Festspielzeit Sommer 2024 - 2

FESTSPIEL
ZEIT
DAS MAGAZIN DER
BREGENZER FESTSPIELE
AUSGABE 4 | BREGENZER FESTSPIELE 17. JULI – 18. AUGUST 2024
SPIELKIND, GECKO,
BEELZEBUB
Moritz von Treuenfels
verkörpert im Freischütz
den Teufel höchstpersönlich
»HÄTTEN WIR NUR MUSIK,
WÄRE ALLES EINFACHER«
Der Tontüftler für die
Werkstattbühne:
Klangregisseur Norbert Ommer
MEISTERIN DES
FEINEN HUMORS
Kammersängerin Brigitte
Fassbaender inszeniert eine
Oper im Doppelpack

16
Die Meisterin des
feinen Humors
Ein Abend, zwei Highlights:
Brigitte Fassbaender inszeniert
eine Oper im Doppelpack
INHALT
4
Spielkind, Gecko,
Beelzebub
Schrecklich lustig: Moritz von
Treuenfels wird im Freischütz
zum Teufel höchstpersönlich
8
»Musik gelingt nur
im Zusammenspiel«
Mit Respekt und viel Vorfreude:
Petr Popelka über seinen Einstand
als neuer Chefdirigent der
Wiener Symphoniker
12
»Wenn wir nur die
Musik hätten, wäre
alles viel einfacher«
Der Tontüftler für Unmögliche
Verbindung: Norbert Ommer
inszeniert den Klang auf der
Werkstattbühne
20
Zusammen unter
dem Oktopus
Von einem Riesenkraken und
dem großen »Nichts«: Librettist
und Regisseur David Pountney
über die Oper Hold Your Breath
2

25
Den Moment
im Fokus
Einladung zum Erinnern:
Die Ausstellung 40 Jahre Karl
Forster Festspiel-Fotografie
29
Sommer im KUB
Anne Imhof – Wish You Were
Gay: Die Sommerausstellung
im Kunsthaus Bregenz
Impressum
BREGENZER FESTSPIELE GMBH
Platz der Wiener Symphoniker 1
6900 Bregenz | Austria
T +43 5574 407-6
www.bregenzerfestspiele.com
Herausgeber Bregenzer Festspiele GmbH
Intendantin Elisabeth Sobotka
Redaktion Florian Amort, Babette Karner, Kathrin Grabher
Gestaltung moodley brand identity |
Bregenzer Festspiele – Kathrin Grabher
Druck Vorarlberger Verlagsanstalt GmbH
Lektorat Thorsten Bayer Text
Tex te Babette Karner (S. 4 f., S. 20 ff., S. 25) | Viola Bierich,
Thea Plath (8 ff.) | Doris Kösterke (S. 12 ff.) | Dallmayr (S. 15 r.) |
Ingrid Lughofer (S. 16 ff.) | Alste Isa Sohmer (S. 24) | Matthias
Corvin (S. 26 ff.) | Kunsthaus Bregenz, red. (S. 29)
Abbildungsnachweise Anja Köhler (Titelbild – Kostümanprobe
Samiel für Der Freischütz, S. 2 l. o., S. 2 r. u., S. 3 r. u.,
S. 4, S. 19, S, 20, S. 22, S. 23 | Susanne Hassler-Smith (S. 2 l. u.) |
Christian Wiehle (S. 2 m., S. 12) | Karl Forster (S. 2 r. o., S 3 l. o.,
S. 16, S. 25) | Yiorgos Mavropoulos (S. 3 l. u., S. 27) | © Anne Imhof,
Foto Nadine Fraczkowski (S. 3 r. o.) | Dietmar Mathis (S. 7) | Khalil
Baalbaki (S. 9) | Peter Rigaud (S. 11) | shutterstock (S. 12) | Wonge
Bergmann (S. 14) | Dallmayr (S. 15) | SWR4 (S. 24) | Courtesy of
the artist, Galerie Buchholz, Sprüth Magers – © Anne Imhof,
Kunsthaus Bregenz – Foto Markus Tretter (S. 29)
INHALT
Erschienen im Juli 2024. Es gelten die AGB
sowie die Datenschutzerklärung der Bregenzer
Festspiele GmbH. Änderungen vorbehalten.
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»Ich lerne immer
noch Neues dazu«
Von Achtsamkeit in der Musik,
der Sonne Griechenlands und
Richard Strauss: Die Sopranistin
Marlis Petersen im Gespräch
30
Bregenzer
Festspiele 2025
Von Schicksal, Mythen
und Magie ...
Wir möchten darauf hinweisen, dass uns alle
Geschlechter gleich wichtig sind, selbst wenn es
uns manchmal nicht gelingen sollte, dies auch
schriftlich auszudrücken.
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bregenzerfestspiele
3

SPIEL AUF DEM SEE

SPIELKIND,
GECKO,
BEELZEBUB
DER FREISCHÜTZ
Er klettert wie ein Gecko und benimmt sich bisweilen wie der Kobold Pumuckl.
Er reimt, er erzählt und kommentiert das Geschehen. Er rudert im Sarg durchs
seichte Wasser, klettert auf den höchsten Baum und macht Faxen. Doch dann
erscheint der Teufel Samiel mit wildem Blick auf der Spitze des brennenden
Kirchturms und macht allen klar, wer er wirklich ist. Für den Freischütz wird
Moritz von Treuenfels zum Teufel höchstpersönlich.
5

SPIEL AUF DEM SEE
Samiel, der Teufel, alias Schauspieler
Moritz von Treuenfels,
ist im Bregenzer Freischütz
immer und überall präsent. Er ist
es, der die schaurige Geschichte
vorantreibt und der den Kriegsveteranen
Kaspar animiert, den
jungen Schreiber Max dazu zu drängen,
nachts in der gespenstischen
Wolfsschlucht Freikugeln zu gießen.
Sie sollen Max die Hochzeit mit
seiner Liebsten Agathe sichern –
und dem Teufel seine Seele.
Ohne Samiels roten Ganzkörperanzug,
den Moritz von Treuenfels
tagtäglich trägt, wenn er während
der Proben durch die künstliche
Bregenzer Lagune turnt, sieht man
dem liebenswürdigen Mittdreißiger
mit den rötlichbraunen Locken den
Teufel nicht an. Dann streift er die
enge rote Haube seines Anzuges
wieder auf den Kopf, und die jungenhafte
Gutmütigkeit weicht aus
seinen Augen. Heimtückisch, kalt
und aalglatt ist nun sein Blick.
»Samiel ist ein sehr agiler und
wendiger Teufel, total sympathisch,
charismatisch, aber auch sehr
grausam. Er hat aber auch etwas
von einem Vogel oder einem Gecko,
ist immer und überall, lautlos und
unheimlich. Ich versuche, Samiel
zu einem schwirrenden, fluiden,
flatterigen Wesen zu machen.
Eine Kreatur, die nicht leicht zu
definieren ist.« Damals in der
Schauspielschule habe es ihn manchmal
genervt, dass man in ihm
nur den netten Jungen sah, sagt
von Treuenfels: »Ich bin ein sehr
freundlicher, sozialer und kommunikativer
Mensch. Aber als Schauspieler
liebe ich Rollen, in denen sich
der sympathische Schein am Ende
als sehr trügerisch erweist.«
Moritz von Treuenfels wuchs als
drittes von fünf Kindern in Eutin
in der Holsteinischen Schweiz auf,
der Stadt Carl Maria von Webers.
Seine Familie ist sehr musikalisch,
er selbst spielte bis in die Jugend
Cello und gewann Preise bei
»Jugend Musiziert«. Doch über
das disziplinierte Üben siegte
am Ende die Lust am Schauspiel:
»Ich bin ein Spielkind«, sagt er mit
einem breiten Grinsen, »darum
genieße ich die Proben auf der Seebühne
im Moment sehr. Ich fühle
mich wie ein kleiner Junge, die Bühne
ist mein Spielplatz. Ich habe
zwar schon viel vorgearbeitet, mich
mit der Rolle beschäftigt, aber
anders als bei Opernsänger:innen
beginnt für mich als Schauspieler
die wahre Figurenentwicklung
immer erst auf der Bühne. Hier in
Bregenz kann ich so viel wagen,
ausprobieren und mich auch mal
verirren.« Philipp Stölzl, der den
Freischütz auf der Seebühne inszeniert
und auch das Bühnenbild
entwarf, lässt von Treuenfels viel
Spielraum: »Philipp ist für jede Idee
offen, egal von wem sie kommt, wenn
sie gut und umsetzbar ist.«
Wer vermutet, dass die beiden
bereits miteinander gearbeitet
haben, hat Recht: Stölzl und von
Treuenfels trafen sich erstmals in
Stölzls Andersens Erzählungen,
einem bildgewaltigen Theaterspektakel
aus Oper, Schauspiel
und Tanz, das 2019 am Theater
Basel Premiere feierte. Da spielte
von Treuenfels den Dichter Hans
Christian Andersen, setzte sich
zwischendurch ans Klavier, sang
und tanzte: »Ich liebe spartenübergreifende
Produktionen!« Eine solche
ist für ihn auch der Bregenzer
Freischütz. »Philipp ist so verspielt
wie ich, aber auch sehr fokussiert,
akribisch und äußerst präzise.
Mit solchen Regisseur:innen arbeite
ich für mein Leben gern. Bei all der
Fülle, den großen Bildern, die Philipp
auf die Bühne bringt, weiß er immer
ganz genau, wo er damit hinwill.«
Derzeit sind es noch gut zwei
Wochen bis zur Premiere, und es
gibt für alle Beteiligten noch viel
zu tun auf dieser außergewöhnlichen
Bühne. Denn natürlich sei das
Wasser für alle ein sehr ungewohntes
Medium, sagt von Treuenfels:
»Es behindert das Gehen, und man
muss genau wissen, welche Schritte
man wohin macht, wie man ins
Wasser hinein- und wieder herauskommt.
Und das alles nachts, mit
Kostüm, Schminke und Mikrofon:
eine echte Herausforderung!«
SPIEL AUF DEM SEE
DER FREISCHÜTZ
Carl Maria von Weber
Musikalische Leitung
Enrique Mazzola, Erina Yashima
Insze nie rung | Bühne Philipp Stölzl
Kostüme Gesine Völlm
Wired Aerial Theatre
Bregenzer Festspielchor
Prager Philharmonischer Chor
Wiener Symphoniker
PREMIERE
17. Juli 2024 – 21.15 Uhr
Seebühne | Festspielhaus,
Großer Saal
WEITERE VORSTELLUNGEN
19., 20., 21., 23., 24., 25., 26., 27.,
28., 30., 31. Juli – 21.15 Uhr
1., 2., 3., 4., 6., 7., 8., 9., 10.,
11., 13., 14., 15., 16., 17.,
18. August – 21.00 Uhr
Seebühne | Festspielhaus,
Großer Saal
Gute Unterhaltung wünschen
die Hauptsponsoren
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DER FREISCHÜTZ
Die Seebühne als großer Spielplatz: Im Freischütz spielen und singen die Künstler:innen nicht nur am sondern auch im Wasser.
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ORCHESTERKONZERTE
»Musik gelingt
nur im
Zusammenspiel«
Mit Werken von Carl Maria von Weber, Robert Schumann und Thomas Larcher
feiert Petr Popelka, designierter Chefdirigent der Wiener Symphoniker, diesen
Festspielsommer seinen Einstand am Bodensee. Im Interview spricht er über
seine Pläne für das Orchester, seine Vorfreude auf Bregenz und seine Hingabe
für sowohl klassische als auch zeitgenössische Musik.
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9
WIENER SYMPHONIKER

