Festspielzeit Sommer 2022

DAS MAGAZIN DER
BREGENZER FESTSPIELE
FESTSPIEL
ZEIT
AUSGABE 3 | BREGENZER FESTSPIELE 20. JULI – 21. AUGUST 2022
»DIESE BÜHNE
IST EIN GESCHENK«
Kostümbildner Antony
McDonald im Interview
über Madame Butterfly
EIN KOMPONIST ABSEITS
TOURISTISCHER ROUTEN
Regisseur Vasily
Barkhatov über Umberto
Giordanos Sibirien
ZWISCHEN REALITÄT
UND TRAUMWELT
Kapitän Nemos Bibliothek –
eine Oper sucht die
Grenzen des Erinnerns

4
»Diese Bühne ist
ein Geschenk für
die Kostüme«
16
Fit für die Zukunft
Das Festspielhaus Bregenz wird
bis 2024 umfassend saniert
Kostümdesigner Antony
McDonald über mutige Entwürfe
für Madame Butterfly
INHALT
9
Ein Bild entsteht
8
Mehr als Nadel
und Faden
Ein Blick in die Kostümwerkstatt
der Bregenzer Festspiele
Schneebrille, Malerpinsel und
Farbrolle – das Kaschurteam
der Seebühne bei der Arbeit
12
Ein Komponist abseits
der touristischen
Routen
Vasily Barkhatov über seine
Inszenierung von Umberto
Giordanos Sibirien
17
Spannende Lektüre
Das Textbuch zu Sibirien
neu im Festspielshop
18
Programmübersicht
Das Programm der Bregenzer
Festspiele 2022 im Überblick
2

20
Zwischen Realität
und Traumwelt
Ein Musiktheater rund um
die Suche nach dem Selbst:
Kapitän Nemos Bibliothek
28
Hybrid durch
die Jahrhunderte
Melencolia, eine Show gegen die
Gleichgültigkeit des Universums
34
Kartenübersicht
Kartenkategorien und Preise
INHALT
Impressum
BREGENZER FESTSPIELE GMBH
Platz der Wiener Symphoniker 1
6900 Bregenz | Austria
T +43 5574 407-5
www.bregenzerfestspiele.com
Herausgeber Bregenzer Festspiele GmbH
24
Eine eigene Sprache für
zwei Stunden Theater
30
»Jeder Takt steckt
voller verborgener
Juwelen«
Intendantin Elisabeth Sobotka
Redaktion Kathrin Grabher, Lisa Kloos,
Axel Renner, Olaf A. Schmitt
Gestaltung moodley brand identity |
Bregenzer Festspiele – Kathrin Grabher
Druck Buchdruckerei Lustenau
Lektorat Thorsten Bayer Text
Tex te Julia Decker (S. 4 ff.) | Arno Miller (S. 8) |
Jutta Berger (S. 9 ff.) .) | Olaf A. Schmitt (S. 12 ff.,
S. 24 ff., S. 28 f.) | Ö1 (S. 17 u.) | Christiane Plank-Baldauf /
red. (S. 20 ff.) | SWR4 (S. 23) | Dallmayr (S. 27 r.) |
Elisabeth Merklein (S. 30)
Abbildungsnachweise Anja Köhler (Titelbild – Arbeiten
Neue Wege für Shakespeares
Sturm: Regisseur Jan Bosse
und Übersetzer Jakob Nolte
im Gespräch
Dirigent Jonathan Brandani
auf Entdeckungsreise im
Opernstudio
am Bühnenbild Madame Butterfly, S. 2 m. o., S. 10, S. 11, S. 31,
S. 34) | Karl Forster (S. 2 l. o., S. 3 r. m., S. 4, S. 6, S. 30, S. 33) |
Antony McDonald (S. 2 l. u., S. 7) | Bernd Uhlig (S. 2 m. u.,
S. 13) | Tim Pusnik (S. 2 r. o., S. 16) | Lisa Mathis (S. 2 r. u.,
S. 32) | SWR / Elmar Witt (S. 3 l. o., S. 20, S. 22) | moodley
brand identity (S. 3 l. u., S. 3 r. o., S. 14) | Dietmar Mathis
(S. 8, S. 9) | Ö1 (S. 17 u.) | SWR4 (S. 23) | Armin Smailovic (S. 24) |
Bettina Stoess (S. 26 l. ) | Rachel Israela (S. 26 r. ) | Dallmayr
(S. 27) | echofactory (S. 28, S. 29)
Erschienen im Juni 2022. Es gelten
die AGB sowie die Datenschutzerklärung
der Bregenzer Festspiele GmbH.
Änderungen vorbehalten.
Wir möchten darauf hinweisen, dass uns alle
Geschlechter gleich wichtig sind, selbst wenn
es uns manchmal nicht gelingen sollte, dies
auch schriftlich auszudrücken.
3

SPIEL AUF DEM SEE
4

»DIESE BÜHNE IST
EIN GESCHENK FÜR
DIE KOSTÜME«
MADAME BUTTERFLY
Der britische Kostümbildner Antony McDonald erzählt im Interview,
was ihm bei seinen Entwürfen wichtig ist, warum Kostüme auch mal
mutig sein müssen und welche besonderen Herausforderungen die
Arbeit für die Seebühne stellt.

Wie entstehen die Ideen zu
Ihren Kostümen: Orientieren
Sie sich an der Musik
oder am Inhalt des Librettos?
Antony McDonald: Ich höre mir
die Oper an und lese parallel das
Libretto. Der allererste Eindruck
eines Stückes ist immer besonders
wichtig, denn auf den folgt die
wahrhaftigste und ehrlichste Reaktion
– so entstehen die guten Ideen.
SPIEL AUF DEM SEE
Schauen Sie sich auch andere
Inszenierungen an?
Tatsächlich habe ich bisher nur
sehr wenige Inszenierungen von
Madame Butterfly gesehen.
Antony McDonald (r.) stimmt seine Entwürfe mit Bühnenbildner Michael Levine ab.
Nur im Zusammenspiel aller künstlerischen Bereiche funktioniert die Inszenierung.
Obwohl es so eine beliebte Oper ist?
Ja, das stimmt. Ich erinnere mich
gut, als ich die Oper vor Jahrzehnten
das erste Mal gesehen habe:
die gefeierte Inszenierung des
Regisseurs Joachim Herz für die
Welsh National Opera. Unter seiner
Regie ist es gelungen, auf allzu
exotische, bilderbuchhafte japanische
Verkleidungen zu verzichten.
Es war eine ganz zurückhaltende
Aufführung, die Kostüme in
monochromen Brauntönen.
Für welche Farben haben Sie sich
bei den Kostümen für die Bregenzer
Festspiele entschieden?
Wir verwenden die Farben der untergehenden
Sonne: Schattierungen
von Rot und Rosa bis hin zu einem
tiefen Burgunderrot. Auch ein leuchtendes
Gelb und Gold kommen vor.
Genau die Farben, die man sieht,
wenn die Sonne abends hinter der
Bühne im See versinkt.
Genau. Und so stellen wir auch
noch einen Bezug zu Japan her.
Die Sonne ist in Japan ein wichtiges
Symbol. Bei der Gruppe der
Angehörigen kommen die Farben
Schwarz und Grün zum Einsatz. Mir
ist es wichtig, verschiedene Farben
für die einzelnen Personengruppen
zu verwenden, damit sie für das
Publikum leicht wiederzuerkennen
und zuzuordnen sind. Die Kostüme
sollen helfen, sich in der Geschichte
zu orientieren, und die Handlung
der Oper unterstützen.
Sie haben sich bewusst gegen eine
Rekonstruktion japanischer Kostüme
entschieden. Warum?
Die wichtigen und liebevollen
Details einer traditionellen japanischen
Kleidung würden auf der
Seebühne nicht funktionieren:
Von der Tribüne aus, mit größerer
Entfernung, würde man sie gar
nicht wahrnehmen.
Welchen speziellen Herausforderungen
muss man sich stellen, wenn man
für die Seebühne entwirft?
Die Wahl des Stoffes ist natürlich
entscheidend, die Materialien
müssen den verschiedenen
Wetterbedingungen standhalten.
Von enormer Bedeutung ist das
Schuhwerk – die Sängerinnen
und Sänger müssen sichere und
feste Schuhe tragen, damit sie sich
6
bei ihren Auftritten auf das Singen
konzentrieren können und nicht
auf ihre Schritte auf dem unsicheren
Untergrund. Deshalb muss
auch die ganze Bühne rutschfest
sein. Und einige der Kostüme sind
wasserdicht.
Das Wichtigste für die Seebühne
ist aber, dass die Kostüme aus
der Ferne »gelesen« werden, daher
müssen sie in gewisser Weise eine
grafische Qualität haben. Die Umrisse
der Kostüme, die Silhouetten
sind auf der Seebühne wesentlich –
man muss sich bei den Formen auch
ein bisschen was trauen. Und ich
glaube, wir waren mutig.
Welche Figur in Madame Butterfly
liegt Ihnen besonders am Herzen?
Ich bemühe mich, allen Figuren
die gleiche Aufmerksamkeit zu
schenken und nicht zum Beispiel
die Hauptrollen mehr zu beachten
als die Nebenrollen. Denn für das
Stück ist die Summe aller Figuren,
ihr Zusammenspiel, wichtig.
Die Bühne wirkt in diesem Jahr
sehr zart: ganz hell und riesengroß.
Welche Bedeutung hat so eine konzentrierte
Kulisse für die Kostüme?

Das Bühnenbild ist ein absolutes
Geschenk für die Kostüme. Wir
haben es bei Madame Butterfly mit
ganz unterschiedlichen Personengruppen
zu tun. Zum Beispiel die
Geister, die ganz mit dem Hintergrund
verschmelzen sollten. Völlig
anders die Geishas, die sollen sich
unbedingt vom Hintergrund abheben,
deshalb sind ihre Kostüme
sehr farbig gestaltet.
»Die Kostüme sollen
dem Publikum helfen,
sich in der Geschichte
zu orientieren.«
Wie sah Ihre Zusammenarbeit
mit dem Bühnenbildner Michael
Levine aus?
Die Bühne bildet die Umgebung,
die Einfassung meiner Arbeit,
meine Entwürfe funktionieren nur
mit dem Bühnenbild, die Zusammenarbeit
ist für mich deshalb
sehr wichtig. Ich kam zu diesem
Projekt, nachdem das Bühnenbild
bereits entworfen war – es gab
also einen Rahmen, innerhalb
dessen ich mit meiner Arbeit
beginnen konnte. Aber ich arbeite
ja nicht nur mit dem Bühnenbildner
zusammen: Auch die Perückenmacherinnen
und Maskenbildner
gehören zum Designteam, um
den richtigen »Look« der Figuren
zu kreieren.
Wie wichtig ist Ihnen Handwerk?
Gutes Handwerk und auch Handarbeit
bildet für mich die Grundlage
von allem. Auch wenn ich
selbst nicht Maschinennähen kann.
Sie haben zuletzt vor 20 Jahren für
die Seebühne gearbeitet und gemeinsam
mit Richard Jones La Bohème
realisiert. Was hat sich verändert?
Es gibt nun seit einem Jahr eine
eigene Kostümwerkstatt im Haus
und es macht einen großen Unterschied,
wenn man die Werkstätten
vor Ort hat. Das erleichtert die
Arbeit ungemein.
ANTONY MCDONALD
MADAME BUTTERFLY
Die Kostüme werden in Bregenz
gefertigt. Wie oft besuchen Sie
die Kostümwerkstatt während
der Produktionsphase?
Was unterscheidet Ihre Entwürfe
von heute von Ihren Entwürfen von
vor 20 Jahren?
Ich war in den vergangenen Monaten
oft dort, wir haben gemeinsam
an Prototypen gearbeitet. Allein
in der Kostümwerkstatt arbeiten
ganzjährig sechs Leute. Alle hochqualifiziert
und sehr kreativ.
Wir haben die Stoffe ausgewählt
und uns über wirklich alles ausgetauscht:
von der Wahl der passenden
Schuhe bis hin zur Unterwäsche.
Ungefähr zwei Monate
vor der Premiere passen wir dann
die Kostüme mit den echten
Stoffen an die Darstellerinnen
und Darsteller an.
Ich bin im Grunde meines Herzens
derselbe Designer, nur älter. Meine
Entwürfe sind nicht gesetzter,
ruhiger oder gar gewagter. Aber
vielleicht können das andere
besser beurteilen als ich selbst.
Haben Sie Veränderungen in
Bregenz wahrgenommen?
Ja, ich habe zu meiner Freude
festgestellt: Es gibt jetzt viel
mehr charmante Restaurants in
der Stadt.
Figurine
für eine der
Geishas
7

