johnny Silver unterwegs, 

coverst John Lennon. Was fasziniert dich an 

ihm? 

JOHNNY SILVER: Lennon war eine interessante 

Persönlichkeit. Als Teenager bevorzugte ich eher 

die unbeschwerten Songs seines Beatles-Kolle gen 

Paul McCartney. Später wirkten Lennons er wach - 

senere Stücke auf mich ein. Lennon konnte mit 

spartanischen Mitteln tiefe Emotionen trans por - 

tieren. Ich konnte mich deren magischer Wirkung 

nicht entziehen. Es schien, dass für jede Stimmung 

mindestens einer seiner Song parat war, der eine 

Lebenssituation widerspiegeln konnte. 

MM: Deine ganze musikalische Karriere ist 

von den Beatles bzw. John Lennon geprägt. 

Was waren die drei wichtigsten Stationen? 

(Inwiefern waren sie wichtig?) 

JOHNNY: Die Beatles und John Lennon sind 

eine rudimentäre Grundprägung und Motivation, 

ohne die ich vermutlich niemals eine Gitarre in 

die Hand genommen hätte. Mein Interesse für 

Gitarrenmusik öffnete mir weitere Horizonte, so - 

dass ich neue Herausforderungen suchte. Eine 

Liverpool-Reise inspirierte mich, eine Band zu 

gründen, die musikalische Inhalte und passende 

optische Konzepte zusammenbringt. Dies kam 

bei Veranstaltern gut an. Denn es war nicht nur 

Musik, sondern eine Show. Wir waren vier Charak - 

terköpfe auf der Bühne. Zu diesem Zeitpunkt 


STORIES 39 

lernten wir einen Produzenten kennen, der uns 

auf eine Beatles-Musicaltournee durch Europa 

schickte. 100 Shows pro Jahr mit allem Schnick - 

schnackschnuck: große Hallen, TV-Auftritte, Promi - 

kontakte. 

MM: Du bist schon lange im Musikbusiness. 

Wie hat sich der Musikmarkt verändert? 

JOHNNY: Das einzig Stetige ist der Wandel. 

Während früher Fans noch ihren Bands unabdingbare 

Treue schworen und geduldig auf die 

nächste Scheibe oder Konzerttour gewartet 

haben, ist die Musikszene heute schnelllebiger. 

Die ständige Verfügbarkeit von Unterhaltung ist 

zur Normalität geworden. Die Digitalisierung der 

Musik auf Streamingdiensten wie Spotify sowie 

Musikvideos auf sozialen Plattformen haben viel 

verändert. Das Angebot an neuen Acts ist extrem 

unübersichtlich geworden. Sich in diesem Medien - 

wirrwarr als Musiker durchzusetzen bedeutet, eine 

allgegenwärtige Präsenz auf vielen Platt formen 

zu etablieren. Andernfalls ist man bald Schnee 

von gestern. Das kostet sehr viel Zeit und entfernt 

die kreativen Köpfe vom musikalischen 

Schaffen. 

MM: Was magst du am Musikerdasein, was 

ist nicht so toll? 

JOHNNY: Schon in jungen Jahren blieb ich nachts 

auf und genoss die etwas andere Atmosphäre, 

die meine Sinne schärfte und meine kreativen 

Kanäle öffnete. Andere Menschen, andere Orte 

und Situationen üben eine Faszination auf mich 

aus. Das sind die Momente, die unvergesslich 

sind. Ich mag gemeinsames Arbeiten an Songs 

mit Musikern, die man menschlich und musikalisch 

schätzt. Bei Touren konnten ich meine Pro - 

bleme hinter mir lassen. Aber als die Tour vorbei 

war, fiel ich in ein tiefes Loch, war mit dem realen 

Leben konfrontiert: Steuererklärungen, Be - 

ziehungsprobleme und dass manche Freund - 

schaft die Zeit einfach nicht überlebt hat. Ich war 

meinem sozialen Umfeld entfremdet und hatte 

Schwierigkeiten, den Anschluss zu finden. Manche 

Tourneen waren Torturen: 26 Konzerte in 30 

Tagen, im Zickzack-Kurs durch Deutschland und 

Österreich. Statt die Welt zu sehen, bestand der 

Tagesablauf aus Frühstück, Tourbus, Halle, Sound - 

check, Konzert, Hotel, Absacker und alles wieder 

von vorn. Monatelang. Die freien Tage waren die 

Highlights der Tour. So mussten sich die Beatles 

auf Tour gefühlt haben. Kein Wunder, dass sie 

damit aufhörten, um sich ihre Kreativität nicht 

verbrennen zu lassen. 

MM: Ist es heute leichter oder schwieriger, 

als Musiker zu leben? Warum? 

»Der schnelle, 

große Erfolg ist genauso 

unrealistisch 

wie ein Lottogewinn.« 

JOHNNY: Es ist möglich, als Musiker zu überleben. 

Aber nur wenige können von der Musik, die 

sie ge schrieben haben, leben. Die meisten landen 

in Funktionen, Karnevalsveranstaltungen, 

Tanz musik, Hochzeiten. Das hat mit den Träu - 

men nicht mehr viel zu tun. Was bleibt, ist bo - 

denlose Desillusion. Um an die Spitze zu ge - 

langen und sich dort zu halten, braucht man viele 

Fähig kei ten. Talent, Musikalität, Kreativität, kontinuierliche 

Arbeitsdisziplin und ständiges Net - 

working mit anderen Musikern und Branchen - 

leuten. Der schnelle, große Erfolg ist genauso 

un realistisch wie ein Lottogewinn. 

MM: Wärst du gern so richtig berühmt ge - 

worden wie die Beatles? Warum (nicht)? 

JOHNNY: Für großen Erfolg zahlt man meist einen 

hohen Preis. Ich hätte nicht mit den Beatles tauschen 

wollen, obwohl ich deren Errungen schaf ten 

nicht hoch genug bewerten kann. Sie machten 

mit den Tourneen nach vier Jahren intensivs ter 

Beatlemania Schluss, weil es für die Band un er - 

träglich wurde. Als ich jung war, wollte ich be rühmt 

werden, aber mit zunehmender Erfah rung relativierte 

sich das Bild sehr schnell. 

MM: Du bist beim Deutschen Rock & Pop 

Preis seit nun doch einigen Jahren als Mo de - 

rator dabei. Beschreib die Stimmung hinter 

den Kulissen. 

JOHNNY: Ich bin gern als Moderator für den 

DRPP tätig, obwohl es eine anstrengende Ver - 

anstal tung für mich ist. Als Kontaktperson hinter 

der Bühne versuche ich, mit allen Bands vor 

ihrem Auftritt zu sprechen. Trotz der Vielzahl an 

nominierten Bands sehe ich zwischen den Teil - 

nehmern Gemeinsamkeiten: die Träume, Er war - 

tungen, Hingabe zur Musik. Die An span nung 

und Aufregung ist spürbar – ich versuche, etwas 

Ruhe und Optimismus hineinzubringen. Für mich 

sind die Emotionen direkt vor einem Auftritt gut 

nachvollziehbar. 

MM: An welchen Projekten arbeitest du zurzeit 

noch? 

JOHNNY: Ich bin als John-Lennon-Interpret unter - 

wegs, meist solo, aber auch hin und wieder mit 

Band. Des Weiteren arbeite ich mit meiner Ex peri - 

mental-Band „Das Blaue Palais“ an einer neuen 

CD und mache nebenbei Auf nahmen für Film - 

musik. Und ich werde beim nächsten DRPP in 

Siegen im Dezember dabei sein. Darauf freue ich 

mich sehr. 

WEB: WWW.JOHNNYSILVER.COM 


FOTO-QUELLE: JOHNNY SILVER 


40 STORIES 

SUPERUSE 

»Wenn wir Musik mit Fußball 

verbinden könnten, 

wäre das kaum zu toppen …« 


Superuse haben mit ihrem Indie-Pop, der 

auch mal Ausflüge über Genregrenzen unter - 

nimmt, beim DRPP 2016 abgesahnt. Das Herz 

der Musiker schlägt aber auch für „ihre“ Eintracht 

Frankfurt. 

MM: Ihr habt vergangenes Jahr beim Deut - 

schen Rock & Pop Preis den ersten Platz in 

der Kategorie Pop belegt. Wie überraschend 

war der Sieg für euch? 

SUPERUSE: Zugegeben: sehr überraschend. Wir 

haben die Auftritte der anderen Bands gesehen 

und waren von der Qualität der Performance be - 

geistert. Dass wir am Ende den Preis erhalten 

durften, war Ausgangspunkt für eine ziemlich wilde 

Party. 

»Wir wollen Musik nicht 

als Wettbewerb verstehen. 

In der Musik gibt es 

kein gut oder schlecht.« 

MM: Ihr seid eine recht junge Band, habt 

euch 2013 gegründet. Warum habt ihr jetzt 

bei einem Wettbewerb mitgemacht? 

SUPERUSE: Für uns war es der erste Contest. 

Denn wir wollen Musik nicht als Wettbewerb verstehen. 

In der Musik gibt es kein gut oder schlecht. 

Mitgemacht haben wir, um auf der Bühne zu stehen, 

andere tolle Bands kennenzulernen und 

unsere Songs und Performance bewerten zu lassen. 

Deshalb haben wir uns gerade beim Deut - 

schen Rock & Pop Preis beworben. Bei vielen 

anderen Wettbewerben hat das Publikum einen 

großen Anteil an der Bewertung. Der DRPP hat 

dieses Problem mit dem separaten Publikums - 

preis fairer gelöst als andere Wettbewerbe. 

MM: Was habt ihr mitgenommen oder ge - 

lernt? 

SUPERUSE: Zuallererst, dass es in Deutschland 

unfassbar viele Bands gibt, die Musik in einer 

beeindruckenden Vielfalt und Qualität machen. 

Wir haben mit vielen dieser Bands Kontakt gehalten 

und ausgetauscht, wie sie an Themen wie 

Booking, Aufnahmen, soziale Medien und Merch 

herange-hen. Klasse, wie unvoreingenommen uns 

die meisten Bands und Musiker begegnen. 

STORIES 41 

SUPERUSE: Wir haben nichts gegen Cover und 

spielen alle zusätzlich in anderen Bands, die co - 

vern. Mit denen haben wir in den letzten Jahren 

viele Auftritte gespielt. Das ist ein Vorteil einer 

Coverband: Man kommt einfacher an Gigs, kann 

Bühnenerfahrung sammeln, viel herumkommen 

und unbeschwert Spaß haben. In einer Cover - 

band setzt man sich intensiv mit Songstrukturen 

auseinander und versteht, wie eine gute Nummer 

funktioniert. Nichtsdestotrotz hat eine Cover band 

Grenzen: Man interpretiert Songs, die andere 

geschrieben haben. 

MM: Zurzeit arbeitet ihr an einem neuen 

Album. Wie geht ihr vor? 

SUPERUSE: Wenn es nach uns ginge, würden 

wir uns gerne ein paar Wochen auf einer Finca in 

Spanien einschließen, alle Songs gemeinsam 

ent wickeln, aufnehmen, mischen, zum Mastern 

schicken, und ab geht die Luzi. Aber das ist nur 

ein Traum, denn die meisten von uns haben einen 

Day-Job und andere Verpflichtungen. Wir gehen 

deshalb pragmatisch und unromantisch ans 

Songwriting. Für das neue Album rund 20 Songs 

geschrieben, von denen zwölf auf die CD kommen. 

Die Songs sind stilistisch ziemlich unterschiedlich 

– mal gitarrenlastig, mal elektronisch, 

mal poppig, mal chillig. 

MM: Ihr kommt aus Frankfurt. Da denkt man 

automatisch an die Kicker von Eintracht 

Frank furt. Im September soll eine CD mit 

Songs von Fans für Fans erscheinen. Ihr seid 

dabei. Wie kam das? 

SUPERUSE: (Lacht) Das ist eine interessante Aus - 

sage, denn meistens wird Frankfurt zuallererst 

mit Banken in Verbindung gebracht. Oder als 

eine extrem erfolgsorientierte, kühle Wirtschafts - 

metropole wahrgenommen. Dabei hat Frankfurt 

mehr zu bieten – die Eintracht mit ihrer enthusias - 

tischen Fanszene zum Beispiel. Die Eintracht hat 

drei Compilations unter dem Titel „Eintracht 

Frankfurt CD 12“ veröffentlicht. Für die vierte Aus - 

gabe haben wir eine Idee mittels Demo beim 

Verein eingereicht. Sie wurde für die CD ausgewählt. 

Wir freuen uns riesig darüber! 

MM: Wofür schlägt euer Herz mehr – für 

Musik oder Fußball? 

SUPERUSE: Natürlich für die Musik. Aber wenn 

wir Musik mit Fußball verbinden können, ist das 

kaum zu toppen. 

MM: Ihr spielt nur eigene Songs – was habt 

ihr gegen Cover? Beziehungsweise: Was sind 

jeweils Vor- und Nachteile? 

WEB: WWW.SUPERUSE-MUSIC.COM 


FOTOQUELLE: SUPERUSE 


42 STORIES 

Älteren Freunden des 

Bluesrock ist Peter Green 

(vollständig: Greenbaum) 

bestimmt ein Begriff, 

und vermutlich werden 

die Augen leuchten, 

wenn sein Name fällt. 

Andere kennen vielleicht 

zumindest seinen 

Hit „Albatross“. 

Eric Clapton hingegen ist 

den meisten vertraut, 

denn seine Karriere hat 

ihn zum Gitarren- 

Superstar gemacht. 

Als einem der kreativsten 

und innovativsten Musiker 

seiner Zeit hätte Green 

mit seinem vor Spannung 

knisternden, lodernden 

Gitarrenspiel das 

vermutlich auch gelingen 

können. Aber seine 

eigentliche Karriere endete 

bedauerlicherweise 

schon 1970. 

Mit seinen Solo-Alben 

„In the Skies“ und „Little 

Dreamer“ (1979 und 1980) 

schien er daran noch 

einmal durchstarten 

zu können. 

Gezeichnet von seiner 

psychischen Erkrankung 

blieb er jedoch mehr 

oder minder ein 

Schatten des damaligen 

bahnbrechenden 

Künstlers. 

TEIL 8: 

PETER GREEN 

UND FLEETWOOD MAC 

– Griff nach musikalischen Sternen 

Als Yardbirds-Gitarrist Clapton mit der musi - 

kalischen Richtung seiner Band endgültig 

brach, schloss er sich 1965 John Mayalls 

Bluesbreakers an. Dort konnte er seine Liebe 

zum Blues ausleben. Der damals sprunghafte 

Clapton erschien allerdings manchmal nicht zu 

Auftritten der Band und verließ sie im Herbst 1965 

für eine Welttour des Blues mit The Glands, die 

jedoch schon bei ihrem Start in Griechenland 

kläglich scheiterten. Clapton kehrte daraufhin 

im November des Jahres reumütig zu Mayall 

zurück. In der Zwischenzeit hatte der 19-jährige 

Peter Green Clapton dreimal bei den Blues - 

breakers auf der Bühne vertreten. 1966 nahmen 

Mayall und Clapton das berühmte Beano-Album 

„Blues Breakers. John Mayall With Eric Clapton“ 


STORIES 43 

auf, das wegweisend für den Bluesrock und den 

im folgenden Jahr aufkommenden britischen 

Blues-Boom war. Noch vor der Veröf fent lichung 

des Albums stieg Clapton jedoch 1966 endgültig 

bei Mayall aus, um mit Jack Bruce und 

Ginger Baker die Band Cream zu gründen, die 

binnen kurzer Zeit als erste Super gruppe des 

Bluesrock eine legendäre Berühmt heit erlangte 

und Musikgeschichte schrieb. Daraufhin wurde 

Green Claptons etatmäßiger Nach folger bei den 

Bluesbreakers und genauso wie sein Vorgänger 

ein außergewöhnlicher Musiker. 