ORCHESTERKONZERTE
WIENER SYMPHONIKER
Dirigent Petr Popelka
Prager Philharmonischer Chor
Carl Maria von Weber Ouvertüre
zur Oper Euryanthe
Robert Schumann Symphonie Nr. 3
(»Rheinische«) Es-Dur, op. 97
Thomas Larcher Love and the Fever
Sie sind diesen Sommer das
erste Mal bei den Bregenzer
Festspielen zu Gast. Worauf
freuen Sie sich?
Petr Popelka: Es ist tatsächlich mein
erster Besuch in Bregenz und ich
freue mich sehr darauf. Nicht nur,
weil es der Auftakt zur Zusammenarbeit
mit den Wiener Symphonikern
ist, sondern auch, weil ich Festivals
sehr gerne habe. Sie erlauben
ein fokussiertes Arbeiten und wie
ich gehört habe, soll die Atmosphäre
in Bregenz ganz besonders sein!
Sie komponieren auch selbst und
dirigieren mit Love and the Fever
von Thomas Larcher eine Neukomposition.
Wie unterscheidet sich
die Arbeit daran im Vergleich zu
einem Repertoirestück?
Am Anfang des Prozesses gar nicht.
Ich studiere ein neues Werk genauso
wie ein Repertoirestück. Der Unterschied
kommt bei der Probenarbeit
mit dem Orchester, wenn der
Komponist dabei ist, man Fragen
stellen kann und gemeinsam eine
Interpretation entwickelt. Das ist
das Schönste daran! Ich sehe es als
unsere Aufgabe, neue Werke mit
derselben Liebe und Hingabe zu
spielen wie bekannte Repertoirestücke.
Wie Beethoven schon sagte:
»Von Herzen – möge es wieder – zu
Herzen gehen.«
Sie möchten in Ihrer Zeit bei den
Wiener Symphonikern unter anderem
vermehrt den Fokus auf Robert
Schumann richten. Wieso haben Sie
sich dafür entschieden, was finden
Sie spannend an seinem Werk?
Sein Œuvre ist unglaublich wichtig.
Ich kenne keine Musik, die fantasievoller
ist als seine Werke. Leider
wird er oft unterschätzt. Schumann
braucht eine besondere Qualität
im Klang, eine eigene Spielkultur,
große Fantasie, Disziplin und die
Spontaneität, die Musik atmen
zu lassen.
Gerade die »Rheinische« nimmt
mit ihrer Entstehungsgeschichte
und vielfältigen Satzstruktur einen
besonderen Platz in Schumanns
Lebenswerk ein. Sie wurde und
wird oft bildhaft gedeutet. Erkennen
Sie in dem Werk programmatische
Assoziationen oder wäre ein solcher
Ansatz zu spekulativ?
Es ist vergleichbar zu Tschaikowskis
6. Symphonie: Offensichtlich gibt
es »ein Programm« – etwas sehr
Privates. Aber was genau es ist, kann
man nur ahnen. Man hört, dass es
eine persönliche, innige Musik ist.
Ich versuche bei der Interpretation,
eine Geschichte ohne Worte zu
erzählen. Wenn man wüsste, worum
es in der Symphonie geht, wäre der
Zauber weg … Es ist schön, wenn
Rätsel ungelöst bleiben.
für Chor und Orchester nach acht
Gedichten von Miyazawa Kenji
5. August – 19.30 Uhr
Auftragswerk des Mitteldeutschen
Rundfunks, der Bregenzer Festspiele,
der Filharmonie Brno und der
In Love and the Fever bilden
Gedichte des japanischen Autors
Miyazawa Kenji die textliche Grundlage.
Wie sehr beschäftigen Sie
sich bei der Arbeit an dem Werk
auch inhaltlich mit dem Material?
Teil des Orchesterkonzerts ist auch
die Ouvertüre zur Oper Euryanthe
von Carl Maria von Weber. Würden
Sie in Zukunft gerne mehr Oper dirigieren,
reizt Sie das?
NTR ZaterdagMatinee
Die Orchesterkonzerte werden
präsentiert von
Die Musik von Thomas Larcher
ist stark an den Text gebunden.
Die acht Gedichte von Miyazawa
Kenji, in denen er die Landschaft
Nordjapans und den Tod seiner
Schwester in Worte packt, sind sehr
fantasievoll, ebenso wie die Musik.
Beides ist sehr farbenreich. Ich kann
die Musik nicht isoliert vom Text
betrachten.
Derzeit mache ich mindestens
ein Opernprojekt pro Jahr und
genieße das sehr. Oper zu spielen,
ist sowohl für Dirigent:innen als
auch für Orchestermusiker:innen
enorm wichtig. Und Weber ist ein
wirklich unterschätzter Komponist,
der gerade in der Oper seine
Genialität beweist. Sein Freischütz
ist ein Meisterwerk. Ich freue mich
10

