Festspielzeit Sommer 2024 -1

FESTSPIEL
ZEIT
DAS MAGAZIN DER
BREGENZER FESTSPIELE
AUSGABE 3 | BREGENZER FESTSPIELE 17. JULI – 18. AUGUST 2024
SCHAURIG-SCHÖNER
BÜHNENZAUBER
Alter Stoff, gut durchgelüftet:
Philipp Stölzls Der Freischütz
auf der Seebühne
DIE TÜCKEN DER
LEICHTIGKEIT
Warum »lustig« gar nicht
so leicht ist: Dirigent
Leo McFall im Interview
EINSAMKEIT TRIFFT
SPRACHLOSIGKEIT
Auf der Suche nach dem
Miteinander: Das Musiktheater
Unmögliche Verbindung

4
Schaurig-schöner
Bühnenzauber
Alter Stoff, gut durchgelüftet:
Philipp Stölzls Der Freischütz
auf der Seebühne
10
»Es ist spannend, wenn
man nicht weiß, ob man
lachen oder weinen soll«
Jan Philipp Gloger über seine
Ideen für die Oper im Festspielhaus
Tancredi
18
Der Festspielsommer
im Überblick
Der Spielplan der Bregenzer
Festspiele 2024
INHALT
14
Gedichte für die
»Wunderorgel«
Japanische Gedichte, für Chor
und Orchester vertont: Thomas
Larchers Love and the Fever
7
Von tierischen
Gefährten und
neuen Sofabezügen
Carl Maria von Weber – abseits
der großen Bühnen
20
»Realistische
Situationen
langweilen mich«
Skurrile Figuren und singende
Papageien: Josef Maria
Krasanovskys Mondmilch trinken
2

24
Laute Einsamkeit trifft
sprachlose Gesellschaft
Unmögliche Verbindung – von
Kommunikation in Situationen
emotionaler Überforderung
30
Die Tücken der
Leichtigkeit
Warum »lustig« gar nicht so
leicht ist: Dirigent Leo McFall
im Interview
Impressum
BREGENZER FESTSPIELE GMBH
Platz der Wiener Symphoniker 1
6900 Bregenz | Austria
T +43 5574 407-6
www.bregenzerfestspiele.com
Herausgeber Bregenzer Festspiele GmbH
Intendantin Elisabeth Sobotka
Redaktion Florian Amort, Babette Karner, Kathrin Grabher
Gestaltung moodley brand identity |
Bregenzer Festspiele – Kathrin Grabher
Druck Vorarlberger Verlagsanstalt GmbH
INHALT
Lektorat Thorsten Bayer Text
Tex te Kathrin Grabher (S. 4 ff.,) | Carl-Maria-von-Weber-
Gesamtausgabe / Kathrin Grabher (S. 7 l.) | Dallmayr (S. 7 r.) |
Ingrid Lughofer (S. 10 ff., S. 30 ff.) | Anselm Cybinski / red.
(S. 14 ff.) | Ö1 (S. 17 u.) | Elisabeth Merklein (S. 20 ff.) |
Florian Amort (S. 24 ff.) | Mercedes-Benz Österreich (S. 28) |
Ondřej Adámek / Florian Amort (S. 29)
Abbildungsnachweise Anja Köhler (Titelbild – Bühnenbild
Der Freischütz, S. 2 r. o., S. 4, S. 8, S. 32) | Eva Cerv (S. 2 l. o.) |
akg-images (S. 2 r. u.) | moodley brand identity (S. 2 r. m., S. 3 l. o.,
S. 3 r. u., S. 12) | shutterstock (S. 2 r. u., S. 22) | Guillaume Chauvin,
34
Kartenübersicht
Musica Strasbourg 2014 (S. 3 r. u., S. 29) | Lisa Mathis (S. 3 r. o.) |
Dietmar Mathis (S. 6, S. 16, S. 28) | Dallmayr (S. 7) | Konrad
Forster (S. 10) | Richard Haughton (S. 14) | Ö1 (S. 17) | Christian
Ariel Heredia (S. 21) | Theater KOSMOS (S. 23) | Christian Wiehle
(S. 24) | Adobe Stock (S. 26) | Benjamin Ealovega (S. 31)
29
Erfinderischer
Klangpionier
Kategorien und Preise
im Überblick
Erschienen im Juni 2024. Es gelten die AGB
sowie die Datenschutzerklärung der Bregenzer
Festspiele GmbH. Änderungen vorbehalten.
Wir möchten darauf hinweisen, dass uns alle
Geschlechter gleich wichtig sind, selbst wenn es
uns manchmal nicht gelingen sollte, dies auch
schriftlich auszudrücken.
Der Komponist Ondřej
Adámek im Porträt
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auch alle Ausgaben des Magazins »Festspielzeit«
zu finden sind.
bregenzerfestspiele
3

SPIEL AUF DEM SEE

SCHAURIG-SCHÖNER
BÜHNENZAUBER
GRUSELIG, ROMANTISCH UND INHALTLICH GUT
DURCHGELÜFTET INSZENIERT PHILIPP STÖLZL DIESEN SOMMER
SEINEN GANZ EIGENEN FREISCHÜTZ AUF DER SEEBÜHNE
DER FREISCHÜTZ
Eine winterliche, kahle Landschaft,
halb überschwemmt,
halb in Schnee und Eis erstarrt,
kalter Wind pfeift durch tote
Bäume. Auf den ersten Blick scheint
Philipp Stölzls Bühnenkonzept
für Carl Maria von Webers Oper
Der Freischütz so gar nicht das zu
transportieren, wofür die Bregenzer
Festspiele weltweit berühmt sind:
laue Sommerabende, riesige Bühnenbauten
und magische Operninszenierungen
im warmen Licht
der untergehenden Abendsonne.
Was hat es in Bregenz nicht
schon alles gegeben – spektakuläre
Riesenfüße, fantasievolle Drachenhunde,
eine Armee aus Terrakottakriegern,
zuletzt ein riesiges Blatt
Papier. Jeweils für zwei Jahre prägten
ikonisch gewordene Bühnenskulpturen
das Bodenseeufer
und wurden zu temporären Wahrzeichen
der Stadt.
Statt auf ein einzelnes Monument
zu setzen, entwarf Regisseur und
Bühnenbildner Philipp Stölzl ein
kleines Dorf als Schauplatz für
den Freischütz. Acht windschiefe
Häuser und ein schon halbversunkener
Kirchturm stehen dort
zwischen Geröll und Baumgerippen
auf einem schneebedeckten Hügel.
Ein Spiel mit der Perspektive lässt
die Ortschaft bis weit in den See
hinausragen. Dem Hügel vorgelagert
liegt ein dunkler, gespenstischer
Sumpf. Über allem schwebt
der bleiche Mond.
EMOTIONEN OHNE UMWEGE
Mit dem Freischütz versetzen die
Bregenzer Festspiele ihr Publikum
zurück in die Zeit vor rund 380
Jahren, als auch am Bodensee der
Dreißigjährige Krieg tobte und
Bregenz, Lindau und Konstanz
Schlachtschiffe vom Stapel ließen,
um sich der Eroberung durch die
Schweden zu erwehren.
Die Kriegsjahre gehören im maroden
Kulissendorf auf dem Hügel
zwar der Vergangenheit an, doch
sie haben bei den Einwohner:innen
Spuren hinterlassen. Viele Gebäude
wurden zudem durch eine Flutkatastrophe
zerstört. »Dies Dorf ist ein
verfluchter Ort! Wer gehen kann,
ging längst schon fort«, heißt es
im Prolog der Dialogfassung, die
Jan Dvořák nach dem Konzept von
Philipp Stölzl eigens für Bregenz
geschaffen hat. Stölzls Ziel ist es,
die neuen Texte mit der Musik und
der Bühne zu einem ganz eigenen
Freischütz zu verschmelzen, der das
heutige Publikum in Bann zieht und
zugänglicher ist als die Originalversion
von 1821 mit ihren langen
Biedermeier-Dialogen und ewig wartenden,
dramatisch wenig geformten
Frauenfiguren. Dafür zieht der
gebürtige Münchner alle Register.
»Wir sind so richtig mit dem
Eisenbesen hingegangen«, erklärt
Stölzl, »und erzählen die Figuren
ganz neu und hoffentlich sehr
heutig.« Damit steht er im Einklang
mit der Opernpraxis des 19. Jahrhunderts,
die Bühnenwerke stets
den aktuellen Produktionsbedingungen
und Rezeptionshaltungen
anpasste. Klar und nachvollziehbar
soll es sein. Modern, aber dennoch
märchenhaft. »Es ist, wie wenn man
ein Haus entkernt. Man muss an die
Substanz ran, ohne dass die Fassade
zusammenfällt.« In zahlreichen
Arbeitsstunden wurde die neue
Dialogfassung immer wieder angepasst
und perfekt auf die szenische
Umsetzung abgestimmt.
Auch das Bühnenbild, das bis an
die erste Reihe der Tribüne heranreicht,
soll ein intensives Opernerlebnis
vermitteln. »Dadurch
zieht es das Publikum richtig in die
Geschichte hinein. Man bekommt
das Gefühl, mit den Leuten aus dem
5

SPIEL AUF DEM SEE
Der Architekt des Freischütz-Dorfs: Philipp Stölzl beim Bühnen-Richtfest im April.
SPIEL AUF DEM SEE
DER FREISCHÜTZ
Carl Maria von Weber
Dorf gemeinsam in diesem schrecklichen
Sumpf zu sitzen«, so Stölzl.
Der »schreckliche Sumpf« ist ein
künstliches, schwarz verkleidetes
Wasserbecken, das dank ausgefeilter
Bühnentechnik nach Bedarf
blubbern, leuchten und rauchen
kann. Etwa 1.400 Quadratmeter
misst der Tümpel und ist mit rund
500.000 Liter Seewasser gefüllt –
viel Platz, um schauerliche Überraschungen
darin zu verbergen …
Vor allem in der Wolfsschlucht-
Szene wird es »ganz viel Bühnenzauber«
geben, verrät Stölzl. Das
Libretto – im Original und in der
Bregenzer Fassung – sieht für die
verwunschene Schlucht jede Menge
gespenstische Visionen und Irrlichter
vor, die den Erbförsterei-Anwärter
Max beim Gießen der Freikugeln
in Angst und Schrecken versetzen.
Doch das Stück soll dem Publikum
nicht nur durch Mark und Bein
gehen, sondern auch ins Herz.
Wie zum Aufatmen blitzen zwischen
all dem Dunkel auch Momente der
Hoffnung und Romantik durch –
denn letztlich bewegt ein nobler
Grund Max dazu, den Pakt mit dem
Teufel zu schließen: seine Liebe
zu Agathe. Die wiederum träumt mit
ihrer Freundin Ännchen von einem
besseren Leben – vielleicht auch
anderswo, weit weg von patriarchalen
Traditionen. Besonders die zwei
Frauenfiguren hat Stölzl in seiner
Fassung ordentlich »entstaubt«.
»DAS GANZE FÜLLHORN
DES THEATERS«
Fürchten muss sich vor dem Schauermärchen
also niemand. Und der
Zauber der Seebühne wird auch in
diesem Jahr seine Wirkung nicht
verfehlen, ist Stölzl überzeugt:
»Ich glaube, mit den gesprochenen
Dialogen, kinohaften Toneffekten
und was wir sonst noch alles haben,
wird der Freischütz ein ganz toller,
mitreißender Abend. Wir erkunden
etwas Neues in diesem Sommer.
Das Schöne an der Seebühne ist,
dass sie eben mit allem arbeitet:
Man braucht tolle Figuren, ein tolles
Spiel, es muss irre gut musiziert
und gesungen sein, du willst aber
auch ein tolles Licht haben, tolle
Kostüme, es soll brennen und
dampfen … das ganze Füllhorn des
Theaters soll sich hier auftun.«
Musikalische Leitung
Enrique Mazzola, Erina Yashima
Insze nie rung | Bühne Philipp Stölzl
Kostüme Gesine Völlm
Wired Aerial Theatre
Bregenzer Festspielchor
Prager Philharmonischer Chor
Wiener Symphoniker
PREMIERE
17. Juli 2024 – 21.15 Uhr
Seebühne | Festspielhaus,
Großer Saal
WEITERE VORSTELLUNGEN
Die Spieltermine finden Sie
in der Heftmitte.
DER PODCAST DER
BREGENZER FESTSPIELE
HÖR-SPIELE
Regisseur und Bühnenbildner
Philipp Stölzl über seine
Faszination für Bregenz und
seine Ideen für den Freischütz.
6