MEHR ALS
NADEL UND FADEN
EIN BLICK IN DIE KOSTÜMWERKSTATT DER BREGENZER FESTSPIELE
SPIEL AUF DEM SEE
Bei jedem Satz spürt man,
wie sehr Lenka Radecky für
ihr Metier brennt. Wenn sie
Details von bedruckten Stoffen
schildert, die Verzahnung von
Herren- und Damenschneiderei,
Modisten, Schuhmacherinnen und
verschiedenen Kunstgewerben
begreiflich macht, dann fasziniert
sie Außenstehende. Auch bei Erklärungen,
was Ankleider tun oder
wofür eine Gewandmeisterin verantwortlich
ist, hinterlässt sie beim
Laien Eindruck und Respekt vor
der jeweiligen Profession.
Lenka Radecky kam im Herbst
2018 zu den Bregenzer Festspielen.
Sie übernahm als Leiterin die
Aufgabe, die Kostümabteilung von
einem Saison- in einen Ganzjahresbetrieb
zu transformieren. Das
ist gelungen. Einen Gutteil der
Arbeit übers Jahr zu verteilen, sei
nicht nur stressfreier, »wir sparen
uns auch einen Batzen Geld«.
Beim »Batzen«, den sie nicht näher
beziffert, blitzt ihre Schweizer
Heimat durch.
Die neuen Strukturen sind jetzt
besser an die langen Vorlaufzeiten
angepasst und daran, dass immer
parallel an verschiedenen Produktionen
und Saisonen gearbeitet
wird. Blicken wir aus Radeckys
Sicht auf das diesjährige Spiel auf
dem See: »Bei Madame Butterfly
sind es 120 Kostüme, jedes Kostüm
hat in sich noch fünf bis zehn Teile,
also insgesamt etwa 1.000 Teile.«
Pro Aufführung auf der Seebühne
sind 18 bis 20 Mitarbeitende damit
beschäftigt, allen Darstellenden zur
richtigen Zeit und am richtigen Ort
in ihr – vollständiges – Kostüm zu
helfen. Dazu muss jedes Teil nicht
nur passen, jeder Gürtel, jeder
Schuh muss auch exakt zugeordnet
und beschriftet sein.
Eine Kostümabteilung zu leiten,
das ist eine logistische Herausforderung
und beginnt bei der
Beschaffung. Für Rigoletto 2019
stammte beispielsweise vieles aus
Großbritannien. »Durch den Brexit
wäre das heute gar nicht mehr
möglich und bezahlbar«, bedauert
Lenka Radecky. Für Madame
Butterfly wiederum kommen die
meisten Stoffe aus Augsburg. Erst
recht ist logistisches Verständnis
mit Probenbeginn gefragt. Es
gleicht einem großen Staffellauf:
»Wir beginnen Anfang Juni mit
einem rund 30-köpfigen Team und
wenn am 4. Juli die letzten zehn
zu uns stoßen, gehen die ersten
schon wieder.«
Durch die Hände von Lenka Radecky und ihrem Team wandern allein für
Madame Butterfly rund 1.000 Kostümteile.
Zwischen dem Probenbeginn im
Juni und der letzten Aufführung
im August wächst ihr Stab auf bis
zu 55 Profis an. Den Rest des Jahres
sind es mit ihr sechs Personen.
Die aktuell bereits die Kostüme von
2023 und 2024 im Kopf haben …
8

EIN BILD
ENTSTEHT
In luftiger Höhe der Seebühne erschaffen Kascheurinnen und Kascheure
eine japanische Berglandschaft. Noch nie waren die Malarbeiten für ein
Bühnenbild so großflächig und herausfordernd.
MADAME BUTTERFLY
Wie ein zerknittertes Blatt
Papier, das im Wasser
treibt, sieht die Seebühne
für Puccinis Oper Madame
Butterfly aus. Alles scheint leicht und
zurückhaltend, die Bühne wirkt trotz
ihres Gewichts von 300 Tonnen
schwerelos. Nicht Effekte und Action
stehen im Vordergrund des Spiels
auf dem See, sondern Stimmung und
Emotion. Passend zur ergreifenden
Geschichte der jungen Cio-Cio-San,
genannt Butterfly – Schmetterling.
Auf der 1.340 Quadratmeter
großen weißen Fläche, die das
Papier symbolisiert, entsteht seit
mehreren Wochen eine japanische
Landschaft. Berge, ein großer Baum
und Wasser bilden den Rahmen für
die traurige Erzählung. »Leicht und
luftig wie eine asiatische Tuschzeichnung«
soll das Bühnenbild
anmuten, sagt Ausstattungsleiterin
Susanna Boehm.
Drei Wochen lang arbeiten Frank
Schulzes Firma La Mimesi und das
Kaschurteam der Bregenzer Festspiele
an der Verwirklichung des
Landschaftsbildes. »Seit Tosca hatten
wir kein Bühnenbild mehr mit
so viel klassischer Theatermalerei«,
erzählt Susanna Boehm. Als Vorlage
Ausstattungsleiterin Susanna Boehm und Kascheur Robert Grammel sind
für Madame Butterfly auf der Suche nach der perfekten Papier-Optik.
diente dem fünfköpfigen Team eine
Zeichnung von Bühnenbildner
Michael Levine im A1-Format, die
an traditionelle asiatische Landschaftsdarstellungen
erinnert.
Auf das Bühnenmaß übersetzt
wurde der Entwurf auf den 117
vorgefertigten Bühnenelementen,
erklärt Boehm.
Robert Grammel, seit 2013
Kascheur für die Bregenzer Festspiele,
beschreibt den Beginn
der Malarbeiten: »Wir haben das
Malbuch, das Michael Levine für
uns erstellt hat, in Detailaufnahmen
segmentiert und auf A3-Blätter
ausgedruckt.« Das für den jeweiligen
Arbeitsschritt benötigte Blatt
nehme man dann mit hinaus auf die
Bühne, erklärt Grammel. Begonnen
wurde die Arbeit am großen Landschaftsbild
nicht mit dem Pinsel,
sondern mit dem Klebeband.
»Wir haben die Silhouetten der
Berge mit dem Klebeband quasi
9

vorgemalt, der Assistent von
Michael Levine hat uns von der
Tribüne aus über Funk angeleitet.«
SPIEL AUF DEM SEE
Während zwei Kascheurinnen am
Boden die Landschaft gestalten,
arbeiten Robert Grammel und sein
Kollege Matthias Trostberger in
luftiger Höhe. Bis zu 23 Meter
hinauf müssen sie, um die Berglandschaft
zu erschaffen. Auf
Schaukeln sitzend hängen sie an
Seilen, tragen Schicht für Schicht
auf. Eines der zwei Seile ist das
Sicherungsseil. »Würde ein Seil
beschädigt, könnte uns das andere
abfangen«, erklärt Grammel.
Gearbeitet wird immer zu zweit,
das sei Grundvoraussetzung für
die Höhenarbeit am Seil: »Weil im
Ernstfall ein Partner den anderen
bergen müsste.«
Die wirkliche Herausforderung
für die beiden stellt aber nicht die
Höhenarbeit dar, dafür sind sie als
ausgebildete Industrie-Kletterer
und begeisterte Hobby-Kletterer
trainiert, sondern die für Madame
Butterfly geforderte Maltechnik.
Robert Grammel: »Wir imitieren
ja die lasierende Technik einer
Tuschzeichnung. Das ist in der
Senkrechten nicht einfach. Schließlich
soll die Farbe ja nicht die steile
Bühnenwand hinunterrinnen.«
Um ein schönes Ineinanderfließen
zu ermöglichen, wird nicht mit
dem Pinsel, sondern mit der
kleinen Malerrolle gearbeitet.
Als seine schwierigste Aufgabe
sieht Grammel, »die Leichtigkeit
der Darstellung glaubhaft zu erzählen,
beispielsweise, dass Nebel
aus den Tälern aufsteigt«.
Gearbeitet wird jeweils an zwei
Abschnitten der Kulisse, die immer
wieder getauscht werden. Einmal
arbeitet Grammel links, dann wieder
Trostberger. »Wir sind ja keine
Maschinen, jeder hat seine eigene
Handschrift«, erläutert Robert
Grammel, »diese Handschrift soll
aber nicht sichtbar werden, deshalb
arbeiten wir abwechselnd am
gleichen Abschnitt, um ein einheitliches
Bild entstehen zu lassen.«
10

