Gemälde Alte Meister - Part 1

ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE 

CATALOGUE II 

OLD MASTER PAINTINGS – PART 1 

AUCTIONS: THURSDAY, 9 DECEMBER 2021 

Exhibition: Saturday, 4 – Tuesday, 7 December 2021

OLD MASTER 

PAINTINGS 

PART I

208 

GIACOMO RAIBOLINI FRANCIA (UM 1486 – 1557) 

ODER FRANCESCO RAIBOLINI FRANCIA 

(UM 1450 – 1517), ZUG. 

DIE HEILIGE FAMILIE MIT EINEM HEILIGEN 

Öl auf Holz. 

70 x 49 cm. 

In vergoldetem Prunkrahmen. 

In Nahsicht die stehende Madonna in leuchtend rotem 

Gewand, blauem Mantel über ihrer linken Schulter, 

einem durchsichtigen Schleier über ihrem wohlfrisiertem 

Haupt und leicht zusammengelegten Fingerspitzen. 

Sie blickt voller Anmut liebevoll auf den nackten Jesusknaben 

herab, der auf einer mit rotem Tuch bedeckten 

Liege mit Rundkissen liegt und seine rechte Hand 

zum Gruß erhoben hat, und dabei aus dem Bild auf 

den Betrachter herausschaut. Links hinter Maria Josef 

stehend, sie mit ernsten Augen betrachtend. Rechts 

zur Seite stehend ein Mönch mit Tonsur, in seiner 

linken Hand ein Buch mit drei Steinen haltend; es 

könnte sich bei ihm um den Heiligen Liborius handeln, 

der im späten Mittelalter als Helfer gegen Leibesnöte, 

ins besondere für Stein- und Nierenkranke, angerufen 

wurde. Harmonische Malerei, bei der die Farben 

Orange, Rot und Blau überwiegend. Feine einfühlsame 

Wiedergabe in der typischen Manier der genannten 

Maler. Vereinzelt kleine Retuschen. 

GIACOMO RAIBOLINI FRANCIA (CA. 1486 – 1557) 

OR FRANCESCO RAIBOLINI FRANCIA 

(CA. 1450 – 1517), ATTRIBUTED 

THE HOLY FAMILY WITH SEVERAL SAINTS 

Oil on panel. 

70 x 49 cm. 

Notes: 

A typical characteristic for the two artists is depicting 

the Virgin at centre in close-up, mostly holding the 

Christ Child in her arms. Usually shown to the right 

and left of her, standing behind her shoulders are 

one or two saints against a background with a vast 

landscape or depiction of the blue sky, as is the case 

in the present painting. 

€ 25.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Für die beiden Künstler typisches Kennzeichen ist 

Maria in Nahsicht im Mittelpunkt, meist den Jesusknaben 

in ihren Armen haltend. Rechts und links von 

ihr, jeweils hinter ihren Schultern stehend, ein oder 

zwei Heilige vor dem Ausblick in eine weite Landschaft 

oder auf den blauen Himmel, wie bei dem 

vorliegenden Gemälde. (1290995) (18) 

14 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6,500 additional images.

209 

ITALIENISCHER MALER IN DER NACHFOLGE DES 

ANDREA SOLARIO, UM 1470 MAILAND – 1525 

MADONNA MIT DEM GRÜNEN KISSEN 

Öl auf Leinwand. 

69 x 55 cm. 

Ungerahmt. 

Die jugendliche Maria als Maria lactans vor einer 

Baumgruppe im Halbbildnis wiedergegeben, mit seitlichen 

Durchblicken in Landschaft. Das Bildmotiv bezieht 

sich auf ein von Solario geschaffenes Gemälde, 

das sich im Louvre befindet, jedoch im landschaftlichen 

Hintergrund weitgehend abgeändert wurde. Links 

oben am Bildrand einige Farbausbrüche. 

(11506014) (11) 

ITALIAN SCHOOL IN THE FOLLOWING OF 

ANDREA SOLARIO, CA. 1470 MILAN – 1525 

MADONNA WITH THE GREEN CUSHION 

Oil on canvas. 

69 x 55 cm. 

Unframed. 

The youthful Virgin has here been portrayed in halfportrait 

as Maria lactans in front of a group of trees. The 

image motif relates to Solario’s painting today held at 

the Louvre, Paris. 

€ 18.000 - € 22.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


210 

BEDEUTENDER MEISTER DER SCHULE DER 

EMILIA ROMAGNA DES 16. JAHRHUNDERTS 

DIE HEILIGE FAMILIE MIT EINER 

JUNGEN HEILIGEN MÄRTYRERIN 

Öl auf Holz. 

70 x 55 cm. 

In einem alten Rahmen mit Blattdekor in Vergoldung. 

Im Zentrum Maria mit dem Kind, links der Heilige Josef, 

rechts ein junges Mädchen mit Märtyrerpalme. Die 

Verwendung der Farben weist auf den florentinischen 

Manierismus des beginnenden 16. Jahrhunderts hin, 

wie er auch bei Parmigianino (1560-1540) zu finden ist. 

Verso zwei Einschubleisten sowie Schwalbenschwanzverbindung. 

(1171613) (10) 

IMPORTANT MASTER OF THE SCHOOL OF 

EMILIA ROMAGNA, 16TH CENTURY 

THE HOLY FAMILY WITH A YOUNG FEMALE MARTYR 

Oil on panel. 

70 x 55 cm. 

In an old frame with gilt foliage décor. 

€ 40.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


211 

TOSKANISCHER MALER DES 16. JAHRHUNDERTS 

DIE HEILIGE FAMILIE MIT ENGELN 

Öl auf Holz. Teils parkettiert. 

117 x 91 cm. 


Vor dunklem Hintergrund die sitzende Maria in altrosafarbenem 

Gewand mit grünlichem Mantel und Kopfbedeckung, 

in ihrem Schoß den auf einem Kissen liegenden, 

nur mit einem weißen Tuch um die Hüfte 

bekleideten schlafenden Jesusknaben haltend. Liebevoll 

hat sie ihren Blick ganz auf den mit rötlichen Pausbacken 

Schlafenden gerichtet. Rechts von ihr Josef in 

altrosafarbenem Gewand, gebräuntem Gesicht und 

grauem Vollbart, mit seinen dunklen Augen Maria 

ernsthaft anblickend. Links hinter Maria zwei stehende 

Engel mit großen Flügeln, in edlen Gewändern, die 

Blicke ganz konzentriert auf Maria und das Kind gerichtet. 

Um das Haupt Mariens und Josefs ist zudem 

ein schmaler Nimbus erkennbar. Malerei in harmonischer 

zurückhaltender Farbgebung, die Dargestellten 

durch ihre hellere Kleidung besonders vor dem fast 

schwarzen Hintergrund hervorgehoben. Vereinzelt 

rest., minimale Retuschen. (1291545) (18) 

SCHOOL OF TUSCANY, 16TH CENTURY 

THE HOLY FAMILY WITH ANGELS 

Oil on panel. Partially parquetted. 

117 x 91 cm. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


212 

LUIGI MIRADORI, 

GENANNT „GENOVESINO“, 

1600/10 – UM 1656, ZUG. 

HEILIGE DES KARMELITERORDENS UND FÜRSTEN- 

PAAR IN ANBETUNG VOR MARIA MIT DEM KINDE 

Öl auf Leinwand. Doubliert. 

139 x 117 cm. 

Ungerahmt. 

In einem durch klassische kannelierte Säulen und Ehrenvelum 

definierten Innenraum rechts Maria mit 

dem Kinde sitzend, deren Häupter durch eine Gloriole 

umfangen werden. Der linke Bildraum durch eine 

Dreistaffelung definiert durch den ehrerbietig knienden 

Hieronymus, der durch seine Kardinalsinsignien 

sowie durch den am unteren Bildrand erkennbaren 

Löwen identifizierbar ist, sowie Johannes den Evangelisten 

mit seinem Attribut dem Kelch mit der daraus 

emporsteigenden Schlange (Dämon). Dahinter 

ein Fürstenpaar mit ihren Insignien, wobei der Fürst 

(vielleicht Marchese Cesare Soresina Vidoni) aus dem 

Bild den Betrachter anblickt und somit als möglicher 

Stifter des Gemäldes in Frage kommt. In der dritten 

Reihe drei Karmelitermönche, die in dem Zusammenhang 

mit der beschenkten Kirche gestanden habend 

dürften. Rest. 

Anmerkung: 

Aufgrund des Zusammenhanges mit dem Karmeliterordens 

und der Tätigkeit Miradoris in Cremona, 

käme die Kirche Santi Clemente e Imerio in Frage, 

deren Säulen nicht in echten korinthischen Kapitellen 

enden, sondern in Lorbeerblättern, die auch auf unserem 

Gemälde in engem Zusammenhang mit den 

Säulen stehen. In der erwähnten Literatur auf Seite 

225: „L’ordine, che qui diciamo composito, è alquanto 

bastardo: in luogo delle foglie d’acanto ci sonofestoni 

di lauro appesi agli occhi delle volute“. 

LUIGI MIRADORI, 

ALSO KNOWN AS “GENOVESINO”, 

1600/10 – CA. 1656, ATTRIBUTED 

FEMALE SAINT OF THE CARMELITE ORDER AND 

PRINCELY COUPLE IN ADORATION OF THE VIRGIN 

AND CHRIST CHILD 

Oil on canvas. Relined. 

139 x 117 cm. 

Unframed. 

Notes: 

Due to the connection with the Carmelite Order and 

the activity of Luigi Miradori in Cremona, the church 

of Santi Clemente e Imerio would be an option to 

consider. The columns there are not topped by Corinthian 

capitals, but by laurel leaves, which are similar 

to the columns in our painting. In the below mentioned 

literature see page 225: “L’ordine, che qui diciamo 

composito, è alquanto bastardo: in luogo delle foglie 

d’acanto ci sonofestoni di lauro appesi agli tatting 

delle volute”. 

Literature: 

Giuseppe Picenardi, Nuova guida di Cremona, Cremona 

1820, p. 224-226, with reference that Luigi Miradori 

also painted a painting with Mary and the Child 

and a Saints of the Carmelite Order. It cannot be ruled 

out that the present work is identical with the one 

mentioned there see p. 226: “L’ultimoaltare da questo 

latomedesimo, vicino alla porta, ove sonnovi Santi 

dell’ Ordine Carmelitano in varie maniere rappresentati, 

è parimenti opera dello stesso Miradori”. 

€ 30.000 - € 40.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Literatur: 

Giuseppe Picenardi, Nuova guida di Cremona, Cremona 

1820, S. 224-226. Dort Verweis, dass Luigi Miradori 

auch ein Gemälde mit Maria und dem Kind und 

Heiligen des Karmeliterordens malte. Es ist nicht 

ausgeschlossen, dass es sich hier um das erwähnte 

Werk handelt: S. 226: „L’ultimoaltare da questo latomedesimo, 

vicino alla porta, ove sonnovi Santi dell’ 

Ordine Carmelitano in varie maniere rappresentati, 

è parimenti opera dello stesso Miradori“. 

(1290541) (3) (13) 


213 

AMBROSIUS BENSON, 

UM 1495 LOMBARDEI – 1550 BRÜGGE 

BEWEINUNG CHRISTI VOR WEITER LANDSCHAFT 

Öl auf Holz. Parkettiert. 

120 x 94,5 cm. 

In ebonisiertem breitem Rahmen mit Goldinnenleiste. 

Beigegeben in Kopie ein Gutachten von Max Friedländer, 

Berlin, 16. November 1929, der das vorliegende 

Gemälde als charakteristisches Werk von Ambrosius 

Benson erkannt hat. 

Anbei in Kopie ein Schriftwechsel zwischen Dr. 

Richard Doetsch-Benziger, Brüssel, 5. November 1955, 

der die Zuschreibung an Benson bestätigt. 

Im RKD Image Archive abgebildet unter der Nummer: 

0000029931. 

Ein „charakteristisches Werk von Amrosius Benson“ 

(Max Friedländer), eine „magnifique pietà en diagonaletableaux 

d’histoire“ (Georges Marlier), wurde uns zur 

Versteigerung anvertraut. Das Gemälde ist mit einer 

reichhaltigen Provenienz- und Ausstellungsgeschichte 

bedacht und wurde im Laufe der letzten 120 Jahre 

manches Mal in der Literatur erwähnt. Mit dem vorliegenden 

Gemälde sind wir noch ganz nah dran am 

Lehrer Ambrosius Bensons: Gerard David (um 1460- 

1523) von dem wir etwa eine Beweinung Christi kennen, 

die als Querformat gestaltet ist und im Art Institute 

of Chicago (Inv.Nr. 33.1040) aufbewahrt wird. 

Eine weitere Pietà aus der Hand Davids wird in der 

National Gallery in London verwahrt, erfährt jedoch 

bereits eine vertikale Ausrichtung des Körpers Christi. 

Auch Benson variierte Hoch- und Querformate bei der 

Darstellung seiner Beweinungen Christi. So ist neben 

dem hier angebotenen Gemälde auch eine querformatige 

Darstellung zu finden, die freilich durch ihre 

räumliche Beschränkung bei gleicher Präsenz des Personals 

in ihren erzählerischen Details beschränkt 

bleibt. So wird in den Fine Arts Museums of San 

Francisco unter der Inv.Nr. 1956.90 eine Beweinung 

verwahrt, die auf fünf statt bei uns sieben Figuren beschränkt 

bleibt und ihre Vertikalen den Kreuzstümpfen 

Golgatas verdankt, die hier durch locker nebeneinander 

stehenden Architekturen Jerusalems abgelöst wurden. 

Die Kreuzlösung als traditionelles Motiv statt der Ausblick 

auf das Himmlische Jerusalem scheint ohnehin 

bei Benson das bevorzugte Motiv für die Pietà im 

Hochformat gewesen zu sein, so wird auch eine seitlich 

von Vorhängen begrenzte Beweinung im Metropolitan 

Museum of Art in New York aufbewahrt, in der 

die Kreuzmotive Bevorzugung finden. Es gibt jedoch 

ein Beispiel mit dem architektonischen und hügeligen 

Hintergrund, die eine Variante unseres Gemäldes darstellt 

und – ebenfalls als Ambrosius Benson – beim 

RKD in Den Haag (Nr. 62619) registriert ist (siehe Vergleichsabb.). 

Das hochformatige Gemälde zeigt unterlebensgroß 

die diagonal aufgerichtete Figur Christi 

mit seinen Wundmalen und ausgezehrtem Körper. Vor 

ihm Tücher und Salbgefäße, seine Hand liegt in der 

Hand seiner Mutter, die von Johannes dem Täufer 

hinterfangen wird. Seine weiteren Begleiter bilden 

eine kompositorische Einheit, die sich als Silhouette 

von der dahinterliegenden Landschaft, die von einem 

Fels als Repoussoir rechts eingeleitet wird, abzeichnet. 

Der Fels bietet zudem Platz für den für den 

Leichnam Christi vorbereiteten Sarkophag, der auch 

als architektonisches Element im direkten Vergleich 

zum im Hintergrund befindlichen Jerusalem gesehen 

werden kann. 

Provenienz: 

Wohl königliche Sammlung, Spanien. 

Sammlung Sir John Watkins Brett. 

Privatsammlung Professor How, von diesem 1906 

ausgeliehen nach London: Exhibition of works by 

Flemish and modern Belgian painters, Guildhall Art 

Gallery, London, 3. Mai 1906 - 28. Juli 1906. 

Auktion Christie’s, London, 13. Juli 1923, Lot 72. 

Arthur Tooth & Sons, London. 

Sackville Gallery, London, November 1928. 

Auktion Helbing, Düsseldorf, „Gemälde(...) aus Rheinischem, 

Berliner und Ausländischem Museums- und 

Privatbesitz“, 11. März 1933, Lot 3 (mit Schwarz-Weiß- 

Abbildung) mit Gutachten von Friedländer. 

Hugo Perls, Berlin. 

Sammlung Richard Doelsch-Benziger, Basel. 

Galerie Libertas, Brügge. 

Literatur: 

Alfred George Temple, Catalogue of the Exhibition 

of works by Flemish and modern Belgian painters, 

Guildhall Art Gallery, London, 3. Mai 1906 - 28. Juli 

1906, London 1906, S. 58, Nr. 59A. 

Annales de la Société d‘Emulation de Bruges, Bd. LVIII, 

Brügge 1908. 

Georges Marlier, Ambrosius Benson et la peinture 

à Bruges au temps de Charles-Quint, Damme 1957, 

S. 161-163, 293, Nr. 43, Abb. Tafel 39. 

Max J. Friedländer, Early Netherlandish painting, Bd. 

XI, Brüssel 1974, Nr. 252, Tafel 168. 

Das vorliegende Gemälde wird beim RKD unter der 

Nr. 62614 als eigenhändiges Werk von Ambrosius 

Benson klassifiziert. 

Ausstellungen: 

Exhibition of works by Flemish and modern Belgian 

painters, Guildhall Art Gallery, London, 3. Mai 1906 

- 28. Juli 1906. 

Van Memling tot Pourbus, 1998, Nr. 61, S. 92. 

(1290863) (1) (13) 


AMBROSIUS BENSON, 

CA. 1495 LOMBARDY – 1550 BRUGES 

THE LAMENTATION OF CHRIST IN VAST 

LANDSCAPE 

Oil on panel. Parquetted. 

120 x 94.5 cm. 

A copy of an expert’s report by Max Friedländer, Berlin, 

dated 16 November 1929 is enclosed. He recognizes 

the present painting as a characteristic work by Ambrosius 

Benson. A copy of an exchange of letters between 

Dr Richard Doetsch-Benziger, Brussels, dated 

5 November 1955 is also enclosed, confirming Benson 

as the artist. 

Also illustrated in the RKD Image Archive under the 

number: 0000029931. 

Described by experts as a “characteristic work by Ambrosius 

Benson” (Max Friedländer) and a “magnifique 

pièta en diagonale-tableaux d’histoire” (Georges Marlier), 

this work was entrusted to us for auction. The 

painting has a substantial provenance and exhibition 

history and has been mentioned many times in research 

literature over the past 120 years. The painting 

is still very similar to works by Ambrosius Benson’s 

teacher, Gerard David (ca. 1460-1523), from whom a 

Lamentation of Christ in landscape-format is for instance 

known and held at the Art Institute of Chicago 

(inv. No. 33.1040). Another Pietà by David is held at 

the National Gallery in London, but already shows a 

vertical alignment of the body of Christ. Benson also 

varied portrait and landscape formats for his depictions 

of the Lamentation of Christ. In addition to the 

present work, there is another landscape-format 

painting, which remains limited in its narrative details 

due to its spatial restriction while maintaining the 

same amount of figure staffage. A Lamentation held 

at the Fine Arts Museums of San Francisco (inv. no. 

1956.90), for example, is limited to five instead of the 

seven figures in the present painting and owes its 

vertical accents to the crucifixion stumps on Mount 

Calvaray, while they are replaced by loosely juxtaposed 

architectures of Jerusalem in the present 

painting. Benson’s preferred motif for a Pietà in portrait-format 

appears to have been crucifix depictions 

as a traditional motif instead of a prospect of the 

Heavenly Jerusalem, as is the case in a Lamentation 

held at the Metropolitan Museum of Art in New York, 

which is limited sideways by curtains and crucifixion 

motifs are also favoured here. There is, however, one 

example by Ambrosius Benson with an architectural 

and hilly background, which is a variant of the present 

painting and is listed at the RKD in The Hague (62619) 

(see comparative image). 

Provenance: 

Probably Royal Collection, Spain. 

Collection of Sir John Watkins Brett. 

Private collection Professor How, on loan to London 

in 1906: Exhibition of works by Flemish and modern 

Belgian painters, Guildhall Art Gallery, London, 3 May 

1906 - 28 July 1906. 

Christie’s auction, London, 13 July 1923, lot 72. 

Arthur Tooth & Sons, London. 

Sackville Gallery, London, November 1928. 

Helbing auction, Düsseldorf, Paintings (...) from 

Rhenish, Berlin and foreign museum and private 

collections, 11 March 1933, lot 3 (with black and 

white illustration) with a certificate by Friedländer 

Hugo. Perls, Berlin. 

Richard Doetsch-Benziger Collection, Basel. 

Libertas Gallery, Bruges. 

Literature: 

Alfred George Temple, Catalogue of the Exhibition 

of works by Flemish and modern Belgian painters, 

Guildhall Art Gallery, London, 3 May 1906 - 28 July 

1906, London 1906,p. 58, no. 59A. 

Annales de la Société d’Emulation de Bruges, vol. 

LVIII, Bruges 1908. 

Georges Marlier, Ambrosius Benson et la peinture a 

Bruges au temps de Charles-Quint, Damme 1957, 

pp. 161-163, 293, no. 43, ill. plate 39. 

Max J. Friedländer, Early Netherlandish Painting, 

vol. XI, Brussels 1974, no. 252, plate 168. 

The present painting is listed at the RKD with no. 

62614 as an original work by Ambrosius Benson 

himself. 

Exhibitions: 

Exhibition of works by Flemish and modern Belgian 

painters, Guildhall Art Gallery, London, 3 May 1906 

- 28 July 1906. 

Van Memling tot Pourbus, 1998, no. 61, p. 92 . 

€ 300.000 - € 400.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Ausschnitt zu Lot 213 


214 

GIAMPIETRINO, 

EIGENTLICH „GIOVANNI PIETRO RIZZOLI“, 

TÄTIG UM 1495 – 1540, ZUG. 

MARIA LACTANS 

Öl auf Holz. 

65 x 50,5 cm. 

In ornamental verziertem Kassettenrahmen. 

Beigegeben ein Gutachten in Kopie von Mina Gregori, 

Florenz, ohne Datum. 

Ganz ähnlich wie bei der Maria lactans von Giampietrino, 

die jedoch anstelle des Bücherregals den Heiligen 

Josef zeigt, ist auch hier Maria zentral im Bild zu sehen, 

ihr Kind stillend. Während das Gemälde in der Biblioteca 

di Castel Vitoni die Kopfbedeckung in gelbem 

Ton zeigt, ist das Tuch hier mauve und der Blick Mariae 

gleitet in unserem Bild sinnierend in die Zukunft 

aus dem Bildraum heraus, während das Vergleichsbild 

eine Kommunikationsmotivation zumindest vermuten 

lässt, die durch den dahinterstehenden Josef 

evoziert wird. Gut vergleichbar ist das Christuskind 

etwa mit der Maria lactans in der Galleria Borghese 

von Giampietrino. In der Ausführung wirkt unser Gemälde 

als könnte auch ein Nachfolger oder zumindest 

die Werkstatt an der Ausführung des Gemäldes beteiligt 

gewesen sein, während Mina Gregori das Gemälde in 

die Reifezeit Giampietrinos mit Andrea Solari (1460– 

1524) einordnet und somit den Werkzusammenhang 

mit Leonardo da Vinci (1452–1519) betont. 

Literatur: 

Vgl. Cristina Geddo, Giovan Pietro Rizzoli, il Gianpietrino. 

L‘opera completa, in: Journal of Leonardo Studies 

& Bibliography of Vinciana, hrsg. Carlo Pedretti, Bd. VI, 

1994. (1290452) (2) (13) 

GIAMPIETRINO, 

ALSO KNOWN AS “GIOVANNI PIETRO RIZZOLI”, 

ACTIVE CA. 1495 – 1540, ATTRIBUTED 

THE NURSING MADONNA 

Oil on panel. 

65 x 50.5 cm. 

An expert‘s report by Mina Gregori, Florence, n.d. is 

enclosed. 

Quite similar to the painting of the The Nursing Madonna 

by Giampietrino, which, by contrast, shows 

Saint Joseph instead of the bookshelf, the Virgin can 

also be seen at the centre of this painting, breastfeeding 

her child. While the painting held at the Biblioteca 

di Castel Vitoni shows the headgear in a yellow 

tone, the cloth here is mauve and the Virgin’s gaze is 

directed outside the pictorial space, reflecting on the 

future, while the comparative painting at least suggests 

a communication motivation, which is evoked 

by Joseph standing behind her. The figure of the 

Christ Child easily compares with The Nursing Madonna 

by Giampietrino at the Galleria Borghese. The 

execution of our painting looks as if a successor or at 

least the workshop could have been involved its execution, 

while Mina Gregori places the painting in Giampietrino’s 

mature œuvre in collaboration with Andrea 

Solari (1460–1524) and thus emphasizes the 

work connection with Leonardo da Vinci (1452–1519). 

Literature: 

cf. Cristina Geddo, Giovan Pietro Rizzoli, il Gianpietrino. 

L’opera completa, in: Journal of Leonardo Studies & 

Bibliography of Vinciana, Carlo Pedretti (ed.), vol. VI, 

1994. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Vergleiche: Vorzeichnung Giampietrinos 

Motiv der Maria lactans 

Vergleiche: Giampietrinos Maria lactans in 

der Bibliotheca di Castel Vitoni 


215 

LORENZO COSTA D. Ä., 

UM 1460 FERRARA – 1535 MANTUA 

ANBETUNG DES KINDES MIT SAN NICOLA DA 

TOLENTINO, UM 1491/93 

Öl auf Weichholz, verso Festigungsleisten. 

50 x 41,5 cm. 

Verso alter Aufkleber „Auktion Lempertz Nov. 1961, 

Kat. 466, Nr. 161“ (dort noch als Piemonteser Meister 

geführt). 

Im Ädikularahmen. 

Expertise von Dr. Alessandro Delpriori, Universität Florenz. 

Hier weitere Einzelangaben und Werkvergleiche. 

Das Tafelbild, seiner Maße wegen wohl Auftragsgemälde 

für eine Hauskapelle, thematisiert die Geburt 

Christi im Stall von Bethlehem. Maria und das am Boden 

auf einer Matte liegende Kind sind ins Bildzentrum 

gesetzt, rechts daneben steht Josef, barfüßig, 

auf einen Stock gestützt. Den Hintergrund bildet der 

hölzerne Stall mit Brettervordach, darunter die Hauptfiguren, 

dahinter Esel und Ochs. Links eine hügelige 

Landschaft, aus der der hier dargestellte Heilige Nikolaus 

von Tolentino in Mönchskutte und kniender Haltung 

gezeigt wird. Der Mönch und Prediger (um 1245- 

1305) wurde 1446 kanonisiert. Der Augustinerheilige 

hält hier ein Kreuz und ist durch sein Attribut - ein 

Stern, der ihn der Legende nach bei seinen Predigten 

begleitete - gekennzeichnet. 

Dem Gemälde ist eine ausführliche gutachterliche 

Beschreibung beigegeben. Danach wird das Werk in 

die Frühphase des Malers eingeordnet, also wohl 

noch vor der Begegnung mit dem Bolognesen Francesco 

Francia (1447-1517) und dessen ausgeprägter 

Feinmalerei. So herrscht hier noch eine gewisse Herbheit, 

die nähere Verwandtschaft mit seinen Lehrern 

Francesco del Cossa (1435-1495) oder Cosmé Tura 

(um 1430-1495) zeigt. Dagegen wird der Bologneser 

Einfluss spürbar, nachdem Costa - auf der Flucht von 

der Pest - dorthin zog, um am Hof von Giovanni Bentivoglio 

zu wirken. 1483 wird ein „Costa“ im Zusammenhang 

mit dem Palazzo Bentivoglio als Maler 

dokumentiert. 

Aus öffentlichen Sammlungen sei hier an die „Kreuzigung 

mit Stifter“ im Lindenau-Museum Altenburg genannt, 

in Ferrara um 1480 entstanden. Wenngleich 

das Werk Costas nicht die dynamische Bewegtheit 

seines Zeitgenossen Ercole de´ Roberti zeigt, so sei 

doch an Gemeinsamkeiten des vorliegenden Bildes 

mit dessen „Anbetung des Kindes“ (National Gallery 

London) erinnert, mit ähnlichem Aufbau des Stallgebäudes 

in Bethlehem. A.R. 

LORENZO COSTA THE ELDER, 

CA. 1460 FERRARA – 1535 MANTUA 

THE ADORATION OF THE CHRIST CHILD WITH 

SAN NICOLA DA TOLENTINO, CA. 1491/93 

Oil on softwood, with parquetting slats on the reverse. 

50 x 41.5 cm. 

Old label from Lempertz auction on the reverse, Nov. 

1961, cat. 466, no. 161 (listed as Piedmontese master). 

Expert‘s report by Dr Alessandro Delpriori, Florence 

University enclosed. More details and work examples 

of comparison are given in the report. 

As a work held in a public collection, the “Crucifixion 

with Donor” at Lindenau Museum Altenburg, which 

originated in Ferrara in ca. 1480, should be mentioned 

here. Even though Costa‘s work does not show the 

dynamic emotion of his contemporary Ercole de‘Roberti, 

we should nevertheless recall the similarities between 

the present painting and his “Adoration of the 

Christ Child” (National Gallery London), which shows 

a similar structure of the stable building in Bethlehem. 

Provenance: 

Private collection. 

Literatur: 

Rolf Toman, Barbara Borngässer, Alexander Rauch, 

Uwe Geese, Malerei, in: Renaissance. Kunst und 

Architektur des 15. und 16. Jahrhunderts in Europa, 

Bath et al. 2011. 

Emilio Negro, Nicosetta Roio, Lorenzo Costa (1460- 

1535), Modena 2001. 

Philip Hendy, Die National-Galerie London, Gütersloh 

1978. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Provenienz: 

Privatsammlung. 

Literatur: 

Rolf Toman, Barbara Borngässer, Alexander Rauch, 

Uwe Geese, Malerei, in: Renaissance. Kunst und 

Architektur des 15. und 16. Jahrhunderts in Europa, 

Bath u.a. 2011. 

Emilio Negro, Nicosetta Roio, Lorenzo Costa (1460- 

1535), Modena 2001. 

Philip Hendy, Die National-Galerie London, Gütersloh 

1978. (12903118) (11) 


216 

FRA PAOLINO DA PISTOIA, 

1490 – 1547 

MADONNA DI LORETO 

Öl auf Holz. 

120 x 91 cm. 

Verso mit zwei alten britischen Etiketten. 

In schönem plastisch geschnitztem und vergoldetem 

Rahmen des 17. Jahrhunderts. 

Beigegeben ein Gutachten von Alessandro Delpriori, 

Florenz, ohne Datum, in Kopie, in welchem die gute 

Qualität des vorliegenden Gemäldes betont wird. 

Im Wesentlichen übernimmt da Pistoia die bekannte 

im Musée Condé (Chantilly, Frankreich), befindliche 

Komposition von Raphael von 1511, die im Übrigen 

die gleichen Maße aufweist wie unser Bild und sich 

einst vermutlich in der Sammlung Scipione Borghese 

befand. Eine Bettstatt mit weißen Laken und Kissen 

leitet in das Gemälde ein, auf welchem das Christuskind 

liegt und seine Arme emporreckt. Maria, hinter 

dem Bett stehend nimmt Bezug auf das Kind, indem 

sie einen Arm in unglaublicher Verkürzung nach vorn 

streckt und einen transparenten Schleier herabhängen 

lässt, nach dem das Kind zu greifen im Begriff ist. 

Rechts hinten Josef auf einen Stab sich stützend. Die 

Rückwand textil verkleidet. Auf zwei Tafeln, mittig vertikal 

zusammengefügt. Rest. 

FRA PAOLINO DA PISTOIA, 

1490 – 1547 

MADONNA DI LORETO 

Oil on panel. 

120 x 91 cm. 

A copy of the expert‘s report by Alessandro Delpriori, 

Florence, n.d. is enclosed, emphasizing the painting‘s 

good quality. 

Pistoia essentially copies the famous composition by 

Raphael held at the Musée Condé (Chantilly, France), 

created in 1511, which has the same dimensions and 

was once held at the Scipione Borghese collection. 

Literature: 

cf. Ralph Nicholson Wornum (ed.), Biographical catalogue 

of the principal Italian painters, London 1855, 

p. 130. 

€ 30.000 - € 40.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Der Dominikanermönch Fra Paolino da Pistoia lernte 

bei Bernardino del Signoraccio, dessen Stil auf Perugino 

verweist und besonders im Frühwerk Pistoias 

wiederzufinden ist. 1509 ging er nach Florenz und 

wirkte in der Werkstatt von Fra Bartolomeo, deren 

Leitung er nach Fra Bartolomeos Tod, übernahm. 

1526 zog er mit der gesamten Werkstatt nach Pistoia, 

nach seinem Tod erlosch auch die Werkstattaktivität. 

Literatur: 

Vgl. Ralph Nicholson Wornum (Hrsg.), Biographical 

catalogue of the principal Italian painters, London 

1855, S. 130. (1290033) (3) (13) 


217 

LAMBERT SUSTRIS, 

1515/16 – UM 1595 VENEDIG 

Lambert Sustris war ein niederländischer Maler, der 

vor allem in Italien und dort speziell in Venedig tätig 

war. Er schuf sowohl manieristische mythologische 

Szenen als auch eindrucksvolle Bildnisse. Ausgebildet 

wurde der wohl in Amsterdam geborene Künstler 

wahrscheinlich in Haarlem oder in Utrecht, im Umkreis 

von Maarten Jacobsz van Heemskerck (1498- 

1574) oder von Jan van Scorel (1495-1562). In den frühen 

1530er-Jahren ging er nach Rom, dort arbeitete 

er zwischen 1542 und 1544 in der Werkstatt Tiziano 

Vecellio (1485-1576). 

DAS FEST DER GÖTTER 


89 x 193 cm. 

In dekorativem vergoldetem Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Prof. Dr. Giuseppe 

Maria Pilo und von Egidio Martini vom 05. Dezember 

1979. 

In weiter bewaldeter Landschaft, im Licht der spätnachmittäglichen 

Sonne, das gerade stattfindende 

Fest der Götter, die um einen großen Tisch, teils paarweise 

sitzen. Zu den dargestellten Göttern, die durch 

ihre Attribute gekennzeichnet sind, gehören am rechten 

Tischrand sitzend, mit grauen Haaren und Bart 

und in seiner Hand ein Blitzbündel haltend, Zeus, der 

oberste olympische Gott der griechischen Mythologie 

und mächtiger als alle anderen griechischen Götter 

zusammen. Zusätzlich wird ihm als Attribut ein Adler 

zur Seite gestellt. Des Weiteren werden hinter ihm 

links dargestellt Athena, die Göttin der Weisheit und 

des Kampfes mit Helm und Lanze, rechts sitzend die 

Göttin Hera mit einem Pfau, Poseidon mit seinem 

Attribut, einem Dreizack, sowie auf der linken Seite 

stehend Hermes, der Götterbote mit Flügelkappe und 

Hermesstab. Am rechten Bildrand zwei Putti, denen 

aus einer großen Amphore Wein in ihre Schalen ausgeschenkt 

wird. In der linken Hälfte des Hintergrunds 

zudem ein Schäfer mit seinen Schafen erkennbar. Figurenreiche 

Darstellung mit vielen Details in zurückhaltender 

Farbgebung. Rest. 

Anmerkung: 

Das Motiv mit dem Bankett der Götter lässt sich 

auch finden in den um 1517 datierten Fresken von 

Raffael (1483-1520), die die Decke der Loggia der 

Psyche in der Villa Farnesina schmückten. 

(1290513) (3) (18) 


Detail des Gemäldes Lot 217 

LAMBERT SUSTRIS, 

1515/16 – CA. 1595 VENICE 

THE FEAST OF THE GODS 


89 x 193 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Professor Dr 

Giuseppe Maria Pilo and by Egidio Martini dated 5 

December 1979. 

Notes: 

The motif with the banquet of the gods can also be 

found in frescoes by Raphael (1483-1520), dated ca. 

1517, which adorned the ceiling of the Loggia of the 

Psyche in the Villa Farnesina. 

€ 60.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Translate all texts into your preferred language on our homepage via Google: www.hampel-auctions.com 

35

218 

MEISTER DER WEIBLICHEN HALBFIGUREN, 

IN DEN NIEDERLANDEN TÄTIG ZWISCHEN 1525 

UND 1550 

JUNGE FRAU BEIM SCHREIBEN AM TISCH 

MIT PRUNKPOKAL 


53 x 43 cm. 

Expertise von Prof. Dr. Paul Vandenbroeck, Univ. 

Leuven, mit Literaturverweisen und Einordnung 

des Gemäldes in den Zeitraum 1535-1540. 

Bekanntlich konnte der eigentliche Name des Künstlers 

bis heute noch nicht ermittelt werden. Aufgrund 

von Bild- und Stilvergleichen prägte Max J. Friedländer 

(1867-1958) den Notnamen „Meister der weiblichen 

Halbfiguren“. Der Malstil lässt annehmen, dass 

der Maler überwiegend in den südlichen Niederlanden, 

möglicherweise auch in Antwerpen gearbeitet 

hat. Seine stets unsignierten Bilder zeigen die meist 

jungen Mädchen elegant gekleidet, vor allem aber 

mit ausgesprochen anmutigen Gesichtern. Stets werden 

sie bei einer Betätigung gezeigt, ob beim Musizieren, 

wie das berühmte Gemälde in Schloss Rohrau 

aus der Graf Harrach´schen Sammlung zeigt, oder die 

„Lauternspielerin“ in der Galleria Sabauda in Mailand. 

Einige Darstellungen, wie in dem vorliegenden Bild, 

zeigen die Halbfigur beim Schreiben. Nicht selten hat 

der Meister ein Prunkgefäß ins Bild gesetzt, was 

dazu geführt hat, bei etlichen dieser Motive die Dargestellte 

als Heilige Magdalena zu deuten. Gemeint 

wäre hier also die „weltliche“ Heilige vor ihrer religiösen 

Sendung. Dies gilt jedoch vor allem bei Darstellung 

eines Salbgefäßes. Es sei dahingestellt, ob dies 

auch in unserem Falle zutrifft. 

In dem hier präsentierten Gemälde trägt die junge 

Dame ein rotes, mit goldenem Gürtel eng geschnürtes 

Miederkleid, eine feine Halskette mit Anhänger 

sowie eine mit Steinen besetzte Kette am Rand der 

Haube. Auch ihre gerafften Ärmel sind mit Goldreifen 

geschmückt. Ihre Schreibhand hält eine Feder, die 

Linke ein Radiermesser. Das könnte zur Interpretation 

führen, dass sie als unentschlossen bei der Abfassung 

ihres Briefes gezeigt werden sollte. Ein dunkles 

Futteral auf der hellen Tischplatte und der dahinterstehende 

goldene Deckelpokal bereichern die Darstellung. 

Auffallend jedoch ist der Körperschatten auf der 

grünlich gemalten Rückwand. In solchen Darstellungen 

sehen wir bereits den Wandel der Portraitkunst 

aus dem Mittelalter hin zur Renaissance. Unabhängig 

von der Frage, ob es sich nun um die Darstellung einer 

Heiligen handelt, werden die Figuren bereits im 

Umfeld ihrer Tätigkeiten erfasst, mit Beschäftigungen 

aus dem Alltagsleben. 

Wenngleich der Meister für die ihn benennenden 

halbfigurigen Frauendarstellungen bekannt wurde, so 

kennen wir auch religiöse Werke seiner Hand, wie 

etwa die „Kreuzabnahme mit Stiftern“ (Münster LWL- 

Museum), eine „Versuchung des Heiligen Antonius“ 

(Dublin, National Gallery) oder die „Landschaft mit 

der Ruhe auf der Flucht“ (Wien, Kunsthistorisches Museum). 

Darüber hinaus befinden sich seine Werke in 

etlichen weiteren, bedeutenden öffentlichen Sammlungen 

und Museen. A.R. 

MASTER OF THE FEMALE HALF-LENGTHS, 

ACTIVE IN THE NETHERLANDS BETWEEN 1525 

AND 1550 

YOUNG WOMAN WRITING AT A DESK WITH 

MAGNIFICENT CUP 


53 x 43 cm. 

An expert‘s report by Professor Dr Paul Vandenbroeck, 

Leuven University with bibliography and dating of the 

painting to 1535 - 1540 is enclosed. 