CARL MARIA VON WEBER –
ABSEITS DER GROSSEN BÜHNEN
VON TIERISCHEN GEFÄHRTEN
UND NEUEN SOFABEZÜGEN
Kaffee trifft
immer
Ein Enthusiasmus wie er hier
fast nie erlebt ist, begleitete
die erste Vorstellung. […]
Ich am Ende herausgerufen mit
Blumen, Lorbeerkränzen und Gedichten
überschüttet. [...] Der Aufführung
kann ich übrigens nicht
dankbar genug sein. Die Liebe mit
der Alle spielten und sangen war
sichtbar.« So berichtete Carl Maria
von Weber seinem »lieben Freund«
Gottlob Rothe am 21. Juni 1821 in
einem Brief vom großen Erfolg
seines Freischütz.
Nicht nur in Berufliches, auch
in sein Privatleben gewähren
Webers Briefe und Tagebücher
tiefe Einblicke. Er schreibt ausführlich
über Reisen, Treffen mit
Kollegen und Freund:innen, über
Konzertbesuche und gesundheitliches
Wohlbefinden. Auch Einnahmen
und Ausgaben hält Weber
in seinem Journal fest – Reparaturkosten
für einen Regenschirm, Ausgaben
für »Zukker und Zitronen«,
zwölf Groschen für einen neuen
Sofabezug. Am 20. Oktober 1820
notiert er kurz: »Nach Altona
gefahren. Affen gekauft«.
TIERISCHE MENAGERIE
Die Haustiere der Familie Weber
tauchen immer wieder in Schriftstücken
auf, lassen namentlich
Grüße ausrichten oder werden
gegrüßt. Seine » Liebhaberei für
alles Lebende« überlieferte auch
Webers Sohn Max Maria. So sei
Weber immer wieder verleitet
gewesen, »auf dem Lande noch
mehrere Thiere anzuschaffen, von
denen er sich dann in der Stadt
nicht mehr trennen mochte und
die dort zur wahren Plage der
Hausfrau wurden.« So hatten die
Webers eine Katze, eine Hündin
und mehrere Vögel. Mit seinen
Pferden Hans und Grete, in Briefen
oft »die Hottos« genannt,
konnte Weber einige seiner
zahlreichen Reisen mit eigenem
Gespann bestreiten. Der in Hamburg
erstandene Affe »Schnuff«
blieb allerdings nur wenige Jahre
in der Familie. An ihn erinnert
ein Gedenkstein an der Kirchenmauer
der Kirche Maria am Wasser
in Hosterwitz/Dresden mit
der Aufschrift: »Schnuff Weber.
Ein Freund aus der Neuen Welt.«
EIN LEBEN ZUM NACHLESEN
Vom 26. Februar 1810 bis zum
3. Juni 1826 – unmittelbar vor
seinem Tod – führte Carl Maria
von Weber akribisch Tagebuch
und verfasste in dieser Zeit nahezu
6.000 Briefe. Dieser Nachlass
wird im laufenden Projekt
»Carl-Maria-von-Weber-Gesamtausgabe«
untersucht, eingeordnet,
verknüpft und laufend
publiziert. Das Projekt ist von
der Akademie der Wissenschaften
und der Literatur in Mainz
gefördert und hat das Ziel, den
gesamten schriftlichen Nachlass
des Komponisten bis zu dessen
200. Todestag 2026 in einer
Gesamtausgabe vorzulegen.
Wer darin schmökern und mehr
über Carl Maria von Weber erfahren
möchte, findet die Ausgabe
online direkt über den QR-Code.
Zauber, Geister und Magie:
1821 brachte Der Freischütz
Carl Maria von Weber den
Durchbruch. Endlich war Schluss
mit der ständigen Suche nach lukrativen
Jobs, mit all den Geldnöten
und einem undankbaren Publikum.
Sein Werk wurde als Nationaloper
bejubelt und mischte die Opernwelt,
die damals von Italien dominiert
wurde, gehörig auf. Als prägende
Figur der Romantik schrieb der
Komponist Musikgeschichte ... und
außerdem unzählige Briefe an seine
Frau Caroline, sein »vielgeliebtes
Muks«. In einem davon berichtet
er voller Freude, dass sie zur Hochzeit
von Jacob Hertz Beer – einem
Zuckerfabrikanten und Mäzen –
104 Pfund Kaffee sowie 108 Pfund
Zucker geschenkt bekämen, ein
Vorrat für etwa zwei Jahre.
Vielleicht beflügelte genau dieser
Kaffee Carl Maria von Weber bei
der Komposition seines grandiosen
Hauptwerks? Sicher ist, dass das
Glück oft im Kleinen zu finden ist:
ein liebevolles Wort, schöne Musik
und eine gute Tasse Kaffee.
Dallmayr wünscht Ihnen viel Genuss
und eine wunderbare Festspielzeit!
DER FREISCHÜTZ | PARTNER
7

Blick in die
Trickkiste
INHALT
Während Kaspar und Max
im Freischütz für die
Herstellung der sieben
Freikugeln mit schwarzer Magie,
zerbrochenen Kirchenfenstern und
Quecksilber hantieren, nutzten Techniker:innen
für den Bau des Bühnenbilds
weitaus handfestere Materialien:
Mit Stahl, Holz, Mörtel und Fassadenputz
zauberten sie in monatelanger
Arbeit ein Stück immerwährenden
Winter an das Bregenzer Bodenseeufer.
Mit allerlei technischen Kabinettstücken,
versteckten Lautsprechern,
Licht- und Feuereffekten wird
das verschneite Dorf im Sommer zum
Auftrittsort für rund 80 Sänger:innen,
Stuntleute, Tänzer:innen und
Statist:innen.
Wer sich schon immer einmal gefragt
hat, wie das große Zusammenspiel
aus Kunst und Technik auf der
Seebühne funktioniert, kann das bei
einer Führung hinter die Kulissen
herausfinden. Die Bregenzer Festspiele
nehmen Interessierte mit auf
eine spannende Reise ins Innere des
Theaterbetriebs, lüften Geheimnisse
der Inszenierung und bieten die
Möglichkeit, selbst einmal die größte
Seebühne der Welt zu betreten.
Bis zum 16. Juli finden Führungen
jeden Montag, Mittwoch und Freitag
um 16.00 Uhr statt, vom 18. Juli bis
18. August täglich zwischen 10.30 und
15.30 Uhr im Stundentakt. Wichtig:
Zum Schutz der Bühnenoberfläche
und zur eigenen Sicherheit darf die
Seebühne nur mit festen Schuhen
ohne Absätze betreten werden.
8

Gute Unterhaltung wünschen die Hauptsponsoren
INHALT

OPER IM FESTSPIELHAUS
»ES IST IMMER SPANNEND,
WENN MAN NICHT WEISS, OB MAN
LACHEN ODER WEINEN SOLL«

Jan Philipp Gloger, Regisseur und zukünftiger Intendant des
Wiener Volkstheaters, kommt eigentlich vom Schauspiel. Und doch kann
er die Finger nicht von der Oper lassen, wie er selbst sagt. Was ihn daran fasziniert,
warum er in Tancredi Kreuzritter durch Drogenbosse ersetzt und was er sich
sonst noch für die Oper im Festspielhaus überlegt hat, erzählt er im Interview.
Herr Gloger, Sie sind derzeit
Schauspieldirektor in Nürnberg,
werden aber bald in
Österreich leben?
Jan Philipp Gloger: Ja, die Leitung
des Wiener Volkstheaters wird meine
erste Intendanz sein. Ein Haus
als Gesamtereignis gestalten zu
dürfen, ist für mich eine große Freude.
Dass ich das noch dazu in der
sensationellen Musik- und Theaterstadt
Wien machen darf, freut mich
ganz besonders.
Sie sind Anfang 40 und inszenieren
sowohl im Schauspiel- als auch im
Opernbereich an den besten Häusern,
unter anderem in Amsterdam,
Hamburg, London, Zürich, Dresden
und Bayreuth. In Ihrer neuen Wahlheimat
waren Sie schon am Burgtheater
und an der Volksoper tätig.
Was ist Ihr Erfolgsgeheimnis?
Ich habe eine große Liebe zu den
Werken, eine Offenheit ihnen
gegenüber. Das Werk spricht zu dir
und nicht du zu den Werken. Ich
möchte mit grandiosen Stücken,
mit grandiosen Komponist:innen
und Autor:innen über unsere Welt
nachdenken und das Eigene im
Fremden finden. Uns und unsere
Gegenwart kann man ebenso mit
eigenen Kreationen wie mit den
Werken des Repertoires befragen
und öffnen. Dabei geht es mir
nicht um Stil, sondern um Inhalte
und Erzählweisen.
Wie bereiten Sie sich auf die unterschiedlichen
Genres vor?
Bei der Oper muss man wissen,
warum man sie erzählen will.
Der Vorlauf ist länger, da gilt es,
früh konzeptionelle Entscheidungen
zu treffen. Im Schauspiel bin
ich nicht so sehr konzept-, sondern
eher besetzungszentriert, denn
jede:r Schauspieler:in macht aus
einer Rolle etwas anderes. Da muss
ich immer bereit sein, meinen Plan
zu verwerfen. In der Oper liebe ich
es, nicht alleinverantwortlich zu
sein und im Dialog mit der musikalischen
Leitung zu stehen. Deswegen
kann ich die Finger nicht von der
Oper lassen, auch wenn meine Herkunft
im Schauspiel liegt. Allerdings
war es einmal mein Berufswunsch,
Musiker zu werden. Ich habe früher
viel Musik gemacht und spiele heute
noch hobbymäßig Klavier. In der
Oper kommen die Liebe zur Musik
und zum Schauspiel zusammen.
Bei den Bregenzer Festspielen inszenieren
Sie die Oper im Festspielhaus:
Tancredi, Giaochino Rossinis erste
Opera seria. Kurz zusammengefasst
geht es darin um zwei Adelsfamilien
im Clinch, dazu noch Angriffe von
außen und mittendrin eine junge
Frau, die aus Friedensgründen verheiratet
werden soll, deren Herz
aber bereits vergeben ist. In dieser
Oper mit ihrem, lassen Sie es mich so
formulieren, unglücklich geratenen
Libretto handeln Kreuzritter und
muslimische Sarazenen. Wie gelingt
es Ihnen, diese Geschichte für uns
heute packend zu erzählen?
Wir verlegen den Schauplatz in
ein nicht klar definiertes Land, in
dem Drogenkartelle wüten und
sich rivalisierende kriminelle Clans
bekriegen. Grob assoziieren wir damit
Südamerika, wobei es natürlich
um ein rein theatrales Setting geht,
das uns in eine andere Welt zieht
und die im Stück vorkommenden
Konflikte und Energien greifbar
wie dringlich macht. Bei uns sieht
man nicht zwei Akte lang im Spalier
stehende Ritter, sondern man erlebt
eine spannungsvolle Geschichte, die
Identifikationspotenzial hat.
Der Bühnenbildner Ben Baur
hat eine Villa nachgebaut, den Sitz
eines Drogenbosses – in unserem
Fall ist das Argirio, der Vater von
Amenaide. Sein Clan stellt die
vornehmeren Edelgangster dar,
die sich mit den Orbazzanen, einer
noch brutaleren, paramilitärisch
agierenden Schlägertruppe, zusammentun
müssen. Es gibt nämlich im
Stück einen gemeinsamen Feind,
eine Bedrohung von außen, das
sind die Sarazenen – bei uns die
Polizei. Diese Zwangsgemeinschaft
der verfeindeten Männergruppen
entwickelt Sprengpotential.
Bitte keinen Tarantino-Film erwarten,
aber in seinen Filmen
schwingt bei aller Brutalität und
Tragik ein bisschen Komik mit.
TANCREDI
11

