PARNASS 02/2019

K U N S T M A G A Z I N
FLY ME TO
THE MOON
50 Jahre Mondlandung
OTTO ZITKO
Im Porträt
BIENNALE
Venedig
BADEN-WÜRTTEMBERG
Kunst- und Kulturraum
FESTIVALS
Salzburger Festspielsommer
Vienna Biennale
Heft 2/2019 | Mai–August | www.parnass.at | Ö/DE: EUR 18,– | CH: SFR 31,– | Österreichische Post AG | MZ 02Z032769 M | PARNASS Verlag GesmbH | Loquaiplatz 12 | 1060 Wien

armanibeauty.com
Cate Blanchett

fiori
the new eau de parfum

ROY LICHTENSTEIN
THE LOADED BRUSH
1980 – 1988
SALZBURG
AUGUST – SEPTEMBER 2019
ROY LICHTENSTEIN, ARTEMIS AND ACTEON
(DETAIL), 1987, © ESTATE OF ROY LICHTENSTEIN

SILVIE AIGNER
CHEFREDAKTEURIN
Foto: © christianjungwirth.com
EDITORIAL
ARTLIFE
mehr Kunst
Mehr Kunst für unsere
Abonnenten im Club –
alle Infos dazu finden
Sie auf unserem neuen
Online-Portal
WWW.PARNASS.AT
COVER
OTTO ZITKO
PARNASS Cover, 2019
© by the artist
Die Mondlandung jährt sich am 21. Juli 1969 zum 50. Mal. Geschätzte 500 Millionen Menschen verfolgten
damals das Ereignis vor den TV-Schirmen. Als mich die Künstlerin Judith Baum im Rahmen
ihres Kunstprojektes bat, spontan auf die Frage nach der ersten Kindheitserinnerung zu antworten,
war es zu meiner Überraschung sofort die Mondlandung, die mir einfiel. Ich war damals
vier Jahre alt, aber offensichtlich haben die SW-Bilder, unscharf, verpixelt und oft nur als Streifen
wahrnehmbar, einen nachhaltigen Eindruck hinterlassen. Der Blick zum Mond ist so alt wie die
Menschheit selbst und beschäftigte die Wissenschaft ebenso wie die Kunst. Doch erst der Blick zurück
zur Erde bedeutete einen entscheidenden Wendepunkt: Der blaue Planet wurde zum Sinnbild
des Lebens und dessen Fragilität. Heute haben wir zahlreiche Satelliten, die um die Erde kreisen
und uns vor Augen halten, dass die Erde vom Regenwald bis zum Ozean bereits massiv verletzt
ist. Auch wenn man sich gesellschaftspolitisch einig ist, dass dringend etwas getan werden muss, so
verschieben wir es immer noch auf die Zukunft. Bis wann? Bis es zu spät ist? Eine Reihe von Ausstellungen
setzen den Fokus auf die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Mond in Wissenschaft
und Kunst – von Galileo Galilei bis zur Gegenwart –, erinnern aber auch an das politische
Wettrennen im All zwischen den damaligen Supermächten, und so kann jeder Besucher seine eigenen
Rückschlüsse aus der Geschichte ziehen. Nicht zufällig bezieht sich wohl auch der Titel der
diesjährigen Biennale-Ausstellung von Ralph Rugoff „May You Live In Interesting Times“ auf einen
chinesischen Fluch, der sinngemäß meint, dass die Menschheit sich von einer Krise zur anderen bewegt.
Die Antworten der Kunst, wenn sie welche geben kann, sind seit Anfang Mai in Venedig zu
sehen. Renate Bertlmann bespielt den österreichischen Pavillon, die Landesgalerie Niederösterreich,
die am 25. Mai ihr „Grand Opening“ feiert, widmet ihr eine Personale. Wir haben die Philosophin
und Künstlerin Elisabeth von Samsonow gebeten, ein Interview mit der Künstlerin zu führen. Auch
die Vienna Biennale beschäftigt sich mit aktuellen und zukünftigen Fragen, verbunden mit der Digitalisierung
unserer Lebenswelt. Dazu passt auch das interessante Interview mit Peter Weibel, den
wir im ZKM Karlsruhe besucht haben – im Rahmen unserer Rubrik Kunst- und Kulturraum, wo wir
diesmal in Baden-Württemberg unterwegs waren. Was kommt noch im Sommer? Die Festspielausstellungen
in Salzburg und eine große Personale von Otto Zitko im Lentos Kunstmuseum in Linz.
Aus diesem Anlass haben wir den Künstler gebeten, unser Cover zu gestalten. Seine Zusage hat uns
riesig gefreut! Es ist eine große Ehre und daher auch an dieser Stelle ein großes DANKESCHÖN an
Otto Zitko. Unser Tipp: Heben Sie diese Ausgabe auf – oder zumindest das Cover.
PA R NASS 02/2019 3

