Festspielzeit Sommer 2021

DAS MAGAZIN DER
BREGENZER FESTSPIELE
FESTSPIEL
ZEIT
AUSGABE 3 | BREGENZER FESTSPIELE 21. JULI – 22. AUGUST 2021
»WIE KUNSTBLUMEN
ERSCHAFFEN«
Kostümbildnerin Kathi Maurer
erfüllte sich mit Rigoletto
einen Traum aus Farben
ZWISCHEN LEBEN UND
TOD, HIMMEL UND ERDE
Michel van der Aas Filmoper
Upload kombiniert Philosophie
mit Science-Fiction
IN DEN SOG
GERATEN
Das Deutsche Theater Berlin
präsentiert Heinrich von
Kleists Michael Kohlhaas

17
Der Nibelungenschatz
in Vorarlberg
Der Palast Hohenems – wo die
Erfolgsgeschichte begann
INHALT
4
»Wie Kunstblumen
erschaffen«
12
Sicher in den
Festspielsommer
Fragen und Antworten rund
um das Sicherheitskonzept
zu Covid-19
Rigoletto-Kostümbildnerin Kathi
Maurer im Interview über ihren
wahr gewordenen Zirkustraum
8
Stetes Feilen an
der Technik
18
Programmübersicht
Das Programm der Bregenzer
Festspiele 2021 im Überblick
Zusätzliche Lautsprecher und
neue Übertitel für noch mehr
Genuss und Erlebnis am See
14
Wassernixen
im Bodensee
75 Jahre Bregenzer Festspiele
mit Richard Wagners Rheingold
2

28
In den Sog geraten
35
Tickets
Andreas Kriegenburg
inszeniert die Kleist-Novelle
Michael Kohlhaas
Kartenpreise und Kontakt
20
Zwischen Leben und
Tod, Himmel und Erde
INHALT
Das Multitalent Michel van der
Aa über seine außergewöhnliche
Oper Upload
Impressum
BREGENZER FESTSPIELE GMBH
Platz der Wiener Symphoniker 1
6900 Bregenz | Austria
T +43 5574 407-5
www.bregenzerfestspiele.com
Herausgeber Bregenzer Festspiele GmbH
Intendantin Elisabeth Sobotka
24
Zu wahr, um
schön zu sein
Ein Liederabend der anderen
Art mit Nikolaus Habjan und
der Musicbanda Franui
32
Vom Liebhaber
zum Goldrausch
Musik & Poesie im Seestudio
Redaktion Kathrin Grabher, Lisa Kloos, Ingrid Lughofer
Gestaltung moodley brand identity |
Bregenzer Festspiele – Kathrin Grabher
Druck Buchdruckerei Lustenau
Lektorat Thorsten Bayer Text
Tex te Jutta Berger (S. 4 ff.) | Arno Miller (S. 8 f.) |
Bregenzer Festspiele (S. 12 f., S. 17) | Matthias Corvin
(S. 14 ff.) | Julia Decker (S. 20 ff.) | Elisabeth Merklein
(S. 24 ff.) | SWR4 (S. 27 l.) | Dallmayr Kaffee (S. 27 r.) |
Juliane Koepp (S. 28 ff.) | Philip Fröwis, Olaf A. Schmitt
(S. 32 f.) | Ö1 (S. 33 u.)
Abbildungsnachweise Ralph@Larmann.com (Titelbild –
Rigoletto, S. 2 l. u., S. 3 m. o, S. 13, S. 34) | Kathi Maurer
(S. 2 l. o., S. 7 l.) | Dietmar Mathis (S. 2 m. u, S. 6) | Horst
Jäger (S. 2 r. o.) | Stefan Kothner (S. 2 r. u.) | Sarah
Wijzenbeek (S. 3 l. o, S. 20) | Toni Suter T+T Fotografie/
Schauspielhaus Zürich (S. 3. l. u., S. 26) | Arno Declair
(S. 3 m. o., S. 29, S. 31) | Anja Köhler, andereart (S. 3 m. u,
S. 3 r., S. 7 r., S. 32) | Eva Bertram (S. 5) | Screenpix (S. 8) |
Karl Forster (S. 10) | Michael Königshofer (S. 15) | Dshamilja
Kaiser (S. 16) | akg-images, Fototeca Gilardi (S. 17) | Dutch
National Opera (S. 23) | Theresa Pewal (S. 24) | SWR4
(S. 27 l.) | Dallmayr Kaffee (S. 27 r.) | Ö1 (S. 33)
Erschienen im Juni 2021. Es gelten die
AGB der Bregenzer Festspiele GmbH.
Änderungen vorbehalten.
Wir möchten darauf hinweisen, dass uns alle
Geschlechter gleich wichtig sind, selbst wenn
es uns manchmal nicht gelingen sollte, dies
auch schriftlich auszudrücken.
3

SPIEL AUF DEM SEE
»WIE
KUNSTBLUMEN
ERSCHAFFEN«
Kathi Maurer entwirft Kostüme. Für den Bregenzer Rigoletto schuf
sie eine bunte Zirkuswelt.
4

5
RIGOLETTO

SPIEL AUF DEM SEE
Sie kleiden das Rigoletto-Ensemble
auf der Seebühne in bunte
Farben, Fantasieuniformen,
Glitzer. Schwelgen in Materialien
und Farben. Wie kamen Sie auf
diese Ideen?
Kathi Maurer: Ja das stimmt, wir
schwelgen in Farben. So eine Zirkuswelt
entstehen zu lassen, da ist
ein Traum für mich als Kostümbildnerin
in Erfüllung gegangen. Mit
Rigoletto für die Seebühne haben
wir, Regisseur und Bühnenbildner
Philipp Stölzl, Bühnenbildnerin
Heike Vollmer und ich, uns mehr als
zwei Jahre lang intensiv beschäftigt
und großen Spaß dabei gehabt.
Wie entstehen ganz generell Ihre
Ideen für Ihre Arbeit?
Zuerst einmal durch die Auseinandersetzung
mit dem Werk und
natürlich in vielen Gesprächen mit
dem Regieteam. Erst dann setze
ich mich an meinen Zeichentisch,
blättere meine Bücher durch – die
ganze Palette der Kunstgeschichte.
Oder ich hole mir Anregungen in
Filmen, in Ausstellungen. Es kann
aber auch passieren, dass ich auf
eine Idee komme, wenn ich zum
Beispiel in der Straßenbahn einen
interessanten Menschen sehe,
der in das aktuelle Stück passen
könnte. Die Figuren entwickle ich
dann zeichnerisch, bis ich die
ersten Entwürfe ans Regieteam
zur Diskussion gebe.
Findet der Gedankenaustausch via
Bildschirm statt oder analog?
Beides ist möglich. Mir ist aber das
direkte Gespräch im Atelier lieber.
Hier hängen alle meine fertigen
Figurinen nebeneinander an der
Wand. Man sieht sofort, ob sie
zusammenpassen, ob sie korrespondieren.
Man kann auch mal
gemeinsam ein Buch durchblättern,
Bilder abhängen, austauschen. Die
künstlerische Zusammenarbeit ist
viel inspirierender, wenn man sich
wirklich gegenübersitzt. Es geht
natürlich nicht immer, dass man
sich trifft. Aber Philipp und ich
wohnen beide in Berlin, da klappt
das ganz gut.
Was fasziniert Sie an Ihrer Arbeit?
Dass ich ganze Figuren erfinden
darf und nicht nur ihre Kleidung.
Zum Kostümbild gehört die Gesamterscheinung:
Kleidung, Schuhe, Frisur,
die Art, wie jemand geschminkt
ist. Eigentlich ist das so, als würde
ich Kunstblumen erschaffen, etwas
zum Leben erwecken, das es noch
nicht gibt.
Wann wissen Sie, wer konkret in
diesen Kostümen stecken wird?
Im Idealfall, wenn ich noch zeichne.
Dann kann ich mir das Gesicht, den
Körper dazu vorstellen. Ich überlege,
was an dem Menschen schön
aussehen würde, wie er oder sie sich
wohlfühlen könnte, und natürlich,
was richtig wäre für die Theaterfigur.
Die Künstlerinnen und
Künstler sollen ja nicht ein Kostüm
aufgepflanzt kriegen, das ihnen
nicht entspricht.
Sie haben 2019 zum ersten Mal für
die Seebühne gearbeitet. Was ist
in Bregenz anders?
Die eigentliche Herausforderung ist
die Größe der Bühne. Die Zuschauerinnen
und Zuschauer sind sehr
weit weg, die Figuren sind klein.
Man muss schon sehr genau überlegen,
wie man sie wiedererkennbar
macht. Wir haben dazu für Rigoletto
ein klares Farbkonzept geschaffen:
Die Welt des Herzogs ist in Rottönen
gehalten, Rot gilt als Farbe
der Macht. Gilda trägt als einzige
Blau, die Farbe der Sehnsucht.
Rigoletto ist der Einzige in Gelb.
Gelb war immer die Farbe der
Narren. Die zweite große Herausforderung:
Es gibt Fernseh-Aufzeichnungen,
und die Kostüme
müssen auch aus der Nähe gut
wirken, den Kameras standhalten.
Jedes Kostüm lebt ja durch das
Detail. Oft sind es die Knöpfe, die
Dekorationen oder die Nähte, die
es erst lebendig machen.
Und dann wäre da noch das Wetter ...
Ja, es kann sehr heiß werden oder
auch in Strömen regnen. Das alles
muss ein Kostüm aushalten.
Der Hofstaat des Herzogs als buntes Gauklervolk - das Regieteam von Rigoletto versetzt Verdis Oper in eine fantastische Zirkuswelt.
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Vom Entwurf, der sogenannten Figurine, auf die Bühne: In Handarbeit wurden
die Kostüme für Rigoletto im Atelier der Bregenzer Festspiele erschaffen.
RIGOLETTO
Manchmal muss das Kostüm ja auch
ins Wasser ...
Dann pocht das Herz der Kostümbildnerin
heftig. Aber unsere Kostüme
haben bis jetzt alles gut überstanden.
Sie sind fast noch schöner
geworden, durch das Leben, das da
reingekommen ist.
Bei der Materialauswahl muss man
am See wahrscheinlich umdenken?
Das dachten wir anfänglich auch,
es ist aber eigentlich nicht so. Für
die Livreen haben wir beispielsweise
Stoffe einer englischen Firma
verwendet, die seit Jahrhunderten
Uniformstoffe herstellt, aus richtig
strapazierfähiger Wolle. Das funktioniert
sehr gut. Auch die anderen
Stoffe sind ganz gebräuchliche,
aber eben qualitativ hochwertige
Kleiderstoffe und haben alle Strapazen
gut überlebt.
Muss eine Kostümbildnerin eigentlich
nähen können?
Nein. Im Nähatelier der Bregenzer
Festspiele mit der Kostümchefin
Lenka Radecky und der Gewandmeisterin
Janina Kobinger arbeitet
ein tolles Team. Aber natürlich
muss man sich als Kostümbildnerin
mit Stoffen und Materialien gut
auskennen und auch ein Gespür
dafür haben.
Sie haben auch Bühnenbild studiert,
warum konzentrieren Sie sich aber
auf das Kostüm?
Richtig, ich habe bei einem wunderbaren
Professor, Achim Freyer,
an der Hochschule der Künste in
Berlin Bühnenbild studiert. Ich fand
das damals vernünftig, weil sich
viele Theater nicht beides, Bühnenbildnerinnen
und Kostümbildnerinnen,
leisten können und habe es
tatsächlich nie bereut. Trotzdem
bin ich zu meiner großen Liebe, dem
Kostüm, zurückgekehrt. Ich wollte
das immer schon machen.
Immer schon?
Bereits als kleines Mädchen habe
ich für die Puppenstube historische
Kleider, die ich im Museum gesehen
hatte, geschneidert. Rokoko-Kostüme
und Kleider der 1920er-Jahre
haben mir besonders gefallen. Die
Mutter meiner besten Freundin war
Schneiderin, in deren Werkstatt
sind wir gesessen, haben genäht
und Radio gehört.
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Haben Sie die Entscheidung für
das Theater während des vergangenen
Jahres bereut?
Nein. Es war zwar traurig, dass
geplante Inszenierungen nicht
stattfinden konnten und vielleicht
auch nie stattfinden werden. Die
Figurinen liegen in der Schublade
und warten auf ihren Auftritt … Ich
habe die unerwartet viele Zeit mit
meiner Familie sehr genossen und
wieder mehr gemalt. So ist ein gemaltes
Corona-Tagebuch entstanden.
Es zeigt, wie ich meine Umwelt
in diesem Jahr erlebt habe.
KATHI MAURER
ist Kostümbildnerin für Oper
und Schauspiel, u. a. für die
Staatsoper Unter den Linden
und die Deutsche Oper Berlin,
die Kammerspiele München,
die Volksoper Wien und das
Theater Basel. Sie wurde in
München geboren und studierte
in London und Berlin, wo sie
auch heute mit ihrer Familie lebt.