OPER IM FESTSPIELHAUS
»Man kommt an diesem Abend mit
einer Frage in Berührung, die uns
alle beschäftigen sollte: Wie gehen wir
mit der Vielfalt der Menschen
in unserer Gesellschaft um?«
JAN PHILIPP GLOGER
12

Die Komik hat mit sozialen Rollenspielen
zu tun, die sich in dieser
von Narzissmus und von toxischer
Männlichkeit aufgeladenen Welt
ereignen. Lächerlich und gefährlich
kann man gleichzeitig sein.
Das bildet Justina Klimczyk mit
großer Lust in ihren Kostümen ab.
Abgesehen davon ist alles das
Setting für eine berührende und
tragische Liebesgeschichte.
Zwischen Amenaide und Tancredi.
Tancredi ist eigentlich ein Mann,
der aber als Hosenrolle schon bei
der Uraufführung von einer Frau
gesungen wurde. Bei der Konzeption
der Inszenierung haben wir
uns gefragt, wie wir diese Beziehung
brisant und für heute relevant erzählen
können: als queere Liebesgeschichte
zwischen zwei Frauen
in einer von Drogen und Gewalt
geprägten Welt. Deshalb ist
Tancredi bei uns eine Frau, und
wir gehen davon aus, dass sich
Amenaide und Tancredi in dieser
männlichen, katholischen, restriktiven
Welt ineinander verliebt
haben. Tancredi verkleidet sich
als Kämpfer, um in der Männerwelt
überhaupt agieren zu können.
Eigentlich ist sie aber die heimliche
Geliebte einer Gangstertochter.
Diese Erzählweise macht verständlich,
warum Tancredi so verletzlich
und dünnhäutig ist und so
schnell durch einen behaupteten
Brief eine Eifersuchtssituation
entsteht. Eine Frau, die sich ständig
verstecken muss, die ihre Sexualität
nicht ausleben kann, aber voller
Aktivismus ist, die reibt sich auf in
dieser Welt.
Tancredi macht im Lauf der Oper
also eine Entwicklung durch. Und die
anderen Personen?
Keine Figur verlässt die Bühne so,
wie sie gekommen ist. Wenn man
sieht, wie eine dramatische Handlung
Menschen verändern kann,
ist Theater spannend. Für mich
zählt vor allem das, was zwischen
den Figuren passiert.
Und der aktuelle Ansatz ist
klar erkennbar.
Ja, Queerfeindlichkeit ist bei uns
leider noch vorhanden. Deshalb
kommt man an diesem Abend in
Berührung mit einer dringlichen
Frage, die uns beschäftigen sollte:
Wie gehen wir mit der Vielfalt der
Menschen in unserer Gesellschaft
um – und sind wir wirklich so weit
weg von diesen grobschlächtig und
heißblütig agierenden, in ihren eigenen
Machtstrukturen gefangenen
Menschen?
Haben Sie für dieses stimmige Regiekonzept
musikalisch viel verändert?
Wir haben manche Rezitative gekürzt
beziehungsweise gestrichen,
in die musikalischen Nummern
allerdings kaum eingegriffen. Ich
möchte auf keinen Fall das Werk
zurechtbiegen, um eine eigene
Geschichte zu erzählen, sondern ich
möchte versuchen, eine Geschichte
zu finden, die das Werk öffnet und
ihm Dringlichkeit verleiht.
Wie sehen Sie den Bogen zwischen
Rossinis wunderbarer Belcanto-
Musik und dem tragischen Inhalt
der Oper?
Ich liebe das Spannungsverhältnis
zwischen Leichtigkeit und Tragik,
deshalb bin ich ein großer Fan
von Wolfgang Amadeus Mozart
und Richard Strauss. Das ungebrochen
Tragische ist mir meistens
etwas suspekt. In dieser Tancredi-
Inszenierung darf man, wie gesagt,
schmunzeln. Die Menschen und
ihre Welt, die wir abbilden, haben
etwas Selbstdarstellerisches und
Blumig-Theatrales, was in der Musik
seine Entsprechung findet und
sich gleichzeitig mit der Härte der
Handlung reibt. Es geht mir darum,
Tragik und Komik kollidieren zu lassen.
Es ist immer spannend, wenn
man nicht weiß, ob man lachen oder
weinen soll und einem im besten
Fall manchmal das Lachen im Hals
stecken bleibt.
OPER IM FESTSPIELHAUS
TANCREDI
Gioachino Rossini
Musikalische Leitung
Yi-Chen Lin
Insze nie rung Jan Philipp Gloger
Bühne Ben Baur
Kostüme Justina Klimczyk
Stunt-Factory
Prager Philharmonischer Chor
Wiener Symphoniker
PREMIERE
18. Juli 2024 – 19.30 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
21. Juli – 11.00 Uhr
29. Juli – 19.30 Uhr
Festspielhaus | Großer Saal
TANCREDI
13

ORCHESTERKONZERTE
SEINE OPER DAS JAGDGEWEHR WURDE 2018 BEI DEN BREGENZER
FESTSPIELEN IN DER REGIE VON KARL MARKOVICS URAUFGEFÜHRT,
NUN IST ERNEUT EIN WERK DES TIROLER KOMPONISTEN
THOMAS LARCHER IN BREGENZ ZU ERLEBEN: LOVE AND THE FEVER,
EINE VERTONUNG VON GEDICHTEN DES JAPANERS MIJAZAWA
KENJI – UND EINE MEDITATION ÜBER DAS DASEIN UND DEN TOD.
14

GEDICHTE FÜR DIE
»WUNDERORGEL«
Herr Larcher, Ihr neues Werk
für Chor und Orchester
Love and the Fever wurde
am 10. März 2024 im Gewandhaus
Leipzig uraufgeführt. Im August ist
es als Österreich-Premiere bei den
Bregenzer Festspielen zu erleben,
am Pult steht der Chefdirigent der
Wiener Symphoniker, Petr Popelka.
Was erwartet das Publikum, was ist
Love and the Fever für ein Werk?
Thomas Larcher: Ich vertone Gedichte
des Japaners Mijazawa Kenji.
Aufgrund des inhaltlichen Bogens
vom ersten bis zum achten und
letzten Gedicht könnte man wahrscheinlich
von einer Art Requiem
sprechen – im Sinne einer Meditation
über das Dasein und den Tod.
Das bestimmende Thema ist die
Krankheit des Dichters und seiner
Schwester. In »The Morning of Last
Farewell« wendet sich der Dichter
ganz direkt an seine Schwester, die
mit Tuberkulose im Sterben liegt.
Er saust aus ihrem stickigen Zimmer
nach draußen und holt ihr zur
Kühlung Schnee von den Bäumen.
Kenji selbst ist 1933, mit nur 37
Jahren, an der gleichen Krankheit
gestorben. »My Heart Now« bezieht
sich auf sein eigenes Schicksal, in
»Love and the Fever « erscheinen
die Krankheiten von Bruder und
Schwester ineinander gespiegelt.
Die Gedichte entstammen einem
Band mit Übertragungen ins Englische
von Roger Pulvers. Wie haben
Sie Ihre Auswahl getroffen?
Kenji trug immer Notizbücher bei
sich, und während er seine recht bekannten
Kurzgeschichten, die eine
stärker pädagogische Note haben,
offenbar mehr für die Öffentlichkeit
bestimmte, ist seine Lyrik radikal
persönlich. Neben den Krankheitsund
Todesgedichten stehen starke,
leuchtende Naturgedichte. Oft ist
die Natur darin wild und rau. Meine
Auswahl hat sich so ergeben, dass
die ersten fünf Gedichte kürzer
sind, quasi stroboskopartig aufblitzen,
während Nr. 6 und 7 mit ihren
Textmengen große Bögen spannen.
Welche spezifischen Herausforderungen
stellt dieses Projekt an einen
Komponisten, der gerne mit extremen
Ausdruckskontrasten arbeitet?
Die Texte sind sehr lyrisch und
sprechen stark aus einer Innenschau
heraus, das wirkt sich auf
die expressive Gestaltung aus.
Andererseits konnte ich bei der
Komposition von einem stark
besetzten Chor ausgehen, der sich
gut mit dem Orchester kombinieren
lässt. Mir gefiel der Gedanke,
WIENER SYMPHONIKER
15

