TIM_SAMMEL_APRIL2022

!ticket
Österreichs Eventmagazin Nr.1
SUPER!?
Ist die Supergroup The Smile
rund um Radioheads
Thom Yorke wirklich
super oder nur eine
Cash Cow?
APRIL
2022
musik
show
sport
theater
kabarett
Ausgabe 248 2,90 €
Damit sind Sie live dabei!
Österreichische Post AG / MZ 15Z040254 M, CTS Eventim Austria GmbH, Mariahilferstraße 41–43, 1060 Wien; Preis: € 2,90
BILLIE
EILISH
hat den Oscar
eingesackt!
Eine Zeitreise
durch die Musik von
007
James Bond
sixty
THE ROLLING STONES
The Rolling Stones feiern am 15. Juli im Wiener Ernst-Happel-Stadion ihr 60-jähriges Jubiläum!

ocken
das
Leben.
radio886.at
Holt euch eure Fanshirts für den nächsten 88.6 T-Shirt Tag auf emp.at

JAMES BOND
Billie Eilish hat soeben für ihren Bond-Titelsong
„No Time To Die” einen Oscar eingestreift! Wir
gratulieren nicht nur herzlich, sondern blicken
zu diesem Anlass auch auf die diverse Geschichte
zurück!
16
Natty Dread
Während Putins Russland-
Invasion mit abertausend
Toten und viel Irrsinn tobt,
wir noch immer an den Wehen von
Corona leiden und die Klimakrise schrill
tickt, hat die Ortsgruppe Hannover der
Fridays for Future-Bewegung ein noch
viel größeres Dilemma aufs Tableau
gebracht: den Haarschnitt.
Für den 25. März wäre in Hannover
nämlich eine Demonstration mit musikalischer
Begleitung angesetzt gewesen,
als eine der Musikerinnen war die mit
internationaler, mehrsprachiger, also:
kulturell diverser Band gesegnete (wenngleich
künstlerisch wenig spannende)
Ronja Maltzahn angekündigt. Sie wurde
dann kurzfristig doch wieder ausgeladen,
die Aktivisten begründeten die Absage
mit der Frisur der (weißen) Sängerin:
Dreadlocks seien in den USA ein Widerstandssymbol
der Bürgerrechtsbewegung
schwarzer Menschen geworden. „Wenn
eine weiße Person also Dreadlocks trägt,
dann handelt es sich um kulturelle Aneignung,
da wir als weiße Menschen uns
aufgrund unserer Privilegien nicht mit
der Geschichte oder dem kollektiven
Trauma der Unterdrückung auseinandersetzen
müssen”, schrieben die Klimaschützer.
Allerdings schießen sie ein Angebot,
für das sie sich später entschuldigten,
nach: Wenn sich Maltzahn die Haare
abschnitte, dürfte sie doch auftreten.
Ich persönlich ziehe den Hut vor der
EDITORIAL
Künstlerin, die die Sache zwar öffentlich
machte – und damit neben einem
massiven Shitstorm gegen die FFF-
Bewegung auch ein breites Medienecho
auslöste – aber dennoch zu Protokoll gab,
Enttäuschung, aber keinen Groll zu hegen
und gar mit den Verantwortlichen in den
Diskurs treten wolle. So viel Raison und
Dezenz ist heute rar geworden, insbesondere,
wenn es um emotional
aufgeladene und/oder höchstgradig
persönliche Begebenheiten handelt, wie
das eigene Aussehen.
Nicht nur bei den tapfer streitbaren Recken
des Internetzes, sondern auch in der Fachpresse
gab es hingegen nur wenig
Verständnis für das arrogante Auftreten
der FFF-Aktivisten, mit dem sich die eigentliche
honorable Bewegung nur wenig
Gutes getan hat. Fangen wir einmal bei
der Basis an: Die amerikanische, schwarze
Bürgerrechtsbewegung hat die Dreadlocks
von den Rastafaris übernommen, der
frauenverachtenden und schwulenfeindlichen
jamaikanischen Pseudoreligion.
Die Rastas haben es von den muslimischen
Derwischen oder hinduistischen Sadhus;
selbst Wikinger, vermuten Historiker,
haben die Haarkämme gehasst. Ja, man
könnte als guter Christ sogar bis zum
vierten Buch Mose zurückspringen, wo
geschrieben steht, dass sich jemand, der
sich dem Herrn geweiht habe, kein
Schermesser über sein Haupt fahren lassen
solle. Dass die Kulturgeschichte der verwahrlosten
Köpfe also auf eine Bewegung
zurückzuführen ist, ist somit von Haus
aus schon einmal ein hanebüchener Blödsinn,
die Annahme, dass ich nur deswegen
verfilzte Haare trage, weil ich als wohlstandsverwöhnter
Europäer in Jamaika
urlaubte, und das total niedlich fand, ist
schlichtweg frech. Und selbst wenn: Es
gab in den letzten Jahren auch immer
wieder einen Aufschrei über „weiße Bluesmusiker”,
bei der stets vergessen wurde,
dass Bands wie die Rolling Stones, Led
Zeppelin oder Cream für einen zweiten
Karriereschub bei ihren schwarzen Vorreitern
wie Muddy Waters oder John Lee
Hooker gesorgt haben. Oder auch Dylan
und Clapton, die gar Bob Marley zu einem
neuen Frühling verhalfen. Und weiters:
Gerade die politische Linke fordert, aus
den eigenen Scheuklappen auszubrechen
und andere kulturelle Eigenarten respektieren
und vielleicht sogar schätzen zu
lernen. Wenn ich dies tue, ist es nur selbstverständlich,
dass ich jene im besten Falle
übernehme und so für ein Potpourri aus
den irdischen Liebreizen sorge.
Letztlich kann man nur hoffen, dass
Maltzahn (die vom positiven Medienecho
wohl noch lange zehren wird können)
nicht tatsächlich klein beigibt und sich
die Haare schneidet, sonst schreien gar
noch die Skinheads „kulturelle
Aneigung”.
Stefan Baumgartner (Chefredakteur)
| 03

JAN FEB MAR APR MAI JUN JUL AUG SEPT OKT NOV DEZ
IN DIESER AUSGABE
[14] The Cure eine der einflussreichsten Bands aus den Achtzigern
ruft sich wieder in Erinnerung, sogar mit neuem Album? [16] James
Bond eine Zeitreise durch die 007-Soundtracks [18] The Smile
Supergroups: eine Chashcow oder wirklich Legenden? [21] Gewalt
kathartischer Eskapismus [22] Parov Stelar zurück zur Leichtigkeit
[24] Thomas Stipsits über Eier und andere Stinatzer Delikatessen
Schlagzeuger der Foo Fighters, nur kurz nach der Veröffentlichung
ihres Films „Studio 666“ und des dazugehörigen
Albums der fiktiven Band Dream Widow, bei der
sich die Foos von einer deutlich härteren Seite zeigten,
am 25. März während ihrer Medicine At Midnight-Welttournee
in Bogotá, Kolumbien. Eine Todesursache ist
noch nicht bekannt. Ruhe in Frieden.
Red Hot Chili Peppers, Harry Styles & Miley Cyrus. Am 1. April schicken sich
mit Miley Cyrus und den Red Hot Chili Peppers gleich zwei Megaseller an, ihre
neuen Platten zu veröffentlichen: Miley wird mit „Attention”
ihr erstes Live-Album vorlegen, das neben vom Publikum gewählten
Songs (!) mit „You” und „Attention” auch gleich
zwei neue Stücke erhält. Aus dem Studio hingegen melden
sich die Red Hot Chili Peppers mit „Unlimited
Love” zurück, ihr erstes neues
Album seit „The Getaway” von 2016.
Man darf also vermuten, dass sich zumindest die Peppers
demnächst auch mal in unsere Breitengrade verirren werden,
um auch die neuen Songs (übrigens wieder mit John Frusciante
an der Gitarre!) zu Klassikern werden zu lassen!
Etwas später, nämlich am 20. Mai, veröffentlicht Harry Styles sein neues Album
„Harry’s House”. Der Titel ist eine Anlehnung an den gleichnamigen
Song von Joni Mitchell, so erzählt Harry Styles,
dass er bereits zu den Aufnahmen von „Fine Line” (2019)
in einem „ziemlich großen Joni-Loch” steckte und sprach
sich als riesiger Fan ihrer 1971 erschienenen Platte „Blue”
aus. „Harry’s House” erschien freilich 1975 auf „The Hissing
of Sommer Lawns”. Live gastiert Harry Styles dann am 16.
Juli in der Wiener Stadthalle D!
Foo Fighters. Völlig unerwartet starb Taylor Hawkins,
oeticket auf Spotify. Seit vergangenem Juli ist oeticket unter „Eventim
Austria“ nicht nur auf Instagram, Facebook und Twitter aktiv, sondern
dreht auch auf Spotify die Lautsprecher auf die sprichwörtliche 11:
Regelmäßig werden kuratierte Playlisten veröffentlicht, die zu einem
bestimmten Thema – sei es ein Festival, ein bestimmter Künstler oder
ein Genre – eine akustische Brücke schlagen und somit „Lust auf mehr“
machen soll.
Ganz aktuell: Unter dem Motto BACK TO LIVE haben wir einige der
größten Hits von Bands, die demnächst bei uns gastieren, zusammengestellt!
HILFE FÜR DIE
UKRAINE
NACHBARINNOT.ORF.AT
ORF TELETEXT SEITE 681
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04 |
IHRE SPENDE WIRD VON DER ÖSTERREICHISCHEN BUNDESREGIERUNG VERDOPPELT!
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Fotos: Universal Music, xxx, xxx, Illustration: Österreich in leiwanden Grafiken

