JAZZTHETIK 283

07/08 

18 

Juli/Aug. 32. Jahr 

Ausgabe 283 

8,20 Euro 8,82 CHF H6139E 

STEFANO BOLLANI 

DE-PHAZZ 

CHARLES LLOYD 

KATHRIN-PREIS 

THOMAS QUASTHOFF 

TOM IBARRA 

ROLF KÜHN 

KATHRIN PECHLOF 

CECIL TAYLOR 

NIGEL KENNEDY 

HOLGER CZUKAY 

MARC RIBOT CERAMIC DOG 

E.S.T. 

BRIAN ENO 

STEVE TIBBETTS

Inhalt 07/08 

© Carl Hyde 

100 

52 

© Liisa Taul 

8 Alt, aber neu. Trompeter Martti Vesala 

führt große Traditionen fort. Jan Kobrzinowskis 

Blick zurück. 

10 Unbestuhlt. In London spielt die junge 

schwarze Szene Jazz für Clubgeher. 

Christoph Wagner haut’s aus dem Sessel. 

12 Nicht die reine Lehre. Florian Pellissier 

und die vielen Hochzeiten. Rolf Thomas 

fängt den Brautstrauß. 

14 Perfekte Synthese. Paulo Morello, zwei 

Gitarren und ein 7:1. Thomas Kölsch 

hört Sambop. 

16 Zehn Jahre danach. Ein Livealbum von 

e.s.t. erinnert an Esbjörn Svensson. 

Zeitreise mit Wolf Kampmann. 

18 Glück auf! Pit Baumgartner und 

De-Phazz schürfen seltene Töne. Mit 

Thomas Kölsch im Lounge-Bergwerk. 

20 Spektralanalyse. Pianist Volker Engelberth 

vertont den Farbenkreis. Andreas Collet 

hört rot. 

22 Weltbürgerin. Dalia Faitelson und die Liebe 

zum Leben. Rolf Thomas nutzt den Tag. 

24 Der letzte Mohikaner. Charles Lloyd 

sucht mit 80 weiter die Wahrheit. Jan 

Kobrzinowski wird spirituell. 

26 Ganz ohne Engelshaar. Harfenistin 

Kathrin Pechlof schafft neue Freiräume 

für ihr Instrument. Hans-Jürgen Linke 

auf Harfenrundfahrt. 

30 Mal wieder brasilianisch. Mit Stefano 

Bollani wird’s nie langweilig. Thomas 

Kölsch hat Lust auf mehr. 

32 Unscharf. Nicola Conte und seine 

musikalische Puzzlearbeit. Stefan Hentz 

sucht die Teile zusammen. 

34 Schluurb! Schon beim Öffnen des CD- 

Laufwerks hat der Cyrus CDi bei Peter 

Steinfadt gewonnen. 

35 Treffen sich zwei Drummer. Das ungewöhnliche 

Duo Schulkowsky & Baron. 

Holger Pauler hört Melodien. 

36 Absahner. Nachwuchsgitarrist Tom 

Ibarra sammelt weiter Preise. Ausgezeichnet, 

findet Angela Ballhorn. 

40 Mit Männern. Caroline Thons Eurasians 

Unity ist eine undogmatische Frauenband. 

Lockeres Gendern mit Ulrike Proske. 

42 Magische Orte. Steve Tibbetts lässt seine 

Musik in tiefen Zügen atmen. Stefan 

Pieper verstreicht die Zeit. 

44 Neues Stipendium. Der Kathrin-Preis 

unterstützt den Jazz-Nachwuchs. Vorgestellt 

von Hans-Jürgen Linke. 

46 Totenmesse. Initiative H spielt ein 

Requiem für die Erde. Victoriah Szirmai 

hört Hoffnung. 

48 Kein Stillstand. Rolf Kühn bleibt neugierig, 

auch mit fast 90. Ulrike Proske über 

einen Grandseigneur. 

50 Ohne Wenn und Aber. Cecil Taylor 

ging es um die absolute Freiheit. (K)ein 

Nachruf von Wolf Kampmann. 

51 Herztöne. Caroline Davis und die Inspiration 

beim Kardiologen. Erhöhter Puls 

bei Hans-Jürgen Schaal. 

52 Changierend. Für Nigel Kennedy kann 

die Rhapsody in Blue auch mal rot sein. 

Farbenlehre mit Hans-Jürgen Linke. 

54 Ein Euro Einsatz. Ohne Wetten gäb’s den 

Club des Belugas nicht. Thomas Bugert 

und der Wal-Verein. 

56 Alle zehn Jahre. Bei Nils Wogram hat 

mal wieder die NDR Bigband angefragt. 

Augenzwinkern mit Harry Schmidt. 

58 Schwarzer Zorn. Die wütende Poesie 

von David Murray und Saul Williams. 

Politisiert: Jan Kobrzinowski. 

60 Härter rocken! Marc Ribot und der 

Kampf gegen den Elefanten. Wolf Kampmann 

über Musik in Zeiten des Trump. 

62 Freigeist. Saxofonist Maxime Bender 

startet in den universellen Himmel. 

Aufblickend: Stefan Pieper. 

64 Letzter Vorhang. Holger Czukay wird 

mit einer Retrospektive geehrt. Mit Olaf 

Maikopf im Cinema. 

66 Konstruktionsfehler. Der ECHO ist 

seinen immanenten Mängeln zum Opfer 

gefallen. Hans-Jürgen Linke über nötige 

Konsequenzen. 

67 Nett und leicht. Thomas Quasthoff will, 

dass seine Zuhörer Spaß haben. Ralf 

Dombrowski hat Spaß. 

68 Klänge einer Ausstellung. Brian Eno 

bringt Sounds und Farben zum Schweben. 

Hypnotisiert: Olaf Maikopf. 

70 Nicht nur Musik. Das FEMUA ist ein 

Festival mit Botschaft. Aus Abidjan: 

Martina Zimmermann. 

4 Megaphon 

63 Time Tunnel 

69 Abo 

72 Tonspuren 

91 Hörbucht 

92 Live 

102 Termine 

106 London 

108 Impressum 

110 Zitat 

links: Nigel Kennedy / rechts: Jazziaken (Jazzkaar-Festival) Jazzthetik 07/08-2018 3

Megaphon 

Von Jan Kobrzinowski 

Sommerloch? Keineswegs. 

Denn: Ob Inselhopping, Jazz in 

Kombination mit edlen Genüssen, 

innovative Sounds in urigem 

Ambiente oder Jazzgenuss am 

Entstehungsort der Hochdruckwetterlage 

– nichts ist unmöglich. 

Die Qual der Wahl hat, 

wem Urlaub in Verbindung mit 

Festivalgenuss vorschwebt. Und, 

liebe Leserinnen und Leser, wem 

soll, angesichts von dräuendem 

Populismus, Pestilenz und 

Teuerung, Verfall des Sprachgebrauchs 

bei diesem und weiterem 

Ungemach das schlechte 

Leben eigentlich nützen? 

Errata: 

Der Fehlerteufel hat in der 

Kolumne „Szirmais Fermaten“ im 

letzten Heft zugeschlagen und 

der CD Faces in Places von Timo 

Vollbrecht ein falsches Cover 

untergejubelt. Wir bitten um 

Verzeihung! 

Untröstlich sind wir auch, dass 

wir bei unserem Feature über 

Makiko Hirabayashi im selben 

Heft versäumt haben zu erwähnen, 

wer die Urheberin des 

exzellenten Fotos der Künstlerin 

ist: 1000 Mal „Sorry“ an die Fotografin 

Karolina Zapolska. 

Herbie Hancock ist einer der 

vier neuen Ehrendoktoren im 

New England Conservatory. 

Der legendäre Pianist nahm 

seine Doktorwürde bei der 147. 

Commencement Ceremony in 

der Jordan Hall des ehrwürdigen 

Konservatoriums entgegen. 

An Auszeichnungen gewöhnt ist 

auch Toshiko Akiyoshi. Sie wird 

im Oktober den BNY Mellon Jazz 

2018 Living Legacy Award in Washington 

erhalten. Die 14-fach 

Grammy-nominierte Pianistin 

und Komponistin gewann bereits 

zahlreiche internationale Preise 

und Wettbewerbe. 

1) Den SWR Jazzpreis 2018 

bekommt Sebastian Gille, der 

„dem Jazz eine neue richtungsweisende 

Saxofonsprache 

hinzufügt“ (Laudatio). Der vom 

SWR und dem Land Rheinland- 

Pfalz gestiftete Preis wird ihm 

am 15.10. bei Enjoy Jazz in 

Ludwigshafen im Rahmen des 

Preisträgerkonzerts überreicht. 

Der Jazz-Award in Gold, 

vergeben vom Bundesverband 

der deutschen Musikindustrie, 

geht an Quadro Nuevo und 

Cairo Steps für ihr gemeinsames 

Projekt Flying Carpet. Stellvertretend 

für die ägyptischen Musiker 

nahm Kulturministerin Ines 

Abdel Dayem den Preis aus der 

Hand von Georg Löffler (GLM) 

entgegen. 

Die Juroren haben Till Brönner 

zum Ehrenpreisträger 2018 der 

Deutschen Schallplattenkritik 

gekürt. Ihm wurde die Ehrenurkunde 

im Rahmen des „Quartetts 

der Kritiker“ auf der Münchner 

Messe High End verliehen. 

Der Posaunist Florian Weiss 

gewinnt den ZKB Jazzpreis 2018. 

Seine Band Woodoism nahm 

15.000 Schweizer Franken mit 

nach Hause. Seit 15 Jahren verleiht 

die Zürcher Kantonalbank 

den Preis an junge innovative 

Schweizer Bands und fördert so 

die Vielfalt der Szene. 

2) Die Schweiz feiert Irène 

Schweizer. Den Grand Prix 

Musik 2018, mit 100.000 Franken 

höchstdotierter Preis des 

Landes, verleiht der Schweizer 

Bundesrat zum ersten Mal einer 

Jazzmusikerin, noch dazu einer 

wichtigen Impulsgeberin des 

europäischen Free Jazz. Zuvor 

hatte sie den Großen Kulturpreis 

des Kantons Zürich erhalten. 

Doppelter Glückwunsch! 

1 

Und noch einmal Schweiz: Der 

Swiss Jazz Award wurde Franco 

Ambrosetti für sein Lebenswerk 

verliehen. Der Tessiner Trompeter 

hat nicht nur europäische Jazzgeschichte 

geschrieben, sondern 

unlängst auch seine sehr lesenswerte 

Lebensgeschichte Zwei 

Karrieren – ein Klang vorgelegt. 

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3) Jazzsommer im Bayerischen 

Hof. Gewohnt 

edel und abwechslungsreich 

geht es vom 23. bis 28.7. im 

Festsaal und Night Club des 

Luxus-Hotels im Herzen 

Münchens zu. Zwei Ikonen 

Nord- und Südamerikas, Bill 

Frisell und João Bosco, 

Soul-Jazz mit Incognito und 

Funk-Bass satt mit Nik West, 

Manou Gallo sowie der Legende 

Stanley Clarke stehen auf dem 

Programm. Dazu Premiumkino 

mit besonderen Musikdokus und 

eine Fotoausstellung. 

www.bayerischerhof.de 

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Rivertone – Jazz in 

Straubing 2018. Vom 20. 

bis 22.7 tritt das neue 

Festival Rivertone die Nachfolge 

des Bluetone im Festivalzelt an. 

Mit u.a. Manu Katché, Till 

Brönner, Lily Dahab, Tribute to 

Gotan Project, Minino Garay & 

Baptiste Trotignon geht man es 

in der Donaustadt jazziger und 

weltmusikalischer als in den 

Vorjahren an. 

www.rivertone.de 

Der IB.SH-JazzAward 2018 geht 

an den Hamburger Gitarristen David 

Grabowski. Die Investitionsbank 

Schleswig-Holstein stiftet 

den Geldpreis in Höhe von 3.000 

Euro und würdigt damit die Arbeit 

und das künstlerische Potenzial 

junger und vielversprechender 

deutscher JazzmusikerInnen. 

© Francesca Pfeffer 

Sebastian Gille Irène Schweizer Nik West 

Hochnotpeinlich. Pori Jazz zieht 

die Konsequenzen: Festivalchef 

Aki Ruotsala hatte in offiziellen 

Verlautbarungen Homosexuelle 

mit Kranken und Drogensüchtigen 

auf eine Stufe gestellt. Man 

fürchtete zu Recht um den Ruf 

eines der größten Festivals in 

Europa und feuerte den christlichen 

Fundamentalisten. 

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4) 25. Jazz Open. 

Stuttgart und Ludwigsburg 

trumpfen auf: Vom 

12. bis 22.7. spielt die Creme des 

internationalen Jazz und Pop. 

Mit Pat Metheny, Stanley Clarke, 

Jamie Cullum, Marcus Miller, Till 

Brönner, Gregory Porter, 

Christian McBride, Meshell 

Ndegeocello, Lenny Kravitz, 

Fanta Vier, Michael Wollny, Rolf 

& Joachim Kühn, Jason Moran, 

GoGo Penguin, Echoes of Swing, 

Wolfgang Dauner u.v.a.m. 

www.jazzopen.com 

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2 

3 

5) Flux Festival 

– Contemporary 

Electro-Acoustic Music 

from Berlin. Die Werkschau 

zeitgenössischer elektro-akustischer 

Musik vom 13. bis 19.8. im 

Spektrum Berlin-Kreuzberg/ 

Neukölln präsentiert die 

Arbeitsweisen sowie neue 

Arbeiten und Projekte in Berlin 

lebender und/oder arbeitender 

experimenteller Komponisten. 

www.zangimusic.wordpress.com/ 

festivals-events 

Charles Neville ist im April mit 79 

Jahren gestorben. „Du wirst immer 

in meinem Herzen und meiner 

Seele sein, wie ein Tattoo“, 

so Bruder Aaron, dessen Stimme 

4 Jazzthetik 07/08-2018

Megaphon 

5 

© Evelina Petrova 

© Maarit Kytöharju 

© Hans Kumpf 

8 10 

© Jacob Blickenstaff 

© Michael 

Kuchinke Hofer 

4 6 

7 9 

Meshell Ndegeocello 

Jazz Open 

Korhan Erel 

Flux Festival 

„Misha“ Alperin 

Kalle Kalima 

Saalfelden 

Ali Haurand 

Jazzmeia Horn 

AngraJazz 

Wadada Leo Smith 

Jazzfestival Leibnitz 

den Sound der Neville Brothers 

genau wie Charles’ Saxofon so 

unverkennbar prägte. 

6) Michail Jefimowitsch „Misha“ 

Alperin ist am 11.5. im Alter von 

61 Jahren in Oslo gestorben. Er 

wuchs in Bessarabien auf und 

studierte klassisches Piano, 

bevor er ECM- und Jaro-Künstler 

wurde. Er arbeitete an der Verbindung 

von Jazz, Klassik, Ballett 

und Folk und komponierte auch 

für Kinderchor und Kammerorchester. 

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7) 39. Internationales 

Jazzfestival Saalfelden. 

Aus dem innovativen 

Programm ragen Marc Ribot, 

Elliott Sharp, Shake Stew, 

Paier-Valcic Quartet, Kuu! mit 

Kalle Kalima & Christian Lillinger, 

Ulrich Drechsler Liminal Zone 

und Raoul Björkenheim als 

bekannte Größen heraus. Es 

bleibt spannend, wer sich hinter 

jungen Namen wie Chamber 4, 

Schmied’s Puls, Hofmaninger/ 

Schwarz, Orges & The Ockus- 

Rockus Band, El Flecha Negra 

oder gar Little Rosies Kindergarten 

verbirgt. 

www.jazzsaalfelden.com 

8) Ali Haurand ist am 28.5. mit 74 

Jahren gestorben. Jahrzehntelang 

war der gelernte Konditor 

und studierte Kontrabassist 

Alfred Josef Antonius Haurand 

in der europäischen Jazzszene 

präsent, u.a. als Bandleader des 

European Jazz Sextet. Ali war 

in den 70ern Wegbereiter des 

Moers Festivals und gründete 

das Viersener Festival. 

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9) 20. AngraJazz – Festival 

Internacional de 

Jazz. In Angra do 

Heroísmo, auf der kleinen 

Azoren-Insel Ilha Terceira, gibt 

es vom 3. bis 6.10. Jazz mitten 

im Atlantik. Außer den 

Hauptacts AngraJazz Orchestra, 

Gonzalo Rubalcaba Trio, 

Andy Sheppard Quartet, Billy 

Childs und Jazzmeia Horn bietet 

Angra noch Jazz na rua 

(Straßengigs) mit lokalen und 

portugiesischen Bands. 

www.angrajazz.com 

Die Union Deutscher Jazzmusiker 

(UDJ) hat im Rahmen 

der jazzahead! die Saxofonistin 

und Komponistin Christina 

Fuchs in ihren Vorstand gewählt. 

Sie wurde Nachfolgerin 

von Silke Eberhard. 

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10) Das Festival im 

österreichischen 

Leibnitz will den 

Besucherrekord vom letzten 

Jahr toppen. Vom 27. bis 30.9. 

werden Jazz und Wein serviert, 

u.a. mit Wadada Leo Smiths 

Great Lakes Quartet, Marialy 

Pacheco & Omar Sosa, Daniel 

Herskedal & Marius Neset, 

Gabriele Mirabassi und The 

Kandinsky Effect. Eröffnen wird 

das heimische Synesthetic Octet. 

www.jazzfestivalleibnitz.at 

Mit biblischen 95 Jahren 

verstarb die leidenschaftliche 

Jazzliebhaberin und politische 

Aktivistin Lorraine Gordon. Bis 

zuletzt war sie Betreiberin des 

legendären Village Vanguard, 

das sie von ihrem Mann Max 

Gordon übernommen hatte. 

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24. Festival Mallorca 

Jazz Sa Pobla. Seit 

Jahren versammeln sich 

im August Einheimische und 

Inselbesucher auf dem 

Marktplatz der mallorquinischen 

Kleinstadt Sa Pobla zum Jazz. 

Vom 30.7. bis 22.8. spielen Cécile 

McLorin Salvant, Trempera! 

Quintet, Enrico Rava New 

Quartet und das Mallorca Jazz 

Collective. Dazu: Seminare und 

Meisterklassen. 

www.sapobla.cat/index.php/ 

que-fer/festival-de-jazz 

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Jazz goes Föhr. „Jazz 

auf der Insel“ können 

auch die Norddeutschen: 

Vom 22. bis 27.7. wird die 

Insel zum Urlaubstipp für 

Jazzfans. Mit Markus Schieferdecker 

Trio, Bodek Janke 

Quartet, Paul Heller-Jasper van‘t 

Hof Group, Julian & Roman 

Wasserfuhr Organ Trio feat. 

Martin Scales, Torsten Goods & 

Band. Danach Jamsessions mit 

Meerblick im Café Aquamarin. 

www.foehr.de/jazzgoesfoehr 

Deutschland braucht APPLAUS! 

Die Bundeskonferenz Jazz und 

andere Musikverbände warnen 

zu Recht vor der Reduzierung 

des Etats für den Spielstätten- 

Programmpreis Applaus um 

die Hälfte. Der Preis ist immens 

wichtig zur Belebung der Live- 

Musiklandschaft. Die Bewerbungsphase 

für den diesjährigen 

Preis läuft. 

Den BMW Welt Jazz Award 

2018 unter dem diesjährigen 

Motto „Jazz moves“ gewann 

das Trio LBT. „Es ist verblüffend, 

wie stimmig sich bei ihnen 

Jazzimprovisationen selbst in 

filigraner, akustischer Form mit 

Techno zusammenfügen“, so 

die Fachjury. Im kommenden 

Jahr steht der Preis unter dem 

Motto „Saxofon Worlds“. 

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11) Die Remise 

Wälderbähnle in Bezau 

nahe Bregenz/AT dient 

vom 9. bis 11.8. den Bezau Beatz 

als Hauptbühne. Beatz-Kopf 

Alfred Vogel zeigt keine 

Anzeichen von Routine, sondern 

bleibt innovativ, unberechenbar 

und abenteuerlich. Mit Jim Hart’s 

Cloudmakers Trio, Paal 

Nilsen-Love’s Large Unit, Aki 

Takase & DJ Illvibe u.v.a.m. 

www.bezaubeatz.at 

Wir gratulieren den Gewinnern 

der 22. Jazz Journalists 

Association 2018 Jazz Awards. 

Die Awards feiern diesmal 

besonders die weibliche 

Kreativität: Patricia Willard für 

„Lifetime Achievement in Jazz 

Journalism“ sowie die Musikerinnen 

Jane Ira Bloom, Anat 

Cohen, Mary Halvorson, Nicole 

Mitchell, Linda May Han Oh, 

Cecile McLorin Salvant, Jazzmeia 

Horn und Maria Schneider. Fred 

Hersch wurde als Pianist des 

Jahres und Autor des Buchs des 

Jahres, Good Things Happen 

Slowly (s. Buchtipp in diesem 

Heft), ausgezeichnet. Weitere 

Gewinner: Benny Golson, Tom 


© Nadja Höhfeld 

12 14 16 

11 13 15 

© Ueli Frey 

© Hans Kumpf 

DJ Illvibe 

Bezau Beatz 

Melissa Pinto Quartet 

Jazz Against the Machine 

Kassé Mady Diabaté 

Jon Hiseman Dieter Schnebel Knorpelfische 

Harrell, Chris Potter, Miguel 

Zenon, Vijay Iyer, Dr. Lonnie 

Smith u.a. 

www.jjajazzawards.org 

Ein Offener Brief von David 

Friedman, viele Jahre UdK- 

Professor am Jazzinstitut 

Berlin, kritisiert den immer noch 

eklatanten Mangel an lehrenden 

Jazzinstrumentalistinnen 

an deutschen Hochschulen. Er 

könne „einen großen Anstieg 

der Anzahl der Frauen im Jazz 

feststellen, die die Entwicklung 

dieser Musik maßgeblich 

geprägt haben.“ Man habe die 

„Verantwortung, eine motivierende 

Message an unsere 

jungen Kolleginnen weiterzugeben 

und ihnen nicht das Gefühl 

zu vermitteln, dass sie trotz ihres 

Engagements und ihrer Hingabe 

und der Liebe zu dieser Musik 

sich nur darauf freuen können, 

schon am Anfang ihrer Karriere 

nicht ernst genommen und 

ausgeklammert zu werden.“ Wir 

zitieren hier ausschnittweise 

seine in Teilen sicher begrüßenswerte 

Initiative und stellen 

sie zur Diskussion. 

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12) Jazz Against the 

Machine geht in die 

nächste Runde! Vom 3. 

bis 5.7. bringt JATM wieder jede 

Menge Musik von Studierenden 

der Abteilung Jazz/Pop der 

Kölner Hochschule für Musik 

und Tanz auf die Bühne des 

Artheaters in Köln. 

www.jatm.de 

Das Frankfurter Jazzstipendium 

2018 geht an Maximilian 

Shaikh-Yousef. Kulturdezernentin 

Dr. Ina Hartwig vergab das 

Stipendium von 10.000 Euro an 

den Saxofonisten und Komponisten, 

der die Juroren nicht 

nur am Instrument, sondern 

besonders mit Kompositionen 

und Arrangements für große 

Ensembles überzeugte. 

www.maximilianshaikhyousef.com 

13) Kassé Mady Diabaté ist 

mit 65 Jahren gestorben. Der 

laut Salif Keita „größte Sänger 

Malis“ und Nachkomme einer 

langen Reihe von Mandingo- 

Griots erlag den Folgen eines 

Schlaganfalls. 

Die United Big Band ergatterte 

den Jazzpreis des Deutschen 

Musikrats und der Hansahaus- 

Studios Bonn auf der 16. Bundesbegegnung 

Jugend jazzt 

für Bigbands in Frankfurt. Die 

Berliner freuen sich auf eine 

CD-Produktion in den renommierten 

Hansahaus-Studios. 

Fünf weitere Jazzorchester 

erhielten wertvolle Konzertund 

Workshop-Preise. 

www.jugendjazzt.eu 

Jazzförderung. Das Land 

Baden-Württemberg fördert 

Auftritte baden-württembergischer 

Jazzmusiker und 

Jazzmusikerinnen außerhalb 

des Landes, z.B. bei der Baden- 

Württemberg Clubnight auf der 

jazzahead! 2019 in Bremen. 

Bewerbungen bis 15.7. beim 

Jazzverband Baden-Württemberg. 

www.jazzverband-bw.de 

14) Jon Hiseman, Mitbegründer 

von Colosseum I & II, Nachfolger 

von Ginger Baker bei der 

Graham Bond Organisation 

und Mitglied des United Jazz 

& Rock Ensembles, ist am 12.6. 

gestorben. 

Der Komponist und Geiger 

Gérard Hourbette ebnete den 

Weg für neue Kompositionsformen 

und nutzte das Sampling, 

einschließlich natürlicher und 

industrieller Klänge, an der 

Schnittstelle von darstellender 

und bildender Kunst. Hourbette 

ist im Mai gestorben. 

15) Mit Dieter Schnebel verlor 

die experimentelle Musikszene 

noch einen radikalen Avantgardisten: 

Der Komponist, Theologe 

und Musikwissenschaftler 

starb mit 88 Jahren. Fast 20 

Jahre lehrte Schnebel an der 

Hochschule der Künste Berlin 

als Professor für Experimentelle 

Musik und prägte damit ganze 

Generationen. 

Avishai Cohen Music Award 

2020: Der Bassist und sein Label 

Razdaz laden Musiker, Komponisten 

oder Bands jeglicher 

Couleur und Stilrichtung ein, sich 

für Aufnahme und weltweiten 

Release eines Albums zum Jahr 

2020 zu bewerben. 

www.avishaicohen.com 

Tag der Trinkhallen. Am 25.8. 

wird weit mehr als Flaschbier 

und Ruhrpott-Originale geboten, 

nämlich ein Kulturprogramm der 

besonderen Art im gesamten 

Ruhrgebiet. Es gibt Programmbuden 

mit einem kuratierten und 

finanzierten Kulturprogramm und 

etliche Trinkhallen, die selbst etwas 

für ihre Gäste organisieren. 

www.tagdertrinkhallen.ruhr 

Das englische Musikmagazin 

SONGLINES hat einen seiner 

Awards an die koreanischen 

ACT-Künstler Black String vergeben. 

Weitere Gewinner sind 

Eliza Carthy & The Wayward 

Band, Rhiannon Giddens, Trio Da 

Kali & Kronos Quartet, Oumou 

Sangaré u.a. 

Der zum vierten Mal vergebene 

Reinhard-Schulz-Preis 2018 für 

zeitgenössische Musikpublizistik 

geht an die Musikjournalistin 

Leonie Reineke. 

Der Komponist, Saxofonist, 

Bandleader und Musikpädagoge 

Remy Filipovitch wurde vor 71 

Jahren in Vilnius geboren. Im 

Mai, kurz nach seinem letzten 

Live-Konzert, ist er in Essen 

gestorben. 

16) Haie lieben Jazz. Der 

Sommer ist die Zeit für maritime 

Themen: In Sydneys Macquarie 

University hat man jugendlichen 

Port-Jackson-Haien 

beigebracht, sich von unter 

Wasser gespieltem Jazz zum 

Futter locken zu lassen. Nun 

arbeitet man fieberhaft daran, 

die Knorpelfische zu testen, ob 

sie improvisierte Musik von klassischer 

unterscheiden können. 

Das Jazzmagazin Ihrer Wahl 

bleibt dran. 

Jazzthetik 07/08-2018 7

Martti Vesala 

Alt, aber neu 

© Carl Bergman 

8 

Jazzthetik 07/08-2018

Nachdem Lee Morgan, die Jazz Messengers, Horace Silver, Miles und 

viele andere die Vollmundigkeit in den Jazz zurückgebracht hatten, 

speiste sich der Hauptstrom des Jazz aus diesem Pool. Mithilfe immer 

ausgefeilterer Melodik und freierer harmonischer Auffassung entstand 

in den Jahrzehnten danach das, was man heute manchmal mit dem 

hässlichen Wort Post-Bop bezeichnet. Diese in Groove und Swing 

eingebettete Freiheit ist der ästhetische Nährboden, auf dem das 

Soundpost Quintet des finnischen Trompeters Martti Vesala gedeiht. 


Stars Aligned, Vesalas neues 

Album nach Helsinki Soundpost, 

pflegt einen lebendigen, 

frischen, melodisch komplexen 

Umgang mit einem klassischen 

Genre des Jazz, dominiert 

durch wohlklingende Zweistimmigkeit 

von Tenorsaxofon und 

Trompete, Unisoni von Kontrabass 

und linker Piano-Hand, 

dazu funky Rhythmik, die auf Art 

Blakeys Afro/Latin-beeinflusste 

Spielweise zurückgeht. Bekennt 

sich hier ein europäischer 

Jazzer der jüngeren Generation 

zum Bewahrenden? „Ich mag 

das Wort ‚konservativ’ nicht, 

um mich selbst oder die von mir 

kreierte Musik zu beschreiben. 

Ich bin mir bewusst, woher 

meine Einflüsse kommen, 

dennoch fühle ich sehr stark, 

dass unser Sound und die Herangehensweise 

an die Musik 

sehr originell sind und es nicht 

darum geht, zurückzuschauen 

in eine Zeit, ‚als alles besser 

war’.“ Vielmehr sieht Vesala die 

verschiedenen Stile als Sprungbretter: 

„Der gewählte Stil sollte 

nur der Ausgangspunkt für 

deine individuellen Erkundungen 

der Musik sein – das Mittel, 

um musikalisch auszudrücken, 

wer du als Person bist.“ 

Martti Vesala ist ein 

versatiler, eleganter Trompeter 

mit großem Stilbewusstsein in 

Komposition und Improvisation. 

Er genießt es sichtlich, „Miles 

Davis, Freddie Hubbard, Woody 

Shaw und auch einige der modernen 

Typen wie den erstaunlichen 

Peter Evans zu hören. Ich 

habe versucht, mich nicht nur 

an Trompeter zu halten, und angefangen, 

Soli von Saxofonisten 

wie z.B. Coltrane auf der Trompete 

zu üben.“ „The Sun’s Eye“ 

und das Titelstück sind schöne 

Beispiele für die Auslotung 

freierer Möglichkeiten, weniger 

einer Überwindung als vielmehr 

einer Vertiefung der Moderne, 

die zwischen 1965 und 1980 diejenigen 

Jazzmusiker suchten, 

die weder eine völlig freie noch 

die elektrifizierte Spielweise 

bevorzugten. „Der Sound von 

Wayne Shorters Kompositionen 

für das Miles Davis Quintet aus 

den 60ern und Joe Hendersons 

Art zu Schreiben aus 

der gleichen Zeit haben mich 

stark beeinflusst. Was mich an 

diesen großartigen Musikern 

und Komponisten fasziniert, 

ist die Art und Weise, wie sie 

die Elemente von Avantgarde 

und Bebop kombinieren – ein 

Stil, der später als Post-Bebop 

bezeichnet werden sollte.“ 

Zwar versucht Martti, innerhalb 

eines bestimmten Jazzstils zu 

arbeiten, aber diese Referenzen 

stellen für ihn kein Problem dar: 

„Ich weiß, dass die Grundlagen 

dieses Stils aus den 60er und 

70ern stammen, wie aber auch 

die vieler anderer Stile wie Free 

Jazz oder Free Form, sogar die 

der sogenannten ‚Geburt des 

europäischen Jazz’ in den 70er 

Jahren.“ 

Mit Joonas Haavisto (p), 

Juho Kivivuori (b) und Ville 

Pynssi (dr) hat Vesala absolut 

gleichgesinnte Kollegen an 

seiner Seite. Petri „Pope“ Puolitaival 

(ts) mit seinem profunden 

Ton ist ein bemerkenswerter 

Solist, tiefstens verwurzelt in der 

hymnischen Tradition großer 

Tenoristen wie Coltrane, Rollins 

und Sanders. „Er ist gleichzeitig 

einer der besten Flötenspieler in 

Finnland, so habe ich auch einige 

Songs geschrieben, in denen 

seine Fähigkeit als Flötist im 

Rampenlicht steht.“ Zu hören in 

„The Lost Sea“, wo die weichen 

Klänge von Trompete und Flöte 

im Thema wunderbar elegisch 

miteinander verschmelzen und 

sich dann Petris Flöte und 

Kivivuoris holztöniger Kontrabass 

im Solo ablösen. „Was 

mich an der Quintett-Besetzung 

wirklich fasziniert, ist die Art und 

Weise, wie Trompete und Tenorsaxofon 

so nahtlos ineinander 

übergehen. Ein wirklich himmlisches 

Zusammenspiel! Trotz 

der ‚klassischen’ Kombination 

bleibt es gerade eine schöne 

Herausforderung, innerhalb 

dieser Tradition mit etwas wirklich 

Originellem aufzuwarten.“ 

Dieses angesichts des heutigen 

Überangebotes an guter Musik 

schwierige Unterfangen gelingt 

Martti Vesala und seinen Kollegen 

mit Bravour. 

Das Quintett ist indes nicht 

die einzige Besetzung, die ihn 

fasziniert. Er schreibt auch für 

PDF in 4c 

Big Bands und denkt gerade 

darüber nach, ein Quartett ohne 

Schlagzeuger zu gründen, um 

sich selbst herauszufordern 

und neue Wege zu finden, 

„rhythmischer zu schreiben“. 

Bei „Murky Green“, einem 

rezitativen Unisono-Thema der 

Bläser, gefolgt von einer mäandernden 

Improvisation, um 

die sich Besen und gestrichene 

Bassnoten ranken, verzichtet 

Martti bewusst auf akkordische 

Grundlagen. Mit „Driving 

Force“ bekennt das Soundpost 

Quintet dann noch einmal seine 

Liebe zum erdigen Groove. 

Stück und Album enden – fast 

schon symbolisch – mit einem 

markanten Stakkato der linken 

Hand auf dem Klavier. Der 

wunderbar transparente Sound 

samt dem brillanten Stereomix 

des finnischen Experten Miikka 

Huttunen macht Stars Aligned 

schließlich zum perfekten 

Audio-Genuss. 

Aktuelle CD: 

Martti Vesala Soundpost Quintet: 

Stars Aligned (Ozella Music / Galileo MC) 


BlaCk lonDon 

Jazzhören im stehen 

In London definiert eine junge Szene den Jazz als 

groovende Clubmusik neu. 

Shabaka 

Hutchings 

© Pierrick Guidou 

Kokoroko 

Theon Cross 

Moses Boyd 

Ezra Collective 

Von Christoph Wagner 

Gilles Peterson hat der britischen Szene in 

den letzten Jahren seinen Stempel aufgedrückt. 

Was neue Trends anbelangt, besitzt 

der DJ, Radio-Presenter, CD-Compiler, 

Festival-Organisator und Label-Betreiber 

einen unbestechlichen Instinkt. Jetzt hat 

er sich mit Shabaka Hutchings zusammengetan. 

Der Saxofonist ist die zentrale Figur 

einer jungen Szene vorwiegend schwarzer 

Musikerinnen und Musiker aus Südlondon, 

die gerade mit dem Album We Out Here 

auf Petersons Brownswood-Label an die 

Öffentlichkeit getreten sind. Die Einspielung 

ist eine Art Manifest und präsentiert neun 

Gruppen, die sich alle mehr oder weniger 

einem ekstatischen Jazz verschrieben 

haben, der auf Grooves basiert und sich 

nicht mehr an die ergrauten Kenner in 

den Jazzclubs richtet, sondern an junge 

Nachtschwärmer in Untergrundclubs und 

alternativen Venues, wo das Publikum nicht 

sitzt, sondern steht. 

Der 34-jährige Hutchings bastelt mit 

verschiedenen Bands seit Jahren an einer 

anderen Konzeption von Jazz. Seit Kurzem 

bei Impulse! unter Vertrag, knüpft er an den 

Afro-Futurismus eines Sun Ra an sowie an 

den elektrischen Miles Davis und den Punkjazz 

der späten 70er, als Gruppen wie Rip 

Rig & Panic in Großbritannien aufhorchen 

ließen. Dazu kommen Hutchings‘ karibische 

Einflüsse von Calypso bis Soca plus die 

Erfahrungen aktueller Clubmusik, ob Grime 

oder Jungle. „,Euphorisch‘ ist der beste 

Begriff, um meine Zielsetzung zu beschreiben“, 

sagt Hutchings. „Gefühle und Intuition 

dienen mir als Wegweiser. Es geht darum, 

das Publikum in eine Stimmung zu versetzen, 

die es erlaubt, die Welt mit anderen 

Augen zu sehen. Deshalb ist für mich das 

Konzert ein heiliger Ort.“ 

Was Hutchings anstrebt, ist nicht mehr 

und nicht weniger, als den Jazz wieder 

vom Kopf auf die Füße zu stellen, ihn als 

Tanzmusik neu zu erfinden, was er ja bis in 

die 50er Jahre hauptsächlich war. Deshalb 

läuft in Hutchings‘ Musik alles auf Rhythmus 

hinaus: Sein Quartett Sons of Kemet ist 

mit zwei Drummern besetzt, die so kraftvoll 

wie ein ganzes Sambaorchester trommeln. 

In die prasselnden Kreuzrhythmen klinkt 

sich Tubaspieler Theon Cross mit mächtigen 

Bassriffs ein. Mit Stakkato-Melodien des 

Saxofons, die manchmal an Morsezeichen 

erinnern und sich in Dauerschleifen drehen, 

10 JazzthetIk 07/08-2018

spielt die Combo sich und das Publikum 

durch Repetition mehr und mehr in Trance. 

„Rhythm & Groove“ könnte auch das 

Motto von Kokoroko lauten, einem Septett 

mit weiblicher Bläsersektion, das von der 

Trompeterin Sheila Maurice-Grey geleitet 

wird. Ihr Jazz ist stark von westafrikanischem 

Highlife und nigerianischem Afrobeat 

à la Fela Kuti gefärbt. Maurice-Grey 

sieht ihre Musik nicht als Konzertmusik, 

sondern explizit als körperbetonten Jazz, 

der in die Beine geht. Die Trompeterin ist 

auch in der Grime- und HipHop-Szene präsent, 

wo sie mit Stars wie Kano und Little 

Simz gearbeitet hat. „Es ist ermutigend wie 

in der Grime-Szene ein neues Interesse an 

Jazz erwacht ist“, sagt sie. 

Wie Sheila Maurice-Grey haben die 

meisten jungen Musikerinnen und Musiker 

der neuen Südlondoner Szene als Teenager 

den Tomorrow’s-Warriors-Workshop 

besucht. Die Bildungsinitiative war einst 

vom Saxofonisten Gary Crosby ins Leben 

gerufen worden, um junge Talente hauptsächlich 

aus der afrikanischen Diaspora 

zu fördern. Von Shabaka Hutchings über 

Theon Cross bis zur Saxofonistin Nubya 

Garcia – alle haben die Talentschmiede 

durchlaufen. 

Das alternative Kulturzentrum Total 

Refreshment Centre im Stadtteil Hackney 

fungiert als informelles Hauptquartier. Hier 

gibt es Proberäume, ein Tonstudio und einen 

großen Clubraum für Konzerte. Für Binker 

Golding (sax) und Moses Boyd (dr) ein 

vertrauter Ort. Die beiden haben sich vor 

Jahren gleichfalls bei Tomorrow’s Warriors 

getroffen und zu einem Duo zusammengetan, 

das mehrfach ausgezeichnet wurde. 

Es bildet zudem den Kern von Moses Boyds 

größerem Ensemble Exodus, einer Plattform 

für die Kompositionen des Schlagzeugers, 

in denen die Elektronik eine wichtige Rolle 

spielt. Daneben prägen Spiritual-Jazz- 

Elemente und Afrobeat-Einflüsse den Sound 

der Band, was nicht verwundert, hat der 

junge Drummer doch vor ein paar Jahren 

eine Masterclass bei Fela Kutis Drummer 

Tony Allen absolviert. 

Die neue Szene ist eng vernetzt. „Ein 

richtige Community“, meint Moses Boyd. 

„Viele von uns haben schon als Teenager 

zusammen Musik gemacht.“ Während Theon 

Cross in Moses Boyds Gruppe Exodus 

Tuba spielt, sitzt Boyd im Trio von Cross am 

Schlagzeug. Nubya Garcia (sax) komplettiert 

das Triumvirat. Sie ist eine weitere 

schillernde Figur der neuen Szene, leitet die 

Fusionband 5ive und ist im Frauenensemble 

Nerija und in der Formation Maisha aktiv. 

Theon Cross orientiert sich konzeptionell 

an der Musik des Arthur Blythe 

Trios der später 70er Jahre, als dieser sich 

PDF in 4c 

noch „Black“ Arthur Blythe nannte – ein 

gleichzeitig transparenter und doch dichter 

Ensembleklang. Cross ist ein Phänomen: Er 

verwandelt die Tuba in ein Kraftwerk, das 

vor Energie nur so sprüht. „Meine Ausdauer 

habe ich beim Notting-Hill-Carneval erlangt, 

wo man Stunden ohne Unterbrechung spielt 

und sich außerdem gegen die riesigen 

Sound-Systems durchsetzen muss“, erzählt 

er. „Dann habe ich Bebop auf der Tuba 

geübt: ,Donna Lee’ von Charlie Parker in 

Originalgeschwindigkeit. Das war das beste 

Training. Wenn ich heute ein Konzert von 

90 Minuten spiele, kommt mir das wie ein 

Spaziergang im Park vor.“ 

Aktuelle CD: 

Sons of Kemet, Moses Boyd, Kokoroko, Theon Cross 

Trio u.a.: We Out Here (Brownswood / Rough Trade)

Mit Bijou Voyou Caillou – für deutsche Zungen schwer 

auszusprechen – legt das Quintett des französischen 

Pianisten Florian Pellissier bereits sein viertes Album vor. 

Die reine akustische Lehre hat die Fünferbande allerdings 

noch nie interessiert, und so gastieren auch auf Album 

Nummer vier Leute wie der karibische Rapper Anthony 

Joseph. 

Von Rolf Thomas 

Florian Pellissier scheint sich schnell zu 

langweilen. Denn er unterhält nicht nur seit 

nunmehr sechzehn Jahren dieses Quintett, 

er hat auch die Latin-Funk-Band Setenta 

gegründet, mischt bei der Jazz-Funk-Truppe 

Cotonete mit und stützt das Camarao Orkestra 

bei seinen Afro-, Soul- und Brazil-Ausflügen 

mit seinem soliden und stets ziemlich 

heftig groovenden Klavierspiel. Darüber 

hinaus ist Pellissier fester Live-Keyboarder 

beim französischen HipHop- und Downbeat- 

Spezialisten Guts. 

Doch seine Lieblingsband ist nach 

eigenen Worten das nach ihm benannte 

akustische Quintett, mit dem er der 

Hardbop-Tradition im Geiste der klassischen 

Blue-Note-Jahre von Musikern wie 

Art Blakey, Herbie Hancock oder Duke 

Pearson nacheifert. Schon mit dem vor 

sechs Jahren erschienenen Debütalbum 

Le Diable Et Son Train gelang es Florian 

Pellissier, sowohl Jazzfans als auch -kritiker 

auf seine Seite zu ziehen. 

Pellissiers eingangs erwähnter 

Personalstil verwandelt schon den Opener 

des neuen Albums mit dem schönen Titel 

„Fuck with the Police“ in ein dampfendes 

Treibhaus. Zum Quintett um den Trompeter 

und Flügelhornisten Yoann Loustalot und 

den Tenor- und Sopransaxfonisten Christophe 

Panzani gesellt sich auf diesem Stück 

noch der Perkussionist Roger Raspail mit 

seiner Gwo-Ka-Percussions, um Schlagzeuger 

David Georgelet und Bassist Yoni 

Zelnik, der sonst auch beim israelischen 

Pianisten Yonathan Avishai zu hören ist, zu 

verstärken. Mit eleganter Majestät gleitet 

das harmonisch satte „South Beach“ 

dahin, bevor mit dem Titelsong und „Hibou 

Bleu“ gleich zwei Stücke folgen, bei denen 

Arthur Higelin alias Arthur H. zu hören ist. 

Der Sänger ist ein maßgeblicher Vertreter 

des neuen Chanson Française und hat 

sich auch schon als Multiinstrumentalist 

einen Namen gemacht. Mit seinem lässig 

hingeraunten Gesang macht er jedenfalls 

vor allem „Hibou Bleu“ zu einem echten 

Highlight. 

Florian 

Pellissier 

Quintet 

Klassischer Jazz 

ohne Dogma 

© Laurène Berchoteau 

12 


Direkt aus einem Horace-Silver- oder 

Lee-Morgan-Album der späten 50er oder 

frühen 60er könnte das lässig im Walzertakt 

dahinschaukelnde „Coup De Foudre 

A Thessalonique“ stammen – mit seinem 

butterweichen Flügelhorn lässt Loustalot 

die Herzen schmelzen, während Pellissiers 

perlendes Solo einem das Herz dann 

wieder zurück in den Brustkorb rammt. 

Auch das anschließende, nur knapp drei 

Minuten kurze „Colchiques Dans Les Pres“ 

– ein Song der französischen Chanson- 

Sängerin Francine Cockenpot, die in 

diesem Jahr 100 Jahre alt geworden wäre 

– lässt den klassischen Blue-Note-Jazz 

der 60er Jahre wieder aufleben, die Bläser 

liefern sich ein packendes Duell, während 

der Rest der Band ein richtiges Rhythmus- 

Feuerwerk abbrennt. 

Auf „Boca“ kommt dann der eingangs 

erwähnte Anthony Joseph zu einer Stippvisite 

vorbei. Sein hypnotischer Sprechgesang 

lässt den Labelkollegen nicht nur gut 

aussehen, er hat auch den Text, den er mit 

zunehmender Autorität vom Stapel lässt, 

selbst geschrieben. Joseph ist ja nicht nur 

Musiker – sein Album Rubber Orchestra 

mit seiner Spasm Band hat ihn bekannt 

gemacht –, sondern hat bereits als kleiner 

Junge Texte geschrieben. So wurde er 

vor 15 Jahren denn auch zuerst als Poet 

und Schriftsteller berühmt, der trotz seiner 

karibischen Herkunft – Anthony Joseph 

wurde 1966 auf Trinidad geboren – umstandslos 

von seiner Wahlheimat Großbritannien 

eingemeindet wurde, indem er zum 

Beispiel vom British Council als Poet in 

Residence an die California State University 

nach Los Angeles geschickt wurde. Erst 

2007 gründete Joseph die Spasm Band und 

hat seit 2012 auch Soloplatten aufgenommen. 

Auf „Boca“ setzt er sich mit seinen 

Exil-Erfahrungen auseinander, und in 

einem wahren Jazz-, Rap- und Poetry- 

Marathon von acht Minuten überstürzen 

sich die Erfahrungen geradezu, bis der 

Song schließlich trotz des ernsten Themas 

in karibischer Ausgelassenheit endet. 

Danach ist dann wieder „richtiger“ 

Jazz angesagt, denn bei den letzten vier 

Stücken des Albums bleibt das Florian 

Pellissier Quintet unter sich. Die dringliche 

Up-Tempo-Nummer „Colosse De Rhodes“ 

weiß dabei genauso zu überzeugen wie 

die lyrische Ballade „Espion“. Mit dem 

abschließenden „Jazz Carnival“ errichten 

die Franzosen dann der brasilianischen 

Fusion-Band Azymuth ein Denkmal. Mit 

viel Verve und Perkussion feiert Pellissiers 

Fünferbande Karneval und lässt den Hörer 

mit einem breiten Grinsen auf dem Gesicht 

zurück. 

Aktuelle CD: 

Florian Pellissier Quintet: Bijou Voyou Caillou 

(Heavenly Sweetness / Broken Silence) 

Jazzthetik 07/08-2018 

13

Paulo Morello 

Das Beste zweier Welten 

© Oscar Henn 

Die Leichtigkeit des Samba und die Variationsfreudigkeit des 

modernen Jazz sind untrennbar mit Paulo Morello verknüpft. Ob mit 

Bossa-Nova-Maestros wie Johnny Alf oder Saitenvirtuosen wie Pat 

Martino und Philip Catherine an seiner Seite – immer fühlt er sich wie 

zu Hause. Doch erst jetzt ist es dem Gitarristen gelungen, die beiden 

Welten wirklich zusammenzuführen und im Sambop die perfekte 

Synthese zwischen feuriger Rhythmik und komplexer Harmonik zu 

finden. Dank einer Freundin – und seines brasilianischen Pendants. 

Von Thomas Kölsch 

„Im Laufe meiner Karriere 

habe ich schon mit vielen 

herausragenden brasilianischen 

Gitarristen gespielt“, erzählt 

Morello und lacht. „Doch die 

meisten von ihnen verfügen 

nicht über das Vokabular des 

Jazz.“ Jene Stilmittel also, die 

Morello zunächst in Nürnberg 

bei Helmut Kagerer und später 

in New York beim legendären 

Jim Hall erlernte, die Skalen und 

Voicings, die Ornamentik und die 

entsprechenden Phrasierungen. 

„Umgekehrt ist zum Beispiel 

der von mir sehr verehrte Pat 

Martino nicht der Richtige, um 

lateinamerikanische Musik aufzunehmen. 

Zumindest nicht die 

echte. Die Amerikaner haben 

irgendwann die Stilistiken aus 

jenen Ländern in den Jazz integriert 

und sie an ihre Hörgewohnheiten 

angepasst, aber das lässt 

sich einfach nicht vergleichen. 

Insofern habe ich lange keinen 

Gitarristen getroffen, der sich in 

beiden Spielweisen wohlfühlte.“ 

Bis der Zufall ihn mit Lula Galvão 

zusammenführte. „Dem Namen 

nach kannte ich ihn natürlich 

schon länger, weil er der Begleiter 

von Rosa Passos ist, aber ich 

hatte ihn noch nie getroffen“, 

erinnert sich Morello. „Irgendwann 

sprach mich dann die 

Kölner Sängerin Ulla Haesen an, 

eine gute Freundin von mir, und 

sagte, ich müsse unbedingt mal 

was mit Lula machen, wir seien 

die ideale Kombination. Sie hatte 

recht: Er beherrscht die komplexen 

brasilianischen Rhythmen 

ebenso wie moderne Harmonien 

und das improvisatorische 

Repertoire eines Jazz-Musikers. 

Kurzum, er ist genau der, nach 

dem ich gesucht habe.“ 

Morellos Liebe zu Samba, 

Bossa Nova, Choro, Forró und 

Maracatu erwuchs aus einer 

Begegnung mit Romero Lubambo 

und seinem Trio da Paz. 

„Während ich in New York war, 

ging ich gerne zum Samstagsbrunch 

in einen Coffee Shop, wo 

das Trio spielte. Für mich war 

das eine Offenbarung – so eine 

Musik hatte ich zuvor noch nie 

gehört. Ich war völlig begeistert 

und beschäftigte mich intensiv 

mit diesen Klängen und Rhythmen.“ 

Eine Reise nach Rio de 

Janeiro vertiefte die Faszination 

nur noch; aus den ursprünglich 

geplanten zwei Wochen wurden 

zwei Monate, zum einen wegen 

der Musiker, mit denen sich Morello 

ständig traf, zum anderen 

wegen seiner Frau, die damals 

an einer deutschen Schule in 


Rio unterrichtete. Ersteres resultierte 

schließlich in dem Projekt 

Bossa Nova Legends, Letzteres 

in einer glücklichen Ehe. 

Gleiches könnte man nun 

auch über Sambop sagen: 

Die Vereinigung von Straight- 

Ahead-Jazz und Samba wirkt 

auf dem Album völlig organisch 

und authentisch, überhaupt 

nicht aufgesetzt und bemüht, 

sondern so, als ob es ein derartiges 

Amalgam schon immer 

gegeben hätte. Standards wie 

Duke Ellingtons „I‘m Just a 

Lucky So-And-So“ oder Cole 

Porters „You‘d Be So Nice to 

Come Home To“ werden elegant 

brasilianisiert, getrieben von 

dem feinen und doch omnipräsenten 

Duo aus Dudu Penz (b) 

und Mauro Martins (dr), die 

eben jene entspannten Grooves 

zaubern, die diese Musik 

benötigt. Auf diesem Fundament 

werfen sich Morello und Lula 

Galvão genüsslich die Bälle 

zu, geben sich mal erfrischend 

funky, dann wieder herrlich 

verführerisch. 

Erfreulicherweise verzichten 

die beiden auch auf 

ausufernde Soli, halten die 

Stücke vielmehr zusammen und 

schaffen gerade durch die Verknappung 

eine besondere Stimmung. 

„Mir war sehr wichtig, 

dass die CD angenehm zu hören 

ist“, betont Morello. „Ich höre 

mir nicht allzu oft meine eigenen 

Platten an, aber ab und zu lege 

ich mal die alten Aufnahmen auf 

und stelle dann mitunter fest, 

dass ich gewisse Stücke einfach 

nicht hören möchte. Daran 

hat wahrscheinlich auch Philip 

Catherine seinen Anteil.“ Inwiefern? 

„Nun, mit ihm spiele ich 

ja im Trio, und er bremst mich 

gerne mal ein bisschen runter. 

Weniger ist eben oft mehr, das 

erfahre ich im Zusammenspiel 

mit ihm immer wieder.“ 

Auch der Austausch mit 

Galvão ist ein Erlebnis. So ist 

etwa „Migalhas de Amor“ ein 

fantastischer Dialog zweier 

Gitarristen auf Augenhöhe, 

die sich unglaublich viel zu 

erzählen haben. „Es war schon 

toll, das Album aufzunehmen“, 

sagt Morello. „Wir haben uns 

erst drei Tage zuvor zum ersten 

Mal getroffen und waren direkt 

auf einer Wellenlänge.“ Das 

hört man, und so dürfte der 

Erfolg nicht nur in Deutschland, 

sondern auch in Brasilien nicht 

lange auf sich warten lassen. 

„Die Brasilianer sind ja ohnehin 

totale Gitarrenfans“, erzählt Morello. 

„Bei früheren Tourneen bin 

ich da vom Publikum angehimmelt 

worden, das war echt unglaublich.“ 

Bleibt zu hoffen, dass 

dies auch bei „7 x 1“ so bleiben 

wird – einem Stück, das Morello 

mit Blick auf den Sieg der deutschen 

gegen die brasilianische 

Fußballnationalmannschaft bei 

der WM 2014 geschrieben hat. 

„Bislang fanden das alle lustig. 

Es ist aber auch eine Reminiszenz 

an Pixinguinhas berühmten 

Choro ,1 x 0‘ von 1919, mit dem 

dieser damals einen Sieg gegen 

Uruguay feierte und den ich 

zitiere. Diese Melodie kennt in 

Brasilien wirklich jeder.“ Hierzulande 

kann das ja noch kommen. 

Aktuelle CD: 

Paulo Morello: Sambop 

(In + Out / In-Akustik) 

© David Plate 


e.s.t. „Du weißt nie, wie dünn das Eis ist“ 

© Göran Petersson 


Das Esbjörn Svensson Trio, kurz e.s.t., gehört ohne Frage 

zu den wichtigsten Formationen in der Geschichte des 

europäischen Jazz. Die Erfolgskurve des schwedischen Trios 

stieg nicht nur bei Jazz-Fans unaufhörlich nach oben, bis ihr 

Verlauf durch den überraschenden Tod von Pianist Esbjörn 

Svensson abriss. Das ist jetzt zehn Jahre her. Zu diesem 

traurigen Anlass veröffentlicht ACT unter dem Titel Live in 

London einen Konzertmitschnitt von 2005. 

verstreichen lassen wollte. Um nicht missverstanden 

zu werden: Er wirkte gesund, 

fokussiert und war keineswegs in Endzeitstimmung. 

Da war keine Ahnung von einem 

nahen Ende oder dergleichen spürbar. Für 

Esbjörn Svensson, aber auch für Magnus 

Öström und Bassist Dan Berglund war 

jeder einzelne Moment des Lebens eine 

geschenkte Ewigkeit, die es sinnvoll zu 

gestalten galt. Mit den Begrifflichkeiten und 

Ritualen der Jazzgemeinde hatten sie wenig 

im Sinn. Die Musik der drei Schweden 

war mehr als alles andere ein kollektiver 

Bewusstseinsstrom, für den die Kompositionen 

nur den äußeren Rahmen gaben. 

„Es ist schwer zu beschreiben, woher 

das kam. Wir waren drei Individuen, die ja 

auch unterschiedliche Stimmungen haben 

konnten. Insofern trafen wir unbewusst an 

jedem Abend eine neue Verabredung. Es ist 

eines dieser Jazzklischees, aber tatsächlich 

spielt die Energie des Raumes, in dem du 

auftrittst, eine wichtige Rolle. Du musst das 

Momentum finden, in das du dich einklinken 

kannst. Und du weißt nie, wie dünn das Eis 

ist. Es ging uns immer darum, mit dem Publikum 

zu einer Einheit zu verschmelzen. Wir 

spielten ja keine regulären Soli, sondern 

jeder im Trio war unentwegt gefordert. Es 

ging um die Musik, nicht um die drei Egos. 

Und das ist in diesem Fall kein Klischee. 

Inzwischen ist diese Haltung für viele 

Jazzmusiker selbstverständlich geworden, 

aber vor anderthalb Jahrzehnten ging 

es im Jazz noch vordergründig um Leistung. 

Die Musik von e.s.t. war ein Paradigmenwechsel, 

der dem Trio ein so dankbares 

Publikum wie an jenem Abend im Barbican 

garantierte. Vor allem klang das Trio nie nur 

wie ein Piano-Trio, denn selbst eingedenk 

der Tatsache, dass die drei Musiker dezent 

Electronics einsetzten, stecke das alles 

doch voller Obertöne. Öström rekapituliert, 

dass oft Klänge im Raum standen, von 

Von Wolf Kampmann 

London, Barbican, 20. Mai 2005. Magnus 

Öström, damals Drummer von e.s.t., 

versucht sich heute an diesen speziellen 

Abend zu erinnern. „Wir haben ja mehrfach 

in dieser wundervollen Halle gespielt, 

insofern geraten die Erinnerungen an die 

einzelnen Auftritte womöglich durcheinander. 

Wir hatten buchstäblich im Pizza 

Express begonnen, und plötzlich standen 

wir im ausverkauften Barbican vor 2000 

Menschen. Mehr kann man mit dieser 

Musik nicht erreichen. Das war ein besonderer 

Moment. Wenn ich mir heute diese 

Aufnahmen anhöre, fühlt es sich für mich 

keinen Tag älter an. Ich kann die Energie 

noch spüren. Aber ich höre in der Aufnahme 

eben nicht nur den Augenblick, sondern 

auch die Zeit, die wir damals miteinander 

verbrachten.“ 

Für sich genommen ist diese Aussage 

nicht weiter überraschend, wäre da 

nicht ein nahezu unerträglicher Moment 

der Stille, nachdem Öströms letztes Wort 

verklungen ist. Er ringt um Fassung, blickt in 

die Unendlichkeit. Ist da jemand? Eine Leerstelle 

wird spürbar. Es ist oft darüber spekuliert 

worden, wer die Lücke von Esbjörn 

Svensson bzw. e.s.t. schließen würde, aber 

die Stelle des Schweden wird wohl immer 

leer bleiben. Denn die definitive Version des 

Trios gab es trotz personeller Kontinuität 

nicht. Auf ihrem letzten regulären Album 

Leucocyte war die Band im Begriff, ihren 

eigenen Mythos zu zertrümmern, um aus 

seinen Ruinen umso größer aufzusteigen. 

Doch davon war man zum Zeitpunkt des 

London-Konzerts noch weit entfernt. Man 

hatte gerade die ersten Songs vom drei 

Monate später erscheinenden Erfolgsalbum 

Viaticum im Köcher. „Wir hatten ja schon so 

viele Jahre zusammengespielt“, so Öström. 

„Wann immer wir auf die Bühne kamen, 

war die Energie bereits da, und es war 

leicht, sie zu greifen. Natürlich gab es langweilige 

Reisen und ätzende Wartezeiten 

auf Flughäfen. Aber sowie wir zusammen 

auf der Bühne standen, war all das weg. Es 

ging immer um den Moment.“ 

Das deckt sich mit Aussagen Svenssons 

in den letzten Jahren seines Lebens. 

Der Pianist wirkte wie ein Getriebener, der 

keinen Moment seiner Existenz ungenutzt 

denen niemand wusste, woher sie kamen. 

Es sei um die Klangfarben gegangen, nicht 

um die Instrumente. 

All diese Besonderheiten und Alleinstellungsmerkmale 

können nicht über den 

Fakt hinwegtäuschen, dass e.s.t. Geschichte 

ist. Dennoch erscheinen weiterhin Alben 

des Trios. Bleibt am Ende die Frage an Magnus 

Öström, warum ausgerechnet dieses 

Konzert von 1995 für das Gedenk-Jubiläum 

ausgewählt wurde. „Das war immerhin eine 

Aufnahme, die wir uns noch gemeinsam 

mit Esbjörn angehört hatten. Wir dachten 

schon damals, dass die Aufnahme gut klingt 

und wir vielleicht etwas damit machen 

sollten. Das Besondere war vielleicht, dass 

unser Tontechniker das Konzert heimlich 

aufnahm. Er hatte keine Erlaubnis, in der 

Halle aufzunehmen. Wir haben das später 

geklärt, aber wir spielten, ohne zu wissen, 

dass alles mitgeschnitten wird.“ 

Aktuelle CD: 

e.s.t.: Live in London (ACT / Edel:Kultur) 

© Göran Petersson 


Easy Listening und Lounge sind im Jazz nicht unbedingt Label, mit 

denen man bezeichnet werden möchte. Es sei denn, man heißt 

De-Phazz. Die Formation um Sample-Großmeister Pit Baumgartner 

hat ihre breite stilistische Palette, die von Dub und Electro-Swing 

über Bossa Nova, Soul, Blues und Funk reicht, seit jeher dazu 

eingesetzt, hochwertige Club-Musik zu schaffen. Zum 20. Geburtstag 

meldet sich De-Phazz nun mit einem Album zurück, das noch runder, 

anspruchsvoller und erwachsener ist als die Vorgänger. 

De-Phazz 

Schürfer seltener Töne 


Der erste Schritt zu einem neuen Album führt 

ins Archiv. Oder vielmehr in jene Mine aus 

Klängen und Tönen, in der Pit Baumgartner 

gerne mal nach Juwelen sucht, nach 

musikalischen Phrasen und Linien, die ihn 

ansprechen und dazu auffordern, mehr aus 

ihnen zu machen. Tage und Wochen kann 

das De-Phazz-Mastermind damit verbringen, 

nach den passenden Puzzleteilen für neue 

Songs zu suchen und sie gleichsam aus dem 

Datenwust herauszuschlagen. „Ich schürfe 

Musik“, sagt Baumgartner selbst und lacht. 

„Ich komme ja ursprünglich vom Hörbuch 

und bin vielleicht kein begnadeter Komponist, 

aber ich habe ein gutes Gespür dafür, was einen 

erfolgreichen Pop-Song ausmacht. Nach 

diesen Elementen suche ich, um sie dann so 

lange zu bearbeiten, bis sie gewissermaßen 

organisch miteinander verschmelzen.“ 

„Für das aktuelle Album Black White 

Mono bin ich zum Beispiel auf das Quartett 

Les Primitifs gestoßen“, erzählt er. „Ich hatte 

für die Band einen Remix gemacht und war 

völlig begeistert von dem Akustikbass und 

der kleinen Trommel, die die verwenden. Also 

habe ich sie gebeten, mir die entsprechenden 

Spuren zu überlassen. Daraus entstand dann 

die Grundierung unseres Albums, auf etwa 

einem halben Dutzend Tracks habe ich diese 

Sounds verarbeitet.“ Andere Fragmente hat er 

selbst eingespielt oder von Kollegen aufnehmen 

lassen, um sie dann zu verarbeiten. „Etwa 

80 Prozent der Gitarrenparts habe ich elektronisch 

bearbeitet, sie gespiegelt, umgekehrt 

oder modifiziert“, erklärt Baumgartner. „Ein Gitarrist 

würde das wahrscheinlich live niemals 

so spielen, aber mir gefällt es so einfach.“ 

20 Jahre hat De-Phazz inzwischen auf 

dem Buckel. 20 Jahre, in denen die aus einer 

reinen Projektidee geborene Formation rund 

um die Welt gereist ist. In Anchorage, in 

Katmandu oder auf Ibiza hat die Band schon 

gespielt. „Interessanterweise haben wir im 

Ausland oft größeren Anklang gefunden als in 

Deutschland“, sagt Baumgartner. „Bei Jazzern 

gelten wir hierzulande oft als zu poppig, 

bei Pop-Liebhabern dagegen als zu jazzig.“ 

Dabei ist De-Phazz live immer noch etwas 

völlig anderes als De-Phazz in digitaler Form. 

„Auf der Bühne sind wir deutlich lauter und 

energiegeladener“, betont Baumgartner, der 

aber auch gesteht, dass die Auftritte nicht zu 

seinen Stärken gehören. „Ich bin einfach kein 

Bühnenmensch. Wenn ich eine Durchsage 

machen müsste, weil irgendwo ein Auto falsch 

steht, würde ich wahrscheinlich schon zu viel 

© Claus Geissgross 

kriegen.“ Dabei schnallt er sich doch gerne 

mal selbst die Gitarre um. „Das stimmt, und 

ich freue mich auch immer auf die Tour, aber 

ich bleibe trotzdem lieber im Hintergrund. Wir 

haben andere, die bei den Konzerten Vollgas 

geben. Pat Appleton zum Beispiel, oder Karl 

Frierson. Die brauchen das. Ich könnte dagegen 

auch gut allein in meinem Studio bleiben. 

Ich bin einfach ein etwas leiserer Typ.“ 

Gleichzeitig lassen De-Phazz gerade auf 

dem neuen Album durchaus gesellschaftskritische 

Töne vernehmen, wehren sich auf ihre 

Weise gegen Missstände. „No God, No Trouble, 

No Prophets, No Lies“, heißt es im gleichnamigen 

Stück, dem einzigen mit einer derart 

klaren Aussage. Lieber geht die Band einen 

Umweg, greift zu Anspielungen und überlässt 

es dem Publikum, die Texte zu entschlüsseln 

oder einfach nur die Musik zu genießen. Doch 

wer will, wird auch fündig, etwa bei „I Smell a 

Rat“. „Bei dem Stück haben wir uns von der 

AfD inspirieren lassen“, sagt Baumgartner. 

„Eigentlich hatten wir ja alle gedacht, dass wir 

fremdenfeindliches Gedankengut inzwischen 

hinter uns gelassen hätten, und jetzt tauchen 

nach 70 Jahren wieder diese Gestalten auf.“ 

Und dann wäre da noch „All Inclusive“: „Ich 

hatte diese leichte Samba-Nummer gefunden, 

ganz bezaubernd. Aber eigentlich war mir 

die Musik in ihrer Schönheit schon wieder zu 

platt. Ich wollte sie aufrauen und habe Pat um 

Rat gefragt. Gemeinsam kamen wir dann auf 

die Idee, das Lied auf eine Wohlfühloase zu 

beziehen, die von Scharfschützen bewacht 

werden muss. Ich finde es schlimm, wenn 

sich Menschen in einem Fünf-Sterne-Ressort 

vergnügen, während nur ein paar Straßenzüge 

weiter fast schon bürgerkriegsähnliche 

Zustände herrschen. Also haben wir den 

Sniper mit in den Song geschrieben und den 

Samba mit ein paar verstörenden Klängen unterlegt. 

Das macht für mich einen großen Teil 

des Reizes von De-Phazz aus: Dass wir Dinge 

verbinden können, die sonst nicht zusammenkommen 

würden.“ 

Natürlich ist die Platte trotz dieser Untertöne 

und Subtexte noch immer vergleichsweise 

gefällig, ist eben Easy Listening im 

wahrsten Sinne des Wortes. „Das finde ich 

aber gar nicht mal schlecht“, sagt Baumgartner. 

„Das ändert ja nichts daran, dass unser 

Anspruch ziemlich hoch ist.“ Und etwas 

leicht klingen zu lassen, ist ohnehin eine 

Kunst. Vor allem live. „Im September gehen 

wir noch mal auf Deutschland-Tour, und ich 

bin schon sehr gespannt, wie wir dann klingen 

werden“, sagt Baumgartner. Und bis dahin? 

„Ach, stillsitzen kann ich kaum. Derzeit 

habe ich die Ehre, das gesamte Material von 

Bert Kaempfert zu verwursten. Und danach 

muss ich mal schauen.“ Irgendwas wird sich 

für den Bastler Baumgartner schon finden. 

Aktuelle CD: 

De-Phazz: Black White Mono 

(Phazzadelic / Al!ve / finetunes) 


Volker Engelberth 

Im Rausch der Farben 

© Sven Götz 


Die letzten Jahre meinten es gut mit ihm. 2016 der Jazzpreis 

des Landes Baden-Württemberg, im Jahr darauf der 

Jazzpreis der Stadt Worms und im Zuge dessen vielfältigste 

Möglichkeiten, live aufzutreten. Nun lotet der deutsche 

Pianist Volker Engelberth auf seinem neuesten Album 

Prismatic Colours den Farbenkreis musikalisch aus – und 

schon wieder klingt es preisverdächtig. 

Von Andreas Collet 

Die Gelegenheit, für ein fünfköpfiges 

Ensemble zu schreiben, hatte Volker 

Engelberth zum ersten Mal auf dem 2016 

erschienenen Vorgängeralbum Jigsaw 

Puzzles. Seit 2015 spielt er nun schon in der 

Besetzung mit Bastian Stein (tp, flh) und 

Alexander „Sandi“ Kuhn (ts), die Rhythmusgruppe 

mit Arne Huber (b) und Silvio Morger 

(dr) existiert gar bereits seit 2012. Die 

vergangenen Jahre waren eine intensive 

Zeit für die Band. Gestählt durch zahlreiche 

Konzerte, genossen alle die Zeit der Reife 

und konnten so zu ihrem bandtypischen, 

dichten Gruppenspiel finden. „Ich weiß nun, 

wie die Jungs ticken, und das wiederum 

konnte ich in meine Kompositionen einfließen 

lassen“, sagt Engelberth. 

Er wollte etwas Neues wagen, dabei 

geriet der Farbenkreis in seinen Fokus und 

versprach die Möglichkeit, Stücke miteinander 

zu verknüpfen und so einen magischen, 

subtil mäandernden musikalischen 

Fluss zu generieren. „Sicherlich ist hier 

mehr ausgeschrieben und arrangiert, aber 

nicht zwingend zulasten der Improvisation, 

den Song-Charakter wollte ich unbedingt 

wahren“, erklärt Engelberth. „Gerade die 

Rhythmusgruppe genießt in den langen ausgeschriebenen 

Teilen eine riesige Freiheit.“ 

Mit den unterschiedlichen Konzepten 

des Farbenkreises von Isaac Newton oder 

Johann Wolfgang von Goethe befasste sich 

Engelberth nur rudimentär, da Musik für ihn 

schon immer eine gewisse Klangfarbe beinhaltet. 

So spielt er auf Prismatic Colours mit 

den unterschiedlichsten Themen und Melodiefragmenten, 

lässt diese sich überlagern, 

simultan zum Farbverlauf des Farbenkreises. 

Im Endeffekt dreht sich dieser vom Rot 

des Intros hin zum Outro, das ebenso in Rot 

endet. So startet die Aufnahme mit einem 

Motiv in E-Dur, und in derselben Tonart 

schließt sich auch der Kreis. 

Es sind die Stimmungen, beziehungsweise 

deren Bögen, die Engelberth in 

den verschiedenen Farben wahrnimmt. 

