JAZZTHETIK 300 – Mai / Juni 2021

INHALT 05/06 

© Gerhard Richter 

48 

18 

8 Für die ganze Familie. Die Jazzrausch 

Bigband kommt kreativ durch die 

Pandemie. Berauscht: Verena Düren. 

10 Rabenschwarze Tinte. Die Flat Earth 

Society wird sarkastisch. Hans-Jürgen 

Schaal hört eine schräge Revue. 

12 Filigran. Gitarrist Jakob Bro träumt 

dreidimensional. Mit Hans-Jürgen Linke 

in der REM-Phase. 

14 Musikalische Madeleine. 

Christian Pabst sucht die verlorene Zeit. 

Thomas Bugert findet Gefallen. 

16 Debüt. Isfar Sarabski bringt den 

Planeten zum Klingen. Thomas Kölsch 

spürt Tradition und Moderne nach. 

18 Blind Date. Lücker Schickentanz 

suchen die verborgene Wahrheit. 

Holger Pauler bleibt die Luft weg. 

20 Austariert. Tamara Lukasheva hält 

ihr neues Album im Gleichgewicht. 

Abwägend: Hans-Jürgen Linke. 

26 Dolce Vita. Bei Village Zone ist 

Mitsingen erwünscht. Stefan Pieper ölt 

schon mal die Stimmbänder. 

34 Rückkehr. Noa widmet sich dem Great 

American Songbook – und trifft Gott im 

Café. Mit am Tisch: Rolf Thomas. 

36 Geradeaus. Anette von Eichel beweist 

den Mut, sich lebensecht zu zeigen. 

Victoriah Szirmai über eine, die sich traut. 

37 Durch die Blume. Yelena Eckemoff 

spielt Klavier mit grünem Daumen. 

Botanische Verse von Thomas Kölsch. 

38 Hartnäckig. Das Trio Firasso tanzt mit 

dem Kaugummi. Guido Diesing findet 

Positives in der Pandemie. 

40 Für Connaisseure. HiFi-Geräte von 

Pier Audio beweisen Savoir-faire. 

Peter Steinfadt sagt: „Oh là là!“ 

41 Familientradition. In der Afrobeat-Dynastie 

Kuti steht die nächste Generation bereit. 

Olaf Maikopf über Väter und Söhne. 

42 Unverkitscht. Diana Rasina singt romanische 

Romanzen. Victoriah Szirmai 

schreibt darüber romantische Romane. 

46 Schattenseiten. Burges / Gränzer / Schade 

und die anderen Farben der Liebe. 

Ohne rosarote Brille: Doris Schumacher. 

54 Mit 66 Jahren. Gitarrist Marc Ribot 

träumt sich in die Sixties. Aufgeweckt: 

Wolf Kampmann. 

56 Spirituell aufgeladen. Charles Lloyd 

will inspirieren und wachrütteln. 

Jan Kobrzinowski hört ein Tongedicht. 

58 Satchmos Erbe. Trompeter Martin Auer 

und seine heißen Fünf. Jazzgeschichtsstunde 

mit Rolf Thomas. 

58 Auf dem Weg. Friedrich Gulda galt als 

Wanderer zwischen den Welten. 

Hans-Jürgen Linke schnürt die Schuhe. 

60 Wiederbelebt. Das Label Polskie Nagrania 

kehrt mit Maciej Gołyźniaks Debüt zurück. 

Angela Ballhorn blickt nach Osten. 

62 Bald schlägt’s dreizehn. Trompeter 

Piotr Schmidt macht das Dutzend voll. In 

schwankender Stimmung: Andreas Ebert. 

64 Neue Welle. Junge Jazzer*innen aus 

Polen suchen ihre eigene Sprache. 

Karolina Juzwa blickt über den Tellerrand. 

66 Inszenierung. Das Moers Festival blickt 

zum 50. Bestehen aus der Zukunft aufs 

Heute. Mit Stefan Pieper im Zeittunnel. 

28 Renaissance. Schlagzeuger Tilo Weber 

stellt Alte Musik auf den Kopf. 

Im Handstand: Jan Kobrzinowski. 

30 Textilien. Mareille Merck und ihre Silbermöwe 

verweben feinen Stoff. Doris 

Schumacher findet den roten Faden. 

48 Afrofuturistisch. Logan Richardson entwickelt 

das Morgen aus dem Gestern. 

Eric Mandel reist in die Zukunft. 

50 Lieder ohne Worte. Fred Hersch singt 

beim Spielen im Kopf. Jan Kobrzinowski 

summt mit. 

4 Megaphon 

28 Time Tunnel 

65 Abo 

68 Tonspuren 

91 Hörbucht 

92 Termine 

94 London 

96 Impressum 

98 Zitat 

32 Lächelnde Ladys. Das Godemann Bauder 

Duo ehrt den schönen Geist einer 

Kollegin. Schöngeistig: Harry Schmidt. 

52 Verwegen. Pianistin Kris Davis ist auch 

Labelchefin. Christoph Wagner hört 

Pyroklastisches. 

links: Andreas Schickentanz / rechts: Logan Richardson JAZZTHETIK 05/06-2021 3

MEGAPHON 

Von Hans-Jürgen Linke 

Und jetzt also die Ausgabe 

mit der Nummer 300. Das 

fällt natürlich nur Menschen 

auf, die das Dezimalsystem 

verinnerlicht und darum eine 

Vorliebe für Nullen mit einer 

anderen Ziffer davor haben. 

Aber schauen Sie mal nach: 

Auf der Titelseite, ja, genau da, 

steht diese Zahl. Weil: Abgesehen 

von all den Erscheinungsjahren, 

die eine Zeitschrift auf 

ihrem kosmischen Zeitkonto 

ansammeln kann, gibt es auch 

die pure Anzahl der Ausgaben, 

die produziert wurden, als 

erwähnenswerte Größe. Dreihundert 

sind es jetzt also. Das 

Jazzmagazin Ihres Vertrauens 

beglückwünscht sich selbst 

dazu und wünscht sich und 

seinen Leser*innen weitere 

Ausgaben. 

An der gegenwärtigen pandemischen 

Situation ist vieles bedrückend. 

Für Menschen, die 

bis zum letzten Frühling noch 

gewohnheitsmäßig Konzerte, 

Theater, Opern oder Festivals 

besucht haben, ist das Fehlen 

von öffentlichen Kulturveranstaltungen 

eine zunehmend 

traurige Einbuße an Lebensqualität. 

Dabei hatten viele 

Veranstaltungsorte schon vor 

einem Jahr zum Teil erhebliche 

Investitionen in Luftfilteranlagen 

getätigt und mit den 

Gesundheitsämtern Konzepte 

abgestimmt, die zumindest 

einen eingeschränkten und 

gesundheitlich risikoarmen 

Betrieb ermöglicht hätten. 

Inzwischen sieht es so aus, als 

würde der Kultur- und Veranstaltungsbetrieb 

vonseiten der 

Politik eine wesentlich geringere 

Wertschätzung genießen 

als etwa das Friseur-Gewerbe. 

Das aktuelle Maß an Missachtung 

des Kulturbetriebs durch 

die Politikerkaste wirft die 

Frage auf, wie ein Bereich des 

gesellschaftlichen Lebens und 

der gesellschaftlichen Arbeit, 

der offenbar für völlig nebensächlich 

gehalten wird, wieder 

in Gang kommen soll, wenn 

die Pandemie eingedämmt ist. 

Starren wir demnächst nur 

noch auf die Flachbildschirme 

und lassen die Welt an uns 

vorüberstreamen? 

Das Forum Veranstaltungswirtschaft 

zeigte sich äußerst 

unzufrieden mit den 

regelmäßig erneuerten 

Bund-Länder-Beschlüssen. 

Trotz aller Ankündigungen sei 

eine Öffnungs-Strategie für 

öffentliche Veranstaltungen 

bisher ausgeblieben. Die in 

Aussicht gestellten finanziellen 

Hilfen für eine Branche, die seit 

mehr als einem Jahr ins völlige 

Stocken geraten ist, lassen 

vielerorts auf sich warten. 

Alles deutet darauf hin, dass 

die wirtschaftliche, kulturelle 

und soziale Bedeutung der in 

der Veranstaltungswirtschaft 

zusammengeschlossenen 

Betriebe und Initiativen von 

der Politik weitgehend ignoriert 

wird. Die Chance einer umfassenden 

Test-Strategie böte 

immerhin die Möglichkeit, auch 

der Veranstaltungswirtschaft 

wieder in einem gewissen 

Umfang Aktivitäten zu ermöglichen. 

Das Forum Veranstaltungswirtschaft 

ist eine Allianz 

von fünf Verbänden, dem BDKV 

(Bundesverband der Konzertund 

Veranstaltungswirtschaft), 

dem EVVC (Europäischer 

Verband der Veranstaltungs- 

Centren), dem ISDV (Interessengemeinschaft 

der selbständigen 

Dienstleister*innen in der 

Veranstaltungswirtschaft), dem 

Livekomm (Verband der Musikspielstätten 

in Deutschland) und 

dem VPLT (Verband für Medienund 

Veranstaltungstechnik). 

Es ist lange her, aber immer 

noch wahr, dass Chris Barber 

einer von denen war, die den 

Deutschen nach dem Zweiten 

Weltkrieg den Jazz brachten. 

Wie Glenn Miller spielte er 

Posaune, allerdings war er 

in seinen Anfängen auch als 

Skiffle-Musiker in einer Band 

mit Waschbrett-Rhythmusgruppe 

zugange. Später war 

er ein legendärer Bandleader 

und Mitbetreiber des Londoner 

Marquee Club. Er gab bis 

ins hohe Alter Konzerte, war 

freundschaftlich verbunden mit 

Eric Clapton, Van Morrison und 

Mark Knopfler. Im März starb er, 

kurz vor seinem 91. Geburtstag. 

Jazz macht glücklicher. Die 

Online-Verkaufsplattform 

OnBuy hat das in einer vergleichenden 

Studie nachgewiesen. 

Und zwar macht Jazz 

sogar glücklicher als Heavy 

Metal. Er erlaubt, Gefühle beim 

Zuhören zu erleben, dämpft 

Stress, senkt den Blutdruck, 

macht ausgeglichener und 

hat enorm positive Effekte auf 

Körper und Geist. Sogar Gedächtnisleistungen 

verbessert 

er zuweilen. Metal dagegen 

sorgt vor allem dafür, dass seine 

Hörer*innen ein mentales 

Ventil für ihre zornigen Gefühle 

finden. Die drittglücklichsten 

Musikhörer*innen gehen in die 

Oper. Folk-Anhänger*innen besetzen 

den undankbaren vierten 

Platz in diesem Ranking. 

Ralph Peterson Jr., Jahrgang 

1962, spielte auch Kornett 

und Trompete, war aber über 

drei Jahrzehnte vor allem 

als Schlagzeuger präsent. Er 

begann seine Karriere bei den 

Jazz Messengers, arbeitete 

mit den Großen seiner Generation 

wie Terence Blanchard, 

Craig Harris, Courtney Pine, 

Branford Marsalis und David 

Murray, um nur einige der 

wichtigsten zu nennen, und 

lehrte Schlagzeug am Berklee 

College in Boston. Er starb 

im März an den Folgen einer 

Krebserkrankung. 

Da war ein Foto in der letzten 

Ausgabe der JAZZTHETIK. 

Auf Seite 20/21 prangte es 

prachtvoll und zeigte das 

Doppler-Trio. Leider vergaßen 

wir zu erwähnen, dass Kevin 

Gruetzner der Urheber war, 

bei dem wir uns hiermit zerknirscht 

entschuldigen. 

Mark Whitecage war als 

Saxofonist und Klarinettist ein 

Vertreter der US-amerikanischen 

Jazz-Avantgarde und 

wurde in Europa vor allem 

durch seine Arbeit mit Gunter 

Hampels Galaxy Dream Band 

bekannt. In den 1990er Jahren 

arbeitete er mit Anthony Braxton 

und William Parker und 

in letzter Zeit mit dem nach 

New York emigrierten Kölner 

Trompeter Thomas Heberer. Er 

wurde 83 Jahre alt und starb 

im März. 

Die Bremer jazzahead! hat 

in diesem Jahr leider wieder 

(nur) digitales Format, gewinnt 

aber an Umfang: Mit dem Herbie 

Hancock Institute of Jazz 

startet die jazzahead! eine 

Kooperation zum UNESCO International 

Jazz Day 2021, der 

von beiden Institutionen am 

Freitag, 30. April, gemeinsam 

gefeiert wird. Die Kooperationspartner 

wollen Aktivitäten 

bündeln und die weltweite 

Sichtbarkeit des Jazz verbessern. 

Näheres unter: 

www.jazzahead.de und 

www.jazzday.com 

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Das Team des Festivals 

Jazzdor hat lange 

gehofft und gezögert 

und muss nun doch das 

Festival, das vom 1. - 4. Juni 

erstmals in Dresden stattfinden 

sollte, absagen. Alternativ 

wird an einem Outdoor-Programm 

gearbeitet, das im 

Rahmen der Berliner Jazzwoche 

vom 6. - 13. Juni 

präsentiert werden soll. 

4 JAZZTHETIK 05/06-2021

Megaphon 

1 2 

© Egor Sachko 

5 

3 

4 

© Hans Kumpf 

Lou Ottens Nadin Deventer Ulrike Haage Maria Schneider Nils Wogram 

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Die Zeit der Absagen 

geht weiter. Das 

Jazzfestival Gronau, das 

sich aus 2020 in das aktuelle 

2021 verschieben zu können 

hoffte, muss sich wieder 

verschieben beziehungsweise 

einige Konzerte absagen. 

Karten können zurückgegeben 

werden oder behalten ihre 

Gültigkeit für 2022. Das Konzert 

mit 4 Wheel Drive am 4. Mai 

wird aber als Live-Stream 

zugänglich sein unter: 

www.jazzfest.de 

1) Die Tonband-Kompaktkassette 

hätte es ohne ihn 

vielleicht nicht gegeben, und 

auch an der Erfindung der CD 

hatte der niederländische Ingenieur 

Lou Ottens wesentlichen 

Anteil. Den größten Teil seines 

erfindungs- und erfolgreichen 

Berufslebens verbrachte er in 

Diensten der Firma Philips und 

lebte bis zu seinem Tode im 

März in Eersel bei Eindhoven. 

2) Der Preis des Europe Jazz 

Network für abenteuerlustiges 

Programmieren, im Original 

Adventurous Programming, 

geht in diesem Jahr (Tusch!) an 

Nadin Deventer für ihre innovative 

Arbeit bei den Berliner 

Jazztagen. 

Richtig reich geworden ist 

Richard Weize mit Bear Family 

Records vermutlich nicht, aber 

immerhin ereilte ihn jetzt das 

Bundesverdienstkreuz am 

Bande. Und zwar sehr verdient, 

denn sein Lebenswerk ist, wie 

Götz Alsmann in der Laudatio 

sagte, „eine einzige große 

Rettung kultureller Schätze, 

schlichtweg das Bewahren 

von musikalischem Weltkulturerbe.“ 

Dem ist, außer endlos 

vielen Einzelheiten, nichts 

hinzuzufügen. 

Der Jazzpreis Baden-Württemberg 

geht an Christoph Neuhaus. 

Kultur-Staatssekretärin 

Petra Olschowski begründete 

die Wahl der Jury: „Christoph 

Neuhaus begeistert als ein 

außergewöhnlich vielseitiger 

Gitarrist und Komponist. 

Stilsicher und äußerst kreativ 

bewegt er sich musikalisch 

an der Schnittstelle zwischen 

Jazz, Groove, Blues und 

Folkmusic.“ Neuhaus arbeitet 

auch als Bildender Künstler. 

Während der Pandemie hat 

er darüber hinaus mit seinen 

Konzert-Screenings viel für die 

Musikszene im Land getan. Ein 

Termin für Preisverleihung und 

Preisträgerkonzert im Rahmen 

der Stuttgart Open steht noch 

nicht fest. 

3) Vor allem für ihre Kompositionen 

für audiovisuelle Medien 

hat Ulrike Haage den 12. Deutschen 

Musikautorinnenpreis 

2021 erhalten. Laudator Volker 

Heise fasste bündig zusammen, 

wieso: „Du bist schlichtweg 

eine großartige und innovative 

Musikerin, die auf sehr vielen 

schmalen Graten wandelt 

und nie abstürzt. Du hast die 

seltene Eigenschaft, dass deine 

Filmmusik immer eigenständig 

ist und sich nie den Bildern 

unterwirft.“ 

4) Eine der originellsten 

US-amerikanischen Bigband- 

Komponistinnen und -Arrangeurinnen 

der Gegenwart ist 

Maria Schneider. Für ihr Album 

Data Lords wurde sie jetzt in 

Frankreich mit dem Grand Prix 

de l’Académie du Jazz und zu 

Hause gar mit einem Grammy 

und einem zusätzlichen Grammy 

für ihre Instrumental-Komposition 

„Sputnik“ ausgezeichnet, 

die vermutlich nicht einem 

Impfstoff gewidmet ist. 

5) Nils Wogram ist noch jung, 

dennoch hat der Jahresausschuss 

des Preises der 

Deutschen Schallplattenkritik 

ihm einen Ehrenpreis zugesprochen, 

der leider aus pandemischen 

Gründen noch nicht 

verliehen ist, aber das wird 

noch. Ehre, wem Ehre gebührt! 

Die Tonne in Dresden war einer 

der bekanntesten Jazzclubs der 

DDR und wird in diesen Tagen 

40 Jahre alt. Umzüge, Wasserschäden 

und manch anderes 

Ungemach haben der Tonne 

nicht den Boden ausgeschlagen, 

und irgendwann wird sich 

auch herausstellen, wie der 

40. Geburtstag angemessen 

gefeiert werden kann. Glückwunsch! 

www.jazzclubtonne.de 

6) Beim Drei-Städte-Festival 

Enjoy Jazz, aber nicht nur dort, 

konnte man häufig Matthias 

Spindler begegnen und mit ihm 

in der Pause oder nach dem 

Konzert in lebhafte Gespräche 

über die Musik, ihre Geschichte, 

ihre Bezüge, ihre besonderen 

Qualitäten geraten. Zum Jazz 

war Spindler, Jahrgang 1954, 

schon in den 1960er Jahren 

gekommen. Mitte der 1970er, 

während seines Studiums der 

Geschichte und Soziologie, 

begann er mit Schallplatten- 

Rezensionen für das JAZZ 

PODIUM, später folgten Konzertkritiken 

für die Tageszeitungen 

RHEINPFALZ und MANN- 

HEIMER MORGEN und bald 

Arbeiten für den Hörfunk. Beim 

Hessischen Rundfunk arbeitete 

er als Autor, Moderator und Aufnahmeleiter, 

daneben forschte 

und publizierte er über Themen 

aus der Regionalgeschichte. 

Er ist nach kurzer Krankheit am 

7. April gestorben. 

Das Land Hessen hat ein 

neues Förderprogramm ins 

Leben gerufen, das besonders 

dem ländlichen Raum, in dem 

sonst weniger Kulturförderung 

ankommt, Segen bringen soll. 

Das Programm ist versammelt 

unter dem Titel „Ins Freie!“, die 

Bewerbungsfrist tickt. Näheres 

unter: 

www.diehl-ritter.de/de/insfreie 

In Leipzig tut sich was. Der 

Jazzclub wird Hauptmieter im 

zukünftigen Haus der Festivals 

in der Gottschedstraße 16 und 

kann dort also fortan machen, 

was er will. Er will vor allem 

dafür sorgen, dass Leipzig als 

Ort einer produktiven freien 

Kulturszene stärker wahrgenommen 

wird. Durch die Lage 

in der Innenstadt und die Nähe 

zu anderen Kultur-Institutionen 

soll eine interdisziplinäre Ko- 


6 7 

© Boris Breuer 

9 10 

© Manfred Rinderspacher 

8 

© Jürgen Volkmann 

11 

Matthias Spindler 

Trilok Gurtu 

Trans4JAZZFestival 

Luise Volkmann 

Kenny Wayne Shepherd 

Rotkehlchen 

Eberhard Weber – 

Colours of Jazz 

operation gestärkt und ein vielfältig 

interessiertes Publikum 

angesprochen werden. Leider 

wird der Jazzclub bis mindestens 

Ende Mai keine Konzerte 

veranstalten können. Weiteres 

auf der Website 

www.jazzclub-leipzig.de 

Und noch etwas gibt es 

in Leipzig: eine 

Autorïnnen Ausstellung unseres 

Fotografen Arne Reimer bei der 

Agentur Punctum Fotografie. 

Das Thema ist Leipzig im Kampf 

gegen Corona, Titel der 

Ausstellung: Ihnen gewidmet. 

Virtuell zu sehen auf 

www.punctum.net 

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7) Nachdem im 

vergangenen Jahr aus 

bekannten Gründen 

das Trans4JAZZFestival 

ausfallen musste, gibt es in 

diesem Sommer über den 

Dächern von Ravensburg trotz 

aller Widrigkeiten vom 

30.6. - 4.7. die Konzertreihe 

Veitsburg Jazz, mit Cæcilie 

Norby, Ulf Wakenius und Lars 

Danielsson, sodann Trilok 

Gurtu, Florian Weber und 

Frederik Köster, außerdem Jon 

McCleery, der Band Lunaves 

aus Stuttgart und dem 

Londoner Pianisten Alfa Mist. 

Den Schlusspunkt setzt das 

Emil Brandqvist Trio. 

www.jazztime-ravensburg.de 

Darmstadt. Die Präsentation 

ihres Projekts und die 

Preisverleihung finden nach 

derzeitigen Planungsstand am 

1. Oktober im Rahmen des 17. 

Darmstädter Jazzforums statt, 

das dem Thema „Roots_Heimat: 

Wie offen ist der Jazz?“ 

gewidmet ist. 

https://kathrin-preis.de 

Auch der 14. Record Store 

Day kann nicht so analog und 

real wie gewünscht gefeiert 

werden, weshalb eine virtuelle 

Ausgabe in zwei RSD-Drops 

am 12. Juni und 17. Juli 

vorgesehen ist. Zur Feier des 

Tages wurde eine Art virtuelle 

Schnitzeljagd mit Gewinnspiel 

konzipiert. Die Jagd ist in 

vollem Gange – als Preis winkt 

ein Technics Turntable Grand 

Class SL-1200G-Serie. Näheres 

unter: 

www.recordstoredaygermany.de 

Wenn es kaum öffentliche 

Konzerte gibt, bleibt als Chance 

für die heranwachsende 

Generation der Unterricht. 

Musiker*innen der beiden 

Klangkörper des Hessischen 

Rundfunks, Sinfonieorchester 

und Bigband, geben kostenfreien 

Online-Unterricht für 

interessierte Schulklassen. 

Mehr Informationen: 

www.hr-sinfonieorchester.de 

und www.hr-bigband.de 

zurückgezogen. Der Grund ist 

ein Bild der alten Konföderierten-Fahne, 

die auf einem 

Auto prangte, das Shepherd 

allerdings nicht mehr fährt. 

Dem ROLLING STONE sagte er, 

er habe längst beschlossen, 

die Flagge auf dem Autodach 

zu bedecken oder übermalen 

zu lassen, weil sie für etwas 

stehe, was er gründlich ablehne. 

Was nun? 

10) Die Wahl ist vorbei, gewonnen 

hat das Rotkehlchen, 

das sich jetzt zwitschernd „Vogel 

des Jahres 2021“ nennen kann. 

Zum ersten Mal hat nicht ein 

Experten-Gremium gewählt, 

sondern Menschen, die vom 

Wahl-Aufruf des NABU erreicht 

wurden. Hoffen wir, dass 

das Rotkehlchen jetzt unverzüglich 

die nötigen Reformen 

einleitet, mit denen sich die 

Roten sonst eher schwergetan 

haben. 

11) Das Stadtmuseum 

Esslingen würde jetzt im 

Gelben Haus eine Ausstellung 

mit dem Titel Eberhard Weber 

– Colours of Jazz zeigen, wenn 

es denn öffnen dürfte. Da die 

Ausstellung bis zum 24.10. dort 

wäre, ergibt sich vielleicht 

doch noch eine Gelegenheit. 

Näheres unter 

www.museen-esslingen.de 

Kompromiss, sondern als Version 

dessen, was hätte stattfinden 

sollen und können: 16 

Künstler kommen in Monheim 

zusammen und entwickeln ihre 

Projekte. „The Prequel“ wird 

das Labor, die Werkstatt, der 

Think Tank, in dem die Zukunft 

erdacht wird. Bereits erworbene 

Tickets behalten ihre Gültigkeit 

für 2022; alternativ kann der 

Preis zurückerstattet werden. 

Wer die Festivalkarte für 2022 

behält, bekommt, abhängig 

von den Hygiene-Vorschriften, 

kostenlosen Zugang zu den 

öffentlichen Konzerten von 

„The Prequel“. 

www.monheim-triennale.de 

Die irritierende Stille in den Bergen 

geht zu Ende, das Montreux 

Jazz-Festival hat einen Plakat- 

Wettbewerb unter dem Titel 

„Restart“ ausgeschrieben. Mehrere 

Preise werden verliehen, 

außerdem sollen 30 Künstler die 

Gelegenheit erhalten, beim Festival 

ihre Werke auszustellen. 

Die Bekanntgabe der Gewinner 

erfolgt in diesen Tagen, und das 

55. Montreux-Festival findet vom 

1. - 17.7. statt. 

www.montreuxjazzfestival.com/de 

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8) Luise Volkmann, 

Trägerin des Kathrin- 

Preises, hatte 

mittlerweile ihre Residency mit 

intensiver Arbeitsphase in 

9) Eigentlich war Kenny 

Wayne Shepherd in der engeren 

Wahl für den Blues Music 

Award, aber die Blues Foundation 

hat ihre Nominierung 

Eigentlich war die Monheim 

Triennale für 1. - 4.7. geplant, 

nun ist sie wieder um ein Jahr 

verschoben worden. Anfang 

Juli 2021 wird es „The Prequel“ 

geben, nicht als Ersatz oder 

JAZZTHETIK 05/06-2021 7

JAZZRAUSCH BIGBAND 

Bigband mit Familiensinn 

Es ist gerade einmal ein paar Jahre her, dass die Jazzrausch Bigband die Jazzszene auf den 

Kopf stellte. Mit ihrer Mischung aus Jazz und Techno begeistern die jungen Musiker*innen 

eine breite Masse an Fans. Mit téchne veröffentlicht das Ensemble nun sein neues Album. 

Von Verena Düren 

Unvergesslich scheint das erste Konzerterlebnis 

mit der Jazzrausch Bigband gewesen 

zu sein: geprägt von Neugierde in Verbindung 

mit der Begeisterung eines ausverkauften 

Opernhauses, in dem generationsübergreifend 

niemand auf seinem Sitz blieb. Seit ihrer 

Gründung 2014 hat die Bigband eine steile 

Karriere gemacht und weltweit circa 600 

Konzerte gespielt. Das Geheimnis dahinter 

ist nicht nur eine gute Bigband, sondern 

vor allem die einzigartige Verbindung von 

Jazz mit Techno. „Ich habe zu der Zeit in 

dem Münchner Club Rausch und Töchter 

eine Konzertreihe mit dem Titel Jazzrausch 

gemacht und dachte, es wäre schön, für die 

Reihe eine eigene Band zu haben“, berichtet 

Roman Sladek von den Anfängen. Da er in 

der Reihe versuchte, besondere, kreative 

Konzepte umzusetzen, war klar, dass auch 

die Band kein Durchschnitt sein würde. „Ich 

kam schnell auf die Bigband als Formation, 

weil diese durch die verschiedenen möglichen 

Kombinationen mehr Möglichkeiten bot 

als beispielsweise ein Trio.“ 

Über seine Liebe zum Techno hatte 

Sladek schon privat Kontakt zu Leonhard 

Kuhn, der bis heute Haupt-Komponist für 

die Bigband ist: „Leonhard ist extrem gut 

und schnell, er ist der perfekte Partner“, 

schwärmt Sladek. Kuhn, der studierter 

Mathematiker ist und sich für zahlreiche geisteswissenschaftliche 

Themen interessiert, 

vereint so viel Input in sich, dass er problemlos 

alle paar Monate ein neues Programm 

herstellt. Das sechsjährige Jubiläum im 

vergangenen Jahr konnte die Jazzrausch 

Bigband mit einem etwa siebenstündigen 

Rave feiern – ausschließlich Stücke aus 

Kuhns Feder. 

Die restlichen 35 Musikerinnen und 

Musiker stammen aus einem Netzwerk 

rund um die Münchner Musikhochschule 

sowie aus dem Kontext der Jazzrausch- 

Konzertreihe. Seit der Club Rausch und 

Töchter aus Lärmschutzgründen nur ein Jahr 

nach der Gründung der Band geschlossen 

wurde, ist die Jazzrausch Bigband fester 

Gast im Techno-Club Harry Klein – und damit 

begannen die intensive Auseinandersetzung 

mit der Verbindung von Jazz und Techno und 

die richtig große Karriere. „Dass wir als feste 

Band im Harry Klein untergekommen sind, hat 

natürlich auch noch mal für eine Profilschärfung 

gesorgt“, so Sladek. 

Hinsichtlich der Ausrichtung und der 

Professionalisierung hatte er eher innerhalb 

der Band Überzeugungsarbeit zu leisten als 

nach außen. Von Kritik und Unverständnis für 

die Kombination der beiden Musikstile blieb 

die Band weitestgehend verschont. „Inhaltliche 

Glaubwürdigkeit und Authentizität sind 

uns sehr wichtig, und das überzeugt Publikum 

und Kritiker. Wir machen anspruchsvolle, 

mühevoll gemachte Musik, die Spaß 


© Marc Wilhelm 

macht.“ Die Fans sind erstaunlicherweise gar 

nicht ungewöhnlich jung – viele von ihnen 

sind über 45 Jahre alt. „Manchmal denke ich, 

wir sind der kleinste gemeinsame Nenner für 

Familien“, so Sladek lachend. 

Die Produktionswut des Gründer-Duos 

Sladek und Kuhn beschert nun die vierte 

Platte, die seit 2019 bei ACT erscheint: téchne 

heißt das Album, das ausnahmsweise auch 

Stücke anderer Komponisten beinhaltet. „Alle 

unsere Alben funktionieren über Themen, 

die ich in der Regel vorgebe und mit denen 

Leonhard dann arbeitet. Unser letztes Album 

Beethoven’s Breakdown war inhaltlich sehr 

stark vorgegeben, so dass wir nun wieder 

eine Platte machen wollten, die näher an der 

Band dran ist.“ Der Titel techné knüpft an den 

griechischen Begriff an, der keine Unterscheidung 

zwischen Kunst, Wissenschaft 

und Technik macht. Die Jazzrausch Bigband 

schafft nun eine Schnittstelle zwischen 

den Bereichen und porträtiert darüber auf 

ganz eigene Art und Weise den Begriff der 

Technik. So setzt sich das Stück „AI 101“ mit 

der Fehlermeldung und den engen Grenzen 

auseinander, die sich der Mensch durch seine 

Abhängigkeit von der Technik selbst setzt. 

Auch Literarisches fehlt nicht, beispielsweise 

bei einer Vertonung des Hugo-Ball-Gedichts 

„Der Literat“, während es in „Shufflings 

Steps“ um die Auseinandersetzung mit 

Kompositionstechniken geht. Neu dabei sind 

Werke von Theresa Zaremba und Andreas 

Unterreiner, deren Kompositionen bereits in 

Club-Sessions im Harry Klein zu hören waren. 

Geehrt fühlt sich die Band durch hochkarätige 

Gäste wie Nesrine, Viktoria Tolstoy, 

Wolfgang Haffner, Kalle Kalima, Nils Landgren 

und Jakob Manz, die zeigen, wie gut das 

Konzept ankommt. „Eine Bigband bietet sich 

ja grundsätzlich für Gäste an, aber dieses Mal 

war es wirklich wie eine Input-Kur und auch 

eine gute Möglichkeit, über die eigene Musik 

zu reflektieren.“ 

Mit der Professionalisierung und dem 

Erfolg stieg auch die Verantwortung von 

Roman Sladek als Bandleader – auch in 

Pandemie-Zeiten: „Wir haben uns, und das 

ist schon mal schön und macht es leichter. 

Wir haben viel in Tests und Hygienekonzepte 

investiert, konnten daher einiges machen und 

haben versucht, per Rotationsverfahren alle 

einzubinden. Es dürfen nicht Hygienekonzepte 

entscheiden, mit wem man Musik macht. 

Bisher scheint das gelungen zu sein, denn es 

hat niemand aus der Band aufgehört.“ Eine 

große Unterstützung sei dabei auch der Zuspruch 

der Fans gewesen: „Wir haben sehr 

persönliche Nachrichten und auch private 

Spenden erhalten. Wir hatten zum Glück nie 

das Gefühl, nicht relevant zu sein.“ 

Aktuelles Album: 

Jazzrausch Bigband: téchne 

(ACT / Edel:Kultur) 


FLAT EARTH SOCIETY 

Rabenschwarze Revue 

© Willem Van Cauwenberghe 

Die Flat Earth Society aus Belgien wäre ein heißer Kandidat 

auf den Titel des rebellischsten, witzigsten, provokantesten, 

eklektischsten, energiegeladensten Jazzorchesters der Welt. 

Passenderweise startete die Band mit einer Zirkusnummer – 

das war bereits 1997. Ihr neuester Streich: Boggamosta III, 

eine Zappa- und Sun-Ra-nahe HipHop-Jazz-Revue über die 

Verdummung in der digitalen Welt. 

Von Hans-Jürgen Schaal 

In Belgien hat sich die 15-köpfige Spaß-und- 

Risiko-Truppe rasch etablieren können: mit 

Theaterproduktionen, Rundfunkauftritten, 

Konzerttourneen. Ihre raffinierte Mischung 

aus Bigband-Tradition, Progrock-Kontrasten, 

Balkan-Gebläse, Zappa-Eklektik, Krimi-Feeling 

und Tango-Elementen riss das Publikum 

überall von den Sitzen. FES war 2002 die 

Hausband des Brügge-Festivals, präsentierte 

2003 eine Bigband-Oper bei der Ruhrtriennale 

in Duisburg, ging 2011 erstmals auf 

US-Tournee. Man arbeitete über die Jahre 

mit namhaften Künstlern wie Uri Caine, Mike 

Patton, Ernst Reijseger, Jimi Tenor und Toots 

Thielemans und hat stolze 20 Alben veröffentlicht. 

So unberechenbar ihre Musik ist, 

so verlässlich ist die Qualität dieser Band. 

Der Kopf und Motor hinter Flat Earth 

Society heißt Peter Vermeersch. Der 62-Jährige 

gilt als einer der „Paten“ der neueren 

belgischen Musikszene. Ursprünglich klassischer 

Klarinettist, profilierte er sich in den 

Neunzigern als Leader der Progrock-Band 

X-Legged Sally und als Produzent der Indie- 

Rock-Formation dEUS. Seit rund 20 Jahren, 

so schätzt Vermeersch, mache die Arbeit 

mit FES rund 80 Prozent seiner Aktivitäten 

aus. Denn für seine zahlreichen Theater- und 

Filmprojekte mobilisiert er mit Vorliebe diese 

Band. 

„Vor der Pandemie zielten wir immer auf 

etwa 30 Auftritte pro Jahr“, sagt Vermeersch. 

„Mit einer Theatertournee erreicht man 

diese Zahl natürlich leichter, als wenn man 

Einzelkonzerte organisieren muss. Zu Beginn 

wollte ich einfach nur ein paar befreundete 

Musiker zusammenbringen und mit ihnen 

gemeinsam spielen. Es gab kein Konzept 

oder musikalisches Programm – nur die 

Musiker selbst mit ihren jeweiligen Vorlieben, 

Erfahrungen, Talenten und Defiziten. 

Wir halten die Maschine am Laufen, indem 

wir ständig neue Stücke komponieren, neue 

Ideen und Herausforderungen angehen und 

für Produktionen sorgen. Gleichzeitig haben 

wir eine prägnante, effiziente Finanz- und 

Organisationsstruktur aufgebaut. Außerdem 

werden wir von der flämischen Regierung 

und der Stadt Gent unterstützt.“ 

Eine von vielen Unternehmungen 

startete 2016. Peter Vermeersch und der 

Gitarrist David Bovée, der in den Anfangsjahren 

(bis 2003) Mitglied von FES gewesen war, 

erhielten den Auftrag, ein Bühnenprojekt mit 

Musikern aus Belgien und Gambia auf die 

Beine zu stellen. Die Sache wurde in Banjul 

(Gambia) erarbeitet und in Ostende (Belgien) 

aufgeführt – ein satirisches Performance- 

Spektakel mit sozialkritischen Texten und wild 

tobender Musik. Der Titel: Boggamosta – das 

Wort ist eine westafrikanische Adaption von 

„Bürgermeister“ („burgemeester“). „Danach 

überlegten wir, wie wir dieses Repertoire 

weiterentwickeln und erweitern könnten“, 

erzählt Vermeersch. „Es hatte einfach zu 

viel Spaß gemacht. Natürlich bot es sich an, 

das Material mit FES auszuarbeiten. Und so 

kam David wieder in die Band zurück.“ 2018 

erschien das Projekt als FES-Album. Und es 

inspirierte Vermeersch und Bovée, weitere 

Stücke für dieses Performance-Konzept zu 

schreiben. So entstand Boggamosta III – die 

Nummer zwei sparte man sich einfach. 

Mit den Boggamosta-Projekten scheint 

eine neue Phase in der FES-Geschichte 

zu beginnen. „Wir mussten für die Band 

einen neuen Sound und eine neue Bühnenpräsenz 

entwickeln. Wir brauchten eine 

heiße, groovende, pulsierende Atmosphäre, 

Gesang wurde wichtig, Elektronik kam 

dazu. Die Notenständer verschwanden, die 

Solisten gingen nach vorne – alles frontal 

zum Zuschauer.“ Den zehn neuen Songs auf 

Boggamosta III – fünf sind von Vermeersch, 

fünf von Bovée – liefert die Bigband eine 

ebenso rockende wie virtuose Basis. Solistische 

Highlights setzen u.a. Bruno Vansina 

(bar-s) und Peter Vermeersch (cl). Obendrein 

glänzen die Musiker der Band in jedem Stück 

als Vokalisten mit originellen Refrains und frechem 

Sprechgesang an der Grenze zum Rap. 

Boggamosta III ist eine fulminante, bizarre 

Bigband-Polit-Revue von überwältigender 

Energie. „Wir wollen ein anderes Publikum 

erreichen, nicht unbedingt die Jazzleute“, 

sagt Vermeersch. „Aber um diese Musik zu 

spielen, braucht man Musiker mit Jazzkönnen 

und Jazzhaltung. Und darum das FES.“ 

Die Songs der Revue geben ein 

düster-sardonisches Bild der aktuellen 

menschlichen Komödie zwischen Künstlicher 

Intelligenz und globaler Verdummung. 

Vermeersch sagt: „Die Texte sind in der 

Tat mit rabenschwarzer Tinte geschrieben. 

Sie sind eine Mischung aus den kranken 

Gedanken, die in den Köpfen verrückter 

narzisstischer Staatsführer gären, und einer 

sarkastischen Reaktion darauf. Es fühlt sich 

gut an, sich über diese junge Kreatur namens 

Homo sapiens lustig zu machen.“ Jetzt fehlt 

eigentlich nur noch eins: das Live-Publikum. 

Denn Boggamosta III gehört dringend auf die 

Bühne. „Die Pandemie zwang uns zu einer 

ziemlich komplizierten Übe- und Aufnahmemethode. 

Es waren nie mehr als fünf Leute im 

Raum – mit zwei Metern Abstand, Belüftung 

und mit Atemmasken, wenn man den Platz 

verließ. Es wird sehr aufregend für uns, wenn 

wir dieses Repertoire endlich im wirklichen 

Leben spielen können.“ 


Flat Earth Society: Boggamosta III 

(Igloo Records / Broken Silence) 


JAKOB BRO 

Dreidimensionaler 

Traum 

© Mike Højgaard 

Jakob Bros Musik 

klingt, als müsse er 

sich keine Sorgen 

machen. Sie muss und 

will niemandem etwas 

beweisen, und sie ist frei 

von althergebrachten 

Ordnungsvorstellungen 

wie Rhythmus/Melodie 

oder Frontline/Begleitung 

oder Bandleader/ 

Sideman. Alles, wofür 

sie um Aufmerksamkeit 

wirbt, ist: Klang. Und wie 

etwas klingt, hört man am 

besten, wenn es nicht so 

laut ist. 



Das erste Stück arbeitet an der Rekonstruktion 

eines Traumes, „Reconstructing a 

Dream“. Es ist reine Programmmusik. Wer 

einen Traum rekonstruiert, beschäftigt sich 

mit flüchtigen Motiven, Übergangsphänomenen, 

unterschiedlichen Interpretationen, 

die sich tatsachenfreien Vorgängen annähern 

und sich, ohne anzustoßen, in einem 

feinen Nebel bewegen, der die sogenannte 

(und nicht ganz erwünschte) Wirklichkeit 

noch verhüllt. Was mag geschehen sein? 

Man hört, sehr leise, einen tiefen, weich 

angeschlagenen Gitarrenton, drei Sekunden 

später setzt eine Melodie in einem 

exotischen Modus ein, offenbar auf einer 

Shakuhachi gespielt. Dann eine melodische 

Phase, in der die Gitarre sich unaufdringlich 

neben der Flöte bewegt. 

Moment mal: Flöte? Davon steht nichts im 

Line-up. Stattdessen steht da: „Arve Henriksen, 

trumpet“. 

Manchmal ist es leicht, auf Arve 

Henriksen hereinzufallen, so präzise und 

aufmerksam hat er am Klangspektrum 

seines Trompetenspiels gearbeitet. Aber 

die Aufmerksamkeit ist nicht nur geweckt, 

sondern gleich auch angespannt. Wer ein 

Album mit Arve Henriksen einspielt, weiß 

in der Regel, dass es für viele Hörerinnen 

und Hörer automatisch ein Arve-Henriksen- 

Album sein wird. Seine melodischen Ideen 

sind so intensiv, seine Artikulationen so 

ungewöhnlich und variabel, dass es fast 

unmöglich ist, ihn zunächst nicht im Vordergrund 

zu hören. 

Jakob Bro hat das natürlich gewusst 

und billigend in Kauf genommen. Es macht 

gar nichts, sagt er, wenn ein anderer Musiker 

im Focus steht. Arve Henriksens Art zu 

spielen ist so speziell, dass man sowieso 

immer genau hinhört. Und wer genau hinhört, 

merkt bald auch, wie sich Gitarre und 

Schlagzeug dazu, daneben, darunter, dabei 

verhalten. Henriksen wird eingebunden in 

eine Musik, die ihre Präsenz und ihre Tiefe 

durch dynamische Behutsamkeit und durch 

intensiven und experimentellen Klangsinn 

erhält. 

„Das erste Mal, dass ich Arve persönlich 

getroffen habe“, sagt Jakob Bro, „war 

beim Frühstück im Hotel in Lugano, bevor 

wir ins Studio gegangen sind.“ Den Musiker 

Arve Henriksen hat er allerdings schon 

vorher lange gekannt. Eine gute Woche vor 

dem Aufnahmetermin hat er ihm die Stücke 

zugeschickt, in Form von Noten, Sounds, 

Melodien und Phrasierungen, auf einer 

akustischen Gitarre mehr angedeutet als 

präzise aus- und vorgeführt. Arve sei dann 

sehr gut vorbereitet gewesen auf das, was 

ihn erwartete und was von ihm erwartet 

wurde. 

Jazz-Gitarristen sind, auch wenn sie 

in die Kategorie der Klangforscher oder 

der Melodiker gehören, normalerweise mit 

mehr Noten pro Minute und einer anderen 

Dynamik zu vernehmen als Jakob Bro. Er 

zeigt sich auf diesem Album als außerordentlich 

zurückhaltender Musiker. Beim 

Vergleich mit Klischees vom landläufigen 

Berufsbild des Jazz-E-Gitarristen lacht 

er fröhlich. „Ich versuche nicht, meine 

Musik in der Band durchzusetzen oder zu 

behaupten. Ich bin eher bestrebt, Raum zu 

lassen oder Raum zu geben und zu sehen, 

was daraus entstehen kann.“ Das fördert 

die Konzentration, sowohl in der Band beim 

Spielen wie auch des geneigten Publikums 

beim Hören der Aufnahmen, und schnell 

wird klar, wie sehr Jakob Bro und Jorge 

Rossy am Gesamtklang mitarbeiten. 