Kascheur Frank Schulze (links) und Bühnenbildner Michael Levine gleichen das
Ergebnis der Malarbeiten auf der Seebühne mit der Vorlage auf dem Papier ab.
Zum Schutz gegen das Sonnenlicht, das von der hellen Bühnenfläche reflektiert
wird, tragen Schulze und sein Team bei der Arbeit Gletscherbrillen.
MADAME BUTTERFLY
Gute Kondition erfordert nicht
nur die Malerei in der Höhe. Für
deren Kontrolle lege er täglich
mehrere Kilometer zu Fuß zurück,
sagt Grammel: »Wer nur 50 Zentimeter
vom Bild entfernt malt, sieht
ja nur einen kleinen Teilbereich. Die
Perspektive bekommt man erst,
wenn man das Gemalte von der
Tribüne aus betrachtet.« Mehrmals
täglich wird deshalb das Werk aus
der Entfernung kontrolliert, mit
dem Bühnenbildner abgestimmt.
Das heißt: hinunterklettern, über
Hinterbühne und Steg auf die Tribüne
gehen, das Geschaffene aus
der Ferne betrachten. »Da macht
man schon einige Kilometer.«
Besonders sind auch die Arbeitsbedingungen
auf der riesigen
weißen, das Sonnenlicht reflektierenden
Fläche. »Eigentlich sind es
Herausforderungen wie auf einem
Gletscher«, vergleicht Grammel,
»deshalb tragen wir auch Gletscherbrillen,
Kopfbedeckung und brauchen
Sonnenschutzfaktor 50.«
Die Farben des Landschaftsbildes
auf der Bühne sind fast
monochrom. Grau- und Schwarztöne
dominieren, aufgelockert
durch etwas Grün eines großen
Baumes und leichtes Blau, dort
wo der See das Blatt bedecken
darf. Zum Leben erweckt wird
die stille Landschaft beim Spiel
auf dem See durch die Bühnenbeleuchtung,
Videoprojektionen.
»Das durchscheinende Weiß des
Papierblatts, seine Falten und
Wellen entwickeln durch das Licht
eine magische Wirkung, die
prachtvollen Kostüme werden
vor diesem Hintergrund toll zur
Geltung kommen«, schwärmt
Susanna Boehm.
Nach den ersten Beleuchtungsproben
Ende Juni werden die
Kascheurinnen und Kascheure
ihre Malarbeiten beenden, erst
im Bühnenlicht wird man sehen,
was noch nachgebessert werden
muss, um die Magie für Madame
Butterfly perfekt zu machen.
SPIEL AUF DEM SEE
MADAME BUTTERFLY
Giacomo Puccini
Oper in drei Akten (1904) |
Libretto von Luigi Illica und
Giuseppe Giacosa | In italienischer
Sprache mit deutschen
Übertiteln
Premiere
20. Juli 2022 – 21.15 Uhr
Vorstellungen
Alle Spieltermine finden
Sie in der Heftmitte.
Das Spiel auf dem See wird
präsentiert von
Die Festspiel-Kascheure
in Aktion – hier geht’s
zum Video:
11

OPER IM FESTSPIELHAUS
EIN KOMPONIST
ABSEITS DER
TOURISTISCHEN
ROUTEN
DER REGISSEUR VASILY BARKHATOV ÜBER SEINE INSZENIERUNG
VON UMBERTO GIORDANOS SIBIRIEN

13
SIBIRIEN

OPER IM FESTSPIELHAUS
Die beiden Opern Sibirien und
Madame Butterfly sind auf
besondere Weise miteinander
verknüpft: Sibirien wurde anstelle
von Puccinis geplanter Oper 1903 in
Mailand uraufgeführt, da dieser die
Komposition noch nicht beendet hatte.
Sie haben Madame Butterfly 2019
in Basel inszeniert, nun folgt
Giordanos Sibirien in Bregenz.
Gibt es für Sie eine Verbindung
dieser beiden Werke?
Vasily Barkhatov: In dieser Zeit
war es vielleicht naheliegend, den
einen »exotischen« Stoff durch
einen anderen zu ersetzen, russisch
statt japanisch, komponiert von
einem ebenso populären Komponisten
wie Puccini zu dieser Zeit.
Und natürlich war Luigi Illica der
Librettist beider Opern. Zunächst
wirken beide Opern ähnlich, weil sie
aus derselben Zeit stammen, aber
bei genauerem Hinhören entdeckt
man große Unterschiede, vor allem
in der Art, wie die Handlung in
Musik gesetzt wird. Puccini ist berechnender,
Giordano emotionaler.
Damit möchte ich nicht sagen, dass
Puccini nicht emotional ist, aber aus
heutiger Perspektive betrachtet
arbeitet er wie ein sehr guter Hollywood-Komponist.
Er weiß genau,
wann er das Publikum zum Weinen
und nah an Selbstmordgedanken
bringt wegen der grausamen Tragödie
auf der Bühne. Dann erlaubt
er den Tränen auch mal eine Pause.
Natürlich ist Puccini emotional, aber
er komponiert rational, im guten
Sinn. Seine Musik wirkt sehr professionell
konstruiert. Giordano folgt
in meiner Wahrnehmung eher dem
entstehenden Gefühl in der Musik.
Er hat weniger Angst davor, einen
dramaturgischen Fehler zu machen,
und folgt einfach seiner Intuition.
Aber das Stück hat nichts mit dem
Roman zu tun. Entscheidend ist die
Geschichte im sibirischen Gefängnis.
Die wichtigsten Themen sind
für mich Verzeihung und Rechtfertigung.
Der Protagonist in Sibirien
tut das, wozu Alfredo in La traviata
der Mut fehlt: Violetta in all ihren
Facetten, mit ihrem Hintergrund zu
akzeptieren. Vassili – witzig, dass
wir beide denselben Namen haben –
tut dies zweimal: zum ersten Mal,
als er begreift, dass Stephana die
Mätresse des reichen Mannes ist und
es vor ihm andere gab – sie hat also
den gleichen Beruf wie Violetta –,
und zum zweiten Mal Jahre später
im sibirischen Gefängnis. Hier gibt
es den schönen Moment in der
Oper, wenn Gleby vor allen die
Wahrheit über Stephana verkün-
det. Zunächst wird Vassili wütend
und eifersüchtig – verhält sich also
genauso wie Alfredo –, doch dann
tut es ihm leid und er akzeptiert
es als seinen Fehler. Es ist sein
Problem, dass er ihre Persönlichkeit
und Vergangenheit nicht akzeptiert.
Schließlich bittet er um Verzeihung.
Um es kurz zu sagen: Für mich steht
Sibirien zwischen Leoš Janáčeks
Aus einem Totenhaus und Giuseppe
Verdis La traviata.
Welche Auswirkungen hat das für
die Erzählweise der Inszenierung?
Die Geschichte, die ich auf der Bühne
erzählen möchte, basiert auf
Giordanos Musik. Wenn man sich
dasselbe Libretto in einer Komposi-
»Ich habe
mich von Anfang
an in diese Oper
verliebt.«
Worum geht es in Giordanos
Sibirien besonders? Wie lässt sich
der Inhalt beschreiben?
Es wird oft gesagt, dass das Libretto
auf Lew Tolstois Roman Auferstehung
beruht, vielleicht weil am Ende
der Oper dieser Tag gefeiert wird.
14

tion von Leoš Janáček oder Dmitri
Schostakowitsch vorstellt, wäre es
eine harte, gewaltsame Oper. In der
Handlung gibt es sämtliche Zutaten:
Gefängnis, sibirisches Lager, Liebe,
Betrug, Hass … Doch Giordanos
etwas zu schöne Musik verwandelt
sie wie in einen französischen Film
aus den 1960er-Jahren, wo selbst die
schrecklichsten Taten und Verhältnisse
gut aussehen. Die Oper wirkt
ohnehin sehr romantisch und schön.
Die Idee ist, dass die beiden Hauptfiguren
ihre Liebe sogar in dieser von
Tod und Kälte bestimmten Wüste in
Sibirien finden können. Einerseits
steht Sibirien für Kälte und Tod,
andererseits für herrlich weite Natur
in einer endlosen Schneelandschaft.
Diese Assoziation an einen französischen
Film war für mich sehr
bedeutsam. Ich erinnere mich, dass
sich meine Mutter zehnmal heimlich
aus der Schule geschlichen hat, um
immer wieder Die Regenschirme von
Cherbourg im Kino anzuschauen,
diesen Musicalfilm von 1964 mit
Catherine Deneuve. Diese Geschichte
ist brutal, wird aber durch die
Musik sanfter und sogar schön:
erste Liebe, er muss als Soldat in
den Krieg, sie ist schwanger; als er
zurückkommt, lebt sie mit ihrem
Kind und einem reichen Mann …
Wenn man sich diese Handlung als
Oper von Schostakowitsch vorstellt,
klänge sie wohl wirklich hart …
Interessant ist, dass die Epoche um
Puccini und Giordano Verismo genannt
wird, in der es den Komponisten
auch um eine Wahrhaftigkeit in
der Musik ging …
Diese Handlung in der musikalischen
Sprache Giordanos kollidiert mit den
realen Bedingungen der Geschichte.
Die Verbrechen, das Gefängnis,
diese Liebe in Sibirien, erzählt in
italienischer Sprache, erzeugt eine
Distanz zwischen mir und den Gefühlen.
Wie im französischen Film
wirkt es realistisch, aber auch ein
bisschen märchenhaft. Daher habe
ich entschieden, eine Protagonistin
zu erfinden, die nicht in der Partitur
steht, und sie wurde eine Hauptfigur.
Sie singt die Worte einer kleinen
Rolle und einige Zeilen Stephanas.
Giordanos warmherzige Erzählweise
einer furchtbaren Handlung brachte
mich auf die Idee, dass es um eine
Person geht, die ihre Geschichte
entdeckt. Wir erzählen dies nicht im
dokumentarischen Sinn, sondern
als Geschichte einer italienischen
Frau mit russischen Wurzeln, die
Schritt für Schritt ihre Vergangenheit
kennenlernt, weil sie seit ihrer
Kindheit nicht mehr in Russland
war. Sie entdeckt die Wurzeln ihrer
Familie. Dies erlaubt uns, eine heutige
Perspektive einzunehmen, aus
der die Dame rekonstruiert, was vor
über hundert Jahren passiert ist.
Und solange sie es mit einer starken
und warmherzigen Haltung tut, wird
die Geschichte mehr und mehr zu
einem historischen Disney-Film, in
dem jeder Mensch schöner als in
Wirklichkeit wirkt …
Wie hat die russische Kultur, die
Giordano und Illica selbst nicht
persönlich kannten, diese Oper
beeinflusst?
Zu dieser Zeit war die russische
Kultur eine Art Modeerscheinung.
Selbst Giordano spielte in Fedora,
der Oper vor Sibirien, mit diesem
»Parfum«. In Sibirien benutzt er
einige russische Volkslieder, was
sehr gut gemacht ist. Ich habe mich
von Anfang an in diese Oper verliebt,
denn als erster Klang ist der A-cappella-Gesang
des Chors im Stil der
russisch-orthodoxen Kirche zu hören.
Es hat nichts mit einem tatsächlich
existierenden Gebet zu tun, aber
derartig komponierter italienischer
Chorgesang ohne Begleitung erzeugt
unmittelbar eine Atmosphäre für
dieses Stück. Das Publikum wird in
die richtige Stimmung gebracht.
Im zweiten Akt ist kurz die Melodie
eines ukrainischen Volkslieds zu
hören, das ich seit meiner Kindheit
auch aus dem russischen Fernsehen
kenne. Auch der Chorgesang im
sibirischen Gefängnis beruht auf
einem russischen Lied. Dieses Lied
der Wolgaschlepper machte der
Sänger Fjodor I. Schaljapin in Europa
bekannt. Es ist eines seiner meistgesungenen
Lieder. Ich versuche,
in der Inszenierung diese etwas zu
klischeehaften Elemente abzumildern
– etwa wie Matroschkapuppe,
Balalaika und Wodka … Giordano hat
zwar die russische Kultur nicht in
ihrer Tiefe entdeckt, aber durch die
Auswahl und Verarbeitung der Melodien
kam er der Mentalität sehr nah.
Es ist ein bisschen, wie wenn man
sich an einem unbekannten Ort einmal
abseits der touristischen Routen
bewegt, um den Geist einer Stadt
oder eines Landes wirklich zu finden.
Während des Kompositionsprozesses
startete Giordano als Tourist,
verließ aber die bekannten Routen
für einige Momente, die besonders
bewegen und berühren.
OPER IM FESTSPIELHAUS
SIBIRIEN
Umberto Giordano
Tragödie in drei Akten (1903) |
Libretto von Luigi Illica |
In italienischer Sprache mit
deutschen Übertiteln
Premiere
21. Juli 2022 – 19.30 Uhr
Vorstellungen
24. Juli – 11.00 Uhr
1. August – 19.30 Uhr |
Festspielhaus
Koproduktion mit dem Theater Bonn
WERKSTATTGESPRÄCH
Künstlerinnen und Künstler geben
Einblicke in die Arbeit an Umberto
Giordanos wenig gespielter Oper.
4. Juli 2022 – 20.00 Uhr |
Festspielhaus
Eintritt kostenlos, es wird
dennoch eine Karte benötigt.
SIBIRIEN
15