MAX ERNST Humboldt Current, 1951/1952 – Seite 12
INHALT
FLY ME TO THE MOON
12 Von Galileo Galilei bis zu romantischen Mondlandschaften
20 Far Above the Moon …
28 Der Wettlauf zum Mond – Karikaturmuseum Krems
30 Zero Gravity – ERES-Stiftung München
VENEDIG BIENNALE
32 Renate Bertlmann im Interview
40 May You Live In Interesting Times
48 Länder Pavillons
54 Cityspot Venedig
4 PA R NASS 02/2019

INHALT
Details: Max Ernst, Humboldt Current, 1951 – 1952, Fondation Beyeler, Riehen/Basel, Sammlung Beyeler, Foto: Peter Schibli © Bildrecht, Wien 2019 | Oskar Kokoschka, Ausstellungsansicht 2019 © Leopold Museum, Wien / Foto: Lisa Rastl | The Kali – Odalisque, Manish Harijan, 2016 © Prithivi Bahadur Pande,
Foto: Kailash K Shrestha | Carlos Cruz-Diez, Physichromie Nr. 417, 1968, mumok Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Leihgabe der Österreichischen Ludwig-Stiftung seit 1981, Foto: mumok © Bildrecht Wien, 2019 | Peter Doig, Bather (Night Wave), 2019; Bather (Sings Calypso), 2019 Ausstellungsansicht
Secession 2019 © Peter Doig / Bildrecht Wien, 2019, Courtesy the artist and Michael Werner Gallery, New York and London, Foto: Hannes Böck | Mona Hatoum, Turbulence (black), 2014 © Alexander Tutsek-Stiftung, Foto: Marion Vogel | Paul Klee, Das Haus in der Höhe, 1923, © Galerie Utermann, Dortmund
JOURNAL
6 Maurizio Cattelan
Theseustempel Wien
8 Jakob Kirchmayr
Bildraum Studio
10 KUNSTSZENE:
Vernetztes Dreierteam
Kuratorinnenkollektiv WHW
IM PORTRÄT
70 Otto Zitko
Retroprospektiv
76 Jakob Gasteiger
Neonbilder
FESTIVALS
80 Vienna Biennale
Schöne Neue Werte
86 Festspielsommer Salzburg
SPECIALS
108 Kunst- und Kulturraum
Baden-Württemberg
OSKAR KOKOSCHKA – Seite 154
AUSSTELLUNGEN
154 Oskar Kokoschka
Leopold Museum
158 Olga Wisinger-Florian
Leopold Museum
160 Nepal Art Now
Weltmuseum Wien
164 Vertigo
mumok
166 Peter Doig, Fernanda Gomes,
Nora Schultz
Secession
172 Don’t Miss
Ausstellungen im Sommer
174 Künstlerische Selbstdarstellung
Landesgalerie Niederösterreich
und Forum Frohner
180 Alexandra Wacker
Palais Thurn & Taxis
181 Mode Momente
Landesgalerie Linz
182 Rembrandts Strich
Staatliche Kunstsammlungen Dresden
184 Primäre Gesten
Alexander Tutsek-Stiftung
186 Martin Kippenberger – Maria Lassnig
Lenbachhaus München
188 Bauhaus100
Ausstellungstipps
190 Feininger, Klee und das Bauhaus
Shepherd W&K Galleries
192 Bauhaus100
Danika Danić
KUNSTMARKT
194 im Kinsky – Private Sale
196 10 Jahre zs art galerie
198 Dorotheum Mailand
200 Auktionen
TERMINE
202 Kunsttermine im Überblick
208 Vorschau / Impressum
MANISH HARIJAN – Seite 160 CARLOS CRUZ-DIEZ – Seite 164
PETER DOIG – Seite 166 MONA HATOUM – Seite 184
PAUL KLEE – Seite 190
IM SOMMER ERSCHEINT UNSER SPECIAL UP&COMING – DIE NÄCHSTE AUSGABE ERSCHEINT IM SEPTEMBER 2019
Aus Gründen der besseren Lesbarkeit wird auf die gleichzeitige Verwendung männlicher und weiblicher Sprachformen verzichtet.
Sämtliche Personen bezeichnungen gelten sowohl für männliche als auch für weibliche Kunstschaffende.
PA R NASS 02/2019 5

