Caliban | Programmheft | Junge Oper Rhein-Main | 2018

CALIBAN

CALIBAN
Kammeroper für drei Sänger*innen, einen Sprecher und elf Instrumentalist*innen
Musik
Libretto
Freitag, 26. Oktober 2018
Theater Rüsselsheim
Samstag, 10. November 2018
Stadttheater Aschaffenburg
Caliban
Prospero
Miranda
Ferdinand/Stephano
Trinculo
Moritz Eggert
Peter te Nuyl
Michael Long
Josia Jacobi
Katharina Nieß
Thomas Dorn
Manuela Strack
Regie
Max Koch
Bühne
Theresa Steinert
Kostüm
Sophie Simon
Kostümassistenz Natascha Dick
Dramaturgie
Judith Kissel
Inspizienz
Daniela Kiesewetter
Produktionsassistenz Clemens Gaberdiel
Musikalische Leitung David Holzinger
Musikalische Assistenz Anja Abler
Korrepetition Julian Mörth
Orchester
William Overcash
Minhee Lee
Sherry Kim
Thomas Dittmann
Raúl Flores Aloy
Sonja Dörner
Bálint Gyimesi
Johannes Maruschke
Lukas Kling
Andriy Lisovsky
Anja Abler
Management
Violine
Viola
Violoncello
Kontrabass
Schlagwerk
Flöte/Piccolo/Kontrabassflöte
Klarinette/Bassklarinette
Trompete
Tenor-/Bassposaune
Akkordeon
Keyboard
Björn Rodday
Manuela Strack

VORWORT
von Moritz Eggert
Dass sich eine unabhängige Opernkompanie wie die Junge
Oper Rhein-Main einer Oper wie „Caliban“ annimmt, ist
keine Selbstverständlichkeit. Neuinszenierungen gerade
eben uraufgeführter Opern sind selbst im Standard-Opernbetrieb
keineswegs häufig, sondern eine große Seltenheit. Im
freien Opernbetrieb finden sie dagegen quasi nicht statt –
wir haben dort inzwischen alles, von „Carmen im Wohnzimmer“
bis zu „Don Giovanni im Dönerladen“, aber keineswegs
würde man zum Beispiel „Die Soldaten“ oder „Das Mädchen
mit den Schwefelhölzern“ aufführen, auch, weil diese Opern
viel zu aufwändig sind, um sie in einer Produktion der freien
Szene zu präsentieren.
In der Geschichte der Oper haben private Initiativen
wie zum Beispiel die Florentiner Camerata immer eine
große Rolle gespielt. Viele Opernhäuser existieren überhaupt
nur deswegen, weil Privatleute ihr Geld dafür gesammelt
haben. Das Repertoire der Oper war für einen Großteil ihrer
Geschichte immer zeitgenössisch und keineswegs museal,
die Dominanz des Alten setzt erst mit dem Beginn des 20.
Jahrhunderts ein und dauert bis heute an. Die Junge Oper
Rhein-Main kann sich also auf eine große und für die Operngeschichte
essentielle Tradition berufen: Es war selbstverständlich,
dass das, was man aufführte, auch neu war.
Warum nicht auch heute?
Ich freue mich daher sehr, dass die Junge Oper
Rhein-Main diesen Weg konsequent geht und die Deutsche
Erstaufführung meiner Oper „Caliban“ unter großem Einsatz
und bewundernswerter Eigeninitiative möglich macht. Sie
setzt hiermit auch politisch ein sichtbares Zeichen für den
selbstverständlichen Umgang mit der Musik der heutigen
Zeit, was im Opernbetrieb keineswegs eine Selbstverständlichkeit
ist.
Dass diese Aufführungen jungen Talenten im Bereich
Gesang, Regie, Dirigieren und Bühne/Kostüm eine
Möglicheit geben, sich zu erproben, ist ein schöner und
sehr wichtiger weiterer Effekt der ganzen Unternehmung.
Ich wünsche daher der Jungen Oper Rhein-Main von
Herzen viel Erfolg auf diesem Weg, bedanke mich bei den
vielen Sponsoren und Förderern, die dieses Unterfangen
möglich gemacht haben, und freue mich auf viele weitere
Projekte, die aus der Liebe zur Oper entstehen mögen. Denn
ohne Liebe haben wir keine Chance.
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HANDLUNG
Caliban – Kammeroper von Moritz Eggert
Prospero, ehemaliger Herzog von Mailand, ist vom Thron
gestoßen und gemeinsam mit seiner Schwester Miranda
auf eine weit entfernte Insel verbannt worden, wo er seitdem
auf seine Chance wartet, wieder nach Hause zurückzukehren.
In dem Eingeborenen Caliban, dem einzigen
Bewohner der Insel, sieht er einen unkultivierten Wilden und
hält ihn als Sklaven.
Szene 1 „Über Sprache und Macht“
Prospero trainiert mit Caliban Vokabeln: Muskatnuss, Öl,
Demokratie. „Die Sprache Shakespeares und Jeffersons“ ist
in seinen Augen die Macht, die den Menschen vom Kannibalen
trennt. Bei jedem Fehler bestraft er Caliban hart.
Szene 2 „Über Liebe und Schuld“
Caliban und Miranda begegnen sich allein und nähern sich
zärtlich an. Miranda ist fasziniert von Calibans Geruch nach
Fenchel, Salbei, Rosmarin und Nelken; fast kommt es zum
Kuss der beiden. Doch Prospero hat die Begegnung bemerkt
und fährt brutal dazwischen. Er beschimpft Caliban
und beschuldigt ihn der versuchten Vergewaltigung.
Szene 3 „Über Sturm und Schiffbruch“
Prospero träumt, er könne das Schiff des neapolitanischen
Prinzen Ferdinand zum Kentern bringen und diesen so auf
die Insel holen. Durch dessen Heirat mit Miranda soll sie
wieder zu Besitz und Macht gelangen. Er steigert sich in
diese Fantasie hinein und bricht schließlich ermattet zusammen.
Szene 4 „Über Herr und Sklave“
Caliban wird das Unrecht klar, das Prospero ihm angetan
hat: Er selbst war zuvor Herr der Insel gewesen, bis Prospero
seine Naivität und Hilfsbereitschaft ausnutzte und ihm
Freiheit und Heimat nahm. Mutig begehrt er nun auf, doch
Prospero korrigiert seine Vorwürfe: Er habe Caliban erstmals
wie einen Menschen behandelt, ihn Sprache, Moral
und Anstand gelehrt. Calibans Übergriff auf Miranda habe
jedoch ausreichend bewiesen, dass er nur ein Tier sei, das
Prügel und Strafe verdiene.
Szene 5 „Über Ertrinken und Betrinken“
Caliban sammelt Holz für Prospero. Als er Geräusche hört,
fürchtet er sich vor erneuter Bestrafung und stellt sich tot.
Doch es sind Trinculo und Stephano, Freunde des Prinzen
Ferdinand, die neu auf der Insel angekommen sind und sich
schließlich gemeinsam mit Caliban betrinken. Dieser zeigt
ihnen die Insel und hofft, dass ihn Stephano, der ihm im
Alkoholrausch gottgleich erscheint, von Prospero befreien
kann.
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Szene 6 „Über Liebe und Spiele“
Miranda und Ferdinand begegnen sich alleine. Ferdinand
umwirbt Miranda und gibt sich als Mann von Welt. Schließlich
gestehen sie sich ihre Liebe. Eifersüchtig und enttäuscht
beobachtet Caliban die Szene und begreift die Oberflächlichkeit
wie Doppelbödigkeit ihres Spiels.
Szene 7 „Über das Lecken von neuen Schuhen“
Caliban versucht Stephano davon zu überzeugen, Prospero
zu ermorden, Miranda zu heiraten und die Macht über die
Insel zu übernehmen. Dieser Plan trifft auf offene Ohren:
Stephano und Trinculo folgen Caliban, um es mit Prospero
aufzunehmen. Doch dieser ahnt die Verschwörung bereits.
Szene 8 „Über Freiheit“
Enttäuscht von der Hinterlistigkeit seines Sklaven Caliban
schwört Prospero Rache.
Szene 9 „Über Gier und Unterdrückung“
Stephano und Trinculo lassen sich von Prosperos Schätzen
ablenken, vergessen den Plan der Übernahme der Insel und
raffen stattdessen alle Reichtümer zusammen. So werden sie
gemeinsam mit Caliban von Prospero gefasst und bestraft.
Szene 10 „Über Zivilisation“
Wenige Monate später in einem Palast in Neapel spielen
Ferdinand und Miranda miteinander Schach. Caliban dient
ihnen als Sklave.

