JAZZTHETIK 284

09/10 

18 

Sep./Okt. 32. Jahr 

Ausgabe 284 

8,20 Euro 8,82 CHF H6139E 

JOHN 

COLTRANE 

LISA BASSENGE 

STANLEY CLARKE 

ESTHER KAISER 

ÓLAFUR ARNALDS 

WYNTON MARSALIS 

NINA ATTAL 

BARRE PHILLIPS 

MARIZA 

MARKUS STOCKHAUSEN 

WOOD & STEEL

Inhalt 09/10 

62 

46 

© Jennifer Scherler 

8 Licht an. Les Poules à Colin finden 

Erhellendes in der Düsternis. Thomas 

Kölsch am Schalter. 

10 Skizzen und Notizen. Fredy Studer 

bleibt auch mit 70 auf der Suche nach 

Klängen. Gerd Döring wird fündig. 

12 Szenen einer Ehe. Lisa Bassenge und 

ihr Hochzeitsalbum. Durchgeblättert 

von Victoriah Szirmai. 

14 Mit zweien, Spiel drei. Daniel Erdmann, 

Christophe Marguet und die Bässe. 

Andreas Collet geht mit. 

16 Himmelskörper. Jaak Sooäär vertont 

eine Sternschnuppe. Hans-Jürgen Linke 

wünscht sich was. 

18 Das andere Hollywood. Michael 

Schiefel bringt Eisler in die Gegenwart. 

Nostalgisch: Jan Kobrzinowski. 

20 Analog ist besser. LBT machen Techno- 

Jazz ohne Computer. Mit Thomas 

Bugert in der Disco. 

22 Forscherin. Nadin Deventer will die 

Zuhörer fordern. Arne Reimer blickt 

voraus aufs JazzFest Berlin. 

30 Gäste willkommen. Wynton Marsalis 

ist sein Septett nicht genug. Hans Hielscher 

über Gala-Höhepunkte. 

32 Am Scheideweg. Ein „neues“ Album 

von John Coltrane. Wolf Kampmann 

räumt mit einigen Legenden auf. 

36 Dunkle Hymnen. Madeleine Peyroux 

hofft auf hellere Zeiten. Rolf Thomas 

schaltet sich ein. 

38 Extended Version. Volker Schlott lüftet 

ein Geheimnis. Hans-Jürgen Linke über 

ein sehr persönliches Album. 

40 Mut im Bauch. Jazz muss Stellung 

beziehen, findet Esther Kaiser. Rolf 

Thomas stimmt ein. 

42 Mit Hornresonator. Hans Deutschs Lautsprecher 

HD 304 mk2 klingen schlackenlos. 

Nicht bedröhnt: Peter Steinfadt. 

43 Zyklus. Rainer Tempel und Fola Dada 

suchen das Licht bei Edgar Allan Poe. 

Mit am Poe-Tisch: Jan Kobrzinowski. 

44 Im Spagat. Ólafur Arnalds spielt mit 

Planung und Zufall. Angela Ballhorn 

überprüft das Gleichgewicht. 

52 Erinnerungsprojekt. Bassist Barre Phillips 

schließt sein Tagebuch. Thomas Bugert 

liest die letzten Einträge. 

56 Unterwegs. Markus Stockhausen lädt 

Musiker und Hörer zur unendlichen Reise. 

Auf dem Weg: Hans-Jürgen Linke. 

58 Jump. Die Französin Nina Attal setzt 

ihre Zuhörer in Bewegung. Mirela Onel 

springt darauf an. 

60 Tanzender Elefant. Bei Jan Schreiner 

schaut man lieber zweimal hin. Im 

Porzellanladen: Hans-Jürgen Linke. 

62 Schwangere Hummel. Lada Obradović 

wird von traurigen Geschichten inspiriert. 

Hans-Jürgen Schaal ist gefesselt. 

64 Renovierung. Mariza richtet dem Fado 

neue Räume ein. Bauaufsicht: Madeleine 

Wegner. 

65 Klassik-Pause. Mit NES macht Cellistin 

Nesrine Belmokh ihr eigenes Ding. Rolf 

Thomas über eine Stilwechslerin. 

66 Vermittler. Stanley Clarke verkündet 

die Botschaft der Liebe. Am Empfänger: 

Olaf Maikopf. 

24 Alternativ. Leona Berlin lässt nicht einfach 

NuSoul wiederaufleben. Beseelt: 

Victoriah Szirmai. 

26 Großstadtklang. KUU! machen harte 

Musik für eine harte Welt. Jan Kobrzinowski 

braucht starke Nerven. 

46 Hammer und Leder. Rembrandt Frerichs 

findet Exotik in alten Instrumenten. 

Holger Pauler über das Fortepiano. 

48 Musikalische Maskerade. Die Täuschungsmanöver 

des Trygve Seim. Hans- 

Jürgen Linke lässt sich nicht reinlegen. 

4 Megaphon 

51 Time Tunnel 

61 London 

68 Tonspuren 

89 Hörbucht 

90 Live 

99 Abo 

100 Termine 

108 Impressum 

110 Zitat 

28 Party für zwei. Günter Baby Sommer 

feiert seinen 75. Wolf Kampmann legt 

den Sommer-Hit auf. 

50 Zeitlos. Die Musik von Aapo Heinonen 

versprüht Sinnlichkeit. York Schaefer 

erliegt dem Charme. 

links: Rembrandt Frerichs / rechts: Lada Obradović Jazzthetik 09/10-2018 3

Megaphon 

Von Hans-Jürgen Linke 

Der Jazz Pott ist kein Jackpot. 

Wer den Essener Jazz Pott 

kriegt, hat zwar nicht ausgesorgt, 

aber Ruhm und Ehre eingeheimst. 

Das wurde in diesem 

Jahr dem Klarinettisten, Improvisator 

und Komponisten Theo 

Jörgensmann zuteil, der den 

Kohlenpott auf die internatio nale 

Landkarte des Jazz befördert 

hat. Großen Glückwunsch – und 

dringender Hinweis auf das 

Preisträgerkonzert am 6.10. im 

Essener Grillo-Theater. 

König Gustavs Königlich 

Schwedische Musikakademie 

gibt es immer noch. Jetzt 

wurde, kurz nachdem ihn die 

USA mit dem Arts Jazz Masters 

Award bedacht hatten, Pat 

Metheny in diese gekrönte 

Akademie berufen, wo er unter 

anderem auf seine Landsleute 

John Adams und Steve Reich 

trifft. JAZZTHETIK sagt: Wow! 

Bill Watrous III. war ein herausragender 

Bebop-Posaunist. Er 

gehörte seit den späten 60er 

Jahren zu den begehrtesten 

Studio-Posaunisten an der 

amerikanischen Ostküste und 

spielte unter anderem mit Quincy 

Jones, Maynard Ferguson und 

Woody Herman. In Europa 

wurde er vor allem durch seine 

Zusammenarbeit mit Kai Winding, 

Albert Mangelsdorff und 

Jiggs Whigham bekannt, mit 

denen er den Trombone Summit 

bildete und 1980 für MPS eine 

Plattenaufnahme machte. Er 

starb am 2. Juli in Los Angeles. 

1) Auf dem Rudolstadt-Festival 

bekam Cymin Samawatie im Juli 

den Deutschen Weltmusikpreis 

Ruth, weil sie, wie die Jury lobte, 

eine der kreativsten Musikerinnen 

der Ethno-Jazz-Szene ist. 

Wärmstens empfohlen und 

präsentiert von JAZZTHETIK: 

Auch in diesem Jahr gedeihen 

auf Tamperes Jazz Happening 

finnische Eigengewächse 

neben Paradiesvögeln und 

internationalen Größen. Vier 

Tage Musik rund um die Uhr in 

drei urigen Venues – Sauna am 

See inklusive. Vom 1.-4.11. 

www.tamperemusicfestivals.fi/jazz 

2) Die German Jazz Trophy 

wurde an die Brüder Kühn (Rolf 

+ Joachim) und an Wolfgang 

Dauner zur Eröffnung der Jazzopen 

Stuttgart verliehen. 

Ganesh Geymeier, geboren 

1984, gehört zu den gefragtesten 

Saxofonisten seiner Generation 

und ist, wie eine Jury 

befand, ein „unwiderstehlicher 

Klangpoet“. Dafür gab es nun 

den Schweizer Musikpreis. 

Paulo Cardoso, 1953 in São 

Paulo geboren, kam 1973 nach 

Deutschland, um Orchestermusiker 

zu werden. Fünf Jahre 

später war er Jazzmusiker, 

spielte unter anderem mit 

Klaus Ignatzek, Art Farmer, Mal 

Waldron und Archie Shepp und 

unterrichtete an der Hochschule 

für Musik und Theater 

München. Er starb am 21. Juli. 

Das größte und älteste Jazzfestival 

der Türkei, das Istanbul 

Jazz Festival, hat seit dem 1. 

August einen neuen Direktor: 

Harun Izer gehörte schon seit 

2011 zum Kreis der Festivalleitung 

und ist jetzt als Festival- 

Direktor Nachfolger von Pelin 

Opcin. Harun Izer ist Jurist und 

verfügt über langjährige Erfahrungen 

im Kulturmanagement in 

unterschiedlichen Sparten. 

Die Sons of Kemet sind für die 

Jazz-Abteilung des Hyundai 

Mercury Preises nominiert. Ihr 

Album Your Queen Is a Reptile 

befindet sich unter den acht 

Posten der Shortlist. Das Geheimnis, 

wer den Preis bekommt, 

wird am 20.9. in London im Hammersmith 

Apollo, Queen Caroline 

Street, W6 9QH, gelüftet. 

1 

Cymin Samawatie 

Rudolstadt-Festival 

Alle Jahre wieder gibt es in der 

Alten Feuerwache in Mannheim 

den Neuen Deutschen Jazzpreis. 

Der Kurator, der aus der Vorauswahl 

der IG-Jazz-Rhein-Neckar- 

Jury die drei Finalisten bestimmen 

wird, ist in diesem Jahr der 

französische Bassist Renaud 

García-Fons. Das Wettbewerbs- 

Finale steigt am 16.3. 

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© Hans Kumpf 

© Hans Kumpf 

2 

Die Insel Terceira 

gehört zu den Azoren, 

die im nordatlantischen 

Sommer in der Regel als 

Herkunftsgebiet angenehmer 

Hochdruckgebiete bekannt 

sind. Auf der Insel gibt es vom 

3.-6.10. das Angra Jazz Festival, 

das in diesem Jahr zum 20. Mal 

stattfindet. Es präsentiert in vier 

Konzertnächten im Saal des 

Centro Cultural e de Congressos 

de Angra do Heroísmo Musiker 

von den Azoren, aus Portugal, 

Kuba, dem Vereinigten 

Königreich, Kanada und den 

Vereinigten Staaten. 

www.angrajazz.com 

3) Tomasz Stańko, Jahrgang 

1946, gehörte fünf Jahrzehnte 

lang zu den profiliertesten 

Jazzmusikern in Europa. Sein 

stilistischer Einzugsbereich war 

immens, seine Tongebungen an 

der Trompete stilbildend, und 

sein Lebensstil seit Mitte der 60er 

Jahre international ausgerichtet. 

Er schrieb Filmmusiken, spielte 

mit zahlreichen internationalen 

Größen, gehörte selbst zu diesem 

erlauchten Kreis und äußerte 

sich mehrfach kritisch zur aktuellen 

Politik Polens. Jetzt ist Tomasz 

Stańko in Warschau gestorben. 

Rolf + Joachim Kühn 

Jazzopen Stuttgart 

Der slowenische Fotograf Žiga 

Koritnik, den unter anderem 

Han Bennink, Elliott Sharp und 

Anthony Braxton für einen der 

besten Fotografen auf dem 

Planeten halten, plant ein Foto- 

Buch. Es soll 376 Seiten umfassen, 

auf denen 272 seiner Fotos 

von 45 internationalen Festivals 

und anderen Konzertorten in 14 

Ländern auf vier Kontinenten zu 

sehen sind. Der Titel wird Cloud 

Arrangers lauten. Žiga Koritnik 

will die Finanzierung per Crowdfunding 

realisieren, das am 6.9. 

beginnt. Wer mitmachen will, 

kann an zkoritnik@gmail.com 

schreiben und sich registrieren 

lassen. Informationen unter 

www.zigakoritnikphotography.com 

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4) Murnau lädt zum 

Weltmusikfestival 

grenzenlos ein. Der 

Eröffnungsabend am 19.10. ist 

unter dem Motto „in real time“ 

dem in Murnau geborenen 

Rokoko-Komponisten Placidus 

Cajetanus Laurentius von 

Camerloher gewidmet. Am 20. 

und 21.10. spielen Maya 

Homburger und Barry Guy, 

Marco Ambrosini, Jean-Louis 

Matinier, Eva-Maria Rusche, 

Undine Brixner, Nikolaus Paryla 

sowie John Potter‘s Dowland 

Project. 

www.weltmusikfestival-grenzenlos.de 

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© Marcin Kydrynski 

3 

Tomasz Stańko 

In Moers hat die Kultur 

GmbH mit dem Künstlerischen 

Leiter des mœrs 

festivals, Tim Isfort, über eine 

Vertragsverlängerung über das 

Jahr 2019 hinaus zu verhandeln 

4 Jazzthetik 09/10-2018

Megaphon 

4 

6 

© Thomas Radlwimmer 5 

7 

Marco Ambrosini, Jean-Louis Matinier 

grenzenlos 

Archie Shepp 

Enjoy Jazz Festival 

Rebekka Bakken 

Jazztage Dresden 

The Look of Jazz by Frank Schindelbeck 

begonnen. Der Aufsichtsrat 

sprach Isfort sein Vertrauen aus 

– es wird also nicht still werden 

zu Pfingsten in Moers. 

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5) Archie Shepp ist 

Artist in Residence beim 

diesjährigen 20. Enjoy 

Jazz Festival im Rhein-Neckar 

Raum. Als Festival-Präludium gibt 

es am 30.9. einen Abend unter 

dem Titel Learn to Enjoy Jazz mit 

Nadin Deventer, Künstlerische 

Leiterin des Berliner JazzFestes, 

Enjoy-Jazz-Leiter Rainer Kern 

und Christine Stephan, Herausgeberin 

der JAZZTHETIK. Das 

Festival wird in der Heidelberger 

Stadthalle am 2.10. eröffnet von 

dem politisch wie musikalisch 

äußerst hörenswerten Kollektiv 

Les Amazones d’Afrique. Die 

verschiedenen Konzerte, 

Formate und das anregende 

Rahmenprogramm des Festivals 

werden, verteilt über mehrere 

Städte, bis mindestens zum 17.11. 

dauern. 

www.enjoyjazz.de 

Das Erste Deutsche Stromorchester, 

das der Kölner Trompeter 

und Performer Rochus 

Aust erfunden hat, macht nicht 

einfach nur Musik. Es geht auf 

eine Reise mit 51 Konzerten entlang 

des 51. Breitengrades, die 

in NRW beginnt, nach Menden, 

Iserlohn, Münster, Recklinghausen, 

Essen, Köln, Düsseldorf und 

Emmerich, die allesamt nicht 

allzu weit vom 51. Breitengrad 

entfernt sind. Weitergehen soll 

es dann in Richtung Westen, die 

Mitwirkung anwohnender Künstler 

ist eingeplant, die genaue 

Kartierung der Orte und ihrer 

Bewohner werden Bestandteile 

der Partitur, die sich im Laufe der 

Reise zu einer Meta-Partitur auswächst. 

Mal sehen. Mal hören. 

www.rochusaust.de/stromorchester1.html 

Am 5.9. endet die Bewerbungsfrist 

für die Sarah Vaughan 

International Jazz Vocal 

Competition. Am 12.10. werden 

die fünf Finalistinnen und 

Finalisten bekanntgegeben, und 

am 18.11. steigt das Finale im 

New Jersey Performing Arts 

Center in Newark, NJ, vor einer 

erlauchten Jury. Näheres unter 

der Webadresse: 

www.sarahvaughancompetition. 

com 

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6) Die 18. Jazztage 

Dresden füllen fast den 

kompletten November 

und bieten an 21 Spielstätten in 

der Stadt ein äußerst umfangreiches 

Konzertprogramm, das 

den weiten stilistischen Bereich 

dessen, was heute Jazz heißt, 

und auch einiges darüber 

hinaus abbildet – vom Quadro 

Nuevo und der Barrelhouse 

Jazz Band über Rebekka 

Bakken, Gregory Porter, die Jan 

Garbarek Group oder die Klazz 

Brothers bis zu Martin Tingvall 

und Al Di Meola. Gleich am 1.11. 

geht’s los. 

www.jazztage-dresden.de 

7) Der Kunstverein Rüsselsheim 

zeigt vom 23.9. an bis zum Jahresende 

Fotografien von Frank 

Schindelbeck unter dem Titel 

The Look of Jazz. Schindelbeck 

geht es nicht um Dokumentationen, 

sondern um das sekundenbruchteilhafte 

Einfangen 

poetischer Momente. 

www.kunstvereinruesselsheim.de 

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8) Gewinne: Judi 

Jackson, Soul-, Popund 

Jazz-Sängerin, ist 

im Oktober auf Europa-Tournee 

mit einer Verbeugung vor Nina 

Simone, Motto: „Little Girl 

Blue“. Nach Stationen in 

Belgien und Frankreich kommt 

sie am 16.10. in den Frannz Club 

in Berlin und am 17.10. ins Mojo 

Jazz Café in Hamburg. 

JAZZTHETIK verlost für beide 

Konzerte je zwei Karten unter 

denen, die uns bis zum 1.10. 

schreiben, wie Nina Simones 

Autobiografie betitelt ist. Der 

Rechtsweg ist ausgeschlossen, 

Postadresse: JAZZTHETIK, 

Frie-Vendt-Str. 16, Hinterhaus, 

48153 Münster 

jazz@JAZZTHETIK.de 

9) Mehr Gewinne: Für Jazz- 

Cineasten: JAZZTHETIK verlost 

Tickets für It Must Schwing! 

The Blue Note Story, die 

Dokumentation über Gründer 

und Geschichte des berühmten 

Labels mit animierten Einspielungen 

in Graphic-Novel-Optik, 

Interviews, Musikdokumenten 

und emblematischen Fotos von 

Francis Wolff (s. „Laufbildkontrolle“ 

in diesem Heft). Der von 

Eric Friedler gedrehte und von 

Wim Wenders produzierte Film 

läuft im September im Kino an. 

Die Absender der ersten drei 

Postkarten mit dem Stichwort 

„It Must Schwing“ an JAZZ- 

THETIK, Frie-Vendt-Straße 16 

(Hinterhaus), 48153 Münster, gewinnen 

jeweils zwei Freikarten. 

www.itmustschwing.com 

In Burghausen wird es 2019 

wieder den Nachwuchs-Jazzpreis 

geben, Bewerbungen sind 

bis 31.10. möglich. Bewerben 

können sich Formationen ab 

drei Musikern und Bigbands, 

das Höchstalter ist auf 30 Jahre 

(Jahrgang 1989) begrenzt. Das 

Finale der von der Jury ausgewählten 

Bands findet am 26.3. 

im Stadtsaal Burghausen statt. 

Die Bewerbungsunterlagen und 

alle Modalitäten sind veröffentlicht 

auf der Website: 

www.b-jazz.com 

Ob es wirklich ein Gitarrist war, 

der im Juli aus seinem Gitarrenkasten 

eine Spitzhacke entnahm, 

um damit Donald Trumps Stern 

auf dem Hollywood Walk of Fame 

zu zertrümmern? Austin Mikel 

Clay rief selbst die Polizei an, 

ging dann fort und wurde wenig 

später festgenommen. Knapp 

zwei Jahre zuvor hatte es schon 

einen Anschlag auf den Stern 

gegeben. Der damalige Täter 

James Lambert Otis soll jetzt für 

Clay die Kaution gestellt haben. 

Solidarität unter Vandalen! 

Zum Jazz-und-Wein-Festival in 

Leibnitz vom 27.-30.9. kommen 

nicht nur Wadada Leo Smith 

mit dem Great Lakes Quartet, 

man wird auch The Whammies 

hören, Marius Neset, die 

kubanischen Pianisten Marialy 

Pacheco und Omar Sosa sowie 

das Trio des Bassisten Renaud 

García-Fons. 

www.jazzfestivalleibnitz.at 


8 

© Christine Stephan 

11 

© Jesse Kitt 

14 

9 

© Bernard Rie 

10 12 13 

© Iza Korsak 

Judi Jackson 

It Must Schwing! 

Ken Pickering 

Avishai Cohen 

Trans4JAZZ 

Soweto Kinch 

Leipziger Jazztage 

Lizz Wright 

HÖMMA! 

Leo Tardin 

Piano im Pool 

10) Ken Pickering brachte 1985 

das Vancouver International 

Jazz Festival in Gang, war über 

30 Jahre lang dessen Künstlerischer 

Leiter und überhaupt ein 

unermüdlicher und einflussreicher 

Förderer der improvisierten 

Musik in Kanada – als 

Produzent, als Veranstalter, als 

Inhaber des Black Swan Record 

Store, als guter Freund der Musikerinnen 

und Musiker und ihr 

Hörer. Ken Pickering starb am 

10. August infolge einer Krebs- 

Erkrankung und hinterlässt 

zahllose Mitmenschen bestürzt 

und trauernd. 

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11) Zum Trans4JAZZ im 

schwäbischen 

Ravensburg vom 7. bis 

11.11. kommen unter anderem 

Al Di Meola, die Mike Stern 

Band, Avishai Cohen, Mathias 

Eick und Kinga Głyk. Der 

Vorverkauf hat längst begonnen, 

also los jetzt, die Festivalpässe 

sind schon ausverkauft, 

hört man. 

www.jazztime-ravensburg.de 

Hoffentlich klappt es diesmal: 

Das legendäre Tonstudio der 

Musikproduktion Schwarzwald 

(MPS) soll wiederbelebt 

werden. Nach gefühlt endlosen 

Querelen ist es dem Jazz- 

Experten und Geschäftsmann 

Friedhelm Schulz und dem 

Immobilienunternehmer 

Berthold Käfer aus Villingen 

gelungen, das kulturelle Erbe 

der MPS zu retten und einem 

Trägerverein zu übertragen, 

dessen Gründung im Oktober 

vollzogen werden soll. Dann 

wird es wieder aufwärtsgehen 

im Studio. 

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12) Vom 11.-20. Oktober 

gibt es in Leipzig Fish & 

Chips. Das britische 

National-Fast-Food soll nicht den 

Brexit begleiten, sondern an den 

großartigen britischen Jazz 

erinnern, der gerade etwas in 

Vergessenheit zu geraten droht 

– vielleicht auch Folge einer 

splendid isolation? An zehn 

Tagen werden, verteilt über zehn 

Spielstätten – darunter Oper und 

Schauspielhaus, Liebfrauenkirche, 

Westbad oder Werk 2, 

Halle D –, Musikerinnen und 

Musiker aus dem Großen 

Britannien, Deutschland und den 

USA mit- und nebeneinander 

spielen, darunter Norma 

Winstone, Dave Holland und das 

Hidden Orchestra. Max 

Andrzejewskis Hütte mit Gästen 

nimmt sich der Musik von Robert 

Wyatt an, Leafcutter John 

unterstützt Michael Wollny und 

Alex Nowitz bei den Goldberg- 

Tangenten. Und Europa lebt. 

www.jazzclub-leipzig.de 

In seiner zweiten Förderrunde 

des Jahres fördert der Musikfonds 

63 Projekte mit einem 

Volumen von 725.000 Euro. Für 

die Digitalisierung der Aufführungstechnik 

von Livemusik- 

Spielstätten hat das sogenannte 

Kulturstaatsministerium 

1,167 Millionen bereitgestellt, 

die 188 Clubs zugutekommen. 

Die Initiative Musik steuert 

in ihrer 41. und 42. Förderrunde 

Beiträge zu insgesamt 

98 Projekten bei. Gefördert 

werden 91 Künstlerprojekte von 

HipHop über Pop bis zu Jazz, 

dazu werden sieben Infrastrukturprojekte 

gefördert, darunter 

die Musikwirtschaftsstudie 

„Zukunft der Musiknutzung“. 

powered by 13) Vom 12. bis 19.9. 

kommt es in Oberhausen 

zur zweiten 

Lieferung des Festivals 

HÖMMA! Das Programm ist 

hochkarätig und abwechslungsreich, 

das Publikum wird zu 

eigenen Aktivitäten animiert, 

und ein besonderes Highlight 

verspricht das Konzert der WDR 

Big Band mit Lizz Wright im 

Stadttheater zu werden. 

www.sensitive-colours.de 

Die Preisträger-Shortlist der 

VIA – VUT Indie Awards – ist 

komplett. Zum sechsten Mal 

zeichnet der Verband unabhängiger 

Musikunternehmen Talente 

der unabhängigen Musikbranche 

aus. Die Preise werden 

nach Qualitätskriterien vergeben, 

nicht nach kommerziellem 

Erfolg. Das Verleihungsfest ist 

ein Höhepunkt des Reeperbahn 

Festivals, das vom 19. bis 22.9. 

in Hamburg stattfindet. 

www.viaawards.de 

Wo kommen jetzt all die Haare 

her? Das Start-up Skin46 aus 

Buchs in der Schweiz hat ein 

Verfahren entwickelt, um auf 

hygienisch perfektem Weg 

medizinisch reinen Kohlenstoff 

aus Haaren zu gewinnen und 

daraus eine Tattoo-Tinte herzustellen. 

Wer nun Haare von, sagen 

wir, Elvis Presley einsendet 

und nachweist, dass er zu ihrer 

Verwendung befugt ist, kann 

also eine Ladung Tattoo-Tinte 

vom leiblichen King bekommen. 

Auch andere Herkunftshaare 

sind möglich. Skin46 betont, 

dass dies kein Scherz ist. 

Das Institut für Musikwissenschaft 

Weimar-Jena lädt zur 

Tagung „Jazz im deutschsprachigen 

Raum: Themen, 

Methoden, Perspektiven“ 

(21./22.9.) in den Seminarraum 1 

im Hochschulzentrum am Horn 

der Musikhochschule Franz 

Liszt in Weimar. Die Leitung der 

Tagung hat Martin Pfleiderer, 

der Eintritt ist frei, um Anmeldung 

wird gebeten unter: 

jazzforschung@hfm-weimar.de 

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14) Noch mehr 

Gewinne: Wer wollte 

nicht schon immer 

Piano im Pool hören? Vom 18. 

bis 20.10. geht der alte Wunsch 

in Erfüllung. Der Pool befindet 

sich in Luzern, zu Gast sind 

Bobo Stenson, David Tixier, 

Lada Obradović und andere. 

JAZZTHETIK verlost zwei 

Tickets für Bobo Stenson unter 

den Lesern, die uns bis zum 

1.10. schreiben, aus welchem 

Lied diese Textstelle stammt: „In 

meiner Badewanne ist es 

wunderschön / da fang ich an, 

die Meere aufzuwühlen / Ich 

fühle mich als Mann der Tat / 

Und drehe an dem Wasserhahn.“ 

Der Rechtsweg ist 

ausgeschlossen, Postadresse: 

JAZZTHETIK, Frie-Vendt-Str. 16, 

Hinterhaus, 48153 Münster 


www.piano-im-pool.ch 

Jazzthetik 09/10-2018 7

Les Poules à Colin 

Lichtblicke in der Düsternis 

Die Dunkelheit kann durchaus reizvoll sein. Vor allem 

musikalisch. Nichts gegen euphorische Jigs und Reels, die 

vor Vitalität sprühen, nichts gegen lichtdurchflutete Hymnen 

von der Sonnenseite des Lebens – aber die dunklen Folk- 

Songs, die Mörderballaden und Totenklagen, ziehen die 

Menschen ebenfalls in ihren Bann. Auch Les Poules à Colin 

konnten sich dem nicht entziehen: Das kanadische Quartett, 

das derzeit nicht nur die Folk-Szene Quebecs aufmischt, 

hat mit seinem dritten Album Morose sein „Winteralbum“ 

veröffentlicht – und dabei selbst in der Melancholie eine 

jugendliche Freude gefunden. 

© famgroup 


Von Thomas Kölsch 

Dabei ist Morose das bislang erwachsenste 

Album der jungen Band. „Wir sind an den 

Aufnahmen durchaus gereift und verstehen 

jetzt viel eher, was wir mit unserer Musik 

erreichen wollen“, erklärt Sängerin und 

Geigerin Béatrix Méthé, mit 23 Jahren das 

jüngste Bandmitglied. „Uns haben diese 

düsteren Geschichten unglaublich fasziniert, 

die sich um soziale Tabus drehen, um 

Verbrechen und Vergehen. Also haben wir 

sie gesammelt und auf unsere Art interpretiert. 

