Musiker Magazin 2/2022

C 10973 F | N o 2/22 | 6,00 Euro 

Kulturzeitschrift für Rock & Pop Musiker 

www.musiker-online.tv 

Ole Ohlendorff 

»Let The Good Times Roll« 

Die Historie der 

Rock- & Popmusik 

Drei Pioniere: 

Alexis Korner, Cyril Davies, 

Graham Bond 

Lisa Fitz 

Deutsche Kabarettistin 

und Trägerin des Bayerischen 

Verdienstordens 

TOKUNBO 

40. Deutscher 

Rock & Pop Preis 

am 17. Dezember 2022

DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG, MUSIKER MAGAZIN UND TASCAM 

PRÄSENTIEREN 

Die verschiedenen Deutschen Rock- und Pop-Preise werden in folgenden Sparten verliehen: 

8 Hauptkategorien: 

Rock, Pop, Hard Rock, Funk & Soul, 

Alternative/Independent, Singer-Songwriter, Singer, Country 

119 Sonderkategorien: 

Rock, Pop, Funk & Soul, Hard Rock, Alternative, Metal, Jazz-Rock, Rhythm & Blues, New Age, 

Reggae, Latin-Pop, Folkrock, Country, Gospel, Musical, Punk, Fusion-Jazz-Rock, 

Gothic/Wave, Weltmusik, Hip-Hop, Schlager, Filmmusik, Kinderlieder, 

Experimental, Fusion, Hardcore, Industrial, Progressiv, Ska, New Metal, Trance, Elektronik, Dancehall, Elektropop, 

Blues, Rock’n’Roll/Rockabilly, Cover/Revival, A Capella, Tonstudio, 

Independent-Label, Independent-Musikverlag, Booking-Agentur, Musikmanager, Musikproduzent, 

Förderung der Rock- & Popmusik, Lebenswerk, neuer Rock- & Popkünstler, CD-Album (deutschsprachig), 

CD-Album (englischsprachig), Studioaufnahme, Single, Song (deutschsprachig), Song (englischsprachig), 

Musikvideo, beste Komposition, deutscher Text, Booklet und Inlaycard, 

Instrumentalband, Instrumentalsolist, Instrumentalalbum, bester Gitarrist, bester Keyboarder, bester Schlagzeuger, 

bester Bassist, bester Percussionist, bestes Arrangement, bestes Blasinstrument 

an Nachwuchsmusikgruppen, Einzelmusiker & Sänger*innen sowie an Profimusiker 

Anmeldegebühren pro Kategorie: € 20,– DRMV-Mitglieder / € 30,– DRMV-Nichtmitglieder (Bitte den Bewerbungsunterlagen beilegen.) 

Teilnahmegebühr: € 100,– je Sparte bei Auswahl durch die Bundesjury 

(Kostenlos: 50 Festival-Eintrittskarten im Wert von € 1000,– für eigene Gäste/Fans) 

INFOS: Deutsche Popstiftung • Kolberger Straße 30 • 21339 Lüneburg 

Telefon: 0 41 31/ 23 30 30 • E-Mail: info@drmv.de / info@deutschepopstiftung.de 

ANMELDEFORMULAR: www.musiker-online.com/festival-konzept/anmeldung 

Gefördert aus Mitteln der Deutschen Popstiftung, 

des Deutschen Rock & Pop Musikerverbandes e.V., des Kulturellen Jugendbildungswerkes e.V. 

Bisher publiziert und gesendet vom ZDF (Heute Journal, Aspekte, 3SAT), der ARD (BR, SWF, SR, WDR, NDR, HR) sowie VH-1 und SAT1. 

Jährlich publiziert über dpa in über 2.000 Tageszeitungen und Musikzeitschriften. 

17. Dezember 2022 – Siegen 

Kongresszentrum Siegerlandhalle

EDITORIAL 03 

JETZT 

BEWERBEN! 

Bewerbungsfrist: 1. September ’22 

s gibt bis heute kein Festival, keine Konzert veranstaltung und kein 

E Riesenfestival mit Super stars, das eine derart bundesweite große, 

um fangreiche und positive Medienresonanz seitens der Tageszeitungen 

und auch vieler Zeitschriften erhält, wie der jetzt seit 40 Jahren auf ge mein - 

nüt ziger Basis erarbeitete Deutsche Rock & Pop Preis. Das haben unsere 

Medienanalysen der letzten 20 Jahre mithilfe großer, bundesweit ar bei ten - 

der Ausschnittdienste eindeutig ergeben: 2018: 686 Artikel, 2019: 550 

Artikel, Corona ausfall/virtuell 2020: 510 Artikel, Corona ausfall/vir tuell 2021: 

(Ergebnis Ende April) 

Das zeigt: Die Tageszeitungen in Deutschland haben den Wert und die 

Bedeutung dieser musikalischen Kulturveranstaltung und der Jury-Preis - 

auszeichnungen nach 40 Jahren ständiger Berichterstattung erkannt. (Und 

wenn irgendwann einmal ein schräger Bericht irgendwelcher desinformier- 

ter Journalisten veröffentlicht wird, dann macht das vor diesem Hinter grund 

der zahllosen positiven und begeisterten Zeitungsberichte auch nichts aus. Wir 

sagen dazu: „Let it be …“) 

Es gibt zudem auch keinen einzigen Musik wett bewerb in Deutschland, 

der eine derart große Anzahl von heute renommierten und bekannten Musik - 

gruppen und Musikinterpreten nach der Preis auszeichnung (mittels einer 

großen und perfekt gestalteten Urkunde) mithilfe dieser großen Kultur ver - 

anstaltung hervorgebracht hat. Unser seit nunmehr 43 Jahren selber herausgegebenes 

Musiker Magazin (Auflage 20 000) mit mehrseitigen Foto-/ 

Text-Interviews der Preisträger der Hauptkategorien und unsere aktive Hilfe bei 

der Suche nach den richtigen Tonträgerfirmen unterstützen die Musi ker*innen 

auch nach dem Wettbewerb. Wer wie auf einer Jahrmarkt ver anstaltung auf 

Geld gewinne, Sach preise, nutz lose Label ver träge, „Zuschauer-Abstim mun - 

gen“, Auswahl der Preis träger ohne Juroren nach der Höhe ihrer Ton - 

träger- oder Digitalverkäufe spekuliert, sollte sich bei einem der zahllosen 

Ama teur- oder Musikwett bewerbe der – nicht mehr existierenden – Musik - 

industrie (die ohne Juroren ar bei te ten) als Amateur be werben! Und als 

weg weisen des Ur beispiel: Auch bei den Grammy-Ver leihungen gibt es 

keine Geld- oder Sach preise und auch automatisch keine Schallplatten- 

Ton träger ver träge. Die Ein la dungs ge büh ren be tragen dort für die zur dortigen 

Preis ver leih ungs gala ein geladenen Teil neh mer über 2 000 Dollar und 

nicht wie bei uns lediglich 100 Euro pro Einzel sparte. 

WEITERE INFORMATIONEN: WWW.MUSIKER-ONLINE.COM 

AM 17. DEZEMBER 2022 | IN DER SIEGERLANDHALLE | SIEGEN

04 SHORT-TAKES 

FESTIVAL 

02 Deutscher Rock & Pop Preis 2022 – 

Plakat 

09 Deutscher Rock & Pop Preis 2022 – 

Konzept 

STORIES 

13 Lisa Fitz – Die renommierteste 

deutsche Kabarettistin und Trägerin 

des Bayerischen Verdienstordens 

16 ROCKENBOLLE – 

Die Cowboys aus der Hölle 

20 TOKUNBO – »Golden Days« 

26 David Beta – Seine Songs sind ein 

Mix aus Pop und Singer-Songwriter 

mit Hip-Hop-Einflüssen 

28 BRENNPUNKT – Rockt dich mit 

authentischen deutschen Texten 

30 EDELMEER – Zwei top-erfahrene 

Musiker mit Spaß und Hingabe 

für den deutschen Popschlager 

33 Buffy Wallborn – 

(Ist) keine für eine Schublade 

36 Die Geschichte von EPOS 

38 Ole Ohlendorff – 

Let The Good Times Roll 

43 Die Historie der Rock- & Popmusik: 

Drei Pioniere: Alexis Korner, 

Cyril Davies, Graham Bond 

50 SEYRAN – 

Ein musikalisches Gesamtpaket 

52 BIRDS ON PLANES – Sie liefern 

eine energiegeladene Liveshow, 

bei der die Ohren Augen machen 

54 Melissa Kross – 

Ich bin ein „Showgirl“ 

56 25 Jahre 

Alfred Music Publishing GmbH 

RUBRIKEN 

04 Musiker-News 

57 Produkt-News 

64 CD-Rezensionen 

65 Titelschutzanzeigen 

66 Kleinanzeigen 

66 Impressum 

TITELFOTO: © ANNE DE WOLFF 

DAS VINYL DER ZUKUNFT 

Wie die Musikindustrie sich mit NFTs und digitalen Bands 

neue Einnahmequellen erschließen will 

„Musikfestivals auf der Blockchain“ – das klingt 

zunächst natürlich eher nach einem der üblichen 

Schlagwörter-Remixe, die wenig inspirierte Digital - 

propheten in ihrer Mittagspause ersinnen, um ein 

paar mickrige Fördergelder abzugreifen. Tat - 

sächlich sollen gleich mehrere dieser Veran stal - 

tungen in den kommenden Wochen stattfinden, 

im Internet logischerweise, und zwar mit durchaus 

hochkarätigem Line-up, das auch angesagte 

und hochkredible Clubs füllen könnte. 

Bei genauerem Hinsehen entpuppen sich die 

„Festivals“ dann auch weniger als digitale Ent - 

sprechung von Moshpit-Romantik und Camping- 

Exzess, sondern eher als unterkühltes, weil eben 

auf digitaler Technik basierendes NFT-Projekt. Für 

ein Investment in Form von Kryptowährungen 

erhalten Liebhaber kurze Soundschnipsel, eventuell 

garniert mit einem exklusiven animierten GIF 

als Sahnehäubchen. Das, was man früher als 

Hidden Track bezeichnete. Ein kleines Aha-Er lebnis 

für die Fans. 

Könnten die in letzter Zeit so viel gescholtenen 

Datei-Unikate tatsächlich einen subkulturellen Wert 

haben? Kann es gar eine digitale Ent sprechung 

des Vinyl-Junkies geben, der seine Freizeit haupt - 

sächlich in schummrigen Platten läden verbringt? 

Dass strauchelnde Künstler neue Formen der 

Monetarisierung erproben, kann man ihnen kaum 

verdenken. Immerhin ist das heute gängige Ein - 

kommensmodell des Musikstreamings fun da men - 

tal ungerecht. Es sind natürlich nicht nur die kleinen 

Musikschaffenden, die sich durch die Mittel 

der Kryptoszene ein bisschen besseres Ein kom - 

men erhoffen. Auch die Major-Labels mischen 

mit. Sowohl Warner als auch Universal sind in 

den letzten Monaten eine ganze Reihe von Ko - 

operationen mit Metaverse- und NFT-Platt formen 

eingegangen. Etwa mit der Audio-NFT-Plattform 

Oneof.com oder der virtuellen Welt „The Sandbox“. 

Oana Ruxandra, ihres Zeichens Chief Digital 

TEXT: Michael Moorstedt | QUELLE: www.sueddeutsche.de/kultur/netzkolumne-musikindustrie-1.5601591 

Officer bei Warner, bezeichnet die Zusammen - 

arbeit als „neue Möglichkeit für noch mehr En ga - 

gement, die es uns, unseren Künstlern und ihren 

Fans ermöglicht, gemeinsam etwas zu schaffen 

und eine Gemeinschaft aufzubauen“. Dreh- und 

Angelpunkt dieser neuen Form der Interaktion ist 

die Chat-Plattform Discord. Dort, so weiß das ehe - 

malige Hipster-Magazin Pitchfork, könnten Fans 

„zu den besten Freunden ihrer Idole werden, mit 

ihnen kollaborieren oder unbezahlte Praktikanten 

sein“. Früher hätte man das wohl als Traum eines 

jeden Popanhängers beschrieben. 

Hört man auf die Aussagen der verantwortlichen 

Labelmanager, hat das Fan-Dasein freilich 

auch in dieser neuen Auslegung des Internet vor 

allem mit Konsum zu tun. Platten, Streams, Kon - 

zert tickets und analoge Merchandising-Produkte 

reichen nicht mehr aus. Ideen holt man sich dabei 

unter anderem aus der Videospielindustrie. Dort 

ist es unter Fans schon seit langer Zeit gängig, 

digitale „Skins“, also etwa Kostüme für die eigene 

Spielfigur, für bares Geld zu erstehen. In - 

zwischen handelt es sich dabei längst um einen 

Milliardenmarkt, und wenn Ruxandra sagt, dass 

man auf diese Weise „inkrementell monetarisieren“ 

könne, hört sich das beinahe wie eine Dro - 

hung an. 

Universal Music hat derweil einen Act erdacht, 

der ausschließlich in virtuellen Welten existiert. 

Das Projekt namens Kingship, so heißt es in der 

zugehörigen Pressemitteilung, sei eine „bahnbrechende, 

exklusive Vereinbarung zur Grün dung 

einer Metaverse-Band“. Das erinnert natürlich an 

die von Blur-Chef Damon Albarn gegründeten 

Gorillaz, die das bereits seit mehr als 20 Jahren 

machen, und zeugt dementsprechend von eher 

geringer Innovationskraft. Auch virtuelle Konzerte 

sind nichts gänzlich Neues. Mainstream-Musiker 

wie David Guetta oder Lil Nas X haben die For - 

mate bereits erprobt, und selbst die Mitglieder 

von ABBA haben inzwischen Avatare, die für 

sie auftreten. 

Fotoquelle: Universal Music 

www.musiker-online.tv

SHORT-TAKES 05 

TIKTOK: FLUCH UND SEGEN FÜR DIE MUSIKINDUSTRIE 

UND IHRE STARS 

Die Musikindustrie pflegt eine Hassliebe zur Videoplattform TikTok. Plattenfirmen üben immer 

mehr Druck auf Stars aus, die dort für sich und ihre Musik werben sollen. 

Die Kurzvideoplattform TikTok zieht viel Liebe 

und viel Hass auf sich. Kontroversen gibt es 

unter anderem um die mutmaßlichen Verbin dun - 

gen zur chinesischen Regierung und somit zum 

Daten schutz und der Privatsphäre der Nutzer. 

Auch der Algorithmus der Plattform ist umstritten. 

Kriti ker*innen werfen der Plattform vor, Nutzer*innen 

bewusst in eine Art Suchtspirale ziehen zu wollen. 

Am Ende entscheidet aber jeder selbst, was 

er aus der Plattform für sich macht. Auch die 

Musikindustrie pflegt eine Art Hassliebe zu 

TikTok. 

So berichten die Kollegen von OMR ausgiebig 

über Fake Virals, bezahlte Produktplatzierungen 

und auch gestresste Stars, die von ihren Platten - 

firmen dazu gedrängt werden, sich und ihre 

Musik bei TikTok zu vermarkten. Vielleicht belächelt 

genau wegen solcher Fakes und den eher 

jugendlichen Nutzer*innen manche*r Leser*in die 

Plattform. Doch für die Musikindustrie ist TikTok 

als Vermarktungsplattform mittlerweile nahezu 

genauso wichtig geworden wie beispielsweise 

Apple Music oder auch Spotify. Längst bieten 

Labels daher Influencer*innen Geld an, um die 

Songs ihrer Künstler*innen zu bewerben. 

Es wird aber auch bewusst manipuliert, wie 

das Beispiel Taylor Gayle Rutherfords zeigt, 

deren virale Videos mutmaßlich mit der Hilfe 

einer Plattenfirma und professioneller Marketing- 

Mitarbeiter*innen fingiert worden sind. Die Ge - 

schichte der zunächst unscheinbaren Nutzerin, 

die später mit ihrem viralen Hit „ABCDEFU“ die 

Charts toppte, war voraussichtlich eine gezielte 

Inszenierung. Die Geschichte „Vom Teller wäscher 

zum Millionär“ kommt eben auch bei TikTok gut 

an. 

TIKTOK ENTWICKELT SICH 

ZUR HITMASCHINE 

„ABCDEFU“ ist aber nur ein Beispiel dafür, 

dass TikTok Stars hervorbringen kann, die auch 

außerhalb des Netzwerks erfolgreich sind. Und 

das geschieht eben nicht immer auf „natürliche“ 

Weise, sondern teilweise mit direkter Nachhilfe 

der Plattenfirmen und professioneller Marketing- 

Agenturen. Marktforscher*innen nehmen an, dass 

mittlerweile ein Viertel der Künstler*innen, die es 

in die Top-200-Playlisten bei Spotify schaffen, 

durch TikTok groß geworden sind. Viele Mu si - 

ker*innen erhalten erst durch ihre Beliebtheit bei 

TikTok Plattenverträge. 

Für die Musikindustrie bleibt TikTok dennoch 

Fluch und Segen: Denn auch wenn die Labels 

ihre Stars bei TikTok bewusst pushen, so steigert 

sich die Unabhängigkeit der Künstler*innen von 

großen Plattenfirmen durch derartige Netzwerke. 

Du benötigst eben nicht mehr zwangsweise einen 

riesigen Vertrieb, um Fans zu erreichen. Wer Talent, 

Ausdauer und viel Glück mitbringt, kann auch im 

Alleingang seine Zielgruppe finden. Die Platten - 

firmen überwachen TikTok täglich mit ihren 

Analyse-Tools. So kommt es auch hin und wieder 

vor, dass ältere Lieder durch Audio-Memes er - 

neut an Beliebtheit gewinnen, was man dann für 

sich ausschlachtet. 

Konsequenterweise lassen die Plattenformen 

auch Geld an Creator*innen fließen, damit jene 

die Songs der bei ihnen unter Vertrag stehenden 

Künstler*innen in Videos einsetzen. Setzen be - 

kannte Influencer*innen auf die Musik, kann das 

einen Trend auslösen. Oder man streut ein Lied 

über viele Kanäle. Oft spannt man auch die Mu si - 

ker*innen selbst ein, die auf ihren TikTok-Kanälen 

Eigenwerbung machen sollen – mit Fake-Videos, 

die man viral forcieren will. Das sorgte bei einigen 

Musiker*innen wie Florence & The Machine, Ed 

Sheeran oder auch Halsey bereits für Unmut. 

KEIN VIRALER ERFOLG = KEINE 

VERÖFFENTLICHUNG? 

Einige Musiker*innen behaupten sogar, dass 

sich ihre Plattenformen geweigert hätten, neue 

Lieder zu veröffentlichen, bevor die Künst - 

ler*innen es nicht geschafft hätten, bei TikTok die 

Werbetrommel ausreichend zu rühren. Mittler - 

weile sind aber auch die Fans dahintergekommen, 

dass es bei TikTok mehr Schein als Sein 

gibt. Viele hinterfragen die Maschen der Labels 

und Stars mittlerweile kritisch. Und für junge 

Musiker*innen wird es immer schwieriger, sich im 

enormen Dickicht des Angebots noch durchzusetzen. 

Foto: © Nattakorn / Adobe Stock 

TEXT: André Westphal | QUELLE: hifi.de/news/tiktok-fluch-und-segen-fuer-die-musikindustrie-und-ihre-stars-101009 

2/2022 musiker MAGAZIN


Schweizer Musik-Fintech Utopia: 

„WIR WOLLEN DAS BACKEND DER MUSIKINDUSTRIE SEIN“ 

Utopia Music verspricht, Datenlücken zu 

schließen und Musikkonsum besser zu erfassen. 

Das Schweizer Unternehmen mischt durch diverse 

Übernahmen aber auch auf anderen Gebieten mit. 

Nur selbst Musikrechte halten soll Utopia nie. 

Die Antwort auf die Frage „Was ist fair?“ hängt 

gewöhnlich stark von der jeweiligen Perspektive 

ab. Sei es die Aufteilung der Einnahmen zwischen 

einem Interpreten und seinem Label, die Be tei - 

ligung von Songwritern am großen Streaming- 

Kuchen oder wie viel Dienste wie Spotify eigentlich 

für sich behalten sollen: Die eine Antwort gibt 

es nicht. 

Markku Mäkeläinen hält sich bei solchen 

Themen lieber gleich ganz raus: „Fair ist für uns 

das, worauf sich zwei Parteien in der Musik in dus - 

trie geeinigt haben.“ Der Finne arbeitete zuletzt 

unter anderem für Facebook. Seit Januar 2021 

führt er Utopia Music mit Hauptsitz im Kanton 

Zug. „Wir sind ein neutraler Akteur – wie die 

Schweiz eben“, sagt er lachend. Als solcher soll 

Utopia perspektivisch dann aber doch möglichst 

überall mitmischen im komplizierten Treiben der 

Musikvermarktung. 

„Fair Pay for Every Play“ hat sich das Un ter - 

nehmen als Motto auf die Fahnen geschrieben. 

Fairness ergibt sich für Utopia demnach daraus, 

die Gelder einzuholen, die den Partnern aus der 

Industrie durch die Nutzung ihrer Werke auf welchen 

Kanälen auch immer zustünden, sagt 

Mäkeläinen: „Wir bilden ab, was wann und wo 

gespielt wurde, und bringen diese Informationen 

mit den Rechteverhältnissen und den entsprechenden 

Eignern zusammen.“ Die Erfassung ist 

die Grundvoraussetzung dafür, dass Zahlungen 

an die jeweiligen Rechteinhaber fließen können. 

Die Informationen über diese – an einem Song 

halten nicht selten deutlich mehr als zehn Par - 

teien Rechte – müssen hierfür natürlich sorgfältig 

hinterlegt werden. 

Zumal TikTok, wie eingangs erwähnt, durchaus 

kritisch zu betrachten ist. Das ist auch der 

Videoplattform selbst bewusst. Etwa führte man 

deswegen kürzlich neue Tools für seine 

Nutzer*innen ein, mit welchen sie ihre eigene 

Bildschirmzeit im sozialen Netzwerk besser 

überwachen können. So kann der Sog der 

Kurzvideoplattform einen einerseits zum endlosen 

Konsum eines Clips nach dem anderen ziehen. 

Andererseits erhofft sich gerade mancher 

Jugendliche vielleicht den schnellen Ruhm und 

steckt seine gesamte Freizeit in Inhalte, nur um 

am Ende desillusioniert zu werden. 

„UTOPIA WIRD NIE SELBST 

RECHTE BESITZEN“ 

Die Rechtewahrnehmung ist ein komplexes 

Feld, und Ungenauigkeiten können teuer werden 

– respektive dafür sorgen, dass beim betreffenden 

Rechteinhaber kein Geld ankommt. In den 

USA zahlten Mitte Februar vergangenen Jahres 

beispielsweise diverse Streamingdienste rund 424 

Millionen Dollar an eine neu eingerichtete Ver wer - 

tungsgesellschaft aus. 

Die stolze Summe setzte sich aus nicht zuordenbaren 

Tantiemen für Urheber zusammen. Auch 

das sogenannte Tracking von Musik in Radio, 

Fernsehen oder auf verschiedensten digitalen Platt - 

formen ist eine wichtige Aufgabe. Zudem gebe 

es auf verschiedenen Märkten verschiedene ge - 

setzliche Regelungen und jeweils lokale Ver wer - 

tungsgesellschaften, sagt Roberto Neri, der das 

operative Geschäft der Schweizer verantwortet. 

Durch diese dezentrale Struktur komme Geld 

teils nur sehr verspätet bei den Rechteinhabern 

an. Utopia wolle helfen, Datenlücken zu schließen, 

um so für mehr Einnahmen für die Branche 

zu sorgen, die obendrein schneller gezahlt werden 

sollen: „Wir wollen das Backend der Mu - 

sikindustrie sein“, fasst Neri zusammen. 

GROSSES SERVICEPORTFOLIO 

DURCH ÜBERNAHMEN 

Utopia sei kein Disruptor, unterstreicht, 

Mäkeläinen. „Unser Ziel ist es, für mehr Ef fizienz 

und Genauigkeit zu sorgen, nicht die Funktions - 

weisen der Industrie zu verändern.“ So könnten 

die Industriepartner auch die neuen Vermark - 

tungsmöglichkeiten im Gaming oder dem Meta - 

verse besser für sich nutzen. Aktuell arbeitet das 

„Mu sik-Fintech“ nach eigenen Angaben mit 1100 

Verlagen und 1800 Labels zusammen. 2016 ge - 

gründet, repräsentiere man sechs Millionen Rechte, 

und zu den Kunden würden auch die Majors 

genannten großen drei der Branche Universal, Sony 

und Warner Music zählen, heißt es von Utopia. 

Genauere Infos gibt das rund 600 Mitarbeiter 

zählende Unternehmen nicht preis. Das gilt auch 

für Zahlen zu Umsatz, Gewinn oder Verlust. Dafür 

machen die Schweizer regelmäßig mit Über nah - 

men von sich reden, und das Service portfolio 

beschränkt sich längst nicht auf das Ver folgen 

und Auswerten des Musikkonsums. So gehört 

heute der britische Indie-Vertrieb Proper Music 

ebenso zu Utopia wie Musimap, ein Anbieter, der 

mittels künstlicher Intelligenz Musik Emotions - 

mustern zuordnen will, oder die Plattform Lyric 

Financial, über die Künstler Vorschüsse auf ihre 

künftigen Tantiemen erhalten können. 

KONKURRENZ AUF 

DEN EINZELNEN FELDERN 

Auch mit Verwertungsgesellschaften ar beitet 

Utopia als Servicepartner zusammen, wenngleich 

nicht mit der deutschen GEMA. An Konkurrenz 

mangelt es Utopia nicht. „Utopia Music ist relativ 

breit aufgestellt und bietet Dienstleistungen in 

vielen verschiedenen Bereichen – bislang vor 

allem durch erfolgte Unternehmensübernahmen –, 

die für Unternehmen der Musikwirtschaft relevant 

sind. Aufgrund der breiten Aufstellung gibt 

es vermutlich keinen direkten Konkurrenten, der 

hier zu nennen ist“, wie Thomas Theune, Direktor 

Sendung und Online bei der GEMA, gegenüber 

der FAZ an merkt. Das 2005 gegründete spanische 

Un ternehmen BMAT beispielsweise wirbt 

ebenfalls damit, Musikkonsum möglichst überall 

zu registrieren und alle Daten für die korrekte Aus - 

zahlung zusammenzustellen. Auch die Selbst - 

bezeichnung „Betriebssystem für die Musik in dus - 

trie“ klingt ähnlich wie Utopias Selbstverständnis. 

Auf dem weiten Feld der Meldung von Musik - 

nutzung konkurriert Utopia zudem mit dem ICE 

genannten Gemeinschaftsunternehmen von 

GEMA, der britischen Gesellschaft PRS sowie 

der schwedischen STIM. 

Weitere Zukäufe seien in Planung, sagt Markku 

Mäkeläinen. Doch bei aller Um triebigkeit habe sich 

Utopia einige klare Grenzen gesetzt, was die 

Fotoquelle: Utopia Music 


SHORT-TAKES 07 

Ausweitung der Geschäftsfelder betrifft: „Utopia 

wird nie selbst Rechte besitzen.“ Rechte, die 

Utopia im Rahmen von Übernahmen erhalte, 

veräußere man im Nachgang stets, und auch 

Daten zu verkaufen stehe nicht zur Debatte. Auf 

dem Gebiet der Katalogübernahmen fungiert 

Utopia so ebenfalls als Servicedienstleister. 

„MUSSTE IM CALLCENTER ARBEITEN!“ 

So wenig verdienen Künstler durch Streamingplattformen 

Fotoquelle: Utopia Music 

DIENSTLEISTER FÜR 

KATALOGDEALS 

„Wir arbeiten mit großen Fonds zusammen, 

die Musikkataloge aufkaufen“, sagt Mäkeläinen. 

Für die Interessenten und gerade für solche von 

außerhalb der Musikindustrie seien möglichst gute 

Daten über die Performance der Songs eines 

Rechte pakets elementar, wenn es um die Ein - 

schätzung der Rendite und die Preis ver hand lungen 

gehe. Das gel te natürlich auch für die Seite der 

Verkäufer, mit der Utopia als neutraler Player 

ebenfalls arbeite. Auf „mehrere Hundert Millionen 

Dollar“ belaufe sich, Stand jetzt, der summierte 

Preis für Katalogdeals, bei denen Utopia als 

Dienst leister involviert gewesen sei. 

Der Run auf die Kataloge und das hohe Preis - 

niveau könnten angesichts der steigenden Zinsen 

zwar etwas nachlassen. Das erwarten auch die 

Analysten von Goldman Sachs. Allerdings zeichnet 

das Team in der aktuellen Ausgabe des alljährlichen 

Berichts zur Lage der Musikindus trie 

(„Music In The Air“) ansonsten ein betont positives 

Bild für die Zukunft der Branche und korrigiert 

die Wachstumsprognosen sogar nach oben. 

Einerseits ge be es keine Anzeichen für ein Ende 

des Streamingbooms, der das Wachstum der 

Branche seit Jahren maßgeblich befeuert. Anderer - 

seits legen die Einnahmen aus an deren digitalen 

Plattformen wie Facebook, TikTok und auch aus 

Videospielen immer stärker zu, wie es in dem 

Bericht heißt. Eine Entwicklung, die Musik manager 

stets nur zu gern anführen – und auch Markku 

Mäkeläinen zupasskommt. Die internen Utopia- 

Berechnungen fallen dem Finnen zufolge jedenfalls 

noch optimistischer aus als jene von 

Goldman Sachs. 

QUELLE: www.faz.net/aktuell/wirtschaft/digitec/schweizer-musik- 

fintech-utopia-wir-wollen-das-backend-der-musikindustrie-sein- 

18123584.html 

Fast ein jeder von uns nutzt für seinen Musik genuss 

Streamingplattformen wie Spotify, Amazon oder Apple Music. 

Vor allem bei kleineren Künst lern kommt von den Erlösen 

dabei aber nicht viel rum. 

Laut dem Bundesverband Musikindustrie (BVMI) 

verdienen Künstler und Bands durchschnittlich 

0,3 Cent pro Stream auf einer Platt form wie Spotify. 

Das ist vor allem für Newcomer oder Nischenmusiker 

ein großes Problem. 

Wahrhaftig ein Lied davon singen kann der 

Leipziger Indiemusiker Simon Graupner (25), der 

sich unter dem Künstlernamen Shelter Boy mittlerweile 

eine Fanbase erarbeitet hat. Auf Spotify 

haben seine beliebtesten Tracks mehrere Mil lio - 

nen Streams – davon kommt aber kaum etwas 

bei ihm in der Geldbörse an. 

„Am Anfang der Pandemie hat es noch ge - 

reicht, um mich irgendwie selber auszuzahlen, 

aber ir gend wann war der Topf auch leer. Ich habe 

dann in einem Callcenter gearbeitet“, so Graupner 

im Interview mit dem „exactly“-Team. 

NUR GROSSE KÜNSTLER 

PROFITIEREN VON 

STREAMING-PLATTFORMEN 

Beispielsweise für Spotify zahlen User circa 

zehn Euro im Monat. Warum gehen diese dann 

nicht direkt an die Künstler, die man hört? So 

funktioniert das System eben nicht, weiß Rajk 

Barthel vom Verband unabhängiger Musikunter - 

nehmer*innen. 

„Stell dir vor, du kaufst eine Vinylplatte von 

Shelter Boy im Laden. Der Verdienst geht aber 

nicht an Shelter Boy, sondern an Drake, weil der 

insgesamt mehr Platten verkauft“, erklärte 

Barthel die Verteilung der Gelder. Nur die wirklich 

großen Player profitieren also vom Streaming – 

dagegen haben sich auch schon Verbände wie 

Fairshare zusammengetan, um zu überlegen, 

wie man die Gelder fairer verteilen könnte. 

QUELLE: www.tag24.de/unterhaltung/musik/musste-im-callcenter-arbeiten-so-wenig-verdienen-kuenstler-durch-streaming-plattformen- 

2490321 

Foto: © Nattakorn / Adobe Stock 



DAS DROHENDE VERSCHWINDEN 

DER MERKWÜRDIGEN 

Stellt euch vor, es finden wieder Konzerte statt, 

und keiner geht hin. 

Rocko Schamoni warnt vorm großen Artensterben 

kommen werden. Was wir nicht berechnet hatten, 

war der Faktor Mensch: Viele Leute in diesem 

Land wollen sich nicht impfen lassen, 

dadurch bleibt die Seuche ständig im Umlauf 

und dadurch wiederum bleiben viele der älteren 

Auftrittsbesucher*innen, die sich mittlerweile in 

einen Kokon aus Spotify und Netflix auf dem Sofa 

eingesponnen haben, für immer zu Hause. 

FÜR IMMER ZU HAUSE! 

Von den Besuchern, die bis 2019 unsere Auf - 

tritte besuchten, kommen heute höchstens noch 

ein Viertel zu den Shows. Wie gesagt, auch hier 

spreche ich von den kleineren Künst ler*innen, die 

Großen betrifft dieser Effekt eher nicht, aus irgend - 

welchen Gründen nehmen die User das Anste - 

ckungsrisiko bei Massen kon zer ten lieber in Kauf. 

Foto: © Kerstin Behrendt 

Das bedeutet dementsprechend auch eine 

Vier telung der Einnahmen. Ich, der ich als Künst ler 

viele Jahre fast ausschließlich von Tourein nah - 

men gelebt habe, kann von einem Viertel der 

üblichen Gagen meinen Kleinbetrieb nicht am 

Laufen halten. Und ich kenne sehr viele Künst - 

ler*innen, denen es genauso geht und die sich 

mittlerweile nach anderen Verdienst möglich kei ten 

umschauen müssen. Auch die „Zulieferbe triebe“, 

die Booker, Tourbegleiter, Grafiker, Roadies, 

Bühnenarbeiter etc., straucheln, ein ganzer Kul tur - 

zweig ist ins Wanken geraten. 