VOLLER LEBENDIGKEIT
Judith Kissel im Gespräch mit Moritz Eggert, Max Koch und David Holzinger
Moritz, du schreibst Musik über Fußball, Twitter, Schnecken
oder die Nutzungsbedingungen von Google; wie
kamst du zum klassischen Shakespeare und zu „Caliban“?
Moritz Eggert: Die Idee kam von der Regisseurin der Uraufführung,
Lotte de Beer, und sie schlug auch den großartigen
Autoren Peter te Nuyl für das Libretto vor. Ich selbst wiederum
hatte schon immer ein Faible für Underdog-Stoffe, auch
ein Thema meiner Oper „Freax“. Sich auf eine Figur wie Caliban
zu konzentrieren, fand ich perfekt für eine Kammeroper.
Shakespeare ist für mich immer noch voller Lebendigkeit
und das lebensbejahendste Theater überhaupt. Alles was
im Leben Platz hat, findet auf der Bühne erst seinen wahren
Raum.
In welcher Hinsicht ist „Caliban“ ein aktueller Stoff, der mit
unserem Leben zu tun hat?
Moritz Eggert: Wir leben in einer Welt, in der wir das ernten,
was aus jahrzehnte- bis jahrhundertelanger Unterdrückung
entstanden ist. Uns allen ist klar, dass vieles was in Krisengebieten
passiert und uns durch Phänomene wie Terrorismus
entgegenschlägt, mit Entwicklungen zu tun hat, die wir
selber als gewissenlose und ausbeutende Kolonialmächte
ins Leben gerufen haben. Umgekehrt ist diese Vorgeschich-
te keineswegs eine Entschuldigung für Völkermord und Gewalt.
Caliban ist hierbei für mich eine symbolische Figur –
ihm wird Gewalt angetan als Ureinwohner der Insel, und am
Ende des Stückes kehrt er den Spieß um. Ist er also Held
oder Opfer oder vielleicht auch Täter? Diese Frage finde ich
sehr interessant.
Das ist ein komplexes Thema. Max, wie gehst du das in
der Inszenierung der Oper an?
Max Koch: Wir haben es in „Caliban“ mit Figuren zu tun,
die an einem Ort leben, an den sie nicht freiwillig gekommen
sind. Sie sind vertrieben worden, mussten fliehen und
treffen nun ohne den Schutz ihres vertrauten Umfelds aufeinander.
Ich will erzählen, aus welchen unterschiedlichen
Lebenssituationen sie kommen und welchen Herausforderungen
sie sich nun in der Konfrontation mit anderen stellen
müssen. Wie begegne ich den anderen? Nehme ich sie als
mir fremd oder mir ähnlich wahr? Bin ich bereit, Kompromisse
hinsichtlich meiner Gewohnheiten und Lebensentwürfe
einzugehen, um mit anderen zusammenzuleben, zu
einer Gemeinschaft zu werden? – Das sind Fragen, die in
der Oper immer wieder gestellt werden. Und immer wieder
bekommen auch die Figuren Chancen, diese Fragen neu zu
7

