Art Essentials Street Art (Leseprobe)

ART ESSENTIALS
STREET
ART
SIMON
ARMSTRONG
MIDAS

STREET
ART
SIMON
ARMSTRONG
AMY DEMPSEY

INHALT
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68
84
96
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EINFÜHRUNG
VERBRECHEN WIRD KUNST
HÖHLENMENSCHEN, CORNBREAD UND MEHR
GLOBALE ÜBERNAHME
DIE TECHNIK
ORTE UND PLÄTZE
DIE KULTUR VERBREITEN
STILE UND SYMBOLE
ÜBER DIE STRASSE HINAUS
Glossar
Literaturempfehlungen
Index
Bildnachweise
5

EINFÜHRUNG
Für viele Menschen, die ihren Alltag in einer Stadt verbringen,
sind Graffiti und Street Art »einfach da«, ebenso
wie Werbung, Straßenschilder und all das andere visuelle
Rauschen. Unleserliche Buchstaben, die an Wände und
Straßenlaternen gekritzelt sind, erscheinen weitgehend bedeutungslos
und werden – sofern sie nicht auf dem eigenen
Grundstück zu finden sind – einfach übersehen. Doch gelegentlich
erregt ein neues Werk unsere Aufmerksamkeit,
lässt uns schmunzeln oder die Stirn runzeln und bringt uns
zum Nachdenken: Wer hat das gemalt? Wie konnten sie so
hoch klettern? Und wie sind sie damit durchgekommen?
Solche urbanen Marginalien sind Teil einer reichhaltigen
und beständigen künstlerischen Subkultur, die in der Tat
jeden ansprechen kann. Diese Kunstform bietet Hoffnung
6

und Inspiration und hat sich wie ein Virus über die ganze
Welt verbreitet. Ihre Akteure sind süchtig und leidenschaftlich,
ob sie nun mit wütenden Behörden konfrontiert
sind oder nicht, und jetzt werden die Kunsthändler reich.
Dieses Buch ist ein ausgezeichneter Leitfaden für die Ursprünge
und die Entwicklung der Street Art bis zur Gegenwart.
Es befasst sich mit den wichtigsten Akteuren,
Methoden und Stilen und erkundet die wichtigsten Debatten,
Themen und Ideen innerhalb dieser Kultur. Es versteht
Street Art als Ausdruck des grundlegenden menschlichen
Wunsches, einen Standpunkt zu vertreten, die eigene
Existenz zu beweisen, zu kreieren, zu gestalten, zu dokumentieren
und zu stilisieren und, ganz einfach, mit anderen
Menschen in Kontakt zu treten.
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VERBRECHEN WIRD KUNST
-
Es gibt ein altes Sprichwort: Graffiti ist kein Vandalismus,
sondern ein wunderschönes Verbrechen.
-
Bando, The Chrome Angelz
1986

-
s t r e e t art
-
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-
v e r b r e c h e n
w i r d kunst
-
Jean-Michel Basquiat
Charles the First, 1982
Acryl und Öl auf
Leinwand,
198 x 158 cm
Privatsammlung
Mit Worten und Symbolen
bringt Basquiat
in seinem Kommentar
zur Rassentrennung
und Entfremdung
seine inneren Ängste,
Konflikte und Gedanken
auf der Leinwand
zum Ausdruck.
»Ist das Kunst?« Diese Frage hat sowohl Graffiti als auch Street Art von
Anfang an begleitet. Sicherlich kann nicht jedes Graffiti als Kunst eingestuft
werden. Der Begriff ist weit gefasst und wird verwendet, um jedes
bisschen Schrift an einer Wand zu erfassen, von kleinen Kritzeleien auf der
Toilette bis hin zu einem ganzen bemalten U-Bahn-Zug, der von einem
Ende zum anderen durchgehend farbig beschriftet ist. Betrachtet man die
akademische Kunstgeschichte, so bezieht sich der Begriff »Graffiti-Kunst«
auf das Werk bestimmter Künstler aus dem New Yorker East Village in
den 1980er-Jahren, wie Jean-Michel Basquiat (gegenüber), Keith Haring
(siehe S. 50–51) und Kenny Scharf. Aber keiner dieser Maler bezeichnete
sich selbst als Graffiti-Künstler, und auch die tatsächlichen Graffiti-Writer
bezeichnen sich im Allgemeinen nicht als solche. Leute, die illegal taggen
und malen, nennen sich in der Regel »Graf Writer«. Die Abkürzung »graf«
weist zwar darauf hin, dass die Writer in einer Kultur arbeiten, die sich von
den Kommentaren an den Toilettenwänden unterscheidet, setzt diese Kultur
aber nicht unbedingt mit einer Kultur der Malerei gleich. Die Verwendung
des Wortes »Writer« ist entscheidend – sie schreiben, sie stilisieren
die Schrift; sie bezeichnen sich nicht als Maler.
-
Street Art ist ein Kind des Graffiti.
-
Auch Street Art ist ein schwammiger Begriff, und trotz ihres nominellen
Anspruchs auf den Status der »Kunst« ist es oft schwierig, sie von ihren
antikünstlerischen Wurzeln zu trennen: Sie widersetzt sich Regeln, stellt
Kategorien in Frage und lehnt das Gesetz ab. Obwohl sich Künstler
wie Jenny Holzer, Gordon Matta-Clark und Sol LeWitt selbst nie als
Graffiti-Künstler bezeichnen würden, haben sie klare Verbindungen zur
Graffiti-Tradition. Die Street Art steht für sich selbst, mit ihren eigenen
Materialien und Methoden, aber sie bleibt immer ein Kind des Graffiti.
Dies gilt aus kunsthistorischer Sicht, ist aber auch ein Übergang, der sich
im Lebensweg vieler einzelner Künstler erkennen lässt. Street Art als Bewegung
hat sich als Reaktion auf die Kriminalisierung von Graffiti und die
harte Hand der Polizei entwickelt, aber sie markiert auch den Übergang
vom jugendlichen Scherz zum reifen Kunstschaffen. Tagger fangen jung an
und beschädigen Privateigentum. Einige bleiben mehr als ein paar Jahre
dabei, aber viele ziehen sich zurück, nachdem sie sich erschöpft haben und
einmal zu oft von der Polizei erwischt wurden. Es gibt viele Beispiele für
weltweit bekannte Namen, von Eine bis Banksy, die sich als Steet Artists
dem Gemeinwohl verschrieben haben. Tatsächlich hilft es, sich als Graffiti-Writer
einen Namen gemacht zu haben, um in der Street Art ernst
genommen zu werden.
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-
s t r e e t art
-
AUF DEN PUNKT
Der Hauptunterschied zwischen Graffiti und Street Art ist die Intention: Street
Artists neigen dazu, ihre Umgebung zu respektieren und zu glorifizieren, anstatt
sie zu anzugreifen. Aber wie wir sehen werden, haben beide viel gemeinsam: eine
Dringlichkeit und ein gewisses Maß an Anti-Establishment-Motivation. Bis zu
einem gewissen Grad könnte man dies von jeder künstlerischen oder politischen
Bewegung sagen, die versucht, die aktuellen Umstände oder die Ästhetik
zu zerstören und durch etwas Besseres oder Zeitgemäßeres zu ersetzen. Für
Benachteiligte kann das Schaffen von Kunst als Alternative schnell zu einer
Obsession werden, zu einer notwendigen Handlung, die durch Erlösung und
gesellschaftliche Veränderung motiviert ist. Wut, Schmerz und Protest, die in
Kreativität kanalisiert werden, bringen die nachhaltigsten und wertvollsten Werke
hervor. Street Art und Graffiti sind gute Beispiele für dieses Phänomen. Beide
sind Kunstformen, die einen ins Gefängnis bringen, die Berufsaussichten ruinieren
und möglicherweise in ein frühes Grab führen können. Nur wenige gelangen
zu Ruhm und Reichtum, aber die Risiken sind beträchtlich und der Aufwand
immens.
Außerdem handelt es ich bei der Street Art um die einzige Kunstbewegung,
die vollständig von Kindern konzipiert wurde. Die meisten gefeierten Helden und
Legenden der Street Art waren Teenager, als sie ihre Meisterwerke schufen.
WAS IST GRAFFITI?
Graffiti entsteht, wenn jemand ohne Erlaubnis eine Botschaft auf Privateigentum
schreibt. Das kann ein alberner Scherz sein, ein politischer Protest, ein Gang-Zeichen,
eine Unterschrift oder ein Tag. Wenn man etwas sagen und wahrgenommen
werden will, muss man nicht auf einen Verleger oder einen Plattenvertrag warten,
man kann es einfach an eine Wand schreiben und die Leute haben keine andere
Wahl, als es zu lesen. Graffiti ist die einfachste und wichtigste Form des Self-Publishing.
Hier geht es in erster Linie um die stilisierten Schriftzüge, die aus der New
Yorker Bewegung und anderen Graffiti-Kulturen hervorgegangen sind und sich zu
der Street Art entwickelt haben, die wir heute kennen. Der Graffiti-Writer befasst
sich hauptsächlich mit der Signatur und dem Schriftstil. Wenn man Graffiti überhaupt
als Kunst bezeichnen kann, dann ist es die Kunst der Signatur – und zwar in
einem extremen Maß an Details, Stilisierung und Wiederholung.
Graffiti-Writing beginnt mit einem stilisierten Schriftzug und endet mit
einem Namen in leuchtend bunten, komplexen Buchstaben, die über 6 Meter
hoch sind. Graffiti-Writing als die subkulturelle Form, die wir heute kennen,
entstand Mitte bis Ende der 1960er-Jahre in Philadelphia, bevor es in den
1970er-Jahren in New York einen phänomenalen Aufstieg erlebte und sich in
den 1980er- und 1990er-Jahren weltweit durchsetzte –auch heute noch, wobei
Sprühdosen in den letzten fünfzig Jahren von jeder Generation von Teenagern
benutzt wurden.
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v e r b r e c h e n
w i r d kunst
-
Bruce Davidson
Subway, 1980
Fotografie
New York
Der Magnum-Fotograf
Bruce Davidson dokumentierte
zwischen 1980
und 1982 die Fahrgäste
der New Yorker U-Bahn
in seiner Subway-Serie,
in der er zahlreiche Graffiti-Tags
festhielt.
-
Diese Kultur vereint Teilnehmer aus allen Schichten.
-
Zwei Personengruppen schenken Graffiti die größte Aufmerksamkeit:
die Sprayer und die Behörden, die versuchen, sie zu fangen. In
der Graffiti-Kultur sind Gleichaltrige und die Polizei das Publikum,
dem man etwas vorspielt, niemand sonst ist wirklich wichtig. Graffiti
ist daher ein egoistischer Wettbewerb, bei dem es darum geht, seine
Freunde und Rivalen zu übertrumpfen und gleichzeitig die Polizei zu
überlisten. Die Kultur vereint Teilnehmer aus allen Schichten: arm
und reich, schwarz und weiß, und gibt zahllosen jungen Menschen
Sinn, Orientierung und Hoffnung. Diese Kombination aus Risiko und
Spaß führt dazu, dass das Graffiti Writing für die Akteure zu einer
regelrechten Obsession wird. Ein Computerspiel aus der realen Welt
mit realen Konsequenzen. Es gibt Levels, Bosse, Fortschritte, Herausforderungen
und Bedrohungen, aber man spielt es auch mit seinen
Freunden und hat eine Menge Spaß.
Der Graffiti-Writer verlässt nie das Haus ohne einen Marker oder
eine Dose - jede Oberfläche ist eine Gelegenheit. Die Tags verbreiten
sich in Parks und auf Straßen, über Verkehrsnetze in der Stadt und
später auf dem Land, dem Kontinent, der Welt. Es beginnt mit einem
Tag auf einer Schultasche und endet für manche in einer Kunstgalerie.
Sobald der Name des Graffiti-Writers bekannt ist und gesehen wird,
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s t r e e t art
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v e r b r e c h e n
w i r d kunst
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Shepard Fairey
Obey, 1990s
Sticker
Der offizielle Sticker mit
dem Obey-Logo wurde
in Serie produziert und
findet sich an Laternen
überall auf der Welt.
Siehe S. 61–63.
wird er Teil der Folklore des Viertels. Sein mysteriöser Name, der überall
auftaucht, macht ihn zu einer rätselhaften Schattengestalt, deren Leben
mehr ist als nur Haus und Schule. Er hat eine neue, geheime Identität
und eine Art selbständigen Beruf. Er entwickelt einen individuellen Stil,
eine Ästhetik, einen Ruf. Die Kids erkennen die Tags und versuchen
sich vorzustellen, wer der lokale Superheld in ihrer Mitte ist. Die Polizei
verfährt genauso. Graffiti-Writer gelten unter Gleichaltrigen als »cool«,
weil sie Rebellen sind: Sie stehen abseits, gehen ihren eigenen Weg, sie
tun, sehen und wissen Dinge, in die wir nicht eingeweiht sind. Graffiti
gibt den Kids das Gefühl, Teil von etwas Größerem zu sein.
-
Graffiti ist im Grunde Anti-Kunst, eine Kunstform,
die aus Vandalismus entstanden ist.
-
Es ist ein Fehler, den ästhetischen Vorzügen von Graffiti zu viel Beachtung
zu schenken, denn dabei geht es in erster Linie um Sachbeschädigung
und Ablehnung von Eigentum. Graffiti ist in erster Linie eine Anti-Kunst-Bewegung,
die aus dem Vandalismus eine Kunstform macht.
Man kann durchaus die Kunst des Vandalismus an sich würdigen, wie
man auch einen gut ausgeführten Banküberfall würdigen kann, aber die
Tags oder das Werk sind weniger wichtig. Ästhetik oder Geldwert der
Werke sind zweitrangig gegenüber der Tatsache, dass es bei Graffiti in
erster Linie um Sachbeschädigung geht.
Darüber hinaus besteht der Sinn von Graffiti im Wesentlichen
darin, keinen Sinn zu haben. Der Slogan von Nike, »Just Do It«, ist
ein kritisches Ethos in Graffiti und der DIY-Kultur des Hip-Hop, mit
der es verbunden ist. Das Projekt Obey von Shepard Fairey (links) ist
ein Beispiel für eine weltweit anerkannte Marke, die nichts außer sich
selbst bedeutet. Dies ist ein grundlegender Bestandteil von Graffiti,
den der Schriftsteller Norman Mailer aufgriff, als er im Mai 1974 in der
Zeitschrift Esquire schrieb: »Du hast deinen Namen aufgestempelt ...
nun steht dein Name über ihrem Namen, über dem des U-Bahn-Herstellers,
der Verkehrsgesellschaft, der Stadtverwaltung.« Mailer war von
der Idee fasziniert, dass der Name des Einzelnen im Mittelpunkt dieser
Subkultur stand. Wenn Kunst die Gesellschaft widerspiegelt, was könnte
in einem Zeitalter des Individualismus logischer sein als der Name des
Einzelnen, der zur Kunstform erhoben wird. Was könnte erstrebenswerter
sein als der Teenager, der eine weltweit anerkannte Marke wie
Coca-Cola, Marlboro oder Nike sein möchte und seinen Namen überall
in der Stadt plakatiert. Graffiti-Writer eifern den Vorbildern von Unternehmensmarken
nach und verwandeln Signaturen in Kunst.
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s t r e e t art
-
WAS IST STREET ART?
In gewisser Weise ist Street Art ein kommerzielles Graffiti. Der
Begriff tauchte Mitte bis Ende der 1990er-Jahre auf und könnte als
Kooptierung und Umbenennung von Graffiti verstanden werden, als
Versuch, es gesellschaftsfähiger zu machen, es zu verkaufen. Jede
Subkultur, die unabhängig vom Kapitalismus existiert, ist von Natur
aus unwiderstehlich für Kapitalisten, die immer nach Möglichkeiten
zur Monetarisierung, zum Handel und zum Profit suchen. Graffiti
erwies sich als eine beständige Kultur. Es war also Zeit, sie zu zähmen,
zu entkriminalisieren, die Anti-Establishment-Rhetorik umzudrehen
und sie als moderne Dekoration zu verkaufen.
Allerdings war diese Kommerzialisierung vielleicht weniger beabsichtigt
als vielmehr eine Selbstverständlichkeit. Die Szene selbst
veränderte und entwickelte sich aus eigenem Antrieb, indem sie neue
Materialien, Techniken und Stile anwandte, vor allem als Reaktion
auf die zunehmende Gefahr, erwischt und strafrechtlich verfolgt zu
werden. Auch stilistisch war Graffiti in eine Sackgasse geraten. Da
sich die Kunstrichtung so strikt an die in den 1970er-Jahren in New
York aufgestellten Codes und Werte hielt, bestand die Gefahr, sich
auf einen nostalgischen Status quo zu beschränken und nicht weiterzuentwickeln.
Mit einer neuen Generation von Writern wurde ein
Wandel oder zumindest eine Diversifizierung unausweichlich.
Die Street Art wurde durch mehrere entscheidende gesellschaftliche
Veränderungen beeinflusst. Erstens hatte das Gesetz
die Graffiti eingeholt. Die Strafen wurden härter. Die Polizei wurde
geschult und wusste immer besser, was wo und von wem betrieben
wurde. Die Sicherheitsvorkehrungen in den Stadtzentren und an den
Straßen wurden verschärft, und die Videoüberwachung hatte enorme
Auswirkungen. Aufkleber, Schablonen und Plakate wurden üblich,
weil man sie verbreiten konnte, ohne erwischt zu werden. Banksy
verwendete Schablonen, Invader seine Keramikfliesen, Shepard Fairey
hatte Aufkleber, FAILE Poster und Swoon und Blek le Rat nutzten
Papierschnitte. Statt mit Sprühdosen malte Miss Van mit Pinseln und
Revs benutzte Farbrollen. Die Motivation für diese neuen Materialien
und Methoden bestand darin, nicht erwischt oder strafrechtlich
verfolgt zu werden.
Zweitens wurden die Graffiti-Writer älter und wollten aus ihren
bisherigen Bemühungen etwas Sinnvolleres machen. Legale Aufträge
waren attraktiv, weil die illegale Arbeit so gefährlich und anstrengend
war. Für all die Jahre der Hingabe und Mühe bezahlt zu werden, war
verlockend. Marken und Unternehmen waren daran interessiert, mit
Writern zusammenzuarbeiten, um sich als relevant und mit der Straße
verbunden zu zeigen, was zu vielen Kooperationen führte.
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Banksy
London, 2004
Schablone und Sprühfarbe
London
In den frühen
2000er-Jahren wuchsen
die Banksy-Ratten in
verschiedenen Posen
und mit allen möglichen
Streichen über sich
hinaus. Die Implikation
war, dass die etablierte
Ordnung nicht das Sagen
hat, sondern dass die
Ratten, oder besser gesagt
die Graffiti-Writer,
die Straßen beherrschen.
Banksy setzte diese
Provokation mit dem Bild
eines Affen fort und dem
Zitat: »Lacht jetzt, aber
eines Tages werden wir
das Sagen haben.«
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-
s t r e e t art
-
-
Street Art kann gegen die kommerzielle visuelle Kommunikation
protestieren …, aber sie übernimmt pauschal auch die
gleichen Stile und Methoden.
-
Im Unterschied zu Graffiti will die Street Art die breite Öffentlichkeit
als Publikum gewinnen, sie ist also weniger isoliert, roh und
rein maskulin. Doch die vermeintliche Kommerzialisierung und der
scheinbar geringe Aufwand, der mit Aufklebern an Laternen verbunden
ist, brachte ihr die Verachtung der Graffiti-Puristen ein.
Sie sahen die ursprüngliche Energie und Leidenschaft von Graffiti
beeinträchtigt und verwässert. In gewisser Weise war die Verwendung
von Stickern statt Markern vergleichbar mit der Umstellung
von Vinyl auf CD. Das Format war für die Menschen zu dieser Zeit
besser, auch wenn es nicht so »echt« war.
Street Art gehört auf die Straße und nicht in Galerien. Sie
umfasst ein viel breiteres Spektrum an Materialien, Methoden und
Banksy
Shoreditch, 2005
Schablone und
Sprühfarbe
Shoreditch, London
Banksy ließ einen Rinnsal
weißer Farbe, die für
Kokain steht, von dieser
Stelle aus die Curtain
Road in Shoreditch, London,
und die benachbarte
Straße tröpfeln.
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-
v e r b r e c h e n
w i r d kunst
-
Stilen als Graffiti und hat weniger mit Signaturen und Schriftzügen als
vielmehr mit Illustration, Figuren, Porträts, Abstraktion und Design zu
tun. Street Art ist im Grunde das, was passiert, wenn Graffiti auf die
Kunstschule geht. Sie ist jedoch untrennbar mit Werbung und Branding
verbunden und hebt Marketingkampagnen auf ein ganz neues
Niveau. Street Art kann in der Tradition des »Smash-the-System«
gegen die kommerzielle visuelle Kommunikation protestieren, übernimmt
aber pauschal die gleichen Stile und Methoden. Das Visuelle ist
eine Sprache, die wir alle lesen und sprechen können, und eine, die wir
immer besser beherrschen. Manchmal ist es nur mehr Bildrauschen,
manchmal ist es erfolgreiche Kritik. So oder so, sie macht meistens
Spaß und ist nicht immer ein Verbrechen.
Street Art ist heute in aller Munde und steht im öffentlichen Raum.
Die Wandmalereien werden von Touristen besucht und genauso
fotografiert wie Teller mit Essen, um in den sozialen Medien gefeiert
zu werden. Street-Art-Künstler sind an der Kommerzialisierung und
Gentrifizierung beteiligt, ihre Werke werden bewusst in Sanierungsprojekten
verwendet und positiv, hip und vor allem sicher bewertet.
Die Graffiti-Tagger sind im Grunde die Hunde, die ihre Marke für
andere hinterlassen, indem sie an Lichtmasten pissen. Street Art ist
das Gegenteil: sauber, abgestimmt auf die Umgebung, ein Gebrauchsgegenstand.
Die Unterscheidung ist in der neoliberalen Denkweise
binär: Graffiti-Writer sind wild, kriminell und primitiv. Street Artists sind
Verschönerer, Humoristen, Entertainer. Der Tagger ist ein Krimineller,
aber Banksy ist cool.
-
Street Art kann eine mächtige Form des Protests und ein wirksamer
Kommunikationsweg sein.
-
Die Wahrheit ist allerdings komplexer. Viele Street Artists tappen in die
Falle, zu bürgerlichen Entertainern zu werden, die eher Straßenkünstlern,
Pantomimen und Minnesängern ähneln als irgendetwas anderem.
Andere wiederum nutzen die Gelegenheit, die Straße als Leinwand zu
nutzen, um zu rebellieren, zu protestieren und zu stören. Dies kommt
der Geschichte der Street Art und der Graffiti näher, die in diesem
Buch dargestellt wird. Street Art kann Dekoration sein, aber auch eine
machtvolle Form des Protests und der wirksamen Kommunikation.
Großartige Werke vereinen dies in sich.
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s t r e e t art
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v e r b r e c h e n
w i r d kunst
-
Vhils (Alexandre Farto)
Scratching the Surface
Projekt, 2014
Relief in Putz gemeißelt,
Acrylfarbe
Almada (Portugal)
Der portugiesische Street
Artist Alexandre Farto,
aka Vhils, erschafft
seine Wandbilder mittels
Hammer und Meißel: Aus
Mauern und Hauswänden
werden monumentale Reliefs.
(Siehe S. 130/131).
Dreph (Neequaye
Dreph Dsane)
Maya Ghazal, 2018
Sprühfarbe
Shoreditch, London
Die Lebensgeschichte
eines Menschen steht im
Mittelpunkt von Drephs
Werk. Maya Ghazals Familie
floh 2014 aus Syrien.
Nach einer gefährlichen
Reise erreichte der Vater
allein Großbritannien,
wo er den Nachzug der
Familie vorbereitete.
-
Neue Materialien und Techniken kamen hinzu, die Street Art
entwickelte sich zu einem Trend.
-
Nichts geschieht in einem Vakuum. Es gibt immer Faktoren, die eine
künstlerische Aktion auslösen. Graffiti war schwierig. Das Durchhalten
war harte Arbeit, es wurde immer gefährlicher, und die Szene wurde
von Teenagern und ihren Egos bestimmt. Das Bemalen von Zügen
im New York der 1970er-Jahre war in etwa so, wie das Bemalen
von verlassenen oder heruntergekommenen Lagerhallen: Zunächst
interessierte sich niemand wirklich dafür, und das ganze System war in
eine finanzielle Katastrophe geraten. Unbeaufsichtigte Abstellgleise
und Lagerhallen boten ein offenes Feld, das mit Farbe gefüllt werden
konnte. Das war nun vorbei: Die Polizei hatte sich darauf eingestellt.
Es gab Lasersensoren, Videoüberwachung, Stacheldraht, Schlösser,
Alarmanlagen und harte Strafen. Graffiti wurde immer extremer. Die
Sicherheit gewann die Oberhand und schreckte viele ab. Also wurden
neue Ideen und Ansätze entwickelt. Neue Materialien und Techniken
kamen ins Spiel, Street Art entwickelte sich zu einem Trend.
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s t r e e t art
-
WAS IST URBAN ART?
Mit Urban Art lässt sich die dritte und letzte Phase vielleicht am besten
beschreiben, in der Graffiti und Street Art gebündelt, gesäubert,
kommerzialisiert und gesammelt werden. Diese Form eignet sich
Merkmale sowohl der Street Art als auch des Graffiti an, um in den
Mainstream der zeitgenössischen Kunstwelt und des Kunstmarkts
aufgenommen zu werden. Der Generationenaspekt der Street Art erklärt
in gewisser Weise ihren kommerziellen Reiz. Die Urban Art spiegelt
zwar Elemente von Graffiti und Street Art als Kunstformen wider,
stellt aber auch deren gemeinsame kunstfeindliche und antikapitalistische
Qualitäten in den Vordergrund. Diese Werke sind in der Regel
mobil und weniger flüchtig, sodass sie von Galerien über Museen bis
hin zu privaten Sammlungen und Ausstellungen wandern können. Sie
befinden sich oft in Innenräumen, auf Leinwand, in Auflagen oder
Farbvarianten und sind in der Regel käuflich, oder zumindest haben
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v e r b r e c h e n
w i r d kunst
-
Jason REVOK
Spirograph Spray-Painting
R/B 1, 2017
Synthetisches Polymer
und Acryl-Sprühfarbe,
182,9 cm Durchmesser
Privatsammlung
Nach 20 Jahren als
Graffiti-Künstler
wechselte der Kalifornier
Jason REVOK 2011 zur
bildenden Kunst und
zur Arbeit im Studio.
REVOKs Arbeit ist
in vielerlei Hinsicht
eine künstlerische und
zunehmend abstrakte
Kritik an Graffiti selbst,
im Wesentlichen macht
er Kunst über Graffiti.
sie einen Marktwert. Sie ist jetzt offiziell »Kunst«, wenn wir die Definition
von Kunst akzeptieren, zu der sich eine beträchtliche Anzahl von
Kuratoren, Händlern und Institutionen durchgerungen hat.
-
Mit Urban Art lassen sich Werke von Graffiti-Writern beschreiben,
die in einer Sammlung landen.
-
Für illegal arbeitende Graffiti-Künstler war es immer wichtig, ihre
wahre Identität zu verbergen und gleichzeitig hart daran zu arbeiten,
ihr Pseudonym bekannt zu machen. Anonymität ist hier nur ein
Aspekt der kommerziellen Strategie eines Künstlers, wobei Zweideutigkeit
und Mystik einen Mehrwert darstellen. Als Urban Art
bezeichnet man die Werke von Graffiti-Writern, die in Sammlungen
landen. Doch alle diese Kategorien sind lückenhaft. Einige Künstler
arbeiten weiterhin illegal auf der Straße, während sie gleichzeitig in
Galerien ausstellen und ihre Leinwandarbeiten versteigern lassen.
Das Yin und Yang von legaler und illegaler Arbeit, von Straßen- und
Ateliermalerei ist ein ständiges Ringen, das immer nuancierter und
komplexer wird. Die Tatsache, dass es nicht stillsteht, ist ein weiterer
Beweis dafür, dass wir es mit einer lebendigen Kultur zu tun haben, die
sich vor unseren Augen verändert und weiterentwickelt, ganz gleich,
wie wir versuchen, sie in eine Schublade zu stecken und ihr einen Sinn
zu geben. Künstler tauchen ein, entwickeln sich und wandern; sie
gehen entweder ins Gefängnis oder auf die Biennale von Venedig. Es
ist einfacher, über eine vergangene Kunstrichtung zu schreiben, die
in einer festen Periode wie dem Impressionismus oder der Pop Art
angesiedelt ist, aber die Street Art bleibt lebendig, in Bewegung, und
wie der Hip-Hop kann sie nicht aufhören, wird sie nicht aufhören...
WICHTIGE FAKTEN
■
■
■
Graffiti ist keine Kunst, aber viele Menschen, die als Graffiti-
Künstler begannen, sind heute zu zeitgenössischen Künstlern
geworden.
Street Art nutzt die Techniken und Tricks der kommerziellen
Werbung und dreht sie um, um eine unbekannte Person zu
fördern und den öffentlichen Raum zurückzuerobern.
Die Authentizität der Grundlagen der Street Art ermöglicht
ein weltweites Wachstum der Bewegung, macht sie aber auch
anfällig für kommerzielle Ausbeutung.
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HÖHLENMENSCHEN, CORNBREAD
UND MEHR
-
Als mir klar wurde, dass ich nur meinen Namen
auf bizarre Dinge schreiben musste, wurde
ich gierig nach Publicity … und die Medien
empfingen mich mit offenen Armen.
-
Darryl »Cornbread« McCray
2014