ROLLINGSTONES.COM
FR 15 JULI
WIEN
ERNST-HAPPEL-STADION
TICKETS AB SOFORT BEI OETICKET.COM

SCHEINWERFERLICHT
Mag. Roberta Scheifinger
Chefredakteurin und
Herausgeberin
Seit der letzten Ausgabe hat sich die Welt leider nicht zum Besseren verändert, der
Krieg in der Ukraine erschüttert zutiefst. Umso mehr zeigen die zahlreichen Benefizveranstaltungen,
wie professionell unsere heimischen Veranstalter reagieren und
scheinbar Unmögliches innerhalb kürzester Zeit auf die Beine stellen. Hochrangige
Künstler:innen waren sofort bereit, ohne Gagen aufzutreten. Es zeigt auch, dass
Solidarität in unserem Land funktioniert, wenn es darauf ankommt, Hut ab!
Alle Live-Termine von Alex Kristan, Bilderbuch, Buntspecht, Cari Cari, Edmund,
Folkshilfe, Gernot Kulis, Ina Regen, Josh., Kerosin95, Lemo, Maschek, Mathea, Mavi
Phoenix, Maya Hakvoort, Melissa Naschenweng, Michael Niavarani, Omar Sarsam,
Oska, Pizzera & Jaus, Seiler und Speer, Turbobier, Viktor Gernot, Wanda und vielen
mehr wie immer auf oeticket.com. #yeswecare Roberta Scheifinger
Die Burg Hochosterwitz, genauer gesagt das Areal am Bergfuß, macht Kärnten
um eine malerische Live-Location reicher! In guter (auch öffentlicher) Anbindung zwischen
Friesach und St. Veit gelegen, zieht eines der Kärntner Wahrzeichen und beliebtes Ausflugsziel
fortan nicht nur in die geschichtsträchige Vergangenheit des Bundeslandes, sondern lädt
auch ein, musikalische Zeitgeschichte zu erleben: Dieses Jahr gastieren sowohl Seiler &
Speer (24. Juni) als auch Parov Stelar (25. Juni) unter Burg Hochosterwitz!
Im römischen Amphitheater Arena
di Verona reisen wir zwischen
Juni und August eindrucksvoll in die
Welt der Oper, von „Aida” und
„Nabucco” über „Carmina Burana”
und „La Traviata” bis hin zu „Carmen”
und „Turandot”. Auf nach Verona!
Fotos: Veranstalter (Burg Hochosterwitz, Arena di Verona), Konrad Fersterer (Hubert von Goisern), Hordur Óttarson (Sigur Ros), Cofo Entertainment (Klimt), Veranstalter (Maneskin)
06 | highlights

Die Immersive Experience Klimt präsentiert
auf noch nie zuvor gesehene Art und Weise
die weltberühmten Kunstwerke von Gustav
Klimt: Die Gemälde werden mit Hilfe von
aufwendigen Lichtinstallationen und Projektionen
mehrfach vergrößert und an den
Wänden der Präsentationsräume zum Leben
erweckt. Meisterhafte Kunst trifft auf modernste
Technik – eine Symbiose, die Klimts
Genialität zwischen April und September
in der Marx Halle in ein neues Zeitalter
tragen und unvergessen machen wird.
Sigur Rós geht nach langer Livepause
endlich wieder auf Tour und
gastiert dabei am 8. Oktober auch im
Wiener Gasometer. Zu erwarten sind
erneut sakrale Momente, die in massive
Gitarrenwände krachen und von Projektionen
ummantelt werden. Aktuell
stehen die zwei Gründungsmitglieder
Jónsi und Georg Holm mit dem nach
fast zehn Jahren zur Gruppe zurückgekehrten
Kjartan Sveinsson, der zuletzt
im Wiener Volkstheater sein „Der Klang
der Offenbarung des Göttlichen” vorstellte,
im Studio: Dort entsteht die
erste Platte seit „Kveikur“ (2013).
Hubert von Goisern hat sich nach
seinem letzten Konzert im Oktober 2016 zurückgezogen
und nicht nur einen neuen Roman
geschrieben, der Ende Mai erschienen ist. Sondern
auch: neue Musik! Mit diesem Album, das
den schönen, dabei aber bedeutungsschwangeren
Titel „Zeiten und Zeichen” trägt, ist ihm
ein dynamisches, kritisches, druckvolles Meisterwerk
gelungen, das nur so darauf wartet,
auch live vorgestellt zu werden! Die Chance
dazu hat man zwischen April und November
u. a. in Graz, Wien, Innsbruck, Bregenz,
Klagenfurt, Bad Ischl, Klam und Salzburg.
ZWEIFACH ZAUBERHAFT
DIE NEUE SHOW
© 2019 Kiddinx Studios GmbH
FR, 08.04.22 BRUCKNERHAUS LINZ
SA, 09.04.22 STADTTHEATER STEYR
SO, 10.04.22 STADTSAAL ST. PÖLTEN
MO, 11.04.22 ORPHEUM GRAZ
DI, 12.04.22 CONGRESS CENTER VILLACH
Live
Tour
auf
SO, 03.04.22
MI, 13.04.22
DO, 14.04. + FR, 15.04.22
SO, 17.04.22
DO, 28.04.22
FR, 29.04. + SA, 30.04.22
SO, 01.05.22
CONGRESS INNSBRUCK
MONTFORTHAUS FELDKIRCH
WIENER STADTHALLE – HALLE F
ARENA NOVA WR. NEUSTADT
SALZBURGARENA
AUDITORIUM GRAFENEGG
VAZ ST. PÖLTEN
Tickets erhältlich unter www.nxp.at, 02742 / 71400, www.oeticket.com, in allen Raiffeisenbanken mit
oeticket-Service in Wien, NÖ und auf shop.raiffeisenbank.at – mit Ermäßigung für Raiffeisen Kontoinhaber!
Tickets: www.nxp.at, 02742 / 71400, www.oeticket.com
highlights
| 07

Ewige Jugend dur
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen 1x2 Stehplatz-Tickets für
die Rolling Stones in Wien.
Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen:
www.ticketmagazin.com
The Rolling Stones
Wie man es beim 60-jährigen Jubiläum
der Stones nicht anders erwarten würde,
spielen sie für ihre Fans eine Setlist, die
mit (fast) allen Klassikern gefüllt ist:
„Gimme Shelter”, „Paint It Black”,
„Jumpin‘ Jack Flash”, „Tumbling Dice”,
„(I Can’t Get No) Satisfaction”,
„Start Me Up” und viele mehr
werden ebenso wenig fehlen, wie
ein paar Überraschungen ...
Fotos: J. Bouquet, The Rolling Stones

ch Rock n Roll
Am 15. Juli kommen die Rolling Stones im Zuge
ihrer „Sixty“-Tour noch einmal ins Wiener
Ernst-Happel-Stadion. Jagger, Richards und Co.
können auf 60 Jahre zurückblicken, die nicht
nur die Musik-, sondern im weitesten Sinne
auch die Weltgeschichte geprägt haben.
TEXT: ROBERT FRÖWEIN
Als Charlie Watts letzten August
im Alter von 80 Jahren im
Kreise seiner Familie in einem
Londoner Krankenhaus entschlief,
dachten manche nicht ganz zu Unrecht
an das endgültige Ende der größten
Rockband dieses Planeten. Er war der
Rhythmusgeber, ruhige Sir und zusammenhaltende
Kitt in einer Gespanschaft
voll überbordender Egos, die vor exakt
60 Jahren damit begann, die Welt nicht
nur musikalisch in ihren Grundfesten
zu erschüttern. Doch keine zwei Mal
Durchschnaufen später präsentierte
man den langjährigen Bandfreund Steve
Jordan als Nachfolger am Drum-Schemel.
Der pflegt seit Mitte der 80er-Jahre
eine enge Freundschaft mit Keith Richards
und reüssierte im Herbst 2021
auf der US-Tour. Nun kommt auch
Österreich in den Genuss der revitalisierten
Stones, denn im Zuge der „Sixty“-Tour
gibt es im Wiener Happel-
Stadion noch einmal alle großen Hits
als vermeintlich letzte Revueshow jener
Band, ohne der es heute definitiv nicht
die Form von Rock’n’Roll geben würde,
die uns gerne für ein paar Stunden aus
dem harschen Alltag bugsiert.
Die Mischung macht’s
Wie niemand zuvor spielten die Rolling
Stones schon in den frühen Sechzigern
mit ihrem Image. Wo die Beatles ein
paar Jahre brauchten, um sich ihre jeweils
eigene Identität aus dem Pilzkopfallerlei
herauszuarbeiten, hatten die beiden
Stones-Masterminds Mick Jagger
und Keith Richards schon früh wenig
gemein. Da der breitmäulige Charmeur
mit dem klar ausgestellten Ego und einem
britischen Bubi-Sex-Appeal, den
Steven Tyler von Aerosmith wohl am
liebsten 1:1 kopiert hätte. Dort das kantige,
kettenrauchende Raubein mit dem
Herz am rechten Fleck und einem deutlicher
ausgeprägten Hang zu Rauschmittel
und Betäubung. Dazu gab es anfangs
den famosen, aber ungreifbaren
Brian Jones an der Gitarre und den im
Jazz verhafteten Gentleman Watts. Dem
fünfjährigen Gastspiel von Mick Taylor
als Nachfolger des viel zu früh verstorbenen
Jones folgte ab 1975 Ronnie
Wood, der seit fast 50 Jahren als ewiger
Jungspund der Rolling Stones gilt und
sich schon zuvor mit Jeff Beck und Rod
Stewart für die ganz großen Bühnen
rüstete.
Mit ihrem Blues-basierten Hard Rock
überwanden die Stones schon früh in
ihrer Karriere Hörergräben und ähnelten
| 09