As is well known, the actual name of the artist has 

not yet been identified. Based on image and style examples 

of comparison, Max Jacob Friedländer (1867- 

1958) coined the notname „Master of Female Half- 

Lengths“. Although the master became known for the 

half-length depictions of women naming him, religious 

works by his hand are also known, such as 

“The Deposition from the Cross with Donors” (Münster 

LWL Museum), a “Temptation of Saint Anthony” 

(Dublin, National Gallery) or the “Landscape with the 

Rest on the Flight into Egypt” (Vienna, Kunsthist. Museum). 

In addition, his works are held at several other 

important public collections and museums. 

Provenance: 

Formerly private collection, Vienna. 

Dorotheum 1986. 

Literature: 

Max J. Friedländer, Der Meister der weiblichen 

Halbfiguren, in: Meisterwerke der niederländischen 

Malerei des XV. u XVI. Jahrhunderts auf der Ausstellung 

zu Brügge 1902. F. Bruckmann, Munich 1903, 

pp. 29-30, illustrated on plate 78 and 79. 

Ellen Konowitz, The Master of the Female Half-Lengths 

Group, Eclecticism, and Novelty, in: Oud Holland, 

vol. 113, no. 1/2, 1999. 

Gordon Campell, Master of the Female Halflength, 

in: The Grove Encyclopedia of Northern renaissance 

Art, Oxford 2009. 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Provenienz: 

Ehem. Privatsammlung Wien. 

Dorotheum 1986. 

Literatur: 

Max J. Friedländer, Der Meister der weiblichen 

Halbfiguren, in: Meisterwerke der niederländischen 

Malerei des XV. und XVI. Jahrhunderts auf der Ausstellung 

zu Brügge 1902, München 1903, S. 29-30, 

Abb. auf Tafel 78 und 79. 

Ellen Konowitz, The Master of the Female Half- 

Lengths Group, Eclecticism and Novelty, in: Oud- 

Holland, Bd. 113, Nr. 1/2, 1999. 

Gordon Campbell, Master of the Female Half-lengths, 

in: The Grove Encyclopedia of Northern Renaissance 

Art, Oxford 2009. (12903119) (11) 


Detailabbildungen des Gemäldes Lot 218 


219 

JOACHIM BEUCKELAER, 

1533 ANTWERPEN – 1574/75 EBENDA, ZUG. 

INTERIEUR EINES FLEISCHHANDELS 


163 x 122 cm. 

In vergoldetem breitem Holzrahmen. 

Für den Maler typisches großformatiges Gemälde mit 

einer Kombination von Stillleben und Gruppenbildnis, 

wobei dieses in einem Fleischhandel verortet wird, 

was durch den Ausblick auf ein innerstädtisches Exterieur 

und den Holzladen, der in der rechten oberen 

Bildhälfte zu sehen ist, deutlich wird. Auf dem Gemälde 

nicht nur der Händler, sondern auch Kunden zu sehen 

sowie ein Junge in der rechten unteren Bildhälfte, der 

im Begriff ist eine Schweineblase aufzublasen. Der in 

Antwerpen wirkende Maler war auf Marktstillleben 

mitunter spezialisiert und so befindet sich eine weitere 

Ansicht von 1565, die jedoch einen biblischen Kontext 

hat, im Nationalmuseum Stockholm unter der 

Inv.Nr. NIM323 und, jedoch seitenverkehrt, ebenfalls 

im biblischen Kontext eine solche im Rijksmuseum 

Amsterdam unter der Inv.Nr. SKA1451. Besonders 

Fisch märke sind von Beuckelaer bekannt, so etwa in 

der National Gallery London unter der Inv.Nr. NG6586 

oder in Kombination von Fleisch, Fisch und Gemüse 

im Louvre unter der Kat.Nr. RF2659 (datiert 1566). Oft 

wird der biblische Bezug zu Christus im Haus von 

Marta und Maria wiedergegeben. Rest. 

(1290575) (13) 

JOACHIM BEUCKELAER, 

1533 ANTWERP – 1574/75 IBID., ATTRIBUTED 

INTERIOR OF A MEAT TRADER 


163 x 122 cm. 

The painter, who was active in Antwerp, specialized 

in market still lifes and so another interior from 1565, 

which has a biblical context, is held at the National 

Museum Stockholm under inv. NIM323 and, however, 

inverted, also in the biblical context one in the Rijksmuseum 

Amsterdam with inv. SKA1451. Beuckelaer 

is particularly well-known for depictions of fish markets, 

for example, a painting held at the National Gallery in 

London under inv. NG6586 or a combination of meat, 

fish and vegetables held at the Louvre under cat. 

RF2659 (dated 1566). The biblical reference to Christ 

is often given in the house of Martha and Mary. Restored. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


39

220 

SANTI DI TITO, 

1536 SANSEPOLCRO/ AREZZO – 1603 FLORENZ 

Santi di Tito lernte in Florenz und zog dann nach Rom, 

wo er von 1560 bis 1564 blieb, bei den Zuccari- 

Brüdern Taddeo (1529-1566) und Federico (1539- 

1609) arbeitete, ein Fresko für den Palazzo Salviati, 

Rom, ausführte und im Vatikan zu den Fresken im Casino 

di Pio IV und im Belvedere, Wien, beitrug. Raffaello 

Borghini notierte 1584, dass in Florenz zahlreiche 

Portraits, auch von Malern und Bildhauern, aus der 

Hand von Santi di Tito vorhanden sind. Nach Baldinucci 

waren die Portraits von Santi di Tito auch am Ende 

des 17. Jahrhunderts noch sehr kostspielig, aufgrund 

ihrer lebensnahen Darstellung. 

PORTRAIT EINER ADELIGEN MIT KIND 


153,8 x 103,5 cm. 

In einem Innenraum, der durch eine ockerfarbene 

Wand, den Fußboden und einen Vorhang als solcher 

definiert ist und sich rechts zu einer hügeligen italienischen 

Flusslandschaft durch eine Doppelbalustrade 

abgrenzt, sitzt auf einem Armlehnstuhl eine junge, 

reich gekleidete Frau an ihrer Hand ein Kind haltend, 

das den Wohlstand der mutmaßlichen Mutter in seiner 

Kleidung reflektiert. Mit großer technischer Virtuosität 

in der Wiedergabe von Details stellt das Tableau 

zwei Personen in roten Amarantdamastgewändern 

dar, die mit einem bestickten Goldgürtel, Einlagen 

aus Perlen und Edelsteinen, Halsketten und Puffärmeln 

geschmückt sind. Die Frisur der Adeligen offenbart ihr 

schönes ovales Gesicht und ihre zarten Züge. Auf ihrem 

Haar ist ein kostbares Diadem angebracht, das 

den leichten und greifbaren Schleier zusammenhält. 

Das Kind hält seine Mutter mit der linken Hand, während 

es in der rechten Hand einen kleinen Vogel hält. 

Durch das mit Vorhängen versehene Fenster auf der 

rechten Seite der Leinwand sieht man eine unbestimmte 

Landschaft, die von blauen und kalten Farben 

bestimmt wird. 

Santi di Tito war eine der einflussreichsten Persönlichkeiten 

der florentinischen (und toskanischen) Malerei 

des späten 16. Jahrhunderts. 

In Florenz wurde er in der Werkstatt von Sebastiano 

da Montecarlo ausgebildet und stand in direktem 

Kontakt mit Agnolo Bronzino (1503-1572) und Baccio 

Bandinelli (1493-1560). Er trat 1554 in die San Luca- 

Gilde ein, aber über sein frühes Schaffen ist nur wenig 

bekannt, auch weil sich sein malerischer Charakter 

erst nach einer Reise nach Rom von 1558 bis 1564 

herausbildete, wo er sich dem Klassizismus der Nachfolger 

Raffaels annäherte. Zu diesem Zeitpunkt begann 

er, in den wichtigsten dekorativen Unternehmen 

der Epoche zu arbeiten und nahm Kontakt mit Federico 

Zuccari (1561-1565) auf, eine grundlegende Begegnung, 

die zur Ausarbeitung antimanieristischer Reformen 

führte, die er nach seiner Rückkehr nach Florenz 

einbrachte. Diese Reformen wurden von dem Künstler 

mit einer unglaublichen Entschlossenheit vorgeschlagen 

und hinterließen einen starken Eindruck im 

lokalen künstlerischen Umfeld der damaligen Zeit. 

Der Künstler wurde vom Hof der Medici aufgenommen 

und nahm aktiv am Leben der Akademie von 

San Luca teil, ein Engagement, das durch seine Arbeit 

am Beerdigungsapparat für Michelangelo und seine 

Fresken für den Bau des Salomonischen Tempels in 

der Kapelle der Gesellschaft Santissima Annunziata 

veranschaulicht werden kann. 

Die ersten Werke dieser Phase zeigen typisch römische 

Formkonventionen, auch wenn der Maler seinen Stil 

bald vereinfachte und zur kompositorischen Einfachheit 

und Nüchternheit der florentinischen Malerei des 

frühen 16. Jahrhunderts zurückkehrte, verbunden mit 

einer intensiven und frommen Religiosität, die den 

von der Gegenreformation diktierten Prinzipien folgte. 

Diese Form des „Purismus“ behielt er während seiner 

gesamten Karriere und in seinen späteren Werken bei 

und wurde so zu einem Einflussfaktor der florentinischen 

Malerei bis zur Ankunft von Pietro da Cortona 

(1596-1669) in Florenz. 

Er arbeitete auch im Atelier von Francesco I, wo seine 

Gemälde stark von dessen formalen Entscheidungen 

beeinflusst wurden. (1291404) (13) 

SANTI DI TITO, 

1536 SANSEPOLCRO/ AREZZO – 1603 FLORENCE 

Santi di Tito trained in Florence and then moved to 

Rome, where he was active from 1560 to 1564, 

working for the Zuccari brothers Taddeo (1529-1566) 

and Federico (1539-1609), created a fresco for the 

Palazzo Salviati, Rome and contributed to the frescoes 

in the Casino di Pio IV in the Vatican and in the 

Belvedere, Vienna. 

PORTRAIT OF A NOBLEWOMAN WITH CHILD 


153.8 x 103.5 cm. 

Santi di Tito was one of the most influential figures in 

Florentine (and Tuscan) painting of the late 16th century. 

In Florence he trained in the workshop of Sebastiano 

da Montecarlo and was in direct contact with 

Agnolo Bronzino (1503-1572) and Baccio Bandinelli 

(1493-1560). 

€ 100.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


221 

FRANS FLORIS D. Ä., 

UM 1516 ANTWERPEN – 1570 EBENDA, ZUG. 

ADAM UND EVA 


169 x 140 cm. 

In Prunkrahmen. 

Im Zentrum die hellhäutige nackte Eva mit langen 

dunkelblonden Haaren in paradiesischer Landschaft 

vor einem großen Apfelbaum mit Früchten stehend, 

in ihrer linken Hand noch einen Ast festhaltend, von 

dem sie gerade einen Apfel gepflückt hat, den sie in 

ihrer rechten Hand hält. Sie blickt auf den Apfel herab, 

den sie laut Altem Testament auf Anraten einer 

Schlange gepflückt hat, die sich am oberen linken 

Bildrand um einen Ast nach unten zu ihr hin windet. 

Neben ihr, vor dem Baum sitzend, der nackte, leicht 

muskulöse Adam mit dunklerem Inkarnat, dunklen 

Haaren und Bart, sie mit seiner linken Hand umarmend, 

in der er einen Zweig hält, der Evas Scham 

verdeckt. Seine rechte Hand ist in Richtung des Betrachters 

leicht ausgestreckt und er blickt mit seinen 

dunklen Augen Eva fragend an. Teils Retuschen. 

FRANS FLORIS THE ELDER, 

CA. 1516 ANTWERP – 1570 IBID., ATTRIBUTED 

ADAM AND EVE 


169 x 140 cm. 

In magnificent frame. 

Notes: 

The painting on offer for sale in this lot is very similar 

to a work by the artist with an identical motif and a 

comparable composition, which was created in ca. 

1560 and is held at the Galleria Pitti in Florence (176 

x 44 cm). The painting in Florence, however, shows 

a larger branch that covers Eve’s pubic area, a landscape 

with recognizable animals in the right background 

and fruit on a tree as well as below Adam. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Das vorliegende Gemälde ähnelt ganz einem Werk 

des Künstlers mit identischem Motiv und vergleichbarer 

Darstellung, das ca. 1560 entstanden ist, und 

sich in der Galleria Pitti in Florenz befindet (176 x 44 

cm). Das in Florenz befindliche Gemälde zeigt jedoch 

einen größeren Ast, der den Schambereich der Eva 

verdeckt, im rechten Hintergrund Landschaft mit erkennbaren 

Tieren und mehrere Früchte am Baum 

und links unterhalb des Adams. (1281047) (2) (18) 


222 

GIOVANNI MARIA BUTTERI, 

UM 1540 FLORENZ – 1606 EBENDA, ZUG. 

Der Künstler war ein italienischer Maler der manieristischen 

Zeit, der in seiner Heimat Florenz tätig war. Er 

war Schüler von Alessandro Allori (1535-1607) und 

Francesco Salviati (1510-1563). Werke von ihm befinden 

sich in den Kirchen Santa Monica und San Barnaba in 

Florenz, sowie im Stadtmuseum in Prato. 

JESUS UND DIE SAMARITERIN AM BRUNNEN 

Öl auf zwei zusammengefügten Holztafeln. 

Teils parkettiert. 

182 x 245 cm. 

Ungerahmt. 

GIOVANNI MARIA BUTTERI, 

CA. 1540 FLORENCE - 1606 IBID., ATTRIBUTED 

CHRIST AND THE SAMARITAN WOMAN 

AT THE WELL 

Oil on two joined wooden panels. 

Partially parquetted. 

182 x 245 cm. 

Unframed. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Großformatige Darstellung gemäß dem Bibeltext (Joh 

4,5-43). Dargestellt in freier Natur, unter blauem Horizont 

mit der auf einer leichten Anhöhe gelegenen 

Stadt Samaria, sitzt Christus auf dem Rand eines 

Brunnens und ist im Gespräch mit einer vor ihm halb 

knienden Samariterin. Jesus hat gerade an dem Brunnen 

eine Pause eingelegt und bittet die Frau, ihm etwas 

Wasser zum Trinken zu reichen. Die dargestellte 

Samariterin in einem langen weißen und gelblichen 

faltenreichen Gewand mit rotem kurzem Umhang, den 

Kopf auf ihn gerichtet, mit fragendem Handgestus. 

Neben sich am Boden stehend eine Amphore und 

eine Schale an einer Kette, mit der sie das Wasser 

aus dem Brunnen schöpfen möchte. Jesus, in einem 

langen Gewand, die Frau ernsthaft anblickend und mit 

seiner ausgestreckten linken Hand in den Brunnen 

auf die Bedeutung des Wassers des Lebens hinweisend. 

In der Mitte links die zurückkehrenden Jünger, 

die in der Stadt waren. Im Hintergrund in der Mitte 

weitere Gebäude und Bäume als Entwürfe, und somit 

unvollendet, wiedergegeben. Qualitätvolle Malerei 

in überwiegend monochromer beige-brauner und bläulicher 

Farbgebung. Vereinzelt rest., teils Retuschen 

und Farbabsplitterungen. (1291851) (3) (18) 


223 

SANDRO BOTTICELLI, 

UM 1445 FLORENZ – 1510 EBENDA, UMKREIS 

HIERONYMUS IN DER EINÖDE 


66 x 55 cm. 

In profiliertem und vergoldetem Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Prof. Giuseppe Fiocco 

in Kopie, der das vorliegende Werk Sandro Botticelli 

selbst zuordnet und um 1485 datiert. 

Prof. Kurt Steinbart, der das vorliegende Werk ebenfalls 

als von der Hand Sandro Botticellis erkennt und 

das Bild um 1490 datiert. 

Ein Felsvorsprung, der von drögem Grün bewachsen 

ist und spärlichem Geäst Halt bietet, dient zusammen 

mit einer hügeligen italianisierenden Landschaft mit 

antikisierender Architekturstaffage als Kulisse für die 

dargestellte Szene. Diese lebt neben den umlaufenden 

Attributen, wie Kardinalshut und Totenschädel, von 

dem im Bildzentrum befindlichen Gesicht des Kardinalsheiligen, 

das kontemplativ auf das vor ihm befindliche 

Kruzifix ausgerichtet ist und in besonderer Weise ausgearbeitet 

ist. Ähnliches kann von Botticellis „Heiligem 

Hieronymus“ in der Eremitage in St. Petersburg (Inv. 

Nr. 4077) gesagt werden. Das Format ist etwas höher 

gewählt, sodass der rückwärtige Hügel in seiner ganzen 

Höhe zu sehen ist und mehr Breite in Anspruch 

nimmt. In unserem Gemälde ist die Hintergrundfolie 

gestaucht - ein geschickter Zug des Künstlers, der damit 

die Figur des Heiligen näher an den Betrachter 

heranzuholen vermag und nun in der Lage ist, seinen 

Blick emporzurichten, da nun auch das Kreuz näher 

am Betrachter steht. Dadurch wird unserer Meinung 

nach der kontemplative Moment verstärkt. Das hier 

angebotene Gemälde zeigt anders als die St. Petersburger 

Tafel eine Hintergrundarchitektur, die als kompositorischer 

Ausgleich zum massivem Geschehen 

vorne links dient. Gut vergleichbar ist auch der Heilige 

Hieronymus auf einer Predella vom Altar von San 

Marco in Florenz. Die Predella wird unter der Inv.Nr. 

8389 in den Uffizien in Florenz verwahrt. Wie in St. 

Petersburg ist das Kruzifix relativ niedrig angebracht, 

sodass der Blick, der Kopf und dadurch auch der Nimbus 

eine parallele Achsenführung zum linken den 

Stein haltenden Unterarm einnehmen. Bei unserem 

Gemälde bilden die beiden Unterarme eine Parallele. 

Der Blick hingegen verläuft parallel zum horizontalen 

Schulterblatt, welches anders als im Florentiner und St. 

Petersburger Gemälde frei liegt und so den Blick auf 

diese Achse ermöglicht. Durch diese kompositorische 

Besonderheit gewinnt das Bildzentrum, das horizontal 

wie vertikal mittig kreuzförmig zusammenläuft und 

somit das Bildthema suggestiv unterstützt, an Wichtigkeit. 

Ein weiterer Maler, der im Übrigen mit dem 

zwei Jahre jüngeren Sandro Botticelli bei Fra Filippo 

Lippi (1406-1469) seine Ausbildung erhielt, Jacopo del 

Sellaio (1442-1493), kommt für das vorliegende Gemälde 

in Frage. Seine schlanken kahlen Bäume, seine 

lebendigen Christuskörper an den Kruzifixen, seine abstrahierten 

Schädel und letztendlich auch der höhere 

Standpunkt desselben, sowie die abschließende Architekturstaffage 

und die horizontal auf dem Boden 

liegende klerikale Kopfbedeckung zeigen Parallelen zu 

seinen Gemälden, etwa in dem Gemälde mit dem 

Heiligen Hieronymus, Maria Magdalena und Johannes 

dem Täufer im Museo Bandini. Auch hier finden wir 

die Achsensymmetrie der Unterarme, den lebensecht 

wiedergegebenen Corpus Christi, die vergleichbare 

abschließende Architektur und den zunächst unmotiviert 

erscheinenden schlanken, doch blattlosen Baumbewuchs. 

(1290481) (2) (13) 

SANDRO BOTTICELLI 

CA. 1445 FLORENCE – 1510 IBID., CIRCLE OF 

SAINT JEROME IN THE WILDERNESS 


66 x 55 cm. 

A copy of an expert’s report by Professor Giuseppe 

Fiocco is enclosed. He attributes the present work to 

Sandro Botticelli himself and dates it to ca. 1485. 

Professor Kurt Steinbart, who also recognizes the 

present painting as an original by Sandro Botticelli 

dates the painting to ca. 1490. 

The cardinal’s face at the centre of the composition, 

gazing contemplatively at the crucifix in front of him, 

is painted elaborately, surrounded by attributes, while 

other parts of the painting are executed in a cursory 

manner according to their importance. This is similar 

to a painting titled “Saint Jerome” held at the State 

Hermitage in St Petersburg by Sandro Botticelli (inv. 

no. 4077). Unlike the Saint Petersburg panel painting, 

the work on offer for sale here shows a background 

architecture that serves as a compositional balance to 

the massive events in the front left. A good comparison 

is a painting of Saint Jerome on a predella from 

the altar of San Marco in Florence. The predella listed 

with inv. no 8389 at the Uffizi Gallery in Florence. Another 

painter, who incidentally trained with Fra Filippo 

Lippi together with Sandro Botticelli, who was two 

years his junior, could also be a possible creator of 

the present painting. His slender bare trees, his lively 

depiction of the body of Christ on the crucifix, his abstract 

skulls, the elevated viewpoint, the architectural 

staffage in the background and the clerical headgear 

positioned horizontally on the floor show parallels to 

his paintings, for example Saint Jerome, Mary Magdalene 

and John the Baptist held at the Museo Bandini. 

€ 60.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Vergleiche: 

Sandro Botticelli, Hl. Hieronymus, 

Eremitage, St. Petersburg 

Vergleiche: Sandro Botticelli, Hl. Hieronymus, Predella, Galleria degli Uffizi, Florenz, um 1490 – 1492 


224 

FLÄMISCHER MALER DES 17. JAHRHUNDERTS 

DIE HEILIGE FAMILIE 


116 x 90 cm. 

In dekorativem Rahmen. 

Unterhalb eines großen Baumes die sitzende Maria 

in langem grau-blauem, rotem und altrosafarbenem 

faltenreichem Gewand, den in ihrem Schoß sitzenden 

Jesusknaben in weißem Hemdchen eng an sich anschmiegend 

haltend. Seine kleinen Hände hat er auf 

die Brust Mariens gelegt und blickt, ebenso wie Maria, 

mit dunklen glänzenden Augen aus dem Bild auf den 

Betrachter heraus. Die Art der Wiedergabe dieser liebevollen 

Berührung erinnert an Darstellungen der Maria 

lactans. Linksseitig der in dunkelgrünem und hellbraunem 

Gewand stehende Josef, in seinen Händen 

ein aufgeschlagenes Buch haltend. Er hat einen grauen 

Vollbart und blickt mit seinen leicht zusammengekniffenen 

Augen über das Buch hinweg auf Maria. Im 

Hintergrund die grünen Zweige weiterer Bäume, 

während auf der rechten Randseite der Blick in eine 

weite Landschaft mit einer kleinen Stadt am Fluss 

und einigen Staffagefiguren fällt. Der darüber liegende 

hohe Himmel in gelblich-blauem Licht der untergehenden 

Sonne. Harmonische Malerei mit besonders 

feinen Gesichtern und qualitätvolle Wiedergabe der 

teils glänzenden und faltenreichen Kleidungsstücke. 

Teils kleine Retuschen, im unteren Bereich minimale 

Farbabsplitterungen. (1291561) (18) 

€ 9.000 - € 11.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


225 

GIOVANNI FRANCESCO BARBIERI, 

GENANNT „GUERCINO“, 

1591 CENTO – 1666 BOLOGNA, KREIS DES 

ECCE HOMO 


62,5 x 48 cm. 

In vergoldetem Prunkrahmen mit durchbrochener 

Volutenschnitzerei. 

Christus nach der Gefangennahme im Halbbildnis vor 

braunem Hintergrund, hier wiedergegeben mit Dornenkrone 

auf dem Haupt und einem langen Rohrstock 

in seiner rechten Hand, als Spottzeichen der 

Königswürde, sowie mit einem roten Spottmantel 

über seiner linken Schulter herabhängend. Das Inkarnat 

bewusst heller aufleuchtend, das Haupt zur Seite 

geneigt und den Kopf erhoben, die Konturen in Sfumato 

wiedergegeben. Auf seiner linken Wange, sowie 

im Bereich der Brust, ist jeweils ein roter Blutstropfen 

zu finden. Er hat einen leicht geöffneten 

Mund und mit seinen glänzenden, zum Himmel gerichteten 

Augen scheint er mit Gottvater zu sprechen. 

Qualitätvolle Malerei mit starker Hell-Dunkel-Akzentuierung 

in der typischen Manier des Künstlers. Vereinzelt 

Retuschen. 

GIOVANNI FRANCESCO BARBIERI, 

ALSO KNOWN AS “GUERCINO”, 

1591 CENTO – 1666 BOLOGNA, CIRCLE OF 

ECCE HOMO 


62.5 x 48 cm. 

Notes: 

Other Ecce Homo depictions can be found in the 

artist’s œuvre. The motif is common during the 16th 

and 17th centuries and can also be found in the 

œuvre of Bartolomeo Cesi (1556-1629), Bartolomeo 

Passarotti (1529-1592), Jusepe de Ribera (1588 

/91-1652) and Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682). 

€ 30.000 - € 40.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Im Werk des Künstlers sind weitere Ecce Homo- 

Darstellungen zu finden. Das Motiv lässt sich häufig 

auch bei anderen Künstlern des 16. und 17. Jahrhunderts 

wiederfinden, so auch bei Bartolomeo Cesi 

(1556-1629), Bartolomeo Passarotti (1529-1592), 

Jusepe de Ribera (1588/91-1652) und Bartolomé 

Esteban Murillo (1618-1682). (1281189) (2) (18) 


226 

HIERONYMUS GALLE D. Ä., 

1625 – UM 1679 

MADONNENBILD IM BLUMENKRANZ 


78 x 68 cm. 

Das Gemälde im RKD-Bildarchiv unter Nummer 

0000026656. 

Die Bildmotividee, von Jan Brueghel d. Ä. (1568- 

1625) bis Peter Paul Rubens (1577-1640) mehrmals 

aufgegriffen, zeigt auch hier ein gemaltes gerahmtes 

Madonnenbildnis, in Grisailletechnik. Die Rahmung 

mit seitlichen Voluten in Art einer Steinrahmung. Um 

das Bildnis zieht sich ein, vor dunklem Grund, hell aufleuchtender 

Kranz, der unterschiedlichsten Blüten 

und Blätter. Darunter rosafarbene Rosen, Malven, 

weiße Hortensien, gefiederte Tulpen, Feuerlilien, Iris 

sowie Blütenrispen und andere Frühsommerblumen. 

Die Blütenblätter äußerst fein gemalt, scheinen vor 

dem dunklen, nahezu schwarzen Hintergrund herauszustrahlen. 

(12814511) (11) 

HIERONYMUS GALLE THE ELDER, 

1625 – CA. 1679 

A MADONNA IN FLORAL WREATH 


78 x 68 cm. 

The painting is listed in the RKD image archive, 

no. 0000026656. 

This image motif, repeatedly taken up from an Brueghel 

the Elder (1568-1625) to Peter Paul Rubens (1577- 

1640), shows a painted framed Madonna portrait in 

grisaille. The frame is painted in the style of a stone 

frame with volutes on each side. The painting is encircled 

by a wreath of flowers and leaves with pink roses, 

hollyhocks, white hydrangeas, feathered tulips, fire 

lilies, irises and further panicles and early summer 

flowers. The petals are painted very finely and are 

luminous against the dark, almost black background. 

€ 16.000 - € 18.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


227 

JAN DAVIDZ DE HEEM, 

1606 UTRECHT – 1683/84 ANTWERPEN, ZUG. 

JÜNGLINGSBÜSTE, UMGEBEN VON FRUCHT- UND 

BLUMENGEBINDEN 


170 x 123 cm. 

Das äußerst großformatige Gemälde, in betörender 

Qualität ausgeführt, zeigt im Zentrum der schwarzgrundigen 

Gesamtdarstellung eine steinerne Jünglingsbüste 

im Stil der Antike. Sie ist umrahmt von einem 

trompe-l’oel-artig gemalten, großen barocken Steinrahmen 

mit ausziehenden Voluten und einem, unterhalb 

der Büste angemeißelten, geflügelten Engelskopf, in 

Art eines Epitaphs. Die Wiedergabe der Bildhauerelemente 

in Steingrau, leicht verschattet. Umso mehr 

bricht die leuchtende Farbenfülle der Frucht- und Blumengebinde 

hervor, die in vier größeren Partien zusammengefasst 

sind. Zwischen Blattwerk zeigen die 

einzelnen Gebinde helle Trauben, Rosen und Hibiskusblüten, 

daneben Nelken und entsprechendes 

Blattwerk. Dazwischen gebunden sind Pfirsiche, ein 

geöffneter Granatapfel, Zitrusfrüchte und Pflaumen, 

am Unterrand etliche reife Feigen. Himbeeren und 

leuchtend rote Kirschen fügen sich in die Farbkomposition 

ein, jeweils vor dem fein gemalten Blattwerk 

bewusst abgehoben. In der Blumenstilllebenmalerei 

der Zeit üblich, lassen sich auch Insekten wie Maikäfer 

und Schmetterling finden. Gemäß der Blumensymbolik 

der Zeit erscheinen die einzelnen Blüten und Früchte 

auf die Jugend der Knabenbüste zu verweisen, möglicherweise 

als eine persönliche Hommage. (†) 

(12901422) (11) 

JAN DAVIDSZ DE HEEM, 

1606 UTRECHT – 1683/84 ANTWERP, ATTRIBUTED 

BUST OF A YOUNG MAN SURROUNED 

BY BOUQUETS OF FLOWERS AND FRUIT 


170 x 123 cm. (†) 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


228 

JAN HARMENSZ. VAN BYLERT, 

UM 1597 UTRECHT – 1671 EBENDA 

Der Künstler war Sohn eines Glasmalers und nach 

Mitteilung des frühen Künstlerbiographen Joachim 

von Sandrart d. Ä. (1606-1688) ein Schüler des Abraham 

Bloemaert (1564-1651), bevor ihn seine Studienreisen 

nach Frankreich und dann nach Italien führten. 

In Rom verblieb er wahrscheinlich bis 1624 und stand 

dort in Kontakt mit den holländischen Malern Jan Gerritsz 

van Bronchorst (1603-1661) oder Cornelis van 

Poelenburgh (1586-1667). Ab Mitte der 1620er-Jahre 

ließ er sich stark von Michelangelo Merisi il Caravaggio 

(1570/71-1610) und Guido Reni (1575-1642) beeinflussen, 

wie ebenso von Gerrit van Honthorst (1590- 

1656). Er gilt als einer der führenden, wenn nicht 

sogar als führendster Vertreter der Utrechter Caravaggisten. 

DER LAUTENSPIELER 


105 x 80 cm. 

JAN HARMENSZ. VAN BYLERT, 

CA. 1597 UTRECHT – 1671, IBID. 

LUTE PLAYER 


105 x 80 cm. 

Literature: 

Paul Huys, Jan van Bijlert, 1998, p. 139 Nr. 105, 

Pl. 46, circa 1625-1635. 

€ 70.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Der Maler hatte sich auf Halbbildnisse spezialisiert, 

insbesondere auch von Musikern oder Philosophen, 

die in mehreren öffentlichen Sammlungen vertreten 

sind, wie das bekannte Gemälde mit einem Konzert 

mit Lauten- und Cellospielern. Auch das hier vorliegende 

Motiv zeigt einen Jüngling im Dreiviertelbildnis 

nach rechts, in sitzender Haltung an einer Laute, wobei 

sein halb geöffneter Mund andeutet, dass er sich 

selbst singend begleitet. Über dem schwarzen kurzen 

lockigen Haar ein Barett mit großer weißer Straußenfeder, 

eine Reminiszenz auch an das Werk Caravaggios, 

wie ebenso die Darstellung des jungen Musikers 

mit entblößter Schulter. Farblich dominierend ist das 

kräftige Rot im Umhang, das als farblicher Gegenpol 

zum hellen Grau-Blau des Hintergrundes steht. Der 

Einfluss Caravaggios ist auch in dem vorliegenden 

Gemälde unverkennbar. 

Literatur: 

Paul Huys, Jan van Bijlert, 1998, S. 139 Nr. 105, 

Pl. 46, circa 1625-1635. (12901421) (11) 


229 

MATTHIAS STOMER D. Ä., 

EIGENTLICH „MATTHIAS STOM“, 

UM 1600 – UM 1650 

Der Caravaggismus im Sinne eines wirkungsvollen 

Helldunkel, ist fast allen der Werke Stomers eigen. 

Während der Geburtsort bislang noch immer nicht 

eindeutig ermittelt werden konnte - der Kunsthistoriker 

G. J. Hoogewerff nannte 1942 den Ort Amersfoort - 

so wird jedoch eine Lehre bei Gerrit van Honthorst 

(1592-1656) allgemein angenommen. Auch weitere 

Schulung durch Hendrick ter Brugghen (1588-1629), 

Abraham Blomaert (1505-1545) oder Paulus Moreelse 

(1571-1638) ist nicht auszuschließen. Der Aufenthalt 

Stomers in Italien ist jedenfalls urkundlich nachgewiesen, 

wonach er 1630 als „Mattheo Stom, flamengo 

pittore di anni 30“ zusammen mit dem Maler Nicolas 

Prévost (1604-1670) in Rom, Strada dell’Olmo, wohnhaft 

gemeldet war. 1635 jedoch zog er nach Neapel, 

wo er weitere fünf Jahre wirkte. 1641 ist er in Sizilien 

nachgewiesen, wo er für Kirchenaufträge arbeitete 

und drei Gemälde für den Herzog von Messina schuf. 

So wirkte er den größten Teil seines Lebens in Italien. 

ECCE HOMO – DIE VERSPOTTUNG CHRISTI 


42,5 x 72,2 cm. 

Wir danken Prof. Nicola Spinosa für die freundlichen 

Hinweise die Zuschreibung des Gemäldes betreffend. 

Das Gemälde ist betont querformatig angelegt, und 

wie ein Großteil der Bilder aus dem Werk des Malers 

bestimmt eine grandiose Lichtregie die Dramatik des 

Geschehens. Leicht aus dem Zentrum nach rechts gerückt, 

ist Jesus gezeigt, nackt auf einem Steinsockel 

sitzend, wobei Oberkörper und Tuch hell ins Licht 

gesetzt sind. Vor völlig dunklem Raumhintergrund 

leuchten auch die weiteren Figuren auf, wobei als 

Lichtquelle die Flamme einer Kerze fungiert, die einer 

der Spötter Jesus entgegenhält, abgedeckt jedoch 

durch seinen ausgestreckten Arm, der deshalb weitgehend 

als Silhouette erscheint. Auch die Komposition 

der Figuren, vor allem der links herangetretenen 

Männer, in Rüstung bzw. leuchtend blauer, nahezu 

höfischer Landsknechtskleidung, mit einem aufgehetzten 

Hund, vermittelt der Hauptfigur die zentrale 

Wirkung schlechthin. So lassen sich in der linken Bildseite 

kompositorisch Diagonalen von links unten nach 

rechts oben ausmachen, einschließlich der Beinstellung 

Christi, in der rechten Bildseite jedoch entsprechend 

gegenläufig, etwa durch den Hornbläser unter 

einem ebenfalls diagonal drapierten Vorhang. 

Der Malstil Stomers ist unverkennbar, trotz aller Nähe 

zu den auch in Italien wirkenden flämischen Caravaggisten. 

Ein besonderes, hoch qualitatives Merkmal 

seines Schaffens ist die Lebendigkeit und Lebhaftigkeit 

in Gestik und Gesichtern seiner Figuren, was 

auch in vorliegendem Bild überzeugend zum Ausdruck 

kommt. Ob hier die auffallende Farbtrias Rot- 

Weiß-Blau als politischer Verweis auf Holland gemeint 

ist, kann nur vermutet werden. Erkennbar ist jedenfalls, 

dass die Hauptfiguren der Spötter keineswegs 

einfache Folterknechte sind, wie sonst üblich, sondern 

höfische Gestalten. Auch dies könnte als eine Anspielung 

auf die in seiner Heimat Holland sich bereits abzeichnende 

Abkehr vom politischen Liberalismus zu 

deuten sein. Die Handgesten der Spötter – etwa die 

Jesus entgegengestreckten „Figa“– Finger – verraten 

jedenfalls die genaue Kenntnis italienischer Verhaltensweisen 

und Verhältnisse. 

Mit Recht wurde im Werk Stomers ein letztes Aufflammen 

des Caravaggismus gesehen. Das vorliegende 

Gemälde steht kompositorisch in engem Zusammenhang 

mit dem Werk desselben Themas, das sich im 

Museum Norton Simon, Pasadena, Kalifornien, USA 

befindet. Dort ist die Sitzfigur Christi in nahezu gleicher 

Weise wiedergegeben, das Kerzenlicht jedoch 

dort nicht verdeckt. Dieses Vergleichsbeispiel wird in 

die Jahre 1633 bis ca. 1639 eingeordnet, was auch 

für das vorliegende Bild zutreffen dürfte. 

A. R. 

Anmerkung 1: 

Laut Nicola Spinosa: Sie Figur des jungen Mannes 

mit dem Hut auf der linken Seite ist identisch mit der 

auf der Leinwand mit dem gegeißelten Christus, die 

sich in der Sammlung Koelliker in Mailand befand, 

bevor sie an die Galerie Voena & de Robilant in London 

ging und in der Ausstellung „Caravaggio und die 

Maler des Nordens“ im Jahr 2016 im Thyssen-Bornemisza-Museum 

in Madrid ausgestellt wurde. 

(1290387) (11) 

Anmerkung 2: 

Ehemals TEFAF, Maastricht. 

MATTHIAS STOMER THE ELDER, 

ACTUALLY „MATTHIAS STOM“, 

CA. 1600 – CA. 1650 

ECCE HOMO – THE MOCKING OF CHRIST 


42.5 x 72.2 cm. 

We would like to thank Prof Nicola Spinosa for his 

kind advice regarding the attribution of the painting. 

The painting in pronounced landscape format, and 

like most of the pictures from the painter’s œuvre, 

the drama of the scene is affected by his fantastic 

direction of light. 

The composition of the present painting is very similar 

to another work by the artist with the same subject 

held at the Norton Simon Museum, Pasadena, California, 

USA. There, the seated figure of Christ is 

shown in almost the same way, but the candlelight is 

unobscured. This similar example is dated between 

1633 and ca. 1639, a timeframe, which should also 

apply to the present painting. 

Notes 1: 

According to Nicola Spinosa: the figure of the young 

man with the hat on the left is identical to the one 

on the canvas with the flagellated Christ, which was 

part of the Koelliker Collection in Milan before going 

to the Voena & de Robilant Gallery in London and 

being exhibited in the exhibition “Caravaggio and the 

Painters of the North” at the Thyssen-Bornemisza 

Museum in Madrid in 2016. 

Notes 2: 

Formerly TEFAF, Maastricht. 

€ 220.000 - € 250.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


230 

ADRIAEN VAN UTRECHT (1599 – 1652) UND 

ERASMUS QUELLINUS D. J. (1607 – 1678), ZUG. 

CHRISTUS IM HAUS VON MARTA UND MARIA 


129 x 200 cm. 

In dekorativem vergoldetem Rahmen. 

Das großformatige Gemälde zeigt eine Stelle aus 

dem Lukasevangelium, in der Jesus von Marta in ihr 

Haus in Bethanien eingeladen wird, wo sie ihn bewirten 

möchte. In einem Kücheninterieur Christus auf der 

rechten Seite sitzend, in dunklem Gewand und leuchtend 

rotem Umhang, neben ihm Maria in einem 

prachtvollen Kleid mit Perlenschmuck, Spitze und einem 

gold-gelben faltenreichen Umhang, dazu sorgsam 

dunkelblondes frisiertes Haar mit Perlenschmuck. In 

ihrer rechten Hand auf dem Schoß ein Buch haltend. 