-
s t r e e t art
-
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-
h ö h l e n m e n s c h e n,
c o r n b r e a d und mehr
-
Unbekannter Künstler
Prähistorische
Hand-Schablonen
Leang Petta Kere (Noble,
Heilige Höhle), Maros,
Südsulawesi
Diese Schablonen
wurden erstellt, indem
man eine Hand an die
Wand drückte und dann
Pigment darüber blies.
Als anerkannte Bewegung entstand Graffiti in den späten 1960er-Jahren
in Philadelphia und entwickelte sich in den folgenden zwei oder
drei Jahrzehnten vor und dann parallel zur Entwicklung der Street Art
in den 1990er-Jahren. Als Formen der invasiven Bildgestaltung im
öffentlichen Raum haben jedoch beide offensichtliche Wurzeln in viel
früheren Phänomenen. In diesem Kapitel werden die Ursprünge und
Vorläufer der Street Art in einem globalen Kontext nachgezeichnet.
HÖHLENMALEREI
Seit Anbeginn der Zivilisation haben Menschen Wände bemalt, was das
grundlegende Bedürfnis zeigt, Kunst zu nutzen, um unsere Umgebung
zu verstehen, zu dokumentieren und auf sie zu reagieren. In den
Höhlen von Lascaux im Südwesten Frankreichs sind rund 2.000 Bilder
aus der Steinzeit (ca. 15.000 v. Chr.) zu sehen. Diese Kombination aus
Tieren, Figuren und abstrakten Symbolen erinnert uns daran, dass sich
die Wandmalerei seit Jahrhunderten nicht wesentlich verändert hat.
Was sich geändert hat, ist das Privateigentum. Höhlenmalereien waren
Teil einer gemeinschaftlichen Kultur und daher sanktioniert, und ihre
Spuren lassen sich im Laufe der Jahrhunderte und überall auf der Welt
finden. In ganz Frankreich und Spanien gibt es über 370 Höhlen, in
denen noch prähistorische Wandmalereien erhalten sind. Die frühesten
Handschablonen in den Maros-Höhlen in Indonesien sind mindestens
35.000 Jahre alt (siehe Abbildung gegenüber).
SCHRIFT AUF WÄNDEN
Die römische Stadt Pompeji bietet uns die ältesten erhaltenen Beispiele
dafür, dass Menschen ohne Erlaubnis auf Wände geschrieben
haben. An den Wänden von Pompeji finden sich mehr als 11.000 unerbetene
und nicht genehmigte Inschriften, von frühen Unterschriften
wie Gaius Pumidius Diphilus, datiert auf den 3. Oktober 78 v.
Chr., bis hin zu persönlichen Botschaften wie »Gesundheit für dich,
Victoria, und wo immer du bist, mögest du süß niesen!« und »Pyrrhus
an Chias: Es tut mir leid zu hören, dass du tot bist, leb wohl«.
-
Die Wände von Pompeji dienten als öffentliches Notizbuch,
Werbetafel und Aushang für die Stadt.
-
Es gibt auch große Inschriften mit politischen Aussagen, Werbung
für Gladiatorenspiele und eine Reihe von öffentlichen Bekanntma-
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-
s t r e e t art
-
chungen, darunter die Suche nach einem verlorenen Pferd. An den
Wänden sind Transaktionen und Berechnungen im Zusammenhang
mit dem Handel von Sklaven und Vieh festgehalten. Es finden sich
Zitate aus der Volksliteratur wie der Aeneis, aber auch Beleidigungen,
Witze und Scherze. Die Wände von Pompeji dienten als
öffentliches Notizbuch, Plakatwand und Aushang für die Stadt.
Dass wir diese Inschriften heute lesen können, liegt daran, dass
Pompeji nach dem verheerenden Ausbruch des Vesuvs im Jahr
79 n. Chr. über 1.500 Jahre lang von Vulkanasche verschüttet
war. Die Stadt wurde 1748 wiederentdeckt, begraben unter einer
meterdicken Asche- und Bimssteinschicht, die abgetragen wurde
und eine perfekt erhaltene Stadt zum Vorschein brachte.
Unbekannter Künstler
Römisches Graffiti an
der Wand von Asellinas
Taverne, 79 n. Chr.
Pompeji
Die Schrift an den Wänden
von Pompeji bietet
einen außergewöhnlichen
Einblick in das Leben der
Einwohner. Diese Taverne
ist mit politischen Schriften
zu den Wahlen von
79 n. Chr. bedeckt.
PROTO-TAGGER UND FRÜHE STREET ARTISTS
Joseph Kyselak war ein österreichischer Beamter, der um 1825 das
österreichische Kaiserreich durchwanderte. Unterwegs ritzte er seinen
Nachnamen in Gebäude und Felsen. Es heißt, dass Kaiser Franz
I. von Österreich Kyselak zu sich rief und von ihm verlangte, er solle
aufhören, öffentliche Gebäude und Schlösser zu beschriften. Kyselak
entschuldigte sich und versprach, damit aufzuhören. Nach dem Treffen
fand der Kaiser Kyselaks Namen in seinen Schreibtisch geritzt, was
von der gleichen antiautoritären schelmischen Art zeugt, die heute so
häufig bei Street Artists und Taggers zu finden ist (gegenüber).
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h ö h l e n m e n s c h e n,
c o r n b r e a d und mehr
-
Joseph Kyselak
Kyselaks Signatur, 1829
Schloss Veveří, nahe Brno
(Tschechische Republik)
Kyselaks Tag ist auch an
der Schlossmauer nahe
Brno zu finden.
Etwa zur gleichen Zeit erkundete der Schriftsteller Victor Hugo
die Notre Dame in Paris. In einer dunklen Nische in einem der
Türme entdeckte er ein in die Steinmauer geritztes Wort. Die
Großbuchstaben lauteten »ANAI'KH«. Er erkannte, dass es sich
dabei um das griechische Wort für »Tod« handelte, und war fasziniert
von der unerklärlichen und makabren Präsenz des Wortes sowie der
Frage, warum es in die Wand gehackt worden war. 1830 vollendete
Hugo sein Meisterwerk Der Glöckner von Notre Dame – inspiriert
offenbar durch das heimliche Graffiti.
GÜTERZUG-HOPPER, HOBOS UND GANGS
Im Amerika des späten 19. Jahrhunderts begannen Menschen
auf der Suche nach Arbeit, auf Güterzüge aufzuspringen und von
Ort zu Ort durch die Staaten zu ziehen. Die Landstreicher, die am
Rande der Gesellschaft lebten, tauchten in einer Stadt auf, nahmen
Gelegenheitsjobs an und zogen weiter, wenn die Arbeit ausging.
Mit Beginn der Depression in den späten 1930er-Jahren wurde das
Aufspringen auf Güterzüge immer beliebter, vor allem bei obdachlosen
Männern. In den 1940er-Jahren hatte sich unter den Zugreisenden
eine kleine Subkultur mit festen Regeln und Umgangsformen
entwickelt. Es entwickelte sich eine Graffiti-Bildsprache mit in
Bäume und Zäune am Stadtrand geritzten Zeichen und Symbolen,
die anzeigten, wo Fremde willkommen waren und wo es Arbeit gab.
29