damit durchaus den scheitelbraven
Beatles. Die Jugend flippte aus und fühlte
sich verstanden, die hüftsteifen Eltern
aus der Chuck-Berry- und Elvis Presley-Ära
tobten. Mit dem Unterschied,
dass die Stones in ihrer Musik und
dem gesamten Auftreten wirklich
immer das Gefühl vermittelten,
die hübschen Töchter dieser
Welt wären fortan nicht mehr
vor den saitenaxtschwingenden Bestien
sicher. Bis auf den kurzen Ausflug
in die unvermeidliche Psychedelic-Ära
mit der 1967er-LP „Their
Satanic Majesties Request“ blieben
Jagger und Richards als
Songwritergespann ihrem Genre
treu und sorgten dabei für
maximalen Wiedererkennungswert.
Rückblickend mögen
die Beatles in ihrem kurzen
Dasein revolutionärer ans Werk
gegangen sein, aber die Stones
etablierten eine qualitätsvolle und
schwunghafte Konstanz, von der so
gut wie jeder Künstler zehrte, der seine
Stromgitarre fortan an einen Verstärker
koppelte.
Ende der Hippie-Ära
Wer sich die rüstige, aber noch immer
ungemein agile Altherrentruppe heute
ansieht, kann sich kaum vorstellen, dass
Manager Andrew Loog Oldham sie in
den frühen Jahren zu einer „Inkarnation
des Bösen“ formen wollte. „Langhaarig
und hässlich und anarchistisch, wie sie
waren, wurden sie durch Oldham in
diesen Eigenschaften noch bestärkt, und
er verwandelte sie in alles das, was Eltern
am meisten hassten, wovor sie sich am
meisten fürchteten“, analysierte Autor
Nik Cohn ihn einst in einem Buch. Für
die Skandale sorgte in den 60ern aber
nicht die Band selbst. Im September
1965 randalierten Fans und beschädigten
die Berliner Waldbühne, vier Jahre später
verstarb beim legendären Altamont
10 |
Free Concert ein farbiger Jugendlicher
vor der Bühne, nachdem er von einem
als Sicherheitskraft tätigen Hells Angel
erstochen wurde. Damit wurde der Auftritt
der Stones indirekt zum symbolischen
Ende der „Hippie-Bewegung“ in
den Sechzigern. Im Folgejahrzehnt zersplitterte
die Band fast mehrmals, rappelte
sich aber immer wieder hoch und
sorgte für unvergessliche Songs wie
„Brown Sugar“, „Angie“ oder „You
Can’t Always Get What You Want“.
Ab den Achtzigern fanden die Stones
dann wieder in die Spur und entwickelten
sich mit ihrer letzten wirklich großen
Hit-Single „Start Me Up“ zum Prototyp
einer allumfassenden Stadionband. Die
künstlerischen Erfolge, Verkaufszahlen
und auch Schlagzeilen mögen zwar zeitweise
zurückgegangen sein, die Marke
Rolling Stones hat aber beständig an
Strahlkraft dazugewonnen.
Charlie Watts trommelt
heute im Himmel mit
Ginger Baker, Keith Richards hat unlängst
semiheimlich das Rauchen aufgegeben,
Mick Jagger pflegt mit einem
asketischen Lebensstil den Körper eines
17-Jährigen und Ronnie Wood hat Ruhe
und Gesundheit in der Malerei gefunden.
Doch wenn die verbliebenen drei
Kultmitglieder noch einmal zum gemeinsamen
Halligalli laden und 60er-
Kultsongs mit einem modernen Bühnenbild
und zeitgemäßer Video- und
Lichttechnik koppeln, dann spürt man
auch nach sechs Dekaden handgemachter
Rockmusik die juvenile Spielfreude
von hungrigen Buben, die ihr Seelenheil
nicht von den Millionen am Konto, sondern
durch den Applaus ihrer treu ergebenen
Fans beziehen. Natürlich ist ein
Charlie Watts nicht zu ersetzen, aber
„the show must go on“. Und rund
50.000 Feinschmecker im Stadion werden
ihrem verlorenen Helden samt Band
auch sicher würdig Tribut zollen. I know
it’s only rock’n’roll, but I like it!
n The Rolling Stones feiern ihr 60-jähriges
Jubiläum am 15. Juli im Ernst-
Happel-Stadion.

COMEDIANS
DELL`ARTE
WIESEN LACHT, WIESEN STAUNT!
DIE TOP-
HIGHLIGHTS
2022
HAZEL BRUGGER
„KENNEN SIE DIESE FRAU?“ – So. 26.6.22
LUIS AUS SÜDTIROL
„OSCHPELE“ – Fr. 8.7.22
MNOZIL BRASS
„GOLD“ – Di. 12.7.22
KAYA YANAR
„FLUCH DER FAMILIE“ – Do. 14.7.22
GERY SEIDL
„HOCHTIEF“ – Sa. 30.7.22
GERNOT KULIS
„BEST OF 20 JAHRE Ö3-CALLBOY“ – Do. 18.8.22
OMAR SARSAM
„SONDERKLASSE“ – Do. 25.8.22
LISA ECKHART
„DIE VORTEILE DES LASTERS“ – Sa. 27.8.22
FESTGELÄNDE WIESEN BEGINN 20:00
INFOS: WWW.ELIASWERNER-PRODUCTIONS.COM

Bastille veröffentlichten im Februar die
letzte Single ihres aktuellen, vierten Albums
„Give Me The Future“, das sich mit Zukunft,
Virtual Reality und der fiktiven Firma Future
Inc., die ihren Kunden erlaubt, der Realität zu
entschwinden, auseinandersetzt: In „Shut Off
The Lights“ geht es um die schöne Idee, dass
man, um Musik spüren zu können, nicht sehen
muss, was um einen herum passiert. Livehaftig
ausprobieren kann man dies am 24. November
in der Wiener Stadthalle D, wenn Bastille
wieder für „happier” Momente sorgen.
Godsmack besannen sich mit ihrem
bislang letzten Longplayer „When
Legends Rise“ von 2018 ganz auf ihre
Anfänge und urspüngliche Stärken. Hierfür
gab es einen besonderen Grund: Das
Debüt feierte rund um die Veröffentlichung
von „When Legends Rise“ seinen
20. Geburtstag, für die Band schloss sich
damit ein Kreis. Was dies nun für die
kommende Platte bedeutet, ist derzeit
noch offen: Die erste neue Single soll im
Spätsommer folgen, sodass bei ihrem
Konzert am 22. Oktober im Gasometer
neben den alten Hits auch endlich
neues Material abgefeiert werden kann.
Beatsteaks sind fünf Freunde aus Berlin.
Über die Jahre hinweg haben sie sich von der
kleinen Punk-Attraktion zu einer der größten
Bands des deutschsprachigen Raums gemausert.
Zuletzt erschien ihre „Wohnzimmer“-EP
von 2002 erstmals auf Vinyl, im Dezember
2020 die Cover-EP „In The Presence Of“ und
schließlich folgte ihrer Version des Velvet Underground-Songs
„After Hours“ auch ein Video
– damit machten die Beatsteaks gleichzeitig
auf die Situation der Livebranche während des
Lockdowns aufmerksam. Nun ist zumindest
dieses Darben vorbei und man gastiert am
17. Juni im Arena Wien Open Air.
Fotos: Barracuda Music (Godsmack), Erik Weiss (Beatsteaks), Sarah Louise Bennett (Bastille), Verlage (Bücher)
12 | highlights

Bücherwurm
Monchi, Sänger von Feine Sahne Fischfilet,
hat abgespeckt. Hendrik Bolz von Zugezogen
Maskulin rappt sich durch die Nullerjahre.
Wolfgang Ambros zieht ein persönliches
Resümee. Thomas Griessl kauft Platten.
Marius Müller-Westernhagen
singt in seinem Hit „Dicke”
von 1978: „Ich bin froh, dass
ich kein Dicker bin / Denn dick sein ist
‘ne Quälerei.” Würde heute, in der woken
Gesellschaft, jemand (noch dazu ein
Mann!) so einen Text schreiben, hätte er
sicher die Kacke am Dampfen: Bodyshaming
ist dieser Tage in einem Atemzug
mit Sexismus und Rassismus zu nennen,
„auch dicke Menschen können schön und
glücklich sein” wird krakeelt! Natürlich:
man muss nicht zwingend den BMI von
Germany’s Next Topmodel (für Frauen)
oder von US-Highschool-Serien (für
Männer) als oberste (beziehungsweise:
unterste) Messlatte hernehmen oder die
Proportionen von Barbie und He-Man
auf die Gesellschaft projizieren. Aber
wenn die Fettleibigkeit – die Adipositas
– gesundheitsgefährdende Ausmaße einnimmt
und das tägliche Leben erschwert,
sollte man sich tatsächlich Gedanken
über seinen Lebenswandel machen und
dies thematisieren, das spricht allein schon
die Vernunft. So geschehen bei Jan Garkow
alias Monchi, Sänger der Punkband
Feine Sahne
Fischfilet.
Monchi war
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen 2 Bücher von Monchi
„Niemals satt”.
Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen:
www.ticketmagazin.com
TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
schon als Kind stärker gebaut, aber das
Leben eines Rockstars zollte Tribut: Jahrelang
gab er Vollgas, Vollräusche gehörten
zum Bandleben dazu, Fressattacken
gerade in schwierigen Lebensphasen
ebenso. Schließlich brachte er über 182
Kilo auf die Waage, Gewand passte ihm
kaum mehr, Betten brachen unter ihm
zusammen, Aktivitäten waren nicht oder
nur schwerlich möglich, seine Haut wurde
rissig und selbst die Körperhygiene fiel
ihm schließlich schwer. Dann, in Corona,
hat er angefangen umzudenken und nach
einigen Anfangsschwierigkeiten mit Sport
und Ernährungsumstellung beinahe ein
Drittel seines Gewichts verloren. Diesen
Leidensweg, aber auch die einhergehende
Erfolgsgeschichte hat er nun schonungslos
ehrlich in „Niemals satt” verschriftlicht:
Es ist kein Diätratgeber geworden, sondern
eine sehr intime, persönliche Erzählung
über seine subjektiven Erkenntnisse:
Er hinterfragt Gewohnheiten, befragt
sein Umfeld, seine Familie, seine
Bandkollegen, erkennt, dass Scheitern
am Weg zum Erfolg dazugehört, lernt,
sich seine Macken einzugestehen, aber
auch, dass es notwendig ist, der Maßlosigkeit
den Kampf anzusagen, wenn er –
mit all seinen Annehmlichkeiten – leben
will. Und auch jetzt, nach der Erfolgsgeschichte,
ist er sich bewusst: Der
Kampf ist noch nicht vorbei,
sondern erst der Anfang.
n Monchi präsentiert sein
Buch „Niemals satt” am 14.
Mai im Wiener Rabenhof.
Wolfgang Ambros
A Mensch möcht i bleib’n
Es ist weder eine Biographie,
erst recht keine
Heldengeschichte, die
der vielleicht größte lebende
Musiker Österreichs
pünktlich zu seinem
Siebziger vorlegt
– auch wenn dies seinem
Status gerecht
würde. Vielmehr ist es eine Anekdotensammlung
aus seinem bewegten Leben, in der sich
Ambros dem Schicksal im wahrsten Wortsinne
beugt: Durch viele seiner Hochs und Tiefs
führt er den Leser und zeigt, dass man die
ausgleichende Gerechtigkeit oft suchen muss.
Live-Termine von Ambros: oeticket.com.
Thomas Griessl
Heart of Gold
Protagonist des zweiten
Romans von Thomas
Griessl ist Klaus, der in
den Siebzigern in der
Südoststeiermark aufwächst
und sich wie
viele Jugendliche, gerade
am Land, in seiner
Sinnsuche unverstanden
fühlt – bis ihm eine Plattenbestellung
beim Versandhandel Donauland eine neue
Welt eröffnet, die der Freiheit. Fortan begleitet
ihn die Musik, vom Rock’n’Roll bis hin zur
Klassik, durch seine Adoleszenz: Die Skizzen
seines Lebens geraten kurzweilig und in der
musikalischen Begleitung auf Spotify lebhaft.
Hendrik Bolz
Nullerjahre
2015 veröffentlichten
Zugezogen Maskulin
den Song „Plattenbau
O.S.T.”, der Soundtrack
einer Jugend, wie sie
Duo-Hälfte Hendrik Bolz
selbst erlebt hat. Aus den
mit Beats unterlegten Lines
sind nun 300 Seiten
geworden: Mit einer ähnlichen Leichtigkeit,
aber auch Härte erzählt Bolz aus seiner oft perspektivenlosen
Jugend, die im Osten Deutschlands
hauptsächlich daraus bestand, selbst
Scheiße zu bauen, dabei aber nichts auf die
Fresse zu bekommen. Sein Geschick: Persönliches
mit Sachlichem kongenial zu vermischen.