Die Kompositionen des Albums Uma 

Elmo sind filigrane und überraschende Gebilde. 

Der Song „To Stanko“ ist ein Requiem 

für den 2018 verstorbenen polnischen Trompeter 

Tomasz Stanko. Jakob Bro hat lange 

mit ihm gearbeitet, war mit ihm befreundet 

und nennt ihn unter seinen wichtigsten 

Einflüssen. „Mit einem Ton konnte er 

eine Geschichte erzählen“, sagt er. Arve 

Henriksen kann und tut das auch, aber sein 

verhangener, lyrischer und immer in kleinen 

Nebenbemerkungen klanglich verfremdeter 

Ton klingt auch hier nie, als wolle er einfach 

ein guter Trompeter sein oder gar Stanko 

nachahmen. Dass „To Stanko“ nach genau 

vier Minuten und 33 Sekunden endet, also 

jener Zeitdauer, die John Cage zum Titel 

seiner (oft gespielten, dabei ungebrochen 

rätselhaften) Komposition „4:33“ gemacht 

hat, sei purer Zufall, sagt Jakob Bro. Aber 

ein wunderbarer Zufall, über den nicht 

nur Cage, der Erfinder der künstlerischen 

Zufallsoperationen, wohl ziemlich erfreut 

gewesen wäre. 

Auch wenn – wie in dem längsten 

Stück des Albums, „Housework“ – die 

klangliche Vielgestaltigkeit zum Teil in munteres 

Zusammenkleben auszuarten scheint, 

wirkt hier nichts wie Übermut. Die Subtilität 

und die nie aufgegebene dynamische 

Zurückhaltung machen jede Klang-Collage 

zu einer intensiven, mit dreidimensionalem 

Raumgefühl gestalteten Konzentrations- 

Musik. 

Dass der „Morning Song“ einmal in 

der Mitte (einige Zeit nach der eröffnenden 

Traum-Rekonstruktion) auftaucht und 

später in einer zweiten Version das Album 

beschließt, zeigt, dass Jakob Bro, bei aller 

avantgardistischen Raffinesse seiner Musik, 

auch ein warmherziger Romantiker ist. 

Und seine Ansichten vom „Slaraffenland“ 

sind pure Schwelgerei. 


Jakob Bro: Uma Elmo (ECM / Universal) 


Literatur 

Von Guido Diesing 

Wilfried 

Schaus-Sahm 

Weltstars im 

Stahlwerk 

Als ab den 90er Jahren plötzlich Stars aus Jazz und Weltmusik 

zu Konzerten nach Duisburg kamen, die zuvor jahrzehntelang 

einen großen Bogen um das westliche Ruhrgebiet gemacht 

hatten, war dies vor allem einem Mann zu verdanken: Als Erfinder 

und künstlerischer Leiter des Traumzeit-Festivals schuf 

Wilfried Schaus-Sahm eine Plattform, auf der Musiker von 

Weltrang in einem einzigartigen Industrie-Ambiente auftraten. 

Wie es ihm nach Anfängen als Mitglied eines kleinen Jazz- 

Vereins in einem Stadtteilkulturzentrum gelang, später Künstler 

wie Herbie Hancock, Juliette Gréco, Laurie Anderson oder Sonny 

Rollins (eine auch nur annähernd vollständige Liste würde jeden 

Rahmen sprengen) nach Duisburg auf das Gelände eines stillgelegten 

Stahlwerks zu bekommen, und was er mit ihnen erlebt hat, 

erzählt Schaus-Sahm nun in seinem Buch Grappellis Geigenkasten. 

Mal im Plauderton, mal mit eingestreuten Hintergrundinfos, 

reiht er Anekdoten aus über 30 Jahren als Konzertveranstalter 

und Festivalmacher aneinander. Bisweilen scheint er sich im 

Nachhinein selbst über die eigene Naivität, aber auch die gehörige 

Portion Chuzpe zu wundern, mit der er manches Projekt anging 

und vielleicht gerade deshalb am Ende Erfolg hatte. 

Es ist ein Rückblick auf eindrucksvolle Begegnungen, aber 

auch vereinzelte menschliche Enttäuschungen. Schaus-Sahm ermöglicht 

dem Leser nicht nur einen schlaglichtartigen Blick hinter 

die Kulissen großer Bühnen, sondern auch auf die Abläufe und 

Zwänge kommunaler Kulturpolitik, die er nach seinem Wechsel 

aus der freien Szene ins städtische Kulturamt kennenlernte. 

Auf knapp 200 Seiten, angereichert und aufgelockert mit 

zahlreichen Fotos der beschriebenen Konzerte, erfährt man 

Nähkästchen-Details über die Eigenheiten von Künstlern wie Van 

Morrison, der ein Hotelzimmer mit Spezialmatratze, aber ohne Minibar 

zur Bedingung für seine Zusage machte, und schüttelt den 

Kopf über den Tourmanager von Jan Garbarek, der eine Szene 

machte, weil beim Catering nicht die verlangte Mineralwassermarke 

auf dem Tisch stand. Immer wieder wird der große Respekt 

des Festivalmachers für Musiker deutlich, die ohne Allüren allein 

durch ihre Persönlichkeit und natürliche Autorität überzeugten. 

Er gewährt Einblicke in die Vorarbeiten und Umwege, die es 

bisweilen brauchte, um mit Auftragsarbeiten eigene Akzente zu 

setzen, und verschweigt auch nicht Pläne, die er aus verschiedensten 

Gründen nicht realisieren konnte, so z.B. ein ambitioniertes 

Tanztheaterstück über Miles Davis’ Jack Johnson-Album, für 

das John McLaughlin, Bill Laswell und Robert Wilson (als Regisseur) 

bereits ihr Mitwirken zugesagt hatten, dessen Finanzierung 

aber nach vielversprechenden Signalen bedauerlicherweise 

letztlich doch im NRW-Kultusministerium versandete. Was das 

hätte werden können! 

Wilfried Schaus-Sahm: Grappellis Geigenkasten – Konzertanekdoten. 

192 Seiten, Books on Demand, Norderstedt, 24,99 Euro 

Viele Alben, die in der Pandemie 

entstanden sind, haben eine 

melancholische bis düstere Stimmung. 

Erfrischend anders ist Christian Pabsts 

neues Album Balbec. 

Von Thomas Bugert 

Als sich vor über einem Jahr 

die Corona-Pandemie global 

ausbreitete und es mit dem 

Lockdown von heute auf 

morgen keine kulturellen Veranstaltungen 

mehr gab, veränderte 

sich auf einen Schlag 

auch das Leben der Künstler. 

Christian Pabst nutzte diese 

Zeit zum Lesen und widmete 

sich Marcel Prousts Auf der 

Suche nach der verlorenen 

Zeit. Auf über 4.000 Seiten 

schreibt der Ich-Erzähler über 

seine Kindheit zu Beginn des 

20. Jahrhunderts in einem 

Badeort in Frankreich. 

Alle in Prousts Roman 

beschriebenen Orte gibt 

es auch in der realen Welt, 

einzige Ausnahme ist der 

Badeort Balbec, der frei erfunden 

ist und damit in einer 

imaginären Welt liegt. „Ich 

denke, das Buch hat mich 

auch inspiriert, weil ich es in 

einem Moment gelesen habe, 

in dem die Zeit auf einmal 

komplett stillgestanden hat“, 

erzählt Christian Pabst über 

sein neues Album. „Vor der 

Pandemie war ich eigentlich 

im Dauerstress. Ich war die 

ganze Zeit nur am Arbeiten, 

Reisen und Spielen. Von heute 

auf morgen hat sich alles 

verändert. Vorher sind zwei 

bis drei Wochen wie im Flug 

vergangen. Auf einmal hat 

sich die Zeitspanne angefühlt 

wie drei Jahre. Ich denke, das 

Buch hat mich auch angesprochen, 

weil es viel darum 

geht, wie man Zeit empfindet. 

In dem Roman geht es um 

jemanden, der ein Buch 

schreiben will, aber nicht anfangen 

kann. Man folgt seinen 

ganzen Erfahrungen, und erst 

auf der allerletzten Seite hat 

er eine Offenbarung, in der er 

Vergangenheit, Zukunft und 

Gegenwart in einem Moment 

wahrnimmt. Das öffnet ihm 

die Augen und er versteht, 

was er machen muss. Das ist 

ein Teil, der mich sehr interessiert 

hat. Die sieben Stücke 

auf dem Album sind für mich 

sieben Sensationen in einem 

Moment. Die Titel des Albums 

sind eine Reise. Es beginnt 

mit ,Revelation‘ und führt dich 

über ,Snake‘ nach ,Balbec‘. 

Nach ,Snow‘ braut sich ein 

Sturm zusammen. ,Golden‘ ist 

für mich eine Assoziation mit 

der Sonne. Mit ,Flight‘ geht 

es dann weiter zur nächsten 

Reise oder CD.“ 

Auch wenn sich Pabst 

einem real existierenden Roman 

widmet, wäre es falsch, 

die Musik als Programmmusik 

zu bezeichnen, die die 

literarische Vorlage musikalisch 

umsetzt. Der Roman ist 

vielmehr ein Ausgangspunkt, 

von dem aus sich Pabst aufgemacht 

hat. Der Groove des 

Titelsongs „Balbec“ würde 

demnach den Badeort auch 

nicht wie im Roman in der 

Normandie verorten, sondern 

in südlicheren Gefilden. 

Neben einer stark lyrisch 

ausgeprägten Seite in Pabsts 

Spiel zeichnen sich die Kompositionen 

durch Melodien 

und Grooves aus, die einen 

hohen Wiedererkennungswert 

haben und sich im Ohr 

festsetzen. „Melodisches 

Spiel ist mir sehr wichtig, 

auch in der Improvisation. Ich 

finde es immer interessant, 

wenn eine Komposition improvisiert 

klingt und Improvisationen 

komponiert. Ich finde 

es spannend, diese beiden 

Welten miteinander zu vermischen 

und den Aspekt des 

Geschichtenerzählens, der in 

der Komposition enthalten ist, 

in der Improvisation weiterzuführen“, 

erzählt Pabst. 

Um die Aspekte des Storytellings 

und der verwischten 

Grenzen in einem Trio 

umsetzen zu können, bedarf 

es der entsprechenden Mitmusiker. 

Mit André Nendza an 

Kontra- und E-Bass sowie Erik 

Kooger am Schlagzeug hat 


CHRISTIAN PABST 

Auf der Suche nach der verlorenen Zeit 

© Patrycja Rozwora 

Pabst die Musiker gefunden, 

mit denen er dieses Konzept 

umsetzen kann. „Ich sage 

ihnen oft auch meine Assoziationen 

oder Bilder“, erzählt 

Pabst. „Meistens ist es so, 

dass ich eine Idee liefere und 

wir sie dann im Zusammenspiel 

weiterentwickeln. Gerade 

in einer kleinen Besetzung wie 

dem Klaviertrio ist die Balance 

zwischen Komposition und Improvisation 

sehr wichtig. Was 

schreibt man auf – und was 

schreibt man gerade nicht auf. 

Für mich ist es sehr wichtig, 

dass die intuitive Verbindung 

zu einer Idee da ist. Ich finde 

das wichtiger als die Töne, die 

gespielt werden. Die anderen 

beiden müssen auch in dieser 

Welt sein. Da sie offen sind für 

die inspirative Arbeit und die 

Frage nach der Welt, die wir 

hier kreieren wollen, macht es 

mir unfassbar Spaß, mit ihnen 

zu arbeiten.“ 

Intuition ist für Pabst auch 

beim Komponieren das Wichtigste: 

„Für mich ist Komponieren 

auch immer ein harter 

Prozess. Wenn mich eine Idee 

selbst nicht berührt, finde ich 

es auch langweilig, mich damit 

auseinanderzusetzen. Wenn 

ich eine Idee habe, von der 

ich das Gefühl habe, dass in 

ihr Bedeutung ist und sie mir 

etwas sagt, dann schreibe 

ich sie nie auf. Wenn ich mich 

dann einen Tag später noch 

erinnere, dann habe ich das 

Gefühl, dass da etwas ist, mit 

dem man arbeiten kann. Man 

muss auch den Mut haben, 

Sachen wegzuwerfen“, erklärt 

Pabst seinen Kompositionsansatz 

für Balbec. Man kann 

das Album als direkte Weiterführung 

seines vorigen Albums 

Inner Voice hören und verstehen. 

So resümiert Pabst: „Die 

beiden CDs hängen zusammen. 

Balbec ist die extrovertierte 

Variante von Inner Voice. Ich 

wollte kein düsteres Pandemieprojekt 

machen. Vielmehr 

will ich eine hoffnungsvollere 

Botschaft verbreiten. Die 

Musik soll Leuten Optimismus 

geben.“ 


Christian Pabst: Balbec 

(Jazzsick Records / Membran) 


ISFAR 

SARABSKI 

Auf 

Rachmaninoffs 

Spuren 

© Peter Hönnemann 

16 

JAZZTHETIK 05/06-2021

Tradition und Moderne – beides hat in der Musik von Isfar Sarabski einen festen Platz. 

Hier das fast schon als klassisch zu bezeichnende harmonische und melodische Konzept 

eines ausgebildeten Konzertpianisten, dort die rhythmischen Freiheiten eines Jazzers, der 

sein Erbe nur zu gerne in die Zukunft integriert. Vor etwa zehn Jahren hat der charmante 

Mann aus Aserbaidschans Hauptstadt Baku damit begonnen, die Bühnen dieser Welt zu 

erobern. Jetzt hat er endlich sein atemberaubend schönes Debütalbum Planet veröffentlicht. 

Von Thomas Kölsch 

Fast schon melancholisch klingen 

die Akkorde, verträumt und 

romantisch-sakral wie ein Gebet 

in Moll. Dann auf einmal Arpeggios, 

perlend und treibend, die 

Melodie zum Strom anschwellen 

lassend. Könnte Rachmaninoff 

sein. Ist aber Sarabski. Der 

31-Jährige, der nach mehreren 

Aufnahmen mit Rain Sultanov 

jetzt mit Planet sein erstes eigenes 

Album vorlegt, ist von dieser 

Verwirrung nicht enttäuscht. 

Ganz im Gegenteil, er ist stolz auf 

den Vergleich zwischen der Solo- 

Aufnahme seines Titelstücks 

und dem Werk des russischen 

Komponisten. „Ich liebe klassische 

Musik, vor allem die von 

Rachmaninoff“, sagt er. „Was er 

an Klaviermusik geschrieben hat, 

ist in meinen Augen pure Magie.“ 

Und die webt nun auch Sarabski. 

Immer wieder taucht er in das romantische 

Erbe ein, bedient sich 

der entsprechenden Tonsprache, 

nur um sie in mehreren seiner 

Stücke im nächsten Moment an 

einen Jazz irgendwo zwischen 

dem Esbjörn Svensson Trio und 

Brad Mehldau zu überführen. 

„Meiner Meinung nach kennt 

Musik keine Grenzen. Alles ist 

möglich, solange die Menschen 

dadurch berührt werden.“ 

Diese Einstellung ist Sarabski 

quasi in die Wiege gelegt worden. 

„Mein Vater ist ein großer 

Musikliebhaber, der sowohl Jazz, 

Rock, Soul und Funk als auch 

Klassik schätzt und eine beträchtliche 

Plattensammlung besitzt. 

Mit ihr bin ich aufgewachsen. 

Ich kann mich noch gut daran 

erinnern, wie ich zum ersten 

Mal Dizzy Gillespie hörte, oder 

auch Bach oder Chopin. Schon 

damals wollte ich herausfinden, 

wie diese Musik Bilder in meinem 

Kopf entstehen lassen konnte.“ 

Unterstützt wurde er dabei von 

seiner Mutter, einer Geigenlehrerin, 

– und von den Geschichten 

über seinen Urgroßvater Huseyngulu 

Sarabski, einen berühmten 

Opernsänger, Schauspieler und 

Theaterautor, der 1908 die Hauptrolle 

in der ersten orientalischen 

Oper der Welt übernahm (Uzeyir 

Hajibeyovs Leyli and Majnun) und 

seitdem zu den Gründer vätern 

des Genres gezählt wird. Ihm zu 

Ehren hat der 31-Jährige bei dem 

epischen „The Edge“ auch die 

Tar mit einbezogen, ein Saiteninstrument 

aus seiner Heimat. „Mein 

Großvater hat die Tar gespielt“, 

erklärt Sarabski, „und durch ihren 

einzigartigen Klang bringt sie 

eine neue Qualität in die Musik. 

Außerdem sind Traditionen wichtig, 

denn auf ihnen fußt ein jeder 

Mensch, ob er sie nun ablehnt 

oder auslebt. Sie zu respektieren, 

ist daher ein Zeichen des 

Respekts.“ 

Gleichzeitig scheut Sarab ski 

sich nicht, das Althergebrachte 

neu zu interpretieren: Zwischen 

den acht Eigenkompositionen 

(„Planet“ liegt sowohl als 

Soloaufnahme als auch in einer 

furiosen Triofassung vor) findet 

sich eine rasante Version von 

Tschaikowskis Schwanensee- 

Thema, an der auch Jacques 

Loussier seine Freude gehabt hätte. 

„Ich mag dieses Ballett sehr“, 

bekennt Sarabski, „aber ich 

wollte einmal sehen, wie die Musik 

mit einem Jazz-Feeling wirkt. 

Die Idee für das Arrangement ist 

letztlich die logische Folge meiner 

fortwährenden Suche nach den 

Parallelen zwischen moderner 

und klassischer Musik.“ 

Eine Suche, auf der ihn 

Drummer Alexander Mashin und 

Bassist Makar Novikov kongenial 

unterstützen. „Ich bin sehr froh, 

dass die beiden in den vergangenen 

zehn Jahren diesen Weg mit 

mir gegangen sind“, so Sarabski. 

„Es war nicht immer leicht, weil 

ich meine Arbeit überaus kritisch 

betrachte und immer wieder 

etwas zu verbessern hatte. 

Gleichzeitig habe ich diese Zeit 

gebraucht, um Erfahrungen zu 

sammeln und meine Melodien 

sowie meine Vorstellungskraft zu 

schärfen. Jetzt bin ich wirklich 

sehr zufrieden mit dem Ergebnis.“ 

Das kann sich hören lassen. 

Obwohl Planet wie ein Album 

aus einem Guss erscheint, gibt 

es doch an jeder Ecke etwas zu 

entdecken: arabische Skalen 

zwischen europäischem 

Bar-Jazz bei „Novruz“, funkige 

Grooves bei „G-Man“, ein 

starkes Bass-Solo in der Ballade 

„Limping Stranger“, ein paar 

Spritzer Hollywood-Sinfonik im 

Opener „Déjà-vu“ – und immer 

wieder das virtuose jubilierende 

Spiel von Isfar Sarabski, dem 

man sich einfach nicht entziehen 

kann. Und Sarabski plant 

bereits den nächsten Schritt. 

Die Zwangspause durch die 

Pandemie habe er genutzt, um 

sich mit elektronischer Musik 

zu beschäftigen, sagt er. „Ich 

mag diese Sounds total gerne, 

verstehe sie allerdings noch 

nicht komplett“, schränkt er 

ein. „Nichtsdestotrotz arbeite 

ich gerade an einem Album, 

das Electronica, Jazz und auch 

Klassik miteinander verbindet.“ 

Außerdem hofft er natürlich, bald 

wieder live auftreten zu können. 

„Es ist schön, im Studio zu sitzen 

und die eigenen Kompositionen 

so lange einzuspielen, bis sie so 

klingen, wie ich sie mir vorgestellt 

habe“, erklärt er. „Aber erst 

durch die Energie des Publikums 

werden sie vollkommen.“ 


Isfar Sarabski: Planet (Warner)

LÜCKER 

SCHICKENTANZ 

Blind Date mit Folgen 

Ich atme, also bin ich. Blechbläser dürften 

den Satz, ohne zu zögern, unterschreiben. 

Die Atmung ist nicht nur wichtig für die 

Sauerstoffzufuhr, sondern auch Stilmittel 

zum Erzeugen von Klängen, Melodien 

und Geräuschen. Der Posaunist Andreas 

Schickentanz hat sich mit der Materie intensiv 

auseinandergesetzt und die Erkenntnisse 

auf seine Musik übertragen. Seine mit dem 

Schlagzeuger Björn Lücker eingespielte Duo- 

CD Suspicion About the Hidden Realities 

of Sound widmet sich der Frage: Wie 

entstehen Klänge und welche bewussten und 

unbewussten Entscheidungen stehen dahinter? 

Von Holger Pauler 

Der Name der CD, verrät Schickentanz, 

geht auf ein Buch von 

Robert Boyles zurück: Suspicion 

About the Hidden Realities of 

Sound. Darin hat dieser unter 

anderem die Eigenschaften 

von Gasen und Luft erforscht. 

„Mehr als einmal hatte ich 

den Verdacht, dass Luft ein 

paar versteckte Qualitäten 

oder Kräfte hat, denn Luft ist 

nicht, wie viele glauben, eine 

einfache elementare Substanz, 

sondern eine wilde Mischung“, 

heißt es dort. „Ich fand die Idee 

interessant und habe sofort 

Parallelen zu unserer Musik 

entdeckt“, sagt Schickentanz. 

Letztlich gehe es nicht nur 

darum, Klänge zu entwickeln, 

sondern auch darum, sie zu 

entschlüsseln. 

Ein Motto lautet dabei: 

Reduktion statt Überfrachtung. 

Flächendeckende Ambient- 

Sounds überwiegen, nur selten 

unterbrochen von ekstatischen 

Momenten. Das Schlagzeug 

wird zwischendurch zum 

Schlagwerk, es rauscht und 

quietscht, Klänge werden 

verstärkt und verzerrt. Bandmaschinen 

kommen ebenso zum 

Einsatz wie elektronische Hilfsmittel. 

Loops und Phaser laden 

dazu ein, sich zurückzulehnen. 

Auch wenn die Stücke in der 

Form frei sind, unterscheidet 

sich das Duo erheblich von der 

klassischen freien Improvisation, 

da mehr die Suche nach 

Klängen im Vordergrund steht 

als die totale Auflösung von 

Strukturen. Da passt es ins 

Klangbild, dass Schickentanz 

den Trompeter Jon Hassell als 

Vorbild nennt, einen Pionier des 

Harmonizer-Sounds, der die 

Töne um vielschichtige Harmonien 

und Oktaven erweitert und 

verfremdet. 

Der erste Titel, „Forrest“, 

wird von Echos aus dem Off bestimmt, 

analoge Sounds wechseln 

sich mit elektronischen 

Verfremdungen ab, „Water“ 

beginnt mit Geräuschen auf 

der Posaune, die klingen, als 

kämen sie vom Meeresgrund: 

Es tröpfelt und rauscht. „The 

Beast Under My Bed“ beginnt 

ebenfalls zurückhaltend leise, 

nimmt aber zwischendurch 

bedrohliche, fast paranoide 

Ausmaße an. Schweißperlen 

werden hörbar, Alien trifft auf 

Darth Vader – ehe es langsam 

ausfadet. „Weird Ostinatos“ 

wird von einem kurzen viertaktigen 

Thema, fast einer Art Jingle, 

begleitet, um das sich die 

Musiker fast tänzelnd herumbewegen. 

„Es geht uns vor allem 

um Sounds und dynamische 

Strukturen“, sagt Schickentanz. 

Die Aufnahme wurde 

bereits am 6. Oktober 2019 im 

Hamburger Studio Milchkettenmusik 

produziert. Die Musiker 

trafen sich dazu eher zufällig, 

obwohl sie sich schon zwei 

Jahre kannten. Schickentanz 

wollte ursprünglich mit seinem 

Quartett in einem Hamburger 

Club auftreten, entschied 

sich aber aus Kostengründen 

dagegen. „Ich habe statt- 

© Babette Brandenburg 

18 


dessen vorgeschlagen, solo 

aufzutreten, leider waren 

die Veranstalter davon nicht 

wirklich begeistert“, sagt der 

59-jährige Wahl-Kölner und 

lacht. Die Veranstalterin schlug 

schließlich vor, einen Doppel- 

Solo-Abend mit anschließender 

Begegnung zu organisieren, 

ohne den Namen von Björn 

Lücker zu erwähnen. „So sind 

wir dann unbekannterweise 

zusammengekommen“, sagt 

Schickentanz. Ein echtes Blinddate. 

Dabei half, dass beide 

bereits ein Soloprogramm (plus 

Solo-CDs) im Tornister hatten 

und in diesem Bewusstsein 

aufeinandertrafen. 

„Wir verstehen uns nicht 

nur musikalisch und persönlich 

sehr gut, sondern ziehen auch 

am gleichen Strang, was die 

unerlässliche Organisation 

und neue Ideen für die Band 

angeht“, sagt Lücker. Vorschläge 

und Visionen würden 

umgehend besprochen und 

in die Tat umgesetzt. Das sei 

seiner Erfahrung nach „nicht 

selbstverständlich“. Bei 

dem Studiotermin hätten 

sie sich schnell auf 

bestimmte Strukturen 

und Absprachen 

geeinigt. 

Und obwohl die 

Stücke nicht 

im klassischen 

Sinne notiert 

sind, kann man 

von Kompositionen 

sprechen. „Wenn wir uns jetzt 

zu Konzerten treffen, können 

wir auf Stücke zurückgreifen, 

die wir bereits gespielt haben. 

Wenn wir uns zum Beispiel auf 

,Forrest‘ oder ,Water‘ einigen, 

wissen wir, in welche Richtung 

es gehen soll.“ 

Auf der Bandcamp-Seite 

von Andreas Schickentanz 

kann man das sehr gut anhand 

eines Live-Sets nachhören, das 

die beiden im Dezember 2019 

erneut im Hamburger Studio 

aufgenommen haben. Themen 

und Muster, die man von der 

CD kennt, tauchen dort wieder 

auf, wenn auch leicht modifiziert. 

Aber gerade das gehört 

schließlich dazu. „Studio und 

Live-Auftritte sollen sich ergänzen, 

nicht gleichen.“ 

Neben seinen Solo-Experimenten 

unterhält Schickentanz 

ein eigenes Quintett. Außerdem 

ist er Mitglied im Cologne 

Contemporary Jazz Orchestra. 

Björn Lücker hat vor zehn Jahren 

das Björn Lücker Aquarian 

Jazz Ensemble ins Leben 

gerufen. Daneben widmet auch 

er sich dem Solo-Spiel und 

zahlreichen anderen Projekten 

vom Trio bis zu Großformationen. 

Unter anderem tourte er 

im Trio mit Florian Weber und 

dem 2020 verstorbenen Gary 

Peacock. Und obwohl beide 

Musiker vom Jazz kommen, 

mögen sie sich keiner Sparte 

zuordnen. „Es ist ein 

Angebot an ein offenes, 

neugieriges Publikum, 

das auf der Suche nach neuen 

Klängen und Formen ist“, sagt 

Schickentanz – und das zudem 

wissen will, aus welchen 

versteckten Kanälen diese 

Geräusche gekrochen kommen. 


Lücker Schickentanz: Suspicion About 

the Hidden Realities of Sound 

(Float Music / Galileo) 


Titel 

20 


© Harald Hoffmann 

TAMARA 

LUKASHEVA 

DIE ALLGEGENWÄRTIGE 

GLEICHUNG 

„Singet leise, leise, leise.“ Klingt nach einem Wiegenlied. 

Ist aber keines, die Sache ist komplizierter. Mit Wiegenliedern 

sollen Kinder in den Schlaf gesungen werden, aber hier 

erfährt man in der zweiten Strophe, dass Kinder schon 

längst schlummern. Allerdings nicht in ihrem Bettchen, 

sondern in einem Fluss. Eine gewisse Amaleya weint und 

wacht, und beim Anblick dieses doppelten „W“ in „weinen“ 

und „wachen“ liegt der Gedanke an eine Wagner’sche 

Sprachfigur nicht ganz fern. 


„Singet leise“ ist pure deutsche Romantik: 

ein Gedicht von Clemens von Brentano. Es 

bezieht sich auf ein Märchen, in dem ein 

Müller, der Rhein und eine traurige Prinzessin 

Hauptrollen spielen. Tamara Lukasheva 

hat ein Lied daraus gemacht, das ihr 

Soloalbum Gleichung eröffnet. „Gleichung“, 

das sei, sagt sie, nicht unbedingt mathematisch 

gemeint, obwohl sie als Komponistin 

viele Berührungen zwischen Musik und 

Mathematik kennt. „Gleichung“ soll eher auf 

etwas Ausgeglichenes hindeuten, auf eine 

Balance, ein Gleichgewicht. Zum Beispiel in 

ihrer inneren Verfassung bei der Arbeit an 

diesem Album. 

Tamara Lukasheva begleitet sich auf 

ihrem Album selbst auf dem Klavier. Man 

sollte aber nicht den Fehler machen, nur das 

Klavier für ein Musikinstrument zu halten, 

das es zu beherrschen gilt, und die Stimme 

für etwas Gegebenes. Gegeben sind an 

der Gesangsstimme nur die organischen 

Voraussetzungen, also Stimmbänder, Lunge, 

die einschlägige Muskulatur, körperliche 

Resonanzräume. Das ist nicht mehr als das 

Material, aus dem Sängerinnen und Sänger 

ihr Musikinstrument selbst erfinden und 

entwickeln müssen. Sängerinnen und Sänger 

fügen also der schwer überschaubaren 

Menge an Musikinstrumenten noch eines 

hinzu, das körpernah und sehr individuell 

funktioniert. Das macht viel Arbeit und Mühe. 

Am Klavier arbeitet Tamara Lukasheva 

auf ihrem Album manchmal zurückhaltend 

wie eine klassische Klavierbegleiterin, die 

mit ökonomisch eingesetztem, dezentem 

Spiel der Gesangstimme den Auftritt inszeniert. 

Manchmal aber hört man vom Klavier 

auch verfremdete Klanggebungen, perkussive 

Phrasen, geräuschhafte Präparationen. 

Aber nichts davon breitet sich dominant aus, 

nichts davon wird zu einem bestimmenden 

Momentum des Albums. Keine Waagschale 

neigt sich, alles bleibt ausgeglichen und vielgestaltig. 

Eine allgegenwärtige Gleichung. 

Die Stimme artikuliert klar, mit weichem 

Timbre und oft in geradezu intimer Nähe zum 

Mikrofon und damit dem Hörer*innen-Ohr. 

Wenn die Artikulation stärker am klassischen 

Liedgesang orientiert wäre, dann 

würde man diese Lieder eher dem Genre 

des europäischen Kunstliedes zurechnen als 


Titel 

einer bekannten Spielart des Jazz. Tamara 

Lukasheva aber singt ungekünstelt. Sie 

phrasiert oft auf markante Weise unklassisch 

und mit einer eher subtilen als dramatischen 

Dynamik. Manchmal fügt sie auch rhythmisch 

akzentuierte Scats in ihre Lieder. Da 

ist der Jazz ganz nah. 

Aber Gleichung ist dennoch in kaum 

einem herkömmlichen Sinn ein Jazzalbum. 

Die Lieder suchen und finden ganz und gar 

eigene Wege. „Wenn man von der Perspektive 

der Jazztradition ausgeht“, sagt 

Tamara Lukasheva, „bin ich schon lange 

keine Jazzsängerin mehr.“ Allerdings und 

andererseits ist der Jazz in den vergangenen 

Jahrzehnten stilistisch und idiomatisch 

enorm dehnbar und flexibel geworden. Er 

hat sich an vielen Orten der Welt von seiner 

afroamerikanischen Herkunft emanzipiert, 

hat sich mit Traditionslinien weit jenseits 

davon verbunden und aus sich heraus eine 

unabsehbare Vielfalt von individuellen Wegen 

und Variationen erzeugt. So ist der Jazz: 

Er überwindet Fremdheit, schafft Berührung 

und Austausch, wo zuvor Distanz war. Es 

spricht also wenig dagegen, dass Tamara 

Lukasheva auch mit und nach diesem Album 

weiterhin als Jazzsängerin gelten kann. 

Vom erfolgreichen Weglaufen 

Tamara Lukasheva ist in Odessa geboren, 

der ukrainischen Hafenstadt am Schwarzen 

Meer – also ziemlich weit entfernt von 

afroamerikanischen Weltgegenden. Und 

in Odessa ist sie in einer Musikerfamilie 

aufgewachsen. Na klar, kann man sich da 

zusammenreimen, die Weichen für eine Musikerinnenkarriere 

waren also früh gestellt: 

eine professionell erfahrene Sängerin im 

Jazzgewerbe. Dann begann sie, eigene Musik 

zu komponieren. Und damit wurde vieles 

anders. Das Komponieren und das Improvisieren 

schienen ihr verschiedene Quellen 

zu haben. Beim Komponieren, sagt sie, sei 

sie weniger vom Jazz beeinflusst als beim 

Singen. Eine größere Rolle spiele hier die Art 

von Musik, mit der sie aufgewachsen sei, 

also die weite Welt der sogenannten klassischen 

Musik. Was aber bei ihrem Komponieren 

herauskam, erregte in ihrer näheren 

Umgebung eher ablehnende Haltungen. Die 

Musikschule, an der sie arbeitete, aber auch 

die Eltern verfolgten andere Vorstellungen 

von Musik und vom Musikerinnen-Beruf und 

wollten das, was sich da entwickelte, nicht 

unbedingt unterstützen. 

Was nun? „Ich bin weggelaufen“, sagt 

Tamara Lukasheva. „Ich bin ein freiheitsliebender 

Mensch. Ich musste meine Familie 

und meine alte Umgebung verlassen und 

mich selbst auf die Probe stellen.“ Und: 

„Ich wollte an einem Ort leben, wo meine 

Art, Musik zu machen, akzeptiert wird.“ So 

zog Tamara Lukasheva mit gerade mal 22 

Jahren von Odessa nach Deutschland. Sie 

ließ sich, nach kurzer Suchbewegung durch 

einige Städte des Landes, in Köln nieder. Sie 

studierte Jazzgesang an der Hochschule für 

Musik und Tanz und begann, eigene Bands 

zu gründen und bei anderen Bands mitzuarbeiten. 

Sie war oder ist unter anderem 

eine der drei Kusimanten, leitet das Tamara 

Lukasheva Quartet, arbeitet mit der WDR 

Bigband, aber auch im Duo etwa mit dem 

Schlagzeuger Dominik Mahnig oder dem 

Trompeter Matthias Schriefl. Längst sind ihr 

Gesicht, ihre Stimme und ihre Musik in Köln 

wohlbekannter, fester und hoch geschätzter 

Teil der Musikszene, die sich zu einer vielsprachigen, 

bunten und ziemlich niveauvollen 

erweiterten Jazzszene entwickelt hat. 

Genre-Schranken spielen in der Kölner Szene 

eine immer geringere Rolle, freimütig setzt 

man sich über solcherlei Zuordnungs-Fragen 

hinweg und nimmt neue Ufer in den Blick. 

In dieser Umgebung ist Tamara Lukasheva 

als Komponistin, Pianistin und vor allem als 

Sängerin präsent. 

Für ihre Arbeit hat sie mittlerweile 

etliche renommierte Preise bekommen, etwa 

den Neuen Deutschen Jazzpreis (2017), das 

Kölner Horst-und-Gretl-Will-Stipendium 

(2018) und den WDR-Jazzpreis für Komposition 

(2021). Längst ist sie in Köln eingewöhnt 

und eingebürgert – künstlerisch, beruflich 

und auch sprachlich. Dass für eine Sängerin 

nicht nur die Musik, sondern auch die 

Sprache intensive Aufmerksamkeit braucht, 

ist für sie selbstverständlich. 

Keine bitteren Fragen 

Die Pandemie war in den vergangenen 

Monaten unvermeidbar ständiger Begleiter 

ihrer Arbeit. Anfangs schienen die Auswirkungen 

durchaus bedrohlich. „Ich konnte 

fast nichts mehr von dem machen, was ich 

machen wollte und wovon ich gelebt habe“, 

sagt Tamara Lukasheva. Damit meint sie 

vor allem: auf der Bühne stehen, Konzerte 

geben, sich anregen lassen und mit anderen 

Musikerinnen und Musikern zwanglos und 

produktiv zusammenarbeiten. 

Andererseits erschienen bald neue 

Perspektiven am Horizont. Die waren eng 

verbunden mit der Chance, sich auf sich 

selbst zu konzentrieren und mehr aus sich 

selbst zu schöpfen als aus der Interaktion mit 

anderen. Das habe ihr, sagt sie, eine neue 

Ausgeglichenheit ermöglicht. Vielleicht enthält 

der Text des Liedes „Der Schatten“ eine 

Art Schlüssel zu der inneren Haltung, die 

sich in der Isolation bewährt hat: „Nur nicht 

bittere Fragen tauschen / Antwort ist doch 

nur Meeresrauschen“, schreibt Theodor 

Fontane. 

Auf dem Album, sagt Tamara Lukasheva, 

ist nichts zu hören, was nicht ihrer 

eigenen Entscheidung und ihren eigenen 

Gestaltungsideen entspräche. Dass die 

deutsche Romantik mit Brentano und Novalis 

dabei eine tragende Rolle spielt; dass Texte 

ICH WOLLTE AN EINEM ORT 

LEBEN, WO MEINE ART, MUSIK 

ZU MACHEN, AKZEPTIERT WIRD. 

eine musikalische familiäre Umgebung, mit 

zwölf Jahren zum ersten Mal und ziemlich 

folgenreich mit Jazz in Berührung gekommen, 

Unterricht in Klavier und Gesang, dazu 

Jazzklavier und Jazzgesang, erst an der 

Musikfachschule in Odessa, dann Studium 

an der Musikhochschule Sergej Prokofjew in 

Donezk. Schon mit 17 ging sie mit der Odessa 

Bigband auf Tournee, in Russland und der 

Ukraine. Sie sang in kleineren Jazzformationen, 

bald auch im Duo mit dem mittlerweile 

recht prominenten und erfolgreichen Pianisten 

Vadim Neselovskyi – eine Zusammenarbeit, 

die nicht beendet ist und immer wieder 

aktuell werden kann. 

Mit Anfang 20 war Tamara Lukasheva in 

der Ukraine und im benachbarten Russland 

von Rainer Maria Rilke oder von der sozialistischen 

Frauenrechtlerin Clara Müller- 

Jahnke darin vorkommen, aber auch von der 

Mystikerin Hildegard von Bingen oder dem 

poetischen Preußen Theodor Fontane, zeigt 

einen weiten literarischen Horizont. Und 

die leichte Vorliebe für Texte der Romantik 

bedeutet keine Verengung auf diese Epoche. 

Tamara Lukasheva hat viel recherchiert 

und viel gelesen. „Ich habe Gedichte 

gesucht, bei denen ich das Gefühl hatte, 

sie sprechen mich an und ich kann mit den 

Texten arbeiten.“ Nach über einem Jahrzehnt 

in Deutschland sind solche intensiven 

Berührungen längst auch außerhalb ihrer 

Muttersprache möglich geworden. Wenn 

man genau hinhört – und ihre Musik verlangt 


© Taiisiya Chernishova 


Titel 

geradezu danach, genau hinzuhören –, bleibt 

zuweilen ihr leichter, feiner Akzent nicht verborgen. 

Ihn zu verbergen, gehörte allerdings 

auch nicht zu ihren Absichten. Dass sie 

sich deutscher Lyrik aus der Position einer 

Fremden nähert, ist nun mal eine unleugbare 

Tatsache und prägt auch ihren Zugang zu 

den alten Texten. Ihre Musik ist stets mitgetragen 

von einem Impuls der Überwindung, 

nicht aber Leugnung von Fremdheit. Und 

es geht ja auch nicht nur um die Fremdheit 

der Zugereisten und die Fremdheit der spät 

gelernten Fremdsprache, sondern auch 

um Berührungen und Überschneidungen 

zwischen verschiedenen musikalischen 

Traditionslinien. 

Wenn und wie Tamara Lukasheva die 

deutsche Lyrik versteht und interpretiert, das 

ist immer auch Ergebnis einer Aneignung 

von unbekanntem Terrain. Immer noch stellt 

© Mary Kalugina 

ICH MUSSTE MICH 

SELBST AUF DIE PROBE 

STELLEN. 

sie sich dabei selbst auf die Probe. Und sie 

weiß, dass es bei lyrischen Texten nicht nur 

um ein semantisches Verständnis geht. Ihre 

Musik rührt an tiefer liegende Schichten, 

in denen Sprachen – Muttersprachen wie 

Fremdsprachen – wirken: Klang, Rhythmik, 

Melodik. 

Nur eins der vertonten Gedichte stammt 

nicht aus dem deutschen Sprachraum und 

von einer Autorin, die sie schon länger 

begleitet. Das ist die 2010 im Alter von nur 

17 Jahren verstorbene Asja Klimanova. 

Deren Gedicht „Alte Häuser“ war schon 

auf Lukashevas Album Homebridge (2019) 

enthalten und hat jetzt eine Neuaufnahme 

unter dem Titel „Neue alte Häuser“ erfahren. 

Asja Klimanova sei auch in ihrer Heimat nur 

in kleinen Zirkeln bekannt gewesen, sagt 

Tamara Lukasheva. Asjas Vater habe sich 

sehr um die Veröffentlichung der Texte seiner 

Tochter bemüht. Inzwischen ist er selbst 

gestorben. Im Lied „Neue alte Häuser“ klingt 

Tamara Lukashevas Gesang so lebendig und 

unmittelbar, wie er eigentlich nur in der Muttersprache 

klingen kann. Trotzdem lautet die 

Schlusszeile dieses Gedichts (in deutscher 

Übersetzung): „Es stellt sich heraus: Das bist 

nicht du.“ 

Gleichung ist ein Album, das einen Blick 

zurück unternimmt, das Brücken, Annäherungsbewegungen 

und Übergänge zeigt 

und dabei manchmal in eine dunkle Tiefe 

gerät. Ihre Lieder gestalten Situationen der 

Selbstbefragung und Selbstvergewisserung. 

Die Interpretationen, die Tamara Lukasheva 

mit ihrer Stimme, ihren Kompositionen und 

ihrem Klavierspiel den Texten beigesellt, 

zielen nicht darauf, Erklärungen zu liefern 

und Eindeutigkeiten herzustellen. Sie lassen 

eher weite Resonanzräume entstehen. In denen 

herrscht ein oft fahles, manchmal aber 

plötzlich aufscheinendes, überhelles Licht. 

Wenn einige der vertonten Texte an religiös 

motivierte Fragen zu erinnern scheinen, 

nimmt sie das in Kauf. Schließlich hat auch 

ein Text der mittelalterlichen Mystikerin Hildegard 

von Bingen ihren Platz in diesen Resonanzräumen 

gefunden. Er handelt von der 

Liebe und von, wie man heute sagen würde, 

der Raumzeit, und er muss nicht unbedingt 

etwas aussagen, was nach Erklärung einer 

aktuellen Situation klingt. Tamara Lukashevas 

Lieder entfalten vor allem Fragen und 

legen nicht unbedingt Antworten nahe. 

Dass am Ende des Albums mit dem 

Titel „Prelude Nr. 2“ ein Lied ohne Text steht, 

also ein nummeriertes Klavier-Vorspiel, hat 

nicht nur mit dem Impuls zu tun, genormte 

Verhältnisse umzukehren. Tamara Lukasheva 

gibt dem Präludium den Untertitel „Gewässer 

unter Erde. Poesie ohne Worte“. Der 

Resonanzraum ist gekrümmt. 

Singet leise, leise, leise. 


Tamara Lukasheva: Gleichung 

(wismART / NRW) 


GEORG RUBY VILLAGE ZONE 

Mitsingen erwünscht 

Bei Konzerten frei improvisierter Musik sieht man oft versunkene, 

ernste Gesichter – vor allem, wo diese Spezialdisziplin heute weniger 

von ästhetischer Rebellion kündet, sondern eher eine Sache des 

Bildungsbürgertums ist. Georg Ruby, Improvisator, Komponist, Pianist 

und Pädagoge, hält von solchen Konnotationen überhaupt nichts, wenn 

es um Musik, um wache Kommunikation, um Freude an der Sache geht. 

Von Stefan Pieper 

Davon zeugt die neue CD 

seines Quartetts Village 

Zone. Unter dem Titel Saluti 

a Peppino wird frei gespielt 

und instant komponiert – auf 

höchstem Niveau, aber nicht 

ohne humorvolle Auswege. 