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s t r e e t art
-
Die Hobos markierten auch die Waggons, um anzuzeigen, wo sie
vorbeigekommen waren, und hinterließen Nachrichten, Hinweise
und Warnungen für andere Tramps. Figuren wie T-Bone Slim, Jack
Black, Roadhog, Smokin' Joe, Maddie Mongoose, Matokie Slaughter,
Bozo Texino (ein Porträt eines Kopfes mit einem Zehn-Gallonen-Hut,
der einem Unendlichkeitssymbol ähnelt), der Rambler
(dessen Tag ein Martini-Glas war) und North Bank Fred gehören zu
den bekanntesten. Ihr Widersacher war als »Old Bull« bekannt, die
umgangssprachliche Bezeichnung für den Zugbegleiter.
KÜNSTLERISCHE IMPULSE
Die Geschichte von Graffiti und Street Art beruht darauf, dass Fotografen
davon fasziniert waren und sie dokumentierten. Der rumänische
Fotograf George Brassaï ist ein gutes Beispiel dafür. Er gilt heute als
einer der großen Fotografen des 20. Jahrhunderts, vor allem wegen
seiner Nachtaufnahmen von Pariser Straßenszenen. Er verbrachte
einen Großteil der 1930er-Jahre damit, routinemäßig durch Paris zu
streifen, wo er unweigerlich auf Graffiti in Türen und auf Ziegel steinen
stieß. 1934 veröffentlichte er seine ersten Studien von Graffiti-
Schnitzereien, 1956 stellte er seine Pariser Graffiti-Fotografien im
Museum of Modern Art in New York aus. Diese Serie erschien 1961 in
Buchform unter dem einfachen Titel Graffiti mit einem Essay seines
Freundes Pablo Picasso.
Mike Brodie
#1051 aus der Serie A
Period of Juvenile Prosperity,
2006–2009
Foto veröffentlicht
in Mike Brodie: Mike
Brodie – A Period of
Juvenile Prosperity (TBW
Books, Oakland, and Twin
Palms, Santa Fe, 2013)
Der Fotograf Mike Brodie
aus Florida, der in seiner
Jugend mit dem Zug
durch Florida fuhr, hat
das moderne Wiederaufleben
des Güterzugfahrens
in Amerika auf Film
gebannt.
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h ö h l e n m e n s c h e n,
c o r n b r e a d und mehr
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Brassaï (Halász Gyula)
Graffiti aus der Serie
VII La Mort, 1935–50
Silbergelatineabzug,
139,8 x 79,8 cm
Centre Georges
Pompidou, Paris
Von 1930 bis Mitte der
1950er-Jahre trug Brassaï
kleine Notizbücher bei
sich, in denen er schnelle
Skizzen von Graffiti
anfertigte und deren
Standort festhielt, um sie
bei besseren Lichtverhältnissen
fotografieren
zu können
-
Brassaï betrachtete Graffiti als ursprünglichen Akt der
Verunstaltung, der den Symbolen magische Eigenschaften verleiht.
-
Brassaïs Ideen beeinflussten andere Pariser Künstler jener Zeit, die
ebenso wie Picasso von der »primitiven« Kunst und dem Kunsthandwerk
von Laien und ungeschulten Künstlern fasziniert waren. Brassaï
betrachtete Graffiti als ursprünglichen Akt der Verunstaltung, der
den Symbolen magische Eigenschaften verleiht.
Nach Brassaï waren auch Jean Dubuffet (Frankreich) sowie die
katalanischen Künstler Joan Miró und Antoni Tàpies davon geprägt
und trugen dazu bei, den Grundstein für die Graffiti-Kultur zu legen,
die sich in den folgenden Jahrzehnten entwickeln sollte.
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s t r e e t art
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KILROY WAS HERE
Während des Zweiten Weltkriegs tauchte überall dort, wo US-Soldaten
stationiert waren, der Satz »Kilroy was here« auf, in der Regel zusammen
mit der Zeichnung einer glatzköpfigen Figur mit einer großen Nase (unten).
Er erschien sogar auf der VIP-Toilette der Potsdamer Konferenz
1945, was zu einem Wutausbruch bei Stalin führte. Es ist wahrscheinlich,
dass Kilroy eine reale Person war, aber niemand ist sich ganz sicher,
wer. Das Konzept wurde von zahllosen Menschen aufgegriffen, kopiert
und an Wände gekritzelt, was das Kilroy-Meme zum am weitesten verbreiteten
seiner Zeit machte. Es erfasst den Zweck des Graffiti-Schreibens:
»Ich bin hier!« und gilt als ein frühes Beispiel für Tagging.
Unbekannter Künstler
Kilroy Was Here, 2004
Inschrift
World War II Memorial,
Washington, DC
Versteckt auf dem World
War II Memorial in
Washington, DC, sind
zwei Inschriften von
Kilroy Was Here. Sie erinnern
an den Insider-Witz,
der von den US-Soldaten
während des Zweiten
Weltkriegs wie ein Meme
verbreitet wurde, egal wo
sie sich befanden.
NICHT NUR FÜR GANGS
1953 wurde Darryl McCray in North Philadelphia geboren. 14 Jahre
später wurde er zu Cornbread, der vielen als der erste moderne Graffiti-
Künstler gilt. Um das Herz eines Mädchens aus der Gegend zu gewinnen,
kritzelte McCray »Cornbread loves Cynthia« an mehrere Stellen,
wo sie es am ehesten sehen konnte. Der Plan ging auf, und sie waren
zusammen, bis sie wegzog. Was könnte für einen Vandalen ermutigender
sein, als die Zuneigung eines Mädchens durch Graffiti zu gewinnen?
-
Kein Ziel war vor Cornbread sicher, nicht einmal ein Elefant im Zoo
von Philadelphia oder die private 747 der Jackson 5.
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h ö h l e n m e n s c h e n,
c o r n b r e a d und mehr
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Jahrelang hatten Gangs und andere »Gruppen« Symbole, Signaturen
und Bildmotive gemalt, um Territorien und Ideologien abzugrenzen,
doch Cornbread war eine frühe »Persönlichkeit« des Graffiti und
ein schamloser Selbstdarsteller (unten). Auf dem Höhepunkt seines
Ruhms in den 1960er- und 1970er-Jahren war kein Ziel vor Cornbreads
Tag sicher, nicht einmal ein Elefant im Zoo von Philadelphia
oder die private 747 der Jackson 5. Cornbreads Freund Cool Earl
schloss sich ihm bei seinen Aktionen in Philadelphia an, und beide
verschafften sich so eine eigene Identität und einen eigenen Ruf. Die
Signaturen waren sehr einfach.
Nur Top Cat 126 führte den Philadelphia-Stil weiter, als er in
den frühen 1970er-Jahren nach New York zog und Wände mit dem
»Philly-Stil« versah, der als »Broadway Elegant« bekannt wurde. Die
Philadelphia-Szene gab es schon lange, aber die Arbeit der Writer wurde
nicht sofort weltweit bekannt. Es war die New Yorker Szene, die zum internationalen
Exportschlager wurde und die Grundlage für alles Weitere
bildete. Die Graffiti-Writer und Tagger von heute haben ihre Wurzeln in
New York, doch den Kids aus Philadelphia ist es zu verdanken, dass eine
weltweite Graffiti-Writing- und Tagging-Bewegung entstand.
Pressefotograf
Cornbread Has
Retired, 1971
Fotografie aus dem
Philadelphia Inquirer,
23. Juli 1971
1971 erklärte Cornbread,
er habe mit dem
Schreiben von Graffiti
aufgehört, indem er eine
Reihe von Botschaften in
Graffiti hinterließ. »Als
mir klar wurde, dass ich
nur meinen Namen auf
bizarre Dinge schreiben
musste, wurde ich gierig
nach Publicity … und die
Medien empfingen mich
mit offenen Armen.«
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s t r e e t art
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PERSONAL BRANDING
Taki 183, ein junger Grieche namens Dimitrios aus Washington
Heights im Norden Manhattans, gilt als der erste Graffiti-Writer,
der in den späten 1960er- und in den 1970er-Jahren die New Yorker
Graffiti-Szene begründete. Man erzählte ihm, dass ein anderer,
der zwanzig Blocks entfernt in Inwood wohnte, begonnen hatte,
seinen Namen und seine Straßennummer auf Wände zu schreiben:
Julio 204. Taki fand das cool und begann, seinen Spitznamen (Taki)
und seine Hausnummer (West 183rd Street) in der U-Bahn auf
dem Weg zur High School zu hinterlassen. Als er in der New Yorker
Innenstadt als Kurierfahrer zu arbeiten begann, führte ihn sein Job
durch die ganze Stadt, insbesondere in die Upper East Side. Neben
Briefen und Paketen trug er auch einen Marker-Stift bei sich. Schon
bald war der Schriftzug »Taki 183« überall in New York zu sehen
(gegenüber).
-
Taki war zwar nicht der erste Tagger, aber sein Tag löste
unbeabsichtigt eine globale Bewegung aus.
-
Im Laufe der Zeit entwickelte sich die Signatur von Taki 183 zu
einem stilisierten Logo, einem persönlichen Markenzeichen. Der
Ruhm kam 1971, als die New York Times über ihn schrieb. Hunderte
von Kids in ganz New York, die auch gerne in der Zeitung gestanden
hätten, sahen den Artikel, schnappten sich schnell ihre Marker und
machten mit. Taki war zwar nicht der erste Tagger, aber sein Tag in
dem genannten Zeitungsartikel löste eine globale Bewegung aus,
und deshalb gilt er als der wahre Pionier.
IN DEN MAINSTREAM
In den 1970er-Jahren, als sich Amerika im Vietnamkrieg befand
und die Stadt New York von einer gewaltigen Heroinwelle überrollt
wurde, herrschte eine düstere, pessimistische, ja sogar apokalyptische
Stimmung. Die Bürgerrechtsbewegungen der vorherigen
Jahrzehnte hatten Ungleichheit und Ungerechtigkeit keineswegs
ausgerottet. Die Korruption bei der Polizei saß tief, und die Straßen
gehörten nicht dem Gesetz, sondern den Gangs. Die Stadt hatte
kein Geld, und die begrenzten Ressourcen führten zu Kürzungen bei
Leistungen und Beihilfen. Das Verkehrssystem war völlig unterfinanziert,
und Graffiti wurde nicht von Zügen oder Gleisanlagen
entfernt.
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h ö h l e n m e n s c h e n,
c o r n b r e a d und mehr
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Librado Romero
Taki 183, IRT Seventh
Avenue Line, 1971
Fotografie aus der New
York Times,
21. Juli 1971
Tagging und Graffiti wurden
ab 1971 von vielen
Kids praktiziert, nicht
zuletzt inspiriert durch
den Artikel in der New
York Times über Taki 183
und seine Kollegen.
Jugendliche fanden in dieser unbarmherzigen Umgebung mit
wenig Hoffnung für die Zukunft. Die amerikanische Psyche wurde
durch das Fernsehen, die Werbung, das Radio und die Presse
geprägt, und alles vermittelte die gleiche Botschaft: Individualismus
und Ruhm – jeder Niemand kann durch Entschlossenheit ein
Jemand sein. So ist es nicht verwunderlich, dass einige ihre Namen
an Wände schrieben, um zu zeigen, dass sie existierten. Es gab niemanden,
der sie daran hinderte. In einer Stadt, die wenig Optimismus
bot, wirkten der wilde Erfindungsreichtum und die pure Energie
der Graffiti ansteckend. In den 1970er-Jahren beschäftigten sich
einige hundert Teenager in allen New Yorker Stadtteilen mit Graffiti
und bemalten Züge.
-
Ethnische Unterschiede wurden in der Kultur teilweise überbrückt.
-
Die bekanntesten Writer wurden zu Legenden auf der Straße und
genossen eine gewisse lokale Berühmtheit. Ethnische Unterschiede
wurden innerhalb der Kultur teilweise überbrückt; bei Graffiti trafen
sich Puertoricaner, Schwarze und Weiße, hingen zusammen ab, verglichen
Skizzenbücher und bemalten gemeinsam Züge. Die Polizei
bemerkte dies und suchte nach Graffiti-Materialien, wenn sie eine
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s t r e e t art
-
gemischte Gruppe von Jugendlichen entdeckte. Die Graffiti-Szene
war jedoch bei weitem keine multikulturelle Utopie. Es handelte sich
meist um Kids mit wenig Geld und wenig Möglichkeiten. Schlägereien,
Konkurrenzdenken, Rivalitäten zwischen den Gruppen, das
Zerschlagen von »Spielzeug«, das Stehlen von Farbe und das gegenseitige
Überschreiben der Werke gehörten ebenfalls dazu.
1972 erklärte Bürgermeister John Lindsay den Graffiti zum
ersten Mal den Krieg. Er beschaffte einige Mittel, um die aufkommende
Subkultur zu bekämpfen. Nachdem Kosten von 1,3 Millionen
Dollar aufgelaufen waren, wurde das Programm, mit dem die Züge
von Tags und Graffiti befreit werden sollten, innerhalb eines Jahres
wieder eingestellt. 1973 erreichte die Graffiti-Epidemie in der
Stadt ein neues Ausmaß; bis zum Ende des Jahres war fast jeder
U-Bahn-Wagen mit Graffiti beschmiert. Der nächste Versuch,
die Züge zu säubern, wurde 1974 unternommen: Nun wurden die
Waggons von außen mit einer Säure-Lösung gewaschen, doch
da die Flüssigkeit so schädlich war, wurde auch diese Maßnahme
abgebrochen.
HIP-HOP CULTURE
Von den 1970er-Jahren bis zum Ende des 20. Jahrhunderts wurde
das New Yorker Graffiti-Writing mit der Hip-Hop-Kultur verflochten
und schließlich untrennbar mit ihr verbunden. Graffiti gilt als
Unbekannter Fotograf
Breakdancers, 1984
Foto
New York
Kids beim Breakdance in
New York in den frühen
1980er-Jahren in der
Graffiti Hall of Fame an
der 106th Street und
Park Avenue in New York
City. Auf der linken Seite
der Wand hinter ihnen ist
ein Teil von Strictly Kings
and Better von Skeme,
Dez und Daze von 1982
zu sehen.
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c o r n b r e a d und mehr
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eine der vier Kulturtechniken, die die Grundlage der Hip-Hop-Kultur
bilden: Rappen, DJing, Breakdance und Graffiti. Der Film Fab 5
Freddy and the Wild Style (1983; siehe Seite 98), brachte all diese
Elemente zusammen und präsentierte sie der Welt als eine vollwertige
Kultur namens Hip-Hop.
Der Hip-Hop entstand aus der Kultur der Straßengangs in
überwiegend schwarzen Vierteln in New York wie der Bronx. In den
Anfangsjahren des Hip-Hop bildeten Graffiti den visuellen Hintergrund,
der auf Flyern, Plattenhüllen, T-Shirts und Videodrehs stets
präsent war. Hip-Hop wurde von Kids ohne materiellen Reichtum,
aber mit viel Leidenschaft und Talent geschaffen. Beim innovativen
Selbstbau-Aspekt der Kultur geht es darum, alles, was man in die
Finger bekommt, wiederzuverwenden und etwas Neues daraus zu
machen. Kinder ohne Instrumente bauen ihre eigenen. Sprühfarbe
für Autoreparaturen wird zu einem Pinsel. Linoleum, das aus einem
Müllcontainer hinter dem Teppichgeschäft geholt wurde, wird zur
Tanzfläche auf der Straße. Die Kinder hatten das Gefühl, ihre eigene
Zukunft selbst zu gestalten.
-
Hip-Hop wurde von Kids ohne materiellen Reichtum ,
aber mit viel Leidenschaft und Talent geschaffen.
-
Die Zukunftsangst manifestiert sich in einer Art Futurismus. Roboter,
Computer, Science-Fiction-Filme und Maschinen sind für die
Hip-Hop-Kultur von grundlegender Bedeutung. Afrika Bambaataa
ließ sich bei Planet Rock von der Ästhetik der deutschen Moderne
von Kraftwerk und der digitalen Musik inspirieren. Rammellzee verkleidete
sich in den 1980er-Jahren als Roboter-Samurai. Breakdancer
zeigten Bodypopping und übernahmen Freeze-Frame- und Roboter-Moves,
als wären sie automatisiert. DJs scratchten Platten,
um stotternde, glitchige Sounds zu erzeugen, während Bands ihre
Instrumente zugunsten von Drumcomputern, digitalen Keyboards
und Samplern aufgaben. Hip-Hop verhieß die Zukunft.
-
Der Ruf von DJ Kool Herc stammte ursprünglich vom Tagging.
-
Im Mittelpunkt all dessen steht DJ Kool Herc, der als Erfinder des
Hip-Hop gilt. Kool Hercs Ruf entstand nicht durch Hip-Hop und
DJing, sondern durch Graffiti-Tagging. Herc wurde von frühen New
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s t r e e t art
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Yorker Taggern wie Taki 183 inspiriert, was ihn dazu veranlasste,
seinen eigenen Spitznamen mit Hilfe von Sprühdosen und den neu
erhältlichen Markern mit Filzspitze auf die Straße zu bringen. Als
seine Schwester eine Party organisierte und Herc bat, als DJ aufzulegen,
strömten die Kids aus der Gegend nicht wegen der Musik
zu der Party, sondern weil sie gehört hatten, dass der berühmte
Graffiti-Tagger Kool Herc der Gastgeber war. Kool Herc war von
der Musik fasziniert, vor allem von der Idee, mit zwei Plattenspielern
die tanzbarsten Stellen einer Platte zu loopen. Die Kids aus der
Gegend kamen zu der Party, um den Graffiti-Tagger zu sehen, dann
hörten sie die Musik, sahen die DJs – und als sie die Party verließen,
hatten sie die Geburt des Hip-Hops und die Anfänge der DJ-Kultur
miterlebt.
EINE NEUE DIMENSION
Mitte der 1970er-Jahre hatte sich der umkämpfte Hip-Hop-Graffiti-Stil
viel weiter entwickelt. Die Tags wurden farbig, und durch
Schattierungen wurden sie zu zweidimensionalen »Bubble Letters«.
Der Maßstab war wichtig, und die Writer malten nun riesige, vollfarbige
Wandbilder auf ganze Zugwaggons. Hinzu kamen Zeichen wie
Wolkenformen und Pfeilsymbole, die ein reiches neues Vokabular
bildeten.
-
Die Leute erlebten, wie ganze Züge
täglich völlig verändert wurden.
-
Es war zu sichtbar, um unbemerkt zu bleiben. Fotografen begannen,
es zu dokumentieren, Nachrichtenberichte folgten, und der
Soziologe Hugo Martinez, der zum Graffiti-Fan wurde, organisierte
ein Kollektiv der besten New Yorker Graffiti-Writer, die United
Graffiti Artists, und begann, Ausstellungen in Galerien zu organisieren.
Im Jahr 2002 blickte der Maler und Graffiti-Künstler Barry
McGee zurück: »Es war eine unkontrollierbare Energie, die sowohl
das Aussehen der [New Yorker] U-Bahn als auch die Art und Weise
veränderte, wie Millionen von Menschen Oberflächen betrachteten:
Sie sahen, wie die Wände ganzer Züge jeden Tag von Fremden
vollständig umgestaltet wurden.«
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c o r n b r e a d und mehr
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WAS AUFSTEIGT …
1977 war ein entscheidendes Jahr in der Geschichte von Hip-Hop
und Graffiti. Ein Stromausfall löste in der ganzen Stadt Plünderungen
und Brände aus. Die Kids zogen los und besorgten sich alles, was
sie für ihre kreativen Aktivitäten brauchten: Kisten mit Sprühfarbe
und elektronische Geräte wie Plattenspieler, Lautsprecher und
Verstärker. All diese frisch erworbenen Utensilien beschleunigten
die Hip-Hop-Bewegung, sodass Blockpartys und das Bemalen von
Zügen richtig in Schwung kamen.
Mitte der 1980er-Jahre hatten Graffiti-Schriftzüge im Hip-
Hop-Stil die fünf Stadtbezirke erobert und tauchten in Städten in
den gesamten Vereinigten Staaten auf. Ende der 1980er-Jahre war
es eine globale Bewegung. 1979 kaufte der italienische Kunsthändler
Claudio Bruni mehrere Leinwandarbeiten von Lee Quiñones, einem
der New Yorker Graffiti-Könige. Er stellte sie in der Galleria Medusa
in Rom aus, und bald darauf strömten Kunsthändler und Sammler
aus aller Welt mit ihren Scheckbüchern nach New York. Graffiti war
angekommen.
Erst in den späten 1980er-Jahren wurden die New Yorker Züge
nach einem umfangreichen Wagenwaschprogramm von Graffiti
befreit. Die New Yorker Verkehrsbetriebe starteten 1984 ein
fünfjähriges Programm zur Beseitigung von Graffiti in den Zügen.
Ein New Yorker Graffiti-Writer hatte es zwischen 1985 und 1989
nicht leicht: Überwachungsteams, Stacheldraht, Wachhunde und
verstärkte Sicherheitsmaßnahmen führten zu einem Rückgang der
Aktivitäten und der Writer. Bis 1989 waren alle fahrenden Waggons
vollständig frei von Graffiti.
WICHTIGE FAKTEN
■
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Wenn Taki 183 mit seinem Namen auf den New Yorker Straßen
der erste Funke der Graffiti-Kultur war, dann war die Erwähnung
in der New York Times die Initialzündung.
York Times war das Petroleum, das das Feuer entfachte.
Kool Herc war ein Tagger, der auch den Hip-Hop und die zeitgenössische
DJ-Kultur erfand.
Die Stromausfälle von 1977 in New York waren ein großes Geschenk
für die Graffiti-Kultur, denn sie ermöglichten es, dass
riesige neue Werke unentdeckt entstehen konnten.
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GLOBALE ÜBERNAHME
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Wir wurden zur größten Kunstbewegung, die die Welt
jemals erlebt hat. Größer als die Renaissance, größer als
jede andere Kunstbewegung. Jemals. Ich bin stolz, dass ich
dabei war; stolz, wie sich meine Kultur entwickelt hat!
-
Lady Pink
2014