Zurück aus de
Mit einer Welttournee ruft sich The Cure, eine der besten und einflussreichsten
Bands aus den 1980ern, wieder in Erinnerung. TEXT: SEBASTIAN FASTHUBER
Die Musik, die Robert Smith und
seine Mannen seit über 40 Jahren
machen, gilt gemeinhin als Gruftie-Sound
für düstere Gestalten mit betrübten
Seelen, ganz viel Schwermut und
ganz wenig Hoffnung im Herzen. Inzwischen
sind Songs wie „Close To Me“ oder
„The Forest“ aber längst Klassiker und
nicht mehr auf eine Szene beschränkt,
Spuren der Musik von The Cure kann
man gar bei mehreren nachfolgenden Generationen
von Indiepoppern raushören.
die anderen Achtziger. The Cure gehörten
zu dieser Opposition.
Smiths Songs wurden mit der Zeit immer
langsamer und schwermütiger. Gleichzeitig
begann er Makeup und Lippenstift aufzutragen.
So wurde er zum Vater der Gothic-Szene,
als der er bis heute von schwarz
gewandeten, bleich geschminkten Menschen
verehrt wird. Ihm selber war das
zwar nicht so recht, aber er blieb dem Stil
treu und statt für den Underground waren
The Cure bald ein Fall für die Charts und
MTV: Ihre Musik wurde zum Sprachrohr
für all die traurigen Pubertierenden, Außenseiter
und Übersehenen da draußen.
Als Resultat davon war jede neue Platte
noch erfolgreicher als ihr Vorgänger. The
Cure gehörten zu den ganz wenigen Independent-Bands
jener Zeit, die kommerziell
erfolgreich waren.
Gegründet wurde die Band 1976 im südenglischen
Sussex von den Schulkollegen
Robert Smith, Peter O’Toole, Lol Tolhurst,
Porl Thompson und Michael Dempsey.
Anfangs hieß sie noch The Easy Cure und
der spätere Frontman mit den wirren Haaren
war bloß ihr Gitarrist. Als O’Toole
auswanderte, übernahm Smith die Sängerrolle.
Seine ersten Songs schrieb er an
Wochenenden zu Hause am Küchentisch.
Während andere ausgingen, verarbeitete
er seinen Frust in dreiminütigen Elends-
Sinfonien und trank dazu Papas Biervorräte
aus. So geht das.
Die erste Single „Killling An Arab“ sorgte
1978 gleich für einen Skandal und unberechtigte
Rassismusvorwürfe. Das Debütalbum
„Three Imaginary Boys“ (1979)
zeigte die zum Trio geschrumpfte Band
als erstklassige Post-Punk-Combo im Stil
der damaligen Zeit. Richtig zu sich fand
sie erst in den 1980ern. Diese gelten als
Jahrzehnt im Zeichen von Oberflächlichkeit
und Genusssucht, aber es gab auch
14 |
Foto: Andy Vella

Gruft
Intern sah es weniger rosig aus, die Musiker
lagen häufig miteinander im Clinch.
Viele kamen und gingen (und kamen zurück
und gingen wieder) – über all die
Jahre blieb als einzige wirkliche Konstante
Kreativkopf Robert Smith. Durch den
Ruhm steigerte sich sein Alkoholkonsum
ins Maßlose, irgendwann ging er kaum
noch vor die Haustür. Nichtsdestotrotz
spielt Smith am Ende seiner großen Dekade
mit „Disintegration“ (1989) jenes
Album ein, das vielen Fans als die definitive
Cure-Platte gilt und die Hits „Lovesong“
und „Lullaby“ enthält.
Was danach kam, hatte den Charakter
von Ehrenrunden. Die Musik klang oft
toll, ohne die Dringlichkeit der frühen
Tage noch einmal zu erreichen. So gelang
der Band Anfang der Neunziger
ausgerechnet mit ihrem fröhlichsten
Song „Friday I’m in Love“ ihr größter
Single-Erfolg. Um 2000 wollte der
Frontman einmal fast den Stecker ziehen.
Dann gab er stattdessen das Trinken
auf oder mäßigte sich zumindest
soweit, als er nun immerhin vor Auftritten
trocken bleibt. O-Ton: „Ich hätte
nicht gedacht, dass Konzerte so viel
Spaß machen.“
Die atmosphärisch dichte Musik, die
The Cure heute als ihre eigenen Werkverwalter
live performen, ist zeitlos. Sie
schwebt in ihrer ureigenen Sphäre zwischen
Düsterkeit, Sehnsucht und Verzweiflung.
Das letzte Studiowerk „4:13
Dream“ datiert aus dem Jahr 2008. Von
einem Nachfolger war immer mal wieder
die Rede, aber materialisiert hat er sich
bis heute nicht. Bevor er etwas Halbgares
in die Welt setzt, spielt Smith eben lieber
seine alten Klassiker, wenngleich er angekündigt
hat, dass der Nachfolger nun
endlich vor der kommenden Tour erscheinen
soll.
Mit oder ohne neuen Songs haben The
Cure jedoch eine paradoxe Wirkung:
Wenn man sie hört, fühlt man sich
gleichzeitig deprimiert und happy. Er
würde es nie zugeben, aber wahrscheinlich
muss man sich Robert Smith als
glücklichen Menschen vorstellen.
n The Cure gastieren am 23. Oktober mit
The Twilight Sad in der Marx Halle.

Goldkehlchen vs
Die immer noch blutjunge Billie Eilish gewann soeben für ihren Bond-
Titelsong „No Time To Die“ einen Oscar, die nach „Skyfall” und
„Writings on the Wall” dritte Auszeichnung. Grund genug, die lange
und hoch interessante Verflechtung von Musik und 007 zu betrachten
und den Soundtracks, als auch den Titelsongs auf den Zahn zu fühlen.
TEXT: MARKUS HÖLLER
Gleich mal vorweg: wenn man
den Martinis schlürfenden
Agenten und seine Begleitmusik
auf einen gemeinsamen Nenner reduziert,
kann das nur John Barry sein. Der britische
Ausnahme-Komponist hat mit dem
legendären James Bond Theme gleich
beim ersten Streifen „Dr. No“ einen
Titel geschaffen, der heute so bekannt
ist wie Vivaldis „Vier
Jahreszeiten“. Wahrscheinlich
sogar noch bekannter.
Für gleich elf der insgesamt
25 offiziellen
Bond-Filme gestaltete
er den gesamten
Soundtrack – Co-Credits
bei ebenso vielen
Titelsongs inklusive.
Witzigerweise ging sich
aber für ihn weder
song- noch scoretechnisch
keine einzige Oscar-
Nominierung aus. Macht
aber nix, denn der talentierte
Mister Barry hat sich auf anderem
Weg gleich sechs der goldenen Glatzköpfe
in der Musikdisziplin gesichert,
unter anderem für Knüller wie „Jenseits
von Afrika“ oder „Der mit dem Wolf
tanzt“. Zurück zu Bond: ebenjenes ikonische
Thema kommt immer wieder unterschiedlich
zum Einsatz. Mal anderes
orchestriert, mal während der obligaten
16 |
Pistolenlauf-Sequenz am Anfang oder
überhaupt erst ganz zum Schluss. Jedenfalls
immer dann, wenn der Agent mit
der Doppelnull zur Sache geht – mit einer
Ausnahme: Javier Bardem, der Bösewicht
aus „Skyfall“, flehte Regisseur Sam Mendes
an, in einer Szene selbst mit dem Titel
unterlegt zu werden, das wurde ihm gewährt.
Wo? Selbst die Ohren spitzen und
gut aufpassen!
Aber es gibt natürlich auch etliche
Bond-Kracher, die ohne das Zutun
der 2011 verstorbenen Musiklegende
ganz famosen Ohrenschmaus
zum Kanon beisteuerten.
Man denke nur an
die einmalige Zusammenarbeit
von Paul und Linda McCartney
mit den Wings für „Live
and Let Die“, für den kein Geringerer
als Beatles-Produzent
George Martin den restlichen
Soundtrack gestaltete. Auch andere
Könner wie Marvin Hamlisch, Bill Conti,
Michael Kamen, Eric Serra und neuerdings
auch Hans Zimmer durften je einmal
ran, um mit angemessenem Bombast die
Abenteuer von 007 zu vertonen. Lediglich
Schwergewicht David Arnold (fünfmal)
und der ebenso hervorragende Thomas
Newman (zweimal) durften mehrmals
Hand anlegen. Das große Erbe von John
Barry aber wird von allen stets wie ein heiliger
Schatz gehegt und gepflegt und immer
mit größtem Respekt in die jeweilige Iteration
der nun schon sechs Jahrzehnte
prägenden Filmserie eingepflegt.
GEWINN
SPIEL
*
Bond in Concert
Am 21. Oktober steht das Brucknerhaus Linz
ganz im Zeichen von James Bond, es wird ein Galaabend
im Dienste Ihrer Majestät! Gespielt werden die legendären
Songs und Scores aus den Bond-Filmen, mit großem Orchester und
den stimmgewaltigen Publikumslieblingen Maya Hakvoort, Nazide
Aylin und Missy May, dazu werden auf großer Leinwand Filmszenen
gezeigt. Als besonderes Highlight wird Lukas Perman durch den
Abend führen und natürlich ebenfalls Bondsongs interpretieren.
Wir verlosen drei CDs von
„The Best of Bond... James Bond”
und drei Soundtracks von
„No Time To Die”.
Mehr Informationen &
Teilnahmebedingungen:
www.ticketmagazin.com
Foto: Universal Music Austria