Einen davon markiert schon 

der Titel des Albums: Im Opener 

haben sich Georg Ruby (p), 

Stephan Goldbach (b), Daniel 

Weber (dr) und Sascha Ley 

(voc) gerade erst auf komplexe 

Klangdialoge eingeschworen 

– da öffnet sich ein Fenster 

zum „Saint Tropez Twist“ und 

der berühmte italienische Gassenhauer 

von Peppino di Capri 

lässt es so fröhlich rocken und 

krachen wie nie. Wohlgemerkt 

im Twist-Rhythmus. Wenn sich 

vier Menschen mit Emotionen, 

Fantasie und Erfahrungen gegenüberstehen, 

wollen sie ja 

auch ihr Innerstes herauskehren. 

Noch eine zweite Nummer 

des italienischen Schlagerund 

Folklore-Altmeisters 

bereichert das neue Album: 

„Le stelle d’oro“. 

„Ich bin mit diesen 

Stücken groß geworden 

und habe sie immer im Ohr 

gehabt“, verrät Georg Ruby 

den Hintergrund dieser überraschenden 

Einlagen. Dahinter 

verbirgt sich eine künstlerische 

Haltung, die sich über 

Schubladen hinwegsetzt und 

dem eigenen Erfahrungsschatz 

im Jazz Rechnung trägt. Die 

vier wollen ja auch eine mit 

ganzer Leidenschaft swingende 

Jazzband sein. Ruby 

verweist darauf, dass auch in 

der freien Impro-Szene sowas 

wie eine Jazzpolizei unterwegs 

ist: „Es gibt hier ungeschrie- 

26 JAZZTHETIK 05/06-2021 oben: Georg Ruby, Stephan Goldbach; unten: Daniel Weber, Sascha Ley; alle Bilder © Jean Laffitau

ene Gesetze, dass du keinen 

Groove spielen und keine 

Akkorde benutzen darfst. Ich 

habe trotzdem Lust auf so was 

und breche mit der elitären 

Konvention, weil es mir wichtig 

ist. Wir machen ja auch Performance 

auf der Bühne dabei. 

Mit allem, was wir anpacken, 

wollen wir eine Geschichte 

produzieren und nicht beliebig 

sein.“ 

Humor ist für die 13 

Stücke auf Saluti a Peppino 

das ideale Bindemittel: „Zu viel 

frei gewählter Ernst hat doch 

mit Qualität nichts zu tun.“ 

Erfrischend wirken für Georg 

Ruby Auftrittserfahrungen über 

den Tellerrand der eigenen 

kulturellen Nische hinaus. 

Überraschenderweise habe er 

gerade bei Klassikkonzerten 

erlebt, dass sich das Publikum 

spontan öffne, weil eben nicht 

alles sofort in der Spezialistenschublade 

lande. 

Aus so viel künstlerischer 

Aufgeklärtheit entsteht auf 

Saluti a Peppino ein eigenwilliger 

Fluss, der sich auch so 

manche labyrinthische Wendung 

und Verbiegung leistet. 

Freie Klangdialoge leiten über 

zu individuell ausgeformten, ja 

rezitativischen Momenten. Und 

es faszinieren die Interaktionen 

zwischen Rubys mal kraftvoll 

geradeheraus gespieltem, 

dann feinsinnig präpariertem 

Klavier, dem filigranen Bassspiel 

und einer fantasievoll 

aufgeladenen Geräuschpoesie 

des Schlagzeugs. Vor allem 

der vokale Aspekt hat mächtig 

viel Ausstrahlung: Für vier 

Stücke verbindet Ruby sein 

Trio mit der luxemburgischen 

Sängerin Sascha Ley. Dass 

diese auch Schauspielerin ist, 

nimmt man ihr angesichts ihrer 

sprühenden Darstellungslust 

ohne Weiteres ab, gipfelnd in 

einer springlebendigen Interpretation 

von Michel Legrands 

„What Are You Doing the Rest 

of Your Life“. 

Als eine „spirituelle kommunikative 

Allianz“ bezeichnet 

Georg Ruby seine Band. „Ich 

brauche eine Kommunikation 

mit guten Musikern, die sich 

nicht unterordnen wollen, in 

einer Musik, die sie miteinander 

spielen und die nicht nur 

einer komponiert.“ Deswegen 

steht hinter den Titeln auch 

immer das Wort Instant Composing. 

Für Ruby ist es die Lust 

an der Kommunikation, und er 

sieht hier noch viel Wachstumspotenzial. 

„Ich möchte, dass 

wir künftig auch in Konzerten 

diesen Prozess noch weiter 

verstärken, wo wir von einer 

Stimmung in die andere fließen 

und wo dann auch ganz spontan 

ein Song herauskommen 

soll.“ 

Mit sieben Jahren hat 

Georg Ruby seinen ersten 

Schallplattenspieler geschenkt 

bekommen. Besagte Stücke 

von Peppino di Capri waren 

auf der ersten Single, derer 

er habhaft wurde. Die Platte 

PDF in 4c 

aus der Kindheit war auch ein 

Schlüssel zu Italien. „Wenn du 

in Italien bist und sagst, dass 

du Peppino di Capri kennst, 

fallen dir alle sofort um den 

Hals“, bricht Ruby eine Lanze 

für musikalische Überlieferungskultur, 

die im deutschen 

Kulturraum etwas verschüttet 

wirkt. 

Das künstlerische Koordinatensystem 

von Georg Ruby 

ist weitläufig. Kein Wunder 

bei jemandem, der, von seinen 

zahllosen internationalen 

Kollaborationen abgesehen, 

die Kölner Jazzhaus-Initiative 

mitbegründet hat, ein Label 

pflegt und bis zum vergangenen 

Jahr die Jazzabteilung an 

der Musikhochschule Saarbrücken 

geleitet hat. Hier wie dort 

macht er immer wieder eine 

etwas bedenkliche Beobachtung, 

die irgendwo auch 

typisch deutsch anmutet: „Wenige 

Menschen hierzulande 

trauen sich zu singen.“ Das sei 

in Italien anders. Und so möchte 

Village Zone auf seinem 

neuen Album in ausgesuchten 

Momenten mit einer Portion 

gesundem italienischen Geist 

gegensteuern: „Ich freue mich, 

dass es in unserer Band keine 

Berührungsängste gibt.“ 


Georg Ruby Village Zone: Saluti a Peppino 

(JazzHausMusik / Galileo)

Kolumne 

ime 

unnel 

Der Berliner Schlagzeuger Tilo Weber ist 

fasziniert von sehr alter Musik. So führt er 

seine Band Four Fauns nun zurück bis in die 

Renaissance. Heraus kommt ein Album mit 

sehr gegenwärtiger Musik. 

Der Leiter der Jazz-Spezialeinheit 

Im Zweiten Weltkrieg herrschte an den verschiedensten Fronten 

ein erbitterter Krieg. Eine dieser Fronten war die öffentliche Meinung. 

Propagandaminister Goebbels hatte erkannt, wie wichtig 

die Medien und die Künste an dieser Front sind. Neben Filmen 

war das Radio als noch relativ neues Medium besonders interessant, 

da man damit über die Fronten hinweg weit ins Feindesland 

seine Propaganda verbreiten konnte. Neben Wortbeiträgen 

spielte bei diesem Feldzug auch die Musik eine wichtige Rolle. 

Wie so oft heiligte auch hierbei der Zweck die Mittel. Da der 

Jazz die angesagte Musik der Zeit war, war er, trotz öffentlicher 

Ablehnung, auch für die Propagandasendungen interessant. Zu 

bekannten US-amerikanischen Titeln wurden neue englische 

Propagandatexte verfasst und mit musikalischer Begleitung 

hinter die Fronten gesendet. Die Band, die dieses Konzept 

umsetzte, nannte sich nach dem Außenministeriumsmitarbeiter 

Karl Schwedler Charlie and His Orchestra. 

Die Musiker, die die Titel einspielten, zählten zu den besten 

Studiomusikern, die verfügbar waren. Für den Propagandasieg 

war musikalisches Können wichtiger als alles andere. So spielten 

in der Band auch einige Musiker, die ansonsten in Konzentrationslagern 

gelandet wären. Der musikalische Leiter dieser Jazz- 

Spezialeinheit war der am 18. Juni 1901 geborene Lutz Templin. 

Hochoffiziell hatte er die Genehmigung, Feindsender abzuhören, 

um über die aktuellen Hits informiert zu sein und diese herausschreiben 

und arrangieren zu können. Zwischen 1940 und 1943 

nahm die Band über 100 Titel auf, die natürlich in Deutschland 

weder erhältlich noch zu hören waren. Die aufgenommenen 

Platten waren ausschließlich dafür bestimmt, an Radiostationen 

verteilt zu werden. Als die Bombardierung Berlins zunahm, 

siedelte Lutz Templin mit seinem Orchester nach Stuttgart um, wo 

er auch nach dem Krieg blieb und unter anderem kurzzeitig Leiter 

des Tanzorchesters des Süddeutschen Rundfunks war. 

Thomas Bugert 

Von Jan Kobrzinowski 

Eine Comic-Figur, die irgendwie 

an den Kleinen Prinzen erinnert, 

betrachtet mit dem Fernrohr das 

Geschehen auf dem Planeten: 

Knappheit der Ressourcen, Massenmigration, 

Waffenhandel, 

Ungleichheit. Gummibärchen 

und Kinderschuhe in Bewegung, 

Spielzeuge und Gießkannen. 

Zum YouTube-Video erklingt Tilo 

Webers Komposition „Canon 

Couperin“, die er François Couperin 

(1668-1733) gewidmet hat, 

einem der jüngeren unter den 

hier vertretenen alten Komponisten. 

Nun ist Tilo Webers 

Herangehen an Alte Musik alles 

andere als naiv. Der Opener 

„Se la mia morte brami“, ein 

Stück des italienischen Fürsten, 

Renaissance-Komponisten und 

Finsterlings Carlo Gesualdo, 

weist die Richtung für das 

ganze Album: „Musik, die ich 

sehr mag und für immer noch 

sehr modern und frisch halte, 

komplett durch die Mangel zu 

drehen. Hier habe ich ca. 20 

Takte des Stücks übernommen, 

ansonsten eine Basslinie in die 

Melodie gesetzt, die Gegenstimme 

in diese eingepasst, Dinge 

umgedreht und vertauscht.“ Er 

sei kein Experte in Alter Musik: 

„Das wäre maßlos übertrieben. 

© Oliver Potratz 

Claudio Puntin, der Klarinettist, 

ist bei uns der einzige lupenreine 

Klassiker.“ Tilo Weber selbst 

mischt bei ziemlich vielen sehr 

verschiedenen Projekten mit, 

bei den Trios von Clara Haberkamp 

und David Friedman, der 

Sängerin Magdalena Ganter, 

bei Otis Sandsjös Y-Otis – und 

er trommelt für das Berliner 

Ensemble, z.B. in Benjamin von 

Stuckrad-Barres Panikherz. 

Auf Faun Renaissance 

gibt es keinen Anspruch von 

totaler Freiheit im Umgang, 

sondern eher den von der 

Lust angespornten Drang zur 

Auseinandersetzung mit dem 

alten Material. „Erschreckend 

zeitgenössisch“ nennt Weber 

die Alte Musik, denn heute 

werde so viel Musik gemacht, 

die viel altmodischer klinge. 

Die Anfangsmelodie 

von „Kyrie V“ geht auf einen 

gregorianischen Choral zurück. 

Beim Transkribieren hatte Tilo 

Weber ein Swingfeeling im Ohr 

und fragte sich, „wie das wohl 

klingen würde, wenn wir das wie 

einen Jazzstandard spielten.“ In 

der Video-Animation von Andreas 

Metzler (YouTube) fliegen 

die Musiker dann als Mönche 

absurd-psychedelisch durch den 

Weltraum. Und die Taube (der 

Heilige Geist), die Papst Gregor 

die Choralmelodien direkt ins 

28 


TILO WEBER Aus Alt mach Neu 

© Annika Weinthal 

Ohr zwitschert, ist der Hinweis 

auf die Entstehungsgeschichte 

der Gregorianik. 

In Johannes Ockeghems 

„O Rosa Bella“ bewegen sich 

anfangs nur zwei Stimmen, dann 

löst sich erst die Klarinette in 

den freien Raum, es übernimmt 

die Trompete, und wenn dann 

im dritten Teil der Bass mit der 

von Weber dazu geschriebenen 

Linie einsetzt, hört man das 

anfängliche Thema, wenn auch 

„komplett auf den Kopf gestellt“. 

Alles wird vom feinen, melodischen 

Schlagzeug umspielt. Hier 

passiert nicht das hergebrachte 

„Jazz meets Klassik“, es wird 

nicht einfach über klassische 

Kadenzen improvisiert, es 

entsteht etwas Neues, schwer 

zu Klassifizierendes. Die älteste 

Komposition des Albums, „Ma 

fin est mon commencement“, 

ein dreistimmiges Vokalstück 

von Guillaume de Machaut 

(1300-1377), „verjazzen“ die 

Fauns zwar quasi, vom Two-Beat 

bis zum fugenhaften Swing. An 

der Struktur des Originals wurde 

hier kaum etwas verändert. Hier 

ging es Weber darum, an diesem 

Paradebeispiel für Konzeptmusik 

mit rückwärts gesungenen, gegenläufigen 

Cantus-Linien vorzuführen, 

„dass, man aus einer 

Stimme alle anderen Stimmen 

generieren kann, indem man sie 

spiegelt und vertauscht.“ Der 

Witz ist, dass man das nicht unbedingt 

merkt, denn alles klingt 

am Ende sehr homogen. 

Wie kommt nun ausgerechnet 

ein Schlagzeuger auf solche 

Ideen? „Schon vor einigen Jahren 

habe ich Lust bekommen, zu 

komponieren und mehr zu sein 

als ‚einfach nur Schlagzeuger‘. 

Mein Spiel selbst veränderte 

sich durch das Komponieren. 

Es hat mich komplementiert. 

Es kann sein, dass es ungewöhnlich 

ist, dass ich nun die 

Renaissance-Musik hergenommen 

habe, aber ich mag diese 

Musik einfach.“ Dem getupften, 

perkussiven, eher zurückhaltenden 

Spiel, für das Weber 

inzwischen bekannt ist, liegt eine 

bewusste Entscheidung nicht 

nur zur Zurückhaltung zugrunde. 

„Ich will auch, dass diese Band 

akustisch, unverstärkt spielt. 

Auch in anderen Bands möchte 

ich gerade so laut spielen, dass 

ihr weicher, warmer Klang zum 

Ausdruck kommt. Als Schlagzeuger 

bist du in der besonderen 

Verantwortung, die Lautstärke 

und auch den Klang richtig zu 

handeln.“ 

Tilo Weber hört sich 

Interpretationen der Originale 

der alten Stücke an und arbeitet 

dann an Klavier und Kontrabass 

seine Ideen aus. „Ich schreibe 

immer mit einem Sound im Kopf, 

nie abstrakt nur mit Blick auf die 

Noten.“ Dabei nimmt er schon 

genau vorweg, wie seine Kollegen 

Richard Koch (tp), Claudio 

Puntin (cl, b-cl) und James 

Banner (b) diese persönlich artikulieren 

würden. Einfühlsamkeit, 

Erfahrung und ihre unterschiedlichen 

Backgrounds machen 

die Mitglieder des Quartetts zu 

einem echten Ensemble, das 

sich hervorragend ergänzt. 

Am Schluss bleibt das Kyrie 

zu Palestrinas Missa Papae 

Marcelli in seiner Struktur fast 

unverändert. Weber, der auch 

klassische Komposition studiert 

hat, reizte es, die perfekte 

diatonische Stimmführung des 

Stückes zu erhalten. „Hier gab 

es lediglich fünf Stimmen auf 

drei zu verteilen. Wenn es schon 

so großartige pure Musik gibt, 

sollte man sie auch einfach 

spielen.“ 


Tilo Weber & Four Fauns: 

Faun Renaissance 

(LP und digital: Malletmuse Records) 


MAREILLE MERCK 

Flug über die Saiten 

Von Doris Schumacher 

Larus – der Name des Trios verweist auf die 

Silbermöwe (Larus argentatus) und ist eine 

Reminiszenz an Mareille Mercks Heimat 

Rügen. Mittlerweile lebt die junge E-Gitarristin 

in Zürich und ist dabei, sich in der Schweizer 

Jazzszene einen Namen zu machen. Im März 

hat sie ihren Erstling Fadenschlag vorlegt. 

Fein vernähter Stoff, könnte man sagen – die 

Anspielung ans Textile zieht sich wie ein roter 

Faden durchs Album. Mareille Mercks Stärke 

ist die Durchlässigkeit ihres Spiels. Schon 

durch die Trio-Besetzung ist musikalische 

Transparenz sozusagen Programm. Zudem 

versteckt sie sich nicht hinter schnellen Riffs, 

lauten Effekten oder virtuosen Läufen. Die 

Musik kommt aus der Stille und spinnt um eingängige 

Melodien herum ihr Netz. Gleichzeitig 

versteht Merck es, komplexe rhythmische 

Strukturen und überraschende Akkordfolgen 

zu einem großen Ganzen zu verweben. 

Die Hörbarkeit stehe dabei an erster 

Stelle, sagt sie: „Wenn dann nach einem 

Konzert jemand zu mir kommt und sagt: ,Ich 

höre ja eigentlich keinen Jazz, aber das hat 

Mareille Merck veröffentlicht das 

Debütalbum ihres Trios und zeigt, dass 

es ihr um mehr geht als um Technik. 

mir richtig gut gefallen‘ – dann ist das für mich 

eine Bestätigung, auf dem richtigen Weg zu 

sein.“ Die Technik beherrscht sie zweifellos, 

aber anstatt sie voll auszuspielen, setzt sie sie 

lieber sinnvoll ein: „Ich habe unglaublich viel 

Zeit damit verbracht, theoretisches Wissen zu 

erlernen und umzusetzen. Dabei habe ich gemerkt, 

dass ich mich nicht darin verlieren will. 

Ich möchte nur das zum Klingen zu bringen, 

was ich wirklich meine, fühle und sagen will. 

Ich glaube, so hat man die besten Chancen, 

klare musikalische Aussagen zu finden, die für 

das Publikum verständlich sind.“ 

Kennengelernt haben sich Mareille 

Merck, Florian Bolliger (b) und Janic Haller 

(dr) beim Studium in Luzern. Es habe nur eine 

Probe gebraucht, um herauszufinden, dass sie 

mit den beiden ein Trio bilden wollte, erzählt 

die Gitarristin. Genau wie sie legen die beiden 

den Fokus auf Zusammenspiel, Atmosphäre 

und Sound. „Jedes Instrument kann bei uns 

die verschiedensten Funktionen erfüllen. Wir 

befinden uns in einem musikalischen Raum 

und gestalten die Musik. Ich bringe quasi 

den Grundriss mit, aber das Haus bauen wir 

gemeinsam. Wir gestalten, arrangieren und 

entwickeln zusammen, wie ein Stück klingt 

oder wohin es führt.“ 

Manche Motive in ihren Kompositionen 

verbindet Merck mit Bildern oder Situationen. 

Da ist zum Beispiel „Ouzo“. Eine sanft 

fließende, freundliche Melodie, der warme 

Sound der E-Gitarre. Kurz verdichtet sich 

das Geschehen, dann löst es sich mit hellen 

Klängen wieder auf. Sie erklärt: „Das Stück 

beschreibt das Gefühl, nach etwas zu viel 

Ouzo im griechischen Restaurant nach Hause 

zu laufen. Die Welt drum herum bewegt sich, 

alles ist etwas schwammig und verwischt. 

Das versuchen wir mit zerbrechlichen 

Harmonien und dehnbarem Time-Gefühl zu 

gestalten.“ Dabei ist ein jeder Ton bewusst 

gesetzt. Nichts routinemäßig runtergespielt, 

keine Effekte nur aus Verlegenheit eingesetzt. 

Stilistisch ist Mareille Merck durchaus 

vielseitig. So nutzt sie Spieltechniken aus dem 

klassischen Bereich ebenso wie aus Funk und 

natürlich Jazz. Wie sie überhaupt zur E-Gitarre 

gekommen ist? Schon in der Familie habe 

es viel Musik gegeben, erzählt sie. Seit dem 

Kindergarten hätten sie und ihre Schwestern 

Musikunterricht bekommen. In der Musikschule 

waren E-Piano und Keyboard die 

Instrumente der Wahl. Später in der Musikschulband 

immer wieder der heimliche Blick 

zur E-Gitarre. „Das war einfach das coolste 

Instrument, das ich mir vorstellen konnte.“ 

Zu Hause spielten der Vater und die jüngere 

Schwester klassische Gitarre. Mareille brachte 

sich die Grundlagen selbst bei. „Zu meinem 

dreizehnten Geburtstag bekam ich meine 

erste E-Gitarre. Von da an habe ich zu Hause 

die Stücke der Band geübt. Irgendwann 

sollte ich die Melodie eines Songs auf dem 

Keyboard spielen, obwohl sie eigentlich für 

Gitarre gedacht war. Da habe ich meinen Mut 

zusammengenommen und gefragt, ob ich es 

auf der Gitarre probieren dürfte. Ab da durfte 

ich Lead-Gitarristin der Band sein.“ 

Gitarrenunterricht folgte, u.a. bei Kalle 

Kalima in Berlin. Dann das Jazz-Studium. 

Das Debütalbum zu veröffentlichen, sei ein 

großer Schritt gewesen, sagt Mareille Merck. 

Auf die Zeit der Vorarbeit spielt auch der Titel 

des Albums an: Fadenschlag. Die gleichnamige 

Eröffnungsnummer sei das erste 

Stück gewesen, das das Trio gemeinsam 

ausprobiert hätte. Eine helle, klare Melodie, 

leicht gezupfte Passagen, kurze Momente 

der Verdichtung, dann ein Weitergleiten 

und Schweben. „In unserer Musik gibt es 

Momente, die sich anfühlen, als würden wir – 

und mit uns die Hörerinnen und Hörer – über 

die verschiedenen Landschaften fliegen. Über 

weite Felder, dichte Wälder oder übers Meer 

durch den ein oder anderen Sturm. Ein Flug 

mit der Silbermöwe sozusagen.“ 


Mareille Merck Larus: Fadenschlag 

(physisch: Mons Records / NRW Vertrieb; 

digital: The Orchard) 


GODEMANN 

BAUDER DUO 

Das Lächeln der alten Ladys 

Sechs Jahre haben sich der Gitarrist Massoud Godemann und 

der Bassist Gerd Bauder für ihr zweites Duoalbum Zeit gelassen. 

Beautiful Mind ist eine sehr persönliche Hommage an die 2020 

verstorbene Sängerin Regy Clasen. 

Von Harry Schmidt 

Wie lähmend die Pandemie 

im Bereich der Kultur generell 

wirkt, bedarf keiner weiteren 

Ausführung: Dieses Jahr voller 

Absagen und Ausfälle ist an 

niemandem spurlos vorübergegangen. 

Doch keine Regel ohne 

Ausnahme: Manches wurde 

auch beschleunigt, nahm inmitten 

des jäh hereingebrochenen 

Vakuums Fahrt auf. Das haben 

auch Massoud Godemann und 

Gerd Bauder erfahren: Zwar 

wurde der Plan, ihrem 2014 erschienenen 

Debüt Togetherness 

einen zweiten Longplayer folgen 

zu lassen, bereits vor geraumer 

Zeit gefasst, doch die Umsetzung 

des Vorhabens hätte unter 

normalen Umständen sicherlich 

noch etwas auf sich warten 

lassen, erklärt Godemann. 

Dass ihr Duoalbum Beautiful 

Mind nun bereits vorliegt, 

hat durchaus mit dem Lockdown 

zu tun: „Um die Zeit sinnvoll 

zu nutzen, haben wir das 

meiste im März und April vergangenen 

Jahres aufgenommen“, 

so Godemann. Nicht von 


ungefähr bildet das Titelstück 

den Auftakt zu diesem gleichermaßen 

hoffnungsfrohen 

wie innigen Album: Tatsächlich 

war „Beautiful Mind“ der erste 

Tune, den der 59-Jährige, aus 

dessen Feder sechs der acht 

Stücke stammen, für das neue 

Album geschrieben hat – um 

der im vergangenen März 

verstorbenen Regy Clasen zu 

gedenken. In der Hamburger 

Sängerin verlor Godemann 

eine enge Freundin: „Sie war 

nicht nur eine großartige Musikerin, 

Texterin und Denkerin, 

sondern auch ein fantastischer 

Mensch. Ein schöner Geist 

– deshalb der Titel.“ Um eine 

Würdigung über die Trauer hinaus 

sei es ihm gegangen, „in 

der Sprache, in der sie lebte, 

in der Musik“, sagt Godemann. 

Wie nah ihm das Thema geht, 

wird an dieser Stelle spürbar: 

„Ich muss immer aufpassen, 

dass es nicht ins Pathetische 

abgleitet – dann wäre es ja 

ein Ausnutzen ihres Seins.“ 

Letztendlich sei Clasen aber 

der Atem der gesamten Platte 

gewidmet. 

Dass Bauder mit Godemann 

nicht nur im Duo spielt, 

sondern seit 20 Jahren auch 

als Bassist im Massoud Godemann 

Trio (MG3) mitwirkt, führt 

zu einer außergewöhnlichen 

Vertrautheit der musikalischen 

Kommunikation: „Unsere 

Hauptintention ist die Auflösung 

der Struktur von Solist 

und Begleitung. Wir versuchen 

gewissermaßen eine riesengroße 

Gitarre mit zehn Saiten 

zu werden“, beschreibt der 

in Hamburg aufgewachsene 

Sohn französisch-persischdeutscher 

Eltern den Ansatz 

des Duos. Wichtig sei, dass es 

„freen“ klinge – „etwas frecher 

als normal, aber nicht abwegig 

free“, ungefähr so lässt sich 

seine Wortschöpfung übersetzen. 

Auffällig ist die gesangliche 

Anlage der Stücke. Hörbar 

wird beides – Kantabilität 

und Interplay auf Augenhöhe 

– etwa in den intimen 

Dialogen ihrer Bossa-Jazz- 

Verschmelzung „Blue Boss“. 

Vom Hamburger Multikulti- 

Szeneviertel Sternschanze, 

Godemanns Lebensmittelpunkt, 

inspiriert ist „Kebop“. Den 

kompletten Rollentausch 

vollziehen sie mit „Blue in 

Green“, dem einzigen Cover. 

Der Kompositionsprozess sei 

bei ihm eine „Mischung aus 

Emotion, Inspiration und Kognition“, 

erklärt Godemann. Beim 

Überprüfen der Ausgangsidee 

spiele Gesang eine wichtige 

Rolle: „Meine Stimme weist mir 

die Richtung.“ Die so entstandenen 

Themen dienen dann 

als „Matrix zur Improvisation“, 

deren Anteil in ihrer Musik 

deutlich überwiege. 

Improvisation steht auch 

im Mittelpunkt von Talkin’ 

Jazz Soloing 1: Mit seinem bei 

Schell Music erschienenen 

Lehrbuch legt Godemann die 

Quintessenz aus 30 Jahren 

Unterrichtstätigkeit vor. Als 

Hauptproblem identifiziert er, 

dass einstudierte Skalen, Licks 

und Patterns den Blick aufs 

Wesentliche verstellen. Anstatt 

sich „Stoff draufzuschaffen“, 

gelte es zurückzuschalten und 

Übungsroutinen zu durchbrechen. 

„Man muss erst mal 

lernen, frei zu sprechen. Wer 

das beherrscht, kann dann 

auch ein paar Zitate von Einstein, 

Simone de Beauvoir oder 

Gandhi einbauen.“ 

Sein eigener Weg zum 

Instrument begann autodidaktisch: 

Pfadfinder, Peter Burschs 

Gitarrenbücher, „Akkordspionage“ 

(Godemann). Unterricht 

kam erst wesentlich später 

hinzu: zunächst zwei Jahre bei 

Les Wise, wofür Godemann 

nach Wien zog, dann, zurück in 

Hamburg, bei Joe Pass, dessen 

MPS-Album Intercontinental 

einst das entscheidende 

Schlüsselerlebnis dafür gewesen 

war, die Laufbahn eines 

Jazzgitarristen einzuschlagen. 

Stan Getz’ Jazz Samba, aber 

auch Led Zeppelin, Deep 

Purple und Frank Zappa gaben 

weitere wichtige Impulse. 

Mittlerweile steht der Gitarrist 

seit über vier Jahrzehnten mit 

Bands unterschiedlichster Musikrichtungen 

auf der Bühne – 

nach Anfängen im Hardrock, 

Blues, Pop und Latin sind das 

heute neben dem Duo mit Gerd 

Bauder vor allem MG3 und 

Barocco Blue. 

Auf Beautiful Mind hört 

man seine Gibson ES 175 (von 

1958) sowie die ES 295 (von 

1952): „Das sind alte Ladys, die 

man sehr behutsam behandeln 

muss. Aber wenn man höflich 

zu ihnen ist, belohnen sie einen 

mit unglaublichem Lächeln und 

viel Liebe.“ Wie sieht er der 

Zeit entgegen, in der er sie mal 

wieder auf die Bühne ausführen 

darf? „Ich lechze danach!“ 

Seine Botschaft, auch vor dem 

Hintergrund der Pandemie: 

„Bitte nicht vergessen, dass 

Musik ein wesentlicher Bestandteil 

der Seelengestaltung 

ist – und dass auch nachfolgende 

Generationen eine Seele 

haben: Gebt den Jungen eine 

Chance!“ 


Godemann Bauder Duo: Beautiful Mind 

(STF Records) 


Für die israelische Sängerin Noa ist ihr 

neues Album eine Heimkehr zu ihren 

Anfängen. Auf Afterallogy widmet sie sich 

nach einer langen Karriere zusammen mit 

ihrem langjährigen musikalischen Partner, 

dem Gitarristen Gil Dor, den Songs des Great 

American Songbook. 

Von Rolf Thomas 

Noa ist nämlich in der Bronx 

groß geworden und mit den 

amerikanischen Song-Klassikern 

aufgewachsen, die sie zu Anfang 

ihrer Karriere auch auf der Bühne 

performt hat. Auf ihren Schallplatten 

hat sie sich aber meist 

ihrer eigenen Musik gewidmet, 

die mehr mit ihren jemenitischen 

und hebräischen Wurzeln zu 

tun hatte. Nach all den Jahren 

hat die Sängerin mit Afterallogy 

– schon der Titel ist eine 

augenzwinkernde Hommage an 

die Helden des Bebop, die ihren 

Stücken gerne hochtrabende 

Titel wie „Ornithology“ verpassten 

– nun endlich das Jazzalbum 

gemacht, das sie in all dieser 

Zeit in sich trug. Aber Noa wäre 

nicht Noa, wenn sie Klassiker 

wie „Darn That Dream“ oder 

„Lush Life“ einfach nur singen 

würde. Zusammen mit Gil Dor 

hat sie sich die Lieder zu eigen 

gemacht, hat sie auf einzigartige 

Weise arrangiert und eigene 

Musik und auch Texte in die 

bekannten Songs eingeflochten 

– auch ein paar Originale haben 

es auf das Album geschafft. 

Eröffnet wird es von „My 

Funny Valentine“, dem Lied, 

von dem fast jeder die Fassung 

von Chet Baker im Ohr haben 

dürfte. Was Noa an dem Song 

fasziniert, gibt Einblicke in ihr 

tief empfundenes Verständnis 

nicht nur dieses Songs. „‚My 

Funny Valentine‘ ist ein Song, 

den ich liebe, seit ich ein Kind 

war“, erzählt sie. „Ich singe das 

Lied seit dreißig Jahren, und es 

war auch ein Teil unseres ersten 

Auftritts. Das Arrangement auf 

dem Album entstand spontan. 

Mein harmonischer Ansatz 

entstand über viele, viele Jahre 

hinweg, und das funktioniert 

natürlich nur mit Songs, die man 

gut kennt. Das Lied war schon 

zum Zeitpunkt seiner Entstehung 

sehr relevant. Es geht darum, 

jemanden zu lieben, der nicht 

perfekt ist, der nicht unbedingt 

schön ist und der vor allem nicht 

immer lustig ist. Eine Person 

liebt die Menschlichkeit und das 

NOA 

Heimkehr zum 

Songbook 

Imperfekte eines anderen. Das 

ist heute vielleicht noch viel relevanter, 

da wir uns im Cyberspace 

als Menschen begegnen, die eigentlich 

in Wirklichkeit gar nicht 

existieren. Menschen verändern 

ihr Image nach irgendwelchen 

Vorstellungen, für mich ist das der 

Ausdruck einer tiefen Misere. 

Perfektion ist unmenschlich, 

deshalb liebe ich die Botschaft 

dieses Songs.“ 

Wie von selbst fügt sich 

auch ein Song in die Kollektion, 

zu dem Gil Dor die Musik 

geschrieben hat und der mit dem 

Great American Songbook ausnahmsweise 

nichts zu tun hat. 

„‚Oh, Lord!‘ ist ein hebräischer 

Song“, erläutert Noa. „Er beruht 

auf einem wunderbaren Gedicht 

von Leah Goldberg, zu dem Gil 

die Musik geschrieben hat. Ich 

habe schon einmal ein ganzes 

Album mit Songs gemacht, die 

auf ihren Gedichten basieren, 

und das war vor allem in Israel 

© Ronen Akerman 


sehr erfolgreich. In diesem Gedicht 

beschreibt sie ein Zusammentreffen 

mit Gott. Sie trifft ihn 

in einem Café, wo sie ihn hinter 

dem Zigarettenrauch erkennt. 

Er sieht sehr müde und verloren 

aus. Leben ist immer noch möglich, 

sagt er, als ob er irgendein 

Philosoph wäre. Er kommt ihr vor, 

als ob er bald sterben würde und 

sich für irgendetwas entschuldigen 

wolle. Gott sitzt in einem 

Café mitten im Zigarettenrauch 

und entschuldigt sich – ich liebe 

diese Vorstellung. Gleichzeitig 

klingt sie für mich, als ob man sie 

gut singen könnte. Mir schwebte 

so eine dunkle Duke-Ellington- 

Melodie vor. Gil schrieb dann die 

Idee dazu.“ 

Dass sie nicht einfach nur 

das singt, was auf dem Papier 

steht, ist das große Plus von 

Afterallogy, und wohl nirgends 

auf dem Album wird das deutlicher 

als bei „Anything Goes“. 

Nur etwas länger als zwei 


Noa: Afterallogy 

(Naïve /Soulfood) 

Minuten dauert die Version von 

Noa und Gil Dor – der Gitarrist 

zaubert hier ganze Genre-Traditionen 

aus dem Hut – und steht 

exemplarisch für die wagemutige 

Vorgehensweise der Sängerin, 

die sich nicht scheut, an den für 

viele heiligen Texten herumzuschnipseln. 

„Das großartige 

‚Anything Goes‘ von Cole Porter 

ist wohl mein Lieblings-Showtune 

aller Zeiten“, stellt Noa mit 

großer Freude fest. „Ich liebe 

Cole Porter sowieso, weil er so 

clever ist. ‚Anything Goes‘ hat 

wahnsinnig viele Strophen. Frank 

Sinatra, Barbra Streisand, Ella 

Fitzgerald – alle singen andere 

Strophen. Ursprünglich geht es 

um verrückte Situationen, die auf 

dem Klatsch der Zeit beruhen, in 

der der Song entstand – Anspielungen, 

die man heute gar 

nicht mehr verstehen kann. Also 

dachte ich: Warum schreibe ich 

nicht einfach ein paar neue Zeilen? 

Natürlich im Geist von Cole 

Porter. Zum Glück gab mir der 

Verlag dazu die Erlaubnis, denn 

normalerweise mögen die es 

nicht, wenn man mit den Songs 

herumspielt. Ich brachte Anspielungen 

auf Trump und Netanyahu 

unter und sage zum Schluss: So 

think again / it’s not infectious / 

think of the things connecting 

us / friends and foes / anything 

goes. Ich denke, gerade in Zeiten 

von Corona ist es eine gute Idee, 

darüber nachzudenken, was uns 

verbindet.“ 

© Ronen Akerman 


ANETTE VON EICHEL 

Blaubartisch und eulenspiegelig 

Inner Tide ist das erste Album von Anette von Eichel, auf 

dem sie nicht nur alle Texte und Kompositionen beigesteuert 

sowie die Produktion übernommen hat – sie blickt auf dem 

Cover auch erstmals frontal in die Kamera. Obwohl oder 

gerade weil die Kölner Jazzsängerin es als eine Art Tabu 

unserer Gesellschaft empfindet, sich lebensecht zu zeigen. 

Von Victoriah Szirmai 

„Ich bin jetzt an dem Punkt meines Frauseins 

angekommen, wo ich mich wirklich 

ganz geradeaus zeigen möchte“, sagt sie. 

„Und ich fände es schön, wenn wir das alle 

ein bisschen mehr machen würden. Wenn 

einfach der Raum da wäre, dass sich Menschen 

trauen, sich zu zeigen.“ Und zeigen 

tut sich von Eichel schon im ersten Sekundenbruchteil 

der Platte, die klarstellt, dass 

wir es hier mit einer zum Fürchten guten 

Modern-Jazzerin zu tun haben. Die damit 

im Raum stehende Drohung des Anstrengenden 

wird jedoch nicht eingelöst, im Gegenteil: 

Der ins Album ziehende Opener „It’s 

What We Do“ präsentiert sich zwar nicht 

gerade gefällig, dafür anregend, fesselnd 

und gleichzeitig wohltuend – wenn man sich 

erst einmal auf ihn eingelassen hat. 

Dann aber offenbart sich dem Hörer 

eine derart liedzentrierte Platte, dass sie 

fast schon ein Singer/Songwriter-Zyklus 

sein könnte, Popmusik, die „wir als Band 

dann im Sinne des Jazz befreien“ – und die 

an den zentralen Fragen des Lebens rührt. 

Da gibt es etwa den verheißungsvollen 

„Secret Garden“, in dem man sich selbst 

verlieren (und auch wiederfinden) kann, 

oder „All We Need“, das mit berückender 

Leichtigkeit all jene Dinge aufzählt, die wir 

im Leben brauchen, vom Apfelbaum über 

den Mechaniker bis hin zur Zahnbürste. 

In der „Merry-go-Round“-Zeile „Let us 

give it no name“ geht es oberflächlich betrachtet 

darum, einer Verbindung zwischen 

zwei Menschen keine Definition überzustülpen, 

weil der aktuelle Schwebezustand 

ebenso schön wie fragil ist und durch seine 

Benennung unwiederbringlich zerstört 

würde. Genauso gut könnte die Aussage 

auch mit dem ersten Gebot verbunden sein, 

das besagt: „Du sollst dir kein Bildnis noch 

irgendein Gleichnis machen“, beraubte man 

das Göttliche durch eine Benennung doch 

seiner Divinität. Dem fraglichen „It“ einen 

Namen zu geben, könnte auch Erlösung bedeuten, 

etwas bannen, indem man es beim 

Namen nennt. Von Eichel indessen zielt auf 

eine Handlungsmaxime nahezu kantischer 

Strahlkraft ab: „Wenn wir etwas sehen, sind 

wir so schnell damit beschäftigt zu überlegen, 

in welches Schublädchen das wohl 

passt. ,Let us give it no name‘ ist die Idee 

davon, es überhaupt nicht in Schublädchen 

zu tun – und dadurch nicht kleinzumachen.“ 

Dann ist da noch „Fallen“. Eine ganze 

Welt in einem Wort. Gefallen. Von Eichel 

© Maya Claussen 

ist es zum Gedankenexperiment geraten. 

„If I had fallen for you then” – ja, was 

wäre dann? Was wäre gewesen, wenn 

ich gefallen, dir verfallen wäre? Wäre ich 

zerfallen? Machen wir uns nichts vor: Fallen 

ist schön. Die Kontrolle abzugeben, völlig. 

Sich dem Fall ins Unbekannte zu überlassen. 

Gewiss, das geht nur, wenn Vertrauen 

da ist. „Doch das Ich hat gespürt: Ich kann 

nicht vertrauen“, erklärt von Eichel ihre 

Überlegungen. „Es war total verführt, es 

zu tun, es wäre wahnsinnig gern mit in 

diesen Wald gegangen, wo alles so schön 

ist, ganz in Grün, ganz moosig, mit Farnen 

und diesen hohen Bäumen, in deren Kronen 

das Licht sich bricht. Der Text aber nimmt 

eine blaubartische Wendung: Das Du ist ein 

Verführer, der mit allen Frauen das Gleiche 

macht. Und das Ich erkennt, dass das, was 

es für so besonders hielt, letzten Endes gar 

nichts Besonderes war.“ So bedauert das 

Ich zwar die Aufgabe der romantisierten 

Idee einer Symbiose, ist gleichzeitig aber 

auch froh, sich dagegen entschieden zu 

haben. 

Zurück bleibt Gleichgültigkeit. Davon 

erzählen die mit jeder Menge quietschendem 

Free Jazz aufwartenden „Stones“. 

Statt der von den Apologeten gewaltfreier 

Kommunikation für korrekt erachteten 

Ich-Botschaften gibt es hier Blaming pur: 

„Our love is getting smaller, bit by bit, you 

cut it into pieces.“ Oder: „You cut off our 

connection.“ Und obwohl „das Du ja den 

ganzen Scheiß macht“, hält sich das Ich mit 

seiner Wut dergestalt zurück, dass sie vom 

Saxofon kanalisiert werden muss, das sie 

regelrecht auszuspeien scheint, dem Angesprochenen 

direkt vor die Füße. Das Ich 

wendet sich derweil ohne einen weiteren 

Blick ab. Es ist ihm völlig gleichgültig, ob 

das Du vom imaginären Steinschlag begraben 

wurde oder unbeschadet davongekommen 

ist. Es spielt einfach keine Rolle mehr. 

In diesem Sinne ist Inner Tide ein 

Abschiedsalbum; und aus dem Album verabschiedet 

sich von Eichel mit „In Silence“, 

einem Duett von gestrichenem Bass und 

Klavier. „Ursprünglich wollte ich hier ohne 

Text singen“, erinnert sie sich, „aber das 

Stück wurde durch den stimmlichen Sound 

so dinglich. Also habe ich mir überlegt, hier 

nicht zu singen. Ist es nicht ein großartiges 

Narrenstück, die Platte einer Sängerin ohne 

Gesang enden zu lassen? Sie hat das Stück 

geschrieben, aber sie ist nicht dabei. Das 

fand ich so ein bisschen eulenspiegelig.“ 

Und genau darin liegt auch der Charme 

des Albums: So aufgewühlt die inneren 

Gezeiten der Anette von Eichel auch sein 

mögen, sie bergen immer auch einen mal 

mehr, mal weniger fassbaren Humor. 


Anette von Eichel: Inner Tide 

(Double Moon Records / Challenge Records / H’Art) 


Unproduktivität kann man 

der russischen Pianistin 

Yelena Eckemoff wahrlich 

nicht unterstellen. Ganz 

im Gegenteil: Seit ihrem 

Debütalbum Cold Sun (2010) 

hat sie 14 weitere Platten 

veröffentlicht, auf denen sie 

mit ihrem atmosphärischkonzeptionellen 

Jazz Bilder malt und 

kleine Geschichten 

erzählt, meistens über 

Pflanzen, Tiere oder 

Naturphänomene. 

© Janne Nykänen 

© Lianna Slaughter 

Von Thomas Kölsch 

Eine Flut von Klängen, mit 

denen die 59-Jährige sich 

kontinuierlich zu profilieren versucht, 

was sich in Aufnahmen 

mit Genre-Größen wie Peter 

Erskine, Morten Lund und Manu 

Katché widerspiegelt. Jetzt holt 

sie zum nächsten Schlag aus 

und bringt mit Adventures of the 

Wildflower eine Doppel-CD auf 

den Markt, auf der sie Leben, 

Sterben und Wiedergeburt 

einer Akelei musikalisch und 

literarisch nachvollzieht – und 

damit einen mitunter anstrengenden, 

oft aber auch 

unterschwelligen 

Soundtrack für 

den heimischen 

Schrebergarten 

schafft. 

Die auch Columbine 

genannte Akelei, die Eckemoff 

zur floralen Heldin ihrer 

Geschichte auserkoren hat, 

begleitet die Pianistin schon ihr 

ganzes Leben lang. „In meiner 

Kindheit war ich von ihnen 

umgeben“, erinnert sie sich. 

