maC Portraits 2017

PORTRAITS 

2017___maC 

MASTERSTUDIENGANG CHOREOGRAPHIE 

HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN

a

EINLEITUNG 

Der Masterstudiengang Choreographie (maC) ist 

C 

künstlerisch-praktisch orientiert, entsprechend 

nehmen choreographische Projekte einen großen 

Raum ein. Die abschließenden Choreographien 

können Sie im Juni und Juli in den Uferstudios, 

im Großen Windkanal Adlershof, im Zentrum für 

Kunst und Urbanistik sowie im bat Studiotheater 

anschauen. Zum Choreographieren gehört jedoch 

ebenso, dass die Studierenden ihre eigene Praxis 

kritisch re flektieren, einen eigenen künstlerischen 

Standpunkt entwickeln und ihren ästhetischen Ansatz 

vermitteln können. Um Ihnen einen Einblick in 

diesen Prozess zu geben, erscheint anlässlich der 

Aufführungen dieser Band mit Portraits der Studierenden. 

Die sieben Hefte enthalten individuell 

von den Choreographen gestaltete Eindrücke, Gedanken, 

Materialien aus dem Studium, aus Proben- 

und Arbeitsprozessen, eine Reflexion über zwei 

Jahre Masterstudium. Auf der Seite, die in jedem 

Heft auf die Seite mit dem Portraitfoto folgt, finden 

Sie Texte, in denen die Studierenden sich drei Fragen 

widmen: Wo bist du künstlerisch gerade? Welche 

Bedeutung hat(te) das maC-Studium für deine 

künstlerische Entwicklung? Wo möchtest du gerne 

in ein paar Jahren sein? 

Wir freuen uns, Ihnen unsere Absolventen in diesem 

Band vorzustellen - mit sieben persönlichen 

Antworten auf die Frage, was Choreographie sein 

kann.


YUKO MATSUYAMA SPUR[ËN] - Between Dark 

and Light 

Konzept, Choreographie, Musik: Yuko Matsuyama 

Co-Choreographie, Tanz: Carlos Osatinsky, 

Fernando Nicolás Pelliccioli | Musik: Taylor Savvy 

Visual Design-Beratung, Performance: Safy Etiel 

Lichtdesign: Catalina Fernández | Bühnenbild- und 

Kostümberatung: Silvia Albarella 

Unser Farbsehen ist individuell, es ist beeinflusst 

von persönlicher Erfahrung und Kulturen. 

In der Tanzperformance SPUR[ËN] treffen sich 

zwei Tänzer und zwei Musiker im farbigen Licht. 

Die Farben werden in Bewegung und Sound 

transformiert. 

Sehen Sie Farbe aus Ihren Blickwinkeln, aus der 

Dunkelheit oder aus dem Licht? 

I JUNG LIM Eine Studie über die verschiedenen 

Positionen der Wirbelsäule in Verbindung zur 

Anmut des menschlichen Körpers 

DarstellerInnen und Mitwirkende: Birgit Smolka, 

Joanna Priwieziencew | Bühne: Donald Becker 

Licht: Thomas Sevet | Dokumentation: Lucas 

Odahara | Choreografie,Konzept,Sound: I Jung,Lim 

Wieso ist vertikal zu stehen anmutig? Das 

Fleisch, das aus christlicher Sicht das Begehren 

symbolisiert, hängt an unserer Wirbelsäule und 

erschwert die aufrechte Form. Unser Fleisch 

kann die Wirbelsäule umhüllen, sie unterstützen 

und vertikal halten. Der Körper wird in dieser 

Performance in Wirbelsäule und Fleisch geteilt, 

und beide schweben wie ein verkörperter Geist 

und Begierde in der Luft. Es wird eine Fusion der 

Gegenteile zwischen der Wirbelsäule und dem 

Fleisch geschaffen, um Vertikal zu stehen. 

CARINA OTTE Wo sie gestern sein werden 

Idee, Konzept, Choreographie: Carina Otte | Co- 

Choreographie, Tanz: Rachell Bo Clark, Katerina 

Delakoura, Mélanie Favre, Alba De Miguel Fuertes, 

Annekatrin Kiesel, Valentina Gaia Lops, Sarina 

Egan-Sitinjak, Julia Keren Turbahn | Musik, 

Komposition: N.N | Szenografie, Kostüm: Francesca 

Ercoli, Mona Glass | Motion Design: Sabine Redlich 

Licht Design: Severin Beyer 

Eine eigenartige Welt. Erinnerungen und 

Impressionen durch holprige Übergänge zu 

Bildern verknüpft, die ich lediglich vor meinem 

inneren Auge skizzieren und phantasieren kann. 

Stetige Neugierde und die Suche nach Zugängen, 

die eine Einsicht und wieder gemeinsame 

Realitätsmomente eröffnen. Realitätsmomente 

innerhalb eines dementen Gehirns.

ABSCHLUSSARBEITEN 2017 

JANNE GREGOR HARRENDE RÄUME UND 

TROTZENDE MENSCHEN 

Tanz: Julia Schunevitsch, Liselotte Singer, 

Michele Meloni | Musik: Daniel (Mando) Mandolini 

Choreographie: Janne Gregor | Dramaturgische 

Begleitung: Fee Römer | Bühne: Lena Mody 

Assistenz Bühne: Julia Buntzel | Lichtdesign: 

Ľudovit (Luigi) Kovács 

Endzeitstimmung auf der Erde; ein resistenter Rest 

Menschen harrt, trotzt, wartet standhaft. 

Wie kann er sich wappnen und feien für die nächste 

Etappe? Wie kann er den Boden ebnen für die, die 

da folgen mögen? 

Welche Palette von Möglichkeiten haben Menschen 

unter widrigen Umständen? 

Und: Sind sie gefährlich oder sind sie in Gefahr? 

LEONIE GRAF Rest - eine Choreographie für zwei 

Tänzerinnen 

Tanz: Lilly Pöhlmann, Simone Detig 

Choreographie: Leonie Graf | Dramaturgie: Thomas 

Schaupp | Klanggestaltung: Marcus Thomas 

Szenographie: Nicole Frei | Kostüm : Carolin 

Herzberg | Maske : Maria Graf | Lichtdesign: 

Andreas Harder | Fotodokumentation: Philipp 

Weinrich 

Wie eine gehäutete Haut liegt er auf dem Asphalt. 

Rund, überirdisch, hoch und tief zugleich. Durch ihn 

hindurch führt aus der Unsichtbarkeit kommend 

ein schmaler Holzsteg ins Jetzt. Der Rest wird zum 

Impuls. 

Es geht um Reste, ihr Dasein, ihre Beschaffenheit, 

ihre Qualität und ihre Kraft. 

KAI EVANS After America 

Choreographie, Konzept: Kai Evans | Tanz, Kreation: 

Johanna Ackva, Naama Ityel, Katerine Staub 

Larsen | Musik, Komposition: Shasta Ellenbogen 

Dramaturgie: Alejandro Karasik, Pauline Payen 

Kostüm: Lee Méir | Photo-/ Video-Dokumentation: 

Roberto Duarte | Übersetzung, Bearbeitung: Nadav 

Anin 

Nun werde ich etwas tun, was ich seit langem tun 

wollte. Ich werde schreiben. 

“After America” ist eine poetisch-bewegte 

Installation im Dialog mit Allen Ginsbergs Gedicht 

“America” (1956). Die Choreographie fängt Worte 

und die Poesie entkommt dem Blatt. 

ROMY SCHWARZER A PLACE TO HIDE :: A PLACE 

TO FORGET 

Choreographie: Romy Schwarzer | Bühne, Kostüm: 

Jule Heidelbach | Sound, Komposition: Lukas Rabe 

Tanz: Cindy Hammer, Lisanne Goodhue 

Ein Tunnel, eine Höhle, ein Zelt, eine Sackgasse. 

Ursprünglich, umschlossen, intim, begrenzt. 