FIT FÜR DIE
ZUKUNFT
Das Festspielhaus Bregenz wird bis 2024 umfassend saniert.
SANIERUNG FESTSPIELHAUS
Seit Anfang 2022 sind am
Festspielhaus die Arbeiten
zur dritten Baustufe in
vollem Gange. Bis 2024 sollen das
Gebäude, die Seebühne sowie die
Seetribüne modernisiert und erneuert
werden. Besucherinnen und
Besucher erfahren daher zukünftig
noch mehr Komfort und Qualität.
Das Projekt der Stadt Bregenz
umfasst neben einem Zubau zur
Werkstattbühne auch die Flachdächer
und Fassaden des Bestandes,
außerdem die bühnen- und
haustechnische Infrastruktur sowie
die Küche und die Gastronomie.
Auch die Räume im Bereich der Seebühne
und die aus Beton-Elementen
gebaute Außentribüne werden
saniert bzw. komplett erneuert.
Neben der Werkstattbühne wird das
Haus um einen neuen Gebäudetrakt
erweitert. Darin sollen Büros und
Werkstätten unterkommen sowie
eine Montagehalle für die Herstellung
der Bühnenbilder. Auch das
Heizungs- und Energiekonzept wird
zukunftsfit gemacht.
Entwickelt und begleitet wird das
Bauvorhaben durch das Architekturbüro
Dietrich | Untertrifaller,
Das Festspielhaus Bregenz wird erweitert und auf den neuesten Stand der
Technik gebracht. Auch die Seebühne, deren Kern noch aus den 1970er-Jahren
stammt, wird umfassend saniert.
das bereits an den ersten beiden
Baustufen beteiligt war. Die Kosten
teilen sich die Subventionsgeber
Bund, Land und Stadt sowie die
Bregenzer Festspiele.
In der jüngeren Geschichte des
Hauses gab es bereits zweimal
große bauliche Veränderungen.
1995 bis 1997 wurde die Werkstattbühne
samt Seefoyer und Seestudio
errichtet, 2005 und 2006 das
Hauptgebäude neu gestaltet.
Der Großteil der bestehenden
Infrastruktur stammt allerdings
noch aus der Bauzeit um 1980, als
das Festspiel- und Kongresshaus
erstmals eröffnet wurde. Seither
prägten nicht nur die Bregenzer
Festspiele, sondern auch unzählige
Kongresse, Tagungen, gesellschaftliche
und kulturelle Veranstaltungen
das Haus als Ort der Begeisterung
und Begegnung.
16

SPANNENDE LEKTÜRE
DAS TEXTBUCH ZU SIBIRIEN NEU IM FESTSPIELSHOP
Bei der Frage, ob und wie man
sich auf einen Opernbesuch
vorbereiten soll, scheiden
sich die Geister. Meist in fremder
Sprache gesungen, reicht die Inszenierung
im besten Fall dennoch
aus, der Handlung auf der Bühne zu
folgen. Wenn nicht, helfen die während
der Aufführung eingeblendeten
Übertitel. Aber was, wenn man
es ganz genau wissen möchte?
Die textliche Grundlage eines
Werks mit Rollen, Dialogen und
Regieanweisungen nennt sich in
der Oper Libretto, zu Deutsch Textbuch.
Üblicherweise geht einem
Musiktheaterwerk der Text voraus,
die Musik verleiht Anweisungen
wie »wehklagend« oder »in wilder
Begeisterung« einen emotionalen
Ausdruck.
Obwohl die Worte und damit die
Handlung einer Oper von so großer
Bedeutung sind, sind Librettisten
meist weit weniger bekannt als
Komponisten, welche die Musik
zu einem Opernwerk beisteuern.
Oder wüssten Sie, wer die Texte
für Giacomo Puccinis wohl bekannteste
Opern La Bohème, Tosca und
Madame Butterfly geschrieben hat?
Das war – in diesen Fällen gemeinsam
mit Giuseppe Giacosa – jener
Mann, der auch für das Libretto
der Oper im Festspielhaus Sibirien
verantwortlich zeichnet: Luigi Illica.
Spannend bis zur letzten Seite
schildert er in drei Akten die tragische
Liebesgeschichte von Stephana
und Vassili. Am 21. Juli 2022 feiert
Sibirien, komponiert von Umberto
Giordano, Premiere.
Und wenn Sie die Geschichte
schon vorab ganz genau wissen
möchten: Im praktischen Handtaschenformat
gibt es das
Libretto in
einer eigens erstellten
Übersetzung
im Shop
der Bregenzer
Festspiele
zu kaufen.
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE | SHOP
SOMMERLICHES FESTSPIELVERGNÜGEN MIT Ö1
Von Oper bis Jazz, vom
großen Orchesterkonzert
bis zum Liederabend, von
World Music bis Kammermusik,
von Uraufführung bis historische
Aufführungspraxis. Mehr als 160
Übertragungen von über 30 österreichischen
Festivals stehen heuer
auf dem Programm von Ö1, darunter
fünf Konzertmitschnitte von den
Bregenzer Festspielen.
Am 21. Juli um 19.30 Uhr bringt
Ö1 Umberto Giordanos Sibirien live
aus dem Festspielhaus Bregenz.
Mit den Wiener Symphonikern,
Dirigent Valentin Uryupin, dem
Prager Philharmonischen Chor
und unter anderem den Sängerinnen
und Sängern Ambur Braid,
Frederika Brillembourg, Clarry
Bartha, Alexander Mikhailov.
Eine Übersicht aller Übertragungen
finden Sie unter oe1.ORF.at.
PROFITIEREN SIE ALS
Ö1 CLUB-MITGLIED!
Ö1 Club-Mitglieder besuchen die
Veranstaltungen der Bregenzer
Festspiele mit 10 % Ermäßigung
(beim Spiel auf dem See von Sonntag
bis Freitag in den Kategorien
3 bis 7). Die Ermäßigung gilt für
zwei Personen.
Einen besonderen Kulturgenuss
bieten die Ö1 Club Exklusiv-Veranstaltungen
mit Blick hinter die
Kulissen der großen Festspielproduktionen.
Informationen finden
Sie online im Ö1 Kalender unter
oe1.ORF.at/kalender.
Mit der kostenlosen Ö1 Club-
Kreditkarte von Diners Club sparen
Sie eine Karte und die Kreditkartengebühr
und genießen alle Vorteile
der Ö1 Club-Karte.
17
Weitere Informationen zum Ö1 Club und
zur Ö1 Club-Kreditkarte erhalten Sie
unter oe1.ORF.at/club, telefonisch unter
+43 1 501 70-370 oder per E-Mail an
oe1.club@orf.at.

DER FESTSPIEL-SOMMER
IM ÜBERBLICK
JUNGE FESTSPIELE
VERGISSMEINNICHT
Inszenierung Sara Ostertag
Die Schurken
Für Schulklassen: 20. & 21. Juni –
9.00 Uhr und 10.30 Uhr
Für Familien: 19. Juni – 10.30 Uhr
SPIEL AUF DEM SEE
MADAME BUTTERFLY
Giacomo Puccini
Musikalische Leitung Enrique Mazzola,
Yi-Chen Lin
Inszenierung Andreas Homoki
20., 22., 23., 24., 26., 27., 28., 29.,
30. und 31. Juli – 21.15 Uhr
2., 3., 4., 5., 6., 7., 9., 11., 12., 13., 14., 16.,
17., 19., 20. und 21. August – 21.00 Uhr
SPIELPLAN 2022
OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
DIE ITALIENERIN IN ALGIER
Gioachino Rossini
Musikalische Leitung Jonathan Brandani
Inszenierung Brigitte Fassbaender
8., 10. und 12. Juli – 19.30 Uhr
OPER IM FESTSPIELHAUS
SIBIRIEN
Umberto Giordano
Musikalische Leitung Valentin Uryupin
Inszenierung Vasily Barkhatov
21. Juli und 1. August – 19.30 Uhr
24. Juli – 11.00 Uhr
PFARRKIRCHE HERZ-JESU
FESTMESSE
17. Juli – 10.00 Uhr
Dirigent Leo McFall
Chorleitung Wolfgang Schwendinger
Kirchenchor Herz-Jesu
Kirchenchor Hohenems St. Karl
Symphonieorchester Vorarlberg
Joseph Haydn Theresienmesse
THEATER AM KORNMARKT
DER STURM
William Shakespeare
Inszenierung Jan Bosse
23., 25. und 26. Juli – 19.30 Uhr
WERKSTATTBÜHNE
KAPITÄN NEMOS BIBLIOTHEK
Johannes Kalitzke
Musikalische Leitung Johannes Kalitzke
Inszenierung Christoph Werner
27. und 29. Juli – 20.00 Uhr
FESTSPIELHAUS
FRÄULEIN ELSE
Musicbanda Franui | Maschek
Remake des Stummfilms Fräulein Else
nach Arthur Schnitzlers Novelle
3. August – 17.00 Uhr

OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
ARMIDA
Joseph Haydn
Musikalische Leitung Jonathan Brandani
Inszenierung Jörg Lichtenstein
15., 17. und 19. August – 19.30 Uhr
WERKSTATTBÜHNE
MELENCOLIA
Brigitta Muntendorf | Moritz Lobeck
Komposition Brigitta Muntendorf
Ensemble Modern
18. und 20. August – 20.00 Uhr
SEESTUDIO | FESTSPIELHAUS
MUSIK & POESIE
24. Juli – 19.30 Uhr
SCHMETTERLINGSEFFEKTE
Mitglieder des Ensemble Modern
Lesung Miki Sakamoto
Werke von Malika Kishino, Yu Kuwabara u. a.
31. Juli – 19.30 Uhr
INNENWELTEN
Gesang Marlis Petersen
Klavier Stephan Matthias Lademann
Erzähler Ulrich Reinthaller
7. August – 19.30 Uhr
FLY GANYMED
Erzähler Nikolaus Habjan
Musik Kyrre Kvam
ORCHESTERKONZERTE
WIENER SYMPHONIKER
25. Juli – 19.30 Uhr
Dirigent Enrique Mazzola
Peter I. Tschaikowski Der Sturm. Fantasie nach
William Shakespeare op. 18
Malika Kishino Konzert für Koto und Orchester
Dmitri Schostakowitsch Symphonie Nr. 10 e-Moll
31. Juli – 11.00 Uhr
Dirigentin Karina Canellakis
Ludwig van Beethoven Leonore-Ouvertüre Nr. 3
Richard Wagner Siegfried, dritter Aufzug
8. August – 19.30 Uhr
Dirigentin Marie Jacquot
Peter I. Tschaikowski Romeo und Julia.
Fantasie-Ouvertüre nach William Shakespeare
Dmitri Schostakowitsch Konzert für Violoncello
und Orchester Nr. 1 Es-Dur
Nikolai Rimski-Korsakow Scheherazade op. 35
ORCHESTERKONZERT
ORCHESTERAKADEMIE
14. August – 11.00 Uhr
Dirigent Daniel Cohen
Mitglieder der Orchesterakademie Bregenz 2022
Herbert Willi DSONG für Orchester – Auszug
in drei Sätzen (2022), Uraufführung
Joseph Haydn Konzert für Trompete und
Orchester Hob. Es-Dur VIIe:1
Dmitri Schostakowitsch Symphonie Nr. 5
d-Moll op. 47
SPIELPLAN 2022
KUNSTHAUS BREGENZ
KONZERT IM KUB
Mit Éna Brennan sowie Mitgliedern des
Symphonieorchester Vorarlberg
9. August – 21.00 Uhr
ORCHESTERKONZERT
SYMPHONIE ORCHESTER VORARLBERG
21. August – 11.00 Uhr
Dirigent Leo McFall
Igor Strawinski Chant funèbre
Sergej Prokofjew Konzert für Violine und
Orchester Nr. 1 D-Dur op. 19
Peter I. Tschaikowski Symphonie Nr. 5
e-Moll op. 64
Das ausführliche Programm der Bregenzer Festspiele 2022 finden Sie auf www.bregenzerfestspiele.com.