„Meine Großmutter ließ sie in 

ihrem Garten wachsen, weil sie 

die Farben so sehr liebte.“ Zu 

dieser Erinnerung gesellte sich 

irgendwann ein Artikel über die 

Kommunikation von Pflanzen, 

die auf diese Weise eine Art 

Gemeinschaft bilden. „Ich begann 

mir vorzustellen, wie sich 

eine einzelne Pflanze 

darin fühlen 

und wie sie auf ihre Nachbarn 

reagieren würde. Bald hatte ich 

ein Körnchen einer Idee über 

eine Wildblume.“ 

Nach und nach wuchs 

diese Idee, manifestierte sich 

in einer schlichten, fast schon 

kindlichen Abfolge von Ereignissen 

aus dem Leben einer 

Blume, die Eckemoff nicht nur 

niederschrieb, sondern auch 

mit ihren Gemälden darstellte. 

Und natürlich mit ihren Kompositionen. 

Dabei erweist sich die 

erste CD als eine zunächst willkürlich 

erscheinende Abfolge 

von mitunter recht avantgardistischen 

Klangbildern (vor allem 

im anstrengenden „Chickens“), 

während die zweite eher mit 

längeren romantisierenden 

Melodiebögen aufwartet. Beides 

hat Eckemoff nach eigenen 

Angaben mit „umfangreichen 

Notenblättern“ skizziert; doch 

erst unter Einbeziehung ihrer 

finnischen Band hat sie den 

Garten samt dem dazugehörigen 

Wildwuchs zum Leben 

erwecken können. 

Mit der Rhythmus-Sektion 

(Vibrafonist Panu Savolainen, 

Bassist Antti Lötjönen und 

Drummer Olavi Louhivuori) 

hat Eckemoff bereits 2013 

bei den Aufnahmen zu 

Blooming Tall Phlox zusammengearbeitet 

und sie nun um 

den Saxofonisten Jukka Perko 

und den Gitarristen Jarmo 

Saari erweitert. Letzterer greift 

mitunter – etwa im Coming-ofage-Stück 

„Butterflies“ – zu 

Glasharfe und Theremin, um 

zusätzliche Färbungen in die 

Gartengemälde einfließen 

zu lassen, die von derartigen 

Ansätzen durchaus profitieren. 

Ohnehin muss man sich auf die 

(inhaltlich eher handlungsarmen, 

weil statischen, musikalisch 

dafür umso vielfältigeren) 

Adventures of the Wildflower 

gezielt einlassen, um sie wirklich 

zu begreifen. Die eine oder 

YELENA ECKEMOFF 

Jazz für Schrebergärten 

der andere unter den Gartenfreunden 

könnte sich dazu aber 

durchaus berufen fühlen, um 

beim Jäten und Säen ein bisschen 

Abwechslung zu haben. 

Und vielleicht blüht demnächst 

auf ein paar zusätzlichen Grünflächen 

eine kleine Akelei. 


Yelena Eckemoff: 

Adventures of the Wildflower 

(L&H Production / In-Akustik) 


FIRASSO Der mit dem Kaugummi tanzt 

© Friederike Imhorst 

Allzu viel Positives kann man dem Coronavirus ja wirklich nicht 

nachsagen, gerade was seinen Einfluss auf Musik und Kultur allgemein 

angeht. Doch immerhin, bei der Aufnahme und Veröffentlichung von 

Tales, dem Debüt des Trios Firasso, hat die Pandemie nachgeholfen. 

Von Guido Diesing 

Wer beim Wort Debüt an 

vorsichtige erste Schritte, 

eine gewisse Unreife und die 

Suche nach dem eigenen Weg 

denkt, könnte mit Blick auf 

das Trio Firasso nicht weiter 

danebenliegen. Tatsächlich 

sind die drei aus dem Ruhrgebiet, 

die sich an der Essener 

Folkwang-Hochschule kennengelernt 

haben, schon seit 

über fünf Jahren in gleicher 

Besetzung zusammen, bestens 

aufeinan der eingespielt und an 

ihren Instrumenten über jeden 

Zweifel erhaben. Die Chance, 

kurzfristig bei einem Festival 

für zeitgenössische Musik 

einzuspringen, hat Nils Imhorst 

(b), Robert Beck (cl, b-cl) und 

Marko Kassl (acc) 2015 als 

Gruppe zusammengeführt. Eine 

glückliche Fügung, wie Robert 

Beck rückblickend feststellt: 

„Es hat so gut geklappt, dass 

wir uns gesagt haben: Wir 

versuchen weiterzumachen.“ 

Gesagt, getan. Über die 

Jahre war die Gruppe eine 

Konstante für die drei Musiker, 

wenn sie auch nicht immer an 

erster Stelle stand. „Jeder von 

uns hat so seine Projekte, und 

dieses Trio war immer etwas, 

wo man einfach zusammenkommt 

und zum Spaß spielt“, 

sagt der Klarinettist. „Wir 

haben gespielt, was uns so unter 

die Finger kam – Piazzolla, 

Klezmerstücke, Moondog, John 

Zorn, dazu ein, zwei Stücke von 

Nils.“ Der besondere Reiz des 

Gruppenklangs lag und liegt in 

den unterschiedlichen Erfahrungen, 

die die drei Musiker 

mitbringen. Beck hat klassische 

Klarinette studiert, Kassl fühlt 

sich besonders in der zeitgenössischen 

Musik und im 

38 JAZZTHETIK 05/06-2021 v.l.: Nils Imhorst, Robert Beck und Marko Kassl

Tango zu Hause, und Imhorst ist 

studierter Jazzbassist. 

Natürlich seien die 

stilistischen Einflüsse nicht so 

eindeutig den einzelnen Musikern 

zuzuordnen, relativiert 

Beck: „In der Realität sind die 

Grenzen doch etwas fließender. 

Was das Komponieren 

angeht, ist Nils auf jeden Fall 

der Erfahrenste. Er arrangiert 

auch viel für eine Bigband, die 

er leitet. Sonst ist es so, dass 

Marko vom Akkordeon her viel 

von Piazzolla in den Fingern 

hat, wenn er schreibt. Ich habe 

durch die Klarinette eher einen 

Klezmer-Bezug. In meiner Jugend 

in den 90ern war gerade 

der Giora-Feidman-Hype, da 

hab ich viel Klezmer gespielt. 

Ich glaube nicht, dass ich von 

der Klassik viel mitbringe, was 

man in unserer Musik hören 

könnte.“ 

Dann kam Corona. Und 

damit die Entscheidung, endlich 

die schon länger virulente Idee 

umzusetzen, eine CD aufzunehmen. 

Einfach nur das vorhandene 

Programm abzuspulen, das 

sich über die Jahre angesammelt 

hatte, war ihnen dabei 

jedoch nicht genug. „Wir haben 

uns gesagt: Eigentlich lohnt es 

sich nicht, etwas aufzunehmen, 

was es schon gibt. Lass uns 

probieren, was dabei rauskommt, 

tatsächlich nur eigene 

Sachen einzuspielen und auch 

explizit dafür zu schreiben. Es 

war auch ein bisschen eine 

Trotzreaktion. Das war unser 

Festhalteprojekt durch das 

Jahr. Wir haben es tatsächlich 

drei, vier Tage um den 20. Oktober 

herum aufgenommen, als 

gerade die zweite Welle kam. 

Wenn wir dann zwischendurch 

aufs Handy guckten, rauschten 

die ganzen Absagen rein. Da 

hat es sehr gutgetan, trotzdem 

etwas zu machen.“ 

Das Ergebnis ist ein feiner, 

sehr kultivierter kammermusikalischer 

Klang, mal mit Hang 

zur Melancholie, dann wieder 

mit viel Spaß an originellen 

Einfällen, krummen Takten 

und Lust am musikalischen 

Geschichtenerzählen. Den 

Titel Tales trägt das Album 

mit gutem Grund, haben doch 

viele der Tracks eine narrative 

Qualität, der im Booklet durch 

mögliche inhaltliche Assoziationen 

noch weiteres Futter 

gegeben wird. Dort heißt es 

etwa über „Käues“, das starke 

Eröffnungsstück des Albums: 

„Wie in Kaugummi treten und 

einen Tanz veranstalten, um 

ihn abzuschütteln.“ Mit seinem 

vertrackten Siebenertakt führt 

der Opener mitten in eine bunte 

Klangwelt, in der auch eine 

stimmungsvolle Hommage an 

Ennio Morricone Platz hat und 

der Zusammenklang von Klarinette 

und Akkordeon bisweilen 

an Gianluigi Trovesis Aufnahmen 

mit Gianni Coscia erinnert. 

Bleibt die Frage nach dem 

Bandnamen. Die Vermutung, es 

handle sich um eine Silben- 

Kombination aus den Vornamen 

der Mitglieder, führt ins Leere, 

schließlich sind hier nicht 

Finn, Rasmus und Sophia am 

Werk, sondern Marko, Robert 

und Nils. Hätte sich da nicht 

der Name Maroni angeboten? 

Robert muss lachen: „Den 

hatten wir tatsächlich mal 

auf der Liste, das klang uns 

dann aber ein bisschen zu 

kindertheatermäßig.“ An das 

Haribo-Prinzip – drei Silben aus 

drei Wörtern – haben sie sich 

dennoch gehalten: Das Kunstwort 

Firasso setzt sich aus Fire, 

Rain & Espresso zusammen, 

wie das Trio bis vor Kurzem 

auch hieß. „Wir haben damals, 

als wir eingesprungen sind, 

ganz dringend einen Namen 

gebraucht“, erklärt Robert. 

„Dann lief ,Fire and Rain‘ von 

James Taylor im Radio, und wir 

haben dazu einen Espresso 

getrunken. Nur prägt sich der 

Name sehr schlecht ein, und 

es gibt immer Nachfragen. So 

haben wir gedacht: Nehmen 

wir Firasso, das hat noch einen 

Bezug zu uns früher, aber ist ein 

bisschen knackiger.“ 


Firasso: Tales 

(GLM Music / Edel:Kultur, VÖ: 7.5.) 


High Fidelity: Die Listening-Session 

PIER 

AUDIO 

Musikgenuss auf 

Französisch 

Dietmar Hölper did it again. Seine 

Mission lautet: Vertrieb von langlebigen, 

hochmusikalischen Produkten 

zu verhältnismäßig günstigen Preisen. 

Dieses Credo zieht sich durch 

sein gesamtes Marken- und Produktportfolio. 

Das hat er nun durch einen 

Hersteller aus Frankreich ergänzt. 

Von Peter Steinfadt 

Der Westerwäldler entdeckte für den HiFi- 

Markt jüngst den hierzulande unbekannten 

Hersteller Pier Audio aus Frankreich und 

vertreibt diesen nun in Deutschland. Und 

Geschmack hatte man in Frankreich ja 

schon immer. Nicht nur, was die formidable 

Optik und beneidenswerte Stilsicherheit 

angeht – man denke nur an den einzigartigen 

Citroën DS 21, im Volksmund als „die 

Göttin“ der Automobile verehrt –, auch viele 

audiophile Ohren haben, bedingt durch oft 

außergewöhnliche technische Lösungen 

und exquisites Design, ihr Zuhause in der 

Grande Nation. 

Pier Audio bietet zwei Elektronik-Linien 

an. Die Classic-Serie mit reinen Röhrengeräten 

und die Gold-Serie mit einem 

Hybridkonzept aus Transistor- und Röhrentechnologie. 

In Hybridkonzepten werden 

die Stärken beider Welten miteinander 

technisch vermählt: In der Vorstufe von Verstärkern 

wandeln Röhren die zarten Signale 

von Musikquellen um und geben diese im Anschluss 

an die kräftigen, kontrolliert aufspielenden 

Transistoren in der Endstufensektion 

weiter. Dies bedeutet, so denn die Idee gut 

umgesetzt wird, ein Maximum an Feinzeichnung 

(Röhren), kombiniert mit Kraft und 

(Bass-)Kontrolle (Transistoren). 

Beim jüngsten Spross von Pier Audio, 

dem Modell MS 580 SE, geht dieses Konzept 

voll auf. Beim MS-580 SE kommen drei 

Doppeltrioden des Typs 6N11 sowie vier 

Toshiba-Leistungstransistoren zum Einsatz. 

Es handelt sich um hochselektierte N.O.S. 

(New Old Stock)-Röhren. Der Verstärker 

verfügt über vier Hochpegeleingänge und 

eine einwandfrei funktionierende Bluetooth-Sektion 

für Hörer*innen mit einem 

Faible für gestreamte Musik. Zum Hybridverstärker 

gesellt sich die Röhren-Phono- 

Vorstufe-Pier-Audio MM/MC 8, die für alle 

am Markt erhältlichen MM- und MC-Standardtonabnehmer 

geeignet ist. Im MC- 

Bereich kann die Empfindlichkeit zwischen 

High-Output- und Low-Output-Systemen an 

der Frontseite eingestellt beziehungsweise 

umgeschaltet werden. Praktisch. Drei 

N.O.S.-Röhren (Militärtypen von 1965 und 

1970) übernehmen hier die Vorverstärkung. 

Beide Geräte verfügen über ein VU-Meter, 

das den jeweiligen Leistungsinput optisch 

wiedergibt. Dieses kleine Gimmick mit den 

zappelnden Nadeln in den Leistungsbereichen 

ist hübsch anzuschauen und auch 

wunderbar retro. 

Versprechen die gut verarbeiteten 

Geräte auch guten Klang? Wir legen mal 

Platten auf. An Promises (Luaka Bop, 2021) 

von Floating Points / Pharoah Sanders mit 

dem London Symphony Orchestra kommt 

man in diesem Jahr nicht vorbei. Das sehr 

ruhige, neunsätzige Werk des Electro- 

Komponisten Sam Shepherd entfaltet sich 

geduldig, repetitiv und minimalistisch. Das 

Sanders´sche Saxofon ist frei von den 

bekannten Free-Ausbrüchen des nunmehr 

Achtzigjährigen und bringt einen gehörigen 

Schuss Transzendenz ins musikalische 

Geschehen. Hier liefert das Franzosenduo 

Dynamik und Timbre vor einem rabenschwarzen 

Hintergrund und musiziert 

ausdrucksstark, mitreißend und mit lässiger 

Autorität. Der souveräne hochauflösende 

Charakter der Kombi aus Verstärker und 

Phonovorverstärker wird den feinen und 

feinsten Ziselierungen des Werks mehr als 

gerecht. Großartige, so nie gehörte Musik 

und eine wegweisende Aufnahme. 

Ähnlich minimalistisch, aber aus ganz 

anderem Holz ist die Erstlings-LP Amapiano 

Selections von Teno Afrika (Awesome 

Tapes from Africa, 2020). Entstanden in 

Townships, ist die südafrikanische Variante 

der Club-Musik namens Amapiano ein 

Hybrid aus Deep House, Kwaito-Musik und 

Jazz. Die Platte verzichtet auf Vocals und 

zeichnet sich durch eine DIY-Ästhetik aus. 

Völlig entschlackt blubbern hier Rhythmusmaschine, 

Sequencer und Synthie- 

Einsprengsel vor sich hin. Die Musik ist 

dennoch sehr eingängig und lässt die Wadenmuskulatur 

zucken, wie es sich für gute 

House-Musik gehört. Die Piers faszinieren 

hier durch Sauberkeit und Kontrolle in den 

unteren Tonlagen und geben den Sounds 

aus Südafrika eine gehörige Portion Wärme 

mit auf den Weg. 

Summa summarum: Die getestete 

French Connection besticht durch ihre 

überzeugende Ruhe, kontrollierte Kraft und 

Transparenz und ist ein weiterer Beweis 

dafür, dass exzellentes HiFi mit High-End- 

Attitüde auch in erschwinglichen Preisregionen 

zu Hause sein kann. Zwei Genussmaschinen 

für audiophile Connaisseure, 

die natürlich auch mit Zuspielern andere 

Hersteller kombinierbar sind. Der UVP-Preis 

beläuft sich für den Hybridverstärker MS 50 

SE auf 1.399 Euro, der Phonovorverstärker 

MM/MC 8 kostet 1.199 Euro. 

Website: 

www.dietmar-hoelper.de 


FEMI & MADE KUTI 

Kein Generationenkonflikt 

Sie sind Teil einer der größten Musikdynastien 

aller Zeiten. Der eine ist Sohn, der andere Enkel 

des legendären Afrobeat-Zauberers Fela Kuti. 

Auf dem Doppelalbum Legacy + präsentiert 

Femi nun seinen Sohn Made und führt mit dieser 

gemeinsamen Musik die Familientradition auf 

eine weitere Ebene. 

Von Olaf Maikopf 

Ganz simpel gesagt, schlägt 

dieses Zweierset aus den Alben 

Stop the Hate und For(e)ward 

eine Brücke von der Gegenwart 

in die Zukunft. Wenn man in den 

Afrobeat eintauchen will, sind 

die Platten eine großartige Art, 

damit anzufangen, denn beide 

machen eine Menge Spaß. 

Femi, Jahrgang 1962, nutzt seine 

ganze Erfahrung mit Live-Musik, 

um einen Song zu kreieren, und 

sein 25-jähriger Sohn Made stellt 

sich selbst vor, indem er zeigt, 

dass er zwar aus der Kuti-Family 

stammt, aber ein ganz eigener 

Künstler ist. 

Was sich zunächst als 

imposante Sammlung von achtzehn 

Tracks aus Highlife, fetten 

Bläsersätzen, großen Chören, 

Dancehall, Dubstep und Soul 

zeigt, erweist sich beim tieferen 

© Sean Thoms 

Einsteigen als überraschend 

komplex und raffiniert. Femi führt 

in den Afrobeat-Sound einer 

größeren Band ein und fungiert 

als Leader, in der gleichen Rolle 

wie einst sein Vater Fela; Made 

dagegen ist eher der modern 

kühle Solist. „Ich habe eine 

innere Uhr für Afrobeat, denn 

Afrobeat-Rhythmen zu spielen, 

ist mir in die Wiege gelegt. 

Darum fühle ich mich manchmal 

fast zu wohl dabei“, eröffnet 

Made Kuti das Zoom-Interview 

mit einem kleinen Lächeln. 

Olaf Maikopf: Made, wie war es, 

mit Ihrem Vater zu arbeiten? 

Made Kuti: Es war und ist eine 

der erhellendsten und angenehmsten 

kreativen Reisen, die 

ich je erlebt habe. Es gibt eine 

Verbindung zwischen Eltern und 

Kind, wenn man ein Werk wie 

dieses zusammenstellt, bei dem 

es darum geht, sein Inneres zu 

kanalisieren, um das auszudrücken, 

von dem man glaubt, dass 

es für einen selbst wahr ist. In 

der Lage zu sein, diesen sehr 

persönlichen Prozess zu vollziehen 

und ihn mit einer Person zu 

teilen, von der man weiß, dass 

sie genauso leidenschaftlich mit 

dem Klang und der Botschaft der 

Musik verbunden ist, ist etwas 

ganz Besonderes für mich. Wir 

haben jede Seite des Albums 

unabhängig voneinander 

komponiert und uns erst in der 

Mixing-Phase zusammengesetzt, 

um uns die Musik des anderen 

richtig anzuhören, aber das 

machte die Reise noch schöner 

und experimenteller. 

Femi Kuti: Ja, wahrscheinlich 

war es die erfreulichste Sache, 

die ich bisher gemacht habe. 

Anders als meinem Vater war es 

mir wichtig, Made mit aufzuziehen, 

bei ihm zu sein. Nun 

genieße ich es, zu sehen, wie 

schön und wunderbar er sich 

entwickelt hat. Vor allem, dass 

er alle Instrumente auf seinem 

Album spielt, hat mich wirklich 

fasziniert und sehr stolz gemacht 

[lächelt]. 

Olaf Maikopf: Wolltet ihr mit den 

beiden Platten, die als Doppelalbum 

zusammengefasst sind, 

eure jeweilige Sichtweise von 

Afrobeat demonstrieren, also die 

gegenwärtige und die zukünftige 

Ausrichtung? 

Femi Kuti: Ja, wir denken, dass 

Stop the Hate sehr viel mit der 

Gegenwart zu tun hat. Aber 

jedes Werk, das ich geschaffen 

habe, reflektierte sehr bewusst 

die unmittelbaren menschlichen, 

sozio-politischen und wirtschaftlichen 

Belange. Und mit jedem 

Album war sich jedes künstlerische 

Mitglied der Familie 

bisher sehr bewusst, die Musik 

voranzutreiben. Wir stellen uns 

das gerne so vor, als ob Fela ein 

Universum gefunden hätte. Mein 

Bruder [Seun] und ich wagten 

uns weit hinaus in unerforschtes 

Gebiet und entdeckten viele 

Galaxien und Himmelskörper, 

und mein Sohn Made tut jetzt 

das Gleiche, indem er weit in 

unerhörtes Gebiet vordringt 

und seine eigenen einzigartigen 

Kreationen schafft. 

Olaf Maikopf: Sie singen über 

das, was in Nigeria vor sich 

geht, aber es könnte sich auf 

jeden Ort der Welt beziehen, wo 

es noch immer Ungerechtigkeit 

gibt. 

Femi Kuti: Wir betrachten unsere 

Lieder nicht als Protestsongs. 

Wir singen einfach über Dinge, 

die uns beschäftigen, aber auch 

Millionen anderer Menschen 

betreffen. Das was wir wollen, 

ist eine positive Veränderung zu 

einem besseren Leben für alle 

Menschen. Ich engagiere mich 

in jeder Bewegung, die gegen 

Ungerechtigkeit und Korruption 

ist und für Gleichberechtigung, 

Frauenrechte und solche objektiven 

Themen steht. 

Olaf Maikopf: Made, ist es eine 

Last, aus einer solchen Dynastie 

wie der Kuti-Familie mit so vielen 

guten Musikern und politischen 

Aktivisten zu kommen? 

Made Kuti: Da gibt es überhaupt 

keinen Druck. Es ging wirklich 

immer um die Schönheit der Musik 

und die eklatante Ungerechtigkeit, 

die ich jeden Tag in Lagos 

und auf der ganzen Welt sehe. 

Ich wollte schon immer einen 

Weg finden, einen positiven 

Beitrag zu meiner Gemeinschaft 

zu leisten. Und wenn ich das tun 

kann, indem ich es schaffe, auch 

meine Anliegen durch meine 

Kunstform zu reflektieren, dann 

ist es das, was ich versuche zu 

machen. 

Olaf Maikopf: Das Coronavirus 

hält die Menschheit seit einem 

Jahr in seinen lähmenden 

Fängen. 

Wie gehen sie damit privat um? 

Made Kuti: Mein Vater und ich 

trainieren täglich unsere Körper 

so hart wie möglich, um in Form 

für unsere Zukunft zu bleiben. 

Außerdem verbringen wir viel 

unschätzbare Zeit mit unserer 

Familie. Ich selbst habe die 

Beziehung zu meinem Partner 

intensiviert und lese seit einigen 

Monaten unglaublich viele 

Bücher aus den verschiedensten 

Bereichen. Das alles hilft, 

meinen Geist und meinen Körper 

gesund zu erhalten. 


Femi & Made Kuti: Legacy + 

(Partisan / PIAS) 


Ihr aktuelles Album nennt Diana Rasina schlicht Romance. 

Im Englischen ein hübsches Wortspiel, bedeutet es dort doch 

sowohl „Romanze“ als auch „romanisch“. Und während 

es mit Romanzen ja so eine Sache ist, die oftmals in einem 

Hätte-ich-doch-Nur oder Hätte-ich-doch-Nie endet, birgt der 

Konsum romanischer Lieder Lustvolles ohne Reue. 

Von Victoriah Szirmai 

Nach dem Solodebüt A Capella und den 

Romanian Tales im Quartett widmet sich 

die rumänische Sängerin nun im Trio mit 

Miroslav Jankech (acc) und Alex Kohtaro 

Yoshii (g) romanischen Liebesliedern 

vom Mittelalter bis zur Gegenwart. Dabei 

kommen sowohl weitverbreitete Sprachen 

wie Italienisch, Spanisch oder Französisch 

als auch Nischendialekte wie das Judäo- 

Spanische zum Tragen – und damit die immense 

kulturelle Vielfalt des romanischen 

Europa. Die Idee, das Romanische mit dem 

Romantischen zu verbinden, liegt ob der 

etymologischen und kulturgeschichtlichen 

Verwandtschaft der Begriffe nahe. 

Rasina war es darum zu tun, diese 

Verbindung weiter auszuloten – und dabei 

gleichzeitig die Entwicklung des Konzepts 

der romantischen Liebe aufzuzeigen, 

ausgehend von der Lyrik der Troubadoure 

im Süden Frankreichs, kann diese doch 

ob ihrer primären Sujets – Unerfülltheit 

und Schmerz – als legitimer Vorbote der 

abendländisch-romantischen Liebe gelten. 

Und so nimmt es nicht wunder, dass die 

Tonalität der fünfzehn Lieder größtenteils 

molldurchtränkt ist, sehnsüchtig, weh. 

Nebstdem bezeichnet „Romanze“ nicht 

nur das Liebesabenteuer, sondern eine 

literarisch-musikalische Gattung, die auf 

der Iberischen Halbinsel ihre Heimat hat 

und bis zur höfischen Musik des spanischen 

Mittelalters zurückverfolgt werden 

kann. 

Genau dorthin fühlt sich der Hörer 

mittels des Openers „La dama d’Aragó“ 

zurückversetzt. Die spärliche Gitarrenbegleitung 

erinnert an die zum Schreittanz 

rufende Musik der Renaissance, derweil 

der Gesang an katalanische Folklore 

gemahnt. Weniger feierlich-getragen geht 

es beim korsischen „Furtunatu“ zu, dessen 

ausgeprägter Rhythmus einem langsamen, 

dennoch höchst akzentuierten Tango 

gleichkommt – und auch dessen Sehnen 

ausdrückt, was vor allem am Akkordeon 

liegt, das über die gesamte Plattenlänge 

einem in Tränen zerfließenden Bandoneon 

gleicht. Mit dem portugiesischen „Solidão“, 

das ob seines warmen Gitarrenintros 

zunächst in trügerischer Sicherheit wiegt, 

geht die Romanze aber schon gründlich 

schief, wovon Misstöne in Stimme und 

Akkordeon künden: Es ist, als hörte man 

die Liebe unaufhaltsam den Berghang 

hinabrutschen. 

Die erste Überraschung des Albums 

stellt sich mit einem wehmütigen Akkordeonauftakt 

vor, vermeintlich erneut ein 

Tango, bis sich herausstellt, dass wir es 

hier mit Jacques Brels Bittwerk „Ne me 

quitte pas“ zu tun haben, langsam, schleppend, 

schwer – und definitiv depressionsfördernd. 

Kurz, es erwischt einen kalt. 

Unvorbereitet. Mit hochgeklapptem Visier. 

Und dann das gelingende Kunststück: Auf 

nahezu wundersame Weise weiß Rasina 

mit dem sizilianischen „Mi votu e mi rivotu“ 

von eher milongischem Tonfall ein zwar 

fröhlicheres, aber immer noch genügend 

düsteres Stück folgen zu lassen, um nicht 

die schöne Depression zu zerstören, bevor 

die anschließende, nur von dezentem 

Gitarrenklang begleitete Ballade „Corazón 

de sal“ einmal mehr staunen macht, wie 

vollendet die Sängerin es versteht, Gefühle 

in Töne zu verwandeln – und umgekehrt. 

Das neapolitanische „I‘ te vurrìa 

vasá“, dessen ungemein kitschige 

Andrea-Bocelli-Version nebst bombastischem 

Streicherarrangement an dieser 

Stelle ganz schnell vergessen werden 

soll, beweist, dass dem Duett von Rasina 

und Akkordeon plus der sich behutsam 

dazugesellenden Gitarre ein ganz eigener 

42 


© Georg Cizek-Graf 

DIANA RASINA 

Romanische Romanzen 

Zauber innewohnt, nicht zuletzt begründet 

in der wirklich schönen Melodie, die auch 

komplett kitschfrei interpretiert werden 

kann. Dem Akkordeon eignet bei seinem 

Solo einmal mehr etwas Bandoneonartiges, 

ja Piazzollahaftes, schaut doch der 

„Libertango“ hier gar nicht mal so verstohlen 

um die Ecke. Das rätoromanische 

„Jeu sun d’amur surprida“ schwirrt derart 

luftig-leicht einher, dass man sich seinem 

Ursprung zum Trotz als Publikum einer Pariser 

Sommerkomödie wähnt, mehr noch: 

als Protagonist, würde man diese Weise 

nebst einschlägigem Lächeln doch auch 

selbst nach einer alles neu machenden 

Nacht in Frankreichs Hauptstadt auf den 

Lippen tragen. 

Nach dem angenehm unprätentiös 

interpretierten Donizetti-Stück „Una 

furtiva lagrima“ besticht das asturische 

„Ayer vite na fonte“ mit einem ans Debüt 

gemahnenden A-cappella-Auftakt, bevor 

nach knapp anderthalb Minuten behutsam 

die Band einsetzt. Damit ist der Weg 

bereitet für die zweite Überraschung des 

Albums: Das sephardische „Hija mia“ 

könnte glatt ein Zwilling des populären 

Schlaflieds „Durme, Durme“ sein, nur 

dass es einen derart flotten Rhythmus 

hat, dass es nicht gerade zum Einschlafen 

angetan ist. Dafür aber zur wiederholten 

Faszination davon, welche Wandelwege 

die jüdischen Melodien der Diaspora 

nehmen. 

Etwas aus der Reihe fällt der einem 

sehr fröhlichen, nachgerade alpinen Kreistanz 

ähnelnde Closer „La mushata armãnã“, 

der das mollumkränzte Album mit einer – 

vielleicht allzu – beschwingten Note beschließt. 

Festzuhalten bleibt, dass es all den 

hier versammelten Stücken, aus welcher 

Epoche und welchem Kulturkreis sie auch 

stammen, gelingt, die mehr oder weniger 

melancholischen Regungen romantischer 

Liebe hörbar zu machen – ohne Kitsch, mit 

Gefühl. 


Diana Rasina: Romance 

(Bayla Records / Galileo) 


Die Erde ist eine Scheibe 

Andrés Linetzky’s Vale Tango 

My Choice 

Winter & Winter / Edel:Kultur 

W W W W 

Luciano Biondini / Stefano 

Maurizi / Mirco Mariottini 

Dialogues 

Enja / Yellowbird / Edel:Kultur 

W W W W o 

Nataša Mirković & 

Michel Godard 

Risplendenti, riversi 

Dreyer Gaido / Note 1 

Musikvertrieb 

W W W o 

Katerina Papadopoulou & 

Anastatica 

Anástasis – A Journey 

Through Old Greek Music 

Saphrane / Galileo 

W W W W 

Noëmi Waysfeld 

Soul of Yiddish 

AWZ / Broken Silence 

W W W W o 

Sinikka Langeland 

Wolf Rune 

ECM / Universal 

W W W W o 

Fjarill 

Poësi 

Butter & Fly / Indigo 

W W W o 

Gabriele Muscolino 

Gabriele Muscolino 

Visage / Galileo 

W W W W o 

Paul Bremen 

Out of Excuses 

Galileo 

W W W o 

Ray Cooper 

Land of Heroes 

Westpark Music / Indigo 

W W W o 

Benedikt 

Balcony Dream 

Koke Plate 

W W W W o 

Erlend Apneseth Trio 

Lokk 

Hubro / Cargo 

W W W W 

Os Barbapapas 

DooWooDooWoo 

Fun in the Church / Bertus / 

Zebralution 

W W W o 

Man kennt das Problem: 

Nach der längst überfälligen 

Entdeckung eines Musikers, 

den alle anderen schon ewig 

kennen, steht man vor der 

Frage: Wo soll ich nur anfangen? 

Das Münchner Label 

Winter & Winter hat zur Feier 

seines 25-jährigen Bestehens 

eine elegante Lösung gefunden: 

Es gibt die Frage an diejenigen 

weiter, die es am besten wissen 

sollten – die Musiker selbst. So 

bekommen im Jubiläumsjahr in 

der Reihe My Choice Künstler 

wie Uri Caine, Jim Black oder 

Guy Klucevsek die Gelegenheit, 

sich mit ihrer eigenen Stückauswahl 

zu präsentieren. Der 

argentinische Tango-Pianist 

Andrés Linetzky hat dazu aus 

acht Alben, die er seit 1997 für 

das Label aufgenommen hat, ein 

Programm zusammengestellt, 

das einen guten Überblick über 

seine Rolle bei der Wiederbelebung 

des getanzten Tangos 

gibt. Besonders stimmungsvoll 

sind zwei Liveaufnahmen aus 

der legendären Bar El Chino, 

zwei weitere Titel verweisen mit 

Klezmer-Anklängen auf Linetzkys 

Großvater, der vor seiner 

Auswanderung nach Buenos 

Aires Klezmermusiker war. 

Dialoge zu dritt führt das 

bereits im Sommer 2018 gegründete 

Trio des Akkordeonisten 

Luciano Biondini mit Stefano 

Maurizi (p) und Mirco Mariottini 

(cl) auf seinem Debütalbum. 

Dialogues füllt ein breites Spektrum 

zwischen mediterraner 

Folklore, ungeraden Taktarten 

und filigraner moderner 

Kammermusik aus und besticht 

mit sensiblem Zusammenspiel. 

In ihrer Bearbeitung von Paul 

Motians „Bird Song“ schaffen 

die drei eine originelle Synthese 

aus Satie und Jimmy Giuffre – 

konzentriert und nie geschwätzig. 

Interessante Vergleichsmöglichkeiten 

bietet schließlich 

eine Version von Charlie Hadens 

„Silence“, die die ursprüngliche 

Instrumentierung des Trios 

Haden-Garbarek-Gismonti von 

Bass-Sax-Klavier zu Akkordeon- 

Klarinette-Klavier auf links 

dreht, dem Stück aber dennoch 

hundertprozentig gerecht wird. 

Luciano Biondini gehört 

auch zur Besetzung, mit der 

die bosnisch-österreichische 

Sängerin Nataša Mirković ihr 

neues Album mit Michel Godard 

(serpent, e-b) aufgenommen 

hat. Durch Jarrod Cagwin zum 

Quartett ergänzt, begegnen die 

Musiker traditionellen Liedern 

aus Albanien, Kroatien und dem 

Kosovo mit derselben Finesse 

und Sorgfalt wie barocken Arien 

von Falconiero und Cavallo. 

Nachdenklich und behutsam 

tastend, nehmen sie sich alle 

Zeit, um eine Stimmung zu 

schaffen, in der die Grenzen 

zwischen Ländern und Epochen 

verschwimmen. Wenn etwa 

in „Marea Alta“ flächige 

Akkordeonharmonien und der 

plüschig-weiche Serpent-Klang 

der Sängerin den Klangteppich 

ausrollen, scheint die Zeit 

stillzustehen. 

Die griechische Sängerin 

Katerina Papadopoulou 

findet in ihrem neuen Projekt 

Anástasis für die traditionelle 

griechische Musik die hübsche 

Metapher der Auferstehungsrose 

oder Rose von Jericho, 

einer Pflanze, die auch lange 

Trockenheit überlebt, vom 

Wind an andere Orte getragen 

wird und dort zu neuem 

Leben erwacht. Definitiv nicht 

die Musik, die man früher als 

Hintergrundbeschallung beim 

Griechen seines Vertrauens 

serviert bekam, aus Gründen: 

Vor allem die Tänze mit Dudelsack 

und Trommel könnten Teile 

der Kundschaft verunsichern. 

Neben ausdrucksstark gesungenen 

Liedern gehört auch 

eine schmissige Tarantella aus 

Apulien zum Programm, bevor 

die Rose zum Abschluss mit 

einem hebräischen Wiegenlied 

wieder in den Schlaf gesungen 

wird. 

Mit einer ernsten, von 

dunklen Cello-Klängen beherrschten 

Version des „Kol 

Nidreï“ endet auch das neue 

Album von Noëmi Waysfeld auf 

Hebräisch, was zeigt, dass die 

französische Sängerin dessen 

Titel Soul of Yiddish nicht als 

dogmatische Einschränkung 

versteht. Unter den zuvor zu 

hörenden zwölf jiddischen Gesängen 

finden sich traditionelle 

Lieder ebenso wie Originalkompositionen 

zu Gedichten von 

Rivka Kopé und eine Bearbeitung 

von Barbaras Chanson „À 

peine“. Gitarrist Kevin Seddiki, 

der die Arrangements für Geige, 

Gitarre und Kontrabass geschrieben 

hat, schafft es, selbst 

einem lagerfeuererprobten 

Evergreen wie „Dona dona“ etwas 

Neues abzugewinnen, und 

DIE ERDE IST 

verwandelt „Dans ma chambre“ 

in ein kunstvolles Zwiegespräch 

zwischen Gesang und Geige. 

Mit der Auswahl des Liedes 

„Di goldene pave“ von Chava 

Alberstein macht Waysfeld 

deutlich, welche Traditionslinie 

sie weiterführt und weiterentwickelt. 

Zurückgenommen und 

musikalisch aufs Nötigste 

reduziert zeigt sich Sinikka 

Langeland auf Wolf Rune, ihrem 

ersten Soloalbum für ECM. In 

der Beschränkung auf Gesang 

und Kantele entwickelt die 

Aufnahme im Zusammenspiel 

der manchmal etwas spröden 


Stimme und der kargen Instrumentierung 

einen ganz eigenen 

meditativen und spirituellen 

Reiz – eine Andacht zu Ehren 

der Natur. Die Klänge wurzeln in 

archaischen Vorzeiten, weisen 

aber gleichzeitig mit experimentellen 

Elementen in die 

Zukunft. Dazu passend reicht 

die Auswahl der vertonten Texte 

vom 13. Jahrhundert (Meister 

Eckhart) bis in die Gegenwart 

(Jon Fosse). Nebenbei ist das 

Album ein eindrucksvolles Plädoyer 

für die Vielseitigkeit der 

Kantele. Die Norwegerin wählt 

das jeweils passende unter drei 

Modellen mit 5, 15 und 39 Saiten 

aus, die sie abwechselnd zupft, 

mit dem Bogen streicht oder mit 

einem E-Bow bearbeitet. 

Poetisch wird’s auf dem 

neuen, bereits neunten Album 

des Duos Fjarill. Auf Poësi 

singen die beiden Wahl-Hamburgerinnen 

aus Südafrika und 

Schweden Gedichte von Nelly 

Sachs und Pär Lagerkvist. Bei 

der Vertonung der anspruchsvollen 

Lyrik, immerhin von zwei 

Literaturnobelpreisträger*in 

nen, setzen die Fjarill-Frauen 

auf Songwriter-Folk mit einer 

großen Portion Pop im besten 

Sinne: zugänglich, aber 

nicht anbiedernd. Besonders 

eindrucksvoll gelingt der Spagat 

zwischen Lyrik und Pop in 

„Kära, tag en brand ur elden“, 

das mit seinem treibenden und 

erhebenden Rhythmus geradezu 

euphorisierend wirkt. Es geht 

um große Themen, mal in 

Schwedisch und mal in Deutsch. 

Die Gedichtzeilen beweisen 

eindrucksvoll ihre Eignung als 

Songtexte und öffnen den Raum 

für Interpretationen: „Tiefdunkel 

ist des Heimwehs Farbe immer“. 

EINE SCHEIBE 

Von vornherein zum Singen 

gemacht, aber nicht weniger 

poetisch sind die Texte von 

Gabriele Muscolino, der nach 

zwei Alben als Sänger der 

Südtiroler Gruppe Nachtcafé 

jetzt sein Solodebüt veröffentlicht. 

Seine angenehm sonore 

und etwas knarziger gewordene 

Stimme mischt sich glänzend 

mit dem eher herben Harmoniegesang 

von Angelika Pedron. 

In den Arrangements trifft die 

cantautori-nahe Begleitung der 

irischen Bouzouki auf Folkelemente 

von Geige, Cello und 

Akkordeon; für zwei Gastauftritte 

schaut Martin Tourish (acc) 

von der Irish-Folk-Band Altan 

vorbei. Muscolino kann ebenso 

überzeugend Stimmungen 

beschreiben wie Geschichten 

erzählen, die er mit sicherer 

Hand in gefällige Melodien 

kleidet. Nicht so verrückt wie 

Vinicio Capossela und folkiger 

als Gianmaria Testa, doch wer 

die beiden mag, sollte auch 

diesem reifen Album etwas 

abgewinnen können. 

Nach vielen Jahren in der 

Kölner Bluegrass- und Jazzszene 

gibt es für Paul Bremen keine 

Entschuldigung mehr, nicht 

längst ein Album veröffentlicht 

zu haben, das ausschließlich 

aus Eigenkompositionen besteht. 

So nennt der Geiger und 

Mandolinist es dann auch: No 

More Excuses. Die Besetzung 

fällt mit Geige, Mandoline, 

Gitarre und Bass konventionell 

aus, wird bisweilen mit Banjo, 

Dobro, E-Gitarre und Cello 

ergänzt und bietet die Möglichkeit, 

neben den typischen 

Bluegrass-Zutaten Country, Folk 

und Jazz auch Rock-Elemente 

einzubauen. Auch wenn sich 

die Gesangsstücke nicht ganz 

auf dem Niveau der Instrumentals 

bewegen, sind sie unerlässlich, 

schließlich, so Bremen, 

habe jeder Songwriter die 

Pflicht, mindestens einen River- 

Song und einen Train-Song zu 

schreiben. Als Kölner hat er 

das Glück, dank der Eisenbahnbrücken 

über den Rhein beides 

in einem Abwasch erledigen zu 

können. 

Auch wenn Ray Cooper 

die Oysterband bereits 2013 

verlassen hat – mit seiner Musik 

bewegt er sich auch solo in 

ähnlich folkrockigen Regionen. 

Der Multiinstrumentalist ist 

weniger der Typ, der blutige 

Balladen aus alten Zeiten singt, 

sondern ein musikalischer 

Chronist, der beobachtet und 

kommentiert, was er aktuell 

um sich herum wahrnimmt. In 

„The Beast“ singt er es explizit: 

Die Vergangenheit soll doch 

bitte bleiben, wo sie war: in 

Burgruinen, alten Folksongs und 

unter der Erde. Wenn er fordert 

„We Need More Heroes“ sind 

keine Sagenhelden gemeint, 

sondern Whistleblower*innen, 

Krankenpfleger*innen und 

alle, die dafür kämpfen, dass 

längst überwunden geglaubte 

Ansichten wieder aufleben. 

Überraschend: Zu seinem 

Instrumentarium gehört neben 

Cello, Gitarre, Mandoline und 

Klavier auch die Kantele. 

Aus der lebendigen 

Musikszene Oslos stammt die 

Gruppe Benedikt. Hervorgegangen 

aus einem Soloprojekt des 

Norwegers Hans Olav Settem, 

ist sie nach und nach zu einer 

neunköpfigen Band herangewachsen, 

einfach weil Settem 

seit seinem Umzug in die Hauptstadt 

ständig neue Mitstreiter 

kennenlernt und einbindet. 

Dennoch wirkt Balcony Dream 

nicht überladen. Die Songs 

zeichnen sich durch ansprechende 

Melodien und eine gewisse 

grundsätzliche Sanftheit 

aus. Wenn die Begleitung der 

hingehauchten Stimme orchestrale 

Züge annimmt und auch 

noch ein Banjo einsetzt, sind 

Ähnlichkeiten zu Sufjan Stevens 

nicht zu überhören. Settem 

nennt aber auch Leonard Cohen 

und Nico als Einflüsse. 

Ein weiteres gutes Beispiel 

für die Durchlässigkeit der 

norwegischen Musikszene ist 

Erlend Apneseth. Der Hardangergeiger 

hat nicht nur im Folk 

einen guten Namen. Er spielt 

mit Jazzern, macht zeitgenössische 

und experimentelle 

Musik, und immer ist das 

Ergebnis unberechenbar und 

modern. So auch auf Lokk, dem 

neuen Album seines Trios mit 

Stephan Meidell (g) und Øyvind 

Hegg-Lunde (dr). Die Stücke, 

die für ein Tanztheaterprojekt 

entstanden sind, weisen viele 

rhythmusbetonte Passagen, 

aber auch Soundscapes auf, in 

die Apneseth stimmungsvolle 

Feldaufnahmen der Rufe von 

Hirtinnen einfügt. Schafft das 

Trio schon in Konzertsituationen 

durch Echtzeit-Verfremdung 

mit Live-Elektronik und Loops 

dichte Texturen, wird die Atmosphäre 

durch die anschließende 

Nachbearbeitung im Studio 

noch geheimnisvoller. 