Wir haben das Unheimliche gehegt 

und dennoch einen Lichtblick selbst in den 

dunkelsten Titeln gefunden.“ 

In Liedern also, die auf Feiern nur 

selten gespielt werden, dafür aber umso 

mehr abseits der Bühnen, dort also, wo das 

Quartett aufwuchs. Was mit ein Grund dafür 

sein könnte, warum es an diesen Songs 

so viel Freude hat. Alle vier sind Kinder 

etablierter Folk-Musiker, wuchsen zum Teil 

zusammen auf und lernten die traditionsreiche 

Musik mit Fiddle und Fuß-Perkussion in 

zahlreichen Küchenkonzerten und privaten 

Jam-Sessions von einigen der besten 

Vertreter ihres Fachs kennen. „Wir sind 

wie eine Familie“, betont Méthé denn auch. 

„Mit Sarah Marchand habe ich schon in 

jungen Jahren gespielt, Colin Savoie-Levac 

habe ich kennengelernt, als wir mit seiner 

Mutter und meinen Eltern in der Band Dentdelion 

aktiv waren. Daraus erwuchs dann 

irgendwann der Gedanke, etwas Eigenes zu 

machen. Als Band spielen wir inzwischen 

seit zehn Jahren zusammen.“ Das hört man. 

Virtuosität und Vertrautheit gehen in den 

oft schön reduzierten Aufnahmen Hand in 

Hand; Bass, Gitarre, Klavier und Geige verstehen 

sich blind, ebenso wie die Sänger, 

die mitunter ganz bewusst einen schlichten 

Ansatz wählen, der den nuancenreichen 

Stimmen durchaus entgegenkommt. Zudem 

haben sich Les Poules à Colin auch Gäste 

eingeladen, die mit charismatischem Bariton 

und Bass für entsprechende Kontraste 

zu dem natürlichen Sopran und Alt der 

Damen sorgen, darunter Yann Falquet (bei 

„Belle Exodina“) oder auch David Berthiaume, 

Frontmann der Formation Réveillons. 

Dabei orientiert sich die Band am Folk- 

Revival der 70er Jahre, an Künstlern wie 

Yves Lambert, André Marchand oder Beas 

eigenem Vater Claude Méthé, Gründer der 

einflussreichen Gruppierung Le Rêve du 

Diable. 

Doch Les Poules à Colin gehen weit 

über ihr eigentliches Erbe hinaus. So haben 

sie neben traditionellen Songs aus dem 

frankophonen Teil Kanadas auch drei Titel 

aus Louisiana ins Repertoire genommen, 

der Heimat der Cajun-Musik. „Ein Freund 

von uns, Julien Bizet, hat uns mit Material 

versorgt“, erzählt Méthés. „Darin fanden 

wir einen ganz bestimmten Zugang zur 

Musik, der uns berührte und mit dem wir 

automatisch eine Verbindung aufbauten. 

Letztlich stammen diese Lieder aus denselben 

Quellen wie der kanadische Folk, also 

vor allem aus der Bretagne sowie dem keltischen 

Raum.“ Manches haben die Vier aber 

auch selbst geschrieben, darunter „My 

Room“ sowie sämtliche Instrumentalstücke. 

„Außerdem haben wir den letzten Song 

des Albums, ‚Breakfast at the Méthés‘, von 

meiner Mutter übernommen“, sagt Béatrix 

lachend. Und „La Volerie“, jenes Lied über 

einen opportunistischen Weindieb, das humorvoll 

beginnt und am Ende eine morbide 

Wendung nimmt? Den hat Claude Méthé 

beigesteuert, der die Geschichte in einem 

mittelalterlichen Buch gefunden und eine 

neue Melodie dazu geschrieben hat. „Dieses 

Stück stellte für uns eine der größten 

Herausforderungen des Albums dar, weil 

es mit seinem treibenden, aber gleichzeitig 

alten Groove und dem Spieluhrencharme so 

völlig anders klingt als alles, was wir zuvor 

gemacht haben.“ 

Diese Musik haben Les Poules à Colin 

um die eigenen Einflüsse ergänzt. Die 

französische Band Malicorne aus den 70er 

Jahren ist mit ihren spannenden Arrangements 

und starken Riffs ebenso zu nennen 

wie die ein oder andere Motown-Größe 

– und Beyoncé. „Wir lieben sie“, gesteht 

Méthé lachend. „Deshalb haben wir meinen 

Walzer ‚Team B‘ auch ihr gewidmet.“ 

Warum nicht. Ebenso wie andere Genres 

ist Folk immerhin längst ein Schmelztiegel 

geworden, der alles aufnimmt, Jazz ebenso 

wie Rock und Pop, um daraus neue Impulse 

zu destillieren. „Wir fühlen uns dem verpflichtet, 

was wir lieben, und das beinhaltet 

diese einzigartige Mischung aus Stilen und 

Genres“, sagt Méthés. „Die traditionelle 

Musik ist allerdings stets unser Ausgangspunkt.“ 

Aktuelle CD: 

Les Poules à Colin: Morose 

(Steeplejack / In-Akustik) 


Fredy Studer 

Jetzt ist die Zeit 

Mit 70 veröffentlicht Schlagzeuger Fredy Studer eine 

Standortbestimmung als Solo-Künstler. 

Von Gerd Döring 

Über zwei Jahrzehnte lang hat 

Fredy Studer gemeinsam mit 

Hans Koch und Martin Schütz 

mit immer neuen Volten verblüfft. 

Hardcore Chambermusic 

nannten die drei ihre bis 2017 

währenden Klangexperimente, 

aber den Schweizer Drummer 

konnte man in den vergangenen 

Jahren auch in weiteren 

ambitionierten Bands erleben: 

mit Erika Stucky auf den Spuren 

von Jimi Hendrix oder mit der 

jungen NoiseCore-Band Phall 

Fatale. Nun hat der so vielseitige 

wie umtriebige Schlagzeuger 

ein ehrgeiziges Projekt (fast) im 

Alleingang gestemmt, das den 

Musiker zurückwirft auf sich 

selbst. Verteilt auf zwei LPs, die 

sich auf etwas über eine Stunde 

Laufzeit summieren, kredenzt 

er eine feine Melange aus beinahe 

sphärischen Klängen und 

Studer schem Power-Drumming, 

die keine Genre-Grenzen kennt. 

Der schlitzohrige Studer 

wollte das Album gerne schon 

im vergangenen Jahr veröffentlichen 

– mit 69 Jahren, einer 

Zahl, die ihn ob ihrer Symbolik 

durchaus gelockt hätte. Man 

hat es ihm ausgeredet, und so 

erscheinen die Aufnahmen (als 

Box mit zusätzlichem dickem 

Begleitbuch) nun kurz nach 

seinem 70. Geburtstag beim 

kleinen Schweizer Label Everest 

Records. Den Titel der aufwendigen 

Veröffentlichung hat er 

sich von einem der ganz Großen 

geliehen: „Now‘s the Time“ 

schrieb Charlie Parker vor über 

50 Jahren, für Studer immer 

noch ein passendes Vorbild in 

Haltung und Geist. 

Etliche Wochen hat er sich 

Zeit genommen für die Vorbereitung 

seines Soloalbums und 

gemeinsam mit Studioingenieur 

(und Produzent) Roli Mosimann 

an den 14 Tracks gefeilt. Kein 

Best-of also, kein Zusammenschnitt 

vergangener Taten. 

Eher eine Standortbestimmung, 

gewonnen aus den Erfahrungen, 

die Studer in vielen Konzerten 

und Bands gemacht hat. Nach 

langen Jahren mit immer wieder 

neuen (und vielen alten) Bandprojekten 

ist der Trommler aus 

Luzern nunmehr öfter auch als 

Solo-Künstler unterwegs. 

Begonnen hat Studer als 

dynamischer Pulsgeber mit drei 

Freunden aus Luzern, und das 

Quartett machte sich damals 

schnell einen Namen. Mit 

ihrer Electric-Jazz-Free-Music 

trafen OM den Nerv der Zeit 

(1972 – 1982) – der Beginn einer 

langen Karriere im Grenzbereich 

von Rock, Jazz und 

improvisierter Musik für Christy 

Doran, Urs Leimgruber, Bobby 

Burri und eben Fredy Studer. 

Eine Liaison, die immer noch 

hält: Seit etlichen Jahren sind 

die vier wieder gemeinsam zu 

hören, gastieren – so es die Zeit 

zulässt – im heimatlichen Luzern 

und spielen auf Festivals. Nicht 

zuletzt immer wieder in Willisau. 

Hier hat Studer vor fünf Jahren 

auch im Rahmen der „Intimities“ 

am Solo-Spiel Gefallen 

gefunden, im September wird er 

nun beim 44. Festival in Willisau 

seine im Januar eingespielten 

Tracks live vorstellen. 

Aus Skizzen und Aufgeschnapptem, 

aus vertrauten 

Beats und Hörnotizen entwickelt 

er seine Musik, die er zuweilen 

© Ben Huggler 

auch notiert – aber komponiert, 

darauf legt Studer wert, sind 

seine Stücke nicht. Als Komponist 

sieht er sich nicht, zu groß 

ist sein Respekt vor Namen wie 

György Ligeti und Edgar Varèse, 

deren Musik ja durchaus auch 

zu seinem Repertoire gehört. Er 

ist Autodidakt, ein Tüftler, der 

seine Musik aus dem gemeinsamen 

Spiel und dem täglichen 

Umgang mit seinem Instrument 

entwickelt. Eine sinnliche Suche 

nach Klängen und Rhythmen, gespeist 

aus vielen Einflüssen und 

gewiss weit entfernt von seinen 

rockmusikalischen Anfängen. 

Aber eben unverkennbar immer 

noch geprägt vom dynamischen 

Groove, den Studer so unnachahmlich 

zu erzeugen vermag. 

Mit „InPuls“, einem fünfminütigen 

Abtasten und Räume- 

Abstecken, startet Studer 

gewohnt dynamisch auf seinem 

Gretsch-Schlagzeug, das er um 

Gongs und Klangbleche erweitert 

hat; konsequent auch der 

Verzicht auf jegliche Elektronik 

und Overdubs. Den Raumklang 

aber nutzt er mit Bedacht, hat 

sorgsam aufgenommen, den 

jeweils richtigen Standort für 

die Mikrophone gesucht, den 

jeweils passenden Effekt von 

Fellen und Metall. Ein Basteln 

und Probieren, dessen Ergebnis 

gewiss nicht der spontanen 

Atmosphäre eines Live-Konzerts 

entspricht, zuweilen meint man 

eher eine Studio-Aufnahme auskomponierter 

Musik zu hören. 

Dem einen oder anderen 

Kollegen und Mitstreiter hat 

Fredy Studer einzelne Tracks gewidmet, 

Pierre Favre etwa oder 

Jojo Mayer. Kurze, wohlkalkulierte 

Stücke sind darunter, aber 

auch lange vielfarbige Fantasien 

wie das zwölfminütige Titelstück. 

Mit zunehmender Dauer 

fängt die Magie, lässt man sich 

bereitwillig auf den Flow der 

Musik und die Stimmung der 

Tracks ein. Da gibt es lässige 

und verspielte wie das kratzige 

„Lies mehr Nadel“ oder den 

saftigen „Circle Stomp“. Es weht 

aber auch ein tiefer Ernst in die 

Aufnahmen hinein. Quasi ein 

Requiem hat er dem während 

der Aufnahmen im Januar 

verstorbenen Freund François 

„Frasi“ Müller gewidmet, und 

auch „Rostiger Himmel“, der 

letzte Track der Aufnahmen, gilt 

dem Freund – ein so dunkles wie 

nachdenkliches Lebewohl. 

Statt umfangreicher Liner 

Notes hat Fredy Studer vier 

namhafte Kollegen gebeten, 

seine Arbeit zu kommentieren, 

zu bewerten. Lobende Worte 

finden Vinnie Colaiuta, Jim Keltner 

und Jack DeJohnette. Den 

treffendsten Kommentar aber 

liefert der Niederländer Paul 

Lovens mit feinen Reimen: „He 

sows his prose that flows – as 

he goes… And getting close, he 

knows – as it shows.” 

– – – – – – – – – – – – – – – – – 

Aktuelle LP-Box: 

Fredy Studer: 

Now’s the Time 

(Everest / Maniac Press) 


Lisa Bassenge 

Szenen einer Ehe 

© Dovile Sermokas 

Fragt man die Berliner Sängerin Lisa Bassenge, nach 

welchen Kriterien sie das Material ihres neuen Albums 

ausgewählt hat, erfährt man, dass es sich um ein 

Gemeinschaftswerk mit ihrem frisch angetrauten Ehemann, 

dem dänischen Kontrabassisten Andreas Lang, handelt. 

Von Victoriah Szirmai 

„Deshalb auch der Titel Borrowed and Blue, 

der auf den Hochzeitsbrauch ,Something 

old, something new, something borrowed, 

something blue‘ anspielt“, erzählt sie. „Es 

sind alles Songs, die mein Mann und ich an 

einem bestimmten Punkt unserer Beziehung 

gehört haben, etwa, als wir zum ersten Mal 

zusammen Auto gefahren oder zum ersten 

Mal miteinander verreist sind.“ 

Man könnte befürchten, um die 

Beziehung sei es nicht zum Besten bestellt: 

Alles hier ist düster und weh, es geht um 

verlorene Liebe, Schmerz und Tod. Dabei 

sind Bassenge und Lang mit ihrem gemeinsamen 

Baby privat überglücklich. Ist es 

nicht seltsam, musikalisch im Verlassensein 

zu versinken, nur um kurz darauf fröhlichem 

Familienleben zu frönen? „Diese Art von 

Musik ist künstlerisch einfach viel interessanter 

als so ein Happy-Happy-Gefühl“, 

sinniert Bassenge. „Und nicht zuletzt lassen 

sich damit bestimmte Aspekte des Lebens 

in die Kunst auslagern.“ 

Tatsächlich wiegt Borrowed & Blue mit 

seinem countryesk-schunkelnden Patsy- 

Cline-Auftakt „Three Cigarettes in an Ashtray“ 

dann auch nur kurz in trügerische Sicherheit, 

denn nicht einmal dieser Lazy-Sunday- 

Morning-Sound kann darüber hinwegtäuschen, 

dass hier mehr lauert. Und so wird 

es auch schon auf „I Feel Like Breaking Up 

Somebodys’s Home“ mehr als nur untergründig 

bedrohlich, wobei Bassenge und 

ihre Begleiter den Albert-King-Blues dank 

klanggewordenem Nimmermehr-Gefühl 

in reduziertem Dunkelmoll zum perfekten 

Torch Song wandeln. 

Kleine Cafés, Parks mit alten Kastanienbäumen 

und natürlich auch Phantom- 


spiegelungen des verlorenen Liebhabers 

werden mit dem Billie-Holiday-sings-Sinatra-Klassiker 

„I’ll Be Seeing You“ wehmütig 

heraufbeschworen, während die Warren- 

Zevon-Nummer „Keep Me in Your Heart 

for a While“ trotz des sich abzeichnenden 

Abschieds derart laid back klingt, dass 

sich leicht nachvollziehen lässt, weshalb 

„Whiskey, Weed and Warren Zevon“ zum 

geflügelten Wort wurde. Tatsächlich jedoch 

handelt es sich um den letzten Song, den 

der US-Amerikaner je geschrieben hat: „Er 

war schon total vom Krebs zerfressen, hat 

ihn dann aber noch zu Hause eingesungen, 

damit er auf seiner letzten Platte erscheinen 

konnte“, erklärt Bassenge, die auch auf 

dem folgenden „My Man’s Gone Now“ ausgiebig 

dem Verschwundenen nachtrauert. 

Vor allem der schuberteske Piano-Unter-, 

wenn nicht gar -Abgrund macht die Platte 

spätestens zum romantischen Liederzyklus. 

Bassenge klagt sich herzzerreißend durch 

den Song, an dessen Ende ein „Promised 

Land“ winkt, das hier als Euphemismus fürs 

Jenseits verstanden werden will. 

Der warme Bass-Sound, der die 

Townes-Van-Zandt-Nummer „I’ll Be Here in 

the Morning“ eröffnet, lindert den allergrößten 

Schmerz; und wenn sich erst das 

Klavier zum Dialog der Eheleute gesellt, entfaltet 

sich Klarheit darüber, dass das Stück 

nicht auf den Liebsten abzielt, sondern 

vielmehr Versprechen von Mutter zu Kind 

ist, am Bett zu wachen, bis alle nächtlichen 

Schatten wieder verschwunden sind. „Ich 

habe einfach nur versucht, dieses Gefühl 

von Nähe, von Innigkeit zu transportieren“, 

so Bassenge. „Mich berührt dieses Stück 

immer sehr – es ist einfach ein krass schöner 

Text.“ Tatsächlich treibt es einem die 

Tränen in die Augen, wenn die letzte Zeile 

ahnen lässt, dass es sich nicht nur um eine 

durchwachte Nacht handelt, sondern um 

die gesamte Spanne, die das Kind im Haus 

der Mutter verbringt, um irgendwann seiner 

eigenen Wege zu gehen. Starke weibliche 

Familienbande klingen auch im Bill-Withers- 

Klassiker „Grandma’s Hands“ an, dessen 

Intensität sich einzig mit der Bassenge- 

Komposition „Barbed Wire“ vom jüngsten 

Micatone-Album The Crack messen lässt, 

womit die Sängerin das Image der edlen 

Electropop-Chansonnière wohl endgültig 

hinter sich gelassen hat. 

So ist das in nur einem Take und vier 

Stunden aufgenommene Borrowed and 

Blue dann auch eine Platte, bei der stets ein 

Hauch Abgeklärtheit mitschwingt, die sich 

mit zunehmendem Lebensalter einstellt – ob 

als zartes Erstaunen, dass nach so vielen 

Jahren der alte Funke immer noch glimmt, 

wie auf „Still Crazy After All These Years“ 

oder dem Beatles-Klassiker „Norwegian 

Wood“, für den Bassenge sich in die Rolle 

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des männlichen Akteurs wagt. Die behält 

sie auch auf dem Hank-Williams-Senior- 

Closer „Ramblin‘ Man“ bei, der das erste 

„I Love You“ der Platte ausspricht – natürlich 

nicht, ohne ein „Aber“ folgen zu lassen. 

Und dann finden Kunst und Leben 

doch noch zueinander. „Mein Hauptgrund, 

diese Platte zu machen, war die Freiheit 

von Angst. Ich hatte jahrelang viel zu oft mit 

Leuten gespielt, die nicht richtig anerkannt 

haben, was ich mache. Das hat sich durch 

dieses Trio komplett aufgelöst. Für uns ist 

Musik in erster Linie Heilung und Trost. Es 

geht nicht darum, alles richtig zu machen 

– man darf auch Spaß haben!“ Hierzu hat 

Lisa Bassenge die richtigen Verbündeten 

gefunden. Jacob Karlzon am Klavier gelingt 

es, den intimen Zwiegesang des Ehepaars 

nie zur Ménage-à-trois geraten zu lassen – 

und gerade das macht ihn so unersetzlich in 

einem Trio, das zu den besten Besetzungen 

gehört, in denen die Sängerin je gespielt hat. 

Aktuelle CD: 

Lisa Bassenge: Borrowed and Blue 

(Herzog / Soulfood)

Daniel 

Erdmann / 

Christophe 

Marguet 

Eine Fotografie des 

Moments 

© Dirk Bleiker 

14 

Jazzthetik 09/10-2018

Tenorsaxofon, Schlagzeug, zwei Kontrabässe. Zwei Bässe? Es gibt 

Besetzungen, die springen ins Auge, noch bevor der erste Ton den Raum 

durchflossen hat. So auch das Projekt des deutschen Saxofonisten 

Daniel Erdmann und des französischen Schlagzeugers Christophe 

Marguet, deren gemeinsame Band durch gleich zwei Kontrabassisten 

zum Quartett anwächst. Sozusagen eine Art musikalische Viersaiten- 

Doppelrahmstufe. Und die mundet ganz vorzüglich. 

Von Andreas Collet 

© Dirk Bleiker 

Ein Stipendium des Deutsch-Französischen 

Kulturrats war es, das 

den deutschen Saxofonisten Daniel 

Erdmann vor rund 17 Jahren 

nach Frankreich führte. Mittlerweile 

haben er und seine Familie 

in Reims im Nordosten Frankreichs 

ihre Heimat gefunden. 

Perfekt gelegen, der TGV macht‘s 

möglich, sind es nur 45 Minuten 

nach Paris und 30 Minuten zum 

Flughafen, denn seine Berliner 

Wohnung hat Erdmann nie aufgegeben. 

Three Roads Home heißt 

nun seine neuste Einspielung mit 

dem Schlagzeuger Christophe 

Marguet, und der Albumtitel 

nimmt Bezug auf drei unterschiedliche 

Konstellationen: zwei 

Trios und ein Quartett. Schon 2015 

eingespielt, dauerte es drei Jahre, 

ehe diese Perle das Tageslicht 

erblickte. „Das ist leider keine 

Band, die viel live spielt. Da gab 

es keinerlei Druck, und so hat es 

bis zur Veröffentlichung ein wenig 

gedauert“, erklärt Erdmann. 

Jeweils fünf der zwölf 

Kompositionen stammen aus den 

Federn Erdmanns und Marguets, 

die beiden Bassisten Henri 

Texier und Claude Tchamitchian 

brachten jeder ein Stück mit ein. 

Die Besetzung hatten Erdmann 

und Marguet schon im Sinn, als 

sie die Stücke schrieben. Die 

Aufnahme, in knapp zwei Tagen 

ohne Overdubs und spätere 

Nachbearbeitung eingespielt, ist 

sozusagen eine Fotografie des 

Moments. Erdmann ist es wichtig, 

dass die Stücke eine gewisse 

Form, Melodie oder einen Rhythmus 

vorgeben und trotzdem 

Freiräume enthalten, in denen die 

Musiker aus dieser Form ausbrechen 

sollen und können. „Das 

muss überschwappen, da es 

sonst aus meinem musikalischen 

Verständnis heraus zu langweilig 

wird. Die Möglichkeit zu machen, 

was man will, muss zu jederzeit 

gewährleistet sein. Gerade das 

sind die Stärken dieser Musiker. 

Eben genau im richtigen Moment 

über den Tellerrand herauszuschießen.“ 

Mit Christophe Marguet 

spielt Erdmann schon eine geraume 

Zeit zusammen. So haben 

sie die Duo-Platte Together, 

Together! veröffentlicht und mit 

dem Tenorsaxofonisten Heinz 

Sauer eine Quartett-Aufnahme 

eingespielt. Three Roads Home 

ist nun der dritte Streich von Erdmann 

und Marguet. Die Wahl der 

Bassisten ergab sich dabei auf 

eine sehr natürliche Art und Weise. 

„Christophe und ich spielten 

im Sextett von Claude, so waren 

wir natürlich alle sehr miteinander 

verbunden, und Christophe 

wiederum spielt viel mit Henri“, 

erläutert Erdmann und fügt an: 

„Meine Verbindung zu Henri 

ist, obwohl ich nie zuvor mit ihm 

gespielt habe, eine besondere. 

Seine Alben Colonel Skopje und 

An Indian‘s Week entdeckte 

ich rein zufällig. Zu dieser Zeit 

hatte ich mit Frankreich noch 

gar nichts am Hut. Diese beiden 

Platten haben mich eine lange 

Zeit begleitet, und zu ihnen habe 

ich unglaublich viel gedudelt. Von 

daher freut es mich besonders, 

dass Henri zugesagt hat.“ 

Die Band spielt äußerst 

kompakt, jeder Ton hat seinen 

Platz, seine Bedeutung, und in 

jedem schwingt diese Verbundenheit 

und dieses Selbstverständnis 

mit. Das ist Musik mit 

großer formeller und struktureller 

Kraft. Erdmann ist dabei der große 

Geschichtenerzähler. Einer, 

der den Mut hat, in Melodien zu 

schwelgen, der aber auch immer 

wieder aus ihnen ausbricht, um 

sie mit einem Augenzwinkern 

genüsslich zu dekonstruieren. 

Christophe Marguet unterstützt 

dabei mit seinem höchst 

virtuosen, gruppendienlichen 

Spiel, das niemals vordergründig, 

dafür immer verbindend ist. Die 

beiden Bassisten unterscheiden 

sich vor allem im Ton. Während 

Texier auf Three Roads Home 

ausschließlich Pizzicato spielt, 

greift Tchamitchian auch öfter 

zum Bogen. „Man spürt einfach 

die Erfahrung dieser Musiker, die 

schon eine gefühlte Ewigkeit mit 

allen möglichen Größen gespielt 

haben. Das alles hat natürlich 

Vorbildcharakter, und es ist eine 

große Freude, mit ihnen spielen 

zu dürfen“, gesteht Erdmann. 

Am Anfang stand die Idee 

der drei unterschiedlichen Besetzungen. 

Es wurde geprobt, die 

Band spielte einen Gig, und dann 

ging es ab ins Studio. Seitdem 

gaben die vier weitere Konzerte, 

doch auf dem Weg hat sich die 

Ausrichtung ein wenig verändert. 

Es entwickelte sozusagen eine 

Eigendynamik, denn nun spielen 

sie größtenteils nur noch im 

Quartett, mit beiden Bässen auf 

einmal. „Schlussendlich hat es 

sich herausgestellt, dass es uns 

mehr Spaß macht, die Stücke zu 

viert zu spielen“, erklärt Erdmann. 

„Wenn es noch eine Folge-Platte 

geben sollte, könnte ich mir gut 

vorstellen, sie ausschließlich im 

Quartett einzuspielen.“ 


Aktuelle CD: 

Daniel Erdmann, Christophe 

Marguet, Henri Texier, Claude 

Tchamitchian: 

Three Roads Home 

(Das Kapital / Broken Silence) 

Jazzthetik 09/10-2018 

15


Musik ist in Estland eine 

ungemein wichtige Kunstform 

– und zwar Musik im Allgemeinen, 

nicht nur ein bestimmtes 

Genre. Immerhin spricht man im 

Baltikum nach wie vor von der 

„singenden Revolution“, wenn 

es um die nationale Bewegung 

für eine staatliche Unabhängigkeit 

zwischen 1987 und 1991 

geht. Das estnische Musikleben 

ist vielgestaltig, lebendig und 

ambitioniert, und es gibt seriöse 

Musikerinnen und Musiker, die 

im Land bekannter sind als bei 

uns Helene Fischer. 

Trotz aller Begeisterung ist 

der Musik-Markt des 1,3 Millionen 

Einwohner zählenden Landes 

zu klein, um seine Künstler zu 

ernähren. Darum haben Esten es 

schon immer selbstverständlich 

gefunden, möglichst auch international 

unterwegs zu sein. Das 

gilt nicht nur für die Vertreter der 

bei uns sogenannten E-Musik, 

das gilt auch im Jazz-Fach. Wobei 

der Jazz in Estland nicht so 

streng von anderen Musikstilen 

unterschieden ist wie in Zentraleuropa. 

Jazz, Pop, Folk und E- 

Musik grenzen sich nicht harsch 

gegeneinander ab, stattdessen 

herrscht ein Geist der Neugier 

und Kooperation. Das gilt auch für 

Jaak Sooäär. „Musikalische Genres 

interessieren mich wenig“, 

sagt er. „Mich interessieren ganz 

verschiedene Stile – von Bach 

bis zum Punk. Heute entsteht die 

interessanteste Musik meistens 

zwischen den Stilgrenzen.“ 

Jaak Sooäär ist Gitarrist 

und einer der bekanntesten 

Jazzmusiker in Estland. Er wurde 

1972 in Tallinn geboren, da war 

Estland noch eine sozialistische 

Sowjetrepublik. Seine ersten 

professionellen Erfahrungen in 

der Musik-Branche waren Konzertreisen 

in der UdSSR mit dem 

Estnischen Knabenchor, in dem 

er mit sieben Jahren Mitglied 

wurde. Später studierte er an der 

Universität in Tartu und an den 

Musikhochschulen in Tallinn und 

Kopenhagen und begann 1989, 

in der Jazz- und Pop-Szene in 

seinem Heimatland zu arbeiten. 

Die Liste der international prominenten 

Jazzmusiker, mit denen 

er zusammengearbeitet hat, ist 

mittlerweile stattlich, und er hat 

mit verschiedenen Bands über 

20 Alben eingespielt. In der Jazz- 

Abteilung der Estnischen Musikund 

Theaterakademie (Eesti 

Muusika- ja Teatriakadeemia) in 

Tallinn unterrichtet er seit 2001 

Jazz-Gitarre, und seit 2004 ist er 

Leiter dieser Abteilung. 