JOURNAL
MAURIZIO CATTELAN
IM THESEUSTEMPEL
Seit Ende April wird im Theseustempel im Wiener Volksgarten
wieder einer zeitgenössischen Intervention Raum gegeben.
Auch wenn man diese heuer erst auf den zweiten Blick
erkennt. Denn das Zentrum des Tempels bleibt leer, während
15 präparierte Tauben wie beiläufig auf dem Gesims Platz gefunden
haben. Die vollständigen 2.000 täuschend lebendig
scheinenden Tiere zeigte der italienische Künstler-Shootingstar
Maurizio Cattelan 1997 auf der Venedig Biennale.
„Ich fuhr ungefähr einen Monat vor der Eröffnung nach Venedig,
um mir den Pavillon anzuschauen“, erzählte Cattelan
später. „Drinnen herrschte völliges Chaos, und alles, wirklich
alles, war voller Tauben. Für mich als Italiener war es, als
wenn man etwas sehen würde, das
man nicht sehen soll, so wie beispielsweise
das Ankleidezimmer des
Papstes. Aber auf der anderen Seite
ist das doch die Situation in Venedig,
und deshalb dachte ich, ich
sollte es einfach so präsentieren, wie
es ist: als eine völlig normale Situation.“
In Anspielung darauf, dass es
in Venedig mehr Touristen als Tauben
geben soll, gab er seinen Vögeln den Namen „turisti“.
Pointierter Humor nahe am Skandal, dafür ist Cattelan berühmt
und berüchtigt. „Er ist der Agent Provocateur der
Kunstwelt. In ihr nimmt er die Rolle des Hofnarren ein – er
ist die einzige Person, die nicht dafür den Kopf verliert, dass
sie die Wahrheit sagt“, so KHM-Kurator Jasper Sharp über den
abwesenden Künstler. Dieser sei schon vor einigen Jahren in
Kunst-Pension gegangen, entsprechend kam er auch nicht persönlich
nach Wien, ließ aber genaue Instruktionen und Pläne
zur Installation schicken. Sehr wohl kam zum Eröffnungsreigen
aber Kurator Mario Mainetti der Fondazione Prada. Es sei
MAURIZIO CATTELAN – TURISTI
bis 6. Oktober 2019
THESEUSTEMPEL WIEN
VOLKSGARTEN | 1010 WIEN
WWW.KHM.AT
eine Ehre für die zeitgenössische Collezione Prada, mit einer
Institution wie dem Kunsthistorischen Museum in Austausch
zu treten, betonte er. Gerade wandert die große, von Beginn
an gemeinsam mit Mailand konzipierte Ausstellung „Spitzmaus
Mummy in a Coffin and other Treasures. Wes Anderson
and Juman Malouf “ weiter nach Italien. 400 Werke des
Kunsthistorischen Museums gehen nach Mailand – 15 Tauben
von Maurizio Cattelan kamen im Gegenzug nach Wien.
„Zuerst haben wir uns Gedanken gemacht, was wir eindrucksvoll
im Tempel platzieren könnten, bis wir über die Umgebung
des Tempels nachzudenken begannen. Der Kontext hier
im Park ist der Erstinstallation der Arbeit sehr ähnlich – und
damit ideal“, betont Mainetti. Dass
im Volksgarten ohnehin Tauben
unterwegs sind und von den etwa
100.000 bis 120.000 Besuchern, die
man bis Oktober erwartet, 95 Prozent
zufällig den Weg in den Tempel
finden und zunächst eine gewisse
Irritation verspüren werden, macht
auch für Sharp den Reiz der Arbeit
aus. Antonio Canova, für dessen
monumentale Theseusgruppe der Tempel einst gebaut wurde,
und Maurizio Cattelan – der eine aus der Umgebung Venedigs,
der andere aus Padua stammend – trennen beinahe 200
Lebensjahre. „Es fühlt sich aber an wie eine ganze Zivilisation
später“, so Sharp. Wo früher zentral die Marmorplastik präsentiert
wurde, blicken nun Tauben auf ein Nichts. Das spiele
nicht nur auf die Vergänglichkeit der Zeit an, sondern sei
auch Sinnbild für die jüngste Kunstgeschichte, die Entwicklungen
unserer Denkmäler und die Demonumentalisierung
der Kunst – man könnte beinahe an Nietzsche denken: „Gedanken,
die mit Taubenfüßen kommen, lenken die Welt.“ PW
MAURIZIO CATTELAN | turisti, 1997 (Detail) | Collezione Prada, Mailand
© by the artist, Foto: KHM-Museumsverband
6 PA R NASS 02/2019