eantworten, sich anders als zuvor zu entscheiden. Dass sie
diese Chancen nicht ergreifen können – aus Angst, aufgrund
von Schwäche oder Groll – sondern sich die Spirale der Gewalt,
Enttäuschung und Wut immer weiter dreht, macht die
Geschichte so tragisch und aktuell.
Der Konflikt wird zunächst zwischen Prospero und Caliban
deutlich. Sie eint ein gemeinsames Schicksal – doch die
Möglichkeit, sich zu verbünden entsteht nicht. Woran liegt
das?
Max Koch: Das liegt vor allem an Prospero, der von Anfang
an nicht bereit ist, vielleicht auch nicht in der Lage ist, Caliban
auf Augenhöhe zu begegnen und ein Zusammenleben
zu ermöglichen. Er hält stur an seinem Weltbild mit unverrückbaren
Macht- und Hierarchiestrukturen fest und muss
sie – und da kommt die Gewalt ins Spiel – unbedingt auch
Miranda und Caliban aufzwingen. Für jene tut sich in ihrer
zarten Begegnung schließlich eine wirkliche Alternative auf,
ein eigener möglicher Lebensentwurf, den Prospero jedoch
brutal zerstört. Damit schafft er Leid, Unterdrückung und
Ungerechtigkeit, aus der sich die anderen schließlich nur
befreien können, indem sie selbst zu Tätern werden.
Auch die Musik betont die Unterschiede: Caliban kann
singen, Prospero ist als Schauspieler angelegt – ein Duett
ist von Vorneherein ausgeschlossen. Warum sind sie sich
so fremd?
Moritz Eggert: Prospero kommt aus einer komplett anderen
Welt, die sich vielleicht rühmt, nicht mehr ihren ursprünglichen
Emotionen ausgeliefert zu sein. Diese Welt empfindet
sich als „fortschrittlicher“, ist technisch weiter, traut aber
ihrer eigenen Stimme nicht mehr. Daher ist es für mich klar,
dass Prospero nicht mehr singt, er hat es schlicht und einfach
verlernt.
Wie verändern sie sich im Verlauf der Oper?
Max Koch: Prospero bleibt bei uns unverändert und stur.
Caliban aber verändert sich durch die Gewalt, die er durch
Prospero erlebt. In gewisser Weise kann man sagen, dass
Prospero ihn mehr und mehr durchdringt: Seine Gewalt
staut sich in Caliban zum Hass auf und sein Denken – über
Macht, Herrschaft und Besitz – bringt Caliban zur Erkenntnis,
dass er sich die Insel, die ihm einst gehörte, wieder erkämpfen
muss. Das war für ihn zuvor nicht relevant.
Wie ist das mit Miranda?
Max Koch: Für sie war Caliban offensichtlich nie ein Fremder,
für sie war nie relevant, ob er ihre Sprache spricht oder
nicht. Sie sieht ihn mit anderen Augen als Prospero, was die
ehrliche, zarte Begegnung zwischen den beiden ermöglicht.
Doch Prospero und seine brutale Intervention – aber auch
Calibans harte Worte – haben sie enttäuscht und verändert,
sodass sie, als sie Ferdinand begegnet, bereit ist, eine
Zweckehe einzugehen und Prosperos Plan zu erfüllen.
Wie erzählt Moritz Eggerts Musik diese Geschichte? Was
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Listen to the voices
and noises of the isle.
Music is in the air and
in the earth. Caliban