So schwelgt der gesamte rote Teil in all 

seinen Facetten in einem sehr warmen 

Timbre – sowohl das klassisch gesetzte 

Intro als auch der große Hauptteil mit 

seinem bestimmenden Piano-Patterns, den 

schwebenden Bläserlinien und dem langen 

Trio-Rubato-Teil, der ganz und gar nicht 

frickelig oder gar hastig daherkommt. Die 

Ballade „Yellow“ erklingt in H-Dur und einer 

eher hellen Klangfarbe. „Green“, mit seinen 

kurzen Improvisationen, hat einen sehr 

lebhaften Charakter, und der abschließende 

blaue Teil klingt mit seinen eher dunkel 

gehaltenen Akkorden bluesiger, mit einer 

verführerischen Tiefe, in die man geradezu 

hineinzugleiten scheint, komplettiert aber 

schlussendlich wieder den Kreis und führt 

zu Rot zurück. 

Die Musik klingt komplex, durchdacht, 

aber zu keinem Zeitpunkt akademisch. Ihr 

ganz großes Pfund dabei ist: Sie wahrt sich 

stets eine einnehmende Frische und Vitalität. 

„Ich habe immer an die jeweiligen Spieler 

gedacht. Wo fühlen sie sich wohl? Wie 

können sie sich am besten ausdrücken? Es 

freut mich sehr, ihnen die passenden Spielwiesen 

auf den Leib schreiben zu dürfen.“ 

Live gibt es zusätzlich das Zwiegespräch 

zwischen Band und Publikum mit den 

mannigfaltigsten Einflüssen, die den Verlauf 

eines Konzertes beeinflussen und einen 

ganz woanders hintreiben lassen können. 

Die Studioarbeit ist aber eine vollkommen 

andere. Ein Tag im Studio kann sich ziehen, 

man probiert dies, man probiert das. Der 

Studioalltag kann dabei auch wie ein 

Spiegel fungieren, einem Dinge vor Augen 

führen, die so im Konzert noch nicht aufgefallen 

sind. Gerade in den langen ausnotierten 

Sätzen bietet sich einem dann noch 

mal die Möglichkeit des Überdenkens. „Ich 

bin kein Freund davon, mit neuen Stücken 

ins Studio zu gehen, ohne zuvor mit diesen 

live Erfahrung gesammelt zu haben“, erklärt 

Engelberth. 

Selbst wenn sich mal einer der beiden 

Bläser weit aus dem Fenster lehnt, hält die 

über die Jahre zusammengeschweißte 

Rhythmusgruppe die Sache zusammen. 

„Wenn man sich besser kennt, kann man 

mehr auf Risiko gehen. Da gibt es diesen 

Rückhalt – und nur selten Angstmomente, 

in denen man denkt: Hoffentlich geht die 

Nummer gut.“ Jeder hat den Fokus auf der 

Musik, aber keiner hat den Drang, sich zu 

profilieren; und diese tiefe Verbundenheit 

und Freundschaft, die weit über das gemeinsame 

Musizieren geht, ist in jedem der 

Stücke hörbar. 

Aktuelle CD: 

Volker Engelberth: Prismatic Colours 

(Unit / Harmonia Mundi) 


DalIa FaItelson 

Wie einst Marlene 

Dietrich 

Die israelische Sängerin, Gitarristin und 

Komponistin Dalia Faitelson ist in ihrer 

Wahlheimat Dänemark beliebt und hoch 

angesehen. Für ihr letztes Album As the World 

Sleeps bekam sie den Danish Music Award 

für das „Best Vocal Jazz Album 2014“. Für ihr 

neues Album Powered By Life hat sie sich nun 

erstmals mit dem großen dänischen Pianisten 

Thomas Clausen zusammengetan. Mit ihm und 

einer kleinen Band präsentiert Faitelson acht 

Songs zwischen Jazz und Folk. 

Von Rolf Thomas 

Dalia Faitelson wurde 1963 in 

Israels Negev-Wüste geboren 

und hat in Jerusalem und 

Boston studiert. Danach zog 

sie nach Kopenhagen und hat 

seitdem zehn Alben eingespielt, 

Powered By Life ist das elfte. 

Ihre Musik ist eine eigenartige 

Mischung aus Jazz, Brecht/ 

Weill, nahöstlichen und 

Balkan-Melodien, denn sie 

hat auch bulgarische Wurzeln. 

Sie hat schon mit international 

renommierten Musikern 

wie Randy Brecker, Manolo 

Badrena, Marilyn Mazur, Adam 

Nussbaum, Jarrod Cagwin 

und Chris Cheek gespielt und 

in Dänemark einen Preis nach 

dem anderen abgeräumt, unter 

anderem einen dänischen 

Grammy für ihr Album Diamond 

of the Day (Stunt, 2000) und fünf 

Jahre später den „Composer of 

the Year Award“ der dänischen 

Komponisten-Vereinigung. 

Dalia Faitelson ist als 

Tochter eines israelischen 

Vaters und einer bulgarischen 

Mutter eine echte Weltbürgerin 

und seit ihrer Kindheit mit den 

Volksmusiken des Nahen Ostens 

vertraut. Ihre musikalische 

Entwicklung ging vom Jazz zu 

einem eher weltmusikalischen 

Ansatz mit der Band Pilpel – auf 

Deutsch heißt das „Pfeffer“ –, 

in der sie erstmals hebräisch 

sang. Über ihr Jazzalbum Point 

of No Return (Stunt, 2002) 

schrieb David Adler auf der 

Website All Music, dass nicht 

nur ihre Stimme ein Highlight, 

sondern auch ihr Gitarrenspiel 

„durchweg vielseitig und substanziell“ 

sei. Zudem hat sie die 

Platte selbst produziert und alle 

Arrangements für die beteiligte 

All-Star-Band mit Randy 

Brecker, Chris Cheek, Lelo 

Nika, Thommy Anderson und 

Adam Nussbaum geschrieben. 

Eyal Hareuveni hat sich auf All 

About Jazz sehr anerkennend 

über As the World Sleeps 

geäußert: Wie Marlene Dietrich 

erfinde sich Dalia Faitelson 

immer wieder neu. „Mit einem 

intimen und coolen akustischen 

Jazz-Setting kanalisiert sie 

Einflüsse von Songwritern wie 

Joni Mitchell und Tom Waits.“ 

Ihr neues Album ist durch 

einen Trauerfall inspiriert 

worden, Faitelsons Ex-Mann ist 

vor zwei Jahren beim Fußballspielen 

mit den gemeinsamen 

Kindern einem Herzinfarkt 

erlegen. Nach einer Phase 

der Trauer hat die Sängerin 

beschlossen, ihr Leben ab jetzt 

intensiver anzugehen, die acht 

Songs, die auf Powered by Life 

enthalten sind, schrieben sich 

quasi von selbst. Für das Album 

hat Faitelson erstmals mit 

dem renommierten dänischen 

Pianisten Thomas Clausen 

zusammengearbeitet. „Thomas 

ist ein echter Allrounder“, freut 

sich die Sängerin. „Er kann 

klassisch spielen, er beherrscht 

natürlich den Jazz, aber auch 

Latin und Folk, er kann eine 

ganze Welt um einen herumbauen. 

Außerdem spielt er 

sehr lyrisch. Für diese Songs 

brauchte ich einfach einen 

Pianisten, und zwar einen, 

der lyrisch, melodisch und reif 

klingt.“ 

Eine wichtige Funktion 

hat auch die Cellistin Soma 

Allpass, deren Instrument auf 

dem Album eine tragende Rolle 

einnimmt. „Mit Soma habe ich 

schon öfter gespielt, und ich 

liebe sie einfach“, sagt Dalia 

Faitelson. „Ich weiß auch ihren 

Humor sehr zu schätzen. Bei 

den Musikern, die meine Musik 

spielen sollen, geht es mir 

immer auch um die Persönlichkeit. 

Wir lieben uns einfach 

und passen schon deshalb gut 

zusammen. Es gibt nur wenige 

Cellisten, die man nicht eindeutig 

dem Jazz oder der Klassik 

zuordnen kann, aber sie spielt 

irgendwie mittendrin. Und sie 

spielt tolle Soli, es gibt nur wenige 

Cellisten, die das können. 

Das Cello ist ein wundervolles 

Instrument, weil es so sehr der 

menschlichen Stimme ähnelt.“ 

Hoffnungsvoll und fast 

schon fröhlich klingt „Cut Ourselves 

Some Slack“. „Das ist 

eine amerikanische Redewendung, 

die ungefähr bedeutet, 

dass man sich nicht zu ernst 

nehmen sollte“, erläutert Dalia 

Faitelson. „Man sollte einfach 

nicht zu hart mit sich ins 

Gericht gehen, denn wir haben 

nur dieses eine Leben und sind 

darauf angewiesen, mit uns 

selbst befreundet zu sein. Es 

ist ein optimistisches Lied, das 

einen dazu auffordert, sich im 

Leben nicht zu sehr in Details 

zu verlieren. Man sollte seine 

eigenen Grenzen akzeptieren 

und einfach ganz im Hier und 

Jetzt leben. Es ist wichtig, 

vergeben zu können – und 

geben zu können. Das Leben ist 

zu kurz, um sich nutzlos mit den 

eigenen Unzulänglichkeiten 

herumzuschlagen.“ 

Mit dem abschließenden 

„Destiny Made a Mistake“ entlässt 

Dalia Faitelson den Hörer 

mit einem geradezu humorvollen 

Song. So viel Vitalität, so 

viel Liebe zum Leben hat wohl 

lange keine CD mehr verströmt 

– Dalia Faitelson blickt nach 

vorn, und sie tut das mit einer 

künstlerischen Integrität, für 

die sie den perfekten Ausdruck 

gefunden hat. 

Aktuelle CD: 

Dalia Faitelson: Powered By Life 

(Losen / In-Akustik) 


Im März wurde er 80. Andere mussten etwas bahnbrechend Neues schaffen, um so deutliche 

Spuren in der Jazzgeschichte zu hinterlassen. Er brauchte nur seine Musik zu spielen. In 

dieser spürst du die Gegenwart einer eigenartigen Weite – vielleicht ist es auch deine 

eigene innere Weite – und du lehnst dich zurück und gibst dich hin, der Hymne an das Leben. 

Charles 

Lloyd 

Die Hymne 

des Lebens 

oder: Der letzte 

Mohikaner 


Das Hymnische in der Musik von Charles 

Lloyd ist wahrscheinlich schon immer 

einer der Gründe dafür gewesen, dass er 

über eine Periode von sage und schreibe 

fünf Dekaden hinweg als Bandleader eine 

solche Kristallisationsfigur für Musiker 

und Publikum sein konnte. Auf Vanished 

Gardens, dem zweiten Album mit seinen 

Marvels, ist nun Lucinda Williams zu Gast. 

Die Country-Sängerin prägt mit fünf von 

zehn Stücken die Atmosphäre der Platte 

entscheidend mit. „Nein, du musst nicht 

versuchen, die Tränen zurückzuhalten. Du 

kannst nicht weinen, wenn du es drauf 

anlegst“, singt Lucinda, und wenn sie sich 

dann der bluesigen Gospel/Country-Ballade 

„We’ve Come Too Far To Turn Around“ 

hingibt – wer denkt da nicht an „Will the 

Circle Be Unbroken“? Da fällt ihr eigenes 

ganz verschlepptes Tempo mit dem der 

Marvels zusammen, und es wird klar, dass 

das Zusammentreffen mit Charles Lloyd kein 

Zufall war. Er selbst spricht von einer „deep 

Southern crossroads connection“. 

Was das bedeutet, erschließt sich 

nicht nur beim Hören von Vanished 

Gardens, sondern erklärt sich vielmehr 

mit einem tiefen Blick auf sein Gesamtwerk. 

Obwohl Lucinda Williams nur auf 

fünf Stücken zu hören ist, bringt sie auf 

geheimnisvolle Weise die Musik des 

gesamten Albums auf den Punkt. „Lu ist 

eine Dichterin, eine authentische, amerikanische 

Stimme. Ihr Sound ist wie ein 

emotionales Barometer. Eine Wetterfahne. 

Manchmal wirbelt er im Sturm herum, und 

manchmal ist er süß und rein wie eine 

südliche Brise, die dir das berauschende 

Parfüm der Magnolie bringt. Sie ist eine 

Reporterin der menschlichen Existenz, des 

Lebens auf dem Planeten Erde.“ Der Sound, 

den die Gitarren-Architekten Bill Frisell und 

Greg Leisz gemeinsam mit der entspannt 

agierenden Rhythmusgruppe, bestehend aus 

Eric Harland (dr) und Reuben Rogers (e-b), 

weben, ist wie ein Teppich für Lloyd, der 

nur noch die Augen schließen und seine 

hymnischen Tenorlinien perlen lassen muss. 

So bringen die Marvels ihre Liebe zur Weite 

des nordamerikanischen Kontinents musikalisch 

zum Ausdruck, und re-definieren so 

ganz nebenbei das Phänomen Americana. 

Immer wieder ist die Rede von der 

Spiritualität in Charles Lloyds Musik. Er 

selbst kommentiert das mit lakonischem 

Humor: „Klebt mir bitte nicht dieses Etikett 

an. Es gab eine Menge Bananenschalen, 

auf denen ich schon ausgerutscht bin“, 

sagt er. „Wer bin ich, dass ich den Leuten 

sagen wollte, wie sie leben sollen? Und 

wo wir schon von Spiritualität sprechen: 

Weißt du, der Schöpfer von all dem hier 

liebt auch gerade einige von uns wilden 

Jungs.“ Lloyd macht immer noch „spirituelle“ 

Musik, weil er Zeit seines Lebens auf 

der Suche nach der Wahrheit geblieben ist. 

„Ich habe Anfängergeist, ich liebe Musik, 


und darum spiele ich und habe so jeden Tag 

die Gelegenheit, die Wahrheit zu sagen. Im 

Gegensatz zu den Politikern.“ 

Leute, die 80 werden, erzählen gern, 

so auch Charles Lloyd. Auf der Pressekonferenz 

in Tampere spricht er auch über 

seine Zeit in Memphis: „Meine Mutter hatte 

dieses große Haus. Als Ellington in der 

Stadt war, wurde sie angerufen und gefragt, 

ob wir Platz hätten, es gab kein Hotel für 

Schwarze in der Stadt. Und so stiegen 

Duke und seine Musiker bei uns ab. Meine 

Mutter erzählte ihm, dass ich Musiker werden 

wollte. ‚Nein, du solltest Doktor oder 

Indianerhäuptling werden’, sagte er. ‚Dieser 

Job ist zu hart.’ Ich hätte auf ihn hören 

sollen.“ Er spricht von seinem Mentor und 

Lehrer, dem Pianisten Phineas Newborn, 

von Booker Little, dem Trompeter, seinem 

Freund aus Kindertagen, von seinem Buddy, 

dem Drummer Billy Higgins, mit dem er ab 

dem Alter von 18 bis zu dessen Tod eine 

enge musikalische Beziehung hatte. Er traf 

Ornette, Don Cherry, Chico Hamilton, Scott 

LaFaro, Charlie Haden, Eric Dolphy, Bobby 

Hutcherson, Cannonball Adderley, Roy Haynes, 

Tony Williams, Ron Carter. Keith Jarrett und 

Michel Petrucciani wurden durch ihn groß. 

Er bereicherte den Sound zahlreicher Rock-, 

Blues-, und Popstars der 60er und 70er 

Jahre und legte nebenbei die Basis für das, 

was später World Music genannt werden 

sollte. Kaum ein anderer Jazzmusiker hat 

mit so vielen gespielt, von und mit so vielen 

gelernt. Manchmal wundert er sich selbst 

darüber: „Sie wollten alle mit mir spielen. 

Ich fühle mich damit gesegnet.“ 

„Ich bin einer der letzten Mohikaner. 

Es sind nicht mehr viele von uns übrig“, 

sagt ein Mann, im Bewusstsein, vielleicht 

einer der wenigen Verbliebenen zu sein, in 

deren Haltung sich eine bedingungslose 

PDF in 4c 

Liebe zur Musik ausdrückt und nicht zuletzt 

die – durchaus berechtigte – Naivität der 

Vorstellung einer Welt, die gewiss besser 

wäre, würde sie sich nur nach den Regeln 

der Kunst richten. 

Aktuelle CD: 

Charles Lloyd & The Marvels: Vanished Gardens 

(Blue Note / Universal) 

© Marc Ducrest

Titel 

© Lutz Voigtländer 

Kathrin 

PechlofFreiräume 

für die Harfe 

26 


Die Harfe ist ein sehr altes und weit verbreitetes 

Musikinstrument. Sie kommt in vielen Weltgegenden 

vor, in den unterschiedlichsten Formen, Stimmungen 

und gesellschaftlichen Kontexten. Harfen gab es in der 

mediterranen Antike, es gibt die westafrikanische Kora, 

es gibt keltische Harfen, in Lateinamerika existiert eine 

vielgestaltige Harfen-Tradition. In der westeuropäischen 

Kunstmusik gibt es die optisch eindrucksvolle und 

mechanisch komplizierte Konzertharfe. Im Jazz allerdings 

ist das Instrument noch nicht wirklich angekommen. 

Von Hans-Jürgen Linke 

zu spielen, erfordert erheblichen Kraftaufwand 

in Armen, Händen, Fingern. Auch die 

Bedienung der Pedale funktioniert nicht 

ohne Kraft und Präzision in Beinen und 

Füßen. Man sollte Harfenengel also nicht 

unterschätzen. 

In der älteren Literatur ist die Harfe 

vor allem Orchesterinstrument. Sie ist für 

Farbtupfer in einem Gesamtklang zuständig 

und tendiert immer ein wenig dazu, in 

ihm zu verschwinden. Seit dem späten 19. 

Jahrhundert beginnt sich allerdings in dieser 

Hinsicht etwas zu verändern; bei Ravel, 

Musiker, fand Anregungen für die eigene 

Kreativität. Was sie nicht fand, waren 

Vorbilder und Rollenmodelle. Die Harfe ist im 

Jazz ein seltenes und untypisches Instrument. 

Gelegentlich gab es zwar schon 

Versuche, sie kleiner, dynamischer und 

elektronischer zu machen, um sie den eher 

rauen Bedingungen in Jazz-Ensembles anzupassen, 

ihr mehr akustische Durchsetzungsfähigkeit 

und neue Klangmöglichkeiten 

zu verschaffen. Allerdings sind dabei 

nur wenige Prototypen entstanden; eine 

komplexe neue Erscheinungsweise und 

Klangwelt – wie in den sieben Jahrzehnten 

der elektrischen Gitarre – hat sich nicht 

einmal ansatzweise entwickelt. Die Harfe 

ist immer noch ein altehrwürdiges, hölzernes 

Saiteninstrument, das mit intensiver 

Handarbeit zum Klingen gebracht werden 

will. Mit Tonabnehmern und Mikrofonen 

kann man immerhin der Dynamik ohne 

klangliche Veränderungen zu Hilfe kommen. 

Aber traditionell haben Harfenengel 

mit Groove, mit Jazz-Standards, mit freier 

Improvisation wenig zu tun. 

Das hat Vor- und Nachteile. Ein Vorteil 

ist, dass die Harfenistin in dieser Umgebung 

große Freiräume genießt. Es gibt hier 

Eher subtil als dynamisch, 

eher feinsinnig als kraftvoll. 

Von Anfang an war die Harfe Kathrin 

Pechlofs Lieblingsinstrument. Der fließende, 

warme Klang und seine spezielle 

Poesie hatten schon sehr früh ihren 

Wunsch geweckt, Harfe zu spielen. Seit 

etlichen Jahren hat sich mittlerweile unter 

ihrem Namen ein Trio versammelt, dessen 

zweites Album jetzt herausgekommen ist. 

Ein Jazz-Trio? Ja, auch. 

Wer Harfe spielen will, kommt an 

einer sogenannten klassischen Ausbildung 

nicht vorbei. Das bedeutet, neben all 

der Theorie, die man sich im Zuge eines 

Musikstudiums aneignet, vor allem: Noten 

aufs Pult legen, unter kundiger Anleitung 

und Überwachung die einschlägige 

Literatur so gut wie möglich spielen und 

dabei eigene Interpretations-Ansätze und 

-Spielräume ausmessen lernen. 

In Westeuropa sind um die Harfe 

seit dem 18. Jahrhundert einige haltbare 

Klischees entstanden, die im zugespitzten 

Bild des Harfenengels zusammenfinden. 

Die Harfe gilt als irgendwie lyrisch und 

ätherisch, ihr Ton ist fragil, zart und nicht 

sehr dominant. Im Normalfall wird die 

Harfe von einer Harfenistin gespielt. Harfenisten 

sind weit seltener. Das sanfte Image 

hat allerdings mit der Wirklichkeit des 

Harfespielens wenig zu tun. Im Orchester 

ist eine Konzertharfe nach dem Klavier das 

größte und schwerste Instrument. Sie ist 

bis zu 1,90 Meter hoch, hat eine komplexe 

Mechanik und wiegt 40 Kilogramm und 

mehr. Das Instrument und seine Spiel- 

Mechanik müssen von der Harfenistin 

(oder dem Harfenisten) zupackend 

gehalten, bewegt und bedient werden. Die 

Harfe zu halten, setzt eine gut entwickelte 

Stütz- und Rückenmuskulatur voraus. Sie 

bei Richard Strauss oder Arnold Schönberg 

emanzipiert sich das Instrument. Die 

Harfe, wird eigensinniger, hörbarer und 

bekommt solistische Aufgaben. Trotzdem 

war da von Anfang an, erinnert sich Kathrin 

Pechlof, eine leise Unzufriedenheit, die 

das Studium begleitete. Eine Leerstelle, die 

langsam Form und Gestalt annahm. Regeln 

zu lernen und die Musik diesen Regeln 

gemäß nachzuspielen – war das wirklich 

alles, was eine Lebenslaufbahn als 

Musikerin versprach? Schon während des 

Studiums in München fanden sich in ihrem 

Freundeskreis Jazzmusiker. Sie ging mit in 

deren Konzerte und begann, mit ihnen zu 

spielen. Die Unterbiberger Hofmusik der 

Familie Himpsl mit ihrer Neuen Volksmusik 

oder das Jazzquartett Cosmic Groove 

Orchestra boten Chancen für alternative 

Erfahrungen mit der Harfe. 

Kathrin Pechlof ging für ein Masterstudium 

im Fach Jazzkomposition nach 

Köln, und das veränderte alles. Der Weg 

über die Komposition als akademisches 

Tool erwies sich als der ihr angemessene 

Weg ins Neuland, Joachim Ulrich 

und Frank Gratkowski nennt sie als ihre 

wichtigsten Lehrer. In der umtriebigen 

Kölner Jazz-Szene traf sie ähnlich gesinnte 

– im Unterschied zur sogenannten klassischen 

Musik – kein Klischee-Reservoir. Es 

gibt keine verbindliche Liste mit herausragenden 

Virtuosen-Persönlichkeiten und 

Tonbildungs-Eigenarten, an denen man 

sich orientieren kann und muss. Im Jazz 

darf eine Harfenistin sie selbst sein – beziehungsweise: 

Sie muss das. Es gibt keine 

Alternative. Der Weg der Nachahmung 

von oder Abarbeitung an verbindlichen 

Vorbildern existiert nicht. 

Freiheitsliebe 

Wenn man Kathrin Pechlof nach Musikern 

aus der Jazzgeschichte fragt, die sie 

beeinflusst haben, nennt sie Duke Ellington 

– den bedeutendsten und raffiniertesten 

Komponisten des orchestralen Jazz –, 

dann Wayne Shorter, den großen Saxofon- 

Erzähler, Konzeptionisten und Klangmaler, 

und den immer grenzüberschreitend 

arbeitenden Henry Threadgill. Aber es 

gibt Unterschiede. Kathrin Pechlof findet 

im Jazz vieles, was ihr attraktiv erscheint, 

aber sie fühlt sich dieser Tradition nicht 

wirklich nahe. Ihre Beziehung zum Jazz ist, 

wie sie selbst sagt, von einer Art musikalischer 

Freiheitsliebe motiviert, aber darüber 

hinaus immer ein wenig akademisch 


Titel 

geblieben. „Diese Musik“, sagt sie, „ist 

nicht durch mich hindurchgegangen“. Anders 

als die sogenannte klassische Musik, 

mit der sie früh in Berührung gekommen 

ist und die sie ausgiebig studiert hat. Sie 

weiß aus eigener Erfahrung, wie es sich 

anfühlt, Harfenistin im Orchester zu sein. 

Sie weiß, wie es ist, als Solistin mit einem 

(oder angestrengt gegen ein) Orchester 

zu arbeiten. Aber: „Ich werde nie erleben 

können, wie es ist, wenn man zum Beispiel 

in einer Bigband im Saxofonsatz swingt.“ 

Solche Erfahrungen hält der Jazz für eine 

Harfenistin nicht bereit. 

Was den Jazz dagegen prägt wie kein 

anderes Musik-Genre, ist die eigenverantwortliche 

Gestaltung des klingenden 

Augenblicks in der Improvisation. Diese 

musikalische Praxis wurde im Kontext 

unserer klassischen Musik anderthalb 

Jahrhunderte lang stark vernachlässigt, 

wenn nicht zum Schweigen gebracht. Wo 

Musik von Komponisten geschrieben und 

von ausübenden Musikern gespielt wird, 

© David Beecroft 

wo es also zwei Gattungen von Künstlern 

gibt, die ihr in die Wirklichkeit verhelfen 

und deren Aufgaben dabei streng voneinander 

unterschieden sind, hat Improvisation 

keinen Raum. Allenfalls darf (oder 

muss) der spielende Musiker eine eigene 

Kadenz zum Besten geben oder ein wenig 

„extemporieren“. 

Seit der Jazz sich in den 40er Jahren 

des 20. Jahrhunderts zu einer Konzertmusik 

mit starkem Improvisationsanteil zu 

entwickeln begann, hat er diese Leerstelle 

besetzt. Improvisierende Musiker galten 

gewissermaßen automatisch als Jazz- 

Musiker – gleichgültig, welchem Genre sie 

sich zugehörig fühlten. Aber wie so viele 

scheinbar feststehende Tatsachen wurde 

auch diese durch aktuelle Entwicklungen 

überholt: Unter den spielenden Vertretern 

der Alten und den Protagonisten der 

Neuen Musik hat sich eine Kultur der 

Improvisation entwickelt. In der Alten 

Musik liegt das schon aus Gründen einer 

historisch informierten Aufführungspraxis 

recht nahe. Von der Neuen Musik aus gibt 

es mittlerweile intensive Berührungen mit 

improvisierenden Musikern. Alle arbeiten 

schließlich mit den gleichen avancierten 

Spiel- und Tonbildungs-Techniken und 

lernen an den Hochschulen das Gleiche. 

Improvisierende Musiker fühlen sich 

längst nicht mehr unausweichlich einer 

Jazz-Idiomatik verpflichtet, und die bestens 

ausgebildeten Musiker der Neuen 

Musik suchen für ihre hochentwickelten 

Fähigkeiten Betätigungsfelder jenseits 

dessen, was ihnen die Komponisten aufs 

Pult legen. 

Überwiegend leise 

Kathrin Pechlof hat nach ihrer klassischen 

Ausbildung keine neue Musiksprache erlernen 

müssen. Sie brauchte keine Nachhilfe 

für Swing oder Off-Beat-Phrasierung 

oder für nervöse Bebop-Linien, und sie 

musste keine Blue Notes auf der Harfe 

finden. Sie improvisiert in der Sprache 

ihres Instruments, findet und erfindet neue 

Vokabeln, Klänge, Spieltechniken. Sie hat 

ihren Platz zwischen den Stühlen gesucht 

und gefunden: Wo auch sonst. 

Auch deshalb, weil sie dort längst 

nicht mehr allein suchen und arbeiten und 

sitzen muss. Ihr Trio mit dem Bassisten 

Robert Landfermann und dem Altsaxofonisten 

Christian Weidner hat einen eigenen 

Sound entwickelt und gängige Genre-Beschränkungen 

hinter sich gelassen. Nicht 

nur die Harfenistin hat sich auf etwas 

Neues eingelassen, die Jazzmusiker im 

Trio haben sich in den gleichen Lernprozess 

hineinbegeben. Für gut die Hälfte der 

Stücke im Trio-Repertoire zeichnet Christian 

Weidner als Komponist verantwortlich. 

Es ist nicht verwunderlich, dass der 

Trio-Sound überwiegend leise daherkommt. 

Eher subtil als dynamisch, eher 

feinsinnig als kraftvoll. Das hängt auch 

mit Eigenschaften der Harfe zusammen, 

sagt Kathrin Pechlof. Klangliche Nuancen 

stehen bei diesem Instrument eigentlich 

nur zur Verfügung, wenn man sich auf ihre 

leise Poesie einlässt. Auch Jazzmusiker 

haben die Klangfarben, die leisen, raffinierten 

Gestaltungsmöglichkeiten schätzen 

gelernt. So dass Kathrin Pechlof etwa bei 

Niels Klein in der für Jazz-Verhältnisse fast 

schon orchestralen Großformation Loom 

oder in Benjamin Schäfers Quintett Quiet 

Fire die Gelegenheit hat, sich als Sidewoman 

zu präsentieren. Ein durchaus neues 

Rollenmodell für eine Harfenistin im Jazz. 

Kathrin Pechlof lebt inzwischen in 

Berlin. Aus der Erfahrung, dass sie als 

Jazzmusikerin nicht einfach in fertigen 

Strukturen ihre Arbeit tun kann, sondern 

vieles selbst gestalten muss, folgte für sie 

die Mitarbeit in der IG Jazz Berlin, zu deren 

Vorstand sie mittlerweile gehört. Und 

zusammen mit Christian Weidner kuratiert 

sie die Konzertreihe „Serious Series“ in 

den Berliner Uferstudios. 

Neben und zusammen mit dem Trio ist 

zurzeit ein Septett ihr aufregendstes musikalisches 

Projekt. Es handelt sich um eine 

Erweiterung des Trios durch ein Quartett 

von Streichern – kein Streichquartett: Die 

sieben Musikerinnen und Musiker bewegen 

sich auf individuellen Wegen in einem 

weiten Bereich zwischen Neuer Musik und 

zeitgenössischem Jazz. Sie hören einander 

genau zu und machen das zur Grundlage 

ihrer Entwicklungsarbeit einer eigenen 

Musiksprache. Sie beharren nicht auf 

Herkömmlichem. Sie verlassen sich beim 

Improvisieren nicht auf eine gemeinsame 

Tradition, sondern erforschen und schaffen 

ihre eigene. Kompositionen sind hier vor 

allem Spielfelder und notierte Verläufe für 

gemeinsame Experimente. 

Die sieben haben, nach einigen Konzerten 

im April, inzwischen im Funkhaus 

Berlin zusammen Aufnahmen gemacht. 

Man könnte damit ein Septett-Album 

bestücken. Wo das erscheinen soll? Wer 

weiß das. Irgendwo gibt es vielleicht 

genügend Neugier dafür. Was bleibt einem 

schon übrig, als etwas Neues in die Welt 

zu setzen. 

Aktuelle CD: 

Kathrin Pechlof Trio: Toward the Unknown 

(Pirouet / NRW) 

28 Jazzthetik 07/08-2018 Kathrin Pechlof Trio

koMposItIonen sInD Vor 

alleM spIelFelDer. 

© Lutz Voigtländer 

JazzthetIk 07/08-2018 29

Stefano Bollani Gegen die Langeweile 

Rührig könnte man 

Stefano Bollani 

durchaus nennen, 

umtriebig, neugierig 

und vielseitig. 

Alles Attribute, die 

hervorragend zu dem 

italienischen Pianisten 

mit dem Frank-Zappa- 

Pferdeschwanz 

passen. Mühelos 

bewegt sich der 

45-Jährige in 

sämtlichen Stilen, 

beherrscht Ravel 

ebenso wie Piazzolla 

und sämtliche Jazz- 

Standards, immer auf 

der Suche nach etwas 

Neuem. Jetzt hat er mit 

Que Bom sein zweites 

brasilianisches Album 

veröffentlicht – und 

einmal mehr seine 

Wandlungsfähigkeit 

unter Beweis gestellt. 

© Vinícius Giffoni 


„Das Schlimmste sind für mich 

Wiederholungen“, sagt Stefano 

Bollani und lacht. „Wenn ich mir 

vorstellen müsste, immer dasselbe 

zu spielen, Tag für Tag wie 

ein Automat, würde ich meinen 

Beruf wahrscheinlich hassen.“ 

Freiheit ist für den international 

anerkannten Tastenvirtuosen 

das zentrale Gut, Freiheit in der 

Welt ebenso wie Freiheit in der 

Musik. Am Florenzer Konservatorium 

Luigi Cherubini hatte man 

einst versucht, ihm Letzteres 

auszutreiben, wie er mal gestand 

– ohne Erfolg. Kein Wunder, 

dass Bollani sich daraufhin 

zunächst dem Jazz zuwandte. 

„Für mich ist die Improvisation 

eine Art von Meditation“, erzählt 

er. „Ich kann dabei all das nutzen, 

was mich gerade bewegt, 

und damit jene Leere füllen, die 

das Solo zunächst ist.“ 

Doch der Wunsch nach 

Veränderung treibt Bollani nicht 

nur in einzelnen Stücken an. 

Sein gesamtes künstlerisches 

Schaffen ist darauf ausgerichtet, 

unvorhersehbar zu sein. So 

auch mit Que Bom. „Ich habe 

zuletzt wenig komponiert, zum 

einen aufgrund von Zeitmangel, 

aber auch weil ich es oft 

weitaus einfacher finde, in 

der bestehenden Musik nach 

schönen Stücken zu suchen 

und diese in meinem Stil zu 

spielen“, sagt er. „Für Que Bom 

habe ich aber fast alles selbst 

geschrieben, was mir sehr viel 

Freude bereitet hat. Übrigens ist 

das auch der große Unterschied 

zu BollaniCarioca: Damals habe 

ich in erster Linie brasilianische 

Volkslieder überarbeitet.“ 2007 

war das, im selben Jahr also, 

in dem er den Hans-Koller- 

Preis als bester europäischer 

Musiker des Jahres erhielt, mit 

der Filarmonica ‚900 des Teatro 

Regio Turin Werke von Francis 

Poulenc einspielte – und als erster 

Musiker seit Antonio Carlos 

Jobim Klavier in einer Favela 

spielte. „Es war sogar dasselbe 

Instrument“, betont Bollani. „Für 

mich war das ein ganz besonderer 

Moment, weil meine Musik 

tatsächlich Menschen aus der 

Stadt und aus der Favela zusammenbrachte.“ 

Die Liebe zu brasilianischen 

Klängen und Rhythmen 

geht allerdings viel weiter 

zurück. „Angefangen hat alles, 

als ich etwa 13 Jahre alt war“, 

erinnert sich Bollani. „Damals 

hörte ich zum ersten Mal eine 

Bossa Nova, die schnell zur 

dritten Leidenschaft nach Jazz 

und Rock wurde. Nach und nach 

entdeckte ich verwandte Stile, 

die mich allesamt begeisterten. 

Ich liebe es, dass das Klavier 

hierbei sowohl ein Perkussionsinstrument 

ist als auch meine 

Stimme ersetzen kann. Und der 

Vibe ist einfach fantastisch.“ Die 

Produktion von BollaniCarioca 

war demzufolge nur konsequent 

– und der Nachfolger in diesem 


er hat sich am nächsten Tag die 

Noten angesehen, war begeistert 

und hat es perfekt vorgetragen. 

Unglaublich. Er könnte mir 

ein Telefonbuch vorsingen – und 

ich wäre glücklich damit.“ 

Ähnliches könnte man 

auch über Bollani sagen. Sein 

virtuoses Klavierspiel macht mit 

jedem Ton Lust auf mehr, zumal 

es nur so vor Lebensfreude 

strahlt und sich völlig natürlich 

in die feinen Grooves seiner 

Band einfügt. „Die Aufnahmen 

haben einfach riesigen Spaß 

gemacht“, betont Bollani denn 

auch. Das hört man. Herrlich 

entspannte Melodien, in denen 

sich brasilianische Harmonien 

und Rhythmen mit italienischen 

Texten und dem ein oder 

anderen ironischen Unterton mischen, 

ohne auch nur für einen 

Moment monoton zu wirken. 

Was Musik laut Bollani ohnehin 

niemals sein dürfte. „Wir sind 

ganz bestimmt nicht auf dieser 

Welt, um uns zu langweilen oder 

um traurig zu sein“, sagt er. Und 

bietet mit Que Bom eine Alterna- 

tive, die nicht nur jeder Latin-Fan 

in vollen Zügen genießen dürfte. 

© Vinícius Giffoni 

Jahr die logische Weiterent- 

wicklung, zumal Bollani nicht zu 

jenen gehört, die eine Idee lange 

mit sich herumtragen. „Wenn 

ich etwas machen möchte, 

dann setze ich das auch relativ 

schnell um“, sagt er. Wenn es 

doch immer so einfach wäre. 

Für Bollani offenbar schon, der 

kurzerhand eine ihm vertraute 

Rhythmusgruppe und Gaststars 

wie Caetano Veloso, Hamilton 

de Holanda und Jaques Morelenbaum 

einlud, mit denen er 

schon seit Längerem ein Album 

produzieren wollte. „Hamilton ist 

ein guter Freund von mir, aber 

mit den anderen hatte ich zuvor 

noch nicht arbeiten dürfen, auch 

wenn ich beide vom Namen her 

kannte. Vor allem Caetano ist 

unglaublich schwer ins Studio 

zu bekommen, weil er einer der 

einflussreichsten und kreativsten 

Künstler seines Landes und 

ein phänomenaler Sänger ist. 

Ein Lied habe ich extra für ihn 

im Flugzeug geschrieben, auf 

Italienisch, weil das nun einmal 

meine Muttersprache ist – und 

Aktuelle CD: 

Stefano Bollani: Que Bom 

(Alobar / Galileo MC) 


Auf seiner Homepage erzählt Nicola Conte eine Geschichte: Es geht um eine mysteriöse 

Frau, die wie aus dem Nichts erscheint und genauso wieder verschwindet. Um eine sanft 

schwingende Musik und eine geheimnisvoll streichelnde Stimme, mehr Hauch als Präsenz. 

Um den Wind und die Ladungen, die er transportiert. 

Von Stefan Hentz 

Natürlich geht es auch um einen Mann, 

einen Mann wie Conte selbst oder 

viele andere; alterslos jung, gediegen 

schlank, melancholisch elegant, Gitarre. 

Wahrscheinlich handelt es sich um eine 

Liebesgeschichte, wobei offen bleibt, was 

das Objekt dieser Liebe ist. Die Frau? Die 

Gemeinsamkeit? Die federleichte, leicht 

plätschernde Musik? Interessant ist, wie 

Conte diese Geschichte erzählt, als Graphic 

Novel nämlich, gezeichnet in hartem 

Schwarz-Weiß-Kontrast, so dass Details 

und Zwischentöne verschwinden. 

Die Geschichte ist schon etwas älter, 

zehn Jahre etwa, Conte hatte sie eingestellt, 

um mit ihr und den opaken Flächen und 

Ambivalenzen, die sie transportiert, auf seine 

Musik aufmerksam zu machen, auf das Album 

Rituals, in dem er sich als ein Mann der 

Bossa Nova und eines sehr angenehmen, 

milden Klimas zeigte. Doch letztlich lassen 

sich die aufgerufenen ästhetischen Verfahren, 

das Wechselspiel von Licht und Schatten, 

ungefüllten und mit Druckerschwärze 

zugelaufenen Flächen, das Erzählen in 

Bildern und Images, der cinematographische 

Puls aus Schnitten und Bildmontagen, das 

Schärfen und Verschwimmen des Bildfokus 

sowie ganz generell der Verzicht auf Details 

und Zwischentöne direkt auf seine künstlerische 

Vita bis in die Gegenwart beziehen. 

Die Gegenwart trägt den Namen Let 

Your Light Shine On und ist ein Album, das 

Conte kürzlich mit seiner Band Spiritual Galaxy 

(und einer stattlichen Garde von südafrikanischen 

und US-amerikanischen Gästen) 

in Bari und Johannesburg aufgenommen hat. 

Wie selbstverständlich dockt er mit diesem 

Album, seinem Debüt für das wiederbelebte 

deutsche Traditionslabel MPS, an einen 

anderen Bereich der Jazz-Geschichte an: 

an den spirituellen Jazz, der seinen Urknall 

in den späten 60er- und den 70er-Jahren 

im Windschatten der Materialerkundungen 

von Musikern wie John Coltrane, Pharoah 

Sanders, Albert Ayler hatte. 

Auch hier geht es wieder um eine Annäherung, 

um Images eines Stils, die Conte 

stilsicher aufruft und montiert. Es ist nett, 

was da auf dem Album zu hören ist, es hat 

einen tiefgründigen Afro-Groove, wiegt die 

Hüften schwer zwischen den harmonischen 

Pendelbewegungen, einer hochgerüsteten 

Perkussion und den soulgetränkten Stimmen 

mehrerer Sängerinnen und der verlässlichen 

Klasse von Gastsolisten wie den Saxofonisten 

Magnus Lindgren am Tenor und Logan 

Richardson am Alt oder dem Trompeter Theo 

Croker. Was allerdings auf der Strecke bleibt 

bei dieser musikalischen Puzzlearbeit, ist 

das gewisse Etwas, diese überschießende 

Energie, die damals die Faszination für diese 

Musik hervorrief, diese Unbedingtheit, mit 

der die Melodiker des Spiritual Jazz über alle 

Schranken der Konvention – und manchmal 

auch ihrer technischen Fähigkeiten – hinweg 

ihre Wege verfolgten. 

Nicola Conte, geboren 1964 in Bari, 

tief an der Ferse des italienischen Stiefels, 

unendlich weit entfernt von den Zentren des 

Jazz, von Rom, Mailand, Turin, den Großstädten 

des Nordens und noch viel weiter von 

den afroamerikanischen Kristallisationsorten 

auf der anderen Seite des Großen Teichs, wo 

sich seinerzeit der Spiritual Jazz sprunghaft 

ausbreitete. Doch auch in Süditalien gab es 

Musik, populäre und folkloristische Musik, 

all das, was lebt und bebt, Conte begegnete 

der klassischen Musik mit ihrem Seidenschmelz, 

der Breitwand-Sentimentalität der 

italienischen Filme der 70er-Jahre, und dem 

deutlich anspruchsärmeren Musikmaterial 

aus der cinematographischen Dutzendware 

aus Cinecittà, nippte am Jazz und seinem Begleitschwarm 

– Nicola Conte fand genug musikalisches 

Futter. Er wuchs heran zu einem 

manischen Schallplattensammler, der sich für 

viele Reize interessierte, die ihm vor die Ohren 

kamen, und zugleich zu einem Gitarristen, der 

den Ertrag all dieser Einflüsse in einer Art von 

lauschig dahinwehender improvisierter Musik 

miteinander verband, in einer Art Jazz-als-ob, 

einem sorgfältig abgestimmten Potpourri aus 

Jazz-Zeichen, das seinen Platz in den Loungesesseln 

dieser Welt findet. 

Conte ist clever genug, zu begreifen, 

dass sein eigenes Spiel auf der Gitarre dabei 

nicht viel mehr ist als eine nette Dreingabe 

des Gesamtklangs, und entsprechend hat er 

seit Langem seinen Fokus zunächst auf sein 

DJing und zunehmend auf die Position eines 

Produzenten verlegt, bei der nie so recht klar 

wird, wo er nur Vorgefundenes zurechtstutzt, 

um es in ein vorgefertigtes Klangbild 

einzufügen, und wo seine individuelle 

Imagination anfängt. In dieser Uneindeutigkeit 

nähert sich Conte wiederum der Welt 

bewusst unscharf gesetzter Zeichen, in der 

er vor zehn Jahren auf sein Album Rituals 

aufmerksam machte. Melodien wehen wie 

ein Windhauch, Bläser schlingen Girlanden, 

die gemächlich gen Boden schweben, doch 

the beat goes on. Körper bewegen sich im 

Raum –und irgendwo in dieser ganzen zarten 

Bewegung haben sich all die machtvollen 

Emotionen verpuppt: die Liebe und die 

Weltverbundenheit und das Begehren. Nach 

63 Minuten allerdings geht das Licht aus. So 

viel Struktur muss sein. 

Aktuelle CD: 

Nicola Conte: Let Your Light Shine On 

(MPS / Edel:Kultur) 


nICola 

Conte 

Melodien wie 

ein Windhauch 

© Nicolas Righetti 


High Fidelity: Die Listening-Session 

CYRUS CDi Intimität bis zum Erröten 

Wer noch CDs hört, der kommt um 

ein hochwertiges Abspielgerät nicht 

herum. Ein traditionsreicher Hersteller 

von CD-Playern ist Cyrus Audio 

aus England. 

Von Peter Steinfadt 

Also ich habe ja gerne was in der Hand. 

Eine Langspielschallplatte. Oder eine 

CD mit buntem Booklet. Mit gestreamter 

Musik, mp3 oder ähnlichem technologischen 

Fortschritt kann ich wenig anfangen. 

Musikgenuss ist ein Lebensmittel und sollte 

nicht zum Fast Food verkommen. Kann 

der ernsthafte Musikfreund Datenmaterial 

sammeln? Das ist wie Berliner Luft in 

Dosen und somit lächerlich. Wo bitteschön 

bleibt denn im Zuge der Entstofflichung der 

liebgewonnene Staub auf der meterlangen 

LP-Sammlung im Regal oder dem Konvolut 

der alphabetisch sortierten Silberlinge? Da 

goutiere ich doch lieber das saftig-dezente 

„Schluurb“ des Cyrus-Laufwerks während 

des Einziehens bzw. Ausspuckens einer 

Compact Disc. 

Die Technik des Cyrus CDi aus Huntington, 

Cambridgeshire ruht in einem Solidität 

ausstrahlenden und für den Hersteller 

typischen Druckguss-Gehäuse mit schöner 

Anfassqualität und verfügt über ein sogenanntes 

LED Loading System sowie einen 

32-Bit-DAC Wandler. In der bescheidenen 

Abmessung von 73 x 215 x 360 Millimetern 

(H x B x T) mit den Ausgängen SPDIF 

optisch, SPDIF koaxial und 2 x Stereo-Cinch 

steckt viel technisches Know-how des 

Traditionsherstellers. Vom ersten reproduzierten 

Ton an ist es zu hören, dass hier 

enthusiastische Überzeugungstäter am 

Werk waren. Hier wird Wissen umgemünzt 

in seelenvolle, natürliche Musikwiedergabe. 

Dark Days & Canapés (Pias, 2017) von 

Obaro Ejimiwe aka Ghostpoet liefert düsteren, 

spannenden Urban-Electro-Sound aus 

UK. Als Hörer verfällt man sofort der dunklen 

Stimme des Briten mit nigerianischen 

Wurzeln, mehr Spoken Word als Gesang. 

Hier treffen ein glockenhell angeschlagenes 

Klavier auf dunkle Elektrosounds und teils 

verstörende Gitarrenarbeiten, die sogar ins 

Morriconehafte driften können. Welcome to 

the Geisterstunde. Es ist schön da. Der Cyrus 

CDi besitzt ein Faible für einen sehr harmonischen, 

körperreichen Tonfall und leuchtet die 

Bühne des musikalischen Geschehens sehr 

glaubhaft aus. Der Player transportiert die 

Weltuntergangsintimität des Albums bis zum 

Erröten. Mit einem solch organischen, gesättigten 

Gestus, dass sich die beliebte Frage 

nach der Auflösungskapazität der Maschine, 

die diese übrigens perfekt beherrscht, erst 

gar nicht stellt. 

„Schluurb!“ – CD raus. „Schluurb!“ 

– neuer Titel rein. Ärger über klapprige CD- 

Schubladen kann beim Cyrus CDi gar nicht 

erst aufkommen. Das Florian Pellissier Quintet 

kann sein Faible für Blue-Note-Jazz der 

60er Jahre nicht verleugnen und schlägt auf 

seinem neuen Album Bijou Voyou Caillou 

(Heavenly Sweetness, 2018) mit europäisch 

geprägtem Jazzidiom und Ausflügen in 

Rap-Gefilde die Brücke in die Jetztzeit. Die 

spielfreudige Besetzung und feurige Eleganz 

der Band um den Pianisten Pellissier 

vermag mit Melodien und überraschenden 

Hooks vom ersten bis zum letzten Titel zu 

fesseln. Hier mag man durchhören und 

nicht mit der schicken Fernbedienung des 

Players von Titel zu Titel skippen. Die sehr 

gute Aufnahmequalität mit transparenter 

Handschrift – hier war mit Jordan Kouby ein 

Könner im Studio – wird vom Cyrus-Player 

wunderbar und selbstverständlich ohne 

Artefakte in den Raum gestellt. Auch hier 

geht die Rechnung mit exzellentem Timing 

und einer tonalen Abstimmung, die die 

Farben der weichen, warmen Klänge zum 

Leuchten bringt, auf. Im Hochtonbereich 

rundet der Player hier etwas ab, aber unterschlägt 

nichts wirklich. 

Das bewusste Zurückhalten des 

allerletzten, höchsten Hochtons und die 

leicht „dunkle“ Gesamtabstimmung sind sehr 

angenehm im Ohr. Der CDi nervt niemals 

auch nur im Ansatz, sondern überzeugt mit 

einer stupenden Grundtondynamik, Gefühl für 

Rhythmus und musikalischem Fluss. Wie beim 

Hersteller üblich, ist der CDi mit dem optional 

erhältlichen Netzteil PSX-R aufwertbar. Aber 

auch ohne externe Stromversorgung gehört 

der kleine Brite im schicken schwarzen Kleid 

in die klangliche Klasse der 3000-Euro-Player. 

Die aufgerufene UVP in Höhe von 1.295 

Euro ist auf jeden Fall jeden Cent wert. Der 

Gegenwert ist eine Musikmaschine, die zu 

begeistern vermag und in diesem Marktsegment 

nahezu konkurrenzlos ist. 

Website: 

www.bellevueaudio.de 


Robyn Schulkowsky / 

Joey Baron Wer ich bin 

Von Holger Pauler 

Der Titel lässt viel Raum 

für Interpretationen. 

Die Betonung kann man 

wahlweise auf jedes 

einzelne der vier Worte 

legen, immer ergibt der 

Satz eine andere Bedeutung, 

und jedes Mal 

stimmt sie auch. „Die 

Musik fordert die Leute 

auf, intensiv zuzuhören“, 

sagt Robyn Schulkowsky. 

„Sie sollen 

sich darauf einlassen 

und sich auf die Suche 

begeben nach den Klängen 

und Strukturen, die 

dort verborgen sind.“ 

Den Hörer erwarte 

jedes Mal ein vollkommen 

neues Hörerlebnis, 

verspricht sie. 

Schon der erste Durchlauf 

macht neugierig auf 

mehr. Es gibt Anleihen 

bei der Minimal Music, 

bei afrikanischen 

Rhythmen und Raga, bei 

Stockhausen und Cage. 

Hypnotisch-sedierende 

Klänge wechseln mit 

schnarrenden und 

klirrenden Becken ab. Es groovt – mal entspannt, 

mal treibend – und zwischendurch 

erklingen sogar Melodien. Töne werden im 

Raum stehen gelassen, verlieren sich und 

überwinden Raum und Zeit. „Die Musik 

auf Now You Hear Me ist die Summe der 

musikalischen Erfahrungen, die wir über die 

Jahrzehnte gesammelt haben. Dazu gehört 

auch, die Materialien, die wir ausgesucht 

haben, zu erforschen und weiterzuentwickeln, 

um mit ihnen zu spielen“, sagt Joey 

Baron. Der 63-jährige Wahl-New-Yorker 

ist ein Grenzgänger zwischen den Genres: 

Er hat mit John Zorn, Bill Frisell und Dizzy 

Gillespie ebenso gespielt wie mit Marianne 

Faithfull und Laurie Anderson. Die Kooperation 

mit Robyn Schulkowsky klingt vor dem 

Background nur logisch: Die 1953 in Eureka, 

South Dakota, geborene Perkussionistin hat 

sich früh der Klangforschung verschrieben 

und dafür nicht die schlechtesten Lehrer 

und Partner ausgesucht: Neben Karlheinz 

Stockhausen, John Cage oder Morton Feldman 

waren es auch Musiker wie Lindsay 

Cooper und Derek Bailey. 

Wie viel von der Musik spontan und 

wie viel abgesprochen und notiert ist, lässt 

sich kaum nachvollziehen – auch, weil beide 

auf die Unterscheidung zwischen komponierter 

und improvisierter Musik wenig 

Wert legen. Entscheidender seien die Töne 

und Rhythmen, die man höre und spüre, 

glaubt Baron. „Es gibt unzählige Möglichkeiten, 

Klänge zu notieren, Partituren zu 

schreiben – wichtig ist letztlich, wie die 

Musik klingt, wie sie sich anfühlt, wie der 

Spirit sich entwickelt und wie daraus neue 

Energie entsteht.“ Ein beinahe esoterischer 

Ansatz, doch letztlich geht es den beiden 

darum, der Musik immer wieder neue 

Aspekte hinzuzufügen, ohne sich Grenzen 

zu setzen. Dazu gehört auch der Mut, Dinge 

auszuprobieren, an die man im ersten 

Moment vielleicht nicht denkt. Das erfordert 

Offenheit und auch Lust am Experiment. 

Es ist nicht die erste Zusammenkunft der 

beiden Musiker. Bereits 2008 spielten sie gemeinsam 

mit dem Schweizer Schlagzeuger 

Fredy Studer beim Drums Summit in Bonn, 

zwei Jahre später folgte mit Dinosaur Dances 

(2010) die erste Duo-Aufnahme. Daneben 

gab es gemeinsame Auftritte mit größeren 

Formationen. Dennoch kommen beide immer 

wieder auf die kleinstmögliche musikalische 

Formation zurück. „Ich arbeite seit mehr als 

20 Jahren im Duo. Für mich ist es die beste 

Form, sich weiterzuentwickeln. Im Duo kann 

man sich nicht verstecken, man muss immer 

präsent sein und reagieren können“, sagt 

Schulkowsky über ihre Motivation. 

Der Aufbau der Instrumente geht dabei 

weit hinaus über das, was etwa ein herkömmliches 

Drumset ausmacht. Beide benutzen 

mehrere Dutzend Stöcke oder Besen 

aus unterschiedlichen Materialien. Neben 

Tom, Snare und Becken stehen, liegen und 

hängen alle möglichen und unmöglichen 

Teile in der Gegend herum: riesige Glocken, 

Xylofone, selbst gebastelte Kästen aus Holz, 

die mit Saiten überzogen sind – der Fundus 

ist unerschöpflich. Aber jedes Objekt hat 

seinen Platz und seine Bedeutung. Auch die 

Stimmung der Schlaginstrumente ist extrem 

wichtig, um der Musik neben der Rhythmik 

und Metrik auch eine tonale Struktur zu 

geben. 

Wie die Interaktion auf der Bühne 

funktioniert, davon konnten und können sich 

die Zuhörer auch in zahlreichen Konzerten 

überzeugen. 2013 traten Schulkowsky und 

Baron gemeinsam mit dem Komponisten 

und Klangkünstler Christian Wolff bei der 

MaerzMusik in Berlin auf und ein Jahr später 

in der damals neu eröffneten Festivalhalle 

in Moers. Das harmonische, fast intime 

Zusammenspiel der beiden Musiker und 

deren sichtbare Zurückhaltung brachten 

das Publikum in beiden Fällen zum Staunen 

und Schweigen. 

Dennoch hat das Live-Erlebnis der 

Musik einen Nachteil: Es lüftet so manches 

Geheimnis, das die beiden Musiker gerne 

für sich behalten würden. „Wenn man nur 

die Musik hört und uns nicht sieht, weiß 

man oft nicht, wer gerade spielt, da wir 

mal synchron und dann wieder asynchron 

agieren, uns abwechseln, um den Part 

des Gegenübers zu übernehmen, ohne es 

vorher abzusprechen“, sagt Schulkowsky. 

Und schon bekommt der Titel der Aufnahme 

eine weitere Bedeutung: Who is „me“? 

Aktuelle CD: 

Robyn Schulkowsky & Joey Baron: Now You Hear Me 

(Intakt / Harmonia Mundi) 

Schlagzeugerin trifft Schlagzeuger, Neue Musik trifft 

Improvisation – und das in selten gehörter Harmonie. 

Mit der Aufnahme Now You Hear Me setzt das Duo Robyn 

Schulkowsky und Joey Baron seinen vor gut einem 

Jahrzehnt begonnenen musikalischen Dialog fort. 

© Dariusz Gackowski 


35

Tom Ibarra 

Freshman und Frenchman 

© Thierry Dubuc 

Man sollte meinen, dass jemand, der Jimi Hendrix, Weather Report und Pat Metheny als Einflüsse 

und Vorbilder nennt, schon im gesetzteren Alter sein muss. Der französische Gitarrist Tom Ibarra 

ist jedoch gerade mal zarte 18 Jahre jung und doch schon ein alter Hase im Musikgeschäft. 

In diesem Jahr wurde er mit dem LetterOne Rising Stars Jazz Award ausgezeichnet. 

Von Angela Ballhorn 

Sparkling ist bereits die zweite 

CD, die der junge Franzose 

aufgenommen hat, sein erstes 

Album hatte er mit 15 veröffentlicht. 

Seitdem hat er begonnen, 

auch selbst Stücke zu schreiben. 

Auf den begabten Musiker 

wurden prominente Kollegen 

aufmerksam: Marcus Miller, 

Richard Bona und Didier Lockwood 

luden Tom Ibarra ein, mit 

ihnen zu spielen. „Ich habe im 

Alter von sechs Jahren mit der 

Gitarre angefangen, das war 

die Schuld meines Großvaters. 

Ich war oft bei meinen Großeltern 

in den Ferien. Mein Opa ist 

Amateurmusiker, ich habe ihm 

zugehört und hatte Lust, selbst 

auch mit Musik anzufangen. 

Als ich mit 16 meinen Schulabschluss 

machte, hatte ich 

das Glück, mich am Centre des 

Musiques Didier Lockwood in 

Paris einschreiben zu können. 

Dort habe ich vor zwei Jahren 

begonnen, Musik zu studieren. 

Davor hatte ich keine Ausbildung, 

keinen Musikunterricht, 

keinen Theorieunterricht, ich 

war bis vor zwei Jahren absoluter 

Autodidakt.“ 

Musikalisch war der Gitarrist 

schon immer für alles offen, 

Rockmusik habe er viel gehört, 

erzählt er. „Zum Beispiel war 

Jimi Hendrix ein wichtiger 

erster Einfluss. Später, als 

Teenager, habe ich angefangen, 

Wes Montgomery oder 

Pat Metheny zu hören.“ Doch 

nicht nur Gitarristen zählt Tom 

Ibarra auf, er ist großer Fan der 

epochalen Jazzpianisten. Chick 

Corea, Keith Jarrett oder Herbie 

Hancock sind seine Favoriten. 

Sparkling ist ebenso untypisch 

wie die Einflüsse, die Ibarra 

nennt – es ist eine Fusion-CD. 

Das Musikgenre wird hartnäckig 

totgeschrieben und kommt 

doch immer wieder hoch. 

„Natürlich habe ich auch für 

diese Musik Vorbilder. Ich mag 


Weather Report oder Tribal Tech um den Gitarristen 

Scott Henderson. Die kanadische 

Band UZEB habe ich ebenfalls intensiv 

studiert.“ Über den Hinweis, dass all diese 

Vorbilder auch ein 60-jähriger Gitarrist hätte 

nennen können, lacht der Teenager. Gibt es 

denn keine jungen, neuen Musiker, die den 

Gitarristen interessieren? „Doch, schon“ 

schmunzelt Ibarra. „Den Gitarristen Julian 

Lage finde ich toll, oder den Pianisten Brad 

Mehldau. Aber der ist jetzt ja auch schon 

wieder älter, oder?“ 

Ibarras Fusion-Musik klingt anders als 

die Vorläufer aus den 80er und 90er Jahren, 

das Klangbild hat sich komplett verändert. 

Der Gitarrist hat alles Verstaubte, was 

dem Genre so anhaftet, weggeblasen. Eine 

große Hilfe dabei ist ihm sein Quartett, mit 

dem er schon länger zusammenarbeitet. 

„Ich spiele mit Jeff Mercadié am Saxofon, 

Auxane Cartigny an den Keyboards, 

Antoine Vidal am Bass und Pierre Lucbert 

am Schlagzeug. Die Besetzung passt genau 

für meine Musik. Für die CD hatten wir noch 

zwei Gäste dabei, zum einen den Saxofonisten 

Stéphane Guillaume, zum anderen 

– und da bin ich wirklich stolz drauf – den 

Bassisten und Leader der Band Snarky 

Puppy, Michael League. Der hat auf einem 

Stück mitgespielt. Ich habe ihn schon öfter 

getroffen und gefragt, ob er mitspielen 

wolle. Wir hatten das Glück, dass wir tatsächlich 

einen Termin finden konnten und 

er zwei Stücke aufnehmen, wovon jetzt eins 

auf der CD gelandet ist.“ 

Die Kompositionen der CD stammen 

alle von Tom Ibarra. Der Gitarrist komponiert 

erst seit zwei Jahren und geht nach 

keiner festen Methode vor. „Oft singe ich 

eine Melodie und füge nach und nach Bass 

und Harmonien dazu, aber der Startpunkt 

ist selten die Gitarre.“ Preise hat der junge 

Musiker schon einige verliehen bekommen: 

Auszeichnungen wie erste Plätze bei der 

Sacem 2013 und 2014 und den Jeune Espoir 

Action Jazz / Young Talent Award 2016. Er 

ist jüngster Endorser für Ibanez-Gitarren 

(seit 2015) und ganz aktuell Gewinner des 

LetterOne Rising Stars Jazz Award. Dabei 

wählten in der ersten Runde Festivals 

ihre Top Ten, in der zweiten Runde wählte 

dann eine international besetzte Jury ihre 

Acts aus. Tom Ibarra konnte beide Runden 

gewinnen. 

Der Rising Stars Award hat Tom Ibarra 

beim Booking geholfen, er konnte für seine 

Band einige zusätzliche Konzerte buchen. 

Gäste wie auf der CD sind für die Tour erst 

mal nicht geplant. „Aber wer weiß, was 

sich bis zum Sommer noch ändert. Mein 

Quartett ist meine feste Besetzung, über 

die ich sehr glücklich bin. Wir spielen unter 

anderem im Sommer in England – und wir 

spielen in Stuttgart am selben Abend wie 

Marcus Miller.“ 

Aktuelle CD: 

Tom Ibarra: Sparkling 

(Autoproduction) 

© Thierry Dubuc 


37

Die Erde ist eine Scheibe 

Enkel 

We Are Enkel 

Nordic Notes / Broken Silence 

W W W W 

Auļi and Tautumeitas 

Lai māsiņa rotājās! 

CPL / Broken Silence 

W W W W o 

Amsterdam Klezmer Band 

& Söndörgő 

Szikra 

Vetnasj / Indigo 

W W W o 

Michael Heitzler’s Klezmer 

Band 

Ode Hashem 

Neuklang / In-Akustik 

W W W o 

Joachim Mencel Quintet 

Artisena 

For Tune 

W W W W o 

Tolga During / OttoMani 

Gelibolu 

Visage Music 

W W W W 

Bahur Ghazi’s Palmyra 

Bidaya 

Jazzhaus / In-Akustik 

W W W o 

Rahim AlHaj Trio 

One Sky 

Smithsonian Folkways / 

Galileo MC 

W W W 

Barcelona Gipsy Balkan 

Orchestra 

Avo Kanto 

Satélite K / Galileo MC 

W W W o 

Wildes Holz 

Ungehobelt 

Holz / Galileo MC 

W W W W 

Sväng 

Sväng Plays Tango 

Galileo MC 

W W W W 

Anne-Mari Kivimäki 

Ilja 

Nordic Notes / Broken Silence 

W W W 

Franui 

Ständchen der Dinge 

Col Legno / Harmonia Mundi 

W W W W W 

Was brauchen Superhelden, um 

in der Welt zu bestehen? Klar: 

zwei Akkordeons, eine Kantele, 

eine Bratsche und vier Stimmen. 

Die selbsternannte Superhelden- 

Gang Enkel stammt aus Finnland 

und besteht aus vier jungen 

Frauen, die sich auf ihrem 

zweiten Album mit entsprechenden 

Kostümen und Frisuren 

ausstaffiert haben. Zwischen 

volkstümlich und modern, instrumental 

und gesungen spielen 

sie sich durch ein rundum 

sympathisches Programm mit 

Schwung und Witz. Höhepunkt 

ist „Merimiehen Muija“, ein 

geradezu dramatisches Lied 

über eine Seemannsfrau. Wie 

es sich für Superheldinnen 

gehört, hat die Enkel-Gang außer 

ihrem Können an den Instrumenten 

auch Superkräfte: „Our 

superpower is tradition. What is 

yours?“ Ihr Debüt, das vor zwei 

Jahren zu Finnlands Folkalbum 

des Jahres gewählt wurde, trug 

übrigens den schönen Titel Pappilan 

hääyö – Hochzeitsnacht im 

Pfarrhaus. 

Ums Heiraten geht es auch 

auf Lai māsiņa rotājās! (lettisch 

für „Lasst uns die Schwester herausputzen!“), 

ein Album, das in 

alten lettischen Liedern den Weg 

eines jungen Paares vom Kennenlernen 

über Verlobung und 

Hochzeit bis zum Zusammenleben 

nachzeichnet. Passenderweise 

ist auch die Besetzung 

eine Art Vermählung. Die beiden 

Ensembles Auļi und Tautumeitas 

haben sich zu einem 17-köpfigen 

Folkorchester zusammengeschlossen, 

in dem mächtige 

Dudelsäcke (Auļi) auf kräftige 

Frauenstimmen (Tautumeitas) 

treffen. Das Album ist über weite 

Strecken entsprechend energiegeladen, 

endet aber mit dem 

durchaus kritischen Blick der 

Braut auf ihr Eheleben und das, 

was sie dafür aufgegeben hat. 

Wem Frauengesang auf Dauer 

zu kraftlos und archaisches 

Dudelsack-Trommel-Gebolze in 

purer Form zu eintönig ist, der 

bekommt hier das Beste beider 

Welten. Ein Streichholz, gemacht 

im Himmel, wie der Engländer 

sagt. 

Noch ein Gipfeltreffen zweier 

kompletter Gruppen: Die Amsterdam 

Klezmer Band hat sich 

mit dem ungarischen Ensemble 

Söndörgő zusammengetan und 

erfährt durch deren Tamburica- 

Musik eine gehörige Auffrischung. 

Beide Bands haben 

eine über 20-jährige Geschichte 

hinter sich und verstehen sich 

untereinander blind. So sind 

sie problemlos in der Lage, sich 

neuen Einflüssen zu öffnen, und 

finden zwischen Balkan, Klezmer 

und Gipsy-Musik fruchtbares 

gemeinsames Terrain. Durch 

die unterschiedlichen Schwerpunkte 

– Blasinstrumente bei 

der AKB, Saiteninstrumente 

bei Söndörgő – kommen sie 

sich nicht ins Gehege, sondern 

ergänzen sich prächtig zu einem 

Zwölf-Mann-Koloss, bei dem 

der Funke (ungarisch Szikra, so 

der Titel des Albums) schnell 

überspringt. 

Schlicht Klezmer Band 

heißt auch die neue Gruppe 

von Michael Heitzler, dem 

langjährigen Klarinettisten der 

Schweizer Band Kolsimcha. Sein 

Klarinettenklang orientiert sich 

ganz bewusst an traditionellen 

Vorbildern, was dazu führt, dass 

Ode Hashem, das Debüt der 

Band, auf den ersten Eindruck 

zwar souverän, virtuos und emotional, 

aber auch recht konventionell 

klingt. Hört man genauer 

hin, warten lohnenswerte 

Entdeckungen. Die differenzierte 

Begleitung durch Klavier, Kontrabass 

und Schlagzeug schafft 

einen deutlichen Jazz-Einschlag, 

der durch Solo-Passagen noch 

verstärkt wird. Ein schöner 

Ruhepunkt ist das wehmütige 

„BeMotzaej Shabbath“. 

Noch deutlicher im Jazz 

zu Hause ist das Quintett von 

Joachim Mencel (nicht zu 

verwechseln mit dem 

verstorbenen ostdeutschen 

Entertainer 

Achim Mentzel!). Der 

polnische Pianist hat 

sich nach dem Vorbild 

Frédéric Chopins beim 

Komponieren von 

seinen heimischen 

Volkstänzen wie 

Polonaise, Krakowiak, 

Mazurka und Csárdás 

inspirieren lassen. 

Weil ihm aber in den 

dabei entstandenen 

Jazz-Stücken der 

Klang der traditionellen 

Volksmusik zu 

sehr verloren ging, 

hat er sich kurzerhand 

weitergebildet und 

Drehleier spielen 

Die Erde ist 

gelernt. Das Borduninstrument 

steuert im Zusammenspiel mit 

Gitarre, Geige, Klavier, Bass und 

Schlagzeug eine hochinteressante 

zusätzliche Farbe zu einem 

Klang bei, der stilistisch kaum 

zu fassen ist – mal experimentell 

(„Mazurek d-moll“), mal 

swingend („Kołomyjka bb-Moll“) 

dann äußerst melodieverliebt 

wie in „Oberek G-Dur“, das phasenweise 

sogar Erinnerungen 

an Oregon oder Pat Metheny 

weckt. 

Orientalische und westliche 

Einflüsse finden sich in der Musik 

des Gitarristen und Komponisten 

Tolga During, genau wie 


in seinem Lebenslauf. Geboren 

in Istanbul und aufgewachsen 

in den Niederlanden, lebt er seit 

2005 in Italien. Nach ausgiebigen 

Erfahrungen mit Jazz Manouche, 

französischem Folk-Jazz und 

italienischem Swing wendet er 

sich mit seinem neuen Quartett 

OttoMani mediterranem 

Kammer-Folkjazz zu. Begleitet 

von Kontrabass und Percussion, 

hat er mit Francesco Ganassin 

einen Bassklarinettisten an 

seiner Seite, der die gefühlvollen 

und zurückhaltenden Kompositionen 

mit wohlüberlegten Soli 

veredelt. Tolga During spielt eine 

akustische Doppelhals-Gitarre, 

die neben einem konventionellen 

Hals ein zusätzliches bundloses 

Griffbrett besitzt, das ihm ermöglicht, 

auch Glissandi, Vierteltöne 

und Mikrointervalle zu erzeugen 

und so dem Klang einer Oud sehr 

nahe zu kommen. 

Ein Könner an der Oud ist 

Bahur Ghazi, der mit Bidaya das 

Debüt seiner Gruppe Palmyra 

vorstellt. Auf dem Album eines 

syrischen Oud-Spielers Titel 

wie „Versteckt“ oder „Gruenfink“ 

zu finden, ist zunächst 

überraschend, aber schnell 

erklärt. Ghazi lebt seit 2011 in 

der Schweiz, in deren Jazzszene 

er Mitstreiter mit offenen 

Ohren für seine Arbeit an einer 

Fusion östlicher und westlicher 

Kultur gefunden hat. In seinen 

eine Scheibe 

spannungsreichen Stücken, die 

in der musikalischen Verbindung 

von Orient, Jazz und Folk 

bisweilen an Projekte von Rabih 

Abou-Khalil erinnern, wechseln 

sich in vertrackten Rhythmen 

durchkomponierte Passagen 

und Freiräume ab, in denen sich 

die Musiker entfalten können. 

Besonders reizvoll ist die Kombination 

der arabischen Laute mit 

Patricia Draegers Akkordeon. 

Weniger offensichtlich, 

zumindest für westliche Ohren, 

vollzieht sich die kulturelle Begegnung 

beim Rahim AlHaj Trio. 