krallen, damit die Cross-Promotion zwischen
Musik- und Kinocharts auch richtig
gut greift. Das geht aber nicht immer auf:
So gilt nach einhelliger Meinung Madon-
..
Goldmannchen
Eine etwas zugänglichere, aber keineswegs nas Beitrag „Die Another Day“ als schlechtester
Danke. Wirklich. Aber Sam Smith? Was
weniger großartige Disziplin ist der singuläre,
immer extra für den jeweiligen
Film aufgenommene Titelsong, der meist
(aber eben nicht immer) den gleichen
Titel trägt. Diese Sitte gibt es streng genommen
erst seit dem dritten Streifen
„Goldfinger“, geschmettert von der großartigen
Shirley Bassey und im Grunde
Blaupause für alle folgenden, großen Arrangements.
Ebenso wie die schlaue Angewohnheit
der offiziellen Produktionsfirma
Eon Productions, sich immer einen
gerade besonders angesagten Künstler zu
Bond-Song, übrigens in Einklang
mit ihrer schauspielerischen Leistung
ebenda und dem Film als solchem. Ein
deutlicher Überhang an Sängerinnen trägt
zwar nicht mit System, aber oftmals dennoch
zum Besseren bei. Mit der Ausnahme
des großen Louis Armstrong, Tom
Jones oder Chris Cornell sind die Beiträge
männlicher Performer oft ein wenig zu
beliebig, auch wenn zum Beispiel Duran
Durans „A View to a Kill“ auf vielen anderen
Ebenen großartig ist. Und man
muss froh sein, dass zum Beispiel das von
zum Geier hat die Academy damals geritten,
einer weinerlichen Schmonzette
wie „Writing’s on the Wall“ einen Preis
zu verleihen? WTF?
Apropos Preisverleih. Wie schon eingangs
erwähnt, wurden in der langen
Geschichte der offiziellen Bond-Filme
erst sechs Titelsongs in der Kategorie
„Best Original Song“ nominiert. Aktuell
eben „No Time To Die“, zuvor „Live
and Let Die“, „Nobody Does It Better“,
„For Your Eyes Only“, „Skyfall“ und
„Writing’s on the Wall“, wobei vor Billie
Eilish nur letztere beiden auch tatsächlich
*
die begehrte Auszeichnung einsackten.
(An der Stelle nochmals ein herzhaftes
Im Geheimdienst ihrer Majestät –
WTF für Sam Smith aus der Redaktion.)
Für den besten Score gab es bisher nur
Operation Hollywood
zwei kümmerliche Nominierungen und
Trotz der weltweiten Beliebtheit der britischen Agentensaga und aufwändiger
Produktionen hinterließen die James Bond-Filme bisher nur einen
sehr kleinen Fußabdruck in Amerika. Die Fakten.
im Jahr 2013 sogar einen verdienten
Oscar in der mittlerweile gestrichenen
technischen Kategorie „Bester
Sechs Oscars konnten generell für 007 eingefahren werden,
Tonschnitt“ für „Skyfall“. Doch
davon drei (für „Skyfall“, „Spectre“ und „No Time To Die“)
für den besten Song.
lassen wir uns die bahnbrechende
Elf andere Nominierungen gingen leer aus. Rekordhalter ist „Skyfall“
mit fünf Nominierungen.
Kein Künstler durfte mehr als einmal ans Mikro – mit der
Ausnahme der drei Einsätze von Shirley Bassey.
„A View To A Kill” bleibt bis heute der einzige Bond-Song mit einer
Nummer-1-Platzierung in den US-Charts.
Nominierung und Auszeichnung
von Billie Eilish – und natürlich
ihrem kongenialen Bruder und
Musikpartner Finneas O’Connell
– nochmal auf der Zunge zergehen!
Sie haben es geschafft, nicht
Sam Smith wiederum ist der erste Künstler, dem eine Bond-Nummer-1
nur als das erste Geschwisterpaar, das
in UK gelang (WTF, falls wir es noch nicht erwähnt haben.).
einen Musik-Oscar einstreift, in die Geschichte
einzugehen, zudem ist Billie mit
Bisher stammen alle Interpreten eines Bond-Titelsongs entweder
aus UK oder den USA. Einzige Ausnahme: A-ha (Norwegen).
ihren 20 Lenzen auch eine der jüngsten
Oscar-Gewinnerinnen überhaupt in der
über 90jährigen Geschichte der Academy
Awards. Wir gratulieren zum verdienten
Gewinn!
Bono und The Edge geschriebene „Goldeneye“
von der unvergleichlichen Tina
Turner interpretiert wurde und nicht von
den irischen Weltverbesserern persönlich.
n Der Galaabend Bond in Concert findet
am 21. Oktober im Linzer Brucknerhaus
statt.
| 17

star
The Smile
Die neue Supergroup bestehend aus Thom Yorke und Jonny Greenwood
von Radiohead sowie Tom Skinner von Sons Of Kemets
hat erst zwei Singles veröffentlicht: „You Will Never Work In Television Again“
und „The Smoke“. Beide wurden bereits euphorisch rezipiert
und versprechen Großes!
18 |

faktor zur Potenz
Seit Mitte der 60er-Jahre sind sogenannte Supergroups nicht mehr
aus der Musikwelt wegzudenken. Manche wurden zu Legenden,
andere verpufften, noch bevor sie überhaupt bemerkt wurden.
Das Alternative-Trio The Smile will den patinierten Begriff
nun entstauben und in die Zukunft transferieren. TEXT: ROBERT FRÖWEIN
Foto: Alex Lake
Peter „Hooky“ Hook, Bassist der
legendären Joy Division und direkt
danach bei New Order hat das
künstlerische Wesen von sogenannten
Supergroups in einem legendären Zitat
auf den Punkt gebracht. „Wir erschaffen
keine Rock-Supergroup um der Supergroup
Willen. Manchmal will man Dinge
verändern und einen frischen Zugang haben,
also startet man einfach als neue
Gruppe durch.“ Supergroups gehören
zum Rock’n’Roll wie Stromgitarren und
Hedonismus, aber ihre Weste ist nicht
zwingend blütenweiß. Nicht immer stecken
künstlerische Ambitionen hinter der
Zusammenfügung großer Namen zu einem
noch größeren und neuen Ganzen.
Oft sind es schnöde wirtschaftliche Interessen,
denn die Schulmädchenrechnung
„Superstar A kombiniert mit Superstar
B und Superstar C ergibt eine in lichte
Höhen potenzierte Cash Cow“ wird zwar
schnell am Reißbrett entworfen, doch nur
selten geht sie auch so golden auf.
All-Star-Pioniere
Die Geschichte der Supergroups begann
im April 1966, als der heute gerne
schwurbelnde Wundergitarrist Eric Clapton
mit Schlagzeug-Exzentriker Ginger
Baker in medias res ging und dazu Jack
Bruce am Bass vorschlug. Dass Bruce
und Baker zuvor schon handgreiflich
wurden war schlussendlich egal. Die gemeinsame
Magie genialer Musiker war
stärker und Cream als Blaupause für alles
Folgende erschaffen. In den knapp zweieinhalb
Jahren ihrer Existenz bescherten
uns die kultigen Blues-Psych-Rocker drei
göttliche Alben, das vierte folgte posthum.
Angespornt vom Erfolg der Pioniere,
gab es in den 60ern mehr oder
weniger erfolgreiche All-Star-Allianzen.
Clapton und Baker schlossen sich mit
anderen Top-Musikern für ein Album
als Blind Faith zusammen, doch an der
fehlenden Chemie merkte man recht
schnell, dass dies eine mürbe Idee geldgieriger
Manager war. Crosby, Stills,
Nash und wahlweise Neil Young hingegen
starteten 1968 eine gemeinschaftliche
Weltkarriere, auch das Prog-Gespann
Emerson, Lake And Palmer agierte trotz
starker Individuen in einem ungewohnt
harmonischen Gleichklang.
Das Time-Magazin erkannte schon 1974
in einem bissigen Artikel, dass Supergroups
ein „wirksames, aber kurzlebiges
Rock-Phänomen“ wären, die ein „Amalgam,
kreiert aus talentierten Unzufriedenen
unterschiedlicher Bands“ darstellen
würden. Keine allzu falsche Annahme,
denn die meist aus starken Musikern
und noch stärkeren Egos bestehenden
Gespanschaften verpufften oft extrem
schnell. In den 80er-Jahren wurde das
Formieren derartiger Bands quasi Usus.
Asia mit John Wetton, Steve Howe, Carl
Palmer und Geoff Downes kämpften ab
1981 gegen den allgemeinen Niedergang
des Prog-Rock. Bei Power Station nutzten
John und Andy Taylor die Pause von
Duran Duran, um mit Robert Palmer
und Chic-Drummer Tony Thompson
den Pop zu revolutionieren. Sie scheiterten
dabei aber ähnlich kläglich wie
die Led-Zeppelin-Könige Jimmy Page
und Robert Plant, die mit gleich zwei
Projekten baden gingen. XYZ mit den
Yes-Musikern Chris Squire und Alan
White scheiterte schon im Fötusalter,
die Rhythm-&-Blues-basierten Honeydrippers
mit Jeff Beck schafften zumindest
eine EP.
Bereit für die Feuertaufe
Ungeschlagen im Name-Dropping war
natürlich Bob Geldofs karitative Mega-
Konstellation Band Aid, doch die wahren
Könige der 80er waren die Traveling
Wilburys. Bob Dylan, George Harrison,
Tom Petty, Jeff Lynne und Roy Orbison:
Jeder für sich ein Gott der Populärmusik,
zusammen für gut zwei Jahre eine Wirkmacht
wie von einem anderen Stern. In
der jüngeren Vergangenheit haben sich
| 19

