Berliner Künstlerprogramm - Jahrbuch 2020

Silvia Fehrmann
Leiterin des Berliner
Künstlerprogramms
des DAAD
Wie wird das Jahr 2020 erinnert werden? Wie werden SchriftstellerInnen und
bildende KünstlerInnen, FilmemacherInnen, KomponistInnen und KlangkünstlerInnen
umgehen mit der Trauer, der radikalen Ungewissheit, der Vereinzelung
und wachsenden Ungleichheit, die mit der Coronapandemie einhergehen?
Welche gesellschaftlichen Aufgaben stellen sich Kulturinstitutionen im Kontext
einer tiefgreifenden Disruption?
In dieser Ausgabe bildet das Jahrbuch des Berliner Künstlerprogramms
(BKP) des DAAD ab, wie sich die außergewöhnliche Zeitspanne von Herbst
2019 bis zum Spätsommer 2020 aus der Perspektive der Institution entwickelt
hat: von den Veranstaltungen, die noch mit Gästen aus 2019 und Alumni
stattgefunden hatten, bis hin zum Lockdown in Berlin und der Zeit danach. Das
Netzwerk aus internationalen Kunstschaffenden, das sich über die Jahrzehnte
um das Berliner Künstlerprogramm gebildet hat, wirkte während des Ausnahmezustands
als Resonanzraum für die Sorgen und Fragen, die COVID-19
weltweit ausgelöst hat. Mit einer Reihe von Projekten sind wir auf diese Herausforderungen
eingegangen: etwa mit einer Reihe von Texten zum Leben mit
der Pandemie – einen Essay von Fariba Vafi drucken wir hier ab –, mit der Beteiligung
am Hilfsfonds für Kulturorganisationen im Ausland oder mit der Entwicklung
neuer digitaler Formate, die im Winter 2020/21 stattfinden werden.
Bis in den Sommer hinein konnten etliche Gäste nicht heimkehren, andere
nicht einreisen. Neue Fellows, deren Residenzaufenthalt ab Frühling geplant
war, warten immer noch auf die Möglichkeit, nach Europa zu kommen, oder
mussten ihre Pläne umstellen: die FilmemacherInnen Lucrecia Martel aus
Argentinien und Affonso Uchôa aus Brasilien ebenso wie die bildenden KünstlerInnen
Saba Innab aus Palästina/Jordanien und Mimi Cherono Ng'ok aus
Kenia. Andere werden erst nach Drucklegung dieser Publikation eintreffen,
so die bildenden KünstlerInnen Mahmoud Khaled aus Ägypten und Alicja
Rogalska aus Polen/Großbritannien. Die Text- und Bildporträts der Fellows
2020 bleiben dieses Jahr deshalb unabgeschlossen.
Residenzprogrammen kommt, das ist unsere Überzeugung, in Pandemiezeiten
eine besondere Rolle zu. Dank ihrer Infrastruktur und der Zeitrahmen,
in denen sie agieren, sind sie in der Lage, internationale Gäste selbst unter
Quarantänebedingungen aufzunehmen. Sie stehen für eine Ethik der Gastfreundschaft
und das Bedürfnis nach Begegnung, Austausch und Verbindlichkeit
und wirken so der Tendenz zur nationalen Isolation entgegen. Selbst unter
Einhaltung von Hygiene- und Abstandsregeln ist es möglich, durch gemeinsames
Handeln neue Gemeinschaften zu bilden und damit Anknüpfungspunkte
für die Weiterentwicklung der Kunst in und nach der Krise zu schaffen.
Unter den aktuellen Voraussetzungen wurde umso deutlicher, wie wichtig
ein langfristiges Engagement für die Internationalisierung der Kunstproduktion
ist. An dieser Stelle sei den Förderern dieser einzigartigen Institution gedankt:
dem Auswärtigen Amt und dem Land Berlin, vor allem Ministerialdirektor Dr.
Andreas Görgen und Kultursenator Dr. Klaus Lederer. Mit ihrer Unterstützung
wurde in diesem Jahr eine Reihe neuer Vorhaben ermöglicht. Den MitarbeiterInnen
des BKP, des Berliner Büros und des DAAD in Bonn und im Ausland, die
sich mit den vielen Herausforderungen auseinandersetzen, die der Ausnahmezustand
mit sich gebracht hat, gebührt in diesem Jahr besonderer Dank.
In der Pandemie zeigt sich, wie sehr die Begegnung mit KünstlerInnen das
Leben bereichert. Deshalb geht unser Dank in erster Linie an diejenigen, die
sich in aller Fragilität, in aller Sorge um den Zustand der Welt immer wieder
darauf einlassen, Bilder, Gedanken, Worte und Klänge, neuartige Umgebungen
und unerwartete Zusammenhänge zu schaffen.
VORWORT

Silvia Fehrmann
director of the DAAD
Artists-in-Berlin
Program
How will 2020 be remembered? How will writers and visual artists,
filmmakers, composers, and sound artists deal with the grief, radical uncertainty,
isolation, and growing inequality associated with the coronavirus
pandemic? What social responsibilities do cultural institutions face in the
context of a profound disruption?
This edition of the DAAD Artists-in-Berlin Program’s (ABP) annual
publication provides a perspective on institutional developments during this
extraordinary period between fall 2019 and late summer 2020, from events
featuring 2019 fellows and alumni, to the lockdown in Berlin and the period
afterwards. The international artist network that has coalesced around the
Artists-in-Berlin Program over the decades served as a sounding board for
addressing concerns and questions raised by COVID-19 worldwide, during
the state of emergency. We responded to these challenges with a number
of projects, including publishing a series of texts on living with the pandemic
(see the essay by Fariba Vafi), participating in a relief fund for cultural
organizations abroad, and developing new digital formats to be launched
in winter 2020–21.
A number of guests were unable to return home and others could not
enter Germany until the summer. New fellows, whose residencies were
scheduled to start in spring, are still waiting for the opportunity to come to
Europe or have had to change their plans: these include filmmakers Lucrecia
Martel from Argentina and Affonso Uchôa from Brazil, as well as visual artists
Saba Innab from Palestine/Jordan, and Mimi Cherono N'Gok from Kenya.
Others will only arrive in Berlin after this publication is printed, including
visual artists Mahoumd Khaled from Egypt, and Alicja Rogalska from Poland/
Great Britain. The portraits of the 2020 fellows will therefore remain incomplete
this year.
It is our belief that residency programs will play a special role in times of
pandemics. Thanks to their infrastructures and operational time frames,
they are able to accommodate international guests even under quarantine
conditions. They embody an ethic of hospitality and the need for encounter,
exchange, and commitment, and thus counteract the tendency towards
national isolation. Even under hygiene and social-distancing regulations, it
is possible to form new communities through joint action, thereby creating
points of contact to further develop art during and after times of crisis.
The present conditions have really driven home the importance of longterm
commitment to the internationalization of art production. With this in
mind, we would like to extend our gratitude to the sponsors of this unique
institution: the German Federal Foreign Office and the State of Berlin, in
particular Ministerial Director Dr. Andreas Görgen and Senator for Culture
Dr. Klaus Lederer. Their support made possible a number of new projects
this year. The employees of the ABP, the Berlin office, and the DAAD in
Bonn and abroad who manage the numerous challenges brought about by
the state of emergency deserve a special thank you this year.
The pandemic has revealed how much encounters with artists enrich
our lives. Thus, our thanks go first and foremost to those who, in all their vulnerability
and with all their concerns for the state of the world, are continually
engaged in creating images, thoughts, words and sounds, new environments,
and unexpected connections.
EDITORIAL

Jurymitglieder /
Jury members
Bildende Kunst / Visual Arts
Ato Annan Künstler, Co-Direktor Foundation for Contemporary Art, Ghana /
artist, co director Foundation for Contemporary Art, Ghana; Övül Durmuşoğlu
freie Kuratorin, Berlin / independent curator, Berlin; Aleksandra Jach freie
Kuratorin, ehemals Muzeum Sztuki, Łódź / independent curator, formerly
Museum Sztuki, Łódź; Mauricio Marcín Chefkurator Museo de Arte Carrillo
Gil, Mexiko-Stadt / chief curator Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City;
Christine Tohmé Direktorin Ashkal Alwan, Beirut / director Ashkal Alwan, Beirut;
Nikita Yingqian Cai Chefkuratorin Times Museum, Guangzhou / chief curator
Times Museum, Guangzhou
Film
Toby Ashraf Filmkritiker/-kurator, Berlin / film critic, curator, Berlin; Madhusree
Dutta, künstlerische Leiterin Akademie der Künste der Welt, Köln / artistic
director Akademie der Künste der Welt, Cologne; Alexander Horwath
Filmkritiker/-kurator, Wien / film critic, curator, Vienna; Birgit Kohler künstlerische
Leitung/Vorstand Arsenal - Institut für Film und Videokunst e.V., Berlin /
co-director Arsenal – Institute for Film and Video Art, Berlin
Literatur / Literature
Priya Basil Autorin, Journalistin, London/Berlin / author, journalist, London/
Berlin; Tomás Cohen, Schriftsteller, Übersetzer, Santiago de Chile/Berlin /
author, translator, Santiago de Chile/Berlin; Ricardo Domeneck Literaturwissenschaftler,
São Paulo/Berlin / literary critic, São Paulo/Berlin; Gregor
Dotzauer Literaturredakteur Tagesspiegel, Berlin / editorial journalist for
literature Tagesspiegel, Berlin; Gabriele von Arnim, Autorin, Journalistin,
Berlin / author, journalist, Berlin; Isabelle Vonlanthen Programmleiterin
Literaturhaus Zürich / program director Literaturhaus Zurich
Musik / Music
Ata Ebtekar Musiker (aka Sote), Mitbegründer SET-Festival, Leiter Zabte Sote,
Teheran / musician (aka Sote), co-founder, SET-Festival, director Zabte Sote,
Tehran; Natalia Fuchs Kuratorin Gamma Festival, St. Petersburg / curator
Gamma Festival, St. Petersburg; Thorbjørn Tønder Hansen künstlerischer
Leiter Ultima Festival, Oslo / artistic director Ultima Festival, Oslo; Lydia
Jeschke Redaktionsleiterin Neue Musik/Jazz, SWR, Freiburg im Breisgau /
program director new music/ jazz, SWR, Freiburg im Breisgau; Susanna
Niedermayr Co-Leitung Redaktion ORF Ö1 Zeit-Ton, Wien, Co-Kuratorin
ORF musikprotokoll, steirischer herbst, Graz, SHAPE, ICAS / program director
ORF Ö1 Zeit-Ton, Vienna, co-curator ORF musik-protokoll, steirischer herbst,
Graz, SHAPE, ICAS; Bert Palinckx künstlerischer Leiter November Music,
VD’s-Hertogenbosc / artistic director November Music, VD’s-Hertogenbosch
FELLOWS
2020

In der Reihenfolge
der Ankünfte /
In order of arrival
TARA TRANSITORY
Thailand/Singapur Thailand/Singapore Musik / Music
HAO JINGBAN
China (VR) / China (PRC) Bildende Kunst / Visual Arts
OSIAS YANOV
Argentinien / Argentina Bildende Kunst / Visual Arts
NIQ MHLONGO
Südafrika / South Africa Literatur / Literature
EMRE DÜNDAR
Türkei / Turkey Musik / Music
SALOME JASHI
Georgien / Georgia Film
JACEK DEHNEL
Polen / Poland Literatur / Literature
FARIBA VAFI
Iran / Iran Literatur / Literature
STINE JANVIN
Norwegen / Norway Musik / Music
ANDRE ALEXIS
Kanada / Canada Literatur / Literature
ANGELICA FREITAS
Brasilien / Brazil Literatur / Literature
MARKO POGACAR
Kroatien / Croatia Literatur / Literature
MIMI CHERONO NG’OK*
Kenia / Kenya Bildende Kunst / Visual Arts
MAHMOUD KHALED*
Ägypten/Norwegen Egypt/Norway Bildende Kunst / Visual Arts
ALICJA ROGALSKA*
SABA INNAB*
Palästina/Jordanien Palestine/Jordan Bildende Kunst / Visual Arts
AFFONSO UCHOA*
Brasilien / Brazil Film
LUCRECIA MARTEL*
Polen/Großbritannien Poland/Great Britain Bildende Kunst / Visual Arts
Argentinien / Argentina Film
* Zum Zeitpunkt der Drucklegung noch nicht in Berlin /
Not yet in Berlin at the time of printing

© Irma Fadhila
TARA
TRANSITORY

In einem
gemeinschaftlichen
Körper aufgehen
Taïca Replansky
Fingerspitzen bewegen sich sanft aufeinander zu, eine Wange berührt eine
andere, ein Arm wird vorsichtig von einer behutsam führenden Hand gestreckt,
Füße umkreisen einander in beinahe unmerklicher Liebkosung ...
Tara Transitory setzt Berührung, Bewegung, Resonanz, Nähe und Klang ein,
um die Faszination von Gegenseitigkeit, Verletzlichkeit und Kollektivität zu
zelebrieren. Ihre Performances bauen räumliche und körperliche Klangbeziehungen
mit und zwischen den ZuhörerInnen auf, getragen von dem Wunsch,
uns dafür zu öffnen, durch das Selbst, durch Maschinen und Raum zu hören,
um letztendlich in einem gemeinschaftlichen Körper aufzugehen.
Nach einer Phase als Pendlerin zwischen Berlin und Chiang Mai im nördlichen
Thailand, wo sie 2016 den Performance-Raum e x t a n t a t i o n gründete,
schlug Tara in Berlin Wurzeln, wo sie sich auf Nguyễn + Transitory, die
Kooperation mit ihrer Partnerin Nguyễn Baly, konzentriert. Die beiden arbeiten
hauptsächlich mit modularen Synthesizern und analogem Tonband, ihr
erstes gemeinsames Projekt, Bird Bird, Touch Touch, Sing Sing, wurde 2019
als immersive Klangperformance uraufgeführt. Dabei gehen sie der Frage
auf den Grund, wie sich Frequenzen, die materiellen Prozesse der Produktion
von Klang und die dabei entstehenden Vibrationen zu kognitiven Erinnerungen,
abgespeicherten Gefühlen und kathartischen Momenten verhalten. Können
derlei universale Sinneserfahrungen Verbindungen erzeugen zwischen
den einzelnen Körpern, in einem Publikum aus Menschen, die einander nicht
kennen? Können Klang, Nähe und Berührung so aufeinander abgestimmt
werden, dass sie gesteigerte Formen eines körperlichen, gemeinsamen Zuhörens
ermöglichen? Lässt sich psychische Zerbrechlichkeit in einer öffentlichen
Performance wiedergeben? Welche Möglichkeiten ergeben sich (oder
werden gerade verhindert), wenn ein Paar über einen längeren Zeitraum
intensiv miteinander arbeitet? Über ihre unablässige Erforschung von Klang
experimentieren Nguyễn + Transitory mit radikalen zwischenmenschlichen
Beziehungen oder, wie die Künstlerinnen es ausdrücken, mit „dem Versuch,
sich wieder mit verlorenem Zauber zu verbinden.“
Bereits in ihren vergangenen Arbeiten und Performances suchte Tara
gezielt nach Zwischenräumen. Als One Man Nation erkundete sie jahrelang
eine nomadische, die Kunst überschreitende Identität, die sich dem Status
Quo der Trennungen und Gruppenbildungen widersetzt, die uns von modernen
Gesellschaften und Nationalstaaten aufgezwängt werden. Bis heute
bewegt sie sich durch Klang, Synthese, Noise, Rhythmus und Performance
aus einer weniger kolonialen Perspektive heraus, auf der Suche nach Möglichkeiten,
die Hierarchien institutioneller Machtstrukturen aufzuweichen,
Eigentum in Frage zu stellen (durch die strikte Weigerung, Samples zu benutzen),
sowie beim Reden über Musik unbewusst übernommene und überstrapazierte
Kategorien und Schlagwörter zu vermeiden. Und immer vertont
ihre Arbeit persönliche wie gesellschaftliche Grenzen in dem Versuch, diese
für die Randbereiche des Möglichen zu öffnen.
Tara Transitory arbeitet viel und gerne mit anderen KünstlerInnen zusammen,
etwa mit Audrey Chen, Kakushin Nishihara, Chaiwat Prumprajum, Tzu
Ni, Shian Law, Thanisa Fah, Truna, Wukir Suryadi (Senyawa), Iman Jimbot
(The Future Sounds Of Folk) und Pierre Bastien. Sie ist international aufgetreten,
unter anderen beim CTM Festival (Berlin), donaufestival (Krems), Gaîté
Lyrique (Paris), im Guggenheim Museum (Bilbao), TPAM (Yokohama), Museum
of Contemporary Art (Taipei), bei den Wiener Festwochen (Wien) und
bei SAVVY Contemporary (Berlin).
Wie können Klang, Nähe und
Berührung eine gesteigerte Form des
kollektiven Zuhörens ermöglichen?
7
Tara Transitory
Musik
01/20-01/21

Dissolving into the
Collective Body
Taïca Replansky
Fingertips reach out softly, one cheek brushes up against another, an arm is
carefully unfolded by a gentle, guiding hand, feet swish by each other in an almost
imperceptible caress… Tara Transitory uses touch, movement, feedback,
proximity, and sound to celebrate interdependency, vulnerability, and collectivity.
Her performances attempt to foster spatial and bodily sonic relationships
with and between listeners, with a desire to open us up to listen through
the self, machines, and space, ultimately dissolving into the collective body.
After fluctuating between Berlin and Chiang Mai in northern Thailand,
where she founded the performance space e x t a n t a t i o n in 2016, Tara
has put down stronger roots in Berlin to focus on a new collaboration with
her partner Nguyễn Baly as Nguyễn + Transitory. Working mainly with modular
synthesizers and analog tape, their first project together, Bird Bird, Touch
Touch, Sing Sing, debuted in 2019 as an immersive sound performance in
which they look into how frequencies, the physicalities of producing sound,
and its incidental vibrations relate to cognitive memories, stored emotions, and
catharsis. Can such universal sentiments give rise to close ties between individual
bodies in an audience of strangers? Can sound, proximity, and touch
be modulated to open up heightened forms of embodied communal listening?
What kinds of fragilities, if any, can arise within a public performance? What
kind of possibilities are created (or hindered) when a couple works together
intensively over an extended period of time? Through this ongoing sonic research,
Nguyễn + Transitory experiment with radical interpersonal relationships
or, as the artists express it, “the attempt to reconnect with lost magic.”
Throughout her past work and performances, Tara has relentlessly sought
the interstices. For years, as One Man Nation, she explored a nomadic, trans
artistic identity that defies the status quo of divisions and groupings imposed
on us by modern societies and nation states. She continues today to navigate
sound, synthesis, noise, rhythm, and performance from a less colonial angle,
to search for ways of bending hierarchies and institutional power structures,
to question ownership (with a strict refusal to use samples), and to avoid rote
categorization and keywords so often used in talking about music. Then, as
much as now, her work sonifies our own personal and societal borders in an
effort to open them up into liminal zones of potential.
An extensive collaborator, Tara has worked with the likes of Audrey Chen,
Kakushin Nishihara, Chaiwat Prumprajum, Tzu Ni, Shian Law, Thanisa Fah,
Truna, Wukir Suryadi (Senyawa), Iman Jimbot (The Future Sounds Of Folk),
and Pierre Bastien. She has performed internationally at CTM Festival (Berlin),
donaufestival (Krems), Gaîté Lyrique (Paris), Guggenheim Museum (Bilbao),
TPAM (Yokohama), Museum of Contemporary Art (Taipei), Wiener Festwochen
(Vienna), and SAVVY Contemporary (Berlin), among many others.
Can sound, proximity, and touch
be modulated to open up heightened forms
of embodied communal listening?
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Tara Transitory Music 01/20-01/21

Mario Bertoncini Memorial: Konzert in Andenken an den Komponisten (Fellow 1974) /
Memorial concert for the composer (fellow 1974), 5 Seconds Festival,
Zeitkratzer & Zaum Percussion, Zwingli-Kirche Berlin, 09/19 © Kai Bienert

Die strukturbildende
Frage
der Moderne
The Structuring
Question of
Modernity
↑ Book of Facts,
daadgalerie,
Installationsansicht /
installation view →
© Thomas Bruns
10

Iman Issa
Book of Facts
Ausstellung / Exhibition
12.09.2019 - 10.11.2019
daadgalerie
1991, während des ersten Golfkrieges, schnitten die
US-Streitkräfte Kolonnen von zurückweichenden irakischen
Soldaten den Weg ab und bombardierten ihre
Fahrzeuge, sodass Tausende junger Rekruten grausam
ums Leben kamen. Weder dieses noch andere
US-Kriegsverbrechen wurden je strafrechtlich verfolgt,
weil die jungen irakischen Soldaten durch den Orwell’schen
Neusprech der USA im Vorfeld dämonisiert
worden waren. Iman Issas Book of Facts, die Ausstellung
der Künstlerin in der daadgalerie, beginnt mit
einem Video der „Zeugenaussage von Nayirah“, einer
Falschaussage, bei der das 15-jährige Mädchen dem
US-Kongress am 10. Oktober 1990 berichtete, sie habe
gesehen, wie irakische Soldaten in einem Krankenhaus
Frühgeborene aus Brutkästen warfen und auf dem Boden
sterben ließen. Nayirahs Nachname wurde in den
Medien nicht genannt. Erst später stellte sich heraus,
dass sie die Tochter des kuwaitischen Botschafters
Saud al-Ṣabaḥ war.
Mit diesem Video, das im Mittelpunkt von Book of
Facts steht, spielt Iman Issa auf die vielen Schichten der
Auslöschung, Verdrängung und Amnesie an, die dem
Begriff „Fake News“ nach der Wahl von Trump zur Entstehung
verhalfen, als sei Verlogenheit ein politisches
Novum. Book of Facts ist jedoch weder eine Anklage
noch der Versuch, Wahrheit von Lüge zu unterscheiden.
Die Ausstellung ist zusammen mit der gleichnamigen
Publikation ein Versuch, sich mit der strukturbildenden
Frage der Moderne auseinanderzusetzen: Wie lässt sich
die Kluft zwischen phänomenologischer Erfahrung –
dem Rohmaterial der Ästhetik – und der Unfassbarkeit
geopolitischer Formationen überwinden? Formal baut
Iman Issa auf der Tradition primärer geometrischer
Strukturen auf, die vom Konstruktivismus bis zum Minimalismus
das Lexikon der modernen Kunst konstruieren;
die Künstlerin nutzt diese Grammatik jedoch für
andere Zwecke, um nämlich die Frage der Abstraktion
über den Bereich der plastischen Konvention hinaus
zu erweitern.
„In der Kunst“, so bemerkte Issa kürzlich gegenüber
der Zeitschrift Frieze, „kann man jemandem einen Stuhl
zeigen und sagen, es sei ein Tisch, und möglicherweise
glauben sie das.“ Anstatt nach einer Befreiung vom Abbildhaften
zu suchen, lässt Issa konzeptuelle Prozesse
in ihre Arbeiten einfließen; sie sammelt konkrete Fakten,
Daten oder Diagramme, nicht um zu generalisieren,
sondern um sie einem alchimistischen Prozess zu unterziehen,
der mit der Umwandlung eines Fragments in
eine Form einhergeht. Ana Teixeira Pinto
In 1991, during the first Gulf War, U.S. forces cut off
co-lumns of retreating Iraqi soldiers and bombed their
vehicles, slaughtering thousands of young draftees.
This and other U.S. war crimes were never prosecuted
because the young Iraqi soldiers had been pre-emptively
demonized by U.S. newspeak. Iman Issa’s Book
of Facts, the artist’s solo show at the daadgalerie,
opens with a video of the “Nayirah testimony,” a false
testimony given to the U.S. congress on October 10,
1990 by the 15-year-old Nayirah, who told congress
she had seen Iraqi soldiers dump premature babies out
of incubators, leaving them to die on the hospital floor.
Nayirah’s last name was withheld from the media. It
was later revealed she was the daughter of the Kuwaiti
ambassador Saud al-Ṣabaḥ.
By centering this video, Book of Facts alludes to the
multiple layers of erasure and amnesia that allow the
concept of “fake news” to emerge in the wake of the
Trump election, as if mendacity was a political novelty.
Book of Facts is not a denunciation however, nor a bid
to discern truth from lies. The exhibition, together with
the eponymous publication, is an attempt to address
the structuring question of modernity: how to bridge the
gap between phenomenological experience—the raw
material aesthetics is made of—and the intangibility of
geopolitical registers. Formally grounded on the tradition
of primary geometric structures that constituted
the lexicon of modern art from constructivism to minimalism,
Iman Issa repurposes this formal grammar to
extend the question
of abstraction beyond the field of plastic convention.
“In art,” Issa recently told Frieze magazine, “you can
show someone a chair and say it’s a table, and they
might believe you.” Rather than seeking freedom from
representational qualities, Issa’s work incorporates conceptual
processes, collecting specific facts, data, or
diagrams not to make generalizations, but to engage in
an alchemic process involving the transmutation of
fragment into form. Ana Teixeira Pinto
11

© Jasper Kettner
HAO
JINGBAN

Der Atem des stillen
Kontinents
Hera Chan
In ihren Filmen und Performances bedient sich Hao Jingban einer brüchigen
und verzerrten Sprache, wie sie für die Modernisierung Chinas geradezu
konstitutiv ist. Die Risse dieses politischen Projekts, das in den 1930er Jahren
seinen Anfang nahm, stehen im Fokus ihres Schaffens. Dabei verbindet die
Künstlerin Experimentalfilm mit beobachtender Dokumentation, um dichte
Narrative zu weben, mit denen sie die Verwicklungen unserer Zeit durchmisst.
Im vorigen Jahrhundert hat China dramatische Veränderungen erlebt, jede
neue Bewegung begann – in den Worten der Künstlerin – „mit einem Sturm“
und endete in einem abrupten Schlusspunkt. Die dauerhafte psychische Anspannung,
der die Menschen ausgesetzt waren, hat eine emotionale Landschaft
voll unerfüllter Sehnsüchte hinterlassen. In Haos Arbeiten bilden die
immer wieder auf die Probe gestellten Gefühle der Menschen die Grundlage
einer Suche nach Erkenntnis, um als Richtschnur für die Zukunft zu fungieren.
Hao, 1985 geboren, studierte Film am Goldsmiths, University of London.
Mit diesem theoretischen Rüstzeug kam sie zurück nach Peking, wo sie
mehr oder minder zufällig mit dem Filmemachen begann. In der Stadt war,
wie sie feststellte, die Tanzkultur der großen Festsäle aus der Zeit vor der
Kulturrevolution nach wie vor präsent. Aus dem Auftrag, die Geburtstagsfeierlichkeiten
einer bekannten Turniertänzerin zu filmen, schuf Hao zusammen
mit ihrem Kameramann die Videoarbeit Off Takes (2016), die sich mit
allem beschäftigt, was sich dort so tat, nur die Auftraggeberin, das Geburtstagskind,
bleibt außen vor. Die Arbeit ist einer von fünf Teilen der Serie
Beijing Ballroom, die sich einen Weg durch unterschiedliche Aspekte dieser
sozialen – nicht sozialistischen – Tanztradition bahnt, die scheinbar zufällig
trotz aller Widrigkeiten Bestand hatte. Das Projekt wurde 2016 in zwei
Einzelausstellungen in Peking gezeigt, im darauffolgenden Jahr wurde Hao
mit dem Preis der Internationalen Filmkritik (FIPRESCI-Preis) bei den 63.
Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen ausgezeichnet.
Die Künstlerin wählt stets einen intuitiven und doch investigativen Zugang,
der von undogmatischen Fragen lebt. So beschäftigt sich From Nanhu Park
to Hongqi Road (2018) mit der komplexen Bewahrung von Geschichte mittels
Sprache. Für das North East China Project, das mit dreißig DVDs der
japanischen Produktionsfirma Manchukuo Film Association startete, setzte
sich Hao mit Performance in der kinematografischen Tradition auseinander.
Forsaken Landscapes (2019) wiederum ist eine Vier-Kanal-Installation, die
über den gesamten Ausstellungsraum des Rockbund Art Museum, Shanghai,
verteilt gezeigt wurde. Die ersten drei Projektionen zeigen die Landschaft
der Mandschurei, die aufgrund der klimatischen Bedingungen einerseits
und der politischen Situation andererseits praktisch nicht darstellbar ist, als
unerbittlich und doch utopisch und fruchtbar. Die letzte Projektion zeigt den
Benshi-Musiker Ichiro Kataoka, der das Land mit seiner Performance zu
neuem Leben erweckt.
Mit großem Einfühlungsvermögen arbeitet Hao an einer Visualisierung
dessen, was sich dem flüchtigen Blick entzieht. In Tiefenbohrungen zwischen
der verborgenen Agenda historischer und aktueller kultureller Projekte erzählt
sie nicht nur von einem historischen Moment in Chinas Modernisierungsprozess,
sondern spricht von innen heraus: „Ich höre auf den Atem des stillen
Kontinents, während die Morgensonne langsam die Schatten verblassen
lässt.“ (Skript zu Forsaken Landscapes, 2019).
In Haos Arbeiten bilden die immer wieder auf
die Probe gestellten Gefühle der Menschen die
Grundlage einer Suche nach Erkenntnis, um
als Richtschnur für die Zukunft zu fungieren.
13
Hao Jingban
Bildende Kunst
01/20-01/21

The Breath of the
Quiet Continent
Hera Chan
Hao Jingban makes moving images and performances with the broken and
distorted language that has constituted the modernisation of China. More
precisely, she is concerned with the fissures of this project, which began in
the 1930s. Combining experimental cinema with observational documentary,
she employs a diversity of recording material to create densely textured
narratives that work through the entanglement of our times. Over the last
century, China has experienced dramatic changes, with each movement beginning
(in her words) “like a storm” and ending with an abrupt full stop. The
riling up of Chinese peoples’ spirit has produced an emotional landscape of
unfulfilled desire. In Hao’s works, these unsettled emotions become material
for knowledge production and act as a guide for the future.
Hao was born in 1985 and graduated from film studies at Goldsmiths in
2013. Armed with a theoretical background, she slipped into film-making on
her return to Beijing, where she discovered that the city’s pre-Cultural Revolution
ballroom dancing culture had persisted despite the violent upheavals
in the nation. Hired to film the birthday celebration of a big-fish-in-a-smallpond
ballroom dancer, Hao and her cameraman ended up creating Off Takes
(2016), which focused on all the action except for the birthday girl they were
hired to document. The work is part of a five-part series called Beijing Ballroom,
which wended its way through aspects of this social – not socialist –
dance tradition that seemed to casually persist against all odds. The project
led to two solo showcases in Beijing in 2016. In 2017, she won the International
Critics’ Prize (FIPRESCI Prize) at the 63rd Internationale Kurzfilmtage
Oberhausen.
Through the development of Hao’s work, she takes an intuitive and investigative
approach, asking undogmatic questions. From Nanhu Park to Hongqi
Road (2018) deals with the complexity of historical preservation through language.
As part of the North East China Project, which began with 30 DVDs
of films recovered from the Manchukuo Film Association, Hao began to work
with performance in the cinematic tradition. Forsaken Landscapes (2019)
is a four-channel installation dispersed throughout the exhibition space at
the Rockbund Art Museum. The first three screens depict the Manchurian
landscape—a landscape that is nearly impossible to depict because of its
weather and political status—re-inscribed as unrelenting, utopian, and fertile.
The last screen shows benshi musician Ichiro Kataoka, who reinvigorates
the land with his performance.
With empathy, Hao works toward visualising what resists being seen.
Delving between the hidden agenda of historical and ongoing cultural projects,
Hao’s rigorous approach not only speaks about a historical moment in
China’s modernisation project, but also speaks from within it. To quote from
the script performed at Forsaken Landscapes, “I listen to the breath of the
quiet continent as the morning light gradually fades the shadows.”
In Hao’s work, these unsettled emotions
become material for knowledge production
and act as a guide for the future.
14
Hao Jingban
Visual Arts
01/20-01/21

Workshop
22.+23.11.2019
daadgalerie
Der Sound der
künstlichen
Intelligenz
The Sound
of Artificial
Intelligence
Neue Perspektiven der KI in zeitgenössischen Soundpraktiken:
Dieser wegweisenden Verbindung widmeten
sich neunzehn internationale KünstlerInnen und
ForscherInnen, die sich mit maschinellem Lernen beschäftigen,
bei einem zweitägigen, nicht-öffentlichen
Workshop im November 2019. Der von der Arbeit des
ehemaligen Musikstipendiaten Tomomi Adachi (Fellow
2012) inspirierte Workshop wurde vom Berliner Künstlerprogramm
des DAAD und dem CTM Festival in
Zusammenarbeit mit Adachi und dem Performancekünstler
Marco Donnarumma konzipiert.
Bewusst waren keine „handfesten“ Ergebnisse gefordert.
Im Gegenteil sollte der Workshop Raum bieten
für den Austausch von Ideen, Berichte der eigenen praktischen
Ansätze und die Formulierung utopischer oder
apokalyptischer Gedankengänge und -windungen –
ohne den Druck, ein Werk vor einem Publikum präsentieren
oder ein bestimmtes Resultat erzielen zu müssen.
Aus künstlerischen Affinitäten entwickelten sich neue
Verbindungen und Kollaborationen. So präsentierte eine
Gruppe von vier der teilnehmenden KünstlerInnen einige
Monate später, im Januar 2020, ein KI-Manifest beim
CTM Festival in Berlin.
Die eingeladenen KünstlerInnen kamen aus einer
Reihe von Disziplinen, darunter Sound/Musik, Tanz/Bewegung,
Kommunikation, Biologie, bildende Kunst,
Computational Arts und andere: Tomomi Adachi, Sofia
Crespo, Marco Donnarumma, Andreas Dzialocha,
Leslie García, James Ginzburg, Wesley Goatley, Florian
Hecker, sergey kasich, Rany Keddo, Peter Kirn, Gene
Kogan, Jules LaPlace, Paloma López, Helena Nikonole,
Theresa Schubert, Alsino Skowronnek, Natalia Soboleva
und Jan St. Werner. Dahlia Borsche & Taïca Replansky
Over two intensive days in November 2019, a group
of nineteen international artists and researchers who
work with machine learning came together for a
non-public workshop to brainstorm new perspectives
on AI in contemporary sound practices. Inspired by the
work of former music fellow Tomomi Adachi (fellow
2012), the workshop was a collaboration between
the Artists-in-Berlin Program, CTM Festival, with notable
input from Adachi and performance artist Marco
Donnarumma.
No outcome was expected of the participants; instead,
the workshop provided space to exchange ideas,
learn about each other’s practices, and follow utopian
or apocalyptic thought trajectories and detours, without
the pressure to present in front of an audience or to
produce a specific result. New connections and collaborations
materialized out of certain artistic affinities.
For example, a group of four of the participating artists
presented an AI Manifesto at CTM Festival in Berlin a
few months later, in January 2020.
The invited artists came from a range of disciplines,
including sound/music, dance/movement, communication,
biology, visual art, computational arts, and more:
Tomomi Adachi, Sofia Crespo, Marco Donnarumma,
Andreas Dzialocha, Leslie García, James Ginzburg,
Wesley Goatley, Florian Hecker, sergey kasich, Rany
Keddo, Peter Kirn, Gene Kogan, Jules LaPlace, Paloma
López, Helena Nikonole, Theresa Schubert, Alsino
Skowronnek, Natalia Soboleva, and Jan St. Werner.
Dahlia Borsche & Taïca Replansky
15

Biologische
Wesen ins
Kollektiv einladen
Inviting Biological
Entities Into
the Collective
↑ Ontological Machines,
daadgalerie,
Installationsansicht /
installation view →
© Thomas Bruns
16

Interspecifics
Speculative Communication
Klanginstallation /
Sound Installation
22.11.2019 - 12.01.2020
daadgalerie
Die Ausstellung Speculative Communication ist genauso
interdisziplinär, artenübergreifend und heterogen
wie das Kollektiv Interspecifics, das sie konzipierte und
produzierte. Ihre Installationen sind ein offenes, dynamisches
Labor: Die Künstlerinnen Paloma López und
Leslie García laden biologische Wesen in ihr Kollektiv
ein – darunter Bakterien, Pflanzen, Schleimpilze – und
integrieren sie in ihre speziell angefertigte Elektronik und
Software.
Mikrobische Brennstoffzellen bilden den Kern der
Micro-rhythms, deren Stoffwechsel Strom- und Kontrollsignale
produziert. Die Arbeit ist eine Abfolge von
Übersetzungen – Stromspannung in Licht, Lichtmuster
in Computervisualisierungen und kartesische Koordinaten,
Verortungen in Analysen auf Basis maschinellen
Lernens, Analyseergebnisse in Partituren.
Speculative Communication ist eine Weiterverarbeitung
dieser fragilen Wechselbeziehungen. Eine
Ansammlung verschiedener Mikroorganismen, die über
Schaltkreise und Petrischalen verteilt sind, rotieren auf
einer Platte. Zahlreiche Mikroskopobjektive „füttern“ die
Analyse der Anordnungen von Formen und Bewegungen
in den Computervisualisierungen. Während die
künstliche Intelligenz diese Strukturanalysen der Muster
durchführt, erzeugt sie Bilder und Klänge, die in ihrer
kontinuierlichen Entwicklung live präsentiert werden.
Interspecifics gehen in ihrem Bekenntnis zum Open-
Source-Ethos so weit, dass jede Installation aus ihrem
jeweiligen GitHub-Repository, sprich dem Quelltextverzeichnis,
rekonstruiert werden könnte. Die verwendeten
Elemente sind preiswerte Standardleuchten, Stative, Objektive,
Raspberry-Pi-Computer und lesbarer Code. Das
erlaubt es dem Kollektiv, sich problemlos mit anderen zu
vernetzen.
Die Künstlerinnen erforschen die Verschränkung
sinnlicher Erfahrung von Wirklichkeit mit der Suche nach
Bedeutung in sinnlich erfahrbaren Mustern. Doch im
Gegensatz zur üblichen Auffassung von Intelligenz und
künstlicher Intelligenz ist die Wahrnehmung hier nicht
in sich geschlossen. Die Arbeiten umfassen eine Reihe
von Übersetzungen ebenso wie ein Netzwerk von Inputs
und stellen somit ein kollektives Netzwerkmodell des
Lernens dar.
Die Veranschaulichung dieses Prozesses – in all
seiner Zerbrechlichkeit und Unvollkommenheit –, die den
Betrachter und die Betrachterin direkt einbezieht, ist von
zentraler Bedeutung. Diese Maschinen und Organismen
stehen nie für sich. Wenn wir sie begleiten, sind auch
wir nicht allein – alles befindet sich in einem Reigen des
gemeinsamen Lernens und Lehrens. Peter Kirn
Like the collective that produced it, Interspecifics’ exhibition
Speculative Communication is interdisciplinary,
interspecies, and heterogeneous. Their installations are
an open, dynamic laboratory. Artists Paloma López
and Leslie García invite biological entities into their collective—bacteria,
plants, slime molds—and integrate
them with their customized electronics and software.
Microbial fuel cells are at the core of Micro-rhythms,
metabolizing as they produce both power and control
signals. The work is a sequence of translations—voltage
to light, light patterns to computer vision and Cartesian
mapping, positions to machine learning analysis,
analyzed events to sound score.
Speculative Communication elaborates on these
delicate interrelations. A collection of various microorganisms
across circuits and Petri dishes rotate on a
platter. Multiple microscope lenses feed computer vision
analysis of arrangements of shapes and motion. The AI
analyzes these structured patterns, generating evolving
image and sound scores, shown live.
Interspecifics are so rigorous in their embrace of
an open-source ethos that one could reconstruct each
installation from its respective GitHub repository. The
parts are inexpensive standard lights, tripods, lenses,
Raspberry Pi computers, and readable code. That
makes their collective one that can freely network with
others.
The artists explore the entanglement of the sensorial
experience of reality and the search for meaning in
perceived patterns. But in contrast to the usual view of
intelligence and artificial intelligence, that perception
isn’t solitary. The works involve both a chain of translations
and a network of inputs—there is a collective,
interconnected model of learning itself.
More importantly, making this process visible—
in all its frailty and imperfection—directly involves the
viewer. These machines and organisms are never alone.
When we accompany them, we are not alone either—
everything in a dance of learning and teaching, together.
Peter Kirn
17