Die Wahrscheinlichkeit, 

dass jemand, der sich von einem 

Bandnamen wie Os Barbapapas 

angezogen fühlt, auch in der 

Musik der gleichnamigen Band 

etwas Ansprechendes findet, 

ist hoch. Das brasilianische 

Quartett knüpft an alte Exoticaund 

Tropicália-Traditionen an 

und gönnt sich dafür gleich zwei 

Perkussionist*innen. Die liefern 

die meist entspannte rhythmische 

Basis für Surf-Gitarre, 

Bass, Glasharfe und Topfgitarre 

(was auch immer das sein mag). 

Dass Grenzen oder sonstige 

Beschränkungen dabei bedeutungslos 

sind, unterstreicht der 

Slogan ihres Labels Fun in the 

Church: „Outernational Music 

for Interplanetary People“. 

Leider ist ihr Album wegen der 

erschwerten Aufnahmesituation 

unter Pandemiebedingungen 

nur 25 Minuten lang, in denen 

die Frage letztlich nicht beantwortet 

wird: Befinden wir uns 

hier gerade unter Wasser oder 

irgendwo im hintersten Winkel 

der Galaxis? 

Guido Diesing 


BURGES / GRÄNZER / SCHADE 

Von der Schönheit des Scheiterns 

Burges / Gränzer / 

Schade blicken 

zum zweiten Mal 

in menschliche 

Abgründe und 

spannen den Bogen 

vom Seelenschmerz 

zur Selbstironie. 

© Chris Gonz 

46 


Von Doris Schumacher 

Jenseits schillernder Welten – 

Farben der Liebe heißt das neue 

Album des Brandenburger Trios 

– und wer jetzt fragt, ob es sich 

als Untermalung für kuschelige 

Momente eignet, dem kann man 

antworten: na ja. Ungeeignet 

ist es für alle, die glauben, die 

Farben der Liebe seien Hellblau 

und Rosarot. Geeignet für jene, 

denen die Schattenseiten der 

Liebe und des Lebens nicht 

fremd sind. 

Da fliegen auf dem Cover 

zwei wie Engel ohne Flügel 

aufeinander zu – und man weiß 

nicht, ob sie sich noch in der 

Mitte treffen, bevor der Abgrund 

sie verschlingt (Design: C.eS – 

theARTer). Da geht es um einen 

Sohn, von dem die Mutter nur 

noch verkohlte Einzelteile findet, 

die nach einem Drohnenangriff 

in der Wüste liegen („Der 

Dienst“). Da gibt es das Paar, 

das so gegensätzlich ist, dass es 

schon wieder urkomisch wirkt 

(„Por una mirada“). Es geht um 

Geflüchtete, um Enttäuschte, 

um Einsame, Unverstandene, 

Lebensmüde. Doch durch die 

Verzweiflung weht stets ein 

kräftiger Hauch der Poesie. „Ich 

glaube, ich hätte nicht die Gabe, 

seichte Texte zu vertonen“, 

antwortet Katharina Burges auf 

die Frage, ob ihr die Texte als 

Komponistin nicht auch nahegehen. 

„Ich glaube, wenn man 

anfängt zu komponieren, ohne 

dass einem etwas nahegeht, 

dann macht man was falsch. 

Dann hat es nicht die Wucht, 

dann ist nicht die Seele drin.“ 

Und Seele ist ganz viel drin in 

diesem Album, das doch eher 

ein Programm ist, denn es ist 

definitiv für die Bühne gemacht. 

Stilistisch richten sich die 

Vertonungen stark nach den 

Inhalten – da klingt’s mal nach 

der Partitur eines Horrorfilms 

(„Das letzte Land“), mal nach 

einer verrauchten Jazzbar 

(„Liebelei“), mal erinnert ein 

Streichquartett an Schubert 

(„Sternenblicke“), mal beginnt 

etwas wie eine romantische 

Klavierfantasie („Ein längst 

vergangener Sommer“). Und 

immer, wenn man sich gerade 

entspannt zurücklehnen will, 

kriechen einem Torsten Gränzers 

Texte ins Ohr und zwingen 

zum Aufhorchen. Perkussionist 

Göran Schade klappert kokett 

mit Kastagnetten, wenn Katharina 

Burges die Dramaqueen im 

Stil großer Opern gibt. Torsten 

Gränzer bleibt bei ihren vokalen 

Ausbrüchen cool und gibt zu, er 

verstehe ja gar nicht, wovon sie 

überhaupt rede. Kein Wunder, 

sie singt ja auch auf Spanisch 

(„Por una mirada“). Um die 

humorvolle Seite dieses Stücks 

zu verstehen, muss man freilich 

das dazugehörige Video gesehen 

haben. Allein vom Hören 

erschließt sie sich nicht. 

Beim ersten Album hatte 

Katharina Burges noch ältere 

Texte Gränzers vertont. Die fürs 

zweite schrieb dieser alle neu. 

Teilweise, sagt Gränzer, seien 

die Kompositionen schon vor 

den Texten dagewesen. „Katharina 

hat eine tolle Art zu komponieren 

und ihr Gefühl reinzubringen“, 

erklärt er. „Da fällt mir 

dann auch textlich was dazu 

ein. ,Der Dienst‘ zum Beispiel. 

Da war die Komposition schon 

fast ausarrangiert. Ich wusste 

gleich, da gehört was dazu, das 

einen auch textlich schockt. Ein 

Thema, das aufrüttelt. Und dann 

natürlich auch ,Die Einsamkeit‘. 

Der Song löste so eine Traurigkeit 

bei mir aus, dass ich sofort 

ein Bild dazu hatte. Man geht 

durch einsame Straßen und 

fühlt sich nirgendwo zugehörig.“ 

Themen, die immer da sind, 

mit denen wir uns aber zu wenig 

beschäftigen, gehören auf die 

Bühne, finden Burges / Gränzer / 

Schade. Dazu zählen auch Depression 

oder Suizid („Stufen“). 

Fühlt sich da nicht so manch einer 

vor den Kopf gestoßen? Die 

Reaktionen seien überwiegend 

sehr positiv, so das Trio. „Wir 

wollen nicht provozieren“, fügt 

Gränzer hinzu. „Wir entlassen 

unser Publikum immer mit einem 

positiven Gefühl.“ 

War beim ersten Album 

noch Elektronik mit im Spiel, 

kommen auf dem zweiten drei 

Streicher und ein Saxofonist zum 

Einsatz. „Es ist immer schöner, 

mit Live-Musikern zu arbeiten“, 

erklärt Göran Schade. „Es war 

leicht, die richtigen Kollegen zu 

finden, da wir hier in Brandenburg 

ein sehr gutes Symphonieorchester 

haben mit Musikern, 

die in vielen Stilen versiert sind.“ 

Ob sie aus dem Jenseits 

schillernder Welten auch mal 

einen kleinen Abstecher hinüber 

ins Diesseits machen – dorthin, 

wo Glanz und Glamour zu finden 

sind? „Ich glaube, in so einer 

Plastikwelt würden wir es nicht 

wirklich aushalten“, erklären 

die drei einhellig. Komplett 

illusionslos geben sie sich aber 

doch nicht. „Ich glaube, ganz 

ohne Illusionen kann man als 

Künstler nicht wirklich leben“, 

so Burges. „Wir wünschen uns, 

dass wir mit dem, was wir tun, 

Anerkennung finden.“ Gränzer 

meint dazu: „Ich persönlich versuche, 

die schönen Momente 

festzuhalten. Die schillernden 

Welten, die gibt’s einfach nicht. 

Wenn wir uns die Schattenseiten 

immer wieder bewusst 

machen, dann wissen wir, was 

wir am Leben schätzen können.“ 


Burges / Gränzer / Schade: Jenseits 

schillernder Welten – Die Farben der Liebe 

(Grenzton / Dance All Day) 

© Chris Gonz 


LOGAN 

RICHARDSON 

Logan’s Run 

Auf sein Blue-Note-Debüt blickt der Saxofonist Logan 

Richardson heute eher skeptisch zurück. Mit neuem 

Wohnsitz Rom, neuer Platte im Rücken und Plänen für die 

Zukunft in der Schublade, schaut er lieber nach vorne. 

Daher auch der Albumtitel: Afrofuturism. 

Von Eric Mandel 

Das Wort löst gewisse Assoziationen aus: 

Der Begriff Afrofuturism wurde Mitte der 

Neunziger populär, als Klammer für futuristische 

Elemente in Jazz, Funk, Rap und 

dem neuen Ding Techno: Synthesizer, FM- 

Synthese, Sequencer, Drum-Machines, 

dazu psychedelische Cover mit Bezügen 

zur Zukunft (Raumschiffe), aber auch 

zur Vergangenheit (Pyramiden). Heute 

umfasst es einen Kanon, der von Sun Ra 

bis zu Produzenten wie Hieroglyphic Being 

und Ras G reicht, schließt aber auch die 

Romane von Octavia Butler und Samuel 

R. Delany mit ein, Filme wie Brother from 

Another Planet sowie kulturelle Felder wie 

die Beziehung zwischen Star Trek-Schauspielerin 

Nichelle Nichols (Lt. Uhura) und 

der NASA, Dogon-Astrologie oder den 

fiktiven Staat Wakanda aus den Black 

Panther-Comics. 

Der Witz an Logan Richardsons 

neuem Album ist, dass es zunächst nach 

nichts von alledem klingt. Vom Ton her 

ist er weniger ein Jünger Coltranes als 

eher ein Schüler Michael Breckers, sein 

Bandsound eher von Lyle Mays und der 

Pat Metheny Band herzuleiten als von 

Funkadelic oder den Headhunters. Es gibt 

ausufernde Ensemble-Stücke, die sich 

aus süßlichen Gefilden in einen freitonalen 

Rausch emporschwingen, aber auch 

ein Duett mit Cello, eine unbegleitete 

Saxofon-Komposition („For Alto“), den 

Gesang seiner Großmutter, schwebende 

Vokal-Passagen sowie Logan-Dialoge 

mit dem Drum-Computer, die von jenem 

synthetisch-samtweichen 80er-Sound 

durchtränkt sind, der Thundercat zu einem 

Grammy verholfen hat. 

Als Logan Richardson das hört, 

muss er lachen: „Ich verstehe, worauf du 

hinauswillst, aber ich fasse den Begriff 

Afrofuturismus noch viel weiter auf. Für 

mich ist jede schwarze Person, die sich 

heutzutage mit all den dafür nötigen 

Technologien durchs Leben schlägt und 

vielleicht noch ein Business betreibt, ein 

Afrofuturist.“ Damit meint er natürlich 

nicht zuletzt sich selbst. Nach Lehrjahren 

in Berklee, Projekten mit Nasheet Waits 

und Jason Moran und einer Reihe von 

eigenen Alben hat er sich vom Hardbop- 

Korsett befreit und einen distanzierten 

Blick aufs Business entwickelt. 

Der Afrofuturismus wie oben definiert 

ist für ihn schon wieder retrofuturistisch, 

ein „Brand“, der die Befriedigung 

gewisser Erwartungen verspricht, die 

Richardson viel zu eng scheinen. Warum 

muss Afrofuturismus wie Sun Ra klingen 

und nicht beispielsweise wie Chick Coreas 

Elektric Band? Dem Schubladendenken 

wieder einen Schritt voraus zu sein, den 

Rahmen immer wieder zu sprengen und 


sich dabei selbst zu verwirklichen – das 

ist sein Afrofuturismus, und damit im Sinn 

lässt sich das hypereklektische Album 

prima entschlüsseln. 

Auf eine Einleitung von seinem 

Kumpel Stefon Harris, der hier nicht als 

Vibrafonist, sondern als MC dient, folgt 

„The Birth of Us“, ein Selbstporträt seiner 

aktuellen Band Blues People. Der längste 

und tumultuöseste Song des Albums ist 

gewissermaßen der Honigtopf, mit dem 

Logan ins Innere des Werkes lockt, wo 

im Folgenden noch ganz andere, zartere 

und experimentellere Dinge passieren. 

Herzstück des Albums ist ein Klagegesang 

zwischen Logans Alt und dem Cello von 

Ezgi Karakus, gewidmet einem dunklen 

Kapitel der Black History in den USA, das 

er in entsprechend düsteren Farben ausmalt: 

„Die Black Wall Street war Greenwood, 

ein Viertel von Tulsa, Oklahoma. Zur 

Zeit der Segregation war es ein Schwarzes 

Handels- und Finanzzentrum, ungefähr 

30 Blocks mit eigenen Geschäften und 

Banken. Es war das reichste schwarze 

Viertel in den USA und ein Dorn im Auge 

der Regierung. Als Konsequenz wurde es 

im Jahr 1921 unter einem Vorwand vernichtet: 

ein Massaker mit Fliegerbomben 

und Hunderten Toten und Verletzten. Es ist 

ein totgeschwiegenes Kapitel der Black 

History vor genau 100 Jahren, an das ich 

erinnern will.“ 

Hier ist sich Logan Richardson mit allen 

Afrofuturist*innen einig: Nur wer seine 

Vergangenheit kennt, kann seine Zukunft 

selbst schreiben. Seine Zukunft stellt er 

sich gegenwärtig mit seiner Verlobten 

Laura Taglialatela vor, die auf dem Album 

als Sängerin zu hören ist. Mit ihr plant er 

weitere Produktionen auf seinem Label 

Wax Industries, gewissermaßen seine 

Konsequenz aus den Erfahrungen mit 

der Industrie und die Umsetzung seiner 

Maxime: Sei dein eigener Boss. Mit dem 

UK-Label Whirlwind hat er einen Partner 

gefunden, der das Album auch wirklich 

auf Wax, also Vinyl, veröffentlicht. Nachdem 

er bisher in ständigem Pendelverkehr 

zwischen seiner Heimatstadt Kansas 

City, New York und Rom kreiste, plant er 

nun schwerpunktmäßig von Europa aus 

seine nächsten Schritte, unter anderem 

eine Album-Trilogie mit Afrofuturism als 

Auftakt. 

Wenn er von seinen neuen Plänen 

und Freiheiten schwärmt, wird deutlich, 

wie sehr ihm seine zwiespältige Blue- 

Note-Erfahrung in den Knochen steckt: 

„Ich habe ihnen ein Album gegeben, das 

niemand sonst hätte machen können, mit 

PDF in 4c 

Jason Moran, Pat Metheny und Nasheet 

Waits, aber rückblickend kann ich nicht 

behaupten, dass sie sich besonders 

darum gekümmert hätten.“ So zieht er es 

nun vor, mit dem eigenen Mutterschiff in 

Richtung Zukunft zu reisen. 


Logan Richardson: Afrofuturism 

(Whirlwind / Indigo)

FRED HERSCH 

Instrumentals mit 

Gesang im Kopf 

Fred Hersch lässt sich nicht unterkriegen und 

veröffentlicht zur Corona-Zeit nicht etwa in sich gekehrte, 

nachdenkliche und melancholische Improvisationen, 

sondern baut mit sanglichen Klavier-Songs auf 

Zugänglichkeit. 


„Von all den Songs mit Lyrics 

kenne ich diese auswendig und 

singe sie in meinem Kopf mit“, 

sagt Fred Hersch im Video- 

Interview. „Ich versuche, so zu 

phrasieren, wie ein Sänger das 

täte.“ Er sitzt an seinem Flügel im 

Landhäuschen in den Wäldern 

von Pennsylvania. Er und sein 

Lebensgefährte haben das 

Haus vor 16 Jahren „rund um 

den Steinway-B-Flügel herum“ 

gebaut. „Ich denke, Songs from 

Home war das richtige Projekt 

zur richtigen Zeit. Ich wollte, dass 

die Leute sich in mein Wohnzimmer 

eingeladen fühlen, und spiele 

einfach ein paar Songs für sie, 

die ich gerne spiele. Nicht mehr 

und nicht weniger. Ich bin nicht 

besessen von der Idee, dass es 

perfekt klingen muss. Es klingt 

gut genug.“ Understatement, 

denn mit technischer Hilfe von 

Fachleuten aus der Ferne ist ein 

lebendig klingendes Soloalbum 

entstanden – eines der besten 

der letzten Zeit. 

„Mein Repertoire besteht 

meist aus drei Teilen: populäre 

Lieder mit Texten, 

Jazz-Kompositionen sowie 

Originalstücke von mir. Der 

Titel war absichtlich gewählt. 

Keine Hintergrundmusik, aber 

zugänglich, und sie versucht, 

den Moment einzufangen. Ich 

denke, dass jeder zumindest 

einen der Songs kennt. Ältere 

kennen die Standards, Leute, 

die in den 60er und 70ern dabei 

waren, kennen Joni Mitchell, 

Jazzguys kennen Kenny 

Wheeler. Ich begann mit 20 Stücken. 

Einige davon gelangen 

mir in einem oder zwei Takes, 

andere gerieten nicht, wie ich 

sie haben wollte.“ Bei denen, 

die dringeblieben sind, schaffte 

er dann, das zu sagen, was er 

wollte. 

„Für ein gutes Set musst 

du einen Bogen haben. Was 

ich von älteren Sängerinnen 

lernte, ist z.B. der Eleveno’clock-Song, 

der vorletzte 

Song, immer eine Ballade, 

die dich wie in der Hand 

50 


© Mark Niskanen 

hält. Nach zehn oder zwölf 

Songs hast du nichts mehr zu 

beweisen. Da musst du etwas 

spielen, das dir wirklich etwas 

bedeutet. Ich spiele dann eine 

Ballade oder etwas von Monk. 

Aber absichtlich ist hier kein 

Monk-Tune auf dem Album. 

Mein Fokus lag auf Songs mit 

Lyrics.“ 

Den Opener „Wouldn’t It 

Be Loverly” habe er durcharrangiert, 

das Intro aber sei 

spontan zustande gekommen, 

sagt Hersch. „Im Solo ging ich 

dann tatsächlich verloren, aber 

gerade das öffnete die Tür zu 

etwas Interessantem. Selbst 

wenn live etwas schiefgeht, 

gerate ich nicht mehr in Panik. 

Es ist eher so: ,Okay, das ist 

interessant, lass uns sehen, 

wo das hinführt.‘“ Auf Jimmy 

Webbs „Wichita Lineman“ 

folgt „After You‘ve Gone“, von 

Hersch ganz im traditionellen 

Stride-Stil gespielt. Er verzichtet 

auch hier auf virtuose 

Sperenzchen, streut ein paar 

klassische Kadenzen ein und 

hier und da eine Prise Monk. 

Auch diesmal darf Joni 

Mitchell nicht fehlen. Für 

meine einsame Insel: Freds 

Version von „All I Want“ 

vom Album Blue. „Get Out of 

Town“ ist ein Gruß an all die 

Fellow-New-Yorkers, die die 

Zeit „for the duration” auf dem 

Land verbringen. Das Thema 

des Cole-Porter-Songs spielt 

Hersch fast sanglicher, als je 

eine Sängerin es interpretieren 

könnte. Freds Mutter trug 

den blumigen Namen Florette, 

in „West Virginia Rose“ – im 

Medley mit dem Folk-Tune „The 

Water Is Wide“ – „besingt“ 

er sie instrumental. Mit dem 

Hersch-Original „Sarabande“ 

folgt das nachdenklichste Stück 

des Albums, das die Tiefe auslotet, 

in der der Pianist sich mit 

seinem Instrument auseinandergesetzt 

hat. Nach dem melodiösen 

Thema von „Consolation 

(A Folk Song)“ entfaltet er die 

Kenny-Wheeler-Komposition 

in einer Art Improptu. Dann, 

als Eleven-o’clock-Song, 

wunderbar getupft, die einzige 

„wirkliche Corona-Ballade“: Ellingtons 

„Solitude“. „Ein Stück, 

dass ich kaum je gespielt habe. 

Das wollte ich wirklich ganz 

ruhig haben.“ Augenzwinkernd 

erinnert er dann mit „When I’m 

Sixty-Four“ an sein fortgeschrittenes 

Alter. 

Zu Beginn des Shutdowns 

hatte sich Fred Hersch nicht 

mehr wirklich als Musiker 

gefühlt und war ziemlich 

deprimiert. Nun, sagt er, sei es 

ganz okay, von zu Hause Konzerte 

zu geben, sogar Geld zu 

verdienen, ohne in ein Flugzeug 

zu steigen, zu reisen oder auf 

Klavieren zu spielen, die ihm 

nicht gefallen. „Mir gefiel das 

schon vorher nicht allzu sehr, 

und ich glaube nicht, dass ich 

wieder so beschäftigt sein 

werde wie vorher. Aber jetzt 

schreibe, spiele, unterrichte 

ich, interagiere mit Leuten, ich 

meditiere, mache Übungen, es 

ist wunderschön hier draußen. 

Und jetzt im Frühling werde ich 

mehr spazieren gehen.“ 

Charity war schon 

immer Fred Herschs Sache. 

Fundraising-Gigs für die Jazz 

Foundation, Konzerte für die 

Steinway Hall mit acht anderen 

Pianisten und eine EP mit 

Esperanza Spalding brachten 

insgesamt etwa 50.000 Dollar 

ein. „Eine meiner nächsten 

Wohltätigkeitsaktionen ist für 

Feeding America, ein Netzwerk, 

das sich um Leute kümmert, die 

sich von Food Banks ernähren 

müssen. Ich kann zwar 

keine 20.000-Dollar-Schecks 

ausschreiben, aber etwas 

beisteuern müssen wir alle.“ 

Fred Herschs nächstes 

Projekt nimmt auch bereits 

Gestalt an: Er arbeitet an Originalmusik 

für Trio und Streichquartett 

und hofft, diese im 

Sommer aufnehmen zu können. 

Wenn alle geimpft sind. Dabei 

sein werden Drew Gress (b) 

und Jochen Rückert (dr). „Es ist 

Zeit für einen Wechsel – heraus 

aus der Komfortzone.“ 


Fred Hersch: Songs from Home 

(Palmetto / Broken Silence) 


Kris Davis ist nicht nur die – laut DOWN-BEAT-Kritikerpoll – aktuell beste 

Jazzpianistin; sie betreibt auch ihr eigenes Label Pyroclastic Records 

KRIS DAVIS Die Verwegene 

Von Christoph Wagner 

2016 hat Kris Davis Pyroclastic 

Records gegründet. Das mag 

tollkühn erscheinen in Zeiten, 

da Plattenfirmen reihenweise 

aufgeben und die Branche in 

einer tiefen Krise steckt. Doch 

mit herausragenden Alben von 

Craig Taborn, Angelica Sanchez, 

Eric Revis, Cory Smythe, Ben 

Goldberg und der Labelchefin 

selbst hat Davis‘ Label seither 

für Furore gesorgt. 

Christoph Wagner: Heute ein 

Plattenlabel zu gründen – ist das 

nicht verrückt? 

Kris Davis: Vielleicht bin ich 

verrückt. (lacht) Ich war an 

einem Punkt in meiner Karriere 

angelangt, wo ich eine Plattform 

für all meine nächsten Alben 

kreieren wollte. Darüber hinaus 

wollte ich etwas Größeres 

schaffen, das der Jazz-Community 

hilft. Die Idee war, das Label 

als eine Non-Profit-Organisation 

zu führen und andere Musiker 

dazuzunehmen. Die Mission des 

Labels ist es, nicht kommerzielle 

Musik zu unterstützen, zu veröffentlichen 

und zu vertreiben. 

Christoph Wagner: Immer wieder 

haben es Musiker mit eigenen 

Labels versucht. In den 1980er 

Jahren sagte mir der Saxofonist 

Ned Rotherberg von Lumina Records: 

„Wenn du Geld verlieren 

willst, gründe ein Label.“ Wie 

wollen Sie das vermeiden? 

Kris Davis: Pyroclastic Records 

ist nicht auf Gewinn ausgerichtet. 

Deshalb sind wir auf 

Geldgeber angewiesen. Wir 

haben ein Gremium von Sponsoren, 

von denen jeder jährlich 

einen festen Betrag beisteuert. 

Dadurch steht uns jährlich eine 

gewisse Summe zur Verfügung, 

mit der wir arbeiten können, d.h. 

wir können fünf bis sechs Alben 

pro Jahr veröffentlichen, und 

die Kosten für die Herstellung, 

den Vertrieb, die Publicity etc. 

sind gedeckt. Durch den Verkauf 

versuchen wir, etwas von dem 

Geld wieder zurückfließen zu 

lassen, um es in die nächsten 

Veröffentlichungen zu stecken. 

Wir müssen also keine Gewinne 

erwirtschaften, sondern können 

mit dem Geld, das uns zur Verfügung 

steht, die Musik fördern. 

Christoph Wagner: Wer sind die 

Leute, die das Label sponsern? 

Kris Davis: Das sind Musikbegeisterte, 

die die Künste und 

die Musik unterstützen wollen: 

Philanthropen! Jeden dieser 

Unterstützer habe ich auf andere 

Weise kennengelernt. Einer 

davon ist der Schriftsteller David 

Breskin von der Shifting Foundation, 

der seit Jahren auch 

als Plattenproduzent tätig ist. 

Die Stiftung vergibt Stipendien 

an Musiker, ob Bill Frisell, Dan 

Weiss oder Mary Halvorson, 

für spezielle Projekte und wenn 

es passt, bringen wir die Musik 

dann als Album heraus. Eine 

© Caroline Mardok 

andere Mäzenin hab ich auf 

Twitter kennengelernt. Sie ist 

einfach ein Fan. Einem Unterstützer 

bin ich bei einem Konzert 

in Boston begegnet. So wächst 

der Kreis der Förderer. 

Christoph Wagner: Übernehmen 

die Unterstützer noch andere 

Aufgaben? 

Kris Davis: Sie initiieren Spendenaktionen 

und helfen, weitere 

Sponsoren zu gewinnen. 

Christoph Wagner: Sind Sie für 

die künstlerische Ausrichtung 

des Labels zuständig? 

Kris Davis: Ja, mit einem 

kleinen Gremium fällen wir die 

Entscheidungen, welche Alben 

wir veröffentlichen wollen. Wir 

besprechen die Vorschläge. 

Manche der Projekte wurden 

von der Shifting Foundation 

gefördert und haben Priorität, 

weil sie uns nichts kosten. 

Christoph Wagner: Was sind die 

Kriterien, die ein Album erfüllen 

muss, damit es auf Pyroclastic 

erscheint? 

Kris Davis: Wir halten Ausschau 

nach kreativer, abenteuerlicher, 

nicht kommerzieller Musik. Darüber 

hinaus achten wir darauf, 

dass genügend Frauen und 

afroamerikanische Musiker vertreten 

sind. Das ist für mich mit 

Sicht auf das Gesamtprogramm 

ein wichtiges Kriterium. 

Christoph Wagner: Können Sie 

ein paar Zahlen nennen, was 

die Auflage und den Verkauf 

anbelangt? 

Kris Davis: Normalerweise 

ist die Auflage einer CD 2000 

Stück. Ungefähr ein Viertel ist 

für die Publicity vorgesehen: 

Fachmaga zine, Zeitungen, Radio, 

Websites etc. Ungefähr die 

Hälfte geht in den Verkauf. Der 

betreffende Musiker bekommt 

300 Stück zum Direktverkauf bei 

Auftritten. Wenn die weg sind, 

kann man mehr haben. 

Christoph Wagner: Wie viele 

Leute arbeiten für das Label? 

Kris Davis: Ich habe die Gesamtaufsicht, 

aber wir haben 

Freiberufler, die sich unterschiedlichen 

Aufgaben widmen, 

und einen Vertrieb, der die CDs 

verkauft. Es gibt eine Person, die 

dafür sorgt, dass die Alben auf 

den verschiedenen Internet- 

Plattformen erhältlich sind, eine 

andere kümmert sich um die 

Publicity, füttert die sozialen 

Medien. 

Christoph Wagner: Wie sieht die 

Zukunft aus? 

Kris Davis: Am schwierigsten 

ist es vorauszusehen, wie sich 

das Verhältnis von CDs und 

digitalen Downloads entwickeln 

wird. Wird es die Compact Disc 

in zehn Jahren noch geben? 

Mit solchen Fragen schlagen 

wir uns herum. Darüber hinaus 

arbeite ich momentan mit einer 

Firma zusammen, um den CO 2 

- 

Fußabdruck jeder CD zu verkleinern. 

Wir schauen uns genau 

an, wie viel Energie und CO 2 

- 

Ausstoß mit der Produktion, den 

Lieferwegen, der Verschickung 

etc. eines Albums verbunden 

sind und wie wir das reduzieren 

können. Gleichzeitig geht es 

darum, einen Ausgleich für den 

CO 2 

-Ausstoß zu schaffen, um ihn 

auf null zu bringen. 

Christoph Wagner: Das sind 

große Ziele. 

Kris Davis: Wir müssen in 

die Zukunft blicken und die 

Probleme angehen, mit denen 

wir konfrontiert sind. Das gilt 

auch für uns Jazzmusiker. Jeder 

sollte seinen Beitrag leisten. 

Irgendwann werden wir möglicherweise 

überhaupt keine CDs 

mehr herstellen, was vom ökologischen 

Standpunkt her am 

besten wäre. Doch im Moment 

sind sie noch unverzichtbar. 

Website: 

www.pyroclasticrecords.com 


MARC RIBOT 

Hoffnung 

© Ebru Yildiz 

Gitarrist Marc Ribot ist eine Ikone der New Yorker Downtown-Avantgarde- 

Jazz-Szene und neben Elliott Sharp und John Zorn auch einer der letzten 

Aufrechten jenes Biotops, die seit den 1980er Jahren immer noch Zeichen 

der kreativen Destruktion setzen. Mit einem neuen Album seiner Band 

Ceramic Dog macht er seinem Ruf einmal mehr Ehre. 

54 


Von Wolf Kampmann 

Hope ist das fünfte Album von Marc Ribots 

Band Ceramic Dog, die es seit 2008 mit 

Bassist Shahzad Ismaily und Drummer 

Ches Smith gibt. Der optimistische Titel ist 

überraschend, gibt der notorische Zyniker 

Ribot doch selten den Herold der Hoffnung. 

Unter veränderten Umständen zeigen 

manche Menschen jedoch auch ein anderes 

Gesicht. „Ursprünglich sollte der Titel Better 

Luck Next Time lauten“, so Ribot. „Nachdem 

Donald Trump aus dem Amt gekickt wurde, 

erschien uns der Titel aber nicht mehr passend. 

Die Menschen tanzten auf der Straße. 

Hoffnung ist ja nicht dasselbe wie Optimismus. 

Ich würde es als sehr vorsichtige 

Hoffnung bezeichnen, vermindert durch viele 

Enttäuschungen der Vergangenheit.“ Aber 

typisch Ribot folgt auf die Einschränkung sogleich 

die Einschränkung der Einschränkung: 

„Vielleicht kam der letzte Satz etwas zu ernst 

rüber. Ich würde gern ein lächelndes Gesicht 

dahintersetzen.“ 

Apropos Vergangenheit. Auf den 

bisherigen vier Alben von Ceramic Dog hat 

sich meist eine durchgehende Stimmung 

vom Anfang bis zum Ende gezogen. Auf Hope 

ist das anders. Die Platte scheint alles zu 

umarmen, wofür Marc Ribot in den letzten 35 

Jahren gestanden hat. Waren seine jüngeren 

Platten teilweise sehr politisch, vertont 

er hier eine Art Lebensreise. Ribot ist sich 

unsicher. „Vielleicht beschreibt es ja wirklich 

diesen berühmten Augenblick vor dem Auge 

eines Sterbenden, an dem sein ganzes Leben 

noch einmal vorbeizieht. Aber das Album dokumentiert 

auch unsere Suche nach Freude. 

Für viele von uns war es der erste Studiotermin 

nach Monaten des Shutdowns. Es war 

so ein starkes Gefühl der Erlösung, endlich 

wieder miteinander spielen zu können. Wir 

suchten nach der Befreiung von etwas, das 

einfach tödlich war.“ 

Im Grunde ist es ja erstaunlich, dass 

Marc Ribot überhaupt mit einer Band fünf 

Alben durchhält. Fast all seine Formationen 

von den Rootless Cosmopolitans über Shrek 

bis zu den kommerziell sehr erfolgreichen 

Los Cubanos Postizos brachten es auf genau 

zwei Platten. Auch Ceramic Dog war nicht 

als Langzeitprojekt geplant. „Ursprünglich 

wollten wir genau eine Platte machen. Aber 

dann hatten wir zu viel Material. Und so 

wurde eine kontinuierlich arbeitende Band 

daraus. Mittlereile muss ich konstatieren, 

dass Ceramic Dog mit Ausnahme meiner 

Tochter meine am längsten anhaltende 

Beziehung ist.“ 

Auch wenn Ribot selbst behauptet, 

Ceramic Dog hätte sich von 2008 bis heute 

nicht substanziell verändert, lässt sich dem 

Trio doch über die Jahre ein bemerkenswerter 

Paradigmenwechsel attestieren. 

War es ursprünglich eine Jazzband, die 

sich dem Rock annäherte, wurde daraus 

eine lupenreine Rockband, die sich jetzt, 

13 Jahre nach ihrer Gründung, wieder dem 

Jazz annähert. Ribot lehnt Kategorisierungen 

für seine Musik zwar entschieden ab, hat 

dazu aber eine schöne Anekdote auf Lager. 

Als Jugendlicher hatte er Trompete gelernt, 

trug aber eine Zahnspange – und beendete 

seine Bläserkarriere entsprechend früh. 

Auf seinem kleinen Transistorradio hörte er 

die Beatles, Rolling Stones, Booker T. & The 

MGs, James Brown und andere Acts der 

Sixties. „Ich fand Keith Richards cool und 

beschloss, Gitarre zu lernen. Einige Jahre 

später orientierte sich alles immer mehr an 

den Charts und ich entdeckte den Jazz als 

Form der musikalischen Freiheit. Die besten 

Gitarristen schienen Jazzgitarristen zu sein. 

Als ich von Maine nach New York zog, nahm 

ich an vielen Jam-Sessions teil. Nach etwa 

einem Jahr bekam ich einen Job bei Brother 

Jack McDuff, einem echten Jazzmusiker. 

Allerdings stellte sich schnell heraus, dass 

McDuff mein Spiel hasste. Er starrte mich auf 

der Bühne an, als wollte er mich töten. Ich 

fragte mich, warum zur Hölle er mich dann 

angeheuert hatte. Eines Tages jedenfalls 

sagte er zu mir: „Du bist kein Jazzmusiker. 

Du bist nicht einmal ein R&B-Musiker. Du 

bist ein Rockmusiker.“ Und das sagte er mit 

aller Verachtung, die er in dieses Wort legen 

konnte.“ 

Was Ribot mit Mitte 20 noch als Demütigung 

empfand, akzeptiert der Rockwolf 

im Jazzpelz längst als Stärke. Insofern 

verwundert es nicht, dass sein Album 

voller Referenzen an den britischen Rock 

der Sixties ist. Einzelne Songs erinnern an 

die Rolling Stones oder David Bowie, einer 

ist sogar eine Coverversion von Donovan. 

Auch wenn sich gegen Ende des Albums 

immer mehr Jazz-Elemente breitmachen und 

Darius Jones ein berauschendes Saxofon 

spielt, zieht sich dieser British Tinge doch 

durch das Album. „Ich bin ein Archäologe“, 

frohlockt Ribot. „Ich grabe in meiner Musik 

meine eigene Erinnerung aus. Es gibt viele 

Musiker, die sich mit Geschichte beschäftigen. 

Ich würde mich dazu zählen, aber 

ich forsche nicht in der Bibliothek, sondern 

wenn ich schlafe. Wenn ich mich auf die 

Rolling Stones beziehe, dann nicht, indem 

ich ihre originalen Songs analysiere. Mich 

interessiert die Rekonstruktion ihrer Songs in 

meiner Erinnerung an das Radio im Chevrolet 

meines Vaters. Du hörst auf der Platte keine 

Person von 2021, die sich für britischen Rock 

der Sixties interessiert, sondern jemanden, 

der 2021 ein Kind in den Sixties ist.“ 


Marc Ribot’s Ceramic Dog: Hope 

(Enja / Yellowbird / Edel:Kultur) 

JAZZTHETIK 05/06-2021 

55

CHARLES LLOYD 

Bluesman auf spirituellem Weg 

Charles Lloyd sieht in seinem Musizieren nicht weniger als einen 

Dienst an der Menschlichkeit. Nicht viel hält er von Etiketten und 

Hineindeutungen in seine Musik, so auch nicht von der Idee „Back 

To the Roots“, obwohl Tone Poem, das neue Album seiner Marvels, 

ganz danach klingt. 

© Dorothy Darr 



„Vielleicht schließt sich ein 

Kreis. Mag sein, dass ich nach 

Hause zurückkehre. Ich liebe 

es, im Dienst zu sein, für eine 

bessere Welt zu spielen, von 

der du besser nicht sprechen 

solltest, weil du nur missverstanden, 

wenn nicht gar dafür 

verhaftet wirst.“ Ein Musiker 

wie Charles Lloyd hat dieser 

Welt schon eine so unglaubliche 

Menge von Musik 

geschenkt, so viele Menschen 

inspiriert, was bleibt da noch 

zu tun? Man legt seine Musik 

kaum wegen des Wunsches 

nach abstraktem Erkenntnisgewinn 

auf, eher dient sie dazu 

(so wie ihr Urheber selbst), uns 

sinnlich zu bereichern, zu träumen, 

die Wahrheit im Klang zu 

suchen. „Ich will niemandem 

ein Glaubenssystem geben“, 

sagt er. „Ich möchte lieber das 

Wesentliche enthüllen und 

es mit der Welt teilen. Ich bin 

wach und will etwas erforschen. 

Wenn du unterwegs 

warst, um etwas Neues zu 

erforschen, kommst du zurück 

und bist nicht mehr derselbe. 

Man sagt: ,What you‘re looking 

for is looking for you.‘ Ich 

möchte inspirieren und Trost 

spenden, wie es auch mir 

passiert ist. Ich fühle mich 

jung. Selbst in Gesellschaft der 

großen Anzahl von Künstlern, 

mit denen ich in diesem langen 

Leben spielen durfte, besitze 

ich immer noch Anfängergeist. 

Mit dem Vorteil, dass ich jetzt 

mit meiner ganzen Erfahrung 

darangehen kann.“ 

Opener von Tone Poem 

sind zwei Stücke von Ornette 

Coleman: „Peace“ und 

„Ramblin’“. Die melodische 

Unbefangenheit, mit der 

Colemans frühes Quartett 

unterwegs war, scheint sich 

gut als gemeinsamer Nenner 

mit einer heutigen Version von 

Charles Lloyd und den Marvels 

zu eignen. „Ornette und ich 

waren Freunde, er war zwar 

ein wenig älter als ich, aber wir 

waren Compadres. Er besaß 

eine besondere, einzigartige 

Fähigkeit: Er konnte seine 

eigene Kosmologie gestalten, 

er ließ seine Stücke wie seine 

Kinder herumspazieren. Die 

Marvels und ich, wir nehmen 

sie jetzt mit an die frische Luft 

auf einen Spaziergang.“ Und 

dieser geht weiter in gewohnte 

Gefilde, mit einer zurückgelehnt 

zeitlosen Instrumental- 

Country-Version von Leonard 

Cohens „Anthem“. „,There is 

a crack, a crack in everything. 

That‘s how the light gets in.‘ 

Der Mann ist ein Poet. Man 

schlug mir vor, ein komplettes 

Album mit diesen Songs zu 

machen, aber ich wollte das 

nicht. Wenn du nach Entertainment 

suchst, bist du bei mir an 

der falschen Adresse. Ich bin 

nicht daran interessiert, etwas 

glatt zu machen, ich bin ein 

Bluesman auf einem spirituellen 

Weg.“ 

Bluesig fährt er fort mit 

dem Sechsachtel-Flötenstück 

„Dismal Swamp“, gefolgt vom 

Titel-Song, einer programmatischen 

Suite, getragen von 

E-Gitarre und Lapsteel, die 

die Marvel-Klangzauberer in 

einen lockeren Afrogroove 

münden lassen. „Monk’s 

Mood“ hatte Lloyd schon auf 

Vanished Gardens als Duo 

mit Bill Frisell aufgenommen. 

„Thelonious Monk ist der musikalische 

Architekt“, merkt er 

an. Darüber, wie Monk bei den 

Marvels klingen soll, herrscht 

große Einigkeit bei Frisell, 

Greg Leisz, Reuben Rogers 

und Eric Harland. Entspannt 

und zurückgelehnt machen sie 

den Raum auf für die lyrische 

Perligkeit von Lloyds Tenor- 

Improvisationen. 

Gäbe es die Marvels 

nicht, müssten sie eigens hierfür 

erfunden werden. Charles 

Lloyd und seine Weggefährten 

sind sich in dieser Besetzung 

schon seit 2015 treu. „Es 

hätte sein können, dass mein 

Quartett mit Keith Jarrett, Jack 

DeJohnette und Cecil McBee 

ebenso lange zusammenbleibt 

wie das Modern Jazz Quartet, 

für 30 Jahre. Aber es dauerte 

gerade mal dreieinhalb Jahre. 

Du weißt nie, wie lange du 

zusammenbleiben kannst. Ich 

weiß, was gut für mich ist, was 

ich hören möchte, fühle mich 

wie ein Küchenchef, der ein 

Designer Meal machen will 

und nichts Aufgewärmtes. Ich 

suche neue Territorien, neue 

Sonnenauf- und -untergänge. 

In diesem Sinne bin ich 

ambitioniert“, bekennt Charles 

Lloyd. Und auf die Frage, was 

er jungen Musikern heute mit 

auf den Weg geben würde: 

„Wir als Künstler sollten den 

Leuten Wachsamkeit geben, 

etwas zum Aufwachen, um sie 

zu inspirieren. Genau das passierte 

mir in jungen Jahren. Ich 

hatte kaum eine andere Wahl, 

als das zu tun, was ich immer 

noch tue. Wir haben keine 

Alternative, wir sind keine 

Kaufleute. Musiker, Schriftsteller, 

auch Journalisten 

wollen Botschaften in die Welt 

bringen. Und wir beklagen die 

Bedingungen im Moment und 

den Mangel an Respekt für die 

Humanität. Aber wir müssen 

weitergehen und die Liebe 

im Herzen bewahren für das, 

was wir tun. All den jungen 

Künstlern kann ich nur sagen, 

dass sie sich weiter inspirieren 

lassen sollten, so wie wir es 

damals taten.“ 

Auf Monk lässt Charles 

Lloyd „Ay Amor“, Ignacio 

Jacinto Villa Fernández’ (aka 

Bola de Nieve) berühmten 

Bolero, in einer verträumten 

Instrumentalversion folgen und 

gleich darauf Gabor Szabos 

„Lady Gabor“ als Reminiszenz 

an einen weiteren Weggefährten 

aus den 60er Jahren. 

Den Abschluss machen das 

hymnische Rubato „Prayer, for 

Breona“ und als Bonustrack 

die Country-Ballade „In My 

Room“. 

––––––––––––––––– 


Charles Lloyd & The Marvels: 

Tone Poem 

(Blue Note / Universal, erhältlich 

auch als audiophile Vinyl-Version 

in der Tone-Poet-LP-Serie) 


MARTIN AUER 

Tribut an Satchmo 

© Gregor Baron 

Das Etikett 

„Wanderer 

zwischen Welten“ 

wird schnell 

geklebt, wenn der 

Name Friedrich 

Gulda fällt: ein 

Konzertpianist aus 

dem sogenannten 

klassischen Fach, 

der auch Jazz spielt. 

Zwei Welten? Nur 

wenn man einem 

stromlinienförmigen 

Verständnis von 

Stilistik anhängt. 


Gleich zwei Jahrestage lassen in diesen Tagen an Louis Armstrong 

denken – vor 120 Jahren wurde er geboren, vor 50 Jahren starb er. 

Mit Hot 5 erinnert das Quintett des Trompeters Martin Auer an den 

wohl größten Trompeter, den der Jazz hervorgebracht hat. 