STETES FEILEN AN
DER TECHNIK
SPIEL AUF DEM SEE
Die Bregenzer Festspiele bieten dem Publikum des Spiels auf dem
See ein weltweit einzigartiges Klangerlebnis. Dahinter steht unter der
Abkürzung BOA 2.0 ausgeklügelte Technik. Sie garantiert die
akustische Raumsimulation auf höchstem Niveau. Dieses Jahr kommen
270 schlanke Lautsprecher hinzu und verstärken bei den Besucherinnen
und Besuchern den Eindruck, mitten im Geschehen zu sein.
Rund 100 Lautsprecher (grün) sind im Rigoletto-Bühnenbild versteckt und ermöglichen gemeinsam mit jenen im Zuschauerraum ein
Raum- und Richtungshören. Den Röntgenblick mit allen technischen Installationen gibt's online auf vtour.bregenzerfestspiele.com.

Das Spiel auf dem See ist nicht
nur für opulente Bühnenbilder
und außergewöhnliche
Inszenierungen bekannt, auch das
Klangerlebnis steht für höchste
Qualität. Das Tonsystem Bregenz
Open Acoustics (BOA) begeisterte
bei seiner Einführung vor bald
20 Jahren gleichermaßen Publikum
und Fachwelt. In einem mehrjährigen
Projekt wird es zu BOA 2.0 weiterentwickelt.
29 Lautsprecher-Masten
in drei unterschiedlichen Höhen
rund um die Seetribüne ersetzten
bereits 2019 in einem ersten Schritt
das bis dahin verwendete Lautsprecher-Band.
Das so erzielte ausgewogene
räumliche Klangerlebnis wird
ab dieser Saison mit 270 zusätzlichen
Lautsprechern noch gesteigert.
Diese Lautsprecher sind unter
30 Sitzreihen im Zentrum des Besucherbereiches
angebracht. Unauffällig.
Denn das Publikum soll nicht
davon abgelenkt werden, wie und wo
die Bregenzer Festspiele die Magie
des perfekten Klangs entfalten.
SYNCHRON SEHEN UND HÖREN
Ein enormer technischer Aufwand
ist dafür notwendig, mit der hochinnovativen
Computertechnologie
des neuen Tonmischpults als Herzstück
und beeindruckender Rechnerleistung
im Server-Hintergrund.
Es geht schließlich darum, in den
riesigen Dimensionen von Seebühne
und Tribüne die akustischen, also
physikalischen Gegebenheiten mit
den Eigenschaften des menschlichen
Gehörs in Einklang zu bringen.
Experten könnten sich stundenlang
in der Schilderung der entsprechenden
Details verlieren. Lassen wir
Clemens Wannemacher, Leiter der
Tonabteilung, wenigstens kurz zum
entscheidenden Gesetz der ersten
Wellenfront ausholen. Es besagt: Wir
ordnen als Hörende alle, auch zeitverzögerte
Schallsignale jener Richtung
zu, aus der das erste Signal bei
uns eintrifft. »Folglich sollte es bei
einer Musiktheateraufführung von
dort kommen, wo wir die Sängerin
oder den Sänger optisch wahrnehmen.
Dieses sogenannte Richtungshören
haben die Bregenzer Festspiele
bereits seit Jahrzehnten
erfolgreich umgesetzt.«
Laienhaft ausgedrückt, entscheiden
aber auch die Schallreflexionen
über Wohlklang oder Dissonanz –
beispielsweise jene, die vom Boden
ausgehen. Genau hier kommen
die neuen 270 Lautsprecher ins
Spiel und zünden die nächste Stufe
des qualitativen Hörgenusses.
Sie werden über nicht weniger als
96 verschiedene Kanäle angesteuert.
»Auch hier geht es um die Synchronisation
von Sehen und Hören: Die
unterschiedlich langen Wege, die der
Schall zwischen den verschiedenen
Quellen auf der Seebühne und den
weit auseinander liegenden Sitzplätzen
auf der Tribüne zurücklegen
würde, müssen überbrückt werden«,
erklärt Wannemacher. Um diese
Herausforderung an einer Zahl
festzumachen: 70 Millisekunden
beträgt die Verzögerung, mit der ein
Ton aus der vorderen Mitte der Seebühne
bei der entferntesten Reihe
mit darunter verbauten Lautsprechern
ankommt, gegenüber jener,
die sich am nächsten befindet.
70 Millisekunden klingen nach sehr
wenig, sind in Wirklichkeit jedoch
deutlich wahrnehmbar.
NEUE ÜBERTITEL-ANLAGEN
Die zusätzlichen Lautsprecher sind
nicht die einzige technische Neuerung
in diesem Festspielsommer.
Eine weitere Verbesserung betrifft
die beiden Übertitel-Anlagen links
und rechts der Seebühne. Mobilkran
und Taucher standen im Mai im Einsatz,
um die zwei 4x1 Meter großen
Installationen auszutauschen und
im Seegrund zu verankern. Wurden
bisher die Textzeilen auf Reflexionsflächen
projiziert, kommt ab diesem
Jahr LED-Technik zum Einsatz.
»Damit lässt sich die Lichtstärke
exakt steuern und optimal anpassen«,
erklärt Adrian Boss von der
Lichtabteilung, »der größte Vorteil
für unser Publikum aber ist, dass
die Übertitel nun auch aus extremen
Blickwinkeln ohne Einschränkungen
bestens lesbar sind.«
SPIEL AUF DEM SEE
RIGOLETTO
Giuseppe Verdi
Oper in drei Akten (1851) | Libretto
von Francesco Maria Piave nach
Victor Hugos Le Roi s'amuse (1832) |
In italienischer Sprache mit
deutschen Übertiteln
Premiere
22. Juli 2021 – 21.15 Uhr
Vorstellungen
siehe Spielplan in der Heftmitte
RIGOLETTO
9

»Spektakulär
berührend«
MAGAZIN »DIE BÜHNE« ÜBER RIGOLETTO
Gute Unterhaltung wünschen die Hauptsponsoren