Sie hat den Worten Christi gelauscht, der mit seiner 

rechten Hand auf sie weist, während er sich der stehenden 

Marta zuwendet, die sich um die Bewirtung 

kümmert. Linksseitig, vor Marta in Überfülle an der 

Wand, sowie auf und vor einem Tisch liegend eine 

Vielzahl an Obst und Gemüse sowie erlegtem Federvieh 

und Fleisch an einer Eisenkrone von der Decke 

herabhängend; zu sehen sind auf der Tischplatte ein 

großer Korb mit Weintraubenrispen, Pflaumen, Äpfeln 

und Pfirsichen, daneben eine Fayence mit roten Kirschen 

und am Tischrand schließlich erlegtes Federvieh, 

zu dem eine Taube und ein Rebhuhn gehören. Auf 

dem Boden stehend eine große glänzende Kupferschale 

mit Früchten, eine weitere Fayence mit roten 

Beeren, ein darübergelegtes Brett mit einem Eberkopf 

und Würstchen, Artischocken sowie davor Kürbisse, 

Krautköpfe, Rüben und Spargel. In der hinteren Mitte 

des Bildes fällt der Blick schließlich durch eine große 

Tür auf einen weiteren Küchenraum, in dem eine Frau 

vor einem offenen Kamin steht, über dem ein großer 

Kessel hängt und vor dem sich mehrere Bratenspieße 

an einer Vorrichtung befinden. Neben der Feuerstelle 

mehrere Bretter an der Wand mit diversen aufgestellten 

großen Schalen sowie mehrere Krüge. Detailreiche 

Darstellung, bei der neben der Überfülle der Speisen 

Christus und Maria durch ihre prächtig leuchtende 

Kleidung in den Vordergrund gestellt werden. 

Ein vergleichbares Werk der beiden Künstler befindet 

sich im Staatlichen Museum Schwerin. Zudem wird auf 

der Rückseite auf dem Rahmen durch einen Aufkleber 

auf die beiden Künstler hingewiesen. Rest., im unteren 

Bildbereich horizontale durchgehende Faltspur. 

ADRIAEN VAN UTRECHT (1599 – 1652) 

AND ERASMUS QUELLINUS THE YOUNGER 

(1607 – 1678), ATTRIBUTED 

CHRIST IN THE HOUSE OF MARTHA AND MARY 


129 x 200 cm. 

In decorative gilt frame. 

The large-format painting shows a passage from the 

Gospel of Luke in which Jesus is invited by Martha to 

her house in Bethany, where she would like to entertain 

him. Detailed depiction in which, in addition to 

the overabundance of food, Christ and Mary are highlighted 

thanks to their magnificent luminous clothes. 

A comparable work by the two artists is held at the 

Staatliche Museum in Schwerin. 

€ 55.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Wie auf dem Gemälde dargestellt kümmert sich 

Marta um die Bewirtung, während ihre Schwester 

Maria den Worten Christi lauscht; ein oft verwendetes 

Beispiel für die „Vita activa und contemplativa“ 

(tätiges und beschauliches Leben). Die Darstellung 

ist vor allem im 16. und 17. Jahrhundert ein beliebtes 

Motiv, das auch bei Malern zu finden ist, wie Jacopo 

Robusti (1518-1594), Diego Velasquez (1599-1660), 

Jan Vermeer van Delft (1632-1675) und Rembrandt 

van Rijn (1606-1669). (1290511) (3) (18) 



63

231 

GILLIAM FORCHONDT, 

TÄTIG UM 1645 – 1677 

JESUS ALS GÄRTNER VOR DER KNIENDEN MARIA 

MAGDALENA (NOLI ME TANGERE) 

Öl auf Kupferplatte. 

43,5 x 64,5 cm. 

Rechts unten signiert. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz bei, 

welches die Eigenhändigkeit des Künstlers bestätigt. 

Schilderung der Szene nach dem Johannes-Evangelium, 

Kap. 20, 11-18. Die beiden Hauptfiguren in weite Landschaft 

gesetzt, im Mittelgrund ein gepflegt angelegter 

Garten, rechts die Grabeshöhle mit dem beiseite geschobenen 

Stein, davor drei Gestalten. Links hinten im 

Tal die fantasievolle Wiedergabe Jerusalems mit dem 

Tempel. Rechts hinten der Kalvarienberg mit den noch 

aufgerichteten drei Kreuzen. 

Das Gemälde von hoher Qualität. Laut Auskunft von 

Fred G. Meijer stammen die Figuren von Willem van 

Herp, für das stilllebenhafte Arrangement mit Früchten 

und Gemüse in der rechten unteren Ecke wird Jan 

Brueghel d. J. genannt. Rest. (ausgebesserter Knick) 

und partiell erg. am oberen Bildrand. (1171612) (10) 

GILLIAM FORCHONDT, 

ACTIVE CA. 1645 – 1677 

CHRIST AS GARDENER IN FRONT OF THE KNEEL- 

ING MARY MAGDALENE (NOLI ME TANGERE) 

Oil on copper. 

43.5 x 64.5 cm. 

Signed lower right. 

An expert’s report by Dr Klaus Ertz, confirming the 

authenticity is enclosed. 

Illustration of a scene from the Gospel of John, chapter 

20:11-18. The painting is of high quality. According 

to information by Fred G. Meijer, curator at the Rijksbureau 

voor Kunsthistorische Documentatie in The 

Hague the figures were created by Willem van Herp, 

while Jan Brueghel the Younger is mentioned for the 

still life-like arrangement of fruit and vegetables in the 

lower right corner. Restored (restored crease) and 

partially mended at the upper edge of the picture. 

€ 35.000 - € 55.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



67

232 

GUIDO RENI, 

1575 BOLOGNA – 1642 EBENDA 

JUDITH MIT DEM HAUPT DES HOLOFERNES 


111 x 89 cm. 

In breitem punziertem und vergoldetem Rahmen. 

Anbei eine Dokumentation von Andrea Emiliani mit 

dem Titel: „Giuditta con la testa di Oloferne di Guido 

Reni – Le eroine dell’età Barocca L’espressione e la 

bellezza di un capolavoro“ und bezieht sich auf das 

hier angebotene Gemälde. 

Das vorliegende Gemälde ist mit einem Gutachten 

ausgestattet, das bestätigt, „Guido Reni’s Judith and 

Holofernes holds a place among the most important 

paintings of the 1630s“. 

In hochrechteckigem Format wird rechts prominent 

ins rechte Licht gerückt Judith gezeigt, deren Schwert 

italienischer Form an einem Bett- oder Sitzpfosten 

mit Akanthuszier lehnt, der Kopf des assyrischen 

Feldherrn Holofernes auf einem weißen Tuch liegend, 

das sich bereits mit Blut voll gesogen hat. Die Tötung 

des Holofernes wird im Buch Judith im Alten Testament 

berichtet. Nach etlichem Brandschatzen und 

Morden im gesamten Vorderen Orient, gelangt Holofernes 

nach Betulia, wo es Judith gelingt, ihn und 

sein Gefolge in ein Gelage zu ver wickeln. Seine Trunkenheit 

nutzend, enthauptet sie ihn zusammen mit 

ihrer Magd. Einige Stellen des Gemäldes lassen zumindest 

eine Werkstattmitarbeit vermuten. Rest. 

Anmerkung: 

Das vorliegende Gemälde ist gut vergleichbar mit 

einem Gemälde gleichen Themas und quasi identischer 

Komposition, das von D. Stephen Pepper in seinem 

Buch Guido Reni. L’opera completa, Novara 1988, 

S. 341 Erwähnung findet (Fondazione Zeri Nummer 

55884). Das dortige Gemälde hat die Maße 120 x 

99 cm. (1290384) (13) 

GUIDO RENI, 

1575 BOLOGNA – 1642 IBID. 

JUDITH WITH THE HEAD OF HOLOFERNES 


111 x 89 cm. 

Attached a report by Andrea Emiliani titled: “Giuditta 

con la testa di Oloferne di Guido Reni – Le eroine 

dell’età Barocca L’espressione e la bellezza di un 

capo lavoro” which refers to the present painting. 

It is also accompanied by a certificate confirming that 

“Guido Reni’s Judith and Holofernes holds a place 

among the most imprant paintings of the 1630s”. 

In this upright rectangular format, Judith is shown 

prominently in the right light, her sword of Italian 

form leaning against a bed or seat post decorated 

with acanthus ornaments. The head of the Assyrian 

general Holofernes is placed on a white cloth, already 

soaked with blood. The killing of Holofernes is reported 

in the Book of Judith in the Old Testament. After 

pillaging and murdering across the entire Middle 

East, Holofernes arrives at Betulia, where Judith manages 

to involve him and his entourage in a feast. 

Taking advantage of his drunkenness, she and her 

behead him. Some parts of the painting suggest 

workshop involvement in the execution. Restored. 

Notes: 

The present painting can easily be compared with 

a painting of the same subject and almost identical 

composition that D. Stephen Pepper mentions in 

his book Guido Reni. L’opera completa, 1988, p. 341 

(Fondatione Zeri no. 55884). The painting there measures 

120 x 99 cm. 

€ 300.000 - € 400.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


233 

MEISTER DER BOLOGNESER SCHULE, 

FRÜHES 17. JAHRHUNDERT 

ERMINIA BEI DEN HIRTEN 


114 x 148 cm. 

Das Bildthema geht auf die Erzählung von Torquato 

Tassos (1544-1595) und seinem literarischen Werk „La 

Gerusalemme liberata“ zurück. Die Heldin Ermenia 

ist hier im Zentrum wiedergegeben, zwischen einem 

Hirtenpaar, links eine Frau mit Kopftuch, rechts ein 

bärtiger Mann, der seine Hand auf einen Korb gelegt 

hat. Sie überreicht soeben Perlenhalskette und einen 

Ohrring, den der Alte prüfend betrachtet. Das Gemälde 

ist ganz dem Malstil der Bologneser Schule verpflichtet, 

die Hauptfigur stärker als die beiden Assistenzfiguren 

beleuchtet, in deutlicher Hell-Dunkel-Manier des Caravaggismus. 

(1290144) (10) 

MASTER OF THE BOLOGNESE SCHOOL, 

EARLY 17TH CENTURY 

ERMINIA AND THE SHEPHERDS 


114 x 148 cm. 

This scene is drawn from “Jerusalem Delivered”, an 

epic poem by the Italian Renaissance author Torquato 

Tasso (1544-1595). It is executed in typical Caravaggisti 

chiaroscuro manner of painting. 

€ 80.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


73

234 

BERNARDO STROZZI, 

„IL CAPPUCCINO“, 

1581 GENUA – 1644 VENEDIG 

HEILIGER PETRUS 


73,5 x 58 cm. 

In profiliertem und vergoldetem Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Anna Orlando, Juli 

2021, in Kopie. 

Das bisher noch nicht publizierte Gemälde zeigt den 

Heiligen Petrus, der durch sein Attribut den Schlüssel, 

den er in seiner rechten Hand hält, kenntlich gemacht 

ist. Als Halbfigur nach rechts gewandt, präsentiert er 

den Schlüssel diagonal nach rechts oben gerichtet, 

während sein Blick in einer Achse mit seinem Kragen 

und dem weißen Bart verläuft und nach links oben 

gerichtet ist, sodass der Komposition eine dynamische 

Zickzacklinie innewohnt. In ihrem Gutachten begründet 

Anna Orlando ihre Zuschreibung an Strozzi 

durch den Malstil, die Technik und die verwendeten 

Farben und stellt einen Zusammenhang mit den Aposteldarstellungen 

der Flamen Peter Paul Rubens 

(1577-1640) und Van Dyck (1599-1641) dar. So ist sowohl 

Rubens‘ „Petrus“ im Prado in Madrid als auch 

im Palazzo Pallavicini Rospigliosi in Rom wunderbar 

mit dem Gesicht des hier dargestellten Petrus zu vergleichen. 

Aber auch Van Dycks „Petrus“ in der Hermitage, 

dessen Blick jedoch nach rechts oben gerichtet 

ist, lässt sich gut vergleichen. (1290446) (3) (13) 

BERNARDO STROZZI, 

“IL CAPPUCCINO”, 

1581 GENOA – 1644 VENICE 

SAINT PETER 


73.5 x 58 cm. 

Accompanied by a copy of the expert‘s report by 

Anna Orlando, dated July 2021. 

Her attribution to Strozzi is justified by means of 

painting style, technique and colours used and she 

establishes a connection with the depiction of the 

apostles by the Flemish painters Peter Paul Rubens 

(1577-1640) and Van Dyck (1599-1641). She mentions 

a wonderful comparison of the face of Saint Peter 

with a depiction of “Saint Peter” by Rubens held at 

the Prado in Madrid and another held at the Palazzo 

Pallavicini-Rospigliosi in Rome. Furthermore, a depiction 

of “Saint Peter” by Van Dyck held at The State 

Hermitage Museum, whose gaze is directed to the 

top right, also compares well. 

€ 40.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


235 

LUCA GIORDANO, 

GENANNT „FA PRESTO“, 

1632/34 NEAPEL – 1705 EBENDA, ZUG. 

Giordano war Schüler von Jusepe de Ribera (1588/91- 

1652), wirkte nach seiner väterlichen Lehre in Rom 

unter Pietro da Cortona (1596-1669). Er wurde alsbald 

durch zahllose Aufträge geehrt, um die italienischen 

Paläste mit Fresken und Ölbildern auszustatten. Er 

war in flotter und schneller Malweise geübt. 1690 

wurde er nach Spanien berufen, wo er unter Karl II 13 

Jahre wirkte und zum Ritter ernannt wurde. 1702 

kehrte er nach dem Tod Karls II nach Neapel zurück, 

wo er noch zahlreiche Aufträge annahm und mit Hilfe 

seiner Werkstatt ausführte. 

DER HEILIGE HIERONYMUS, EIN BUCH LESEND 


71 x 52 cm. 


Beigegeben eine Expertise von Didier Bodart vom 

06. Oktober 2005. 

In Nahsicht die nackte Halbfigur des lesenden Heiligen, 

in seiner kräftigen rechten Hand ein dickes aufgeschlagenes 

Buch haltend, in das er mit leicht geneigtem 

Kopf vertieft ist. Er hat lichtes Kopfhaar, einen großen 

langen Bart, buschige Augenbrauen, Stirnfalten und 

mit leicht geschlossenen dunklen Augen ist er intensiv 

in das Buch vertieft. Das Licht aus unbekannter 

Quelle fällt von links auf die rechte Schulter und die 

rechte Kopf- und Gesichtshälfte, während die andere 

Seite im Schatten liegt. Die Formen sind sehr realistisch 

mit bravourös gesetzten Licht- und Dunkelheitseffekten. 

Die Figur hebt sich vor einem neutralen 

dunklen Hintergrund ab. 

Das Gemälde ist eines derjenigen, in der der gewalttätige 

und qualvolle Naturalismus der Neapolitanischen 

Schule am stärksten zum Ausdruck kommt, der 

seinen Ursprung auch im Stil eines Jusepe Ribera 

hat. Das Gemälde ist in flottpinseliger Malweise, die 

in der Farbigkeit auch stark an den Stil seines Lehrers 

Ribera erinnert, der ebenfalls in Neapel gewirkt hat. 

Bodart ordnet das Gemälde in die Zeit um 1660 ein, 

die schwierigen Lebensbedingungen in den Jahren 

1648-1656 und die große Pest von 1656 können die 

Härte der frühen Werke von Luca Giordano erklären. 

Kleinere Retuschen. (1291451) (4) (18) 

LUCA GIORDANO, 

ALSO KNOWN AS “FA PRESTO”, 

1632/34 NAPLES – 1705 IBID., ATTRIBUTED 

SAINT JEROME READING A BOOK 


71 x 52 cm. 

Accompanied by an expert‘s report by Didier Bodart 

dated 6 October 2005. 

The painting is one of those that most strongly expresses 

the violent and agonizing naturalism of the 

Neapolitan school, which has its origins in the deeply 

Romanesque style of a Jusepe Ribera. Bodart dates 

the painting to ca. 1660, the difficult living conditions 

in the years 1648-1656 and the great plague of 1656 

may explain the harshness of Luca Giordano‘s early 

works. With minor retouching. 

€ 18.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



236 

JOHANN HAUSSER, 

TÄTIG UM 1595 – 1603 

Gemäldepaar 

HISTORISCHE SCHLACHTENDARSTELLUNGEN 

Öl auf Holz. 

Je 43 x 66 cm. 

Eines links unten signiert. 

In dekorativen Holzrahmen. 

Am Ufer eines breiten, in die Tiefe des Bildes verlaufenden 

Flusses zwei prachtvolle Reiter in glänzenden 

Rüstungen auf ihren Pferden in Rückenansicht, jeweils 

einen Speer in den Händen und ein Schwert 

um die Hüften tragend, vor sich ein riesiges Heer mit 

Soldaten in Helm und Rüstung. Sie brechen wohl gerade 

auf, um ein auf der anderen Seite reitendes 

Heer durch den Fluss zu verfolgen. 

Das zweite Gemälde zeigt in weiter Landschaft zwei 

Heerführer zu Pferde in intensivem Gespräch und 

Verhandlungen. Links auf einem Schimmel ein Mann 

mit Vollbart und rotem Barett, während der andere in 

Rüstung mit Helm seine Hand für einen möglichen 

Friedensschluss ausgestreckt hat. Rechtsseitig drei 

weitere Soldaten, teils zu Pferde, in prachtvollen goldenen 

und silberfarbigen Rüstungen, einer von ihnen 

einen Goldhelm tragend. Im Hintergrund zahlreiche 

Lanzen und ein angedeutetes übergroßes Heer, in 

beige-brauner Farbgebung. Qualitätvolle Malerei, bei 

der besonders diverse Rüstungsteile durch ihre Farbigkeit 

und ihren silbernen oder goldenen Glanz in 

den Vordergrund gestellt werden. Eine Platte mit 

horizontalem Einriss, teils rest. und kleine Retuschen. 

(12916223) (18) 

JOHANN HAUSSER, 

ACTIVE CA. 1595 – 1603 

A pair of paintings 

HISTORICAL BATTLE SCENES 

Oil on panel. 

43 x 66 cm each. 

One signed lower left. 

High-quality painting in which various pieces of armour 

are brought to the fore due to their colours and their 

silver or gold lustre. One plate with a horizontal tear. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


79

237 

HENDRIK FRANS VAN LINT, 

1684 ANTWERPEN – 1763 ROM 

Als Sohn des Malers Pieter van Lint (1609-1690) erhielt 

er seine künstlerische Ausbildung durch den Meister 

Pieter van Bredael (1629-1719), der sein Interesse an 

der römischen Landschaftsmalerei weckte und ihn 

veranlasste, nach Italien zu gehen. Um 1700 ließ sich 

der Künstler in Rom nieder. Er arbeitete im Atelier 

des Gaspar van Wittel (1653-1736), dem erfolgreichsten 

und gefragtesten Landschaftsmaler der Zeit. Um 

1715 wurde van Lint in die „Schildersbent“ von Rom 

aufgenommen, eine Art lokale Gilde, die 1627 von einer 

Gruppe Nordländer gegründet wurde. In seiner 

bildnerischen Produktion, die sich hauptsächlich auf 

die Ansichten von Rom und der Landschaft des Latium 

konzentrierte, spielten die vom Klassizismus von Claude 

Lorrain (1600-1682) inspirierten Ansichten eine relevante 

Rolle. 

KLASSISCHE LANDSCHAFT MIT DEM TEMPEL 

DER SYBILLA 


83 x 141 cm. 


Beigegeben eine Expertise von Dario Succi, Gorizia, 

ohne Datum (in Kopie vorliegend). 

Von erhöhtem Standpunkt Blick auf eine herrliche 

Ideal landschaft, eingetaucht in ein klares Morgenlicht, 

unter hohem Himmel mit großen weißen Wolkenformationen. 

In der Mitte des Vordergrunds, eingerahmt 

jeweils links- und rechtsseitig von hohen begrünten 

schmalen Bäumen, die in den Himmel reichen, eine 

Gruppe von Frauen vor einem Podest mit Steinvase 

im Gespräch, vor sich am Boden eine Schale mit Trauben 

und eine stehende Amphore. Rechtsseitig ein 

bärtiger Mann in einfacher Kleidung, der auf seinem 

Kopf einen Korb mit herabhängenden Weintraubenrispen 

heranträgt. Linksseitig führt eine alte römische 

Brücke über einen breiten blauen Fluss, der sich zum 

Horizont schlängelt und dabei zunehmend die helle 

Farbigkeit des Himmels annimmt; an seinen Ufern 

rechtsseitig eine kleine Stadt, während auf der linken 

Seite ein herrschaftliches Gebäude und ein Rundturm 

zu erkennen sind. Auf der Brücke selbst eine reitende 

Dame im Gespräch mit einem Mann sowie eine 

weitere Figur. In der Mitte auf einem Hügel ein mittelalterliches 

Dorf mit runden Türmen, einem Tor und 

dem Marmortempel der Sybilla. Im Hintergrund zudem 

die Profile der türkisfarbenen Berge am Horizont. 

Klassische Landschaft, in der der Bezug zu Claude 

Lorrains (1600-1682) Erfindungen spürbar ist und von 

dem einige Elemente aufgegriffen werden, einschließlich 

der charakteristischen römischen Brücke, die parallel 

zur Beobachtungsebene angeordnet ist, um die 

Landschaftsöffnung zu verstärken. Malerei in zurückhaltender 

Farbgebung, die zusammen mit der Komposition 

Harmonie und Ruhe ausstrahlt. Wenige Retuschen. 

(1291701) (18) 


1684 ANTWERP – 1763 ROME 

CLASSICAL LANDSCAPE WITH TEMPLE OF SYBIL 


83 x 141 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dario Succi, 

Gorizia n.d. (copy enclosed). 

€ 40.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


238 

PIERRE (AUCH PIETRO) DANDINI, 

1646 FLORENZ – 1712 EBENDA, ZUG. 

DER TRIUMPH DES DAVID 


117 x 172 cm. 

In vergoldetem Rahmen. 

Im Zentrum des Gemäldes, vor den Toren der rechtsseitig 

sichtbaren Stadtmauer, der junge David in einem 

goldenen Wagen mit Vierergespann neben dem 

König sitzend und in seiner rechten Hand den großen 

Kopf des getöteten Riesen Goliaths haltend. Hinter 

ihm und zu den Seiten des Wagens zahlreiche Soldaten 

in Rüstung mit Speeren, die ebenfalls von der 

Schlacht zurückkehren. Auf der rechten Bildseite zahlreiche 

tanzende und musizierende Frauen in edlen 

Gewändern, die die Zurückkehrenden freudig empfangen. 

Unter den Frauen eine Harfenspielerin, eine 

Frau mit Flöte sowie weitere mit Geige und Tamburin. 

Am unteren linken Bildrand eine weitere Frau in glänzendem 

Gewand, auf einem weißen Laken einen 

nackten Knaben haltend. Qualitätvolle Malerei mit 

starken Hell-Dunkel-Kontrasten, dabei diverse Kleidungsstücke 

durch Farbe und Glanz besonders hervorgehoben. 

Vereinzelt rest., Retuschen. 

PIERRE (OR PIETRO) DANDINI, 

1646 FLORENCE – 1712 IBID., ATTRIBUTED 

THE TRIUMPH OF DAVID 


117 x 172 cm. 

Notes: 

There are stylistic and compositional similarities with 

the painting titled “Die Krönung des Bacchus”, sold 

at Sotheby‘s in New York on 30 January 2016, under 

lot 702. 

Literature: 

cf. Sandro Bellesi, Catalogo dei pittori fiorentini del 

’600 e ’700. Biografie e opere, Florence 2009, II, 

p. 207, ill. 438. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Stilistische und kompositorische Ähnlichkeiten gibt 

es mit dem Gemälde „Die Krönung des Bacchus“, 

das am 30. Januar 2016 bei Sotheby‘s in New York 

unter Lot. 702 versteigert wurde. 

Literatur: 

Vgl. Sandro Bellesi, Catalogo dei pittori fiorentini del 

‘600 e ‘700. Biografie e opere, Florenz 2009, II, S. 207, 

Abb. 438. (1290521) (18) 


81

239 

NORDITALIENISCHER MEISTER 

DER ZWEITEN HÄLFTE DES 17. JAHRHUNDERTS 

ALLEGORIE DER LIEBESTREUE 


94 x 170 cm. 

Das Gemälde mit zweifellos didaktisch-moralischem 

Inhalt zeigt die Allegorie der Liebestreue in Gestalt 

einer züchtig gekleideten weiblichen, jedoch anmutigen 

Figur, die nach rechts aufrecht sitzt. Auf ihrem Schoß 

ein Hund, allegorisches Attribut der Treue. In der vorgehaltenen 

rechten Hand hält sie einen Schlüssel, gewissermaßen 

Symbol dafür, dass der Schlüssel der 

wahren Liebe in der Treue liegt. Links zwei Amoretten 

im Gespräch, einer davon hält einen einfachen Brotlaib, 

Verweis auf die Bescheidenheit, die mit der Treue einhergeht. 

Der mittlere Knabe trägt ein blaues Umhängetuch, 

ebenfalls Farbsymbol der Treue. Die Vase im 

Hintergrund sowie eine Steinfigur weisen auf einen 

höfischen Park, hier als Gefahr der Verführung zu verstehen. 

Die Qualität des Gemäldes weist auf einen 

noch nicht ermittelten Maler von Rang. Farbigkeit und 

die klare Linienführung in der Komposition lässt das 

Bild in die zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts datieren. 

(1291721) (3) (11) 

NORTH ITALIAN MASTER, 

SECOND HALF OF THE 17TH CENTURY 

ALLEGORY OF FAITHFUL LOVE 


94 x 170 cm. 

€ 20.000 - € 40.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


240 

NICCOLÒ CASSANA, 

1659 GENUA ODER VENEDIG – 1713 LONDON 

Cassana, der bei seinem Vater Giovanni Francesco 

Cassana lernte, war ein äußerst erfolgreicher Maler in 

Venedig, der besonders für seine Portraits gerühmt 

wurde. Nach einem Aufenthalt in Düsseldorf ab 1711 

zog er nach London, wo er 1713 verstarb. 


DIE VON DER ZEIT OFFENBARTE WAHRHEIT 

sowie 

SEMIRAMIS EILT HERBEI, UM DIE REVOLTE 

IN BABYLON ZU BÄNDIGEN 


98 x 138 cm. 

Eines monogrammiert „N.C.“. 

In breitem ebonisierten und mit Goldornamenten 

verziertem Rahmen. 

NICCOLÒ CASSANA, 

1659 GENOA OR VENICE – 1713 LONDON 


TRUTH UNVEILED BY TIME 

and 

SEMIRAMIS STOPPING THE REVOLT 

AT BABYLON 


98 x 138 cm. 

One monogrammed “N.C.” 

€ 70.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Einmal eine weibliche allegorische Gestalt mit einem 

Erleuchtungsquell in ihrer Hand, vor ihr eine abgenommene 

Maske und ein Buch, hinter ihr in dichter 

Kompositionsfülle der den Bildraum einnehmende 

Kronos mit ausgebreiteten Schwingen und Sense. 

Eindrückliche Leistung, mit der Cassana dem Betrachter 

die Demaskierung der Lüge durch die Zeit 

mit gleichzeitiger Hervorbringung der Wahrheit und 

des Wissens darstellt. 

Das andere Gemälde zeigt Semiramis, welche soeben 

Nachricht über die Revolte in der von ihr selbst gegründeten 

Stadt Babylon erhält. (1291572) (13) 



85

241 

ORAZIO DE FERRARI, 

1605 VOLTRI – 1657 GENUA 

ESTER VOR AHASVER 


90,5 x 103 cm. 

In teilvergoldetem, floral dekoriertem Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Anna Orlando, Genua, 

ohne Datum, in Kopie. 

Ganz anders als etwa das Gemälde von Artemisia 

Gentileschi (1593-um 1654) im Metropolitan Museum 

of Art, welches die beiden Hauptfiguren in größerer 

Distanz zeigt, liegt Ester in dem vorliegenden Gemälde 

von Orazio de Ferrari Ahasver förmlich in den Armen, 

während sie ihn bittet, ihr Volk zu schonen. Die Darstellung 

geht auf das Buch Ester zurück, welches den 

König als Herrn von Indien bis Äthiopien beschreibt, 

jedoch ist die Erzählung zu Ester vermutlich fiktionaler 

Natur, da eine jüdische Königin Ester aufgrund der 

Heiratspolitik persischer Könige als unwahrscheinlich 

gilt. Ahasver wird im geschichtlichen Kontext mit Xerxes 

I (regierte 486-465 v. Chr.) gleichgesetzt. Das vorliegende 

Gemälde ist bisher noch nicht in der Literatur 

veröffentlicht worden und wird von Anna Orlando als 

eigenhändiges Werk des Genueser Malers Oratio de 

Ferrari anerkannt. Als Vergleich nennt Orlando eine 

Variante mit den Maßen 124 x 153 cm, welches sich 

in einer Privatsammlung befindet und von Piero Donati 

1997 (Katalognummer 63, S. 149) erwähnt wurde. 

Dieser schreibt „Da questo momento in pio (ossia 

dopo il 1640), questa capacità di coniugare splendore 

materico e rigorosa coerenza spaziale connoterà stabilmente 

la pittura di Orazio De Ferrari, conferendole 

un’intima originalità. Nel campo del quadro da stanza, 

questa poetica sottostà, oltre che ai dipinti che si inpirano 

alla Passione di Cristo, ad un capolavoro assoluto 

quale l’Ester confortata da Assuero, di collezione 

privata...“ 

Literatur: 

Vgl. Piero Donati, Orazio De Ferrari, Genua 1997. 

Vgl. Anna Orlando, Aggiunte al catalogo di Orazio De 

Ferrari, in: La Favola di Latona di Orazio de Ferrari. Il 

ritorno di un capolavoro. Con aggiunte al catalogo del 

pittore, Genua 2017. 

Vgl. Buch Ester, (Est 2,16). 

(1290314) (13) 

86 HAMPEL ONLINE Visit www.hampel-auctions.com for around 6,500 additional images. 

ORAZIO DE FERRARI, 

1605 VOLTRI – 1657 GENOA 

ESTHER IN FRONT OF AHASVER 


90.5 x 103 cm. 

A copy of the expert’s report by Anna Orlando, 

Genoa, no date, is enclosed. 

The present painting has not yet been published in 

research literature and is recognized by Anna Orlando 

as an original work by the Genoese painter Orazio de 

Ferrari. Orlando mentions a variant measuring 124 x 

153 cm for comparison, which is held at a private collection 

and was mentioned by Piero Donati in 1997 

(cat. no. 63, p. 149). 

Literature: 

cf. Piero Donati, Orazio De Ferrari, Genua 1997. 

cf. Anna Orlando, Aggiunte al catalogo di Orazio De 

Ferrari, in: La Favola di Latona di Orazio de Ferrari. Il 

ritorno di un capolavoro. Con aggiunte al catalogo del 

pittore, Genua 2017. 

cf. The Book of Esther, (Est 2,16). 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN

242 

CIRO FERRI, 

1634 ROM – 1689 EBENDA, ZUG. 

MOSES VERTEIDIGT DIE TÖCHTER DES JETRO 

GEGEN FREMDE HIRTEN 


116,5 x 164,5 cm. 

Die Bibelgeschichte (Ex 2,16) berichtet, wie der junge 

Moses während seines Aufenthaltes bei Jetro, dem 

Priester von Midian, fremde Hirten vom Brunnen vertrieb, 

um die Töchter Jetros zu schützen, und deren 

Tiere tränkte. In der Folge gab Jetro Moses die älteste 

seiner sieben Töchter, Zippora, zur Frau. 

Dieses Bildthema ist auch noch in einer weiteren Version 

von Ciro Ferri bekannt, das sich Museum of Fine 

Arts in Houston/ Texas befindet. Die Bildauffassung, 

mit dem Brunnen in der Bildmitte und den seitlichen 

Figuren in beiden Bildern, ist weitgehend identisch, 

ebenso die Position der Gestalt des mit dem Stock 

agierenden jungen Moses rechts neben dem Brunnen. 

Allerdings zeigt sich hier bereits eine Änderung in der 

Bildgestaltung, nämlich in der unterschiedlichen Körperhaltung 

des Moses. Auch zeigt das Bild in Houston im 

Hintergrund bergige Landschaft, während in unserem 

Bild am Horizont ein Meeresufer zu sehen ist. Völlig 

unterschiedlich jedoch ist die Komposition der Figuren. 

Man muss annehmen, dass die Verwendung des 

wertvollen Lapislazuli-Blau bei Darstellung der Frauen 

nur der in der Bibel genannten Zippora, der Frau Moses, 

zugedacht war. So kann in beiden Bildern nur die 

weib liche Gestalt im Vordergrund links gemeint sein. 

Hier im Bild hält sie einen Wasserkrug, in der Houston 

Fassung wird das Blau im Kleid noch mehr hervorgehoben, 

und Zippora weist mit dem Fingen auf ihren 

Helden. Neben weiteren Unterschieden, wie etwa, 

dass im Hintergrund des vorliegenden Bildes die 

Stadt des Jetro gezeigt wird, ist jedoch beiden Gemälden 

der frühe Stil Ferris gemeinsam, nämlich beeinflusst 

von seinem Lehrer Pietro da Cortona (1596- 

1669). 

Im Palazzo Pitti in Florenz vollendete Ferri die Fresken 

seines Lehrers, bevor er wieder nach Rom zurückzog, 

wo er sich fernerhin als Architekt betätigte. A.R. 

Literatur: 

Vgl. Allgemeines Künstlerlexikon, Bd. 39, München 

u.a. 2003, S. 110. (1290512) (3) (11) 

CIRO FERRI, 

1634 ROME – 1689 IBID., ATTRIBUTED 

MOSES DEFENDING THE DAUGHTERS 

OF JETHRO 


116.5 x 164.5 cm. 

Literature: 

cf. Allgemeines Künstlerlexikon vol. 3, 

2003, p. 110. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


87

243 

NIEDERLÄNDISCHER MANIERIST UM 1600 

CERES EMPFÄNGT DEN GÜRTEL DER PROSERPINA 

DURCH CYANE 


94 x 126 cm. 

In breitem silberprofilierten Holzrahmen. 

Im Zentrum der hügeligen Landschaft Ceres an einer 

Quelle sitzend, die zuforderst durch eine daraus emporsteigende 

Nymphe spezifiziert wird und durch eine 

quelltypische Vegetation umrandet wird. Die Figuren 

werden raumfüllend präsentiert. Im rechten Hintergrund 

eine helle hügelige Landschaft mit einem Dreispänner, 

auf dem Pluto mit seinem Dreizack zu sehen 

ist, der Proserpina – Tochter der Ceres – entführt hatte. 

Nachdem Ceres schon überall nach Proserpina 

gesucht hatte, sitzt sie nun an der Quelle der Cyane 

und ihr wird durch den Gürtel eröffnet, dass Proserpina 

ihre Jungfräulichkeit verloren haben muss. Rest. 

Anmerkung 1: 

Eine vergleichbare, jedoch weniger erzählerisch ausgeschmückte, 

Darstellung des Künstlers Cornelis 

van Haarlem (1562-1638) ist im RKD in Den Haag 

unter der Nr. 297823 registriert. 

DUTCH MANNERIST, CA. 1600 

CERES ACCEPTS THE BELT OF PROSERPINA 

BY CYANE 


94 x 126 cm. 

Notes 1: 

A similar depiction, however, embellished with fewer 

narrative details, is held at the RKD in The Hague, 

no. 297823. 

Notes 2: 

At Roman weddings, a belt was tied with a special 

knot, the Nodus Herculaneus, which the groom had 

to undo on the wedding night before the bride and 

groom could come together for the first time. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung 2: 

Bei der römischen Hochzeit wurde der Gürtel mit 

einem besonderen Knoten, dem Nodus Herculaneus, 

gebunden, den der Bräutigam in der Hochzeitsnacht 

lösen musste, bevor es zur ersten Vereinigung der 

Brautleute kommen konnte. (1291166) (13) 

Pluto fährt durch die Quelle der Cyane hinab in die 

Unterwelt (Virgil Solis, 1581) 


244 

FLÄMISCHER MEISTER UM 1600 

ALLEGORIE AUF DEN SIEG DER KATHOLISCHEN 

KIRCHE ÜBER DAS BÖSE 


126 x 96 cm. 

Darstellung einer allegorischen weiblichen Figur mit 

einem Harnisch, welcher zwischen den Brüsten ein 

Kruzifix zeigt, das von einem Cherubium getragen 

wird. Die weibliche Person durch ein Schwert und einen 

Schild bewaffnet, welcher in plastischer Arbeit 

(hier in Grisaille wiedergegeben), den auferstandenen 

Christus anzeigt. Ein Putto, der auf einem ihrer Beine 

Platz genommen hat, die Fama der katholischen Kirche 

in die Welt posaunend. Die Figur die Füße auf eine 

Steinplatte stützend, unter welcher eine Drachenfigur, 

für den Teufel stehend, zerdrückt wird. Die untere 

rechte Bildecke mit einem gehörnten Bogenschützen, 

welcher mit dem Unterkörper in der Unterwelt zu stecken 

scheint. Rechts über der allegorischen Figur die 

Christusfigur, die an ihren Stigmata zu erkennen ist, 

mit einer Krone. Mit einer ebensolchen Krone bekrönt 

er die Kirche bzw. die allegorische Figur derselben, 

sodass sie als direkter Nachfolger Christi dargestellt 

wird. Alters- und Gebrauchssp., Bildfläche uneben. 

Rest. (12901415) (13) 

FLEMISH SCHOOL, CA. 1600 

ALLEGORY OF THE TRIUMPH OF THE CATHOLIC 

CHURCH OVER EVIL 


126 x 96 cm. 

Signs of ageing and wear, uneven paint surface. 

Restored. 

€ 70.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


245 

NEAPOLITANISCHER MEISTER 

DES 17. JAHRHUNDERTS 

DER ERZENGEL MICHAEL IM KAMPF 

GEGEN DIE TEUFEL DER UNTERWELT 


94 x 70 cm. 

Äußerst komplizierte Komposition, mit sich in gegensetzlichen 

Richtungen bewegenden Figuren. In der 

Farbigkeit und der Wiedergabe des Körperlichen ist 

der starke Einfluss von Peter Paul Rubens (1577 - 

1640) zu erkennen, mit dem er zusammen an der 

Festdekoration in Gent gearbeitet hatte. Alle diese 

stilistischen Aspekte legen die Zuschreibung nahe. 

So ist auch dieses Gemälde gekennzeichnet durch 

eine turbulente Zusammenballung von Leibern – hier 

Höllengestalten –, gegen die der jugendlich heldenhaft 

wiedergegebene Heilige Michael ankämpft. Seine 

Bewegung von links oben nach rechts unten, entsprechend 

auch dem Lichteinfall im Bild. Sein nach 

hinten ausgestreckter rechter Arm hält das Flammenschwert, 

die Linke den Rundschild. Auffallend ist 

hier, dass die zuoberst über einem Drachen liegende 

Männergestalt nahezu portraithafte Gesichtszüge aufweist, 

was Anlass zur Vermutung gibt, dass es sich 

hier um eine Allegorie des Sieges über einen gestürzten 

Gegner handelt. Der Zweizack in der rechten Hand 

des Gestürzten ist Attribut der griechischen Hadesgestalt, 

Herrscher der Unterwelt. (12901427) (11) 

NEAPOLITAN SCHOOL, 17TH CENTURY 

MICHAEL THE ARCHANGEL FIGHTING 

THE DEVIL IN THE UNDERWORLD 


94 x 70 cm. 

€ 50.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


246 

GIACOMO FARELLI, 

1624 ROM – 1706 NEAPEL 

ARIADNE UND BACCHUS 


145 x 193 cm. 

In schmalem vergoldetem Rahmen. 

Prof. Riccardo Lattuada und Laura Raucci schreiben 

das vorliegende Gemälde nach eingehender Untersuchung 

Giacomo Farelli zu. Das Werk auch in der 

2020 publizierten Monografie über den Künstler, ca. 

1690 – 1700 datiert. 