mehr (Black Country Communion,
Them Crooked Vultures, Velvet Revolver)
oder weniger (Chickenfoot, Hollywood
Vampires, Prophets Of Rage) gute
Konstellationen zusammengefunden,
um in oder außerhalb ihres angestammten
Genres nach Inspiration zu suchen,
oder das ohnehin schon prall gefüllte
Konto noch ein bisschen weiter aufzufüllen.
Der jüngste Zusammenschluss
kundiger Top-Musiker möchte seine
Feuertaufe in Kürze auf Europa-Tour
bestehen, die am 17. Mai in den Wiener
Gasometer führt: The Smile, bestehend
aus den Radiohead-Musikern Thom
Yorke und Johnny Greenwood und dem
von der britischen Jazz-Sensation Sons
Of Kemet bekannten Drummer Tom
Skinner.
Das Trio ist eine wahrhaftige Pandemie-
Geburt und vermischt Proto- und Post-
Punk mit Math Rock und einer untrüglichen,
aber gut versteckten Liebe zum
britischen Alternative-Rock der späten
THOM YORKE
Trotz seiner mittlerweile 53 Jahre umweht den Briten der Nimbus des ewig Jugendlichen. Das liegt an seiner musikalischen
als auch persönlichen Strahlkraft auf die Indie-Welt. Mit seiner Falsettstimme bei Radiohead wurde
Thom Yorke ab Mitte der 90er zu einem Sprachrohr einer missverstandenen Generation. „The Bends“, „OK
Computer“ und das progressive „Kid A“ führten den rebellischen Geist der Grunge-Generation ins neue
Jahrtausend. Yorke waren stilistische Fesseln seit jeher ein Graus, deshalb liegen zwischen dem Post-Grunge-
Song „Creep“ und seiner elektronischen Aphex-Twin-Nähe auch Welten – obwohl von derselben Band exerziert.
Solo tauchte er tiefer in die Elektronik ein, mit Atoms For Peace erprobte er sich schon 2009 in Supergroup-
Gefilden (mit Flea und Nigel Godrich). Dazwischen gab es Kollaborationen mit PJ Harvey, Björk oder Modeselektor.
Mit dem Soundtrack zum Horrorfilm „Suspiria“ setzte er sich 2018 ein eigenes Denkmal. Kaum ein Musiker
passt weniger gut in die Rock And Roll Hall Of Fame (Aufnahme 2019) als der politisch aktive Menschen- und
Tierrechtsaktivist. Aber auch das ist nur ein weiterer Mosaikstein auf seinem kunterbunten Lebensteppich.
90er-Jahre. Retro-Chic und futuristische
Klangkaskaden vernetzen sich zu einem
Malstrom aus Experimentierfreudigkeit
und kreativer Schübe, die aber nicht zulasten
einer doch deutlich hervorstechenden
Eingängigkeit gehen. Die bisher
veröffentlichten Singles „You Will Never
Work In Television Again“ und „The
Smoke“ gaben einen delikaten Ausblick
auf weitere Glanztaten. Bei den umjubelnden
Streaming-Konzerten unlängst
in London gab die Band mit zahlreichen
neuen Nummern und einem mitreißenden
Cover von Joe Jacksons „It’s Different
For Girls“ einen weiteren Vorgeschmack
auf eine verheißungsvolle Zukunft.
Ob Supergroup oder freundschaftlich
verbundenes Kreativgeschwader: in
der ohnehin noch dürftigen Welt der
Livemusik darf man sich hier auf ein besonders
hypnotisches Bonmot freuen.
n The Smile gastieren am 17. Mai im
Gasometer.
20 |

Gier nach Gewalt
Kathartischer Eskapismus, aber nicht wie im Schlager: Nach einer Vielzahl
an Singles veröffentlichte die Berliner Industrial-Krachmaschine
Gewalt letztes Jahr ihr Debüt „Paradies”. Nach der Inaugurierung im
Volkstheater folgt dieses Jahr nun unter dem Motto „Gier” der Kreuzzug
der einzig wahren Vertreter des Depressionismus. TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
Fotos: Magnus Winter, Cloud Hills
Gewalt, das sind (immer schon)
Helen Henfling und Patrick Wagner
– der zudem auch über die
Apokalypse rezitiert – an den Gitarren und
(seit einiger Zeit) Jasmin Rilke am Bass.
Der Beat kommt aus der DM1-Konserve.
Sechs Jahre lang gab es nur Seven-Inch-
Vinyls und Konzerte, 2021 dann endlich
das verführerisch, aber irritierend mit „Paradies”
betitelte Debüt. Das Album füllt
gleich eine Doppel-LP und deren Zweiteilung
ist offensichtlich: Auf der zweiten
Platte sind einige neuabgemischte Stücke
der Singles versammelt. Vergangenen
Herbst wurde „Paradies” gemeinsam mit
Fuckhead im kleinen Rahmen im Volkstheater
präsentiert.
Jahrhundertfick
Ganz gleich, ob am Plattenteller oder auf
der Bühne: Gewalt werden auch über ihr
Stück „Jahrhundertfick” hinaus ebendiesem
Titel quer durch ihr Œuvre gerecht.
Es geht um Unterwerfung, um die „verfickte”
Seele, um den Schmerz, der „wie
aus dem Nichts zusticht” und natürlich
um ein Paradies, das eigentlich die wahre
Hölle ist. Zu den Texten, die stets zwischen
Utopie und Dystopie mäandern, krächzen
die Gitarren in kaputter Verstimmung,
und der Bass bohrt sich tief in den dröhnenden
Taktschlag, der mal hektisch, mal
monoton, aber stets wie eine Salve aus einem
Urschlamm zu gurgeln scheint. Beinahe
könnte man dazu tanzen, wenn man
nicht gerade an seinen Pulsadern herumfummeln
würde, hat ein Besucher im
Volkstheater durch das gleißend grelle Stroboskop-Licht
hindurch trefflich reüssiert.
Wagner bellt, tobt und schreit quer durch
Echo und Hall und versetzt die Textzeile
„Ich werd eingewiesen / Zur eigenen
Sicherheit” aus der lyrischen in die faktische
Realität.
„Unsere Musik kann einen wirklich durchdringen”,
meinte Wagner im Gespräch vergangenes
Jahr – und ja, das, was Gewalt zelebrieren
ist eine größtmögliche Zumutung,
unweigerlich werden Erinnerungen an die
frühen Einstürzenden Neubauten, The
Grey Wolves, Nitzer Ebb, Front 242, Laibach
oder auch DAF wach. Gewalt sind ähnlich
mechanisch und unterkühlt, minimalistisch,
pulsierend und stumpf: In etwa das, was
Rammstein für die Popmusik sind, nur für
ein Publikum, das das Unbehagen im be-
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen je 2x2 Tickets für alle
Österreich-Shows von Gewalt.
Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen:
www.ticketmagazin.com
drohlichen, stickig vernebelten Untergrund
sucht. Die Stücke berserkern und eskalieren
roh vor sich hin und verkünden allumfassenden
Defätismus – es ist ein apokalyptischer,
drogesker Rave, der in seiner Intensität
gleich wie der Rattenfänger von Hameln
in eine Katharsis lockt, so wie etwa auch
Sunno))) mitten hinein in die Schönheit
des Schalldrucks: direkt aus dem Kopf in
den Bauch. Gewalt wirkt auf den Rezipienten
wie ein Aufruf zur Trance, in der er
sich vor die im gleichnamigen Song erbaute
Wand stellt, erschießen lässt und sich aus
seinen hervorquellenden Eingeweiden geläutert
neu erbricht.
n Gewalt gastieren im Rahmen ihrer „Gier”-
Tour am 27. April im Orpheum Graz, am
29. im Fluc Wien, am 30. im Spielboden
Dornbirn, am 1. Mai im Kulturhof Villach
und am 3. im PMK Innsbruck.
| 21