SICHER IN DEN
FESTSPIELSOMMER
FRAGEN UND ANTWORTEN RUND UM IHREN FESTSPIELBESUCH UND
DAS COVID-19-PRÄVENTIONSKONZEPT DER BREGENZER FESTSPIELE
BREGENZER FESTSPIELE
Genuss und Sicherheit gehören
diesen Sommer bei
Veranstaltungen zusammen.
Damit keines von beiden zu
kurz kommt, haben die Bregenzer
Festspiele auf Basis der Regelungen
der österreichischen Regierung und
in enger Abstimmung mit Behörden,
Expertinnen und Experten ein
Präventionskonzept erarbeitet.
Nachstehend finden Sie alle Informationen
rund um Ihren Besuch im
Zusammenhang mit Covid-19.
Welche Einlassregelungen
gelten für die Veranstaltungen
im Festspielsommer?
Für die Teilnahme an den Veranstaltungen
müssen alle Festspielgäste
geimpft, genesen oder getestet
sein. An Spielabenden werden
die »3G« am Vorplatz des Festspielhauses
kontrolliert. Einer der
folgenden Nachweise, ausgestellt in
englischer oder deutscher Sprache,
ist verpflichtend zu erbringen:
GETESTET Alle Gäste verpflichten
sich dazu, einen von offizieller Stelle
zertifizierten Test auf SARS-CoV-2
mit negativem Ergebnis vorzuweisen.
Gültig sind zertifizierte Selbsttests
(24 h), von medizinischem
Personal durchgeführte Antigen-
Tests (48 h) und PCR-Tests (72 h).
Der Nachweis kann in digitaler
oder ausgedruckter Form vorgewiesen
werden.
GENESEN Ausgenommen von der
Testpflicht sind Personen, die in
den vergangenen sechs Monaten an
Covid-19 erkrankt sind. Folgende
Möglichkeiten eines Nachweises
stehen zur Verfügung: ärztliche
Bestätigung, Nachweis über neutralisierende
Antikörper (für einen
Zeitraum von drei Monaten), behördlicher
Absonderungsbescheid
(nach § 4 Abs. 18 EpiG).
GEIMPFT Ab dem 22. Tag nach der
ersten Impfung ist der Impfnachweis
als Einlassdokument gültig.
Als Nachweis gilt ein offizielles
Impfdokument, das zum Zeitpunkt
des Besuchs gültig ist.
Welche Hygienemaßnahmen
gelten für die Veranstaltungen
im Festspielsommer?
Es gelten die zum Zeitpunkt der
Veranstaltungen vorgeschriebenen
Abstands- und Hygienevorschriften.
Details hierzu werden
basierend auf den jeweiligen Öffnungsschritten
in unserer Besucherinformation
veröffentlicht.
Wie erfolgt die Platzierung der
Besucherinnen und Besucher?
Aufgrund der gesetzlichen Bestimmungen
ist im Festspielsommer
eine Vollbelegung der Spielstätten
möglich. Daher werden alle Sitzplätze
belegt.
Werden meine Festspielkarten
personalisiert?
Beim Kartenkauf werden bereits
folgende Daten des Kartenkäufers
gemäß der Datenschutzerklärung
erhoben und verarbeitet: Vorname,
Nachname, Adresse, Telefonnummer
und/oder E-Mail-Adresse. Bei
Verdacht auf eine Infektion werden
diese Daten an die Gesundheitsbehörde
weitergegeben. Der Kartenkäufer
verpflichtet sich im Falle
einer Covid-19-bedingten Kontaktnachverfolgung,
alle Besucherinnen
und Besucher seines Auftrags sowie
der betreffenden Veranstaltung
zu benennen und die entsprechenden
behördlichen Hinweise an diese
weiterzuleiten. Eine Personalisierung
der einzelnen Tickets wird
nicht vorgenommen.
Welche Stornobedingungen
gelten für den Festspielsommer?
Wenn aufgrund von Einreisebestimmungen
bzw. der Quarantäneregelung
eine Teilnahme an der
Veranstaltung nicht möglich ist,
erstatten die Bregenzer Festspiele
den Kartenwert. Bitte wenden
Sie sich in diesem Fall per Mail an
ticket@bregenzerfestspiele.com.
Bitte beachten Sie aber, dass bei
einer Erkrankung bzw. einer Absonderung
Tickets nicht zurückgenommen
werden. Wir empfehlen
diesbezüglich den individuellen
12

Keine
Veranstaltung
ohne Ticket!
Anders als in den Vorjahren
benötigen Festspielgäste
in diesem Sommer auch
bei kostenlosen Veranstaltungen
Karten. Sie garantieren, dass die
limitierte Anzahl der Personen
im Publikumsbereich nicht überschritten
wird. Für folgende
Veranstaltungen werden Zählkarten
ausgegeben:
FESTSPIELGESPRÄCHE
Gemeinsam mit dem ORF veranstaltet
der Verein der Freunde der
Bregenzer Festspiele auch heuer
wieder morgendliche Festspielfrühstücke
mit Künstlerinnen und
Künstlern. Philipp Stölzl, Julia Jones
und Hanna Herfurtner sind dabei
von ihrer persönlichen und privaten
Seite zu erleben. Bereits um 9.00 Uhr
öffnet das Seefoyer zum Frühstück,
das Gespräch selbst dauert von 9.30
bis ca. 10.15 Uhr.
SICHER IN DEN FESTSPIELSOMMER
Abschluss einer Reiseversicherung
mit entsprechendem Ausfallschutz.
Welche Bestimmungen gelten für
die Einreise nach Österreich?
Zusätzliche Einblicke in ein Leben
auf der Bühne bietet Kammersängerin
Brigitte Fassbaender mit
einer Lesung aus ihrer Biografie
Komm' aus dem Staunen nicht heraus.
Aktuelle Einreise- und Aufenthaltsbestimmungen
finden Sie auf
der Website des Österreichischen
Außenministeriums sowie auf der
Seite von Österreich Tourismus:
www.bmeia.gv.at | www.austria.info
Wie verhalte ich mich, wenn
Krankheitssymptome auftreten?
Bei Auftreten von Krankheitssymptomen
bitten wir Sie, von
Veranstaltungen fernzubleiben.
Detaillierte Informationen zu
möglichen Beschwerden bei einer
Covid-19-Erkrankung finden Sie
unter anderem auf der Seite des
Österreichischen Gesundheitsportals:
www.gesundheit.gv.at.
Die hier angeführten Informationen
basieren auf dem Stand
zum Redaktionsschluss dieses
Magazins. Bitte informieren Sie
sich vor Ihrem Festspielbesuch
über die aktuell gültigen Bestimmungen
auf unserer Website
www.bregenzerfestspiele.com
13
EINFÜHRUNGSVORTRÄGE
Die Einführungsvorträge zu den
Orchesterkonzerten finden jeweils
45 Minuten vor Beginn des Konzertes
statt. Für das Opernstudio am
Kornmarkt und die Produktionen
auf der Werkstattbühne werden
dieses Jahr keine Einführungsvorträge
angeboten.
Die Termine dieser Veranstaltungen
finden Sie in der Heftmitte.
Zählkarten erhalten Sie telefonisch
unter +43 5574 407-5 sowie online
unter www.bregenzerfestspiele.com.

ORCHESTERKONZERTE
WASSERNIXEN
IM BODENSEE
Die Wiener Symphoniker feiern 75 Jahre Bregenzer Festspiele mit einer
halbszenischen Aufführung von Richard Wagners Oper Das Rheingold.

Es gibt viele magische Musikmomente,
doch dem Anfang
von Richard Wagners Oper
Das Rheingold wohnt ein ganz besonderer
Zauber inne. Aus der Tiefe
des Orchesters erwächst aus einem
einzigen Ton allmählich das fließende
Leben der Natur – geheimnisvoll
und majestätisch zugleich. Wagners
erste Oper der weltbekannten Tetralogie
Der Ring des Nibelungen ist
nun im Bregenzer Festspielhaus in
einer halbszenischen Aufführung zu
erleben. Gefeiert wird damit der
75. Geburtstag der Bregenzer Festspiele.
Seit der ersten Stunde mit dabei
sind die Wiener Symphoniker, in
diesem Konzert dirigiert von ihrem
neuen Chef Andrés Orozco-Estrada.
WIENER SYMPHONIKER
Die szenische Realisation verantwortet
der deutsche Regisseur
Johannes Erath. Bei den Bregenzer
Festspielen inszenierte er zuletzt
2018 Berthold Goldschmidts Oper
Beatrice Cenci und 2016 außerdem
die Kammeroper Make no noise
des tschechischen Komponisten
Miroslav Srnka. Er kennt sich also
gut aus mit den Gegebenheiten vor
Ort. Dennoch ist dieses Rheingold
auch für ihn eine ganz besondere
Herausforderung. Er bezeichnet sie
als »Ritt über den Bodensee«, da
die Probezeit für solch ein einzelnes
Konzert relativ kurz ist. Gerade das
mache die Sache für ihn aber auch
so spannend, da viel Spontaneität
gefragt sei, so Erath.
Besonders reizt ihn die Aufgabe,
Konzert und Opern-Inszenierung
miteinander zu verbinden: »Die
Atmosphäre einer konzertanten
Aufführung soll in diesem Rheingold
erkennbar bleiben, aber das Tor
zum Musiktheater wird aufgestoßen.«
Auf der Bühne arbeitet
Erath unter anderem mit Filmeinspielungen,
verrät er im Vorfeld.
Auf der Leinwand werde sogar ein
lokaler Bezug hergestellt, etwa zur
75-jährigen Geschichte der Bregenzer
Festspiele. Auch sonst passe
Wagners Oper gut zu Bregenz,
erklärt der Regisseur, denn »das
schimmernde Rheingold liegt ja
gleich ums Eck begraben, so kann
man es sich zumindest vorstellen.
Auch die den Schatz bewachenden
Wassernixen geistern vielleicht im
Bodensee herum.«
Nicht alles soll im Vorfeld verraten
werden. Vielleicht aber nur so viel,
dass die Sängerinnen und Sänger in
dieser halbszenischen Aufführung
15

