Musiker Magazin 4/2019 – 1/2020

C 10973 F | N o 4/19 – 1/20 | 6,00 Euro
Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker
www.musiker-online.tv
38. Deutscher
Rock & Pop Preis
am 12. Dezember 2020
in der Siegerlandhalle, Siegen
Aus dem Burnout heraus
laut geworden
Burn Out Laut
LeeZa Nail
Wie kann ich
Singen zum Beruf machen?
Sven Garrecht
Mit der Kleinkunst im Herzen
The greatest
Rock & Roll band
in the world
Voice Over Piano
En ter tain ment
auf höchs tem Ni veau

Angebot
❶ Studiosendung
Zur CD-Veröffentlichung oder einfach so – wir
produzieren mit euch eine komplette Studiosendung
wie in den goldenen Zeiten des Musik -
fernsehens. Mit Auftritt zu Playback (unplugged
und live auch möglich) und Interview.
(30 – 40 Minuten Videoclip)
➜ 500 Euro
+ Eine Seite Interview und Foto
im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 1 000 Euro
+ Zwei Seiten Interview und Foto
im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 1 500 Euro
Die Vorteile im Überblick:
❷ CD-Hearing /
Interview für
Promozwecke in
einem unserer
Filmstudios
Wir reden mit euch über euer Album, hören hinein
und stellen es vor!
Oder es geht einfach um euch als Band / Einzel -
künstler und euer musikalisches Schaffen.
(30 Minuten)
+ Halbe Seite Interview und Foto
im Musiker Magazin (Auflage 20 000 Exemplare)
➜ 500 Euro
• voll ausgestattetes Filmstudio mit Live-Charakter
• aufgezeichnet wird mit bis zu vier professionellen Kameras
• ihr bestimmt die Inhalte, wir setzen sie in Szene
• bei Bedarf inklusive Visagistin, die dafür sorgt, dass ihr gut ausseht
• Interview mit professioneller Moderatorin (Angebot 1 + 2)
• Konzertbühne (8 m x 4 m) mit Licht, PA und Backline vorhanden*
• ein großer Bildschirm (2 m x 1 m) im Studio steht euch als eure persönliche Werbefläche zur Verfügung
– hier können wir euer Logo, das Albumcover, Werbung von Firmen oder sonstige Grafiken einbauen
• ein gut eingespieltes Team vor Ort kümmert sich um alle Belange
• ihr bekommt eine geschnittene Sendung von RockTV inklusive Intro, animierten Bauchbinden und
Abspann
• auf Wunsch stellen wir das Video on-demand auf unserem YouTube-Kanal und sozialen Netzwerken
zur Verfügung für noch mehr Reichweite
❸ Aufzeichnung
Live-Konzert
Ihr braucht ein professionelles Live-Video, um
euch für Konzerte zu bewerben?
Kommt in unser Rock-TV-Studio!
(30 Minuten Videoclip)
➜ 1 000 Euro
★ Unser
Film-Team ist
auch mobil!
Ob Festivalmitschnitt oder Proberaumdreh,
drinnen oder draußen.
Wir kommen mit dem Ü-Wagen vorbei, um
mit bis zu vier festen (!) Kameras aufzuzeichnen.
Auf Anfrage machen wir euch gern ein
individuelles Angebot.
© Kzenon/Fotolia
* Für einen perfekten und professionellen Sound empfehlen wir einen Auftritt mit Vollplayback (Liveund
auch Unplugged-Auftritte sind aber möglich und der Ton kann gegen einen geringen Aufpreis
nachträglich von uns abgemischt werden).
Kulturelles Jugendbildungswerk e.V. – RockTV | Kolberger Str. 30 | 21339 Lüneburg
Web. www.musiker-online.tv | Mail. info@musikermagazin.de | Fon. +49(0)4131-233030 | Fax. +49(0)4131-2330315

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V.
DEUTSCHE POPSTIFTUNG UND MUSIKER MAGAZIN
PRÄSENTIEREN:
MUSIKERVERBAND
e.V.
Bundeswettbewerb für Rock- und Popmusikgruppen und Sänger*innen
aller musikstilistischen Bereiche
Preisträger Hauptkategorien
3Plus, 7 Mazes, A.G. Paul, Bird’s View, Chris Brandon,
CUBE SIX, DARI, Dislike Silence, Freddie K., HUMAN, Johannes Kuchta, Kiara Huber, Omnitah,
Oscar Pixner, Rocktail, Sascha Salvati, Saygili/Autschbach, Spy#Row, Steffi Neumann,
STINGER, The Burning Ice Bears, Wattenläufer
Preisträger Sonderkategorien
7 Mazes, A father A son, A.G. PAUL, Achim Amme, Albert Böhne, Alexia Wied, ALWIN SMOKE,
And he bought silver, Andrea Beth, Andreas A. Sutter, Anika Auweiler, Anita »Ite« Wüstner, Annette Meisl,
ARREST, Barbara Zanetti, Barry Alexander King, Bella Marie, Bernd Tietzel,
Bernd-Michael Land, Charlotte Giers, Chris & Jess, Chris Brandon, Christian Hüser, Claudia Hirschfeld,
Colin B, Conny Conrad, Contrast 2, Corazon del Caribe, Corny Held, Coulord Rain, crossfader,
Cyborg-Music-Orchestra, DARI, Denise, Denise Krammer, Die Wittighausen Band,
different image project, Dominik Heinz, Don Tocabajo, Doppelbock, DORIAN BLACK, Dorothea Proschko,
Drunken Swallows, Enna Miau, Erste Deutsche Schlager Partei, Exaltyca, Faryna, Felix – Bitterböös,
Florian W. Huber, Fränk Hechler, FreiHerr, Ghosttown Company, Gunnar Nanuk,
Günter Ermann, Gustl das Faulhorn (Nicole Kolb), herrH, Ingrid Hofer, Ive & T.Bo, Jamberry, Jasmin M. & Band,
Jennifer Loosemore, Jim Flagranti feat. Mortal Talking, Johannes Kuchta,
JØRG, Jörg Hecker, Jovis Reissner, Jugend-Musik-Werk Baden e.V., Kat the fox, KEV, KLANGFEDER, KOSMOS,
Leif & Jovis, Leif Lunburg, LETZTE STATION, LEVEL-M, Living Tones, Madeleine, MAFFAYpur,
Manfred Zarrelli, Marc Blue, Marco Rauland, Marie-Luise Cassar, Markus Kohl,
Matea Lesic, Max Biundo, Michael Link, Michaela Kuti, Mrs. Kite, New Visions, Nichts für Ungut,
No!Plush, Omnitah, Oscar Pixner, ÖTTE, PARADIES, Partyband DaCapo, Patricia, Peter Bayreuther,
PIETRO PITTARI, Ralf Richards, Ricarda Jo Eidmann, Rita Belmond, Roberto Bates, Rock & Pop Schule, Rocktail,
Sara Dähn/Voice Over Piano, Sascha Salvati, Saygili/Autschbach, Schirmbeck & Schott,
Schné Ensemble, Sharon Rupa, Slick 50 feat. Oliver Schmidl, SLOWHAND, SOULBRIDGES, Spacemueller,
STINGER, SUPERLIQUID, Susanne Heidrich, The Bluesanovas, The Burning Ice Bears,
Thomas Duesmann, Thomas Mentsches & Band, Thorsten Schmidt/Franco Ferraro, Tim Turusov,
Timo Brauwers, Tina Schüssler & Band, Udo Klopke Band, USED LOOK,
VERMiN, Vonny & Clyde, VOYAGER IV, Wattenläufer, Windflüchter, Wolfgang Nicklaus, wortLAUT, zabeth
Schirmherren
Steffen Mues – Bürgermeister der Stadt Siegen und Prof. Martin Maria Krüger – Präsident des Deutschen Musikrates
14. DEZEMBER 2019 • KONGRESSZENTRUM SIEGERLANDHALLE • SIEGEN
Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1.
Jährlich publiziert von über 200 Tageszeitungen in Deutschland.
Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V. und des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V.

10 FESTIVAL
37. DEUTSCHER
ROCK & POP PREIS 2019
Zum 37. Mal fand
am 14. Dezember 2019
der Deutsche
Rock & Pop Preis statt.
Austragungsort war,
wie in den letzten
sechs Jahren auch,
die Siegerlandhalle der
Stadt Siegen.
er Bürgermeister der Stadt Siegen und
D Schirmherr dieser Veranstaltung, Steffen
Mues, hielt gegen 13 Uhr zur Eröffnung eine Be -
grüßungsrede, in der er seine Freude an der
guten Zusammenarbeit zwischen der Deutschen
Popstiftung/dem Deutschen Rock & Pop Preis
und der Stadt Siegen erklärte.
Wie jedes Jahr sollte es ein langer Tag werden:
81 Bands und Interpreten standen auf der
Bühne. Eine Band/ein Interpret – ein Song.
Die Fachjury bestand aus zwei Teams von
insgesamt 26 Musik-Experten.
Nach der Eröffnung begann der Musik wett be -
werb mit der Kategorie Pop, moderiert vom
Neu zugang Alex Jeanne, die in den Vorjahren
zuvor mit den Backstage-Interviews unterwegs
war.
Ungefähr 1000 Musikerinnen und Musiker
strömten an diesem 14. Dezember 2019 in die
Siegerlandhalle, um mit ihrer jeweiligen Band
oder als Interpret aufzutreten oder eben einen
Preis in den Sonderkategorien in Empfang zu
nehmen.
Die bundesweite Presseresonanz des letztjährigen
36. Deutschen Rock & Pop Preises 2018
war überwältigend:
So wurden von der Deutschen Popstiftung
alle Nachberichte von landesweiten Tages zei -
tungen über den Deutschen Rock & Pop Preis
2018 und dessen Teilnehmer über einen beauftragten
Medien-Ausschnittdienst gesammelt und
ausgewertet. Dabei stellte sich heraus, dass in
2018/19 bundesweit über 668 Artikel über diesen
Musikwettbewerb in 2018 veröffentlicht
wurden. Das ist nahezu eine Verdopplung aller
do ku mentierten Artikel zum Vorjahr. Die Aus -
wer tung ergab weiter, dass mit diesem enormen
Presseecho bundesweit ca 9,75 Millionen
potenzielle Leser erreicht wurden (s. TV-Ein -
schaltquoten und -Reichweiten).

11
Damit ist der Deutsche Rock & Pop Preis nicht
nur der älteste und erfolgreichste, sondern auch
im Bereich der bundesweiten Printmedien-
Resonanz der öffentlichkeitswirksamste Musik -
wett bewerb im Bereich der Rock- & Popmusik
in Deutschland. Bewerber der Hauptkate go rien,
die zuvor von einer unabhängigen Jury ausgewählt
und eingeladen wurden, traten an diesem
Tag in der Siegerlandhalle auf – inklusive
Linecheck, Aufbau und Darbietung hatte jede
Band fünf Minuten Zeit, die Juroren musikalisch
zu überzeugen.
So unmöglich diese schnellen und knappen
Auftrittsreihenfolgen mit 81 Bands und In ter -
preten zunächst klingen mögen – der Deutsche
Rock & Pop Preis beweist Jahr für Jahr das
Gegenteil: Es funktioniert! Und zwar Jahr für
Jahr besser.
Die Hauptkategorien am 14. Dezember er fol g -
ten in dieser Reihenfolge: Pop, Singer-Song -
writer, Hard Rock, Alternative, Funk ’n’ Soul,
Singer und Rock. Der Deutsche Rock & Pop Preis
zeichnete zudem Musikerinnen und Mu siker,
Produzenten, Songwriter, Instrumen ta listen,
DIE HAUPTGEWINNER:
BIRD’S VIEW
BIRDSVIEW.EU
DARI
WWW.DARI-MUSIK.DE
OMNITAH
WWW.OMNITAH-MUSIC.COM
SAYGILI / AUTSCHBACH
WWW.AUTSCHBACH.DE
STINGER
WWW.STINGERROCKS.DE
A.G. PAUL
OSCAR PIXNER
OSCAR-MEDIA.JIMDOFREE.COM
SASCHA SALVATI
FACEBOOK.COM/SASCHASALVATI
WATTENLÄUFER
WWW.WATTENLÄUFER.COM
Sängerinnen und Sänger etc., insgesamt ca. 130
Sparten der Sonderkategorien, aus.
Unterdessen führten Johnny Silver und Alina
Sebastian als Moderatoren die Zuschauer und
Jury durch das Tagesprogramm der Haupt ka -
te gorien. Während die jüngsten Teilnehmer
dieses kulturellen Musikwettbewerbes gerade
einmal 15 Jahre alt waren, gingen die Ältesten
auf die 70 zu. Musik verbindet Menschen und
Musik kennt keine altersbedingten Grenzen.
Das zeigt der Deutsche Rock & Pop Preis seit
37 Jahren in jedem Jahr erneut. In der Sieger -
landhalle in Siegen treffen sich seit nunmehr
sechs Jahren Musikerinnen und Musiker aller
musikstilistischen Bereiche der Rock & Pop
Musik. Dort feiern sie gemeinsam mit Be geis -
terung ihre Nominierungen und Gewinne.
Nachdem das große Musikprogramm der
Hauptkategorien auf der Hauptbühne beendet
war, war die Show aber noch lange nicht vorbei,
denn jetzt kamen die Preisverleihungen der
Sonderkategorien und folgend der Haupt kate -
gorien. Die Siegerlandhalle war zu diesem Zeit -
punkt prall gefüllt mit zahlreichen Musikerinnen
8

12 FESTIVAL
DANKSAGUNG
und Musikern aus allen Teilen Deutschlands, die
hofften, zu den Preisträgern zu gehören und aus -
gezeichnet zu werden, sowie mit ihren per ge -
charterten Bus mitgebrachten Fans, die für ihre
Lieblingsband die Daumen drückten und wissen
wollten, wer die Preisträger des Jahres 2019 werden
würden.
Feierlich wurden den Preisträgern ihre Ur -
kunden und Rock-Pop-Oscars überreicht, es
wurde begeistert gejubelt und gefeiert, und nach -
dem die drei Moderatoren den letzten Preisträger
des Abends bekannt gegeben hatten, war es
Zeit für die Presse- und Künstlerfotografen, die
mitgebrachten Familienmitglieder, Fans und
Freunde, die Preisträger zu feiern und per
Handy zu filmen. Wie jedes Jahr gab es sowohl
ein Gruppenfoto mit den Preisträgern der Sonder -
kategorien wie auch der Hauptkategorien. Ge -
meinschaftlich sangen alle Preisträger auf der
Hauptbühne die eingespielte Rock-Hymne von
Queen „We are the Champions“...
Damit ging der 37. Deutsche Rock & Pop Preis
2019 nach zehn Stunden gegen 23 Uhr zu Ende.
Der Deutsche Rock & Pop Musikerverband e.V. und die Deut sche Pop Stiftung
möchten sich als Veranstalter des 37. Deutschen Rock & Pop Preises 2019 beim
Bürger meister der Stadt Siegen und Schirmherren Herrn Steffen Mues, beim zweiten
Schirm herren Prof. Martin Maria Krüger, Präsident des Deutschen Musikrates,
beim gesamten Team der Sieger landhalle, bei Frau Christin Bartel und der Firma
Nordlite, bei allen Helfern und Juroren, bei allen Technikern und Mode ra toren, bei
den Musikgruppen und Sänger*innen für ihren ehrenamtlichen Einsatz an diesem
Kultur festival sowie bei allen Spon soren und unterstützenden Firmen bedanken.
Dieses Kulturfestival wurde wie in den Jahren zuvor durch die beteiligten Teil nehme -
rinnen und Teilnehmer an diesem Festival sowie durch die Mitglieder des Deutschen
Rock & Pop Musiker ver ban des und die Deutsche Popstiftung finanziert. Damit
handelt es sich bei dieser großen Kulturveranstaltung im jugend kulturellen Bereich der
Rock- und Pop musik um das einzige bundesweite Festi val, das von Musikern, Kompo -
nisten, Tex tern für junge, kreative Nachwuchs musiker aus ideellen Gründen und ohne
irgendeinen kommerziellen Hintergrund getragen und or ga nisiert wurde.
JURY
TEAM 1: Patrick Ackermann, Daniela Beier, Matthias Bielecke, Prof. Dr. Bernd Giezek, Dr. Nicole
Hirschmann, Timo Hofmann, Peter Kalff, Lothar Krell, Johannes Nolden, Marcus Pengel, André
Scherzer, Lutz Sommer, Mike van Summeren
TEAM 2: Dr. Norbert Aping, Rogelio Azcarate Fernandez, Franziska Bub, Uwe Fischer, Joachim
Griebe, Sylvia Heinz, Carsten Kaiser, Dr. Michael Lorenz, Julia Neigel, Karl Schauer, Thorsten
Schmidt, Jonas Wagner
MODERATION
Alina Sebastian, Alex Jeanne
und John Silver
Und wer diesen von allen teilnehmenden
Mu sikerinnen und Musikern und dem DRMV
als Musikerorganisation gemeinschaftlich or -
ganisierten, durchgeführten und finanzierten
Musik wettbewerb einmal live erleben möchte,
sollte sich mit seiner Band oder als Interpret für
den 38. Deutschen Rock & Pop Preis 2020 am
12. Dezember 2020 in der Siegerlandhalle in
Siegen bewerben, um an diesem bundesweiten
kulturellen Musikwettbewerb teilzunehmen.
TECHNIK
VIDEOAUFZEICHNUNG: Tobias Blank,
Ahram Choi, Thomas Eggers,
Marie Sophie Koop, Raik Lingner,
Silvia Matschull, Ronja Rabe, Normann Seil
LEINWANDPRODUKTION: Florian Eggers, Ana Seelenmeyer
VERANSTALTUNGSTECHNIK: Nordlite – www.nordlite.de
FOTOS: Ludwig Czapla – www.fotoknips.de
BEWERBUNGEN
SIND WIEDER MÖGLICH
ab dem 01.03.2020 unter
INFO@DRMV.DE oder
WWW.MUSIKER-ONLINE.TV
MITARBEITER UND HELFER
Lea Albertsen, Mohamad Almasri, Manfred Augustin, Lynn Barthels, Konrad Beck, Jan Bockelmann,
Nele-Sophie Breuer, Ludwig Czapla, Florian Eggers, Leonad Elze, Yogarajah Garthigeyan,
Jasmin Just, Ole Langhein, Heike Müller, Niklas Opländer, Antonia Ott, Hendrik Pain, Katja Rake,
Pia Rurup, Ole Seelenmeyer, Ana Seelenmeyer, Ulrike Strohmann, Philipp Strunk, Anandaraja
Thanushanth, Hinrich Vogt, Mareike Wittorff u.v.a.

ANMELDUNG
Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2020 an.
FESTIVAL 13
38. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2020
Band/Künstler/-in: .........................................................
Ansprechpartner/-in: ......................................................
Straße: ..........................................................................
PLZ Ort: ........................................................................
Bundesland: ..................................................................
Tel.: ...............................................................................
Mobil: ............................................................................
Fax: ....................................................................................
E-Mail: ................................................................................
Internet: ..............................................................................
DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................
GEMA-Mitglied?: q nein q ja:
q angeschl. q außerord. q ordentlich
Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich.
Anmeldegebühr pro Musiksparte: 20,– Euro DRMV-Mitglieder /30,– Euro DRMV-Nichtmitglieder
Die Anmeldegebühren in Höhe von Euro ............ q in bar beigelegt q als Scheck beigelegt q per Überweisung
Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF
Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 15. Juli 2020 an:
Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2020, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg
Teilnahmegebühr: 150,– Euro je Hauptkategorie und je erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,-Euro) bei Auswahl
durch die Bundesjury.(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von 1.000,– Euro für eigene Gäste/Fans)
38. DEuTSCHER RoCK & PoP PREiS 2020: HAuPTKATEgoRiEN
Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet!
q 1
q 2
q 3
q 4
q 5
q 6
q 7
q 8
Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band)
Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band)
Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band)
Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band)
Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band)
Deutscher Singer-Songwriter Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Eigenkomposition und Stimme)
Deutscher Singer Preis (beste(r) Solosänger(in) – Wertung: Stimme)
Deutscher Country Preis (beste Country-Band)
Die durch die Jury ausgewählten Teilnehmer der Hauptkategorien präsentieren sich am 12. Dezember 2020
im Finale auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen mit jeweils einem Song (maximale Länge: 4 Minuten).
38. DEuTSCHER RoCK & PoP PREiS 2020: SoNDERKATEgoRiEN
q 9
Beste Filmmusik
q 18
Bestes Trancealbum
q 26
Beste A-Capella-Band
q 10 Bestes Kinderlieder-Album
q 11 Beste Experimentalband
q 12 Beste Crossoverband
q 13 Beste Hardcoreband
q 14 Beste Industrialband
q 15 Beste Progressiveband
q 16 Beste Skaband
q 19
q 20
q 21
q 22
q 23
q 24
Beste(r) Mundart-Interpret(in)
Beste(r) Electronic-Interpret(in)
Bestes Dancehall-Album
Beste Elektropopband
Bestes traditionelles Blues-Album
Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband
q 27
q 28
q 29
q 30
q 31
q 32
Bestes Chanson-Album
Beste Punkband
Beste Gothic/Wave-Band
Beste(r) Gospel-Interpret(in)
Beste Gospelgruppe
Bestes Weltmusikalbum
q 17
Beste Nu-Metal-Band
q 25
Beste Cover/Revivalband
q 33
Bestes Hip-Hop-Album
EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2020

14 FESTIVAL
Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet!
BEREICH RoCK:
q 34 Beste Rocksängerin
q 35 Bester Rocksänger
q 36 Bester Rocksong
q 37 Bestes Rockalbum
BEREICH PoP:
q 38 Beste Popsängerin
q 39 Bester Popsänger
q 40 Bester Popsong
q 41 Bestes Popalbum
BEREICH FuNK:
q 42 Beste Funk-Sängerin
q 43 Bester Funk-Sänger
q 44 Bester Funk-Song
q 45 Bestes Funk-Album
BEREICH HARD RoCK:
q 46 Beste Hard-Rock-Sängerin
q 47 Bester Hard-Rock-Sänger
q 48 Bester Hard-Rock-Song
q 49 Bestes Hard-Rock-Album
BEREICH METAl:
q 50 Beste Metal-Sängerin
q 51 Bester Metal-Sänger
q 52 Beste Metal-Band
q 53 Bester Metal-Song
q 54 Bestes Metal-Album
BEREICH FuSIoN-JAzz-RoCK:
q 55 Beste Fusion-Jazz-Rock-Sängerin
q 56 Bester Fusion-Jazz-Rock-Sänger
q 57 Beste Fusion-Jazz-Rock-Band
q 58 Bester Fusion-Jazz-Rock-Song
q 59 Bestes Fusion-Jazz-Rock-Album
BEREICH AlTERNATIvE:
q 60 Beste Alternative-Sängerin
q 61 Bester Alternative-Sänger
q 62 Bester Alternative-Song
q 63 Bestes Alternative-Album
BEREICH NEW AGE:
q 64 Beste New-Age-Band
q 65 Bester New-Age-Song
q 66 Bestes New-Age-Album
BEREICH R’N’B/Soul:
q 67 Beste R’n’B/Soul-Sängerin
q 68 Bester R’n’B/Soul-Sänger
q 69 Beste R’n’B/Soul-Band
q 70 Bester R’n’B/Soul-Song
q 71 Bestes R’n’B/Soul-Album
BEREICH REGGAE:
q 72 Beste Reggae-Sängerin
q 73 Bester Reggae-Sänger
q 74 Beste Reggae-Band
q 75 Bestes Reggae-Album
BEREICH lATIN-PoP:
q 76 Beste Latin-Pop-Sängerin
q 77 Bester Latin-Pop-Sänger
q 78 Beste Latin-Pop-Band
q 79 Bester Latin-Pop-Song
q 80 Bestes Latin-Pop-Album
BEREICH FolKRoCK:
q 81 Beste Folkrocksängerin
q 82 Bester Folkrocksänger
q 83 Beste Folkrockband
q 84 Bester Folkrocksong
q 85 Bestes Folkrockalbum
BEREICH CouNTRy:
q 86 Beste Country-Sängerin
q 87 Bester Country-Sänger
q 88 Bester Country-Song
q 89 Bestes Country-Album
BEREICH SCHlAGER:
q 90 Beste Schlager-Sängerin
q 91 Bester Schlager-Sänger
q 92 Beste Schlager-Band
q 93 Bester Schlager-Song
q 94 Bestes Schlager-Album
BEREICH MuSICAl:
q 95 Beste Musicalsängerin
q 96 Bester Musicalsänger
q 97 Bestes Musicalalbum
Die durch die Jury nominierten Preisträger aller Sonderkategorien werden am 12. Dezember 2020
auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen bekanntgegeben.
Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden.
MuSIKBuSINESS:
q 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis)
Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc.
q 99 Bestes kreatives Independent-label (Rock & Pop)
Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc.
q 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop)
Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc.
q 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop)
Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht
q 102 Erfolgreicher Musikmanager (Rock & Pop)
Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen
q 103 Erfolgreicher Musikproduzent (Rock & Pop)
Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD
q 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik
in Deutschland
Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig!
MuSIKPRoDuKTIoN:
q 105 Bester neuer Rock- und Popkünstler des Jahres
q 106 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig)
q 107 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig)
q 108 Bester Song des Jahres (deutschsprachig)
q 109 Bester Song des Jahres (englischsprachig)
q 110 Beste Studioaufnahme des Jahres
q 111 Beste Single des Jahres
q 112 Bestes Musikvideo
q 113 Beste Komposition
q 114 Bester deutscher Text
q 115 Bestes Booklet und Inlaycard
q 116 Beste Instrumentalband
q 117 Bestes Instrumentalalbum
q 118 Beste(r) Barpiano-Interpret(in)
INSTRuMENTAlISTEN:
q 119 Beste(r) Instrumentalsolist(in)
q 120 Beste(r) Gitarrist(in)
q 121 Beste(r) Keyboarder(in)
q 122 Beste(r) Schlagzeuger(in)
q 123 Beste(r) Bassist(in)
q 124 Beste(r) Percussionist(in)
q 125 Bestes Arrangement
q 126 Bestes Blasinstrument
EINSENDESCHLUSS: 15. JULI 2020