passiert zum Beispiel im Orchester, David?
David Holzinger: Wir haben eine kleine, kammermusikalische
Orchesterbesetzung mit nur elf Instrumentalist*innen,
aber dafür ein besonders großes und farbenreiches Instrumentarium:
Eine Kontrabassflöte, die sehr selten im üblichen
Konzertrepertoire zu hören ist, bringt einen dunklen, warmen,
erdigen Klang in die Musik. Ein synthetisches Keyboard mit
zahlreichen Effekten – darunter das zentrale „Toy Piano“,
das sich mit einer prägnanten Melodie durch die Oper zieht
– wird genutzt. Das architektonische Zentrum, oder das
Herzstück der Oper ist jedoch die erweiterte Schlagwerksektion
mit fünfzehn verschiedenen Instrumenten, die von nur
einem Perkussionisten übernommen wird.
Stehen Musik und Instrumentierung in Beziehung zur
Handlung?
David Holzinger: Ja, unbedingt. Die Kontrabassflöte zum
Beispiel ist klar der Welt Calibans, der Insel und der Natur
zugeordnet. Ihre Farbe charakterisiert die Inselsituation
ebenso wie Caliban selbst in seiner Naturverbundenheit und
Ursprünglichkeit. Gleichzeitig spielt sie durch ihren ungewohnten
Klang mit Fremdheitsgefühlen der Zuhörenden.
Ähnlich ist das mit den verschiedenen musikalischen Stilen,
die Moritz Eggert bewusst und musikdramaturgisch begründet
einsetzt: Ein Rock-Anthem markiert einen Moment des
Aufbegehrens Calibans, ein barocker Gesangsgestus zitiert
die höfische Sphäre, aus der die Neuankömmlinge stammen
und in der sie verhaftet sind. Egal ob liedhafte, choralartige
oder popmusikalische Elemente – die Musik hat stets
unmittelbar mit den Figuren und der Handlung zu tun, hat
selbst ein szenisches Bewusstsein.
Moritz Eggert: Ja, da Oper immer mit Emotionen zu tun
hat und ihre eigentliche Stärke in der tiefenpsychologischen
Deutung mittels Musik liegt, kann man als Komponist nicht
umhin, als sich in die Figuren mit Sympathie hineinzudenken.
Hierbei ist für mich ewig Mozart Vorbild, der sich selbst
in die kleinsten und unwichtigsten Nebenfiguren hineinversetzt
und in ihnen einen Kosmos an Bedeutung findet, woraus
die schönsten Arien resultieren. Diesen grundsätzlichen
Respekt vor jeder Figur möchte ich auch walten lassen, ich
hasse es, wenn alles nur abstrakt und Symbol für etwas ist.
Was ist dir wichtig, wenn das Ensemble deine Musik auf die
Bühne bringt? Gibt es für dich so etwas wie Werktreue?
Moritz Eggert: Die größte Musik ist die, die man auf hunderte
Weisen interpretieren kann, und in der man dann immer
neue Sachen entdeckt. Eine sorgfältige Realisation kann
in Entscheidungen münden, die vielleicht sogar gegen die ursprüngliche
Intention des Komponisten gehen. Solange ich
lebe, werde ich dazu eine Meinung haben – manches wird
mir vielleicht nicht gefallen, manches wird mich überzeugen.
Aber am Ende des Tages habe ich mein Stück in die Welt
gesetzt und es aus der Hand gegeben. Es ist die Aufgabe der
Musiker*innen, verantwortungsvoll damit umzugehen.
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Listen to the
noises and
voices of the
isle. Music is
in the air and
in the earth
Caliban

ÜBER FREMDHEIT
Kannibalen – das sind immer die anderen
Als William Shakespeare 1611 sein Schauspiel „Der Sturm“
veröffentlichte, blickte man voller Faszination und Furcht auf
die fremden Welten und Kulturen mit ihren „wilden“ Tieren
und Menschen, die durch Expeditionsfahrten zur See nun in
greifbare Nähe rückten. Schon bevor Christoph Kolumbus
in seinem Logbuch am 23. November 1492 von den auf der
Insel Hispaniola so gefürchteten „Caniba“ berichtete und den
Namen zu einer der wirkungsmächtigsten Fremdzuschreibungen
lieferte, war man in Europa fest davon überzeugt,
am Rande der bekannten Welt müsse es anthrophagische
(menschenfressende) „Völker“ geben. Die karibischen „Canibales“
erschienen als erste Verkörperung dieser Vorstellung,
aber auch, was man sich nun über die „Westindier“ erzählte,
über ihre halbtierische, dämonische Rohheit, bestätigte
dieses Bild der außereuropäischen Fremde.
Bereits bei Kolumbus wurde klar, dass die vermeintlichen
Kannibalen immer jeweils auf der jeweiligen Nachbarinsel
lebten, diese Zuschreibung also stets gegenseitig
war und immer „die Fremden“ bezeichnete. Später, als sich
schiffbrüchige Seeleute, die in der Not einen Kameraden
verspeist hatten, regelmäßig in Gerichtsprozessen zu verantworten
hatten, trat in dieser Furcht vor dem Fremden die
Angst vor der eigenen Entmenschlichung zu Tage. Und doch
gehört der Kannibalismusvorwurf zu den stabilsten Topoi der
Darstellung fremder Kulturen, diente zur massiven Diskriminierung
von indigenen Bevölkerungsgruppen und schrieb sich
in die Geschichte der gewaltvollen Kolonialisierung zahlreicher
Länder und Regionen ein.
Affe, Bastard, Fisch, Sklave, Monster – es sind nicht
Shakespeare oder Peter te Nuyl, die Caliban so beschreiben;
es sind die anderen Figuren des Stücks, die ihn als wild und
fremd betrachten. Es steht also weniger „der Wilde“ selbst
auf der Bühne, sondern vielmehr der – weiße, kolonialistische
– Blick auf ihn, der die Hierarchie, Herrschaft und Ungerechtigkeit
erst verursacht. Diese Konstruktion einer Andersartigkeit
zwischen einem weißen, europäischen, hegemonialen
„Wir“ und dem vermeintlich wilden, barbarischen „Anderen“
fasst der Literaturtheoretiker Edward Said mit dem Begriff
des „Othering“, also der „Fremdmachung“ Anderer, der eine
Hierarchisierung inkludiert.
Wenn Max Koch in seiner „Caliban“-Inszenierung
die Figur des Prospero „entzaubert“, ihn der tatsächlichen
Zaubermacht entledigt, nimmt er diese Prozesse ernst. Hier
begegnen sich die Figuren als einfache Menschen, und die
Gemachtheit und Willkür entstehender Macht- und Herrschaftsverhältnisse
wird sichtbar.
14