Ich möchte die aktuelle Kolumne dafür nutzen, lerweile sind die Gewinne angeblich höher als vor 

um auf einen Missstand aufmerksam zu machen, den Zeiten digitalisierter Musik. Wer bei all dem 

von dem die meisten von euch zwar wissen, der geflissentlich übersehen wurde, waren die 

aber dennoch nicht im Bewusstsein angekommen 

zu sein scheint. Mit „euch“ meine ich in diegigen, 

denn die verloren zuerst durch Napster ihre 

Künstler*innen, vor allem die kleineren, unabhänsem 

Fall die über 35-Jährigen, also die Alten, die zahlenden Kunden sowie später durch Spotify 

Szene rentner, die Silberzwiebeln, die Auszu sor tie - eine angemessene Ent lohnung für die Benut - 

renden, den genetischen Abfall. Es geht um den zung ihrer Musik. Während ich also früher für die 

Besuch von kulturellen Auftritten jeder Art. Produktion einer LP und durch deren Verkauf ein 

paar Tausend Euro verdienen konnte, muss ich 

Ich fang mal ganz von vorne an: Als Shawn nun auf die monatlichen Abrechnungen der Strea - 

Fanning 1999 mit seinem Unternehmen Napster mingdienste warten, von diesen Gewinnen ziehen 

sich die Labels und Verlage weitere Pro - 

behauptete, er würde die Musikindustrie zerschlagen, 

erklärte er das zu einem revolutionären zentzahlen ab, und übrig bleibt so gut wie nichts. 

Akt. Er behauptete, er würde den Usern – all den Letztendlich sind die produzierten Platten seit der 

armen kleinen mittellosen Endverbrauchern an Digitalisierung für die meisten Künstler*innen nichts 

den Kabeln zu Hause – umsonst zu der Musik verhelfen, 

nach der sie sich sehnten, und die Platten - tritten zu locken. Aber wenigstens das Live-Busi - 

weiter als Werbetools, um Publikum zu den Auf - 

firmen, die permanent unverschämte Gewinne in ness blieb, davon konnten viele in diesem Bereich 

die Tasche stecken, endgültig ausschalten. Das Arbeitende ganz gut leben. Bis Corona kam. 

gelang ihm nicht – Napster wurde (unter anderem 

von Bertels mann!) aufgekauft, die Musikindustrie Wir alle haben nach der zweijährigen Durst - 

war ein paar Jahre geschockt von diesem tiefsitzenden 

Leber haken, erholte sich aber dann mit der stark darauf gehofft, dass – wenn sich alle Leute 

strecke und all den ausgefallenen Shows sehr 

Erfindung des Streamings und dem Auf tauchen impfen lassen und die Seuche endgültig überwunden 

ist – die Fans wieder zu den Auftritten 

von Strea ming plattformen wie Spotify, und mitt- 

TEXT: Rocko Schamoni | QUELLE: www.rollingstone.de/das-drohende-verschwinden-der-merkwuerdigen-2467871/ 

Ich weiß, das alles ist Jammern auf hohem 

Niveau, schließlich leben wir in Kriegszeiten und 

beobachten noch viel schlimmere Formen des 

Elends in der Ukraine, in Afghanistan, im Irak und 

anderswo. Ganz abgesehen vom Klima wan del, 

der als gigantische Wand des Dramas auf uns 

zurast. 

Dennoch möchte ich vor dem Artensterben in 

der Kultur noch mal eindringlich warnen, denn ehe 

man sich versieht, verschwinden die Kleinen, die 

Speziellen, Merkwürdigen, Andersartigen, Be son - 

deren, Dysfunktionalen, Unfähigen, Sperrigen, 

Unbestechlichen, Skeptischen, Widerborstigen, 

Nervigen, Bescheuerten. Sie verschwinden zuerst, 

denn sie sind nicht resilient, haben keine großen 

Reserven angelegt, sind sensible Mimosen, 

trocknen aus, verdorren, suchen sich Jobs bei 

der Post oder als Zalando-Boten und sind dann 

für immer aus der Welt. 

Darum, ihr zu Hause Sitzenden:Lasst nicht zu, 

dass die Merkwürdigen verschwinden: 

KOMMT VON DEN SOFAS! 

KOMMT AUS DEN KOMFORTZONEN! 

KOMMT WIEDER ZU DEN AUFTRITTEN! 


DEUTSCHER ROCK & POP MUSIKERVERBAND E.V. 

DEUTSCHE POPSTIFTUNG, MUSIKER MAGAZIN UND TASCAM 

PRÄSENTIEREN 

Bundeswettbewerb für Rock- und Popmusikgruppen und Sänger*innen 

aller musikstilistischen Bereiche 

In 2022 werden zum 40. Mal zahlreiche „Deutsche Rock & Pop Preise“ 

der verschiedensten musikalischen Bereiche an herausragende Nachwuchs - 

musikgruppen, Nachwuchseinzelkünstler*innen sowie durch eine Fachjury 

ausgewählte professionelle Musikgruppen und Einzelkünstler*innen mit 

und ohne Tonträgervertrag verliehen. So sollen auch in diesem Jahr Künstler 

so unterschiedlicher musikstilistischer Bereiche wie Rock, Pop, Country, 

Hard & Heavy, Alternative, Weltmusik, Reggae, Funk & Soul u.v.a. geehrt 

werden. Einziges Kriterium ist dabei der künstlerische Anspruch. In ihrer 

kulturellen und künstlerischen Ausrichtung steht diese Kulturveranstaltung 

damit im bewussten Gegensatz zu anderen Veranstaltungszeremonien 

von Industriepreisen und kommerziellen TV-Anstalten. Durch die Aus zeich - 

nung in über 125 verschiedenen Musikgenres wird der heutigen musikalischen 

Vielfalt im Bereich der Rock- & Popmusik Rechnung getragen. Damit 

soll erreicht werden, dass sich möglichst viele Musikgruppen und Einzel - 

künstler*innen in ihrer Stilistik wiederfinden. 

Diese Kulturveranstaltung soll wie bisher als Plattform des kreativen 

Nachwuchses, aber auch als Treffpunkt einzelner etablierter Künstler*innen 

und Persönlichkeiten des musikalisch-wirtschaftlichen Umfeldes dienen. 

+ 

ZIEL / KONZEPT 

FINANZIERUNG 

ihrer Bewerbung und folgenden möglichen Nominierung einen Teilnahme - 

betrag pro (von ihnen selbst gewählter) Musik sparte, um die Selbstfinanzierung 

dieses musikereigenen Kulturfestivals auf Bundesebene zu gewährleisten. 

Normalerweise bewerben sich die Teilnehmer nur in einer Sparte. Es bleibt 

aber den Entscheidungen der Bewerber überlassen, ob sie sich zusätzlich in 

weiteren Sparten bewerben (Beispiel: Band/ Musiker*in bewirbt sich in fünf 

Sparten: 5 x 100 Euro = 500 Euro). Diese solidarische Gemeinschafts finan - 

zierung ist in Deutschland einmalig: Damit wird auch der 40. Deutsche Rock 

& Pop Preis wieder gemeinschaftlich finanziert durch die Stiftungs- und 

Verbandsträger, die ca. 3 000 Musikgruppen, Musi kerinnen und Musiker im 

Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. sowie durch die Teilnehmer 

dieses Festivals. 

KATEGORIEN 

Im Gegensatz zu anderen deutschen Musikpreisen werden die Deutschen 

Rock & Pop Preise 2022 in über 125 verschiedenen musikstilistischen 

Bereichen verliehen. Weitere Preise können an herausragende etablierte 

Musikgruppen, Musikerinnen und Musiker sowie in den Sonderkategorien 

„Bester Gitarrist”, „Bester Keyboarder”, „Bester Schlagzeuger”, „Bester 

Bassist”, „Beste Komposition” etc. verliehen werden. Hierfür kann man sich 

direkt bewerben. Die Bundesjury entscheidet, ob besondere Leistungen in 

diesen Bereichen vorliegen. 

Diese Kulturveranstaltung wird im Wesentlichen – wie in den vergangenen 

20 Jahren auch – durch die gemeinnützige Deutsche Popstiftung, 

den Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. und die am Wettbewerb 

beteiligten Musikgruppen und Künstler*innen gemeinsam finanziert. 

Von allen Bewerbern dieses bundesweiten kulturellen Wettbewerbs wird – 

ebenfalls wie in den Jahren zuvor – ein Solidarbeitrag in Form einer geringen 

Anmeldegebühr (20 bzw. 30 Euro) erhoben. Alle durch die Bundesjury 

nominierten Preis träger der Haupt- und Sonderkategorien zahlen erst nach 

Folgende Einzelkategorien werden 

ausgeschrieben: 

» 8 HAUPTKATEGORIEN « 

» 119 SONDERKATEGORIEN « 

8

17. Dezember 2022 – Siegen 

Kongresszentrum Siegerlandhalle 

Durch die differenzierte Auswahl an Sonderkategorien wird gewährleistet, 

dass eine große Anzahl vielversprechender Musikgruppen, Inter preten und 

Künstler*innen in musikhistorisch und aktuell bedeutenden, aber bisher bei 

Preisverleihungen vernachlässigten Musikrichtungen ebenfalls gewürdigt 

werden können. In den acht Hauptkategorien sowie in den übrigen 

Sonder kategorien entscheidet die Bundesjury allein aufgrund des 

eingeschickten Materials über eine Nominierung bzw. Auszeichnung 

bei der Preisverleihung. 

Mit der Aufnahme von Kategorien, die sich mit dem künstlerischen und 

technischen Umfeld einer CD-Produktion und des Musikmanagements 

auseinandersetzen (Studioproduktion, CD-Design, Independent-Label, 

Künstleragentur etc.), sollen auch die ansonsten im Schatten von künstlerischen 

Auszeichnungen stehenden Firmen und Personen auf Vorschlag 

der Musikerbasis geehrt werden. 

TEILNAHME 

Die nominierten Bands und Künstler*innen des 40. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2022 erhalten durch die Deutsche Popstiftung eine Ein - 

ladung nebst Teilnahmeformular. 

Erst die Rücksendung des ausgefüllten Teilnahmeformulars und 

die Entrichtung der Teilnahmegebühr in Höhe von 100 Euro je Haupt - 

kategorie und 100 Euro je Sonder kate gorie garantieren die Teilnahme 

am 40. Deutschen Rock & Pop Preis 2022. 

Die ausgezeichneten Preisträger der Haupt- und Sonderkategorien er - 

halten je 50 Eintrittskarten im Gesamtwert von 1000 Euro für den eigenen 

Gäste-/Fankreis. 

Jede Band/jeder Künstler kann sich mit einer CD/einem Musikvideo 

pro Kategorie (möglichst eine Liveaufnahme) bei der Deutschen Popstiftung 

für die verschiedenen Kategorien bewerben. 

Mit der Nichtrücksendung des Teilnahmeformulars und der Nicht en t - 

richtung der Teilnahmegebühr verfallen die Teilnahme und Preis zuer - 

kennung. 

Anmeldegebühr: 

» 20 EURO « 

DRMV-MITGLIEDER 

» 30 EURO « 

DRMV-NICHTMITGLIEDER 

Nach dem Bewerbungsschluss ermitteln unabhängige Expertenjuroren, 

die von der Deutschen Popstiftung eingesetzt werden, die nominierten 

Preis träger der Haupt- und Sonderkategorien des 40. Deutschen Rock & 

Pop Preises 2022. Um eine gerechte Preisverleihung zu gewährleisten, 

kann die Bundesjury, wenn die Einordnung den Juroren passend erscheint, 

Preise auch in anderen als den durch die Künstler ursprünglich benannten 

Kategorien zuerkennen. 

PREISVERLEIHUNG 

Die Preisverleihung an alle Preisträger findet am 17. Dezember 2022 

auf der Hauptbühne des 40. Deutschen Rock & Pop Preises 2022 in der 

Siegerlandhalle in Siegen statt. 

Die Ergebnisse der Wahl und Auszeichnung durch die Bundesjury werden 

auf der Website des DRMV www.musiker-online.tv und durch die 

Kulturzeitschrift Musiker Magazin nach dem Festival veröffentlicht. 

Alle Teilnehmer dieser Kulturveranstaltung übertragen die audiovisuellen 

Sende- und Verbreitungsrechte non-exklusiv an die Deutsche 

Popstiftung. 

WEB: WWW.DEUTSCHERROCKPREIS.DE 

TEXT: OLE SEELENMEYER | FOTOS: LUDWIG CZAPLA

ANMELDUNG 

40. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2022 

Hiermit melde ich mich/uns für den Deutschen Rock & Pop Preis 2022 an. 

Band/Künstler*in: ......................................................... 

Ansprechpartner*in: ...................................................... 

Straße: .......................................................................... 

PLZ Ort: ........................................................................ 

Bundesland: .................................................................. 

Tel.: ............................................................................... 

Mobil: ............................................................................ 

Fax: .................................................................................... 

E-Mail: ................................................................................ 

Internet: .............................................................................. 

DRMV-Mitgl.-Nr.: ................................................................ 

GEMA-Mitglied?: ❑ nein ❑ ja: 

❑ angeschl. ❑ außerord. ❑ ordentlich 

Anmeldungen in mehreren Sparten sind möglich. 

Bewerbungsgebühr pro Musiksparte: 20,– Euro DRMV-Mitglieder /30,– Euro DRMV-Nichtmitglieder 

Die Bewerbungsgebühren in Höhe von Euro ........... ❑ in bar beigelegt ❑ als Scheck beigelegt ❑ per Überweisung 

Bankverbindung: Deutsche Popstiftung, Postbank Hamburg, IBAN: DE08 2001 0020 0964 2792 08, BIC: PBNKDEFF 

Dieses Anmeldeformular, CD und Bewerbungsgebühr bitte spätestens bis 1. September 2022 an: 

Deutsche Popstiftung, Bewerbung 2022, Kolberger Str. 30, 21339 Lüneburg 

Teilnahmegebühr: 150,– Euro je Haupt- und je erste Sonder ka te gorie (alle weiteren 100,– Euro) – Diese Gebühr fällt erst nach Auswahl durch 

die Bundesjury an. Sollte die Preisverleihung nicht stattfinden können, dann reduzieren sich die Teilnahmegebühren auf 100,– Euro pro Kategorie. 

40. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2022: HAUPTKATEGORIEN 

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

❑ 1 

❑ 2 

❑ 3 

❑ 4 

❑ 5 

❑ 6 

❑ 7 

❑ 8 

Deutscher Rock Preis (beste Rock-Band) 

Deutscher Pop Preis (beste Pop-Band) 

Deutscher Hard Rock Preis (beste Hard’n’Heavy-Band) 

Deutscher Funk & Soul Preis (beste Funk/Soul-Band) 

Deutscher Alternative Preis (beste Alternative-Band) 

Deutscher Singer-Songwriter Preis (beste*r Solosänger*in – Wertung: Eigenkomposition und Stimme) 

Deutscher Singer Preis (beste*r Solosänger*in – Wertung: Stimme) 

Deutscher Country Preis (beste Country-Band) 

Die durch die Jury nominierten Preisträger der Hauptkategorien werden am 17. Dezember 2022 

auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen im Rahmen der Preisverleihung ausgezeichnet. 

40. DEUTSCHER ROCK & POP PREIS 2022: SONDERKATEGORIEN 

❑ 9 Beste Filmmusik 

❑ 10 Bestes Kinderlieder-Album 

❑ 11 Beste Experimentalband 

❑ 12 Beste Crossoverband 

❑ 13 Beste Hardcoreband 

❑ 14 Beste Industrialband 

❑ 15 Beste Progressiveband 

❑ 16 Beste Skaband 

❑ 17 Beste Nu-Metal-Band 

❑ 18 Bestes Trancealbum 

❑ 19 

Beste*r Mundart-Interpret*in 

❑ 20 Beste*r Electronic-Interpret*in 

❑ 21 Bestes Dancehall-Album 

❑ 22 Beste Elektropopband 

❑ 23 Bestes traditionelles Blues-Album 

❑ 24 Beste Rock’n’Roll/Rockabillyband 

❑ 25 

Beste Cover/Revivalband 

❑ 26 Beste A-Capella-Band 

❑ 27 Bestes Chanson-Album 

❑ 28 Beste Punkband 

❑ 29 Beste Gothic-/Wave-Band 

❑ 30 Beste*r Gospel-Interpret*in 

❑ 31 Beste Gospelgruppe 

❑ 32 Bestes Weltmusikalbum 

❑ 33 Bestes Hip-Hop-Album 

EINSENDESCHLUSS: 1. SEPTEMBER 2022

Bitte gewünschte Musiksparte(n) ankreuzen und CD (pro Sparte eine CD!) beilegen! Der jeweils 1. Song wird gewertet! 

BEREICH ROCK: 

❑ 34 Beste Rocksängerin 

❑ 35 Bester Rocksänger 

❑ 36 Bester Rocksong 

❑ 37 Bestes Rockalbum 

BEREICH POP: 

❑ 38 Beste Popsängerin 

❑ 39 Bester Popsänger 

❑ 40 Bester Popsong 

❑ 41 Bestes Popalbum 

BEREICH FUNK: 

❑ 42 Beste Funk-Sängerin 

❑ 43 Bester Funk-Sänger 

❑ 44 Bester Funk-Song 

❑ 45 Bestes Funk-Album 

BEREICH HARD ROCK: 

❑ 46 Beste Hard-Rock-Sängerin 

❑ 47 Bester Hard-Rock-Sänger 

❑ 48 Bester Hard-Rock-Song 

❑ 49 Bestes Hard-Rock-Album 

BEREICH METAL: 

❑ 50 Beste Metal-Sängerin 

❑ 51 Bester Metal-Sänger 

❑ 52 Beste Metal-Band 

❑ 53 Bester Metal-Song 

❑ 54 Bestes Metal-Album 

BEREICH FUSION-JAZZ-ROCK: 

❑ 55 Beste Fusion-Jazz-Rock-Sängerin 

❑ 56 Bester Fusion-Jazz-Rock-Sänger 

❑ 57 Beste Fusion-Jazz-Rock-Band 

❑ 58 Bester Fusion-Jazz-Rock-Song 

❑ 59 Bestes Fusion-Jazz-Rock-Album 

BEREICH ALTERNATIVE: 

❑ 60 Beste Alternative-Sängerin 

❑ 61 Bester Alternative-Sänger 

❑ 62 Bester Alternative-Song 

❑ 63 Bestes Alternative-Album 

BEREICH NEW AGE: 

❑ 64 Beste New-Age-Band 

❑ 65 Bester New-Age-Song 

❑ 66 Bestes New-Age-Album 

BEREICH R’N’B/SOUL: 

❑ 67 Beste R’n’B/Soul-Sängerin 

❑ 68 Bester R’n’B/Soul-Sänger 

❑ 69 Beste R’n’B/Soul-Band 

❑ 70 Bester R’n’B/Soul-Song 

❑ 71 Bestes R’n’B/Soul-Album 

BEREICH REGGAE: 

❑ 72 Beste Reggae-Sängerin 

❑ 73 Bester Reggae-Sänger 

❑ 74 Beste Reggae-Band 

❑ 75 Bestes Reggae-Album 

BEREICH LATIN-POP: 

❑ 76 Beste Latin-Pop-Sängerin 

❑ 77 Bester Latin-Pop-Sänger 

❑ 78 Beste Latin-Pop-Band 

❑ 79 Bester Latin-Pop-Song 

❑ 80 Bestes Latin-Pop-Album 

BEREICH FOLKROCK: 

❑ 81 Beste Folkrocksängerin 

❑ 82 Bester Folkrocksänger 

❑ 83 Beste Folkrockband 

❑ 84 Bester Folkrocksong 

❑ 85 Bestes Folkrockalbum 

BEREICH COUNTRY: 

❑ 86 Beste Country-Sängerin 

❑ 87 Bester Country-Sänger 

❑ 88 Bester Country-Song 

❑ 89 Bestes Country-Album 

BEREICH SCHLAGER: 

❑ 90 Beste Schlager-Sängerin 

❑ 91 Bester Schlager-Sänger 

❑ 92 Beste Schlager-Band 

❑ 93 Bester Schlager-Song 

❑ 94 Bestes Schlager-Album 

BEREICH MUSICAL: 

❑ 95 Beste Musicalsängerin 

❑ 96 Bester Musicalsänger 

❑ 97 Bestes Musicalalbum 

Die durch die Jury nominierten Preisträger aller Sonderkategorien werden am 17. Dezember 2022 

auf der Hauptbühne der Siegerlandhalle in Siegen im Rahmen der Preisverleihung ausgezeichnet. 

Die Anmeldeformulare können auch unter www.musiker-online.tv heruntergeladen werden. 

MUSIKBUSINESS: 

❑ 98 Bestes Rock-/Pop-Tonstudio (Preis-Leistungs-Verhältnis) 

(Bew.: CD, Studioausstattung, Mietpreis etc.) 

❑ 99 Bestes kreatives Independent-Label (Rock & Pop) 

(Bew.: Produktionsübersicht (CD), Vertriebswege etc.) 

❑ 100 Bester Independent Musikverlag (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstlerübersicht, Vermarktungsstrategie etc.) 

❑ 101 Beste Booking-Agentur (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler-, Konzert- und Tourneeübersicht) 

❑ 102 Erfolgreiche*r Musikmanager*in (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler- und Vermarktungsunterlagen) 

❑ 103 Erfolgreiche*r Musikproduzent*in (Rock & Pop) 

(Bew.: Künstler- und Produktionsangaben, CD) 

❑ 104 Kulturpreis für die Förderung der Rock- & Popmusik in 

Deutschland (Bew.: Auf Empfehlung – keine Gebühren fällig!) 

❑ 105 Lebenswerk (Bew.: Beschreibung des Lebenswerks) 

MUSIKPRODUKTION: 

❑ 106 Beste*r neue*r Rock- und Popkünstler*in des Jahres 

❑ 107 Bestes CD-Album des Jahres (deutschsprachig) 

❑ 108 Bestes CD-Album des Jahres (englischsprachig) 

❑ 109 Bester Song des Jahres (deutschsprachig) 

❑ 110 Bester Song des Jahres (englischsprachig) 

❑ 111 Beste Studioaufnahme des Jahres 

❑ 112 Beste Single des Jahres 

❑ 113 Bestes Musikvideo 

❑ 114 Beste Komposition 

❑ 115 Bester deutscher Text 

❑ 116 Bestes Booklet und Inlaycard 

❑ 117 Beste Instrumentalband 

❑ 118 Bestes Instrumentalalbum 

❑ 119 Beste*r Barpiano-Interpret*in 

INSTRUMENTALISTEN: 

❑ 120 Beste*r Instrumentalsolist*in 

❑ 121 Beste*r Gitarrist*in 

❑ 122 Beste*r Keyboarder*in 

❑ 123 Beste*r Schlagzeuger*in 

❑ 124 Beste*r Bassist*in 

❑ 125 Beste*r Percussionist*in 

❑ 126 Bestes Arrangement 

❑ 127 Bestes Blasinstrument 

EINSENDESCHLUSS: 1. SEPTEMBER 2022

STORIES 13 

Die renommierteste 

deutsche Kabarettistin und 

Trägerin des Bayerischen 

Verdienstordens. 

Mit ihren Programmen 

begeistert Lisa 

deutschlandweit ihr 

Publikum. Auch als Autorin, 

Schauspielerin 

und Sängerin ist Lisa Fitz 

erfolgreich. 

MM: Covid-19 ist ein Thema, welches uns alle 

beschäftigt. Besonders muss die Entertain - 

ment-Industrie darunter leiden. Wie weit darf/ 

soll der Staat deiner Meinung nach mit 

Coronamaßnahmen eingreifen? 

LISA FITZ: Meiner Ansicht nach hätte der Staat 

einen Bruchteil dieser horrenden Milliarden be - 

trä ge investieren können – und sollen, um die 

Bürger in der gleichen ständigen Wiederholungsfrequenz 

ausreichend aufzuklären und über 

Schutzmaßnahmen zu informieren – Masken, 

Abstand, Hände waschen –, anstatt autoritär 

Lockdowns zu verhängen und die Bürger wie 

unfolgsame Kinder in Dauerangst zu treiben, mit 

Aussagen, die sich zum Teil später oft als defi- 

8 


14 STORIES 

nitiv falsch erwiesen haben. Hunderttausende 

von Existenzen würden dann jetzt nicht vor 

dem Ruin stehen. Ich bin mit den üblichen Vor - 

sichtsmaßnahmen schon bis 2020 den dritten 

Winter vollkommen grippe- und erkältungsfrei 

geblieben, nachdem ich 2017 drei Monate 

durchgehend schwer an Grippe und Bronchitis 

erkrankt war und dadurch einen Teil des Ge - 

schmacks- und Geruchssinns verloren habe. 

MM: Wie würdest du die Situation der Kultur 

und Veranstalter beschreiben? 

LISA FITZ: Die Kultur ist nicht tot, aber schwer 

krank, sie muss sich jetzt erholen und regenerieren. 

Die Veranstalter sind sehr tapfer und 

absolut loyal, und zuversichtlich trotz der immer 

wieder miesen Lage – und ausgesprochen 

kämpferisch. Wenn Sie hören würden, wie die 

Branche gegen den konfusen Regelwirrwarr seit 

2020 gewettert hat und immer noch tut, hätten 

Ihnen die Ohren gebrummt. Und die Kultur szene 

steht sicher nicht im Verdacht, „querdenkerisch“ 

oder „rechts“ zu stehen. Man lässt sich 

halt nicht gerne ruinieren, vor allem, wenn man 

alternative Lösungen für praktikabel und sinnvoller 

hält. 

MM: Inwiefern hat dich die Pandemie seit 

Beginn 2020 beeinflusst? 

LISA FITZ: Auf vielfältige Weise, unter anderem 

auch auf sehr spannende. Ich wollte zum Bei - 

spiel seit Jahren ein Sabbatical machen, das 

hätte ich sicher freiwillig nicht geschafft. Ich 

weiß nun nach dieser Zeit, dass es mir genauso 

gut geht, wenn ich nicht auftrete – abgesehen 

natürlich vom Ver dienstausfall. 

Ich bin also nicht bühnen- und applausabhängig, 

obwohl es mir viel Spaß macht. Meinem 

Lebenspartner und mir ging es zu Hause sehr 

gut. Allerdings wohnen wir in Niederbayern auf 

dem Land und haben viel Platz und Natur um 

uns, das ist leichter, als mit zwei Kindern auf 

80 Quadratmeter in der Großstadt zu leben, 

womöglich ohne Balkon. 

Man kommt aber auch etwas aus der Übung 

und denkt zuweilen: Schaff ich das dann wieder, 

wenn’s weitergeht – und soll ich überhaupt 

noch …? Dank Steuerberater kamen staatliche 

Unterstützungen, die geholfen haben. Der Be - 

such ist natürlich allgemein immer noch viel 

schwächer als zuvor. Aber was ich in dieser 

Zeit gelernt habe: Ob ich vor 80 oder vor 800 

Leuten spiele, meine Stimmung auf der Bühne 

bleibt zuverlässig heiter und mein Energielevel 

gleich hoch, das wäre für mich früher undenkbar 

gewesen. 

Seit Juni 2021 ist sie mit dem 

aktuellen Soloprogramm 

„DAUERBRENNER – DAS GROSSE 

JUBILÄUMSPROGRAMM“ auf Tour. 

Der neue Song 

„DEUTSCHLAND QUO VADIS“ 

ist ab 23.8.2021 

auf Youtube und als Download 

via iTunes, Amazon etc. erhältlich. 


STORIES 15 

MM: Wie lief 2021 für dich? 

LISA FITZ: 2021 lief nicht so schlecht, weil 

einige Veranstalter sehr fix auf Open Airs und 

größere Locations umgestellt haben, wo man 

mehr Zuschauer (mit Abstand) setzen durfte. 

Pro blem war und ist die Angst der Menschen, 

sich an zu stecken. Und weil halt nicht jeder gern 

zwei Stunden in einen Mundschutz atmen und 

lachen oder sich den konfusen, ständig wechselnden 

Veranstaltungsregeln für Live-Publi - 

kum unterwerfen will, das kann ich verstehen. 

Wir hoffen alle, dass es besser wird. Und 2021 

gab es ja auch immer wieder Phasen, in denen 

Gast spiele möglich waren. Natürlich tut man sich 

leichter, wenn man einen bekannten Namen hat, 

bei vielen Kollegen ging gar nichts. Aber auch 

ich musste mit vielen Veranstaltern nachverhandeln, 

ihnen mit der Gage entgegenkommen, 

damit beide Parteien zufrieden waren. Manche 

(bekannten) Kollegen haben 2021/22 komplett 

abgesagt und wollen erst wieder 2023 spielen. 

Das sind die mit den fünf Mietshäusern, die wohl 

gar nicht mehr auftreten müssten. 

»Die Kultur szene steht 

sicher nicht im 

Verdacht, 

„querdenkerisch“ 

oder „rechts“ zu stehen. 

Man lässt sich halt 

nicht gerne ruinieren, 

vor allem, 

wenn man alternative 

Lösungen für praktikabel 

und sinnvoller hält.« 

MM: Was erwartest du für 2022? 

LISA FITZ: Ich erwarte derzeit gar nichts mehr, 

ich nehme es hin, wie es kommt und behalte 

meine Lust zu sagen, was ich will. Wenn man 

sich Bange machen lässt, ist das Kabarett tot. 

Und sonst: Ich habe mich 2022 so zugebucht, 

dass ich zum Beispiel eine 14-Tage-Tour am 

Stück im März energiemäßig und stimmlich 

gerade noch so geschafft habe. Warum? Weil 

ich mir beim Booking gedacht habe, ach, da 

fallen sicher wieder paar aus oder werden verlegt. 

War aber dann zum Großteil doch nicht 

so. Der Herbst sieht ähnlich aus. 

MM: In Zeiten wie diesen ist Optimismus ein 

guter Begleiter, um uns durch den Tag zu 

bringen. Bist du eher eine Optimistin oder 

denkst du, ein bisschen Pessimismus ist 

notwendig? Wie stellst du die beiden in Re - 

lation? 

LISA FITZ: Grundsätzlich bin ich immer zuversichtlich, 

dass es irgendwie weitergeht und 

dass man gangbare Wege findet, sagen wir so. 

Ich denke, wirtschaftlich haben wir derzeit weniger 

Anlass, optimistisch zu sein. Aber eine ständig 

miese Stimmung oder chronische Em pö - 

rung und Entrüstung – worüber auch immer – 

macht krank und verhindert Kreativität. 

MM: Genauso wie Kämpfertum und Anpas - 

sung. Ist es gut, sich immer durchzubeißen, 

oder ist Anpassung manchmal sinnvoller? 

LISA FITZ: Das ist natürlich ein ständiger Draht - 

seilakt. Zum Beispiel bei Verhandlungen: Wem 

kommt man wieweit entgegen? Was sagt man 

ab, obwohl es lukrativ wäre? Wo verrät man sich 

und buckelt opportunistisch, indem man seine 

Haltung nicht verteidigt und sein Rückgrat verbiegt? 

„Wer kriecht, stolpert nicht“ – alte Büro weis heit. 

Man weiß ja von mir, das ist nicht das, was ich 

will – und was ich auch gar nicht kann. 

MM: Du bist nun schon gut 50 Jahre im Show - 

business. Viele Künstler resignieren schon 

weit früher aus politischen, gesellschaftlichen, 

pandemischen – oder einfach aus 

Alters gründen. Wie siehst du das? Gibt es für 

die Karriere oder gar die Berufung ein Frist - 

datum? 

LISA FITZ: Sie meinen, ein Verfallsdatum? Na 

ja, körperlich und geistig gibt es schon Limits, 

wenn man zum Beispiel merkt, das Hirn macht 

nicht mehr mit beim Text oder der Rücken die 

langen Fahrten nicht oder was es sonst noch 

so gibt. Ansonsten existieren für mich persönlich 

nur zwei Kriterien: Meine Lust und die der 

Zu schauer. 

MM: Du bist erfolgreiche Kabarettistin. Was 

darf und soll Kabarett vor allem in diesen 

Zeiten? 

LISA FITZ: Ach Gott … auf jeden Fall mehr, als 

es derzeit der Fall ist. Da wird sich angepasst 

und es wird gekuscht und staatstreu moralisiert, 

und jeder, der das gängige Narrativ infrage 

zu stellen wagt, wird selbst als fragwürdig etikettiert. 

Das ist nie Sinn des Kabaretts gewesen. 

Kabarett muss übertreiben und überspitzen, 

um Missstände deutlich zu machen … so 

sollte es sein. Es gibt viel Flachwitz und endlos 

Schülerspäßle im Angebot, aber wenig Her aus - 

forderung für den Intellekt. 

MM: Wie gehst du mit Meinungs verschie den - 

heiten innerhalb der Familie, bei Freunden, 

Kollegen oder Geschäftspartnern um? Gab 

es schon mal Zerwürfnisse? 

LISA FITZ: Nein, überhaupt nicht, ehrlich. Wenn 

ich gemerkt habe oder merke, eine Freundin 

oder ein Freund oder Verwandter ist ganz militant 

auf Gegenkurs, verhalte ich mich wie ein 

Bambusrohr im Wind. Mir sind die Bezie hun - 

gen und die Freundschaften wichtiger und ich 

lenke vorsichtig auf andere Themen um oder 

höre mir halt an, was er so meint. Manchmal 

sage ich dann ganz ruhig und sachlich: Ah, 

interessant … da habe ich eine ganz andere 

Mei nung. Das wirkt viel mehr als aufgeregte 

Entrüstung. Ich muss auch nicht ständig alle 

um mich rum von meiner Meinung überzeugen 

– auch nicht auf der Bühne. Ich will nur zum 

Nachdenken anregen und dazu, immer und 

überall auch die andere Seite zu sehen – und 

zu verstehen. Und sehr oft ist es auch so, dass 

Menschen mit einer Meinung wie in Zement ge - 

meißelt zwei Jahre später ziemlich stark um ge - 

dacht haben, wenn sie von der Realität oder 

neuen Erkenntnissen (auch denen der Wissen - 

schaft) eingeholt werden. Das klingt jetzt vielleicht 

überheblich, aber ich habe mit meinen 

Sichtweisen langfristig tatsächlich oft recht 

behalten. Und was sogenannte „Feinde“ oder 

Gegner betrifft, hier mein Lieblingsspruch: „Du 

musst nur lange genug am Ufer des Flusses sitzen 

bleiben, dann siehst du irgendwann die 

Leiche deines Feindes vorbeischwimmen.“ 

TOURDATEN & NEWS: WWW.LISA-FITZ.DE 

WWW.MUENCHNER-KABARETTSCHULE.DE 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER 

FOTOS: DOMINIC REICHENBACH 


16 STORIES 

ROCKENBOLLE 

Die Cowboys aus der Hölle 

MM: Für unsere Leser*innen, die euch noch 

nicht kennen: Wer steckt hinter ROCKEN - 

BOLLE und was macht ihr für Musik? 