www.imkinsky.com
AUKTIONSHAUS
KLASSISCHE MODERNE,
ZEITGENÖSSISCHE KUNST,
JUGENDSTIL
17. & 18. JUNI 2019
Xenia Hausner
€ 40.000 - 75.000
Auktionshaus im Kinsky, Freyung 4, 1010 Wien
Tel: +43 1 532 4200 Mail: office@imkinsky.com

JOURNAL
BILDRAUM STUDIO
ABSBERGGASSE 27/9
1100 WIEN
WWW.BILDRECHT.AT
JAKOB KIRCHMAYR
Foto: Eva Kelety
JAKOB KIRCHMAYR
ZAUBER DES UNGEWISSEN
„Gute Bilder erfassen mich emotional, lösen bestimmte Gefühle aus. Die Verwebung der Malerei mit einer sprachlichen Ebene
verstärkt dies zusätzlich“, so Jakob Kirchmayr. Beim Betrachten seiner Arbeiten hat man mitunter das Gefühl, dass der Künstler
mehr weiß und gewissermaßen Spuren legt. Derzeit realisiert er diese im neuen Bildraum Studio in der Wiener Ankerbrotfabrik.
„Ich stand in einem Raum, der alle Augenblicke
enthielt“, lautet der Titel einer der neuesten Arbeiten
Jakob Kirchmayrs. Er arbeitet gerne mit
großen Formaten, denn ein großes Bild „umfasst
das gesamte Sichtfeld“, erklärt er, „ähnlich
wie Musik, bei der man von einer Klangwolke
umhüllt wird“. Von seinen Arbeiten scheint tatsächlich
ein bestimmter „Klang“ in immer neuen
Variationen auszugehen – zum Beispiel in
Form von Textzeilen, die er in seine Bilder integriert.
So steht da etwa „Der Wolf ist da, Freund
aller Stunden, und er berührt das Fenster mit seiner
Zunge“ oder „Ein feuriger Engel stürzt mit
zerbrochener Brust auf steinigen Acker“. Dichter
wie Tomas Tranströmer, Wisława Szymborska
oder Jannis Ritsos haben es ihm in letzter
Zeit besonders angetan: „Ihre Lyrik ergreift
mich so unmittelbar.“ Wenn das der Fall ist,
streicht sich Kirchmayr solche Passagen an und
lässt sie, „wenn es sich zusammenfügt“, in die
Arbeit einfließen. Mitte letzten Jahres entfernte
sich der 1975 in Innsbruck geborene Künstler
mehr und mehr von seinem bis dahin figurativen
Fokus. Seitdem widmet er sich intensiv abstrakten
Landschaftsdarstellungen und offenen
Bildräumen, imaginiert aus persönlichen Erinnerungen
und Erfahrungen. Etwa zeitgleich erhielt
Kirchmayr das Angebot, als erster Gastkünstler
das 2018 eröffnete Bildraum Studio auf
dem Areal der Brotfabrik Wien zu beziehen.
Mit dem Atelier bietet die Urheberrechtsgesellschaft
Bildrecht auf 170 Quadratmetern Arbeitsfläche
und mit einer vorgelagerten Kunstterrasse
Kunstschaffenden die Möglichkeit, großformatige
Arbeiten sowie raumgreifende Projekte umzusetzen
und zu präsentieren. In Zukunft wird das
Atelier nach Entscheidung einer Fachjury einem
Künstler oder einer Künstlerin für eine bestimmte
Zeitdauer zur Verfügung gestellt.
Kirchmayr beginnt seine Bilder häufig ohne
eine konkrete Idee. Diese kommt ihm erst durch
den Arbeitsprozess, und dann führt eine Idee
zur nächsten. Expressive, skizzenhaft-spontan
wirkende Zeichnungs- und Malereischichten
überlagern sich bei Kirchmayr reliefartig – teils
pastos, teils in Lasuren – auf Baumwolltüchern
beziehungsweise überdimensionalen, wie handgeschöpft
wirkenden Papierbögen und verleihen
seinen oft mystisch anmutenden Bilderwelten
dadurch skulpturalen Charakter. So entstehen
karge Bergstrukturen mit an Eiskrusten erinnernden
weißen, manchmal blauen Flächen sowie
weit geöffnete Raumdarstellungen, deren
Fluchtlinien aus dem Bildträger regelrecht hinauswachsen
– Landschaften, die dem Künstler
als symbolische Räume dienen und Räume, die
vielleicht als Seelenlandschaften zu deuten sind.
Dass man nie genau sagen kann, worin in Wahrheit
die Faszination besteht und woher sie eigentlich
stammt, macht wohl auch den Reiz dieser
ungewöhnlichen Arbeiten aus.
Im Herbst wird eine Einzelausstellung Jakob
Kirchmayrs im Bildraum Bodensee in
Bregenz zu sehen sein, außerdem ist er durch die
Galerie Ernst Hilger auch auf der diesjährigen
VOLTA Basel vertreten. AS
8 PA R NASS 02/2019