Das Gemälde schildert die antike Legende, nach der 

Ariadne nach Beendigung ihrer Beziehung zu Theseus 

vom jugendlichen Weingott Bacchus vor einer Höhle 

auf der Insel Naxos aufgefunden wurde. Hier ist der 

Moment der ersten Begegnung gezeigt. Die schlafende 

Ariadne mit langen blonden Haaren, ihr zarter heller 

Körper teils nur mit einem weißen Laken bedeckt, 

zudem auf einem blauen Tuch mit goldener Bordüre 

liegend. Links von ihr stehend Bacchus in einem violetten, 

faltenreich wehendem Umhang, mit Weinlaub 

im Haar, die Schlafende behutsam und vorsichtig beobachtend, 

in die er sich sofort verliebt. Links hinter 

Bacchus eine Figur aus dem Gefolge des Bacchus mit 

erhobenem Tamburin. Im Hintergrund die weite Landschaft 

im abendlichen Licht der gerade untergegangenen 

Sonne. Feine, qualitätvolle Malerei, bei der das 

helle Inkarnat der Ariadne und der leicht gebräunte 

Körper des Bacchus gegenüber dem dunklen Hintergrund 

besonders hervorgehoben werden. Rest., teils 

Retuschen. 

Provenienz: 

Deutsche Privatsammlung. 

Auktionhaus Lempertz, Auktion 1132, Fine Art, 

18.05.2019, Lot 1263. 

Sammlung Chatsworth Castle, England, Auktion in 

„Chatsworth: The Attic Sale“, Sotheby‘s, London, 

5.-7.10.2010, Lot 66. 


1624 ROME – 1706 NAPLES 

ARIADNE AND BACCHUS 


145 x 193 cm. 

Professor Riccardo Lattuada and Laura Raucci attribute 

the painting to the artist and dated it ca. 1690 – 1700 in 

their monograph on the painter. 

The painting illustrates an ancient legend according to 

which Ariadne was found by the youthful wine god 

Bacchus in front of a cave on the island of Naxos after 

having been abandoned there by Theseus. 

Provenance: 

Private collection, Germany. 

Lempertz Auction House, Auction 1132, Fine Art, 

18 May 2019, lot 1263. 

Collection Chatsworth Castle, England, Auction 

in “Chatsworth: The Attic Sale”, Sotheby’s London, 

5 – 7 October 2010, lot 66. 

Notes: 

The painting is similar to a depiction of the same subject 

by Luca Giordano (1634-1705) held in Verona 

(Museo di Castelvecchio). 

Literature: 

Riccardo Lattuada, Laura Raucci, Vita e opere di 

Giacomo Farelli (1629-1706). Artista e gentiluomo 

nell’Italia Barocca, Todi 2020, p. 287-288, A83. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Die Darstellung ähnelt einer Darstellung desselben 

Themas von Luca Giordano (1634-1705) in Verona 

(Museo di Castelvecchio). Auch viele andere Maler 

haben sich diesen Themas angenommen, so auch 

Tizian, dessen Gemälde um 1520-1523 entstand. 

Literatur: 

Riccardo Lattuada, Laura Raucci, Vita e opere di 

Giacomo Farelli (1629-1706). Artista e gentiluomo 

nellÍtalia Barocca, Todi 2020, S. 287-288, A83. 

(1290601) (18) 



97

247 


1624 ROM – 1706 NEAPEL 

ALLEGORIE DER CARITAS 


204 x 98 cm. 

In breitem marmoriertem Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Nicola Spinosa, Neapel, 

ohne Datum, in Kopie. 

Die großformatige Leinwand zeigt vor einem Architekturversatzstück 

die allegorische Figur einer jungen 

Frau, die im Begriff ist, drei Kinder zu nähren, welche 

sie umspielen. Farelli war Schüler von Andrea Vaccaro, 

folgte jedoch schon bald dem Stil von Guido Reni 

(1575-1642) und Luca Giordano (1643-1705). Viele seiner 

Gemälde sind als Fresko oder auf Leinwand von 

sakralen Themen durchzogen und befinden sich in 

den Kirchen Neapels. Seine erste bekannte Altararbeit 

in der Chiesa dell’Arciconfraternita della Trinità dei Pellegrini 

ist von ihm signiert und datiert 1652. Ein Gemälde 

mit Bathseba im Bade, welches annähernd die 

gleichen Maße aufweist wie das hier angebotene 

Werk, ist in einer italienischen Privatsammlung zu finden 

und wird von Spinosa auf ca. 1676-1683 datiert. 

1693 zog Farelli nach Pisa, wo er den Palazzo Pubblico 

ausgestaltete- hierbei bediente er sich Darstellungen 

biblischen, historischen aber auch mythologischen Inhaltes. 

Eine Darstellung mit Venus und Adonis etwa 

befindet sich in Melfi in der Basilicata, ein „Samson 

und Dalila“ sowie ein „Raub der Sabinerinnen“ befinden 

sich in einer Privatsammlung. 


1624 ROME – 1706 NAPLES 

ALLEGORY OF CARITAS 


204 x 98 cm. 

Accompanied by a copy of an expert’s report by Nicola 

Spinosa, Naples, n.d. 

Literature: 

cf. Achille della Regione, Giacomo Farelli: Opera 

completa, Naples 2011. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Literatur: 

Vgl. Achille della Ragione, Giacomo Farelli: Opera 

completa, Neapel 2011. (1281185) (2) (13) 


248 

LOMBARDISCHER MALER DES 17. JAHRHUNDERTS 

DAS MARTYRIUM DES HEILIGEN STEPHANUS 


126 x 93 cm. 


Der Heilige Stephanus ist im Neuen Testament ein 

Diakon der Jerusalemer Urgemeinde. Er wurde vor 

dem Hohen Rat angeklagt und verteidigte sich, zudem 

sagt er „Ich sehe den Himmel offen und den Menschensohn 

zur Rechten Gottes stehen.“ Mit diesen 

Worten machte er die Mitglieder des Rates so wütend, 

dass sie den Auftrag gaben, ihn vor der Stadt zu 

steinigen. Das Gemälde zeigt den Heiligen in der weißen 

Dalmatik eines Diakons, in stark bewegter Haltung 

mit hochgerissenem linkem Arm und den Blick 

zum Himmel gerichtet, in dem er Gottvater und Jesus, 

teils umhüllt von einem wehenden weißen Gewand 

und ein großes Holzkreuz in seinem linken Arm haltend, 

sieht. Zudem zwei fliegende Putti, von denen einer 

eine Krone und eine Märtyrerpalme, eines der Attribute 

des Heiligen, hält. Linksseitig ein Soldat zu Pferde 

in Rüstung, der den Befehl zur Steinigung erteilt, die 

rechtsseitig von zwei kräftigen Männern mit erhobenen 

Armen, große Steine haltend, ausgeführt wird. Stark 

bewegte Darstellung, bei der der Heilige durch seine 

weiß-goldene Kleidung besonders hervorgehoben 

wird, während im Hintergrund Gebäude der Stadt zu 

erkennen sind. Retuschen. (1281188) (2) (18) 

SCHOOL OF LOMBARDY, 17TH CENTURY 

THE MARTYRDOM OF SAINT STEPHEN 


126 x 93 cm. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


249 

JOACHIM VON SANDRART, 

1606 FRANKFURT AM MAIN – 1688 NÜRNBERG 

BILDNIS EINER ADELIGEN DAME MIT 

DEN ATTRIBUTEN DER HEILIGEN CÄCILIA 


103 x 82 cm. 

Beigegeben ein Gutachten von Peter van den Brink, 

Aachen, das Gemälde dem genannten Künstler zuschreibend. 

Dreiviertelbildnis einer an einer Hausorgel sitzenden 

jungen Adeligen, nahezu in Lebensgröße wiedergegeben. 

Der Blick dem Betrachter entgegengerichtet. 

Die rechte Hand hält sie auf die Tastatur, die linke an 

den Busen, gleichzeitig einen dünnen Schleier haltend, 

der von ihrer Haube herabzieht. Ihre höfische Kleidung 

ist insofern idealisiert, als sie hier ein rotes Kleid mit 

goldfarbenem Brokatmantel trägt, innen blau gefüttert, 

ein Kleidungsstück, das in dieser Erhöhung auch 

bei Bildnissen der Heiligen Cäcilia - Patronin der Kirchenmusik 

- zu finden ist. Dennoch trägt sie eine Perlenkette 

mit Perlenohrring und am Kleidersaum eine Goldbordüre 

mit Edelstein-Agraffe. Ihr Haar fällt in dunklen 

Locken zur Schulter herab. Die Orgel ist kunstvoll gebaut, 

die Pfeifen zwischen vergoldeten Atlanten, die 

die Abdeckung tragen. Im Hintergrund erscheint eine 

jugendliche Engelsfigur. Insgesamt mit Kleid und Flügel 

in deutlich zarteren Farben wiedergegeben, was 

diese Gestalt als „Erscheinung“ wirken lässt. Der Engel 

hält ein Notenblatt und deutet mit dem rechten 

Zeigefinger auf die Noten um der adeligen Musikerin 

die musikalischen Hinweise zu geben. Gedanklich ist 

dieses Motiv zu verstehen als himmlische Eingebung 

der Musik und Komposition. Im Hintergrund ein 

grünes Velum, leicht nach rechts zurückgezogen mit 

Blick auf eine Bogenarchitektur mit kurzem Landschaftsausblick 

auf eine Baumkrone. 

Das Gemälde wurde früher Gerard Deleres zugeschrieben, 

es erfolgte jedoch durch Peter van den 

Brink eine weitaus überzeugendere Zuordnung an 

Joachim von Sandrart. Die Zuschreibung stützt sich 

vor allem auf stilistische Vergleiche mit den bekannten 

Monatsbildern, die Sandrart für den bayerischen 

Herzog Maximilian I in den Jahren 1642-44 schuf, die 

sich heute im Schloss Schleißheim befinden. In Sitzhaltung, 

Körperausführung und anderen Details lassen 

sich Parallelen zu mehreren Gemälden dieses Monatszyklus 

finden, allerdings ist nach Meinung des Gutachters 

das Gemälde nicht in München, sondern nach 

seiner Rückkehr in Amsterdam 1644 entstanden. 

Sandrart, der zunächst in der Druckgrafik bei Isselburg 

in Nürnberg arbeitete, danach bei Sadeler in Prag, hielt 

sich zwischen 1624/25 in der Werkstatt von Gerard 

Honthorst in Utrecht auf, lernte 1627 Rubens kennen 

und begann nach einem Aufenthalt in London 1629 

seine Reise nach Italien, wo er sich 1632 in Rom niederließ 

und dort weitere acht Jahre blieb. Nach Vermutung 

von Van dem Brink könnte es sich bei der 

Darstellung um Alida Bicker handeln. 

JOACHIM VON SANDRART, 

1606 FRANKFURT ON THE MAIN – 

1688 NUREMBERG 

PORTRAIT OF A NOBLEWOMAN WITH 

THE ATTRIBUTES OF SAINT CECILIA 


103 x 82 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Peter van den 

Brink, Aachen attributing the painting to the artist. 

Three-quarters format portrait of a young noblewoman 

sitting by a house organ almost in life size format. 

Van den Brink believes this could be a depiction of 

Alida Bicker. 

Literature: 

Christian Klemm, Joachim von Sandrart: Kunstwerke 

und Lebenslauf, Berlin, 1986. 

€ 45.000 - € 55.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Literatur: 

Christian Klemm, Joachim von Sandrart: Kunstwerke 

und Lebenslauf, Berlin 1986. (1281451) (10) 


249 A 

PETER PAUL RUBENS (1577–1640) 

UND WERKSTATT, ZUG. 

VIRTUS UND FORTUNA TRIUMPHIEREN 

ÜBER DIE WOLLUST DES BACCHUS 


145 x 170 cm. 

In barockisierendem bronziertem Rahmen. 

In der Komposition in Form eines Rhombus stellt der 

Maler die Figurengruppe in einer besonders vom 

Lichteinfall begünstigten Weise hervor: Es sind die 

Virtus mit ihrem Helm mit Federbusch und die schräg 

vor ihr auf der Weltenkugel mit einem Ruder und wehendem 

Velum sitzende Fortuna. Die beiden allegorischen 

Figuren reichen sich die Hand. Ihnen wird ein 

Lorbeerkranz und ein Zepter überreicht von einem 

Genius mit von Früchten gefülltem metallisch schimmerndem 

Füllhorn, der wiederum von zwei geflügelten 

Puttowesen überfangen wird. Sein Knie, sowie 

das der Virtus ruht auf dem Rücken des die Rhombusform 

komplettierenden in gewagter und doch gekonnt 

ausgeführter Verkürzung wiedergegebenen 

Bacchus, den wir gut aus anderen Gemälden von Rubens 

und seiner Werkstatt kennen – sein trunkener 

Körper liegt bäuchlings auf dem Boden, die Ursache 

seiner Trunkenheit und der damit verbundenen unkontrollierten 

Wollust, nämlich ein metallisches antikisierendes 

Trinkgefäß, liegt ebenfalls auf dem Boden 

am unteren Bildrand, von seinen Fingern noch umkrallt. 

Besonders die Figurengruppe von Virtus und 

Fortuna ist uns wohl bekannt aus einem Gemälde, 

das im Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, 

Argentinien (Inv.Nr. 8629) verwahrt wird und die 

beiden Figuren seitenverkehrt wiedergibt (siehe Vergleichsabb.). 

Seitenrichtig wiederum ist eine Werkstattarbeit 

im Musée Grobet Labadié in Marseille zu 

nennen, das jedoch einen geflügelten Mann und eine 

Frau zusätzlich zeigt, die nach der behelmten Figur zu 

greifen sucht – Michael Jaffé bezeichnete das Gemälde 

als „Allegorie der guten Regierung“, Erwin Panofsky 

erkannte die beiden weiblichen Hauptfiguren als 

Fortuna und Virtus. Eine ähnliche Ikonografie kennen 

wir etwa aus einer Allegorie mit Blick auf die Zitadelle 

in Antwerpen aus dem Jahre 1634 im Musée des 

Beaux-Arts in Besançon. Komplizierte verkürzte Figuren 

sind im Werk des Rubens und seiner Werkstatt 

keine Seltenheit und werden gern für ein dramatisches 

Schicksal erleidende Figuren wie etwa „Der gefesselte 

Prometheus“ („Prometheus Bound“) im Philadelphia 

Museum of Art (Inv.Nr. W1950-3-1) verwendet, 

wodurch die an den Betrachterraum angrenzende Figur 

– wie hier der Bacchus – eine optimale Einleitung 

in das Seh- und Empfindungserlebnis durch den Betrachter 

bietet. Das hier angebotene Gemälde ist von 

hoher Qualität und zeigt mit seiner fleischigen Körperlichkeit, 

der geschlossenen geschickten Komposition 

und dem Rubensschen Kolorit eine große Nähe 

zu dem wohl größten nordalpinen Barockmaler und 

seiner Werkstatt. (†) 

Anmerkung: 

Die rechte Rückenfigur ist eine etwas im Uhrzeigersinn 

nach rechts gedrehte Variante der rechten Rückenfigur 

in „Die Auffindung des kleinen Erichthonios“ von 

1616 von Peter Paul Rubens, die in den Sammlungen 

des Fürsten von und zu Liechtenstein, Vaduz/Wien 

aufbewahrt ist und mit 218 x 317 cm noch größer ist, 

als das hier angebotene qualitätvolle Gemälde. 

Bezüglich der weiblichen Figur mit Helm vergleiche 

auch das Gemälde „Tod und Sieg des römischen Konsuls 

Decius Mus“ von 1616/1617. Rubens verwendete 

solche häufig in seinen Gemälden und variierte vergoldete 

Akzente, Federaufsätze und Aufsatzfiguren. 

Meist sind es Adler, im hier vorliegenden Gemälde 

eine Schlange. Auch hinsichtlich der entblößten Brust 

und des Erdballmotivs, der Schnürung der Sandalen 

durch rote Bänder und das rote Gewand insgesamt, 

lassen sich die Virtusfiguren gut vergleichen. 

Literatur: 

Vgl. Johann Kräftner (Hrsg.), Vorbild Rubens. 

Liechtenstein Museum Wien, München 2004. 

(1291418) 



105

PETER PAUL RUBENS (1577–1640) 

AND WORKSHOP, ATTRIBUTED 

VIRTUS AND FORTUNA TRIUMPH OVER THE LUST 

OF BACCHUS 


145 x 170 cm. 

In Baroque-style bronzed frame. 

The artist focuses on a group of illuminated figures in 

this rhombus-shaped composition. They are the goddesses 

Virtus with a plume helmet and Fortuna sitting 

on a globe diagonally in front of her with an oar and 

blowing cloth. The figural group of Virtus and Fortuna 

are particularly known from a painting held at the 

Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, Argentina 

(inv. no. 8629) which shows the two figures 

inverted (see comparative ill.). 

Complicated, foreshortened figures are not uncommon 

in Rubens’ œuvre and his workshop and are often 

used for figures suffering a dramatic fate such as 

“Prometheus Bound” in the Philadelphia Museum of 

Art (inv. no. W1950-3-1), whereby the figure nearest 

the viewer – like Bacchus in this lot – offers an ideal 

introduction to the viewer’s visual and sensory experience. 

The painting offered here is of high-quality and 

with its fleshy physicality, skilful closed composition, 

and its typical Rubens-like colouration, it shows a 

great proximity to the probably greatest north Alpine 

Baroque painter and his workshop. (†) 

Notes: 

cf. The figure on the right with its back turned is a 

variant of the figure in “The Discovery of little Erichthonius” 

from 1616 by Peter Paul Rubens from the 

collections of the Prince of Liechtenstein, Vaduz/ 

Vienna and measuring 218 x 317 cm it is even bigger 

than the high-quality painting on offer for sale here. 

Regarding the female figure with helmet, compare the 

painting “Death and Victory of the Roman Consul 

Decius Mus” from 1616/1617. Rubens often used 

these in his paintings and varied gilt accents, feather 

attachments and applied figures. They are mostly 

eagles, but it is a snake in the present painting. 

Literature: 

cf. Johann Kräftner (ed.), Vorbild Rubens, Liechtenstein 

Museum Wien, Munich 2004. 

€ 280.000 - € 350.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Vergleiche: Die Auffindung des kleinen Erichthonios von 1616 

in den Liechtensteinischen Sammlungen 

Vergleiche: Gemälde mit Virtus und Fortuna im Museo 

Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, Argentinien 


250 

JÜRGEN OVENS, 

1623 TÖNNING – 1678 FRIEDRICHSTADT, ZUG. 

DOPPELPORTRAIT MIT FRAU UND MÄDCHEN 


125 x 103 cm. 

Verso mit mehreren Sammlungsetiketten und Nummerierungen. 

In vergoldetem ornamental verziertem Rahmen mit 

Künstlernennung. 

Ein Innenraum wird vor allem durch seinen Ausblick 

in den städtischen Hintergrund definiert, der links 

durch einen roten Vorhang begrenzt wird. Rechts sitzend 

eine ältere Frau, vor ihr ein Mädchen in hellem 

Gewand, offensichtlich im Gegenzug für mitgebrachte 

Blumen eine Münze empfangend. 

Provenienz: 

Louis Bernard Coclers, Leiden/Paris/Amsterdam/Luik. 

Verkauft 1816 per Auktion bei Philippus van der Schley, 

Lot 38. 

Fideikomiss-Galerie Hannover, 1905, Nr. 276. 

Sammlung B. Hausmann, Hannover, Nr. 162, 

als Govaert Flinck. 

Sotheby’s, London, 12. Mai 1992, Lot 155. 

Anmerkung: 

Das Gemälde wird heute beim RKD in Den Haag unter 

der Inv.Nr. 138226 als Jürgen Ovens zugeschrieben 

dokumentiert. 

Literatur: 

Werner Sumowski, Gemälde der Rembrandt-Schüler, 

Landau/Pfalz 1983, S. 2223, Nr. 33, als möglicherweise 

von L. de Jongh. 

Katalog der zur Fideikommiss-Galerie des Gesamthauses 

Braunschweig und Lüneburg gehörigen 

Sammlung von Gemälden und Skulpturen im Provinzial-Museum, 

Nr. 276. (1290761) (1) (13) 

JÜRGEN OVENS, 

1623 TÖNNING – 1678 FRIEDRICHSTADT, 

ATTRIBUTED 

DOUBLE PORTRAIT OF A WOMAN AND GIRL 


125 x 103 cm. 

Provenance: 

Louis Bernard Coclers, Leiden/Paris/Amsterdam/ 

Luik. 

Sold in 1816 at auction at Philippus van der Schley, 

lot 38. 

Fidei-Komiss-Galerie Hannover, 1905, no. 276. 

B. Hausmann collection, Hannover, no. 162, as 

Govaert Flinck. 

Sotheby’s, London, 12 May 1992, lot 155. 

Notes: 

The painting is today listed at the RKD in The Hague 

with number 138226 and described as attributed to 

Jürgen Ovens. 

Literature: 

Werner Sumowski, Rembrandt Schüler, Landau/Pfalz 

1983, p. 2223, no. 33, possibly as L. de Jongh. 

Catalogue of the Fideikommiss gallery of the entire 

house in Braunschweig and Lüneburg: collection of 

paintings and sculptures belonging to the Provinzial- 

Museum, no. 276. 

€ 13.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


251 

PETER PAUL RUBENS UND WERKSTATT, 

1577 SIEGEN – 1640 ANTWERPEN 

BILDNIS DES ERZHERZOGS ALBRECHT VII VON 

ÖSTERREICH (13. NOV. 1559 WIEN - 13. JULI 1621 

BRÜSSEL) 


126 x 99 cm. 

Dem Gemälde sind ein Gutachten von Prof. Justus 

Müller Hofstede, Bonn, vom 30. X. 2007, sowie dokumentierende 

Beschreibungen und Provenienz- 

Nennungen beigegeben, mit Bildvergleichen, etwa zu 

dem ebenfalls von Rubens geschaffenen Bildnis um 

1609 (dort vor rotem Hintergrund, danach Kupferstich 

von 1615). Das Gutachten datiert das Werk um 1616. 

Der österreichische Erzherzog, Sohn Kaiser Maximilians 

II. und der Infantin Maria, Tochter Kaiser Karls V., hier 

im Halbbildnis nach rechts wiedergegeben. Der Hofmode 

der Zeit gemäß in „habsburgisch“ schwarzer 

Kleidung, mit breiter, gefältelter Halskrause, in feiner 

Spitze gearbeitet. Der Kopf leicht schräg gehalten, 

der Blick dem Betrachter zugewandt, über der hohen 

Stirn braunes, kurzes Haar, mit kurzem spitzem Kinnbart 

und seitlich ausgedrehtem Lippenbart. Über das 

schwarze Wams die Goldkette mit dem Orden vom 

Goldenen Vlies gelegt, in gleicher Weise heben sich die 

Goldknöpfe sowie der fein gestickte schmale Gürtel ab. 

Der dunkle Hintergrund hebt – zusammen mit der 

schwarzen Kleidung – das Gesicht prominent hervor. 

Wie in der höfischen Porträtmalerei üblich, ist die 

Grundkomposition und die Ausführung des Porträts 

jeweils ein Werk des Meisters, der seine Werkstatt 

zur Fertigung der weniger anspruchsvollen Details, wie 

Kleidung, Accessoires oder Hintergrund heranzog. 

Albrecht wurde als Sohn Kaiser Maximilians, am spanischen 

Hof Philipps II. erzogen und war als fünfter 

Sohn zunächst für den geistlichen Stand vorgesehen. 

1577 durch Papst Gregor XIII. zum Kardinal erhoben, 

erhielt er 1580 die Würde des Kardinaldiakons der Hl. 

Kreuz-Kirche in Jerusalem. Die priesterlichen Weihen 

hat er jedoch nie erhalten, verließ den geistlichen 

Stand und verehelichte sich mit der Infantin Isabella 

Clara Eugenia, der Tochter Philipps II. und wurde damit 

Erbe der Niederlande und Herzog von Burgund. 1609 

schloss er, nach einer Niederlage, mit Moritz von Oranien 

den 12-jährigen Waffenstillstand, und starb 1621 

vor erneutem Kriegsbeginn. Albrecht war ein bedeutender 

Mäzen der Musik, der Literatur, in der Bildenden 

Kunst vor allem des Malers P. P. Rubens und der 

Niederländischen Kunst des Goldenen Zeitalters. 

In diesem Sinne ist das vorliegende Gemälde ein bedeutendes 

Dokument der Begegnung zwischen dem 

Mäzen Albrecht VII. und dem Maler Rubens. 

Provenienz: 

Sammlung Baron Axel Wenner – Gren, Castle Haeringen, 

Stockholm. 

Sammlung Frey-Naepflin, Stansstad/Nidwalden 

Schweiz. 

Anmerkung: 

Eine vergleichbare Darstellung im Dreiviertelbildnis 

nach rechts, an einem Tisch stehend (119 x 92 cm., 

Althorp House / Northhamptonshire, The Earl Spencer)- 

Gegenstück zum Bildnis d. Erzherzogin Isabella 

Clara Eugenia. 

Literatur: 

Semblantes, Colcción Granados, dort zit.: Vlieghe, 

1987, Diaz Padron, 1985, Vol. II. pp. 1076 f. 

J. Müller-Hofstede, A Chronology oft the Portraits 

of Albert and Isabella, o. J. (1290146) (10) 

PETER PAUL RUBENS AND WORKSHOP, 

1577 SIEGEN – 1640 ANTWERP 

POTRAIT OF ALBRECHT VII ARCHDUKE OF 

AUSTRIA (13 NOV. 1559 VIENNA - 13. JULY 1621 

BRUSSELS) 


126 x 99 cm. 

Provenance: 

Baron Axel Wenner Collection – Gren, Castle Haeringen, 

Stockholm. 

Frey-Naepflin Collection, Stansstad/ Nidwalden 

Switzerland. 

Notes: 

A comparable representation in three-quarter portrait 

to the right, standing at a table (119 x 92 cm., Althorp 

House/ Northhamptonshire, The Earl Spencer)- counterpart 

to the portrait of Archduchess Isabella Clara 

Eugenia. 

Literature: 

Semblantes, Colcción Granados, there cited: Vlieghe, 

1987, Diaz Padron, 1985, vol. II. pp. 1076 f. 

J. Müller-Hofstede, A Chronology of the Portraits 

of Albert and Isabella, n.y. 

€ 90.000 - € 110.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


252 

GIOVAN BATTISTA RECCO, 

UM 1615 – UM 1660, 

IN ZUSAMMENARBEIT MIT GIUSEPPE DI GUIDO, 

GENANNT „MEISTER VON FONTANAROSA“ 

KÜCHENSTILLLEBEN MIT MESSING- UND 

KUPFERGEFÄSSEN SOWIE ZWEI DIENERN 


118 x 174 cm. 

Ungerahmt. 

Dem Gemälde ist ein Schreiben von Nicola Spinosa 

vom März 2020 beigegeben - im Zusammenhang der 

Komplettierung des Werkverzeichnisses - mit Bestätigung 

der beiden genannten Maler als Urheber des 

Gemäldes, mit Hinweis darauf, dass das Werk in die 

Zeit Anfang der 1630er-Jahre zu datieren ist. 

Das höchst qualitätvolle Gemälde ist betont großformatig 

angelegt. Die Gegenstände nebeneinandergestellt 

in ruhiger Ordnung, von links beleuchtet, was 

den metallischen Glanz, vor dem völlig dunklen Hintergrund, 

besonders zur Wirkung bringt. Im Hintergrund 

zwei Diener, hinter den großformatigen Küchengeräten, 

nur im Halbbildnis wiedergegeben, einander zugewandt. 

Dabei ist die Figur links im Bild in schräger 

Körperhaltung mit Bart und einem leuchtend weißen, 

turbanartig geflochtenem Kopftuch gezeigt, womit 

der Maler eine bewusste Aufhellung im Bild zu erzielen 

suchte. Die Figur am rechten Bildrand eher etwas 

verschattet, mit einer roten Kappe und grau-grüner 

Joppe. In der Zusammenführung der beiden Bildgattungen, 

wie Genrebild und Stillleben, überwiegt hier 

Letzteres, wobei die metallischen Gegenstände in 

betonter Größe wiedergegeben sind, wie etwa der 

Dreifußkessel rechts mit darin eingestellter Schnabelkanne, 

der liegende glänzende Eimer im Zentrum des 

Bildes sowie die Kupfer- und Messingkessel mit Tellern 

und Besteck sowie einem kupfernen Deckel im linken 

Bildteil. Neben der äußerst gekonnten Wiedergabe 

der glänzenden Metalleffekte, hat der Maler auch einen 

großen glasierten Tonkrug ins Bild gesetzt, den der 

Diener links im Bild umfängt, mit dunkelgrüner, braun 

und rötlich gesprenkelter Keramikglasur. Zweifellos 

wollte der Künstler hier ein Höchstmaß an malerischer 

Fähigkeit Metallglanz darzustellen erreichen. Im 

Sinne dieser Gattungsspezialisierung ist im vorliegenden 

Gemälde die Zusammenarbeit der beiden genannten 

Maler zu erkennen, wobei der Anteil des 

Stilllebens dem Maler Giovan Battista Recco zuzuweisen 

ist, die Figuren dagegen schuf Giuseppe di Guido, 

dessen Gesamtwerk hier auch überwiegend in der 

Wiedergabe des Körperlichen liegt, wie etwa sein berühmtes 

Gemälde des „Heiligen Hieronymus“, um 

1620/40 zeigt. A.R. 

Giuseppe di Guido (geb. um 1590) war tätig in Süditalien 

und Neapel in den Jahren zwischen 1620 und 

1640. (1291471) (11) 

GIOVAN BATTISTA RECCO, 

CA. 1615 – CA. 1660, 

IN COLLABORATION WITH GIUSEPPE DI GUIDO, 

ALSO KNOWN AS “MASTER OF FONTANAROSA” 

KITCHEN STILL LIFE WITH BRASS AND COPPER 

VESSELS AND TWO SERVANTS 


118 x 174 cm. 

Unframed. 

Accompanied by confirmation letter by Nicola Spinosa 

dated March 2020 regarding the attribution to the artists 

and dating the painting to the early 1630s in connection 

with the catalogue raisonné. 

The painting is of large landscape format and executed 

in high quality. The items are placed in order next 

to each other and lit from the left, which especially 

highlights the metallic sheen against the dark background. 

With regards to the specialization in this genre 

the collaboration between these two artists is revealing 

whereby 

Giovan Battista Recco painted the still life and Guiseppe 

di Guido the figures, who focused predominantly 

on figural paintings in his ouvre as for example 

the famous “Saint Jerome”, created ca. 1620/40. 

Giuseppe di Guido (born ca. 1590), active in Southern 

Italy and Naples between 1620 and 1640. 

€ 24.000 - € 28.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


253 

LORENZO PASINELLI, 

1629 BOLOGNA – 1700 EBENDA, ZUG. 

BILDNIS EINER VORNEHMEN DAME 

MIT HÜNDCHEN 


126 x 104 cm. 


Vor schwarzem Hintergrund sowie einem roten, zur 

linken Seite gerafften schweren Brokatvorhang das 

Dreiviertelbildnis einer eleganten jungen Dame in einem 

eng gegürteten, überwiegend schwarzen Kleid. 

Am Kragen und über den Schultern mit reicher weißer 

Spitze, dazu mit reichen mehrfarbigen, teils goldenen 

Bordüren, Verzierungen, Knöpfen und Schleifen, die 

auch die Ärmel und den Bereich der Unterarme zieren. 

Dazu eine dunkle Kopfbedeckung mit Schleifen 

linksseitig und Schmuckbroschen; des Weiteren eine 

Perlenkette um den Hals, Ohrgehänge und jeweils 

einem Ring auf jeder Hand. Sie hat leicht rötliches 

Haar mit sorgsam herabhängenden Locken, ein feines 

zartes Inkarnat mit rötlichen Wangen und mit ihren 

glänzenden braunen Augen schaut sie würdevoll aus 

dem Bild auf den Betrachter hinaus. Ihre linke Hand 

ruht auf einem kleinen weißen struppigen Hündchen 

mit braun glänzenden Augen, das auf einem Tischchen 

mit rötlicher Decke hockt. Dahinter erkennbar 

ein größerer, rot gedeckter Tisch mit einer Prunkvase 

und einem prachtvollen Gebinde mit roten, weißen 

und gelben Blumen, darunter Anemonen, Chrysanthemen, 

Tulpen und Narzissen. Repräsentative Darstellung 

mit prachtvollen, teils minutiös herausgearbeiteten 

Details in harmonischer Farbgebung, die 

Frau durch ihre Kleidung mit weißer Spitze besonders 

vor dem dunklen Hintergrund hervorgehoben. Minimale 

Retuschen. Am Rand teils leicht durch Rahmung 

berieben. Teils kleinere Rahmenschäden. 

(1290441) (3) (18) 

LORENZO PASINELLI, 

1629 BOLOGNA – 1700 IBID., ATTRIBUTED 

PORTRAIT OF A GENTLEWOMAN WITH 

LITTLE DOG 


126 x 104 cm. 

€ 18.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



115

254 

JAN BRUEGHEL D. J., 

1601 ANTWERPEN – 1678 EBENDA 

gemalt in den späten 1630er-Jahren in Antwerpen 

VASE MIT PRACHTVOLLEM BLUMENSTILLLEBEN 

Öl auf Holz. 

34,5 x 25 cm. 

Verso im Holz Ritzmonogramm „MV“, steht für den 

Plattenhersteller Michiel Vriendt. 


Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen 

vom 6. November 2021. 

Vor dunklem Hintergrund, auf einer hellbraunen Platte 

stehend, eine bauchige weiß-blaue Vase mit Blättern 

und Vogelmotiv, darin das große prachtvolle Blumenstillleben. 

Zu finden sind darin Rosen, Tulpen, Nelken, 

eine Schachbrettblume, eine Schwertlilie sowie zahlreiche 

Kleinblütler. Neben der Vase links ein paar kleine 

gelbe Blüten und rechts die Blüten eines Vergissmeinnichts. 

Prachtvolle qualitätvolle und farbenfrohe Malerei, 

bei der die Blumen gegenüber dem dunkel gehaltenen 

Hintergrund besonders gut zur Geltung kom men. 

Die Buntheit der Blumenstillleben dieser Zeit ist als 

ein charakteristischer Ausdruck der angestrebten Lebensfülle 

generell des Barock zu sehen. Teils Retuschen. 

(1290894) (18) 

JAN BRUEGHEL THE YOUNGER, 

1601 ANTWERP – 1678 IBID. 

VASE WITH MAGNIFICENT FLOWER STILL LIFE 

Oil on panel. 

34.5 x 25 cm. 

Verso monogram “MV” incised in wood, for the 

panelmaker Michiel Vriedt. 

Accompanied by an expert’s report by Dr. Klaus Ertz, 

Lingen from November 6, 2021. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


255 

PIETRO PAOLINI, 

1603 LUCCA – 1681 EBENDA 

Paolini wurde bereits sechzehnjährig nach Rom geschickt 

um unter der Anleitung von Angelo Caroselli 

zu arbeiten und sich die verschiedensten Malerschulen 

der Bologneser und Florentiner zu eigen machen zu 

können. Dabei ist sein Stil stark vom Caravaggismus 

beeinflusst worden. 1628 in Venedig, kehrt er bereits 

1631 in seine Heimatstadt Lucca zurück, wo er 1640 

seine eigene Akademie zur Ausbildung lokaler Künstler 

gegründet hat. Von Giacomo Sardini (1751-1811) 

wurde er erstmals in großem Stile als einer der strahlensten 

Maler der Luccesischen Schule gewürdigt. 

Der Einfluss aus dem Kreis von Bartolomeo Manfredi 

ist unverkennbar. 

JUNGER GITARRESPIELER 


73 x 60 cm. 

In ebonisiertem Holzrahmen. 

Beigegeben in Kopie ein Gutachten von Prof. Patrizia 

Giusti Maccari. 

Das vorliegende Werk ist zudem bei der Fondazione 

Zeri unter Nummer 55820 mit Abbildung dokumentiert 

als Pietro Paolini 

1928 wurde das angebotene Gemälde von Adolfo 

Venturi noch Caravaggio zugeschrieben. 

Vor unbestimmtem Hintergrund das Hüftportrait eines 

leicht nach links gewandten jungen Mannes eine Gitarre 

spielend, die er in geschickter optischer Verkürzung 

in den Betrachterraum hält. Wenngleich das Gemälde 

noch 1928 als Werk Caravaggios galt, erkannte 

Federico Zeri es jedoch als eigenhändiges Werk des 

lucchesischen Malers Pietro Paolini an. Giusti Maccari 

datiert das Gemälde in ihrem mehrseitigen Gutachten 

auf ca. 1625 - 1630. Ein Hauptaugenmerk seines 

Schaffens lag auf allegorischen Gemälden und auf 

Portraits- und vermutlich haben wir es hier mit einer 

Kombination beider Typoi zu tun, so weißt die Nase 

auf portraithafte Züge hin, während die Gitarre auch 

als Allegorie des Gehörs verstanden werden kann. Im 

Walters Art Museum wird etwa die Allegorie der Fünf 

Sinne verwahrt, in der freilich der allgegenwärtige Caravaggismus 

der Zeit mit seinen Chiaro- Scuro Effekten 

mitschwingt. Überhaupt scheint Musik eines seiner 

Lieblingsthemen zu sein, so wird das 1620-1630 

entstandene Gemälde „Konzert“ im Dallas Museum 

of Art aufbewahrt, welches ebenso wie das hier angebotene 

Gemälde in die Anfangsjahre seiner Römischen 

Tätigkeit fällt. 

Provenienz: 

Laut Fondazione Zeri Römische Privatsammlung. 

(1291771) (13) 

PIETRO PAOLINI, 

1603 LUCCA – 1681 IBID. 

YOUNG GUITAR PLAYER 


73 x 60 cm. 

A copy of the expert‘s report by Professor Patrizia Giusti 

Maccari is enclosed. The present painting is also 

listed with an illustration at Fondazione Zeri under n. 

55820 and described as by Pietro Paolini; when the 

painting was offered for sale by Adolfo Venturi in 1928 

it was attributed to Caravaggio. Although the painting 

was still considered a work by Caravaggio in 1928, 

Federico Zeri recognized it as an original work by the 

Lucca painter Pietro Paolini. Giusti Maccari dates the 

painting in her multi-page report to around 1625- 

1630. In his multi-page report Giusti Maccari dates 

the painting to ca. 1625 - 1630. The Walters Art Museum, 

for example, holds The Allegory of the Five Senses, 

which resonates with the omnipresent Caravaggism 

and its chiaroscuro typical for the time. Music 

seems to have been one of his favourite subjects generally, 

like the painting Concert (1620-1630) held at 

the Dallas Museum of Art for example, which dates 

to his early years in Rome like the painting offered for 

sale here. 

Provenance: 

According to Fondazione Zeri held in private collection, 

Rome. 

€ 80.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


256 

NICOLAES MAES, 

1634 DORDRECHT – 1693 AMSTERDAM 

PORTRAIT EINES JUNGEN MANNES MIT WEISSEM 

KRAGEN IN EINER PARKLANDSCHAFT 


131,4 x 108,5 cm. 

Trägt rechts unten eine Signatur „N. Maes (?)“. 

In aufwändig gestaltetem bronziertem Rahmen. 

Als Dreiviertelstück führt uns der Maler einen etwas 

nach rechts gewandten jungen Herrn vor, der fast 

den gesamten Bildraum bedeutungsvoll einnimmt. 

Ein architektonisches Versatzstück am rechten Rand 

dient dem rechten Unterarm als Halt, während die 

linke Hand in die Seite gestützt ist. Die zeittypische 

manierierte Drehung korrespondiert spiegelbildlich 

mit einer links im Mittelgrund stehenden camaieufarbenen 

Marmorskulptur, die den Hintergrund als Park 

markiert, der vermutlich mit der dargestellten Person 

in Verbindung stehen könnte. Ein ähnliches Portrait, 

ebenfalls in Parklandschaft, ist von Maes signiert und 

wird beim RKD in Den Haag unter Inv.Nr. 195487 dokumentiert. 