Oud-Spieler AlHaj, den die Flucht 

aus seinem Heimatland Irak in 

die USA führte, versteht sein 

neues Album One Sky ausdrücklich 

als Aufruf zu Verständigung 

und friedlichem Zusammenleben, 

schließlich lebe die gesamte 

Menschheit gemeinsam unter 

einem Himmel. Das spiegelt 

sich in der Besetzung des Trios 

wider, in dem er neben dem 

palästinensisch-amerikanischen 

Perkussionisten Issas Malluf mit 

dem iranischen Santur-Spieler 

Sourena Sefati zusammenspielt 

– Musiker, deren Heimatländer 

während ihrer Kindheit Kriegsgegner 

waren. Mit Erläuterungen 

im Booklet bringt AlHaj dem 

Hörer die Hintergründe seiner 

Kompositionen näher. 

Das Barcelona Gipsy 

Balkan Orchestra geht den 

Weg weiter, den es vor zwei 

Jahren auf Del Ebro al Danubio 

eingeschlagen hat: kein Klezmer- 

Schwerpunkt mehr wie zu 

Beginn der Bandgeschichte und 

keine namhaften Gaststars wie 

auf Balkan Reunion von 2015. 

Der Titel Avo Kanto (Esperanto 

für „Lieder der Großväter“) deutet 

auf Traditionsbewusstsein, 

was jedoch schon allein wegen 

der Anzahl der in der Band vertretenen 

Traditionen (bei sieben 

Mitgliedern aus sechs Ländern) 

nicht einförmig wird. Versteht 

man das Album als musikalische 

Reise durch Balkan und 

Mittelmeerraum, dann ist Sandra 

Sangiao die Reiseführerin. Die 

Sängerin mit dem umfassenden 

Ausdrucksrepertoire zwischen 

Lebensfreude und Trauer hebt 

das Orchestra aus der Zahl 

vergleichbarer Gruppen heraus. 

Als Bonus gibt es eine neu 

gemasterte Version von „Lule 

Lule“, einem der gar nicht so 

heimlichen Hits der Band. 

Was braucht man, um so 

unterschiedlichen Schlachtrössern 

wie „Smoke on the Water“, 

„Blitzkrieg Bop“ und „Rock Me 

Amadeus“ die Schuppen von 

den Schultern zu pusten? Natürlich 

eine Blockflöte. Das Trio 

Wildes Holz ist seit 20 Jahren 

zusammen unterwegs mit der 

Mission, dem vielbelächelten 

Instrument seine Würde zurückzugeben. 

Zur rein akustischen 

Begleitung von Gitarre und Bass 

beweist Flötist Tobias Reisige 

auf der neuen CD Ungehobelt, 

dass da weit mehr geht, als man 

in der Musikalischen Früherziehung 

auch nur ahnen würde. 

Vor allem tritt die Gruppe mit 

Blurs „Song 2“ und Green Days 

„Basket Case“ (Letzteres kombiniert 

mit Pachelbels „Kanon“) 

den Beweis an, dass man auch 

unverzerrt amtlich rocken kann. 

Umgekehrt lernt Telemann die 

Wonnen des Gypsy-Swing kennen. 

Zum Glück überzeugt das 

neue Album neben dem Spaß 

am Überraschenden und Skurrilen, 

der sich nach einer Weile 

abnutzt, auch mit musikalischer 

Substanz. 

In Sachen Überraschungsgehalt 

steht der CD-Titel Sväng 

Plays Tango etwa auf einer Stufe 

mit Aussagen wie „Fips Asmussen 

erzählt einen Witz“ oder 

„Jogi Löw bohrt in der Nase“, 

schließlich hat das famose 

finnische Mundharmonika-Quartett 

noch kein Album und kein 

Konzert absolviert, ohne auch 

Tangos zu spielen – wie es sich 

für gefühlvolle Finnen eben gehört. 

Neu ist allerdings, dass sie 

auf ihrem aktuellen Album nichts 

anderes spielen und den Zuhörer 

damit tief in die charakteristische 

Mischung aus Melodieseligkeit 

und Melancholie des finnischen 

Tangos eintauchen lassen, die 

auch ohne die traurigen Texte 

erhalten bleibt. Im Booklet wird 

zudem erklärt, der dazugehörige 

Tanzstil sei im Vergleich zur Leidenschaft 

des Tango Argentino 

„mehr wie ein Mann und eine 

Frau beim Nordic Walking in 

der absoluten Stille auf einer 

finnischen Landstraße“. 

Auf einer Expedition in 

die Tiefen der finnischen Seele 

befindet sich seit Jahren auch 

die Akkordeonistin Anne-Mari 

Kivimäki. Ilja ist der fünfte und 

letzte Teil ihrer multimedialen 

Doktorarbeit an der Volksmusik- 

Abteilung der Sibelius-Akademie 

Helsinki, in der sie sich vom 

Schaffen des 1961 gestorbenen 

Erzählers und Akkordeonisten 

Ilja Kotikallio aus der heute zu 

Russland gehörenden Region 

Suistamo inspirieren ließ. Das 

Album ist der Versuch, einem 

dörflichen Tanzfest eine zeitgemäße 

Form zu geben, angereichert 

mit Feldaufnahmen und 

historischen Tondokumenten. 

Dass einige Passagen etwas 

gleichförmig ausfallen, machen 

die Kontraste zwischen den 

Stücken wieder wett. Vielleicht 

nicht der Höhepunkt von Kivimäkis 

Suistamo-Reihe, aber doch 

ein würdiger Abschluss. 

Zum eigenen 25-jährigen 

Bestehen spendiert die Osttiroler 

Musicbanda Franui sich und den 

Zuhörern unter dem hübschen 

Titel Ständchen der Dinge ein 

Jubiläumsalbum, das keine 

Wünsche offenlässt und sogar 

solche erfüllt, von denen man 

selbst noch nichts wusste. Es 

versammelt Höhepunkte der Vergangenheit, 

teils in neuen Versionen, 

Raritäten und Vergriffenes. 

Ob Trauermarsch oder Polka, 

Goethe oder Jandl, Gesang oder 

Rezitation, Brahms oder Alban 

Berg – meisterlich arrangiert 

findet hier alles einen originellen 

Ausdruck. Zwischen Blasmusik, 

Klassik, Volksmusik und Jazz gibt 

es nichts, was die zehnköpfige 

Besetzung nicht spielen könnte. 

Entzückt hört man Schubert und 

Mahler, deren Lieder frische 

neue Seiten offenbaren, die 

doch schon immer dagewesen 

zu sein scheinen. So schön kann 

Musik sein – so überraschend, 

so anrührend, so klug. 

Guido Diesing 


Eurasians Unity 

Gendern ohne Dogma 

Ihr Thoneline Orchestra will sie weiterführen, das hindert die Kölner 

Saxofonistin Caroline Thon allerdings nicht daran, mit Eurasians 

Unity ein nicht ganz so großes Ensemble an den Start gebracht zu 

haben. Das Oktett zeichnet sich auf dem gleichnamigen Debütalbum 

durch komplexe Rhythmen, eine ungewöhnliche Instrumentierung 

und vielseitige Kompositionen aus. 

Von Ulrike Proske 

Acht Sängerinnen, Instrumentalistinnen 

und Instrumentalisten 

aus sieben 

Ländern – das erinnert an den 

Internationalen Frühschoppen. 

Doch während Werner 

Höfers Journalistenrunde am 

Sonntagmorgen gepflegte 

Langeweile zelebrierte, geht 

es bei den fünf Damen und drei 

Herren von Eurasians Unity zur 

Sache – Langeweile kommt da 

garantiert nicht auf. Konzipiert 

wurde die Band ursprünglich 

als reine Frauenband für das 

Festival „Women in Jazz“, 

das 2014 in Halle stattfand. 

Doch allzu dogmatisch sieht 

die Bandleaderin die Besetzungsfrage 

nicht. „Wenn die 

Küche nicht funktioniert, kann 

man nicht servieren“, meint 

Caroline Thon. „Deshalb wollte 

ich in der Rhythmusgruppe 

Leute haben, die ich kenne. 

Ich kannte 2013 einfach keine 

Bassistinnen und Schlagzeugerinnen 

gut genug, die 

stilistisch dann auch noch so 

vielfältig wie Alex Morsey und 

Bodek Janke sind – da muss 

die Genderfrage dann mal 

außen vor bleiben.“ Der dritte 

Mann ist der Pianist Salman 

Gambarov, der aus Aserbaidschan 

stammt. 

Aber geprägt wird Eurasians 

Unity eindeutig von den 

Frauen. Die ukrainische Sängerin 

Tamara Lukasheva, die 

sich in Deutschland schon in 

diversen Bands einen Namen 

ersungen hat, die iranische 

Oud-Spielerin Negar Bourban, 

die bulgarische Akkordeonistin 

Veronika Todorova, Feruza 

Ochilova aus Usbekistan, die 

singt sowie Dutar (eine persische 

Langhalslaute) und Daira 

(eine arabische Trommel) 

spielt. Und natürlich Caroline 

Thon am Saxofon. Wie man 

eine solche Band aus aller 

Frauen Länder organisatorisch 

zusammenbringt – schließlich 

muss neben den anstehenden 

Konzerten ja auch noch 

geprobt werden –, bleibt dem 

logistischen Geschick der 

Bandleaderin überlassen. „Die 

Probephasen organisieren wir 

mit Hilfe des Goethe-Instituts“, 

zeigt sich Caroline Thon durchaus 

dankbar für die finanzielle 

Unterstützung. „Man muss halt 

schauen, dass man mehrere 

© Gerhard Richter 


© Gerhard Richter 

Gigs zeitlich zusammen hat, 

dann kann man vorher und 

dazwischen auch ausgiebig 

proben.“ 

Das Repertoire ist demokratisch 

entstanden. „Das Prinzip 

ist, dass jede eine Komposition 

mitbringt, die wiederum 

von jemand anderem arrangiert 

wird“, erläutert Caroline Thon. 

„Das heißt, dass Veronika Todorova 

ein Stück von mir arrangiert 

hat, das ich ursprünglich 

einmal für mein Jazzquintett 

geschrieben habe – sie hat es 

dann halt mit sehr komplizierten 

ungeraden Taktarten gespickt.“ 

Auch das „Simple One-Theme 

Negar Bourban“, das Tamara 

Lukasheva arrangiert hat, ist so 

simpel nicht. Und das längste 

Stück, „Shadowprint“, das 

von Alex Morsey für die Band 

eingerichtet wurde, stammt 

von der deutsch-afghanischen 

Sängerin Simin Tander, die 

aufgrund ihres Engagements 

bei dem norwegischen Pianisten 

Tord Gustavsen nicht 

länger bei Eurasians Unity 

dabei sein kann. „Da Simin 

Tander früher bei uns gesungen 

hat, haben wir auch noch ihr 

Stück im Programm“, bestätigt 

Caroline Thon und betont, dass 

mit der neuen Sängerin auch 

eine wahrhaft neue Stimme 

ins Ensemble eingezogen ist. 

„Tamara, die jetzt bei Eurasians 

Unity singt, klingt völlig anders 

als Simin.“ 

Thon selbst wiederum hat 

ein Lied von Alex Morsey arrangiert. 

„Kolysanka“ zeigt noch 

einmal die sensible Vielseitigkeit 

und das außergewöhnlich 

breite Ausdrucksspektrum von 

Eurasians Unity. „Das Stück von 

Alex Morsey ist eigentlich ein 

polnisches Schlaflied“, weiß 

die Bandleaderin. „Ich habe es 

arrangiert und mich auch um 

den Text gekümmert, der von 

Tamara kompetent gesungen 

wird, denn als Ukrainerin 

beherrscht sie auch die richtige 

polnische Aussprache.“ 

Dass es mit dem ersten 

Tonträger der Band so lange 

gedauert hat, hängt mit dem 

hohen Qualitätsbewusstsein 

von Caroline Thon zusammen, 

die Wert darauf legt, relativ 

makellose Aufnahmen zu 

veröffentlichen. „Wir haben ja 

vor vier Jahren in Halle unsere 

Premiere mit Standing Ovations 

erlebt“, kann sich die Saxofonistin 

noch gut erinnern. „Erst 

wollten wir das Konzert als 

Live-Mitschnitt veröffentlichen, 

aber dann haben wir gemerkt, 

dass es an einigen Stellen noch 

nicht so richtig passte, und 

dann wollten wir doch lieber 

eine Studio-Aufnahme.“ 

Eurasians Unity ist zwar für 

ein Festival entstanden, aber 

die Band soll kein kurzfristiges 

Projekt sein, sondern möchte 

möglichst lange miteinander 

Musik machen. „Ich bin ja ein 

Fan von langfristig zusammenarbeitenden 

Projekten“, betont 

Caroline Thon. „Erst dann kann 

die Musik richtig wachsen, 

und wir klingen garantiert jetzt 

wesentlich besser als 2014 in 

Halle. Ich hoffe, dass es die 

Band noch lange geben wird.“ 

Aktuelle CD: 

Eurasians Unity: Eurasians Unity 

(Yellowbird / Soulfood) 


Steve 

Tibbetts 

Atmen 

und atmen 

lassen 

© Daniel Corrigan / ECM Records 


Diese Gitarre ist sich selbst genug. Ihr Sound durchmisst weite 

Räume wie ein einsamer Reisender in einem imaginären Roadmovie. 

Ein lebhaft funkelndes Figurenspiel will einen Zustand verdichten, 

scheint weder Anfang noch Ende zu haben – und nicht selten ist ihm 

ein Klavier auf den Fersen. Das neue Album des US-Gitarristen Steve 

Tibbetts ist mehr als das bloße Selbstporträt eines introvertierten 

Einzelgängers. 

Von Stefan Pieper 

Aus der Ruhe bringen lässt 

sich hier niemand. Geht es um 

die meditative Praxis des Umsich-selbst-Kreisens? 

Oder 

darum, mit Klängen der Ewigkeit 

näher zu kommen? Die 

vordergründig gleichförmigen 

Stücke verweigern sich auf 

Dauer einer Vereinnahmung 

als wohlfeiles Klang-Ambiente, 

denn dafür sind einfach zu 

viele beredte Botschaften 

im Spiel. Life of lautet der 

programmatische Titel, der 

schon darauf hindeutet, dass 

das Autobiografische eine 

große Rolle spielt. Und so rollt 

Steve Tibbetts auf den Stücken 

vielen unersetzlichen Mitmenschen 

den roten Teppich aus. 

Menschen, die ihm halfen, den 

Alltag zu managen und für kleines 

Geld ein Studio zu mieten, 

damit überhaupt ein existenzieller 

Freiraum fürs Schöpferische 

vorhanden war. Das 

Stück „Bloodwork“ ist eine 

Hommage an seine Schwester. 

Tibbetts konnte durch eine 

Bluttransfusion helfen, ihr das 

Leben zu retten. 

Am Anfang stehen Bilder 

im Kopf, die Stücke entstehen 

lassen, bis schließlich die 

Finger auf den Saiten und das 

Instrument selbst zum Werkzeug 

werden. Tibbetts selbst 

benennt, was ihn prägte und 

zur Musik brachte: „Ein starker 

Einfluss war immer mein Vater, 

der mich zur 12-saitigen Gitarre 

führte. Wenn er Freunde 

zu sich nach Hause brachte, 

war das Haus immer voller 

Musik. Mit Gitarren, Banjos 

und Blockflöten. Und ganz viel 

Rauch hing im Raum.“ 

Ein wichtiges Erbe ist 

die12-saitige Martin-Gitarre, 

die schon sein Vater spielte. 

Vor allem liebt Tibbetts 

ihren großen, ja sehr großen 

Resonanzraum. Der sei „ein 

echter Konzertsaal für sich“. 

Die Stimmung der unteren 

Saiten hat er modifiziert, was 

in technischer Hinsicht zwar 

die Beherrschung des Instruments 

erschwert, aber nur so 

entsteht eben eine ganz spezifische 

harmonische Färbung. 

Er dachte auch mal über die 

Optimierung der Bünde nach, 

aber ein Gitarrenbauer riet 

ihm davon ab, als er erkannte, 

dass dem Gitarristen sein 

Instrument doch eigentlich so 

gefiel, wie es war. Never touch 

a running system. 

Persönlicher Ausdruckswille, 

ernsthaftes Musizieren 

und schließlich die hohe Kunst 

der Verfeinerung markieren 

in den Stücken des neuen 

Albums eine Kausalkette. 

Was vordergründig wie eine 

meditative Klanglandschaft 

anmutet, sich nie aufdrängt 

und den Hörer wie ein warmer 

assoziativer Fluss umspielt, 

ist deutlich komplexer, als es 

vordergründig wirkt. Hinter 

den feingewobenen Linien 

steht eine ausgefuchste 

Spieltechnik, die vor allem in 

ihren Bending-Effekten starke 

Anleihen beim indischen 

Sitar- oder Sharangi-Spiel hat. 

Perkussionsinstrumente wie 

die orientalische Rahmentrommel 

erzeugen zuweilen 

einen atmenden Puls. Aber sie 

emanzipieren sich auch immer 

wieder von festgelegten Beats. 

Marc Anderson, der bald 

vier Jahrzehnte mit Tibbetts 

künstlerisch verbunden ist, hat 

genug Intuition. Hinzu kommt 

beim aktuellen Projekt die 

Cellistin Michelle Kinney, die 

durch ihre subtile Interaktion 

in Gestalt von Borduntönen 

und allerhand hintergründigen 

Raumklängen und Drones das 

Spektrum auf innovative Weise 

erweitert. 

Steve Tibbetts ist im 

mittleren Westen der USA 

aufgewachsen und reist 

ausgiebig an magische Orte, 

die sein Leben mit neuen 

kreativen Energien aufladen. 

Aufenthalte in Nepal, Indien 

und anderswo prägen den 

eigenen Lebensfilm: „Wenn 

ich spiele, sehe ich vor meinen 

Augen wieder die Pagoden 

und Stupas auf der Nepal- 

Reise.“ Tibbetts spielt nicht nur 

Gitarre, sondern hat auch das 

Klavier für sich erschlossen. 

Seine portugiesische Lehrerin 

Susana Pinto hat ihm vor allem 

Béla Bartóks Mikrokosmos 

nahegebracht. Die minimalistische 

Tonsprache dieses 

Etüden-Standardwerks kann 

man getrost weiterdenken, um 

bei Steve Tibbetts perkussiven 

Klaviereinwürfen anzukommen, 

die wieder auf die Mystik 

Südostasiens verweisen. Sein 

Credo: „Das Klavier ist mein 

Gamelan-Ensemble. Die Töne 

sind wie eine Reihe von Gongs. 

Diese Klänge gehörten zur 

akustischen Landschaft, als 

ich in Bali und Java arbeitete. 

In Performances des Wayang 

Kulit [des indonesischen 

Schattenspiels] werden alle 

Menschen durch den großen 

Gong tief berührt, alle im 

selben Moment. Auf dem Klavier 

kann ich diesen Zustand 

nachempfinden und der Musik 

aus solch einer Richtung eine 

Struktur geben.“ 

Die Stücke des neuen 

Albums muten durchaus wie 

eine logische Fortsetzung des 

Vorgängeralbums aus dem 

Jahr 2010 an. Die Intervalle der 

Veröffentlichung des Amerikaners 

sind großräumig gewählt. 

Ganz ähnlich wie auf dem 

neuen Album die melodischen 

Motive und ihre Variationen 

in weiten Zeitmaßen atmen. 

Denn wo andere sich nach der 

Uhr abstrampeln, hat Steve 

Tibbetts einfach … Zeit. 

Aktuelle CD: 

Steve Tibbetts: Life of 

(ECM / Universal) 


Kathrin-Preis 

Eine Woche Werkstatt 

Mit vollem Namen soll der Preis Kathrin 

Lemke Scholarship for Young Improvisers 

heißen. Aber jetzt schon hat sich unter 

denen, die mit ihm befasst sind, die Kurzform 

„Kathrin-Preis“ durchgesetzt. Er wird im 

Spätsommer 2018 erstmals vergeben. 


© Frank Schindelbeck 

Kathrin Lemke, geboren 1971 

in Heidelberg, war Musikerin, 

Autorin und Bandleaderin. Das 

Altsaxofon war ihr Lieblingsinstrument, 

daneben spielte 

sie Bassklarinette und Flöte. In 

ihren Bands JazzXclamation 

und Heliocentric Counterblast 

sowie in ihren Projekten hat 

sie unermüdlich nach ihrem 

eigenen Ton, ihrem eigenen Stil, 

ihrem eigenen Sound gesucht 

und ist immer wieder aufs Neue 

fündig geworden. Nebenbei 

hat sie aus ihren alltäglichen 

Erfahrungen in dem schwierigen 

Beruf der Jazzmusikerin 

Material geschöpft, das sie 

ironisch und verspielt, aber stets 

auf einem ernsthaft klingenden 

Resonanzboden unter anderem 

in einer regelmäßigen Kolumne 

in der JAZZTHETIK literarisch 

verarbeitete. Anfang 2016 ist 

Kathrin Lemke gestorben. 

Aus ihrem Nachlass hat 

ihre Mutter, Irene Lemke-Stein, 

dem Darmstädter Jazzinstitut 

eine zweckgebundene Spende 

zukommen lassen, mit der der 

Kathrin-Preis, also die Kathrin 

Lemke Scholarship for Young 

Improvisers, ausgestattet 

werden soll. Vergeben wird 

der Preis von der Familie der 

Musikerin, dem Jazzinstitut 

Darmstadt und der JAZZTHETIK. 

Er hat die Form eines Stipendiums 

und wird 2018 zum ersten 

Male ausgelobt. Danach soll 

er im Zwei-Jahres-Rhythmus 

vergeben werden. 

Der Preis soll in Form einer 

voll finanzierten Arbeits- oder 

Werkstattphase in Darmstadt 

jungen Musikerinnen und 

Musikern für eine Woche die 

Gelegenheit geben, einem musikalischen, 

inszenatorischen oder 

pädagogischen Projekt nachzugehen. 

Ob es sich dabei um 

schon vorhandene Projekte und 

Ideen handelt, die weiterentwickelt 

werden, oder ob es sich 

um Anstöße zu neuen Projekten 

und Ideen handelt, spielt dabei 

keine entscheidende Rolle. Das 

Stipendium ist für Musikerinnen 

und Musiker gedacht, die am 

Anfang einer professionellen 

Jazzmusiker-Karriere stehen. 

Die Werkstattphase kann 

beispielsweise zur Durchführung 

eines vorgeschlagenen 

Projekts, als Probenphase vor 

einer CD-Einspielung oder einer 

Tournee genutzt werden, aber 

genauso auch als Kompositionszeit 

oder für die Vorbereitung 

einer Studienreise. Die Preisträger 

selbst bestimmen über 

die inhaltliche Gestaltung ihrer 

Darmstädter Woche. Alle Kosten, 

die mit der Werkstattphase 

verbunden sind – Reise- und 

Unterkunftskosten, Probenhonorare, 

Honorare für Gastmusiker, 

Raum- und Instrumentenmieten 

– werden während der Woche 

von den Stiftern des Preises 

übernommen. 

Es gibt für die potenziellen 

Preisträger und Preisträgerinnen 

keine Altersbeschränkung 

und keine regionalen oder 

nationalen Einschränkungen. 

Eigenbewerbungen um 

den Kathrin-Preis sind nicht 

möglich. Die Mitglieder des 

Kuratoriums können jeweils eine 

Musikerin oder einen Musiker 

vorschlagen. Die von der Jury 

vorgeschlagenen Künstler 

werden gebeten, jeweils einen 

schriftlichen Projektvorschlag 

einzureichen. Zu diesem Exposé 

gehört auch ein möglichst 

genauer Terminvorschlag für die 

angestrebte Projekt-Woche. 

Für die erste Preisverleihung 

sollte diese Phase der Einreichung 

von Exposés bis Mitte 

August 2018 geschehen sein. 

Die gesammelten schriftlichen 

Exposés werden danach von 

der Jury begutachtet, und die 

Preisträgerin beziehungsweise 

der Preisträger wird ermittelt. 

Die öffentliche Bekanntgabe 

erfolgt jeweils am 27. September, 

Kathrin Lemkes Geburtstag. 

Vorzugsweise zwischen Januar 

und Ende Mai des folgenden 

Jahres – in diesem Fall also 

zwischen Januar und Ende Mai 

2019 – soll dann die Werkstattoder 

Projektphase in Darmstadt 

stattfinden. 

Am Ende der Woche gibt 

die Preisträgerin oder der Preisträger 

im Gewölbekeller unter 

dem Jazzinstitut ein Abschlussoder 

Werkstattkonzert. Bei 

dieser Gelegenheit erfolgt auch 

die feierliche Verleihung des 

Kathrin-Preises. 

Website: 

http://kathrin-preis.de 


Initiative H 

Requiem für den Planeten 

© Zakari Babel 

Von Victoriah Szirmai 

Was sich schon mit der chromatischen 

Endzeit-Ouvertüre 

des ersten und der alles überrollenden, 

urgewaltigen Düsterwelle 

des zweiten Albums 

andeutete, weicht hier purer 

Gewissheit: Der Untergang der 

Welt ist besiegelt. Dabei nimmt 

Broken Land als Konzeptalbum 

Anleihen bei Edvard Griegs 

Peer Gynt Suite oder Modest 

Petrowitsch Mussorgskis 

Bilder einer Ausstellung, was 

einerseits bedeutet, dass es 

Bandleader, Komponist und 

Saxofonist David Haudrechy 

darum zu tun ist, aus Elementen 

von Jazz, Rock, Industrial, 

Electro und Neuer Musik ein 

maximal verdichtetes, genreübergreifendes 

Klanguniversum 

Dass aller guten Dinge nicht nur drei sind, 

sondern auch Zeit bedürfen, weiß die Toulouser 

Bigband Initiative H, deren Drittwerk Broken 

Land nach Deus Ex Machina (2014) und Dark 

Wave (2015) nach drei Jahren Wartezeit endlich 

das Licht der Öffentlichkeit erblickt. 

zu schaffen – andererseits und 

mehr noch spielt der programmatische 

Aspekt eine Rolle. 

So geht das in Form einer 

neunsätzigen Suite gegossene 

Broken Land auf eine 

klimatologische Studie zurück, 

die besagt, dass seit dem 3. 

August 2017 der der globalen 

Erwärmung geschuldete Point 

of no Return des Erdklimas 

erreicht ist, den Haudrechy 

als leidenschaftlicher Surfer 

und Snowboarder hautnah 

miterlebt. Initiative H liefern 

in diesem Sinne einmal mehr 

den Soundtrack zur menschlichen 

Selbstzerstörung – mit 

dem Unterschied, dass der 

Weltuntergang diesmal unumkehrbar 

scheint. Dergestalt 

gerät das düster-intime Album 

zum Requiem für den Planeten. 

Und doch, so viel sei an dieser 

Stelle schon verraten, ergibt 

es sich nie vollständig der 

Resignation, sondern übt sich, 

möglicherweise gar wider besseren 

Wissens, in der Rolle des 

Hoffnungsspenders. Vielleicht 

ist es ja doch noch nicht zu 

spät, vielleicht ist es ja erst fünf 

vor zwölf, frei nach dem Motto: 

Wer kämpft, kann verlieren, 

aber wer erst gar nicht kämpft, 

hat schon verloren. 

Gleich die ersten 30 

Sekunden des titelgebenden 

Openers lassen an einen 

zum Stillstand kommenden 

Herzmonitor denken, bevor 

ein schräger Bläsersatz zeigt: 

Wenngleich er noch lebt – 

gesund ist dieser Patient mit 

Sicherheit nicht. Wenn dann 

aber eine Begräbniskapelle den 

Rückblick in Melancholie probt, 

steht fest, dass jeder Wiederbelebungsversuch 

zwecklos ist. 

Der in der Ouvertüre vorgestellte 

Trauermarsch entfaltet sich 


auf „Signes“ zu voller Blüte, 

doch statt nach Art des New 

Orleansschen Funeral March 

über die dem Verstorbenen 

zuteilwerdende jenseitige Seligkeit 

in Jubel auszubrechen, 

schwingt bei Initiative H etwas 

schwer zu Fassendes, in jedem 

Falle aber Hochbedrohliches 

mit, bevor ganz am Schluss mit 

sich reibenden Signalintervallen 

eine klare Warnung steht. 

Allein, wovor will denn noch 

gewarnt sein, wenn es ohnehin 

keine Umkehr gibt, fragt „The 

Point of No Return“ als einziger 

Moment des Albums, der sich 

mit einer gewissen Genugtuung 

der fatalistischen Depression 

ergibt. Dem Orchester auf der 

Titanic nicht unähnlich, vermag 

er, die Schönheit des Unterganges 

genüsslich zu zelebrieren. 

„Just Dust“ bringt Synthetisches 

ins Spiel. Hier ist 

alles Organische tot. Doch wie 

entwickelt sich neues Leben 

aus Plastik? Gar nicht, weiß der 

neuerliche, deutlich verlangsamte 

Trauermarsch „Far 

West“, der zum Berührendsten 

gehört, was das Album zu 

bieten hat. Was aber ist es, 

das die Erde an diesen Punkt 

gebracht hat, will „Fun Kills“ 

wissen, und liefert gleichen 

Atemzugs die Antwort: zu viel 

Konsum, zu viel Gier, zu viel 

Spaß. Kurz: zu viel von allem. 

Oder, mit Schiller: Der Wahn ist 

kurz, die Reu ist lang. Unendlich 

lang, um genau zu sein, 

und dieser magenumdrehende 

Gedanke macht ob übermäßiger 

Intervalle und repetitiver, 

enervierender Bläsermotive 

auch zuhörtechnisch alles 

andere als Spaß. Das volksweisennahe 

„Failure“ dagegen 

umso mehr, kommt es doch so 

erleichternd, ja erlösend daher 

wie ein Sonnenstrahl nach 

langem Irren durch einen ausweglos 

erscheinenden Tunnel. 

Sollte hier doch noch Hoffnung 

wohnen? Initiative H erzählt die 

wunderschöne Geschichte von 

(neu er-)blühenden Landschaften 

und einem Schleier des 

Friedens, der sich über all das 

Geröll, den Schutt und den 

Schmutz legt. 

So einfach ist das aber 

nicht, denn heilender Segen 

legt sich nicht von allein über 

die Erde, man muss schon 

selbst Hand anlegen, das Auto 

stehen lassen, der Plastiktüte 

den Stinkefinger zeigen, den 

Müll aus dem Meer fischen. 

Das kostet Kraft und geht nicht 

ohne Unmut, gar Ärger vonstatten. 

„Trouble“ eben, wie Initiative 

H diesen vertonten Aufruhr 

betitelt haben. Und dann doch. 

Der Anfang ist geschafft – mehr 

aber auch nicht. Auf dem 

Schlusssatz „Polaroid“ wird der 

Hörer dank Gastchor mittels 

menschlicher Stimme noch 

direkter angesprochen, als es 

die Bläser vermocht hätten. 

Wie wir weitermachen wollen, 

ist jetzt an uns. Alle möglichen 

Szenarien, vom Gerade-nocheinmal-die-Kurve-Kriegen 

bis 

zum endgültigen Untergang, 

werden hier aufgezeigt. Nein, 

leicht macht es die 2012 von 

Haudrechy gegründete, nunmehr 

13-köpfige Truppe dem 

Hörer nicht. Nur noch kurz die 

Welt retten passiert woanders. 

Aber die Möglichkeit zur Rettung 

besteht auch hier. Das ist 

die frohe Botschaft, die Broken 

Land verkündet – und die es 

letztendlich eben doch nicht 

zum Requiem, sondern zum 

Evangelium für den Planeten 

macht. 

Aktuelle CD: 

Initiative H: Broken Land 

(Neuklang / In-Akustik) 

neW 

releases 

DT8010 

the gene 

krupa Quartet 

Live 1966 

© Zakari Babel 

DT8011 

louIs 

arMstrong 

Sparks, Nevada 1964! 

feat. 

Russell “Big Chief” Moore, 

Billy Lyle, Danny Barcelona, 

Jewel Brown, Joe Darensbourg, 

Arvell Shaw 

distributed by 

Dot time records 

Bremen 

info@dottimerecords.com 

JazzthetIk 07/08-2018 47 

www.dottimerecords.com

Literatur 

Das Landgren 

Alphabet 

jazzprezzo 

Nils Landgren hat noch nie einen Interviewtermin abgesagt, 

denn er erzählt gerne aus seinem Leben. So auch 

in einem neuen Buch mit Stichworten von A bis Z. 

Von Arne Reimer 

Herausgegeben 

von Rainer Placke 

Nils Landgren 

im Gespräch 

Bereits 2005 erschien im Jazzprezzo Verlag das Buch red & 

cool, das dem Leben des schwedischen Posaunisten Nils 

Landgren gewidmet war. In Fotos und Texten erinnerten sich 

Freunde und Weggefährten an ihre Erlebnisse mit Landgren. 

Nun erscheint 13 Jahre später im selben Verlag ein Buch, 

in dem der beliebte Musiker ausschließlich selbst zu Wort 

kommt. Stichwortgeber ist Herausgeber Rainer Placke, der 

zu den 26 Buchstaben des Alphabets jeweils fünf Begriffe auf 

einer Karte vorbereitet hat. Davon wählte sich Landgren die 

Themen aus, über die er gerne sprechen wollte. 

Im Gegensatz zu ausformulierten Fragen lassen Stichworte 

eine Freiheit zu, die Landgren ähnlich wie in seiner Musik 

gekonnt nutzt, ohne dabei abzuschweifen. Beim Buchstaben 

I wie Interview bestätigt er, dass es ihm Spaß macht, über 

seine Musik und sein Leben zu sprechen: „Ich bin als offener 

Mensch geboren, und außerdem bin ich extrem neugierig. 

Ich finde es interessant zu beobachten, wohin ein Gespräch 

führen kann.“ 

So erfährt man nicht nur Interessantes vom Musikgeschäft 

und dem Beginn seiner Karriere beim JazzBaltica Festival 

1991, Landgren erzählt auch Anekdoten aus seiner Zeit 

als Gast bei den Crusaders oder bei Abba. Ebenso spricht er 

von seiner Beobachtung, dass sein Gesang von Frauen mehr 

gemocht wird als von Männern. Es sind diese selbstreflektierten 

Einschätzungen, die dem Buch etwas sehr Persönliches 

geben. Die kurzen Texte zu jedem Buchstaben lesen sich 

mit einer gewissen Leichtigkeit, sie sind Autobiografie, und 

so entsteht bis zum Z ein abgerundetes Bild des Menschen 

Landgren. 

Das Buch enthält auch 47 Fotografien, die Oliver Krato 

während des Gesprächs angefertigt hat. Dabei gelingt es ihm, 

immer wieder andere Gesichtsausdrücke von Landgren festzuhalten, 

die so unterschiedlich wirken wie all die Aktivitäten 

des vielseitigen Musikers. Vervollständigt wird das Buch mit 

einer CD-Diskografie und einer DVD – einem sehenswerten 

Dokumentarfilm über Landgren von 2014 von Jan Bäumer und 

Dietmar Klumm. 

Rainer Placke (Hg.): 

Das Landgren Alphabet. Nils Landgren im Gespräch. 

Jazzprezzo Verlag, Bad Oeynhausen, 2018 

136 Seiten, 25 Euro 

Nils Landgren 

I wie Interview 

Rolf Kühn 

Grandseigneur und 

Genießer 

Ein einmaliger Schatz nicht nur für die 

deutsche Jazz-Szene ist der Klarinettist Rolf 

Kühn, der übrigens im kommenden Jahr 90 

Jahre alt wird. Wer dem Mann begegnet, 

wird das nicht glauben, denn Kühn ist 

eloquent, hellwach und von überragender 

Intelligenz und Erinnerungskraft. Während 

er einen mit seinen listigen Augen anblickt, 

reiht er geruhsam Perlen von Anekdoten 

und ätzende Sottisen aneinander, wobei er 

aktuelle und einstige Mitstreiter keineswegs 

verschont. Drucken lässt sich das leider 

nicht, aber über das aktuelle Album Yellow + 

Blue gibt es ja auch so einiges zu erzählen. 

Von Ulrike Proske 

Rolf Kühn ist nicht nur ein 

Charmebolzen und Charmeur 

vor dem Herrn (nein – eigentlich 

vor der Dame), er ist auch 

äußerst kontaktfreudig, und 

so hat er auf Yellow + Blue 

eine illustre Band versammelt. 

Pianist Frank Chastenier, 

Bassistin Lisa Wulff und 

Schlagzeuger und Perkussionist 

Tupac Mantilla schlagen 

sich mit Lust und Laune durch 

ein buntes Gestrüpp aus Jazzund 

sonstigen Klassikern und 

Kühn-Originalen. Aber wie um 

Himmels willen ist der Grandseigneur 

der Klarinette an 

die erst 27-jährige Lisa Wulff 

geraten? „Bei Steinmeier war 

ein Sommerkonzert im Schloss 

Bellevue“, erwähnt Kühn 

ganz lässig ein Event beim 

Bundespräsidenten, bei dem 

er selbstverständlich geladen 

war, „und da spielten Nils 

Landgren, Till Brönner, Michael 

Wollny und Wolfgang Haffner. 

Im Gespräch mit Lisa Wulff 

stellte sich heraus, dass sie 

eine Schülerin von Detlev Beier 

war, mit dem ich sehr lange 

gespielt habe in verschiedenen 

Projekten von Michael Brecker 

bis Bob Mintzer. Lisa war seine 

Lieblingsschülerin, und sie hat 

eine Menge von ihm gelernt. 

Das schöne große Bassgefühl, 

das ich gern habe, ein runder 

Bass, der durchklingt, der die 

richtigen Zwischenphrasen 

spielt – das hat sie alles. Neulich 

habe ich ihre Band gehört, 

die auch ziemlich gut ist.“ 

Umstandslos bittet Kühn 

die junge Bassistin ins Studio, 

wo ein alter Kollege schon 

wartet. „Frank Chastenier 

kenne ich schon lange“, 

erinnert sich Rolf Kühn. „Wir 

haben einst bei MPS Aufnahmen 

gemacht mit Peter Erskine 

und Bob Mintzer, und Frank hat 

damals Orgel gespielt. Frank 

hat den Mut gehabt, nach 

25-jähriger Tätigkeit für die 

WDR Big Band zu kündigen, 

dabei wäre er dort bis zum 

Lebensende versorgt gewesen. 

Aber er wollte noch mal bei 

null anfangen, das finde ich 

sehr bewundernswert.“ Nicht 

zuletzt erinnert den Genießer 

von Leben, Liebe und Musik 

das an seine eigene Karriere. 

„Vor 60 Jahren habe ich 

das auch gemacht“, weiß 

Rolf Kühn noch sehr genau. 

„Ich habe von 1950 bis 1956 

bei Werner Müller im RIAS- 

Tanzorchester gespielt, und als 


ich dort aufgehört habe, haben 

mich alle für verrückt erklärt. 

Ich bin auf blauen Dunst hin 

nach New York gegangen 

und habe zuerst bei Caterina 

Valente gespielt, das war mein 

erster Job in New York. Sie 

war damals ein richtiger Star 

und hatte mit ‚Malaguena‘ und 

‚The Breeze And I‘ auch schon 

Riesenhits in den USA gehabt.“ 

Engagements bei Benny 

Goodman und Tommy Dorsey 

schlossen sich an, bis 

Kühn 1962 nach Deutschland 

zurückkehrte. Er leitete das 

NDR-Fernsehorchester, spielte 

mit Albert Mangelsdorff oder 

seinem kleinen Bruder, dem 

Pianisten Joachim Kühn, und 

hatte neben dem Mainstream 

auch ein Faible für Free Jazz 

und Jazzrock. Diese Vielseitigkeit 

hat er sich bis heute 

bewahrt, und so kann er auf 

Augenhöhe mit jungen Wilden 

wie Christian Lillinger musizieren, 

mit der Klassik-Kollegin 

Sabine Meyer arbeiten oder 

den brasilianischen Mandolinen-Virtuosen 

Hamilton de 

Holanda inspirieren. Außerdem 

hat er über zehn Jahre 

als musikalischer Leiter des 

legendären Theater des Westens 

gearbeitet. Musikalische 

Vorurteile kennt Kühn nicht. 

In einem Interview mit der 

FAZ hat er einmal postuliert: 

„Selbst Volksmusik kann faszinierend 

sein, wenn sie brillant 

gemacht ist.“ 

Volksmusik ist es nun 

nicht gerade, was Kühn auf 

Yellow + Blue spielt. Mit „Both 

Sides Now“ der kanadischen 

Singer/Songwriter-Ikone Joni 

Mitchell – mittlerweile fast 

so eine Art Jazz-Standard – 

eröffnet Kühn das Album aber 

auf einer zwar populären, doch 

sehr intimen Note. „Christian 

Kellersmann von MPS hatte 

die Idee, eine Balladenplatte 

zu machen“, erzählt Rolf Kühn. 

„Ich fand die Idee gut, aber 

ausschließlich Balladen zu 

spielen, wäre mir zu langweilig 

gewesen. Schließlich haben 

wir fünf Balladen aufgenommen, 

von ‚What Are You Doing 

the Rest of Your Life‘ bis ‚Body 

and Soul‘. Vier davon haben 

wir an den Anfang und an den 

Schluss der Platte gepackt, so 

dass sie meine aktuellen Kompositionen 

quasi einrahmen.“ 

Von manchen Menschen 

hat Rolf Kühn auch nur Gutes zu 

berichten. Über seine Biografin, 

die Journalistin Maxi Sickert, 

lässt er sich kein böses Wort 

entlocken. Ganz im Gegenteil: 

Die Arbeit an dem Buch Clari net 

Bird, mittlerweile in zweiter, 

verbesserter Auflage erschienen 

und hier noch einmal 

nach drücklich empfohlen, hat 

er sehr genossen. Die Interviews 

zum Buch fanden im Café Pusteblume 

am Hans-Rosenthal- 

Platz statt – gegenüber, in den 

ehemaligen RIAS-Studios, übt 

Rolf Kühn übrigens heute noch 

täglich. Denn Übung macht den 

Meister. 

Aktuelle CD: 

Rolf Kühn: Yellow + Blue 

(MPS / Edel:Kultur) 

© Harald Hoffmann 


49

Caroline Davis 

Töne des Herzens 

Es ist ihr drittes Album unter eigenem 

Namen, aber schon etwa das 30. Album, auf 

dem sie mitwirkt. Dabei konzentriert sich die 

amerikanische Saxofonistin Caroline Davis 

erst seit fünf Jahren ganz auf den Jazz. 

Von Hans-Jürgen Schaal 

Als Teenager lebte sie mit 

ihrer Mutter in Atlanta. Damals 

begann sie, Saxofon zu spielen, 

inspiriert von den Bläsergruppen 

auf alten R&B-Aufnahmen. 

„Meine Eltern hörten diese 

Musik oft zu Hause, als ich noch 

ganz klein war“, erzählt Caroline. 

„Das blieb irgendwie hängen.“ 

Später bekam die Mutter einen 

Job in Texas, Caroline wechselte 

die Schule, studierte dann Musik 

und Psychologie in Arlington, 

begann mit 20, auch Jazz zu 

spielen – das war kurz nach 

der Jahrtausendwende. 2004 

ging sie nach Chicago, um zu 

promovieren, machte dort ihre 

ersten Aufnahmen und traf auf 

Steve Coleman. „Ich verstehe 

Steve als einen meiner Mentoren, 

obwohl ich noch vieles 

mit ihm zu besprechen hätte.“ 

Wichtig war für sie auch die 

Chicago-Legende Von Freeman, 

dessen Jamsessions in der New 

Apartment Lounge sie jahrelang 

besuchte. Die heute 37-Jährige 

sagt: „Es war, als ginge ich 

noch einmal zur Schule. Jede 

Woche lernte ich etwas Neues, 

indem ich Von spielen hörte. Er 

gab keinen Unterricht, aber ich 

sprach hin und wieder mit ihm, 

und einmal ließ er mich sogar 

mit seiner Band auftreten.“ 

Der jüngste Move erfolgte 

2013: Caroline Davis zog von 

Chicago nach New York, um 

sich ganz dem Musikmachen 

zu widmen. Die Umstellung war 

schwieriger, als sie erwartet 

hatte. „Ich kam nach New York, 

hatte aber noch keine Arbeit 

in Aussicht – außer ein paar 

Gigs. Ich kannte zwar einige 

Freunde da, war also nicht 

völlig allein. Aber eine passende 

Wohnung zu finden, zog sich hin. 

Ich beschloss, nach Chicago 

zurückzugehen und noch ein 

paar Monate dort zu bleiben. 

Ein Jahr lang war ich fast jeden 

Monat einmal in Chicago zum 

Spielen, weil ich in New York 

nicht genug zu tun hatte. Der 

Hauptunterschied zwischen den 

beiden Städten ist für mich: In 

New York gibt es viel mehr Musiker 

– mehr gute Musiker, aber 

auch mehr schlechte Musiker. 

Und ich stelle fest, dass es in 

New York etwas schwieriger ist, 

dauerhafte Freundschaften zu 

schließen. Inzwischen komme 

ich hier aber mit Komponieren 

und Spielen ganz gut über die 

Runden. Das hätte ich wohl auch 

in Chicago geschafft – wenn 

dort mein Schwerpunkt nicht die 

Universität gewesen wäre.“ 

Die Entscheidung für New 

York, die berufliche Umstellung, 

die emotionalen Unsicherheiten 

dabei – das sind die Herzensfragen, 

von denen Caroline Davis’ 

neues Album handelt. „Ich habe 

viel Zeit aufs Schreiben der 

Musik verwendet“, sagt sie, „es 

waren fast drei Jahre.“ Doch 

der Albumtitel Heart Tonic meint 

nicht nur diese Herzensdinge, 

sondern auch das Herz als 

konkretes Organ – insbesondere 

das Herz von Carolines Vater. 

In ihre schwierige erste New 

Yorker Zeit fiel nämlich zudem 

die Nachricht, dass ihr Vater an 

Herzrhythmusstörungen leidet. 

Die Saxofonistin und promovierte 

Musikpsychologin begann, 

sich intensiv mit Kardiologie zu 

beschäftigen, und zog daraus 

auch musikalische Inspirationen. 

„Ich habe viel Zeit damit 

verbracht, Herzschlägen zu 

lauschen – normalen und unregelmäßigen. 

Manchmal habe ich 

mir arhythmische Herzschläge in 

großer Lautstärke zehn Minuten 

lang angehört, um mich in dieses 

Gefühl zu vertiefen. Dann habe 

ich mich davon gelöst, den 

Eindruck verarbeitet und damit 

begonnen, Musik zu schreiben.“ 

Auf dem Album gibt es 

gelegentlich pochende Herztöne 

zu hören und unregelmäßige 

Metren – und die rhythmische 

Komplexität setzt sich ins Tonale 

hinein fort. Caroline Davis’ Musik 

manövriert zwischen vielen 

Orien tierungen, ihr Quintett 

bewegt sich in dicht gefügten 

Klängen durch den Tonraum. 

Etwas Tristano-Schule klingt da 

an, ebenso frühe M-Base – und 

viel Kompetenz in Harmonielehre. 

„Ich glaube, dass im Jazz 

Harmonik und Stimmführung 

lebenslange Aufgaben sind“, 

sagt die Saxofonistin. „Ich habe 

Johann Joseph Fux und Arnold 

Schönberg studiert und mich 

an vielen Kompositionsübungen 

versucht. Aber das Beste ist, 

Musikstücke zu untersuchen, die 

du besonders liebst, und zu 

checken, was da wirklich passiert. 

Davon habe ich am meisten 

gelernt – bei Wayne Shorter, 

Steve Coleman, Coltrane, 

Schumann, Strawinsky, Xenakis 

und vor allem Johann Sebastian 

Bach. Ich versuche, für Melodieund 

Bass-Stimme sinnvolle 

Harmoniefolgen zu finden. In 

vielen Fällen fülle ich einfach die 

inneren Stimmen zwischen Top 

und Bottom. Ich mag es, dabei 

neue Arten von Stimmführung zu 

entdecken.“ 

Zu ihrem Quintett auf dem 

Album gehört der wunderbare 

Trompeter Marquis Hill, der 2014 

die Monk-Competition gewann. 

Keyboarder Julian Shore bettet 

die Musik streckenweise auf 

Fender-Rhodes- und Vintage- 

Synthie-Klänge. Im Mittelpunkt 

steht Caroline Davis’ Altsaxofon. 

Ihre mutwilligen Sololäufe 

lassen manchmal an einen 

frechen, sehr selbstbewussten 

Schmetterling denken – provokant, 

verspielt, wunderschön. 

„Mein Saxofonspiel hat sich 

vielfach gewandelt, solange ich 

noch meinen Sound suchte“, 

sagt Davis. „Aber in meiner 

Chicagoer Zeit entdeckte ich die 

Musik von Lennie Tristano und 

Lee Konitz, die wichtig für mich 

war, weil sie mir ein Gefühl von 

musikalischem Zuhause gab. 

Ich habe auch viel Zeit mit Steve 

Coleman verbracht, seit wir uns 

in Chicago erstmals trafen. Ich 

habe ihn viel gefragt und ließ 

mir Dinge von ihm zeigen. Heute 

allerdings übe ich auf der Flöte 

und mit der Stimme fast so viel 

wie auf dem Saxofon. Ich halte 

diese drei für meine Hauptinstrumente.“ 

Aktuelle CD: 

Caroline Davis: Heart Tonic 

(Sunnyside / GoodToGo) 


CeCIl taylor 

gekommen, um sich aufzulösen 

Der 2017 verstorbene Drummer Sunny Murray verfluchte ihn. 

Nachdem Murray in der Band von Cecil Taylor getrommelt 

hatte, war er nie wieder in der Lage, auf herkömmliche Weise 

Schlagzeug zu spielen – und mit seinem Beruf Geld zu verdienen. 


Doch fangen wir von vorn an. Nach Anfängen 

in R&B-Bands spielte der 27-jährige Cecil 

Taylor 1956 sein erstes Album Jazz Advance 

ein. Es erschien zuerst auf Transition und 

den Wirkungsgrad seiner Muskeln gegangen? 

Hat er während seiner Performance 

Gedichte rezitiert und viele seiner Improvisationen 

mit Ausdruckstanz begonnen, weil 

es ihm ausgerechnet um Kraft gegangen 

wäre? Ausdauer war ihm kein Synonym 

für Durchhalten. Und wenn schon Kraft, 

dann die des spontan planenden Geistes. 

Es gibt ein Video mit der Draufsicht auf 

seine spielenden Hände, die wie braune 

Silberpfeile über die Tasten flitzen. Erst 

ausgehenden 1970er Jahren war er seinen 

Fans zu gottgleich, als dass man ihm einen 

schlechten Tag hätte attestieren wollen. 

Ihm persönlich hätte es indes gereicht, ein 

Mensch zu sein. 

Taylor kämpfte viele Kämpfe. Musikalische 

Befreiung war für ihn auch persönliche 

Emanzipation. In einer von Testosteron dominierten 

Welt musste er sich als Außenseiter 

behaupten. Auf die Frage, ob er schwul sei, 

antwortete er sibyllinisch, ein Dreibuchstabenwort 

wie „gay“ könne niemals die 

Komplexität seiner menschlichen Existenz 

definieren. Er war in eine Zeit hineingewachsen, 

in der das Bekanntwerden von 

Homo sexualität das unweigerliche Aus für 

Jazzmusiker bedeutete, es sei denn, sie 

konnten eine Herkunft vom Saturn nachweisen. 

Taylor schaffte es durch das unvergleichliche 

Spektakel seiner Musik, alles 

Private von der Öffentlichkeit fernzuhalten. 

© Barbara Woike 

© Jean-François Labérine 

Wenige Tage nach seinem Tod prophezeite 

ein deutscher Veranstalter, in 

einigen Jahrzehnten werde Taylor als 

Komponist genauso geachtet sein wie 

Bach. Doch – und das kann man mit heit sagen – ging es Cecil Taylor zu keinem 

Sicher- 

Zeitpunkt um die Nachwelt. Er zelebrierte 

zeitlebens die poetische Vergänglichkeit 

des Augenblicks. Seine Cluster fühlten sich 

wie Klangblütenstaub an, der zerstob, sowie 

er sich manifestierte. Seine Musik wurde 

geschaffen, um zu verschwinden. Sich 

aufzulösen, war Cecil Taylors eigentliches 

Vermächtnis. 

Wir könnten hier viele Projekte und 

Alben aufzählen, seine Unit, das Feel Trio, 

die Aufnahmen für Gil Evans, seine Berlin- 

Konzerte von 1988 … Gerade erst ist auf dem 

Label Black Sun unter dem Titel Poschiavo 

der Mitschnitt eines Konzerts von 1999 

erschienen. Der spontane Einfallsreichtum 

des damals 70-Jährigen war atemberaubend. 

Weitere Aufnahmen werden folgen. Alles in 

allem ist der Output des Pianisten gemessen 

an seinem Input jedoch sehr übersichtlich, 

und das hat seinen Grund. 

Am 5. April 2018 ist Cecil Taylor mit 

89 Jahren gestorben. Er wird uns so lange 

fehlen, bis niemand merkt, dass er uns nicht 

mehr fehlt. Und das ist gut so. 

wurde später von Blue Note übernommen. 

Nichts Besonderes, möchte man meinen, 

doch drei Jahre vor den Free-Versuchen 

von Ornette Coleman, Paul Bley und Jimmy 

Giuffre manifestierte sich hier eine Freiheit, 

die man nach den missglückten Tristano-Aufnahmen 

von 1949 nicht mehr gehört hatte. In 

einem bis dahin nie dagewesenen Klangkaskadenrausch 

eilte er über die Tasten. 

Wie weit er mit diesem Verständnis 

seiner Zeit voraus war, zeigt sein 1959 aufgenommenes 

Album Stereo Drive mit John 

Coltrane und Kenny Dorham, das später 

ebenfalls von Blue Note unter dem absurden 

Titel Coltrane Time als angebliche Coltrane- 

LP unter die Leute gebracht wurde. Diese 

Platte ist insofern ein Paradebeispiel dafür, 

dass Freiheit kein Geschenk ist, sondern ein 

hart erkämpftes Gut, als Taylor hier stoisch 

gegen seine eigene Band anspielt. Coltrane 

hält relativ teilnahmslos mit, aber Dorham 

versucht die Session zu sabotieren, wo 

immer er kann. Aus heutiger Sicht wissen 

wir, dass der Trompeter den Pianisten nicht 

verstehen konnte, aber eben dies war das 

Umfeld, in dem sich Taylor damals bewegte. 

Aber verstehen wir Taylor denn heute 

besser? Ihm ist nachgesagt worden, dass 

das Klavier für ihn aus 88 Trommeln bestanden 

habe. Seine ungeheure physische Kraft 

ist mehrfach bejubelt worden. Zu Recht. 

Aber ist es Taylor tatsächlich jemals um 

wenn man sensibel auf die Bewegungen 

achtet, wird man gewahr, dass beide 

Hände spiegelverkehrt genau dieselben Bewegungen 

ausführen. Ging es ihm vielleicht 

eher um Tanz, um Choreografie, um eine 

alternative Struktur des Klanges, abgeleitet 

aus der geheimen Eleganz der Bewegung? 

Viele Musiker haben seine Schule 

durchlaufen. Die Saxofonisten Steve Lacy, 

Archie Shepp, Albert Ayler und Jimmy Lyons 

gehörten dazu, die Bassisten Buell Neidlinger 

und William Parker, die Drummer Dennis 

Charles, Sunny Murray, Andrew Cyrille und 

Tony Oxley. Unvergessen ist das Duo mit 

Max Roach (meine Güte, wie viel Ellington 

doch in Taylor gesteckt hat). Jeder von ihnen 

hat seinen eigenen Weg gefunden, mit dem 

Pianisten zu kommunizieren, weil es immer 

um diese absolute Freiheit ohne Wenn 

und Aber ging. Und Freiheit bedeutete für 

Taylor auch, scheitern zu können. Er selbst 

wusste das. Was mag in ihm vorgegangen 

sein, wenn er schlecht gespielt und das 

Publikum ihm dennoch zugejubelt hat? 

Manchmal schien er seine Zuhörer mit den 

immer selben Phrasen regelrecht um Protest 

anzuflehen. Vergebens. Spätestens seit den 


Nigel 

Kennedy 

Rhapsodie 

in Weinrot 

© Carl Hyde 


Claret, das ist eine alte englische Bezeichnung für die 

Rotweine des Bordelais. Wenn das Wort als Farbton- 

Beschreibung verwendet wird, wäre das also Weinrot. 

Und zwar das ziegelige Rot eines älteren Weines, ohne 

diese jugendlichen Violett-Töne am Glasrand. Wer George 

Gershwins Rhapsody in Blue einerseits als transparentes 

Stück für Jazz-Quartett spielt und den Titel andererseits um 

die Farbe Claret zu „Rhapsody in Claret and Blue“ erweitert, 

hat dabei sicher etwas Sentimentales im Sinn. 


Nigel Kennedy ist kein wirklicher Punk. 

Er kokettiert nur seit je ein wenig mit dem 

Image, das sich vor allem zu seinen Einspielungen 

großer Violinkonzerte in einen 

neugierig machenden Kontrast gesetzt hat. 

Nicht immer haben die Einspielungen den 

gleichen Charakter des Unangepassten 

gehabt wie seine Haartracht. Von solchen 

eher auf Marketing ausgerichteten Maßnahmen 

ist seine Auseinandersetzung mit 

George Gershwin allerdings völlig frei. 

Nigel Kennedy liebt Gershwin, und er kann 

sehr genau beschreiben, was das ist, was 

ihm an Gershwins Musik wichtig ist: Es ist 

diese bezwingende Mischung aus westlicher 

klassischer Musik, dem eleganten 

großstädtischen Jazz der Swing-Ära und 

einer aus der New Yorker Klezmer-Tradition 

stammenden expressiven Melodieseligkeit, 

schreibt er. 

Und die Rhapsody hat man so, wie 

sie hier klingt, noch nicht oder zumindest 

schon sehr lange nicht mehr gehört. 

Kennedy ersetzt die unsterbliche Solo- 

Klarinette durch seine Geige, die er überraschend 

fragil und ein wenig zittrig, aber 

dann auch wieder schwungvoll und geschmeidig 

klingen lässt. Das Arrangement 

verzichtet auf jeglichen bombastischen 

Orchester-Sound und beschränkt sich 

auf ein Quartett mit Geige, Bass (Tomasz 

Kupiec) und zwei Gitarren (Howard Alden 

und Rolf Bussalb). Es entsteht eine bezwingende 

Sentimentalität, eine altehrwürdige 

Stimmung, durchscheinend und ganz ohne 

Pathos. 

Wer hätte das gedacht. 

Und so geht es weiter. Kennedy 

nähert sich den Songs nicht von der Warte 

des Musikers, der möglichst schnell etwas 

Wiedererkennbares und Glänzendes in 

den Raum stellen will, sondern mit einem 

sehr durchdacht wirkenden Konzept von 

Liedhaftigkeit und Authentizität. Er will 

nicht die üppig schimmernden orchestralen 

Oberflächen, die man heute gemeinhin 

mit Gershwin verbindet. Er will zurück zu 

den Songs, zu den durchaus sentimental 

kodierten Situationen, die zum Beispiel 

die Oper Porgy and Bess prägen. Dafür 

ist es nötig, dass leise gespielt wird. Dass 

eine Atmosphäre entsteht, in der Platz ist 

für brüchige Phrasierungen und kitschig 

jubilierende Geigen-Kantilenen, für zart 

angedeutete Rhythmik – eine Atmosphäre, 

die den Hörer dazu bringen kann, sich 

den Details zu widmen und nicht nach 

weit gespannten Bögen und glamourösem 

Broadway-Musical-Sound zu suchen. 

Darum bekommt auch das viel gesungene 

„Summertime“ einen handwerklich-ziegelroten 

Anstrich. 

Die kleine Jazz-Formation bleibt nicht 

über das gesamte Album allein, aber nie 

überschreitet die Besetzung Oktett-Größe, 

und stets ist der leicht volksmusikalischjazzige 

Unterton hörbar. Er wird ergänzt 

und unterstrichen von den zwei Gitarristen 

Howard Alden und Rolf „die Kobra“ 

Bussalb. Die beiden sorgen für Anklänge 

an eine Art Django-Reinhardt-Sound, den 

Kennedy mit Stéphane-Grappelli-Avancen 

wunderbar ergänzt. Er improvisiert recht 

viel und lässt sich dabei quer durch die 

Beete treiben. Das etwas basale Klavier- 

Solo in „They Can’t Take That Away from 

Me“ muss man ihm nicht übel nehmen, und 

dass das Schluss-Stück dann doch noch 

einen leicht anti-authentischen Touch 

bekommt, lockert den Zusammenhang 

angenehm auf und gibt dem Album eine, 

gut, verwenden wir das Wort doch noch 

einmal: punkige Unmittelbarkeit. 

In gewisser Weise markiert Kennedys 

Gershwin-Interpretation ein Gegenstück 

zu dem, was Nikolaus Harnoncourt 2009 

mit dem Chamber Orchestra of Europe 

und dem Wiener Arnold Schönberg Chor 

in Sachen Porgy and Bess unternommen 

hat. Harnoncourt sah Gershwins Oper eher 

in der Tradition des italienischen Verismo 

und in einer größeren Nähe zu Alban Berg 

als zum Jazz. Seine großartige, aber leicht 

befremdliche Interpretation der Oper 

ging diesen Spuren konsequent nach und 

übersetzte, metaphorisch gesprochen, 

Gershwins amerikanischen Slang in einen 

morbiden Wiener Dialekt. 

Nigel Kennedy nun rückt die Dinge 

anders und durchaus auch auf neue Weise 

zurecht. Für ihn ist Gershwin der jüdische 

Amerikaner, der zwangsläufig den Jazz 

seiner Zeit im Ohr hat und für den Bergs 

Lulu oder Wozzeck interessante, aber 

ferne Ereignisse sind. Nigel Kennedy hat 

viel investiert in dieses Album. Er hat 

arrangiert, er spielt außer Geige auch 

Viola, Klavier und das leise, etwas stählern 

klingende Cembalo. Er lässt das alles nach 

einer kleinen Band klingen, die sich um 

zwei Mikrofone versammelt hat – und eben 

nicht nach wochenlanger Post Production. 

Und er leistet sich eine große Portion Gefühl, 

von dem wir jetzt mal annehmen, dass 

es authentisch ist. Zumindest klingt es so. 

Aktuelle CD: 

Nigel Kennedy: Kennedy Meets Gershwin 

(Parlophone / Warner) 


53

Club des Belugas 

Von der Ein-Euro-Wette auf 

internationale Festivals 

Manchmal gibt es kurze Momente, die das Leben nachhaltig 

verändern. Im Falle von Club des Belugas war es eine Wette. 

Von Thomas Bugert 

Eigentlich hatte Maxim Illion 

seine musikalische Karriere 

schon relativ früh beendet, als 

er während des Lehramtsstudiums 

merkte, dass er nicht 

für den Schuldienst bestimmt 

war. Nach einer Zeit in der 

ökologischen Landwirtschaft 

in Ostfriesland zog es ihn 

wieder in die Stadt. Er leitete 

verschiedene Locations in 

Wuppertal, von der Kneipe bis 

zum Sterne Restaurant, doch 

dann kam es Ende der 1990er 

Jahre zu einer typischen 

Kneipenwette, die sein Leben 

veränderte. Er erinnert sich: 

„Unser Barkeeper hat immer 

Nu-Jazz-CDs mitgebracht. 

Irgendwann habe ich zu ihm 

gesagt: Was die machen, das 

kann ich auch. Wir haben 

dann um einen Euro gewettet. 

Daraufhin habe ich mir das 

ganze Equipment besorgt und 

mich ein halbes Jahr zu Hause 

eingeigelt.“ Nachdem so das 

erste Album von Club des 

Belugas zusammen mit seiner 

Frau Kitty the Bill entstanden 

war, hörte glücklicherweise 

der Chef von Saturn die Musik 

und nahm sie direkt ins Programm. 

Das Album verkaufte 

sich gut und kletterte auf den 

ersten Platz der deutschen 

Club-Charts. Nach und nach 

wurden auch andere Firmen 

auf den Club aufmerksam, und 

so fanden Stücke den Weg in 

Werbespots. 

Was zunächst als reines 

Studioprojekt angefangen hatte, 

wurde ab 2006 mit dem Album 

Wildcats Gotta Move mit 

der Sängerin Brenda Boykin 

zum Live-Act. Hier fing alles 

mit der Anfrage einer chinesischen 

Hotelkette an, erzählt 

Maxim: „Es gab eine Anfrage 

für 90 Auftritte in 89 Tagen. 

Das war natürlich heftig. Wir 

haben das dann dort mit einem 

Quartett und danach rund um 

die Welt gespielt: Südafrika, 

Südamerika, Malaysia.“ Auch 

in vielen Ländern des ehemaligen 

Ostblocks war die Band 

unterwegs, unter anderem in 

Russland, Rumänien, Georgien 

und Aserbeidschan. Club des 

Belugas arbeitet im Studio mit 

verschiedenen Sängern und 

Sängerinnen zusammen. Wichtig 

ist Maxim hier der Kontrast 

in den Stimmen, und so ist er 

immer auf der Suche: „Ich 

habe seit dem dritten Album 

immer vier oder fünf verschiedene 

Sänger auf dem Album. 

Ich gehe dann ins Internet und 

suche, was passen könnte.“ 

Aufgrund gesundheitlicher 

Probleme der Hauptsängerin 

ist die Band zurzeit weniger 

live zu sehen. Da kommt 

ein neues Album, das einen 

Instrumentalisten featurt, sehr 

gelegen. 

54 Jazzthetik 07/08-2018 v.l.n.r.: Detlef Höller, Maxim Illion, Thomas Siffling, Karlos Boes

Literatur 

Maxim Illion und der 

Trompeter Thomas Siffling 

kennen sich seit 2011, erinnert 

sich Maxim: „Thomas hatte ein 

Album herausgebracht, das 

mir damals sehr gut gefallen 

hat und das ich für eine Compilation 

haben wollte. Dadurch 

haben wir uns kennengelernt. 

Er hat dann irgendwann 

angerufen und gesagt: ,Ich bin 

nächste Woche in der Nähe 

von Wuppertal, lass uns doch 

ein Stück zusammen aufnehmen.‘ 

So entstand das Stück 

,Ocean Cruise‘. Zwei Jahre 

später folgte das Album Chin 

Chin. Im Sommer 2017 war 

es dann so weit, dass beide 

ein neues Album planten und 

Maxim den Trompeter in sein 

Studio in Südfrankreich einlud. 

Im Gegensatz zum letzten 

Album, das vorproduziert war, 

begann hier alles bei null. 

„Wir haben uns hingesetzt und 

gesagt: ,Erstes Stück. Welche 

Geschwindigkeit und welche 

Tonart?‘ Dann haben wir einen 

Beat eingestellt, Akkorde 

eingespielt, und Thomas hat 

darüber gespielt. Nach der 

Erfahrung des ersten gemeinsamen 

Albums hatten wir eine 

Woche eingeplant, aber es 

lief so gut, dass wir nach drei 

Tagen schon fertig waren.“ 

In diesem Flow entstanden 

14 Songs, von denen es neun 

auf das neue Album Ragbag 

schafften. Die restlichen Songs 

wurden in einer zweiten Session 

aufgenommen. 

Alle Stücke sind Eigenkompositionen 

– bis auf 

„Tequila“, ein Titel, der eher 

zufällig auf das Album kam, 

wie Maxim erklärt: „Wir wollten 

eigentlich etwas Eigenes 

machen. Irgendwann haben 

wir dann festgestellt, dass es 

sich nach ,Tequila‘ anhört, und 

haben gesagt: ,Dann können 

wir auch gleich ,Tequila‘ machen.‘ 

Es sind aber immer am 

Ende der Phrase musikalische 

Zitate von Dizzy Gillespie bis 

Quincy Jones drin.“ Die finalen 

Arrangements der Stücke entstanden 

dann im Nachhinein 

im Studio in Düsseldorf. Neun 

Stücke arbeitete Maxim bis 

ins Detail aus. Danach wurden 

die Klavierparts von Roman 

Babik live eingespielt. Saxofon 

und Flöte stammen von Karlos 

Boes, die Gitarren von Detlef 

Höller, der auch vier Stücke 

ausarbeitete. 

Die Musik des Sammelsuriums 

Ragbag ist in erster 

Linie club- und tanzorientiert. 

Soundmäßig erinnert sie mit 

ihrer Liebe zum Detail an 

frühe Alben von Kruder & 

Dorfmeister. In dieses Klangund 

Groove-Gebilde fügen 

sich neben der Trompete als 

Hauptmelodieinstrument auch 

die andern Solisten mit Gitarre, 

Klavier und Saxofon organisch 

ein. Das Album lebt großenteils 

von TripHop, Boogaloo 

und Latin Grooves und von der 

Verzahnung der Percussion mit 

den Instrumenten der Rhythmusgruppe. 

Oder wie Maxim 

lachend meint: „Manchmal ist 

das ein richtiges Feuerwerk.“ 

Aktuelle CD: 

Club des Belugas & Thomas Siffling: 

Ragbag (Jazznarts / In-Akustik) 

Peter Kemper 

Guten Tach, 

Helge! 

Helge Schneider ernst zu nehmen, ist nicht ganz einfach. 

Dafür sorgt er selbst mit etwas, was öffentlich in der 

Regel als Humor wahrgenommen wird. Humor ist es 

wohl auch, vor allem aber ist es eine Bewegung, die 

sich jeder Festlegung entziehen will und gegen jede 

Erwartung die Überraschung setzt. 


Von konventionellem, sagen wir, Comedy- oder Kabarett- 

Humor unterscheidet sich der Schneidersche unter anderem 

dadurch, dass er Pointen vermeidet, dass er manchmal geradezu 

unter ihnen wegtaucht und an einer Stelle an die Oberfläche 

kommt, die den Gesprächspartner, den Zuhörer und 

Zuschauer ratlos lässt. Beispiel? Talkshow-Gastgeber Harald 

Schmidt fragt Helge Schneider nach Haustieren. Schneider 

sagt: „Hund hab ich nicht, aber Katze. Aber ich habe auch 

andere Haustiere. Zum Beispiel Käse.“ Wie soll man in einer 

Talkshow mit so jemandem ernsthaft umgehen? 

Peter Kemper hat zu, über und mit Helge Schneider ein 

Buch geschrieben, das ihn ernst nimmt. Also sein Werk – 

Live-Auftritte, Bücher, Filme und so weiter – sichtet, seine 

Accessoires würdigt, seine Kommunikationsweisen, seine 

Musikalität beschreibt. Und hier einen wichtigen Quell dieser 

irgendwie clownesken Schneiderschen Aus- und Abweichbewegungen 

findet. Denn Helge Schneider ist (auch) Jazzmusiker, 

und die zutiefst jazzmäßige Praxis des Improvisierens ist 

Grundlage dessen, was er permanent öffentlich tut. Er reagiert 

nicht regelkonform, er hält sich nicht an die Tonvorräte der 

vorgegebenen Changes, sondern phrasiert harmonisch und 

metrisch unvorhergesehen und grenzüberschreitend. Er spielt 

Sprachspiele nicht mit, sondern hüpft zwischen ihnen herum 

und bleibt dabei stets im Fluss. Oder wählt ausdrucksreiches 

Schweigen. Oder dreht einen Film. Oder schlüpft mit kühn 

angedeuteter Kostümierung in merkwürdige Rollen und redet 

mit Alexander Kluge. Er produziert keinen Sinn, aber auch keinen 

Unsinn, sondern einen Spielfluss voller Überraschungen, 

Abweichungen, Albernheiten, Zuspitzungen. Und muss darin 

ernst genommen werden. 