WERKSTATTBÜHNE

ZWISCHEN REALITÄT
UND TRAUMWELT
Kapitän Nemos Bibliothek erzählt die Geschichte zweier Kinder, deren bisheriges
Leben per Gericht als »falsch« beurteilt wird. Der Wechsel in ihr »richtiges«
Leben stürzt die beiden in Unglück und Wahnsinn. Alle Vertrautheit ist verloren,
Erinnerungen und Erfahrungen erscheinen in neuem Licht. In der unerträglichen
Situation wird Literatur zu ihrem Anker.
Zwei Jungen werden in einem
kleinen schwedischen Dorf
kurz nach ihrer Geburt
vertauscht. Als sie sechs Jahre alt
sind, wird entschieden, dass sie nun
bei der jeweils anderen Mutter leben
müssen. Für die Erwachsenen dieser
pietistischen Gemeinde ist mit dem
Rücktausch der Kinder die Ordnung
»nach Gottes Plan« wiederhergestellt.
Für die beiden Jungen allerdings
beginnt mit diesem Zeitpunkt
die Suche nach einem sinnvollen
Zusammenhang der Ereignisse.
Ihre ungleichen Erfahrungen von
Einsamkeit, Angst, Liebe und Hoffnung
und ihre unterschiedliche Sicht
auf das Geschehen verhindern eine
eindeutige Beantwortung der Frage
nach Schuld und Verantwortung und
stellen die Freundschaft der Jungen
auf eine harte Probe.
Das Ringen um die Wahrhaftigkeit
der Erzählung ist ein zentrales Motiv
in Per Olov Enquists Roman Kapitän
Nemos Bibliothek. Erzählt wird aus
der Perspektive des erwachsenen
ICHs, das sich aus zeitlicher Distanz
mit den eigenen Erinnerungen und
den Aufzeichnungen seines Freundes
Johannes konfrontiert. Aufgrund
dieser verschiedenen Perspektiven
entstehen unterschiedliche
Deutungen der Ereignisse, die den
ICH-Erzähler auch noch als Erwachsenen
irritieren und verunsichern.
VOM ROMAN ZUR OPER
»Ich wollte schon immer einmal
eine Oper für Puppen schreiben«,
sagt der Komponist und Dirigent
Johannes Kalitzke. Im Zuge der
Anfrage der Schwetzinger SWR
Festspiele, eine Kammeroper für
das Ensemble Modern zu schreiben,
habe er sich auf der Suche nach
einem geeigneten Stoff an Enquists
Roman erinnert. Die Bibliothek auf
Nemos legendärem U-Boot Nautilus
wird darin zum Zufluchtsort der
beiden Kinder. »Die Kinder entwickeln
in den Büchern das tröstliche
Bewusstsein von Erfahrung, Schönheit
und Ästhetik – das war für mich
der entscheidende Zugriff auf diesen
Stoff«, so Kalitzke. »An diesem
Ort reift in ICH und Johannes die
Erkenntnis, dass sich Erfahrungen
unendlich oft wiederholen und man
trotzdem Hilfe daraus erfahren
kann. Deshalb lesen wir Literatur.
Um uns mit Menschen zu vergleichen,
die das, was wir erfahren
haben, auch schon erlebt und bewältigt
haben.«
Durch die Verwendung von wiederkehrenden
Worten, Motiven und
Assoziationen sei der Roman einer
musikalischen Struktur sehr nahe,
erklärt Kalitzke. »Die Grundkonstruktion
der Oper basiert auf einer
Intervallfolge, die sich verhält wie
eine Möbius-Schleife, wie ein Loop.
Der sich immer wiederholende
Kreislauf dieser Intervalle durchzieht
die gesamte Komposition,
vergrößert und verkleinert, staucht
bzw. dehnt sich … auf diese Weise
findet eine kontinuierliche Vertauschung
von Innen- und Außenwelt
statt. Was am Anfang nur musikalische
Kernsubstanz war, wächst
an und umschließt am Ende wie eine
Sphäre alles andere. Dennoch soll
sich beim Hören das Gefühl einer
logischen Struktur und formalen
Schlüssigkeit einstellen.«
FREUDE AN DER ILLUSION
Christoph Werner, Regisseur
und Intendant des Puppentheaters
Halle, entwickelte für Kapitän
Nemos Bibliothek das szenische
Konzept – ein langer Prozess, wie
er sagt: »Wir haben anhand des
Librettos diskutiert, was möglich
und sinnvoll wäre, und haben uns
entschieden, nur die Kinder im
Stück mit Puppen darzustellen.
ICH und Johannes blicken als Erwachsene
auf die Ereignisse von
KAPITÄN NEMOS BIBLIOTHEK
21

WERKSTATTBÜHNE
damals zurück und finden sich
selbst als Kinder wieder. Diese
Konfrontation der beiden Jungen
mit dem eigenen Kind lässt sich
mit Puppen sichtbar und lebendig
machen.« Während des Stücks
kann das Publikum sehen, wie die
Puppenspieler und -spielerinnen die
Figuren lebensecht animieren, und
blendet das doch irgendwann aus.
»Als Zuschauer hat man große
Freude an dieser Illusion und lässt
sich von diesem Spiel verführen.
Es ist Theater in seiner reinsten
Erscheinungsform«, so Werner.
SCHICKSALE VERSCHMELZEN
Enquist spielt in seinem Roman
mit den aufgespaltenen Identitäten
seiner Figuren. ICH und Johannes
sind auf der realistischen Ebene des
Textes zwei voneinander verschiedene
Menschen, wobei Johannes
als eine Art Doppelgänger des
ICH-Erzählers fungiert, als dessen
lichte Gegengestalt, geliebt
von allen und »nettig«. Auf der
Ebene der inneren Suche nach den
»verborgenen Schmerzpunkten«
beginnen sich jedoch die Identitäten
beider Jungen aufzulösen und der
Leser kann sich nicht mehr sicher
sein, ob es in dem Roman wirklich
um zwei verschiedene Schicksale
geht. Der ICH-Erzähler verschweigt
seinen Namen und auch in Johannes’
geschriebenen Notizen wird sein
Name nicht erwähnt, seine Existenz
ist unsicher. ICH und Johannes sind
Doppelfiguren, die wechselseitig
ihre Existenz akzeptieren oder
ignorieren. Im Laufe der Erzählung
verschmelzen beide Persönlichkeitsanteile
miteinander, wodurch
Enquist den Prozess ihres Erwachsenwerdens
andeutet.
AUF DER SUCHE NACH DEM SINN
Innerhalb der Dorfgemeinschaft
interessiert sich keiner der Erwachsenen
dafür, wie die Kinder mit ihrer
neuen Lebenssituation zurechtkommen.
Eine Möglichkeit sich gegen die
Entscheidungen der Erwachsenen
Mit Puppen verkörpert das Regieteam die Kindheitserinnerungen von Johannes
und dem ICH-Erzähler. Um möglichst realistisch zu wirken, wurden sie nach
Kinderfotos der zwei Darsteller gefertigt.
zu wehren, haben sie nicht. Durch die
Einbeziehung narrativer Passagen
aus dem Roman in die Dialoge werden
die inneren Gedanken- und Bewusstwerdungsvorgänge,
von jeher ein
besonderes Merkmal der Oper,
herausgestellt und so die Isolation
der beiden Jungen innerhalb der
Dorfgemeinschaft betont. Anders
als der Roman setzt die Opernhandlung
mit dem Rücktausch ein
und erzählt ab diesem Zeitpunkt die
darauffolgenden Ereignisse nahezu
chronologisch. Der erkenntnis- und
identifikationsstiftende Prozess,
dem sich ICH und Johannes in Nemos
Bibliothek stellen, endet mit der
Erkenntnis, »dass alles einen Sinn
gehabt hat«: Die Jungen schaffen
es, das Menschliche in ihrem Leben
wieder zu erkennen und einen Umgang
mit dem Verlust zu finden.
Ab diesem Moment ist es ihnen
möglich, mit dem Vergangenen abzuschließen
und ihre Gedanken loszulassen:
»Ich öffnete die Schleusen
der Wassertanks, und stieg ins Boot.
Alle Lichter der Nautilus brannten.
Drinnen in der Bibliothek lag Johannes
auf der Küchenbank und sah
nettig aus, und war tot … Ich ruderte
hinaus, und war frei. Dorthinaus
musste ich ja zurück, obgleich frei.«
WERKSTATTBÜHNE
KAPITÄN NEMOS
BIBLIOTHEK
Johannes Kalitzke
Oper (2021) | Libretto von
Julia Hochstenbach | Nach dem
gleichnamigen Roman von
Per Olov Enquist |
Österreichische Erstaufführung |
In deutscher Sprache
Premiere
27. Juli 2022 – 20.00 Uhr
Vorstellung
29. Juli – 20.00 Uhr |
Werkstattbühne
Kompositionsauftrag und
Koproduktion mit den
Schwetzinger SWR Festspielen
Gefördert von der Kulturstiftung
des Bundes (Deutschland)
22