STORIES 15
Singer-Songwriterin
KIARA HUBER
»Die Musik motiviert mich im Alltag
ungemein – sie beflügelt,
sie begleitet, sie lässt einen in eine
bezaubernde Welt eintauchen.
Musik fasziniert eben ...«
MM: Bei einer Talentshow in der Schule konntest du mit
deiner Stimme begeistern und seitdem ist einiges passiert.
Wie hat das mit der Musik bei dir angefangen?
KIARA HUBER: Schon mit 6 Jahren hatte ich Lust auf ein In -
stru ment. Klavier hat mir da am besten gefallen, aber die Musik -
schule riet mir damals eigentlich davon ab, da meine Hände
noch zu klein dafür wären. Wir haben es trotzdem probiert. Die
Lehrerin meinte dann, ich würde die kleinen Hände mit meinen
flinken Fingern gut ausgleichen (Kiara lacht). Vor mich hergesungen
habe ich eigentlich schon immer in allen möglichen
Situationen, natürlich meistens daheim, dass es niemand
Fremdes hört. Vor etwa drei Jahren war dann diese Talentshow
in meiner Schule. Alleine traute ich mich noch nicht vor so vielen
Leuten, weshalb ich zusammen mit einer Freundin „Love
Yourself“ von Justin Bieber auf der Schulbühne gesungen hab.
Irgendwie scheint es nicht so schlecht angekommen zu sein.
Tja, und seitdem hat es mich quasi gepackt. Das Klavier -
spielen kommt mir als Begleitung natürlich zugute.
MM: Du spielst Klavier, zeichnest, hast Ballett getanzt und
intensiv Handball gespielt. Wie bekommst du das mit der
Schule unter einen Hut?
KIARA: O ja, das ist wirklich nicht immer so einfach. Die Schule
hat selbstverständlich Vorrang. Meine Eltern betonen das immer
gerne (Kiara schmunzelt). Mit Üben, Auftritten, Proben und so ist
eine gute Organisation wichtig. Da bin ich manchmal noch
etwas verpeilt. Ich bin deshalb sehr dankbar, dass mich meine
Eltern hierbei und auch bei den anderen Sachen super unterstützen,
sonst wäre das kaum möglich. Wegen einer schweren
Verletzung im Handball musste ich mit dem Leistungssport leider
aufhören. Dadurch sind einige Trainingszeiten weggefallen
und ich hatte etwas mehr Luft. 8
4/19 – 1/20 musiker Magazin

16 STORIES
Der Sport ist mir aber trotzdem wichtig, man sollte sich schließlich
immer wieder mal ein bisschen bewegen (lacht). Spaß machen mir
besonders das Fitnesstraining und Hip-Hop-Tanzen. Und wenn ich
dann manchmal etwas Zeit und Lust habe, höre ich Musik und zeichne.
MM: Nachdem deine erste Single veröffentlicht worden ist, steht
deine zweite schon in den Startlöchern. Wie findest du die Themen
für deine Songs?
KIARA: Ich suche meistens gar nicht gezielt danach. Irgendwie kommt
mir im Alltag manchmal was in den Sinn und ich schreibe mir dann ein
paar Worte dazu auf. Ganz spontan ist so meine erste Single entstanden.
Der Stress in der Schule war mal wieder etwas größer, und mir war
danach, mal abzuschalten und irgendwo hinzugehen, um den Kopf freizubekommen,
einfach nichts mehr tun zu müssen. Das ist dann auch
die Botschaft im Song „Ich komm mit“ geworden. Nachdem ich ein
paar Zeilen zusammen hatte, habe ich mich ans Klavier gesetzt und die
Melodie dazu komponiert. Anders beim internationalen Songcontest in
Berlin. Da war ein bestimmtes Thema für eine Eigenkomposition vorgegeben.
Es sollte dabei zum Beispiel um Toleranz und die Vielfältigkeit
auf der Welt gehen. Daraus ist mein allererster eigener Song
„Menschen haus“ als Pianoversion entstanden. Und in meinem ganz
neuen Lied möchte ich meine Gefühle ausdrücken, wie ich jemanden
sehr vermisse. Ich hoffe, das kommt auch so rüber.
MM: Welche Musikrichtung singst bzw. spielst du am liebsten?
rockige Lieder drauf, mit verschiedenen Beats. Das erste Mal haben wir
in einem Song das Pianospiel von mir eingebaut. Mal sehen, wie es
ankommt. Bisher sind wir mit den Rückmeldungen echt zufrieden, das
freut uns. Die Wochen zuvor im Studio waren an strengend, aber
genauso interessant und haben wirklich sehr Spaß gemacht. Mit dem
Toningenieur verstehen wir uns alle gut, das macht es bei den Auf nah -
men leichter. Was meinen Gesang betrifft, bin ich im Studio voll kritisch.
Da muss ein Vers oder Refrain immer wieder mal daran glauben, das
zwanzigste Mal oder noch mehr eingesungen zu werden (Kiara lacht).
Die Release-Party war jedenfalls richtig fett.
MM: Am Anfang habt ihr überwiegend gecovert. Was macht für
dich den Reiz an Cover-Songs aus?
KIARA: Sowohl solo als auch in der Band sind immer wieder Cover-
Songs angesagt. Einen bekannten Song, der mir gefällt, auf meine
eigene Art und Weise zu interpretieren, finde ich echt spannend, und
das fordert mich richtig heraus. Ich meine, anders, als das manchmal
so geglaubt wird, ist das Covern deshalb gar nicht so einfach. Mit
der Band versuchen wir auch, den Cover-Song jeweils in unserem Stil
rüberzubringen. Ob wir bei einem Auftritt covern oder nicht, kommt
natürlich auf den Anlass und das Publikum an. So eine Mischung
aus eigenen und Cover-Songs finde ich ganz nice.
MM: Du konntest schon einiges an Bühnenerfahrung sammeln.
Was waren deine bisherigen Highlights?
KIARA: Da bin ich eigentlich total offen. Mir gefallen reine Balladen
genauso wie schnellere Songs aus dem Rock- und Pop-Genre bis hin
zu Jazz, Soul und R&B. Ich finde, man muss vieles ausprobieren, um seinen
Stil irgendwann zu finden. Bei Solo-Auftritten versuche ich meistens,
möglichst von allem etwas abzudecken, auf Deutsch und Englisch.
MM: Du bist auch begeisterte Frontfrau der Pop-/Rockband
CUBE SIX. Wie habt ihr zusammengefunden und wie läuft es so?
KIARA: Das war echt witzig. Nach der Talentshow hat mich jemand
darauf angesprochen, dass eine Herrenberger Band eine Sängerin
suchen würde. Ich wurde dann zu einem kleinen „Casting“ eingeladen
und musste ein paar Songs vorsingen. Irgendwie hat es gleich super
gepasst zwischen mir und den vier Jungs, haben einen ähnlichen
Humor. Tja, und seitdem bin ich in der Band und es macht mir riesigen
Spaß. Mit meinem Solo-Gesang kann ich mehr ruhigere Titel singen,
mit CUBE SIX gehts oft etwas wilder zu. Wir haben regelmäßig geile
Auftritte und auch den einen oder anderen Contest schon ge wonnen.
Oft werden wir vor Gigs wegen unseres Alters etwas unterschätzt, das
ändert sich dann aber zum Glück meistens, wenn wir anfangen. Eine
Zeitung hat sogar mal geschrieben, dass wir so manche erwachsene
Band locker an die Wand spielen (Kiara grinst).
MM: Gerade habt ihr eure EP veröffentlicht. Wie war’s bei den
Studioaufnahmen und was sind die Botschaften eurer Songs?
KIARA: Mit der Band spielen wir hauptsächlich deutschen Pop und
Rock. Unsere Songs handeln von Themen, die uns so in unserem
Leben bewegen und eigentlich alle Menschen, ob jung oder alt, betreffen.
Natürlich darf die Liebe nicht fehlen, es geht auch um Selbst -
bewusstsein, Neugier und das Abschalten zum Beispiel bei Stress. Auf
der EP sind neben einem etwas ruhigeren Song auch schnellere
KIARA: Das EINE-Welt-Festival in Berlin war schon heftig. Die große
Bühne, viele bekannte Leute aus der Musik, das Publikum und so – hier
konnte ich sehr viel Erfahrung sammeln. Auch meine Auftritte beim
Finale des Deutschen Rock & Pop Preises in Siegen haben mich total
beindruckt und waren richtig krass. So viele klasse Musiker bei einer
Veranstaltung, ich war völlig geflasht von allem. Mit der Band durften wir
letzten Sommer beim Kesselfestival in Stuttgart auftreten. Das war zwar
nur auf der kleineren Kulturbühne, aber die Stimmung war gigantisch.
Und die berühmten Musiker hinter sich ganz nah auf der großen
Bühne zu hören, ist schon mega. Der Hammer ist, dass wir bei dem
New comer-Event uns gegen Erwachsenen-Bands durchgesetzt und
gewonnen haben. Kaum zu glauben, aber wir dürfen nun in diesem
Jahr auf der riesigen Hauptbühne als Opener beim Festival spielen.
MM: Wie steht deine Familie zu deinen musikalischen Ambi tio -
nen? Unterstützt sie dich?
KIARA: Absolut. Ohne meine Eltern könnte ich das alles nicht so
machen. Natürlich achten Sie darauf, dass die Schule nicht zu kurz
kommt. Wenn es darum geht, alles rund um meine Musik zu organisieren
und mir dabei soweit es geht zu helfen, stehen meine Mutter und mein
Vater immer wie eine Eins parat. Sie sind neben meinen Geschwistern
und meinem Opa dazu auch noch meine größten Fans. Richtig cool.
MM: Wie entscheidest du, wer die richtige Unterstützung für deine
musikalische Weiterentwicklung ist? Welche Anfragen seriös sind?
KIARA: Ich bin froh, dass mich meine Familie dabei berät. Natürlich
sind da irgendwann die Grenzen erreicht, wenn es zum Beispiel um
die Pro duktion von Songs geht. Aber selbst dabei ist mir ein Feed -
back meiner Family sehr wichtig, vor allem dann, wenn Leute anfragen,
die musikalisch was mit mir machen wollen. Wenn man wie ich noch
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 17
nicht so lange Musik macht, ist es auch nicht so leicht zu erkennen,
wer einen in der Ent wick lung weiterbringen kann und möchte. Ich sehe
das aber völlig gechillt. Ganz oben stehen der Spaß und die Lust am
Musik machen. Was gibt es Schöneres. Und dann schauen wir mal, wie
das alles noch so wird.
MM: Wie wichtig ist dir die Präsenz in sozialen Medien?
KIARA: Ich glaube, sich und seine Musik im Netz zu zeigen ist kaum wegzudenken,
wenn man musikalisch vorankommen möchte. Bei An fragen
für Auftritte oder wenn man sich für einen Contest bewerben will, wird
immer nach den Kanälen und der Website gefragt. Ohne wird das eher
schwierig, kann ich mir vorstellen. Deshalb ist es für mich natürlich wichtig,
dass ich da das eine oder andere zu meiner Musik vorstellen kann.
Aber das kostet auch Zeit und die fehlt mir dann woanders wieder. Meine
Eltern können ein Lied davon singen (Kiara lacht).
MM: Was sind deine weiteren musikalischen Ziele?
KIARA: Meine zweite Solo-Single steht vor der Veröffentlichung. Ich
habe in den letzten Wochen immer wieder daran gearbeitet, weil ich noch
nicht ganz zufrieden war. Bei mir läuft das noch nicht so schnell, ich brauche
da etwas länger. Zuletzt war es in der Schule stressig, weshalb ich
weniger Zeit hatte. Jetzt gehe ich aber wieder verstärkt an das Kom po -
nieren ran. Muss mal sehen, wie das dann mit möglichen weiteren Pro -
duktionen in der Zukunft so läuft. Habe jedenfalls richtig Bock darauf. Mit
meinem Gesangs- und Klavierlehrer möchte ich meine Klavierbegleitung
auch noch weiter ausbauen. Das finde ich für Auftritte cool und es bringt
mir Spaß. Und mit der Band versuchen wir, in nächster Zeit auch weitere
Songs zu schreiben und unseren Stil zu erweitern. Aber klar, ich weiß:
Erst die Schule (Kiara grinst).
WeB: WWW.KIARAHUBER.DE | IntervIeW: RONJA RABE
Fotos: SIMONE SIMONS; FRANK HUBER
4/19 – 1/20 musiker Magazin

18 STORIES
Sie schreibt alle Songs und
Texte selbst und
veröffentlichte im April 2018
auf ihrem Label
NASH*DASH Records.
Und sie hat viel zu erzählen,
denn Ann hat vor Kurzem
ihr komplettes Leben auf
links gedreht:
Neue Liebe, neues Leben,
neuer Job.
Das Mädel vom Main
wechselte an die Weser,
tauschte die Frankfurter
Skyline gegen die
Bremer Stadtmusikanten.
Ein solcher Wandel
ist eine Herausforderung,
die zwar neuen
Raum schafft, aber auch
Fragen aufwirft.
MM: Wann hast du deine Liebe zum Country
entdeckt?
ANN DOKA: Mit 14 saß ich Sonntag mittags vor
dem Radio und hörte zufällig den „American
Country Countdown“ auf AFN (American Forces
Network), als plötzlich der Song „I Swear“ in einer
Countryversion von John Michael Montgomery
gespielt wurde. Ich war zu dieser Zeit ein großer
Fan der Band All4One, die den Song als Pop-
Ballade in die Charts gebracht hatten. Was ich
dann erst bemerkte: Den Originalsong hatte John
Michael Montgomery geschrieben – und nicht
etwa All4One.
Mein Onkel schenkte mir dann die CD von
John Michael Montgomery zu Weihnachten, und
ich hörte mir die Akkorde der Songs mit meiner
Gitarre raus, um sie mit den Texten aus dem
Booklet zu singen. Das war der Beginn meiner
Leidenschaft für Country-Pop-Musik.
MM: Dein aktuelles Duett „Only If“ hast du
mit dem Nashville Singer-Songwriter Brooks
West geschrieben und im Frühjahr veröffentlicht.
Wie kam es zu der Zusammenarbeit?
ANN DOKA: Brooks und ich hatten uns vor ein
paar Jahren in Nashville, TN (USA), kennengelernt.
Ich fand seine Stimme unglaublich schön und
fragte ihn dann im letzten Jahr, ob wir nicht mal
ein Duett zusammen schreiben wollten. Er sagte
gleich zu. Als ich dann im August 2018 nach einer
privaten Trennung für eine längere Auszeit nach
Nashville kam, setzten wir unser Vorhaben in die
Tat um und schrieben in seiner Küche in East
Nashville unser Duett „Only If“. In dem Song geht
es um die Gedanken zweier Liebender, die sich
voneinander entfernt haben und noch nicht sicher
sind, ob diese Liebe noch eine Chance hat.
Beide kommen in dem Song zu dem Schluss:
„Only If“ (Nur wenn …)
MM: Wie war es, im Studio in Nashville aufzunehmen?
ANN DOKA: In Nashville zu produzieren ist immer
eine beeindruckende Erfahrung. Man steht plötzlich
neben Studiomusikern, die man schon
selbst mit großen Künstlern auf der Bühne gesehen
hat. So durfte ich unter anderem schon mit
Chris Rodriguez (Gitarre – Kelly Clarkson & Keith
Urban), Vail Johnson (Bass – Kenny G, Keb’ Mo’,
Whitney Houston) und Bruce Bouton (Pedal Steel –
Lady Antebellum) aufnehmen und jetzt jüngst „Only
If“ mit dem Produzenten Jonathan Lawrence
Jrade-Rice produzieren.
Unglaublich finde ich, dass die Studiomusiker
in die Demoaufnahmen der Songs meist gar nicht
reinhören, bevor sie ins Studio kommen. Sie be -
kommen vor Ort die im „Nashville Number System“
notierten Akkorde und spielen dann einfach, was
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 19
ANN DOKA
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ihnen dazu einfällt. Diese spontane Kreativität lässt
einen einfach nur mit offenem Mund dasitzen. Nicht
umsonst nennt man diese Profi-Studiomusiker „the
hired guns“.
auch in Deutschland gäbe – aber nicht in diesem
Umfang. Auch erlebe ich die Amerikaner häufig
offener in ihrer Art.
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Bass
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MM: Wie hat dir Nashville an sich gefallen?
ANN DOKA: Nashville ist zu Recht als „Music
City“ bekannt. Die Menge an Musik, die einem
vor Ort begegnet, ist einfach unfassbar. Ob auf
dem touristisch geprägten Broadway, wo sich Bar
an Bar reiht – und in jeder Bar ab 10 Uhr morgens
bis in die Nacht Livemusik zu hören ist –,
oder in den unzähligen kleinen Live-Locations,
Songwriting Sessions, Open States, Bluegrass
Jams und natürlich auch privaten Jamsessions
auf irgendeiner Veranda von Menschen, die man
gerade erst kennengelernt hat. Einfach großartig.
Dazu dann noch die Studioarbeit mit tollen Mu -
sikern und Produzenten. Nicht, dass es das nicht
MM: Nachdem du im Februar 2019 bereits im
ZDF Morgenmagazin zu Gast warst, bist du
im Juni im ZDF Fernsehgarten vor Millionen
TV-Zuschauern aufgetreten. Wie war das für
dich und wie kam es dazu?
ANN DOKA: Vor so vielen Zuschauern live im Fern -
sehen aufzutreten, ist natürlich eine große Ehre.
Brooks kam extra aus Nashville eingeflogen, damit
wir unseren gemeinsamen Song präsentieren
konnten. Da fühlte man sich nicht ganz so nervös,
weil man zu zweit auf der Bühne stand.
Generell kann man sagen, dass solche Auf -
tritte eher kein Zufall sind. Mein Promoter hat in
den letzten Jahren mehrfach versucht, mich in
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20 STORIES
»Gerade meine
Co-Writings in Nashville
haben mein
Songwriting sehr
verändert. Ich lasse den
Prozess mehr fließen –
habe aber gleichzeitig
seitdem immer
die 3-Minuten-Regel in
meinem Hinterkopf,
damit man auch als
Newcomer eine Chance
hat, im Radio
gespielt zu werden.«
ANN DOKA &
BROOKS WEST
„Only If“
VÖ: 15. FEBRUAR 2019
ANN DOKA &
„Lost But Found“
VÖ: 13.APRIL 2018
ANNDOKA.COM
WWW.FACEBOOK.COM/ANNDOKA
WWW.YOUTUBE.COM/ANNDOKA
solchen Formaten zu platzieren. Mit „Only If“ und
Brooks als Duett-Partner hat es nun endlich ge -
klappt.
Zerrissenheit, aber auch die Zuversicht und den
Glauben an das noch unbekannte Neue. Irgendwie
geht es ja doch immer weiter.
MM: Wie gehst du beim Komponieren deiner
Songs vor?
ANN DOKA: Ich räume immer erst meine Woh -
nung auf, bis ich mich zumindest wohlfühle. Auch
muss ich das Gefühl haben, dass meine To-do-
Liste einigermaßen überschaubar ist. Dann setze
ich mich mit meiner Gitarre ins Wohnzimmer und
schaue, welche Melodien mir so einfallen.
Dazu singe ich einen beliebigen Text – und
plötzlich passt ein Wort zur Melodie. Irgendwie
habe ich das Gefühl, die Melodie findet schon die
passenden Worte. In den letzten Jahren schrieb
ich auch gern mit anderen Musikern zusammen,
weil man mal wieder auf neue Ideen kommt und
andere musikalische Einflüsse erfährt.
Worte verwende, die den Singfluss stören oder
sich zu deutsch anhören. Auch lasse ich immer
noch mal einen Native Speaker über meine Texte
schauen und mache Aussprachetraining, bevor
ich die Songs im Studio einsinge. Inhaltlich ist mir
wichtig, dass ich Geschichten erzähle, die nah
am Menschen sind.
Die Psychologie der Menschen ist daher oft
ein Thema, das mich für Songs inspiriert.
MM: Mit wem würdest du noch gern mal
einen Song schreiben oder singen?
ANN DOKA: Oh … das sind so viele! Aber ganz
oben stehen mit Sicherheit Ilse de Lange, Tina
Dico, Phil Vassar … und Bryan Adams.
MM: Wie sehen deine musikalischen Pläne
für 2020 aus?
MM: Dein letztes Album heißt „Lost But
Found“. Was hat es mit dem Titel auf sich?
ANN DOKA: Verloren – aber trotzdem irgendwie
aufgehoben … das war mein Gefühl, als ich das
Album geschrieben habe.
Ich war gerade von Frankfurt nach Bremen ge -
zogen – hatte meinen Job, Freunde und meine
Familie hinter mir gelassen.
Auf dem Album konnte ich alles niederschreiben,
was mich in dieser Zeit beschäftigte. Die
Gerade meine Co-Writings in Nashville haben
mein Songwriting sehr verändert. Ich lasse den
Prozess mehr fließen – habe aber gleichzeitig
seitdem immer die 3-Minuten-Regel in meinem
Hinterkopf, damit man auch als Newcomer eine
Chance hat, im Radio gespielt zu werden.
MM: Was ist dir bei den Texten wichtig?
ANN DOKA: Mir ist wichtig, dass die Texte auch
für Englisch-Muttersprachler Sinn ergeben und
sich rund anhören. Also dass ich z. B. keine
ANN DOKA: Ich sehe Pläne eher als einen Weg,
auf dem man seine Route immer wieder an passt.
Mein Plan ist also: flexibel bleiben und Chancen
nutzen, wenn sie sich ergeben. Aber insgeheim
stehen da natürlich trotzdem noch ein großer
Radio-Hit und ein Auftritt in der Festhalle Frankfurt
auf meiner Liste. Ob das realistisch ist, wird sich
zeigen :-).
WEB: ANNDOKA.COM
INTERVIEW: RONJA RABE
FOTOqUELLE: NASH*DASH RECORDS
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 21
The greatest Rock & Roll
band in the world|TEIL 2
4/19 – 1/20 musiker Magazin