OLLI: Wir sind drei Hamburger Jungs und bestehen 

aus Schlagzeug (Kay), Bass (Olli) und Gitarre 

(Krille), wobei Bass und Gitarre auch den Ge sang 

übernehmen … 

KRILLE: … die Riffs und Soli sind klassischer 

Rock. Da wir sie aber in sehr hohem Tempo 

spielen, und der Gesang aber eher punkmäßig 

rüberkommt, bewegen wir uns in einer Nische, 

die als Speedrock bezeichnet wird … ein schon 

fast klassischer Begriff für das Genre. 

MM: Wie habt ihr euch kennengelernt und wie 

ist die Band entstanden? 

KAY: Wir kennen uns seit vielen Jahren und haben 

in unterschiedlichen Besetzungen schon früher 

gespielt. ROCKENBOLLE wurden 2005 gegründet 

als Überbleibsel vorheriger Projekte … 

OLLI: … und haben sich dann nach und nach zu 

dem entwickelt, was sie heute sind. 

MM: Was fasziniert euch so an den Genres 

Rock ’n’ Roll und Speedrock? Wie seid ihr 

dazu gekommen? 

KAY: Die klassische Rockgitarre ist das, was uns 

an unserer Musik fasziniert, und der Speed, den 

wir in die Riffs legen. Wenn wir an Stücken arbeiten, 

merken wir recht schnell, ob es uns allen 

gefallen wird oder nicht, ohne dass wir klare Vor - 

gaben hätten. 

KRILLE: … Auslöser sind sicherlich immer Bands, 

die man in seiner Jugend hörte und die einen im 


STORIES 17 

Verlauf des Lebens begleitet haben. Das wären 

Bands wie Motörhead, Ramones, aber auch 

G.B.H. oder Peter Pan Speedrock und ähnliche 

Bands. Aber auch Heavy-Metal-Einflüsse sind da: 

Iron Maiden, Metallica und andere. 

MM: Wie positionieren sich diese Musik arten 

gegenüber Punk rock? 

KRILLE: Punkrock ist immer eine Form des Pro - 

testes, der sich in der Musik ausdrückt. Rock ist 

weniger eine Form des Protestes als ein Aus - 

druck dafür, Dampf abzulassen. 

Wir protestieren nicht, aber wir lassen eine 

Menge Dampf ab, und zwar so viel Dampf, dass 

weder die Rocker noch die Punkrocker uns 

genau einsortieren können … Ähnliches galt für 

Motörhead, die sowohl in der Punkrockszene als 

auch in der Metal szene beiderseits beliebt 

waren, und so ging es auch G.B.H., die eigentlich 

der Punkszene zuzuordnen waren, aber signifikant 

auch be stimmte Speed-Metal-Strömungen 

beeinflussten … 

OLLI: … bei uns ist es so: Wir spielen mit Punk - 

bands, aber auch mit Rock- und Metalbands, 

und es passt immer irgendwie mit rein … 

MM: Ihr schreibt die meisten eurer Songs 

selber. Wie geht ihr beim Songwriting vor? 

OLLI: Wir jammen vor der Probe und probieren 

Riffs und Rifffolgen aus, die wir mit einem Raum - 

mikrofon aufnehmen und festhalten. Die hören 

wir uns nach den Proben an und entwickeln weitere 

Ideen dazu, die wir wieder mit in die Probe 

bringen. Meistens experimentieren wir dann 

schon mit Texten und Gesang und entwickeln so 

die Songs … Ausgang ist somit immer ein prägender 

Riff, der im Proberaum spontan entsteht. 

MM: Ihr seid hauptsächlich in der Musik szene 

in Hamburg und Norddeutschland unterwegs. 

Was ist das Schöne an euren nord deutschen 

Fans? 

OLLI: Ein norddeutscher Fan sagt dir geradeheraus, 

was er gut und was er schlecht findet, und 

man kann nach dem Gig in Ruhe ein Bier zusammen 

trinken. Man bewegt sich mit den Fans immer 

auf Augen höhe … denn eines ist doch klar: Ohne 

Fans keine Bands, und ohne Bands keine Fans 

… Es ist eine große Rockfamily, egal wo wir spielen, 

und wir sind stolz, dass wir den musikalischen 

Beitrag dazu leisten dürfen, da es einfach 

unglaublich Spaß macht, ein Publikum mit Musik 

zu bewegen … und das Publikum bewegt dich 

andersrum eben auch … 

MM: Habt ihr ein Konzert, das euch bis heute 

in Erinnerung geblieben ist? 

KRILLE: Wir reden also von früher? Wir spielen 

natürlich viele Club Gigs, und die sind alle auf ihre 

Weise toll. Zwei prägende waren sicherlich mit 

Supercharger im Monkeys, oder Im De Pütt in Leer 

zusammen mit Crossplane, und viele andere 

mehr. Die Festivalerfahrungen sind zwar anders, 

aber ebenso toll. 

KAY: … Wir hoffen, mehr und mehr Festivals spielen 

zu können, um zu sehen, ob uns das genauso 

viel Spaß macht wie die Clubgigs. Das Coastrock in 

Emden und das Ankerground in Flensburg waren 

ein großartiger Start in diese Richtung, und wir 

haben da Blut geleckt … da wollen wir schon mehr 

von haben … freuen uns aber über jeden kleinen 

Clubgig genauso. 

MM: Zurzeit spielt ihr einige Konzerte in Berlin, 

Hamburg und Stade. Wie ist es für euch, wieder 

durchzustarten? 

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18 STORIES 

www.rockenbolle.com 

»Punkrock ist immer 

eine Form des Protestes, 

die sich in der Musik 

ausdrückt. 

Rock ist weniger eine 

Form des Protestes 

als ein Ausdruck dafür, 

Dampf abzulassen. 

Wir protestieren nicht, 

aber wir lassen 

eine Menge Dampf ab, 

und zwar so viel Dampf, 

dass weder 

die Rocker noch die 

Punkrocker uns genau 

einsortieren können …« 

OLLI: Live zu spielen ist natürlich das Ziel, um mit 

den Fans abzufeiern. Die Energie aus dem Pu bli - 

kum aufzunehmen und die eigene Musik abzufeuern 

ist das, was wir wollen, und deswegen waren 

wir natürlich froh, dass dieses Jahr der ein oder 

andere Gig stattfinden konnte … 

MM: 2020 habt ihr euch beim 38. Deutschen 

Rock & Pop Preis beworben und unter anderem 

den ersten Preis in der Kategorie „Bestes 

Booklet und Inlaycard“ für euer Album „Der 

Teufel spielt den Rock ’n’ Roll“ erhalten. Wie 

war es, an dem Album, aber auch an der Er - 

stellung der CD zu arbeiten? 

OLLI: Eigentlich ist die Frage, wie es war, an den 

Songs zu arbeiten. Das nimmt die meiste Zeit in 

Anspruch, sie für das Studio so vorzubereiten, 

dass sie eingespielt werden können. 

KRILLE: Im Studio das Erarbeitete so aufzunehmen, 

dass man seine Musik wiederfindet, ist 

gar nicht so einfach und selbstverständlich. Mit 

Schroedey vom Absurd Studio in Hamburg haben 

wir aber den geeigneten Mischer gefunden. Er 

hat unsere Musik verstanden und genau so, wie wir 

es haben wollten, auf die CD gebracht. Das war 

musikalisch eine tolle Erfahrung und hat jede 

Menge Spaß gemacht. 

KAY: … Wenn das Ding dann im Kasten ist, freut 

man sich aber auch schnell auf neue Projekte und 

macht eigentlich schnell einen Haken hinter die 

CD. Natürlich spielen wir die Songs nach wie vor 

auf den Gigs … 

MM: Was sind eure Ziele für das kommende 

Jahr? 

OLLI: Wir werden an Songs für die nächste CD 

arbeiten, die wir auch schon nach und nach auf 

unseren Gigs spielen werden. Wir möchten mehr 

auf Festivals spielen im Sommer oder Herbst, 

wobei coronabedingt nicht so viel möglich ist, da 

Festivals mit kompletten Besetzungen verschoben 

wurden … man braucht neben Durchhalte - 

vermögen bei Bewerbungen eine hohe Frustra - 

tionsgrenze, und dann klappt es ab und an vielleicht 

auch mit einem Festivalauftritt …. Wir sind 

auf jeden Fall bereit dafür und wissen, wie das 

auf der Bühne funktioniert. 


FOTOQUELLE: ROCKENBOLLE 


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WISSENSCHAFTLICHE STUDIE ZEIGT: 

So programmiert man den 

Körper auf Abnehmen 

Es ist und bleibt ein ständiger Kampf, 

obwohl wir mit unzähligen Theorien 

und Strategien zur Gewichtsabnahme 

von mehr oder weniger seriösen 

„Experten“ überhäuft werden. Schön wäre 

es, wenn wir uns nicht anstrengen müssten, 

um das abgenommene Gewicht zu 

halten, sondern wir einfach schlank bleiben 

würden. Dazu müsste der Stoffwechsel 

lernen während und nach einer Diät mehr 

Kalorien zu verbrennen. In Hungerperioden 

(also auch bei einer herkömmlichen 

Diät oder kalorienreduzierten Kost) 

tut er nämlich genau das Gegenteil. Und 

wir müssen lernen wenige gesunde Fette 

und keine ungesunden Zucker zu uns zu 

nehmen. Dazu kann man zum Beispiel 

gesunde Zucker nutzen, mit einem niedrigen 

glykämischen Index, damit der Appetit 

auf ungesunden Zucker gar nicht erst entsteht 

und man länger leistungsfähig und 

konzentriert bleibt. So braucht man nicht 

laufend Zucker „nach zu futtern“ und der 

Blutzuckerspiegel bleibt konstant. 

Neue Erkenntnisse 

Vor einiger Zeit haben die Ernährungswissenschaftler 

der Universität Freiburg 

mehrere Diätprogramme auf ihre Wirksamkeit 

getestet. Eine Diät schnitt überraschend 

besser ab. Die Gewichtsabnahme 

erfolgte schnell und ohne Jo-Jo-Effekt. 

Auf Grund dieses herausragenden Ergebnisses 

hat sogar das bekannte amerikanische 

Fachmagazin „International Journal 

of Obesity“ darüber berichtet. Ein wichtiger 

Teil dieses Programms ist Almased (in 

Apotheken erhältlich). Es wurde seinerzeit 

von einem Heilpraktiker entwickelt, um 

den Stoffwechsel seiner Patienten zu optimieren 

und somit das Immunsystem und 

die Leistungsfähigkeit zu steigern. Heute 

ist es das beliebteste Mittel zur Gewichtsabnahme 

in Deutschland und wird von 

Apothekern am häufigsten empfohlen. 

Jetzt haben Experten der Universität in 

Edmonton (Kanada) Almased dem Härtetest 

unterzogen. In der sogenannten 

„Stoffwechsel-Kammer“ wurde geprüft was 

Almased tatsächlich leistet. Erste Ergebnisse 

wurden anlässlich des ECO 2018 in 

Wien vorgestellt. Sie beweisen, dass nur 

ein Almased-Drink pro Tag nicht nur den 

Grundumsatz (Kalorienverbrauch – ohne 

dass man etwas tut) steigert, sondern auch 

das Körperfett wesentlich früher zur Energiegewinnung 

herangezogen wird als bei 

einer alternativen Ernährung. Damit wurden 

die Ergebnisse der sogenannten „Frühstücks-Studie“ 

der Universität in Freiburg 

von 2011 bestätigt. 

Almased kann helfen 

Schon ein Almased-Drink pro Tag steigert 

den Kalorienverbrauch wie etwa 30 

Minuten auf dem Laufband. Es kann 

also dafür sorgen, dass einmal abgenommenes 

Fett auch abgenommen bleibt. Man 

könnte annehmen, dass das in Almased 

unter anderem nachgewiesene bioaktive 

Peptid „Lunasin“ dabei eine wichtige Rolle 

spielt. Leider ist es Almased durch die sog. 

Health-Claims-Verordnung gesetzlich 

verboten über viele weitere gesundheitliche 

Vorteile, die durch die einzigartige 

Rezeptur und das besondere Herstellungsverfahren 

entstehen und wissenschaftlich 

belegt sind, zu informieren. Daher: „Probieren 

geht über studieren“. 

Auf das Timing kommt es an: Für 

viele von uns ist das abendliche Essen 

die Belohnung für einen langen Tag. 

Dadurch nehmen die meisten von 

uns den überwiegenden Teil der 

Kalorien am Abend auf. Der Körper 

wird also doppelt belastet: Zu den 

nächtlichen „Restrukturierungs- 

Maßnahmen“ kommt auch noch 

die Verdauung hinzu. Steht dem 

Stoffwechsel aber nicht genug Protein 

und Energie für die lange Nacht zur 

Verfügung, wachen wir öfter auf 

und fühlen uns zerschlagen. Ersetzt 

man die letzte Mahlzeit des Tages 

durch einen Almased-Drink mit etwas 

mehr Pulver als üblich, spart man 

viele Kalorien, schläft besser und 

wacht erholter auf. Ein „Selbst-Test“ 

lohnt sich – versuchen Sie es mal. 

Hier 

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Sie mehr – 

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20 STORIES 

TOKUNBO 

»Ein Americana-Album, 

akustisch, zart, tröstlich, 

melancholisch schön 

und von unbändiger stiller 

Kraft … ein Album, 

das schon bei Erscheinen 

zugleich modern und von 

zeitloser Schönheit ist.« 

MM: Du konntest mithilfe von Crowd fun ding 

dein neues Album „Golden Days“ finanzieren 

und hast dabei fast 30 000 Euro eingespielt. 

Hast du mit diesem Erfolg gerechnet? 

TOKUNBO: Ich habe eine gewachsene Fan-Com - 

munity, die mir seit vielen Jahren die Treue hält 

und mich schon im ersten Pandemiejahr über meinen 

Künstlershop enorm unterstützt hat. Diese 

Verbundenheit hat mir das Vertrauen gegeben, 

dass es klappen kann, im richtigen Moment dieses 

spannende Projektalbum gemeinsam zu 

stemmen und dafür auch einen höheren Betrag 

einzuspielen. 

Nach dem Raketenstart mit fast 50 Prozent des 

Ziels am ersten Wochenende war ich sehr zuversichtlich, 

dass wir das Funding-Ziel von 20 000 € 

schaffen und auch darüber hinaus kommen würden. 

Dass es dann auf den letzten Metern noch 

mal so richtig Fahrt aufnehmen würde und wir 

fast 150 Prozent ge schafft haben, hat mich total 

gerührt. 

Aber nichts anderes ist Crowdfunding: in einer 

Community gemeinsam etwas auf die Beine stellen. 

Und nicht zuletzt steckt hinter einem Crowd - 

funding eine enorme Vorbereitung und Planung. 

Ich habe aus der Erfahrung meiner zwei vorherigen 

Crowdfundings geschöpft und viele Monate 

im Voraus Ideen gesammelt für die sogenannten 

„Dankeschöns“, mir Aktionen ausgedacht und 

die Kampagne liebevoll gestaltet. 

Der Wunsch meiner Community, mich als Künst - 

lerin zu begleiten, meine Musik wiederum weiterhin 

in ihrem Leben zu haben und dazu noch bei 

etwas Besonderem dabei zu sein – nämlich der 

gemeinsamen Reise hinter die Kulissen der Pro - 

duk tion, auf die ich meine Unterstützer*innen mit - 

genommen habe –, war spürbar und mit Sicher heit 

auch Grund dafür, dass so viele Menschen Lust 

hatten, mit einzusteigen. 

MM: Kannst du uns kurz erklären, was Crowd - 

funding ist? Und was ist das Geheim nis eines 

erfolgreichen Crowdfundings? 

8

STORIES 21 


22 STORIES 

TOKUNBO: Crowdfunding wird oft als Schwarm - 

finanzierung übersetzt. Mithilfe einer Fan Base – 

einer Crowd – wird ein Projekt vorfinanziert. Im 

Gegenzug bietet der*die Projektinitiator*in verschiedene 

Dankeschöns an. Dabei kann es sich 

um das zu finanzierende Produkt handeln, wie etwa 

das Album, oder auch personalisierte Goodies, 

von handgeschriebenen Songtexten bis hin zu 

Hauskonzerten. Man könnte es als Vorverkauf 

Deluxe beschreiben. 

Das Ganze geht auf Zeit, oft in einem Zeitraum 

zwischen vier und acht Wochen, und es gilt das 

Alles-oder-nichts-Prinzip: Wird das Ziel nicht in 

der vorgegebenen Zeit erreicht, fließt das Geld 

an die Unterstützer*innen zurück. 

Beim Crowdfunding ist entscheidend, dass man 

bereits eine Fan-Community mitbringt, die bereit 

ist, das Projekt zu unterstützen. 

Nach meiner Erfahrung sind die persönlichen 

Dankeschöns sehr erfolgreich. Die Unter stüt - 

zer*innen möchten etwas, das sie mit dem*der 

Künstler*in verbindet. Daher laufen oft Wohn zim - 

merkonzerte, Meet & Greets (zum Beispiel in Form 

von gemeinsamen Kochaktionen), handgeschriebene 

Lyrics oder Songbooks neben den Alben 

sehr gut. 

❦ Mein Tipp: Dankeschöns in verschiedenen 

Preis kategorien anbieten, da manche Fans gerne 

auch größere Beträge in den Topf werfen möchten. 

Dabei sollte man sein Publikum möglichst kennen, 

um einschätzen zu können, was überhaupt als 

Danke schön ankommen könnte. 

Das Allerwichtigste ist jedoch die mentale Vor - 

bereitung. Bei jedem Crowdfunding gibt es die 

berühmte Talsohle in der Mitte der Laufzeit, die 

einen nervös werden lassen kann, ob man das 

TOKUNBO 

„Golden Days“ 

VÖ: 25. FEBURAR 2022 

WWW.TOKUNBOMUSIC.COM 

WWW.FACEBOOK.COM/TOKUNBOMUSIC 

WWW.YOUTUBE.COM/TOKUNBOMUSIC 

WWW.INSTAGRAM.COM/TOKUNBOMUSIC 

AIRPLAY FOR ARTISTS: 

BIT.LY/AIRPLAY-FOR-ARTISTS 

GOLDEN-DAYS–VIDEO: 

YOUTU.BE/L3UBY9XSQI0 


STORIES 23 

Ziel überhaupt erreicht. Es bleibt meist bis zum 

Schluss spannend, und in dieser Situation darf 

man sich nicht mit Selbstzweifeln aufhalten, sondern 

muss fleißig weiter posten, schreiben, akqui - 

rieren, also die Werbetrommel rühren, ohne Rück - 

sicht auf eigene Blockaden und Glaubenssätze, 

die an die Tür klopfen. 

men und sich beraten lassen. Die Initiative Musik 

stellt auf ihrem YouTube-Kanal Videoanleitungen 

für das Antragstool zur Verfügung und veranstaltet 

zu jeder Förderrunde Live-Webinare und Last 

Minute Q&As auf Instagram, wo man noch mal 

kurz vor Ein sende schluss Fragen klären kann. Ein 

großartiger Service, den man nutzen sollte. 

MM: Du sprichst oft von der besonderen Bin - 

dung zu deiner Fan-Base. Was tust du dafür 

und wie hältst du sie aufrecht? 

TOKUNBO: Ich bleibe über meinen Newsletter im 

regen Austausch mit meiner Community. Er ist das 

wichtigste Tool in meiner Fan-Pflege. Damit bleibe 

ich in Verbindung und schaffe den Nährboden für 

wirklich lang anhaltende Beziehungen. Gerade in 

Zeiten der Pandemie, als es keine Kontakt möglich - 

keit über Konzerte gab, waren diese Briefe das 

wertvolle Band, das uns zusammengeschweißt 

und auch gegenseitig Kraft gegeben hat. 

MM: Für dein neues Album hast du eine 

Künstlerförderung der Initiative Musik be - 

kom men. Warum hast du nach deinem erfolg - 

reichen Crowdfunding noch einen Förder - 

antrag gestellt? 

TOKUNBO: Mit dem Crowdfunding konnte ich die 

Albumproduktion, die Herstellung und einen Teil 

der PR finanzieren. Mein großer Wunsch war es 

jedoch, mehr Möglichkeiten im Bereich Promo 

und Marketing zu haben. So hat die Künst - 

ler*innenförderung der Initiative Musik mir er - 

möglicht, neben Print- und Radio-PR auch eine 

Fernsehpromotion zu buchen und meinen Re - 

lease von einem Marketing-Experten begleiten 

zu lassen. Beides war von großem Wert für die 

Ver öffent lichung, meine TV-Promoterin hat ganze 

Arbeit geleistet und mich in sechs Mainstream- 

Formaten unterbringen können, darunter das ARD 

Morgenmagazin, ARTE Journal und ARD Brisant. 

Mit dem Marketing-Experten Max Frankl habe 

ich eine Release-Strategie entwickelt, die meine 

Fan-Community mit auf meine Reise nehmen sollte 

und die auch Facebook Ads mit eingeschlossen 

hat. Das alles wäre in dieser Form ohne die 

Unterstützung der Initiative Musik nicht möglich 

gewesen. 

MM: Du hast bereits mehrere Förder an träge 

bewilligt bekommen. Was rätst du Kolle gin - 

nen, die einen Förderantrag stellen wollen? 

Was den Antragsaufbau angeht, ist es immer 

wichtig, diese fünf Fragen im Kopf zu haben: Wer 

bin ich? Wo stehe ich? Wo möchte ich hin? Wie 

komme ich dorthin? Welche Perspektiven sehe ich? 

Bei Projektförderungen ist der Finanzplan wichtig 

– hier möglichst genaue Kostenvoranschläge 

ein holen für Dienstleistungen, weil man jede Aus - 

gabe genau zuordnen und belegen muss. Der 

Zeitplan sollte realistisch umzusetzen sein. 

Für die Künstler*innenförderung der Initiative 

Musik bedarf es eines Partnerunternehmens aus 

der Musikbranche, darüber muss man sich im 

Klaren sein und sich frühzeitig Gedanken machen, 

wer dafür infrage kommen könnte: Vertrieb/Label, 

Booking Agentur oder auch Produzent*in. 

❦ Mein Tipp: den Antrag nicht auf den letzten 

Drücker abgeben, das kostet nur Nerven, und es 

kann dabei immer auch etwas schiefgehen. Die 

Antragsmaske kann bei zu hoher Auslastung 

womöglich abstürzen oder man bemerkt zu spät, 

dass noch Unterlagen fehlen. 

❦ Noch ein Tipp: genügend Zeit einrechnen. 

Es lohnt sich, den Antrag sorgfältig zu durchdenken, 

ein Konzept zu entwickeln und sich Zeit für die Aus - 

arbeitung zu nehmen, um die Jury mit einem fundierten 

Antrag überzeugen zu können. 

MM: Du bist kürzlich in der Fernseh sen dung 

MDR iMagine – Songs voller Hoffnung mit 

Max Giesinger, Jeanette Biedermann und 

Gregor Meyle aufgetreten und warst zu Gast 

beim ARD Morgenmagazin. Wie kam es zu 

diesen Einladungen? 

TOKUNBO: Besagte TV-Promoterin hat mich für 

diese Sendungen bei den Redaktionen vorgeschlagen. 

Die Zusage für das ARD Morgen ma - 

ga zin kam kurz vor Weihnachten – eine sehr schöne 

Aussicht auf das neue Jahr. In den Wochen 

vor dem Album-Release kamen dann noch weitere 

Zusagen wie für MDR iMagine, ARD Brisant 

und zuletzt meine Mitwirkung bei der ESC-Jury. 

TOKUNBO: Wichtig ist, sich die Förderrichtlinien 

genau durchzulesen, um einschätzen zu können, 

ob man überhaupt zum Profil der Förderung 

passt. Die meisten Förderinstitutionen bieten 

Sprechstunden an – diese unbedingt wahrneh- 

MM: Selbstvermarktung ist im neuen Zeit - 

alter der Musikindustrie nicht mehr wegzudenken. 

Viele Musiker*innen tun sich mit ihrer 

Selbstvermarktung schwer. Woran, glaubst 

du, liegt das und was kann man ihnen raten? 

8

24 STORIES 

TOKUNBO: Die meisten Musiker*innen gehen mit 

der Erwartungshaltung in den Beruf, sich ausschließlich 

mit Musik zu beschäftigen, und erleben 

dann einen Schock, dass der Alltag, besonders 

als Indie-Künstler*in, von vielen, zum Teil 

kleinteiligen und oft lästigen Aufgaben bestimmt 

wird. Marketing ist dabei ein rotes Tuch für viele. 

Sieht man darin jedoch die Möglichkeit, mit 

dem Publikum in Kontakt zu kommen, und be - 

trachtet man den Beruf in der Gesamtheit seiner 

Facetten auch als Business, kann man in vielen 

Teilbereichen Möglichkeiten für Kreativität entdecken. 

Mir gefällt dabei der amerikanische Be - 

griff „Musicpreneur“, bei dem man sich als Unter - 

nehmer*in wahrnimmt und nach kreativen Lö - 

sungen und ganz individuellen Wegen sucht, oft 

auch jenseits der Konventionen der Musik in - 

dustrie. 

Social-Media-Berater und Videografen besteht. 

Ich supervisiere allerdings so gut wie alle Be - 

reiche selbst, bin also selbst meine Produkt ma - 

nagerin und führe alle Fäden zusammen. Da durch 

bleibe ich auch an kleineren Aufgaben hängen. 

In Teilbereichen steuere ich dagegen, indem ich 

mit Assistenzen arbeite – etwas, das ich unbedingt 

weiter ausbauen möchte. Es braucht manchmal 

den Mut und die Weitsicht zu verstehen, dass mit 

einer Assistenz Kräfte und Re ssour cen wieder frei 

werden. 

Und auch, wenn ich weiß, wie wichtig es ist, sich 

Auszeiten oder Orte als Ausgleich zur Ar beit zu 

schaffen, die in unserem Metier niemals ruht, fällt 

das schwer. Insbesondere mit Familie kann man 

den Kalender nicht bis ans Limit füllen. Und auch 

sonst sollte man Regenerie rungs pha sen einplanen, 

um den Beruf möglichst lange ausüben zu 

können. 

Natürlich fällt das Musiker*innen unterschiedlich 

leicht oder schwer, aber neben Tools, die ganz 

praktisch den vielseitig fordernden Alltag erleichtern, 

gibt es inzwischen auch zahlreiche Möglich - 

keiten der Vernetzung und der gegenseitigen Un - 

terstützung und Motivation in Online-Communities 

wie der Raketerei, einer Community speziell für 

Musikerinnen. 

MM: Als unabhängige Künstlerin sind viele 

Bereiche abzudecken, viele Künstler leiden 

früher oder später an Burn-out. Ist dir das 

auch schon passiert? Bist du eine Künst lerin, 

die alles selber macht oder arbeitest du mit 

einem Team? 

TOKUNBO: Leichte Burn-outs habe ich auch 

schon erlebt, unabhängig davon, ob ich in einem 

größeren Team oder im Alleingang gearbeitet habe. 

Selbst im Major-Label-Kontext habe ich schon am 

Burn-out gekratzt. 

Sobald man eine konkrete Vision für seine 

Kunst hat, steht so viel auf dem Spiel, das man 

schützen möchte, dass es nicht leichtfällt, die 

Kontrolle abzugeben. Hinzu kommt die Gewohn - 

heit, vieles in den Anfängen allein zu wuppen – da 

den Moment zu finden, Aufgaben abzugeben, ist 

schwer. 

Um loslassen zu können, ist das richtige Team 

entscheidend. Menschen, die wirklich Arbeit ab - 

nehmen, die proaktiv, effizient und professionell 

sind und nicht zusätzliche Arbeit verursachen. 

Und, die vor allem deine Künstler*innen-Identität 

im Blick haben und ihr zuarbeiten. 

MM: Du hast die Pandemie genutzt, um an 

deinem dritten Solo-Album „Golden Days“ 

zu arbeiten. Wie hast du es geschafft, trotz 

Betreuungsengpass dennoch dein Album zu 

schreiben und zu produzieren? 

TOKUNBO: Mit der Geburt unseres Sohnes waren 

die Zeitfenster für das kreative Arbeiten sehr klein, 

und so habe ich mich schon vor Jahren dahin 

trainiert, auf Knopfdruck kreativ zu sein. Diese 

Fertigkeit kam mir in der Pandemie-Situation 

zugute. Wann immer es möglich war, bin ich 

in unser Gartenhäuschen gegangen und habe 

an meinen Songentwürfen gearbeitet. Manchmal 

bis spät in die Nacht mit einem Feuer im kleinen 

Kamin und der Vision im Kopf, dass ich am Ende 

des Tunnels mit einem Album herauskommen 

möchte, meinem persönlichen Soundtrack für 

diese herausfordernde Zeit. 

Später, als es wieder möglich war, sich mit 

mehreren Haushalten zu treffen, habe ich mit 

meinen beiden Poduzenten Ulrich Rode (Gitarre) 

und Matthias „Maze“ Meusel (Schlagzeug) die 

Songs zu Ende geschrieben und das Album in 

Etappen mit ihnen produziert. Beide sind großartige 

Songwriter und Arrangeure und verstehen 

es, meine Sweetspots ins Licht zu rücken. 

Der Unterstützung meiner Band, zu der neben 

Ulrich und Matthias auch der Bassist Christian 

Flohr und die Multi-Instrumentalistin Anne de Wolff 

gehören, verdanke ich, dass die Album-Pro duk - 

tion schließlich in großen Schritten vorangegangen 

ist. 

In den Veröffentlichungsphasen vergrößere ich 

mein Team, das dann neben der Band und unserem 

Toningenieur auch aus der Fotografin, Grafi - 

ke rin, PR-Texter*innen, Promoter*innen, einem 

MM: Du hast in der Pandemie auch die Ini - 

tiative #AirplayForArtists mit ins Leben ge - 

rufen. Was hat es damit auf sich, und welche 

Erfolge konntet ihr erzielen?

STORIES 25 

»Mir gefällt der 

amerikanische Be griff 

„Musicpreneur“, 

bei dem man 

sich als Unter nehmer*in 

wahrnimmt und 

nach kreativen Lö sungen 

und ganz individuellen 

Wegen sucht, 

oft auch jenseits der 

Konventionen 

der Musikindustrie.« 

TOKUNBO: Als sich abzeichnete, dass wir es mit 

einer längeren Phase ohne Auftritte zu tun haben 

würden, haben zwei befreundete Musiker kolle gen 

von der Band THE BROTHERS und ich die Ini tia - 

tive #AirplayForArtists ins Leben gerufen. Mit einem 

offenen Brief haben wir an die Radiostationen 

Deutschlands appelliert, in der Zeit der Auf tritts - 

verbote vermehrt Musik unabhängiger Künst - 

ler*innen zu spielen, um so über die ausgeschütteten 

GEMA-Tantiemen einen kleinen Ausgleich 

zu schaffen. Es haben sich in kurzer Zeit über 80 

Musiker*innen angeschlossen und den Brief mitunterzeichnet. 

Von den Radiostationen bekamen wir viel Re - 

sonanz: Freie Radiostationen und Bürgerradios 

featurten in Sondersendungen lokale Musi - 

ker*innen und wir kamen ins Gespräch mit den 

Kulturradios, die ohnehin eine vielseitige Song - 

auswahl präsentieren. Von den Mainstream- 

Radio stationen hätten wir uns eine breitere Un - 

ter stützung gewünscht. Ihr Publikum brauche 

gerade jetzt nur Musik, die es kenne, hieß es. Da 

fehlte zum Teil leider das Verständnis dafür, dass 

es um die tatsächliche Existenz unabhängiger 

Künstler*innen und um den Erhalt der Vielfalt der 

Musiklandschaft ging und im Zuge dessen dem 

Publikum vielleicht doch auch unbekanntere 

Künstler*innen zugemutet werden könnten. 

Wir hätten diese Arbeit gerne weiter fortgesetzt, 

weitere Aktionen geplant und noch viel mehr Musi - 

ker*innen eingeladen, dabei zu sein. Da die Arbeit 

ehrenamtlich war, mussten wir jedoch irgendwann 

die Entscheidung zu zugunsten der Weiter ent - 

wick lung eigener Projekte fällen. 


FOTOS: © ANNE DE WOLFF 


26 STORIES 

Mal singt er, mal rappt er, 

mal ist es ein flowiger 

Sprechgesang. Seine Songs 

sind ein Mix aus Pop und 

Singer-Songwriter 

mit Hip-Hop-Einflüssen. 

DAVID BETA 

„WENN ICH SCHONMAL HIER BIN“ 

VÖ: 29. OKTOBER 2021 

DAVIDBETA.DE 

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»Wenn ich schon mal 

hier bin, will ich nicht 

nur zuseh’n, 

will am Ende sagen, 

ich war 

wirklich dabei.« 


STORIES 27 

MM: Du bist in Kiel aufgewachsen und später 

nach Hamburg gezogen. Warum ist Hamburg 

deine Wunschstadt? 

DAVID BETA: Mich hat Hamburg schon immer 

irgendwie fasziniert. Natürlich Hafen, Reeper bahn, 

Beatles, aber auch die große, bunte Musikszene 

mit einigen meiner frühen Lieblingsbands und 

-musiker*innen. Mit 16 habe ich viel Tomte, Kettcar 

und Tocotronic gehört, aber auch die Hamburger 

Rap-/Hip-Hop-Szene mit den Beginnern, Samy 

Deluxe, Dendemann etc. mochte ich extrem. 

MM: Neben deinem Umzug gab es in deinem 

Leben schon viele Neuanfänge. Zum Beispiel 

dich von deiner Band zu lösen und eine Solo - 

karriere zu starten. Woher holst du dir den 

Mut, diese Schritte zu gehen? 

DAVID BETA: Solche Schritte brauchen weniger 

Mut, wenn man einfach richtig doll Hummeln im 

Hintern hat. Als ich nach Hamburg kam, war 

ich schon ganz schön nervös, was alles so 

kommen wird, aber die Vorfreude und die 

Lust auf was Neues haben klar überwogen. 

Zu lange am selben Fleck zu bleiben – 

räumlich, aber auch innerlich –, das 

kann auf Dauer noch anstrengender 

sein, als den Arsch hochzukriegen 

und loszulegen. 

MM: War Musik schon in deiner 

Kindheit ein wichtiges Thema? 

DAVID BETA: Tatsächlich eher weniger. 