www.porsche.at
Eine Ikone in einer
Welt voller Icons.
Der neue 911.
911 Carrera S – Kraftstoffverbrauch kombiniert: 8,9 l/100 km; CO 2
-Emissionen kombiniert: 205 g/km. Stand 01/2019. Die angegebenen Werte wurden nach den vorgeschriebenen
Messverfahren VO (EG) 715/2007 (in der jeweils gültigen Fassung) im Rahmen der Typen genehmigung des Fahrzeugs auf Basis des neuen WLTP-Prüfverfahrens ermittelt.

KUNSTSZENE
KURATORINNENKOLLEKTIV WHW
Nataša Ilić, Ivet Ćurlin und Sabina Sabolović
Foto: Damir Žižić
10 PA R NASS 02/2019

VERNETZTES
DREIERTEAM
Das kroatische Kuratorinnenkollektiv WHW leitet ab
Juni die Kunsthalle Wien. In Wien ist die rührige und
hochaktive Gruppe nicht unbekannt; ihre Istanbul
Biennale wurde hoch gelobt. Die bisherige Laufbahn
von WHW lässt auf ein engagiertes, politisch und
gesellschaftlich relevantes Programm hoffen.
NINA SCHEDLMAYER
„How, for whom & why?“ So lautete der Titel einer Diskussionsrunde der
Kunsthalle Wien im Jahr 2017. Es ging um Slogans für eine Parade, anlässlich
der Teilnahme des Hauses an der Vienna Pride. „What, How and for
Whom?“ heißt es in der Kunsthalle ab Juni, wenn das kroatische Kuratorinnenkollektiv
mit diesem Namen, abgekürzt WHW, deren Leitung übernimmt.
Besser gesagt, drei von vier Mitgliedern: Ivet Ćurlin, Nataša Ilić und
Sabina Sabolović kommen nach Wien, Kollegin Ana Dević bleibt in Zagreb,
um die dortige Galerija Nova weiterzuführen, die von WHW geführt wird.
Es ist eine rührige, hochaktive und bestens vernetzte Gruppe, die nun
neue Weichen für die Kunsthalle stellen wird. In Wien realisierte das
Kuratorinnenkollektiv schon einiges, etwa in der Kunsthalle Exnergasse
im Jahr 2001. Im Belvedere 21 (damals noch 21er-Haus) machte ein Projekt
mit dem schönen Titel „Zehntausend Täuschungen und hunderttausend
Tricks“ 2014 Station, eine Ausstellung mit Kunstwerken in wechselnden
Konstellationen und an unterschiedlichen Schauplätzen, die in Antwerpen,
Hongkong und Beirut gezeigt wurde. Das projektweise und temporäre
Kollaborieren mit anderen Beteiligten zieht sich durch die Arbeit von
WHW, was sich schon an der Ausstellung 2014 zeigte, die als „ein Projekt
von Young Arab Theatre Fund, präsentiert von den Wiener Fest wochen
in Kooperation mit dem Belvedere im 21er Haus“ deklariert wurde. Und
erst im Vorjahr riefen sie einen Lehrgang, ein neunmonatiges Studienprogramm
für Künstlerinnen und Künstler, ins Leben: die WHW Akademija,
mit Gastprofessoren wie Pierre Bal-Blanc, der kuratorisch an der documenta