Ein schützendes Dach, ein beengter Bunker. 

Über einen Raum und die Menschen, die sich 

in diesem Raum bewegen. Auf den ersten Blick 

nichts Ungewöhnliches an diesem Ort. Bei näherer 

Betrachtung kommen Schatten zu Tage. Ein Raum, 

der bewegt.

I JUNG LIM

© Martina Thalhofer

Die Wut, die alles zerreißen will, die alles Licht der 

Welt in Finsternis verwandelt, alle Lampen zerbricht 

und Vorhänge verschließt. 

Diese Finsternis starre ich an, und was auch kriechend 

oder gehend aus ihr hervorkommen mag, 

wenn ich diesem ‚Es‘ begegne, erkenne ich intuitiv 

darin das Reinste. ‘Es‘ sieht mir ähnlich, aber 

„Es“ ist nicht Ich. „Es“ tut so, als ob es Ich wäre 

und leugnet gleichermaßen, Ich zu sein. „Es“ ist ein 

Ding, das darauf wartet, dass Ich mich in „Es“ verwandle, 

und es ist.... „Es“ ist, egal was es ist, vermutlich 

meine Vergangenheit, meine Gegenwart 

und meine Zukunft. 

Hast Du schon die Erfahrung gemacht, dass Du 

Realität und Illusion nicht mehr unterscheiden 

kannst? Wenn nicht, so wirst Du niemals jemanden 

verstehen können, der es schon erfahren hat. Wie 

kann ich erkären, was in meinem Kopf läuft..Es ist 

bestimmt poetisch, nicht prosaisch. 

Mein künstlerisches Ziel oder meine Kunst ist: 

Weiß muss man lassen, wie es ist. Aber Rot werde 

ich in Blau verwandeln und Grün werde ich in 

verdorbenes Braun ändern. Weiß und Grau sind 

ähnlich, aber anders. Grau und Schwarz aber sind 

unterschiedlich, weil Sie Schnittmengen haben.... 

Ein Heer von Vögeln fliegt auf den Erdboden zu, und 

Menschenmengen laufen in Reih und Glied einen 

Bergrücken endlos hinauf. Dort unten ist ein rotes 

Gewässer, ohne Wellen … das Korn wird wieder und 

wieder gedroschen, es gibt reichlich davon. Genau 

so wie von meinen Bildern. Meine Bilder sind zahlreich 

wie die Körner.

The human body is incessantly exposed to gravity. 

Why does the body, in addition to this burden, still 

has the responsibility to represent its own identity? 

Life as the condition in the limbus - a period of Oblivion 

or like the Lethe. Bodies exist in a room without 

clear boundaries, in an interspace, where are 

the people who have neither great guilt nor special 

virtue.

© Diethild Meier

Sometimes I feel as if my lifestyle is not so different 

from the lifestyle of an animal. I also sometimes 

feel as if I was living without an arm (as if I had an obstacle 

/ a restriction). It seems to me that often my body 

does not need my head. And a twisted body is associated 

with a warped mentality (I don‘t know what was there 

first – body or spirit). The sign that the body wants to 

pull its head out of the ground (the ground as mother, 

which is the root of the human spirit), or to stick it into 

Herzlichen Dank an: MA Choreographie Abteilung und HZT Team, MitarbeiterInnen und Freunde. 

Unterstützt von: Deutscher Bühnenverein, Deutschlandstipendium. 

© Diethild Meier

the ground. And then I think that men (human being) gets 

punished to be living. Metaphorically speaking, it seems 

to me as if men (human being) were scratching and crawling 

on the ground in their life. I cannot be separated 

from death because the body is a limited living being. 

And in the course of my life I mentally resurrect more 

and more. When I see such a recurring lifestyle in people, 

I ask myself whether the body can learn anything at 

all (because it‘s so forgetful). 

Movements come from the ground

Why is the vertical standing spine in the center of 

the human body graceful? 

The night of human kind, there, on that night, the 

body glistens alone. 

In the stygian night the body glitters like stars.

I JUNG LIM 

2008___Weiße Fäden, Seoul, Süd-Korea 

2009___PEND-1, Seoul, Süd-Korea 

2013___PEND-4 Eisen, Bremen, Deutschland 

2014___A Study for Figures and Movements at 

the base of an Identity, Bremen, Deutschland 

2016___Der Raum: wo es weder Tag noch Nacht 

gibt, Berlin, Deutschland 

2017___Eine Studie über die verschiedenen 

Positionen der Wirbelsäule in Verbindung zur 

Anmut des menschlichen Körpers, Berlin, 

Deutschland 

www.the-scarlet-letters.com 

tothescarletletters@gmail.com 



HOCHSCHULÜBERGREIFENDES ZENTRUM TANZ BERLIN 

Das Hochschulübergreifende Zentrum Tanz Berlin (HZT) wird getragen von der 

Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ Berlin und der Universität der 

Künste Berlin in Kooperation mit dem Netzwerk TanzRaumBerlin.

YUKO MATSUYAMA


Ich bin am selben Ort wie vorher, als ich dieses 

Studium begonnen habe. Aber ich bin ein bisschen 

bewusster, was um mich herum geschieht, als ob 

sich die Farbe meiner Sonnenbrille leicht geändert 

hätte. 

Meine Zeit im HZT beantwortet viele Fragen, die 

mich über Jahre beschäftigten, ohne dass ich sie 

hätte formulieren können. Ich bin mit traditionellem 

Tanz aufgewachsen. Wenn ich zeitgenössischen 

Tanz sehe, bewundere ich Tänzer und Choreographen, 

die über Jahre und Stunden auf der Suche 

sind nach den Bewegungen, die auf der Grundlage 

ihrer eigenen Körperlichkeit und Ideen entstehen. 

Ich wollte etwas Wissen erwerben, um mich 

weiter bei ihnen aufhalten zu können. Aber durch 

diese Studium wusste ich, dass der Schlüssel für 

das Wissen nicht außerhalb von mir liegt, sondern 

in mir. Als ich angefangen habe, fühlte ich mich, als 

ob meine Dozenten einen Schalter gedrückt hätten, 

um eine Defragmentierung zu beginnen, um 

alle fragmentierten Datenblöcke in meinem Kopf 

neu zu organisieren. Neben dem Erlernen praktischer 

Kenntnisse hatte ich viele Aha-Erlebnisse, 

meistens zu einfachen Dingen, meiner Tendenz 

oder Denkweise. Das regte meine Gedanken sehr 

an, manchmal musste ich über mich selbst lachen. 

John Cage sagte: “Don’t try to create and analyze 

at the same time. They‘re different processes.” Ich 

glaube, nun verstehe ich diese Worte besser als 

vorher. In den vergangenen zwei Jahren bin ich 

mir über die Verbindung von Atmung/Stimme, Bewegung 

und Raum bewusster geworden. Dadurch 

denke ich anders, und das änderte langsam meine 

Einstellung für alle Aktivitäten. In den kommenden 

Jahren wünsche ich mich an drei Orte: Erst ins Studio 

für Recherche und Probe (aber zu getrennten 

Zeitpunkten!), und in Theaterräume mit verschiedenen 

Größen, eine nano-Venue bis große Halle, 

in der ich mich “nano” finden kann, und zu Hause, 

weil ich da sehr selten bin.

Performer + Audience = Performance 

I create in the same way as I write a text. 

When I find the solution to a writing problem, 

my creative question is resolved and 

vice-versa. 

Creating a model by a piece of paper. 

Sound walk 

Chanting 

Meditation 

Automatic writing 

I love classical, 

traditional and folk dance 

and music. They are like 

colors not written on the 

map. Weather, nature, 

language, and the shape 

and form of custom and 

costume blend in time 

and space to influence 

the dance. I am aware of 

the power of mass media 

to shape my dance and 

music and yet I resist it. 

And now? 

If I could direct a piece in 

the way that permaculture 

approaches gardening... 

My reality is to be found where there 

is truth and it may exist in the imagination. 