© Jasper Kettner
OSIAS
YANOV

Der Optimismus
der Nacht
Övül Durmuşoğlu
„Strike a pose!“ Vor dreißig Jahren rückte Madonnas Hit Vogue Manhattans
Ballsäle, ihre Choreografie und Politik, in das popkulturelle Bewusstsein.
Im gleichen Jahr machte Jennie Livingstones Dokumentarfilm Paris is
Burning (Paris brennt) die Subkultur des Voguing zum Thema theoretischer
Debatten. Der damit verbundene Anstrich von Glamour hat jedoch den
anti-heteronormativen Kern von „strike a pose“ als Widerstandsform nicht
verändert – als eine Verteidigungsstrategie gegen den kategorisierenden
Blick eines Systems, das auf die Lesbarkeit von Körpern abzielt.
Getrieben von einer unentwegten, gegen diese Lesbarkeit gerichteten
Suche nach Spannung, Druck, Überschuss, Verlangen und schierer Freude,
ist Osías Yanov Teil einer queeren Generation, die lernen musste, verschlungene
Wege zu gehen. Sie wuchs auf mit dem Tanz zu jenen Rhythmen, die
die Geste des Widerstands auf der Bühne populär machten; sie erlebte die
Spätfolgen der HIV-Krise, die weltweit tiefe Verwundungen in den queeren
Szenen hinterließ – zur gleichen Zeit, als Madonna Vogue auf den großen
Konzertbühnen choreografierte, gemeinsam mit der Ballsaal-Community.
Yanov, der in Buenos Aires lebt und arbeitet, ist sich der rauen Schönheit
dieser Umwege bewusst. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Performance,
Installation und Video und schaffen Settings und Szenarien, die auf
Grenzen und Grenzüberschreitungen bauen, immer auf der Suche nach unterschiedlichen
Realitäten unter der Oberfläche des Alltags. Sie bilden den
Ausgangspunkt für eine Praxis, in der die Grenzen des Individuums mit jenen
des Kollektivs zusammenfallen und ein gemeinschaftlicher Raum für unerwartete
Reaktionen des Körpers entsteht. Manchmal sind die Körper alleine –
wie in Oil (2014) – oder Teil eines Kollektivs – wie in VI Sesión en el
Parlamento (2015).
Die Codes und Rollen, in denen sich die Ideologien und Ästhetiken der
Moderne verkörpern, sind die Schlüssel für Yanovs Choreografien. Diese
Bezüge werden verstärkt und verschoben, um eine neue, Grammatik der
Erotik zu schaffen, in der Kollektivität und Intimität verschwimmen. Die
Schlitze in den Cameo-Tanzkostümen im Genitalbereich erinnern an Merce
Cunninghams erste Grenzüberschreitungen in den 1970er Jahren. Die kleinen
Stacheln an den skulpturalen Metallinstallationen deuten auf ein Ritual
von Anspannung, Schmerz und Vergnügen. Mittels solcher Anordnungen
demaskiert Yanov die Konstruiertheit von ideologisch besetzten Körpern.
Seine MitstreiterInnen kommen aus den Szenen, die ihm vertraut sind.
Ihr Austausch beginnt immer in einem gemeinsamen Raum wie einem
Dancefloor. Sie sind Transsexuelle, Drag Queens, (ehemalige) Junkies, SportlerInnen,
Club Dancer – Individuen, die Klassifizierungen wie „behindert“
oder „fett“ hinterfragen, sich aneignen und selbst täglich einer Prüfung ihrer
eigenen Lesbarkeit unterzogen werden. Die Recherchen für seine jüngste
Arbeit Orphan Dance (2018) führten Yanov in das Londoner Nachtleben, wo
er neue Bekannte einlud, mit ihm zusammen in einem Setting zu performen,
das für mechanische Automatisierung und Effizienz steht.
Osías Yanov inszeniert einen Optimismus der Nacht, der neue Wege für
soziale Choreografien ermöglicht. Im ständigen Wunsch nach Veränderung
sucht er die Verkörperung des lustvollen Verlangens zwischen antiken,
modernen und zeitgenössischen Ritualen.
Yanovs Choreografien schaffen eine neue,
imaginierte Grammatik von Erotik, in der
Kollektivität und Intimität verschwimmen.
19
Osías Yanov
Bildende Kunst
01/20-01/21

A Nocturnal
Optimism
Övül Durmuşoğlu
“Strike a pose!” It has been 30 years since Madonna’s hit single Vogue introduced
the choreography and politics of ballroom houses in Manhattan into
pop-cultural consciousness. It was the same year in which Jennie Livingstone’s
documentary Paris is Burning made the burning subculture of voguing
a matter of theoretical debate. Yet the touch of glamour that came with
it did not change the counter-heteronormative core of “striking a pose” as a
form of resistance—as a defence tactic against the essentialist, categorizing
gaze of a system that always aims for body legibility.
Driven by the moves against what renders bodies legible, incessant
search for grounds of tension, pressure, overflow, desire and joy, Osías Yanov
is part of a queer generation that had to learn to walk a forked path. They
grew and danced to the rhythms that popularized such a gesture of resistance
on stage, and experienced the after-effects of an HIV crisis that left
deep wounds in queer scenes worldwide. At the same time, Madonna was
choreographing vogue on concert stages in collaboration with the ballroom
community.
Based in Buenos Aires, Yanov is very aware and fond of the brutal beauty
generated by that split path. Working across performance, installation, and
video, he produces revelatory settings and scenarios built on borders and
transgression, in search of different pockets of reality embedded within visible
everyday life. They define the starting point of their practice as being where
the boundary of the individual intersects with that of the collective, and the
unexpected responses of the body in that space. It can be singular—as in
Oil (2014)—or collective—as in VI Sesión en el Parlamento (2015).
The codes and roles the body is given to enact the ideologies and aesthetics
of modernity are the pressure points for developing their particular
choreographies. Such references are pushed and twisted to create a new,
imaginative grammar of the erotic, while what is between collective and
intimate becomes blurred. The slits in the genital area of the cameo dance
costume remind us how those transgressions were introduced and used by
Merce Cunningham in the 1970s. The tiny spikes on a constructivist metal
sculptural installation suggest a ritual of tension, pain, and pleasure. Yanov
instrumentalizes such constructions in his settings to reveal the constructedness
of the ideologically marked body.
Yanov’s collaborators come from the scenes he interacts with regularly.
Their conversations always begin in a shared space such as a dance floor.
They are transsexuals, drag queens, junkies, former junkies, sportsmen, club
dancers, and individuals who question and appropriate the fact of being
classified as “disabled” or “fat” who have to go through an examination of
legibility in their everyday lives. For his recent piece Orphan Dance (2018),
Yanov’s “field research” took place in London’s nightlife scene, where he invited
individuals he met to perform with him in a setting that addressed themes
of mechanical automation and efficiency.
Osías Yanov enacts a nocturnal optimism that opens up new paths for
social choreography. In his constant desire for change, he seeks to embody
the lustful desire between ancient, modern, and contemporary rituals.
Yanov’s choreographies create a new,
imaginative grammar of the erotic,
while what is between collective and
intimate becomes blurred.
20
Osías Yanov
Visual Arts
01/20-01/21

Die „Hafenlesung“, eine mehrsprachige Lesereihe
in Hamburg, angesiedelt im Nachtasyl am Thalia
Theater, lud im November 2019 Gäste des Berliner
Künstlerprogramms auf die Lesebühne. Auf den Fotos:
Kurator Tomás Cohen und BKP-Fellows Don Mee
Choi und Alan Pauls (von links nach rechts) sowie Tom
McCarty und Hugh James (rechts/links). Unterstützt
durch das Berliner Künstlerprogramm des DAAD aus
Mitteln des Auswärtigen Amtes © Nico Scagliarini
In November 2019, „Hafenlesung“, the multilingual
reading series at the Nachtasyl club at Thalia Theater
in Hamburg, invited DAAD writers-in-residence for a
joint presentation on stage. On the fotos, curator Tomás
Cohen and BKP fellows Don Mee Choi and Alan Pauls
(from left to right); Tom McCarty and Hugh James
(right/left). Supported by DAAD Artists-in-Berlin
Program with funds from the Federal Foreign Office
© Nico Scagliarini

Künste und
Medien:
Rechercheund
Studienaufenthalte
Arts and
Media:
Research
and Study
Residencies
Louis Chude-Sokei & Jan St. Werner, Identity Jitter, daadgalerie, 11/19 © Stefanie Kulisch
Mit dem Programm „Künste und Medien“ fördert der
DAAD Recherche- und Studienaufenthalte von internationalen
Kulturschaffenden und MedienmacherInnen
in Deutschland. Neben langfristigen Kooperationen –
mit dem PIK (Potsdam), dem Europäischen Übersetzer-Kollegium
Straelen und den Darmstädter Ferienkursen
für Neue Musik – umfasst das Programm Kurzzeitstipendien,
die vom Berliner Künstlerprogramm
vergeben werden. Ende 2019 waren Helena Nikonole
In addition to other long-term collaborations—with
the Potsdam Institute for Climate Impact Research
(PIK), the Europäisches Übersetzer-Kollegium in
Straelen and the Darmstadt Summer Course for New
Music—the program includes short-term fellowships
awarded by the Artists-in-Berlin Program. At the
end of 2019, fellowship recipients Helena Nikonole
(Moscow, Russia) and Louis Chude-Sokei (Boston,
US) were guests in Berlin.
22

Identity Jitter, daadgalerie, 11/19 © Stefanie Kulisch
(Moskau, Russland) sowie Louis Chude-Sokei (Boston,
USA) über ein solches Stipendium zu Gast in Berlin.
Louis Chude-Sokei ist Autor mehrerer preisgekrönter
Bücher, darunter The Sound of Culture: Diaspora
and Black Technopoetics (2016); er ist Chefredakteur
des Magazins The Black Scholar, Direktor der African
American Studies an der Universität Boston sowie
Gründer des Klangkunst/Archiv-Projekts Echolocution.
Während seines Aufenthaltes in Berlin tauschte
sich Louis Chude-Sokei im Rahmen eines öffentlichen
Gesprächs in der daadgalerie mit der Künstlerin, Aktivistin
und Wissenschaftlerin Toni Lester sowie dem
Musiker und Klangforscher Jan St. Werner (Mouse On
Mars, Fiepblatter Catalogue) über künstliche Intelligenz
in Sound Cultures aus.
Die Künstlerin und Kuratorin Helena Nikonole arbeitet
auf dem Gebiet der Neuen Medien. Ihr Interesse gilt
in erster Linie der hybriden Kunst, einer zukunftsorientierten
Ästhetik, dem Internet der Dinge und der künstlichen
Intelligenz. In ihren Arbeiten lotet sie sowohl deren
Potenzial aus als auch die Risiken und Gefahren – ein
Aspekt, dem viele WissenschaftlerInnen und Apologeten
neuer Technologien ihrer Meinung nach nicht
gerecht werden. In Berlin hat sie ihre Recherchen zum
Einsatz künstlicher Intelligenz im Kontext von Soundund
Medenperformances vertieft und ihre bestehenden
Kontakte zu Berliner KünstlerInnen und ForscherInnen
intensiviert und erweitert. DB
Louis Chude-Sokei is the author of several
award-winning books, including The Sound of Culture:
Diaspora and Black Technopoetics (2016). He is
editor-in-chief of The Black Scholar journal, director
of African American Studies at Boston University, and
founder of the sound art / archive project Echolocution.
During his stay in Berlin, Louis Chude-Sokei exchanged
views on artificial intelligence in sound cultures with
artist, activist, and researcher Toni Lester and musician
and sound researcher Jan St. Werner (Mouse On Mars,
fiepbaltter catalogue) as part of a public discussion at
the daadgalerie.
Artist and curator Helena Nikonole works in the
field of new media. Her primary interests are hybrid art,
future-oriented aesthetics, the internet of things, and
artificial intelligence. In her work she explores both the
potential as well as risks and dangers of these topics—
aspects that, in her view, many researchers and apologists
of new technologies do not adequately address. In
Berlin, she expanded her research on the use of artificial
intelligence in the context of sound and media performances,
and deepened and broadened her existing
contacts with local artists and researchers. DB
23

© Jasper Kettner

Erzählen statt
erklären
Jackie Thomae
Bibliografie (Auswahl)
Dog Eat Dog
Kwela Books
Kapstadt, 2004
After Tears
Kwela Books
Kapstadt, 2007
Way Back Home
Kwela Books,
Kapstadt, 2013
Way back home
Das Wunderhorn
Heidelberg, 2015
[Ü: Gunther Geltinger]
Affluenza
Kwela Books
Kapstadt, 2016
Soweto, Under The
Apricot Tree
Kwela Books
Kapstadt, 2018
Black Tax
Jonathan Ball
Publishers
Johannesburg, 2019
Niq Mhlongo, Jahrgang 1973, wuchs in Soweto auf und studierte Anfang
der 1990er Jahre an der University of the Witwatersrand in Johannesburg
Afrikanische Literatur und Politikwissenschaften. Damit gehört er zur ersten
Generation, für die das Erwachsenenleben nach dem Ende der Apartheid
begann. Und von diesem Danach handeln auch seine Romane und Erzählungen.
Das ist auch im Vergleich zu Deutschland interessant, das selbst mit
einer Zäsur in der jüngeren Geschichte lebt, die die Nation nach wie vor
beschäftigt. Auch in der Literatur.
Niq Mhlongo ist eine der geistreichsten und frechsten Stimmen in der
literarischen Szene des neuen Südafrika, schreibt die New York Times über
diesen Autor, der uns sein Land nicht erklärt, sondern erzählt.
Wie er selbst sind auch die Helden seiner Geschichten oft die ersten in
ihren Familien, die an Elite-Unis studieren können. Hier treffen große Chancen
auf noch größere Erwartungen, der verständliche Wunsch nach Sex und
Spaß stößt auf den Druck zu funktionieren. In seinem Roman After Tears wirft
Bafana sein Studium in Kapstadt hin und geht zurück nach Johannesburg,
wo seine Familie davon ausgeht, er wäre fertig ausgebildeter Jurist. Er lässt
sie in dem Glauben. Und auch Dingz, der Held des Romans Dog Eat Dog
weiß, dass er auf einem dünnen Seil über zwei Welten balanciert, von denen
die eine schillert und die andere sein Heimattownship ist. Niq Mhlongo
schreibt aus eigener Erfahrung von den Schwierigkeiten dieser Generation,
die plötzlich den Zugang zu einer Welt hatte, auf die sie nie vorbereitet wurde.
In dem auch auf Deutsch erschienenen Roman Way Back Home kommt
Kimathi aus dem angolanischen Exil zurück nach Südafrika und feiert die
neue Freiheit, bis er von einem Geist in mehreren Frauengestalten heimgesucht
wird. Zugleich ist es ein politischer Roman voller Fakten. Geister,
Vorfahren und traditionelle Heiler können auch in anderen Geschichten
Mhlongos selbstverständlich neben Problemen wie Korruption, Arbeitslosigkeit
oder Kriminalität existieren, aber auch neben den neuesten Mobiltelefonen,
Autos, Modemarken und Popsongs. Niq Mhlongo spart keine Themen
aus, er verwebt sie miteinander. So allgegenwärtig wie die Tradition im
modernen Leben, ist deshalb auch der Tod. Immer wieder stoßen wir auf
Alltagsszenen, die an vielen Orten der westlichen Welt spielen könnten, bis
die Situation kippt, manchmal ins Absurde, manchmal ins Brutale. Im Erzählband
Affluenza trifft ein junger Mann in einer Bar auf drei hübsche Frauen,
lädt sie ein, um mit ihm und seinen Freunden einen Junggesellenabschied
zu feiern. Es wird ein bisschen geprotzt und geflirtet, der Whisky ist teuer,
die Frauen sind sexy und selbstbewusst, die junge schwarze Mittelklasse
scheint ihren Wohlstand zu feiern, bis die eine Gruppe die andere kidnappt
und ausraubt. Und wenn er seine Figuren über das Faible weißer Touristinnen
für Männer mit Dreadlocks sinnieren lässt, dann ist das ein Blick nach
Europa, der wirklich lustig ist, wenn auch diese Story ihre Tragik hat.
2019 ist Mhlongo für seinen Erzählband Soweto, Under the Abricot Tree
mit dem Nadine Gordimer Short Story Award ausgezeichnet worden.
Südafrika hat mit J.M. Coetzee und Nadine Gordimer zwei Literaturnobelpreisträger,
die über ihre Arbeit einem weltweiten Publikum Einblicke in die
südafrikanische Wirklichkeit verschafft haben. Niq Mhlongo als Vertreter
einer jüngeren Generation von AutorInnen eröffnet uns eine neue Perspektive,
die der jungen Schwarzen von heute.
„Eine der geistreichsten und frechsten
Stimmen in der literarischen Szene des
neuen Südafrika“ The New York Times
25
Niq Mhlongo
Literatur
02/20-02/21

Narrating Instead
of Explaining
Jackie Thomae
Selected Bibliography
Dog Eat Dog
Kwela Books
Cape Town, 2004
After Tears
Kwela Books
Cape Town, 2007
Way Back Home
Kwela Books,
Kapstadt, 2013
Affluenza
Kwela Books
Cape Town, 2016
Soweto, Under
The Apricot Tree
Kwela Books
Cape Town, 2018
Black Tax
Jonathan Ball
Publishers
Johannesburg, 2019
Niq Mhlongo, born in 1973, was raised in Soweto and studied African
Literature and Political Science at the University of the Witwatersrand in Johannesburg
in the early 1990s. This places him within the first generation to
come of age after apartheid, and his novels and short stories also grapple
with that aftermath. This is also relatable to Germany, which shares a recent
history of censorship and upheaval with which the country is still grappling.
In literature as elsewhere.
The New York Times has called Niq Mhlongo “one of the most highspirited
and irreverent new voices of South Africa’s post-apartheid literary
scene.” He is a man who, instead of explaining his country, tells us its stories.
Like their author, those stories’ protagonists are often the first in their families
to have studied at elite universities. Great opportunities collide with even
greater expectations, while familiar desires for fun and sex rub up against the
pressure to be productive. In his novel After Tears, the character of Bafana
drops out of university in Cape Town and returns to Johannesburg, where
his family assumes he is now a qualified lawyer. He does not disabuse them.
And Dingz, the main character of the novel Dog Eat Dog, knows he is walking
a tightrope between two worlds: one sparkling with possibility, the other his
native township. Niq Mhlongo writes from experience about the difficulties of
this generation, which abruptly gained access to a world for which it was categorically
unprepared.
In the novel Way Back Home, Kimathi returns to South Africa from exile
in Angola and celebrates his newfound freedom before being haunted by a
ghost disguised as a series of women. The political novel is simultaneously
brimming with facts. In other stories by Mhlongo, ghosts, ancestors, and traditional
healers coexist with such problems as corruption, unemployment, and
crime, but also the latest smartphones, car models, clothing brands, and pop
songs. Niq Mhlongo leaves no topics out; he weaves it all in. Just as tradition
is ubiquitous in modern life, so too is death. We often come across ordinary
scenes that could happen virtually anywhere in the West—until circumstances
shift, sometimes teetering into absurdity, or else brutality. In the short story
collection Affluenza, a young man meets three good-looking women at a bar
and invites them to join him and his friends for a bachelor party. Some posing
and flirting follow. The whiskey is pricey, the women are confident and sexy,
and the young Black middle class seems to be reveling in its prosperity—until
one group kidnaps and robs the other. And when his characters ponder white
female tourists’ fetish for dreadlocked men, Mhlongo’s take on Europe is the
ultimate comedy, even if this story is likewise tragic.
In 2019, Mhlongo was honored with the Nadine Gordimer Short Story
Award for his collection Soweto, Under the Apricot Tree. South Africa’s two
Nobel Laureates in Literature, J.M. Coetzee and Nadine Gordimer, have offered
a global audience glimpses of South African realities in their work. As
a member of a younger generation of writers, Niq Mhlongo shows us a new
perspective: that of the young Black voices of today.
“One of the most high-spirited and irreverent
new voices of South Africa’s post-apartheid
literary scene” The New York Times
26
Niq Mhlongo
Literature
02/20-02/21

Heroines of Sound: Cutting Edge Sounds from Latin America, Interspecifics,
daadgalerie, 12/19 © Krzysztof Zielińksi

Vom
Verschwinden
der Stille
The
Disappearance
of Silence
↑ HLLW HWL,
daadgalerie,
Installationsansichten /
installation views →
© Thomas Bruns
28

sergey kasich
HLLW HWL
Sound Installation /
Klanginstallation
24.01.2020 - 13.02.2020
daadgalerie
Hat die Leere eine Stimme? In sergey kasichs Installation
HLLW HWL, die in der daadgalerie zu sehen war, dienten
über den Ausstellungsraum verteilte Fundstücke als
passive Klangflächen, die die Bewegungen der BesucherInnen
reflektierten, nachhallen ließen oder absorbierten.
An den Objekten befestigte Mikrofone fingen die von
den Vorbeigehenden verursachten Luftbewegungen ein
und verstärkten sie zu hörbaren Signalen, die von kasich
in Echtzeit verarbeitet wurden, um eine algorithmische
Komposition zu erzeugen.
Am Eingang erhielten die BesucherInnen Kopfhörer
und wurden gebeten, den Raum leise zu betreten.
Während sie sich langsam durch den Raum bewegten,
konnten sie eine zarte Palette von Klängen hören, mit
denen die unterschiedlichen Objekte auf ihre Anwesenheit
reagierten. Diese Gegenstände waren zuvor
an verschiedenen Orten in Berlin, die sich dem neoliberalen
Eigentumsnarrativ der Stadt entgegenstellen –
besetzte Häuser, inoffizielle Müllhalden, Schlafplätze
von Obdachlosen –, gesammelt worden. Die Objekte
sprachen durch Resonanzkörper von Gentrifizierung
und Wohnungsnot, den teils verstärkten Echos konnte
man über Kopfhörer nachhorchen. Eine geborstene
Toilettenschüssel, ein Bruchstück eines Aluminiumrohrs,
ein weggeworfener McDonald’s-Becher und eine
kaputte Schreibtischlampe waren nur einige der Klangkörper,
die auf Vergänglichkeit, Auflösungserscheinungen
und vergessene Zwischenräume hindeuteten. Ein
gelegentlich auftretendes, unbeabsichtigtes Geräusch
(ein ungewolltes Husten, ein auf den Boden gefallener
Schlüsselbund) oder eine absichtliche Störung (Händeklatschen,
um die Installation zu testen) veranlasste
die Objekte, weitere Echos in den Hörraum zu senden.
Könnte man diesen im Verschwinden begriffenen Räumen
ein stärkeres Flüstern, vielleicht sogar einen Schrei,
entlocken? Was würden sie uns sagen?
Das Stück reflektiert die jüngste Phase von sergey
kasichs Werk, das sich mit Urbanistik, Architektur und
Materialstudien beschäftigt. kasich verwischt die Grenzen
zwischen Künstler und Technologen. Er bedient sich
bestimmter Installationsformate und generativer Kunstwerke,
um dem Klang Ausdrucksformen zu geben, die
über das Hörbare hinausgehen. Räume, Objekte, Texturen
und Werkzeuge erhalten eine neue Bedeutung,
indem kasich das Verschwinden der Stille und Ruhezonen
in urbanen Kontexten hervorhebt. Taïca Replansky
Does emptiness have a voice? In sergey kasich’s installation
HLLW HWL, on show at daadgalerie, a variety
of found objects distributed throughout the exhibition
space served as passive sound surfaces that reflected,
resonated, or absorbed the movements of visitors. Microphones
attached to the objects captured air movements
made by the public, amplifying these to audible
signals that were manipulated by kasich in real time to
generate an algorithmic composition.
At the entrance, visitors were given headphones
and instructed to enter the room quietly. Slowly moving
around the space, they could listen to the delicate
range of sounds emerging from the disparate objects
in response to their presence. Taken from various locations
in Berlin that conflict with the city’s neoliberal
property narratives—squats, (unauthorized) dumpsters,
and homeless sleeping areas, for example—the objects
spoke of gentrification and housing shortages in
resonances that could be heard with (and sometimes
without) amplification through headphones. A partially
destroyed toilet bowl, a fragment of aluminum pipe, a
discarded McDonald’s cup, and a broken desk lamp
were just some of the sounding bodies that hinted at
transience, departure, and forgotten, in-between spaces.
An occasional accidental sound, such as an unwanted
cough or a pair of keys accidentally dropped on
the floor, or a deliberate disturbance such as hand clapping
meant to test the installation, prompted the objects
to release more echoes into the audible realm. Could
one evoke stronger whispers, maybe even a yell, from
these disappearing spaces? What would they tell us?
The piece reflects the latest stage of sergey kasich’s
work in urbanism, architecture, and material studies.
Blurring the boundaries between artist and technologist,
kasich uses installation formats and generative artwork
to give sound new forms of expression that extend beyond
the audible. Spaces, objects, textures, and tools
are given new meaning as kasich highlights the disappearance
of silence and quiet areas in urban contexts.
Taïca Replansky
29

30
© Jasper Kettner

Bekundungen
eines sonischen
Verschwindens
Franziska Buhre
Inmitten eines Grundrauschens aus Blasinstrumenten und düster aufbrandenden
Streichern, aus elektronischem Zischen und Störgeräuschen,
erklingt die Stimme von Emre Dündar wie ein gedehnter Appell. Mit Satzund
Wortfetzen, gesungenen und gesprochenen Lauten und Vokalisen, die
unvermittelt von hohen in tiefe Register umschlagen, bekundet er ein sonisches
Verschwinden: Sein Stück De Vulgari Eloquentia von 2017 ist dem
letzten Sprecher der ubychischen Sprache aus dem Nordwest-Kaukasus
gewidmet, der 1992 in der Türkei starb. „Jede Sprache hat ihre eigenen
musikalischen Qualitäten“, sagt Dündar im Gespräch. „Ich habe De Vulgari
Eloquentia zuerst improvisiert und dann eine Spektralanalyse meiner Stimme
vorgenommen. Die Analyse eines Klangs fördert so viele Geheimnisse zutage,
auf die man aufbauen kann. Ich schreibe Phrasen für Instrumente, die
meine Art des Sprechens und Singens miteinander verbinden.“
Dündars Partituren, ob für Orchester, Klavier mit Elektronik oder Holzbläser
in verschiedenen Konstellationen, sind ausgefeilt, die Verwendung von
Symbolen, Schriftarten und Spielanweisungen begreift er als eigene Kunst.
Die Überantwortung seiner Werke an zeitgenössische MusikerInnen kann
aber herausfordernd sein: „Sie versuchen zuerst, die Partitur insgesamt zu
erfassen. Ich aber möchte sie dazu bewegen, eine erzählende Phrase zu
spielen oder als Individuum zu sprechen.“
Dichtung hat es Dündar besonders angetan. Er komponierte eine Soirée
Gotique nach Gedichten von Emily Dickinson und widmete sich intensiv
den Skizzen der modernen türkischer Lyriker İlhan Berk und Ece Ayhan.
„Entwürfe sind keine geschlossenen Werke, sondern noch immer lebendig.
Wie ein Geist, ein Papier, das man vergisst. Die Skizze vermittelt mir den
Klang der Poesie. So nehme ich eine imaginäre Verbindung mit dem Dichter
auf, der seinen Weg durch die Unordnung der Worte gefunden hat. In der
Dichtung entdecke ich immer wieder neue Strukturformeln, die ich mit der
musikalischen Narration in Einklang bringe.“ Der in Istanbul geborene Dündar
ist vertraut mit den oralen Traditionen seiner Region, etwa mit den singenden
Erzählern, den Aşıks, die seit Jahrhunderten in Vorder- und Zentralasien
anzutreffen sind. Oder den Meddâhs, populären Geschichtenerzählern in
der Türkei, die aktuelle Ereignisse aufgriffen und ihre Vorträge mit Spott und
Sozialkritik anreicherten.
Dündar spielt Klarinette und Altsaxofon, sein erstes Instrument war das
Klavier. Er beschreibt seine Mutter, die Konzertpianistin Meral Dündar, als rigorose
Lehrerin. Am Istanbuler Konservatorium studierte er bei İlhan Usmanbaş,
dem wichtigsten Protagonisten der modernen zeitgenössischen Musik
in der Türkei. Eine Übung war, Pastiches klassischer europäischer Komponisten
zu schreiben. Offiziell sollten Komponierende türkische Volkslieder in
klassische Musik integrieren, ähnlich wie im sozialistischen Realismus, wie
Dündar meint. Beide Fertigkeiten kommen ihm beim Komponieren von Filmmusik
zugute, er schätzt die Begrenzung auf die direkte Ansprache des Publikums
und die Produktionstechnologien, die er auch für seine elektronische
Musik nutzt. Einmal im Monat trifft er sich mit seinen Mitstreitern des Istanbul
Composers Collective im Studio und nimmt zahlreiche Klänge auf, die jeder
von ihnen anschließend verwenden kann. Und so erklingt Dündars Stimme
bereits in anderen Werken zeitgenössischer türkischer Komponisten.
„Ich schreibe Phrasen für Instrumente,
die meine Art des Sprechens und
Singens miteinander verbinden.“
31
Emre Dündar
Musik
02/20-02/21

Giving Voice to a
Sonic Disappearance
Franziska Buhre
Amid an undertone of wind instruments and solemn, fiery strings, and of
electronic hissing and noises, Emre Dündar’s voice resonates like an elongated
plea. With fragments of sentences and words, sung and spoken sounds,
and vocalizations that switch suddenly from high to low registers, he gives
voice to a sonic disappearance: his piece De Vulgari Eloquentia (2017) is
dedicated to the last speaker of the Ubykh language from the Northwest
Caucasus, who died in Turkey in 1992. “Each language has its own musical
qualities,” says Dündar in conversation. “I first improvised De Vulgari Eloquentia,
then I made a spectral analysis of my voice. When you analyze a
sound, you understand that there are so many secrets you can build upon.
When I am writing phrases for instruments, I am creating connections between
my speaking and my singing style.”
Dündar’s scores, whether for orchestra, piano with electronics, or woodwinds
in various constellations, are highly complex; he sees the use of symbols,
typefaces, and performance instructions as his own art form. Entrusting
contemporary musicians with his works, however, can present a challenge:
“When musicians look at the scores, they first try to understand everything.
But I want them to play a narrative phrase, or to speak as individuals.”
Poetry in particular appeals to Dündar. He composed a Soirée Gothique
after poems by Emily Dickinson and devoted himself extensively to the
sketches of modern Turkish poets İlhan Berk and Ece Ayhan. “Sketches are
not closed but something still alive. Like a ghost, a paper to forget but this
paper gives me the sound of the poetry. When I look at it I create an imaginary
connection with the poet who tried his way through the mess of words.
In poetry I constantly discover new structural formulas that I reconcile with
musical narration.” Dündar is familiar with the oral traditions of his region,
like those of the Aşıks minstrels who have been around for centuries in both
Western and Central Asia. The Meddâhs were popular storytellers in Turkey
who touched on current events and augmented their lectures with sarcasm
and social criticism.
Dündar plays clarinet and alto saxophone, but his first instrument was the
piano. He describes his mother, the concert pianist Meral Dündar, as a rigorous
teacher. At the Istanbul Conservatory, he studied under İlhan Usmanbaş,
the most important protagonist of modern contemporary music in Turkey.
One of his exercises was to write pastiches of classical European composers.
Officially, composers were supposed to integrate Turkish folk songs into
classical music, much like socialist realism, Dündar says. Both skills serve him
well when composing music for film; he appreciates being limited to addressing
viewers directly, and to working with production technologies that he also
uses for his electronic music. Once a month, he meets in the studio with fellow
Istanbul Composers Collective members and records a variety of sounds
which the members are welcome to use afterwards. And thus Dündar’s voice
already resonates in the works of other contemporary Turkish composers.
“When I am writing phrases for instruments,
I am creating connections between my
speaking and my singing style.”
32
Emre Dündar
Music
02/20-02/21

Ashley Fure (Fellow 2018): Hive Rise. Immersive Experience
for 10 Megaphone Performers & Live Electronics
Auftragswerk von / Commissioned by BKP & CTM Festival
uraufgeführt beim / premiered at CTM Festival 2020: LIMINAL, Berghain, 01/20
© Krzysztof Zielińksi

Verletzbarkeit
als visuelles
Erlebnis
Fragility
rendered
visible
↑ N-O-T M-Y P-O-E-M-S,
daadgalerie,
Installationsansicht /
installation view &
Eröffnung / Opening →
© Sebastian Bolesch
34

Ghayath Almadhoun
N-O-T M-Y P-O-E-M-S
Poetry Space
19.02.2020 - 29.02.2020
daadgalerie
Im Februar 2020 verwandelte Ghayath Almadhoun,
seit 2019 in Berlin zu Gast, den Raum der daadgalerie
in einen Ort der Worte. Nachts liefen mehrsprachige
Schriftzüge über das große Schaufenster, ein arabisches
Murmeln rieselte auf die BesucherInnen im
Eingang herab, auf einer Wand begegneten sich kalligrafische
Schriftzüge und lateinische Buchstaben, wie
auch in den Poetry-Filmen auf der Wand gegenüber.
So wurde, noch bevor man in den Gedankenraum der
Worte eintrat, deutlich, dass Sprache hier immer auch
in Übersetzung gedacht war, der diffizile Transport der
Poesie aus einer in eine nächste Sprache Teil der poetischen
Aktionen war.
Ghayath Almadhoun ist ein syrisch-palästinensisch-schwedischer
Künstler, der im Exil in Schweden
mit der Dichterin Marie Silkeberg zusammenzuarbeiten
begann. 2019/20 verbrachte er als Fellow des Berliner
Künstlerprogramms in Berlin. Die Poetry-Filme in der
Ausstellung N-O-T M-Y P-O-E-M-S hatten sie gemeinsam
gemacht: Zweisprachig und im melancholischen
Bildmaterial aus found footage balancierten sie
zwischen den Welten von Syrien und Europa, blickten
aus mehr als einer Perspektive auf die Zerstörungen
des Krieges in Syrien, legten über eine Epoche der Geschichte
stets noch eine weitere Schicht. So erschlossen
sie einen Raum, in dem von Schmerz und Verlust,
von erfahrener Gewalt und Flucht die Rede ist, einmal
bezogen auf den Krieg in Syrien, aber auch auf die
vielfachen Verflechtungen der Geschichte(n) Europas
und des Nahen Ostens.
Für Ghayath Almadhoun, aufgewachsen in einem
palästinensischen Flüchtlingscamp in Damaskus
als Mensch ohne eigenen Pass, ist die Befragung der
politischen Ursachen für diesen Zustand eine Lebensnotwendigkeit
geworden. Genauso wichtig, wie ihm
die Poesie ist, mit der er die Gegenwart und ihre Echos
in der Geschichte zu fassen sucht.
Dabei ist die Sprache ein flüchtiges Ding. In den
Poetry-Filmen wird ihre Verletzbarkeit auch zum visuellen
Erlebnis. Buchstaben treiben wie Schneeflocken
über das Bild einer winterlichen Landschaft, bevor sie
sich in dem Film Snow zu Wörtern zusammensetzen.
Man hört das Heulen des Windes, zweisprachig ist ein
Gedicht von Marie Silkeberg zu lesen und zu hören. Ist
es ein skandinavischer Winter, dessen Kälte hier fühlbar
wird? Nein, Textzeilen und Bilder führen in ein Flüchtlingscamp,
zu den Frierenden. So wurde in der daadgalerie
auch der Raum der Kommunikation sichtbar, des
Austauschs mit anderen, der für Ghayath Almadhoun
zu einer wichtigen Form der Bindung geworden ist.
Katrin Bettina Müller
In February 2020, Ghayath Almadhoun transformed
the daadgalerie exhibition space in Berlin’s Kreuzberg
district into a place of words. At night, multilingual
texts scrolled across the large window; a murmur of
Arabic voices trickled down upon visitors standing in
the entrance; calligraphic writing appeared alongside
Latin lettering on one interior wall, and also in the poetry
films being screened on the opposite wall. Even before
visitors stepped inside the conceptual realm of words,
therefore, it was evident that here, language was always
being thought of in connection with translation; the difficult
task of conveying poetry from one language into
another formed part of the poetic actions.
Ghayath Almadhoun is a Syrian-Palestinian-Swedish
artist who began working together with the poet
Marie Silkeberg while in exile in Sweden. As part of this
collaboration, they created the poetry films that were
included in the exhibition N-O-T M-Y P-O-E-M-S.
Using two languages and melancholic imagery based
on found footage, they balanced between the worlds
of Syria and Europe, viewed the destruction caused by
the war in Syria from multiple perspectives, and placed
layer upon layer over a historical epoch. In this way, they
opened up a space in which to talk about pain and loss,
about experiences of violence and flight, in relation to
the war in Syria, but also to the deeply interwoven histories
of Europe and the Middle East.
For Almadhoun, who grew up in a Palestinian refugee
camp in Damascus as a person without a passport,
examining the political reasons for this state of
affairs has become a vital necessity. It is as essential
to him as the poetry he uses to grasp the present and
record its echoes in the past.
Language is transitory, however, and its fragility
is also rendered visible in the poetry films. In the film
Snow, for example, letters float across the image of a
winter landscape like delicate snowflakes that combine
to form words. The howling wind can be heard, and a
poem by Marie Silkeberg is written and recited in two
languages. Is it the cold of a Scandinavian winter we
can feel here? No. The lines of text and screened images
lead us to a refugee camp and its freezing inhabitants.
In this way, the exhibition at the daadgalerie also
visualized the realm of communication—the space
of interaction and exchange with other people—which
for Almadhoun has become an important means of
establishing connections and forming bonds.
Katrin Bettina Müller
35

© Jasper Kettner
SALOME
JASHI

Wirklichkeiten zum
Vorschein bringen
Live Øra Danielsen
Filme (Auswahl)
Their Helicopter
(Kurzfilm, 2006)
Speechless
(Kurzfilm, 2009)
Bakhmaro
(Dokumentarfilm, 2011)
The Dazzling
Light of Sunset
(Dokumentarfilm, 2016)
The Tower
(Kurzfilm, 2018)
In Salomé Jashis Filmen liegt eine gewisse Stille. Vor einer unbeweglichen
Kamera spielen sich Szenen in ihrem eigenen Rhythmus ab, die ProtagonistInnen
bemerken die Anwesenheit der Regisseurin offenbar gar nicht. Für die
ZuschauerInnen scheint es sich um eine von der Kamera ungestörte Realität
zu handeln: die Realität Georgiens, Jashis Heimatland. 1981 in Tibilisi geboren,
studierte sie Journalismus und arbeitete einige Jahre als Reporterin, bevor sie
nach London zog, um dort Dokumentarfilm zu studieren. Sieht man Jashis
Filme das erste Mal, stellt sich schnell die Vermutung ein, dass ihre geduldige
und still beobachtende Herangehensweise eine Reaktion auf ebendiese Erfahrung
ist: Sie entledigt sich der abgenutzten Kunstgriffe der Fernsehberichterstattung,
um eine andere Art von Wirklichkeit zum Vorschein zu bringen.
Jashis Filme scheinen alle über die Idee unterschiedlicher Fokussierung,
über Realitäten – im Plural – zu reflektieren, über die Abhängigkeit dessen,
was „echt“ ist, vom jeweiligen Standpunkt. In ihrem Kurzfilmdebüt Their
Helicopter (2006) folgen wir einer Chewsuren-Familie durch die Scheiben
eines abgestürzten tschetschenischen Hubschraubers, der sich zu einem
Spielplatz entwickelt hat. Wir sehen, wie eine kleine Gemeinschaft ihre eigene
Logik im Schrott der Zivilisation findet. In dem experimentellen Kurzfilm
Speechless (2009) drückt sich die Wirklichkeit des Krieges eindrucksvoll in
den Gesichtern der Überlebenden des russisch-georgischen Krieges von
2008 aus – ohne dass ein einziges Wort fällt.
Krieg ist auch das Thema in Jashis neuester Arbeit, dem vierminütigen
Kurzfilm The Tower (2018), in dem eine Familie eine Bestandsaufnahme ihrer
Verluste macht. Auch hier spielt der Fokus eine tragende Rolle: Nie richtet
Jashi ihre Kamera auf die kärglichen Reste des einstigen Eigentums, sondern
darauf, was übrig geblieben ist: die Familie selbst.
Ihr erster langer Dokumentarfilm, Bakhmaro (2011), handelt von einem heruntergekommenen
Gebäude in der Gebirgsstadt Gauri. Die InhaberInnen der
dortigen Geschäfte kämpfen ums Überleben, Kundschaft ist kaum vorhanden.
Es ist der erste Film, bei dem Jashi selbst für die Kameraführung verantwortlich
zeichnet, aber schon hier tritt ein Charakteristikum hervor, das sich in ihren
späteren Arbeiten verstärkt findet: aufwendig komponierte Tableaus, in denen
die Objekte auf der Leinwand beinahe die Qualität eines Stilllebens bekommen;
Schattierungen von Braun-, Grau- und Schwarztönen übersät mit plötzlich
explodierenden leuchtenden Farben; Bild im Bild; die überraschende Schönheit
schreiender Farben, die mit traditionell-gedeckten Tönen kontrastiert.
Ihre jüngste Langfilm-Dokumentation, das preisgekrönten The Dazzling
Light of Sunset (2016), entwickelt diese ästhetischen Stimmungen weiter.
In dieser kontemplativen Arbeit werden die BetrachterInnen durch den Mikrokosmos
eines georgischen Dorfes geführt, an der Seite einer Fernsehreporterin,
die ihre Tage damit verbringt, gewissenhaft von den großen und kleinen
Ereignissen vor Ort zu berichten. Der Bezug zu Jashis eigenen journalistischen
Erfahrungen liegt nahe, da sie nicht nur zeigt, was die Reporterin kommuniziert,
sondern auch, was hinter der Kamera passiert. Dabei generiert sie
verschiedene, zeitweise widersprüchliche Bilder, die mehrere Schichten der
Wirklichkeit enthüllen, die sie abbildet. Wie in all ihren Filmen geht es ihr nicht
darum, unseren Blick oder unsere Gedanken anzuleiten. Vielmehr lässt sie
uns – behutsam – selbst sehen und unsere eigenen Schlüsse ziehen.
Manchmal ist alles eine Frage der Fokussierung.
Salomé Jashi entledigt sich der abgenutzten
Kunstgriffe der Fernsehberichterstattung,
um eine andere Art von Wirklichkeit zum
Vorschein zu bringen.
37
Salomé Jashi
Film
03/20-03/21

Realities Unveiled
Live Øra Danielsen
Selected Films
Their Helicopter
(Short film, 2006)
Speechless
(Short film, 2009)
Bakhmaro
(Documentary, 2011)
The Dazzling
Light of Sunset
(Documentary, 2016)
The Tower
(Short film, 2018)
There is a stillness in Salomé Jashi’s films. In front of a fixed camera, small
scenes play out in their own rhythm, the main characters themselves seemingly
oblivious to the presence of a director. To the eye of the viewer, it’s reality
undisturbed, and the reality portrayed is that of Georgia, Jashi’s home country.
Born in Tbilisi in 1981, Jashi studied journalism and worked as a reporter
for several years before moving to London to study documentary filmmaking.
When watching her documentaries for the first time, one could perhaps be
tempted to say that Jashi’s patient and quietly observing way of making films
might be a reaction to this experience: Having worked as a TV reporter, she
appears to want to shed the rehearsed artifice of televised reporting to unveil
a different kind of reality.
Jashi’s films all seem to meditate on the notion of focalization and realities,
and how what’s real depends on one’s point of view. In her short film
debut Their Helicopter (2006) we follow a Khevsureti family through the
windows of a wrecked Chechen helicopter turned local play hut, thus showing
how a small community finds their own logic in scraps of civilization.
In the experimental short Speechless (2009) the reality of war is expressed
boldly, yet wordlessly, in the faces of survivors of the 2008 Georgian-Russian
war. The war is also the subject of Jashi’s latest film, the four-minutelong
short The Tower (2018), where a family is taking inventory of what is lost.
Focalization once again comes into play here, with Jashi never letting her
camera graze the remnants of the surviving family’s lost property, but rather
focusing her stare on what actually is left; the family itself.
With Bakhmaro (2011), Jashi made her feature documentary debut
about a desolate building in the mountain town of Guria, in which the residing
businesses are struggling to survive without customers. This is the first film
for which Jashi herself did the cinematography, and it holds the trademark
imagery often seen in her later work: Elaborately composed tableaux where
the objects on screen take on an almost Still-leben quality; hues of browns,
greys, and blacks dotted with sudden pops of radiant color; frames within
the frame itself; the surprising beauty of the garish juxtaposed with the
traditional.
In her latest feature documentary, the award-winning The Dazzling Light
of Sunset (2016), these aesthetic cues are developed further. In this contemplative
piece, the viewer is guided through a vision of a Georgian village as a
micro-cosmos, led by a TV-reporter who spends her days conscientiously
reporting on the big and small happenings in her village. Here Jashi seems
to draw upon her own journalistic experience to present not only what the reporter
conveys, but also what happens behind the scenes. In doing this, she
creates multiple, at times contradictory frames in the film, while unveiling
several layers of the realities she is aiming to portray. And like in all her films,
she refrains from instructing our gaze or our thought, but lets us see for ourselves,
carefully, and draw our own conclusions. Sometimes it’s all a matter
of focalization.
Salomé Jashi sheds the rehearsed
artifice of televised reporting to
unveil a different kind of reality.
38
Salomé Jashi
Film
03/20-03/21

Runo Lagomarsino (Fellow 2019): Runo Lagomarsino,
Einzelausstellung im / Solo exhibition at Moderna
Museet, Stockholm, 2020. Installationsansicht /
Installation view © Åsa Lundén/Moderna Museet
Unterstützt durch das Berliner Künstlerprogramm
des DAAD aus Mitteln des Auswärtigen Amtes /
Supported by DAAD Artists-in-Berlin Program
with funds from the Federal Foreign Office.