Green zelebrierte seinen eigenen, hoch 

intensiven Gitarrenstil auf seiner Gibson Les Paul 

Standard aus dem Jahr 1959. Ihr Hals-Ton ab - 

nehmer-Magnet war versehentlich umgekehrt 

herum montiert worden. Dadurch erhielt sie ihren 

unverwechselbaren Out-of-Phase-Klang, der zu 

Greens Markenzeichen wurde. Zudem spielte er 

Blues-Mundharmonika und stellte sich als 

erst klassiger Bluessänger heraus. Ob Greens 

Einzigartigkeit bei Mayall sichtbar würde, blieb 

zunächst fraglich. 

Unter Mayalls Einfluss schrieb Green außerdem 

gute, unter die Haut gehende Blues-Songs. 

Im Herbst 1966 nahm Mayall mit seinem neuen 

Ausnahmegitarristen das im Februar 1967 veröffentlichte 

Album „A Hard Road“ mit den zwei 

Green-Kompositionen „The Same Way“ und 

„The Super-natural“ ein. Die letztere war eine Art 

Blaupause für Greens Gitarren-Qualitäten aus 

souveränem Spiel, stilsicherer Erzeugung von 

Spannung und Atmosphäre, Beherrschung von 

Sound und Feedback. Ein professioneller Live- 

Mitschnitt von einem Auftritt dieser Blues - 

breakers-Formation stand damals leider nicht 

zur Debatte. Umso größer war die Überraschung, 

als Mayall 2015 und 2016 zwei CDs 

mit Live-Aufnahmen aus dem Jahr 1967 veröffentlichte, 

die ein Fan mit einem Tonband aufgezeichnet 

hatte. Die mäßige, für die Zeit aber 

passable Klangqualität lässt immer noch gut 

nachempfinden, wie ausgezeichnet die Blues - 

breakers mit Green waren. 

Auch Green blieb nicht lange bei Mayall. Im 

Juni 1967 verließ Green, der noch auf dem aktuellen 

Album des Blues-Pianisten Eddie Boyd 

mitgespielt hatte, gemeinsam mit dem Drum mer 

Mick Fleetwood die Bluesbreakers, denen 

Fleetwood sich erst vor Kurzem angeschlossen 

hatte. Mit dem Gitarristen und Sänger Jeremy 

Spencer und dem Bassisten Bob Brunning wollten 

sie sich vornehmlich dem Chicago-Blues 

widmen: Peter Green’s Fleetwood Mac war 

geboren. In dieser Zusammensetzung trat die 

Band am 13. August 1967 auf dem 7. National 

»Als das Beano-Album auf den Markt kam, mussten 

daraus live Stücke ge spielt werden. 

Green kopierte Clapton jedoch nicht, sondern 

interpretierte die Stücke in seinem eigenen Stil. 

Dennoch rief das Publi kum anfänglich nach Clapton, 

über den man in Groß britannien 

„Clapton is God“ an Wände gesprüht hatte. 

Als es allerdings Greens Quali täten er kannte und der 

sich zudem als Blues rocker mit rasender 

Geschwindigkeit entwickelte, 

hieß es bald: „Green Is Better Than God!“« 

Jazz and Blues Festival in Windsor auf, das als 

Beginn des britischen Blues-Booms gilt. 

Brunning wurde bald durch den Blues - 

breakers-Bassisten John McVie ersetzt, und 

mit ihm entstand im Spätherbst 1967 binnen 

drei Tagen Fleetwood Macs gleichnamiges 

Debüt-Album, ein praktisch reines, stilsicheres 

Blues-Album mit Green als Frontmann. Das traf 

in Großbritannien den Nerv der Zeit und wurde 

zum Kassenerfolg. Großen Anteil hatte der 

Elmore-James-Klassiker „Shake Your Money - 

maker“ mit Spencers geradezu ekstatischer 

Slide-Gitarre und seinem passenden Gesang. 

Die wenige Monate darauf folgende LP „Mr. 

Wonderful“ wirkt musikalisch runder und ab - 

wechslungsreicher. Da die Tracks ohne Over - 

dubs aufgenommen worden waren, wirkte die 

Musik frisch und rau wie bei einem Live-Auftritt 

und damit spontaner. Mr. Wonderful glänzt mit 

einigen Blues-Ohrwürmern, die in der Über zahl 

von Green stammen: „Stop Messin’ Around“, 

„Love That Burns“, „If You Be My Baby“ und 

„Lazy Poker Blues“. 

Für ihr Londoner Label Blue Horizon nahm 

die Band auch Singles auf, denn Musik, die es in 

die Hitparaden schaffte, ließ die Kassen klingeln. 

 


44 STORIES 

das einzigartig atmosphärisch treibende Stück 

„Albatross“ mit dem neu zur Band gestoßenen 

dritten Fleetwood-Mac-Gitarristen Danny 

Kirwan, von dem die bemerkenswerte B-Seite 

„Jigsaw Puzzle Blues“ stammt, war es, das Green 

und seine Band weithin bekannt machte. 

»Nach seinem Aus scheiden 

bei Fleetwood Mac 

entsagte Green bis auf Weiteres 

dem Musikgeschäft, 

spendete einen Großteil seines 

Vermögens und überließ 

seinem Protegé Gary Moore 

seine Gibson Les Paul.« 

In den USA erschien das Album „Mr. 

Wonderful“ im Januar 1969 erheblich abgewandelt 

mit nur der Hälfte der LP-Tracks. Der 

Rest wurde aufgefüllt mit den Fleetwood-Mac- 

Hits „Black Magic Woman“ und „Albatross“ 

sowie drei Kirwan-Stücken und bekam den 

Titel „English Rose“. Ausschlaggebend waren 

vermutlich wirtschaftliche Gründe. Fleetwood 

Macs Erfolg ließ die Band zu dem lukrativeren 

Label Reprise abwandern, für das die Band im 

April 1969 begann, Material für ein Doppel- 

Album aufzunehmen. Damit war für Blue 

Horizon in Großbritannien Handeln das Gebot 

der Stunde. Um dem Reprise-Album der Band 

zuvorzukommen, das am 19. September 1969 

schließlich als einfache LP unter dem Titel 

„Then Play On“ erschien, brachte Blue Horizon 

am 15. August 1969 die LP „The Pious Bird of 

Good Omen“ auf den Markt und versah sie mit 

einem provozierenden Cover-Foto: Eine schwan - 

gere Nonne hält einen Albatross. (Für die britische 

Komiker-Truppe Monty Pythons Flying 

Circus ein gefundenes Fressen: Im Januar 1970 

flimmerte ein Sketch über die britischen Matt - 

scheiben mit John Cleese als Pausen-Girl, das 

Albatross-Snacks verkauft.) Ein neues, drittes 

Studio-Album von Fleet wood Mac ist „The Pious 

Bird of Good Omen“ allerdings nicht, sondern 

eine Zusammenstellung von vier Singles, zwei 

Titeln, auf denen Fleet wood Mac den Blues- 

Pianisten Eddie Boyd begleitet hatte, der 

eben falls bei Blue Horizon unter Vertrag stand, 

und je einem Stück von den Vorgänger-LPs 

„Fleetwood Mac“ und „Mr. Wonderful“. Dem 

Ver gnügen tut das keinen Abbruch, denn die 

zwölf Tracks machen den Sampler zu einem 

musikalischen Genuss. 

Greens erster Hit für das Label wurde der Song 

„Black Magic Woman“, den der Gitarrist Carlos 

Santana auf seiner zweiten LP „Abraxas“ (1970) 

weltberühmt machte, gefolgt von dem beinahe 

symphonisch anmutenden intensiven Blues 

„Need Your Love So Bad“. Als ich „Need Your 

Love So Bad“ zum ersten Mal im Radio hörte, 

störten mich die Streicher, die den Song zu 

verwässern schienen. Sie waren allerdings das 

Ergebnis von Greens Suche nach der richtigen 

Färbung, und sie harmonieren perfekt mit seiner 

Gitarre. Suche und Ziel dokumentieren die 

fünf Takes von „Need Your Love So Bad“, die 

1999 in der vorbildlichen Fleetwood-Mac-CD- 

Box „The Complete Blue Horizon Sessions“ 

1967 – 1969 vorgelegt wurden. Vor allem aber 

Blue Horizon hatte noch mehr im Köcher. 

Fleetwood Mac waren Anfang 1969 für einige 

Auftritte in die USA gereist und machten am 4. 

Januar einen vereinbarten Abstecher nach 

Chicago. An dem Tag wurde in den Chess- 

Studios mit schwarzen Blues-Musikern jenes 

Labels, darunter Buddy Guy – aus rechtlichen 

Gründen unter dem Namen Guitar Buddy – 

und Otis Spann, eine Session mit Tracks aufgenommen, 

die Blue Horizon Anfang Dezember 

1969 als Doppelalbum „Blues Jam In Chicago“ 

herausbrachte, auch als Einzel-LPs zu haben 

war und seither unter verschiedenen Titeln kursiert. 

Ein solches Unterfangen, bei dem Fleet - 


STORIES 45 

wood Mac ohne ihre Vorbilder die Stücke 

„Watch Out“ und „Ooh Baby“ aufzeichneten, fiel 

in die Zeit, als mehrere weiße Blues-Bands mit 

ihren schwarzen Vorbildern gleichsam an der 

Quelle musizierten. Bedauerlicherweise fehlt der 

Chicago-Session die Spannung, die Fleet wood 

Mac mit ihrem eigenen Material aufbauen 

konnten. 

Noch vor der Veröffentlichung von „Then 

Play On“ erschien bei Immediate im April 1969 

die Fleetwood-Mac-Single „Man of the World“, 

die wieder ein Hit wurde. Greens Song ist ein 

weiterer Meilenstein, stilistisch eine Fortent wick - 

lung von „Albatross“, der er textlich und musikalisch 

eine pessimistisch-zweifelnde Richtung 

gegeben hat, die sich bei ihm weiter verstärkte. 

Auf der B-Seite befindet sich der Rock ‘n’ Roll 

„Somebody’s Gonna Get Their Head Kicked In 

Tonite“ von Earl Vince and the Valiants. So 

nannten sich Fleetwood Mac, wenn die Band 

live Rock ‘n’ Roll der 1950er-Jahre spielte, in 

den der Gitarrist Jeremy Spencer geradezu ver - 

narrt war. Spencer erschien dann im goldfarbenen 

Glitzeranzug auf der Bühne und hatte sich 

die Haare zurückgebunden. Wenn man im Pu - 

blikum saß, hat das vermutlich Spaß gemacht. 

Hört man es vom Tonträger, bemerkt man 

schmerz lich, dass dieser Mimikry die von Green 

ausgehende innovative musikalische Kraft der 

Blues-Stücke fehlt. 

„Then Play On“ wurde Fleetwood Macs ge - 

schlossenstes Album. Wenige Tage nach seiner 

Veröffentlichung folgte Greens außergewöhnlicher 

Hit „Oh Well Part 1 and 2“, und Schluss - 

punkt neuer Fleetwood-Mac-Studioaufnahmen 

war Mitte Mai 1970 der Green-Hit „The Green 

Manalishi“ (With the Two Pronged Crown) mit 

dem herrlichen Stück „Word In Harmony“ von 

Green und Kirwan auf der B-Seite der Single. 

Die Band hatte sich künstlerisch sprunghaft 

weiterentwickelt, und das galt auch für Danny 

Kirwan, vom dem die Hälfte der 14 Tracks von 

„Then Play On“ in der Originalfassung stammen; 

„Like Crying“ hatte die Band mit Kirwan schon 

einmal zu Blue-Horizon-Zeiten aufgenommen, 

blieb da aber unveröffentlicht. Heute ist „Then 

Play On“ erhältlich mit den genannten vier 

Stücken. Herausragend sind Greens „Rattle snake 

Shake“, „Coming Your Way“, „Closing My Eyes“ 

und „Show-Biz Blues“, wobei die letzteren beiden 

Stücke wohl ein Beleg für Greens psychisches 

Abdriften sind, der bald in bodenlangen 

Mänteln und Kutten sowie einem riesigen Kruzi - 

fix um den Hals zu sehen war, mit einem Gesicht, 

aus dem die Lebensfreude gewichen zu sein 

schien. Bemerkenswert sind außerdem „Fighting 

For Madge“, „Underway“ und „Searching For 

Madge“, Auszüge aus den Sessions für „Then 

Play On“, die zeigen, wie inspiriert, kraft- und 

druckvoll die Band auch beim Jammen war. 

Der Album-Titel „Then Play On“ selbst klingt 

wie die Hoffnung auf ein „Nur weiter so“. Sie 

erfüllte sich nicht. Nach seinem Auftritt am 20. 

Mai 1970 verließ Green die Band für immer – 

das dämonische „Green Manalishi“ schien sich 

seiner bemächtigt zu haben. Dazu beigetragen 

haben mag Greens Aufenthalt Ende März 1970 

nach Fleetwood-Mac-Konzerten in München im 

Schloss der Landkommune um Uschi Ober - 

maier und Rainer Langhans bei Landshut. Green 

konsumierte dort LSD und soll dadurch bleibende 

psychische Schäden davongetragen 

haben, von denen er sich bis heute nicht voll-

46 STORIES 

ständig erholt hat. Allerdings hatte er auch schon 

früher Drogen genommen. Nach seinem Aus - 

scheiden bei Fleetwood Mac entsagte Green bis 

auf Weiteres dem Musikgeschäft, spendete 

einen Großteil seines Vermögens und überließ 

seinem Protegé Gary Moore seine Gibson 

Les Paul. 

Auf Greens Weggang konnte Blue Horizon 

noch ein letztes Mal mit seinen Resten des 

Fleet wood-Mac-Fundus reagieren. Outtakes 

und Titel, denen man andere Stücke für die beiden 

ersten britischen Blue-Horizon-LPs vor ge - 

zogen hatte, wurden in einem letzten Kehraus 

zur LP „The Original Fleetwood Mac“, die ab 

No vember 1971 in den Plattenläden stand. 

Solche Veröffentlichungen sind künstlerisch oft 

zweite Wahl, anders jedoch im Fall von „The 

Original Fleetwood Mac“, ein durchaus überzeugendes 

Album. 

Ohne Green wurde die Band eine andere. 

Mit dem Album „Kiln House“ von 1972 knüpften 

die verbliebenen Mitglieder mit den ausgezeichneten, 

von Kirwan geprägten Tracks 

„Station Man“, „Jewel Eye Judy“ und „Earl 

Grey“ etwas an „Then Play On“ an. Als aber die 

beiden Gitarristen Kirwan und Spencer auch 

ihren Dienst quittiert hatten, entfernte sich die 

Band mit neuen Mitgliedern von ihren Ur - 

sprüngen und wurde eine der erfolgreichsten 

Bands der Pop-Geschichte. 

Wie hochkarätig Fleetwood Macs Auftritte 

mit Green sein konnten, wurde Liebhabern ihrer 

Musik, die die Band nicht live erlebt haben, 

erst Jahre später bewusst. Anfang Februar 1970 

hatte die Band an drei Abenden im Bostoner 

Club Boston Tea Party gastiert. Das wurde 

komplett mitgeschnitten, um noch im selben 

Jahr Fleetwood Macs erste Live-LP auf den 

Markt zu bringen. Ein kleiner Ausschnitt er - 

schien aber erst 1984 als „Live In Boston“, 

danach 1985 mehr davon auf dem Doppel - 

album „Cerulean“. Erst 1998 erschien nahezu 

alles auf drei CDs mit dem Titel „Live At The 

Boston Tea Party“. Spencers musikalisch wenig 

bemerkenswerter Rock ‘n’ Roll war dabei zu 

hören; es sind aber die Stücke unter Greens Ein - 

fluss, die die Aufnahmen so wertvoll machen. 

Greens musikalische Bedeutung wird dabei 

selbst bei dem Rock ‘n’ Roll-Stück „Jenny 

Jenny“ deutlich. Denn diese erfrischende Auf - 

nahme ist ein besonderes Erlebnis wegen 

Greens Gesang und seines spannenden 

Gitarren-Solos. Mit etwas Vergleichbarem 

konnte der Rock ‘n’ Roller Spencer nicht punkten. 

Atemberaubend sind vor allem die Tracks 

„Jumping At Shadows“ (überhaupt eine Erst - 

»Welche Spuren 

Green im Bluesrock 

hinterlassen hat, 

zeigen Tributes anderer 

Rock-Musiker. 