Seinen von Genre- 

Beschränkungen unverstellten 

Blick auf die Musiklandschaft 

hat er Anfang des Jahres mit 

dem Album Bach bewiesen, 

das er mit dem Pianisten Ivo 

Sillamaa eingespielt hat. Es ist 

bei dem kleinen estnischen Label 

AVA Muusika erschienen und 

Man müsste den Titel ohnehin übersetzen. Schließlich gibt es 

nicht sehr viele Menschen, die Estnisch verstehen, Englisch ist als 

Verständigungssprache auf diesem Planeten einfach weiter verbreitet. 

Darum hat der estnische Gitarrist Jaak Sooäär sein neues Album, das er 

mit einem Trio eingespielt hat, gleich A Shooting Star genannt und nicht 

Sabaga täht. Beides heißt auf Deutsch so viel wie „Sternschnuppe“. 

Jaak 

Sooäär 

Über das Licht in der Musik 

© Kaupo Kikkas 

enthält ausschließlich Musik 

von Johann Sebastian Bach – 

neu instrumentiert und damit in 

Versionen, mit denen Anhänger 

der Originalklang-Szene möglicherweise 

nicht ganz zufrieden 

wären. Jetzt kam das eingangs 

erwähnte Album A Shooting Star 

heraus, eingespielt von einem 

Trio. Das Album enthält ebenfalls 

Bach-Bearbeitungen – die 

Choralkantate „Ich ruf zu dir, Herr 

Jesu Christ“ (BWV 639) und den 

Siciliano-Satz aus der Violinsonate 

in c-Moll (BWV 1017) – neben 

Musik des armenischen Kontrabassisten 

Ara Yaralyan und 

Stücken von Jaak Sooäär selbst. 

Stilgrenzen spielen hier, wie man 

leicht erkennt, kaum eine Rolle. 

Anders als das oft bei ähnlich 

besetzten Trios – E-Gitarre, 

Bass, Schlagzeug – der Fall ist, 

geht es auf diesem Album sehr 

verhalten zu, intim und manchmal 

melancholisch. Der finnische 

Schlagzeuger Markku Ounaskari 

arbeitet überaus filigran und 

klangreich, Ara Yaralyan am 

Bass nimmt oft den Bogen zur 

Hand und verzichtet meist auf die 

klassischen rhythmisch treibenden 

Grundierungen. 

Das Titelstück ist ein Lied 

von Jaak Sooäär, das, wie er 

erzählt, auf ein Erlebnis auf der 

Insel Vormsi reagiert, wo in einer 

Septembernacht ein Meteor 

den Himmel sehr plötzlich und 

weiträumig erhellte. Der Song 

„Sabaga Täht“, den er über 

dieses Erlebnis einige Zeit später 

schrieb, wurde vor anderthalb 

Jahrzehnten in der Interpretation 

seiner Band Eeste Keeled (Estnische 

Saiten) recht bekannt. Auf 

dem neuen Album gibt es eine 

rein instrumentale Trio-Fassung 

dieses Liedes, die, wie Jaak 

Sooäär findet, auch ohne den 

Text und ohne eine Singstimme 

ziemlich gut funktioniert. Der Text 

ist im Booklet auf Estnisch und 

in einer englischen Übertragung 

abgedruckt. Er erinnert in seiner 

konzentrierten und zurückhaltenden 

Beschreibung eines 

lichtvollen Augenblicks an ein 

japanisches Haiku. 

Licht spielt in dem Album 

auch in einem anderen Stück und 

in einer anderen Erscheinungsform 

eine große Rolle – nicht 

als plötzliche Erleuchtung einer 

nächtlichen Situation, sondern 

als etwas fast Abwesendes, als 

eine Art schimmernde Erinnerung 

aus der Ferne: „Kaamos“ 

heißt das vorletzte Stück des 

Albums. Es ist ebenfalls eine 

Komposition von Jaak Sooäär. 

Kaamos, das bezeichnet im Finnischen 

die Zeit um die Wintersonnenwende, 

wenn die Sonne nicht 

aufgeht und wo es für einige 

Stunden über Mittag auf eine 

diffuse Weise vom Süden her ein 

wenig hell wird. 

Aktuelle CD: 

Jaak Sooäär, Ara Yaralyan, Markku 

Ounaskari: A Shooting Star 

(O-Tone / Edel:Kultur) 


Literatur 

Von Rolf Thomas 

Ob Diedrich Diederichsen wohl je 

nachts schweißgebadet aufwacht, weil 

er von einer mediokren Nachahmer- 

Armee seines Stils gepeinigt wird? Die 

Vorstellung scheint plausibel, wenn 

man sich den Kraftwerk-Sammelband 

Mensch Maschinen Musik zu Gemüte 

führt. Autoren, die im Anhang 

selbstbewusst-blasiert als „Associate 

Professor für American Studies an 

der University of Wyoming in Laramie, 

USA“ firmieren und sich anscheinend 

nicht bewusst sind, dass sich das wie 

„Oberstudienrat am Beppo-Brem-Gymnasium 

Geilenkirchen“ anhört, pflegen 

in dem von Uwe Schütte herausgegebenen 

Buch einen peinigenden 

akademischen Jargon, der das Lesen 

zur Qual macht. Wer nicht weiß, was 

ein Mise en abyme – nämlich ein Bild 

im Bild – ist, ist aufgeschmissen. Zwar 

ist der Band mit Fußnoten gespickt – 

unsinnigerweise nicht zentral am Ende 

des Buches, sondern am jeweiligen 

Ende der Kapitel, was zu hektischem 

Hin- und Herblättern führt –, aber 

gerade diesen Begriff hält die Autorin 

Melanie Schiller („Assistant Professor 

für Medienwissenschaften und Populäre 

Musik am Institut für Künste, Kultur 

und Medien an der Rijksuniversiteit 

Groningen in den Niederlanden“ – was 

es nicht alles gibt) nicht für erklärungsbedürftig. 

Wer sich für Kraftwerk und 

deren Musik interessiert, bekommt 

deren Geschichte zwar in den einzelnen 

Beiträgen brav chronologisch 

nacherzählt, aber die Gedanken der 

Diederichsen-Jünger dazu sind leider 

nahezu allesamt so wirr, kraus und 

nicht nachvollziehbar, dass man nur mit 

dem Kopf schütteln kann: Da verursachen 

„elektronische Instrumente einen 

Abspaltungseffekt“ (Alexander Harden 

hat „Interesse an der Anwendung 

narrativer Theorien“), das Album Trans 

Europa Express befindet sich auf dem 

Kraftwerk und 

Throbbing Gristle 

Pioniere der 

elektronischen 

Musik 

Der akademische Tausendsassa Uwe Schütte – Privatdozent, Musikjournalist, 

Buchautor – hat nicht nur einen Sammelband über das Wesen und Wirken von 

Kraftwerk zusammengestellt, er hat auch eine profunde und äußerst kurzweilige 

Analyse des Throbbing-Gristle-Anführers Genesis P-Orridge geschrieben. 

Weg „von Wahrhol‘s ‚Mal-Maschine‘ 

zu Kraftwerks Musik-Maschine“ (Didi 

Neidhart, der nicht mal weiß, wie man 

Andy Warhol schreibt, ist ausnahmsweise 

kein Akademiker, sondern 

profaner Musikkritiker) und die Kraftwerksche 

Poesie wird erzeugt „durch 

die eigene Radsportbetätigung der 

Einzelnen“ (Literaturwissenschaftler 

Dr. Enno Stahl hat hier Schwierigkeiten 

mit der deutschen Sprache). Kurz und 

schlecht: Ach nee. 

Dass Herausgeber Uwe Schütte 

das Kraftwerk-Buch besser selbst 

geschrieben hätte, diese Erkenntnis 

beschleicht einen, wenn man seinen 

schmalen Band über Genesis P-Orridge 

liest. Schütte ist ein äußerst witziger 

und amüsanter Autor, der dieser bizarren 

Figur britischer Avantgarde- und 

Industrial-Music-Geschichte dennoch 

kompetenten Respekt entgegenbringt, 

und die knapp 100 Seiten lesen sich mit 

Erkenntnisgewinn und haben zumindest 

beim Rezensenten dazu geführt, 

mal wieder die alten Throbbing-Gristle- 

Platten aus dem Regal zu kramen. 

Uwe Schütte (Hg.): Mensch Maschinen Musik – 

Das Gesamtkunstwerk Kraftwerk. 

C.W. Leske Verlag, Düsseldorf 2018, 

366 Seiten, 24,90 Euro 

Uwe Schütte: Godstar – Über Genesis P-Orridge, 

eine Geheimgeschichte der Popkultur. 

Der Konterfei, Wien 2018, 

99 Seiten, 9,90 Euro 

Das Hollywood Songbook 

in der Version von Michael 

Schiefel und dem Wood & 

Steel Trio klingt manchmal 

altmodisch, doch nie 

museal, und wenn, dann im 

besten Sinne: Da ist diese 

eigentümliche Stimmung, die 

einen beim stillen Betrachten 

von Gegenständen aus 

vergangenen Zeiten anfliegt. 

Sie beginnen in ihren Vitrinen 

gleichsam zu sprechen 

und verbreiten stumm 

eine betörende Wirkung. 

Es erklingt, bestückt mit 

knapper Prosa und perfekt 

instrumentiert, aus versteckten 

Lautsprechern eine hochgradig 

eigenartige Botschaft. 

Von Jan Kobrzinowski 

Das Hollywood Songbook von Hanns Eisler 

ist ein Liederzyklus aus vertonten Texten 

von Bertolt Brecht und anderen Dichtern. 

In die Originalfassung eingearbeitet sind 

Minizyklen von Eduard Mörike, Joseph von 

Eichendorff, Friedrich Hölderlin und je ein 

Text von Blaise Pascal und Goethe, sowie 

ein von Eisler selbst geschriebenes Gedicht: 

„Nightmare“. Der Zyklus ist Eislers erste 

Beschäftigung mit dem Thema Lied im Exil, 

in der er dem Schrecken darüber Ausdruck 

verschafft, was im damaligen Deutschland 

passierte. Und es ist eine Reaktion auf die 

fremde Welt Hollywoods samt einer Meditation 

über Deutschlands verschwundene 

Vergangenheit, unerträgliche Gegenwart 

und unsichere Zukunft. 

Musik und Text sind geprägt von einer 

nostalgisch-melancholischen Haltung, immer 

am Rande von Trauer und Schmerz über den 

Verlust einer untergehenden Heimat. Michael 

Schiefel und das Wood & Steel Trio haben 

sich auf eine Auswahl beschränkt, und so 

blieben die Brecht-Texte als Schwerpunkt 

übrig. „Die Auswahl entspricht unserer Perspektive“, 

sagt Schiefel. „Man muss diesen 

Stoff für heutige Zwecke einfach verdichten. 

Und wir wollten die relativ kurzen Stücke mit 

Improvisationen versehen und haben daher 

weniger Material verwendet. Es wäre sonst 

zu viel geworden. Man kommt schon mit 

dem Singen der Brecht-Texte irgendwann an 

einen Punkt, an dem es beklemmend wird.“ 

Sowohl für ihn als Sänger als auch für 

das Publikum ist es wichtig, zwischendurch 

18 


Michael Schiefel – 

Wood & Steel Trio 

Zwischen Baum und Borke 

© Stefanie Marcus 

Abstand zu nehmen und sich bei Goethes 

„Schatzgräber“ sowie Intros, Zwischenspielen 

und „Tableau I-III“ genannten kleinen 

Intermezzi etwas zu entspannen. Michael 

Schiefels versatile Stimme meistert diesen 

Stoff, der in allen Belangen Äußerstes von 

einem Sänger fordert. Und das Wood & Steel 

Trio mit seinem ganz eigenen Sound aus dem 

leicht blechernen Klang von Dobro-Steel- 

Guitar (meisterhaft fühlt sich Christian Kögel 

in die Klangwelt der damaligen Zeit ein), 

dem virtuosen Vibrafon von Roland Neffe 

und Marc Muellbauers erdigem Kontrabass 

scheint wie geschaffen für das Projekt. 

Auf seiner Spurensuche stieß Michael 

Schiefel zunächst auf eine Decca-Produktion 

von 1998 aus der Reihe „Entartete Musik“ 

mit dem klassischen Bariton Matthias 

Goerne und dem Pianisten Eric Schneider. 

Mit Letzterem kam Schiefel ins Gespräch. 

Ihn faszinierte, wie diese Musik zwischen 

Kunstlied und Kabarett changieren konnte. 

Wie nun eine eigene Version, außerhalb des 

klassischen Liedes umsetzen? Seine Idee 

war das Wood & Steel Trio, und so fragte er 

dessen Bassisten Marc Muellbauer. Der und 

seine Kollegen sagten sofort zu und stürzten 

sich an die Arbeit. Reiz und Herausforderung 

bestanden darin, Eislers teilweise sperrigen 

Klaviervorlagen auf drei Instrumente 

zu übertragen. „Das Material ist von Eisler 

sehr sorgfältig gestaltet und auf den Text 

abgestimmt. Es erfordert sehr viel Präzision 

beim Proben, war doch ursprünglich daran 

gedacht, dass Klavier und Stimme agogisch 

miteinander ‚atmen’. Wir mussten sehr 

lange arbeiten, bis alles begann zu wirken.“ 

Muellbauer ergänzt: „Neben der Kraft der 

Texte faszinierte uns die Bandbreite der 

musikalischen Sprache und die kondensierte 

Substanz der einzelnen Lieder. Das Material 

selber ist einfach unglaublich gut. Es kristallisierte 

sich ein Weg heraus, der uns der 

Musik gerecht schien und uns die Möglichkeit 

gab, die Lieder aus ihrer Verortung als 

Kunstlieder der 1940er Jahre herüberzuholen 

ins Jetzt: Wir nahmen zum Teil nur wenige 

Takte aus einzelnen Stücken und improvisierten 

mit dem Material Zwischenspiele, denen 

wir komplett frei assoziierte Teile entgegensetzten. 

Die Lieder selbst ließen wir in ihrer 

kargen Lakonik unangetastet.“ 

Michael Schiefel und Wood & Steel 

klingen so „altmodisch“, wie es eben nötig 

ist, um die eigentümlich hölzern klingende 

„lyrische Prosa“, heutzutage vielleicht nur 

noch Altlinken, Lied-Kennern und Theaterleuten 

ein Begriff, auf einen aktuellen Stand 

zu bringen. Bei näherem Hinhören jedoch 

ist dieser Stoff aktueller als erwartet. Man 

kann an ihm Befindlichkeiten ablesen, mitfühlen, 

wie es Menschen zwischen Baum 

und Borke gehen muss, die auf die Anerkennung 

als Flüchtlinge warten, die sich 

fern der Heimat fremd fühlen, während dort 

Kriege toben, ihr Land zerstört wird. Wood 

& Steel mit Michael Schiefel haben nicht 

nur ein seltsames, vom Aussterben bedrohtes, 

kritisches Genre wiederbelebt, sondern 

richten unsere Ohren auf Themen, „die 

aktuell sind und in denen einiges drinsteckt, 

was wir uns gerade heute anhören sollten“. 

Erst nach mehrmaligem Hören belohnt uns 

das Hollywood Songbook wirklich. Und für 

diejenigen, die weiter in die Tiefe gehen 

wollen: Matthias Goerne / Eric Schneider: 

The Hollywood Songbook (Decca). Werkund 

Genre-Vergleich lohnen sich. 

Aktuelle CD: 

Wood & Steel Trio feat. Michael Schiefel: 

Brecht/Eisler – Hollywood Songbook 

(Traumton / Indigo) 


LBT 

Analoger 

Techno 

Jazz war einmal eine hippe Musik 

für junge Leute, die tanzen mochten. 

Nach und nach wurde jedoch immer 

weniger getanzt. LBT bringen den 

Jazz wieder auf die Tanzfläche. 


Von Thomas Bugert 

LBT sieht auf den ersten Blick aus wie ein 

klassisches Klaviertrio. Neben Leo Betzl (p) 

gehören Maximilian Hirning (b) und Sebastian 

Wolfgruber (dr) zur Band. Die drei Musiker 

haben sich während ihres Studiums an 

der Münchner Musikhochschule kennengelernt 

und sind mittlerweile ein sehr gut 

eingespieltes Team, das die Grenzen des 

Jazz auslotet. Für die vielseitige Band war 

das Jahr 2018 bislang sehr erfolgreich. 

Bereits im März gewannen die drei Musiker 

als Teil des Vincent Eberle Quintetts den 

Neuen Deutschen Jazzpreis in Mannheim. 

Hier spielten sie, wie auf ihrem Debütalbum 

Levitation, Modern Jazz im besten Sinne. 

Bereits der Bonustrack dieser CD 

deutete das Konzept an, mit dem die Band 

kürzlich den BMW Welt Jazz Award gewann. 

Beim Titel „Tech Tech Tech“ ist der Name 

Programm. Er stammt von Maximilian 

Hirning, der sich erinnert: „Für den Zusatztrack 

dieser CD habe ich einmal probiert, 

ein Techno-Stück für unsere akustische 

Band zu schreiben. Ich beschäftige mich 

viel mit dieser Musik, spiele sie auch in 

anderen Bands und gehe tanzen. Ich finde 

es spannend, diese Musik ohne Computer 

akustisch zu reproduzieren. Auf einer 

Tour haben wir gemerkt, dass das Stück 

ziemlich gut ankommt.“ Techno funktioniert 

jedoch nach anderen Gesetzmäßigkeiten 

als traditioneller Jazz und erfordert entsprechend 

andere Kompositionstechniken, wie 

Maximilian weiter erläutert: „Wenn man die 

Musik am Blatt Papier komponiert, ist man 

dazu verleitet, viel zu viel zu schreiben und zu 

variieren. Ich habe mir dann zuerst die DJ- 

Software Ableton gekauft und alles wie ein 

DJ komponiert. Danach habe ich die Stücke 

für ein akustisches Trio aufgeschrieben.“ In 

dieser Art entstanden nach und nach die Titel 

für das aktuelle Album Way up in the Blue. 

Tanzbarkeit und Technogrooves sind 

der rote Faden, der sich durch das Album 

zieht. Die Kompositionstechniken und musikalischen 

Herangehensweisen unterscheiden 

sich jedoch deutlich zwischen den 

Stücken und schaffen so die Abwechslung, 

durch die das Album frisch wirkt. So erinnern 

das Titelstück und der Track „Intro“ 

an repetitive Minimaltechniken von Steve 

Reich und Terry Riley, die auch gelegentlich 

als Wegbereiter des Techno gelten. „Skrjabin“ 

und „This Is Not the Way to Vernazza” 

verfolgen hingegen eher einen soundorientierten 

Ansatz. Bei „Circadian Dysrhythmia“ 

integriert das Trio ein klassisches Streichquartett. 

Nicht nur das kompositorische Konzept 

unterscheidet sich von Song zu Song, 

auch die Solokonzepte sind je nach Stück 

unterschiedlich. Dabei geht es weniger um 

Sololines im traditionellen Sinn, sondern 

mehr um einen Zeitraum, der vom Solisten 

unterschiedlich gestaltet wird. Maximilian 

erläutert: „Ich versuche, mir für jedes Stück 

zu überlegen, wie der Solist darüber spielt. 

Das Solo soll immer eins der wichtigsten 

Teile im Stück sein. Ich versuche, dem 

Solisten eine Idee, einen Klang oder ein 

Konzept zu geben, mit dem er solieren darf. 

Das bewirkt, dass die Soli in der Musik 

bleiben und dass man nicht einen Techno- 

Track hört und dann jemand ein Jazz-Solo 

darüberspielt. Der Solist soll immer eine 

Aufgabe erfüllen. Er morpht von einem Riff 

in ein anderes oder macht, wie bei „Arpeggione“, 

einen Arpeggiator nach.“ Durch 

diese Aufgabenstellungen schafft es die 

Band, dass die Soli stark mit der Komposition 

verschmelzen. 

LBT ist daher weitaus mehr als drei 

Einzelmusiker, die zusammenspielen. Es ist 

vielmehr ein Experimentallabor und eine 

Band, die sich mit den verschiedensten 

PDF in 4c 

Bereichen der Musik auseinandersetzt. So 

verwundert es nicht, wenn Maximilian sagt: 

„Es gibt eine Schnittstelle zwischen Neuer 

Musik und Free Jazz, die eigentlich ziemlich 

ähnlich klingt. Wenn man diese Klangästhetik 

nimmt, passt das gut zu Techno.“ Für die 

eigene Klangästhetik wählt das Trio einen 

minimalistischen Ansatz. „Wir erzeugen, 

wie in der Neuen Musik, alle Klänge analog. 

Man klebt etwas über die Saiten, legt etwas 

ins Klavier, kratzt irgendwo oder nimmt eine 

Spraydose und sprüht ins Mikrofon. So 

entstehen bei uns die Klänge, die sonst vom 

Computer kommen. Das Konzept sah so 

aus, dass man in den Jazzclub gehen kann 

und alles nimmt, was dort ist. Zusätzlich gibt 

es ein 08/15-Mischpult, mit einem Hall- und 

einem Delay-Effekt.“ Mit diesen minimalistischen 

Mitteln schafft es die Band erstaunlich 

authentisch, die Sounds von Synthesizern 

und Drum Machines zu erzeugen und 

live auf die Bühne zu bringen. LBT spielt 

mittlerweile nicht nur in Jazzclubs, sondern 

auch häufig in Discotheken. Da es hier in 

der Regel keine Klaviere gibt, die Band aber 

ihrem akustischen Konzept treu bleiben 

will, ist es dann nur konsequent, selbst ein 

Klavier mitzubringen. 

Aktuelle CD: 

LBT: Way up in the Blue 

(Yellowbird / Soulfood)

Nadin Deventer 

Neues entdecken 

Von Arne Reimer 

Nadin Deventer kommt gerade 

vom Jazzfestival in Manchester 

zurück. Die umtriebige Festivalmacherin 

reist viel, hört sich um 

und plant längst 2019, denn sie 

ist für die nächsten drei Jahre 

die neue künstlerische Leiterin 

des JazzFest Berlin. Dort werden 

im November 35 musikalische 

Acts aus 15 Ländern auftreten. 

Im Gespräch wird immer wieder 

Deventers Leidenschaft für die 

Sache deutlich. 

Arne Reimer: Wie arbeiten 

Sie als Kuratorin und welche 

Chancen möchten Sie in Berlin 

nutzen? 

Nadin Deventer: Ich habe in den 

letzten 15 Jahren ja schon einige 

Projekte und Festivals in sehr 

unterschiedlichen Kontexten entwickeln 

und gestalten dürfen. Als 

Kuratorin bin ich in erster Linie 

ja so etwas wie eine Forscherin, 

Zuhörerin und Vermittlerin, und 

wenn ich mich einem neuen 

Projekt nähere, tue ich das in der 

ersten Phase durch Fragen: An 

welchem Ort bin ich? Wer sind 

die anderen handelnden Akteure, 

sowohl Veranstalter als auch 

Musiker? Wo kommt ein Projekt 

her, wo steht es und welche sinnigen 

Perspektiven kann ich entwickeln 

für die mir zur Verfügung 

stehende Zeit? Ich höre sehr viel 

zu, vertiefe mich in Themen und 

Musik und versuche, Potenziale 

für gemeinsame Projekte herauszufiltern. 

Meine Vorstellung ist, 

das JazzFest ganz klar in Berlin 

zu verorten, es zu öffnen und 

durchlässig und empfänglich zu 

machen für neue Partnerschaften 

und Impulse, für ein gemeinsames 

Forschen und Definieren 

von Herausforderungen. Wie ich 

diesen Ansatz auf das JazzFest 

Berlin übertrage, kann man an 

meiner ersten Edition ganz gut 

ablesen: Vieles ist in Bewegung 

und am Entstehen, ich freue 

mich sehr auf die zahlreichen 

neuen Produktionen, unser Haus 

of Jazz zur Eröffnung oder die 

Un(ter)welt des KIM collective. 

Ich denke, dieses Festival fordert 

Musiker, Veranstalter, Partner 

und Publikum heraus und lädt 

ein, Neues zu entdecken, zu hinterfragen, 

in Themen einzutauchen, 

aber auch zu tanzen. 

Arne Reimer: Sie setzen nicht 

auf altbewährte Namen, sondern 

wagen Neues. Der Schwerpunkt 

des Programms liegt auf der 

Avantgarde. Präsentiert sie 

unsere Gegenwart besser? 

Nadin Deventer: Für mich ist das 

erste Programm musikalisch 

ausbalanciert und sicherlich 

auch herausfordernd; viele 

Musiker sind zum ersten Mal 

in Deutschland zu sehen und 

präsentieren Projekte mit 

klarer musikalischer und auch 

politischer Aussage. Meine 

Aufgabe als Festivalmacherin 

ist es ja auch zu vermitteln, von 

diesen Künstlerinnen ausgehend 

Bezüge herzustellen und sie 

thematisch einzubetten. 

Arne Reimer: Können Sie einige 

Themen nennen? 

Nadin Deventer: Amerika ist seit 

jeher wichtig gewesen für das 

JazzFest Berlin. Die aktuellen 

Themen in den USA, die aus der 

gesellschaftlichen Debatte in die 

Kunst übergehen, sind z.B. in der 

Black-Lives-Matter-Bewegung 

zu finden, mit Musikern, die sich 

ganz klar dazu äußern und auch 

mitgestalten. In diesem Jahr 

haben wir einen Fokus auf die 

Entstehung und Entwicklung 

der afroamerikanischen Musik 

gelegt. Beginnen werden wir 

mit einem Projekt anlässlich des 

hundertjährigen Gedenkens an 

das Ende des Ersten Weltkriegs. 

Das ist mir wichtig, weil wir 

gesellschaftlich gerade wieder 

an einem Wendepunkt stehen. 

Daraus wird ein audiovisuelles 

Projekt in internationaler 

Kooperation mit und um Jason 

Moran, der sich mit James 

Reese Europe beschäftigt, 

einem afroamerikanischen 

Musiker, der als Soldat in den 

Ersten Weltkrieg zog. Mit Nicole 

Mitchell und Moor Mother 

werden zwei starke Stimmen 

des aktuellen Afro-Futurismus 

auftreten die sich künstlerisch 

sehr unterschiedlich mit ihren 

Werken artikulieren. Ein anderer 

Themenschwerpunkt mit sieben 

Projekten ist der Szene in Chicago 

gewidmet, unter anderem 

mit Roscoe Mitchell. Mit Mary 

Halvorson beehrt uns vier Tage 

lang zudem die Gitarristin der 

Stunde als Artist in Residence. 

Arne Reimer: Das JazzFest 

Berlin hat eine lange Tradition. 

Es besteht seit 1964. Spiegelt 

es unsere Gesellschaft wider, 

dass erst jetzt erstmalig eine 

Frau die künstlerische Leitung 

übernimmt? 

Nadin Deventer: Das gesellschaftliche 

Klima hat sich 

geändert. Die Genderdebatte 

wird nun auch im Kunst- und 

Kulturbereich immer lauter 

geführt. Eine vor zwei Jahren 

vorgelegte Studie zu Frauen 

in Kultur und Medien zeigt 

aber, dass in Deutschland im 

Kulturbereich die wichtigen 

Positionen fast ausschließlich 

männlich besetzt sind. Monika 

Grütters [Staatsministerin für 

Kultur und Medien] sagte dazu 

sinngemäß: „Wenn sich die 

Kultur als die Avantgarde der 

Gesellschaft verstehen möchte, 

© Arne Reimer 

müsste sie auch in diesem Punkt 

voranschreiten.“ Der männliche 

Blick prägt aber nach wie vor die 

Ästhetik und das Bild des Jazz. 

Überwiegend männliche Produzenten 

entscheiden darüber, wer 

eine Platte machen darf, Dozenten 

entscheiden darüber, wer an 

einer Musikhochschule zugelassen 

wird, und vorwiegend männliche 

Journalisten berichten 

über die Konzerte und Platten. 

Sie alle haben großen Einfluss 

auf die Karrieren von Musikern 

und auch auf die öffentliche 

Wahrnehmung von Jazz. Da es 

immer noch kaum Frauen an der 

Spitze von etablierten Festivals 

in Europa gibt, könnte man die 

Berliner Festspiele tatsächlich 

als avantgardistisch bezeichnen, 

weil sie sich im Jahr 2018 als 

eine der wenigen Institutionen 

trauen, einer Frau die künstlerische 

Leitung ihres JazzFests zu 

übertragen. 

Termin: 

1. - 4.11. 

Website: 

www.jazzfest-berlin.de 

Als erste Frau in über 50 Jahren 

Festivalgeschichte leitet Nadin Deventer 

das JazzFest Berlin. Ihre Rolle sieht sie 

als die einer Forscherin, Zuhörerin und 

Vermittlerin. 