MIT DER SWR4 APP
ALLES AUF EINEN KLICK
SIE MÖCHTEN IHRE LIEBLINGSLIEDER AUS DEM RADIO IMMER
WIEDER HÖREN? ODER IN EINER LIVE-SENDUNG EINFACH MAL
ZURÜCKSPULEN? DIE SWR4 APP MACHT'S MÖGLICH!
Ab jetzt können Sie Ihre Lieblingslieder
aus dem SWR4
Programm immer wieder
hören – auch wenn Sie gar nicht
online sind. Sie haben den Anfang
eines Beitrags verpasst oder möchten
das gerade gehörte Lied nochmal
genießen? Dann spulen Sie einfach
das Radioprogramm zurück!
Bestimmte Sendungen aus
dem SWR4 Programm können
Sie jetzt in Dauerschleife hören,
wann und wo Sie wollen. Unsere
Webchannels zum Sonntagskonzert,
zur ChartShow und Big Band &
Gäste machen es möglich.
Ob unterwegs übers Mobilfunknetz
oder zuhause über WLAN:
Sie können mit der App jederzeit
das Radioprogramm von SWR4
hören – und zwar aus der Region,
in der Sie zuhause sind. Ob in
Friedrichshafen, Heilbronn,
Karlsruhe, Mannheim, Stuttgart,
Tübingen, Ulm oder Kaiserslautern,
Ludwigshafen, Mainz, Trier,
Koblenz: Wählen Sie einfach Ihr
Lieblingsstudio aus und hören
Sie den ganzen Tag Ihre Lieblingsmusik
mit allen Informationen
zum laufenden Programm und
den wichtigsten Nachrichten aus
Ihrer Heimat.
Haben Sie den Morgengedanken,
die neueste Folge von Die Ähn un die
Anner oder den SWR4 Gartentipp
verpasst? Möchten Sie das Neueste
aus Annelies Royaler Welt hören oder
die musikalischen Raritäten, die extra
für Sie ausgegraben werden? Kein
Problem – Podcast macht’s möglich!
Und wenn Sie nichts verpassen
möchten, aktivieren Sie einfach
die Eilmeldungen in den Einstellungen.
Damit werden Sie auf Wunsch
noch schneller und in aller Kürze
über die wichtigsten Geschehnisse
aus aller Welt informiert.
Wie das Wetter an Ihrem Wohnort
wird, zeigt Ihnen die SWR4 App
natürlich auch. Und wenn sich auf
Ihrer Autobahn etwas zusammenstaut,
erhalten Sie die Nachricht in
den Verkehrsmeldungen.
Auch die Bregenzer Festspiele
haben einen festen Platz im Programm
von SWR4 Baden-Württemberg.
In der Sendung Kultur aus
Baden-Württemberg wird Neues und
Wissenswertes über das aktuelle
Spiel auf dem See Madame Butterfly
zusammengefasst. In der Sendung
Sonntagskonzert können Sie Ausschnitte
aus der Oper hören. Als
langjähriger Partner der Bregenzer
Festspiele verlost SWR4 Baden-
Württemberg einen unvergesslichen
Abend: Mit etwas Glück können Sie
Tickets für eine Vorstellung von
Madame Butterfly gewinnen. Mehr
dazu ab Juli bei SWR4 Baden-
Württemberg und unter SWR4.de.
Musik, News, Podcasts und Webradios –
nichts verpassen mit der SWR4 App
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE
In der Playlist können Sie jederzeit
nachschauen, welche Musiktitel
gerade im SWR4 Programm gelaufen
sind.
23

THEATER AM KORNMARKT
24

EINE EIGENE
SPRACHE FÜR ZWEI
STUNDEN THEATER
Für Jan Bosses Inszenierung von William Shakespeares Der Sturm hat der
Autor Jakob Nolte eine neue, besondere Übersetzung dieses faszinierend
rätselhaften Textes angefertigt. Im Gespräch gewähren der Übersetzer und
der Regisseur Einblicke in ihre Ideen und Arbeitsweisen.
DER STURM
Worum geht es eigentlich
in William Shakespeares
Sturm?
Jakob Nolte: Es hat eine Weile
gebraucht, bis ich diese Frage
einigermaßen für mich beantworten
konnte, weil ich es für ein doch
unübersichtliches Stück halte.
Jetzt würde ich sagen, dass es für
mich um Verrat geht, um die Folgen
von Verrat und eine Welt, die auf
Verrat beruht. Der Auslöser ist der
Verrat des Bruders am Bruder.
Bei Shakespeare steht er noch in
königlichen Kontexten, weswegen
die Folgen auch internationale
Auswirkungen haben. Die Usurpation,
die Sehnsucht nach Macht,
der Wunsch nach oben zu kommen –
das wären Beschreibungen für andere
thematische Schwerpunkte.
Aber im »Machthunger« gibt es
immer wieder den Verrat oder die
Angst davor, hintergangen zu werden,
und andersherum natürlich
das Vertrauen. Ariel vertraut
lange, dass Prospero ihn irgendwann
befreit. Miranda vertraut ihrem
Vater, sie, die noch nie Männer
gesehen hat und von ihrem Vater
über den schönen Mann, den sie
sieht, hört, es gebe noch viel bessere.
Das Vertrauen in diesem sozialen
Gefüge ist von Grund an gestört,
weil es auf einem Verrat basiert.
Wie kam es zur Entscheidung,
Shakespeares Sturm für diese Inszenierung
neu übersetzen zu lassen?
Jan Bosse: Wir dachten, wir brauchen
einen starken poetischen
Zugriff eines Autors oder einer
Autorin, um für die Fremdheit, die
25
in dieser Welt beschrieben wird,
einen Ausdruck in der Sprache zu
finden. Die Erfahrung mit Jakob
Nolte bei Don Quijote, der auch
bei den Bregenzer Festspiele zur
Premiere kam, war sehr positiv.
Das war ja keine Übersetzung,
sondern eine kluge und kraftvolle
Bearbeitung von Cervantes’ Text.
Ich war verliebt in diese Art der
Sprache und konnte mir den Sturm
mit ihm gut vorstellen.
Welches Thema bot den Ausgangspunkt
für das Inzenierungskonzept?
Bosse: Mich hat am meisten interessiert,
dass das Stück auf einer
Insel spielt. Die Vorgeschichte
ist zwölf Jahre her, es geht viel
um Erinnerung, aber nicht in
einem psychologischen, sondern

THEATER AM KORNMARKT
JAN BOSSE (LINKS)
studierte erst Theaterwissenschaft,
Germanistik und Kunstgeschichte,
dann Schauspielregie.
Als freier Regisseur fordert er sich
in der Wahl seines Bühnenstoffs
gerne selbst heraus. Seine Inszenierung
von Cervantes’ Don Quijote
2019 bei den Bregenzer Festspielen
begeisterte das Publikum.
JAKOB NOLTE (RECHTS)
studierte in Berlin Szenisches
Schreiben und arbeitet als Autor
für Romane, Theaterstücke und
Hörspiele. Schon für Jan Bosses
Don Quijote lieferte er eine eigene
Bearbeitung, in der »die Worte
funkeln, dass es eine Pracht ist«.
(Süddeutsche Zeitung)
in einem archaischen Sinn. Es ist
alles schon passiert, wenn das
Stück beginnt. Mit dem Sturm
werden die Figuren und damit auch
die Vergangenheit auf diese Insel
gespült, zwischen Zufall, Schicksal
und Manipulation. Es wird zwar
Zufall genannt, aber der Sturm ist
von Prospero und Ariel inszeniert,
als dieses Schiff zufällig vorbeifährt.
Das ist eine typische Shakespeare-
Konstruktion, an der gar nichts
Zufall ist. Natürlich ist immer schon
etwas und jemand da, wenn eine
Insel entdeckt wird, Menschen oder
Wesen, in diesem Fall Geister und
sogenannte Monster. Und Prosperos
Behauptung »Das ist jetzt mein
Reich und ich erfinde die Welt neu«
basiert automatisch auf Unterdrückung
und ist auch zwölf Jahre
her. Die Verhältnisse auf dieser
Insel, die wir im Urzustand gar
nicht erleben, sind schon kaputt,
sobald dieses Stück beginnt.
Wie lässt sich der Prozess der
Übersetzung beschreiben?
Nolte: Bei Shakespeare stellt sich
bei mir das Gefühl der Fremdheit
mit jedem Stück ein. Ob bei Romeo
und Julia oder Hamlet: Es bleibt
beim Lesen ein 400 Jahre alter
Schleier, den man auch nicht mehr
verschwinden lassen kann. Ob das
dem englischen Leser auch so geht?
Wahrscheinlich schon. Ich habe den
Versuch gestartet, es wirklich Wort
für Wort zu übersetzen, weil ich
Kunstsprachen mag, die eine Verortung
in der Wirklichkeit haben.
Wir bewegen uns auf eine Welt zu,
in der Übersetzen selbstverständlich
wird. Ich habe in China, als die
andere Person kein Englisch konnte
und ich kein Chinesisch, meine
Bestellung einfach ins Smartphone
gesprochen. Wir haben die technischen
Möglichkeiten, digital simultan
zu übersetzen mit Apps, die auf
dem Bildschirm oder sprechend
übersetzen. Wie verändert sich
gerade die Aufgabe des Übersetzers
und der Übersetzerin? Es gibt
im Italienischen die Redewendung
»Traduttore, traditore« (»Übersetzer,
Verräter«) womit wir wieder
beim Verrat wären. Gilt diese
Warnung nicht auch für Übersetzungs-Apps?
Für mich hat diese
Sprache etwas, als wäre sie aus einem
zu kleinen Genpool entstanden
und ein bisschen verknorpelt, etwas
Fälschliches, aber voller Schönheit.
Es gibt sie nur im Verhältnis
zu Shakespeare. Nur für diese zwei
Stunden.
Alle Darstellenden spielen und
verheddern sich auch immer
wieder in den Seilen, die das
Bühnenbild ausmachen. Wie kam
es zu dieser klaren und dennoch
verstrickten Bildidee?
Bosse: Die Seile auf der Bühne
sind Theater pur, weil – wie unser
Bühnenbildner Stéphane Laimé
erklärt hat – die Seiltechnik
der Theaterzüge, die Handzüge,
tatsächlich aus der Schifffahrt
kommt. Die Theater haben
die Technik übernommen und
daraus gelernt. Deswegen verwenden
wir auch keine Gummiseile
oder Stangen, sondern
26