Language is
the only
power that
saves us
from being
cannibals.
Prospero

MICHAEL
LONG
Caliban
Michael Long wurde 1987 in Shenyang in China geboren.
Seine musikalische Ausbildung begann er unter Anleitung
seiner Mutter am Klavier, 2003 setzte er sie an der Shenyang
Musikhochschule fort.
Bei dem namhaften Bariton Liu Song-Hu nahm
er erstmals Gesangsunterricht und zog in Folge 2008
nach Wien, um zunächst am Konservatorium der Stadt
Wien und später am Gustav Mahler-Konservatorium zu
studieren. 2011 wechselte er ans renommierte Prayner
Konservatorium und in die dortige Opernklasse. Seit 2010
wird er von der Sopranistin Anna Ryan unterrichtet, weitere
künstlerische Impulse erhält er in der Arbeit mit Maestro
Maximilian und Ljerka Cenčić.
Drei Jahre lang war er in Konzerten des Vienna Imperial
Orchestra und Wiener Royal Orchester als Solist zu
hören. Als lyrischer Tenor glänzte er in zahlreichen Opern-
Galas mit Arien aus u. a. Donizettis „Lucia di Lammermoor“,
Puccinis „La Bohème“ und Bizets „Carmen“.

Josia Jacobi, geboren 1995, studiert American Studies und
Linguistik an der Johannes Gutenberg-Universität Mainz.
Seine Leidenschaft für Schauspiel entdeckte er bereits in
jungen Jahren. Erste Erfahrungen sammelte er als Synchronsprecher
für Hörspiele bei „Dream Land Productions“.
In Produktionen des Junges Ensembles Rüsselsheim übernahm
er die Rolle des Max Prince in „Ein Gag für Max“ von
Neil Simon. Später besuchte er in Wiesbaden die Schauspielschule
Scaramouche Academy, wo er sich in Improvisation
und Camera-Acting übte.
In den letzten Jahren übernahm er mehrere Statistenrollen,
unter anderem für TV-Krimis wie „Mordsfreunde“
und „Tiefe Wunden“ nach den Büchern von Nele Neuhaus.
Einen weiteren TV-Auftritt hatte er in der Show „Deutschland
Tanzt“, wo er als Live-Announcer für das Bundesland
Hessen die Punkte vergab. Während seinen Auslandssemestern
am Mississippi College in den USA sammelte
Josia Jacobi Bühnenerfahrung durch eine Vielzahl an Theaterstücken
in denen er mitwirkte. So übernahm er die Rolle
des Benedick in Shakespeares „Much Ado About Nothing“
und war später in „The Tempest“ als Caliban zu erleben.
Neben seinem Studium war Josia zwei Jahre lang Teil einer
selbst gegründeten, unabhängigen Impro-Theatergruppe.
JOSIA JACOBI
Prospero

KATHARINA
NIESS
Miranda
Katharina Nieß studierte Operngesang an der Hochschule
für Musik und Tanz Köln und schloss ihr Studium mit dem
Diplom und ein darauffolgendes Aufbaustudium mit dem
Master of Music/Oper ab.
Entscheidende künstlerische und pädagogische
Impulse erhielt sie durch Meisterkurse bei Prof. Thomas
Heyer (Frankfurt a. M.) mit dem Pianisten Klaus B. Roth
(Köln) und Judith Lindenbaum (Köln). Weitere Kurse
besuchte sie bei Gemma Visser (Eijsden, NL) und Ulrich
Eisenlohr (Mannheim, Lied).Engagements führten sie u. a.
ans Stadttheater Aachen, Studio d’Opéra Luxembourg,
Opernloft Hamburg, zu Bayer Kultur (Leverkusen), den
Burgfestspielen Bad Vilbel und der Jungen Oper Rhein-
Main.
Katharina Nieß lebt in Köln und ist freischaffend
tätig. Auftritte im Konzertfach und Liederabende gehören
neben ihrer Operntätigkeit zu ihrer musikalischen Arbeit;
ebenso verschiedene kammermusikalische Projekte. Katharina
Nieß ist Stipendiatin des Richard-Wagner-Verbandes.