14 mitarbeitete, sowie deren Leiter Adam Szymczyk.
2009 erregten WHW mit der von ihnen kuratierten Istanbul Biennale,
der 11. Ausgabe, international Aufsehen. Unter dem Motto „What Keeps
Mankind Alive“, nach einem Kurt-Weill-Song in Bert Brechts Dreigroschenoper
(im Original: „Denn wovon lebt der Mensch?“) legten sie
die Großausstellung explizit politisch an, mit Kunstschaffenden wie der
Gruppe Chto Delat, Yüksel Arslan, Sanja Iveković, Mladen Stilinović und
Nilbar Güreş. „Das Ergebnis ist eine der politischsten Kunstausstellungen
seit Jahren, mit Arbeiten zu Marxismus, ethnischen Säuberungen und der
Unterdrückung von Frauen. Dabei hinterfragt man den Kapitalismus und
die Art, wie Gesellschaften Werte messen“, schrieb die New York Times.
In der britischen Kunstzeitschrift Frieze zeigte sich Autor und Kurator
Tirdad Zolghadr euphorisch: „Das ist wahrscheinlich die beste Biennale,
die ich seit Längerem gesehen habe.“
Fragen zu Politik und Gesellschaft werden die Kunsthalle wohl weiterhin
umtreiben. Da macht es sich rückblickend umso merkwürdiger aus,
dass Vorgänger Nicolaus Schafhausen 2018 ankündigte, „aus politischen
Gründen“ vorzeitig zu gehen. Bei seiner Abschiedsrede im März erklärte
er, wie der „Standard“ berichtete, dass er Highlights aufs Programm gesetzt
habe, die „die Stadt so schnell nicht mehr erleben wird“. Die bisherige
Laufbahn von WHW lässt auf Gegenteiliges hoffen.
11

FLY ME TO THE

THOMAS RIESS
Kontakt, 2018
Öl auf Leinwand
190 × 240 cm
© by the artist
„Dies ist ein kleiner Schritt für einen Menschen, aber ein riesiger Sprung für die Menschheit.“ Dieser Satz von Neil Armstrong,
der am 21. Juli 1969 als erster Mensch seinen Fuß auf den Mond setzte, wurde weltberühmt und veränderte die Sicht auf die Welt
und den Kosmos wie selten ein Ereignis zuvor. Der Blick von außen auf den Erdball hat auch ein neues Bewusstsein für die Fragilität
unserer Existenz geweckt, der blaue Planet selbst wurde zum Sinnbild des Lebens und dessen Verletzbarkeit. Zum 50-jährigen
Jubiläum der Mondlandung widmet sich eine Reihe von Ausstellungen der künstlerischen Auseinandersetzung mit dem Mond, der
seit jeher den Menschen faszinierte. Sie bieten einen höchst vielfältigen Streifzug durch die Geschichte – angefangen von Albrecht
Dürer und Caspar David Friedrich über den Wettlauf der Supermächte zum Mond, der sich nicht nur in der Kunst, sondern auch
in Science-Fiction-Literatur und Comics niederschlug, bis hin zur künstlerischen Interpretation des Themas in der Gegenwart.