Provenienz: 

Privatsammlung Brüssel oder Antwerpen. 

Von da über Van Herck, Antwerpen, 24. Oktober 

19927, Lot 57, an: 

Alphonse Giroux, Brüssel. 

Dessen Auktion: 

Brüssel, Giroux, 5. März 1928, Lot 34. 

J. Leger & Son, London, 1929. 

H.J. Spiller, 1935, von dort über: 

Christie's, 26. Juli 1935, Lot 139 an: 

Bacon zu 32 Guineas. 

Privatsammlung, England, vor 1962. 

Auktion, Sotheby's, London, 11. Juli 1962, Lot 111. 

Alfred S. Karlsen, Beverly Hills. 

Vererbt an Peter Moller, Los Angeles, von welchem 

gespendet an: 

J. Paul Getty Museum, von diesem versteigert: 

Auktion Mai 2007, Sotheby's, Amsterdam, zu Euro 

57,600. 

Privatsammlung. 

Versteigert 7. Dezember 2011, Stockholm Auktionsverket, 

verkauft an: 

jetzigen Einlieferer. 

Literatur: 

Das Gemälde abgebildet in: Werner Sumowski, Gemälde 

der Rembrandt-Schüler, Bd. I, Landau/Pfalz 

1983, S. 2030, Nr. 1409, Abbildung auf Seite S. 2135. 

Peter C. Sutton, A guide to Dutch Art in America, 

Washington 1986, S. 146 (als Karel Dujardin). 

Jennifer M. Kilian, The Paintings of Karel du Jardin. 

1626-1678, New York 1993, Bd. II, S. 473 (unter zurückgewiesene 

Zuschreibungen). 

David Jaffé, Summary Catalogue of European Paintings 

in the J. Paul Getty Museum, Los Angeles 1997, 

S. 37, abgebildet (als Dujardin). 

Fred G. Meijer, The collection of Dutch and Flemish 

Still Life Paintings bequeathed by Daisy Linda Ward 

to the Ashmolean Museum, Zwolle 2003, S. 247. 

Jennifer M. Killian, The Paintings of Karel du Jardin. 

1626-1678, catalogue raisonné, Amsterdam 2005, 

S. 243, Kat Nr. C38 (unter zurückgewiesene Zuschreibungen). 

(1290901) (13) 

NICOLAES MAES, 

1634 DORDRECHT - 1693 AMSTERDAM 

PORTRAIT OF A YOUNG MAN WITH WHITE COLLAR 

IN PARK LANDSCAPE 


131.4 x 108.5 cm. 

Signed “N. Maes” (?) lower right. 

A similar portrait, also showing a park landscape is 

signed by Maes and registered at the RKD in the 

Hague with no. 195487. 

Provenance: 

Private collection, Brussels or Antwerp. 

From there via Van Herck, Antwerp, 24 October 1927, 

lot 57 to: 

Alphonse Giroux, Brussels. 

Whose Auction: 

Brüssel, Giroux, 5 March 1928, lot 34. 

J. Leger & Son, London, 1929. 

H. J. Spiller, 1935, from there via: 

Christie's, 26 July 1935, lot 139 to: 

Bacon for 32 Guineas. 

Private collection, England, before 1962. 

Auction, Sotheby’s, London, 11 July 1962, lot 111. 

Alfred S. Karlsen, Beverly Hills. 

Inherited by Peter Moller, Los Angeles who donated 

it to: 

J. Paul Getty Museum, sold at auction: 

Auction Mai 2007, Sotheby's, Amsterdam for 57,600 

EUR. 

Private collection. 

Sold on 7 December 2011, Stockholm Auktionsverket, 

sold to: 

Current consignor. 

Literature: 

The painting illustrated in: Werner Sumowski, 

Gemälde der Rembrandt-Schüler, vol. I, Landau/ 

Pfalz 1983, p. 2030, no. 1409, ill on p. 2135. 

Peter C. Sutton, A guide to Dutch Art in America, 

Washington 1986, p. 146 (as Karel Dujardin). 

Jennifer M. Kilian, The Paintings of Karel du Jardin. 

1626-1678, New York 1993, vol. II, p. 473 (under 

rejected attributions). 

David Jaffé, Summary Catalogue of European Paintings 

in the J. Paul Getty Museum, Los Angeles 1997, 

p. 37, ill. (as Dujardin). 

Fred G. Meijer, The collection of Dutch and Flemish 

Still Life Paintings bequeathed by Daisy Linda Ward 

to the Ashmolean Museum, Zwolle 2003, p. 247. 

Jennifer M. Killian, The Paintings of Karel du Jardin. 

1626-1678, catalogue raisonné, Amsterdam 2005, 

p. 243, cat. no. C38 (under rejected attributions). 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



121

257 

JASPER GEERARDS, AUCH „JASPER GEERAERTS“, 

UM 1620 – UM 1654 AMSTERDAM 

Der Maler zählt zu den bedeutendsten Künstlern im 

Bereich des Stilllebens während der Periode des 

„Goldenen Zeitalters der holländischen Malerei“. Ähnlich 

wie Abraham van Beyeren (1620/21-1690) spezialisierte 

er sich überwiegend auf Prunkstillleben. Wahrscheinlich 

geboren in Antwerpen, als Schüler der 

Sankt Lukas-Gilde dort 1634 eingetragen. Historisch 

nicht belegt, doch ganz augenscheinlich hat er bei Jan 

Davidsz de Heem (1606-1683/84) studiert, der sich 

1636 in Antwerpen niedergelassen hatte. 1644 wurde 

er bereits Meister der Gilde. 1649 ist er als in Amsterdam 

wohnhaft erwähnt, wo er auch verstarb, wobei 

sein genaues Todesdatum unbekannt ist. Die Todeseckdaten 

nennen das Jahr 1649, als er eine Anzeige 

wegen eines gestohlenen Gemäldes aus seinem 

Atelier erstattete, sowie Oktober 1654, da seine Frau 

als Witwe dokumentiert wurde. Seine Hauptwerke 

dürften in die Zeit um 1615 einzuordnen sein, wobei 

manche seiner Werke früher de Heem zugeschrieben 

waren. Werke seiner Hand befinden sich in namhaften 

öffentlichen Museen, wie etwa in Den Haag (Museum 

Bredius, „Prunkstillleben mit einem Hummer“). 

JASPER GEERARDS, 

ALSO KNOWN AS “JASPER GEERAERTS”, 

CA. 1620 – CA. 1654 AMSTERDAM 

The painter is considered one of the most important 

still life painters of the Dutch Golden Age period. Although 

there is no historical evidence, it is obvious 

that he studied with Jan Davidsz de Heem (1606- 

1683/84), who settled in Antwerp in 1636. In 1644 he 

became master of the guild. 

STILL LIFE WITH LOBSTER, ROEMER WINE 

GLASS, OYSTERS AND FRUIT 

Oil on panel. 

58.4 x 48.3 cm. 

Signed and dated “1648” lower right. 

The present painting is illustrated in RKD with no. 

0000048900. 

€ 18.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

STILLLEBEN MIT HUMMER, RÖMER, AUSTERN 

UND FRÜCHTEN 

Öl auf Holz. 

58,4 x 48,3 cm. 

Rechts unten Restsignatur und Datierung „1648“. 

Das vorliegende Gemälde ist abgebildet im RKD 

unter der Inv.Nr. 0000048900. 

Vor einem von links nach rechts aufhellendem braunem 

Hintergrund ein Tisch mit schwarzer, glänzender Decke, 

auf der sich die sorgsam arrangierten Objekte befinden: 

eine rundliche Zinnplatte mit einem leuchtend 

roten Hummer mit schwarzem Auge, dessen Zangen 

über den Tischrand ragen, eine gelbe Zitrone, drei geöffnete 

Austern, ein halb gefülltes Römerglas sowie 

eine Rispe Weintrauben mit Blättern. Qualitätvolle 

Malerei mit starken gegenüberstehenden Kontrasten 

in der typischen Manier des bekannten Künstlers. 

Teils rest., Retuschen. (12903111) (18) 


258 

MELCHIOR DE HONDECOETER, 

1636 UTRECHT – 1695 AMSTERDAM 

Melchior de Hondecoeter gehört zu den Hauptmeistern 

der holländischen Geflügelmalerei des 17. Jahrhunderts 

durch seine Variationen in vielfacher Art und 

Weise, meist einheimischer Vögel, Hühner und Enten. 

Er konnte auf unvergleichliche Weise die Färbungen 

des teils schimmernden Gefieders seiner Tiere auf 

die Leinwand bringen. 

HENNE MIT SIEBEN KÜKEN 


51,5 x 56 cm. 

1660er-Jahre. 

In teilvergoldetem Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Klaus Ertz vom 

18. April 2021. 

In weiter bergiger Landschaft, vor der trockenen Wurzel 

eines nach rechts sichtbaren Baumes sitzend, eine 

Henne mit weißem flauschigem schimmerndem Gefieder. 

Umgeben ist sie von ihren Küken, von denen 

sich eines in ihrem Gefieder versteckt hat. Im Hintergrund 

rechts der Blick auf einen dunklen Baum mit 

großem Baumstamm und davor eine Pflanze mit grünen, 

teils rötlich-braun vertrockneten Blättern, während 

linksseitig der Blick in die Ferne, unter blauem 

Himmel mit weißen Wolkenformationen reicht. Laut 

Ertz wirken die einzelnen, sehr realistisch dargestellten 

Tiere wie kleine Portraits ihrer Gattung. Die Komposition 

wirkt voller Dramatik durch das eingesetzte 

Licht und durch die gegeneinander gesetzten hellen 

und dunklen Federn des Geflügels. Kleine Retuschen. 

(1291123) (18) 

MELCHIOR DE HONDECOETER, 

1636 UTRECHT – 1695 AMSTERDAM 

HEN WITH SEVEN CHICKS 


51.5 x 56 cm. 

1660s. 

An expert’s report by Dr Klaus Ertz, dated 18 April 

2021 is enclosed. 

According to Ertz, the individual, very realistically depicted 

animals look like miniature portraits of their 

species. The composition is full of drama due to his 

skilful composition of light and the contrasting light and 

dark feathers of the poultry. With minor retouching. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


259 

GUILLIAM GABRON, 


STILLLEBEN MIT FRUCHTGIRLANDE 


48 x 64 cm. 

Links unten signiert. 

In ebonisiertem, durch Goldleiste akzentuiertem 

Rahmen. 

Beigegeben eine schriftliche Stellungnahme von Dr. 

Fred Meijer, in Kopie, der die Autorschaft des vorliegenden 

Gemäldes bestätigt. 

Vor unbestimmtem Grund eine zu den Seiten nach 

oben gebundene Fruchtgirlande, innerhalb welcher 

Äpfel, Trauben, Pflaumen, Kirschen und Beeren prangen, 

die durch fein aufgefasstes Weinlaub begleitet 

werden. Vergleichbare Gemälde werden beim RKD in 

Den Haag dokumentiert unter der Inv.Nr. 16391 und 

20805. 

GUILLIAM GABRON, 


STILL LIFE WITH FRUIT GARLAND 


48 x 64 cm. 

Signed lower left. 

Accompanied by a statement in writing by Dr Fred 

Meijer, who confirms Gabron as the creator of the 

present painting. Comparable paintings are listed at 

the RKD in The Hague with numbers 16391 and 

20805. 

Provenance: 

Auction, Kettner, Berlin, 12 September 1962, lot 473. 

Auction, Leo Spik, Berlin, 27 / 29 June 2002, lot 324. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Provenienz: 

Auktion, Kettner, Berlin, 12. September 1962, Lot 473. 

Auktion, Leo Spik, Berlin, 27./ 29. Juni 2002, Lot 324. 

(1290278) (13) 


125

260 

NICCOLÒ GUARDI, 

1715 VENEDIG – 1786, ZUG. 

DIE RIALTO-BRÜCKE VON NORDEN AUS GESEHEN 


114,7 x 74,9 cm. 

Ungerahmt. 

Die kontrastreich wiedergegebene Ansicht stimmt 

mit der linken Hälfte des Gemäldes von Canaletto weitestgehend 

überein, das sich früher in der Sommerresidenz 

von Elwood B. Hosmer in Montreal befand 

und 1725 von dem Sammler Stefano Conti aus Lucca 

in Auftrag gegeben wurde. Links ist die Ecke des Palazzo 

Civran zu sehen, an dessen Fuß sich der Fondaco 

dei Germani entlang des Ufers schlängelt; in der Mitte 

die Rialto-Brücke, rechts flankiert vom Palazzo dei 

Camerlenghi. 

Das Werk zeigt in seiner Substanz das typisch Guardische 

in dem bräunlichen Ton der Palette und den 

schnellen Pinselstrichen auf grobem Fond, in dem von 

kontrastierenden Wolken bewegten Himmel und in 

der präzisen Definition der architektonischen Details. 

Obwohl die grundlegenden biografischen Informationen 

über Nicolò bekannt sind, blieb seine malerische 

Persönlichkeit sehr lange im Dunkeln, bis Succi eine 

Gruppe stilistisch ähnlicher Ansichten unter seinem 

Namen zusammenstellte. Nicolò wird 1790 als „Landschaftsmaler 

mit Namen“ und 1853 als „exquisiter 

Kammermaler“ erwähnt. Außerdem wissen wir, dass 

er in den 1850er-Jahren bereits ein sehr erfolgreicher 

Künstler gewesen sein muss, der ebenso bekannt 

war wie seine berühmteren Brüder, denn er war Anfang 

30 und finanziell so gut gestellt, dass er es sich 

leisten konnte, ein Haus zu einem ziemlich hohen 

Preis zu mieten. 

NICCOLÒ GUARDI, 

1715 VENICE – 1786, ATTRIBUTED 

THE RIALTO BRIDGE FROM THE NORTH 


114.7 x 74.9 cm. 

Unframed. 

The high-contrast view largely coincides with the left 

half of a painting by Canaletto, which was formerly 

held at the summer residence of Elwood B. Hosmer 

in Montreal and was commissioned by the collector 

Stefano Conti from Lucca in 1725. 

The present work is essentially typical for Guardi with 

its brownish colour palette, swift brushstrokes on a 

coarse background, the sky moved by contrasting 

clouds and precisely rendered architectural details. It 

can therefore be assumed that the artist was a veduta 

painter who was active in Guardi's workshop in the 

1740s and studied the graphics of Canaletto and Marieschi. 

(†) 

€ 60.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Da es keine Zeichnungen, signierten oder dokumentierten 

Werke des Malers gibt, hat Succi die Figur 

des Nicolò vedutista geschaffen, indem er ihm einige 

Gemälde im Stil der Guardis zuschrieb, die nicht der 

Hand des berühmteren Francesco zugeschrieben 

werden können – wie es Morassi vorgeschlagen hatte, 

der sie auf die jugendliche Aktivität des letzteren 

verwies, als er in der Werkstatt von Antonio war. Wir 

nehmen also an, dass es sich bei dem Maler um einen 

Vedutisten handelte, der in den 1740er-Jahren in 

der Werkstatt Guardis tätig war und die Grafiken von 

Canaletto und Marieschi studierte. (†) (1291411) (13) 


261 

VENEZIANISCHER MALER DES 17. JAHRHUNDERTS 

PROZESSION DES DOGEN ÜBER 

DEN MARKUSPLATZ IN DEN MARKUSDOM 


120 x 172 cm. 

Darstellung des Markusplatzes vom Canal Grande 

aus, mit auf der rechten Seite liegendem Dogenpalast 

und dahinterliegendem Markusdom. Links der Campanile 

mit wehenden roten Fahnen, auf der Mitte des 

Markusplatzes stehend. Das dargestellte Gewässer 

mit zahlreichen personenbesetzten Booten sowie 

großen und kleinen Gondeln. Ein großes Boot mit 

figürlicher Schnitzerei von der Ankunft des Dogen 

zeugend, von diesem bewegt sich die Figurenstaffage 

ringförmig in den Markusdom, gesäumt von einigen 

um Almosen Bittenden sowie weiterer Figurenstaffage, 

die Spiel- und anderen Tätigkeiten nachgehen. Marktstände, 

die Geflügel verkaufen, und eine Theaterbühne, 

säumen den Platz. Das Thema in ähnlicher Darstellung 

bei Joost Amman (1539 - 1591) mit einer Dogenprozessionsdarstellung, 

welche ebenfalls das große 

Gondelboot auf der rechten Seite vor dem Dogenpalast 

darstellt und eine ähnliche Personenreihung aufweist, 

welche gen Markusdom strömt (z.B. Elisha 

Whittelsey Collection, Nr. 49955, Der Holzschnitt von 

1565), Alters- und Gebrauchssp., besch., rest. 

(1290148) (13) 

SCHOOL OF VENICE, 17TH CENTURY 

PROCESSION OF THE DOGE ACROSS SAINT 

MARK’S SQUARE INTO ST. MARK’S BASILICA 


120 x 172 cm. 

€ 60.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



129

262 

HENDRIK VAN CLEVE III, 

UM 1525 ANTWERPEN – UM 1589 EBENDA, ZUG. 

Hendrik van Cleve war ein flämischer Maler, Zeichner 

und Druckgrafiker. Er ist bekannt für topografische 

Ansichten, darunter Ansichten von Rom und dem 

Vatikan, sowie für imaginäre Landschaften. Traditionell 

wurden ihm eine große Anzahl von Darstellungen des 

Baus des Turms zu Babel zugeschrieben, die inzwischen 

jedoch teils anonymen flämischen Malern zugeordnet 

werden. Es wird davon ausgegangen, dass 

er sich zwischen 1551 und 1555 in Italien aufhielt und 

dort viele Zeichnungen anfertigte, die er später in seinen 

Werken verwendete. 

GROSSE PROZESSION MIT EINZUG 

EINES PAPSTES IN ROM 

Öl auf Holz. 

52,5 x 72 cm. 

HENDRIK VAN CLEVE III, 

CA. 1525 ANTWERP – CA. 1589 IBID., ATTRIBUTED 

LARGE PROCESSION OF A POPE 

ENTERING ROME 

Oil on panel. 

52.5 x 72 cm. 

At the centre of the painting is the great Saint Peter’s 

Square with a procession, with the Pope under a red 

canopy at its centre. Numerous figures, including other 

dignitaries attend this event and are depicted on 

horseback or in horse-drawn carriages. 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Im Zentrum des Gemäldes der große Petersplatz mit 

einer Prozession, in deren Mittelpunkt sich der Papst 

unterhalb eines roten Baldachins befindet. Zahlreiche 

Figuren, darunter weitere Würdenträger, teils zu Pferde, 

teils mit Pferdewagen, wohnen diesem Ereignis bei. 

Jeweils auf der linken und rechten Randseite des 

Platzes befinden sich Reiter und Kanonen, die Salutschüsse 

abfeuern, deren Rauch nach oben steigt. Auf 

dem Platz selbst ist zudem der hohe vatikanische 

Obelisk zu erkennen. Im Vordergrund eine weitere 

historische Szene; dazu am linken Bildrand ein Herrscher 

auf einem hohen Thron mit Zepter und Reichsapfel, 

unter einem rötlichen Baldachin, unterhalb dessen 

Thrones ein weiterer Regent mit goldener Krone 

kniet. Der hohe Himmel in leuchtendem Blau, nach 

links jedoch das Licht der gelblich-rötlichen Sonne 

erkennbar. Figurenreiche historische Darstellung in 

feiner Manier mit vielen Details. Rest., teils Retuschen. 

(12901436) (18) 



133

263 

WILLIAM JAMES, 

TÄTIG 1730 – 1780 

In London in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts 

tätiger Vedutenmaler. 

BLICK AUF VENEDIG VON DER RIVA DEGLI 

SCHIAVONI 


74 x 115 cm. 

Ungerahmt. 

Beigegeben eine Expertise von Dario Succi, 2021. 

William James war zwischen 1746 und 1771 als 

Vedutist tätig; die einzigen Informationen über seine 

künstlerische Persönlichkeit finden sich in Edward 

Edwards‘ Anecdotes of Painters von 1808, in dem 

James als „Schüler“ oder Mitarbeiter von Canaletto 

während dessen Aufenthalt in England zwischen 

1746 und 1755 erwähnt wird. Sein künstlerischer 

Werdegang wurde teilweise durch eine Reihe von 

Londoner Ansichten rekonstruiert, die sich im Besitz 

des Ashmolean Museums in Oxford und der British 

Royal Collections befinden. Im Text des oben genannten 

Edwards findet sich jedoch die einzige Erwähnung 

seiner Malerei venezianischer Sujets, die der 

Biograf selbst als stark mit Canaletto verwandt ansieht. 

Die Zuschreibung einiger Ansichten, die auf den 

internationalen Markt gelangten, an William James 

und vor allem das Vorhandensein einiger Gemälde, 

auf denen sein Name vollständig auf einer an den 

Originalrahmen angebrachten Plakette steht, lassen 

auf eine reiche Produktion von Stadtpanoramen schließen, 

die im Allgemeinen dem malerischen Repertoire 

von Antonio Canal entnommen sind, Werke, die es 

dem englischen Maler ermöglichten, zu den „vedutisti 

di Venezia“ (Vedutenmalern von Venedig) gezählt zu 

werden, obwohl seine biografische Abfolge keinen 

Hinweis auf einen möglichen Aufenthalt in der Lagunenstadt 

gibt. Aus der von Antonio Visentini zusammengestellten 

Sammlung Prospectus Magni Canalis 

Venetiarum gibt es zahlreiche Gemälde, die ihm zugeschrieben 

werden. James war einer der bekanntesten 

Schüler Canalettos, der den Geschmack der venezianischen 

Stätten indirekt aufnahm, indem er die Werke 

betrachtete, die der Meister mit nach England gebracht 

hatte, und indem er an seiner Seite arbeitete, 

als er die große Nachfrage seiner Auftraggeber nach 

Ansichten der von ihnen so geliebten Lagunenstadt 

befriedigte. Dieses Gemälde kann als eines der Meisterwerke 

des Malers betrachtet werden: Inspiriert 

von einem Prototyp von Canaletto, hat das Gemälde 

eine fast unwirkliche atmosphärische Stabilität und 

einen typisch englischen Geschmack in der festen, 

schillernden Farbgebung, ohne die verblassende Wirkung 

der Sonne. Die lebhaften, kräftigen Farben und 

die Verwendung eines sehr starken, kristallinen Lichts, 

das dazu beiträgt, jedes minimale Element der Architektur 

analytisch zu erfassen, sind Konstanten in seinen 

Bildern. (†) (1291412) (13) 


ACTIVE 1730 – 1780 

Veduta painter active in London during the second 

half of the 18th century. 

VIEW OF VENICE FROM THE RIVA DEGLI 

SCHIAVONI 


74 x 115 cm. 

Unframed. 

Accompanied by an expert’s report by Dario Succi, 

dated 2021. 

William James was active as a veduta painter between 

1746 and 1771; the only information about his 

artistic personality is found in Edward Edwards’ Anecdotes 

of Painters of 1808, in which James is mentioned 

as a “student” or collaborator of Canaletto 

during his stay in England between 1746 and 1755. 

His artistic career has been partially reconstructed 

through several London views held at the Ashmolean 

Museum at Oxford and the British Royal Collections. 

(†) 

€ 130.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



137

264 


1684 ANTWERPEN – 1763 ROM 

Hendrik Frans van Lint wird in Antwerpen als Sohn 

des Historienmalers Pieter van Lint (1629-1719) und 

dessen zweiter Frau Anna Moeren geboren. Da sein 

Vater starb als er erst 6 Jahre alt war, wurde van Lint 

1696 Lehrling bei Peeter van Bredael, einem Maler 

von italianisierenden Landschaften. Van Lint blieb 

nicht, um seine Lehre zu beenden, sondern ging zwischen 

1697 und 1700 nach Rom. 1697 trat van Lint 

den Bentvueghels bei, einer Vereinigung von hauptsächlich 

niederländischen und flämischen Künstlern, 

die in Rom arbeiteten. Bei den Bentvueghels war es 

üblich, sich einen ansprechenden Spitznamen zuzulegen. 

Van Lints Name war „Lo Studio“. Dieser Spitzname 

mag ihm wegen seiner akribischen Technik gegeben 

worden sein. Van Lint scheint sich zudem im 

Kreis des holländischen Vedutenmalers Gaspar van 

Wittel bewegt zu haben, der in Rom als „Il Vanvitelli“ 

bekannt war. Van Wittel hatte sich 1675 in Rom niedergelassen, 

wo er mit seinen topografischen Ansichten 

zu einem der meistgefragten Künstler seiner Gene ration 

geworden war. Van Lint blieb für den Rest seines 

Lebens überwiegend in Rom. 

ANSICHT VON VENEDIG MIT DEM MARKUSBECKEN 

UND DEM BUCINTORO 


26,5 x 41,5 cm. 

Rechts unten signiert „H Fran van Lint F 7“. 

In dekorativem, vergoldetem Rahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Ralph Toledano vom 

1. Oktober 2020. 

Venedig, Blick über das Markusbecken auf die Piazetta 

mit den Säulen des Hl. Theodor und dem Markuslöwen, 

seitlich davon links die Bibliotheca Nazionale 

Marciana und rechts der Dogenpalast. Im Hintergrund 

der Markusdom, der hohe Campanile und der 

Uhrturm. Sehr ungewöhnlich ist diese Frontalansicht 

des Markusbeckens, das von den meisten Venezianern 

in Anlehnung an die theatralische Kultur der Lagunenstadt 

aus der Ferne oder aus der Nähe dargestellt 

wird. Diese Frontalität, so Toledano, kennzeichnet van 

Lints Bestreben, die Realität von Orten wiederzugeben 

ohne sie inszenieren zu müssen. 

Auf dem Wasser sind mehrere besetzte Gondeln zu 

sehen sowie am Ufer rechts ankernd der teils abgedeckte, 

prachtvolle Bucintoro, das offizielle Staatsschiff 

des Dogen. 

Von der ehemaligen Datierung auf dem Gemälde ist 

nur noch die „7“ zu erkennen. Es ist anzunehmen, 

dass dieses Gemälde während einer der Reisen entstanden 

ist, die van Lint zusammen mit Gaspar van 

Wittel, genannt „Il Vanvitelli“ (1653-1736) in die Lagune 

unternahm. Die Art und Weise, wie das Wasser gemalt 

wird, ist grundlegend Il Vanvitelli zu verdanken: 

Es bewegt sich und wirbelt mit der für den Künstler 

typischen Flüssigkeit. 

Die genaue Beschreibung der Sehenswürdigkeiten, 

die Aufmerksamkeit des Miniaturisten für die kleinsten 

Details entsprechen den akribischen Bemühungen 

van Lints. Diese topografische Treue verbindet 

sich mit der Atmosphäre, mit der die Helligkeit des 

Himmels und das warme Licht dargestellt werden. 

Zusammen bringen sie van Lints besondere Genialität 

auf einen Nenner. 

Literatur: 

Vgl. Andrea Busiri Vici, Peter, Hendrik e Giacomo van 

Lint, Rom 1987. (1260732) (2) (18) 


1684 ANTWERP – 1763 ROME 

VIEW OF VENICE WITH SAINT MARK’S BASIN 

AND BUCINTORO 


26.5 x 41.5 cm. 

Signed “H Fran van Lint F 7” lower right. 

In decorative, gilt frame. 

Accompanied by an expert’s report by Ralph Toledano, 

dated 1 October 2020. 

Depiction of Venice with the Saint Mark’s Basin towards 

the Piazetta di San Marco with the two columns 

of Saint Theodore and the Lion of Saint Mark, the 

Bibliotheka Nazionale Marciano to the left and the 

Doge’s Palace to the right. 

The painting was formerly dated but only the number 

“7” is still visible. It can be assumed that the painting 

was created during van Lint’s travels to Venice that he 

undertook with his colleague Vanvitelli . 

Literature: 

cf. Andrea Busiri Vici, Hendrik e Giacomo van Lint, 

Rome 1987. 

€ 40.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



141

265 

ANTONIO JOLI, 

1700 MODENA – 1777 NEAPEL 

BLICK AUF DEN BACINO DI SAN MARCO MIT 

DER KIRCHE S. GIORGIO MAGGIORE UND DER 

GIUDECCA 


56 x 97 cm. 

In barockisierendem vergoldetem Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von G. Briganti, 

Oktober 1990. 

Wir kennen viele Werke von Antonio Joli, in denen er 

den lichten Glanz des Dargestellten geschickt einfängt 

und zweidimensional zu transportieren versteht 

- wie auch hier, wo er als zusätzlichen Kniff die links in 

den Bildgrund führende Diagonale bis weit in den 

Himmel und die rechte Bildseite führt. 

Antonio Joli wurde in seiner Geburtsstadt Modena in 

der Werkstatt von Raffaello Rinaldi (1648-1722), genannt 

Il Menia, ausgebildet, wo er sich auf perspektivische 

Ansichten spezialisierte. Im Alter von 20 Jahren 

reiste Joli nach Rom, um sich unter der Leitung der 

berühmten Meister Giovanni Paolo Panini und Codazzi 

ausbilden zu lassen, denen er seinen internationalen 

Stil verdankte, der später sehr begehrt werden sollte. 

Nach seiner Rückkehr nach Modena im Jahr 1725 und 

einem kurzen Aufenthalt in Perugia, wo er an der Innenausstattung 

des Palazzo Donnini und des Palazzo 

Crispoldi arbeitete, beschloss der Künstler 1732, nach 

Venedig zu gehen. 

Dort taucht er in die Welt des Bühnenbildes ein und 

beginnt, sich auf die Szenografie zu spezialisieren - 

eine erfolgreiche Tätigkeit, die ihn während seiner gesamten 

Karriere begleiten sollte. 

In den folgenden zehn Jahren besuchte er die großen 

europäischen Höfe, sowohl in England und Deutschland 

als auch in Spanien. Diese Erfahrungen waren 

für seine Karriere von grundlegender Bedeutung, nicht 

nur, um sein persönliches Netzwerk zu erweitern, 

sondern auch, um seinen eigenen Stil zu entwickeln. 

In diesen Jahren wurde in seinen Veduten zunehmend 

die Weitwinkelperspektive eingesetzt, eine Technik, die 

eindeutig von den Werken Vanvitellis und Canalettos 

inspiriert war. 

Sein Ruf als gefeierter Vedutenmaler machte ihn in der 

Folgezeit zum gefragtesten Künstler bei ausländischen, 

aristokratischen Grand-Touristen in Italien, insbesondere 

bei der englischen Elite: Sir William Hamilton 

und Lord Montague Brudenell – die in der Tat zu seinen 

aktivsten Mäzenen gehörten. Schließlich beschloss 

er 1762, sich in Neapel niederzulassen, wo er Bühnenbildner 

des berühmten Teatro San Carlo wurde und 

den Rest seines Lebens dort verbrachte. (†) 

ANTONIO JOLI, 

1700 MODENA – 1777 NAPLES 

VIEW OF THE BACINO DI SAN MARCO WITH SAN 

GIORGIO MAGGIORE AND GIUDECCA 


56 x 97 cm. 

An expert’s report by G. Briganti, October 1990 is 

enclosed. (†) 

Provenance: 

Sotheby’s, London, 16 April 1980, lot 18. 

Galleria Salamon, Milan 1990. 

Literatur: 

Roberto Middione, Antonio Joli, Soncino 1995, p. 66, 

plate 11. 

Mario Manzelli, Antonio Joli. Opera pittorica, Venice 

1999, p. 102, ill. 74. 

Ralph Toledano, Antonio Joli. Modena 1770-1777 

Napoli, Turin 2006, p. 202. 

€ 240.000 - € 300.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Provenienz: 

Sotheby's, London, 16. April 1980, Lot 18. 

Galleria Salamon, Mailand, 1990. 

Literatur: 

Roberto Middione, Antonio Joli, Soncino 1995, S. 66, 

Tafel 11. 

Mario Manzelli, Antonio Joli. Opera pittorica, Venedig 

1999, S. 102, Abb. 74. 

Ralph Toledano, Antonio Joli. Modena 1770-1777 

Napoli, Turin 2006, S. 202. (1291413) (13) 



143

266 

CORNELIS DE VOS, 

UM 1585 HULST – 1651 ANTWERPEN 

GROSSMUT DES SCIPIO 


85,5 x 123,5 cm. 

In breitem profiliertem Nussbaumrahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz vom 

29. März 2021 in Kopie, der das Gemälde im Original 

gesehen hat und von der Autorschaft des genannten 

Künstlers überzeugt ist und das Gemälde in die 

1640er-Jahre in Antwerpen datiert. 

Als Vergleich führt Ertz das Gemälde „Allegorie der 

Vergänglichkeit“ im Herzog Anton Ulrich-Museum in 

Braunschweig an, dessen Gold glänzende Gegenstände 

ähnlich gearbeitet sind, wie die auf dem vorliegenden 

Gemälde befindlichen Kostbarkeiten. 

CORNELIS DE VOS, 

CA. 1585 HULST – 1651 ANTWERP 

THE CLEMENCY OF SCIPIO 


85.5 x 123.5 cm. 

Accompanied by a copy of the expert’s report by Dr 

Klaus Ertz dated 29 March 2021. He assessed the 

painting in person, is convinced of de Vos’ authorship 

and dates it to the 1640s in Antwerp. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Publius Cornelius Scipio Africanus (235-183 v. Chr.) 

war nach der Eroberung von Neu Karthago eine Jungfrau 

von außerordentlicher Schönheit als Gefangene 

zugefallen, so wird uns von Titus Livius in seiner 

sagenhaften Geschichte Roms (Ab urbe condita XXVI, 

50) berichtet. Diese war mit Allucius dem vornehmsten 

Jüngling unter den Keltiberern verlobt, worauf der 

Feldherr ihre Eltern und den Bräutigam zu sich kommen 

ließ, um die Reinheit des Mädchens und ihre 

Achtung zu garantieren. Allucius musste darauf jedoch 

seiner Forderung Freund des römischen Staates 

zu werden nachkommen. Die Kostbarkeiten, welche 

die Eltern des Mädchens dem Feldherren anboten, 

sind hier im Gemälde gut zur Schau getragen. 

(1290313) (13) 


147

267 

SIMONE PIGNONI, 

1611 – 1698, ZUG. 

LUDWIG IX VON FRANKREICH GIBT EIN BANKETT 

FÜR BEDÜRFTIGE 


81 x 57 cm. 

in vergoldetem profiliertem Holzrahmen. 

Zu dem vorliegenden Gemälde, das Pignone zugeschrieben 

werden kann, gibt es drei Vergleichsbeispiele. 

Einmal das Gemälde in den Uffizien (Inv.Nr. 

1890) mit den Maßen 117 x 93 cm. Desweiteren ein 

Gemälde, das unserem Gemälde bis auf winzige 

Unterschiede (Höhe der Hand des mittleren Putto, 

Balustraden der rückwärtigen Architekturen und Falte 

des Tischtuches) gleicht. Dieses Gemälde war zunächst 

bei Julius Weitzner, New York, 1963 und dann 

bei Antichità Bacarelli, Florenz, 1973. Desweiteren 

befindet sich eine oben rundbogig abschließende Version 

des Gemäldes in der Kapelle des San Luigi in der 

Kirche Santa Felicita in Florenz. Rest. 

Anmerkung: 

Ludwig IX wurde 1297 heilig gesprochen und lebte 

bereits zu Lebzeiten das Leben eines „prud’homme“, 

dem Eigenschaften wie Höflichkeit, Mäßigkeit, Vernuft 

und Tapferkeit zugesprochen wurden und der Frankreich 

auf den Höhepunkt der Macht und des Wohlstandes 

verhalf. 

Literatur: 

Gute Vergleichsbeispiele für unser Gemälde sind 

abgebildet in: Francesca Baldassari, Simone Pignoni, 

Turin 2008, S. 168, Abb. 115, 115a und 116. 

(1290391) (13) 

SIMONE PIGNONI, 

1611 – 1698, ATTRIBUTED 

LOUIS IX OF FRANCE HOLDING A BANQUET FOR 

BEGGARS 


81 x 57 cm. 

The present painting, which can be attributed to 

Pignone, has three comparative examples. The first 

is held at the Uffizi Gallery (inv. no. 1890) with the 

dimensions 117 x 93 cm. Secondly, a painting that resembles 

our painting except for tiny differences 

(height of the hand of the central putto, balustrades 

architecture in the background and the fold of the tablecloth). 

This second painting was first held by Julius 

Weitzner, New York, 1963 and then by Antichita 

Bacarelli, Florence, 1973. There is also version with 

half-circle at the top held at the chapel of San Luigi in 

the Church of Santa Felicita in Florence. Restored. 

Detailabbildung 

Literature: 

Good examples of comparison for the present painting 

are illustrated in: Francesca Baldassari, Simone 

Pignoni, Turin 2008, p. 168, ill. 115, 115a and 116. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



268 

DEUTSCHER MALER DES 17. JAHRHUNDERTS 


CHRISTI GEBURT MIT ANBETUNG DER ENGEL 

und 

ANBETUNG DER HEILIGEN DREI KÖNIGE 

Öl auf Kupferplatte. 

Je ca. 33,5 x 28,5 cm. 

(1171614) (10) 

GERMAN SCHOOL, 17TH CENTURY 


NATIVITY WITH ADORATION OF THE ANGELS 

and 

ADORATION OF THE THREE MAGI 


Ca. 33.5 x 28.5 cm each. 

€ 28.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


151

269 

GILLIS MOSTAERT, 

UM 1534 HULST – 1598 ANTWERPEN 

LOT UND SEINE TÖCHTER VOR DEM BRENNENDEN 

SODOM UND GOMORRHA 

Öl auf Holz. Teilparkettiert. 

41 x 55 cm. 

Beigegeben Expertise von Dr. Luuk Pijl vom 3. Dezember 

2018, das Werk um 1580/1590 datierend. 

Dargestellt eine Szene aus dem Alten Testament: 

Nach der Rettung aus dem brennenden Sodom und 

Gomorrah war Lot mit seinen beiden Töchtern ins Gebirge 

geflüchtet. Aus Sorge um fehlende Nachkommen 

und in Ermangelung fehlender Ehemänner wussten 

sich die jungen Frauen nicht anders zu helfen, als ihrem 

Vater Wein einzuflößen und sich des Nachts zu ihm zu 

legen. Auf dem Gemälde sind die drei Figuren sitzend 

an einem gedeckten Tisch auf der linken Bildseite zu 

sehen: die Töchter in eleganter Kleidung mit weitem 

Dekollete, von denen eine ihren Arm liebevoll um den 

Vater gelegt hat, um ihn zu verführen. Dieser hält bereits 

einen goldenen Weinbecher in seiner Hand. Die 

zweite Tochter hinter dem Vater hat nachdenklich über 

ihr Tun den Kopf auf ihre rechte Hand gestützt. Im 

Hintergrund, eingebettet in eine Flusslandschaft mit Gebirge, 

die brennenden Städte mit leuchtenden, hohen 

gelben und roten Flammen und starkem aufsteigenden 

Rauch und Qualm, der den nächtlichen Himmel zusätzlich 

verdunkelt. In der Bildmitte ist zudem eine kleine 

graue Gestalt zu erkennen: Es könnte sich dabei um 

die Frau des Lot handeln, die sich bei der Flucht aus 

Sodom noch einmal umwandte und dadurch zur Salzsäule 

erstarrte. Malerei, bei der die Feuersbrunst in 

kräftigen gelb-roten Farbtönen und die Verführung des 

Lot im Vordergrund stehen. Diese Bibelszene wurde 

von dem Künstler mehrfach dargestellt. 

Provenienz: 

Belgische Privatsammlung. 

Anmerkung: 

Der flämische Maler und Zeichner betrieb eine große 

Werkstatt in Antwerpen. Er war vor allem bekannt 

für seine Winterlandschaften und seine Szenen mit 

Feuern und nächtlichen Szenen, die zu den begehrtesten 

Stücken seiner Zeit gehörten. 