Seit der Gründung des Festivals sind die Wiener Symphoniker jeden Sommer als Orchestra in Residence bei den Bregenzer
Festspielen zu erleben – dieses Jahr erstmals unter der Leitung ihres designierten Chefdirigenten Petr Popelka. Im Herbst
feiert das Orchester seinen 125. Geburtstag mit einer großen Jubiläumssaison.
WIENER SYMPHONIKER
sehr darauf, ihn in Bregenz auf der
Seebühne erleben zu können.
Als Dirigent stehen Sie als Einzelkünstler
einem großen Kollektiv von
Musiker:innen gegenüber. Wie gehen
Sie mit dieser Führungsposition um?
Was ist Ihnen wichtig?
Mir geht es immer um die Musik.
Ich habe Respekt vor der Aufgabe
und vor den Kolleg:innen, aber
keine Angst. Ehrlichkeit ist wichtig –
sich selbst und auch anderen gegenüber.
Musik gelingt nur im Zusammenspiel.
Es ist ein langer Weg,
der von Konzert zu Konzert führt.
Das ist natürlich viel Arbeit, diese
mündet aber in ein immer größer
werdendes Verständnis der Musik.
Und da wollen wir gemeinsam hinkommen.
Vor Ihrer Karriere als Dirigent
haben Sie in der Staatskapelle
Dresden Kontrabass gespielt.
Inwieweit prägen diese Ursprünge
Ihren Zugang zum Dirigieren?
Diese Erfahrung ist unbezahlbar.
Ich weiß, wie es ist, Teil des großen
Organismus Orchester zu sein.
Das gilt sowohl musikalisch als auch
sozial. Durch meine Erfahrung habe
ich eine tiefe Empathie und großen
Respekt allen Kolleg:innen im Orchester
gegenüber und das erlaubt
es, uns auf Augenhöhe zu begegnen.
Schon jetzt, vor Ihrem offiziellen
Antrittskonzert im September
dieses Jahres, arbeiten Sie eng
mit den Wiener Symphonikern
zusammen. Wie gefällt Ihnen der
Austausch bislang, welche arbeitstechnischen
Besonderheiten
gibt es?
Wir haben wunderschöne Konzerte
hinter uns. Gerade erst im April
und im Mai waren wir auf intensiven
Tourneen und ich kann nur sagen,
dass ich mich schon sehr auf die
gemeinsame Zukunft freue. Das
Schöne an einer Beziehung zwischen
Orchester und Dirigent ist ja,
dass wir mehr erreichen, wenn wir
uns gut kennen.
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Sie wollen mit den Wiener Symphonikern
einen Fokus auf die jüngere
Generation legen. Haben Sie schon
konkrete Ideen, wie Sie diese erreichen
möchten? Wie gestaltet man
ein Programm für ein junges Publikum
oder gar mit jungen Menschen
gemeinsam?
Wir haben unterschiedliche
Ansätze und Projekte für und mit
jungen Menschen. Wir haben einen
Nachwuchspreis, das WSY-Talent,
wir haben die Orchesterakademie
bei den Bregenzer Festspielen, in
der sich viele Orchestermusiker:innen
engagieren. Aktuell arbeiten
wir an einem Projekt, in dem wir
die oft etwas unangenehme Grenze
zwischen Publikum und Musiker:innen
verschwinden lassen wollen.
Dazu gibt es höchst komplexe
Musik auf dem besten Niveau.
Wir trauen jungen Menschen also
sehr viel zu! Wichtig sind aber auch
die Solist:innen, Dirigent:innen
und Komponist:innen der jüngeren
Generation. Ihnen muss man eine
Chance und einen Ort geben, Ideen
zu entwickeln.

WERKSTATTBÜHNE
Ausschnitt aus dem Bühnenbild-Modell: In 16 Kapiteln beschäftigt sich Unmögliche Verbindung mit der Frage, wie
Menschen miteinander umgehen und kommunizieren – auf gesellschaftlicher, aber auch auf individueller Ebene.
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»WENN WIR NUR
DIE MUSIK HÄTTEN,
WÄRE ALLES
VIEL EINFACHER«
Der Ton macht bekannterweise die Musik. Aber wer macht eigentlich den Ton?
Für das Musiktheater Unmögliche Verbindung ist das Norbert Ommer:
Der Klangregisseur des Ensemble Modern sorgt dafür, dass auch in der Weite
der Werkstattbühne kein Ton verlorengeht. Gar keine so leichte Aufgabe.
UNMÖGLICHE VERBINDUNG
Warum braucht das Musiktheater
Unmögliche
Verbindung eigentlich
einen Klangregisseur? – Das ist
übrigens jene Person, die viele im
Publikum überhaupt erst wahrnehmen,
wenn im Schlussapplaus
einer der Menschen auf der Bühne
in Richtung Mischpult zeigt und
dort jemand aufsteht.
Wenn Unmögliche Verbindung von
Ondřej Adámek und Thomas Fiedler
am 27. Juli auf der Werkstattbühne
uraufgeführt wird, ist mit Norbert
Ommer ein besonderer Klangregisseur
am Werk. Er ist Ton-Ingenieur,
Tonmeister und Sounddesigner in
einer Person. Zudem kann er seine
Arbeit sehr verständlich erklären:
»Ich versuche nach bestem Wissen,
die Ideen und Klangvorstellungen
der Komponist:innen hörbar zu
machen, auch in ungewöhnlichen
Umgebungen. Die Werkstattbühne
ist ein relativ großer Raum, kein
Konzertsaal mit einer tragenden
Akustik. Wenn da jemand spricht,
verstehst du in ein paar Meter Abstand
kein Wort mehr. Auch um die
unterschiedlichen Instrumente in
gleichem Maße hörbar zu machen,
muss man also unbedingt mit Elektronik
arbeiten«.
Ende Mai, am Rande der Vorproben
im Frankfurter Domizil
des Ensemble Modern, nahm sich
Ommer Zeit für ein Gespräch über
das Projekt, das noch im Werden ist.
»Heute habe ich zum ersten Mal
die Partitur gesehen«, sagt er.
»Aber vorher hatten wir schon
unzählige Zoom-Konferenzen dazu,
was Ondřej Adámek und Thomas
Fiedler sich wünschen, was das
Bühnenbild und die Kostüme
vorgeben und so weiter. Auch das
Sounddesign ist schon lange vorverhandelt,
weil das ja auch mit dem
Budget zu tun hat. Aber es gibt für
mich noch viele Unbekannte.«
13
Kopfzerbrechen bereitet ihm zum
Beispiel, dass die Musiker:innen
nicht nur spielen, sondern auch sehr
viel sprechen müssen. »Die Partitur
ist voller Text. Man soll nicht nur
alle Instrumente hören, sondern
auch die Texte – deutsch, englisch
und französisch – verstehen können.
Außerdem sind die Musiker:innen
ständig in Bewegung, da kann ich
nicht mit Standmikrofonen arbeiten.
Ich brauche mindestens zwei Mikrofone
pro Person, eines für die Sprache
und eines für das Instrument.«
Wozu denn dieser Aufwand?
»Für eine gute Mikrofonierung
muss man das Mikrofon in dem
Bereich nahe der Klangquelle
platzieren, genau dort, wo sie am
besten klingt. Das nennt man in
der Akustik den Formant-Bereich.
Dieser Punkt liegt je nach Instrument
und Sänger:in woanders.
Und deshalb braucht man für jede
Klangquelle ein eigenes Mikro.«

Wenn Mikrofone zu sehen sein sollen,
wo es keine gibt – und umgekehrt –,
ist Klangregisseur Norbert Ommer in
seinem Element.
WERKSTATTBÜHNE
WERKSTATTBÜHNE
UNMÖGLICHE VERBINDUNG
Ondřej Adámek
Stimme Tara Khozein
Stimme Hanni Lorenz
Musikalische Leitung
Ondřej Adámek
Inszenierung Thomas Fiedler
Bühne | Kostüme Christian
Wiehle
Mitglieder des Bregenzer
Festspielchores
Ensemble Modern
PREMIERE
27. Juli 2024 – 20.00 Uhr
WEITERE VORSTELLUNG
28. Juli – 20.00 Uhr
Werkstattbühne
Auftragswerk der Bregenzer Festspiele
und des Ensemble Modern
Eine Spezialität von Norbert
Ommer ist auch sein Anspruch,
die Zuhörer:innen nicht merken
zu lassen, dass überhaupt Elektronik
im Spiel ist. Nach Möglichkeit
versteckt er die Mikrofone in den
Instrumenten. »Für das Kontrafagott
etwa gibt es Spezialmikrofone,
die man im Innern des Instruments
platziert und über Funk
ansteuert.« Auch die Mikrofone
zum Singen und Sprechen sollten
nach Möglichkeit nicht sichtbar
sein und trotzdem einen uneingeschränkten,
natürlichen Klang
abbilden. »Wenn wir nur die Musik
hätten, wäre alles sehr viel einfacher«,
seufzt er.
Laut Bühnenplan soll bei Unmögliche
Verbindung ein ganzer Wald von
Mikrofonen auf der Bühne stehen.
»Das hat Gründe, die ich hier noch
nicht verraten möchte. Es sind fast
zur Hälfte Mikrofon-Attrappen,
nur zwölf Stück sind sogenannte
Handsender. Da werden Musiker:innen
und Akteur:innen mal hingehen
und reinsprechen, mal draufklopfen
oder dranhauen. Auch der Chor
wird sie verwenden. Auch hier ist
die Sprachverständlichkeit extrem
wichtig, denn die Partitur ist auch
voller Text im Unisono.«
Und wie koordiniert man das?
»Genau das ist das Problem.
Wir arbeiten in einem Raum, der
nicht für Musik konzipiert ist.
Das heißt, man läuft Gefahr, sich
selbst nicht zu hören und deshalb
nicht zusammenzuklingen. Andere
Komponist:innen würden mit einem
Clicktrack arbeiten, einer Art
Metronom. Aber Ondřej Adámek
möchte das mit seinem eigenen
Dirigat lösen. Ob das in der Praxis
funktioniert, muss man sehen.
Ich würde gerne etwas finden, damit
die Musiker:innen einander gut hören
und im emphatischen Sinne des
Wortes zusammenspielen können.
Wie ich das aber diesmal bei den
vielen Bewegungen auf der Bühne
hinbekomme, weiß ich noch nicht.«
Wie viele Soundkanäle wird der
Klangregisseur dann zu überblicken
haben? »Ich habe noch gar nicht
nachgezählt, es werden wohl so um
die sechzig sein. Das variiert gerade
noch ein bisschen, zumal manche
Musiker:innen zwischen verschiedenen
Instrumenten hin- und herwechseln.
Der Fagottist spielt zum
Beispiel auch Kontrafagott, für den
muss ich also einen Kanal mehr einrichten.
Dann kommt noch hie und
da ein Geräusch dazu. Man muss
sich das Ganze vorstellen wie ein
Hörspiel. In diesem Raum wird sich
nichts von ganz alleine vermitteln,
bei allem ist sehr viel Elektronik
im Spiel.«
Durch die differenzierte Mikrofonierung
hofft Ommer, alles hörbar
zu machen. »Ich möchte ja,
14