Fly me to the moon
VON GALILEO GALILEI
BIS ZU ROMANTISCHEN
MONDLANDSCHAFTEN
Der Blick zum Mond ist so alt wie die Menschheit selbst. In Europa beginnt die Geschichte der Monddarstellung
mit der Himmelsscheibe von Nebra (2100 bis 1700 v. Chr., Landesmuseum für Vorgeschichte,
Halle) und setzt sich nahtlos bis in die Gegenwart fort. Wissenschaft und Kunst ergänzen einander im Angesicht
des Mondes, standen doch einige der bedeutendsten Mondforscher mit einem Bein in der Kunst.
ALEXANDRA MATZNER
Die moderne wissenschaftliche Beschäftigung
mit dem Mond beginnt präzise im Jahr 1609,
als Galileo Galilei auf dem Campanile der venezianischen
Kirche San Giorgio Maggiore ein
Teleskop aufbaute und in den Nachthimmel
starrte. Das Resultat dieses Experiments war
eine Serie von realistischen Zeichnungen der
Mondoberfläche – zerfurcht und von Kratern
sowie Seen überzogen. Galileos Pionierleistung
bestand in der Verbindung von vorurteilsfreier
Beobachtung mit kunstvoller Bildgebung.
1610 unter dem Titel „Sidereus Nuncius“ publiziert,
veränderten seine Bilder die Vorstellungen
vom Mond grundlegend. Zuvor war der Mond
als perfekte Perle am Nachthimmel beschrieben
und zum Mariensymbol erhoben worden. Nach
Galileos Entdeckung musste die Madonna auf einer
buckligen Mondscheibe balancieren.
DEN MOND ROMANTISIEREN
Mit der „Entzauberung der Welt“ gewann der
Mond um 1800 eine neue Anziehungskraft. Unzählige
romantische Gemälde sind in geheimnisvolles
Mondlicht gehüllt, Gedichte besingen
die Kraft seines Lichts. Die Vergänglichkeit
des Menschen zeigt sich angesichts der unbegreifbaren
Ewigkeit der Natur. Der norddeutsche
Romantiker Caspar David Friedrich und
der Norweger Johan Christian Dahl thematisieren
in ihren Bildern das Sublime genauso
wie das Nostalgische: Der Vollmond verzaubert
die Welt und entrückt die beiden Freunde
in eine nur schemenhaft erkennbare Landschaft.
Der abgestorbene Baum rechts steht
für die politische Situation nach dem Wiener
Kongress. Der Naturausschnitt wird „romantisiert“
zur Waldeinsamkeit, die über sich
selbst hinausweist.