Peter Kemper: 

Helge Schneider. 

Reclam Verlag, Stuttgart 

100 Seiten, 10 Euro 


55

Nils Wogram & NDR Bigband 

Der dritte Weg 

Von Harry Schmidt 

„Endlich ein bundesligareifer Braunschweiger“, 

jubelte DIE WELT, als Nils 

Wogram 2013 mit dem Albert-Mangelsdorff-Preis 

ausgezeichnet wurde. 

„Endlich ein junger, kreativer Posaunist“- 

das wäre in gleich zweierlei Hinsicht die 

treffendere Schlagzeile gewesen. Denn 

zum einen war der 1972 in Braunschweig 

geborene Wogram mit Ausnahme der 

2003 gekürten Ulrike Haage der erste 

Preisträger, der nicht bereits auf mehr als 

ein halbes Jahrhundert Karriere und oft 

auch ein mehr oder weniger abgeschlossenes 

Lebenswerk zurückblicken konnte. 

Zugleich war er aber eben auch der erste 

Posaunist, der mit dem Preis ausgezeichnet 

wurde, der immerhin nach einem 

Mann benannt ist, der als Posaunist im 

Nachkriegsdeutschland dem zeitgenös- 

Mit ihrem Album Work Smoothly finden 

der Posaunist Nils Wogram und die 

NDR Bigband einen Weg zwischen 

Nostalgie und Augenzwinkern. 

© Ulla C. Binder 

© Ayse Yavas 


sischen Jazz eine auch international 

wahrgenommene Stimme gegeben hat. 

Was Wogram zu einem würdigen 

Preisträger macht, geht aber über die 

Instrumentengleichheit weit hinaus. Mehr 

als der Sound der Posaune an sich ist 

es eine kreative Abenteuerlust, verbunden 

mit einer gesunden Portion Skepsis 

gegenüber dem Zeitgeist, die Wogram in 

die Nähe von Mangelsdorff rückt. Eine 

weitere Parallele zwischen den beiden 

Posaunisten besteht in der Vorliebe für 

langlebige Kollaborationen. Wogram 

schätzt trotz der Vielgestaltigkeit seiner 

Projekte die Kontinuität: Sein Quartett 

Root 70 mit Hayden Chisholm (sax), 

Matt Penman (b) und Jochen Rueckert 

(dr) spielt seit 18 Jahren in derselben 

Besetzung. Fast ebenso lang – seit 2004 

– bestehen das Trio Nostalgia mit Arno 

Krijger (hammond-org) und Dejan Terzic 

(dr) sowie sein Septett mit dem Schweizer 

Klarinettisten Claudio Puntin. Dazu 

kommen seit 2012 das Vertigo Trombone 

Quartet sowie einige Duo-Projekte. Lediglich 

sein Duo mit Simon Nabatov (p) fand 

vor einigen Jahren ein Ende. 

So verwundert kaum, dass auch 

Work Smoothly auf eine längere Vorgeschichte 

zurückzuführen ist. „Das 

passiert grob gesprochen alle zehn 

Jahre“, erzählt Wogram, wie es dazu 

kam, dass er seinen neuesten Longplayer 

mit der NDR Bigband aufgenommen hat. 

Erstmals sei das Radioorchester Mitte der 

90er mit einer Anfrage auf ihn zugekommen. 

Seinerzeit habe er aber kalte Füße 

bekommen und sich die Arrangements 

noch schreiben lassen. Weder so richtig 

Bigband noch so richtig Combo, habe das 

Ergebnis allerdings nicht in Gänze überzeugt. 

Anders schon eine Dekade später: 

Mit Portrait of a Band legte Wogram 2007 

ein Album mit der NDR Bigband vor, das 

sich rückblickend anhört, als habe es der 

aktuellen Hochkonjunktur des Bigband- 

Formats den Boden bereitet. Für das 

wiedererstarkte Interesse hält Wogram 

mehrere Faktoren verantwortlich: Neben 

den Pendelbewegungen des Paradigmenwechsels 

sei auch in der fundierten Ausbildung 

heutiger Jazzmusiker ein Grund 

für die Renaissance des Bigband-Formats 

zu sehen. Zudem spiele auch der soziale 

Aspekt gerade in Zeiten der Digitalisierung 

eine große Rolle, vermutet er. Mit 

vielen der neuen Freelance-Bigbands wie 

dem Subway Jazz Orchestra aus Köln, 

der Spielvereinigung Süd in Leipzig oder 

der Formation Fette Hupe aus Berlin hat 

Wogram bereits gearbeitet und Erfahrungen 

gesammelt. 

Als die NDR Bigband vor drei Jahren 

neuerlich auf ihn zukam, habe er zunächst 

versucht, ohne Deadline zu arbeiten, 

was aber nicht funktionierte. Erst als ein 

konkreter Aufnahmetermin fixiert war, 

kam der Schreibprozess in Gang – mit 

durchaus überraschendem Ergebnis. Tatsächlich 

klingt Work Smoothly zunächst 

wie ein konventionelles Bigband-Album, 

insbesondere die Eröffnung mit dem 

Titelstück löst den Anspruch ein, den Wogram 

so formuliert: „Moderne Bigband- 

Arrangements behandeln meist Struktur. 

Was dabei manchmal auf der Strecke 

bleibt, sind Momente, die sich einprägen, 

die gewisse Wiedererkennungsmerkmale 

haben. Das muss nicht unbedingt eine 

eingängige Melodie sein. Es geht darum, 

dass man sagen kann: Das ist das Stück, 

in dem das und das passiert, oder auch 

um ein Bekenntnis zu bestimmten Sounds, 

die aus einer dezidierten Tradition stammen.“ 

PDF in 4c 

Auf dem Album wird dieser fast 

klassizistische Ansatz allerdings postwendend 

vom eher am modalen Jazz 

orientierten „Provocation“ konterkariert. 

Überhaupt sei ihm wichtig gewesen, 

nichts bewusst zu vermeiden oder zu 

unterdrücken. Stattdessen habe er die 

Musiker nach ihren Vorlieben befragt, 

um beim Schreiben darauf eingehen zu 

können. Generell habe er diesmal mehr 

auf Transparenz geachtet. Automatisch 

eingeflossen seien Einflüsse historischer 

Großbesetzungen, von Duke Ellington 

über Thad Jones und Gil Evans (etwa in 

„One Phone Call“) bis zu Charles Mingus. 

Django Bates und Hermeto Pascoal sind 

weitere Referenzen, die sublimiert in 

den acht Stücken auftauchen. Was Work 

Smoothly, dessen Titel durchaus auch 

als gesellschaftspolitisch-philosophische 

Aussage aufgefasst werden darf, aber 

nachhaltig bemerkenswert macht, ist 

der dritte Weg zwischen Nostalgie und 

Augen zwinkern, den Wogram im Umgang 

mit Tradition findet. Dass der Humor 

trotzdem nicht zu kurz kommt, verdankt 

sich genau dieser gut informierten und 

organisierten Unbekümmertheit. 

Aktuelle CD: 

Nils Wogram & NDR Bigband: Work Smoothly 

(nWog / Edel:Kultur)

David Murray 

& Saul Williams 

© Erwan Levigoureux 

Schwarzer Zorn 

mit sanfter Gewalt 


LeRoi Jones aka Amiri Baraka, Malcolm X, James Baldwin und andere 

standen für das antikapitalistische, kritische und widerspenstige 

Amerika, das scheinbar der Vergangenheit angehört. Dennoch gibt es 

Black Lives Matter, es gibt Leute, die ihre Stimme erheben, wenn es um 

Gewalt gegen Schwarze, gegen Frauen und Minderheiten geht, um die 

Waffengesetze und brutale Gegensätze in der Gesellschaft. Und es gibt 

Musik, die diesen Zeiten mit zorniger Poesie begegnet. 


Der Spoken-Word-Poet Saul 

Williams hat diese brennenden 

Themen im Auge. Ohne 

erhobenen Zeigefinger und 

ohne ein Zuviel an Radikalität, 

das Zuhörer abhängt. Williams, 

Aktivist der New Yorker 

Slam-Poetry-Szene, schrieb 

Bücher, hatte Auftritte in Filmen 

und Musicals und fühlte sich 

eigentlich immer HipHop, Rock 

und elektronischer Musik näher. 

Er hielt eine Verbindung mit dem 

Jazz zunächst für eine Idee der 

Vergangenheit. 

Es war im Jahr 2014, als 

der Saxofonist David Murray 

auf diesen Mann aufmerksam 

wurde, der da am Grab von 

Amiri Baraka so lautstark 

proklamierte, wie wichtig es 

sei, dessen Arbeit weiterzuführen. 

Williams schickte Texte 

an Murray, vor allem Stücke, 

die sich mit Fragen von Rasse, 

Klasse, Geschlecht, Wirtschaft 

und Kultur im heutigen Amerika 

auseinandersetzten. „Ich habe 

ein paar der Gedichte für eine 

Woche auf dem Klavier liegen 

lassen, und das Nächste, was 

passierte, war, dass daraus 

ein Song wurde“, sagt Murray. 

„Die Worte sind wie Wasser, 

sie finden ihren eigenen Weg. 

Saul ist ein sehr zukunftsorientierter 

Visionär. Ich habe immer 

versucht, den Dichtern und ihrer 

Vision von der Welt entgegenzukommen 

und das mithilfe der 

Musik klarer und wahrer zu 

machen.“ 

Für Williams war die 

Zusammenarbeit mit Murray ein 

Anlass, alles neu zu überdenken: 

„Als Dichter, der oft an 

den Buchstaben hängt, hat die 

Zusammenarbeit mit David mich 

befreit. Jazz feiert die Improvisation 

und hat so viel mit Zuhören 

zu tun – wie du hörst und was 

du hörst und wie du darauf reagierst. 

Es hält mich frisch, also 

ist es das Gegenteil von dem, 

vor dem ich Angst hatte, als ich 

mich dem Jazz verweigerte. 

Es hat den kreativen Prozess 

belebt.“ Williams erreicht mit 

der textlichen und rhythmischen 

Dichte seiner Spoken Words 

etwas, wofür manch ein Sänger 

höchste Ausdruckskraft und Virtuosität 

aufbieten muss. Sprachliche 

Intuition und rhythmische 

Gewichtung treffen mit großer 

Präzision voll ins Schwarze. 

Und dann ist da der Blues, 

dem sich der Jazz-Avantgardist 

David Murray schon immer verbunden 

fühlte. Blues for Memo, 

das instrumentale Titelstück, 

wird mit dem Gastmusiker Aytaç 

Doğan am Kanun, der türkischen 

Zither, zu einer Art Oriental 

Blues erweitert. Passend, denn 

das Album wurde in Istanbul 

aufgenommen, in Auftrag 

gegeben von Ahmet Uluğ, 

gewidmet seinem verstorbenen 

Bruder Mehmet Uluğ. Der 

türkische Impresario, genannt 

Memo, seinerseits Gründer 

des Musikförderunternehmens 

Pozitif Music, hatte in seinem 

Club Babylon dem Publikum 

die Türen zum experimentellen 

Jazz geöffnet und Künstler wie 

Murray, Butch Morris, Sun Ra 

und Pharoah Sanders präsentiert. 

Blues for Memo ist nun 

eine Herzensangelegenheit 

von Murray, als Dank an die 

Uluğ-Brüder für ihre langjährige 

Freundschaft und Unterstützung. 

Es schließen sich die Kreise 

vollends, wenn Saul Williams zu 

„Obe“, einer Komposition von 

Murrays langjährigem Mitstreiter, 

dem Conducting-Innovator 

und Kornettisten Butch Morris, 

die passenden Worte liefert. 

Dieser hatte seinerseits in den 

90ern mehrere Jahre in Istanbul 

gelebt und gelehrt. 

Selten lagen schwarzer 

Zorn und sanfte Gewalt so dicht 

beieinander wie auf Blues for 

Memo. David Murrays Tenor 

kann butterweich nach Ben 

Webster klingen, wie z.B. im 

Opener „Kush“. Murrays und 

Williams’ Musik changiert 

zwischen Acoustic Free Funk 

und swingendem Jazz, scheint 

die 60er und 70er Jahre zu 

beschwören und ist dabei 

hochaktuell, äußerst gefühlvoll, 

spannend und am Puls der Zeit. 

„Cycles And Seasons“ – gesprochenes 

Wort und smoothes 

Saxofon im faszinierenden 

Wechsel, akustischer Groove, 

immer wieder aufgebrochen 

durch ein paar swingende Takte. 

Das Gespann Murray/ 

Williams war bereits Tourerprobt, 

als es ins Studio ging. 

Gerade live bewährt sich die 

dynamische, treibende Rhythm 

Section, die sich nicht nur mit 

Jazz auskennt, sondern die 

Verbindung von akustischem 

Backing mit urbanem Groove 

meisterhaft beherrscht. Nasheet 

Waits spielt Schlagzeug auf 

dem Album, Hamid Drake war 

live mit auf Tour. Damals war 

das Projekt brandneu, und das 

Infinity Quartet mit Saul Williams 

stellte mit seiner Intensität und 

visionären Kraft z.B. auf dem 

Jazz Happening in Tampere 2015 

alles andere in den Schatten. 

Jaribu Shahid am Bass und 

Pianist Orrin Evans sind seit 

Jahren feste Größen in Murrays 

Quartet, sie liefern die nötigen 

scharfen harmonischen Konturen 

und ostinaten Basslinien. 

Gäste auf Blues for Memo sind 

der Posaunist Craig Harris, der 

Modern-Gospel-Sänger Pervis 

Evans, Jason Moran am Fender 

Rhodes und Murrays Sohn 

Mingus an der Gitarre. 

Aktuelle CD: 

David Murray feat. Saul Williams: 

Blues for Memo 

(Motema / Double Moon) 


Besondere Zeiten erfordern besondere Lieder. Die Zeiten, 

in denen sich Musiker selbstgefällig auf ihre Chops 

konzentrieren konnten, sind vorbei, fürs Erste zumindest. 

Wie zu Zeiten Richard Nixons gilt es, Stellung zu beziehen, 

und es wird Stellung bezogen. 


Marc Ribot ist ein kantiger Typ. Als der New 

Yorker Gitarrist Ende der 1980er Jahre bei 

den Lounge Lizards und Jazz Passengers, 

bei Tom Waits und Elvis Costello auftauchte, 

war seine Kollision von Punk und Jazz das 

Provokanteste, was seinerzeit vorstellbar 

war. Seine Gitarrensoli glichen Abstürzen. 

Keine seiner eigenen Bands hatte für 

mehr als zwei Alben Bestand. Egal, ob es 

die Rootless Cosmopolitans, Shrek, die 

überaus erfolgreichen Cubanos Postizos 

oder das Ayler Project waren, Ribot war 

im Kopf schon bei der nächsten unvollendeten 

Baustelle. Immer neue Seiten ließ er 

erkennen und pendelte zwischen Extremen 

wie John Zorn und Robert Plant. Da mag es 

wie ein Wunder anmuten, dass er mit seiner 

aktuellen Band Ceramic Dog (mit Bassist 

Shahzad Ismaily und Drummer Chas Smith) 

nun schon ein drittes Album innerhalb von 

zehn Jahren auf den Markt bringt. 

Ceramic Dog hat Marc Ribot immer als 

seine Rockband bezeichnet. Auf dem Debütalbum 

Party Intellectuals (2008) wurde 

dieser Anspruch noch so verschämt umgesetzt, 

wie der Albumtitel vermuten ließ. 

Der Nachfolger Your Turn (2013) klang im 

Vergleich dazu schon viel gradliniger. Doch 

mit dem Kracher YRU Still Here? verbindet 

der alte Querulant jetzt ein besonderes 

Anliegen. Wie mit einem Vorschlaghammer 

prügelt Ribot auf die offenen Wunden einer 

global immer weiter nach rechts rückenden 

Gesellschaft ein. Das dritte Album von Ceramic 

Dog ist viel mehr als eine Platte. Diese 

Songs sind Statements, und mehr als das. 

„Im Herbst 2016 hatte Ceramic Dog bereits 

ein anderes Album nahezu fertiggestellt“, 

erinnert sich Ribot. „Nach den Wahlen 

im November waren wir dann schockiert. 

Ich meine, ich habe es kommen sehen 

und fürchtete einen Sieg Donald Trumps 

mehr als die meisten Menschen in meiner 

Umgebung. Trotzdem schien es mir nach 

der Wahl nicht der richtige Zeitpunkt, eine 

CD rauszubringen, auf der ich mich über 

Probleme mit meiner Freundin auslasse. 

Wir veränderten also den Schwerpunkt des 

Albums. Meine romantischen Katastrophen 

erschienen mir plötzlich weniger wichtig. 

Ich spürte wieder die Dringlichkeit von 

Musik. Nicht nur als Teil einer politischen 

Bewegung, sondern als Kraft, die uns 

weiterleben lässt. Es erschien mir wichtig, 

meine und die Bedürfnisse anderer Menschen 

offen auszusprechen.“ 

Ribot war schon lange von dem Gefühl 

beschlichen worden, dass die Menschen 

in seinem Umfeld zwar wieder viel mehr 

über Politik diskutierten, sich auch auf die 

alten Protestsongs kaprizierten, aber keiner 

konnte sie mehr singen. Er erinnert sich an 

die Teilnahme an einer Occupy-Versammlung 

in New York. „Wenn sich auf einer 

Demonstration die Angst vor der Polizei und 

vor Verhaftungen breitmacht, können Lieder 

einem ja das Gefühl von Zusammenhalt und 

Kraft geben. Es war sehr früh am Morgen, 

die Stimmung war angespannt, und 

wir wollten etwas singen. Aber niemand 

wusste, was wir singen könnten. Jemand 

fing dann an, Tom Pettys ,We Won’t Back 

© Ebru Yildiz 

Down’ zu singen. Ich meine, der Song ist 

okay, aber er tut auch nichts wirklich zur 

Sache. In der Geschichte des Arbeiter- und 

Widerstandslieds gibt es so viele Songs, 

die perfekt gewesen wären, aber niemand 

kennt sie. Sie wiederholten immer nur 

diese zwei Zeilen von Tom Petty, und ich 

wünschte, anstatt meine Nerven zu strapazieren, 

sollten sie lieber ein paar richtige 

Lieder singen. So reifte in mir der Wunsch, 

selbst etwas Zeitgemäßes beizusteuern. Ich 

schrieb also ein paar neue Lieder. Einige 

von ihnen sind auf der CD von Ceramic Dog, 

die anderen werden auf einem Album mit 

dem Titel Songs of Resistance erscheinen.“ 

Marc Ribot zieht eine ganz klare 

Demarkationslinie zwischen Pre- und Post- 

Trump-Ceramic Dog. Die Ausrufezeichen im 

Raum sind greifbar, wenn er postuliert: „Wir 

müssen tun, was zu tun ist. Was wir zuvor 

gemacht haben, fühlt sich nicht mehr richtig 

an. Ich kann ja nicht leugnen, dass ich eine 

Affinität zum Jazz habe. Aber der Teil des 

Jazz, den ich mag, zum Beispiel die Musik 

von Albert Ayler oder John Coltrane, hatte 

stets prophetischen Charakter. Diese Musik 

hatte eine rituelle Funktion für die beteiligten 

Musiker und für das Publikum. Diese rituelle 

Funktion ist gar nicht so weit entfernt 

von der Energie des Punk-Rock. Obwohl ich 

politische Ideen – oder vielleicht eher politische 

Emotionen – anspreche, geht es doch 

in erster Linie darum, die Bude zu rocken. 

Wir wollen eine direkte Verbindung zum 

Publikum herstellen und eine direkte Erfahrung 

mit dem Publikum teilen. Aber Punk 

klingt für mich heute oft wie ein Schrei ohne 

Wunde. Im Jazz ist es genauso. Wollen wir 

unser Publikum erreichen, müssen wir also 

härter rocken als zuvor.“ 

Um die Leute zu erreichen, müsse man 

wissen, was in ihnen vorgeht, schiebt Ribot 

hinterher. Und um das Haus zu rocken, 

müsse man stets den Kampf mit dem 

Elefanten im Raum aufnehmen. Es reiche 

nicht, eine politische Haltung auszudrücken, 

sondern man müsse diese Haltung in etwas 

übersetzen, das eben mehr ist als nur ein 

Statement. Andernfalls würde ja eine Parole 

ausreichen. 

Aktuelle CD: 

Marc Ribot Ceramic Dog: YRU Still Here? 

(Yellowbird / Soulfood) 


Marc Ribot 

& Ceramic Dog 

Post Trump 

© Barbara Rigon 


Maxime Bender 

Vereinte Sprachenvielfalt 

Wenn der luxemburgische Saxofonist Maxime Bender sein aktuelles 

Projekt Universal Sky getauft hat, dann geht es um nichts Geringeres 

als die universelle Sprache der Musik. 

Von Stefan Pieper 

Luxemburg ist klein, da liegt 

alles eng beieinander, trifft 

und berührt sich. Die typisch 

luxemburgische Namensgebung 

lautet: französischer 

Vorname plus deutsch klingender 

Familienname. So liegen 

die Dinge auch bei einem 

hochmotivierten und eloquenten 

jungen Saxofonspieler am 

europäischen Jazzhimmel: 

Maxime Bender. Der hat seine 

Musikerkarriere auf dieser 

leicht multikulturellen Basis 

gut vorangetrieben. Kultur ist 

im kleinen Luxemburg ohnehin 

Chefsache – entsprechend 

hegt und pflegt das Land sein 

künstlerisches Potenzial. 

Maxime Bender wurde an dem 

Zentrum für alle musikalischen 

Werdegänge, dem Konservatorium 

der Hauptstadt, bestens 

sozialisiert, ein weiteres Studium 

führte ihn nach Straßburg. 

Daraus etwas Großes zu 

machen, liegt in den Händen 

der Musiker. Klug aus dem Miteinander 

von Sprachen, Stilen 

und Musikern zu schöpfen – 

das zeichnet Maxime Benders 

Projekte allemal aus. Er pflegt 

einen regen Austausch mit der 

Kölner Jazzszene, ebenso mit 

dem frankofonen Raum, der ja 

am eigenen Heimatort beginnt. 

In Frankreich hat Bender die 

Mitstreiter für seine jüngste 

CD Universal Sky gefunden, 

als da wären Manu Codjia (g), 

Jean-Yves Jung (hammondorg) 

und Jerome Klein (dr). 


kolumne 

Mehr an Eckdaten braucht 

es nicht, um die Musik dieses 

neuen Albums sprechen zu 

lassen. Denn was hier zählt, ist 

nichts außer der universellen 

Sprache der Musik. Aus dem 

Moment leben, aus diesem 

heraus entscheiden, dabei 

auf ein erarbeitetes, gereiftes 

Vokabular zurückgreifen – 

heraus kommt eine kollektiv 

gelebte musikalische Eloquenz 

im besten Sinne. 

Maxime Bender spielt 

Sopran und Tenor. Egal, ob er 

im Spiel gesangliche Linien 

ausbreitet, sich in ekstatischer 

Spiellust um Kopf und 

Kragen soliert oder sein Horn 

hymnisch beschwörend in die 

Höhe schraubt – in jedem Fall 

schimmert eine tiefe Affinität 

zum modalen Jazz eines 

Wayne Shorter durch. Die 

zeitlose, über alle möglichen 

kurzlebigen Trends erhabene 

Modernität eines solchen 

Vorbilds wird bei Universal 

Sky aufgegriffen, tief verstanden, 

aber dann in etwas 

ganz anderes transformiert. 

Dafür sorgen allein schon die 

Klangfarben, die hier im Spiel 

sind: Manu Codjia bietet auf 

der elektrischen Gitarre einen 

Gegenpart zum spielerischen 

Ideenreichtum des Saxofonisten. 

Das entlädt sich gerne in 

solistischen Duellen. Codjias 

Saitenkunst vereint subtile, 

manchmal experimentelle 

Klangeffekte mit der Vehemenz 

eines treibenden Rockjazz. 

Wenn von Hammond- 

Orgeln die Rede ist, bekommen 

manche schnell Angst vor 

klischeehaft ausgebreiteten 

Klängen und Mustern. Viele 

elektrische Tasteninstrumente 

haben und hatten nun einmal 

ihre Zeit, was dann heute wie 

vergängliches modisches 

Gepräge wirkt. Nicht so bei 

Jean-Yves Jung. Der ist viel 

zu sehr ein Musiker aus dem 

Heute, der seine Rolle aus 

dem Klangempfinden der 

Gegenwart heraus definiert. 

Vor allem ist er ein Raumgeber, 

der subtile Farben und Flächen 

von großer Dichte ausbreitet, 

um den Bandsound mit Energie 

aufzuladen, die gerne auch 

unterschwellig daherkommt. 

Der Rest ist selbsterklärend. 

Geht es doch darum, 

sich in Rage zu spielen und die 

Ideen frei fließen lassen. Und 

bei allem bestechend präzise 

zu bleiben. Dass nichts davon 

verlorengeht, dafür zeichnet 

die Klangregie des Tonmeisters 

Reinhard Kobialka vom Kölner 

Topaz Studio verantwortlich. 

Etwas ausformulieren, das auf 

den Punkt kommt – gerade in 

dieser Hinsicht besteht bei 

diesem Quartett ein guter Konsens 

bei allem Freigeist. Ein 

funkiges Lick eröffnet die erste 

Nummer, der Kommentar folgt 

sofort. Die Hammond-Orgel 

lädt das Klangbild druckvoll 

auf. Aber bevor der Drive der 

Rhythmusgruppe ins Schleudern 

gerät, holt die Musik in 

einer Art Ruhepol neuen Atem. 

Dann werden wieder alle 

Charakterdarsteller von der 

Leine gelassen, um die Kunst 

des Diskurses, aber auch des 

Umspielens zu pflegen. Zu 

Beginn des Stückes „Movement 

of the Unknown“ bläst 

Maxime Bender ein langes 

Sopransolo – ja, da ist wieder 

diese Wayne-Shorter-Assoziation. 

Schlagzeuger Jerome 

Klein sorgt dafür, dass es nicht 

dabei bleibt, sondern etwas 

ganz anderes daraus entsteht. 

Also funkt er mit ruhelosen 

Impulsen mutig dazwischen, 

während Manu Codjia alles 

mit weiteren Sphärenklängen 

befeuert. Das klingt nach 

Gleichberechtigung, nach 

einem guten Bewusstsein 

für Proportionen und Kräfteverhältnisse, 

hinter dem ein 

stimmiges, ja durchaus auf 

höchstem Niveau konsensfähiges 

Konzept steht. 

Aktuelle CD: 

Maxime Bender Universal Sky: 

Universal Sky 

(Cam Jazz / Harmonia Mundi) 

ime 

unnel 

Dessau, der Broadway und 

Louis Armstrong 

Am 31. August 1928 fand am Theater am Schiffbauerdamm 

eine Premiere statt, die für die Geschichte des amerikanischen 

Jazz knapp 30 Jahre später von Bedeutung werden würde. 

Zwei Jahre später, bei der Premiere der Oper Aufstieg und 

Fall der Stadt Mahagonny, gab es inszenierte Tumulte durch 

die NSDAP, und da der Komponist Kurt Weill einem jüdischen 

Elternhaus entstammte, emigrierte er 1933. 

Trotz der musikalischen Erfolge in Europa war der Start 

in New York nicht einfach. Kulturimport aus Deutschland war 

zu dieser Zeit nicht sehr hoch angesehen, und die Tantiemen 

aus Kompositionen kamen nicht an. Kurt Weill lernte zwar kurz 

nach seiner Ankunft George Gershwin kennen, war jedoch im 

Broadway-Umfeld als klassisch ausgebildeter Komponist eher 

ein Exot. Vielleicht war ihm aber hier sein Studium bei Ferruccio 

Busoni in Berlin trotzdem eine Hilfe. Dort hatten die Ideen 

und nicht die Mittel des Ausdrucks im Vordergrund gestanden. 

Alles Überflüssige sollte vermieden werden. Nach und nach 

fasste er Fuß in der Musikmetropole und wurde zum erfolgreichen 

Broadway-Komponisten. 

Mit verspätetem Erfolg lief dann auch die Dreigroschenoper 

aus dem Jahr 1928 ab den 1950er Jahren lange Zeit am 

Broadway. Hier sah die Oper unter anderem auch George 

Avakian, der Manager bei Columbia war. Er fand das Sujet, 

dass in einer Gangster-Halbwelt spielt, passend für Louis 

Armstrong, der in ähnlichen Verhältnissen aufgewachsen war, 

und schlug ihm vor, den Song „Mack the Knife“ aufzunehmen. 

Von da an war der Song fest in Armstrongs Repertoire. 

Alleine von ihm gibt es knapp 40 Aufnahmen. Auch zahlreiche 

andere Künstler von Sonny Rollins und Benny Goodman über 

Ella Fitzgerald bis zu Wayne 

Shorter nahmen den Titel auf. 

Kurt Weill ist seither ein fester 

Bestandteil des Great American 

Songbook. „My Ship“ aus 

Weills erfolgreichstem Musical 

Lady in the Dark, „Speak Low“ 

und der „September Song“ 

hinterlassen bis heute Spuren 

des Mannes aus Dessau in der 

amerikanischen Musik. 

Thomas Bugert 

Kurt Weill 

© Bundesarchiv 

JazzthetIk 07/08-2018 

63

Mit der Retrospektive Cinema erhält der 

legendäre Bassist, Soundkünstler und Produzent 

Holger Czukay die ihm gebührende Ehrung. 

Von Olaf Maikopf 

„Wir sind sehr traurig zu 

bestätigen, dass Holger gestern 

in seinem Haus, dem alten 

Can-Studio in Weilerswist, verstorben 

ist. Seine Frau U-She 

ist nur wenige Wochen zuvor 

gestorben. Holger war durch 

den Verlust seiner geliebten 

Partnerin am Boden zerstört, 

freute sich aber auf mehr Musik 

und gute Laune. Sein Tod ist ein 

Schock“, stand am 6. September 

vergangenen Jahres auf 

der Facebook-Seite von Can. 

Angeblich hatte Czukay auch in 

Cans berühmtem Inner Space 

Studio gelebt. Bauarbeiter, die 

in der Nähe arbeiteten, hatten 

ihn mehrere Tage lang nicht 

gesehen, und ein Nachbar 

fand ihn schließlich in seiner 

Wohnung. Eine Todesursache 

wurde nicht bekanntgegeben. 

Holger Czukay wurde 1938 

als Holger Schüring in Danzig 

geboren, spielte mit Anfang 20 

in einer Jazzband und arbeitete 

einige Zeit als Musiklehrer in der 

Schweiz. Während er anfangs 

kaum Interesse am Rock‘n‘Roll 

hatte, wurde er irgendwann von 

dem Beatles-Song „I Am the 

Walrus“ infiziert, was ihn bald 

zu Velvet Underground, Frank 

Zappa und Jimi Hendrix führte. 

1968 gründete Czukay mit dem 

Keyboarder Irmin Schmidt, dem 

Schlagzeuger Jaki Liebezeit und 

dem Gitarristen Michael Karoli 

die Band Can. 

„Als ich 14 oder 15 Jahre 

alt war, wusste ich nicht, ob ich 

Techniker oder Musiker werden 

wollte. Und wenn man so jung 

ist, denkt man, dass das eine 

das andere ausschließen muss. 

Am Anfang dachte ich, ich sei 

eine Art musikalisches Wunderkind 

und möchte Dirigent 

werden. Das war sehr ernst, 

aber es gab keine Chance, eine 

Ausbildung zu bekommen. Und 

dann, plötzlich, trat Elektrizität 

in mein Leben. Ich wurde der 

Junge in einem Laden, der 

die Radios trägt, um sie zu 

reparieren, und sie dann wieder 

zurückbringt. Was ich in dieser 

Zeit lernte, übertrug ich später 

in das Can-Studio. Das war eher 

ein Tempel, wie eine Kirche, 

ein Raum, in dem Zeremonien 

stattfanden. Das lag daran, dass 

wir nicht wussten, in welche 

Richtung wir gehen wollten, wir 

mussten erst unsere Erfahrungen 

machen. Aber der Aufbau 

des Studios war extrem heilig 

(lacht). Alles, was dort geschah, 

wurde direkt aufgenommen und 

erst später bearbeitet. Es war 

der Anfang des Samplings, das 

kann man sagen, und das war 

Ende der 60er Jahre.“ 

holger 

Czukay 

Bei Can half Czukay, die 

unterschiedlichen Einflüsse der 

Mitglieder zu einem eigenständigen 

Stil zu vereinen, indem ihr 

improvisatorisches Songwriting 

mit der frühen Sampling- 

Methode vereint wurde. Dabei 

arbeitete Czukay als Bassist 

eng mit Liebezeit zusammen, 

dessen als Motorik-Drumming 

bekannter Stil ideal war, um die 

treibenden Grooves im Zentrum 

von Cans Musik zu formen. Irmin 

Schmidt beschrieb Czukays 

Rolle bei Can einmal mit den 

zärtlichen Worten: „Wie Sergej 

Eisenstein seine Filme mit dem 

Schwert editierte, so radikal 

zerschnitt Holger die Tapes mit 

Can-Musik.“ 

Im herzen experimentell 

Neben seiner Arbeit als 

Bassist nahm Czukay den 

Großteil der Can-Platten auf, 

bis er die Band 1977 verließ. 

Er begann eine Solokarriere 

und veröffentlichte 1979 die LP 

Movies. Hier experimentierte er 

weiter mit Tonband und Schere, 

schuf raffinierte Soundcollagen 

inklusive afrikanischer Rhythmen 

und Klängen aus Kurzwellenradios 

– eine Methode, die er 

„Radio Painting“ nannte. Bei all 

dem wurde auch eine für ihn 

wichtige Inspiration deutlich, 

die Musique concrète Karlheinz 

Stockhausens, bei dem Czukay 

zwischen 1963 und ‘68 studiert 

hatte. „Meine Absicht war ja 

nicht, Rock- oder Popmusiker 

zu werden. Die beste Musik war 

damals für mich die zeitgenössische 

klassische Musik, die 

von den neuen Komponisten 

geschaffen wurde. Deshalb ging 

ich zu Stockhausen, denn er 

war der interessanteste, sehr 

radikal in seinen Gedanken. Mit 

der Erfindung der elektronischen 

Musik konnte er plötzlich alle 

anderen Musiker ersetzen. Das 

war nicht nur ein Experiment, 

das war wie eine Revolution! 

Ich dachte, das ist der richtige 

Mann. Also habe ich bei ihm studiert. 

Bis ich schließlich sagte: 

Wenn ein Vogel flugbereit ist, 

verlässt er sein Nest. Und das 

war es, was ich dann machte.“ 

Kurz vor der Can-Gründung hatte 

Czukay mit Rolf Dammers seine 

erste Platte aufgenommen, die 

1969 unter dem Namen Technical 

Space Composer‘s Crew 

veröffentlichte Canaxis 5, ein 

Album mit Tonbandschleifen, das 

die Ambient Music von Künstlern 

wie Brian Eno vorwegnahm. 

Die am 23. März, einen Tag 

vor Holger Czukays 80. Geburtstag 

erschienene Retrospektive 

Cinema versammelt auf fünf 

CDs beziehungsweise LPs, einer 

DVD und einer Vinylsingle alle 

Eckpunkte seiner knapp 60 Jahre 

umspannenden Karriere: von 

unveröffentlichten Aufnahmen 

seines 1960er Jazz-Quintetts 

über lange vergriffene Prä- 

Can-Experimente – heimlich in 

Stockhausens Studio aufgenommen 

– bis zu seinen Kollaborationen 

mit illustren Gestalten wie 

Brian Eno, Cluster, Conny Plank, 

Jah Wobble, David Sylvian, der 

Japanerin Phew, The Edge und 

Czukays Partnerin Ursula Schüring 

alias U-She oder Ursa Major. 

Sie alle verehrten den Kölner als 

Klangzauberer mit untrüglichem 

Gespür für die wundersamsten 

Töne. „Das habe ich gelernt“, 

sagte Holger Czukay einmal. 

„Wenn man eine Aufnahme 

macht – sei nicht zu interessant. 

Mach einfach etwas, das cool 

ist, aber nicht austauschbar. 

Man muss sich selbst reduzieren 

und nicht zu viele Informationen 

darüber geben.“ 

Aktuelle Veröffentlichung: 

Holger Czukay: Cinema 

(Grönland / Rough Trade) 

© Andrew Cotterill 


Einige Wochen sind seit dem ECHO-Desaster vergangen, der 

eine oder andere hat die Angelegenheit vielleicht schon fast 

wieder vergessen. 


Zur Erinnerung: Fehlgeleitete Rapper hatten 

mit politisch und moralisch fragwürdigen 

Dämlichkeiten erheblichen kommerziellen 

Erfolg erzielen können, was nicht so 

selten vorkommt, und weil der ECHO in den 

meisten seiner Fälle den kommerziellen 

Erfolg belohnt, gab es große Empörung. 

Etliche Künstler gaben ihre ECHOs zurück, 

einige sogar, obwohl sie ihn nicht aufgrund 

kommerzieller Erfolge, sondern nach einer 

Jury-Entscheidung bekommen hatten. Das 

brachte die Deutsche Phono Akademie, die 

den ECHO vergibt, dazu, den Preis vorerst 

ganz einzustellen und einen Neuanfang ins 

Auge zu fassen. Zurzeit ist der ECHO ungefähr 

so viel wert wie die Silbermedaillen 

vom DFB-Pokal für die Bayern. Auch schon 

fast vergessen. 

Ein wenig reflektierende Erinnerung 

und ein gründliches Überdenken aber wäre 

vor einem Neuanfang nicht schlecht. 

Erinnern wir uns zunächst etwas 

weiter zurück. Als es noch 

keinen ECHO gab, 

gab es schon den 

Deutschen 

Schallplattenpreis, 

vergeben 

von einer 

Jury aus 

Menschen, 

die sich „Schallplattenkritiker“ 

nannten. 

Die Jury kooperierte 

mit dem Bundesverband 

Musikindustrie 

und der Phono Akademie, 

die eine Organisation 

der Musikindustrie 

ist, also nicht ganz das, 

was man andernorts und 

gemeinhin unter einer 

Akademie versteht. Die 

Schallplattenkritiker bestanden 

auf ihrer Unabhängigkeit, so, 

wie Journalisten das früher zu tun 

pflegten. Und weil eine Finanzierung 

des von ihnen vergebenen Preises durch 

die Phono Akademie diese Unabhängigkeit 

nicht immer zu garantieren schien, lösten 

sie sich schließlich aus dieser Beziehung 

und gründeten 1988 einen eigenen Verein, 

den Preis der deutschen Schallplattenkritik 

(PdSK) e.V. 

Dieser Verein vergibt seither den Preis 

der deutschen Schallplattenkritik. Er finanziert 

sich aus Projektmitteln des sogenannten 

Kulturstaatsministeriums, die für Miete 

und Sekretariat aufgewandt werden, und 

aus Mitgliedsbeiträgen. Das bedeutet, dass 

die Schallplattenkritiker jedes Jahr ihren 

Vereinsbeitrag zahlen, um unabhängig ihre 

ehrenamtliche Arbeit zu tun. Der Verein 

wird aus keinem Interessenverband der 

Musikindustrie querfinanziert. Er arbeitet 

und entscheidet ganz und gar auf eigene 

Rechnung und nach einem im Laufe der 

Jahre gewachsenen Nominierungs- und 

Bewertungsverfahren. Selbst schuld, aber 

so sieht Unabhängigkeit nun mal aus. 

Unterdessen zeigten der Bundesverband 

Musikindustrie und die Phono Akademie 

den Kritikern, wie man’s machen sollte. 

Sie gründeten den ECHO und garnierten ihn 

ab 1992 mit Preisverleihungs-Glamour. Anfangs 

war er ein Ereignis im Pop-Segment 

des Tonträger-Marktes und ein rein statistisch 

ermittelter Preis für Verkaufs erfolg. 

Nach zwei 

Jahren wurde er ergänzt und erweitert um 

den ECHO Klassik und seit 2010 um den 

ECHO Jazz. Die letzteren beiden werden 

von Jurys vergeben – wenn auch nicht von 

Jurys, die in ihrer Zusammensetzung und in 

der Organisation ihres Bewertungsverfahrens 

den Anforderungen der PdSK-Mitglieder 

genügen würden. 

Weil die ECHO-Verleihungen aufgrund 

der größeren Nähe zu Glanz und Erfolg 

leichter als Medienereignis inszeniert 

werden konnten, die Schallplattenkritiker- 

Preise dagegen eher im Stillen vergeben 

wurden, war der ECHO von Anfang an das 

prominentere Ereignis. Und da stand die 

Falle, in die er ging. Denn Erfolg ist nicht in 

allen Fällen ein Qualitäts-Kriterium. Politische 

Fettnäpfchen, die zu erwarten sind, 

wenn Markterfolg prämiert wird, werden in 

Zeiten eines zunehmenden Pop-Populismus 

sehr schnell sehr viel größer. 

Das Problem, das inzwischen den 

ECHO Jazz und den ECHO Klassik unverdient 

in Mitleidenschaft gezogen hat, 

besteht in dem schwer korrigierbaren 

Irrtum, dass überall, wo ECHO draufsteht, 

das gleiche ECHO drinnen sei. So wurde 

der komplette ECHO beschädigt, obwohl vor 

allem sein ältester Teil an einem Konstruktionsfehler 

leidet. All den Künstlern, die einen 

ECHO Jazz oder Klassik bekommen sollten, 

wäre ihr Preis zu gönnen gewesen. Auch 

wenn die Jury-Mitglieder aus dem Verein 

der Schallplattenkritiker ein paar mehr Namen 

zu kennen scheinen als die ECHO-Jury. 

Und nun? Abwarten, bis Gras über die 

Sache gewachsen ist, und dann alles 

unter neuem Namen nach dem 

alten Verfahren auferstehen 

lassen? Das wäre der normale 

Weg. Aber vielleicht 

lassen sich ja einige 

der grundlegenden 

Fehler, die dem 

ECHO von Anfang 

an anhafteten, in 

Zukunft vermeiden. 

Immerhin gibt 

es den Preis 

der Deutschen 

Schallplattenkritik. 

Ein Fehlurteil 

bei der Schall- 

plattenkritiker- 

Jury in dem Ausmaß wie 

beim ECHO-Skandal wäre 

vermutlich schon während 

des Bewertungsverfahrens einem 

Juror aufgefallen, hätte zu 

einer internen Debatte geführt und 

wäre korrigiert worden. Allerdings 

wird der PdSK nie den ECHO vergeben. 

Sein Verständnis von Unabhängigkeit ließe 

sich damit kaum in Übereinstimmung bringen. 

Immerhin kann man die Frage in den 

Raum stellen, ob es einen Weg gäbe, Preise 

für Tonträger zu vergeben, die unabhängig 

von kommerziellen Interessen der Musikindustrie 

zustande kämen. Der PdSK hat 

damit reichlich Erfahrungen gesammelt. 

Der Autor ist Mitglied im Preis der Deutschen 

Schallplattenkritik. 


Von Ralf Dombrowski 

Es ist erstaunlich. Thomas 

Quasthoff scheint sich fortwährend 

verteidigen zu müssen. 

Immer wieder betont er, dass 

er den Jazz nicht neu erfinde 

und nur das mache, worauf er 

künstlerisch Lust habe. Genau 

genommen – so deutlich sagt er 

es nicht, aber die Implikaturen 

schwirren durch den Raum – 

könnten ihn eigentlich all jene 

mal kreuzweise, die mit festen 

Vorstellungen zu ihm kämen, wie 

er denn zu klingen habe. Das 

fängt schon bei Plattenfirmen 

an: „Ich hatte angenommen, 

wir würden das neue Album bei 

meiner ehemaligen Plattenfirma, 

der Deutschen Grammophon, 

herausbringen, wie die anderen 

auch. Aber dann sprach man 

dort plötzlich von einer Hörprobe. 

Da dachte ich mir: Ich bin 

seit 1999 exklusiv bei euch unter 

Vertrag. Ihr wisst, wie meine 

Stimme klingt. Und wenn ihr eine 

Hörprobe wollt, geht mal kurz 

auf Youtube, da liegt genug von 

meinen aktuellen Sachen. Dann 

hat die Sony gleich gesagt: ,Wir 

machen das‘ – und alles war 

geregelt.“ 

Keine Kompromisse, erst 

recht nicht, wenn man sich eh 

schon mit körperlichen Beeinträchtigungen 

herumschlagen 

muss. Thomas Quasthoff hat 

eine Stimme, die europaweit 

ihresgleichen sucht. Er hat einen 

scharf sezierenden Verstand 

und ein gutes Gespür dafür, wie 

die Vibrationen um ihn herum 

funktionieren. Und er hat es 

lange schon aufgegeben, sich 

von den Widrigkeiten des Alltags 

treiben zu lassen. Hier und 

jetzt und selbstbestimmt, keine 

Plattenfuzzis, die ihn ärgern, und 

schon gleich gar keine „Journaille“, 

die ihm seinen Lebensweg 

vorzuschreiben versucht: 

„Ich habe nicht mit der Klassik 

aufgehört, weil ich der beste 

Sänger der Welt war, sondern 

weil ich gefühlt hatte, dass ein 

Abschnitt vorbei war. Und das 

wird mit dem Jazz ebenso sein. 

Sie können sicher sein, dass 

ich nicht noch plötzlich ein 

Heesters-Gen entwickle und mit 

80 oder mehr auf der Bühne rumtrödle. 

Tony Bennett kann das, 

der klingt immer noch ganz toll, 

das ist ja nicht jedem gegeben. 

Jeder hat Träume. Aber Thomas Quasthoff 

geht deren Verwirklichung besonders 

offensiv an. Seine aktuelle Passion ist 

Stimme und Big Band. 

Thomas 

Quasthoff 

The Big Easy 

Noch funktioniert die Stimme bei 

mir ganz gut, und ich habe Spaß 

am Singen. Und die Leute kommen 

ja nicht in die Konzerte, weil 

sie mal einen Mann mit sieben 

Fingern sehen wollen, sondern 

weil es ihnen auch Spaß macht. 

Ich versuche, ordentliches 

Entertainment abzuliefern. Ich 

finde das absolut legitim, Spaß 

zu haben.“ 

Dabei erfindet Thomas 

Quasthoff den Jazz tatsächlich 

nicht neu, sondern knüpft an 

Traditionen an, die ihm liegen. Im 

Gespräch fallen Namen wie Billy 

Eckstine, Johnny Hartman, auch 

Frank Sinatra – Künstler, die sich 

gerne auf große Klangkörper in 

ihrem Rücken verlassen haben. 

Oder Namen wie Count Basie, 

Bill Holman, Gil Evans, die ihre 

© Gregor Hohenberg 

Orchester so pointiert in akustische 

Form gebracht haben, dass 

sich die Jazzwelt bis heute an 

sie erinnert. 

Es sind Vorbilder, die 

Thomas Quasthoff als Musiker 

im Kopf hat, Optionen, aber keine 

Normvorgaben. Denn für ihn als 

einstigen Klassiker ist genau 

diese Freiheit in der Arbeit mit 

einer Big Band eine Herausforderung, 

der er sich mit einer 

gewissen Anspannung, aber 

auch Vorfreude stellt: „Da sind 

zunächst einmal die Klangfarben 

bei der Big Band. Es kommt auch 

energetisch mehr rüber, als 

wenn man beispielsweise nur im 

Trio spielt. Es sind unterschiedliche 

Energien, aber gerade das 

finde ich sehr reizvoll. Wenn 

man mit Jörg Achim Keller den 

herausragenden Arrangeur 

für Jazz in Deutschland nicht 

nur in dieser Funktion, sondern 

auch als Dirigent haben kann, 

dann kann man auf seine Kunst 

vertrauen. Im Unterschied zur 

vorhergehenden CD wollte ich 

einen sehr entspannten, relaxten 

Ton haben. Es war Absicht, 

einiges etwas tiefer zu singen 

als üblich. Für mich eine ganz 

spannende Sache. Eigentlich 

kannte ich keines der Arrangements 

vollständig, bevor ich ins 

Studio gegangen bin, und habe 

mich überraschen lassen. Für 

mich als klassischen Musiker ist 

das ungewohntes Arbeiten, wo 

ich schon mal zwei, drei Versionen 

brauche, bis ich mich von 

den Noten löse. Da fehlt mir ein 

wenig die Erfahrung. Aber letztendlich 

hat Jörg Achim Keller 

am Ende sein Placet gegeben, 

fand es cool, und es war gut so. 

Ich würde sogar so weit gehen, 

dass ich die Arrangements 

mindestens so wichtig finde wie 

meine Singerei. Sie sind von 

vorne bis hinten klasse, ob das 

jetzt dieses Gil-Evans-artige oder 

auch anderes ist. Es ist ein Easy 

Listener, so sehe ich das – nicht 

als Jazzrevolution.“ 

Dementsprechend reicht 

auch das Programm von „Body 

& Soul“ über „But Not For Me“ 

bis „Cry Me a River“ und John 

Lennons „Imagine“. Die NDR 

Big Band lässt sich von Keller 

entspannt leiten, das Kernteam 

von Quasthoffs Quartett mit 

Pianist Frank Chastenier, Bassist 

Dieter Ilg und Schlagzeuger 

Wolfgang Haffner sorgt für 

den grundswingenden Anker, 

Till Brönner schaut für zwei 

Stücke im Studio vorbei, um den 

Sound noch etwas zu veredeln. 

Der Sänger selbst genießt es, 

seine tiefe Lage auszuspielen, 

polstert die Stücke mit akustischem 

Samt und verzichtet auf 

Scat-Ausflüge und ausführliche 

Improvisationen, um den 

Gesamteindruck einer in sich 

runden, elegant unterhaltenden 

Musik zu unterstreichen. Nice 

‘n‘ Easy steht über dem Ganzen. 

Passt, läuft und hat seinen Platz 

im Panoptikum der Stimmen, die 

den Jazz gerade umtreiben. 

Aktuelle CD: 

Thomas Quasthoff: Nice ‘n‘ Easy 

(Okeh / Sony Music) 


Brian Eno 

Hypnotisches 

Schweben 

Seine Arbeiten für und mit Größen wie 

David Bowie, den Talking Heads, U2 oder 

Coldplay gehören zum Pop-Kanon und 

ermöglichen Brian Eno, das zu tun, woran 

ihm persönlich gelegen ist: die Umsetzung 

eigener elektronischer wie experimenteller 

Soundideen als Musik und Visual Art. Mit 

der opulenten Box Music for Installations 

stellt der Brite nun eine Sammlung neuer, 

alter und teils unveröffentlichter Stücke 

vor, die weltweit in Museen und Galerien 

aufgeführt wurden. 

Von Olaf Maikopf 

Der gerade 70 gewordene Eno 

hat schon immer interessante 

Ambient-Musik gemacht. Bereits 

während seiner kurzen Zeit 

mit Roxy Music nahm er Konzeptalben 

mit Robert Fripp auf 

und produzierte bald Minimal 

Music auf seinem Label Obscure 

Records. Irgendwann Anfang 

der 80er Jahre führten ihn 

Aufnahmen wie On Land oder 

Apollo dazu, die eigene Musik 

mit selbst kreierten Lichtinstallationen 

zu kombinieren. Eno setzte 

seine bewegten Farbflächen 

in Beziehung zum Klang und 

schuf so neue Umgebungen. 

„Wenn du Musik als eine sich 

bewegende, sich verändernde 

Form und Malerei als eine stille 

Form betrachtest, versuche ich, 

sehr stille Musik und Bilder zu 

machen, die sich bewegen. Ich 

versuche, in beiden Formen den 

Raum zwischen dem traditionellen 

Konzept der Musik und 

dem traditionellen Konzept der 

Malerei zu finden“, erklärt Brian 

Eno seine Idee. Öffentlich ausgestellt 

werden diese Arbeiten 

seit den mittleren 80ern. Eines 

dieser frühen Werke zeigte auf 

verdeckten Monitoren langsam 

wechselnde Farbspiele, die aussahen 

wie Buntglasfenster, dazu 

liefen über Lautsprecher sanfte 

Klangcluster, die bestimmte 

Töne endlos wiederholten, sich 

aber immer leicht veränderten. 

Die neue Eno-Box Music 

for Installations bietet auf sechs 

CDs bzw. neun LPs einen Querschnitt 

seiner Klanglandschaften 

zwischen 1985 bis 2017, von 

einem unharmonischen 20-minütigen 

Drone-Fest für eine 

Galerie in Venedig 1985 bis hin 

zu einem glitzernden 21-minütigen 

Track, der im vergangenen 

Jahr für eine Installation in Kasachstan 

aufgenommen wurde. 

Die Musik ist vordergründig rein 

und minimal, lässt man sich aber 

tiefer darauf ein, hört man unter 

den scheinbar reibungslosen 

Oberflächen eine strukturierte 

Unregelmäßigkeit von sanften, 

dissonanten, sich langsam 

auflösenden Dronesounds 

und stürzenden Klängen. Oder, 

wie bei „77 Million Paintings“, 

eine immersive Mischung aus 

Gamelan-Glockentönen und 

manipuliertem Gesang. 

„Meine Beschäftigung mit 

Video begann bereits in den 

späten 1970er Jahren, durch 

einen glücklichen Zufall, allerdings 

noch ganz spartanisch. 

Ich arbeitete in einem Studio in 

New York mit den Talking Heads 

an ihrem Album More Songs 

About Buildings And Food. Die 

Band Foreigner war im nächsten 

Studio. Einer von ihnen steckte 

seinen Kopf in unser Studio und 

fragte, ob jemand eine Videokamera 

und einen Rekorder 

kaufen wolle. Die waren damals 

ziemlich selten, und da er nicht 

viel verlangte, habe ich es riskiert. 

Zurück in meiner Wohnung 

in Lower Manhattan fing ich an, 

damit zu spielen. Ich hatte kein 

Stativ für die Kamera und stellte 

sie darum auf eine Fensterbank 

in Richtung der Twin Towers. Um 

diese komplett filmen zu können, 

musste ich die Videokamera auf 

die Seite legen. Den Fernseher 

drehte ich anschließend ebenfalls 

auf eine Seite, so konnte 

ich die Bilder richtig herum 

sehen. Das war der Moment der 

Offenbarung. Im Hochformat 

hörte das Fernsehen auf, TV zu 

sein, und wurde zur Malerei, 

zu einer lebendigen Malerei“, 

erinnert sich Eno. 

Die ersten Experimente 

führten dazu, dass Eno Fernseher 

bald auf die Rückseite legte, 

mit dem Bildschirm nach oben, 

und darauf Pappröhrchen platzierte, 

wobei die innere Röhre 

höher als die äußere war. Der 

Fernseher und der Videoplayer 

waren ein-, das Umgebungslicht 

ausgeschaltet, und nun zeigte 

dieses ungewöhnliche Objekt 

farbiges Licht im Raum, langsam 

wechselnde Farbtöne und auffällige 

Farbkollisionen – Licht als 

physische Präsenz. „Die Arbeit 

mit Fernsehlicht war allerdings 

begrenzt. Mit Hilfe von zwei 

deutschen Freunden begann ich 

darum, mit Diaprojektoren und 

einer Software zu arbeiten, die 

die Steuerung der Bilder ermöglicht: 

Überblendungen, Haltezeit, 

Intensität und Folienwechsel.“ 

Nach und nach entwickelte 

Brian Eno über die Jahre seine 

Video- und Lichtinstallationen 

weiter. Heute schweben seine 

mystischen Ambient-Sounds wie 

3D-Objekte im Raum, in dem auf 

vielen Projektionsflächen Farben 

mit hypnotischer Langsamkeit 

ihr Spektrum verändern. Dazu 

läuft seine Thinking Music, 

wie Eno sie mittlerweile nennt, 

und hält, was der Begriff 

verspricht: Sie generiert sich 

selbst mit den Prinzipien der 

Wahrscheinlichkeitsrechnung. 

„Man kann es sich vorstellen 

wie eine Abfolge von Fenstern 

auf dem Computerdesktop, die 

zu irgendeinem Zeitpunkt alle 

übereinanderliegen und in einem 

bestimmten Moment den Blick 

freigeben. Solche Augenblicke 

klingen dann sehr exotisch. Aber 

ich kann sie als Komponist nur 

realisieren, weil Computer mich 

dazu befähigen“, resümiert Eno 

seine heutige Arbeitsmethode. 

Die Box Music for Installations 

versammelt Stücke, die 

qualitativ vergleichbar sind mit 

seinen besten Ambient-Werken 

wie Discreet Music, Music for 

Airports, Apollo, Neroli und 

Lux. Auch wenn der Begriff 

überstrapaziert ist – diese Musik 

ist pure Magie. Zwar wurde sie 

komponiert, um Vergänglichkeit 

akustisch zu demonstrieren. 

Aber wie sich herausstellt, 

enthüllt sie durchaus auch ganz 

andere Identitäten, wenn sie 

wiederholt gehört wird. 

Aktuelle CD-/ LP-Box: 

Brian Eno: Music for Installations 

(Opal Music / Universal) 


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1 

Angelika Niescier 

The Berlin Concert 

(Intakt / Harmonia 

Mundi) 

4 

Bassa 

Ahewáuwen – ein 

Tangomärchen 

(Flowfish) 

2 

Iiro Rantala 

Mozart, Bernstein, 

Lennon 

(ACT / Edel:kultur) 

5 

Brad Mehldau Trio 

Seymour Reads 

the Constitution! 

(Nonesuch / 

Warner) 

3 

Esche 

Der Dichter spricht 

(QFTF / Galileo) 

6 

Papanosh 

feat. Roy Nathanson 

& Marc Ribot 

Home Songs 

(Yellowbird / 

Soulfood) 

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JazzthetIk 07/08-2018 

69

Im April lockte an der Elfenbeinküste zum elften Mal ein riesiges Festival 

Hunderttausende vor die Bühne und Millionen vors Fernsehen: FEMUA, das 

Festival der urbanen Musik in Anoumabo, dem Stadtteil Abidjans, aus dem 

die Musiker der auch in Frankreich populären Band Magic System stammen. 

In ihrer Heimat haben die vier Sänger nicht nur den Bau von Schulen und 

Krankenstationen unterstützt, sondern auch dieses Festival ins Leben 

gerufen, auf dem das Publikum umsonst und draußen die größten Stars und 

interessantesten Newcomer des Kontinents sehen kann. 

Von Martina Zimmermann 

Der Trend in der aktuellen 

afrikanischen Musik ist unübersehbar: 

Die junge Generation 

meistert alle Stile und Genres 

des Kontinents und vermischt 

Mandingo-Klänge mit senegalesischem 

Mbalax, kongolesischer 

Rumba oder ivorischem Coupé 

Décalé. Das Internet und soziale 

Netzwerke spielen dabei eine 

wichtige Rolle. Der Hit des 

Jahres kommt mal aus Kamerun, 

dann aus Uganda oder Kongo, 

aus Nigeria oder der Elfenbeinküste 

– auch wenn er in Europa 

nirgends im Radio gespielt wird. 

Die afrikanische Jugend singt 

und tanzt dazu, und die Stars verdienen 

gut und haben in Afrika 

ein schönes Leben. 

Doch viele junge Menschen 

suchen ihr Glück in Europa. So 

stand das FEMUA in diesem Jahr 

unter dem Motto „Afrikanische 

Jugend und illegale Immigra- 

tion“. Zwei Tage lang fanden 

Debatten mit Jugendlichen und 

Experten statt. „Was tut der 

Staat für die Jugend?“ – das 

war die Schlüsselfrage, die eine 

junge Frau stellvertretend für 

viele stellte. Bei der Diskussion 

verkündeten die meisten jungen 

Teilnehmer, sie wollten Afrika 

allenfalls mit Visum und Papieren 

und im Flugzeug verlassen, gerne 

als Touristen oder Studenten 

oder aus geschäftlichen Gründen. 

Ansonsten wollten sie lieber 

daheim bleiben und dabei helfen, 

Afrika zu entwickeln. Doch 

Asalfo, Bandleader von Magic 

System und Generalkommissar 

des Festivals, ist bewusst, dass 

dies nicht die Mehrheitsmeinung 

ist. Er setzt auf Musik, um die 

Botschaft an alle zu bringen. 

Magic System sei ein Vorbild für 

die Jugend: „Wir sind im armen 

Viertel Anoumabo geboren, aber 

wir haben nie daran gedacht, 

illegal nach Europa zu gehen“, 

betont er. Sein Tipp an die Ju- 

gend: „Wenn du mit deiner Arbeit 

zu Wohlstand kommst, wirst du 

eines Tages auch Frankreich 

sehen.“ Es gehe nicht darum, 

zu sagen „Gehe nicht nach 

Frankreich!“, sondern darum, zu 

sagen: „Gehe nicht auf illegalen 

Wegen!“ 

Der in der Elfenbeinküste 

verbreitetste Stil ist der Zouglou. 

In den 90er Jahren wurde er von 

Studenten populär gemacht, die 

zu modernen Instrumenten ihre 

politischen Forderungen sangen. 

Magic System hat diesen Sound 

in der ganzen Welt tanzbar 

gemacht. Inzwischen sind die 

Botschaften allgemeiner geworden, 

handeln von Lebensfreude 

und Alltagssorgen, dazu kommen 

spektakuläre Tanzeinlagen. Die 

Band Les Leaders löste auf dem 

Festival Begeisterung und Partystimmung 

aus und verband damit 

eine ernste Botschaft: „Investiert 

das Geld im Land, statt Tausende 

für Schlepper auszugeben, und 

ihr werdet es in Afrika schaffen!“ 

„Wir reden darüber oft mit 

unseren Verwandten und unseren 

Fans“, erklärt Sänger Zokora 

von der Band Révolution, einer 

der erfolgreichsten afrikanischen 

Bands des vergangenen Jahres, 

deren Beats und Gesänge 

ebenfalls auf Zouglou basieren. 

Der Song „Détermination“ auf 

ihrem neuen Album Energy 

handelt vom Thema Auswanderung. 

„Uns wurde das Visum fünf 

Mal verweigert“, sagt Zokora. 

Inzwischen sind sie zu Konzerten 

nach Europa gereist und haben 

das vermeintliche Eldorado mit 

eigenen Augen gesehen: „Kaum 

sitzt du in der Pariser Métro, 

haut dich jemand um Geld an“, 

wundert sich Band-Kollege Isso: 

„Ein Weißer bettelt!“ Die Lage 

sei „heißer“ als in Afrika, lacht 

er: „Da gehst du doch lieber 

zurück!“ 

Afropop-Queen Dobet 

Gnahoré ist mit ihrem Vater im 

legendären Künstlerdorf Ki Yi 

Mbock in Abidjan aufgewachsen. 

Sie heiratete einen französischen 

Gitarristen, der drei Jahre lang 

dort lebte, ging mit ihm in den 

90ern nach Frankreich und startete 

eine internationale Karriere. 

Soeben ist ihr neues Album 

Miziki, auf dem auch Elektroklänge 

ertönen, auch in Deutschland 

erschienen. Dobet Gnahoré 

versteht die jungen Auswanderer, 

die ihre Träume verwirklichen 

wollen: „Die Politiker müssen den 

Traum an die Quelle zurückbringen, 

für Afrika in Afrika zu bleiben.“ 

In der Schule müsse neben 

Französisch auch die Geschichte 

Afrikas gelehrt werden, um dem 

Kontinent den Wert beizumessen, 

den der verdiene. 

Auf dem FEMUA Kids 

wird die Botschaft auch unter 

Schulkinder gebracht, die einen 

Tag lang im Mittelpunkt des 

Programms stehen. Als die 

einheimischen Stars auftreten, 

singen Tausende von Kindern 

aus vollem Herzen mit. Völlig 

aus dem Häuschen sind sie, 

als Magic System die Bühne 

betreten. „Wir kommen aus dem 

Ghetto und wollen hoch hinaus“, 

heißt es im Hit „Magic in the 

Air“. „Wenn ihr in der Schule gut 

arbeitet, werden wir nächstes 

Jahr wieder ein Festival für euch 

veranstalten“, verspricht Asalfo 

unter dem Beifall der Kinder. 

Eine der weiteren Attraktionen 

des FEMUA 2018 war 

Soprano, ein in Frankreich geborener 

Rapper mit afrikanischen 

Wurzeln, und Lokua Kanza, 

Pionier der afrikanischen Musik, 

der auf der Bühne seinen 60. Geburtstag 

feierte. Auch Yemi Alade 

aus Nigeria ließ ihren Afropop 

bis in den frühen Morgen bejubeln. 

Hinzu kamen traditionelle 

und tradi-moderne Bands von 

der Elfenbeinküste, ein bunter 

Mix aus aktueller Szene und 

beliebten Altstars. Die panafrikanische 

Seite im Programm sei 

aber noch nicht das Ende vom 

Lied, verspricht Asalfo: „Warum 

sollten morgen nicht deutsche, 

spanische, schweizerische oder 

kanadische Musiker kommen?“ 

Afrika müsse auch für sie zu 

einer Drehscheibe werden. Die 

kulturelle Zusammenarbeit sei 

zu einseitig, die Afrikaner gingen 

immer nach Europa, um dort 

entdeckt zu werden. „Es ist an 

der Zeit, dass alle anderen auch 

nach Afrika kommen.“ 

70 

JazzthetIk 07/08-2018 oben: Soprano und Asalfo warnen in der Magic-Schule vor illegaler Immigration / unten: Sidiki Diabaté

FEMUA 

Zum 

Bleiben 

bewegen 

© FEMUA 

Dobet Gnahoré Jazzthetik 07/08-2018 

71

Angelika Niescier 

The Berlin Concert 

Intakt / Harmonia Mundi 

W W W W W 

Es war eine peinliche Veranstaltung. 

Beim letzten JazzFest Berlin 

bekam Angelika Niescier auf der 

Großen Bühne des Hauses der 

Berliner Festspiele den Albert- 

Mangelsdorff-Preis verliehen, 

doch Laudator Gebhard Ullmann 

sprach mehr über sich selbst als 

über die zu ehrende Musikerin, 

und die Honoratioren diverser 

Institutionen wussten offensichtlich 

gar nicht so genau, „worum 

es eigentlich geht“ (Eugen 

Drewermann). Doch dann kam 

die Preisträgerin selbst auf die 

Bühne, sagte kein einziges Wort 

und blies mit ihrem Trio alles weg 

(was ihr zu Beginn ihrer Karriere 

mit dem Quartett Sublim auch 

schon gelungen war) – jetzt 

nachzuhören auf diesem Tonträger. 

Schlagzeuger Tyshawn 

Sorey läuft an Niesciers Seite 

zu absoluter Höchstform auf, 

und Bassist Christopher Tordini 

ist deutlich mehr als ein solider 

Begleiter. Vier furiose Stücke aus 

der Feder der Bandleaderin sind 

auf dem Berlin Concert zu hören, 

und dass Angelika Niescier ihren 

Coltrane verinnerlicht hat, ist 

immer noch deutlich zu vernehmen, 

aber sie formt aus diesem 

Ursprung längst und seit Jahren 

ihre ganz eigene und sehr individuelle 

Musik. Die Saxofonistin 

Tonspuren 

macht mit diesen vierzig Minuten 

deutlich, dass eigentlich die Musik 

im Mittelpunkt stehen sollte, 

ganz unabhängig von Preisen, 

Stipendien und sonstigen Image- 

Förderungen. Das ist absolut 

zeitloser Jazz, der doch genau 

so nur heute gespielt werden 

kann – von ihrer Sorte gibt es 

leider auch in Deutschland viel 

zu wenige Musikerinnen: Selbstbewusstsein, 

Power und die 

Beherrschung der stilistischen 

Mittel machen Angelika Niescier 

zu einem präzedenzlosen Unikat. 

Rolf Thomas 

– – – – – – – – – – – – – – – – – – – 

Iiro Rantala 

Mozart, Bernstein, Lennon 

ACT / Edel:kultur 

W W W W W 

Unter den Jazz-Pianisten ist 

Iiro Rantala wahrscheinlich am 

nächsten an der Klassik dran. 

Schon immer war sein Spiel 

von den großen Komponisten 

geprägt, von Bach, Beethoven 

und Brahms, die seiner Meinung 

nach die ersten richtigen Jazzer 

waren und die der charmante 

Finne immer wieder auf seine 

ganz eigene Art und Weise 

interpretiert. Als er daher im 

vergangenen Jahr auf der 

jazzahead! das Angebot erhielt, 

als prominenter Vertreter des 

Partnerlandes Finnland die Gala 

mitzugestalten und dabei mit der 

Kammerphilharmonie Bremen 

spielen zu können, fackelte er 

nicht lange und setzte Mozarts 

C-Dur-Klavierkonzert ins Zentrum 

des Abends. Nun ist eine 

Live-Aufnahme erschienen, die 

einmal mehr beweist, wie überragend 

Rantala als Brückenbauer 

zwischen Jazz und Klassik 

ist und wie mühelos er beiden 

Welten gerecht wird. 

Dem Mozartschen Opus, dessen 

Klavierpassagen Rantala mit 

beeindruckender Klarheit und 

Leichtigkeit intoniert und dem er 

mit einer eigenen Improvisation 

in der Kadenz zugleich ein Stück 

weit seinen eigenen Stempel 

aufdrückt, hat Rantala noch 

Leonard Bernsteins Candide- 

Ouvertüre an die Seite gestellt 

und es ansonsten mit eigenen 

Kompositionen umschlossen. 

Dem expressiven Opener „Pekka 

Pohjola“ und dem pfiffigen, vom 

Autor Jonathan Franzen inspirierten 

„Freedom“ stehen dabei 

ein Medley aus dem intensiven 

„Karma“ und dem tänzerischen 

„Anyone with a Heart“ sowie 

das herrlich melancholische 

„Tears for Esbjörn“ gegenüber. 

Mit einer virtuosen Interpretation 

von John Lennons „Imagine“ 

schließt letztlich ein fantastisches 

Album, das Klassik- und 

Jazz-Liebhabern gleichermaßen 

zu empfehlen ist. 

Thomas Kölsch 


Hans Lüdemann TransEurope- 

Express 

Polyjazz 

BMC / Note 1 

W W W W W 

Auch das ist Europa: eine 

deutsch-französische Formation 

mit einem Schlagzeuger aus 

Bosnien-Herzegowina (Dejan 

Terzic) und einem Gitarristen aus 

Finnland (Kalle Kalima) spielt bei 

einem ungarischen Tonträgerlabel 

ein Album ein, das auch in 

anderer Hinsicht erstaunlich ausfällt. 

Zum Beispiel in klanglicher. 

Das Eröffnungsstück „Schwarz in 

Weiß“ ist ein Musterbeispiel an 

Transparenz und Eigenart: in ein 

wunderbar angeschrägtes mikrointervallisches 

Ostinato-Gerüst 

von Bandleader Hans Lüdemanns 

„virtual piano“ ziehen Bass, 

Geige und Posaune gemeinsam 

ein federleichtes, vertikal fein 

strukturiertes Gebilde hinein, das 

selbstverständlich davon ausgeht, 

dass auch die Vierteltöne 

hier ihren Platz haben. 

Aber Mikrointervallik ist kein 

durchgängiges Stilmerkmal, nicht 

einmal in den vier Stücken, die 

Lüdemann zum Repertoire des 

Albums beigesteuert hat. Jede 

Komposition ist ein sorgsam 

durchgearbeitetes Ineinander 

von improvisierten und ausformulierten 

Bestandteilen, ein fragiles 

Gebilde aus Klangmaterialien, 

die man so nur selten zusammen 

zu hören bekommt. Und das 

Ganze spielt sich auf einem Grat 

ab, der sich zwischen Bigband- 

Massierung und elaborierter 

Kleinformation luftig dahinstreckt 

und zu einer ständig neu ausbalancierenden 

Spielhaltung nötigt. 