ORCHESTERKONZERTE
Zusammen mit Werken von Carl Maria von Weber und Robert Schumann bringen
die Wiener Symphoniker Thomas Larchers Love and the Fever ins Festspielhaus.
So entsteht ein ganz anderer Beleuchtungskontext
als bei einer
einzelnen Stimme. Bei der Entstehung
dieses Werks sind viele
Aspekte zusammengekommen,
die alle ihren Einfluss darauf
genommen haben. Zum einen ging
es darum, eine Chorpartitur zu
schreiben, die nicht nur für einen
Profichor umsetzbar ist, sondern
so mit der tonalen Tradition verbunden
ist, dass auch ein sehr guter
Laienchor sie realisieren kann.
Gleichzeitig wünschte sich der
MDR ein großes Stück von entsprechendem
Umfang.
Während Sie die technischen Ansprüche
an den Chor also bewusst
begrenzt haben, verfügt das Orchester
über alle auch sonst in Ihren
symphonischen Werken vorkommenden
Mittel?
dass alles aus dem Chor kommt und
nicht noch eine dritte Ebene von
Solist:innen dagegengestellt wird.
Den Chor als Klangkörper empfinde
ich grundsätzlich als so ausdrucksreich
und charakteristisch, dass er
keine pathetisch-heroische Überhöhung
braucht.
Wie sind Sie überhaupt auf Mijazawa
Kenji gekommen, diesen Dichter,
der in Japan eine Art Kultfigur ist,
hierzulande aber eigentlich kaum
rezipiert wird?
Es gibt tatsächlich ein paar deutschsprachige
Autoren, die sich auf
Kenjis berühmtestes Gedicht
»Strong in the Rain« bezogen
haben, daher wusste ich davon.
Ich selbst hatte insbesondere
mit diesem Gedicht stets meine
Probleme, weil es einen so starken
moralischen Imperativ formuliert
und unbedingte Genügsamkeit
und Anspruchslosigkeit fordert.
Ich fand das doch sehr streng und
rigide. Auf der anderen Seite hat
Kenji aber auch etwas Zwingendes
in seiner wirklich allumfassenden
Akzeptanz der Natur. Er ist sogar
von ihrer Brutalität fasziniert.
Und er ist ganz rücksichtslos auch
sich selbst gegenüber. Viele seiner
Gedichte aus den 1920er-Jahren
stehen im Zusammenhang mit seiner
Tätigkeit als Landwirtschaftsingenieur.
Auf den japanischen
Nordinseln wollte Kenji mit neuen
Technologien gegen die häufigen
Hungersnöte ankämpfen, was durch
Stürme und harte Winter jedoch
oft vereitelt wurde. Er spielte Cello
und war überhaupt ein Bewunderer
westlicher Kultur und Technik.
Gleichzeitig aber war er ein recht
fanatischer Anhänger der strengen
Nichiren-Schule des Buddhismus.
Ich denke, er muss ein kompletter
Außenseiter gewesen sein.
Chor und Orchester: Haben Sie bei
dieser Besetzung eher oratorische
oder symphonische Assoziationen?
Oder ist Love and the Fever am Ende
vielleicht ein Liederzyklus?
Genau wie ein Orchester die tausendfache
Auffächerung von etwas
Mikroskopischem darstellen kann,
so kann auch der Chor ein lyrisches
Ich ausdifferenzieren und derart
vergrößern, dass ein:e Zuhörer:in
es deutlicher vor sich sieht.
16
Ja. Bei der Verwendung von Stimme
ist mir wichtig, dass die Ausführenden
die Fakturen durchhören können
und sich beim Singen wohlfühlen.
Ich möchte Freiräume anbieten,
in denen sie ihre eigene Musikalität
einbringen können und nicht bis zur
letzten Probe mit der rhythmischen
Genauigkeit und der technischen
Umsetzung der Partitur beschäftigt
sind. Auch mit Blick aufs Orchester
bin ich zunehmend auf der Suche
nach einer Notation , die den Musiker:innen
echte Gestaltungsmöglichkeiten
eröffnet.
Vielleicht mögen Sie ein Wort sagen
zur speziellen Form der Tonmalerei
in Ihren Vertonungen? Alle vermeintlich
physikalischen Vorgänge, sei
es Tau, der von einem Baum tropft,
das Singen der Vögel oder das Brausen
eines Blizzards sind doch immer
auch innere Geschehnisse ...
Als Komponist stand ich eigentlich
immer ein bisschen im Bann der
Forderung Arnold Schönbergs,
quasi »gegen« den Text zu komponieren.
Demnach solle die Musik den
Text also gerade nicht illustrieren,
sondern eine Übereinstimmung

auf einer mehr geistigen Ebene
anstreben. Deshalb war es mir stets
wichtig, dass es eine Vielzahl von
Textbehandlungen gibt – abseits
einer Tonmalerei. Aber natürlich
gibt es auch in Love and the Fever
direkte Entsprechungen zwischen
Wort und Musik. Für die Vertonung
von »Strong in the Rain« mit seiner
stark spirituellen Dimension war
das allerdings keine Option mehr.
Ich konnte hier auf Material aus
meinem früheren Doppelkonzert
zurückgreifen, das ich 2023 für
den ersten Satz meines fünften
Streichquartetts weiter ausgearbeitet
hatte. Ich habe dabei eine
Art Parodieverfahren im Stile
Bachs verwendet: Die Musik aus
dem Quartett passte nicht nur
frappierend exakt auf den Text des
berühmten Kenji-Gedichts,
sie transportiert auch wirklich
das, was ich hier brauchte.
Das Besondere an Ihrer Musik ist
vielleicht auch, dass Sie wirklich
existenzielle Nöte thematisieren,
dass Sie dies aber nicht mit betont
rauem, geräuschartigem Material
tun, sondern expressiv aufgeladene,
eher kommunikative Mittel wählen.
Ja, früher habe ich tatsächlich
sehr stark auf Kontraste gesetzt.
Hier laut, hart dissonant, dort leise,
weich, a-Moll. Inzwischen interessieren
mich die Übergänge zwischen
den Polen immer mehr – die Art, wie
sich Energien steigern oder auch
wieder abbauen lassen. In dieser
Hinsicht ist das Orchester ja wirklich
eine Wunderorgel!
WIENER SYMPHONIKER
Dirigent Petr Popelka
Prager Philharmonischer Chor
Carl Maria von Weber Ouvertüre
zur Oper Euryanthe
Robert Schumann Symphonie Nr. 3
(»Rheinische«) Es-Dur, op. 97
Thomas Larcher Love and the Fever
für Chor und Orchester nach acht
Gedichten von Miyazawa Kenji
5. August – 19.30 Uhr
Auftragswerk des Mitteldeutschen
Rundfunks, der Bregenzer Festspiele,
der Filharmonie Brno und der NTR
ZaterdagMatinee
Die Orchesterkonzerte werden
präsentiert von
WIENER SYMPHONIKER | PARTNER
Ö1 – DER FESTSPIELSENDER
Von Oper bis Jazz, vom
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Aufführungspraxis. Mehr als
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von Ö1, darunter Konzertmitschnitte
und zwei Opernübertragungen
von den Bregenzer Festspielen.
Am 18. Juli um 19.30 Uhr bringt Ö1
Gioachino Rossinis Tancredi live
aus dem Festspielhaus Bregenz,
mit den Wiener Symphonikern,
Dirigentin Yi-Chen Lin und dem
Prager Philharmonischen Chor.
Ondřej Adámeks Oper Unmögliche
Verbindung, ein Auftragswerk
der Bregenzer Festspiele und des
Ensemble Modern, können Sie am
27. Juli um 20.00 Uhr in Ö1 hören.
Eine Übersicht aller Übertragungen
finden Sie unter oe1.ORF.at.
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17

DER FESTSPIELSOMMER
IM ÜBERBLICK
SPIEL AUF DEM SEE
WERKSTATTBÜHNE
SPIELPLAN 2024
DER FREISCHÜTZ
Carl Maria von Weber
Musikalische Leitung Enrique Mazzola, Erina Yashima
Inszenierung | Bühne Philipp Stölzl
17., 19., 20., 21., 23., 24., 25., 26., 27., 28.,
30., 31. Juli – 21.15 Uhr
1., 2., 3., 4., 6., 7., 8., 9., 10., 11., 13., 14., 15.,
16., 17., 18. August – 21.00 Uhr
OPER IM FESTSPIELHAUS
TANCREDI
Gioachino Rossini
Musikalische Leitung Yi-Chen Lin
Inszenierung Jan Philipp Gloger
18., 29. Juli – 19.30 Uhr
21. Juli – 11.00 Uhr
THEATER AM KORNMARKT
FRANUI ZU GAST
HOTEL SAVOY
Musicbanda Franui
Musikalische Leitung Andreas Schett
Inszenierung Corinna von Rad
21., 23., 24. Juli – 19.30 Uhr
OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
DER EHEVERTRAG
Gioachino Rossini
GIANNI SCHICCHI
Giacomo Puccini
Musikalische Leitung Leo McFall
Inszenierung Brigitte Fassbaender
12., 14., 16., 17. August – 19.30 Uhr
UNMÖGLICHE VERBINDUNG
Ondřej Adámek | Thomas Fiedler
Musikalische Leitung Ondřej Adámek
Inszenierung Thomas Fiedler
27., 28. Juli – 20.00 Uhr
HOLD YOUR BREATH
Éna Brennan | Hugo Canoilas | David Pountney
Musik Éna Brennan
Inszenierung David Pountney
Raum | Kostüme Hugo Canoilas
15., 17. August – 20.00 Uhr
SCHAUSPIEL
THEATER KOSMOS
MONDMILCH TRINKEN
Josef Maria Krasanovsky
Inszenierung | Bühne Josef Maria Krasanovsky
1., 3., 4. August – 20.00 Uhr
KONZERTE
WIENER SYMPHONIKER 1
Dirigentin Giedrė Šlekytė
Violoncello Kian Soltani
Robert Schumann Konzert für Violoncello und
Orchester a-Moll, op. 129
Gustav Mahler Symphonie Nr. 1 (»Titan«) D-Dur
22. Juli – 19.30 Uhr
WIENER SYMPHONIKER 2
Dirigent Enrique Mazzola
Klarinette Sabine Meyer
Emilie Mayer Faust-Ouvertüre, op. 46
Carl Maria von Weber Konzert für Klarinette
und Orchester Nr. 1 f-Moll, op. 73
Modest Mussorgski Eine Nacht auf dem kahlen
Berge. Symphonische Dichtung für Orchester
Igor Strawinski Der Feuervogel. Ballettsuite für
Orchester (1945)
28. Juli – 11.00 Uhr

Das ausführliche Programm der Bregenzer
Festspiele 2024 finden Sie auf unserer
Website www.bregenzerfestspiele.com.
WIENER SYMPHONIKER 3
Dirigent Petr Popelka
Prager Philharmonischer Chor
Carl Maria von Weber Ouvertüre zur Oper Euryanthe
Robert Schumann Symphonie Nr. 3 (»Rheinische«)
Es-Dur, op. 97
Thomas Larcher Love and the Fever für Chor und
Orchester nach acht Gedichten von Miyazawa Kenji
5. August – 19.30 Uhr
WIENER SYMPHONIKER – GANZ PERSÖNLICH
Ohne Frack und ohne Taktstock präsentieren
Mitglieder der Wiener Symphoniker in wechselnden
Kammermusik-Besetzungen ihre Lieblingskompositionen.
Ganz nah, ganz anders, ganz persönlich.
GANZ PERSÖNLICH 1
VIENNA SYMPHONY JAZZ PROJECT
27. Juli – 19.30 Uhr
KONZERT IM KUB
THE PRESENT
Sopran Hanna Herfurtner, Olivia Stahn
Alt Bernadette Beckermann
Tenor Tim Karweick
Bass Felix Schwandtke
6. August – 21.00 Uhr
GANZ PERSÖNLICH 2
MITGLIEDER DER WIENER SYMPHONIKER
3. August – 19.30 Uhr
GANZ PERSÖNLICH 3
HABE QUARTETT
10. August – 19.30 Uhr
SPIELPLAN 2024
ORCHESTERAKADEMIE
der Bregenzer Festspiele und der Wiener
Symphoniker in Zusammenarbeit mit der
Stella Vorarlberg Privathochschule für Musik
Dirigent Daniel Cohen
Sopran Marlis Petersen
Arnold Schönberg Kammersymphonie Nr. 1 für
großes Orchester, op. 9b
Richard Strauss Ausgewählte Orchesterlieder
Richard Strauss »Die Zeit, die ist ein sonderbar
Ding.« Arie der Feldmarschallin Fürstin Werdenberg
aus dem ersten Akt der Komödie mit Musik
Der Rosenkavalier
Béla Bartók Konzert für Orchester, Sz 116
11. August – 11.00 Uhr
SYMPHONIE ORCHESTER VORARLBERG
Dirigent Leo McFall
Violine Franziska Hölscher
Antonín Dvořák Carneval. Ouvertüre für großes
Orchester, op. 92
Ondřej Adámek Follow me. Konzert für Violine
und Orchester
Ludwig van Beethoven Symphonie Nr. 6 (Pastorale)
F-Dur, op. 68
18. August – 11.00 Uhr
MUSIK & POESIE
MUSIK & POESIE 1
LANDKARTE EINES VERBRECHENS
Erzähler Michael Köhlmeier
Mezzosopran Corinna Scheurle
Bariton Maximilian Krummen
Marcus Nigsch Landkarte eines Verbrechens
Liederzyklus auf Gedichten von Michael Köhlmeier
für Mezzosopran, Bariton, Erzähler:in, Klarinette,
Streichtrio und Kontrabass – Uraufführung
28. Juli – 19.30 Uhr
MUSIK & POESIE 2
DER FREISCHÜTZ. EINE VOLKSSAGE
Lesung Sarah Viktoria Frick
Klavier Sergey Tanin
4. August – 19.30 Uhr
MUSIK & POESIE 3
»ICH PFEIF' AUF DIE SOBOTKA«
Kunstpfeifen Nikolaus Habjan
Klavier Ines Schüttengruber
11. August – 19.30 Uhr