Von Rolf Thomas 

Das Martin Auer Quintett spielt mittlerweile 

seit einem Vierteljahrhundert zusammen – da 

traut man sich auch eine Würdigung von 

Louis Armstrong im eigenen, markanten Klang 

zu. „Natürlich ist es immer eine Gratwanderung, 

altes Material in ein neues Gewand zu 

kleiden“, gibt Auer zu. „Das erfordert einen 

gewissen Mut und die Überzeugung, dem 

Publikum einen Mehrwert zu bieten. Mit unserer 

Bearbeitung wollen wir zeigen, welche 

großartigen Kompositionen Armstrong und 

seine Frau Lil Hardin in ihrer frühen Schaffenszeit 

kreiert haben. Gleichzeitig wollen wir die 

jüngeren Zuhörer dazu animieren, sich auch 

den Originalen zuzuwenden.“ 

Die entstanden allesamt in den 20er 

Jahren des 20. Jahrhunderts, als Armstrong 

die Hot 5 und die Hot 7 betrieb, seine wohl 

berühmtesten Bands. Damals entstanden die 

Meilensteine, die Armstrong berühmt gemacht 

haben. „Die meisten dieser rund 80 Kompositionen 

sind heute vergleichsweise unbekannt, 

zu ihrer Zeit waren sie jedoch Welthits“, 

weiß Auer. „Stücke wie ‚West End Blues‘, 

‚Struttin’ With Some Barbecue‘ oder ‚Hotter 

Than That‘ sind bis heute unübertroffen, weil 

sie eindrucksvoll belegen, wie virtuos diese 

fünf Musiker ihre Instrumente beherrschten.“ 

Dafür hat Auers gesamtes Quintett Hand angelegt. 

Zwar hat Saxofonist Florian Trübsbach 

die Mehrzahl der elf Titel arrangiert, aber auch 

Pianist Jan Eschke, Bassist Andreas Kurz, 

Schlagzeuger Bastian Jütte und der Bandleader 

haben Songs ein neues Gewand verpasst. 

Auer hat sich dabei für „King of the Zulus“ entschieden, 

das in seiner Version überraschend 

modern klingt. 

Wie man mit solchen Ikonen umgehen 

kann, zeigt zum Beispiel der legendäre „West 

End Blues“ – hier hat Auers Quintett das 

eingängige Intro kurzerhand an den Schluss 

des Songs verlegt. Die Bandmitglieder haben 

sich zunächst intensiv mit den Originalen 

auseinandergesetzt und sich dann auf ihre 

jeweiligen Lieblingsstücke geeinigt. Die kreativen 

Neueinspielungen begeben sich durchaus 

auch mal in ungewöhnliche Bahnen – so klingt 

der New-Orleans-Klassiker „Muskrat Ramble“ 

auf einmal sehnsüchtig wie ein Bossa Nova, 

Schlagzeuger Jütte hat hier Pause. So wird 

einer der größten Musiker aller Zeiten gewürdigt, 

ohne ihn nur zu imitieren. 


Martin Auer Quintett: Hot 5 

(Laika / Rough Trade) 

Zwei der Welten, um die es 

geht, sind die sogenannte 

klassische Musik und der 

Jazz. Genau genommen kommt 

noch eine dritte Musik- 

Welt hinzu, nämlich die der 

westlichen Musik des 20. 

Jahrhunderts und danach, zu 

der Vertreter der sogenannten 

Klassik oft eine ähnlich distanzierte 

Beziehung pflegen wie 

zum Jazz: Warum muss das so 

schräg klingen? 

Für Friedrich Gulda lag 

die Sache anders. Er hatte 

keine Berührungsangst mit 

schrägen Klängen, wenn auch 

eine emotionale Distanz zur 

Dodekaphonie. Er hatte nichts 

gegen markierte Rhythmik 

und Offbeat und nichts gegen 

Improvisation oder improvisatorische 

Lücken im Notenmaterial. 

Er liebte den Jazz 

seiner Zeit, der noch nicht 

free war. Dass er ein herausragender 

Beethoven-Interpret 

war, hinderte ihn nicht daran, 

Bebop zu spielen. Und schon 

gar nicht daran, hybride, 

spätromantisch fundierte 

Musik für klassisch besetzte 

und erweiterte Klangkörper zu 

komponieren. 

Unter der Leitung von 

Gerd Müller-Lorenz hat 

das Bläserensemble der in 

Hannover ansässigen NDR 

Radiophilharmonie eine 

der erfolgreichsten Kom- 


positionen Friedrich Guldas 

eingespielt, ein fünfsätziges 

Cello-Konzert, bei dem Oliver 

Mascarenhas Violoncello 

spielt und das Bläserensemble 

um Markus Ottenberg (e-g), 

Mario Ehrenberg (e-b) und 

Lennard Schmidt (dr) erweitert 

ist. Bei der Uraufführung 

1981 hatte der große Heinrich 

Schiff Violoncello gespielt – 

Gulda hatte das Werk für ihn 

geschrieben. 

Guldas Komposition geht 

von einer einzigen, grenzenlosen 

Musik-Welt aus. Er 

versucht keine Integration und 

keine Grenzverwischung, sondern 

stellt kühn nebeneinander, 

was im Kopf und im Leben 

eines modernen Musikhörers 

zusammentrifft: Rock, lyrische 

Musik im romantischen Idiom, 

Volksmusik, Heurigenbegleitklänge, 

eine ausgiebige 

Solokadenz des Cellisten, ein 

barockes Menuett und Jimi 

Hendrix’ „Purple Haze“. Mit 

einem wunderbar mitreißend 

sägenden Verzerrer-Gitarrensolo 

des Cellisten. Das Ganze 

ist aus der Sicht traditionell 

gesinnter Klassik nicht leicht 

überschaubar und enthält 

spieltechnische Schwierigkeiten, 

die Mascarenhas außerordentlich 

stilsicher meistert. 

Bei dem Live-Mitschnitt aus 

dem Landesfunkhaus Hannover 

vernimmt man geradezu 

verräterisch deutlich eine 

enorme Spielfreude. 

Eine dreiteilige, ebenfalls 

durch und durch polystilistische 

Suite des etwas weniger 

bekannten Nikolai Kapustin, 

bei der Johannes Nies am 

Klavier zu hören ist, ergänzt 

das Album. Aber für einen 

kompletten Gulda braucht es 

noch eine weitere Ergänzung: 

Die letzten vier Stücke gehören 

dem Bebop. Die Aufnahme 

entstand 1958 im legendären 

Rolf-Liebermann-Studio 

in Hamburg, und zum Trio 

gehörten Gulda (der auch zur 

Flöte greift), der Bassist Hans 

Last (der unter dem Künstler- 

Vornamen James später für 

etwas anderes berühmt wurde) 

und der Schlagzeuger Karl 

Sanner. Das Trio spielt den 

Bebop filigran, aufmerksam, 

eher subtil als auftrumpfend, 

für Menschen, die diese und 

manche andere Musik wirklich 

lieben. 

––––––––––––––––– 


Oliver Mascarenhas: 

Friedrich Gulda, Konzert für 

Violoncello und Blasorchester; 

Nikolai Kapustin, Drei Stücke; 

Friedrich Gulda spielt Jazz 

(Dreyer Gaido / Note 1 Musikvertrieb) 

OLIVER MASCARENHAS 

SPIELT GULDA 

Ohne Berührungsängste 

© Liudmila Jeremies 


59

MACIEJ GOŁYŹNIAK 

Eine lebhafte Geschichte 

des polnischen Jazz 

Dass unser Nachbarland 

Polen eine äußerst lebendige 

Jazzszene hat, ist kein Geheimnis. 

Polnische Musiker wie Krzysztof 

Komeda, Tomasz Stańko oder 

Michał Urbaniak sind aus der 

europäischen Jazzgeschichte 

nicht wegzudenken. Umso 

schöner ist es, dass das 

altehrwürdige Schallplattenlabel 

Polskie Nagrania wiederbelebt 

wurde und sowohl eine Reihe 

von Re-Issues wie auch aktuelle 

Projekte der polnischen 

Jazzszene auf den Markt bringt. 

60 JAZZTHETIK 05/06-2021 

© Wiktor Franko

Von Angela Ballhorn 

Das neueste Album des Labels hat der 

Schlagzeuger Maciej Gołyźniak aufgenommen. 

The Orchid ist ein spannendes Projekt, 

das sich im Grenzbereich von Jazz, Rock und 

akustischem Ambient bewegt. Die Besetzung 

(b, p, dr und flh) erscheint konventionell, doch 

Pianist Łukasz Damrych ist ein Soundwizard 

an den Keyboards, E-Bassist Robert 

Szydło klingt eher nach Rock, und der junge 

Flügelhornist Łukasz Korybalski richtet in dem 

interessanten Gebräu einen klanglichen Gruß 

an Nils Petter Molvær und Mathias 

Eick. 

Nach 20 Jahren Erfahrung als 

Sessionmusiker im Pop- und Rock-Bereich 

war es Zeit für Maciej Gołyźniaks 

Soloalbum. „Meine Erfahrung im Studio 

hilft enorm, weil ich genau weiß, was ich 

technisch haben möchte. Ich habe viel 

Zeit in den Albumsound investiert.“ Sich 

selbst sieht Gołyźniak im Hintergrund, auch 

als Leader möchte er dort bleiben. „Ich brauche 

die Kommunikation mit den Mitmusikern. 

Ich wollte punchy Drums, elektrischen Bass 

und eine Menge Synthesizer. Łukasz Damrych 

ist überragend im Kreieren von Sounds.“ 

Die Kompositionen sind in Blöcken 

entstanden, in Strophen, Refrains, Intros 

und Outros. „Sehr wenige Parts der CD sind 

improvisiert. Zwar ist das nicht die Definition 

von Modern Jazz, aber es geht darum, wie 

es am Ende klingt: Ist es gut? Berührt die 

zerbrechliche Melodie von ,The Orchid‘?“ 

Ein unerwarteter Twist des Albums ist, dass 

Łukasz Korybalski seine Flügelhornparts über 

die fertigen Aufnahmen gespielt hat, hier also 

keinerlei Interaktion mehr stattfinden konnte. 

Trotzdem klingen die Aufnahmen ungemein 

homogen. 

Maciej Gołyźniaks Vita ist interessant. 

Als Fünfjähriger saß er erstmals hinter einem 

Drumset – seine Mutter wollte aber nicht, 

dass er ein Instrument spielt, weil sie vom 

harten Musikerleben wusste. „Lange Jahre 

wusste sie nicht mal, dass ich Schlagzeug 

spiele. Ich war im Schul-Basketballteam. 

Aber nur im ersten Jahr habe ich wirklich 

Basketball gespielt, danach war ich in der 

Band.“ Seine ersten Gruppen waren Bluesbands, 

weil Blues dem Jazz am nächsten ist. 

Nach vielen Tourneen als Sessionmusiker 

dachte Gołyźniak erstmals über eigene Musik 

nach. „Ich bin vor 15 Jahren nach Warschau 

gezogen und brauchte zehn Jahre, um zu 

verstehen, dass niemand mich als Jazzmusiker 

auf dem Zettel hatte. Also brauchte 

ich selber eine Band. Der wichtigste Faktor 

war der Mut, etwas selber zu machen.“ 

Spricht Gołyźniak über sein Label, hört 

man die Ehrfurcht vor der großen Tradition, da 

Polskie Nagrania für viele Musikinteressierte 

fest zum Soundtrack ihres Lebens gehört. 

Für ihn waren sowohl Krzysztof Komedas 

Astigmatic als auch Zbigniew Namysłowskis 

Kujaviak Goes Funky wichtig. Komeda, der 

polnische Jazzheld mit dem tragischen Tod, 

hat einen besonderen Platz im Herzen des 

Drummers. Er ist der Pianist, der für ihn die 

schönsten Melodien überhaupt spielt. „Er 

berührt dich, er war der emotionalste Klavierspieler. 

Es ist schwer, so tiefe Gefühle in einer 

anderen Sprache auszudrücken.“ 

Manifestation der Freigeister 

Der Journalist Piotr Metz vertieft den Einblick 

in die Geschichte des polnischen Jazz: 

„Natürlich wurde schon vor dem Krieg in 

Polen Jazz gespielt. Stalins Tod veränderte 

viel, 1955/56 war politischer Frühling in Polen. 

Sofort wurde das erste Jazzfestival in Sopot 

organisiert. Es war eine Manifestation der 

Freigeister – die die Regierung erlaubte. Bei 

der Voice of America hatte die Jazzikone Willis 

Conover eine wöchentliche Show. Dieses 

Programm war ein Fenster in die Welt und hat 

die Musik in Polen verändert. Die Zeitschrift 

SIMPLY JAZZ kam Ende der 50er Jahre auf 

den Markt und erschien wöchentlich. Jazz 

wurde von der Regierung als ungefährlich 

eingestuft, ohne dass ich sagen könnte, 

warum. Das war eine einmalige Stellung im 

damaligen Osteuropa. Bei aller Zensur, die 

es in der kommunistischen Zeit gab, durfte 

sich der Jazz frei entwickeln. Die Jazzmusiker 

komponierten zu der Zeit Soundtracks 

zu polnischen Filmen – für Regisseure, die 

später Weltkarriere machten wie Polanski. 

Die Graphic-Art-Künstler und Musiker waren 

die besten zu der Zeit, die polnische Schule 

auf Weltniveau. 

Jede andere polnische Kunstform 

beneidete die Jazzszene um ihre Möglichkeiten, 

es gab Festivals wie das Jazz Jamboree, 

eines der ältesten in Europa. Polskie 

Nagrania startete in den frühen 60ern, und 

polnische Künstler konnten in Schweden 

oder Deutschland spielen, sogar unter dem 

strikten Regime. Nach dem Fall der Berliner 

Mauer in den 90ern kam eine schwierige 

Phase – kommerziell gesehen, weil Polen 

auf einmal auf dem freien Markt war. In den 

späten 80ern hatte sich eine Gruppe junger 

aufstrebender Jazzmusiker gegen das 

Establishment aufgelehnt, die Bewegung 

Yass war offen gegenüber Reggae, Punk und 

Worldmusic. Yass förderte neue Musiker wie 

Leszek Możdżer zutage. Er ist mittlerweile 

ein Popstar – zu seinen Konzerten kommen 

Zehntausende, er hat ein besseres Standing 

als jeder Rockmusiker in Polen.“ 

Auch Piotr Metz spricht über Komedas 

Bedeutung für die Jazzszene: „Kritiker sagen, 

dass Komeda seine eigene Musik gespielt 

hat, nicht unbedingt Jazz. Seine Musik war 

von Anfang an wie Filmmusik. Nach seinem 

Album Astigmatic war Komeda eine Ikone, 

die jeden polnischen Jazzmusiker beeinflusste. 

Komedas Legende ist auch mit seiner 

Karriere in den Staaten verbunden, als er die 

Musik für Polanskis Rosemary’s Baby geschrieben 

hatte. Er war einer der gefragtesten 

Filmmusikkomponisten in Hollywood. Die 

Welt stand ihm offen, aber dann kam die Tragödie 

seines Todes, was auch zur Legende 

gehört. Es gab eine Periode, in der Komeda 

fast vergessen war. Aber seit den späten 90er 

Jahren hat er wieder seinen festen Platz und 

ist der populärste Jazzkomponist überhaupt, 

wenn man danach geht, wie viele Alben mit 

seiner Musik aufgenommen wurden.“ 

Metz schließt mit einer interessanten 

Fußnote: „Nach Marcin Wasilewskis erstem 

wichtigen Gig gratulierte Komedas Witwe 

Zofia dem Pianisten. Sie versprach, ihm ein 

Buch mit unveröffentlichten Kompositionen zu 

geben. Gerade heute Morgen habe ich eine 

Nachricht von ihm bekommen, dass er Ende 

April zu Komedas 90. Geburtstag diese Kompositionen 

für das polnische Radio spielen wird.“ 

––––––––––––––––––––––– 


Maciej Gołyźniak Trio: The Orchid 

(Polish Jazz Vol. 85, 2020) 

(Polskie Nagrania / Warner) 

Re-Issues: 

Krzysztof Komeda: Astigmatic (1965) 

Tomasz Stańko: Musik for K (1971) 

Tomasz Stańko: Musik ’81 (1982) 

Zbigniew Namysłowski Quintet: 

Kujaviak Goes Funky (1975) 

Michał Urbaniak: Constallation in Concert (1973) 

Jan „Ptaszyn“ Wróblewski: Komeda – 

Moja Slodka Europejska Ojczyzna (2016) 

(Alle: Polskie Nagrania / Warner) 

Website: 

www.warnermusic.de/polskie-nagrania-polish-jazz 


PIOTR SCHMIDT 

In schwankender Stimmung 

„Ein Film sollte musikalisch nur so viel wie nötig ausgestaltet sein. Es ist besser, man hat zu 

wenig als zu viel Musik.“ Dieses Credo der polnischen Jazz- und Filmmusiklegende Krzysztof 

Komeda scheint auch die konzeptionelle Vorgabe für das aktuelle Album Dark Forecast des 

polnischen Trompeters Piotr Schmidt zu sein – ausbalanciert in der Wahl der musikalischen 

Mittel, der Instrumentierung und Stimmungen über die gesamte Länge der Produktion. 

© Maq Records 

Von Andreas Ebert 

Schmidt wuchs in einem musikalischen 

Umfeld auf, wie es 

besser nicht hätte sein können. 

Als Sohn einer Chor dirigentin 

und eines in Polen bekannten 

Jazzpublizisten schlug er 

als das musikalischste von 

drei Kindern als Einziger eine 

Profi-Musikerlaufbahn ein. Die 

Gelegenheit, sein Wunschinstrument, 

das Saxofon, zu 

erlernen, ergab sich nicht, nur 

Trompete und Fagott waren im 

Angebot. „Ich wäre wohl der 

einzige Jazzfagottist in Polen 

gewesen“, meint Piotr Schmidt 

dazu schmunzelnd. 

Seinem Freund Bartek 

Pieszka, Vibrafonist des Schulorchesters, 

war es zu verdanken, 

dass Schmidt nach sechs 

Jahren Klassik am Klavier, zwei 

Jahren Klassik an der Trompete 

und einer Menge Jazz-Hören 

daheim nicht aufgab und sich 

zum Jazzspielen anspornen ließ. 

Beide besuchten die Jazzabteilung 

der Musikakademie von 

Katowice. „Ohne diesen Impuls, 

ohne jemanden, der mich zum 

Spielen und nicht nur Hören 

antreibt, hätte ich es möglicherweise 

aufgegeben, Musiker 

zu sein. Klassische Musik zu 

spielen, fasziniert mich nicht. 

Jazz gibt mir die Freiheit, die ich 

so sehr in meinem Leben auf so 

vielen Ebenen schätze, Freiheit 

zu kreieren, beim Führen einer 

Melodie, beim musikalischen 

Geschichten-Erzählen, es resultiert 

alles aus der Geschichte 

und der Natur dieser Musik.“ 

Frühe Einflüsse waren 

Miles Davis, Bobby McFerrin 

und Johann Sebastian Bach. 

In der Band mit Bartek Pieszka 

wurden zunächst die üblichen 

Standards gespielt, im darauf 

folgenden Hardbop-Quintett 

im zweiten College-Jahr dann 

eigene sowie Stücke von 

Billy Harper, Cedar Walton 

oder Lee Morgan. „Von 2006 

bis 2010 gewannen wir fast alle 


Jazzwettbewerbe, zu denen wir 

fuhren. Die finanziellen Erlöse 

daraus erlaubten uns, jeweils 

die nächsten paar Monate zu 

überstehen.“ Ein Stipendium 

in Louisville/Kentucky brachte 

2006 einen weiteren Schub. 

„Das Stipendium öffnete meinen 

Verstand. Es gab eine Menge 

großartiger Musiker dort und 

wunderbare Lehrer, die mir eine 

Menge Zeug über Jazz und 

Improvisation auf eine andere 

Weise zeigten. Es öffnete mir 

die Augen für eine Menge 

coole Sachen, die ich später 

ausprobierte und auf der Bühne 

verwendete.“ 

Dennoch meint Schmidt, 

dass eine USA-Erfahrung nicht 

unbedingt notwendig ist. „In der 

globalen Welt kann man alles 

von zu Hause lernen. Internet, 

Google, YouTube – das sind 

die Werkzeuge und Wissensquellen, 

die für jeden verfügbar 

sind.“ Zur Jazzausbildung sagt 

er: „Meiner Meinung nach können 

Jazzstudien jungen Leuten 

wirklich helfen zu spielen, aber 

abseits davon ermöglichen sie 

auch angenehme finanzielle Unterstützung 

für viele Profis. Ich 

bin einen vollen Tag an der Uni, 

um mit Studenten zu arbeiten. 

An den anderen sechs Tagen 

mache ich, was ich will.“ 

Mit einer täglichen, 

stringent durchgehaltenen 

Übe-Praxis von drei bis vier 

Stunden („Üben ist für mich wie 

eine Sucht. Ich muss es einfach 

tun. Aber wenn ich lange Noten 

oder etwas ganz Einfaches übe, 

lese ich dabei oft Bücher oder 

schaue mir etwas auf YouTube 

© Aleksandra Kasztalska 

an.“) und verschiedenen Bandprojekten 

wie seinem regulären 

akustischen Quartett oder der 

Formation Schmidt Electric arrangiert 

sich Schmidt mit allen 

Widrigkeiten. „Es scheint, dass 

es in Polen nicht so schlecht ist 

für Musiker. Glücklicherweise 

gibt die Regierung Fördermittel 

für Künstler, es gibt Hilfsfonds 

für Kreative.“ 

Dark Forecast, Piotr 

Schmidts zwölfte Veröffentlichung, 

spiegelt in ihren elf Stücken 

treffend die schwankende 

Stimmung der gegenwärtigen 

Zeit wider: melancholisch, lyrisch, 

free, aber nicht ekstatisch, 

verhangen, schwebend, 

mal bissig oder leicht traurig, 

fließend, kontrolliert, aber 

immer mit dem nötigen Atem. 

Für die Aufnahmen wurde das 

Quartett durch zwei Gäste 

ergänzt, Walter Smith III (ts) 

und Matthew Stevens (g), auch 

wenn sie nicht bei den Sessions 

anwesend sein konnten. „Beide 

spielten ihre Parts in örtlichen 

Studios in den USA ein, 

weil ihre Anreise wegen des 

Lockdowns nicht möglich war“, 

erklärt Schmidt. „Ich wollte das 

Quartett als Hauptkörper erhalten, 

aber dessen ungeachtet 

habe ich es, wo ich es für nötig 

erachtete, mit zusätzlichen 

Instrumenten angereichert.“ 

Das Album, das es 

voraussichtlich auch auf Vinyl 

geben wird, besteht aus sechs 

Schmidt-Originalen, drei im 

Studio improvisierten Gruppen- 

Tracks und zwei Komeda- 

Klassikern aus Roman Polanskis 

Film Knife in the Water. 

„Komeda ist ein konzeptioneller 

Künstler“, sagt Schmidt. „Seine 

Kompositionen sind zeitlos. 

Vielleicht habe ich diese beiden 

Balladen gewählt, weil sie für 

einen Film geschrieben wurden. 

Sie haben eine beeindruckende 

Atmosphäre und Kraft. Komeda 

ist ein Komponist, zu dem 

zurückzukehren sich lohnt.“ 


Piotr Schmidt: Dark Forecast 

(o-tone / Edel:Kultur)

ÜBER DEN TELLERRAND 

Generation Next – die 

neue Welle im polnischen 

Jazz 

Während die Welt aus dem Ruder läuft und 

wir uns fragen, wie die Musikindustrie in 

ein paar Jahren aussehen wird, während 

wir gezwungen sind, Gewohnheiten zu 

ändern und unser Verhalten zu überdenken, 

sind diejenigen im Vorteil, die sich 

anpassen, experimentieren und kreativ 

an Herausforderungen herangehen. Eine 

besonders schwierige Zeit für die junge 

Generation, die gerade jetzt in die Musikwelt 

eintritt. 

Von Karolina Juzwa 

Als Organisatorin der Intl – International 

Jazz Platform, einem Treffpunkt zum 

Erfahrungsaustausch für junge Musiker 

aus ganz Europa, beobachte ich schon 

seit neun Jahren die jungen Künstler, die 

ver suchen, einen Platz in dieser Welt zu 

finden. Polnische akademische Ausbildungsprogramme 

für Jazzmusiker gehören nicht 

zu den offensten für Innovationen. Dort 

konzentriert man sich eher darauf, traditionelle 

Jazzpfade zu meistern, und ermutigt 

junge Musiker nicht gerade bei der für die 

improvisierte Musik unabdingbaren Suche 

nach ihrer Vision von einer Musik, der sie 

ihr Leben widmen möchten. 

Ich möchte hier besonderes Augenmerk 

auf die Zukunft des polnischen Jazz 

richten, auf diejenigen, die schon dabei 

sind, dessen Grundfeste zu erschüttern mit 

einer neuen Stimme europäischer Musik. 

Viele von ihnen finden Raum für Experimente 

im Ausland, studieren in Dänemark oder 

Holland und versuchen, innovative Ansätze 

auf die polnische Szene zu übertragen. 

Es gibt eine Reihe junger polnischer 

Künstler, die ihren eigenen unverwechselbaren 

Klang und ihre eigene Sprache haben, 

ohne auf Einflüsse anderer Genres zu 

verzichten. Szymon Pimpon Gąsiorek 

ist Schlagzeuger und Komponist, lebt 

derzeit in Kopenhagen und gehört 

zu den Musikern, die im Ausland 

nach neuen Ufern suchen und 

dafür das kreative Umfeld des 

Rytmisk Musikkonservatorium in 

Dänemark nutzen. Gąsiorek ist 

Mitglied vieler Bands, doch die 

wichtigste Rolle spielt sein eigenes 

Projekt. Das Pimpono Ensemble 

ist ein Kollektiv junger Idealisten, 

die kompromisslos ihre Träume zum 

Ausdruck bringen und Punk-Energie, 

Experimentelles und emotionale Melodien 

mischen. Ihre neuesten Aufnahmen auf 

Survival Kit sind für mich der Höhepunkt 

der Veröffentlichungen von 2020. 

Joanna Duda ist Pianistin, Komponistin 

und bildende Künstlerin. Ihre Welt sind die 

Klangkunst und das Experiment, in dem 

das Klavier und andere Klangressourcen 

Grundlage für rhythmische Strukturen 

sind. Das neueste Material ihres Trios mit 

Max Mucha (b) und Michał Bryndal (dr) 

bekommt gerade den letzten Schliff, um 

im Mai veröffentlicht zu werden – definitiv 

etwas, worauf man sich freuen kann. Die 

formschaffende Rolle der Elektronik ist 

für das Narrativ ebenso wichtig wie die 

Instrumente. Duda experimentiert mit Trio- 

Konventionen am Rande von Jazz, Klassik 

und Dance Music und lässt sich ebenso 

von klassischen Komponisten wie Feldman, 

Prokofiev und Bach inspirieren wie von 

früher Jungle Music der 1990er. 

Malediwy ist ein weiteres mutiges 

Projekt starker Persönlichkeiten: Marek 

Pospieszalski (sax) und Qba Janicki (dr). 

Beide kommen aus reicher musikalischer 

Umgebung und kreieren Musik, die vom 

traditionellen Free Jazz abweicht und 

stattdessen Techniken und strukturelle 

Denkweisen umfasst, die typisch für die 

Soundart-Szene sind. Neu und visionär: 

Dolce Tsunami von 2020. Verstärkte akustische 

Instrumente, Loop-Techniken und 

elektroakustische Geräte verleihen ihrer 

Musik ein aufregendes und beispielloses 

Ambiente. 

Amalia Umeda (Amalia Obrębowska) 

ist eine neue und aufstrebende Künstlerin 

in der Welt der improvisierten Musik. Die 

klassisch ausgebildete Geigerin zeigt schon 

zu Beginn ihrer Karriere ihr Händchen für 

Improvisation. In ihren Kompositionen kombiniert 

sie Einflüsse von Meistern wie Bobo 

Stenson, Keith Jarrett oder Tomasz Stańko 

mit polnischer und weltweiter Volksmusik. 

Kuba Więcek, Saxofonist und auch 

Absolvent des Rytmisk in Dänemark, ist 

der jüngste Instrumentalist in der aktuellen 

Edition von Polskie Nagrania (Vol. 82, 2019). 

Eine unruhige Seele auf der ständigen 

Suche nach neuen musikalischen Inspirationen, 

reißt er die Musiker seines Trios 

aus ihren Komfortzonen ins offene Wasser 

neuer Ideen mit. Derzeit testet er auch 

seine Stärken als Musikproduzent zwischen 

Jazz- und Popkultur. 

Immortal Onion ist ein junges Trio aus 

dem Norden Polens mit Ziemowit Klimek 

(b), Tomir Śpiołek (p) und Wojtek Warmijak 

(dr), das sich durch kühne stilistische 

Vielfalt und die gekonnte Kombination von 

rhythmisch komplexen, energiegeladenen 

Riffs mit minimalistischen und lyrischen 

Themen auszeichnet. Sie sprechen vor 

allem junge Zuhörer an, die alle ihre 

Veröffentlichungen und Auftritte verfolgen, 

sowohl live als auch virtuell. 

Es gibt viele weitere Namen, die mutig 

Präsenz in der polnischen und europäischen 

improvisierten Musikszene zeigen. 

Sie alle weichen ab von traditionellen 

Einflüssen, beziehen die Vielfalt der Genres 

ein und zeigen offen ihre persönliche 

Suche. Als ich 2012 die Intl Jazz Platform 

gründete, war es mein Ziel, Musikern 

wie diesen Raum zum Experimentieren 

zu bieten, inspiriert mit Gleichaltrigen zu 

lernen, ihre Persönlichkeiten zu entwickeln, 

Mut und Selbstakzeptanz zu gewinnen. Sie 

alle sind Suchende, stellen die Sprache, 

Erfahrungen und Emotionen ihrer Generation 

vor und haben keine Angst davor, mit 

der Jazzkonvention zu experimentieren, um 

sich diese letztlich zu eigen zu machen. 

Übersetzung: Jan Kobrzinowski 


Karolina Juzwa hat Englisch, Philologie und 

Europäische Politik studiert. Sie arbeitet als 

Koordinatorin bei der Wytwórnia Foundation und ist 

Managerin und Hauptkuratorin des Summer Jazz 

Academy Festivals in Łódź. Sie ist Initiatorin und 

Koordinatorin der Intl Jazz Platform, Bildungsprogramm 

für professionelle Künstler, organisiert in 

Zusammenarbeit mit dem Europe Jazz Network (EJN). 



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65

MOERS-FESTIVAL Im dunklen Zeittunnel 

Die Vorbereitungen für das 

50. Moers-Festival laufen und 

sind selbst Gegenstand von 

Improvisation. 

Von Stefan Pieper 

Das Moers-Festival 2021 findet vom 21. bis 

25. Mai statt. „Wir planen optimistisch und 

hoffnungsvoll, dass wir etwas Publikum in 

die Halle lassen können. Aber wir werden 

auch den Ausflug in die virtuelle 

Realität weiterentwickeln“, fasst Tim Isfort 

den aktuellen Stand vor dem 

50. Moers-Festival zusammen. Noch mehr 

in die Zukunft gedacht wurde bei der 

Programm-Pressekonferenz: Darin wagten 

Archäologen aus dem Jahr 2040 einen 

Rückblick auf die Zustände im Jahr 2021. 

Die Teilnehmenden wurden dafür in einen 

dystopischen Zeittunnel abgeseilt. 

Eine ehemalige, heute nur noch über 

einen Kanaldeckel zugängliche Unterführung 

unter einer Moerser Hauptstraße ist ein Lost 

Place, an dem es um mehr geht als einfach 

nur darum, die Programmpunkte für ein 

Festival zu verkünden. Wie wird irgendwann 

in den Geschichtsbüchern über das Heute, 

über diese so merkwürdig beginnenden 

2020er Jahre berichtet? Die Reflexion über 

Zeit soll das Narrativ für die Jubiläums- 

Festivalausgabe sein. 

Beklemmend wirkt, dass manche 

Requisiten im verlassenen Tunnel schon wie 

aus einem anderen, vergangenen Leben anmuten: 

Das aktuelle Festivalplakat zeigt ein 

sich innig umarmendes Paar. Die physisch 

greifbare Gegenwart an diesem Vormittag in 

der Unterwelt 

könnte hingegen 

dem (ersten) Blade Runner-Film entstammen: 

Ein merkwürdig kostümierter „Schamane“ 

unterzieht sämtliche vorschriftsmäßig 

FFP 2-maskierte Besucher einer 

merkwürdigen Reinigungszeremonie, eine 

Performance-Tänzerin im Fetisch-Anzug untermalt 

die Ansprachen des Festival-Teams. 

Damals, als Menschen sich noch draußen 

und öffentlich umarmten und der R4 auf der 

Wiese parken durfte, war vieles anders. 

Mitten in der heißen Planungs- und 

Organisationsphase nahm sich der Festivalleiter 

Zeit für ein langes, ruhiges Gespräch. 

Inszenierung durch ästhetische Botschaften 

bestimmt unter Tim Isforts künstlerischer 

Leitung die jüngste Generation des Moers- 

Festivals. Dass solche Theatralik so manche 

Jazzpolizisten verärgert – geschenkt! 


© Andreas Menzel 

„Menschen haben es nicht gern, wenn man 

Angestammtes verändert“, zeigt sich Isfort 

entspannt. 

50 Jahre Moers-Festival werfen Fragen 

auf: Was ist die Zukunft von Festivals? 

Was war der Antrieb? Denen soll mit einer 

„Mischung aus Wahrheit und fantasievoller 

Weitererzählung beigekommen werden. Es 

gibt nicht die eine Erzählung und die eine 

Wahrheit, und auch nicht nur die von Burkhard 

Hennen, von Reiner Michalke oder von 

Peter Brötzmann“, sondern von zahllosen 

Menschen. Weltweit. Längst ist die Aufarbeitung 

von fünf Jahrzehnten Festivalhistorie 

zum Fulltime-Projekt geworden. 

Isforts tatkräftig praktizierter hoher Respekt 

vor sämtlichen Aspekten der Festivalhistorie 

möchte den Gründergeist von Moers 

wachhalten. „Wir wollen die Welt nicht mehr 

so, wie sie war“, lautete damals das Credo, 

unter dem Peter Brötzmanns Klänge zuweilen 

zum politischen, aber immer zum ästhetischen 

Manifest wurden. Heute und künftig 

lautet das Anliegen, solche Erweckungserlebnisse 

an neue Generationen weiterzugeben, 

auch wenn dafür heute vor allem 

Inszenierungen als Motor fungieren und man 

dafür kämpfen muss, dass Gegenkultur von 

früher nicht ausschließlich zum Lifestyle 

verkommt. Nun geht es darum, für die Kultur 

zu kämpfen, die gerade von der Pandemie, 

mehr noch: vom politisch-administrativen 

(Nicht-)Umgang mit ihr, bedroht ist. 

Isfort vermeidet das böse Wort, das mit 

C anfängt, und kreiert stattdessen das Bild 

vom „Seeungeheuer“, einem verspielten 

Anti-Narrativ gegen das offizielle Angst- 

Framing in den Nachrichtenkanälen. Genug 

Respekt vor der Situation ist im Spiel und 

war es auch im letzten Jahr, als Moers als 

symbolisches Schiff auf den Ozean hinausfuhr, 

während fast alle anderen im Hafen 

blieben. Denn es liegt an der Kultur, sich 

PDF 4c 

auch unter feindlichen Bedingungen öffentlich 

einzumischen. Aber: „Es ist im zweiten 

Jahr nicht ein facher geworden“, bewertet 

Tim Isfort die aktuelle Situation. Genauso 

hatte er im vergangenen Jahr die Zustände 

fürs Jahr 2021 eingeschätzt, als viele andere 

naiv annahmen, dass schon bald alles vorbei 

sei. Maximale Vorkehrungen für ein Festival 

in der Pandemie sind getroffen, sogar ein 

Schnelltest-Zentrum soll zu Pfingsten aufgebaut 

werden. 

Was, wie und mit wem zu Pfingsten 

passieren wird, da müssen wir uns überraschen 

lassen. So manches in der Programmplanung 

kann sich wohl noch kurzfristig 

ändern und bleibt Gegenstand von Improvisation. 

(Fast) alle bisherigen Improviser-in- 

Residence werden den sozialen Kosmos in 

Moers bereichern. Öffentlichkeitswirksame 

„Unterwanderungen“ finden statt, auch mitten 

in der Stadt und im grünen Park jenseits 

der zwei (!) neuen Festivalbühnen. Auf der 

Agenda stehen zahllose Namen aus ebenso 

diversen musikalischen Kontexten. Die beiden 

umtriebigen Amerikaner Kevin Shea und 

Matt Mottel mischen bereits seit Februar als 

Improviser-in-Residence die Residenzstadt 

auf. Und die Welt wird, wo immer es geht, 

in Moers zu Gast sein: „Man macht sich 

keine Vorstellung, wie wir jedes Jahr dafür 

kämpfen müssen, etwa afrikanische Musiker 

aus dem Kongo oder aus Äthiopien zu holen, 

mit allen Visa- und Einreisegenehmigungen.“ 

Aber genau diese kulturelle Völkerverständigung 

führt schon seit einem halben 

Jahrhundert dazu, dass die Welt auf eine 

kleine Provinzstadt am Niederrhein blickt. 

Tim Isfort: „Burkhard Hennen hat der Stadt 

Moers mit der Gründung dieses Festivals 

ein riesiges Geschenk für alle Ewigkeiten 

gemacht.“ 

Website: 

www.moers-festival.de

Floating Points & Pharoah 

Sanders 

Promises 

Luaka Bop / K7 

W W W W W 

Als Pharoah Sanders Elaenia, 

das Debütalbum des britischen 

Elektronikmusikers und Komponisten 

Sam Shepherd, hörte, der 

als Floating Points auftritt, soll 

er hingerissen gewesen sein. 

Es ist fast zehn Jahre her, dass 

der jetzt 80-jährige Tenorsaxofonist 

Sanders ein neues 

Album aufgenommen hat, was 

diese Veröffentlichung nun umso 

erstaunlicher macht. Tatsächlich 

ergibt die Affinität zwischen 

Sanders und dem 34-jährigen 

Shepherd Sinn. Denn trotz der 

Generationsunterschiede eint sie 

in ihren Arbeiten der Drang nach 

ständiger Erweiterung. Darum 

passen die beiden Protagonisten 

auf Promises, bei dem 

sie mit dem London Symphony 

Orchestra zu hören sind, auch 

so perfekt zusammen, ihre hier 

zu hörende gemeinschaftliche 

Energie ist bemerkenswert. Die 

zweiteilige Suite entfaltet sich in 

einer kontinuierlichen wortlosen 

Komposition und klingt wie ein 

kreativer Vertrauensvorschuss, 

eine kosmische Gemeinschaft, 

die über Generationen, Genres 

und musikalische Barrieren hinweg 

etwas Schönes erschafft. 

Sanders ist ja bekannt für seine 

rasenden Soli und wütenden 

TONSPUREN 

Klangbögen, besonders während 

seiner Jahre als John-Coltrane- 

Sideman und auf den eigenen 

Meisterwerken Karma oder 

Black Unity. Aber hier spielt er 

mit beneidenswerter Zurückhaltung 

und Anmut, indem er 

wunderbare melodische Figuren 

in die offenen Räume einarbeitet, 

die ihm Shepherds Klangflächen, 

die der auf Klavier, Cembalo, 

Orgel und elektronischen Equipment 

erzeugt, und die Schwingungen 

der Streicher bieten. 

Diese drei Ebenen fügen sich so 

vollkommen aneinander, weil sie 

aus der Offenheit und Konvergenz 

der Akteure resultieren. Die 

Chance steht gut, dass Sie so 

etwas noch nie gehört haben. 

Olaf Maikopf 

––––––––––––––––––– 

Nik Bärtsch 

Entendre 

ECM / Universal 

W W W W o 

Er ist vor allem als Leiter der 

Bands Mobile und Ronin 

bekannt, der Schweizer Pianist, 

Komponist und Konzeptualist Nik 

Bärtsch. Nun erscheint bei ECM 

sein erstes Solo-Album, das er 

parallel zur Arbeit mit seinen 

Gruppen entwickelt hat. Der Titel 

Entendre (Hören) ist Programm, 

denn die weitestgehend ruhige 

Platte ist geprägt von dem 

genauen Hören und langsamen 

organischen Prozessen in der 

Entwicklung des Klangs. Die 

sechs Tracks bezeichnet er fast 

alle nur als „Module“, da er 

diese nicht als gesetzte Stücke, 

sondern vielmehr als Schablonen 

versteht. In seinen Stücken 

verbindet Bärtsch klassische 

Traditionen und Minimal Music 

mit dem Groove des Jazz. Letzterer 

verleiht den Werken auch bei 

großer Ruhe immer auch etwas 

Fließendes, so beispielsweise in 

„Modul 26“. Besonders facettenreich 

wird Bärtschs Solo-Platte 

durch seinen gut durchdachten 

und sehr feinsinnigen Anschlag 

wie auch die Elemente eines 

präparierten Klaviers, wie es 

beispielsweise in „Modul 5“ 

erklingt. Eindrucksvoll ist hier 

zu hören, wie sehr Bärtsch es 

versteht, durch seinen Anschlag 

die verschiedensten Facetten 

aus ein und demselben Ton 

(zumindest zunächst) herauszuholen. 

Es scheint, als wäre 

es dem Pianisten bei dieser 

Aufnahme in idealer Atmosphäre 

(mit Manfred Eichner in einem 

Studio in Lugano) gelungen, alle 

Vorsätze und Erwartungen hinter 

sich zu lassen und der Musik 

die Chance zu lassen, sich ganz 

in Ruhe und organisch zu entwickeln. 

Das überträgt sich auch 

auf den Hörer und macht die CD 

zu einem Hörgenuss. 

Verena Düren 


Philipp Schiepek & 

Walter Lang 

Cathedral 

ACT / Edel:Kultur 

W W W W 

Gitarre und Klavier kommen als 

Duo im Jazz nicht oft zusammen, 

und das hat natürlich 

seine Gründe, die auch dem 

Münchner Pianisten Walter 

Lang geläufig sind. Deshalb 

hat er seit einiger Zeit über ein 

Duo mit akustischer Gitarre mit 

Nylonsaiten nachgedacht – und 

in dem jungen Gitarristen Philipp 

Schiepek genau den richtigen 

Mann dafür gefunden. Die 

beiden lassen sich ungeheuer 

viel Raum und erkunden einen 

schlanken Klang, bei dem der 

weiche Anschlag Langs genau 

die richtige Folie ist, auf der sich 

Schiepeks Exkursionen entfalten 

können. Die Kraft einfacher Melodien 

ist es, die auf Cathedral 

ihren Zauber entfaltet. Langs 

zehn Stücke – sein Kompagnon 

hat das sehnsüchtige „Pilgrimage“ 

beigesteuert – enthalten 

sich jeglicher Kraftmeierei, und 

die beiden Musiker nehmen sich 

jeweils die Zeit, die es braucht, 

um den Songs Gehalt zu verleihen. 

Die sparsame Verwendung 

der Noten macht den Titelsong 

zu einem romantischen Kleinod, 

andere Stücke („The World Is 

Upside Down“, „Light at the 

End of the Tunnel“) scheinen 

geradezu Bezug auf Lockdown- 

Zeiten zu nehmen. Kaum zu 

glauben, dass Lang ansonsten 

im Dancefloor-Sound des Trio 

Elf zu Hause ist, aber im Grunde 

frönt er auch dort seine Liebe 

zur hymnischen Melodie. Folkloristisch 

anmutende Stücke wie 

„Estrela Cadente“ – was so viel 

wie Sternschnuppe bedeutet – 

oder „Gliding Over Meadows“ 

ergänzen das Repertoire und 

machen Cathedral zu einem 

ruhigen Meisterwerk. 

Rolf Thomas 


Makiko Hirabayashi 

Weavers 

Enja / Edel:Kultur 

W W W W W 

Mit Weavers beschreitet die 

japanische Pianistin Makiko 

Hirabayashi neue Wege: Nach 


zwei Dekaden und vier Alben im 

Trio mit der Perkussionistin Marilyn 

Mazur und dem Bassisten 

Klavs Hovman tritt die Klaviervirtuosin 

und Komponistin hier 

erstmals mit einem Quartett an. 