Ich bin eher Entertainer als Künstler. In 

dem Moment, in dem ich auf der Bühne 

dem Publikum begegne, verstehe ich 

plötzlich aus tiefstem Herzen, warum 

ich mich mit dem Thema oder Projekt 

beschäftige. Der Schaffensprozess ist 

wichtig, aber der Sinn der Projekts 

manifestiert sich nur in der Gegenwart 

des Publikums. 

Dance = Communication. 

When I see a piece, I hope to encounter 

the essence of the artist. 

Performing Arts 

Performance Art 

Reading H.Bergson I became aware 

that we are always in motion. It was a slight 

relief to realise that I need not be afraid about 

when to commence the movement. 

Discussion and feedback during the process had not 

previously interested me. I preferred not to be interrupted in my work. 

Learning how to ask, listen, explain and discuss is bringing me new 

insights. My fellow students and professors are the people who have 

helped me to formulate my thoughts. They’ve looked at me from 

various angles, offering me a more complete image of what I do.

WORDS IN A WORK BOOK 

When I heard the learned astronomer, 

When the proofs, the figures, were ranged in columns before me, 

When I was shown the charts and diagrams, 

to add, divide, and measure them, 

When i sitting heard the astronomer where he lectures 

with much applause in the lecture-room, 

How soon unaccountable I became tired and sick, 

Till rising and gliding out I wander’d off by myself, 

In the mystical moist night-air, and from time to time, 

Look’d up in perfect silence at the stars. 

Walt Whitman (1819-1892) 

When I Heard the Learn’d Astronomer 

Wir begreifen, daß physikochemische Phänomene im 

Gehirn stattfinden, daß das Gehirn im Körper ist, 

der Körper in der Luft, die ihn umspielt, etc.; wo aber ist, 

wenn sie sich erhält, die einmal vollendete Vergangenheit? 

Henri Bergson (1859-1941) 

Materie und Gedächtnis 

We can see how rivers change their whole regime if we alter one aspect. 

We should see that water is of the whole, not to be thought of 

in terms of its parts. Thus we refute the concept of status and assert 

that of function. It is not what you are, it is what you do in the relation 

to the society you chose to live in. We need each other, and it is a 

reciprocal need wherever we have a function in relation to each other. 

Bill Mollison (1928-2016) 

PERMACULTURE - A Designers‘ Manual

Tanz und Kreation : 

Ayako Toyama 

Forough Fami 

Juan Felipe Amaya 

Musik : Taylor Savvy 

Lightdesign: Catalina Fernández 

Bühnenbild- und Kostümberatung : Silvia Albarella 

Dramaturgische Beratung : Juan Felipe Amaya 

Konzept, Choreographie und Musik : Yuko Matsuyama

A Shadow-Live : MaviGüneş 69 &SNØ 

28/06/2016 und 19/01/2017 

Eschschloraque rümschrümp 

Murat Ertel (BabaZula), Esma Ertel 

SNØ aka Schneider TM, Yuko Matsuyama 

Sound & Tanz Improvisation 

Bande á Part 01/03/2016 

Eschschloraque rümschrümp 

SNØ aka Schneider TM, 

Eiji Takeda, Yuko Matsuyama

MUSIC / SOUND 

Trace the life and music of 

MOONDOG 

1916 - 1999 

Music is absorbed by the body in the 

space. It is important for me to find a 

balance between listening to the incidental 

soundscape around me and listening 

to music. In my youth, my best 

music teachers were the musicians 

in the orchestra pit, and my mother’s 

collection of traditional Japanese records. 

Now, my music colleagues are 

all freaks and are my best teachers. 

They introduce me to music I’d never 

listened to before, such as noise, experimental, 

industrial, improvisation, 

and Neue Musik. These sounds have 

opened my ears in an unexpected way. 

I also like listening to world music. 

Through music we can travel the world 

geographically and metaphysically. 

I grew up at one end of the silk road 

and could barely comprehend the 

other end by opening a map, but by 

singing the songs from there, I come 

to a better understanding. On which 

side of the road is my voice now? 

Our music does not need a conductor. 

We just look at each other, 

listen, and feel the audience in 

order to decide where and how to 

go. Musicians prefer not to dance 

on stage, but they never separate 

sound and movement. They compose 

their music through movement. 

How it is possible to create a dance 

piece in the way musicians do? 

Live Performance 

A Tribute to MOONDOG ( 1916-1999 ) 

26 / 05 / 2016 | Potsdamer Tanztage 

Jazzlab Celebrates MOONDOG 

30 /0 9 / 2016 NIKTA Festival. 

Nicolas Schulze ,Asia Waluszko, 

Udo Koloska, Yuko Matsuyama

If the purpose of the play is “hold a mirror up to 

nature”, as Hamlet said, I thought that I must 

make colorful theatre. 

But what do I know about color? 

I can’t even measure the difference or the distance 

between the color I see and that which you see. 

Research II 

FARBE / COLOR 

Mercedes R. Appugliese 

SPUR[ËN] - Between Dark and Light 

10. + 11. Juni 2017 

Carlos Osatinsky und Fernando Nicolás Pelliccioli : Choreographie und Tanz 

Taylor Savvy : Musik 

Catalina Fernández : Lichtdesign 

Safy Etiel : Visual Design-Beratung und Performance 

Silvia Albarella : Bühnenbild und Kostüm Beratung 

Andrea Salustri : Choreographischer Assistent 

Yuko Matsuyama : Konzept, Choreographie und Musik

ARBEITSBUCH / WORK BOOK 

Ich danke : 

Englische Texte: Lisa Smith 

Deutsche Texte: 

Dr. Christiane Berger und Judith Brückmann 

Portraitfoto : Martina Thalhofer 

Fotos : Henryk Weiffenbach 

Betreuung : Prof. Wanda Golonka

Yuko Matsuyama ist eine Performing-Arts 

Künstlerin (Vokal, Tanz, Schauspiel). Sie begann 

bereits mit zwei Jahren eine Tanzausbildung 

bei ihrer Mutter, einer Meisterin für traditionellen 

japanischen Tanz (Nihon Buyō). Später 

schloss ihre Ausbildung als Musicaldarstellerin 

in Japan ab. In ihrer Jugend war Yuko in der 

Musical-/Theatergruppe Takarazuka Revue engagiert. 

Mit berühmten Broadway Musicals und 

Eigenproduktionen gastierten sie auch außerhalb 

Japans in London, Hong Kong und 2000 im 

Friedrichstadt-Palast Berlin. Yuko arbeitete freiberuflich 

in Japan in Theaterproduktionen, als 

Performerin, Kompanietrainerin und choreographische 

Assistentin. Zur zeitgenössischen Tanzszene 

fand sie durch die Zusammenarbeit mit 

dem Choreographen Tomi Paasonen. Seit 2010 

ist sie als Künstlerin im Haus Schwarzenberg in 

Berlin ansässig, wo sie auch Live-Performances 

als Experimentierplattform organisiert. Von 2015 

- 2017 studiert sie MA Choreographie an der HZT 

Berlin. 

2017___SPUR[ËN] Between Dark and Light 

2016___wan/tu:/fo:r 

2015___memories of kimono 00 

2012 ___Dune (für Plan b) 

Seit 2011___Movement&SoundImprovisation, 

Fortlaufende Tanzperformance Serie 

www.yuhki.de 







CARINA OTTE


Für einen Moment bin ich angekommen. Ich folge 

einem weiteren unbekannten Pfad. Vieles begegnet 

mir. Mir fehlt der Filter. Alles beschäftigt mich. Eines 

wird mir zur Obsession. Begegnet mir immer 

und immer wieder. Im Alltag, im Traum. Erfahrungen, 

die Vergleichsmomente schaffen, bilden die 

Basis. Um die Obsession werden Bilder und Kontexte 

gesponnen. Dieses Netz nehme ich mit in 

meinem gedanklichen Rucksack. Nehme es überall 

mit hin. Packe es aus und suche ergänzende 

Komponenten. Viele passen nicht. Ich suche weiter. 