Leona 

Berlin 

Neuer 

NuSoul 

und kein 

Ende 

Die ersten Töne erklingen – 

und sofort fühlt man sich in die 

2000er Jahre zurückversetzt, 

als supersmoothe NuSoul- 

Acts wie Maxwell oder 

Floetry sich sinnlich 

in die Gehörgänge 

schmeichelten und 

dem einen oder 

anderen einen 

willkommenen 

Bedroom- 

Soundtrack 

lieferten. Wie es 

aber mit allen 

popkulturellen 

Wellen so ist: 

Irgendwann wird 

die Zahl ihrer 

Protagonisten so 

unüberschaubar, 

dass man die Lust 

daran verliert. Und 

irgendwann steht ihr 

Revival bevor. Sollte es 

jetzt für den Neo-Soul 

zumindest hierzulande so 

weit sein, wo sich 

Künstlerinnen wie KID BE KID 

oder Leona Berlin seiner 

wieder verstärkt 

annehmen? 

© Marlen Albrecht 


Von Victoriah Szirmai 

Doch wer Berlins selbstbetiteltes Debüt 

hört, sieht schnell ein, dass er es hier 

keineswegs mit einer Rekreation des 

watteweichen Wohlfühlsounds einer 

vergangenen Dekade zu tun hat, sondern 

mit hochaktuellen Klängen, für die es 

einfach noch keine passende Bezeichnung 

gibt. „NuSoul“, gibt Leona Berlin, die mit 

bürgerlichem Namen tatsächlich so heißt, 

dann auch zu Protokoll, „wird meiner 

Musik als Genre nicht gerecht. Der Sound 

ist anders als auf den Platten Anfang der 

2000er, die harmonischen Strukturen sind 

vielfältiger, der ganze Charakter aggressiver 

als der smoothe R&B, den man 

gemeinhin mit NuSoul verbindet. Und doch 

ist NuSoul das, was noch am ehesten an 

meine Musik herankommt – einfach, weil 

alle anderen Genres noch weniger passen.“ 

Einen Tag nach dem Interview meldet 

sich die Sängerin noch einmal: „Ich bin 

gestern zum ersten Mal über den Begriff 

Alternative Soul gestolpert. Das scheint 

mir das passendste Genre zu sein!“ 

Recht hat sie: Mögen zunächst noch 

besagte Alt-Referenzen beim Hören der 

ersten Stücke durch den Kopf spuken – 

darunter auch immer wieder die plattenknisternde 

Wärme des süddeutschen DJ- 

Kollektivs SoulParlor, das hier tatsächlich 

seine Finger im Spiel hatte –, entfaltet 

das Album im Verlauf seiner Spielzeit 

zunehmende Komplexität. Zunächst perlt 

es lediglich sinnlich-begehrlich durch die 

Boxen, wie etwa auf dem eröffnenden Duett 

mit dem Washingtoner Rock’n’Souler 

Olivier St. Louis. Die Klappergrooves des 

programmatischen „Walking“, die leicht 

pentatonisch anmutende Ulf-Kleiner-Komposition 

„Movin‘“, die auf keiner Angie- 

Stone-Platte fehl am Platze wäre, und das 

flüsternd-wabernde, nichtsdestoweniger 

pointierte „Cruel (Heal Me)“ führen zum 

betörend jimitenoresken Albumhighlight 

„Feel the Love“, das den Zustand der 

Gesellschaft, in der wir leben, nicht außen 

vor lässt. Schließlich kommen verschrobene 

A-cappella-Chöre („Free“) und auf 

Schnipsen und Schnalzen aufgebaute 

Beats („Make Me Wanna“) zum Tragen. In 

dieses Idiom schmiegt sich auch das einzige 

Cover des Albums, Princes „Nothing 

Compares 2 U“, trotz oder gerade aufgrund 

erheblicher harmonischer Abweichung 

vom Original ein. Warum Berlins Entscheidung 

ausgerechnet auf dieses Stück fiel? 

„Ich fand es spannend, mich dieser Herausforderung 

zu stellen“, rekapituliert sie 

und fügt nach kurzer Pause hinzu: „Prince 

halte ich generell für einen der inspirierendsten 

Musiker.“ 

Mit dem doppelschlagzeugbesetzten 

„Thinking About You“ folgt ein weiteres 

Highlight, das die Platte endgültig zum 

Kind unserer Zeit macht, was nicht zuletzt 

Berlins Kollaborationspartnern geschuldet 

ist – dem Clevelander Rapper Daniel 

Gray-Kontar aka RepLife und dem New 

Yorker Doppel-Grammy-Preisträger Casey 

Benjamin, dessen schräg schwurbelndes 

Altsax-Solo wie durch einen Vocoder 

genudelt klingt, vor allem aber den sich 

nahezu dreckig, in gewisser Weise auch 

enervierend gebenden soulparlorschen 

Großstadtbeats, mit denen RepLifes 

hypnotisch repetierte Beschwörungsformel 

„True love is the epic of the ages“ 

unterlegt ist. 

Die abschließende Streicher-Coda 

lässt die drei noch folgenden Stücke als in 

sich geschlossene Bonus-Suite erscheinen. 

Und die wartet neben dem zarten 

„Snow Crystal“ mit dem tiefergelegten 

„Flying High“ auf, dessen von Kleiner 

beigesteuertes Klaviersolo das Ganze 

auf die Jazzclub-Bühne hebt, ganz so, 

als hätte sich der tanzende Mob plötzlich 

entschlossen, dem Electro-DJ den 

Rücken zu kehren und stattdessen lieber 

im A-Trane abzuhängen. Der ebenfalls 

Kleiner-infizierte Closer „Searching“ 

versöhnt NuSoul-Gewaber mit Jazz-Piano, 

das Berlins Lyrics trägt. Kleiner, der nicht 

nur ihr Klavierdozent an der Hochschule 

für Musik in Mainz war, sondern neben 

Jack Daley und Mathis Grossmann auch 

als Co-Produzent der Platte fungiert, gibt 

eine bezeichnende Anekdote zum Besten: 

„Ich habe irgendwann einmal ein kleines 

Stück namens ,Triolenlauf‘ für meine 

Schüler geschrieben. Auf den ersten 

Blick ist es ganz harmlos – doch in den 

Triolen verbergen sich ein paar trickreiche 

Rhythmen und Verschieber. Leona hatte 

keine Probleme damit. Eine Woche später 

kam sie zu mir und sagte: ,Lass uns das 

Stück vom letzten Mal spielen, ich habe 

einen Text dazu geschrieben!‘ Der hat so 

super gepasst, dass wir das Ganze aufgenommen 

haben. Das Stück heißt ,Movin‘‘ 

und ist jetzt auf dem Album gelandet.“ Die 

Sängerin verrät: „Wir haben noch weitere 

Songs zusammen gemacht – die sind aber 

noch unveröffentlicht.“ Dass dem Nu- oder 

Alternative Soul dieser Jahre die Ideen 

schnell wieder ausgehen, soll an Leona 

Berlin nicht liegen. 

Aktuelle CD: 

Leona Berlin: Leona Berlin 

(Warner Music) 


KUU! 

Nichts für schwache Nerven 

© Wolfgang Siesing 

Eine basslose Besetzung, miteinander verschmelzende 

E-Gitarren, druckvolle Power-Drums und Songs, die von einer 

punkigen Indierock-Jazz-Sängerin aus Serbien vorgetragen 

werden, eingefädelt, eingetütet und überwiegend komponiert 

von einem still wirkenden, aber rührigen finnischen 

Gitarristen mit Wohnsitz in Berlin. 


Noch bei High Noon hatte Kalle Kalima die 

Ruhe weg. Aber: „Musik lebt von Gegensätzen, 

man braucht Dichte, Platz zum 

Atmen, aber auch Lautes. Das alles ist 

wichtig für mich. Aber das kannst du nicht 

alles innerhalb eines Projekts entfalten. Ich 

mache sehr viele unterschiedliche Sachen, 

und gerade das liebe ich an meiner Arbeit. 

Demnächst werde ich eine Oper schreiben.“ 

Doch nun, bei KUU!, gibt es von ihm, 

Jelena Kuljić (voc), Frank Möbus (g) und 

Christian Lillinger (dr) Power-Jazzrock auf 

die Ohren. „I am, you are, he is, she is, we 

are, you are, they are, I am – And we are all 

impossible [...] Eastern, Western, we are all 

just one, everyone staring at the Sun – or 

not?“ Man verfällt den ersten paar Takten 

von „Impossible“ – oder man legt die CD 

auf den Stapel „Später hören“. Denn was 

danach kommt, ist nichts für schwache 

Nerven. Das Statement ist klar: Wir sind 

alle unmöglich, und gerade darauf kommt 

es an. Das neue KUU!-Album Lampedusa 

Lullaby erzählt von aktuellen Schicksalen, 

und es ruft nach Toleranz in einer unmöglichen 

Welt. Der Text zum Titelstück stammt 

von Kalles Frau Essi. „Es ist eine Story von 

jemandem, die die Reise von Afrika nach 

Europa machen will, sie kauft einen Platz 

auf einem Schiff, geht unter und – ertrinkt.“ 

KUU! verarbeitet Realität, und das kann, ja, 

muss wehtun. „Viele Jazzbands mit Sängern 

haben kaum Texte, das meiste ist Vocalese 

oder diese träumerischen Sachen. Das ist 

aber nicht unsere Welt, wir wollen die Füße 

auf dem Boden haben, Tatsachen schaffen. 

Und es ist auch irgendwie Berlin, die Stadt, 

in der wir alle gelebt haben. Das ist eine 

sehr direkte Stadt, wo man nicht herumträumt. 

Wir machen Großstadtmusik, diese 

Stadt ist brutal, und so sind wir, das macht 

uns auch Spaß“, sagt Kalima und lacht. 

Leicht ironisch zwar, aber doch mit 

Ernst bekennt Kalle, dass KUU! selber aus 

dem anderen Teil der Welt kommen: „Jelena 

und ich sind ja Immigranten, ‚Wirtschaftsflüchtlinge’. 

Wir hatten das Gefühl, dass wir, 

wenn wir unsere Musik machen wollen, 

weiterziehen müssen. Das war in unserer 

Heimat so nicht möglich. Ohne dass wir 

eine Lösung bieten, fragen wir, wie es sich 

anfühlte, wenn wir in der Haut von Flüchtlingen 

steckten.“ In „Scream“ schwebt Jelena 

Kuljićs Stimme erhaben über dem zappaeskrockigen 

Untergrund, und geht durch Mark 

und Bein. „Es geht um das Comeback der 

Konservativen in Europa, um die Frustration 

über diese Kräfte, diese alten weißen 

Männer mit ihrem Rassismus und ihrem 

Kolonialismus.“ Und um deren Vorbehalte 

dem Anderssein gegenüber? „Ja natürlich“, 


PDF in 4c 

sagt Kalle. „Die liberale Welt steht unter 

Beschuss. In vielen Ländern sind diese Leute 

schon an die Macht gekommen. Und es geht 

darum, dass man nicht zu bequem wird. Wir 

haben eine Sängerin, die diesen Spagat zwischen 

Punk und Jazz kann. Es ist nicht nur 

ihr Gesang, es ist ihr Leben, sie ist vollkommen 

authentisch. Eine Jazzpunkerin.“ 

Und der Bandsound passt zur Botschaft. 

Powermusik, die man so noch nicht 

gehört hat. Sicher bieten sich Vergleiche 

an, aber wozu? „Wir wollten so eine Art 

‚Meta-Gitarre’ haben. Dazu kommt Christians 

Art zu trommeln. Wir haben natürlich 

schon Vorbilder, aber solch eine Besetzung 

gibt es sonst nicht. Wir haben sehr lange 

mischen müssen, bis wir dieses Resultat 

hatten. Es ist unsere zweite Platte nach 

etwa sieben Jahren. Sie zu entwickeln, 

hat über zwei Jahre gedauert. Wir haben 

einfach unseren intuitiven Energien freien 

Raum gegeben.“ Kalle, Jelena und Christian 

Lillinger hatten damit begonnen, einfach 

zu jammen, und Frank Möbus kam dann als 

zweiter Gitarrist dazu. Lampedusa Lullaby 

ist KUU!s Versuch, ein aktuelles Album zu 

machen. Kalle dachte dabei an die erste 

Platte, die er sich je gekauft hatte, Pink 

Floyds Dark Side of the Moon. „Ich stellte 

mir die Frage, ob man heute noch so ein 

Konzeptalbum machen kann.“ 

Hinter der harten Fassade von 

Lampedusa Lullaby meint man dennoch, 

einen Hauch Romantik zu verspüren. 

(„Kuu“ ist übrigens Finnisch und bedeutet 

„der Mond“). Hinter dem Wilden stecken 

verwundbare Menschen, Künstler, die in 

der heutigen, kaputten Zeit Musik machen 

und gehört werden wollen – und sich 

vielleicht nach besseren Zeiten sehnen. Es 

gibt auf Lampedusa Lullaby kaum weiche 

Übergänge oder Fade-outs, wohl aber eine 

Ballade: „Down in the Valley“ ist eine Insel 

im Sturm. Kalle hatte auf einem Festival 

in den Pyrenäen gespielt und dann einen 

Tag frei. „Ich war allein und bin wandern 

gegangen. Ich hatte das starke Feeling 

von Einsamkeit, und habe dann an diesem 

Tag das Stück geschrieben.“ „Thank You 

Iceland“ entstand unter dem Eindruck eines 

Vulkanausbruchs auf Island. Die Menschen 

danken dem Vulkan, der ihnen zeigt, dass 

sie nicht so perfekt funktionieren – und die 

Natur übernimmt. 

Aktuelle CD: 

KUU!: Lampedusa Lullaby 

(ACT / Edel:Kultur) 


Günter Baby Sommer feiert eine Party. Grund zum Feiern hat er 

hinlänglich, denn am 25. August dieses Jahres feierte er seinen 

75. Geburtstag. Der Bassist Oscar Pettiford hatte Mitte des letzten 

Jahrhunderts eine Pensionskasse für ältere Jazzmusiker eingefordert, 

da Jazz „a young man’s game“ sei, in dem Musiker jenseits der 40 

nichts mehr zu suchen hätten. Pettiford hat viele kluge Sätze von sich 

gegeben, aber Günter Baby Sommer liefert den lebendigen Beweis, 

dass der Bassist sich in dieser Hinsicht geirrt hat. 

Von Wolf Kampmann 

Auf seine Party hat Baby Sommer 

nur einen einzigen Gast 

eingeladen. Es ist der Berliner 

Trompeter Till Brönner. Beim 

Schreiben dieses Satzes war 

ich versucht, ein „ausgerechnet“ 

einzufügen. Ausgerechnet 

Till Brönner. Doch das wäre 

aus verschiedenen Gründen 

kleingeistig. Denn einerseits 

währt die Zusammenarbeit 

zwischen dem Drummer und 

dem Trompeter nun schon seit 

einigen Jahren, zum anderen 

aber hat Sommer zu allen Zeiten 

aus gutem Grund das getan, 

was man jeweils am wenigsten 

von ihm erwarten konnte. Und 

das macht auch diesen Beitrag 

so wertvoll. 

Müssen wir an dieser Stelle 

wirklich noch einmal seine 

Biografie Revue passieren lassen? 

Wie er als Jugendlicher 

im tiefsten Osten die Sendungen 

von Willis Conover gehört 

und verinnerlicht hat? Wie er 

mit der Klaus Lenz Big Band 

oder SOK Jazzrock gespielt hat 

und dann mit Synopsis, die sich 

augenzwinkernd später in Zentralquartett 

umbenannten, die 

Keimzelle des DDR-Free-Jazz 

gründete? Wie er sensationelle 

Alben mit Musikern wie Peter 

Brötzmann, Peter Kowald, 

Leo Smith oder Cecil Taylor 

produzierte und mit der Ulrich 

Gumpert Workshop Band den 

Antagonismus zwischen Volkslied 

und Free Jazz aufhob? Wie 

er mit seiner ersten Hörmusik 

das Schlagzeug in ein Orchester 

verwandelte? Wie er nach 

der Wende einer der wenigen 

Musiker aus der DDR war, die 

sich nicht über ihre Herkunft 

definierten, sondern allein über 

ihre Zukunft? 

All diese und noch viele 

andere Geschichten sind oft 

und ausgiebig erzählt worden. 

Sie verdichten sich zu 

einer einzigartigen Biografie 

und sagen doch noch nichts 

darüber aus, warum wir nicht 

aufhören können, Günter Baby 

Sommer zuzuhören und warum 

sein Narrativ niemals langweilig 

wird. Denn entgegen Oscar 

Pettifords durchaus begründeten 

Befürchtungen haben 

sich Sommers Sensoren kein 

bisschen abgenutzt. 

Sommer will nicht nur 

mitreden, sondern er will 

erzählen. Jede Fabel, die er auf 

seinen Trommeln zum Besten 

gibt, ist seine erste. Er erzählt 

sie, weil er sie erzählen muss. 

Neugier allein reicht ihm nicht, 

denn sie würde ihn zwar immer 

wieder auf die Suche schicken, 

aber Sommer will finden. Nein, 

seine Geschichten suchen 

ihren Erzähler und finden 

ihn. Deshalb hat er sich das 

Staunen des Kindes bewahrt, 

das jede seiner Storys mit dem 

Hauch des Lebens bestäubt. 

Und aus diesem Grund hören 

wir ihm immer noch zu, wenn er 

mit weit aufgerissenen Augen 

hinter seinem Drumkit sitzt 

und die pralle Welt mit Blicken 

einfängt. 

Aber der Dresdener ist 

eben nicht nur ein begnadeter 

Erzähler. Mit präzise inszenierter 

und tief empfundener 

Unschärfe setzt er sich über 

das Offensichtliche hinweg. Er 

ist sich selbst immer ein Stück 

voraus. Was wir mit leichtfertigen 

Beschreibungen der Abweichung 

vom Messbaren als 

Synkope bezeichnen, ist für ihn 

nicht weniger als der selbstver- 

Günter Baby Sommer 

Mitten im Leben 

© Tobias Sommer 


ständliche Puls der Realität. Mit 

magischer Durchdringungskraft 

ist es ihm gelungen, das Genom 

der Zeit zu entschlüsseln und 

sich in einem Kontinuum zu 

bewegen, das nur ihm allein 

zugänglich ist. Manchmal ist 

es Jazz, was er spielt. Welchen 

anderen Drummer erkennt man 

schon am ersten Schlag? Sein 

Puls ist seine Stimme. Wenn 

er neben den Trommeln und 

Becken auch Gongs, Glocken, 

Pfeifen, all sein Gerassel, 

Geklapper und Geschepper 

und sogar Orgelpfeifen bedient, 

dann folgt er einem prähistorischen 

Ritual, in dem das längst 

verklungene Urlied widerhallt. 

Günter Baby Sommer 

ist unablässig auf Sendung 

und Empfang, gleich dem 

Schamanen, der sich selbst in 

Ekstase trommelt. Die 75 ist nur 

ein willkürlicher Vorwand für 

eine Zäsur. Aber bedarf es der 

Zäsur, um das unabänderlich 

Ewige greifbar und verständlich 

zu machen? Der alte Fuchs 

braucht jedenfalls nicht mehr 

als diesen einen einzigen Gast, 

um doch alle zu seiner Party 

einzuladen, die in seinem Leben 

eine Rolle spielen und gespielt 

haben. Und alle sind gekommen. 

Sommer hat sich ganz 

genau überlegt, wer dieser 

Gast ist. Es sind eben nicht 

die alten Kämpen, die sich mit 

ihm gemeinsam auf die Spur 

begeben haben, auch nicht 

die treuen Apostel, die ihm 

folgen, wohin immer er sich 

aufmacht. Es ist einer, der den 

Jazz von der anderen Seite der 

Milchstraße aufgerollt hat und 

trotzdem oder gerade deshalb 

vom selben Geiste ist. Wäre 

Till Brönner zu einer anderen 

Zeit in einem anderen Land geboren, 

hätte auch er mit Willis 

Conover angefangen. Wenn sie 

heute zusammen auf der Bühne 

oder im Studio stehen, dann 

hocken sie zugleich gemeinsam 

vor dem Radio. Denn letztlich 

ist genau das der gemeinsame 

Spielplatz von Günter Sommer 

und seinem Gast. Finde eine 

Geschichte, berühre sie mit 

deinem Zauberstab und mach 

eine Party daraus. 

Eine Würdigung ist zum 

Glück kein Resümee. Und 

Baby’s Party ist kein Alterswerk. 

Es ist das Meisterwerk 

eines großen Künstlers auf dem 

Höhepunkt seines Schaffens, 

das rein zufällig zu seinem 75. 

Geburtstag erscheint. 

Aktuelle CD: 

Günter Baby Sommer: Baby’s Party 

(Intakt / Harmonia Mundi) 

JazzthetIk 09/10-2018 29

Wynton Marsalis 

Am besten mit Gästen 

Während große Teile der Jazzwelt auf neue Trends fixiert sind, 

pflegt Jazz at Lincoln Center trotzig die Tradition. Auf dem 

neuesten Album des New Yorker Kultur-Tempels begleitet das 

Septet seines Direktors Wynton Marsalis mehr als ein Dutzend 

Altstars aus den Genres Pop, Rock, Blues und Country. 

Von Hans Hielscher 

Fast alle Künstler, 

die in der 

Spielzeit 2017/18 

auf den beiden 

Hauptbühnen 

des Lincoln Centers 

auftraten, 

waren über 50 

Jahre alt – so 

wie die Masse des Publikums im praktisch 

immer ausverkauften Rose Theater und 

im Appel Room. Es gab Musik aus dem 

20. Jahrhundert: 

New Orleans Jazz, Swing und die verschiedenen 

Formen des Bop; dargeboten wurden 

vorwiegend Stücke von Ikonen wie Jelly 

Roll Morton und Thelonious Monk. 80 Jahre 

nach Benny Goodmans bahnbrechendem 

Carnegie Hall Concert von 1938 fand die 

Musik des King of Swing besondere Aufmerksamkeit. 

Anders als das vom Pianisten 

Jason Moran kuratierte Jazz-Programm 

des Washingtoner Kennedy Center, wo 

neben Veteranen wie dem Bassisten Ron 

Carter auch der Rapper Q-Tip auftrat, steht 

die New Yorker Institution vollkommen für 

Traditionspflege. Zeitgenössischer Jazz ist 

lediglich im dem Lincoln Center angeschlossenen 

Dizzy´s Club Coca-Cola zu hören. 

Wynton Marsalis etablierte 1987 

zusammen mit dem Kritiker Stanley Crouch 

die Jazz-Abteilung im 1955 von den Rockefellers 

gegründeten und bis dahin auf klassische 

Künste festgelegten Kulturzentrum. 

1988 wurde der hoch gebildete Trompeter 

künstlerischer Direktor der Organisation 

Jazz at Lincoln Center, zusätzlich übernahm 

er die Leitung einer neuen Bigband, des 

Jazz at Lincoln Center Orchestra. In den 

drei Jahrzehnten als Chef der Band und des 

Zentrums hat der heute 56-jährige Marsalis 

zahlreiche Projekte durchgezogen. Zu seinen 

liebsten gehört die Konzertreihe seines 

Septetts mit Größen aus Pop, Rock, Blues 

und Country als Gästen. 

Zwischen 2003 und 2007 kamen so 

unterschiedliche Künstler wie Bob Dylan, 

Natalie Merchant, Lenny Kravitz und die 

Blind Boys of Alabama zu Proben und 

einem anschließenden Konzert mit Marsalis 

nach New York. Der 2004 verstorbene Ray 

Charles hatte am 2. Juni 2003 mit dem 

Wynton Marsalis Septet einen seiner 

letzten Auftritte. Außerdem kamen Eric 

Clapton, Audra McDonald, Willie Nelson, 

John Mayer, Lyle Lovett, John Legend, 

James Taylor, Jimmy Buffett, Carrie Smith 

und Susan Tedeschi & Derek Trucks. Mit je 

einem Titel sind die diversen Stars auf dem 

nun beim Label Blue Engine erschienenen 

Album United We Swing vertreten. 

„Vor jedem Konzert“, schreibt Marsalis 

in den Liner Notes, „übten wir ein paar Tage 

lang und trafen uns zu einer Kennenlern- 

Jam-Session in meinem Apartment.“ Er 

selbst und Kollegen aus dem Jazz at Lincoln 

Center Orchestra wie der Posaunist Wycliffe 

Gordon schrieben Arrangements für 

ein Septet, das die ungewöhnlichen Gäste 

begleitete. „Die verschiedenen Stile dieser 

Musik-Ikonen“, so Marsalis, „erforderten, 

dass sich unsere Rhythm Section in ungewöhnliche 

Grooves vom ,2-Beat Gospel 

Moan‘ über verschiedene regionale ,2-Beat 

Shuffles‘ bis zum ,Spanish Hybrid Bossa 

Nova‘ einfühlen und sie authentisch darbieten 

musste.“ Die Konzerte waren eine 

Herausforderung für die Jazzmusiker wie 

für die Gäste aus den anderen Schubladen. 

Eindrucksvoll, wie Bob Dylan auf der Mundharmonika 

und Willie Nelson auf der Gitarre 

mit der Jazz-Rhythmus-Gruppe im Rücken 

improvisieren. Die vier Bläser des Septetts 

klingen kraftvoll wie eine Bigband, Marsalis 

ist immer mit seiner Trompete dabei, spielt 

sich aber nie in den Vordergrund. Keine 

Frage, dass solche Projekte Menschen über 

die Jazzgemeinde hinaus in die Konzerte 

locken. 

In einem Interview mit BILLBOARD 

zum Jubiläum von Jazz at Lincoln Center 

vertritt Wynton Marsalis offensiv, dass er 

sich in den 1980er Jahren nicht 

dem HipHop zuwandte. „Ich 

repräsentierte den ernsthaften 

jungen Schwarzen, der nicht 

Teil der Gangster-Zuhälter- 

Mentalität sein wollte.“ Marsalis 

lehnte es ab, Frauen „Schlampen“ 

und Afroamerikaner „Nigga“ zu nennen. 

Dass er deshalb als Konservativer abgestempelt 

wurde, nahm er hin. Tatsächlich 

stand der damalige Twen eisern zu den 

traditionellen Werten Swing, Blues-Tonalität 

und akustischer Klang, während Free- und 

Avantgarde-Jazzer, Fusion- und Ethno- 

Stars, Soul- und Easy-Listening-Musiker 

den herkömmlichen Jazz erweiterten. Für 

Marsalis ist Jazz klassische amerikanische 

Musik mit festen Vorbildern und unveränderlichen 

Regeln. 

Wegen dieser Einstellung wird der 

Musiker und Direktor der reichsten New 

Yorker Jazz-Spielstätte seit Jahrzehnten 

attackiert. „Wynton Marsalis imitiert die Stile 

anderer Leute. Ich habe noch nie etwas 

von ihm gehört, das bedeutend geklungen 

hat“, schrieb zum Beispiel Keith Jarrett. „Er 

ist genauso jazzig wie jemand, der einen 

BMW fährt, sportlich ist.“ Andere sind froh 

darüber, dass es – in Zeiten eines uferlosen 

Wirrwarrs – einen Wynton Marsalis und 

Jazz at Lincoln Center gibt. 

Aktuelle CD: 

Wynton Marsalis Septet: United We Swing – Best of 

the Jazz at Lincoln Center Galas 

(Blue Engine / Galileo MC) 


titel 

JOHN 

COLTRANE 

 

 

© Chuck Stewart 

32 JazzthetIk 09/10-2018

John Coltrane ist eine Ikone des 20. Jahrhunderts. Sein Album 

A Love Supreme veränderte die musikalische Wahrnehmung ganzer 

Generationen, und das nicht nur im Jazz. Jetzt erscheint unter dem Titel 

Both Directions at Once ein bislang unveröffentlichtes Studioalbum 

des Jazzgiganten aus dem Jahr 1963. Verbirgt sich hinter der CD ein 

Sensationsfund oder die verspätete Nachreichung einer Marginalie? 

Von Wolf Kampmann 

John Coltrane ist weit mehr als 

ein viel zu früh verstorbenes 

Jazz-Idol. Auch Prädikate wie 

Innovator oder Visionär werden 

ihm nicht voll gerecht. John 

Coltrane war ein Medium, das 

die Klang gewordene Erfahrung 

seiner Zeit bündelte und durch 

die semipermeablen Filter 

seiner Sensoren in etwas Neues 

transformierte. Ja, sicher, er hat 

den Jazz beeinflusst wie kein 

Zweiter. Aber in Zeiten, in denen 

Musik ungleich identitätsstiftender 

war als heute, nahmen auch 

Bob Dylan, die Paul Butterfield 

Blues Band und The Byrds seinen 

Faden auf und spannen ihn 

weiter. Kaum eine musikalische 

Entwicklung nach 1965 – von 

Rock über HipHop bis Techno 

– wäre ohne John Coltranes 

Vorarbeit denkbar gewesen. 