Standing
Ovations
dass das Publikum die Instrumente
auch aus der Richtung hört,
wo sie sich gerade auf der Bühne
befinden. Das wird alles noch ein
Thema sein. Und trotz so vieler
Herausforderungen muss alles so
umgesetzt werden, dass man die
elektronische Verstärkung gar
nicht bemerkt. Also: Das wird
sehr spannend werden.«
Für seine innovative wie qualitätsorientierte
Arbeit hat Ommer
bedeutende Preise bekommen.
Gerade in diesem Jahr freute er
sich außerordentlich über den
Opus AVantgarde für seine begehbare
Klanginstallation Earth
Dances. »Die Aufgabe war, eine
Klanginstallation zu den Earth
Dances von Harrison Birtwistle zu
entwickeln, die man vor und nach
dem Konzert besuchen konnte.
Was sollte das sein? Ich wollte
schon sagen, das sei nicht das
Richtige für mich. Bis ich auf die
Idee kam, den Menschen im Publikum
ein Erlebnis zu ermöglichen,
das sie sonst nie haben können:
zwischen den Musiker:innen herumzulaufen.
Die Besucher:innen
sind in diesem Höreindruck quasi
rechts am Dirigenten vorbeigegangen,
durch die Streicher zu
den Holzbläsern gelaufen und
schließlich durch die Blechbläser
und hinten durchs Schlagzeug.«
denn hin? Aber das war noch
nie anders und wir haben auch
alle schon so viele tolle Projekte
gemacht, für die es keinen Preis
gegeben hat.«
Ist vielleicht das Besondere
an ihm, dass er in vertrackten
Situationen einfach weitermacht,
bis er auf etwas stößt, das ihn
zum Weitertüfteln anspornt?
»Ich denke, das ist in uns allen
so angelegt – zumindest beim
Ensemble Modern.«
PROBENEINBLICK
Das Ensemble Modern
ist eines der weltweit
führenden Ensembles für
Neue Musik. Es vereint derzeit
18 Solist:innen aus acht
Ländern. Basisdemokratisch
organisiert, entscheiden sie
gemeinsam über Projekte,
Kooperationen mit anderen
Künstler:innen und ökonomische
Fragestellungen.
Für die Aufführung von
Unmögliche Verbindung
waren die Musiker:innen von
Anfang an in den kreativen
Prozess eingebunden und
experimentieren an neuen
musikalischen Ausdrucksformen.
Ich liebe dich. Als er endlich
den Mut fand, diese drei Worte
auszusprechen, fühlte er sich
wie ein Sänger auf einer improvisierten
Bühne, ohne Regieanweisung,
ohne Probe. Sein Herz pochte.
Was würde sie wohl dazu sagen?
Ihr Blick drückte Erstaunen aus,
als ob er ihr in einem dunklen Wald
drei magische Freikugeln angeboten
hätte. Lähmende Stille lag in
der Luft. Er wagte kaum zu atmen,
während sie sich Zeit ließ. Gedanken
kreisten wirr durch ihren Kopf:
Diese unmögliche Verbindung schien
nun ein Happy End zu haben?!
Sie war sprachlos. Sie nippte an
ihrem Cappuccino, stand plötzlich
auf, klatschte in die Hände und
lachte ein fröhliches, ansteckendes
Lachen. Ihre bis dahin unausgesprochenen
Gefühle wurden erwidert.
Was für ein Glück! Manchmal sagt
ein Lächeln bei einer Tasse Kaffee
mehr als tausend Worte.
Dallmayr wünscht Ihnen viel Genuss
und eine wunderbare Festspielzeit!
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE
Mit einem Preis hierfür hatte
Norbert Ommer ebenso wenig
gerechnet wie bei der Video-Oper
Three Tales von Steve Reich.
Für seine Arbeit daran bekam er
den Tonmeisterpreis Goldener
Bobby verliehen, und seine Zappa-
Hommage mit dem Ensemble
Modern wurde mit dem ECHO
KLASSIK ausgezeichnet: »Bei allen
drei Projekten habe ich nur gedacht:
O Gott, wie kriege ich das
Einen Einblick in die Proben
mit dem Komponisten
und Dirigenten Ondřej
Adámek und dem Regisseur
und Autor Thomas Fiedler
gibt es hier:
15

OPERNSTUDIO
16

Zwei Opern, vierzehn
Sänger:innen und
eine einzigartige
Regisseurin: In einem
großen Operndoppel
bringt das Bregenzer
Opernstudio Gioachino
Rossinis Der Ehevertrag
und Giacomo Puccinis
Gianni Schicchi auf
die Bühne. Die Grande
Dame der Opernwelt,
Kammersängerin Brigitte
Fassbaender, setzt die
ungewöhnliche und
humorvolle Kombination
in Szene.
DIE MEISTERIN
DES FEINEN
HUMORS
Wenn sich Gioachino
Rossinis Der Ehevertrag
und Giacomo Puccinis
Gianni Schicchi im Opernstudio
die Hand geben, ist eine Fülle an
musikalischem Humor, Wortwitz
und Situationskomik garantiert.
In Rossinis lustigem Einakter möchte
der Kaufmann Tobia Mill seine
Tochter Fannì an einen Geschäftspartner
verheiraten. Doch die junge
Frau liebt Edoardo Milfort, den sie –
dank unerwarteter Großzügigkeit –
am Ende auch zum Mann nehmen
darf. Der Ehevertrag (La cambiale
di matrimonio) ist die erste öffentlich
aufgeführte Oper, mit der
sich Rossini 1810 in Venedig dem
Publikum präsentierte. Mehr als
100 Jahre später ist in New York
Puccinis Gianni Schicchi zum ersten
Mal auf der Bühne zu erleben.
Diese Geschichte über einen Erbschleicher
stammt ursprünglich
aus Dante Alighieris Inferno, dem
ersten Teil der Göttlichen Komödie.
In Puccinis Dreiteiler Il trittico
sorgt sie für Heiterkeit: Nachdem
der reiche Buoso Donati gestorben
ist, versammeln sich die Hinterbliebenen
am Totenbett. Doch in
dem liegt nicht der Verstorbene,
sondern der clevere und ideenreiche
Gianni Schicchi. Er verteilt das Erbe
großzügig unter den Verwandten,
die laut originalem Testament leer
ausgegangen wären. Die besten
Vermögenswerte vermacht er sich –
quasi als Lohn für seine Dienste –
kurzerhand selbst.
Die Bregenzer Festspiele bringen
beide Stücke gemeinsam auf die
Bühne. Regie an diesem Doppelabend
führt Kammersängerin
Brigitte Fassbaender. Seit Festspielintendantin
Elisabeth Sobotka das
Opernstudio 2015 ins Leben rief, ist
Fassbaender mit dabei. Mit ihrer
Expertise prägte sie das Programm
zur Nachwuchsförderung maßgeblich.
Zur Vorbereitung auf die
sommerlichen Aufführungen starteten
die jungen Sänger:innen auch
in diesem Frühling wieder mit einer
Meisterklasse unter ihrer Leitung.
Im Interview spricht sie über die
Verbindung beider Stücke, die
Herausforderungen, die sie für die
jungen Sänger:innen des Opernstudios
bereithalten, und darüber,
welches Konzept sie für ihre Inszenierung
gar nicht hat.
DER EHEVERTRAG | GIANNI SCHICCHI
17