Versuche mich auf das Schicksal zu verlassen. Der 

Druck steigt. Am Ende fügt sich alles. 

Neben der eigenen künstlerischen Auseinandersetzung 

und Art des Schaffensprozesses möchte 

ich, in Bezug auf den Betrachter, diesen einladen, 

der Realität, aber auch Fiktion zu begegnen. Bereits 

Gesehenes als auch Unbekanntes in einer 

entsprechenden künstlerischen Umsetzung aus 

Texturen, Bildern, Atmosphären, Orten der Entschleunigung, 

aber auch Konfrontation, zu erleben 

und daraufhin, im Nachdenken darüber, eigene 

Diskurse zu entwickeln. 

Die längste Ausbildung ist für mich das Leben. In 

den letzten zwei Jahren haben mich weitere Erfahrungen 

geprägt, sich Türen geschlossen, aber 

auch geöffnet. Durch einige offen Stehende bin ich 

hindurchgetreten in Räume und Kulturen, die mir 

den Austausch mit interdisziplinären und künstlerischen 

Begegnungen eröffnet haben. Ich konnte 

unterschiedliche choreographische Handschriften 

erforschen und wie diese sich innerhalb der Gesellschaft 

einbetten lassen (können). Choreographie 

bedeutet für mich nicht nur Autonomie menschlicher 

Bewegungssprache oder dem Wortlaut nach 

„Schritte schreiben“, sondern eröffnet ein Feld, in 

welchem Künstler unterschiedlicher Disziplinen 

aufeinandertreffen und sich gegenseitig bereichern 

können. Neben menschlichen Körpern bewegen 

sich auch Klang, Stimme, Objekt, Material, 

Projektion, Licht, Bild, Raum und Zeit. Diese lassen 

sich in spannende und magische Dimensionen verschieben.

Firn 

Ein choreographischer Diskurs der Existenz 

© Jussi Ulkuniemi

© Diethild Meier 

© Jussi Ulkuniemi 

Sie schmilzt. Sie rumort. Sie kann uns vernichten. 

Sie braucht Firn. 

Menschen in einer Welt, in der Firn in seiner 

Komplexität und Gebrechlichkeit Inbegriff für 

Richtungen wird und Abhängigkeiten erfahrbar 

werden. Oder enteisen bereits erneut die 

Blaualgen und in Koexistenz von Stromatolithen 

entsteht neues Leben? 

Physische Regungen und Ausbrüche in einem 

Raum mit Zoomobjektiv. 


*Als Firn bezeichnen wir Schnee, der mindestens eine Ablationsperiode 

überstanden hat und dessen Schneekristalle durch 

wiederkehrendes Auftauen und Gefrieren zu Eis verschmelzen. 

© Jussi Ulkuniemi

© Diethild Meier

„Mich hat berührt und beschäftigt, … 

… woher ein Impuls kommt und wie aus einer Gruppe von Menschen abstrakte Bilder entstehen. 

Ich erlebe eine Entschleunigung, Fokussierung, Konzentration. Meine Sinne schärfen sich, ich 

höre genau, blicke genau hin: Welche Bilder entstehen? Woher kommt Bewegung?“ 

Prof. Susanne Vincenz 

… das Zerbrechliche und Fragile. Ein Konstrukt, das nur funktioniert, 

wenn alle dem gleichen „Plan“ folgen. Eine Schönheit in der Einfachheit und Ruhe.“ 

Romy Schwarzer 

„Ich fühlte mich in die Rolle eines Wissenschaftlers versetzt, 

der eine neue Spezies entdeckt, aber keine Begrifflichkeiten, 

kein Instrumentarium besitzt, um zu erklären, zu deuten, was er sieht.“ 

Olga Hohmann 

… wie eine Gruppe aus vielen einzelnen Personen (Einzelteilchen) 

sich hat immer wieder neu zueinander in Bezug setzen können.“ 

Prof. Nik Haffner

Idee / Konzept / Choreographie: 

Carina Otte 

Tanz / Co-Choreographie: 

Justiina Arjanmaa, Selma Hopsu, Petra Kauppila, 

Roosa Kääriäinen, Petronella Lehtiniemi, 

Kirsi Määttälä, Suvi Palonen, Rianna Rintamäki, 

Wilma Seppälä, Maiju Tiuraniemi, Suvi Tuominen 

(Tanz-Studierende des North Karelia College 

Outokumpu Finnland) 

Musik / Komposition / Klangkörper aus Eis: 

Natalia Bustamante 

Licht-Design: 

Carina Otte, Janne Ylihollo, Severin Beyer 

Szenografie / Kostüm: 

Carina Otte 

Technische Unterstützung & Umsetzung: 

Maximilian Stelzl, Nikola Pieper, 

Niko Blankenstein, Fabian Bleisch, Jan Roemer 

Dauer: 

40 Minuten 

© Diethild Meier

8 

15 

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Moving Advent Calendar :: MAC by maC 

Um 1850 hängten sich Familien traditionell nach 

und nach 24 Bilder an die Wand, um sich damit die 

Wartezeit bis Weihnachten zu verkürzen. 

MAC by maC ist ein Projekt von Carina Otte und 

Romy Schwarzer, welches im Dezember 2016 

veröffentlicht wurde. 

24 Tage lang jeden Tag ein Bild – ein bewegtes Bild, 

ein kleiner Film, eine verfilmte Bewegung. 

Ein bewegter Adventskalender, der die Tage bis 

Weihnachten markiert. Die Türchen gefüllt mit 

Tanz - Tanz zwischen Poesie und Abstraktion - 

vorgestellt in kleinen Skizzen von und mit 50 (inter) 

nationalen Tänzern, Performern, Choreographen, 

Musikern und Sängern. 

22

Wo sie gestern sein werden 

Eine eigenartige Welt. 

Erinnerungen und 

Impressionen durch holprige 

Übergänge zu Bildern 

verknüpft, die ich lediglich 

vor meinem inneren Auge 

skizzieren und phantasieren 

kann. Stetig die Neugierde 

und Suche nach Zugängen, 

die eine Einsicht und wieder 

gemeinsame Realitätsmomente 

eröffnen. Realitätsmomente 

innerhalb eines dementen 

Gehirns. Innerhalb von Realität 

derer, die meine verlassen und 

in eine Parallelwelt überdriften. 

Zunehmender Verlust von 

Zeit, Raum, Situation und der 

eigenen Persönlichkeit. Von 

großen Unruhen geprägt, mehr 

und mehr richtungslos und 

unstrebsam. In der keine Entscheidung 

getroffen und keine 

Verantwortung mehr übernommen 

wird. In der Demenz 

nicht pathologisch ist, sondern 

vielleicht das Ankommen 

im Nirvana. 

© Foto: Romy Schwarzer / Bildbearbeitung: Sabine Redlich

CARINA OTTE, 1987 geboren und aufgewachsen 

in Nordhorn (DE). 2007/08 Architekturstudium 

an der Leibniz Universität Hannover. Ab 2008 

Studium am Steps on Broadway in NYC (USA), an 

der Hochschule für Musik und Tanz Köln/Zentrum 

für Zeitgenössischen Tanz und an der Amsterdam 

University of the Arts/Academy of Theatre and 

Dance (NL). 2013 graduiert mit einem Bachelor 

of Arts in Dance. 2014/15 Yoga-Ausbildung am 

Institut für Yoga und Gesundheit Köln. 2014 

Erhalt des Publikumspreises für „undefinable 

spaces“ beim Internationalen SoloDuo Festival 

Köln/Barnes Crossing. Sie bewegt sich 

tänzerisch/performativ, choreographisch und 

pädagogisch in der freien Szene, kommerziellen 

Arbeitsfeldern, Sozial-, Integrations- sowie „Tanz 

in Schulen“- Projekten. 