Auf der Suche nach
interdisziplinären
Schnittpunkten
Looking for
Interdisciplinary
Intersections
↑ History as Material,
daadgalerie, 10/19
© Krzysztof Zielińksi
→ Don Mee Choi, Matana
Roberts (Fellows 2019),
Shadow Work,
daadgalerie, 02/20
© Eunice Maurice
40

Common Ground
Insterdisziplinäre
Gesprächsreihe /
Interdisciplinary Talk Series
daadgalerie
Seit Mai 2019 bringt die Gesprächsreihe „Common
Ground“ die unterschiedlichen Perspektiven und künstlerischen
Positionen der Gäste des Berliner Künstlerprogramms
des DAAD in einen öffentlichen Dialog.
StipendiatInnen aus unterschiedlichen Sparten treffen
aufeinander und machen sich auf die Suche nach ihrem
common ground – einem gemeinsamen Thema beispielsweise,
einem Medium oder einer Methode. Zum
einen bietet dieses Format den Fellows einen willkommenen
Anlass, sich mit viel Zeit und Engagement in die
Arbeiten des Gegenübers hineinzudenken und voneinander
zu lernen, zum anderen entsteht ein intensiver
Austausch mit dem Berliner Publikum.
In der dritten Ausgabe, History As Material, loteten
die bildenden Künstler Mathieu Kleyebe Abonnenc und
Runo Lagomarsino sowie die SchriftstellerInnen Don
Mee Choi und Alan Pauls die Frage aus, welche Wirkung
historisches Material auf die Arbeiten von KünstlerInnen
ausübt, die gewalttätige Protestformen und
politische Kämpfe reflektieren.
Bei der gemeinsamen Sichtung und Interpretation
von Bildern und Materialien erörterten die TeilnehmerInnen
die Herausforderungen, die sich bei der Auseinandersetzung
mit historischen Ereignissen ergeben –
zumal solchen, die medial überrepräsentiert, idealisiert
oder verschwiegen werden. Welches kritische Potenzial
kann sich aus Gegennarrativen ergeben, die sie in ihrer
künstlerischen Praxis entwickeln?
Die nächste Ausgabe der Reihe, Shadow Work, entwickelte
sich aus den Diskussionen bei History As Material.
Die Lyrikerin Don Mee Choi und die Komponistin
und Musikerin Matana Roberts waren im anschließenden
Gespräch auf einen Themenbereich gestoßen, der
sie in ihren Arbeiten umtreibt: die Verarbeitung historischer,
Generationen übergreifender Traumata.
Bei Shadow Work diskutierten sie anhand von Ausschnitten
ihrer komplexen, interdisziplinären Arbeiten
ihr gemeinsames Interesse an der Verbindung und den
Widersprüchen von persönlichen Erinnerungen und
historischen Narrativen. Während die beiden persönliche
Geschichten mit politischen Ereignissen verwoben,
kamen Themen wie Storytelling, Folk, intergenerationales
Trauma und die ethischen Implikationen beim
Erzählen traumatischer Geschichte(n) zur Sprache.
Dabei nahmen Choi und Roberts das Publikum mit an
Orte ihrer Kindheit, in verschiedene Zeitzonen und zu
Kriegsschauplätzen – Räume und Zeiten, die die ZuhörerInnen
offensichtlich berührten und viel Stoff boten für
die anschließende Diskussion. SF & DB
Since May 2019, the interdisciplinary discussion
series "Common Ground" has brought together a
variety of perspectives and artistic positions of DAAD
Artists-in-Berlin Program guests in the form of public
dialogues. Fellows from various disciplines come
together and look for common ground—e.g. a shared
topic, medium, or method. This format offers fellows
a welcome opportunity to spend ample time to engage
with the work of their peers and learn from one
another, and also allows for a rigorous exchange of
ideas with Berlin audiences.
For its third edition, titled History As Material, visual
artists Mathieu Kleyebe Abonnenc and Runo Lagomarsino
as well as authors Don Mee Choi and Alan
Pauls explored the impacts of historical materials on the
works of artists who reflect on violent forms of protest
and political struggles.
While viewing and interpreting images and materials
together, participants discussed the challenges that
arise when dealing with historical events—in particular
those that are overrepresented, idealized, or suppressed
in media. What critical potential can arise from the
counter-narratives they develop in their artistic practice?
The next installment in the series, Shadow Work,
grew out of discussions that took place during History
As Material. In subsequent conversations, Poet Don
Mee Choi and composer and musician Matana Roberts
came upon a subject area that motivates both of them
in their work: addressing historical, generation-spanning
traumas.
For Shadow Work, they drew on excerpts from their
complex, interdisciplinary work to discuss their common
interest in the links and contradictions between personal
memories and historical narratives. While interweaving
their personal histories with political events, they
also discussed themes such as storytelling, folk culture,
intergenerational trauma, and the ethical implications of
recounting traumatic histories. Choi and Roberts transported
the audience to the places of their childhood,
different time zones, and theaters of war—spaces and
times that clearly affected audience members and
offered a wealth of material for the public discussion
that followed. SF & DB
41

© Jasper Kettner
JACEK
DEHNEL

Ein spürbarer Hauch
von Originalität und
Erhabenheit
Marta Kijowska
Bibliografie (Auswahl)
Lala
W.A.B., 2006
Lala
Rowohlt, 2008
[Ü: Renate Schmidgall]
Saturn. Czarne obrazy
z życia mężczyzn z
rodziny Goya
W.A.B., 2011
Saturn. Schwarze
Bilder der Familie Goya
Hanser, 2013
[Ü: Renate Schmidgall]
Mrs Mohr Goes Missing
Bloomsbury, 2019
[gemeinsam mit Piotr
Tarczyński. Ü: Antonia
Lloyd-Jones]
Er ist ein Mann mit vielen Talenten: Maler, Übersetzer, Literaturkritiker, Publizist,
Fernsehmoderator, Kulturmanager und einiges mehr. Doch vor allem ist
der 1980 in Danzig geborene Jacek Dehnel ein äußerst erfolgreicher Schriftsteller.
Das Image eines mit allen Wassern gewaschenen Intellektuellen
pflegt er genauso sorgfältig wie das eines bekennenden Homosexuellen und
stilbewussten Ästheten. Man denkt an Oscar Wilde und Tom Wolfe, gibt aber
auch schnell zu, dass seine Vorliebe für Fliegen und Gehstöcke bestens mit
seinen feinen Gesichtszügen und tadellosen Manieren harmoniert.
In seiner schriftstellerischen Karriere – er hat bislang mehrere Romane,
Erzählbände und Gedichtsammlungen publiziert – scheint es ebenso wenig
Platz für einen Zufall zu geben wie in seinem Outfit. Seine Entschlossenheit,
dem eigenen Leben einen Hauch von Originalität und Erhabenheit zu verleihen,
und diese Mischung aus intellektueller Disziplin und ästhetischer Wachsamkeit
verdankt er offenbar seinem Elternhaus, vor allem seiner Großmutter,
die ihn über Jahre intellektuell formte, und seiner Mutter, einer Malerin.
Die beiden Frauen haben ihn auch zu seinen bekanntesten Werken inspiriert.
Zum einen ist es der autobiografische Roman Lala (2006, dt. 2008),
in dessen Mittelpunkt seine Großmutter steht: eine alte Dame, die in ihrer Jugend
auffallend schön, aber auch intelligent, mutig und unternehmungslustig
war und dieser Mischung von äußeren und inneren Qualitäten eine enorme
Fülle von Erlebnissen verdankt. Da sie sich in hohem Alter auch noch als eine
passionierte Erzählerin entpuppt, verwebt sie ihre Erinnerungen zu einem
riesigen, bunten Geschichtenteppich, dessen raffiniertes Muster der Verworrenheit
der polnischen Schicksale im 20. Jahrhundert entspricht. Und zum
anderen der Roman Saturn (2011, dt. 2013), der wohl nicht zuletzt darauf
zurückgeht, dass Dehnel ursprünglich in die Fußstapfen seiner Mutter treten
und Maler werden wollte. Er erzählt darin nämlich die wichtigsten Episoden
aus dem Leben von Francisco Jose de Goya, von dessen sieben Kindern
nur ein einziger Sohn überlebte: Javier, über den nur bekannt ist, dass er
ebenfalls Maler wurde. Dehnel greift sowohl diese Fakten als auch den Umstand
auf, dass das Verhältnis zwischen Vater und Sohn problematisch war,
und beleuchtet die gleichen Situationen abwechselnd aus der Sicht beider
Männer. Der geniale Maler erscheint plötzlich als ein egoistischer und selbstverliebter
Haustyrann, Vielfraß und Flegel, der seine wahren Erfolge durch
erfundene potenziert und seinen Sohn mit Genuss als einen permanenten
Versager hinstellt.
Zu den vielen Talenten von Jacek Dehnel gehört auch die Fähigkeit, historische
Motive mit den heutigen polnischen Realien zu verknüpfen. Das tat er
zuletzt in dem 2019 erschienenen Schelmenroman Aber mit unseren Toten
(demnächst auf Deutsch), in dem die Geister der Vergangenheit zurückkehren,
um den Europäern polnische Werte zu vermitteln, im Endeffekt aber
nur für viel Chaos sorgen. Der Titel geht auf einen vielbeachteten Essay der
Literaturwissenschaftlerin Maria Janion zurück: „Nach Europa ja, aber mit
unseren Toten“. Und wenn man weiß, mit welcher Entschiedenheit Dehnel
sich im öffentlichen Leben engagiert, etwa indem er öffentlich die aggressive
politische Rhetorik geißelt oder für die Rechte der Homosexuellen eintritt, versteht
man, warum man in ihm eine der prägnantesten Persönlichkeiten der
polnischen Literaturszene sieht.
„Nach Europa ja, aber mit unseren Toten.“
43
Jacek Dehnel
Literatur
03/20-03/21

A Distinctive Element
of Originality and
Grandeur
Marta Kijowska
Selected Bibliography
Lala
W.A.B., 2006
Lala. Oneworld
Publications, 2018
[Transl.: Antonia
Lloyd-Jones]
Saturn. Czarne obrazy
z życia mężczyzn z
rodziny Goya
W.A.B., 2011
Saturn
Dedalus Books, 2013
[Transl.: Antonia
Lloyd-Jones]
Mrs Mohr Goes Missing
Bloomsbury, 2019
[co-written with
Piotr Tarczyński
and translated by
Antonia Lloyd-Jones]
He is a man of many talents: a painter, a translator, a literary critic, a journalist,
a TV host, a cultural organizer, and more. But Jacek Dehnel, born in
Gdansk in 1980, is one thing above all: a very successful writer. He carefully
cultivates his image as a jaded intellectual, an out gay man, and a styleconscious
aesthete. One can’t help but think of Oscar Wilde or Tom Wolfe,
though it’s undeniable that his predilection for bow ties and walking sticks is
in perfect harmony with his delicate features and perfect manners.
Dehnel has little tolerance not only for slipshod attire, but also, it seems,
for coincidence in his literary career—to date he has published multiple
novels, short story collections, and poetry. He owes his determination to add
an element of originality and grandeur to his life—a mixture of intellectual
discipline and aesthetic vigilance—in great part to his family, in particular to
his grandmother, who honed his intellect over many years, and his mother,
a painter.
These two women also inspired his best-known works. First, his autofiction
Lala (2006, English 2018). His grandmother is the central figure of
this novel: an old woman, dazzlingly beautiful in her youth, who is intelligent,
brave, and adventurous. Thanks to these inner and outer qualities, she lived
through a wide variety of experiences that she passionately recounts in her
old age. Her memories are woven together in an expansive, colorful tapestry
whose elaborate design reflects the complexity of the fate of Poland in the
twentieth century. Second, his novel Saturn (2011, English 2014), which also
has roots in the fact that Dehnel originally planned to follow in his mother’s
footsteps and become a painter. Saturn recounts some of the most important
episodes in the life of Francisco Jose de Goya. Of Goya’s seven children,
only one son survived: Javier, of whom no more is known other than that he
also became a painter, and that the relationship between father and son
was not easy. This is the starting point for Dehnel’s novel, which alternates
between the two men’s point of view. In this way Goya is revealed as an
egotistic, narcissistic, domestic tyrant; a glutton and a boor who piles feigned
achievements on top of real ones, and revels in making his son look like a
complete loser.
Among Jacek Dehnel’s many talents is his ability to connect historical
motifs with the reality of life in Poland today. He most recently demonstrated
this in his satirical novella But with Our Dead Ones (2019), in which the ghosts
of the past return as zombies to teach Polish values to Europeans, causing
only chaos in the end. The title references an essay by literary scholar Maria
Janion, “Yes to Europe, but together with our dead.” Whoever is aware of
Dehnel’s determined engagement with public life, his blistering castigation of
aggressive political rhetoric, and his advocacy for LGBT rights understands
why he is considered one of the most remarkable figures in Polish literary
circles today.
“Yes to Europe, but together with our dead.”
44
Jacek Dehnel
Literature
03/20-03/21

Ashley Hans Scheirl (Fellow 2019) & Jakob Lena Knebl:
La Poupée, le Doigt d'Or et les Dents : Fou de Rage.
Installation, Biennale d’art contemporain de Lyon,
09/19–01/20. Courtesy: Galerie CRONE, Berlin; Georg
Kargl Gallery, Wien; Belmacz Gallery, London; Galerie
Loevenbruck, Paris © Blaise Adilon
Unterstützt durch das Berliner Künstlerprogramm
des DAAD aus Mitteln des Auswärtigen Amtes /
Supported by DAAD Artists-in-Berlin Program with
funds from the Federal Foreign Office.

Eine auf ewig
frische Wunde
Still a Fresh
Wound
↑ Don Mee Choi &
David Moss, Opening
performance for DMZ
Colony, daadgalerie,
© Sebastian Bolesch
→ DMZ Colony,
daadgalerie,
Installationsansicht /
installation view
© Sebastian Bolesch
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Don Mee Choi
DMZ Colony
Ausstellung eines Buches /
Exhibition of a Book
12.03.2020 - 22.03.2020
daadgalerie
Wie könnte ein Gedicht in den dreidimensionalen Raum
übersetzt werden? Die in Seattle lebende Lyrikerin und
Übersetzerin Don Mee Choi (Fellow 2019) gab in der
daadgalerie eine Antwort auf diese Frage: Ihre Ausstellung
war von ihrem neuestem Buch inspiriert, DMZ
Colony, dem zweiten Teil einer Trilogie über Südkoreas
neokoloniale Beziehungen zu den USA, und griff auf
Texte, Objekte, Zeichnungen und Fotografien aus dem
Band zurück.
Choi, die in Südkorea geboren wurde, absolvierte
eine Ausbildung als bildende Künstlerin, bevor sie sich
der Lyrik zuwandte; heute schreibt sie Bücher, in denen
sich Bilder und Klänge kraftvoll entfalten. Ihre Gedichte
spielen mit Typografie und Leerräumen, sie beinhalten
Fotografien, Collagen und Zeichnungen und können die
Form von Hymnen, Schreien, theatralischen Dialogen
und Reden annehmen. In DMZ Colony wendet Choi all
diese Möglichkeiten auf eine Untersuchung der Demilitarisierten
Zone (DMZ) an, eine Synekdoche für die zerbrochene
nationale Einheit und ein Euphemismus für
das festungsartige Niemandsland, das die koreanische
Halbinsel teilt. Seit mehr als siebzig Jahren existieren
Nord- und Südkorea als zwei getrennte Länder, und
noch heute, so schreibt Choi, ist die DMZ eine durchschnittene
Taille, eine auf ewig frische Wunde.
In der Galerie stellte Choi das gebirgige Gebiet der
DMZ als abstrakte Karte mit schwarzen „Z“s und „M“s
vor einen düsteren Hintergrund. An anderen Wänden
zeigte sie Fotografien ihres Vaters, eines Journalisten,
der Südkoreas – von den USA unterstützte – Militärdiktatur
der Nachkriegszeit dokumentierte; abstrakte,
schleifenförmige Diagramme, die das Interview mit
Ahn Hak-sŏp abbilden, einem ehemaligen nordkoreanischen
Offizier, der während des Koreakriegs von den
US-Streitkräften gefangen gehalten wurde und heute
knapp unterhalb der DMZ lebt; und schließlich sechs
Reihen Aquarelle, die nackte Frauenfiguren darstellten,
Hüfte an Hüfte stehend. Ganz in der Nähe arrangierte
Choi eine skulpturale Gruppe weißer Hanbok-Kleider,
die aus Hanji, einem traditionellem Maulbeerpapier
gefertigt wurden, in Hab-Acht-Stellung.
Am Eröffnungsabend las sie aus DMZ Colony
zusammen mit dem Komponisten David Moss, einem
ehemaligen Fellow, der einen Soundtrack aus
dem Jenseits mit elektronischer Musik und Gesang
beisteuerte. „Rep-re-sen-ta-tion can be magical“,
intonierte Moss über schrillem Pulsieren. Chois eigene
poetische Zeilen hallten durch die lange, hell
erleuchtete Galerie:
„orphan“ – „Who am I?“ –
„behind the glass“ – “I wish and wish“
E. Tammy Kim
How might a poem, or a book of poems, be read in
three-dimensional space? At daadgalerie, Don Mee
Choi (fellow 2019), a poet and translator based in Seattle,
offered an answer to this question in the form of
DMZ Colony: Exhibition of a Book. The show combined
text, objects, drawings, and photography excerpted
from and inspired by Choi’s latest book, DMZ Colony,
the second in a trilogy about South Korea’s neo-colonial
relationship to the United States.
Choi, who was born in South Korea and trained as
a visual artist before turning to verse, writes books rich
in images and sound. Her poems play with typography
and white space, and incorporate photographs, collage,
and drawings, while taking the form of anthems,
screams, theatrical dialogue, and oratory. In DMZ Colony,
Choi applies all these modalities to a study of the
demilitarized zone, a synecdoche for broken nationhood
and a euphemism for the fortified no man’s land that
divides the Korean peninsula. For more than seventy
years, North and South Korea have existed as two separate
countries, obeying the logic of the Cold War. Today,
Choi writes, the DMZ is a cut waist and still a fresh
wound.
In the gallery, Choi rendered the DMZ’s mountainous
territory as an abstract map of black “Z”s and
“M”s against a foreboding backdrop of gray. On other
walls, she displayed photographs taken by her father, a
newsman who documented South Korea’s US-backed
postwar military dictatorship; looping diagrams from
her interview with Ahn Hak-sŏp, a former North Korean
officer who was imprisoned by US forces during the
Korean War and now lives just below the DMZ; and six
long watercolored rows of naked female figures, standing
hip to hip. Nearby, Choi posed a sculptural clump of
white hanbok dresses, crafted from hanji, or traditional
mulberry paper, to stand at attention.
On opening night, she read selections from DMZ
Colony in collaboration with composer David Moss,
a former DAAD fellow who supplied an otherworldly
soundtrack of electronic music and vocals. “Rep-resen-ta-tion
can be magical,” Moss intoned over a highpitched
pulse. Choi’s own poetic lines echoed through
the long, brightly lit gallery:
“orphan” – “Who am I?” –
“behind the glass” – “I wish and wish”
E. Tammy Kim
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Lockdown in Berlin, 04/20 © Ieva Epnere (Fellow 2019)

Rettungsboot
Ein Tagebuch der Pandemie in Zeiten
des Misstrauens. Fariba Vafi berichtet
aus Teheran im Frühjahr 2020.
Heimlich, still und leise schleicht das Coronavirus sich in unser Land. Der
Winter geht zu Ende. Als es an unserer Wohnungstür klingelt, mache ich auf
und sehe meinen Neffen die Treppe hochkommen, beladen mit Kartons und
Schachteln voller Lebensmittel und getrocknetem Fladenbrot.
„Ab heute geh ich in Quarantäne“, sagt er. „Ihr müsst das auch machen.“
Da ich häufig lesend oder schreibend Zeit zu Hause verbringe, wäre
eine Quarantäne für mich weder völlig neu, noch würde sie eine besondere
Einschränkung bedeuten. Tatsächlich verschafft sie mir sogar ein wenig
Freiheit. Unnötiges Hin und Her, Verwandtenbesuche, hierzulande im engen
familiären Umgang miteinander üblich und bisweilen aus Pflichtgefühl absolviert,
entfallen nun ohne Weiteres. Und doch herrscht, von den Nachrichten
um uns herum weitgehend verdrängt, große Anspannung. Meinem Neffen,
sechsundvierzig, alleinstehend, gesellig, macht das Virus unglaubliche
Angst, und er igelt sich schneller ein als der Rest der Familie.
Mit zweiwöchiger Verzögerung melden die heimischen Nachrichten offiziell
das Auftreten des Virus in der heiligen Stadt Ghom. Über die Jahre hin
haben wir gelernt, uns auf offizielle Meldungen unsere eigenen Reime zu
machen. Die ewige Heimlichtuerei und die unverblümten Lügen unserer Verantwortungsträger
und der offiziellen Medien in unserer intransparenten
Gesellschaft haben uns zu krankhaft misstrauischen Pessimisten gemacht.
Wir glauben nie, was wir hören, wir können nicht erkennen, wo die Wahrheit
liegt, und wieviel von ihr man uns überhaupt zu erkennen gestattet.
Misstrauen halte ich für gefährlicher als jedes Virus. Ein Virus vergeht eines
Tages, Misstrauen aber bleibt. Es befällt den Geist und die Seele des Menschen,
und keine Impfung der Welt hilft dagegen. Zudem gehen chronische
Depressionen, geistige Verwirrung, Orientierungslosigkeit damit einher.
Und mit der Zeit erwächst daraus eine junge Generation, die in nichts in
diesem Leben und nichts auf dieser Welt Vertrauen setzt. In Ghom sorgt das
Coronavirus unterdessen für Wirrwarr. Obwohl es angeblich Studierende
aus China eingeschleppt haben, wurde der Flugverkehr zwischen China und
Iran nicht eingestellt. Für die Stadt ist eine Quarantäne im Gespräch, aber
unter den Machthabern finden sich immer einige, die landesweit einheitliche
Entscheidungen zu verhindern wissen. Unter den Fundamentalisten
vertreten einige gar die Ansicht, Schreine und andere heilige Stätten wendeten
das Unheil ab und müssten deshalb gar nicht geschlossen werden. Wie
zum Beweis leckte ein Mann am Grabmal in einem Schrein, und in den sozialen
Medien rät man der Bevölkerung, in heiligen Schriften erwähnte Öle
und Heilkräuter zu nutzen. Der Menschen Sinn für Humor und Ironie, der
ihnen seit jeher als blanke Waffe gegen den offiziell verbreiteten Aberglauben
dient, findet derzeit reichlich Nahrung. Witzige Videoclips machen via
Handy die Runde.
Das Virus, von allem Wirbel unbeeindruckt, heftet sich an einen Reisenden
und erreicht von Ghom aus rasch die Hauptstadt. Den Menschen im
Land schwirren die Köpfe vor lauter Gerüchten, widersprüchlichen
49
Fariba Vafi
Rettungsboot

Nachrichten, falschen und richtigen Hinweisen zur Gesundheitsvorsorge,
und sie fühlen sich ungefähr so wie einst die Passagiere auf der Titanic, wobei
diesmal Rettungsboote nur für Kinder und Jugendliche vorhanden sind.
Unterdessen muss die Regierung das Freitagsgebet, die größte Machtdemonstration
der Islamischen Republik, absagen. Schreine, Moscheen, Heiligengräber
und andere Orte, an denen Gläubige zusammenkommen, werden,
ungeachtet aller Fundamentalistenproteste, geschlossen.
Jeder geht auf seine Weise mit der Coronapandemie um. Das betagte
Ehepaar in der Wohnung unter uns zieht sich in seine stille, dunkle Behausung
zurück und wünscht sich vielleicht, wie die sieben Schläfer in der Höhle
bei Ephesus, erst Jahrhunderte später wieder zu erwachen. Viele Menschen,
mein Neffe unter ihnen, schotten sich vollständig ab und verfolgen Tag und
Nacht mit viel Aufwand und Einsatz, was um sie herum geschieht. Sie ärgern
sich über die Gleichgültigkeit von Zeitgenossen, die Warnungen in den
Wind schlagen und auch jetzt noch draußen unterwegs sind, statt zu Hause
zu bleiben, und heften sich ihren Verwandten, insbesondere den Eltern,
per Telefon und Internet an die Fersen. Mein Neffe trägt mittlerweile einen
Vollbart und heißt jetzt im Kreise der Familie, die der Außenwelt noch nicht
vollends den Rücken gekehrt hat, Robinson Crusoe. Alle bemühen sich nach
Kräften, seine Befürchtungen zu zerstreuen, sie zumindest zu lindern. Sie
raten ihm, seine Insel täglich für eine Stunde zu verlassen und draußen spazieren
zu gehen, damit er den Kontakt zur realen Außenwelt nicht verliert.
Darüber, was diese reale Außenwelt eigentlich ausmacht, führen sie dann
stundenlange Debatten. Zum Spaß sagen sie, Robinson wird eines Tages
aus dem Haus gehen und sich erstaunt die Augen reiben, weil es eine neue
Landeswährung gibt, das Stadtbild sich verändert hat, die Menschen sich
anders kleiden. Derlei therapeutische Späße kommentiert Robinson mit
der Feststellung, dass man am Coronavirus kampflos zugrunde gehe und er
keineswegs so sterben wolle. Durch seine Quarantäne entzieht er sich, wie er
sagt, sowohl seinem tatsächlich als auch dem potenziell infizierten Umfeld
und baut sich auf diese Weise sein eigenes Rettungsboot.
Allerdings gibt es auch Menschen, die nichts zu essen haben, wenn sie
zu Hause bleiben. Zu ihnen zählen Kleinunternehmer, Tagelöhner, Straßenhändler,
alleinerziehende Mütter, Taxifahrer und viele andere Angehörige
jener Gesellschaftsschichten, denen die Rezession der vergangenen Jahre
bereits die letzten Kräfte geraubt hat. Für sie ist das Virus wie ein direkt auf
ihre hageren, ausgezehrten Gestalten zielender Pfeil.
Viele junge Menschen sind nach der Zerschlagung aller zivilgesellschaftlichen
Protestbewegungen der letzten Jahre bis ins Mark enttäuscht und
hoffnungslos. Weil sie ihre Lage schon vor dem Ausbruch des Virus für
aussichtslos hielten und auch für die Zeit nach der Pandemie keinerlei Perspektive
sehen, ist es ihnen einerlei, ob sie sich im Freien aufhalten oder
zu Hause bleiben. Sie kochen vor Wut und haben nichts mehr zu verlieren.
Da die meisten Menschen hierzulande den größten Teil ihres Lebens unter
wachsender Ungleichheit und Ungerechtigkeit in einer von erdrückenden
Sanktionen geplagten Gesellschaft verbracht und bereits zahlreiche Krisen
gemeistert haben, erleben sie die Coronakrise als nichts Besonderes. Im
Herbst letzten Jahres starben viele, meist junge Leute bei Straßenprotesten.
Viele Familien hatten Opfer zu beklagen. Zahllose Protestierende wurden
festgenommen und gemeinsam mit UmweltaktivistInnen und anderen
zivilgesellschaftlich engagierten jungen Menschen zu langen Haftstrafen
verurteilt. Als das verheerendste, zugleich traurigste Ereignis empfindet die
Gesellschaft jedoch den Fehler der iranischen Flugabwehr, der [im vergangenen
Januar] den Abschuss des ukrainischen Passagierflugzeugs PS752 zur
Folge hatte, bei dem alle Insassen ums Leben kamen.
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Fariba Vafi
Rettungsboot

Nicht unerwähnt sollten diejenigen Menschen bleiben, die durch ihr unvernünftiges
Verhalten ihre Familienangehörigen gleich mehrfach in Gefahr
bringen, zum Beispiel durch den Konsum von Alkohol. Der ist hierzulande
zwar seit vier Jahrzehnten verboten, stadtweit aber erhältlich. In großen
Mengen wird er dieser Tage zur Desinfektion gebraucht. Nach Jahrhunderten
ist gar der Name seines Entdeckers, Zakariya al-Razi, wieder in aller
Munde, noch vor allen Heiligen und anderen Celebritys. Vom Händewaschen
abgesehen, sind manche Leute dem Irrglauben erlegen, das Coronavirus
ließe sich im Rachen durch Gurgeln mit Alkohol abtöten. Wobei einige Menschen
sich nicht aufs Gurgeln beschränken, sondern die Flüssigkeit auch in
größeren Mengen trinken und im allgemeinen Chaos aus einem ganzen Sortiment
von Schwarzbränden wählen können. Deren Konsum kostete binnen
weniger Wochen mehr als dreihundert Menschen das Leben, weil offizielle
Kontrollen unterbleiben. Und wer mit dem Leben davonkommt, büßt bisweilen
sein Augenlicht ein.
Die Einschränkungen des Stadtlebens treffen mit dem Frühlingsanfang
und mit Nowrus zusammen, dem seit Jahrtausenden gefeierten, hierzulande
größten Fest des Jahres – das auch für neues Leben steht und das man mit
Frühjahrsputz, frischen Lebensmitteln und anderen Einkäufen begrüßt.
Alles blitzt vor Sauberkeit, und man nimmt sich Zeit für Besuche und Gegenbesuche.
Dieses Jahr aber ist von einer Feststimmung nichts zu spüren.
Es regnet zwar, die Luft ist frisch. Die Bäume blühen. Es duftet überall nach
Blumen und man hört die Vögel vernehmlicher zwitschern als sonst. Besuche,
Gegenbesuche, Gästebewirtung aber sind untersagt. Stattdessen müssen
die Leute zu Hause bleiben und ihr Leben und ihre vier Wände neu erfinden.
Die nimmt man nun genauer unter die Lupe und findet Schwachstellen.
Eine Freundin berichtet, sie habe sich seit ewigen Zeiten davor gedrückt,
eine bestimmte Ecke im Haus sauberzumachen. Nun komme sie nicht länger
darum herum. Die Beziehung der Menschen zu ihren Wohnräumen ändert
sich. Sie sind jetzt keine bloßen Aufenthaltsorte mehr. Auch nicht mehr nur
Orte, an denen man schläft. Jetzt findet hier alles statt: arbeiten, schlafen,
essen, spazieren gehen, nachdenken. Es geht nicht mehr nur darum, die vier
Wände sauber zu halten. Man muss sich mit ihnen arrangieren. Die Familie
kommt zusammen. Man bemüht sich redlich, aus der Not eine Tugend zu
machen, die Krise als Chance zu begreifen und das familiäre Beisammensein
zu genießen. Zumindest wird im Fernsehen und in den sozialen Medien
dazu geraten, dafür geworben. Berufstätige Männer und Frauen, Mütter
und Väter, die sich das ganze Jahr über abgerackert haben, können sich
jetzt, in der wohlverdienten Frühjahrspause, ungeniert vor die Glotze hängen
und ausspannen. Kinder haben schul- und hausaufgabenfrei und können
bis weit nach Mittag im Bett bleiben. Alle verwenden in diesen Tagen
mehr Sorgfalt aufs Händewaschen. Die von Müttern unermüdlich und über
Jahre hin vergebens gepredigten Hygieneregeln finden plötzlich wie von
selbst Beachtung. Doch ganz so mühelos, wie es scheint, fügen sich die
Puzzleteile, die eine Wohnung ausmachen, nicht zusammen. Die vier Wände
stehen unter Hochdruck, so manches Zuhause gar kurz vor der Explosion. In
vielen sehr kleinen Stadtwohnungen müssen Familien einander nun notgedrungen
Tag und Nacht ertragen. Auf engstem Raum, in dem jedes Familienmitglied
sein heiß umkämpftes Fleckchen für sich beansprucht.
Für die Frauen bleibt hier am wenigsten Platz, bei steigender Arbeitslast.
Sie müssen alles, was ins Haus gebracht wird, mehrmals waschen. Sie müssen
über die Einhaltung der Hygieneregeln wachen. Sie müssen sich um die
unter ihrem Dach lebenden alten Menschen kümmern, müssen die Jüngsten
beschäftigen, die Älteren bei Laune halten. Sie müssen mit gereizt mäkelnden
Ehemännern Kindererziehung und tausend andere Familienangelegenheiten
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Fariba Vafi
Rettungsboot

ausdiskutieren. Und sie müssen die Haushaltskasse führen. Das bisschen
Raum, das sie bisher für sich hatten, sobald alle anderen tagsüber aus dem
Haus waren, haben sie binnen weniger Tage eingebüßt, und auch die einfache
Möglichkeit, Haus oder Wohnung vorübergehend zu verlassen, ist ihnen nun
verwehrt.
Frauen aus dem Mittelstand ertrugen dieses Los zwar relativ leicht, doch
nun gehen auch sie weder ins Fitnessstudio noch ins Schwimmbad, und
von privaten Treffen müssen auch sie absehen. Die häuslichen Krisen sind
untrennbar mit den Überlebenskämpfen draußen verknüpft. Das kranke
Wirtschaftssystem versagt bei der Entwicklung und Umsetzung von Hilfsprogrammen.
Es hat sich seiner Verantwortung für die allgemeine Gesundheits-
und Daseinsvorsorge entledigt und bürdet diese Last jedem und jeder
einzelnen auf – von finanzieller Hilfe ganz zu schweigen. Jeder muss sehen,
wie er zurechtkommt. Ohne jede staatliche Unterstützung. Darüber, dass
häusliche Gewalt und Prügeleien sich stark häufen, wird in den offiziellen
Medien kaum ein Wort verloren. Die Scheidungsrate ist hoch. In einer Provinz
im Norden des Landes ist es mittlerweile verboten, Scheidungen einzureichen.
Laut Gesundheitsamt gehen aufgrund häuslicher Streitigkeiten
mittlerweile dreimal mehr Anrufe ein als bisher.
Das Virus greift indes weiter um sich. Wer unter Quarantäne steht, lebt
auf Inseln, per Internet miteinander verbunden. Die ganze Welt ist über das
Befinden ihrer BürgerInnen im Bilde. Die einen legen Puzzles, andere kochen,
tanzen, schauen Filme oder Seifenopern, und alle dürfen ihnen dabei
zusehen. Ich mache Besorgungen für die Nachbarn unter mir und stelle ihnen
die Einkäufe vor die Tür. Kein Lebenszeichen indes von Robinson. Seine
Schritte, manchmal noch spät abends ein Hinweis auf seine Schlaflosigkeit,
sind seit einiger Zeit nicht mehr zu hören. Ich erkundige mich nach ihm. Das
lange Alleinsein setzt ihm zu. „Jetzt kann ich nachempfinden, wie jemand in
Isolationshaft sich fühlt“, sagt er.
Die Lage in den Gefängnissen gibt allen Grund zur Beunruhigung. Die
Regierung hat nur einen Bruchteil aller Häftlinge entlassen. Zahllose Protestschreiben
kursieren. In einem fordern Kunstschaffende, AutorInnen,
ÜbersetzerInnen, FilmemacherInnen, AktivistInnen der Zivilgesellschaft
Hafturlaub für alle Gefangenen. Wo es zu Gefängnisrevolten kommt, gelingt
manchen Insassen die Flucht. Aber auch an anderen Orten, an denen viele
Menschen auf engem Raum zusammenleben, besteht Infektionsgefahr. Die
Pandemie macht vor Senioren- und Pflegeheimen nicht Halt.
Und selbst wenn es in den Straßen der Stadt ruhig wird, sieht man noch
Kinder ihre bloßen Hände nach Geld ausstrecken, während sie an großen
Kreuzungen Autofenster putzen. Obdachlose wühlen mit bloßen Händen im
Müll. Straßenhändler breiten an allen Ecken ihr Warenangebot aus. Robinson
hat seine anfängliche Ratlosigkeit überwunden, lässt das Obst und die
Speisen, die wir ihm vor die Tür stellen, aber unberührt. Während wir uns
seiner extremen Haltung und seiner möglichen Unterversorgung mit frischen
Lebensmitteln wegen Gedanken machen, macht er Pläne für sich und
für uns. Er rationiert seine Vorräte. Treibt täglich Sport. Wenn er in seiner
Wohnung über mir Seil springt, wackelt hier die Decke. Täglich verfolgt er
den Verlauf der Corona-Krankheitskurve und hält unsere Telegram-Gruppe
auf dem Laufenden.
Überhaupt liefern Chat-Gruppen bei Telegram- und Whats-App-NutzerInnen,
die Antworten auf ihre Fragen suchen, wichtige Informationen. Hier hat
man wirklich Zugang zu allem. Gesundheitstipps, neuste wissenschaftliche
Erkenntnisse, Aufsätze über das Coronavirus und über die Zeit danach.
Gruppenmitgliedern, die eifriger bei der Sache sind als andere, kommt die
Aufgabe zu, den vor Angst Traumatisierten Mut zu machen, moralischen
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Fariba Vafi
Rettungsboot

Beistand zu leisten. Die einen sorgen sich um ihre im Ausland studierenden
Kinder. Andere stehen vor dem Bankrott. Wieder andere sind depressiv geworden.
Viele SchülerInnen und StudentInnen haben keinen Zugang zum
Internet oder zu Online-Kursen.
Robinson bestellt uns ins Treppenhaus. Am Fuß der Treppe zu seiner
Wohnung sollen wir stehenbleiben. Er bleibt oben an der Treppe stehen.
Um angemessenen Abstand zu wahren. Es riecht jetzt nicht mehr nach dem
Parfüm der Frau, die kurz zuvor durchs Treppenhaus gegangen ist, sondern
nach Alkohol. Robinson, dem und dessen Bauch man ansah, dass er einst
mit gesegnetem Appetit aß, führt uns, die wir in jüngster Zeit reichlich gegessen
und geschlafen haben, seine neue Figur und den flachen Bauch vor.
Woraufhin wir nur entgegnen: „Wenn uns zu beschämen dein Ziel war, hast
du’s auf ganzer Linie erreicht.“ Er sagt, er habe erkannt, wie falsch sein bisheriger
Lebensstil war und dass er ihn ändern müsse.
Uns erreicht die Nachricht vom Tod eines lieben Freundes. Wir können
nicht an sein Grab gehen, um zu trauern. Auch Besuche in Polikliniken oder
Krankenhäusern sind nun mit Gefahren verbunden. Die Behandlung von
Leiden, die bereits vor Auftreten des Virus regelmäßiger medizinischer Versorgung
bedurften, wird schlicht auf unbestimmte Zeit vertagt. Eine ältere
Frau befürchtet, man könnte sie nach ihrem Tod mit [desinfizierendem,
auch zersetzendem] Kalk bestreuen. Eine andere hat Angst, von ihrer Familie
ins Krankenhaus abgeschoben zu werden.
Die Zivilgesellschaft startet zahlreiche Kampagnen. Eine fordert HausbesitzerInnen
und VermieterInnen zu Mietsenkungen auf. Eine andere sammelt
medizinisches Gerät und Material für ÄrztInnen und Pflegepersonal.
Eine dritte setzt sich für arbeitslos gewordene MitbürgerInnen ein.
Unter dem tagtäglichen Bombardement mit Hiobsbotschaften hat unser
Nervenkostüm schwer gelitten. Robinson ruft an. Wir sollen ihm per Videostream
folgen. Er scheint Wichtiges verkünden zu wollen. Wir, stets auf das
Schlimmste gefasst, stellen uns unwillkürlich auf eine unangenehme Überraschung
ein. Robinson führt uns gelassen in jeden Winkel seiner Wohnung.
Wir staunen nicht schlecht. Bisher sah seine Behausung immer aus wie
nach einem Bombeneinschlag. Jetzt ist sie aufgeräumt und blitzblank. Er
nimmt uns mit auf seine Dachterrasse, von der aus er sowohl den wolkenlosen
blauen Himmel über sich als auch die kranke, schmutzige Stadt und
Erde unter sich sehen kann. Er selbst macht den Eindruck, als habe er sich
nach reiflicher Überlegung zwischen Himmel und Erde eingerichtet. Er lenkt
seine Kamera auf das Grün, das er in den ersten Tagen seiner Quarantäne
zu pflanzen angekündigt hatte. Sein Plan scheint aufgegangen, die Pflanzen
sind gewachsen. Einige tragen sogar schon Blüten, die im Tageslicht hell
schimmern.
Dieser Artikel erschien am 19. April 2020 im Tagesspiegel, Berlin.
Aus dem Persischen von Jutta Himmelreich.
53
Fariba Vafi
Rettungsboot