Wenn mal eine Losgeh-Passage 

mit einem durchgehenden Tempo 

entsteht, dann wird sie bestimmt 

bald konfrontiert von einem hochinteressanten 

Klanggebilde – 

einem Unisono von Posaune und 

Violine etwa – und ausgebremst 

und in etwas Neues überführt. 

Überhaupt erscheint an diesem 

Album-Konzept vieles neu und 

zugleich sicher inszeniert und 

artikuliert – angelehnt an Dinge, 

die man hier und da schon gehört 

hat, und zugleich neu, frisch und 

zuweilen geradezu aufregend 

fremd. Ein emphatischer Europa- 

Gedanke, der musikalische 

Gestalt angenommen hat? 

Hans-Jürgen Linke 


Arild Andersen 

In-House Science 

ECM / Universal 

W W W W 

Musik ist immer auch eine Frage 

des Raums. Und nur wenige können 

diesen so geschickt konstruieren 

wie Arild Andersen (b), Paolo 

Vinaccia (dr) und Tommy Smith 

(sax). Jetzt haben die drei Klang- 

Architekten mit dem Live-Album 

In-House Science einen erneuten 

Beweis dafür erbracht, dass sie 

ein hervorragendes Gespür für 

Luft und Energie haben, für Beziehungen 

und Wechselwirkungen, 

für das Zusammenspiel von 

Fundament und Dach. Mal halten 

sich Saxofon und Schlagzeug 

nahezu vollständig zurück, um 

dem virtuosen Bass Andersens 

nicht im Weg zu stehen, während 

dieser die Leere zum Klingen 

bringt; dann wieder füllt das 

Trio jeden Winkel, schichtet 

in rasantem Tempo Sounds 

übereinander und lässt beinahe 

vergessen, dass hier keine große 

Band am Werke ist. Vor allem „In- 

House“ selbst erweist sich als 

unglaublich dichtes Werk, in dem 

Tommy Smith eine Melodielinie 

nach der nächsten in den Saal 

schmettert – und dennoch gehen 

weder Andersen noch Vinaccia 

unter, sondern erobern sich ihre 

eigenen Freiräume und eröffnen 

den Zuhörern gerade dadurch 

völlig neue Perspektiven. Auch 

für Andersen, der in einer anderen 

Besetzung, aber identischer 

Instrumentenkonstellation bereits 

Anfang der 70er Jahre ähnliche 

Wege beschritt, lange also bevor 

er mit Stars wie Kenny Wheeler, 

John Abercrombie und Nils 

Petter Molvær spielte. Zum Glück 

wirkt der Ansatz auch heute noch 

überaus frisch und kommt vor 

allem ohne trockene Wissenschaft 

aus. Nicht aber ohne viel 

Gefühl. Und eben ein Gespür für 

den Raum. 


Tonbruket 

Live Salvation 

ACT / Edel:Kultur 

W W W W o 

Mit einem Live-Album geht das 

schwedische Quartett Tonbruket 

in die fünfte Runde. Dabei 

spielt es kaum eine Rolle, dass 

die Stücke live aufgenommen 

wurden. Auf die Klangqualität 

wird genauso viel Wert gelegt 

wie bei den Studioproduktionen 

der Band um den ehemaligen 

e.s.t.-Bassisten Dan Berglund 

und den Allround-Gitarristen 

Johan Lindström, der hier sehr 

viele Spielanteile hat. Erstaunlicherweise 

ist die CD zugleich 

rockiger und jazziger als zuvor. 

In ihren progigen Bewusstseinsströmen 

wird die Band immer 

mehr zu ihrem eigenen Genre. 

Der sanfte Flow der Stücke ist 

für das Ohr äußerst angenehm. 

Er weckt genauso nostalgische 

Gefühle (die Referenzen reichen 

vom jungen Santana über Grateful 

Dead und Pink Floyd bis zu 

Herbie Hancocks Sextant), wie 

er avantgardistische Bedürfnisse 

befriedigt. Der Groove der Tracks 

ist geradezu hypnotisch, die aus 

der Live-Situation resultierende 

Spielfreude ansteckend. In der 

Neubewertung ihrer eigenen 

Stücke wirft die Band ihren 

letzten Ballast über Bord und gibt 

sich einfach nur noch unvoreingenommen 

dem Rausch und der 

Imagination der Sinne hin. 

Wolf Kampmann 


R + R = Now 

Collagically Speaking 

Blue Note / Universal 

W W W W 

„R + R“ steht für „Reflect“ und 

„Respond“ und ist von Nina 

Simones Zitat inspiriert, dass es 

„die Pflicht eines Künstlers sei, 

die Zeit zu reflektieren“. Und 


Kolumne 

Elina Duni 

Partir 


W W W W 

Ntjam Rosie 

Breaking Cycles 

O-Tone / Edel:Kultur 

W W W W o 

Rebeca Lane 

Obsidiana 

Flowfish / Broken 

Silence 

W W W W 

Yasmine Hamdan 

Jamilat Reprise 

Crammed / Indigo 

W W W 

Beady Belle 

Dedication 

Jazzland / Edel:Kultur 

W W W W 

Leo Sidran 

Cool School 

Bonsai / Warner 

W W W W 

Coeur de Pirate 

En Cas De Tempête, Ce Jardin 

Sera Fermé 

Le Pop / Groove Attack 

W W W 

Lily Dahab 

Bajo Un Mismo Cielo 

Herzog / Edel:Kultur 

W W W o 

Lindi Ortega 

Liberty 

Shadowbox / Membran 

W W W W 

Hailey Tuck 

Junk 

Silvertone / Sony 

W W W o 

Rita Coolidge 

Safe in the Arms of Time 

Blue Elan / Rough Trade 

W W W W 

Shannon Shaw 

Shannon in Nashville 

Nonesuch / Warner 

W W W W o 

Julia Biel 

Julia Biel 

Rokit / Indigo 

W W W W o 

Soul Voices 

In neun traditionellen Liedern, 

u.a. aus Armenien, dem 

Kosovo, Andalusien und ihrer 

Heimat, singt Elina Duni in 

verschiedenen Sprachen von 

tiefen Seelenschmerzen, um 

schließlich mit einem Schweizer 

Volkslied Zuflucht in der Freude 

zu finden. Durch ihre melancholische 

Stimme, abwechselnd 

begleitet von Gitarre, Klavier 

und Rahmentrommel, wird 

diese grenzenlose Reise ins 

Innere einzigartig und universell 

verständlich. 

Breaking Cycles verfügt zwar 

immer noch über die charakteristischen 

Zutaten der Ntjam 

Rosie, doch auf ihrem fünften 

Album ist die Basis ein betörender 

Groove mit Wurzeln im R&B 

einer Erykah Badu oder Kelela. 

In ihren Songs fügt Rosie jazzige 

Beugungen ein und durchdringt 

sie mit heiterer Sensibilität 

und einem warmen lebhaften 

Gesang. Groß! 

Rebeca Lane lehnt sich mit intelligenten 

Texten und einem elektro-akustisch 

angeschobenen 

Latin-HipHop gegen kriminelle 

Zustände und ausbeuterische 

Interessen in ihrem Heimatland 

auf. Auf Obsidiana thematisiert 

die Rapperin, Soziologin und 

Aktivistin nun die Rechte der 

Frauen in einer von Gewalt und 

Machismo beherrschten Gesellschaft 

oder den Völkermord 

der Militärs an der indigenen 

Bevölkerung. Sie beschwört die 

Heilkraft der Musik. 

Nach ihrem erfolgreichen Al 

Jamilat bringt die Beiruterin 

Yasmine Hamdan mit Jamilat 

Reprise ein Album mit Rekonstruktionen 

und Remixen heraus. 

Nun durfte eine buntgemischte 

Electro-Crew aus verschiedenen 

Ländern – wie die Pariser 

Acid Arab, der chilenisch-deutsche 

Matias Aguayo, das deutsche 

Ensemble Brandt Brauer 

Frick, Cubenx aus Mexiko oder 

die Griechin Olga Kouklaki – 

Bearbeitungen beisteuern. Und 

die sind mal mehr, mal weniger 

interessant. 

Beady Belle liebt die Abwechslung, 

möchte sich nicht festlegen. 

Also zeigt sie sich nach 

dem akustischen Album On My 

Own auf Dedication in einem 

mehr elektrischen Umfeld, mit 

Bezügen zu R&B und Soul, zu 

Donny Hathaway und Aretha 

Franklin. Die Norwegerin transportiert 

die Atmosphäre der 

damaligen Musik mit Original- 

Instrumenten dieser Zeit auf 

angenehm unpolierte Art mit viel 

Frische und einer enorm starken 

Stimme. 

Leo Sidrans Cool School ist 

eine Hommage an die Musik 

des wunderbaren Crossover- 

Barden Michael Franks, der 

mit exzellenten Alben sein 

eigenes Genre erfand. Mit 

einigen Gästen, darunter Franks 

persönlich, verjüngt der Sohn 

von Ben Sidran die Klassiker 

„When the Cookie Jar Is Empty“ 

oder „Lotus Blossom“ durch 

schlankere Arrangements, ohne 

deren melodiöse Charakteristik 

zu verbiegen. 

Die junge Kanadierin Béatrice 

Martin nennt sich als Sängerin 

Coeur de Pirate und wird auf 

ihrem vierten Album begleitet 

von einem romantisch chansonhaften 

wie auch lebhaft 

optimistischen Indie-Pop. Sie 

verarbeitet in französischer 

Sprache die privaten Tumulte 

vergangener Jahre, darunter die 

Trennung von ihrem Mann und 

die Erfahrung einer extremen 

Schreibblockade. Charmant, 

aber etwas zu sehr in den 80ern 

verhaftet. 

Die in Berlin lebende Argentinierin 

Lily Dahab singt beeindruckend 

einfühlsam eine Palette 

grenzenloser wie gleichsam 

lebensfroh gestimmter Lieder, 

kontrastreiche Visionen von Latin, 

Jazz und südamerikanischer 

Folklore. Für die fand sie mit 

dem Albumtitel auch die perfekt 

passende Überschrift, bedeutet 

er doch, dass alle Menschen 

in Frieden unter dem gleichen 

Himmel leben können. 

Wer auf Tarantino, From Dusk 

Till Dawn und besonders Ennio 

Morricone steht, der dürfte auch 

Gefallen an Lindi Ortegas dunkel 

getönter Liberty finden. Ortega 

und ihr Team haben keine Angst, 

sich genüsslich im Westernkitsch 

zu bewegen, sei es der 

Lee-Hazlewood-Hall auf ihrem 

Gesang oder das Glockenspiel- 

Thema bei „Afraid of the Dark“. 

Ganz viel Herzschmerz zu staubigem 

Wüstengitarrensound 

und Mariachi-Überschwang. 

Um Junk aufzunehmen, buchte 

die in Texas geborene Hailey 

Tuck den Grammy-Preisträger 

Larry Klein. Bei Songs von 

Leonard Cohen, Pulp und Joni 

Mitchell wird ihre unschuldig 

hoch klingende Stimme von 

einer subtilen Orgel und leichten 

Rhythmen unterstützt. Die zwölf 

Songs haben einen Charakter, 

der gleichzeitig frisch wie auch 

im klassischen Vintage-Sound 

angelegt ist. Aber gerade das 

macht den Reiz aus. 

Ihre Arbeit mit ihrem einstigen 

Ehemann Kris Kristofferson, 

mit Joe Cocker oder Bob Dylan 

machte aus einem indianischen 

Mädchen mit außergewöhnlichem 

Talent eine musikalische 

Naturkraft. Auf ihrem 18. Soloalbum 

beweist Rita Coolidge, 

dass sie nichts von ihrer emotionalen 

Intensität und der damit 

verbundenen Leidenschaft 

verloren hat: Bluesige Melodien, 

rockige Energie und eine 

Klavierballade erinnern an ihr 

klassisches Werk, ohne dabei 

die Zukunft aus den Augen zu 

verlieren. 

Eine tiefe Verbeugung vor Dusty 

Springfields Dusty in Memphis 

vollführt die Sängerin und 

Bassistin Shannon Shaw auf 

ihrem Debüt. Unter der Regie 

von Dan Auerbach nahm sie mit 

Musikern, die schon für Aretha 

Franklin, Elvis und Herbie Mann 

spielten, Songs auf, die genauso 

viel Melancholie und Lust auf 

Leben versprühen wie einst 

Dusty mit ihrer Hymne auf den 

Memphis-Soul. 

Zum Schluss noch eine Stimme, 

die entfernt an Nina Simone und 

Tracey Thorn erinnert, dann aber 

doch speziell und unverwechselbar 

ist. Aus jeder Note der Julia 

Biel lässt sich heraushören, 

dass sie sich nicht verrenken 

muss. Dazu eine Musik, die 

wie selbstverständlich edle 

Popsounds mit Jazzandeutungen 

und schwebenden Folkmomenten 

überzeugend anders vereint 

– ein Gänsehaut-Album! 

Olaf Maikopf 


wenn man darüber nachdenkt, 

was in seiner Zeit vor sich geht, 

und darauf reagiert, muss auf 

„R plus R“ unbedingt ein „Now“ 

folgen. Dieses Wortkonstrukt 

wurde zum Namen von Robert 

Glaspers neuer Band, die er 

nach der erfolgreichen Supergroup 

August Greene nun mit 

Trompeter Christian Scott aTunde 

Adjuah, Multiinstrumentalist 

Terrace Martin, dem langjährigen 

Bassisten des Robert Glasper 

Experiment Derrick Hodge und 

Esperanza Spaldings druckvoll 

spielendem Schlagzeuger Justin 

Tyson gründete. 

Ein ähnlicher Ansatz wie der 

Kendrick Lamars wird auf Collagically 

Speaking verfolgt, bei 

dem nicht weniger als acht Gastsänger, 

darunter Taylor McFerrin 

und Yasiin Bey alias Mos Def das 

Mikrofon übernehmen und den 

Zustand der US-Nation kommentieren. 

Nahtlos treffen Soul und 

Future-Funk, West Coast Jazz, 

instrumentaler Hip-Hop, Musique 

Concrète, Avantgarde und Klassik 

aufeinander, formulieren eine 

weitere leichtfüßige Variante 

des seit ein paar Jahren aus Los 

Angeles und New York kommenden, 

oft harmonischen Neo-Jazz, 

mit dem Leute wie Miles Mosley, 

Thundercat, Kamasi Washington 

und eben Robert Glasper 

weltweit große Erfolge feiern. 

Keine Frage, auch die neuen 

Stücke grooven, treiben mal 

mehr, mal weniger nach vorn, 

wozu Glaspers Pianoläufe gewohnt 

entspannt alles umhüllen, 

Scott wuchtige wie romantische 

Trompetennoten bläst und Martin 

galaktische Synthie-Sounds 

spielt – und natürlich taucht auch 

wieder einmal die bei Glaspers 

Projekten häufig vorkommende 

smoothe Autotune-Stimme auf. 

Das alles addiert ergibt eine 

differenzierte, manchmal etwas 

zu kühle Musik, die sich wie in 

Zeitlupe ausdehnt. 

Olaf Maikopf 


Esche 

Der Dichter spricht 

QFTF / Galileo 

W W W W 

Es muss sie wohl geben, 

diese typische schweizerische 

Leichtigkeit – anzutreffen bei 

vielen eidgenössischen Bands, 

die bei allem geballten querdenkerischen 

Mut zugleich äußerst 

musikantisch auf den Punkt 

kommen. Jüngstes Beispiel ist 

das Trio Esche. Der Albumtitel 

Der Dichter spricht verweist auf 

ein Stück von Robert Schumann 

und damit auch auf den 

klassischen Background von 

Laura und Luzius Schuler (Violine 

und Piano) sowie Bassistin Lisa 

Hoppe. Zu dritt stark sein, sich 

in alle erdenklichen Abenteuer 

stürzen und dabei die Instrumente 

beherrschen, bis die Saiten 

glühen – darum geht es auf diesem 

mittlerweile zweiten Album 

des Trios. Da wird ein reiches 

Kaleidoskop aus Stimmungen 

und Klängen hin- und hergedreht, 

was zuhauf Wechselbäder 

zwischen abstrakter Klangforschung 

und lyrischer Berührung 

freisetzt. Es knarzt im Gebälk, 

wenn Bassistin Lisa Hoppe ihren 

Tieftöner in Schwingung bringt 

und der Musik zuweilen einen 

mächtig nach vorne treibenden 

Puls verleiht. Geigerin Laura 

Schuler switcht extrem versiert 

zwischen klassischer Phrasierung 

und jazzgeigerischem Legato 

hin und her und öffnet weit 

die virtuose Trickkiste in Sachen 

Klänge und Effektreichtum. Nie 

kann man sich zu sicher in Bezug 

auf das Kommende sein – wird 

doch alles im nächsten Moment 

schon wieder durchkreuzt oder 

durcheinandergeschüttelt. Aber 

wo sich andere bei solchen 

Projekten in abstraktem Gefrickel 

verlieren, da erzeugen sehr konkrete 

musikalische Botschaften 

wieder das genaue Gegenteil. 

Mal kommt eine Prise Bluesfeeling 

ins Spiel, mal spielen die 

drei tango-affin zum sinnlichen 

Tanze auf. Und es gibt auch 

eine extrem groovige Ohrwurm- 

Nummer namens „Shatterhand“ 

– übrigens auch im absolut sehenswerten 

Live-Konzertvideo! 

Stefan Pieper 


Ben Webster 

Valentine’s Day 1964 Live 

Dot Time / H’Art 

W W W W 

Er gerät schon langsam in Vergessenheit, 

da ist es gut, dass Dot 

Time Records mit diesem bislang 

unveröffentlichten Live-Mitschnitt 

an den legendären Ben Webster 

erinnert. Der Tenorsaxofonist war 

in Hochform, als am 14. Februar 

1963 (und eben nicht 1964, wie 

der CD-Titel suggeriert) sein Konzert 

im nicht minder legendären 

Jazzclub Half Note mitgeschnitten 

wurde (dort entstand übrigens 

auch eine der besten Aufnahmen, 

die es von Lee Konitz gibt: Live at 

the Half Note). Pianist Dave Frishberg, 

Weltklasse-Bassist Richard 

Davis (jaja, er spielte auch auf 

Van Morrisons Ewigkeits-Album 

Astral Weeks) und Schlagzeuger 

Grady Tate standen ihm 

zur Seite, aber es ist schon die 

Show von Ben Webster – damals 

waren Sidemen noch Sidemen. 

Ellington-Klassiker wie „Caravan“ 

oder „Chelsea Bridge“ erfüllt 

Webster ebenso mit viel heißer 

Luft – wörtlich zu verstehen, 

da Webster auch gerne in sein 

Horn pustete, ohne dass ein Ton 

kam – und Sinnlichkeit wie seinen 

eigenen „Ben’s Blues“ oder 

Thelonious Monks „52nd Street 

Theme“. Unfassbar, wenn man 

hört, wie die Zuschauer während 

eines Bass-Solos ungeniert mit 

PDF in 4c 

der Unterhaltung fortfahren. Dass 

Jazzgeschichte „in the house“ ist, 


75

Tonspuren 

scheint ihnen scheißegal zu sein 

– aber diese Leute dürften längst 

tot sein und wir Lebenden können 

uns an diesem Kleinod erfreuen. 

Rolf Thomas 


Wayne Escoffery 

Vortex 

Sunnyside / Good to Go 

W W W W 

Voller Kraft und Zorn bläst Wayne 

Escoffery in sein Tenorsaxofon, 

um gegen Gefühlskälte und sogar 

Hass in der US-amerikanischen 

Gesellschaft seit Trumps Wahl 

anzuschreien. Als ehemaliger 

Schützling von Jackie McLean 

versammelt Escoffery ein 

Deluxe-Quartett, darunter Bassist 

Ugonna Okegwo und Pianist David 

Kikoski, um einer Sammlung 

von sechs wunderbaren eigenen 

und drei fremden Kompositionen 

Flügel zu verleihen. Die 

außergewöhnliche Sprache und 

Ausdrucksvielfalt des in London 

geborenen New Yorker Saxofonisten 

Wayne Escoffery auf 

seinem Instrument ist gewohnt 

scharfsinnig und spannend und 

zeigt eine Affinität, mit unbändigem 

Erfindungsreichtum und 

sprühender Provokation in der 

Tiefe zu forschen. Diese Art von 

Jazz-Treffen eines Quartetts mit 

ein paar Gästen, um Uptempo- 

Swing, Latin-, Balladen- und 

Midtempo-Bop zu spielen, mag 

im Jahr 2018 manchem Jazzhörer 

antiquiert erscheinen. Aber 

lässt man sich genauer darauf 

ein, erinnert man sich daran, 

warum einen diese Musik und die 

Vitalität von Rollins oder Coltrane 

über die Jahre hinweg immer 

noch bewegen. Dann macht 

auch die Frage, ob Jazz tot ist, 

keinen Sinn mehr. Dieses Album 

wird eindeutig von der tiefen 

Traurigkeit seines Themas durchdrungen, 

ist aber gleichzeitig von 

bemerkenswerter Entschlossenheit 

getragen und mit Nachdruck 

intoniert. Ein musikalisch-politisches 

Statement, von denen es 

in den aktuellen USA nun endlich 

wieder so einige gibt. 

Olaf Maikopf 


Jin Jim 

Weiße Schatten 


W W W W 

Vor vier Jahren gewannen 

Jin Jim den Nachwuchs- 

Wettbewerb der Leverkusener 

Jazztage. Schon beim Studium in 

Arnheim hatte der Kern der Band 

zusammengefunden, bestehend 

aus Johann May (g), Ben Tai 

Trawinski (b) und Nico Stallmann 

(dr). Dazu kam – als Hauptsolist 

und klangliches Sahnehäubchen 

des Quartetts – der virtuose 

Flötist Daniel Manrique-Smith, 

der auf seinem Instrument ziemlich 

locker sämtliche Spielarten 

meistert – jazzige, klassische, 

ethnische oder rockige Töne. Die 

Kombination von Querflöte und E- 

Gitarre, aber auch der Charakter 

der Themen, die Arrangements 

der Stücke, die Anlage der Improvisationen 

und die komplexen 

Grooves und Rhythmen erinnern 

bei Jin Jim über weite Strecken 

mehr an frühe Progrock-Bands 

als an Vorbilder aus dem 

Jazz. Andererseits war der 

Stamm vater der Rockflöte, Ian 

Anderson von Jethro Tull, selbst 

vor allem von Rahsaan Roland 

Kirk inspiriert – bei Jin Jim 

schließen sich also die Kreise. 

Es gibt pointierte Zutaten aus 

indischer oder lateinamerikanischer 

Musik, und in den Balladen 

tönt es überraschend poppig. 

Passend zur Progrock-Affinität 

der Band bietet das Album auch 

eine eigenwillige Neufassung 

von „House of the King“, dem 

Flötenrock-Hit von 1971. 

Hans-Jürgen Schaal 


Nik Bärtsch’s Ronin 

Awase 


W W W W W 

Awase ist ein Begriff aus dem 

Aikido und bedeutet so viel wie 

gemeinsame Bewegung – eine 

passende Metapher für eine 

Band, bei der es keinen Solisten 

gibt. In der Tat haben sich Ronin 

durch den Weggang des zweiten 

Perkussionisten Andi Pupato und 

den Wechsel von Björn Meyer, 

der einen sechssaitigen E-Bass 

gespielt hat, zu Thomy Jordi mit 

einem viersaitigen Modell stark 

verändert und sind eine noch 

dichtere Einheit geworden. „Modul 

36“ kennen wir bereits von 

Bärtschs ECM-Debüt – auf Stoa 

war es der hypnotische Opener, 

der viele Hörer überhaupt erst 

mit Bärtschs Ritual Groove Music 

bekannt gemacht hat –, aber 

hier klingt es fast noch besser. 

Die Energie des Stücks sei nun 

„Voodoo-artiger“, lässt der 

Bandleader verlauten und freut 

sich, dass sein Klavier gerade auf 

„Modul 36“ wieder „mehr als Teil 

der Band agiert und nicht als Solist.“ 

Die verschworene Gemeinschaft, 

die Ronin bildet, zeigt sich 

wohl nirgends so deutlich wie auf 

„Modul 58“, dem mit 18 Minuten 

längsten Stück des Albums: 

Ein Fünfer- und ein Siebener- 

Rhythmus arbeiten scheinbar 

gegeneinander und erzeugen in 

ihrer Einfachheit einen pulsierenden 

Groove, der selbst an Stellen, 

an denen Schlagzeuger Kaspar 

Rast aussetzt, fortzubestehen 

scheint. Bassklarinettist Sha, 

der mit „A“ erstmals ein Stück 

zum Repertoire beigetragen hat, 

verzahnt sich unauflöslich mit 

Klavier und Bass – wer hätte gedacht, 

dass diese Band ihre hohe 

Qualität überhaupt noch steigern 

könnte. Magisch. 

Rolf Thomas 


Dave Douglas Riverside 

The New National Anthem 

Greenleaf / H’Art 

W W W 

The New National Anthem ist das 

zweite Album, das Dave Douglas 

mit seinem Quartett Riverside 

aufgenommen hat. Um drei Originalkompositionen 

von Carla Bley, 

deren Ehemann Steve Swallow 

zur Band gehört, ranken sich 

noch acht Originale der Bandmitglieder, 

außer den Genannten die 

Brüder Chet und Jim Doxas aus 

Kanada an Saxofon und Schlagzeug. 

Obgleich der Bley-Duktus 

den Grundton der Platte vorgibt, 

verliert sich das Quartett zuweilen 

in Beschaulichkeit und Schönspiel. 

Die versunkene Poesie 

des 2014 erschienenen Vorgängeralbums 

in dieser Besetzung 

wird hier ebenso weit verfehlt 

wie der hintergründige Humor 

von Carla Bley. Was bleibt, sind 

sauber gespielte Parts von vier 

großen Virtuosen, die sich beim 

Grasen in der Vergangenheit 

nicht allzu sehr ins Zeug legen. 

Aber vielleicht geht es ja gerade 

um einen bewussten Verzicht 

auf Höhepunkte und Emphase. 

Womöglich ist diese konsequent 

durchgehaltene Nonchalance die 

größte Stärke der CD. 

Wolf Kampmann 


Joe Armon-Jones 

Starting Today 

Brownswood / Rough Trade 

W W W W o 

Als Sohn von Jazzmusikern 

war es beinahe logisch, dass 

Joe Armon-Jones schon früh 

Klavierunterricht erhielt, eines 

seiner ersten Übungsstücke war 

Chick Coreas „Spain“. Mittlerweile 

ist er 25 Jahre jung und gilt 

als einer der innovativsten neuen 


Kolumne 

Jazzmusiker der britischen Insel. 

Starting Now ist sein Debüt auf 

Gilles Petersons Label Brownswood 

und damit der Maxime 

verpflichtet, die Fans mitzureißen. 

Was Armon-Jones und seiner 

Band dann auch in den sechs 

aufgenommenen Nummern 

gelingt. Es geht lost mit dem 

freudvollen Titelstück, bei dem 

Afrikan-Revolution-Bandleader 

Asheber im Stil eines Andy Bey 

singt: „Ab heute werde ich das 

Blut von diesen Straßen wischen. 

Ab heute wird die Liebe in der 

Stadt verbreitet.“ Dazu spielt die 

Band eine inspirierende Mixtur 

aus Afrobeat, Hardbop und Soul, 

die nach neun Minuten in einem 

atmosphärischen Rauschen mündet. 

Packender kann es eigentlich 

nicht werden. Doch gleichgültig, 

ob das von Bobbi Humphrey aus 

ihrer Blue-Note-Phase inspirierte 

„Almost Went Too Far“, 

der „Mollison Dub“ mit seinen 

unheimlichen Echo-Effekten oder 

„London‘s Face“ mit Verneigung 

vor Lonnie Liston Smiths Zeit mit 

The Cosmic Echoes: Armon- 

Jones zeigt sich zwar stets als 

Beherrscher der Historie, dekonstruiert 

diese aber und wandelt sie 

in farbige, energetische und ganz 

eigene Kompositionen abseits 

einschläfernder Trends. Starting 

Today ist ein weiterer Beweis 

dafür, dass die junge Londoner 

Jazzszene immer besser wird. 

Olaf Maikopf 


Schmid’s Huhn 

Golden Spheres 

Shoebill / Broken Silence 

W W W W W 

Das Quartett Schmid’s Huhn 

zeigt, wie weit man kommen 

kann, wenn man sich nicht an 

Gegensätzen abarbeitet und 

aneinander reibt, sondern von 

einem breiten Konsens ausgeht. 

Die beiden Holzbläser Stefan 

Szirmais Fermaten 

Martin Fabricius Trio 

Under the Same Sky 

Berthold / Harmonia Mundi 

W W W W W 

Very Cool People 

Heya Some Kind of Fish! 

Very Cool Music 

W W W W 

Mural 

Shishi‘s Wish 


W W W W o 

Das Geräusch zu Beginn des 

Albums erinnert an einen 

Zauberstab, der im Trickfilm 

geschwungen wird, und – poff! 

– materialisiert sich die gute 

Fee. Tatsächlich haben wir es 

hier mit einem diatonischen 

Glissando zu tun, das für einen 

magischen Hab-Acht-Moment 

sorgt, bevor Fabricius‘ gewohnt 

gläserner Vibraphonklang einen 

Kosmos selbstvergessener 

Mollharmonien erschafft. Klar, 

man kann mit Buddha Bar & Co. 

entschleunigen. Schöner, weil 

schlauer, gerät die Tiefenentspannung 

mit dem Martin Fabricius 

Trio, das sich auf seiner 

dritten Veröffentlichung Under 

the Same Sky der maximalen 

Ruhe, um nicht zu sagen: der 

klanggewordenen Generalpause 

verschrieben hat. Neun 

Stücke lang gleitet der Hörer 

auf einer traumtongefüllten 

Luftmatratze über minimalistische 

Schallwellen, umweht von 

süßer Melancholie, dabei stets 

sonnenbeschienen. Düstere 

Ausnahme: „Before the Rain“ 

mit seiner Twinpeaks-artigen 

Atmosphäre. Sakrales Highlight: 

„Spirit Song“, der um eine 

Kathedrale als Bühne fleht 

und doch den Fluss wohligen 

Davondriftens nicht unterbricht. 

Einzig auf „Twilight“ wird’s für 

einige Sekunden laut, ja: grob, 

aufgefangen von einem gestrichenen 

Bass, der dem Ganzen 

etwas Unwirkliches verleiht. 

Ist der sonnige Strandtag nur 

trügerisches Idyll? Wie dem 

auch sei: Fabricius straft Das 

Jazzbuch, wo Berendt und 

Huesmann bemerken, dem 

Vibraphon eigne „ein kalter, metallener 

Klang“, glatte Lügen. 

Am Anfang erschallt ein langgezogenes 

„Yeah!“ – und „yeah“ 

ist auch sonst alles am vierten 

Album des lettischen Oktetts 

Very Cool People, das mit vollem 

Namen Heya Some Kind of Fish! 

We Don’t Know the Name of this 

Fish in English, But in Latvian 

it is Vimbas heißt. Der Opener 

„Camel’s Desert Party“ macht 

mit Schwermetallschlagzeug 

und Tubapupsen, zu denen sich 

eine gefühlt zwanzigköpfige Balkan-Brass-Banda 

gesellt, keine 

Gefangenen. „Squash Express“ 

exponiert ein catchy Im-Ohrbleib-Riff 

über Spaghetti-Western-Anleihen, 

wobei Call-and- 

Response-Spiele und diverse 

Tempo-Wechsel den Hörer zum 

atemlosen Verfolger machen, 

der sich unweigerlich vorlehnt, 

um ja keinen Ton, keinen Trick 

zu verpassen. „Bouncy Balls“ 

erinnert mit seiner gniedelig 

aufsteigenden Tonfolge an die 

Erkennungsmelodie einer klassischen 

Samstagabendshow, 

„Cat’s Don’t Speak“ wartet mit 

dumpfem technoiden Blubbern 

auf, bevor die ganze Bande 

darüber herfällt, als stritten sich 

hungrige Raubtiere um eine viel 

zu kleine Beute. Gerade noch 

scheint das Baritonsaxofon als 

Sieger hervorzugehen, bis auch 

dieses vom alles überlagernden 

Geblubber verschlungen wird. 

Wo „Piper“ den Soundtrack 

eines Blaxploitation-Films 

stellen könnte, wird „Conde De 

Pipientos“ von einer Klezmer- 

Kapelle dominiert, die es wie 

einen Klassiker aus dem reichen 

Fundus der traditionellen Festund 

Feiermusik osteuropäischer 

Juden wirken lässt, obgleich 

es sich um eine Eigenkomposition 

von Band-Leader und 

Gitarrist Elvijs Grafcovs handelt. 

Der Closer „Hugo“ fasst die 

puristenfeindliche Mixtur dieses 

im Grunde unbeschreiblichen 

Albums zusammen, bei dem der 

Witz im Vordergrund steht, denn 

die schäumende Highspeed- 

Retromania dieser sehr coolen 

Letten macht vor allem eins: 

unglaublichen Spaß! 

Für In-between Seasons & 

Places vom Peter Schwebs 

Quintet hatte ich seinerzeit den 

„Jazz-Jazz“ erdacht: Kein Brimborium, 

nur pure Essenz. Seit 

2015 spielt der zwischen Hannover 

und New York pendelnde 

Schwebs im Trio Mural. Das besteht 

neben dem Bassisten aus 

Aki Ishiguro und Rodrigo Recabarren, 

residiert in Brooklyn und 

hat sich, gemäß der Herkunft 

seiner Protagonisten, die Fusion 

von europäischer Klassik, 

japanischer Volksmusik und 

südamerikanischen Rhythmen 

auf die Fahne geschrieben. Den 

Auftakt zum Zweitwerk Shishi’s 

Wish macht die Schwebs- 

Komposition „Giacomo!“, auf 

der es drum&basslastig gleich 

richtig zur Sache geht. Kein 

sanftes Herantasten, kein wie 

auch immer geartetes Intro, 

sondern auf den ersten Ton: 

da. Darüber spinnt Gitarrist 

Ishiguro, filigranem Flüstern 

gleich, seine virtuosen Klangfäden. 

Etwas nervöser klingen 

Chick Coreas „Fingerprints“, 

zärtlich nähert sich „Shishi“, 

das durch seine einsäuselnde 

Niemehrausdemkopfgehmelodie 

besticht, während „Siete 

Diamantes“ wieder wachküsst 

– ein Zustand, den man für 

das mit lateinamerikanischem 

Flavour experimentierende 

„Mari“ auch braucht. Erst „CSD 

Orompello“ ist wieder etwas 

zum darin Versinken, gerät der 

Gitarrensound hier doch zum 

Zeitlupenwabern à la Portishead. 

„Spätsommer“ bittet zum 

intimen Pas de Deux, derweil 

der elektrifizierte Oldschool- 

Psychrock „Geronimo“ den 

(Hau-)Draufgängern mundet, 

bis Gershwins „Someone to 

Watch Over Me“ ganz sanft, 

nachgerade sentimental nach 

Hause begleitet. 

Victoriah Szirmai 


77

Kolumne 

Buddy Guy 

The Blues Is Alive and Well 

Silvertone / Sony 

W W W W o 

Marcia Ball 

Shine Bright 

Alligator / In-Akustik 

W W W o 

Janiva Magness 

Love Is an Army 

Blue Élan Records 

W W W 

Beth Hart 

Front and Center – Live from 

New York 

Provogue / Rough Trade 

W W W 

Joe Bonamassa 

British Blues Explosion Live 


W W W 

The Kris Barras Band 

The Divine and Dirty 


W W W o 

Black Stone Cherry 

Family Tree 

Mascot / Rough Trade 

W W W 

Tinsley Ellis 

Winning Hand 

Alligator / In-Akustik 

W W W o 

Archie Lee Hooker 

Chilling 

Dixiefrog / H’Art 

W W W W 

Fantastic Negrito 

Please Don‘t Be Dead 

Cooking Vinyl / Sony 

W W W 

Delta Wires 

Born in Oakland 

Mud Slide Records / CD-Baby 

W W W o 

Soul Return 

S.R. 

Dixiefrog / H’Art 

W W W o 

Dave Alvin & Jimmie Dale 

Gilmore 

Downey to Lubbock 

Yep Roc / H’Art 

W W W W 

Der Albumtitel The Blues Is Alive 

and Well passt. Denn Buddy 

Guy macht mit fast 82 noch 

einen fitten Eindruck. Dabei gehört 

der Sänger/Gitarrist zu den 

letzten lebenden Größen des 

Chicago Blues der Nachkriegs- 

Ära. Das wissen auch Mick 

Jagger und Keith Richards zu 

schätzen. Schließlich hatten 

sich die Rolling Stones schon 

in jungen Jahren von Muddy 

Waters & Co inspirieren lassen. 

So sind die beiden alten Herren 

samt Rock-Legende Jeff Beck 

und Newcomer James Bay 

nun Guys Album-Gäste. Die 

14 Blues-Songs sind modern 

arrangiert. Herausragend: „Old 

Fashioned“ im mittleren Tempo 

mit schneidender Gitarre und 

satten Bläsern. Dazu singt, ja 

schreit Buddy seinen Blues. 

Auf dem Albumcover posiert er 

mit seiner Fender-Stratocaster 

vor dem Straßenschild von 

Lettsworth, seinem Geburtsort 

in Louisiana. 

Bei „Take a Little Louisiana“ 

gerät die Sängerin und 

Pianistin Marcia Ball aus dem 

Häuschen. Dieses Stück mit 

Zydeco-Einfluss lässt ihr Album 

Shine Bright ausklingen. Die 

69-Jährige hat die meisten 

Songs selbst komponiert. Dabei 

lässt sie die Tradition des New- 

Orleans-Pianos aufleben. 

Auch Janiva Magness ist eine 

gestandene Blues-Lady. Für 

ihren Mix aus Blues, Balladen 

und Souligem auf Love Is an 

Army gewann die gebürtige 

Detroiterin u.a. Charlie 

Musselwhite (hca) und Cedric 

Burnside (g), Enkel des 2005 

verstorbenen Mississippi- 

Blues-Manns R. L. Burnside. 

Der Blues macht sich auf dem 

aktuellen Album von Beth 

Hart eher rar, auch wenn der 

Slide-Gitarrist Sonny Landreth 

als Gast vorbeischaut. Die 

Produzenten haben alles im 

Iridium Jazz-Club am Broadway 

in Manhattan mitschneiden lassen. 

Wer die Tracks – vor allem 

Rock, Balladen und Jazziges 

– nicht nur hören, sondern das 

Konzert auch sehen will, greift 

zur DVD. 

Joe Bonamassa, häufig Beth 

Harts musikalischer Partner, 

hat mit British Blues Explosion 

Live wieder einen Verkaufsschlager. 

Die Aufnahmen des 

Amerikaners und seiner Band 

stammen von einer 2016er 

UK-Tournee. Im Mittelpunkt: 

ein Rückblick auf das englische 

Blues-Revival der 60er Jahre. 

Originell: ein Medley von Jimmy 

Pages „Tea for One“ und „I 

Can’t Quit You Baby“, eigentlich 

ein Song von Willie Dixon. 

In Bonamassas Fußstapfen 

treten möchte der britische 

Gitarrist Kris Barras. Auf The 

Divine and Dirty spielen der 

Blues Time 

Bluesrocker und seine Combo 

elf Tracks, die teilweise viel 

Blues-Feeling haben. 

Etwa die gleiche Richtung 

schlägt Black Stone Cherry 

ein. Das Quartett aus Kentucky 

spielt seit fast zwei 

Jahrzehnten in der Southern- 

Rock-Szene eine Rolle. Die 

neue Platte gewinnt durch 

einen Gastauftritt von Warren 

Haynes, ehemals The Allman 

Brothers Band. 

Nach dreijähriger Pause 

meldet sich Tinsley Ellis mit 

viel klirrender Gitarre zurück. 

Winning Hand – das ist guter, 

handgemachter Blues und 

Bluesrock in Quartett-Besetzung. 

Wie sein verstorbener Onkel 

John Lee stammt Archie Lee 

Hooker aus Mississippi. Auf 

Chilling, aufgenommen mit seiner 

Coast to Coast Blues Band, 

erzählt Archie Lee die Story 

seines berühmten Verwandten. 

Der hatte nach dem Zweiten 

Weltkrieg den Detroit Blues 

mitgeprägt, kam aber erst viel 

später zusammen mit Rock- 

Stars beim Pop-Publikum gut 

an. Archie Lee und Co spielen 

auf dem Album 17 Blues-Songs 

alter Schule. Und die heben 

sich wohltuend vom heute verbreiteten 

Bluesrock-Einerlei ab. 

Fantastic Negrito alias Xavier 

Dphrepaulezz von der US- 

Westküste nennt sein Album 

Please Don’t Be Dead. Auf dem 

Cover liegt er im Krankenbett. 

Bei einem schweren Autounfall 

1999 kam der Musiker fast ums 

Leben. Er war wochenlang 

im Koma. Wie der 50-Jährige 

erzählt, fürchtet er nun um die 

Zukunft seiner Kinder durch 

alltägliche Gewalt in Amerika. 

So drücken die meisten Songs 

der Platte Verzweiflung und 

Trübsinn aus. Musikalisch 

versucht der Sänger/Gitarrist, 

Blues, Soul, Rock und Funk zu 

verschmelzen. 

Mit Born in Oakland haben die 

Delta Wires ihre siebte CD 

gemacht. Die nordkalifornische 

Band um den Harpspieler Ernie 

Pinata wirkt mit viel Gebläse 

wie eine bluesige Antwort auf 

Tower of Power. Sie garantiert 

jede Menge Drive. Was für 

Partys und zum Tanzen. 

In Los Angeles haben Kellie 

Rucker (voc, hca), JJ Holiday 

(e-g) und Michael Barsimanto 

(dr) die Band Soul Return 

gegründet. Das Ergebnis: zwölf 

einfallsreiche, von Blues, 

Soul, Jazz und Rock inspirierte 

Songs. 

Dave Alvin & Jimmie Dale Gilmore 

sind vor allem in der Welt 

der Country- und Folk-Musik zu 

Hause. Aber die Grenzen sind 

fließend. Schon der Titelsong 

„Downey to Lubbock“ ist 

ein Blues. Alvin stammt aus 

Downey bei L.A., Gilmore aus 

Lubbock, Texas. Und so wird 

ein Lied daraus. Die beiden 

Gitarristen und Sänger holen 

noch mehr Blues hervor – wie 

„Buddy Brown’s Blues“ von 

Lightnin‘ Hopkins und „K.C. 

Moan“ von der Memphis Jug 

Band. Zu empfehlen. 

Martin Feldmann 


Karl Schmid und Leonhard Huhn 

tendieren zum leisen, nuancenreichen, 

ungemein beweglichen 

und melodisch raffinierten Spiel. 

Sie agieren schnell, flüssig und 

elegant und dabei immer mit 

Überraschungen im kleinen 

Gepäck. Beide pflegen ein eher 

sanftes und biegsames klangliches 

Erscheinungsbild. Zuweilen 

mischt sich Mikrotonales in die 

melodischen Verläufe, aber nie 

als Special Effect im spektakulären 

Vordergrund, sondern 

einfach so im Lauf der Dinge. 

Stefan Schönegg am Bass und 

Schlagzeuger Fabian Arends 

wissen stets sehr genau, was in 

der Rhythm Section gebraucht 

wird: Alles, was die beiden hören 

lassen, wirkt präzise, behutsam, 

feinsinnig und wohlüberlegt. 

Die Stimmung ist cool, aber wir 

haben es hier weniger mit einer 

Neubelebung von Cool Jazz zu 

tun, sondern vielmehr mit einer 

zeitgemäßen Reformulierung dieser 

schönen alten Haltung: Jazz 

wird hier in puncto Raffinement 

auf gemeinsamer Augenhöhe 

mit der sogenannten E-Musik 

betrieben, aber die spielerische 

Note, eine umfassende 

Leichtigkeit sowie ein abwechslungsreicher 

Groove prägen die 

Musik so, dass jeglicher Eindruck 

von Pathos und Anstrengung 

unterbleibt. 

Unkonventionell ist für Jazz-Verhältnisse 

auch die Vertriebsform 

dieser Musik. Es gibt sie nur zum 

Downloaden. Das physische Produkt 

ist ein Digi-Sleeve, das man 

zu einer schönen Collage von 

Örni Ingi auffalten kann, die auch 

Infos und Fotos enthält sowie 

einen Download-Code. 


Veljo Tormis gehört zu den wichtigsten 

estnischen Komponisten. 

Eines der größten Verdienste 

des Lehrers von Arvo Pärt war 

es, die estnische Vokalmusik 

aufzuschreiben und weiterzuentwickeln. 

Auch seine eigenen 

Werke basieren oft auf traditioneller 

estnischer Volksmusik. 

Zum 85. Geburtstag von Tormis 

2015 initiierte das Tallinner Festival 

Jazzkaar eine improvisierte 

Herangehensweise an dessen 

Werke. Das war der Startpunkt 

des Tormis Quartet, eines 

interessanten Projekts in sehr 

ungewöhnlicher Besetzung. Zwei 

Frauenstimmen, die mit Effekten 

auch zum ganzen Chor aufgepeppt 

werden können oder mit 

Verzerrern und Sweep-Effekten 

selbst zur E-Gitarre mutieren, plus 

zwei E-Gitarren: Damit werden 

die estnischen Volksweisen 

ganz schön gegen den Strich 

gebürstet. Die Sängerinnen Kadri 

Voorrand (vor allem durch die 

Estonian Voices bekannt) und 

Liisi Koikson nehmen den Zuhörer 

zu einem wilden Ritt durch die 

unterschiedlichsten Sounds mit. 

Dagegen sind die beiden 

E-Gitarren, gespielt von Jaak 

Sooäär und Paul Daniel, die 

ebenfalls mit Effekten und 

Verzerrern operieren, geradezu 

brav. Das Quartett hat sich aus 

dem großen vokalen Werk von 

Tormis estnische Hochzeitslieder, 

Spiellieder und Stücke zum 

Katharinentag zur Bearbeitung 

ausgesucht. Da flirren die Akkorde 

der Gitarren wie der Horizont 

an einem heißen Sommertag, die 

ebenfalls engen Voicings bei den 

Frauenstimmen wechseln sich mit 

sehr rudimentärer Harmonik ab. 

Angela Ballhorn 

Es ist zwar bereits das siebte 

Album des Saxofonisten aus 

Detroit, aber sein Debüt auf Blue 

Note. Das mag kein Zufall sein, 

ist McMurray doch schon lange 

mit Blue-Note-Präsident Don 

Was befreundet und war einst 

Mitglied in dessen Band Was 

(Not Was). Auch als Sessionmusiker 

verfügt er über vielfältigste 

Erfahrungen, spielte mit Bob 

Dylan, The Rolling Stones, Herbie 

Hancock oder Bootsy Collins ein 

buntes Spektrum von Jazz über 

Funk bis Rock. Dieses breite 

Können zeigt McMurray auch 

auf Music Is Life, einem der wohl 

funkigsten Blue-Note-Mainstream-Alben 

der letzten Jahre 

mit einem unverwechselbaren, 

kraftvollen Sound. Bestes Beispiel 

dafür ist das lebhafte Titelstück 

mit seinem feinen Groove. 

An Detroits musikalisches Erbe 

als eine der großen Musikhauptstädte 

der Welt erinnert der 

Saxofonist mit „Bop City D“ und 

„Detroit Theme/Detroit 3“. Außer 

neun Eigenkompositionen gibt 

es noch einige Coverversionen, 

darunter die jazzig gespielte 

P-Funk-Nummer „Atomic Dog“ 

von George Clinton und „Que 

Je T‘aime“ des legendären 

französischen Rock‘n‘Roll-Sängers 

Johnny Hallyday, mit dem 

McMurray einige Jahre tourte. 

Auf all diesen Konzertreisen erlangte 

der Detroiter ausgeprägte 

musikalische Fähigkeiten, auf die 

er bei diesem Album zurückgreift. 

Olaf Maikopf 


was im Hauptstrom des Jazz in 

seiner klassischen Besetzung 

möglich ist: Mit „Friends“ von 

den Beach Boys und dem kryptopolitischen 

Titelstück bieten 

Mehldau und seine kongenialen 

Partner Jeff Ballard und Larry 

Grenadier zwei unerhört feine 

Jazz-Walzer, dazu kommt ein 

als Hi-End-Uptempo-Swing 

getarnten Broadway-Song, 

(„Almost Like Being in Love“), 

saftige Hardbop-Kost (Elmo 

Hopes „De-Dah“) und mit „Ten 

Tune“ – einer der drei Eigenkompositionen 

– ein Stück fugenhaft 

streng klassizistische Moderne 

im Jazz-Outfit. Dann ist da noch 

Mehldaus melodisch-groovige 

Version von Paul McCartneys 

„Great Day“, die in ihrer 

Ausführung ein wenig an das 

Keith Jarrett Trio erinnert; doch 

Mehldau kommt ohne den Hang 

zur Selbstverliebtheit des großen 

Stars und dessen Tendenz zur 

Weitschweifigkeit aus. Eingerahmt 

wird alles durch „Spiral“, 

den gelassen-quirligen Opener 

und – als Ausklang – „Beatrice“, 

eine beschleunigte Ballade von 

Sam Rivers. Die CD ist warenästhetisch 

ansprechend verpackt 

in ein Albumcover, das Seymours 

Versuche, den Ausverkauf der 

amerikanischen Verfassung 

zu pointieren, äußerst catchy 

illustriert. Das Album zelebriert 

hochwertigste Jazz-Kost. Wie 

nach einem guten Wein ist man 

nach dem Kosten angefixt und 

legt es zum späteren Naschen 

schon mal aufs Nachttischchen. 

Jan Kobrzinowski 




Tormis Quartet 

Tormisele 

o-tone / Edel:Kultur 

W W W W o 

Dave McMurray 

Music Is Life 


W W W W 

Brad Mehldau Trio 

Seymour Reads the Constitution! 


W W W W W 

Brad Mehldau kehrt nach 

seinem Ausflug in die Welt des 

Großmeisters J. S. Bach wieder 

zurück zum Trio-Jazz und legt ein 

Album vor, das einiges bereithält, 

Ketil Bjørnstad 

A Suite of Poems 


W W W 

Hotelzimmer bieten einem 

Reisenden oftmals den einzigen 

privaten Rückzugsraum und 


Tonspuren 

die Möglichkeit, die vielen 

Eindrücke zu verarbeiten. Der 

norwegische Schriftsteller Lars 

Saabye Christensen schrieb 

über Jahre in der ganz eigenen 

anonymen Stimmung dieser 

Zimmer Gedichte auf Postkarten 

und sendete sie an Ketil Bjørnstad, 

einen Freund aus seiner 

Jugendzeit. So entstand über 

die Jahre eine Sammlung aus 

Gedichten. Bjørnstad vertonte 

dreizehn dieser Gedichte und 

nahm sie zusammen mit der 

Sängerin Anneli Drecker auf. 

Bei diesem Album lohnt es sich, 

neben dem Hören die Lyrics 

mitzulesen, um besser in die 

eigenständige Klangwelt zwischen 

Schönheit, Wärme und 

Melancholie einzutauchen, die 

zweifelsohne von der Lyrik der 

Gedichte maßgeblich vorgegeben 

wird. Jedes Stück für sich 

klingt rund und in sich geschlossen, 

und Anneli Dreckers fragiler 

Gesang schafft zusammen 

mit Bjørnstads klanglicher 

Ausleuchtung der Gedichte auf 

dem Klavier eine sehr intime 

Stimmung. Bei „Astor Crowne, 

New Orleans“ zeigt sich, dass 

die Stimmung auch wechseln 

kann. Durch seinen bluesigen 

Charakter schafft es eine wunderbare 

Abwechslung, die dem 

Album guttut. Das Stück steht in 

der Album-Mitte und markiert 

einen Wendepunkt, da ab hier 

auch die Tonarten der Stücke, 

die in der ersten Hälfte recht 

ähnlich sind, mehr Abwechslung 

bieten. 

Thomas Bugert 


licherweise von Dizzy Gillespie 

während der Konzertpausen 

geknabbert wurden, wer weiß 

das schon. Und jetzt kommen 

Ulf Meyer, Gitarre, und Martin 

Wind, Bass, und brauchen 

nach dem Auftritt oder nach der 

Probe zur oralen Stimulation 

Lakritz und Bier. Nach dem 

Auftritt, nach der Probe, das 

heißt: Die Hochspannung und 

das Adrenalin sind noch nicht 

verschwunden, machen aber 

keinen Stress mehr, stattdessen 

hat sich die Stimmung in eine 

angenehm wache Angeregtheit 

verwandelt. Man spielt nicht 

mehr fürs Publikum, sondern für 

sich selbst und den Mitmusiker: 

eher verbindlich und intim als 

expressiv, hellhörig und ohne 

Druck, aber mit Ausdruck. 

„Blackbird” von Paul McCartney 

ist dabei, Joni Mitchells „Big 

Yellow Taxi“ oder auch „Black 

Night“ von Deep Purple, in einer 

Version ganz ohne Schwermetall. 

Ulf Meyer hat selbst einige 

Kompositionen beigetragen 

(zum Beispiel das titelgebende 

„Licorice and Beer“ sowie die 

zwei tief entspannten Titel „Ach 

wie gut“ und „On My Sofa“), 

und so reihen sich zwölf Stücke 

auf einer Zeitstrecke von weit 

über einer Stunde aneinander 

und bilden eine unaufdringliche, 

feinsinnig gemeinsam 

gestaltete, dabei immer wieder 

überaus virtuos interpretierte 

Suite von Gitarre-Bass-Duos. 

All das ergibt eine wunderbar 

feierabendliche Mischung aus 

feinem Können, großer Musikalität 

und entspanntem Zuhören 

auf hohem Niveau. 



ausschließlich auf Vinyl heraus, 

die man entweder über das 

Jahr verteilt abonnieren oder 

als massive Vinylschatzkiste 

komplett haben kann. Das Label 

richtet sich bewusst an den 

Gourmet, der die gediegenen 

Layouts gern in die Hand nimmt 

und sich in die Fortsetzungs- 

Liner-Notes vertieft und dafür 

die entsprechenden Scheinchen 

flattern lässt. Die sechs Alben 

der dritten Ausgabe sind höchst 

unterschiedlicher Natur. Der in 

Deutschland sträflich übersehene 

Gitarrist Steve Cardenas 

verneigt sich auf Charlie & Paul 

mit Loren Stillman, Thomas 

Morgan und Matt Wilson auf 

sehr warme und persönliche 

Weise vor Charlie Haden und 

Paul Motian. Auf Strata geben 

sich der isländische Bassist 

Skuli Sverrisson und Gitarrist Bill 

Frisell ein Stelldichein, das vor 

neuem Hintergrund an Frisells 

Debüt In Line erinnert. Lionel 

Loueke präsentiert mit Bassist 

Reuben Rogers und Drummer 

Eric Harland das allererste 

Standard-Album seiner Laufbahn. 

Der Chicagoer Saxofonist 

Andy Zimmerman tritt auf Half 

Light gemeinsam mit Dave 

Douglas, Kevin Hays und Matt 

Penman eine kontemplative 

Pilgerreise an. Stärker an neue 

Musik angelehnt sind die Klänge 

des kubanischen Trommlers 

Francisco Mela auf Ancestors, 

mit dabei unter anderem Pianistin 

Kris Davis. Ein Kleinod ist Fair 

Weather von Trompeter Jason 

Palmer, der mit Leo Genovese, 

Joe Martin und Kendrick Scott 

neue Töne in bekannten Idiomen 

anschlägt. 

Wolf Kampmann 


Mit The Reason Why Vol. 3 

beendet der schwedische 

Trompeter Goran Kajfeš eine 

Trilogie, deren ersten Teil er 

2013 mit seinem Suptropic 

Arkestra vorlegte. Alle Alben 

verfolgen die Idee, Musik zu 

interpretieren, die die zehn 

Musiker inspiriert hat. 

Das Spektrum reicht hier 

von Musik der Psychedelic- 

Rock-Band US69 bis zu einer 

Komposition des Äthiopiers 

Hailu Mergia, dessen Song 

„Ibakish Tarekigne“ die Band 

mit einer Leichtigkeit spielt, 

dass die Musik knapp über 

dem Boden zu tanzen scheint. 

Zu dieser Leichtigkeit trägt 

sicherlich auch Per „Ruskträsk“ 

Johansson bei, dessen 

Bariton-Sax-Spiel zeigt, wie 

luftig leicht dieses Instrument 

klingen kann. Ähnlich luftig 

vom Groove ist „Le Monde 

Avait“ von Bernard Fevre, das 

ursprünglich aus dem Bereich 

der elektronischen Tanzmusik 

stammt. Beim Subtropic 

Arkestra entwickelt das Stück 

durch die unterschiedlichen 

Mischungen von Sopransax, 

Gitarre und Flöte einen ganz eigenen 

sphärischen Charakter. 

Weitaus wichtiger als einzelne 

Solisten ist der Gesamtklang 

des Orchesters, bei dem die 

einzelnen Instrumente zu 

einem großen Ganzen verschmelzen. 

So ist auch Jonas 

Kullhammars Saxofon-Solo bei 

der fast schon sakralen Version 

von „You Can Count on Me“ 

mehr eine Klanglandschaft als 

ein klassisches Solo, die von 

einer Band begleitet wird. The 

Reason Why Vol 3 ist mit interessanten 

Arrangements und 

Interpretationen ein Album mit 

Coverstücken im besten Sinne. 

Thomas Bugert 


David Helbock’s Random Control 

Tour d’horizon 


W W W W 

Ulf Meyer / Martin Wind 

Licorice and Beer 

Laika / Rough Trade 

W W W W 

Vor fast zwei Menschenaltern 

gab es einen Bebop-Hit mit 

gesalzenen Erdnüssen, die mög- 

Various Artists 

Newvelle Season Three 

Newvelle Records 

W W W W 

Das französische Label Newvelle 

bringt innerhalb eines Jahres 

sechs exklusive Jazzalben 

Goran Kajfeš Subtropic Arkestra 

The Reason Why Vol. 3 

Headspin / Edel:Kultur 

W W W o 

Trotz unüberhörbarem Spaßeffekt 

huldigt David Helbock mit 

seinen Kollegen immer wieder 

mit großer Genauigkeit seinen 

großen Idolen, mit vollem Ernst, 

stets aber mit Augenzwinkern. 

Nachdem er vor einiger Zeit 


schon den Hut vor Thelonious 

Monk und Hermeto Pascoal 

gezogen hatte, reist der 

Vorarlberger Tastenmann nun 

unter Aufbietung des bekannt 

umfangreichen Random/Control-Instrumentariums 

seiner 

Mitstreiter mit uns durch das 

ganz persönliche „Who is who“ 

seiner (Piano-)Jazzgeschichte. 

Da tragen selbst Gassenhauer 

die Handschrift des etwas 

anderen Standard-Trios: Wenn 

Chick Coreas „Spain“ von 

Beatboxing begleitet und „Take 

Five“ von Alphorn, Tuba und 

Didgeridoo ausgeführt werden, 

so zeugt das nicht nur von 

unbekümmertem Eklektizismus, 

sondern offenbar auch von 

einem spezifisch alpenländischem 

Umgang mit musikalischen 

Vorlagen. Fast rührend 

zu nennen ist die Verbeugung 

des Pianisten vor Keith Jarrett: 

„My Song“ hörte er schon im 

Mutterleib; „Wahrscheinlich 

eine der ersten Kompositionen, 

die ich je gehört habe, denn 

meine Mutter lauschte dieser 

Musik während ihrer gesamten 

Schwangerschaft.“ 



Sebastian Gramss’ States of Play 

Out & About 

rent a dog / Al!ve 

W W W W W 

Der Bassist Sebastian Gramss 

gehört zu den produktivsten 

Ideengebern im Jazz. Kaum 

jemand hat noch den Überblick 

über all die Projekte, an denen 

er mehr oder weniger führend 

beteiligt ist, darunter Underkarl, 

Fossile 3, Slowfox, oirTrio, Das 

Mollsche Gesetz, Bassmasse, 

Basz, Double the Double Bass, 

Multibass Orchester 4 und 

Thinking Of. Seit einiger Zeit verfolgt 

Gramss nachdrücklich ein 

„makropolyphones“ Jazzkonzept 

– gemeint ist, dass mehrere 

Ensembles in simultanen oder 

„morphenden“ Klangprozessen 

vermischt werden. Out & About 

vereinigt in drei Trios neun 

Musiker: die Bläser Valentin 

Garvie, Rudi Mahall und Pierre 

Borel, den Gitarristen Tobias 

Hoffmann, den Pianisten Philip 

Zoubek, die Bassisten Christian 

Ramond und Sebastian Gramss 

und die Schlagzeuger Dominik 

Mahnig und Etienne Nillesen. 

Das Ergebnis – 17 Stücke, 

destilliert aus drei Konzerten – 

folgt einer Art von Zap-Ästhetik 

mit weichen Crossfades. Stücke 

gehen ineinander über, Bands 

spielen nebeneinander her, 

Abläufe verharren in Tonbildern, 

und Gitarrensurf-Twang trifft auf 

Freejazz-Orchester. Eine surreale 

Jazz-Vision, in der aber Platz 

bleibt für schöne Kompositionen 

und inspirierte Solisten. Gramss’ 

großes Idol Charles Mingus, der 

selbst auch mit Simultanmelodien 

experimentierte, ist immer 

präsent. 



Stefan Grasse 

Entre cielo y tierra 

Xolo / Galileo 

W W W o 

Der gebürtige Münchner hat 

gleichermaßen klassische 

Gitarre als auch Jazz bei 

Peter O’Mara studiert. Seine 

neueste Aufnahme zeigt ihn im 

Ensemble mit seinem Quartett, 

gemeinsam mit der exzellenten 

Akkordeonistin und Klarinettistin 

Bettina Ostermeier, 

Bassist Christian Diener sowie 

Drummer und Vibraphonist Radek 

Szarek. Mit gut gelauntem 

Latino-Jazz umschmeichelt der 

Opener „Naxos Island Bar“ den 

Zuhörer. Das erinnert zunächst 

an die akustischen Ausflüge 

von Kenny Burrell. Filigran und 

virtuos brilliert der Gitarrist 

durch das beschwingte „Boats 

of Hope“, dessen ernster Mittelteil 

Grasses musikalischen 

Kommentar auf die weltweite 

Flüchtlingsthematik darstellt. 

Welche kompositorischen 

Qualitäten wirklich in Grasse 

stecken, wird jedoch erst in 

„Tango para un lobo“ deutlich. 

Fernab von gefälligen Bossa- 

Nova-Rhythmen zeigt der Musiker 

hier seine Meisterschaft 

auf der klassischen Gitarre, 

erzählt Geschichten ohne Worte 

und lässt Klischees hinter 

sich. In den besten Stücken des 

Albums gelingt der Formation 

der Spagat aus spanischem 

Temperament und spielerischer 

Klangpoesie. Besonders das 

Titelstück legt hiervon Zeugnis 

ab. Aber auch Stücke wie 

„Savitha“ mit orientalischen 

Anklängen bestechen durch 

originelle Instrumentierungen 

und Arrangements. Grasse 

weiß immer dann am meisten 

zu überzeugen, wenn er 

ausgetretene Jazz-Pfade hinter 

sich lässt. 

Andreas Schneider 

– – – – – – – – – – – – – – – – – – –

Kolumne 

Arctic Monkeys 

Tranquility Base 

Hotel & Casino 

Domino / Good to Go 

W W W W o 

Giant Sand 

Returns to Valley 

of Rain 

Fire / Cargo 

W W W W 

Kreisky 

Blitz 

Wohnzimmer / 

Rough Trade 

W W W o 

Milliarden 

Berlin 

Vertigo / Universal 

W W W o 

David Eugene Edwards & 

Alexander Hacke 

Risha 

Glitterhouse / Indigo 

W W W W 

John Parish 

Bird Dog Dante 

Thrill Jockey / Rough Trade 

W W W W 

E 

Negative Work 

Thrill Jockey / Rough Trade 

W W W o 

Willie Nelson 

Last Man Standing 

(Legacy / Sony) 

W W W W 

Body & Soil 

Wer hat nicht gern Überraschungen? 

Das neue Album 

der Arctic Monkeys ist eine 

faustdicke Überraschung. 

Fünf Jahre nach ihrem letzten 

Studioalbum hat das Quartett 

aus dem britischen Sheffield 

alle Rock-Elemente über den 

Haufen geworfen und brilliert 

mit einem Album, das sich zu 

gleichen Teilen aus Soul und 

Jazz zusammensetzt: Sie kommen 

mit ganz wenigen Mitteln 

aus, um ein Höchstmaß an 

effektiver Eingängigkeit zu 

finden. Die Songs leben von 

den fokussierten Zwischentönen 

und dem unverbrauchten 

Space zwischen Polen wie 

David Bowie und Marvin Gaye. 

Zu ihren Anfängen kehren 

Giant Sand zurück. Die 

eigentlich schon aufgelösten 

Wüstenrocker um Howe Gelb 

haben ihr allererstes Album 

von 1985 noch einmal eingespielt 

und versehen es jetzt 

mit der vollen Wucht ihrer 

Lebenserfahrung. Das ist groß 

und druckvoll, und trotzdem 

erliegen sie nicht der Versuchung, 

es besser zu machen 

als damals. Sie machen es 

einfach nochmal, nicht mehr 

und nicht weniger. Der Grund? 

Weil es so viel Spaß macht. 

Da könnten auch noch mehr 

Bands drauf kommen. 

Deutschsprachige Musik 

kommt hier eher selten zum 

Tragen, aber für die aktuelle 

Ausgabe haben wir gleich 

zwei davon. Die Wiener Band 

Kreisky schaut der alternativen 

Spießerseele, sei es nun 

in Wien oder Berlin, tief in die 

Abgründe. Aus der Verlogenheit 

der Gesellschaft macht 

sie sich auf ihrer neuen Platte 

Blitz ein diebisches Vergnügen. 

Mit einem Sound und 

noch viel mehr einer Attitüde, 

die an die britische Postpunk- 

Band The Fall erinnern, 

beweisen sie, dass deutsche 

Texte sich nicht grundsätzlich 

zwischen Aussage und literarischem 

Anspruch entscheiden 

müssen. Bei Kreisky geht 

beides. Die Berliner Band Milliarden 

benennt ihre zweite 

CD nach ihrer Heimatstadt. 

Ging es auf ihrem knackigem 

Debütalbum Betrüger um 

griffige Parolen, hat sich die 

Band auf der neuen Scheibe 

nach eigenem Bekunden die 

Architektur des Menschen auf 

die Fahnen geschrieben. Die 

Punk-Balladen des Duos sind 

etwas weicher geworden, dafür 

bringen sie das Innenleben 

des ganz normalen Großstadtbewohners 

ebenso präzise 

wie einfühlsam auf den Punkt. 

Wanderprediger David Eugene 

Edwards legt eine Pause 

mit seiner Band Wovenhand 

ein und trifft sich auf Risha mit 

dem Einstürzenden Neubau 

Alexander Hacke. Letzterer 

spielt selbst keinen Ton, sondern 

bringt Edwards’ Sounds 

voll zur Entfaltung. Das Pathos 

der Produktion ist durchaus 

mit Wovenhand zu vergleichen, 

nur gibt es statt der 

aufgewummerten Americana 

eher orientalische Reminiszenzen 

und einen relativ 

starken Elektronik-Einschlag. 

Das Ganze kommt über den 

Hörer wie ein Schwarm Heuschrecken 

oder ein Tsunami. 

Schwer zu entscheiden, ob 

das Album das Ende oder den 

Anfang oder beides, in welcher 

Reihenfolge auch immer, 

verkörpert. 

Der britische Produzent 

Jon Parish ist ein Mann des 

vorsichtigen Aufschlags. Er 

bringt nicht oft eigene Alben 

raus, aber wenn doch, lässt 

er sich stets etwas einfallen. 

Einige Songs seiner neuen 

CD basieren auf Soundtrack- 

Ideen, die er zu Liedern 

umgebaut hat. Um für vokale 

Abwechslung zu sorgen, hat 

er einige seiner sonstigen 

Klientinnen wie PJ Harvey 

oder Aldous Harding zu der 

Produktion eingeladen. Die 

Grundstimmung des Albums 

ist trotzdem sehr instrumental, 

denn gerade in ihrer Vielfalt 

werden die Stimmen auch zu 

Instrumenten. 

Hinter E verbirgt sich nicht 

etwa das Logo eines neuen 

Soloalbums des Bandleaders 

der Eels, sondern eine Band 

der ehemaligen Come-Sängerin 

Thalia Zedek. Wie gewohnt 

handelt es sich um handfesten 

Bluesrock, diesmal 

vielleicht ein bisschen stärker 

in Richtung College-Rock der 

1980er Jahre tendierend. Es 

ist daher ein wenig back to 

the roots für die Sängerin, die 

einst in der Punkband Live 

Skull begann. 

Wurzeln oder nicht, das 

ist für Country-Altmeister 

Willie Nelson schon lange 

keine relevante Frage mehr. 

Mit 85 Jahren hat er allen 

Grund, sein Album Last Man 

Standing zu betiteln. Dabei 

hat sein fröhlicher Zynismus 

nichts von seiner Wirkung 

eingebüßt. Mit einer Stimme, 

die immer noch mit allen 

30-Jährigen mithalten kann, 

und einer ungeheuren Lust am 

Fabulieren zeigt er uns, dass 

er einfach nicht müde wird. 

Last Man Standing klingt weiß 

Gott nicht nach Abschied. 

Schön, dass es so was noch 

gibt. 

Wolf Kampmann 

Chris Beier 

Scarborough Variations 


W W W W o 

In den Siebzigern hat Chris 

Beier mit Künstlern wie Albert 

Mangelsdorff, Aladár Pege und 

Toto Blanke gearbeitet, in den 

Achtzigern war der 1953 in Trier 

geborene Pianist musikalischer 

Direktor am Nürnberger Staatstheater. 

Seit 1987 ist er Leiter der 

Jazzabteilung der Musikhochschule 

Würzburg, wo Michael 

Wollny zu seinen Schülern 

zählte. Anfang des Jahrtausends 

wird bei Beier eine fokale 

Dystonie diagnostiziert, die ihn 

zwingt, sich vom Konzertbetrieb 

zurückzuziehen. Dennoch bleibt 

er als Komponist und Recording 

Artist aktiv: 2008 erscheint mit 

Aeolian Green ein Soloalbum, 

dessen Stücke in Fragmenten 

aufgenommen und anschließend 

montiert wurden. Auch die zwölf 

Nummern des nun vorliegenden 

Nachfolgers Scarborough 

Variations, ebenfalls in der ACT- 

Serie Piano Works veröffentlicht, 

hat Beier in dieser Technik 

geschrieben und eingespielt. 

Was diese Musik auszeichnet, 

ist der lyrische Atem, mit 

dem Klassisches und Jazziges 

in dieser subtilen Synthese 

zusammenfließen, Maurice 

Ravel, Paul Hindemith und Alban 

Berg auf McCoy Tyner, Friedrich 

Gulda und Cecil Taylor treffen. 

Auch George Russells Konzept 

des Modal Jazz findet sich hier 

sublimiert. Zu den Höhepunkten 

dieses poetisch-balladesk 

gestimmten Albums zählen die 

luziden Akkordbrechungen von 

„Scarborough Variations“ und 

das kantable „December Sun“, 

auch Titel wie „Waldgate“ und 

„Cloud“ sind entlang von Songstruktur 

und -format organisiert. 

Dabei Komplexes, Überraschendes 

und Unwahrscheinliches 

ganz selbstverständlich klingen 


zu lassen, gelingt Beier hier wie 

kaum einem anderen. 