OPERNSTUDIO
Sie sind unter vielem anderen
eine Rossini-Koryphäe: Alleine
in Bregenz inszenierten Sie
bereits Der Barbier von Sevilla und
Die Italienerin von Algier. Nun folgt
Ihre dritte Regie für das Opernstudio.
Gibt es in Rossinis Der Ehevertrag
noch etwas Neues für Sie
zu entdecken?
Brigitte Fassbaender: Natürlich hört
man so ein Erstlingswerk mit
»frischen Ohren«. Aber da ist
alles schon vorhanden an Reichtum
der Erfindung: Tiefe, Witz, Tempo.
Wenn auch noch die ganz großen
Ensemble-Herausforderungen
fehlen ...
Am selben Abend kommt auch
Puccinis Gianni Schicchi auf die
Bühne. Sehen Sie eine Verbindung
zwischen den beiden Stücken?
Die Verbindung zwischen beiden
Stücken wird wohl eher vom
Bühnenbild ausgehen, das wandelbar
und vielseitig beide Stücke
beherbergt. Die Einakter spielen
»Wir wollten vermeiden,
dass die jungen Menschen
alle mit Bäuchen und
weißgepuderten Haaren
herumlaufen müssen.«
BRIGITTE FASSBAENDER
jeweils in einem Raum mit wechselnden
Requisiten, sodass er
nicht wiederzuerkennen ist.
Den Ehevertrag inszenieren wir
zeitlos modern und Gianni Schicchi
sehr skurril, der Skurrilität der
Charaktere angepasst.
18
Was sind für Sie die inhaltlichen
Hauptthemen in Der Ehevertrag
und in Gianni Schicchi? Wollen Sie
ein wenig vom Inszenierungskonzept
berichten?
Hauptthemen beider Opern sind
Liebe und Habgier. Und in beiden
siegen Witz und Schlauheit.
Mit dem Begriff »Konzept« kann
ich wenig anfangen. Es liegt mir
nicht, ein Stück zu verfälschen und
dadurch zu »verschlimmbessern«.
Ich glaube, die allmählich krampfhafte
Bemühung um ein Konzept
ist hauptsächlich Kritiker:innen
geschuldet, die aus Langeweile und
Überfütterung durch dauernde
Opernbesuche partout mit vermeintlich
Neuem bedient werden
müssen und wollen. Ich möchte
nichts anderes als spannende,
kluge, kurzweilige Geschichten
erzählen. Dazu kommen Interpret:innen,
die in jedem Fall das
Zentrum der Bühne bleiben.
Nun ist es so, dass die Darsteller:innen
aus Der Ehevertrag alle auch
in Gianni Schicchi besetzt sind.
Wie wirkt sich das auf die Proben
aus, wie gelingt es bei dieser intensiven
Arbeit, von einer Oper zur
anderen »umzudenken«? Und wie
werden es die jungen Künstler:innen
schaffen, zwei unterschiedliche Partien
an einem Abend aufzuführen?
Beide Stücke werden parallel
geprobt, damit das Ensemble
durchgehend beschäftigt ist und
die Sänger:innen, die an einem
Teil nicht beteiligt sind, keinen
Leerlauf haben. Für die jungen
Sängerdarsteller:innen ist es eine
Herausforderung, zwei so unterschiedliche
musikalische Stile
zu erarbeiten und an einem
Abend präsentieren zu müssen.
Aber es ist auch reizvoll, schauspielerisch
lehrreich und spannend,
in so verschiedene Rollen
zu schlüpfen. Ich hoffe, wir schaffen
das mit Bravour!

Francesco Auriemma (Slook | Amantio di Nicolao), Rommie Rochell (Zita) und Maximilian Bell (Norton | Maestro Spinelloccio) bei der
Meisterklasse. Nicht nur Ton und Atemtechnik, sondern auch der Ausdruck muss stimmen: Brigitte Fassbaender, während ihrer aktiven
Zeit als Sängerin selbst als herausragende Darstellerin bekannt, legt viel Wert auf die künstlerische Ausarbeitung der Charaktere.
DER EHEVERTRAG
Gioachino Rossini
DER EHEVERTRAG | GIANNI SCHICCHI
In dieser Opernstudioversion von
Gianni Schicchi gibt es eine Menge
äußerst junger Erbschleicher:innen.
Wie gehen Sie damit um?
Gianni Schicchi wird für gewöhnlich
mit Darsteller:innen in passendem
Alter besetzt, nämlich so, wie es die
Rollen erfordern: im »gestandenen
Mittelalter«. Wir wollten aber vermeiden,
dass die jungen Menschen
alle mit Bäuchen und weißgepuderten
Haaren herumlaufen müssen.
Dietrich von Grebmers Kostüme
werden dabei sicher sehr hilfreich
sein. Mehr will ich nicht verraten.
Sie sagten einmal zu mir, dass Sie
in jeder Oper, außer in Elektra,
irgendwo zumindest einen Ansatz
von Humor finden. Sie selbst haben
bei den Bregenzer Festspielen
das Publikum bereits mit äußerst
humorvollen Inszenierungen erfreut.
Der Ehevertrag und Gianni Schicchi
strotzen ebenfalls vor Witz und
Esprit, Situationskomik. Fällt es
den jungen Menschen leicht, sich
darauf einzulassen?
Das »Komische« ist meistens
viel schwerer auf die Bühne zu
bringen als das Dramatische.
Es erfordert ungeheure Präzision
und perfektes Timing. Ich glaube,
das fällt niemandem leicht, ob Jung
oder Alt. Das erfordert Handwerk
und Können. Ich denke, die jungen
Sänger:innen brennen darauf, es
auszuprobieren. Es wird ein großer
Lernprozess für sie.
Welche Stellen in den beiden
Opern berühren Sie musikalisch
am meisten?
In Gianni Schicchi freue ich mich
jedes Mal auf die wunderbar jubelnden
Ausbrüche des Tenors, des
verliebten Rinuccios. Die sind herrlich
zu singen, wenn auch schwer.
Und im Ehevertrag gibt es zwischen
Fannì und Edoardo ein bezauberndes
Liebesduett – empfindsamster
Rossini. Schon dieser Erstling ist
eine für den Komponisten typische
Mischung aus Virtuosität und melodischer
Empfindung. Ich freue mich
sehr auf die beiden so unterschiedlichen
musikalischen Welten.
19
GIANNI SCHICCHI
Giacomo Puccini
Musikalische Leitung
Claire Levacher
Insze nie rung Brigitte Fassbaender
Bühne | Kostüme
Dietrich von Grebmer
Solist:innen des Opernstudios
der Bregenzer Festspiele
Symphonieorchester
Vorarlberg
PREMIERE
12. August 2024 – 19.30 Uhr
WEITERE VORSTELLUNGEN
14., 16., 17. August –
19.30 Uhr
Theater am Kornmarkt
Mit freundlicher Unterstützung des
Internationalen Gesangswettbewerbs
NEUE STIMMEN der Liz Mohn Stiftung
Das Opernstudio wird präsentiert von

David Pountney, von 2004 bis 2014
Intendant der Bregenzer Festspiele,
kehrt diesen Sommer für die Inszenierung
von Hold Your Breath nach
Bregenz zurück. Mit dabei: ein – im
Bild noch unbemalter – siebenarmiger
Oktopus des bildenden Künstlers
Hugo Canoilas.
INHALT

ZUSAMMEN
UNTER DEM
OKTOPUS
HOLD YOUR BREATH
Librettist und Regisseur David Pountney über die inspirierende
Zusammenarbeit eines »bunten Haufens« und das faszinierende »Nichts«
einer leeren Werkstattbühne bei den Bregenzer Festspielen
21

WERKSTATTBÜHNE
In mehreren Einblicken konnten interessierte Besucher:innen die Entstehung der neuen Oper Hold Your Breath über zwei Jahre
lang mitverfolgen. Im Jänner 2023 wurden dem Publikum erstmals visuelle Ideen für die Werkstattbühne präsentiert.
Ein riesiger Oktopus
steht nicht nur im Mittelpunkt
der Geschichte,
die sich die Komponistin
Éna Brennan, der bildende
Künstler Hugo Canoilas
und der ehemalige
Intendant der Bregenzer
Festspiele, David Pountney,
für ihre gemeinsame
Oper Hold Your Breath
ausgedacht haben:
Er wird als überlebensgroßes
Wesen auch direkt
über den Köpfen des
Publikums schweben.
Beim ersten Einblick zu Hold
Your Breath im Januar 2022
hast du gesagt, dass du dich
sehr über die Einladung gefreut hast,
auf der Werkstattbühne einen riesigen
Raum völlig neu zu erforschen
und dabei »ins Nichts« zu schauen?
David Pountney: Ja, das stimmt!
Die Werkstattbühne ist ein riesiges
»Nichts«, für das man etwas schaffen
kann. Elisabeth Sobotka hat
uns – Éna Brennan, Hugo Canoilas
und mir – nur den Auftrag gegeben,
miteinander zu arbeiten. Sonst
nichts. Lange bevor der Oktopus
aufgetaucht ist, waren wir drei
uns einig, dass wir wirklich die
ganze Werkstattbühne für unser
Stück nutzen wollen. In einen
so großen, offenen Raum wird
häufig ein kleinerer Raum gebaut,
der dann wiederum ein Theater
imitiert: Genau das wollten wir
nicht tun.
Jetzt wird ein riesiger Oktopus
über allen schweben. Allerdings
ein Exemplar mit nur sieben Armen
statt acht?
Es gibt tatsächlich auch siebenarmige
Oktopusse! (lacht)
22
Wie kam es dazu?
Ich bin schon lange von diesen
Wesen fasziniert. Es gibt viel
Literatur über Kraken – darüber,
wie intelligent sie sind, dass sie
uns Menschen erkennen und sich an
uns erinnern können. Dass sie wissen,
wer man ist und was man tut.
Eines Tages sagte ich zu Hugo:
»Weißt du was, ich sehe da diesen
riesigen Oktopus in unserem Stück.«
Hugo fand das interessant. Er ist
losgegangen und hat ein neunzig
Meter langes Gemälde von einem
Oktopus gemalt: eine spontane
Reaktion auf unser Gespräch.
Aber ein Krake macht noch
kein Libretto. Wie werden sich
die Musik und die Geschichte
mit dem Oktopus verbinden?
Mein Libretto für Hold Your Breath
ist eigentlich ein »Nicht-Libretto«.
Das Stück erzählt keine lineare
Geschichte, sondern ist eine Art
Collage aus neun Szenen, die sich
um verschiedene Erfahrungen
drehen, die die Menschheit in
den vergangenen Jahren gemacht
hat: die Covid-Pandemie, den Klimawandel.
Es geht um Autoritäten,