© Jasper Kettner
FARIBA
VAFI

Die Verantwortung
der Schreibenden
Maryam Aras
Bibliografie (Auswahl)
Parande-ye-man
Nashr-e-Markaz
Teheran, 2002
Kellervogel
Rotbuch Verlag, 2012
[Ü: Parwin Abkai]
Razi dar Kucheha
(Ein Geheimnis der Straße)
2008
Un secret de rue
Zulma, 2011
[Ü: Christophe Balaÿ]
Tarlan
2006
Sujet, 2015
[Ü: Jutta Himmelreich]
Rowya-ye-Tabbat
2007
Der Traum von Tibet
Sujet, 2018
[Ü: Jutta Himmelreich]
Ba’d az pāyān
2014
„Wir sind ein mitteilsames Volk. Wir können stundenlang reden, ohne auch
nur eine einzige Zeile zu schreiben, denn Schreiben heißt: Verantwortung
übernehmen.“ Diese prophetischen Worte einer weisen Frau empfängt
Fariba Vafis Titelheldin Tarlan nach der Veröffentlichung ihrer ersten Kurzgeschichte.
Sie solle diese Verantwortung annehmen und schreiben, unbedingt,
sagt die weise Frau. Doch um schreiben zu können, muss man gelebt haben.
An Lebenserfahrung mangelt es der jungen Tarlan kurz nach der iranischen
Revolution 1979 noch. Bis sie ihre Stimme als Schriftstellerin findet, ist es ein
langer Weg. „Tarlan“ bedeutet Falke auf Azeri, Fariba Vafis erster Sprache.
Wie die meisten iranischen SchriftstellerInnen der multiethnischen Gesellschaft
schreibt sie auf Persisch, ihrer Zweitsprache. Dass ihre Romane und
Kurzgeschichten den Weg vor allem zu ihren Leserinnen finden, ist für Vafi
existenziell.
Schon mit ihrem ersten Roman Parande-ye-man (2002, dt. Kellervogel,
2013) schaffte sie ein Novum moderner iranischer Autorinnenschaft: balancierend
zwischen einer sprachästhetisch reduzierten Erzählung einer Hausfrau
und Mutter, die um ein selbstbestimmtes Leben kämpft, verhandelt sie
gesellschaftliche Tabus wie entfremdete Mutter-Kind-Beziehungen, unerfüllte
Ehen oder die Flucht ins Exil. Dies tut sie leise, den Zensor vorausahnend.
Obwohl alle ihre bisher dreizehn Romane und Kurzgeschichtenbände zum
Gegenstand der Zensur wurden, konnten sie letztlich zu ihren Leserinnen
finden. Frauenfiguren zu erschaffen, die sonst kaum Platz in der postrevolutionären
Literatur hätten, Stimmen hörbar zu machen, die sonst stumm
blieben, das ist Fariba Vafis Anspruch. Die Verantwortung der Schreibenden
als Metaerzählung.
Während sie in Tarlan die Coming-of–Age Story einer angehenden
Schriftstellerin vor dem Hintergrund einer Polizistinnen-Kaserne kurz nach
der Revolution entwirft, erzählt sie gleichzeitig durch die Biografien der
Mit-Kadettinnen, ihrer unterschiedlichen sozialen und ethnischen Herkunft,
eine kollektive Biografie der Frauen ihrer Generation. So falkenhaft wie die
Heldin ihres Romans, ist die Schriftstellerin selbst eine kluge Beobachterin
ihrer Umgebung und Mitmenschen. „Der Stil eines Schriftstellers ist abhängig
von seiner Sicht auf das Leben“, hat Fariba Vafi einmal gesagt. Oft analysiert
sie Strukturen, die zwischenmenschliche Beziehungen zerstören. „Ich
versuche, sie in ihrem Wesen zu erfassen und kritisiere sie. Innerhalb dieser
Gemeinschaft, die wir Familie nennen, versuchen Frauen Widerstand zu leisten
gegen die Unterdrückung und die Gewalt, der sie oft ausgesetzt sind, um
in irgendeiner Form zu einer unabhängigen Identität zu finden.“ Ihr Blick ist
sezierend, schonungslos und doch voller Humor.
Vafis Erzählungen sind Mikrokosmen; in ihrer beinahe beiläufigen Poetik
erfasst sie Emotionen und Strukturen, die fast immer auch politisch sind. Selten
wird sie dabei so explizit wie in ihrem 2013 erschienenen Roman Ba’d az
pāyān (Nach dem Ende), in dem sie Zaynab Pasha, eine frühe Frauenrechtlerin
und Guerillakämpferin aus Tabriz, Vafis Heimatstadt, als Leitbild für ihre
Protagonistin hochhält: „Mama sagte, ich soll Zaynab Pasha in Ehren halten.
Dass ich von ihr lernen solle und nicht von ihr selbst, Mama, weil sie ihr Leben
lang ein blinder Vogel gewesen sei. Sie war fest davon überzeugt, wie ein
blinder Vogel durchs Leben gegangen zu sein. Nicht mal wann, und warum
überhaupt sie geheiratet hatte, konnte sie sagen.“
Wir können stundenlang reden, ohne
auch nur eine einzige Zeile zu schreiben,
denn Schreiben heißt: Verantwortung
übernehmen.
55
Fariba Vafi
Literatur
08/20-08/21

The Responsibility
of the Writer
Maryam Aras
Selected Bibliography
Parande-ye-man
Nashr-e-Markaz
Tehran, 2002
My Bird
Syracuse University Press
Syracuse, 2009
[Transl.: Mahnaz Lousha
and Nasrin Jewell]
Razi dar Kucheha
(A Secret of the Street)
Nashr-e-Markaz
Tehran, 2008
Un secret de rue
Zulma, 2011
[Transl.: Christophe Balaÿ]
Tarlan
Nashr-e-Markaz
Tehran, 2006
Sujet, 2015
[Transl.: Jutta Himmelreich]
Rowya-ye-Tabbat
Nashr-e-Markaz
Tehran, 2007
Der Traum von Tibet
Sujet, 2018
[Transl.: Jutta Himmelreich]
Ba’d az pāyān
Nashr-e-Markaz
Tehran, 2014
“We’re a communicative people. We can talk for hours without putting a single
line to paper, because to write is to take on responsibility.” Tarlan, the protagonist
of Fariba Vafi’s eponymous novel, is told these prophetic words by a
wise woman after publishing her first story. She should shoulder this responsibility
and write, by all means, the wise woman said. But to write, you have
to have lived. And in 1979, shortly after the Iranian revolution, young Tarlan is
lacking in life experience. She has a long way to go before she finally finds her
voice as a writer. “Tarlan” means falcon in Azeri, Fariba Vafi’s first language.
But like most writers in Iran’s multiethnic society, Vafi writes in Farsi, her second
language. It is of existential importance to Vafi that her novels and short
stories find their way to readers, especially women readers.
Her first novel, Parande-ye-man (My Bird, 2002) was a singular event for
modern Iranian women authors. In this beautifully written, finely-tuned tale
of a wife and mother struggling for autonomy, Vafi probes societal taboos
such as estranged mother-child relationships, unfulfilling marriages, and escaping
into exile. But her handling of these issues is so understated that this
book, like her twelve others, was able to pass through censorship, albeit not
completely uncensored. Vafi aims to create female characters that are rarely
portrayed in postrevolutionary Iranian literature, to give voice to those who
are otherwise voiceless. The responsibility of the writer as metanarrative.
Tarlan is a coming-of-age novel about a budding writer in a women’s
police academy shortly after the revolution. Through the stories of the other
cadets, who hail from diverse social and ethnic backgrounds, Vafi paints a
collective portrait of the women of her generation. As falcon-like as her fictional
hero, the writer herself is a sharp observer of her environment and of
her fellow humans. “A writer’s style depends on their view of life,” Fariba Vafi
once said. Often she analyses the structures that destroy human relationships.
“I try to understand their core, and criticize them. Within the community
that we call ‘family,’ wo-men try to resist the oppression and the violence
that they often face in order to achieve some kind of independent identity.”
Her gaze is incisive and unsparing, and yet full of humor.
Vafi’s stories are microcosms. In their almost incidental poeticism, they
encompass emotions and structures that very nearly always also comprise
a political element. Yet rarely is she as explicitly political as in Ba’d az pāyān
(After the End, 2013). Zaynab Pasha, a guerrilla fighter from Tabriz, Vafi’s
hometown, and an early advocate of women’s rights, serves as the protagonist’s
role model. “Mama says I should honor Zaynab Pasha. That I should
learn from her and not from Mama herself, because she’s been a blind bird
all her life. She was convinced that she had gone through life like a blind bird.
She couldn’t even say when, much less why, she had married.”
We can talk for hours without putting
a single line to paper, because to write
is to take on responsibility.
56
Fariba Vafi
Literature
08/20-08/21

Lifeboat
A diary of the pandemic in times of mistrust.
Fariba Vafi reports from Tehran in spring 2020.
Coronavirus arrives in our country sneakily and quietly. It is the beginning
of winter and my nephew is ringing the doorbell of our apartment. I open the
door and I see him coming up the stairs, loaded with bags of groceries and
stale bread.
"From today on, I‘m self-isolating. You should do that too." he says.
As I mostly spend my time reading or writing at home, lockdown would
neither be new nor particularly restrictive for me. In fact, it would bring a
little freedom. Unnecessary commutes back-and-forth and gatherings with
relatives, which is sometimes seen as an obligation in Iranian culture, have
been eliminated without the slightest effort. However, the stress level is
high, largely suppressed by the news around us. My nephew, a sociable forty-six
year old single man, is unbelievably terrified of the virus and is locking
himself up at home sooner than anyone else. Two weeks later, the news officially
reports that the virus has been found in the holy city of Qom.
Over the years, we have gotten used to interpreting official reports on
our own. The constant secrecy and blatant lies from our leaders and the
official media of our opaque society have turned us into morbidly doubtful
pessimists who never believe what we hear, and who cannot understand
where the truth lies and to what extent it might be shared with us. In my
opinion, mistrust could be even more alarming than any virus. A virus can
be eradicated, while mistrust remains. Its aftereffects will spread across
people’s minds and souls, and no inoculation can make it disappear. Chronic
depression and mental confusion results from this mistrust, and a generation
that does not believe in this life or this world will gradually be raised.
Coronavirus throws Qom into complete turmoil. It was allegedly brought in
by Chinese clerics. Commercial flights to China keep operating, even after
the outbreak. Although a nation-wide lockdown is being debated, there is a
group of powerful people who sabotage state-level decision-making. Some
fanatics believe that shrines and holy places will ward off the outbreak and
therefore should not have to close. A man licks a tomb in a shrine to prove
their words, and the media advise people to use healing essential oils and
herbs. People who have used sarcasm as a coping mechanism against widespread
official superstition have a lot to make fun of. As a result, funny video
clips rapidly proliferate.
Regardless of all ongoing controversies, Coronavirus attaches itself to
a traveler and arrives in the capital. People puzzle over rumors, contradictory
news reports, and heathcare advice both correct and incorrect. They
ressemble the passengers on the Titanic, although this time the lifeboat is
only available for children and young people. The government has to cancel
Friday prayers, the most powerful ritual in the Islamic Republic‘s arsenal.
Shrines, mosques, and tombs of saints will be closed regardless of protests
by extremists.
People have different attitudes towards Coronavirus. The elderly couple in
the apartment below have withdrawn into their hollow of gloom and silence,
57
Fariba Vafi
Lifeboat

like the seven sleepers in the cave, who wish only to awaken in another time.
Many people, my nephew among them, isolate themselves completely. They
watch the news obsessively day and night. They are angered by the ignorance
of others, who seemingly take no notice of warnings and continue to travel.
They check in on relatives, especially their parents, on the phone and via
social media. My nephew, who grew a full beard during this time, is named
Robinson Crusoe by family members who have not yet completely cut off
their interactions with the outside world. Everyone is trying his or her best to
allay the dread a little. They encourage him to leave his island for a few hours
a day and go for a walk on the street, so that he does not lose touch with reality.
They then debate for hours what that reality actually is. They joke that one
day Robinson will come out of his cave and rub his eyes in amazement only
to discover that there is a new national currency, the cityscape has changed,
and people dress differently. In response to their humor, Robinson points out
that people are perishing from the Coronavirus without putting up a fight
and that he, under no circumstances, wishes to die like that. Thanks to his
quarantine, he says, he has escaped both his actual environment and the
potentially infected one, and is building his own lifeboat.
However, there are also people who will have nothing to eat if they stay at
home. Small business owners, day laborers, peddlers, single mothers, taxi
drivers, and members of many other vulnerable groups have not been able
to cope with the recession of recent years. To them, Coronavirus is like a bullet
aimed directly at their gaunt and emaciated bodies.
Many young people, after the suppression of social movements, are
caught in such despair and profound mental stagnation that they do not
see any prospects before and after the outbreak. It does not matter to them
whether they go outside or stay at home. In any case, they cannot imagine a
future for themselves. They are outraged and have nothing left to lose. The
majority of people have lived many years under injustice, growing social inequality,
and oppressive sanctions, so in comparison with the other calamities
they have experienced, the pandemic is nothing special. Last autumn,
many people, mostly very young, were killed in street protests, and many
families mourned the victims. Many protesters were arrested and sentenced
to long prison terms along with environmental and civil rights activists.
However, the most devastating and tragic event of all was a mistake by the
Iranian counter-air defence, which last year targeted a Ukrainian airplane,
killing all its passengers.
There are also those who put their family members in additional misery
through excessive behavior. For instance, via the consumption of alcohol.
Drinking has been forbidden in our country for forty years, although alcohol
can be found across the city. These days, the need for disinfectant has
greatly increased the need for alcohol. The name Zakariya al-Razi, who first
discovered alcohol, has surpassed all the saints and celebrities, and after
centuries is now on everyone’s lips. Apart from handwashing, some people
have succumbed to the misconception that the virus can be killed in the
throat by gargling with alcohol. And some people do not limit themselves
to gargling. They increase their alcohol consumption. Amid such chaos, all
kinds of unmonitored counterfeit goods can be found. Within a few weeks,
the consumption of counterfeit alcohol kills more than three hundred people.
Others survive, but become blind in both eyes.
The restrictions in cities coincide with the beginning of spring and
Nowruz holidays—the great Iranian celebration, held for thousands of years,
which also signifies revival. People welcome the new year with spring cleaning
and shopping. Everything is cleaned, and people get ready for visits and
returning visits. But this year there is no sign of that festive atmosphere.
58
Fariba Vafi
Lifeboat

It is raining and the air is fresh. The trees are blooming. Chirping birds can
be heard more clearly that unsual. The pleasant fragrance of flowers is in
the air. But visiting others and acts of hospitality are forbidden. Instead,
people must stay home and reinvent a new meaning of life and home. Every
nook and cranny of the home is being discovered. A friend says she had been
reluctant to clean a certain corner of the house for ages. Now she can no
longer avoid it. People‘s relationships with their living spaces are changing.
They are no longer just accommodations, no longer just a place to sleep.
The home is now everything. It is for working, sleeping, eating, walking, and
thinking. And it is no longer just about keeping the contents within its four
walls clean. In addition to cleaning, one has to deal and come to terms
with a new reality.
The family comes together. We are told on television and social media to
see the crisis as an opportunity and to enjoy being together. It is like spring
break for men and women who have been working all year; they can now
relax in front of the TV. Children, relieved from school or homework, can
stay in bed until noon. Hands are washed more carefully. Hygiene, tirelessly
preached by mothers for years, is suddenly paid attention to without orders.
But the pieces of the puzzle that make up the home do not fit together as
easily as they did before. Pressure at home is high. Many homes are on the
verge of exploding. Most apartments are small and must accommodate all
their members all day long—an atmosphere in which everyone wants their
share and has fought for it for a long time.
The housewife gets the smallest share of all. Her workload has increased.
She needs to wash everything that is brought into the house several
times, and she has to make sure that no one is careless. She has to look
after the elderly. She has to entertain the young kids, console the older children,
and discuss parenting and a thousand other family matters with their
obsessive, irritable, and anxious husbands. She must keep an account of
household necessities. The little space that she previously had for herself
when the house was empty, has been lost within just a few days, and she is
deprived of simple breaks such as going out.
Middle-class women have relatively fewer problems, but they are also
barred from going to the gym, swimming pools, and social gatherings. Domestic
crises are inextricably linked to the struggles for survival outside.
The sick economic system, incapable of developing aid programs, has placed
all the burden of maintaining health and survival on the shoulders of individuals.
There is no budget. Everyone has to figure out how he or she will
manage. There is no public service support. Domestic violence and fights are
rampant. But hardly any of this is reported by the state media. The divorce
rate is high. Filing for divorce is prohibited in one of the northern provinces.
According to the health department, the number of calls stemming from
domestic disputes has tripled.
Coronavirus continues to spread. Quarantines are like peninsulas that
are connected via the internet. Everyone in the world is informed about each
other. Some make puzzles. Others cook. They dance. They watch movies and
TV shows, sharing these with one another. I run errands for the neighbors
below me and put the groceries by their front door. However, there is no
news from Robinson. His footsteps, which we sometimes hear late at night,
indicators of his insomnia, have not been heard for some time. I check in on
him. He is tired of the long loneliness. "Now I can empathize with how someone
feels in solitary confinement," he says.
Everyone is worried about the prisoners. The government has given leave
to only a fraction of them. Countless protest letters are circulating and being
signed. In one, artists, writers, translators, filmmakers, and civil society
59
Fariba Vafi
Lifeboat

activists demand that the government grant prisoners leave. In the few cities
where prisoners are revolting, some inmates have managed to escape. There
is also a risk of infection in other crowded places. Coronavirus infiltrates
nursing homes.
Even when the city goes quiet, children can be seen stretching out their
bare hands for money while cleaning car windows at intersections. Homeless
people rummage through trash with their bare hands. Street vendors spread
their range of goods on every corner.
Robinson has overcome his initial bewilderment, but leaves the fruit and
food that we put in front of his door untouched. While we worry about his
extreme attitude and his not eating enough fresh food, he makes plans for
himself and for us. He rations his supplies. He exercises every day. The sound
of a jump rope and his jumping up and down shakes the ceiling. Every day
he updates a graph of the spread of the virus and shares it in our family
Telegram group.
In general, chat groups on Telegram and WhatsApp are important resources
for information. In these groups, everything is shared. Health tips. The
latest scientific discoveries. Articles about Coronavirus and post-Coronavirus.
Some members appear more active than others in the group and their
job is to inspire those affected by fear and trauma. Some are worried about
their children studying abroad. Others are facing bankruptcy. Some have become
depressed. Many pupils and students do not have access to the internet
and to online courses.
Robinson invites us to meet him at the stairs. He stands on top of the
stairs to keep an appropriate distance. Instead of the smell of perfume from
the woman who used to go up the stairs, now we smell alcohol. Robinson, the
roundish man with a good appetite and big belly, shows off his new figure and
flat stomach to us, who have recently eaten and slept well. To this we reply:
"If your goal was to shame us, you have absolutely succeeded." He says that
he has realized his previous lifestyle was wrong and that he has to change it.
The news of the death of a dear friend arrives. We cannot go to his grave to
mourn and pay homage to him. Going to clinics and hospitals has become dangerous.
Treatment of conditions that were previously significant and required
regular medical care are indefinitely postponed. A grandmother is afraid that
after her death, she could be sprinkled with [disinfecting] lime. Another is
afraid of being left alone in the hospital. People create numerous campaigns.
One such campaign calls on landlords to reduce rents. Another collects
medical equipment and supplies for doctors and nurses. Yet another campaign
proposes corporate layoffs.
Every day we are bombarded with bad news that none of us have the
nerves to face. Robinson calls and says he wants us to join him via video call.
It seems that he wants to announce some important news. Always prepared
for the worst, we involuntarily get ready for an unpleasant surprise. Robinson,
calm and thoughtful, shows us every corner of his apartment. Our eyes
bulge in surprise. His home, which had always looked as if a bomb had just
exploded in the middle of it, is now sparkling clean. He takes us to his rooftop
terrace, from which he can see both the clear blue sky above and the sick and
polluted land below. He looks as if, after a good deal of thought, he has been
able to eke out his place between the earth and the sky. He points his phone
to the plants that, at the start of his quarantine, he said he would grow.
The plants have been nurtured and are flourishing. Some have flowers that
gleam in the daylight.
Published in German by Tagesspiegel, Berlin, April 19, 2020.
Translated from Farsi by Moji Taalipasand.
60
Fariba Vafi
Lifeboat

Lockdown in Berlin, 04/20 © Ieva Epnere (Fellow 2019)

Limbo in
paradiesischer
Kulisse
OEIN strandet
in der Musikakademie
Rheinsberg
Left in Limbo
in Idyllic
Surroundings
How the OEIN Got
Stranded in the Rheinsberg
Music Academy
OEIN in Rheinsberg, 05/20 © Marlena Waldthausen
Fünfundzwanzig MusikerInnen des bolivianischen
experimentellen Orchesters für indigene Instrumente
(OEIN), darunter der künstlerische Leiter Carlos
Gutiérrez (Fellow 2018), waren Mitte März 2020 nach
Berlin gereist, um das Eröffnungskonzert der Maerz-
Musik – Festival für Zeitfragen zu bestreiten. Es sollte
der Höhepunkt eines lang vorbereiteten Kooperationsprojekts
mit dem Berliner Solistenensemble PHØNIX16
werden. Doch die grassierende Ausbreitung des
In mid-March 2020, twenty-five members of the Bolivian
Experimental Orchestra for Indigenous Instruments
(OEIN), including their artistic director Carlos Gutiérrez
(fellow 2018), came to Berlin to play the opening concert
at MaerzMusik – Festival for Time Issues. This event
was to be the highlight of a long-planned collaboration
between the OEIN and the Berlin-based soloists’ ensemble
PHØNIX16. Due to the spread of COVID-19,
however, MaerzMusik 2020 was cancelled and shortly
62

OEIN in Rheinsberg, 05/20 © Marlena Waldthausen
Coronavirus führte erst zur Absage der MaerzMusik
sowie kurz darauf zur Schließung der bolivianischen
Grenzen. Die traumhafte Umgebung der Musikakademie
Rheinsberg, in der OEIN sich eben noch mit den
deutschen MusikerInnen auf die anstehenden Aufführungen
vorbereitet hatte, wurde plötzlich zum Ort der
Isolation und Verunsicherung.
Elf Wochen dauerte dieser Aufenthalt am Ende.
Drei Mitglieder von PHØNIX16 blieben die gesamte Zeit
mit den BolivianerInnen vor Ort. Gemeinsam probten
sie täglich intensiv weiter und entwickelten neue Stücke,
um dem Stillstand und der Ausweglosigkeit ihrer Situation
etwas entgegenzusetzen. Diese Zusammenarbeit
wurde aus Mitteln des DAAD-Programms „Künste und
Medien“ gefördert.
Durch die solidarischen Anstrengungen des Auswärtigen
Amts und aller beteiligten Institutionen (Berliner
Festspiele, Goethe-Institut, HELLERAU, Berliner
Künstlerprogramm des DAAD) sowie PHØNIX16 konnten
die bolivianischen Gäste am 1. Juni endlich zu ihren
Familien und Freunden zurückkehren.
Der Filmemacher Philipp Hartmann hat mit einer
Sondergenehmigung des Gesundheitsamts diese außergewöhnliche
Situation mit der Kamera begleitet. Als
Koproduktion des Ultima Festivals (Oslo) und des Berliner
Künstlerprogramms des DAAD entstand daraus
der bewegende Dokumentarfilm Aus den 84 Tagen. DB
afterwards, Bolivia closed its borders and suspended
all international flights. The beautiful surroundings
of the Rheinsberg Music Academy, where OEIN and
their German colleagues had been preparing for their
upcoming performances, suddenly became a place
of isolation and uncertainty. Financial support for this
collaboration was provided by the DAAD "Arts & Media"
funding program.
The Bolivian guests ended up having to stay in
Rheinsberg for eleven weeks, and three members of
PHØNIX16 stayed with them throughout. The musicians
continued their intensive daily rehearsals and developed
new pieces in an attempt to break the deadlock and
counter the hopelessness of their situation. Thanks to
the concerted efforts of the Federal Foreign Office
and the project’s partner institutions (Berliner Festspiele,
Goethe-Institut, HELLERAU, DAAD Artists-in-Berlin
Program), as well as the team of PHØNIX16, the Bolivian
musicians were finally able to fly home to their
families and friends on June 1, 2020.
Filmmaker Philipp Hartmann obtained permission
from the public health office to record this exceptional
situation as it unfolded; the resulting film, a moving
documentary entitled Aus den 84 Tagen, was
co-produced by Ultima Festival (Oslo) and the DAAD
Artists-in-Berlin Program. DB
63

Ein Projektraum
nach dem
Corona-Lockdown
A Post-Coronavirus
Lockdown
Project Space
Osías Yanov, The Fingers of the Air, daadgalerie, Installationsansicht / installation view © Eunice Maurice
64

The Fingers of the Air
12.05.2020 - 17.08.2020
daadgalerie
Wie bedeutsam die Erfahrung von Raum, Körper und
Materialien sind, das wurde im Zuge des Lockdowns
immer deutlicher. Als in Berlin der Ausstellungsbetrieb ab
Mai 2020 wieder gestattet war, wurde die daadgalerie
nach der abrupten Schließung im März vorsichtig geöffnet
– als Projektraum, in dem Kunst, Musik, Film und
Literatur als Performance, als Intervention, als kollektive
Erfahrung wieder möglich wurden.
Der übergreifende Titel, The Fingers of the Air, war
einem Gedicht der dänischen Lyrikerin Inger Christensen
entlehnt, das um die Sehnsucht einer Marmorskulptur
kreist, die endlich von Menschen berührt werden möchte.
Unter diesem Titel waren aktuelle Fellows des Berliner
Künstlerprogramms eingeladen, die Galerie zu bespielen,
improvisierte und ephemere Formate zu entwickeln und
in Zusammenarbeit mit bestehenden Netzwerken Arbeitsprozesse
in den Raum zu bringen. Die Fragilität der
Situation wurde dabei nicht nur zur Produktionsbedingung,
sondern auch auf unterschiedliche Arten zum Thema
der künstlerischen Auseinandersetzung. DB, SF, MR
The importance of experiencing spaces, the body, and
physicality became increasingly clear during the coronavirus
lockdown. When exhibitions were permitted
to restart in Berlin in May 2020, the daadgalerie cautiously
re-opened—after being shut down abruptly in
March—as a project space where the presentation of
art, music, film, and literature were again possible as
performance, intervention, and collective experience.
The overarching title, The Fingers of the Air, is borrowed
from a poem by Danish poet Inger Christensen
about a marble sculpture’s yearning to be touched by
people. Under this title, current fellows of the Artistsin-Berlin
Program were invited to use the gallery, develop
improvised and ephemeral formats, and to collaborate
with existing networks to bring working processes
into the space. The precariousness of the situation
shortly after lockdown became not only a condition of
production, but also a theme of the artistic examinations.
DB, SF, MR
12.05.–16.08.2020
© Eunice Maurice
Osías
Yanov
Eine Intervention von Osías Yanov an der Fensterfront
der daadgalerie suchte den konstanten Austausch mit
dem Publikum auf der Straße im Umfeld der Galerie
und hinterfragte die Bedeutung eines öffentlichen Raumes,
wenn er verschlossen ist. In Form von Text auf der
Fassade und verschiedenen performativen Aktivierungen
zwischen dem Innen- und Außenraum setzte sich
Yanov mit dem Zustand des Offenen aber gleichzeitig
Verschlossenen auseinander und suchte nach Möglichkeiten
des Dialogs in Zeiten sozialer Distanz.
Osías Yanov’s intervention on the daadgalerie's front
window façade sought to continuously engage the
public on the street in front of the gallery, calling into
question the meaning of a public space when closed.
In the form of text installed across the gallery’s front
façade plus various performative activations of the interior
and exterior space, Yanov examined the status of
something simultaneously open and closed, and sought
opportunities for dialog in times of social distancing.
65

26.–28.05.2020
Madame
Nielsen
Als Hommage an die Grande Dame der dänischen
Lyrik, Inger Christensen, zog die Schriftstellerin und
Performerin Madame Nielsen drei Tage lang in der
daadgalerie ein – mit Koffer, Proviant, ein paar Flaschen
Rotwein und einer kleinen Bibliothek. Im Austausch mit
den zufälligen Passanten spielte sie Gitarre und improvisierte
am Flügel, sie rauchte, trank Rotwein, legte sich
schlafen, ging wieder ans Klavier – ein berührungsloses
Sinnbild für die Sehnsucht nach Berührung. Aus den
drei Tagen ging ein Video hervor, das vom Haus für Poesie
ausgestrahlt wurde.
09.–14.06.2020
In a tribute to Inger Christensen, the grande dame of
Danish poetry, author and performer Madame Nielsen,
moved into the daadgalerie for three days—with a
suitcase, provisions, a few bottles of red wine, and a
modest library. Engaging with random passersby, she
played the guitar and improvised on the piano, smoked,
drank red wine, went to sleep, returned to the piano
again—a non-contact symbol of the longing for touch.
The three days resulted in a video that was broadcast
from the Haus für Poesie.
© Eunice Maurice © Thomas Bruns
Edi
Hila
Edi Hila präsentierte eine Reihe von Gemälden, die
während seines Aufenthaltes in Berlin zwischen 2019
und 2020 entstanden. Die Erinnerungsbilder, die oftmals
von der politischen Vergangenheit in seiner albanischen
Heimat sprechen, reflektieren den Zustand
von Isolation und Ausgeschlossenheit: Themen, die im
aktuellen Zusammenhang durch die gegenwärtige Erfahrung
des Künstlers in Berlin eine Aktualisierung aus
neuer Perspektive erfuhren.
Edi Hila presented a number of paintings created during
his stay in Berlin between 2019 and 2020. Based
on memories, the images often speak of the political
past in his Albanian homeland and reflect on states of
isolation and exclusion. These themes were revisited by
the artist from a new perspective in the pandemic context,
and based on his present experiences in Berlin.
66

16.06.–16.08.2020
Burak
Delier
Unter dem Titel Meetings hinterließ Burak Delier im Galerieraum
einen Kommentar auf die aktuelle COVID-19-
Situation, der die Wahrnehmung der Architektur in den
Fokus rückte: Durch Markierungen in Form von geometrischen
Formen in verschiedenen Farben, die direkt auf
die Oberflächen im Raum aufgetragen wurden, wies
Delier auf die immanenten, direkten Treffpunkte der
architektonischen Elemente hin. Die permanente Existenz
der Berührungspunkte zwischen Wänden, Boden,
Decke und weiteren Raumelementen wird in ihrer Beständigkeit
und Unabdingbarkeit zum Thema gemacht.
07.–19.07.2020
© Thomas Bruns © Thomas Bruns
Under the title Meetings, Burak Delier left a comment
in the gallery space on the current COVID-19 situation
that focused attention on how architecture is perceived.
By adding variously colored geometric shapes directly
to the gallery’s surfaces, Delier highlighted the inherent
points of contact between architectural elements. The
permanency of points of contact between walls, floor,
ceiling, and other room elements, as well as their stability
and indispensability, were thematized.
Tara
Transitory
Nguyễn + Transitory, das zentrale Projekt von Tara
Transitory, zeigte eine nicht abgeschlossene Installation,
die auf Bandschleifen und Elektronik basiert. Die Arbeit
setzt ihre Forschung fort, die sich als andauernder
Prozess versteht. Dieser begann mit Bird Bird, Touch
Touch, Sing Sing (2019) und lotet Wechselbeziehungen,
Verletzlichkeit, Nähe, Desorientierung und Vertrauen
aus. Der Beitrag für die daadgalerie spiegelt die Auswirkungen
wider, die das gegenwärtige und post-pandemische
Klima auf diese Themen hat.
Nguyễn + Transitory, Tara Transitory’s main project,
presented an installation-in-progress based on tape
loops and electronics. The work continues the ongoing,
process-based nature of her research—beginning with
Bird Bird, Touch Touch, Sing Sing (2019)—exploring interdependencies,
vulnerability, closeness, disorientation,
and trust. Her daadgalerie contribution reflected on how
these themes are impacted by the present-day and
post- pandemic climate.
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23.07.–02.08.2020
© Eunice Maurice
Salomé
Jashi
Parallel zu ihrem neuen Dokumentarfilm, der sich in
Postproduktion befindet, hat Salomé Jashi in Zusammenarbeit
mit der Soundscape-Komponistin Diane
Barbé und der Kuratorin und Künstlerin Celia Stroom
eine multimediale Präsentation entwickelt. Vanity by the
Sea erschloss Jashis Videomaterial in einem surrealistischen
Setting, das eine neue Weltordnung offenbarte,
in der nichts stabil und vorhersehbar ist.
In parallel to her new documentary, currently in
post-production, Salomé Jashi developed a multimedia
presentation in collaboration with soundscape composer
Diane Barbé and curator and artist Celia Stroom.
Vanity by the Sea featured Jashi’s video material within
a surrealistic multimedia setting, revealing a new world
order where nothing is stable and predictable.
08.+09.08.2020
© Eunice Maurice
Osías Yanov
& Liv
Schulman
Mit Tres Palomitas: Socially distanced lesbo cruising –
Aufwärmen für eine kommende Welt, wie wir sie wollen
stellten Osías Yanov und Liv Schulman die Möglichkeit
einer lesbischen Cruising-Erfahrung zu Zeiten der sozialen
Distanzierung zur Diskussion. Der für den Raum
entwickelte Parcours in mehreren Etappen machte
sich ein wiederentdecktes Erbe zu eigen, erwies einem
wegweisenden Lied (Tres Palomitas) die Ehre und versuchte
die Gründe zu verstehen, aus denen Cruising
zu einem männlich dominierten Raum wurde.
With Tres Palomitas: Socially Distanced Lesbo
Cruising—Warming up for the Future We Want, Osías
Yanov and Liv Schulman opened up a discussion on
the possibilities of lesbian cruising in the time of social
distancing. The multi-stage route developed for the
space appropriated a rediscovered legacy for itself,
paid tribute to a pioneering song (Tres Palomitas), and
sought to understand why cruising has been taken
over by a male-dominated space.
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11.–17.08.2020
© Eunice Maurice
Hao
Jingban
Die bildende Künstlerin Hao Jingban präsentierte im
Obergeschoss der daadgalerie zwei Filme (An Afternoon
Ball, 2013; Off Takes, 2016) aus ihrem seit 2012 fortgeführten
Projekt Beijing Ballroom. In dieser langjährigen
Recherche untersucht sie zwei Traditionen des Gesellschaftstanzes
in den frühen 1950er Jahren und in der
Zeit nach der Kulturrevolution in der Volksrepublik China,
Ende der 1970er Jahre. Hao experimentiert mit verschiedenen
filmischen Sprachen, um diese miteinander verwobenen
historischen Erzählungen zu erforschen.
Visual artist Hao Jingban presented two films on the
upper level of the daadgalerie (An Afternoon Ball, 2013;
Off Takes, 2016) which are part of her ongoing Beijing
Ballroom project initiated in 2012. Her long-term research
examines two ballroom dancing traditions; one
from the early 1950s, and the other from the period
following the Cultural Revolution in the People’s Republic
of China in the late 1970s. Hao experiments with different
cinematic languages in exploring these interwoven
historical narratives.
11.–17.08.2020
© Thomas Bruns
Ieva
Epnere
Zum Abschluss ihres Berlinaufenthalts zeigte Ieva
Epnere eine Installation aus Erinnerungsfragmenten:
Über die Jahre gesammelte Fotografien erschienen
projiziert neben kurzen Gedichten von Agnese Krivade,
zusammen mit der Aufnahme eines eigens geschriebenen
Solostücks für Kontrabass von Evija Skuķe, eingespielt
von Gunārs Upatnieks. Das Zusammenspiel der
drei Elemente veranschaulichte die Kraft und Flüchtigkeit
von Erinnerungen, die Epnere als eine Quelle der
Inspiration beschreibt – besonders in Krisenzeiten.
At the end of her residency in Berlin, Ieva Epnere presented
an installation of memory fragments: Photographs
collected over the years were projected alongside short
poems by Agnese Krivade, along with a recording of
a solo piece for double bass written specifically for the
work by composer Evija Skuķe and played by Gunārs
Upatnieks. The interplay of these three elements illustrated
the potency and fleetingness of memories, which
Epnere describes as a source of inspiration and strength,
especially in times of internal and external crises.
69

Solidarität
in der
Pandemie
Ein Hilfsfonds für Kulturorganisationen
im Ausland
Solidarity
During the
Pandemic
A Relief Fund for Cultural
Organizations Abroad
Das Archiv von / The archive of Malaysia Design Archive im / at the Zhongshan Building,
Kuala Lumpur © Lim Sheau Yun
Das weltweite Ökosystem der Kulturförderung, ein über
die Jahrzehnte gewachsenes, komplexes Geflecht, wird
von der Coronakrise akut gefährdet. Angesichts dieser
Situation entstand auf Initiative des Auswärtigen Amts
und des Goethe-Instituts im Sommer 2020 ein internationaler
Hilfsfonds für Organisationen in Kultur und
Bildung, an dem sich das Berliner Künstlerprogramm
des DAAD mit einer eigenen Förderlinie beteiligt: Unter
The global ecosystem of cultural funding, a complex
network that has evolved over decades, has been severely
threatened by the coronavirus crisis. In response
to this situation, the German Federal Foreign Office
and the Goethe-Institut initiated the International Relief
Fund for Organizations in Culture and Education in
summer 2020. The DAAD Artists-in-Berlin Program
contributes to this endeavor with its own funding
70