Ich fand Musik früher nicht so interessant, 

habe zwar gerne mal ein bisschen mitgesungen, 

aber ein Instrument lernen 

wollte ich, bis ich 13 war, gar nicht, habe 

mich im Musikunterricht sogar ganz 

schön verweigert. Erst später habe ich 

mir mal die Gitarre meines Vaters ausgeliehen 

und da hat es irgendwie ge - 

klickt. Zack – hier bin ich! 

MM: Durch deine Eltern bist du mit Musik 

von Reinhard Mey aufgewachsen. Damals 

war er für dich „uncool“. Wie stehst du heute 

dazu und wie hat er deinen musikalischen 

Werdegang beeinflusst? 

DAVID BETA: Klar, früher wollte ich Nu Metal, Rap 

und Punk hören, da fehlte mir als Kind natürlich 

der Zugang. Mittlerweile habe ich aber einen 

großen Respekt vor diesen „alten Meistern“ unserer 

Musik, ob jetzt Reinhard Mey, Grönemeyer, 

Lindenberg und so weiter. Mittlerweile höre ich 

das alles unglaublich gerne und merke immer 

mehr, was für geniale Songs und Texte da überall 

stecken, an denen sich die heutige Popmusik 

immer noch orientieren kann und vielleicht auch 

sollte. 

MM: Da du in Kiel aufgewachsen bist, hast 

du eine starke Bindung zum Meer. 

Wenn du dich entscheiden müsstest: Meer 

oder Berge? 

DAVID BETA: Meer! Auch wenn beides natürlich 

dieses Gewaltige, Monumentale und gleichzeitig 

Beruhigende hat. Am Meer bin ich einfach zu 

Hause, und Meer symbolisiert auch noch mehr 

den stetigen Wandel, das Auf und Ab, diese krasse 

Flexi bilität, die Berge nun ja nicht gerade haben. 

MM: Mit früheren Bands, aber auch solo hast 

du schon einige Konzerte gegeben. Was ist 

das Beste an einem Livekonzert mit Pu bli - 

kum? 

DAVID BETA: Dass ich direkt eine Reaktion auf 

meine Musik und meine Ansagen erlebe. Das kann 

kein noch so gelungener Livestream ersetzen. 

MM: Mit 14 hast du angefangen, englische 

Songs zu schreiben. Mit 15 folgte dann der 

erste Song auf Deutsch. Warum hast du dich 

entschieden, auf Deutsch zu schreiben und 

zu singen? 

DAVID BETA: Ich vermute, mein Englisch ist einfach 

zu schlecht, um mich darin wirklich gut auszudrücken. 

Tatsächlich höre ich zurzeit sehr viel 

englischsprachige Musik, aber ich finde es schon 

schwer genug, auf Deutsch meine Gedanken richtig 

in einen Text zu packen. Vielleicht ändert sich 

das ja irgendwann noch mal, denn Englisch ist 

immer noch die beste Sprache für große Pop - 

songs. ;) 

MM: Wie gehst du beim Songwriting vor? 

Woher kommt deine Inspiration? 

DAVID BETA: Die Ideen kommen unterwegs, die 

muss ich dann irgendwie festhalten. Meistens 

Sprachnotiz im Handy. Zu Hause kommt dann 

die Fleißarbeit, da sitze ich an guten Tagen ein 

paar Stunden, bis ich aus der Richtung, die die 

erste Idee vorgibt, etwas Brauchbares gebastelt 

bekomme. Nicht immer wird aus einer ersten guten 

Skizze auch ein Song, aber manche mittelmäßig 

klingende Melodie kann sich mit etwas Durch - 

halten zum neuen Lieblingssong machen. Immer 

dranbleiben! 

MM: Mitten in der Produktionsphase deines 

Debütalbums „Wenn ich schon mal hier bin“ 

kam die Pandemie. Woher hatten du und 

dein Produktionsteam die Motivation weiter - 

zumachen und wie hat diese Situa tion dein 

Album beeinflusst? 

DAVID BETA: Es gab eigentlich gar keine Alter na - 

tive. Das war teilweise ganz schön frustrierend, 

aber so ging es ja allen Kolleginnen und Kollegen, 

die Releases, Auftritte, ganze Touren verschieben 

mussten. Irgendwie musste es ja weitergehen, 

denn der Traum vom ersten Album war dann 

doch viel größer und wichtiger, als jetzt ein Jahr 

früher oder später fertig zu sein. Es hatte auch 

seine Vorteile, über manche Songs konnte man 

noch mal entspannt drüberschauen und hier und 

da etwas verbessern, was man sonst übersehen 

hätte. 

MM: Was sind deine Pläne für die Zukunft? 

DAVID BETA: Viele neue Songs schreiben, da 

bin ich jetzt schon dran, und irgendwann hoffentlich 

die erste Tour, vielleicht Support spielen für 

größere Acts, um ein bisschen bekannter zu werden. 

Auf jeden Fall hoffe ich, meinen Sound und 

meine Texte noch viel weiter entwickeln zu können. 

Da geht wie immer noch einiges! 

WEB: DAVIDBETA.DE 


FOTO: VIKTORIA MICHEEL 


28 STORIES 

Rockt dich mit authentischen deutschen Texten! 

MM: Für die Leser, die BRENNPUNKT noch 

nicht kennen: Wie habt ihr zusammengefunden? 

BRENNPUNKT: Wir stammen alle aus dem gleichen 

Dorf am Bodensee und spielen jedes Jahr 

bei Rock am Ring (allerdings auf dem Camping - 

platz :)). 

MM: Was ist die Message eurer Band? 

BRENNPUNKT: Unsere Texte sprechen Themen 

an, welche die Menschen beschäftigen, die mitten 

im Leben stehen. Sie sollen Inspiration, Mut und 

Trost spenden und vor allen Dingen aufzeigen, 

dass wir alle mit den gleichen Dingen konfrontiert 

und auf einer gemeinsamen Reise sind. 

MM: Was unterscheidet euch von anderen 

Bands? 

BRENNPUNKT: Wir machen keinen „Deutsch- 

rock“, sondern Rock mit deutschen Texten. Dabei 

bewegen wir uns zwischen den Polen Funk und 

Hardrock. Bisher ist uns noch keine Band be - 

kannt, die diese Bandbreite besitzt und mit deutschen 

Texten versucht, den Puls der Zeit zu treffen. 

Die Basis für unsere Band ist eine tiefe Freund - 

schaft, welche uns bereits vor den ersten musikalischen 

Treffen verbunden hat. 

MM: Jede Band hat ihren eigenen Weg, um 

Musik zu schreiben. Ihr wohnt zudem noch 

sehr weit voneinander entfernt. Wie geht 

ihr bei eurem Songwritingprozess vor? 

BONSAI: Ich habe ein digitales Homerecording - 

studio aufgebaut. Mittels der DAW „Magix Music - 

maker“ entwickle ich die Grundstruktur der Songs. 

Meistens habe ich die Hook vom Refrain als 

Ausgangsbasis für die ich dann ein Gitarrenriff 

entwickle. Als Nächstes überlege ich mir dann, 

wie Intro, Interlude, Strophen und Solo aussehen 

könnten. Sobald ich die Gitarre im Kasten habe, 

programmiere ich die Drums, damit schon mal 

ein guter Basisgroove steht. Anschließend spiele 

ich dann noch die Bassgitarre rudimentär ein, 

damit man den Song als Ganzes erfassen kann. 

Diese Rohversion schicke ich dann an alle Mu siker 

raus, damit sich jeder Gedanken machen kann, wie 

er seinen Part spielen will. Gaby kümmert sich dann 

immer intensiv um die Texte, damit die Message 

des Songs auch wirklich rüberkommt. Wenn wir 

dann mal wieder zu einer Probe zusammenkommen, 

was im Schnitt so alle zwei Monate stattfindet, 

arbeiten wir den Song final aus und feilen an 

Breaks, Tempo und Ausdruck. Anschließend können 

wir den Song dann mit 24 Spuren simultan 

aufnehmen. Dazu benutze ich zwei Audio in ter - 

faces und die DAW Reaper. In der Nach bear - 

beitung der Probe kann ich dann die Songs 

mischen und verfeinern. An schließend bekommt 

jeder Musiker von mir ein Play-along auf dem 

Server zur Verfügung gestellt, auf dem sein Instru - 

ment/seine Stimme fehlt, damit jeder wieder autark 

üben kann. So schaffen wir es, in kurzer Zeit 

immer wieder neue Stücke zu erarbeiten. 

MM: Ihr schreibt und performt eure Texte 

immer auf Deutsch. Warum habt ihr euch 

dafür entschieden? 

BRENNPUNKT: Wir haben tatsächlich auch einen 

Song, welcher Deutsch und Englisch in einem 

vereint. Wir denken aber, dass die Texte in Mutter - 

sprache die Zuhörer eher zum Nachdenken bringen 

und für jeden verständlich sind. Wir haben 

zuvor in mehreren Bands meist in englischer 

Sprache gesungen. Bei BRENNPUNKT haben wir, 

trotz größtem Respekt vor den Heraus for derungen 

der deutschen Sprache, unsere Mutter sprache ge - 

wählt, um den Texten mehr Tiefe zu geben. 

MM: Welche Musik hört ihr selber? Und woher 

holt ihr die Inspiration für eure Songs? 

GABY: Aufgewachsen bin ich mit Ozzy und 80er- 

Jahre-Glam-Metal. Mittlerweile höre ich gerne 

80er-Jahre-Revival-Metal ;). Auch deutsche Sänger 

wie Clueso haben mich hinsichtlich ihrer sprachlichen 

Raffinesse inspiriert. Killswitch En gage gehören 

ebenfalls zu meinen Lieblingsbands. 

ALEX: Aufgewachsen bin ich mit Led Zeppelin und 

Bring Me the Horizon. Mittlerweile höre ich von 

Klassik bis The Doors alles. 

GUDZE: Da decke ich eine große Bandbreite ab. 

Rock und Metal in den unterschiedlichsten Aus - 

prägungen und Stilrichtungen, Grunge, Cross - 

over, aber durchaus auch Funk, Klassik und 

Blas musik. Der Schwerpunkt variiert in diesem 

Kontinuum in Abhängigkeit von Jahreszeit und 

Stimmung. Aktuell stehen Crobot, Vulfpeck und 

Ólafur Arnalds hoch im Kurs. 

BONSAI: Meine erste eigene Platte war „Born in 

the USA“ vom Boss. Als ich mit dem Gitarre - 

spielen angefangen habe, waren Jimi Hendrix, 

Joe Satriani und Steve Lukather meine Gitarren- 

Heroes. Danach kamen Einflüsse von AC/DC und 

Gunsn ’n’ Roses. 

In den letzten Jahren fand ich Bands wie Papa 

Roach, Linkin’ Park, Parkway Drive, Airbourne 

oder Black stone Cherry geil. Aber auch Soul von 

James Brown, Candy Dulfer oder Bands wie 

Tower of Power finde ich stark. 


Und unser aller Lieblingssong ist „Carrie“ von 

EUROPE ;) (Ist unsere Rock-am-Ring-Hymne). 

STORIES 29 

MM: Wie war der Entstehungsprozess zu 

eurer EP? 

NEW 

BOOKS 

MM: Vor Kurzem ist eure neue EP erschienen. 

Wie heißt sie und was bedeutet sie euch? 

BRENNPUNKT: Das Werk heißt „Antiheld“ und 

be inhaltet vier unserer aktuellen Songs: „Anti held“, 

„Kopflos“, „Leinen los“ und „Heels“. Rein hören 

könnt ihr unter www.brennpunkt-band.de. 

Wer Brennpunkt kennenlernen will, muss sich 

diese EP anhören. Das Werk umfasst die ge samte 

Bandbreite unseres musikalischen Schaffens. 

„Antiheld“ ist unsere erste professionelle Pro - 

duktion – vielen Dank an Johannes Knott (jomedia) 

und Hannes Fritz. 

»Die Basis für unsere 

Band ist eine tiefe 

Freund schaft, welche uns 

bereits vor den 

ersten musikalischen 

Treffen verbunden hat.« 

BRENNPUNKT: Durch die Planung unseres Pro - 

duzenten konnten wir in kurzer Zeit eine Arbeits - 

umgebung schaffen, die dann zum Erfolg geführt 

hat. Die Produktion wurde in Eigenregie durchgeführt. 

Die Aufnahmen wurden in unserem Probe - 

raum gemacht. Wir hatten das große Glück, dass 

uns gute Freunde professionelles Equipment zur 

Verfügung gestellt haben. 

Aufgrund der geografischen Distanz mussten 

wir die finalen Proben und Aufnahmen an wenigen 

aufeinanderfolgenden Terminen durchführen 

– der Aufwand und Stress haben sich gelohnt. 

MM: Was sind eure Pläne für die nähere Zu - 

kunft? 

BRENNPUNKT: Wir wollen auf die Bühne und 

spielen, spielen, spielen! 

MM: Wo seht ihr euch und eure Musik in zehn 

Jahren? 

BRENNPUNKT: Auf einer kleinen, aber feinen 

Deutschland-Tour mit all unseren Freunden … 

und euch! 

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WEB: BRENNPUNKT-BAND.DE | INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER | FOTOQUELLE: BRENNPUNKT 

alfredmusic.de

30 STORIES 

EDELMEER 

Sängerin Sabine und Keyboarder 

Tobias – zwei top-erfahrene Musiker 

mit Spaß und Hingabe 

für den deutschen Popschlager 

MM: Egal ob Schlagermove in Hamburg oder die offiziellen Deut - 

schen Airplay-Charts, das Popschlager-Duo EDELMEER konnte 

bereits einige Erfolge feiern. 

Doch wie habt ihr euch kennengelernt und wie kam es letztlich zur 

Gründung von EDELMEER? 

SABINE: Wir haben uns 2007 über unsere noch heute existierende Cover - 

band TOLLHAUS kennengelernt. Die Band hat damals eine Sängerin ge - 

sucht und ich bin zum Vorsingen vorbeigekommen. Tobias war da schon 

in der Band. 

TOBIAS: Was dann folgt, ist eine Geschichte, die nur das Leben schreibt. 

Ich war absolut gegen Bine und wollte sie eigentlich nicht in der Band haben. 

Mir hat ihr Gesangsstil einfach nicht gefallen. Mit dem damaligen Band - 

manager gab es deshalb richtig Diskussionen. Letzten Endes haben sich 

die Befürworter durchgesetzt und Bine wurde genommen. Drei Jahre später 

waren wir verheiratet … 

MM: Nicht nur mit EDELMEER, sondern auch mit TOLLHAUS seid 

ihr schon gut rumgekommen. Was war bis jetzt euer schönstes 

Erlebnis auf Tour? 


STORIES 31 

»Ich war absolut gegen Bine und wollte 

sie eigentlich nicht in der Band haben. 

Mir hat ihr Gesangsstil einfach 

nicht gefallen. Letzten Endes haben sich 

die Befürworter durchgesetzt 

und Bine wurde genommen. Drei Jahre 

später waren wir verheiratet …« 

TOBIAS: Da gibt es tatsächlich mehrere. Bei EDELMEER war einerseits unser 

Auftritt im Rahmen des Schlagermoves 2016 ein Highlight. Da waren ca. 

1 000 Leute vor uns und ein Großteil kannte unsere Texte und hat mitgesungen. 

Wir sprechen nicht von irgendwelchen Coversongs, die jeder kennt, 

sondern das Publikum hatte wirklich unsere Texte drauf. Das war bewegend, 

und in diesem Moment wusste ich, warum ich das alles mache. 

SABINE: Mit TOLLHAUS spielen wir frequentiert auf großen Bühnen und 

vor großem Publikum, beispielswiese auf dem Cannstatter Wasen und 

manchmal auch in kleinen Arenen. Das sind per se schon sehr schöne 

Erlebnisse. Besonders eingeprägt haben sich aber ein paar ungewöhnliche 

Ausflüge über die Grenzen Deutschlands hinaus. So durften wir beispielsweise 

die 40-Nationen-Party im KFOR-Camp in Pristina (Kosovo) 

spielen und bisher drei Oktoberfeste in Muscat (Oman). So ein Oktober fest 

bei 40 Grad unter Palmen hat schon was. 

SABINE: Man muss diesen ganzen Wahnsinn und die Doppelbelastung 

zunächst mal wirklich wollen. Wenn man eines von beiden als Stress empfinden 

würde oder wenn man aus Erfolgen nicht auch Energie ziehen könnte, 

würde es nicht funktionieren. Spannend war für uns zu erkennen, dass 

sich die beiden zunächst total verschiedenen Branchen aber doch auch 

ein Stück ähneln. Beide Sparten sehen wir als ein People’s Business. Bei 

der Arbeit mit Musik haben wir es zum Beispiel mit einer Spanne von Platten - 

bossen, Veranstaltern, Mitmusikern oder Technikern zu tun. In der Auto mobil - 

branche gibt es fast spiegelbildlich Vorgesetzte, Fahrzeugprojektleiter, Ent - 

wickler oder Konstrukteure. Bei allen Diskussionen und Streitereien geht es 

oftmals gar nicht um das Fachliche, sondern man muss mit all diesen verschiedenen 

Typen auf der sozialen Ebene ein vernünftiges Miteinander finden, 

um selbst voranzukommen. Man kann hier wirklich verdammt viel erleben 

und das Erlernte der einen Branche in der jeweils anderen anwenden. 

Somit ergänzen sich für uns die beiden Bereiche recht gut miteinander. 

MM: Ihr beide seid nicht nur auf der Bühne, sondern auch privat 

ein Paar und habt euch über die Musik kennengelernt. Was sind 

die Vor- und Nachteile, als Ehepaar Musik zu machen? 

MM: Die Songs von EDELMEER sind zum Teil fremdbeauftragt, aber 

auch selbst mitproduziert. Welche Songs machen euch am meisten 

Spaß, live zu performen? 

TOBIAS: Ich traue mich zu sagen, dass wir das so gut im Griff haben, dass 

es nur Vorteile gibt: Man muss sich keine Gedanken über Termine machen 

beziehungsweise mit dem Partner abstimmen, weil es ja sowieso beide 

betrifft, oder man kann abends einfach mal ein paar Minuten miteinander 

proben, weil man sich ja eh sieht. Auch die enorme Zeit, die das Managen, 

Planen und Koordinieren von EDELMEER und TOLLHAUS mit sich bringen, 

lässt sich etwas praktischer verteilen, weil man zum Beispiel beim Abend - 

essen unkompliziert ein paar Dinge durchsprechen kann. 

Ansonsten gehen wir im Job – also bei Proben oder auf Tour – sehr hart 

und direkt miteinander um. Das sorgt im Umfeld manchmal für Ver - 

wunderung, und wahrscheinlich denke viele, die zwei sind in ein paar Wochen 

geschieden. Tatsächlich wechseln wir dann privat wieder in einen ganz 

anderen Modus und es gibt keinen Stress oder Nachtragen. Diese Trennung 

hat von Anfang an automatisch sehr gut funktioniert. 

TOBIAS: Mit den Songs, bei denen man am Produktionsprozess direkter 

beteiligt war, tut man sich mit dem Live-Arrangement etwas leichter. Speziell 

ich als Keyboarder habe dann meistens schon meine passenden Sounds 

– nämlich genau die aus der Produktion. Auch die Abwägung, welche 

Elemente der Studioproduktion man live umsetzt und was man eher weglässt, 

fällt leichter. Somit ist es zunächst mal schöner, einen Song live zu 

performen, den man auch mitgeschaffen hat, als ich sage mal seinen eigenen 

Song nur zu covern. Unterm Strich macht ein Song aber genau dann 

live Spaß, wenn man das Publikum erreicht. Wir versuchen, jedem Song 

live einen eigenen Charakter zu geben, etwas Eigenes zu schaffen, das mit 

der Studioproduktion nicht unbedingt immer was zu tun hat. Wenn das 

gelingt und das Publikum mitgeht, sind auch wir happy. 

MM: Der Musikmarkt ist im ständigen Wandel. Wohin geht es mit 

dem Popschlager und wie bleiben EDELMEER aktuell? 

MM: Beruflich seid ihr beide erfolgreich in der Automobilbranche 

tätig. Wie schafft ihr es, die Musik und euren Beruf miteinander zu 

vereinbaren? 

TOBIAS: Diese Frage muss man permanent neu bewerten, eigentlich schon 

im Monatsrhythmus. Was gerade eben funktioniert hat, kann ein halbes 

Jahr später absolut unpassend sein. Das gilt für den Geschmack der Hörer 

8 


32 STORIES 

»Ich denke, wir haben den „What’s live 

streaming Award“ nicht deshalb 

gewonnen, weil wir bessere Musiker 

als die anderen Teilnehmer gewesen 

wären – sondern weil wir ein 

abwechslungsreiches Erlebnis geboten 

haben. Es geht einfach um 

Unterhaltung. So gesehen hat es sich 

als Erfahrungswert gelohnt. 

Rein wirtschaftlich überhaupt nicht.« 

wie auch für die Strukturen der Musikindustrie, beispielsweise die richtigen 

Ansprechpartner. Unsere Kontaktpersonen bei Labels oder Radiostationen 

sind oftmals nach ein paar Monaten schon weitergezogen und wir müssen 

unser Netzwerk wieder neu generieren. 

SABINE: Wir haben bei unseren Singles immer mal wieder Experimente 

gemacht, können aber erkennen, dass die konservativen Songs am besten 

funktioniert haben. Da es eine unglaubliche Menge an neuen Songs Woche für 

Woche gibt, wird der Trend wohl sein, dass sich am ehesten Acts mit Profil 

und Wiedererkennungswert durchsetzen und nicht nur der reine Song, unabhängig 

davon, ob das nun konservativer Schlager, Popschlager oder Pop ist. 

MM: Bei euch kam es schon zu einigen besonderen Aktionen während 

Videodrehs oder auf Promotouren. Zum Beispiel seid ihr schon 

mal in einem Lamborghini Huracan getourt. Wie kam es dazu und 

was habt ihr sonst schon gemacht? 

SABINE: Das gehört aus unserer Sicht tatsächlich zu dem eben erwähnten 

Profilerzeugen. Wir versuchen, wann immer möglich etwas Besonderes zu 

machen, das irgendwie auffällt und im Gedächtnis bleibt. Der Lamborghini 

Huracan war ein Beispiel. Der ist natürlich aufgefallen. Im vergangenen 

Jahr sind wir eine Promotour mit einem nicht unbedingt gewöhnlichen Wohn - 

mobil gefahren, nämlich einem 18-Tonnen-Liner. Das hat auch für Blicke 

gesorgt, und bei vielen Radiointerviews entlang der Promotour war das 

natürlich auch ein prima Aufhänger. Nebenbei machen verrückte Aktionen 

auch einfach Spaß! 

MM: Livestreamkonzerte sind seit Covid-19 ein wichtiger Be stand teil 

der Musiker. 2016 wurdet ihr mit dem „What’s live streaming Award“ 

ausgezeichnet worden. Lohnen sich solche Live-Über tra gun gen, 

besonders wenn man die Komplexität dahinter berücksichtigt? 

TOBIAS: Das ist auch wieder ein gutes Beispiel für Profilbildung. Wir haben 

an dem Wettbewerb mit fünf Streams teilgenommen und dabei versucht, 

mit jedem einzelnen Stream etwas Besonderes zu schaffen, das sich von 

anderen Streams abhebt. So war ein Stream rein im Akustik-Setup, einmal 

aus einer Greenbox heraus, einmal mit einem Chor, einmal mit kompletter 

Live-Band und so weiter. Der Aufwand war brutal. Wir hatten mehrere Tech - 

niker am Start, die nur für die Übertragung zuständig waren. Der Aufbau 

von Bühnen und Kulissen hat teils mehrere Tage gedauert. Ich denke, wir 

haben den Award nicht deshalb gewonnen, weil wir bessere Musiker als 

die anderen Teilnehmer gewesen wären – sogar ziemlich sicher nicht, denn 

da waren echt Hoch karäter dabei –, sondern weil wir ein abwechslungsreiches 

Erlebnis ge boten haben. Es geht einfach um Unterhaltung. So gesehen 

hat es sich als Erfah rungswert gelohnt. Rein wirtschaftlich überhaupt 

nicht. Ich denke, Livestreams mit so einem Aufwand machen für Acts Sinn, 

die mega bekannt sind und eine entsprechende Fanbase haben. Wenn Ed 

Sheeran einen Stream macht, schalten die Leute ein. Wenn ein kleinerer 

Act das macht, hat er vielleicht auch ein paar Hundert Zuschauer. Das 

lohnt sich wirtschaftlich aber natürlich nie und nimmer. Im Prinzip gilt das 

aber auch für echte Live-Ver anstaltungen. Wenn du keine Leute ziehst, 

kommst du auf keinen grünen Zweig. 

MM: Was sind eure Pläne für die Zukunft? 

SABINE: Über den Winter werden wir aber wieder an neuen Songs arbeiten 

und dann wenigstens wieder eine Single herausbringen. Schluss end - 

lich träumen wir auch schon immer von einem ganzen Album. Bis dato ist 

das im Wesentlichen an der Zeit gescheitert. Auf der Wunschliste steht das 

aber ganz oben und wir werden das irgendwann mal angehen. 

WEB: WWW.EDELMEER.DE 

TEXT: LEONIE FÖRSTER | FOTOQUELLE: EDELMEER 

EDELMEER 

„Auf und davon (in ’nem Heißluftballon)“ 

VÖ: 6. NOVEMBER 2020 

„Ich will Cabrio“ 

VÖ: 2. JULI 2021 

WWW.EDELMEER.DE 


STORIES 33 

BUFFY 

WALLBORN 

(Ist) keine für eine 

Schublade. Ihre Songs 

erzählen Geschichten. 

Ob Ballade, Schlager, 

Kinderlieder-Rap, Frivoles, 

Weihnachtslieder, 

Rock und Pop, Volksmusik. 

Buffy schreibt in alle 

Richtungen. 

Sie ist authentisch und 

produziert ihre Songs 

selbst, mithilfe 

von Musikfreunden. 

Sie sagt: „Jeder Song ist 

ein Teil von mir.“ Deshalb 

wird ihr Debütalbum 

heißen: Buffy Wallborn – 

„Das bin ich“. 

MM: Beim 38. Deutschen Rock und Pop Preis 

wurde „Der Lange Unterhosen Song“ in der 

Kategorie Bester Rocksong mit dem 3. Preis 

ausgezeichnet. Wie kommt man auf solche 

Ideen ? 

BUFFY WALLBORN: Ich bin sicher, dass viele 

Leute lange Unterhosen tragen. In meinem Heimat - 

dorf Altenburschla – es liegt in Nordhessen – habe 

ich einen Lange Unterhosen Club gegründet. Es 

war klar, dass wir ein Vereinslied brauchen, so ist 

der Lange Unterhosen Song entstanden. Und ich 

trage gerne lange Unterhosen. In Hamburg sollte 

man sich warm anziehen, wenn man abends an 

der Elbe sitzt bei einer steifen Brise oder auf der 

Fähre über die Elbe schippert. Lange Unter hosen 

haben nur Vorteile und sie sind sexy. 

MM: Wie bist du zur Musik gekommen? 

BUFFY: Schon als Kind habe ich gerne gesungen. 

Morgens in der Schule, vor dem Unterricht 

mit vier Klassen in einem Raum, das hatte was. 

Meine Eltern sangen im gemischten Chor und – 

wir hatten einen Plattenspieler. Ich habe heute 

noch das Lied von Gerhard Wendland im Ohr 

„Tanze mit mir in den Morgen“. Ich hörte es gerne, 

8 


34 STORIES 

vielleicht auch, weil meine Eltern es liebten und 

darauf tanzten. Mit 14 gründete ich die Girlie - 

band The Sunshinegirls. Wir coverten Songs, 

schrieben unsere eigenen Texte und begeisterten 

die Leute auf Veranstaltungen. Unsere Na mens ge - 

ber waren Herman’s Hermits mit ihrem Hit „Sun- 

shinegirl“. Es war eine unglaublich schöne Zeit. 

MM: Und wann? 

BUFFY: Manchmal auch nachts, wenn mich eine 

tolle Idee oder eine Textzeile aus den Federn 

springen lässt. Ich schreibe gerne im Bus und in 

der Bahn, da fällt mir immer was ein. Deshalb bei 

einer Schreibblockade – nix wie rein in die Bahn. 

MM: Welche Musik hat dich beeinflusst? 

BUFFY: Die Musik der Siebziger. Ich bin ein Fan 

von außergewöhnlichen Arrangements. Die Bee 

Gees waren damals für mich die Größten, aber 

auch Jimi Hendrix, die Stones, Beatles, Hollies, 

Tremeloes, eigentlich alle Bands und Interpreten 

in dieser Zeit. Eines meiner Lieblingslieder und 

Arrangements ist „Unchained Melody“ von den 

Righteous Brothers, vielen bekannt aus dem Film 

„Ghost – Nachricht von Sam“ mit Demi Moore und 

Patrick Swayze. Das Arrangement ist gigantisch 

und berührt mich immer wieder. Und „It’s all over 

now, baby blue“ von Them, da bekomme ich auch 

heute noch Gänsehaut. Ich bin froh, dass ich 

damals den Text nicht verstanden habe, meine 

romantischen Gefühle wären garantiert im Eimer 

gewesen. Jeder Song war damals ein Unikat, die 

Instrumente waren echt und die Stimmen auch. 

BUFFY: Was ging in dir vor, als du die Nomi - 

nierungen bekommen hast? 

BUFFY: Wow, das gibt’s doch nicht. Als ich die 

Songs eingereicht habe, dachte ich mir, kann ja 

nicht schaden. Dann war es erst mal raus aus 

meinem Kopf. Als der Brief mit den Nominie run - 

gen kam, war ich total platt und habe mich von 

Herzen über die Wertschätzung gefreut, die meine 

Musik bekommen hat. Die Preise haben mich 

total angespornt und dafür bin ich sehr, sehr 

dankbar. Und die Menschen in meiner Heimat und 

alle meine Freunde waren total aus dem Häuschen 

und haben sich mit mir gefreut. Ich finde die Arbeit, 

die Ole Seelenmeyer und sein Team seit 40 Jahren 

im Deutschen Rock & Pop Musikerverband e.V. 

machen, sensationell. Hier finden Musiker ein 

Zu hause und alles, was sie für ihren musikalischen 

Weg brauchen. Danke, lieber Ole! 

MM: Viele Singer-Songwriter schreiben trau - 

rige und nachdenkliche Songs, wenn sie in 

einer entsprechenden Situation sind. Ist das 

bei dir auch so? 

BUFFY: Bei mir ist es das Gegenteil. Es gibt Augen - 

blicke im Leben, wo die Sonne nicht scheint, 

man Trübsal bläst oder sich die Lebensfreude 

eine Auszeit nimmt. Dann schreibe ich lustige 

Songs – das ist ein Geschenk. Ich musste längere 

Zeit zum Zahnarzt, da ist mir das Lachen gründlich 

vergangen. Als ich meine Frau Ingrid fragte, 

ob sie mich auch ohne Zähne lieben würde, antwortete 

sie: „In der Liebe zählt kein Zahn“. Zack 

hatte ich einen Songtitel. Ich habe daraus einen 

fetzigen Rocksong gemacht. Jetzt lache ich fröhlich 

mit neuen Zähnen in den Tag. 

MM: Wie und wann entstehen Deine Songs? 

MM: Was planst du für die Zukunft? 

BUFFY: Meine Songs entstehen zusammen mit 

Text und Melodie. Wenn ich eine Idee oder ein 

Gefühl habe, nehme ich meine Gitarre, klampfe 

ein bisschen rum und das Lied wächst. Es ist wie 

ein Film, der dann abläuft – ich brauche nur noch 

die richtigen Worte zu finden und am Ende ist der 

Song eine Einheit. Beim Arrangieren und Pro du - 

zieren unterstützen mich meine Musiker kol legen 

Daniele Loritto, Martin Kleinert und Alexander 

Precht. Die Jungs sind großartig, sie sind immer 

für mich da und das bedeutet mir sehr viel. 

BUFFY: Ich möchte unbedingt eine CD produzieren 

mit eigenen Songs, so bunt wie eine ge mischte 

Tüte Bonbons. Ich bin sicher, wer meine Lieder 

hört, wird sagen: Typisch Buffy. Und ich werde 

mir auf meine alten Tage ein kleines Musikstudio 

einrichten. Darauf freue ich mich schon und bin 

gespannt, was dabei herauskommt. Ich genieße 

es, völlig losgelöst meine Musik machen zu können, 

ohne Druck, ohne irgendjemandem was 

be weisen zu müssen. Wenn 100 000 Menschen 

meine Musik nicht mögen, sie mich aber fröhlich 


STORIES 35 

»Wir müssen unsere Sprache 

pflegen, sonst geht sie 

uns ver loren. Und wir müssen 

uns massiv dafür einsetzen, 

dass deutsche Lieder im Radio 

gespielt werden. Wir zahlen 

ja wohl alle an die GEZ, oder?« 

und glücklich macht, bin ich auf der richtigen Seite. Meine Musik ist ja ein 

Teil von mir und die Lieder sind meine Lebensreise. 

MM: Welche Instrumente spielst du? 

BUFFY: Meine Spielmannszugfreundin Edel schenkte mir eines Tages ihre 

Gitarre. Von da an war ich eine begeisterte Klampferin. Auf Wanderungen, 

am Lagerfeuer, auf Festen, in der Kneipe kam die Gitarre zum Einsatz. Und 

waren die Gitarre und ich alleine, erzählten wir uns etwas, so entstanden 

eigene Songs. In der Lagerfeuerzeit hatte fast jeder von meinen Freunden 

eine Mundorgel, das kleine Liederbuch, das wir in unserer Jeans verstauen 

konnten und immer griffbereit war. Heute noch spiele und singe ich die 

alten Lieder, sie sind Teil unserer Kultur und von uns selbst. Gerade habe 

ich einen Mundorgelclub gegründet. Wann immer es möglich ist, ziehen 

wir los in die Natur und singen. Blockflöte spiele ich auch, aber das war nie 

mein Ding. Das Lied „Hans hat Hosen an und die sind bunt“ war das 

Einstiegslied in die Flöterei, ich weiß nicht, wie oft ich es üben musste. Das 

Keyboard ist für mich eine große Hilfe beim Komponieren und meine Mund - 

harmonika passt in jede Hosentasche. 

MM: Was war der emotionalste Moment in Verbindung mit deiner 

Musik? 

BUFFY: Gleich nach der Veröffentlichung von „Du bist der Mensch“ (38. 

Rock & Pop Preis 2020, Bester Popsong – 2. Preis ) schickte ich den Link 

an meine Freundin Pam in Australien. Sie schrieb mir, dass mein Freund Jerry, 

von dem ich lange nichts gehört hatte, sehr krank sei und im Hospital liege. 