2013___ Do reHoyer & blurry spaces, Zentrum 

für Zeitgenössischen Tanz Köln & Orangerie - 

Theater am Volksgarten Köln 

2014___undefinable spaces, Kunstzentrum 

Wachsfabrik Köln 

2016___Firn. Ein choreographischer Diskurs der 

Existenz, Kiisu Theater Outokumpu (Finnland) 

& Uferstudios Berlin 

2017___ Wo sie gestern sein werden, Uferstudios 

Berlin 

www.carinaotte.de / .com 







JANNE GREGOR


Ich gucke. 

Ich mache und gucke. 

Ich gucke Bilder und ich mache Bilder. 

Bilder, die den Menschen anschauen. 

Um mich rum, in mir drin - 

das wird verwendet und verwertet, bedacht und 

umgedacht, aufgehangen, ausgeklopft und wieder 

angeguckt. 

Und dennoch gibt es das eine Bild nicht. Es gibt 

immer nur Ausschnitte und Rahmen, 

Blickwinkel und Sichtweisen; und selbst die 

ändern sich permanent. 

Dabei geht es immer um den Menschen. 

Er hat eine ungeheure Kraft. Er bewegt sich 

ständig. Weil er etwas will. 

Man guckt ihm gerne zu. Denn man sieht immer 

auch sich selbst. 

Das ist spannend. Das ist gefährlich. 

Menschen. 

Sind sie gefährlich oder sind sie in Gefahr?

Zwei gegensätzliche Körper. 

Ein Baby, ganz frisch auf der Welt, das sich und seine Umgebung neugierig erforscht. Es lernt seinen 

Körper gerade erst kennen, ist noch unbeholfen darin und sucht nach Varianten. 

Die Tänzerin ist durchtrainiert, kennt ihren Körper und seine Fähigkeiten ganz genau. 

So unterschiedlich sie sind – so viel können sie voneinander lernen: 

Wie sehe ich mich und meinen Körper? Wozu bin ich fähig? Was hat die Evolution für mich vorgesehen? 

Und was die Gesellschaft? Was bringe ich mir selber bei? Möchte ich Teile vom Angeeigneten wieder 

ablegen? Was bedeutet Präsenz? Möchte ich vielleicht all das vergessen, was ich darüber gelernt habe? 

Es Rückgängig machen? 

Undo?

UNDO 

Ein Stück ohne Garantie. 

Jedesmal anders, bis zum Rande der Unerträglichkeit. 

Undo – so als könnte man die Zeit, die stattgefunden hat, wieder zurückdrehen, 

Erfahrungen ungeschehen machen, als könnte man beschließen, was vergessen sein sollte, was nicht [...]. 

Jenny Erpenbeck: Gehen, ging, gegangen 

mit Sara Simeoni & Coco Ramatou Gregor 

Choreographie: Janne Gregor 

Mit Dank für die freundliche Unterstützung an die Förderer des Deutschlandstipendiums


DIE UNENDLICHE FAHRT

DIE UNENDLICHE FAHRT 

Sie sehen sich nicht - 

Sie gucken in dieselbe Richtung. 

Sie schleichen ums Haus herum, hauchen ans Fenster 

und schaffen sich einen Platz auf Deiner Netzhaut. 

Sie suchen einen Weg. 

Und verharren oft. 


© Martina Thalhofer 

von und mit: Lina Gómez, Jallow Mamudou 

Sounds: Emilio Gordoa 

Choreographie/Bühne: Janne Gregor 

Dramaturgische Beratung: Maja Zimmermann 

Kostüme: Kim Scharnitzky 

Lichtdesign: Ľudovit (Luigi) Kovács 

Mit Dank für die freundliche Unterstützung des Deutschen Bühnenvereins

© Jörg Metzner 

HARRENDE RÄUME UND TROTZENDE MENSCHEN 

in festem Vertrauen auf [die eigene] Kraft ... einer Person oder Sache, die eine Bedrohung darstellt, 

Widerstand leisten, der Herausforderung durch sie standhalten 

www.duden.de/rechtschreibung/trotzen 

von und mit: Julia Schunevitsch, Liselotte Singer, Michele Meloni 

Musik: Daniel (Mando) Mandolini 

Choreographie: Janne Gregor 

Dramaturgische Begleitung: Fee Römer 

Bühne: Lena Mody 

Assistenz Bühne: Julia Buntzel 

Lichtdesign: Ľudovit (Luigi) Kovács

P A T E R N O S T E R 

V i d e o s k i z z e 

mit Moo Kim

JANNE GREGOR geboren 1980 in Berlin, arbeitet 

als freischaffende Tänzerin, Schauspielerin und 

Choreographin. 

Sie studierte Akrobatik und absolvierte 2007 ihre 

Ausbildung für physisches Theater. 

Seit 2014 ist sie Studentin im MA Choreographie 

am Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz 

(HZT) Berlin als Stipendiatin des Deutschlandstipendiums. 

Seit 2006 veröffentlicht sie ihre eigenen 

Arbeiten, 2010-2014 als Bryckenbrant GbR. 

2017__harrende Räume und trotzende 

Menschen 

2017__Kraft und Stärke 

2016__Die unendliche Fahrt 

2016__Gegen Widrigkeiten 

2015__UNDO 

2014__SPLONK!FONK!WAK! und 

Plumologischer Moloch 

2014__Leistungsträger Tod/Bryckenbrant 

2013__Harvey-Hase der Angst/Bryckenbrant 

2012__Kopfüber in den unwiderstehlichen Orbit/ 

Bryckenbrant 

2010__Frau Wagner rüstet sich/Bryckenbrant 

2010__Curriculum vitae-eine Bauanleitung 

2007__ab sofort 

2006__Aalbo 

2006__blau 

www.jannegregor.de 







LEONIE GRAF


Auf der Suche nach Essenz. 

Durch die Fokussierung auf den Körper. 

In der Auseinandersetzung mit der Wahrnehmung. 

Durch das Schärfen der Sinne. 

Im Erschaffen von spürbaren Dimensionen, 

physischen Atmosphären und pulsierenden 

Zustandsräumen. 

Durch die Konzentration auf den Menschen und 

die Bedeutsamkeit der Phantasie.

Tiefe 

2015 I 5 Min. Skizze 

Aufnahme der BVG-Webcam, Baustelle Marx-Engels-Forum 

© projekt-u5.de (am 21.10.2015 um 22:04Uhr) 

„Manchmal hat man das Gefühl,

Screenshot aus Skizze „Tiefe“ 

© Verena Hehl (am 06.11.2015) 

dass hier gar nichts passiert.“, 

Mitarbeiterin des U5-Infowaggons über die Baustelle am Marx-Engels-Forum.

Felix Utting, Dimensionsbetrachtung 

© Diethild Meier


Simone Detig, Tashina Mende, Felix Utting, Ingileif Franzdóttir Wechner (Tanz) I Tobias Vethake (Musik 

& Komposition) I Christoph Bovermann (Lichtdesign) I Nicole Frei (Szenographie) I Leonie Graf (Choreographie) 

I Diethild Meier (Foto- und Videodokumentation) I Mit freundlicher Unterstützung des Deutschen 

Bühnenvereins 

© Diethild Meier

Dimensionsbetrachtung 

2016 I Dauer: 30 Min. 

Es geht um Dimensionen. Ihr Aufkommen, ihre Präsenz und ihr Verschwinden. Ausgehend von Naturphänomenen 

wie Geysire, Vulkane oder Sandwalzen arbeiteten wir mit der inneren Kraft des Körpers. Sei es 

die heiße Magma der Erde oder aber die innere Kraft des Körpers, beides brodelt unterirdisch und permanent. 

Wenn sich eine innere Kraft ihren Weg ins Außen sucht, durch sprengt sie eine Schicht, eine Kruste 

und erschafft durch dieses Herausplatzen eine neue Dimension. Vielleicht auch nur für kurze Zeit. 