Mitwirkung ehemaliger Fellows wurden Institutionen
außerhalb der EU ermuntert, sich mit Projekten zu bewerben.
Zwölf Organisationen erhielten den Zuschlag.
Die Entwicklung pandemiekompatibler Formate
bildet den gemeinsamen Nenner einer Reihe von Vorhaben.
So entwickelt das Filmemacherkollektiv Beirut
DC im Libanon die Streaming-Plattform für arabischen
Film, aflamuna; das Jugendtheater Mowa Art Fields
in Südafrika produziert Online-Filme für Schulen mit
dem Schwerpunkt Naturwissenschaften; die Medienkunst-Galerie
Electromuseum in Moskau richtet ihre
Räume für Pandemiemaßnahmen ein; das Performance-
Kollektiv Studio Klampisan arbeitet in bäuerlichen
Communitys in Banyuwangi, Indonesien; und Sagrada
Mercancía, ein Projektraum für zeitgenössische Kunst in
Santiago de Chile, konzipiert neue Online-Formate.
Einen weiteren Schwerpunkt bilden Archive und
Museen, die an pluralen Geschichtsschreibungen arbeiten:
Das Daupará-Festival für indigenes Kino in Kolumbien
digitalisiert sein Filmarchiv, das Werke indigener
FilmemacherInnen sammelt. Das Malaysian Design
Archive entwirft neue partizipative Formate. Weitere
geförderte Vorhaben sind das Archivo de la Memoria
Trans, eine Einrichtung in Buenos Aires, die für die
Rechte von Transpersonen eintritt und deren Lebenserinnerungen
vor dem Vergessen bewahrt, sowie das
Museo del Puerto de Ingeniero White, ein Kulturort in
der Hafenstadt Bahía Blanca, das die Geschichte der
HafenarbeiterInnen im Austausch mit den lokalen
Communitys aufarbeitet und kommuniziert.
Schließlich erhält eine Reihe unabhängiger Bildungseinrichtungen
Unterstützung – Netzwerke von
KünstlerInnen und Intellektuellen, die sich für kritische
Wissensvermittlung einsetzen. Dazu gehört die
Associação de Pesquisas e Práticas em Humanidades
(APPH), eine interdisziplinäre Bildungseinrichtung in
Porto Alegre, Brasilien, die Angebote in Demokratievermittlung,
Philosophie, Kunst und Kultur entwickelt. Die
international renommierte KünstlerInneninitiative SOMA
in Mexiko-Stadt kann weiterhin Kursangebote für lateinamerikanischen
StipendiatInnen gewährleisten. Die
Fundación TEOR/éTica in Costa Rica schreibt Stipendien
für zentralamerikanische Kulturschaffende aus, die
zivilgesellschaftlich relevante Kunstprojekte durchführen.
Der Internationale Hilfsfonds für Organisationen in
Kultur und Bildung 2020 wurde auf Initiative des Auswärtigen
Amts und des Goethe-Instituts gemeinsam
mit Partnern eingerichtet, die sich hierfür in einem
Konsortium zusammengefunden haben. Das Auswärtige
Amt stellte die Grundfinanzierung von drei Millionen
Euro zur Verfügung, das Goethe-Institut koordiniert
den gesamten Fonds mit einem mehrköpfigen Team.
Zahlreiche Kulturorganisationen und private Stiftungen
aus Deutschland haben ebenfalls Mittel zur Verfügung
gestellt oder beteiligen sich mit eigenen Projekten, darunter
das Berliner Künstlerprogramm des DAAD, die
Deutsche UNESCO-Kommission, die S. Fischer Stiftung,
die Stiftung Mercator, die Robert Bosch Stiftung,
die Siemens Stiftung sowie das Goethe-Institut. SF
initiative: institutions outside the EU associated with
former fellows were encouraged to submit project applications.
Twelve organizations were awarded funding.
The development of pandemic-compatible formats
is the common denominator for a number of projects:
Beirut DC, a filmmaker collective in Lebanon, is putting
together a streaming platform for Arab film, aflamuna;
Mowa Art Fields, a youth theater in South Africa, is
producing online films for schools, with a focus on science;
Electromuseum, a media art gallery in Moscow,
is reconfiguring its spaces for the pandemic; Studio
Klampisan, a performance collective, is active in rural
communities in Banyuwangi, Indonesia; and Sagrada
Mercancía, a project space for contemporary art in
Santiago de Chile, is designing new online formats.
Archives and museums working on pluralistic historiographies
provide an additional focus: the Daupará
Festival for indigenous cinema in Colombia is digitizing
its film archive dedicated to works by indigenous filmmakers;
and the Malaysian Design Archive is designing
new participatory formats. Other funded projects include
the Archivo de la Memoria Trans, an institution in
Buenos Aires that advocates for the rights of trans people
and works to keep their memories alive; as well as
the Museo del Puerto de Ingeniero White, a cultural site
in the port city of Bahía Blanca, addressing and communicating
the history of dock workers in an exchange
of ideas with lo-cal communities.
Finally, a number of independent educational institutions—networks
of artists and intellectuals committed
to the transfer of critical knowledge—have received
support. This includes the Associação de Pesquisas
e Práticas em Humanidades (APPH), an interdisciplinary
educational institution in Porto Alegre, Brazil that
develops courses on educating people on democracy,
philosophy, art, and culture. SOMA, an internationally
renowned artist initiative in Mexico City, can continue
to guarantee courses for Latin American fellowship
holders. The Fundación TEOR/éTica in Costa Rica offers
fellowships for Central American cultural workers who
implement art projects relevant to civil society.
The 2020 International Relief Fund for Organizations
in Culture and Education was established by the
German Federal Foreign Office and the Goethe-Institut,
together with a consortium of partners. The Federal
Foreign Office provided base funding of three million
euro, and a team at Goethe-Institut is responsible for
coordinating the entire fund. Numerous German cultural
organizations and private foundations also provide funding
or contribute with their own projects, including the
DAAD Artists-in-Berlin Program, the German UNESCO
Commission, the S. Fischer Foundation, the Mercator
Foundation, the Robert Bosch Foundation, and the
Siemens Foundation, as well as the Goethe-Institut. SF
71

Statement
zu einem
Ausstellungsraum
als
Sozialamtsbüro
Wir hatten bereits eine Ausstellung mit den Arbeiten
von Burak, Ieva und Runo, die in der Galerie Wedding
und im öffentlichen Raum der Umgebung gezeigt werden
sollte, geplant, organisiert und finanziert. Dann
erfuhren wir vor einigen Wochen sehr kurzfristig, dass
unsere schon fertige Ausstellung davon betroffen sein
würde, dass die Galerie zu einem Übergangsbüro für
soziale Dienste umfunktioniert wird. Seit März dieses
Jahres und dem Inkrafttreten der neuen Gesundheitsund
Sicherheitsbestimmungen werden die beiden
Räume, in denen im Rathaus Wedding sonst Kunst
präsentiert wird, vom Sozialamt genutzt, um Anträge
auf Grundsicherung zu bearbeiten. Dieser neue Zustand
wurde unerwartet bis Ende September verlängert. Das
bedeutet, dass hier von 9 bis 11 Uhr Menschen anstehen
und auf ihre Termine warten, während von 12 bis 19 Uhr
Kunst angeschaut werden kann. Sicherheitspersonal
reguliert den öffentlichen Zugang am Morgen, nachmittags
heißt das Galerie-Personal die BesucherInnen
willkommen. Der Anmeldebereich des Amts für Soziales
im Bezirksamt Mitte wurde in den Ausstellungsbereich
verlegt – mitsamt den Schreibtischen und Computern
der MitarbeiterInnen, welche die Anträge bearbeiten,
sowie mit Büromöbeln und Plexiglas-Trennwänden
zur Einhaltung der geltenden Abstandsregeln. Die gleichen
Schreibtische und Computer werden vom Team
der Galerie Wedding während der Öffnungszeiten am
Nachmittag genutzt. Der eher leicht regulierte Raum
einer Kunstausstellung wird zum streng reglementierten
bürokratischen Raum, und umgekehrt.
In der Folge wurden die praktischen Bedingungen,
Kunst auszustellen, drastisch verändert, um nicht zu
sagen, unmöglich gemacht. Der Kern des Problems liegt
allerdings woanders: Kunst, ebenso wie das Leben, ist
keine bloße Frage von Machbarkeit, auch wenn sie von
Machbarkeiten abhängt. Es scheint viele Widersprüche
zwischen dieser stark kontrollierten Büroumgebung, mit
ihren sozialen Protokollen des Dienens und Disziplinierens,
und unserer Ausstellung zu geben. Nach vielen
Treffen mit den KollegInnen der Galerie Wedding kamen
wir zu dem Schluss, dass wir die Spannungen zwischen
diesen beiden Formen räumlicher und sozialer Protokolle
nicht auflösen oder überwinden können – weder
praktisch noch konzeptuell oder politisch. Also hatten
wir die Wahl, die Ausstellung entweder abzusagen, zu
A Statement
About an
Exhibition Space
As Social
Welfare Office
We had planned, discussed, organised, and budgeted
an exhibition to show the works of Burak, Ieva, and Runo
at Galerie Wedding and in the public space around it.
Then some weeks ago, on very short notice, we learned
that the planned exhibition would be affected by the
fact that the gallery space was turned into a makeshift
office for social services. Due to new health and safety
regulations because of COVID-19, since March the
two rooms in Rathaus Wedding, usually designated for
showing art, became spaces for administering people’s
applications for social welfare. Unexpectedly this state
was prolonged until the end of September. From 9 to 11
am people queue for their appointments, from 12 to 7
pm, people view art. Security staff regulates public access
in the morning and gallery staff welcomes visitors
in the afternoon. The front desk of the Amt für Soziales
at Bezirksamt Mitte was moved into the exhibition
space—with working desks and computers for people
to process applications, and with office furniture and
Perspex acrylic sheets to enforce the social distancing
rules in place. The same desks and computers are used
by the team of Galerie Wedding in the afternoon, during
exhibition hours. The softly policed space of an art show
became a thoroughly policed space of bureaucracy and
vice versa. So the practical conditions for showing artworks
were altered drastically, not to say rendered impossible.
But the real problem lies elsewhere—art, like
life, is no mere practical thing, even though it depends
on practicalities. It seems there are many contradictions
between this highly policed office environment, its protocols
to serve and to discipline, and our exhibition. After
many meetings with our colleagues of Galerie Wedding,
we realised that the tensions between these two
kinds of spatial and social protocols cannot be resolved
or overcome—neither practically, nor conceptually or
politically. So we either had to cancel or postpone the
show, or let them exist next to each other in this very
moment in time and space. We decided to try and improve
the situation for everyone involved—everyone that
is victim to this prolonged state of exception. For the
people queuing for appointments, the people working
at the front desk, the team of Galerie Wedding that also
has to work inside this space every day, and for exhibition
visitors. The assumption is this: if the service provided
by the makeshift social welfare office is meant to
72

Burak Delier, Ieva Epnere,
Runo Lagomarsino
And That Song Is Our Amulet
Ausstellung / Exhibition
06.08.2020 - 03.09.2020
Galerie Wedding (Berlin)
And That Song Is Our Amulet, Galerie Wedding, Installationsansicht / installation view © Thomas Bruns
verschieben, oder diese beiden Realitäten in diesem
speziellen Moment nebeneinander stehen zu lassen.
Wir entschieden uns dafür zu versuchen, die Situation
für alle Beteiligten zu verbessern – damit meinen wir
alle, die diesem ausgedehnten Ausnahmezustand unterworfen
sind. Dazu zählen die Menschen, die Schlange
stehen müssen, um auf ihren Termin zu warten, die
Menschen, die im Anmeldebereich arbeiten, das Team
der Galerie Wedding, das auch täglich in diesem Raum
care for others, if it is a public service, a service of care,
then why not do it well, care-fully, with attention and
care for others, for the art, for the public, and for everyone
that works there? What follows is not an artwork. It
is maybe a gesture, a humble attempt that can also fail.
We suggest to offer basic comfort for the people queuing,
working, and visiting by providing water and seating
outside, and ventilation and plants inside. The questions
we would like to raise in this particular situation and the
73

And That Song Is Our Amulet, Galerie Wedding, Installationsansicht/installation view © Thomas Bruns
arbeiten muss, sowie die Besucher*innen der Ausstellung.
Unsere Annahme ist die folgende: Wenn die Leistungen,
die in diesem improvisierten Sozialhilfe-Büro
angeboten werden, dafür da sind, sich um andere zu
kümmern, wenn es also ein Dienst für die Allgemeinheit
– ein Fürsorgedienst – ist, warum machen wir es
dann nicht richtig, sorgsam, voller Aufmerksamkeit und
Umsicht für andere, für die Kunst, die Öffentlichkeit und
für alle, die hier arbeiten? Was daraus folgt, ist kein
Kunstwerk. Es ist vielleicht eine Geste, ein bescheidener
Versuch, der auch scheitern kann. Wir schlagen vor,
den Menschen, die in der Schlange stehen, die arbeiten
und die zu Besuch kommen, grundlegenden Komfort zu
bieten, indem Wasser und Sitzgelegenheiten im Freien,
Belüftung und Pflanzen im Inneren zur Verfügung gestellt
werden. Die Fragen, die wir in dieser besonderen
Situation stellen möchten, und die Verbesserungen der
Bedingungen, die wir dem Bezirksamt vorgeschlagen
haben, sind:
Können wir das soziale Protokoll wenigstens etwas
verändern, um andere Möglichkeiten aufzuzeigen?
Warum herrschen bestimmte Regeln für drei Stunden
am Tag und andere, für die folgenden sieben Stunden?
Sollte so wirklich eine öffentliche Leistung angeboten
werden? Sollte Kunst so gezeigt werden? Falls die Antwort
auf die beiden letzten Fragen Ja ist, warum? Falls
Nein, was sagt uns das über die derzeitigen Zustände
in dieser Stadt, in dieser Gesellschaft?
improvements to this environment we have suggested
to the Bezirksamt are these: Are we allowed to alter
the social protocols even a little bit in order to point to
other possibilities? Why is there one protocol in place
for three hours of the day and another for seven hours
afterwards? Is this really how a public service should be
carried out? And how art should be shown? If both answers
are yes, why? If both answers are no, what does
this tell us about the current state of affairs in this city,
in this society?
We believe that by addressing the general current
state of exception, which is presented on a micro scale
in the situation of Galerie Wedding’s forced merger with
the Sozialamt, the following question becomes apparent:
Is there a necessary contradiction between a social
or a welfare state and contemporary art? The idea behind
a state—whether it is called social or welfare—is
that of a social contract. This social contract should not
be a question of urgency, necessity, priority, or usefulness.
It should not be called into question by a “state of
exception.” These notions are all poisoned with ideology,
and they are prone to serve the needs of those who
generate their power from the generosity of “a people”
but don’t act with care towards those that they govern.
So if we succumb to the current state of exception and
its pressure to cancel, postpone, lay off, or to sideline
everything that is considered unnecessary, non-essential,
or useless, we will find ourselves as agents of the
74

And That Song Is Our Amulet, Galerie Wedding, Installationsansicht/installation view © Thomas Bruns
Indem wir den aktuellen und allgemeinen Ausnahmezustand
ansprechen, der sich auf der Mikroebene
in der erzwungenen Fusion aus Galerie Wedding und
Sozialamt zeigt, wollen wir auf die Dringlichkeit der
Frage hinweisen: Gibt es notwendigerweise einen Widerspruch
zwischen Sozialstaat oder Wohlfahrtsstaat
und zeitgenössischer Kunst? Die Idee hinter jedwedem
Staat – sei es ein „Sozial“-Staat oder ein „Wohlfahrts“-Staat
– ist die Idee eines Gesellschaftsvertrags.
Dieser Gesellschaftsvertrag sollte nicht Kriterien wie
Dringlichkeit, Notwendigkeit, Priorität oder Nützlichkeit
unterworfen sein. Er sollte nicht von einem „Ausnahmezustand“
in Frage gestellt werden. Solche Vorstellungen
sind alle mit Ideologie vergiftet und sie neigen dazu,
denen zu dienen, die ihre Macht aus der Großzügigkeit
„des Volkes“ schöpfen, sich aber nicht fürsorglich gegenüber
jenen verhalten, die von ihnen regiert werden.
Wenn wir also dem gegenwärtigen Ausnahmezustand
und Druck nachgeben, alles, was als unnötig, unwesentlich
oder nutzlos angesehen wird, abzusagen, zu
verschieben, zu entlassen oder beiseite zu schieben,
werden wir zu Erfüllungsgehilfen der vorherrschenden
Konzepte und Ideologien, die dafür verantwortlich sind,
dass wir uns überhaupt in dieser misslichen Lage befinden.
Burak Delier, Ieva Epnere, Runo Lagomarsino,
Malte Roloff, Melanie Roumiguière
prevailing concepts and ideologies that are responsible
for how we ended up here in the first place. Burak Delier,
Ieva Epnere, Runo Lagomarsino, Malte Roloff, Melanie
Roumiguière
75

© Jasper Kettner
STINE
JANVIN

Das (Wider-)Hall-
Potenzial der Räume
Taïca Replansky
Die Vokalistin Stine Janvin, geboren im norwegischen Stavanger, bewegt
sich im Bereich von experimenteller Musik, Sound und audiovisuellen Performances.
Ihre besondere Leidenschaft gilt den mehrdeutigen und nicht wiederzuerkennenden
Eigenschaften der Stimme. Diese physischen Merkmale
der Stimme erforscht sie, unterläuft sie und stellt sie in Beziehung zur Akustik
ihrer externen wie internen Umgebung und den Traditionen von Elektro-,
Pop-, Club- und Folk-Musik. Daraus ergeben sich die verschiedensten, teils
kollaborativen Projekte wie das Live-Radiospiel In Labour, die performative
Installation The Subjective Frequency Transducer – präsentiert unter dem
Alter Ego ST/NE – sowie Feldforschungen, deren Aufnahmen sie als Teil des
Duos Native Instrument weiterverarbeitet.
Ihr 2018 erschienenes Album Fake Synthetic Music, veröffentlicht bei
PAN, wurde von der internationalen Kritik gefeiert als bahnbrechende
Untersuchung der Art und Weise, wie sich Stimmen von ihren natürlichen,
menschlichen Bezügen abkoppeln lassen. Das Album ist nur eine von mehreren
Variationen, mit deren Hilfe sie das Potenzial an Klang und Widerhall,
das Räume bieten (seien es Theater, Clubs oder Galerien), durch eine treibende
Stimmimitation melodischer Synthesizer-Sequenzen austestet.
SOLD (a dog and pony show), Janvins neueste Arbeit, wurde im März
2020 nach einer zweiwöchigen Produktions- und Probenzeit mit zwölf
LaientänzerInnen – von Kindern bis zu RentnerInnen – uraufgeführt. Selbstvermarktung
gehört mittlerweile zur Norm, besonders für KünstlerInnen, von
denen eine starke Onlinepersönlichkeit erwartet wird. Aber was sagt dieses
digitale Image tatsächlich aus? Wie weit ist der oder die einzelne bereit, die
eigenen Prinzipien oder kreative Leistungen für größere digitale Aufmerksamkeit
zurechtzubiegen? Im Versuch, sich in dieser massiven Kommerzialisierung
von Identität zurechtzufinden, schwingt Janvins Stimme über den
choreografierten Bewegungen der Gruppe und funkelnder, poppiger
Beleuchtung auf der Suche nach dem eigenen Selbst inmitten des Gelärms
der sozialen Medien.
Mit dem Lockdown Ende März 2020 wurde SOLD in digitale Versionen
übersetzt, mit dem Ziel, das Live-Gefühl einer Performance (und das
Gemeinschaftsgefühl, das damit einhergeht) beim Transfer auf den Bildschirm
nicht zu verlieren. Das Fortdauern der Coronapandemie wirkte als
Verstärker von Isolation, Unsicherheit, Elend und Gewalt, was auch Stine
Janvin – wie so vielen von uns – unmissverständlich klarmachte, wie sehr
wir menschlichen Kontakt und Mitgefühl brauchen.
Diese Herausforderung hat Janvin bei ihrer Ankunft in Berlin inspiriert, ihre
Arbeit Fake Synthetic Music wiederaufzugreifen. Abgestimmt auf aktuelle
(und zukünftige) Hygienevorschriften will die Arbeit mit Möglichkeiten spielen,
offline Zeit miteinander zu verbringen, zuzuhören und zu tanzen.
Stine Janvin kooperiert mit internationalen KünstlerInnen wie Holly Herndon,
Catherine Lamb und Adam Linder und hat auf Tourneen bei renommierten
Festivals wie INA-GRM, Paris; CTM Festival, Berlin; Issue Project
Room, NYC und Unsound Festival, Krakau performt.
Wie können wir in Zeiten der Pandemie
offline Zeit miteinander verbringen,
zuhören und tanzen?
77
Stine Janvin
Musik
07/20-07/21

The Resonant
Possibilities of Spaces
Taïca Replansky
Stavanger-born vocalist Stine Janvin is active in experimental music, sound,
and audiovisual performance, with a special interest in the ambiguous and
unrecognizable qualities of the voice. Through a diverse range of projects and
collaborations such as the live radio play In Labour, the performative installation
The Subjective Frequency Transducer, releases under alter ego ST/NE,
and field explorations as one half of field recording adaptations duo Native
Instrument, she explores and challenges the physical features of the voice,
the acoustics of her external/internal surroundings, and traditions of electronic,
pop, club, and folk musics.
Janvin’s 2018 album, Fake Synthetic Music, released on interdisciplinary
label PAN, brought the artist international critical acclaim for her singular
examination of how the voice can be disconnected from its natural, human
connotations. The record is but one of many iterations that test the resonant
possibilities of spaces—from theaters to clubs to galleries—through a
driving vocal imitation of melodic synth sequences.
SOLD (a dog and pony show) is Janvin’s latest work. It premiered in
March 2020 after a two-week creation period that saw her work with
twelve volunteer dancers, from children to retirees. Personal branding has
become a norm, especially for artists, who are expected to maintain a strong
online persona. But what does this digital image actually reveal about an
artist or their art? Is the number of followers or likes really a meaningful status
symbol? How far would you bend your principles or creative output for
more digital attention? Navigating this intense commercialization of identity,
Janvin’s voice soars over choreographed group movement and glittering pop
lighting in a search for one’s true self among the social media noise.
With the arrival of lockdowns in late March, SOLD was adapted into digital
versions that attempt to translate a feeling of live performance (and the
togetherness that comes with it) to the screen format. As the pandemic continued,
amplifying isolation, uncertainty, hardship, and violence, Janvin—like
so many of us—felt how strongly we need human contact and compassion.
As she arrives in Berlin for her residency, she is inspired to revisit her earlier
work, Fake Synthetic Music, with a shift in focus from the synthetic/natural
divide to engaging with the social setting of music venues. Modulated by
current (and future) hygiene regulations, the work plays with how we can
spend time, listen, and dance together offline.
Janvin has collaborated with artists such as Holly Herndon, Catherine
Lamb, and Adam Linder, and has toured extensively, including performances
at INA-GRM, Paris; The Long Now, Berlin; Elevate, Graz; CTM Festival, Berlin;
Issue Project Room, NYC; Unsound Festival, Kraków; Terraforma, Milan; and
many more.
How can we spend time, listen, and dance
together offline during the pandemic?
78
Stine Janvin
Music
07/20-07/21

Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA), CL, Installationsansicht / installation view
11. Berlin Biennale / 11th Berlin Biennale, Gropius Bau, 09-11/20 © Mathias Völzke
Intsallationsdetail / installation detail, Dokumentation der Ausstellung / documentation
of the exhibition "Künstler aus Lateinamerika" (daadgalerie 1982), aus dem Archiv des /
from the archive of the Berliner Künstlerprogramm © Mathias Völzke

Zur
Erschließung
und
Digitalisierung
des Archivs
On the
Comprehensive
Development
and Digitization
of the Archive
Dokumente aus dem
BKP-Archiv zum
Projekt Aktionen der
Avantgarde, 1974, in
Kollaboration mit
dem Neuen Berliner
Kunstverein /
documents from
the BKP archive on
the project Aktionen
der Avantgarde, 1974,
in collaboration with
the Neue Berliner
Kunstverein © Berliner
Künstlerprogramm

Die Archivbestände des Berliner Künstlerprogramms
des DAAD seit seiner Entstehung bis heute werden
in den kommenden Jahren in mehreren Schritten erschlossen
und erstmals öffentlich zugänglich gemacht.
Die kulturpolitische Geschichte des Residenzprogramms,
das 1963 von der Ford Foundation in Westberlin
ins Leben gerufen wurde, um der „kulturellen
Isolierung der Stadt [mit] internationalen künstlerischen
Ideen“ (so Hans-Dietrich Genscher im Vorwort zur Jubiläumspublikation
10 Jahre Künstlerprogramm, DAAD,
Berliner Künstlerprogramm, 1975) zu begegnen, aber
auch die Relevanz der künstlerischen Aktivitäten und
Entwicklungen – wie sie durch das Programm verdeutlicht
wurde – können auf dieser Grundlage einer
kritischen Revision und systematischen Betrachtung
unterzogen werden.
Im Zuge der Förderung durch das Forschungsund
Kompetenzzentrum Digitalisierung Berlin (digiS)
und der Senatsverwaltung für Kultur und Europa hat
das Berliner Künstlerprogramm Anfang 2019 die Arbeit
an der tieferen Erschließung und Digitalisierung seines
Archivs begonnen. Die Bestände umfassen Korrespondenzen,
Publikationen und Drucksachen, Fotografien,
Bild- und Tonaufnahmen und vermitteln einen Einblick
in den künstlerischen Werdegang der Alumni zum Zeitpunkt
ihres Aufenthaltes in Berlin sowie die in Zusammenarbeit
mit dem BKP entstandenen künstlerischen
Projekte.
Bis Frühjahr 2021 sollen zunächst ausgewählte
Dokumente aus dem Zeitraum seit der Gründung bis
zur Eröffnung der daadgalerie im Jahr 1978 online zur
Verfügung gestellt werden. Dabei stehen Archivalien
zu den ehemaligen StipendiatInnen aus den Disziplinen
Bildende Kunst, Musik, Literatur und Film und
ihren künstlerischen Produktionen im Fokus. Außerdem
werden alle historischen und größtenteils vergriffenen
Publikationen, die im Zusammenhang mit dem BKP
entstanden sind, erstmals digital einsehbar und schrittweise
online zugänglich gemacht werden. Nachdem
das Programm in den ersten fünfzehn Jahren keinen
eigenen Ausstellungsraum bespielte, ermöglichen die
Dokumente aus dieser Zeit einen Überblick der zahlreichen
Kooperationen mit anderen Berliner Kulturinstitutionen
und die Realisierung von Projekten im öffentlichen
Raum Berlins. Ein weiteres Augenmerk liegt auf der
Gründungsgeschichte des Residenzprogramms, in der
die Entstehung und der Übergang vom „Artists in Residence“-Programm
der Ford Foundation zum Berliner
Künstlerprogramm des DAAD zwischen 1963 und
1965 im Mittelpunkt stehen.
Parallel zur Entwicklung der digitalen Präsenz des
Archivs werden Strukturen geschaffen, um die Sichtung
der analogen Bestände zu vereinfachen und somit fundierte
Recherchen im Archiv des BKP zu ermöglichen.
MR
The archival materials of the DAAD Artists-in-Berlin
Program (Berliner Künstlerprogramm/BKP), spanning
from the program's inception to its present day, will be
developed in several phases over the coming years and
made publicly accessible for the first time. The cultural
and political history of the residency program—launched
by the Ford Foundation in West Berlin in 1963 to counteract
the “city’s cultural isolation from international
artistic ideas” (Hans-Dietrich Genscher in his preface to
the anniversary publication 10 Jahre Künstlerprogramm,
DAAD Artists-in-Berlin Program, 1975)—as well as
the relevance of the artistic activities and developments
clearly demonstrated by the program will thus be made
available for critical review and systematic consideration.
As a result of funding received from the Forschungsund
Kompetenzzentrum Digitalisierung Berlin (Berlin
Center for Digital Research and Expertise, digiS) and
the Senate Department for Culture and Europe, the
Artists-in-Berlin Program began more comprehensive
cataloging and digitization of its archive in early 2019.
The extensive materials—correspondence, publications,
printed matter, photographs, images, and sound
recordings—provide insights into the artistic careers of
alumni during their stays in Berlin, as well as their artistic
pro-jects developed in collaboration with the BKP.
In a first step, selected documents from the period
of the program’s founding to the opening of the daadgalerie
in 1978 will be made available online by spring
2021. The focus is on archival materials related to
former fellows from the disciplines of visual arts, music,
literature, and film, as well as their artistic productions.
In addition, all historical and largely out-of-print publications
created in connection with the BKP will be
digitally viewable as they are gradually made available
online. Since the program was without its own exhibition
space for the first fifteen years of existence, documents
from this period provide an overview of numerous
collaborations with other Berlin cultural institutions,
and of the realization of projects in public space.
Particular attention is paid to the foundational history
of the residency program: the transition from the Ford
Foundation’s Artists-in-Residence program to the
DAAD Artists-in-Berlin Program between 1963 and
1965.
Parallel to the development of the digital archive,
structures are being created to facilitate the viewing
of analog holdings, thus making possible in-depth research
of the BKP archive. MR
81

© Jasper Kettner

Von gelangweilten
Göttern und arglosen
Vorstadthunden
Samir Sellami
Bibliografie (Auswahl)
Childhood
Henry Holt and Company
New York, 1998
Kindheit
Claassen
München, 2000
[Ü: Henning Ahrens]
Asylum
McClelland & Stewart
Toronto, 2008
Pastoral
Coach House Books
Toronto, 2014
Fifteen Dogs
Coach House Books
Toronto, 2015
Fünfzehn Hunde
Tiamat
Berlin, 2016
[Ü: Norbert Hofmann]
The Hidden Keys
Coach House Books
Toronto, 2016
Days by Moonlight
Coach House Books
Toronto, 2019
Literatur birgt Geheimnisse, doch nicht alle Geheimnisse sind gleicher Natur.
In den Romanen des kanadischen Autors André Alexis sind es weder unergründliche
Mysterien noch unlösbare Rätsel, die den literarischen Zauber
befeuern. Wie überall dort, wo gelangweilte Götter arglosen Vorstadthunden
die Gabe des Denkens und Sprechens aufbürden, wo Bürgermeister einmal
jährlich auf dem Wasser laufen und sprechende Schafe den bröckelnden
Glauben skeptischer Priester erneuern, ist das Attribut des „Magischen Realismus“
schnell zur Hand. Alexis weist es entschieden von sich. Zurecht,
denn: „Days by Moonlight ist kein Werk des Realismus. Es bedient sich nicht
der Fantasie, um die Wirklichkeit zu zeigen, sondern der Wirklichkeit, um die
Fantasie zu zeigen.“ Das schreibt der Autor im Nachwort zu seinem aktuell
letzten Roman, und es lässt sich ohne Weiteres auf sein restliches Werk
übertragen.
Days by Moonlight (2019) ist nach Pastoral (2014), Fifteen Dogs (2015)
und The Hidden Keys (2016) der vierte Teil der sogenannten Quincunx-Serie,
deren fünfter, abschließender Band noch aussteht. Und obwohl jeder der
Romane die Ergründung eines großen Themas – Glaube, Ort, Liebe, Macht
und Hass – verspricht, bringt kein thematisches Label auf den Begriff, was
in diesen wilden und wildernden Romanen geschieht, die mit so viel philosophischem
Witz, Hintersinn und einer unzähmbaren Lust an der Improvisation
geschrieben sind, als würde sich der Autor beim Schreiben permanent selbst
überlisten.
Quincunx beschreibt die symmetrische Anordnung der fünf Augen auf
einem Würfel, und wenn manch ein/e spirituell veranlagte/r NaturwissenschaftlerIn
noch immer glauben mag, Gott würfele nicht, scheint er bei Alexis
kaum etwas anderes zu tun. So findet der in Trinidad geborene Autor seine
kleinen Wunder und Geheimnisse im Neuarrangieren des Altbekannten und
inmitten liebenswürdiger Eigenbrötler, die sich trotz all ihrer Ecken und Kanten
am Ende doch nahtlos in die unaufdringliche, aber unerschöpfliche Landschaft
einfügen. Eine sehr kanadische Landschaft ist das, in die Alexis seine
metaphysischen Lausbubenstreiche verpflanzt, ein verzweigter Archipel
exzentrischer Klein- und Kleinststädte im Süden Ontarios, Orte, „an denen es
fünf Tage die Woche regnet, auch dann, wenn es überhaupt nicht regnet“.
Und immer sind die Götter nicht weit. In Fifteen Dogs, das auch in deutscher
Übersetzung (2016) vorliegt, sitzen sie am Tresen in Toronto und hören
den neuerdings sprachbegabten Hunden beim Dichten zu. In Pastoral haben
sie es sich im flauschigen Fell verdächtig dreinblickender Schafe gemütlich
gemacht. Und in Days by Moonlight atmet ihr Geist aus psychotropen fiktionalen
Pflanzen wie der essbaren Oniaten grandiflora, die aussieht wie eine
Hand aus fünf arthritischen Fingern und beim Reinbeißen knackt wie ein
Brathähnchen.
So treten die LeserInnen am Ende aus Alexis Büchern heraus wie deren
skeptische Gemüter aus ihren transformativen Erfahrungen: weniger zum
Glauben bekehrt als „auf eine neue Art und Weise irreligiös“. Denn außer
Saufen und Würfeln tun die Götter vor allem eins: schlafen. „Wenn Gott aufwacht,
verschwinden wir“, raunt es an einer denkwürdigen Stelle. Hoffen wir
also, dass die Götter noch länger in ihrem dogmatischen Schlummer verharren,
damit wir noch eine Weile weiter in solchen Romanen lesen – und
leben – dürfen.
Days by Moonlight bedient sich nicht
der Fantasie, um die Wirklichkeit
zu zeigen, sondern der Wirklichkeit,
um die Fantasie zu zeigen.
83
André Alexis
Literatur
07/20-07/21

Of Bored Gods
and Innocent
Suburban Dogs
Samir Sellami
Selected Bibliography
Childhood
Henry Holt and
Company
Kindheit
New York, 1998
[Transl.: Henning
Ahrens]
Asylum
McClelland & Stewart
Toronto, 2008
Pastoral
Coach House Books
Toronto, 2014
Fifteen Dogs
Coach House Books
Toronto, 2015
Fünfzehn Hunde
Tiamat
Berlin, 2016
[Transl.: Norbert
Hofmann]
The Hidden Keys
Coach House Books
Toronto, 2016
Days by Moonlight
Coach House Books
Toronto, 2019
Literature holds secrets, but not all secrets are alike. The literary magic of the
Canadian writer André Alexis’s novels is not stoked by unfathomable mysteries
or unsolvable puzzles. Where bored gods hamper innocent suburban
dogs with the gifts of thought and speech, where mayors walk on water
once a year and talking sheep restore the shaky faith of skeptical priests, it is
easy to reach for the label “magic realism.” Alexis roundly rejects it, and rightfully
so, for indeed “Days by Moonlight is not a work of realism. It’s not a work
that uses the imagination to show the real, but one that uses the real to show
the imagination.” Those are the author’s own words in his afterword to his
most recent novel, and they can be applied directly to the rest of his oeuvre.
Days by Moonlight (2019) follows Pastoral (2014), Fifteen Dogs (2015),
and The Hidden Keys (2016) as the fourth installment of his Quincunx series.
The fifth and final installment is on its way. And although each of the
novels promise to examine a major theme—faith, place, love, power, and
hatred—no thematic stamp can circumscribe what goes on in these wild
and rampaging works that were written with so much philosophical wit, implicit
meaning, and unbridled, joyful improvisation, as though the author were
continuously outsmarting himself at his own writing desk.
A quincunx is a symmetrical pattern of five points—a five-spot on a
domino—and even if a scientist with spiritual tendencies still maintains that
God does not play dice, in Alexis’s telling, God seems to do nothing else.
The Trinidad-born author finds his small miracles and mysteries in reconfigurations
of the familiar and amidst lovable misfits who, despite being
rough around the edges, still slip smoothly into the subdued but inexhaustible
landscape. It is a very Canadian landscape in which Alexis inserts his metaphysical
pranks—an interlaced archipelago of eccentric towns and villages
in southern Ontario, places “where it rains five days a week, even when it
doesn’t rain at all.”
And the gods are never far away. In Fifteen Dogs, which has also been
translated into German, they sit at a counter in Toronto listening to dogs,
which with their newfound gift for language, compose poems out loud. In
Pastoral, the gods have cozied into the fluffy wool of suspiciously glaring
sheep. And in Days of Moonlight, their spirit emanates from fictitious psychotropic
plants such as the edible oniaten grandiflora, which looks like a hand
with five arthritic fingers and cracks like a chicken bone when chomped on.
Readers emerge at the end of Alexis’s books transformed, their skeptical
minds not so much won over by faith as becoming “irreligious in a different
way.” After all, besides boozing and playing dice, the main thing the gods do
is sleep. “When God awakens, we will vanish,” murmurs one thought-provoking
line. Let us hope, then, that the gods persist in their dogmatic slumber
so that we can continue to read—and experience—novels like these for a
little while longer.
Days by Moonlight is not a work
that uses the imagination to show
the real, but one that uses the real
to show the imagination.”
84
André Alexis
Literatur
07/20-07/21

Klimafolgenforschung
/
Studienaufenthalte
am PIK
Climate
Impact Research /
Residencies
at PIK
Mit dem Programm „Künste und Medien“ fördert der
DAAD Recherche- und Studienaufenthalte von internationalen
Kulturschaffenden und MedienmacherInnen
in Deutschland. Am Potsdam Institut für Klimafolgenforschung
(PIK) ermöglicht der DAAD damit in Zusammenarbeit
mit dem Fachbereich Kultur und Museum
der Landeshauptstadt Potsdam seit 2015 eine dreimonatige
Künstlerresidenz.
In diesem Jahr wurde das Artists-in-Residence-
Programm am PIK international ausgeschrieben. Aus
über 300 Bewerbungen wählte eine interdisziplinäre
Jury die britische Filmemacherin Sheila Hayman aus.
Die mehrfach ausgezeichnete Journalistin und
Regisseurin zahlreicher Dokumentarfilme arbeitet
aktuell mit dem MIT Media Lab an dem Buch- und
Filmprojekt Senseless, das sich mit Unterschieden von
menschlicher und künstlicher Intelligenz befasst. Während
ihres Aufenthalts am PIK wird sie sich mit den
Paradoxien und Ambivalenzen der Entwicklungen von
künstlicher Intelligenz in Zusammenhang mit Fragen
der Nachhaltigkeit und des Klimawandels beschäftigen.
Die Jury bestand aus Silvia Fehrmann (Leiterin BKP),
Hans Joachim Schellnhuber und Margret Boysen (PIK),
Bianka Peetz-Mühlstein und Celine Bradler-Ehlert
(Potsdam) sowie der Kuratorin Aleksandra Jach und
dem Theatermacher Julian Klein. MRo
The DAAD Arts and Media Program supports research
and study visits by international cultural practitioners
and new media artists in Germany. Since 2015, the
DAAD has partnered with the City of Potsdam
Department of Culture and Museums to offer a threemonth-long
artist residency at the Potsdam Institute
for Climate Impact Research (PIK).
This year the Artists-in-Residence program at
PIK put out an international call for applicants. An
interdisciplinary jury selected British filmmaker Sheila
Hayman out of over 300 submissions. The multiple
award-winning journalist and director of numerous
documentaries is currently working with the MIT Media
Lab on Senseless, a book and film project looking at
differences in human and artificial intelligence. During
her stay at PIK, she will focus on the paradoxes and
ambivalences of developments in artificial intelligence
in terms of sustainability and climate change. The jury
consisted of Silvia Fehrmann (director of ABP), Hans
Joachim Schellnhuber and Margret Boysen (PIK),
Bianka Peetz-Mühlstein and Celine Bradler-Ehlert
(Potsdam), as well as curator Aleksandra Jach and
theater producer Julian Klein. MRo
Sheila Heyman
© Diana Levine/MIT
Media Lab
85

© Jasper Kettner
ANGELICA
FREITAS

Der Uterus ist groß
wie eine Faust
Ricardo Domeneck
Bibliografie (Auswahl)
Rilke Shake
Cosac Naify
São Paulo, 2007
Rilke Shake
luxbooks
Wiesbaden, 2011
[Ü: Odile Kennel]
VERSSchmuggel/
Contrabando de Versos
Das Wunderhorn
Heidelberg, 2009
Editora 34
São Paulo und Lissabon,
2009
um útero é do
tamanho de um punho
Cosac Naify
São Paulo, 2012
Der Uterus ist groß
wie eine Faust
Elif Verlag
Nettetal, 2020
[Ü: Odile Kennel]
canções de atormentar
Companhia das Letras
São Paulo, 2020
Angélica Freitas wurde am 8. April 1973 in Pelotas geboren, einer der südlichsten
Städte des südlichsten Bundesstaates von Brasilien, Rio Grande
do Sul. Auf den ersten Blick das Übliche, was in einem Pass steht – Alter
und Herkunft. Tatsächlich aber hochsymbolische Daten: Rio Grande do Sul
grenzt an Uruguay und Argentinien und teilt mit den Grenzregionen dieser
Länder eine gewisse Geisteshaltung, die sich um die Viehhaltung dreht, den
Gaucho und sein Mate. Darüber hinaus natürlich die Geschichten von all dem
Blut, das in den zahlreichen Kriegen vergossen wurde, die den südlichen Teil
Südamerikas im 19. Jahrhundert erschütterten. Das alles fand Eingang in die
Literatur dieser Länder, die von Männern auf Pferden erzählt, die ihr Vieh mit
dem Lasso einfangen und auf ihren aus Italien, Deutschland und Polen mitgebrachten
patriarchalen Traditionen bestehen. Dieser Hintergrund ist wichtig,
um den politischen Impuls in Angélica Freitas’ Werk zu verstehen.
In „ás vezes nos reveses“ („mitunter im malheur“) aus dem Band Rilke
Shake (2007) zeigt sich, wie in Freitas’ Gedichten das Lyrische und das Satirische
auf eigenwillige Art verschmelzen: „mitunter im malheur / denk ich an
rückkehr / ins göttliche england / aber sogar die engländerinnen / bluten monatlich
/ und schicken ihre royal highness / zum teufel der sie gezeugt hat.“
So mühelos wie wirkungsvoll wechselt die Dichterin die Register zwischen
mündlichem und literarischem Ton.
1973, als die Dichterin geboren wurde, regierte Brigadegeneral Emiliano
Médici im Palácio do Planalto in Brasília mit eiserner Hand. Er war der dritte
Präsident der von 1964 bis 1985 währenden Militärdiktatur. Angélica Freitas
wuchs also nur vermeintlich in tropischem Frieden auf. Die andere Seite der
Medaille ist die verdrängte und ausgelöschte Geschichte von Massakern
an Indigenen, versklavten AfrikanerInnen und Aufständischen, die für bessere
Lebensbedingungen kämpften. Und inmitten all dieser Repression die
ständige Kontrolle der weiblichen Mehrheit der Bevölkerung. Eine fühlbare,
sichtbare, aber verschwiegene Gewalt in einem Land, das sich als Paradies
verkauft. Diese Gewalt wird mit messerscharfer Ironie im meistzitierten Gedicht
des Bandes um útero é do tamanho de um punho (2012, dt. Der Uterus
ist groß wie eine Faust, 2020) thematisiert: „eine nüchterne Frau / ist eine
saubere Frau / eine betrunkene Frau / ist eine dreckige Frau // von allen
Tieren der Welt / mit Krallen oder ohne / ist die betrunkene dreckige Frau /
am besten verwertbar.“
Die Titel ihrer Bücher und Gedichte – in Kürze erscheint ihr dritter Band
canções de atormentar (Qualenlieder) – deuten an, auf welche Tradition
Angélica Freitas sich bezieht: die der satirischen Dichtung, die im 17. Jahrhundert
mit Gregório de Matos am Anfang der portugiesischsprachigen
Literatur des Landes steht, und bis Oswald de Andrade im 20. Jahrhundert
reicht.
Doch bisher habe ich hier nur Männernamen aufgezählt; insofern ist das
vielleicht der Moment, um auf einen zentralen Aspekt von Angélica Freitas
Werk zu sprechen zu kommen: die Präsenz des weiblichen Körpers in ihren
Texten. Für viele Frauen, die heute in Brasilien schreiben, ist um utero é do
tamanho de um punho ein neuer, inspirierender Impuls für die satirische
Form im 21. Jahrhundert: kritisch, kraftvoll, entlarvend. Nicht ohne Grund sagt
Angélica Freitas von sich, dass sie zu denen gehört, die „lieber zu salzsäuren
erstarrten“ – in Anspielung auf Lots anonym gebliebene Frau.
Nicht ohne Grund sagt Angélica Freitas
von sich, dass sie zu denen gehört, die „lieber
zu salzsäuren erstarrten“ – in Anspielung
auf Lots anonym gebliebene Frau.
87
Angélica Freitas
Literatur
07/20-07/21