(1290766) (1) (18) 

GILLIS MOSTAERT, 

CA. 1534 HULST – 1598 ANTWERP 

LOT AND HIS DAUGTHERS, WITH SODOM 

AND GOMORRAH BURNING 


41 x 55 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dr. Luuk Pijl 

dated 3 December 2018, dating the painting to 

1580/1590. 

This is a depiction of a scene from the Old Testament. 

After escaping from the burning towns of Sodom and 

Gomorrah, Lot and his two daughters fled to the 

mountains. Believing they were the only survivors, 

the two young women resorted to incest in order to 

preserve humankind, after making their father drunk 

with wine. 

Provenance: 

Private collection, Belgium. 

€ 10.000 - € 12.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


270 

RICHARD BRAKENBURGH, 

1650 HARLEM – 1702 EBENDA 

ABSCHIED DES FELDHERRN URIJA VON BATSEBA 


87 x 76,5 cm. 

Unten mittig signiert. 

Ungerahmt. 

Das Thema schildert eine Episode des Alten Testaments 

aus dem Buch Samuel (2 Sam 11). Danach belauscht 

König David die schöne Batseba im Bade und 

verliebte sich in sie. Jedoch war sie die Ehefrau seines 

hethitischen Feldherrn Urija, der in einem Kampf im 

Norden eingesetzt war. David ließ ihn anlässlich einer 

Kampfpause zu sich holen. Urija kam zurück, weigerte 

sich jedoch in weiser Ahnung, im Haus seiner Gattin 

zu nächtigen. Bei erneut befohlenem Einsatz ins 

Kampfgeschehen veranlasste David, Urija an die vorderste 

Front zu versetzen, wo er auch getötet wurde. 

Diese unmoralische Handlung König Davids wurde 

vom Propheten Nathan kundgetan und verurteilt. Das 

Kind aus dieser Beziehung starb jedoch nach sieben 

Tagen. Der zweite Sohn Davids von Batseba war Salomon, 

der auf den Thron folgen sollte. 

Richard Brakenburgh, Maler des „Goldenen Zeitalters“ 

der Holländischen Malerei, hat die in der Bibel 

weit nüchterner geschilderte Geschichte hier in ein 

barock-theatralisches Festensemble verlegt. Eine 

weite hohe Halle, dicht gefüllt von einer Menschenmenge, 

zeigt eine von Säulen getragene Empore im 

Hintergrund. Dort oben thront König David unter einem 

Herrschaftsschirm. Links im Bildmittelgrund ist Urija 

zu sehen, umgeben von Soldaten. Fassungslos blickt 

er zu David hinauf, während seine Gattin Batseba rot 

gekleidet, rechts im Bild hingelagert zu sehen ist, umgeben 

von verzweifelten Frauen sowie von erstaunten 

Alten. In einer Abschiedsgeste weist sie in Richtung 

ihres Gatten, jedoch eine Weintazza in der Hand, als 

Anspielung auf ihr Verhalten. Der Oberkörper leicht 

entblößt soll an die biblisch vorangegangene Badeszene, 

gleichzeitig an die verführerische Schönheit 

Batsebas erinnern. 

In nahezu sämtlichen Werken Brakenburghs finden 

sich vergleichsweise große Figurenansammlungen. 

So auch in seinen Bildern „Geburtstagsfest“ von 

1682 oder „Le lever de la mariée“ von 1690. Der barocken 

theaterhaften Bildauffassung entsprechend sind 

auch in das vorliegende Gemälde Stilllebenmotive mit 

Gegenständen wie Gambe, Laute, Notenheft und 

Prunkgefäße im Vordergrund eingebracht. Als Schüler 

des Adriaen van Ostade (1610-1685), wohl auch von 

Bernard Schendel (1649-1709), hatte der Maler alsbald 

großen Erfolg. Im Museum Brüssel findet sich 

sein „Kinderfest“, signiert und datiert 1698. In diesen 

Zeitraum dürfte wohl auch das vorliegende Gemälde 

einzuordnen sein. A. R. (1290769) (1) (11) 

€ 6.000 - € 8.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


153

271 

FRANCESCO PACECCO DE ROSA, 

UM 1605 NEAPEL – 1656 EBENDA 

ESTHER UND ASUERO 


150 x 195 cm. 

In profiliertem Holzrahmen mit Restvergoldung. 

Das Bildthema des Alten Testaments behandelt hier 

die Geschichte Esthers, künftiger Gemahlin des Perserkönigs 

Ahasveros (Asuero), die dessen Gunst gewinnt 

durch ihre Anmut und die Tatsache, dass sie ihn 

vor einem Attentat warnt. Ihr und ihrem Vormund 

Mordechai wird die Rettung der jüdischen Bevölkerung 

im Perserreich zugeschrieben. Diese hätten innerhalb 

eines Tages ermordet werden sollen, Ester 

vereitelt jedoch den Genozid durch ein Gegendekret, 

welches den Juden gestattet am 13. Adar selbst für 

ihr Leben zu kämpfen, sodass keiner mehr wagte 

dem ersten Dekret zu folgen (Buch Ester). Hieraus 

entstand das Purimfest. 

FRANCESCO PACECCO DE ROSA, 

CA. 1605 NAPLES – 1656 IBID. 

ESTHER AND AHASUERUS 


150 x 195 cm 

Literature: 

published in: Achille della Ragione, Pacecco De 

Rosa, Opera Completa, Naples 2006, p. 9. 

€ 40.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Literatur: 

Publiziert in: Achille della Ragione, Pacecco De Rosa. 

Opera Completa, Neapel 2006, S. 9. 

(1290571) (13) 



155

272 

LOMBARDISCHER CARAVAGGIST 


KREUZTRAGUNG CHRISTI 


117 x 100 cm. 

In schlichtem Holzrahmen. 

Vor dunklem Grund dem Caravaggismus eigenen 

Chiaro-Scuro verpflichtet Christus das Kreuz tragend. 

Beide Hände umfassen den rechten Querbalken, 

während er von links her von zwei Schergen Bedrängung 

erfährt. Rest. (1291403) (13) 

LOMBARDIAN CARAVAGGISTI, 

17TH CENTURY 

CHRIST CARRYING THE CROSS 


117 x 100 cm. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



157

273 

BENEDETTO GENNARI IL GIOVANE, 

1633 CENTO – 1715 BOLOGNA, ZUG. 

Benedetto Gennari war Neffe und Meisterschüler des 

Guercino (1591-1666), verfeinerte jedoch seine Farbsprache. 

1672 brach er nach Paris auf, 1674 nach London. 

SALOME WEIST AUF DAS HAUPT DES JOHANNES 


98 x 114 cm. 

Die Königstochter ist hier als zentrale Figur im Bild 

gezeigt. Im Halbbildnis nach links gewandt, hält sie 

den Kopf der rechts stehenden Magd entgegen, während 

sie gleichzeitig mit der Hand auf das Haupt des 

Johannes weist, das von einem Jüngling herangetragen 

wird. Das Attribut des Heiligen, der Kreuzstab 

mit Schriftband „ECCE.“ ist am Kerkergitter links im 

Hintergrund zu sehen. Welche Funktion die Magd 

rechts im Bild hat, die ihre Hand an Salomes Schulter 

legt, ist nur schwer zu deuten. Ihr Gesichtsausdruck 

lässt vermuten, dass sie Salome möglicherweise auf 

deren Schuld hinweist. Die Betroffenheit im Ausdruck 

Salomes und der fragende Blick dem Betrachter gegenüber 

ließe dies erklären. Der Maler hat durch den 

betonten Kleiderausschnitt die Erotik der gesamten 

Johanneslegende herausgestellt. 

Was den Stil betrifft, so lassen sich mehrere Bildbeispiele 

mit Werken des Gennari zum Vergleich heranziehen. 

Nicht zu übersehen jedoch ist der Einfluss 

seines Lehrers Giovanni Francesco Barbieri, besser 

bekannt als Guercino (1591-1666). Zuweilen finden 

sich Bilder, die eine Unterscheidung der Hände schwer 

macht. Auffallend ist bei Gennari die ausgesprochen 

hohe Meisterschaft in der Wiedergabe von Gesichtern 

und Händen, was auch das vorliegende Bild auszeichnet, 

wie auch die zahlreichen weiteren Werke seiner 

Hand. A. R. 

Literatur: 

Vgl. N. Roio, Benedetto Gennari, in: La scuola del 

Guercino, Modena, 2004, S. 135-206. 

Kat. Art collection of Fondazione Cassa di Risparmio 

di Cesena. (1290602) (11) 

BENEDETTO GENNARI IL GIOVANE, 

1633 CENTO – 1715 BOLOGNA, ATTRIBUTED 

SALOME POINTS TO THE HEAD OF SAINT JOHN 

THE BAPTIST 


98 x 114 cm. 

Literature: 

cf. N. Roio, Benedetto Gennari, in: La scuola del Guercino, 

Modena 2004, pp. 135-206. 

Catalogue Art collection of Fondazione Cassa di Risparmio 

di Cesena. 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


274 

CESARE FRACANZANO, 

UM 1605 BISCEGLIE (BARI) – 1651 BARLETTA, ZUG. 

DER UNGLÄUBIGE THOMAS 


120 x 165 cm. 

Ungerahmt. 

Jesus steht rechtsseitig im hellem Gewand und hat 

dieses bereitwillig zur Seite gezogen, um so seine 

helle Brust mit dem Wundmal frei zu legen. Der vor 

ihm stehende ungläubige Thomas, in rotem Umhang, 

steht leicht vorgebeugt und sticht mit seinem Zeigefinger 

weit hinein in die Wunde; Jesus hält Thomas 

Handgelenk umfasst und führt dessen Hand sanft, 

aber bestimmt an seine Wunde. Links von Jesus, vor 

dunklem Hintergrund, vier weitere Jünger, die das 

Geschehen aufmerksam betrachten sowie rechtsseitig 

ein Jünger in ockergelbem Gewand, der als einziger 

aus dem Bild auf den Betrachter hinausschaut, 

um ihn so in das Geschehen mit einzubeziehen. Darstellung, 

die sich auf Caravaggio bezieht und ganz in 

dessen typischer Manier mit starken Hell-Dunkel- 

Kontrasten wiedergegeben ist, wobei insbesonders 

das Gewand und der Körper Christi wie auch das Gesicht 

des rechtsseitig Stehenden durch die helle Beleuchtung 

aus nicht sichtbarer Quelle hervorgehoben 

werden. Verso eine Unterlegung, vereinzelt Retuschen, 

teils Farbabrieb. 

Anmerkung 1: 

Der ungläubige Thomas ist eines der berühmtesten 

Gemälde von Michelangelo Merisi da Caravaggio. 

Das 107 x 146 cm große Gemälde hängt heute in der 

Bildergalerie im Park des Schlosses Sanssouci in 

Potsdam und dürfte zwischen 1601 und 1603 entstanden 

sein. 

Anmerkung 2: 

Cesare Fraganzano war ein Maler des Frühbarock, 

der zur Schule von Neapel gerechnet wird. Er studierte 

in Neapel in der Werkstatt von Jusepe de Ribera. 

(1280902) (18) 

CESARE FRACANZANO, 

CA. 1605 BISCEGLIE (BARI) – 1651 BARLETTA, 

ATTRIBUTED 

DOUBTING THOMAS 


120 x 165 cm. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

275 

ANDRIES DANIELS (1580 – 1640) UND 

AMBROSIUS FRANCKEN (1544 – 1618) 

MARIA MIT DEM KINDE UND ZWEI PUTTI 

IN BLUMENKRANZ 


68 x 51 cm. 

Breiter bronzierter Rahmen. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen, 

November 2021. 

Vor camaieuhaftem Hintergrund ein hochovales Zentrum 

von einer schimmernden goldenen Linie markiert. 

Darin auf einem manieristischen Thron Maria 

sitzend mit nach links gerichtetem Blick und auf ihrem 

Schoß das Jesuskind haltend, welches links im 

Begriff ist nach der Hand des leicht tänzelnden Johannesknaben 

zu greifen. Hinter diesem ein Putto Marias 

Lilienszepter haltend. Umlaufender Blumenkranz mit 

feinen und differenziert gestalteten Blüten wie Lilien, 

Rosen, Tulpen, Tagetes, aber auch Früchten wie Erdbeeren 

und Johannesbeeren, wobei die Erdbeere mit 

ihren Blüten traditionell als eine Frucht Marias begriffen 

wird. Wie in Antwerpen üblich, fand auch in dem 

vorliegenden Werk eine Zusammenarbeit zweier Spezialisten 

statt. Während Andries Daniels als Blumenexperte 

für den Blumenkranz sorgte, der hier in herrlich 

frischen Farben erstrahlt, malte Ambrosius Francken 

die Figurengruppe. Rest. (1290899) (13) 

ANDRIES DANIELS (1580 – 1640) AND 

AMBROSIUS FRANCKEN (1544 – 1618) 

MARY WITH THE CHILD AND TWO PUTTI 

IN FLORAL WREATH 

Oil on wood. Parquetted. 

68 x 51 cm. 

An expert’s report by Dr. Klaus Ertz, Lingen, November 

2021 is enclosed. 

€ 8.000 - € 10.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


276 

MICHELE DESUBLEO, 

1602 MAUBEUGE – 1676 PARMA, ZUG. 

DER JUNGE JOHANNES DER TÄUFER 


74 x 60,5 cm. 


Beigegeben ein Gutachten von Massimo Pirondini, 

der das Gemälde Michele Desubleo zuschreibt. 

Brustbildnis des jungen Heiligen vor dunklem landschaftlichem 

Hintergrund mit langem, in der Mitte gescheiteltem 

lockigem Haar und einem Fellgewand, 

das über seine rechte Schulter sowie über seinen linken 

Oberarm über den Brustbereich verläuft. Er hält 

in seiner linken Hand einen langen Kreuzstab mit 

Spruchband, darauf zu lesen „Ecce Agnus Dei“ (Seht 

das Lamm Gottes). Er hat ein zartes helles Inkarnat, 

leicht gerötete Wangen und Nase, einen roten Mund 

und blickt mit seinen großen braunen Augen leicht 

nach unten aus dem Bild heraus. Zusätzlich trägt er 

über seiner rechten Schulter einen faltenreichen roten 

Mantelüberwurf. Feine Malerei mit besonderer Hell- 

Dunkel-Akzentuierung, bei der vor allem der Brustbereich 

und das helle Gesicht gegenüber der dunklen 

Umgebung und Kleidung hervorgehoben werden. 

Vereinzelt Retuschen. (1281182) (2) (18) 

MICHELE DESUBLEO, 

1602 MAUBEUGE – 1676 PARMA, ATTRIBUTED 

THE YOUNG SAINT JOHN THE BAPTIST 


74 x 60.5 cm. 

Attached is an expert’s report by Massimo Pirondini, 

who attributes the painting to Michele Desubleo. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


ist der Innenraum weit detaillierter dargestellt, mit dekoriertem 

Betpult, oder dem rechts hinten sichtbaren 

Blick in das Schlafgemach mit Bettbaldachin. Zudem 

ist hier auch eine Gottvater-Halbfigur in Wolken über 

der Szene eingefügt. Die Farbigkeit zeigt sich ausgesprochen 

manieristisch, mit changierenden Rot-Gelb- 

Farben in der Wiedergabe des Textilen. 

Granacci, ein enger Freund Michelangelos (1475- 

1564), mit dem er zeitweise zusammengearbeitet hat, 

war Schüler des Domenico Ghirlandaio (1449-1494), 

somit stand er auch mit dem genannten Filippino Lippi 

in engem Kontakt. Jedenfalls aber weisen Details 

im Bild, wie etwa das Betpult eine spätere Stilstufe. 

Kaum merklich leichte Wölbung, verso Festigungsleisten. 

Rest. A. R. 

277 

FRANCESCO D‘ANDREA DI MARCO GRANACCI, 

1469 VILLAMANGA – 1543 FLORENZ, ZUG. 

DIE VERKÜNDIGUNG 

Öl/ Tempera auf Holz. 

144 x 82 cm. 

Ungerahmt. 

Für die Thematik der Verkündigung des Engels an 

Maria folgt die Darstellung der in Italien tradierten 

Komposition, wie wir sie bereits in der Frührenaissance, 

etwa bei Filippino Lippi (um 1457-1504) finden. 

Maria ist auch hier rechts am Betpult dargestellt, 

während der Engel von rechts oben heranschwebt. 

Eine vergleichbare kompositionielle Darstellung hat 

Granacci auch in seiner „Annunciazione“ angewendet, 

die sich in der Sammlung des Corsham Court, Wiltshire 

befindet. In dem hier präsentierten Bild allerdings 

Literatur. 

Vgl. C. van Holst, Francesco Granacci, München 1974, 

S. 23, 136-137. 

Ausstellungskatalog: IL giardino di San Marco. Maestri 

e compagni del giovane Michelangelo, Mailand 1992, 

S. 52. 

Ausstellungskatalog: Maestri e botteghe. Pittura a 

Firenze alla fine del Quattrocento, Mailand 1992, 

S. 75. 

Ausstellungskatalog: Museo di Arte Sacra di San 

Francesco a Greve in Chianti. Guida alla visita del 

museo e alla scoperta del territorio Florenz 2005, 

S. 32-33. 

(1291888) (3) (11) 

FRANCESCO D’ANDREA DI MARCO GRANACCI, 

1469 VILLAMANGA – 1543 FLORENCE, ATTRIBUTED 

THE ANNUNCIATION 

Oil/ tempera on panel. 

144 x 82 cm. 

Literature. 

cf. C. van Holst, Francesco Granacci, Munich 1974, 

pp. 23, 136-137. 

Il giardino di San Marco. Maestri e compagni del giovane 

Michelangelo, exhibition catalogue, Milan 1992, 

p. 52. 

Maestri e botteghe. Pittura a Firenze alla fine del Quattrocento, 

exhibition catalogue, Milan 1992, p. 75. 

Museo d’arte Sacra di San Francesco a Greve in 

Chianti. Guida alla visita del museo e alla scoperta 

del territorio, exhibition catalogue, Florence 2005, 

p. 32-33. 

€ 18.000 - € 22.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


278 

RUTILIO DI LORENZO MANETTI, 

1571 SIENA – 1639 EBENDA, ZUG. 

MARIA MAGDALENA ALS BÜSSERIN IM GEBET 

MIT ENGELN 


96 x 72, 5 cm. 

In Goldrahmen. 

Dem Magdalena-Thema hat sich der Maler mehrfach 

angenommen. So etwa mit seinem Gemälde „Ekstase 

der Heiligen Magdalena“ (Forenz, Palazzo Pitti) 

oder „Tod der Maria Magdalena“ in der Kirche Saint- 

Eustache, Paris, um 1625. Anders als dort, wo es sich 

um die Darstellung der liegenden Heiligen handelt, ist 

hier das Hochformat gewählt. Magdalena sitzt hinter 

einem Tisch mit daraufliegendem Schädel auf dem 

Gebetbuch, Attribute der Heiligen. Die Hände verschränkt, 

der Blick meditativ nach unten gerichtet, das 

Haar aufgelöst, als ikonographischer Verweis auf ihre 

einstige Lasterhaftigkeit. Von den beiden links herantretenden 

Engeln weist einer auf die Dornenkrone 

Jesu. So sind auch die Tränen in ihrem Gesicht zu verstehen. 

Die Malweise zeigt ganz den Hell-Dunkel-Stil des 

gleichaltrigen Michelangelo Merisi il Carravaggio 

(1570/71-1610). Werke seiner Hand finden sich häuptsächlich 

in Siena, so etwa die Fresken im Palazzo Pubblico, 

aber auch in Pisa, wo er 1618 areitete, sowie in 

Casole dÉlsa. Seine damalige Berühmtheit verschaffte 

ihm seine Beisetzung im Dom seiner Heimatstadt 

Siena. A. R. (1291884) (3) (11) 

RUTILIO DI LORENZO MANETTI, 

1571 SIENA – 1639 IBID., ATTRIBUTED 

THE PENITENT SAINT MARY MAGDALENE IN 

PRAYER WITH ANGELS 


96 x 72.5 cm. 

€ 16.000 - € 18.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


165

279 

NICCOLINO VAN HOUBRAKEN, 

AUCH „NICOLA VAN HOUBRAKEN“, 

1663 – 1723/24 

STILLLEBEN MIT TOPFPFLANZEN, 

GEMÜSE UND EINEM HUND 


147,5 x 186,8 cm. 

In vergoldetem Rahmen. 

Das Gemälde ist verzeichnet und abgebildet im RKD 

unter der Abb.Nr. 0000168911. 

Vor einem nicht näher bestimmbaren Hintergrund mit 

Steinmauer auf der rechten Seite die von der Sonne, 

aus unbekannter Quelle, beschienene große Zimmerpflanze 

mit rot-grünen und weiß gefärbten Blättern in 

einem Tontopf, daneben, aus einer Öffnung herausragend 

weiße Lilien und große Rosenzweige. Rechts 

daneben eine mit Bast umwickelte Weinflasche, ein 

Fayenceteller mit einem Stück Brot sowie ein leeres 

Weinglas. Auf der rechten Bildseite ein weiterer hellbrauner 

Tontopf mit rosa blühendem Rosenstock. Im 

Vordergrund links liegend Gemüse und ein erlegter 

Hahn, sowie rechtsseitig ein kleiner weiß-brauner 

Hund vor einem geflochtenen Korb stehend, vor dem 

nicht ganz reife Tomaten liegen. Seine braunen Augen 

sind ganz auf den nach oben mit den Krallenfüßen 

gestreckt liegenden Hahn gerichtet. Stimmungsvolle 

Malerei mit gekonnter Lichtführung. Teils Retuschen. 

NICCOLINO VAN HOUBRAKEN, 

ALSO KNOWN AS “NICOLA VAN HOUBRAKEN”, 

1663 – 1723/24 

STILL LIFE WITH POT PLANT, VEGETABLES 

AND ONE DOG 


147.5 x 186.8 cm. 

The painting is listed and illustrated at the RKD 

with ill. no. 0000168911. 

Notes: 

The artist was a late Baroque Italian painter of Flemish 

descent. He specialized in paintings depicting 

playful arrangements of fruit, vegetables, flora and 

animals indoors or in forests. The present painting 

belongs to one of these arrangements. His work 

was highly valued by the Medici court in Florence. 

€ 20.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Der Künstler war ein italienischer Maler des Spätbarock, 

der flämischer Abstammung war. Er spezialisierte 

sich auf Gemälde, die spielerische Arrangements 

von Obst, Gemüse, Vegetation, Tieren in 

Innenräumen oder in Wäldern darstellen. Zu einem 

dieser Arrangements gehört auch das vorliegende 

Gemälde. Seine Arbeiten wurden vom Medici-Hof 

in Florenz sehr geschätzt. (1290891) (18) 



167

280 

NIEDERLÄNDISCHER MEISTER 


DUTCH SCHOOL, 

17TH CENTURY 

AUF WALFANG 

WHALING 

Öl auf Holz. 

60 x 84 cm. 

Auf leicht bewegtem Meer drei prachtvolle Fregatten 

mit geblähten Segeln unter niederländischer Beflaggung, 

auf der Jagd nach den im Meer schwimmenden 

Walen. Im Vordergrund links ein großer Wal mit 

ausstoßender Wasserfontäne, rechtsseitig gefolgt von 

zwei mit Walfängern besetzten Booten. Weitere Wale 

und Boote sind rechtsseitig des Bildes zu erkennen, 

sowie auf der linken Seite die Schwanzflosse eines 

Wals neben der überragend großen prachtvollen Fregatte. 

Am rechten Bildrand sind Eisberge zu erkennen, 

was auf den Walfang in der Arktik verweisen könnte. 

Malerei in zurückhaltender Farbgebung mit hohem 

überwiegend grau-blauem Himmel, was atmosphärisch 

auf die Kälte verweisen könnte. Kleine Restaurierung. 

Oil on panel. 

60 x 84 cm. 

€ 10.000 - € 12.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Ähnliche Walfangdarstellungen lassen sich auch bei 

anderen Künstlern des 17. Jahrhunderts finden, so 

u.a. bei Abraham Jansz Storck (um 1635-1710). 

(1290765) (1) (18) 


281 

HENDRICK VAN STEENWIJK, 

1580 – UM 1649, ZUG. 

INNERES EINER GOTISCHEN KIRCHE 

MIT SEITLICHEM BLICK IN DIE STADT 

Öl auf Holz. 

34,5 x 45,5 cm. 

Das Gemälde, da hier neben dem Blick in das gotische 

Langschiff, mit Stichkappengewölbe, Seitenaltar, 

Kanzel und Lettner, auch die Aussicht in die Altstadt 

gegeben ist. Ein Kirchturm im Hintergrund zeigt 

Verwandtschaft mit denen der Kirchen von Antwerpen, 

also dem Geburts- und Wirkungsort des Malers. 

Wie immer in diesen Kircheninterieurs, bietet sich 

auch hier die Darstellung in extremer Feinmalerei. 

Das besondere Interesse des Malers galt auch der 

gelungenen Wiedergabe der perspektivischen Erfassung, 

was auch durch das Schachbrett- Paviment zum 

Ausdruck kommen sollte. Nicht weniger interessant ist 

hier die Schilderung der Figurenstaffage mit Geistlichen, 

Bürgern und Bettlern, von denen sich zwei an 

den Pfeilern der Vorhalle links postiert haben. 

HENDRICK VAN STEENWIJK, 

1580 – CA. 1649, ATTRIBUTED 

INTERIOR OF A GOTHIC CHURCH 

WITH VIEW OF A TOWN 

Oil on panel. 

34.5 x 45.5 cm. 

The painting, is of great interest as it depicts the view 

of the Gothic nave with its lancet vault, side altar, pulpit 

and rood screen as well as a view the old town. 

Literature: 

cf. for a similar painting Jeremy Howarth, The Steenwijick 

family as masters of perspective, 2009, p.199, 

Nr. II B 219. 

cf. Bernard G. Maillet, “Interieurs d‘églised 1580- 

1720, La peinture architecturale des écoles du Nord”, 

2012, S. 250, Nr. M-0434, as Abel Grimmer. 

€ 22.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Literatur: 

Vgl. für eine ähnliche Komposition Jeremy Howarth, 

The Steenwijick family as masters of perspective, 

2009, S.199, Nr. II B 219. 

Vgl. Bernard G. Maillet, „Interieurs d‘églised 1580- 

1720, La peinture architecturale des écoles du Nord“, 

2012, S. 250, Nr. M-0434, dort das Gemälde als 

Abel Grimmer. (12807810) (1) (11) 


169

282 

PIETER GIJSELS, 


FLUSSLANDSCHAFT MIT ANLEGESTELLE 

Öl auf geätzter Kupferstichplatte. 

40 x 52 cm. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen 

vom 4. November 2021. 

Der Flusslauf zieht nach links hinten, am Ufer mehrere 

Segelschiffe und Kähne, zum Teil mit Figuren 

besetzt. Auf der heller beleuchteten Uferböschung 

reiche Figurenstaffage mit Lastenträgern und Pferdefuhrwerk. 

Flotte Pinseltechnik und theatralische Lichtregie, 

was bereits für die Spätzeit der holländischen 

Landschaftsauffassung spricht. 

Das Gemälde ist auf die Rückseite einer Kupferstichplatte 

gemalt. Dort ist die Darstellung der römischen 

Gemahlin des Kaisers Domitian zu erkennen. Am Unterrand 

gestochene Legende mit Betitelung „Domitia 

Longina“ sowie mehrzeiliger Text des holländischen 

Kupferstechers, mit Druckblattbezeichnung Tafel „II.“ 

A.R. (1290893) (11) 

PIETER GIJSELS, 


RIVER LANDSCAPE WITH SHIP LANDING STAGE 

Oil on etched copper engraving plate. 

40 x 52 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dr. Klaus Ertz, 

Lingen from November 4, 2021. 

€ 18.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

283 

FRANS SNYDERS, 


JUNGE MAGD MIT FEDERVIEH 

IN KÜCHENINTERIEUR 

Öl auf Holz. Teilparkettiert. 

124,5 x 95 cm. 


In Nahsicht in einem Interieur ein junges Küchenmädchen 

in leuchtend roter Jacke mit weißem Kragen 

und weißer Haube, vor sich in ihren Händen einen 

Hahn haltend. Sie hat ein feines zartes Gesicht und 

mit ihren leuchtenden hellbraunen Augen blickt sie 

aus dem Bild auf den Betrachter heraus. Links hinter 

ihr, an einer Wand an einem Nagel hängend, zwei 

Hühnervögel sowie an einem weiteren Nagel ein großer 

herabhängender Hase. Auf der vor ihr stehende großen 

Tischplatte am linken Rand mehrere erlegte kleinere 

Vögel, eine Keramikschale, gefüllt mit frischen leuchtenden 

Erdbeeren und einer herausragenden kleinen 

weißen Nelke, daneben ein Bündel mit Spargel. Am 

rechten Bildrand eine große glänzende Henkelschale 

mit darin eingestecktem Tontopf und am unteren 

Rand eine prachtvolle Artischocke. Malerei in der typischen 

Manier, bei der besonders das leuchtende Rot 

der Jacke des Mädchens und der weiße Kragen dem 

dunkleren Hintergrund kontrastreich gegenüberstehen. 

Teils rest., teils Retuschen. 

Ein vergleichbares Gemälde ist auch im Kölner Wallraf- 

Richartz-Museum zu finden „Köchin mit Esswaren“. 

Literatur: 

Dieses Gemälde ist abgebildet in: Hella Robels, 

Frans Snyders, München 1989, S. 173, Nr. 5. 

Vgl. auch Hella Robels, Stilleben- und Tiermaler, 

1579-1657, München 1989. (1291672) (3) (18) 

FRANS SNYDERS, 


KITCHEN INTERIOR WITH YOUNG 

MAID AND FOWL 


124.5 x 95 cm. 

Literature: 

Painting illustrated in: Hella Robels, Frans Snyders, 

Munich 1989, p. 173, no. 5. 

cf. Hella Robels, Stilleben- und Tiermaler, 1579-1657, 

Munich 1989. 

€ 50.000 - € 70.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


284 

JAN WIJNANTS, 

1632 HAARLEM – 1684 AMSTERDAM 

LANDSCHAFT MIT ERHEBUNG, ABGESTORBENEM 

BAUM UND FIGURENSTAFFAGE VOR DORF. 


34 x 44,5 cm. 

Rechts unten signiert „J. Wynants“. 

In gekehltem ebonisiertem Rahmen. 

Beigegeben kunsttechnologischer Bericht von Conzen, 

Düsseldorf, vom November 2014 in Kopie. 

Wie in manchen anderen Gemälden Wijnants’, wie 

etwa im Oldenburger Landesmuseum, erhebt sich in 

der rechten Hälfte ein sandiger Hügel, der von Bäumen 

hinterfangen ist, davor eine Baumruine, der das Gemälde 

seine vertikale Akzentuierung verdankt. Links 

einige Figuren teils mit Hunden vor Dorfstaffage. 

(1291161) (13) 

JAN WIJNANTS, 

1632 HAARLEM – 1684 AMSTERDAM 

LANDSCAPE WITH ELEVATION, DEAD TREE 

AND FIGURE STAFFAGE OUTSIDE VILLAGE 


34 x 44.5 cm. 

Signed “J. Wynants” lower right. 

A copy of an art technological report by Conzen, 

Dusseldorf, dated November 2014 is enclosed. 

€ 16.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


285 

GILLIS VAN CONINXLOO II, 

1544 ANTWERPEN – 1607 AMSTERDAM, ZUG. 

ÜBERFALL IN EINER WALDLANDSCHAFT 


37 x 42 cm. 

Unsigniert. 

Das ineinander Verweben von Landschaften mit erzählerischer 

Figurenstaffage ist vor allem durch das 

Werk Brueghels beliebt geworden. Auch hier wirkt 

das Bild auf den ersten Blick überwiegend als eine 

Laubwaldlandschaft; knorrige, zumeist paarweise stehende 

Baumstämme tragen dichte Kronen mit von 

links beleuchtetem Laubwerk, in feinpinseliger Malweise 

aufgesetzt. Drei Schneisen gliedern das Walddickicht. 

Die Hauptszenerie im Vordergrund schildert einen 

Überfall durch Freibeuter gegen Bauern; einen am 

Boden knienden, mit gefalteten Händen flehenden 

Mann sowie eine fliehende Frau, verfolgt von einem 

Räuber mit Federhut und Schwert. Am Boden Gepäck 

und Körbe zerstreut. Genauere Betrachtung lässt 

auch noch innerhalb des Walddickichts davoneilende 

Personen erkennen. Selbst in der rechten unteren 

Ecke lässt sich eine Person zwischen Baumstämmen 

ausmachen. Nicht weniger ideenreich ist die Wiedergabe 

von Waldbrücken über einen Graben links - vorne 

ein fragiler Holzsteg, weiter hinten eine gemauerte Bogenbrücke. 

So hat das Gemälde - wie dies vom Werk 

des Malers generell zu sagen ist - gewissermaßen 

den Reiz eines Suchbildes mit überraschenden Einzelheiten. 

Variierende Beleuchtungseffekte der hellgrün bis 

herbstbraun gefärbten Bäume zeigen ganz die Handschrift 

von Coninxloos, wobei die Qualität kaum Zweifel 

an der Eigenhändigkeit des genannten Malers aufkommen 

lassen sollten. A. R. 

Provenienz: 

Süddeutsche Sammlung. 

Dorotheum, Wien, 2007. 

Anmerkung: 

Coninxloo, vor allem für diese Waldlandschaften bekannt 

geworden, wurde 1570 Mitglied der Lukasgilde, 

zog im Zuge der Religionswirren 1585 zunächst nach 

Zeeland, dann 1587 nach Frankenthal. Zusammen mit 

anderen Meistern, wie etwa Pieter Schoubroeck (um 

1570-um 1607) oder Hendrik van der Borcht, zählte 

er nun zur sog. Frankenthaler Malergruppe, als deren 

bedeutendster Vertreter er gesehen wird. Erst 1597 

kehrte er, hoch geehrt, nach Amsterdam zurück. 

Literatur: 

Klaus Ertz, Coninxloo, Gillis III van, in: Allgemeines 

Künstlerlexikon. Die Bildenden Künstler aller Zeiten 

und Völker (AKL), Bd. 20, Saur, München u. a. 1998, 

S. 522. 

Martin Papenbrock, Landschaften des Exils. Gillis van 

Coninxloo und die Frankenthaler Maler Europäische 

Kulturstudien. Bd. 12, Köln u. a. 2001. 

Nils Büttner, Landschaften des Exils? Anmerkungen 

zu Gillis van Coninxloo und zur Geschichte der flämischen 

Waldlandschaft aus Anlass einer Neuerscheinung, 

in: Zeitschrift für Kunstgeschichte 66, 

2003, S. 546-580. (1270157) (11) 

GILLIS VAN CONINXLOO II, 

1544 ANTWERP – 1607 AMSTERDAM, ATTRIBUTED 

ROBBERY IN FOREST LANDSCAPE 


37 x 42 cm. 

Unsigned. 

Provenance: 

Collection, Southern Germany. 

Dorotheum, Vienna, 2007. 

Literature: 

Klaus Ertz, Coninxloo, Gillis III van, in: Allgemeines 

Künstlerlexikon. Die Bildenden Künstler aller Zeiten 

und Völker (AKL), vol. 20, Munich et. al. 1998, p. 522. 

Martin Papenbrock, Landschaften des Exils. Gillis van 

Coninxloo und die Frankenthaler Maler, in: Europäische 

Kulturstudien, vol. 12, Cologne et. al. 2001. 

Nils Büttner, Landschaften des Exils? Anmerkungen 

zu Gillis van Coninxloo und zur Geschichte der flämischen 

Waldlandschaft aus Anlass einer Neuerscheinung, in: 

Zeitschrift für Kunstgeschichte 66, 2003, pp. 546-580. 

€ 25.000 - € 27.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


173

286 

JAN BRUEGHEL D. J., 

1601 – 1678 

BLUMENKORB MIT MARIENKÄFER 

Öl auf Holz. 

49,5 x 64 cm. 

In profiliertem Goldrahmen. 

Beigegeben eine Expertise von Dr. Klaus Ertz, Lingen, 

November 2021. 

Ein geflochtener Weidenkorb, der auf einem hölzernen 

Gestell steht, sieht täuschend echt aus. Die Tulpen, 

teure Sammlerobjekte der damaligen Zeit, stehen in 

einem geordneten Durcheinander neben Rosen und 

Anemonen. Die Farben sind in perfekter Harmonie 

gehalten, wo die ausgewogene Verteilung von Gelb, 

Rosa und Weiß mit ein paar roten Blumen die Komposition 

belebt. Das Gemälde erhält einen dekorativen 

Wert mit einer unterschwelligen symbolischen Bedeutung 

für die Eitelkeit. Die vergängliche Schönheit eines 

Blumenstraußes feiert die göttliche Schöpfung und 

lädt uns ein, über die Kurzlebigkeit des Lebens nachzudenken. 

Die extreme Sorgfalt, mit der die Frische 

und der Glanz dieser Blumen wiedergegeben werden, 

spiegelt auch den Geschmack für ästhetischen Genuss 

und Kontemplation wider - typisch für eine kultivierte 

Gesellschaft. (†) 

JAN BRUEGHEL THE YOUNGER, 

1601 – 1678 

WICKER BASKET WITH FLORAL ARRANGEMENT 

AND LADYBIRD 

Oil on panel. 

51 x 64 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz, 

Lingen, November 2021. (†) 

Provenance: 

Private collection, Southern Germany. 

€ 120.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Provenienz: 

Süddeutsche Privatsammlung. (1281303) (13) 



175

287 

PAUL BRIL, 

UM 1553/54 BREDA – 1626 ROM, ZUG. 

Bril hatte schon zu Lebzeiten, vor allem in Rom, viele 

Maler beeinflusst, wie etwa den Niederländer Cornelis 

van Poelenburgh (1586-1667), oder den Frankfurter 

Adam Elsheimer (1574/78-1610/20). 

BEWEGTE LANDSCHAFT MIT VERSCHATTETEM 

HÜGEL UND SCHAFHIRTEN 

Öl auf Leinwand. Wachsdoubliert. 

66,5 x 96 cm. 

Vielfalt von Landschaftseindrücken in einem einzigen 

Bild zu vereinen, gehört zu den typischen Merkmalen 

des Malers Paul Bril, der schon 1582 nach Rom zog. 

Trotz der Einflüsse der italienischen Malerei behielt er 

allerdings die Effekte der ins helle Türkis-Grün getauchten 

Landschaftshintergründe bei, wie sie seit 

Brueghel gängig waren. In geschickter Weise ist auch 

dieses Gemälde durch eine fantasievolle Aufteilung in 

unterschiedliche Sichtbereiche gekennzeichnet. Dreifach 

zeigt sich die Komposition gegliedert: auf einem 

verschatteten baumbestandenen Hügel erheben sich 

ländliche Giebelgebäude, während die seitlichen landschaftlichen 

Ausblicke in hellem Licht erscheinen. 

Links ein schmaler, sonnig beschienener, von Häusern 

gesäumter Weg mit einem Eselreiter, rechts der 

Blick in eine breite, in blauer Luftperspektive nach unten 

ziehende Schlucht, eingefasst von Felsgestein 

mit darauf sich erhebender verfallener Architektur, 

aber auch mit nach unten ziehenden Jägern. Eine marode 

gebogene Holzbrücke schwingt über einen Gebirgsbachlauf 

hinweg. Die Staffage zeigt links unten 

einen am Hügel rastenden Hirten zwischen seinen 

weidenden Schafen, im Gespräch mit einer Frau, die 

eine Spinnwirtel hält. Diese Vielfalt der landschaftlichen 

Aspekte, aber auch der gezielt unterschiedlichen 

Beleuchtungseffekte vermitteln dem Bild die 

Wirkung hoher Lebendigkeit. Dabei lassen sich feine 

Unterschiede der Lichtgebung beobachten: Während 

rechts im Bild eine morgendliche Kühle vorherrscht, 

zeigt sich der Himmel links oben in Morgenröte. Es 

entbehrt nicht einer gewissen Raffinesse, dass der 

Maler links im Vordergrund die so eng nebeneinander 

positionierten Staffagefiguren so unterschiedlich beleuchtet 

zeigt, ein Kunstgriff, der auch in den weiteren 

Bildpartien zu sehen ist. A. R. (1290669) (1) (11) 


PAUL BRIL, 

CA. 1553/54 BREDA – 1626 ROME, ATTRIBUTED 

ANIMATED LANDSCAPE WITH SHADOWY HILL 

AND SHEPHERDS 

Oil on canvas. Relined with wax. 