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s t r e e t art
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42

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g l o ba l e
ü b e r n a h m e
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SEEN (Richard Mirando)
MTA Serie, 2009
Aerosol auf Leinwand,
176,4 x 78,2 cm
Privatsammlung
Einer der ersten Tagger
aus New York, SEEN,
schafft weiterhin Kunst,
nimmt an Ausstellungen
teil und malt, wie die
Serie MTA, die Bezug auf
die Zug-Writings nimmt.
New York war die Stadt, in der sich Graffiti zu einer globalen kulturellen
Bewegung entwickelte und in den Mainstream gelangte.
Ethos, Methode und Stil wurden in den 1980er-Jahren weltweit
aufgegriffen, aber wirklich etabliert hatte sich das Graffiti-Writing als
Bewegung in den 1970er-Jahren in New York. Dieses Kapitel befasst
sich mit einigen einflussreichen Akteuren und Institutionen der Szene
sowie mit parallelen Bewegungen in anderen Teilen der Welt. Von einflussreichen
Einzelpersonen bis hin zu kollektiven Bewegungen - die
Einflüsse der Street Art sind sowohl unterschiedlich als auch vielfältig.
NEW YORK KINGS …
Lee Quiñones ist eine zentrale Figur in der frühen New Yorker Zugmalerei-Szene
(umseitig, oben). Sein erstes Werk entstand 1974 in
der U-Bahn. In den nächsten zehn Jahren gestaltete er über hundert
ganze Waggons, darunter das Meisterwerk vom November 1976,
das er mit seiner Graffiti-Crew, den Fabulous Five, ausführte. Um
1979 lernte er Fab 5 Freddy kennen, der ihn nach Uptown New York
mitnahm und ihn mit Galeristen, Musikern und bildenden Künstlern
bekannt machte. Dies führte 1983 zu dem Hip-Hop-Film Wild Style
(siehe S. 98-100), in dem Lee und sein Leben als Graffiti-Writer im
Mittelpunkt stehen. Lee malte in den 1980er-Jahren auch Kulissen
für das legendäre Rapture-Video von Blondie und Hintergründe für
viele andere Filme.
-
Wenn es um Dreistigkeit geht, ist SEEN legendär.
-
Richard Mirando, alias SEEN, war ein New Yorker Train-Graffiti-Writer
mit einer Vorliebe für große und fette Blockschrift (gegenüber)
und bunte Cartoon-Figuren. Er malte ab 1973 bis in die
1980er-Jahre hinein und wurde zu einem der bekanntesten Graffiti-Writer
der Welt, quasi der »Pate« des Graffiti. Wenn es um Dreistigkeit
geht, ist SEEN legendär. Im Sommer 1985 malte er seinen
Namen in riesigen Blockbuchstaben auf das Hollywood-Schild in
Los Angeles. Sein Tag, SEEN, ist sehr gut gewählt, denn es bringt
die Mission auf den Punkt: gesehen zu werden. In den 1980er-Jahren
begann er, auf Leinwand zu arbeiten, aber nach 16 Jahren Malerei
hatte er das Gefühl, dass Graffiti seinen Reiz verlieren würde,
und eröffnete in New York das sehr beliebte Tattoo-Studio »Tattoo
SEEN«. Heute betreibt er ein Bekleidungslabel und stellt in Einzelund
Gruppenausstellungen auf der ganzen Welt aus.
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-
s t r e e t art
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Dondi White, geboren 1961 als Donald Joseph White, ist eine
Legende und einer der Pioniere der New Yorker Graffiti-Szene. Er
war bekannt für seine methodische Vorbereitung: Er plante seine
Werke bis ins kleinste Detail in Skizzenbüchern, bevor er sich auf
den Weg zu den Zügen machte. Mitte der 1970er-Jahre taggte er
entweder »Naco« oder »Dondi« als Teil der TOP (The Odd Partners)
Graffiti-Crew. 1978 gründete er seine eigene Crew, CIA (Crazy
Inside Artists), zusammen mit den Writern Mare 139, Kid 56, Kel
139, Doc, Duro, Rasta und Crash.
Im April 1980 legte ein Streik die New Yorker U-Bahn für zwei
Wochen lahm. Dies war ein Geschenk für Graffiti-Writer, die nun
zu jeder Tageszeit ungestört malen konnten. Dondi schuf sein
berühmtes Werk Children of the Grave, part II (oben) während des
Streiks, während viele seiner Kollegen die Gelegenheit für unzählige
Graffiti-Kunstwerke nutzten und 1980 in New York zu einem der
wichtigsten Jahre für die Bewegung machten.
Ganz oben: Lee Quiñones
Hell Express, 1979
Fotografie von
Henry Chalfant
Hell Express ist eines
von Lees großflächigen
Kunstwerken auf ganzen
Waggons aus den späten
70ern, die zahllose junge
Menschen inspiriert
haben, die Sprühflaschen
zu zücken und mitzumachen.
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g l o ba l e
ü b e r n a h m e
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Oben: Dondi
(Donald Joseph White)
Children of the Grave,
part II, 1980
Fotografie von
Henry Chalfant
Dondis Lettering wirkt
gleichzeitig weich und
hart, in dieser Hinsicht
überragt er die anderen
Künstler.
Dondi beherrschte den Wildstyle, eine hochgradig stilisierte
Technik (siehe S. 82-3), aber er zog einen fetten Blockschriftstil vor,
den er selbst entwickelte. Dies machte seine Züge aus der Ferne
lesbar und festigte seinen Ruf. Tragischerweise starb Dondi 1998 im
Alter von 37 Jahren an den Folgen einer AIDS-Erkrankung.
Futura gehört zwar nicht zu den New Yorker Graffiti-Königen, aber
er ist einer der größten (siehe S. 48). Seine Werke, die abstrakter sind
als die seiner Zeitgenossen, sind eine Science-Fiction-Variante des
Graffiti. Sie stachen als radikal und seltsam neben den traditionelleren,
cartoonartigen Bubble Letterings anderer Writer hervor. Futura wurde
für seine Originalität wahrgenommen und respektiert. Sein gefeiertes
Gemälde The Break Train – ein ganzer Waggon aus abstrakten Formen
und Farben, das 1980 entstand – setzte neue Maßstäbe und bewies,
dass Graffiti viel mehr ästhetische und konzeptionelle Möglichkeiten
hatte. In den 1980er- und 1990er-Jahren war Futura ein König, und
sein Status wurde durch die Aufnahme in die Kultbücher Subway Art
(1984) und Spraycan Art (1987) besiegelt. Mitte der 1990er rückte er
45