Der Mythos 

Es klingt schon verrückt. 51 

Jahre nach John Coltranes 

Tod erscheint ein neues Album 

des Saxofonisten. Die Aufnahmen 

zu Both Directions at 

Once waren ein Jahr vor der 

bahnbrechenden Leistung von 

A Love Supreme erfolgt. Aus der 

Perspektive des Aufnahmezeitpunkts 

erscheint der Titel dieser 

Veröffentlichung folgerichtig. 

Bis zu diesem Moment war 

Trane bereits ein viel beachteter 

Jazzmusiker gewesen, vor 

allem in der Zusammenarbeit 

mit Miles Davis. Mit Aufopferungswillen 

und einem hohen 

Maß an Selbstkritik arbeitete er 

unablässig an seiner Vervollkommnung. 

Seine Verbissenheit 

hatte ihm dabei oft im Weg 

gestanden, wie sein Part in der 

Battle Tenor Madness mit dem 

seinerzeit ungleich eleganteren 

Sonny Rollins zeigt. Auf Giant 

Steps entpuppte sich Coltrane 

als kompletter Musiker, dem es 

jedoch noch an der entsprechenden 

Band fehlte. Die Wende 

erfolgte ein Jahr später mit 

der LP My Favorite Things. Mit 

McCoy Tyner, Elvin Jones und 

Bassist Steve Davis fand er eine 

expressive Gelassenheit, die in 

den folgenden Jahren zu seiner 

Trademark werden sollte. 

1961 wechselte Coltrane 

vom Label Atlantic zu Impulse. 

Das neue Label war ganz auf 

seinen neuen Superstar ausgerichtet. 

Der Saxofonist erhielt 

traumhafte Vorschüsse, und um 

den Aufbruch zu neuen Ufern 

auch optisch zu untermauern, 

wurden seine Platten erstmals 

mit laminierten Klappcovern 

versehen. Das fiel ins Auge, 

machte sogar der um visuelle 

Aufmerksamkeit verdienten 

Konkurrenz von Blue Note 

Angst. Um die gesteigerten 

Kosten aufzufangen, erhöhte 

Impulse laut Blue-Note-Produzent 

Michael Cuscuna den 

handelsüblichen Preis für ein 

Album um einen Dollar auf 5,98. 

Bis 1964 erschienen verschiedene 

Studio- und Live-Platten 

auf Atlantic und Impulse, die 

teils auf älteren Aufnahmen beruhten 

und auch wechselndem 

kommerziellem Kalkül gefolgt 

sein mögen. 

Am 6. März 1963 ging 

Coltrane mit seinem bereits 

etablierten Quartett ins Studio, 

um Aufnahmen zu machen. 

Diese Produktion wird der 

Jazzwelt nun unter dem Titel 

Both Directions at Once auf Impulse 

zugänglich gemacht. Ein 

verschollenes Studioalbum, 55 

Jahre nach seiner Entstehung 

ausgegraben und historisch 

kritisch aufbereitet? Wie konnte 

es dazu kommen? Beginnen 

wir mit der offiziellen Lesart. 

Die Aufnahmen seien schlicht 

vergessen worden. Später 

wären sie dem Geiz des Labels 

zum Opfer gefallen und entsorgt 

worden. Wie durch ein Wunder 

habe sich noch eine Kopie im 

Nachlass von Coltranes erster 

Frau gefunden – ein unermesslicher 

Schatz, der um ein Haar 

vor der Menschheit verborgen 

geblieben wäre. 

Nun, tatsächlich ist es 

schön, dass diese Aufnahmen 

veröffentlicht werden. Aber 

genau betrachtet sind sie weder 

eine Sensation noch ein fehlender 

Puzzlestein, der ein neues 

Bild auf Coltrane werfen würde. 

Es ist ja nicht das erste Album, 

das erst nach Coltranes Tod 

veröffentlicht wurde. Da gab es 

LPs wie Interstellar Space, Sun 

Ship oder First Meditation, die in 

ihrer künstlerischen Vollendung 

weitaus spektakulärer waren. 

Seine Frau und Band-Gefährtin 

Alice Coltrane brachte nach 

dem Tod ihres Mannes zudem 

die seinerzeit umstrittenen Platten 

Cosmic Music und Infinity 

heraus. 

Der Kontext 

Was spricht nun aber gegen 

die Fabel von dem zu Unrecht 

verschollenen Meisterwerk? 

Da kommt eine ganze Reihe von 

Faktoren zusammen. Wie bereits 

erwähnt, war John Coltrane ein 

sehr selbstkritischer Musiker. 

Über die 1950er Jahre war er 

ständig auf der Suche und mit 

seinen eigenen Limitierungen 

unzufrieden gewesen. Selbst 

auf seinem wohl reifsten Album 

der 1950er Jahre, Blue Trane, 

ist die Qualität der Soli sehr 

unterschiedlich. Spätestens 

seit My Favorite Things ging 

es ihm jedoch nicht mehr um 

Vervollkommnung, sondern um 

die Manifestation von Vollkommenheit. 

Verglichen mit diesem zwei 

Jahre zuvor noch ohne Bassist 

Jimmy Garrison veröffentlichten 

Album klingen die nun unter 

dem Titel Both Directions at 

Once veröffentlichten Aufnahmen 

seltsam unausgewogen. 

Wenn man sich vor Augen 

führt, dass nur ein Jahr später 

die beiden LPs Crescent und 

A Love Supreme erscheinen 

sollten, die in ihrer spirituellen 

Ganzheitlichkeit Coltranes Ruf 

als größter Jazzmusiker seiner 

Zeit begründeten, hört man, 

wohin der Saxofonist eigentlich 

wollte. Im Vergleich zu besagten 

kauM eIne MusIkalIsChe entWICklung 

naCh 1965 – von roCk ÜBer hIphop BIs 

teChno – Wäre ohne John Coltranes 

vorarBeIt DenkBar geWesen. 

Platten laviert Coltrane auf Both 

Directions at Once unsicher 

zwischen Tradition und neuen 

Ideen. Was komplett fehlt, ist die 

Gravitation, der spirituelle und 

konzeptionelle Mittelpunkt. 

Ein Vergleich der Aufnahmedaten 

von LPs Anfang der 

1960er Jahre, nicht nur von 

John Coltrane, macht darüber 

hinaus deutlich, dass es keines- 


Titel 

© Masahiro Mochida 

Dieses Album ist keine späte Wiedergutmachung an einem 

zu Unrecht verschollenen Meisterwerk von John Coltrane, 

sondern es ist allein an uns, seine Hinterbliebenen 

gerichtet. Denn es geht um nicht weniger als die Teilhabe 

an einem Wunder. 

Coltrane-Bänder vom Frühjahr 

1963 entspricht nicht annähernd 

dem üblichen Level van 

Gelders. Es liegt die Vermutung 

nahe, dass diese Mitschnitte 

der Prüfung des Klangpedanten 

nicht standhielten. 

Aber selbst wenn die 

Aufnahmen aus welchem Grund 

auch immer im Studio verloren 

gegangen sein sollten – Coltrane 

hatte eine von Rudy van 

Gelder speziell für ihn erstellte 

Kopie der Bänder mit nach 

Hause genommen. Hätte er 

diese Platte rausbringen wollen, 

dann wäre es passiert. Darüber 

kann es gar keinen Zweifel 

geben. Aber Trane war im Kopf 

schon ganz woanders. Sofort 

nach Coltranes Tod setzte ein 

unvergleichlicher Kult um den 

Musiker ein. Eine der unvermeidlichen 

Folgen bestand in 

einer Flut posthumer Alben. 

Alles, was man einer Veröffentlichung 

für Wert hielt, wurde 

rausgehauen. Im Jahr 1963 

absolvierte Coltrane nur wenige 

Studiotermine. Sein wichtigstes 

Album in diesem Jahr war Live at 

Birdland. Auf dieser Platte offenbart 

sich tatsächlich Coltranes 

wegs verbindlicher Standard 

war, die Ergebnisse einer Session 

adäquat auf einem Album zusammenzufassen. 

Im Gegenteil, 

vieles wurde unter praktikablen 

Gesichtspunkten marktgerecht 

zusammengestellt und entsprechend 

in Umlauf gebracht. Eine 

historisch kritische Aufarbeitung 

der Sessions würde ein 

völlig anderes Bild ergeben, als 

uns durch die Genealogie der 

Alben vermittelt wird. Coltrane 

kann nicht davon ausgegangen 

sein, dass ausgerechnet diese 

Sitzung vom 6. März 1963 als 

geschlossene LP das Licht der 

Welt erblicken würde. Die Cuts 

wirken in dieser Kombination 

eher wie ein abgebrochener 

Anlauf in Richtung dessen, was 

da noch kommen sollte, als wie 

der Absprung, und Coltrane 

wusste das. 

Mehr als fragwürdig erscheint 

zudem die Behauptung, 

dass dem peniblen Tonmeister 

Rudy van Gelder, dem wir Hunderte 

stilprägender Jazzaufnahmen 

verdanken, ausgerechnet 

diese Aufnahmen eines seiner 

lukrativsten Klienten verloren 

© Jean-Pierre Leloir 

gegangen sein sollen. Nun, um 

heute Platten zu verkaufen, 

braucht man gute Geschichten, 

und die Story von den verlorenen 

Bändern klingt gut. Glaubwürdig 

ist sie deshalb aber noch 

lange nicht. Coltrane war das 

Zugpferd von Impulse, er hatte 

weitreichende künstlerische 

Freiheiten und die absolute Kontrolle 

über seinen Output. Sein 

früheres Label Prestige begann 

bereits, frühere Platten anderer 

Musiker, bei denen Coltrane als 

Sideman zugange war, unter 

Tranes Namen umzuetikettieren. 

Es ist schwer vorstellbar, dass 

die Bänder des Superstars 

einfach verschwunden wären. 

Cuscuna merkt in einem 

anderen Kontext an, dass van 

Gelder die Tendenz hatte, mit 

der Mikrofonierung seiner 

Aufnahmen an die Grenze zu 

gehen. Neben den legendären 

Platten, die wir ihm verdanken, 

habe er dagegen diverse 

Sessions durch Übersteuerung 

versaut. Über die misslungenen 

Termine in van Gelders 

Studio gibt es natürlich keine 

Aufstellung. Die Tonqualität der 

© Don Schlitten 

© Coltrane Estate 


spielerischer Genius dieses 

Jahres. Die Aufnahmen von 

Both Directions at Once hielten 

diesem Qualitätsstandard, den 

er an sich selbst gelegt hatte, 

einfach nicht stand. Wären 

John Coltrane diese Aufnahmen 

wichtig gewesen, hätte er sie 

wohl schwerlich bei seiner ersten 

Frau Naima zurückgelassen. 

Angesichts sinkender 

Verkaufserwartungen ist es mit 

Coltrane oder Miles Davis wie 

mit den Beatles. Es wird immer 

noch irgendwo Aufnahmen 

von Konzerten, Proben oder 

Outtakes geben, die bislang 

nicht veröffentlicht wurden. Was 

immer man von Coltrane findet, 

wird über kurz oder lang regulär 

auf den Markt kommen. Einiges 

kursiert ja schon als Bootleg, 

also als nicht autorisierte Veröffentlichung. 

Ein prominentes 

Beispiel ist Coltranes letztes 

Konzert auf dem Newport Jazz 

Festival im Juli 1966. Das war 

wirklich alles andere als ein fokussierter 

Auftritt, aber es steht 

außer Frage, dass auch diese 

Aufnahme früher oder später 

legalisiert werden wird. Coltrane 

– die neue Veröffentlichung 

belegt es – garantiert immer 

noch Medienaufmerksamkeit 

und gute Verkäufe. Um Qualität 

geht es dabei schon lange nicht 

mehr. Es ist zu befürchten, dass 

in näherer Zukunft noch einiges 

von Meister Coltrane auf uns 

kommen wird, das immer weniger 

seinem eigenen Standard 

genügen wird. 

50 Jahre später 

John Coltrane ist seit etwas 

mehr als 50 Jahren tot. Was fangen 

wir jetzt also mit Both Directions 

at Once an? Immerhin, es 

ist ein authentisches Dokument, 

das seine Verfassung an einem 

ganz konkreten Tag in den Mittelpunkt 

stellt. Dass es nicht sein 

kreativster Augenblick gewesen 

sein mag, bringt uns den Menschen 

John Coltrane ein ganzes 

Stück näher. Auch ein Gigant 

hat eben bessere und schlechtere 

Tage, wie auch seine vor 

einigen Jahren veröffentlichte 

einzige Live-Aufnahme von 

A Love Supreme zeigt. 

Immerhin probierte er 1963 

neue Ideen aus. Für die Ballade 

„Nature Boy“ trat er im Trio an. 

War McCoy Tyner verhindert? 

Das ist wenig wahrscheinlich, 

denn bei den anderen Aufnahmen 

vom selben Tag war 

er ja zugegen. Denkbar wäre 

ein anderer Grund. Coltranes 

größter Konkurrent der 1950er 

Jahre war Sonny Rollins, der mit 

seinem Trioalbum The Freedom 

Suite einen sensationellen 

Erfolg gefeiert hatte. Seit Tenor 

Madness (1956) hatte Trane mit 

dem vier Jahre jüngeren Rollins 

noch eine Rechnung offen. 

Nicht auszuschließen, dass 

auch Coltrane sich in diesem 

Trio-Format ausprobieren wollte, 

aber daran nicht festhielt. 

Zudem muss konstatiert werden, 

dass der sonst so zuverlässige 

Tyner auch bei den Songs jener 

Session, bei denen er anwesend 

war, auf seltsame Weise 

indisponiert wirkt. 

Bemerkenswert ist hingegen 

die Rolle, die Bassist Jimmy 

Garrison bei den Aufnahmen 

gespielt hat. Im Vergleich zu den 

Hypervirtuosen McCoy Tyner 

und Elvin Jones wirkt er auf 

vielen regulären Alben auffällig 

blass. Seine generelle Funktion 

mag darin bestanden haben, 

den Flow des Quartetts mit seinen 

Drones zu grundieren. Ein 

herausragender Solist war er jedenfalls 

nicht, weshalb er auch 

kaum als Sideman bei anderen 

Bandleadern in Erscheinung 

trat. Auf Both Directions at Once 

ist er jedoch ungleich offensiver 

als bei anderen Aufnahmen. Das 

kommt nicht nur in dem etwas 

torsohaft wirkenden Triostück 

„Nature Boy“ zum Ausdruck, 

sondern in einem seiner ganz 

wenigen mit dem Bogen gestrichenen 

Soli in einem von zwei 

unbetitelten Stücken. 

Eine tatsächliche Lücke 

wird mit der einzigen Studioversion 

seiner Komposition 

„Impressions“ geschlossen, 

jenem Stück, auf dem The Byrds 

ihren Hit „Eight Miles High“ 

aufbauten, der nicht unwesentlich 

zur Popularität des 

Saxofonisten auch außerhalb 

der Jazz-Community beitrug. 

Sonny Rollins vergleicht den 

Fund jener Aufnahmen vom 6. 

März 1963 in seinen Liner Notes 

mit der Öffnung einer unbekannten 

Grabkammer in der 

Cheopspyramide. Der Vergleich 

ist überaus zutreffend, da er ja 

noch nichts darüber sagt, was 

man in der Grabkammer findet. 

Gerade „Impressions“ ist ein 

Beleg dafür, dass Coltrane live 

bereits viel weiter war als bei 

diesem Studiotermin. 

In John Coltranes veröffentlichtem 

Gesamtwerk sind 

die vom Meister selbst autorisierten 

Alben in der Minderheit. 

Der weitaus größere Teil seiner 

Diskografie setzt sich aus 

Platten, die ursprünglich unter 

Leadership anderer Musiker 

wie Red Garland, Ray Draper 

oder Cecil Taylor eingespielt 

wurden, flüchtigen Liveaufnahmen 

oder posthumen Editionen 

zusammen. Wie er sich entwickelt 

hätte, wenn ihm mehr 

Lebensjahre vergönnt gewesen 

wären, gehört ins Reich der 

Spekulation. Both Directions 

at Once ist die unverstellte 

Momentaufnahme eines 

einzelnen Tages, und als solche 

ist sie von einzigartigem Wert. 

Immerhin handelt es sich um 

John Coltrane. Aber der Coup 

dieser Aufnahmen, die weder 

verschollen waren noch von 

Coltrane selbst zu Lebzeiten 

und in all den Jahren seither 

von seinen Nachlassverwaltern 

auf den Markt gebracht worden 

sind, erzählt eine Geschichte 

für sich. 

Die Story von Both Directions 

at Once handelt indes 

weniger vom großen John 

Coltrane und seinem Umfeld als 

am anderen Ende des Regenbogens 

von unserer uneingelösten 

Sehnsucht nach Erfüllung 

und Happy End. Wie beim 

Dokumentarfilm Searching for 

Sugar Man sind es genau diese 

Geschichten, auf die wir uns 

so leidenschaftlich unkritisch 

einlassen, weil wir sie genau 

so und nicht anders hören 

wollen. Dieses Album ist keine 

späte Wiedergutmachung an 

einem zu Unrecht verschollenen 

Meisterwerk von John Coltrane, 

sondern es ist allein an uns, 

seine Hinterbliebenen gerichtet. 

Denn es geht um nicht weniger 

als die Teilhabe an einem Wunder. 

Und Wunder brauchen wir 

heute mehr denn je. 

Aktuelle CD: 

John Coltrane: Both Directions at Once 

(Impulse / Universal) 

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35 

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Der Titelsong stammt von Leonard Cohen 

und ist vor allem für die Zeile „There is a 

crack in everything, that’s how the light gets 

in“ berühmt. Peyroux interpretiert schon 

zum dritten Mal ein Werk der mittlerweile 

verstorbenen kanadischen Songwriter- 

Ikone. „Anthem“ half ihr, „alle Geschichten 

auf der Platte miteinander zu verknüpfen“, 

wie die Sängerin erzählt. „Cohen besaß die 

erstaunliche Fähigkeit, die menschliche Psyche 

anzuzapfen und einen zum Nachdenken 

zu bringen, ohne einen dazu zu zwingen. Es 

geht mehr darum, etwas zu sagen, als alles 

zu sagen.“ Wie Cohen etwas sagt, bringt den 

Hörer dazu, seine Songs immer wieder in 

einem neuen Licht zu sehen – das ging auch 

Madeleine Peyroux nicht anders. „Nachdem 

Donald Trump zum Präsidenten gewählt 

wurde, habe ich den Song noch einmal mit 

ganz neuen Ohren gehört“, meint sie, „und 

Springsteen gearbeitet –, Schlagzeuger 

Brian MacLeod, zu dessen Arbeitgebern 

Leonard Cohen und Tina Turner zählten, und 

David Baerwald. Der Gitarrist und Sänger 

hat schon mit Joni Mitchell und Sheryl Crow 

gespielt und sich auch für Madeleine Peyroux 

als unermüdlich sprudelnde Ideenquelle 

erwiesen. „Damals ging es noch um Hillary 

Clinton oder Donald Trump“, erinnert sich 

die Sängerin nachdenklich. „Das hat den 

Songwriting-Prozess eindeutig beeinflusst. 

Ich war zu der Zeit auch mit meinem Trio 

live unterwegs und habe viel über die USA 

erfahren.“ Die Songs verquicken Peyroux’ 

politische Ansichten mit ihrer persönlichen 

Welt, wobei es ihr und ihren Mitstreitern 

gelungen ist, die perfekte Balance zwischen 

dunklem Humor und Mitgefühl herzustellen. 

„Das politische Klima ist ziemlich dunkel“, 

stellt Peyroux fest, „deshalb klingen auch die 

Songs nicht besonders fröhlich.“ 

In „All My Heroes“ erinnert Baerwald 

– ausgelöst durch den Tod des Dichters 

John Ashberry – an all die bahnbrechenden 

Persönlichkeiten, die wir in den vergangenen 

Jahren verloren haben, und die Inspiration 

für das stimmungsvolle „Lullaby“ lieferte „die 

Vorstellung von einer einsamen Frau mitten 

im weit offenen Meer, die ihrem Kind, oder 

vielleicht auch sich selbst, ein beruhigendes 

Lied vorsingt, während sie in den Abgrund 

der Welt blickt“, sagt Peyroux. Man braucht 

wahrlich nicht viel Fantasie, um an das zu 

denken, was unsere Politiker mit perfider 

Verdrehung der Tatsachen „die Flüchtlingskrise“ 

nennen – es ist wohl eher eine Krise 

der Menschlichkeit. Mit ironischem Pathos 

geht es in „Down on Me“ um finanzielle 

Schwierigkeiten, und „The Ghosts of Tomorrow“ 

handelt von unerfüllten Träumen. Es gibt 

aber auch ein paar leichtere Stücke, etwa 

„On My Own“, „On a Sunday Afternoon“ und 

das dann doch wieder mit einer gewissen 

Dunkelheit spielende „Party Tyme“. 

Produziert wurde das Album von Larry 

Klein, der auch mit zum Songwriting-Team 

gehörte. Der Ex-Mann von Joni Mitchell ist 

seit Langem für seine präzise und gleichzeitig 

sensible Arbeit bekannt und hat nicht nur Mitchell, 

sondern auch Sängerinnen wie Tracy 

Chapman, Bonnie Raitt und seiner jetzigen 

Ehefrau Luciana Souza zu einigen ihrer besten 

Platten verholfen. Auch Madeleine Peyroux 

war von dem Veteranen begeistert. „Mit Larry 

Klein zusammenzuarbeiten, ist ein großes Vergnügen“, 

schwärmt sie, „denn er hat genauso 

viel Spaß daran, sich in akustische Details zu 

vertiefen wie ich. Er ist immer auf der Suche 

nach dem passenden Sound für jeden Song.“ 

Madeleine Peyroux neigt nicht zu 

Schnellschüssen. In den 22 Jahren, die auf 

Madeleine Peyroux Mehr Licht! 

An ihrem neuen, ihrem achten Album 

Anthem hat Madeleine Peyroux lange 

gearbeitet, schon während der heißen 

Phase des US-Wahlkampfs vor zwei 

Jahren nahm es erste Formen an. Damals 

war die amerikanische Sängerin über viele 

Monate einer konstanten Nachrichtenflut 

ausgesetzt, die in dem Dutzend Songs auf 

Anthem ihren Niederschlag findet. 

ich muss sagen, er gibt einem Hoffnung.“ 

Bis auf „Anthem“ und „Liberté“, das auf 

einem Gedicht des französischen Surrealisten 

Paul Éluard basiert, stammen alle 

Songs aus Peyroux’ Feder. „Ich schrieb die 

Songs zusammen mit meinen Musikern“, 

erzählt sie. „Wir saßen tatsächlich zu fünft in 

einem Zimmer und haben uns an die Arbeit 

gemacht. Ein Konzept hatten wir nicht, und 

das war auch nicht nötig, wie sich herausstellen 

sollte. Nach einem Jahr hatten wir 

genug Songs beisammen und haben uns 

ans Aufnehmen gemacht. Das war ein ganz 

organischer Prozess.“ 

Zum Songwriting-Team zählten unter 

anderem Patrick Warren – der Pianist hat 

schon für Lana del Rey, Bob Dylan und Bruce 

ihr sensationelles Debüt-Album Dreamland 

folgten, hat sie lediglich acht Alben veröffentlicht, 

also ungefähr eine Platte alle drei 

Jahre. Gleichzeitig ist sie neugierig und experimentierfreudig, 

und so beschert sie uns 

nun also nach dem Album Secular Hymns, 

auf dem sie Songs von Tom Waits, Townes 

van Zandt, Allen Toussaint und Linton Kwesi 

Johnson interpretiert hat, eine Platte mit 

fast ausschließlich neuen, eigenen Songs. 

Beseelt ist Anthem von dem Geist, neue Stile 

zu erkunden – und vielleicht folgt auf die 

politische Finsternis schon schneller, als wir 

ahnen, wieder das Licht. 

Aktuelle CD: 

Madeleine Peyroux: Anthem (Decca / Universal) 


PDF in 4c 


Das schlagzeuglose und bassfreie Bläserquartett Fun Horns 

machte von sich reden, als es noch die DDR gab. Seitdem 

ist Volker Schlott als Saxofonist und Komponist eine feste 

Größe im deutschen Jazz. Zu seinem 60. Geburtstag hat er 

ein Geheimnis gelüftet. 


All die Jahre war Schlott auch mit einer 

Situation beschäftigt, von der nur wenige 

Menschen wussten: Er fühlt sich als 

Transgender. Jetzt hat er unter dem Namen 

seiner parallelen Existenz Holly Schlott das 

Album 2 Spirits veröffentlicht. 

Hans-Jürgen Linke: Du hast deinen 

60. Geburtstag zum Anlass genommen, dich 

öffentlich zu deiner Transgender-Seele 

zu bekennen. Das ist nicht gerade früh in 

deiner Biografie. Hat das soziale Klima in 

der DDR, wo du aufgewachsen bist, oder 

das gesamtdeutsche Klima nach der Wende 

dich bei deiner Selbsterforschung beengt? 

Holly Schlott: Ich denke, das ist unabhängig 

davon, wo ich aufgewachsen bin. Wenn du 

die richtigen Leute triffst, ist es ja egal, wo 

du sie triffst. Und die DDR war in Sachen 

sexueller Freiheit ziemlich fortschrittlich. Es 

gab sogar mit Charlotte von Mahlsdorf eine 

berühmte Transgender-Person in Berlin. 

Aber man muss mit seinem Verständnis für 

die eigene Situation erst einmal ins Reine 

gekommen sein. Wenn du nicht in einer 

Community aufwächst, in der etwas wie 

Transgender-Identität selbstverständlich ist, 

hast du ganz schön viel Arbeit damit, mit dir 

selbst bekannt zu werden. Damit dann an 

die Öffentlichkeit zu gehen, ist noch mal ein 

ganz anderer Schritt. 

Hans-Jürgen Linke: Empfindest du, dass 

die Jazz-Öffentlichkeit, die als offen und 

vielgestaltig gilt, doch auch eine spießige 

Seite hat? 

Holly Schlott: Du legst mir da ein Wort 

in den Mund, das ich ungern verwende. 

Aber irgendwie ist die Jazz-Öffentlichkeit 

tatsächlich an einigen Stellen viel konservativer, 

als sie selbst sich versteht. 

Diese Erfahrung haben auch homosexuelle 

Musiker wie Gary Burton gemacht. In der 

Wahrnehmung und im Umgang mit dem, 

was ich am liebsten Diversity nenne, gibt 

es viel Nachholbedarf. In Amerika gab es 

schon im letzten Jahrhundert Transgender- 

Musiker wie Billy Tipton oder Jennifer 

Leitham, und man ist hier und da schon 

etwas weiter. Wie die Lage in Deutschland 

ist, erkennt man auch daran, dass in der 

Bundesrepublik der Paragraph 175 des 

Strafgesetzbuches, der sexuelle Handlungen 

zwischen Männern unter Strafe stellt, 

erst 1994 abgeschafft wurde. Ich war vor 20 

Jahren schon mal fast so weit, mit meiner 

Situation an die Öffentlichkeit zu gehen, 

aber ein paar Stunden vor der geplanten 

Ankündigung habe ich dann doch einen 

Rückzieher gemacht. Ich war einfach noch 

nicht reif genug. In der Rock- und Pop- 

Kultur wurde schon viel früher über diese 

Themen gesprochen. Da gab es immerhin 

einen David Bowie. Die Jazz-Szene ist viel 

stärker männlich dominiert und hat Themen 

aus dem Bereich von Gender-Identitäten 

beharrlich ausgespart. Aber wir sind dabei, 

das zu ändern. 

Hans-Jürgen Linke: Lass uns über deine 

Musik reden. Du hast auf deiner aktuellen 

CD alle Instrumente selbst gespielt 

beziehungsweise programmiert, darunter 

das C-Melody-Saxofon, das einen Ganzton 

höher liegt als das Tenorsaxofon. 

Holly Schlott: Dieses Instrument hat sich 

nicht durchgesetzt, obwohl es auch im 

Jazz Saxofonisten gegeben hat, die es sehr 

virtuos gespielt haben. Ich habe es vor 

vielen Jahren schon einmal gespielt und 

fand interessant, dass ich plötzlich tiefer hinunter 

in den Tenorbereich kam als mit dem 

Alt-Sax. Trotzdem hat das Instrument bei 

mir sieben Jahre unbenutzt herumgelegen, 

und eigentlich wollte ich es schon verkaufen. 