© Nicole Frei

Rest 

eine Choreographie für zwei Tänzerinnen 

2017 I Großer Windkanal Adlershof 

Simone Detig, Lilly Pöhlmann (Tanz) I Leonie Graf (Choreographie) I Thomas Schaupp (Dramaturgie) I 

Marcus Thomas (Klanggestaltung) I Nicole Frei (Szenographie) I Carolin Herzberg (Kostüm) I Maria Graf 

(Maske) I Andreas Harder (Lichtdesign) I Philipp Weinrich (Fotodokumentation) I Sebi Berens, 

Luca Boschen (Videodokumentation) I Mit freundlicher Unterstützung der Humboldt-Universität zu Berlin 

Wie eine gehäutete Haut liegt er auf dem Asphalt. Rund, überirdisch, hoch und tief zugleich. Durch ihn hindurch 

führt aus der Unsichtbarkeit kommend ein schmaler Holzsteg ins Jetzt. Der Rest wird zum Impuls. 

Es geht um Reste, ihr Dasein, ihre Beschaffenheit, ihre Qualität und Kraft. 

© Nicole Frei

© Leonie Graf 

Körper- und 

Bewegungsrecherchen 

_ Liegen, Sitzen, Stehen und Gehen 

_ Die Bewegung unter der Haut 

_ Räumliche und physische Tiefe 

_ Riesen - als Metapher für die Dimension Größe 

_ Raumempfinden durch die Sensibilisierung der Sinne 

_ Vollsaugen, Ausdrücken und pulsieren - Lässt sich das Innen/ das Innere in das Außen/ in das Äußere 

pressen? 

Essays 

_ Zur Subjektivität der Begriffe Leib und räumliche Tiefe 

_ Plastik als Synonym für das Menschliche - Überlegungen zu Joseph Beuys’ plastischer Theorie 

_ Menschen mit geistiger Behinderung als „aesthetic innovation“ - Zur Frage von Eigeninteresse und 

künstlerischem Potenzial in Jérôme Bels Choreographie Disabled Theater

LEONIE GRAF, geboren 1987 in Meerbusch, 

absolvierte das Studium der Theaterregie an 

der Zürcher Hochschule der Künste, wo sie von 

2013 bis 2015 Stipendiatin der Datio Stiftung 

war. Seit Oktober 2015 studiert sie im Master 

Choreographie am HZT Berlin. 

2007-2010 arbeitete sie als Regieassistentin 

und -hospitantin an der Schaubühne Berlin, 

am Schauspielfrankfurt, am Deutschen 

Schauspielhaus Hamburg, für die Ruhrtriennale 

und das Theater Rambazamba. Außerdem 

war sie Teilnehmerin des Theaterprojektes 

TheaterTotal in Bochum und begann ein Studium 

der Volkskunde/Kulturanthropologie und 

Psychologie an der Universität Hamburg. 

2014 gründete sie gemeinsam mit dem Musiker 

Benjamin Hartwig und der Szenographin Nicole 

Frei die Gruppe Graf Hartwig zu Frei, mit welcher 

sie u.a. an das Schlachthaus Theater Bern und in 

die Sophiensaele Berlin eingeladen wurde. 

2016___Dimensionsbetrachtung, Uferstudios 

2016___Glaubst du an Elfen? Bewegungstheater 

für junges Publikum, Schlachthaus Theater Bern 

2014___ Garten Eden, Deutzer Zentralwerk der 

Schönen Künste Köln 

2014___Plötzlich stehst du da, Altes Sihlpapier- 

Areal, Zürich 

2013___Die Wildente, Zürcher Hochschule der 

Künste 







KAI EVANS

Ich arbeite wie einem Duft folgend. 

Den Duft kann ich nicht sofort erkennen, dennoch 

folge ich ihm weiter. An einem bestimmten Duft 

interessiert zu bleiben, ihn von anderen zu unterscheiden, 

ihm dorthin zu folgen, wohin er mich 

führt, ist meine Arbeit. 

Ich glaube nicht, dass ich die Quelle des Duftes oft 

erreiche. Der Duft führt mich dorthin, wo er gerade 

hin will. Dabei bildet er Masse und Volumen, Struktur, 

und seine Eigenlogik - wenn ich Glück habe. 

In meiner Verfolgung des Duftes wandle ich mich 

selbst, ich nehme die Masse und Volumen des Duftes 

an, seine bestimmte Struktur und Eigenlogik. 

Ich mache alle Arten von Experimenten, um die 

Spur des Duftes nicht zu verlieren. Bis er verfliegt, 

wie eine Fata Morgana. 

In der Vergangenheit glaubte ich, meine Aufgabe 

sei es, den Duft möglichst gut zu verstehen, dem 

ich folge. Ich erkannte, dass ich mich in dem Versuch 

irrte, die Luft mit den Händen zu fangen, um 

sie dann in ein Glas zu stecken und zu verschließen. 

Nun lerne ich meiner eigenen Nase zu folgen. 

Ich glaube, dass die Düfte, die mich faszinieren, mit 

mir, meiner Vergangenheit, meiner Gegenwart, und 

meiner intellektuellen und emotionalen Art zu tun 

haben – diesen Umstand zu übersehen, macht die 

Arbeit nur länger. In den besten Momenten meiner 

Arbeit bin ich jedoch als Person irrelevant. 

Ich erklärte, ich würde einem unerklärlichen Ding 

folgen. Choreografie aber ist eine praktische Sache. 

Das Medium, mit dem man als Choreografin 

arbeitet, besteht aus Gegenständen und Menschen 

in Raum und Zeit. 

Wenn ein Duft mich auf eine unerklärliche Weise 

fasziniert, mir etwas sagt, was ich noch nicht artikulieren 

kann, dann besteht meine praktische 

Arbeit in der Übung, meine Nase - meine Aufmerksamkeit 

- immer wieder darauf zu lenken, wo dieses 

Unerklärliche ist. Wie jemand, der immer wieder 

aus hoher Höhe herunter springt, versuche ich 

dann diese Aufmerksamkeit in Taten umzusetzen.

I think a choreography is a bit like a person 

It has its own skin 

Each choreography invites the creation of new bodies: 

Bodies with enormous ears that can hear the tiniest clinks and clunks coming from 

everywhere. 

Currently I am directing my attention to the United States. I have been away for five years 

and I am choreographing with the information, sensations, ideas, and images coming from 

this connection. 

I think a choreography is a bit like a person. It has its own skin. It talks with a voice which is 

tender, teasing, serious, or ironic about the world. 

It has a certain way of seeing. It stares back at me, and knows things about me that I don’t.

Schattenbewegungen 

(Lecture-Performance) 

Konzept/Choreographie: Kai Evans 

Von und mit: Naïma Ferré und 

Lilly Pohlmann 

Circa neunzig Prozent unserer alltäglichen 

Kommunikation wird unbewusst ausgeführt. 

Die alltäglichen Bewegungen, die wir unbeabsichtigt 

ausführen, werden “Schattenbewegungen” 

genannt. 

Anstatt mich darauf zu fokussieren, was wir 

absichtlich ausdrücken, fokussiere ich mich auf 

das, was unbeabsichtigt kommuniziert wird. 

Unsere Schatten ziehen neben uns her als 

unsere Gefährten. Wie wäre es, wenn nur die 

Schatten bleiben würden, während die Bewegungen 

erlöschen? 

In meiner Lecture-Performance thematisiere 

ich das Spannungsfeld zwischen unserem Bestreben 

nach einer bestimmten Art vor Anderen 

zu erscheinen und der Tatsache, dass wir 

ununterbrochen Schattenbewegungen vorführen, 

die zum Teil wider unseren Willen agieren.

(c) Roberto 

Duarte 

(c) Roberto 

Duarte

“My body, pitiless place. And what if by 

chance I lived with it, in a kind of worn 

familiarity, as with a shadow, or as with 

those everyday things that ultimately I 

no longer see, that life has grayed out, 

like those chimneys, those roofs that 

line the sky every night in front of my 

window?” 