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s t r e e t art
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wieder ins Licht der Öffentlichkeit, als er eine Reihe von Plattenhüllen
für James Lavelles Plattenlabel Mo'Wax gestaltete. Futuras abstrakte
Arbeiten passten perfekt zu den abgehobenen Post-Hip-Hop-Sounds
von DJ Krush, DJ Shadow und UNKLE.
Martha Cooper
Lady Pink on Subway, 1982
Fotografie
New York
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Lady Pink, die »First Lady of Graffiti«, gab sich ganz
dem Graffiti hin, nachdem ihr Freund verhaftet wurde.
-
… AND QUEENS
Es scheint, als hätte es in den frühen Tagen keine weiblichen Graffiti-Writer
gegeben, dabei gab es viele weibliche Tagger und Writer.
Barbara 62 und Eva 62 waren in den 1970ern bekannt und produktiv,
aber die Writerin, die zur Ikone aufstieg und als »die First Lady of
Graffiti« bekannt wurde, ist Lady Pink (gegenüber). Pink wollte schon
immer als Malerin und nicht als Graffiti-Writerin bekannt sein und
wandte sich schließlich der Leinwandarbeit und Ausstellungen zu.
Nachdem ihr Freund 1979 verhaftet und des Landes verwiesen wurde,
begann sie, seinen Namen auf Wände in der Stadt zu schreiben, um
sich zu trösten. Schon bald war sie von Graffiti begeistert, malte um
1980 mit verschiedenen Crews und gründete ihre eigene Mädchen-Crew,
LOTA (Ladies of the Arts). Sie wählte »Pink« als ihren
Namen, weil er sie als weiblich auszeichnete und ihr gefiel, was man
mit den Buchstaben machen konnte. Sie fügte »Lady« hinzu, inspiriert
von den kitschigen Liebesromanen, die in Europa spielten und die sie
gerne las. Sie wurde oft mit Pink Lady verwechselt, einer Drogendealerin,
die in den Clubs pinkfarbenes Kokain verkaufte.
1983 spielte Lady Pink eine Hauptrolle in dem Film Wild Style
(siehe S. 99) und arbeitete anschließend mit der Künstlerin Jenny
Holzer zusammen, bevor sie 1984 ihre erste Einzelausstellung am
Moore College of Art and Design in Philadelphia hatte. Heute ist
Lady Pink als Atelierkünstlerin, Mentorin und Kunstpädagogin tätig.
Ihre Gemälde finden sich in den Sammlungen des Whitney Museum
of Modern Art, The Met (Metropolitan Museum of Fine Art) und des
Brooklyn Museum in New York.
Lady Pink begann in
den späten 1970er- und
in den 1980er-Jahren
zusammen mit vielen
Writern der alten Schule
wie SEEN, Skeme, Kase
2, Crash und Daze, auf
Bahnhöfen Graffiti zu
malen. Als überzeugte
Writerin sind ihre Werke
heute in den großen
Kunsthäusern der Welt
zu sehen.
SPASS DABEI
Als Patti Astor 1976 ins East Village in New York zog, war ihre Stammkneipe
das CBGB, wo dieTalking Heads und Blondie die Hausbands waren.
Sie nahm einige Schauspieljobs in Low-Budget-Independent-Fil-
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men an, ging jede Nacht bis morgens um 4 Uhr aus, veranstaltete
Partys und schließlich Kunstausstellungen in ihrer Wohnung und
wurde ein bekanntes Gesicht in der Kunst- und Partyszene. Sie traf
sich mit Fab 5 Freddy und lernte durch ihn zahlreiche Graffiti-Autoren
und Künstler kennen.
1981 eröffnete Astor mit ihrem Partner Bill Stelling eine kleine
Galerie in der East 11th Street. Es war die erste Galerie im East
Village. Sie fanden alle Kunstgalerien in SoHo langweilig und nannten
ihre Galerie FUN Gallery (oben) – ein winziger Raum, in dem aber
außergewöhnliche Ausstellungen mit Kenny Scharf, Keith Haring,
Jean-Michel Basquiat, Lee Quiñones, Futura 2000 (heute Futura)
und Revolt stattfanden. Sie förderte die namhaften Graffiti-Writer,
die bereits Könige der Train Lines waren, wie Zephyr, Dondi und Lee,
und stellte sie den wichtigsten Sammlern, Kuratoren und Kunstkritikern
vor. Bei der Basquiat-Ausstellung flehte sie die Sammler
geradezu an, knapp 2 m große Gemälde für 3.000 Dollar pro Stück
zu kaufen. Sie lehnten ab. Die gleichen Bilder werden heute für über
15 Millionen Dollar gehandelt.
Anita Rosenberg
Futura and Patti Astor at
Art and BBQ Party, 1981
Fotografie
New York
Futura und Patti Astor
vor Futuras Wandgemälde
in Astors Wohnung
in der Lower East Side
in der Nähe der FUN
Gallery. Die FUN Gallery
war eine treibende Kraft,
die Graffiti und Street
Art einen Platz in der
Kunstgeschichte, in Galerien
und Sammlungen
verschaffte.
POP STARS
Keith Haring zog 1978 aus seiner Heimatstadt in Pennsylvania nach
New York. Mit 20 Jahren fand er sich umgeben von Tags und bunten
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Graffitis an Wänden und Zügen. Haring verkehrte in der alternativen
Kunstszene von Downtown New York, die sich aus allen möglichen Künstlern,
Graffiti-Writern, Musikern und Schauspielern zusammensetzte.
Haring liebte das Zeichnen und die Illustration, und 1980 übernahm
er die Graffiti-Techniken in sein eigenes Werk, als er in den New Yorker
U-Bahn-Stationen schnelle Kreidezeichnungen anfertigte. Diese
Zeichnungen, die zwischen 1980 und 1985 entstanden, brachten ihm
Ruhm, Ausstellungen, groß angelegte öffentliche Kunstaufträge und
den Status eines Kunststars ein. Schnell entwickelte er einen eigenen,
sofort erkennbaren Stil mit Figuren und Symbolen aus Blasen-Cartoons
(umseitig).
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Harings große öffentliche Wandbilder trugen
eine soziale Botschaft.
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Umseitig: Keith Haring
Crack is Wack, 1986
Farbe über der Original-Kreidezeichnung
New York
Dieses Wandbild entstand
als Warnung inmitten
einer Crack-Epidemie
in New York und wurde
zunächst unabhängig und
ohne Genehmigung der
Stadt umgesetzt. 2007
wurde dieses Wandbild
mit Farbe restauriert und
existiert noch immer.
1986 eröffnete er den Pop Shop in SoHo, in dem er T-Shirts und Poster
mit seinen Motiven verkaufte. Er malte ein schwarz-weißes Wandgemälde,
das alle Flächen des Ladens bedeckte. Außerdem schuf er viele
große öffentliche Wandbilder in Städten auf der ganzen Welt, die meist
eine soziale Botschaft enthielten und im Auftrag von Hilfsorganisationen,
Krankenhäusern und Waisenhäusern entstanden. Er leitete Kunstworkshops
und nutzte seine Kunst für Kampagnen in den Bereichen
Umwelt, Alphabetisierung und Gemeinnützigkeit, bis er 1990 im Alter
von 31 Jahren an den Folgen einer AIDS-Erkrankung starb.
In seiner kurzen, aber äußerst produktiven Karriere in den
1980er-Jahren nahm er an über 100 Einzel- und Gruppenausstellungen
teil und arbeitete mit Künstlern und Musikern wie Madonna, Grace
Jones, Jenny Holzer, Timothy Leary, Yoko Ono und Andy Warhol zusammen.
Harings Bilder zeigen universelle Themen wie Geburt und Tod, Liebe
und Krieg, was sein Werk zugänglich und global machte. Seit seinem Tod
waren seine Werke Gegenstand zahlreicher Ausstellungen auf der ganzen
Welt, und seine Bilder findet man in mehreren großen Museen.
Ein weiterer Künstler, der in den späten 1970ern und frühen
1980ern von der Straße in die Galerie wechselte, war Jean-Michel Basquiat
(S. 10). Er wird oft mit der New Yorker Graffiti-Szene in Verbindung
gebracht, lehnte diese Einordnung jedoch strikt ab. Er betrachtete
seine Arbeit als unabhängig von dieser Szene, auch wenn er einen Tag,
Samo, hatte und Sprühdosen benutzte, ein Aspekt seiner New Yorker
Erziehung, seines Umfelds und seiner dargestellten Erfahrungen. Es war
Teil seiner Arbeit, einfach weil es überall war, genau wie Autos, Cartoons,
Straßenschilder, hohe Gebäude, Polizisten und Flugzeuge.
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Basquiat erlebte ein Kindheitstrauma, das sein späteres künstlerisches
Schaffen offenbar geprägt hat. Als er sieben Jahre alt war und in den Straßen
von East Flatbush in Brooklyn spielte, wurde er von einem Auto überfahren
und lag einen Monat lang im Krankenhaus. Er hatte einen gebrochenen Arm
und ihm musste die Milz entfernt werden. Während seines Krankenhausaufenthalts
gab ihm seine Mutter ein Exemplar von Grays Anatomy mit, das er
wie besessen las und das später seine künstlerische Arbeit beeinflussen sollte.
Er benannte sogar seine Musikband Gray nach dem Buch.
Schnell wurde er Teil der New Yorker Kunst- und Musikszene, pflegte
eine kurze Beziehung zu Madonna und eine lange Freundschaft mit Andy
Warhol. Basquiat starb mit 27 Jahren, zerstört durch seine Heroinsucht,
die ihn wöchentlich 1.000 Dollar kostete..
INZWISCHEN IN EUROPA …
Blek le Rat, einer der ersten Graffiti-Writer in Paris und ein echter Pionier
der Street Art, gilt allgemein als der erste, der Schablonen verwendete und
diese auch für die Erstellung lebensgroßer Bildereinsetzte. Blek begann
1981, Schablonen mit Ratten auf Pariser Wände zu malen, ein paar Jahre
bevor der New Yorker Graffiti-Stil in Europa Fuß fasste. Er wählte Ratten
als Symbol, weil er sie für »das einzige freie Tier in der Stadt« hielt. Blek
interessiert sich für die Freiheit und das Mitgefühl der Menschen und nutzt
die Street Art, um seine Ideen auszudrücken (gegenüber). So setzte er sich
für die entführte Journalistin Florence Aubenas ein, protestierte gegen den
Krieg im Irak und unterstützte Obdachlose.
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Blek begann, Papierschablonen einzusetzen.
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Bleks Schablonen wurden immer größer und verbreiteten sich, bis er 1991
wegen Graffiti verhaftet wurde. Er musste hohe Geldstrafen zahlen, was
ihn jedoch nicht davon abhielt, sondern zu einer neuen Technik inspirierte.
Anstatt Schablonen mit Sprühdosen zu verwenden und damit Straftaten
zu begehen, begann Blek, seine Schablonen wie Plakate zu kleben. So
konnte er seine Werke zwar immer noch aufhängen, aber wenn die Polizei
ihn auf frischer Tat ertappte, konnte er das Werk einfach abreißen und
einer Verhaftung entgehen. Diese neue Technik war ein Vorläufer der Plakat-
und Stickerkunst, die bald darauf von Künstlern auf der ganzen Welt
wie den Amerikanern Swoon und Logan Hicks übernommen wurde.
Blek wäre vielleicht aus der Geschichte der Street Art verschwunden,
wenn seine Methoden nicht von Banksy übernommen worden wären,
der sich zu seinem Einfluss bekannte und eine neue Generation von
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Blek le Rat (Xavier Prou)
The Man Who Walks
Through Walls, 2004
Schablone
Prag
Blek wird oft als Erfinder
der lebensgroßen
Schablonen menschlicher
Figuren genannt.
Dazu wurde er Mitte der
1980er-Jahre inspiriert,
nachdem er die Arbeiten
des englischen Künstlers
David Hockney gesehen
hatte, der lebensgroße
Buntstiftzeichnungen
anfertigte
Schablonen künstlern hervorbrachte, die Blek le Rat etwas zu
verdanken haben. Das erklärte er in einem Artikel, der 2008 im
Independent veröffentlicht wurde:
Meine Schablonen sind ein Geschenk, das die Menschen in die
Welt der Kunst einführt und mit einer politischen Botschaft versehen
ist. Diese Bewegung ist die Demokratisierung der Kunst:
Wenn die Menschen nicht in die Galerie kommen können,
bringen wir die Galerie zu den Menschen!
PROTESTPOSTER, PARIS
1968 kam es weltweit zu einer Welle der Auflehnung gegen die
Entwicklung des Westens, den Kapitalismus und die bürgerliche
Gesellschaft. In Paris schlossen sich den Studenten Universitätsund
Fabrikarbeiter an, was in einem einmonatigen Streik gipfelte,
mit dem sie protestierten und darüber diskutierten, in welcher Art
von Welt sie leben wollten. Obwohl die Proteste in Paris nur einen
Monat dauerten, hätten sie beinahe die Regierung gestürzt. Street
Art und Graffiti waren wesentliche Bestandteile des Protests und
zeigten, wie wirksam visuelle Arbeit, Slogans und Grafiken die Meinung
beeinflussen und Veränderungen ermöglichen können.
Am 14. Mai 1968 besetzten die Studenten die Druckwerkstätten
in der École des Beaux-Arts und verbrachten ihre Tage und Nächte
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damit, unermüdlich Plakate zu entwerfen und zu drucken, die sie
dann in Paris verteilten und in Umlauf brachten.
Sie benannten die Druckereien in Atelier Populaire (Volkswerkstatt)
um. Jeder konnte Slogans und Ideen beim Atelier Populaire
einreichen, und die Gruppe stimmte darüber ab, welche davon
gedruckt werden sollten. Die Bewegung und ihre Slogans wurden
weitgehend durch die Schriften einer Gruppe von Intellektuellen,
den Situationisten, inspiriert, die mit ihren bizarren, vom Surrealismus
inspirierten Interventionen auf den Straßen der Stadt
die passive Ordnung des Alltags in Frage stellten. Sie gaben eine
Zeitung heraus, die Situationistische Internationale. Die zentrale Figur
dieser Gruppe war Guy Debord, Autor des wenige Monate vor den
Protesten veröffentlichten Buches Die Gesellschaft des Spektakels
(1967), das die Studentenbewegung inspirierte.
Neben diesen Plakaten, die jeden Tag in ganz Paris aufgehängt
waren, wurden auch Slogans an die Wände gesprüht, was sich als
die einfachste und effektivste Methode erwies, mit den Bürgern zu
kommunizieren, radikale Ideen zu verbreiten und ihre Unterstützung
zu gewinnen. Mit dieser Selbstbaumethode wurden die offiziellen
Kanäle von Radio und Zeitungen umgangen und die größtmögliche
Öffentlichkeit erreicht. Marc Rohan war zu dieser Zeit vor Ort und
bemerkt in seinem Buch Paris 68, dass »die Wände überall mit der
überdrehten Weisheit der Zeit bedeckt waren«.
Marc Riboud
Die geheimen Drucker
in der École des Beaux-
Arts, Mai 1968
Fotografie
Paris
In den turbulenten Tagen
im Mai 1968 produzierte
eine Gruppe von Künstlern,
die sich Atelier Populaire
nannte, Tausende
von Plakaten als Waffen
im Klassenkampf. Die
Künstler schliefen neben
der geheimen Druckmaschine
des Kollektivs,
die in der renommierten
École des Beaux-Arts
versteckt war.
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Graffiti wird als Subversion der offiziellen Normen von
Geschmack und Schönheit betrachtet.
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Unbekannter Künstler
Politisches Wandbild der
Irish Republican Army
(IRA)
Farbe
Belfast, Nordirland, 1981
In den irisch-republikanischen
Gebieten
konzentrierten sich die
Wandbilder häufig auf
den irischen Hungerstreik
von 1981 und
seinen Streikführer und
Nationalhelden Bobby
Sands.
Während die Plakate bemerkenswert waren und in kürzester Zeit
auf der Straße erscheinen konnten, lag der unvermittelte und rohe
Protest in der Sprache der Graffiti-Slogans, die überall auftauchten.
Diese Slogans fügen sich ein in eine seit langem bestehende Faszination
der Franzosen für Graffiti als populäre Kunstform. Zusammen
mit dem, was oft als Primitive Art oder Art Brut bezeichnet wird,
d. h. Kunst, die von Autodidakten oder unausgebildeten Künstlern
geschaffen wird, gilt Graffiti als eine Umkehrung offizieller Normen
von Geschmack und Schönheit. Diese Haltung findet sich in den
Werken der Surrealisten der 1930er-Jahre, insbesondere in Brassaïs
Fotoessay von 1933 über Pariser Graffiti und in dem ebenfalls 1933
erschienenen Buch des Anthropologen Marcel Griaule, einer Studie
über abessinische Graffiti in Äthiopien.
Davor gab es bereits im 18. Jahrhundert den Bericht des Schriftstellers
Nicolas-Edme Rétif über die autobiografischen Sätze, die er
in die Quais entlang der Seine geritzt hat. Der Mai 1968 und das bis
heute andauernde Engagement Frankreichs für Graffiti und Street
Art reihen sich somit ein in eine lange Tradition von Protestschriften
und -gedichten gegen das Establishment in Frankreich.
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GEGENPROTEST, NORDIRLAND
Street Art ist manchmal durch eine lokal begrenzte politische
Dringlichkeit motiviert und nutzt Wände und Farbe, um eine Botschaft
zu verbreiten. Das Schreiben auf Wänden hat immer noch
politische Kraft, auch wenn Graffiti vereinnahmt und kommerzialisiert
wurde. Das Establishment versucht, das Potenzial der Street
Art als radikales politisches Mittel zu kastrieren, und reduziert sie auf
den dekorativen Anteil, indem es die Zeichen der Subversion zulässt,
nicht aber die Schärfe. Es gibt mehrere einflussreiche Beispiele aus
dem 20. Jahrhundert für Street Art als Protest und Propaganda, vor
allem in Nordirland zwischen 1969 und 1998.
Die republikanische Bewegung in Nordirland war in zwei Fraktionen
gespalten, zu denen gemäßigte Nationalisten, konservative Republikaner,
die so genannten »Provos«, sowie radikale Funktionäre
und die Irish Republican Socialist Party (IRSP) gehörten. Die andere
Seite, die sich aus Loyalisten und Unionisten zusammensetzte,
beteiligte sich ebenfalls an der Wandmalerei, doch ging es bei diesen
Werken eher um die Behauptung der Macht und die Aufrechterhaltung
des Status quo als um Protest.
MOLOTOWMANN, NIKARAGUA
Bei der nikaraguanischen Revolution von 1979 stürzten die Revolutionäre
der Sandinistischen Nationalen Befreiungsfront (SNLF)
Susan Meiselas
Schablone eines Sandinisten-Rebellen,
der
einen Molotow-Cocktail
wirft, 1984
Fotografie
Nikaragua
Dieses Foto der amerikanischen
Dokumentarfotografin
Susan Meiselas
zeigt eine Schablone,
die auf einem ihrer berühmtesten
Fotos basiert.
Molotow-Cocktails,
improvisierte Bomben
aus Flaschen, wurden von
den sandinistischen Rebellen
häufig eingesetzt.
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die Somoza-Diktatur. Die SNLF regierte dann ein Jahrzehnt lang in
Nikaragua. In dieser Zeit durften Künstler ungehindert Wände bemalen,
was dazu führte, dass in dem mittelamerikanischen Land viele
großformatige Wandgemälde und Schablonenarbeiten von lokalen
und internationalen Künstlern entstanden. Die Arbeiten unterstützten
hauptsächlich die SNLF-Regierung, was bei politischen Graffiti
selten ist, allerdings war die sandinistische Regierung mit 67 % der
Stimmen bei den Wahlen 1984 sehr beliebt.
-
Der Molotowmann, das Symbol der Revolution, tauchte in Graffiti
und Street Art überall in Nikaragua auf.
-
Am Tag vor Somozas Flucht aus Nikaragua im Juli 1979 machte die
Magnum-Fotografin Susan Meiselas ein Foto von einem sandinistischen
Demonstranten, der einen Molotow-Cocktail auf die Nationalgarde
warf. In den folgenden Jahren wurde dieses Bild zu einem
Symbol der Revolution. Der Molotowmann erschien in Graffiti und
Wandmalereien im ganzen Land und wurde sogar auf T-Shirts und
in der Werbung verwendet. 25 Jahre später wurde das Bild des Molotowmannes
zum »offiziellen« Symbol der Revolution in Nikaragua.
Als die sandinistische Regierung 1990 abgelöst wurde, wurden die
meisten Wandbilder entfernt und Graffiti wurde wieder illegal.
Umseitig: Ganzeer
Tank vs. Bike, 2011
Schablone und Farbe
Kairo (Unterführung)
Es war Teil einer Welle
von politischen und revolutionären
Graffiti auf
Kairos Straßen. Dieses
Wandbild zeigt einen
Panzer – ein Symbol für
die Militärregierung –,
dessen Kanone auf einen
Radfahrer gerichtet ist,
der Brot auf dem Kopf
trägt.
AUSSER KONTROLLE, ÄGYPTEN
Der Aufstand auf dem Tahrir-Platz in Kairo im Jahr 2011 wurde
als »Facebook-Revolution« bezeichnet. Gruppen organisierten
sich kollektiv über soziale Medien und Mobiltelefone, die sich als
bemerkenswert effektives Instrument für den aktiven Protest
auf der Straße erwiesen. Vor der Revolution gab es kaum Graffiti
oder Street Art, doch seit 2011 spielen sie eine wichtige Rolle bei
Protesten und Kommunikation und werden weiterhin dafür genutzt.
Repressive Regime können die Massenkommunikation kontrollieren.
Sie können die Medien und das Fernsehen präventiv kontrollieren
und die Nutzung von Telefonnetzen und Internet einschränken, aber
sie können die Wände in den Straßen nicht ständig im Blick haben.
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Street Art und Graffiti geben den Unterdrückten eine Stimme und
treiben Veränderungen an.
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Um die Revolution zu unterdrücken, schaltete die ägyptische Regierung
das Internet ab, aber die Proteste gingen weiter, wobei die Botschaften
und Slogans an den Wänden als Brandbeschleuniger dienten.
Bei dem Versuch, diese zu verhindern, wurden drei Street Artists,
darunter Ganzeer (umseitig), am Vorabend der massiven Proteste in
Kairo im Mai 2011 verhaftet. Street Art und Graffiti lösen vielleicht
keine Revolution aus, aber es gibt Situationen, in denen sie den Unterdrückten
eine Stimme geben und Veränderungen antreiben.
IN RICHTUNG MAINSTREAM
In der Geschichte der Verbindungen zwischen der Street Art und
der zeitgenössischen Kunstwelt im weiteren Sinne sind einige
Schlüsselmomente zu nennen. Die drei folgenden Beispiele zeigen,
wie sich die Street Art von Graffiti und anderen Formen subkultureller
Praktiken in den Mainstream entwickelt hat.
WUNDERSCHÖNE VERLIERER
In den frühen 2000er-Jahren versammelten die Künstlerkuratoren
Aaron Rose und Christian Strike eine Reihe lose miteinander verbundener
Künstler in den USA unter dem Gruppennamen Beautiful
Losers. Im Prolog des Katalogs zu ihrer Ausstellung legten Rose und
Chris Johanson
Changing Before Your
Very Eyes,
2006–2009
Acryl auf Papier,
38,1 x 52,7 cm
Altman Siegel, San
Francisco
Johanson wuchs in
Kalifornien auf und
begeisterte sich für die
Skateboarding- und
Punk-Kultur. Er begann
mit dem Zeichnen von
Cartoons auf Wänden
und Straßenlaternen,
bevor er Zines und Grafiken
für Skatemarken
anfertigte. In den frühen
2000er-Jahren etablierte
er sich als bildender
Künstler und arbeitet
weiterhin mit Text und
Bild, wobei seine Wurzeln
in der Street Art liegen.
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Shepard Fairey
Original-Sticker, Andre
the Giant Has a Posse,
1989
Sticker, 6,3 x 6,7 cm
Überall starrten einen
Andres Augen auf eine
etwas verstörende,
unheimliche Art an.
Strike ihre Ziele dar. Sie verglichen das Beautiful Losers-Kollektiv
mit früheren Kunstgruppen wie den Beatniks der späten 1950erund
der Pop Art-Bewegung der 1960er-Jahre.
Die Künstler von Beautiful Losers waren selbstorganisierte,
kreative Amateure, die als ungeschulte Außenseiter Kunst machten.
Ihre Gemeinsamkeiten waren eine »Low-Brow«-Ästhetik und
die Faszination für Surfen, Skateboarding, Independent-Musik,
DIY-Publishing und natürlich Graffiti (oben).
Die Gesamtästhetik war eine Neuinterpretation von Graffiti durch
die Generation X, weiße College-Abbrecher aus der Mittelschicht.
Die meisten Mitglieder der Gruppe wurden später zu erfolgreichen
Vollzeitkünstlern und Kreativen, darunter Barry McGee, Margaret
Kilgallen, Phil Frost, der Fotograf Ed Templeton, Thomas Campbell,
Clare E. Rojas, Chris Johanson und der Filmemacher Mike Mills.
VON ANDRE ZU OBAMA
Um 1989 tauchten überall in den Vereinigten Staaten kleine schwarzweiße
Aufkleber mit der Aufschrift »Andre the Giant has a posse« auf.
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Shepard Fairey
Obama Hope, 2008
Schablone, Siebdruck und
Collage auf Leinwand,
121,9 x 182,9 cm
Faireys weithin
bekanntes Schablonenporträt,
das während der
Wahlkampagne 2008
entstand und dazu beitrug,
dass Barack Obama
ins Weiße Haus einzog.
Andre bezieht sich auf André Roussimoff, einen populären amerikanischen
Profi-Wrestler, dessen zufällig gewähltes Bild zu einer der
außergewöhnlichsten Formen von Branding und Konsum wurde.
Das Design der Aufkleber war sehr einfach (unten). Sein Urheber
war Shepard Fairey, ein skateboardender Designstudent von der
Rhode Island School of Design, der dafür eine einfache Schablone
verwendete. Es sollte absurd sein. Andre hatte keine Verbindung zu
irgendetwas: Ihn zu zeichnen war einfach eine Idee.Die Reaktion war
enthusiastisch. Da Andre überall auftauchte, aber völlig geheimnisvoll
und unerklärt war, begannen die Leute über die Aufkleber zu sprechen,
und Shepard machte einfach weiter. In den nächsten zehn Jahren produzierte
er Hunderttausende von Aufklebern, verteilte sie massenweise
an Freunde und verschickte sie an jeden, der sich dafür interessierte.
Der Virus war geboren. Bald war jede größere amerikanische Stadt
mit diesen mehrdeutigen Aufklebern übersät. Plakate und Schablonen
folgten. Andres Gesicht war nun in London, Paris und Tokio zu
sehen, und niemand wusste, was es zu bedeuten hatte. Fairey hatte im
Alleingang eine weltbekannte Marke geschaffen, die weder ein Produkt
noch irgendeinen Sinn hatte. Das passt perfekt zu den Ambitionen
von Graffiti-Taggern, aber durch den Vertrieb von Aufklebern war es
möglich, innerhalb weniger Monate weltweit tätig zu werden.
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Fairey hatte eine weltbekannte Marke ohne Produkt
oder jeglichen Sinn geschaffen.
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In ähnlicher Weise schuf Fairey mit seinen »Obey The Giant«-Postern
und -Aufklebern eine Marke (siehe S. 14). Es folgten T-Shirts
mit der einfachen Aufschrift »Obey« (Gehorche), und die Eltern
der Teenager, die sie trugen, wussten, dass es nicht darum ging,
ihnen zu gehorchen. Daraus entwickelte sich schnell eine ganze
Bekleidungsmarke, während sich Faireys grafisches Schaffen parallel
dazu weiterentwickelte. Er verlegte sich auf großformatige Porträts
und politische Statements in einem von der Russischen Revolution
inspirierten grafischen Stil, eine Anspielung auf den Kommunismus
und den Sozialismus, der die Erwachsenen quälte und die jüngeren
Generationen begeisterte. Er lud sie dazu ein, alle Autoritäten in
Frage zu stellen. Schon bald war Fairey an Kunstausstellungen und
öffentlichen Kunstaufträgen auf der ganzen Welt beteiligt, die in
seinem Meisterwerk gipfelten: dem Hope-Plakat für Obamas Präsidentschaftskampagne
2008 (gegenüber).
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BANKSY
Es ist unmöglich, über Street Art nachzudenken, ohne Banksy zu erwähnen.
Er ist der Vorreiter der Street-Art-Bewegung in Bezug auf Stil, Ton
und Einfluss. Er ist so sehr in den Blickpunkt der Öffentlichkeit gerückt,
dass er oft als erster genannt wird, wenn von Graffiti und Street Art die
Rede ist.
Um 1999 lebte ich in einer Wohnung in Stoke Newington, Nord-London,
und überall gab es Ratten: Banksy-Ratten (siehe S. 17). Sie waren auf
Stromkästen, auf die Rückseite von Schildern, auf Wände, auf jede Oberfläche
gesprüht. Jedes Wochenende fuhr ich mit dem Bus durch Dalston
und hinunter nach Shoreditch, um in den Club in der Old Street 333 zu gehen.
Wenn man draußen in der Schlange stand, blickten die Clubbesucher
auf die gegenüberliegende Eisenbahnbrücke, die in ihrer ganzen Länge mit
Banksys Bild der Bereitschaftspolizei geschmückt war. Um die Ecke, in der
Nähe der U-Bahn-Station Old Street, war an einer Wand über einem Kebab-Laden
Banksys Neuauflage von Pulp Fiction (2002) zu sehen, mit John
Travolta und Samuel L. Jackson, mit Bananen statt Pistolen in der Hand.
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»Die Straßen zu bemalen bedeutet, ein echter Teil der Stadt zu werden,
es ist kein Zuschauersport.«
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Etwa 50 Meter von Nummer 333 entfernt in der Curtain Road befand sich
Banksys lebensgroße Schablone eines Polizisten, der auf den Knien hockt
und eine Line Kokain schnupft (siehe S. 18). Dabei handelte es sich um eine
Linie aus Farbe, die aus einer Dose gegossen wurde und sich den ganzen
Weg durch eine Gasse und um die Ecke bis zur nächsten Straße zog. In der
Curtain Road, die in die Rivington Street einbiegt, erstreckte sich Banksys
riesiges Werk Speak Softly but Carry a Big Can of Paint über das Mauerwerk
eines Brückenbogens. Auf der gegenüberliegenden Seite befand sich der
Eingang zum Cargo, einem Nachtclub mit über tausend Besuchern pro
Nacht. Banksy war nicht mehr wegzudenken, und eine ganze Generation
von Clubgängern in Hoxton und Shoreditch nutzte sein Werk als Kulisse für
ihre Ausschweifungen. Banksy wusste, was er tat. Er traf Shoreditch hart,
als es das Epizentrum der Londoner Kunst-, Musik-, Design- und Modeszene
war. Im Jahr 2002 sagte Banksy: »Die Straßen zu bemalen, bedeutet,
ein echter Teil der Stadt zu werden, es ist kein Zuschauersport.«
Der Erfolg der Arbeit hing von einigen Prinzipien ab, die eher mit
Grafikdesign als mit Graffiti in Verbindung gebracht werden. Durch Schablonen
konnten kleine Werke in Sekunden, große in wenigen Minuten
geschaffen werden. Ein weiterer Vorteil ist, dass die Arbeiten sehr sauber
und ordentlich sind, mit klaren Linien und deutlicher Beschriftung. Wie-
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Banksy
Dover, 2017
Farbe
Dover
Banksys Wandbild an
einer Hauswand in Dover
zeigt einen Arbeiter, der
einen Stern aus der EU-
Flagge herausmeißelt –
als Reaktion auf das
Votum Großbritanniens,
die Europäische Union
zu verlassen. Während er
einen Stern bzw. einen
Mitgliedstaat entfernt,
erzeugt der Arbeiter
lange, dünne Risse, die
das gesamte Projekt zu
zerstören drohen.
derkehrende Motive wie Ratten, Kinder, Affen, Polizisten und Soldaten
funktionieren als Logos. Auch die Einfachheit ist wichtig: ein
visuelles Wortspiel mit einer Einzelperson oder einem sarkastischen
Satz. Auf den ersten Blick schmunzelt man sowohl über die Dreistigkeit
als auch über den absurden Witz selbst. Banksy spielt mit
politischen Aussagen, Anti-Establishment-Gags und Botschaften
über Freiheit und Kapital. Eine Kombination aus Satire, Scherzen,
riskanten und neuartigen Orten, einer geschickten Präsentation
und dem Talent, innerhalb weniger Tage auf ein aktuelles Ereignis zu
reagieren, verleiht Banksys Werken eine große Anziehungskraft für
die breite Masse.
Banksys Arbeiten verbreiteten sich von Brighton und London aus
in andere Städte in Großbritannien und ganz Europa. Die erste Ausstellung
fand 2002 in Los Angeles statt, gefolgt von einer weiteren,
»Turf War«, in London im Jahr 2003. Er fing an, Drucke und kleine
Broschüren von seinen Schablonen anzufertigen und eröffnete
einen Shop, um sie zu verkaufen. Dies ebnete den Weg für eine
Industrie, die sich mit dem Verkauf von Kunstdrucken befasste – es
entstanden Ausstellungen, neue Galerien, Händler und Sammler. Er
weitete seine Arbeit von Schablonen auf ortsspezifische Stunts in
der ganzen Welt aus, von denen viele in seinem Film Exit Through the
Gift Shop von 2010 dokumentiert sind. Seine Drucke und Gemälde
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s t r e e t art
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Banksy
Palestine, 2005
Schablone und
Sprühfarbe
West Bank, Bethlehem
Banksy an der Grenzmauer
zum Westjordanland
in Bethlehem,
2005. Banksy ist zwar
der Meinung, dass diese
Mauer nicht existieren
sollte, hat sie aber auch
als »das ultimative
Urlaubsziel für Graffiti-
Writer« bezeichnet.
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wechselten für Hunderttausende Pfund den Besitzer und wurden
mit bedeutenden Künstlern des 20. Jahrhunderts versteigert. Es
folgten weitere Ausstellungen und Aktionen, darunter Dismaland in
Weston-super-Mare im Jahr 2015.
Im Jahr 2002 begann Banksy mit einer Serie von Schablonen-
Wandbildern vom Mädchen mit Ballon, die in ganz London zu sehen
waren. Diese wurden später angepasst, um 2005 gegen die israelische
Grenzmauer im Westjordanland zu protestieren und 2014 die
Menschen auf die Flüchtlingskrise in Syrien aufmerksam zu machen.
Im Jahr 2018 wurde Banksys Originalbild von Girl with Balloon
beim Auktionshaus Sotheby's in London für 1,04 Millionen Pfund
versteigert. Als der Hammer fiel, um den Verkauf abzuschließen,
löste ein Alarm im Inneren des Bilderrahmens aus und die Leinwand
fiel durch einen in den Rahmen eingebauten Schredder, der sie
zerstörte.
Trotz seines kommerziellen Erfolgs schafft Banksy weiterhin
politisch aufgeladene Street Art. Seit 2005 malt er Wandbilder
an der Grenze im Westjordanland, die Palästina von Israel trennt,
um auf das, wie er es nennt, »größte Freiluftgefängnis der Welt«
aufmerksam zu machen. Die Street Artists JR und Marco nutzten
die Mauer, um 2007 eine illegale Fotoausstellung mit Porträts von
Israelis und Palästinensern unter dem Titel »Face to Face« aufzuhängen.
Sie hofften, dass die Ausstellung das Bewusstsein für die
Gemeinsamkeiten beider Seiten und nicht für ihre Unterschiede
schärfen würde. Den Palästinensern dient die Mauer als Leinwand
für Botschaften und Bilder, die ihre täglichen Kämpfe und ihr Gefühl
der Gefangenschaft zum Ausdruck bringen.
WICHTIGE FAKTEN
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Die Graffiti zogen von den Zügen und Höfen in New York in die
Galerien und Clubszene der Stadt, der Crossover begann.
In Europa, Lateinamerika und Ägypten wurden Wandmalereien
und Kunstwerke von politischen Protestgruppen geschaffen
und bildeten die Bühne, die bald von frechen Graffiti-Writern
und rebellischen Street Artists besetzt wurde.
Viele Street Artists arbeiten international, wie JR, Banksy,
Millo und Vhils.
Banksy ist der weltweit berühmteste Vertreter der Street Art,
aber auch einer der geheimnisvollsten: Seine wahre Identität
wurde noch nie enthüllt.
67