22 STORIES
Januar 1970 hoffte der britische Melody
Im
Maker, die Beatles und die Rolling Stones
würden sich noch im selben Jahr auflösen: „Mal
ehrlich: Sie hatten ihre Zeit und müssen selbst
zugeben, dass ihr Konzept jetzt nur noch Lange -
weile verbreitet.“ Kaum ein Blatt hat jemals so
danebengelegen. Nur in einem Punkt behielt der
Melody Maker recht: Im April 1970 trennten sich
die Beatles endgültig. Aber ihre Musik hatte sich
überhaupt nicht abgenutzt, und mit „Abbey
Road“ hatten sie gerade erst im September 1969
ein weiteres fantastisches Album vorgelegt, das
anlässlich seiner Neuveröffentlichung im Jahr
2019 wieder zum Verkaufsschlager wurde. Die
Rolling Stones waren sogar lebendiger denn je.
Ihre im Dezember 1969 veröffentlichte LP „Let
It Bleed“ ist ein Hauptwerk der Rockmusik, und
die Band steuert heute auf ihr 60-jähriges Be -
stehen zu, ohne dass Langeweile aufkommt.
1970 bedeutete eine Zäsur für die Band. Ihr
Vertrag mit dem Label Decca lief aus, sie trennten
sich auch von ihrem Manager Allen Klein und
machten sich mit ihrem eigenen Label selbstständig.
Dessen Markenzeichen ist die ausgestreckte
rote Zunge, die wohl auch diejenigen
kennen, die an der Musik der Rolling Stones
nichts finden. Die schwierige Trennung von Klein
und seiner Firma ABKCO im Juli 1970 ließ den
Manager aber weiterhin kräftig an den bis dahin
veröffentlichten Platten der Band verdienen,
sodass die Rolling Stones für eine neue wirtschaftliche
Basis sorgen mussten. Allerdings
konnte Kleins Firma bis auf eine Ausnahme im
CD-Zeitalter keine extended versions von Alben
der Band veröffentlichen, wie es beim Werk so
vieler berühmter Rockmusiker zur Selbst ver -
ständlichkeit geworden ist. Da Vollmachten für
die Veröffentlichung von bisher nicht erschienenem
Material aus jener Zeit fehlten, musste
auch die jüngste Wiederveröffentlichung von „Let
It Bleed“ ohne bislang unbekannte Aufnahmen
auskommen. 2009 kam allerdings die ABKCO-
Box „Get Yer Ya-Yahs Out“ mit vier 1969 nicht
erschienenen Songs und dem New Yorker Vor -
programm heraus, das B. B. King sowie Ike &
Tina Turner bestritten hatten. Vermutlich hatte
Klein sich vor 50 Jahren die Rechte an den
Konzertmitschnitten der Band jener Tournee ge -
sichert.
Musikalisch gedieh die Band zu Beginn ihrer
zurückgewonnenen Freiheit prächtig. Sie landete
im April 1971 einen musikalischen und finanziel -
len Coup, der seinesgleichen sucht: zunächst
mit der Single „Brown Sugar“ und wenige Tage
darauf mit ihrem 13. Album „Sticky Fingers“.
Erstmals prangte die rote Zunge auf dem gelben
Untergrund der LP-Labels, und das Platten cover
hatte der weltbekannte Pop-Art-Künstler Andy
Warhol gestaltet. Die fotografierte Jeans mit
einem echten Reißverschluss, der sich
selbst verständlich aufziehen ließ, gehört zu
den Ikonen der LP-Cover in der Rockmusik.
Auch als das Album Anfang der 1990er-Jahre
als CD veröffentlicht wurde, wurde immer noch
ein echter Reißverschluss für das Cover eingearbeitet.
Das Album wurde zum erfolgreichsten
der Band-Karriere und lässt die Rolling Stones
auf künstlerischer Höhe glänzen. Sowohl der
ausgekoppelte wilde Song „Brown Sugar“ mit
seinem zotigen Text als auch das mit hervorragenden
Stücken gespickte Album insgesamt
haben Musikgeschichte geschrieben. Nach
„Goin’ Home“ von Aftermath zeigten die Rolling
Stones mit „Can’t You Hear Me Knocking“ zum
ersten Mal wieder, wie spannend sie improvisieren
können. In späteren Jahren haben sie dieses
Stück bei ihren gigantischen Rock shows
wiederholt eingebaut. Von „Brown Sugar“ wurde
eine weitere Version im Studio während Keith
Richards’ Geburtstag mit Al Kooper am Key -
board und Eric Clapton als Leadgitarrist aufgenommen
und sollte ursprünglich als Single veröffentlicht
werden. Ein solcher Leckerbissen
fand natürlich seinen Weg auf Bootlegs. 2015
kam er offiziell auf einer hervorragenden zweiten
CD der extended version von „Sticky Fingers“
heraus, die Studio- und Live-Aufnah men enthält.
Auch live blieb die Band ein Ereignis, wie
zum Beispiel ihr Auftritt im Londoner Marquee
Club von Anfang März 1971 demonstriert,
2015 in der Serie „From the Vault“ erschienen.
Gitarrist Mick Taylor bereicherte die Musik der
Rolling Stones mit seinen exquisiten Soli, während
Keith Richards Rhythmus-Gitarrist blieb –
bis zu Taylors Ausscheiden. Mick Jaggers
Bühnen show veranlasste Kritiker zu immer
neuen Superlativen. Tina Turner zufolge soll er
zwar 1966 in der Royal Albert Hall anlässlich des
gemeinsamen Auftritts von ihr eine Reihe von
Tanzschritten gelernt haben. Aber entschei dend
ist, was Jagger für seine Per for mance daraus
gemacht hat. Die Band wurde rasch vermögend.
Um den hohen britischen Steuern zu entkommen,
wurden die Rolling Stones zu Steuer flücht -
lingen, die im Frühjahr 1971 ihren Wohnsitz nach
Südfrankreich verlegten. Mick Jagger führte
außerdem ein Leben im Jetset. Im Mai 1971 heiratete
er in Frank reich die seinerzeit als glamouröses
Partygirl gel tende Bianca Pérez-Mora
Macias aus Nicaragua. Als die Ehe acht Jahre
später ge schieden wurde, behielt Mrs. Jagger
ihren klingenden Ehenamen.
In Südfrankreich wurden die noch in London
begonnenen Aufnahmen für das Doppelalbum
»Gradlinig war die Karriere
der Rolling Stones freilich
nicht. Seit 1970 durchliefen
sie Höhen und Tiefen,
rauften sich wieder
zusammen und wurden ab
Ende der 1980er-Jahre
zur Gelddruckmaschine
des Rock-Business
schlechthin, die auch nach
einer erneuten
Unterbrechung des
Tournee-Betriebes ihre Fans
rund um die Welt
zu begeistern versteht.«
„Exile On Main Street“ von 1972 eher schleppend
zu Ende geführt, weil in Frankreich der
Drogen kon sum innerhalb der Band und ihrer
Entourage zunahm. Bill Wyman hielt sich zwar
zurück, und Charlie Watts wandte sich erst viel
später kurzfristig dem Heroin zu und entkam
dem Suchtmittel erfolgreich. Mick Taylor fühlte
sich von Jagger und Richards, die beide harte
Drogen nahmen, unter Druck gesetzt und verfiel
den Rauschmitteln immer mehr. Einen Ein -
druck von der Situation der Band vermittelt
Robert Franks’ Film „Cocksucker Blues“ über die
US-Tourneen der Rolling Stones in den Jahren
1972 und 1973. Unverblümt zeigt der Streifen
das nicht nur von Musik, sondern auch exzessivem
Sex und Drogen konsum bestimmte Tourne -
eleben. Das drohte allerdings künftige Ein reisen
in die USA als wichtigem Rock musik-Markt nicht
zu ge fährden. Deswegen verhinderte die Band
ge richtlich, dass der Film in die Kinos kam.
Heute, über vier Jahrzehnte danach, kann man
sich „Cocksucker Blues“ bei YouTube zu Gemüte
führen, wenn man den Hinweis bestätigt hat, der
Film könne Nutzern unangemessen erscheinen.
Aus heutiger Sicht ist „Exile On Main Street“
ein weiterer Rolling-Stones-Klassiker und sogar
eines der wichtigsten Werke der Rockmusik,
aus dem die erfolgreiche Single „Tumbling Dice“
ausgekoppelt wurde. Die unter ungünstigen Be -
dingungen zustande gekommene Produktion
fanden damals aber längst nicht alle gut, da
das Album irgendwie unfertig wirkte und ungeschliffen
war. Die Ablehnung ist schon lange
revidiert worden, sodass „Exile On Main Street“
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 23
Zwei für Paris geplante Konzerte wurden nach
Brüssel verlegt, wohin französische Fans mit
einem von RTL Radio angemieteten Sonde rzug
anreisen konnten. Diese „Brussels Affair“ wurde
bald als Bootlegs vertrieben.
Weiterhin mit Taylor entstand das im Spät -
sommer 1973 veröffentlichte, ebenso be liebte
wie ausgezeichnete Album „Goats Head Soup“
mit dem Balladen-Renner „Angie“, der nicht nur
Platz eins der Hitparaden belegte, sondern häufig
zum Repertoire von Live-Auftritten der Band
gehörte. Wie der Geschmack sich ändern kann:
Damals geißelten manche den Song als „grausigen
Fehler“ und als „Albtraum“. Im Vorfeld von
„Goats Head Soup“ gab es wieder einmal Ärger.
Jaggers Songtexte waren noch nie etwas für
zartbesaitete Zeitgenossen. Aber der Titel
„Starfucker“ war denn doch zu viel für Ahmet
Ertegun, bei dessen Label Atlantic die Platten
der Rolling Stones mittlerweile in den USA
erschienen. Deshalb wurde der Titel in „Star
Star“ geändert. Der unverändert eindeutige
Songtext blieb jedoch ein Aufreger und berei-
als eines der wenigen Alben der Rolling Stones
wie „Sticky Fingers“ in den 2010er-Jahren in
einer erweiterten Fassung mit zu sätzlichen
Songs auf den Markt kam.
Noch konnten die Rolling Stones Hit-Singles
in den Hitparaden platzieren, und das gelang
ihnen in immer größer werdenden Abständen
immerhin bis 2016. Der Trend verlagerte sich
indessen seit der ersten Hälfte der 1970er-
Jahre zu den LP-Produktionen. Pink Floyd forcierte
dies geradezu im März 1973 mit dem
Konzeptalbum „Dark Side Of The Moon“. Als
Live-Attraktion waren die Rolling Stones in den
USA und in Europa gefragter denn je. Kein
Geringerer als der berühmte Rock-Promoter Bill
Graham nannte sie „die größte Attraktion seit
Menschengedenken“. Die Attraktion setzte sich
aus einer Reihe von Faktoren zusammen: der
Musik der Rolling Stones mit Richards’ einprägsamen
Riffs, dem Können der Band mit -
glieder und ihrer Begleitmusiker, Mick Taylors
Soli, die manchem Rezensenten „die Ohren
übergehen“ ließen, und der vitalen Bühnenshow
des geborenen Entertainers Mick Jagger. Die
Konzerte fanden zunehmend in riesigen Arenen
statt, wobei die Band nun erst recht von der
Aura des ausschweifenden und verruchten
Lebens umweht wurde. Zunehmend ließen
sich die Musikernmit einem VIP-Catering im
VIP-Stil versorgen, was heute schon lange zum
Standard ihrer Konzerte gehört.
Immer wieder bereitete Richards’ Drogen kon -
sum den Rolling Stones Schwierigkeiten. Als
man ihn erneut mit unerlaubten Substanzen
erwischte, verweigerten französische Behörden
den Rolling Stones die Einreise nach Frank -
reich zu Live-Auftritten, die für Spätsommer/
Frühherbst 1973 während der Europa-Tournee
der Band geplant waren.
Dadurch endete nicht nur das freiwillige
Frankreich-Exil, es machte auch das Gerücht
die Runde, Jagger wolle Richards durch Ron
Wood von den Faces ersetzen. Es wurde außer -
dem gemunkelt, die Rolling Stones würden mit
den Faces, aber ohne Rod Stewart fusionieren,
der eine Solo-Karriere im Auge hatte. Im End -
effekt wurde Wood schon bald anstelle von
Mick Taylor neuer Gitarrist der Band.
tete der Band Schwierigkeiten bei öffentlichen
Auftritten.
Alles schien wie gewohnt auf Hochtouren
weiterzugehen: der exzessive Tournee-Betrieb
und Richards’ Drogenkonsum, dessen Folgen
in seinem Gesicht zunehmend sichtbar wurden.
Als erstes Bandmitglied widmete sich
Bassist Bill Wyman 1974 Solo-Projekten mit
den Alben „Monkey Grip“ und „Smokin’ TNT“,
mit Buddy Guy trat er außerdem gemeinsam
auf dem Montreux Jazz Festival auf. Innerhalb
der Band nahmen Spannungen zu, und Mick
Taylor schied bei den Rolling Stones zum
Bedauern seiner Mitstreiter aus. Seine Soli
waren Leckerbissen. Davon konnte man sich
zum Beispiel bei Bild- und Tonaufnahmen
über zeugen, die ab den 1980er-Jahren bei verschiedenen
Auftritten mit John Mayall aufgezeichnet
wurden, durch dessen Album
„Crusade“ die Rolling Stones auf Taylor aufmerksam
geworden waren.
Das noch mit Taylor entstandene, im Herbst
1974 herausgekommene Album „It’s Only Rock
‘N’ Roll“ wurde erstmals von den Glimmer
Twins produziert. Das war ein Pseudonym für
Jagger und Richards, die schon früh eine gegen -
seitige Hassliebe verband, die beide nicht selten
verleitete, öffentlich abschätzig übereinander
zu reden. Derlei Spannungen hatten nun zugenommen,
und das blieb nicht ohne Spuren für
das Album. Vielleicht wirkt es deswegen trotz
mancher guter Stücke heterogen. „It’s Only
Rock ‘N’ Roll“ wurde jedoch auch so ein
8
4/19 – 1/20 musiker Magazin

24 STORIES
Verkaufserfolg und der Titelsong ein beliebter
Klassiker. Für Taylor musste nach der Fertig -
stellung der neuen LP Ersatz gefunden werden.
Im Januar 1975 jammten die Rolling Stones
mit Rory Gallagher und Jeff Beck, danach wurden
im Februar Aufnahmen mit dem Studio-
Gitarristen Wayne Perkins, mit Ron Wood und
Harvey Mandel (Ex-Canned-Heat) hergestellt.
Im Gespräch waren aber außerdem auch Wilco
Johnson von Dr. Feelgood, Shadow-Gitarrist
Hank Marvin, Mott-the-Hoople-Gitarrist Mick
Ronson und Bobby Tench. Das Rennen machte
Wood, der sich bereits an dem Song „It’s Only
Rock ‘N’ Roll“ beteiligt hatte. Richards und
Wood harmonierten musikalisch bestens, allerdings
auch in puncto Sucht, denn Wood war
Alkoholiker. Beide wechselten sich einander
künftig bei Soli und an der Rhyth musgitarre ab.
Spätere Konzertmit schnitte auf DVD und Blu-
Ray präsentieren auch Richards mit vielen herrlichen
Gitarrensoli. 1976 erschien die musi kalisch
und stilistisch abwechslungsreiche LP „Black
and Blue“ mit Wood als Mitglied der Rolling
Stones. Zu hören sind auch einige der getesteten
Gitarristen. Als Erstveröffentlichung hätte
das Innencover-Foto von „Black And Blue“
heute wohl keine Chance gehabt: eine gefesselte,
malträtierte junge Frau in Unterwäsche
über der Abbildung des Album-Außencovers.
Eine Parodie ersetzte die Frau durch einen
ge fesselten Mann, der Jagger ähnelt, ein T-Shirt
mit der Rolling-Stones-Zunge trägt und von
einer jungen Frau ausgelacht wird.
Stressfreies Leben blieb für die Haupt akteure
Jagger und Richards ein Fremdwort. Während
die Presse Jaggers Privatleben, der ab 1977
mit dem Fotomodell Jerry Hall zusammenlebte,
mit Argusaugen verfolgte, hatte der Junkie
Richards ständig Ärger mit der Strafjustiz. Er
behauptete, stets chemisch reine Substanzen
zu sich genommen und dadurch auf seine Ge -
sundheit geachtet zu haben. Jahre später ersetzte
Richards Rauschmittel durch Alkohol, den er
nicht als Droge ansah. Doch auf diese Weise
hatte er nur den Teufel mit dem Beelzebub aus -
getrieben. Richards erlitt im Laufe der Jahre
jedenfalls verschiedene Unfälle, die ihn hinderten,
Konzerte zu geben. Erst seit 2018 soll er
nun auch trocken sein. Jagger reagierte allerdings
auf die Drogen-Eskapaden seines anderen
Glimmer Twins, sagte sich in der zweiten Hälfte
der 1970er-Jahre von den berauschenden Sub -
stanzen los und ernährte sich fortan be wusster.
Musikalisch erreichte die Band mit herausragenden
Songs aus der Feder von Jagger und
Richards 1978 und dem Spitzenalbum „Some
Girls“ einen neuen Höhepunkt, das der treibende
Song „Miss You“ im Disco-Sound einleitet, der
ebenfalls zu einem Konzertklassiker wurde.
„Some Girls“ ist das dritte Album aus der Post-
Decca-Zeit, das später in einer erweiterten
Fas sung wiederveröffentlicht wurde. Was Femi -
nis tinnen damals und bei der Wiederveröffent -
lichung wohl zu dem Albumcover mit Frauen-
Perücken auf den Köpfen der Bandmitglieder
und Werbung aus den 1950er-Jahren für Büsten -
halter, die aus dem Metallwaren-Handel zu stammen
scheinen, gesagt haben mögen?
Auch die beiden nachfolgenden Alben
„Emotional Rescue“ (1980), das gemeinhin als
schwächer eingeschätzt wird, und „Tattoo You“
von 1981 wurden zu Kassenschlagern. „Start
Me Up“ aus „Tattoo You“ ist einer der beliebtes -
ten Songs der Band mit einem energischen
Gitarrenriff von Richards. „Emotional Rescue“
offenbarte freilich Erosionserscheinungen, denn
dieses Album wurde nur noch mit einem Rumpf
der Band eingespielt, wohl ohne Wyman und
ganz sicher ohne Richards, dem es egal war,
ob die Rolling Stones einen weiteren Hit haben
würden. Charlie Watts begann nun auch, Solo -
projekte zu verfolgen.
Dennoch ließ sich die Band-Maschine wieder
auf Hochtouren bringen, und das nach fast
20 Jahren Rolling Stones – eine für das Rock -
geschäft fast schon unglaubliche Zeitspanne.
Jagger orakelte zwar mittlerweile, dass er wohl
nicht mehr lange so tun könne, als sei er noch
18. Aber Live-LPs und Konzertmitschnitte auf
Bildträgern kamen heraus, dabei Hal Ashbys
Film „Let’s Spend The Night Together“. Die Band
trat mit der Blues-Ikone Muddy Waters auf und
schloss im Herbst 1983 mit CBS einen Vertrag
über vier Alben, für den sie 28 Millionen Pfund
kassierte. Und wieder stand Steuersparen im
Fokus, weshalb der Vertrag nicht in Groß bri -
tannien, sondern in Paris unterzeichnet wurde.
1983 und 1985 erschienen die Alben „Under-
cover“ und „Dirty Work“, die sich ebenfalls ausgezeichnet
verkauften. Eigeninteressen befeuerten
Jaggers und Richards’ Hassliebe aufs
Neue. Jagger lehnte es ab, zur Verkaufs för de -
rung beider Alben mit den Rolling Stones auf
Tournee zu gehen. Das eher mittelmäßige Werk
„Dirty Work“ mit dem Erfolgssong „Harlem
Shuffle“ schien der Schwanengesang der Band
zu sein. Ein Songtitel wie „Had It With You“
klingt geradezu symptomatisch und durch Ian
Stewarts Herzinfarkt-Tod im Dezember 1985
der unwiderrufliche Schlussstrich zu sein. Als
Roadmanager, Keyboarder der Band und quasi
sechster Rolling Stone war er seit Band-Grün -
dung dabei gewesen und nach der Ein -
schätzung von Bandmitgliedern „der Kitt, der
alles zusammenhielt“.
Richards’ Äußerung, er werde Jagger den
Hals aufschlitzen, wenn dieser ohne die Rolling
Stones auf Tour ginge, hielt Jagger genau davon
nicht ab. Er legte 1985 und 1987 seine Solo -
alben „She’s The Boss“ und „Primitive Cool“
vor und zog damit um die Welt, um zu allem
Überfluss bei seinen Auftritten reichlich Songs
der Rolling Stones zu spielen. Auch auf dem
Live-Aid-Konzert trat er am 13. Juli 1985 nur
solo und gemeinsam mit Tina Turner auf, während
Richards Bob Dylan bei dessen Auftritt auf
der Gitarre begleitete. Mit David Bowie hatte
Jagger außerdem die Single „Dancing In The
Street“ aufgenommen, die ebenfalls auf die-
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 25
»Die Vitalität der Rolling Stones
ist seither ungebrochen, und man darf sicher sein,
dass die geschäftstüchtige Band ihre Fans auch
künftig mit zahlreichen Veröffentlichungen aus dem
Fundus von Konzert-Aufzeichnungen
be denken wird, die die Portemonnaies öffnen.
Für 2020 sind schon wieder Live-Auftritte
angekündigt, und man darf gespannt sein, wie das
60-jährige Bestehen der Ur ge steine der Rockmusik
gefeiert werden wird.«
sem denkwürdigen Konzert zu hören war.
Womöglich als Retourkutsche auf diese Ak ti vi -
täten und das drohende Ende der Rolling
Stones spielte Richards 1988 sein Soloalbum
„Talk Is Cheap“ ein und ging mit seiner Band
X-Pensive Winos auf Tournee.
Jaggers Pläne, auch solo zum Superstar zu
werden, gingen jedoch nicht auf. Richards und
er rauften sich danach im Januar 1989 bei einem
Treffen auf Barbados wieder zusammen, schrieben
Stücke für ein neues Album und unterbrachen
im selben Monat ihre Arbeiten, um an den
Feierlichkeiten zur Aufnahme der Rolling Stones
in die Rock and Roll Hall of Fame teilzunehmen.
Vor ihnen lag eine Zukunft finanziellen Erfolges,
der alles Bisherige in den Schatten stellen sollte.
Die Bühnenshows ihrer Welttourneen wuchsen
ins Gigantische und waren vielleicht sogar Vor -
bild für Roger Waters’ ebenso gigantische Live-
Inszenierungen des Pink-Floyd-Albums „The
Wall“ bis in die jüngste Vergangenheit. Mit ihrem
im August 1989 veröffentlichten Album „Steel
Wheels“ und dem Hit „Mixed Emotions“ knüpften
die Rolling Stones musikalisch an ihre besten
Zeiten an. Richards bürgte wie bisher für einzigartige
Riffs als musikalisches Marken zeichen, die
den Songs der Band den unverwechselbaren
Gänsehaut-Reiz verliehen. Allein für ihre US-
Tournee „Steel Wheels“ wurden der Band Ein -
nahmen von 70 Millionen Dollar garantiert. Um
die Bühne aus den USA zur Europa-Tour „Urban
Jungle“ zu transportieren, waren allein zwei Flug -
zeuge des Typs Boeing 747 nötig, und künftig
mussten immer mehr Lkw-Züge eingesetzt werden,
um den Tross von einem Veran stal tungs ort
zum anderen zu bewegen. Riesige Kulissen,
ebensolche aufblasbare Puppen, darunter passend
zum Song „Honky Tonk Women“, sowie
Video wände in größter Dimension und aufwendige
Lichteffekte gehörten zur Ausstattung – und
eine überwältigende Show. Die Shows sind häufig
auch durch illustre Gäste wie Eric Clapton, Bo
Diddley und Buddy Guy mit elektrisierenden
Parts angereichert worden, um nur wenige zu
nennen.
Zum Glück erstickten die Rolling Stones ihre
Musik nicht durch Gigantomanie. Sie ist bis in
die heutigen Tage bei den zahlreichen Auf tritten
der Band mitreißend geblieben. Mittlerweile gibt
es zahlreiche Live-Mitschnitte auf CD, DVD
und Blu-Ray aus der Zeit seit dem Neustart 1989,
die trotz eines Repertoires mit vielen Wieder -
ho lungen so erstaunlich frisch wirken. Die
Rolling Stones sind zwar Rock-Krösusse, aber
sie geben sich bei ihren Konzerten nicht nur kurz
die Ehre, um wie eine durch Festhallen tingelnde
Oldie-Band jahrzehntelang immer nur wieder
denselben einen Hit herunterzuspielen.
Die gigantischen Ausmaße des Rock-Un ter -
nehmens bekamen 1991 mit 38,1 Millionen Dollar
durch den neuen Plattenvertrag der Band mit
Virgin Records einen saftigen Anschub. 1993
stieg dann überraschend Bassist Bill Wyman
aus und widmete sich fortan seinen Solo-Akti -
vitäten. Er veröffentlichte zahlreiche Alben und
mehrere Bücher über die Rolling Stones und
die Geschichte des Blues. An Wymans Stelle
spielt seit 1994 der Jazzmusiker Darryl Jones
den Bass bei den Rolling Stones. Offizielles
Mit glied der Band ist er aber auch nach nunmehr
bald 26 Jahren nicht geworden.
Der Erfolg der nächsten Alben „Voodoo
Lounge“ (1994) und „Bridges To Babylon“ (1997)
stellte sich wie selbstverständlich ein, und der
Titel „Love Is Strong“ geriet zu einem neuen be -
sonders einprägsamen Rolling Stones-Song.
8
4/19 – 1/20 musiker Magazin