Als „durchweg beseelter Evangelist“ (Saarbrücker Zeitung)
gepriesen, hat sich der Tenor Thomas Dorn als Konzert-,
aber auch Opernsänger etabliert. Sein Repertoire reicht von
Bachs großen Passionen und zahlreichen Kantaten bis zu
Mendelssohns „Elias“, von der französischen und deutschen
Romantik bis zurück zum Frühbarock.
Seine Fähigkeiten, verschiedene Rollen und Charaktere
zu erarbeiten und zu vermitteln („Mit viel Gespür für
die Gefühlslage des Helden“, Pirmasenser Zeitung), konnte
er sowohl im Musiktheater als auch auf der Konzertbühne
vielfach unter Beweis stellen. Projekte im Bereich der Alten
und vor allem der Zeitgenössischen Musik liegen im besonderenFokus
seiner Tätigkeiten.
Thomas Dorn studierte bei Yaron Windmüller in
Saarbrücken. Er ist Stipendiat der Bruno- und Elisabeth
Meindl-Stiftung und besuchte Meisterkurse bei James
Taylor, Thomas Heyer, Moritz Eggert und Peter Schöne.
Weitere Impulse bekam er unter anderem von Liora Maurer
(New York), Ruth Ziesak sowie Ichiro Nakayama (Tokio).
THOMAS DORN
Ferdinand/Stephano

MANUELA
STRACK
Trinculo
Manuela Strack studierte Operngesang und Gesangspädagogik
an der Hochschule für Musik und Tanz Köln sowie
in der Klasse von C. Grose am Peter-Cornelius-Konservatorium
Mainz. Zusätzlich studierte sie an der Johannes
Gutenberg-Universität Mainz Theater- und Filmwissenschaft
sowie Kulturanthropologie. Maßgebliche künstlerische
Impulse erhielt sie durch Prof. Thomas Heyer
(Frankfurt a. M.).
Bereits während ihres Studiums übernahm sie
Partien in verschiedenen Opernproduktionen, u.a. am
Stadttheater Aachen, dem Staatstheater Mainz, dem Festspielhaus
Baden-Baden und der Kammeroper Köln. Seit
dem Sommersemester 2015 ist Manuela Strack Dozentin
für Stimm- und Sprechtraining und Intonation an der TU
Darmstadt. Sie ist Mitgründerin des Kammerchores Rheinland-Pfalz.
Manuela Strack ist seit 2012 Ensemblemitglied
der Jungen Oper Rhein-Main und war als Rosina in Paisiellos
„Il Barbiere di Siviglia“, als Susanna in Mozarts „Le
nozze di Figaro“ und als Eurydike in Offenbachs „Orphée
aux enfers“ zu hören. 2015 gab sie ihr Regiedebüt mit
Mozarts „Così fan tutte“. In der Spielzeit 2016 war sie in
der Titelpartie in Donizettis „Maria Stuarda“ zu hören. Für
(u. a.) die Vorpommersche Landesbühne, das Kurtheater
Bad Wildbad und das Comoedienhaus Hanau hat Strack
die Operngala „Bretter, die die Welt bedeuten“ inszeniert,
mit welcher die Junge Oper Rhein-Main in der Spielzeit
2018/19 wieder auf Tournee gehen wird.

David Holzinger studierte Orchesterdirigieren an der Hochschule
für Musik Carl Maria von Weber in Dresden bei Christian
Kluttig und Steffen Leißner. Dort probte und konzertierte
er mit Orchestern wie dem Philharmonischen Orchester
Plauen-Zwickau, der Elblandphilharmonie Sachsen, der
Neuen Lausitzer Philharmonie, der Erzgebirgischen Philharmonie
Annaberg/Aue und der Landeskapelle Eisenach.
2015 war David Holzinger Studienleiter der hochschulinternen
Opernproduktion von Scott Joplins „Treemonisha“,
mit der er am kleinen Haus des Staatsschauspiels Dresden
debütierte. Sein Dirigierstudium begann er bei Maximilian
Cenčić am Prayner Konservatorium für Musik und dramatische
Kunst in Wien.
David Holzinger ist der Gründer und musikalische
Leiter des EXEDRA Ensembles, mit dem er im Juli 2017
beim Fest zur Eröffnung der Salzburger Festspiele debütierte.
Bereits in der dritten Saison ist er Assistent von Gustav
Kuhn, dem künstlerischen Leiter der Tiroler Festspiele in Erl.
Als Dirigent übernahm er dort erstmals im Sommer 2016
die Probenarbeit zu Rossinis „Guillaume Tell“, „Semiramide“
und Verdis „La Traviata“.
David Holzinger dirigierte erfolgreich mehrere
Konzerte mit dem Amsterdam Chamber Orchestra auf einer
einmonatigen Tournee nach China. Als Gastdirigent konzertierte
er im Berio-Saal des Konzerthauses Wien mit dem
Orchester der Konzertvereinigung Wien und dem ASO Wien.
Er war Chefdirigent des TU-Orchesters Dresden und des
Kammerorchesters Dippoldiswalde.
DAVID
HOLZINGER
Musikalische Leitung

MAX KOCH
Regie
Max Koch studiert Musiktheaterregie an der Hochschule
für Musik und Theater Hamburg und Musiktheaterwissenschaft
an der Universität Bayreuth. Im Rahmen seiner
Studien besuchte er Workshops und Meisterkurse bei Willy
Decker, Alexander Meier-Dörzenbach, Francis Hüsers
und Les Ballets C de la B.
Max Koch arbeitet als Regieassistent u. a. am
Theater Augsburg, den Bad Hersfelder Festspielen und
den Bregenzer Festspielen mit Regisseuren wie Peer
Ripberger, Philipp Himmelmann, Benedikt Borrmann,
David Ortmann und Johannes Erath zusammen. Er nahm
am Campustriennale-Programm der Ruhrtriennale teil
und war 2017 Stipendiat des Richard-Wagner-Verbands
Bayreuth. Am Forschungsinstitut für Musiktheater in
Thurnau arbeitet er zurzeit auch als wissenschaftlicher
Mitarbeiter für die Ausstellung „Hitler.Macht.Oper“ im
NS-Dokumentationszentrum in Nürnberg.
Zu seinen Inszenierungen zählen u. a. „Das
Hinterhaus“ nach der Monooper „Das Tagebuch der
Anne Frank“ im Theaterquartier Hamburg, die Stückentwicklung
„Liebestod“ beim 67. Festival junger Künstler
Bayreuth und „L’Humaine Comédie – Das Menschentheater“
im Rahmen der Bayreuther Residenztage. Zu seinen
zukünftigen Arbeiten zählen „The Armed Man: A Mass
For Peace“ von Karl Jenkins in der Bayreuther Stadtkirche
und die Stückentwicklung „Birkenau 18/10“ im NS-Dokumentationszentrum
Nürnberg in Kooperation mit dem
Staatstheater Nürnberg.