66.5 x 96 cm. 

Combining a variety of landscape impressions in a 

single picture is one of the typical characteristics of 

the painter Paul Bril, who moved to Rome as early as 

1582. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


177

288 

HANS BOL, 

1534 MECHELEN – 1593 AMSTERDAM, ZUG. 

MINIATURTONDO 

Durchmesser: 6,3 cm. 

Verso feine Holzabdeckelung mit schwarzem Lacksiegel 

und gestochenem ovalem Aufkleber mit Wappen 

und Krone mit Devisenumschrift „MARE NASCITUR 

FORTITUDO / EX MUSEO DE LA VILLESTREUX“ 

(Grafen Perre de la villestreux). 

Eingelegt in einem aufwändig gearbeiteten runden, 

vergoldeten Bronzerahmen mit Perlstabdekor und 

Hängering, die Abdeckelung verso mit originaler Verschraubung. 

Herstellermonogramm „F/E“ sowie Gravur 

auf dem klappbaren Stellfuß „Giroux/Paris“ (1776- 

1848). 

Darstellung eines Eisvergnügens, mit seitlichen Häusern, 

Figurenstaffage im Vordergrund und einer Stadt 

am Horizont, bei der es sich wohl um die Heimatstadt 

des Malers, Mechelen, handelt. 

Die Miniatur in äußerst feiner Technik, in heller, dem 

winterlichen Licht entsprechender Farbigkeit geschaffen. 

Der Blick aus der Kavaliersperspektive zeigt mehrere 

Männer, Frauen und Kinder, als Zuschauer des tiefer 

liegenden Eisvergnügens mit zahlreichen Schlittschuhläufern. 

Die Dächer der seitlichen Gebäude verschneit, 

dazwischen entlaubte schlanke Bäume. Am 

Horizont eine Stadt mit davorstehenden, hell wiedergegebenen 

Rundtürmen der Stadtbefestigung: links 

eine doppeltürmige Festungsanlage, rechts ein einfacher 

Rundturm. Dahinter eine Kathedrale, links davon 

ein weiterer Kirchturm. 

Der Vergleich mit alten Stadtansichten zeigt, dass es 

sich hier wohl um die Geburtsstadt des Malers, Mechelen 

handeln dürfte. Dafür sprechen die genannten 

Doppeltürme, wobei der linke wohl der St. Peters 

Kirche zuzuordnen wäre. Die St. Rambolds-Kirche im 

Zentrum hatte noch im 17. Jhdt. eine spitze Turmerscheinung. 

Hans Bol zeigte auch in seinen größeren Bildern eine 

ausgesprochen feine Pinseltechnik und nicht selten 

eine helle Farbigkeit. In seinen Landschaften komponierte 

er gerne Partien seiner Heimat in phantasievollen 

Arrangements. A. R. 

HANS BOL, 

1534 MECHELEN – 1593 AMSTERDAM, ATTRIBUTED 

MINIATURE TONDO 

Diameter: 6.3 cm. 

Fine wooden cover with black lacquer seal and engraved 

oval label with coat of arms and crown and 

circumscription in Latin: “MARE NASCITUR FORTITU 

DO / EX MUSEO DE LA VILLESTREUX“ on the back. 

Provenance: 

Former collection Rau for UNICEF. 

Note: 

A winter landscape of very similar composition by 

Bol and almost identical depiction of the ice with the 

skaters created in 1586 is held at the Miniature Cabinet 

of the Collections of Munich Residenz, Rich 

Rooms (r. 62). 

€ 25.000 - € 27.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Provenienz: 

Ehemals Sammlung Rau für UNICEF. 

Anmerkung: 

Eine sehr ähnlich komponierte Winterlandschaft von 

seiner Hand mit nahezu derselben Wiedergabe der 

Eisfläche mit Schlittschuhläufern, entstanden 1586, 

befindet sich im Miniaturenkabinett der Sammlungen 

der Münchener Residenz, Reiche Zimmer (R. 62). 

Hans Bol zählt zu den bedeutenden Flamen der niederländischen 

Malerei der Hochrenaissance. 1560 

wurde er Mitglied der Malergilde in seiner Heimatstadt. 

1572, bei der Plünderung der Stadt durch die 

Spanier verlor er seinen gesamten Besitz und musste 

zwei Mal fliehen, worauf er sich nur noch der Miniaturmalerei 

verschrieb. 1574 wurde er Mitglied der 

Lukasgilde in Amsterdam, wo er auch in der Oude 

Kerk beigesetzt wurde. (1270153) (11) 


Vergrößerung, Originalgröße 6,3 cm 


179

289 

JAN VAN KESSEL D. Ä., 

UM 1626 ANTWERPEN – 1679 EBENDA 

SCHMETTERLINGE, MUSCHELN, 

INSEKTEN UND BLÜTENZWEIG 

Öl auf Eichenholz. 

18,5 x 24,5 cm. 

Mittig unten signiert „J. V. Kessel fecit A° 1661“. 

Beigegeben ein Gutachten von Dr. Klaus Ertz, Lingen, 

vom 19. Februar 2016. Dieses auch mit der kunsthistorischen 

Erinnerung daran, dass der Maler ab 1653 

Miniaturräume vor hellem Grund schuf und das 1661 

entstandene Bild sich damit in den stilistischen Zeitraum 

des Werkes problemlos einordnet. Zudem ist 

eine Farbpigmentanalyse von Prof. Dr. Schreiner, 

Wien, beigegeben. 

Die Objekte auf beigegrauem Untergrund gemalt, mit 

jeweiliger zarter Schattengebung, im Zentrum Strauchstängel 

mit Knospen und blauen Blüten einer Borretschpflanze, 

auch Gurkenkraut genannt, darauf ein 

Nachtfalter. Das farbige Zentrum überwiegend in den 

Farben Grün und Blau, kreisförmig umgeben von eher 

brauntonigen Insekten und Schmetterlingen sowie 

Seemuscheln und Wasserschnecken. Dazwischen 

kleinere Laufkäfer, eine zart gemalte Mücke sowie 

eine Libelle links oben. Die Farboberfläche weist 

feinstes Craquelé auf. (†) (12901429) (11) 

JAN VAN KESSEL THE ELDER, 

CA. 1626 ANTWERP – 1679 IBID. 

BUTTERFLIES, SHELLS, INSECTS 

AND BLOSSOM BRANCH 

Oil on oak panel. 

18.5 x 24.5 cm. 

Signed “J. V. Kessel fecit A° 1661” at lower centre. 

Accompanied by an expert’s report by Dr Klaus Ertz, 

Lingen, dated 19 February 2016. The report explains 

that the artist had been painting miniature interiors 

set against light backgrounds since 1653 and that 

the work on offer here, created in 1661, easily fits 

into this stylistic period. A pigment analysis by Prof. 

Dr. Schreiner, Vienna, is enclosed. 

Very fine craque lure to the paint surface. (†) 

€ 40.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


290 

JAN VAN KESSEL D. Ä., 

UM 1626 ANTWERPEN – 1679 EBENDA 

REIHER IM KAMPF MIT FALKEN 

Öl auf Leinwand, auf Holz aufgezogen. 

52 x 69 cm. 

Rechts unten signiert „IVKessel Fecit A° 1675“. 

In partiell vergoldetem Holzrahmen. 

Niedriger weiter Horizont in Luftperspektive dargestellt 

mit dem Betrachter nahem Uferstück, darauf drei 

Reiher, wobei der Linke soeben von einem Falken attakiert 

worden ist. Weitere Falken und Reiher sind in der 

Luft dargestellt, anderes Federvieh wird in friedlicherer 

Situation in natürlicher Umgebung gezeigt. Einen (weniger 

prächtigen) Kampf mit Reihern zeigt ein Gemälde 

in Dunkerque, Musée des Beaux-Arts, Inv.Nr. P. 279. 

Rest. 

Provenienz: 

Ehemals Sammlung Lindgens, Köln. 

Literatur: 

Klaus Ertz und Christa Nitze-Ertz, Die Maler Jan van 

Kessel, Lingen 2012, S. 214, Nr. 202. Dort auch Hinweis 

auf die Provenienz. (1290106) (13) 

JAN VAN KESSEL THE ELDER, 

CA. 1626 ANTWERP – 1679 IBID. 

HERONS FIGHTING FALCONS 

Oil on canvas, laid on panel. 

52 x 69 cm. 

Signed “IVKessel Fecit A° 1675” lower right. 

In parcel-gilt wooden frame. 

Low, broad horizon in aerial perspective with the riverside 

close to the viewer. A (less magnificent) fight 

with herons can be seen in a painting held at the 

Musée des Beaux-Arts, Dunkerque with inventory no. 

P. 279. Restored. 

Provenance: 

Previously Lindgens Collection, Cologne. 

Literature: 

Klaus Ertz and Christa Nitze-Ertz, Die Maler Jan van 

Kessel, Lingen 2012, p. 214, no. 202. With reference 

regarding its provenance. 

€ 20.000 - € 40.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


181


291 

FREDERICK BOUTTATS D. Ä., 

1612 – 1661, ZUG. 

PAAR STILLEBEN MIT VÖGELN, FRÖSCHEN, 

MEERSCHWEINCHEN UND EINEM AFFEN 

Öl auf Holz. 

14,4 x 20 cm. 

Verso mit alten Sammlungsetiketten und Notizen. 

In ebonisiertem Wellenleistenrahmen. 

Auf monochromem cremefarbenem Grund jeweils 

gleichmäßig verteilte Tierwesen. Die teils exotischen 

Vögel teils auf einem blattfreien Ast sitzend, während 

ein Kranich seinen langen Hals als Vertikale kompositorisch 

gegen die Äste entgegenrichtet. Auf dem Boden 

fressende Meerschweinchen, ein Frosch und ein Affe. 

FREDERICK BOUTTATS THE ELDER, 

1612 – 1661 , ATTRIBUTED 

PAIR OF STILL LIFES WITH BIRDS, FROGS, 

GUINEA PIGS AND MONKEY 

Oil on panel. 

14.4 x 20 cm. 

Provenance: 

Viennese collection. 

Galerie Carrol, Munich, 27 August 1972 as Friedrich 

Bouttats. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Provenienz: 

Wiener Sammlung. 

Galerie Carrol, München, 27. August 1972, als Friedrich 

Bouttats. (1290273) (13) 


185

292 

ROELANT SAVERY, 

1576/78 KORTRIJK, BELGIEN – 1639 UTRECHT, 

NIEDERLANDE 

LANDSCHAFT MIT EINEM ANGREIFENDEN 

LÖWEN 

Öl auf Holz. 

23 x 32 cm. 

Links unten Signatur „Roelandt Savery fe.“ 

In bergiger Landschaft vor einer Höhle ein Löwe, der 

ein weiß-braunes Pferd angegriffen hat, es mit seinen 

Vorderpfoten festhält und bereits zugebissen hat, sodass 

leichte Blutflecken zu erkennen sind. Im Hintergrund 

rechts ein den Hang herablaufender Stier und 

der hohe blaue Himmel mit weißen Wolkenformationen, 

in dem zahlreiche Vögel und Kraniche fliegen. 

Retuschen. (1290892) (18) 

ROELANT SAVERY 

1576/78 KORTRIJK, BELGIUM – 1639 UTRECHT, 

NETHERLANDS 

LANDSCAPE WITH AN ATTACKING LION 

Oil on panel. 

23 x 32 cm. 

Signed “Roelandt Savery fe.” lower left. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


293 

CHRISTOPH JACOBSZ VAN DER LAMEN, 

UM 1605 BRÜSSEL – UM 1651 ANVERS, ZUG. 

Antwerpener Schule des 17. Jahrhunderts 

INTERIEUR MIT TRIC TRAC SPIELENDEN 

ELEGANTEN FIGUREN 


45,5 x 63 cm. 

In einem nüchternen Interieur bewegen sich in höflicher 

Atmosphäre mit Zurückhaltung und Eleganz drei 

vornehme Kavaliere und zwei Damen. Hier wird Tric 

Trac gespielt, das sich auf einem Tisch befindet, und 

getrunken, aber auf eine würdige Art und Weise. 

Wenn die Eleganz der Charaktere mit ihren herausgeputzten 

Kleidern, feinen weißen Spitzenkragen und 

Draperien einen hohen sozialen Rang verrät, zeigt 

eine genauere Betrachtung, dass die Männer, die ihre 

Hüte aufbehalten haben, zwei barhäuptige Frauen besuchen. 

Wir finden also ein wiederkehrendes Thema 

im Niederländischen der holländischen Malerei, in der 

die Herren, die gekommen sind, um eine Art Gesellschaftsspiel 

zu spielen. In Wirklichkeit verbergen sich 

hinter diesen Worten noch galantere Einsätze. Wir befinden 

uns hier erst in der Anfangsphase: der Abend 

hat gerade erst begonnen, da wird eine Flasche in 

eine Kühlbox links unten auf dem Boden gestellt. 

Hier gibt es keine unangemessenen Gesten, Höflichkeit 

ist das Gebot der Stunde. Die perfekt ausgewogene 

Komposition ist Teil dieser Maßnahme, bei der 

die Figurengruppe in einer symmetrischen Anordnung 

die Mitte einnimmt, deren Achse dieser Mann 

im Hintergrund ist, unter einem Marinegemälde, von 

dem aus der gesamte Raum organisiert wird, bis hin 

zu den Massen eines Schranks und einer Tür auf der 

rechten Seite, die die Szene einrahmen. Qualitätvolle 

Malerei mit gekonnter Licht- und Schattensetzung. (†) 

Anmerkung: 

Christoffel van der Lamen (1607/08-1651/52) war ein 

flämischer Maler, der sich auf Genreszenen spezialisiert 

hatte. Er war der Sohn des Malers Jacob van 

der Lamen (1584-1624). Er lernte bei ihm, bevor er 

ein Schüler von Frans Francken dem Jüngeren (1581- 

1642) wurde. Zwischen 1620 und 1634 ließ er sich in 

Amsterdam nieder, wo er seine Vorliebe für Szenen 

gesellige Zusammenkünfte zeigte, bei denen gespielt, 

getrunken oder getanzt wird, inspiriert von den nieder 

ländischen Malern Dirck Hals (1591-1656), Pieter 

Codde (1599-1678) und vor allem Anthonie Palamedes 

(1602-1673), von dem er einige seiner Kompositionen 

entlehnt hat. Zurück in Antwerpen, wurde er 

Professor an der Gilde von Saint Luc im Jahr 1636. 

Danach nahm seine Karriere Fahrt auf und er schuf 

zahlreiche Gemälde. Seine Handschrift ist durch die 

häufige Verwendung von Charakteren mit manchmal 

stereotypen Haltungen leicht zu erkennen. Seine 

Werke finden sich heute in den Sammlungen der 

größten westlichen Museen, angefangen mit dem 

Musée du Louvre. (1291939) 

CHRISTOPH JACOBSZ VAN DER LAMEN, 

CA. 1605 BRUSSELS – CA. 1651 ANVERS, 

ATTRIBUTED 

School of Antwerp, 17th century 

INTERIOR WITH ELEGANT FIGURES PLAYING 

TRIC TRAC 


45.5 x 63 cm. 

His works are today held in collections of the biggest 

museums in the West, starting with the Musée du 

Louvre. (†) 

€ 30.000 - € 50.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


187

294 

BERNARDO CANAL, 

1674 VENEDIG – 1744 

VEDUTE VON VENEDIG MIT DEM PALAZZO 

DUCALE UND DEM SCHIAVONI-UFER 


76 x 116 cm. 

Beigegeben Gutachten von Dr. Filippo Pedrocco, 

Venedig vom 09. Februar 2009. 

Der Blick auf den Dogenpalast, die Markussäule und 

die nach hinten ziehende Häuserfassade, ist aus 

leicht erhöhter Kavaliersperspektive vom Canal Grande 

aus zu sehen, die anliegenden und abfahrenden Gondeln 

im Vordergrund. Aufgrund der Beobachtung der 

technischen Charakteristik in Canals Werk kann das 

vorliegende Gemälde, nach Auskunft des Gutachtens 

von Dr. Filippo Pedrocco, an den Anfang des Jahres 

1735 datiert werden. Im beiliegenden Gutachten werden 

ferner zwei Gemälde im Museum Budapest erwähnt, 

die mit dem vorliegenden Gemälde in Verbindung 

zu bringen sind. 

BERNARDO CANAL, 

1674 VENICE – 1744 

VEDUTA OF VENICE WITH THE DOGE’S PALACE 

AND THE SCHIAVONI RIVERSIDE 


76 x 116 cm. 

Accompanied by an expert’s report by Dr. Filippo 

Pedrocco, Venice dated 9 February 2009. 

€ 70.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Bernardo Canal gehört zum älteren und früheren 

Kreis der venezianischen Vedutisten, wie Lucca Carlevaris 

(1663/65-1729/31), Johann Richter (1665-1745) 

oder Bernardo Bellotto (1721-1780), während sein Sohn 

Giovanni Antonio Canal (1697-1768) als der bekannte 

Canaletto aus diesem Kreis hervorging. In den Aufzeichnungen 

der venezianischen Malergilde wird er in 

den Jahren 1737-1743 erwähnt, taucht erstmals 1717 

auf, als er zusammen mit seinem Bruder Cristoforo 

und seinem Sohn Antonio Bühnendekorationen für 

das Teatro Sant’Angelo in Venedig schuf. 1719/20 ist 

er in Rom nachweisbar, dort ebenfalls zusammen mit 

seinem Sohn mit Dekorationen für das Opernhaus beschäftigt, 

wobei wir erfahren, dass er Kulissen für die 

Opern von Alessandro Scarlatti (1660-1725) schuf, die 

1720 aufgeführt wurden. Sein Malstil unterscheidet 

sich von dem seines Sohnes Canaletto im Wesentlichen 

durch eine stärkere Kontrastierung und Betonung 

dunklerer Konturen. (12901416) (11) 



189

295 

ANTONIO JOLI, 

1700 MODENA – 1777 NEAPEL 

BLICK AUF DEN CAMPIDOGLIO IN ROM, VOM 

FUSS DER TREPPE AUS 


73,5 x 97 cm. 

Verso auf Rahmen zwei rote Wachssiegel auf dem 

Rahmen und der Leinwand, zudem auf Leinwand 

eine Grafenkrone. 

Beigegeben ein Gutachten von Prof. Ralph Toledano, 

Paris vom 21. Dezember 2014 und ein Gutachten von 

Roberto Middione vom 20. Januar 2014. 

Diese römische Ansicht zeigt das Kapitol, von unterhalb 

der Cordonata aus gesehen, mit der Treppe der 

Kirche Santa Maria in Aracæli zur Linken. Die Cordonata 

ist der Spitzname der majestätischen Rampe mit 

niedrigen und tiefen Stufen, die zum Kapitolsplatz 

führt. Den Anfang markieren zwei ägyptische Löwen 

aus einem Isis-Tempel, die 1582 als Brunnenfiguren 

verwendet wurden. 

Der berühmte Platz, der von Michelangelo entworfen 

und von Giacomo della Porta und Girolamo Rainaldi 

ausgeführt wurde, wird von drei Palästen begrenzt. 

Es handelt sich um den Senatorenpalast am Ende, den 

Konservativen Palast auf der rechten Seite und den 

Kapitolinischen Palast auf der linken Seite. Im Mittelpunkt 

des Platzes steht das bronzene Reiterstandbild 

von Marc Aurel, das hier teils von einer weiteren 

Skulptur verdeckt ist. 

Von der Kirche Santa Maria in Aracæli und ihrer gleichnamigen 

Treppe ist auf diesem Gemälde nur die rechte 

Seite zu sehen. 

Laut Prof. Toledano gibt es für diese Ansicht keine 

genaue Vorgeschichte. Tatsächlich sind die meisten 

Darstellungen des Kapitols von der Ebene des Platzes 

aus aufgenommen. Das einzige Werk, das der vorliegenden 

Komposition ähnelt, ist das von Piranesi (enthalten 

in Vedute di Roma, eine zwischen 1748 und 

1765 veröffentlichte Sammlung von Drucken). In Piranesis 

Werk erscheinen die Backsteinfassade der Kirche 

und ihre Treppe (die links von den Bürgerhäusern begrenzt 

wird, die beim Bau des Altare della Patria abgerissen 

wurden) in ihrer Gesamtheit. Da wir die 

Chronologie der Veröffentlichung von Piranesis Grafiken 

nicht kennen, ist es nicht möglich festzustellen, 

ob Antonio Joli von dem Kupferstecher zu diesem 

Gemälde inspiriert wurde. 

Aufgrund der reifen Handschrift, der topografischen 

Sicherheit der Zeichnung, der Objektivität des ruhigen 

Lichts und der kantigen Perspektive, die an die Arbeit 

des Künstlers als Bühnenbildner erinnert, entspricht 

diese Ansicht der Reife von Antonio Joli. Die Lichtbrechung 

auf den Gebäuden rechts, die den Hintergrund 

bilden, ist typisch für Antonio Joli. Der Künstler arbeitete 

von 1744 bis 1749 in London und anschließend 

von 1749 bis 1754 in Madrid. In diesem Jahr kehrte er 

nach Italien zurück, ließ sich aber erst 1759 in Neapel 

nieder. Zwischen 1754 und 1759 unternahm er mehrere 

Reisen auf die Halbinsel und nach Sizilien, wo er 

verschiedene Stadtansichten malte. In den Jahren 

1756-1758 war sein wichtigster Auftraggeber Sir John 

Brudennell, für den er zahlreiche Ansichten malte, die 

sich heute größtenteils in den Sammlungen von Lord 

Montagu of Beaulieu und dem Duke of Buccleuch befinden. 

Der Stil der vorliegenden Ansicht ähnelt dem des reichhaltigen 

Kerns, der diesem sehr raffinierten englischen 

Reisenden und Sammler zur Verfügung gestellt wurde, 

so sehr, dass er ein Teil davon gewesen sein könnte. 

Diese schöne Ansicht wird durch zahlreiche kleine 

Figuren von Jolis eigener Hand belebt. Die langen, 

schmalen Typen finden sich in mehreren neapolitanischen 

Ansichten aus der Reifezeit des Künstlers 

wieder. Die beiden Männer rechts im Vordergrund, 

der eine gelehnt, der andere auf antiken Ruinen sitzend, 

verweisen dagegen auf die volleren Figuren 

Paninis, dessen Schüler Joli in seiner Jugend in Rom 

war, bevor er nach Umbrien zurückkehrte und sich 

später um 1732 in Venedig niederließ. (†) 

Literatur: 

Vgl. Ralph Toledano, Antonio Joli, Turin 2006, u.a. Nr. 

VV.III.I, S. 264 ; VV.III.2, S.265; VV.VI.I,S.270; N.XXX- 

VI, S. 387. 

Vgl. Roberto Middione, Antonio Joli, Soncino 1995. 

(1291417) (18) 

ANTONIO JOLI, 

1700 MODENA – 1777 NAPLES 

VIEW OF THE CAMPIDOGLIO IN ROME, FROM 

THE FOOT OF THE STAIRS 


73.5 x 97 cm. 

An expert’s report by Professor Ralph Toledano, Paris, 

dated 21 December 2014 is enclosed as is an expert’s 

report by Roberto Middione, dated 20 January 2014. 

This vista of Rome shows the Capitol, seen from the 

foot of the Cordonata, with the stairs of the Basilica 

of Santa Maria in Ara Coeli on the left. (†) 

Literature: 

cf. Ralph Toledano, Antonio Joli, Turin 2006, et al. 

no. VV.III.I, p. 264; VV.III.2, p. 265; VV.VI.I, p. 270; 

N.XXXVI, p. 387. 

cf. Roberto Middione, Antonio Joli, Soncino 1995. 

€ 100.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 




191

296 

GIACOMO GUARDI, 

1764 VENEDIG – 1835 EBENDA, ZUG. 

PIAZZA DI SAN MARCO IN VENEDIG 


45 x 60 cm. 

Giacomo war der Sohn des berühmten Francesco 

Guardi (1712-1793). Er profitierte von dessen Namen, 

arbeitete allerdings nicht in der Qualität seines Vaters, 

allenthalben für den touristischen Sammlermarkt der 

späteren Grand-Tour-Interessen. Gezeigt ist hier die 

große Piazza, von dem Schriftsteller Alfred de Musset 

„Salon Europas“ genannt, mit Blick auf die Basilica di 

San Marco, mit dem rechts stehenden Campanile. 

Seitlich wird der Platz gesäumt von den Prokuratien 

von Sansovino, Scamozzi und Longhena errichtet, 

links hinten ist der Torre dellÓrologio mit der astronomischen 

Uhr zu sehen. Die Vedute der Gebäude ist 

bewusst tief angesetzt, um dem südlichen Wolkenhimmel 

darüber größeren Raum zu geben. Die Staffagefiguren 

zeigen noch ganz die Kleidertradition des 

ausgehenden 18. Jahrhunderts. A. R. (1290522) (11) 

GIACOMO GUARDI, 

1764 VENICE – 1835 IBID., ATTRIBUTED 

PIAZZA DI SAN MARCO IN VENICE 


45 x 60 cm. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


297 

VIVIANO CODAZZI (1604 – 1670) IN ZUSAMMEN- 

ARBEIT MIT FILIPPO LAURI (1623 – 1694) 

BLICK ÜBER DEN TIBER MIT DER KIRCHE 

SAN GIOVANNI DEI FIORENTINI 


74 x 100 cm. 

In vergoldetem Rahmen mit Rocaillen. 

Dem Gemälde ist eine ausführliche Dokumentation 

beigegeben, die die Feststellung beinhaltet, dass das 

Gemälde bereits 1955 erstmals durch Giuliano Briganti 

als ein Werk des Codazzi anerkannt und 1983 

veröffentlicht wurde. In der Dokumentation werden 

Vergleichsbeispiele genannt, sowohl aus dem Werk 

des Codazzi als auch des Lauri, wie etwa das Gemälde 

„Opfer von Kain und Abel“. 

Wie häufig in der Malerei der Zeit und in den entsprechenden 

Themen, handelt es sich auch hier um eine 

Zusammenarbeit zweier Maler, wobei Codazzi hier 

Architektur und Hintergrund und Lauri die Figurenstaffage 

geschaffen hat. Gezeigt ist ein im Spätlicht 

von links beleuchteter Palast mit zwei Loggia-Risaliten, 

durch deren Bögen die Fensterfassade zu sehen 

ist. Die Loggien getragen von mächtigen Rundsäulen 

mit ionischen Kapitellen über einer Treppenanlage. Im 

oberen Geschoss ein geöffnetes Fenster mit zwei 

Personen. An der langen mittleren Zugangstreppe 

mehrfigurige Szenerie: Jesus vor den Aposteln, von 

denen einige einen Bottich herangetragen haben. Dabei 

dürfte es sich um die Szene der bevorstehenden 

Hochzeit zu Kana handeln. Rechts im Bild einige 

weitere, auf den Stufen sitzende Gestalten sowie 

zwei Männer im Gespräch. Links der verschattet stehende 

Springbrunnen mit hoher Brunnenschale, davor 

zwei Esel neben abgestelltem Gepäck und Gefäßen. 

Das Gemälde insgesamt in hervorragender, den beiden 

genannten Künstlern entsprechenden, Malqualität. 

Bei genauerer Sichtung des Gemäldes wird deutlich, 

dass die Figuren nach Fertigstellung der architektonischen 

Elemente eingefügt wurden, da die vorbereitenden 

Untermalungen zum Teil noch erkennbar sind. 

Literatur: 

Das Gemälde in der Literatur mehrfach genannt und 

abgebildet: 

Giuliano Briganti, Ludovica Trezzani, Laura Laureati, 

Viviano Codazzi, in: I Pittori Bergamaschi dal XIII al 

XIX secolo, Il Seicento, I, Bergamo 1983, S. 704, 

Nr. 128; S. 736, Abbildung 2. 

David Ryley Marshall, Viviano and Niccolò Codazzi 

and the Baroque architectural fantasy, Mailand-Rom 

1993, S. 324, VC 191. 

Giancarlo Sestieri, Il Capriccio architettonico in 

Italia nel XVII e XVIII secolo, Rom 2015, I, S. 363, 

Abbildung 117. (12901426) (18) 

VIVIANO CODAZZI (1604 – 1670) IN COLLABORA- 

TION WITH FILIPPO LAURI (1623 – 1694) 

PALACE ARCHITECTURE WITH ADJOINING 

GARDEN, FOUNTAIN AND BIBLICAL SCENE 


74 x 100 cm. 

Literature: 

The painting is mentioned several times in specialised 

literature and illustrated in: 

Giuliano Briganti, L. Trezzani, L. Laureati, V. Codazzi, 

in: I Pittori Bergamaschi dal XIII al XIX secolo, Il Seicento, 

I, Bergamo 1983, p. 704, no. 128; p. 736, ill. 2. 

David Ryley Marshall, Viviano and Niccolò Codazzi 

and the Baroque Architectural Fantasy, Milan/Rome 

1993, p. 324, VC 191. 

Giancarlo Sestieri, Il Capriccio architettonico in Italia 

nel XVII e XVIII secolo, Rome 2015, I, p. 363, ill. 117. 

€ 50.000 - € 80.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


193

298 

CARLO BONAVIA, 

TÄTIG 1755 NEAPEL – 1788 

PAAR KÜSTENSTÜCKE BEI UNTERSCHIEDLICHER 

WITTERUNG 


160 x 237 cm. 

Ungerahmt. 

Beigegeben eine Expertise von Prof. Giancarlo 

Sestieri, Rom. 

Vermutlich bereits als Pendants konzipiert bieten die 

vorliegenden Gemälde einen spannenden Gegensatz. 

Einerseits eine aufgepeitschte See bei Sturm, der in 

die Segel bläst und die Bäume an der Küste peitscht 

und die Arbeit der Fischer ins Todesbedrohliche setzt, 

auf der anderen Seite ein Gemälde, das eine ruhige 

Stimmung im Sonnenuntergang mit starr vor sich hinblickenden 

Kühen und aufgetakelten Segeln, deren einziger 

Zweck es zu sein scheint, dem Maler als Garant 

zu dienen, dass kein Wind geht. 

Über das Leben von Carlo Bonavia ist bisher erstaunlich 

wenig bekannt, obwohl immer mehr seiner äußerst 

attraktiven Gemälde ans Licht kommen. Man nimmt 

an, dass er aus Rom stammte, aber zwischen 1751 

und 1788, den Jahren seiner frühesten und letzten 

datierten Gemälde, in Neapel arbeitete. Er scheint in 

der neapolitanischen Landschaftstradition von Salvator 

Rosa (1615-1673) und Leonardo Coccorante (1680- 

1750) ausgebildet worden zu sein, war aber viel stärker 

von den Werken Claude-Joseph Vernets (1714- 

1789) beeinflusst, der 1737 und 1746 in Neapel 

weilte. Bonavias Gemälde haben mit Vernets Gemälden 

eine köstliche Rokoko-Palette aus blassen 

Blautönen, cremefarbenen Gelbtönen, Rosatönen und 

sanftem Grün sowie eine eher atmosphärische als 

analytische Herangehensweise an die Landschaft gemeinsam. 

Wie Vernet malte Bonavia Capricci, in denen 

reale Elemente der neapolitanischen Landschaft 

– wie etwa das Grabmal des Virgil – in eine imaginäre 

Umgebung gesetzt werden. 

Bonavias idyllische Landschaften waren bei den 

Grand Tourists, die im achtzehnten Jahrhundert nach 

Neapel strömten, sehr beliebt. Zu seinen Auftraggebern 

gehörte Lord Brudenell, der einen Ausbruch des 

Vesuvs in Auftrag gab (signiert und datiert 1757, Sammlung 

Lord Montagu, Beaulieu). Ein weiterer bedeutender 

Mäzen war Graf Karl Joseph Firmian, österreichischer 

Botschafter in Neapel 1753-58, der 17 seiner 

Werke besaß, darunter Landschaften, mythologische 

und literarische Themen. (†) 

Anmerkung: 

Zu den öffentlichen Sammlungen mit Gemälden von 

Carlo Bonavia gehören die Accademia di San Luca 

(Rom), die Dulwich Picture Gallery, die Fine Arts 

Muse ums of San Francisco, die Honolulu Academy 

of Arts, das Metropolitan Museum of Art, das Museo 

di Capodimonte (Neapel) und Stourhead (Wiltshire, 

England). 

Literatur: 

Vgl. William George Constable, Carlo Bonavia, in: Art 

Quarterly, Bd. XXII, Nr. 1, 1959, S. 19-44. (1291415) 

(13 


CARLO BONAVIA, 

ACTIVE 1755 NAPLES – 1788 

A PAIR OF COASTAL LANDSCAPES WITH VARYING 

WEATHER CONDITIONS 


160 x 237 cm. 

Unframed. 

Accompanied by an expert’s report by Professor 

Giancarlo Sestieri, Rome. 

It can be assumed that the present pair of paintings 

were conceived as counterparts and they offer an exciting 

contrast. One depicts a stormy sea with blowing 

sails and trees along the coast putting the fishermen 

in peril, the other shows a calm atmosphere at 

sunset with cows staring straight ahead and rigged 

sails, who only appear to serve the painter’s purpose 

in demonstrating that there is no wind. (†) 

Notes: 

Public collections with paintings by Carlo Bonavia 

include the Accademia di San Luca (Rome), the Dulwich 

Picture Gallery, the Fine Arts Museums of San 

Francisco, the Honolulu Academy of Arts, the Metropolitan 

Museum of Art, the Museo di Capodimonte 

(Naples) and Stourhead (Wiltshire, England). 

Literature: 

cf. William George Constable, Carlo Bonavia, in: 

Art Quarterly, vol. XXII, no. 1, 1959, pp. 19-44. 

€ 95.000 - € 120.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


195

299 

CHARLES FRANÇOIS LACROIX DE MARSEILLE, 

UM 1700 MARSEILLE – 1782 BERLIN, ZUG. 

HAFEN VON NEAPEL MIT BLICK AUF DEN 

AUSBRECHENDEN VESUV 


77 x 129 cm. 

Der Franzose war erstmals 1754 in Rom, hielt sich 

wechselnd in Italien wie in der Provence auf. Stets 

jedoch malte er im Stil seines Lehrers Joseph Vernet 

(1714-1789). Ab 1776 stellte er seine Werke in Paris 

aus, mit so großem Erfolg, dass etliche seiner Bilder 

von Le Veau und Le Mire in Stichwerken publiziert 

wurden. Stets sind seine ruhigen Hafenlandschaften 

in ein diffuses oder abendliches Licht getaucht, nicht 

selten mit Vollmond in Wolken. Gelegentlich aber 

auch dramatisiert durch einen Wasserfall, wie etwa 

sein Bild „Villa in Tivoli“ (Bodemuseum Berlin). Hier ist 

es der Feuer speiende Vesuv, dessen Rauchschwaden 

in Gegensatz zum Sonnenuntergangshimmel gesetzt 

sind. Schlank und gebrechlich wirken die Schiffsmasten 

zwischen dem Bergkegel und dem Uferturm 

rechts. Die Staffagefiguren, darunter drei orientalische 

Kauffahrer mit Turbanen, über den Steinstufen hervorgehoben, 

beleben die Szene vor dem weiten Horizont 

und stellen orientierende Größenverhältnisse her. Der 

Maler hat sich mehrfach der Darstellung des Vesuvausbruchs 

gewidmet, ein Thema, das sicher in seiner 

Heimat Frankreich und Paris auf großes Interesse 

gestoßen ist. 

A. R. 

CHARLES FRANÇOIS LACROIX DE MARSEILLE, 

CA. 1700 MARSEILLE – 1782 BERLIN, ATTRIBUTED 

THE HARBOUR OF NAPLES WITH VIEW OF 

MOUNT VESUVIUS IN ERUPTION 


77 x 129 cm. 

Literature: 

cf. Michael Kitson, Claude to Corot: The Development 

of Landscape Painting in France, Colnaghi 

1990. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Literatur: 

Vgl. Michael Kitson, Claude to Corot: The Development 

of Landscape Painting in France. Colnaghi 

1990. (1291674) (3) (11) 



197

300 

BALTHASAR VAN DEN BOSSCHE, 

1681 – 1715, ZUG. 

Maler des 17. Jahrhunderts. 

IM BILDHAUERATELIER 


64 x 82 cm. 

Im fantasiereich dargestellten Inneren eines Akademiegebäudes, 

mit Raumbögen und Velum an der 

Loggia, sind zahlreiche Bildhauer mit mehreren Werkstücken 

beschäftigt. Im Zentrum wird an einer monumentalen 

Plastik zweier herkulischer Kämpfer gearbeitet, 

eine weitere große Steinfigur liegt am Boden, 

während der meißelnde Steinmetz mit Hammer und 

Schariereisen darauf sitzt und zu einem Gehilfen herabblickt, 

der die Steinsplitter zusammenkehrt. Andere 

Gruppen beschäftigen sich mit Zeichnen oder der 

Herstellung kleinerer Kopfplastiken. Die Darstellung 

generell war ein Bildthema des Van den Bossche und 

geht möglicherweise auf ein verschollenes Gemälde 

des Künstlers zurück. Dennoch vermittelt das Bild einen 

guten Eindruck der kunstakademischen Arbeitsweise 

des 17. Jahrhunderts. A. R. (1291677) (3) (11) 

BALTHASAR VAN DEN BOSSCHE, 


17th century painter. 

THE WORKSHOP OF THE SCULPTOR 


64 x 82 cm. 

The depiction in general was a common subject of 

Van den Bossche and possibly goes back to a lost 

painting by the artist. It also gives a good impression 

of style of art academy painting in the 17th century. 

€ 12.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


301 

VENEZIANISCHER MALER DES 18. JAHRHUNDERTS 

(ABB. FOLGENDE SEITEN) 

PAAR VENEZIANISCHE CAPRICCI 


30 x 40 cm. 

In vergoldetem gekehltem Rahmen. 

Als Gegenstücke gearbeitet zeigen diese beiden 

Gemälde mittleren Formates in guardieskem Duktus 

jeweils eine venezianische Gewässerlandschaft mit 

Figurenstaffage, Ruinenversatzstücken und deren 

vegetabilen Bewuchs. Rest. (1291766) (13) 

€ 7.000 - € 9.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


199

302 


1684 ANTWERPEN – 1763 ROM, ZUG. 


VEDUTE DER VILLA DI SAN CARLO BORROMEO 

DI SENAGO 

sowie 

VEDUTE DES CASTELLO DI PESCHIERA BORROMEO 


31,5 x 59 cm. 

Eines der beiden links unten signiert „H. von Lint“. 

Van Lint war einer der wichtigsten Protagonisten der 

Landschaftsmalerei in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, 

und als gebürtiger Antwerpener ließ er sich 

1700 in Rom nieder, wo er in der Werkstatt von Gaspar 

van Wittel (1653-1736) arbeitete, der für seine detaillierten 

Darstellungen der Ewigen Stadt berühmt war. 

Ein weiterer Künstler, den Lint sehr bewunderte, war 

Claude Lorrain (1600-1682): Seine idealen, in sanftes 

Licht gehüllten Ansichten, deren akribische Technik 

Zeichnungen erforderte, die oft an Ort und Stelle ausgeführt 

wurden, waren in der Tat unerlässlich für diejenigen, 

die die klassizistische Ästhetik der römischen 

Landschaft heraufbeschwören wollten. Es ist 

daher nicht verwunderlich, dass seine Werke sowohl 

von den aristokratischen Reisenden auf der Grand 

Tour als auch von den großen Patrizierfamilien wie 

den Altoviti, den Pamphili und den Sacchetti mit Begeisterung 

gesammelt wurden. Don Lorenzo Colonna 

zum Beispiel besaß nicht weniger als siebzig Landschaften 

des Künstlers in seiner Sammlung. Erstaunlich 

ist auch die Darstellungsvielfalt von van Lint, der 

seine stark charakterisierten und wiedererkennbaren 

Ansichten, die das Ergebnis wiederholter Aufenthalte 

in der Stadt sind, nur selten repetierte. 