Michel Foucault, The Utopian Body

(c) Roberto 

Duarte 

In der Stube mit dem offenen Fenster 

In der Stube mit dem offenen Fenster sitzen viele Menschen, so viele wie es Stuben gibt. Durchs Fenster 

werfen sie mit ihrem Blick einen Rahmen auf die Welt. In dem Rahmen ist Platz für Familienessen mit 

gewetzten Messern, oder eine ferne gescheiterte Liebe, die es sich in mancher Herzkammer gemütlich 

machte und von dort aus das Blut vorantreibt. In der Stube mit dem offenen Fenster wird Nähe und 

Distanz gleichermaßen Platz eingeräumt, so dass die allgegenwärtige Dissonanz zwischen 

körperlicher und emotionaler Befindlichkeit an die Oberfläche tritt. (Text von Nadav Anin) 

Ein besonderer Dank an: Max Stelzl; HZT Team; Stephen, Suzanne, and Margaret Evans; Maryruth Morris; Prof. Ingo Reulecke, Wanda Golonka, 

Susanne Vincenz, Dr. Christiane Berger; den Deutschen Bühnenverein für die freundliche Unterstützung.

Choreographie/Konzept: Kai Evans 

Von und mit: Yara-Li Mennel, Naïma Ferré, Lilly Pohlman 

Dramaturg: Nadav Anin 

Künstlerische Kollaboration: Alejandro Karasik 

Sound: Hannah Selin, „Olfactory Bulbs“: Karen Ritscher (Bratch) and Hannah Selin (Elektronik) 

Bühnenbild und Kostüm: Carolina Duarte 

Szenische Arbeit: Robert Liethoff 

Lichtdesign: Catalina Fernandez 

Dramaturgische Beratung: Marie Yan 

Foto-/Video-Dokumentation: Roberto Duarte

(c) Roberto 

Duarte

After America 

Now I will do something I have been wanting to do. 

I will write. 

After America is a choreographic installation which evokes the political urgency 

of the 1950’s Beat Poets in response to the current climate in the United States. 

Underground, three isolated poet-performers revisit the tools of their misfit predecessors: 

shameless confessions, mystical visions, and the unhinging of the senses. 

It is named after Allen Ginsberg’s poem “America” (1956). 

Choreography/Concept: Kai Evans 

Dance and Creation: Johanna Ackva, Naama Ityel, Katrine Staub Larsen 

Music and Composition: Shasta Ellenbogen 

Dramaturgy: Alejandro Karasik, Pauline Payen 

Light Design: Annegret Schalke 

Costume: Lee Méir 

Photo-/Video Documentation: Roberto Duarte 

(c) Roberto 

Duarte

KAI EVANS (geb. 1989 in Buffalo, New York) 

studiert seit Oktober 2015 Choreographie 

am HZT Berlin. Bevor sie das Masterstudium 

am HZT begann, absolvierte sie das SMASH 

Programm in Berlin, war tätig bei der SITI 

Company, und studierte Tanz und Kreatives 

Schreiben mit Schwerpunkt auf dem Verfassen 

von Theaterstücken und Gedichten an der 

Oberlin College in den USA. Sie ist die Verfasserin 

und Lektorin einiger erschienener Essays, 

unter anderem des Buches “Encounters with 

Contact” in Zusammenarbeit mit Ann Cooper 

Albright, sowie einiger veröffentlichter Gedichte 

und eines Theaterstücks. In Berlin arbeitet 

sie bei mehreren Projekten als Tänzerin und 

Choreografin und assistiert in der kreativen 

Entwicklung zahlreicher anderer Projekte. Zur 

Zeit konzentriert sie sich auf die Entwicklung 

eigener choreografischer Werke und auf 

Improvisationsprojekte um die Themenbereiche 

Text und Stimme. 

2010___Become You 

2011___(Re)membering 

2014___Portrait of a Wall 

2015___Use your HEAD! 

2016___Schattenbewegung (Lecture 

Performance) 

2016___In der Stube mit dem offenen Fenster 

2017___After America 







ROMY SCHWARZER


Immer wieder ein Anfang. Es scheint, dass ich immer 

wieder am Anfang stehe. 

Dieser Anfang ist natürlich kein Nullpunkt, er beginnt 

nicht mit einem leeren Gefäß. Eher ist es ein 

Startpunkt. Ein Start für einen weiteren Abschnitt, 

für eine neue Suche, eine Recherche, einen Weg. 

Das Ende dieses Abschnittes ist irgendwie offen 

oder einfach noch nicht sichtbar. 

Dieser Container, den ich mit mir trage, ist auch 

nicht nur ein einzelner Behälter. Er ist sehr verzweigt 

und verwinkelt in unterschiedliche Kammern 

und Nischen. Der Inhalt in verschiedenen 

Ecken versteckt, vielleicht auch vergessen und 

teilweise unzusammenhängend sortiert. Das Studium 

im MA Choreographie war wieder einer dieser 

Startpunkte, ein Stück Weg, der eine intensive Zeit 

markiert und mir geholfen hat einige meiner Ecken 

zu sortieren, anzufüllen und zu verbinden. Was genau 

jetzt hier am Ende steht, wird sich zeigen. 

Der MA Choreographie ist für mich: 

Ein Feld der Möglichkeiten 

Annäherung 

Struktur 

Sitzen 

Feedbacken 

Recherchieren 

Einatmen & Ausatmen 

Aushalten 

Achterbahnfahrt 

Weite & Enge 

Denken in Zeit, Raum & Bewegung 

Nicht wissen 

Ratlosigkeit 

Mut fassen 

Ein Versuch 

Entscheidungen treffen 

Tun 

Anleiten 

Erfahrungen sammeln 

Singen, Hüpfen, Kriechen, Tanzen 

Eine Reflexion 

Eine Bestandsaufnahme 

Präsentieren 

Diskutieren 

Entdecken 

Ausprobieren 

Der Hof der Uferstudios 

Kaffeetrinken im Pförtner 

Bewegungen sezieren 

Gewohnheiten hinterfragen 

Räume wahrnehmen 

Die Zeit belichten 

Ein Zusammentreffen mit der finnischen Natur 

Schöne, motivierende, inspirierende Begegnungen 

Ein Zweifeln, Trotzen & Suchen 

Schreiben & Lesen 

Schauen 

Hören 

Die Sinne öffnen 

Intensivierung 

Inspiration 

Klärung 

Zeit mit mir und meinem Schreibtisch 

Der Blick auf den Alex aus dem Studio

AS SILENCE COMES 

Ist das Leben nicht nur ein verrückter Traum? Nur eine Illusion von der Welt vor der Welt? 

Komplette Stille. Dunkelheit. Ich höre nur mich selbst, bin alleine mit meinen Dämonen. Jeder Schritt 

mit bedacht, die Augen weit aufgerissen. Ich versuche mit den Ohren zu sehen und den Händen zu 

hören. Warum bin ich hier und nicht dort? 

Versteckte Wesen, unsicheres Glück, verbundene Schicksale, nicht fassbare Gewalten. Ich versuche 

dem Fremden zu entkommen, mich ihm anzunähern oder es zu akzeptieren. Ein Entgegenstellen erscheint 

zwecklos. Ich fliehe in die Zukunft und frage mich: Wo beginnt die Zeit? Wo endet der Raum? 

AS SILENCE COMES ist eine choreographische Untersuchung der Verknüpfung von Mensch und Natur. 

Eine Erzählung von fremden Wesen, die Glück und Hoffnung wie auch Leid und Trauer bringen, 

eng verbunden mit unseren eigenen Gefühlen, Empfindungen und Sichtweisen. 