ORCHESTERKONZERTE
Auch in der halbszenischen Fassung von Das
Rheingold möchte Johannes Erath Neues wagen
und sein Publikum zum Staunen bringen.
an verschiedenen Positionen um
das Orchester platziert sind. Immer
wieder geht es Erath in seinen
Arbeiten darum, Neues zu wagen.
Daher sein leidenschaftliches Plädoyer:
»Wir müssen wieder versuchen,
die Menschen zum Staunen
zu bringen, denn das haben wir ein
wenig verlernt.«
Dieser Satz passt gut zu Wagners
Kunstanschauung. Der Komponist
erfand die deutschsprachige Oper
mit mythologischen Sujets völlig
neu. Das Orchester gestaltete er
eigenständig sinfonisch und wie
einen Kommentar zur Szene. So
entwickelte er seine Idee eines Gesamtkunstwerks,
in dem Bühnenbild,
Handlung und Musik miteinander
verschmelzen. Die von Wagner
selbst verfassten Operntexte schöpfen
aus vielen Quellen und dringen
in die Tiefe der menschlichen
Psyche vor. Sein Hauptwerk Der
Ring des Nibelungen (mit den vier
Opern Das Rheingold, Die Walküre,
Siegfried und Götterdämmerung) ist
eine Fortsetzungsgeschichte über
den Weltmythos. Im Grunde nimmt
er damit sogar das Konzept neuzeitlicher
Kino-Mehrteiler wie Star Wars
oder Der Herr der Ringe vorweg.
Die erste komplette Aufführung
des Rings fand vom 13. bis 17. August
1876 im extra dafür errichteten
Bayreuther Festspielhaus statt. Das
Publikum saß im weiten Halbkreis
auf Holzsitzen, das Orchester wurde
zugedeckt und der Zuschauerraum
erstmals in der Operngeschichte
abgedunkelt. Das Ergebnis war
ein intensives Theater-Erlebnis
ohnegleichen. Wagner erzählt im
Ring bekanntlich eine ewig gültige
Sage über Geld, Macht, Liebe und
die Bewahrung der Natur. Die einst
so mächtigen Götter haben ausgedient,
den Menschen gehört die
noch ungewisse Zukunft. Zur Heldin
wird die Halbgöttin Brünnhilde, da
sie durch echte Liebe und klaren
Blick am Ende das einzig Richtige
tut: den Rheintöchtern das geraubte
Gold zurückgibt und so das Gleichgewicht
der Natur wiederherstellt.
Die männlichen »Erlöser« Siegmund
und Siegfried hingegen scheitern
und sterben tragisch. Das weiß auch
Regisseur Erath, wenn er erklärt:
»Alle Frauen warnen im Ring, und
alle ihre Vorhersagen treffen auch
ein, während die Männer den Karren
einfach gegen die Wand fahren.«
In der als »Vorabend« bezeichneten
ersten Oper Das Rheingold ist
die Essenz des Ring des Nibelungen
in gut zwei Stunden zusammengefasst.
Für Erath sagt das Stück
bereits die abschließende Götterdämmerung
voraus, denn als die
Götter im Schlussbild von Rheingold
über eine Regenbogenbrücke in die
neuerbaute Burg Walhall einziehen,
kommentiert der Feuergott Loge
spöttisch: »Ihrem Ende eilen sie zu.«
Beim Gang in die teuer und unehrenhaft
bezahlte neue Heimstätte fühlt
sich keiner von ihnen so richtig wohl.
Für Erath ist Rheingold aber auch
das »witzigste Stück von Richard
Wagner« mit einer gewissen Situationskomik.
Daher funktioniere
diese Oper so wunderbar in einem
Festkonzert, denn »es geht mir auch
darum, eine sinnliche Matinee zu
schaffen, die man genießen kann
und von der man gut unterhalten
wird«, so Erath. Das Publikum
erwartet also ein Erlebnis für Augen
und Ohren: mit prachtvollem Orchesterklang,
singenden und spielenden
Akteuren sowie szenisch-filmischen
Elementen.
Doch was haben uns diese uralten
Götterwelten heute überhaupt noch
zu sagen? Dazu meint Erath: »Wir
sind in einer christlichen Kultur aufgewachsen,
in der vermittelt wurde,
dass Gott uns nach seinem Abbild
geschaffen hat. Aber in den antiken
und germanischen Mythologien und
auch bei Wagner werden die Götter
nach unserem Abbild erschaffen.«
Wagners Götterfiguren sind demnach
auch unser Spiegelbild, und
wir erkennen uns in ihrem Verhalten
wieder. Daher ist der ganze Ring
für Erath auch immer »ein wenig
wie Der Denver-Clan« – nur eben
in einer ganz anderen Kunstform
und mit einer zentralen Botschaft:
Alles, was wir auf und mit der Welt
machen, hat Konsequenzen.
ORCHESTERKONZERT
WIENER SYMPHONIKER
Dirigent Andrés
Orozco-Estrada
Szenische Einrichtung
Johannes Erath
Richard Wagner Das Rheingold
1. August 2021 – 11.00 Uhr |
Festspielhaus
Die Orchesterkonzerte
werden präsentiert von
16

DER NIBELUNGEN-
SCHATZ IN
VORARLBERG
Mit der Wiederentdeckung der Handschriften C und A
im Palast Hohenems begann im 18. Jahrhundert
die Erfolgsgeschichte des Nibelungenliedes.
Das Nibelungenlied gilt als das
berühmteste Heldenepos der
mittelhochdeutschen Literatur.
Es erzählt vom Drachentöter
Siegfried, der die schöne Königstochter
Kriemhild umwirbt und heiratet,
von dessen heimtückischer Ermordung
durch Hagen, welcher auch
Siegfrieds Schatz im Rhein versenkt,
und von Kriemhilds blutiger Rache
mit Hilfe des Hunnenkönigs Etzel.
Um 1200 von einem unbekannten
Dichter in Passau verfasst, beruht
die strophische Dichtung auf den
mündlich überlieferten Sagen vom
Sieg der Hunnen über die Burgunder
im Jahr 436 n. Chr. Zur Zeit der sogenannten
Völkerwanderung trugen
sich diese Geschichten bis weit über
die Landesgrenzen hinaus.
Künstler aller Gattungen verarbeiteten
den Stoff in ihren Werken, so
auch Richard Wagner in Der Ring
des Nibelungen, und auch die Politik
machte sich seine Helden zunutze.
Seit 2009 zählen die Schriften zum
Weltdokumentenerbe der UNESCO.
In Hohenems widmet sich ein kleines
Museum dem Nibelungen-Thema
und dessen Umsetzung für Bühne
und Leinwand (Öffnungszeiten auf
www.schubertiade.at). Und wer weiß,
vielleicht lohnt sich beim Besuch ein
Umweg zum Hohenemser Alten
Rhein, denn noch ist Siegfrieds
Schatz verschollen …
DAS NIBELUNGENLIED
Im Laufe der Jahrhunderte geriet
das Nibelungenlied in Vergessenheit.
Das änderte sich, als 1755 und 1779 im
Palast der Vorarlberger Kleinstadt
Hohenems zwei Handschriften der
Dichtung wiederentdeckt wurden.
Es wird vermutet, dass die kunst- und
literaturaffinen Grafen von Hohenems,
Jakob Hannibal I. (1530 – 1587)
und Caspar (1573 – 1640), die Schriften
erworben hatten. Das Nibelungenlied,
wahrgenommen als Kulturerbe
der kämpferischen Germanen,
wurde binnen weniger Jahrzehnte
zum Epos einer ganzen Nation.
In 39 Aventurien erzählt das Nibelungenlied von Liebe, Macht und Rachsucht.
17

PROGRAMM
ÜBERSICHT
SPIELPLAN 2021
SPIEL AUF DEM SEE
RIGOLETTO
Giuseppe Verdi
Musikalische Leitung Julia Jones,
Daniel Cohen
Inszenierung Philipp Stölzl
22., 23., 24., 25., 27., 28., 29.,
30. und 31. Juli – 21.15 Uhr
1., 3., 4., 5., 6., 7., 8., 10., 11., 12.,
13., 14., 15., 17., 18., 19., 20.,
21. und 22. August – 21.00 Uhr
OPER IM FESTSPIELHAUS
NERO
Arrigo Boito
Musikalische Leitung Dirk Kaftan
Inszenierung Olivier Tambosi
21. Juli und 2. August – 19.30 Uhr
25. Juli – 11.00 Uhr
THEATER AM KORNMARKT
MICHAEL KOHLHAAS
Heinrich von Kleist
Inszenierung Andreas Kriegenburg
Mit Max Simonischek u. a.
23., 24. und 25. Juli – 19.30 Uhr
WERKSTATTBÜHNE
UPLOAD
Michel van der Aa
Musikalische Leitung Otto Tausk
Inszenierung | Filmskript Michel van der Aa
29. und 30. Juli – 20.00 Uhr
THEATER KOSMOS
LOHN DER NACHT
Bernhard Studlar
Inszenierung Jana Vetten
5., 6. und 7. August – 20.00 Uhr
OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
DIE ITALIENERIN IN ALGIER
Gioachino Rossini
Musikalische Leitung Jonathan Brandani
Inszenierung Brigitte Fassbaender
16., 18., 20. und 21. August – 19.30 Uhr
SEESTUDIO | FESTSPIELHAUS
MEISTERKLASSE
BRIGITTE FASSBAENDER
Solistinnen und Solisten des Opernstudios
der Bregenzer Festspiele
15. Juli – 19.30 Uhr
WERKSTATTBÜHNE
WIND
Alexander Moosbrugger
Raum Flaka Haliti
Musikalische Leitung Michael Wendeberg
19., 20. und 21. August – 20.00 Uhr
FESTSPIELHAUS
ALLES NICHT WAHR
Mit Liedern von Georg Kreisler
Puppenspiel | Gesang | Rezitation
Nikolaus Habjan
Musicbanda Franui
11. August – 17.30 Uhr
SEESTUDIO | FESTSPIELHAUS
IHR SEID BEREITS EINGESCHIFFT
Eine Kreation von Silvia Costa
13., 14. und 15. August – 16.00 Uhr

TICKET CENTER
T +43 5574 407-5
ticket@bregenzerfestspiele.com
www.bregenzerfestspiele.com
FESTSPIELHAUS
ORCHESTERKONZERTE
WIENER SYMPHONIKER
26. Juli – 19.30 Uhr
Dirigent Andrés Orozco-Estrada
Joseph Haydn Die Schöpfung
SEESTUDIO | FESTSPIELHAUS
MUSIK & POESIE
25. Juli – 19.30 Uhr
STROZZI – BACH – LARCHER
Tenor Julian Prégardien
Klavier Tamar Halperin
1. August – 11.00 Uhr
Dirigent Andrés Orozco-Estrada
Szenische Einrichtung Johannes Erath
Richard Wagner Das Rheingold
8. August – 11.00 Uhr
Dirigent Omer Meir Wellber
Charles Ives The Unanswered Question
Richard Strauss Konzert für Oboe und Orchester
Anton Bruckner Symphonie Nr. 6 A-Dur
KUNSTHAUS BREGENZ
KONZERT IM KUB
THE PRESENT
10. August – 21.00 Uhr
KINDER- & JUGENDPROGRAMM
CROSSCULTURE
BRASS EROICO BLASORCHESTERMATINEE
Musikalische Leitung Martin Kerschbaum
Absolventen des 5. Internationalen Blasmusik-
Camps, Dozenten der Wiener Symphoniker
15. August – 11.00 Uhr
FESTSPIELHAUS
ORCHESTERKONZERT
SYMPHONIE ORCHESTER VORARLBERG
22. August – 11.00 Uhr
Dirigent Leo McFall
Ludwig van Beethoven Ouvertüre zu Egmont, op. 84
Joseph Haydn Sinfonia concertante Hob. I:105
Thomas Larcher Symphonie Nr. 3
1. August – 19.30 Uhr
VERDI – BOITO – FACCIO
HABE-Quartett
Sprecher Olaf A. Schmitt
8. August – 19.30 Uhr
GOLD – GELD – GIER
Erzähler Michael Köhlmeier
Klavier Gabriel Meloni
PFARRKIRCHE ST. GEBHARD
FESTMESSE
18. Juli – 10.00 Uhr
Damen des Bregenzer Festspielchors
Symphonieorchester Vorarlberg
Dirigent Benjamin Lack
Johann Michael Haydn Missa sub titulo
Sancti Leopoldi
FESTSPIELHAUS
FESTSPIELGESPRÄCHE
Festspielfrühstücke im Seefoyer
Philipp Stölzl 18. Juli – 9.30 Uhr
Julia Jones 1. August – 9.30 Uhr
Hanna Herfurtner 15. August – 9.30 Uhr
Lesung im Seestudio
Kammersängerin Brigitte Fassbaender
liest aus ihrer Biografie
Komm' aus dem Staunen nicht heraus
7. August – 11.00 Uhr
SPIELPLAN 2021