A Uterus is the
Size of a Fist
Ricardo Domeneck
Selected Bibliography
Rilke Shake
Cosac Naify
São Paulo, 2007
Rilke Shake
luxbooks
Wiesbaden, 2011
[Transl.: Odile Kennel]
Rilke Shake
Phoneme Media
Los Angeles, 2015
[Transl.: Hilary Kaplan]
VERSSchmuggel/
Contrabando de Versos
Das Wunderhorn
Heidelberg, 2009
Editora 34
São Paulo and Lisbon,
2009
um útero é do
tamanho de um punho
Cosac Naify
São Paulo, 2012
Der Uterus ist groß
wie eine Faust
Elif Verlag
Nettetal, 2020
[Transl.: Odile Kennel]
canções de atormentar
Companhia das Letras
São Paulo, 2020
Angélica Freitas was born on 8 April 1973 in Pelotas, one of the southernmost
cities in Brazil’s southernmost state of Rio Grande do Sul. At first
glance, this information might seem rather neutral: age, place of birth. Actually,
though, it is heavy with meaning. Sharing a border with Uruguay and
Argentina, the state of Rio Grande do Sul shares a certain quality of the spirit
with regions of its neighboring countries. A life tending cattle, the gaucho and
his maté. And, of course, the stories about the bloody wars that shook the
Southern Cone in the nineteenth century. All of this lent an epic quality to the
great literature of those countries, telling stories about men on horseback,
lassoing cattle, sticking fast to the patriarchal traditions brought over from
Italy, Germany, Poland. It is important to keep these things in mind in order to
comprehend the political impetus which drives the poetry of Angélica Freitas.
In her poem às vezes nos reveses (in times of trouble), we notice how the
lyrical and the satirical merge in a very particular way: “in times of trouble / i
think of returning to glorious / England / but even english women bleed / each
month / and tell her royal highness to / fuck off“ (transl. Hilary Kaplan). Effortlessly
and effectively the poem moves between the oral and literary registers.
In 1973 Marshal Emiliano Médici ruled Brazil with an iron fist. He was
the third in a series of military junta presidents who kept the country under
political and artistic repression from 1964 to 1985. Angélica Freitas would
grow up in the alleged peacefulness of a tropical country which nonetheless
shared a dark history of repression: the massacres of indigenous peoples,
Africans who rebelled against slavery, numerous popular revolts. Amongst all
this: a constant attempt to gain control over the great majority of the female
population in Brazil. A violence that can be felt and seen, but which can’t be
heard in a country that consciously choses to sell itself as “a paradise.” The
issue is addressed incisively in one of Freitas’s most often cited poems, included
in um útero é do tamanho de um punho (A Uterus is the Size of a Fist,
2012): “a sober woman / is a clean woman / an inebriated woman / is a dirty
woman / among the animals of this world / those with or without claws or
fingernails / it is the inebriated, dirty woman / whose parts are used for everything.
The titles of her poems and books—including the upcoming canções de
atormentar (Songs of Torment)—allow us to comprehend the traditions in
which the poetry of Angelica Freitas is steeped; satirical poetry, which, in a
sense, inaugurates lusophone literature in the figure of Gregório de Matos
in the seventeenth century, right up to Oswald de Andrade in the twentieth.
However, the central or most-discussed aspect of Angelica Freitas’s work
is the emergence of the female body in poetry. Today, a number of Brazilian
female writers point to um útero é do tamanho de um punho as constituting
a powerful new movement towards satirical poetry in the twenty-first century:
critical, potent, aiming to unmask through words. In the poet’s own words,
she considers herself to be among those “who’d rather turn to salt,” in reference
to Lot’s anonymous wife.
In the poet’s own words, she considers herself
to be among those “who’d rather turn
to salt,” in reference to Lot’s anonymous wife.
88
Angélica Freitas
Literature
07/20-07/21

Einen Hafen
der Freiheit
bieten
International Cities of
Refuge Network (ICORN)
Providing
a Haven
for Freedom
Mit dem ICORN-Stipendium für gefährdete Kulturschaffende
setzt das Berliner Künstlerprogramm des
DAAD ein Zeichen für Kunst- und Meinungsfreiheit.
Finanziert wird das Stipendium vom Land Berlin, das
im Mai 2018 dem International Cities of Refuge Network
beigetreten ist. Dank der in Norwegen ansässigen
Organisation konnten bislang weltweit mehr als 200
gefährdete und bedrohte KünstlerInnen und PublizistInnen
temporäre Zuflucht in fast 80 Städten finden. Als
Partnerinstitution des Landes Berlin hat das Berliner
Künstlerprogramm die Betreuung der StipendiatInnen
übernommen.
Mohammed Ashraf ist seit August 2020 Gast des
ICORN-Programms. Der ägyptische Lyriker, Essayist,
politische Aktivist und Forscher verbrachte die letzten
beiden Jahre in Schweden, wo er sich für Reporter ohne
Grenzen mit der Entwicklung einer Methode zum
Umgang mit geflüchteten SchriftstellerInnen und JournalistInnen
beschäftigte. In Ägypten hatte er zuvor
mehrere sozio-politische Artikel sowie Essays zu Literatur-
und Kunstkritik und zur Meinungsfreiheit verfasst.
Ashrafs Lyrik ist beeinflusst von den Trends der
postmodernen Philosophie. Während seines Aufenthaltes
in Berlin widmet er sich einem Projekt, das seine
Erfahrungen in verschiedenen Ländern verarbeitet –
in einer ungewöhnlichen Kombination aus umgangssprachlichem
Ägyptisch und Standardarabisch. AM
With the ICORN fellowship for at-risk cultural workers,
the DAAD Artists-in-Berlin Program aims to support
artistic freedom and freedom of expression. The fellowship
is funded by the State of Berlin, which joined
the International Cities of Refuge Network in May 2018.
Thanks to the Norway-based organization, more than
200 at-risk and threatened artists and journalists have
found temporary refuge in nearly eighty cities worldwide.
As a partner institution of the State of Berlin,
the Artists-in-Berlin Program oversees and provides
administrative support to fellowship holders.
Mohammed Ashraf has been a guest of the ICORN
program since August 2020. The Egyptian poet,
essayist, political activist, and researcher spent the last
two years in Sweden, where he worked for Reporters
Without Borders on developing a method for working
with refugee writers and journalists. In Egypt he had
previously authored several socio-political articles and
essays on literary and art criticism and freedom of expression.
Ashraf’s poetry is influenced by trends in postmodern
philosophy. During his stay in Berlin, he will focus
on a project addressing his experiences in various
countries using an unusual combination of colloquial
Egyptian and standard Arabic language. AM
89
Mohammed Ashraf
© Jasper Kettner

Narrative
erweitern
Expanding
Narratives
Vercihan Ziflioğlu, preisgekrönte Journalistin und
Verfasserin von sieben Büchern, traf im September
2020 in der Hauptstadt ein; ihr Aufenthalt wird durch
ein Stipendium des Landes Berlin ermöglicht. Die Autorin,
Mitglied der armenischen Community in Istanbul,
schrieb für Hürriyet, die auflagenstärkste Tageszeitung
der Türkei, und arbeitete für internationale Medien wie
das Al Jazeera Media Network. Sie wurde mit nationalen
wie internationalen Preisen ausgezeichnet, etwa
dem Anna Lindh Journalist Award. Ihre sieben Bücher
fanden in der Türkei, in Armenien, Russland und Bulgarien
großen Anklang, weitere Texte wurden ins Englische,
Arabische, Deutsche und Georgische übersetzt.
Ziflioğlu hat in ihrer Karriere als Schriftstellerin verschiedene
kreative Pfade verfolgt – von Sachliteratur
und rechercheintensiven dokumentarischen Texten
über Lyrik und fiktionale Prosa bis hin zur Kombination
eigener Kohlezeichnungen mit Kurzgeschichten. Während
ihres Aufenthalts wird sie an ihrem ersten Roman
arbeiten, der in Berlin zur Zeit des Ersten Weltkriegs
spielt. SF
Vercihan Ziflioğlu, an award-winning journalist and
author of seven books, arrived in Berlin in September
2020; her residency grant is being funded by the city
of Berlin. As a member of the Armenian community
in Istanbul, she wrote for Turkey´s biggest selling daily
Hurriyet and worked for international media such as
Aljazeera Network. She has been awarded with national
and international prizes including the Anna Lindh
Journalist Award. Her seven books have received much
attention in Turkey, Armenia, Russia, and Bulgaria,
and her texts have been translated to English, Arabic,
German, and Georgian.
Ziflioğlu has explored numerous creative forms in
her writing career, from non-fiction and research-based
documentary texts to poetry and fiction, as well as
combining her own charcoal drawings with short stories.
During her stay, she will work on her first novel, set
in Berlin during World War I. SF
90
Vercihan Ziflioğlu
© Jasper Kettner

Delaine Le Bas, St Sara Kali George, 2020, Verschiedene Materialien / Mixed media
Installationsansicht / installation view, 11. Berlin Biennale / 11th Berlin Biennale
daadgalerie, 09-11/20, Courtesy Delaine Le Bas; Yamamoto Keiko Rochaix, London
© Silke Briel

© Jasper Kettner

Die Poesie der
melancholischen
Rebellion
Alida Bremer
Bibliografie (Auswahl)
Pijavice nad
Santa Crusom
AGM
Zagreb, 2006
Poslanice običnim
ljudima
Algoritam
Zagreb, 2007
An die verlorenen
Hälften
Edition
Korrespondenzen
Wien, 2010
[Ü: Alida Bremer]
Bog neće pomoći
(Gott will nicht helfen)
Algoritam
Zagreb, 2012
Crna pokrajina
Algoritam
Zagreb, 2013
Schwarzes Land
Edition
Korrespondenzen
Wien, 2015
[Ü: Alida Bremer]
Zemlja, zemlja
(Boden, Boden)
Fraktura
Zaprešić, 2017
Inmitten von urbanen Alltagsszenen funkeln Katzenaugen, wachsen und
faulen Früchte – Orangen, Birnen, Pfirsiche –, schwarze Hunde jagen
schwarze Vögel, jemand liebt Fleischbällchen, „es rauschen die Feiertage
vergangener Staaten“. Ein See führt lange Monologe, erzählt von seinem
Leben – eine anthropomorphe Landschaft, auf deren Wasseroberfläche sich
unser Dasein spiegelt.
Marko Pogačar wird nicht nur als Erneuerer der kroatischen Poesie beschrieben,
sondern auch als eine Stimme voller Magie, die alle Grenzen hinter
sich lässt und sich mit Leidenschaft und Leichtigkeit in die poetische Weltgemeinschaft
einreiht. Ob der in Odessa geborene Dichter Ilya Kaminsky
oder der spanische Dichter Martín López-Vega, ob der deutsche Kritiker
Andreas Nentwich oder der rumänische Lyriker Claudiu Komartin – sie alle
sind sich einig, dass es sich um eine herausragende Erscheinung handelt;
verglichen wird er mit Rimbaud, mit Hölderlin oder Novalis, mit Joseph
Brodsky und dem ungarischen Filmemacher Béla Tarr.
1984 in Split geboren, machte sich Marko Pogačar im Alter von 22 Jahren
mit seinem ersten Gedichtband Pijavice nad Santa Crusom (Wirbelstürme
über Santa Cruz, 2006) bemerkbar. Der slowenische Dichter Tomaž Šalamun
schrieb: „Marko Pogačar ist ein Wunder.“ In seinem zweiten Gedichtband
Poslanice običnim ljudima (Sendschreiben an gewöhnliche Menschen,
2007, dt. An die verlorenen Hälften, 2010) wandte sich der junge Dichter
ein Jahr später „an die Schneiderinnen, an die Nachbarn, an die verschlafenen
Hausfrauen“. Er verkündete seine dichterischen Botschaften mit großer
Selbstverständlichkeit, so etwa in einem „an die müden Trotzkisten“ gerichteten
Gedicht: „Pogačar denkt: alles ist Gott = Gott ist nichts“. Und zwei
Jahre später erklärte er im dritten Gedichtband Predmeti ((Gegenstände,
2009, dt. An die verlorenen Hälften, 2010): „Meine Sprache ist eine dunkle /
fleischige Faust.“
Es folgten Essaybände, Erzählungen und Reiseberichte – minuziös komponierte
Texte geprägt von Alltagsphänomenen und politischen Analysen,
von metaphysischen Vorahnungen und symbolischen Imaginationen. Seine
Gedichte und Prosatexte wurden in mehr als dreißig Sprachen übersetzt,
er war Gast internationaler Poesiefestivals und Residence-Programme, die
Spur dieser Reisen zieht sich durch seine Texte als poetische Reflexion eines
melancholischen Nomaden.
Je besser der Dichter die Welt kennenlernte, desto dringlicher erschien
ihm die Notwendigkeit der Rebellion: „und heiß wie ein Ofen muss ein
Mensch sein, / damit er die Welt um sich herum zum Schmelzen bringt“, so
heißt es in seinem vierten Gedichtband Crna pokrajina (2013, dt. Schwarzes
Land, 2015).
Auf seiner beharrlichen Suche nach dem authentischen Ausdruck für die
Wirrungen unserer Epoche bewegt sich Marko Pogačar zwischen Umgangssprache
und erhabenem Ton, Fachjargon und Psalmen, Ironie und Selbstreflexion,
Popkultur und Natur, zwischen intimen Bekenntnissen und radikalen
Gesten. Er ist ein Meister der präzisen Formulierungen, zugleich feiert er in
seinen Texten die Sprache mit ihren Klängen und Rhythmen und verwandelt
bisweilen mit spielerischer Lust politische und philosophische Inhalte in
rätselhafte Melodien.
„Pogačar denkt: alles ist Gott = Gott ist nichts.“
93
Marko Pogačar
Literatur
09/20-09/21

The Poetry of
Melancholy Rebellion
Alida Bremer
Selected Bibliography
Pijavice nad
Santa Crusom
AGM
Zagreb, 2006
Poslanice običnim
ljudima
Algoritam
Zagreb, 2007
An die verlorenen
Hälften
Edition
Korrespondenzen
Vienna, 2010
[Transl.: Alida Bremer]
Bog neće pomoći
(God will not help)
Algoritam
Zagreb, 2012
Crna pokrajina
Algoritam
Zagreb, 2013
Schwarzes Land
Edition
Korrespondenzen
Vienna, 2015
[Transl.: Alida Bremer]
Zemlja, zemlja
(Ground, Ground)
Fraktura
Zaprešić, 2017
Amid scenes of day-to-day urban life, the eyes of cats flash and pieces of
fruit—oranges, pears, and peaches—grow and rot. Black dogs chase after
black birds; someone is in love with meatballs; “holidays of former countries
hum.” A lake declaims long monologues, tells stories of its life: an anthropomorphic
landscape with our existences reflected in its surface.
Marko Pogačar has been described as not only a renewer of Croatian
poetry, but an enchanted voice who leaves behind all borders and assumes
his rightful place among the global community of poets with zeal and a soft
touch. Everyone from the Odessa-born poet Ilya Kaminsky to the Spanish
poet Martín López-Vega, and from the German critic Andreas Nentwich to
the Romanian poet Claudiu Komartin agrees that Pogačar stands apart. He
has been compared with the likes of Rimbaud, Hölderlin, Novalis, Brodsky,
and the Hungarian filmmaker Béla Tarr.
Born in Split in 1984, Marko Pogačar made waves at age 22 with his
first poetry collection Pijavice nad Santa Crusom (Twisters over Santa Cruz,
2006). The Slovenian poet Tomaž Šalamun has called Marko Pogačar “a miracle.”
In his second collection Poslanice običnim ljudima (Epistles of the Common
People, 2007), released a year later, the young poet turned his attention
“to female tailors, to my neighbors, to dreamy housewives.” He proclaimed his
lyrical messages matter-of-factly; for example in a poem addressed to the
“tired Trotskyites” he writes “Pogačar thinks: everything is God = God is nothing.”
And two years later, in his third collection of poems Predmeti (Objects,
2009), he wrote: “My tongue is a dark / meaty fist.”
This was followed by books of essays, short stories, and travel writing,
minutely composed and replete with everyday phenomena and political
analysis, metaphysical premonitions, and symbolic reveries. His poems and
prose have been translated into more than thirty languages. He has been
invited to international poetry festivals and residency programs, and these
journeys have left their traces in his work as the poetic reflections of a melancholy
nomad.
The better the poet acquainted himself with the world, the more urgently he
treated the necessity of rebellion: “[J]ust as an oven red-hot a man must be /
to melt all that world around him,” he writes in his fourth poetry collection Crna
pokrajina (Black Region, 2013).
On his tenacious quest for an authentic expression of our era’s trials and
tribulations, Marko Pogačar moves between colloquialism and elegant prosody,
jargon and psalms, irony and self-reflection, pop culture and nature,
intimate confessions and radical gestures. He is an ace at precise articulation,
and yet his writing simultaneously celebrates the sounds and rhythms of language,
at times morphing political and philosophical themes into enigmatic
melodies with playful relish.
“Pogačar thinks: everything
is God = God is nothing.”
94
Marko Pogačar
Literature
09/20-09/21

20. internationales literaturfestival berlin, silent green, 09/20
Jacek Dehnel, Fariba Vafi © Ali Ghandtschi

Mahmoud Khaled, Proposal for a House Museum of an Unknown Crying Man, 2017
Installationsansicht / installation view, 15. Istanbul Biennale / 15th Istanbul Biennial, 2017
© Courtesy of the artist
MAHMOUD
KHALED

Die Dialektik von
Enthüllen und
Verbergen
Anja
Lückenkemper
Mahmoud Khaleds künstlerische Praxis setzt sich mit der Konstruktion von
männlicher Identität in einer zunehmend von mittelbarem und virtuellem Austausch
geprägten Gesellschaft auseinander. Seine Videos, Fotoarbeiten und
Installationen porträtieren ein breites Spektrum an Gender-Identitäten von
Bauchtänzern über Bodybuildern bis hin zu Stierkämpfern und erforschen an
bestimmte Situationen gebundene Machtdynamiken im Cyberspace, wie sie sich
beispielsweise in einem fiktiven Grindr-Chat finden. Der ägyptische Künstler arbeitet
mit den Grenzbereichen und Ambivalenzen von Realität und Inszenierung
und streicht dabei auch die Bedeutung von Kunst als Form des politischen Aktivismus
und Raum für kritische Reflexion heraus. Ausgehend von der jeweiligen
Thematik verbindet er Fotografie und Video mit skulpturalen Formen sowie Text,
Sound und Alltagsgegenständen.
Auf der Istanbul-Biennale 2017 präsentierte Khaled mit Proposal for a
House Museum of an Unknown Crying Man eine fiktionalisierte Auseinandersetzung
mit dem Fall der sogenannten Cairo 52. Diese Bezeichnung bezieht
sich auf die 52 Männer, die am 11. Mai 2001 an Bord eines schwimmenden
Nachtclubs verhaftet wurden. Nach brutaler physischer und psychischer Misshandlung
wurden sie wegen liederlichen und obszönen Verhaltens sowie Verunglimpfung
der Religion angeklagt. Ein Pressefoto des Prozesses zeigte einen
weinenden Mann, der versucht, sein Gesicht mit einem Stück weißen Stoffes
zu bedecken. Das Bild wurde auf einen Schlag zu einer Ikone der ägyptischen
Schwulen-Community, aufgeladen mit Bedeutung, die gar nicht unbedingt
intendiert war. In dem Bemühen, einen derart signifikanten Moment in Erinnerung
zu halten, erbaute Khaled ein „Hausmuseum“, das Gemälde, Skulpturen,
Objekte, Fotografien sowie persönliche Gegenstände und einen Audio-Guide
präsentiert, der aus der Sicht eines Nachbarn an den „unbekannten weinenden
Mann“ gerichtet ist und von einem Exilantendasein an einem ungenannten
Zufluchtsort erzählt. Über die fiktionale Dokumentation der Biografie dieses
anonymen Mannes verhandelt der Künstler größere Fragestellungen, etwa
nach der Dialektik von Enthüllen und Verbergen, den Wechselbeziehungen
zwischen öffentlicher und privater Sphäre sowie der andauernden Verfolgung
Homosexueller im Nahen Osten.
Es ist eben diese genaue, feinfühlige und weitsichtige Artikulation einer gesellschaftlichen
wie menschlichen Verfasstheit und deren inhärenter Verletzlichkeit,
die das künstlerische Werk Mahmoud Khaleds ausmacht. Die prozessorientierten
und multidisziplinären Arbeiten schaffen eine Zugänglichkeit und
Bedeutung, die über die unmittelbare Prekarität der verhandelten Themen hinausweist
auf verbotene Liebe, umfassendes politisches Versagen und die unsichtbaren
Räume, die seine Protagonisten in ihrem soziale Umfeld besetzen.
Mahmoud Khaled studierte Bildende Kunst in Alexandria, Ägypten und
Trondheim, Norwegen. Zu seinen Ausstellungen der letzten Jahre zählen: I
want you to know that I am hiding something from you in der Helena Anrather
Gallery, New York (2018); A New Commission for an Old State in der Gypsum
Gallery, Kairo (2018); 15. Istanbul Biennale (2017); 13. Sharjah Biennale,
AE (2017); Terra Mediterranea – in Action, NiMAC Arts Center, Nicosia (2017);
Hips Don’t Lie, Centre Pompidou, Malaga (2016); Electronic Superhighway,
Whitechapel Gallery, London (2016); Complicity, Sultan Gallery, Kuwait
(2016); On Building Nations, Edith-Ruth-Haus, Oldenburg.
Es ist eben diese genaue, feinfühlige und
weitsichtige Artikulation einer gesellschaftlichen
wie menschlichen Verfasstheit und deren
inhärenter Verletzlichkeit, die das künstlerische
Werk Mahmoud Khaleds ausmacht.
97
Mahmoud Khaled Bildende Kunst Noch nicht in Berlin

The The Dialectic of
Mahmoud Khaled’s art practice sculptures, explores objects, the photographs, construction of and male personal identity in
Revelation of Revelation and and a society that is increasingly items, shaped as well by as mediated an audio and guide virtual narrated exchanges. from the The
Concealment
subjects of his videos, photographic perspective of works, a neighbor and installations to an “Unknown feature Crying a range
of gender identities, from Man,” belly speaking dancers, of to his bodybuilders life in a place and of bullfighters, exile and refuge.
dynamics Through that the occur fictitious in cyberspace, documentation such of as the a
and
Mahmoud Anja Khaled’s art practice explores situational the con-powestruction Lückenkemper of male identity in a society fictitious that conversation is in-
on anonymous Grindr. Working man’s with biography, the ambivalences Khaled addresses and overcreasingly
shaped by mediated laps and between virtual exchanges.
The subjects of his videos, of political photographic activism and cealment, a space for the critical intersection reflection. of public The Egyptian and private artist
reality and issues staging, such Khaled as the considers dialectic the of revelation role of art and as a con-
form
works, and installations feature adapts a range his of medium gender to the space, subject and matter, the ongoing often combining persecution photographs of LGBTQI+ and
identities, from belly dancers, videos to bodybuilders with sculptural and forms, citizens texts, in the sound Middle elements, East. and everyday objects.
bullfighters, and explores situational At the power Istanbul dynamics
that occur in cyberspace, Museum such as of a an fictitious Unknown lation Crying of Man, a social a fictionalized and human approach condition to and the its case of
Biennial in This 2017 sensitive, Khaled precise, presented and his insightful Proposal articu-
for a House
conversation on Grindr. Working the with “Cairo the 52”—52 ambivalences
and overlaps between floating reality and nightclub staging,
Cairo. Khaled’s After grave artistic physical approach. and His emotional process-oriented
abuse, the men
gay inherent men who vulnerability were arrested is at on the 11 core May, of 2001 Mahmoud aboard a
Khaled considers the role of art were as a later form convicted of political
activism and a space for critical “contempt reflection. of religion.” The A openness press photograph that extends covering their the meaning trial procedures beyond the
on and charges multidisciplinary of “debauchery,” works “obscene operate behavior,” on a level and of
Egyptian artist adapts his medium shows to a the crying subject man attempting immediate to cover precariousness his face with of his a piece themes of white such as cloth.
matter, often combining photographs The image and instantly videos became forbidden an icon love, and systematic signifier for political the male failure, gay and community
in elements, Egypt, by and against invisible its will. spaces In an his attempt protagonists to commemorate occupy within a sig-
the
with sculptural forms, texts, sound
everyday objects.
nificant moment, Khaled their constructs social contexts. a “house museum” that showcases a
At the Istanbul Biennial in 2017 collection Khaled of presented
his Proposal for a House Museum as well as of an audio Unk-
guide ria, narrated Egypt and from in the Trondheim, perspective Norway. of a neighbor His recent to an
paintings, sculptures, Mahmoud objects, Khaled photographs, studied fine and art in personal Alexand-
items,
nown Crying Man, a fictionalized “Unknown approach Crying to the Man,” exhibitions speaking of include: his life in I Want a place You of to exile Know and That refuge. I Am
case of the “Cairo 52”—52 gay Through men who the fictitious were documentation Hiding Something of the from anonymous You, Helena man’s Anrather biography, Gallery,
such New as York the dialectic (2018); A of New revelation Commission and concealment,
for an
arrested on 11 May, 2001 aboard Khaled a floating addresses night-issueclub in Cairo. After grave physical the intersection and emotional of public Old and State private Gypsum space, and Gallery, the ongoing Cairo, EG persecution (2018); of
abuse, the men were later convicted LGBTQI+ on citizens charges in the 15th Middle Istanbul East. Biennial, TR (2017); Sharjah Biennial
and 13, AE insightful (2017); articulation Terra Mediterranea of a social – in and Action, human
of “debauchery,” “obscene behavior,” This and sensitive, “cont-preciseempt of religion.” A press photograph condition covering and its the inherent NiMAC vulnerability Arts Center, is at the Nicosia, core of CY Mahmoud (2017); Hips Khaled’s
trial procedures shows a crying artistic man attempting
approach. His process-oriented Don’t Lie, Centre and Pompidou, multidisciplinary Málaga, ES works (2016); operate
to cover his face with a piece of on white a level cloth. of openness The that Electronic extends Superhighway, their meaning Whitechapel beyond the immediate Gallery,
image instantly became an icon precariousness and signifier for of his themes London, such UK as (2016); forbidden Complicity, love, systematic Sultan Gallery, political
the male gay community in Egypt, failure, by and the against invisible spaces Kuwait, his KW protagonists (2016); On Building occupy within Nations, their Edith- social
its will. In an attempt to commemorate contexts. a significant
moment, Khaled constructs Mahmoud a “house mu-
Khaled studied Porn Company, fine art in Alexandria, Galpão VB Egypt | Associação and in Trondheim,
Cultural
Ruth-Haus, Oldenburg (2016); Proposal for a
seum” that showcases a collection Norway. of paintings, His recent exhibitions Videobrasil, include: São I Want Paulo, You BR to (2016); Know and That It’s I Am Never
Hiding Something from Too You, Late Helena to Talk Anrather About Gallery, Love, Nile New Sunset York (2018); Annex,
A New Commission for Cairo, an Old EG State (2014). at Gypsum Gallery, Cairo, EG (2018);
15th Istanbul Biennial (2017); Sharjah Biennial 13 (2017); Terra Mediterranea –
This sensitive, in Action, precise, NiMAC Arts Center, and Anja Lückenkemper
Nicosia insightful
(2017); Hips Don’t Lie, Centre
Pompidou, Málaga (2016); Electronic Superhighway, Whitechapel Gallery,
articulation of London a social (2016); Complicity, and Sultan human Gallery, Kuwait condition
(2016); On Building
Nations, Edith-Ruth-Haus, Oldenburg (2016); Proposal for a Porn Company,
Galpão VB | Associação Cultural Videobrasil, São Paulo (2016); and It’s
and its inherent vulnerability is at the core of
Never Too Late to Talk About Love, Nile Sunset Annex, Cairo (2014).
Mahmoud Khaled’s artistic approach.
This sensitive, precise, and insightful
articulation of a social and human condition
and its inherent vulnerability is at the core of
Mahmoud Khaled’s artistic approach.
Mahmoud Khaled VISUAL ART 64
98
Mahmoud Khaled Visual Arts Not yet arrived

Ieva Epnere (Fellow 2019), Rīgas cirks Riga Circus, 2020,
Innenansicht / Inside Pages, Foto / Photo: Ieva Epnere,
Hrsg. / Publ.: Bom Dia Tarde Boa Noite / Berliner Künstlerprogramm des DAAD

© Valeria Fiorini
LUCRECIA
MARTEL
Making of Zama (Lucrecia Martel, 2017)

Die Präzision der
Entomologin
Alan Pauls
Filme (Auswahl)
Rey Muerto
(Kurzfilm, 1995)
La ciénaga
(Spielfilm, 2001)
La niña santa
(Spielfilm, 2004)
La mujer sin cabeza
(Spielfilm, 2008)
Zama
(Spielfilm, 2017)
AI
(Kurzfilm, 2019)
Jeder Film von Lucrecia Martel ist ein Ereignis. Es sind geheimnisvolle, mit
höchster Diskretion gefilmte Werke (Martel hat eine geradezu sprichwörtliche
Vorliebe für das Geheimnis), die hohe Erwartungen wecken. Aber diese lang
ersehnten Filme besetzen stets die unmöglichsten Orte (mit denen nicht einmal
Martels bedingungsloseste ZuschauerInnen rechnen). Das ist eines der
Merkmale, das sie als Filmemacherin so einzigartig macht: Ihr Stil ist so unverwechselbar
wie die Welten, in die sie vordringt, doch jeder Film ist eine Überraschung,
ein Wagnis, eine neue Herausforderung, die sowohl die Erfahrung
der ZuschauerInnen als auch den ästhetischen Werdegang ihrer Regisseurin
noch eigenartiger macht.
Nach einem vielversprechenden Kurzfilm, Rey muerto (Toter König, 1995),
einer Western-Version der bedrückenden Provinzwelt, die eines ihrer Markenzeichen
werden sollte, debütierte Martel mit La ciénaga (Morast, 2001): zweifellos
das mächtigste, vollkommenste und einflussreichste Erstlingswerk des
Neuen Argentinischen Kinos. Martel machte ihre ersten Schritte und schien
schon alles zu wissen. Was sie filmte, war unvergleichlich. Als wahrhaft programmatischer
Film legte La ciénaga den Grundstein für ihre weiteren Werke:
La niña santa (Das heilige Mädchen, 2004), La mujer sin cabeza (Die Frau
ohne Kopf, 2008), Zama (2017). Es sind wenige Filme – vier Langfilme in
zwanzig Jahren –, doch alle originell, anregend, ungewöhnlich, verstörend.
La ciénaga ist Salta, die Stadt im Norden Argentiniens, in der Martel zur
Welt kam, mit ihrem im Niedergang befindlichen Bürgertum, ihren versehrten
Familien, ihren feuchtheißen und sich selbst entfremdeten Sommern – der
perfekte Nährboden für dieses Geflecht kleiner Geschichten, Gerüchte, Ressentiments
und Glaubensbekenntnisse, die Martels Kamera wie keine andere
aufzuzeichnen versteht. All diese Dinge machen ihre Arbeit aus, aber an
erster Stelle steht die Faszination für das Lokale, für die Art und Weise, wie
gesprochen wird, wie Beziehungen entstehen, für Rituale, Protokolle, endemische
Lebensformen, die Martel mit der Präzision einer Entomologin seziert
und in der Echokammer der Gegenwartsgesellschaft zum Schwingen bringt.
Ihr Charakteristikum ist ein singulärer „provinzieller Kosmopolitismus“,
der mit absolutem Blick und Gehör die – schamhaften, stummen, stets drohenden
– Erschütterungen des jeweiligen Ortes einfängt und mit den kritischen
Debatten der globalen Agenda verbindet. Schon in La ciénaga findet
sich auch ihre Vorliebe für den Kreislauf, die Vermischung, den Austausch
von class, gender, Alter, Spezies. Wider die strengen Hierarchien einer archaischen
Gesellschaft ist bei Martel alles mit allem in Berührung: class mit
gender, das Verlangen mit der Macht, die Verwandtschaft mit der Sexualität,
der Verstand mit dem Wahnsinn, die Kultur mit der Natur. In La niña santa
sind das Begehren und das Heilige allzu vertraute Nachbarn, zwei Seiten
desselben Schwindels; in La mujer sin cabeza verbrüdert sich die Ehre mit
der Schuld und dem Verbrechen; in Zama, Martels erstem Ausflug in den
Historienfilm, ist die (Welt-)Geschichte eine Halluzination, purer Rausch: die
Hochebene, auf der ein Kolonialbeamter ausharrt und zwischen Hunden,
Frauen, Ausländern, Pferden, Schwarzen, Indigenen langsam verblutet. Bei
Martel gibt es keine Grenzen oder es gibt sie nur als unbeständige, poröse
Zonen, die mehr verbinden, als dass sie trennen. Ihr Kino ist ein Laboratorium
auseinanderstrebender Koexistenzen.
Ihr Charakteristikum ist ein singulärer „provinzieller
Kosmopolitismus“, der mit absolutem
Blick und Gehör die (...) Erschütterungen des
jeweiligen Ortes einfängt und mit den kritischen
Debatten der globalen Agenda verbindet.
101
Lucrecia Martel Film Noch nicht in Berlin

An Entomologist’s
Precision
Alan Pauls
Selected Films
Rey Muerto
(Short film, 1995)
La ciénaga
(Feature film 2001)
La niña santa
(Feature film, 2004)
La mujer sin cabeza
(Feature film, 2008)
Zama
(Feature film, 2017)
AI
(Short film, 2019)
Each of Lucrecia Martel’s films is an event. They are mysterious works, filmed
in utmost secrecy (she is notorious for being secretive), which often raises
expectations. But the films one expects are never situated where the spectator
expects them to be (not even for the most diehard Martel cineaste). This is one
of the qualities that makes her unique as a filmmaker: her style is as distinct
as the varying worlds that her works inhabit, yet each film is surprising, audacious,
and challenging in new ways, making both the viewer’s experience as
well as the director’s aesthetic trajectory into something rarified.
After a promising short film, Rey muerto (Dead King, 1995), a Western
take on the oppressive milieu in the provinces which will become one of her
trademarks, Martel made her feature-length debut with La ciénaga (The
Swamp, 2001), undoubtedly the most powerful, complete, and influential debut
of the so-called New Argentine Cinema. Martel was taking her initial steps and
already seemed to know everything. What she filmed was without parallel.
A truly programmatic film, La ciénaga established the horizon in which all her
films would appear: La niña santa (The Holy Girl, 2004), La mujer sin cabeza
(The Headless Woman, 2008), Zama (2017). A handful of films—four features
in twenty years—all of them original, exhilarating, remarkably unsettling.
La ciénaga is Salta, the city in northern Argentina where Martel was born,
with its bourgeoisie in decline, its wounded families, and its sticky, alienating
summers—the perfect breeding ground for this web of little tales, gossip,
grudges, and beliefs that Martel’s camera knows how to capture like no other.
All of Martel is there, but first and foremost is her fascination with the local
manners of speaking and interacting, the plainly rooted rituals, protocols, and
typical ways of life, laid bare by Martel with an entomologist’s precision and
resounding through the echo chamber of contemporary society.
The singularity of her “provincial cosmopolitanism” is apparent, an ability
to completely articulate the eyes and ears with which she captures the seismic
shifts of her land—discreet, silent, ever menacing—along with the most
critical debates on the global agenda. Also evident is her affinity for movement,
mixing, the dealings of the classes, genres, ages, and species, which renders
each of her shots into a kind of theater of unique wantonness both fluid and
explosive. Contravening the rigid hierarchies of an archaic society, in Martel
everything comes up against each other: class with gender, desire with power,
lineage with sexuality, reason with madness, nature with nurture. In La niña
santa, desire and the sacred are neighbors in too close a proximity, perhaps
two sides of the same vertiginous face; in La mujer sin cabeza, respectability
rubs shoulders with guilt and criminal acts; in Zama (Martel’s first foray into
period cinema), history is hallucinatory, pure lysergia: a bleak expanse in which
a colonial official waits and bleeds out his days among dogs, women, foreigners,
horses, Blacks, Indians. There are no borders in Martel, or they exist only
as unstable, porous strips, divulging far more than they divide. Lucrecia Martel’s
cinema is a laboratory of divergent coexistence.
The singularity of her “provincial cosmopolitanism”
is apparent, an ability to completely articulate
the eyes and ears with which she captures
the seismic shifts of her land (...) along with the
most critical debates on the global agenda.
102
Lucrecia Martel Film Not yet arrived

© Courtesy of the artist
AFFONSO
UCHOA

Der eigenwillige
dritte Blick
Fabio Andrade
Filmografie (Auswahl)
Ou a Noite
Incompleta
Ko-Regie mit Luiz
Gabriel Lopes,
Maurício Rezende
und Priscila Amoni
(Kurzfilm, 2006)
Desígnio
(Kurzfilm, 2009)
Mulher à Tarde
(Spielfilm, 2010)
A Vizinhança do Tigre
(Spielfilm, 2014)
Arábia
Ko-Regie mit
João Dumans
(Spielfilm, 2017)
Sete Anos em Maio
(Kurzer Spielfilm, 2019)
Eine der größten formalen Überraschungen in der Bibel findet sich im
sechsten Buch des Neuen Testaments, in Paulus’ Römerbrief. Gegen Ende
emanzipiert sich der Schreiber vom Autor und stellt sich als „Tertius, der diesen
Brief schrieb“ vor. Tertius (wörtlich „der Dritte“ auf Latein) von Iconium
fungierte als Paulus’ Sekretär bei dessen längstem Brief. Dieser Schachzug
hat im Lauf der Zeit eine breitgefächerte Debatte evoziert, die von narrativer
Authentizität (Wer war Tertius? War er Christ? War er ein Sklave? Welche
Beziehung hatte er zum Apostel Paul?) bis zur Medienarchäologie (Wurde
der Brief zunächst in einer anderen Sprache formuliert und musste übersetzt
werden? Waren Schreiber damals üblich?) reicht. All diese Fragen bündeln
sich in einer zentralen Überlegung: Welchen Einfluss hat derjenige, der eine
Geschichte erzählt, auf ihren Verlauf?
Affonso Uchôas Filme sind nicht durchweg religiös. Zumindest aber beginnt
und endet der Film, der am deutlichsten einen Erzähler-Tertius zitiert –
in Form des gefundenen Notizbuchs in Arábia (Arabien, 2017, Ko-Regie mit
João Dumans) – in der Stadt Ouro Preto, der Wiege der katholischen
Barockkunst Brasiliens. Und: Seine Filme zeugen von der Bedeutung einer
vermittelnden Instanz, die am Übergang zweier Welten angesiedelt ist.
Sie kann ein Charakter sein (wie Andre – Murilo Caliari – in Arábia) oder ein
filmisches Mittel (wie die lange Einstellung in Sete Anos em Maio, Sieben
Jahre im Mai, 2019), vor allem aber spiegelt sich darin die Position des
Filmemachers selbst.
Der 1984 in São Paulo geborene Uchôa war international kaum bekannt,
als sein Film Arábia im Wettbewerb des Internationalen Filmfestivals Rotterdam
Premiere feierte, einen globalen Siegeszug antrat und dabei Lorbeeren
auf Festivals wie dem Buenos Aires International Festival of Independent
Cinema, der Viennale, FIDMarseille und IndieLisboa sowie begeisterte Kritiken
erntete. Sein Nachfolger, Sete Anos em Maio, wurde erstmals auf dem
Festival Visions du Réel vorgestellt und im internationalen Wettbewerb Burning
Lights ausgezeichnet. Seither feierte der Film, trotz seiner ungewöhnlichen
Länge von nur 42 Minuten, auf Festivals wie dem Toronto International
Film Festival, dem Jeonju International Film Festival und Film Madrid Erfolge.
Schon vor der internationalen Anerkennung hatte Uchôa zwei Spielfilme
(A Vizinhança do Tigre, Die Nachbarschaft des Tigers, 2014; und Mulher à
Tarde, Nachmittagsfrau, 2010) und zwei Kurzfilme (Desígnio, Gestaltung,
2009; und Ou a Noite Incompleta, Oder die unvollständige Nacht, 2006,
Ko-Regie mit Luiz Gabriel Lopes, Maurício Rezende und Priscila Amoni) gedreht,
die auf vielen lokalen Festivals gezeigt wurden. Der nun erfolgte große
Auftritt im internationalen Kino fällt zusammen mit der Entstehung einer
einzigartigen Ästhetik. Uchôa nutzt den cinephilen Formalismus seiner früheren
Filme, um in A Vizinhança do Tigre die harte Realität seines treffend benannten
Wohnviertels – Nacional in der Stadt Contagem in Minas Gerais –
gleichzeitig zu brechen und zu verstärken. Dieser eigenwillige dritte Blick sagt
sich von der kreativen Materie der Welt vor seinen Augen los und ist doch in
sie verwickelt. Uchôa schafft eine Filmsprache, die der politischen Berufung
des lateinamerikanischen Kinos neuen Schwung verleiht und es zu einer radikalen
Selbstreflexivität drängt, die sich dem Erzählen nicht verweigert,
sondern aus dem zerbrechlichen Gewebe des täglichen Lebens schöpft.
Uchôa schafft eine Filmsprache, die
sich dem Erzählen nicht verweigert,
sondern aus dem zerbrechlichen
Gewebe des täglichen Lebens schöpft.
104
Affonso Uchôa Film Noch nicht in Berlin