Lebenselixier
Hanf, also verarbeitetes Naturmaterial.
Wir haben ursprünglich
nach einem konkreten Element
gesucht, das trotzdem durch die
Vervielfältigung eine Abstraktion
ermöglicht. In der ersten Szene
im Sturm wird komischerweise
eines dieser Schiffsseile, die nicht
verhindern können, dass alle
umkommen, »rope of destiny«,
Schicksalseil, genannt. Der Seemann,
der vielleicht für die Verfluchung
des Königs gehängt wird,
ist jetzt wichtiger als jeder König
auf Erden, weil er der Einzige
ist, der uns im Sturm mit seinem
Schiffstau retten kann. Eigentlich
ist das ganze Stück wie ein Sturm,
der anfängliche Sturm aber schon
vorbei, und gleichzeitig ist es ein
innerer Sturm, der alle diese Figuren
herumwirbelt.
Es gibt eine weitere Ebene mit
den Songs, welche die Musik zur
eigenen Sprache werden lassen.
Bosse: Ich habe mich so darauf
gestürzt, dass wir Songs im
Originalenglisch aufführen können,
nur ganz leicht adaptiert,
um der völligen Unverständlichkeit
zu entkommen. Ich finde
es gut, wenn zur deutschen Übersetzung,
dieser Nolte’schen
Shakespeare-Sprache, dieses
ebenso kryptische Englisch
kommt. Man kommt von der
einen seltsamen Sprache in
die andere.
Dann wird es fast psychedelisch.
Es gibt wohl kein Stück mit so vielen
Aufwachenden und Schlafenden,
ständig ist jemand entweder
gerade am Aufwachen oder am
Einschlafen und es wird sehr viel
über Traum und Realität geredet,
das alte große Thema. Und die
Träume sind manchmal stärker
und vielleicht sogar intensiver als
das Eigentliche …
THEATER AM KORNMARKT
DER STURM
William Shakespeare
Übersetzung von
Jakob Nolte | Erstaufführung
dieser Übersetzung
Ist Kaffee auf Dauer giftig?
Diese Frage trieb im 18. Jahrhundert
den schwedischen König
Gustav III. um. Er war den schönen
Künsten, dem Theater sehr zugetan,
aber in puncto Bohne verstand
er keinen Spaß. So ordnete er ein
Experiment an, um die schädliche
Wirkung von Kaffee zu beweisen:
Zwei zum Tode Verurteilte sollten
möglichst viel Kaffee bzw. Tee zu
trinken bekommen. Damit wollte
er herausfinden, welcher schneller
sterben würde. Beide Gefangene
sollen den König überlebt haben –
und übrigens auch die Mediziner,
die das Experiment überwachten.
So erzählt es die Legende.
Wie gesund oder ungesund ist
Kaffee nun wirklich? Wie überall
gilt auch hier: Die Dosis ist entscheidend.
Drei bis vier Tassen am Tag
entfalten bei den meisten Menschen
eine positive Wirkung auf den Organismus.
Die Durchblutung wird
angeregt und Hirnzellen werden
stimuliert. Etwa eine halbe Stunde
nach dem Trinken entfaltet das
Koffein seine volle Wirkung. Wer
also vor dem Sturm einen Kaffee
genießt, erlebt die Aufführung noch
wacher, noch intensiver.
Dallmayr wünscht Ihnen viel
Genuss und eine wunderbare
Festspielzeit!
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE | DER STURM
Neben der Live-Musik mit
verschiedenen Instrumenten
gibt es auch Klanginstallationen.
Diese Mischung finde ich interessant,
wenn es auf dieser Insel
eine ganz leise elektronische
Fläche gibt, und Carolina dann
Gitarre spielt und noch ein Schauspieler
Vogelgeräusche macht.
Premiere
23. Juli 2022 – 19.30 Uhr
Vorstellungen
25. & 26. Juli – 19.30 Uhr |
Theater am Kornmarkt
Koproduktion mit dem
Deutschen Theater Berlin
27

HYBRID DURCH
DIE JAHRHUNDERTE
MELENCOLIA AUF DER WERKSTATTBÜHNE SPIELT MIT LIVE-MUSIK,
KÜNSTLICHER INTELLIGENZ UND DIGITALEN WELTEN.
WERKSTATTBÜHNE
Die Musikerinnen und Musiker des
Ensemble Modern finden sich in
Melencolia als virtuelle Avatare auf
der Bühne wieder ...
Ein jahrhundertealtes Wort
wird auf der Werkstattbühne
zum Ausgangspunkt eines
verspielten, humorvollen und tiefsinnigen
Musiktheaterabends, der
auf virtuose Weise sämtliche technische
Möglichkeiten ausschöpft,
die wir in den vergangenen Jahren
selbstverständlich in unseren Alltag
integriert haben.
Melancholie erfuhr über Jahrhunderte
und Kulturen hinweg unterschiedliche
und widersprüchliche
Zuweisungen, sie galt als körperliche
Krankheit wie auch Moment der
Kontemplation, als Möglichkeit der
Überwindung irdischer Leiden
und als Schwester der Genialität.
Albrecht Dürers rätselhafter Polyeder
im ebenso rätselhaften Bild
Melencolia I ist zu einem Sinnbild
für diese Widersprüche und das
Unlösbare inmitten menschlicher
Sehnsucht nach Erlösung geworden.
Ausgehend von diesen unterschiedlichen
Assoziationen und Bedeutungen
entwickeln die Komponistin
Brigitta Muntendorf und der Dramaturg
Moritz Lobeck ein hybrides
Musiktheater. Live erzeugte Klänge
der Solisten und Solistinnen des
Ensemble Modern werden digital
weitergesponnen und in virtuellen
Räumen neu verortet. Die Stimmen
von sechs Chorsängerinnen auf der
Bühne gesellen sich zu ihren digitalen
Partnern.
In 3D-Audio-Landschaften begegnen
14 Instrumentalsolistinnen und
-solisten des Ensemble Modern virtuellen
Gästen wie Saeid Shanbehzadeh,
dem iranischen Virtuosen
auf einer Art persischer Dudelsack,
Ney-Anban, oder ihren eigenen
digitalen Zwillingen. Künstliche
Intelligenzen und synthetisch ge-
28

MELENCOLIA
... und begegnen in der von Veronika Simmering gestalteten Welt skurrilen Gästen.
WERKSTATTBÜHNE
MELENCOLIA
Brigitta Muntendorf |
Moritz Lobeck
Eine Show gegen die Gleichgültigkeit
des Universums | Uraufführung
klonte Stimmen treffen auf digitale
Bildwelten und skurrile Parallelexistenzen;
ein unablässiger Strom
von instrumentalen und elektronischen
Klängen führt das Publikum
in vertraute wie surreale Hörräume.
Mitten in unserer rational entzauberten
Welt zelebriert Melencolia
eine musikalische Show gegen die
Gleichgültigkeit des Universums.
Bereits mehrere Monate vor der
Uraufführung erprobte die Komponistin
mit Musikern und Musikerinnen
des Ensemble Modern einzelne
Klänge, Melodien und Spielweisen,
die sie anschließend in digitalen
Prozessen weiterentwickelt – mit
teilweise überraschenden, oft auch
humorvollen Veränderungen. Die
Mittel des Musiktheaters erfahren
in Melencolia eine faszinierende
Erweiterung, wenn Live-Video,
künstliche Intelligenz und virtuelle
Welten Teil des Kompositionsprozesses
werden. Und dennoch
kann auch ein spontan erinnertes
Volkslied aus der eigenen Heimat
ein Ausgangspunkt sein, wie es die
Bratscherin Megumi Kasakawa in
der Erprobungsphase für Muntendorf
gespielt hat. Ob und wie dieses
Lied eine Rolle in der Aufführung
spielen wird, bleibt der noch
anhaltenden Kompositionsphase
überlassen.
Melodien aus Kasakawas japanischer
Heimat sind in jedem Fall bei
den Schmetterlingseffekten zu hören.
Kasakawa kuratierte das musikalische
Programm für das Konzert
im Rahmen von Musik & Poesie, bei
dem Mitglieder des Ensemble Modern
Werke japanischer Komponistinnen
spielen, die im Wechsel mit
gelesenen Texten der Autorin Miki
Sakamoto zu hören sind.
Premiere
18. August 2022 – 20.00 Uhr
Vorstellung
20. August – 20.00 Uhr |
Werkstattbühne
Auftragswerk der Bregenzer
Festspiele und des Ensemble Modern
Gefördert von der Kulturstiftung
des Bundes (Deutschland)
MUSIK & POESIE
SCHMETTERLINGSEFFEKTE
Melodien und Literatur
aus Japan
24. Juli 2022 – 19.30 Uhr |
Seestudio
Mitglieder des Ensemble Modern
Lesung Miki Sakamoto
29

Gioachino Rossinis Die Italienerin
in Algier feiert am 8. Juli, noch vor
der offiziellen Festspieleröffnung,
Premiere im Theater am Kornmarkt.
30

»JEDER TAKT STECKT
VOLLER VERBORGENER
JUWELEN«
Jonathan Brandani hat alle Hände voll zu tun: In dieser Saison wird er sowohl
Rossinis Italienerin in Algier als auch Haydns Armida dirigieren. Gemeinsam mit
den jungen Talenten des Opernstudios nimmt er die Werke genau unter die Lupe
und entdeckt Erstaunliches – von Verzierungskunst bis Quantenphysik.
OPERNSTUDIO
Wer liebt diese Oper eigentlich
nicht? Schon bei der
Uraufführung in Venedig
im Jahr 1813 war Die Italienerin in
Algier ein riesiger Erfolg, mit einem
begeisterten Publikum und einem
zufriedenen Impresario hatte der
erst 21-jährige Gioachino Rossini
seinen Ruf als Theatermann und
Komödienexperte gefestigt, und bis
heute gehört die innerhalb kürzester
Zeit entstandene Opera buffa – je
nach Quelle ist von 27 oder sogar
nur 18 Tagen die Rede – zu seinen
populärsten Werken.
Da geht es auch Jonathan Brandani
nicht anders. »Die Italienerin in
Algier ist ein Meisterwerk des
italienischen Belcanto, gespickt
mit wunderschönen Melodien«,
schwärmt der Dirigent aus Lucca,
der erst voriges Jahr sein Amt als
künstlerischer Leiter der Calgary
Opera in Kanada angetreten hat.
»Die berauschende Musik von
Rossini katalysiert das Komische in
der Geschichte und fesselt den Zuhörer
von den allerersten Takten der
Ouvertüre bis zum Ende der Oper.«
STARKE FRAUEN
Die skurrile Handlung um die
temperamentvolle Italienerin
Isabella, die sehr genau weiß, wie
man besitzergreifende Machos in die
Schranken verweist, könnte sogar
auf einer wahren Begebenheit beruhen:
Isabellas historisches Vorbild
ist möglicherweise eine Mailänderin
namens Antonietta Frapolli, die sich
1808 selbst aus der Gefangenschaft
des Bey von Algier befreien und über
Venedig in ihre Heimatstadt Mailand
zurückkehren konnte. Der Stoff entsprach
jedenfalls genau der Orientmode
des 18. und 19. Jahrhunderts,
und Rossini traf damit zielsicher den
Geschmack seiner Zeit.
Der Turban bleibt in der Inszenierung
von Brigitte Fassbaender
allerdings in der Requisitenkammer.
Im Rampenlicht stehen hier ganz
die schrägen Typen, starken Charaktere
und die verrückte Handlung.
»Sie hat einen sehr kreativen und
fantasievollen Zugang zu Rossinis
Oper«, lobt Brandani die Regiearbeit
der großen Künstlerin. »Vor allem
habe ich es geliebt, wenn sie den
jungen Sängern demonstriert hat,
wie man sich auf der Bühne gibt und
bewegt – sie ist eine so charismatische
Interpretin!«
SINGENDES ORCHESTER
Dass in der Oper der Gesang den
Ton angibt, berücksichtigt Jonathan
Brandani auch bei den Musikerinnen
31
JONATHAN BRANDANI
und Musikern im Graben. »Ich trainiere
das Orchester, zu atmen und
zu singen wie ein Sänger«, erklärt
er. »Wir müssen sowohl eine solide
Stütze bieten als auch eine exzellente
Reaktionsfähigkeit auf das Bühnengeschehen
haben. Tempowechsel und
dynamische Schattierungen müssen
nahtlos, spontan und in Sekundenschnelle
vonstattengehen – und dazu
müssen wir daran arbeiten, hervorragende
Begleiter zu werden.«