26 STORIES
Ihrer Exklusivität gewann die Band eine neue
Facette ab, indem sie vor ihren Fans in kleinen
Clubs auftrat, die gegenüber den Shows in den
Arenen eine geradezu intime Atmosphäre hatten.
Etwas davon hat die Live-CD „Stripped“
von 1995 eingefangen, die in solchen Clubs auf -
genommen wurde. Gleichwohl schickten die
Welttourneen der Rolling Stones sich an, noch
größer zu werden als zuvor schon. 2019 er -
schien unter dem Titel „Bridges To Bremen“ der
Mitschnitt des Auftritts der Band im Bremer
Weserstadion am 21. September 1998. Nach -
dem die Band auf der riesigen und üppig ausgestatteten
Bühne in voller Besetzung mit allen
Begleitmusikern eine ganze Reihe von Songs
gespielt hatte, wurde eine sehr lange Glieder -
brücke über das Publikum ausgefahren, hin zu
einer kleinen Bühne, zu der die Band über die
Brücke ging und dort dem Publikum kräftig
ein heizte. Sicherlich unvergessliche Momente.
In den folgenden Jahren setzten die Rolling
Stones ihre Konzerte rund um die Welt für ihre
Anhänger fort, die ihnen willig folgten. Das bis
dato letzte Album mit neuen Songs von Jagger
und Richards war 2005 „A Bigger Bang“. In dem
Jahr berichtete Ron Wood von einem Alkohol -
entzug und seinem ersten nüchternen Auftritt
überhaupt. Prompt titulierte Richards ihn als
Schwächling.
2007 rechnete die Presse der Band vor, in
den vergangenen 20 Jahren 450 Millionen Dollar
eingenommen und mit 7,2 Millionen Dollar nur
1,5 % Steuern gezahlt zu haben. Damit erinnert
die Band an den Club von Global Playern à la
Amazon, Apple, Facebook und Google, die er -
folg reich ihre Steuerverpflichtungen drücken.
Im selben Jahr drehte der rockbegeisterte
Meister regisseur Martin Scorcese den Konzert -
film „Shine A Light“ von zwei Auftritten der
Rolling Stones im New Yorker Beacon Theater,
bei dem Mick Jagger durch einen exquisit ausgeleuchteten
Seiteneingang zum Song „Sym pathy
For The Devil“ direkt wie der Teufel aus dem
Höllenfeuer auf die Bühne zu kommen scheint.
Auf der Berlinale 2008 wurde der Film in An we -
senheit von Scorcese und der Band vorgestellt.
Insbesondere seit 2010 brachte das Mana -
gement der Band verstärkt Live-Mitschnitte auf
den Markt. Es erschienen unter anderem die
Filme „Charlie Is My Darling“ über die Rolling
Stones in Irland im Jahr 1965, mit Brian Jones,
und „Some Girls – Live In Texas ’78“. Im Mittel -
punkt steht wohl die CD/DVD-Serie „From the
Vault“ mit Konzertmitschnitten aus den Jahren
von 1971 bis 2015, die es mittlerweile auf acht
Alben gebracht hat, wenn man die Neu ver -
öffentlichung des immer noch unvollständigen
Hyde-Park-Konzerts von 1969 dazurechnet.
Dazu wurde ab November 2011 eine vielteilige
offizielle Bootleg-Serie mit „The Brussels Affair“
1973 aufgelegt. Illegale Bootlegs von Konzerten
der Band lassen sich kaum zählen. Ganz offiziell
hingegen wurde 2015 die wunderbare Box
„Totally Stripped“ mit noch mehr Live-Auf nah -
men von Auftritten der Rolling Stones des
Jahres 1995 in kleinen Clubs herausgegeben.
Hin und wieder wurden Reibereien zwischen
Jagger und Richards laut. Als Jagger im
Dezember 2003 vom britischen Königshaus
wegen seiner Verdienste um die Popmusik ge -
adelt wurde und nun wie andere Musiker auch
ein Sir war, bezeichnete Richards die Ehrung
öffentlich als lächerlich. Seiner Auffassung nach
stammte sie von dem Establishment, das früher
alles daran gesetzt hatte, ihn und Jagger ins Ge -
fängnis zu bringen. Jagger ging mit dieser Kritik
souverän um: „Ich glaube, das Establishment,
wie wir es kannten, gibt es nicht mehr.“ Weitere
Angriffe gegen Jagger enthielt Richards’ 2010
erschienene Autobiografie „Life“. Zunächst entschuldigte
Richards sich etwas dafür, erklärte
dann aber, er habe sich für nichts zu entschuldigen.
Jagger habe er nur beschwichtigt, damit die
Band weiter zusammen arbeiten kann. Wo die
Wahrheit liegt, wissen wohl nur die Be teil i g ten.
Nach dem Ende ihrer Europa-Tournee im
August 2007 hatte die Band ihre Live-Auftritte
ein gestellt. Gemeinsame Aktivitäten blieben bis
auf Weiteres aus. Nur scheinbar fanden sich die
Rolling Stones samt ihrer ehemaligen Mitglieder
Bill Wyman und Mick Taylor zu den Aufnahmen
der im April 2011 veröffentlichten CD „Boogie
4 Stu – A Tribute To Ian Stewart“ des Pianisten
Ben Waters zusammen. Alle spielten und san-
gen jedoch nur getrennt voneinander im Studio,
und die einzelnen Aufnahmen wurden zusammengemischt.
Im November 2011 ließ Jagger
als Leadsänger des Albums „SuperHeavy“ unter
anderem mit dem Ex-Eurhythmics-Gitarristen
David Stewart von sich hören.
Als das 50-jährige Bandjubiläum näherte, brachen
die Rolling Stones nach einer Jam-Session
im November 2011 zu einer neuen Tournee auf,
und wieder klingelten die Kassen lauter denn je.
Dazu wurden Bill Wyman und Mick Taylor verpflichtet,
jedoch jeder nur für einige Titel, nicht
aber ein gesamtes Konzert. Wyman zeigte sich
über die Kürze seiner Auf tritte enttäuscht und
stieg nach wenigen Ter minen aus. Taylor hingegen
war begeistert, weil er sich nach eigenen
Angaben im Kreise der Band wie zu Hause fühlte.
So sehr können Erlebnisse und die Ein schät -
zungen von ihnen auseinanderliegen. An der
Tournee nahmen abermals namhafte Gäste teil,
unter ihnen Jeff Beck, Eric Clapton, Lady Gaga
und Bruce Springsteen. Die Rolling Stones spielten
außerdem im Dezember 2012 ein Wohl tätig -
keits kon zert zugunsten der Opfer der Hurrikans
Sandy und wurden unter anderem deswegen
2013 mit dem NME Award als beste Liveband
des Jahres 2012 geehrt. Es entstand auch ein
weiterer Dokumentarfilm über die Geschichte der
Band: „Crossfire Hurricane – The Rise Of The
Rolling Stones“ (2012). 2013 setzte die Band ihre
Live-Konzerte fort, bei denen im Mai und Juni
wieder Mick Taylor mit auf der Bühne stand und
das Publikum mit seinen Soli begeisterte.
Aus der Fülle der Konzerte ragt wohl der
Auftritt vom 25. März 2016 in Havanna heraus,
der im Anschluss an die Südamerika-Tournee
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 27
»Zum Glück erstickten
die Rolling Stones ihre Musik nicht
durch Gigantomanie.
Sie ist bis in die heutigen Tage bei
den zahlreichen Auf tritten der Band
mitreißend geblieben.«
der Band stattfand, die Anfang Februar des Jahres in Santiago de
Chile begonnen hatte. Es war das erste Rockkonzert auf Kuba überhaupt
und dazu kostenfrei. Jagger sprach sein Publikum immer direkt
an und tat dies in Havanna auf Spanisch. Festgehalten wurden die
südamerikanischen und karibischen Er eignisse auf den Blu-Rays „Olé,
Olé, Olé!: A Trip Across Latin America“ und „Havanna Moon“, und
auch das lohnt sich anzusehen. Ende 2016 erschien das bislang letzte
Studio album der Rolling Stones: „Blue & Lonesome“, eingespielt in
kurzer Zeit mit Gästen wie Eric Clapton, Chuck Leavell und Jim Keltner.
Die Band coverte dieses Mal ausschließlich alte Blues- und Rhythmand-Blues-Songs
und begab sich damit auf eine Zeitreise an den
Anfang der Bandkarriere. Das Album wurde ein enormer Erfolg, wohl
aber eher wegen des Bandnamens. Ob weniger be kannte Musiker mit
dem Re pertoire international Aufmerksamkeit hätten erregen können?
Die Vitalität der Rolling Stones ist seither ungebrochen, und man
darf sicher sein, dass die geschäftstüchtige Band ihre Fans auch künftig
mit zahlreichen Veröffentlichungen aus dem Fundus von Konzert-
Aufzeichnungen be denken wird, die die Portemonnaies öffnen. 2017
begann in Europa die „No Filter Tour“, die die Band zu mehreren Auf -
tritten nach Deutsch land führte. Im selben Jahr wurde bekannt, dass
Gitarrist Ron Wood, jahrzehntelang ein schwerer Raucher und Trinker,
mehrfach vergeblich versucht hatte, von der Sucht loszukommen, nun
wegen Lungenkrebses einen Teil seiner Lunge hatte entfernen lassen.
Die Tournee endete erst am 30. August 2019 mit Ver spätung in Miami,
weil Jagger sich im Frühjahr eines Eingriffs am Herzen unterziehen
musste. Davon hatte er sich allerdings außergewöhnlich schnell erholt
und absolvierte seine Auftritte mit der ge wohnten Agilität, über die man
bei einem 75-jährigen nur staunen kann. Für 2020 sind schon wieder
Live-Auftritte in Florida angekündigt, und man darf gespannt sein, wie
das 60-jährige Bestehen der Ur ge steine der Rockmusik im Jahr 2022
gefeiert werden wird, die sich seit jeher auf ihren Ausnahme-Drummer
Charlie Watts verlassen konnte. Trotz allen gesundheitlichen Raub -
baus, den insbesondere Richards und Wood an ihrer Gesundheit ge -
trieben haben, haben diese unverwüstlichen Musiker wohl die Energie,
dies auch noch zu erleben. Long Live Rock ‘n’ Roll!
Nächste FolGe: JEFF BECK – WHO ELSE?
WeB: WWW.ROLLINGSTONES.COM
text: NORBERT APING
Fotoquelle: UNIVERSAL MUSIC GROUP;
WIKIPEDIA
DR. NORBERT APING
Geboren 1952, Buchautor und Direktor des
Amtsgerichts a. D. in Buxtehude
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28 STORIES
Kompromisslos
taktvolle Drumbeats,
sensibel-energetische
Gitarrensoli,
ein fundamental
verspielter Bass,
gepaart
mit bildhaften
deutschsprachigen
Texten in
brachialzartem
Stimmgewand
ergeben
Burn Out Laut.
Therapeutischer Soulrock
Aus dem Burnout
heraus Laut geworden.
MM: Die Musik ist für euch wahrscheinlich
auch persönlich noch bedeutsamer als für
manch andere Bands, Burn Out Laut nicht
einfach nur ein gut klingender Bandname.
Was steckt dahinter?
SEaN WarWIcK (Gesang): Ich hatte einen Burn -
out, konnte meinen Beruf als Kameramann überhaupt
nicht mehr ausüben und entschied mich
etwa sieben monate später, nur noch musik
machen zu wollen. Ich verkaufte meine Eigen tums -
woh nung, um dies tun zu können, und tat mich mit
meinem Freund und Gitarristen Tom Plück zu -
sammen. Wir begannen im mai 2017, Songs zu
komponieren. So sind wir aus dem Burnout „laut“
geworden. Letztendlich stehen wir als Band und
jeder einzelne für den Transformations pro zess, aus
einer schweren Lebenskrise etwas Tolles zu gestalten.
Dieses Thema findet sich in vielen Texten wieder,
z.B. in „Nur ein Typ“, „mein Es“, „Gib mir
Kraft“, „Vertrau“ und viele mehr.
Tom PLücK (Gitarre): Der Burnout ist der auf -
hänger für den Namen. Jeder von uns hat seine
persönliche Krise erlebt. Die Depression von
Sascha (Bass), die gesundheitlichen Probleme
unseres Schlagzeugers und meine komplette Er -
blindung, die Ende 2018 eingetreten ist.
MM: Aus negativen Erlebnissen etwas Schö -
nes gestalten. Was möchtet ihr mit eurer
Musik erreichen?
Tom: Wir wollen zeigen, dass es wichtig ist, achtsam
miteinander umzugehen und sich nicht fertigzumachen,
nur weil man anders aussieht, eine
Behinderung oder sonstige macken hat.
SEaN: Ich finde es toll, wenn wir eine Vor bild -
funktion einnehmen können. Egal was einen
umhaut, man kann wieder zu sich finden. mach
das, was du liebst, umgib dich mit Leuten, die dir
gut tun, und es geht wieder bergauf. D. h. für
mich auch manchmal abschied nehmen, von
menschen, die mir nicht gut getan haben. So habe
ich mich nach meinem Burnout von drei meiner
engsten Freunde distanziert, was ich immer noch
als eine gute Entscheidung empfinde.
MM: Was sind eure musikalischen Ein flüsse?
Tom: Ich habe Soulmusik mit der muttermilch
aufgenommen. Zu Hause wurden früher viel James
Brown und Wilson Picket gehört. Später kamen
dann die Blues-Klassiker hinzu. Und natürlich die
großen Bands der 70er-Jahre, z.B. Jimi Hendrix,
Led Zeppelin, Van Halen u.v.m. Ich mag aber
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 29
BURN OUT LAUT
„Sitzung Eins“
VÖ: 12. DEZEMBER 2019
BURNOUTLAUT.DE
WWW.FACEBOOK.COM/BURNOUTLAUT.DE
BESETZUNG:
SEAN WARWICK – GESaNG, orGEL | TOM PLÜCK – GITarrE
SASCHA MANDELKOW – BaSS | MIRKO GRUSA – ScHLaGZEUG
auch John coltrane, Zappa, genau so gerne auch
mal moderne Sachen aus dem Bereich Hip-Hop
wie z.B. N.E.r.D.
SEaN: Da ich früher eine art Verbot gespürt habe,
mich mit musik zu beschäftigen, habe ich mich
mit anfang 20 viel eingesperrt und statt musik zu
hören einfach Klavier gespielt und gesungen. Ich
habe sehr gerne Jazz-Standards für mich ge -
spielt. Wenn ich dann doch musik gehört habe,
waren das immer Sänger, die sich die Seele aus
dem Leib geschrien haben, wie Kurt cobain, Joe
cocker, Janis Joplin und James Brown. Später
habe ich dann gerne mal Soul-musik gehört. Ein
schöner abend mit ner heißen Braut, rotwein
und marvin Gaye. Herrlich.
MM: Deutsche Texte, gesungen von einem
halb englischen Belgier. Warum habt ihr euch
für Songs in Deutsch entschieden?
SEaN: Wir haben eine message und die soll
ankommen. Wer hört denn bei englischen Texten
schon genau hin? Darüber hinaus mag ich die
deutsche Sprache sehr gerne. Sie ist sehr genau,
eignet sich für mich sehr gut, um schöne Bilder
und Emotionen zu erzeugen oder auch mal
albernen Kram loszuwerden, wie z.B. im Song
„Ich Krach Das“, wo dann einige Zeilen übrigens
doch wieder tiefe Wahrheiten beinhalten.
Tom: Ich würde es sogar noch deutlicher formulieren.
Bei deutschen Texten ist man gezwungen
den Text zu hören und zu verstehen. Da kann
man gar nicht anders. Das nutzen wir, um unsere
Botschaft zu übermitteln.
8
4/19 – 1/20 musiker Magazin

30 STORIES
MM: Wie ist euer Verhältnis untereinander in
der Band?
SEaN: Voll die Zweckgemeinschaft! (Lacht)
Tom: Wir sind sehr familiär unterwegs. Wir bereden
alles mögliche und sind füreinander da.
SEaN: Tom, Sascha und ich kennen uns schon
seit vielen Jahren, da wir früher in einer anderen
combo zusammen gecovert haben. Die Band -
mitglieder sind meine engsten Freunde. auch
mirko, der erst seit vier monaten dabei ist, zähle
ich zu meinem engsten Freundeskreis. Unser Pro -
jekt schweißt uns zusammen.
MM: Ihr teilt die Leidenschaft für Musik und
sagt, das Musikmachen hat für euch auch
eine therapeutische Wirkung. Wie kann man
sich das vorstellen?
Tom: musik ist für mich wie die Luft zum atmen.
ohne geht es nicht. Ich kann meine Gefühle,
egal ob positiv oder negativ, auf der Gitarre rauslassen.
Wenn ich dann mal die Sau rauslasse,
fühle ich mich hinterher viel besser. Ich kann
dann einen schwierigen Tag viel besser durchstehen
oder mich von einem Scheiß-Tag besser
erholen.
SEaN: Bei mir sind es mehrere Sachen gleichzeitig.
Erlebe ich etwas, was mich emotional um -
haut, schreibe ich einen Song und mir geht es
besser. Das Kack-Erlebnis hat mir zu einer neuen
Blüte verholfen. Das tut mir gut. ansonsten heilt
mich das musizieren jedes mal wieder. Ich muss
nur einen Jazz-akkord auf dem Klavier anspielen
und entspanne mich. mit den Jungs zusammen
zu rocken, egal ob auf der Bühne oder im Probe -
raum, hat jedes mal wieder etwas magisches.
Unser Zusammenhalt wird spürbar.
MM: Auf eurer Homepage bietet ihr mit eurer
Musik einen „freundlichen Arschtritt zur per -
sönlichen Weiterentwicklung“ an. Geht dieser
„Arschtritt“ auch an euch?
SEaN: Dieser arschtritt geht hauptsächlich erst
mal an uns. Die musik, und für mich insbesondere
die Texte, erinnern mich immer wieder daran, dass
ich auf mich aufpassen will, dass ich so handle,
wie es mir gut tut.
Tom: Ja genau, es hat auch den Zweck, uns
selbst zu bestärken. Wir machen uns mit unserer
musik selbst neuen mut, dass wir uns trauen,
neue Dinge auszuprobieren oder gestärkt in den
neuen Tag gehen können.
SEaN: Und wer will, kann es uns ja gleichtun!
MM: Was kann man bei euren Auftritten er -
warten?
Tom: Eine positiv geladene, musikalisch unterhaltsame
Show. Wir sind musikalisch nicht so
festgelegt, dass wir nur rocknummern im Pro -
gramm haben. Wir verarbeiten auch andere
mu si kalische Einflüsse, die eher dem Blues, Soul
und auch Funk zuzuordnen sind. Da mischen
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 31
sich schnelle Num mern mit Balladen und anderem
Kram.
SEaN: mir ist unsere authentizität wichtig. Wir
zeigen uns so, wie wir sind, und alle, die kommen,
sind eingeladen, sich mit sich selbst und allem
wohlzufühlen. Darüber hinaus finde ich, dass wir
es gut hingekriegt haben, catchy melodien zu
komponieren, die von vielen Leuten direkt mitgesungen
werden. Und nein, wir machen keinen
Schlager.
MM: Organisiert ihr eure Auftritte selber?
SEaN: Bis jetzt ja. Es werden zum Glück auch
immer mehr. Den Job würden wir allerdings sehr
gerne abgeben, und wir freuen uns, wenn Booker
auf uns zukommen!
MM: Wenn ihr die Möglichkeit dazu habt, mit
welchem Künstler/mit welcher Band würdet
ihr gerne mal zusammenarbeiten?
SEaN: Bis ich so weit bin, mal ne Nummer mit
Queen trällern zu dürfen, wäre es mir eine Ehre,
mit Udo Lindenberg auf ner Bühne zu stehen.
Tom: Ich könnte mir das mit Xavier Naidoo vorstellen.
Der hat eine sehr prägnante, soulige
Stimme und gute musiker am Start.
MM: Was sind eure kurzfristigen und langfristigen
Ziele für die Zukunft?
»Bei deutschen Texten ist man gezwungen, den Text
zu hören und zu verstehen.
Da kann man gar nicht anders. Das nutzen wir, um
unsere Botschaft zu übermitteln.«
SEaN: Kurzfristig wollen wir davon leben können
und langfristig sehr gut. mir ist klar, dass wir dafür
viele Schritte gehen müssen, und die gehen wir.
Wir haben ein musikvideo zu unserem Song
„mein Es“ gedreht, am 12.12.2019 kam unsere
erste EP raus, wir spielen wo es geht und knüpfen
neue Kontakte. Unsere Website www.burnoutlaut.de
sieht auch immer besser aus. Darüber
hinaus ist mir wichtig, unsere Botschaft weiter zu
transportieren. Ich möchte menschen helfen, aus
ihrem Leben was Geiles zu machen. Das muss
für mich nicht nur über die musik geschehen. Ich
kann mir auch vorstellen, Seminare oder Videocoachings
zum Thema Persönlichkeitsent wick -
lung zu geben. Die musik ist in meinem Leben
aber definitiv ein muss.
Tom: Ne Finca mit Pool auf malle (Lacht). Es wäre
schön, von der musik leben zu können, da es für
mich das Wichtigste in meinem Leben ist!
WEB: WWW.BURNOUTLAUT.DE
INTErVIEW: RONJA RABE
FoToQUELLE: BURN OUT LAUT
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32 STORIES
MM: Bist du Musiker, Kabarettist oder beides?
SVEN GARRECHT: Das überlasse ich gerne
dem Publikum. Bisher habe ich sowohl auf Ka -
barettbühnen als auch auf Musikfestivals spielen
dürfen.
Auf der Bühne spiele ich Lieder, erzähle Anek -
doten und trage Gedichte vor. Es kommt vor,
dass an Stellen gelacht wird, bei denen ich das
auch so geplant habe. Aber es gibt auch erns -
tere Lieder und Themen.
Ich freue mich, wenn die Leute kommen, um
Musik zu hören, und ich freue mich genauso,
wenn sie kommen, um zu lachen. Ob sie dann
hinterher sagen, sie waren bei einem Musiker
oder bei einem Kabarettisten, ist mir eigentlich
egal. Blöd wäre nur, wenn sie gar nicht erst
kämen.
MM: Dein neues Programm – wann, wie, was
und wo?
SVEN: Daran schreibe ich gerade. Die Premiere
ist für dieses Jahr angesetzt. Wahrscheinlich
wird es eine in der Schweiz geben und eine in
meiner Heimatstadt Seligenstadt, davon einmal
solo und einmal mit Band. Wann und wo
genau ich dann sein muss, schau ich hoffentlich
rechtzeitig auf meiner Homepage nach.
Was genau im neuen Programm passiert,
kann ich natürlich noch nicht verraten. Sagen
kann ich Folgendes: Ich werde singen, Klavier
spielen und eine Mütze tragen.
MM: Trittst du lieber mit Band, im Duo oder
alleine auf?
SVEN: Alles sehr gerne. Wenn ich alleine spiele,
habe ich natürlich die Möglichkeit, mehr mit dem
Publikum zu interagieren oder einfach mal während
eines Liedes eine kurze Ge schichte einzuschieben.
Im Duo spiele ich mit einem Multiinstrumen -
talisten. Da ist der Reiz natürlich das Wechseln
der Instrumente.
Und mit Band kann man die Lieder eben mu -
sikalisch ausloten. Da gibt es dann mal ein Gi -
tar rensolo oder einen mehrstimmigen Chorsatz
– das ist alleine schwierig.
MM: Was sind gute Lieder? Kann man jemals
mit einem Lied zufrieden sein?
Mit der Kleinkunst
im Herzen
schafft er eine
Symbiose aus grooviger
Popmusik und
sinnigem Chanson
SVEN: Man vielleicht, ich leider nicht. Ich habe
noch nie ein Lied geschrieben und gesagt:
Fertig – besser geht’s nicht. Deswegen muss
ich mich jedes Mal dazu überwinden, an einem
bestimmten Punkt zu sagen: Fertig – besser
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STORIES 33
4/19 – 1/20 musiker Magazin

34 STORIES
kann ich’s nicht. Ab dann spiele ich das Lied
zwar, höre aber nie auf zu überlegen, ob man
nicht doch noch etwas daran ändern könnte.
Es kam schon vor, dass ich eine Nummer jahrelang
gespielt habe und dann plötzlich singe
ich aus Versehen eine Zeile anders und es
gefällt mir besser. Und dann lasse ich das erst
einmal so, bis mir wieder was anderes einfällt.
Es gibt Menschen, die müssen halbjährlich ihre
Einrichtung in der Wohnung umstellen. Bei mir
sind es die Lieder.
Die Frage danach, was ein gutes Lied ist,
lässt sich wahrscheinlich nicht mit objektiven
Maßstäben beurteilen. Ich glaube ich kann
Liedern nicht so viel abgewinnen, wenn ich das
Gefühl habe, sie wollen sich anbiedern. Wenn
jemand ein Lied schreibt, weil er das Bedürfnis
hat, das zu tun, unabhängig von Erfolg oder Ge -
fälligkeit, dann muss es nicht meinem persönlichen
Geschmack entsprechen, aber es ist ein
gutes Lied. Konstantin Wecker hat ein Stück
mit dem Titel „Ich singe, weil ich ein Lied hab“.
Das scheint mir der richtige Ansatz zu sein.
SVEN GARRECHT
„Kleinstadttiger“ – EP
VÖ: NOVEMBER 2018
WWW.SVENGARRECHT.DE
WWW.FACEBOOK.COM/SVENGARRECHT
MM: Was kannst du uns über das Geheim nis
von Soleiern verraten?
SVEN: Mir ist es wichtig, meinem Publikum mit -
zuteilen, dass ich hervorragende Soleier mache,
damit sie wissen: Gott sei Dank, er kann wenigs -
tens irgendwas gut. Das Rezept habe ich von
einem befreundeten Koch, aber natürlich muss
ich das für mich behalten. So viel sei gesagt: Die
Eier sollten vorher gekocht werden.
MM: Dein aktuelles Programm heißt „Klein-
stadt-Tiger“. Gibt es einen Bezug zu deiner
Kindheit in Seligenstadt?
SVEN: Ja, den gibt es. Ich erzähle ein paar Anek -
doten aus meiner Kindheit und berichte von
Phänomenen des Lebens in der Kleinstadt. Wobei
mir mittlerweile klar geworden ist, dass es die
überall gibt, egal ob Groß- oder Klein stadt.
Zum Beispiel handelt das Lied „Auf der Lügen -
bank“ von einem Ort in meiner Heimat, den man
offiziell zum Knotenpunkt für Klatsch, Un sinn
und Schwindeleien erklärt hat. Ich dachte immer,
so was gäbe es nur bei uns, aber neulich kam
nach dem Konzert ein Herr zu mir und sagte: „So
was haben wir auch, heißt bei uns Rathaus.“
MM: Wie bist du zur Musik und deinem eigenen
Projekt gekommen?
SVEN: Ich hielt es eigentlich schon immer für
die einzig richtige Idee, Musiker zu werden. Also
habe ich zunächst Saxophon studiert und dann
in einigen Bands gespielt.
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 35
»Sven Garrecht hat begriffen, dass, wenn
die Welt wirklich jeden Tag schlechter wird,
gestern zwar alles noch nicht ganz
so schlimm war, wie es im Moment ist,
aber dann immerhin heute noch
alles besser ist, als es morgen sein wird.
Zum Raufen gehen ihm sowieso
langsam die Haare aus und für Masochismus
ist er einfach viel zu bequem.
Was ihm allerdings scheinbar nie ausgeht,
sind die Sprüche.
Frisch, frech, charmant –
und keiner davon ist auch nur halb so alt
wie die Kappe, die er trägt.«
Als ich dann angefangen habe, eigene Lieder
und Texte zu schreiben, wurde mir klar, dass
gleichzeitig singen und Saxophon spielen zwar
überraschenderweise geht, aber ziemlich kacke
klingt. Deshalb bin ich dann auf das Klavier ge -
wechselt. Und so ist es geblieben.
MM: Was ist für dich ein gutes Konzert?
SVEN: Es war ein gutes Konzert, wenn das Pu -
blikum mit mir gemeinsam einen schönen Abend
hatte. Ob das jetzt war, weil sie gelacht haben,
gerührt waren, ihnen die Musik gefallen hat
oder sie zwischendurch eingenickt sind, spielt
dabei keine Rolle.
MM: Wie wichtig ist „Autentizität“ und
schreibt man das nicht eigentlich mit „th“?
SVEN: Richtig, es heißt eigentlich Autentizithät.
Mir kommt es so vor, als würde das gerade
zum neuen Trendbegriff werden – jeder sucht
danach, jeder fragt danach. Ich glaube, wenn
man etwas gerne tut, dann ist das per se au -
thentisch.
MM: Macht Musik nur Spaß oder auch Ar beit?
SVEN: Musik macht nur Spaß. Arbeit macht die
Zeit dazwischen.
Web: WWW.SVENGARRECHT.DE
IntervIeW: RONJA RABE
Fotos: MATHIAS NEUBAUER;
MORTEN ROESCH
4/19 – 1/20 musiker Magazin

36 STORIES
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 37
VOICE
OVER
PIANO
En ter tain ment
auf höchs tem Ni veau
welt weit – haut nah
Sängerin Sara Dähn und der Komponist
Die
und Entertainer Thomas Blaeschke treten seit
2012 gemeinsam als Voice Over Piano mit Band und
Orchester national und international auf.
MM: Als Voice Over Piano seid ihr international
unterwegs. Was waren die bisherigen High -
lights?
VOICE OVER PIANO: Highlights gibt es mittlerweile
einige, da die Länder und Gegebenheiten unterschiedlicher
nicht hätten sein können.
Sicherlich zählen in den USA die Auftritte in New
York City, Sacramento und San Francisco sowie in
Palm Beach dazu. Dort gibt es unheimlich viele gute
Kollegen, und man muss sich erst einmal vor einem
Publikum behaupten, das Vielfalt und Qualität ge -
wohnt ist. Beim ersten Mal hatten wir sehr großen
Respekt vor diesem Umstand, merkten dann aber,
dass wir ankommen, und haben unser Ding gemacht.
Aufregend waren die Konzerte in Krisengebieten
wie Afghanistan, im Kosovo, in Bosnien, im Irak oder
aber auch in anderen Staaten mit anderer Kultur wie
Usbekistan, Russland oder Korea. Doch das Publi -
kum ist immer sehr dankbar und schnell vergisst man
die außergewöhnlichen Umstände und spielt einfach
nur für die Leute dort.
Ansonsten waren sicherlich die Highlights auch
die mehrfachen Auftritte im Bundeskanzleramt oder
in Ministerien in Berlin.
Am emotionalsten waren das offizielle Singen einmal
der deutschen Nationalhymne bei einem Festakt im
Bundesministerium der Verteidigung und erst jetzt
2019 die Hymnen der USA und Deutschlands bei
den Feierlichkeiten zum Independence Day 2019 im
US-Generalkonsulat Hamburg. Da lastete großer
Druck auf uns und es kam häufig der Hinweis „Ver-
singt euch bloß nicht“ – puh, das war bereits im
Vorfeld anstrengend. Aber bei YouTube findet man
nun das Video dazu und wir sind sehr zufrieden.
Die deutsche Nationalhymne und auch gleich die
Kameruns auf Französisch und die Europahymne
auf Deutsch und Französisch folgten dann übrigens
schon gleich in Afrika zum zentralen Konzert zum
„Tag der deutschen Einheit“ über das Auswärtige
Amt und die Deutsche Botschaft in Yaoundé, der
Hauptstadt Kameruns, Anfang Oktober 2019. Das
war nochmals eine Schippe aufregender, weil 600
Gäste aus verschiedenen Nationen kamen: internationale
Gäste aus Politik und Wirtschaft, Medien ver -
treter, insbesondere das Corps Diplomatique und
kamerunische Regie rungsvertreter. Als die Hymnen
durch waren, haben wir (erleichtert) zwei Stunden ge -
rockt mit unserer Band, u. a. wegen des Mauer falls mit
„Wind Of Change“ von den Scorpions. Danach waren
die weiteren Aktivitäten, u. a. ein Konzert für das
Goethe-Institut Kamerun, gefühlt einfach.
8
4/19 – 1/20 musiker Magazin