WERKSTATTBÜHNE
20

»ICH MAG DIESEN
PLATZ ZWISCHEN
LEBEN UND TOD,
UPLOAD
ZWISCHEN HIMMEL
UND ERDE«
PHILOSOPHIE UND SCIENCE-FICTION: DER KOMPONIST UND REGISSEUR
MICHEL VAN DER AA ERZÄHLT IN SEINER OPER UPLOAD VON EINER
VATER-TOCHTER-BEZIEHUNG UND SPANNT EINEN BOGEN VOM SINN
DES LEBENS ZU KÜNSTLICHER INTELLIGENZ. IM INTERVIEW ERZÄHLT
ER, WAS IHN AN TECHNIK REIZT UND WAS IHN WIRKLICH BERÜHRT.

WERKSTATTBÜHNE
Der Protagonist der Oper
Upload möchte unsterblich
werden, indem er seinen
Geist nach seinem Tod in eine Art
Cloud hochlädt. Wie sind Sie auf
das Thema gekommen?
Michel van der Aa: Vor einigen
Jahren habe ich über genau diese
Idee gelesen: Die theoretische
Möglichkeit, seinen Geist nach dem
eigenen Tod hochzuladen – mich
hat diese Vorstellung nicht mehr
losgelassen. Und da entstand irgendwann
der Wunsch, eine Oper daraus
zu machen. Ich bin ein Nerd, ein
Technikfreak, mich interessiert, was
in den Wissenschaften gerade los
ist und welche technische Neuerungen
es gibt. Ich habe mich dann mit
den beiden Dramaturgen, Madelon
Kooijman und Niels Nuijten zusammengesetzt
und angefangen, zu dem
Thema weiter zu recherchieren.
Die Oper handelt von der Endlichkeit
des Lebens. Sie sind Anfang 50,
hätten Sie auch eine Oper über den
Tod schreiben können, als Sie noch
jünger waren?
Ja. Ich mochte diesen Platz zwischen
Leben und Tod, zwischen
Himmel und Erde schon immer. Ein
sehr interessanter Ort, den es lohnt,
genauer zu betrachten. Ich habe ein
Triptychon aus drei Opern gemacht,
die erste hieß Afterlife, die zweite
Sunken Garden. Damals war ich
erst Mitte dreißig. Upload ist nun
der Abschluss.
Wen wollen Sie erreichen: die Jungen,
die an die technischen Neuerungen
gewöhnt sind oder die Alten, die sich
Gedanken über das Ende des Lebens
machen?
Ich möchte natürlich beide Gruppen
ansprechen. Mein Opernpublikum
ist zum Glück sehr divers, vom Alter
her und von den Interessen. Da kommen
nicht nur strenge Opernfreunde
im klassischen Sinne, sondern auch
Menschen, die sich für Visual Art
interessieren oder für Filmkunst.
Meine Stücke behandeln immer
Dinge, die mich persönlich faszinieren.
Und dann hoffe ich, dass das
viele andere Menschen anspricht
und interessiert. Bei Upload sind es
tiefe philosophische Fragen.
Was ist denn die philosophische
Essenz des Stückes?
Die Frage, was es heißt zu leben.
Der Vater und Protagonist der
Oper denkt zu Beginn, dass es nicht
unbedingt einen Körper braucht um
zu existieren. Seine Tochter sieht
das aber ganz anders. Sie möchte
nicht, dass irgendjemand hochgeladen
wird, und ist überhaupt nicht
mit der Sicht ihres Vaters auf das
Leben einverstanden.
Aber es könnte doch jeder so
entscheiden, wie er oder sie es
für richtig hält?
Eigentlich schon, aber die Entscheidung
der Tochter wird ein großes
Problem für den Vater: Seine Tochter
wird älter werden und sterben, er
jedoch beziehungsweise sein Upload,
wird für immer im gleichen Alter
bleiben. Ihm wird immer klarer, dass
das ein hartes Los für ihn sein wird.
Und eine einsame wie auch immer
geartete Existenz.
Muss man sich mit künstlicher
Intelligenz auskennen, um Gefallen
an Upload zu finden?
Nein, gar nicht. Ich wollte keine
Geschichte über die Möglichkeiten
der Technologie erzählen. Ich wollte
ein anderes, vielleicht größeres
Thema anfassen: Was macht uns
zu Menschen? Braucht man einen
Körper, um Mensch zu sein?
Haben Sie Antworten gefunden?
Das Stück gibt keine. Aber es gibt
Anregungen, um sich selbst auf
die Suche nach Antworten zu
machen. In der Oper geht es immer
wieder um die Vor- und Nachteile
des ewigen Lebens. Auch die ethischen
Implikationen einer Kopie
eines Menschen. Ist die Kopie immer
noch der gleiche Mensch? Hat
die Kopie die gleichen Rechte wie
die biologische Version der Person?
Auch ohne Körper?
Der Vater in der Oper versucht,
durch den Upload ein Trauma zu
überwinden, um glücklicher zu
sein. Ist das permanente Streben
nach Glück im Leben sinnvoll?
»Mir ist es lieber, wenn
das Publikum angeregt
über philosophische
Themen diskutiert als über
technische Finesse.«
Auch das ist eine der Fragen im
Stück. Würde man die Menschen
von ihren Traumata befreien,
wären sie noch dieselben? Es sind
schließlich auch die schrecklichen
Erlebnisse, die unsere Persönlichkeit
formen und ausmachen. In der
Oper sehen wir: Die Suche nach
ständiger Glückseligkeit geht nicht
unbedingt gut aus. Das lasse ich
als Cliffhanger mal so stehen. Mehr
verrate ich nicht.
22

zusätzliches Instrument, das
man in die Komposition einbauen
kann. Seit der Band Kraftwerk
und den Komponisten Karlheinz
Stockhausen oder György Ligeti
sind elektronische Klänge Teil der
zeitgenössischen Musik. Sie klingen
fast schon »alt«.
In welchen Klangwelten bewegt
sich Upload?
Die szenische Uraufführung der Filmoper Upload ist diesen
Festspielsommer auf der Werkstattbühne zu erleben.
Warum erzählen Sie von einer
Tochter und ihrem Vater und nicht,
zum Beispiel, von einer Mutter und
ihrem Sohn?
Wir haben lange im Team diskutiert,
in welchem Verhältnis die Protagonisten
zueinander stehen sollen.
Am Ende erschienen uns Vater und
Tochter unter psychologischen Aspekten
am interessantesten. Er ist
alleinerziehend, eine Mutter kommt
nicht vor. Die Entscheidung, seinen
Geist hochzuladen, fällt er ganz allein.
Darüber entfacht sich ein großer
Streit, das ist der Beginn der Oper.
Ihr Stück ist eine »Filmoper«. Was
kann man sich darunter vorstellen?
Die Inszenierung hat eine filmische
Ebene. Aber der Film wird nicht so
eingesetzt, dass die Handlung auf
der Bühne stoppt und wir einen Film
präsentieren. Der Film hilft, den
Raum auf der Bühne zu vergrößern.
Neben Filmsequenzen verwenden
Sie eine Menge technischer Effekte.
Welcher ist der eindrucksvollste?
Jeder elektronische Effekt, die
Filme, all die multimedialen Dinge
stehen im Dienst des Librettos: Sie
sollen die Geschichte möglichst
gut erzählen. Mir ist lieber, wenn
das Publikum nach Hause geht und
angeregt über die philosophischen
Themen diskutiert, als wenn es
nur von der großartigen Bühne
schwärmt oder von der wahnsinnigen
technischen Finesse.
Warum dann nicht auf diese
Effekte verzichten?
Wir sind täglich mit so viel raffinierter
Technik umgeben, sind ständig
mit unseren iPhones beschäftigt –
unsere gesamte Kommunikation
läuft über beeindruckende Technik.
Es wäre komisch, keine technischen
Neuerungen auf der Bühne zu
verwenden. Deshalb möchte ich, als
Regisseur im Jahr 2021, alle diese
Werkzeuge nutzen. Im 19. Jahrhundert
haben die Komponisten auch
die Tuba und das Schlagwerk zu
ihren Werken hinzugefügt – völlig
neue Erfindungen zu dieser Zeit.
Ich nutze in meiner Inszenierung
Motion-Capture-Verfahren und
3D-Filme. Das ist eigentlich genau
das Gleiche.
Wenn es im Theater oder in Filmen
um die Zukunft geht, wird gemeinhin
oft mit elektronischen Klängen
gearbeitet. Ist das ein Klischee?
Für mich sind die elektronischen
Klänge wie eine Extrafarbe, ein
Die Vertonung beruht auf einem
kammermusikalischen Ensemble,
elektronische Klänge erweitern den
Sound. Es geht von einem Solo der
Hammondorgel bis zu großen orchestralen
Klängen, die das Publikum
komplett umhüllen, weil wir mit sehr
vielen Boxen arbeiten.
Sie haben komponiert, inszeniert,
sich um das Filmskript gekümmert:
Es scheint, Sie halten gerne alle
Fäden in der Hand. Welchen Part
hätte am ehesten eine künstliche
Intelligenz übernehmen können?
Keinen. Ich will eine ganz persönliche
Geschichte erzählen. Das ist mir viel
wichtiger als die ganze Technologie.
Ich möchte die Menschen berühren
und das kann nur ein Mensch richtig
gut. Bisher zumindest.
WERKSTATTBÜHNE
UPLOAD
Michel van der Aa
Filmoper (2021) | Libretto vom
Komponisten | In englischer
Sprache mit deutschen Übertiteln |
Szenische Uraufführung
Premiere
29. Juli 2021 – 20.00 Uhr
Vorstellung
30. Juli – 20.00 Uhr |
Werkstattbühne
Kompositionsauftrag und
Koproduktion von De Nederlandse
Opera, Amsterdam; Oper Köln;
Bregenzer Festspiele; Park Avenue
Armory, New York; Ensemble Musik-
fabrik Köln; doubleA Foundation
UPLOAD
23