die Menschen herumschubsen, um
Bürokratie und unsere Haltung
dazu: Beugt man sich oder rebelliert
man? Folgt man den Anweisungen
– oder tut man es nicht?
Das Publikum wird sich bei Hold
Your Breath auf der Werkstattbühne
frei bewegen können.
Ja, das Publikum ist Teil des
Ganzen und wird sich einzeln und
in Gruppen bewegen. Die Leute
werden während des ganzen Stücks
im Raum herumgeschoben – natürlich
auf freundliche Art und Weise!
Sie erleben also alles selbst mit:
eine viel intensivere Erfahrung
als nur in einem Sessel zu sitzen,
sich etwas anzusehen und dann
wieder nach Hause zu gehen.
ten, sondern vielmehr darüber,
wie wir es machen. Wir haben
versucht, etwas zu schaffen,
das nur auf der Werkstattbühne
stattfinden kann und woanders
sehr schwer aufzuführen wäre.
HOLD YOUR BREATH
Éna Brennan | Hugo Canoilas |
David Pountney
Musik Éna Brennan
Inszenierung David Pountney
Raum | Kostüme Hugo Canoilas
PREMIERE
15. August 2024 – 20.00 Uhr
Éna Brennan stammt ursprünglich
aus Brüssel und lebt in Irland.
Als Komponistin, Grafikdesignerin
und Geigerin wandelt sie zwischen
verschiedenen Welten. Über ihre
Musik für Hold Your Breath sagt sie:
»Meine Musik für dieses Stück ist
stilistisch sehr vielfältig. Es gibt
Fanfaren und Tänze, die an den
Barock angelehnt sind, die sich
mit freitonalen Abschnitten, aber
auch mit Improvisation abwechseln.
Ein weiteres Element sind elektronische
Klänge, die teils separat
ertönen, teils zusammen mit den
Musiker:innen des Symphonieorchesters
Vorarlberg gemeinsam
zu hören sind.«
HOLD YOUR BREATH
WEITERE VORSTELLUNG
Kanntet ihr euch vorher schon,
Éna, Hugo und du?
17. August – 20.00 Uhr
Werkstattbühne
Auftragswerk der Bregenzer
Nein. Wir sind drei sehr unterschiedliche
Charaktere und kamen
uns am Anfang wie ein etwas seltsamer,
bunt zusammengewürfelter
Haufen vor. Éna ist eine minimalistische
Komponistin und auch
Hugo hat seinen ganz eigenen Stil.
Ich selbst bin sehr vielseitig und
liebe es, neue Dinge zu schaffen.
Während des Entstehungsprozesses
von Hold Your Breath mussten
wir alle lernen, unsere sehr
unterschiedlichen Ästhetiken und
Herangehensweisen zu verstehen.
Für Éna und Hugo waren zudem
die Dimensionen, in denen wir uns
bewegen – sei es die Menge der
Darsteller:innen und Musiker:innen
oder die Größe des Bühnenraums
– eine ganz neue Erfahrung.
Unsere zweijährige Zusammenarbeit
war sehr inspirierend!
Aber wir haben auch viel miteinander
diskutiert. Nicht unbedingt
darüber, was wir machen möch-
Festspiele im Rahmen des
Opernateliers. In Zusammenarbeit
mit dem Kunsthaus Bregenz
Zum ersten Mal arbeitet der in
Lissabon geborene Künstler Hugo
Canoilas bei Hold Your Breath für
einen Bühnenraum. Gemeinsam mit
anderen ein Stück zu entwickeln,
war eine faszinierende, neue Erfahrung:
»Es war ein sehr interessanter
Lernprozess! Das Wissen und Können
der verschiedenen Abteilungen,
vom Bühnenbau bis zur Kostümabteilung,
war großartig. Ich konnte
immer um Hilfe bitten.« Neu ist für
Canoilas auch, dass das Publikum
während des Stücks relativ lange
mit seinem Werk konfrontiert sein
wird: »In einer Galerie bleibt man
ein paar Minuten vor einem Kunstwerk
stehen, mehr nicht.«
◀
Auch ein 30 Meter langer
Bühnen-Kraken beginnt sein
Leben als Skizze ...
23

VOLLTREFFER, HAPPY
END UND GUTES WETTER
Stets gut informiert und bestens unterhalten mit SWR4,
Medienpartner der Bregenzer Festspiele
PARTNER DER BREGENZER FESTSPIELE
Ganz frech könnte man
behaupten, dass in diesem
Sommer »Volltreffer«
und die Hoffnung auf den Sieg der
»Richtigen« die ganz heiße Ware ist.
Zuerst die Fußballeuropameisterschaft
und 24 Nationen zu Gast in
Deutschland und jetzt der schwer
verliebte Schreiber Max, auch sein
Schuss muss sitzen – nur so gewinnt
er seine große Liebe Agathe.
Carl Maria von Weber hat diese
romantische Oper einst komponiert.
Der Freischütz lockt bei den diesjährigen
Bregenzer Festspielen
die Besucher:innen mit großen
Gefühlen, Magie und Intrigen.
Und auch hier gilt: Das Herz des
Opernpublikums darf bis zuletzt
hoffen, wie das des Fußballfans.
Ein Happy End scheint möglich,
der Zauber greifbar, vor schönster
Kulisse auf der Seebühne. Die große
Liebe, Happy Ends und Volltreffer
passen auch ganz wunderbar zu
SWR4. Die Musik kann ein Lied
singen von Liebe, Herzschmerz,
Romantik und Hoffnung. Die beliebten
Rezepte und Gartentipps
machen happy und den Geschmack
der Hörer:innen voll zu treffen, ist
natürlich das Ziel des beliebten
Radioprogramms. Ob da Magie im
Spiel ist? Wer weiß! Doch bei aller
Zerstreuung darf das Lieblingsthema
nicht fehlen. Das Wetter!
Bei Open-Air-Veranstaltungen wird
nicht selten prüfend zum Himmel
geschaut. Wird die Frisur noch
sitzen, wenn der Vorhang fällt oder
braucht man einen Kittel mehr am
See? Die Bestellung für perfektes
Festivalwetter ist raus ans Universum.
Und wer sich die Wetterfrage
sowieso gerne täglich stellt: Heiter
oder wolkig, warm oder frostig – der
kann SWR4 Wettermelder werden.
Wie das geht? Einfach den QR-
Code scannen oder auf SWR4.de
anmelden.
Das SWR4-Rezept für einen gelungenen
Sommer: ein abwechslungsreiches
Programm, gutes Wetter und gute Musik.
24

40 JAHRE KARL FORSTER FESTSPIEL-FOTOGRAFIE
DEN MOMENT IM FOKUS
Die große Kunst der Theaterfotografie
besteht darin,
den perfekten Moment im
Bühnenspiel aus Körpern und Musik,
aus Licht und Schatten einzufangen;
flüchtige Ideen bildlich festzuhalten.
Karl Forsters scharfer und sensibler
Blick für Menschen, sein tiefes Gespür
für Situationen und Beziehungen
manifestieren sich aber nicht
nur in seinen Fotos: Hinter seinen
Bildern steht ein Mensch voller
Esprit und Philosophie, voller Wissen
und Kreativität.
Die Ausstellung basiert auf einer
sehr persönlichen Auswahl des
Fotokünstlers. Wie der Director’s
Cut eines Films zeigt sie viele
einzigartige Momentaufnahmen.
Besucher:innen werden hier so
manche Festspielproduktion durch
die Augen von Karl Forster neu
entdecken und sich an Szenen auf
der Seebühne und im Festspielhaus
erinnern, die vielleicht auch ihnen
für immer im Herzen und im Gedächtnis
geblieben sind.
40 JAHRE KARL FORSTER FESTSPIEL-FOTOGRAFIE
KARL FORSTER
1949 in
Memmingen
geboren, ist
Karl Forster
seit 40 Jahren
fester
Bestandteil
der Bregenzer
Festspiele.
Ab seinem
zweiten Jahr beginnt unter der
Intendanz von Alfred Wopmann
die Bregenzer Dramaturgie, die
bekannte Opernklassiker auf der
Seebühne mit Raritäten der Opernliteratur
im Festspielhaus vereint
und die von der ersten Produktion
bis heute von ihm begleitet wird.
Seit den 1990er-Jahren arbeitet
Karl Forster im Team mit seiner
Frau Monika Forster.
Als Foto-Designer ist er an der
Gestaltung zahlreicher Buchprojekte
sowie Ausstellungen beteiligt
und veröffentlichte in Bildbänden,
Büchern, Fachzeitschriften und Magazinen.
Sein Schwerpunkt lag aber
immer auf der Bühnenfotografie, die
ihn und seine Frau Monika neben
den Bregenzer Festspielen unter anderem
an Opernhäuser in Amsterdam,
Hamburg, Essen, Stuttgart,
Graz, Linz, Berlin, Gelsenkirchen,
Köln, Zürich, Brüssel, Wien sowie zu
den Salzburger Festspielen führte.
25
Die Ausstellung bietet einen persönlichen
Rückblick des Fotografen
auf seine bisherige Arbeit bei den
Bregenzer Festspielen: Neben den
bekannten Totalen der berühmten
Seebühne sind vor allem Detailaufnahmen
und Lieblings-Szenen
zu sehen. Der Eintritt ist frei.
Bis 18. August 2024 laden Karl Forsters
Fotografien im Showroom | Foyer des
Festspielhauses zum Entdecken ein.
Im Bild: Hoffmanns Erzählungen, Spiel
auf dem See 1987|88.