Die beiden hier angebotenen Ansichten sind als Sujet 

recht ungewöhnlich und selten, da van Lints Ansichten 

von Venedig bekannt sind, nicht aber von der 

Lombardei. 

Der Blick auf die Villa San Carlo Borromeo ist von 

oben aufgenommen, wodurch die architektonische 

Einbettung in die weite Landschaft deutlich wird: Der 

Eingang zur Villa erfolgt durch ein großes Portal, durch 

das eine Kutsche in das Gemälde einfährt, und man 

kann die Größe des Bauwerks und die Weite der 

Gärten erkennen. Die Landschaft geht in einer Mischung 

aus Salbeigrün und kühlen Blautönen in den 

Horizont über, an die auch der romantische wolkenverhangene 

Himmel erinnert. 

Die Villa San Carlo Borromeo, die heute ein Kunstausstellungszentrum 

ist, steht auf einem künstlichen 

Hügel, der die Basis einer keltischen Siedlung aus 

dem 8. Jahrhundert vor Christus. Später bauten die 

Römer ihre Festung, die bereits von Julius Cäsar genutzt 

wurde. Dann waren die Langobarden an der 

Reihe, sie zu ihrer Festung zu machen. Auf seinen 

Ruinen errichtete die Familie Visconti im 14. Jahrhundert 

den „Palazzo“, der von allen vier Seiten umschlossen 

ist. Es war Federico Borromeo (1564- 

1631), der 1629 die eine Seite abriss. Im Jahr 1630 

empfing er die besten Theologen der damaligen Zeit 

in der Villa, um sie vor der Pest in Mailand zu retten. 

Weitere Eingriffe wurden von Giberto Borromeo 

(1671-1740) durchgeführt. Damals war das heutige 

Erdgeschoss noch das erste Stockwerk. Giberto vervollständigte 

die Einrichtung, indem er Möbel, Kronleuchter 

und prächtige Kunstwerke zu all dem hinzufügte, 

was Federico bereits dort aufgestellt hatte. Im 

Laufe von sieben Jahrhunderten sollen viele Menschen 

die Villa besucht haben, von Leonardo da Vinci 

bis zu den Schriftstellern und Künstlern der Sforza, 

vom Heiligen Karl Borromäus (1538-1584) bis zu Ippolito 

Pindemonte (1753-1828), von Denis Diderot (1713 - 

-1784) bis Stendhal (1783-1842), von Alessandro 

Manzoni (1785-1873) bis Benedetto Croce (1866- 

1952), von Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), bis 

Giovanni Verga (1840-1922) und Luigi Pirandello 

(1867- 1936). Die Ansicht des Schlosses von Peschiera 

Borromeo ist schräg, um die Hauptfassade und die 



1684 ANTWERP – 1763 ROME, ATTRIBUTED 


VEDUTA OF THE VILLA DI SAN CARLO 

BORROMEO DI SENAGO 

and 

CASTELLO DI PESCHIERA BORROMEO 


31.5 x 59 cm. 

One painting signed “H. van Lint“ lower left. 

Tiefe hervorzuheben, die sich in einer einfachen landwirtschaftlichen 

Umgebung abzeichnet: Das Schloss 

hat einen schlanken zentralen Turm, vier Ecktürme 

und einen Wassergraben, der das gesamte Gebäude 

umgibt. Es ist der älteste borromäische Besitz in der 

Lombardei. Die erste Erwähnung stammt aus dem 

Jahr 1422, als Filippo Maria Visconti, Herzog von 

Mailand, Vitaliano Borromeo den Auftrag erteilte, die 

„Peschiera“ zu befestigen, eine ländliche Anlage, die 

bereits im Besitz der Frati Negri (Augustinermönche) 

war. 

Zehn Jahre später erhielt Borromeos die herzogliche 

Erlaubnis, „einen Graben, eine Zugbrücke und ein Tor 

in dem Palast, der Peschiera genannt wird“, zu bauen. 

So entstand aus einem bereits bestehenden Gebäudekomplex 

die Burg in der Form, die wir heute noch sehen 

können, mit Mauern, Türmen, Ravelin und einem 

großen Wassergraben; ein befestigtes Gebäude, das 

in seiner Art in der Lombardei einzigartig ist wegen 

seiner runden Türme, die in dieser Region ungewöhnlich 

sind und während der spanischen Herrschaft teilweise 

abgebaut wurden. 

Zwischen 1448 und 1450, während der militärischen 

Operationen zur Eroberung des Herzogtums Mailand, 

war das Schloss der strategische Sitz von Francesco 

Sforza. Später weilte hier Ludwig XII, König von 

Frankreich, als Gast der Familie Borromeo, einer der 

berühmtesten Patrizierfamilien Mailands, die durch 

das Bankgeschäft reich wurde. (†) 

Van Lint was one of the main protagonists of landscape 

painting in the first half of the 18th century, 

originally from Antwerp, he settled in Rome in 1700, 

where he worked in the workshop of Gaspar van Wittel, 

famous for his detailed depictions of the Eternal 

City. (†) 

Literature: 

cf. Andrea Busiri Vici, Peter, Hendrik e Giacomo van 

Lint. Tre pittori di Anversa del’600 e ‘700 lavorano a 

Roma, Rome 1987. 

€ 45.000 - € 60.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Literatur: 

Vgl. Andrea Busiri Vici, Peter, Hendrik e Giacomo van 

Lint. Tre pittori di Anversa del‘600 e ’700 lavorano a 

Roma, Rom 1987. (1291414) (13) 


203

303 

MICHELE GIOVANNI MARIESCHI, 

1696/1710 – 1743 VENEDIG 

Michele Marieschi war nur eine kurze Lebens- und 

Schaffenszeit gegönnt. Es wird angenommen, dass 

er seine Lehre in der Werkstatt seines Vaters, eines 

Architekturmalers und Holzstechers erhielt. Vermutlich 

war er in Deutschland Ende der 1720er-Jahre 

oder nach 1731 als Theatermaler tätig, um 1735 nach 

Venedig zurückzukehren, wo er zwischen 1735 und 

1741 Mitglied der Malergilde Fraglia de‘Pittori wurde. 

Unterstützt wurde er durch Gaspare Diziani (1689- 

1767). Bekannt ist, dass der Kunstliebhaber Freiherr 

von der Schulenburg, Generalfeldmarschall im Dienste 

der Republik Venedig vom Künstler 1738 zwei 

Veduten erwarb. 1741 entstand eine Serie von 21 Radierungen. 

Werke seiner Hand finden sich in mehreren 

öffentlichen Sammlungen, wie in Prag, Warschau, 

Stockholm, Mailand oder Hannover. 

DIE RIALTOBRÜCKE IN VENEDIG 


61,3 x 101,2 cm. 

Beigegeben eine Expertise von Prof. Egidio Martini. 

Der Blick auf die Brücke, über das Wasser des Canal 

Grande, ist von Süden gerichtet. Brücke und rechte 

Häuserzeile stehen in vollem Sonnenlicht, der Kanal 

belebt von zahlreichen Gondeln, Lasten- und Segelschiffen. 

Die linken Häuserfronten liegen im Schatten. 

Reiche Figurenstaffage – auf den Schiffen wie an den 

Uferstraßen – dokumentieren das rege Treiben der 

Lagunenstadt. So etwa sind Arbeiter an großen Weinfässern 

auf einem Lastkahn beschäftigt. Die Fässer 

tragen Buchstabenbezeichnungen. Die Figuren vor 

den Gebäuden oft in Gruppen dargestellt, die miteinander 

kommunizieren. Blaue Markisen an einem Palazzo 

rechts, beleben die bräunlich-gelben Fassaden. 

Die Biographie des Malers gibt wenig Aufschluss 

über seine Lehrjahre, allerdings war bereits sein Vater 

Antonio als Architekturmaler und „intagliatore“ genannt. 

In den Jahren um 1725 oder nach 1731 arbeitete 

er als Theatermaler in Deutschland und kehrte 

aber 1735 wieder in die Lagunenstadt zurück. Hier 

wurde er Mitglied der Malergilde „Fraglia dei Pittori“. 

Bekannt ist, dass Marieschi von dem Kupferstecher 

und Maler Gaspare Diziani (1689-1767), aber auch 

durch den Sammler Freiherr von der Schulenburg, 

Generalfeldmarschall im Dienst der Republik Venedig, 

gefördert wurde, der zwei seiner Werke zu hohen 

Preisen erwarb. Vermutlich haben auch Bühnenbild- 

Entwürfe des Malerkollegen Marco Ricci (1676/79- 

1729/30) Einfluss auf manche seiner Bilder gehabt. 

1741 entstand sein Stichwerk mit 21 Radierungen von 

Venedigveduten. 

Zahlreiche seiner Gemälde, vor allem Venedigansichten, 

aber auch fantasiereiche Architekturvisionen, befinden 

sich heute in bedeutenden Sammlungen und 

Museen. So etwa besitzen die Städte Prag, Warschau 

oder das Niedersächsische Landesmuseum Werke 

seiner Hand. A. R. 

Literatur: 

Michael Levey, Painting in Eighteenth-Century Venice, 

Oxford 1980. 

Vgl. Fabio Mauroner, Michele Marieschi with Catalogue 

of the Etchings, in: The Print Collector‘s Quarterly, 

April 1940, 27 (2), S. 179. (1291461) (11) 

MICHELE GIOVANNI MARIESCHI, 

1696/1710 – 1743 VENICE 

THE RIALTO BRIDGE IN VENICE 


61.3 x 101.2 cm. 

Accompanied by an expert‘s report by Professor 

Egidio Martini. 

The barrels are inscribed with letters. Many of his 

paintings, especially vedutas of Venice, but also imaginative 

architectural visions, are now held in important 

collections and museums. The cities of Prague, Warsaw 

or the Niedersächsische Landesmuseum, for 

example, hold works by his hand. 

Literature: 

Michael Levey, Painting in Eighteenth-Century Venice, 

Oxford 1980. 

cf. Fabio Mauroner, Michele Marieschi with Catalogue 

of the Etchings, in: The Print Collector‘s Quarterly, 

April 1940, 27 (2), p. 179. 

€ 70.000 - € 90.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


304 

APOLLONIO FACHINETTI, 

GENANNT „DOMENICHINI“, 

TÄTIG 1740 VENEDIG – UM 1770 

Apollonio Facchinetti wurde auch Domenichini oder 

Menichino genannt und war der wichtigste Künstler 

der in Venedig ansässigen Familie Apollonio. Hinweise 

zum Leben des Künstlers sind relativ rar. Er war möglicherweise 

ein Schüler von Luca Carlevaris (1663/65- 

1729/31) und scheint ab etwa 1740 als unabhängiger 

Künstler tätig gewesen zu sein. Die von ihm stammende 

zusammengehörige Werkgruppe von dreizehn 

Veduten in der namensgebenden Stifung Langmatt in 

Baden in der Schweiz hat man aufgrund architektonischer 

Details in das Jahr 1744 datiert. Sein Werk ist 

mit dem Schaffen von Michele Giovanni Marieschi 

(1696/1710-1743) und Francesco Albotto (1721/22-1757) 

in Verbindung gebracht worden. Es ist auch mit Arbeiten 

von Francesco Tironi (um 1745-1797), in der Manier 

Giovanni Antonio Canal (1697-1768) vergleichbar. 

VEDUTE MIT DER RIALTO-BRÜCKE 


53 x 69 cm. 


Beigegeben ein Gutachten von Prof. Giancarlo Sestieri, 

Rom vom 19. September 2021, ohne Unterschrift, in 

Kopie. 

In lebendigem Duktus lässt der Maler den Blick des 

Betrachters über den Kanal auf die Rialto-Brücke gleiten, 

die er geschickt in Szene gesetzt hat, die Gewässerlinien 

transformierte er transparent und flüssig auf 

die Leinwand. Im Zentrum unter fast klarem, hohem, 

türkis-blauem Himmel die prachtvolle Rialto-Brücke, 

auf der zahlreiche rot und hellblau gekleidete Figuren 

zu erkennen sind. Jeweils links- und rechtsseitig ein 

Treppenaufgang zur Brücke und die prachtvollen Gebäude 

der Stadt, die rechts von der Sonne bestrahlt 

werden, zusammen mit der Brücke, während die Gebäude 

auf der linken Seite verschattet bleiben. Auf 

dem ruhig fließenden türkis-blauen Wasser zahlreiche 

Gondoliere mit roten Kopfbedeckungen. Für den 

Künstler typisch sind insbesondere die schlanken 

faden förmigen Figuren und eine kalligraphische Definition 

der Architektur. Harmonische Malerei in zurückhaltender 

Farbgebung, lediglich die Figuren setzen 

Farb akzente. Vereinzelt Retuschen, insbesondere am 

Rand des Bildes. 

Literatur: 

Vgl. Fabio Collezionisti e vedutisti settecenteschi 

in Venezia, in: Arte Veneta, Bd. 1, 1947, S. 48-49. 

Vgl. Gertrude Borghero, Mythos Venedig. Venezianische 

Veduten des 18. Jahrhunderts, Ausstellungskatalog, 

Mailand 1994, S. 38-51. 

Vgl. Le vedute Langmatt. Anonimo venezino, in: 

Franco Maria Ricci, 1994, S. 83-104. 

Vgl. Apollonio Domenichini. Il Maestro della Fondazione 

Langmatt, in: Da Canaletto a Zuccarelli, Ausstellungskatalog, 

Udine 2003, S. 103-107. 

(1291891) (4) (13) 

APOLLONIO FACHINETTI, 

ALSO KNOWN AS “DOMENICHINI”, 

ACTIVE 1740 VENICE – CA. 1770 

VEDUTA WITH RIALTO BRIDGE 


53 x 69 cm. 

Accompanied by a copy of the expert’s report by Professor 

Giancarlo Sestieri, Rome dated 19 September 

2021, unsigned. 

€ 15.000 - € 18.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



207

305 

VINCENZO CHILONE, 

1758 – 1839, ZUG. 

DER CANAL GRANDE MIT BLICK NACH NORD 

OSTEN VOM PALAZZO BALBI IN RICHTUNG 

DER RIALTO-BRÜCKE 


46 x 74 cm. 

Ungerahmt. 

Von seinen ersten Werken an widmete sich Chilone 

der Malerei venezianischer Ansichten nach den Lehren 

Canalettos (1697-1768). Sein Festhalten an der Manier 

des Meisters, insbesondere sein großes Geschick in 

der Perspektive, machte es zunächst schwierig, den 

Korpus seines eigenen Schaffens zu rekonstruieren. 

Es wird berichtet, dass er viele Kinder hatte und dass 

er, um seine Ausgaben zu bestreiten, lange Zeit als 

Bühnenbildner arbeitete. 

Das hier angebotene Werk ist von Canalettos Prototyp 

„Der Canal Grande mit Blick nach Nordosten“ vom 

Palazzo Balbi zur Rialto-Brücke inspiriert (insbesondere 

das in Constable links Nr. 212, Tafel 45 veröffentlichte 

Gemälde), von dem es sich im Detail und in der 

Anordnung und Anzahl der Boote, welche die Lagune 

bevölkern, sowie im persönlichen Stil der Palette mit 

ihren kühleren und kontrastreichen Farben unterscheidet. 

Viel Platz wird dem Himmel und der Bewegung 

der Wolken eingeräumt, auf denen der Künstler verweilt 

und die von einem dunklen Grau in der linken 

unteren Ecke nach rechts oben hin weiß werden. Die 

Gondeln und die Architektur werfen lange, deutliche 

Schatten auf die Lagune, die an einen Sommertag in 

den heißesten Stunden erinnern. 

Der Blick scheint wahrscheinlich vom Ca' Foscari aus 

aufgenommen worden zu sein. Ganz links im Bild ist 

der Palazzo Balbi zu erkennen, der sich durch seine 

palladianische Architektur auszeichnet, während rechts 

unter anderem die Paläste Contarini und Mocenigo zu 

sehen sind. Im Hintergrund kann man in der Ferne 

einen Teil der Rialto-Brücke erkennen. In diesem Werk 

zeigt sich die außerordentliche Meisterschaft des Malers 

in der geschickten Verwendung der Perspektive. 

Die Boote im Vordergrund verleihen der Szene Dynamik, 

da sie in verschiedenen Richtungen im Raum angeordnet 

sind, während sie in Richtung der Rialto 

Brücke alle horizontal ausgerichtet sind, fast so, als ob 

sie dem Betrachter eine ruhige Atempause verschaffen 

sollen. 

Ungewöhnlich ist das Spiel der Schatten auf den 

Booten: Sie sind ziemlich scharf und kontrastieren mit 

dem hellen Wasser, was vielleicht auf die Tageszeit 

zurückzuführen ist, zu der das Motiv aufgenommen 

wurde. Der Himmel wird unten von blauen Wolken 

durchzogen, während sie oben leichte weiße Formen 

zeichnen. (1291402) (13) 

VINCENZO CHILONE, 


THE GRAND CANAL WITH VIEW TO THE NORTH 

EAST FROM THE PALAZZO BALBI TO THE RIALTO 

BRIDGE 


46 x 74 cm. 

Chilone specialized in the painting of Venetian vedutas 

from his early works after the style of Canaletto 

(1697-1768). 

The work offered here is inspired by Canaletto’s prototype 

„The Canal Grande with a view to the northeast“ 

from the Palazzo Balbi to the Rialto Bridge (in 

particular the painting published in Constable Links 

no. 212, plate 45), from which it differs in detail and in 

its arrangement and number of boats populating the 

lagoon, as well as the personal style of the colour palette 

with its cooler and more contrasting shades. The 

play of shadows on the boats is unusual: they are 

quite sharp and contrast with the bright water, which 

may be due to the time of day when the subject was 

created. The sky is criss-crossed with blue clouds below 

while they draw light white shapes further up. 

€ 25.000 - € 35.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


306 


TÄTIG 1730 – 1780 

In London in der zweiten Hälfte des 18. Jahr hunderts 

tätiger Vedutenmaler. (Abb. folgende Seiten) 

VEDUTE VON SANTA MARIA DELLA SALUTE 


93 x 94 cm. 

Ungerahmt. 

Beigegeben eine Expertise von Dario Succi. 

William James war zwischen 1746 und 1771 als Vedutist 

tätig; die einzigen Informationen über seine 

künstlerische Persönlichkeit finden sich in Edward 

Edwards´ Anecdotes of Painters von 1808, in dem 

James als „Schüler“ oder Mitarbeiter von Canaletto 

während dessen Aufenthalt in England zwischen 1746 

und 1755 erwähnt wird. Sein künstlerischer Werdegang 

wurde teilweise durch eine Reihe von Londoner 

Ansichten rekonstruiert, die sich im Besitz des Ashmolean 

Museums in Oxford und der British Royal 

Collections befinden. Im Text des oben genannten 

Edwards findet sich jedoch die einzige Erwähnung 

seiner Malerei venezianischer Sujets, die der Biograf 

selbst als stark mit Canaletto verwandt ansieht. Die 

Zuschreibung einiger Ansichten, die auf den internationalen 

Markt gelangten, an William James und vor 

allem das Vorhandensein einiger Leinwände, auf denen 

sein Name vollständig auf einer an den Originalrahmen 

angebrachten Plakette steht, lassen auf eine 

reiche Produktion von Stadtpanoramen schließen, die 

im Allgemeinen dem malerischen Repertoire von Antonio 

Canal entnommen sind, Werke, die es dem 

englischen Maler ermöglichten, zu den „vedutisti 

di Venezia“ (Vedutenmalern von Venedig) gezählt zu 

werden, obwohl seine biografische Abfolge keinen 

Hinweis auf einen möglichen Aufenthalt in der Lagunenstadt 

gibt. 

James war einer der bekanntesten Schüler Canalettos, 

der den Geschmack der venezianischen Stätten 

indirekt aufnahm, indem er die Werke betrachtete, 

die der Meister mit nach England gebracht hatte, und 

indem er an seiner Seite arbeitete, als er die große 

Nachfrage seiner Auftraggeber nach Ansichten der 

von ihnen so geliebten Lagunenstadt befriedigte. Das 

vorliegende meisterhafte Gemälde zeigt als bedeutendste 

architektonische Formation die bekannte 

Kirche Santa Maria della Salute, vor ihr Gondeln und 

Transportkähne, das rechte Bildviertel mit der Kanalbebauung 

von kompositorisch ausgleichenden Wolkenformationen 

überspannt. (1291401) (13) 


ACTIVE 1730 – 1780 

Veduta painter active in London in the second half of 

the 18th century. (Ill. following pages) 

VEDUTA OF SANTA MARIA DELLA SALUTE 


93 x 94 cm. 

Unframed. 

Accompanied by an expert’s report by Dario Succi. 

William James was active as a veduta painter between 

1746 and 1771; the only information about his 

artistic career is found in Edward Edwards’ Anecdotes 

of Painters of 1808, in which James is mentioned as 

a “student” or collaborator of Canaletto during his 

stay in England between 1746 and 1755. 

The present masterful painting shows one of the 

most important architectural structures of Venice, the 

well-known Basilica of Santa Maria della Salute with 

gondolas and barges in the front and buildings along 

the canal along the right quarter of the painting. Cloud 

formations stretching overhead across the painting 

add balance to the composition. 

€ 100.000 - € 150.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


209

Lot 306 


307 

FLÄMISCHER MEISTER DES 17. JAHRHUNDERTS 

ANSICHT VON ANTWERPEN AN 

EINEM SONNIGEN TAG 


96,5 x 151,5 cm. 

In ebonisiertem Kehlrahmen. 

Von einem Hafenkai aus gesehen wird dem Betrachter 

die Stadtsilhouette von Antwerpen offenbar, vor welcher 

sich die glatten Bastionsmauern im Sonnenlicht 

spiegeln und aufgetakelte Segelschiffe mit niederländischer 

Beflaggung den Vordergrund beleben. Rest. 

FLEMISH SCHOOL, 17TH CENTURY 

VIEW OF ANTWERP ON A SUNNY DAY 


96.5 x 151.5 cm. 

Notes: 

The present painting is listed at the RKD in The 

Hague inv. no. 232991. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Das vorliegende Gemälde ist beim RKD in Den Haag 

unter Inv.Nr. 232991 verzeichnet. (1290712) (1) (13) 


308 

JACOPO AMIGONI, 

1682 VENEDIG – 1752 MADRID 

BILDNIS EINES FELDHERRN VOM ORDEN 

„COSTANTINIANO DI SAN GIORGIO“ 


140 x 90 cm. 

Zuweisung durch Expertise von Mauro U. Lucco vom 

21. Juni 2015. Die Zuweisung an Amigoni, der auch in 

München (Schloss Schleißheim, Frauen dom etc.) tätig 

war, wird in dem beiliegenden Gutachten durch Bildvergleiche 

indiziert. Amigoni, der aus geh end von Venedig 

und Flandern ganz Europa bereist hat, einschließlich 

London oder Madrid, schuf neben seinen 

religiösen Themen zahlreiche Adelsbildnisse. 

Im Dreiviertelbildnis, im Harnisch, vor Wolkenhintergrund, 

mit grau gepudertem lockigem Haar. Die Körperhaltung 

nach rechts, der Kopf nach links gewandt, mit 

aufmerksam-kritischem Blick. Handschuh an der rechten 

Hand, ein roter Umhang dokumentiert seine adelige 

Herrschaftswürde. An der Brust das Ordenskreuz an 

langer Kette. 

Der Orden angeblich schon 313 durch Kaiser Konstantin 

gegründet worden sein. 1699 wurde er in Parma 

eingeführt, dann in Neapel 1735. Die Zugehörigkeitsbedingungen 

zu diesem Orden erforderten 250 Jahre 

bei den vier Vorfahren, väterlicher- wie mütterlicherseits, 

oder 400 Jahre Adel im väterlichen Viertel. Daraus 

ergibt sich, dass es sich bei dem hier Portraitierten 

um ein Mitglied des europäischen Hochadels handeln 

muss. So ist nicht nur stilistisch, sondern auch durch 

dieses Attribut die Entstehung des Bildes in die Jahre 

1699-1730 zu setzen, genauer gesagt, kurz nach 1720. 

A. R. 

Literatur: 

Maria Cristina Pavan Taddei, Amigoni (Amiconi), Iacopo. 

In: Alberto M. Ghisalberti (Hrsg.), Dizionario Biografico 

degli Italiani (DBI). Band 2: Albicante-Ammannati. 

Istituto della Encic-lopedia Italiana, Rom 1960. 

Gregor Gatscher-Riedl, In Hoc Signo Vinces – Die Geschichte 

des Heiligen Konstantinischen Ritterordens 

vom Heiligen Georg. Zwischen religiösem Mythos 

und politischem Anspruch von Byzanz nach Neapel, 

Wien 2012. (1281186) (2) (11) 

JACOPO AMIGONI, 

1682 VENICE – 1752 MADRID 

PORTRAIT OF A GENERAL FROM THE ORDER 

“CONSTANTINIANO DI SAN GIORGIO” 


140 x 90 cm. 

The enclosed expert’s report by Mauro U. Lucco dated 

21 June 2015 identifies Amigoni, who was also 

active in Munich (Schleißheim Palace, Frauendom 

etc.) as the creator of this work by comparing other 

works. 

€ 35.000 - € 45.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


213

309 

FLÄMISCHER MALER 

DES AUSGEHENDEN 17. JAHRHUNDERTS 

BLUMENSTILLLEBEN MIT INSEKTEN 


55 x 41 cm. 


Vor hellbraunem Hintergrund, auf einer Tischplatte mit 

hellem Tuch stehend, eine bauchige Glasvase, darin die 

prachtvollen weiß-roten und eine gelb-rot geflammte 

Tulpe. Mehrere Insekten beleben das Bild, so auf 

der Tischdecke drei Falter, eine Libelle, ein großer, 

schwarz glänzender Hirschhornkäfer, ein kleiner Marienkäfer 

sowie eine gold glänzende Biene. Auch im Bereich 

der Tulpen sind mehrere Insekten zu erkennen, 

darunter Falter und eine Libelle. Feine qualitätvolle 

Malerei, bei der die Tulpenblüten zwischen den leuchtend 

grünen Blättern in naturalistischer Manier wiedergegeben 

werden. Rest., Retuschen. 

(12907613) (1) (18) 

FLEMISH SCHOOL, 

LATE 17TH CENTURY 

FLOWER STILL LIFE WITH INSECTS 


55 x 41 cm. 

Fine, high-quality painting with the tulip blossoms 

between the radiant green leaves are depicted in a 

naturalistic manner. Restored, retouched. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 



310 

ANTONIO BELLUCCI, 

1654 PIEVE DI SOLIGO – 1726 EBENDA, ZUG. 

DER HEILIGE SEBASTIAN 

Öl auf Leinwand. Doubliert. Im Hochoval. 

116 x 99 cm. 

Ungerahmt. 

Der Legende nach war Sebastian Hauptmann unter 

Kaiser Diokletian am kaiserlichen Hof. Als der Kaiser 

von Sebastians christlichem Glauben erfuhr, ließ er 

ihn an einen Baum binden und von Bogenschützen 

erschießen. Er war jedoch nicht tot, sondern wurde 

von einer Witwe namens Irene gepflegt. In Nahsicht 

ist das Dreiviertelbildnis des schwer Verwundeten mit 

freiem Oberkörper zu erkennen, der mit erhobenem 

Kopf und glänzenden, leicht tränenden Augen zum 

Himmel schaut. Zu seiner linken Seite die in einem 

rot-weißen Gewand mit gelbem Tuch gekleidete Irene, 

die gerade versucht einen Pfeil aus seinem Arm zu ziehen 

und ihn zu pflegen. Ein weiterer, bereits entfernter 

Pfeil liegt auf seinem mit Blutspritzern versehenen 

weißen Lendentuch. Im Hintergrund eine Helferin der 

Irene, die beim Pflegen der Wunden zuschaut und 

hilft. Feine qualitätvolle Malerei, wobei die Physiognomie 

des Heiligen und der fast makellose, leicht muskulöse 

helle Körper besonders hervorgehoben werden. 

Vereinzelt rest., teils Retuschen und an den Rändern 

teils Farbabrieb. 

ANTONIO BELLUCCI, 

1654 PIEVE DI SOLIGO – 1726 IBID., ATTRIBUTED 

SAINT SEBASTIAN 

Oil on canvas. Relined. In vertical oval. 

116 x 99 cm. 

Unframed. 

€ 30.000 - € 40.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Nur wenige Heilige sind in der Kunst so oft dargestellt 

wie der Märtyrer Sebastian, der meist nackt an einem 

Baumstamm stehende, von Pfeilen durchbohrte junge 

Mann. Zu den Künstlern gehören u.a. Pietro Perugino 

(1445/46-1523), Il Veronese (1528-1588) und Anthonius 

van Dyck (1599-1641). (1290701) (18) 


311 

RÖMISCHER MALER DES 17. JAHRHUNDERTS 

DER HEILIGE SEBASTIAN 


108 x 81 cm. 

Der jugendliche Heilige im Dreiviertelbildnis an einen 

Baum gebunden, sein linker Arm und die Brust mit 

Pfeilen durchbohrt. Teils mit herabtropfendem Blut, 

das sich teils auf seinem, um die Hüfte gebundenen 

Lendenschurz befindet. Den Kopf hat er leicht erhoben, 

den Mund leicht geöffnet und er blickt voller 

Angst mit seinen dunklen glänzenden Augen zum 

Himmel. Der stark beleuchtete, teils nackte muskulöse 

Oberkörper des Heiligen hebt sich vor dem 

dunklen landschaftlichen Hintergrund besonders ab. 

Feine, höchst qualitätvolle Malerei, insbesondere des 

Retuschen, kleinere Rahmenschäden. 

(1290544) (3) (18) 

ROMAN PAINTER, 17TH CENTURY 

SAINT SEBASTIAN 


108 x 81 cm. 

€ 12.000 - € 15.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


312 

FRANCESCO TREVISANI, 

1656 CAPODISTRIA – 1746 ROM 

Schüler von Antonio Zanchi (1631-1722) in Venedig, 

später von Carlo Maratti (1625-1713) in Rom beeinflusst, 

ferner von Guido Reni (1575-1642), Paolo Veronese 

(1528-1588) und Pietro da Cortona (1596-1669). 

MARIA MIT DEM KIND BEI DER LEKTÜRE 

DES GEBETBUCHS 


76 x 62 cm. 

Im Buch monogrammiert. 

Das Kind auf einem Tisch sitzend, das Köpfchen müde 

an die Schulter der Mutter gelehnt, in den Händen ein 

Apfel sowie ein kleines Kreuz, das einen Schatten auf 

die Brust der Mutter wirft. Beleuchtet von links durch 

eine Kerze, deren Flamme vom Velum abgedeckt 

wird. Betonter, gekonnter Sfumatoeffekt bei milder 

Kerzenlichtbeleuchtung. (1281456) (11) 

FRANCESCO TREVISANI, 

1656 CAPODISTRIA – 1746 ROME 

THE VIRGIN AND CHILD READING 

A PRAYER BOOK 


76 x 62 cm. 

Monogrammed in book. 

The Christ Child is sitting on a table with its head 

sleepily leaning against its mother´s shoulder. It is 

holding an apple and a small cross in its hands – the 

cross’ shadow is falling on its mother´s chest. A candle 

hidden behind a veil lights the scene from the left. 

The work is painted in emphasized masterful sfumato 

in soft candlelight. 

€ 14.000 - € 16.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


313 

AERT JANSZ. MARIENHOF, 

TÄTIG UM 1640 – UM 1652 

JOSEPH UND DIE FRAU DES POTIPHAR 

Öl auf Eichenholz. 

65,5 x 53 cm. 

Links unten schwer lesbar signiert. 


Beigegeben ein Zertifikat vom Dorotheum, Wien vom 

10.01.11, worin sich für den Hinweis an den oben genannten 

Maler bei Prof. Dr. Werner Sumowski bedankt 

wird. 

Szene des Alten Testaments, wonach Potiphars Frau 

den jungen Joseph vergeblich zu verführen versucht; 

hier in einem abgedunkelten Innenraum wiedergegeben 

mit Beleuchtung der Szenerie von links durch 

ein halb von einem Vorhang verdecktes Fenster. Die 

junge Frau versucht den Jüngling an den Kleidern zurückzuhalten, 

während dieser nach rechts flieht. Den 

Zipfel seines Umhangs hält sie fest, womit sie der 

Legende nach, später die Tat beweisen wollte. Neben 

der Darstellung der beiden Hauptfiguren gibt der Maler 

auch stilllebenhaft etliche Prunkgefäße wie einen 

Silberkrug im Vordergrund oder eine chinesische Vase 

im Hintergrund feinpinselig wieder. Insgesamt, auch 

das Stoffliche hier in großer Könnerschaft vorgeführt. 

Der beidseitig zurückgezogene Vorhang verleiht der 

Szenerie einen besonderen Aspekt: Der Bildbetrachter 

wird Zeuge einer intimen Szene. (1290276) (11) 

AERT JANSZ. MARIENHOF, 

ACTIVE CA. 1640 – CA. 1652 

JOSEPH AND POTIPHAR’S WIFE 

Oil on oak panel. 

65.5 x 53 cm. 

Signed barely legible lower left. 

Enclosed is a certificate from the Dorotheum, Vienna 

dated 10.01.11, thanking Prof. Dr. Werner Sumowski 

for the reference to the above-mentioned painter. 

Old Testament scene depicting Potiphar‘s wife trying 

in vain to seduce young Joseph. 

€ 25.000 - € 30.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


314 

SEBASTIANO CONCA, 

AUCH GENANNT „IL CAVALIERE“, 

1676/80 GAETA – 1764 NEAPEL, ZUG. 

DIE HEILIGE CÄCILIA 


135 x 100 cm. 

In gekehltem und vergoldetem Holzrahmen. 

Das in der Fototeca der Fondazione Zeri unter Nummer 

61072 geführte Gemälde wird dort uneingeschränkt 

Sebastiano Conca zugewiesen. Es zeigt das bei Conca 

beliebte Sitzmotiv einer Frau mit dem nach oben 

gerichteten Blick. Drei Cherubim beziehungsweise Putti 

begleiten sie bei ihrem ihr attributiv zukommendem 

Orgelspiel. 

Provenienz: 

Eduardo Moratilla, Paris. 

Literatur: 

Vgl. M. di Macco, Sebastiano Conca (1680-1764), 

Gaeta 1981, S. 160. 

SEBASTIANO CONCA, 

ALSO KNOWN AS “IL CAVALIERE”, 

1676/80 GAETA – 1764 NAPLES, ATTRIBUTED 

SAINT CECILIA 


135 x 100 cm. 

The painting is listed at the Fototeca of Fondazione 

Zeri under number 61072 and is attributed unreservedly 

to Sebastiano Conca. 

Provenance: 

Eduardo Moratilla, Paris. 

Literature: 

cf. M. di Macco, Sebastiano Conca (1680-1764), Gaeta 

1981, p. 160. 

€ 7.500 - € 10.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Vergleiche: 

Ein kompositionell dem hiesigen Gemälde sehr nahe 

stehendes Bild wurde am 10. Juli 1974 als Lot 84 

bei Sotheby’s, London versteigert und unterscheidet 

sich vornehmlich durch den Blumenkranz über dem 

Haupt der Heiligen. (1280872) (2) (13) 


315 

PAUWELS CASTEELS, 

1625 ANTWERPEN – 1677 EBENDA, ZUG. 

NEPTUN UND AMPHITRITE 

Öl auf Kupfer. 

54 x 75 cm. 

In ebonisiertem teilvergoldetem Profilrahmen. 

Die vielfigurige Szene ist ganz in der Malweise von 

Pauwels Casteels, der sich auf Gemälde mit dichter 

Figurenstaffage, zumeist Schlachtenszenen, spezialisiert 

hatte. Hier sehen wir Amphitrite auf einem barocken 

Delfin diagonal in der Bildfläche lagernd und mit 

ihrer vornehmen Blässe als Quelle des Lichts und der 

Bedeutung des Gemäldes dienend und wirkungsvoll 

mit der Hautfarbe eines Nereiden kontrastierend, der 

sich über sie beugt. Ein dichtes Gefolge von Tritonen 

und Nereiden belebt die Szene, die von Neptun überschattet 

wird, der sich mit seinem Dreizack auf einer 

Troika nähert, der von Tritonen gezogen wird. 

PAUWELS CASTEELS, 

1625 ANTWERP – 1677 IBID., ATTRIBUTED 

NEPTUNE AND AMPHITRITE 


54 x 75 cm. 

Notes: 

A comparable painting monogrammed with letters 

“P.C.” and attributed to Casteels is listed at the RKD 

in The Hague with no. 55693. 

€ 15.000 - € 20.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 

Anmerkung: 

Ein vergleichbares „P.C.“ monogrammiertes Gemälde, 

welches Casteels zugeschrieben wird, ist beim RKD 

in Den Haag unter Inv. Nr. 55693 verzeichnet. 

(12907612) (1) (13) 


316 

BENEDETTO LUTI, 

1666 FLORENZ – 1724 ROM, ZUG. 

DAS GOLDENE ZEITALTER 


124 x 141 cm. 

In teilvergoldetem Rahmen. 

Das Goldene Zeitalter ist ein Begriff aus der antiken 

Mythologie. Er bezeichnet die als Idealzustand betrachtete 

friedliche Urphase der Menschheit vor der 

Entstehung der Zivilisation. Dem griechischen Mythos 

zufolge waren die sozialen Verhältnisse im Goldenen 

Zeitalter ideal und die Menschen hervorragend in 

ihre natürliche Umwelt eingebettet. Zu sehen ist eine 

weite bergige Landschaft, in der die dargestellten 

Menschen in friedlichem Zusammensein mit Tieren 

leben. Linksseitig ein junger Mann, der auf einen Baum 

geklettert ist und wohl versucht Früchte herunterzuschütteln. 

Rechtsseitig eine weitere Figur, die gerade 

Weintrauben pflückt. Im Vordergrund rechts ein junges 

Paar, nur mit ein paar dünnen Laken verhüllt, sowie 

linksseitig eine junge liegende Frau auf einem türkisfarbenen 

Tuch, vor ihr sitzend ein kleiner Hund und von 

links zwei Hasen. In der Mitte ein am Boden liegendes 

Kind, das wohl mit einem Bären spielt, während 

weitere Kinder auf einem Tier, wohl einem Löwen, 

sitzend reiten. In der Mitte des Hintergrunds haben 

einige Figuren einen Kreis gebildet und scheinen zu 

tanzen. Harmonische, friedliche wirkende Darstellung 

in weichen zarten Farb tönen. Wenige kleinere Retuschen. 

(1290561) (18) 

BENEDETTO LUTI, 

1666 FLORENCE – 1724 ROME, ATTRIBUTED 

THE GOLDEN AGE 


124 x 141 cm. 

In parcel-gilt frame. 

€ 20.000 - € 25.000 

Sistrix 

INFO | BIETEN 


227

KATALOG III 

GEMÄLDE ALTE MEISTER – TEIL 2 

Zum nächsten Katalog, bitte hier klicken: 

ONE OF THE LEADING AUCTION HOUSES IN EUROPE 

CATALOGUE III 

OLD MASTER PAINTINGS – PART 2 

AUCTIONS: THURSDAY, 9 DECEMBER 2021 

Exhibition: Saturday, 4 – Tuesday, 7 December 2021

Gemälde Alte Meister - Part 1

Verwandeln Sie Ihre PDFs in ePaper und steigern Sie Ihre Umsätze!

Template löschen?

Als Template speichern ?