Moonlight L
Der Oberösterreicher Marcus Füreder ist als Parov Stelar seit Jahren
zugkräftigster Musikexport des Landes. Mit seinem neuen Album
„Moonlight Love Affair“ möchte er zurück zur Leichtigkeit. Was in Zeiten
wie diesen keine leichte Aufgabe ist. Ein Gespräch über Spaß und
Geschäft, Kunst und Falco – und die Ukraine. TEXT: SEBASTIAN FASTHUBER
Parov Stelar vollzieht mit dem Album
„Moonlight Love Affair” eine weitere
Phase seiner künstlerischen
Entwicklung. Radikale Ehrlichkeit, Offenheit
zu sich selbst und seinem Umfeld
pflastern diesen Weg.
Die Pandemie scheint sich in die Zielgerade
zu bewegen, dafür haben wir nun
Krieg in Europa. Und ich habe unglücklicherweise
einen Song namens „Odessa“
auf meinem Album. Das macht mir ordentlich
Stress. Im Endeffekt ist es ein altes
Volkslied, das es in tausend Versionen
gibt. Ich habe den Song letztes Jahr mit
Georgij von Russkaja aufgenommen, beziehungsweise
mit seiner zweiten Band
Russian Gentlemen Club. Ich habe „Odessa“
dann sowohl in der Ukraine als auch
in Russland bei DJ-Sets gespielt. Die Reaktion
waren Wahnsinn, alle haben sich
gefreut. Jetzt empfinden den Song die
Ukrainer teilweise als Provokation.
Ist das neues Album Ihre Pandemiearbeit?
Das würde ich eher über den Vorgänger
„Voodoo Sonic“ sagen, der sehr
melancholisch war. Diesmal hatte ich
schon einen anderen Umgang mit der
Pandemie und habe eine Art Aufbruchsstimmung
empfunden. Ich wollte wieder
mehr Lust aufs Ausgehen und positive
Gefühle verbreiten.
Wie gelingt Ihnen das, ganz allein im
Studio verschanzt? Das mag ich einfach.
Ich habe viele Kooperationen aus dem
Grund abgesagt. Die Leute wollen sich
mit mir zusammensetzen, aber
ich kann das nicht. Bei mir im
Studio läuft ein Loop locker
zwei Stunden, ohne dass
sonst etwas passiert. Ich
groove mich langsam rein.
Dazu brauche ich meine
Ruhe.
Wie bewahrt man sich das Spielerische
beim Produzieren? Vor drei, vier Jahren
habe ich mir gedacht: Ich kann nicht den
selben Kaugummi immer wieder bringen.
Da wird mir ja selber auch fad. Seither
Inwiefern? Zum einen heißt die Band
eben Russian Gentleman Club. Und die
Stadt Odesa schreibt man in der Ukraine
inzwischen nur mehr mit einem „s“, nur
die Russen schreiben sie noch mit zwei.
Solche Kleinigkeiten hatte ich nicht am
Schirm.
22 |
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen drei signierte
Vinyls von „Moonlight Love Affair”.
Mehr Informationen &
Teilnahmebedingungen:
www.ticketmagazin.com
Foto: Jan Kohlrusch

ove Affair
versuche ich Sachen zu machen, die anders
klingen – und trotzdem nach Parov Stelar.
Das ist die Kunst. Dazu muss man die
Gedanken so gut es geht ausschalten. Besser
nach dem Gefühl gehen.
Sie haben für ein großes Team Verantwortung.
Bremst das die kreative Arbeit
manchmal? Nein, mein Traum zu kreieren
ist dafür zu groß. Gerade in der letzten
Zeit hatte ich derart viele Ideen. Ich habe
nach wie vor einen unglaublichen Spaß
an der Sache. Das ist das Wichtigste. Wenn
du den Spaß verlierst, wird es brenzlig.
Natürlich muss ich das Geschäftliche auch
erledigen, aber man darf die Musik nicht
als Geschäft sehen.
Die Hallen wurden bei Ihnen immer größer.
Ist inzwischen die Decke erreicht?
Das hatte ich vor drei Jahren schon. Da
spielten wir in Hallen mit 10.000 bis 20.000
Leuten und sind mit einer unglaublichen
Technik herumgefahren.
Mehr geht nicht.
Dafür habe ich auf
Spotify grad einen
neuen Höchststand
an Hörern
erreicht. Es ist wie
im Sport: Je weiter
du kommst, desto
schwieriger wird es.
Irgendwann fehlt dir
Moonlight Love Affair
Das neue Album von Parov Stelar ist
eine Liebesbeziehung, in welcher es
keine Grenzen gibt: Der Mond färbt die
Welt in ein anderes Licht und lässt uns
die Dinge mit anderen Augen sehen
und spüren. Das Album erscheint
am 29. April, wir sind auf die
Live-Umsetzung bereits sehr gespannt!
nur noch ganz wenig auf den Schnellsten.
Da wird die Luft dünn.
Ist es Ihr Anspruch, der Beste und Erfolgreichste
zu sein? Eigentlich nicht. Ich
will die Qualität hochhalten. Die einen
sehen Musik als Konsumgut, das nebenbei
läuft. Denen ist wurscht, wer singt und
woher der kommt. Ich vergleiche das mit
einem Kasblattl, das man liest und danach
wegschmeißt. Es gibt aber auch ein gut
recherchiertes Buch, das stellt man sich
ins Regal. Nachdem ich eigentlich aus der
Kunst komme, ist mir wichtig, dass das
Werk einen Gehalt hat.
Sie wollen jetzt auch den Kunstmarkt
aufmischen. Wie kommt das? Ich male
ja schon immer, vielleicht heute wieder
mehr. Eine Initialzündung nach außen
war, dass Alfred Weidinger vom Francisco
Carolinum in Linz vor einem Jahr eine
Ausstellung machen wollte.
War es eine Überwindung, Ihre Sachen
herzuzeigen? Es gibt nichts Faderes als
Musiker, die auch malen, oder Maler, die
auf einmal ein Countryalbum aufnehmen.
Mir war bei Parov Stelar aber die Visualisierung
von Anfang an sehr wichtig.
Nichtsdestotrotz habe ich mit Kritik gerechnet.
Sie kam aber nicht. Die Leute,
die meine Kunst kaufen, haben von Parov
Stelar noch nie etwas gehört. Sie schauen
sich die Bilder unbedarft an.
Ist die Kunst Ihr Ausgleich vom Musikbusiness?
Nein, das feuert sich gegenseitig
an. Zum Ausgleich mache ich drei Mal
die Woche Wing Chun. Das Schöne am
Älterwerden ist, man wird ein bissl gelassener.
Vor 15 Jahren habe ich mir gedacht:
Wenn ich dieses und jenes erreicht habe,
geht’s mir gut. Ich habe es erreicht, aber
besser ging es mir nicht. Was brauche ich
dann, damit es mir gut geht? Das hat meistens
nichts mit Geld und Erfolg zu tun.
Gerade ist Ihr Remix von Falcos „Kommissar“
erschienen. Wie nähert man sich
so einem Klassiker an? Mit viel Respekt,
aber ohne sich was zu scheißen. Ich wollte
mich nicht zu sehr ans Original anlehnen,
das braucht niemand. Also habe ich die
Instrumentalisierung komplett rausgeschmissen.
Geblieben ist der Kern von
Falco: seine Vocals, seine Stimme. Daraus
habe ich etwas Neues gebaut.
Kann man von Falcos Schicksal etwas
lernen? Man muss vorsichtig mit Vergleichen
sein, die Achtziger waren eine andere
Zeit. Aber klar: Wenn du wie er auf gewissen
Substanzen unterwegs bist, um zu
funktionieren, gelingt das nicht ewig.
Irgendwann muss du diesen Kredit zurückzahlen.
Freuen Sie sich auf viele Auftritte heuer?
Sehr, aber ich muss leider jetzt schon
Anfragen absagen. Ich könnte heuer 300
Mal spielen, wenn ich wollte. Aber das
will ich nicht mehr.
n Parov Stelar gastiert am 16. und 17. April
im Wiener Konzerthaus, am 25. Juni bei
Burg Hochosterwitz und am 30. Juli bei
Burg Clam.
| 23

Stinatzer Delikat
Nach seiner Bühnenpause vergangenen Herbst, die einem Burn-out
geschuldet war, meldet sich Thomas Stipsits nun gleich doppelt zurück:
Auf der Bühne gibt es „Stinatzer Delikatessen”, und in seinem mittlerweile
dritten Krimi nebst einer Leiche ganz viele Eier. TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
Das Örtchen Stinatz, im Südburgenland
gelegen, findet man freilich
auf der Landkarte, nur sucht
man es eher selten: Zwar stammen sowohl
Kabarettist Lukas Resetarits als auch Musiker
Kurt Ostbahn aus Stinatz, und S.T.S.
besangen es in „Fürstenfeld”, aber sonst ist
Stinatz ein 1.000-Seelendorf wie zahlreiche
andere in Österreich auch. Gänzlich anders
sieht es jedoch aus, wenn man Thomas
Stipsits – mit Stinatzer Wurzeln – als Reiseführer
hat, denn: Sowohl in seinem Bestof
„Stinatzer Delikatessen” als auch in seiner
Krimi-Reihe rund um Kommissar Sifkovits
wird die Reise in die burgenländische Beschaulichkeit
eine sehr aufregende.
Im „Eierkratz-Komplott” thematisierst
du am Rande das Thema „psychische Gesundheit”.
Nun hast du mit Mitte 20 bereits
eine Angsttherapie durchgemacht
und letztes Jahr wegen Burn-out pausiert.
Wie hast du den Umgang mit der psychischen
Erkrankung einst und heute
wahrgenommen? Mit 25 hatten meine Eltern
schon eine sehr feinfühlige Sensorik
zu erkennen, dass das nicht nur ein Schnupfen
ist. Damals war ich ja bei weitem noch
nicht so bekannt wie heute, deswegen haben
das auch wenig Leute von außerhalb mitbekommen.
Ich habe da nur gemerkt, dass
plötzlich auch Personen aus meinem privaten
Umfeld den Schritt nach außen gegangen
sind und gesagt haben, dass auch
sie an psychischen Problemen leiden und
sich nie darüber reden getraut haben, weil
sie sich sorgten, was dann die Leute über
einen sagen.
„Anderen geht es ja viel schlimmer als
dir.” Ja, das ist pures Gift. Der Vergleich
ist kein guter Begleiter, weil der nichts mit
meinem persönlichen Empfinden zu tun
hat. Aber ich habe schon das Gefühl, dass
sich das Thema zum Positiven gewendet
hat, Menschen immer mehr psychische
Probleme auch als Krankheit anerkennen.
Welche Hilfsmittel hast du für dich gefunden,
um diesem Strudel nicht erneut
zu verfallen? Ich gehe nach meiner Reha
weiter in Therapie. Die Angst werde ich
nie ganz ausschalten können, die ist ein
ständiger Begleiter. Angst kann auch etwas
Positives sein, uns vor Dingen schützen.
Da arbeiten Gehirn und Seele ja zusammen.
Das Kunststück ist, damit zu leben, damit
umzugehen, es als Teil von sich anzuerkennen,
der einen aber nicht aus der Bahn
wirft.
Nachdem dir damals das Burn-out live
auf der Bühne eingeschossen ist: War
dann die Angst bei deinen ersten Auftritten
danach ein besonders übergroßer Begleiter
– oder überwiegte die Freude, endlich
wieder auf der Bühne stehen zu können?
Beides. Es war schon ein großer Respektsmoment
und eine gewisse Unruhe
da, aber je öfter man über diesen einen
Punkt drüber geht und der Angst auch
ganz bewusst eine Absage erteilt, umso größer
wird dann auch wieder die Sicherheit.
Im „Eierkratz-Komplott” gibt es oft und
viele Eier zu essen. Eines deiner Tagesrituale
ist es, deinen Kindern Frühstück
zuzubereiten – am liebsten Eierspeise,
weil die ist die „beste der Welt”. Was
macht deine Eierspeise aus? Die viele Butter
(lacht). Mein Sohn mag sie außerdem mit
klein geschnittener Salami. Frischer Schnittlauch
obendrauf ist auch ein heißer Tipp!
Es schmeckt auch sehr gut, die Eierspeise
mit Kräuterbutter zu verfeinern – oder mit
Käse obendrauf.
Es ist dein dritter Stinatz-Krimi, langsam
könnte man also an eine Verfilmung denken:
Würdest du da selbst die Hauptrolle
übernehmen? Ja, klar! Es gibt tatsächlich
schon sehr konkrete Pläne für eine Verfilmung
von der „Kopftuch-Mafia”, die
nächstes Jahr im Spätsommer stattfinden
sollte. Die drei alten Damen möchten wir
tatsächlich im Südburgenland casten, weil
die Laientheater-Szene dort ohnehin so
groß ist. Da sind immer wieder Talente
dabei! Für mich ist wichtig, dass meine Geschichten
Authentizität haben, deswegen
muss auch an den Originalschauplätzen
gedreht werden.
Fotos: Ingo Pertramer, Ueberreuter Verlag
24 |