THEATER KOSMOS
»REALISTISCHE
SITUATIONEN
LANGWEILEN MICH«
»Deal or no deal?« So lautete das Thema des Wettbewerbs der
Österreichischen Theaterallianz, angelehnt an den Pakt mit dem Teufel in
Carl Maria von Webers Oper Der Freischütz. In seinem Siegerstück
Mondmilch trinken katapultiert Autor und Regisseur Josef Maria Krasanovsky
das 200 Jahre alte Werk in die Gegenwart: Im Gespräch verrät der gebürtige
Salzburger, warum wir uns alle einen Schluck Mondmilch gönnen sollten –
und was Knut Hamsun und ein flugunfähiger Papagei damit zu tun haben.
20

MONDMILCH TRINKEN

THEATER KOSMOS
Die Bregenzer Festspiele stehen
dieses Jahr ganz im Zeichen
von Webers Der Freischütz,
und auch Ihr neues Theaterstück
Mondmilch trinken ist angelehnt
an die Geschichte der magischen
Gewehrkugeln, die nie ihr Ziel verfehlen.
Bei Ihnen treiben die Kugeln
allerdings Gymnastik, essen Eis und
wären manchmal lieber ein Dreieck.
Herr Krasanovsky, wie viel Freischütz
steckt in Ihrem Werk?
Josef Maria Krasanovsky: Das Stück
assoziiert sich sehr frei durch den
Bilder- und Themenkosmos des
Freischütz und schreibt ihn in die
Gegenwart hinein. Der erste Teil
bedient sich am Figurenrepertoire
der Oper und verhandelt ihre
thematische Ausgangsposition:
Wer bin ich und wer möchte ich sein?
»Ich wollte die ganze
Welt auf der Bühne aufmarschieren
lassen.«
JOSEF MARIA KRASANOVSKY
einzelner Max durch die Schlucht,
sondern eine Schar an Figuren,
die angetrieben durch ihre Sehnsucht
versuchen, die Welt und ihre
Lebensrealität zu manipulieren.
Und ihre Waffe heißt nicht Freikugel,
sondern Veränderung. Am Ende
wendet sich das Stück dem Motiv
der Freischütz-Hochzeit zu und
katapultiert sie in die Zukunft.
Und dort in der Zukunft, da spielt
sich etwas sehr Intimes ab – etwas,
das immer da sein wird, solange
wir auch da sein werden.
Was hat Sie am Freischütz als Inspirationsquelle
gereizt?
Was mir den Freischütz hoch sympathisch
macht, ist diese enorme
Sehnsucht des Protagonisten, das
Faktische zu überwinden und in
die eigene Wunschrealität zu überführen.
Und seine Sehnsucht ist so
unendlich, dass er sich dafür auf
Dinge einlässt, die ihm komplett
fremd sind und die ihm entgleiten,
und so wird er schleichend zu einem
anderen Menschen.Wenn man
ehrlich mit sich selbst ist, fühlt man
sich da doch sofort zugehörig, weil
wir diesen Kampf ja ständig ausfechten,
im Alltäglichen und weniger
Alltäglichen.Insofern ist dieses
Stück für mich auch ein großer
Abend über Sehnsucht – und wie
weit man dafür zu gehen bereit ist.
»Milch des Mondes fiel aufs Kraut«,
heißt es in Friedrich Kinds Libretto.
Sie lassen der Mondmilch eine besondere
Bedeutung zukommen: Was hat
es mit diesem Getränk auf sich?
So wie Max im Freischütz stemmt
sich die Figur des Polygon gegen
die gesellschaftliche Norm und will
seine Wirklichkeit gegen die Widerstände
aller verändern.
Der zweite Teil bringt eine Wolfsschlucht
auf die Bühne – doch statt
Hexen, Teufeln und Eulen schickt
Mondmilch trinken die Gegenwart in
den Ring. Da kämpft sich nicht ein
22
Bei all den Nachrichten, Meinungen
und Propagandasätzen, die täglich
ungefragt auf uns einströmen und
zu denen wir uns permanent verhalten
sollen – da hätte ich manchmal
gern ein Mittel, das mich beruhigt
und mir den Stress nimmt, mich allem
gegenüber korrekt zu verhalten.
Und dieses Mittel ist im Stück das
Getränk der Mondmilch. Man könnte
sagen: Sie ist eine positive Droge
gegen Überforderung.

Ihre Besetzungsliste ist lang, sie
reicht von neuseeländischen Kakapos
und bengalischen Katzen über das
Ehepaar Ilse und Werner bis zu
Knut Hamsun. Wie kam es zu dieser
Gemengelage?
Realistische Situationen und
psychologische Figuren langweilen
mich als Autor sehr. Insofern habe
ich versucht, Figuren zu finden,
die Lust auf das Thema machen,
das sie auf der Bühne verhandeln.
Mondmilch trinken arbeitet sich
ja durch eine Vielzahl an Inhalten,
die uns gegenwärtig beschäftigen:
Verteilungsfragen, individuelle
Lebensführung, Artensterben,
Gendergap, Klima – diese Vielfalt an
Themen spiegelt sich in der großen
Besetzungsliste wider. Ich wollte die
ganze Welt auf der Bühne aufmarschieren
lassen: die Menschen, die
Tiere, das Klima, den Weltraum ...
Man kann das ja durchaus mal probieren,
so einen Marsch.
Welche Gedanken treiben Ihre
Figuren um, was beschäftigt sie?
So unterschiedlich ein flugunfähiger
Papagei und ein Literaturnobelpreisträger
mit nationalistischer
Vergangenheit auch sind – alle
Figuren haben eines gemeinsam:
Sie stemmen sich mit aller Kraft
gegen ihre Lebensumstände und
wollen der Welt unbedingt ihr persönliches
Stück Glück abringen.
Singende Kakapos und alllerlei andere skurrile Figuren machen sich diesen Sommer
das Theater KOSMOS zur Bühne für ihr Plädoyer gegen den Weltschmerz.
also sagen: Seine große Weltoffenheit
kostet ihn seine Existenz.
Das hat mich schon sehr berührt,
wenn ich ehrlich bin.
Sie werden Ihr preisgekröntes Stück
selbst inszenieren: Worauf freuen Sie
sich dabei am meisten?
Auf das Schauspiel-Ensemble.
Ich hatte das Glück, ein Team aus
Schauspieler:innen zusammenstellen
zu können, mit denen mich eine
intensive langjährige Zusammenarbeit
verbindet beziehungsweise
mit denen ich schon lange zusammenarbeiten
wollte. Mehr kann man
sich als Regisseur kaum wünschen.
Und natürlich auf den Umstand,
dass die Produktion nach ihrer Uraufführung
in Bregenz durch ganz
Österreich touren wird.
Klar gibt es Bilder, die ich für bestimmte
Momente im Kopf habe –
aber nachdem ich vor allem an die
kollektive Kraft eines Teams glaube,
wird das meiste bei der Arbeit im
Proberaum entstehen.
Was würden Sie jemandem raten,
der befürchtet, Mondmilch trinken
vielleicht nicht zu verstehen?
Ich glaube, dass es in diesem
Sinne nichts zu verstehen gibt.
Es ist ein Abend, der das Publikum
an die Hand nimmt und in eine
absurd-schräge Welt führt – die
der unseren nicht so unähnlich ist.
Und als Regisseur würde ich vielleicht
noch anmerken, dass Humor
ein Trumpf ist, den Mondmilch trinken
immer und immer wieder spielt.
MONDMILCH TRINKEN
Ist Ihnen eine Figur besonders ans
Herz gewachsen?
Vielleicht ein wenig der bereits
angesprochene Kakapo. Bei einer
Population von knapp 250 Papageien
muss man kein Wissenschaftler
sein, um zu wissen, was die Zukunft
für den Vogel bringen wird.
Es ist seine große Neugier, die ihn
in diese Situation gebracht hat,
denn er hat keinerlei Berührungsängste
mit der ihn umgebenden
Welt – und das hat die Welt in Form
von Raubtieren und Jäger:innen
fleißig ausgenutzt. Man könnte
Wo sehen Sie bei der Inszenierung
die größte Herausforderung? Gibt es
eine Stelle, die für Sie noch ein großes
Fragezeichen ist? Oder hatten
Sie beim Schreiben die Inszenierung
bereits genau vor Augen?
Das Stück hat enorm viele Ortsund
Figurenwechsel: Da schiebt
sich die halbe Welt auf die Bühne
und löst sich gleich wieder auf.
Das liegt mir als Regisseur sehr,
diese fast unmögliche Anforderung
an Bühne und Schauspieler:innen.
Diese Unmöglichkeit ist für mich ein
Katapult für die Kraft des Theaters.
THEATER KOSMOS
MONDMILCH TRINKEN
Josef Maria Krasanovsky
Insze nie rung | Bühne | Kostüme
Josef Maria Krasanovsky
PREMIERE
1. August 2024 – 20.00 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
3., 4. August – 20.00 Uhr
23

LAUTE EINSAMKEIT
TRIFFT SPRACHLOSE
WERKSTATTBÜHNE
GESELLSCHAFT
Eine Szene aus dem Bühnenbild-Modell: Für Unmögliche Verbindung entwarf der Kostüm- und Bühnenbildner Christian Wiehle
einen wandelbaren Versammlungsort für die Musiker:innen des Ensemble Modern.
24