-
s t r e e t art
-
GLOSSAR
Art Brut: übersetzt so viel wie »rohe Kunst«. Ab 1945 benutzte der französische
Künstler Jean Dubuffet den Begriff »art brut«, um naive und autodidaktische
Kunst zu beschreiben.
Fotorealistisch: Malstil, der die Präzision und Details eines Fotos nachahmt.
Generation X: gilt für die Generation, die von Anfang bis Mitte der 1960erbis
Anfang der 1980er-Jahre geboren wurde.
Hobo-Graffiti: Seit dem 19. Jahrhundert helfen sich Wanderarbeiter –
Hobos – gegenseitig, indem sie Symbole hinterlassen, die nur die Hobo-
Gemeinschaft verstehen kann.
Lentikulardruck: Gedrucktes Bild, das mit Lentikularlinsen hergestellt wird
und bei Betrachtung aus verschiedenen Winkeln die Illusion von Tiefe oder
Bewegung vermittelt.
Pixação: auch pichação genannt, ist ein kantiger Stil, der erstmals in den
1980ern in São Paulo aufkam, um zu protestieren und seine Wut über die
Ungleichheiten auszudrücken, indem er die Stadt herabwürdigt.
Pop Art: eine globale Kunstbewegung, die in den 1950er-Jahren in Amerika
entstand und sich von der populären Kultur, wie Werbung und Comics,
inspirieren ließ-
Siebdruck: eine Art Schablonendruck, bei dem ein Sieb aus Gewebe verwendet
wird, das straff über einen Rahmen gespannt ist.
Situationisten: Situationisten schufen bizarre, vom Surrealismus inspirierte
Interventionen in den Straßen der Stadt, die die passive Ordnung des Alltags
in Frage stellten.
Surrealismus: eine kulturelle Bewegung aus der Mitte des 20. Jahrhunderts,
die sich mit Träumen und dem Unbewussten beschäftigte.
Wheatpasting: eine Technik zum Anbringen von Plakaten mit einem Leim aus
aus Mehl und Wasser.
Zines: nichtkommerzielle und in der Regel im Eigenverlag herausgegebene
Broschüren von leidenschaftlichen Verfassern.
168