essen
Wie werden in Stinatz eigentlich deine
Krimis aufgenommen? Geteilt. Ich weiß
schon, dass nicht alle glücklich darüber
sind, und das hat mich anfangs schon ein
bisschen gekränkt, weil Stinatz an sich ja
schon eine positive Grundstimmung in
meinen Büchern hat.
Wenn sich Reisebusse voll mit Stipsits-,
Sifkovits- und Stinatz-Fans aus ganz
Österreich dorthin verirren: Auf welche
touristischen Eckpfeiler stößt man? Wo
soll ich beginnen (lacht)? Die Kirche ist
sehr interessant! Aber es gibt in Stinatz
auch die kleinste Galerie Europas, dort
hängt ein Bild. Und es gibt auch ein Heimatmuseum.
Aber die wahre Auszeichnung
ist, wenn man mit der Bevölkerung
dort ins Gespräch kommt – am besten in
den Stinatzer-Hof gehen, dort gibt’s auch
das Berlusconi-Brot, das man aus meinen
Krimis kennt. Die Kathrin, die Chefin,
freut sich sicher, wenn wer Auswärtiger
eines bestellen kommt.
Abgesehen vom Bombenanschlag 1995:
Ist in Stinatz eigentlich schon
einmal etwas Schlimmes
passiert? Die Beschaulichkeit
überwiegt.
INTERVIEW
& GEWINN
SPIEL
Wir verlosen drei Exemplare von
„Eierkratz-Komplott”! Das volle
Interview mit Thomas Stipsits finden
Sie online auf:
www.ticketmagazin.com
Ich könnte mich jetzt nicht an einen Mordfall
erinnern – es gab tragische Unfälle, das
schon. Man darf auch die Landflucht nicht
vergessen, von der auch Stinatz nicht verschont
ist: Unter der Woche ist es hier
schon sehr ruhig.
Was einige nicht wissen: Sowohl der Name
deines Kommissars als auch sein bevorzugtes
Getränk – der Käsepappeltee
– gehen auf dieselbe berühmte Person
zurück: Tauscht du dich mit Schiffkowitz
von S.T.S. künstlerisch aus? Er hat sich
beinah geehrt gefühlt, dass er Ideengeber
war. Dafür will er dann im Film aber auch
zumindest eine Nebenrolle haben
(lacht)! Aber ja, er ist jemand aus
der Branche, mit dem ich regelmäßig
in Kontakt stehe. Es
ist immer großartig, sich mit
alten Haudegen austauschen,
die bereits alles in der Branche
erlebt haben und für dich mit
ihrer reichen Erfahrung gewissermaßen
eine Vaterrolle einnehmen.
„Eierkratz-Komplott”
In seinem dritten Fall steht der „burgenländische Columbo” Sifkovits nicht
nur vor einem kniffligen, sondern vor allem auch sehr persönlichen Fall, denn:
In einer Leiche steckt das Eierkratzmesser seiner Mutter Baba!
Bisher erschienen sind „Kopftuchmafia” und „Uhudler-Verschwörung”, erster
soll im Spätsommer kommenden Jahres verfilmt werden!
Es ist jedoch nicht S.T.S., die im „Eierkratz-Komplott”
maßgeblich zur Lösung
des Falles beitragen, sondern Seiler
& Speer. Wie nah stehst du österreichischer
Musik? Seit der Pubertät bin ich
Fan von österreichischer Musik – Georg
Danzer war damals mein Erweckungserlebnis.
Ich war sehr traurig, als dann die
österreichische Dialektmusik später überall
totgeschwiegen wurde. Aber es gab da
ein paar Leute, die mir versichert haben,
dass das wiederkommt. Und siehe da,
dann kamen auf einmal Seiler & Speer,
Wanda, Bilderbuch oder auch Pizzera &
Jaus, Ina Regen, die 5/8erl in Ehr’n, Molden
und Voodoo Jürgens! Ich finde nach
wie vor, dass sich die österreichische Musik
vor internationaler Popmusik überhaupt
nicht verstecken muss: Wenn man in der
Runde sitzt und jemand eine Gitarre dabeihat,
kommt der „Großvater“ immer
noch besser als „Poker Face” von Lady
Gaga.
n Thomas Stipsits spielt seine „Stinatzer
Delikatessen” laufend in ganz Österreich.
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AUTOREN: COLIN ESCOTT & FLOYD MUTRUX • DEUTSCHE DIALOGE VON KLARA MARX • REGIE: WERNER AUER • GALLISSAS THEATERVERLAG UND MEDIAAGENTUR GMBH

© by BB Promotion GmbH
Musik:
Alan Menken
Texte:
Howard Ashman & Tim Rice
Buch:
Linda Woolverton
Originalregie: Robert Jess Roth
Regie: György Böhm
Die Übertragung des Aufführungsrechtes für Österreich erfolgte in Übereinkunft
mit Josef Weinberger Ltd. im Namen von Music Theatre International
29.06. - 10.07.22 · Oper Graz
www.die-schoene-und-das-biest-musical.at

DER PLATTENLÄSTERER
Die besten, größten und wundervollsten Alben der Musikgeschichte: nach fast einhelliger
Kritiker-Meinung sind sie in Stein gemeißelt. Aber sind sie das wirklich? Ich finde nicht.
Wie zum Beispiel „Dark Side of the Moon“ von Pink Floyd.
Ui. Da überspannt er den Bogen aber jetzt komplett, der Höller. Sakrileg! Gotteslästerei! Das heilige Opus
Magnum einer der größten Rockbands aller Zeiten! Welches seit gefühlten 175 Jahren in den Charts ist
und auf praktisch jeder Liste ganz oben logiert. Diese menschliche Großtat mit dem ikonischen Cover soll
überbewertet sein? Warum?
Nun, fangen wir mal gleich mit dem Cover an. Klar, das Design der britischen Design-Gurus Hipgnosis ist
genial, keine Frage. Daher kennt es auch jeder, und meint entsprechend auch die Musik zu kennen.
„Perception Bias” nennt man das in der Psychologie. Als wären auf dem Album alle Hits der Briten drauf.
Mitnichten. Schon mal das ganze Album durchgehört? Nüchtern, am Stück, vormittags? Und nicht bekifft
auf einer WG-Party? Eben. Denn dieser abgehobene Konzept-Trip würde bei einer anderen Band, zu einer
anderen Zeit, maximal als Ambient-Sampler durchgehen. Die Klassiker „Time“ und „Money“ mal ausgenommen,
wabert und jault es im Großen und Ganzen eher mehr anstrengend als erhebend dahin. Produktionstechnik
hin oder her, wenn ein Dreivierteljahr in den Abbey Road Studios gewerkt wird, kann
man das bei einem Output von knapp 45 Minuten voraussetzen. Time and Money eben, haha. Dass es
auch flotter und besser geht, zeigt nämlich der Nachfolger „Wish You Were Here“. Das ist mal ein Konzeptalbum,
aufgenommen in Gedenken an den leider völlig abgedrehten Floyd-Mitgründer Syd Barrett in
nur einem halben Jahr, da sind wahre Kunstwerke zu hören. Und mit dem Titeltrack einer der ergreifendsten
Rocksongs überhaupt. Nicht umsonst finden die Herren Wright und Gilmour, es wäre ihr bestes Album.
Case closed. Übrigens: es gibt keine dunkle Seite des Mondes, nur eine der Erde abgewandte ...
Journalist Markus Höller versus
Pink Floyd
GEWINNSPIELE
Die Gewinnspiele der aktuellen
Ausgabe finden Sie auf den
Seiten 12–13, 16–17, 21, 22–23
und 24–25.
Zu gewinnen gibt es:
• Tickets für The Rolling Stones
• Bücher von Monchi
• CDs von James Bond
• Tickets für Gewalt
• Vinyls von Parov Stelar
• Bücher von Thomas Stipsits
MUSTER
MUSTER
FREIKARTE
FÜR THE ROLLING STONES
IN WIEN
FREIKARTE
FÜR GEWALT IM APRIL UND
MAI IN GANZ ÖSTERREICH
Eine Teilnahme an den Gewinnspielen
ist möglich auf www.ticketmagazin.com
im Beitrag „!ticket Gewinnspiele April 2022“.
Hier finden Sie auch Informationen und
Teilnahmebedinungen zu unseren
Gewinnspielen und Datenschutz.
Einsendeschluss ist der 15. April 2022.
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Die nächste Ausgabe erscheint am 4. Mai.
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30 |
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