1995 kam das „Peter 

Green Song book 

(A Tribute to His Works 

In Two Volumes)“ 

in den Handel, auf dem 

zahlreiche Künstler ihm 

ein Denkmal setzten.« 

veröffentlichung), „World In Harmony“, „Black 

Magic Woman“ und die Kurzfassung von „Oh 

Well“. Die größte Überraschung ist jedoch die 

25-minütige Version von „Rattlesnake Shake“, 

die an zwei Abenden gespielt wurde. Ohne es 

zu wissen, erhielten die Zuschauer damit einen 

tiefen Einblick in die Sessions zu „Then Play 

On“. Diese Version eröffnet die Tour de force 

mit „Rattlesnake Shake“ und geht über in die 

„Madge-Jams“. Die drei Gitarristen treiben sie 

zu einem ersten fulminanten und nach der Ent - 

spannungsphase mit „Underway“ in der 

„Magde“-Fortsetzung zu einem zweiten fabelhaften 

Höhepunkt, ehe die Band das Stück 

ausklingen lässt. Die Spannung, die die Musiker 

über das gesamte Stück aufrechterhalten, 

lässt sich wohl nur mit Creams 16-minütiger 

Live-Version von „Spoonful“ auf dem Doppel- 

Album „Wheels Of Fire“ vergleichen. Die erste 

Boston-CD enthält außerdem eine fast 13- 

minütige Version von Greens da noch nicht 

veröffentlichtem Stück „The Green Manalishi“. 

Green singt und spielt kraftvoll. Dann wechselt 

er von der Gitarre zum sechssaitigen Bass, mit 

dem er das Stück beschließt und eine gewisse 

Rat lo sig keit zurücklässt. 

Die drei Boston-CDs sind das Live-Testa - 

ment von Fleetwood Mac mit Peter Green. 

Nach der Auflösung der Band sind drei weitere 

Live-LPs beziehungsweise -CDs mit Auf nah men 

aus den Jahren 1967 bis 1969 erschienen. „Live 

At the Marquee“ (da noch mit dem Bassisten 

Bob Brunning) und „London Live ’68“. „The 

Masters“ vermitteln trotz mäßiger Tonqualität 

einen recht guten Eindruck vom Potenzial der 

Band. Am besten aber gelingt dies mit der 

1999 veröffentlichten CD „Shrine ‘69“. Der 

Auftritt vom 25. Januar 1969 liegt nicht nur in 

Soundboard-Qualität vor, sondern belegt auch, 

wie gut Fleetwood Mac zum Beispiel den Hit 

„Albatross“ live präsentieren konnten. Wie viele 

andere Bands waren auch Fleetwood Mac 

mehrfach Gäste in Sendungen der BBC. Dieses 

Archiv-Material erschien 1995 als Doppel- 

CD „Peter Green’s Fleetwood Mac live at the 

BBC“. Auch hier mischte die Band Greens 

Blues mit Spencers wenig interessantem Rock 

‘n’ Roll. Daher wünscht man sich beim An - 

hören, dass von Greens Musik mehr zu hören 

gewesen wäre. 

1998 war neben den Boston-CDs gleich die 

nächste Überraschung mit der Doppel-CD 

„The Vaudeville Years of Fleetwood Mac 1968 

to 1970“ perfekt. Hier bekam man unter anderem 

Aufschluss über die bis dato unbekannten 

Aufnahmen, die für die Doppel-LP „Then Play 

On“ gedacht waren, dabei die kompletten 

Madge- und Underway-Jams, aus denen 

Fleetwood Mac in Boston live das 25-minütige 

„Rattlesnake Shake“ gemacht hatten. 2001 

wurde weiteres unbekanntes Material nachgelegt 

mit der Doppel-CD „Show-Biz Blues 1968 

to 1970 Vol 2“. Außer unveröffentlichten Live- 

Einspielungen aus dem Jahr 1970 hatte man 

unbekannt gebliebene Studio-Aufnahmen entdeckt. 

Die Live-Aufnahmen haben es in sich: 

zwei weitere Stücke aus Boston, im Übrigen 

Londoner Live-Aufnahmen des Jahres, dabei 

eine Version von „Rattlesnake Shake“, die sich 

von den Boston-Auftritten unterscheidet, und 

eine noch längere, über 15-minütige Fassung 

von „The Green Manalishi“, bei der Greens 

Bass-Spiel besonders aufregend ist. 


STORIES 47 

Welche Spuren Green im Bluesrock hinterlassen 

hat, zeigen Tributes anderer Rock- 

Musiker. 1995 kam das „Peter Green Song - 

book (A Tribute to His Works In Two Volumes)“ 

in den Handel, auf dem zahlreiche Künstler ihm 

ein Denkmal setzten, dabei Rory Gallagher mit 

seinen beachtlichen Versionen des „Leavin’ 

Town Blues“ und des „Show-Biz Blues“. Im selben 

Jahr widmete der Rockgitarren-Virtuose 

Gary Moore seinem Mentor meisterlich die ganze 

CD „Blues For Greeny“, auf der er Greens be - 

rühmte Gibson Les Paul spielte. „Blues For 

Greeny“ war im selben Jahr auf dem Montreux 

Jazz Festival auch Moores Programm, das für 

eine DVD aufgezeichnet wurde. Ebenfalls 1995 

legte der Rock-Gitarrist Bernie Marsden die 

kenntnisreich und liebevoll eingespielte CD 

„Green And Blues“ vor. Ab 2007 ging Drummer 

Mick Fleetwood mit seiner Mick Fleetwood 

Blues Band auf Tournee. Das Repertoire war 

geprägt von zahlreichen Green-Stücken, die die 

Band mit dem vielseitigen ehemaligen Fleet - 

wood-Mac-Gitarristen Rick Vito neu interpretierte, 

der außerdem alle Gesangsparts übernahm. 

Zwei verschiedene und beide lohnende 

Mitschnitte von 2008 waren ab 2010 unter dem 

Titel „Blue Again“ als CD und DVD erhältlich. 

2009 erschien schließlich die längst überfällige 

Dokumentation „The Peter Green Story: Man 

of the World“ als DVD. Sie konnte zwar kaum 

auf anderes filmisches Material mit Green in 

Fleetwood-Mac-Tagen zurückgreifen, als es auf 

der alten VHS „The Early Years“ zu finden ist. 

Dennoch unterscheidet sich die Doku men ta - 

tion wohltuend von anderen, in denen Leute 

über Künstler sprechen, denen sie nie begegnet 

sind. Hier kommen überwiegend Peter Green 

zu Worte und Weggefährten wie Blue-Horizon- 

Gründer Mike Vernon, Mick Fleetwood (über 

Green berichtete er auch auf der 2003 veröffentlichten 

DVD „Fleetwood Mac – The Mick 

Fleetwood Story“), John McVie und Jeremy 

Spencer. Wie gut, dass Ton- und Bildträger dazu 

beitragen, außergewöhnliche Künstler vor dem 

Vergessen zu bewahren! 

NÄCHSTE FOLGE: 

JACK BRUCE – MUSIK OHNE GRENZEN 

TEXT: DR. NORBERT APING 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, Buchautor 

und Leiter des Amtsgerichts 

in Buxtehude.

48 STORIES 

EVA 

KYSELKA 

Live berührt sie 

mit ihrem 

wandlungsfähigen 

Gesang und 

ihrer magischsinnlichen 

Bühnenpräsenz 

Eva Kyselka, geboren im Leipzig der DDR, 

singt als Liedermacherin vor allem über The - 

men wie Naturschutz, Frieden und Selbst fin dung. 

MM: Du bist damals noch in der DDR aufgewachsen, 

hast dort später auch in mehreren 

Rockbands gesungen. Wie war für dich 

als Musikerin die Zeit dort? 

EVA KYSELKA: Trotz Mauer und somit begrenztem 

Territorium fühlte ich mich frei, weil ich während 

meines Studiums gut von der Musik leben konnte. 

Nach dem Studium war ich ständig unter wegs, 

auch auf Touren in den Ostblock län dern. Ich war 

freiberuflich, musste mich gar nicht mit diesem 

System auseinandersetzen. Künstler wurden sehr 

gut bezahlt, besonders, wenn man wie ich einen 

Berufsausweis hatte. Kunst und Musik wurden viel 

mehr wertgeschätzt. Da mein Vater jedoch von der 

Bundesregierung aus politischer Haft frei gekauft 

wurde, hatte ich das Ge fühl, dass ich be stimmte 

staatliche Förderungen nicht erhielt. Ich wollte meinen 

Bekanntheitsgrad damals nur steigern, damit 

ich mal in die unbekannte Welt, die man nur aus 

dem Fernseher kannte, delegiert werde. 

MM: Inwieweit haben Mauerfall und Wieder - 

vereinigung deine Musik geprägt? 

EVA KYSELKA: Ich habe mich riesig gefreut, als 

sich alles von allein auflöste und ich weder Aus - 

reiseantrag stellen noch Delegierung brauchte. In 

der neuen Situation war mir egal, dass für uns 

über Nacht das ganze Veranstaltungswesen zu - 

sammenbrach, bestehende Verträge ihre Gültig - 

keit verloren, Vereinbarungen für neue Rundfunk - 


STORIES 49 

»Ich möchte Mut machen, 

der eigenen 

schöpferischen Kraft 

zu vertrauen und den Weg 

durch die Unsicherheit 

und Ängste zu wagen. 

Deshalb handeln 

meine Songs von dem 

Einlassen auf das 

Ungreifbare in sich selbst 

in einer Welt, die sich 

überwiegend an greifbarer 

äußerer Sicherheit 

orientiert.« 

auf diese wichtige Problematik aufmerksam 

machen und ein Bewusstsein für einen respektvollen 

Umgang mit der Natur und allen Lebe - 

wesen schaffen. Ich will damit Hoffnung geben, 

dass jeder in unserer Turbowegwerfgesellschaft 

etwas tun kann, um den eigenen ökologischen 

Fußabdruck zu reduzieren. 

MM: Ist Musik für dich eher etwas, um selbst 

Dinge zu verarbeiten, oder eher etwas, womit 

du andere Menschen auf Sach verhalte aufmerksam 

machen willst? 

produktionen hinfällig wurden. Ich war damals 

durch die neu gewonnene Freiheit total motiviert, 

neue Chancen und Herausforderungen anzunehmen. 

MM: Wie schwer war es für dich, auf dem 

west- bzw. gesamtdeutschen Musikmarkt 

Fuß zu fassen? 

EVA KYSELKA: Noch im Wendejahr gründete ich 

mit dem Gitarristen und dem Keyboarder aus 

meiner letzten Bandbesetzung und drei West - 

berliner Musikern eine Rockband. Es war eine 

der ersten Bands, wo sich aus den ehemals 

getrennten Stadtteilen Musiker fusionierten. Wir 

spielten bei den Konzerten im vereinten Deutsch - 

land fast nur eigene Songs. Davon leben konnte 

ich zu diesem Zeitpunkt nicht. Dafür hätte ich 

Top-40-Musik in Westdeutschland machen müssen, 

aber ich wollte in Berlin bleiben. Deshalb 

machte ich in Berlin eine Weiterbildung als Sozial - 

arbeiterin. 

MM: Du singst in deinen Liedern über The - 

men wie Umweltschutz, Frieden, Toleranz 

und Selbstfindung. Wieso? 

EVA KYSELKA: Mit den Songs auf meiner Kon - 

zept-EP „Bienenkönigin“ zum Thema Umwelt und 

Naturschutz will ich nicht bekehren. Aber ich will 

EVA KYSELKA: Auf meinem neuen Album „Wirst 

Du mich hören“ sind Texte zu unterschiedlichen, 

für mich wichtigen Themen, auf die ich aufmerksam 

machen will. Die Lieder sind aber für mich 

alle miteinander verknüpft. Zum Beispiel bei der 

Suche zu sich selbst: dass man diesen Weg im 

Einklang mit unserer Umwelt und im menschlichen 

Miteinander geht. Ein ganz persönliches 

Lied ist „Wirst Du mich hören“. Mit diesem Lied 

habe ich die Trauer um meine Mutter verarbeitet. 

Gleichzeitig wollte ich Mut machen, loszulassen, 

Abschied zu nehmen und weiterzugehen. 


FOTOQUELLE: EVA KYSELKA 

EVA KYSELKA 

„Wirst du mich hören“ 

VÖ: 19.11.2016 

WWW.EVAKYSELKA.DE 


EVAKYSELKA.DE 


50 MUSIKBUSINESS 

Ohne jeden Zweifel stellt 

die Kunstrichtung der 

Rock- und Popmusik einen 

künstlerischen Bereich dar, 

der anderen 

künstlerischen Bereichen 

vieles voraus hat ... 

Eine enorme 

Kommunikationsmöglichkeit 

mit den Mitmenschen, 

eine enorme 

Begeisterungsfähigkeit, 

außergewöhnliche 

Popularität und 

das Gruppenerlebnis 

gemeinsamer 

Konzerterfahrungen. 

Leider gibt es 

in dieser Branche 

der Rock- und Popmusik 

auch zahlreiche Kriminelle, 

die den Musikern und 

Musikgruppen das Leben 

oft auch zur Hölle machen. 

Von einem dieser 

Fälle möchte ich heute 

hier berichten. 

Anfang November 2016 erreichte dem Team - 

leiter einer in Deutschland und im Ausland 

bekannten Cover- und Musicalband eine Anfrage 

für ein Konzert im Januar 2017 für die Stadt 

Schwarzheide seitens einer Konzertagentur von 

Frank S. und Jürgen T. aus einer kleinen Stadt 

bei Bonn namens Alfter. 

Man war sich schnell einig und der Konzertvertrag 

wurde unterschrieben von Jürgen T. 

Nach absolviertem Konzertauftritt wurde die Gage 

aber nicht wie vertraglich vereinbart gezahlt, Mah - 

nungen blieben erfolglos. Stattdessen antwortete 

Frank S. von dieser Agentur mit aberwitzigen Aus - 

flüchten und Frechheiten ... 

HAIFISCHE 

IN DER MUSIKBRANCHE 

Unterdessen kontaktierte der Bandleader der 

geschädigten Musikgruppe die Stadt Schwarz - 

heide als Veranstalter, um auf diesen Sachverhalt 

aufmerksam zu machen. Dort war man auch 

sofort behilflich und teilte dem Bandleader mit, 

dass die Stadt bereits auf massiven Druck von 

Frank S. die vereinbarte Gage in der zweiten No - 

vemberwoche 2016 an die Agentur gezahlt habe 

aufgrund seiner Begründung, er, Frank S., müsse 

die Gage an die Band schon vor dem Konzert 

überweisen. Dabei kam weiterhin heraus, dass 

diese ominöse Agentur außerdem eine völlig bran - 

chenunübliche Provision in Höhe von 60 % vereinnahmt 

hatte ... 

Daraufhin erstattete der Bandleader bei der 

Polizei Anzeige wegen Betrugs. Die zuständige 

Staatsanwaltschaft wollte allerdings keine Klage 

gegen Frank S. erheben, da er allem An schein 

nach glaubhaft behauptete, dass der Ver trag von 

Jürgen T., seinem Kompagnon, unterzeichnet 

wurde und nicht von ihm. Dieser sei inzwischen 

aus der Firma ausgeschieden und er, Frank S., 

sei nicht zahlungsfähig. 

Durch die Kontaktaufnahme eines weiteren 

geschädigten Musikers kam heraus, dass Frank S. 

diese Ausrede bereits vor neun Jahren bei einem 

international bekannten Künstler (Chris Norman) 

angewandt hatte und ihm die Gage bislang auch 

noch nicht gezahlt hatte. 

Allem Anschein nach ist dies für Frank S. eine 

bewährte Betrugsmasche. Da aber alle bisher Ge - 

schädigten keine Anzeige erstattet hatten, stellt 

leider diese Anzeige erst den Anfang aller Ermitt - 

lungen dar. Interessanterweise konnte ein Privat - 

ermittler die Existenz von Jürgen T. bislang nicht 

ermitteln. Die Behörden scheinen in diesem Fall 

auch nicht besonders behilflich zu sein. Das 

Verfahren gegen Jürgen T. zieht sich in die Länge 

und hat eine bisher ungewöhnlich lange Bear bei - 

tungszeit. 