In ihrem neuen performativen
Musiktheater
Unmögliche Verbindung
blicken der tschechische
Komponist und Dirigent
Ondřej Adámek und der
deutsche Regisseur und
Autor Thomas Fiedler
auf eine Menschheit,
die danach sucht, mit
sich selbst in Kontakt
zu bleiben.
Es waren laute Rufe, die das
Interesse von Ondřej Adámek
weckten und ihn nicht mehr
loslassen sollten: Am Rande der
Parkanlage Planten un Blomen in
Hamburg standen Frauen vor einem
gemauerten Sichtschutz und versuchten
– trotz Verbot –, mit ihren
in der Untersuchungshaftanstalt am
Holstenglacis einsitzenden Männern
zu kommunizieren. Viel Banales und
Alltägliches kam zur Sprache, aber
auch tief empfundene Emotionen.
»Frauen schreien Intimitäten gegen
die Wand« wurde schnell zum geheimen
Motto des neuen performativen
Musiktheaters Unmögliche
Verbindung, einem Auftragswerk
der Bregenzer Festspiele und des
Ensemble Modern, das im Sommer
2024 auf der Bregenzer Werkstattbühne
seine Uraufführung feiert
und anschließend in einer Fassung
für den Konzertsaal in der Kölner
Philharmonie zu erleben ist.
In dem Werk erprobt Ondřej
Adámek eine für ihn neue Art des
Komponierens: »In meinen früheren
Musiktheaterwerken habe ich,
anknüpfend an die französische
Bedeutung des théâtre musical,
versucht, nicht nur musikalisch,
sondern auch szenisch zu denken
und diese Überlegungen in der Partitur
niederzuschreiben. Das ist
ein Verständnis von Musiktheater,
das beispielsweise Georges Aperghis,
Heiner Goebbels, Simon
Steen-Andersen, aber auch Karlheinz
Stockhausen verkörpern.
Für die szenische Realisierung habe
ich dann oftmals mit dem Choreographen
Eric Oberdorff oder mit
meinem Bruder, dem Regisseur Jiří
Adámek Austerlitz, zusammengearbeitet.
Was ich jetzt mit Thomas
Fiedler mache, ist etwas völlig anderes:
Die Ebene des Textes und die
theatrale Dimension sind so wichtig
wie die musikalische. Wir denken
von Anfang an alles zusammen.
Es gibt eigentlich kaum ein Element,
das nur seins oder nur meins ist.«
Auch für Thomas Fiedler ist
Unmögliche Verbindung etwas
Neues, erhielt er doch zuerst nur
mehrere Videodateien. Dabei handelt
es sich um Mitschnitte zweier
Tryouts, die im Juli 2021 und kurz
vor Weihnachten 2022 in Frankfurt
stattfanden. Es waren die Musiker:innen
des Ensemble Modern, die
intensive Workshops mit Adámek
vorgeschlagen hatten. »Eigentlich
hatte ich eine andere Vorstellung
von dem Projekt. Es sollte wieder
eine Art inszeniertes Konzert werden.
Doch das Ensemble Modern
wollte eine neue Herangehensweise.
Die Musiker:innen haben starke
Persönlichkeiten und haben mir
in einem Tryout gezeigt, was sie
alles können. Wir haben für mehrere
Tage verschiedene Dinge ausprobiert,
szenisch wie musikalisch.
Das zweite Tryout im Dezember
2022 war dann schon mit ersten
Skizzen. Einen Mitschnitt einzelner
Szenen hat Thomas bekommen,
der im Frühjahr 2023 dazustieß.«
Thomas Fiedler hatte nun die
Aufgabe, die Ergebnisse der
Tryouts zu sichten und auf dieser
Grundlage aufbauend dem zukünftigen
Werk eine Struktur zu geben.
»Ich habe mich erst einmal mit dem
Material vertraut gemacht. Ondřej
schreibt eine sehr körperliche Musik,
die viel mit Atem, aber auch mit
Sprache spielt und dadurch bereits
szenisch und gestisch gedacht ist.
Ende Februar 2023 haben wir uns
dann in Rom kennengelernt, wo
Ondřej für ein Jahr als Stipendiat
der Villa Massimo lebte. Wir sprachen
über das Material, über gemeinsame
Interessensgebiete und
haben uns so einander angenähert.
Ondřej beschäftigt sich seit mehreren
Jahren mit Kommunikation.
Wie entsteht überhaupt eine Verbindung
zwischen Menschen? Wie kann
man mit sich selbst, mit dem Gegenüber
oder mit einem Verstorbenen in
Kontakt treten? Das sind Fragen, die
auch mich umtreiben. Am Ende unseres
Treffens hatten wir also einen
ganzen Themenkomplex.«
DIE SUCHE NACH DER FORM
An diesen Schnittstellen, an
denen Kommunikation scheitert,
erschwert oder verhindert wird,
möchte Unmögliche Verbindung
ansetzen. Doch welche Form soll
das Musiktheater haben? »Ich habe
UNMÖGLICHE VERBINDUNG
25

Bregenz einstudiert wird, spricht in
seinen gleichnishaften Einzelszenen
jede:n Zuschauer:in persönlich an.
Zu Beginn des Musiktheaters sieht
man ein Individuum, das versucht,
mit der Seele eines Verstorbenen in
Kontakt zu treten. Bald kommt ein
zweites Individuum hinzu, später
versuchen Gruppen und ganze
Nationen, miteinander ins Gespräch
zu kommen.
DIE FRAGE NACH DEM
MITEINANDER
WERKSTATTBÜHNE
»
Trotz Smartphones
und
aller Technik
ist der Mensch
am Ende dann
doch allein
mit sich.
«
nach unserem Treffen immer wieder
mit Ondřej gesprochen, schließlich
ein Storyboard erstellt und mit den
Ergebnissen der Tryouts kombiniert.
Uns war schnell klar, dass wir
diese Fülle an Themen nicht anhand
einer durchgehenden Geschichte
mit konkreten Figuren erzählen
können und wollen. Wir arbeiten
stattdessen mit Kapitelüberschriften
und beschreiben – sich in ihrer
Komplexität steigernd – unterschiedliche
Aspekte von Kommunikation.
Diese Struktur hat wiederum
Ondřej geholfen, die Partitur zu
schreiben. Das war ein sehr spannender
und ungewohnter Prozess
für mich. Nun haben wir ein Werk
vor uns, das einen großen erzählerischen,
metaphorischen Bogen
spannt und doch in viele einzelne
Kapitel eingeteilt ist. Oder anders
formuliert: Verschiedene Einzelstücke
– mal sich steigernd, mal krass
gebrochen – sind wie ein Puzzle
in eine dramaturgisch schlüssige
Großform eingebettet.«
Das Werk, dem Ende Mai bei
einem dritten und letzten Tryout
in Frankfurt der letzte Schliff gegeben
wurde, bevor es im Vorfeld
der Uraufführung in Frankfurt und
Der Titel Unmögliche Verbindung
deutet schon an, dass das Duo mit
Sorge auf unsere Gegenwart blickt.
»Unser Musiktheater ist aktuell«,
betont Fiedler, »doch wir wollen
keine Tagespolitik betreiben.
Vielmehr steht die Frage im Raum,
wie eine so individualistische und
säkulare Gesellschaft wie die unsere
mit bestimmten Fragen umgeht
wie: Wer bin ich? Wie stelle ich eine
Verbindung zu mir selbst, zu meinen
Wünschen, zu meinen Träumen
her? Wie gehe ich mit existenziellen
Erfahrungen wie dem Tod einer
nahen Person um? Wie verhalte ich
mich in Diskussionen mit verhärteten
Fronten? Und wie können die
großen Aufgaben der Menschheit
in diesem Umfeld gelöst werden?
Das sind Fragen, die dort, wo es
keine starken religiösen oder traditionellen
Strukturen im Weltbild
mehr gibt, schwierig zu beantworten
sind – als Individuum ebenso
wie als Gesellschaft. Es ist mehr
ein Suchen. Vielleicht sollten wir
hinter den Titel noch ein Fragezeichen
setzen. Musiktheater ist
immer ein utopischer Raum, in dem
man im besten Fall für den Moment
etwas an Emotionalität oder auch
Erfahrung spürbar machen kann.
Was das Publikum für sich selbst
daraus mitnimmt und wie es das
überträgt, vielleicht auf eine eigene
Realität, das bleibt jedem selbst
überlassen. Wir bieten Impulse
für Assoziationen, Erfahrungen
und Gefühle.«
Adámek ergänzt: »Unser Stück
handelt von der Zerbrechlichkeit
26

und Vergänglichkeit des Menschen,
aber auch von Gewalt, die in einer
Gruppe entstehen kann. Wir sehen
beides nebeneinander, ohne moralisierenden
Kommentar. Wir zeigen
alle Dimensionen von Kommunikation
– aber am Ende, und das finde
ich das Spannendste, ist der Mensch
dann doch allein mit sich, trotz
Smartphone und aller technischen
Entwicklungen.«
Die Einteilung in Kapitel, die auch
zu Beginn einer jeden Szene angesagt
werden, erlaubt es Thomas
Fiedler und Ondřej Adámek, die
unterschiedlichsten Texte zu
benutzen: Reflexionen von René
Descartes und Leonardo da Vinci,
Verordnungen, Debatten, aber auch
ein Gedicht des zeitgenössischen
deutschen Schriftstellers Arne
Rautenberg und eigene Texte der
beiden. In seinem diskursiven Charakter
schlägt das Musiktheater
bezeichnenderweise auch eine
Brücke in die frühe Gattungsgeschichte
der Oper, beispielsweise
zu Emilio de’ Cavalieris Rappresentatione
di Anima, et di Corpo, die
erste vollständig erhaltene Oper
aus dem Jahr 1600.
RAUS AUS DER KOMFORTZONE
Damals waren die Musiker noch
nicht in einem Orchestergraben,
sondern für das Publikum sichtbar
platziert. Unmögliche Verbindung
geht sogar noch einen Schritt
weiter, denn die Musiker:innen
des Ensemble Modern musizieren
auf der Bühne nicht nur auf ihren
jeweiligen Hauptinstrumenten,
sondern auch auf ungewöhnlichen
Nebeninstrumenten. Zudem singen,
sprechen und spielen sie szenisch
auf der Bühne. Das neue Werk
darf als ein künstlerisches Porträt
des Ensembles gelten. »Ich kenne
das Ensemble Modern ganz gut«,
lächelt Adámek verschmitzt, »und
ich habe in den Tryouts beobachten
können, wann die Musiker:innen besonders
interessant sind. Ich hoffe,
ich habe alle individuellen Fähigkeiten
in meiner Partitur entsprechend
berücksichtigt. Es ist aber
auch klar, dass ich von ihnen auch
zum Teil etwas anderes möchte als
sie selbst. Manchmal muss man sie
aus ihrer Komfortzone locken, um
etwas zu erleben, was man noch nie
erlebt hat. Auch deshalb waren die
Tryouts sehr wertvoll.«
Insgesamt stehen 13 Musiker:innen
des Ensemble Modern auf der
Bühne, hinzu kommen die Sopranistin
Tara Khozein, die Schauspielerin
Hanni Lorenz und ein
kleines Vokalensemble, bestehend
aus Mitgliedern des Bregenzer
Festspielchores. Es ist eine Herausforderung
für Thomas Fiedler und
seinen Kostüm- und Bühnenbildner
Christian Wiehle, mit so vielen
Menschen zusammenzuarbeiten,
die ganz unterschiedliche szenische
Erfahrungen mitbringen: »Es gibt
in dem Stück sehr große Teile, die
man erstmal organisieren muss, um
dadurch einen Raum zu schaffen, in
dem sich die Musiker:innen entfalten
können. Auch das ist eine Form
von szenischer Arbeit. Dazwischen
gibt es aber auch Bereiche, wo man
etwas ausprobieren und Freiraum
für Unvorhergesehenes schaffen
kann. Schön ist, dass die Musik
selbst häufig der szenische Inhalt
ist, durch pantomimische Angaben
oder Atemanweisungen. Somit
ist die Arbeit am musikalischen
Material und an der musikalischen
Aufführung im Prinzip auch die
szenische Arbeit.«
DER PODCAST DER
BREGENZER FESTSPIELE
HÖR-SPIELE
Die neue Podcast-Folge
zu Unmögliche Verbindung
mit Komponist Ondřej Adámek
und Regisseur Thomas Fiedler.
WERKSTATTBÜHNE
UNMÖGLICHE VERBINDUNG
Ondřej Adámek
Stimme Tara Khozein
Stimme Hanni Lorenz
Musikalische Leitung Ondřej Adámek
Inszenierung Thomas Fiedler
Bühne | Kostüme Christian Wiehle
Mitglieder des Bregenzer
Festspielchores
Ensemble Modern
PREMIERE
27. Juli 2024 – 20.00 Uhr
WEITERE VORSTELLUNG
28. Juli – 20.00 Uhr
Werkstattbühne
Auftragswerk der Bregenzer Festspiele
und des Ensemble Modern
UNMÖGLICHE VERBINDUNG
27