Dann habe ich noch einmal hineingeblasen 

und fand dieses Dazwischen-Liegen 

plötzlich überaus attraktiv, so, als würde 

es mein eigenes Dazwischen irgendwie 

aufnehmen. Ich habe mich dann näher damit 

beschäftigt und gemerkt, dass ich ganz 

andere Melodien entwickle als auf dem Altoder 

Sopransaxofon. Es war überwiegend 

intuitive Arbeit, mit der ich diese CD meist 

in nächtlichen Kompositions-Sessions aufgenommen 

habe. Irgendwie ist eine neue 

Einheit entstanden aus dem Instrument und 

meinem Impuls, meine eigene neue Melodie 

nach außen zu tragen. 

Hans-Jürgen Linke: Was du nach außen 

transportierst, ist also auch deine Entscheidung, 

dich nicht mehr zwischen Tenor und 

Alt entscheiden zu müssen. 

Holly Schlott: Wenn man das auf die Saxofone 

bezieht, kann man das so ausdrücken. 

Wobei ich mich ja schon sehr früh auf die 

höheren Saxofone konzentriert hatte. Das 

C-Melody war wie eine neue Tür, die sich 

plötzlich öffnet. Ich bin immer noch dabei, 

es zu erforschen. 

Hans-Jürgen Linke: So dass das Instrument 

für deine Musik auch einen Neuanfang, vor 

allem aber eine Erweiterung des Horizonts 

bedeutet. 

Holly Schlott: Genau, es ist eine Extension. 

Ich fühle mich nicht wie neu geboren, 

sondern eher wie jemand, der etwas 

Neues erlebt, ohne dabei jemand anderer 

zu werden. Viele Transgender fühlen sich 

durch die vorgegebenen gesellschaftlichen 

Normen genötigt, eine männliche oder 

weibliche Rolle anzunehmen, um nicht aufzufallen. 

Das gelingt natürlich nicht immer. 

Und dann gibt es Leute, die meinen, wenn 

sie mit sich selbst in der Balance sind, wäre 

es nicht nötig, diese Leidensgeschichte 

mit allen physischen Konsequenzen auf 

sich zu nehmen. In dieser Situation sehe 

ich mich am ehesten. Ich fühle mich genau 

dazwischen, so dass ich versuche, auch 

eine optische Einheit beider Geschlechter 

zu zeigen. Das kann mal mehr in die eine 

oder andere Richtung geschehen, und das 

erlaube ich mir. Inzwischen durchaus auch 

auf der Bühne 

Hans-Jürgen Linke: Du begibst dich also 

öffentlich in ein für dich unbekanntes 

Gelände. 

Holly Schlott: Das gilt auch für die neue CD, 

auf der ich alles vom Einspielen bis zum Mix 

in Eigenregie gemacht habe. Das habe ich 

auch getan, damit alles nahe bei mir und in 

meiner eigenen Gefühlswelt bleibt. Denn 

das ist meine ganz persönliche Geschichte. 

Live verteilt sich die Musik auf fünf Musiker, 

die daraus wieder etwas anderes machen 

können. So soll es ja im Jazz auch sein. 

Ich hatte das Glück, meine Wunsch-Band 

zu finden, allesamt aus der Berliner Szene 

und mindestens eine Generation jünger. 

Aber das Intime und Persönliche der Musik 

kommt deutlicher in der Studioproduktion 

rüber. Ich lebe aber nun mal auch von 

Live-Musik. Austausch und Kommunikation 

mit anderen Musikern ist mir sehr wichtig. 

So sehe ich die Veränderung meiner Musik 

auch als einen Aspekt der Extension. 

Hans-Jürgen Linke: Die Musik vermittelt 

mir ungefähr folgenden Eindruck: Du bist 

musikalisch und biografisch an einem 

bestimmten Punkt angekommen, atmest 

tief durch und schaust zurück, um dich zu 

vergewissern, wo du bist, wie du dorthin 

gekommen bist – um zu sehen, wie es jetzt 

weitergehen kann. 

Holly Schlott: Genau. Es geht aber auch 

darum, Danke zu sagen an Menschen, die 

mich begleitet, unterstützt und beeinflusst 

haben. Und ich schaue mit großer Vorfreude 

auf unsere Release-Tour im September 

und Oktober, wo ich meine Extension im 

doppelten Sinne ausleben werde. 

Aktuelle CD: 

Holly Schlott: 2 Spirits 

(NRW Records / NRW) 


Holly 

Schlott 

Von der Arbeit, 

mit sich selbst bekannt zu 

werden 


Esther Kaiser 

Lift Every Voice and Sing 

In Zeiten wie diesen sollte Jazz Stellung beziehen, das empfindet die 

Berliner Sängerin Esther Kaiser jedenfalls. Ihre Songs of Courage 

vereinen Klassiker des politischen Lieds des 20. Jahrhunderts. 

© Eberhard Koll 



Wie alle ihre bisherigen Alben so hat 

sich auch Songs of Courage allmählich 

entwickelt, in diesem Fall liegt der Keim 

in Esther Kaisers vorigem Album Learning 

How to Listen – The Music of Abbey 

Lincoln. Lincoln war eine dezidiert politische 

Sängerin, und je länger Kaiser ihre 

Lieder sang, desto stärker drang ihr das 

ins Bewusstsein. „Als ich noch Songs von 

Abbey Lincoln gesungen und das Programm 

allmählich um andere Songs erweitert 

habe, fiel mir irgendwann der Begriff Songs 

of Courage ein“, erinnert sich die Sängerin. 

„Abbey Lincoln ist ja nicht nur musikalisch 

ein großes Vorbild von mir, sondern auch 

als Persönlichkeit. Ich suchte also Songs, 

die geistig zu ihr passen, hatte aber noch 

gar nicht vor, daraus ein Album zu machen. 

Dafür erschien mir der Titel auch 

viel zu plakativ und vielleicht auch viel zu 

groß. Aber irgendwann war ich couragiert 

genug, mich für genau diesen Albumtitel zu 

entscheiden.“ 

Durch die Schallplatten ihrer Mutter 

hat Esther Kaiser schon früh die Songs 

von Bob Dylan und Joan Baez gehört, 

und so finden sich nun auch „Masters of 

War“, „Where Have All the Flowers Gone“ 

und „We Shall Overcome“ auf der neuen 

Platte. Die Gegenwart machte sich in der 

Besetzung bemerkbar, denn neben ihrem 

deutschen Quartett haben sich auch zwei 

Musiker aus dem Nahen Osten zu den Aufnahmen 

eingefunden. „Nachdem ich mich 

mehr und mehr mit dem Thema Flüchtlinge 

befasst und auch mit Geflüchteten Musik 

gemacht habe, erschien mir ‚courage‘ auf 

einmal viel greifbarer – nämlich im Sinne 

von ‚beherzt‘“, führt Esther Kaiser aus. „Und 

dann sind mir auch noch der Kanun-Spieler 

Hasan Al Nour und Cellist Akram Younus 

Ramadhan Al-Siraj begegnet und ließen 

sich fast umstandslos in meine deutsche 

Band integrieren. Damit konnte ich auch 

diesen ‚großen‘ Albumtitel verdauen.“ 

Michael Jacksons „Earth Song“ steht nun 

Seite an Seite mit David Bowies „This Is 

Not America“ und Brecht/Eislers „An den 

kleinen Radioapparat“ - das abschließende 

„You’re the Voice“ von John Farnham ist 

sicher die größte Überraschung. 

„Auf dem Album mischt sich orientalische 

mit westlicher Musik und Pop 

mit Jazz“, sagt Kaiser. „Mein Pianist Tino 

Derado ist unglaublich in der Harmonik drin, 

so ein richtiger Checker, der sich mit Hasan 

und Akram auch noch super verständigen 

konnte. All das hat dazu geführt, dass ich 

schließlich mit gutem Gewissen sagen 

konnte: Ja, dieses Album kann jetzt Songs 

of Courage heißen. Wobei ich es übertrieben 

finde, wenn man sagt, dass man Courage 

braucht, um diese Lieder zu singen – das 

natürlich nicht. Aber ich finde es wichtig, 

dass auch aus dem Jazz hier und da ein 

politisches Statement kommt. Diese Lieder 

wollen schließlich nicht nur immer wieder 

gesungen werden, sie wollen auch anders, 

neu und aus heutiger Sicht interpretiert 

werden. Genau das hat mich interessiert, 

sowohl politisch als auch musikalisch.“ 

Die bereits erwähnten Klassiker der 

amerikanischen Bürgerrechtsbewegung 

der 60er Jahre mussten einfach dabei 

sein, aber interpretiert aus einer aktuellen 

weltmusikalischen Perspektive. Das Ergebnis 

bewegt sich irgendwo zwischen Jazz, 

urbanem Songwriter-Pop (Suzanne Vegas 

„Luka“ ist auch dabei), improvisierter Musik 

und orientalisch anmutender Folkloristik. 

Wenn Esther Kaiser dann auch noch zu 

exotischen Instrumenten wie der Kalimba 

und der indischen Shruti-Box greift, denkt 

man über solche musikalischen Zuordnungen 

gar nicht weiter nach. Die Sängerin, 

die neben ihrer eigentlichen Tätigkeit auch 

noch eine Professur für Jazzgesang an der 

Musikhochschule Dresden innehat, wirft 

neues Licht auf vertrautes Liedgut und 

eröffnet so manchem Lied, das man bereits 

im Museum wähnte, neue Perspektiven. 

„Durch meine Eltern bin ich mit ‚We Shall 

Overcome‘ und ‚Sag‘ mir, wo die Blumen 

sind’ aufgewachsen, und deshalb fand ich 

es spannend, diese Lieder musikalisch neu 

zu entdecken“, erzählt die Sängerin. „Die 

Lieder sind nicht nur meine musikalische, 

sondern auch meine gesellschaftspolitische 

Heimat. Es war mir einfach ein Herzensbedürfnis, 

in dem Kanal, in dem ich mich 

äußern kann, nämlich in der Musik, meine 

Stimme zu erheben. Was für menschenverachtende 

Entscheidungen gerade in der 

Politik heute getroffen werden [Innenminister 

Seehofer machte sich zum Zeitpunkt des 

Interviews gerade zum Horst – Anmerkung 

des Autors], da kann man eigentlich nur die 

Hände über dem Kopf zusammenschlagen. 

Ich kann immerhin singen.“ 

Dass Musik verbindet, hat sich dabei 

einmal mehr als eine völlig zutreffende Binsenweisheit 

erwiesen. „Während der Arbeit 

an diesem Album mit meiner Berliner Band 

und den beiden Kollegen aus dem Nahen 

Osten waren wir immer wieder überrascht, 

wie nah doch die Arten sind, wie wir alle an 

Musik, Skalen und Improvisation herangehen“, 

hat Esther Kaiser festgestellt. „Ob das 

nun im europäisch-amerikanisch beeinflussten 

Jazz oder in der orientalischen 

Musik geschehen ist – wir haben uns sehr 

schnell sehr gut verstanden.“ 

Aktuelle CD: 

Esther Kaiser: Songs of Courage 

(GLM / Soulfood) 


High Fidelity: Die Listening-Session 

Hans Deutsch 

HD 304 mk2 

Muskulös ohne Bassschwubbel 

Bei einer Vielzahl von Lautsprechern 

gibt es nach einer gewissen Zeit einen 

Ermüdungsbruch in den Ohren. 

Na ja, so ähnlich. Auch wenn alles 

schön dargestellt wird, die Musik 

musiziert, die Verarbeitung des Produktes 

tadellos ist – verbleibt eine 

diffuse Sehnsucht. Da muss doch 

noch was gehen? 

Von Peter Steinfadt 

Letztlich ist die nicht wirklich definierbare 

Restunzufriedenheit mit einem Produkt auch 

die Triebfeder des Neuerwerbs – davon lebt 

die Branche, klar. Wir suchen den Funken, 

der das Musikfeuer zu entfachen vermag. 

Das ist die Leidenschaft und Antriebsfeder 

des Audiophilen. Und leider auch eine Geldverbrennungsmaschine 

sondergleichen. 

Der Klassiker unter den Soziologen, 

Max Weber, postulierte, dass sich Bürokratien 

in erster Linie durch ihr Geheimwissen 

auszeichnen und legitimieren. Hier hingegen 

wird ganz unbürokratisch und selbstlos ein 

Lautsprecher vorgestellt, der das Mantra 

des Lautsprecherkaufs zum Erliegen bringen 

und den Käufer über viele Jahre begleiten 

könnte. Der Lautsprecherentwickler und 

Akustikforscher Hans Deutsch ist ein echtes 

Urgestein der Szene und bereits seit den 

60ern aktiv. Seine teils patentierten Kreationen 

sind außergewöhnlich und finden bei 

keinem anderen Hersteller Verwendung. 

Dem audiophilen Hörer fällt bei der 

wirkungsgradstarken 8 Ohm Kompaktbox 

HD 304 mk2 vor allem der sogenannte Hornresonator 

auf. Hier wird die Abstrahlfläche 

des Tieftonsystems trägheitslos vergrößert 

und optimiert. Dieser Kunstgriff führt zu 

einer extrem schnellen, verzerrungsarmen 

Musikdarstellung mit hoher Impulstreue. 

Der Hornresonator ersetzt die üblicherweise 

großen Bass-Chassis. Dadurch 

wird erreicht, dass die Bassreproduktion 

bruchlos ins Geschehen integriert wird. Hier 

schwubbelt und dröhnt nichts, und durch 

dieses Konstruktionsprinzip sind die nur 33 

Zentimeter hohen Wandler auch bei höheren 

Lautstärken in jeden Raum integrierbar. 

Das ist ein großer Vorteil gegenüber den 

Marktteilnehmern, da die lästigen Raummoden 

durch den Hornresonator erst gar 

keine Dröhnchance erhalten. 

Grau die Theorie, bunt die Musik. 

Hören wir in die aktuelle mk2-Version der 

HD 304 mal rein. Für Joshua Redmans Still 

Dreaming (Nonesuch, 2017) stand eine Aufnahme 

eines hochkarätigen Quartetts (u.a. 

mit Don Cherry) mit seinem Vater Dewey 

Redman aus dem Jahr 1977 Pate. Die energiestrotzende 

Aufnahme im Geiste Ornette 

Colemans diente als Inspirationsquelle 

für den Sohn und seine drei Mitstreiter. 

Herausgekommen sind Preziosen voller Dynamik 

und Melodie. Die saxofongetriebene 

Musik im Spagat zwischen akademischer 

Kühle und Wärme besitzt mittels der HD 304 

eine sehr gute Ortbarkeit der Instrumente 

sowie eine feine Darstellung des Raums. 

Dynamiksprünge in der Musik sowie feinste 

Ziselierungen setzen die kleinen Kompakten 

absolut mühelos um. Spielt da ein Weltklasse-Quartett 

live im Wohnzimmer auf? 

Jedenfalls eine ziemlich perfekte Illusion 

von live. Erstaunlich, wozu so kleine Lautsprecher 

mit ihren 5,5 Kilogramm im Stande 

sind. Der Bass klingt schlank und schnell 

und damit sehr glaubhaft. Kein Gramm 

Hüftspeck, alles durchtrainiert. 

Bei der ersten Begegnung mit den 

Ergebnissen von Hans Deutsch kann beim 

Hörer eine Irritation auftreten, da die eigenen, 

gelernten Hörgewohnheiten schnell 

an ihre Grenzen stoßen. So viel schneller, 

schlackenloser im Vergleich ist der 

reproduzierte Klang, dass man sich erst ein 

wenig einhören muss. Kleiner Schock. Aber 

das Dargebotene der Lautsprecher ist eine 

Einbahnstraße. Nicht umdrehen, es gibt 

kein Zurück. Jazz, Blues und Gospel vereint 

Robin McKelle auf ihrem jüngsten Album 

mit dem malerischen Titel Melodic Canvas 

(Doxie, 2017). Die kammermusikalische 

Jazzbesetzung mit Klavier, Perkussion und 

akustischem Bass sowie spärlich eingesetzter 

Hammondorgel flankiert ihre starke 

und farbenreiche Stimme. Die eingängigen 

Melodien des Albums mag man oft hören. 

Das kommt satt rüber, das groovt, hat mit 

den Hans-Deutsch-Wandlern Energie. Hier 

zerfasert nichts, alles bleibt schön zusammen 

und klingt „live“ im Sinne von „echt“. 

Testfazit: Die 1060 Euro Investition für die 

Hans Deutsch HD 304 mk2 lohnen absolut. 

Dieses Produkt kann der Endpunkt einer 

langen Suche sein. Mein Test-Pärchen im 

klassischen Schwarz (weitere Furniere 

vorhanden) bleibt zumindest in Hessen. Ich 

habe festgestellt, dass mein Musikkonsum 

sich durch die HD 304 mk2 stark erhöht hat. 

Das ist schön. 

Website: 

www.sound-magic.de 

Wer hören will, muss spielen 

JAZZTHETIK verlost ein Boxenpaar 

HD 304 mk2 unter den Leserinnen und 

Lesern, die unsere Gewinnspielfrage beantworten 

können: Aus welchem Land 

stammt der Entwickler der HD 304 mk2? 

Einfach bis zum 30. September eine 

Postkarte mit Adresse und Lösung 

an JAZZTHETIK, Frie-Vendt-Str. 16 

(Hinterhaus) in 48153 Münster oder 

eine E-Mail an: jazz@JAZZTHETIK.de 

schicken – und mit etwas Glück gibt‘s 

was auf die Ohren. 

Von der Teilnahme ausgeschlossen 

sind Mitarbeiter (und deren Angehörige) 

der JAZZTHETIK und des Vertriebs 

S.M.G. Sound Magic GmbH. 



Die Verbindung von Edgar 

Allan Poes Lyrik und der Musik ist 

immer eine gegenseitige gewesen. 

Poe selbst war ein äußerst 

musikaffiner Dichter, andererseits 

inspirierten seine Werke Musiker 

und Komponisten nahezu aller 

Genres. Es begann mit Debussy 

und Rachmaninow, geht über 

Philip Glass und James Poulsen 

bis zu Alan Parsons, Queen, Bob 

Dylan und den Beatles. 

Nun sucht Poes Poesie auch 

den Jazz heim. Rainer Tempel 

erreicht gleich mehrere Ziele in 

einem Zuge: Er entzaubert den 

Mythos um Edgar Allan Poe, ein 

Dichter nur der dunklen Seite 

zu sein, zeigt Möglichkeiten auf, 

wie man dem klassischen Lied 

neue Seiten abgewinnen kann, 

und setzt dem etwas entgegen, 

was im heutigen Liedgut, 

Songwriting genannt, und auch 

im Jazzgesang sprachlich an 

Qualität geboten wird, sowohl im 

populären als auch im ambitionierten 

Bereich. Die Qualität 

Rainer 

Tempel / 

Fola 

Dada 

Dunkle Poesie ins Licht gerückt 

Ein Jazzpianist, der komponiert, arrangiert und als erfolgreicher Bigband- 

Leiter unterwegs ist – und eine alte Leidenschaft wiederentdeckt. Eine 

Soul- und Popsängerin mit sanfter, aber kraftvoller Stimme und großem 

Einfühlungsvermögen und ein zu Unrecht nur dem dunklen, abgründigen 

Genre zugerechneter Dichter des 19. Jahrhunderts. Wie geht das zusammen? 

in Poes Sprache mache für ihn 

letztlich den großen Unterschied, 

so Tempel, und so kam es, dass 

er begann, dessen Gedichte in 

Lieder umzusetzen. Dabei half 

ihm seine Affinität zur englischen 

Sprache, insbesondere zur 

amerikanischen Literatur des 19. 

Jahrhunderts. In Kürze wird noch 

ein zweiter Liederzyklus auf CD 

erscheinen, auf dem Emily Dickinsons 

Gedichte vom gleichen 

Team vertont werden. Das berge 

obendrein die Chance auf ein 

abendfüllendes Live-Programm, 

bekennt Rainer Tempel augenzwinkernd. 

Sowohl klassik- als 

auch jazzgewöhnte Ohren dürften 

sich gerne mitnehmen lassen 

auf solch eine Reise, die vorbeiführt 

am klassischen Lied, ohne 

sich dessen formaler Strenge 

unterzuordnen, und angereichert 

ist mit komponiertem Jazz, Songwriting 

und Broadway-Musical in 

feinen Dosen. 

Die Interpretation der Sängerin 

Fola Dada trägt maßgeblich 

dazu bei, Licht in die dunklen Seiten 

des Poeschen Symbolismus 

© Oliver Röckle 

zu bringen. Rainer Tempel und 

Fola Dada kennen sich schon 

lange als Kollegen, arbeiten hier 

aber zum ersten Mal intensiv 

zusammen. Das Album Boston/ 

MA, benannt nach des Dichters 

Geburtsort an der nordöstlichen 

Küste der USA, zeigt, wie fruchtbar 

diese Kooperation ist. 

Der rote Faden im Zyklus 

der zehn Lieder ist das Thema 

Traum. Schon beim ersten Stück, 

„A Dream within a Dream“, 

zeigt Fola Dada, dass sie dieses 

ungewöhnliche Genre mit 

größter Genauigkeit studiert hat. 

Ihre Stimme folgt selbstbewusst 

Tempels majestätisch fortschreitenden 

Akkordfolgen und bereitet 

so den Zuhörer auf den kommenden 

lyrischen Spaziergang vor, 

bei dem zwei Musiker und ein 

Dichter Hand in Hand durch ein 

Repertoire menschlicher Zustände 

gehen. In „The Valley of the 

Unrest“ vermag Tempels erste 

kurze Kadenz das Wechselspiel 

zwischen Dies- und Jenseits in 

Poes schillernden Versen dann 

schon vorwegzunehmen. Zwischen 

dem angenehm liedhaften 

Melodieverlauf und kurzen Ausflügen 

ins Atonale entsteht ein 

reizvoller, zum Poe-Verständnis 

beitragender Kontrast. In der 

Mitte des Albums platziert Rainer 

Tempel das gleichsam marschierende 

„Romance“. Voller 

energischer Sprünge in Melodie 

und Bass schreitet dieses auf 

einer Achttonreihe basierende 

Kernstück des Zyklus, getragen 

von einer ostinaten Basslinie, dahin. 

Auf erstaunliche Weise wird 

hier deutlich, wie sehr solch ein 

Konzept auf die Gleichberechtigung 

aller am Projekt Beteiligten 

angewiesen ist, wie Dichter, 

Komponist und Ausführende an 

einem Strang ziehen müssen, damit 

das Ganze nicht an der dem 

Genre (ja welchem eigentlich?) 

eigenen Strenge erstickt. Bei 

„Eldorado“, von Tempel als Fuge 

angelegt, kann man sich bildhaft 

vorstellen, wie der edle Ritter in 

all der Einsamkeit seiner Pilgerreise 

ins goldene Land Licht und 

Schatten erleben muss. 

Am Schluss wird in „Spirits 

of the Dead“ noch einmal klar, 

dass alles Fröhliche nur scheinbarer 

Natur ist. Weder kann die 

Leichtigkeit in der Musik über 

Tiefen und Untiefen des Textes 

hinwegtäuschen, noch ist sie 

geeignet, auch nur zu besänftigen. 

Die Melodie führt immer 

wieder in die Irre, als wolle sie 

den Zuhörer an den Ernst der 

Lage erinnern, und führt ihn 

schlussendlich dorthin, wo Poe 

sich zu Hause fühlte: ins „Mystery 

of Mysteries“, aber eben doch 

auch vielleicht ins Licht. 

Wer einmal andere Seiten 

des Dichters Edgar Allan Poe 

kennenlernen will, wer erleben 

will, wie ein Jazzkomponist 

und -pianist, der sich bei jedem 

einzelnen Ton etwas gedacht hat, 

sich einen Traum erfüllt und bis 

ins Detail auskomponierte Lieder 

zum Besten gibt, und dabei einer 

Sängerin lauschen möchte, die 

mit Bravour und viel Gefühl dem 

Ganzen dient, dem sei Boston/ 

MA ans Herz gelegt. 

Aktuelle CD: 

Rainer Tempel / Fola Dada: Boston/MA 

(Rodenstein / Medienvertrieb 

Heinzelmann) 


Ólafur 

Arnalds 

Spiel mit 

dem Zufall 

Auf dem Weg hinaus aus 

einer Schaffenskrise 

half Ólafur Arnalds 

eine selbst entwickelte 

Software. Sie versetzt das 

Klavierspiel des Isländers 

in neue, überraschende 

Umgebungen. 

© Benjamin Hardman 


Von Angela Ballhorn 

Ein Klavier erklingt, kein supertoller Flügel, 

sondern ein einfaches Klavier mit Charakter, 

bei dem man die Mechaniken hören kann, 

ganz sparsam gespielt. Langsam mischen 

sich zarte Streicherklänge und weitere Klavierschichten 

dazu. Alles wird dichter, die 

kleine Melodie, die so hartnäckig im Kopf 

bleibt, verblasst, wird von den Klanggewalten 

der Streicher und Holzbläser zugedeckt, 

bis sie wieder auftaucht und das Startsignal 

für die Drums gibt, die das Stück in eine 

andere Richtung leiten. 

„re:member“ ist der Titeltrack des 

gleichnamigen Albums des isländischen 

Komponisten und Musikers Ólafur Arnalds. 

Für seine neue Veröffentlichung holte er 

sich technische Hilfe: 

„Meine Kreativität steckte fest, ich kam 

nicht richtig weiter. Mein letztes Album 

war ein paar Jahre her, meine letzte Tour 

auch. Ich war gelangweilt und uninspiriert 

und wollte und konnte keine Shows mehr 

spielen, bis ich etwas Neues hatte.“ Mit 

dem Audio-Entwickler Halldór Eldjárn 

erstellte er die algorithmische Software 

STRATUS, die ihm das Komponistenleben 

bemerkenswert einfacher macht. Die Arbeit 

daran dauerte zwei Jahre. Die Algorithmen, 

die das Programm generiert, wurden auch 

verwendet, um das Artwork des innovativen 

Albums zu kreieren. „Die STRATUS-Klaviere 

sind zwei selbstspielende Klaviere, die von 

einem Masterklavier angetriggert werden, 

das ich spiele. Das ist das Herzstück meiner 

neuen Werke.“ 

Die kompositorische Erfahrung belebte 

den kreativen Prozess neu. Wenn Ólafur 

eine Note am Klavier spielt, werden 

zwei verschiedene Noten von STRATUS 

generiert, die unerwartete Harmonien und 

überraschende melodische Sequenzen 

schaffen. „Der Titelsong ,re:member‘ war 

der erste, den ich geschrieben habe. Die 

längste Zeit brauchte ich, um die Richtung 

zu finden, da der Song auch die Richtung 

des Albums vorgibt. Ich habe 14 verschiedene 

Version von ,re:member‘ ausgearbeitet, 

habe über drei Wochen lang 18 Stunden 

pro Tag nonstop an dieser kleinen Melodie 

gesessen, erst solo am Klavier bis hin zum 

vollen Orchester. Das Video zum Song ist 

sehr symbolisch und zeigt eine dystopische 

Welt.“ 

Interessant ist, dass Ólafur Arnalds 

den isländischen Rapper BNGR BOY als 

Co-Produzenten engagiert hat. „BNGR BOY 

ist populär in Island, er ist 21 Jahre alt, 

produziert Trap Beats und rappt. Ich habe 

ihn als Co-Produzenten geholt, um eine andere 

Inspiration zu haben. Oft lag er stoned 

in der Ecke, und 90 Prozent seiner Ideen 

funktionierten nicht für mich, aber trotzdem 

hat er es geschafft, dass ich über viele Dinge 

anders nachgedacht habe. Ein kleines 

Beispiel: Ich gab ihm einen 20-Sekunden- 

Schnipsel mit Klavier und Streichern, ging 

einen Kaffee trinken und sagte ihm, er 

könne mit dem Material machen, was er 

wolle. Als ich zurückkam, hatte er gerade 

mal einen Knopf gedrückt und alles um eine 

Oktave nach unten gezogen, was für mich 

aber genau die richtige Entscheidung war.“ 

Kollaborationen sind dem Komponisten 

wichtig, weil das Werk so schon 

eine Art Remix wird. Die Kontrolle gibt er 

nie ab, auch die Software braucht immer 

einen Menschen, der sie programmiert und 

bedient. So balanciert der Isländer im reizvollen 

Spagat zwischen den Spannungsfeldern 

des bis ins letzte Detail produzierten 

Produkts und dem Zufallsfaktor durch die 

Software. 