Da diese betrügerische Konzertagentur im Inter - 

net weiterhin Geschäfte tätigt, möchten wir vor 

ihr eindringlich warnen und weitere Geschä digte 

um Kontaktaufnahme bitten (info@musikermagazin.de 

oder os@musiker-online.com). 

DIE WICHTIGSTE 

ERMITTLUNGSFRAGE AN ALLE 

LESER DIESER ZEILEN IST: 

• Wer kennt Jürgen T. aus Alfter? 

• Wer kenn diese Agentur? 

• Wer kennt Frank S. aus Alfter? 

Die Klarnamen werden gerne am Telefon 

genannt: 0160/96466306. 

Bitte auf den AB sprechen. Rückruf erfolgt. 

Die Verschwiegenheit werden vom Musiker 

Magazin und dem DRMV e.V. gewährleistet 

und garantiert! 

Ole Seelenmeyer, Musiker Magazin/DRMV e.V. 


FOTO: © ARTEM / FOTOLIA.COM 


MUSIK & RECHT 51 

ERST TAGESHONORARE AB 420 EURO 

(BEISPIEL: EDITOREN) SIND ARGUMENT GEGEN 

SCHEINSELBSTSTÄNDIGKEIT 

ten der Wirtschaftswissen schaft und Statistik 

einen angemessenen Tages satz für Solo-Selbst - 

ständige. Das Ergebnis der ersten Hochrech nun - 

gen: Mindestens 600 Euro Tagessatz (Berufsein- 

stei ger) wären nötig, um bei aktuellen Gegeben - 

heiten und durchschnittlicher Auslastung zu einem 

entsprechenden Monats ein kommen (Unter grenze) 

zu führen und entsprechend als Argument gegen 

Scheinselbst ständig keit nutzbar zu sein. 

Erwähnenswert sind auch die Honoraremp - 

fehlung des BVFK für Solo-Selbstständige (min. 

580 Euro) und der Gagenkompass des BFS 

(min. 650 Euro), die beide auf unterschiedlichen 

Wegen zu einem ähnlich gelagerten Er gebnis 

gelangen wie fairTV im Equal-Pay-Projekt. 

Nach dem Urteil des Bundessozialgerichts ist klar: 

Auch die Honorarhöhe entscheidet über den Status als 

Selbstständiger. Und dies umso mehr, als die 

hinlänglich bekannten Kriterien – 

„nicht weisungsgebunden“, „nicht ortsgebunden“, 

„nicht in die Organisationsstruktur des Unternehmens 

eingebunden“ etc. – in Streitfällen immer weniger 

Beachtung finden. Bleibt die Frage, ab welcher 

konkreten Honorarhöhe eine Scheinselbstständigkeit 

in Film und TV unwahrscheinlich wird. 

Dazu könnte als Grundlage der einzige existierende 

Tarifvertrag für auf Zeit beschäftigte Filmund 

TV-Schaffende, der TVFFS, herangezogen 

werden. Dort wird die Wochenmindestgage für 

auf Zeit angestellte Editoren mit 1 508 Euro an ge - 

geben, was in einem Tagessatz von ca. 300 Euro 

für nicht Selbstständige resultiert. ver.di empfiehlt 

in seinem „Code of Practice“ einen Aufschlag von 

mindestens 40 % für die Selbstständigkeit, was 

zu einem Tagessatz von 420 Euro zzgl. MwSt. 

führt – wohlgemerkt als Untergrenze, was nur 

auf Berufsanfänger anwendbar wäre. 

Ein anderer Ansatz nimmt die Rechtsprechung 

des Bundessozialgerichts noch deutlicher beim 

Wort, das sich auf „die übliche Ver gütung eines 

Festangestellten“ bezieht. Hier wären im Bereich 

Film und Fernsehen die üblichen Fest angestellten 

vor allem in den öffentlich-rechtlichen Sendern zu 

suchen. Dort werden gemäß Tarif vertrag z. B. im 

MDR Monatsgehälter zwischen 3 949 und 6 347 

Euro brutto für Editoren und Kameraleute be - 

zahlt*. Das derzeit laufenden Equal-Pay-Projekt 

von fairTV in Zusammenarbeit mit Langer Media 

Consulting errechnet daraus mit den Instru men - 

Klar ist in jedem Fall: Die Honorare für soloselbstständige 

Film- und TV-Schaffende müssen 

deutlich steigen, um in Zukunft bei dem Vorwurf 

der Scheinselbstständigkeit als Entlastungs ar - 

gument herangezogen werden zu können. Wir 

wissen allerdings auch, dass derzeit solche Ho - 

no rare nicht durch die Budgets der Fernseh sender 

abgedeckt werden. 

fairTV ruft daher alle Produzenten und technischen 

Dienstleister dringend dazu auf, die 

Auftrag gebenden Sender umgehend mit diesen 

neuen Fakten zu konfrontieren, sofort in Nach - 

verhandlungen über budgetierte Tages ho norare 

in oben genannter Höhe einzutreten und die ausgehandelten 

Anpassungen direkt an die Solo- 

Selbstständigen weiterzugeben. Andernfalls dürften 

in naher Zukunft schmerzliche Nach zah lungen 

an die Sozialkassen drohen. 

Alle soloselbstständigen Film- und Fernseh - 

schaffenden rufen wir auf, die oben genannten 

Honorare bei Honorarverhandlungen immer im 

Hinterkopf zu behalten und sich dem möglichst 

anzunähern – die drohende Gefahr der Schein - 

selbstständigkeit bei zu niedrigen Honoraren sollte 

dabei in Zukunft immer angesprochen werden. 

*Quelle: MDR-Organisationshandbuch, Stand 27. 

Mai 2014, inkl. 13. Monatsgehalt, nur An gestell te 

ohne „Junior“ oder „Senior“-Status 

TEXTQUELLE: FAIRTV E.V. 

GRAFIK: © STYLE-PHOTOGRAPHY/ 

FOTOLIA.COM 


52 PRODUKT-NEWS 

AUDIOINTERFACE 

FÜR DAS IPAD BEI TASCAM 

Das iXR ist ein kompaktes, solides Audio-/MIDI-Interface 

für mobiles Aufnehmen mit einem Apple iPad. Es stellt zwei 

analoge Ein- und Ausgänge sowie MIDI In/Out bereit und 

kommt mit Mikrofonen, Line-Signalen und Instrumenten 

gleichermaßen zurecht. 

Mit seinem schlanken Aluminium-Gehäuse, Ultra-HDDA- 

Vorverstärkern und Abtastraten bis 96 kHz soll es dem 

hohen Anspruch von iPad-Anwendern nicht nur äußerlich, 

sondern auch klanglich gerecht werden. Die Verwendung mit 

Mac- und Windows-Computern ist aber ebenfalls möglich. 

Das iXR hat eine hohe Eingangsempfindlichkeit, um auch 

schwächere dynamische Mikrofone gut aussteuern zu können, 

und lässt sich auch eigenständig betreiben – ideal 

etwa zum Üben. Ausgangs- und Kopfhörerpegel sind unabhängig 

voneinander einstellbar, und Lizenzen für die App 

Cubasis LE und das DAW-Programm Cubase LE sind im 

Lieferumfang enthalten. 

Weitere Informationen: www.tascam.eu/de 

NEUE CD-/KASSETTEN-KOMBINATION FÜR DIE INSTALLATION 

Der CD-A580 von Tascam verbindet die Vorteile der beiden Der CD-A580 ist eingangs- und ausgangsseitig mit unsymmetrischen 

Cinchbuchsen ausgestattet und hat einen 

beliebtesten Audiomedien Kassette und CD, kombiniert sie 

mit einem USB-Recorder und vereint all das in einem ge - Kopfhörerausgang mit Pegelregler. Neben der Installation in 

meinsamen Gehäuse mit dem Ergebnis größter Funk tio na - Hallen, Hotels und Restaurants eignet er sich für DJs, 

lität bei geringem Platzbedarf. 

Musiker, Tanzschulen und Fitnesseinrichtungen sowie viele 

Der Anwender kann jede der Quellen für die Wiedergabe weitere Anwendungen. Eine Infrarot-Fernbedienung ist im 

nutzen, Aufnahmen auf Kassette oder USB-Speicher medien Lieferumfang enthalten 

erstellen oder Kopien von CDs oder Kassetten herstellen. Weitere Informationen: www.tascam.eu/de 

SHURE ANIUSB-MATRIX UND ANI22 AUDIO NETWORK INTERFACE 

AB SOFORT VERFÜGBAR 

Zwei der neuesten Audio Network Interfaces (ANI) von 

Shure, die ANIUSB-Matrix und ANI22, sind ab sofort erhältlich. 

Die auf der Integrated Systems Europe 2017 vorgestellten 

ANIs wurden für die Nutzung mit Premium-AV-Kon - 

fe renzmikrofonen von Shure entwickelt. Die ANIUSB-Matrix 

und ANI22 ermöglichen es, die Shure-Microflex-Advanceund 

Microflex-Wireless-Serie einfach in bestehende AV/ IT- 

Infrastrukturen zu integrieren. Diese hochwertigen Audio - 

lösungen gewährleisten perfekte Kompatibilität für Audio/ 

Video-Konferenzanwendungen in kleinen und mittleren 

Meeting-Räumen. Die ANIUSB-Matrix verbindet vier Micro - 

flex-Advance- oder Microflex-Wireless-Mikrofonkanäle 

uber Dante, mit einer im Raum verbauten Audio/Video-Kon - 

fe renz lösung oder einem PC-basierten Soft-Codec über 

USB oder Analog-Audio – ideal, wenn ein Premium-Mikro - 

fon system benötigt wird und das akustische Echo- 

Cancelling eines AV-Codecs verwendet wird. 

Das mit XLR- und Euro-Block-Anschlüssen angebotene 

ANI22 kann bis zu zwei Line/Mic-Signale in oder aus dem 

Dante-Netzwerk anbinden. Einfaches Routing wird durch 

die Browser-basierte Software ermöglicht. Das ANI22 be - 

sticht durch kompakte Abmessungen mit einfacher Mon - 

tage unter dem Tisch oder im Rack, Power Over Ethernet 

(PoE) macht ein zusätzliches Netzteil überflüssig. 

Für weitere Informationen zu ANIUSB-Matrix und ANI22 

besuchen Sie www.shure.de 


PRODUKT-NEWS 53 

KÖNIG & MEYER: BRANDNEUE STÜHLE FÜR MUSIKER UND ORCHESTER 

Neben den Neuheiten in den bekannten Pro duktkategorien präsentierte 

König & Meyer dieses Jahr zur Musikmesse noch etwas ganz 

Besonderes: Unterschiedlichste Stühle für Musiker und Orchester 

sowie für Ver leiher, Architekten oder Ausstatter. 

Die neue König-&-Meyer-Stuhl-Serie um fasst einen klassischen 

Bühnenhocker, professionelle Or chesterstühle, eine Reihe stapelbarer 

Mehrzweck-Stühle, einen robusten Musikerstuhl sowie individuell 

einstellbare Stühle für Dirigenten, Bassisten, Cellisten, 

Pauken- und Harfen spieler. Ein stabiler, platzsparender Trans port - 

wagen für die verschiedenen Musiker- bzw. Orchesterstühle rundet 

das Angebot ab. 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

PROD.-NR. 

PRODUKTNAME 

BESCHREIBUNG 

WICHTIGE MERKMALE 

14094 

Bühnenhocker 

Klassischer Hocker mit „Stop & Go“- 

Rollen für Bühne, Studio oder Probe - 

raum 

Bremsfunktion über kleinen Verstellring ein-/ 

ausschaltbar. Bequeme Sitzfläche mit hoch wer - 

tigem Kunstlederbezug. 

Stufenlose Höhenverstellung per Gasdruck feder. 

13400 

13405 

13410 

13415 

Stapelstuhl 

Stabiler, stapelbarer Mehrzweck- 

Stuhl 

Sitzschale aus mehrfach verleimtem Buchen - 

schichtholz (natur oder schwarz). Bis zu 10 

Stühle stapelbar. 13410 und 13415 mit strapazierfähigem, 

schwarzem Stoffbezug. 

Sitz und Rückenlehne sind aus verleimtem 

13460 

13420 

13430 

Musikerstuhl 

Orchesterstuhl 

Stabiler komfortabler Stuhl mit ge - 

polster tem Sitz und Rückenlehne 

Schichtholz. Sitzfläche mit Belüftungslöchern, 

darunter atmungsaktiver Schaumstoff. Äußerst 

strapazierfähiger Stoffbezug aus 100 % Poly es - 

ter. Geräuscharme Kunststoffgleiter, Stapel stege 

und Stapelschutz (bis zu 6 Stühle stapelbar). 

Version 13430 mit schwer entflammbarem Be - 

zugstoff. 

13410 

13440 

Orchesterstuhl 

Professioneller Orchesterstuhl mit 

gepolstertem Sitz und Rückenlehne 

Polsterung & Stoff (Trevira CS) sind aus schwer 

entflammbarem Material und äußerst strapazierfähig. 

Sitzfläche mit Belüftungslöchern, 

darunter atmungsaktiver Schaumstoff. Ge - 

räusch arme Kunststoffgleiter, Stapelstege & 

Stapelschutz. Sitzhöhen-Verstellung erfolgt 

pneu matisch & stufenlos. Lehnenhöhe und 

die Sitzneigung sind ebenfalls einstellbar. 

Bis zu 4 Stühle stapelbar. 

13460 

13470 

13480 

Bass-Stuhl 

Schlagzeug-, Cello-, 

Harfen-Stuhl 

Pauken-, 

Dirigenten- Stuhl 

Komplett einstellbarer Bassstuhl mit 

stabilem 5-Fuß-Untergestell, gepolster 

tem Sitz und Rückenlehne 

Komplett einstellbarer Schlag zeuger- 

Stuhl mit gepolstertem, drehbarem 

Sitz und Rückenlehne 

Komplett einstellbarer Pauken-/ Diri - 

gentenstuhl mit 5-Fuß-Untergestell, 

gepolstertem, drehbarem Sitz und 

Rückenlehne 

Polsterung und Stoff (Trevira CS) sind aus 

schwer entflammbarem Material und äußerst 

strapazierfähig. 

Sitzhöhen-Verstellung erfolgt pneumatisch und 

stufenlos. Lehnenhöhe und Sitzneigung sind 

ebenfalls einstellbar. 

13460 zudem mit stufenlos höhenverstellbarer 

Fußstütze, bequemer Sitz mit Beinaussparung. 

13480 mit stufenlos höhenverstellbarer Fuß - 

stütze. 

13490 

13490 

Stuhlwagen 

Robuster & stabiler Transportwagen 

für verschiedene Musiker- bzw. 

Orchesterstühle 

Pulverbeschichtetes Stahlgestell in niedriger 

Bauweise – dadurch sehr platzsparend. 

Höchste Flexibilität dank 4 Lenkrollen, 

davon 2 mit Feststeller. 



SHURE PRÄSENTIERT PITCH BLACK EDITION SUPER 55-BLK DELUXE GESANGSMIKROFON 

Auffrischung des Kultmodells 55 Unidyne® 

Shure präsentiert das Super 55-BLK Deluxe Gesangs - 

mikrofon in Pitch Black Edition in einer limitierten Auf lage. 

Die Super 55 Pitch Black Edition bietet den klassischen 

Look und die Performance des Super 55 in moderner 

Optik. Die limitierte Edition verfügt über ein mattschwarzes 

Gussgehäuse mit schwarzem Popfilter und einen linearen 

Frequenzgang für eine natürliche Gesangs- und Sprach - 

wiedergabe auf der Bühne und im Studio. Im Lieferumfang 

sind ein schwenkbarer Stativ-Flansch und eine Reiß ver - 

schlusstasche enthalten. 