Sie schickte den Link weiter an Jerrys Tochter. Zwei Tage später schrieb Pam, 

dass Jerry gestorben sei. Von seiner Tochter bekam ich einen Link, damit ich 

an der Trauerfeier per Livestream teilnehmen konnte. Am Tag der Trauerfeier 

stand ich morgens um drei auf und setzte mich vor meinen Laptop. Es war 

ein bewegender Abschied. Bilder aus seinem Leben, die an die Wand ge - 

beamt wurden, waren mit Musik untermalt. „Green, green grass of home“ von 

Tom Jones, „Because you loved me“ von Céline Dion, und dann dachte ich, 

mein Herz bleibt stehen. Mein Lied „Du bist der Mensch" erklang aus 

den Lautsprechern. Ich weinte, war unendlich traurig und empfand tiefe 

Dank barkeit. Kurz nach der Trauerfeier schrieb ich seiner Tochter und fragte, 

ob Jerry mein Lied noch gehört habe – sie schrieb zurück: „Yes, he did. I played 

it for him, just before he died.“ In dieser Nacht konnte ich nicht mehr schlafen, 

Bilder aus einer längst vergangenen Zeit waren wieder da. In der Sieb - 

zigern besuchte Jerry seine Oma in meinem kleinen Dorf Altenburschla. Er 

wollte ein paar Wochen bleiben, aber er blieb ein paar Jahre. Er fand 

Arbeit und Freunde. Sein Wunsch, noch einmal das kleine Dorf zu besuchen, 

seine alten Freunde zu sehen, erfüllte sich nicht. Aber er hörte noch einmal 

eine vertraute Stimme aus der Heimat – mein letzter Gruß an ihn. 

MM : Deutsche Musik im Radio? 

BUFFY: Deutsche Musik wird viel zu wenig in den öffentlich-rechtlichen 

Sendern gespielt. Ein Glück, dass es die Webradios gibt. So haben auch 

Musiker, die noch nicht so bekannt sind, eine Chance, gehört zu werden. 

Unsere Sprache gibt uns doch die Möglichkeit, uns wunderbar in Worten 

auszudrücken. Wir müssen unsere Sprache pflegen, sonst geht sie uns ver - 

loren. Und wir müssen uns massiv dafür einsetzen, dass deutsche Lieder 

im Radio gespielt werden. Wir zahlen ja wohl alle an die GEZ, oder? Und 

es ist der Kulturauftrag der öffentlich-rechtlichen Sender, das deutsche 

Liedgut zu bewahren und zu fördern! 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER | FOTOQUELLE: BUFFY WALLBORN 


36 STORIES 

DIE GESCHICHTE 

VON EPOS 

Um deinen Traum zu leben, 

und scheint er für dich als Mu - 

siker völlig unerreichbar, so lohnt 

es sich doch, von den alltäglichen 

Dingen abzuschalten und in die wunderbare 

Welt der Klänge und Gefühle abzutauchen. 

„Alter – Aussehen – Klicks“ sind in diesem Mo - 

ment völlig egal. Das Einzige, was zählt, ist die 

Musik, die dich antreibt. Einen Song zu schreiben, 

der dich tief innerlich berührt und ungeahnte 

Emotionen freisetzt, die du nie in der realen Welt 

auf diese Art und Weise erfahren kannst. 

Auf keinen Fall ist es „nie für 

irgendetwas zu spät“. Ich 

möchte alle Musiker und kreativen 

Leute ermutigen, neue Projekte 

anzugehen. Egal, was andere sagen. Das einzig 

Wichtige ist, dass du Spaß hast an dem, was 

du machst, und den unbedingten Willen, ein Werk 

zu schaffen, das genau in dem Moment dein 

Inneres preisgibt, und zwar mit vollem Einsatz 

und voller Energie. Als Singer-Songwriter ist für 

mich die Verschmelzung des Textes mit der Me - 

lodie eine Einheit und voneinander untrennbar. 

Beides muss zusammen entstehen. Die Instru - 

men tierung muss sorgfältig gewählt werden, und 

vor allen Dingen wird die Leadstimme ungeschnitten 

in einem Guss eingesungen. Die Chöre sind 

dann noch die Würze, wie bei einem guten Essen. 

Ja, es gab auch bei mir, wie 

bei vielen Musikern, eine längere 

Pause nach der Gründung einer 

Familie. Die aktive Bühnenmusik, 

mit über 100 Auftritten im Jahr, wurde für fast 15 

Jahre auf null abgestellt. 

„Musik nur noch im kleinen Kreise“. Tobi ist 

mein Sohn und gleichzeitig mein bester Freund. 

Er ist Motivator und fester Bestandteil von EPOS. 

Er korrigiert Texte, sagt, wie was klingen muss, und 

hört die feinsten Unebenheiten. 

Mit dem Umzug vor fünf Jahren 

von Karlsruhe raus in ein ruhiges 

Bergdorf nahe Ettlingen und 

der Einrichtung eines Studios im 

neuen Heim kam der musikalische Umbruch. Es 

keimte neue Schaffensenergie in uns auf. Die 

Ideen sprudelten mit einer ungeahnten Leich tig - 

keit und wurden mitunter auf unserer brandaktuellen 

CD mit ein paar älteren Stücken festgehalten. 

„Best of Epos“ heißt das Werk und ist in allen 

gängigen Stores erhältlich. Falls ihr Lust habt rein - 

zuhören, laden wir euch hiermit natürlich recht 

herzlich dazu ein. 

Wovon unsere Songs er - 

zäh len: Der Song „Gestern war 

nicht einfach und morgen wird 

nicht leicht“ hinterfragt den 

Gang des Lebens – ob man alles wieder genau 

so uneingeschränkt machen würde. Man lässt 

sich einfach im Strom der Zeit treiben, mechanisch, 

ohne darüber nachzudenken. Doch da gibt 

es jemand – der schenkt dir nur ein Wort und 

schafft es, dich aus deinem Dschungel der Orien - 

tierungslosigkeit herauszuholen. Diese Kraft, 

die du dadurch bekommst, gibt dir neue Kraft, 

die du wiederum an andere weitergeben kannst. 

Somit ist der Kreislauf geschlossen. „Der Weg“ 

hinterfragt die Entscheidungen in unserem Leben. 

War der Weg, den wir bisher gegangen sind, der 

richtige? Dieser Song ist ein sehr persönlicher 

Song, der mir immer wieder beim Singen unter 

die Haut geht. Er wurde für einen meiner Lieblings - 

menschen geschrieben. „Mein Traum“ knüpft an 

die Sehn süchte der Vergangenheit und an die 

Unbe schwertheit des gelebten Moments an, mit 

dem Wunsch, einmal was ganz Unmögliches 

machen zu dürfen, um das Leben „unhinterfragt“ 

zu verstehen. 

Viele weitere deutsche Songs sind in den letzten 

Jahren entstanden. In keiner anderen Sprache 

kann man seine Gedanken und Gefühle so gut 

wie in seiner Muttersprache ausdrücken. Deshalb 

lieben wir es, deutsche Texte zu schreiben. 

Aber auch englische Songs und Texte wie 

„War Child“, „Everyday“ und „Love Song“ lassen 

alles um uns herum vergessen, sobald der erste 

Ton angespielt wird. „War Child“ beschreibt 

unvergessliche TV-Bilder von Kriegskindern, die 

sich in einer ungerechten Welt zwischen Macht, 

Gier, Religionen und selbst ernannten Herrschern 

zurechtfinden müssen. Ein Kapitel, das uns weh - 

tut. „Everyday“ arbeitet die Fragestellung von 

„War Child“ auf. Wem kann ich glauben – wer 

kann helfen – oder bin ich dem Kreislauf des 

Lebens ausgeliefert? 

„Love Song“ ist einfach nur anders. Lasst 

euch beim Reinhören überraschen. Nun haben 

wir genug über die Lieder/Songs gesprochen. 

Jetzt widmen wir uns der 

faszinierenden Arbeit als 

Singer-Songwriter: Wir fanden 

es schon immer spannend, 

ein Produkt „aus einer Hand“ zu schaffen. 

Zunächst hat man eine Idee – allein nur im Kopf. 

Eine einzige Textzeile in Verbindung mit einer 

Melodie. Was empfinde ich in diesem Moment, 

warum kommt mir ausgerechnet dieses Fragment 

in den Sinn? Klar, es drückt die Gefühle, eine 

Situation aus, die im Unterbewusstsein vorhanden 

ist. Das neue Lied ist geboren. Eins ergibt 

das andere. An erster Stelle der Instrumentierung 

steht immer die Gitarre. Berührt einen der Song, 

nur Gitarre und Gesang, so folgen weitere In stru - 

mente wie Bass und Drums. Piano, ein Teppich 

mit Strings oder „einfach darauflosgespielt“ 

nach dem Zufalls prinzip, bis der Wow-Effekt 

kommt. Jedes Instrument nimmt seinen eigenen 

Platz ein, manchmal fast nicht zu hören, jedoch 

präsent. 

Fast wichtiger als die Aussagekraft des Textes 

ist die Interpretation des Textes durch fein ge - 

setzte Akzente der Leadstimme und der Chöre. 

Mal druck voll, mal dezent. Wenn der Song einen 

ge packt hat, wie schon gesagt, kommt alles von 

alleine. Man ist wie in einem Tunnel, sieht nichts 

mehr außen herum und will unbedingt das Licht 

am Ende erreichen. Acht bis zehn Stunden am 

Stück sind keine Seltenheit und gehen wie im 

Fluge um. Doch es ist kein Müssen, sondern stets 

ein Dürfen. 

Die Technik beim HD-Recording ist mittlerweile 

vielfältig geworden. Es gibt unendlich viele 

Filter und Parameter-Einstellungen, die sehr be - 

wusst eingesetzt werden sollten. Oftmals ist es 

besser, nur mit der Stimme zu arbeiten und weitestgehend 

die Natürlichkeit der Stimme wirken 

zu lassen. Aber eines muss ich an dieser Stelle 

sagen: Unsere neuen Kondensator mikro fone 

möchten wir nicht mehr missen! Ja, das sollte 

auch noch erwähnt werden, manchmal klingt 


analog sogar besser. Der Fehler darf noch ein 

Fehler sein und zeigt, dass ein Mensch hinter dem 

Produkt steckt. Ungeschminkt und real. Live klingt 

sowieso am besten. 

Wenn der Song/die Songs also fertig ist/sind, 

beginnen die Gestaltung eines Covers und die 

Ver marktung. Dies über die gängigen Internet - 

por tale. Für wirklich geringes Geld kannst du 

deine Songs weltweit in allen Stores unterbringen. 

Ob der Musikfan im letzten oder vordersten 

Eck der virtuellen Welt dich dann auch findet, sei 

an dieser Stelle einmal dahingestellt. 

Die Historie. EPOS war die 

erste Band in meinem Leben und 

auch diejenige, die meinen inneren 

Musikstil geprägt hat. Es folgten 

viele Musikprojekte bis hin zur Cover band, 

welche zur Finanzierung des Studiums eine wichtige 

Rolle gespielt hat. Mit der Band Juma haben 

wir einen KSC-Song veröffentlicht. „Say Good- 

Bye“ und „Together Without Walls“ schafften es 

ins Radio. Das erste Mal den eigenen Titel im 

Radio zu hören, ist, glaube ich, einer der schöns - 

ten Momente im Leben. Später folgten einige 

Radio-Interviews und eine gewisse Prä senz im 

Internetradio. Auch an dieser Stelle vielen lieben 

Dank für die tollen Leute, die Inter net radio betreiben 

und durch ihr unbeschreibliches Engage ment 

vielen Musikern eine Plattform bieten, sich zu pu - 

blizieren. 

Der Anfang. Die Gitarre bei der 

Jugendgruppe durfte nie fehlen. 

Alte Radios wurden zu Ver stär - 

kern umgebaut. Da soll einer mal 

erzählen, Musik fördere nicht auch andere Talente 

in einem. Die ersten Auftritte waren der Hammer. 

Vollkommen überfüllte Jugendzentren waren dabei, 

bis hin zum Galaabend im Kur haus Baden-Baden 

oder dem in zwei Stunden ausverkauften Sport ler - 

ball in Vienenburg. Ja, das war eine schöne Zeit. 

Musik kann begeistern. Das wünsche ich mir 

auch in der heutigen Zeit, dass nicht nur der Er - 

folg der Klicks und des Kommerzes die Mess - 

latten sind, sondern dass durch die Musik Leute 

erreicht und vielleicht sogar (oder wieder) tief 

berührt werden können. 

Diese Gelassenheit in der Musik kann nur durch 

eine gewisse Unabhängigkeit erreicht werden. 

Ich meine hiermit, dass eine von der Musik abgegrenzte 

berufliche Absicherung gegeben ist. Mein 

Weg führte in den spannenden Beruf der Ver - 

messung. Selbst hier kann man manchmal Men - 

schen glücklich machen … 

Musikerring – Austausch – 

Verknüpfungen: „Jeder macht 

sein Ding“ – könnt ihr damit was 

anfangen? Ich wünsche mir einen 

ehrlichen Austausch mit Gleich gesinnten mit 

einer gewissen Gelassenheit und dem nötigen 

Res pekt gegenüber der anderen Kreativität. Ich 

wünsche mir, noch mehr Zeit für die Musik zu 

haben, mehr Leute durch Musik kennenzulernen. 

Sich austauschen zu können und Projekte zu teilen. 

Die Schaffung eines Musiker pools und einer 

gemeinsamen Musiker plattform. 

Die Wende. Diese kam mit 

Sicherheit mit der Nominierung 

und der Final-Teilnahme beim 

„Deutschen Rock und Pop Preis 

2019“ in Siegen. Eine tolle Erfahrung. Es ist sehr 

schön, eine unabhängige Expertise auf diese Art 

und Weise erfahren zu dürfen. Das gab uns einen 

solchen Motivationsschub, dass 2020 acht Eh - 

rungen und 2021 neun Auszeichnungen folgten. 

TEXT UND FOTOS: EPOS 

EPOS UND THOMAS WEIMER 

„Life of Epos 

Timeout in Heaven“ 

VÖ: 10. FEBRUAR 2019 

EPOS-MUSIC.COM 

STORIES 37 

DEUTSCHER 

ROCK & POP PREIS 

Hauptkategorie 2020: 

3. PLATZ: Deutscher 

Singer-Songwriter Preis 

(Eigenkomposition) 

Nebenkategorie 2020: 

2. PLATZ: Bester Song des Jahres 

(deutschsprachig) 

2. PLATZ: Beste Single des Jahres 

3. PLATZ: Bestes Pop-Album 

des Jahres 

3. PLATZ: Bestes CD-Album 

des Jahres 

(deutschsprachig) 

3. PLATZ: Bestes Alternativ- 

Album des Jahres 

3. PLATZ: Bester Folk-Rock- 

Sänger des Jahres 

3. PLATZ: Bester deutscher Text 

Hauptkategorie 2021: 

Deutscher Singer-Songwriter-Preis 

(Eigenkomposition) 

Nebenkategorie 2021: 

Bester Song des Jahres 

Bester deutscher Text 

Bestes CD-Album des Jahres 

Beste Single des Jahres 

Bester Pop-Song 

Bestes Pop-Album 

Bester Folkrocksänger 

Bestes Alternative-Album 


38 STORIES 

OLE OHLENDORFF 

Let The Good Times Roll 


STORIES 39 

MM: Bei dir hat es nicht mit dem Malen angefangen, sondern zuerst 

warst du Polizist, unter anderem auch auf der Hamburger David - 

wache. Wie ist es letztlich dazu gekommen, dass du deinen Job an 

den Nagel ge hängt hast, um Künstler zu werden? 

OLE OHLENDORF: „Ich war von 1975 bis 1981 bei der Hamburger Polizei. 

Als 17-Jähriger wollte ich durch diese Berufswahl gewissermaßen „die 

Welt retten“. Räuber und Gendarm spielen für Erwachsene. „Gut gegen 

Böse“ lautete damals die wohl etwas naive Devise. Doch in meiner Freizeit 

verspürte ich einen unglaublichen Drang nach Freiheit und den musste ich 

natürlich auch bestmöglich ausleben. Das Hamburger Nachtleben und die 

Musikszene boten einem damals beste Bedingungen. So tauchte ich hin und 

wieder ab in diesen unglaublichen Schmelztiegel von Sex, Crime und Rock 

& Roll. Es ergaben sich dadurch ständig Konflikte mit meinen Dienst vor - 

gesetzten. Der sogenannten „Wohlverhaltenspflicht des Beamten“ wurde 

ich hierbei selten gerecht. 

Das enge Korsett des Beamtenstatus ließ meinem Freiheitsdrang so gut 

wie gar keinen Spielraum und somit musste zwingend die Reißleine ge zogen 

werden. Ich bin dann erst einmal auf Weltreise gegangen. Mal über den 

Tellerrand zu gucken ist charakterbildend ja auch keine schlechte Alter native. 

Bis zur entsprechenden Künstlerkarriere dauerte es aber noch ein paar Jahre. 

MM: Wie waren deine ersten Jahre als Künstler? Mit welchen 

Schwierigkeiten hattest du zu kämpfen, wie hast du dir das Malen 

beigebracht und wie hast du deinen Stil gefunden? 

OLE: „Die ersten Jahre waren geprägt durch einen Spagat zwischen vielen 

Jobs. Werftarbeiter, Kurierfahrer, Roadie, Koch etc., aber auch schon erste 

Ausflüge in die Welt der schönen Künste. Auf Bleistiftzeichnungen (Easyrider- 

Motive) folgte dann sehr schnell das Genre Ölmalerei auf Leinwand. Das 

Befreien meiner Dämonen und Ängste war hier vordergründig Thema. Ich 

lebte zu dieser Zeit Mitte der 80er-Jahre in Lüneburg im alten Wasserviertel 

über einer Kneipe mit Mietvertrag auf dem Bierdeckel … mehr Bohemien 

geht ja nicht. Die kreativen Kräfte wurden somit wiedererweckt, denn schon 

in meiner Kindheit und Jugend hatte ich die Ausdruckskraft künstlerischen 

Outputs verinnerlicht und mächtig Farbe auf Schulhefte, Bücher und Zimmer - 

wände gezaubert. Alles andere kam dann später wie durch Zauberhand 

von ganz alleine – ich habe es einfach fließen lassen. 

Mit dem nötigen Urvertrauen – ausgelöst durch eine gravierende Lebens - 

krise (Alkohol und Drogen) und das Kappen der gesellschaftlichen Mario - 

netten fäden – habe ich mich dann im Jahr 1990 in das Abenteuer, Künstler 

zu sein, gestürzt. Seitdem lebe ich als freischaffender bildender Maler und 

übrigens auch ganz konsequent im „Trockendock“. Unzählige Museen, 

Atelier- und Galeriebesuche haben mir dann das nötige Rüstzeug bereitgestellt, 

um aus der Kunstgeschichte und den damit verbundenen Ent - 

wicklungen der Malerei zu lernen. Learning by doing … immer ausprobieren 

und experimentieren lautet auch heute noch meine Devise. Und mit den 

Jahren entwickelte sich dann auch folgerichtig meine ganz persönliche 

Hand schrift. Meine Stilistik lässt sich wohl am besten irgendwo zwischen 

Neo realismus und Pop-Art ansiedeln. 

MM: Wann und warum warst du dir sicher, dass du mit den „Dead 

Rock Heads“ dein Thema gefunden hast? 8 


40 STORIES 

OLE: Musikfan war ich schon seit meiner frühesten Jugend. Diese Be - 

geisterung habe ich förmlich mit der Muttermilch aufgesogen und sie hat 

mich bis heute nicht mehr losgelassen. Und was gibt es Besseres, als 

wenn sich Leidenschaft und Passion miteinander vereinen. Musik trifft 

Malerei – ein Lebensgefühl trifft auf Erinnerungskultur. Das war dann so 

Mitte der 90er-Jahre – quasi mein Urknall. Nach einem Londontrip mit vielen 

wegweisenden Begegnungen sowie einem Abstecher zur Abbey Road, 

den Apple Studios und der Carnaby Street war klar: Ich male fortan Musiker- 

Portraits. Aber nicht beliebig, sondern als subjektive Hommage an meine 

musikalischen Wegbegleiter und durch alle Genres wie Rock, Beat, Pop, 

Jazz, Blues, Soul, Reggae und Punk. Doch damit nicht genug – dieses 

Projekt sollte eingrenzend nur den bereits Verstorbenen gewidmet sein, den 

schon „Vorgereisten“, den „Dead Rock Heads“ sozusagen. Liebe, Glaube, 

Hoff nung und Vergänglichkeit – das sind doch eh die großen Themen, um 

die sich das Leben rankt. 

John Lennon von den Beatles war damals im Jahr 1996 das erste 

Porträt. Es folgten ganz schnell Brian Jones, Janis Joplin, Jim Morrison, 

Marc Bolan und Jimi Hendrix. Das Projekt war nun geboren und wurde in 

den folgenden Jahren immer opulenter. Bis heute sind über 160 großformatige 

Portraits zur Serie entstanden, die in bundesweiten Exhibitions gezeigt 

wurden, unter anderem auf der Popkomm in Berlin, Burg Herzberg Hippie 

Festival, Musikmesse Frankfurt, Rock & Pop museum Gronau, W:O:A 

Billy F. Gibbons (ZZ Top) & Ole Ohlendorff 

Backstage Hamburg 2019 

»Das Bild bekommt immer 

das, wonach es verlangt. 

Die gesamte Palette von 

Farben und Techniken steht 

mir ja zur Verfügung und 

ich bediene mich auch 

gerne dieser unglaublichen 

Materialienvielfalt – 

ob Schrot beschuss, 

Drogenbesteck, 

Plattencover, Herbst laub, 

Zeitungsausschnitte, 

Brandspuren, 

Winsener Heimaterde 

oder auch Stacheldraht.« 


STORIES 41 

MM: Du beschäftigst dich nicht nur mit den 

verstorbenen Musikern, sondern hast auch 

eine Reihe an Werken namens „Rock Le - 

gends Alive“. Wie bist du dazu gekommen, 

auch die lebendigen Musiker auf die Lein - 

wand zu bringen? 

OLE: Eines Tages hat mir die Muse mal ins Ohr 

geflüstert: Ole – warte doch nicht, bis deine Idole 

„eine Etage höher gezogen“ sind – male sie doch 

am besten gleich. Und so wurde 2013 diese Pa - 

rallel-Serie ins Leben gerufen und umfasst aktuell 

auch schon mehr als 45 Porträts … von Alice 

Cooper bis Billy F. Gibbons von ZZ Top. 

Außerdem nutze ich hier auch die Möglichkeit 

einer persönlichen Begegnung des Gemäldes 

mit dem besagten „Modell“. Das funktioniert ja 

mit den „Dead Rock Heads“ leider nicht mehr so 

einfach. Einige der „Rock Legends Alive“ haben 

mir bei dieser Gele genheit dann auch das jeweilige 

Werk mit einer Signatur, Widmung oder 

anderen Accessoires versehen. Zuletzt so ge - 

schehen im Jahr 2019, als ich zum Hamburger 

Konzert von ZZ Top eingeladen wurde. Billy F. 

Gibbons hat mich Back stage empfangen und eine 

frühe Easyrider-Zeich nung von mir signiert. Dann 

erfolgte noch eine Ein ladung in seine texanische 

Heimat zu einer zünftigen Harley-Davidson-Tour. 

Der Kreis schließt sich sozusagen. Wenn dann aber 

einer der „Rock Le gends Alive“ sterben sollte, wie 

unlängst der Rolling-Stones-Trommler Charlie 

Watts, dann wird ein ganz neues Gemälde fällig. Er 

ist ja jetzt ein „Dead Rock Head“. Der Tod bringt 

nämlich eine gänzlich veränderte und geheimnisvolle 

Dimension ins Spiel, die dann auf der Lein - 

wand auch sichtbar wird. 

Wacken Open Air, Reeperbahn Festival Hamburg 

und viele mehr. Die Aus stellungshistorie erstreckt 

sich hierbei vom Underground bis in museale 

Hemis phären. Die Magie meiner Bilder entführt die 

Men schen in ihre ganz persönliche Erinnerungs - 

welt. Außerdem wirkt das Projekt auch prima 

generationenübergreifend und lädt somit zur 

Kom mu nikation über alle Altersgruppen hinweg 

ein. Das ist dann sozusagen das Sahnehäubchen 

auf der Torte. 

MM: Wie entstehen neue „Dead Rock Heads“? 

Wie ist der Prozess von der Entscheidung des 

Motivs bis hin zum fertigen Bild? 

OLE: Also – zuerst muss der Musiker ja gestorben 

sein. Portrait posthum. Dann checke ich ab, 

ob die Musik auch in meinem Herzen „abgeparkt“ 

ist. Danach ist Recherchearbeit angesagt. Ich 

durchforste dabei wie ein Detektiv Archive, befrage 

Zeitzeugen, lese Biografien und bin natürlich 

auch im Internet unterwegs. Mein „Kandidat“ kann 

ja leider nicht mehr physisch im Atelier Modell sitzen. 

Diesen Umstand gilt es also zu kompensieren. 

Um dem Gemälde erst einmal ein Funda ment 

zu geben, nutze ich Fotomaterial von befreundeten 

Fotografen oder auch aus meinem persönlichen 

Fundus. 

Und dann ist da natürlich in allererster Linie die 

Musik. Sie begleitet den künstlerischen Schaf - 

fensprozess konsequent vom ersten bis zum letzten 

Pinselstrich. Darüber erfolgt dann auch der 

nötige Dialog mit dem Gemälde. Ich will dem Werk 

ja so viel wie möglich „Seele“ geben. Manchmal 

ergibt sich so auch eine wundervolle Zeitreise in 

eigene längst versandete Erinnerungen und Er - 

leb nisse. Subjektive und objektive Wahrneh mun - 

gen verschmelzen hier prima miteinander. Eine 

Galerie der Gegenwart, die aus der Vergan gen - 

heit kommt und sich an die Zukunft richtet. Darauf 

kommt es an … das ist die Quintessenz. Es geht 

mir hierbei immer um das Weiterreichen dieses 

Feuers. 

MM: Kommen wir zur praktischen Umset - 

zung. Benutzt du für die Bilder dieselbe Tech - 

nik und dieselben Materialien oder ändert 

sich das je nach Musiker? 

OLE: Meine Portraits sind ja auch ein Plädoyer 

für das Individuum. Jeder Mensch ist einzigartig 

und so gehe ich auch an das entsprechende 

Gemälde ans Werk. Am Anfang weiß ich in der 

Regel nicht, wie sich das Portrait noch entwickeln 

wird. Wie schon erwähnt, holt mich die Musik 

dabei bestmöglich ab. Und wenn ich den nötigen 

Groove habe, dann werden alle Kohlen ins Feuer 

geworfen. Das Bild bekommt immer das, wonach 

es verlangt. Die gesamte Palette von Farben und 

Techniken steht mir ja zur Verfügung und ich 

bediene mich auch gerne dieser unglaublichen 

Materialienvielfalt – ob Schrot beschuss, Drogen - 

besteck, Plattencover, Herbst laub, Zeitungsaus - 

schnitte, Brandspuren, Winsener Heimaterde oder 

auch Stacheldraht. Wenn die Werke dann in einer 

Ausstellung gezeigt werden, entfaltet sich best- 8 


42 STORIES 

möglich diese wunderbare Un ter schiedlichkeit und 

verleiht dem Projekt Leben digkeit und Authentizität. 

MM: Wo kann man sich deine Werke an - 

schauen? 

OLE: Idealerweise besucht man meine Ausstel - 

lungen oder schaut alternativ im Lüneburger 

Atelier vorbei. Oder man checkt mal bequem die 

Website. 

KulturBäckerei frei wurde, habe ich mich sofort 

beworben und bekam den Zuschlag. Somit heißt 

es „Back to the Roots“ – und gleichsam „auf zu 

neuen Ufern“. Die KulturBäckerei beherbergt ja 

nicht nur zwölf Ateliers, die von den unterschiedlichsten 

Künstler*innen mit Leben gefüllt werden, 

sondern dort laufen über das gesamte Jahr auch 

große Ausstellungen nationaler wie internationaler 

Kunst, von Joseph Beuys über Klaus Voormann 

bis hin zu Markus Lüpertz und Jörg Immendorff. 

Bilder jetzt mit ihrer individuellen Erzählung. Viele 

Freunde und Wegbegleiter haben mir bisher großartige 

Geschichten und Anekdoten zugesandt, 

die abschließend noch in der Postproduktion mit 

Musik garniert werden. „The Magic Of A Tale“ – die 

Magie der Erzählung. Und untertitelt mit „Spilling 

the Beans“, was übersetzt in etwa bedeutet wie: 

„aus dem Nähkästchen plaudern“. Ob Johnny 

Cleggs legendäres Lebenswerk durch Henning 

Venskes Stimme eine besondere Strahlkraft verliehen 

bekommt, Ingo Pohlmann über Thin Lizzys 

Phil Lynott schwelgt oder Chris Boltendahl (Grave 

Digger) sich an Eddie Van Halen erinnert. „The 

Magic Of A Tale“ steht für Geschichten, die be - 

rüh rend, unterhaltsam, amüsant, nachdenklich, 

spannend oder aufregend ausfallen können. Eines 

sind sie jedoch alle: leuchtend hell scheinend im 

Licht der persönlichen Magie, die der Erzähler ihr 

verleiht. Ein Licht, das aus der unerschöpflichen 

Energiequelle der Musik gespeist wird. Präsen tiert 

wird dieses einzigartige Projekt dann aber nur und 

exklusiv in meinen Ausstellungen. Freut euch also 

auf ein Seh- und Hörerlebnis der Extraklasse. 

MM: Wie sieht die Zukunft aus? Welche Pro - 

jekte, Ausstellungen etc. sind noch geplant? 

Hanno Maack (Artist Agent) & Ole Ohlendorff 

DRH Anniversary Talk 

Ihr findet mich in den sozialen Netzwerken Das Haus ist also ständig frequentiert von 

genauso wie auf YouTube. Ich bin aber auch in kunstinteressierten Menschen. Ich lade jeden 

verschiedenen öffentlichen Sammlungen vertreten. 

Deshalb hier noch ein kleiner Ausflugstipp: Stadt Lüneburg zu machen, um dann natürlich 

gerne ein, mal einen Abstecher in die wundervolle 

Stones Fan Museum in Lüchow (Wendland). Ich auch die Kultur Bäckerei zu besuchen. 

verspreche hier nicht zu viel, aber das Museum www.kulturbaeckerei-lueneburg.de 

ist der Hammer. Und der Museumsdirektor Uli 

Schröder sowieso. Uli war übrigens vor Jahren MM: Für deine „Dead Rock Heads“ hast du 

auch mal Galerist des Stones-Gitarristen Ron ergänzend ein neues Projekt geplant. Du 

Wood. Dort hängen also neben vielen Musik-Me - möchtest die Bilder stimmlich unterlegen. 

mo rablia und Hunderten anderer Werke un ter - Was genau soll da erzählt werden und wer 

schied licher Künstler auch einige meiner schönsten soll „Stimmpate“ werden? 

Gemälde von Keith Richards (The Rolling Stones). 

OLE: Jedes Bild erzählt eine Geschichte, so heißt 

MM: Dein Atelier befindet sich in der Lüne - es. Und manche erzählen Geschichten fürs Leben. 

burger KulturBäckerei. Warum hast du dir Magische Geschichten, berührende Geschich ten. 

genau diesen Ort ausgewählt? 

Sie erwachen, geben vor dem geistigen Auge des 

Betrachters der Erinnerung die Hand und spazieren 

gemeinsam hinaus – dorthin, wo sich Sub jekt 

OLE: In den 80er-Jahren hatte ich ja schon mal 

Station in Lüneburg gemacht. Hier begann vor und Objekt, Zuschauer und Kunstwerk vereinen. 

mehr als 40 Jahren meine Künstlerkarriere. Als 

dann im Jahr 2021 mein Künstlerfreund Gero Als eine Art „Stimmpate“ veredeln Persönlich - 

Bräutigam gestorben ist und sein Atelier in der keiten aus Kunst und Kultur die Ohlendorffschen 

OLE: Willst du den lieben Gott zum Lachen bringen, 

dann erzähl ihm von deinen Plänen … so hat 

sich John Lennon (The Beatles) mal über diese 

Frage geäußert. Spaß beiseite … es sind genügend 

Pfeile im Köcher, die wir dann bestmöglich 

abschießen, wenn man denn wieder vernünftig 

planen kann. Corona hat uns ja schon länger als 

zwei Jahre im Würgegriff. Aber die nächsten Pro - 

jekte bringen sich schon gehörig in Stellung. 

Informiert euch also über die bekannten Ohlen dorff- 

Kanäle immer mal wieder, was aktuell so anliegt. 

Ich würde mich freuen, auf einer der nächsten 

Ausstellungen den einen oder anderen von euch 

begrüßen zu dürfen. Begehrlichkeiten werden 

selbst verständlich auch befriedigt. Ob Ausstel - 

lungs projekte, Leihgaben und/oder andere Präsen - 

ta tionsformen, wir sind für alle Anfragen offen. 

Und wer ein Originalgemälde oder einen Fine Art 

Print (Kunstdruck) in Premiumqualität erwerben 

möchte, der wendet sich vertrauensvoll an mich 

oder an meinen Artist-Agenten Hanno Maack von 

der Firma combiful. 

Die entsprechenden Weg weiser und viele 

andere Infos rund um Künstler und Werk findet 

man auf meiner Website: www.ohlendorff-art.de 

In diesem Sinne … passt gut auf euch auf … 

und Rock & Roll forever! 

WEB: WWW.OHLENDORFF-ART.DE 


FOTOQUELLE: OHLENDORFF-ARCHIV 


43 

Helden der 

Vergangenheit 

Drei 

DREI 

PIONIERE 

Pioniere 

Alexis Korner 

Cyril Davies 

Graham Bond 

John Mayall gilt als „Godfather of the British 

Blues“, und Alexis Korner wird der „Father of the 

British Blues“ genannt. Cyril Davies gehört ebenso 

zu diesen beiden erst recht, weil er den British 

Blues in den 1950er-Jahren nachdrücklich ge - 

fördert hat, als diese Musikrichtung noch etwas 

Exotisches an sich hatte. Der Jazzmusiker 

Graham Bond konnte seine Vorliebe für Rhythm 

& Blues nach der Vorarbeit der drei Genannten 

erst Anfang der 1960er-Jahre umsetzen und 

gründete eine eigene Band, wie Korners und 

Mayalls Band rasch zum Nährboden zahlreicher 

wichtiger Rockmusiker wurde. 