Harry Schmidt 


Marike van Dijk feat. Jeff Taylor 

& Katell Keineg 

The Stereography Project 

HERT / Membran 

W W W W o 

Ein neues Album der Altsaxofonistin 

und Bandleaderin Marike 

van Dijk, dessen heimliche Stars 

über den Zusatz „feat.“ ins Licht 

gerückt werden. Die beiden Singer/Songwriter 

Jeff Taylor und 

Katell Keineg haben praktisch 

zwei Alben mit eigenen Stücken 

in zwei Etappen aufgenommen, 

zu denen Marike van Dijk zwei 

verschiedene Ensembles mit 

Jazz-Bläsern und Streichern 

zusammenstellte. Der Anfangssong 

„Bastard“ könnte mit 

Jeff Taylors brüchiger Stimme 

und der verschleppten, etwas 

schludrigen Bandbegleitung 

auch von Tom Waits sein. Ganz 

im Gegensatz dazu wird der 

zweite Song „Organelle“ von 

zarten Geigen und Blechbläsern 

umrahmt. Musikalisch großes 

Kopfkino mit Kurt-Weill-Charakter, 

vorgetragen von einem 

schmerzhaft verzweifelten Vokalisten. 

Das fröhliche swingende 

„It Swell“ wiederum hat Anklänge 

an die Edelschlager von Burt 

Bacharach, abgesehen von ein 

paar schrägen Dissonanzen, die 

das Stück ironisieren und ihm 

die Süßlichkeit nehmen. Taylor 

klingt hier wie ausgewechselt. 

Mit dieser Stimme präsentiert er 

amerikanisches Entertainment 

der alten Schule. Überraschend 

organisch geht es dann im 

sechsten Stück „At the Mermaid 

Parade“ mit Katell Keineg 

weiter. Ihr Gesang erinnert ein 

bisschen an die Girl Groups 

der 60er Jahre. Das surreale „I 

Feel in Love With the World“ 

schließlich rundet ein Album 

ab, in dem exzentrischer Pop, 

cineastische Stimmungsbilder, 

geschickt dosierte Orchester- 

Arrangements und Bigband- 

Jazz eine gelungene Synthese 

eingehen. Ein Album, das in 

keine Schublade passt. 



Papanosh feat. Roy Nathanson 

& Marc Ribot 

Home Songs 

Yellowbird / Soulfood 

W W W W 

Wirklich greifen kann man 

Home Songs nicht: Das neue 

Album des französischen 

Quintetts Papanosh changiert 

irgendwo zwischen einem von 

Tom Waits geprägten Zirkus- 

Jazz, kantigem Bebop und 

dem gepflegtem Chaos, das in 

Brooklyn ebenso zu finden ist 

wie in einem ganz bestimmten 

kleinen gallischen Dorf. Schön, 

aber auch irre. Und vielleicht 

gerade deshalb schön. Aufgenommen 

wurde die Platte in 

New York, bei einem Besuch 

bei Jazz-Passenger-Gründer 

Roy Nathanson, mit dem Papanosh 

schon länger zusammenarbeitet 

und der auch hier 

faszinierende Sprechstücke 

einfließen lässt. Dieser war 

es auch, der kurzerhand noch 

Marc Ribot mit ins Boot holte, 

der etwa in „King of the World“ 

für feine Soli sorgt, sich aber 

nicht aufdrängt und auch auf 

die bei ihm sonst so beliebten 

avantgardistischen Phrasen 

verzichtet. Im Mittelpunkt 

sollen lieber andere stehen. 

Nathanson natürlich, der vor 

allem bei „Monsieur Shadows“ 

einen großartigen Job macht – 

aber eben auch die großartigen 

Franzosen mit ihrem ebenso 

virtuosen wie mutigen Spiel. 

Trompeter Quentin Ghomari 

setzt ebenso beeindruckende 

Akzente wie Saxofonist Raphaël 

Quenehen und Hammond- 

und Wurlitzer-Meister 

Sébastien Palis. Das führt 

mitunter zu überaus wilden 

Ausflügen wie bei „Skatefulk“, 

dann aber auch zu feinen 

Balladen wie dem melancholischen 

„Les Colchiques“. 

Den schönsten Groove und 

auch den ausgeprägtesten 

Liedcharakter hat allerdings 

der brasilianische Folk-Song 

„K‘arallanta“, den Gastsängerin 

Linda Oláh mit weicher Stimme 

intoniert. Erfreulicherweise 

erweist sich diese Mischung 

als überaus stimmig und macht 

Home Songs zu einem Album, 

in das man auf jeden Fall mal 

reinhören sollte. 



Dave Holland 

Uncharted Territories 

Dare2 / H‘Art 

W W W W o 

Mit dabei sind Saxofonist Evan 

Parker, Schlagzeuger Ches 

Smith und Pianist Craig Taborn. 

Aber dieses Quartett tritt in den 

23 Aufnahmen dieser Doppel- 

CD nur fünf Mal in kompletter 

Besetzung auf, meist sind es 

wechselnde Duo- oder Trio- 

Konstellationen. Die Entstehung 

dieser freien Improvisationssessions 

geht weit zurück, bis zu 

Dave Hollands Zusammenarbeit 

mit dem britischen Saxofonisten 

Evan Parker. Als junge, noch

Kolumne 

Charles Mingus 

Mingus Ah Um 

Green Corner / In-Akustik 

W W W W W 

Ella Fitzgerald & 

Louis Armstrong 

Cheek to Cheek 

Verve / Universal 

W W W 

Götz Alsmann 

5 Original Albums 

Boutique / Universal 

W W W 

Cassandra Wilson 



W W W W 

Paco de Lucia 


Mercury / Universal 

W W W W 

Charles Mingus’ Album Mingus 

Ah Um gehört zu den wichtigsten 

Werken des Bassisten, Bandleaders 

und Komponisten. Das Eröffnungsstück 

„Better Git It in Your 

Soul“ startet furios und wechselt 

später überraschend das Tempo 

in einen Break mit Händeklatschen 

zu einem Tenorsax-Solo; 

dann wird der boppige Speed 

wieder aufgenommen. Neben 

den Instrumenten sind Stimmen 

der Musiker zu hören. Mingus 

„vereinte den Intellektualismus 

des Bebop und die poetische 

Eindringlichkeit der Beat Poetry“ 

(so Wolf Kampmann in seiner 

Geschichte des Jazz von 1900 bis 

Übermorgen). Viele seiner Songs 

hatten Texte; seine Musiker 

sollten nicht einmal bei Proben 

vom Blatt spielen, sondern aus 

dem Gedächtnis einen Part 

bringen, den Mingus ihnen 

vorgesungen hatte. Das passte 

vielen Kollegen nicht. Deshalb 

und vor allem wegen der 

impulsiver Art des Bandleaders 

verzeichneten die Ensembles 

des eigenwilligen Künstlers eine 

ungewöhnlich hohe Fluktuation; 

Mingus bezeichnete denn auch 

seine Gruppen nicht als Bands, 

sondern als Workshops. Bei 

der Einspielung von Ah Um in 

New York im Mai 1959 waren die 

Saxofonisten John Handy, Curtis 

Porter und Booker Ervin dabei; 

Jimmy Knepper oder Willie 

Dennis spielten Posaune; dazu 

kamen Horace Parlan (Piano), 

der Meister am Bass und Dannie 

Richmond (Drums). Ah Um gilt 

als Hommage an prägende Jazz- 

Persönlichkeiten; so sind Kompositionen 

Lester Young, Duke 

Ellington, Charlie Parker und Jelly 

Roll Morton gewidmet. Lange 

bevor das Standard wurde, war 

Jazz für Mingus die „Klassische 

Musik der Schwarzen“. Während 

er einerseits in der Tradition 

verwurzelt war, zählt Mingus zu 

den Neuerern des Jazz. In seinen 

Gruppen wurde schon in den 

50er Jahren kollektiv improvisiert; 

es gab unvermutete Rhythmus- 

und Taktwechsel. Ein Novum 

des jetzt vorliegenden Reissues 

von Ah Um sind die Stereo- und 

Monoversionen, die auf zwei 

CDs dargeboten werden. In den 

späten 50er Jahren nahmen die 

großen Labels simultan zwei 

Versionen auf. Mono wurde 

weiterhin angeboten, denn ein 

großer Teil des Publikums besaß 

noch nicht die für die Stereo- 

Version notwendigen Abspielgeräte. 

Neuerdings gibt es Fans, die 

sich für diese überholte Technik 

interessieren. Klangfreaks 

können nun die verschiedenen 

Versionen vergleichen. Erklärungen 

über die verschieden Längen 

bei etlichen Stücke enthält ein 

16-Seiten-Booklet. 

Kein Beiheft gehört zur 4-CD- 

Box Cheek to Cheek von Ella 

Fitzgerald und Louis Armstrong. 

Reissue 

Wonderland 

unbekannte Musiker hatten die 

beiden in John Stevens‘ Spontaneous 

Music Ensemble gespielt. 

Holland nahm diesen Weg des 

Free Jazz dann wieder auf, als 

er die Band von Miles verließ 

und sich Chick Corea, Barry Altschul 

und Anthony Braxton für 

das kurzlebige Circle Ensemble 

anschloss; danach begann er 

eine lange Zusammenarbeit mit 

dem Avantgarde-Saxofonisten 

Sam Rivers – und gab natürlich 

ein meisterhaftes Debüt als 

Leader mit dem Titel Conference 

of the Birds mit Rivers, Braxton 

und Altschul. Um das erneute 

Zusammenspiel mit Parker 

nicht zu einem routinierten 

Treffen werden zu lassen, holte 

Holland eine jüngere Generation 

dazu. Eingespielt bei spontanen, 

ungeprobten Sessions, 

entwickelte sich die Musik 

dieser vier extrem spannend. 

Besonders gefallen die Bassund 

Percussion-Duette sowie 

das gelegentliche Orgelbrummen 

von Taborn. Doch ein ganz 

besonderer Genuss sind die 

Stücke mit dem vollen Quartett, 

entwickeln sich zwischen den 

Beteiligten doch hier eine Reihe 

tiefer, vielschichtiger Kommunikationen. 

Ein Album, mit dem 

der in der Vergangenheit oft 

fruchtbare Austausch zwischen 

der amerikanischen und der 

britischen Free-Jazz-Szene 

eine überzeugende Fortsetzung 

erfährt. 

Olaf Maikopf 


Frank Wingold 

Entangled Music 


W W W W 

„Entangled“ ist ein Begriff 

aus der Quantenphysik und 

bedeutet „verschränkt“. Der 

Terminus der Quantenverschränkung 

bezeichnet das 

Phänomen, dass der Zustand 

eines Systems verschränkter 

Teilchen nicht als Kombination 

einzelner Teilchenzustände, 

sondern nur für die Gesamtheit 

dieses Systems beschrieben 

werden kann. Völlig unakademisch 

hat der Kölner Gitarrist 

Frank Wingold, Professor 

an der Musikhochschule 

Oldenburg, diese Anregung 

als Inspiration für sein neues 

Album aufgefasst. Eingespielt 

mit Robert Landfermann am 

Bass und Jonas Burgwinkel am 

Schlagzeug, die als eingespielte 

Rhythmusgruppe hierzulande 

ihresgleichen suchen, 

lotet Wingold auf den zehn 

Stücken von Entangled Music 

die produktiven Implikationen 

dieses der Unschärferelation 

verwandten Theorems aus. 

Tatsächlich entsteht so ein 

kammermusikalischer Trio-Jazz 

jenseits von Soloroutinen 

und Begleitfunktion. Dennoch 

verliert das Ineinandergleiten 

und -fließen von Skalen, Linien 

und Patterns sich nicht in 

Beliebigkeit, verfügt jede von 

Wingolds Kompositionen doch 

über eine spezifische Disposition: 

Wo der Ausgangspunkt für 

„Adelante“ in lateinamerikanischem 

Jazz und spanischer 

Folklore zu liegen scheint, 

schlägt „Monolith“ fast ähnlich 

post-punkrockige Töne an 

wie Joe Baiza im Anschluss 

an Ornette Colemans Konzept 

der Harmolodics mit Universal 

Congress Of. Ungleich gelöster 

die sich ergänzenden Interaktionen 

in „Bipolar“. Mit einer 

tänzerischen Folge von Single 

Notes hebt der Opener „Urban 

Myth“ an. Augenzwinkernd dagegen 

die Country-Elemente in 

„Cowboy Calumet Abuse“. Echt 

gewitzt: die Boogie-Bluesrock- 

Parodie „Rare Earth“. 

Harry Schmidt 



Deshalb erfahren wir nichts 

über die Aufnahmedaten und 

-orte und die Begleitbands 

bei 75 Titeln – angeblich die 

„Complete Duet Recordings“ 

der beiden Weltstars. Also 

bleibt nur das Vergnügen an den 

musikalischen Zwiegesprächen 

von Ella und Louis. Da sind die 

Hits aus dem Great American 

Song Book, die Lieder aus Porgy 

and Bess; man kennt eigentlich 

alles, und doch macht das Wiederhören 

Freude. Armstrongs 

Trompete, Ellas Stimme, mal von 

einer Bigband begleitet, mal von 

einer Combo. Oft sentimental, 

doch nie kitschig. In seiner 

Autobiografie bekennt Miles 

Davis, dass er „Satchmo“ genauso 

liebe wie Dizzy Gillespie. 

„Aber ich hab´s immer gehasst, 

wie sie fürs Publikum grinsten 

und herumalberten.“ Davis 

erwähnt freilich auch, dass die 

Armstrong-Generation „schon 

‘ne Menge Türen für Leute wie 

mich geöffnet“ hatte. Deshalb 

hatte er es nicht nötig, sich 

im von Weißen beherrschten 

Musikgeschäft als Entertainer 

zu verkaufen. Man kann diese 

Sicht bezweifeln: Der geniale 

Musiker Armstrong war auch 

ein geborener Unterhaltungskünstler 

mit Spaß an der Show. 

Dass der Clown auch politisch 

dachte, bewies er 1957, als er 

sich weigerte, auf eine PR-Tour 

in die Sowjetunion zu reisen – 

aus Protest gegen die Rassenpolitik 

der USA. 

Ein Entertainer ist auch Götz 

Alsmann, der vielen Deutschen 

als TV- und Radio-Moderator 

ein Begriff ist. Wenige wissen, 

dass der 1957 in Münster 

geborene Brillen-, Krawattenund 

Tollenträger über populäre 

Musik promoviert hat und Jazz 

kennt und liebt. So gewann er 

2012 den Echo Jazz in der Kategorie 

„Sänger national“. Alsmann 

spielt zudem Klavier, Orgel 

und Gitarre. Fünf Alben wurden 

nun zu einer Box zusammengestellt 

– jazzaffine, leichte Unterhaltung 

mit Instrumental-Soli. 

Auf der 1997 aufgenommenen 

CD Gestatten, Götz Alsmann ist 

Till Brönner dabei. 

Die entsprechende Cassandra- 

Wilson-Box enthält die 1995 

aufgenommene Platte New 

Moon Daughter, die es an die 

Spitze der US-Jazz-Charts 

schaffte. Wie der Eingangstitel 

„Strange Fruit“ vermitteln auch 

die eindrucksvoll dargebotenen 

Stücke von U2, Hank Williams 

und Neil Young traurigen 

Tiefgang. Cassandra at her 

best! Das Album Traveling Miles 

von 1999, das ebenfalls zur Box 

gehört, ist Wilsons Hommage an 

Miles Davis. 

Die Jazzwelt kennt den 

Gitarristen Paco de Lucia vor 

allem aus dem akustischen 

Trio mit Al Di Meola und John 

McLaughlin. Lucias 5er-Box 

bringt den Virtuosen in seinem 

eigentlichen Metier – dem Flamenco. 

Ein Hörgenuss und eine 

Möglichkeit, den Jazz-Horizont 

zu erweitern. 

Hans Hielscher 

Lee Konitz 

Prisma 

QFTF / Galileo 

W W W W 

Wir kennen die herrliche Gelassenheit 

in Lee Konitz’ Saxofonspiel, 

das auch im 90. Lebensjahr 

des heute in Köln lebenden US- 

Musikers nicht verstummt. Die 

dunkle Geschmeidigkeit in Konitz’ 

Spiel legt ein tiefes Gespür für 

die innere Seele eines jeden Tons 

offen. Eitle Kraftmeierei ist ihm 

hingegen immer ein Fremdwort 

geblieben. Dies alles lebt auch 

in dem einzigen „klassischen“ 

Saxofonkonzert, welches Konitz 

spielte und nun auf einem Album 

vorliegt. Konitz und der deutsche 

Komponist Guenther Buhles liefen 

sich vor 20 Jahren über den 

Weg. Man mochte sich, arbeitete 

zusammen. Heraus kam eine Art 

sinfonisches Doppelkonzert für 

Saxofon und Klavier, das einmal 

mehr alle rigiden Grenzziehungen 

zwischen E- und U-Musik 

kurzweilig obsolet macht. 

Konitz war neugierig auf die 

Sinfonik made in Germany, davon 

zeugt sein betont klassisches 

Spiel allemal. Das Orchester trägt 

im Gegenzug viele amerikanischpathetische 

Klangfarben auf. 

Eine auftrumpfende Rhythmik 

dürfte bei Spielern und Hörern 

viel kollektiven Spaß evoziert 

haben. Zugleich liefert das viersätzige 

Konzert Momente voll purer 

Schönheit. Konitz selbst darf 

nach Herzenslust auf Solopfaden 

wandeln bzw. beschreitet hier 

sehr leichtfüßig einen schmalen 

Grat zwischen Improvisation und 

klassisch geprägter Solokadenz. 

Im zweiten Teil mischt sich der 

Pianist Frank Wunsch äußerst 

spielfreudig ein. 

Die Uraufführung des Werks mit 

dem Brandenburgischen Staatsorchester 

Frankfurt wurde mitgeschnitten 

– eigentlich nur zur 

Dokumentation mit gerade zwei 

Mikros. Aber dieses Bootleghafte 

hat seinen eigenen Reiz, allein, 

dass es die Aura von Wärme 

noch verstärkt, so ähnlich wie 

es auch auf vielen historischen 

Klassik-Aufnahmen der Fall ist. 

Stefan Pieper 


Roberto Negro 

Dadada, Saison 3 

Label Bleu / Broken Silence 

W W W W W 

Wer einen Schritt weiterkommen 

will, versucht es zuweilen im Trio. 

Mit Émile Parisien und Michele 

Rabbia hat der Pianist Roberto 

Negro ein wunderbares vielsprachiges 

Klaviertrio gebildet. Jeder 

der drei Musiker bekommt darin 

viel Raum: Parisien für seine 

intimen und klangverliebten oder 

auch für seine vehementen, 

dramatischen Artikulationen am 

Sopransaxofon, Michele Rabbia 

für seine leisen, manchmal 

gleichwohl enorm treibenden 

Aktionen am Schlagwerk und für 

seine oft sparsamen, immer pointierten 

elektronischen Angebote. 

Und natürlich Roberto Negro 

für seine präzisen vorder- und 

hintergründigen, meist vieldeutigen 

rhythmisch-harmonisch-melodischen 

Aktionen am Klavier. 

Er changiert zwischen impressionistisch 

untermalter zeitgenössischer 

Klassik, rhythmischen 

Attacken, warmen harmonischen 

Fortschreitungen, schafft manchmal 

alle drei widersprüchlichen 

Komponenten zugleich und bleibt 

bei alldem subtil und vieldeutig. 


Kolumne 

Laurie Anderson 

Landfall 


W W W W o 

Joshua Redman 

Still Dreaming 


W W W W 

Seiji Nakamura Quintet + 2 

The Boss 

Three Blind Mice / Sieveking 

Sound 

W W W o 

Miles Davis & John Coltrane 

The Final Tour – Copenhagen, 

March 24, 1960 

Columbia / Sony 

W W W W W 

Jimi Tenor 

Order of Nothingness 

Crammed / Indigo 

W W W W 

Wolfgang Lackerschmid & The 

Brazilian Trio 

Studiokonzert 


W W W W 

„Landfall“ bezeichnet den 

Moment, in dem ein Tornado 

auf Land trifft und sein Zerstörungswerk 

beginnt. Das Opfer 

eines solchen Sturms wurde 

auch Laurie Anderson. Ihr 

Keller mit Instrumenten, Partituren 

und Memorabilia wurde 

geflutet, zurück blieben nur 

Erinnerungen. Diese Situation 

wurde für Anderson jedoch 

eine wesentliche Inspirationsquelle 

für ihre mit typischer 

Distanziertheit vorgetragenen 

Geschichten und eine Musik, 

die sie zusammen mit dem 

Kronos Quartet konzipierte 

und in mühevoller Kleinarbeit 

zusammensetzte. So musste 

sie beispielsweise erst mit Hilfe 

eines befreundeten Komponisten 

lernen, für Streichquartett 

zu schreiben. Der Mix der 

Aufnahmen brauchte mehr als 

ein Jahr, bis das Ergebnis sie 

überzeugte. Der Aufwand hat 

sich gelohnt: Landfall ist eine 

faszinierende Reflexion über 

die Macht der Erinnerung, eine 

Annäherung an die Magie von 

Sprache und Wörtern. Wie die 

Vorstellung von einer Sache 

mächtiger sein kann als das 

real Existente, das erfüllt die 

Texte, die Anderson so aufwändig 

mit den instrumentalen 

Passagen verwoben hat. Dabei 

ist die bedrohliche Präsenz 

des immer näher kommenden 

Sturms permanent fühlbar. 

Um Erinnerung, aber auch 

um Selbstreflexion geht es 

bei Joshua Redmans neuem 

Album. Diesmal an seinen Vater 

Dewey Redman, der früh die 

Familie verlassen hatte und den 

er erst als Erwachsener besser 

kennenlernen durfte. Und 

an Old and New Dreams, die 

Gruppe, mit der dieser in den 

70er und 80er Jahren spielte. 

Besetzt mit den Ex-Colemanites 

Don Cherry, Charlie Haden, Ed 

Blackwell und Dewey Redman 

entwickelte die Band Colemans 

charakteristischen Improvisationsstil 

in weltmusikalischer 

Hinsicht weiter. Still Dreaming 

ist eine emotionale Hommage 

geworden, bei der Joshua Redman 

mit seinen Mitstreitern Ron 

Miles, Scott Colley und Brian 

Blade ein fast telepathisches 

Level beim Zusammenspiel 

erreicht. Im Vergleich gehört, 

wirkt die Musik der alten 

Dreams fast so roh wie frühe 

Blues-Platten. Den Ausklang 

bildet ein verhalltes Sample von 

Colemans „Lonely Woman“. 

Those were the days. 

Der Albumtitel The Boss passt 

eigentlich eher zu respekteinflößenden 

amerikanischen 

Saxofongrößen à la Gene 

Ammons oder Dexter Gordon. 

Aber es ist eine gewollte Assoziation, 

denn der japanische 

Saxofonist Seiji Nakamura galt 

im Japan der siebziger Jahre 

auf seinem Instrument als 

Autorität, und er hatte bereits 

in der Band des in Europa 

ungleich bekannteren Yosuke 

Yamshita gespielt. Auf der jetzt 

im Archivkeller wiedergefundenen 

Aufnahme vom legendären 

74er-Jazzfestival in Tokio bricht 

Nakamura mit seinen Quintett 

zu einer 20-minütigen Post- 

Bop-Tour de Force auf, die 

nicht nur die Veranstalter vom 

engagierten Label Three Blind 

Endlosrillen 

Mice und das jazzverrückte 

japanische Publikum mitriss, 

sondern auch Musiker zum 

spontanen Einsteigen motivierte. 

Allzu weit von den US-Vorbildern 

löste sich die Gruppe 

nicht, aber ihr Enthusiasmus ist 

derart ansteckend, dass auch 

der Neuling an der Gitarre, der 

damals erst 19-jährige Kazumi 

Watanabe, ein tolles Solo 

abliefert. 

Das Faszinierende an der LP, 

welche das Kopenhagener 

Konzert der Europatour des 

Miles Davis Quintet mit John 

Coltrane erstmals in guter 

bis sehr guter Tonqualität 

erhältlich macht, ist die kreative 

Spannung zwischen den 

beiden bejubelten Protagonisten. 

Dabei war Coltrane schon 

mit Giant Steps auf dem Weg 

zu einer neuen Spiritualität. 

In seinen langen Soli experimentiert 

er ohne Rücksicht 

auf Publikumsgeschmack und 

Bandleader mit den neuen Stilmitteln 

und geht dabei so weit, 

dass man quasi ein Vor-Echo 

des interstellaren Klangraums, 

in dem sich Coltrane einige 

Jahre später bewegen würde, 

erahnen kann. Aber auch Davis 

ist in Topform, und so befeuern 

sich die beiden mit Ideen, die 

über die Musik des gerade 

erschienen Kind of Blue- 

Albums deutlich hinausgehen. 

Unterstützt werden diese Trips 

von der superaufmerksamen 

und sich ihrer Bedeutung 

bewussten Rhythmusgruppe 

– drei Vermittler zwischen den 

Temperamenten. Ein Muss, 

nicht nur für Miles- oder 

Coltrane-Fans. 

Zurück in den real existierenden 

Weltraum. Der Finne 

Jimi Tenor liebt es, sich im 

Studio aus seinen favorisierten 

Musikgenres ein eigenes 

musikalisches Universum 

zu erschaffen. Bei Order of 

Nothingness liefert der Finne 

ein nicht ganz homogenes 

Konstrukt mit interstellar vibrierendem 

Afrobeat-Kern ab, um 

den witzige andere Adaptionen 

afroamerikanischen Ursprungs 

kreisen. Realisiert hat er das 

Ganze mit hörbar viel Vintage- 

Instrumentarium und Rhythmuserzeugern 

aus aller Welt. 

Diese machen den besonderen 

Kick von Order of Nothingness 

aus und liefern Tenor die perfekte 

Ausgangsbasis für seine 

Fantasien. Abgehoben. 

Wolfgang Lackerschmid ist der 

vielleicht profilierteste und vielseitigste 

deutsche Vibraphonist 

und auf mittlerweile über 100 

Plattenaufnahmen zu hören. 

Ihn in intimer Club-Atmosphäre 

aus nächster Nähe mit dem 

befreundeten Brazilian Jazz 

Trio hören zu können, ist der 

ambitionierten Studiokonzert- 

Reihe zu verdanken, die sich 

mit ihren sehr direkt klingenden 

Aufnahmen einen guten Ruf 

nicht nur bei HiFi-Enthusiasten 

erworben hat. Auf dem 

Programm steht ein abwechslungsreicher 

Streifzug durch 

diverse brasilianische Idiome, 

wobei auf bekannte Klischees 

dankenswerterweise verzichtet 

wurde. Das Trio um den eloquenten 

Pianisten Hélio Alves 

am Grand Piano erweist sich 

als verschworene Gemeinschaft, 

die mit Lackerschmid 

problemlos zum inspirierten 

Quartett wird. Leicht und luftig. 

Joachim Weis 


Literatur 

Die zwölf Stücke auf dem Album 

sind liedhafte Miniaturen, alle 

komponiert von Negro, aber er 

verfügt dabei über mehr als eine 

Handschrift. Für die kleine Besetzung 

wartet er mit einem enormen 

Ideenreichtum auf, so dass 

die Spielhaltung des Trios vom 

Spirit des Kompositorischen stärker 

geprägt ist als vom Geist der 

Improvisation. Aber man vermisst 

keine Spontaneität, sondern 

kann sich immer wieder erfreuen 

an dem intelligenten Abwechslungs- 

und Ideenreichtum und an 

der Konsequenz, mit der Stücke 

beendet werden, wenn eine Idee 

ausformuliert ist. Nichts wird in 

die Länge gezogen. Aber alles 

hat hier seine Zeit. 



Focusyear Band 

After This 


W W W W 

Focusyear ist das Projekt des 

Gitarristen Wolfgang Muthspiel, 

eine direkte Lernumgebung für 

talentierte Musiker aus aller 

Welt, in der diese sich ausschließlich 

mit dem Klang und 

der Arbeit in einem Ensemble 

beschäftigen können. Inspiriert 

vom World Music Institute in 

Berklee und dem Monk Institute 

in Los Angeles wurde diese Idee 

erstmals im vergangenen Jahr 

auf dem Jazzcampus in Basel 

verwirklicht. Unter Leitung von 

sechzehn Coaches, darunter 

Django Bates, Avishai Cohen, 

Dave Holland, Lionel Loueke 

und Joshua Redman trafen sich 

von einer Fachjury ausgewählte 

Jazzmusiker, um – versehen mit 

einem Stipendium – sich ein ganzes 

Jahr lang ohne finanziellen 

Druck ihrer Musik zu widmen. Es 

wurden verschiedene Liveprogramme 

erarbeitet, die dann 

aufgeführt und auch im Tonstudio 

eingespielt wurden. Eine dieser 

Aufnahmen ist After This. In der 

Focusyear Band spielen sieben 

Instrumentalisten und eine Sängerin, 

plus Wolfgang Muthspiel 

bei einem Stück, facettenreiche 

Eigenkompositionen. So unterschiedlich 

die geographische 

Herkunft der Musiker (Polen, 

Griechenland, Israel, Frankreich, 

Litauen, Russland, England), so 

unterschiedlich ist auch deren 

musikalisches Zuhause in Jazz, 

Pop, Klassik, der freien Improvisation 

und zeitgenössischen 

Musik. All das vereinen sie hier 

zu einem atmosphärischen, 

eigenständigen und feinsinnigen 

Sound voller musikalischer 

Poesie. Der ist mal lyrisch, mal 

prägnant, um Takte später zu 

einem eleganten Klangteppich 

zu werden. Die Kompositionen 

und Arrangements sind beinah 

akribisch durchdacht, stets ausgefeilt, 

zeigen oft überraschende 

Momente und Schrägheiten als 

stilbildendes Element. 

Olaf Maikopf 


Reis / Demuth / Wiltgen 

Once in a Blue Moon 

CAM Jazz / Harmonia Mundi 

W W W W 

Bei der Namensgebung verfahren 

sie klassisch demokratisch. 

Die drei Luxemburger – Pianist 

Michel Reis, Bassist Marc 

Demuth und Schlagzeuger Paul 

Wiltgen – sind auch ansonsten 

angenehme Zeitgenossen. 

Frisch und vital spielt sich das 

Trio durch ein Repertoire von 

dreizehn Songs, die entweder 

von einer gewissen Leichtigkeit 

und Eingängigkeit wie etwa 

Reis’ „22 May 15“ leben oder 

rhythmisch geradezu hypnotisierend 

wirken wie „Push“, das aus 

der Feder des Schlagzeugers 

stammt. Und dann konnten die 

Drei nicht widerstehen, mit Joni 

Es gibt mehrere gute und einige weniger gute Gründe, 

der guten alten Langspielplatte nachzujammern oder ihre 

bescheidene Renaissance zu begrüßen. Einen gewichtigen 

Grund zeigte eine Ausstellung im Wiener Nestroyhof: 

die künstlerisch gestaltete Schallplattenhülle. 


Christine 

Janicek 

33 1/3 – 

Cover Art 

30 mal 30 Zentimeter, das war schon etwas anderes als diese 

fast winzigen Booklets der CDs, um die es ja auch längst 

schlecht bestellt ist. Wer früher eine Langspielplatte kaufte, 

zahlte dafür einen vergleichsweise stolzen Preis und hatte 

danach ein Stück Kultur in der Hand. Das war sofort zu spüren 

und oft auch zu sehen. Letzteres begann 1940, als der Grafiker 

Alex Steinweiss damit anfangen durfte, die bis dahin schmucklos 

grauen Verpackungen der Schelllackplatten zu illustrieren. 

Vermuten wir mal, dass das der Geschäftsleitung anfangs 

eigentlich zu teuer war, und überhaupt: Was soll denn das, 

Kunst auf der Verpackung! Aber dann zeigte sich, dass Cover- 

Gestaltung auch kommerziellen Erfolg brachte. Rudolf Serkins 

Aufnahme von Beethovens fünftem Klavierkonzert mit den New 

Yorker Philharmonikern wurde mit künstlerisch gestaltetem 

Cover neun Mal mehr verkauft als die gleiche Aufnahme in der 

grauen Einheitshülle. Das Auge hört eben mit. 

So richtig Fahrt nahm die Covergestaltung mit der Einführung 

der Langspielplatte auf, die 1948 von der CBS auf den 

Markt gebracht wurde. Künstlerfotos waren das häufigste Ausgangsmaterial 

für das, was auf dem Cover zu sehen war. Die 

kreativen 60er Jahre brachten eine neue Phase der Gestaltung. 

Pop Art eroberte das Terrain. Schallplattencover waren nicht 

mehr nur Bildflächen, auf denen grafische Lösungen für Titelei 

und Porträtfotos gezeigt wurden, sondern wurden künstlerisch 

gestaltete Objekte. 

Nicht zuletzt die Beatles sorgten dafür, dass auch hier 

neue Maßstäbe gesetzt wurden. Das Sergeant-Pepper-Cover 

wurde zum mehrfach parodierten Meilenstein, über den sich 

etwa Frank Zappa (We’re Only in It for the Money) lustig 

machte. Velvet Underground brachte die LP mit Andy Warhols 

ikonografischer Banane heraus, die Stones machten was mit 

Reißverschluss (Sticky Fingers), Miles Davis und King Crimson 

fügten Vorder- und Rückseite zu einem ausklappbaren Überformat 

zusammen. 

Die Ausstellung, sehr kundig und wunderbar informativ, 

systematisch und bildersatt zusammengestellt von Christine 

Janicek und Arne Reimer, vermittelte einen nostalgisch 

eingefärbten Rückblick auf eine abgeschlossene Phase der 

Kunstgeschichte. Und wie diese Phase, so ist leider auch die 

Ausstellung vorbei, was noch ein Grund zum Jammern wäre. 

Aber zum Glück gibt es ja den Katalog. 

Christine Janicek (Hg.): Cover Art. Verlag für Moderne Kunst, 

Paperback, 29 x 24 cm, 169 Seiten, 33 Euro 


87

Tonspuren 

Mitchells „Both Sides Now“ ein 

Lied einzuspielen, das mittlerweile 

längst als Jazz-Standard 

gilt, so oft wird es von Jazzmusikern 

aufgenommen (zuletzt etwa 

von Rolf Kühn auf dessen neuem 

Album Yellow + Blue). Wie wichtig 

CAM-Jazz-Boss Ermanno 

Basso für die Band ist, kann man 

gerade hier erkennen, denn die 

Idee, Mitchells ikonischen Song 

durch eine lässige Einleitung auf 

dem Kontrabass beginnen zu 

lassen, stammt von ihm. Nicht 

die schlechteste Idee auf einem 

ideenreichen Klaviertrio-Album. 

Rolf Thomas 


– des Oregon-Veteranen Paul 

McCandless ins gemäßigt exotische 

Konzept. Arild Andersen 

lässt den Bass singen, und Peter 

Erskine darf auf den Drums hin 

und wieder etwas Desert-Groove 

erzeugen. Ihre nächsten beiden 

Jazzalben hat Eckemoff schon 

angekündigt. 



Still in the Woods 

Rootless Tree 


W W W W 

instrumentelle, solistische oder 

interaktive Zeichen setzen. Und 

das alles, ohne an die alten 

Traditionen des klassischen 

Jazz-Gesangs oder des avantgardistischen 

Vokalisentums 

anzuknüpfen. 

Man kann also mit Fug und 

Recht sagen, dass Still in the 

Woods mehr will als Jazz spielen 

und auch mehr als Singer- 

Songwriter-Lieder machen. Das 

Quartett will beides miteinander 

versöhnen, ohne dabei eine 

klare Entscheidung für eine 

der beiden Seiten zu treffen. 

Rootless Tree ist ein gelungener 

Schritt in diese Richtung. 



Peter Gabriel, mit viel Fantasie 

der rote Teppich ausgerollt. Aber 

dann heißt es Bühne frei für 

Densons eigenes, tief persönliches 

Songwriting. Das kommt 

souverän und beseelt daher 

und gibt unerschöpflich Futter 

für Densons mal sehnsuchtsvoll 

schwelgende, dann schon 

fast nachdenklich abgeklärte 

Gesangskunst. Denson, der 

zusätzlich zum Gesang seinen 

Bass energetisch beackert oder 

dessen Saiten mit dem Bogen 

streicht, bleibt ein absoluter 

Bandmusiker, entsprechend 

dicht verwoben sind die Arrangements 

der Stücke. Da kommen 

Saxläufe von Dayna Stephens 

wie Koloraturen ins Spiel, 

schmiegen sich Kari Ikonens 

filigrane Moogsynthesizerläufe 

oder warme Rhodesflächen an 

den beseelten Gesang und sorgt 

Schlagzeuger Ronen Itzik auch 

in verfrickelten 7/8-Metren dafür, 

dass nichts aus dem Ruder läuft. 

Stefan Pieper 

Yelena Eckemoff 

Desert 

L & H / In-Akustik 

W W W W 

Es ist bereits ihr zwölftes Jazzalbum 

in neun Jahren. Die Pianistin, 

die 1991 aus Russland in die USA 

zog, schreibt sozusagen ihre ganz 

eigene Jazzgeschichte. Jedes ihrer 

Alben konzipiert sie als kleines 

Gesamtkunstwerk – die Stücke, 

die Gemälde, die literarischen 

Texte, alles stammt von ihr. Und 

ihre Mitmusiker sucht Yelena 

Eckemoff sorgsam aus. Große 

Namen waren schon darunter, 

etwa Billy Hart, Marilyn Mazur, 

George Mraz oder Chris Potter. 

Diesmal geht es ums Konzeptthema 

„Wüste“, für das Eckemoff elf 

Stücke mit Titeln wie „Bedouins“, 

„Oasis“ oder „Dust Storm“ 

zusammengestellt hat. Sie übt 

sich hier nicht in Orient-Jazz, sondern 

übersetzt sanfte exotische 

Anklänge in ein harmonisches 

Gerüst. Ihre Themen haben etwas 

Kapriziöses, ihr Klavierspiel ist linearer 

und verwinkelter als sonst, 

die Musik besitzt einen schönen 

Fluss, und die Mitstreiter sind drei 

echte Feingeister. Gut passen 

die „näselnden“ Instrumente – 

Oboe, Englischhorn, Sopransax 

Immer noch keine Wurzeln geschlagen? 

Immer noch heimatlos? 

Macht nichts, es gibt ja die 

Musik. Das Quartett Still in the 

Woods mit Anna Hauss (voc), 

Robert Wienröder (p), Raphael 

Seidel (b) und Jakob Hegner (dr) 

versucht sich an der Auflösung 

einer Situation durch ihre künstlerische 

Gestaltung. Ihr Album 

hat nicht nur den Charakter 

eines Konzeptalbums, sondern 

auch eine literarische Dimension. 

Es ist eingeteilt in sechs sogenannte 

Kapitel, denen jeweils 

zwei bis drei Songs zugeordnet 

sind, und die sechs Kapitel 

benennen Seelenzustände: „still 

rootless“, „still awake“, „still 

apart“, „still searching“, „still 

a child“ und „still in between“. 

Pure Romantik also. Letztlich 

aber ist es das letzte Kapitel mit 

dem Titel „Immer noch zwischen 

allen Stühlen“ dasjenige, um das 

es eigentlich geht. Denn auch 

Still in the Woods macht etwas 

dazwischen: Musik, die einerseits 

so klar an der Liedform 

orientiert ist, dass sie beinahe 

noch als Singer-Songwriter- 

Produkt durchgehen könnte, 

wenn sie nicht andererseits und 

zwischendurch so deutlich jazzige 

Verlaufsformen ansteuern 

würde, die die Liedform hinter 

sich lassen und andere, nämlich 

Jeff Denson 

Outside My Window 

Ridgeway / In-Akustik 

W W W W 

Hier braucht niemand zu 

fürchten, dass ein Jazzinstrumentalist 

das Singen nicht sein 

lassen konnte. Denn für den im 

US-Staat Virginia groß gewordenen 

Denson ist Gesang der 

elementare Zugang zur Musik 

überhaupt – schon lange, bevor 

er die Laufbahn des Bassisten 

einschlug! Dies prägte auch die 

bisherigen Combo-Alben, auf 

denen es Densons Bassspiel nie 

an singender Präsenz mangeln 

lässt. Jetzt gibt es Jeff Denson 

als Sänger und großen Lyriker 

auf einer Vocalplatte, natürlich 

mit Band zu erleben. Souverän 

erhebt sich hier Jeff Densons 

latent androgyne, silbrig 

glänzende Gesangsstimme über 

jede Genrefestschreibung – egal 

ob die nun Jazz, avancierter 

Kunst-Pop oder schillernder 

Progressive Rock mit Hang zur 

unendlichen Melodie genannt 

werden möchte. Zu Anfang 

wird zwei amtlichen Ikonen der 

Pophistorie, Jeff Buckley und 


Pulsar Trio 

Zoo of Songs 

13 / Galileo 

W W W o 

Sitar, Klavier und Schlagzeug 

– das klingt nach „East meets 

West“, nach weltmusikalischem 

Fusion-Jazz. Doch das Pulsar Trio 

sind drei gut gelaunte junge Leute 

aus Potsdam, die seit einigen 

Jahren unbekümmert ihre facettenreiche 

und locker groovende 

Musik machen, ohne sich an 

übliche World-Music-Strickmuster 

zu halten. Matyas Wolter 

benutzt die Sitar im Grunde wie 

ein westliches Saiteninstrument, 

wobei er die reichhaltigen 

Verzierungs-Möglichkeiten des 

indischen Instrumentes geschickt 

in das folk-jazzige Konzept des 

Trios einfließen lässt. Beate Wein 

am Klavier wirkt perfekt in zwei 


Kolumne 

Hugh Masekela 

1966 - 1976 

Wrasse / Indigo 

W W W W W 


African Scream Contest Vol. 2 

Analog Afrika / Indigo 

W W W W 


I’m not Here to Hunt Rabbits 

Vital / Piranha 

W W W W 

Fatoumata Diawara 

Fenfo 

Wagram / Indigo 

W W W o 

Catrin Finch/Seckou Keita 

Soar 

bendigedig / DA Music 

W W W 

Ebo Taylor 

Yen Ara 

Mr. Bongo / Harmonia Mundi 

W W W 

Asuune Yule 

We Have One Destiny 

Makum / Rebel Up! 

W W W o 

DJ Katapila 

Aroo 

Awesome Tapes from Africa / 

Cargo 

W W W 

Andrea Benini 

Drumphilia Vol. 1 

Agogo / Indigo 

W W W W 

Nicola Conte & Spiritual Glaxy 

Let Your Light Shine On 

MPS / Edel:Kultur 

W W W 

Black History Repeating 

Nach dem Tod von Hugh Masekela 

würdigt Wrasse Records 

den Trompeter mit einer von 

ihm selbst zusammengestellten 

Werkschau seiner New Yorker 

Exil-Zeit. Zwischen 1966 und 

1976 veröffentlichte er auf dem 

von ihm und Steward Levine 

geleiteten Label Chisa nicht nur 

elf eigene Alben, sondern auch 

Musik von südafrikanischen 

Landsleuten wie Letta Mbulu 

oder den ghanaischen Hedzoleh 

Sounds. Die Kollektion enthält 

Mandel in Africa 

auf 3 CDs neben Hits wie „Ashiko“ 

und „Grazing in the Grass“ 

auch zahlreiche Fundstücke wie 

die vollständigen, bisher niemals 

offiziell wiederveröffentlichten 

Alben I Am Not Afraid (mit einer 

Version von „A Night in Tunisia“!) 

und Masekela Presents 

Hedzoleh Sounds, die nach seiner 

ausgedehnten Westafrika- 

Reise entstanden. Ein großartiger 

Streifzug durch eine Phase, 

die gekennzeichnet ist von 

musikalischen Experimenten 

und der explosiven Stimmung 

der Bürgerrechtsbewegungen in 

den USA und SAF. Ebenfalls neu 

auf dem Re-Issue-Markt: eine 

Sammlung von Raritäten aus 

Benin, zusammengestellt und 

aufgearbeitet von Analog Africa 

als würdige Fortsetzung ihres 

zehn Jahre zurückliegenden, 

Standards setzenden Releases 

African Scream Contest: Blues, 

Funk und Soul, elektrisch und 

eklektisch, rau und direkt. 

Afroblues 

Gegenwartsmusik: Fatoumata 

Diawara ist zurück: Zurück in ihrem 

Heimatland Mali und zurück 

mit einem neuen Album. Fenfo 

bedeutet „Viel zu sagen“, und so 

erhebt die Wassoulou-Sängerin 

und Schauspielern („Tim buktu“) 

auf elf neuen Songs ihre Stimme 

über Themen wie Migration, 

Feminismus und Tribalismus bei 

vornehmlich subtilen Song- 

Stimmungen. Nur zwei, drei Mal 

streift sie dieses komfortable 

Soundgewand ab, um radio- und 

festivalbühnengerecht Tempo 

und Schalldruck zu erzeugen. 

Spartanisch: die Compilation I‘m 

Not Here To Hunt Rabbits, gewissermaßen 

das Albumporträt 

eines afrikanischen Youtube- 

Phänomens: Bluesfreunde 

staunen schon seit einer Weile 

über den in Botswana gepflegten 

Gitarrenstil, bei dem die linke 

Hand das Griffbrett nicht von 

unten, sondern von oben bearbeitet 

und das Tuning sich auf 

drei Töne plus Bass beschränkt 

(als Bass-Saite haben sich 

Bremskabel bewährt). Das Resultat 

sind trickreiche Pickings 

und pfiffige Riffs als Begleitung 

von launigem Storytelling. 

Nun auch auf Vinyl! Auch die 

walisische Harfenistin Cathrin 

Finch und der senegalesische 

Kora-Virtuose Seckou Keita 

kommen mit einer Handvoll Töne 

aus und haben die perlenden 

Klänge ihrer Saiten nun zum 

zweiten Album Soar verwoben. 

Die intime Musik bleibt dabei 

stets schlicht und ergreifend. 

Mit meisterhaftem Understatement 

entsteht gewissermaßen 

Wellness für die Ohren und 

bleibt damit allerdings auch bar 

jeder Überraschung. 

Black Stars 

Drei neue Veröffentlichungen 

aus Ghana: Das neue Album 

des 82-jährigen Gitarrenrecken 

Ebo Taylor überzeugt mit neuen 

Songs aus seiner Feder, wobei 

wie gewohnt und geschätzt 

bittersüße Hornfanfaren den 

Weg in seine auf Englisch und 

Fante gesungenen Weisen 

weisen. Im Unterschied zu den 

feiner gestrickten letzten beiden 

Alben ist der Soundmix auf 

Yen Ara allerdings übertrieben 

sämig, untenrum aufgepumpt 

und obenrum mit sinnlosen 

Delayfahnen verhangen. Assune 

Yule gehört zur Schar der derzeit 

angesagten Kologo-Spieler aus 

dem Norden des Landes. Auf seinem 

internationalen Debüt We 

Have One Destiny singt er Songs 

darüber, dass man nicht weiß, 

was morgen kommt – oder dass 

Frauen alles besser können. 

Stimm- und Saitenklang stehen 

im Mittelpunkt, gelegentlich kommen 

auch bei ihm Beatloops und 

Autotune-Effekte zum Einsatz, 

aber das hält das Album vielseitig 

und voraussichtlich lange 

frisch. Erschienen ist es als 

gemeinsame Veröffentlichung 

des niederländischen Makum- 

Labels, das schon Kologo-King 

Ayisoba auf die Welt losließ, und 

des neuen belgischen Labels 

Rebel Up!, das mit dem Cumbiero 

Memo Piemento und dem tunesischen 

Elektro-Projekt Nuri noch 

zwei weitere Pfeile im Köcher 

hat. DJ Katapila dagegen produziert 

auch auf seiner aktuellen 

4-Track-EP an jedem Industrie- 

Standard vorbei: Hektische, 

hibbelige, auf der Roland 808 

programmierte Uptempo-Loopmusik 

mit gepitchten Vocals, nah 

am Novelty-Efekt, aber mit genug 

Wumms, um als DJ-Tool noch 

was zu reißen. 

Kicks vom Stiefel 

Letzte Station ist Italien: Dort hat 

Andrea Benini mit Mop Mop vor 

Jahren das führende lokale Afrobeat-Orchester 

ins Leben gerufen. 

Und auch daheim im Dialog 

mit seiner Hardware (darunter 

sowjetische Synthesizer und 

karibische Marimbula) lassen 

ihm die Afrobeats keine Ruhe: 

Vol. 1 seiner Drumphilia-Reihe 

versammelt stimmige, schlüssige 

Miniaturen zwischen House 

und Heimstudio. Errichtet um 

schlanke Daumenklavier-Patterns 

klingen die Songs zunächst 

strukturell ähnlich, aber innerhalb 

dieses schmalen Rahmens 

entfalten sie ihren Sog. Gitarrist 

und Klangkörpervorstand Nicola 

Conte dagegen trägt gerne dick 

auf, dementsprechend rahmensprengend 

gerät seine experimentelle 

Annäherung an den 

Afrobeat-Sound der 70er. Conte 

kann mit starken Stimmen und 

routiniert gesetzten Kompositionen 

punkten, der Sound des 

alten Acidjazzers aus Bari bleibt 

dabei aber immer aalglatt. Wer 

Afrofunk am liebsten mag, wenn 

er nach Jazzanova-Remix klingt, 

ist hier richtig. 

Eric Mandel 


Kolumne 

Schaal 

ganz Ohr 

Walter Smith III 

Twio 

Whirlwind / Indigo 

Haus 

Tales Along the Path of Life 

Jazzsick / Membran 

Um 1935 übernahm das 

Tenorsaxofon im Jazz die 

Führungsrolle – und behielt 

sie bis in die Tage des 

Freejazz. Das Beste, was die 

Afroamerikaner über ihre 

Seele mitzuteilen hatten, 

meinte Ornette Coleman 

einmal, hätten sie auf dem 

Tenorsax gesagt: „Das Tenor 

ist ein Rhythmusinstrument, 

du erreichst die Leute 

damit.“ Diese große Tenor- 

Tradition – stark verkürzt: 

Hawkins-Young-Gordon- 

Rollins-Coltrane-Shepp – ist 

heute ein wenig aus dem 

Blick geraten. Walter Smith 

III korrigiert das. Der 37-Jährige 

aus Houston, Texas, 

verzichtet auf das scheinbar 

Unverzichtbare, nämlich ein 

Piano. Er reanimiert auf Twio 

die legendäre, experimentelle 

Saxofontrio-Besetzung, 

die nur mit Bass (Harish 

Raghavan) und Schlagzeug 

(Eric Harland) auskommt. 

Offene Harmonien, Durchgangs- 

und Wendepunkte 

– Smiths Zugang zur großen 

Tradition ist alles andere als 

naiv. Die Balance zwischen 

dem Authentischen und dem 

Originären hat er für jedes 

Stück neu austariert. Er 

taucht tief in die Kompositionen 

ein, hält sich aber den 

Rückweg frei, um direkt und 

spontan bleiben zu können. 

Sein kraftvolles Tenorspiel 

stürzt sich ins nackte Wagnis, 

ganz ohne Sicherungsseil, 

ganz nah am Abgrund. 

Große Namen säumen 

die Strecke, Monk, Gryce, 

Shorter, dazu Standards, an 

denen sich Generationen 

von Tenoristen abgearbeitet 

haben. Als Gäste steigen 

Joshua Redman (Tenorsax) 

und Christian McBride 

(Bass) mit ein – auch sie mit 

spontaner Abenteuerlust. 

Tradition wird zur Avantgarde 

des Augenblicks. Ein neues, 

bedeutendes Statement auf 

dem Tenor. 

Ein ganz anderes Instrument 

ist das Vibrafon. Als 

es (ebenfalls um 1935) die 

Welt des Jazz betrat, war 

es ein ekstatisches Mini- 

Schlagklavier. Danach hat es 

viele Schicksale durchlaufen 

zwischen hartem Konstruktivismus 

und perlendem 

Silberklang. Das Vibrafon 

kann Melodie, aber nicht 

wie ein Saxofon; Struktur, 

aber nicht wie ein Piano; 

Rhythmus, aber nicht wie ein 

Schlagzeug. Im direkten Vergleich 

hat es seine Defizite. 

Seine Stärke dagegen heißt 

Universalität, visionäre Kraft, 

essenzielle Konzeption. Für 

Mathias Haus, der von sich 

sagt, sein eigentliches Ding 

sei das Komponieren, war 

das Vibrafon die Ideallösung. 

Zwischen Percussion- 

Ensembles für Kinder und 

Neuer Musik beim WDR, 

zwischen pochendem 

Minimalismus, Gary- 

Burton-Zauber, klirrender 

Dissonanz und geheimnisvollem 

Sphärenklang hat 

Mathias Haus alle Facetten 

des Instruments erforscht. 

Mit dem 2-CD-Album 

Tales Along the Path of Life 

präsentiert der Rheinländer 

eine beeindruckende, wenn 

auch erstaunlich frühzeitige 

Werkschau – er wird 

dieses Jahr 55. Hendrik 

Soll (Piano + Keys), André 

Nendza (Bass) und Mirek 

Pyschny (Drums) begleiten 

ihn bei seiner musikalischen 

Lebens- und Schaffensreise. 

Jubelnde Flows und sonnige 

Harmonien auf der einen, 

raffinierte Brechungen und 

dunkle Geheimnisse auf der 

anderen Seite. Ein Referenzwerk 

für das Vibrafon. 


Richtungen: Ostinato-reich als 

Rhythm Section mit Aaron Christ, 

der dem Schlagzeug leichtfüßig 

perkussive Flügel verleiht; und 

auf der anderen Seite verschmilzt 

ihr Spiel mit viel Sinn für flüssige 

harmonische Texturen mit der 

Sitar. Das dritte Album des Trios 

wird in seiner zweiten Hälfte 

zunehmend interessanter, weil 

etwas entschleunigter. Wenn das 

überwiegend hohe Tempo, was 

die drei im ersten Teil vorlegen, 

etwas zur Ruhe kommt, dürfen 

sich umso mehr schöne und 

überraschende Wendungen 

entfalten. 



Alcyona Mick & Tori Freestone 

Criss Cross 

Whirlwind / Indigo 

W W W W 

Die beiden Engländerinnen verfügen 

über einen skurrilen Humor. 

Die Reihenfolge der Titel muss 

der Betrachter sich aus dem 

rückseitigen Kreuzworträtsel 

erschließen. Achtung, Lesebrille 

ist hilfreich beim Erkennen der 

winzigen Zahlen! Saxofonistin 

Tori Freestone ist bereits seit 

fünfzehn Jahren auf der europäischen 

Jazz-Szene aktiv. Pianistin 

Alcyona Mick attestierte der 

GUARDIAN bereits „Weltklasse- 

Genialität“. Die beiden Musikerinnen 

haben einen breiten musikalischen 

Hintergrund: Klassik, 

Filmmusik, große Jazz-Ensembles, 

Trios oder eben wie hier 

die Duo-Formation, die für zwei 

Songs um die Sängerin Brigitte 

Beraha verstärkt wird. Und mit 

jener Gastsängerin startet die CD 

auch. „Hermitica“ klingt wie eine 

Hommage an eine etwas herbere 

Flora Purim, gewürzt mit einigen 

scharfen Dissonanzen. Wie 

vielschichtig die Komponistin Tori 

Freestone agiert, das wird in der 

schönen Ballade „Charmed Life“ 

deutlich, die Mick mit seinem 

stimmungsvollen Piano-Vorspiel 

einleitet. Freestone ist es auch, 

die das Folk-Traditional „Press 

Gang“ gekonnt wieder mit der 

brillanten Sängerin Beraha 

in den Kammerjazz-Kontext 

überträgt. Pianistisch und 

kompositorisch weiß Alcyona 

Mick mit „Goodnight Computer“ 

zu überzeugen. Wenn man diese 

Musik mit anderen Jazz-Größen 

vergleichen möchte, fällt einem 

der deutsche Pianist Joachim 

Kühn ein. Sensibler kammermusikalischer 

Jazz, der in den 

70er Jahren eine Blütezeit hatte, 

aber eigentlich zeitlos ist, wie diese 

beiden Musikerinnen zeigen. 



Duo Lit 

Das ist deine Zeit ... und die läuft 

Fuhrwerk 

W W W o 

Das ist deine Zeit ... und die läuft 

bietet schöne, frei in den Raum 

gestellte Musik neben dem, was 

diesen beiden Musikern zweite 

Natur zu sein scheint: und zwar 

die Fähigkeit, sich dem Flow unerwarteter 

Musik anzuvertrauen, 

mal langsam, fast in Zeitlupe 

oder auch auf hohes Tempo beschleunigt. 

Das Duo Lit sind zwei 

Mehrfach-Preisträger: Tamara 

Lukasheva, die ihre dehn- und 

biegsame Stimme einsetzt, wie 

ihr der Schnabel gewachsen ist, 

während Schlagzeuger Dominik 

Mahnig klöppelt, fegt, trommelt, 

federt und klingt. Tamaras Substanz 

ist ihre bis zum Äußersten 

trainierte Stimme, das Salz ist 

dieser verspielt-charmante und 

ihr, ich sag’s jetzt mal, slawischer 

Einschlag, den sie Gott sei Dank 

nicht verhehlen will und der 

auch dann bleibt, wenn sie in 

Englisch singt. Mahnig und Lukasheva 

experimentieren – mal 

rezitativ, mal frei improvisierend 

– im Dialog, und immer wieder 

ist da dieser feine Groove, der 

immer nur entstehen kann, wenn 

Musiker die dafür entscheidenden 

Voraussetzungen erfüllen: 

vollkommene Offenheit und großer 

Mut zum Risiko. Eine schöne, 

ungewöhnliche, spannende Platte 

zum aufmerksamen Zuhören, 

Staunen und Zurücklehnen. 



Die Hörbucht 

Andreas Ammer / FM Einheit 

Sie sprechen mit der Stasi 

Der Hörverlag / Edel:Kultur 

W W W W W 

Seit einem Vierteljahrhundert 

arbeitet der ehemalige Einstürzende 

Neubau FM Einheit – in 

Blixa Bargelds Band verantwortlich 

für allerlei metallischen 

Lärm – mit dem Regisseur und 

Produzenten Andreas Ammer 

zusammen, um Hörspiele, Collagen 

und Klanginstallationen 

zu kreieren. Jetzt haben sie sich 

auf die Suche nach Originaltönen 

der DDR-Staatssicherheit 

begeben – das Ergebnis ist mehr 

als faszinierend, es ist atemberaubend. 

Untertanenmentalität, 

Denunziantentum, aber auch 

einfallsreiche Sabotage-Ideen 

sind zu hören, und allein die 

Sesselfurzer des berüchtigten 

MfS (Ministerium für Staatssicherheit) 

verlieren viel von 

ihrem Schrecken, weil sie so 

erschreckend dumm und träge 

sind. Allein die Verwendung von 

Begriffen wie „Teilnehmer“, mit 

dem sich der diensthabende 

Offizier am Telefon meldet (natürlich 

ohne seinen Namen zu 

nennen), und „Fluchtversuch“ 

für das schlichte Bemühen, 

die DDR zu verlassen, spricht 

Bände. 

Die Mitschnitte von Telefonanrufen 

einfacher Bürger 

sind skurril bis erschreckend, 

die Tonbandaufnahmen von Verhören 

bauen Terror und Schrecken, 

den man im Allgemeinen 

mit dem DDR-Geheimdienst verbindet 

und den man durch das 

dümmliche Verhalten der Stasi- 

Mitarbeiter am Telefon beinahe 

vergessen hätte, flugs wieder 

auf. Hier zeigen die miesen Bürokraten 

der Staatssicherheit ihr 

wahres Gesicht und schreien, 

schüchtern ein und bedrohen 

die „Verdächtigen“, die auf ein 

faires Gerichtsverfahren nicht 

hoffen konnten. Tonfall und Diktion 

erinnern an den berüchtigten 

Volksgerichtshof der Nazis 

und dessen niederträchtigen 

Präsidenten Roland Freisler. 

Wer nach diesem Hörspiel noch 

DDR samt Stasi verharmlost, 

dem ist nicht mehr zu helfen, 

und insbesondere Politiker der 

Linken sollten sich für ihr ständiges 

Schweigen, Abwiegeln und 

Relativieren schämen. 

Die bedrohliche Atmosphäre 

des Materials wird 

durch die düstere Musik, die FM 

Einheit unter das Tonmaterial 

mischt, noch verstärkt, was 

gleichzeitig dazu führt, dass Sie 

sprechen mit der Stasi nicht nur 

scheußlich, sondern auch 

verdammt unterhaltsam 

ist. Denn das Hörspiel 

dokumentiert einen 

Schrecken, der 

überwunden 

wurde, die 

Herrschaft 

der Doofen 

ist einstweilen 

vorbei. 

Heute steht 

wohl eher die 

AfD für eine 

vergleichbare 

Mentalität. Man 

kann sich lebhaft 

vorstellen, dass 

die Fans von Bernd 

Höcke und Beatrix von 

Storch auch gerne so mit ihren 

politischen Gegnern umspringen 

würden. 

Rolf Thomas 


Bassa 

Ahewáuwen – ein Tangomärchen 

Flowfish Records / Broken 

Silence 

W W W W 

Das Lob, eine Band könne 

selbst ohne Worte Geschichten 

erzählen, gehört zum gängigen 

Journalisten-Repertoire. Gern 

genommen, wenn es um Musik 

geht, die besonders stimmungsvoll 

ist und die Fantasie anregt. 

Auch das Berliner Tango- und 

Weltmusikquartett Bassa 

konnte sich schon häufiger über 

entsprechende Zuschreibungen 

freuen. Mitgedacht ist bei dem 

Lob stets die Umkehrung, dass 

die Fähigkeit, mit Worten eine 

Geschichte zu erzählen, ein 

Kinderspiel und deshalb kaum 

der Rede wert sei. Aber ist es 

wirklich so einfach? Bassa 

haben es ausprobiert. Ihr neues 

Album Ahewáuwen basiert auf 

einem Märchen der Selk’nam, 

einer Ethnie, die bis in die erste 

Hälfte des 20. Jahrhunderts auf 

Feuerland lebte. Für eine Band, 

die vom Tango kommt, eine 

geografisch durchaus naheliegende 

Wahl. 

Die vier von Bassa entschieden 

sich dafür, Text und 

Musik getrennt voneinander 

aufzunehmen und den Fortgang 

Schon 

Conan der Barbar 

und August der sehr Superstarke 

wussten um die positive Wirkung von 

Verstärkern, vom alttestamentarischen Samson 

nicht zu schweigen, dessen unbändige Kraft brutal 

unschamponiert in den Haaren steckte. Der Ferse des 

Achilles sollten jedoch ebenso viele Schwachstellen 

menschlicher Physis folgen (hier schweigen wir dann 

taktvoll von der Psyche), und selbst Drachenblut verstärkte 

Siegfrieds strahlende Unbesiegbarkeit zu schlechter Letzt 

nur unzulänglich. Jedem Supermann sein Kryptonit. Umso 

erfreulicher, wenn sie mal nachhaltiger und etwas filigraner 

funktionieren, die Verstärker, und etwa Stimmungen 

forcieren oder die Poesie des Augenblicks. Nennen 

wir sie Musik, diese Verstärker. Und die sind auch 

dann noch faszinierend, wenn der Soundtrack 

des Lebens auch dessen Schattenseiten 

verdichtet. In der Hörbucht… 

Björn Simon 

des Märchens, gelesen von der 

Schauspielerin und Regisseurin 

Judica Albrecht, in kurzen 

Sprechpassagen zwischen 

Instrumentalkompositionen zu 

montieren. Etwa 30 Minuten 

Musik und neun Minuten Textvortrag 

erzählen so gemeinsam 

die Geschichte des Seelöwen 

Ahewáuwen, der sich in ein 

menschliches Mädchen verliebt. 

Während sie angelt, gelingt es 

ihm, sie ins Wasser zu ziehen, 

in eine abgelegene Bucht 

zu entführen und ihr Herz zu 

gewinnen. Den Dorfbewohnern, 

die sich auf die Suche nach 

der Verschwundenen machen, 

bleibt nur der Blick auf zwei in 

der Ferne verschwindende Seelöwen 

in den letzten Strahlen 

der untergehenden Sonne. 

Die Handlung ist nicht 

übermäßig komplex, aber – wie 

es sich für Märchen gehört – in 

viele Richtungen interpretierbar. 

Der Reiz des Unbekannten, die 

alles überwindende Kraft der 

Liebe, die sich in den Mut verwandelt, 

alles für sie aufzugeben 

und völlig neu zu beginnen 

– die Motive der Geschichte berühren 

große Fragen. Vor allem 

aber funktioniert das Märchen 

bestens als Auslöser für musikalische 

Ideen. Mal tänzerisch 

und nah am Tango wie im vom 

Gitarristen Takashi Peterson 

komponierten „Wellenritt“, 

dann träge und erschöpft wie 

in Geigerin Miriam Erttmanns 

„Gestrandet“, aber immer mit 

kammermusikalischer Finesse, 

zeichnen die Musiker mit Geige, 

Klarinette (Hannes Daerr), 

Gitarre und Kontrabass 

(Tobias Fleischer) 

die Geschichte auf 

ihre Weise nach, 

ergänzen das 

Geschehen um 

eine zusätzliche 

Ebene und 

verstärken die 

Bilder im Kopf 

des Hörers. 

Mag es 

auf den ersten 

Eindruck noch bedauerlich 

erscheinen, 

dass Musik und 

Wort nicht miteinander 

verwoben, sondern nebeneinandergestellt 

werden, 

wird beim Hören bald deutlich, 

dass das Konzept gut gewählt 

ist. Die Instrumentalstücke 

können gut für sich stehen und 

sind zu schade, um als bloße 

Untermalung zu dienen. Andererseits 

lenkt nichts vom Vortrag 

Judica Albrechts ab, die den 

Text bedächtig, aber nicht allzu 

märchentantig liest – wobei 

auch das bei einem Märchen 

wohl kaum zu beanstanden 

wäre. Und Bassa können künftig 

stolz von sich behaupten, auch 

mit zusätzlichen Worten eine 

Geschichte erzählen zu können. 

Guido Diesing 


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Jazzfest 

Bonn 

Von Thomas Kölsch. Die Kunst der Form 

war ein zentraler Bestandteil des diesjährigen 

Bonner Jazzfests: Avantgardisten mit 

dem Ziel maximaler Offenheit trafen auf 

Musiker, die eher klare Linien bevorzugten. 

Eine zentrale Rolle spielten dabei Piano- 

Formationen. Insbesondere Makoto Ozone 

und Aaron Goldberg setzten mit ihren Trios 

Maßstäbe, erwiesen sich als erfreulich klar 

und zugleich herrlich verspielt. Mit ihrer 

klassischen Prägung und überragenden 

Virtuosität sorgten die beiden für absolute 

Höhepunkte. Ihnen stellte Organisator 

Peter Materna mit dem Quintett von Eyolf 

Dale und dem Quartett von Pablo Held zwei 

Formationen gegenüber, die sich einer geschlossenen 

Spielweise eher verweigerten. 

Ersterer erinnerte an einen Collagen-Künstler, 

dessen Einfälle wie Glühwürmchen um 

ihn herumschwirrten – immer in Bewegung, 

flüchtig und verwirrend; Letzterer schien 

mitunter Hörgewohnheiten und rhythmische 

Konventionen vollständig zu dekonstruieren, 

nur um dann doch wieder in eine gewisse 

Formensprache zurückzufallen. 

Ein ähnlicher Kontrast entstand 

beim einzigen reinen Gitarrenabend des 

Festivals: Während Lage Lund und seine 

Trio-Kollegen zwar ein gemeinsames Ziel, 

nicht aber einen gemeinsamen Weg zu 

haben schienen und sich gegenseitig stets 

auf einer Armlänge Abstand hielten, waren 

sich Philip Catherine und sein Bassist 

© Thomas Kölsch 

92 Jazzthetik 07/08-2018 Imaani (Incognito)



Martin Wind ganz nah. Herrlich, wie sich 

die beiden die Melodien zuwarfen und 

weder die Stücke noch den jeweils anderen 

aus den Augen verloren. Hier waren die 

Kompositionen nicht lediglich Ausgangspunkt 

für experimentelle Klangspielereien, 

sondern das Zentrum der Kunst. So auch 

bei Wolfgang Haffner. Der Drummer mit 

großem Gespür für Melodien setzte mit 

dem überragenden Vibrafonisten Christopher 

Dell sowie Roberto di Gioia (p) und 

Christian Diener (b) Maßstäbe. Der Fokus 

lag dabei auf dem aktuellen Album Kind of 

Spain mit seinen Flamenco- und Pasodoble- 

Anklängen – und was der 52-Jährige etwa 

aus dem traditionellen „Tres Notas Para 

Decir Te Quiero“ zauberte, war reine Magie. 

Derweil blieb Julia Biel ein wenig hinter den 

Erwartungen zurück, verharrte zu sehr im 

melancholischen Indie-Pop und wurde erst 

gegen Ende kontrastreicher und eigensinniger. 

Unter den großen Namen stach vor allem 

John Scofield hervor, der das Publikum 

in der Oper zum Toben brachte, während 

er über die Saiten jagte und Country-Songs 

wie Dolly Partons „Jolene“ verjazzte und 

modifizierte, bis nur noch wenig an die 

ursprüngliche Ballade erinnerte. Dennoch 

gelang es Scofield, die Balance zwischen 

Struktur und Freiheit zu wahren, wofür ihm 

die Menge stehende Ovationen spendete. 

Diese hatte auch das Bundesjazzorchester 

verdient, das mit einem anspruchsvollen 

filmmusikalischen Programm auftrat: Es 

hatte sich zu neun Bauhaus-Kurzfilmen aus 

den 20er und 30er Jahren kongeniale Musik 

auf den kollektiven Leib schreiben lassen. 

Großartig. 

Zur Party wurde schließlich der Auftritt 

von Incognito. Die Combo verstand es nicht 

nur mühelos, das Publikum zum Tanzen 

zu bringen und bis an den Bühnenrand zu 

locken, sondern auch Ed Motta zu entfesseln, 

der zuvor bei seinem eigenen Auftritt 

noch ein wenig gehemmt gewirkt hatte. 

Die Qualitäten dieses Stimmkünstlers, der 

nur noch vom atemberaubenden Andreas 

Schaerer in den Schatten gestellt wurde, 

kamen erst richtig zur Geltung, als er nicht 

mehr die komplette Verantwortung zu tragen 

hatte und die Freiheit besaß, innerhalb 

eines klaren Gefüges seiner Leidenschaft 

zu frönen. 

oben: John Scofield / unten: Makoto Ozone Jazzthetik 07/08-2018 93

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Theaterhaus Jazztage 

Stuttgart 

Von Harry Schmidt. Während das hochsommerliche 

Stuttgarter Jazzopen-Festival 

seinen Publikumszuspruch auch mit 

Pop- und Rockkonzerten generiert, setzt 

das Festival der Theaterhaus-Macher zu 

Ostern komplett auf Jazz. Werner Schretzmeier, 

der das Programm gemeinsam mit 

Programmplaner Wolfgang Marmulla kuratiert, 

zeigte sich angesichts einer Auslastung 

von über 80 Prozent hochzufrieden. 