Das Modell 55 Unidyne® definiert klassisches Mikro fon - 

design – heute genauso wie bei seiner Einführung vor mehr 

als 75 Jahren. Mit seiner Variante der klassischen Optik 

verleiht das auffällige Schwarz-in-Schwarz-Design der 

Super 55 Pitch Black Edition jeder Produktions um gebung 

zusätzlich Eleganz und Stil. Die Mikrofon kapsel mit Super - 

nierencharakteristik unterdrückt störende Ge räusche und 

verhindert Rückkopplungen. 

Die Mikrofonkapsel ist erschütterungssicher gelagert, das 

robuste Druckguss-Gehäuse reduziert Griffgeräusche und 

schützt vor Beschädigungen. 

„Für Sänger sind Mikrofone extrem wichtig, denn sie können 

über den Erfolg oder Misserfolg einer Performance ent - 

scheiden. Mikrofone müssen über eine erstklassige Klang - 

qualität und Verarbeitung sowie eine hohe Belast barkeit ver - 

fügen“, betont Soren Pedersen, Product Ma na ger bei Shure. 

„Die neue Super 55 Pitch Black Edition ist ein Tour-erprobtes, 

dynamisches Mikrofon mit Welt klasse-Leistung in einer 

modernen Variante unseres klassischen Designs. Wir freuen 

uns auf die Präsentation dieses eleganten, neuen Designs zur 

Weihnachtssaison.“ 

Die Super 55 Pitch Black Edition wird bei autorisierten Shure- 

Fachhändlern und online erhältlich sein. 

Weitere Informationen unter: www.shure.de 

JOST NICKEL 

JOST NICKEL’S FILL BOOK 

(ENGLISH EDITION) 

A Systematic Fun Approach To Fills 

Jost Nickel, seit 2006 Drummer bei Jan Delay & Disko No. 

1, ist einer der Top Session und Tour Drummer Deutschlands 

und ge hört zur aktuellen „goldenen Ge neration“ deutscher 

Schlagzeuger. Freunde und Kol legen wie Benny Greb, 

Marco Minnemann oder Anika Nilles (übrigens eine seiner 

Schü lerinnen) sind mit seinem Namen in einem Atemzug 

verbunden – alle stehen sie wegweisend für modernes 

Drumming der absoluten Weltklasse. 

Eine Fülle verschiedener Fill-Konzepte präsentiert Jost in 

diesem Buch für alle diejenigen, die eine Ent deckungs - 

reise in die weite Welt der Fills unternehmen wollen. 

„Mein FILL BOOK soll Freude bereiten und inspirieren,“ 

sagt Jost, „und zum grundlegenden Verständnis der 

theo retischen Grundlagen der jeweiligen Fills beitragen, 

um dich in die Lage zu versetzen, dir eigene Fills auszudenken”. 

Er widmet sich den verschiedenen Subdivisions, die für 

das Spiel von Drum-Fills entscheidend sind und präsentiert 

Fills für gerade Grooves sowie Fills für Shuffle-Grooves. 

Buch & MP3-CD | Online Videos | Beilage Lesetexte 

Best.-Nr.: 20256US | ISBN-13: 978-3-943638-35-6 

23 X 30,5 CM | 144 Seiten | 21,95 Euro 

www.alfredmusic.de 

Mit dem JOST NICKEL FILL BOOK legte Jost im Dezember 

2016 sein zweites Lehrwerk für Drummer vor, das ab 

September 2017 auch als englischsprachige Ausgabe vorliegt. 

Widmete er sich in seinem erfolgreichen Erstlingswerk 

noch dem Thema Groove, so steht sein neues Werk ganz im 

Zeichen von Fills! 

In klaren Schritten stellt Jost universell einsetzbare rhythmische 

Konzepte in verschiedenen Schwierigkeitsgraden 

vor, zeigt Orchestrierungsideen, Phrasierungsmöglichkeiten 

sowie Dynamik- und Akzentuierungsübungen. 

„Ideen wie Switch & Path Orchestration, Diddle Kick, 

Clockwise- & Counterclockwise-Spielweise werden dein 

Spiel ebenso bereichern wie Step-Hit-Hi-Hat, Hand & 

Foot Rolls, Cymbal Choke, Stick Shot und vieles mehr.“ 

Dem JOST NICKEL FILL BOOK liegt eine MP3-CD bei, für 

die Jost viele Fills in verschiedenen Tempi eingespielt 

hat. Zusätzlich finden sich online zwanzig Videos, die alle 

Fills zeigen, bei denen es hilfreich ist, den Bewegungs - 

ablauf zu sehen. Eine 12-seitige Beilage mit Lesetexten 

rundet das Konzept des JOST NICKEL FILL BOOK ab. 



CORDIAL MIKROFONKABEL 

CMK 234 SCHLIEßT LÜCKE IM 

KERNSORTIMENT 

Die Auswahl des passenden Mikrofonkabels ist immer eine 

Balance aus technischem Anspruch und verfügbarem Bud - 

get. Der süddeutsche Kabelhersteller CORDIAL erweitert 

daher sein Kernsortiment von Mikrofonkabeln mit Wendel - 

schirm um das neue CMK 234. 

Mit einem großen Leiterquerschnitt von 2 x 0,34 mm² ist das CMK 234 extrem langstreckentauglich, 

ähnlich dem bekannten CMK 250, bleibt dabei aber wegen des Aufbaus mit 

26 x 0,127er Litze im Vergleich sehr flexibel. 

Nach unten hin wird CORDIALs Sortiment der am meisten nachgefragten Kabel durch die 

günstigeren CMK 222 und CME 220 abgerundet. 

Lieferbare Längen: Meterware: 100/500 Meter auf Spule | www.cordial.eu 

CORDIAL CPI ZZ PATCHKABEL FÜR MODULARE SYNTHESIZER 

Modulare Synthesizer liegen voll im Trend. Soundtüftler stecken 

sich immer wieder neue Signalflüsse an diesen kreativen 

Maschinen zusammen und haben daher einen hohen An - 

spruch an die verwendeten Patchkabel. Um diese Erwar tun - 

gen an die Qualität zu erfüllen und Übersicht in den komplexen 

Strukturen zu schaffen, hat CORDIAL die neuen CPI-ZZ- 

Patchkabel mit längenabhängiger Farb kodierung mittels farbiger 

Tüllen aufgelegt. Konfektioniert wird mit handverlöteten 

REAN-3,5-mm-Vollmetallsteckverbindern. 

Im Gegensatz zu bisher marktüblichen Kabeln mit angeschweißten 

Plastiksteckern werden Einstreuungen somit 

auch auf den letzten Zentimetern verhindert. Die abgeschirmte 

Meterware CSP 1 besteht aus hochreinem Kupfer (OFC) 

und ist schadstoffarm nach RoHS 2. Das CPI-ZZ-Patchkabel 

bietet CV- und Audioübertragung in höchster Qualität. 

Lieferbare Längen: 0,15 / 0,3 / 0,6 / 0,9 / 1,2 Meter 

Weitere Informationen: www.cordial.eu 

HAGSTROM UND „GHOST“ KOOPERIEREN 

BEI NEUER FANTOMEN E-GITARRE 

Der schwedische Traditionshersteller Hagstrom ist hocherfreut, 

die Vorstellung eines brandneuen Gitarrenmodells 

und simultan die Zusammenarbeit mit der schwedischen 

Band „Ghost“ mitteilen zu können. 

In enger Zusammenarbeit haben Hagstroms Design-Team 

und die schwedische Band Ghost die „Fantomen“ (schwedisch 

für Phantom) entwickelt. Diese Gitarre kombiniert 

Hagstroms legendäre Spielkultur mit einer technischen 

Raffinesse, die alle Sound-Vorstellungen der beinharten 

Gangart bedient. Den Ausgangsunkt bilden ein asymmetrisch 

geformter Korpus aus massivem Mahagoni und ein 

Mahagonihals, der mit unserem typischen Zapfensystem 

(Mortise&Tenon) mit dem Korpus verbunden ist. Wie viele 

Hagstrom-Gitarren enthält die Fantomen den H-Expander®- 

Halsstab und ist mit einem Resinator®-Griffbrett ausgestattet, 

was den Hals nicht nur stabilisiert, sondern auch 

entscheidend zum Wohlklang der Gitarre beiträgt. Diese 

Komponenten stellen eine solide Grundlage für einen vielseitigen 

und perfekt ansprechenden Sound dar. 

Mit einem nur 3,5 cm starken Korpus schmiegt sich die 

Hagstrom Fantomen ausgewogen an den Körper, liegt perfekt 

in der Hand und ist gleichzeitig erstaunlich leicht. Die 

25,5”-Mensur (648 mm) sorgt für eine bissigere Attack 

und mehr Sustain im Vergleich zu Gitarren mit der klassischen 

24,75”-Mensur. Das Design der Halsverbindung 

ermöglicht einen unkomplizierten Zugriff auf alle 22 Bünde 

und wird selbst anspruchsvolle Virtuosen begeistern. 

Hagstroms Ziel war, die Fantomen mit einer Elektronik auszustatten, 

die ein möglichst breites Sound-Spektrum – von 

klassischen Vintage- bis hin zu brüllenden Metal-Sounds – 

abdeckt. Für den amtlichen Sound und die Flexi bilität sorgen 

Pickups vom schwedischen Tonabnehmerpapst Johan 

Lundgren, der bereits Pickups für Martin Hagström (keine 

Verwandtschaft) von Meshuggah entwickelt hat. Lundgren 

empfahl zwei unterschiedliche Humbucker: No. 2 am Hals 

und No. 5 am Steg. Hiermit verfügen Gitarristen über eine 

enorme expressive Bandbreite, die von samtenen, warmen 

Sounds bis zu einer bitterbösen Attack und einer Dynamik 

reicht, bei der sich auch hartgesottene Headbanger ehrfurchtsvoll 

verneigen. Auf den individuellen Coilsplit mit der 

Push/Pull-Funktion der Klangregler braucht man ebenso 

wenig zu verzichten und holt damit noch mehr Sounds aus 

der Gitarre heraus. Der Sound-Wortschatz dieser Gitarre ist 

ganz einfach erstaunlich. 

ORIGINAL-ZITAT: 

„The first electric guitar I learned to play on was my father’s 

Hagström Swede that he had in his house for as long as I 

can remember. I had been looking at it for years, but my 

hands where too small to grip around the fretboard and my 

father said I needed to grow my hands a bit before learning 

how to play. When I was about 7 years old, he taught me 

„TUTTI FRUTTI“ and „BREV FRÅN KOLONIEN“ and then I 

would have to figure out the rest. And I did.“ 

– A Ghoul Writer (lead guitarist and songwriter in Ghost) 

Weitere Informationen: www.musik-meyer.de 



MUSIC STORE: DIE NEUEN BOSS GITARRENEFFEKTE MD-500 + RV-500 

Neben dem bekannten BOSS DD-500 Digital Delay gibt es 

nun zwei weitere hochwertige Effektgeräte für Gitarristen: 

Das Modulations-Effektgerät MD-500 und der Hall prozessor 

RV-500 runden das Programm perfekt ab! 

BOSS DD-500 DIGITAL DELAY 

Digitales Delay im Stompbox-Format mit 

12 Effekt pro grammen und integriertem 

Phrase Looper 

Mit dem DD-500 präsentiert Boss ein digitales Delay, das 

eine breite Palette an Sounds bietet. So stehen insgesamt 

12 Effektprogramme zur Verfügung, die von klassischen ana - 

logen Tape-Delays bis hin zu modernen Reverse- und 

Filter-Delays reichen. 

Über die vorhandenen Regler können die Effekte in Echtzeit 

manipuliert werden, wobei das grafische LCD-Display 

reichhaltige Informationen liefert. Bis zu 297 Presets können 

in den internen Speicherplätzen des Boss DD-500 

abgelegt und über die Fußschalter aufgerufen werden. 

Außerdem besteht die Möglichkeit, Effektparameter über 

ein optional anschließbares Expressionpedal zu steuern. 

Über die MIDI-Buchsen kann das Boss DD-500 problemlos 

in ein bestehendes Setup eingebunden werden. 

Neben den Delay-Effekten verfügt das Boss DD-500 über 

einen integrierten Phrase Looper, der Loops mit bis zu 120 

Sekunden Länge aufzeichnet (48 kHz Mono, 60 Sekunden 

bei 98 kHz Mono/48 kHz Stereo). 

Mithilfe des USB-Anschlusses kann das Boss DD-500 mit 

einem Computer verbunden werden, um Patches zu archivieren 

oder über eine DAW gesteuert zu werden. 

FEATURES: 

Digitaler Delay-Effekt, 12 Delay-Programme, maximale 

Delayzeit 10 sec, Tap-Tempo, integrierter Phrase Looper 

(60 sec 98 kHz Mono/48 kHz Stereo, 120 sec 48 kHz 

Mono), Wandlung: 96 kHz/32 bit, grafisches LCD-Display, 

bis zu 297 Presets speicherbar, Regler: Mode, Time/Value, 

Feedback, Effect Level, Tone, Modulation Depth, 3 Fuß - 

schalter, Buffer- oder True-Bypass-Betrieb, MIDI In und Out, 

Stereo-Ein- und -Ausgänge, Anschluss für Ex pression Pedal, 

USB-Anschluss, Betrieb mit 4 AA-Batterien oder optional 

erhältlichem Netzteil, Maße B x T x H: 170 x 138 x 62 mm 

Gewicht: 1 kg 

3 Jahre Music-Store-Garantie! 

30 Tage Money-Back-Garantie! 

BOSS MD-500 

Vielseitig einsetzbares Modulations- 

Effektgerät für E-Gitarre 

Absoluten Überblick über die Welt der Modulationseffekte 

bietet Boss mit dem umfangreichen MD-500. 12 Sound 

Modes mit 28 Modulationstypen vom klassischen Chorus 

über Ring Modulation bis hin zum Slicer stehen per Knopf - 

druck zur Verfügung und lassen sich auf Deep-Level-Ebene 

weiter editieren. Wer darüber hinaus seine Sound kreatio - 

nen in Echtzeit steuern möchte, kann auf den rückseitigen 

Anschluss für Expressionpedale zurückgreifen, der die Kon - 

trolle über individuelle Parameter erlaubt. 

VOLLSTÄNDIGE MODULATION-LIBRARY 

Das Boss MD-500 ist eines der umfangreichsten Modula - 

tionspedale auf dem Markt und vereint neben klassischen 

Sounds wie Chorus, Vibrato, Flanger, Phaser und Tremolo 

auch speziellere Effekte wie Auto- und Touch-Wahs. Fans 

klassischer Vintage-Sounds werden in authentischen Re - 

kre ationen des SL-20 Slicer oder des Roland Dimension-D 

beliebte Klassiker wiederfinden, während eine umfangreiche 

Parametersteuerung weitere Anpassungen der einzelnen 

Sounds ermöglicht. 

SOUND IN STUDIOQUALITÄT 

Für professionelle Recording-Zwecke setzt Boss mit dem 

MD-500 auf eine 32-Bit/96-kHz-AD/DA-Wandlung und 

bietet kristallklare Audioqualität für Bühne und Studio. Dank 

Ein- und Ausgängen im Stereo-Format schafft das Boss 

MD-500 glaubwürdige Stereo-Räumlichkeit, während der 

A/B-Simul-Modus die gleichzeitige Verwendung zweier 

Patches erlaubt. Beide Sounds können wahlweise zusammen 

oder über getrennte Ausgänge an Mischpulte oder 

Aufnahmegeräte geleitet werden. 

DAS BOSS MD-500 IM ÜBERBLICK: 

• Umfangreiches Modulations-Effektpedal 

• 32-bit/96kHz-AD/DA-Wandler 

• 12 Modi mit 28 Modulations-Typen 

• Gut ablesbares LCD 

• Dual-Mode-Funktion 



• 297 interne Speicherslots 

• Anschlüsse für Expressionpedal und MIDI-Controller 

• USB-Anschluss zur Verbindung mit PCs 

• True Bypass und Buffered Bypass 

• Betrieb mit 4 AA-Batterien oder optional erhältlichem 

Netzteil 

BOSS RV-500 

Umfangreiches Reverb-Pedal für E-Gitarre 

Für erstklassige Hallsounds, digitale Delays und authentische 

Räumlichkeit präsentiert Boss das RV-500 Reverb 

Pedal. Hierfür wurde der leistungsstarke Hallprozessor mit 

einem 32-bit-AD/DA-Wandler in Studioqualität versehen 

und mit den beliebtesten Reverb-Algorithmen von Room bis 

Shimmer beladen. Mittels großem LCD und drei Fuß - 

schaltern lässt sich das RV-500 einfach bedienen, während 

der Anschluss für Expressionpedale die Echtzeitkontrolle 

bestimmter Parameter erlaubt. 