»ICH LERNE
ORCHESTERAKADEMIE
IMMER NOCH
NEUES DAZU«
Für das große Abschlusskonzert der Orchesterakademie erarbeitet
die Sopranistin Marlis Petersen mit den Musiker:innen ausgewählte
Orchesterlieder von Richard Strauss sowie eine Arie aus seinem Rosenkavalier.
Im Interview spricht sie über Achtsamkeit beim Musizieren, die Sonne
Griechenlands und das Glück, Strauss’ Musik »geknackt« zu haben.

Wann wussten Sie, dass
Sie auf der Opernbühne
stehen wollen? Zunächst
studierten Sie ja neben Gesang
auch Schulmusik. War der Beruf
der Lehrerin damals eine Option?
Marlis Petersen: Der Gedanke,
Gesang zu studieren, wurde in mir
geweckt, als ich mit 16 Jahren in
den Kirchenchor meiner Kleinstadt
eintrat. Dennoch habe ich zuerst
Schulmusik mit Hauptfach Klavier
studiert; das schien für meine
Eltern eine sichere Variante zu
sein – im Gegensatz zu einem
Gesangsstudium. Ich habe aber
recht schnell gemerkt, dass ich
nicht Lehrerin werden möchte,
und habe dann selbstständig das
Gesangsstudium vorangetrieben.
Als ich meiner Lehrerin Sylvia
Geszty begegnete, war klar, dass
es auf die Bühne gehen muss!
ORCHESTERAKADEMIE
Wieso war Sylvia Geszty für Sie
so wichtig?
Sie begegnete mir in einer Zeit,
in der es meiner Stimme nicht
gut ging. In dem ersten Kurs bei
ihr erschloss sie mir innerhalb von
zwei Wochen die obere Oktave –
und ich konnte sofort die Königin
der Nacht singen. Das war natürlich
eine absolute Offenbarung.
Kurz darauf wechselte ich in ihre
Klasse. Dort wurde sehr viel Oper
und Operette erarbeitet und auch
szenisch aufgeführt. Das war die
beste Vorbereitung auf den Beruf,
die man sich nur vorstellen kann.
Während Ihrer Ausbildung an der
Staatlichen Hochschule für Musik
und Darstellende Kunst Stuttgart
waren Sie Mitglied einer Popband
und nahmen Jazz- und Stepptanz-
Unterricht in Stuttgart an der New
York City Dance School. Das hört
sich fast nach der Vorbereitung auf
eine Musical-Karriere an?
Die Idee, ins Musical-Genre zu
gehen, war tatsächlich da und ich
habe sogar bei Cats in Hamburg
vorgesungen. Dort kam als Rolle
aber nur die ältere Katze Grizabella
infrage, die »Memory« singt.
Das war dann für mich als junges
Mädchen doch nicht die richtige
Herausforderung.
27
Im Ensemble der Deutschen Oper
am Rhein waren Sie von 1998 bis
2003 als lyrischer Koloratursopran
angestellt. Seither sind Sie als freischaffende
Sängerin in ganz unterschiedlichen
Partien zu erleben, von
Wolfgang Amadeus Mozart bis Alban
Berg, von Giuseppe Verdi bis Aribert
Reimann. Wie wichtig war der Schritt
weg von einem festen Engagement?
Vor der Deutschen Oper gab es
noch mein Anfänger-Engagement
am Staatstheater Nürnberg.

ORCHESTERAKADEMIE
Die jeweils fünf Jahre an diesen
Häusern haben mir sehr viel
Stabilität gegeben und ein großes
Repertoire-Spektrum geschenkt.
Nach zehn Jahren war der Schritt
in die Freiheit aber genau der richtige,
denn nur so konnte ich künstlerisch
wachsen und auch an den
berühmten Häusern in Wien oder
an der Metropolitan Opera in New
York gastieren.
Jede Stimme verändert sich im Laufe
der Zeit. Wie ist das bei Ihnen?
In der Tat. Im Laufe der Jahre
verschwand bei mir die extreme
Höhe. Das passiert, wenn man
breit gefächert singt und sich auch
Rollen vornimmt, die außerhalb
des Koloraturfachs liegen. Ich war
immer neugierig und wollte unbedingt
so spannende Figuren wie
Bergs Lulu und Richard Strauss’
Salome angehen. Natürlich altert
auch die Muskulatur des Singapparats
mit dem Älterwerden
des Körpers. Das bedeutet manchmal,
Krisenzeiten durchzustehen
und sich neu auszurichten, eventuell
die Technik anzupassen und
natürlich auch eine neue Balance zu
finden zwischen Beruf und Leben.
Da sind wir gleich beim nächsten
Thema. Sie wohnen seit 15 Jahren
in Griechenland und stellen sogar
eigenes Olivenöl her. Ist das der perfekte
Ausgleich zu Ihrer Karriere?
Das ist ein wunderbarer Ausgleich
und auch Nahrung für die Seele!
Es ist ein ganz tolles Gefühl, mit
den eigenen Händen die Früchte
der Erde zu ernten und etwas Sichtbares
mitzuerschaffen. Ich nehme
viel Energie aus Griechenland,
der Sonne und dem Meer mit in
meinen Gesang!
Bei der Orchesterakademie in
Bregenz singen Sie ausgewählte
Strauss-Lieder und den Monolog
der Feldmarschallin aus dem
ersten Akt des Rosenkavaliers.
Was macht Richard Strauss zu einem
so guten Vokalkomponisten?
Das gilt nicht für jede Sängerin,
aber ich habe das große Glück,
dass Strauss irgendwie meine Kehle
gekannt haben muss. Was mir an
seinen Kompositionen gefällt, ist
die emotionale Verbindung von Text
und Melodie. Das macht es nicht
einfach, denn er führt die Stimme in
alle möglichen Winkel der Tessitur.
Aber wenn man das geknackt hat,
dann ist seine Schreibart für die
Stimme tief beglückend. Außerdem
fügt er so manchen Worten, die man
sonst überlesen würde, eine derart
tiefgründige Musik hinzu, dass alles
dem Himmel ein Stück näher rückt.
Lied ist ganz anders als Oper – wie
bringen Sie beides unter einen Hut?
Ich habe einmal gesagt, dass
das Lied eine Oper im Innern ist.
Es öffnet eine genauso große Welt
und die gleichen Emotionen wie
die Oper, aber aus sich selbst heraus
und somit intimer. Prinzipiell
ändert sich an der Art und Weise
des Singens nicht viel, außer dass
die Gestaltung feiner und inniger
werden kann, weil man mit seiner
Stimme nicht ein ganzes Opernhaus
füllen muss.
Was erwarten Sie von der Arbeit
mit den jungen Musiker:innen der
Orchesterakademie, die erstmals
gemeinsam ein Orchester bilden?
Erst einmal freue ich mich sehr
darüber, dass neben den Orchesterwerken
auch Gesangswerke
erarbeitet werden. Die Individualität
einer Stimme und die Art und
Weise einer Sängerin zu atmen und
zu interpretieren, sind Dinge, die
hier dazukommen: Das gemeinsame
Musizieren in Achtsamkeit ist eine
grandiose Schule für die Musikalität
jedes einzelnen Orchestermitglieds.
Ich liebe zudem die Gespräche und
Prozesse, die man in den Proben für
solche Projekte miteinander führt
und erlebt. Ich freue mich, wenn ich
etwas Schönes und Wichtiges zum
Werdegang der jungen Menschen
beitragen kann. Auch ich alter Hase
lerne da immer noch Neues dazu!
ORCHESTERAKADEMIE
der Bregenzer Festspiele und
der Wiener Symphoniker in
Zusammenarbeit mit der Stella
Vorarlberg Privathochschule
für Musik
Dirigent Daniel Cohen
Sopran Marlis Petersen
Absolvent:innen der
Orchesterakademie
Dozent:innen der Wiener
Symphoniker
Arnold Schönberg
Kammersymphonie Nr. 1 für
großes Orchester, op. 9b
Richard Strauss Ausgewählte
Orchesterlieder
Richard Strauss »Die Zeit, die
ist ein sonderbar Ding.«
Arie der Feldmarschallin Fürstin
Werdenberg aus dem ersten
Akt der Komödie mit Musik
Der Rosenkavalier
Béla Bartók Konzert für
Orchester, Sz 116
VORSTELLUNG
11. August – 11.00 Uhr
Festspielhaus | Großer Saal
28