Das Album beinhaltet einen Track, 

der „Nyepi“ heißt, was auf Balinesisch 

„Tag der Stille“ bedeutet. Hintergrund ist 

die dortige Tradition, sich am Neujahrstag 

von der äußeren Welt abzuschotten. „Ein 

Tag im Jahr ist für die Natur. Niemand ist 

draußen, es wird kein Strom benutzt, WiFi 

ist abgeschaltet. Das heißt, dass du Kerzen 

verwendest und mit Gas kochst. Ich war 

auf einer Insel, wo es sehr leise war, und 

spielte im Dunkeln Klavier, meine Freunde 

kochten. Ich arbeitete an meinem Song, und 

nach und nach kamen alle meine Freunde 

aus der Küche und saßen bei mir. Turn off 

all Noise! Du brauchst Ruhe, um etwas 

zu fühlen – und es ist okay, glücklich zu 

sein. Ich möchte, dass die Leute hören und 

fühlen, dass ich Spaß hatte, dieses Album 

zu machen.“ 

Die neuen Kompositionen des 

Isländers nutzen Klavier samt Software, 

Streichquartett, Synthesizer, Electronics, 

Live Drums und ein Streichorchester, das im 

Londoner Air Studio aufgenommen wurde. 

Arnalds‘ Tracks stürzen den Zuhörer in eine 

Welt voller unerwarteter Stimmungen und 

Gefühle. International ist der Musiker schon 

lange gefeiert für seinen Stil, Elemente 

aus Ambient, Klassik, Elektronik und sogar 

Pop und Rock zu verweben. Gern nimmt er 

auch sein Publikum bei Konzerten auf und 

arbeitet mit Loop-Machines, um eine ganz 

spontane Begleitung zu kreieren. Wer vermutlich 

Alpträume wegen der 40 Konzerte 

umfassenden Tour hat, ist der Tourmanager, 

der die Logistik mit vielen selbstspielenden 

Klavieren zwischen den Kontinenten 

organisieren muss. „Er träumt seither jede 

Nacht, dass ihm ein Klavier verloren geht“, 

lacht Ólafur Arnalds. 

Aktuelle CD: 

Ólafur Arnalds: re:member 

(Mercury KX / Universal) 


Rembrandt 

Frerichs 

Exotik der Vergangenheit 

46 


Das Hammerklavier oder, weniger martialisch: das Fortepiano gehört zu 

den unbekannteren Tasteninstrumenten – nicht nur im Jazz. Dabei hat es 

wesentlich mehr Aufmerksamkeit verdient, meint der niederländische 

Pianist Rembrandt Frerichs. Anlass genug für den 1977 in Rotterdam 

geborenen Musiker und Komponisten und sein Trio, dem Instrument ein 

komplettes Album zu widmen: The Contemporary Fortepiano. 

Von Holger Pauler 

Eines vorweg, die Musik ist alles 

andere als altmodisch. Sie klingt 

modern, frisch, teilweise sogar 

groovy. Kurz: Es ist „hippe“ 

Musik auf zeitgenössischen 

Instrumenten. Das Trio, zu dem 

Tony Overwater (b) und Vinsent 

Planjer (perc) gehören, spielt 

seit mehr als zwölf Jahren zusammen 

und kann als klassische 

Working Band bezeichnet werden. 

„Wir proben jede Woche 

und kommunizieren auch sehr 

direkt miteinander. Nach und 

nach haben wir so unsere Spielweise 

verfeinert“, sagt Frerichs. 

Einflüsse aus dem Free Jazz und 

der persischen Musik geben den 

Auftritten und Aufnahmen zudem 

eine „gewisse spirituelle Note“. 

Die Idee, das Fortepiano 

als zusätzliche Klangquelle 

zu nutzen, kam nach einem 

Auftritt im Iran. „Die persischen 

Musiker, mit denen wir spielten, 

meinten, dass mein Klavier – ein 

Steinway – nicht wirklich mit 

ihren klassischen Instrumenten 

wie etwa Kamantsche, Tar, 

Oud oder Kanun harmoniere“, 

sagt Frerichs. Also habe man 

nach neuen Klangquellen 

gesucht. Schnell sei die Gruppe 

bei alten, längst vergessenen 

Instrumenten gelandet. Bassist 

Tony Overwater brachte das 

Fortepiano ins Spiel. „Es hat 

einen farbenreichen Klang und 

einen sehr warmen Ton, der für 

unsere Ohren beinahe exotisch 

klingt. Die perfekte Erweiterung 

unseres Portfolios“, erklärt 

Frerichs die Wahl. 

Der belgische Klavierbauer 

Chris Maene hat das Fortepiano, 

das auf dem neuen Album zu 

hören ist, extra für Frerichs angefertigt. 

Es ist eine Kopie eines 

Walter aus dem Jahr 1790, auf 

dem Wolfgang Amadeus Mozart 

komponiert und gespielt hat. 

Das Fortepiano klingt wesentlich 

leiser, weil der schwingende 

Rahmen im Resonanzraum 

nicht aus gegossenem Eisen, 

sondern aus Holz gefertigt ist 

und die Saiten dünner sind. Die 

Holzhämmerchen, welche die 

Saiten anschlagen, sind kleiner 

als beim modernen Klavier und 

nicht mit Filz überzogen, sondern 

mit Leder oder Stoff. Daneben 

benutzt Frerichs ein Harmonium 

der Stuttgarter Firma Trayser 

aus dem Jahr 1860, das er selbst 

restauriert hat. Overwater spielt 

außerdem eine Violine aus dem 

19. Jahrhundert, während Planjer 

sein Drumset gleich komplett 

selbst zusammengebastelt hat. 

Eine ziemlich aufwendige Herangehensweise 

– musikalisch wie 

technisch. 

Der Interpretation merkt 

man dies kaum an. Die Stücke 

klingen sehr homogen. Es sind 

größtenteils Eigenkompositionen 

der drei Musiker – abgesehen 

von Herbie Hancocks „Butterfly“. 

Die Eckpfeiler sind Jazz, 

Barock und World. Die Musik 

lässt sich als ruhig kreisend, 

aber durchaus dynamisch 

bezeichnen. Wechsel in der 

Tonalität stehen ebenso auf dem 

Programm wie polyrhythmische 

und polymetrische Parts. 

„Offering“ beginnt etwa 

mit einem Stakkato auf dem 

Klavier, die Lautstärke variiert 

mit zunehmender Dauer. In 

„Escher“ wähnt man sich im 

Vorzimmer von Terry Riley oder 

Steve Reich. Minimalistische 

Tonfolgen auf dem Fortepiano 

werden begleitet von sensibel 

erzeugten Geräuschen auf Tom 

und Becken und einem dezent 

gestrichenen Kontrabass. Es 

entsteht eine sphärische, beinahe 

psychedelische Atmosphäre. 

Herbie Hancocks Komposition 

„Butterfly“, in den 1970er Jahren 

auf dem Höhepunkt der Jazz-, 

Rock- und Funk-Fusion mit den 

Headhunters eingespielt, steht 

exemplarisch für die Transformation 

und Vereinigung der 

verschiedenen Stile und Genres. 

Das Stück wird aus dem Fusion- 

Kontext gelöst und in ein akustisches 

Bett gelegt. „Für viele 

Leute im Musikgeschäft sind 

die Genre-Grenzen immer noch 

bedeutsam, da die Kunden oft 

in Kategorien denken, um sich 

zu orientieren“, sagt Frerichs. 

Als Künstler glaube er allerdings 

nicht wirklich daran. „Bei ,Butterfly‘ 

ist die rhythmische Idee 

das Herzstück des Songs. Mich 

interessiert nicht, in welchem 

Kontext er entstanden ist.“ 

Diese Herangehensweise 

hat sich schon sehr früh angedeutet. 

Als Kind habe er bereits 

Trompete, Schlagzeug und Bass 

gespielt. „Ich habe mit allem experimentiert, 

was mir in die Hände 

kam“, sagt er. Auch später 

hat er sich von seiner Umgebung 

beeinflussen lassen und den 

Sound und den Spirit aufgesogen. 

Zwischen seinem 17. und 

19. Lebensjahr hat Rembrandt 

Frerichs in Kairo gelebt und die 

Musik des mittleren Osten für 

sich entdeckt. Noch wichtiger 

aber seien die Jahre in New 

York gewesen. „Ich habe es 

genossen, Teil der dortigen Jazz- 

Community zu sein, und bin darin 

zu 100 Prozent aufgegangen.“ 

Die aktuellen Arbeiten zeigen, 

dass es nicht die schlechteste 

Schule war. 

Neben dem Trio verfolgt 

Frerichs weitere Projekte. Vor allem 

das Piano-Solo spielt dabei 

eine wichtige Rolle. Hier könne 

er seine Spielweise verfeinern 

und seinen Fokus für Standards 

schärfen. Dennoch bevorzugt 

er es, mit anderen Musikern zu 

spielen: „Beim Solo vermisse 

ich den Aspekt, nicht zu wissen, 

was im nächsten Moment 

geschieht“, sagt er. Außerdem 

lebe improvisierte Musik davon, 

externe Einflüsse zu verarbeiten. 

Auch aus diesem Grund spricht 

vieles dafür, dass die Entwicklung 

des Trios noch längst nicht 

beendet ist. 

Aktuelle CD: 

Rembrandt Frerichs Trio: 

The Contemporary Fortepiano 

(Jazz in Motion / In-Akustik) 


Trygve Seim 

Freundliche 

Täuschungsversuche 

In der Malerei gibt es den Begriff des Trompe-l’œil, 

der optischen Täuschung oder genauer: der Täuschung 

des Gesichtssinns. Das ist eine gut gefüllte und seit 

der Renaissance wohlbekannte Trickkiste. Auch in der 

Musik gibt es so etwas: eine Täuschung des Gehörs 

und der akustischen Wahrnehmung. 

© Knut Bry 


Wer den norwegischen 

Saxofonisten Trygve Seim hört, 

kann manchmal den Eindruck 

gewinnen, einem ganz anderen 

Blasinstrument zu lauschen – 

einer Duduk oder einer Nay 

zum Beispiel. Wer dann genauer 

hinhört, merkt bald, dass 

das ein listig herbeigeführter 

Irrtum war. Trygve Seim geht es 

bei seinen Artikulationen eher 

um das lächelnde Erzeugen 

einer Täuschung als um ernst 

gemeinte Nachahmung. 

Es gibt oft mehrere Arten, 

Trygve Seims Musik wahrzunehmen. 

Beim ersten Hören 

erscheint sie ruhig, transparent, 

klangreich und poetisch. 

Sie verwendet Rhythmik eher 

strukturierend als pulsierend, 

sie wirkt durchdacht und weitgehend 

auskomponiert. Und 

sie sucht (und findet) stets eine 

gewisse Nähe zu dem, was wir 

mittlerweile unter dem Klischee 

„nordischer Jazz“ versammeln. 

An diesem Eindruck ist auch 

wenig falsch. Andererseits peilt 

die Besetzung des aktuellen 

Quartetts, mit dem Seims 

neues Album Helsinki Songs 

aufgenommen ist, einen ganz 

anderen Kontext an: Bass, Klavier, 

Schlagzeug, Saxofon – das 

könnte auch ein herkömmliches 

Jazz-Quartett sein, eine Formation 

also, die Trygve Seim viele 

Jahre lang sorgfältig gemieden 

hat zugunsten exotischerer, 

kleinerer oder auch größerer 

Besetzungen. Die Helsinki 

Songs sind von der Besetzung 

her Trygve Seims jazzigstes Album, 

und die durchaus luftigen 

Arrangements lassen vergleichsweise 

weite Spielräume 

für die Improvisation. 

Kristjan Randalu, Pianist 

des Quartetts, hatte beim 


genaueren Durchschauen der 

Kompositionen den Eindruck, 

dass es sich hier um ziemlich 

amerikanisch gesinnte Stücke 

handle. Und er hatte sich gefragt, 

wie diese Musik mit dem 

typischen Trygve-Seim-Klang 

und seinem eher zurückhaltenden 

rhythmischen Konzept 

zu vermitteln sei. Da lauerte 

also noch so ein Täuschungsversuch. 

Die Musik jedenfalls 

klingt, trotz der Besetzung, 

kaum je nach einem Jazz- 

Quartett. Trygve Seim artikuliert 

am Saxofon weniger energetisch 

als vielmehr sanglich und 

melodisch, und er lässt sein 

Instrument wirklich nach einem 

Holzblasinstrument klingen. Er 

findet enorm weiche, schwebende 

Sounds und erstaunliche 

Glissandi, und nie verfolgt er 

die Spielstrategie, möglichst 

viele Noten und überraschende 

Intervalle in möglichst kurzer 

Zeit zu spielen. 

Vielleicht gibt der Titel 

des letzten Stücks auf dem 

Album einen entscheidenden 

programmatischen Hinweis, wie 

Trygve Seims Musik zu hören 

ist. Es heißt „Yes Please Both“ 

und erklärt die Musik zu einem 

klingenden Versuch, mit Widersprüchen 

und Annäherungen zu 

leben. Die Anklänge an armenische, 

arabische, norwegische 

Musik sind eben nur absichtsvoll 

verwendete Stilzitate, die 

freundliche Annäherungen 

erkennen lassen, aber keine 

Identifikation stiften oder gar 

vorgaukeln wollen. Es steckt, bei 

aller Schönheit und Klarheit, immer 

auch eine gehörige Portion 

Distanzierung, manchmal gar 

romantische Ironie in der Musik. 

Das Material für die 

Helsinki Songs, erzählt Trygve 

Seim, entstand in einem 

Apartment, das dem finnischen 

Komponistenverband 

gehört. Der Verband hatte ihm 

ein Stipendium gewährt, das 

mit einem Arbeitsaufenthalt 

in der finnischen Hauptstadt 

verbunden war. „Ich kam in die 

Wohnung und habe mich, noch 

bevor ich meinen Koffer ausgepackt 

hatte, an das schöne, 

alte Klavier gesetzt, um darauf 

ein wenig herumzuprobieren. 

Dabei entstand dieses Stück, 

das zwangsläufig ,Helsinki 

Song‘ heißen musste.“ 

Die Entstehungs-Anekdote 

zu einem anderen Stück auf 

dem Album erzählt eine ganz 

andere Geschichte: Der 

„Birthday Song“ hat mit einem 

Notizbuch zu tun, das Trygve 

Seim seinem Bassisten Mats 

Eilertsen zum 40. Geburtstag 

schenkte. Er schrieb vier Noten 

einer Melodie und einen Akkord 

auf die erste Seite und notierte 

dazu die Bemerkung: „Hier ist 

etwas, womit du schon mal 

anfangen kannst.“ Nach einer 

angemessen langen Geburtstagsfeier 

kam er frühmorgens 

nach Hause, setzte sich ans 

Klavier und schrieb mit dem – 

eigentlich verschenkten, also 

genaugenommen zurückgestohlenen 

– Material aus dem 

Notizbuch den „Birthday Song“, 

noch vorm Schlafengehen. 

Solche Anekdoten sind 

hübsche Erzählungen, die 

davon künden, dass Trygve 

Seim bei seiner Musik nicht nur 

an Musik denkt, sondern auch 

an seine Umgebung, an Städte 

und Mitmenschen etwa. Aber 

die Erzählungen sind nicht das, 

worum es eigentlich geht. Seim 

sagt, dass er mit dem Saxofon 

selbst und mit seiner Musik 

Geschichten erzählen will – mit 

Klang, mit Artikulation, mit 

Spannungsbögen, Zitaten, 

mit Licht- und Stilwechseln. 

Solche Geschichten müssen 

nicht immer eindeutige Verläufe 

und Schlusspunkte haben. 

Aber immer, sagt er, sei er für 

seine Projekte auf der Suche 

nach Musikern, die mit ihren 

Instrumenten eine Geschichte 

erzählen wollen. 

Ob er das von Jan 

Garbarek gelernt hat? Trygve 

Seim zieht bei Erwähnung 

des Namens fragend die Stirn 

kraus und fragt: „Jan – who?“ 

Und dann lächelt er breit und 

freundlich. 

Aktuelle CD: 

Trygve Seim: Helsinki Songs 

(ECM / Universal) 


49

Aapo Heinonen 

Auf neuen Wegen 

Von York Schaefer 

Es gibt in Finnland eine ganze 

Reihe international bekannter 

Festivals wie das Tampere Jazz 

Happening, das junge und hippe 

We Jazz um das gleichnamige 

Label in Helsinki oder das 

renommierte Pori Jazz Festival, 

bei denen sich experimentelle 

Bands wie Oddarrang und 

preisgekrönte Musiker wie der 

Pianist Iiro Rantala oder der 

Saxofonist Timo Lassy einem 

stilistisch aufgeschlossenen 

Publikum präsentieren. Nicht 

umsonst war Finnland 2017 

Partnerland bei der jazzahead! 

in Bremen. 

Als „geschichtsbewusst, 

handwerklich perfekt und 

neugierig“, zudem mit einer 

coolen, unabhängigen Haltung, 

wurde der neue finnische Jazz 

um Bands wie das Bowman Trio 

oder Mopo Ende vergangenen 

Jahres in einem SPIEGEL- 

Artikel bezeichnet. Ein Musiker, 

den man in diesem Atemzug 

ebenfalls nennen kann, ist Aapo 

Heinonen aus Helsinki – ein 

umtriebiger Geist, Jahrgang 

1985, der als Pianist, Komponist, 

Arrangeur und Musiklehrer tätig 

ist. Eine musikalische Vielseitigkeit 

und Offenheit, die gerade 

für jüngere Musiker am Anfang 

ihrer Karriere wohl schlicht 

wirtschaftlich notwendig ist, die 

sich bei Heinonen aber auch im 

vielseitig deutbaren Titel seines 

neuen Albums widerspiegelt. 

Tara heißt das dritte Werk 

des Aapo Heinonen Quintet. 

Der Titel bezieht sich, wie der 

Bandleader erklärt, auf einen 

der schwersten pazifischen 

Hurrikane, die je gemessen 

wurden, hat religiöse Bedeutung 

in Buddhismus und Hinduismus 

und mehrere geografische 

Bezüge, etwa auf eine russische 

Kleinstadt, einen heiligen Ort in 

Irland und den gewaltigen Tara- 

Canyon in Montenegro. 

„Ich finde, die interessantesten 

Musiker sind diejenigen, 

die nie aufhören, neue Wege zu 

gehen, um sich auszudrücken“, 

sagt Heinonen. Ihm geht es 

darum, eine möglichst große 

Bandbreite an Gefühlen in 

seiner Musik zu transportieren. 

Gefühle, die teils innerhalb 

eines Tracks zwischen sanfter 

Melancholie und beswingten 

Glücksmomenten, zwischen 

kantig-dynamischen Pianomustern 

und einer gewissen Melodieseligkeit 

wechseln können. 

„Die Anpassungsfähigkeit und 

damit auch Zeitlosigkeit meiner 

Songs war mir immer wichtig“, 

erklärt der Finne, der so in der 

Lage sein will, seine Musik zu so 

unterschiedlichen Anlässen wie 

Beerdigungen oder Hochzeiten 

und Taufen spielen zu können. 

Für Tara hat Heinonen die 

Besetzung seines Quintetts 

komplett umgekrempelt. Nur 

Drummer Tomi Saikkonen ist aus 

der Stammformation geblieben, 

die zwischen 2010 und 

2013 zwei Platten mit souligen 

70er-Jahre-Bezügen aufgenommen 

hat. Den Titeltrack, 

einen locker über zehn Minuten 

groovenden Latin-Swing, bei 

dem aber auch mal das Tempo 

gedrosselt wird, hatte Heinonen 

ursprünglich für eine andere 

Besetzung geschrieben. Die 

Leitmelodie übernimmt hier die 

Geigerin Lotta-Maria Pitkänen, 

zusätzliche Perkussion kommt 

von Ricardo Padilla, die beide 

sonst nicht zur Stammbesetzung 

gehören. 

Orientierten sich die beiden 

Erstlingswerke A Daydream 

Between Nightmares (2010) und 

Während über lange Zeit vor allem 

Norwegen, Schweden und selbst 

das kleine Dänemark für eine 

eigenständige Sprache innerhalb 

der skandinavischen Jazzszene 

bekannt waren, hat Finnland in den 

vergangenen gut zehn Jahren stark 

aufgeholt. Eins der neuen Gesichter 

der Szene ist der Pianist Aapo 

Heinonen. 

© Elias Patrikainen 

50 


Kolumne 

Healing Flows (2013) noch an 

einem voluminösen Big-Band- 

Klang, rücken auf Tara detailreichere 

Kompositionen, vertracktere 

Arrangements und intime 

Pianomotive in den Vordergrund. 

Das Album hat sich den für 

Heinonen typischen sinnlichen 

Charme erhalten, wirkt aber 

insgesamt ambitionierter als die 

beiden Vorgänger. Heinonens 

Einflüsse und die seiner Band 

kommen aus Fusion-Grooves 

der 80er Jahre, vom Latin-Swing 

und Melodien, die Erinnerungen 

an die klassische Zeit des 

modalen Jazz wecken. 

Aufgenommen an einem 

einzigen heißen Sommerwochenende 

und unter dem leicht 

benebelnden Einfluss einer 

Grippe, malen Aapo Heinonen 

und seine Mitstreiter ein dichtes 

Soundbild, das allen Musikern 

kreative Freiräume lässt. So hebt 

Gitarrist Héctor Lepe in seinem 

Solo auf „The Truth of Another“ 

über einem unterschwellig pulsierenden 

Backing in Sphären 

ab, die von Blues-Referenzen, 

progressivem Rock und kosmischen 

Tönen erfüllt sind. Ein 

Manko ist der stellenweise zu 

glatt polierte Sound von Teemu 

Takanen am Alt- und Sopransaxofon. 

Hier könnten etwas 

weniger Wohlklang und etwas 

mehr Mut auch zu freierem Spiel 

wie beim Klavier nicht schaden. 

Für Aapo Heinonen war 

die Arbeit am Sound von Tara 

inklusive der personellen 

Umbesetzungen ein vergleichsweise 

radikaler Einschnitt, der 

auch hätte schiefgehen können, 

wie der Finne zugibt. Vor einem 

Scheitern allerdings habe er 

keine Angst gehabt: „Du musst 

dich darauf konzentrieren, 

deine Zweifel zu beseitigen. Das 

Einzige, was du falsch machen 

kannst, ist, es gar nicht erst zu 

versuchen.“ 

Aktuelle CD: 

Aapo Heinonen Quintet: Tara 

(Ozella Music / Galileo MC; VÖ: 14.9.) 

ime 

unnel 

At CBS in New York 1948 (L-R): Chief engineer Dr. Peter Carl Goldmark, sound 

engineer Rene Snepvangers, display the benefits of Columbias 33 1/3 LP record to 

Standard 78 rpm records 

Goldmark und der Jazz 

Die Erfindung der Schallplatte war zwar eine Revolution in der 

Musikgeschichte, allerdings waren die Laufzeiten der Schallplatten 

zunächst sehr begrenzt. Sie wuchs zwar schnell von 

eineinhalb auf knapp fünf Minuten an, dann war aber erst einmal 

Schluss. Für die Musiker und Komponisten bedeutete das, 

dass die Arrangements für die Aufnahmen genau berechnet 

werden mussten, damit das Stück nicht zu lang wurde. Gerade 

bei klassischen Kompositionen war das Kürzen mitunter die 

Hauptarbeit bei der Vorbereitung. Improvisationen im Jazzbereich 

gab es nur sehr eingeschränkt. 

Bereits in den 1930er Jahren gab es Experimente, um 

die Laufzeit der Platten zu verlängern. Diese scheiterten aber 

alle an technischen Unzulänglichkeiten. Der entscheidende 

Durchbruch gelang Peter Carl Goldmark, einem umtriebigen 

Ingenieur, der unter anderem auch erste Versuche zum Farbfernsehen 

machte. 

1948 stellte Columbia Records die erste Langspielplatte 

vor und revolutionierte damit den Musikmarkt. Die neuen 

Scheiben aus Polyvinylchlorid (PVC) ließen im Gegensatz zu 

den herkömmlichen Schellack-Platten eine feinere Körnung zu. 

Das führte zu einem größeren Tonumfang und einer besseren 

Dynamik. Darüber hinaus ließen sich die Rillen enger anordnen, 

was zu einer längeren Laufzeit führte. 

Was die Einführung der Langspielplatte mit ihren 2 x 

23 Minuten Spieldauer bedeutete, kann man sich heute, im 

Zeitalter der unbegrenzten Aufnahme- und Abspielmöglichkeiten, 

nur noch sehr schwer vorstellen. Zunächst war das neue 

Format der sogenannten klassischen Musik vorbehalten. Bald 

aber gab es auch Jazz-Aufnahmen, und die Befreiung, die die 

Musiker bei diesen Aufnahmen erfahren haben, muss enorm 

gewesen sein. Zum ersten Mal war es möglich, seinen Ideen 

beim Improvisieren freien Lauf zu lassen und „eine Geschichte 

zu erzählen“. Die verlängerte Laufzeit ließ es auch zu, komplexere 

Arrangements aufzunehmen und ganz neue Musik zu 

verbreiten. So machte die LP zum Beispiel Alben wie Ornette 

Colemans Free Jazz (1961) erst möglich. 

Thomas Bugert 


51

Barre Phillips 

Letzter Tagebucheintrag 

© Didier Bonnet / ECM Records 

1968 begann Barre Phillips mit seinem 

Solo-Kontrabassalbum Journal Violone 

ein akustisches Tagebuch, das er nun mit 

seinem Album End to End schließt. 

Von Thomas Bugert 

Alben von Solokünstlern, auf denen 

nur sie selbst zu hören sind, 

stehen, vielleicht mit Ausnahme 

von Klavieralben, oft unter dem 

Generalverdacht, dass die 

Zurschaustellung von Technik 

im Vordergrund steht oder dass 

es sich um Alben für Freaks und 

Insider handelt. Das Album End 

to End ist schon nach wenigen 

Sekunden über beide Zweifel erhaben 

und nimmt den Hörer auf 

eine musikalische Reise mit. Von 

Beginn an atmet die Musik, und 

Barre Phillips lässt ihr Zeit, sich 

zu entwickeln. „Der Sound ist 

wichtig für mich. Ich fühle, dass 

das, was wir anderen Menschen 

zu sagen haben, in einen Klang 

eingebettet ist“, erzählt der 

83-Jährige, für den zu Beginn 

seiner musikalischen Laufbahn 

die Klangwelten von Ornette 

Coleman, Béla Bartók und Igor 

Strawinsky prägend waren. 

Auch wenn er sich viel mit 

der Komposition zeitgenössischer 

Streichquartette auseinandergesetzt 

hat, sieht er sich 

mehr als improvisierenden Musiker 

und erklärt: „Ich bin kein 

Komponist, ich bin ein Solist, der 

sich mit Jazz, klassischer Musik 

und Freejazz auseinandergesetzt 

hat. Themen und Variationen 

sind hier wie beim Komponieren 

obligatorisch. Ich glaube, dass 

ein Album aufzunehmen – auch 

eines, bei dem das meiste 

improvisiert ist –, ebenfalls eine 

Art des Komponierens ist.“ Seine 

Arbeit an dem neuen Album vergleicht 

er mit dem Komponieren 

von Filmmusik. Er stellt sich verschiedene 

Situationen als Bilder 

vor, zu denen in seinem inneren 

Ohr Klänge entstehen: „Ich 

arbeite zu Hause und bereite 

mich auf das nächste musikalische 

Abenteuer vor. Manchmal 

verfalle ich in Patterns, deren 

Sound mir gefällt. Ich schreibe 

diese dann auf, damit ich sie auf 

einem akademischeren Weg 

ausarbeiten kann.“ 

Mit fünf solcher Stücke und 

Fragmente ging der Amerikaner 

in seiner Wahlheimat 

Südfrankreich ins Studio, um 

das musikalische Material 

weiterzuerforschen. Die von 

ECM-Chef Manfred Eicher in drei 

Gruppen angeordneten Stücke 

bezeichnete Barre mit den 

Titeln „Quest“, „Inner Door“ und 

„Outer Window“. Er erklärt dazu: 

„Die Reise mit meinem Bass 

war wie im Zen-Buddhismus 

oder anderen philosophischen 

Traditionen eine Art Selbsterfahrung, 

um herauszufinden, 

wer ich bin. In diesem Prozess 

schaue ich in mich selbst hinein. 

Erst mit ungefähr 55 oder 60 

erreichte ich den Punkt, an dem 

ich mehr nach außen schaute.“ 

Es scheint, als sei Barre Phillips 

bei seiner Reise an einem Punkt 

angelangt, an dem er in sich ruht 

und nichts mehr beweisen muss. 

Er präsentiert ein geschlossenes 

Solo-Kontrabassalbum, auf dem 

sich Ideen entwickeln, andere 

Ideen sich dazugesellen, wieder 

verschwinden und die ursprüngliche 

Idee wieder aufgegriffen 

wird. Wie im wirklichen Leben. 