12 MODES, 21 REVERB-SOUNDS 

Kernstück des RV-500 sind seine ausgeklügelten Hall- 

Algorithmen, die individuell in Bezug auf Decay, Density 

oder das Modulationsverhalten angepasst werden können. 

Neben klassischen Sounds wie Room, Hall und Plate bietet 

Boss darüber hinaus auch experimentellere Sounds und 

authentische Nachbildungen hauseigener Klassiker wie den 

RE-201 Space Echo oder den SRV-2000 Digital Reverb. 

DUAL-MODUS 

Mit dem Dual-Modus des Boss RV-500 lassen sich zwei 

Reverb-Sounds unabhängig voneinander kombinieren, um 

zusätzliche Räumlichkeit und genug Auslauf für experimentierfreudige 

Musiker zu schaffen. Diese können darüber 

hinaus parallel oder seriell geschaltet werden und als Mix 

oder auf verschiedenen Ausgängen ausgegeben werden. 

DAS BOSS RV-500 IM ÜBERBLICK: 

• Umfangreiches Reverb-Effektpedal 

• 32-bit/96kHz-AD/DA-Wandler 

• 12 Modi mit 21 Hall-Typen 

• Gut ablesbares LCD 

• Dual-Mode-Funktion 

• 297 interne Speicherslots 

• Anschlüsse für Expressionpedal und MIDI-Controller 

• USB-Anschluss zur Verbindung mit PCs 

• True Bypass und Buffered Bypass 

• Betrieb mit 4 AA-Batterien oder optional erhältlichem 

Netzteil 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 

EUROLITE TMH-X20 – VIEL LEISTUNG FÜR WENIG GELD 

Einen neuen und besonders kompakten Moving-Head hat 

Eurolite jetzt im Programm: Er hat Kraft, kann sich durchsetzen 

und ist umfangreich ausgestattet. Zugegeben, diese 

Attribute treffen auf zahlreiche Scheinwerfer zu. Doch der 

TMH-X20 von Eurolite bietet noch einen entscheidenden 

Vorteil: sein extrem gutes Preis-Leistungs-Verhältnis. 

So punktet der handliche Moving-Head mit seinem Zoom 

(12° bis 23°), seiner hohen Verarbeitungsqualität und seiner 

Helligkeit. Die Bedienung ist komfortabel: Gobos können 

in Sekundenschnelle getauscht werden. Dank seiner 

leisen Betriebsweise kann der Moving-Head auch in ge - 

räuschempfindlichen Umgebungen eingesetzt werden. 

Laut Hersteller ist der TMH-X20 ideal für Produk tions firmen, 

Veranstaltungstechniker, Musiker oder Clubs geeignet, die 

aus ihren finanziellen Möglichkeiten das Maximale herausholen 

wollen. 

Weitere Informationen: www.steinigke.de 



OLI RUBOW 

DAS MODERNE SCHLAGZEUGQUARTETT 

Eine spielerische Lehrmethode zur Erweiterung und Modernisierung des persönlichen 

Rhythmuswortschatzes 

Oli Rubow zählt zu den innovativen Drummern hierzulande. 

Mit einem musikalischen Background im Jazz und im zeitgenössischen 

Club-Sound realisiert er seit Mitte der 90er- 

Jahre seine ureigene Vision modernen Schlagzeugspiels. 

Neben seiner langjährigen Zusammenarbeit mit Bass - 

legende Hellmut Hattler und den Lounge-Pionieren von DE 

PHAZZ gab es immer wieder interessante Gastspiele, beispielsweise 

bei den Turntablerockern, den Fantastischen Vier, 

bei Henrik Schwarz, Cro oder Jazzanova. 

Auch die Wissensvermittlung liegt ihm: 2007 erschien das 

Buch „E-Beats am Drumset“ (Leu-Verlag), parallel dazu 

wurde das Weblog e-beats.net ins Leben gerufen. 

Seit 2011 läuft im „drums & percussion“-Magazin die 

Workshopreihe „Vom Zitat zum Ich“. 

Wenn Kinder die Welt entdecken, lernen sie auf spielerische 

Art und Weise. Ein Augenmerk auf die Umschreibung 

unserer Passion macht klar: Auch wir „spielen Schlag zeug“. 

Um diesen Spieltrieb mit der Weiterentwicklung am Instru - 

ment zu kombinieren, hat Oli Rubow ein spezielles Karten - 

spiel erstellt: Das Moderne Schlagzeugquartett. 

Das Spiel besteht aus 54 Spielkarten, einem Papier se - 

quenzer und acht Handzeichen. Jede Karte ist mit einem 

Piktogramm bedruckt, das ähnlich wie die Bildsprache der 

Emojis funktioniert und hier für eine schlagzeugtechnische 

Anwendung steht. 

Das zentrale Piktogramm ist die Eselsbrücke, die unser 

Gedächtnis mit einem ästhetischen Kunstgriff verknüpfen 

soll. Die Rahmenfarbe deutet an, ob der Karteninhalt das 

komplette Drumset betrifft oder nur eine der drei Säulen 

Kick – Snare – Hi-Hat. Der weiße Punkt zeigt die Anzahl der 

Takte an, in denen der Kartenauftrag ausgeführt werden soll. 

Der untere Kartenteil gibt inhaltliche Information: Rechts 

steht eine der fünf übergeordneten Kategorien, in diesem 

Fall Frei für Freispiel, daneben der Kartenindex. Die linke 

Seite funktioniert wie ein Spickzettel. Dort steht die Kurz - 

fassung des Kartenauftrags. 

Das Moderne Schlagzeugquartett kann man zu zweit oder 

mit mehreren Rhythmusmachern spielen. Mit den Spiel karten 

und den Handzeichen lassen sich im Ensemble moderne 

Tracks nach dem Baukastenprinzip programmierter Rhyth - 

men erstellen oder der Spannungsbogen eines Arran - 

gements steuern. 

Das Moderne Schlagzeugquartett fördert das loopige und 

patternbasierte Groove-Verständnis. Es schult die Fähig - 

keit, während des Trommelns auf optische Zeichen reagieren 

zu können – ein zentraler Bestandteil beim gemeinsamen 

Musizieren! Darüber hinaus stellt die Rhythmusliste 

des Buches einen Pool voller moderner Grooves sowie 

einen Patternbaukasten zur Verfügung. Eine umfangreiche 

Klangbibliothek lädt zu kreativen Experimenten ein. 

Die Spielregeln sind einfach und kreativ-flexibel. Der 

Trommler sucht aus der Rhythmusliste im Buch ein Pattern 

aus und spielt es in Dauerschleife (Loop). Im weiteren Ver - 

lauf zeigt der Lehrer eine Spielkarte, deren Bildauftrag im 

nächsten Takt umgesetzt werden soll, bevor es zum ur - 

sprünglichen Loop zurückgeht. 

ISBN 978-3-89775-169-9 

Buch mit Spielkartentableau, 29,80 Euro 

www.leu-verlag.de 

DAS U 87 RHODIUM EDITION: NEUMANN FEIERT DEN 50. GEBURTSTAG DER MIKROFONLEGENDE 

MIT EINER LIMITIERTEN SONDERAUSGABE 

Es gibt sie nur selten: Produkte, die sich den schnelllebigen Trends 

verweigern und schon bei ihrer Einführung der In begriff zeitloser 

Eleganz sind. Das Neumann-Studio mikro fon U 87 ist so ein Produkt. 

Seit nunmehr 50 Jahren setzt das Kondensatormikrofon Maßstäbe 

in der Studiotechnik. Jetzt feiert Neumann den Geburtstag der 

Mikro fonlegende mit der U 87 Rhodium Edition – einer aufsehenerregenden 

Sonderausgabe, die die bemerkenswerte Leistung des 

klas sischen U 87 durch ein ganz besonderes Design würdigt. 

Der legendäre Klang und die Vielseitigkeit des U 87 werden seit 

einem halben Jahrhundert von den bedeutendsten Studios der Welt 

wertgeschätzt. Das 50-jährige Jubiläum des Studioklassikers habe 

darum nach etwas ganz Be son derem verlangt – einer mit Rhodium 

beschichteten Sonder edition, erklärt Wolfgang Fraissinet, Ge schäfts - 

führer Neumann, Berlin. „Die außergewöhnliche U 87 Rhodium Edi - 

tion ist die angemessene Würdigung dieser Mikro fon legende. Die 

Exklusivität und Schönheit des Rhodiums unterstreicht dabei die 

zeitlose Qualität des U 87 und verkörpert gleichzeitig den hohen 

Qualitätsanspruch von Neumann.“ 

Der Mythos U 87 lebt nicht nur von den technischen Finessen des 

Mikrofons, sondern auch von den zahllosen Geschichten und 

Erinnerungen, die damit verbunden sind: Fast ausnahmslos haben 

die großen Namen der Musik in dustrie mit diesem Mikrofon aufgenommen. 

Um dieser Geschichte Rechnung zu tragen, fiel die Wahl 

auf Rhodium. Das Edelmetall ist seltener als Gold und reflektiert 

mehr Licht als jedes andere Metall. Es wird darum zum Beispiel für 

Spiegel in Hochleistungs-Teleskopen eingesetzt, die die entferntesten 

Bereiche des Universums erkunden. Diese fast schon transzendenten 

Eigenschaften machen Rhodium zu dem Edelmetall 

schlechthin. 

EXKLUSIVE LIMITIERTE AUFLAGE 

Das U 87 Rhodium Edition wird nur einmalig angeboten und in einer 

einzigen, auf 500 Stück limitierten Auflage gefertigt. Jedes der 

sorgfältigst hergestellten Mikrofone ist einzeln nummeriert und mit 

einem Echtheitszertifikat versehen – persönlich unterzeichnet von 

Wolfgang Fraissinet, Geschäftsführer Neumann, Berlin. 

Das U 87 Rhodium Edition wird zusammen mit der elastischen 

Aufhängung EA 87, ebenfalls als besondere Rhodium Edition, in 

einem Aluminiumkoffer geliefert. Die beiliegenden schwarzen Hand - 

schuhe sorgen dafür, dass der tadellose Glanz des limitierten Mikro - 

fons erhalten bleibt. 

Das U 87 Rhodium Edition ist exklusiv bei ausgewählten Händlern 

ab September 2017 erhältlich. Weitergehende Informationen über 

die Rhodium Edition finden Sie auf einer eigenen Microsite zum 50. 

Geburtstag des U 87, inklusive einer aktuellen Liste der Händler, die 

die Sonderausgabe vorhalten. 

Weitere Informationen: www.neumann.com/50YEARS-U87 



SUPERSTAR HYPERDRIVE DUO SNARE 

ANIKA NILLES 

PRÄSENTIERT 

DAS NEUE SUPERSTAR 

HYPER-DRIVE DUO 

Das Superstar Hyper-Drive Duo Limited Kit kommt in einer 

neuen einzigartigen Konfiguration, mit der Drummer die 

angesagtesten Spielstile und Sounds verwirklichen können. 

Dieses Kit wird eine neue Inspirationsquelle, wie damals im 

Jahr 2008, als die Hyper-Drive-Größen vorgestellt wurden. 

Anika Nilles präsentiert mit ihrem neuen Song 

„Ndola“ das limitierte Superstar Hyperdrive mit 

dem „Duo-Snare“-System. Inspiriert von Anikas 

Spielstil hat TAMA ein Set entworfen, welches 

ein 14“-Floor-Tom beinhaltet, das sowohl als 

tiefe Side-Snare, aber auch als Tom verwendet 

werden kann. 

Das Augenmerk des Setups liegt auf der 14“x9“ „Duo Snare“ 

Diese Snare ist nicht nur aufgrund der 9“ Tiefe besonders 

interessant, sondern vor allem wegen ihrer Einsatz möglich - 

keit und Ausstattung. Sie ist mit Floor-Tom-Füßen und entsprechender 

Hardware ausgestattet. Somit hat man mehrere 

Möglichkeiten, die Trommel zu platzieren. Entweder als 

Main Snare, Side Snare oder tief gestimmtes Floor Tom mit 

abgespanntem Teppich. Das limitierte Superstar Hyper-Drive 

Duo wird jedem Drummer erfrischende Inspiration für kreatives 

Drumming liefern! 

Video: youtu.be/1HWX7Y1pt0s 

Weitere Informationen: www.tama.de 

Ideal für Musiker, Podcaster und Filmer: 

BEYERDYNAMIC PRÄSENTIERT DEN KOMPAKTEN 

MONITOR-KOPFHÖRER DT 240 PRO 

Musik entsteht nicht nur im Studio. Videos werden mittlerweile 

oft am Notebook geschnitten und Podcaster berichten 

per Smartphone von jedem Ort der Welt. Der Abhör- 

Kopfhörer DT 240 PRO von beyerdynamic passt perfekt zu 

diesem mobilen Workflow. 

Kreative können überall mit ihm arbeiten – ein Projekt 

irgendwo beginnen und anderswo fortsetzen. Ob am Misch - 

pult, hinter der Kamera oder im Zug: Der DT 240 PRO sorgt 

für lückenlose Audiokontrolle in gleichbleibender Qualität. 

Das Beste dabei: Sein günstiger Preis von 99 Euro macht ihn 

auch für Produzenten mit geringem Budget erschwinglich. 

FUNKTIONIERT AN ALLEN GERÄTEN 

Dank niederohmiger Schallwandler (34 Ohm) kommt der 

DT 240 PRO mit wenig Verstärkerleistung aus. Er funktioniert 

an echten Studiomischpulten genauso wie am Laptop 

oder Smartphone und liefert überall genügend Ausgangs - 

pegel. Ein Wechsel des Kopfhörers während der Produktion 

wird damit überflüssig. Das wirkt sich positiv aufs Klang - 

ergebnis aus, weil unterwegs derselbe Monitor als Referenz 

dienen kann wie am Arbeitsplatz oder beim Kunden. 

VOLLER KLANG UND HOHER TRAGEKOMFORT 

Wie alle beyerdynamic-Kopfhörer profitiert das neue Modell 

von der bald einhundertjährigen Erfahrung des Unter neh - 

mens. Profi-Werkzeuge wie der DT 770 PRO kommen in 

Studios weltweit zum Einsatz und haben Kultstatus unter 

Toningenieuren. In diese Tradition reiht sich der DT 240 PRO 

ein. Sein Klang zeichnet sich durch sauberen, tiefen Bass, 

lebhafte Mitten und klar definierte Höhen aus. In der Preis - 

klasse bis 100 Euro werden kreative Soundtüftler nur schwer 

etwas Vergleichbares finden. 

Dank guter Schallisolierung kommt diese Performance auch 

in lauter Umgebung zur Geltung – etwa im Messeeinsatz 

oder auf Livekonzerten. Der Kameramann und Tontechniker 

kann sich ganz auf seine Aufgabe konzentrieren. Ein satter 

Anpressdruck und dicht abschließende Ohrpolster halten 

Umweltgeräusche draußen. Gleichzeitig spürt man den Kopf - 

hörer kaum, so ergonomisch hat der Heilbronner Audio - 

spezialist seinen DT 240 PRO gestaltet. 

Dass der Neuzugang im beyerdynamic-Sortiment obendrein 

cool aussieht, freut digitale Nomaden besonders. Mit 

seinem mattschwarzen Finish macht er an professionellen 

Spiegelreflexkameras oder tragbaren Recordern eine ebenso 

gute Figur wie am privaten Audioplayer oder Smart phone. 

MIT ANDEREN WORTEN: Ein Modell wie den DT 240 PRO 

haben sich Musiker, Podcaster, YouTuber und semi-professionelle 

Filmer schon lange gewünscht. Nun hat das Warten 

ein Ende. 