Einer der Gründe für die Resonanz 

dürfte in der familiären Atmosphäre 

des Festivals liegen, in der Künstler und 

Publikum sich immer wieder zwanglos 

begegnen. Neben Präsenz ist auch Timing 

eine Kardinaltugend des Jazz. Im denkmalgeschützten 

Backsteinbau am Stuttgarter 

Pragsattel verbinden sich die vier Säle zu 

einem Festival der kurzen Wege, bei dem 

es kein Problem ist, zur richtigen Zeit am 

richtigen Ort zu sein. Etwa, wenn Patrick 

Bebelaar gerade eine frappierende Interpretation 

von „How Insensitive“ aus dem 

Flügel perlen lässt. Oder wenn Saxofon- 

Altmeister Lee Konitz, mit 90 Jahren der 

Nestor im diesjährigen Line-up, mit einem 

Trio von Musikern, die im Schnitt ein 

Drittel so alt sein dürften, die sensationell 

unspektakuläre Eleganz seines mit cooler 

Nonchalance geblasenen Saxofontons 

demonstriert. Am anderen Ende des Spektrums 

war der Auftritt des britischen Quartetts 

Sons of Kemet um den Saxofonisten 

Shabaka Hutchings eines der großen 

Highlights – eine Energie entbindung ungeheuren 

Ausmaßes. Wie viele Level der 

organisierten Raserei es tatsächlich geben 

kann, war einem zuvor nicht bewusst gewesen. 

Auch der Auftritt des armenischen 

Pianisten Tigran Hamasyan zählte zu den 

diesjährigen Höhepunkten. 

Neben überraschenden Entdeckungen 

boten die Jazztage auch Gelegenheit zur 

Überprüfung bestehender Einschätzungen. 

Ja, John Surman, der mit Alexander 

Hawkins, einem hochinteressanten Newcomer 

am Piano, auftrat, ist wirklich ein 

Elder Statesman des europäischen Jazz. 

Jean Luc Ponty, der mit dem Gitarristen 

Biréli Lagrène und Clint Eastwoods Sohn 

Kyle am Bass spielte, ist noch immer der 

Meister der elektrifizierten Jazz-Geige. 

Wolfgang Haffner ist einer der besten 

deutschen Drummer, Sebastian Studnitzky 

einer der souveränsten Sidemen, Renaud 

García-Fons einer der eigenwilligsten Bassisten 

der Szene. Und nein, die harmlose, 

weichgespülte Jazz-Party-Mucke der Nils 

Landgren Funk Unit überzeugt nicht mehr. 

So manche Bühnen-Konstellation 

feierte ihre Weltpremiere. Dass bei einer 

Programmplanung, die sich auf Experimente 

einlässt, nicht alles gleich gut 

funktioniert, liegt in der Natur einer Sache, 

für die Jazz mehr bedeutet als swingende 

Unterhaltung, nämlich auch: Risiko, 

Wagnis, Fallhöhe. Während die Premiere 

des Duos Surman / Hawkins fruchtbar 

geriet, fanden der Schweizer Perkussionist 

Reto Weber und seine Gäste nur selten 

zusammen. Eric Schaefers Projekt Kyoto 

Mon Amour beeindruckte mit poetischer 

Tiefe, fand aber nicht zur idealen Balance 

zwischen den europäischen und japanischen 

Klangwelten. Dass in diesem Jahr 

Frauen weitgehend auf eine Rolle am 

Mikrofon beschränkt blieben, hatte bereits 

im Vorfeld für Kritik gesorgt. „Es ist uns 

einfach passiert“, sagt Schretzmeier – und 

kündigt fürs nächste Festival einen Frauenanteil 

von über 50 Prozent an. 

© Hans Kumpf 

94 

Jazzthetik 07/08-2018 Emile Parisien, Andreas Schaerer, Vincent Peirani

© Torsten Stapel 

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Jazz in E. 

Eberswalde 

Von Thomas Melzer. Dem 

pünktlichen Beginn eines 

Schlagzeugkonzerts dürfte 

eigentlich nichts im Wege 

stehen, nicht einmal Kammerton 

a‘. Dem pünktlichen Beginn des 

Konzerts von Oliver Steidle und 

Christian Lillinger bei Jazz in E. 

stand ein Paul-Wunderlich-Zitat 

im Wege. Am Festivalort ist in 

einer Dauerausstellung das 

Lebenswerk des in Eberswalde 

geborenen „deutschen Salvador 

Dali“ zu sehen. Ein programmatisches 

Zitat an einer 

Wand zwischen Backstage und 

Bühne brachte kurz vor acht die 

beiden Avantgarde-Trommler 

zum Lodern: „Was nach Zufall 

aussieht, ist mir gewöhnlich 

ein Dorn im Auge.“ Puuh! Der 

Zufall als kreative Chance. 

Als Moment, auf den man 

sich durch Akkumulation von 

Wissen, Können und Konzepten 

vorbereiten muss. Der Zufall 

als allgegenwärtiges Prinzip, 

das sich nicht wegregulieren 

lässt. Die beiden redeten sich 

in Rage. Das Publikum wartete. 

Und erlebte dann ein Konzert, in 

dem alles dem Zufall überlassen 

blieb. Naja, beinahe alles. Die 

beiden kennen sich zu gut, um 

sich einander in ihrer trommelnden 

Kommunikation komplett 

zu überraschen. Lillinger hat 

vor langer Zeit als Fan auch bei 

Jazz in E. Konzerte des neun 

Jahre älteren Steidle studiert. 

Später war er sein Ersatzmann 

u.a. bei Klima Kalima und Rosa 

Rauschen. Längst trommeln sie 

auf Augenhöhe, wenngleich 

gemeinsam im Duo nur höchst 

selten. Ein Abenteuer, ein Trip, 

ein Vergnügen, eine Erfüllung 

– für die Ohren und die Augen, 

auf und vor der Bühne. 

„Break“ war das Motto 

des diesjährigen, bereits 24. 

Himmelfahrtsfestivals im Barnimer 

Urstromtal. Das Schlagzeug 

dominierte den Sound an den 

vier Abenden, wobei Festivalchef 

Udo Muszynski sich 

Wochen zuvor selbst überrascht 

gab, dass sein Schwerpunkt 

mit dem 100. Geburtstag 

des 1918 von der Ludwig Drum 

Company in Chicago auf den 

Markt gebrachten Drum Kits 

korrespondierte. Jeder Abend 

begann mit einem Duo-Konzert, 

immer unter Beteiligung eines 

Schlagzeugers, und endete mit 

der Präsentation einer größeren 

Formation, nie ohne Mitwirkung 

eines Drummers. Das stilistisch 

bewusst weit gedehnte 

Spektrum reichte von Pranke 

(Max Andrzejewski – dr, voc; 

Daniel Bodvarsson – g, voc) 

bis zu Ätna (Inez – keyb, voc; 

Demian Kappenstein – dr) bzw. 

von Jim Blacks Band Malamute 

bis zum Marek Pospieszalski 

Quartet mit einem Frank-Sinatra- 

Programm. Im traditionellen 

Sonnabendmorgenkonzert auf 

dem Kirchhang hatte SÜDEN 

Premiere, das neue Projekt von 

Schlagzeuger Kay Lübke (mit 

John Schröder – g; Niko Meinhold 

– keyb). Nein, der Jazzrock 

ist nicht tot – er lebt! 

„Ein Festival allein vermag 

es nicht, den aktuellen Jazz 

abzubilden“, erläuterte Udo 

Muszynski. „Aber wenn man 

die Programme von fünf Jahren 

mit ihren unterschiedlichen 

Schwerpunkten nebeneinanderlegt, 

dann erhält man schon 

ein sehr gutes Bild dessen, 

was und wie heutzutage im 

modernen Jazz gespielt wird.“ 

Das RBB-Kulturradio übertrug 

erstmals zwei Stunden live vom 

Festival, u.a. das Konzert von Oli 

Steidle & The Killing Popes, und 

wird weitere aufgezeichnete 

Konzerte zeitversetzt senden. 

Christian Lillinger Jazzthetik 07/08-2018 95

Live 

© Stefanie Marcus 

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jazzahead! 

Bremen 

Von York Schäfer. Peter Schulze, 

künstlerischer Leiter der 

jazzahead!, konnte zufrieden 

sein. Mit gut 17.000 Besuchern 

an den drei Musiktagen bewegte 

man sich 2018 auf hohem 

Niveau, noch 2011 waren es 

nur etwa 3500. Die jazzahead! 

hat sich seit ihrer Premiere 

2006 mit ihrer Mischung aus 

Festival und Messe, globaler 

und lokaler Veranstaltung 

längst zum Durchlauferhitzer 

der internationalen Szene 

für improvisierte Musik in 

Deutschland gemausert. 

Partnerland war in diesem 

Jahr Polen, ausgestattet mit reicher 

Jazztradition um Altmeister 

wie Krzysztof Komeda und 

Tomasz Stańko und einer international 

ausgerichteten zeitgenössischen 

Szene, die sich ihre 

Weltoffenheit auch von fremdenfeindlichen 

Tendenzen im 

Land nicht madig machen lässt. 

Für den Altsaxofonisten Maciej 

Obara zum Beispiel war der 

Jazz in Polen schon immer auch 

die Stimme der Freiheit. Zum 

Abschluss der Polish Night mit 

acht Konzerten in Messehallen 

und dem alten Schlachthof- 

Gebäude, war Obara Teil des 

frei und druckvoll aufspielenden 

Oktetts Power of the Horns um 

den Trompeter Piotr Damasiewicz. 

Eine dringliche Musik 

mit der erhabenen Strahlkraft 

von vier Bläsern, grundiert von 

zwei gnadenlos schrubbenden 

Like a Jazz Machine 

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Dudelange 

Von Peter Bastian. „Wir wollen 

vor allem die Musiker bedienen 

und nicht das Publikum“, 

war das bewundernswerte 

Credo von Danielle Igniti, der 

künstlerischen Leiterin des 

Festivals Like a Jazz Machine 

im luxemburgischen Dudelange. 

Die langjährige Leiterin des 

Kulturzentrums Opderschmelz 

hört aus Altersgründen auf, 

was bei vielen in der Szene für 

Sorgenfalten sorgt: Wer folgt 

ihr nach? Wird das Festival in 

dieser Form weiterbestehen? 

Man wird sehen. 

Zunächst einmal genossen 

alle – Publikum wie 

Igniti – ihr letztes Festival. 

Manche Bands genossen 

auch ihren Status als Artists 

in Residence. Und gleich die 

erste zeigte, dass diese Ausgabe 

ein Festival der starken 

Schlagzeuger war: EPS – das 

sind Daniel Erdmann (sax), 

Peter Perfido (dr) und Henning 

Sieverts (b, cello), vielleicht 

Perfidos bisher beste Band. 

Der vielschichtige und voluminöse 

Drummer stellte hier 

u.a. Werke des verstorbenen 

britischen Pianisten Mike 

O’Neill vor. Residiert hat auch 

das Quartett des luxemburgischen 

Drummers Michel Meis, 

das sphärischen Freejazz mit 

der Moderne verband. Nicht 

zuletzt residierte auch das 

Awake 4tet des Saxofonisten 

Maxime Bender, aber bei Joachim 

Kühn auf Ibiza – beneidenswert! 

Die Jungs (Bender, 

Oliver Lutz am Bass und Pit 

Dahm an den Drums) waren 

mächtig aufgeregt. Vielleicht 

gerade deswegen geriet das 

Konzert so gut. Teils notiert, 

teils frei gingen die vier Musiker 

wunderbar aufeinander 

ein. Und in Ornette Colemans 

„Research Has No Limits“ 

setzten sie dessen Titel in die 

Tat um, und das sehr beeindruckend. 

Mit Jeff Herr stand der 

vierte hervorragende Drummer 

auf der Bühne, wieder aus 

Luxemburg und wieder mit 

Bender am Saxofon, Laurent 

Payfert spielte Bass. Das Trio 

präsentierte seine neue CD 

© Peter Bastian 

96 Jazzthetik 07/08-2018 oben: Jazzmeia Horn / unten: Reggie Washington

Kontrabässen. Einer der zwei 

Saitenmänner dort war Maksymilian 

Mucha, der auch im 

Trio der exzentrischen Pianistin 

und Electro-Fricklerin Joanna 

Duda spielt. Die junge Frau mit 

Stachelfrisur zwischen Punk 

und Rasta setzt auf einen von 

elektronischen Spielarten wie 

Ambient inspirierten Sound. In 

guten Momenten erinnert das 

an den Space Jazz eines Sun 

Ra, in den schlechten wabert 

der Sound konturlos vor sich 

hin. Insgesamt zeigte sich, dass 

viele polnische Musiker einen 

freien, unverkrampft dekonstruierenden 

und stilistisch offenen 

Zugang zur Jazzhistorie ihres 

Landes und darüber hinaus 

suchen. 

Beim European Jazz 

Meeting zeigte sich laut 

Peter Schulze, dass der Trend 

aktuell wieder mehr in Richtung 

größerer Formationen geht. 

Eine gegenläufige Entwicklung 

zur strengen Reduzierung wie 

etwa beim weit verbreiteten 

Pianotrio. Die Beats & Pieces 

Big Band aus Manchester spielt 

als eingeschworene 14-köpfige 

Formation mit neun Bläsern 

und ungewöhnlichen zwei 

E-Gitarren auf. Eine immer noch 

junge Truppe im Turnschuh- 

Freizeitlook, Leiter und Gitarrist 

Ben Cottrell zählt die Takte 

auch mal lässig im Sitzen an 

oder dirigiert über die Bühne 

tänzelnd. Der Sound wechselt 

zwischen samtenen, eingängigen 

Melodien und ungeschliffen 

ruppiger Energie. 

Mit ähnlich gutlaunigem 

Sound präsentierte sich das 

siebenköpfige dänische Horse 

Orchestra. Eine amüsante 

Truppe mit Kostümierungen, Umhängen 

und Sträuchern im Haar. 

Entsprechend farbenfroh ist ihre 

Musik: treibende Polkarhythmen, 

dramatische Beerdigungsmusik 

vom Balkan, druckvoller Swing 

im Stile alter New-Orleans- 

Marching-Bands. Man denkt 

an Charles Mingus mit seinen 

größeren Formationen. 

Sämtliche Konzerte im 

Schlachthof konnte man auch 

draußen auf einer Leinwand am 

Amphitheater verfolgen. Eine 

gute Idee der Festivalmacher, 

auch um Menschen Zugang 

zum Jazz zu gewähren, die sich 

die Tickets nicht leisten können. 

Auch die Clubnight an 30 größtenteils 

gut besuchten Spielstätten 

im Bremer Stadtgebiet 

zeigte, dass Jazz wieder mehr 

in der Mitte der Gesellschaft 

ankommt. 

PDF in 4c 

Manifesto – ein Manifest in 

Sachen Dichte, Virtuosität und 

Einfallsreichtum. Neben Kühn 

waren noch weitere Stars 

zugegen: Der Italiener Enrico 

Pieranunzi (p) featurte Seamus 

Blake (sax), der in „Entropy“ 

sein bestes Solo hatte. Reggie 

Washington wollte mit seinem 

Quartett seinen Vorvätern zwar 

zeigen, wo ihre Musik heute 

hinführen kann, doch immer 

waren die Originale („ESP“, 

„Footprints“, „Actual Proof“) 

besser. 

Stéphane Kerecki ist ein 

hervorragender französischer 

Bassist, der mit French Touch 

seine Stärke als Komponist 

und Bandleader belegte. Mit 

Julien Loureau (sax), Jozef 

Dumoulin (rhodes) und Fabrice 

Moreau (dr) hatte er auch 

einige Stücke von Daft Punk im 

Programm und baute unglaubliche 

Grooves auf. Saxofonist 

Sylvain Rifflet widmete sich mit 

Re Focus und dem Streichquartett 

Quatuor Appassionato 

Bearbeitungen des Albums 

Focus von Stan Getz und Eddie 

Sauter von 1961 und eigener 

Musik in dessen Stimmung – 

ganz große Kunst. 

Chlorine Free aus Frankreich 

ist eine faszinierende 

Fusionband, doch irgendwie 

funktionierte ihr Projekt mit dem 

Rapper Nya und Soweto Kinch 

(sax) nicht so richtig. Kinch trat 

viel zu selten auf, um zeigen 

zu können, was er draufhat. 

Auch Cymande, eine britische 

schwarze Funkband aus den 

70ern, auszugraben, war keine 

so gute Idee – zu verstaubt 

klang das alles. Und Melt Yourself 

Down, ebenfalls eine Band 

von der Insel, war auch nicht 

jedermanns Sache – zu einfach 

gestrickt war ihr Punkjazz. Der 

Rest war aber wieder hervorragend, 

und da war vom letzten 

Tag noch gar nicht die Rede, an 

dem noch Dadada, Michel Reis, 

Nasheet Waits und Reto Weber 

spielten. 

Oskar Gudjonsson JazzthetIk 07/08-2018 97

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23. Jazztage 

Hilden 

Von Srđan Keko. Die einzigen Misstöne der 

23. Hildener Jazztage lieferte das Wetter, 

sonst waren sie ein polyphoner Wohlklang. 

Der Schlagzeuger Peter Baumgärtner, der 

im Februar junge 60 wurde und davor viele 

Jahre lang sehr kompetent das Programm 

der Düsseldorfer Jazzschmiede gestaltet 

hatte, organisierte mit seinem Team zum 23. 

Mal gewohnt verlässlich ein Jazzfestival, 

das sich durch Vielfalt, die gelungene Kombination 

bekannter und weniger bekannter 

Namen und eine freundlich-freundschaftliche 

Atmosphäre auszeichnete. 

Das Pablo Held Trio eröffnete am 

Dienstag mutig ohne Set-List und Absprachen, 

das Publikum in einen schönen Flow 

verstrickend. Am Mittwoch trugen die 

© Zbigniew Lewandowski 

9- bis 16-jährigen Teilnehmer des nur vierstündigen 

Jazzworkshops der Musikschule 

Hilden zwei Songs vor, dann zelebrierte das 

Tobias Hoffmann Trio freudig lustvolle Gitarrensongzerlegungen, 

bevor das Quartett 

des Vibrafonisten Matthias Strucken sehr 

energiegeladen sein Milt Jackson Project 

darbot. Nicht im schönen Park des Hauses 

Horst, sondern ob des drohenden Gewitters 

auf dem überdachten Parkdeck lieferte 

am Donnerstag das Martin Sasse Trio die 

wunderbare Musik zu den beeindruckenden 

Stepptänzen von Pia Neises, die mit 

feenhafter Leichtigkeit durch die Takte 

schwebte. Danach bot das Quintett The 

Good View, vier jüngere Musikerinnen und 

Musiker unter der Ägide des Altmeisters 

Peter Weiss am Schlagzeug, gute akustische 

Aussicht auf feine Eigenkompositionen 

und Standards. An anderen Orten 

waren auch indisch-westliche Klänge 

sowie Gitarren- und Hammond-B3-Sounds 

zu hören. 

Am Freitag breiteten im QQTec Sebastian 

Sternal (p) und Frederik Köster (tp, flh) 

ihre kanadischen Impressionen aus. Dann 

sang Jeff Cascaro verjazzte Blues-, Rockund 

Popsongs. Am späten Abend zollte der 

Gitarrist Axel Fischbacher mit Kollegen im 

Blue Note Charlie Parker Tribut. Die International 

Jazznight am Samstag in der Stadthalle 

brachte zwei großartige und grandios 

kontrastierende Höhepunkte. Zuerst spielte 

die hervorragende WDR-Bigband mitten 

im Saal platziert wuchtig und bombastisch 

Musik der griechischen Sängerin Magda 

Giannikou und des kolumbianischen 

Komponisten Juan Andrés Ospina, dem 

auch die Leitung oblag – inklusive Gesang, 

Rezitation, Sängerinnenlauf um die Band 

und Publikumschor. Darauf folgte der 

absolute Leckerbissen des intimen Trios 

mit Larry Goldings (hammond-org), Peter 

Bernstein (g) und Bill Stewart (dr). Die 

Rhythmussportgruppe rundete den Abend 

im Foyer lautstark ab. 

Am Sonntag spielten im Park der Capio- 

Klinik Forsonics um den Drummer Andy 

Gillmann elektronischen Jazz, dann bot 

die Niederländerin Fay Claassen, begleitet 

von drei sehr guten Landsleuten und ihrem 

Mann Paul Heller als Gast, feinen Gesang, 

schließlich brachten Audrey Martells und 

Band einen Hauch von Harlem und Broadway 

in die Venenklinik. Den Schlusspunkt 

setzten elegant Sarah Buechi und Christoph 

Haberer im Wilhelm-Fabry-Museum. 

Snow Jazz Gastein 

Gasteinertal 

Von Christoph Giese. Was 

für eine Frau! Gisele Jackson 

röhrt und schreit den Soul, den 

Rhythm ’n‘ Blues oder den Jazz 

heraus. Die Amerikanerin ist 

genau die richtige Stimme für 

die Band um den österreichischen 

Hammond-B3-Wizard 

Raphael Wressnig. Und der ist 

genau der Richtige für den Eröffnungsabend 

der 17. Ausgabe 

von Snow Jazz Gastein. Denn 

der Mann aus der Steiermark ist 

ein Garant für groovende, beste 

Laune verbreitende Musik, die 

von Funk und Souljazz auch mal 

verschmitzt nach New Orleans 

herüberblinzelt. 

Mit Rom-Schaerer-Eberle 

wartete am zweiten der neun 

Festivaltage gleich der nächste 

Publikumsmitreißer im Sägewerk 

in Bad Hofgastein. Gitarre, 

Trompete und Stimme – aber 

was heißt das schon bei einem 

Mann wie Andreas Schaerer? 

Der Vokalkünstler aus Bern kann 

mit seiner Stimme einfach alles: 

rasend schnelle Silbenfolgen 

raushauen, als Human Beat Box 

seine Kollegen mit Rhythmen 

versorgen oder mit dem Trompeter 

Martin Eberle heiße Dialoge 

führen. Die Palette an Ideen 

ist schier unerschöpflich. Ein 

Monk-Motiv dient als Basis für 

halsbrecherische Rhythmusfolgen, 

rockige Gitarrenlinien von 

Peter Rom geben die Richtung 

für improvisatorische Einfälle 

vor. Aber auch beseelt kann es 

zugehen, mit wunderschönen 

Melodien, die nach Afrika entführen. 

Genau dort knüpft ein 

weiterer fantastischer Dreier 

an. Jan Galega Brönnimann aus 

der Schweiz (cl, sax), Moussa 

98 Jazzthetik 07/08-2018 Pablo Held

Cissokho aus dem Senegal 

(kora, voc) und der Israeli Omri 

Hason (perc) verwöhnen das 

Publikum mit wunderschönen, 

melodieseligen Momenten. 

Darin verschmelzen Afrika, 

Jazz und der Orient auf einer 

kammermusikalischen Reise, 

die viele Entdeckungen bereithält, 

die Seele streichelt und 

zum Träumen einlädt. Den US- 

Sänger Steven Santoro hatte 

Festivalleiter Sepp Grabmaier 

schon im letzten Jahr mit dem 

Trio des österreichischen 

Pianisten Walter Fischbacher 

eingeladen. Fischbacher arbeitet 

aber auch mit Sängerin 

Audrey Martells zusammen, 

mit der sie Grabmaier im Sommer 

in Bad Gastein begrüßen 

konnte – und begeistert war. 

Die Idee reifte, beide Stimmen 

zusammenzubringen. Es funktionierte 

prima: Der elegante 

Jazzcrooner und die heiße 

Soul-Jazz-Stimme passten 

erstaunlich gut zusammen. 

Das diesjährige Festivalmotto 

lautete „Great Songs 

& Other Big Things“ und 

bescherte gleich drei Abende 

mit Großformationen. Der 

brasilianische Gitarrist Emiliano 

Sampaio präsentierte im 

© Josef Maier 

Nonett sein Mereneu Project, 

eine stilistisch schwer zu 

greifende, weil so vielschichtige, 

beschwingte Musik, die 

in manchen Momenten einen 

prima Filmscore abgäbe. Das 

Schweizer Trio VEIN brachte 

das Aarhus Jazz Orchestra mit 

ins Gasteinertal und betörte 

mit ungewöhnlichen Arrangements, 

etwa von Ravels „Bolero“, 

den sie Stück für Stück 

zu Höhenflügen führten. Die 

Jazz Big Band Graz brillierte 

mit einem Querschnitt durch 

ihre letzten Programme und 

einer Musik fernab jeglicher 

Bigband-Klischees. Poppiger 

Gesang, Ethno-Einflüsse, 

elektronische Einsprengsel, 

natürlich jazzige Exkurse – und 

das alles verpackt in lange, 

spannende musikalische Geschichten: 

ein Festival-Höhepunkt. 

Das galt am Abschlusstag 

auch für die Matinee mit 

anschließendem Jazzbrunch 

im Hotel Miramonte, wo die 

vier Holzbläser von Saxofour 

um Wolfgang Puschnig mit viel 

Humor und kuriosen Momenten, 

aber auch ungeheurer 

Musikalität viel Appetit auf die 

anschließenden Gaumenfreuden 

machten. 

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Jazzfestival 

gronau 

Von Stefan Streitz. Im westfälischen 

Gronau wurde Jubiläum 

gefeiert. Zur 30. Ausgabe des 

örtlichen Jazzfestivals lockten 

Organisator Otto Lohle und sein 

Team wieder einmal mit feinem 

Händchen zahlreiche Besucher 

aus der Region und den nahen 

Niederlanden. Der Auftakt 

machte mit einem Trio der 

besonderen Art schon mächtig 

Appetit auf mehr, denn Helge 

Schneider (hammond-org), Pete 

York (dr) und Henrik Freischlader 

(g) hätten das Festival gar nicht 

entspannter und feinsinniger 

beginnen können. Anschließend 

bot die prächtig aufgelegte 

WDR Bigband mit Gastsolist und 

Leader Christian McBride am 

Kontrabass Swing und Gebläse 

auf allerhöchstem Niveau, wobei 

Solisten wie Paul Heller, Karolina 

Strassmayer, die Horn Section 

und McBride selbst gefielen. 

Auch im weiteren Verlauf 

des Festivals hatten Bassisten 

viel zu sagen. Richard Bona und 

Marcus Miller bescherten dem 

Publikum mit ihren jeweiligen 

Bands einen faszinierenden 

Abend. Bona war mit seiner 

Mandekan Cubano Band direkt 

mitten im lateinamerikanischen 

Groove und hatte das Publikum 

jederzeit rhythmisch im 

Griff. Er überzeugte aber auch 

mit feinsinnigen sphärischen 

Momenten vor allem während 

der Gesangseinlagen, die seine 

Wurzeln in Kamerun erkennen 

ließen. Mit einer Ballade am 

Klavier gönnte er den Zuhörern 

zum Abschluss eine Atempause 

vor dem folgenden amerikanischen 

Bassgewitter. Marcus 

Miller hatte bei seinem dritten 

Besuch in Gronau leichtes Spiel, 

und auch er präsentierte sich 

äußerst entspannt und gelassen. 

Geradezu beschwörend 

packte er die Menge mit seinen 

Basslinien, denen die Mitstreiter 

in der Band bis in die tiefsten 

Untergründe folgten. Angetrieben 

von Drummer Alex 

Bailey ging es durch ein 

zweistündiges Konzert 

© Stefan Streitz 

der Extraklasse. 

Miller erweiterte die Farbpalette 

mit der Bassklarinette um melancholische 

Töne und bewegte die 

Zuschauer mit Worten über den 

nur drei Wochen zurückliegenden 

Tod seines Vaters. 

Auch der Pop hatte wieder 

einen hohen Stellenwert in 

Gronau. Amy Macdonald gab 

sich die Ehre in einem schnell 

ausverkauften Konzert und 

gewann mit viel vertrauter 

Musik die uneingeschränkte 

Zuneigung der Anwesenden. Die 

südafrikanische Gesangsgruppe 

Ladysmith Black Mambazo verwandelte 

eine Kirche in einen 

Gesangs- und Tanztempel, und 

Kneipenkonzerte wie Straßenmusik 

gaben der 30. F estivalausgabe 

einen zusätzlichen Glanz. 

Am Sonntagnachmittag bot 

Götz Alsmann einen jazzigen, 

italienisch geprägten Ohrenschmaus, 

der anschließend 

durch ein Funk-Feuerwerk der 

besonderen Art noch gesteigert 

wurde: Nils Landgrens 

Funk Unit und Tower of Power 

verwandelten die Bürgerhalle in 

einen Hexenkessel – auf jeweils 

unterschiedliche Weise: Landgren 

auf die schwedische Art 

vornehmlich gelassen und Raum 

bietend, die amerikanischen 

Urgesteine dagegen mit messerscharfen 

Bläsersätzen. Unter 

der Leitung von Emilio Castillo 

verzückten sie gekonnt vertrackt 

die tanzwütigen Zuhörer mit 

einem Groove, vor dem es kein 

Entkommen gab. 

© Stefan Streitz 

links: Moussa Cissokho / rechts: Richard Bona / unten: Nils Landgren JazzthetIk 07/08-2018 99

live 

Von Angela Ballhorn. Der 

Volunteer, der mich vom 

Flughafen abholt, arbeitet 

eigentlich bei Ericsson, doch 

für das Jazzkaar-Festival hat er 

sich wie schon in den letzten 

Jahren Urlaub genommen, um 

als Helfer dabei zu sein. Das ist 

nicht außergewöhnlich, findet 

er, denn die Talliner lieben 

ihr Festival. Die 29. Ausgabe, 

die die künstlerische Leiterin 

Anne Erm zusammengestellt 

hat, war besonders gelungen. 

Die Jazzkaar im 100. 

Unabhängigkeitsjahr Estlands 

wurde mit einer Auftragskomposition 

eröffnet, die 100 

Menschen aus ganz Estland in 

Film und Musik porträtierte. Das 

zehntägige Programm hatte von 

allem und für alle etwas: Bands 

aus Estland oder dem benachbarten 

Baltikum, bekannte 

und populäre Bands aus dem 

eigenen Land, wilde junge 

Bands aus Europa und Übersee, 

Musik zum Zuhören oder zum Tanzen und 

Clubsounds. Das junge Konzertpublikum 

begeisterte sich für die britische Band 

Sons of Kemet, die den Saal mit Saxofon, 

Tuba und zwei Schlagzeugen zum Kochen 

brachte, bejubelte das Pianotrio The Bad 

Plus mit seinem neuen Mann am Klavier, 

Orrin Evans, und feierte die englische 

Soulsängerin Laura Mvula im komplett 

ausverkauften Konzert. Der Auftritt des 

Shooting-Stars der estnischen Jazzszene, 

des Pianisten Kristjan Randalu, der gerade 

seine erste CD bei ECM veröffentlicht 

hat, blieb dagegen blass. Die sperrigen 

Kompositionen machten es den Zuhörern 

nicht leicht, zusätzlich schien die Band 

nur für sich zu spielen und nahm kaum 

Kontakt zum Publikum auf. 

Die Musik des Trompeters Ambrose 

Akinmusire war nicht minder komplex, 

doch hier sprang der Funke schnell über. 

Auch die Acts, die über das Berliner 

XJazz-Festival nach Tallin gekommen 

waren, sprachen die Zuschauer an. Bei 

der Weltmusik des Bağlama-Spielers 

Jazzkaar 

tallinn 

und Sängers Taner Akyol brauchte das 

Publikum etwas, um mit der Musik warm 

zu werden, das Trio Komfortrauschen mit 

lautem Techno hatte die Clubgänger dagegen 

sofort. Die norwegische Bassistin 

und Sängerin Ellen Andrea Wang hatte 

den Trumpf ihres Trios am Schlagzeug 

sitzen – was für ein Klangspektrum und 

eine Spielfreude Erland Dahlen verbreitete! 

Mein Lieblingskonzert war das des 

Quartetts Voorand/Koikson/Sooäär/Daniel 

mit dem Estnischen Philharmonischen 

Chor. Das Quartett mit zwei Stimmen (plus 

Elektronik) und zwei E-Gitarren bearbeitete 

die Musik des Komponisten Veljo 

Tormis neu, der vor allem durch seine 

Volkslieder bekannt wurde. Die spannenden 

Arrangements wurden durch den 

unfassbaren Chor angedickt – was für ein 

Klangerlebnis. 

Vergleicht man die Jazzkaar mit 

anderen Festivals, fällt das junge Publikum 

auf. Zudem wird die Stadt als große 

Bühne für urbane Konzerte genutzt. Es 

werden Hauskonzerte organisiert, für 

die sich jeder bewerben kann, dessen 

Wohnung Platz für eine Band plus ein 

paar Zuschauer bietet, wo Kinder ums 

Drumset toben können und die Hausherren 

Kekse für die Besucher backen. 

Die freundliche familiäre Atmosphäre, 

das Ambiente des Telliskivi Creative 

Centers, die kompetente Betreuung des 

Festivals – all das macht das Festival 

einzigartig. 

© Rene Jakobsoni 

© Raul Ollo 

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Festival 

Moers 

Von Stefan Pieper. So muss es in den 

Gründertagen des Moers Festivals zugegangen 

sein: Unter freiem Himmel in der 

Sonne entfesselt eine Band die komplexesten 

freien Strukturen, und alle haben 

Spaß dabei, wie auch Christian Lillinger, 

Ronny Graupe und Philipp Gropper gar 

nicht genug davon bekommen können. 

Und das Laufpublikum vernimmt, dass 

die Welt aus viel mehr als nur C-Dur und 

Viervierteltakt besteht. 

Der künstlerische Leiter Tim Isfort 

hat die passenden Bilder im Kopf, um 

in Moers unter verjüngten Vorzeichen 

sensibel und gerne auch humorvoll Regie 

zu führen. Um Stimmungen, Synergien, 

weiche Fakten geht es. Um die Materialschlacht 

der großen Namen weniger. 

Neue Harmonie liegt in der Luft, wo früher 

tiefe Fronten zwischen dem Festival und 

der Stadtgesellschaft lagen. Das alles hat 

mit Weitblick und Empathie zu tun. Viele 

Angebote zu neuen Erfahrungen in Gestalt 

gerne auch mal skurriler Freiluft-Konzerte 

strahlen in die Stadt hinein. Ein kleiner 

Pickup fährt umher, auf dessen Ladefläche 

eine Pianistin konzertreif Debussy 

spielt. Der holländische Gitarrist Bram 

Stadhouders vernetzt sein Instrument mit 

einer riesigen Kirmesorgel, was einen 

polyphonen Klangrausch freisetzt. Wo ist 

in diesem Moment der Kommerz geblieben, 

der sonst jeden öffentlichen Raum 

beherrscht? 

Auch das Hauptprogramm der 

diesjährigen Festival-Ausgabe appellierte 

symbolisch an den Ursprungsgeist des 

einstigen, 1972 gegründeten „New Jazz 

Festivals“. Gab es nicht eine Zeit, in der 

widerborstige Klänge ästhetischen Widerstand 

artikulierten? Dass nichts davon an 

Relevanz verloren hat, postulierte Peter 

Brötzmann im Podiumsgespräch – und 

noch mehr in den berstenden Klangströmen 

aus seinen Hörnern wider alle real 

existierende Dummheit in der Welt. 

Das Budget für das Festival fällt 

geringer aus als in der Michalke-Ära. Tim 

Isfort setzt hier auf kreative Entdeckungspfade 

mit vielen jungen Bands und regionalen 

Musikern und Musikerinnen. Auf 

dieser Basis langfristig die internationale 

Anziehungskraft des Festivals aufrechtzuerhalten, 

wird Herausforderung für die 

Zukunft sein. Der wohl prominenteste Gast 

in Moers, Saxofonist Ravi Coltrane, legte 

eine bestens fokussierte Sternstunde des 

modalen Jazz zusammen mit der Band 

des Trompeters Ralph Alessi hin. Jazz ist 

in Moers keineswegs nur die Sache von 

100 

JazzthetIk 07/08-2018 Laura Mvula

in Würde reifenden alten Herren. Wie ein 

Wirbelwind mischten die gerade 17 Jahre 

junge französische Pianistin/Keyboarderin 

DOMI und ihr Altersgenosse Bobby Hall 

an Hammondorgel und Schlagzeug die 

Bühne auf. Hier haben sich zwei auf dem 

Berkeley-College kennengelernt und sich 

schon jetzt in bestem Sinne freigespielt. 

Tim Isfort liegt das Transparent-Machen 

des globalen kulturellen Reichtums 

am Herzen. In diesem Jahr wollte er einen 

der letzten eisernen Vorhänge zumindest 

musikalisch öffnen helfen. Er reiste nach 

Pjöngjang und redete mit den zuständigen 

Ministerien. Bekam grünes Licht für die 

Einladung eines traditionellen Musikensembles 

nach Moers. Doch die deutschen 

Visa-Behörden setzten auf Abschottung. 

Der Dialog wird fortgesetzt. 

© Stefan Pieper 

© Stefan Pieper 

oben: Christian Lillinger, Philipp Gropper 

unten: Bobby Hall 


101

Termine 07/08 

Clubs 07 

Raum 00000 

Freyburg 

21.07. Silje Nergaard; Rotkäppchen 

Sektkellerei 

Halle 

13.07. Fjarill; Cultoursommer 

28.07. Le Bang Bang; Händelhaus 

Jena 

18.07. Dagadana; Kulturarena 

Leipzig 

04.07. Hans Knudsen; Liveclub 

Telegraph 

06.07. Calexico; Parkbühne 

Geyserhaus 

11.07. Vitaly Kiselev Quintet; 

Liveclub Telegraph 

Pohrsdorf 

01.07. The Bright Mass 

Orchestra; Saxstall 

08.07. Charlotte Jörges Trio; 

Saxstall 

14.07. sonic Art Saxophonquartett; 

Saxstall 

15.07. Krambambuli; Saxstall 

21.07. Frank Bartsch - Andreas 

“Scotty” Böttcher; Saxstall 

28.07. Sonny und Eberhard 

Struch; Saxstall 

29.07. Été large; Saxstall 

Raum 10000 

Berlin 

01./02.07. Ernst Bier-Mack 

Goldsbury; A-Trane 

01.07. King Crimson; Admiralspalast 

03.07. Judy Niemack Summerspecial 

feat. Esther Kaiser; 

A-Trane 

03.07. Banda Living; Schlot 


feat. Marc Secara & 

Sarah Kaiser; A-Trane 

04.07. Azolia; Schlot 

05.07. Albert Hammond Jr.; 

Musik & Frieden 


feat. Lisa Bassenge; 

A-Trane 

05.07. Clemens Bigge Trio; 

Schlot 

06./07.07. Gary Wiggins 

Summerspecial feat. Guitar 

Crusher; A-Trane 

06.07. Maria Baptist Orchestra; 

Schlot 

07.07. Ralf Ruh Trio; Schlot 

08.07. Shalosh; Jazz in the 

Garden 

08.07. Dan Weiss; A-Trane 

09.07. Andreas Schmidt & 

friends; A-Trane 

09.07. Earth, Wind & Fire; 

Gendarmenmarkt 

10.07. Temmingberg; Schlot 

10.-12.07. VIP Vocal Improvisation 

Project: Judy niemack/ 

Defne Sahin/Mia Knop 

Jacobsen/Erik/Leuthaeuser/ 

Moritz Klatt/Johannes von 

Ballestrem; A-Trane 

11.07. Geburtstagskonzert 

Christof Griese; Schlot 

12.07. Christoph Stiefel; Gedächtniskirche 

- In Spirit 

12.07. Int. Jazzworkshop 

Musikschule City West: Tal 

Balshai Hammond; Schlot 

13.07. Int. Jazzworkshop 

Musikschule City West: Tim 

Sunds Butterfly; Schlot 

13.07. Etta Scollo; Ufa Fabrik 

13./14.07. Gary Wiggins 

Summerspecial; A-Trane 

14.07. Stracke-Griese-Flick- 

Strakhof/Christof Grieses 

Double Drums Project; Schlot 

16.07. JIB – Jazz Institut 

Berlin Ltg: Chris Dahlgren; 

Schlot 

16.07. Joan as Police Woman; 

Festsaal Kreuzberg 

17.07. Charlottes clandestine 

Zauberkiste; Schlot 

17.07. Rufus Wainwright; 

Apostel-Paulus-Kirche 

19.-21.07. Jeremy Sassoon; 

A-Trane 

19.07. Sven Ziebarth & Superrocket 

3000; Schlot 

20.07. Jörn Henrich European 

Jazzproject; Schlot 

20.07. Quantic; Gretchen 

20.07. Fabian Timm; A-Trane 

21.07. Kenneth Berkel Quartet; 

Schlot 


friends; Thomas Stieger; 

A-Trane 

24.07. Bassekou Kouyaté; 

Ufa Fabrik 

24.-28.07. Jonas Schoen; 

A-Trane 

26.07. Sven Hammond; 

Quasimodo 

30./31.07. Antje Rößeler Stockholm 

Trio; Schlot 

31.07. Riccardo del Fra; 

A-Trane 

Greifswald 

JAZZTHETIK präsentiert: 

06.07. Mammal Hands; Eldenaer 

Jazz Evenings 

Kühlungsborn 

21.07. Uwe Kropinski Trio; 

Kunsthalle 

Lychen/Uckermark 

25.07. Jaspar Libuda Trio; 

Musik auf dem Floß 

Metzelthin 

13.07. Pulsar Trio; Uckermärkisches 

Nationaltheater 

Neuhardenberg 

14.07. Logan Richardson & 

Nicola Conte; Schloss 

Schwerin 

21.07. Pulsar Trio; Werk 3 

Raum 20000 

Aurich 

16.07 Etta Scollo; Musikalischer 

Sommer 

Bispingen 

06.07. Helmut Eisel & JEM; 

Ole Kerk 

Bremen 

28.07. Sven Hammond; 

Breminale 

30./31.07. Gabriele Hasler; 

Gleishalle am Güterbahnhof 

Hamburg 

05.07. Tzigan Gipsy Trio; 

Stellwerk 

07.07. Li Biao Percussion 

Group; Elbphilharmonie 

08.07. Melody Gardot; Elbphilharmonie 

04.07. Fatjazz: Jazzkombinat 

Hamburg feat. Hendrika 

Entzian; Turmzimmer Uebel & 

Gefährlich 

07.07. Fatjazz: Lukas Klapp – 

Sven Kerschek; Alte Druckerei 

Ottensen 

11.07. Fatjazz: Abschlusskonzert 

HfMT: Moritz Hamm 

Quartet; Turmzimmer Uebel & 

Gefährlich 


Stadtpark 

12./13.07. Matralab; Maschinenhaus 

der Kulturbrauerei 

18.07. Fatjazz: Heiko Fischer 

Quartet; Turmzimmer Uebel & 

Gefährlich 

19.07. Tarrus Riley feat. Dean 

Fraser & Black Soil Band; 

Fabrik 

20.07. Sly & Robbie meet Nils 

Petter Molvaer feat. Eivind 

Aarset, Vladislav Delay; 

Mojo Club 

Hasselburg-Altenkrempe 

06.07. Festivalsommer SHMF: 

Tingvall Trio; Scheune 

Husum 

13.07. Michael Riessler; 

Schleswig-Holstein-Musikfestival 


Summer Jazz 

16.-20. Juli 2018 

Stadtgarten, Köln 

Kiel 


Pat Metheny; Kieler Schloss 

Lübeck 


Brad Mehldau Trio; Musikund 

Kongresshalle 

Lüneburg 

20.07. Pulsar Trio; Kulturforum 

Postfeld 

22.07. Pulsar Trio; Kultursommer 

Barkauer Land 

Raum 30000 

Bielefeld 

07.07. Shalosh; Waldhof/Bunker 

Ulmenwall 

08.07. Sonnenaufgangskonzert: 

Florian Christl; Bunker 

Ulmenwall/Sparrenburg 


L.A. Salami; Bunker 

Ulmenwall/Sparrenburg 

Einbeck 


Tangobrücke 

Kassel 

13.07. Joachim Kühn New Trio; 

Kulturzelt 

14.07. Slowdive; Kulturzelt 

17.07. Shout Out Louds; 

Kulturzelt 

18.07. Kensington; Kulturzelt 

19.07. Bosse; Kulturzelt 

20.07. Olli Schulz; Kulturzelt 

21.07. Carminho; Kulturzelt 

24.07. Alice Phoebe Lou; 

Kulturzelt 

25.07. Tom Walker; Kulturzelt 

26.07. Tocotronic; Kulturzelt 

29.07. Till Brönner & Dieter Ilg; 

Kulturzelt 

31.07. Dub FX; Kulturzelt 

Lippoldsberg 


Klosterkirche 

Sehnde 

28.07. Filppa Gojo Quartett; 

Kulturverein 

Schlitz 

07.07. hr-Bigband: Satchmo 

goes Big Apple; Schloss 

Hallenburg 

Trendelburg 

06.07. Pulsar Trio; Wasserschloß 

Wülmersen 

Weilburg 

06.07. Schlosskonzerte: 

hr-Bigband Satchmo goes Big 

Apple; Renaissancehof 

Wetzlar 

18.07. Bernd Lhotzky, Jan 

Luley, David Frenkel, Marialy 

Pacheco; Festspiele 

Raum 40000 

Bochum 

05.07. II. Sommerjazz Fest 

/ Tatort Jazz: Tatort Jazz 

Hausband feat. u.a. Frederik 

Köster; Musikforum Ruhr 

28.07. Lee Ritenour-Dave Grusin 

& Band; Christuskirche 

Bramsche 

07.07. Pianotopia-Chris Geisler/ 

Kurt Holzkämper; Kloster 

Malgarten 

Borken 

08.07. Echoes of Swing; Forum 

Mariengarden 

Düsseldorf 

28.07. Eurasians 5/Jazzpool 

NRW „Sketches“; Jazz und 

Weltmusik im Hofgarten 

Essen 

07.07. 47Soul; Pact Zollverein 

Sommer Open Air 


Lichtburg 

Hattingen 

08.07. Vernissage: Vom 

Instrument in die Konserve/ 

17.07.2018 Carla Bley Trio 

feat. Andy Sheppard, Steve 

Swallow 

DuckTapeTicket; Kulturhist. 

Museum Haus Kemnade 

Herne 

05.07. Physik der Musik; 

Grundschule 

Münster 

19.07. Dirty Fences & Support; 

Gleis 22 

21.07. Martha & Support; 

Gleis 22 

29.07. Miller Anderson Band; 

Hot Jazz Club 

Ratingen 

08.07. Echoes of Swing; 

Kulturkreis Hösel/ Landhotel 

Krummenweg 

Wuppertal 

21.07. Crossroads 3000: Bassekou 

Kouyate/Joachim Kühn/ 

Majid Bekas/Gary Husband; 

Skulpturenpark 

22.07. Carminho; Waldfrieden 

Klangart 

Raum 50000 

Hürth 

20.07. Portofino; Jazzkeller 

Hürth 

Köln 

05.07. Tobias Meinhart Quartett 

& Kurt Rosenwinkel; Loft 

06.07. Jazz mit Kick meets Uni 

Big Band; Aula Uni 

08.07. Masterabschlusskonzert 

Tamara Lukasheva (Duos 

m. Dominik Mahnig/Matthias 

Schriefl/Marina Sobyanina; 

Loft 

08.07. Antigua; Salontheater 

08.07. Gratkowski Hübsch; 

Odonien 

11.07. Laia Genc & John 

Goldsby; Steinway Haus 

12.07. Bachelorkonzert Örn 

Ingi Unnsteinsson/Stefan Karl 

Schmid/Lars Duppler/Jan 

Philipp; Loft 

13.07. Bachelorkonzert Johanna 

Klein; Loft 


16.07. Summerjazz: The Bad 

Plus; Stadtgarten 


17.07. Summerjazz: Carla Bley 

Trios; Stadtgarten 


20.07. Summerjazz: Endangered 

Blood; Stadtgarten 

24.07. Alexei Aigui & Dietmar 

Bonnen; Loft 

Königswinter 

08.07. Barbara Dennerlein 

Trio; Kloster Heisterbach 

Körperich 

06.07. Fjarill; Schloss Kewenig 

Mainz 

08.07. Sting & Shaggy; 

Volkspark 

12.07. Yvonne Mwale; Sommernachtsjazz 

13.07. Summer in the City: 

Melody Gardot; Zitadelle 


Bryan Ferry; Zitadelle 


Norah Jones m. Brian Blade & 

Chris Thomas; Zitadelle Mainz 


LaBrassBanda; Zitadelle 

Raum 60000 

Aschaffenburg 

15.07. Myles Kennedy & Co.; 

Colos Saal 


25.07. Nik West; Colos Saal 

Darmstadt 

08.07. Wilson de Oliveira 

Quartett; Bessunger Jagdhof 

Frankfurt am Main 

05.07. JazzIni Frankfurt: 

Ensemble Modern & Fossile3 

feat. Lotte Anker; Palmengarten 

12.07. JazzIni Frankfurt: 

European Blue Note Quartet 

feat. Izabella Effenberg; 

Palmengarten 


Jahrhunderthalle 


Palmengarten (open Air) 

26.07. JazzIni Frankfurt: Reut 

Regev’s R*Time; Palmengarten 

Heidelberg 

06.07. One Family Band; Afrikatage/Karlstorbahnhof 

17.07. Joan as Police Woman; 

Karlstorbahnhof 

Oestrich-Winkel 


Brentano-Scheune 

Saarbrücken 

03.07. LouLou; Alte Kirche 

Saarbrücken 

Raum 70000 

Bad Urach 

13.07. Jazzchor Freiburg; 

Open-Air-Bühne 

Bonndorf 

28.07. Fabrizio Consoli; 

Schloßfest 

Freiburg 

01.07. Bigband und Combos 

des Wentzinger Gymnasiums; 

Jazzhaus 

08.07. Glenelg High School 

Bigband & Freiburger Schüler 

Jazzorchester; Jazzhaus 

09./10.07. Sneak Preview: 

Jazz-Studenten d. Musikhochschule 

Freiburg; Jazzhaus 


Petter Molvaer; Jazzhaus 

29.07. Ensemble FisFüz; 

Christuskirche 

Karlsruhe 

09.07. Michael Riessler & 

Pierre Charial; Hemingway 

Lounge 

28.07. Daara J; Tollhaus 

Leonberg-Gebersheim 

05.07. Carla Öhmd Jazz Group; 


Flux Festival 

13.-19. August 2018 

Spektrum, Berlin 

Bauernhausmuseum 

Lörrach 

01.07. Matinee: The Big Sound 

Orchestra; Jazztone 

13.07. „Ludere“ feat. Philippe 

Baden Powell; Jazztone 

Ludwigsburg 

06.07. Uli Gutscher Quintett; 

Podium der Musikhalle 

13.07. Schlossfestspiele: Kit 

Armstrong & Friends; Ordenssaal, 

Residenzschloss 

19.07. Schlossfestspiele: 

L’Arpeggiata: Eine Balkanroute; 

Forum 

20.07. Los Big Banderos; 

Podium der Musikhalle 

Schorndorf 

11.07.The Mistery Lights; Club 

Manufaktur 

20.07. Engelberger Bigband; 

Freie Waldorfschule 

Engelberg 

Singen 

12.07. Silke Eberhard Trio/ 

Mingus-Mingus-Mingus “I am 

Three” Trio; Gems 

Stuttgart 

03.07. Satellite - The music of 

John Coltrane; Bix 

04.07. Wolfgang Schmid presents: 

“A Special Gig”; Bix 

05.07. Soul Diamonds feat. 

Alana Alexander, Fola Dada & 

Eva Leticia Padilla; Bix 

06.07. Carsten Lindholm 

Trio; Bix 

07.07. Sir Waldo Weathers; Bix 


12.07. Jason Moran & Bandwagon; 

Bix 


13.07. Indra Rios-Moore; Bix 


14.07. Allan Harris; Bix 


15.07. Chico Freeman; Bix 


16.07. David Helbocks Random/Control; 

Bix 


17.07. First Strings On Mars; 

Bix 


18.07. Omer Avital; Bix 


19.07. Twana Rhodes; Bix 


20.07. Echoes of Swing; Bix 


21.07. Moon Hooch & Knower; 

Bix 


27.07. Lee Ritenour, Dave 

Grusin & Band; Liederhalle 

Mozartsaal 

Tübingen 

09.07. Fried Dähn & The Skin 

Of Clazz – Frank Zappas Music 

In Percussion; Sudhaus 

Tomomi 

Adachi 

© Naya Collective 

Uhingen 

22.07. Ensemble FisFüz; 

Schloss Filseck 

Wüstenrot 

07.07. Charly Antolini’s Swing 

Explosion; Burg Maienfels 

Raum 80000 

Bad Grönenbach 

08.07. Pippo Pollina; 

Postsaal 

Blaubeuren 

21.07. Ola Onabule; Summerstage 

Blautopf 

Elmau 

05.07. Martin Schmitt; Schloss 

Elmau 

09.07. Marcin Wasilewski Trio; 

Schloss Elmau 

10.07. The Vijay Iyer Sextet; 

Schloss Elmau 

12.07. Joo Kraus & Tales in 

Tones Trio; Schloss Elmau 

14.07. Kinga Glyk; Schloss 

Elmau 

16.07. Jazzrausch Bigband 

“Moebius Strip”; Schloss 

Elmau 

17.07. Ganes “an cunta che”; 

Schloss Elmau 

23.07. Cleo & Jan Luley Band; 

Schloss Elmau 

25.07. The Giora Feidman 

Sextet Klezmer for Peace; 

Schloss Elmau 

26.07. Manu Katché The 

Scope; Schloss Elmau 

28.07. Eric & Ulf Wakenius; 

Schloss Elmau 

31.07. Youn Sun Nah Quintet; 

Schloss Elmau 

Friedrichshafen 

30.07. Mélissa Laveaux; 

Kulturufer 

Germering 

05.07. Pippo Pollina; Stadthalle 

20.07. Daniel Erdmann’s Velvet 

Revolution; Stadthalle 

Kempten 

19.07. Sona Jobarteh; 

Burgruine 

Mühldorf 

13.07. Django 3000; Haberkasten 

Innenhof 

18.07. Schmidbauer-Pollina- 

Kälberer; Haberkasten 

Innenhof 

München 

02.07. Christian Elsässer Jazz 

Orchestra; Unterfahrt 

03.07. Albert Hammond Jr.; 

Ampere 

03.07. Etta Scollo; Literaturhaus 

04.07. Night Club: Ron Carter 

Golden Striker Trio; Bayerischer 

Hof 

07.07. Walter Lang Trio; 

Unterfahrt 

09.07. The Jazz Big Band 

Association; Unterfahrt 


Tollwood 

13.07. Kinga Głyk; Bürgerhaus 

Unterföhring 

13.07. Offene Ohren: Olaf Rupp 

- Ulrike Brand; MUG Einstein 

14.07. Kurt Elling; Bürgerhaus 

Unterföhring 

16.07. Earforce; Unterfahrt 

16.07. King Crimson; Philharmonie 

17.07. Sly & Robbie feat. Nils 

Petter Molvaer; Unterfahrt 

18.07. Yellowjackets; 

Unterfahrt 

19.07. Omer Avital Quintet; 

Unterfahrt 

21.07. Marty Cook Quintet feat. 

Paul Grabowsky; Unterfahrt 

22.07. Vorboten des Festivals: 

Münchner Musikkritiker machen 

Musik; Bayerischer Hof 

22./23.07. King Luis & Pestalozzi-Bigband; 

Unterfahrt 


23.07. Incognito; Bayerischer 

Hof 


23.07. Nik West; Bayerischer 

Hof 


24.07. Lucky Petersen & The 

Organization feat. Tamara 

Tramell; Bayerischer Hof 


Muffathalle 


25.07. JBill Frisell - When 

You Wish Upon The Star; 

Bayerischer Hof 


26.07. Manou Gallo; Bayerischer 

Hof 


27.07. Stanley CLarke Band; 



28.07. Joao Bosco Quartet; 


29.07. Lee Ritenour & Dave 

Grusin; Technikum Kultfabrik 

30.07. Jazzclub Unterfahrt 

präsentiert: LBT & Matthias 

Bublath Band; Theatron 

Ulm 

05.07. Calexico; Ulmer Zelt 

07.07. Marcus Miller; Ulmer 

Zelt 

Wolfratshausen 

27.07. Stefanie Boltz; Bergwaldbühne 

Raum 90000 

Altdorf 

04.07. Pippo Pollina; Hof der 

Alten Universität 

Bad Kissingen 

08.07. Emil Brandqvist Trio; 

Kissinger Sommer 

Bad Staffelstein 

06./07.07. Pippo Pollina; 

Kloster Banz 

Erlangen 

22.07. Magnus Lindgren m. 


Termine 

China Moses, Torsten Goods 

& Friends; Jazz am See 

Nürnberg 

02.07. Jazz in the Garden: 

Keller Mountain Blues Band; 

Kulturgarten Künstlerhaus 

09.07. Jazz in the Garden: 

Groove Legend Orchestra; 

Kulturgarten Künstlerhaus 

16.07. Jazz in the Garden: Hot 

House Hooters; Kulturgarten 

Künstlerhaus 

17.07. Campus Jazz: Amelie- 

Marie Bräutigam/Hyun-Bin 

Park; Jazz Studio 

18.07. Campus Jazz: Matthias 

Ernst/Martin Krechlak; Jazz 

Studio 

23.07. Jazz in the Garden: NC 

Brown Blues Band; Kulturgarten 

Künstlerhaus 

25.07. Sven Hammond; Hirsch 

27.07. Aeham Ahmad meets 

Edgar Knecht/Dagadana; 

Bardentreffen 

28.07. Bassekou Kouyaté/ 

Amsterdam Klezmer Band; 

Bardentreffen 

31.07. Rosanne Cash; Serenadenhof 

Regensburg 

19.07. Uni-Jazzorchester, Ltg. 

Bob Mintzer, feat. Yellowjackets; 

Leerer Beutel 

28.07. António Zambujo Quintett 

; Thon-Dittmer-Palais 


Klangfarben 

Niederlande 

Amsterdam 

05.07. Namibian Tales – Kalahari 

Encounters; Bimhuis 

06.07. Africa Negra; Bimhuis 

07.07. Ke Haber ‘What’s new’; 

Bimhuis 

13.07. Julian Lage Trio; 

Bimhuis 

14.07. Lilian Vieira Grupo; 

Bimhuis 

15.07. Monty Alexander; 

Bimhuis 

Österreich 

Graz 

02.07. KUG Jazzorchester feat. 

Bachelors; WIST 

Judenburg 

14.07. Indra Rios-Moore; 

Festsaal 

Keutschach 

18.07. Sona Jobarteh; Rausche 

Le Fest, Waldarena 

Klagenfurt 

18.07. Klaus Paier & Asja 

Valcic Quartet; Musikforum 

Viktring 

Krems 

26.07. Amsterdam Klezmer 

Band m. Söndörgő; Glatt & 

Verkehrt 

Kremsmünster 

07.07. Omer Klein; Jazz am 

Bauernhof 

Kufstein 

01.07. Jütz; Badeanstalt 

Hechtsee 

Linz 

08.07. Maaike den Dunnen & 

Austrian Band; Musikpavillion 

Mariawörth 

17.07. Klaus Paier & Asja Valcic 

Quartet; Wallfahrtskirche 

Nickelsdorf 

08.07. Konfrontationen 

39 Warm up party: Dälek; 

Kleylehof 

Pitten 

26.07. Omer Klein; Kunst und 

Kulturkreis 

Salzburg 

21.07.Klaus Paier & Asja Valcic 

Quartet; Open Air Bühne 

Sittersdorf 

21.07. Son Lux; Acoustic 

Lakeside 

Söll 

22.07. Sigi Finkel & Monika 

Stadler; KircheWels 

Wien 

01.07. Jazzfest Wien: Rhys 

Lewis; Porgy & Bess 

02.07. Jazzfest Wien: Jonah 

Nilsson; Porgy & Bess 

03.07. Jazzfest Wien Handsemmel 

Records ‘The Mighty 

Roll; Porgy & Bess 

04.07. Strengen Kammer: 


Studio Dan ‘More Creatures 

& Other New Stuff’ Part IV: 

String Quartet; Porgy & 

Bess 


05.07. Mammal Hands; Porgy 

& Bess 

09.07. Karl Ratzer Quintet; 

Porgy & Bess 

10./11.07. Stanley Clarke Band; 

Porgy & Bess 

12.07. Studio Dan „More 

Creatures & Other New Stuff“ 

Part V: Big Studio Dan; Porgy 

& Bess 

14.07. Iris Electrum; Porgy 

& Bess 

15.07. Roy Ayers Ubiquity; 

Porgy & Bess 


Petter Molvær; Porgy & Bess 

17.07. Christian Sands Trio; 

Porgy & Bess 

20.07. Adam Bałdych & Helge 

Lien Trio; Porgy & Bess 

22.07. Nicolas Simion Sextet; 

Porgy & Bess 

23.07. Somi; Porgy & Bess 

24.07. Gregor Huebner & El 

Violin Latino feat. Yumarya; 

Porgy & Bess 

25.07. Matthias Schriefl & 

Shreefpunk; Porgy & Bess 

26.07. Sketchbook Quartet/ 

Sketchbook Orchestra; Porgy 

& Bess 

28.07. Escoffery / Davis / 

Schieferdecker / Dudli ‘Asteroid 

7881’; Porgy & Bess 

29.07. Jan Sturiale ‘Roadmaps’; 

Porgy & Bess 

30.07. Dweezil Zappa ‘Choice 

Cuts!; Porgy & Bess 

Schweiz 

Bäretswil 

07.07. Jütz; Musikraum Tanne 

Fribourg 

14.07. Son Lux; Les Georges 

Kiental 

06.07. Jütz; Natural Sound 

Openair 

Montreux 


14.07. Mammal Hands; Montreux 

Jazzfestival 

St. Gallen 

04.07. Christoph Stiefel; Kirche 

St. Laurenzen 

Ystad Sweden Jazz Festival 

1.-5. August 2018 

Ystads Teater, Schweden 

Wetzikon 

07.07. Christoph Stiefel; Aula 

Kantonsschule 

Zürich 

09.07. John Hiatt & The 

Goners; Kaufleuten 

11.07. Yellow Bird; Barfussbar 

17.07. David Byrne; Theater 11 

19.07. Southside Johnny & the 

Asbury Jukes; Kaufleuten 

Clubs 08 

Raum 00000 

Dresden 

11.08. Jugendjazzorchester 

Sachsen feat. Clemens 

Pötzsch & Paul Peuker; Tonne 

15.08. Courtney Marie Andrews 

& Band; Palais Sommer 

- Konzerte im Park 

Halle/Saale 

04.08. Pianotopia - Chris 

Geisler/ Kurt Holzkämper; 

Händelhaus 

Jena 

09.08. Nils Wülker Decade; 

Kulturarena 

Kleinwelka 

25.08. Pulsar Trio; Schwesternhäuser 

Pohrsdorf 

02.08. Antje Rößeler - Stockholm 

Trio; Saxstall 

11.08. Caminho; Saxstall 

12.08. Die Guitarreros; 

Saxstall 

18.08. Dresden Hot Serenadors; 

Saxstall 

19.08. Klezmart; Saxstall 

26.08. Bronson Blues; Saxstall 

Senftenberg (Lausitz) 

03.08. 17 Hippies; Amphitheater 

Raum 10000 

Bad Belzig 

26.08. Yellow Bird; Kulturwerk 

Berlin 

01.-03.08. Riccardo del Fra; 

A-Trane 

02.08. Joo Kraus; Quasimodo 

03.08. Aquaserge; Haus der 

Kulturen der Welt 

04.08. Eb Davis; A-Trane 

05.08. Uwe Kropinski; A-Trane 

07.-11.08. Unity 5; A-Trane 

02.08.2018 

Youn Sun Nah 


friends; A-Trane 

14.-16.08. Cosmo Klein; 

A-Trane 

17.-19.08. Tino Derado; 

A-Trane 

21.-24.08. Stephanie Lottermoser; 

A-Trane 

25.08. JT Duo; Cafe Sur 

Dierhagen 

08.08. Fjarill; Naturklänge 

Greiffenberg 

12.08. Meinrad Kneer & 

Susanne Fröhlich; Gutshaus, 

Uckermärkische Musikwochen 

Rostock 

03.08. Joo Kraus; Jazzclub 

Storkow 


17.08. Mammal Hands; Alinae 

Lumr Festival 

Triepkendorf 

11.08. Meinrad Kneer & 

Susanne Fröhlich; Seenlandschaft, 

Kulturwirtschaft e.V. 

Zehdenick 

23.08. Dagadana; Kulturscheune 

Raum 20000 

Agathenburg 

11.08. Stefanie Boltz & Band: 

The Door; Ehrenhof Schloss 

Bremen 

01.-03.08. Gabriele Hasler; 

Gleishalle am Güterbahnhof 

Diepholz 

04.08. 47Soul; Appletree 

Garden 

Freiburg/Elbe 

03.06. Echoes Of Swing; Hist. 

Kornspeicher 

Hamburg 

09.08. Taksim Trio; Elbphilharmonie 

11.08. Chico Trujillo; Fabrik 

12.08. Arturo O’Farrill and 

the Afro Latin Jazz Octet; 

Elbphilharmonie 

17.08. Bill Frisell: The Mesmerists 

/ Filmkonzert m. Buster 

Keaton; Elbphilharmonie 

Sommer 

27.08. Mari Boine; Fabrik 

29.08. Stefano Bollani; Elbphilharmonie 

Sommer 

Lüneburg 

24.08. Masaa/Ätna; Kulturforum 

Schleswig 

30.08. Fjarill; Der Norden 

Raum 30000 

Bielefeld 


Habla de mí en presente 

… ; Bunker Ulmenwall/ 

Sparrenburg 

Bückeburg 

22.08. Barbara Dennerlein; 

Stadtkirche 

Hannover 

10.08. Calexico; Capitol 

Kassel 

01.08. Fink; Kulturzelt 

02.08. Nightmares On Wax; 

Kulturzelt 

03.08. Moop Mama; Kulturzelt 

04.08. Bukahara; Kulturzelt 

05.08. Faber; Kulturzelt 

07.08. Von Wegen Lisbeth; 

Kulturzelt 

15.08. Curtis Harding; 

Kulturzelt 

16.08. Candy Dulfer; Kulturzelt 

17.08. Kinga Glyk & Band; 

Kulturzelt 

18.08. Kat Frankie; Kulturzelt 

23.08. Manu Delago; 

Kulturzelt 

24.08. Nils Landgren All Stars; 

Kulturzelt 

25.08. 17 Hippies; Kulturzelt 

31.08. Urban Swing Worker; 

Theaterstübchen 

Kleinsassen 

25.08. Alexander von 

Schlippenbach & Frank Paul 

Schubert; Kunststation 

Minden 

25.08. Yvonne Mwale; Sommerfest 

/ Jazzclub Open Air 

Nieder-Moos 

18.08. Jazzchor Freiburg; 

Orgelkonzerte 

Wedemark 

31.08. Fjarill; Bürgerhaus 

Bissendorf 

Raum 40000 

Bad Essen 

05.08. Birgit Minichmayr & 

Chris Hopkins/Bernd Lhotzky; 

Schloss Ippenburg 

Düsseldorf 

04.08. Dagadana/Aly Keita 

Trio; Jazz und Weltmusik im 

Hofgarten 

11.08. Amants De Lulu/Jan 

Prax Quartet; Jazz und Weltmusik 

im Hofgarten 

18.08. Phillip van Endert Trio/ 

Tan; Jazz und Weltmusik im 

Hofgarten 

Havixbeck 

25.08. The Dorf; Burg Hülshoff, 

Droste-Tage 

Münster 

26.08. Latvian Blues Band; Hot 

Jazz Club 

Wuppertal 

24.08. Lazarev Project Group; 

Kontakthof 

Raum 50000 

Attendorn 


Mehrgenerationenplatz 

Kultursommer 

Hürth 

03.08. Wels; Jazzkeller 

17.08. Tropical Turn Quartett; 

Jazzkeller 

23.08. Jin Jim; Rock meets 

Jazz 

Köln 

02.08. Patti Smith; Roncalliplatz 

29.08. LTK4; Lutherturm 

Lüdenscheid 

18.08. Barbara Dennerlein 

Duo; Erlöserkirche 

Oberscheid 

19.08. Cluster Quartet; 

Kulturtag 

Trier 

30.08. Markus Stockhausen 

& Quadrivium; Jazz im 

Brunnenhof 

Würselen 

04.08. Marialy Pacheco; Burg 

Wilhelmstein 

Raum 60000 

Darmstadt 

05.08. Christoph Schöpsdau’s 

Organtic; Bessunger Jagdhof 

10.08. Matthias Vogt Trio; 

Gewölbekeller Jazzinstitut 

26.08. Trio Jeeep; Rodensteiner 

Hof 

Dornburg 


Schlössernacht 

Frankfurt am Main 

02.08. Max Clouth Clan feat. 

Varijashree Venugopal; 

Palmengarten 

16.08. Anke Helfrich Trio 

feat. Angelika Niescier; 

Palmengarten 

30.08. Omer Klein Trio; 

Palmengarten 

Homburg 

11.08. Nicole Johaenntgen; 

Musiksommer 

Speyer 

05.08. Stephanie Neigel; 

Openair 

Wiesbaden 

14.08. Calexico; Schlachthof 

Raum 70000 

Schorndorf 

01.08. The Notwist; Club 

Manufaktur 

09.08. Eilen Jewell & Band; 

Club Manufaktur 

14.08. Courtney Marie 

Andrews & Band; Club 

Manufaktur 

22.08. King Gizzard & The 

Lizard Wizard; Club Manufaktur 

24.08. Protomartyr; Club 

Manufaktur 

29.08. Ariel Pink; Club 

Manufaktur 

Singen 

24.08. Underkarl; Gems 

Tübingen 

10.08. Afrob feat. Tribes of 

Jizu; Sudhaus Waldbühne 

16.08. Von wegen Lisbeth; 

Sudhaus Waldbühne 

Raum 80000 

Elmau 

16.08. Jan Lundgren Quartet 

Potsdamer Platz; Schloss 

Elmau 

20.08. Tord Gustavsen Trio; 

Schloss Elmau 

22.08. Sebastian Gürtler- 

Florian Willeitner-Georg 

Breinschmid; Schloss 

Elmau 

30.08. Nils Wülker Quartet; 

Schloss Elmau 

Landsberg 

01.08. Rosanne Cash; Stadttheater 

München 

14.-18.08. Cornelius Claudio 

Kreusch ‘BlackMudSound’ 

feat. Bobby Watson; 

Unterfahrt 

28.08. Matthias Gmelin 

Quintett feat. Joe Chambers; 

Unterfahrt 


Raum 90000 

Erlangen 

15.08. Calexico; E-Werk 

Niederlande 

Groningen 

25.08. Sequoia; ZomerJazz- 

FietsTour 

Österreich 

Judendorf-Straßengel 

30.08. Jütz; Kirche Maria 

Kötschach 

21.07. Sigi Finkel & Monika 

Stadler; Nepomuk Kirche 

Paternion 

31.08. Jütz; Anna-Plazotta- 

Platz 

Wien 

07.08. International Music 

Academy Orpheus presents 

Jazz Chamber Music; Porgy 

& Bess 

10.08. Black Art Jazz Collective; 

Porgy & Bess 

16.08. Studio Percussion Graz; 

Porgy & Bess 

28.08. Jaimie Branch Quartet; 

Porgy & Bess 

Schweiz 

Bern 

19.08. Tord Gustavsen & Simin 

Tander; Kapelle 

Blatten 

11.08. Jütz; Kulturbärg 

Winterthur 


12.08. Mammal Hands; Musikfestwochen 

Zürich 

06.08. Julian Marley; Kaufleuten 

14.08. Grizzly Bear; Kaufleuten 

Festivals 

powered by Südtirol 

Jazzfestival 

Noch bis 8.7.2018 

Altoadige, Südtirol, 

IT 

Mehr als 50 Konzerte in 18 

Gemeinden; attraktiver Länderschwerpunkt 

unter dem Motto 

„Exploring the North”. Mit 

Euregio Collective feat. Pauli 

Lyytinen & Nordic Connection, 

Haug - Mathiesen - Schriefl, 

Tuomas A. Turunen, Hanna 

Paulsberg Concept, Frank 

Frank Frank feat. Sigurdur 

Rögnvaldsson, Stefan Pasborg 

- Dawda Jobarteh, Fazer, Nils 

Berg Cinemascope, Verneri 

Pohjola-Mika Kallio, Simone 

Graziano Frontal & Reinier 

Baas, Lars Andreas Haug Band, 

Euregio Collective, Stefan 

Pasborg, Maria Faust Sacrum 

Facere, Elifantree, Pranke, 

Pasborg - Jobarteh - Schantz, 

Verneri Pohjola Group u.a. 

www.suedtiroljazzfestival.com 

Gent Jazz Festival 


Bijlokesite, Ghen (BE) 

Mit Tom Jones, The Roots, 

Lady Linn & Her Magnificent 

Bigband, Melanie De 

Biasio, Paolo Conte, Kandace 

Springs, Jef Neve ‘Spirit 

Control’, Igor Gehenot’s Delta, 

Isolde XL, Pharoah Sanders 

& Nicholas Payton, Vijay Iyer 

Sextet, Jason Moran & Bandwagon, 

Dan Weiss: Metal 

Jazz, Ambrose Akinmusire. 

www.gentjazz.be 

Jazz Fest Wien 


Wien, Oper, Porgy & Bess, 

Stadthalle 

Mit Caro Emerald, Kris Kristofferson, 

Norbert Schneider 

Special, Thomas Quasthoff, 

Melody Gardot, Louie Austen, 

Binker & Moses, Till Brönner- 

Dieter Ilg u.a. 

www.jazzfest.wien 

Jazz à Vienne 


Vienne b. Lyon/F 

Eines der wichtigsten 

Festivals in Frankreich. Mit 

Melody Gardot, Jeff Beck, 

Magma, Marcus Miller, 

Black Star, Rhoda Scott, Cory 

Henry, Ron Carter, Mulatu 

Astatke, Gilberto Gil, Hermeto 

Pascoal, Ibrahim Maalouf, 

Lucky Peterson, Dhafer 

Youssef, etc. 

www.jazzavienne.com 

42. Montreux Jazz Festival 


Montreux/CH 

Mit Stanley Clarke, Rag 

´n`Bone Man, Brad 

Mehldau, Iggy Pop, Dhafer 

Youssef,Deep Purple, Eivind 

Aarset, Joaoa Bosco-Hamilton 

de Holanda, Billy Idol, 

Avishai Cohen 1970, Jason 

Moran, Gilberto Gil, Queens 

of the Stoneage, Gary Numan, 

Carla Bley, Avishai Cohen Big 

Vicious, Jack White, Gregory 

Porter, Van Morrisson, Steve 

Winwood, Nick Cave, Hauschka, 

Chick Corea, Bugge 

Wesseltoft, Jamie Cullum, 

Jamiroquai, Mammal Hands 

u.v.a.m. 

www.mjf.ch 

Istanbul Jazz Festival 2018 


Istanbul, Türkei 

Restprogramm mit Nick Cave 

& The Bad Seeds, Benjamin 

Clementine, Caro Emerald, Robert 

Plant & The Sensational 

Space Shifters, Avishai Cohen 

1970, Kurt Elling Quintet – 

spec. guest Marquis Hill, Fred 

Hersch Trio, Fabrizio Bosso 

Quartet, Massimo Manzi 

Trio feat. Elif Çağlar, Robert 

Glasper/Taylor McFerrin/ 

Derrick Hodge/Christian 

Scott/Terrace Martin, Zara 

McFarlane, Julian Lage Trio, 

Parisien/Peirani/Schaerer/ 

Wollny „Out of Land”, Adam 

Bałdych & Helge Lien Trio m. 