FESTSPIELHAUS
24

ZU WAHR, UM
SCHÖN ZU SEIN
PUPPENSPIELER NIKOLAUS HABJAN UND DIE MUSICBANDA FRANUI
LADEN ZU EINEM LIEDERABEND DER ANDEREN ART: IN IHREM NEUEN
PROGRAMM ALLES NICHT WAHR WERDEN GEORG KREISLERS BITTER-
BÖSE EVERBLACKS ZUM BESTEN GEGEBEN – VON EINER SCHILLERNDEN
GRANDE DAME, DIE KEIN BLATT VOR IHR KLAPPMAUL NIMMT.
ALLES NICHT WAHR
Mit wehender Federboa und
funkelnden Strasssteinaugen
gibt sich Lady Bug
leidenschaftlich Kreislers schwarzen
Liedern hin. Die mondän gealterte
Soubrette ist mit den Musikerinnen
und Musikern von Franui auf Abschiedstournee.
Und das schon seit
17 Jahren! Im Lauf des Abends
fordert allerdings ihr Künstlername
einen fatalen Tribut: Lady Bug
bedeutet übersetzt schließlich nicht
nur Marienkäfer, sondern könnte
auch auf einen Programmfehler hindeuten.
Die Puppendiva muss nolens
volens erkennen, dass hier nur mit ihr
gespielt wird – und zwar von keinem
Geringeren als Nikolaus Habjan.
Der 33-jährige Grazer ist ein
Multitalent, wie es im Buche steht:
Puppenspieler, -designer und -bauer,
Stimmenimitator, Schauspieler,
Sänger, Autor, studierter Musiktheaterregisseur
und fast nebenbei
einer der besten Kunstpfeifer
der Welt. Mit seinen verstörenden,
berührenden und herrlich zynischen
Puppenstücken für Erwachsene
füllt er längst die großen Theaterund
Opernhäuser im ganzen
deutschsprachigen Raum, drei
Nestroys kann er mittlerweile
sein Eigen nennen.
GROTESKE CHARAKTERKÖPFE
Seine Berufung hat Nikolaus
Habjan früh entdeckt. Als er mit fünf
Jahren eine Aufführung des Salzburger
Marionettentheaters von Mozarts
Zauberflöte sah, standen die
nächsten Geburtstags-, Weihnachtsund
Osterwünsche fest: genügend
Marionetten, um selbst Opern
spielen zu können. Die Puppenvorstellungen
im Kinderzimmer wurden
für die Eltern und Gäste des Hauses
fortan zum Pflichtprogramm, mit
der Schreibtischlampe als Scheinwerfer
und dem Luftbefeuchter
als Nebelmaschine.
Die lebensgroßen Klappmaulpuppen,
die heute zum Einsatz kommen
und die Habjan selbst entwirft
und baut, hat er als Jugendlicher
in Workshops bei Neville Tranter
kennengelernt. Der Stil des australischen
Puppenkünstlers sollte ihn
maßgeblich prägen. Wie Tranters
Figuren sind auch die Wesen aus der
Habjan'schen Werkstatt groteske
Charakterköpfe, mit Gesichtszügen
so skurril wie das, was sie von sich
geben. Und wie sein Lehrer bleibt
Nikolaus Habjan auf der Bühne
sichtbar – und rückt genau dadurch
in den Hintergrund, denn die Puppe
lenkt innerhalb kürzester Zeit alle
Blicke auf sich.
Gegenüber Marionetten haben die
Klappmaulpuppen zudem einen entscheidenden
Vorteil: Ihre Bedienung
ist so einfach und direkt, dass sie
dem Spieler viele Freiheiten erlauben
und blitzschnelles Improvisieren
möglich machen. Eine Spezialität
Habjans, die ihm auch bei der Arbeit
mit Georg Kreislers Liedern zugutekommt.
Das ist nämlich eine weitere
Passion, die bereits in jungen Jahren
ihren Anfang nahm.
25

FESTSPIELHAUS
NIKOLAUS HABJAN sorgt mit seinen
selbstgebauten Klappmaulpuppen im
In- und Ausland für Furore. Er studierte
in Wien Musiktheaterregie, als Puppenspieler
und Kunstpfeifer ist er Autodidakt.
Der Durchbruch gelang ihm 2012 am
Wiener Schubert Theater mit dem eindringlichen
Stück F. Zawrel – erbbiologisch
und sozial minderwertig, das mit einem
Nestroy ausgezeichnet wurde. Zu seinen
neuesten Inszenierungen zählen Salome
am Theater an der Wien, Die Entführung
aus dem Serail an der Oper Dortmund
und Der Leichenverbrenner am Wiener
Burgtheater.
VERHÄNGNISVOLLES
TAUBENVERGIFTEN
Schon in der Kindheit lief Kreislers
Musik auf Kassette rauf und runter,
und der kleine Nikolaus sang kräftig
mit. Natürlich wählte er dann auch
das berühmte Lied vom Taubenvergiften,
als er in der Volksschule sein
Lieblingslied vortragen sollte – woraufhin
seine Mutter prompt bei der
Direktorin vorgeladen wurde, um
die bedenklichen tierquälerischen
Neigungen des Sohnes zu erklären.
Georg Kreislers Einfluss auf Habjans
Schaffen ist unverkennbar.
Der schwarze Humor, bei dem das
Lachen im Hals stecken bleibt,
und die tiefen Abgründe hinter
gemütlicher Walzerseligkeit sind
inzwischen zu seinem eigenen Markenzeichen
geworden. Schon das
erste Puppentheaterstück Schlag
sie tot, mit dem er 2008 am Wiener
Schubert Theater sein Debüt feierte,
nahm das gleichnamige Kreisler-
Lied zum Ausgangspunkt. Und die
Liebe zu dem 2011 verstorbenen
Wortjongleur zieht sich auch wie ein
roter Faden durch seine Zusammenarbeit
mit der Musicbanda Franui.
AUF EINER WELLENLÄNGE
Zwischen dem Puppenspieler und
dem zehnköpfigen Ensemble aus
Osttirol hat die Chemie auf Anhieb
gestimmt. Seit sechs Jahren stehen
sie regelmäßig gemeinsam auf der
Bühne, zwei Kreisler-Produktionen
haben sie bereits miteinander konzipiert:
2017 feierte Wien ohne Wiener
am Wiener Volkstheater Premiere,
ein Jahr später folgte Ausschliesslich
Inländer am Schauspielhaus Zürich.
Die Musicbanda, die vor allem für
ihre ungewöhnlichen Liedbearbeitungen
von Franz Schubert, Robert
Schumann, Johannes Brahms und
Gustav Mahler bekannt ist, geht
an Kreislers Werk genauso heran
wie an die alten Meister. Denn die
Melodien mögen zwar eingängige
Gassenhauer sein, simpel sind
sie keineswegs. Der Klavierpart
wird für die unverwechselbare
Franui-Besetzung aus Bläsern,
Streichern und Volksmusikinstrumenten
wie Zither und Hackbrett
neu arrangiert und weitergedacht.
Im kongenialen Zusammenspiel
mit Habjan – und der fulminanten
Frontfrau Lady Bug – entsteht
daraus ein schräges Puppengesamtkunstwerk,
das auch vermeintlich
allzu bekannten Ohrwürmern unerhörte
Facetten entlockt. Gerade
weil nicht versucht wird, Georg
Kreisler nachzuahmen, wird Alles
nicht wahr dem Ausnahmekünstler
mehr als gerecht. Seine Musik, sein
zeitloser Humor und seine beißende
Gesellschaftskritik erstrahlen im
leuchtendsten Pechschwarz.
FESTSPIELHAUS
ALLES NICHT WAHR
Musicbanda Franui | Habjan
Mit Liedern von Georg Kreisler
11. August – 17.30 Uhr |
Festspielhaus
26

EIN HAUCH VON
»DOLCE VITA«
Unsterblich
mit Kaffee
ENDLICH WIEDER EIN EVENTSOMMER MIT
SWR4 BADEN-WÜRTTEMBERG
Große Freude bei allen
Fans, die wieder gemeinsam
Musik und Konzerte
erleben wollen: Nach langer
Veranstaltungspause bietet SWR4
Baden-Württemberg gleich sechs
bemerkenswerte Abende mit
großartigen Künstlerinnen und
Künstlern. Beatrice Egli, Giovanni
Zarrella und viele mehr können
es auch kaum erwarten, endlich
wieder ihre Musik live auf der
Bühne zu spielen.
Ein Hauch von »Dolce Vita« weht
am 1. August 2021 über den Bodensee,
wenn Giovanni Zarrella zu
einem ganz besonderen Sommerabend
lädt. Mit seinen Erfolgsalben
La vita è bella und CIAO! schlägt
der charismatische Sänger eine
Brücke zwischen den größten Hits
der jüngeren deutschen Musikgeschichte
und der Sprache seines
Elternhauses, wenn er Klassiker
vollkommen neu interpretiert und
sie auf Italienisch präsentiert. Von
SWR4 bei den »Durchstartern
2019« als »Newcomer des Jahres«
geehrt, ist er nun auch im Fernsehen
mit einer eigenen Samstagabend-Show
vertreten. Der
deutsch-italienische Comedian
Roberto Capitoni eröffnet den
Abend auf der Landesgartenschau
in Überlingen.
Mit dem »SWR4 Mundartsommer«
kommen die Fans von Kabarett
und Musik auf ihre Kosten.
Im Zeitraum vom 8. bis 14. August
2021 unterhalten Mundartkünstler
wie Gunzi Heil, Uli Boettcher oder
Ernst Mantel in ihrem Heimatdialekt.
Begleitet werden sie von
der »kleinsten SWR4 Band«.
Was passiert, wenn uralte
philosophische Themen
auf künftige Technologien
treffen? Die Filmoper Upload wirft
Fragen nach unserer Identität auf. Es
geht um »virtuelle Auferstehung«,
um die unsterbliche, digitale Version
von uns selbst. Ein spannendes
Gedankenspiel, zu dem wir uns erst
einmal eine Tasse Kaffee machen.
Schließlich wird bei tiefgründigen
Gesprächen seit Beginn der Kaffeekultur
die anregende Wirkung der
Bohne geschätzt. Der französische
Philosoph Voltaire nannte das wache
Gefühl gar den »nüchternen Rausch«.
Dass es im Upload-Universum
weiterhin tollen Kaffee geben sollte,
darüber sind wir uns einig. Dieser
müsste allerdings mehr können, als
jeden Morgen unser Bewusstsein aus
dem Tiefschlaf in einen angenehmen
Betriebsmodus zu bringen. In jeder
Tasse Kaffee stecken für uns Gefühl
und Leidenschaft. Die Freude am
Genuss. Ein Erlebnis für die Sinne.
Dallmayr wünscht Ihnen eine
wunderbare Festspielzeit!
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE
SWR4 Baden-Württemberg präsentiert
diesen Sommer wieder die Stars. Mit
dabei: Beatrice Egli und Giovanni Zarrella.
Ein Highlight wird das Konzert
von Beatrice Egli am 20. August
2021 beim SWR Sommerfestival auf
dem Stuttgarter Schlossplatz sein.
Die bei den »SWR4 Durchstartern
2018« als »Star des Jahres« ausgezeichnete
Künstlerin begeistert
durch ihre charmante und mitreißende
Art, mit der sie ihre
Songs präsentiert.
27