Die wechselnden Besetzungen dieser drei 

Bands lesen sich wie ein Who is Who des 

British Blues und der Rockmusik der 1960er- 

Jahre. Ihre eigenen Veröffentlichungen spiegeln 

den prägenden Einfluss dieser Musiker hingegen 

nicht wider. 

Davies, Korner und Bond hatten alle keinen 

großen Erfolg und sind anders als Mayall, der mit 

89 Jahren 2022 seine enorme Reihe von Alben 

fortgesetzt hat, früh verstorben. Zu seinen Leb - 

zeiten erschienen von Davies nur sehr wenige 

Schallplatten, und auch Bond hat ihn dabei nur 

im bescheidenen Maße übertroffen. Korners 

Disko grafie war zum Zeitpunkt seines Todes 

bereits umfangreich und hat danach beträchtlich 

zugenommen, doch bis auf wenige Ausnahmen 

waren auch seine Tonträger keine Verkaufs - 

schlager. 

Musiker, die in den 1960er-Jahren bekannt 

geworden sind, sprechen über den 1932 geborenen 

Davies mit Ehrfurcht, weil sie ihn noch live 

erlebt haben. Sein energiegeladener Song „Country 

Line Special“ war für Ray Davies (Kinks) und Pete 

Townshend (Who) eine der „heißesten“ Aufnah - 

men der Zeit. Jack Bruce offenbarte gar, sich 

erst nach Davies’ Tod getraut zu haben, öffentlich 

Blues-Mundharmonika zu spielen, weil er mit 

der Qualität Davies’ nicht habe konkurrieren können. 

Für die allermeisten mag der blues-besessene 

Davies eher ein unbeschriebenes Blatt sein. Er 

starb schon Anfang 1964 im Alter von knapp 32 

Jahren und hatte bis dahin reichlich dem Alkohol 

zugesprochen. Wahrscheinlich hatte er an 

Leukämie gelitten. In seiner Sterbeurkunde ist als 

Todesursache Endokarditis (Entzün dung der Herz - 

innenhaut) angegeben. 

Davies wird in Deutschland wohl nur denjenigen 

bekannt gewesen sein, die schon in den 

späten 1950er-Jahren begonnen hatten, sich für 

Blues aus Großbritannien zu interessieren, denen 

und es gelungen war, hierzulande Anfang der 

1960er-Jahre LPs von Alexis Korners Blues 

8 


44 STORIES 

Incorporated zu kaufen. Gegen Ende des Jahr - 

zehnts waren Importschallplatten in hiesigen 

Schall platten ge schäften kaum aufzutreiben. 

Damals blieb mir auch die LP „The Legendary 

Cyril Davies With Alexis Korner’s Breakdown 

Group And The Roundhouse Four“ von 1970 

unbekannt. Erst Jahre später wurde ich auf 

Davies aufmerksam, durch zwei Stücke auf den 

beiden British-Blues-Samplern „White Boys 

Blues“ Vol. 1 und 2 von 1985 und 1986 mit Gi - 

tarrengrößen wie Jeff Beck, Eric Clapton, Albert 

Lee und Jimmy Page. Von Davies sind 50 

Aufnahmen überliefert und 2014 auf der Doppel- 

CD „Cyril Davies Memorial Album. Preachin’ the 

Blues“ versammelt worden. Dass es nicht mehr 

sein konnten, hat offenbar Davies’ Tod vor dem 

Aufblühen der Rockmusik in der zweiten Hälfte 

der 1960er-Jahre verhindert. Dafür klingen aber 

viele der 50 Stücke erstaunlich frisch, obwohl 

sich Aufnahme- und Wieder gabe technik erst einige 

Jahre darauf sprunghaft entwickelten. 

Blues war in den frühen 1950er-Jahren in 

Großbritannien so gut wie unbekannt und daher 

nicht populär. Um 1953 galt dies aber nicht für 

den Skiffle, den der Kfz-Mechaniker Davies bis auf 

Weiteres bei Steve Lane’s Southern Stompers mit 

dem Banjo spielte. Er sang aber auch und be - 

herrschte die zwölfsaitige Gitarre sowie Blues- 

Mundharmonika. 1954 nahm er bei sich zu Hause 

„KC Moan“ auf und zeigte, wie intensiv er mit 

dem Country Blues vertraut war. Trotz der eingeschränkten 

Aufnahmetechnik gelingt es ihm, den 

Zuhörer mit Gesang und Gitarrenbegleitung zu 

packen. Ab 1955 traten Steve Lane’s Southern 

Stompers regelmäßig im Londoner Soho-Club 

Roundhouse auf, und dort eröffnete Davies auch 

das London Skiffle Centre. In die Skiffle-Sets der 

Band streute er immer wieder mit Verve einen 

Song des US-Bluesmusikers Huddie Ledbetter 

alias Leadbelly ein. Davies’ musikalische Aktivi - 

täten genügten aber nicht, den Lebensunterhalt 

für sich und seine Familie zu bestreiten. Daher 

arbeitete er tagsüber weiterhin in seinem Beruf. 

Im Roundhouse trat ebenfalls regelmäßig die 

Ken Coyler Skiffle Group mit Alexis Korner als 

Gitarrist auf. Bald danach taten Davies und 

Korner sich zusammen. Gemeinsam mit der 

Sängerin und Waschbrett-Spielerin Beryl Bryden 

nahmen sie 1956 als Mitglieder der Back-Room 

Skiffle Group vier Titel auf, von denen damals nur 

zwei als Single erschienen. Die beiden anderen 

tauchten erst Jahrzehnte später auf „Preachin’ 

the Blues“ auf. Davies war mittlerweile des 

erfolgreichen Skiffles überdrüssig geworden und 

wollte sich dem Blues widmen. Daher schloss er 

das Skiffle Centre und eröffnete mit Korner 

den Londoner Blues and Barrelhouse Club, in 

dem sie als Alexis Korner’s Breakdown Group 

featuring Cyril Davies auftraten. Zunächst war die 

Reaktion der Zuschauer, die in das Skiffle Centre 

geströmt waren, jedoch ernüchternd. Als aber 

allmählich die Besucherzahlen stiegen, gab Big 

Bill Broonzy im neuen Club als erster US-Blues- 

Musiker ein Gastspiel. 1957 entstand dann unter 

dem Band namen Alexis Korner’s Breakdown 

Group featuring Cyril Davies Blues from the 

Roundhouse das erste Album des British Blues. 

Mit ihm de monstrierte Davies, wie kompetent er 

Leadbelly-Songs interpretierte. Von der LP ließ 

Doug Dobell nur 99 Exemplare pressen und verkaufte 

sie in seinem legendären Record Shop in 

der Londoner Charing Cross Road; ab 100 

Exemplaren Auflage wäre der Verkauf der Platten 

steuerpflichtig ge wesen. Ein Londoner Jazz- 

Label bot daraufhin im selben Jahr Davies und 

Korner an, vier Songs für eine EP mit dem Titel 

„Blues From The Round house Vol. 1“ aufzunehmen. 

Trotz der Abwendung vom Skiffle nannten 

sich die beiden dafür Alexis Korner Skiffle Group. 

Der EP folgte 1959 die EP „Blues from the 

Roundhouse Vol. 2“ mit vier Leadbelly-Songs 

und einem Stück von Robert Johnson, und nun 

hieß die Band Alexis Korner’s Blues Incorporated. 

Der British Blues erhielt außer dem Anschub durch 

ein Roundhouse-Gastspiel von Muddy Waters, 

dem Urgestein des Chicago-Blues. 

Meinungsverschiedenheiten zwischen Davies 

und Korner führten zu einer vorübergehenden 

Trennung, während der Davies gemeinsam mit 

Lisa und Reg Turner sowie Jeff Bradford als 

Roundhouse Jug Four 1961 eine weitere bluesorientierte 

EP aufnahm. Danach kehrte er zu 

Alexis Korner’s Blues Incorporated zurück und 

führte zu Konzerten einen Koffer voller Mundhar - 

monikas mit, um stets das richtige Instrument zur 

Hand zu haben. Noch bevor ihr Drummer Charlie 

Watts zu den Rolling Stones wechselte, gehörten 

der Blues Incorporated der Bassist Jack Bruce 

und der Saxofonist Dick Heckstall-Smith an. Die 

einzig überlieferte Aufnahme von Davies und 

Korner mit diesen beiden war Willie Dixons 

„Hoochie Coochie Man“. Sie entstand im Juli 

1962 für den BBC-Jazz-Club, kam aber erst 

1972 auf den Markt. Mittlerweile veranstalteten 

Davies und Korner in dessen Ealing Jazz Club 

regelmäßige Rhythm and Blues Nights und zogen 

unter anderem als Zuhörer viele Musiker wie Eric 

Clapton, Lee Jackson (Nice), Paul Jones, John 

Mayall, Zoot Money, Jimmy Page, Rod Stewart 

und Pete Townshend an, die künftig selbst prägende 

Vertreter dieser Musik sein sollten. Manche 

spielten gelegentlich auch bei Auftritten der 

Blues Incorporated mit. Der Einfluss der Band 

reichte dadurch weit. Zum Beispiel hätte es ohne 

Alexis Korner’s Blues Incorporated laut Keith 

»Ohne Alexis Korners 

Blues Incorporated 

hätte es laut 

Keith Richards 

die Rolling Stones 

nie gegeben.« 

Alexis 

Korner’s Blues 

Incorporated 

Richards die Rolling Stones nie gegeben. Weil 

der British Blues in der britischen Musikindustrie 

bis auf Weiteres für eine schnell wieder vergessene 

Episode gehalten wurde, erhielt die Band erst 

1962 einen Schallplattenvertrag, als der Pro du - 

zent Jack Good sie in Chris Barbers Londoner 

Marquee-Club entdeckte, dessen Hausband sie 

seit Mai des Jahres war. Im Herbst erschien daraufhin 

von Alexis Korner’s Blues Incorporated die 

in den Decca-Studios in West Hamstead aufgenommene 

LP „R&B From The Marquee“, die auf 

dem „Cyril Davies Memorial Album“ enthalten ist. 

Als Blues-Purist stemmte Davies sich gegen 

Jazz-Einflüsse, sodass ihn Heckstall-Smiths 

Band-Mitgliedschaft störte. Deswegen lehnte er 

nach Watts’ Ausscheiden Ginger Baker zunächst 

als dessen Nachfolger ab, da er als Jazz-Drummer 

galt. Nach Proben war Davies aber davon überzeugt, 

bislang keinen anderen derart originellen 

Drummer gehört zu haben, und gab seinen 

Wider stand auf. Für Baker wiederum war Davies’ 

rauer Blues eine Offenbarung – Bakers CD 

„Coward Of The County“ von 1999 beginnt mit 

dem Stück „Cyril Davies“. Als Korner danach die 

Band um Bläser verstärken wollte, verließ Davies 

im November 1962 endgültig die Blues Incor po - 


STORIES 45 

Alexis Korner: 

»Ich bin sowohl Türke, Grieche als auch Österreicher 

und kenne aber keine Musik, die gleichzeitig aus türkischen, 

griechischen und österreichischen Elementen be steht. 

Daher spiele ich mit vollem Recht Blues.« 

rated und gründete die Cyril Davies R&B All Stars 

unter anderem mit dem Sänger Long John Baldry 

und dem Pianisten Nicky Hopkins. Die letzte 

Veröffentlichung dieser Band vor Davies’ Tod war 

die Single mit den Songs „Preachin’ The Blues“ 

und „Sweet Mary“ von Leadbelly. 

Korner wurde 1928 als Alexis Körner in Paris 

als Sohn eines jüdisch-österreichischen Offiziers 

und einer griechischen Mutter teils türkischer Her - 

kunft geboren. Zu Beginn des Zweiten Welt krieges 

floh die Familie nach Großbritannien, wo der junge 

Korner früh mit Blues-Schallplatten in Berührung 

kam und Gitarrespielen lernte. Seine Vorliebe für 

den Blues kommentierte Korner wegen seiner 

multikulturellen Herkunft einmal: „Ich bin sowohl 

Türke, Grieche als auch Österreicher und kenne 

aber keine Musik, die gleichzeitig aus türkischen, 

griechischen und österreichischen Elementen 

be steht. Daher spiele ich mit vollem Recht Blues.“ 

Gegen Ende der frühen Nachkriegszeit war er als 

Soldat in der britischen Zone Deutschlands stationiert. 

Für das British Forces Network (BFN), 

dessen Schallplattenarchiv er betreute, und den 

Nordwestdeutschen Rundfunk (NWDR) in Ham - 

burg moderierte er Musiksendungen, da er mit 

der deutschen Sprache aufgewachsen war. 

Außerdem trat er in Hamburger Jazzlokalen auf. 

Zurück in London schloss er sich 1949 als Gitarrist 

mit unverstärkter Gitarre der Jazzband von Chris 

Barber an, der ebenfalls den Blues schätzte und 

sich seine erste Schallplatte mit Songs von 

Robert Johnson 1947 in Dobells Plattengeschäft 

gekauft hatte. Danach wurde er Mitglied von Ken 

Coyler’s Skiffle Group, die mit ihm 1955 Songs 

für eine LP aufzeichnete. 

Die Einkünfte aus Auf tritten und dem Verkauf 

von Schallplatten genügte nicht, um den Unter - 

halt von Korners Familie zu bestreiten. Deswegen 

moderierte Korner ab dem Jahr Musiksen dun - 

gen für das Radio der BBC und setzte dies bis 

1983 fort. Darunter waren die Serien „Sympathy 

For The Devil“ über die Geschichte von Rock und 

Blues (1972), „The Devil’s Music“ über unbekanntere 

Musiker dieser Richtungen mit Blues- 

Musikern aus den USA als Gästen im Studio 

(1979) und Guitar Greats über 13 stilbildende 

Gitarristen wie Jeff Beck, Eric Clapton, Ry Cooder 

und B.B. King (1983). 

Auch im Radio von NDR 2 war er wiederholt in 

Deutsch land zu Gast. Wer diese Sendungen ge - 

hört hat, wird sich vermutlich gern daran erinnern, 

wie Korner mit seiner unverwechselbar sonoren 

Stimme seine Zuhörer kenntnisreich und 

lebendig mit Geschichten über Blues- und Rock - 

musik unterhielt. 

Bis auf Weiteres waren Jazz und Skiffle die 

bestimmenden Musikrichtungen in den 1950er- 

Jahren, sodass es dauerte, ehe Rhythm & Blues 

für Korner und Davies professionell in den Vor der - 

grund rückten. Von 1958 bis 1961 entstanden mit 

Korner, weißen Folk-Musikern und schwarzen 

Blues-Musikern aus den USA Singles, EPs und 

LPs. Den Anfang machte der Folk mit Alan Lomax 

und Ramblin’ Jack Elliott, dann folgte Blues mit 

Champion Jack Dupree, Memphis Slim, Little 

Brother Montgomery, Roosevelt Sykes und James 

Cotton. Außerdem wurden Aufnahmen mit Chris 

Barbers nordirischer Ehefrau Ottilie Patterson 

aufgezeichnet, die Bluessängerin war. In Korners 

Blues Incorporated war häufiger Wechsel der 

Musiker Normalität. Manche Musiker wie die 

späteren Rolling-Stones-Mitglieder Mick Jagger, 

Brian Johns und Keith Richards sprangen auch 

nur vorübergehend ein. Als Jagger kurzzeitig 

Sänger der Blues Incorporated war, trampte 1961 

Eric Burdon von Newcastle nach London, um 

Korner zu überreden, in der Blues Incorporated 

singen zu dürfen. Der gab ihm diese Chance, 

8 


46 STORIES 

und bei Korner lernte Burdon Alan Price kennen, 

mit dem er 1962 die Animals gründete. Darüber 

hinaus war Korner auch privat für zahlreiche junge 

Musiker ein Dreh- und Angelpunkt. Sie trafen sich 

mit ihm in der Londoner Moscow Road, wo sich 

seine Wohnung im Burnham Court befand, und 

übernachteten zuweilen dort. Auch wenn Korner 

selbst weder ein herausragender Sänger noch ein 

außergewöhnlicher Instrumentalist war, waren 

seine Band und sein Wirken als Förderer und 

Mentor eine Quelle musikalischer Inspiration. 

Als Davies die Blues Incorporated verließ, 

suchte Korner an seiner Stelle einen Musiker mit 

vergleichbaren Fähigkeiten. Im November 1962 

fand er ihn in dem Saxofonisten und Keyboard- 

Spieler Graham Bond, der mit der Jazzszene 

zunehmend unzufrieden geworden war und nach 

dem Blues strebte. Die Musik der Blues Incor - 

porated wurde vorübergehend aber jazziger. Als 

Bond, Bruce, Heckstall-Smith und Baker bereits 

die Band verlassen hatten, wurde 1964 die überwiegend 

aus Instrumentalstücken bestehende 

LP „Red Hot From Alexis Korner“ aufgenommen, 

die mehr ein Jazz- denn ein Blues-Album war. Im 

selben Jahr wurde aber auch ein Live-Auftritt der 

Band aufgezeichnet, der kurz darauf als LP 

„Alexis Korner’s Blues Incorporated At The Cavern“ 

auf den Markt kam und den British Blues mit überzeugender 

Frische präsentierte. 1967 löste Korner 

die Blues Incorporated auf. Gute Bei spiele ihrer 

Musik sind unter anderem in Korners 1994 veröffentlichten 

BBC-Radio-Sessions sowie auf dem 

Sampler „Everyday I Have The Blues. The Sixties 

Anthology“ von 2018 versammelt. 

Bereits 1966 hatte er die kurzlebige Formation 

„Free at Last“ ins Leben gerufen. Schlagzeuger 

war Hughie Flint, der damals noch John Mayalls 

Bluesbreakers angehörte und später die Bands 

McGuinness Flint und Blues Band gründete, und 

Bassist der 15-jährige Andy Fraser, der mit Korners 

Tochter Sappho befreundet war. Paul Kossoff, 

Simon Kirke und Paul Rodgers suchten für ihre 

Band, die sie Heavy Metal Kids nennen wollten, 

einen Bassisten, und Korner empfahl ihnen Fraser. 

Auf Korners Vorschlag hieß diese Formation dann 

Free. Diese Band nahm er nicht nur mit auf eine 

Solo-Tournee, auf der er sie allabendlich ein Set 

spielen ließ, sondern vermittelte sie auch an Island 

Records, die Free für sehr wenig Geld unter Vertrag 

nahm und ein hervorragendes Geschäft gemacht 

hatte, weil die Band sich als Verkaufsrenner herausstellte. 

Während seiner Konzerte in Birmingham 

lernte Korner 1968 den jungen Sänger Robert 

Plant kennen, den er unter seine Fittiche nahm. 

Plant war voll des Lobes, weil Korner ihn in seine 

Kreise einführte. Er habe ihm geholfen, Selbst - 

vertrauen aufzubauen und die Stimme zu schulen. 

Korner machte Plant außerdem mit Jimmy 

Page und dem Manager Peter Grant bekannt, die 

für die New Yardbirds einen Sänger suchten und 

Plant diesen Job gaben. Deswegen gelang es 

Korner nicht mehr, mit Plant ein komplettes neues 

Album aufzunehmen. Es blieb bei den beiden 

Songs „Operator“ und „Steal Away“, die auf 

„Everyday I Have The Blues“ zu hören sind. Der 

Rest ist Rockgeschichte, denn mit Led Zeppelin 

wurde Plant zu einem der wichtigsten Rock - 

sänger überhaupt – und dort wurde „Steal Away“ 

in „How Many More Times“ eingearbeitet. 1968 

legte Korner sein hörenswerte Album „A New 

Generation Of Blues“ mit anderen Musikern vor. 

In dem Jahr war er auch gemeinsam mit der niederländischen 

Bluesband Cuby and the Blizzards 

live unterwegs und ist auf deren Album „Live von 

1969“ vertreten. Als in der BBC-Radiosendung 

Rhythm & Blues World Service Bands wie Cream 

und die Jimi Hendrix Experience live spielten, 

begleitete Korner Hendrix bei dem Blues-Klassiker 

„Hoochie Coochie Man“, der 1988 auf dem 

Hendrix-Album „Radio One“ veröffentlicht wurde. 

Ein neuer Abschnitt begann mit der Band New 

Church and Friends, deren Kern Korner, der dänische 

Gitarrist Peter Thorup und der Bassist Colin 

Hodgkinson waren und die als Vorgruppe des 

legendären Hyde-Park-Konzerts der Rolling Stones 

vom 5. Juli 1969 für den verstorbenen Brian Jones 

spielte. Die neue Band brachte zwar die LP „Both 

Sides“ heraus, war aber wegen Erfolg losig keit 

schon am Ende. Danach gehörten Korner und 

Thorup der Big Band CCS (Collective Conscious - 


STORIES 47 

»Der Kettenraucher Korner hatte viele Jahre lang 

auch verschiedene Drogen konsumiert und 

litt an Lungenkrebs. Ab 1982 verlor er an Gewicht 

und starb am 1. Januar 1984. 

Seine letzten Musikaufnahmen stammen von 1983. 

Rund ein halbes Jahr nach Korners Tod veranstaltete 

Jimmy Page im Nottinghamer Palais 

das Konzert „Tribute to Alexis Korner“ unter anderem 

mit Bruce, Stewart, Watts und Paul Jones.« 

ness Society) an, die es immerhin auf vier Hits 

brachte: die Instrumentalversion des Led-Zeppelin- 

Hits „Whole Lotta Love“ sowie „Walking“, „Tap 

Turns On The Water“ und „Brother“ mit Korners 

markantem Gesang. Nach drei CCS-Alben produzierten 

Korner und Thorup 1972 mit Steve 

Marriott und Zoot Money als Gastmusikern das 

Snape-Studioalbum „Accidentally Born In New 

Orleans“ und ohne diese das Doppelalbum „Live 

In Germany“. Bei anderen Musikern war Korner 

weiterhin ein gern gesehener Gast. Klaus 

Doldinger lud ihn im Oktober 1973 nach Köln zu 

seinem Jubiläumskonzert ein und Eric Burdon im 

Frühjahr 1977 zu den Sessions für die LP „Sur- 

vivor“. Für sein eigenes Album „Get Off Of My 

Cloud“ von 1975 konnte Korner wiederum namhafte 

Musiker wie Peter Frampton, Colin Hodg - 

kinson, Nicky Hopkins, Steve Marriott und Keith 

Richards Korners gewinnen. Doch das empfehlenswerte 

Album ging damals sang- und klanglos 

unter, und auch den folgenden Korner-LPs „Just 

Easy“ und „Me“ (hier sang und spielte Korner 

solo) von 1977 bzw. 1979 war kein größerer Erfolg 

beschieden. 

Nachdem Korner und Hodgkinson im Rock - 

palast des WDR aufgetreten waren, zeichnete 

der WDR für diese legendäre Rockmusik-Reihe 

aus Anlass von Korners 50. Geburtstag am 19. 

April 1978 im Gatsby Room der Londoner Pine - 

wood Studios ein Konzert mit namhaften Gästen 

auf, das 1979 als „The Party Album“ herauskam 

und eines der interessantesten Korner-Alben ist. 

Wer konnte schon solch hervorragende Gäste 

wie Eric Clapton, den Sänger Chris Farlowe, Dick 

Heckstall-Smith, Paul Jones und Zoot Money 

zusammenbringen? Große Impulse für Korners 

weitere Alben erwuchsen aber auch daraus nicht. 

Es wurden Live-Konzerte mit Korner aufgezeichnet. 

Zwei erschienen 1981: „Rocket 88“ (mit 

Jack Bruce, dem Rolling-Stones-Keyboarder Ian 

Stewart und Charlie Watts) und „Live Frankfurt 

City Blues Band“. Andere kamen erst posthum 

heraus, wie „Testament, Live In Paris“ (beide aufgenommen 

an verschiedenen Tagen in Frank reich 

1980 und 1985 bzw. 1988 veröffentlicht) und 

„Alexis Korner, Tony Sheridan & Steve Baker At 

Rias“ (aufgenommen im Juni 1981, veröffentlicht 

2018). 

Es sind gelungene Aufnahmen. Insbesondere 

das Rias-Konzert sprüht vor Korners und 

Sheridans Spielfreude, die ihnen trotz des ausgebliebenen 

durchschlagenden Erfolges erhalten 

geblieben war. 

Mittlerweile war allerdings Korners Stimme 

brüchig geworden. In Frankreich übernahm daher 

Hodgkinson meistens den Gesang, mit dem Korner 

sich zu einem Duo zusammengetan hatte. Der 

Kettenraucher Korner hatte viele Jahre lang auch 

verschiedene Drogen konsumiert und litt an 

Lungen krebs. Ab 1982 verlor er an Gewicht und 

starb am 1. Januar 1984. Seine letzten Musik - 

aufnahmen stammen von 1983. Rund ein halbes 

Jahr nach Korners Tod veranstaltete Jimmy Page 

im Nottinghamer Palais das Konzert „Tribute to 

Alexis Korner“ unter anderem mit Bruce, Stewart, 

Watts und Paul Jones. 1995 kamen zahlreiche 

namhafte Musiker in der Buxtoner Oper zu einem 

Alexis-Korner-Memorial-Konzert zusammen, unter 

ihnen Bruce, Farlowe und Money. Diese Kon zerte 

sind auf insgesamt fünf CDs erhältlich. Posthum 

erschienen außerdem zahlreiche Sampler über 

Korners Karriere, und auch bislang unveröffentlichte 

Auf nahmen wurden verfügbar. 

8

48 STORIES 

Bonds Diskografie ist entschieden bescheidener. 

Zu seinen Lebzeiten sind sogar nur drei eigene 

bemerkenswerte Studio-Alben und eine Live- 

LP herausgekommen. Andere Veröffent lichungen 

bis zu seinem Tod bilden eher einen Flicken - 

teppich. Und dennoch reicht Bonds Bedeutung 

für den British Blues und die Rockmusik weit über 

all das hinaus. Der Rockpoet Pete Brown, der 

prägende Texte zu Songs der Supergruppe Cream 

verfasste, war mit Bond befreundet und ist sein 

musikalischer Nachlassverwalter. Er ist der Mei - 

nung, dass Bonds Band, die Graham Bond 

Orga ni sation, eine der drei wichtigsten britischen 

Bands überhaupt gewesen sei und für Musiker 

die Bedeutung besessen habe, wie die Beatles 

sie für ihre Fans hatten. 

Bond wurde Ende Oktober 1937 geboren, zur 

Adoption freigegeben und Anfang März 1938 von 

einem Ehepaar adoptiert, das ihm seinen Namen 

gab. Wer seine leiblichen Eltern waren, erfuhr er 

nie, und darunter litt er. Erst im Jahr nach seinem 

Tod gestand das britische Recht adoptierten 

Kindern zu erfahren, wer ihre leiblichen Eltern 

waren. Auf der Suche nach seiner Identität hielt 

Bond sich einige Zeit für den nichtehelichen Sohn 

des Okkultisten Aleister Crowley. Er geriet unter 

den Einfluss von Drogen, die sein Leben endgültig 

scheitern ließen. Anfang Mai 1974 wurde er 

von einer Londoner U-Bahn überfahren und starb 

auf der Stelle. Möglicherweise hatte er Selbst mord 

begangen. 

Als Bond sich im November 1962 Korners Blues 

Incorporated anschloss, tat er dies, um sich 

Rhythm & Blues zu widmen. Er hatte bereits eine 

Karriere als Jazzmusiker hinter sich. 1954 hatte 

er als Alto-Saxofonist mit dem Drummer Terry 

Lovelock das Terry Graham Trio gegründet, das 

bis 1958 zu einem Quintett angewachsen und 

bis etwa Anfang der 1960er-Jahre zusammengeblieben 

war. In diese Zeit fielen erste gemeinsame 

Auftritte mit Heckstall-Smith. 1961 hatte Bond auch 

bei den Live New Departures ge spielt, deren 

Drummer Baker war, und wechselte zum New Don 

Rendell Quintet, der führenden britischen Hard- 

Bop-Jazzband. Von Herbst 1962 bis Mitte 1963 

war er dann teilweise parallel zur Blues Incor po - 

rated Mitglied des Johnny Burch Octet. In 

Korners Band entwickelte Bond mit Saxofon und 

Orgel seinen kraftvoll-aggressiven Stil und sang 

dazu. Aber schon nach wenigen Monaten verließ 

er im Februar 1963 mit Baker und Bruce die Blues 

Incorporated. Gemeinsam traten die drei als 

Graham Bond Trio auf, in dem Bond der Lead - 

sänger war. Sie verstärkten sich mit dem Gitar - 

risten John McLaughlin zum Quartett. Als 

McLaughlin im September 1963 durch Heckstall- 

Smith ersetzt wurde, nannte sich diese Band 

Graham Bond Organisation, die bis November 

1965 existierte. Gelegentlich war auch Bruce der 

Leadsänger und spielte hin und wieder Blues- 

Mundharmonika. Mitte Oktober 1964 wurde in 

Giorgio Gomelskys Londoner Club Klooks Kleek 

ein Konzert der Graham Bond Organization mitgeschnitten, 

das Anfang der 1970er-Jahre in 

sehr mäßiger Tonqualität als LP „Live At Klooks 

Kleek“ verkauft wurde. Heute ist der Mitschnitt als 

CD zu haben, die tontechnisch überarbeitet wurde 

und akustisch erträglich ist. Bruce brillierte mit 

den Songs „The First Time I Met The Blues“ und 

„Train Time“, während Baker während des Blues- 

Klassikers „Early In The Morning“ Gelegenheit für 

ein längeres Drum-Solo erhielt. Insgesamt vermittelt 

das Konzert einen guten Einblick in die 

mu si kalische Kapazität der Graham Bond Orga - 

nization. 

1965 wurde die LP „The Sound of 65“ der 

Graham Bond Organization veröffentlicht. Da es 

sich im Wesentlichen um das in vielen Live-Auf - 

tritten erprobte Repertoire der Graham Bond Orga - 

nization handelte, hatte sie in nur drei Stunden eingespielt 

werden können. „The Sound Of 65“ ist 

eines der wegweisenden Studioalben der Rock - 

musik mit einer elektrisierenden Bestands auf - 

nah me des britischen Bluesrocks samt seinen 

Jazzeinflüssen, den diese Band einzigartig repräsentierte. 

Es sind bereits alle Ansätze vorhanden, 

die die herausragenden Bands Cream und 

Colosseum berühmt machen sollten. Deren 

Schatten werfen die Interpretationen von „Hoochie 

Coochie Man“, „Early In The Morning“, „Train 

Time“, „Wade In The Water“ und Bonds Stücke 

„Little Girl“ und „I Want You“ voraus. Ein unnötiger 

Ausrutscher ins Schnulzenhafte ist freilich 

„Tammy“, eine Version des Titelsongs der gleichnamigen 

beliebten US-TV-Serie. Noch im selben 

Jahr legte die Graham Bond Organization die LP 

„There’s A BOND Between Us“ nach. Noch eindeutiger 

auf Rhythm & Blues ausgerichtet, punktet 

die gute LP mit Bonds „Walking in the Park“. 

Dieses Stück gehörte 1969 zur ersten 

Colosseum-LP „Those Who Are About To Die 

Salute You – Morituri Te Salutant“ und ist bereits 

ähnlich spannend. Dennoch hat „There’s A 

BOND Between Us“ nicht die Wucht von „The 

Sound Of 65“. Immerhin bescherten die beiden LPs 

der Band noch im selben Jahr die Mit wirkung in 

dem hanebüchenen britischen Film „Gonks Go 

Beat“, der „Plan 9 From Outer Space Of Film Musi - 

cals“ genannt wurde und als einer der schlechtes - 

ten Filme überhaupt gilt. Der Erfolg beider LPs 

blieb jedenfalls aus, und die Band litt vor allem 

durch Drogen und den ständigen Streit zwischen 

Baker und Bruce unter Instabilität. Beide warfen 

einander vor, zu laut zu spielen. Ihre Hassliebe 

endete erst mit Bruces Tod im Jahr 2014. 

Bonds Heroinkonsum war vorübergehend zum 

Stillstand gekommen. Auch zu besseren Zeiten war 

Bond allerdings chaotisch gewesen. Mit seinen 

finanziellen Mitteln und denen seiner Band war er 

bedenkenlos umgegangen. Heckstall-Smith zufolge 

überraschte Bond seine Bandkollegen mit einer 

neuen, sündhaft teuren Hammondorgel für damals 

enorme 1000 britische Pfund, die die Graham 

Bond Organization sich nie hätte leisten können. 

Deswegen schwindelte er vor, das Instrument sei 

ihm zu Werbezwecken kostenlos überlassen 

worden. Als die Band bald nach dem zweiten 

Album zerfiel, verschlechterte sich seine psychische 

Lage. Nachdem Baker und Bruce ausgeschieden 

waren, um mit Eric Clapton Cream zu 

gründen, fehlte ein Bassist, sodass Bond über 

seine Keyboards einen Pedal-Bass spielte. Das 

Trio mit Bond, Heckstall-Smith und dem künftigen 

Colosseum-Drummer Jon Hiseman nahm 

1966 und 1967 so wenige Songs auf, dass sie 

kein komplettes Album füllten. Der Grund war, 

dass Heckstall-Smith und Hisemann sich John 

Mayalls Bluesbreakers anschlossen. Erst 1970 

wurden die Aufnahmen des Trios auf der LP 

„Solid Bond“ veröffentlicht. Überwiegend besteht 

dieses Album aus Live-Aufnahmen des Graham 

Bond Quartet mit Baker, Bruce und McLaughlin 

von 1963, zum Teil mit Jazz-Improvisationen in 

den letzten beiden Stücken „The Grass Is Greener“ 

und „Doxy“. Das Gesamtergebnis repräsentiert 

Trio und Quartett sehr gut. Mit seinem satten 

Rhythm & Blues und Jazzrock wäre „Solid Bond“ 

1967 als rascher Nachfolger der beiden LPs von 

1965 bestens geeignet gewesen. So aber stand 

Bond im Verlauf des Jahres 1967 musikalisch allein 

da und schlug sich mit gelegentlichen En ga ge - 

ments durch. Er griff erneut zum Heroin und verfiel 

ihm endgültig. 