-
g l o s sa r
-
GRAFFITI-JARGON
Innerhalb der Graffiti-Communities gibt es eine Tendenz zur Entwicklung einer
kodierten Sprache mit Symbolen, Jargon und Slangbegriffen. Vieles davon ist
einfach zweckmäßig und funktional: kürzere Namen für Stile oder Materialien,
Akronyme für Crew-Namen und Abkürzungen und Spitznamen anstelle von
echten Namen.
Jargon und Slang haben den Vorteil, dass sie bestimmen, wer dazugehört
und wer nicht. Sie schließen diejenigen ein, die in der Gruppe akzeptiert werden,
während sie bewusst eine Sprachbarriere bilden, um andere auszuschließen. Abgesehen
von einer typischen Teenager-Hierarchie ist die Verwendung von Jargon
unter Graffiti- Crews wichtig, wenn die Außenseiter die Polizei sein könnten.
Auch dies entzieht sich der Übernahme durch den Mainstream oder verzögert
sie zumindest, obwohl viele Wörter und Ausdrücke aus der Hip-Hop-Kultur
heute allgemein gebräuchlich sind und wegen der coolen Mystik ihrer Herkunft
aufgegriffen werden.
All City: Ziel eines Graffiti-Writers ist, seinen Namen überall in der Stadt zu
sehen, mehr als die der anderen.
B-boying/b-girling: auch Breakdance, eine gymnastische Form des Street
Dance. Die Bewegungen stammen aus der Selbstverteidigung gegen andere
Gangs und umfassen Drehungen auf dem Kopf, den Knien und den Händen.
Bite: den Stil eines anderen unverhohlen zu kopieren oder zu stehlen. Dies
kann zu Spott, Übermalung, Durchstreichen von Tags und gelegentlich auch zu
Gewalt führen.
Black Book: Skizzenbuch eines Writers, sein ganzer Stolz. Die gängigen Exemplare
hatten einen schwarzen Einband.
Bomb: der Akt des Malens oder Markierens des eigenen Namens. Wie beim
»Bombardement« bringt der Writer seinen Namen möglichst überall an.
Bombing: hinausgehen, um Graffiti zu hinterlassen, mit der Absicht, möglichst
so viele Oberflächen wie möglich zu beschmieren.
Bubble Letters: Ballonbuchstaben, die in den 1970er-Jahren entwickelt und
häufig für »Throw-ups« verwendet werden.
Buff: Waschen, Schrubben oder Reinigen von Graffiti.
Burner: ein einfaches Graffiti, das sich von allen anderen Arbeiten abhebt. Es
ist anspruchsvoller als ein Throw-up und besteht aus mehreren Farben.
169

-
s t r e e t art
-
Cap: Kappe der Sprühdose.
End to end: ein Zug, der von einem Ende zum anderen bemalt ist, auch als »E to
E« bezeichnet.
Fill-in: ein Throw-up, bei dem der Text mit einer Farbe ausgefüllt ist.
Getting up: die Aktivität, seinen Namen an Wänden anzubringen. Wird auch in
der gleichen Weise wie »bombing« verwendet.
Going over: die Arbeit eines anderen zu übermalen. Manchmal geschieht dies
böswillig, um die Arbeit eines Rivalen oder »Toys« zu zerstören.
King: jemand, dessen Arbeit die Stadt dominiert und der sich durch seinen individuellen
Stil und seine Produktivität den Respekt aller verdient hat.
Lay-up: ein Gleisabschnitt, auf dem die Züge abgestellt werden, wenn sie nicht in
Betrieb sind.
Rack: stehlen. Wird in der Regel im Zusammenhang mit dem Diebstahl von
Malermaterialien und Sprühdosen aus Geschäften verwendet, wie z. B. »Farbe
rauben«.
Tag: Signatur des Writers.
Throw-up: Größere, aufwendigere Version eines Tags.
Top to bottom: ein Piece oder ein Throw-up, das sich über die gesamte Höhe
eines Waggons erstreckt.
Toy: Beleidigung für ungelernte Anfänger.
Whole car: ein Zugwaggon, der von außen komplett bemalt worden ist.
Wildstyle: gewachsene, komplexe, verschlungene Schriftzeichen.
Window-down: ein Piece oder Throw-up unter dem Fenster des Waggons.
Writer: Graffiti-Vandale mit Fokus auf Tags, Lettering und Styles. Wenn von den
Akteuren bei Graffiti die Rede ist, wird eher das Wort »Writer« als »Künstler«
verwendet, da viele der Beteiligten sich nicht als Künstler sehen und ihr Tun nicht
als Kunst betrachten.
170

-
l e s e e m p f e h l u n g e n
-
LESEEMPFEHLUNGEN
Brodie, Mike, Mike Brodie – A Period of Juvenile
Prosperity (TBW Books, Oakland, CA,
and Twin Palms, Santa Fe, NM, 2013)
Brodie, Mike, Mike Brodie – Tones of Dirt
and Bone (Twin Palms, Santa Fe, NM, 2014
und TBW Books, Oakland, CA, 2015)
Castleman, Craig, Getting Up – Subway
Graffiti in New York (MIT Press, Boston,
MA, 1982)
Chang, Jeff, Can’t Stop Won’t Stop:
A History of The Hip Hop Generation
(Picador, London, 2005)
Chalfant, Henry und James Prigoff Spraycan
Art (Thames & Hudson, London and
New York, NY, 1987)
Cooper, Martha und Henry Chalfant,
Subway Art (Thames & Hudson, London and
New York, NY, 1984)
Fekete, John, ed., Life After Postmodernism:
Essays on Value and Culture (Macmillan
Education, London, 1988)
Ferrell, Jeff, Crimes of Style: Urban Graffiti
and the Politics of Criminality (Northeastern
University Press, Boston, MA, 1996)
Gavin, Francesca, Street Renegades: New
Underground Art (Laurence King, 2007)
Kilgallen, Margaret et al., Margaret Kilgallen:
In the Sweet Bye & Bye (California Institute
of Arts, Los Angeles, CA, und RedCat,
London, 2005)
Lewisohn, Cedar, Abstract Graffiti
(Merrell Press, London, 2011)
Lewisohn, Cedar, Street Art: the Graffiti
Revolution (Tate Publishing, London, 2008)
Manaugh, Geoff, A Burglar’s Guide to the
City (Farrar, Straus and Giroux, New York,
NY, 2016)
McGee, Barry, Barry McGee
(Foundazione Prada, Milan, 2004)
Nguyen, Patrick und Stuart Mackenzie,
Beyond the Street: The 100 Leading Figures
in Urban Art (Gestalten, Berlin, 2010)
Perry, Roger, The Writing on the Wall
(Elm Tree Books, London, 1976)
Rose, Aaron und Christian Strike, Beautiful
Losers: Contemporary Art and Street Culture
(Iconoclast/DAP, New York, NY, 2005)
Sandhu, Sukhdev, Night Haunts –
A Journey into The London Night
(Verso Books, London, 2007)
Schacter, Rafael, Street To Studio
(Lund Humphries, London, 2018)
Waclawek, Anna, Graffiti & Street Art
(Thames & Hudson, London and
New York, NY, 2011)
Kurlansky, Mervyn und Norman
Mailer, Watching My Name Go By
(Praeger, New York, NY, 1974)
171

-
s t r e e t art
-
INDEX
Zahlen in kursiv gelten für
Illustrationen; (Z) bezieht sich
auf Zitate.
Ahern, Charlie 99(Z)
Ägypten 57
AIDS 45, 49
Akim (Spanien, *1981) 87, 144
Untitled 144
Akut siehe Herakut
Alicante, Spanien 139
Amerikanische Train-Hopper
29–30
Art Brut 55
Art Forum 100
Artful Dodger, The (A. Dee;
GB) 105
Weetabix Werbekampagne
104–5
Asmoe (Malaysia)
The Bat Cave 82
Gravitecture 68
Astor, Patti 46, 48, 48, 99
Atelier Populaire, Paris 53
Aubenas, Florence 52
Azek (Frankreich): Throw-up 80
Bagnoli Kingz Crew 81(Z)
Bambaataa, Afrika 37
Banksy (GB, *1974) 11, 16, 52,
63–5, 67, 90, 117, 132,
154, 163
Cans Festival 159(Z), 160
Dismaland 65
Dover 40, 65
Exit Through the Gift Shop
(Film) 65
Girl with Balloon 65, 67
London 17, 63
Palestine 66, 67
Phone box and pick axe 142,
142
Pulp Fiction 64
Shoreditch 18, 64
Speak Softly but Carry
a Big Can of Paint 64
Barbara 62 46
Barcelona 94, 95, 123
Barnstormers, the siehe Ellis,
David
Basquiat, Jean-Michel (USA,
1960–88) 11,
48, 49, 52, 135, 154
Charles the First 10
Beat Street (Film) 100
Beautiful Losers 60–61, 134
Berlin 122, 144, 144, 156,
156–7, 157
Urban Nation Museum 153
Big Dada 103
Blek le Rat (Xavier Prou;
Frankreich, *1951) 16, 52–3
The Man Who Walks Through
Walls 53
Blondie 43, 46
Blu (Italien) 141
Big Bang Boom (Film) 141
Wandbilder 156, 157, 157
Bodé, Mark (USA, *1963):
Bodé Characters 118
Bodé, Vaughn 119, 119(Z)
Cheech Wizard 119
Braque, Georges 135
Brassaï, George 30–31,
103, 135
‘From the Cave to the
Factory Wall’ 55
Graffiti 31
Breakdancing 36, 36, 37
Brodie, Mike: ‘A Period
of Juvenile Prosperity
#1051’ 30
Bruni, Claudio 38–9
BT 142(Z)
Bubble Letters 79, 80, 115, 141
»Buffing« 90–91
Busk (GB): A piece 81
Busy Bee 100
C215 (Frankreich, *1973) 133
Nina 133
Cairo 57, 58–9
Campbell, Thomas 61
Candie (GB) 115
Neon Bandit 115
Cap 99
CCTV 75, 90
Celluloid Records 103
Chalfant, Henry (USA, *1940)
99, 103
Spraycan Art (mit Prigoff)
45, 101, 101, 104, 119
Style Wars 99
Subway Art (mit Cooper)
45, 100, 100–1, 104
Che 159 76
Christie’s Auktionshaus 154
Chrome Angelz, The (TCA)
9, 119
CIA (Crazy Inside Artists) 44
Clark, Gordon Matta 11
Cliff 179 71
Cold Crush Brothers 99
Cooper, Martha (USA, *1942)
103
Lady Pink on Subway 47
Subway Art (mit Chalfant)
45, 101, 101, 104
Wildstyle mural with crew 98
Cornbread (Darryl McCray;
USA, *1953) 25, 32–3,
103
Cornbread Has Retired 24,
33
Cost 142
Costello, Craig siehe KR
Crash 44, 46(Z), 99
Cripta Djan (Brasilien,
*1984) 70
DAIM (Mirko Reisser;
Deutschland, *1971) 117,
117(Z)
DAIMwave – wave 117
Dandridge, Frank 103
Davidson, Bruce (USA, *1933):
Subway 13
Daze 36(Z), 46(Z), 99
Debord, Guy 54
Society of the Spectacle 54
Dee, A. siehe Artful Dodger,
The
Delta (Boris Tellegen;
Niederlande, *1968)
87, 148
Installation 149
Lucy Nomad Pavilion,
Deventer 148
Dez 36(Z)
D*Face (Dean Stockton; GB,
*1978) 119, 122, 153, 154(Z)
Her Royal Hideous 155
Love Won’t Tear Us Apart
120–21
Mortuus Vivens Regina
(vanilla) 155
DJs 37–8, 46
Doc 44
Dondi (Donald Joseph White;
USA, 1961–98) 43–5, 48,
99, 99(Z)
Children of the Grave, part II
44, 44–5
Donnelly, Brian siehe KAWS
Downey, Brad (USA, *1980)
144–5
Baby Stop Sign (mit Leon
Reid IV) 145
Dreph (Neequaye Dreph
Dsane; GB, *1973)
172

-
i n d e x
-
Bboy Prokid 96, 129, 129
Maya Ghazal 21
Schlagschatten 79–80, 141
Dubai 146, 146
Dubuffet, Jean 31, 135
Duro 44
École des Beaux-Arts, Paris
53, 54
Eine, Ben (GB, *1970) 11, 114
Truth 114
Twenty-First Century City 114
Ellis, David (USA, *1971), und
the Barnstormers 141
No Condition is Permanent
140
Elsie 137 76
Eltono (Frankreich, *1975) 137
Furtive painting 137
Eoin (Irland) 113
Sea and Sky 113
Untitled 112
ESPO (Steve Powers; USA,
*1968) 90–91, 140(Z)
Eva 62 46
Fab 5 Freddy 36, 43, 48, 97
»Change The Beat« 103
FAILE (Patrick McNeil, USA,
*1975; Patrick Miller, USA,
*1976) 16, 134
Modern Living 134
Fairey, Shepard (USA, *1970)
16, 61
Andre the Giant Has a Posse
61, 61, 63
Obama Hope 62, 63
Obey 14, 15
Projekte 153
Farto, Alexandre siehe Vhils
Filmprojektion 141
Foxtons (Immobilien) 105–6
Frost, Phil 61
Fume 77(Z)
Futura 2000/Futura (USA,
*1955) 45–6, 48, 48,
103, 148
The Break Train 45
Galerien 153–4
Ganzeer (Ägypten, *1974) 57
Tank vs. Bike 58–9
Girls On Top 115(Z)
Graffiti 9, 11–16, 18, 19, 21, 22,
23, 30, 31, 54–5,
76–7, 154, 163, 164
Grandmaster Flash 99
Griaule, Marcel 55
Halpin, Daniel siehe Tox
Haring, Keith (USA, 1958–90)
11, 48–9, 154
Crack is Wack 50–51
Harrington, Conor 151
Haze 103
Helten, Guido van (Australien,
*1986): Untitled 150, 165
Henke, Lutz 157
Herakut: Hera (Jasmin
Siddiqui, Deutschland,
*1981) und Akut (Falk
Lehmann; Deutschland,
*1977) 122
My Home Might Be No
Palace, But We Can Share It
If You Like 122
Hicks, Logan 52
Hip-Hop 36–8, 77, 99, 101,
103, 103, 153
Hitotzuki (Kami und Sasu;
Japan) 136–7
Mizukagami 136
Hockney, David 53(Z)
Holzer, Jenny 11, 46, 49
Hugo, Victor 28–9
Installationen 2, 108, 117, 132,
133, 135, 144, 144, 146,
146–7, 148, 149
Internet 106–7, 109, 141
Invader (Frankreich, *1969)
16, 99
Making of NY 179 86, 99
Irland 112, 113
Iz The Wiz 99
Jazz Fudge 103
Jekaterinburg, Russland
147, 147
Jenkins, Mark (USA, *1970)
143
Untitled 143
»jkjkj« Lettering 153
Johanson, Chris (USA, *1968)
61, 134
Changing Before Your
Very Eyes 60
Jones, Grace 49
Jones, Darius siehe Reid,
Leon IV
JR (Frankreich, *1983) 67,
128, 157
Picnic at the USA–Mexico
Border 128, 128
Kami siehe Hitotzuki
Kase 2 46(Z), 83
KAWS (Brian Donnelly; USA,
*1974) 126
Untitled (Maidenform) 127
Kel 139 44
Kettenreaktion, Schweiz 153–4
Kid 56 44
Kiew, Ukraine: Portrait (van
Helten) 150, 165
Kilgallen, Margaret (USA,
1967–2001) 61, 134–5
Main Drag 135, 135
Kilroy 32
Kilroy Was Here 32
Kinsey, Dave: BLK/MRKT 153
Kool Herc 37–8, 39
Koso (Italien, *1982):
A piece 81
KR (Craig Costello; USA,
*1971) 72–3, 73
Kraftwerk 37
Krink 72, 72–3
Kyselak, Joseph (Tschech. Rep.,
1798–1831) 28
Signature 29
Lady Chock 115(Z)
Lady Pink (USA, *1964) 41,
46, 47, 99
Lavelle, James: Mo’Wax
Plattenlabel 46
Leary, Timothy 49
Lehmann, Falk siehe Herakut
Lettering 11, 12, 19, 43, 44,
45, 64, 76, 79, 82, 83,
105, 113–15, 117, 141, 145,
148, 153, 170
LeWitt, Sol 11
Lindsay, Mayor John 36
London 63–5, 66, 71, 77–8,
115, 138
Hackney 91–3
Leake Street Tunnel 158–9,
160
Royal Opera House
Hoarding 119
Shoreditch 18, 153
Soho: Phone box and pick
axe (Banksy) 142
StolenSpace Gallery 153
Three Corners Adventure
Playground, 81(c)
Los Angeles 43, 65
BLK/MARKT 153
Subliminal Projects 153
LOTA (Ladies of the Arts) 46
Luzhi, China 164(Z)
LX 138(Z)
McCarthy, Alicia 134
McCray, Darryl siehe
Cornbread
McDonalds 105
McGee, Barry (USA, *1966)
38, 61, 117, 126, 134, 135(Z)
Houston Street and the
Bowery 110, 116
McNeil, Patrick siehe FAILE
Madonna 49, 52
Madrid 137, 138
Mailer, Norman 15
Manaugh, Geoff: The Burglar’s
Guide to the City 87
Mantovani, Leandro 70(Z)
Marco 67
Mare 139 44
Marker-Stifte 72, 74
Marrakesch Biennale, Marokko
138, 138
Martinez, Hugo 38
Meiselas, Susan (USA, *1948):
Sandinista rebel
56, 57
Miller, Patrick siehe FAILE
Millo (Italien) 67
Protection 166–7
Mills, Mike 61
Miró, Joan 31
Miss Tic (Frankreich, *1956) 75
Miss Van (Frankreich, *1973)
16, 123
La Symphonie des Songes
123, 123, 124–5
MOBSTR (GB) 91
The Curious Frontier of Red
91–3
Mode2 (Mauritius–GB, *1967)
101, 119
Molotov Man 56, 57
Mora, Nuria (Spanien) 138
Untitled 139
Motown Records 103
Mo’Wax 46, 103
Mozgi, Ilja (Russland) 147
Noterday 152
Murakami, Takashi 126
MVIN (Frankreich): 100
Persianas (100 Shutters)
84, 94, 95
Naco siehe Dondi
Nara, Yoshitomo 126
New York 16, 21, 33, 34–6,
43–6, 48–9, 52, 83, 90,
99, 101, 118, 119, 142–3
CBGB 46
5 Pointz 160, 161
173