2017 beendete Theresa Steinert ihr Szenografiestudium
an der Hochschule für Design und Medien in Hannover.
Zu ihren Arbeiten zählen die Bühnenbilder zu „Michaela,
der Tiger unserer Stadt“ von Gianina Carbunariu (Regie:
Christoph Hetzenecker), einer szenischen Lesung im Rahmen
des Festivals „Fabulamundi Playwriting Europe“ im
Marstall des Residenztheaters in München, zu „Archiv der
Erschöpfung“ (Regie: Daniel Förster) und „Das Apokalyptische
Ich“ (Regie: Christine Cyris) beim Spieltriebefestival
des Theaters Osnabrück, zu „Das Hinterhaus“ (Regie: Max
Koch) im Theaterquartier Hamburg sowie zu „Liebestod“
(Regie: Max Koch) beim 67. Festival junger Künstler Bayreuth.
Weitere Erfahrungen im Bereich Bühne und Kostüm
sammelte Theresa Steinert bei Praktika am Jungen
Schauspielhaus Hamburg, in einer ZDF-Filmproduktion,
am Landestheater Salzburg, sowie an der Bayerischen
Staatsoper. Sie arbeitet als freischaffende Ausstatterin und
Ausstattungsassistentin und war in dieser Funktion in der
Außenrequisite einer Filmproduktion des ZDF beschäftigt,
sowie am Theater Magdeburg für die Produktion „Der kleine
Horrorladen“ und als Kostümmitarbeiterin für Sebastian
Ritschel bei der Openair-Produktion „Jesus Christ Superstar“
auf dem Domplatz.
THERESA
STEINERTBühne

SOPHIE SIMON
Kostüm
Nach ihrem Abitur und einem halbjährigen Praktikum in
der Kostümabteilung an der Deutschen Oper am Rhein in
Düsseldorf, fing Sophie Simon 2015 an der Hochschule
für Angewandte Wissenschaften Hamburg an, bei Reinhard
von der Thannen Kostümdesign zu studieren. Im
Laufe ihres Studiums arbeitete sie an mehreren Opernund
Filmprojekten, teilweise in Kooperation mit der Hochschule
für Musik und Theater Hamburg.
Zu ihren Arbeiten gehörten unter anderem „Die
7 Todsünden“ mit Mien Bogaert, „Die Schutzbefohlenen“
mit Ron Zimmering, „Die roten Schuhe“ mit Rica Blunck
und „Liebestod“ mit Max Koch. Im Sommer 2018 entwarf
Sophie Simon das Kostümbild zu Georg Friedrich Händels
Oper „Alcina“ in der Regie von Philipp Himmelmann.

Judith Kissel studierte Germanistik, Theaterwissenschaft
und Musikwissenschaft (Magister) an der Johannes
Gutenberg-Universität Mainz. Assistenzen und Anstellungen
in den Bereichen Dramaturgie und PR führten Sie
ans Landestheater Coburg, zum Rheingau Musik Festival
sowie zu den Internationalen Händel-Festspielen Göttingen.
Seit der Saison 2013/2014 verantwortete sie die Bereiche
PR, Marketing und Dramaturgie bei der PRO ARTE
Frankfurter Konzertdirektion mit Konzerten in der Alten
Oper Frankfurt, ab 2017 baute sie in diesen Arbeitsfeldern
zusätzlich die Konzertreihe Wiesbaden Musik auf. Seit der
Spielzeit 2018/2019 ist sie als Mitarbeiterin im Marketing
am Staatstheater Darmstadt angestellt.
Darüber hinaus schreibt Judith Kissel Programmhefttexte
für Konzertveranstalter, konzipert und organisiert
Konzertveranstaltungen im Rhein-Main-Gebiet,
betreut eine Radiosendung im Freien Radio und engagiert
sich in sozialen Bewegungen. Neben dem Studium absolvierte
sie eine Gesangsausbildung und arbeitete in Chorprojekten
u. a. mit Sylvain Cambreling, Vladimir Jurowski,
Plácido Domingo, Krzysztof Penderecki und Bramwell
Tovey in London, New York, Peking, Luxembourg u. a.;
aktuell ist sie im Bachchor Mainz, dem Extrachor des
Staatstheaters Mainz, im Vocalconsort Mainz und weiteren
kleineren Projekten zu hören.
JUDITH
KISSEL
Dramaturgie/Presse