Da schien es ein fantastischer Vorschlag des 

britischen Designer-Teams mit dem bezeichnenden 

Namen „The Fool“ zu sein, Bond solle ein 

neues Album in den USA aufnehmen. Ohne Arbeits - 

erlaubnis entstand dort unter chaotischen Be - 

dingungen die 1968 veröffentlichte LP „Love Is 

The Law“, bei der Bond nur durch Begleitgesang 

und Schlagzeug unterstützt wurde. Auf dem Cover 

schrieb man seinen Vornamen falsch mit Grahame. 

Das musikalische Ergebnis war zwar nicht übel, 

fällt aber verglichen mit den beiden Alben der 

Graham Bond Organization von 1965 merklich 

ab. Bond wirkte wie ein Alleinunterhalter auf, der 

sein Handwerk versteht. Als „Love Is The Law“ 

viele Jahre später mit Bonustracks aus der Zeit 

der Graham Bond Organization veröffentlicht 

wurde, verstärkte dies den Kontrast. Das mit 

einer größeren Anzahl von Studiomusikern aufgenommene 

folgende US-Album „Mighty Grahame 

Bond“ fiel ähnlich wie „Love Is The Law“ aus, 


STORIES 49 

wenn nicht sogar noch beliebiger. Im CD-Zeitalter 

musste „Mighty Grahame Bond“ mit weniger 

interessanten Bonus-Tracks auskommen. 

Nach dem US-Intermezzo konnte Bond immer - 

hin wieder in seinem Element sein. Baker hatte 

nach der Auflösung von Cream die von afrikanischen 

Einflüssen geprägte Band Air Foce gegründet, 

in der Bond von 1969 bis 1971 Rhythm & 

Blues singen und spielen konnte. Zu hören ist er 

auf Bakers beiden Air-Force-Alben und dem Band- 

Album „Do What You Like“, das erst 2015 auf den 

Markt kam. Ginger Bakers Air Force spielten 1970 

unter anderem im legendären Bremer Beat-Club. 

Bond wirkte dabei bereits körperlich heruntergekommen. 

1970 gelang Bond jedoch die Pro duk - 

tion eines weiteren Solo-Albums, das musikalischen 

Stillstand ohne jeden innovativen Fort schritt 

bedeutete. Die esoterisch angelegte LP „Holy 

Magick“ folgte in einer musikalisch ermüdenden 

Improvisation über Rituale auf der A-Seite dem 

Gedankengut des Okkultisten Aleister Crowley 

und fiel auf der B-Seite durch Bonds instrumen- 

Graham Bond 

Organisation 

»„The Sound Of 65“ ist 

eines der wegweisenden 

Studioalben der 

Rock musik mit einer 

elektrisierenden 

Bestandsaufnahme des 

britischen Bluesrocks 

samt seinen 

Jazzeinflüssen, 

den diese Band einzigartig 

repräsentierte. 

Es sind bereits alle 

Ansätze vorhanden, die 

die herausragenden 

Bands Cream und 

Colosseum 

berühmt machen 

sollten.« 

tales Können immerhin erträglicher aus. Das Nach - 

folgealbum „We Put Our Magick On You“ von 1971 

befasste sich mit weitaus besserer Musik mit fernöstlicher 

Religion. Die zeitgenössische Kritik hielt 

„Holy Magick“ für langweilig und war überzeugt, 

dass Bond ein solches Machwerk niemals herausgebracht 

hätte, wenn ihm die ihm gebührende 

Anerkennung für die Musik der Graham Bond 

Organization in den 1960er-Jahren nicht vorenthalten 

geblieben wäre. Über die frühe Phase der 

Band von Februar 1963 bis Herbst 1964 legte 

Pete Brown 2012 mit dem empfehlenswerten 4- 

CD-Set „Wade In The Water. Classics, Origins & 

Oddities“ einen ebenso vorzüglichen wie würdigen 

Überblick vor. Auf vier weiteren CDs wurden 2015 

Bonds Live-Aufnahmen für das BBC-Radio aus 

der Zeit von 1962 bis 1972 auf vier weiteren CDs 

zusammengefasst. Sie alle belegen plastisch 

Bonds musikalischen Stellenwert und den seiner 

Band. Wie wären Bonds Leben und Karriere wohl 

verlaufen, wenn er damals schon in diesem Um - 

fang auf Tonträgern präsent gewesen wäre und 

ihm die gebührende Wertschätzung zuteilgeworden 

wäre? 

1971 und 1972 arbeitete Bond noch einmal mit 

Bruce und Heckstall-Smith zusammen. Im Herbst 

1971 gab die Band Jack Bruce and Friends mit 

ihm ein ausgezeichnetes Konzert, das 1990 auf 

dem Bootleg „In Concert“ erhältlich war. Manchmal 

wird dieser Mitschnitt als Konzert von 1977 an - 

geboten, obwohl Bond da schon verstorben war. 

Auf Heckstall-Smiths gelungener LP „A Story 

Ended“ ist er in drei Stücken vertreten und 2004 

bei der Wiederveröffentlichung als CD von 2004 

in Bonustracks mit Live-Aufnahmen. Trotz seines 

sich weiter verschlechternden physischen und 

psychischen Zustands konnte Bond 1972 mithilfe 

seines Freundes Pete Brown und guten Begleit - 

musikern das akzeptable Album „Two Heads Are 

Better Than One“ aufnehmen. Mit der Okkult-Band 

Magus brachte Bond keine LP mehr zustande. 

Zum Jahresende 1973 trat er ein letztes Mal 

öffentlich als Musiker auf. Mittlerweile war sein 

Zustand desolat geworden, und er befasste sich 

mit okkulten Symbolen und Deutungen. Sein 

Drogen konsum brachte ihn mit der Justiz in 

Konflikt. Im Februar 1974 wurde er als psychisch 

krank mit Verdacht auf Schizophrenie eingestuft 

und in eine Londoner Klinik für Psychiatrie eingewiesen, 

aus der er im März entlassen wurde. In dieser 

Phase seines Lebens wünschte er sich, noch 

einmal „guten alten R&B“ zu spielen. Dem Schall - 

platten-Label Charisma bot er sich vergeblich als 

Ersatz für die Keyboarder der dort unter Vertrag 

stehenden Bands Refugee und Yes an. Hätte Bond 

mit einem musikalischen Neu start an seine musikalische 

Kreativität vergangener Tage anknüpfen 

können, aus der viele Musiker schöpften? Man 

weiß es nicht. Mit Bonds Sturz vor die U-Bahn 

schloss sich auf tragische Weise auch dieses 

Kapitel, bevor es geschrieben wurde. Rück blickend 

sagte Heckstall-Smith über Bond: „Er war kraftvoll 

und unwiderstehlich. Der Welt hatte er so vieles 

zu bieten. Auf sich selbst konnte er aber nicht 

achtgeben und machte es anderen unmöglich, 

es für ihn zu tun.“ 

NÄCHSTE FOLGE: 

ERIC BURDON UND DIE ANIMALS 

TEXT: DR. NORBERT APING 

BACKGROUND: © RADOMAN DURKOVIC/ 

ADOBE STOCK 

DR. NORBERT APING 

Geboren 1952, 

Buchautor und Direktor 

des Amtsgerichts a. D. 

in Buxtehude

50 STORIES 

SEYRAN 

„My Name Is Loneliness“ | „Spirit of Caucasus“ 

VÖ: 31. AUGUST 2020 | VÖ: 14. FEBRUAR 2020 

SPIRIT-OF-CAUCASUS.COM 

SEYRAN 

Er ist nicht nur ein 

außergewöhnlicher Sänger – 

er spielt außerdem Klavier 

und Violine. Man kann ihn wohl 

mit Fug und Recht ein 

musikalisches Gesamtpaket 

nennen. 

MM: Für Leser*innen, die dich noch nicht kennen: 

Wer bist du und was machst du für Musik? 

SEYRAN: Seyran Ismayilkhanov ist ein Sänger, Song - 

writer, Produzent aus Aserbaidschan/Baku, der seit 13 

Jahren in Köln lebt. 

Ich habe viele kulturelle Einflüsse in mir, weil ich meine 

Kindheit in Baku verbracht habe, danach fünf Jahre in 

Moskau und drei Jahre in der Türkei gelebt habe, und seit 

dem Jahr 2005 ist Köln mein neues Zuhause geworden. 

Meine Wurzeln kommen aus einem ethnischen Land, 

wahr scheinlich deshalb ist meine Musik eine Mischung 

aus modernem Ethno-Pop mit verschiedenen Einflüssen 

aus den Kulturen, wo ich gelebt habe. 


STORIES 51 

MM: Deine Liebe zur Musik hast du schon früh entdeckt, doch wie 

hat es damit angefangen? 

SEYRAN: In erster Linie möchte ich mich bei allen Juroren bedanken für 

den Preis „Bester Popsänger“. 

SEYRAN: Ja, auf jeden Fall, schon als Kind, als ich noch fünf oder sechs 

war, hatte ich angefangen, am Klavier zu musizieren, eigene Stücke zu 

komponieren und zu improvisieren. Ich komme aus einer musikalischen 

Familie, meine Mutter ist Klavier lehrerin und mein Onkel ist ein bekannter 

Kom po nist und Songwriter in Aserbaidschan. Deshalb bin ich mit der 

Musik in eine ewige Beziehung verstrickt. :-) 

MM: Dein Ziel ist es, mit deiner Musik etwas Gutes auf dieser Erde 

zu hinterlassen. Was genau stellst du dir darunter vor? 

„My Name Is Loneliness“ ist ein persönlicher Song. Bevor wir jemanden 

lieben können, sollten wir erst uns selbst akzeptieren können und 

annehmen und lieben! 

Sich nicht mehr verstecken, nicht mehr für sich schämen. Wenn wir 

lernen könnten, die Menschen nicht nur als Geschlecht zu betrachten 

und wahrzunehmen, sondern als Seele, so wie auch Gott ist (keiner weiß, 

ob er eine männliche oder weibliche Form hat), dann wäre es unsere 

Welt noch schöner und bunter! Ohne Hass, Neid. 

SEYRAN: Kunst und Musik sollten die Menschen bewegen, inspirieren 

und Mut geben, ihre eigenen Träume zu verwirklichen und auszuleben! 

Meine Musik ist ausdrucksstark und nicht schnelllebig, das ist mein Ziel. 

Ich weiß, dass ich gerade in Deutschland als ausländischer Künstler 

eine besondere Mission trage, wo ich durch meine Taten und Ereignisse 

viele Menschen begeistern und inspirieren kann. Musik hat eine un - 

heim liche Kraft und Wirkung auf die Welt – gerade deshalb schreibe ich 

Songs, die Menschen Mut und Hoffnung geben können! 

MM: Du schreibst und produzierst deine Songs und Videos selbst. 

Wie gehst du da vor? Was sind deine ersten Schritte in diesem kreativen 

Prozess? 

SEYRAN: Es ist immer wieder unterschiedlich. Meistens ist es so: Wenn 

ich einen Song produziere, lande ich schon in einer ausgedachten Welt, in 

der ich schon Bilder sehen kann, was man im Nachhinein in den Musik - 

videos sehen wird. 

MM: Was entsteht bei deinen Songs als Erstes, der Text oder die 

Melodie? 

SEYRAN: Mal Melodie, mal Text, oder sofort beides. 

MM: 2020 wurdest du beim Deutschen Rock & Pop Preis unter 

anderem als „Bester Popsänger“ ausgezeichnet. Du hast dich mit 

dem Song „My Name Is Loneliness“ beworben. Was bedeutet dir 

der Song? 

MM: Du hast auch bereits an einigen Castingshows teilgenommen, 

unter anderem bei „The Voice of Germany“, aber auch außerhalb 

von Deutschland. Welche Erfahrungen hast du aus diesen Shows 

mitgenommen? 

SEYRAN: Das du du selbst sein und dich nicht verbiegen solltest! Das 

Leben ist zu kurz, die Rollen zu spielen, die andere von dir verlangen! 

Man sollte seine Rolle, seine Mission ausleben. Das habe ich getan! 

Ich war in vielen Castingshows oder Wettbewerben, ich nehme alles als 

eine Erfahrung mit, die mich immer wieder zu mir selbst bringt. 

MM: Dir ist es wichtig, ein Vorbild für Menschen mit Migrations hin ter - 

grund zu sein. Was würdest du jungen Menschen mit Migrations - 

hintergrund auf den Weg geben, die vielleicht auch Musiker*innen 

werden wollen? 

SEYRAN: Sei du selbst und lebe deine Träume aus! Alles fängt in uns 

an! Wenn jeder so sein darf, wie er ist, und dabei glücklich ist, dann verbreitet 

er das auch nach außen. Dadurch vermehrt sich das Glück immer 

mehr! 

MM: Was sind deine Pläne für die Zukunft? 

SEYRAN: Wir promoten weiter in vielen Städten unsere grandiose Show 

„Sprit Of Caucasus“ und bauen gerade eine weitere Ethno-Show auf. 

WEB: SPIRIT-OF-CAUCASUS.COM 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER | FOTOQUELLE: SEYRAN 


52 STORIES 

MM: Wie sind BIRDS ON PLANES entstanden? 

BIRDS ON PLANES: Wir waren alle schon miteinander 

befreundet, bevor wir die Band gestartet 

haben, und hatten alle schon vorher in unterschiedlichen 

Bands gespielt. 

Als unser Bassist Robert eine Anfrage für einen 

Auftritt bekam, haben wir uns für den Gig zusam - 

mengetan. 

Ab 2012 haben wir dann zunächst als Akustik - 

coverband losgelegt. Schnell wurde aber klar, dass 

wir lauter spielen und eigene Songs schreiben 

wollten. Anfangs noch unter dem Namen THE 

OPENING HOUR unterwegs, benannten wir uns 

2017 in BIRDS ON PLANES um. Seitdem ist eine 

Menge passiert. Wir haben einen regionalen New - 

comerwettbewerb gewonnen, wurden beim Rock 

& Pop Preis 2020 von der Deutschen Popstiftung 

mehrfach ausgezeichnet und haben einen Platten - 

vertrag für die ersten vier (bzw. fünf) Titel bei MSP 

Records in den Mainstreet Studios in Marl unterschrieben. 

Außerdem ist es immer unser Ziel, neue und 

noch bessere Songs zu schreiben, daran arbeiten 

wir jeden Tag hart. 

BIRDS ON 

MM: 2020 wurdet ihr beim Deutschen Rock 

& Pop Preis als beste Alternative Band ausgezeichnet 

und euer Song „Tamed“ wurde 

zum besten Rocksong gekürt. Wie ist der 

Song entstanden? 

BIRDS ON PLANES: Angefangen hat alles mit 

einem Riff von unserem Gitarristen Chris. Als er 

das Riff im Proberaum spielte, stiegen alle mit ein 

und es wurde ziemlich schnell ein ganzer Song 

daraus. Manchmal ist Songwriting harte Arbeit, 

aber manchmal passt einfach sofort alles zusammen. 

So war es bei „Tamed“. 

Im Text geht es darum, wie ein lebendiges 

Individuum in eine blinde Gesellschaft gedrückt 

wird, sich aber nicht anpassen und das Spiel nicht 

mitspielen will. 

MM: Wie geht ihr beim Songwriting vor? 

Woher bekommt ihr eure Inspiration? 

BIRDS ON PLANES: Meistens bringt einer von 

uns eine Idee mit, und wir versuchen bei der Probe, 

zusammen einen Song daraus zu machen. 

Manchmal ist es nur ein kurzes Riff, ein anderes 

Mal ist es schon ein halb fertiger Song. 

Entscheidend ist aber immer, ob der Funke auf 

alle überspringt und wir zusammen etwas daraus 

machen können. Wie schon erwähnt, geht 

das manchmal ganz schnell. Es kann aber auch 

ein langer und intensiver Prozess sein, der viel 

Geduld fordert. 

MM: Mit Corona haben Musiker zurzeit viel 

zu kämpfen. Wie hat Corona eure Arbeit be - 

einflusst? 

BIRDS ON PLANES: Wir hatten 2019 ein super 

Jahr, haben tolle Konzerte gespielt und Preise 

gewonnen. Durch Corona wurden wir natürlich 

sehr ausgebremst. 

Lange gab es keine Möglich keiten aufzutreten und 

im Winter 2020/2021 haben wir etwa ein halbes 

Jahr lang nicht mal proben können. 

Die Zeit, die wir im Proberaum verbringen 

konnten, haben wir aber umso intensiver genutzt, 

um an neuem Material zu arbeiten. Da es keine 

Gigs gab, auf die wir uns vorbereiten mussten, 

sind in der Coronazeit viele neue Songs entstanden. 

Es hatte also auch sein Gutes. 

MM: Sagen wir, ein BIRDS-ON-PLANES-Kon - 

zert steht an. Wie bereitet ihr euch vor und 

woraus besteht euer Equipment? 


STORIES 53 

PLANES 

Equipment in das Auto von unserem Bassisten Robert, quetschen uns mit 

rein und fahren los. 

Wir haben die typische Rockbandbesetzung: zwei Gitarren, Bass, 

Schlag zeug. Kein Netz und kein doppelter Boden. Sänger und Gitarrist 

Hauke geht direkt in ein Topteil von Hughes & Kettner und nutzt die verschiedenen 

Kanäle des Amps für Dynamik im Sound. Gitarrist Chris ist eher 

der Tüftler, hat ein Pedalboard mit so manchem Schatz darauf und ein 

Multi effektgerät. Er gibt unserem trockenen und direkten Sound mehr Tiefe 

und Atmosphäre. 

MM: Wie entsteht euer Sound? 

BIRDS ON PLANES: Wie bereits erwähnt, gibt es eine grobe Rollenaufteilung 

bei unseren Gitarristen. Der Bass ist meist sehr druckvoll und die Drums 

untermalen die Riffs oder bilden mit dem Bass eine Einheit, die dem Song 

dann den entscheidenden Groove gibt. Einfach gesagt entsteht unser Sound, 

indem wir rumprobieren und einfach machen, was sich richtig und gut 

anfühlt. Bei uns passiert so was nicht mit einem Plan, sondern ganz intuitiv. 

MM: Ihr habt euren ersten professionellen Vertrag bei einem Label 

erreicht. Bei welchem Label seid ihr gelandet und wie habt ihr diesen 

Schritt erreicht? 

BIRDS ON PLANES: Das fing damit an, dass wir an einem lokalen Musik - 

wettbewerb teilgenommen haben. Im Anschluss an unseren Auftritt hat uns 

Fred Ewelt von den Mainstreet Studios in Marl gefragt, ob wir mit ihm einen 

unserer Songs aufnehmen wollen. 

Über diese Aufnahme in den Mainstreet Studios sind wir dann mit Nick 

Morrison, Manager von MSP Records, in Kontakt gekommen und haben 

dort einen Vertrag unterschrieben. In Zusammenarbeit mit MSP veröffentlichten 

wir unsere erste EP. 

MM: Wo seht ihr euch in der Musikszene? 

BIRDS ON PLANES 

„Patina“ 

VÖ: 12. NOVEMBER 2021 

WWW.FACEBOOK.COM/BIRDSONPLANES 

BIRDS ON PLANES: Unsere Musik ist eine Mischung verschiedener Ein - 

flüsse aus Punk, Metal, Grunge und Pop. Melodisch, aber dreckig und laut. 

Damit ist es natürlich eher Spartenmusik. 

Auf einem „Stadtfest für die ganze Familie“ oder ähnlichen Veran stal tungen 

fallen wir daher oft ein bisschen aus dem Rahmen. Wir spielen eher in Clubs 

und Kneipen und wollen, dass das Publikum sich bewegt und rumspringt 

und Spaß hat. Wir machen aber immer wieder die Erfahrung, dass diese 

„Sparte“ größer ist, als man oft denkt, dass es viele Leute gibt, die Bock 

haben auf laute, authentische Rockmusik. Und genau da sehen wir uns! 

Was sind eure Träume und Ziele für die Zukunft? 

Mit ihrer Mischung aus Grunge, 

Rock und Punk liefern sie eine 

energiegeladene Liveshow, 

bei der die Ohren Augen machen. 

BIRDS ON PLANES: Zunächst stellen wir eine Setlist zusammen und dann 

wird geprobt. Manchmal kommen uns dabei auch schon Ideen für An - 

sagen oder Übergänge, die wir live einbauen. Dann laden wir unser 

BIRDS ON PLANES: Wir haben viel vor für die Zukunft. Da Livekonzerte in den 

letzten zwei Jahren Mangelware waren, brennt es uns natürlich mächtig in den 

Fingern! Wir wollen endlich wieder raus aus unserem Probe raum, wollen möglichst 

viele Gigs spielen und freuen uns natürlich besonders darauf, unsere 

neuen Songs endlich mit der Welt zu teilen. Außerdem haben wir so viel 

Material in der Hinterhand, dass wir jetzt schon darüber nachdenken, wann wir 

endlich wieder ins Studio können und neue Ideen aufnehmen. 

Unser Traum ist es natürlich, immer weiter zu wachsen, größere Gigs zu 

spielen, auf Festivals aufzutreten und möglichst viele Leute mit unserer 

Musik zu begeistern! 

WEB: WWW.FACEBOOK.COM/BIRDSONPLANES 

INTERVIEW: LEONIE FÖRSTER | FOTOQUELLE: BIRDS ON PLANES 


54 STORIES 


MM: Wann hat es bei dir mit der Musik an - 

gefangen? 

MELISSA KROSS: Schon sehr früh durch meinen 

Vater, der selbst Musiker (Gitarre, Gesang) ist. 

Dadurch stand ich schon mit drei Jahren zusammen 

mit ihm auf der Bühne. Zuerst habe ich 

Flamenco getanzt, da wir oft in einem spanischen 

Lokal bei Freunden waren. Die Bühne hat mich 

einfach angezogen. Später habe ich mit meinem 

Vater Beatles-Lieder gesungen. 

MM: Wenn man sich deinen Lebenslauf an - 

schaut, sieht man, dass dich viele Inter pre ten 

aus verschiedenen Genres inspirieren. Von 

den Beatles und ABBA bis hin zu Judy 

Garland und Dean Martin. Inwiefern beeinflussen 

diese Musiker deine Musik und in 

welchem Genre fühlst du dich letztendlich 

am wohlsten? 

MELISSA KROSS: Das stimmt, ich bin sehr fasziniert 

von den Vintage-Jahren, von Disco bis Jazz 

und auch französischem Chanson. 

Es ist schwer zu sagen, bei welchem Genre ich 

mich am wohlsten fühle. Ich würde sagen, das 

kommt auf die Situation an. Allerdings bin ich ein 

„Showgirl“ und fühle mich am besten, wenn ich in 

die Lieder meine ganze Seele hineingeben kann. 

Gerne singe ich theatralische Chan sons wie „Non, 

je ne re grette rien“ von Edith Piaf und auch Jazz - 

lieder wie „Cry Me A River“, aber auch wiederum 

stimmungsmachende Swing- oder Pop lieder. 

Als ich das Lied geschrieben habe, dachte ich 

daran, dass echte Liebe auf keinen Fall verurteilt 

werden sollte. Da ich durch meine Liebe zu diesen 

Vintage-„Old Hollywood“-Jahren schon immer 

etwas anders war als viele in meiner Generation, 

fühlte ich mich oft nicht verstanden. Darum dachte 

ich, dass es sicherlich auch vielen Liebespaaren 

so geht. 

MM: „Different“ ist eine Ballade, deine anderen 

Songs haben eher einen Dance-Sound. 

Welche Musikrichtung würdest du gerne 

noch ausprobieren? 

MELISSA KROSS: Ich denke, dass ich noch sehr 

viele Richtungen ausprobieren werde, darum habe 

ich jetzt bei meinen eigenen Liedern einmal etwas 

anderes als Dance-Musik ausprobiert, was mir sehr 

viel Spaß macht. Vielleicht möchte ich für mich 

noch einen eigenen Stil finden. Etwas zwischen 

Vintage und Modern. 

MM: Dein nächstes Ziel ist dein erstes eigenes 

Album. Hast du schon eine Ahnung, wie 

es aussehen und in welche Richtung es 

gehen soll? 

MELISSA KROSS: Meine ersten selbst komponierten 

Songs sind viel im Pop-Dance-Stil, da ich 

einfach in dieser Zeit Lust hatte, die Leute zum 

Tanzen zu bringen. Es gibt aber auch ein paar 

Balladen wie „Different“ und andere, an denen 

ich noch arbeite. 

STORIES 55 

Ich bin 

ein „Showgirl“ und 

fühle mich 

am besten, wenn 

ich in die Lieder 

meine ganze 

Seele hineingeben 

kann. 

MM: Nach der Schule hast du an der Stage 

& Musical School Frankfurt eine Aus bil dung 

gemacht. Als was wurdest du ausgebildet 

und woher kam der Entschluss, Mu si kerin 

als Beruf anzustreben? 

MM: Wir haben schon über deine Fas zi na tion 

zu Dean Martin gesprochen. Tatsächlich hast 

du eine Freundschaft zu seiner Tochter Deana 

Martin aufgebaut. Wie ist es dazu gekommen? 

MELISSA KROSS: Ich bin ausgebildete Musical - 

darstellerin, das heißt, ich habe drei Jahre lang 

Tanz, Schauspiel und Gesang studiert. Auch 

wenn ich mich eher als Solosängerin sehe als in 

Musicals, war es wichtig für mich, die Basis meiner 

drei Passionen zu erlernen. Durch viele Mu - 

sicalfilme von damals wie mit Judy Garland, Gene 

Kelly usw. wollte ich unbedingt auch so etwas 

machen. 

MM: Im Lockdown hast du angefangen, deine 

eigenen Lieder zu schreiben. Daraus ist der 

Song „Different“ entstanden, der mit dem 

Deutschen Rock & Pop Preis ausgezeich net 

wurde. Wovon handelt er? 

MELISSA KROSS: „Different“ handelt von Paaren, 

die einfach anders sind und von der Gesellschaft 

nicht akzeptiert werden. 

Das Faszinierende an der Musik ist, dass sie 

Menschen vereint. 

So stieß ich vor zwei Jahren übers Internet auf 

Deana Martin, als sie begann, jeden Freitag Livestream-Shows 

zu machen. Sie hat dann dazu 

aufgerufen, ihr zu schreiben, wie wir auf die Musik 

ihres Vaters aufmerksam wurden. Darauf habe 

ich ihr geschrieben und auch gleichzeitig Videos 

von mir geschickt. Sie hat mir gleich geant wortet 

und mich ins Herz geschlossen. Seitdem erzählt 

sie immer wieder von mir in ihren Shows und hat 

mich eingeladen, mit ihr zu singen. Es bedeutet 

mir wirklich viel und sie macht mir so viel Mut. Ich 

bewundere sie für ihr Können, ihre Disziplin und 

vor allem für ihre Menschlich keit. Sie ist da ein 

gutes Vorbild und ich bin sehr dankbar für unsere 

enge Freundschaft. 

MM: Was sind deine Ziele für die Zukunft? 

MELISSA KROSS: Lernen, so viel ich kann. Meine 

Musik mit so vielen Menschen wie möglich zu teilen 

und ihnen Freude zu bereiten. 

Ich habe da noch viele Ziele wie nach Ameri ka 

zu gehen, um Deana zu treffen, und auch mal nach 

New York. So wie es in dem Lied von Liza Minnelli 

heißt „If I can make it there, I’m gonna make it 

anywhere“, aber auch nach Schweden zu gehen, 

zu meinen Freunden, welche die Mikrofon-Firma 

EHRLUND gegründet haben und die mich auch 

unterstützen. 

WEB: WWW.MELISSAKROSS.COM 

INTERVIEW: OLE SEELENMEYER 

FOTOQUELLE: MELISSA KROSS 


56 STORIES 

Die Alfred Music 

Publishing GmbH 

wurde im September 1997 

in Neustadt/Wied 

nahe Köln gegründet – 

zunächst mit der Aufgabe, 

die US-Produkte 

von Alfred 

in die Märkte des 

deutschsprachigen 

Vertriebsgebiets 

einzuführen und dort 

zu vertreiben. 

Mit der Übernahme 

des populären 

KDM-Katalogs 

im Oktober 2000 und 

dem Eintritt von Thomas 

Petzold im Januar 2001 

als Cheflektor und späteren 

Verlagsleiter wird 

der Fokus auf den Aufbau 

eines eigenständigen 

Verlagsprogramms 

in deutscher Sprache 

gerichtet. 

25 JAHRE 

ALFRED MUSIC PUBLISHING GMBH 

eute umfasst der Alfred-Produktkatalog 

H mehr als 250 deutschsprachige Verlags - 

titel, die zum Teil auch für den internationalen Markt 

ins Englische übersetzt worden sind. 

Zu den Topsellern zählen die Verlagsreihen „Ga- 

rantiert lernen“, „Kräsch! Bum! Bäng!“, „Pop Piano 

School“ und „Kino Hits“ ebenso wie die deutschen 

Übersetzungsausgaben der mehrbändigen Lehr - 

bücher Aaron Klavierschule, Alfreds Klavier schule 

für Erwachsene, Alfreds Klavierschule für Kinder 

und Lang Lang Klavierschule. Aber auch im Schlag - 

zeugbereich hat Alfred Music weitere Highlights 

mit den Veröffentlichungen von Anika Nilles, Jost 

Nickel, Claus Hessler und vielen anderen gesetzt, 

die zu den angesagtesten Prota gonisten der deutschen 

Drummerszene gehören. 

Im Mai 2005 wurde der Verlagssitz nach Köln 

verlegt, die Verlagsauslieferung an einen externen 

Dienstleister ausgegliedert, um im Zuge der 

Übernahme des Warner-Print-Katalogs im gleichen 

Jahr durch das Alfred-Headquarter in den 

USA ein europäisches Zentrallager einrichten zu 

können. Im Jahr 2010 erfolgte der Umzug innerhalb 

Kölns an den derzeitigen Standort in Köln/ 

Rath. Neben dem Verlagsarchiv sind hier die Büro - 

räume für die Mitarbeiter*innen aus Verwal tung, 

Vertrieb, Marketing, Produktion und die Verlags - 

leitung untergebracht, die Thomas Petzold 2017 

an die langjährige Buchhaltungsleiterin Patricia 

Schwan übergeben hat. 

Der Zufall will es, dass das Jahr 2022 für Alfred 

Music in Deutschland und weltweit ein Jahr des 

Feierns ist. Alfred Music begeht nicht nur sein 100- 

jähriges Jubiläum in den USA, sondern Anfang 

September 2022 auch das 25-jährige Bestehen 

der deutschen Niederlassung. 

Darüber hinaus verabschieden wir zum 1. Juli 

2022 unseren Editor-in-Chief Thomas Petzold 

nach 21 Jahren in den wohlverdienten Ruhe - 

stand. Seine Verdienste um den Auf- und Ausbau 

des deutschen Verlagsprogramms sind bereits 

ausführlich beschrieben. Aber auch seine Im pulse 

zur darüber hinausgehenden Auswer tung der Ver - 

lagsrechte haben Alfred Deutschland entscheidend 

vorangebracht. Auch wenn er uns im Alltags - 

geschäft nicht mehr täglich zur Verfügung stehen 

wird, wird er sich noch nicht ganz und gar zur Ruhe 

setzen, sondern uns in den Bereichen Rechte und 

Lizenzen sowie Nachdruckbetreuung weiterhin mit 

Rat und Tat zur Seite stehen. Seine Nach folge im 

Bereich Lektorat und Produktion übernimmt 

Matthias Bielecke, der bereits seit 2019 erfolgreich 

den Bereich Marketing betreut hat. 

FOTO: © CIENPIES DESIGN /ADOBE STOCK 

ALFREDVERLAG.DE 

ALFREDMUSIC.DE 


PRODUKT-NEWS 57 

TASCAM PRÄSENTIERT 

ROBUSTEN, REICHHALTIG 

AUSGESTATTETEN 

CD-RECORDER 

Tascam kündigt die Einführung des CD-RW900SX an, des 

neuesten Modells in einer langen Reihe robuster CD-Recorder/ 

Player für den professionellen Einsatz. Der CD-RW900SX 

verfügt über ein neues, hochwertiges CD-Laufwerk mit Ein - 

zugsschacht und bietet eine Fülle von Funktionen, die ihn 

für zahlreiche Anwendungen prädestinieren, wie beispielsweise 

den Einsatz im Studio, im Rundfunk oder in kommerziellen 

Umgebungen wie Restaurants, Clubs und Ähnlichen. 

TASCAM STELLT VERSION 2 SEINES BELIEBTEN CD-A580 VOR 

Wer in einem Aufnahmestudio oder einer Rundfunkanstalt 

arbeitet, wird unabhängige Pegelregler sehr zu schätzen 

wissen. Der CD-RW900SX verfügt nicht nur über analoge 

Regler für die Eingangsverstärkung des linken und rechten 

Kanals, sondern auch über einen Trim-Regler für den Digital - 

eingang, mit dem sich der optimale Aufnahmepegel für eine 

digitale Quelle leicht festlegen lässt. 

Der neue CD-Recorder von Tascam bietet außerdem eine 

Reihe von Funktionen zur Titelunterteilung, die das Aufneh - 

men erleichtern. Dazu gehört auch ein automatischer Modus, 

der Titelmarken auf Basis des Eingangspegels setzt und 

einen neuen Titel beginnt, sobald der Eingangspegel unter 

einen bestimmten Wert fällt. Auch das Einfügen von Stille 

zwischen den Titeln ist möglich. Eine weitere Möglichkeit ist 

das zeitbasierte Erstellen von Titeln alle eins bis zehn Minuten 

– ideal für die Aufnahme von Konferenzen oder Live-Musik, 

in denen es keine Lücken zwischen den Segmenten gibt. 

Schließlich können Nutzer Titelunterteilungen auch von 

Hand setzen, indem sie während der Aufnahme die Auf nah - 

metaste drücken. 

Zu den reichhaltigen Wiedergabefunktionen gehören Auto- 

Cue, Auto-Ready, Pitch-Control, Key-Control, Wiederholung 

und Wiedergabebeginn bei Stromzufuhr. Letzteres ist besonders 

nützlich für Einrichtungen wie Theater und Clubs, wo 

das Gerät automatisch mit der Wiedergabe beginnen kann, 

sobald der Strom eingeschaltet wird. Zu den Aufnahme - 

funktionen gehören Ein- und Ausblenden sowie die Synchron - 

aufnahme, bei der eine Aufnahme automatisch bei einem 

voreingestellten Pegel beginnt und endet. 

Mit dem CD-A580 v2 präsentiert Tascam die Rückkehr 

des äußerst beliebten CD-A580. Das Gerät vereint einen 

Kassettenrecorder, einen CD-Player und einen Recorder/ 

Player für USB-Sticks in einem einbaufähigen Gehäuse. 