SOMMER IM KUB
MIT ANNE IMHOF WIDMET DAS KUNSTHAUS BREGENZ
EINER DER WICHTIGSTEN KÜNSTLER:INNEN DER GEGENWART
EINE UMFASSENDE AUSSTELLUNG
Die KUB Ausstellung Anne
Imhof – Wish You Were
Gay ist eine persönliche
Bestandsaufnahme der Künstlerin.
Im Zentrum steht eine neue Werkgruppe,
die zentrale Elemente von
Imhofs künstlerischem Repertoire
aufnimmt und weiterentwickelt.
Wish You Were Gay zeigt Flachreliefs,
großformatige Ölgemälde
und Skulpturen, aber auch Bühnenelemente
und Industrieleuchten
sowie neue Videoarbeiten. Vor dem
Hintergrund einer postapokalyptischen
Isolation erkundet sie Vorstellungen
von Endlichkeit, von Realität
und Künstlichkeit, Zufall und Schicksal,
Abwesenheit und Präsenz.
Die deutsche Performance- und
Medienkünstlerin lebt und arbeitet
in Berlin und Los Angeles. Neben
aufsehenerregenden Ausstellungen
in Paris, London und Amsterdam
erhielt sie 2017 bei der Biennale in
Venedig den Goldenen Löwen, eine
der höchsten Auszeichnungen in der
Welt der bildenden Kunst.
Während der Bregenzer Festspiele
finden im Kunsthaus Bregenz von
Donnerstag bis Sonntag täglich
kostenfreie Kurzführungen statt.
Diesen Sommer kommt die langjährige
Zusammenarbeit der beiden
Kulturinstitutionen zu einem neuen
Höhepunkt: Seit drei Jahren arbeiten
die drei Künstler:innen Éna
Brennan, Hugo Canoilas und David
Pountney im Opernatelier an einem
neuen Werk. Am 15. August feiert die
Oper Hold Your Breath im Rahmen
der Bregenzer Festspiele ihre Uraufführung.
Im Juli und August sind
Ausschnitte von Hugo Canoilas’
Arbeiten auf der großen Kinoleinwand
vor dem KUB täglich ab
Einbruch der Dunkelheit kostenfrei
zu sehen.
KUB OPEN AIR KINO
Im Rahmen des KUB Sommer Open
Airs zeigt das KUB Sommerkino ab
dem 25. Juli jeweils donnerstags
vier Filme, die gemeinsam mit dem
Filmforum Bregenz ausgewählt wurden.
Auf das humorvolle Roadmovie
Glück auf einer Skala von 1 bis 10
folgt am 1. August Cinema Sabaya
und am 8. August mit Milla Meets
Moses ein berührender Coming-of-
Age-Film. Zum Finale läuft The Old
Oak am 15. August. Der Eintritt und
die Platzwahl sind frei. Start ist jeweils
um 21.15 Uhr, bei jedem Wetter.
KUB SOMMERAUSSTELLUNG
ANNE IMHOF
WISH YOU WERE GAY
8. Juni – 22. September 2024
Öffnungszeiten in der
Festspielsaison:
Montag bis Sonntag:
10.00 – 18.00 Uhr
Donnerstag: 10.00 – 20.00 Uhr
www.kunsthaus-bregenz.at
VICE-VERSA-BONUS
Für Festspielgäste ist der Eintritt zu
Anne Imhof mit aktuellem Festspiel-
ticket einmalig um EUR 4 ermäßigt.
Im Gegenzug bietet die KUB Eintrittskarte
eine einmalige Ermäßigung
von EUR 4 auf Festspieltickets für die
Veranstaltungen Hold Your Breath,
Unmögliche Verbindung, Hotel Savoy
und das Konzert im KUB.
29

16.7. – 17.8.2025
George
Enescu
Festspielhaus

BREGENZER FESTSPIELE 2025
Die ersten Bregenzer Festspiele unter der Intendanz von Lilli Paasikivi
eröffnen am 16. Juli 2025 mit einer eindrucksvollen, monumentalen Choroper:
George Enescus Œdipe in der Inszenierung des deutschen Opernund
Theaterregisseurs Andreas Kriegenburg. Auf der Seebühne ist erneut
Carl Maria von Webers Der Freischütz zu erleben. Die Orchester konzerte
warten im nächsten Jahr mit einem Gesangsschwerpunkt auf, entführen
in musikalische Märchenwelten und setzen Akzente auf die finnische Heimat
der neuen Intendantin.
DER FREISCHÜTZ
Carl Maria von Weber
Musikalische Leitung Patrik Ringborg,
Christoph Altstaedt
Inszenierung, Bühne Philipp Stölzl
Kostüme Gesine Völlm
Licht Philipp Stölzl, Florian Schmitt
Premiere
17. Juli 2025 – 21.15 Uhr
Weitere Vorstellungen
18., 19., 20., 22., 23., 24., 25., 26., 27.,
29. und 30. Juli – 21.15 Uhr
1., 2., 3., 5., 6., 8., 9., 10., 12., 14., 15.,
16. und 17. August – 21.00 Uhr
ŒDIPE
George Enescu
Musikalische Leitung Hannu Lintu
Inszenierung Andreas Kriegenburg
Bühne Harald B. Thor
Kostüme Tanja Hofmann
Licht Andreas Grüter
Premiere
16. Juli 2025 – 19.30 Uhr
Weitere Vorstellungen
20. Juli – 11.00 Uhr
28. Juli – 19.30 Uhr
ELIM CHAN – WIENER SYMPHONIKER
21. Juli 2025 – 19.30 Uhr
Claude Debussy Prélude à l’après-midi d’un faune
Maurice Ravel Shéhérazade
Mel Bonis Femmes de Légende. Trois pièces pour orchestre
Claude Debussy La Mer
Dirigentin Elim Chan
Mezzosopran Rihab Chaieb
JUKKA-PEKKA SARASTE – WIENER SYMPHONIKER
28. Juli 2025 – 19.30 Uhr
Sebastian Fagerlund Drifts
Jean Sibelius Kullervo
Dirigent Jukka-Pekka Saraste
Sopran Marjukka Tepponen
Bariton Johan Reuter
Chorleitung Pasi Hyökki, Lukáš Vasilek, Benjamin Lack
YL Male Voice Choir
Prager Philharmonischer Chor
Bregenzer Festspielchor
PETR POPELKA – WIENER SYMPHONIKER
4. August 2025 – 19.30 Uhr
Sergej Rachmaninow Klavierkonzert Nr. 3 d­Moll op. 30
Richard Strauss Also sprach Zarathustra
Dirigent Petr Popelka
Klavier Mao Fujita
LEO MCFALL – SYMPHONIEORCHESTER
VORARLBERG
17. August 2025 – 11.00 Uhr
Karten für Der Freischütz, Œdipe und die
Orchester konzerte sind ab 1. Oktober 2025
erhältlich.
Das gesamte Programm der Bregenzer
Festspiele 2025 wird im November im Rahmen
einer Pressekon ferenz präsentiert.
Oskar Fried Fantasie über Motive aus Hänsel und Gretel
von Engelbert Humperdinck
Alma Mahler Ausgewählte Lieder
Gustav Mahler Symphonie Nr. 4 G­Dur
Dirigent Leo McFall
Sopran Sonja Herranen
Mezzosopran Dorottya Láng
Vivian Greven, Area III, 2018
Courtesy of the artist und Kadel Willborn, Düsseldorf; Foto: Ivo Faber

Viel Vorfreude wünschen
die Partner der Bregenzer Festspiele.
HAUPTSPONSOREN
GREEN ENERGY
PARTNER
PRODUKTIONSSPONSOREN
GrECo International AG
Hilti Foundation
Wiener Städtische Versicherung AG
CO-SPONSOREN & PARTNER
Coca-Cola
Dallmayr Kaffee
Hendrick’s Gin
Hilcona AG
Kryolan
Leica Camera
METRO
Mohrenbrauerei
Paul Mitchell
Pfanner & Gutmann
Rauch Fruchtsäfte
Red Bull
Römerquelle
Schlumberger (Wein- und
Sektkellerei)
SUBVENTIONSGEBER
PARTNER