38 STORIES
MM. Wie kreiert ihr eure Shows? Was ist das
Besondere daran?
VOICE OVER PIANO: Das Besondere an unseren
Shows ist bereits der Fakt, dass Sara als Frau
auch viele originäre Männerstücke singt. Mal mit
Backing Vocals, mal nur solo, mal mit Piano-
Begleitung oder mit unserer Band oder unserem
Orchester. Dadurch ergibt sich eine große Band -
breite eigener Inter pre tationen und Arrange ments,
aber auch eigener Songs.
MM: Woraus besteht euer Repertoire?
VOICE OVER PIANO: Nun ja, das Publikum
braucht keine Kopien großartiger Originale. Wenn
man also etwas covert, sollte es in der Art so verändert
sein, dass es quasi einen eigenen Stil darstellt.
Ich sagte ja bereits: Sara als Frau singt die
Titel, egal, ob sie im Original von Mann oder Frau
sind, in unserer Interpretation und in unserem
Stil. Wir passen die Arrangements an unsere
Band, das Orchester an. Wir legen großen Wert
auf Interpretation, denn man muss die Texte und
deren Inhalte leben, um sie glaubhaft oder, wie
vielfach immer wieder ge sagt wird, authentisch
zum Publikum zu transportieren.
über uns erfahren, und scheut auch nicht, auf
Zwischenrufe oder Fragen zu reagieren.
MM: Kooperiert ihr mit anderen Künstlern?
VOICE OVER PIANO: Ja, wir suchen immer wieder
Kooperationen, weil man dadurch einfach
unglaublich tolle andere Dinge machen kann als
immer nur das eigene. Man bekommt super An -
regungen und Ideen.
MM: Wie drückt ihr eure Visionen in der
Musik, aber auch in den Videos aus?
VOICE OVER PIANO: Nun, wir schreiben unsere
eigenen Songs und bewegen uns dabei durch
mehrere Genres. Und wir haben ein großes Re -
pertoire mit Cover-Songs, die wir in unserem Stil
darbieten. Darunter Songs von Queen, ABBA,
Udo Jürgens, Frank Sinatra, Beyoncé, Gloria
Gaynor, von Trude Herr, Georg Kreisler, Friedrich
Holländer und Günter Neumann. Also Rock, Pop,
Hot Country, Chanson und auch Musical titel, die es
ja auch vielfach in die Charts schafften.
MM: Wie habt ihr euren eigenen Stil gefunden?
Im Übrigen versuchen wir, auch sprachlich in
deutschsprachigen Gebieten die Masse auf
Deutsch zu singen, weil die Texte dadurch auch
wirklich verstanden werden (die mitschwingenden
Konnotationen). In englischsprachigen Ländern
machen wir das auf Englisch und wir haben auch
mal französische Titel im Angebot.
Eine zweite Stärke unseres Programms ist, dass
Thomas nicht nur Bandleader und Pianist ist,
sondern auch ein unglaublich guter Moderator
und Entertainer. Er schafft es, dass die Zu schauer
humorvoll Wissenswertes über die Songs oder
VOICE OVER PIANO: Also Text und Musik müssen
zueinander passen und sich gegenseitig tragen
– Musik kann Text unglaublich unterstützen.
Aber Texte müssen, auch wenn sie mal witzig
sind, immer auch Inhalt haben und eine gewisse
Eloquenz beinhalten. Wir lieben speziell diesen
Weg, der nicht der einzig gangbare ist, denn es
gib ja viele andere Macharten. Wobei wir nicht
ein gesungenes Wort „Liebe“ durch ein Auflegen
der Hand aufs eigene Herz unterstreichen. Das
ist too much. Es ist doch aber genial, wenn man
einen Satz so singen kann, dass das Gefühl gleich
transportiert wird.
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 39
VOICE OVER PIANO
weltweit – hautnah
VÖ: 30. JULI 2018
WWW.VOICEOVERPIANO.COM
FACEBOOK.COM/VOICEOVERPIANO
MAIL@VOICEOVERPIANO.COM
Sara weiß sich zu bewegen, denn sie hat ja nebst Gesang
auch Tanz studiert. Sie hat eine unglaubliche Bühnen -
präsenz. Das kommt immer wieder von den Zu schauern
im Nachgang als Rückmeldung.
MM: Ihr seid auch schon vor berühmten Persönlich -
keiten aufgetreten. Ist man da besonders aufgeregt?
Besonders weiche,
instrumentenschonende
VOICE OVER PIANO: Klar, selbst bei Wiederholungen wie
bei Bundeskanzlerin Merkel oder Verteidigungsministerin
von der Leyen waren wir aufgeregt, denn man will es auf
diesem Niveau auch selbst unbeschreiblich gut machen.
Oder es ist auch immer so, dass man Respekt davor hat,
wenn Kollegen oder andere Fachleute im Publikum sitzen.
Die hören und sehen ja alles. Diese Aufregung ist gut.
Man muss diese Energie einfach nur für den Auftritt nutzen,
dann ist das ein Gewinn für die Performance.
MM: Ich habe gehört, für nächstes Jahr ist unter anderem
ein Auftritt in der Elbphilharmonie geplant?
VOICE OVER PIANO: Die Elbphilharmonie ist eines unserer
großen Ziele, und wir stricken derzeit an dem Programm
und der Besetzung, um ein rundes Konzept zu präsentieren,
das eben uns ausmacht. Auch hier wollen wir natürlich
nicht einfach nur ein Konzert geben, sondern dem ehrwürdigen
Rahmen entsprechend ein niveauvolles Konzert
geben, das positiv nachhaltig in Erinnerung bleibt. Man will
ja wiederholt wiederkommen. Wir würden dort mit Band
und Orchester auftreten.
MM: Was sind eure weiteren musikalischen Ziele und
Pläne?
Besuch uns
auf der Prolight+Sound:
Halle 8.0 Stand A60
VOICE OVER PIANO: Wir schreiben natürlich an weiteren
eigenen Songs, die ja wichtiger Teil unserer Definition
sind. Themen gibt es genug. Und dann wollen wir mittelfristig
auch noch häufiger in die großen und ganz großen
Hallen und auf Open Airs. Parallel arbeiten wir natürlich
daran, dass wir über ein großes Label auch entsprechende
Aufgaben bekommen, weitere CD-Produktionen durch zu -
führen, Konzertprogramme zu kreieren und auch verstärkt in
den Medien präsent zu sein mit Auftritten und Songs.
Unsere Songs findet man bereits bei iTunes, Spotify,
YouTube etc. Und es kommen in Kürze weitere hinzu.
Sicher und platzsparend –
Die »Guardian« Gitarrenständer
· Schafft Platz im Studio oder Zuhause
· Flexible Schutzbügel zwischen den Gitarren
· In verschiedenen Ausführungen für 3, 4 oder 5 Gitarren
erhältlich (E-Gitarren / Akustikgitarren)
· Rollensatz (4 Lenkrollen) optional erhältlich
· Transluzente Version zum Schutz vor Pigmentwanderungen
bei Nitrolacken
WEB: WWW.VOICEOVERPIANO.COM
INTERVIEW: RONJA RABE
FOTOS: CHRISTINE LUTZ
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5 Jahre Garantie
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40 STORIES
Hätte Tom Petty zusammen mit Johnny Cash eine Band gegründet,
Bruce Springsteen und Neil Young dazu eingeladen,
dann wäre das vermutlich die Revolution in der Geschichte
der Rock-Musik gewesen. Unvorstellbar?
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 41
MM: Warum Copper SMoke, zu Deutsch
„kupfer rauch“? Was steckt hinter eurem
Namen?
COPPER SMOKE: COPPER SMOKE war ein typisches
Ergebnis eines Brainstormings – der Name
bleibt hängen und passt zur Musik. Interessant ist
vielmehr, was Außenstehende hineininterpretieren,
von der rauchenden Pistolenkugel bis hin zum
kupfernen Whiskykessel der amerikanischen
Moonshiner-Schwarzbrenner.
MM: Copper SMoke existieren ja bereits einige
Jahre – du, Frank, bist im raum Würzburg
auch als Solokünstler bekannt. Wie und mit welchem
Ziel habt ihr euch als Band zusammengefunden?
COPPER SMOKE: Wir haben uns über die Musik
kennengelernt – wie oftmals, durch Zufall. Ich habe
in diversen Rockbands gespielt und durch mein
Interesse zur Country-Musik bin ich vor über zehn
Jahren in einer Country-Cover-Band gelandet. Dort
habe ich den Keyboarder Jobst und den Drummer
Christof kennengelernt. Wir haben uns gleich gut
verstanden und hatten die gleichen musikalischen
Vorlieben. Ab da war klar, dass wir etwas Eigenes
mit eigenem Songmaterial machen wollten. Mit
Dieter an der Sologitarre und Horst am Bass haben
wir dann auch relativ schnell genau die erfahrenen
Musiker und Menschen gefunden, die heute
COPPER SMOKE ausmachen. Und das Wichtigste:
es passt sowohl musikalisch als auch menschlich!
MM: Americana oder auch einflüsse aus der
Country- und Southern-rock-Szene sind bei
euch nicht zu überhören. Was fasziniert euch
am Übersee-Sound?
COPPER SMOKE: Ich kann mich im Americana/
Alternative-Country und Folk am besten ausdrü -
cken. Diese Musik ist einfach gemacht, um Ge -
schichten zu erzählen.
8
Nicht ganz, denn die Würzburger Band steht genau
für diesen Sound.
4/19 – 1/20 musiker Magazin

42 STORIES
Das hat ja auch eine lange Tradition mit Leuten
wie Bob Dylan, Neil Young und vor allem
Townes Van Zandt. Und ja klar, ein gewisser
Hang zur Cowboy-Romantik ist zumindest bei
mir nicht von der Hand zu weisen.
MM: entstehen eure Songs mehr aus der
Band arbeit oder legst du als Songwriter das
Arran ge ment der von dir geschriebenen
Songs alleine fest?
COPPER SMOKE: Die Songideen und vor allem
die Texte kommen fast ausschließlich von mir.
Manchmal ist es nur eine Idee, manchmal ist
bereits ein komplettes Arrangement im Kopf,
jedoch basteln wir immer zusammen mit der
ganzen Band an den Arrangements. Es ist immer
wieder spannend wie sich Songs während des
Arrangementprozesses entwickeln – manchmal
steht ein Song schon nach ein bis zwei Pro -
ben; wir hatten aber auch schon Songs, deren
Entstehungsprozess sich über Monate hinzog.
MM: Woher holst du deine Songideen? Die
Texte haben ja doch oft einen nachdenklichen
und melancholischen Unterton. Ist
Musik generell ein Ventil, um solche Gefühle
zu verarbeiten?
COPPER SMOKE: Ein Ventil ist die Musik auf
jeden Fall. Man kann persönliche Erlebnisse
damit sehr gut verarbeiten und sich von der
Seele schreiben. Das soll aber nicht heißen, dass
ich nur negative Erlebnisse hatte (lacht). Aber
oftmals lohnt es sich eben, schwierige oder
traurige Themen anzugehen, da sie manchmal
auch als Tabuthema gelten. Viele Men schen finden
sich in solchen Texten selbst wieder, das
kann dann auch eine positive Wirkung haben.
Ein fröhlicher Text dagegen regt wenig zum
Nachdenken an und verpufft meiner Meinung
nach sehr schnell. Da fehlt mir einfach der Tief -
gang. By the way, schön, dass du den Texten
zugehört hast. Ist leider nicht immer selbstverständlich,
was ich aber auch nachvollziehen
kann. Viele haben nicht mehr die Zeit, sich einen
Song intensiv anzuhören. Aber dennoch hab
ich auch schon den ein oder anderen „Party-
Song“ geschrieben, hier geht’s dann meistens
etwas augenzwinkernd um die Folgen des über -
mäßigen Alkoholgenusses.
»Zusammen bringen die fünf Franken gute 100 Jahre Bühnenerfahrung mit
und überzeugen durch Spielfreude
und mit ihrem Markenzeichen, dem mehrstimmigen Gesang.«
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 43
MM: könnt ihr uns schon etwas über eure
neue CD verraten?
COPPER SMOKE: Wie vorhin gesagt, ziehen
sich ja manche Songarrangements ganz schön
in die Länge, deshalb könnte der Titel der
neuen CD gar nicht treffender sein: „It’s About
Time“. Seit unserem letzten Longplayer „Second
Chance“, für den wir mit einem 2. Preis beim
Deutschen Rock und Pop Preis ausgezeichnet
wurden, sind mittlerweile über vier Jahre vergangen.
Wir haben alle Songs als komplette
Band live im Studio aufgenommen und haben
nur sehr wenig mit Overdubs bei den Key boards
und der Leadgitarre gearbeitet. Unserer Mei -
nung nach klingen die acht neuen Songs
dadurch wesentlich authentischer, organischer
und natürlicher.
MM: Ihr habt die neue CD ganz altmodisch
aus der eigenen Tasche finanziert. Wie ist
eure Meinung zum Thema Crowdfunding,
auf das ja heutzutage gerade junge Musiker
verstärkt zurückgreifen?
COPPER SMOKE: Crowdfunding ist eine super
Sache. So was konnte man sich vor 10 bis 15
Jahren kaum in der Form vorstellen. Wir haben
unser Album aber – wie du sagst – altmodisch
aus eigener Tasche bezahlt. Wir wollten diesmal
einfach nichts dem Zufall überlassen und haben
so ziemlich alles selbst in die Hand genommen.
Die Leute da draußen, die Bock auf COPPER
SMOKE haben, unterstützen uns sowieso da -
durch, dass sie zu unseren Konzerten kommen
oder Shirts und CDs kaufen. Ist ja auch eine Art
Crowdfunding. Danke an dieser Stelle an unser
Publikum, unsere Freunde, Fans usw.!
MM: könntet ihr euch vorstellen, eure Ver -
öffentlichungen in Zukunft vielleicht über
ein Label „an den Mann“ zu bringen? Gerade
in Sachen Marketing bietet ein Label ja
häufig Vorteile ...
COPPER SMOKE: Absolut! Ein Label oder ein
Vertrieb ist für jeden Künstler interessant, da
man dadurch eine größere Zielgruppe erreichen
kann. Es ist zwar heutzutage nicht mehr
zwingend nötig, sich an ein Label zu binden,
aber Bandarbeit ist nicht nur Songs schreiben
BESETZUNG:
FRANK HALBIG – GesanG / Gitarre
HORST METZ – Bass / GesanG
JOBST BRAUN – Keys / Piano / GesanG
DIETER ENGELHARDT – Gitarre / GesanG
CHRISTOF AMANN – schlaGzeuG / GesanG
und arrangieren, Platten aufnehmen oder live
spielen. Die großen Zeitfresser sind und waren
schon immer Marketing, Promotion und Boo king.
Wir werden daher bei der neuen Ver öf fent lichung
mit einem Musiklabel und Ver trieb zusam men -
arbeiten, das uns in Sachen digitalen und physischen
Vertrieb und beim Marke ting unterstützen
wird.
MM: Seht ihr euch selbst als Liveband oder
ist es auf Dauer befriedigender, im stillen
käm merlein Musik zu schreiben und irgend -
wann zu veröffentlichen?
COPPER SMOKE: Definitiv sind wir eine Live -
band. Wir wollen raus zu den Leuten. Nur dann
bekommen wir das zurück, wofür wir im „stillen
Kämmerlein“ arbeiten. Aber ehrlich gesagt ist
es manchmal schon leicht frustrierend. Man
hat es als Liveband, die eigene Songs spielt,
nicht immer leicht, Veranstalter davon zu überzeugen,
vielleicht doch nicht die 25. Coveroder
Tributeband zu engagieren, sondern offen
für „Unbekanntes“ zu sein. Alle Locations, bei
denen wir bisher spielen durften, haben uns
durch die Bank immer für weitere Termine ge -
bucht, weil das Publikum immer begeistert war
und am Ende zufrieden nach Hause ging.
Dennoch wollen wir natürlich auch zukünftig
gute Studioarbeit abliefern. Vielleicht dauert es
ja bis zur nächsten CD nicht wieder vier Jahre? ;)
MM: Wo sehen sich Copper SMoke in fünf
Jahren – was sind eure Ziele?
COPPER SMOKE: Wo wir uns in fünf Jahren
sehen? Keine Ahnung. Ich hoffe, wir bleiben ge -
sund und können auch in fünf Jahren noch an
großartigen Songs arbeiten. Das ist unser größtes
Ziel. Gemeinsam Musik machen, die wir lieben.
Wenn wir bis dahin noch fünfmal so viele
Menschen dazugewinnen, denen unsere Musik
genauso viel Spaß macht, haben wir alles richtig
gemacht. Vielen Dank an das Musiker
Magazin dafür, dass wir uns und unsere Musik
hier vorstellen durften.
WeB: COPPERSMOKE1.JIMDO.COM
intervieW: RONJA RABE
Fotoquelle: COPPER SMOKE
COPPER SMOKE
„It’s About Time“
VÖ: 15. NOVEMBER 2019
COPPERSMOKE1.JIMDO.COM
WWW.FACEBOOK.COM/COPPERSMOKE
4/19 – 1/20 musiker Magazin

44 STORIES
KÖNIG & MEYER
Stands For Your Music
seit 1949
»Unsere Philosophie
ist es, qualitativ
hochwertige und
langlebige Produkte
umweltgerecht
zu fertigen, damit sich
Musiker weltweit
auf das Wesentliche
konzentrieren
können – ihre Musik.«
KÖNIG & MEYER
AUF DER
PROLIGHT+SOUND:
Halle 8.0 Stand a60
eit vielen Jahren unterstützt das Unternehmen König & Meyer die Kulturveranstaltungen für
S die zahlreichen zumeist jungen Rock- & Pop-Musiker*innen aus den 16 Bundesländern
„deutscher Rock & Pop Preis“, zuerst fünf Jahre lang im Wiesbadener Kongresszentrum und jetzt
seit sechs Jahren in der Siegerlandhalle in Siegen. das Unternehmen unterstützt damit seit langer Zeit
das kulturelle engagement der gemeinnützigen deutschen Pop Stiftung und des deutschen
Rock & Pop Musikerverbandes e.V. unter der Schirmherrschaft des Präsidenten des deutschen
Musikrates und des Bürgermeisters der Stadt Siegen als austragungsort. es handelt sich hier seit
nunmehr 37 Jahren um eine Kulturveranstaltung, an der jährlich bis zu 1000 Musikerinnen und Musiker
aus allen teilen deutschlands vor und hinter der Bühne zumeist ehrenamtlich mitwirken.
MM: Spielt auch bei Ihnen die Förderung der
kreativen, musikbegeisterten jungen Men -
schen in Deutschland in ihren Zielset zun gen
und Entscheidungen eine besondere Rolle?
GaBRiela KöniG: Musik überwindet kulturelle
Gren zen und bringt Menschen zusammen. deshalb
spielt die Förderung von Musikern, Musikensembles
und -institutionen generell eine wichtige Rolle.
deshalb unterstützen wir verschiedene so wohl re -
gionale als auch überregionale Projekte. dabei sind
wir nicht auf ein Genre oder ein be stimmtes thema
festgelegt. allerdings ist nach wuchs för de rung, wie
auch die teilnahme an dem deutschen Rock & Pop
Preis zeigt, ein Schwer punkt in der Förderung.
Wenn bei jungen Men schen interesse und Spaß
am Musizieren geweckt und aktiv gefördert werden,
sorgt dies für den erhalt und eine weitere
Verbrei tung von Musik. dies ist auch für uns lang -
fristig von essenzieller Bedeutung.
MM: Was verbinden Sie mit dem Thema
Musik? Sind Sie selbst musikalisch?
GaBRiela KöniG: Seit 70 Jahren steht die Marke
König & Meyer in der Musikwelt für hochwertiges
Musikzubehör mit unverwechselbaren designs und
hoher Funktionalität. ein Schlüssel zum er folg
des Unternehmens ist hierbei die hohe Ferti gungs -
tiefe. Fast alle einzelteile der Produkte werden im
eigenen Haus in deutschland hergestellt. Per ma -
nent wird in moderne Produktionsprozesse investiert.
Von der entwicklung über die Produktion
bis hin zur Vermarktung gilt für uns die kompromisslose
Orientierung am hohen Qualitäts an -
spruch. 280 Mitarbeiter sorgen in Wertheim dafür,
dass die gut 1 500 Produkte effizient gefertigt und
fristgerecht mit bester Qualität und gutem Ser vice
in 80 länder der Welt ausgeliefert werden.
MM: 2019 war sehr durch die Bewegung
„Fridays for Future“ geprägt. Dass Ihnen die
Umwelt als Unternehmen am Herzen liegt,
kann man an vielen Ihrer Maßnahmen er -
kennen. Was ist Ihr persönlicher An spruch –
und wie viel Spielraum hat ein Unter neh men,
das wirtschaftlich denken muss?
GaBRiela KöniG: dass Musik guttut, die Kreati -
vität und das Sozialverhalten verbessert, ist ja
hinreichend bekannt. ich persönlich höre sehr
gerne Musik. Musik hebt die laune, lenkt ab und
unterhält. ich besuche auch gern mal ein Kon zert
von Klassik bis Rock. leider spiele ich selbst kein
instrument, wobei dies immer noch auf meiner
„to-do“- bzw. „Bucket“-liste steht.
MM: Was für ein Unternehmen verbirgt sich
hinter dem K&M-Signet? Was zeichnet das
Unternehmen in Ihren Augen aus?
GaBRiela KöniG: Wir übernehmen weit über
den Rahmen gesetzlicher Vorgaben hinaus auch
eine Verantwortung im Bereich Umweltschutz. Um
eine nachhaltige und möglichst umweltschonende
Pro duktion zu verwirklichen, wird bereits seit
Jahren kontinuierlich daran gearbeitet, abfälle zu
vermeiden, emissionen zu verringern, erneuerbare
energiequellen zu nutzen und Ressourcen zu
schonen. So konnten wir beispielsweise den
Wasser verbrauch seit 1979 um 94 % senken.
Ressourcenschonung spart am ende auch Kosten
für das Unternehmen. König & Meyer ist nach

STORIES 45
den normen iSO 14001 und eMaS ii zertifiziert
und wurde für sein engagement im Umwelt schutz
vom land Baden-Württemberg ausgezeichnet.
Weitere Projekte im Hinblick auf eine CO 2 -neutrale
Produktion und die weitere nutzung von erneuerbaren
energien sind bereits in Planung.
MM: Lassen Sie uns bei der jüngeren Gene -
ration einhaken. Auch dieses Jahr kann das
Unternehmen eine Ausbildungsquote von
knapp 9 % realisieren. In Zeiten von Fach -
kräfte mangel und der steigenden Akade mi -
ker quote ist das nicht selbstverständlich. Wie
wichtig ist es für Sie, auch als Ausbildungs -
un ternehmen zu agieren?
GaBRiela KöniG: Gerade durch unsere hohe
Wert schöpfungskette und den hohen Qualitäts -
an spruch sind wir auf gut qualifizierte Mitarbeiter
angewiesen. deshalb setzen wir seit Jahrzehnten
auf die ausbildung im eigenen Unternehmen
sowohl in technischen als auch in kaufmännischen
Berufen. So sichern wir uns die Fachkräfte
von morgen. Viele ehemalige auszubildende arbeiten
heute in verantwortungsvollen Führungs posi -
tionen im Unternehmen. die betriebliche ausbil -
dung fördert langfristig die Wettbewerbsfähigkeit,
steigert die Produktivität und innovationskraft
des Unternehmens.
Problem. die Marktkonzentration schreitet immer
schneller voran, in deren Folge ganze Regionen
von einer musikalischen Grundversorgung vor
Ort ausgeschlossen sein können. dazu kommt
noch die katastrophale Situation des vielfach nicht
mehr angebotenen Musikunterrichts an allgemein -
bildenden Schulen. dies setzt einen ge fährlichen
Kreislauf in Gang, in dessen weiteren Verlauf im
schlimmsten Falle Musizieren nicht mehr stattfindet.
dies ist für die gesamte Branche eine ernst zu
nehmende Situation.
MM: Mit dem Bau des neuen Logistik zen -
trums 2017 in Wertheim hat König & Meyer
erneut ein klares Bekenntnis zur Stand ort -
wahl gemacht. Eine mutige Investition in
Zeiten, in denen so manches Unternehmen
Teile seiner Produktion ins Ausland verlagert.
Welche Rolle spielt der Standort Deutschland/
Wertheim für Sie?
GaBRiela KöniG: Wir sehen auf jeden Fall die
klassischen Standortfaktoren wie den hohen
Grad der Mitarbeiterqualifikation, die infrastrukturellen
Verhältnisse und die hohen Qualitäts stan -
dards in deutschland weiterhin als große Vorteile
gegenüber der Produktion in anderen ländern.
auch die politische Stabilität und die damit verbundene
Planungssicherheit bieten gute Rahmen -
bedingungen für unser Unternehmen in deutsch -
land. Mit der eigenen Fertigung garantieren wir
deutsche Umwelt- und arbeitsschutz bedingungen.
Vor allem können wir schnell und flexibel auf
nachfragespitzen und spezielle Kundenwünsche
reagieren, außerdem neue Produkte und kleinere
Serien kurzfristig umsetzen. Obwohl es die nach -
teile wie höhere Stückkosten und arbeits kosten
gibt, hat sich die Strategie der Produktion in
deutschland bisher für uns immer bewährt.
MM: Auf der Namm-Show 2020 haben Sie
15 neue Produkte vorgestellt. Ist Innovation
eher Kernkompetenz Ihres Unternehmens
oder not wendiges Instrumentarium? Es gibt
ja Marktbeobachter, die der Musik branche im
Augenblick eher wenig Innovationskraft at -
tes tieren.
GaBRiela KöniG: Jedes Jahr stellen wir neue
innovative Produkte auf den verschiedenen
8
MM: Welche Entwicklungen würden Sie im
Be reich Kultur und Musik begrüßen? Und
welche Entwicklungen bereiten Ihnen Sorge?
GaBRiela KöniG: Für uns ist die Zahl der
Schließungen im einzelhandel ein gravierendes
4/19 – 1/20 musiker Magazin

46 STORIES
»Gerade durch unsere hohe
Wert schöpfungskette und den hohen
Qualitäts an spruch sind wir auf
gut qualifizierte Mitarbeiter angewiesen.
Deshalb setzen wir seit Jahrzehnten
auf die Ausbildung im eigenen
Unternehmen sowohl in technischen als
auch in kaufmännischen Berufen.
So sichern wir uns
die Fachkräfte von morgen.«
Messen vor. als mittelständisches Unternehmen
und Branchenführer für Premiumzubehör ist in no -
vation eine wichtige Kernkompetenz. Viele ideen
für neue Produkte kommen vom Markt, etwa von
unseren Kunden, wie Händlern, endverbrauchern
oder auch von unseren endorsement-Partnern,
die unsere Produkte im einsatz haben. die ideen
gehen in unsere hauseigene Konstruktions- und
entwicklungsabteilung. Hier setzen sieben Mitar -
beiter marktfähige ideen in Konzepte, Proto typen
und serienreife Produkte um. Bevor das Produkt
endgültig auf den Markt kommt, wird es auf Herz
und nieren getestet. Bei innovativen erfindungen
werden neue Produkte bzw. deren Funktionen und
designs patentiert und geschützt.
MM: Die Musikmesse und Prolight + Sound
in Frankfurt hat mit nachlassender Rele vanz
zu kämpfen, gemessen an der Ausstelleroder
Besucherzahl. Was bedeutet diese Ent -
wicklung für den Musikstandort Deutschland/
für Hersteller, Musiker, Handel und Kultur?
GaBRiela KöniG: die Musikmesse / Prolight +
Sound ist zwar nach wie vor die größte Messe
europas für den Musikbereich, allerdings ist sie