Ab Oktober ist der Kreativ-Kopfhörer im autorisierten Fach - 

handel und online über www.beyerdynamic.de erhältlich. 

KOMPAKTE, ROBUSTE BAUWEISE 

Eine besondere Form der Hörerschalen macht den DT 240 

PRO sehr handlich. beyerdynamic nennt diese Mischung 

aus On-Ear- und Over-Ear-Bauweise „Compact Over Ear“. 

Sie sorgt dafür, dass beide Ohren fest umschlossen sind, 

der Abhörmonitor beim Transport aber trotzdem in eine 

Notebook- oder Kameratasche passt. Robuste Materialien 

aus der Profitechnik, ein abziehbares Spiralkabel und austauschbare 

Ohrpolster verlängern das Kopfhörerleben – für 

jahrelangen Dauereinsatz ohne Probleme. 



TRANSPORTVERSICHERUNG – LOGISTIK RICHTIG VERSICHERN 

Neben den Versicherungsfragen zu Haftpflicht oder Elektronik gibt es noch eine weitere 

Sparte: Die Ausfallversicherung, auch Contingency-Versicherung genannt 

Ein Klassiker für die Versicherung von Transporten ist die 

Transportversicherung: Für Verleihfirmen ist sie eigentlich nur 

dann notwendig, wenn man in der Equipmentversicherung 

spart und nur eine klassische Lagerdeckung hat. Dann ist 

natürlich klar, dass man oben drauf die Transporte versichern 

muss. Viele Standardmakler und -vertreter greifen zu dieser 

Lösung, aber einfach nur aus der Gewohnheit und weil sie die 

Belange der Eventszene nicht kennen. Richtig versichert man 

sein Equipment komplett über eine sogenannte Elektronik - 

versicherung. Dort sind die Lagerrisiken, die Trans port risiken, 

aber auch der Verbleib auf dem Event, die Fehl bedingung, der 

Vandalismus, Diebstahl und sogar der einfache Diebstahl mitversichert, 

zumindest dann, wenn man ein wenig auf sein 

Bedingungswerk achtet. Es sollte auf jeden Fall so sein. 

Ähnlich ist es mit dem nicht elektronischen Equipment. Das 

versichert man über eine Ausrüstungsversicherung oder 

auch Zeltversicherung. Dabei sind auch die Transporte mitversichert. 

Im Normalfall reden wir von einer Neuwertversicherung, 

sodass im Schadenfall der Neuwert reguliert 

wird. Aber auch hier unterscheiden sich die Wordings der 

verschiedenen Anbieter. Man sollte bei der Bildung der Ver - 

sicherungssumme nur nicht nach dem Carnet-Wert gehen, 

das würde zumindest bei den meisten tierisch ins Auge 

gehen. Auch wenn man das komplette Equipment dort 

findet, so stimmt dann sicherlich die Versicherungssumme 

nicht, denn ein wenig spart man beim Zoll ja schon. 

Die normalen Versicherungen haben eine EU-Deckung, darüber 

hinaus kann man natürlich weltweit versichern, was 

einfach ein paar Euro mehr kostet. Somit hätte man nahezu 

alle Gefahren überall auf der Welt an der Technik abgedeckt. 

ANMERKUNG: Wenn man Equipment leiht, sollte man wissen, 

dass der Entleiher gemäß den AGBs in jedem Fall haftet, 

die Elektronikversicherung daher eine gute Lösung ist. 

Eine Haftpflicht ist bei der Eventlogistik nicht vordergründig. 

Es sind zwar Schäden vorstellbar, doch meist werden diese 

im Rahmen der Nutzung des Kfz passieren, sind somit 

auch über die Kfz-Versicherung gedeckt. 

Hat aber schon jemand etwas von einer Hakenlastversicherung 

gehört? Hört sich lustig an, ist aber für die Logistik 

auch von Bedeutung. Wenn also für einen Event z. B. ein 

Porsche am Dach eines Hotels geparkt werden soll, um 

dort den Kunden gezeigt zu werden, dann haben wir zumindest 

dann ein Thema, wenn dieser über einen Kran auf das 

Dach gehoben wird. Was passiert, wenn der Flitzer vom 

Haken fällt und dabei, wie man sich vorstellen kann, zu 

Schrott wird? Genau dieser Part wäre über eine Haken - 

lastversicherung abgedeckt. Es ist schon sehr spannend, 

was man alles versichern kann. 

Ausfälle versichern 

Machen wir gleich mit der nächsten Exotenversicherung 

weiter: der Ausfallversicherung. Eigentlich eine ganz tolle 

Versicherungslösung, die sehr klare Versicherungs bedin gun - 

gen kennt, die sehr kurz sind und sich nicht im Dschungel 

von Paragrafen und Ein- und Ausschlüssen verlieren. Ja, 

ich weiß, eher ungewöhnlich für das extrem erotische Thema 

Versicherung. Wie sieht es also aus, wenn man eine Event - 

reihe quer durch die Republik oder vielleicht auch quer 

durch Europa organisiert hat (von der Welt gar nicht zu 

sprechen, ist aber übertragbar). Der Event in Frankreich war 

ein absoluter Bringer, alle waren begeistert und als Nächstes 

steht Köln an. Dumm nur, dass die französischen Fernfahrer 

einmal mehr streiken. Gut, an dieser Stelle könnten wir 

auch gerne die Italiener aufzählen oder wie unlängst in 

Deutschland auch immer wieder geschehen die Fluglotsen, 

das Bodenpersonal oder die Piloten der Fluggesell schaften. 

Alles Ereignisse, die den planmäßigen Event beeinflussen 

bzw. verhindern können. Aber nicht nur der Streik, sondern 

auch die Aschewolke, ein liegengebliebener bzw. verunfallter 

Lkw mitsamt des darauf transportierten Equip ments für 

die Veranstaltung und noch viele weitere Gründe mehr 

beeinflussen die Logistik bzw. die vereinbarte Er brin gung 

der Leistung. Das kann man ganz einfach über die Ausfall - 

versicherung absichern. Der Event findet dann zwar immer 

noch nicht statt, aber man bekommt die Verle gungs kosten 

(sofern dies möglich ist) oder eben auch den Totalausfall 

erstattet. Dabei bezahlt die Versicherung die Produktions - 

kosten, evtl. auch den Gewinn. Wichtig dabei ist nur, dass 

man als Versicherungsnehmer nicht an dem Ausfall schuld 

ist, sondern der Vertragspartner oder ein Dritter. Diese Aus fall - 

versicherung könnte natürlich auch den ganzen Event 

abdecken, aber das ist heute hier nicht die Frage, wir be - 

schäftigen uns erst einmal nur mit der Logistik. 

Wenn man mich jetzt fragt, ob so etwas wirklich passiert, 

dann kann ich nur sagen: Ja, und zwar gar nicht so selten. Im 

Laufe der Jahre hatten wir einige Schäden in diesem Bereich 

und diese wurden anstandslos bezahlt. Es waren genau die 

oben genannten Dinge, die passiert sind, also der Streik der 

Lkw-Fahrer, die Aschewolke, aber auch noch weitere Gründe 

wie Blitzeis auf der Straße, gesperrte Grenzen oder, oder, oder 

... Wie immer stellt sich die Frage, wo jetzt der Haken ist. 

Selten, aber hier kann man es wirklich sagen: Es gibt keinen. 

Okay, den einen oder anderen gibt es vielleicht dann doch, wir 

können nämlich nicht die finanziellen Schwierigkeiten des 

Fuhr un ternehmers versichern und eben auch nicht die fehlerhafte 

Planung im eigenen Haus. Sprich, wenn der Termin gar 

nicht gehalten werden kann, weil man beim Location- 

Wechsel das Nachtfahr ver bot oder sonstige Beschränkungen 

für die Lkws nicht berücksichtigt hat. 

DIE NÄCHSTE FRAGE BETRIFFT DEN PREIS: Es geht knapp 

unter einem Prozent der Versicherungssumme los. Diese wird 

entweder durch die Produktionskosten oder auch incl. des 

Gewinns definiert. Hat man also eine Eventreihe mit einem 

Budget von 500 000 Euro, dann reden wir im Einstiegs - 

bereich von knapp unter 5000 Euro Prämie. Der Versiche - 

rungsnehmer kann natürlich auch die Agentur sein, aber auch 

der Veranstalter oder der Dienstleister für die Technik (Licht, 

PA, Video etc.) und somit der Auftraggeber der Agentur. Das 

hat den Vorteil, dass man nicht über sein Honorar diskutieren 

muss, wenn der Event komplett ins Wasser fällt. Das ist nicht 

möglich? Ein Beispiel hierzu: Man stelle sich vor, auf dem Weg 

vom Probeaufbau zur ersten Location findet sich der Lkw im 

Graben wieder. Dem Fahrer ist nichts passiert, aber der 

Messe stand bzw. die Promotion-Deko liegen weit verbreitet 

im Feld, es regnet und man sieht die Logos des Auftraggebers 

schön dahinschwimmen. Wie immer natürlich alles Einzel - 

stücke, die speziell für den Event gebaut wurden. Das wäre 

der worst case – so was kann die ganze Eventreihe zerstören. 

Auch hierbei ist die Lösung die Ausfallversicherung. Wir sehen 

also, es kann fast alles versichert werden, ein ganz grandioses 

Tool mit sehr weitreichender Deckung. Natürlich ist in der 

Ausfallversicherung auch die höhere Gewalt abgedeckt. 

ZUM SCHLUSS WIE IMMER: Wendet euch bei Fragen an die 

wenigen Spezialmakler in der Branche. Nur so kann sichergestellt 

werden, dass man die besten Lösungen bekommt. Und 

natürlich hilft ein spezialisierter Rechtsanwalt im Vorfeld, dass 

man die Verträge richtig schließt und die Haftung so weit es 

geht minimiert. Der Rest ist dann Versicherungssache. 

Weitere Informationen: www.erpam.de 

Grafik: © alazur/ Fotolia.com 


CD-REZENSIONEN 61 

TRANCE 

»The Loser Strikes Back« 

Es waren die goldenen Achtziger, als der deutsche Hard rock 

immense internationale Erfolge feierte. Im Wind schatten der 

Scorpions und Accept positionierte sich auf Rang drei eine 

Band namens TRANCE. Ende des Jahrzehnts verstummte das 

Projekt wieder. Gitarrist Markus Berger ließ TRANCE 2011 

wieder auferstehen. Als maßgeblicher Songwriter ist er das 

einzig verbliebene Original-Bandmitglied. Er scharte versierte 

Musiker um sich wie den Drummer Andreas Neuderth, 

der auch bei den US-Metall arbeitern MANILLA ROAD die 

Felle zum Klingen bringt. Am Mikrofon macht Joachim 

Strubel den melodiösen Metal Shouter für das aktuelle 

Vinylalbum „The Loser Strikes Back“. Eine feurig-bunte 

Plattenhülle verrät den Inhalt der Vinylrillen: Power Metal 

und Hardrock. Die Rhythmus- und Saitensektion erhält hier 

und da stimmungsvolle Key-Teppiche. Der Opener „Thunder- 

bird Rising“ verrät dem aufmerksamen Metalhead und 

Hardrocker, wohin die Reise geht. In Dimensionen, die 

Accept oder Vicious Rumors wohl schon bereisten. „Loser“ 

(eine Neuaufnahme des Klas sikers), als mein Anspieltipp, 

variiert mit einem bluesigen Thema aus dem Dunstkreis 

eines Billy Gibbons. Somit aber schon genug mit Genre- 

Ausflügen. „Open Skies“ und schließlich „Trust And Glory“ 

bilden die Schlusssongs von Seite B als typische Metal- 

Hymnen im Stile von Saxon. Wer, wie bei TRANCE, der textlichen 

Philosophie „Es wird ein Held kommen … und der 

Verlierer schlägt zurück“ einfachen Erklärungen für das 

Chaos unserer Welt etwas abgewinnen kann, ist bei der 

Hardrock-Legende gut aufgehoben. Es ist gut, dass Metal- 

Helden wie TRANCE zurückkehren. 

www.trance-live-and-heavy.de 

C.S. 

CINEMA 

»The Discovering Of Time« 

Jürgen „Pöngse“ Krutzsch entdeckt die Zeit. Gemeinsam 

mit Brigitte Grafe hob der ehemalige TIBET-Gitarrist das 

Projekt CINEMA 2011 aus der Taufe. Den Krautrock hinter 

sich gelassen, beschäftigt sich Krutzsch mit Sphären - 

klängen, tanzbaren Beats oder orchestralen Kompositio - 

nen. Für das Album „The Discovering Of Time“ holte sich 

Krutzsch Verstärkung mit AXXIS-Trommler Dirk Brand, dem 

Gitarristen der Julia Neigel Band Jörg Dudys sowie dem 

Gitarristen Benjamin Peiser, u. a. bei LORD BISHOP. Auch 

Christian Schwarzbach, hervorragender Gitarrist aus 

München, spielte das Album mit ein. „Riding The Iron Horse“, 

der Opener, beginnt mit nervös pulsierenden Beats, steigert 

seine Themen bis zu einem virtuosen Gitarrensolo. „Lost in 

Space“ wirkt düster, „Frozen Time“ erinnert an Mike Oldfield 

oder Steve Vai. Der Titeltrack ist dagegen komplexer und 

hat eine kühle Industrial-Attitüde. Das Album ist ein wabern - 

der Instumental-Trip im Stile von TANGERINE DREAM. Nie 

belanglos plätschernd, sondern Geschichten und Eindrücke 

erzählend. Das funktioniert durch die Korrelation der elektronischen 

mit der analogen Musik der Gitarren. Ein intensives 

Klangerlebnis, wie CINEMA die Zeit entdecken. 

www.sireena.de 

C.S. 

YANNICK MONOT 

»Chansons de voyages 

entre amis« 

Yannick Monot ist ein wahrer Lebenskünstler, Welten - 

bummler und vor allem ein großartiger Musiker. Mit seinen 

„Chansons de voyages entre amis“ (übersetzt: Lieder aus 

Reisen unter Freunden) nimmt er die Hörer mit auf Aben - 

teuer reise. Immer im Gepäck: eine Liste von befreundeten 

Künstlern. Sie alle, egal ob sie in Schweden, Paris oder sogar 

auf Madagaskar leben, sollen eine persönliche Note auf 

dem Album hinterlassen. Und das haben sie auch. Yannick 

Monot selbst sagt über die Arbeit an diesem Projekt: „Ich 

fühlte mich manchmal wie ein Maler, der hier und da noch 

einen Tupfen Farbe mehr auftragen kann, weil er Glück hat 

und wieder jemand gefunden, der als Freund vorbeikommt 

und mitspielt.“ So kommt es, dass Jazz und Blues auf Country 

und Folk-Musik treffen, genauso wie auch auf afro-kreolische 

Rhythmen. 

Die meist französischen „Chansons de voyages entre amis“ 

stecken voller Lebensfreude und Energie. Sehr hörenswert! 

www.yannick-monot.de 

C.H. 

MY FRIEND THE IMMIGRANT 

»About Life, Death And Trees« 

Das Album „About Life, Death And Trees“ kommt locker 

und leicht daher. Mit sanften Rhythmen und Melodien 

erzählen die vier Stöbener-Brüder und „ihr Freund, der 

Immigrant“, Rinat Rashapov, Geschichten. Von Angst und 

Verlust, davon, wie es ist, mit der Natur aufzuwachsen in 

einer schneller werdenden Welt und über das, was das 

Leben lebenswert macht – eben von „Leben, Tod und 

Bäumen“. Bei „Wooden Heartbeat“ und „Fields“ spaziert 

man förmlich mit der Band durch einen Wald und durch 

weite natur. Wunderschön arrangieren die fünf Musiker ihre 

Songs, die allerdings dadurch drohen, vor sich hin zu plätschern. 

Ab wechslung bringen lediglich das rockige „The 

Writer“ und das hüpfende „Electric Souls“. Trotzdem ein schönes 

Debüt album der Indie-Popper, das auf mehr hoffen lässt. 

myfriendtheimmigrant.de 

J.H. 

LAUSCH DAS! 