WENN MUSIK ALLES IST,
IST NICHTS WICHTIGER
ALS DER KLANG
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE
MERCEDES-BENZ ÖSTERREICH UND DIE BREGENZER FESTSPIELE
Seit der Erfindung des Automobils
durch Carl Benz vor
137 Jahren hat technologischer
Fortschritt die Definition
des Autos maßgeblich verändert.
Es ist mehr als ein reines Fortbewegungsmittel.
Fahrzeuge von
Mercedes-Benz können heute vieles
sein: ein individueller Wellnessbereich,
ein mobiles Office, ein Ort der
persönlichen Sicherheit oder ein
Konzertsaal mit einer neuen Dimension
des immersiven Klangs.
BEGEBEN SICH GEMEINSAM AUF DIE BÜHNE
EIN SOUND-SYSTEM FAST
WIE IM LIVE-KONZERT
Alles begann vor Jahrzehnten
mit einer Kassette. Heute definiert
die Partnerschaft zwischen
Dolby Atmos® und Mercedes-Benz
Musik im Auto neu: Die optionalen
Burmester® Surround-Sound-
Systeme mit bis zu 31 Lautsprechern
verleihen der Musik mehr
Raum, Klarheit und Tiefe. In die
Sitze eingebaut erhalten Audiophile
ein beispielloses Klangerlebnis,
wenn sie das Steuer übernehmen.
Die Technologie ermöglicht es,
einzelne Audioelemente oder
Objekte in einem dreidimensionalen
Klang zu platzieren, der der
ursprünglichen Vision von Künstler:innen
im Studio entspricht.
Dolby Atmos® passt sich jeder
Wiedergabeumgebung an, sodass
Fans Musik mit unvergleichlicher
Klarheit hören können.
DIE VERBINDENDE KRAFT
DER BEGEISTERUNG
Die Bregenzer Festspiele und
Mercedes-Benz Österreich als
Mobilitätspartner blicken beide auf
eine langjährige Geschichte zurück
und beide verstehen es, Menschen
zu begeistern. Diese Begeisterung
gilt es, selbst zu erleben, zu spüren
und zu hören. Denn der Pioniergeist
von Carl Benz wird von Beginn an
stetig auf ein neues Level gebracht:
Defining Class since 1886.
Vielleicht nicht auf den ersten Blick,
und doch haben die Bregenzer Festspiele
und Mercedes-Benz Österreich viel
gemeinsam: »Beide Unternehmen sind
durch den Anspruch vereint, in allem, was
sie tun, höchste Qualität zu liefern«, so
Michael Diem, kaufmännischer Direktor
des Sommerfestivals.
28

SERIE: DIE KOMPONIST:INNEN DER ORCHESTERKONZERTE
ERFINDERISCHER
KLANGPIONIER
Der Komponist und Dirigent
Ondřej Adámek entwickelt
eine musikalische Sprache,
die sich im Dialog mit entfernteren
Kulturen entfaltet. Direktheit und
fein ausgeformte Ausdrucksmomente
mit kunstvoll komponierten
Klangfarben charakterisieren dabei
seine Werke, die Orchester-, Kammer-,
Vokal- und elektroakustische
Musik umfassen.
Geboren 1979 in Prag, studierte er
Komposition an der Akademie der
musischen Künste in Prag und am
Konservatorium in Paris. Während
längerer Aufenthalte in Frankreich,
Kenia, Spanien, Japan, Indien und
Italien tauchte er in die Musikkulturen
dieser Länder ein, die seine
eigene Musik in der Folge immer
wieder prägten. Auch das Spiel mit
Sprache(n) fließt als strukturgebendes
Element auf vielfältige Weise ein.
Mit dem neuen Musiktheater
Unmögliche Verbindung – eine
Auftragskomposition der Bregenzer
Festspiele und des Ensemble
Modern – erprobt Ondřej Adámek
gemeinsam mit Regisseur und
Autor Thomas Fiedler auch eine für
ihn neue Art des Komponierens:
Die Musiker:innen des Ensemble
Modern sind von Anfang an in den
kreativen Prozess eingebunden
und gestalten experimentell durch
musikalisch neue Ausdrucksmittel
die Komposition entscheidend mit.
Thema des Werks ist die Schwierigkeit
von Kommunikation in Situationen
emotionaler Überforderung.
Mit dem von ihm ins Leben gerufenen
Vokalensemble N.E.S.E.V.E.N.
erforscht Adámek die Authentizität
und Originalität der Stimme ebenso
wie szenische Fragen. Die 2018 beim
Festival in Aix-en-Provence uraufgeführte
A-cappella-Oper Seven
Stones, erneut im Januar 2022 am
Konzerthaus Dortmund gezeigt,
war Initialzündung zur Gründung
des Ensembles. Im September 2022
stand Adámeks Musiktheater Reaching
out als italienische Erstaufführung
auf dem Programm der
Biennale Musica Venezia.
In der vergangenen Spielzeit
erregte seine Komposition Where
are you?, die vom London Symphony
Orchestra unter Sir Simon Rattle mit
der Mezzosopranistin Magdalena
Kožená mit auf Europatournee
genommen wurde, großes Aufsehen.
Das Cellokonzert Illusorische Teile
des Mechanismus wurde zudem von
Jean-Guihen Queyras mit dem Ensemble
Resonanz unter der Leitung
von Ondřej Adámek zur Uraufführung
gebracht und war beim Festival
Acht Brücken in Köln sowie an der
Elbphilharmonie zu erleben.
Follow Me, das 2017 vom Symphonieorchester
des Bayerischen
Rundfunks unter Peter Rundel
uraufgeführte Violinkonzert für Isabelle
Faust, war mit dem Orchestre
de Strasbourg beim Festival Musica
sowie mit dem Helsinki Philharmonic
Orchestra unter Susanna Mälkki
zu erleben. Im kommenden Sommer
erfolgt im Rahmen der traditionellen
Matinee zum Saisonende der
Bregenzer Festspiele mit dem Symphonieorchester
Vorarlberg und
Chefdirigent Leo McFall die überfällige
österreichische Erstaufführung.
GUMMIHUHN UND AUTOHUPE
ONDŘEJ ADÁMEKS
AIRMACHINE
Ein Instrument aus zwei Staubsaugern,
Gummihandschuhen,
Hupen, Schläuchen und allerlei
Ventilen: Stets auf der Suche
nach neuen Klängen, schuf Ondřej
Adámek in jahrelanger experimenteller
Arbeit das installative
Musikinstrument Airmachine, das
er laufend weiterentwickelt.
Die Apparatur war für das Werk
Körper und Seele entstanden,
das 2014 mit dem SWR Vokalensemble
und dem SWR Symphonieorchester
Baden-Baden und
Freiburg in Donaueschingen
zur Uraufführung kam.
ORCHESTERKONZERTE
29

OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
DIE TÜCKEN DER
LEICHTIGKEIT
Gleich zwei Werke kommen diesen Sommer im Rahmen des
Bregenzer Opernstudios auf die Bühne am Kornmarkt – und das am
selben Abend: Gioachino Rossinis Der Ehevertrag und Giacomo Puccinis
Gianni Schicchi. Letzteres ist Leo McFalls »Lieblings-Puccini«
und bringt den Chefdirigenten des Symphonieorchesters Vorarlberg
förmlich ins Schwärmen. Ein Interview über virtuosen Humor und
ein Wunder in Noten.

31
DER EHEVERTRAG | GIANNI SCHICCHI

OPERNSTUDIO AM KORNMARKT
Rossini und Puccini an einem
Abend, das wird ein herrliches
italienisches Opernfest!
Wie kommt es zu dieser Kombination,
die das Opernstudio in diesem
Jahr auf die Bühne bringt?
Leo McFall: Gioachino Rossinis
frühe Oper Der Ehevertrag zusammen
mit Giacomo Puccinis Gianni
Schicchi aufzuführen, ist eine wunderbare
Idee der Bregenzer Festspiele.
Gianni Schicchi ist der letzte
Teil des Zyklus Il trittico, aber die
Oper kann auch solo aufgeführt
werden. Sie ist meine Lieblings-
Puccini-Oper, nicht eine Sekunde
zu lang, alles ist flott und es gibt viel
Witz, was bei diesem Komponisten
nicht immer der Fall ist. Wir erleben
an diesem Doppelabend viele Seiten
der Italianità.
Rossini schrieb Der Ehevertrag im
Alter von 18 Jahren. Inhaltlich geht
es darum, dass ein Kaufmann seine
Tochter einem Geschäftspartner
als Braut verhökert, doch selbstverständlich
liebt sie einen anderen.
Es war Rossinis erste aufgeführte
Oper, 1810 in Venedig.
Trotzdem steckt darin schon der
ganze Rossini mit all seinen
Markenzeichen: sein Humor, die
Crescendi, die sprühende Freude –
ein sehr lebendiges Stück. Dabei
muss man bedenken, dass Rossini
ein sehr anspruchsvoller Komponist
ist, der äußerste Präzision verlangt
und wirkliche Leichtigkeit. Es soll
supereinfach klingen. Die Stücke,
die leicht klingen sollen, sind immer
die schwierigsten.
Kammersängerin Brigitte Fassbaender (Regie) und die jungen Sänger:innen des
Opernstudios – Dirigent Leo McFall trifft im Doppelabend Der Ehevertrag | Gianni
Schicchi auf ein bunt gemischtes, hochkarätiges Team.
Szenische Situationskomik zeichnet
die Oper aus. Ist der Humor in der
Partitur ebenso vorhanden?
Humor ist natürlich eine Eigenschaft,
die wir mit Rossini assoziieren,
und tatsächlich sprüht die
Oper auch musikalisch vor Witz und
Esprit. Aber noch mehr. Von den
ersten Noten der Ouvertüre an,
die – typisch für Rossini – sofort
alle Aufmerksamkeit auf sich zieht,
fühlt man sich in den Händen eines
Opernmeisters.
Was macht den 1918 an der Metropolitan
Opera in New York uraufgeführten
Erbschleicher-Einakter
Gianni Schicchi zu Ihrer Lieblings-
Puccini-Oper?
Es ist ein Meisterwerk, virtuos und
farbreich, für die Sänger:innen, und
auch das Orchester. Eine brillante
Komödie mit trockenem Humor,
keine der »klassischen« Puccini-
Tragödien, in denen die weibliche
Hauptrolle im Finale schmerzvoll
stirbt. Hier ist die zentrale Figur
schon zu Beginn der Oper tot.
Die anderen Charaktere reagieren
darauf ganz unterschiedlich.
Das finde ich noch anziehender
als die berühmten »Toscas«,
»Butterflys« und »Bohèmes«.
Ich kann mir gut vorstellen, dass
Puccini diese Kurzoper mit einem
Lächeln komponierte.
Dabei wechseln die ausgedrückten
Gefühle ständig.
Die bringt Puccini so präzise auf den
Punkt wie Mozart. Generell ist er
ein Profi darin, eine Oper von Szene
zu Szene zu konstruieren. Gianni
Schicchi ist ein Wunder im dramaturgischen
Aufbau und in der Steigerung.
Nichts ist zu lang oder zu
kurz, jeder einzelne Moment ist
wichtig und jedes Wort und jede
Note zählen. Die berühmte Arie
»O mio babbino caro« klingt immer
sehr pathetisch, wenn sie bei einer
Gala gesungen wird. Das ist anders
im Kontext der Oper, wo es nach dem
letzten Ton sofort weitergeht.
Besonders wichtig ist für mich
der Text am Ende der Oper, vor den
letzten Takten des Orchesters, den
Gianni Schicchi übrigens spricht und
nicht singt. Dass sich die Titelfigur
dabei direkt ans Publikum wendet,
ist eine wundervolle dramatische
Wendung, die eine direkte Verbindung
herstellt: »Ma, con licenza
del gran padre Dante, / se stasera
vi siete divertiti, / concedetemi voi …
l’attenuante!« (»Aber mit Erlaubnis
32