THEATER AM KORNMARKT
IN DEN SOG
GERATEN
Andreas Kriegenburg schnupperte einst als Tischler im Maxim Gorki Theater
erstmals Bühnenluft. Heute gilt er als einer der stilprägendsten und bildstärksten
Regisseure seiner Generation. In Koproduktion mit dem Deutschen Theater Berlin
zeigen die Bregenzer Festspiele diesen Sommer seine Inszenierung der
Kleist-Novelle Michael Kohlhaas. Wie die Auseinandersetzung mit dem Werk sein
Denken und damit seine Arbeit geprägt hat, erzählt er im Interview.
28

MICHAEL KOHLHAAS

THEATER AM KORNMARKT
Michael Kohlhaas ist nicht
das erste Werk von Heinrich
von Kleist, das Sie auf der
Bühne umsetzen. Zuletzt inszenierten
Sie 2018 Amphitryon am Schauspiel
Frankfurt, ebenfalls mit Max
Simonischek in der Titelrolle. Sind
Sie ein Kleist-Fan?
Andreas Kriegenburg: Das erste
Mal begegnet ist mir Kleist sehr
früh, noch zu Teenagerzeiten. Ich
habe dann alles von ihm gelesen,
die Stücke, aber auch Briefe. Die
Lektüre seiner Biografie hat wahrscheinlich
dann eine jugendliche
Identifikationsbrücke von mir zu
ihm gebaut. Vielem, was seine Person
auszeichnet, habe ich mich nah
oder verwandt gefühlt. Kleist war ja
offensichtlich auch ein Soziophobiker,
unsicher seiner künstlerischen
Arbeit gegenüber und von unglaublichen
Selbstzweifeln verfolgt.
Außerdem habe ich mich in der
Wahrnehmung seiner besonderen
Sprache widerspiegeln können, in
seinem Bedürfnis, komplex und visuell
in der Sprache zu sein. Es ist eine
unglaublich harmonische Sprache,
sehr klanglich, sinntragend, aber vor
allem musikalisch. Sprache ist bei
Kleist immer auch Komposition.
Sie haben das erste Mal einen
epischen Text von Kleist bearbeitet.
Wie war Ihr Weg von der Novelle
Michael Kohlhaas zur Fassung auf
der Bühne?
Ich habe für mich zunächst grundlegende
Entscheidungen getroffen,
um das Denken zu ordnen. Auf
der einen Seite wollte ich Michael
Kohlhaas modern erzählen, aber
nicht aktualisieren. Für mich war
es wichtig, die Fragen nach unterschiedlichen
Rechtsauffassungen
und überhaupt die Frage nach der
Stabilität eines Rechtssystems
aus einer heutigen Perspektive zu
betrachten, aus einer heutigen
Erfahrungs- und Erlebniswelt,
den Konflikt selbst aber nicht ins
Heute zu transportieren. Ich habe
mich an Kleists Geschichte und
seine Sprache gehalten und den
Pferdehändler einen Pferdehändler
und keinen Autohändler sein lassen.
Kohlhaas lebte seinerzeit in einem
völlig anderen Rechtssystem, von
Kleist in einer sehr vertrackten
Sprache beschrieben. Dieser
Ausführlichkeit stellen Sie sich in
Ihrer Fassung. Ist das für uns heute
interessant?
Das ist schwer zu beantworten.
Auf der einen Seite ist gerade auch
heute die Frage des individuellen
Widerstands gegen das Rechtssystem
aktuell, die Überprüfung
eines scheinbar oder tatsächlich
stabilen Systems von Gesellschaftsverabredungen.
Allein schon
dadurch, dass man das eigene Recht
oder die Durchsetzung desselben
an den Staat abgibt, begibt man
sich, um Kohlhaas zu zitieren, in den
Schutz des Staates und entmündigt
sich zugleich. Natürlich ist das
grundsätzlich diskussionswürdig.
Die Befragung von gesellschaftsprägenden
Systemen ist auch im
Theater immer wieder wichtig.
Andererseits haben wir in der
Arbeit gemerkt, dass für uns ein
anderes Motiv, das im Kleist'schen
Text gar nicht intendiert ist, viel
stärker geworden ist. Und zwar das
Motiv, dass Kohlhaas und alle in
der Geschichte miteinander verwobenen
Biografien, Handlungsstränge
und Figuren einem bestimmten
Denksystem entspringen und sie
in diesem Denksystem, ebenso wie
Kohlhaas, gefangen bleiben. Für
mich war letztlich das der provozierendste
und produktivste Blickwinkel
auf den Text: dieses Denksystem,
das ein sehr männliches, an
Macht und Reputation orientiertes
System ist, als gesamtes infrage zu
stellen. Wenn ich also behaupte,
dass die Verhaltensmuster fast
aller Figuren die Möglichkeiten von
Vergebung, Toleranz oder eines
Kompromisses ausschließen.
Wäre Kohlhaas für Sie heute
ein Querdenker?
Nein, ganz sicher nicht. Kohlhaas
ist einerseits in seiner Geschichte,
seinem Denken gefangen, einem
in der Konsequenz sehr destruktiven
Denken. Andererseits ist er im
Recht. In dem Moment, in dem ihm
dieses verweigert wird, ergibt sich
für ihn aus dem Gefühl, vom System
ausgeschlossen zu werden, die Berechtigung,
sich zur Wehr zu setzen
und die Korruption des Systems
sichtbar zu machen. Natürlich zeigt
sich an Kohlhaas das Problem, wie
eine an sich funktionierende Gesellschaft
durch Vetternwirtschaft,
Reichtum und Standesunterschiede
korrumpiert wird. Gleichzeitig
sind es die Denkmuster, in denen
Kohlhaas erzogen wurde, die es ihm –
wie auch allen anderen Männern, die
in diesen Konflikt verwickelt
sind – unmöglich machen, dem
fatalen Mechanismus zu entgehen,
in den er dann hineingerät.
Sie haben sich entschieden, die
Geschichte von zwei Frauen erzählen
zu lassen. Macht und Staat sind
konditioniert durch eine Männerwelt
und werden durch den Blick zweier
weiblicher Stimmen kommentiert.
Können Sie als Mann diese Perspektive
überhaupt einnehmen?
Für mich ist es faszinierend, auch
meine Gefangenheit und Grenzen
zu erleben. Nehmen wir nur den
Anfang der Geschichte, bei dem
erzählt wird, es handele sich um die
Geschichte des Michael Kohlhaas,
der als einer der anständigsten
Menschen gelten konnte, wenn er
nur nicht in einer Tugend übertrieben
hätte, nämlich in seinem
Rechtsgefühl. Alle Hörbücher und
Texte, die ich gehört habe, sind
natürlich von Männern gesprochen
und implizieren von vornherein
Kameradschaft, Verständnis oder
Kompromissbereitschaft.
30

Michael Kohlhaas, gespielt von Max
Simonischek, wird vom Rechtssystem
im Stich gelassen und bricht zu einem
grausamen Rachefeldzug auf.
Für mich war deshalb der Gedanke
reizvoll, diesen Text von einer Frau
gesprochen zu hören. Wenn sie dann
sagt, »er hat es in einer Tugend
übertrieben«, habe ich in keinem
Moment das Gefühl einer geschlechterbedingten
Solidarisierung. Die
weibliche Stimme schafft eine andere,
auch polemische Distanz und wir
bekommen einen anderen Blickwinkel
auf den Text. Es ist wichtig, dass
innerhalb der Inszenierung auch die
Gewichtung der Frauen eine andere
ist als bei Kleist. Die zwei Frauen
der Novelle, seine Ehefrau und die
Wahrsagerin, sind wichtige, aber
nur kurz auftauchende Randfiguren.
Bei uns führen die Frauen nicht nur
durch den Abend, sondern öffnen
am Schluss auch die wesentliche,
dem Stoff gegenüber polemische
Perspektive. Sie machen Kohlhaas
kenntlich als jemanden, der in seiner
Geschichte gefangen bleibt. Insofern
ist das Geschlechterverhältnis
in der Inszenierung umgedreht. Die
Männer sind dienend gegenüber
den Frauen.
Haben Sie während der Arbeit erneut
Ihren Blick auf Kohlhaas geändert?
Ja, sehr stark. Ich habe den
männlichen Blick, die romantisierte
Wahrnehmung, die die Inszenierung
nun angreift, zunächst beibehalten
wollen. Für mich war Kohlhaas tatsächlich
ein »lonesome rider«, dem
die eigene Geschichte über den Kopf
wächst und der dann in politischen
Machtkämpfen zerrieben wird. Ich
habe in der Vorbereitung lange
darüber nachgedacht, wie ich sein
Handeln verteidigen könnte oder
ob ich, meinen moralischen Kategorien
folgend, ihn doch verurteilen
müsste, wenn er grausame Gewalttaten
begeht. Erst später habe ich
bemerkt, dass mich die Suche nach
der Rechtfertigung seines Handelns
in den gleichen destruktiven Denkkosmos
hineinführt, in dem Kohlhaas
gefangen ist.
Der Ausweg?
Der Ausweg ist tatsächlich, so
pathetisch das klingt, das Lernen
von der Geschichte. Es gibt am Ende
unserer Inszenierung zwei lakonische
Schlusssätze. Nachdem eine
Erzählerin Kohlhaas auffordert:
»Die Bühne gehört noch einmal
dir«, sagt sie: »Alles danach gehört
deinen Kindern. Ich hoffe, sie vergessen
dich.« Und so grausam das
der grandiosen Novelle gegenüber
klingt, gibt es natürlich die Hoffnung,
dass auch Großkunstwerke,
die ein bestimmtes Denken reproduzieren
und stabilisieren, zwar
nicht in Vergessenheit geraten,
aber doch relativierend betrachtet
werden sollten. Damit verbindet
sich die Hoffnung, dass wir Männer
nach und nach aus der Geschichte
nicht völlig verschwinden, aber
dass wir die Position, immer an
vorderster Front und Geschichte
prägen zu wollen, einbüßen. Dass
uns das weggenommen wird und
dass wir verschwinden.
THEATER AM KORNMARKT
MICHAEL KOHLHAAS
Heinrich von Kleist
Koproduktion mit dem
Deutschen Theater Berlin
Premiere
23. Juli 2021 – 19.30 Uhr
Vorstellungen
24. und 25. Juli – 19.30 Uhr |
Theater am Kornmarkt
MICHAEL KOHLHAAS
31