Seit 30 Jahren in Kopenhagen 

beheimatet, gilt die in Tokio und 

Hongkong aufgewachsene, in 

Berklee klassisch ausgebildete 

Hirabayashi als Wanderin 

zwischen den Welten. Auch 

Weavers vereint geografisch 

weit auseinanderliegende 

Ausgangs- und Bezugspunkte: 

Anlässlich des Festivals 

Mahrajazz trat sie 2018 in Haifa 

auf mit Thommy Andersson 

(b) und Bjørn Heebøll (dr). Der 

erste Lockdown reduzierte ihre 

musikalische Praxis dann radikal 

auf Duette mit dem Saxofonisten 

Fredrik Lundin. Als sich 

im Frühsommer die Möglichkeit 

von Aufnahmen im schwedischen 

Nilento Studio ergab, zog 

Hirabayashi beide Besetzungen 

zu einer neuen Formation 

zusammen. Das Ergebnis 

begeistert: Die neun Tunes 

von Weavers – sieben aus der 

Feder von Hirabayashi, Lundin 

steuert das elegische „Winter 

Landscape in Black & White“ 

bei – fügen sich zu einem so 

vielfältigen wie kohärenten Album, 

dessen Schlusspunkt eine 

inspirierte Interpretation von 

Carla Bleys mit nahöstlichen 

Motiven spielendem „Vashkar“ 

bildet. Eine Synthese von skandinavischem 

Jazz, ostasiatischer 

Musikkultur, klassischer 

Kammermusikhaltung und 

folkloristischen Progressionen, 

für die der Terminus Weltmusik 

zu kurz greift. Mal rhapsodisch, 

mal lyrisch, mal extrovertiert, 

aber nie beliebig – frühlingsfrischer 

Anfangszauber. 

Harry Schmidt 


PDF in 4c 

Mark Feldman 

Sounding Point 

Intakt / Harmonia Mundi 

W W W W 

Eine Geige allein, das hört man 

im Jazz nicht sehr häufig. Mark 

Feldmans erstes Solo-Album 

trug den Titel Music for Violin 

Alone und erschien 1995 bei 

John Zorns Label Tzadik. Ein 

gutes Vierteljahrhundert später 

ist jetzt bei Intakt sein zweites 

Solo-Werk herausgekommen. 

Es kondensiert musikalische 

Erfahrungen, die er in den 

mindestens 25 Jahren davor 

gesammelt hat. Darum sollte 

man keine Musik erwarten, 

die man ohne Weiteres als 

„Jazz“ identifizieren würde. 

Dazu arbeitet Feldman allzu 

schrankenlos mit neuzeitlichen 

Spieltechniken und Formen und 

verachtet Virtuosität nicht. Oft 

scheint es aber, als verhalte er 

sich ironisch zu diesen Kategorien. 

Mark Feldman arbeitet 

in jeder Hinsicht auf einem 

ungemein elaborierten Niveau 

und in Regionen, wo er zu 

Hause ist; das ist nun mal kein 

eng begrenztes Terrain. Das 

Eröffnungsstück ist eine Komposition 

von Sylvie Courvoisier, 

für die Musik ein ähnlich weites 

Feld ist wie für ihren langjährigen 

Partner. Das dritte Stück 

(„Peace Warriors“) stammt 

von Ornette Coleman und weist 

stürmische, gleichwohl überaus 

sorgfältig arrangierte Overdubs 

auf. Etliche Stücke sind 

improvisiert, aber ihrem Formgefühl, 

ihren Verläufen und den 

verwendeten Spieltechniken 

merkt man keine Unterschiede 

zu geschriebener Musik an. 

Mark Feldmans Musik klingt 

nicht geplant, auch wenn sie 

mit kleinteiliger Aufmerksamkeit 

gebaut ist. Manchmal 

wirkt sie einfach, als habe er

Kolumne 

Dinosaur Jr. 

Sweep It Into Space 

Secretly / Cargo 

W W W o 

Motorpsycho 

Kingdom of Oblivion 

(Stickman / Soulfood) 

W W W W o 

Dry Cleaning 

New Long Leg 

Beggars / Rough Trade 

W W W W 

Todd Snider 

First Agnostic Church of Hope 

and Wonder 

Aimless / Membran 

W W W W 

Ryley Walker 

Course in Fable 

Husky Pants / Cargo 

W W W W 

Godspeed You! Black Emperor 

G-d’S Pee at State’S End! 

Constellation / Cargo 

W W W W W 

Sara Watkins 

Under the Pepper Tree 

New West / Rough Trade 

W W W o 

Portugal the Man 

Oregon City Sessions 

Approaching Airballoons / 

Cargo 

W W W W o 

Dinosaur Jr. sind Dinosaur Jr. 

Wo man bei anderen Bands 

Weiterentwicklung erwartet, 

ist man bei den Dinowelpen 

froh, dass alles beim Alten 

bleibt. Sweep It Into Space 

hätte ebenso gut 1991 aufgenommen 

worden sein können. 

Jaulende Gitarren, dreckiger 

Sound, rumpelnde Grooves 

und zwei nörgelnde Sänger. J 

Mascis und Co. gehören neben 

den Melvins und Mudhoney zu 

den Letzten ihrer Art, und ihre 

sture Weigerung, dem Zeitgeist 

Tribut zu entrichten, hat 

etwas enorm Beruhigendes. 

Auch wenn die Band diesmal 

nicht die zündendsten Songs in 

petto hat, bleiben Dinosaur Jr. 

die lebendige Erinnerung daran, 

dass im Rock mal andere 

Regeln galten als heutzutage. 

Dasselbe trifft auf das norwegische 

Trio Motorpsycho zu, 

bei dem allerdings erstaunlich 

ist, in welcher Schlagzahl 

es seine komplexen Alben 

rauswirft. Nur acht Monate 

nach dem Mammutwerk The 

All Is One legt es Kingdom of 

Oblivion nach. Outtakes des 

Vorgängers wurden aufgemotzt 

und mit neuen Songs zu 

einem weiteren Konzeptalbum 

verbaut, das streckenweise 

auch Led Zeppelin V heißen 

könnte. Ein Wunderhorn des 

psychedelischen Hardrock, 

das einmal mehr die Extraklasse 

von Motorpsycho bestätigt. 

Wenn sich zuletzt immer mehr 

Stimmen häuften, Gitarrenrock 

wäre endgültig tot, setzt 

die junge Londoner Band 

Dry Cleaning eine bewusste 

Zäsur. Auf ihrem Debütalbum 

New Long Leg kombiniert sie 

Einflüsse von den Modern 

Lovers über Sonic Youth bis The 

Fall. Vor allem der monotone 

Sprechgesang von Florence 

Shaw vereint Kim Gordon und 

Mark E. Smith. Untermalt von 

einem stoischen Soundtrack, 

der zuweilen an Can oder Neu! 

erinnert, erzählt sie von den 

unverzichtbaren Beiläufigkeiten 

des Lebens. Ob die Band 

nur ein Relikt ist oder die Vorhut 

einer neuen musikalischen 

Haltung, wird sich zeigen. 

Der amerikanische Songwriter 

Todd Snider ist zwar ein alter 

Hase, aber sein spezieller Mix 

aus Country Music, Blues und 

nasalem Sprechgesang erinnert 

auf First Agnostic Church 

BODY & SOIL 

of Hope and Wonder einmal 

mehr an die besten Momente 

des jungen Beck und der Eels. 

Seine Arrangements sind extrem 

minimalistisch, wodurch 

jeder einzelne Ton umso pointierter 

und aufgeräumter wirkt. 

Genau der richtige Aufbruch 

für den Frühling. 

Der Chicagoer Songpoet Ryley 

Walker beschreibt längst sein 

eigenes Genre. Die Anlage von 

Course in Fable erinnert ein 

wenig an sein Debüt Primrose 

Green, nur dass er die Grundelemente 

Folk, Jazz, Drone 

und Psychedelic diesmal viel 

subtiler verarbeitet. Hinzu 

kommt ein gewisser Sinn für 

Minimal Music, die durch 

Produzent John McEntire in 

die Produktion getragen wird. 

Walker hat es mittlerweile 

nach New York verschlagen, 

und McEntire lebt in Oregon, 

doch beide vereint nach wie 

vor jener typische Chicago 

Sound, der sich über alle Kategorisierungen 

hinwegsetzt. 

Jede Form der Kategorisierbarkeit 

ist auch dem kanadischen 

Kollektiv Godspeed 

You! Black Emperor fremd. 

Auf G_d’S Pee at State’S End, 

ihrem ersten Album seit sechs 

Jahren, versteigen sie sich zu 

einer Art viersätziger Sinfonie 

über die Apokalypse, die ihrer 

Meinung nach längst begonnen 

hat. Die beiden instrumentalen 

Long Tracks sind von 

verstörender Eindringlichkeit, 

das Intro zum ersten Song 

erinnert in seiner Intensität 

an den „21st Century Schizoid 

Man“. Erleichterung gewähren 

nur die beiden kürzeren 

Zwischentracks. 

Sara Watkins’ Under the Pepper 

Tree ist eine exzentrische 

Rückschau auf Lieder, die ihre 

Jugend bestimmt haben. Musical- 

und Film-Songs, Beatles- 

Nummern, Tagesschlager und 

andere versunkene Schätze 

werden zu einem surrealen 

Folk-Traum zusammengesetzt, 

der eher Chimären der Originale 

gleicht als Adaptionen. 

Die Arrangements erfolgen 

mit viel Liebe zum Detail, die 

Wiederbegegnung mit den 

durchweg bekannten Liedern 

ähnelt dennoch eher einem 

Spiegellabyrinth, bei dem man 

die Koordinaten von Zukunft 

und Vergangenheit aus dem 

Auge verliert. 

Portugal the Man aus Alaska 

waren anfangs für ihre Glam- 

Orgien bekannt. Oregon City 

Sessions ist ein unveröffentlichtes 

Studio-Live-Album von 

2008, auf dem sie die Songs 

ihrer Frühzeit in ausschweifen 

Live-Versionen ohne Publikum 

einspielen. Die Produktion erfolgte 

ohne Overdubs und zeigt 

eine Band, die an die zuweilen 

wilden Live-Auftritte von T. Rex 

erinnert. Ein berauschendes 

Glam-Prog-Spektakel, von dem 

PtM heute weit entfernt ist. 

Wolf Kampmann 


sich beim Spielen davontragen 

lassen und überwinde mühelos 

Genregrenzen und technische 

Schwierigkeiten. 

Hans-Jürgen Linke 


Markus Schieferdecker 

Asteroid 7881, Standards 

Rosenau / Galileo 

W W W W 

Der Bassist aus dem Nürnberger 

Raum ist keine unbeschriebene 

Größe. Er arbeitete sowohl mit 

der Ensemble-Chefin Maria 

Schneider als auch mit Albert 

Mangelsdorff, Clark Terry und 

Lee Konitz zusammen. Bereits 

als Kind und als Jugendlicher 

lernte er Klarinette, Saxofon und 

Gitarre. Eine Erfahrung, die ihm 

heute zugutekommt in seiner 

Eigenschaft als Bandleader. Dem 

namensgleichen Kirchenmusiker 

Johann Christian Schieferdecker 

ist die aktuelle CD gewidmet. 

Bei dem Titel mag der Jazz- 

Freund an konventionellen 

Durchschnitts-Jazz denken, wie 

man ihn eben aus der Club-Atmosphäre 

kennt. Beim Blick auf 

die Komponisten fällt eigentlich 

nur Henry Mancini als typisch 

„alter“ Stoff aus dem Rahmen. 

Allein der Auftakt mit Freddy 

Hubbards „Sky Dive“ ist schon 

eine angenehme Überraschung. 

Moderner Jazz, gefühlvoll und 

ideenreich präsentiert im musikalischen 

Spannungsfeld irgendwo 

zwischen Chick Corea, Scott 

LaFaro und John Coltrane. Nur 

zwei Kompositionen stammen 

aus Schieferdeckers eigener 

Feder: „Planet Mingus“ ist eine 

stilvoll gekonnte Verneigung vor 

dem Bassisten und Bandleader, 

während das rasante „Blue Sky“ 

einen energiegeladenen Saxofonisten 

Wayne Escoffery ebenso 

in Bestform zeigt wie Drummer 

Joris Dudli. Stimmungsvolle 

Klangbilder wie in „Old Devil 

Man“ mit einem brillierenden 

Pianisten Xavier Davis runden 

eine gelungene Jazz-Aufnahme 

ab, die gekonnt das Beste aus 

Tradition und Gegenwart vereint. 

Andreas Schneider 


Théo Ceccaldi Trio 

Django 

Full Rhizome / Broken Silence 

W W W W W 

Nahezu alles, was die Ceccaldis 

(Gitarrist Guillaume Aknine wird 

hier brüderlich in die Familie 

aufgenommen) anfassen, gerät 

ungemein kreativ, und so steckt 

auch Django wieder voller 

Überraschungen. „Balancelle 

et Chèvrefeuille“ zerlegt 

die Manouche-Ästhetik und 

konfrontiert „Minor Swing“ mit 

Minimal Music. „Le cou du Dragon“ 

verarbeitet Josef Myrows 

Klassiker „Blue Drag“ zu einem 

spacigen Trip in all die Welten, 

die sich auftun, wenn Saiten- 

Instrumentalisten alle Register 

ziehen. Da kommt alles zum Tragen, 

was diese Idealbesetzung 

unter den Händen von Musikern 

solchen Formates hergibt. „Manoir 

de mes réves“ mäandert 

romantisch und wabert dennoch 

ungeduldig. An Valentin Ceccaldi 

fasziniert einmal mehr die 

Fähigkeit, dem Cello Ostinato-, 

Twobeat-, Walking Bass-, 

Groove-, und Powerchord- 

Funktion zuzuweisen und dazu 

überraschend klangliche Feuer 

auf vier Saiten zu entfachen. 

„Nin-Nin je t’aime“ lädt zu einem 

wunderbar ruhigen 7-minütigen 

Spaziergang durch Raum und 

Zeit. Darauf folgt mit „Acétone 

Charleston“ eine herrlich 

collagierte Suite voll genialem 

Humor und Tempo-Spielereien 

auf schrägen Nebenschauplätzen. 

Im Vorbeigehen erleichtern 

die drei Musiker den „französischen 

Jazz“ unterwegs mal 

kurz von der Last der eigenen 

Tradition. Mit Chapeau vor der 

Vergangenheit, ihren Klischees 

und möglichen Auslegungen in 

die Zukunft. Großartig, wie sich 

Aknine inmitten des akustischen 

Kontextes von „Six pouces sous 

mer“ an den Verzerrer traut 

und dann in „Brûle Roulotte“ 

gemeinsam mit Théos Violine 

Erinnerungen an Django 

Reinhardts tragischen Unfall im 

Wohnwagen heraufbeschwört. 

Jan Kobrzinowski 


Snowpoet 

Wait for Me 

Edition / PIAS 

W W W W 

Die Klänge, Techniken und 

Praktiken improvisierter und 

zeitgenössischer klassischer 

Musik, südindischer karnatischer 

Gesang, Jazz, Folk, 

Art-Pop und Electronica sind die 

Anschubmittel für die Mühlen 

von Snowpoet. Es vereinen 

sich also eine Menge Zutaten 

in der Musik des freundlichen 

Londoner Kammermusik-Paares 

Lauren Kinsellas und Chris 

Hysons und ihrer siebenköpfigen 

Band Snowpoet. Sie haben 

es geschafft, in der Tat Jazz 

mit zeitgenössischem Folk zu 

verschmelzen, ohne jemals 

prätentiös zu klingen. Sie kombinieren 

komplexe musikalische 

Ideen und eindringliche Texte 

mit einer offenen, ausladenden 

Palette und einer rhythmischen 

Aufregung, die jeden anspricht, 

dessen Ohren von z.B. Kate 

Bush oder Goldfrapp geöffnet 

wurden. Wait for Me ist mit 

seinen vielschichtig bearbeiteten 

Sounds völlig anders als der 

spärliche Vorgänger Trough You 

PDF in 4c 

Knew. Nun wird in wechselnden 

Innenansichten geschwelgt 

– vielleicht ein Resultat der 


Tonspuren 

Pandemie, die ja auch Zeit 

zu gedanklichen Reflexionen 

ermöglicht –, Andeutungen von 

Intimitäten innerhalb von Wattewolken 

aus Keyboards und 

nachhallenden Vocals flirren 

umher. Ganz automatisch wird 

man dabei in die Träumereien 

von Tracks wie „FaceTime“ und 

„Here’s the Thing“ hineingezogen. 

„The Wheel“ – mit der 

einfühlsamen Gitarre von Alex 

Haines – weitet sich dann, die 

komplette Band bringt reiche 

Klangschichten ein, bevor die 

Beats von Dave Hamblett den 

Song wirbeln und grooven 

lassen. Snowpoet schaffen das 

Kunststück, einer Avantgarde- 

Methode zu folgen und dennoch 

in einem zugänglichen, fast verdächtig 

melodischen Raum zu 

landen, der mit einem gewissen 

antisentimentalen Stoff geimpft 

ist. Doch es braucht ein wenig 

Zeit und Geduld beim Hörer, um 

sich auf die Schönheit von Wait 

for Me voll einzulassen. 



Wollny – Parisien – Lefebvre – 

Lillinger 

XXXX 


W W W W o 

Die vielen X im Albumtitel stehen 

für: explore, expand, exploit, 

exterminate. Das klingt viel 

konstruierter als die Musik auf 

dem Album. Denn XXXX ist vor 

allem wild in den Sounds: Wer 

denkt, dass Michael Wollny nur 

für gepflegten Pianosound steht, 

wird hier sicher überrascht. Der 

deutsche Pianist hat einen kompletten 

Fuhrpark mit viel alter 

und auch neuer Elektronik im 

Berliner A-Trane aufgefahren, 

es röhrt, knirscht, gniedelt und 

wummert – aber nicht nur aus 

der Tastenecke. Auch Saxofonist 

Emile Parisien lässt sein 

Instrument mit Elektronik verfremden, 

E-Bassist Tim Lefebvre 

ist seit Jahren bekannt dafür, 

unerwartete Sounds mit fetten 

Grooves kombinieren zu können. 

Er agiert als Mastermind im 

Untergrund, durch erfrischend 

überraschende Sounds samt 

Tempo- und Grooveveränderungen 

das Quartett aus der 

Tiefe dirigierend. Und Drummer 

Christian Lillinger macht das, 

wofür er bekannt ist: Unvorhersehbares, 

mal durchgehend 

als Groove, mal nur als 

Soundpainting. Vier Tage hatte 

sich das Quartett ohne fertige 

Stücke oder Skizzen im Berliner 

Club auf die Bühne gestellt und 

einfach drauflosgespielt. Dabei 

herausgekommen ist ein interessantes 

Gebräu aus Sounds, 

Grooves und Motiven, die sich 

langsam zu verschiedenen 

Songformen entwickelten. Die 

große Arbeit war im Anschluss, 

das Material in CD-kompatible 

Abschnitte zu schneiden. Doch 

das ist der Band gelungen, die 

komplett improvisierten Stücke 

klingen wie abgerundete Songs. 

Schade ist nicht nur für die 

Musiker, sondern auch für das 

Publikum, dass das Projekt 

momentan nicht weiterlaufen 

kann. Die CD zeigt, wohin der 

Weg führen könnte… 

Angela Ballhorn 


Archie Shepp & Jason Moran 

Let My People Go 

Archieball / Broken Silence 

W W W W W 

Für Archie Shepp, den unerreichten 

Meister der brüchigen, 

verschliffenen, aggressivzärtlichen 

Saxofonkunst, ist 

die Duo-Konstellation mit 

einem Pianisten ein nahezu 

ideales Format. Einige seiner 

besten Platten machte Shepp 

im Dialog mit Horace Parlan 

oder Mal Waldron. Diesmal 

ist sein Klavierpartner der um 

fast 40 Jahre jüngere Jason 

Moran, einer der wichtigsten 

Jazzmusiker seiner Generation. 

Erst 2015 haben sich die beiden 

kennengelernt, auf einem 

europäischen Festival. Auf zwei 

anderen europäischen Festivals 

(in Paris und Mannheim) wurden 

die Duo-Aufnahmen dieses 

Albums mitgeschnitten. In 

sieben Stücken zeichnen Shepp 

und Moran die Black Music 

History nach – von den frühen 

Spirituals über die Jazz Saints 

(Strayhorn, Monk, Coltrane) bis 

zur Gegenwart (Morans „He 

Cares“). Über tremolierten, häufig 

modalen Klavierteppichen, meist 

„out of tempo“, zieht Shepp am 

Tenor- bzw. Sopransax seine 

grandiosen, unnachahmlich 

zerrissenen Bahnen. Moran ist 

als Solist kaum weniger faszinierend 

– ein ganzes Bündel von 

Klavierspielern scheint in ihm zu 

stecken. Das ist große Trauerund 

Feiermusik, ein Höhepunkt 

in der Geschichte der Jazzkunst, 

hypnotisierend und hymnisch 

und dennoch von äußerster 

Expressivität. Von einem Album 

wie diesem wagt man kaum zu 

träumen. 

Hans-Jürgen Schaal 


Pascal Schumacher 

Re: SOL 

Neue Meister / Edel:Kultur 

W W W W 

Ein Jahr nach seinem Solodebüt 

SOL hat der luxemburgische 

Jazzvibraphonist Pascal 

Schumacher vier Musiker 

eingeladen, jeweils ein Stück 

daraus neu zu interpretieren. 

Um anderen solch persönliches 

Material nebst „Freifahrtschein, 

der es ihnen erlaubt, damit zu 

tun, was immer sie denken“, zu 

geben, bedarf es viel Vertrauens. 

Dass es erwidert wird, ist 

in den hochintimen Dialogen 

aus Werk und Bearbeitung zu 

hören. Etwa wenn der Pianist 

Malakoff Kowalski Schumachers 

Debüt-Titeltrack seine 

tiefen, auf einem 1912er-Krauss 

angeschlagenen Töne leiht, die 

das Original melodisch wie harmonisch 

unangetastet lassen, 

ihm jedoch eine neue Nächtlichkeit 

beigeben. Regelrecht 

mystisch gibt sich das Rework 

Viktor Orri Árnasons, in dem 

elektronische Zeitlupenklangflächen 

und zögernde Streicher 

zu opulent-organischem Ambientchillout 

aufeinandertreffen. 

„Die größte Freude war mir 

dabei“, so der Isländer, „die 

Vibration des Vibraphons selbst 

zu manipulieren.“ Elektronische 

Downtempo-Loops, die 

zwar das Schlaginstrument 

überlagern, die verwunschene 

Atmosphäre dessen ungeachtet 

aufrechterhalten, bietet 

die Interpretation des jungen 

Stuttgarter Produzenten Brian 

Zajak aka Fejká, derweil es auf 

der geräuschkulissendurchsetzten 

Neufassung der Komponistin 

Midori Hirano mindestens 

ebenso minimalistisch zugeht 

wie auf dem Original – bis die 

stetige Steigerung einem schier 

den Verstand zu rauben droht. 

Soundscapes, die begehren, in 

komfortabler Liegeposition, an 

eine Decke voller rätselhafter 

Projektionen starrend, das eine 

oder andere Getränk konsumierend, 

genossen zu werden. 

Victoriah Szirmai 


Stefano Tamborrino 

Seacup 

tuk / Edel:Kultur 

W W W 

Es ist leicht, Wasser in einer 

Tasse aus dem Meer zu nehmen 

und es einfach Salzwasser zu 


Kolumne 

MANDEL IN AFRICA 

Ballaké Sissoko 

Djourou 

No Format / Indigo 

W W W W 

Toumani Diabaté & The London 

Symphony Orchestra 

Kôrôlén 

World Circuit / BMG 

W W W 

Christine Salem 

Mersi 

Blue Fanal / Broken Silence 

W W W W o 

Les Mamans du Congo & Rrobin 

Les Mamans du Congo & Rrobin 

Jarring Effects / Broken Silence 

W W W W 

Kasai Allstars 

Black Ants Always Fly 

Together 

Crammed / Indigo 

W W W W 

BLK JKS 

Abantu / Before Humans 

Glitterbeat / Indigo 

W W W 

Various Artists 

Edo Funk Explosion 

Analog Africa / Groove Attack 

W W W W W 

Ayuune Sule 

Putoo Karate Yire 

Makkum / RebelUp! / News 

W W W W 

Nahawa Doumbia 

Kanawa 

Awesome Tapes from Africa / Cargo 

W W W W 

Hailu Mergia & The Walias 

Band 

Tezeta 


W W W o 

DJ Black Low 

Uwami 


W W W o 

Kora-Koryphäen 

Balaké Sissoko und Toumani 

Diabaté stammen aus westafrikanischen 

Musikdynastien, 

ihr Instrument ist die vielsaitige 

Kora. Bereits 1999 kam es zu 

einem Gipfeltreffen der Meister 

auf dem Album New Ancient 

Strings, heute zählen sie zu den 

bekanntesten Musikern Malis. 

Auf seinem neuen Album ist 

Sissoko zunächst solo zu hören, 

im weiteren Verlauf kommt es 

zu einem Kora-Duett mit Sona 

Jobarteh aus Gambia. Zarte 

Pop-Songs entstanden mit u.a. 

Salif Keita und der französischen 

Sängerin Camille, mit dem Cellisten 

Vincent Segal, mit dem er bereits 

das Duett-Album Chamber 

Music aufgenommen hat, und 

Klarinettist Patrick Messina wird 

sogar über Berlioz’ Symphonie 

fantastique fantasiert. Noch inniger 

wird die Umarmung der Kora 

durch die europäische Kunstmusik 

bei Toumani Diabaté, der, so 

wie Pharoah Sanders, mit dem 

London Symphony Orchestra 

kooperierte. Dieses hat den von 

früheren World- Circuit-Produktionen 

bekannten Stücken wenig 

hinzuzufügen: Es verdoppelt, 

verplüscht oder paraphrasiert 

im Wechselspiel, was Diabaté 

spielt. Eigene Akzente, Kontrapunkte 

gar, wie beim Trio Sa Kali 

und dem Kronos Quartet fallen 

aus oder nicht auf. 

Starke Frauen 

Sängerin Christine Salem wurde 

auf der Insel Réunion geboren, 

und ihr Repertoire schöpft aus 

dem afrikanisch, asiatisch und 

europäisch geprägten Musikerbe 

der Insel. Berühmt ist 

mittlerweile der bis 1981 verbotene 

Maloya-Tanz mit seinen vertrackten 

6/8-Patterns, aber ihre 

(europäische) Band ist auch offen 

für geradlinigere Pop-Nummern. 

Mit Texten auf Kreol steht 

der tiefe, manchmal androgyne 

Gesang der Künstlerin mit einem 

Fuß im Blues. Rein elektronisch, 

aber ähnlich anschmiegsam und 

vielseitig ist das musikalische 

Flussbett, das der französische 

Producer Rrobin dem fünfköpfigen 

Vokalensemble Les Mamas 

du Congo ausgehoben hat. Das 

ist hoffentlich richtungsweisend 

für derartige von Fördermitteln 

befeuerte Projekte, bei denen 

EU-Producer sich gern nicht 

ganz uneitel selbst inszenieren. 

Bei den Mamas verrichten die 

Beats elegant ihre Arbeit und 

rücken die Stimmen von Gladys, 

Odette, Argéa, Jeanny und 

Nadège in den Fokus. 

Beliebte Bands 

Ihre Landsleute Kasai Allstars 

haben eigentlich keine Postproduktion 

nötig. Ihr Krawallfaktor, 

mit Percussions, Likembes, 

Gitarren und Daumen-Pianos, 

ist Legende. Das Großensemble 

entstand in der Hauptstadt Kinshasa, 

aber wie der Name sagt, 

kommen die Musiker ursprünglich 

aus der Provinz Kasai, entstammen 

fünf unterschiedlichen 

lokalen Bands und gleichzeitig 

fünf verschiedenen Ethnien. 

Lehrstück über die Kraft der Musik, 

aber vor allem: innovative, 

hypermotorische Straßentanzmusik 

mit Trance-Faktor. Ihren 

früheren Alben steht die aktuelle 

Veröffentlichung in nichts nach. 

Die südafrikanische Band BLK 

JKS hatte ihren Durchbruch 

vor zehn Jahren mit dem Album 

After Robots. Nachdem 2018 das 

Bandstudio ausgeräumt wurde, 

musste das neue Album aus der 

Erinnerung rekonstruiert werden, 

dabei schöpft das Quintett 

aus allen möglichen Töpfen 

und wechselt gern alle paar 

Takte den Gang, so dass, Jazz, 

Jive, Metal, Folk und Rap nur so 

durcheinanderpurzeln, um dann 

doch in einer großen Pop-Geste 

zusammenzufinden. 

Tolle Typen 

Einen Querschnitt über den 

Spätsiebziger-Sound in Benin 

City (das nicht in Benin liegt, 

sondern in der Edo-Region von 

Nigeria) gibt die Compilation Edo 

Funk Explosion – mit durchweg 

funky, zum Teil blubberndverspieltem, 

zum Teil politisch 

motiviertem Material von tollen 

Typen wie Victor Uwaifo, Osayomore 

Joseph und dem „Philosophen-König 

des Edo Funk“ (Liner 

Notes) Akaba Man. Ayuune Sule 

verbittersüßte das Jahr 2020 mit 

einer Corona-Single, nun legt 

der Kologo-Meister aus Ghanas 

Upper Region mit einem Album 

nach: Im Top Link Studio im 

Städtchen Bongo wurden dafür 

eine Percussion- und eine Gesangsgruppe 

und die Stargäste 

Prince Buju und Bonjo I von African 

Headcharge engagiert. Im 

Verein mit den unvermeidlichen 

MIDI-Beats schaffen sie eine effektive, 

durchlässige Begleitung 

für Ayuunes in Frafra gesungene 

positive Message. 

Tolle Tapes 

Nach dem Re-Release der 

frühen Werke von Nahawa 

Doumbia hat die Sängerin in 

Bamako neues Material eingespielt: 

eindringliche Songs über 

die Situation im heutigen Mali, 

begleitet von ihrer kamele ngoni, 

einem Ensemble mit traditionellen 

und modernen Instrumenten 

und in einem Fall: ihrer Tochter. 

Das Album spannt in acht Titeln 

den Bogen vom Storytelling bis 

zur groovenden Pop-Nummer. 

Fans des äthiopischen Tastenmannes 

Hailu Mergia dürfen 

sich über ein Re-Issue des 

ersten Albums seiner Walias 

Band freuen, das nun erstmals 

auf Vinyl erscheint. Die Live- 

Aufnahme aus ihrem Stamm- 

Club im Hilton Hotel von Addis, 

mit prominenter Gitarre und 

Hailu an der Orgel, ist zwar wie 

stets eine Freude, aber die hat 

ihren Preis: Das Grundrauschen 

des Cassettensounds überzieht 

die Grooves mit einer schwer zu 

ignorierenden Patina. Glasklar, 

weil volldigital ist dagegen der 

neue Housemusik-Sound aus 

Südafrika, heißt Amapiano, ist 

vom Tempo her relaxt und hat 

Fans nicht nur in Südafrika, sondern 

auch in Japan. Das Album 

von DJ Black Low ist eine Art 

Rough Guide in diesen Sound: 

Konsumentenfreundlicher next 

level shit mit massig Vocal-Features 

im Sprachmix aus SePedi, 

Setswana and isiZulu – ein für 

Nichteingeweihte nervtötendes 

Meisterwerk. 

Eric Mandel 


73

Kolumne 

Lee Daniels 

Billie Holiday vs. 

The United States 

Hulu 

W W W 

Oliver Murray 

Ronnie’s – The Life of Ronnie 

Scott 

BBC 

W W W W W 

Andrew Slater 

Echo in the Canyon 

NBC Universal Europe / You- 

Tube 

W W W W 

Vincent Moon / Ólafur Arnalds 

When We are Born 

Universal 

W W W o 

Pete Docter 

Soul 

Pixar, Disney / Amazon Prime 

W W W W 

LAUFBILDKONTROLLE 

In zeitgemäßer Optik wirft 

wieder mal ein Filmemacher ein 

geschichtsklitterndes Machwerk 

auf die Leinwand, das sich 

um eine Musiklegende dreht. 

Nach Miles, Django, Bolden, Ma 

Rainey ist es diesmal Billie Holiday, 

deren Leben an sich schon 

genug Filmstoff-Potenzial bietet: 

Rassismus, Behördenwillkür, sexuelle 

Gewalt, Drogen. Daraus 

machte das Team um Suzan- 

Lori Parks (Drehbuch), Johann 

Hari (Quellenbuch-Autor) und 

Lee Daniels (Regie) mit The 

United States vs. Billie Holiday 

einen Fiction-Film, der Wahrheit 

und Erfindung vermischt. Das 

darf er, dennoch ist ein Zuviel 

an Fiktion in einem Bio-Pic evtl. 

problematisch. Rote Fäden 

sind Billies Unerschütterlichkeit, 

„Strange Fruit“ weiter zu 

singen, sowie ihre (verbriefte?) 

Beziehung zu Jimmy Fletcher 

(Trevante Rhodes), einem 

hübschen Undercover-Ermittler, 

der den Dunstkreis der Sängerin 

infiltrieren und Beweise für 

ihren Drogenkonsum sammeln 

soll. Die Leistung von Andra Day 

als Holiday ist schauspielerisch 

beachtlich, gesanglich (eher 

nachahmend als neuerfindend) 

überschaubar bis gut. 

Die klassische Jazz-Doku ist 

noch nicht tot. Ronnie’s von 

Oliver Murray lebt vom legendären 

Londoner Ronnie Scott’s 

und dessen Gründer: Liebevoll 

wird die Geschichte eines 

Jazzenthusiasten und Musikers 

nachgezeichnet, dessen 

Leben (1927-1996) im Grunde 

der berühmte Club war. Größen 

des Jazz dankten ihm seit 1959 

für eine einzigartige Absteige 

im Herzen der britischen 

Szene, die, unter neuer Leitung, 

bis heute existiert. Dass man 

nebenbei nicht nur Stars wie 

Dizzy, Ella, Nina Simone, Sonny 

Rollins, Roland Kirk, Buddy 

Rich, Oscar Peterson in intimer 

Performance, sondern z.B. 

auch einen raren Auftritt von 

Van Morrisson mit Chet Baker 

erlebt, macht die Sache noch 

lohnender. Interviews mit Scott, 

Business-Partner Pete King und 

deren Familie sowie Georgie 

Fame, Quincy Jones, Rollins, 

Kyle Eastwood u.a. geben 

Einblick in das Leben des mit 

trockenem Humor ausgestatteten, 

aber auch zur Depression 

neigenden Scott. Demnächst 

hoffentlich im Kino. 

„Laurel Canyon war der Ort, 

wo man leben konnte, das 

Gegenstück zu der Plastikwelt 

aus dem Fernsehen,“ erzählt 

Jackson Browne über die 

Wiege des Westcoast-Sounds 

im Gespräch mit Bob Dylans 

Sohn Jakob. „Die Leute riefen 

dich nicht an, sie klopften und 

sagten ‚Hör dir das mal an!‘“, 

erzählt Graham Nash. Roger 

McGuinn hatte herausgefunden, 

dass die Beatles Folk-Akkorde 

verwendeten, um damit große 

Hits zu landen. „Das gab mir die 

Idee, einen alten Folksong zu 

nehmen und ihn mit Beatles- 

Beats aufzumotzen. Ich ging ins 

Dorf runter und spielte das im 

Café Playhouse, aber sie mochten 

die Mischung von Rock ‘n‘ 

Roll und Folk erst nicht.“ Dann 

gründete er mit Gene Clark 

und David Crosby die Byrds. 

„Dylan kam und hörte uns ‚Mr. 

Tambourine Man‘ mit E-Gitarren 

spielen“, erzählt Crosby. „Du 

konntest sehen, wie es rattert in 

seinem Kopf. Er wusste sofort: 

Das will er auch machen.“ 

Andrew Slaters Film Echo in 

the Canyon mit Jakob Dylan als 

Interviewer und Live-Interpret 

alter Westcoast-Perlen belebt 

alte Zeiten wieder und bringt 

neue Einsichten. Manko: Einige 

der Versionen von Byrds-, 

Peter, Paul & Mary- bis Beach 

Boys-Klassikern durch die neue 

Generation Fiona Apple, J. 

Dylan, Jade, Norah Jones u.a. 

bleiben blass gegenüber den 

Originalen. 

Hauptjob des französischen 

Filmemachers Mathieu „Vincent 

Moon“ Saura ist, die Welt mit 

Rucksack, Laptop und Kamera 

zu bereisen und zu zeigen, wie 

Film und Musik Menschen helfen, 

eigene und andere Kulturen 

mit neuen Augen zu sehen. Er 

hat Arcade Fire, Bon Iver, Sufi- 

Rituale sowie brasilianische Ureinwohner 

in Formaten wie The 

Take-Away Show und Collection 

Petites Planètes gefilmt. 2020 

traf er sich mit Ólafur Arnalds 

zur ästhetisierten musikalischen 

Sinnsuche When We are 

Born auf Island. Sowohl die zu 

sehenden Rituale als auch die 

Tanzchoreografie sind bewusst 

deutungsoffen gehalten. Für 

Arnalds-Fans und Liebhaber der 

Verbindung von Musik und Tanzperformance 

eine gelungene 

halbe Stunde und eine schöne 

visuelle Ergänzung einiger 

Songs des aktuellen Albums 

Some Kind of Peace. 

Selbstverwirklichung, Widerstreit 

von Körper, Geist und 

Seele, Konzepte von Vorbestimmung, 

Wiedergeburt, Diesseits/ 

Jenseits – das sind Stoffe, aus 

dem Soul, das neue Animations- 

Comedy-Drama von Disney/ 

Pixar, zusammengewebt ist. 

Animations-Nerd Pete Docter 

(Inside Out, Up) legte den Plot 

kurzerhand in den Lebensraum 

eines New Yorker Jazzmusikers, 

geprägt von Lebens-, Ego- und 

Existenzproblemen (in diesen 

Zeiten eine pikante Entscheidung?). 

In weicher Niedlichkeit 

der Figuren verschwimmen die 

Grenzen zwischen Jenseits, 

Vorher und Nachher manchmal 

bis zur Unkenntlichkeit und 

stehen dem irdischen Jazz-Ambiente, 

liebevoll nachgezeichnet 

in New York-Downtown- 

Ästhetik, gegenüber. Man sollte 

sich nicht allzu viele Gedanken 

machen, sich einfach von den 

Pixar-Experten gut unterhalten 

lassen – und unterdessen am 

Soundtrack erfreuen. Dieser 

wurde von Trent Reznor, Atticus 

Roos und Jon Batiste erstellt 

(Disney Records), ihnen standen 

Berater wie Herbie Hancock, 

Terri Lyne Carrington und Questlove 

zur Seite. Gastauftritte wie 

der von Cody Chesnutt sorgen 

für Highlights. 



nennen. Für Stefano Tamborrino 

bleibt es jedoch ein Teil des 

Meeres. Aufgrund einer, wie 

er es nennt, in der Sprache 

innewohnenden Gewalt, geht 

Tamborrino den Weg, sich 

weniger über die Musik auszudrücken. 

Der Klangköper, 

den er dafür wählt, setzt sich 

aus vier Streichern, Saxofon, 

Schlagzeug, Stimme, Eletronics 

und Lap-Steel-Girarre 

zusammen. Dominiert wird 

der Klang des Albums vom 

dichten und meist spannungsvollen 

Streichersound, dessen 

fließender Strom sich durch 

das Album zieht. Vor diesem 

Hintergrund bilden sich Melodien 

heraus, die verschiedene 

Assoziationen hervorrufen. 

Bei „Escher“ kann das die 

geordnete Welt des Barocks 

sein. Bei „Purple Wales“ 

eine langsam wogende See, 

die durch das gesungene 

Govinda eine hinduistische 

Färbung bekommt und an den 

Fluss des Lebens erinnert. 

Die Assoziation mit östlichem 

Gedankengut wird auch bei 

„Gamelan“ hörbar. Schwer 

und geerdet beginnt „Almost 

Jesus“ und lässt den Hörer 

nach einsetzenden dissonanten 

Streichern und im Verlauf 

des immer spannungsreicher 

werdenden Stücks die Frage 

stellen, wie erstrebenswert 

es ist, fast Jesus zu sein. Die 

Antwort findet sich vielleicht 

in den Liner Notes, in denen 

Stefano Tamborrino schreibt: 

„Jeder von uns trägt ein 

Gewicht auf seinen Schultern. 

Dies ist mein Versuch, meins 

mit fünf Freunden zu teilen.“ 

Thomas Bugert 


Trio Elf 

Fram 

Enja / Edel:Kultur 

W W W o 

Mit Fram legt das Trio Elf aus 

Regensburg, lässt man das 

Remix-Album RMXD außen 

vor, seinen siebten Longplayer 

vor. Zwar hat sich einiges 

getan seit ihrem selbstbetitelten 

Debüt von 2006 – insbesondere 

auf der Bass-Position 

ist Fluktuation angesagt: Nach 

Sven Faller und Peter Cudek 

komplettiert nun Sebastian 

Gieck das Terzett um die 

Gründungsmitglieder Gerwin 

Eisenhauer (dr) und Walter 

Lang (p). Dessen ungeachtet 

ist es seinem Projekt, Topoi 

elektronischer Tanzmusik in 

analoges, „handgemachtes“ 

Musizieren zu überführen, 

weitgehend treu geblieben. 

Nun ist diese Idee nicht ganz 

neu: Bereits Mitte der 90er 

spielte das Trio Red Snapper 

Drum’n’Bass-Nummern 

auf Jazz-Instrumentarium, 

insbesondere in der neueren 

britischen Jazz-Szene herrscht 

mit Bands wie GoGo Penguin 

oder Portico Quartet kein 

Mangel an Combos, die sich 

am Groove des Dancefloors 

orientieren. Mit dem Titelstück 

und „Addicted“ hat Fram zwei 

Tunes anzubieten, deren energetisch 

aufgeladene Rhythmik 

dezidiert die Bezeichnung 

Clubtrack einfordert. Metrisch 

getrieben, harmonisch aber 

oft nur dahintreibend, wird 

solcherart handgemachte 

Club-Gefälligkeit leider nur 

allzu selten aufgebrochen und 

hintertrieben (was angesichts 

der dem Ansatz innewohnenden 

regressiven Tendenzen 

geboten wäre). Interessanter 

sind die Mischformen und 

Balladen wie „What It Seems“, 

in denen insbesondere Eisenhauer 

als Spannungs erzeuger 

auffällt, der nie einfach 

begleitet, sondern proaktiv Zeit 

gestaltet. 

Harry Schmidt 


Michel Schroeder Ensemble 

Bunt 

Laika / Rough Trade 

W W W W 

Gerade erst gegründet und 

schon in die Krise hineingeschlittert: 

2018 bildete sich 

das Crossover-Ensemble des 

jungen deutschen Trompeters 

Michel Schroeder. Dass 

auch in der Krise etwas Gutes 

entstehen kann, zeigt das 

17-köpfige Ensemble nun auf 

dem Debüt-Album. Bunt ist 

nicht nur der Titel, sondern 

auch die Besetzung mit acht 

Bläsern, vier Streichern, einer 

Harfe, Klavier, Gitarre, Bass 

und Schlagzeug. Bunt wie die 

Besetzung ist auch die Stilistik 

des Ensembles, die von 

Swing über Free Jazz zu Latin 

und Klassik reicht, und auch 

Schroeders Kompositionen 

sind ausgesprochen vielfarbig 

und kontrastreich. Es gehört 

zu seinem Motto, dass die 

Musik ruhig innerhalb eines 

Stückes sehr unterschiedlich 

sein darf, was er auch auf 

der Platte umgesetzt hat. 

Sieben der acht Kompositionen 

stammen aus seiner 

Feder und reichen inhaltlich 

von der Auseinandersetzung 

mit dem Klimawandel in der 

Dystopie „Sommer 2068“ bis 

hin zur Hommage an Pippi 

Langstrumpf mit „Villa Kunterbunt“. 

Mit Duke Ellingtons 

„In a Sentimental Mood“, das 

sehr streicherlastig umgesetzt 

wird, will das Michel Schroeder 

Ensemble zeigen, wo es 

seine Wurzeln sieht. Schroeders 

Kompositionen sind 

melodielastig und im besten 

Sinne „bunt“ und versehen 

mit abwechslungsreichen Soli 

für seine Mitmusiker*innen, 

die diese fantasievoll und virtuos 

ausgestalten. Einen Wermutstropfen 

hat das Debüt- 

Album des Michel Schroeder 

allerdings leider doch: Allzu 

oft ist die Intonation nicht gut 

getroffen, was feinen Ohren 

einen Strich durch das Hörvergnügen 

machen könnte. 

Verena Düren 



75

Literatur 


Christoph Wagner leistet sich seit jeher den Luxus, sich seine 

Interviewpartner selbst auszusuchen. Sein Kriterium: Wer hat 

die besten historisch wahren oder fiktiven oder kreativen Geschichten 

zu erzählen? Dazwischen schreibt er kluge Essays, 

in denen er Odd-Phänomene wie Pop in Zeitlupe, Rockminimalismus 

oder Afro-Futurismus untersucht. Etliches werde „hier 

nicht zum ersten Mal publiziert“, schreibt er in der Einleitung, 

sondern sei „zuvor in Fachzeitschriften zu lesen oder in Ausschnitten 

im Rundfunk zu hören“ gewesen. Gelegentlich fasst 

er mehrere Interviews zu einem einzigen Text zusammen. 