BJÖRN RODDAY
Management
Björn Rodday studierte Freie Bildende Kunst an der
Akademie der Bildenden Künste Nürnberg (Zeichnung/Malerei)
und an der Kunsthochschule Mainz (Film). Zudem
hat er in Humanmedizin promoviert. Sein künstlerisches
Schaffen ist technikübergreifend angelegt, mit Schwerpunkt
im videoinstallativen Bereich.
Auf musikalischer Ebene war er zunächst Mitglied
des Windsbacher Knabenchores, bevor er mehrere Jahre
als 2. Bass im A-cappella-Quintett VivaVoce sang. Neben
diesem eher modern ausgerichteten Ensemble richtet
sich sein Hauptaugenmerk auf die (Kammer-)Chormusik.
So sang er u. a. im Chor der Bamberger Symphoniker, der
EuropaChorAkademie, im Kammerchor Claritas Vocalis
und im Bachchor Mainz. Aktuell ist er Mitglied des Kammerchores
Rheinland-Pfalz und des A-cappella-Sextetts
„fast 7“.
Neben dem aktiven Part ging seine künstlerische
Tätigkeit stets auch mit der Arbeit im Kulturmanagement
einher. So ist er im Management der Jungen Oper Rhein-
Main und des Kammerchores Rheinland-Pfalz tätig.

JUNGE OPER
RHEIN-MAIN
Die Junge Oper Rhein-Main e.V. (JORM) ist eine gemeinnützige
Förderinstitution für angehende Bühnenkünstler*innen aller Sparten.
Das Ensemble setzt sich zusammen aus angehenden Opernsänger*innen,
Orchestermusiker*innen, Regisseur*innen, Dirigent*innen,
Dramaturg*innen, Theaterpädagog*innen, Bühnen-, Kostüm- und
Maskenbildner*innen u. v. a..
JORM bietet durch die jährlich stattfindenden Opernproduktionen
dem Musiktheaternachwuchs vielfältige Möglichkeiten und
eine Plattform um die künstlerischen Fähigkeiten unter professionellen
Bedingungen weiterzuentwickeln. Seit vielen Jahren existieren
Kooperationen mit Gastspielhäusern, wie dem Theater Rüsselsheim
und dem Stadttheater Aschaffenburg. Zudem finden regelmäßig
Meisterkurse, Schauspielworkshops oder auch Fortbildungen in Bereichen
wie Bühnenkampf und Opernitalienisch durch renommierte
Dozent*innen statt.
Teamgeist, Kollegialität, Kreativität und viel Herzblut aller
Beteiligten sind maßgeblich und charakteristisch für die Arbeit
von JORM. Das Ensemble setzt sich international zusammen, die
Arbeitsweise ist interdisziplinär. Die Unterstützung durch Stiftungen
und Sponsoren ist für die Realisierung der Projekte essentiell, ebenso
das ehrenamtliche Engagement der Mitglieder von JORM.

Danke an
den Kulturfonds Frankfurt RheinMain, die Talentschmiede
Unternehmensberatung AG, das Theater Rüsselsheim und
Karin Krömer, das Stadttheater Aschaffenburg und Burkard
Fleckenstein, die Stadt Raunheim und Kerstin Mohr sowie
die Familie Mörth, Moritz Eggert, Peter Schöne, das Staatstheater
Darmstadt und Ruth Spemann und Peter Weigand,
Christopher Glocker von Musikaktiv, Wake Port in Raunheim,
Florian Parkitny, Sophia Fitz, Jessica Quinlan, Hilde Kuethe
und die vielen anderen, ohne die „Caliban“ nicht möglich gewesen
wäre.
Impressum
Junge Oper Rhein-Main e.V.
1. Vorsitzende Manuela Strack
2. Vorsitzender Dr. Björn Rodday
Kontakt info@jorm.de | www.jorm.de
www.facebook.com/jungeoperrheinmain
www.instagram.com/jungeoper
Redaktion Judith Kissel
Text- und Bildnachweise Titelbild: Theresa Steinert
Vorwort: Moritz Eggert | Handlung: Max Koch, Judith Kissel
Über Fremdheit: Judith Kissel | Szenenfotos: Philip Artus
Foto Thomas Dorn: Michael Haggenmüller | Foto David Holzinger:
Christoph M. Bieber | Foto Judith Kissel: Annika Wehrle
Foto Björn Rodday: Lisa Farkas

Talentschmiede, die
Young Professional Beratung
In der heutigen Arbeitswelt muss jedes Unternehmen darum bemüht
sein, sich frühzeitig um die besten Talente für seinen Mitarbeiter- und
Managementnachwuchs zu bemühen.
Die Talentschmiede fördert als branchenübergreifende IT Unternehmensberatung
den Einsatz von Absolventen und Young Professionals. Wir
bieten unseren Kunden Projektteams mit jungen, talentierten und hoch
motivierten Mitarbeitern, die dank unseres innovativen Ausbildungs und
Betreuungskonzeptes sehr gute Kenntnisse und Fähigkeiten ihres jeweiligen
Fachgebietes besitzen.
Unsere Mitarbeiter sind in ein durchgängiges Betreuungs und Ausbildungskonzept
inklusive kontinuierlichen Weiterbildungs und Zertifizierungsprogrammen
(nach Absprache auch auf den Systemen der
Kunden) eingebunden, das den kontinuierlichen Ausbau ihres Wissens
sicherstellt. Alle Mitarbeiter erhalten Coaching und Mentoring durch vom
Management geführte Programme.