STORIES 47
»Ein Schlüssel zum Er folg
des Unternehmens
ist hierbei die hohe
Fertigungstiefe.
Fast alle Einzelteile der
Produkte werden im
eigenen Haus in
Deutschland hergestellt.
Von der Entwicklung
über die Produktion bis hin
zur Vermarktung gilt
für uns die kompromisslose
Orientierung am
hohen Qualitätsanspruch.«
in den letzten Jahren stark geschrumpft. tat -
sächlich braucht die Musikbranche aber eine euro -
päische Plattform, neben USa und asien. Jeder
Marktteilnehmer sollte sich dessen be wusst sein.
durch die Messe entsteht eine erhöhte aufmerk -
samkeit für das thema Musik und Musik machen
im allgemeinen. Messen ermöglichen per sönliche
Kontakte, networking und Markt analysen. Sie sind
zudem eine art Stimmungsbarometer für die Bran -
che. auch in heutigen Zeiten der stark wachsenden
digitalisierung sind internationale Branchen -
treffen unersetzlich, gerade im B2B-Bereich. Wir
unterstützen Frankfurt nach wie vor und stellen
auch in diesem Jahr wieder aus.
MM: Ihr Unternehmen bietet fünf Jahre Ga -
ran tie auf K&M-Produkte. Damit sich diese
Leis tung rechnet, müssen Sie fest davon
überzeugt sein, dass sich Ihre Produkte qualitativ
klar von den Produkten anderer Marken
differenzieren. Was macht Sie da so sicher?
GaBRiela KöniG: Wir bekommen oft Feedback
von Kunden, die teilweise ihr K&M-Produkt seit
30 Jahren oder länger im einsatz haben. die Re -
kla mationsquote bei uns im Haus bewegt sich
dementsprechend auf einem sehr niedrigen niveau.
Produktionsprozesse werden bei uns ständig op -
timiert und überwacht, dazu wird konsequent in
den Maschinenpark reinvestiert. alles orientiert sich
am Premiumanspruch, das be ginnt schon beim
Roh material. Wir arbeiten mit einem zertifizierten
Quali tätsmanagementsystem. Über allem steht für
uns die absolute Kunden zufrieden heit, bei der die
Fünf jahresgarantie einen wichtigen Baustein bildet.
MM: Das Unternehmen feierte 2019 sein 70-
jähriges Bestehen: Bitte nach 70 Jahren Rück -
schau einen spontanen Satz für zu künftige
innovative Entwicklungen …
GaBRiela KöniG: die Zukunft des Unterneh mens
sehen wir nach wie vor am Standort Wert heim.
industrie 4.0 und die Robotik werden sicherlich
unsere Produktionsprozesse weiter be einflussen
und verändern. Maschinen und an la gen werden
zudem immer energieeffizienter. So werden wir
zukünftig ein breiter aufgestelltes Pro dukt pro -
gramm rationeller und umweltschonender fertigen
können.
WeB: WWW.K-M.DE
inteRVieW: MUSIKER MAGAZIN
liVe-BildeR: LUDWIG CZAPLA
FOtOQUelle: KÖNIG & MEYER

48 STORIES
MM: Ihr habt drei Preise beim Deutschen Rock
& Pop Preis 2018 mit nach Hause ge nom men.
Wie ging es danach für euch weiter?
MATThIAS: Die Preisverleihung in Siegen war ein
großartiges Erlebnis. Ich finde es toll, welchen
kul turellen und fördernden Beitrag die Leute
beim DrMV und der Deutschen Popstiftung
durch den Deutschen rock und Pop Preis für
uns Musiker leisten. Man spürt, dass es hier
noch um die Musik geht und nicht um hohe wirtschaftliche
In teressen wie bei manch anderen
Casting-Shows und Wettbewerben. Dass hierbei
auch das Genre Latin-Musik vertreten ist,
finde ich eine tolle Sache.
Als wir von der Preisverleihung zurückkamen,
wurden wir mit Glückwünschen, Interview- und
Presseanfragen nur so überhäuft. Wir haben dann
zahlreiche Interview-Termine im Dezember 2018
und im Januar 2019 geführt. Und so langsam
reali sierst du dann auch, dass du es nicht nur ge -
träumt hast.
Es ist natürlich auch eine tolle Motivation, um
neue Sachen zu schreiben und vor allem weiter
gute Musik zu machen.
MM: Wie ist Corazón del Caribe entstanden?
MArITZA: Ich stamme ja ursprünglich aus Kuba
und bin mit der Musik dort groß geworden. In meiner
Familie gibt es viele begabte Musiker und
Tänzerinnen. Um als Musiker oder Artist auf Kuba
aufzutreten oder vermittelt zu werden, muss man
eine Prüfung beim staatlichen ICM (Kubanisches
Musikinstitut) bestehen.
Als ich diese Prüfung in Kuba abgelegt hatte,
wurde ich von einer internationalen Konzertagentur
engagiert und wir haben dann Jahr für Jahr
Tourneen in Deutschland und Europa mit einer
kubanischen Show-Band auf großen Bühnen
gespielt. 2009 waren wir sogar in der ZDF-Show
„Wetten dass …?“ auf Mallorca.
2015 habe ich dann Matthias kennengelernt
und er hat mir von seiner Idee für das Projekt
„Corazón del Caribe“ erzählt. Ich war zunächst
musiker Magazin 4/19 – 1/20

Corazón del Caribe
Pures Karibik- & Kuba-Feeling
STORIES 49
Ob als Hochzeitsband, Party- und Dinner-Band
oder für Sommerfeste – die Formation
um die kubanische Sängerin „Maritza“ und
den Flamenco-Gitarristen und
Multi-Musiker Matthias steht für musikalisches
Temperament und Leidenschaft und
begeistert mit den Top-Hits aus der Karibik,
Spanien und Lateinamerika
überrascht, dass ein deutscher Musiker und Kom -
ponist so viel Talent und Wissen für die Musik
aus Kuba und der Karibik mitbringt. Und da war
nach der ersten gemeinsamen Session für uns
beide sofort klar, dass wir dieses Projekt gemeinsam
machen werden.
MM: Welchen Musikstil präsentiert ihr?
MATThIAS: Die Musik aus der Karibik ist so bunt
wie die Vielfalt der Kulturen dort. Ich habe viele
Jahre vor „Corazón del Caribe“ bereits mit spanischen
und kubanischen Musikern zusammengearbeitet
und bin über den spanischen Flamenco
zu dieser Musik gekommen.
Die Musik auf Kuba ist natürlich geprägt von
der Kultur, den rhythmen und den Menschen
dort, speziell aus Spanien und Afrika. Daher auch
der Name afro-kubanische Musik.
Die Stilrichtung von „Corazón del Caribe“ ist
bunt gemischt, wir spielen kubanischen Son,
Salsa, Cumbia aus Kolumbien, Merengue aus
der Dominikanischen republik, bis hin zu den
aktuellen Charthits, speziell reggaeton, Flamencound
Latin-Pop.
MM: Was fasziniert euch an der Musik?
MArITZA: Das Geheimnis unserer durch rhyth -
mus geprägten Musik ist sicherlich das Lebens -
gefühl, das dadurch vermittelt wird.
Meer, bunte Cocktails, lebensfrohe Menschen
und viel rhythmus, Tanz und Fiesta. Und wir
nehmen unser begeistertes Publikum jedes Mal
von Neuem mit auf diese exotische reise durch
die Karibik. Das ist auch genau das, was wir in
unseren Live-Konzerten erreichen wollen: einen
Karibik-Kurzurlaub für unser Publikum.
Maritza ist hierfür die perfekte Front-Frau, vermittelt
sie doch durch ihre ansteckende Lebens -
freude genau dieses Gefühl. hinzu kommt die
jahrelange Erfahrung als Tänzerin. In unserer Show
sind auch zwei kleine Karibik-Tanz-Crash kurse
eingebaut, bei denen wir inmitten der Spiel sets
kleine Choreografien mit dem Publikum gemeinsam
gestalten, quasi als kleine Tanz unter richt-
Einlage für Cumbia und Bachata – ein echtes
highlight für unsere Gäste.
MM: Organisation, Booking, Management –
wer macht bei euch was?
Musik in der Karibik ist die Animation zum Tan -
zen, zur Bewegung des Körpers. Man kann einfach
nicht still sitzen. Und diese Musik ist pures
Lebensgefühl. Der Tanz bringt dich auf eine andere
spirituelle Ebene. Man tanzt nicht, wenn man sich
glücklich fühlt, sondern man tanzt, um sich glück -
lich zu fühlen. Diese Musik versetzt dich sofort in
eine positive Stimmung, macht dich glücklich
MATThIAS: Im Prinzip machen wir das alles selbst
und aus eigener hand. Für das Booking arbeiten
wir zusätzlich mit diversen Agenturen zusammen.
Das Programm und die Show richten wir auf die
jeweils anstehende Show oder Veranstaltung aus.
Das Management, Promotion, Internet und das
gesamte Organisatorische im Background machen
wir im Moment noch alles selbst.
und gibt dir Energie. Du kannst all deinen Stress
von dir abwerfen.
MM: Wie funktioniert das Musik-Business
in der Karibik oder speziell auf Kuba?
MM: Was meint ihr, welche Bedeutung hat
Latin Music in der heutigen Zeit in Deutsch -
land?
MArITZA: Kuba ist voll von guten Musikern und
Talenten und der Staat tut viel für die Förderung
von Kunst und Kultur, aber es wird auch streng
MATThIAS: Speziell in Deutschland verbindet man kontrolliert.
mit unserer Musik natürlich das Lebensgefühl der
Karibik und die damit verbundenen Erinne run gen
und Sehnsüchte wie Traumurlaub unter Palmen,
Sonne, weißen Sandstränden, das türkisblaue
Das Musik-Business ist auch dort ein hartes
Geschäft. Zunächst benötigst du als Musiker
eine staatliche Zulassung vom ICM (Ministerium 8
4/19 – 1/20 musiker Magazin

50 STORIES
für Kultur und Musik), um überhaupt öffentlich live
zu spielen, zum Beispiel auf öffentlichen Veran -
staltungen oder im Tourismus, z. B. in den großen
hotels.
Internet ist in Kuba noch wenig verbreitet, sehr
teuer und erst so langsam im Kommen. Das macht
es für die Künstler nicht einfach, sich selbst zu
vermarkten, z. B. über YouTube oder Social Media.
Und die Auftritte und Gagen sind auch von der
Bezahlung her nicht vergleichbar mit Europa.
Letztendlich kann man sagen, dass vieles vom
Staat beeinflusst wird. Egal ob Texte, Auftritte oder
auch politische Themen in der Musik.
Im Dezember 2018 wurde von der neuen re -
gierung ein sogenanntes Dekret 349 erlassen, das
für sehr viel Zündstoff in der Musikszene gesorgt
hat. Es besagt unter anderem, dass das Kultus -
ministerium per Vertrag jeder Form von künstlerischer
öffentlicher
Darbietung zu stim men
muss. Und die Mei nungen
über Sinn und Un sinn sind
sehr geteilt.
MM: Habt ihr auch neue eigene Songs in
Arbeit? Ist ein Album geplant?
MATThIAS: Im Moment kann ich so viel verraten,
dass wir eine Single mit dem Titel „El Color de tu
alma (die Farbe deiner Seele)“ und zwei weitere
Songs bereits soweit fertig produziert haben, die
nun kurz vor der Veröffentlichung stehen und im
Juli bei den Streaming-Diensten publiziert werden.
Das letzte Album „Para toda la vida“ haben wir
in 2017 produziert und Ende 2017 veröffentlicht.
Theoretisch würde das neue Material auch für
ein weiteres Album reichen.
Aber wir wollen uns na -
türlich mit einigen Sachen
auch Zeit lassen. Wir sind
gut gebucht, da wollen wir
uns verstärkt auf die Live-
Konzerte konzentrieren.
MM: Wie entstehen eure Kompositionen?
Was ist die Inspiration?
MATThIAS: Maritza schreibt den Großteil der
Texte und ich produziere die Musik dazu. Die
Ideen kommen überall und zu jeder Tages- und
Nachtzeit. Da heißt es nur, das handy griffbereit
zu haben, um die Idee oder Textzeile schnell aufzuzeichnen.
Die Inspiration ist das Leben, die Liebe, es
sind Intuitionen des Moments. Manchmal hast
du das Gefühl, dass dir eine Idee geschenkt wird
musiker Magazin 4/19 – 1/20

STORIES 51
und du musst sie nur greifen. Ich denke, das
bleibt das große Geheimnis in der Musik.
Manchmal hast du Eingebungen, bei denen
du spürst, dass sie nicht von dir selbst kommen,
sondern dass sie dir von irgendwoher
geschenkt werden.
MM: Wo nehmt ihr eure Songs auf?
MArITZA: Den hauptteil der Arrangements
sowie auch den Gesang und das Mastering
produzieren wir im hauseigenen Studio hier
bei uns in Deutschland. Manche Aufnahmen
nehmen wir in einem befreundeten Studio in
havanna, Kuba auf.
MM: Welche Konzerte standen bei euch
an?
MATThIAS: Im Sommer ist bei uns hochsaison
für die Live-Konzerte. Wir waren auf
Kreta, haben dort insgesamt acht Konzerte
und Veranstaltungen gespielt und auch ein
Video gedreht.
Die folgenden drei Monate haben wir hauptsächlich
in Deutschland ge spielt, Sommerfeste,
Karibik-Events, Beach-Abende in Freibädern,
karibische Events auf Wein gütern und natürlich
auch viele Firmen- und Privatver anstal tun -
gen. Ende September waren wir dann zwei
Wochen auf Kuba für Auf nahmen und einen
Videodreh.
MM: Was ist eure Vision für 2020?
MArITZA: In jedem Fall wollen wir „Corazón
del Caribe“ und unsere eigenen Songs weiter
nach vorne bringen, viele Live-Konzerte spielen
und weiter nette Menschen auf unseren
Veranstaltungen kennenlernen.
Und wer weiß, vielleicht klappt es mit dem
radio-Sommerhit 2020 in Deutschland aus der
Feder von „Corazón del Caribe“. Das wäre in
jedem Fall eine tolle Vision.
WEB: WWW.CARIBE-MUSIC.COM
INTErVIEW: RONJA RABE
FOTOqUELLE: CORAZÓN DEL CARIBE
hINTErGrUNDFOTO: © IGOR /ADOBE
STOCK
GrAFIK: © ELENAMEDVEDEVA / ADOBE
STOCK

52 MUSIKBUSINESS
Leeza Nail
WIE KANN ICH
SINGEN ZUM BERUF
MACHEN?
Geht das überhaupt? Muss ich dazu
berühmt sein? Wie kann man davon
leben? Was ist neben dem Singen noch
wichtig für den Beruf? Muss ich Noten
lesen können oder geht es
auch ohne? Und was ist mit Ansagen auf
der Bühne? Kann ich das üben?
MM: Wie wichtig sind die eigenen Erwar tun -
gen ans Singen?
LEEZA NAIL: Ich finde es wichtig, sich darüber klar
zu werden, welche Erwartungen ich habe, wenn
ich singen (lernen) will.
Denn es ist ein Unterschied, ob jemand einfach
„just for fun“ singen oder das Singen zu seinem
Beruf machen möchte. Es ist ein Unterschied,
ob jemand plant, nur für sich allein oder in einem
Chor mit vielen anderen oder als Frontsängerin in
einer Band zu singen. Und es ist ein Unterschied,
ob man „nur“ singen lernen will oder auch an
Grund lagen zu weiteren Bereichen wie z. B. der
Rhythmik, der Melodik, Harmonik usw. interessiert
ist. Jemand, der Singen zu seinem Beruf machen
will, sollte am besten noch vor dem Studium in
Erfahrung bringen, was denn noch alles – außer
dem Handwerk Singen – zu dem Beruf ge hört. Das
habe ich versucht, in meinem Buch zu verdeutlichen
– selbstverständlich ohne einen Anspruch auf
Vollständigkeit zu erheben.
MM: Wie stellt sich ein*e Anfänger*in den
Beruf des Sängers/der Sängerin vor?
LEEZA NAIL: Wie ich aus eigener Erfahrung weiß,
gibt es eine Menge Teilbereiche, mit denen sich
ein*e zukünftige*r Berufssänger*in zusätzlich zu
den musikalischen Grundlagen beschäftigen muss.
Vielen ist das aber zu Beginn ihres Stu diums nicht
klar. Man hat natürlich schon mal was von der
Künstlersozialkasse gehört, und irgendwie weiß
man auch, dass man ein Mikrofon und coole Kla -
motten für den Auftritt braucht, aber da ist noch
einiges mehr. Und was es dann letztlich wirklich
bedeutet, als freiberufliche*r Sänger*in für Jobs,
für effektives Üben, für Tricks gegen Lampen fieber,
für eine vernünftige Absicherung und darüber
hinaus für die Erhaltung der eigenen Gesundheit
zu sorgen, wird oft erst klar, wenn man schon
mittendrin steckt. Ich glaube jedoch, es ist gut,
sich mit dem ein oder anderen dieser Themen
schon im Vorfeld zu beschäftigen, um wenigstens
ungefähr zu wissen, was auf einen zukommt.
MM: Was sind die Ziele?
LEEZA NAIL: Geld zu verdienen ist für Berufs sän -
ger*innen nicht nur mit Auftritten möglich. Und
vielleicht bin ich ja auch gar nicht der Typ für die
große Bühne, aber dennoch leidenschaftliche*r
Musiker*in, dann ist vielleicht eher die Studioarbeit
was für mich. Ob ich damit meinen Lebens unter -
halt bestreiten kann und will, muss ich natürlich
herausfinden, oder nach weiteren Alternativen
suchen. Zum Beispiel unterrichten. Ganz generell
sollte ich mich fragen: Ist die Freiberuflichkeit,
bei der ich größtmögliche Freiheit in der Arbeits -
gestaltung, aber auch ein höheres Risiko habe,
überhaupt etwas für mich? Oder bin ich vielleicht
als fest angestellte Sängerin in einem Theater
oder Gesangslehrerin in einer Musikschule, wo ich
meine Absicherung habe und mein festes Gehalt
beziehe, besser aufgehoben? Auch sich mit diesen
Fragen zu befassen, dazu soll mein Buch anregen.
MM: Es reicht doch, wenn ich gut singen
kann, oder?
LEEZA NAIL: Manchmal denken das Anfän -
ger*innen. Vielleicht haben sie es so von anderen
erzählt bekommen oder bisher nur Erfahrungen
gemacht, die diese Annahme bestätigen. Doch
wer Singen zum Beruf machen will, kann damit
sehr schnell an seine Grenzen geraten. Darum
kann ich auch in diesem Fall nur dazu ermuntern,
sich bei Berufssänger*innen, die schon lange im
Geschäft sind, zu informieren und zu überlegen,
ob und wie man den eigenen Weg gestalten will.
Gerade auch dafür habe ich die Interviews eingefügt,
in denen vier Berufssänger*innen und ein
Bandleader sehr detailreich von ihren Erfah run -
gen berichten.
MM: Muss ich unbedingt Noten lesen/schreiben
können?
musiker Magazin 4/19 – 1/20

MUSIKBUSINESS 53
LEEZA NAIL
The Singer’s Coach – Der Karriere-Ratgeber
Alles, was ambitionierte Sänger*innen wissen sollten!
ISBN13: 9783947998081; DIN A4, 160 SEITEN; 18,95 EURO
WWW.ALFREDMUSIC.DE
Versicherungen für
alle Eventualitäten ®
LEEZANAIL.DE | FACEBOOK.COM/LEEZA.NAIL.AUTORIN
Diese und viele andere (brennende)
Fragen werden in den insgesamt
15 Kapiteln von The Singer’s Coach,
dem Karriere-Ratgeber für
ambitionierte Sängerinnen und Sänger,
behandelt. Neben der Praxis
des Singens und der Vermittlung
handwerklicher Grundlagen
behandelt sie alle die Themen,
die sowohl für Hobbysänger als auch
für eine professionelle
Gesangskarriere relevant sind.
LEEZA NAIL: Es ist ein kontroverses Thema, das mit den Noten. Natürlich
gibt es zahlreiche Beispiele von fantastischen Musiker*innen, die niemals
Notenlesen oder -schreiben gelernt haben. Sie machen – im besten Fall
ein Leben lang – aus dem Bauch heraus ihre Musik und es funktioniert prima.
Dennoch kann ich nur empfehlen, Notenkenntnisse zu erwerben – zumindest
Grundkenntnisse. Sicher muss nicht jede*r Sänger*in perfekt vom
Blatt singen können, man kommt vielleicht sogar gut ohne durch, aber es
erleichtert die Sache sehr, wenn man Ahnung von der Materie hat, also
auch, was die Themen Harmonielehre, Rhythmik, Gehörbildung usw.
betrifft. Nicht zuletzt steigert es das eigene Selbstbewusstsein und lässt
Kollegen/Kolleginnen Vorschläge, die man macht, eher respektieren.
MM: Wie finde ich beim Singen meinen eigenen Stil?
LEEZA NAIL: Auch das ist eine Frage, mit der sich viele umtreiben. Manch
eine*r denkt vielleicht, man dürfe auf gar keinen Fall andere Sänger*innen
kopieren. Aber das halte ich für falsch. Im Gegenteil: Ich rufe gerade zu
Beginn der Gesangsausbildung dazu auf, so oft wie möglich die Lieblings -
sänger*innen zu kopieren und dabei zu versuchen, genauso wie sie zu singen.
Natürlich sollte sich das nicht auf nur ein einziges Vorbild beschränken.
Und ob mit oder ohne Kopieren gilt: so oft wie möglich üben – denn
je mehr ich mich generell mit dem Singen beschäftige, umso besser entwickelt
sich meine eigene Stimme, mein eigener Stil. Der bildet sich dann
ganz von allein, als eine Mischung aus meinen Vorbildern, der Musik, die
ich liebe, und meinen eigenen physischen und psychischen Vorausset -
zungen.
Ganz gleich, gegen was Sie sich schützen möchten:
Wir sind seit über 30 Jahren Ihr kompetenter Versicherungspartner
rund um das Thema Entertainment
und Events. Und sogar freundlicher Besuch
aus dem All ist bei uns mitversichert.
MM: Muss ich auch reden/moderieren können?
8

54 MUSIKBUSINESS
LEEZA NAIL: Wenn du live auftreten willst, ja. Wenn
du dich als Sänger*in etablieren willst, an den/die
sich die Leute um deiner selbst willen erinnern, ja.
Als reine*r Studiosänger*in brauchst du das eher
nicht, aber ansonsten … Nochmal: Ja. Ich habe es
nur sehr selten erlebt, dass ein Bandleader einer
Band die komplette Moderation alleine über nom -
men hat. Die meisten Bandleader*innen sind froh
um Un ter stützung oder erwarten sogar von vorneherein,
dass der/die Sänger*in diesen Part selbstverständlich
übernimmt. Und es ist ja auch eine
prima Chance für dich, deinem Publikum näher -
zukommen. Warum solltest du das nicht nutzen?
MM: Was mache ich bei Lampenfieber?
LEEZA NAIL: Lampenfieber ist sicher nicht das
Erste, an das man denkt, wenn man singen will.
Aber manchmal kommen selbst publikumsgewohnte
Sänger*innen an einen Punkt, an dem sie
plötzlich feststellen: „Ui, jetzt habe ich aber ganz
schön Herzklopfen.“ Es kann nicht schaden, für
diesen Fall ein paar Tricks zu kennen, mit denen
man sich den Auftritt zumindest erleichtern kann.
Auch ohne sich vorher was einzuwerfen oder
durch übermäßigen Alkoholkonsum die Konzen -
tration zu verlieren.
MM: Sollte man Kompromisse eingehen zu -
gunsten der Rentabilität?
LEEZA NAIL: Eine Frage, die jeder nur für sich
selbst beantworten kann. Manchmal tut man sich
schwer, Kompromisse einzugehen, Musik zu
machen, die einem so gar nicht zusagt, nur, um
genügend Kohle zu verdienen. Und es kann ein
schaler Geschmack zurückbleiben, wenn man
an irgendeinem Punkt seiner Karriere das Gefühl
hat, nur noch „Dienst nach Vorschrift“ zu machen,
weil man das Geld braucht und weil die „Leute ja
eh nicht wirklich zuhören“. Das kann frustrierend
sein. Andererseits kann es ebenso frustrierend
sein, wenn man aus diesem Grund mit der Musik
ganz aufhört, obwohl sie einem doch eigentlich
so am Herzen liegt. Für die meisten wird es – wie
so oft – ein Kompromiss sein aus „Dienstleistung
für den Kunden“ und der „Kunst des Singens“.
Daran ist nichts Verwerfliches. Nur eines sollte
dabei nie verloren gehen: der Spaß an der Musik.
»Für die meisten wird es – wie so oft –
ein Kompromiss sein aus
„Dienstleistung für den Kunden“ und der
„Kunst des Singens“.
Daran ist nichts Verwerfliches.
Nur eines sollte dabei nie verloren gehen:
der Spaß an der Musik.«
MM: Warum ist die Gesundheit so wichtig fürs
Singen?
LEEZA NAIL: Singen ist eine körperlich sehr an -
strengende Leistung. Auch wenn es im besten
Fall nach Leichtigkeit klingt und aussieht. Aber wer
mehrere Abende hintereinander viele Stunden auf
der Bühne steht und alles gibt, kann sich ganz
schön auspowern. Natürlich trainiert jeder Gig
Stim me und Körper, nur sollte man bei aller Eu -
phorie (und allem Stress) aufmerksam bleiben, in
seinen Körper hineinhören, um zu erkennen, wann
es genug, wann Erholung angesagt ist. Und dann
auch dafür sorgen, dass Körper und Psyche zu
dieser Erholung kommen. Es ist viel besser und
WEB: LEEZANAIL.DE
FACEBOOK.COM/LEEZA.NAIL.AUTORIN
erhöht nebenbei die Leistungs fähig keit, wenn man
auf ausreichend Schlaf und Ent spannung, eine
ge sunde Ernährung und Bewe gung und einen
Ausgleich achtet. Das und so oft wie möglich zu
lachen, kann ich jedem nur empfehlen. (Natürlich
auch Nicht-Sänger*innen ;-))
INTERVIEW: OLE SEELENMEYER
FOTOS: © CAROLA SCHMITT
musiker Magazin 4/19 – 1/20