Konzept/Choreographie: Romy Schwarzer 

Performance: Selma Hopsu, Essi Koivula, Wilma Seppälä, Maiju Tiuraniemi, Suvi Tuominen 

Sounddesign: Ilmari Tiitinen 

Kostüm: Jule Heidelbach 

Lichtdesign: Severin Beyer 

AS SILENCE COMES ist innerhalb einer Kooperation zwischen dem MA Choreographie / HZT Berlin 

und dem Studiengang Tanz des North Karelia College Outokumpu / Finnland entstanden. Diese Produktion 

wurde in Finnland mit Studierenden des zweiten Jahrgangs erarbeitet und wurde im Herbst 

2016 in Finnland und in den Uferstudios Berlin aufgeführt. 

© Jussi Ulkuniemi



Vielen Dank an: Ingo Reulecke, Wanda Golonka, Dr. Christiane Berger, Ulla Mäkinen, Mark Coniglio, Xenia Leidel, 

Janne Ylihollo, Max Stelzl, Maxie Schreiner, Carina Otte, Sylvana Seddig, das North Karelia College Outokumpu, den 

Deutschen Bühnenverein und das DAAD für das PROMOS Stipendium.

Recherche THE RE-RESEARCH mit Diethild Meier

© Peter R. Fiebig

CHANSON 

Routine. Alltag. Begrenzungen. Struktur. Macht das Angst oder Lust? Zurück in die Kindheit, als ich noch keine 

Gewohnheiten hatte. Oder fort auf den nächsten Berg, um dann zu merken, dass es nicht der Höchste war. 

Wo beginn n n nt didididie die Zeit t? Zie Deit? 

Und d d d wo end d d d det der Rau ra raaom? 

Choreographie/Performance: Romy Schwarzer 

Sounddesign: Johannes Till 

Dramaturgische Begleitung: Johanna Roggan 

Verwendeter Text: Chanson von Ernst Jandl 

Das Solo CHANSON ist hervorgegangen aus der Recherche I nach dem zweiten Studiensemester. Produziert 

und aufgeführt im Oktober 2016 in HELLERAU - Europäisches Zentrum der Künste Dresden im 

Rahmen der LINIE 08 (ein Projekt des TanzNetzDresden und Hellerau - Europäisches Zentrum der Künste 

Dresden in Kooperation mit der Projektschmiede gGmbH). 

„Da ist alles Überflüssige ausgespart; Romy Schwarzer konzentriert sich auf das ‚Spiel‘, das Jandl deutlich vo der 

Spielerei unterscheidet, denn das Spiel sei auf ein Ziel gerichtet. So zeigt sie auf ihre unverkennbare Art und Weise, 

wie es sich anfühlt, wenn man an Grenzen stößt, manches noch ungelenk ist, der Weg kaum gangbar scheint. (...) 

Für das ‚Spiel‘ von Jandl findet Romy Schwarzer ganz unaufgeregt ein genaues Maß der Annäherung.“ 

(Dresdner Neuste Nachrichten, G. Gorgas) 

„Bezeichnenderweise habe ich hier wirklich sinnlich etwas über das Wirken von Sprache als Struktur, über die Konstruktion 

von Sinn und über die poetische Dimension von Bewegung erfahren. (...) Die Ausführung ihrer Bewegungen 

changiert passend dazu zwischen sinnlicher Präzision in der Wiederholung und beklemmender Planmäßigkeit.“ 

(ada Studioschreiberin, A. Hennig) 

© Vojtěch Brtnický 

In meiner Arbeit steht der menschliche Körper im Fokus. Mich interessieren 

seine Funktionalität und Lesbarkeit, aber auch der Einfluss der 

Außenwelt auf ihn: Alltag, Architektur, Gesellschaft. Wie wirken diese 

Strukturen und Regularien auf unseren Körper? 

Der Grat zwischen Konzentration und Gelassenheit, zwischen Bereitschaft 

und Entspannung beschäftigt mich. Ich suche Klarheit und Wachheit 

in der Bewegungssprache, Körper die detailliert oder fragmentiert, 

präzise und brüchig werden. Ich sehe den menschlichen Körper als einen 

Vermittler, als ein lebendiges Medium, das uns Verborgenes sichtbar 

macht und vom Betrachter (unterschiedlich) verstanden werden kann – 

der Körper als eine durchlässige Projektionsfläche für Gedanken, Bilder, 

Formen und Emotionen.

a place to hide :: a place to forget 

Ein Tunnel, eine Höhle, ein Zelt, eine Sackgasse. 

Ursprünglich, umschlossen, intim, begrenzt. 

Ein schützendes Dach, ein beengter Bunker. 

Über einen Raum und die Menschen, die sich in diesem Raum bewegen. Auf den ersten Blick nichts Ungewöhnliches 

an diesem Ort. Bei näherer Betrachtung kommen Schatten zu Tage. Ein Raum, der bewegt. 

Choreographie: Romy Schwarzer 

Bühne/Kostüm: Jule Heidelbach 

Tanz: Cindy Hammer und Lisanne Goodhue 

Musik/Komposition: Lukas Rabe 

Licht: Norman Plathe 

Dramaturgische Begleitung: Laura Andreß 

Eine Produktion des MA Choreographie des HZT Berlin, in Kooperation mit der LINIE 08 (ein Projekt 

des TanzNetzDresden und Hellerau - Europäisches Zentrum der Künste Dresden in Kooperation mit 

der Projektschmiede gGmbH). Uraufführung in Dresden und Premiere in Berlin im Juni 2017.

„Am Anfang war das Dach: 

Eingrenzung und Ausgrenzung im 

Interesse von Schutz, Orientierung 

und Versammlung.“ 

(Dirk Baecker) 

© Jule Heidelbach 

© Romy Schwarzer 

„Die Toten warten auf der Gegenschräge; Manchmal halten sie eine Hand ins Licht 

Als lebten sie. Bis sie sich ganz zurückziehen; In ihr gewohntes Dunkel das uns blendet“ 

(Drama, Heiner Müller)

ROMY SCHWARZER, geboren 1983 in Dresden, 

studierte Tanz an der Hochschule für Musik und 

Tanz Köln. Es folgte ein Auslandsstudium in New 

York, ermöglicht durch ein Jahresstipendium 

des DAAD. Im Frühjahr 2015 erhielt sie ein 

Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des 

Freistaates Sachsen. Seit Oktober 2015 studiert 

sie im MA Choreographie am HZT Berlin. 

Seit 2007 arbeitet sie als freiberufliche Tänzerin 

u.a. mit Stephanie Thiersch/mouvoir, Nick Hobbs/ 

Theater Bonn, Ursula Nill, Golde Grunske, Anna 

Till, Johanna Roggan/the guts company, Irene 

Schröder und dem Staatsschauspiel Dresden. 

Parallel entstanden eigene choreographische 

Arbeiten und Recherchen. 

2013___RAUMSINN trifft LICHTZEIT 

2015___In The Loop 

2016___As Silence Comes 

2016___Chanson 

2017___a place to hide :: a place to forget 

www.romyschwarzer.net 







IMPRESSUM 

Herausgeber Hochschulübergreifendes Zentrum 

Tanz Berlin 

Redaktion/ Lektorat Christiane Berger 

Gestaltung Jascha Viehstädt, Wanda Golonka 

Titel Art-Work I Jung Lim 

Auflage 1000 Stück 

Team maC Dr. Christiane Berger, Prof. Wanda 

Golonka (Studiengangsleitung), Prof. Ingo 

Reulecke, Prof. Susanne Vincenz 

Verwaltung maC Maxie Schreiner 

Diese Publikation erscheint zu den Abschlussarbeiten 

des Masterstudiengangs Choreographie 

des HZT Berlin. 

www.hzt-berlin.de | mac@hzt-berlin.de 

© HZT Berlin 2017 

Das HZT Berlin wird getragen von der Hochschule für Schauspielkunst “Ernst Busch” und der Universität der 


I JUNG LIm 

YUKO maTSUYAma 

CaRINa OTTE 

JaNNE GREGOR 

LEONIE GRaF 

KaI EVaNS 

ROmY SCHWaRZER

maC Portraits 2017

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