»Seerosengleich« 

Öffnet man die Debütsingle „Seerosengleich“ der fünfköpfigen 

Band LAUSCH DAS!, fällt einem erst mal ein Bier deckel 

in Holz-Look entgegen. Sehr sympathisch! Der nächste Blick 

fällt auf die lächelnden Gesichter der Bandmitglieder. Na 

dann: Prost und Aufgelauscht. 

Sänger Florian W. Huber, von so manchen „Grönemeyer des 

Südens“ genannt, ist beim Deutschen Rock & Pop Preis 

schon lange kein Unbekannter mehr. Auch mit seiner neuen 

Band LAUSCH DAS! schafft er im Debütjahr 2016 gleich 

zwei Nominierungen: als beste Pop- und als beste Rock band. 

Mit deutschem Rockpop zieht auch der Song „Seerosen- 

gleich“ die Zuhörer in seinen Bann. Dabei sticht neben der 

klassischen Rockbandbesetzung ein Instrument besonders 

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62 CD-REZENSIONEN 

hervor. Bandmitglied Peter Oster bläst ab ca. der 45. 

Sekunde in das lange Didgeridoo. Das mag im ersten Mo - 

ment verwirrend sein, später möchte man diesen Part aber 

auf keinen Fall missen. Im Einklang mit den anderen, übrigens 

auch perfekt gespielten Instrumenten und dem schön 

geschrieben Text bekommt man richtig Lust, auch live zu 

lauschen. Vor allem die Pianoversion von „Seerosengleich“, 

die sich zusätzlich auf der Single befindet, lädt zum Träumen 

ein: Lichtquellen sorgen für eine romantische Atmosphäre 

und die Hände bewegen sich wie automatisch: links, links, 

rechts, rechts. 

Und noch ein weiterer Song befindet sich auf der Single: 

die Hermann-Hesse-Vertonung zu „Welkes Blatt“. Sie zeigt, 

dass die Band es versteht, sich an einer Palette von großen 

Künstlern sowohl der Vergangenheit als auch der Gegen - 

wart zu bedienen und dabei eine einzigartige Kombination 

zu erschaffen. LAUSCH DAS! 

www.lauschdas.de 

C.H. 

spiel diverser, zum Teil auch ausgefallener Instrumente. Um 

nur einige zu nennen: Tamburin, Darbuka, Rain Stick oder 

Kalimba und Schamanentrommel. Die Melodie ihrer Lieder 

ist dabei stets einfach. Der Text, den Lydia Witsch singt, 

wird häufig wiederholt, damit die Worte leicht mitgesungen 

werden können. Die Wirkung ist raffiniert: Ohne darüber 

nachzudenken, entspannen sich Atem und Muskeln. „Der 

Stress lässt nach und die selbstheilenden Kräfte werden 

aktiviert“, so Lydia Witsch. Wer nach neuer Energie durstet, 

sollte unbedingt in das „Klangmandala“ mit seinen heilsamen 

Liedern reinhören. Das Mitsingen und Entspannen 

kommen dann von ganz allein. 

www.praxis-bte.de 

C.H. 

John und Michael Jackson. Außerdem stand er bereits mit 

Legenden, beispielsweise mit Phil Collins, auf der Bühne. 

Mit seinem Album „Liaison Vol. 1“ erfüllt Robin Sun sich einen 

Lebenstraum. Dabei bedient er sich an hinreißenden Liedern 

diverser Sparten: Musical, Oper, Schlager, Pop, Gospel. Er 

interpretiert musikalische Schätze, zum Beispiel von Richard 

Page, Harvey Schmidt, Tom Jones, Rolf Lovland und 

Brendan Graham, für sich. Aus all den großartigen Songs 

schafft der Sänger und Entertainer ein einzigartiges Ge samt - 

kunstwerk. 

11 Balladen, 45 Minuten – mehr als eine Liaison. 

www.robin-sun.com 

C.H. 

LOOPAHEAD 

»The Other Side Of Loopahead« 

Die drei sind besondere Künstler des Blues und des 

Loopens: Udo Lummer und Paul Gerhard Lange experimentieren 

gern mit einem Looper, der bei ihnen aber lediglich 

für die Schlagzeugrhythmen zuständig ist. Darüber 

spielen sie sanft groovenden, nachdenklichen Blues. Für 

ihre neue CD „The Other Side Of Loopahead“ haben sie 

Saxophonspieler Tino Lange an Board geholt. Zwölf Tracks 

umfasst das Album, beginnt mit „Fragile“, „Lowdown“ und 

„Georgia On My Mind” ruhig und jazzig. Ein richtig toller, 

rollender Boogie ist der „Mercury Blues“. Sofort will der 

Zuhörer mitwippen, bevor er bei „Hard Times“ wieder die 

Augen schließen und nachdenken kann. Auf der „Route 

66“ geht es swingend in die ruhig groovende „Summer- 

time“. Insgesamt ein toller, abwechslungsreicher Mix für 

Fans entspannter Bluesmusik. 

www.loopahead.de 

J.H. 

LYDIA WITSCH 

»Klangmandala« 

Lydia Witsch ist nicht nur Sängerin, Musikerin und Kom - 

ponistin, sie ist auch staatlich geprüfte Heilpraktikerin für 

Psychotherapie sowie Musik- und Gesangstherapeutin. 

Verbindet man ihre musikalische Kompetenz mit den therapeutischen 

Fähigkeiten, entsteht etwas, das neue Lebens - 

kraft spendet. 

„Klangmandala“: Passender hätte der Titel von Lydia Witschs 

Album nicht sein können. 

Neben der klassischen Gitarre setzt sie auf ein Zusam men - 

MELLOW MELANGE 

»Shakespeares Sonette« 

„Nimm mich hin. Dein Will!“ ist der Co-Titel dieses Albums 

des Quintetts mit Sängerin Sonja Firker. Gesprochen oder 

gesungen, getrommelt und gefidelt werden die Sonetten. 

Gekonnt in Vortrag und Melodie. Petra Janina Schultz von 

der Bremer Shakespeare Company trägt die Zeilen vor. 

Perfekt intoniert. Die poetischen Kleinode des literarischen 

Schwergewichts werden leicht tänzelnd und poppig vorgetragen. 

Kontrabass, Piano, Geigen und Flöten stellen eine 

angemessene Besetzung dar. Sollte dies wem in der Album - 

version allzu brav klingen, der überzeuge sich bei einem 

der Auftritte von MELLOW MELANGE, dass ihr Werk sehr 

lebhaft und leichtfüßig sein kann. Diese Melange aus 

Chanson, Jazz, Pop und Rock. 

www.mellow-melange.de 

C.S. 

ROBIN SUN 

»Liaison Vol. 1« 

Balladen-Liebhaber aufgepasst! 

Die musikalische Liebesgeschichte von Robin Sun geht 

definitiv über eine Liaison hinaus. Seine Leidenschaft für 

Musik und Entertainment wurde ihm nach eigenen An - 

gaben schon familiär in die Wiege gelegt. Als er gerade mal 

sechs Jahre alt war, startete die Laufbahn des späteren 

Sängers mit Orgelunterricht. Mit 13 kam der erste Auftritt 

und bald begann Robin Sun, sich auch für Gesang zu 

begeistern. Heute imitiert er Größen wie Elvis Presley, Elton 

PETER SIMON COMPANY 

»Harvest« 

Diesmal bringt Peter Simon mal nicht solo oder mit Glenfiddle, 

sondern mit der Peter Simon Company ein neues Album auf 

den Markt. Eine Wundertüte, prall gefüllt mit zwölf Liedern, 

die zwischen Folk, Country, Pop und Singer-Songwritertum 

schwingen. Den ersten Song „Trump It“ widmet Simon dem 

US-Präsidenten: „He talks a lot of bullshit. Not just a little 

bit.” Großartig, wie der Sänger das auf die Schippe nimmt. 

Ein paar Coverversionen sind auch auf der Platte. Fan tas - 

tisch, wie die Band aus dem Rolling-Stones-Klassiker „Honky 

Tonk Women“ einen Gute-Laune-Folksong macht. Nur um 

als Nächstes „The Letter“ der Countrygröße Wayne Carson 

Thompson mit teils rotziger Rockstimme, teils mit klarem 

Backgroundgesang anzustimmen. Das Album ist eine gelungene 

Mischung zwischen eigenen Songs und Coverver - 

sionen, zwischen verschiedenen Musikrichtungen. Nur eines 

ist es nicht: Beliebig. 

www.peter-simon.com 

J.H. 

AMPLIFIED HATE 

»Crossroads« 

Freunde der harten Musik aufgepasst! Denn die Hardcore- 

Truppe AMPLIFIED HATE hat ein neues Album auf dem Markt! 

„Crossroads“ heißt die Scheibe und umfast zwölf knallharte 

Bretter. „Reset“, „State Of Mind“, „Cold Black Heart“ – 

egal, welchen Song man aufdreht, immer hauen die fünf 

Musiker aus dem Chiemgau dem Zuhörer fette Riffs, wummernde 

Doppel-Bässe und krasses Screaming und Shouting 


CD-REZENSIONEN 63 

um die Ohren. Abwechslungsreich ist das Album nicht wirklich 

– aber dafür umso härter und treibender. Wer auf Helene 

Fischer steht, wird bei den Liedern erschrocken wegrennen. 

Wer hingegen bei Bands wie Sick Of It All, Agnostic 

Front oder Hatebreed (mit denen die Chiemgauer schon 

allesamt auf der Bühne standen) ausflippt, wird aus dem 

Headbangen nicht mehr herauskommen. 

www.facebook.com/amplifiedhatehc 

J.H. 

FRÄULEIN BRECHEISEN 

»Supergrattler« 

Ziemlich elektronisch mit abgefahrenen Synthesizer- 

Sounds beatet sich das Kollektiv „Fräulein Brecheisen“ 

durch sein Album „Supergrattler“. Automatisch fühlt man 

sich in eine Disco der 80er- oder 90er-Jahre versetzt. Sie 

selbst ordnen sich irgendwo zwischen Dance, Disco, Neue 

Deutsche Welle und Punk ein, nur um dann doch wieder 

über die Genregrenzen hinaus zu tanzen. „Wir sind alle nur 

Roboter, mach dich locker“, singen sie zu spacigen 

Klängen. Das Lied „Zeitgeist“ erinnert stark an Sounds der 

Neuen Deutschen Welle, „Dystopie“ könnte beinahe auf 

einem Deichkind-Album erscheinen. Bei „Dirty Hairy“ und 

„Stahlbeton und Glas” merkt man, wie gern das Ensemble 

mit Electronic-Elementen spielt. Zusammengenommen ist 

das Album eine Einladung, nein, eine Aufforderung zu tanzen. 

Wer Deichkind mag, wird auch Fräulein Brecheisen 

gern hören. 

brecheisen.biz 

J.H. 

ANDREAS BERGERSBACHER 

»Windkanal« 

„Windkanal“ ist die brandaktuelle Maxi-Scheibe von Andreas 

Bergersbacher. Die Biographie des Kaufmanns liest sich wie 

eine typische Schlagerkarriere. In den 80ern erste Erfolge 

gefeiert und einige Wettbewerbe gewonnen, wirkt das Talent 

Bergersbacher heute reifer denn je. 1994 qualifizierte er sich 

gar mit dem Titel „Alle für Alle“ für die ZDF Hit parade. 

„Windkanal“ lässt vielleicht die Ex-Partnerin aufhorchen, so 

verarbeitet eben ein Schlagersänger die Ver gangenheit. „Was 

die Zeit dir auch bringt“ klingt unfreiwillig witzig, erinnert der 

Song doch ein bisschen an Hubert Kahs „Sternenhimmel“. 

Fazit: Andreas Bergersbacher bewegt sich irgendwo zwischen 

Matthias Reim und Wolfgang Petry – und wer weiß, was für 

ein Mega-Engagement auf Malle ihn noch erwarten könnte. 

www.andreasbergersbacher.de 

C.S. 

EVA KYSELKA 

»Wirst Du Mich Hören« 

Ein „Ja!“ entweicht mir spontan auf Eva Kyselkas rhetorische 

Frage. „Wirst du mich hören“ ist ein Album der Ge fühle, der 

Grooves, des deutschen Soul und Soft-Pop mit Anspruch. 

Inhaltlich thematisiert Eva Toleranz, Natur- und Artenschutz, 

Haltung gegen Gewalt und positioniert sich gegen die 

Zerstörung unseres einzigartigen Planeten, wie in „Blauer 

Planet“. Die Künstlerin und Absolventin der Musik hochschule 

Weimar lässt Seeleneinblicke zu. Sie verarbeitet den Tod ihrer 

Mutter im Titelsong „Willst du mich hören“. Gesanglich wird 

sie in einigen Songs von gut aufgelegten Gästen ergänzt, wie 

Bernard Mayo, der an Youssou N Dour erinnert. Oder Ricardo 

Moreno, der beim Opener „In diesen Tagen“ für spanisches 

Flair sorgt. Eine überraschende Cover version ist „Einer von 

uns“, Joan Osbornes „What If God Was One Of Us“, zärtlich 

und würdig gelungen. Eva Kyselka beglückt auch mit weiteren 

Versionen von „Wirst du mich hören“, so auch einer Live- 

Version. Ich kann das „Ja!“ ausdrücklich beim Hören dieses 

wunderschönen Albums wieder und wieder bestätigen. 

www.evakyselka.de 

C.S. 

DEINE FREUNDE 

»Keine Märchen« 

Das Hamburger Hip-Hop-Trio DEINE FREUNDE veröffentlicht 

am 03.11. ihr viertes Studioalbum „Keine Märchen“ und 

trennt sich damit endgültig vom Dogma des Wortes Kinder - 

musik, denn wer bei DEINE FREUNDE „Alle meine Entchen“ 

sucht, wird lange suchen müssen. DEINE FREUNDE machen 

Hip-Hop-Musik, und zwar vom Feinsten – und für die 

Feinsten. Florian Sump, Markus Pauli und Lukas Nimscheck 

sind die coolste Kinderband der Welt, die ihren eigenen Stil 

entwickelt hat – und der ist kompromisslos und bunt, mit 

Ecken und Kanten und dem ein oder anderen Ohrwurm. Die 

Songs des neuen Albums erinnern eher an Depeche Mode 

statt an Hänschen Klein, „Ohne mein Brudi“ ist pure Straße 

jenseits von Stützrädern und Autoteppich und „Mecker“ eine 

Ode an alle Schulhof-Storyteller. In „Mein lieber Freund“ entlarven 

DEINE FREUNDE einen der hilflosesten Elternsprüche: 

„Ich zähl bis Drei! Eins, zwei, zweieinhalb, zweidreiviertel ...“ 

Drei äußerst erfolgreiche Alben und ihre ausverkauften Touren 

zeigen: Deutscher Rap muss nicht aus dem Ghetto kommen, 

Kinderliedtexte müssen nicht aus Bienchen, Entchen 

und Vögelchen bestehen. 

www.deinefreunde.info 


64 TITELSCHUTZANZEIGEN 

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„Musik, die Kinder in 

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„New York City Lights“ 

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REIDAR JENSEN FEAT. 

DETLEF BLANKE 

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DIE PLANK 

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CASSROLL 

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14.10.2016 

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MAGAZIN 

Herausgeber: 

Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. 

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Redaktion 

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Verantwortl. Redakteur (V.i.S.d.P.): 

Ole Seelenmeyer, os@musiker-online.com 

Freie Mitarbeiter und Gastautoren: 

Norbert Aping, Janina Heinemann, 

Celia Hoffmann, Wolfgang Motzkau-Valeton, 

Jana Moysich, Ronja Rabe, Katja Rake, 

Christian Schöning 

Anzeigenleitung: 

Ole Seelenmeyer 

Anzeigenassistenz: 

Katja Rake 

Zurzeit ist die Anzeigenpreisliste Nr. 31 

vom 1. Januar 2017 gültig. 

Layout: 

Ana Seelenmeyer 

Lektorat: 

Heike Funke 

Druck: 

L.N. Schaffrath GmbH & Co. KG 

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Musiker Magazin erscheint 4 x jährlich 

Copyright und Copyrightnachweis für alle 

Beiträge: Nachdruck, auch auszugsweise, 

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