-
s t r e e t art
-
Fun Gallery, East
Village 48, 48(Z)
Graffiti Hall of Fame 36
Smack Mellon Gallery,
Brooklyn 140, 141
Tattoo Seen 43
New York Times 34, 39, 104,
109
New York Transit Authority/
Trains 15, 34, 35, 36, 38,
39, 43, 44–5, 49, 73, 90,
101, 104
Nicaragua: »Molotov Man«
56, 56–7
Ninja Tune 103
Niort, Frankreich 137
Nordirland 55, 55–6
Obama, Präsident Barack 114
Obama Hope (Fairey)
62, 63
Oker 77(Z)
Ono, Yoko 49
OSGEMEOS (Gustavo und
Otavio Pandolfo) 117,
122–3
Pandolfo, Gustavo und Otavio
siehe OSGEMEOS
Pangilinan, Manny (Wello 907)
140, 141
Paris 30, 31, 52, 53, 118,
120–21, 130–31, 143
Atelier Populaire 53–4,
54(Z)
École des Beaux-Arts 53,
54
Phase 2 83
Philadelphia 27, 33, 90
Moore College of Art and
Design 46
»Philly style« 33
Picasso, Pablo 30, 135
Pieces 80, 81, 101
Pixação Writers/Pixadores
70, 71(c), 78, 78–9
Pompeji: Graffiti 27–8, 28
Porträts 128–9, 132–3, 128–33
Powers, Steve siehe ESPO
Prähistorische Höhlenmalerei
26, 27
Prigoff, James, und Chalfant,
Henry: Spraycan Art 45,
85, 101, 103, 104, 119
Primitive Kunst 55
Pure Evil 153
Quiñones, Lee (USA, *1960)
38, 43, 48, 99
Hell Express 44–5
Rammellzee 37
»Beat Bop« (mit K-Rob)
102
Rasta 44
Plattencover 102, 102–3
Reid, Leon IV (Darius Jones;
USA,*.1979) 144–5
Baby Stop Sign (mit
Downey) 145
Rétif, Nicolas-Edme 55
Retro-Stile 134–5
REVOK, Jason (USA, *1977)
23(Z)
Spirograph Spray-Painting
R/B 1 22
Revolt 48, 99, 99(Z)
Revs 16, 142–3
Riboud, Marc (Frankreich,
1923–2016): geheimer
Drucker an der École des
Beaux-Arts 54
Rock Steady Crew 100
Rohan, Marc: Paris 68 54
Rojas, Clare E. 61
Römisches Graffiti 27–8, 28
Romero, Librado: Taki 183
. . . 35
Rose, Aaron 60
Rosenberg, Anita (USA):
Futura and Patti Astor 48
Rough, Remi (GB, *1971) 138
Mural for MB6 4, 138
Roussimoff, André 61, 61, 63
Russia 147, 152(Z), 153
St. Petersburg: Street Art
Museum 152, 153
Samo siehe Haring, Keith
San Francisco 73, 117, 118,
134–5
San Sebastian, Spanien 143(Z)
Sands, Bobby 55(Z)
São Paulo 71(Z), 78, 78–9,
122–3, 153
Sasu siehe Hitotzuki
Scharf, Kenny 11, 48
Schiller, Marc 107
Wooster Collective (mit
Sara Schiller) 107
Scott, A. O. 99
Scratchies 73
SEEN (Richard Mirando; USA,
*1961) 43, 46(Z), 99
MTA Serie 42
Shabazz, Jamel 103
Sharp 99(Z)
Siddiqui, Jasmin siehe Herakut
Silver, Tony 99
Situationisten 54–5, 143
Skeme 36(Z), 46(Z), 99
Slava PTK 147
Slinkachu (GB, *1979) 146–7
From a Great Height 146
Landscape Painting 108
Little People in the City 147
Solo One (GB)
Postaufkleber mit Tags74
Somoza, Anastasio 56, 57
Sotheby’s Auktionshaus
67, 154
Sprühdosen/Sprühfarbe 73–4,
77, 80–82, 91, 112,
114–18,
120–21, 129, 133, 138,
156–9, 161–2, 165
Squerm siehe Ellis, David
Stak 117
Stalin, Josef 32
Stallabrass, Julian 113
Stay High 149 76, 83
Stelling, Bill 48
Schablonen 17, 52–3, 53, 56,
57, 58–9, 62, 66, 74, 75,
75, 95, 141
prähistorisch 26
Sticker 14, 61, 61, 74, 74, 87,
95, 141
Street Art 11, 12, 16, 18–19, 22,
88–9, 154, 163–4
Strike, Christian 60
Style Wars (Film) 99
Swoon (Caledonia »Callie«
Curry; USA, *1971)) 16,
52, 132–3
»The Canyon« (Installation-
Shot) 2, 132
Swimming Cities of
Serenissima 133
Swimming Cities of
Switchback Sea 133
Tagging/Tags 11, 12, 13, 15, 19,
29, 30, 32, 33, 34, 37, 38,
48, 49, 71, 75–9, 77, 101
Taki 183 (Dimitrios; USA) 34,
35, 37, 39, 76, 103, 104
Talking Heads 46
Tàpies, Antoni 31
TCA siehe Chrome Angelz,
The
Teach 77(Z)
Tellegen, Boris siehe Delta
Templeton, Ed 61
Throw-ups 79–80, 80, 95
Tokyo: Store 114
TOP (The Odd Partners) 44
Top Cat 126 33
Toulouse 123, 123, 124–5
Rose Béton Festival 149
Tox (Daniel Halpin; GB, *1985)
71, 77–8
TOX.03 77, 77
Tracy 168 69, 83, 99(Z)
Train-Writer 71, 77–8, 114,
115(Z), 129
Typografie 82, 113, 163 siehe
Lettering
Udmurt (Russland) 147
Lorry 147, 147
United Graffiti Artists 38
Urban Art 22–3
Urban Art Biennale,
Deutschland 153
Urban Discipline Ausstellungen
(2000–2002) 117
Valparaíso, Chile: bemalte
Wand 162
Vhils (Alexandre Farto;
Portugal, *1987)
67, 129, 132
Scratching the Surface
20, 130–31
Village Voice 100
Völklinger Hütte,
Deutschland 153
Wall Street Journal 109
Warhol, Andy 49, 52
Wello 907 siehe Pangilinan,
Manny
Werbung 105, 105–6, 126, 127
Wild Style (Film) 36, 43, 46, 99
Wildstyle-Graffiti 82(Z), 83
Wolkoff, Jerry 160
Wonder, Stevie: »Down to
Earth« 103
Zedz 117
Zephyr 48, 99, 99(Z)
Zomby 77(Z)
Zonk 77(Z)
174

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b i l d n ac h w e is e
-
BILDNACHWEISE
o oben u unten
Cover vorn: D*Face Studios; 2 Foto Tod Seelie, m. frdl. Gen. Swoon Studio; 4 Foto Remi Rough; 8 Bild m. freundl. Gen. d. Künstlers u.
Library Street Collective; 10 Foto Enrico Navarra Gallery. Foto © 2019, ADAGP Images, Paris/SCALA, Florenz. Artwork © The Estate
of Jean-Michel Basquiat/ADAGP, Paris and DACS, London 2019; 13 © Bruce Davidson/Magnum Photos; 14 M. freundl Gen. Shepard
Fairey/obeygiant.com; 17, 18 M. freundl Gen. Control Office; 20 Foto Alexandre Farto; 21 Foto Yazzy BM; 22 Bild m. freundl. Gen.
d. Künstlers u. Library Street Collective; 24 Special Collections Research Center, Temple University Libraries, Philadelphia, PA. Mit
Genehmigung von Philadelphia Inquirer Copyright © 2018. All rights reserved; 26 Fadil Aziz/Alcibbum Foto/Getty Images; 28 Tony Lilley/
Alamy Stock Photo; 29 ®kyselakproject. Foto Chico Klein; 30 © Mike Brodie; 31 © Estate Brassaï - RMN-Grand Palais. Foto Centre
Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais/Adam Rzepka; 32 William S. Kuta/Alamy Stock Photo; 33 Special Collections
Research Center, Temple University Libraries, Philadelphia, PA. Mit Genehmigung von Philadelphia Inquirer Copyright © 2018. All rights
reserved; 35 © Librado Romero/New York Times/ Redux/eyevine; 36 Michael Ochs Archives/Getty Images; 40 M. freundl Gen. Pest
Control Office; 42 Courtesy Graffiti Loser; 44–5 beide © Henry Chalfant/ARS, NY and DACS, London 2019; 47 © Martha Cooper;
48 © Anita Rosenberg; 50–51 Keith Haring artwork © Keith Haring Foundation; 53 Artwork Xavier Prou © ADAGP, Paris and DACS,
London 2019. Foto Sybille Prou © ADAGP, Paris and DACS, London 2019; 54 © Marc Riboud/Magnum Photos; 55 Homer Sykes
Archive/Alamy Stock Photo; 56 © Susan Meiselas/Magnum Photos; 58–9 © JoAnna Pollonais; 60M. freundl Gen. d. Künstlers Altman
Siegel, San Francisco; 61, 62 M. freundl Gen. Shepard Fairey/obeygiant.com; 65, 66 M. freundl Gen. Pest Control Office; 68 Foto
Asmoe; 70 Leandro Mantovani; 72–3 Courtesy Krink; 74 Solo One; 75 Miss Tic © ADAGP, Paris and DACS, London 2019; 77 Dave
Stuart; 78 Patricia Monteiro/Bloomberg/Getty Images; 80 Azek © ADAGP, Paris and DACS, London 2019; 81o Simon Armstrong;
81u Koso; 82 Foto Asmoe; 84 MVIN; 86 Invader © ADAGP, Paris and DACS, London 2019; 91, 92–3 MOBSTR, www.mobstr.org;
94 MVIN; 96 Foto Falko one; 98 © Martha Cooper; 100, 101 M. freundl Gen. Thames & Hudson Ltd., London; 102 Publisher Tartown
Record Co., New York, NY. Committee on Prints and Illustrated Books Fund, Museum of Modern Art (MoMA), New York, acc. no.
854.2013.25. Foto 2019, Digitalfoto, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florenz. Artwork © The Estate of Jean-Michel
Basquiat/ADAGP, Paris and DACS, London 2019; 104–5 The Artful Dodger; 108 Slinkachu; 110 Foto Farzad Owrang. Courtesy Ratio 3,
San Francisco, CA, and Cheim & Read, New York, NY; 112 Eoin, www.artbyeoin.com; 114 Denham the Jeanmaker; 115 Photo Amy Ash;
116 Foto Farzad Owrang. Courtesy Ratio 3, San Francisco and Cheim & Read, New York, NY; 117 M. freundl Gen. Privatsammlung. Foto
MRpro. © Mirko Reisser (DAIM). © DACS 2019; 118 Mark Bode; 120–21 D*Face Studios; 122 Foto Herakut; 123, 124–5 Benjamin
Roudet; 127 M. freundl Gen. des Künstlers; 128 JR-Art-net; 129 Foto Falko one; 130–31 Foto Alexandre Farto; 132 Foto Tod Seelie,
M. freundl Gen. Swoon Studio; 133 C215 © ADAGP, Paris and DACS, London 2019; 134 FAILE; 135M. freundl Gen. The Estate of
Margaret Kilgallen and Ratio 3, San Francisco, CA; 136 Hitotzuki; 137 Eltono; 138 Foto Remi Rough; 139 Foto Jordi Arques. Artwork
Nuria Mora © DACS 2019; 140 Foto Anthony Hamboussi; 142 M. freundl Gen. Pest Control Office; 143 Foto Mark Jenkins; 144 Foto
Thomas Krüger; 145 Leon Reid IV (Darius Jones); 146 Slinkachu; 147 Udmurt; 149 Boris Tellegen; 150 Guido van Helten; 152 Ilya Mozgi;
155 D*Face Studios; 156–7 Fotos Outblissed; 158–9 James French; 161 Andrew Burton/Getty Images; 162 © Matt Fox-Tucker/BA
Street Art, www.buenosairesstreetart.com; 165 Guido van Helten; 166–7 Artwork Millo, M. freundl Gen. des Künstlers www.millo.biz
175

www.artessentials.de
www.midascollection.com
IMPRESSUM
© 2022 Midas Collection
ISBN 978-3-03876-213-3
Herausgeber: Gregory C. Zäch
Übersetzung: Claudia Koch
Korrektorat: Kathrin Lichtenberg
Layout: Ulrich Borstelmann
Midas Verlag AG
Dunantstrasse 3
CH 8044 Zürich
www.midas.ch
Englische Originalausgabe:
Street Art © 2019
Thames & Hudson Ltd, London
Text © 2019 Simon Armstrong
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Deutschen Nationalbibliografie;
detaillierte bibliografische Daten sind
im Internet abrufbar unter:
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QUELLENANGABEN
Front-Cover: D*Face (Dean Stockton), Love Won't Tear Us Apart, Sprühfarbe und
Farbemulsion, Paris, 2017 (Detail von S. 120–21)
Titelseite: Swoon,Installationsaufnahme von Swoons Retrospektive »The Canyon«, 2017
(Detail von S. 132)
Seite 4: Remi Rough, Wandgemälde für MB6 Marrakesch Biennale, 2016, Marrakesch
(Detail von S. 138)
Kapiteleinstiege: Seite 8 Jason REVOK, Detail von Obround Spirograph #1, 2018, Akryl
und Synthetik-Polymer auf Leinwand, 182,9 x 294,6 cm. Privatsammlung;
Seite 24 Cornbread (Darryl McCray), Cornbread Has Retired, 1971 (Detail von S. 33);
Seite 40 Banksy, Dover (Detail von S. 65), 2017; Seite 68 Detail von Asmoe, Graffitecture,
2018, Seremban, Malaysia; Seite 84 MVIN, 100 Persianas (100 Shutters), 2016,
Barcelona (Detail von S. 94); Seite 110 Barry McGee, Houston Street and the Bowery,
2010 (Detail von Seite 116); Seite 150 Guido van Helten, Untitled, 2015, Kiew (Detail von
Seite 165)
Zitate: Seite 9 übersetzt aus Chalfant, Henry und James Prigoff, Spraycan Art (Thames
& Hudson, London and New York, NY, 1987), S.72; Seite 25 übersetzt aus Cornbread
(Darryl McCray) zitiert in Sandra Shea, »The legend of Cornbread«, Philadelphia Inquirer,
22. September 2014;
Seite 41 übersetzt aus Lady Pink interviewed by Sacha Jenkins in Henry Chalfant und
Sacha Jenkins, Training Days: The Subway Artists Then and Now (Thames & Hudson, London
and New York, NY, 2004), S.101; Seite 69 übersetzt aus Tracy 168 in Craig Castleman,
Getting Up: Subway Graffiti in New York (The MIT Press, Boston, MA, 1982); Seite 85
übersetzt aus Chalfant, Henry und James Prigoff, Spraycan Art (Thames & Hudson,
London and New York, NY, 1987), S.8;
Seite 97 übersetzt aus Fab 5 Freddy interviewed by Alex Gale in 2013, thirty years after
the Wild Style movie was released: www.complex.com/pop-culture/2013/10/oral-historywild-style;
Seite 111 übersetzt aus Nicholas Ganz, Graffiti World: Street Art from Five
Continents (Thames & Hudson, London and New York, NY, 2009), S.91; Seite 151 Conor
Harrington in Patrick Nguyen und Stuart Mackenzie (eds), Beyond the Street (Gestalten,
Berlin, 2010), S.22; Seite 157 übersetzt aus Lutz Henke, »Why we painted over Berlin’s
most famous graffiti«, Guardian, 19. Dezember 2014

ART ESSENTIALS
-
»Eine übersichtliche und ausgezeichnet
recherchierte Referenz für eine wichtige
Bewegung – Armstrongs Einblicke sind
faszinierend.«
-
Remi Rough
www.midas.ch | € 14.90
ISBN: 978-3-03876-213-3
MIDAS