PRODUKT-NEWS 55
ALESIS STRIKE PRO SPECIAL EDITION E-DRUM-SET
Professionelles E-Drum-Set mit echter Bass-Drum.
ELFTEILIGES PROFI E-DRUM KIT
MIT 20” BASS DRUM UND ÜBER
1800 SOUNDS
Das Alesis Strike Pro Special Edition E-Drum-
Set ist ein High-End E-Drum-Set mit Bass
Drum in Originalgröße und leistungsfähigem
E-Drum-Modul. Neben einer 14“ großen
Dual Zone Snare gibt es vier Tom-Pads, drei
Crash-Cymbals sowie Ride und Hi-Hat . Alle
Trommelkessel des Alesis Strike Pro Special
Edition E-Drum-Set haben realistische Größen
und bestehen aus Holz. Meshheads der neuesten
Generation und vollgummierte Becken -
pads in gehämmerter Optik sorgen für realistisches
Spielgefühl. Das Herzstück des
Alesis Strike Pro Special Edition E-Drum-Set
ist das Performance-Modul: 1800 vorgespeicherte
Sounds in 136 Kits sowie 16 GB
externer Speicherplatz machen das Modul
zum Allrounder für jeden Musikstil. Auch
Backingtracks können auf diesem E-Drum
abgespielt werden. Das farbige LED-Display
in 4,3“ mit Hintergrundbeleuchtung verspricht
intuitive und einfache Bedienung. Die acht
direkten Ausgänge bieten professionelles
Hand ling im Live-Einsatz, so kann jedes Pad
oder ein Playback einzeln in den Mix gesendet
werden. Das robuste Stahl rack mit vier
Beinen sorgt für ein stabiles Alesis Strike
Pro Special Edition E-Drum-Set in jeder
Situation.
HOLZKESSEL IN REALISTISCHEN
GRÖSSEN: STRIKE PRO
SPECIAL EDITION MIT 20“ BASS DRUM
Die Hybridholz-Kessel der Snare und der
Toms haben die Standardgrößen akustischer
Schlagzeuge (8“, 10“, 12“, 14“) , somit erhält
man ein realistisches Spielgefühl. Dieses wird
durch die innovativen Mesh heads und das
Enhanced Articulation System verstärkt. Die
gummierten Cymbal-Pads haben eine ge -
hämmerte Oberfläche und verfügen natürlich
über eine Choke-Funktion. Mit drei Crash-
Cymbals, einem Ride und einer Hi-Hat in
Stan dardgröße bieten sich dem Drummer
viele Möglichkeiten, das eigene Spiel perfekt
umzusetzen. Das Highlight bildet die 20“
große Bass Drum, die perfekten Rebound
und perfektioniertes Gefühl bietet. Auch das
optische Bild wird dadurch erheblich aufgewertet,
wenn es beispielsweise um das Büh -
nen bild geht.
VIELSEITIGER SOUND FÜR PROFIS:
ALESIS-STRIKE-PERFORMANCE-MODUL
Über 1800 vorgespeicherte Sounds (bestehend
aus 45 000 Einzelsamples) in 136 Kits
stehen von Beginn an auf dem Modul zur
Verfügung. Zusätzlich ist eine 16-GB-SD-Card
mit dabei, mit der sich beliebige WAV-Dateien
sampeln lassen. Es stehen USB/MIDI-An -
schlüsse für die Nutzung mit Musik produk -
tions software und dem neuen Strike-
Software Editor zur Verfügung. Mit diesem
Editor können Drummer ihre eigenen Samples
in In strumente mit mehrfachen Anschlag -
stärken schichten und einbauen, sich so
ein individuelles Drum Kit zusammenstellen,
welches dann per USB auf das Modul
übertragen wird. Dank des farbigen 4,3“-
LED-Displays bietet das Alesis Strike eine
intuitive Be dienstruktur und verbesserte
Übersicht.
www.musicstore.de
RODE NT-USB-MINI
Die moderne Komplettlösung für Streaming & Heimstudio
Das Rode NT-USB-mini ist ein kompaktes, modernes USB-
Mikro fon in stabiler, schwerer Ausführung mit hervorragenden
klanglichen Eigenschaften. Vollkommen neuartig ist der magnetische
Tischfuß, auf den das NT-USB-mini einfach aufgesteckt
und ohne Schrauben oder Drehen ausgerichtet werden kann,
möchte man es nicht an einem Schwenkarm oder Stativ befestigen.
Das Mikrofon ist außerdem mit einem latenzfreien Kopf -
hörerausgang mit Lautstärkeregler und exzellenten Digital wandlern
ausgestattet.
Es eignet sich somit vorzüglich für alle Anwender, die eine un -
komplizierte Komplettlösung mit tollem Klang suchen, z. B. Streamer,
YouTuber oder Podcaster, kann aber auch für die Aufnahme von
Gesang oder akustischen Instrumenten verwendet werden. Das
NT-USB-mini ist Class Compliant, kann also ohne zusätzliche
Treiber installation verwendet werden und wird von Ihrem
Computer automatisch erkannt.
Weitere Informationen: www.musicstore.de
RODE NT-USB-MINI ÜBERSICHT:
• hochwertige Kondensatorkapsel
• Richtcharakteristik: Niere
• integrierter Popschutz
• Grenzschalldruckpegel: 121 dBA-bewertet (@ 1% THD)
• Frequenzgang: 20 Hz – 20 kHz
• eingebautes 24bit/48kHz-Audio-Interface mit USB-C-An -
schluss
• Class Compliant – wird sofort vom Rechner erkannt
• Kopfhörerausgang: 3,5-mm-Stereoklinke mit Lautstärke regler
• schaltbares Direkt-Monitoring für latenzfreies Mikrofon signal
• Systemvoraussetzung: Windows 10/Mac OS 10.12
• Stromversorgung über USB
• schwenkbares Stahlgehäuse mit mattschwarzer Be -
schichtung
• dank Gabelhalterung perfekt positionierbar
• bequem abnehmbarer magnetischer Tischsockel
• Maße (BxTxH): 54,5 x 43,9 x 108,1 mm
• Maße Tischsockel (Durchmesser x Höhe): 89,3 mm x 32,4 mm
• Gewicht: 585 g
• inkl. USB-C- auf USB-A-Kabel
4/19 – 1/20 musiker Magazin

56 PRODUKT-NEWS
JOST NICKEL
SNARE BOOK
In Jost Nickels neuestem Werk SNARE BOOK
dreht sich alles um die kleine Trommel. Auf
124 Seiten bietet er dem Leser eine Fülle ver -
schiedener, variantenreicher Snare-Übun gen
zur Verbesserung der Spieltechnik und des
generellen Rhythmus-Verständnisses. „Ich
übe gerne, mag aber keine Übungen, bei
denen ich ständig das Gleiche spielen soll“,
sagt Jost. „Dann schweife ich gedanklich
ab und kann mich aufgrund der mangelnden
Variationen kaum dazu motivieren, weiter zu
üben. Natur lich ist Üben Wiederholung, aber
ich will mich auch nicht langweilen.“
In gewohnt strukturierter Form präsentiert
Jost Übungskonzepte in verschiedenen Takt -
arten und Subdivisions zur systematischen
Verbesserung rhythmischer Flexibilität und
motorischer Unab hängigkeit sowie besserer
Spielkontrolle über Tempowechsel, die den
rhythmischen Über blick stärken und dazu
beitragen, dass die Übungen in diesem Buch
spannend und ab wechslungsreich bleiben.
„Mein SNARE BOOK ist definitiv KEIN typisches
Rudiments-Buch“, fügt Jost hinzu.
„Ich bin mir sicher, dass der Varianten reich -
tum der Übungen in diesem Buch dazu beiträgt,
dass du dich gut konzentrieren kannst
und so Spaß beim Üben hast. Das macht es
leichter, Übungen so oft zu spielen, wie es
für das Weiter kommen erforderlich ist.“ Ge -
genstand des ersten Kapitels ist eine Viel -
zahl verschiedener Warm-up-Übungen, bei
denen beispielsweise be kannte Hand sätze
mit für diese Handsätze ungewöhnlichen
Akzentuie rungen, Subdivisions und Takt arten
kombiniert werden.
Zusätzlich findet man Ostinato-Übungen, die
die Unabhängigkeit verbessern, und Inter -
locking-Übungen für eine bessere Koordina -
tion. Klare Konzepte prägen den zweiten Teil
des Buches, in dem Jost Schritt für Schritt
durch Übungen zu Double-Stroke Rolls,
Flams, Multiple Strokes, Ruffs, Inverted
Double-Stroke Rolls, Paradiddles u. a. führt.
Sie versetzen den Nutzer in die Lage, sich
seine eigenen Übungen auszudenken, indem
er die Herangehensweise beibehält, aber
den Inhalt ändert.
Jost Nickels SNARE BOOK ist auch ideal
zum Üben unterwegs auf dem Drum Pad.
Die 12-seitige Beilage mit Lesetexten macht
das Paket komplett. Spannend!
Weitere Informationen:
www.alfredmusic.de
Buch & Lesetexte (Beilage) | ISBN-13: 978-3-947998-11-1 | 21,95 Euro | DIN A4, 124 Seiten | 20279G
Auch als englische Ausgabe erhältlich: book & reading texts | ISBN-13: 978-3-947998-12-8 | 21,95 Euro | DIN A4, 124 Seiten | 20279US
A STAR IS BORN
Music from the Original Motion Picture Soundtrack
A STAR IS BORN
ORIGINAL SONGBOOK FOR PIANO / VOCAL / GUITAR
„A Star is Born“ ist eine Neuverfilmung des
gleichnamigen Film klassikers aus dem Jahr
1937 (A Star is Born – Ein Stern geht auf).
Der Musikfilm aus dem Jahr 2018 von
Bradley Cooper erzählt die Geschichte um
den Country-Star Jackson Maine (Bradley
Cooper) und die talentierte junge Frau Ally
(Lady Gaga), die mit Jacksons Hilfe zum Star
wird.
Die Geschichte ist nicht nur einfühlsam und
intim erzählt und durch die beiden Haupt -
dar steller be eindruckend und überzeugend
gespielt; der Film besticht insbesondere durch
seinen vielseitigen, einzigartigen und teilweise
sehr emotionalen Sound track, der von
Lady Gaga und Bradley Cooper live eingesungen
wurde.
Die Piano/Vocal/Guitar-Noten zur Hit-Single
„Shallow“ und zum gesamten Soundtrack
sind nun bei Alfred Music erhältlich.
Das Piano/Vocal/Guitar-Songbook zu dem erfolgreichen Musikfilm
mit Lady Gaga und Bradley Cooper aus dem Jahr 2018. Beinhaltet
die bewegenden und vielseiteigen Songs aus der dritten
Neuverfilmung des Films inkl. der Hit-Single „Shallow“. Inkl.
Originalfotos und Film-Artwork.
Titles: Black Eyes * La Vie en Rose * Maybe It’s Time * Alibi *
Shallow * Music To My Eyes * Diggin’ My Grave * Always
Remember Us This Way * Look What I Found * Heal Me * I Don’t
Know What Love Is * Is That Alright? * Why Did You Do That? * Hair
Body Face * Before I Cry * Too Far Gone * I’ll Never Love Again.
Songbook; 47776; ISBN 13: 9781470641535; 29,95 €
SHALLOW
ORIGINAL SHEET MUSIC FOR
PIANO / VOCAL / GUITAR
Sheet Music; 47825;
ISBN 13: 9781470641528; 5,95 €
Weitere Informationen:
www.alfredmusic.de
musiker Magazin 4/19 – 1/20

PRODUKT-NEWS 57
DANTE-AUDIOWANDLER
VON TASCAM
UNTERSTÜTZEN JETZT
DEN SMPTE-STANDARD ST 2110
STARK VERBESSERTER WINDOWS-TREIBER
FÜR EINE REIHE VON TASCAM-AUDIOINTERFACES
Tascam hat neue Windows-Treiber der Version 4.0 für sechs
seiner USB-Audiointerfaces entwickelt, die es Benutzern
er möglichen, die Rechenleistung eines modernen Com puters
voll auszunutzen und Musikproduktions umge bungen mit
extrem kurzer Latenzzeit zu realisieren. Mit den neuen
Treibern lässt sich die Audiopuffergröße eines US-20x20,
US-16x08, US-4x4, US-2x2, US-1x2 und iXR jetzt bereits
auf einen Wert ab vier Samples einstellen (64 Samples in
früheren Versionen). Entsprechende Rechenpower vorausgesetzt,
ist die resultierende Latenz eines solchen Systems
praktisch nicht mehr wahrnehmbar und ideal beispielsweise
für präzise synchronisierte Overdubs.
Als weitere Verbesserungen nennt Tascam eine höhere Ge -
samt stabilität, eine optimierte Darstellung des Software-
Fensters je nach Bildschirmauflösung und eine neue Ein -
stel lung für US-4x4, US-2x2 und US-1x2, durch die der
Computer das Interface immer automatisch als Standard -
gerät für die Audioeingabe und -ausgabe verwendet.
Weitere Informationen: www.tascam.de
Passend zur Installations-Messe ISE erweitert Tascam drei
bestehende Produkte per Firmware-Update um den SMPTE-
Standard ST 2110, der das separate Kodieren und Übertragen
von Medienströmen über ein IP-Netzwerk ermöglicht. Die
Dante-Audiowandler ML-16D, ML-32D und die Erweite rungs -
karte IF-DA64 für den 64-Spur-Recorder DA-6400 sollen
damit in der Lage sein, lineare PCM-Audiosignale entsprechend
ST 2110-30 in den IP-Datenstrom einzubinden.
Tascam weist darauf hin, dass die neue Funktionalität nur
in Verbindung mit einem aktuellen Dante Domain Manager
(Version 1.1 oder höher) nutzbar ist.
ST 2110 wurde entwickelt, um die Rechen- und Netz werk -
auslastung der Geräte zu verringern und Nutzern die Mög -
lich keit zu geben, dem Stream nur den für sie relevanten
Teil der Paketdaten zu entnehmen. Darüber hinaus ist der
Standard AES67-verträglich und ermöglicht die hochpräzise
Synchronisierung der einzelnen Medienströme per Precision
Time Protocol.
Weitere Informationen: www.tascam.de
INTEGRIERTE PRODUKTIONSUMGEBUNG FÜR MUSIK- UND
MULTIMEDIADESIGNER
Tascam Model 12 ist ein kompaktes Komplettpaket für Ton -
mischung, Aufnahme und Produktion speziell für Musiker,
Multimedia-Schaffende, Songwriter und Solokünstler. Es
besteht aus einem Mischer mit zehn Eingängen, 12-Spur-
Audiorecorder, USB-Audio-Interface, MIDI-Schnittstelle, DAW-
Steuerfunktionen und einzigartigen Podcasting-Funktionen
wie Mix-Minus und Smartphone-Eingang.
Das platzsparende und erschwingliche Model 12 vereint
das Gefühl einer analogen Oberfläche mit dem effizienten
Workflow und der makellosen Qualität digitaler Aufnahmeund
Produktionssysteme und unterstützt Ihren kreativen
Prozess von Anfang bis Ende.
Weitere Informationen: www.tascam.de
4/19 – 1/20 musiker Magazin

58 PRODUKT-NEWS
TOM SCHÄFER
DRUM GROOVES DER POPKULTUR – 138 GROOVES – 110 DRUMMER
Die DNA des modernen Schlagzeugspiels seit Erfindung des Backbeats.
Eine Zeitreise durch die Groove-Jahrzehnte von den 50ern bis heute. Von Afro-Beat bis Swag.
„Drum Grooves der Popkultur“ ist eine Hommage an die
wunderbare Welt des Schlagzeugspiels, die mit den Drum-
Monstern der 1940er-Jahre Fahrt aufnahm und durch die
inspirative Popkultur kreative Höchstleistungen entwickelte.
Schlagzeuger brennen für Grooves, denen eine besondere
Magie innewohnt. Dabei kann Magie auf vielfältige Weise
entstehen. Sei es durch spielerische Komplexität, durch ein
bewundernswertes Feel, durch Ideenreichtum, durch spannende
rhythmische Architekturen oder eine bestimmte
Ästhetik. Wie unterschiedlich die Faszination eines Drum -
grooves auch ausgeprägt sein mag – jeder Groove geht
immer auf seine kreative Kernidee zurück. Es ist die eigentliche
Urzelle – die DNA. Und diese kommt häufig in nur
wenigen Takten als essentieller Baustein zum Ausdruck.
Auch wenn eine Notation niemals das Feel des Augenblicks
einfangen kann, so bietet sie dennoch Zugang zu jenen
berauschenden Errungenschaften, die als Drumgrooves der
Popkultur in diesem Buch zu einem Gipfeltreffen zusammenfinden.
Der kreative Drang des Schlagzeugspiels nährt sich aus der
Inspiration und teilt damit das Kapital der Vergangenheit.
Insofern richtet das Buch den Blick genauso auf die heutige
Groove-Kultur wie auf die Zeit der Pioniere, die in den 30erund
40er-Jahren den Grundstein des modernen Schlag -
zeugspiels legten. Ohne den Jazz und ohne Drum-Monster
wie Buddy Rich, Gene Krupa oder Louie Bellson wäre die
Entwicklung womöglich komplett anders verlaufen.
Vielleicht hätte Heavy Metal nie stattgefunden. Denn Metal
ist komplett das Gegenteil von Jazz. Und ohne Referenz
lässt sich kein Gegenteil entwickeln.
Die Auswahl der Grooves im Buch basiert auf jenen in der
„Drummers World“ häufig zitierten Schlagzeugern und ihren
einflussreichen Spielarten. Auch Drum-historische Re cher -
chen haben Einfluss auf die Auswahl genommen und die
Bedeutung eines Schlagzeug-Grooves im Kontext der Zeit
hat eine Rolle gespielt. Insofern findet der intelligente Mini -
ma lismus hier genauso statt wie das komplett ausgehexte
Double-Bassdrum-Play. Anders gesagt: „Da Da Da“ ist im
Kontext der Schlagzeug-Pop-Historie genauso bedeutsam
wie „Sound Of Muzak“, „Radar Love“, „Bleed“ oder „In The
Air Tonight“.
Hier begegnen sich Grooves, die sich unabhängig von jeglichen
Styles und Genres im kreativen Raum bewegen und
doch eines gemeinsam haben: Es sind Zeitdokumente, die auf
ihre ureigene Weise die Strömungen der Popkultur spiegeln
und als „Alltime Classics“ eine prägende Rolle einnehmen.
Eine vollständige Liste an Iconic-Grooves kann es natürlich
nicht geben. Denn jeder wird seine eigenen bedeutenden
Favourites haben, die zu den Groovetracks des Lebens zählen.
Diese facettenreiche Werkschau ermöglicht inspirative Ent -
deckungen genauso wie das Aufstöbern längst vergessener
Grooves sowie die Begegnung mit überraschend Neuem
oder ein Wiedersehen mit alten Bekannten.
Die Liste der Drumgrooves folgt einer chronologischen Time -
line. Insofern sind die Grooves entsprechend dem Zeit punkt
ihrer Entstehung bzw. Veröffentlichung sortiert. Auf diese
Weise lassen sich Strömungen und Entwicklungen erkennen,
die in der Pionierzeit noch von relativ linearer Gestalt waren,
aber spätestens seit den 1970er-Jahren eine sich exponentiell
ausbreitende Mehrdimensionalität erreichten.
Zudem lassen sich zwischen den Zeilen auch manche in -
spirative Quellen entdecken, derer sich Drummer immer
schon gerne bedient haben und die Entstehung mancher
Drumgrooves erklärbar machen.
Das Buch versteht sich als Werkschau in einer zeitchronologischen
Dramaturgie, die für eine praxisbezogene An -
wendung (z. B. im Unterricht) aber nicht bindend sein muss.
Denn die Alltime Classic Drumgrooves sind einzelne und in
sich geschlossene Kapitel, denen man sich je nach Inte -
ressen s lage und Wissensdurst widmen kann. Anders gesagt:
Man schlägt zufällig eine Seite auf und wird (hoffentlich)
immer auf einen Goldfund stoßen.
Die abgebildeten Grooves beziehen sich auf die Kernideen
der Drumtracks, die in ein-, zwei- oder viertaktigen Noten -
darstellungen erfasst sind. Jene Groove-Pattern können als
„geloopte“ Sequenzen gespielt werden und dienen als
Inspirationsquelle für das eigene Repertoire.
Einige Grooves zeigen verknüpfte Drum-Fills, die entweder
ein Bestandteil des Patterns sind oder als wichtiger Indi -
kator die schöpferische Idee mitprägen. In diesem Fall sei
jedem die Freiheit gegönnt, das Fill zu isolieren und separat
zu spielen oder es im Kontext des gesamten Patterns zu
belassen.
Über die jeweiligen QR-Codes können Video- bzw. Audio -
tracks angewählt werden, um die Hördimension als weitere
Kraftquelle hinzuzuziehen.
Auch die Notationen – wenn nicht anders erklärt – beziehen
sich auf die Audio/Video-Links.
Viel Groove also bei dieser Reise durch 60 Jahre Drum -
grooves der Popkultur und damit eine tolle Ergänzung zum
Unterricht.
Tom Schäfer arbeitet freiberuflich
als Autor, Fotograf
und Musiker mit Schwer -
punkt Percussion & Schlag -
zeug. In den 1980er- und
1990er-Jahren tourte er mit
Pop-, Electronic- und World -
music-Projekten durch Euro -
pa. Als Mitbegründer und
kreativer Kopf des Percus -
sion-Performance-Projekts
„Om Buschman“ spielte er
Hun derte von Shows im In- und Ausland. In vielen Episoden
begleitete er das Ambient-Music-Bandkollektiv Papalagi
und war Teil des Projekts Deep Blue, mit dem er die Live-
Musik für den Dokumentarfilm auf kino-event-reisen entwickelte.
Als Live- und Studio-Drummer der Band Farfarello ist er
u. a. auf den CDs „Live It“, „Traumzeit“ sowie auf dem von
Eroc produzierten Album „Movements“ zu hören.
Neben zahlreichen Percussiontracks für Studiopro duk tionen
hat Tom Schäfer in seiner Laufbahn über 1000 Konzerte
gespielt – neben den oben erwähnten Künstlern u. a. auch
mit Ray Wilson, Fidibus sowie dem internationalen
Percussion-Star Nippy Noya. Er ist Autor des Fachbuchs
„Hand- & Effect-Percussion“ und Produzent der DVD „Die
Welt der Small Percussion“.
Weiterhin ist er verantwortlich für die Percussion-Sounds
der „Real Mega Drums“ Sample-Library. Zudem gastiert er
regelmäßig als Workshop-Dozent bei Drum- und Percussion-
Events. Zu seinen weiteren Arbeitsfeldern gehören die Foto -
grafie und die Entwicklung von Percussion-In stru menten
für internationale Hersteller.
Seit 1988 ist Tom Schäfer Redakteur des Schlagzeug-
Magazins „Sticks“. mit seiner über 30-jährigen Erfahrung
als Autor und Fotograf portraitierte er die Größen der internationalen
Drummer-Szene. Durch viele persönliche Kon -
takte zu den Stars hatte er das Privileg investigativer Ge -
spräche zum Thema Groove- und Popkultur des Schlag -
zeugspiels.
ISBN 978-3-89775-181-1; 29,80 Euro
192 Farbseiten, 138 Grooves, 110 Drummer, 242 Fotos,
148 Notenbeispiele
Weitere Informationen: www.leu-verlag.de
musiker Magazin 4/19 – 1/20

PRODUKT-NEWS 59
40 JAHRE MUSIKMESSE: PFLICHTTERMIN FÜR ALLE MUSIKER!
Bereits seit 1980 ist die Musikmesse in Frankfurt am Main
ein wichtiger Partner der internationalen Musikwirtschaft.
Zum 40. Geburtstag (1. bis 4. April) präsentiert die Ver -
anstaltung die Neuheiten hunderter Aussteller – sowie ein
randvolles Eventprogramm voller Business, Emotion und
Inspiration. Während an den ersten beiden Tagen der professionelle
Austausch zwischen Unternehmen, Händlern,
Lehrer*innen und Berufsmusikern im Vordergrund steht,
öffnet sich die Musikmesse am Freitag und Samstag verstärkt
der breiten Musikszene.
Unzählige hochkarätige Künstler geben in Workshops und
Masterclasses ihr Wissen am Instrument weiter: darunter
Gitarrenhelden wie Richie Faulkner (Judas Priest), Gus G.
(Ozzy Osbourne) und Jennifer Batten (u.a. Michael Jackson),
Top-Drummer wie Ash Soan (u.a. Adèle, Cher, Seal), Brian
Tichy (Whitesnake) und John Riley (u.a. Miles Davis, Woody
Herman) sowie Deep-Purple-Keyboarder Don Airey.
Während der Publikumstage am Freitag und Samstag geht
zusätzlich der Pop-up-Erlebnismarkt „Musikmesse Plaza“
in seine zweite Runde. Hier kann jedermann Instrumente
sowie Lifestyle-Produkte antesten und sogar direkt kaufen.
In diesem Rahmen feiert zudem das neue Community Event
„Home of Drums“ seine Premiere. Die Veranstaltung vereint
Produktpräsentation bekannter Marken wie DW, Gretsch,
Natal, Pearl, Roland und Zildjan mit Wissensvermittlung und
Live-Performances.
Abends bebt ganz Frankfurt bei den Konzerten des „Musik-
messe Festival“. Direkt auf dem Messegelände performen
unter anderem Top-Artists wie Freya Ridings, Max Herre und
Moop Mama.
Infos zu Tickets und Programm unter
www.musikmesse.com; www.musikmesse-plaza.com;
www.musikmesse-festival.com
4-FACH-GITARRENSTÄNDER »GUARDIAN 3+1«
17534-016-00 – schwarz mit transluzenten Elementen
Hochwertiger Mehrfachgitarrenständer für eine Akustik- und
3 E-Gitarren. Der Guardian hält die verschiedensten Gitar -
ren sicher, platzsparend und übersichtlich für den Mu siker
bereit. Speziell abgestimmte und dämpfende Auflagen sorgen
für einen sicheren und instrumentenschonenden Halt
der Gitarren. Die flexiblen Schutzbügel verhindern ein Ver -
drehen der Gitarre und schützen sie beim Abstellen oder
Herausnehmen vor einem unbeabsichtigten Anschlagen.
Die weichen Auflagepads aus hochwertigem thermoplastischen
Elastomers haben dämpfende Eigenschaften. Dadurch
nehmen sie das Eigengewicht der Gitarre schonend auf
und verhindern Beschädigungen am Instrument. Für den
Transport kann der Guardian dank eines innovativen Klapp -
mechanismus angenehm getragen und sogar aufrecht ab -
gestellt werden. Hochflexible Anlagearme mit integrierten
Plektren-Haltern ermöglichen das schonende Einstellen
der Gi tar ren und gewährleisten zudem „freiliegende“ Saiten.
Durch seine schlanke Bauweise kann der Guardian auch
sehr platzsparend direkt vor einer Wand positioniert werden.
Die transluzenten Elemente verhindern zudem Ver fär -
bungen vom Ständer zu Gitarren mit Nitrolack-Lackierung.
Aufstellmaß: 626 x 335 mm
Größe zusammengelegt: 626 x 670 x 173 mm
Höhe: 700 mm | Gewicht: 3,7 kg
EAN: 4016842829552
Weitere Informationen: www.k-m.de
4/19 – 1/20 musiker Magazin