VOM GEHEIMEN
LIEBHABER ZUM
GOLDRAUSCH
MUSIK & POESIE
Die Programmvielfalt der Bregenzer Festspiele lässt sich auch
dieses Jahr bei Musik & Poesie erleben. An drei Abenden im Seestudio
eröffnen kammermusikalische Werke, Literatur und packende
Erzählungen weitere Horizonte zu anderen Werken.
Den Auftakt am 25. Juli
machen der Tenor Julian
Prégardien und die Pianistin
Tamar Halperin mit einer gemeinsamen
künstlerischen Reise durch
England, Österreich, Deutschland
und Italien sowie mit einem Brückenschlag
vom Barock in unsere Zeit.
Gestartet wird in London mit
Oh Solitude, komponiert im 17. Jahrhundert
von Henry Purcell, bearbeitet
von Benjamin Britten. Nach dem
musikalischen Weg von England
nach Deutschland präsentiert
Tamar Halperin am Cembalo einen
gut 20-minütigen Ausschnitt aus
Werken von Johann Sebastian Bach.
Nächster Aufenthalt ist Venedig,
der Geburtsort der 1619 geborenen
Sängerin und Komponistin Barbara
Strozzi. Ihr Werk L’amante segreto
(Der geheime Liebhaber) erzählt von
den Qualen der Liebe und zeugt von
Strozzi als Meisterin des Liebeslieds.
Als letzte Station besuchen
Prégardien und Halperin die Heimat
des österreichischen Komponisten
Thomas Larcher, dessen
dritte Symphonie im Konzert des
Symphonieorchester Vorarlberg
zum ersten Mal in Österreich zu
Zu den Klängen von Richard Wagner und Franz Liszt erzählt der Vorarlberger
Schriftsteller Michael Köhlmeier im Seestudio von Gold, Geld und Gier.
hören ist. 2018 wurde seine Oper
Das Jagdgewehr bei den Bregenzer
Festspielen uraufgeführt und war
anschließend bei dem von Benjamin
Britten gegründeten Aldeburgh
Festival zu erleben. Prégardien wagt
sich als erster Sänger nach dem
Widmungsträger Mark Padmore
an Larchers A Padmore Cycle auf
Gedichte von Hans Aschenwald und
Alois Hotschnig.
Der Komponist des Spiels auf
dem See, Giuseppe Verdi, steht im
Mittelpunkt der zweiten Veranstaltung
von Musik & Poesie. Mit dem
Komponisten der diesjährigen Oper
im Festspielhaus, Arrigo Boito,
verbindet Verdi eine kongeniale
Zusammenarbeit. Boito verfasste
die Libretti zu Verdis späten Opern
Otello und Falstaff. Die Uraufführung
von Otello 1881 dirigierte
32

Franco Faccio, der wiederum
1865 seine Oper Hamlet mit dem
Librettisten Arrigo Boito entwickelt
hatte. Zu erleben war sie 2016 bei
den Bregenzer Festspielen. Von
Verdis Opern hielten Faccio und
Boito damals wenig, was in pikanten
Äußerungen deutlich wurde.
Jahre später kam es zu der heute
legendären Zusammenarbeit.
Musik & Poesie bringt sie alle zusammen:
Das wohl seit langem nicht
mehr gehörte Streichquartett
Faccios und Verdis einzige Komposition
für diese Gattung spielt das
aus Musikern der Wiener Symphoniker
bestehende HABE-Quartett.
Aus dem abwechslungsreichen
Briefwechsel Verdis und Boitos liest
Olaf A. Schmitt.
Am dritten und letzten Abend von
Musik & Poesie begeben sich zwei
Vorarlberger auf Schatzsuche: Der
Schriftsteller Michael Köhlmeier
und der junge Pianist Gabriel
Meloni folgen den Spuren des
Goldes, Geldes und der Gier danach,
wie sie in Richard Wagners
Das Rheingold besonders zum Ausdruck
kommt. Mit einer Klavierkomposition
für dessen Frau Mathilde
erhoffte sich Wagner eine großzügige
Leihgabe von Otto Wesendonck.
Dieses Stück ist ebenso zu hören
wie Franz Liszts Walhall mit
Motiven aus Wagners Rheingold.
Auf seine unvergleichlich faszinierende
Weise erzählt Köhlmeier eine
Kulturgeschichte des Geldes von
der Antike bis heute und streift
dabei den mythologischen Midas,
Dagobert Duck und Charlie
Chaplins Goldrausch.
Alle Termine von Musik & Poesie
finden Sie in der Heftmitte.
SOMMERLICHES
FESTSPIELVERGNÜGEN MIT Ö1
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE
Von Oper bis Jazz, vom
großen Orchesterkonzert
bis zum Liederabend, von
Worldmusic bis Kammermusik,
von Uraufführung bis historische
Aufführungspraxis. Mehr als 200
Übertragungen von rund 30 österreichischen
Festivals stehen heuer
auf dem Programm von Ö1, darunter
vier Konzertmitschnitte von den
Bregenzer Festspielen.
Am 21. Juli um 19.30 Uhr bringt
Ö1 Arrigo Boitos Nero live aus dem
Festspielhaus Bregenz. Mit den
Wiener Symphonikern, Dirigent
Dirk Kaftan, dem Prager Philharmonischen
Chor und den Sängerinnen
und Sängern Rafael Rojas, Lucio
Gallo, Brett Polegato, Svetlana
Aksenova, Alessandra Volpe, Miklós
Sebestyén, Taylan Reinhard, Ilya
Kutyukhin sowie Katrin Wundsam.
Eine Übersicht aller Übertragungen
finden Sie unter oe1.ORF.at
PROFITIEREN SIE ALS
Ö1 CLUB-MITGLIED!
Ö1 Club-Mitglieder besuchen die
Veranstaltungen der Bregenzer
Festspiele mit 10 % Ermäßigung
(beim Spiel auf dem See von Sonntag
bis Freitag in den Kategorien
3 bis 7). Die Ermäßigung gilt für
zwei Personen.
Einen besonderen Kulturgenuss
bieten die Ö1 Club Exklusiv-Veranstaltungen
mit Blick hinter die
Kulissen der großen Festspielproduktionen.
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unter oe1.ORF.at/club, telefonisch unter
+43 1 501 70-370 oder per E-Mail an
oe1.club@orf.at.

TICKETS
34

TICKETS
TICKET CENTER
T +43 5574 407-5
ticket@bregenzerfestspiele.com
www.bregenzerfestspiele.com
Spiel auf dem See Rigoletto
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
So – Do EUR 144 133 114 88 67 52 30
Fr EUR 154 143 124 98 77 62 40
Sa EUR 164 153 134 108 87 72 50
Premium-Ticket So – Do Fr Sa
EUR 258 268 278
Festspiel-Lounge So – Do Fr Sa
EUR 358 368 378
TICKETS
Oper im Festspielhaus
Nero
Orchesterkonzerte
im Festspielhaus
Wiener Symphoniker
Kategorie 1 2 3 4 5 6
EUR 150 132 115 98 58 28
Kategorie 1 2 3 4 5 6
EUR 86 72 58 40 28 20
Premierenzuschlag
pro Ticket EUR 25 (Kate gorie 1 & 2).
Für die Premiere gilt ein eigener Sitzplan.
Symphonieorchester Vorarlberg
Kategorie 1 2 3 4 5 6
EUR 52 44 36 30 25 20
Werkstattbühne | Seestudio | KUB | Theater am Kornmarkt | Theater KOSMOS
Die Italienerin in Algier
Theater am Kornmarkt
Kategorie 1 2 3 4
EUR 52 42 32 22
Alles nicht wahr
Festspielhaus
Kategorie 1 2 3 4 5 6
EUR 52 44 36 30 25 20
Michael Kohlhaas
Theater am Kornmarkt
Kategorie 1 2 3 4
EUR 48 38 28 18
Lohn der Nacht
Theater KOSMOS
EUR 25
Upload, Wind
Werkstattbühne
EUR 34
Ihr seid bereits eingeschifft
Seestudio
EUR 25
Musik & Poesie
Seestudio
EUR 28
Konzert im KUB
Kunsthaus Bregenz
EUR 18
Bitte beachten Sie die Informationen zu den Einlass- und Sicherheitsbestimmungen auf den Seiten 12 - 13.
Alle Informationen für Ihren Festspielbesuch erhalten Sie auf unserer Website www.bregenzerfestspiele.com
unter der Rubrik »Besuch – FAQ«.
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Viel Vorfreude wünschen
die Partner der Bregenzer Festspiele.
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