This Idiosyncratic
Third Glance
Fabio Andrade
Selected Films
Ou a Noite Incompleta
Co-directed with
Luiz Gabriel Lopes,
Maurício Rezende
und Priscila Amoni
(Short film, 2006)
Desígnio
(Short film, 2009)
Mulher à Tarde
(Feature film, 2010)
A Vizinhança do Tigre
(Feature film, 2014)
Arábia
Co-directed with
João Dumans
(Feature film, 2017)
Sete Anos em Maio
(Short feature film, 2019)
One of the most surprising formal operations in the Christian bible takes
place in the sixth book of the New Testament, in Paul the Apostle‘s Epistle to
the Romans. Near the end, the writer breaks free from the author, introducing
himself as “Tertius, who wrote down this letter.” Tertius (literally “third” in
Latin) of Iconium was the amanuensis for Paul the Apostle’s longest epistle.
This narrative wrinkle has generated debates that range from narrative authenticity
(who was Tertius? Was he Christian? Was he a slave? What was
the relationship between him and Paul the Apostle?) to media archaeology
(was the Epistle conceived in a different language that required translation?
Were scribes common at the time?), altogether pointing to the relevance of
mediation: who tells a tale adds a tail.
The films by Affonso Uchôa are not consistently religious, even though the
one that most directly invokes a narrative Tertius—the found notebook in
Arábia (Araby, 2017), co-directed with João Dumans—starts and ends in
the city of Ouro Preto, the cradle of Brazilian catholic baroque art. Nonetheless,
his films are testimonies of the importance of the mediator—an element
that exists in the fold between two different worlds, which can sometimes be
a character (Andre—Murilo Caliari—in Araby), or a filmmaking device (the
long take in Seven Years in May, 2019), but that is also reflective of the position
of the filmmaker himself.
Born in São Paulo, in 1984, Uchôa was not widely known by international
audiences until Araby premiered in competition at International Film Festival
Rotterdam, kickstarting a successful global run, collecting laurels from Buenos
Aires International Festival of Independent Cinema, Viennale, FIDMarseille,
Indie Lisboa, and rave reviews along the way. Its follow-up, Sete Anos
em Maio (Seven Years in May, 2019), won an award at the Burning Lights
International Competition at its premiere at Visions du Réel, and has since
thrived in festivals such as the Toronto International Film Festival, Jeonju
International Film Festival and Film Madrid despite its awkward run time of
42 minutes.
His trajectory precedes international recognition with two feature films
(A Vizinhança do Tigre, The Hidden Tiger, 2014; and Mulher à Tarde, Woman
in the Afternoon, 2010) and two shorts (Desígnio, Design 2009; and Ou a
Noite Incompleta, Or an Incomplete Night, 2006, co-directed with Luiz
Gabriel Lopes, Maurício Rezende, and Priscila Amoni) widely circulated in
local festivals. His emergence in international cinema coincides with the coalescence
of a singular aesthetic in his film The Hidden Tiger, which uses
the cinephilic formalism of his earlier films—Desígnio and Woman in the
Afternoon—to distort and potentialize the gripping reality of his aptly-named
neighborhood—Nacional, in the city of Contagem, Minas Gerais. This idiosyncratic
third glance, both removed from and implicated in the creative
matter of the world before it, results in films that refresh the political vocation
of Latin American cinema, pushing it toward a radical self-reflection that
does not refuse narration, but instead pulls it from the frail fabric of daily life.
Uchôa achieves a cinematic language
that does not refuse narration, but instead
pulls it from the frail fabric of daily life.
105
Affonso Uchôa Film Not yet arrived

Preise und Auszeichnungen 2019/20
Literatur
Peter Handke, Fellow 1968,
und Olga Tokarczuk, Fellow 2001,
werden mit dem Nobelpreis
für Literatur 2019 bzw. 2018
ausgezeichnet.
Der Zirkel der Literaturliebhaber
von Amir Hassan Cheheltan,
Fellow 2009, erhält den
Internationalen Literaturpreis
des Haus der Kulturen der Welt.
Cees Nooteboom, Fellow 1989,
wird mit dem spanischen
Premio Formentor de las Letras
ausgezeichnet.
László F. Földényi, Fellow 1988,
erhält den Leipziger Buchpreis für
Europäische Verständigung für
Lob der Melancholie.
Erik Lindner, Fellow 2012,
Sergio Raimondi, Fellow 2018,
und Serhij Zhadan, Fellow 2010,
nehmen am Literaturfestival
Poetica in Köln teil.
Mathias Énard, Fellow 2013 und
Prix-Goncourt-Preisträger, ist
der 13. Friedrich Dürrenmatt-
Gastprofessor für Weltliteratur
der Universität Bern.
Georgi Gospodinov,
Fellow 2008, ist Gast im
Berliner Wissenschaftskolleg.
Film
Queen Lear von Pelin Esmer,
Fellow 2018, erhält eine
Nominierung für den besten
Dokumentarfilm beim SEEfest
2020 in Los Angeles.
Mangrove und Lovers Rock von
Steve McQueen, Fellow 1999,
werden für den Wettbewerb des
Festival de Cannes ausgewählt.
Marie Losier, Fellow 2013, wird
in die Dokumentarfilmpreis-
Jury der Berlinale berufen.
Karim Aïnouz, Fellow 2004,
präsentiert auf der Berlinale
die Dokumentation Nardjes A.
A House in the Country von
Davi Pretto, Fellow 2018, wird
für den Berlinale Co-Production
Market 2020 ausgewählt.
Athina Rachel Tsangari,
Fellow 2017, präsentiert auf
der Berlinale ihr Serienprojekt
Trigonometry.
Akram Zaatari, Fellow 2010,
präsentiert auf der Berlinale
im Rahmen von Forum Expanded
seinen Film Al-Houbut.
Salomé Lamas, Fellow 2014,
nimmt mit Terra de Ninguém /
No Man‘s Land an der Berlinale
teil.
Felipe Bragança, Fellow 2014,
nimmt mit A Yellow Animal
beim International Film Festival
Rotterdam teil.
Salomé Lamas, Fellow 2014,
ist mit dem Filmessay Extinction,
Nelson Carlo De Los Santos
Arias, Fellow 2019, mit dem
Spielfilm Cocote beim Festival
Frames of Representation am
ICA London vertreten.
Mahdi Fleifel, Fellow 2017,
erhält bei den Vienna Shorts
den Vienna Shorts Film Award
für 3 Logical Exits.
Mira Fornay, Fellow 2016,
ist Jurymitglied des Sofia
International Film Festivals.
Kunst
Ayşe Erkmen, Fellow 1993,
erhält den Ernst Franz
Vogelmann-Preis für Skulptur.
Alfredo Jaar, Fellow 1990,
wird mit dem Hasselblad
Foundation International Award
in Photography ausgezeichnet.
Janet Cardiff, Fellow 2000,
und George Bures Miller erhalten
den Wilhelm-Lehmbruck-
Preis der Stadt Duisburg und
des Landschaftsverbandes
Rheinland.
Runo Lagomarsino, Fellow 2019,
erhält den Friends of Moderna
Museet Sculpture Prize in
Stockholm.
Bani Abidi, Fellow 2011,
wird für den Kunstpreis der
Böttcherstraße in Bremen
2020 nominiert.
Ibrahim Mahama, Fellow 2017,
nimmt an der Biennale of
Sydney teil.
Ashley Hans Scheirl,
Fellow 2018, wird ausgewählt,
Österreich auf der Biennale di
Venezia 2021 zu vertreten.
Stan Douglas, Fellow 1994,
wird ausgewählt, Kanada auf
der Biennale di Venezia 2021
zu vertreten.
Osías Yanov, Fellow 2020,
nimmt an der Berlin Biennale teil.
Mathieu Kleyebe Abonnenc,
Fellow 2019, nimmt an der
Manifesta in Marseille teil.
Judy Radul, Fellow 2012, nimmt
an der Gwangju Biennale teil.
Ho Tzu Nyen, Fellow 2014,
präsentiert die Videoinstallation
No Man II im Rahmen der Wiener
Festwochen.
Edith Dekyndt, Fellow 2015,
Bethan Huws, Fellow 2007,
und Per Kirkeby, Fellow 1982,
sind mit Arbeiten bei der zehnten
Ausgabe der KölnSkulptur
vertreten.
Rossella Biscotti, Fellow 2018,
erhält ein Stipendium der
Graham Foundation.
Musik
Die österreichische Komponistin
Olga Neuwirth, Fellow 1996,
erhält den Robert Schumann-
Preis für Dichtung und Musik
2020.
Yair Klartag, Fellow 2017,
erhält den Henri Lazarof
International Commission Prize.
Das PreisträgerInnenkonzert
Together Games von
Ashley Fure, Fellow 2018,
sowie die Auftragsarbeit … like
dissolving ancient amber and
letting a trapped insect fly away
von Turgut Erçetin, Fellow 2016,
werden beim ECLAT Festival
Neue Musik Stuttgart aufgeführt.
Ondřej Adámek, Fellow 2011,
präsentiert das Auftragswerk
Seven Stones beim Festival
d‘Aix-en-Provence.
Ashley Fure, Fellow 2018, erhält
den 64. Kompositionspreis der
Landeshauptstadt Stuttgart.
Clara Iannotta, Fellow 2013,
und Mirela Ivičević, Fellow 2019,
nehmen am Ultraschall-Festival,
Berlin, teil.
Yair Klartag, Fellow 2017,
Olga Neuwirth, Fellow 1996,
und Christian Wolff, Fellow 1974,
steuern Uraufführungen bei
für die Münchener Biennale –
Festival für neues Musiktheater.
sergey kasich, Fellow 2019,
nimmt am CTM Festival in
Berlin teil.
106

Awards and Honors 2019/20
Literature
Peter Handke, fellow 1968,
and Olga Tokarczuk, fellow 2001,
were awarded the Nobel Prize
for Literature in 2019 and 2018,
respectively.
Amir Hassan Cheheltan’s
The Circle of Literature Lovers,
fellow 2009, received the
International Literature Prize
from the Haus der Kulturen
der Welt.
Cees Nooteboom, fellow 1989,
was awarded the Spanish literary
award Premio Formentor de las
Letras.
László F. Földényi, fellow 1988,
received the Leipzig Book Prize
for European Understanding for
In Praise of Melancholy.
Erik Lindner, fellow 2012,
Sergio Raimondi, fellow 2018,
and Serhij Zhadan, fellow 2010,
took part in the Poetica Festival
for World Literature in Cologne.
Mathias Énard, fellow 2013
and Prix Goncourt prize winner,
became the thirteenth Friedrich
Dürrenmatt Guest Professor for
World Literature at the University
of Bern.
Georgi Gospodinov, fellow
2008, was a guest at the
Wissenschaftskolleg in Berlin.
Film
Queen Lear by Pelin Esmer,
fellow 2018, received a
nomination for best documentary
at SEEfest 2020 in Los Angeles.
Mangrove and Lovers Rock by
Steve McQueen, fellow 1999,
was selected for competition
at the Festival de Cannes.
Marie Losier, fellow 2013,
was appointed to the Berlinale
Documentary Film Award Jury.
Karim Aïnouz, fellow 2004,
presented the documentary
Nardjes A at the Berlinale.
A House in the Country by
Davi Pretto, fellow 2018, was
selected for the Berlinale
Co-Production Market 2020.
Athina Rachel Tsangari,
fellow 2017, presented her series
project Trigonometry at the
Berlinale.
Akram Zaatari, fellow 2010,
presented his film Al-Houbut
at the Berlinale in the Forum
Expanded program.
Salomé Lamas, fellow 2014,
participated in the Berlinale with
Terra de Ninguém / No Man’s
Land.
Felipe Bragança, fellow 2014,
took part in the International Film
Festival Rotterdam with A Yellow
Animal.
Salomé Lamas, fellow 2014,
was represented at the Frames
of Representation film festival
at ICA London with the filmic
essay Extinction, and Nelson
Carlo De Los Santos Arias,
fellow 2019, was represented
with the feature film Cocote.
Mahdi Fleifel, fellow 2017,
received the Vienna Shorts Film
Award for 3 Logical Exits at the
Vienna Shorts Film Festival.
Mira Fornay, fellow 2016, was
a jury member for the Sofia
International Film Festival.
Visual Art
Ayşe Erkmen, fellow 1993,
was awarded the Ernst Franz
Vogelmann Prize for Sculpture.
Alfredo Jaar, fellow 1990,
received the Hasselblad
Foundation International
Award in Photography.
Janet Cardiff, fellow 2000,
and George Bures Miller received
the Wilhelm Lehmbruck Prize
from the City of Duisburg and
the Rhineland Regional Council.
Runo Lagomarsino, fellow 2019,
received the Friends of Moderna
Museet Sculpture Prize in
Stockholm.
Bani Abidi, fellow 2011, was
nominated for the Art Prize of
Böttcherstraße in Bremen 2020.
Ibrahim Mahama, fellow 2017,
took part in the Biennale of
Sydney.
Ashley Hans Scheirl, fellow
2018, was selected to represent
Austria at the Biennale di
Venezia 2021.
Stan Douglas, fellow 1994, was
selected to represent Canada at
the 2021 Venice Biennale.
Osías Yanov, fellow 2020,
took part in the Berlin Biennale.
Mathieu Kleyebe Abonnenc,
fellow 2019, participated in
Manifesta in Marseille.
Judy Radul, fellow 2012, took
part in the Gwangju Biennale.
Ho Tzu Nyen, fellow 2014,
presented the video installation
No Man II as part of the Wiener
Festwochen.
Edith Dekyndt, fellow 2015,
Bethan Huws, fellow 2007,
and Per Kirkeby, fellow 1982,
were represented with works at
the tenth edition of KölnSkulptur.
Rossella Biscotti, fellow 2018,
received a grant from the
Graham Foundation.
Music
Austrian composer
Olga Neuwirth, fellow 1996,
received the Robert Schumann
Prize for Poetry and Music 2020.
Yair Klartag, fellow 2017, was
awarded the Henri Lazarof
International Commission Prize.
The winning concert Together
Games by Ashley Fure,
fellow 2018, as well as the
commissioned work… like
dissolving ancient amber and
letting a trapped insect fly away
by Turgut Erçetin, fellow 2016,
were performed at the ECLAT
Festival Neue Musik Stuttgart.
Ondřej Adámek, fellow 2011,
presented the commissioned
work Seven Stones at the
Festival d‘Aix-en-Provence.
Ashley Fure, fellow 2018,
received the 64th Composition
Prize from the City of Stuttgart.
Clara Iannotta, fellow 2013,
and Mirela Ivičević, fellow 2019,
took part in the Ultrasound
Festival, Berlin.
Yair Klartag, fellow 2017,
Olga Neuwirth, fellow 1996,
and Christian Wolff, fellow 1974,
co-premiered works at the
Munich Biennale Festival for
New Music Theater.
sergey kasich, fellow 2019, took
part in CTM Festival in Berlin.
107

Alumni 1963-2019
2019
Bildende Kunst / Visual Arts
Pierre Bismuth Frankreich/Belgien
France/Belgium
Burak Delier Türkei Turkey
Ieva Epnere Lettland Latvia
Edi Hila Albanien Albania
Mathieu Kleyebe Abonnenc
Französisch-Guayana/Frankreich
French Guiana/France
Runo Lagomarsino Schweden/
Brasilien Sweden/Brazil
Film
Manuel Abramovich
Argentinien Argentina
Nelson Carlos de los Santos Arias
Dominikanische Republik
Dominican Republic
Ralitza Petrova Bulgarien Bulgaria
Literatur / Literature
Ghayath Almadhoun
Palästina/Syrien/Schweden
Palestine/Syria/Sweden
Don Mee Choi Südkorea/USA
South Korea/USA
Nicoleta Esinencu
Moldawien Moldova
Tom McCarthy Großbritannien/
Europäische Union
UK/European Union
Madame Nielsen Dänemark
Denmark
Alan Pauls Argentinien Argentina
Musik / Music
Mirela Ivičević Kroatien Croatia
Sergey Kasich Russland Russia
Matana Roberts USA USA
2018
Bildende Kunst / Visual Arts
Biscotti, Rossella Italien Italy
Ho Rui An Singapur Singapore
Maljković, David Kroatien Croatia
Rungjang, Arin Thailand Thailand
Scheirl, Ashley Hans
Österreich Austria
Spínola, Julia Spanien Spain
Film
Esmer, Pelin Türkei Turkey
Pretto, Davi Brasilien Brazil
Viana, João Portugal Portugal
Literatur / Literature
Florian, Filip Rumänien Romania
Mungan, Murathan Türkei Turkey
Ortuño, Antonio Mexiko Mexico
Raimondi, Sergio Argentinien
Argentina
Ristović, Ana Serbien Serbia
Różycki, Tomasz Polen Poland
Musik / Music
Fure, Ashley USA USA
Gutiérrez, Carlos Bolivien Bolivia
Ting, Liping Taiwan Taiwan
2017
Bildende Kunst / Visual Arts
Abu Hamdan, Lawrence
Libanon Lebanon
Díaz Polanco, Wilson
Kolumbien Colombia
Issa, Iman Ägypten/USA
Egypt/USA
Magor, Liz Kanada Canada
Mahama, Ibrahim Mohammed
Ghana Ghana
Margolles, Teresa Mexiko Mexico
Film
Fleifel, Mahdi Palästina/Dänemark
Palestine/Denmark
Rodrigues, João Pedro
Portugal Portugal
Tsangari, Athina Rachel
Griechenland Greece
Literatur / Literature
Gappah, Petina Simbabwe
Zimbabwe
Jian, Ma VR China/
Großbritannien China/
United Kingdom
Meruane, Lina Chile Chile
Smilevski, Goce
Mazedonien Macedonia
Tengour, Habib Algerien Algeria
Yang, Jeffrey USA USA
Musik / Music
Bumšteinas, Arturas
Litauen Lithuania
Calvo, Charo Spanien Spain
Eastley, Max Großbritannien
United Kingdom
Klartag, Yair Israel Israel
2016
Bildende Kunst / Visual Arts
Auder, Michel Frankreich France
Cennetoğlu, Banu Türkei Turkey
Lim, Minouk Südkorea South Korea
Metwaly, Jasmina & Rizk, Philip
Ägypten/Polen Egypt/Poland
Ramírez-Figueroa, Naufus
Guatemala Guatemala
Tabet, Rayyane Libanon Lebanon
Film
Essafi, Ali Marokko Morocco
Fornay, Mira Slowakei Slowakia
Salhab, Ghassan Libanon
Lebanon
Literatur / Literature
Bousselmi, Meriam
Tunesien Tunisia
Laor, Yitzhak Israel Israel
Madzirov, Nikola
Mazedonien Macedonia
Reybrouck, David van
Belgien Belgium
Sajko, Ivana Kroatien Croatia
Wainaina, Binyavanga
Kenia Kenya
Musik / Music
Bailie, Joanna Großbritannien
United Kingdom
Erçetin, Turgut Türkei Turkey
Yan Jun VR China China
2015
Bildende Kunst / Visual Arts
Atkins, Ed Großbritannien
United Kingdom
Dekyndt, Edith Belgien Belgium
Kim, Sung Hwan Südkorea
South Korea
Kovanda, Jiří Tschechische
Republik Czech Republic
Spong, Sriwhana
Neuseeland New Zealand
Trinh Thi, Nguyen Vietnam
Vietnam
Film
Bekolo, Jean-Pierre
Kamerun Cameroon
Campolina, Clarissa
Brasilien Brazil
Raheb, Eliane Libanon Lebanon
Literatur / Literature
Bán, Zsófia Ungarn Hungary
Bator, Joanna Polen Poland
Chaves, Luis Costa Rica
Costa Rica
Hinsey, Ellen USA/Frankreich
USA/France
Jones, Lloyd Neuseeland
New Zealand
Olsen, Lance USA USA
Musik / Music
Filidei, Francesco Italien Italy
Kerbaj, Mazen Libanon Lebanon
Power, Karen Irland Ireland
2014
Bildende Kunst / Visual Arts
Kasemkitvatana, Chitti
Thailand Thailand
Marie Cool Fabio Balducci
Frankreich/Italien France/Italy
Ogboh, Emeka Nigeria Nigeria
Tzu Nyen, Ho Singapur Singapore
van Oldenborgh, Wendelien
Niederlande Netherlands
Xiaohu Zhou VR China China
Film
Fliegauf, Bence Ungarn Hungary
Lamas, Salomé Portugal Portugal
Marins Jr., Helvécio Brasilien Brazil
Literatur / Literature
Alloula, Malek Algerien Algeria
Brassinga, Anneke
Niederlande Netherlands
Burnside, John Großbritannien
United Kingdom
Jones, Gail Australien Australia
Malna, Afrizal Indonesien
Indonesia
Naudé, Charl-Pierre
Südafrika South Africa
Musik / Music
Budón, Osvaldo Argentinien/
Uruguay Argentina/Uruguay
Korabiewski, Konrad Dänemark/
Polen Denmark/Poland
Parkins, Zeena USA USA
Pelzel, Michael Schweiz
Switzerland
2013
Bildende Kunst / Visual Arts
Bronson, AA Kanada Canada
Gowda, Sheela Indien India
Nkanga, Otobong Nigeria Nigeria
Richards, James Großbritannien
United Kingdom
Takamine, Tadasu Japan Japan
Ter-Oganyan, David
Russland Russia
108

Film
Aguilar, Sandro Portugal Portugal
Bragança, Felipe Brasilien Brazil
Losier, Marie USA USA
Literatur / Literature
Énard, Mathias Frankreich France
Habila, Helon Nigeria Nigeria
Herliany, Dorothea Rosa
Indonesien Indonesia
Krog, Antjie Südafrika
South Africa
Ostashevsky, Eugene USA USA
Prieto, José Manuel Kuba Cuba
Musik / Music
Filanovsky, Boris Russland Russia
Iannotta, Clara Italien Italy
Torvund, Øyvind Norwegen Norway
2012
Bildende Kunst / Visual Arts
Bodzianowski, Cezary
Polen Poland
Caycedo, Carolina Kolumbien/
Großbritannien Colombia/
United Kingdom
Eshetu, Theo Äthiopien/Italien
Ethiopia/Italy
Harsha, N S Indien India
Radul, Judy Kanada Canada
Rose, Tracey Südafrika
South Africa
Film
Guo, Xiaolu VR China/
Großbritannien
China/United Kingdom
Khalili, Bouchra Marokko/
Frankreich Morocco/France
Lelio, Sebastián Chile Chile
Literatur / Literature
Jha, Raj Kamal Indien India
Liao Yiwu VR China China
Lindner, Erik Niederlande
Netherlands
Schischkin, Michail Russland/
Schweiz Russia/Switzerland
Schweblin, Samanta
Argentinien Argentina
Venclova, Tomas Litauen/USA
Lithuania/USA
Musik / Music
Adachi, Tomomi Japan Japan
Bång, Malin Schweden Sweden
Kampela, Arthur Brasilien Brazil
Martínez, Israel Mexiko Mexico
Film
Farhadi, Asghar Iran Iran
Kogut, Sandra Brasilien Brazil
Mograbi, Avi Israel Israel
Rudnizkaja, Alina Russland Russia
Literatur / Literature
Alexijewitsch, Swetlana
Weißrussland Belarus
Babstock, Ken Kanada Canada
Carvalho, Bernardo
Brasilien Brazil
Chirikure, Chirikure
Simbabwe Zimbabwe
Hage, Rawi Libanon/Kanada
Lebanon/Canada
Tyrewala, Altaf Indien India
Musik / Music
Adámek, Ondřej Tschechische
Republik Czech Republic
Cusack, Peter Großbritannien
United Kingdom
Nas, Mayke Niederlande
Netherlands
2010
Bildende Kunst / Visual Arts
Bornstein, Jennifer USA USA
Cruzvillegas, Abraham
Mexiko Mexico
Donnelly, Trisha USA USA
Geiger, Marcus Schweiz
Switzerland
Junceau, Brandt USA USA
Téllez, Javier Venezuela Venezuela
Film
Gray, Bradley Rust USA USA
Zaatari, Akram Libanon Lebanon
Literatur / Literature
Dalembert, Louis-Philippe
Haiti/Frankreich Haiti/France
Gavron, Assaf Israel Israel
Golynko, Dmitri Russland Russia
Kaygusuz, Sema Türkei Turkey
Kemény, István Ungarn Hungary
Sjón Island Iceland
Zhadan, Serhij Ukraine Ukraine
Musik / Music
Makino, Yutaka Japan Japan
Pattar, Frédéric Frankreich France
Steen-Andersen, Simon
Dänemark Denmark
2009
Literatur / Literature
Cheheltan, Amir Hassan Iran Iran
Iuga, Nora Rumänien Romania
Khemiri, Jonas Hassen
Schweden/Tunesien
Sweden/Tunisia
Kuczok, Wojciech Polen Poland
Masłowska, Dorota Polen Poland
Ramos, Pablo
Argentinien Argentina
Musik / Music
Bianchi, Oscar Schweiz/Italien
Switzerland/Italy
DeMarinis, Paul USA USA
Kim, Suk-Jun Korea Korea
Toledo, Marcelo Argentinien
Argentina
2008
Bildende Kunst / Visual Arts
Allora, Jennifer & Calzadilla,
Guillermo USA/Puerto Rico
USA/Puerto Rico
Andrade Tudela, Armando
Peru Peru
Brzeżańska, Agnieszka
Polen Poland
Collins, Phil Großbritannien
United Kingdom
Šedá, Kateřina Tschechische
Republik Czech Republic
Shkololli, Erzen Kosovo Kosovo
Film
Extremera Martinez, Jose Luis
Spanien Spain
Hong, James T. Taiwan/USA
Taiwan/USA
Morelli, Carlos A. Uruguay Uruguay
Literatur / Literature
Gospodinov, Georgi Bulgarien
Bulgaria
Haddad, Qassim Bahrain Bahrain
Hawkey, Christian USA USA
Lapcharoensap, Rattawut
Thailand/USA Thailand/USA
Nagarkar, Kiran Indien India
Topol, Jáchym Tschechische
Czech Republic
Musik / Music
Gobeil, Gilles Kanada Canada
Kourliandski, Dmitri
Russland Russia
Suppan, Wolfgang
Österreich Austria
Sabu Japan Japan
Torossian, Gariné Libanon Lebanon
Literatur / Literature
Bartis, Attila Rumänien/Ungarn
Romania/Hungary
Fadanelli, Guillermo Mexiko Mexico
Rasanaŭ, Ales Weißrussland
Belarus
Sommer, Piotr Polen Poland
Vorpsi, Ornela Albanien Albania
Wajsbrot, Cécile Frankreich
France
Musik / Music
An Chengbi VR China China
Henderson, Douglas B. USA USA
Lim, Liza Australien Australia
Maïda, Clara Frankreich France
2006
Andere Künste / Other Arts
Božić, Saša Kroatien Croatia
Laub, Michel Belgien Belgium
Sančanin, Zeljka Kroatien Croatia
Bildende Kunst / Visual Arts
Adeagbo, Georges Benin Benin
Bajević, Maja Bosnien-
Herzegowina/Frankreich
Bosnia-Herzegovina/France
Ben-Ner, Guy Israel/USA
Israel/USA
Ortega, Damián Mexiko Mexico
Rooij, Willem de Niederlande
Netherlands
Tomić, Milica Serbien Serbia
van Kerckhoven, Anne-Mie
Belgien Belgium
Film
Fenz, Robert USA USA
Grant, Brendan Irland Ireland
Reibenbach, Tsipi Israel Israel
Rony, Sasson Israel Israel
Literatur / Literature
Abad, Héctor Kolumbien
Colombia
Ališanka, Eugenijus Litauen
Lithuania
Drakulić, Slavenka Kroatien/
Schweden Croatia/Sweden
Végel, László Serbien/Ungarn
Serbia/Hungary
Vörös, István Ungarn Hungary
Waberi, Abdourahman
Dschibuti/Frankreich
Djibouti/France
2011
Bildende Kunst / Visual Arts
Abidi, Bani Pakistan Pakistan
Castillo Deball, Mariana
Mexiko Mexico
Dueñas, Danilo Kolumbien
Colombia
Mona Vătămanu & Florin Tudor
Rumänien Romania
Rosler, Martha USA USA
Toufic, Jalal Irak/Libanon
Iraq/Lebanon
Bildende Kunst / Visual Arts
Gaillard, Cyprien
Frankreich France
Lee, Tim Kanada Canada
Mitchell, Dane Neuseeland
New Zealand
Sietsema, Paul USA USA
Suh, Do-Ho Korea Korea
Film
Butikaschwili, Temur
Georgien Georgia
Cockburn, Daniel Kanada Canada
Hager, Dalia Israel Israel
2007
Bildende Kunst / Visual Arts
Huws, Bethan Großbritannien
United Kingdom
Kamerić, Šejla Bosnien-
Herzegowina Bosnia-Herzegovina
Olowska, Paulina Polen Poland
Ondák, Roman Slowakei Slowakia
Sikander, Shahzia Pakistan Pakistan
Zmijewski, Artur Polen Poland
Film
Gomes, Marcelo Brasilien Brazil
Musik / Music
Azguime, Miguel Portugal
Portugal
Bauer, Martin Argentinien
Argentina
Gadenstätter, Clemens
Österreich Austria
Gervasoni, Stefano Italien Italy
Mantler, Michael Österreich
Austria
Normandeau, Robert
Kanada Canada
Schumacher, Michael J.
USA USA
109

2005
Andere Künste / Other Arts
Burnaschew, Taras
Russland Russia
Busowkina, Darja Russland Russia
Shchetnev, Nikolay Russland Russia
Bildende Kunst / Visual Arts
Braila, Pavel Moldau Moldova
Dockx, Nico Belgien Belgium
Iveković, Sanja Kroatien Croatia
Mirra, Helen USA USA
Narkevicius, Deimantas
Litauen Lithuania
Torfs, Ana Belgien Belgium
Film
Enyedi, Ildikó Ungarn Hungary
Goss, Jacqueline USA USA
Ismailova, Saodat Usbekistan
Uzbekistan
Literatur / Literature
Andruchowytsch, Juri Ukraine
Ukraine
Anjel, Memo Kolumbien Colombia
Christensen, Inger Dänemark
Denmark
Šteger, Aleš Slowenien Slowenia
Sweeney, Matthew Irland Ireland
Teixeira, Paulo Portugal Portugal
Musik / Music
Andre, Mark Frankreich France
Djambazov, Vladimir Bulgarien
Bulgaria
Endo, Takumi Japan Japan
Ronchetti, Lucia Italien Italy
Toeplitz, Kasper T. Polen Poland
2004
Andere Künste / Other Arts
Pelmus, Manuel Rumänien
Romania
Wehbi, Emilio García Argentinien
Argentina
Bildende Kunst / Visual Arts
Chichkan, Iliya Ukraine Ukraine
Sala, Anri Albanien/Frankreich
Albania/France
Shimabuku Japan Japan
Sullivan, Catherine USA USA
Xu Tan VR China China
Yacoub, Paola & Lasserre, Michel
Libanon/Frankreich
Lebanon/France
Film
Aïnouz, Karim Brasilien Brazil
Galan Julve, Celia Spanien Spain
Lou Ye VR China China
Literatur / Literature
Bănulescu, Daniel Rumänien
Romania
Borkovec, Petr Tschechische
Republik Czech Republic
Celati, Gianni Italien Italy
Feng Li VR China China
Michalopoulou, Amanda
Griechenland Greece
Tolnai, Ottó Ungarn Hungary
Musik / Music
di Scipio, Agostino Italien Italy
Imai, Shintaro Japan Japan
Kotik, Petr USA USA
Walshe, Jennifer Irland Ireland
2003
Andere Künste / Other Arts
Gelabert, Cesc Spanien Spain
Bildende Kunst / Visual Arts
Buckingham, Matthew USA USA
Cuevas, Minerva Mexiko Mexico
Hatoum, Mona Palästina/
Großbritannien Palestine/United
Kingdom
Herrera, Arturo Venezuela/USA
Venezuela/USA
Kozyra, Katarzyna Polen Poland
Penalva, João Portugal/
Großbritannien Portugal/United
Kingdom
Film
Bargur, Ayelet Israel Israel
Hess, Anne-Marie USA USA
Siegel, Amie USA USA
Literatur / Literature
Gürsel, Nedim Türkei/Frankreich
Turkey/France
Lins, Paulo Brasilien Brazil
Šalamun, Tomaž Slowenien
Slowenia
Szijj, Ferenc Ungarn Hungary
Toscana, David Mexiko Mexico
van den Boogaard, Oscar
Niederlande Netherlands
Vera, Yvonne Simbabwe
Zimbabwe
Musik / Music
Gál, Bernhard Österreich Austria
Hervé, Jean-Luc Frankreich France
Shin, Soo-Jung Südkorea
South Korea
2002
Bildende Kunst / Visual Arts
Bhimji, Zarina Uganda/
Großbritannien Uganda/
United Kingdom
Claerbout, David Belgien Belgium
Eriksson, Annika Schweden
Sweden
Hiller, Susan USA USA
Roberts, Liisa Finnland Finland
Zinny, Dolores & Maidagan, Juan
Argentinien Argentina
Film
Comforty, Jacob (Jacky)
Israel Israel
Lee, Helen Kanada/Korea
Canada/Korea
Literatur / Literature
Arzola, Jorge Luis Kuba Cuba
Giralt Torrente, Marcos
Spanien Spain
Lang, Zsolt Rumänien/Ungarn
Romania/Hungary
Pelewin, Viktor Russland
Russia
Rosa Mendes, Pedro
Portugal Portugal
Tschertschessow, Alan
Russland Russia
Musik / Music
Blondeau, Thierry
Frankreich France
Dafeldecker, Werner
Österreich Austria
Orts, José Antonio Spanien Spain
Witzthum, Emmanuel Israel Israel
2001
Bildende Kunst / Visual Arts
Althamer, Pawel Polen Poland
Graham, Rodney Kanada Canada
Ligon, Glenn Ägypten Egypt
Mik, Arnout Niederlande
Netherlands
Sidén, Ann-Sofi Schweden
Sweden
Tan, Fiona Australien Australia
Wallinger, Mark Großbritannien
United Kingdom
Film
Nerwen, Diane USA USA
Ustaoğlu, Yeşim Türkei Turkey
Verow, Todd USA USA
Literatur / Literature
Agualusa, José Eduardo
Angola Angola
Cărtărescu, Mircea
Rumänien Romania
Hamilton, Hugo Irland Ireland
Parti Nagy, Lajos Ungarn Hungary
Tokarczuk, Olga Polen Poland
Velikić, Dragan Jugoslawien
Yugoslavia
Musik / Music
Barrett, Richard Großbritannien
United Kingdom
Lévy, Fabien Frankreich France
Qu Xiao-Song VR China China
Suzuki, Kotoka Japan Japan
2000
Bildende Kunst / Visual Arts
Cardiff, Janet Kanada Canada
Dean, Tacita Großbritannien
United Kingdom
Devlin, Lucinda USA USA
Huyghe, Pierre Frankreich France
Janssens, Ann Veronica
Belgien Belgium
Tottie, Sophie Schweden Sweden
Film
Hong Hyung-Sook
Südkorea South Korea
Peña, Franco de Venezuela
Venezuela
Raven, Lise USA USA
Literatur / Literature
Darvasi, László Ungarn Hungary
Franz, Carlos Chile Chile
Kárason, Einar Island Iceland
Métail, Michèle Frankreich France
Zhai Yongming VR China China
Musik / Music
Fullman, Ellen USA USA
Osborn, Ed USA USA
Verandi, Mario Argentinien/
Großbritannien Argentina/
United Kingdom
1999
Bildende Kunst / Visual Arts
Ahtila, Eija-Liisa Finnland
Finland
Doherty, Willie Nordirland
Northern Ireland
Lockhart, Sharon USA USA
McBride, Rita USA USA
McQueen, Steve Großbritannien
United Kingdom
Valldosera, Eulália Spanien Spain
Vincourova, Katerina
Tschechische Republik Czech
Republic
Film
Johnson, Liza USA USA
Špaček, Radim Tschechische
Republik Czech Republic
Tsintsadze, Dito (Dimitri)
Georgien Georgia
Literatur / Literature
Balla, Zsófia Ungarn Hungary
Eugenides, Jeffrey USA USA
Guerra Naranjo, Alberto
Kuba Cuba
Narbikova, Valeria
Russland Russia
Razanav, Ales
Weißrussland Belarus
Rico Direitinho, José
Portugal Portugal
Musik / Music
Ali-Sade, Frangis
Aserbaidschan Azerbaijan
Donato, François
Frankreich France
Haas, Georg Friedrich
Österreich Austria
Kuivila, Ronald USA USA
Mallik, Premkumar Indien India
1998
Bildende Kunst / Visual Arts
Collishaw, Matt
Großbritannien United Kingdom
Dijkstra, Rineke Niederlande
Netherlands
Durham, Jimmie USA USA
Lamelas, David Argentinien
Argentina
Wilks, Stephen Großbritannien
United Kingdom
Film
Denis, Claire Frankreich France
Giovinazzo, Buddy USA USA
Traore, Nissi Joanny
Burkina Faso Burkina Faso
110

Literatur / Literature
Bodor, Ádám Ungarn Hungary
Bonassi, Fernando Brasilien Brazil
Leung Ping-Kwan Hongkong
Hong Kong
Márton, László Ungarn Hungary
Morábito, Fabio Italien/Mexiko
Italy/Mexico
Swartz, Richard
Schweden Sweden
Musik / Music
Castagnoli, Giulio Italien Italy
Giannotti, Stefano Italien Italy
Silvestrov, Valentin
Ukraine Ukraine
Wishart, Trevor Großbritannien
United Kingdom
1997
Bildende Kunst / Visual Arts
Gordon, Douglas Großbritannien
United Kingdom
Grimonprez, Johan Belgien
Belgium
Medalla, David Philippinen/
Großbritannien Philippines/
United Kingdom
Pippin, Steven Großbritannien
United Kingdom
Sekula, Allan USA USA
van Warmerdam, Marijke
Niederlande Netherlands
Wisniewski, Jeffrey USA USA
Film
Chamidow, Tolib Tadschikistan
Tajikistan
Zielinski, Rafal Kanada/USA
Canada/USA
Literatur / Literature
Fioretos, Aris Schweden Sweden
Ford, Richard USA USA
Nicol, Mike Südafrika South Africa
Schindel, Robert Österreich
Austria
Vargas Llosa, Mario Peru Peru
Musik / Music
Auinger, Sam Österreich Austria
Dhomont, Francis Frankreich/
Kanada France/Canada
Huber, Rupert Österreich Austria
Lombardi, Luca Italien Italy
Mason, Benedict Großbritannien
United Kingdom
1996
Bildende Kunst / Visual Arts
Mikhailov, Boris Ukraine Ukraine
Moulene, Jean-Luc
Frankreich France
Phaophanit, Vong Laos/
Großbritannien Laos/United
Kingdom
Rist, Pipilotti Schweiz
Switzerland
Wilson, Jane & Louise
Großbritannien United Kingdom
Wood, Craig Großbritannien
United Kingdom
Film
Chudojnasarow, Bachtiar
Tadschikistan Tajikistan
Khudojnazarov, Bakhtiar
Tadschikistan Tajikistan
Perez Valdes, Fernando Kuba
Cuba
Rechwiaschwili, Alexandre
Georgien Georgia
Literatur / Literature
Beatty, Paul USA USA
Garaczi, László Ungarn Hungary
Luik, Viivi Estland/Finnland
Estonia/Finland
Posthuma, Ard Niederlande
Netherlands
Shu Ting VR China China
Steiger, Bruno Schweiz
Switzerland
Musik / Music
Collins, Nicolas USA USA
Grillo, Fernando Italien Italy
Lacy, Steve USA USA
Miranda, Fatima Spanien Spain
Neuwirth, Olga Österreich Austria
1995
Bildende Kunst / Visual Arts
Birkás, Ákos Ungarn Hungary
Orozco, Gabriel Mexiko Mexico
Samore, Sam USA USA
Zittel, Andrea USA USA
Film
Keiller, Patrick Großbritannien
United Kingdom
Livingston, Jennie M. USA USA
Literatur / Literature
Boullosa, Carmen Mexiko Mexico
Ćosić, Bora Kroatien Croatia
Karahasan, Dževad Bosnien-
Herzegowina Bosnia-Herzegovina
Kukorelly, Endre Ungarn Hungary
Magani, Mohamed Algerien
Algeria
Nasrin, Taslima Bangladesch
Bangladesh
Naum, Gellu Rumänien Romania
Rifbjerg, Klaus Dänemark
Denmark
Musik / Music
Calon, Christian Kanada/
Frankreich Canada/France
Clementi, Aldo Italien Italy
Lundén, Peter Schweden Sweden
Matej, Daniel Slowakei Slowakia
Mitterer, Wolfgang Österreich
Austria
Morris, Lawrence D. „Butch“
USA USA
1994
Bildende Kunst / Visual Arts
Douglas, Stan Kanada Canada
Frize, Bernard Frankreich France
Hirst, Damien Großbritannien
United Kingdom
Hohenbüchler, Irene u. Christine
Österreich Austria
Melin, Truls Schweden Sweden
Mullican, Matt USA USA
Film
Bodrow, Sergej Russland Russia
Diaz Torres, Daniel Kuba Cuba
Kwirikadse, Irakli Georgien Georgia
Rjazanov, Eldar Russland Russia
Literatur / Literature
Duo, Duo VR China China
Kapuściński, Ryszard
Polen Poland
Rubinstein, Lev Russland Russia
Shawn, Wally USA USA
Ugrešić, Dubravka Kroatien
Croatia
Wernisch, Ivan Tschechische
Republik Czech Republic
Musik / Music
Léandre, Joëlle Frankreich France
Namtchylak, Sainkho Russland/
Österreich Russia/Austria
Suzuki, Akio Japan Japan
1993
Bildende Kunst / Visual Arts
Cadieux, Geneviève Kanada
Canada
Erkmen, Ayse Türkei Turkey
Green, Renée USA USA
Marclay, Christian USA/Schweiz
USA/Switzerland
Wentworth, Richard
Großbritannien United Kingdom
Film
Menkes, Nina USA USA
Literatur / Literature
Blandiana, Ana
Rumänien Romania
Dinescu, Mircea
Rumänien Romania
Kertész, Imre Ungarn Hungary
Krynicki, Ryszard Polen Poland
Menasse, Robert Österreich
Austria
Ndiaye, Marie Frankreich France
Toussaint, Jean-Philippe
Belgien Belgium
Waldrop, Rosemarie & Keith
USA USA
Musik / Music
Garland, Peter USA USA
Knaifel, Alexander Russland
Russia
Paci Daló, Roberto Italien Italy
Tenney, James USA USA
1992
Andere Künste / Other Arts
Gelabert, Cesc Spanien Spain
Perron, Wendy USA USA
Bildende Kunst / Visual Arts
Abramović, Marina Niederlande/
Jugoslawien Netherlands/
Yugoslavia
Ledins, Hardijs Lettland Latvia
Pozarek, Vaclav Schweiz/CSFR
Switzerland/CSFR
Tyndall, Peter Australien
Australia
Whiteread, Rachel
Großbritannien United Kingdom
Wilson, Richard
Großbritannien United Kingdom
Wool, Christopher USA USA
Film
Mitchell, Eric USA USA
Silver, Shelly USA USA
Weiss, Andrea USA USA
Literatur / Literature
Ajgi, Gennadij UdSSR USSR
Bayen, Bruno Frankreich France
Brodkey, Harold USA USA
Gu Cheng VR China China
Holub, Miroslav CSFR CSFR
Krall, Hanna Polen Poland
Sorokin, Vladimir UdSSR USSR
Musik / Music
Dalbavie, Marc-André
Frankreich France
Hirsch, Shelley USA USA
Kosk, Patrick Finnland Finland
Machajdík, Peter
Slowakei Slowakia
Monahan, Gordon
Kanada Canada
Young, La Monte USA USA
1991
Andere Künste / Other Arts
Tompkins, Mark USA USA
Bildende Kunst / Visual Arts
Art in Ruins, (Hannah Vowles/
Glyn Banks) Großbritannien
United Kingdom
Goldin, Nan USA USA
Hahn, Alexander Schweiz
Switzerland
Miller, John E. USA USA
Müller, Josef Félix Schweiz
Switzerland
Film
Amaral, Suzana Brasilien Brazil
Chen Kaige VR China China
Eisenberg, Daniel USA USA
Ogorodnikow, Valeri UdSSR USSR
Literatur / Literature
Banciu, Carmen Francesca
Rumänien Romania
Blažević, Neda Miranda
Jugoslawien Yugoslavia
Díaz, Jesús Rafael Kuba Cuba
Eisenberg, Deborah USA USA
Hogan, Desmond Irland Ireland
Konstantinow, Wenzeslaw
Bulgarien Bulgaria
Lotringer, Sylvère Frankreich
France
Mathews, Harry USA USA
Pepetela, (Artur Pestana)
Angola Angola
Ríos, Julián Spanien Spain
Yang Lian VR China China
111