60 PRODUKT-NEWS
SHURE STARTET KAMPAGNE
MIT ADAM LEVINE ZUR EINFÜHRUNG
DER NEUEN AONIC-SERIE
MIT KABELLOSEN KOPFHÖRERN
MIT NOISE CANCELLING
UND TRUE-WIRELESS-OHRHÖRERN
Shure, ein weltweit führender Hersteller von Audio equipment,
der die Branche seit über 90 Jahren maßgeblich prägt, gab
auf der CES bekannt, dass Adam Levine das Gesicht der
Kampagne zur Einführung einer neuen Serie von kabellosen
Kopfhörern mit Noise Cancelling und True-Wireless-Ohrhörern
wird. Levine kooperiert bereits seit über zehn Jah ren mit Shure
und wird nun Teil der Werbekampagne des Unternehmens zur
Einführung neuer Produkte im Frühling 2020.
Die neuen kabellosen Kopfhörer mit Noise Cancelling und
die True-Wireless-Ohrhörer ergänzen das bisherige Shure-
Portfolio hochwertiger Ohr- und Kopfhörer für den Con sumer-
Bereich.
„Die größten Legenden der Musikgeschichte – Elvis, die
Beatles, Jimi Hendrix, Aretha Franklin und viele weitere –
haben im Studio und auf den bedeutendsten Bühnen dieser
Welt auf Mikrofone und Equipment von Shure vertraut“,
sagte Eduardo Valdes, Senior Director of Global Marketing
for Musician and Consumer Audio bei Shure. „Jetzt können
Musikliebhaber auf der ganzen Welt diese herausragende
Audioqualität erleben – jederzeit und überall.”
Zu den neuen Produkten gehören unter anderem die kabellosen
AONIC 50 Kopfhörer mit Noise Cancelling, die in jeder
Hinsicht besonderen Komfort bieten. Das Shure-Portfolio
umfasst Kopfhörer für die Musikindustrie, die von Audio-
Profis den ganzen Tag getragen werden – die Entwicklung
komfortabler, hochwertiger Kopfhörer mit 20 Stunden Akku -
laufzeit ist also sozusagen Teil der DNA des Unternehmens.
Zur neuen Serie gehören zudem die AONIC 215 True
Wireless Sound Isolating Ohrhörer, die mit der gleichen
Technologie ausgestattet sind, die Shure für das In-Ear-
Monitoring auf der Bühne einsetzt. Diese Ohrhörer bieten
bei bis zu acht Stunden Akkulaufzeit und drei zusätzlichen
Vollladungen über die Ladebox eine herausragende Klang -
qualität sowie einmaligen Komfort mit sicherem Halt für ein
ungestörtes, erstklassiges Hörerlebnis.
Die AONIC-Serie basiert auf jahrzehntelanger Studio er -
fahrung und überzeugt mit ihrer hochwertigen Ausführung
und professionellen Features selbst die anspruchsvollsten
Hörer. Shure AONIC Ohr- und Kopfhörer garantieren Musik -
liebhabern und Musikern ein erstklassiges Hörerlebnis – ob
im Zug, im Fitnessstudio oder zu Hause.
Um mit der AONIC-Serie die gewohnte Shure-Audioqualität
zu erzielen, legten die Entwickler besonderen Wert auf eine
präzise Unterdrückung der Umgebungsgeräusche ohne Be -
einträchtigung der Klangeigenschaften. Die neuesten Blue -
tooth®-Technologien und -Codecs sorgen dafür, dass die
Hörer die legendäre Shure-Klangqualität auch kabellos er -
leben können.
Mit ihrem herausragenden Tragekomfort und der erstklassigen,
robusten Konstruktion mit Liebe zum Detail setzt die
AONIC-Serie neue Maßstäbe für kabellose Ohr- und Kopf -
hörer. Hervorragender Klang und einmalige Features garantieren
das perfekte Hörerlebnis:
• Akkulaufzeit – Mit nur einer Ladung rund um den
Globus fliegen
• Anpassbares Noise Cancelling – Für ungestörten
Hörgenuss
• Environment Mode – Mit der speziell entwickelten,
kostenlosen ShurePlus PLAY App für iOS und Android
lässt sich der Anteil der Umgebungs geräusche beliebig
anpassen
CES-Besucher können die neuen Ohr- und Kopfhörer in einer
realistischen Umgebung am Shure-Messestand (#20200)
vorab live erleben. Für jede AONIC-Demo auf der Messe
spendet Shure einen Betrag an Save The Music, eine gemein -
nützige Organisation, die Kindern, Schulen und Gemein den
hilft, durch Musizieren ihr volles Potenzial zu entwickeln.
Alle Besucher, die an einer Produktpräsentation teilnehmen,
haben die Chance, ein Paar Kopfhörer, Ohr hörer oder
VIP-Tickets für das Lollapalooza 2020 in der Shure-Heimat -
stadt Chicago zu gewinnen. Um über die Kampagne mit
Adam Levine und die neuen Produkte auf dem Laufenden
zu bleiben, können sich Fans auf www.shure.com/AONIC
registrieren.
Weitere Informationen: www.shure.de
musiker Magazin 4/19 – 1/20

PRODUKT-NEWS 61
AKAI MPC ONE
Sampling Workstation
Die Akai MPC One ist eine professionelle Standalone Sampling Workstation mit einem 7-
Zoll-Vollfarb-Multi-Touch-Display und läuft ohne Computeranbindung. Sie besitzt den
bekannten Workflow der MPC-Reihe und gibt sich mit ihren Funktionen und Features
betont ergebnisorientiert. Mit ihren richtungsweisenden Performance-Möglichkeiten
zusammen mit der nahtlos integrierten MPC-Software wird sie dadurch zum bisher zentralen
Tool auf der Bühne und im Studio.
KONTROLLE IN HOCHAUFLÖSUNG
Aus dem Herzen der Akai MPC One strahlt ein 7-Zoll-
Vollfarb-Multi-Touch-Display. Die Editierung von MIDI-
Events, das Hinzufügen von Effekten, Editieren von Step-
Sequenzen, Arrangieren, Sampeln und vieles mehr gelingt
so auf intuitive Weise.
MPC ONE & MODULARSYSTEME
Acht frei konfigurierbare CV/Gate-Ausgänge ermöglichen
die Verbindung zwischen der Akai MPC One und einem
Modularsystem. Auch andere Synthesizer, die über CV/ -
Gate-Ausgänge verfügen, können auf diese Weise von der
MPC One gesteuert werden.
PLUGIN-SYNTHESIZER
Die Akai MPC One beinhaltet die drei leistungsstarken PlugIn-
Synthesizer TUBESYNTH, BASSLINE und ELECTRIC, die als
vollwertige Instrumente ohne eine notwendige Com puter -
anbindung genutzt werden können:
TUBESYNTH
TubeSynth emuliert den Sound klassischer analoger
Polysynths, kombiniert mit 5 integrierten AIR-Effekten. Der
Synthesizer enthält alle wichtigen Parameter sehr detailreich
in einer speziellen grafischen Benutzeroberfläche auf
den Touch-Displays der MPC Live und MPC X. Tube Synth
wurde von AIR Music Tech entwickelt und basiert auf der
gleichen Analog-Modeling-Technologie, die schon im be -
kannten Plugin-Synthesizer Vacuum Pro zu finden ist. Das
Layout wurde so angepasst, dass eine bequeme Steuerung
über die MPC-Q-Links gewährleistet ist.
Tube synth ist ausgestattet mit einer umfangreichen Samm -
lung an Preset-Sounds inklusive breit schwebenden Pad-
Sounds, harten Plucks, vibrierenden Bässen und ausdrucksstarken
Lead-Sounds.
BASSLINE
AIR Bassline emuliert den Sound von klassischen Vintage-
Mono-Synthesizern.
Zudem sind 4 AIR-Effekte und 2 Distortion-Algorithmen
enthalten.
ELECTRIC
AIR Electric emuliert den Sound klassischer E-Pianos.
BELEUCHTETE PADS
Über die anschlagdynamischen Pads werden die Noten in
den Sequenzer der Akai MPC One eingespielt und die
Sounds getriggert. Für eine noch bessere Übersicht sind
die Pads in RGB-Farben hintergrundbeleuchtet.
SPEICHERUMFANG DER AKAI MPC ONE
Die Akai MPC One bietet eine interne Speicherkapazität
von 2 GB; es sind bereits 2 GB Sample Content enthalten!
Die Größe des Arbeitsspeichers beträgt 2GB RAM. Weitere
Samples können auf einer SD-Karte abgelegt werden
(Medium nicht im Lieferumfang enthalten). Als weitere
Schnittstellen sind zwei USB-2.0-Slots für externe Fest -
platten oder die Verbindung mit MIDI-Controllern vorhanden.
AKAI MPC ONE IM ÜBERBLICK:
• Standalone MPC – funktioniert ohne Compute ran bin -
dung
• Hochauflösendes 7-Zoll-Multi-Touch-Display
• 16 anschlagdynamische Pads
• Stereo Line Ein- und Ausgänge
• Acht frei konfigurierbare CV/Gate-Ausgänge (via vier
TRS-Buchsen)
• vier Q-Link-Regler, vierfach umschaltbar
• 2 GB interner Speicher (2 GB Sound Content inklusive)
• 2 GB RAM
• SD Karten Slot
• zwei USB-2.0-Anschlüsse für externe Festplatten
oder für die Verbindung mit MIDI-Controllern
Artikel: SYN0007366-000
Weitere Informationen: www.musicstore.de
4/19 – 1/20 musiker Magazin

62 REZENSIONEN
GHOSTHER
»Through Fire«
Gut fünf Jahre nach Bandgründung treten die vier Nordrhein-
Westfalen von GHOSTHER mit ihrem ersten Langspieler
„Through Fire“ auf die Bildfläche der deutschen Metal-Szene.
Optisch und haptisch macht das über Rough Trade und
Noizegate erschienene Album bereits einiges her: Ein aufwendig
und liebevoll gestaltetes Artwork trifft auf ein hochwertig
produziertes Digipak – das wünscht man sich häufiger
von Undergroundbands – erster Pluspunkt an dieser Stelle für
die Band. Doch können GHOSTHER auch musikalisch überzeugen?
Klare Antwort: Ja, sie können. Reihenweise tanzbare
Alternative-Metal-Songs im oberen Midtempo-Bereich werden
hier geliefert, die man sich sogleich auf den Dancefloors der
hiesigen Rock-Clubs vorstellen kann. Kraftvolle Riffs treffen
hier auf simples, aber effektives Drumming, das die Melo die -
bögen perfekt unterstützt. Vergoldet wird das alles von
Sängerin Jennys Stimme, die die Songs je nach Gesangs stil
mal in melancholische, freudige oder wütende Rich tun gen
lenkt. Musikalisch sind die zehn Songs vor allem Fans von
offensichtlichen Vergleichsbands wie Paramore oder
Halestorm zu empfehlen. Allerdings hört der aufmerksame
Hörer stellenweise starke Anleihen an die Architects, frühe
Nickelback oder Alter Bridge heraus. Generell atmet „Through
Fire“ eher den Geist der späten 90er und frühen 2000er,
moderne Sound-Elemente bringen die Musik aber immer
wieder ins Hier und Jetzt zurück. Empfehlenswert.
www.ghosther.com
P.S.
ALL OUR FRIENDS ARE DEAD
»See You Soon«
„Musik aus der Zeit, als man noch Haare trug“ ist das Motto
der sieben Mitglieder von ALL OUR FRIENDS ARE DEAD.
Klingt erst einmal komisch – und das ist es tatsächlich auch,
abgesehen davon, dass wie so oft mindestens ein Quänt -
chen Wahrheit drinsteckt. Denn einerseits hat sich die Band
auf das Neuinterpretieren von wahren Klassikern der Popund
Rockgeschichte spezialisiert, andererseits tut sie dies
mit einer Leichtigkeit und Fröhlichkeit, die eine dauerhafte
gute Laune während des Hörvorgangs entstehen lässt. Wie
die Band ihre aufwendigen Arrangements so bekannter
Songs wie „How Sweet It Is“ (Marvin Gaye), „I’m Not In Love“
(10cc) oder „Here Comes The Sun“ (Beatles) umsetzt und
präsentiert, zeigt einmal mehr die der Musik ganz eigene
und spezielle innewohnende Art von Humoristik. Verspielte
Klaviere und Gitarren treffen auf fröhlichen Gesang, leichte
Schlagzeug-Rhythmen und süffisante Background-Chöre.
Zehn Cover-Versionen werden präsentiert, die einerseits darauf
schließen lassen, was für eine hervorragende und ein -
gespielte Band hier zusammen agiert, und andererseits die
Neugierde darauf wecken, wie die Band wohl mit Eigen -
kompositionen klingen mag. Für weitstirnige Kenner der
Pophistorie ist „Sell Your Soul“ in jedem Fall ein Leckerbissen.
allourfriendsaredead.de
P.S.
LUCA VASTA
»Stella«
Mit „Stella“ hat Luca Vasta ein Popjuwel erschaffen, das
alle Facetten des Genres schimmernd aufgreift und widerspiegelt.
Träumerische Melodien geben dynamischen Beats
die Hand, unbändige Lebensfreude wechselt sich mit bittersüßer
Melancholie ab. Luca Vastas weiches Italienisch
schmiegt sich in die Akkorde, wird immer wieder von englischen
Phrasen aufgebrochen und hebelt somit jegliche
sprachlichen Grenzen aus: Die in Remscheid geborene
Deutsche mit italienischen Wurzeln scheint durch und durch
Weltbürgerin zu sein. Die Grenzen der Popmusik lotet sie
charmant und selbstbewusst aus: Folkloristisch angehauchte
Melodien zeigen sich im Song „Rosa“. Auf „Time“ finden
elektronische Klänge Platz, während „American Dreams“
mit Streichern und einem fast schon hymnischen Chor auffährt.
Dass bei der Produktion des Albums ein Profi am
Werk war (Philipp Steinke arbeitet u. a. mit Mark Forster
und Revolverheld zusammen), hört man jedem einzelnen
Song an. Der musikalischen Vielfalt des 2019 erschienen
Albums einen roten Faden zu verpassen, ist genial gelungen:
„Stella“ ist durchweg hörenswert und zeigt den Facetten -
reichtum, mit dem Luca Vasta ihre Liebe zur Popmusik feiert.
www.lucavasta.com
L.K.
FRIENDS OF MUSIC
»Ghostrider«
Die FRIENDS OF MUSIC machen es einem wahrlich nicht
leicht, etwas über sie herauszufinden. Das Booklet ihres
Albums „Ghostrider“ von 2019 gibt keine Webadressen preis,
das Label teilt online auch keine Informationen und auch
längere Google-Recherche bleibt erfolglos. Zur Band historie
kann daher wenig gesagt werden, die Musik der drei
Musikfreunde lässt sich jedoch eindeutig beschreiben und
zuordnen. Zehn Stücke sind auf „Ghostrider“ enthalten, die
alle den Geist von klassischem, rockgeprägtem Südstaaten-
Country atmen. Stücke wie „I’m Coming Home“ oder „Driving
Home To Alice“ sind wunderbar vorstellbar beim sommerlichen
Barbecue, einer Spritztour über die Landstraßen der Republik
oder beim Bikertreffen. Auch die für die Szene obligatorische
Cover-Version eines Songs von Country-Über vater Johnny
Cash hat es auf die Platte geschafft: „Ghost Riders In The Sky“
wird in gleich drei unterschiedlichen Varianten präsentiert.
Daneben sind auch das eingangs erwähnte „I’m Coming
Home“ sowie der getragene Song „Confusion“ neben einer
Radio-Version auch in einer tanzbaren Club-Version enthalten.
So summieren sich die sechs Lieder inklusive ihrer band -
eigenen-Coverversionen auf eine kurzweilige Dreivierte l stunde,
die nicht nur deutlich macht, was der Country-Underground in
Deutschland kann, sondern die auch noch Zeit bietet, über den
stilistischen Tellerrand hinauszublicken.
P.S.
THE MAZE
»From Small Things«
Es müssen nicht immer die ganz großen Geschichten sein –
das stellt die Band theMaze auf ihrem Album „From Small
Things“ unter Beweis. Der Bandname ist bei näherer Betrach -
tung der langen Bandgeschichte bezeichnend: Bereits vor über
25 Jahren fanden sich Frank Senftleben und Heiner Lehmann
mit ihrem Kollegen Enrico Thoms zusammen, um sich zwischenzeitlich
wieder zu trennen, eigene Wege zu gehen und
das Bandprojekt schließlich zu zweit aufleben zu lassen. Frank
Senftleben und Heiner Lehmann kreieren auf „From Small
Things“ eine solide Mischung aus Pop, Rock und Blues und
verstehen es, den typischen Bandklang wenn nötig aufzupeppen,
sei es durch Einsatz eines Glocken spiels in „The Sound
Of Her Words“ oder einer Querflöte in „Worst Case Scenario“.
Nummern wie „Get The Beat Back“ gehen ordentlich voran,
während eben genanntes „Worst Case Scenario“ oder „Never
Wanna Go Again“ durch entspannten Groove überzeugen. Die
kleinen Dinge des Lebens stehen in der Tat im Mittelpunkt des
Albums. In „If We Kiss“ fragt sich Sänger Frank Senftleben, ob
aus einer Freundschaft vielleicht doch Liebe entstehen kann.
„Eye To Eye“ erzählt vom Freiheitsdrang und der Versuchung,
auszubrechen und den Alltag einfach hinter sich zu lassen.
Das Album, dem ein paar mehr musikalische Ecken und
Kanten sicherlich nicht geschadet hätten, endet mit dem
Aufruf, die kleinen Dinge im Blick zu behalten und sie zum
Positiven zu wenden; sind sie es doch, die unser Leben am
Ende so richtig lebenswert machen.
www.themaze.de
L.K.
musiker Magazin 4/19 – 1/20

REZENSIONEN 63
WATTENLÄUFER
»Wi bruuk keen Kalifornien!«
Wozu nach Kalifornien ziehen, wenn man auch an der Nordsee
wohnen kann? Das fragen sich die WATTENLÄUFER auf ihrer
neuesten Platte und bringen die Antwort gleich mit: „Wi bruuk
keen Kalifornien!“ Da kann man schließlich keinen „Gröönkohl
op‘n Disch“ essen! Gleich der erste titelgebende Song macht
ordentlich Stimmung und bringt eine Fröhlichkeit und
Lebenszugewandtheit mit, die sich trotz besungenen typisch
norddeutschen „Schietwetter“ durchs Album zieht. Klassiker
wie der „Jung mit‘n Tüdel band“ oder das „Shanty Party-Rock-
Potpourri“ werden sym pathisch aufgegriffen und mit einem
eigenen musikalischen Touch versehen, die Herkunft und der
Dialekt mit Humor genommen. Aus dem bekannten „Im
Wagen vor mir“ wird so zum Beispiel „In dr Boot för mi“. Die
sechsköpfige Platt rock-Band ist mit hörbarem Spaß und
Leiden schaft bei der Sache und kombiniert eingängige
Melodien voller Leich tig keit mit ihrem Dialekt. Auch die gefühlvollen
Stücke „Ik bliev bei dir“ und „Fresenhof“ können überzeugen.
Fazit: „Wi bruuk keen Kalifornien!“ sollte mit seinen
bodenständigen und humorvollen Songs definitiv auch Fans
außerhalb Nord deutsch lands begeistern.
www.wattenläufer.com
L.K.
VIVID CURLS
»… nicht müde werden!«
Sozialkritische Texte, Gänsehaut erzeugender Harmonie ge -
sang, ein Mix aus Rockröhre und lyrischem Mezzosopran: Die
VIVID CURLS wagen die Kombination von Anspruch und Inhalt
mit dramatischer, eingängiger Melodik, abwechslungsreichen
Rhythmen und fein herausgearbeiteten Songstrukturen.
Hier trifft klassisches deutsches Liedermachertum àla
Konstantin Wecker oder Reinhard Mey auf modernes Song -
writing nach Art vieler bekannter neuer „Deutschpop-
Poeten“. Inka Kuchler und Irene Schindler widmen sich
inhaltlich dabei den brandaktuellen Themen unserer Zeit:
die Zerrissenheit in der Gesellschaft, der Kampf um eine
bessere Zukunft, das Streben der Jugend nach einer Politik,
die Umwelt und zukünftige Generationen in den Fokus nimmt.
Dazu werden sie unterstützt von einer hochqualitativen Band:
perkussives Gitarrenspiel oder verträumtes Fingerpicking
treffen auf Mundharmonika-Einspieler und Percussion -
elemente.
VIVID CURLS brauchen nicht viel, um ihren allseits gepriesenen
und mit diversen Preisen ausgezeichneten Gesang
zu unterstützen, und doch bespielen sie auf “... nicht müde
werden!” die gesamte Bandbreite der ihnen zur Verfügung
stehenden Mittel der musikalischen Arrangements. Diese
Band breite und Aktualität ist es denn auch, die den VIVID
CURLS in der Vergangenheit diverse Auszeichnungen wie den
Förder preis für junge Liedermacher der Hanns-Seidel-
Stiftung eingebracht hat. Wenn das Duo so weitermacht,
dürften noch einige weitere Preise dazukommen – sei es für
die tolle Musik oder ihre zum Nachdenken anregenden Texte.
www.vivid-curls.de
P.S.
THOMAS MENTSCHES & BAND
»The Lierfeld Tapes«
Seit vielen Jahren ist Thomas Mentsches bereits als Singer
und Songwriter in klassischer angloamerikanischer Tradition
aktiv und auf den Bühnen der Republik sowie auf Platte
unterwegs. Bereits seit zehn Jahren wird er dabei von seinen
beiden Weggefährten Volker Arndt und Ali Ottmann
begleitet, die Mentsches’ Sound mit ihrer großen musikalischen
Erfahrung aus Klassik, Jazz und Reggae bereichern.
Verfeinert durch die spezielle Stimme von Thomas Mentsches
entsteht ein eigenständiger und unabhängiger Sound, der
in dieser Form in Deutschland nicht häufig zu hören ist.
Sein neuestes Werk „The Lierfeld Tapes“ spiegelt diese
Eigen ständigkeit zum wiederholten Male eindrucksvoll
wider. Regelmäßig holt sich Mentsches in den legendären
Bars und Pubs der britischen Insel historische und musikalische
Inspiration für seine neuen Werke und auch diese
regelmäßigen Stippvisiten an den Wiegen der Singer-
Songwriter-Szene hört man dem Album eindrucksvoll an.
Auch dieses Album ist inhaltlich geprägt von den für Thomas
Mentsches typischen Geschichten über Freude und Nöte
des sprichwörtlichen „kleinen Mannes“. Diese auf vielen
Reisen gemachten und gesammelten Erfahrungen und Er -
zählungen verarbeitet der Sänger gemeinsam mit seinen
beiden Mitstreitern zu einer wundervollen Platte, die den
Geist der britischen Inseln atmet und zeitgleich doch einen
eigenen Touch durchscheinen lässt.
www.facebook.com/Thomas.Mentsches.Band P.S.
FRANK MARTIAN
»Where Ends Meet«
2019 erschien mit „Where Ends Meet“ nach langer Warte -
zeit das neue Album von Frank Schulz alias Frank Martian.
Das Album weckt musikalisch und stimmlich viele Erinne -
rungen an die progressiven Pop- und Rockbands aus Groß -
britannien in den 80er-, 90er- und frühen 2000er-Jahren.
Elektronische Ele mente werden hier mit progressiven Ge -
sangs strukturen und Rockriffs miteinander verbunden. Trotz
der überwiegend düsteren Grundstimmung ist „Where
Ends Meet“ eine positive, doch nicht übermäßig nostalgische
oder verklärte Aus einandersetzung mit der gesellschaftlichen
und der eigenen Vergangenheit. Für Frank
Martian stellt das Album „ein ehrliches Statement und eine
packende, faszinierende und oft auch tanzbare Abbildung
der Vielschichtigkeit unseres modernen Lebens“ dar – ein
Statement, welches das Album treffend und passend
zusammenfasst. Mit der Unterstützung exzellenter Musiker
wird hier über elf zeitgemäß produzierte Songs die für
Martian typische große stilistische Bandbreite an Ge schichten
von Trennung, Tod, Begierden und Liebe präsentiert. Mal
zynisch, mal erschreckend deutlich und mal mit einem
Augen zwinkern – musikalisch immer eigenwillig, auf Eigen -
ständigkeit bedacht und keinem einengenden musikalischen
Korsett folgend. Ein sehr ambitioniertes Werk.
www.protonmusic.de
CAPELLASTREET
»Dicht an dicht«
Stark vom Zeitgeist geprägt präsentieren sich CAPELLA-
STREET mit ihrer neuen Single „Dicht an dicht“. Zusammen
mit einem Video widmen sie sich in ihrem Song der aktuellen
Klimadebatte und beziehen auch gleich eindeutig Stel -
lung: Das Stück ist einerseits vom Aufruf zu mehr Umwelt -
bewusstsein geprägt und andererseits ein Aufruf, sich den
aktuellen Protesten für eine umweltfreundlichere Zukunft
anzuschließen. Dabei geben sich CAPELLASTREET auch
bewusst überhaupt keine Mühe, subtil zu klingen: Offen
wollen sie dazu motivieren, sich „Dicht an dicht“ in der
Fridays-for-Future-Bewegung zu sammeln und den Protest
so auf der Straße zu unterstützen. Begleitet von elektronischen
Beats und garniert mit poppigen und rockigen Ele -
menten entsteht so ein Protestsong, der die Hörer aufrütteln
und zur Aktion motivieren soll.
facebook.com/CAPELLASTREET-267568193278873 P.S.
Rezensenten:
L.K. – LINDA KNAUER
P.S. – PHILIPP STRUNK
4/19 – 1/20 musiker Magazin

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Zurzeit ist die Anzeigenpreisliste Nr. 35
vom 1. Januar 2020 gültig.
Layout:
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Lektorat:
Heike Funke
Druck:
L.N. Schaffrath GmbH & Co. KG
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Beiträge: Nachdruck, auch auszugsweise,
sowie Vervielfältigungen jeder Art
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ISSN 1618-386X
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