„Mondscheinsonate“ (1801) inspiriert
haben. Wenn auch diese Entstehungsgeschichte
längst als Mythos enthüllt wurde,
firmiert die Klaviersonate Nr. 14 bis
heute unter diesem Namen. Mond, Musik
und Technologie führte Katie Paterson
in „Earth-Moon-Earth (Moonlight
Sonata Reflected from the Surface of
the Moon)“ aus dem Jahr 2007 kongenial
zusammen. Sie sandte die in einen
Morsecode übersetzte „Mondscheinsonate“
zum Mond und fing die Reflexion
des Codes wieder ein. Die dunklen
Flecken der Mondoberfläche schlucken
gleichsam die Information, während
die hellen Stellen sie zurückwerfen. Die
„Interpretation“ des berühmten Musikstücks
durch den Mond wird von einem
automatischen Klavier wie von Geisterhand
intoniert. Damit wechselt der
Mond die Seiten; er wird vom beschriebenen
Objekt zum handelnden Subjekt.
POETISCHER RAUM –
POLITISCHER RAUM
linke Seite
JOHAN CHRISTIAN DAHL
Blick auf die Elbe bei der Brühlschen Terrasse
1824, Öl auf Papier auf Leinwand, 21 × 35 cm
Kunsthaus Zürich, Geschenk Christen Sveaas, 2018
Bildnachweis: Kunsthaus Zürich
rechte Seite
ALBRECHT DÜRER
Maria auf der Mondsichel
Titelblatt des Marienlebens, ca. 1511
Holzschnitt, 20,2 × 19,2 cm
Kunsthaus Zürich
Bildnachweis: Kunsthaus Zürich
MONDLICHT – MONDMUSIK
Die Fotografie erwies sich im 19. Jahrhundert
als probates Hilfsmittel, den Mond zu kartografieren,
zu vermessen und nachzubauen. Naturwissenschaftliche
Ausstellungen präsentierten
Mondkarten und Mondmodelle – allerdings
immer nur von der einen, der Erde zugewandten
Hälfte. Die dunkle Seite des Mondes blieb noch
jahrzehntelang ein Mysterium. Jüngst wurde darauf
hingewiesen, dass die exponentielle Zunahme
an Monddarstellungen im frühen 19. Jahrhundert
mit der Erfindung der Gaslaterne zusammenhängt.
Als der Mond technologische Konkurrenz
bekam, machten ihn Künstlerinnen und Künstler
zum Anschauungsobjekt für melancholische
Stunden. Das bläulich schimmernde Mondlicht
soll sogar Ludwig van Beethoven zu dessen
Zuvor passte sich der Mond immer geduldig
an, veränderte sein Erscheinungsbild
je nach Stilrichtung oder Haltung
des Betrachters. Die Expressionisten –
allen voran Ernst Ludwig Kirchner und
Paul Klee – ließen Mondnächte farbenfroh
erstrahlen. Die Surrealisten gaben
dem Mond seine mystische Bedeutung
unter Berücksichtigung von Erkenntnissen
aus der Astronomie und von
nicht-europäischen Kulturen zurück.
Joseph Cornell, Max Ernst, Wolfgang
Paalen und René Magritte sahen das
Firmament als einen poetischen Raum.
Der Mond wurde während des „Space
Race“ ein zentrales Motiv der Kunst –
und zum Symbol der Beherrschbarkeit
des Kosmos. Der Flug zum Mond und
dessen Kolonisation waren literarisch
und filmisch, darunter Georges Méliès’
Animationsfilm „Le Voyage dans la Lune“ (1902),
vorweggenommen worden. Als die Sowjetunion
am 4. Oktober 1957 den Satelliten „Sputnik
1“ als erstes künstliches Objekt erfolgreich in
eine Erdumlaufbahn brachte, löste der „Sputnikschock“
den Space Race und die Gründung der
NASA aus. Getragen von der hoffnungsfrohen
Stimmung eines Aufbruchs, aber auch von der verbissen
geführten Auseinandersetzung um das bessere
Gesellschaftsmodell versprach der Wettlauf
zum Mond – ja was denn wirklich? Nach Dürrenmatt
lenkte der Space Race nur von unlösbaren
terrestrischen Problemen ab. Wichtiger aber als
die Fotos von der staubigen Mondoberfläche sind
jene von der Erde. Erst der Blick zurück offenbart
die Einzigartigkeit unseres blauen Planeten.
PA R NASS 02/2019 15

Fly me to the moon
Der Mond war für viele
Maler des Surrealismus
ein beliebtes Motiv. Es war
vor allem auch die magische
Stimmung, die durch
das Mondlicht transportiert
wird, die von den surrealistischen
Malern gerne
eingesetzt wurde. Doch
durch das Eintauchen der
menschenleeren Landschaft
oder Architektur in
das kühle Mondlicht wird
auch eine Atmosphäre der
Einsamkeit, Ungewissheit
und Bedrohlichkeit
vermittelt.
FLY ME TO THE MOON
50 JAHRE MONDLANDUNG
KUNSTHAUS ZÜRICH
HEIMPLATZ 1 | 8001 ZÜRICH
WWW.KUNSTHAUS.CH
bis 30. Juni 2019
MUSEUM DER MODERNE SALZBURG
MÖNCHSBERG 32 | 5020 SALZBURG
MUSEUMDERMODERNE.AT
20. Juli bis 3. November 2019
RENÉ MAGRITTE | Sans titre (Architecture au clair de la lune), ca. 1935, Öl auf Leinwand, 65 × 50 cm | Privatsammlung © 2018 ProLitteris, Zürich
16 PA R NASS 02/2019

VIELEN DANK
FÜR IHR INTERESSE.
Hiermit endet Ihre PARNASS-Leseprobe.
Auf Wunsch lassen wir Ihnen gerne
unser Magazin zukommen.