des großen Vaters Dante, / wenn
ihr euch heute Abend unterhalten
habt, / gewährt ihr mir wohl ...
mildernde Umstände.«)
Puccini nimmt hier Bezug auf die
literarische Vorlage: Dante Alighieris
Inferno, den ersten Teil aus der
Göttlichen Komödie. Der Ehevertrag
und Gianni Schicchi werden in Bregenz
von den Sänger:innen des Opernstudios
präsentiert. Freuen Sie sich
auf den internationalen Nachwuchs?
Ich war viele Jahre Assistenzdirigent
des Gustav Mahler Jugendorchesters
und arbeite sehr gerne mit
jungen Leuten. Ihre Spannung und
Energie, ihr Enthusiasmus und ihre
Leidenschaftlichkeit sind große
Geschenke.
Regie führt Kammersängerin
Brigitte Fassbaender. Hatten Sie
schon miteinander zu tun?
Ich freue mich sehr auf unsere erste
Zusammenarbeit und war am ersten
Tag ihres Meisterkurses dabei.
Ich war fasziniert, wie sie den jungen
Sänger:innen nahelegte, die italienische
Musik ohne Sentimentalität
und Pathos zu gestalten. Genau so
pur und klar sollte diese Musik meiner
Meinung nach klingen.
Müssen Sie sich in der Pause zwischen
den beiden Werken mental umstellen,
da ein anderer Stil gefragt ist?
Oh ja! Jede Oper hat verschiedene
Anforderungen. Wobei es in ein
und demselben Stück ebenfalls
unterschiedliche Details gibt, auf
die ich mich konzentrieren muss.
Aber Puccini wird definitiv anders
gestaltet als Rossini.
Sie leiten die Symphonieorchester
in Vorarlberg und in Thessaloniki
und sind dem Bregenzer Publikum
als Konzertdirigent bekannt. Bei den
Bregenzer Festspielen stehen Sie am
Pult der traditionellen SOV-Matinee
und übernehmen nun zum ersten
Mal die musikalische Leitung
einer Opernproduktion. Ab der
Spielzeit 2024|25 starten Sie in
Wiesbaden, in einem Mehrspartenhaus,
als Generalmusikdirektor.
Wie ist Ihr Verhältnis zum Musiktheater?
Meine ersten Schritte in diesem
Beruf waren im Opernbereich, in
Glyndebourne. Ein wunderbarer
Ort mit der Philosophie, jungen
Menschen eine Chance zu geben.
Nach meiner Studienzeit war ich
dort für einige Sommer musikalischer
Assistent, durfte bald
Vorstellungen dirigieren und dann
eine kleine Produktion selbstständig
betreuen. Auch als erster Kapellmeister
im Staatstheater Meiningen
war ich immer von Oper umgeben.
In der Pandemiezeit wurden einige
Projekte abgesagt und ich widmete
mich mehr der Konzertwelt.
Geliebt habe ich immer beides,
das Konzert und die Oper. Ein guter
Dirigent muss beides dirigieren
können. In den Details sind beide
Genres sehr unterschiedlich. In der
Oper muss man viel mehr organisieren:
einen Chor hinter der Bühne,
die Sänger:innen auf der Bühne –
aber gleichzeitig ist man Teil eines
Teams, es gibt die Regie, das Licht,
die Kostüme, das Bühnenbild. In
einem Konzert sind weniger Menschen
zusammenzubringen, weniger
»Apparatus«, aber man ist exponierter.
Bei einer Symphonie von Brahms
gibt es nur das Orchester und den
Dirigenten, keine Kostüme und
Licht, die unterstützen können.
Ich kann mich noch sehr genau an
mein erstes Operndirigat erinnern:
Carmen in Glyndebourne, ohne eine
einzige Probe. Ich war jung und hatte
noch nie zuvor im Orchestergraben
gestanden. Ich war unglaublich nervös,
konnte in der Nacht zuvor überhaupt
nicht schlafen. Aber als ich
dann ans Pult ging, war ich plötzlich
Teil des Teams. Klar, ein wichtiger
Teil mit viel Verantwortung, aber
ich liebte es. Alle geben ihr Bestes,
damit die Aufführung gelingt!
DER EHEVERTRAG
GIOACHINO ROSSINI
GIANNI SCHICCHI
GIACOMO PUCCINI
Musikalische Leitung
Leo McFall
Insze nie rung Brigitte Fassbaender
Bühne | Kostüme
Dietrich von Grebmer
Solist:innen des Opernstudios
der Bregenzer Festspiele
Symphonieorchester
Vorarlberg
PREMIERE
12. August 2024 – 19.30 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
14., 16., 17. August –
19.30 Uhr
Theater am Kornmarkt
Das Opernstudio wird
präsentiert von
In Kooperation mit
DER EHEVERTRAG | GIANNI SCHICCHI
33

KARTENÜBERSICHT
Oper im Festspielhaus Tancredi
PREISE Tancredi
Festspielhaus | Großer Saal
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
EUR 168 148 125 102 72 36 22
Premierenzuschlag
pro Ticket EUR 25 (Kate gorie 1 und 2).
Für die Premiere gilt ein eigener Sitzplan.
Orchesterkonzerte im Festspielhaus
PREISE Wiener Symphoniker
Festspielhaus | Großer Saal
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
EUR 98 82 72 60 50 36 20
PREISE Symphonieorchester Vorarlberg
Festspielhaus | Großer Saal
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
SITZPLÄTZE UND PREISE
EUR 60 50 42 35 28 24 20
PREISE Festspielhaus | Werkstattbühne | KUB | Theater am Kornmarkt | Theater KOSMOS
Hotel Savoy
Theater am Kornmarkt
Kategorie 1 2 3 4
EUR 56 44 34 22
Der zerbrochne Krug
Theater am Kornmarkt
Kategorie 1 2 3 4
EUR 52 42 32 20
Der Ehevertrag | Gianni Schicchi
Theater am Kornmarkt
Kategorie 1 2 3 4
EUR 56 44 34 22
Unmögliche Verbindung
Werkstattbühne
EUR 38
Hold Your Breath
Werkstattbühne
Kategorie 1 2 *
EUR 38 22
* Stehplätze – Zum Wandeln
und unmittelbaren Erleben
Orchesterakademie
Festspielhaus | Großer Saal
Kategorie 1 2 3
EUR 28 22 16
Konzert im KUB
Kunsthaus Bregenz
EUR 20
Mondmilch trinken
Theater KOSMOS
EUR 28
Musik & Poesie
Festspielhaus | Seestudio
EUR 30
FESTSPIEL-ABOS
Mit dem Seeplus-Abo erhalten Festspielbesucher:innen,
die gleichzeitig
mit dem Spiel auf dem See
noch mindestens zwei weitere
Veranstaltungen buchen, für diese
eine Preisreduktion von 30 Prozent.
Die Karten für das Spiel auf dem See
werden zum Vollpreis verrechnet.
Wer gleichzeitig mindestens drei
Orchesterkonzerte bucht, erhält
mit dem Orchesterkonzert-Abo
20 Prozent Ermäßigung.
Weitere Informationen zu Ermäßigungen
finden Sie online auf
www.bregenzerfestspiele.com.
Bitte beachten Sie, dass ermäßigte
Karten online nicht gekauft werden
können. Für Ihre Bestellung erreichen
Sie uns unter +43 5574 407-6.
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Spiel auf dem See Der Freischütz
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30
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AUFGANG
FESTSPIEL-LOUNGE
PREISE Der Freischütz
Seebühne, Festspielhaus | Großer Saal
D
PREMIUM - TICKET
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44
45
SITZPLÄTZE UND PREISE
Kategorie 1 2 3 4 5 6 7
So–Do EUR 165 150 125 95 70 55 30
Fr EUR 178 163 138 108 83 68 43
Sa EUR 191 176 151 121 96 81 56
Kategorie 1plus* So–Do Fr Sa
EUR 180 193 206
* mit erweiterter Beinfreiheit
Premium-Ticket So–Do Fr Sa
EUR 305 318 331
Festspiel-Lounge So–Do Fr Sa
EUR 415 428 441
WETTERINFORMATION
Die Aufführung auf der Seebühne
ist eine Open-Air-Veranstaltung.
Die Entscheidung, ob die Vorstellung
auf der Seebühne gespielt werden
kann, wird erst kurz vor Beginn
getroffen, da die Wetterentwicklung
trotz hoher Vorhersage-Qualität
nicht völlig genau bestimmt werden
kann und aufgrund der tatsächlichen
Situation entschieden werden
muss. Bitte beachten Sie, dass gegebenenfalls
auch bei Regen gespielt
wird. Wir empfehlen allen unseren
Gästen daher, warmer und regensicherer
Kleidung den Vorzug zu
geben, auf Regenschirme aber zu
verzichten, da diese die Sicht beeinträchtigen.
Das Spiel auf dem
See wird ohne Pause gespielt.
KARTEN DER KATEGORIE 1PLUS,
1, 2, DER FESTSPIEL-LOUNGE UND
PREMIUM-TICKETS
sind bei Absage oder einer Spielzeit
der Seeaufführung unter 90 Minuten
für die halbszenische Aufführung
von Der Freischütz im Festspielhaus |
Großer Saal gültig und werden nicht
rückerstattet. Bei einer Verlegung
der Aufführung ins Festspielhaus
befinden sich die Plätze der Kategorie
1plus und 1 im Parkett, jene
der Festspiel-Lounge, Premium-
Tickets und Kategorie 2 im Rang.
Auf der Seetribüne nebeneinanderliegende
Plätze können aufgrund der
unterschiedlichen Reiheneinteilung
im Festspielhaus getrennt sein.
KARTEN DER KATEGORIE 3 BIS 7
sind nur für die Aufführung auf der
Seebühne gültig. Bei einer Verlegung
der Aufführung ins Festspielhaus
erhalten Besitzer:innen dieser
Karten den Kartenwert rückerstattet
bzw. können nach Verfügbarkeit
auf einen späteren Termin umtauschen,
wenn die Aufführung auf
der Seebühne nicht bzw. kürzer als
60 Minuten gespielt worden ist.
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Viel Vorfreude wünschen
die Partner der Bregenzer Festspiele.
HAUPTSPONSOREN
GREEN ENERGY
PARTNER
PRODUKTIONSSPONSOREN
GrECo International AG
Hilti Foundation
Wiener Städtische Versicherung AG
CO-SPONSOREN & PARTNER
Coca-Cola
Dallmayr Kaffee
Hendrick’s Gin
Hilcona AG
Kryolan
Leica Camera
METRO
Mohrenbrauerei
Paul Mitchell
Pfanner & Gutmann
Rauch Fruchtsäfte
Red Bull
Römerquelle
Schlumberger (Wein- und
Sektkellerei)
SUBVENTIONSGEBER
PARTNER