THEATER AM KORNMARKT
Kein Problem für das bewährte
Symphonieorchester Vorarlberg, das
bei beiden Inszenierungen zum Einsatz
kommt. »Ich glaube, zwischen
uns stimmt die Chemie«, berichtet
der Gastdirigent von den gemeinsamen
Proben. »Es ist wirklich toll,
auf einem so hohen künstlerischen
Niveau Musik zu machen – und
gleichzeitig Spaß zu haben!«
KLAVIATUR DER GEFÜHLE
Eine ganz andere Herangehensweise
erfordert dagegen Armida von
Joseph Haydn. Brandani dirigiert die
Opera seria zum ersten Mal, in Szene
gesetzt wird sie von Regisseur Jörg
Lichtenstein. Das berühmte Sujet
hat sich im Lauf der Operngeschichte
in unzähligen Vertonungen niedergeschlagen
– einige Jahre später
übrigens auch bei Rossini.
Das Libretto basiert auf dem rund
200 Jahre älteren Versepos Das
befreite Jerusalem von Torquato
Tasso und erzählt die Geschichte
der fatalen, aber umso leidenschaftlicheren
Liebe zwischen der sarazenischen
Zauberin Armida und dem
eigentlich verfeindeten Kreuzritter
Rinaldo: ein klassischer Zwiespalt
zwischen Affekten und Pflichten,
ganz in der Tradition der Opera seria.
»Haydns Musik nimmt uns an die
Hand und führt uns auf eine Reise
durch Liebe, Hass, Verzweiflung,
Magie und übernatürliche Kräfte«,
beschreibt Brandani das sprudelnde
Wechselbad der Gefühle.
»Bestimmt werden viele im Publikum
überrascht sein, wie modern
und emotional diese Oper ist!«
SYMPHONIE IN DER OPER
Auch bei der Uraufführung 1784
im Theater des Schlosses Eszterháza,
dirigiert vom Komponisten
höchstpersönlich, war Armida von
Erfolg gekrönt. »Man sagt es seye
bishero mein bestes Werk«, schrieb
Haydn einige Tage später an seinen
Verleger. Dann wurde es allerdings
bald recht still um das Stück – was
wohl auch daran liegen mag, dass
»Papa Haydn« vor allem mit seinen
Streichquartetten, Symphonien und
Oratorien assoziiert wird. Das umfangreiche
Opernschaffen war lange
ein blinder Fleck seines Œuvres.
Zu Unrecht: »Er verfügt über ein
untrügliches Gespür für Dramatik,
ein großartiges Verständnis für
die menschliche Stimme und einen
unglaublichen Einfallsreichtum«, erläutert
Brandani. Der Symphoniker
kommt bei Armida aber trotzdem
zum Vorschein. »Haydns musikalisches
Material ist tendenziell dichter,
symphonischer gewissermaßen,
selbst wenn er Gesang begleitet.
Gleichzeitig vertont er das Libretto
sehr raffiniert – jeder Takt steckt
voller verborgener Juwelen!«
AUF MUSIKALISCHER
SCHATZSUCHE
Die jungen Sängerinnen und Sänger von Armida bei der
Meisterklasse mit Jonathan Brandani im März 2022
Und diesen Juwelen sind die jungen
Künstlerinnen und Künstler des
Opernstudios, das sich seit 2015
der Nachwuchsförderung bei den
Bregenzer Festspielen verschrieben
hat, bereits ausgiebig auf der Spur.
»Für mich ist die Arbeit mit jungen,
talentierten Sängern eine großartige
Möglichkeit, älteren Werken
neues Leben einzuhauchen«, erzählt
Brandani. »Die jungen Profis gehen
meistens zum ersten Mal an die
32

DIE ITALIENERIN IN ALGIER
Gioachino Rossini
Komische Oper in zwei
Akten (1813) | Libretto von Angelo
Anelli | In italienischer Sprache mit
deutschen Übertiteln
OPERNSTUDIO
Ursprünglich für 2021 geplant, kommt Die Italienerin in Algier in der lebhaften
Inszenierung von Brigitte Fassbaender diesen Sommer auf die Bühne.
Premiere
8. Juli 2022 – 19.30 Uhr
Vorstellungen
10. & 12. Juli – 19.30 Uhr |
Theater am Kornmarkt
Rollen heran und bringen dabei
eine Bereitschaft zum Lernen und
Experimentieren mit, die man bei
erfahrenen Interpreten in aller Regel
nicht mehr findet. Wenn man eine
Rolle schon mehrfach gesungen
hat, ist man eher nicht besonders
erpicht darauf, seine musikalischen
Gewohnheiten zu ändern.«
Im Opernstudio wird dagegen von
Grund auf erforscht, wie man eine
Partie am besten anlegt und dabei
als Künstlerpersönlichkeit wachsen
kann. »Es geht darum, viele Fragen
zu stellen, immer tiefer und tiefer in
das Werk vorzudringen und dabei
ganz verschiedene Möglichkeiten
auszukundschaften.«
VON PROSODIE UND
KOSMOLOGIE
Ein kontinuierlicher Prozess, der
freilich alles andere als einfach ist.
Doch dass sich die Mühe lohnt, hat
sich bereits bei einem Workshop
für Armida im Februar bestätigt.
Gemeinsam wurde fleißig studiert,
analysiert und ausprobiert, wobei
ein besonderes Augenmerk auf
der Entwicklung angemessener
Verzierungen und agogischer
Beweglichkeit lag. »Das sind zwei
grundlegende Zutaten – sie werden
oft übersehen, tragen aber so viel
zu Spontaneität und Frische einer
gelungenen Interpretation bei«,
verrät Brandani.
Der Horizont endet hier aber noch
lange nicht: »Wir haben über unsere
Arbeit als Interpreten nachgedacht,
über Probleme der Aufführungspraxis
in Vergangenheit und Gegenwart,
über die Eigenheiten von
Haydns Musikstil, über die Beziehung
zwischen geschriebenem Text und
seiner Ausdeutung, über die Prosodie
der italienischen Sprache … Ich erinnere
mich, dass wir gelegentlich
sogar über Quantenphysik, Kosmologie
und die Theorie von multiplen
Universen gesprochen haben!«
ARMIDA
Joseph Haydn
Dramma eroico in drei
Akten (1784) | Libretto von Nunziato
Porta (?) nach Torquato Tassos
Das befreite Jerusalem (1581) |
In italienischer Sprache mit
deutschen Übertiteln
Premiere
15. August 2022 – 19.30 Uhr
Vorstellungen
17. & 19. August – 19.30 Uhr |
Theater am Kornmarkt
Das Opernstudio
wird präsentiert von
Mit freundlicher Unterstützung des
Internationalen Gesangswettbewerbs
NEUE STIMMEN der Liz Mohn
Center gGmbH
33

KARTENÜBERSICHT
Spiel auf dem See Madame Butterfly
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
So–Do EUR 150 138 116 88 68 54 30
Fr EUR 162 150 128 100 80 66 42
Sa EUR 174 162 140 112 92 78 54
Premium-Ticket So–Do Fr Sa
EUR 270 282 294
Festspiel-Lounge So–Do Fr Sa
EUR 370 382 394
KARTENÜBERSICHT
ABSAGE- UND UMTAUSCH-
REGELUNG
Die Bregenzer Festspiele sind
bemüht, die Vorstellung auf der
Seebühne abzuhalten, und weisen
darauf hin, dass gegebenenfalls
auch bei Regen gespielt wird bzw.
es zur Verzögerung des Beginns
kommen kann. Wir empfehlen allen
unseren Gästen daher, warmer und
regensicherer Kleidung den Vorzug
zu geben, auf Regenschirme aber
zu verzichten, da diese die Sicht
beeinträchtigen. Das Spiel auf dem
See wird ohne Pause gespielt.
KARTEN DER KATEGORIE 1, 2,
DER FESTSPIEL-LOUNGE UND
PREMIUM-TICKETS
sind bei Absage oder einer Spielzeit
der Seeaufführung unter
90 Minuten für die halbszenische
Aufführung von Madame Butterfly
im Festspielhaus gültig und werden
nicht rückerstattet. Bei einer Verlegung
der Aufführung ins Festspielhaus
befinden sich die Plätze der
Kategorie 1 im Parkett, die Plätze
der Kategorie 2 im Rang. Auf der
Seetribüne nebeneinanderliegende
Plätze können aufgrund der unter-
schiedlichen Reiheneinteilung im
Festspielhaus getrennt sein.
KARTEN DER KATEGORIE 3 BIS 7
sind nur für die Aufführung von
Madame Butterfly auf der Seebühne
gültig. Bei einer Verlegung der Aufführung
ins Festspielhaus erhalten
Besitzer dieser Karten dann den
Kartenwert rückerstattet bzw. können
nach Verfügbarkeit auf einen
späteren Termin umtauschen, wenn
die Aufführung auf der Seebühne
nicht bzw. kürzer als 60 Minuten
gespielt worden ist.
Informationen zu COVID-19
Die Bregenzer Festspiele passen
ihr Präventionskonzept zur Eindämmung
von COVID-19 laufend
den gesetzlichen Bestimmungen an.
Die aktuell geltenden Informationen
für den Festspielsommer 2022
finden Sie auf unserer Website
www.bregenzerfestspiele.com in der
Rubrik »Besuch« – »FAQ«.
Es gelten die Allgemeinen
Geschäftsbedingungen der
Bregenzer Festspiele GmbH.
34

KARTEN UNTER:
T +43 5574 407-5
ticket@bregenzerfestspiele.com
www.bregenzerfestspiele.com
Oper im Festspielhaus
Sibirien
Orchesterkonzerte
im Festspielhaus
PREISE Wiener Symphoniker
PREISE Sibirien
Kategorie 1 2 3 4 5 6
EUR 150 132 115 98 60 28
Premierenzuschlag
pro Ticket EUR 25 (Kate gorie 1 und 2).
Für die Premiere gilt ein eigener Sitzplan.
Kategorie 1 2 3 4 5 6
EUR 88 74 58 42 28 20
PREISE Symphonieorchester Vorarlberg
Kategorie 1 2 3 4 5 6
EUR 54 46 38 32 25 20
Festspielhaus | Werkstattbühne | Seestudio | Kunsthaus Bregenz | Theater am Kornmarkt
Der Sturm
Theater am Kornmarkt
Die Italienerin in Algier, Armida
Theater am Kornmarkt
Kategorie 1 2 3 4
Kategorie 1 2 3 4
KARTENÜBERSICHT
EUR 48 38 28 18
EUR 52 42 32 22
Fräulein Else
Festspielhaus
Kategorie 1 2 3 4 5 6
EUR 54 46 38 32 25 20
Orchesterakademie
Festspielhaus
Kategorie 1 2 3
EUR 32 24 16
Kapitän Nemos Bibliothek,
Wiener Symphoniker,
Musik & Poesie
Seestudio
Konzert im KUB
Kunsthaus Bregenz
Melencolia
Werkstattbühne
ganz persönlich
Seestudio
EUR 28
EUR 18
EUR 35
EUR 18
35

Viel Vorfreude wünschen
die Partner der Bregenzer Festspiele.
HAUPTSPONSOREN
GREEN ENERGY
PARTNER
PRODUKTIONSSPONSOREN
GrECo International AG
Hilti Foundation
LIEBHERR-Turmdrehkrane
Wiener Städtische Versicherung AG
CO-SPONSOREN & PARTNER
AGM
Coca-Cola
Dallmayr Kaffee
Hendrick's Gin
Kryolan
Leica Camera
Mohrenbrauerei
Paul Mitchell
Pfanner & Gutmann
Rauch Fruchtsäfte
Red Bull
Ricola
Römerquelle
Schlumberger (Wein- und
Sektkellerei)
SUBVENTIONSGEBER
PARTNER