Christoph Wagner ist unterwegs als Suchender nach 

einem „musikalischen Areal der Stilkreuzungen und Vermischungen“, 

also nach Orten, an denen es interessant wird, wo 

Dinge sich reiben. Als lakonischer Interviewer stellt er stets 

die richtigen Fragen, die für die Befragten Räume erweitern. Er 

sucht nach neuen Ufern, Exilanten, Wagnissen, er fragt nach 

ungewöhnlichen Fusionen (George Crumb), Biografien, die 

nicht gradlinig sind (Christian Wolff), sucht den Zusammenhang 

von Musik und politischem und sozialem Bewusstsein (George 

Lewis und die AACM ), von Musikmachen und dem Körper 

(Meredith Monk), sucht nach der Freiheit im Rhythmus (Jaki 

Liebezeit), forscht über Pioniere des Synthesizers und elektronischer 

Heimstudiokunst (Patrick Gleeson, Morton Subotnick). 

Er berichtet über einen eindringlichen Pianisten (Borah 

Bergman) und eine eigenwillige Pianistin (Marilyn Crispell), 

fühlt verschiedenen Vertretern des Afrofuturismus (John Tchicai, 

Marshall Allen) auf den Zahn und spricht mit David Harrington, 

dem Leiter des Kronos Quartet, über die Horizonterweiterung 

des Streichquartetts. Er hat sich beim Ethnojazz-Veteranen 

und Embryo-Gründer Christian Burchard über den deutschen 

Rock-Underground und alternative Label-Gründungen erkundigt 

und Robert Wyatt dazu interviewt, wie dieser Jazzrock, Popmusik 

und Songschreiben unter einen Hut bringt. 

Die Ansätze und das Zuhause der Befragten sind grundverschieden, 

und dennoch umspannen Wagners Geistertöne 

wie rote Fäden seine Leitfragen: Welche Verbindungen und 

Spannungen gehen zeitgenössische Neue Musik, Minimalismus, 

traditionelle Folkmusik und Popmusik ein? Welche Rolle 

spielen Improvisation, die Stimme, wo und wie begegnen sich 

Tradition und Kreation? Die Lektüre ist spannend, ungewöhnlich 

und bringt haufenweise neue Einsichten. 

Christoph Wagner: 

Autorïnnen 

Geistertöne – Gespräche über Musik jenseits der Genregrenzen. 

Schott Musik, Mainz 2020, 172 Seiten, 29,95 Euro 

Christoph 

Wagner 

Auf der Suche 

nach roten 

Fäden 

Für unseren Autor Christoph Wagner wurde der Traum eines 

jeden Musikjournalisten wahr: Interviews und Geschichten, die 

er in etlichen Jahren angesammelt hatte, in einem bebilderten 

Buch zu veröffentlichen. Da blieb nur die Qual der Wahl. 

Kilian Kemmer Trio 

… und Zarathustra tanzte 

GLM / Edel:Kultur 

W W W o 

Die ewige Wiederkehr des 

Immergleichen ist eine Vorstellung 

des Philosophen Friedrich 

Nietzsche, die man erschreckend 

finden kann. Oder 

faszinierend, wie der Pianist 

Kilian Kemmer, der übrigens 

in Philosophie promoviert. 

Sein Trio hat jedenfalls die 

Leichtigkeit, die es braucht, 

um die Gedanken zum Tanzen 

zu bringen. Bassist Masaki 

Kai hat einen schlanken Ton, 

der dieses Trio elegant und 

wendig immer wieder auf 

Touren bringt, und Schlagzeuger 

Matthias Gmelin ist ein 

Meister des Subtilen, der vor 

allem mit dem Besen immer 

wieder Nuancen zum Leuchten 

anregt. Eingestreut unter seine 

eigenen Songs hat Kemmer ein 

Stück von Federico Mompou 

– das in der Interpretation des 

Trios erfrischend bluesig klingt 

– und den unverwüstlichen 

Ellington-Klassiker „It Don’t 

Mean a Thing If It Ain’t Got 

That Swing“. …und Zarathustra 

tanzte ist eine schwelgerische 

Übung in Schönklang, 

bei dem man all den philosophischen 

Ballast, der Kemmers 

Stücken zugrunde liegt, auch 

einfach mal vergessen kann 

und einige Zeit „Auf den glückseligen 

Inseln“ verbringen 

kann, wo die Becken zischeln 

und das Klavier lyrisch, aber 

auch zupackend auf die Reise 

geht. Kurz vor Schluss wird 

man dann spätestens wieder 

an Nietzsche erinnert, denn 

dann spielt Kemmer allein 

am Klavier „Das Fragment an 

sich“, das Nietzsche selbst 

komponiert hat. 

Rolf Thomas 


Manfred Junker & 

Dani Solimine 

Guitarists Only 

mochermusic / MVH 

W W W W 

Die Archtop-Gitarristen Manfred 

Junker und Dani Solimine 

sind seit mehr als zehn Jahren 

ein eingespieltes Team. Zu 

hören sind zwei moderne Traditionalisten 

mit einem warmen 

Ton, die die Herausforderung 

der zweitkleinsten Besetzung 

auf sehr eigene Art bewältigen. 

Das liegt vor allem an den 

tiefen tragenden Basslines, die 

der Schweizer Dani Solimine 

mit dezenten Akkorden verbindet 

– seine 7-saitige Gitarre 

liefert mit ihrem erweiterten 

Tonumfang eine groovende Basis, 

über die Junker ausgiebig 

soliert. Abgesehen von zwei 

Originals der beiden Gitarristen 

werden hier nur Fremdkompositionen 

interpretiert, u.a. von 

Django Reinhardt, Jim Hall, 

Kenny Burrell, Wes Montgomery, 

Pat Metheny, Helmut 

Nieberle und Peter Bernstein. 

Und so geriet dieses Album zu 

einem ruhigen gitarristischen 

Trip durch die Jazz-Stile. Sehr 

gelungen ist die Umsetzung von 

Sacha Distels „La Belle Vie“, 

wo beide Gitarristen etwas 

cooler zur Sache gehen und ihr 

Spiel fast schon ein wenig an 

das Duo Attila Zoller & Jimmy 

Raney erinnert. Die Version 

des Django-Reinhardt-Titels 

„Manoir de mes rèves“ besitzt 

eine sehr eigene Atmosphäre, 

impressionistisch gefärbt 

erinnert sie an Billy Bauer. 

Ebenfalls gelungen sind die beiden 

Solo-Tracks der Gitarristen, 

wobei Manfred Junkers rein 

akustische Version von Bill Frisells 

„Ghost Town“ das Album 

countryesk ausklingen lässt. 

Lothar Trampert 


76 


Sarah Neufeld 

Detritus 

One Little Independent / Indigo 

W W W W 

Kann Musik der Soundtrack zum 

Hoffnungsschimmer sein? Es 

steht uns frei, Emotionen und 

Bilder in Musik zu finden. Die 

kanadische Violinistin Sarah 

Neufeld ist eine Musikerin mit 

außerordentlichen Fähigkeiten, 

musikalische Magie freizusetzen. 

Oberflächlich betrachtet 

könnte Musik wie auf ihrem 

Solo-Album Detritus geradewegs 

in Klischees von keltischen 

Lichtwesen führen oder 

am anderen Ende für kopflastige 

Begründungen repetitiver Musik 

herhalten, sie tut aber weder 

das eine noch das andere. Sie 

bleibt bei aller Wirksamkeit und 

Kraftentfaltung auf magische 

Weise neutral, und wenn sich 

Klischees aufdrängen sollten – 

so what! Erlebtes, Wieder-Erlebtes 

letztlich – Musik entsteht 

auch beim Hören. Neufelds 

sieben Stücke wirken ganzheitlich, 

es passiert einiges in Kopf, 

Bauch, Hirn, in den Zellen, du 

kannst auf einen zweckfreien 

Trip gehen; oder du wirfst vor 

dem Hören etwas ein und tanzt. 

Neufeld hatte mit der Tänzerin 

und Choreografin Peggy Baker 

zusammengearbeitet und entwickelte 

nun mit Unterstützung der 

Arcade-Fire- und Bell-Orchestre- 

Kollegen Pietro Amato, Stuart 

Bogie und Jeremy Gara ein 

Solo-Projekt, das mehr an ihre 

Duo-Zusammenarbeit mit dem 

Saxofon-Krafttier Colin Stetson 

erinnert. Beide wissen, wie man 

ins Innere von Klangerzeugern 

vordringt und sich mit ihnen 

vereint. Zum Nutzen der Musik. 

Sehr empfehlenswert, um in 

kopflastigen Zeiten ebendiesen 

freizukriegen. 


PDF in 4c 


Stefano di Battista 

Morricone Stories 

Warner 

W W W W o 

Wenn es jemanden gab, der 

mit Tönen zu malen verstand, 

dann war es Ennio Morricone. 

Keiner hat so radikal 

filmisch gedacht wie der im 

vergangenen Jahr verstorbene 

Großmeister der Kinomusik. 

Insofern zeugt es schon von 

einem gewissen Wagemut, 

sich Morricones Œuvre zu nähern, 

insbesondere als Jazzer: 

Immerhin sind die Werke bis 

auf den letzten Akzent durchdacht, 

jeder Ton besitzt seine 

feste Funktion und Position. 

Hier zu improvisieren, hieße, 

das Genie zu dekonstruieren. 

Doch genau das versuchen 

Saxofonist Stefano di Battista 

sowie seine Bandkollegen Fred 

Nardin (p), Daniele Sorrentino 

(b) und Andre Ceccarelli (dr) 

auf dem neuen Album Morricone 

Stories – und treffen damit 

erstaunlicherweise fast immer 

ins Schwarze. Mit überaus 

sensiblem Spiel legt di Battista 

die zentralen Motive in Morricones 

Kompositionen frei und 

umgarnt sie mit geschickten 

Soli, die neue Wege beschreiten, 

ohne sich zu weit von 

ihrem Ursprung zu entfernen. 

Dabei mag es helfen, dass der 

52-Jährige weitgehend auf 

die berühmtesten Melodien 

verzichtet hat und stattdessen 

tief im Repertoire des Maestros 

gegraben hat, um Raritäten wie 

„Verushka“ oder das Titelthema 

aus Cosa Avete Fatto a Solange 

ans Licht zu bringen. Eine 

gute Entscheidung, entsteht so 

doch wenigstens kein Konflikt 

mit dem kollektiven Gedächtnis 

unzähliger Cineasten. Dagegen

Kolumne 

Jon Batiste 

We Are 

Verve / Universal 

W W W W o 

Adrian Younge 

The American Negro 

Jazz Is Dead / Indigo 

W W W W o 

Mario Biondi 

Dare 

o-tone / Edel:Kultur 

W W W W 

Harry Connick Jr. 

Alone with My Faith 

Verve / Universal 

W W W W 

Imelda May 

11 Past the Hour 

Decca / Universal 

W W W o 

Lilly 

The Song Is You 

Double Moon / Bertus 

W W W W 

Britta Rex 

On Air on Water 

Attitude 

W W W W 

Piers Faccini 

Shapes of the Fall 

No Format / Indigo 

W W W W 

Ida Sand 

Do You Hear Me? 


W W W o 

Chantal Acda 

Saturday Moon 

Glitterhouse / Indigo 

W W W W 

Esther Rose 

How Many Times 

Full Time Hobby / 

Rough Trade 

W W W o 

SOUL VOICES 

Als multitalentierter Instrumentalist, 

Sänger und sozialer 

Aktivist hat Jon Batiste im 

Alter von 34 Jahren schon sehr 

viel erreicht. We Are ist eine 

Hymne auf sein bisheriges 

Leben und vordergründig eine 

Platte, auf der er die schwarze 

amerikanische Kultur und Musik 

zelebriert. Hier aber nicht nur 

die vergangenen Sounds und 

Künstler des Jazz und Soul feiert, 

sondern ebenso seine Verwurzelung 

im Pop und HipHop 

der letzten beiden Jahrzehnte 

belegt. Darüber hinaus zeigt die 

Platte eine Ebene der Einfachheit 

mit erhabener technischer 

Genialität, was sie zu einem 

Album macht, das gleichermaßen 

für seine Musikalität wie 

sein komplexes Songwriting 

bewundert werden kann. 

Adrian Younges The American 

Negro ist zutiefst persönlich 

und nimmt einen Blick auf den 

systemischen Rassismus in den 

Vereinigten Staaten. Younge 

komponierte, mischte dabei 

schwarze Musik wie Jazz, Soul, 

Funk und mehr, spielt jedes 

Instrument der Rhythmusgruppe 

selbst und schrieb die Texte. 

Der Gesang wird von Loren 

Oden, Chester Gregory und Sam 

Harmonix beigesteuert. Insgesamt 

gibt es 26 Stücke, 11 davon 

sind reine Spoken-Word-Nummern. 

Die Musik, eine Hommage 

an die Soul-Konzeptalben von 

Younges bevorzugter musikalischer 

Ära, einschließlich ihrer 

üppigen Orchestrierungen, 

erinnert stark an Marvin Gayes 

What’s Going On. 

In den dreizehn Songs von 

Dare gibt sich Mario Biondi als 

mondial agierender Künstler. So 

finden sich Nummern von Oscar 

Brown Jr., Herbie Hancock, 

Donny Hathaway, aber auch 

ein Stück wie „Strangers in 

the Night“ von Bert Kaempfert. 

Allerdings nicht in Art der Version 

von Sinatra, sondern eher, 

wie es James Brown einst interpretierte. 

Zwar tummelt sich der 

Sizilianer ebenfalls in Soul und 

Funk-Gefilden, doch ihm geht 

es dabei mehr um eine perfekt 

arrangierte edle Variante, die 

Biondis rau-sinnlich charismatisches 

Gesangsorgan bestens 

begleitet. 

Harry Connick Jr. beschreibt 

den Aufnahmeprozess von 

Alone With My Faith pathetisch 

als etwas, das ihm Frieden und 

Trost durch den lyrischen Inhalt 

der Songs gebracht hat. Seine 

Hörer wissen schon lange, 

dass Connick ein exzellenter 

Sänger und Pianist ist, aber nun 

zeigt sich die ganze Bandbreite 

seines musikalischen Talents, 

und das ist nicht weniger als 

beeindruckend. Zwar mag es 

sein erster Versuch in der Gospelmusik 

sein, aber vielleicht 

gerade darum ist es gewagt, 

frisch und abwechslungsreich. 

Mit 11 Past The Hour ist der irische 

Superstar des Neo-Blues 

und Rockabilly, die 46-jährige 

Imelda May, nach drei Jahren 

Pause zurück auf der Szene 

und kehrt zu dem zurück, was 

sie am besten kann: originelles, 

starkes Songwriting, auch mal 

mit Pop-Flair – immer mitreißend 

gesungen. Die dunkel 

dramatischen Untertöne der 

elf Lieder, die auch gern von 

schwingenden Orchestermelodien 

untermalt werden, passen 

perfekt zu Imeldas unverwechselbarer, 

aufpeitschend 

sinnlicher Stimme. 

Im Unterschied zu manch 

anderen Kolleg*innen zeigt die 

japanisch-dänische Sängerin 

Lilly mit dem Jazzstandards- 

Album The Song Is You, dass bei 

dieser sogenannten Königsdisziplin 

des Jazz Einfühlsamkeit 

und Überraschung die entscheidende 

Interpretationsebene 

sein müsste. Denn wenn sich 

ein Künstler an solche Songs 

wie „My Foolish Heart“ oder 

„That Old Feeling“ wagt, dann 

sollte er sie nicht altbekannt 

klingen lassen. Das gelingt Lilly, 

ihre Fassungen präsentieren 

sich immer mit einem persönlichen 

Ausdruck. 

Mit jedem Stück von On Air on 

Water gibt die Braunschweigerin 

Britta Rex einen Blick in 

ihre Seele frei, singt mal auf 

Deutsch, mal auf Englisch sehr 

persönliche, fast philosophisch 

angehauchte poetische Texte. 

Dazu spielt ihr Jazztrio grandios 

antreibend, aber mitunter auch 

zurückhaltend zart, was Rex 

Freiräume ermöglicht, um mit 

ihren Scat-Fähigkeiten zu glänzen. 

Eigenwillig schön! 

Maghrebinisch eingefärbt von 

den Nordafrikanern Karim Ziad 

und Malik, baut der angloitalienische 

Multiinstrumentalist 

und Sänger Piers Faccini 

auf Shapes of the Fall einen 

Spannungsbogen aus Berberrhythmen 

und europäischem 

Songwriting. Wenn Ben Harper 

sich beim Stück „All Aboard“, 

ein Lied über die Sintflut, 

dazugesellt, dann ist auch der 

Desert-Blues ganz nah. 

Zehn Eigenkompositionen singt 

Ida Sand, die schwedische 

Queen des nordischen Soul, auf 

Do You Hear Me?. Wie dieser 

Titel es vermuten lässt, gibt sie 

hier Melodien zum Besten, die 

ihr aus dem Herzen kommen, 

sehr persönlich gemeint sind. 

Es ist ein beinah klassisches 

Singer/Songwriteralbum, dockt 

beim Soul an, klingt aber auch 

mal widerborstig, als würde 

Tom Waits ihr über die Schulter 

blicken. Prickelnd! 

Eigentlich war es Chantal 

Acda’s Plan, Saturday Moon 

ganz alleine aufzunehmen. Aber 

dann fand sie heraus, dass sie 

andere Menschen braucht, um 

ihre Musik zu machen. Und so 

wurde dieses Album, mit Hilfe 

von u.a. Bill Frisell und Mimi 

Parker, zu einem kleinen Juwel. 

Denn all ihre Kollaborationen 

ergaben erhabene balladeske 

Kompositionen voller Magie 

und Wärme. Für Freunde von 

Americana und Folk-Pop. 

Esther Roses How Many Times 

wurde von ihrer Band komplett 

live und in einem Take im Studio 

eingespielt. Mit ihren sanften 

Gesangsmelodien, in denen 

sie herzzerreißende Texte wie 

„how many times will you break 

my heart“ singt, und einer 

reichhaltigen organischen Instrumentierung, 

inklusive Fiddle 

und Lap Steel, verströmen die 

verspielt arrangierten Songs, 

die irgendwo zwischen Hank 

Williams und Rilo Kiley angesiedelt 

sind, ganz viel positive 

Stimmung. 



wirken der Swing bei „Gabriel’s 

Oboe“ und – noch schlimmer 

– bei „The Good, the Bad and 

the Ugly“ wie Fremdkörper. 

Den Segen Morricones scheint 

di Battista dennoch zu haben, 

hat dieser ihm doch immerhin 

das bislang unveröffentlichte 

„Flora“ geschenkt und die 

Morricone Stories somit um 

eine Weltpremiere bereichert. 

Thomas Kölsch 


Ack van Rooyen 

90 

Jazzline / Broken Silence 

W W W W 

Wie vor zehn Jahren, als 

anlässlich Ack van Rooyens 

80. Geburtstag Celebration 

erschien, hat der niederländische 

Flügelhornist und 

Trompeter wieder ein Album 

mit Paul Heller aufgenommen, 

um auch den nächsten 

runden Jahrestag im Kreis des 

Saxofonisten und weiterer 

Freunde und Weggefährten 

zu begehen. Herbert Nuss (p) 

und Hans Dekker (dr) waren 

bereits auf Celebration mit von 

der Partie, Peter Tiehuis (g) 

gehörte, wie der Jubilar selbst, 

sowohl Peter Herbolzheimers 

Rhythm Combination & Brass 

als auch den Skymasters an, 

Ingmar Heller (b) wiederum 

hat an zwei Alben mitgewirkt, 

die van Rooyen mit seinem 

Bruder aufgenommen hat. 

Freilich handelt es sich bei 

den Stücken des schlicht und 

einfach 90 betitelten Albums 

um Straight-Ahead-Jazz. Nur: 

Wann hört man Nummern wie 

„All of a Sudden My Heart 

Sings“ so gelöst und konzise 

auf den Punkt gebracht? 

Nahezu jede ist eng mit van 

Rooyens musikalischer Biografie 

verknüpft: „Canter No. 

2“ stammt aus der Feder von 

Kenny Wheeler, mit dem er im 

United Jazz + Rock Ensemble 

spielte. Edu Lobos „Pra Dizer 

Adeus“ war in Herbolzheimers 

Bigband ein Standard 

mit eingebautem Ack-van- 

Rooyen-Feature, „The Things 

We Did Last Summer“ seine 

erste Schallplattenaufnahme. 

„Ich habe von all den Leuten, 

mit denen ich gespielt habe 

und spiele, so viel gelernt. 

Nicht nur über Musik, sondern 

auch über das Leben“, sagt 

van Rooyen: „Ein schöner 

Lehrgang. Ich habe Glück 

gehabt.“ In seinem warmen 

positiven Ton hat diese Stimme 

der Dankbarkeit – für die 

Menschen, für das Leben – 

seit nunmehr sieben Dekaden 

Gestalt angenommen. Möge 

sie noch lang zu hören sein. 

Harry Schmidt 


Nicole Johänntgen 

Henry III 

Selmabird Records 

W W W W 

Die Saxofonistin Nicole Johänntgen 

hat es wieder getan, 

schon der Titel des neuen 

Albums weist darauf hin, dass 

ihre wilde Quartettbesetzung 

mittlerweile zum dritten Mal 

am Start ist. Zusammen mit 

ihren drei Musikern aus New 

Orleans, Jon Ramm an der Posaune, 

Steven Glenn am Sousaphon 

und Paul Thibodeaux 

am Schlagzeug brennt die in 

der Schweiz lebende deutsche 

Saxofonistin ein wahres 

Feuerwerk an eingängigen 

Melodien, vorwärtstreibenden 

Grooves und brillanten Solospots 

ab. Mal ist man („Life“) 

an Maceo Parkers Soul-Power 

erinnert, mal an Secondline 

New Orleans Beats, mal an 

Discogrooves. Johänntgen 

hat sich eine ziemlich gute 


Kolumne 

Kurt Edelhagen & His Orchestra 

The Unreleased WDR Jazz 

Recordings 1957 – 1974 

Jazzline Classics / Broken Silence 

W W W W 

Ahmad Jamal 

Naked City Theme 

American Jazz Classics / In-Akustik 

W W W W o 

The Dave Pike Quartet 

feat. Bill Evans 

Pike´s Peak 

WaxTime Records / In-Akustik 

W W W W o 

Dizzy Gillespie 

At Newport 

WaxTime Records / In-Akustik 

W W W W 

„Während die prompte Rückkehr 

eines Symphonieorchesters 

als herausragender Versuch 

gewertet wird, die Kultur in 

Nachkriegsdeutschland wiederzubeleben, 

ist die Gründung einer 

Radio Bigband eigentlich viel 

bemerkenswerter“, schreibt die 

britische Virgin Encyclopedia of 

Jazz. Die Berliner Symphoniker 

hätten nämlich ununterbrochen 

existiert, während jazzorientierte 

Musik im untergegangenen 

Nazi-Reich unterdrückt wurde. 

Das über tausend Seiten starke 

Lexikon beginnt mit diesem 

Gedanken die Eintragung über 

Kurt Edelhagen – „one of the first 

post-war European bandleaders to 

bring in foreign jazz musicians“. 

Schon 1946 hatte der im 

westfälischen Herne geborene 

Pianist und Arrangeur mit 

großen Besetzungen in Clubs der 

Alliierten gespielt; dann leitete er 

bis in die 1970er Jahre herausragende 

Bigbands. „Das Orchester 

Edelhagen war in Amerika 

schon früh ein Begriff“, wird der 

langjährige Star-Posaunist Jiggs 

Whigham in den Liner Notes zu 

der Drei-CD-Box zitiert, „eine 

Jazzband in Deutschland, die 

gegroovt und geswingt hat“. 

Der langjährige WDR-Jazzchef 

Bernd Hoffmann holte aus 

den „Katakomben des Kölner 

Funkhauses“ Aufnahmen von 

1957 bis 1974 und dokumentiert 

die „Klanggeschichte“ der Band 

beim WDR mit ihren „Reaktionen 

auf stilistische Veränderungen 

in den Zeiten von Cool Jazz, 

Hardbop und Free Jazz“. Dabei 

versuchte Edelhagen stets einen 

eigenen Klang zu finden. Um sich 

vom klassischen amerikanischen 

Bigband-Sound abzusetzen, ließ 

er Europäer wie den niederländischen 

Trompeter Rob Pronk und 

den belgischen Pianisten Francis 

Boland Arrangements schreiben 

und vermied ein Repertoire aus 

gängigen US-Titeln. So sind 

denn abgesehen von einigen 

Klassikern wie „Sweet Georgia 

Brown“ und Nat Adderleys 

„Work Song“ die 40 Titel auf 

den drei Platten überwiegend 

Kompositionen von Mitgliedern 

der Band. Darunter befinden sich 

anspruchsvoll avantgardistische 

Stücke wie „Beach“ des Bassisten 

Peter Trunk. Kein Wunder, 

dass Edelhagens Orchester nicht 

überall gut ankam. „Die Band ist 

zu laut“, beschwerten sich Leute 

beim Kanzlerball in Bonn. Daran 

erinnerte sich Saxofonist Wilton 

Gaynair. Doch bei der Eröffnung 

der Olympischen Spiele 1972 in 

München bejubelten Massen 

die von der Bigband intonierte 

Einmarschmusik der Nationen. 

In der Tradition der deutschen 

Rundfunktanzorchester spielte 

die Band auch Tanzmusik für 

Schallplatten und Filmmusiken 

ein und war gelegentlich in TV- 

Shows zu sehen. Aber Edelhagen 

REISSUE 

WONDERLAND 

Truppe zusammengesucht, 

bei der man merkt, dass alle 

unheimlich gerne miteinander 

musizieren und musikalisch 

zusammengewachsen sind. 

Mein Favorit ist der stampfende 

„Discoland“-Sound mit 

Schwerstarbeit für das Sousaphon, 

das die discotypischen 

Oktavbassfiguren durchmetern 

darf. Darunter treibt der 

Drummer Paul Thibodeaux die 

Band an, während sich Altsaxofon 

und Posaune – und das 

beide großartig – solistisch 

austoben. Keine Sekunde hat 

der Zuhörer das Gefühl, dass 

ein Akkordinstrument fehlen 

könnte. „Sweet and Honest“ 

mit einem Solo-Saxofon-Einstieg, 

das sich zu einer extrem 

bluesigen Nummer entwickelt, 

ist ein weiteres Highlight. Die 

Live-Aufnahme aus dem Pforzheimer 

Domicile Club von 2018 

fängt sowohl das musikalische 

Spektrum des Quartetts als 

auch die begeisterte Reaktion 

des Publikums bestens ein. 

Füßewippen garantiert! 

Angela Ballhorn 


David Helbock 

The New Cool 


W W W W 

Mystisch mit offenen Sounds 

beginnt The New Cool und 

schafft damit eine Klangkulisse, 

die an Filmmusik erinnert. 

Helbock widmet sich jedoch 

dieses Mal nicht, wie bei 

seinem letzten Album, einem 

Filmkomponisten. Der Pianist 

erschafft vielmehr mit Arne 

Jansen an der Gitarre und 

Sebastian Studnitzky Klanglandschaften, 

denen eigene 

Kompositionen und Standards 

zugrunde liegen. So 

entwickelt sich auch aus der 

Klanglandschaft des Openers 

der Standard „I Remember 

Clifford“. The New Cool 

knüpft an eine Klangästhetik 

der 50er Jahre an und setzt 

diese mit den gestalterischen 

Mitteln des Jahres 2021 um. 

Es ist eine Gestaltung, in 

der die Musiker des Trios 

die Soundmöglichkeiten der 

Instrumente ausloten und 

musikalisch zu einem in sich 

geschlossenen Bandsound 

bringen. Sie haben es nicht 

nötig, technische Virtuosität 

zur Schau zu stellen, die technische 

Versiertheit verschafft 

ihnen vielmehr die Sicherheit, 

ihre musikalischen Gedanken 

langsam zu entwickeln. Oft ist 

die Musik auf das Wesentliche 

reduziert und entwickelt 

dadurch ihre eigene Ästhetik. 

Coolness trifft auf Minimalismus. 

Dieser Minimalismus 

wird besonders bei „Time 

After Time“ deutlich. Die 

Komposition, die zunächst von 

Cindy Lauper bekannt wurde, 

bevor Miles Daves sie zu 

einem Jazzstandard machte, 

ist in dieser Version mehr 

als eine Coverversion. Sie ist 

eine eigene zeitgenössische 

Klangwelt und steht damit 

vielleicht auch stellvertretend 

für das ganze Album. 

Thomas Bugert 


Josefine Cronholm / Kirk Knuffke 

/ Thommy Andersson 

Near the Pond 

Stunt / In-Akustik 

W W W W 

Wenn sich improvisierende 

Musiker mit traditionellen 


verstand sich primär als Jazz- 

Kapellmeister und engagierte 

aus dieser Sicht seine Bandmitglieder. 

„Die meisten Musiker werden 

beipflichten, dass die Jazz-Erfahrung 

ihren Höhepunkt erlebt, 

wenn vor Menschen aus Fleisch 

und Blut gespielt wird.“ Die auf 

einen Live-Auftritt bezogene Binsenweisheit 

aus Liner Notes von 

vor über fünfzig Jahren formuliert 

die millionenfache Wahrnehmung 

in heutigen Corona-Zeiten. 

Offenbar fühlten sich Ahmad 

Jamal und sein Trio im Club Jazz 

Workshop in San Francisco 

inspirierter als in irgendwelchen 

Studios. Mit dem Bassisten Jamil 

Nasser und dem Drummer Chuck 

Lampkin spielte der Pianist 1964 

Naked City Theme ein. Ergänzt 

werden sechs Titel aus dem Club 

durch vier Stücke von der Platte 

Extensions, die ein Jahr später 

in New York aufgenommen 

wurde. Das Album demonstriert 

perfekt, was Jamals Spielweise 

ausmacht: Ausschweifender 

Ornamentik folgen sparsame Sequenzen 

mit pointierten Pausen. 

Den beim Publikum erfolgreichen 

Jamal haben etliche Kritiker 

als technisch brillanten, Effekte 

haschenden Cocktail-Pianisten 

abgewertet. Aber wie Miles 

Davis verehrten viele Musiker 

den Pianisten, der vor seinem 

Übertritt zum Islam Fritz Jones 

hieß, als Genie. Ein Höhepunkt 

des Albums ist Jamals Komposition 

„One for Miles“. Das 

neuneinhalb Minuten lange 

Stück enthält packende Bassund 

Schlagzeugsoli. 

In der deutschsprachigen Jazz- 

Literatur findet sich kein Hinweis 

auf eine Zusammenarbeit des 

Vibrafonisten Dave Pike mit Bill 

Evans. Dabei hat der Amerikaner 

vor seiner erfolgreichen Zeit 

mit seinem Dave Pike Set in 

Deutschland eine LP mit dem 

genialen Pianisten als Sideman 

eingespielt. Das geschah im Februar 

1962, nachdem Evans seinen 

Bassisten Scott LaFaro durch 

einen Unfall verloren hatte und 

damit sein Trio zerbrochen war. 

Auf Pike´s Peak sind der Pianist 

und der Vibrafonist mit Herbie 

Lewis (b) und dem Schlagzeuger 

Walter Perkins zu hören. Das 

Quartett spielt unter anderem 

den Ohrwurm „Besame Mucho“ 

und „Why Not“, eine Komposition 

von Pike im modalen Modus 

als Antwort auf Miles Davis‘ „So 

What“. „The music is fairly spontaneous. 

An excellent straightahead 

set“, urteilte ALLMUSIC 

und gab der Platte vier Sterne. 

Mit fünf Sternen bewertete 

ALLMUSIC das Album Dizzy 

Gillespie at Newport, produziert 

von Norman Granz beim Newport 

Jazz Festival am 6. Juli 1957. „He 

is playing better these days than 

he has at any other point in his 

career“, schrieb der Kritiker Bill 

Simon. Gillespies Bigband mit 

Stars wie Lee Morgan, Benny 

Golson, Al Gray und Winton Kelly 

spielte phantastisch. Sie war 

schon seit anderthalb Jahren 

zusammen und hatte im Auftrag 

der US-Regierung etliche Länder 

in aller Welt besucht. Einen 

berührenden Kontrast zu den 

überwiegend schnellen Stücken 

bildet die von Golson komponierte 

und für die Bigband arrangierte 

Ballade „I Remember Clifford“. 

Hans Hielscher 

Roots beschäftigen, wird es 

immer interessant. Besonders 

unbefangenen Zugang dazu 

hat man jenseits des Atlantik, 

aber auch in Skandinavien. 

Interkontinental entstand mit 

dem amerikanischen Kornettisten 

Kirk Knuffke und zwei 

schwedischen Musiker*innen 

Near the Pond. Vehikel dafür 

sind Lyrics in Gedichtform, 

drei davon aus der Feder von 

Carl Sandburg, Sohn schwedischer 

US-Einwanderer, Dichter, 

Folk-Music-Sammler und 

Gitarrist. Sängerin Josefine 

Cronholm, von Haus aus eher 

Wordless Improviser, scheint 

fasziniert von Themen, die 

Folkmusiker schon immer am 

meisten interessiert haben: 

Geschichten von Aus- und 

Einwanderern, Landbewohnern, 

der Arbeiterklasse. Dazu 

passt, dass der Avantgarde- 

Jazzer Knuffke sich selbst 

eigentlich als Roots-Musiker 

sieht: „Wir verstehen uns als 

Folkmusiker. Ich liebe Jazz, 

aber als ich aufwuchs, interessierte 

ich mich mehr für 

den Blues.“ Der schwedische 

Bassist Thommy Andersson 

findet ohnehin „Blues- 

Elemente auch in schwedischer 

Folkmusik“ und steuert 

entsprechend erdige Basslinien 

bei. Mit diesen Zutaten 

entstanden in frei improvisierter 

Atmosphäre bluesige 

Songs mit Worksong-Charakter 

sowie Folk-Balladen, zu 

deren Authentizität zeitweise 

noch der American-Roots- 

Spezialist Kenny Wollesen am 

Schlagzeug beiträgt. Knuffke 

harmonisiert hin und wieder 

Cronholms Leadvocals mit 

unprätentiöser Instrumentalisten-Stimme, 

und sein Kornett 

durchzieht wie ein roter Faden 

das gesamte Album, dem 

Thema angemessen in bluesigen 

Skalen improvisierend. 

Manchmal werden Erinnerungen 

an Don Cherry wach. 




Tonspuren 

Abe Rábade Trio 

Sorte 

Karonte / Galileo 

W W W W 

Ganz allein startet das Klavier 

im lyrischen Monolog. 

Man hört sofort die musikalische 

und menschliche 

Reife in Abe Rábades Spiel. 

Sowohl als Leader, aber auch 

als Sideman gehört der aus 

Galizien stammende Pianist 

schon seit zwei Jahrzehnten 

zur europäischen Szene. Mit 

Drummer Bruno Pedroso und 

Bassist Pablo Martín Caminero 

unterhält der 43-jährige 

ein souverän eingespieltes 

Trio. Stimmungsvolle atmosphärische 

Klangbilder, die 

Rábades reichhaltige Verwurzelung 

in der europäischen 

Klavier-Tradition erkennen 

lassen, wechseln sich ab mit 

fast rockigen Rhythmen. Das 

führt zu abwechslungsreichen 

Kompositionen. Stilvoll 

lässt er Raum zwischen 

den Noten in der Ballade 

„Desencanto“. „Travesia“ 

hingegen ist ein kraftvoll 

angetriebener Jazz-Walzer, 

der so richtig rund wird durch 

Pablo Martín Camineros 

gestrichenes Kontrabass- 

Solo, der sich insgesamt als 

kommunikativer Gegenpart 

zu Rábade profiliert. Besonders 

in „Amencida“ bekommt 

Camineros viel solistischen 

Raum. Wem das Album 

vielleicht streckenweise zu 

melancholisch klingt, der 

dürfte von den funkigen 

Stücken zum Ende hin angenehm 

überrascht werden. Ob 

schwermütig oder fröhlichunbekümmert 

– Rábade ist 

ein vielseitiger Komponist 

und Instrumentalist. 

Andreas Schneider 


Thumbscrew 

Never is Enough 

Cuneiform / Broken Silence 

W W W W 

Thumbscrew (=Daumenschraube) 

nennt sich das Trio von 

Tomas Fujiwara (dr), Mary Halvorson 

(e-g) und Michael Formanek 

(d-b, e-b), das sich als 

demokratisches Kollektiv ohne 

Bandleader versteht. Jedes 

Mitglied hat denselben Anteil 

an der Musik, steuert dieselbe 

Anzahl von Kompositionen zum 

Repertoire bei und agiert als 

Solist und Begleiter zu gleichen 

Teilen. Das Eröffnungsstück 

gibt gleich die Richtung vor, 

wobei eine transparente Musik 

entworfen wird, die atmet und 

pulsiert, von Umsicht, Gelassenheit 

und Einfühlungsvermögen 

getragen wird und selbst 

versonnene Balladenklänge 

nicht scheut. Gelegentlich werden 

als Kontrast energischere 

Töne angeschlagen, die jedoch 

immer diszipliniert und proportioniert 

wirken und sich überzeugend 

in die Gesamtatmosphäre 

einpassen. Thumbscrew 

rufen die Gruppe Gateway in 

Erinnerung, das legendäre Trio 

von John Abercrombie, Dave 

Holland und Jack DeJohnette, 

das ab der zweiten Hälfte der 

siebziger Jahre mit ähnlich 

luftigen Klängen bewies, 

dass ein Gitarrentrio nicht 

immer nur die Muskeln spielen 

lassen muss. Thumbscrew 

entwickeln diesen Ansatz 

weiter, tragen ihn manchmal 

in psychedelische Sphären 

oder in Progrock-Terrain, ohne 

dabei die Feinfühligkeit über 

Bord zu werfen. Immer wieder 

kommen auch experimentelle 

Klänge ins Spiel, die allerdings 

nie zerfasern oder zerspielt 

werden, sondern den kompositorischen 

Impuls aufnehmen 

und weitertragen. 

Christoph Wagner 


Frank Wingold 

To Be Frank 

Berthold / Cargo 

W W W W o 

Die 7-saitige Gitarre, die, 

obwohl vergleichsweise unüblich, 

auf eine ca. 150-jährige 

Geschichte zurückblicken 

kann, findet im Kölner Gitarristen 

Frank Wingold und seinem 

aktuellen Solo-Werk einen 

würdigen zeitgenössischen 

Repräsentanten. Durch die 

zusätzliche (siebte) Basssaite 

ergeben sich weitere Klangräume, 

die z.B. dem Bassspiel 

neue Möglichkeiten eröffnen. 

Auf To Be Frank – augenzwinkerndes 

Wortspiel mit dem 

eigenen Namen – nimmt sich 

Wingold die Freiheit, nur auf 

sich gestellt die Möglichkeiten 

des akustischen/elektrischen 

7-Saiters instrumentell wie 

musikalisch ohne Overdubs in 

zwei Themen-Blöcken auszuloten: 

Im ersten Block gibt’s 

9 Standards und eine Eigenkomposition, 

im zweiten sechs 

Improvisationen. Wingold 

verbleibt im Rahmen bekannter 

Stile, ohne klangexperimentell 

abzudriften. Die Songs werden 

am Thema orientiert mit 

unterschiedlichen spieltechnischen 

wie musikalischen 

Mitteln beleuchtet, gedreht 

und gewendet, den thematischen 

Fokus immer im Blick. 

Der Reiz liegt darin, wie er den 

unterschiedlichen Songs mit 

der nötigen Technik im Sinne 

eines orchestralen Ansatzes 

harmonisch, rhythmisch und 

improvisatorisch gerecht 

wird. Diese kommen trotz ihrer 

arrangierten Winkeligkeit mit 

Flow und Groove zur Entfaltung. 

„Joshua“ etwa, berühmt 

durch das zweite Miles-Davis- 

Quintett, zeigt, wie die Band 

zur Ein-Mann-Combo mit Drive 

wird. Gitarrenkunst jenseits 

irgendwelcher Frickelei. 

Andreas Ebert 


This Is Pan 

Animal Heart 

Anuk 

W W W W 

Der Schweizer Saxofonist 

Matthias Kohler komponiert 

gerne kontrapunktisch. Konsequenterweise 

verzichtet er in 

seinem Quintett auf ein Klavier 

und setzt stattdessen auf die 

Multilinearität der Einzelstimmen. 

Seine kompetenten 

Mitstreiter heißen Lukas Thoeni 

(tp), Dave Gisler (e-g), André 

Pousaz (e-b) und Gregor Hilbe 

(dr). Kohlers Themen klingen 

häufig abstrakt und zerklüftet, 

die Rhythmen raffiniert, aber 

kraftvoll. Alle Solisten starten 

durch zu fantasievollen, tonal 

flexiblen Exkursionen. Überhaupt 

ist dieses dritte Album 

der Formation This Is Pan eine 

starke Gruppenleistung. Bassist 

Pousaz war auch für den Mix 

zuständig, Drummer Hilbe 

steuert zudem Elektronik bei. 

Im letzten Stück wurden bei der 

Postproduktion sogar noch ein 

paar (wortlose) Gesangsspuren 

ergänzt (Sissel Vera Pettersen). 

Einige seiner Stücke hat Bandleader 

Kohler diesmal übrigens 

Tieren gewidmet – Luchs, 

Wildschwein, Hirsch, Rotmilan 

und dem Pferd –, daher der Albumtitel. 

„Ein Animal Heart erlaubt 

es uns, unsere Gefühle zu 

zeigen und wirklich füreinander 

da zu sein“, sagt der Saxofonist. 

Die Musik seines Quintetts 

zeigt, was er meint. Trotz aller 

Architektur hat dieses Album 

viel Wärme, manchmal sogar 

Hitze. Tierisch gut. 

Hans-Jürgen Schaal 



Kolumne 

Schramm Experience 

URAN 

VinDig 

W W W W W 

First Aid Kit 

Who by Fire – Live Tribute to 

Leonard Cohen 

Columbia / Sony 

W W W W 

Nick Cave & Warren Ellis 

Carnage 

Goliath / AWAL 

W W W 

„Wie zur Hölle“, schreibt die 

verschwisterte Seele, „soll man 

da noch arbeiten? Der Tag hat 

sich erledigt!“ Und auch ich 

musste feststellen, dass es sich 

an jenem Tag ausgearbeitet hatte. 

Dem Tag, der mir URAN der 

Leipziger Schramm Experience 

in die Timeline spülte, und zwar 

in Form des verstörungsstarren 

Videos zu „Pубин“ („Rubin“). 

Im sozialen Netz geteilt, Freundeskreis 

lahmgelegt. „Geht 

das Hypnotische irgendwann 

auch wieder weg?“, fragt einer. 

„Nope“, antworte ich. „Das 

haben Zeitlupenbassklarinettenschleifen 

so an sich. Die 

fräsen sich ins Hirn.“ Die Folge: 

Zermürbung, ja: Zersetzung bis 

hin zur Willenlosigkeit. Allein 

das in einen schrägen Balkanbegräbniskapellenbläsersatz 

eingebettete, ebenso enervierende 

wie sinnliche Pizzicato 

auf „Phoolan Devi“, das sich 

nicht nur ins Hirn, sondern 

überallhin bohrt! Und überhaupt 

all dieses Abgründig-Repetitive, 

Untermalung zu einem nicht 

eben jugendfreien Ritual, gegen 

das sich der ganze Eyes Wide 

Shut-Kram ausnimmt wie der 

leicht langweilende Aufguss für 

die armen Verwandten. Oder die 

dank tiefergelegter Streicher 

perfekt inszenierte Nachtmahr 

auf „Yung Bonaparte“! Selbst 

die Anklänge an eine unschuldig-osteuropäische 

Folkmelodie 

im Closer lassen das Dark- 

Ambient-Herz derart hoch 

schlagen, dass es wünschte, 

einem Bildhauer zu gehören, 

scheint URAN doch der perfekte 

Soundtrack für Situationen, 

in denen sich ästhetisches 

Schaffen mit körperlicher Arbeit 

paart: hochinspirierend und 

komplett überfordernd zugleich. 

Diejenigen, die schon ob der 

zunehmenden Eskalation des 

„Bolero“ der Ohnmacht nahe

JAZZTHETIK 300 – Mai / Juni 2021

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