Es unterstützt drei unterschiedliche Medientypen und 

ist damit ein hervorragender Zuspieler für Beschallungs - 

anlagen beispielsweise in Stadthallen, Hotels oder Sport - 

stätten. 

KASSETTENDECK 

Das integrierte Kassettendeck hat eine logikbasierte 

Transportsteuerung, die sich durch außergewöhnliche 

Stabilität und Langlebigkeit auszeichnet und für den 

jahrelangen professionellen Einsatz ausgelegt ist. Das 

Kassettendeck ermöglicht es, Inhalte von CD zu kopieren, 

aber auch Audiomaterial von einem USB-Stick oder 

über die Line-Eingänge aufzunehmen. Zudem lässt sich 

die Tonhöhe/Geschwindigkeit der Kassettenwiedergabe 

um ±10 % ändern. 

CD-DECK 

Als CD-Player erlaubt der CD-A580 v2 die Wiedergabe 

von CDs, CD-R/CD-RW-Discs und Daten-CDs mit MP3- 

Dateien. Neben der konventionellen CD-Wiedergabe 

be herrscht das Laufwerk auch Wiederholung, Zufalls - 

wiedergabe und programmierte Wiedergabe. 

USB-PLAYER/-RECORDER 

Der im CD-A580 v2 integrierte Recorder/Player für 

USB-Sticks ist äußerst vielseitig. Nutzer können 

Kassetteninhalte einfach in MP3-Dateien auf einem 

USB-Stick umwandeln, um so analoge Master in einem 

digitalen Format zu speichern und zu archivieren. Darüber 

hinaus ist es möglich, Audiosignale sowohl vom CD- 

Laufwerk als auch von den Line-Eingängen im MP3- 

Format auf USB-Sticks aufzuzeichnen. Beim Transfer 

von CD auf USB wird jeder Titel automatisch als separate 

MP3-Datei aufgezeichnet. Aufnahmen vom Kas - 

setten deck oder von den Line-Eingängen lassen sich 

dagegen manuell in separate MP3-Dateien aufteilen. 

Bei der Wiedergabe spielt das Gerät MP3-Dateien wahl - 

weise auch in zufälliger oder programmierter Folge. 

Das Kombigerät ist über die kabellose Fernbedienung 

bedienbar und bietet außerdem einen Modus „Wieder- 

gabe bei Stromzufuhr“. Dieses Merkmal ist ideal etwa 

für Restaurants oder Einkaufszentren, wo es unbeaufsichtigt 

die Wiedergabe (oder Aufnahme) in dem Moment 

startet, in dem das Gerät mit Strom versorgt wird. Zur 

einfachen Bedienung der drei Medienbereiche verfügt 

der CD-A580 v2 über ein attraktives, leicht ablesbares 

LC-Display mit Pegelanzeigen. 

Weitere Informationen: www.tascam.eu 

Das CD/CD-RW-Laufwerk des neuen CD-RW900SX bietet 

einen stabilen Laufwerksträger, der dafür ausgelegt ist, 

Fehler beim Beschreiben der Disc zu minimieren. Ein Anti- 

Schock-Puffer speichert Audiodaten im Hintergrund, um eine 

reibungslose Wiedergabe zu gewährleisten, selbst wenn 

Stöße oder Vibrationen bis zu vier Sekunden andauern. 

Der Recorder wird mit einer kabellosen 10-Tasten-Fern be - 

dienung geliefert und kann auch über eine Computer tastatur 

(separat erhältlich) bedient werden. 

Weitere Informationen: www.tascam.eu 

CD-RW900SX 

Unsymmetrische analoge sowie 

koaxiale und optische 

SPDIF-Anschlusse sorgen fur 

Flexibilität bei der Anbindung. 


58 PRODUKT-NEWS 

MEAL REPLACEMENT – 

SHAKES FÜR ALLE? 

Es gibt Tage, da fühlen wir uns müde und schlapp, der Alltag 

ist stressig und ein Termin jagt den nächsten. Da bleibt 

keine Zeit für einen gesunden Lifestyle und ausgewogene 

Ernährung oder die tägliche Bewegungseinheit. Dann sitzen 

wir irgendwann abends auf der Couch, fühlen uns einfach 

unwohl in unserem Körper und fallen unserem Heiß - 

hunger zum Opfer. Der Stoffwechsel wird langsam und träge, 

ihm fehlen einfach die richtigen Nährstoffe – von Vitaminen 

und Mineralstoffen über die richtige Kombination aus Fett, 

Proteinen und Kohlenhydraten bis hin zu essenziellen Ami - 

nosäuren, ohne die unser Stoffwechsel erst recht ins Stocken 

gerät. Dadurch sind wir nicht nur müde und schlapp, sondern 

können auch auf der Waage beobachten, wie das Ge - 

wicht kontinuierlich ansteigt. 

Was ist die Lösung? 

Wie kann ich meinen Körper wieder 

in Schwung bringen, ohne meinen 

Lebensstil komplett zu ändern? 

Viele schwören auf Meal Replacement. Dabei soll ein 

Shake wie zum Beispiel Almased eine komplette Mahlzeit 

ersetzen. Dass das funktioniert, bestätigt auch die Wissen - 

schaft. „Durch die ernährungsphysiologisch optimale Zu - 

sammen setzung verhindert ein zubereiteter Shake eine 

Mangelversorgung und liefert dem Körper somit alle wichtigen 

Nährstoffe“, erklärt Helen Jahn, Ernährungs wissen - 

schaftl erin bei Almased, dem Branchenführer im Formula - 

sektor. „Hierbei kommt es vor allem auf die richtige Kombi - 

nation aus essenziellen und nichtessenziellen Amino säuren 

an.“ Diese Mikronährstoffe sind als Bauteile der Proteine 

unentbehrlich für den Muskel- und Gewebeaufbau sowie 

für bestimmte Stoffwechselvorgänge wie den Transport von 

Fettsäuren. 

Almased setzt zudem auf aktivierte Honig enzyme als 

Stoffwechselanschub. „Ein langsamer Stoffwechsel ist 

meist die Folge einer ungesunden Ernährung. Die Konse - 

quenzen merken wir meist erst, wenn wir wieder anfangen, 

uns ausgewogen zu ernähren. Man fühlt sich wieder vitaler, 

energiegeladen und produktiv“, berichtet Helen Jahn. Die 

Firma Almased schwört auf die Rezeptur, die der Heil - 

praktiker Hubertus Trouillé bereits vor über 30 Jahren ent- 

wickelt hat: eine Formel aus Soja, Joghurt und Honig, die 

viele positive Einflüsse auf den Stoffwechsel haben soll. 

Dass Hubertus Trouillé bis heute recht behält, zeigt sich tatsächlich 

auch in der aktuellen Studienlage. 

Vor allem eine niedrig glykämische und proteinreiche Diät 

zeigt viele gesundheitliche Effekte. In der sogenannten 

„Frühstücksstudie“ der Universität Freiburg konnte nachgewiesen 

werden, dass nach einer Almased-Mahlzeit der 

Ghrelinspiegel deutlich später anstieg als nach einem konventionellen 

Frühstück. Das bedeutet, ein Shake morgens 

hält uns tagsüber länger satt. 

Eine aktuelle Studie am Westdeutschen Zentrum für 

Diabetes und Gesundheit (2022) zeigt, dass ein Mahl - 

zeitersatz, der viele Proteine und wenig Kohlenhydrate enthält, 

sogar noch weitere positive Effekte aufweist: Bei übergewichtigen 

Personen konnten die Leptinspiegel, die unter 

anderem für das Sättigungsgefühl verantwortlich sind, durch 

einen Mahlzeitersatz deutlich gesenkt werden. Das hat wiederum 

einen positiven Effekt auf das langfristige Gewichts - 

management, denn der Anteil an Leptin im Blut ist proportional 

zur Fettmasse und somit aussagekräftig für den 

Versorgungszustand des Körpers. 



ALMASED 

– ein Familienunternehmen mit Tradition 

Seit der Firmengründung in den 80er-Jahren ist die Almased 

Wellness GmbH ein Familienunternehmen, heute unter der 

gemeinsamen Leitung der zweiten und dritten Generation, 

André Trouillé sowie Ann-Kathrin Trouillé. 

Von Beginn an zeugten kontinuierliche Qualitätskontrollen und 

eine intensive Forschungstätigkeit von dem hohen Verant - 

wortungsbewusstsein, sowohl für das Produkt wie auch für 

die Kunden. Mit Erfolg: Almased wurde mehrfach und im 

Rahmen verschiedener Studien zu einer der vertrauenswürdigsten 

Marken im Bereich Gewichtsreduktion gewählt. 

SO PUNKTET ALMASED 

Die Studienlage klingt schon mal vielversprechend 

und bestätigt sich auch in der Erfolgsstory von Katharina 

K. aus Stade: 

„Es fing alles mit der Trennung von meinem 

Mann an. Plötzlich war ich alleinerziehend mit 

drei kleinen Kindern, aß meinen Frust förmlich 

in mich hinein. Als ich mit den Kindern meine 

Eltern in Süddeutschland besucht habe, traute 

ich mich, auf die Waage zu gehen. Die Zahl 

erschreckte mich! So viel? Ich schaute in den 

Spiegel und dachte: Jetzt ist Schluss! Es muss 

was passieren! Im Internet bin ich auf Almased 

gestoßen. Sobald ich wieder zu Hause war, 

fing ich an: 

➤ 7 Tage ausschließlich Almased, 

➤ ab dem 8. Tag dann zweimal täglich einen 

Shake – 6 Wochen lang, 

➤ anschließend 3 Wochen lang nur noch eine 

Almased-Mahlzeit am Tag. 

Während die Kinder im Kindergarten waren, 

bin ich gewalkt. Allerdings hat das mit dem 

Sport nicht lange angehalten. Also machte 

ich ‚nur‘ mit dem Almased-Plan weiter. Ich 

habe dadurch eine ganze Menge Kilos verloren! 

Es ist ein völlig neues Leben! 

Ich halte das Gewicht – und das, obwohl ich 

zwischenzeitlich noch zweimal Mama ge - 

worden bin. Ich habe jetzt fast mein Wohl - 

fühl ge wicht. Mein Ziel ist es, noch eine Kleider - 

größe zu verlieren. Und dank Almased werde 

ich es auch schaffen.“ 

• Einzigartiges Aminosäure-Profil: Das Aminosäure- 

Profil von Almased ist perfekt abgestimmt auf den 

Stoff wechsel und liefert so alle wichtigen Bauteile, die wir 

täglich zur Regeneration benötigen. 

• Hohe Nährstoffqualität und beste Bioverfügbarkeit: 

Pflanzliche Sojaproteine werden mit Joghurtkulturen 

und -proteinen kombiniert. Die aktiven Honigenzyme und 

bioaktive Peptide sorgen während des Herstel lungs - 

prozesses für eine bessere Nährstoff ver arbeitung und 

einen synergistischen Effekt. 

• 30 Studien: Seit 25 Jahren wird Almased wissenschaftlich 

an renommierten Instituten erforscht. 

• Die richtige Nährstoffkombination: Almased versorgt 

den Körper mit allen wichtigen Mikro- und Makro - 

nähr stoffen, garantiert durch eine hohe Roh stoff qualität 

und einen schonenden Herstellungsprozess nach Tra - 

ditions rezept. 

• Natürlichkeit: Almased ist ein natürliches Lebens mittel 

ganz ohne künstliche Aromen, Süßungsmittel, Füll stoffe 

oder Konservierungsstoffe. 

Meal Replacement heißt das Konzept, das an dieser Stelle 

überzeugt. Es lässt sich in jeden Alltag integrieren. Für die 

einen passt es morgens, für andere abends, für andere 

wiederum zwischendurch. Da ist also für jeden von uns etwas 

dabei. Und wenn sich der Stoffwechsel wirklich so einfach 

wieder in Schwung bringen lässt, was spricht dann noch 

dagegen? Wenn dann noch auf die richtige Zusammen - 

setzung des Shakes geachtet wird, klingt das ganz klar nach 

einem einfachen Konzept für die Zukunft, trotz stressigem 

Alltag. 

Weitere Informationen: www.almased.de 



SQUIER FSR AFFINITY STRATOCASTER & TELECASTER – 

EXKLUSIVER LOOK 

FSR steht für Factory Special Run und bedeutet, dass es diese beiden Affinity Squiers 

mit schwarzer Lackierung, Tortoise-Pickguard und Ahornhals mit Lorbeergriffbrett so nur 

(limitiert) im Music Store, Köln gibt. 

Squier FSR Affinity Series Squier FSR Affinity Series 

Stratocaster 

Telecaster 

KONSTRUKTION: 

Eine Stratocaster oder Telecaster von Grund auf zu be - 

schreiben, erübrigt sich wohl angesichts der rund 70-jährigen 

Erfolgsgeschichte dieser klassischen E-Gitarren-Modelle. 

Was fällt mir also an der Special Run Squier Stratocaster 

auf? Der Korpus ist einen Hauch schlanker als gewohnt, das 

Gewicht liegt bei sehr angenehmen 3,05 kg. Das Vibrato 

kommt mit einer modernen 2-Punkt-Aufhängung und arbeitet 

butterweich. Der Hals punktet mit griffigem Matt-Finish auf 

der Rückseite, wohingegen die große Late-60s-Kopfplatte 

hochglanzversiegelt ist. Ungewöhnlich übrigens, dass der Hals 

trotz des aufgelegten Lorbeergriffbretts einen „Skunk stripe“ 

hat. Sowohl die drei Potis als auch die Stimm mechaniken laufen 

sahnig und präzise, die gesamte Hardware gibt keinerlei 

Anlass zur Klage. Eine Werkseinstellung für Saiten lage, 

Intonation und Pickup-Höhe sowie eine Politur der Bünde 

hat offenbar nicht stattgefunden – da muss man selber mal 

ein Viertelstündchen investieren. 

Auch der Korpus der Telecaster ist schlanker als die Norm 

und bietet einen Belly-Cut, liegt also – wenn auch historisch 

nicht korrekt – sehr bequem am Spieler. Der Steg präsentiert 

sich mit sechs Einzelreitern, eine präzise Justage von 

Saitenlage und Intonation ist also keinen Kompromissen 

unterworfen. Das Griffbrett fühlt sich etwas breiter und flacher 

als das der Strat an. 

FACTS: 

• Fabrikat: Squier 

• Modelle: FSR Affinity Stratocaster & Telecaster 

• Typ: Solidbody-E-Gitarren 

• Herkunftsland: China 

• Mechaniken: geschlossen, verchromt 

• Hals: Ahorn, Lorbeergriffbrett, 9,5“ Radius 

• Halsbreite: am Sattel 41,5 / 42 mm 

• Bünde: 21, Medium 

• Mensur: 648 mm 

• Korpus: Pappel, Hochglanz, schwarz, 

Tortoise-Schlagbrett 

• Pickups: Squier Ceramic Singlecoils 

• Bridge: Strat: Synchronized-2-Point; 

Tele: 6-Saddles-Strings-Thru-Hardtail 

• Gewicht: 3,05 / 3,28 kg 

• Preis: jeweils 222 € 

PLUS & MINUS: 

+ coole Optik 

+ gute Hardware, Pickups 

+ Bespielbarkeit (nach Einstellung) 

+ charakteristische Sounds, clean und verzerrt 

– Preis/Leistung 

– Saitenlage, Intonation nicht gut eingestellt 

– Bünde nicht gut poliert 

PRAXIS: 

Beide Modelle hängen gut am Gurt und schmiegen sich 

bequem an den Spieler. Sie liefern einen (unverstärkt) drahtigen 

Grundsound mit Frische und Attack. Die Bespiel - 

barkeit der Hälse ist – nach ein paar kurzen einfachen 

Einstellungsarbeiten – ganz ausgezeichnet. Am Verstärker 

liefern die drei Keramik-Tonabnehmer der Strat in allen fünf 

Wahlschalter-Positionen sehr gute modelltypische Sounds 

ab. Da ist der süßliche Blues-Ton des Hals-PUs, der knallige 

Surf-Twang des Steg-Pickups … und in den Positionen 

2 und 4 „knopflert“ es wunderbar. 

Auch die Tele weiß, was man von ihr erwartet, und liefert 

zwischen cleanem Country-Twang und trockenem Rock- 

Brett ein breit aufgestelltes Klangspektrum. 

Unterm Strich überzeugt mich das Strat-Modell klanglich 

noch etwas mehr als die Tele-Kollegin. 

FAZIT: 

Hut ab! Was Squier hier zu diesem Preis anbietet, ist beeindruckend. 

Hat man früher meist sofort angefangen, 

Pickups, Mechaniken, Potis usw. auszutauschen, stellt sich 

dieser Reflex bei den FSR Affinitys gar nicht erst ein. Beide 

Gitarren sind tadellos konstruiert, sehen supercool aus und 

klingen astrein. Ich kann nur sagen: schnell antesten und 

zugreifen, solange es sie noch gibt. 

Test: Rufus Jahn / Fotos: Dirk Schlossarek 

Weitere Informationen: www.musicstore.de


RED HILL VINTAGE PARLOUR NATURAL 

& BROWN SUNBURST – KLEIN, ABER OHO! 

Manch einer denkt vielleicht, kleine, kompakte Travel-Gitarren 

wären eine relativ neue Erfindung. Um die Wurzeln 

dieser Test-Gitarre aufzufinden, muss man aber gute 100 Jahre 

in der Martin-Historie zurückgehen. 

Die Damen der feinen Gesellschaft, 

aber auch Hobos, 

Wanderarbeiter und Straßenmusiker 

schätzen diese handlichen 

und robusten Instrumente. 

KONSTRUKTION: 

Die Red Hill Vintage Parlour ist also im Grunde ein klassisches Gitarrenmodell mit viel 

Geschichte, aber modern konstruiert und dank fernöstlicher Herstellung supergünstig 

in der Anschaffung. 

Ihre Kompaktheit (Gesamtlänge nur 94 cm) kommt durch den kleinen Korpus, den 

Halsansatz am 12. Bund und die kurze Mensur von 628 mm zustande. 

Der Korpus inklusive Decke ist aus laminierter Araukarie (auch Andentanne genannt) 

gefertigt und betont schlicht gestaltet. Kein Binding, keine Einlagen, kein Schlagbrett. 

Boden, Zargen, Hals und Kopfplatte sind mattschwarz versiegelt, die Decke gibt es 

wahlweise in Natural oder Brown Sunburst. Steg und Griffbrett sind aus einem Composite- 

Material, das sehr stark Palisander ähnelt. 19 sauber eingesetzte schlanke Bünde und 

Dot-Inlays zur Orientierung komplettieren das Griffbrett. Die Saiten ruhen auf kompensierter 

Stegeinlage und Sattel aus Kunststoff – beides tadellos gearbeitet. An der 

Kopfplatte finden sich offene „Old-School“-Mechaniken mit kleinen Butterbean- 

Stimm wirbeln, mit denen sich die Red Hill zuverlässig stimmen lässt. 

FACTS: 

• Fabrikat: Red Hill 

• Modelle: Vintage Parlour 

Natural & Brown Sunburst 

• Typ: Parlour Westerngitarre 

• Herkunftsland: China 

• Mechaniken: offen 

• Hals: Selected Hardwood, C-Profil 

• Griffbrett/Steg: Composite 

• Halsbreite: am Sattel 42 mm 

• Bünde: 19 

• Mensur: 628 mm 

• Korpus: Araukarie, laminiert 

• Decke: Araukarie, laminiert, 

Natural oder Brown Sunburst 

• Oberflächen: Matt-Finish 

• Gewicht: 1,48 kg 

• Preis: jeweils 79,00 € 

PRAXIS: 

Die Vorteile einer solchen Parlour-Gitarre sind in der Praxis vielfältig. Die kurze Mensur 

kommt Anfängern entgegen, das kleine Instrument passt beim abendlichen Sofa-Noodling 

bequem auf den Schoß, beim Urlaubstrip findet es Platz auf der Hutablage und bei 

Recordings kann der Sound mit seinen reduzierten Bässen genau die Lösung sein. 

Klar, wir dürfen bei einem Instrument mit zweistelligem Preis keine Wunder erwarten, 

aber die Red Hill hat eine prima Bespielbarkeit mit guter Saitenlage und sauberer 

Intonation. Ihr Klang ist klar und schlank und bietet dabei eine durchaus beeindruckende 

Lautstärke und ein ebensolches Sustain. Durch den 12-Bund-Halsansatz kommt man 

nicht so gut in die höchsten Lagen, aber das ist bei einer Parlour-Gitarre eben nun 

mal so und sollte nicht als Minuspunkt vermerkt werden. 

Fazit: 

Red Hill macht hier sehr viel richtig. Die beiden Parlour-Modelle sind tadellos verarbeitet, 

sehen klasse aus und bieten unter dem Strich ein gehöriges Maß an Spielspaß, 

vielfältige Einsatzmöglichkeiten und ein beachtliches Klangvermögen zu einem schlicht - 

weg unschlagbaren Preis. 

PLUS & MINUS: 

+ klassisches Modell 

im Stil der 1920er 

+ Verarbeitung, Werkseinstellung 

+ Bespielbarkeit, Handling 

+ Lautstärke, Sustain 

+ Preis/Leistung 

– Keine 

Test: Rufus Jahn / Fotos: Dirk Schlossarek 

Weitere Informationen: www.musicstore.de 



KÖNIG & MEYER PRODUKTNEUHEITEN 2022 

26777-000-55 

MONITORSTATIV 

ZUR TISCHMONTAGE 

Wir machen reinen Tisch, und zwar 

wortwörtlich! 

Diese Monitorstative zur Tischmontage 

lassen sich mithilfe einer 

Tischklammer an nahezu jeder Kante 

deines Studio-Desks anbringen. 

Höhenverstellbares Monitorstativ mit Tischklammer für 

Nah feldmonitore. Die solide Metallkonstruktion mit der 

großen Auflageplatte (205 x 245 mm) ist für ein breites 

Spektrum an Monitoren und anderen Geräten in dieser 

Größenordnung geeignet. Eine praktische Tisch - 

klammer ermöglicht die Be festigung an Tischplatten mit 

einer Stärke von 10 bis 52 mm. Die individuelle Höhen - 

einstellung erfolgt in sechs Stufen zwischen 335 und 

485 mm. Bezüglich der Tragfähigkeit ist eine zentrische 

Belastung bis 25 kg möglich. Zur perfekten Aus - 

rich tung der Auflagepatte ist diese stufenlos um 360 

Grad drehbar. Im Lieferumfang enthalten sind Gummi - 

auf lagen zur sicheren, geräuschdämmenden Auf nah me 

der Monitore. 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

26776-000-55 

NEIGBARES MONITOR-TISCHSTATIV 

Mit dem neigbaren Monitor-Tischstativ 

bist du für die nächste Studio-Session ideal vorbereitet. 

Höhenverstellbares Monitor-Tischstativ mit 

neigbarer Auflage. Die solide Metall kon - 

struk tion mit der großen Auflageplatte (230 

x 250 mm) ist für ein breites Spektrum an 

Monitoren und anderen Geräten in dieser 

Größenordnung geeignet. Die Platte ist bis 

12,5 Grad stufenlos neigbar und zur Optimie - 

rung des Schwerpunktes verschiebbar. Eine 

Anschlagleiste gewährleistet die nötige 

Sicher heit und verhindert ein Abrutschen 

des Monitors. Praktische Vierpunkt auf lagen 

mit Filzüberzug sorgen unter der Boden - 

platte für Entkopplung. Die individuelle 

Höheneinstellung erfolgt in vier Stufen 

zwischen 350 und 450 mm. Bezüglich 

der Tragfähigkeit kann das Stativ bis 25 kg 

zentrisch belastet werden. Im Lieferumfang 

enthalten sind Gummiauflagen zur sicheren, 

geräuschdämmenden Aufnahme der 

Monitore. 



12170-000-55 

DJ-TISCH 

Mit diesem DJ-Tisch bist du für deinen 

nächsten Gig bestens gerüstet. 

Großer und klappbarer Event-Tisch für den professionellen 

DJ und viele weitere Einsatzzwecke. Die 1.170 mm lange und 

600 mm breite Tischplatte bietet reichlich Platz für allerlei 

Equipment und Zubehör. Mit einer Stärke von 25 mm kann 

die MDF-Platte bis zu einer Tragfähigkeit von 30 kg belastet 

werden. Die perfekte Arbeitshöhe wird in 15-mm-Schritten 

zwischen 625 und 1.045 mm eingestellt. Für den Transport 

oder die platzsparende Lagerung werden die beiden Füße 

kurzerhand eingeklappt. Die robuste Stahlrohrkonstruktion 

und die großen, runden Parkettschoner mit Bodenausgleich 

verleihen dem praktischen Tisch eine sehr hohe Stabilität 

und einen sicheren Stand. 

Weitere Informationen: www.k-m.de 

49020-000-55 

KABEL-WANDHALTER 

Wackelkontakt, Knacken und Rauschen: Eine der häufigsten Ursachen 

defekter Kabel ist die unsachgemäße Verstauung. 

Der ideale Kabelwandhalter für Studio, Werkstatt und Proberaum. Die 2 mm dicke Stahl - 

konstruktion mit den Abmessungen 650 x 118 x 55 mm bietet genügend Platz für Mikro - 

fon-, Instrumenten-, Adapter- oder Ladekabel. Die 31 Schlitze sind in den Breiten 5,3 mm 

bzw. 7,5 mm gefertigt. Eine strapazierfähige Pulverbeschichtung schützt vor dem Verkratzen. 

20125-300-55 

MIKROFONSTATIV L 

Besondere Zeiten erfordern besondere Maßnahmen. 

Dann erfordern besondere Einsatzgebiete 

wohl auch besondere Mikrofonstative, oder? 

So in der Art dürfte der Entwicklungsprozess dieses Mikrofonstativs in der 

Konstruktionsabteilung wahrscheinlich abgelaufen sein. Das Mikrofon - 

stativ L ist für jene Musiker, die hoch hinauswollen. Es lässt sich auf eine 

Höhe von 181 cm ausfahren und ist durch den kleinen Fußkreis von nur 

44 cm Durchmesser extrem platzsparend. Gleichzeitig sorgen die Füße 

aus Vollmetall für einen sicheren Stand. 


64 REZENSIONEN 

CRIMA 

»Both Sides Of The Ball Chair« 

„Ein Ballstuhl hat immer zwei Seiten“, könnte man die Moral 

von der Geschichte vorwegnehmen. Und doch bedarf es der 

Erläuterung zu diesem Jazzwerk von Mastermind Christian 

Maurer. Sein Projekt CRIMA legt mit „Both Sides Of The Ball 

Chair“ ein Doppelalbum vor, das auf beiden CDs dieselben 

Songtitel trägt, einmal in einer elektronisch instrumentierten 

Fassung und einmal in analog instrumentaler Fassung mit 

klassischer Jazzbesetzung. Das funktioniert ebenso genial 

wie der erwähnte Designstuhl. Christian Maurer lässt auf 

CD 1 Elektro-Grooves zu Key-Improvisationen und Melodien 

blubbern und grooven. Lounge-Musik auf dem Niveau von 

Weather Report und Kraftwerk, mal eben fusioniert. Mit Olaf 

Schönborn (Saxophon), Johannes Alisch (Violoncello) und 

Liv Solveig (Violine) bespielt Christian Maurer, selbst Kom - 

ponist und Pianist der Songs, die zweite, titelgleiche Scheibe. 

Das Hand werk ist hier unüberhörbar fein und virtuos. Kein 

Plastik, kein Pop, stattdessen warmes Holz, schwingende 

Saiten, vibrierende Holzplättchen. Melodien und Virtuosität 

aus physisch bedienten Instrumenten geformt. Hörbar, 

greifbar und nahbar, wie analoge Musik eben funktioniert. 

Die Spannung wirkt noch intensiver. Die Erzählweise und 

Dynamik der Stücke wirkt eindringlicher, wie im Opener 

„Stay For A While“ genüsslich auf die Spitze getrieben. Auf 

Pink Floyds „Dark Side (…)“ soll „A Weird Side Of The 

Moon“ wohl ironisch anspielen. Hat der geneigte audiophile 

Hörer etwa mit seinem Ball Chair seinen eigenen Mond vor 

seiner High-End-Hi-Fi-Anlage? Gibt es das überhaupt noch? 

Womit wir zur Moral der Geschichte zurückkehren, wie eingangs 

erwähnt. Fazit: Geniestreich. Nicht nur für Jazz - 

enthusiasten: ein absolut empfohlenes Hörerlebnis! 

www.crima.de 

C.S. 

ALWIN SMOKE 

»Six String Stories« 

Im November 2021 war es so weit. Es ist wieder Rauch 

aufgestiegen – über dem Hause Smoke. Der Gitarrist 

aus Hanau veröffentlichte ein reines Instrumental-Album, in 

dessen Zentrum seine große Liebe steht: die Gitarre. Alwin 

Smoke erschuf mit „Six String Stories“ ein stimmungsvolles 

Rockalbum. Er setzte auf viel Melodie, Klassikeinflüsse und 

Elemente des Prog Rock. Nach seinen Alben „Spirit’s Free“ 

und „Saggattaria“ setzte er diesmal auf den puren instrumentalen 

Klang. Neben einem Traditional, „Remem brance 

At Mary“, und „Bumble Bee“, dem berühmten Hum mel flug 

von Nikolai Rimsky-Korsakov, sind zwölf Songs von Alwin 

selbst komponiert. Die Songs sind allesamt eingängig, wohltemperiert 

und sprühen nur so vor Spiel freude. Die Gitarren- 

Licks und Riffs sind Smoke-typisch nicht von dieser Welt in 

ihrer Virtuosität, besonders in „A New Life Of A Little Sparrow“. 

Für lange Straßen, schön Country-lastig ist „Spirit’s Free“. 

All die Songs sparen mit ihrer klanglichen Wärme nicht – 

wenn Alwin Smoke Gas gibt, klang Rauch noch nie so gut. 

www.alwin-smoke-musik.de 

C.S. 

JO MAXIMILIAN 

»Cooler werden« 

Songwriter-Folk-Pop-Rock ist die etwas kompliziert be - 

schriebene Einordnung der Musik von Jo Maximilian. Dabei 

ist es doch viel einfacher. In Tradition vom Rock der 70er ist 

die Besetzung mit Akustik- und elektrischen Gitarren, Bass 

und Schlagwerk die originäre Begleitung des in Landes - 

sprache singenden Vokalisten und Gitarristen Jo. Er erzählt 

in einer unaufdringlichen und bescheidenen Art und unterhält 

mit banalen Geschichten. „So gesehen“ erzählt von einem 

Brain storming zur Songentstehung: „So gesehen ist das 

hier nur ein Lied (…) lauf nicht weg von mir (...)“, intoniert 

er augenzwinkernd. Bezeichnend ist auch der Titelsong 

„Cooler werden“. Mit einem E-Piano und wohltuender Leich - 

tigkeit wirkt das Stück wie ein Bar-Rock-Song. „Steh wieder 

auf“ transportiert die Message vom Weitermachen und 

Durch halten. Dabei zeigt Jo Maximilian die ganze Band - 

breite seiner Stimme. Ein weiterer Versuch der Einordnung 

klingt in etwa so: German-Vintage-Beat-Rock-Pop, jung 

und fresh auf „Cooler werden“. 

www.jomaximilian.de 

C.S. 

OPA HELL 

»Nach Art des Hauses« 

Wir schreiben das Jahr 2022. Unendliche Weiten. Dies sind 

die Abenteuer der deutschen Punkszene, die den Hinden - 

burgdamm mit Warp 78 km/h überquert, um an die Gestade 

des geliebten Ortes Westerland zu reisen. OPA HELL haben 

schon im Jahr 2021 dafür ein musikalisches Tagesmenü „Nach 

Art des Hauses“ gekocht. Aber die Bandmitglieder, die kaum 

jünger als Die Ärzte sein dürften, scheuen die „großen 

Themen“, wie sie sagen. Das Album der Punkrocker erzählt 

Ge schich ten mit „Leben-Themen“. Und doch denkt man 

schon wieder beim ersten Titel „Marie Team“ (sprich: maritim) 

ans Nord meer. Mit vielsaitigen Instrumenten und Bläser - 

sektion wird punkig getoastet. Klare Kante hört man in 

„Dicken Bums“: „Ein bisschen Ska, dann wieder schnell. 

Antifaschistisch! Generell! (…)“ Die Band ist mit Humor, 

straighten State ments und einem Sau-Groove ausgestattet. 

OPA HELLs „Nach Art des Hauses“ wird auch den Punk- 

Enkeln gut reinlaufen. Endlich klingt mal wieder was nach 

Inhalt und Haltung, so laut und dirty – das gefällt ungemein. 

Nach ihrem Erstling „Donneraal“ und dieser Scheibe gerne 

mehr! Dazu ein Flensch! 

www.facebook.com/opahellpunk 

C.S. 

KLAUS MICHEL 

»The End« 

Klaus Michel präsentiert mit „The End“ erneut ein Album, 

das Gitarrenklänge ganz in den Mittelpunkt stellt. Nach dem 

Vorgänger „Primavera“, der Folk- und Americana-Einflüsse 

erkennen ließ, diesmal etwas experimenteller, vielleicht 

düsterer, melancholischer. Michel, der Gitarrist und Song - 

writer aus dem Hunsrück, spielt hier mit verschiedenen Einflüssen. 

Er und seine Mitmusiker überraschen mit Sound- 

Gimmicks aus dem Keyboard, überraschenden Wen dungen 

und Breaks, nahezu mit dem Prog Rock von Marillion kokettierend. 

So herausgehört in „It’s Over“. Dabei verwendet 

der Mastermind geschickte Effekte beim Mastering, die 

High-End-Produktionen in nichts nachstehen dürften. „Yester- 

day, Today And Tomorrow“ holt den Hörer aus dem gerade 

noch gehörten oldfieldesken „Bergamo“ heraus, zurück zu 

Roots-Country-Folk. Dabei ist so ein Song wie „I Don’t“ wieder 

so innovativ und eingängig, als wäre Brian Molko von 

Placebo mit im Studio gewesen. Geschickt spielt Klaus Michel 

mit den Stilen auf seine ganz eigene Weise. Dieses Album 

wird nie langweilig und nimmt sicher viele Hörer mit. Klaus 

Michel spielt sowohl in Bandbesetzung als auch solo 

Livekonzerte. Mit diesem Material absolut spannend! 

www.klaus-michel-music.com 

C.S. 

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