Tore Brunborg, Anat Cohen, 

Marcello Gonçalves, Omar 

Sosa & Yilian Canizares 

“Aguas” u.a. 

www.caz.iksv.org 

Summer Jazz Festival Kraków 


Kraków/PL 

Mit Michal Urbaniak, Pharoah 

Sanders, Wlodek Pawlik Trio, 

Leszek Mozdzer, Tomasz Stanko, 

Urszula Dudziak, Adam 

Makowicz u.a. 

www.cracjazz.com 

Bucharest Jazz Festival- 

Romania 

2.-8.7.2018 

Bukarest/RO 

Mit Branford Marsalis 

Quartett, Kurt Elling, Terence 

Blanchard, Roy Hargrove, Lee 

Konitz, Trilok Gurtu, Kenny 

Werner, Stanley Jordan. 

Daneben gibt es eine Reihe 

von Konferenzen, Workshops 

und Masterclasses mit Spezialisten, 

Musikern und Fans 

des Genres. New Jazz Festival 

Contest. 

www.bucharestjazzfestival.ro 

powered by Jazz Against The 

Machine 


Köln 

„Jazz Against 

the Machine“ ist eines der 

wichtigsten Musikevents der 

jungen Jazz- und Popkultur im 

Raum Köln. Mit 12 renommierten 

und innovativen Bands der 

internationalen Szene: Andreas 

Theobald Quartett feat. 

Sabeth Pérez, Bräumer/Klewer/Eftychidou, 

Nina’s Rusty 

Horns, Anft/Helm/Berger, 

Daniel Tamayo Quintet, Felix 

Langemann Trio, Schwarz/ 

Heid, Mozah, Melissa Pinto 

Quartet, Taraneh Mousavi & 

Band, Tobias Haug Quartett, 

Pulsar Tales. 

www.jatm.de 

powered by Rudolstadt-Festival 

2018 


Rudolstadt/Thüringen 

Das größte deutsche Festival 

für Roots, Folk und Weltmusik. 

Spezielles Gastland ist 

Estland: mit Arsis, Bombillaz, 

Curly Strings, E Stuudio Youth 

Choir, Mari Kalkun & Runoru, 

Kuljus, Maarja Nuut & Hendrik 

Kaljujärv, pUULUUp, Torupilli 

Jussi Trio. Int. Musik-Programm: 

Ahmad-Knecht-Trio, 

Ale Möller, Amine & Hamza, 

Armaos-Rostani Duo, Bella 

Ciao; Betsayda Machado & 

Parranda El Clavo, Chico 

Trujillo, Debademba, Diego El 

Cigala, Duo Bottasso, Elida Almeida, 

Eternal Voyage, Faber, 

Familia Schuen, Fatoumata 

Diawara, Frank Bettenhausen, 

El Gusto, Ganes, Graham Nash, 

Hańba!, Jens-Paul Wollenberg 

& Pojechal, Lankum, Llibre 

Vermell, Lula Pena, Maija 

Kauhanen, Mashrou’Leila, 

Monsieur Doumani, Munadjat 

Yulchieva, Oddisee, Omar 

Sosa & Seckou Keita, Omiri, 

Pam Pam Ida, Ramy Essam, 

Red Baraat, Salukat, Saz’iso, 

Shivkumar & Rahul Sharma, 

Solo, Steve Earle & The Dukes, 

Stahlquartett, Tworna, Trickster 

Sound Kollektiv, Txarango, 

Unni Løvlid, Vano Bamberger, 

Voxid, Yael Deckelbaum & The 

Mothers. Tanz: Blowzabella, 

Coreto, Eka & Iris, Kuljus, 

Naragonia, Ormuz, Schäng 

Blasius Flönz Rakete, Sierra 

Heritage Performing Arts 

Company, Sigrid Doberenz & 

Wimmerschinken u.a. 

www.rudolstadt-festival.de 

Zeltival 

5.7.-1.8.2018 

Karlsruhe, Tollhaus 

Mit Jeff Beck, Morcheeba, 

Melody Gardot, Calexico, Ziggy 

Marley, Shatel & Bucovina 

Club Orkestar u.a. 

www.tollhaus.de 

Copenhagen Jazz Festival 



Kopenhagen, DK 

10 Tage, 120 Venues, 1200 

Konzerte in der dänischen 

Hauptstadt. 

www.jazz.dk 

2. Jazzfest Ottobrunn 


Ottobrunn 

Mit Yamanda Costa, Marilyn 

Mazur, Nils Petter Molvaer, 

Eivind Aaset, Jan Bang. 

www.wfh-ottobrunn.de 


Kolumne 

The London Column 

Von Sebastian Scotney 

Hier auf der britischen Insel feiern wir dieses Jahr das Zusammenkommen 

mehrerer Initiativen zur Chancengleichheit von 

Frauen bei der Programmierung und der Nachwuchsförderung 

im Jazz. Für das Jazz Legends Festival, das im Mai in Birmingham 

stattfand, gestaltete Phil Rose das Programm ausschließlich 

mit Gruppen, die von weiblichen Instrumentalisten geführt 

wurden. Sein Kommentar: „Es war überhaupt nicht schwierig, 

weil es hier im UK so viele begabte Frauen gibt, die eine 

erfolgreiche Band leiten.“ Unter den Auftretenden waren die 

Pianistin Kate Williams, die Harfenistin Alina Bzhezhinska und 

die Saxofonistin Allison Neale mit ihrem Paul-Desmond-Gerry- 

Mulligan-Projekt. 

Ros Rigby vom Europäischen Jazz Netzwerk (EJN) erwähnte 

die Keychange-Initiative von der PRS for Music Foundation, 

dem wohltätigen Arm des britischen Äquivalents zur 

GEMA. Diese Initiative nimmt die für die Programme Verantwortlichen 

in die Pflicht, sich bestimmte Ziele zu setzen. So hat 

sich zum Beispiel das Jazzfest in Manchester als Unterzeichner 

von Keychange verpflichtet, bis 2022 bei der Programmierung 

eine 50/50-Geschlechtergleichstellung zu erreichen. Im 

März leitete Rigby selbst eine Veranstaltung zu diesem Thema 

am Rande des Jazz-Festivals in ihrer Heimatstadt Gateshead. 

Als Vorsitzende des EJN macht sie ihren Einfluss geltend für 

ein europaweites Manifest für die Geschlechtergleichstellung 

im Jazz, das dieses Jahr in Lissabon auf der alljährlich stattfindenden 

Konferenz verabschiedet werden soll. 

Hauptsprecherin in Gateshead war die Komponistin, 

Saxofonistin und Bandleaderin Issie Barratt, eine unermüdliche 

Verfechterin der Gleichstellung der Geschlechter. Sie ist seit 

zehn Jahren für die künstlerische Leitung des National Youth 

Jazz Collective (NYJC) zuständig. Aufbauend auf einem eigenen 

Forschungsprojekt, entwickelt sie Strategien, die helfen sollen, 

bestehende Barrieren für Frauen zu eliminieren. Barratt weiß 

nur zu gut, wie Frauen schon während des Musikstudiums und 

später beim Übergang in die Berufswelt die Motivation verlieren: 

„18-jährige Musikstudentinnen, die ich vom NYJC kenne, fragen 

mich, wie es sein könne, dass an den Musikhochschulen das 

Studium von Männern konzipiert und gelehrt werde und die 

Musik, die sie spielen, von Männern komponiert worden sei.“ 

Barratt hat ein Stipendium ins Leben gerufen, das dem weiblichen 

Nachwuchs den Einstieg als Jazz-Promoter erleichtern 

soll. Sie sagt: „Wir müssen Eigeninitiative entwickeln. Meine 

Strategie ist, mehr als Frauen zu finden und sie zu unterstützen. 

Das Wichtige ist, einen Wandel der Kultur zu bewirken.“ 

Jazzjournalist Sebastian Scotney betreibt die Website www.londonjazznews.com 

und macht Podcasts und Dokumentarberichte fürs Radio. 

Mostly Jazz Funk & Soul 

Festival 


Birmingham, GB 

Mit Jimmy Cliff, Candi 

Staton, Lucky Chops, Osaka 

Monaurail, Tanika Charles, 

Lack of Afro, Jalen N’Gonda, 

The Allergies, Space Ghetto, 

The Volko Trio, Tropical 

Soundclash, Keziasoul & 

Madi Saskia, The Craig 

Charles Funk & Soul Show, 

Sister Sledge, Roy Ayers 

and Fred Wesley & the New 

JBs, Ezra Collective, Laura 

Misch, Yazmin Lacey, Noya 

Rao, Skeltr, Chris Bowden 

Quartet, Fervour, Delano Mills, 

Samantha Wright Ensemble & 

Jazzline Ensemble. 

www.mostlyjazz.co.uk 

37. Eldenaer Jazz Evenings 

6./7.7.2018 

Greifswald, Klosterruine 

Eldena 

Zwischen alten Bäumen im 

malerischen Park und im 

Abendlicht leuchtendem 

Backstein begegnen sich die 

NDR Bigband, Never Complete 

(Preisträger „Jugend 

jazzt 2017“) und vier weitere 

Formationen – dort wo schon 

Caspar David Friedrich malte. 

www.greifswald.de/jazz 

Sani Festival 


Sani Ressort, Kalkidiki/GR 

Mit Till Brönner, Cecile 

McLorin Salvant, Angelique 

Kidjo u.a. 

www.sani-resort.com 

Rhone River Jazz Fest 

A Jazz Adventure 


Schweiz & Südfrankreich 

(Schiffsreise) 

www.earthboundexpeditions.com 

26. Augsburger Jazzsommer 

11.7-12.8.2018 

Augsburg, Botanischer Garten 

Mit Vijay Iver, Christian Stock 

Trio & Billy Harper, Six, Alps 

& Jazz, Florian Favre Trio, 

Andy Sheppard, Joe Lovano & 

Dave Douglas, Bobo Stenson 

Trio, sowie Sonntagsmatineen 

im Zeughaus / Brunnenhof. 

Veranstalter: Kulturamt 

Augsburg. 

www.augsburger-jazzsommer.de 

Jazz a Luz #28 

11.-14.7.2018 

Luz St. Sauveur/F 

Festival d’Altitude Pyrénées 

Vallées des Gaves 

www.jazzaluz.com 

powered by 25. Jazzopen 

12.-22.7.2018 

Stuttgart, Altes 

Schloss, Schlossplatz, 

Scala 

Ludwigsburg, Bix u.a. 

Top-Act 2018 auf der Hauptbühne: 

Pat Metheny, Stanley 

Clarke Band, Jamie Cullum, 

Marcus Miller, Joss Stone, Till 

Brönner, Gregory Porter sowie 

Christian McBride’s New 

Jawn, Meshell Ndegeocello, 

Lenny Kravitz & Gary Clark 

Jr., Knower & Moon Hooch, 

Die Fantastischen VierIndra 

Rios-Moore, Michael Wollny 

Trio & Younee, Allan Harris, 

Chico Freeman, German Jazz 

Trophy: Rolf & Joachim Kühn, 

Jason Moran and the Bandwagon, 

Tears for Esbjörn, 

David Helbock’s Random/ 

Control, GoGo Penguin, First 

Strings on Mars, Jamiroquai, 

Omer Avital, Twana Rhodes, 

Kraftwerk, Echoes of Swing, 

Wolfgang Dauner. 

www.jazzopen.com 

Internationales Jazz Weekend 

12.-15.7.2018 

Unterföhring b. München 

Mit Kinga Glyk, Kurt Elling 

& Band feat. Marquis Hill, 

Dickbauer Collective, Jazzkinderkonzert 

„Hoppel Hoppel 

Rhythm Club“. 

www.buergerhaus-unterfoehring.de 

Edinburgh Jazz & Blues 

Festival 

13.-22.7.2018 

Edinburgh (SCO) 

www.edinburghjazzfestival.com 

Wellenklænge Festival 2018 

- Festival für zeitgenössische 

Strömungen 

13.-28.7.2018 

Seebühne Lunz am See, AUT 

Unter dem Motto “Nordwind 

& Alpenglühen” erwartet das 

Publikum ein hochkarätiges 

Programm aus ca. 15 Veranstaltungen 

mit Künstler*innen 

aus Kammermusik, Jazz, 

Volksmusik, Indie-Szene u.a., 

die sich auf kreative Art und 

Weise mit der Musiksprache 

des Nordens und der Alpen 

auseinandersetzen. 

www.artphalanx.at 

Sacred Ground Festival 2018 

13.-15.7.2018 

Uckermark 

www.sacredground.de 

powered by Festival „Summer 

Jazz” 

16., 17. und 


Stadtgarten, Köln 

Summer Jazz nutzt die 

Anwesenheit von drei 

herausragenden Gruppen in 

Europa und veranstaltet drei 

herausragende Konzerte unmittelbar 

im Anschluss an die 

Fußball-Weltmeisterschaft. 

mit Carla Bley Trios feat. Andy 

Sheppard-Steve Swallow, The 

Bad Plus, Endangered Blood. 

www.stadtgarten.de 

17. Sommerfestival der 

Kulturen 

17.-22.7.2018 

Marktplatz Stuttgart 

Mit Stars der internationalen 

Weltmusikszene, Street Food 

Market, Markt der Kulturen 

bei freiem Eintritt an 6 Tagen 

ein begeistertes, tanzfreudiges 

Publikum – auch in 

diesem Jahr werden wieder 

rund 80.000 Besucher*innen 

erwartet. Mit Red Baraat, Yael 

Deckelbaum & The Mothers, 

Ladysmith Black Mambazo, 

Transglobal Underground m. 

Natacha Atlas, Amparanoia m. 

Amparo Sánchez, Liniker. 

www.sommerfestival-derkulturen.de 

powered by Konfrontationen 39 

19.-22.7.2018 

Jazzgalerei 

Nickelsdorf/AT 

„If the music is 

true, the form takes care of 

itself“ – unter diesem Motto 

aus dem Munde des weisen 

Cecil Taylor präsentiert „Konfrontationen 

2018“ u.a. folgende 

Künstler: Wilbert de Joode, 

Joe McPhee, Ryoko Akama, 

Liz Allbee, Thomas Berhammer, 

Even Parker, Mark 

Sanders, Pat Thomas, Joe 

Williamson Tom Blancarte, 

Martin Brandlmayr, Bernhard 

Breuer, Didi Bruckmayr, Tony 

Bruck, John Butcher, Angelica 

Castello, Xavier Charles, 

George Cremachi, Tim Daisy, 

Dieb13, Kaja Draksler, Isabelle 

Duthoit, Peter Evans, Wolfgang 

Fuchs, Ken Ganfield, 

Susanna Gartmayer, Georg 

Graewe, Frank Gratkowski, 

Steve Heather, Nina de Heney 

u.v.a.m. 

www.konfrontationen.at 

EuroChoir 2018 Finland/ 

Estonia 

19.7.-1.8.2018 

Helsinki (Finnland) 19.-27.7. 

Tallinn (Estland) 27.7.-1.8. 

www.sulasol.fi/en/eurochoir-2018 

37. Bayerisches Jazzweekend 

19.-22.7.2018 

Regensburg 

www.bayerisches-jazzweekend.de 

powered by Rivertone - Jazz in 

Straubing 2018 

20.-22.7.2018 

Straubing 

Ein neues Jazz- 

Festival in niederbayerischen 

Straubing im Festivalzelt Am 

Hagen. Mit Manu Katché 

Trio – The Scope, Till Brönner, 

Tribute to Gotan Project, Lily 

Dahab & Band, Minino Garay 

& Baptiste Trotignon. 

www.rivertone.de 

Hafensommer 2018 

20.7.-5.8.2018 

Würzburg 

www.hafensommer-wuerzburg.de 

Horizonte Festival 

20.-22.7.2018 

Koblenz 

Der Förderverein Kultur im 

Café Hahn e.V. präsentiert 

zum 16. Mal das Weltmusikfestival 

Horizonte! An 3 

Tagen Weltmusik mit über 30 

Bands aus aller Welt auf 5 

verschiedenen Bühnen traditionelle 

und zeitgenössische 

Weltmusik spielen. 

www.cafehahn.de 

Jazz em Agosto 

20.7.-5.8.2018 

Lissabon, PT 

www.jazzemagosto.pt 

Cosmojazz Festival Chamonix 

21.-29.7.2018 

Chamonix, F 

Mit Camille, La Chica, Arat 

Kilo feat. Mamani Keita & 

Mike Ladd, Shijin, Les Filles 

de Illighadad, China Moses, 

Manu Delago, Julia Biel, Dorantes, 

Airelle Besson, Rohey, 

Hugh Coltman, Sandra Nkaké, 

Sly Johnson, Yom & the Wonder 

Rabbis, Onefoot, Cabaret 

Contemporain, Gauthier Toux 

Trio, Les Selkies u.a. 

www.cosmojazzfestival.com 

powered by Jazzsommer im 

Bayerischen Hof 

23.-28.7.2018 

München, Hotel 


Konzerte im Festsaal & 

Night Club mit Incognito, Nik 

West, Lucky Petersen & The 

Organization feat. Tamara 

Tramell, Bill Frisell - When You 

Wish Upon The Star, Manou 

Gallo, Stanley CLarke Band, 


Joao Bosco Quartet (Termine 

s. Clubs); Fotoausstellung 

„AM Jazz -Three Generations 

Under the lens“ von Adriana 

Mateo im Atrium; Musik- 

Dokumentarfilme im Premiumkino 

Astor Cinema Lounge 

www.bayerischerhof.de 

Langnau Jazz Nights/Junior 

Jazz Meeting 

24.-28.7.2018 

Langnau, CH 

Mit Christian McBride’s New 

Jawn, Steve Coleman and 

Five Elements, Brad Mehldau 

Trio, Adam Nussbaum & the 

LJN Faculty, Judy Niemack 

Project, Billy Hart Quartet featuring 

Joshua Redman, Nicole 

Johänntgen, Joe Lovano & 

Dave Douglas Quintet, Aaron 

Goldberg Trio, Endangered 

Blood, Bokanté u.a. Und Das 

Jazz Camp für die Jungen: die 

Teilnehmenden des Junior 

Jazz Workshops können, 

neben alters- und niveaubezogenem 

Unterricht in Theorie 

und Praxis, die Instrumentalklassen 

des Jazz Workshops 

und die Special Clinics der 

abends auftretenden Bands 

besuchen. 

www.jazz-nights.ch 

Heiniken Jazzaldia 

25.-29.7.2018 

Donostia/San Sebastian/E 

www.heinekenjazzaldia.eus 

Tamburi Mundi - 13. 

Internationales Festival für 

Rahmentrommeln 

27.7.-5.8.2018 

E-Werk Freiburg 

Das weltweit größte Festival 

für Rahmentrommeln: 10 Tage 

lang ein breites, interkulturelles 

Festival-Programm mit 

Workshops, Konzerten und 

Aktionen, internationalen 

Musikern und wichtigen 

Rahmentrommelgrößen. Mit 

Murat Coskun, Zohar Fresco 

u.a. 

www.tamburimundi.com 

Jazz Dorf Jazz & Fusion 

Festival 


Wollerstorf, Wittingen 

Mit Christoph Spangenberg 

spielt Nirvana, Tobias Held 

IndieJazz Project, Nu[h]Ussel 

Orchestra. 

www.jazzdorf.com 

powered by 24. Festival 

Mallorca Jazz Sa 

Pobla 

30.7.-22.8.2018 

Sa Pobla/Mallorca, 

Plaça Major 

Jazz auf dem Marktplatz einer 

mallorquinischen Kleinstadt. 

Mit Cécile McLorin Salvant, 

Trempera! Quintet, Enrico 

Rava New Quartet, Mallorca 

Jazz Collective, 13. Seminar 

»Traveling School Playjazz«, 

Toni Vaquer Jazz Masterclass, 

Jay Clayton Jazz Masterclass 

etc. 

www.facebook.com/mallorcajazzsapobla 

www.sapobla.cat/index.php/ 

que-fer/festival-de-jazz 

Palazzo – Internationales 

Musikfestival 

31.7.-10.8.2018 

Thon-Dittmer-Palais, 

Regensburg 

www.alex-bolland.de 

powered by Ystad Sweden 

Jazz Festival 


Ystad/SWE 

Unter der künstlerischen 

Leitung von Jan 

Lundgren. Mit Cécile McLorin 

Salvant, The Manhattan 

Transfer, Ellen Andersson 

Quartet, Gunnar Eriksson 

& Rilke Ensemblen, John 

Venkiah Trio, Ellen Andrea 

Wang, Youn Sun Nah, Omer 

Klein, Monty Alexander Trio, 

Jan Sigurd All Stars, Magnus 

Lindgren, Phronesis, Jan 

Lundgren & Hans Backenroth 

meet Ratinger Kammerchor, 

Trinity, Goran Kajfeš 

Tropiques, Martin Tingvall, 

Avishai Cohen with Bohuslän 

Big Band, Trudy Kerr Quartet 

with special guest Jukka 

Perko, Elin Larsson, Christian 

Bekmulin Quartett, Wolfgang 

Haffner Band, Anna-Mia 

Barwe, Andreas Schaerer & A 

Novel of Anomaly, The Sammy 

Rimington International 

Band, Sisters of Invention, 

Paolo Fresu Devil Quartet, Nils 

Petter Molvaer, Claire Martin 

feat. Jim Mullen, Bill Evans/ 

Ulf Wakenius Band, Almaz 

Yebio Twist’n’Shout, Lizz 

Wright, Nils Landgren & Jan 

Lundgren with friends, Miss 

Sway feat. Mårten Lundgren, 

Second Line Jazzband. 

www.ystadjazz.se 

Sant’Anna Arresi Jazz 

1.-8.2018 

Sardinien/I 

www.santannarresijazz.it 

A l’arme! Festival Vol. VI 


Radialsystem V, Kantine Berghain/ 

Berlin 

www.alarmefestival.de 

3. Mera World Music Festival 


Talotaszeg, RO 

World Music Festival in Transsylvanien. 

Mit Ferenczi György 

& Rackajam, Nightlosers, 

Nadara Gipsy Band, Happy 

Beigel Klezmer, Grupul Iza, 

Guajiro Calentano, Fölszállott 

a Páva, Erdőfű etc. 

www.meraworldmusic.com 

Newport Jazz Festival 


Newport/USA 

www.newportjazz.org 

See More Jazz Festival 


Rostock 

Mit V.Tolstoy, Joo Kraus, 

U.Wakenius, B.Evans, 

L.Kellhuber u.a. 

www.seemorejazz.de 

14. „International Jazzwerkstatt“ 

Saarwellingen 


Saarwellingen 


Jazz Against 

the Machine 

3.-5. Juli 2018 

Felix Langemann Trio 


Artheater Köln 

Konzerte und Workshops mit 

Gilad Atzmon, Adriano Adewale, 

Barbara Bürkle, Kevin 

Dean, Frank Harrison, Jim 

Hart, Claus Krisch, Nicolas 

Meier, Johannes Müller, Tony 

Lakatos, Davide Petrocca, Yaron 

Stavi, John Turville, Thilo 

Wagner, Cleveland Watkiss, 

Enzo Zirilli u.a. 

www.international.jazzwerkstatt.de 

Ruhrtriennale 

9.8.-23.9.2018 

Im gesamten Ruhrgebiet 

Zum ersten Mal unter der 

Intendanz von Stefanie Carp 

mit Artiste associé Christoph 

Marthaler. 33 Produktionen und 

Projekte, davon 20 Eigen- und 

Koproduktionen, 16 Uraufführungen, 

Neuinszenierungen, 

Deutschlandpremieren und 

Installationen werden in den 

ehemaligen Industriehallen des 

Ruhrgebietes und an weiteren 

Orten gezeigt. U.a. mit einer 

neuen Kreation des südafrikanischen 

Regisseurs William 

Kentridge, Einweihung einer 

Skulptur des amerikanischen 

Künstlers Olu Oguibe, Uraufführung 

der Musiktheater-Kreation 

„Universe, Incomplete“, mit 

der Christoph Marthaler die 

komplette Bochumer Jahrhunderthalle 

bespielt. 

www.ruhrtriennale.de 

37. Jazz Middelheim 2018 


Park Den Brandt, Antwerpen/ 

BE 

Mit Kamasi Washington, Black 

Star ft. Yasiin Bey & Talib Kweli 

with Hypnotic Brass Ensemble, 

TaxiWars, Bram Weijters’ Crazy 

Men; Nordmann, Dijf Sanders, 

MDC III, Steiger, Melanie De 

Biasio, Philip Catherine Reunion 

Band, De Beren Gieren, FONS. 

ft. Logan Richardson; WOW (We 

Orchestrate Words), We Have A 

Dream, Kaneelvingers, Footprint, 

Jazz Loves Disney, Fred Hersch 

Trio, Robin Verheyen Quartet, 

Ben Sluijs Quartet, Archie 

Shepp Tribute to Coltrane w/ 

special guest, Steve Coleman 

& the Five Elements, Verheyen 

- Baron - De Looze Trio, Aka 

Moon, Mâäk Spirit presents… 

Big Ensemble, Mâäk Quintet, 

Mâäk Five, Mâäk 4tet 

www.jazzmiddelheim.be 

Ruhrtriennale 

9.8.-23.9.2018 

Ruhrgebiet 

Festival der Künste im gesamten 

Ruhrgebiet. Musik, Tanz, Theater, 

Performance und Fine Arts. 

www.ruhrtriennale.de 

19. Internationales Gitarrenfestival 

11.-18.8.2018 

Stadt Hersbruck 

Mit Alvaro Pierri, Badi Assad, 

Adam Rafferty, Don Ross, 

Maximo Diego Pujol, Joscho 

Stephan, Scott Tennant, Ana 

Vidovic, Bobby Watson u.v.a. 

www.gitarre-hersbruck.de 

Oslo Jazz Festival 

12.-18.8.2018 

Oslo, NO 

Mit Sons of Kemet, Terje 

Rypdal, Charlotte Dos Santos, 

Tribute to Joni Mitchell: Rohey 

Taalah, Susanna Annevik, 

Cory Henry u.v.a.m. 

www.oslojazz.no 

powered by Flux Festival 

-Contempory 

Electro-Acoustic 

Music from Berlin 

13.-19.8.2018 

Spektrum Berlin 

Artist Talks und Konzerte mit 

Tomomi Adachi, Liz Allbee, 

Boris Baltschun, Rashad Becker, 

Burkhard Beins, Andrea Belfi, 

Sofia Borges, Jim Campbell, Roy 

Carroll, Lan Cao, Mario De Vega, 

Sabine Ercklentz, Korhan Erel, 


termine 

Andrea Ermke, Farahnaz Hatam, 

Hanna Hartmann, Annette Krebs, 

Joke Lanz, Felicity Mangan, Kaffe 

Mathews, Andrea Neumann, Rieko 

Okuda, Andrea Parkins, Oliver 

Peters, Ignaz Schick, Richard 

Scott, Wolfgang Seidel, Eliad 

Wagner, Marta Zapparoli u.v.m. 

www.amiont.de 

Jazz & Joy 

17.-19.8.2018 

Worms 

Auf fünf Open-Air-Bühnen 

rund um den historischen 

Wormser Kaiserdom können die 

Besucher rund 40 Konzerte von 

nationalen und internationalen 

Starts verschiedener Genres erleben. 

Mit Sonderkonzert: Sarah 

Connor am 17.8., dazu Candy 

Dulfer, Stefanie Heinzmann u.a. 

www.jazzandjoy.de 

25. Jazz Open Air 

18.8.2017 

Schloss Hinterglauchau 

40. Club-Jubiläum des Glauchauer 

Jazzclubs. Mit Joe Sachse 

& Heiner Reinhardt play 

Jimi Hendrix, Conrad Bauer & 

Dag Magnus Narvesen/ Duo 

u. Quartet, „Ruf der Heimat“ 

m. Thomas Borgmann. 

www.jazzclub-glauchau.de 

powered by 39. Internationales 

Jazzfestival 

Saalfelden 

23.-26.8.2018 

Saalfelden/AT 

Wie immer offen für alle Stile. 

Das Eröffnungsprojekt hat der 

künstlerische Leiter Mario 

Steidl vom „Verein Zentrum 

Zeitgenössische Musik“ an den 

österreichischen Musiker Ulrich 

Drechsler vergeben, er wird 

das Festival mit „Liminal Zone“ 

eröffnen. Während auf den 

Hauptbühnen und den “Short- 

Cuts” vorwiegend modernkreativer 

und Avantgarde-Jazz 

zu hören sein wird, gibt es viele 

Nebenschauplätze mit World 

Music etc. in der Stadt, auf 

Höfen und Almen, im Herzen der 

österreichischen Alpen. Programm: 

Shabaka Hutchings & 

Shake Stew, Marc Ribot „Songs 

of Resistance“, Trio Aires, A 

IMPRESSUM 

JAZZTHETIK 

Magazin für Jazz 

und Anderes 

ISSN 0933-8926 

Redaktion, Vertrieb, 

Anzeigenabteilung: 

Frie-Vendt-Str. 16 (Hinterhaus) 

48153 Münster, 

Tel. 0251 / 53 34-20 

(Redaktion), 

-23 (Anzeigen / Vertrieb), 

-85 (Abos / Vertrieb), 

jazz@JAZZTHETIK.de 

www.JAZZTHETIK.de 

neuer mitarbeiter: 

KaLLe 

Pride of Lions, Nicole Mitchell, 

Elliot Sharp & Helene Breschand, 

Virta, Schnellertollermeier, 

Punkt. Vrt. Plastik, Raoul 

Björkenheim, Tomas Fujiwara, 

Jamie Branch, Kuhn Fu, Kuu!, 

Little Rosie Kidergarten, Théo 

Ceccaldi u.v.a.m. 

www.jazzsaalfelden.com 

Musica sulle bocche International 

Jazz Festival 

23.-26.8.2018 

Santa Teresa Gallura/IT 

Mit Danilo Pérez Trio, Sergio 

Cammariere, Ben Wendel 

Quartet, Mingus World m. 

Maria Vicentini & Salvatore 

Maiore, Clara Peya u.a. 

www.musicasullebocche.it 

Koktebel Jazz Party 

24.-26.8.2018 

Koktebel, RU 

Koktebel Jazz Party ist ein 

jährlich stattfindendes Jazzfestival 

am Schwarzen Meer, 

dass Jazz-Enthusiasten und 

Musikliebhaber aller Altersgruppen 

in unvergesslicher 

Atmosphäre zusammenbringt. 

www.en.koktebel-jazz.ru 

44. Jazz Festival Willisau 

29.8.-2.9.2018 

Willisau/CH 

Festivalleiter Arno Troxler blickt 

gespannt und freudig auf ein 

abwechslungsreiches und mit 

bewährten und neuen Namen 

besetztes Festival. Programm: 

Oliver Lake Organ Quartet, Erb/ 

Baker/Rosaly, The Thing feat. 

James Blood Ulmer, Pascal 

Gamboni & Rees Coray, Jaimie 

Branch’s Fly or Die, Fischermanns 

Orchestra, Irina & 

Jones, Stoffner/Lovens/Mahall, 

Feigenwinter Oester Pfammatter, 

The Young Mothers, 

Hanreti, Vinz Vonlanten, Nate 

Wooley Battle Pieces, Fredy 

Studer, ChaChaMania, Spill, 

Celea/Reisinger/Parisien u.a. 

www.jazzfestivalwillisau.ch 

powered by 

Sommerton- 

Festival 2018 

31.8.-2.9.2018 

Schlossanlage 

Diersfordt, Wesel 

Herausgeberin und Verlegerin: 

Christine Stephan, Frie-Vendt-Str. 16 

(Hinterhaus links), 48143 Münster, 

Tel. 0251 / 53 34-32 

Chefredaktion + v.i.S.d.P.: 


Schlussredaktion: 

Guido Diesing 

JAZZTHETIK erscheint 6 x im Jahr 

und kostet 8,20 €, 

im Jahresabo 41,- €, 

in Europa 71,- €, 

im nicht europ. Ausland 75,- € 

inkl. Mwst. und Zustellgebühr 

Die „Muziek Biennale 

Nierderhein“ ist mit ihrer 

Auftaktveranstaltung Gast des 

Sommerton-Festivals. Mit dem 

dreitägigen Festivalauftakt unter 

dem Titel „Ein Fenster zur 

Freiheit - Musikkulturen dieser 

Welt“ werden wir Sie auf eine 

besondere musikalische Reise 

mitnehmen: „The Astounding 

Eyes of Rita“ des tunesischen 

Oud-Virtuosen Anouar Brahem 

mit Khaled Yassine-Klaus 

Gesing-Björn Meyer. 

www.sommerton.de 

Jazz an einem Sommerabend 


Burg Linn, Krefeld 

Mit Kinga Glyk, Makiko Hirabashi 

Trio, Horst Hansen Trio. 

www.jazz-an-einem-sommerabend.de 

Jazzhátíd Reykjavikur -Reykjavik 

Jazzfestival 


Reykjavik/ISL 

www.reykjavikjazz.is 

Trave Jazz Festival 


Lübeck, versch. Orte 

Mit KaMA Quartet u.a. 

www.travejazz.de 

Jazzin’ the Black Forest 


Villingen-Schwenningen 

Man feiert 50 Jahre MPS im 

Franziskaner und im Jazzclub 

VS. Mit Rolf & Joachim Kühn, 

Rob Mazurek & Immortal Birds 

Bright Wings, James Braddell 

aka Funki Porcini. 

www.mps-villingen.de 

5. European Jazz Conference 

13.-16.9.2018 

Lissabon, PT, Centro Cultural 

de Belém 

Die European Jazz Conference 

ist die führende jährliche 

Zusammenkunft von Fachleuten 

des Jazz in Europa, insbesondere 

von Veranstaltern, 

Kulturmanagern, Agenten 

und nationalen / regionalen 

Organisationen. Die Generalversammlung 

des Europe Jazz 

Network (seit 2014) ist nun 

Redaktionsschluss: 

1. des Vormonats 

Redaktion: 

Christine Stephan, 

Hans-Jürgen Linke, 

Guido Diesing 

Terminredaktion: 


Anzeigen: 

Christine Stephan 

Korrektorat: 

Björn Simon 

Abo und Vertriebsleitung: 

Ute Ußler, Sandra Bolz, 

Reyhan Özdemir 

auch für jeden Musikprofi unter 

dem Namen European Jazz 

Conference zugänglich. Die 

EJC besteht aus inspirierenden 

Keynote-Reden, hochrangigen 

Diskussionsgruppen und Workshops, 

Networking-Sessions für 

Fachleute des kreativen Musiksektors, 

kulturellen Besuchen 

und Showcase-Festival der 

besten neuen Künstler aus dem 

Gastgeberland Italien für 2019. 

www.europejazz.net 

4. Take The A-Train Festival 

13.-16.9.2018 

Salzburg/AT, Jazz it 

www.jazzit.at 

Jazzfestival Freiburg 2018 

15.-23.9.2018 

Freiburg, Jazzhaus, E-Werk 

Mit De-Phazz, Lars Danielsson, 

Mare Nostrum,Michael 

Wollny Trio u.a. 

www.jazzfestival-freiburg.de 

Flame Jazz Cruise 


Turku / FI 

www.flamejazz.com/flamejazz-cruise 

32. Internationale Sonneberger 

Jazztage 2018 

Zwischen 23.9. und 2.-5.11.2018 

Sonneberg, versch. Spielorte 

Prologkonzert Jazz in der Villa: 

Arkady Shilkloper & Vadim 

Neselovskyi; Texte & Sounds 

Vol. 10: Thilo Wolf Quartet feat. 

Johanna Iser „The Spirit of Ella 

Fitzgerald“ m. Schriftsteller 

Ewald Arenz; Sazerac 

Swingers, Carlos Reisch, Daniel 

Hoffmann Quartett, Peter 

Mante & his New Life Gospel 

Choirs, Funkydumbstuff; 

“Funk’n Soul”. Veranstalter: 

Sonneberger Jazzfreunde e.V., 

Thüringisch-Fränkischer Verein 

zur Förderung und Pflege 

der Jazzmusik und Kleinkunst. 

www.son-jazz.de 

powered by Multiphonics 


27.9.-7.10.2018 

Köln, Düsseldorf, 

Dortmund, Frankfurt, 

Berlin 

Graf. Konzeption / Gestaltung: 

M4 Media: Martin Trunz 

Titelgrafik: 

Norbert Bresch 

unter Verwendung eines 

Fotos von Lutz Voigtländer 

Internetausgabe: 

Ingo Ebel 

Internetredaktion: 

Christine Stephan 

Herstellung: 

D+L Reichenberg GmbH, 

Bocholt 

Mitarbeiter / Mitarbeiterinnen dieser Ausgabe: Zakari Babel, Angela Ballhorn, Peter Bastian, 

David Beecroft, Laurene Berchoteau, Carl Bergman, Ulla C. Binder, Jacob Blickenstaff, 

Thomas Bugert, Naya Collective, Andreas Collet, Daniel Corrigan, Andrew Cotterill, Guido 

Diesing, Ralf Dombrowski, Marc Ducrest, Thierry Dubuc, Martin Feldmann, Dariusz Gackowski, 

Claus Geissgross, Christoph Giese, Vinicius Giffoni, Sven Götz, Pierrick Guidou, Oscar Henn, 

Stefan Hentz, Harald Hoffmann, Gregor Hohenberg, Nadja Höhfeld, Carl Hyde, Rene Jakobsoni, 

Kalle, Wolf Kampmann, Srđan Keko, Jan Kobrzinowski, Thomas Kölsch, Michael Kuchinke 

Hofer, Hans Kumpf, Maarit Kytöharju, Jean-François Labérine, Erwan Levigoureux, Zbigniew 

Lewandowski, Hans-Jürgen Linke, Josef Maier, Olaf Maikopf, Eric Mandel, Stefanie Marcus, 

Thomas Melzer, Raul Ollo, Holger Pauler, Goran Petersson, Evelina Petrova, Francesca Pfeffer, 

Stefan Pieper, David Plate, Ulrike Proske, Arne Reimer, Gerhard Richter, Nicolas Righetti, 

Barbara Rigon , Hans-Jürgen Schaal, York Schäfer, Harry Schmidt, Andreas Schneider, Frank 

Schindelbeck, Sebastian Scotney, Björn Simon, Torsten Stapel, Peter Steinfadt, Stefan Streitz, 

Victoriah Szirmai, Liisa Taul, Rolf Thomas, Lutz Voigtländer, Christoph Wagner, Joachim Weis, 

Barbara Woike, Ayse Yavas, Ebru Yildiz, Martina Zimmermann 

Zahlreiche spartenübergreifende 

Konzerte mit vertrauten 

wie neuen Klängen, mit 

internationalen Künstlern 

und Ensembles. Dazu 

spannende Workshops mit 

den Konzertkünstlern über die 

Themen Improvisation, Jazz 

und Weltmusik für Anfänger, 

Fortgeschrittene und Profis 

auf allen Instrumenten. Artist 

in Residence: Anat Cohen, mit: 

Anat Cohen & Trio Brasileiro, 

Eric Schaefer “Kyoto Mon 

Amour”, Norma Winstone 

Trio, hr-Bigband feat. Gianluigi 

Trovesi, Gabriele Mirabassi 

& Trio Correnteza, ensemble 

FisFüz feat. Jean-Louis 

Matinier & Arkady Shilkloper, 

Naqsh Duo, Potsa Lotsa Plus, 

Multiphonics Seven, Paul 

Heller invites Anat Cohen 

feat. Next Level Jazz All Star 

Big Band. 

www.multiphonics-festival.com 

powered by Jazzfestival 

Leibnitz 2018 

- Jazz & Wein 

27.-30.9.2018 

Leibnitz/AT 

Mit Daniel Herskedal & Maius 

Neset, Wadada Leo Smith´s 

Great Lakes Quartet, Marialy 

Pacheco & Omar Sosa, Renaud 

Garcia-Fons Trio - Revoir 

Paris, The Kandinsky Effect, 

Synesthetic Octet, Gabriele 

Mirabassi, Nando Di Modugno, 

Pierluigi Balducci, The 

Whammies, Jazz for Kids. 

www.jazzfestivalleibnitz.at 

25. Jazzmeile Thüringen 

28.9.-8.12.2018 

Diverse Spielorte in ganz 

Thüringen 

www.jazzmeile.org 

11. Generations - International 

Jazzfestival 2018 

29.9.-6.10.2018 

Frauenfeld, CH 

Mit der First Lady of Jazz 

Orchestra Maria Schneider (2 

Konzerten und Kompositionsklasse), 

Kaleidoscope String 

Quartet, Marie Kruttli, Michael 

Arbenz (Vein), Joe Haider, 

Adrian Mears Electric Trio, 

Einem Teil dieser Auflage liegen 

Prospekte von „Jazzclub Hürth“ und 

„Jazztage Dresden“ bei. 

Namentlich gekennzeichnete Texte 

und Fotos geben nicht unbedingt 

die Meinung der Redaktion wieder. 

Für unverlangt eingesandte Fotos, 

Illustrationen oder Manuskripte 

übernehmen wir keine Gewähr. 

Nachdruck von Texten, Bildern und 

vom Verlag gestalteter Anzeigen 

nur mit schriftlicher Genehmigung. 

Bei allen Verlosungen im Heft ist 

der Rechtsweg ausgeschlossen. 

MitarbeiterInnen sind von den 

Verlosungen ausgeschlossen. 

Gerichtsstand ist Münster. 

Member of the European 

Jazz Mediagroup 

Aphrotek m. Eliyah Reichen, 

Nathalie Loriers, Ari Hoenig, 

Kate McGarry m. Gary Versace, 

Adam Pierończyk m. mit 

Miroslav Vitouš, Trilok Gurtu 

und Adrian Mears, Antonio 

Lizana, Donny McCaslin, 

Masterclasses etc. 

www.generations.ch 

powered by 20. Enjoy Jazz 

2.10.-17.11.2018 

Mannheim, 

Heidelberg, 

Ludwigshafen 

Ein musikalischer Mix aus Jazz, 

Soul und Hip-Hop über Klassik, 

Avant-Garde und Electro in der 

Metropolregion. Die Jubiläumsausgabe 

ist programmatisch 

noch breiter aufgestellt 

als üblich: es gibt neben 

experimentellen Geheimtipps 

ebenso etablierte Weltstars 

und langjährige musikalische 

Begleiter des Festivals. Sie alle 

finden sich ein in den verschiedenen 

großartigen Festival- 

Locations. Rahmenprogramm 

mit Jugendförderung von Enjoy 

Jazz in Zusammenarbeit mit 

der BASF SE. 

www.enjoyjazz.de 

Landesjazzfestival Friedrichshafen 


Friedrichshafen, Graf Zeppelin 

Haus/Kulturhaus Caserne 

Mit Klaus Doldinger’s 

Passport, Jasper van’t Hof’s 

Pili Pili, Renaud Garcia-Fons, 

Samo Salamon Bassless Trio 

feat. Howard Levy u.v.a.m. 

Veranstalter: JazzPort Friedrichshafen 

e.V. 

www.jazzport-fn.de 

powered by AngraJazz Festival 

International de 

Jazz de Angra do 

Heroísmo 


Angra do Heroísmo, Terceira 

Island, Azoren/PT 

Das einzige Festival auf einer 

Insel mitten im Atlantik. Angra 

wird organisiert von der Non- 

Profit Organisation Associação 

Cultural AngraJazz, mit 

Unterstützung des Angra do 

Heroísmo City Council, dem 

regionalen Department für 

Kultur und Tourismus, der portugiesischen 

Tourismusbehörde 

und privaten Sponsoren. 

www.angrajazz.com 

Galway Jazz Festival 


Galway/IRL 

Mit Trondheim Voices, 

Emil Brandqvist Trio, Koko 

Ensemble, Haz’art Trio, Simon 

Nabatov, Paul McIntyre, Arve 

Henriksen u.v.a.m. 

www.galwayjazzfest.ie 

powered by Leipziger Jazztage 

2018 „Fish and 

Chips“ 

11.-20.10.2018 

Leipzig, versch. 

Spielorte 

Unter der Schirmherrschaft 

von Leipzigs Oberbürgermeister 

Burkhard Jung bringt das 

Festival an zehn Tagen und 

zehn Spielorten weit über 

100 britische und deutsche 

Musiker*innen zusammen 

auf die Bühne, die sich nicht 

nur dem musikalischen Erbe 

Großbritanniens, sondern 

auch seiner jungen, vielversprechenden 

Jazzszene 

widmen. Bisher bestätigt: 


Literatur 

Norma Winstone, Norma 

Winstone Trio, Hidden Orchestra, 

Dave Holland’s Aziza 

w/ Chris Potter, Lionel Loueke 

& Eric Harland, Avishai Cohen 

Quartet, Joshua Redman’s 

James Farm w/ Aaron Parks, 

Matt Penman & Eric Harland, 

Empirical, Michael Wollny, 

Leafcutter John & Alex Nowitz 

„Goldberg-Tangenten“, Yazz 

Ahmed, Max Andrzejewsk’s 

Hütte and Guests play Robert 

Wyatt, Elliot Galvin Trio, Lucia 

Cadotsch w/ Lucy Railton & 

Kit Downes, Kit Downes solo, 

Helmut ‚Joe‘ Sachse & Maggie 

Nicols „Nevergreens“, Oli 

Steidle & The Killing Popes, 

Matthias Boghuts Milk Wood 

„Dylan Thomas“, Queens 

„Jazz“ w/ Christian Kögel, Kai 

Brückner, Peter Ehwald & Uli 

Kempendorff u.a. 

www.jazzclub-leipzig.de 

4. Jazzfestival Esslingen 2018 

14.-28.10.2018 

Esslingen 

In diesem Jahr steht das 

Festival ganz im Zeichen von 

„50 Jahre ECM Records“. 

www.jazzfestival-esslingen.de 

28. Blues- und Jazzfestival 

„Jazz goes to Kur“ 

16.-21.10.2018 

Bad Wörishofen 

An 3 Hauptabenden stellt der 

Arbeitskreis Jahr für Jahr ein 

abwechslungsreiches Konzertprogramm 

auf die Beine 

mit Boogie, Blues und Swing 

und klassischem Jazz. Mit 

abwechslungsreichem Rahmenprogramm 

mit örtlichen 

Musikern, Filmvorführungen 

sowie Jazz- Workshop für 

Jugendliche. Mit Rüdiger 

Baldaufs „Jackson Trip“, 

Julian & Roman Wasserfuhr, 

Echoes of Swing etc. 

www.jazzgoestokur.de 

39. Konstanzer Jazzherbst 


Konstanz, K9 und Kulturzentrum 

am Münster 

Mit Kalle Kalima, Lucas Niggli, 

Ralf Kleinehanding, Johannes 

Grütter, Berenike Derbridge, 

Olivier Potratz, Oliver Steidle, 

Leila Martial, Eric Perez, Pierre 

Tereygeol, Laura Schuler, Philipp 

Gropper, Hanspeter Pfammatter, 

Lionel Friedli, Roberto Negro, 

Émile Parisien, Michele Rabbia, 

Vera Kappeler, Peter Conradin 

Zumthor, Christian Lillinger, 

Tobias Delius, Pierre Borel, 

Achim Kaufmann, Christpher 

Dell, Jonas Westergaard, Robert 

Landfermann, Hannes Reich. 

www.jazzclub-konstanz.de 

powered by 49. Deutsches 

Jazzfestival 

Frankfurt 

22.-27.10.2018 

Frankfurt, Alte 

Oper 

Mit u.a. „Hut ab!“ - Albert 

Mangelsdorff@90: Christof 

Lauer, Joachim Kühn, Pierre 

Favre, Nils Wogram, Samuel 

Blaser, Stefan Lottermann, 

Bruno Chevillon, Daniel Humair, 

hr-Bigband, Ltg. Jim McNeely. 

www.jazzfestival.hr2-kultur.de 

powered by 18. WOMEX - 

World Music Expo 

24.-28.10.2018 

Las Palmas de 

Gran Canaria/E 

Das vielseitigste World Music 

Treffen der Welt mit Messe, 

Networking, Showcase 

Festival, Konferenz, Filmen, 

Awards, virtualWOMEX u.a. 

www.womex.com 

Umeå Jazz Festival 

24.-28.10.2018 

Umeå/SWE 

www.umeajazzfestival.se 

34. Würzburger Jazzfestival / 

3. Landesjazzfestival Bayern 


27./28.10.2018 

Würzburg, Felix-Fechenbach- 

Haus 

Mit Tiktaalik, Lines for Ladies 

feat. Sheila Jordan, Thomas 

Siffling Flow, dem Bayerischen 

Landesjazzensemble, 

Three Fall & Melane, Jazzrausch 

Bigband. Veranstalter: 

Jazzinitiative Würzburg e. V. 

www.jazzini-wuerzburg.de 

20th Zurich JazznoJazz 


31.10.–3.11.2018 

Gessnerallee Zürich, ZKB 

Club im Theater der Künste 

Mit The Manhattan Transfer, 

Avishai Cohen «1970», 

Jimmy Cliff, Clayton-Hamilton 

Jazz Orchestra feat. Cécile 

McLorin Salvant, Tingvall Trio, 

Lisa Simone, Victor Wooten 

Trio, Kennedy Administration, 

Mario Biondi, GoGo Penguin, 

Incognito, Jojo Mayer Nerve, 

Andreas Schaerer - Familien- 

Konzert, Maceo Parker, Macy 

Gray, Raphael Saadiq, Fred 

Wesley & the New JB’s, Kennedy 

Administration u.a. 

www.jazznojazz.ch 

powered by Jazztage Dresden 

1.-29.11.2018 

Dresden, Erlwein- 

Capitol u.a. 

Bereits im letzten 

Jahr haben sich die Jazztage 

Dresden als größtes Jazzfestival 

Deutschlands weit über 

die Grenzen des Landes hinaus 

einen Namen gemacht. Bisher 

bestätigt: Gregory Porter, Al 

DiMeola, Jan Garbarek & 

Trilok Gurtu, Avishai Cohen (b), 

Rebekka Bakken, Candy Dulfer, 

Mnozil Brass, Klazz Brothers 

& Cuba Percussion, Cristin 

Claas Trio, Luca Stricagnoli, 

Martin Tingvall, Quadro Nuevo, 

„Nacht der Gitarren“ mit Luca 

Stricagnoli, Antoine Boyer, 

Cenk Erdogan und Samuelito; 

Blues Night mit Sharrie Williams, 

Tad Robinson, The Wise 

Guys etc. 

www.jazztage-dresden.de 

Tampere Jazz Happening 


Tampere/FI 

In jedem Jahr bietet das 

internationale Programm des 

Tampere Jazz Happenings 

bekannte Namen des 

internationalen Jazz und 

Pioniere der Zukunft. Das 

4-tägige Festival ist bekannt 

für seine warme Atmosphäre 

und seinen offenen Zugang 

zum modernen Jazz. Mit hochkarätigen 

finnischen Musikern 

sowie weltbekannten Künstler 

auf 3 Bühnen. 

www.tamperemusicfestivals.fi/ 

jazz 

29. Vredener Jazznacht 

2.11.18 

Vreden, Kulturcafe N‘Joy 

Mit Three Fall & Melane, 

Pimpy Panda. 

www.hamaland-jazz-club.de 

Jazz Tage Erding 


Erding 

www.kms-erding.de 

powered by 

Unlimited 32 

9.-11.11.2018 

Wels, AT 

www.musicunlimited.at 

2. Taunus Jazz Fest - 

Taunusstein 

16.-17.11.2018 

Salon-Theater, Taunusstein 

Mit Volker Rebell & Moritz 

Stöpel, Uli Partheil/Hans 

Höhn/Hermann Kock/ 

Jörg Steinhardt Superfro, 

Klangcraft feat. Heinz- 

Dieter Sauerborn & Ramesh 

Shotham. 

www.salon-theater.de 

Jazztopad 

21.-26.11.2018 

Wrocław / PL 

www.nfm.wroclaw.pl/en/ 

jazztopad 

powered by 21. Akut-Festival 

23./24.11.2018 

Frankfurter Hof, 

Mainz 

Mit Die Enttäuschung, 

Uwe Oberg-Silke 

Eberhard, Mette Rasmussen 

Quintet, Julia Kadel Trio, 

Ditzner & Lömsch, Atomic. 

Das Akut - ein Festival, 

das international besetzt, 

spannende und innovative 

musikalische Projekte aus 

dem Grenzbereich zwischen 

Jazz, Avantgarde und Rock 

präsentiert, danach sind diese 

oft auf ganz großen europäischen 

Festivals endgültig 

zu sehen. Veranstaltet vom 

Verein upArt e. V. 

www.akut-festival.de 

The Jazz Cruise 

19.-26.1.2019 

Kreuzfahrt Ft. Lauderdale 

- St. Maarten - St.Thomas - 

Bahamas 

“Not just a cruise - a legend”; 

mit Chucho Valdez, Joey 

Alexander, Joey DeFrancesco, 

Brecker Band, Eliane Elias, 

SFJazz Collective, Jeff Hamilton 

Trio u.a. 

www.thejazzcruise.com 

Blue Note At Sea -The Now 

of Jazz 

26.1.-2.2.2019 

Kreuzfahrt Ft. Lauderdale - 

Nassau - Cozumel - Belize 

- Key West 

www.bluenoteatsea.com 

powered by 

Mr. M’s Jazz Club 

14.-16.3.2019 

Kurhaus Baden- 

Baden 

www.mister-ms.de 

powered by 50. Internationale 

Jazzwoche 

Burghausen 

26.-31.3.2019 

Burghausen 

www.b-jazz.com 

37. Cully Jazz Festival 

5.-13.4.2019 

Cully/CH, Théâtre De Vevey 

Mit Rokia Traoré u.a. 

www.cullyjazz.ch 

Bodø Jazz 2019 

8.-11.5.2019 

Bodø/Norwegen 

www.bodojazzopen.no 


Fred Hersch 

Leben für die 

Musik 

Einer, der etwas zu sagen hat: 

Fred Hersch hat seine Autobiografie geschrieben. 

„Ich dachte, dass Musik nicht mehr wichtiger für mich 

werden konnte. Und doch wurde sie es.“ Ein Schlüsselsatz 

aus Good Things Happen Slowly, der Autobiografie von Fred 

Hersch, die im Jahr 2017 erschien, einem wichtigen Jahr für 

ihn. Gleichzeitig mit Grammy-Nominierungen und dem Start 

der Filmdokumentation The Ballad of Fred Hersch teilt der 

Jazzmusiker mit dem Leser die Erfahrungen, die er nach seinem 

Coming-out machte, dem Bekenntnis Freunden, Familie 

und Öffentlichkeit gegenüber, sowohl schwul als auch HIVpositiv 

zu sein, und wie er mit der schweren Erfahrung seines 

mehrwöchigen Komas umging, in das man ihn aus medizinischen 

Gründen versetzt hatte. Nicht das gesamte Drama 

seines Lebens macht Good Things Happen Slowly schon per 

se zu einem sehr guten Buch, vielmehr stellt Hersch unter 

Beweis, dass er, gemeinsam mit dem Musikjournalisten David 

Hajdu, ebenso spannend schreiben kann, wie er Klavier 

spielt. 

Fred Hersch befindet sich derzeit an einem weiteren 

Höhepunkt eines ungeheuer kreativen Künstlerlebens. Seine 

persönliche Entwicklung und Leidensgeschichte prägte seine 

Musik – und umgekehrt. Bücher, filmische Dokumentationen 

oder Autobiografien von Jazzmusikern gibt es reichlich. Nicht 

jedes Buch, das erscheint, muss wirklich etwas zu sagen 

haben. Dieses hat es, und was so berührt, ist die Lebensgeschichte 

eines intelligenten, kreativen, lebensklugen und 

nachdenklichen Mannes, der sein Leben lang brauchte, unter 

Aufwendung aller Lebenszeit und manchmal schwindender, 

aber dennoch nie versiegender Kraft, er selbst zu werden. 

Schon in jungen Jahren war Fred Herschs Selbstwertgefühl 

über seine Kompetenz als Musiker definiert. Mannwerden 

und Schwulsein mussten dagegen warten. Wie sehr ihn das 

belastete und wie sehr ihn sein Coming-out von dieser Last 

befreite, erzählt er eloquent und selbstreflektiert in Kapiteln 

leidvoller, selbstquälerischer, auch hedonistisch-genussvoller 

Erfahrungen eines letztlich völlig der Musik gewidmeten 

Lebens. 

Fred Hersch: 

Good Things Happen Slowly – A Life in and Out of Jazz. 

Crown Archetype / Penguin Random House 

320 Seiten, 21,45 Euro 


109

Termine 

powered by 25. Jazz in e. 

“Ritual” 

29.5.-1.6.2019 

Eberswalde 

Ein Festival aktueller 

Musik. 

www.mescal.de 

powered by Moers Festival 

7.-10.6.2019 

Moers, Festivalhalle 

Es gibt es wieder 

viele Gründe, nach Moers 

zu kommen oder in Moers 

zu bleiben: neben Konzerten 

hochklassiger internationaler 

Künstler in der Festivalhalle 

wird es auch 

2019 wieder ein Programm mit 

zusätzlichen Konzerten und 

Veranstaltungen im 

Festivaldorf geben. 

www.moers-festival.de 

Das Zitat 

Workshops 

Exploratorium Berlin 

Workshops, Theorie & Forschung, 

Sessions, Konzerte. 

2004 gegründet, widmet sich 

Exploratorium der Förderung 

einer facettenreichen, aktiven 

Improvisationskultur. 

www.exploratorium-berlin.de 

Jazz-Ausbildung Sommersemester 


Frankfurter Musikwerkstatt 

FMW 

Die FMW bildet Jazz und 

Populäre Musik in verschiedenen 

Qualifizierungsformen 

aus: ein- oder mehrsemestriges 

Vorstudium oder 

8-semestriges Studium zum/ 

zur staatlich anerkannten 

Berufsmusiker/in und Instrumentalpädagogen/in 

mit 

Jazz- oder Popschwerpunkt. 

Ohne Altersbeschränkung, 

Studiengang BAFöGgefördert. 

www.fmw-jazzschool.de 

Jazzin’ July Workshop 


Leende (Eindhoven) 

Für Anfänger & Fortgeschrittene, 

Öffentliche 

Dozentenkonzerte. Mit Frank 

Roberscheuten –sax, Shaunette 

Hildabrand – voc, Colin 

Dawson – tp, Dan Barrett – tb, 

Engelbert Wrobel – cl, sax, 

Chris Hopkins – p, sax, Bernd 

Lhotzky – p, Rolf Marx – g, bj, 

Henning Gailing – b, Oliver 

Mewes – dr. 

frank.roberscheuten@ 

planet.nl 

Complete Vocal Technique 

(CVT) 

Freiburg 

8.7.2018, 21.10.2018, 9.12.2018 

Einführungskurse und 

Masterclass Complete Vocal. 

Technique: Dozent: Stefan 

Rheidt. Eine innovative und 

wegweisende Methode für 

alle mit Interesse an der Arbeit 

mit der Stimme. Erfunden 

und erforscht von Catherine 

Sadolin, Kopenhagen. Die 

Methode, international von 

Sängern, Gesangslehrern, 

Schauspielern, Sprachtherapeuten, 

Ärzten empfohlen, für 

jeden Gesangsstil. 

www.vocalive.de 

Man wusste wohl aus den vergangenen sechs Jahren, was einen da 

Schönes erwartete: Musik im Freien, Holztische und -bänke auf der leicht 

abschüssigen Wiese, Bratwurst und Getränke und vor allem – richtig 

guter Jazz. 

– Eckernförder Zeitung, 22.05.2018, abgerufen am 25.05.2018, https://www.shz.de/19914601 

Es geht um „Wiesenjazz am frühen, sonnigen Pfingstabend“. Dem Musiker hingen die Haare wild 

in die Stirn, aber der Jazz war natürlich „richtig gut“. Solche und ähnliche Dinge stehen in vielen 

Lokalzeitungen, gerade jetzt im Sommer. Überall in der Provinz gibt es feinsten und Weltklasse- 

Jazz zu hören, Jazz auf dem Marktplatz und Jazz mit Pommes, Sternstunden des Jazz und 

Füllhörner des Jazz. Letztlich erfährt man aber mehr über das Wetter. Lokaljournalisten scheint 

nicht viel Konkretes einzufallen zum Jazz. Bei Pommes und Bier ist er ja ganz nett, aber sonst? 

Wozu gibt es Jazz überhaupt? Wer sollte sich damit ernsthaft und hauptsächlich beschäftigen? 

Wozu überhaupt Musik, Kunst und Kultur? Man kann sein Leben doch ganz gut ohne all das aushalten. 

Videospiele, Netflix-Abos, Social Media, ein bisschen im Netz ablästern – es wird einem 

nicht langweilig. Sucht man den Flow, geht man joggen. Will man sich anstrengen, stemmt man 

Gewichte. Wer braucht Kultur? 

Wozu Musik grundsätzlich und überhaupt gut sein könnte, darüber gibt es manche Theorie. 

Leute wie Platon und Napoleon waren der Meinung, Musik diene vor allem dem Staat, weil sie die 

Bürger bei Laune halte. Man spricht heute von Musik als dem „sozialen Kitt“, der die Gemeinschaft 

stärkt. Gemeinsames Musizieren sei eine Einübung in Solidarität und Teamwork. Manche Eltern 

hoffen dagegen auf den sogenannten „Mozart-Effekt“ im Gehirn: Demnach steigert musikalische 

Früherziehung den IQ und führt zwangsläufig später zu einem Top-Job im großen Management. 

Andere schätzen an der Musikausübung die Disziplin: „Frühes Musizieren übt die Tugenden der 

Arbeit.“ Wieder andere begreifen die Beschäftigung mit Musik als Training für den Umgang mit 

Komplexität – auch das kann man im Beruf gut gebrauchen. 

Wie auch immer: Argumente für Musik sind meistens Argumente für ihre Nützlichkeit im 

„richtigen Leben“. Vielleicht aber setzt Musik schon viel tiefer und elementarer an. Der Neurobiologe 

Donald Hodges nennt sie ein „eingebautes System“, einen „festen Bestandteil des Menschen“. 

Musik hilft nicht nur, dass Menschen „funktionieren“ – sie stärkt ein Leben lang jene Fähigkeiten, 

die unsere Humanität ausmachen: Kommunikation, Konfliktlösung, Empathie. Musik müsste daher 

Kernfach in den Schulen sein. In der Theorie wissen das auch Deutschlands Kultusminister. 

Musikunterricht unterstütze die Persönlichkeitsbildung sowie Engagement und Verantwortung im 

Handeln, heißt es bei der KMK. Er fördere – „im Spannungsfeld von überlieferter und gegenwärtiger, 

eigener und fremder Musikkultur“ – die Entwicklung einer bewussten historisch-kulturellen 

Identität. Ich sage: Mehr davon! Dafür überlassen wir die Mathe-Tests gern den Computern – die 

können das ohnehin besser. 

Sebastian Brant 

Jazz zwischen Nord und Süd 

11.-15.7.2018 

Mitteleuropäische Jazzakademie 

Meran/Südtirol, IT 

Die mehrsprachigen Meraner 

Jazzkurse (Dt., It., Engl.) mit 

renommierten Musikern und 

Lehrern, u.a. Kurt Rosenwinkel 

(g), Dado Moroni (p), Pietro 

Tonolo (sax). Künstlerische 

Leitung: Franco D’Andrea, mit 

Meisterklasse „Der Sound der 

20er Jahre“. 

www.meranojazz.it 

International Jazz Platform 

16.-19.7.2018 

Lodz/Polen 

Creative Jazz Workshop mit 

Samuel Blaser, Kit Downes, 

Ingebrigt Haker Flaten u.a. 

www.letniaakademiajazzu.pl 

Cajón-Akademie 

19.-22.7.2018 

Landesmusikakademie NRW, 

Heek (Münsterland) 

Von Peru bis Pop. Mit José J 

Cortijo, José Montaña, Pepe 

Leiva. 

www.landesmusikakademienrw.de 

Sound Jazzy! - Jazz Harmony 

Training For Musicians 

Seminarhaus Raach/AT 

21./22.7.2018: Wie funktioniert 

Jazzharmonik? Was ist der 

Unterschied zur Klassik? 

Fortbildungs-Angebot für Jazzinteressierte 

MusikerInnen 

aller Genres. Crashkurs Jazz 

on String Instruments. 11.- 

15.8.2018: Alternative Strings 

Summer Session - Jazz & Popularmusik 

auf Streichinstrumenten; 

Improvisation, Rhythmus, 

Groove, Changes, Ear Training. 

Veranstalter: MICIS - Institut für 

Kulturvermittlung/Wien. 

www.micis.at/musikunterricht 

Sommer-Jazzkurse Burghausen 


30.7.-5.8.2018 und 

6.8.-12.8.2018 

Mautnerschloss Burghausen 

552 und 553. Jazzkurs. Beide 

Kurse behandeln Rhythmik, 

Melodik, Improvisation, Arrangement, 

Repertoire und Zusamenspiel. 

Für Musiker*innen 

aller Stilrichtungen. (Anf. und 

Fortgeschr.) Dozenten: Joe 

Viera, Ed Kröger, R. Greiner, I. 

Dinné, A. Prsuhn, R. Glöder, M. 

Schrack, H. Claus, W. Kulawik, 

W. Ruß. 

www.bjazz.com 

14. „Internationale Jazzwerkstatt“ 

Saarwellingen 


Saarwellingen 

Kombination aus Workshop für 

Lernwillige und abendlichen 

Konzerten für Musikbegeisterte. 

Workshop mit international 

renommierten Dozenten (Gruppen, 

Einzelunterricht & Combo). 

Tagesworkshop “Jazz-Chor” 

am 12.8., Leitung Cleveland 

Watkiss (voc). Dozenten- 

Konzert und Abschlusskonzert 

der Workshop-TN. Dozenten: 

Gilad Atzmon (art director, sax); 

Adriano Adewale (dr, perc); 

Barbara Bürkle (voc, choir); 

Kevin Dean (tp); Frank Harrison 

(p); Jim Hart (vib, dr); Claus 

Krisch (p); Nicolas Meier (g); 

Johannes Müller (sax); Tony 

Lakatos (sax); Davide Petrocca 

(b); Yaron Stavi (b); John 

Turville (p); Thilo Wagner (p); 

Cleveland Watkiss (voc); Enzo 

Zirilli (dr) 

www.international.jazzwerkstatt.de 

Gitarren-Workshops mit Peter 

Crow C. 

11.-18.8.2018 

Gitarrenworkshop in der Toscana. 

Urlaub und Gitarre spielen 

lernen im sonnigen Süden 

(Poderino San Cristoforo). 

www.med-music-school.com 

Tanz & Musik-Sommercamp 

13.-15.8.2018 

Ternberg/AT 

Tanzkurs und Musikkurs in den 

Tagen vor dem Alpen-Klang- 

Rausch im Koglerhof, Ternberg. 

Referenten: Bela Onodi (Tanz, 

Ungarn) und Simon Wascher, 

Hermann Fritz, Hermann 

Haertel (Musik). 

www.alpenklangrausch.at 

Rhythmusworkshop TaKeTiNa 

1./2.9.2018 

Hamburg, Lichthof Theater 

Mit Jan Kobrzinowski (TaKeTiNa 

Advanced Rhythm Teacher). 

Profundes Rhythmustraining als 

Selbsterfahrung. Rhythmisches 

Lernen mit dem Körper für 

Anfänger und Profis. 

www.kobrzinowski.com 

Workshops “Musik der 17 

Hippies” 2018 

29./30.9.2018 - Tollhaus, 

Karlsruhe 

1./2.12.2018 - Landesmusikakademie 

Berlin (im FEZ) 

www.17hippies.de 

5. Jazz Workshop Friedrichshafen 


Friedrichshafen, Zeppelin 

Universität 

Mit Barbara Bürkle (voc), 

Alexander “Sandi” Kuhn (sax), 

Jens Loh (e-/b), Thomas Bauser 

(p, keyb), Christoph Neuhaus 

(g), Axel Pape (dr), Daniel Nösig 

(tp); Veranstalter: Kulturbüro 

Friedrichshafen. 

www.facebook.com/jazzandmoreworkshop 

www.kultur-friedrichshafen.de 

Schlusspunkt 

Die nächste JAZZTHETIK erscheint am: Mittwoch, 29.08.2018

JAZZTHETIK 283 – Juli / August 2018

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