Musik / Music
Eloy, Jean-Claude Frankreich
France
Enström, Rolf Schweden Sweden
Kantscheli, Gija A. Georgien
Georgia
Moss, David USA USA
1990
Andere Künste / Other Arts
Corsetti, Giorgio Barberio
Italien Italy
Bildende Kunst / Visual Arts
Brito, Ronaldo Brasilien Brazil
de Francia, Peter Großbritannien
United Kingdom
Goldstein, Zvi Israel Israel
Jaar, Alfredo Chile Chile
Klingler, Monica Schweiz
Switzerland
Kopystiansky, Igor + Svetlana
UdSSR USSR
Miyajima, Tatsuo Japan Japan
Shalev-Gerz, Esther
Frankreich/Israel France/Israel
Film
Askoldow, Alexander
UdSSR USSR
Birri, Fernando Argentinien/Italien
Argentina/Italy
Kramer, Robert USA USA
Red, Raymond Philippinen
Philippines
Saniewski, Wiesław Polen Poland
Literatur / Literature
Agee, Joel USA USA
Coover, Robert USA USA
Farah, Nuruddin Somalia Somalia
Glück, Anselm Österreich Austria
Györffy, Miklós Ungarn Hungary
Liu Binyan VR China China
Otero, Lisandro Kuba Cuba
Prigow, Dmitri UdSSR USSR
Reich, Asher Israel Israel
Ribeiro, João Ubaldo
Brasilien Brazil
Šnajder, Slobodan
Jugoslawien Yugoslavia
Musik / Music
Kulenty, Hanna Polen Poland
Lucier, Alvin USA USA
Minard, Robin Kanada Canada
Rosenzweig, Michael
Großbritannien United Kingdom
Taylor, Cecil USA USA
1989
Andere Künste / Other Arts
Diasnas, Hervé Frankreich France
Bildende Kunst / Visual Arts
Adams, Dennis USA USA
Dujourie, Lili Belgien Belgium
Kabakov, Ilya UdSSR USSR
Mckeever, Ian Großbritannien
United Kingdom
Peress, Gilles Frankreich/USA
France/USA
Rotella, Mimmo Italien Italy
Ullman, Micha Israel Israel
Film
Horn, Andrew USA USA
Pantzis, Andreas Zypern Cypress
Tarr, Béla Ungarn Hungary
Literatur / Literature
Barnet, Miguel Kuba Cuba
Bei Dao VR China China
Breytenbach, Breyten Südafrika/
Großbritannien South Africa/
United Kingdom
Edgü, Ferit Türkei Turkey
Federman, Raymond USA USA
Kott, Jan USA USA
Lobo Antunes, António
Portugal Portugal
Nooteboom, Cees
Niederlande Netherlands
Oravecz, Imre Ungarn Hungary
Özlü, Demir Türkei Turkey
Sontag, Susan USA USA
Sterchi, Beat Paul Schweiz
Switzerland
Musik / Music
Dench, Chris Großbritannien
United Kingdom
Jones, Norris-Sirone USA USA
Rose, Jon Australien/
Großbritannien Australia/
United Kingdom
Ungvary, Tamas Schweden
Sweden
Zabelka, Mia Österreich Austria
Zykan, Otto Österreich Austria
1988
Bildende Kunst / Visual Arts
Armleder, John M. USA USA
Dias, Antonio Brasilien Brazil
Gálantai, György Ungarn Hungary
Harrison, Newton & Helen
USA USA
Hutchinson, Peter USA USA
Kolibal, Stanislav CSFR CSFR
Qin Yufen VR China China
Zhu Jinshi VR China China
Film
Gören, Serif Türkei Turkey
Iosseliani, Otar UdSSR/Georgien
USSR/Georgia
Sharits, Paul USA USA
Literatur / Literature
Balestrini, Nanni Italien Italy
Fernandez Cubas, Cristina
Spanien Spain
Földényi, László Ungarn Hungary
Fuentes, Carlos Mexiko Mexico
Kurucz, Gyula Ungarn Hungary
Nowak, Ernst Österreich Austria
Rojas, Gonzalo Chile Chile
Wolff, Tobias USA USA
Zoderer, Joseph Italien Italy
Musik / Music
Behrman, David USA USA
Blomqvist, Anders Schweden
Sweden
Branca, Glenn USA USA
Fénelon, Philippe Frankreich
France
Forward, Fast Großbritannien
United Kingdom
Gordon, Peter USA USA
Jeney, Zoltán Ungarn Hungary
Radulescu, Horatiu Rumänien/
Frankreich Romania/France
1987
Bildende Kunst / Visual Arts
Caramelle, Ernst Österreich Austria
Gudmundsson, Sigurdur Island
Iceland
Haraszty, István Ungarn Hungary
Henderikse, Jan Niederlande
Netherlands
Le Brun, Christopher
Großbritannien United Kingdom
Logue, Joan USA USA
Trakas, George Kanada Canada
Unsworth, Ken Australien
Australia
Wurm, Erwin Österreich Austria
Film
Jarmusch, Jim USA USA
Literatur / Literature
Abish, Walter USA USA
António, João Brasilien Brazil
Belben, Rosalind Großbritannien
United Kingdom
Bon, François Frankreich France
Conti, Carlo Marcello Italien Italy
Kneubühler, Theo Schweiz
Switzerland
Krasznahorkai, László Ungarn
Hungary
Kunene, Mazisi Südafrika/
Großbritannien South Africa/
United Kingdom
Manea, Norman Rumänien
Romania
Pombo, Alvaro Spanien Spain
Szaruga, Leszek Polen Poland
Temple, Philip Neuseeland
New Zealand
Musik / Music
Christiansen, Henning Dänemark
Denmark
Fox, Christopher Großbritannien
United Kingdom
Galas, Diamanda USA USA
Szymański, Pawel Polen Poland
Vaggione, Horacio Argentinien
Argentina
1986
Bildende Kunst / Visual Arts
Aquino, Edmundo Mexiko Mexico
Bloom, Barbara USA USA
Borges, Jacobo Venezuela
Venezuela
Breicha, Otto Österreich Austria
Cantafora, Arduino Italien Italy
Hradil, Rudolf Österreich Austria
Nørgaard, Bjørn Dänemark
Denmark
Rodriguez, Oscar
Nicaragua Nicaragua
Sherman, Stuart USA USA
Torres, Francesc Spanien Spain
Zaugg, Rémy Schweiz Switzerland
Film
Barrish, Jerry R. USA USA
Jacobs, Kenneth USA USA
Kobland, Ken USA USA
Rios, Humberto Argentinien
Argentina
Literatur / Literature
Aridjis, Homero Mexiko Mexico
Blunda, Mino Italien Italy
Csejka, Gerhardt Rumänien
Romania
Edwards, Jorge Chile Chile
Fac, Bolesław Polen Poland
Fayad, Luis Kolumbien Colombia
Kornhauser, Julian Polen Poland
Mertens, Pierre Belgien Belgium
Petri, György Ungarn Hungary
Rosei, Peter Österreich Austria
Musik / Music
Amacher, Maryanne USA USA
Loy, Gareth USA USA
Mandolini, Ricardo Argentinien
Argentina
Nono, Luigi Italien Italy
Santos, Carles Spanien Spain
1985
Bildende Kunst / Visual Arts
Averbuch, Ilan Israel Israel
Cahn, Miriam Schweiz
Switzerland
Cha, Ouhi Südkorea South Korea
Cibulka, Heinz Österreich Austria
Collings, Matthew Großbritannien
United Kingdom
Dupuy, Jean Frankreich France
Oppenheim, Dennis Allen
USA USA
Rodriguez-Larrain, Emilio
Peru Peru
Snell, Eric Großbritannien
United Kingdom
Wasko, Ryszard Polen Poland
Film
Cantrill, Arthur Australien Australia
Tarkowski, Andrej UdSSR/
Italien USSR/Italy
Wachsmann, Daniel Israel Israel
Literatur / Literature
Braun, Andrzej Polen Poland
Davvetas, Demosthenes
Griechenland Greece
Fonseca, Rubem Brasilien Brazil
Frangopoulos, Theophilos
Griechenland Greece
Fuchs, Nelleke Niederlande
Netherlands
Gao Xingjian VR China China
Laederach, Jürg Schweiz
Switzerland
Oda, Makoto Japan Japan
Sanchez, Luis Rafael
Puerto Rico Puerto Rico
Tuwhare, Hone Neuseeland
New Zealand
Winkler, Josef Österreich Austria
112

Musik / Music
Battistelli, Giorgio Italien Italy
Driscoll, John USA USA
Fujita, Masanori Japan Japan
Luo Zhongrong VR China China
1984
Bildende Kunst / Visual Arts
Andre, Carl USA USA
Baracco Barrios, Juvenal Peru Peru
Bohatsch, Erwin Österreich
Austria
Colette USA USA
Keel, Anna Schweiz Switzerland
Kozłowski, Jaroslaw Polen Poland
McKenna, Stephen Großbritannien
United Kingdom
Mikl, Josef Österreich Austria
Moshenson, Edna Israel Israel
Oleszko, Patricia USA USA
Padin, Clemente Uruguay Uruguay
Quartucci, Carlo & Tatò, Carla
Italien Italy
Film
Friedrich, Su USA USA
Sanchez, Cristián Chile Chile
Literatur / Literature
Atwood, Margaret
Kanada Canada
Becher, Martin Roda
Österreich Austria
Cisneros, Antonio Peru Peru
Dalos, György Ungarn Hungary
Klinger, Kurt Österreich Austria
Korczak, Jerzy Polen Poland
Marchi, Otto Schweiz Switzerland
Osanyin, Bode Nigeria Nigeria
Rokeah, David Israel Israel
Musik / Music
Aharonian, Coriún
Uruguay Uruguay
Earls, Paul USA USA
Gaussin, Allain Frankreich France
Paraskevaidis, Graciela Uruguay
Uruguay
Stuppner, Hubert Italien Italy
Teitelbaum, Richard USA USA
1983
Bildende Kunst / Visual Arts
Bartolini, Luciano Italien Italy
Beke, László Ungarn Hungary
Hansen, Al USA USA
Hendricks, Geoffrey USA USA
Hofkunst, Alfred Schweiz
Switzerland
Inan, Ergin Türkei Turkey
Knowles, Alison USA USA
Kriesche, Richard Österreich
Austria
Paik, Nam June USA USA
Rowdon, Annette Großbritannien
United Kingdom
Spitzer, Serge Israel Israel
Film
Larcher, David Großbritannien
United Kingdom
Literatur / Literature
Bănulescu, Stefan
Rumänien Romania
Creeley, Robert USA USA
Eörsi, István Ungarn Hungary
Farag, Alfred Ägypten Egypt
Geiser, Christoph Schweiz
Switzerland
Joans, Ted USA USA
Lipska, Ewa Polen Poland
McNeish, James Neuseeland
New Zealand
Willson, Ricardo Chile Chile
Zou Difan VR China China
Musik / Music
Bloch, Augustyn Polen Poland
Corner, Philip USA USA
Dubrovay, László Ungarn Hungary
Fontana, Bill USA USA
Johnson, Tom USA USA
Szöllösy, Andràs Ungarn Hungary
van Hove, Fred Belgien Belgium
Wada, Yoshimasa Japan Japan
1982
Bildende Kunst / Visual Arts
Andersch, Gisela Schweiz
Switzerland
Bour, Bernadette Frankreich France
Colombo, Gianni Italien Italy
Eisler, Georg Österreich Austria
Gerchman, Rubens
Brasilien Brazil
Giroud, Michel Frankreich France
Glusberg, Jorge Argentinien
Argentina
Hastings, Rafael Peru Peru
Jonas, Joan USA USA
Kirkeby, Per Dänemark Denmark
Leitner, Bernhard
Österreich Austria
Mclean, Bruce Großbritannien
United Kingdom
Morandini, Marcello Italien Italy
Smith, Robert USA USA
Thomkins, André Schweiz
Switzerland
Zush, Evru Spanien Spain
Film
Bódy, Gábor Ungarn Hungary
Gehr, Ernie USA USA
Rose, Robina Großbritannien
United Kingdom
Literatur / Literature
Artmann, H.C. Österreich Austria
Brandão, Ignácio de Loyola
Brasilien Brazil
Buitrago, Fanny
Kolumbien Colombia
Callado, Antônio Brasilien Brazil
Dourado, Autran Brasilien Brazil
Eisendle, Helmut Österreich
Austria
Goytisolo, Juan Spanien Spain
Kiral, Özlü Tezer Türkei Turkey
Krausmann, Rudi Österreich/
Australien Austria/Australia
Mwangi, Meja Kenia Kenya
Nizon, Paul Schweiz/Frankreich
Switzerland/France
Valdes, Hernán Chile Chile
Musik / Music
Enriquez, Manuel Mexiko Mexico
Manzoni, Giacomo Italien Italy
Nobre, Marlos Brasilien Brazil
Pascoal, Hermeto Brasilien Brazil
Smetak, Walter Brasilien Brazil
1981
Bildende Kunst / Visual Arts
Abraham, Raimund Österreich/
USA Austria/USA
Adams, Mac USA USA
Eggenschwiler, Franz Schweiz
Switzerland
Fox, Terry USA USA
Grassi, Giorgio Italien Italy
Krier, Leon Großbritannien
United Kingdom
Magnago-Lumpugnani, Vittorio
Italien Italy
Morris, Michael Kanada Canada
Paolini, Giulio Italien Italy
Raetz, Markus Schweiz
Switzerland
Trasov, Vincent Kanada Canada
Film
Handler, Mario Venezuela
Venezuela
Hutton, Peter B. USA USA
Klopfenstein, Clemens
Schweiz Switzerland
Lanaz, Lucienne Schweiz
Switzerland
Mackinnon, Stewart
Großbritannien United Kingdom
Literatur / Literature
Gorenstein, Friedrich UdSSR/
Österreich USSR/Austria
Hänny, Reto Schweiz Switzerland
Kostelanetz, Richard USA USA
Makombo, Bambote Zentralafrika
Central Africa
Nádas, Péter Ungarn Hungary
Taner, Haldun Türkei Turkey
Woroszylski, Wiktor Polen Poland
Musik / Music
Dagar, Zahir-Uddin &
Faiyaz-Uddin Indien India
Kosugi, Takehisa Japan Japan
Miller, Harry Südafrika South Africa
Pärt, Arvo Österreich Austria
Subotnik, Morton USA USA
Zinsstag, Gérard Schweiz
Switzerland
1980
Bildende Kunst / Visual Arts
Antonakos, Stephen USA USA
Bruszewski, Wojciech
Polen Poland
Gette, Paul-Armand
Frankreich France
Hoover, Nan Niederlande
Netherlands
Janz, Robert
Großbritannien/USA
United Kingdom/USA
Jovánovics, György Ungarn
Hungary
Jungwirth-Schmeller, Martha
Österreich Austria
Kounellis, Yannis Italien Italy
Luginbühl, Bernhard Schweiz
Switzerland
Rafelghem, Paul van
Belgien Belgium
Spagnulo, Giuseppe Italien Italy
Williams, Emmett USA USA
Literatur / Literature
d’Eramo, Luce Italien Italy
Esterházy, Péter Ungarn Hungary
Kajzar, Helmut Polen Poland
Peri Rossi, Cristina
Uruguay Uruguay
Schmidt, Alfred-Paul
Österreich Austria
Späth, Gerold Schweiz Switzerland
Musik / Music
Corcoran, Frank Irland Ireland
Grisey, Gérard Frankreich France
Kang, Sukhi Südkorea South Korea
Maros, Miklós Schweden Sweden
Schaeffer, Bogusław Polen Poland
Schidlowsky, Leon Israel Israel
1979
Bildende Kunst / Visual Arts
Armando Niederlande
Netherlands
Bay, Didier Frankreich France
Campus, Peter USA USA
Jackson, Richard USA USA
Kanovitz, Howard USA USA
Knizak, Milan CSFR CSFR
Kolář, Jiři CSFR CSFR
Kubota, Shigeko USA USA
Kuehn, Gary USA USA
Miralda, Antoni Spanien Spain
Nussberg, Lew UdSSR/Frankreich
USSR/France
Willats, Stephen Großbritannien
United Kingdom
Film
Faye, Safi Senegal Senegal
Jost, Jon USA USA
Kren, Kurt Österreich Austria
Murphy, J.J. USA USA
Literatur / Literature
Kalisky, René Belgien/Frankreich
Belgium/France
Magnusson, Sigurdur Island Iceland
Róžewicz, Tadeusz Polen Poland
Tsepeneag, Dumitru
Frankreich France
Zagajewski, Adam Polen Poland
Musik / Music
Jones, Joe USA USA
La Barbara, Joan USA USA
Lentz, Daniel USA USA
Roy, Biresh Indien India
Schmidt, Daniel USA USA
1978
Bildende Kunst / Visual Arts
Burgin, Victor Großbritannien
United Kingdom
113

Castro, Lourdes Portugal Portugal
Denes, Agnes USA USA
Helm, Robert USA USA
Kudo, Tetsumi Japan Japan
Lassnig, Maria Österreich Austria
Lesák, František Österreich Austria
Marcheschi, Cork USA USA
Page, Robin Kanada Canada
Pistoletto, Michelangelo
Italien Italy
Tót, Endre Ungarn Hungary
Vautier, Ben Frankreich France
Literatur / Literature
Avaria de la Fuente, Antonio
Chile Chile
Brandys, Kazimierz Polen Poland
Haraszti, Miklós Ungarn Hungary
Ingrassia, Anthony USA USA
Musik / Music
Lobi, Kakraba Ghana Ghana
Nunes, Emmanuel
Portugal Portugal
Riley, Terry USA USA
Tchichai, John Dänemark Denmark
1977
Bildende Kunst / Visual Arts
Davis, Douglas USA USA
Mccoy, Ann USA USA
Morley, Malcom Großbritannien
United Kingdom
Poirier, Anne & Patrick
Frankreich France
Psychopedis, Jannis
Griechenland Greece
Simonds, Charles USA USA
Tabaka, Maya UdSSR USSR
Tilson, Joe Großbritannien
United Kingdom
Zeniuk, Jerry USA USA
Film
Pitt Kraning, Suzan USA USA
Ratynski, Bogdan Michal
Polen Poland
Szabó, István Ungarn Hungary
Literatur / Literature
Cluchey, Rick USA USA
Collazos, Oscar
Kolumbien Colombia
Konrád, György Ungarn Hungary
Lem, Stanisław Polen Poland
Schneider, Hansjörg Schweiz
Switzerland
Musik / Music
Khan, Imrat Indien India
Neuhaus, Max USA USA
Scherchen, Tona Frankreich
France
Sinopoli, Giuseppe Italien Italy
Wolkonski, Andrej UdSSR/Schweiz
USSR/Switzerland
1976
Bildende Kunst / Visual Arts
Ardon, Mordecai Israel Israel
Branch, Winston Großbritannien
United Kingdom
Broniatowski, Karol Polen Poland
Dimitrijević, Braco Jugoslawien
Yugoslavia
Graham, Daniel USA USA
Iannone, Dorothy USA USA
Kawara, On Japan Japan
Opalka, Roman Polen/Frankreich
Poland/France
Sarkis, Zabunyan Frankreich France
von Huene, Stephan USA USA
Film
Alvarez, Carlos Kolumbien
Colombia
Rainer, Yvonne USA USA
Literatur / Literature
Canetti, Diana Türkei Turkey
El Sharouni, Youssef
Ägypten Egypt
Hamburger, Michael
Großbritannien United Kingdom
Hauser, Arnold Rudolf
Rumänien Romania
Karpowicz, Tymoteusz
Polen Poland
Mikkawy, Abdel-Ghaffar
Ägypten Egypt
Stoica, Petre Rumänien Romania
Musik / Music
Chatterjee, Sankha Indien India
Ferneyhough, Brian
Großbritannien United Kingdom
Ichiyanagi, Toshi Japan Japan
Yuasa, Jôji Japan Japan
1975
Bildende Kunst / Visual Arts
Arroyo, Eduardo Spanien/
Frankreich Spain/France
Baratella, Paolo Italien Italy
Boltanski, Christian Frankreich
France
Kaprow, Allan USA USA
McCallion, Barry USA USA
Potts, Don USA USA
Prent, Mark Kanada Canada
Shimotani, Chihiro Japan Japan
Snelson, Kenneth USA USA
Weiner, Lawrence USA USA
Film
Hübner, Douglas Chile Chile
Lajolo, Anna Italien Italy
Leonardi, Alfredo Italien Italy
Lombardi, Guido Italien Italy
Literatur / Literature
Füruzan, Selçuk Türkei Turkey
Higgins, Dick USA USA
Middleton, Christopher
Großbritannien United Kingdom
Myrdal, Jan Schweden Sweden
Skármeta, Antonio Chile Chile
Sommer, Harald Österreich
Austria
Musik / Music
Boone, Charles USA USA
Fariñas, Carlos Kuba Cuba
Kobrin, Edward USA USA
Weddington, Maurice USA USA
1974
Bildende Kunst / Visual Arts
Bokor, Miklós Frankreich France
Broodthaers, Marcel Belgien
Belgium
Buren, Daniel Frankreich France
Byars, James Lee USA USA
Filliou, Robert Frankreich France
Gertsch, Franz Schweiz
Switzerland
Hamilton, Richard
Großbritannien United Kingdom
Hanson, Duane USA USA
Inoue, Bukichi Japan Japan
Lakner, László Ungarn Hungary
Paolozzi, Eduardo
Großbritannien United Kingdom
Sandle, Michael
Großbritannien United Kingdom
Valenta, Rudolf CSFR CSFR
Film
Dwoskin, Stephen
Großbritannien United Kingdom
Literatur / Literature
Mészöly, Miklós Ungarn Hungary
Mrożek, Sławomir Polen /
Frankreich Poland/France
Valtinos, Thanassis
Griechenland Greece
Musik / Music
Chowning, John USA USA
Moran, Robert USA USA
Reich, Steve USA USA
Souster, Tim Großbritannien
United Kingdom
Wolff, Christian USA USA
1973
Bildende Kunst / Visual Arts
Brisley, Stuart Großbritannien
United Kingdom
Calzolari, Pier Paolo Italien Italy
Caniaris, Vlassis
Griechenland Greece
Christmann, Gunter S.
Australien Australia
Cook, William Delafield
Australien Australia
Fisher, Joel A. USA USA
Iimura, Takahido Japan/USA
Japan/USA
Ipousteguy, Jean
Frankreich France
Kienholz, Edward USA USA
Merz, Mario Italien Italy
Spoerri, Daniel Schweiz/
Frankreich Switzerland/
France
Literatur / Literature
Costa, Bernard da
Frankreich France
Mayröcker, Friederike
Österreich Austria
Okopenko, Andreas
Österreich Austria
Ramirez, Sergio
Nicaragua Nicaragua
Sorescu, Marin
Rumänien Romania
Musik / Music
Bertoncini, Mario Italien Italy
Cardew, Cornelius Großbritannien
United Kingdom
Fulkerson, James USA USA
Gorecki, Henryk Polen Poland
Huber, Klaus Schweiz Switzerland
Krauze, Zygmunt Polen Poland
Schimi, Iraj Iran Iran
Vieru, Anatol Rumänien Romania
1972
Bildende Kunst / Visual Arts
Arakawa, Shusaku USA/Japan
USA/Japan
Bálint, Endre Ungarn Hungary
Bertholo, René Portugal Portugal
Brouwn, Stanley Niederlande
Netherlands
Canogar, Rafael Spanien Spain
Fujiwara, Makoto Japan Japan
Kowalski, Piotr Frankreich France
Logothetis, Stathis
Griechenland Greece
Radović, Zoran
Jugoslawien Yugoslavia
Literatur / Literature
Achleitner, Friedrich
Österreich Austria
Baconsky, Anatol
Rumänien Romania
Bocheński, Jacek Polen Poland
Botsford, Keith USA USA
Gustafsson, Lars Schweden
Sweden
Koumandareas, Menis
Griechenland Greece
Moody-Straus, Anne USA USA
Wong, May Singapur Singapore
Musik / Music
Brouwer, Leo Kuba Cuba
Bussotti, Sylvano Italien Italy
Cage, John USA USA
Calonne, Jacques
Belgien Belgium
Donatoni, Franco Italien Italy
Lanza, Alcides
Argentinien Argentina
Morthenson, Jan
Schweden Sweden
Stroé, Aurel Rumänien Romania
1971
Bildende Kunst / Visual Arts
Attersee, Christian-Ludwig
Österreich Austria
Baker, George USA USA
Colville, Alex Kanada Canada
Erro, Gudmundur Island Iceland
Riley, Bridget Großbritannien
United Kingdom
Sedgley, Peter
Großbritannien United Kingdom
Tsoclis, Constantin
Griechenland Greece
Literatur / Literature
Denes, Ivan Rumänien/Israel
Romania/Israel
Gatti, Armand Frankreich France
114

Jonke, Gert F. Österreich Austria
Odojewski, Włodzimierz Polen
Poland
Sanguineti, Edoardo Italien Italy
Suescún, Nicolás Kolumbien
Colombia
Tabori, George Ungarn/
Großbritannien Hungary/United
Kingdom
Musik / Music
Cerha, Friedrich Österreich
Austria
Feldman, Morton USA USA
Kurtág, György Ungarn Hungary
Lazarof, Henri USA USA
Marek-Zakiej, Tadeusz Polen
Poland
Maros, Rudolf Ungarn Hungary
Niculescu, Stefan Rumänien
Romania
1970
Bildende Kunst / Visual Arts
Black, David USA USA
Brusse, Mark Niederlande
Netherlands
Kotik, Jan CSFR CSFR
Seley, Jason USA USA
Stuart, Ian Irland Ireland
Xenakis, Constantin Griechenland
Greece
Film
Beavers, Robert USA USA
Literatur / Literature
Bauer, Wolfgang Österreich
Austria
Enquist, Per Olov Schweden
Sweden
Jandl, Ernst Österreich Austria
Vassilikos, Vassilis Griechenland
Greece
Musik / Music
Brown, Earle USA USA
Haubenstock-Ramati, Roman
Österreich Austria
Kotoński, Włodzimierz Polen
Poland
Kupkovič, Ladislav CSFR CSFR
Mamangakis, Nikos Griechenland
Greece
Mayuzumi, Toshiro Japan Japan
Szalonek, Witold Polen Poland
1969
Bildende Kunst / Visual Arts
Castillo, Jorge Spanien Spain
Engelman, Martin
Niederlande Netherlands
Goeschl, Roland Österreich Austria
Mizui, Yasuo Japan Japan
Sekal, Zbynĕk CSFR CSFR
Literatur / Literature
Aravantinou, Mando
Griechenland Greece
Faria, Benigno Almeida
Portugal Portugal
Higgins, Aidan Irland Ireland
Nápravnik, Milan CSFR CSFR
Skinas, Alexander Griechenland
Greece
Musik / Music
Cervetti, Sergio Uruguay Uruguay
Ishii, Maki Japan Japan
Kopelent, Marek CSFR CSFR
Ligeti, György Ungarn/Österreich
Hungary/Austria
Olah, Tiberiu Rumänien Romania
1968
Bildende Kunst / Visual Arts
Akrithakis, Alexis
Griechenland Greece
Dorazio, Piero Italien Italy
Dublon, Kurt Israel Israel
Morales, Honorio
Argentinien Argentina
Rickey, George USA USA
Literatur / Literature
Handke, Peter Österreich Austria
Herbert, Zbigniew Polen Poland
Musik / Music
Cvetko, Dragotin
Jugoslawien Yugoslavia
Dallapiccola, Luigi Italien Italy
Goodman, Alfred USA USA
Méfano, Paul Frankreich France
Penderecki, Krzystof Polen Poland
1967
Bildende Kunst / Visual Arts
Armitage, Kenneth
Großbritannien United Kingdom
Ikeda, Masuo Japan Japan
Literatur / Literature
Wirpsza, Witold Polen Poland
Musik / Music
Antoniou, Theodore
Griechenland Greece
Arrigo, Girolamo Italien Italy
Calder, Clement USA USA
de Pablo, Luis Spanien Spain
Ferrari, Luc Frankreich France
Halffter, Cristóbal Spanien Spain
Kelemen, Milko Jugoslawien
Yugoslavia
Pesko, Zoltàn Ungarn Hungary
Ringger, Rolf Urs Schweiz
Switzerland
Stibilj, Milan Jugoslawien
Yugoslavia
Taylor, Robert USA USA
Wildberger, Jacques
Schweiz Switzerland
Yoshida, Hidekazu Japan Japan
1966
Bildende Kunst / Visual Arts
Iida, Yoshikuni Japan Japan
Sasaki, Shiro Japan Japan
Literatur / Literature
Gross, Alexander USA USA
Rexroth, Kenneth USA USA
Vrkljan, Irena Jugoslawien
Yugoslavia
Musik / Music
Evangelisti, Franco Italien Italy
Johnson, Carl USA USA
Miroglio, Francis Frankreich
France
Santoro, Claudio Brasilien Brazil
Shinohara, Makoto Japan Japan
Wimberger, Gerhard Österreich
Austria
1965
Bildende Kunst / Visual Arts
Haderer, Werner Deutschland
Germany
Koch, Gérard Frankreich France
Raccanelli, Lucio Italien Italy
Musik / Music
Ginastera, Alberto Argentinien
Argentina
Schuller, Gunther USA USA
1964
Bildende Kunst / Visual Arts
Albanese, Russero Italien Italy
Behrmann, Angelika Deutschland
Germany
di Carlo, Franco Italien Italy
Dionisio, Roberto Italien Italy
Fangor, Wojciech Polen Poland
Francken(-Steinreich), Ruth
Frankreich France
Masson, André Frankreich France
Remotti, Remo Italien Italy
Saura, Antonio Spanien Spain
Vedova, Emilio Italien Italy
Literatur / Literature
Auden, Wystan H. USA USA
Bentley, Eric USA USA
Benyoetz, Elazar Koppel Israel
Israel
Butor, Michel Frankreich France
Sander, Hans-Dietrich
Deutschland Germany
Musik / Music
Alsina, Carlos (Roqué)
Argentinien Argentina
Amy, Gilbert Frankreich France
Andriessen, Louis
Niederlande Netherlands
Belloc, Enrique
Argentinien Argentina
Berio, Luciano Italien Italy
Carter, Elliott USA USA
Chadabe, Joël USA USA
Curran, Alvin S. USA USA
Globokar, Vinko
Jugoslawien Yugoslavia
Henze, Hans Werner
Deutschland Germany
Heyworth, Peter
Großbritannien United Kingdom
Koellreutter, Hans Brasilien/
Deutschland Brazil/Germany
Pires, Filipe Portugal Portugal
Sessions, Roger USA USA
Stefani, Gino Italien Italy
Strawinsky, Igor USA USA
Vlad, Roman Italien Italy
Yun, Isang Südkorea South Korea
1963
Bildende Kunst / Visual Arts
Benrath, Frédéric Frankreich
France
Cravo, Mario Brasilien Brazil
Goldstein, Marvin USA USA
Hader, Dagmar Deutschland/Chile
Germany/Chile
Jaffe, Shirley USA/Frankreich
USA/France
Kruschewsky, Mercedes
Brasilien Brazil
Reboucas, Antonio de Almeida
Brasilien Brazil
Scott, William Großbritannien
United Kingdom
Westheim, Paul Mexiko Mexico
Literatur / Literature
Bachmann, Ingeborg
Österreich Austria
Gombrowicz, Witold
Polen/Argentinien
Poland/Argentina
Prenzlow, Joachim
Deutschland Germany
Read, Piers Paul
Großbritannien United Kingdom
Roehler, Klaus Deutschland
Germany
Musik / Music
Matthes, Klaus
Deutschland Germany
Rüfer, Rüdiger Deutschland
Germany
Rzewski, Frederic USA USA
Takahashi, Yuji Japan Japan
Xenakis, Iannis Griechenland
Greece
115

Impressum / Imprint
Herausgeber / Publisher
Berliner Künstlerprogramm
des DAAD / DAAD Artistsin-Berlin
Program
Koordination / Coordination
Dahlia Borsche
Alexandra Meiner
Redaktion / Editors
Dahlia Borsche (V.i.S.d.P.)
Silvia Fehrmann
Melanie Roumiguière
Gesamtredaktion /
Managing Editor
Martin Hager
Übersetzungen / Translations
Timo Berger (S./p. 101),
Kathleen Heil (S./pp. 102), Jutta
Himmelreich (S./pp. 49-53),
Anna Jäger (S./pp. 7, 15, 17, 29,
37, 47, 72-75, 77, 104), Odile
Kennel (S./p. 87), Claudia Kotte
(S./p. 11), Laura Radosh (S./pp.
44, 56), Jake Schneider (S./pp.
26, 84, 94), Erik Smith (S./pp. 3,
22/23, 32, 41, 64-69. 70/71,
81, 85, 89/90), Julia Stoff
(S./pp. 13, 19), Moji Taalipasand
(S./pp. 57-60), Jacqueline Todd
(S./pp. 35, 62-63, 98), Pedro
Vainer (S./p. 87)
Lektorat / Copy Editors
Martin Hager (DE)
Taïca Replansky (EN)
Endkorrektorat / Proofreading
Iris Ströbel
Gestaltung / Graphic Design
Klimaitė Klimaitė
Druck / Print
Brandenburgische
Universitätsdruckerei und
Verlagsgesellschaft
Potsdam mbh
Auflage / Copies
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© Berliner Künstlerprogramm
des DAAD
Berliner Künstlerprogramm
des DAAD / DAAD Artistsin-Berlin
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Direktion / Director
Silvia Fehrmann (SF)
Leitung Bildende Kunst /
Head of Visual Arts
Melanie Roumiguière (MR)
Leitung Musik / Head of Music
Dahlia Borsche (DB)
Leitung Literatur und Film /
Head of Literature and Film
Silvia Fehrmann (SF)
Projektleitung Archivdigitalisierung
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Archive Digitalization
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Projektassistenz Musik,
Auswahlverfahren /
Project Assistance Music,
Selection Processes
Sebastian Dürer
Projektassistenz BKP-Leitung
und ICORN-Programm /
Project Assistance Director’s
Office and ICORN Program
Alexandra Meiner (AM)
Projektassistenz Literatur und
Film, Wohnungsbetreuung /
Project Assistance Literature
and Film and Apartment
Management
Laura Muñoz-Alonso
Projektassistenz Bildende Kunst,
Sonderprogramme /
Project Assistance Visual Arts,
Special Programs
Malte Roloff (MRo)
Veranstaltungsbetreuung /
Event Support
Veronique Ansorge,
Tillmann Betz, John Broback,
Biljana Milkov, Ilse Troll
Archiv / Archive
Sabine Blödorn
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Accommodation Management
and Guest Service
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Büro Berlin des DAAD /
DAAD Berlin Office
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Administration and Finances
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Technischer Dienst und
Poststelle / Technical Service
and Postmaster
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Bildnachweise/Photo Credits
Porträtfotos / Portrait Pictures
Irma Fadhila (S./p. 6), Jasper
Kettner (S./pp. 12, 18, 24, 30, 36,
42, 54, 76, 82, 86, 89, 90, 92),
Diana Levine/MIT Media Lab
(S./p. 85)
Ausstellungsfotos /
Exhibition Pictures
Blaise Adilon (S./p. 45), Silke
Briel (S./p. 91), Thomas Bruns
(S./pp. 10, 16, 28, 33, 46, 66, 67,
69, 70, 73, 74, 75), Åsa Lundén
(S./p. 39), Mathias Völzke
(S./p. 79)
Veranstaltungsfotos /
Event Pictures
Kai Bienert (S./p. 9),
Sebastian Bolesch (S./p. 34),
Ali Ghandtschi (S./p. 95),
Stefanie Kulisch (S./pp. 22, 23),
Eunice Maurice (S./pp. 40, 64,
65, 66, 68), Nico Scagliarini
(S./p. 21), Marlena Waldthausen
(S./pp. 62, 63), Krzystof Zielińksi
(S./pp. 27, 33, 40)
Weitere Fotos / Other Pictures
Ieva Epnere (S./pp. 48, 61, 99),
Valeria Fiorini (S./p. 100),
Lim Sheau Yun (S./p. 71)
Deutscher Akademischer
Austauschdienst (DAAD) /
German Academic
Exchange Service
Präsident / President
Prof. Dr. Joybrato Mukherjee
Generalsekretärin /
Secretary General
Dr. Dorothea Rüland
Stellvertretender Generalsekretär
und Leiter des Büros Berlin /
Deputy Secretary General
and Head of the Berlin Office
Christian Müller
Kennedyallee 50
53175 Bonn
www.daad.de
Berliner Künstlerprogramm
des DAAD / DAAD
Artists-in-Berlin Program
Markgrafenstraße 37
10117 Berlin
www.berliner-kuenstlerprogramm.de
daadgalerie
Oranienstraße 161
10969 Berlin
www.daadgalerie.de

Das Berliner Künstlerprogramm
des DAAD wird gefördert aus
Mitteln des Auswärtigen Amtes
und des Berliner Senats.
The Artists-in-Berlin
Program is funded by the
German Foreign Office
and the Senate of Berlin.
Die Digitalisierung des Archivs des Berliner Künstlerprogramms
des DAAD wird gefördert durch die Förderrichtlinie zum Erhalt
Kulturellen Erbes der Senatsverwaltung Kultur und Europa und des
Forschungs- und Kompetenzzentrums Digitalisierung Berlin (digiS).
Die ICORN-Stipendien werden gefördert aus Mitteln des
Landes Berlin im Rahmen des Programms „Weltoffenes Berlin“
der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.
The digitization of the DAAD Artists-in-Berlin Program
Archive is funded by the Senate Department for
Culture and Europe and the Research and Competence
Centre Digitalisation Berlin (digiS).
The ICORN fellowships are funded by the Land of Berlin
within the program “Weltoffenes Berlin” of the Senate
Department for Culture and Europe.