End to End ist für Phillips 

das Ende einer musikalischen 

Reise, über die er sagt: „Es ist 

keine Zusammenfassung, aber 

es ist die letzte Seite in einem 

Tagebuch, das vor 50 Jahren 

begann.“ Er bezieht sich damit 

auf sein erstes Solo-Kontrabassalbum 

von 1968 mit dem Namen 

Journal Violone, dem weitere 

Solo-Alben folgten. Im Vergleich 

zum ersten wirkt das letzte Kapitel 

seines Tagebuchs ruhiger 


und gleichzeitig sehr dicht und in 

sich geschlossen. 

Bereits 1968, als er unter 

anderem als Sideman von 

Attila Zoller und Eric Dolphy 

spielte, mit Leonard Bernstein 

zusammenarbeitete und Teil von 

Gunther Schullers Third-Stream- 

Bewegung war, die Jazz und 

Klassik verbinden wollte, stellte 

er sich die Fragen: „Ist das meine 

Musik? Was ist meine Musik?“ 

Er begann die Klangwelten 

des Basses zu erforschen und 

lernte, wie man sich durch den 

Sound in Trance versetzen kann. 

Was er damit meint, zeigt sich 

eindrucksvoll im vierten Teil von 

„Quest“, der den Hörer mit seinem 

wiederkehrenden rhythmischen 

Muster, aus dem sich die 

Melodie herausbildet, in seinen 

Bann zieht, oder dem ebenfalls 

sehr perkussiven „Part 2“ von 

„Outer Window“. Einen mehr 

dem Tagebuch entsprechenden 

narrativen Charakter hat hingegen 

„Part 1“ von „Quest“. Hier 

nimmt sich Barre als Erzähler 

viel Zeit um seinen Erinnerungen 

nachzugehen. Man kann als 

Zuhörer förmlich miterleben, 

wie die Erinnerungen in Barres 

innerem Ohr wieder Gestalt 

annehmen. Diese musikalischen 

Erinnerungen sind jedoch nicht, 

wie oft in Tagebüchern, romantisch 

verklärt. Phillips zeichnet 

etwa in „Part 2“ von „Quest“ 

oder „Part 4“ von „Inner Door“ 

auch Spannungen auf, ohne die 

ein solches Erinnerungsprojekt 

nur wenig authentisch wäre. Das 

Album ist genau so facettenreich 

wie das Leben und wechselt 

zwischen verschiedenen 

Klängen und Gefühlszuständen. 

So kann man auch das letzte 

Stück des Albums verstehen, 

das zwischen zwei Klängen hinund 

herpendelt und damit das 

akustische Tagebuch von Barre 

Phillips schließt. 

Aktuelle CD: 

Barre Phillips: End to End 



53

Die Erde ist eine Scheibe 

Juuri & Juuri 

Korpin Marssi / The Raven’s 

March 

Nordic Notes / Broken Silence 

W W W W 

Svjata Vatra 

Muutused Zminy 

Nordic Notes / Broken Silence 

W W o 

Curly Strings 

Hoolima 

Jazzhaus / In-Akustik 

W W W W 

Riccardo Tesi & Banditaliana 

Argento 

Visage / Galileo MC 

W W W W 

Maurizio Geri 

Perle d’Appennino 

Visage / Galileo MC 

W W W o 

Moritz Weiss Klezmer Trio 

Spheres 

Lotus / Harmonia Mundi 

W W W 

Yxalag 

Klezmer Tales – Fun Tashlikh 

gpARTS / Edel:Kultur 

W W W W 

Don Kipper 

Seven Sisters 

World Music Network / 

Harmonia Mundi 

W W W o 

Naked 

Yes! 

NarRator / Indigo 

W W W W 

Fanfara Station 

Tebourba 

Agualoca / Indigo 

W W o 

Dhafer Youssef 

Sounds of Mirrors 

Ante Prima / Broken Silence 

(VÖ: 5.10.) 

W W W W o 

Roman Britschgi Quartett 

Notions 

Lotus / Harmonia Mundi 

W W W W 

Die Strottern 

Waunsd woadsd 

Cracked Anegg / Galileo MC 

W W W W o 

So kann man sich irren. Juuri 

& Juuri – das weckt als Name 

eines Duos böse Erinnerungen 

an nervtötende Stimmungskanonen. 

Doch hier handelt 

es sich keineswegs um die 

finnische Version von Klaus & 

Klaus. Tatsächlich heißt keins 

der beiden Mitglieder wirklich 

Juuri. Mit Emilia Lajunen und 

Eero Grundström, als Mitglied 

von Sväng und den Bands 

von Maria Kalaniemi und 

Anne-Mari Kivimäki fast schon 

Dauergast auf diesen Seiten, 

finden sich zwei bewährte 

Folk-Kräfte zusammen. Juuri ist 

auch kein Vorname, sondern 

deutet als finnisches Wort für 

die Wurzel an, dass hier aus 

zwei unterschiedlichen Quellen 

der finnischen Volksmusik geschöpft 

wird. Die schwedisch 

beeinflusste Musik trifft auf die 

ältere karelische Tradition – 

eine Ost-West-Begegnung der 

anderen Art und für die Musiker 

an Geige/Nyckelharpa und Harmonium/Mundharmonika 

ein 

bewusstes Gegengewicht zu 

popbeeinflusstem Folk, dem sie 

in anderen Projekten durchaus 

offen gegenüberstehen. 

Eine Band, der Berührungsängste 

mit populären Stilen 

völlig fremd sind, ist Svjata 

Vatra. Das estnisch-ukrainische 

Quartett bedient sich beim Folk 

ebenso wie bei Rock und Punk. 

Das Label bezeichnet die Musik 

griffig als Kosaken-Wikinger- 

Folkrock und gibt potenziellen 

Hörern damit eine Entscheidungshilfe, 

ob das je nach Vorlieben 

eher „Her damit!“ oder 

„Finger weg!“ bedeutet. Gleichzeitig 

ist damit klar, dass hier 

nicht mit meditativem Gesäusel 

zu rechnen ist. Originell ist in 

jedem Fall die Besetzung der 

Bläser-Section mit Posaune und 

estnischem Dudelsack, eher öde 

die Haudrauf-Hochgeschwindigkeits-Version 

von Johnny 

Cashs „You Are My Sunshine“. 

So bleibt Muutused Zminy eine 

zwiespältige Angelegenheit 

zwischen reizvollen Momenten 

und allzu simplen Lösungen. 

Die estnische Gruppe 

Curly Strings zeigt, wo die Saite 

die Locken hat, und knüpft mit 

Geige, Mandoline, Gitarre und 

Kontrabass an die Tradition 

amerikanischer Stringbands in 

Bluegrass und Folk an. Dabei 

begnügen sie sich lobenswerterweise 

nicht damit, Vorbilder 

aus den USA zu imitieren, 

sondern finden mit estnischen 

Texten und Anleihen bei 

Mazurka und Polka einen eigenen 

baltischen Zugang. Ihre 

freundliche und optimistische 

Musik mit der klaren Gesangsstimme 

der Geigerin Eeva Talsi 

vorneweg hat ihnen in ihrer 

Heimat bereits Popstar-Status 

verschafft. Dass sie neben ihrer 

Melodieseligkeit bei Bedarf 

jedes Tempo mitgehen können, 

beweisen sie überzeugend im 

rasanten „Firebird“. Dass sie 

es nicht nötig haben, dieses 

technische Können in den Vordergrund 

zu stellen, macht sie 

noch eine Spur sympathischer. 

Weltmusik-Schwung 

und Songwriter-Attitüde – mit 

dieser Kombination punkten 

gleich zwei aktuelle Veröffentlichungen 

aus Italien. 

Riccardo Tesi ist mit seiner 

Gruppe Banditaliana seit 

einem Vierteljahrhundert eine 

Institution der dortigen Szene. 

Die bemerkenswerte Kontinuität 

des Band-Personals an 

Akkordeon, Saxofon, Gitarre 

und Percussion mit nur einer 

Umbesetzung in all den Jahren 

(auf dem Percussion-Stuhl) 

trägt zum abgeklärten und 

souveränen Eindruck bei, der 

Argento auszeichnet. Mit vielen 

Gästen, darunter Größen wie 

Elena Ledda, Paolo Fresu und 

Kepa Junkera, bereichert Tesi 

punktgenau seine Stücke, je 

nachdem, ob gerade volkstümlich 

tänzerischer Elan oder eher 

inhaltliche Ausdrucksstärke gefragt 

ist. Gitarrist Maurizio Geri 

ist als Sänger so überzeugend, 

dass die Rolle als Sideman für 

ihn ein wenig klein ist. 

Tatsächlich ist Maurizio 

Geri seit vielen Jahren 

auch unter eigenem Namen 

unterwegs und deckt mit 

seinen Projekten eine breite 

Stil-Palette ab. Sein Interesse 

an Jazz Manouche lebt er mit 

seinem Swingtet aus, aber 

auch toskanische Volkslieder 

haben es ihm angetan. Auf 

Die Erde ist 

seinem aktuellen Album Perle 

d’Appeninno präsentiert er seine 

Vielseitigkeit als Songwriter, 

der mit modernen musikalischen 

Mitteln die Traditionen 

seiner Heimatprovinz Pistoia 

beschreibt. Neben Cantautori- 

Liedern versucht er sich auch 

an Acoustic Funk, Rock, 

Chorsätzen, Tango, Sprechgesang 

und Swing (mit Nico Gori 

als Oldtime-Klarinettisten) – 

durchaus mit dem Risiko, sich 

zu verzetteln. Höhepunkt ist 

das zurückgenommene „La vie 

delle stelle“, nur begleitet von 

Klarinette (Gabriele Mirabassi) 

und Kontrabass. 

Mehr Klarinette gefällig? 

Beim Moritz Weiß Klezmer 

Trio steht das Instrument klar 

im Mittelpunkt. Das Debüt 

der drei jungen Österreicher 

Anfang 20 versucht gar nicht 

erst, die großen Vorbilder Giora 

Feidman und David Orlowsky zu 

verheimlichen. Warum auch? 

Gitarre und Kontrabass begleiten 

den Bandleader durch 


ein Programm, in dem sich 

Klassiker und Eigenkompositionen 

abwechseln und nicht nur 

„The Richman“ aus dem Fiddler 

on the Roof wohlbekannt klingt. 

Spheres ist eine attraktive 

Visitenkarte auf durchgehend 

hohem Niveau, aber ohne 

größere Überraschungen. Die 

breit gestreuten Aktivitäten von 

Moritz Weiß, der das Trio bei 

Bedarf mit Gastmusikern erweitert, 

mit einem Vokalensemble 

arbeitet und ein Klezmer-Tango- 

Duo mit Klarinette und Akkordeon 

unterhält, lassen für die 

Zukunft noch einiges jenseits 

der Triobesetzung erwarten. 

Klarinettist Jakob Lakner 

von der Lübecker Klezmer- 

Band Yxalag kann diesbezüglich 

aus dem Vollen schöpfen. 

Eine siebenköpfige Band, in der 

es neben Klarinette, Gitarre und 

Kontrabass auch drei Geigen 

und eine Posaune gibt, eröffnet 

beim Arrangieren halt so 

einige Möglichkeiten. So findet 

sich auf der vierten CD Fun 

Tashlikh, mit der die Band ihr 

zehnjähriges Bestehen feiert, 

weit mehr als die erwartbaren 

Zutaten wie Hommagen an 

Naftule Brandwein und Dave 

Tarras. Da werden Doina, Hora, 

Polka, Bulgar und Rumba zu 

einer Suite verbunden, gibt es 

Filmmusik-Reminiszenzen, ein 

wenig Swing und sogar einen 

steirischen Jodler. Ein rhythmisches 

Bravourstück ist der 

„Piperkovo Kolo“ aus Mazedonien: 

Im Wechsel zwischen Elfund 

Siebensechzehntel-Takten 

hilft kein Zählen mehr, nur noch 

Fühlen. 

Noch eine bunte, siebenköpfige 

Gruppe, noch mal 

Klezmer-Wurzeln, aus denen 

längst die verschiedensten 

neuen Triebe gewachsen sind: 

Don Kipper ist eine Band, die 

es sich und dem Zuhörer leicht 

macht. Anstatt mühsam auseinanderzuklamüsern, 

was in ihrer 

Musik nun aus Mazedonien, 

Griechenland oder Nordafrika 

stammt, wo Klezmer- und wo 

Balkan-Einflüsse die Oberhand 

haben, sagen sie einfach: 

eine Scheibe 

„Wir spielen die traditionelle 

Musik Nordost-Londons.“ Wo 

andere Bands ihre Zuhörer auf 

musikalische Reisen rund ums 

Mittelmeer mitnehmen, führt 

der Weg bei Don Kipper von der 

Kingsland Road zur Ridley Road 

und von Green Lanes nach 

Seven Sisters. Es ist multikulturelle 

Großstadtmusik, in der 

sich osteuropäische, mediterrane 

und orientalische Anteile 

vermischen, bis sie nur noch 

schwer zu trennen sind. Und 

Schlagzeuger Tim Doyle stellt 

immer wieder klar, dass es hier 

nicht um traditionelle Ethnomusik 

geht. 

Geografisch naheliegend 

sind die Balkan-Elemente in der 

Musik von Naked. Das Quartett 

stammt aus Belgrad, doch wo 

immer sie gerade spielen – sie 

nehmen die Zuhörer mit nach 

Nakedonia, so der Titel des 

Vorgängeralbums vor drei 

Jahren. Jetzt sagen sie mit 

ihrer neuen CD schlicht Yes, zur 

Musik ihrer serbischen Heimat, 

aber auch zu rockigem Jazz, 

zu Funk und Afrobeat. Für ihren 

dichten und abwechslungsreichen 

Bandklang brauchen 

sie erstaunlicherweise außer 

Bass und Schlagzeug nicht 

mehr als Geige und Klarinette 

bzw. Saxofon. Geiger Djordje 

Mijuskovic schlägt mit seinen 

Soli hin und wieder den Bogen 

zurück zum Psychedelic Rock. 

Schwer nachzuvollziehen 

ist die Entscheidung, drei 

hörenswerte Gastauftritte der 

israelischen Sängerin Tal Tula 

Ben Ari am Ende des Albums zu 

verstecken. 

Wer beim Wort Fanfara ein 

gutes Dutzend wettergegerbter 

Blechbläser mit verbeulten 

Instrumenten vor dem inneren 

Auge sieht, wird bei der Fanfara 

Station vom äußeren Auge 

eines Besseren belehrt. Zum 

neuen Projekt des tunesischitalienischen 

Perkussionisten 

Marzouk Mejri gehören 

außer ihm nur der kanadische 

Trompeter Charles Ferris und 

der italienische DJ Ghiaccioli e 

Branzini. Um trotzdem den vom 

Infozettel vorgeschlagenen 

Begriff Electro Maghreb Brass 

Band zu rechtfertigen, beschäftigen 

sich alle drei Musiker 

außer ihren Instrumenten auch 

mit Loops und Electronics, um 

den Sound anzudicken. Das 

Ergebnis hat seine Reize, krankt 

aber an dem Effekt, den man 

bereits von Electro-Tango und 

Electro-Swing kennt: Wer es 

eingängiger möchte, bezahlt 

dafür mit dem Verlust von 

rhythmischer Differenziertheit 

und Lebendigkeit. 

Ein Musterbeispiel für variantenreiche 

Rhythmik ist die 

neue Platte von Dhafer Youssef, 

immer im Fluss, pulsierend und 

bewegt, selbst in ihren meditativen 

Momenten. Der tunesische 

Oud-Spieler und Sänger 

hat sich einen Traum erfüllt und 

Tabla-Meister Zakir Hussain 

ins Studio eingeladen. Mit ihm 

lebt er seine Faszination für 

indische Musik aus, die in seiner 

Karriere auch in Phasen, in 

denen Elektronik, Ambient-Musik 

oder Jazz im Vordergrund 

standen, nie eingeschlafen 

ist. Die gemeinsame CD ist ein 

Glücksfall, die Musik über weite 

Strecken beruhigend, aber auf 

eine anregende, wache Art 

lebendig. Mit Eivind Aarset (g) 

und Hüsnü Şenlendirici (cl) 

komplettieren zwei bewährte 

Youssef-Mitstreiter ein 

Quartett, das Süd, Ost und 

Noch-weiter-Ost verbindet und 

dabei auf wundersame Weise 

gleichzeitig komplex und leicht 

zugänglich klingt. 

Wie eine weitere Kammer- 

World-Platte mit Klezmer- und 

Balkan-Schwerpunkten beginnt 

das neue Album des in Wien 

lebenden Schweizer Bassisten 

Roman Britschgi (Kapelush, 

Trio Klok). Doch es ist weit 

mehr. Zum einen wegen seines 

außermusikalischen Themas: 

Britschgis Kompositionen sind 

von den autobiografischen 

Schriften Ernst Brods inspiriert, 

der als Jude und Sozialist 

1934 aus Niederösterreich 

emigrierte. Zum anderen durch 

Gastsänger Karsten Riedel, der 

sich von Brod zu drei Songtexten 

anregen ließ und Notions 

eine überraschende Wendung 

in Richtung Pop gibt. Das 

Album stellt große Fragen nach 

Verantwortung, Konsequenz, 

Mut und Zweifel und bildet tiefe 

Gefühle ab. Einziges Manko: Es 

ist mit nur 28 Minuten bedauerlich 

kurz. 

„Waunsd woadsd, 

hosd Zeid zum Denkn“ heißt 

es im Titelsong des neuen, 

nun schon neunten Albums 

der Strottern. Und weiter: 

„Waunsd woadsd, woad auf a 

Wunda.“ Klemens Lendl und 

David Müller haben gewartet, 

sich Zeit zum Denken genommen 

und tatsächlich – es ist 

wieder ein kleines Wunder 

dabei herausgekommen. Die 

beiden Erneuerer des Wienerlieds 

erreichen mit minimalen 

Mitteln – außer ihren Stimmen 

hauptsächlich Gitarre und Geige, 

ein wenig Harmonium und 

vereinzelte, klug ausgewählte 

Gastauftritte an Trompete, 

Posaune und Drehleier – maximale 

Ausdrucksstärke. Ihre 

Musik hat eine ganz eigene 

Poesie und Eleganz, der es 

gelingt, tiefe Traurigkeit und 

große Schönheit zu verbinden. 

Und zwischen entschleunigten 

Liedern voller Melancholie 

bezaubert ihre Wiener Version 

des Marx-Brothers-Klassikers 

„Lydia, the Tattooed Lady“. 

Guido Diesing 


Markus Stockhausens Sextett Eternal Voyage wurde 2008 gegründet und galt mit seinem 

west-östlichen stilistischen Einzugsbereich als Weltmusik-Ensemble, in dessen 

Klanggestik Erfahrungen und musikalische Horizonte aus zeitgenössischem Jazz und Neuer 

Musik aufgehoben sind. Inzwischen ist Eternal Voyage als weitgehend neu besetztes Septett 

neu belebt. In einem programmatischen Text über die Musik heißt es, die Band verstehe ihre 

Musik als „Ausdruck einer freundschaftlichen, interkulturellen Zusammenarbeit“. 

Markus Stockhausen 

Einladung, unterwegs zu sein 

© Zbigniew Lewandowski 


Sitar und Santur, Bassklarinette, Klavier, 

Flügelhorn, Tabla, orientalische Gesangstechniken 

– ein klarer Fall, könnte man meinen. 

So eine Kombination von westeuropäischen 

und asiatischen Instrumenten kann 

eigentlich nur in jenem Segment des Musikmarktes 

vorkommen, auf dem gemeinhin 

das Etikett „Weltmusik“ klebt. „Weltmusik“ 

ist ein Sammelbegriff für verschiedene 

Mischformen zwischen europäischen und 

nicht-europäischen Idiomen; einige dieser 

Mischformen haben allerdings durchaus 

kontroverse Diskussionen ausgelöst – etwa, 

wenn der Verdacht naheliegt, dass sich unter 

dem Deckmantel der Interkulturalität ein 

europäischer Musik-Zentralismus verbirgt, 

der zum Vierviertel- oder Sechsachteltakt 

und zu landläufigem thematischen Material 

exotische Skalen und Klangfarben addiert. 

Bei Markus Stockhausen ist das 

anders. Erstens wird hier nichts verborgen. 

Die Musik entsteht weitgehend in einer 

geleiteten und strukturierten Improvisation 

und basiert auf notierten melodischen 

Kernthemen, die Stockhausen geschrieben 

hat. Die Kernthemen geben Strukturen und 

Stimmungen vor, aber nicht unbedingt auch 

einen Tonvorrat für die Improvisationen. 

Die Rhythmik erscheint eher geplant und 

verbindlich als spontan kreiert, obwohl das 

manchmal täuschen kann. Ansonsten nutzt 

die Musik ausgiebig und effektvoll klangliche 

Eigenarten, die sich aus Kombinationen 

des Instrumentariums ergeben. 

Zweitens ist in der Musik eine kollektive 

Kreativität erkennbar, wie sie kaum 

aus Gruppenzwang oder der Unterordnung 

unter ein festes Konzept entstehen kann, 

sondern nur aus gegenseitiger Anregung. 

Das melodische Material weist große tonale 

Freiheiten auf und lässt jedem Musiker viele 

Möglichkeiten, sich darin zu Hause zu fühlen 

und eigene, profilierte improvisierte Momente 

zu gestalten. In der Improvisation geht 

es um eine gegenseitige Annäherung, um 

Zuhören und das Entwickeln von Verständnis 

– aber nie um Selbstbehauptung. Markus 

Stockhausen hat in seiner Gedanken- und 

Aphorismensammlung Im inneren Garten 

den Grundsatz formuliert: „Sich gegenseitig 

Raum zu geben, ist eine Einladung für das 

Schöpferische.“ So ist Eternal Voyage ein 

Bündel von Einladungen. 

Das aktuelle Album ist aus dem Mitschnitt 

eines Konzerts entstanden, das Eternal 

Voyage anlässlich der Verleihung der 

Silbernen Stimmgabel durch den Landesmusikrat 

Nordrhein-Westfalen an Markus 

Stockhausen gab. 

Das Eröffnungsstück „September 

Song“ beginnt mit dem, was der Minimal- 


Music-Komponist La Monte Young Drone 

genannt hätte – einem brummenden, in 

der Tonhöhe mehrdeutigen Bordun-Klang. 

Darüber erhebt und entwickelt sich ein parallel 

gesetztes melodisches Duo zwischen 

Trompete und Singstimme als thematischer 

Ausgangspunkt. Es exponiert ein mäßiges 

Tempo und eine sorgfältige melodische 

Variationsarbeit und gibt damit die Richtung 

vor für ein zwölfminütiges Stück, in dem 

das ganze Septett sukzessive eingeladen 

ist, sich zum Thema rhythmisch, klanglich, 

sanglich, instrumental zu äußern. Stockhausen 

erinnert in seinem Flügelhorn-Solo 

mit seiner bis in die kleinsten Einheiten 

hinein kristallinen Artikulation eher an einen 

Barock- als an einen Jazz-Musiker. 

Jede tatsächliche Reise ist endlich, 

der Name des Ensembles aber zielt ins 

Grundsätzliche – auf eine Reise, die das 

Lebensgefühl des Unterwegsseins in den 

Fokus rückt. So eine Reise kann nicht von 

schnellen Zwischenstopps geprägt sein; sie 

findet statt in einer grundlegenden Ruhe, 

die nicht aus Ereignisarmut geformt ist, 

sondern aus Geduld. 

Die akustisch dominierenden Instrumente 

sind Flügelhorn (Markus Stockhausen) und 

Bassklarinette (Tara Bouman), also ein 

voller, warm getönter metallischer und ein 

tiefer, freundlicher und hölzern gefärbter 

Klang, die miteinander markante Kontrastwirkungen 

erzielen. Auch zwischen Rabih 

Lahouds Gesang und Tara Boumans Phrasierungen 

auf der Bassklarinette ergeben 

sich immer wieder intensive Reibungen. 

Die Rhythmik der Musik ist flexibel, 

aber für europäische Ohren und Gewohnheiten 

nicht übermäßig vertrackt, und die 

Grundstimmung erscheint elegisch. Allerdings 

passiert es immer wieder, dass Soli 

aus diesem weiträumigen Gatter ausbrechen 

oder sich darüber erheben und eigene 

PDF in 4c 

Ansätze entwickeln, auf das stilistisch vieldeutige 

Gebilde zu blicken oder sich dazu 

zu verhalten. Das hängt damit zusammen, 

dass das melodische Material, das auf der 

Einladungskarte an die Musiker notiert ist, 

genügend Elastizität und Bindekraft besitzt 

für alles, was auf der Bühne geschieht. 

Aktuelle CD: 

Markus Stockhausen: Eternal Voyage / Live 

(Okeh / Sony) 

© Zbigniew Lewandowski

Von Mirela Onel 

Nina Attal steht leidenschaftlich 

gern auf der Bühne. Über 

500 Konzerte hat sie im Verlauf 

ihrer noch ziemlich jungen 

Karriere bereits gegeben. Das 

Echo dieser Auftritte hallte bis 

in die USA, wo Chic-Bassist 

Jerry Barnes, Nachfolger des 

legendären verstorbenen Chic- 

Gründers Bernard Edwards, 

sich bereiterklärte, Ninas 

zweites Album Wha zu produzieren. 

Das passte wie die 

Faust aufs Auge, denn genau 

wie Chic legt auch Nina Attal 

Wert auf ausgefeilte Funk- 

Passagen und gut produzierte 

Songs, die sowohl auf der 

Konzertbühne als auch im Club 

und im heimischen Wohnzimmer 

funktionieren und die Füße 

des Zuhörers in Bewegung 

setzen. 

Ihr neues Album Jump 

hat sie dann doch lieber 

zusammen mit ihrem Mann 

Anthony Honnet selbst produziert, 

um ihre persönlichen 

künstlerischen Vorstellungen 

direkt umsetzen zu können. 

Gleich auf der ersten Album- 

Auskopplung, der französisch 

gesungenen Single „Laissez- 

Moi Le Temps“, zeigt sie sich 

als furiose Instrumentalistin. 

„Für meine französischen Fans 

habe ich jetzt zum ersten Mal 

auch zwei Songs in unserer 

Landessprache aufgenommen“, 

erzählt Nina Attal. Wie 

fest sie in der französischen 

Szene verankert ist, zeigen 

aber vor allem die zahlreichen 

Gaststars. Der Schauspieler 

und Singer/Songwriter Benjamin 

Siksou betont auf „I’ve 

Been a Fool“ die R&B-Seite 

von Attal, wogegen Anais 

„Get on the Bus“ in Richtung 

HipHop lenkt. Mit Adam Turner 

alias Beat Assaillant hat sich 

sogar ein Amerikaner – der 

aber Mitglied der französischen 

Nu-Jazz-Band Electro 

Deluxe ist – auf das Album 

verirrt („Carry Me“). Auf 

der schönen Ballade „Road 

Ahead“ gastiert schließlich 

Sängerin Andréa Durand. 

Der Flirt mit dem HipHop 

ist die Ausnahme auf Jump, 

dessen beste Songs bisweilen 

wie bislang unveröffentlichte 

Prince-Nummern klingen. Funk 

Nina Attal 

Ninas Nacht 

Die französische Sängerin und Gitarristin 

Nina Attal hat sich in Deutschland ein treues 

Publikum aufgebaut, dafür steht nicht zuletzt 

ihre Zusammenarbeit mit dem deutschen 

Liedermacher Johannes Oerding. Mit ihrem 

neuen Album Jump will sie jetzt auch 

endlich ihr heimatliches Publikum erobern. 

und Soul sind die Stärken von 

Nina Attal, die in Deutschland 

kurioserweise schon des 

Öfteren mit dem Liedermacher 

Johannes Oerding auf der 

Bühne gestanden hat. Kennt 

sie denn auch dessen Lebensgefährtin 

Ina Müller? „Na klar 

ist mir Ina ein Begriff“, lacht 

die Gitarristin, die sogar schon 

von deren kultiger Talkshow 

Inas Nacht gehört hat. „Da 

würde ich natürlich gerne mal 

auftreten. Also, Ina, wenn Du 

das hier liest: Lad‘ mich ein!“ 

© Philippe Poitevin 

Ihren Durchbruch in 

Deutschland erlebte Nina 

Attal einst auf dem Hamburger 

Elbjazz-Festival. „Eine meiner 

schönsten Festival-Erinnerungen“, 

meint die Französin. 

„Wir haben für Jamie Cullum 

eröffnet – und den liebe ich. 

Und dann war er auch noch 

sehr nett, und es hat nicht 

geregnet.“ Wer das Hamburger 

Festival schon einmal besucht 

hat, weiß, dass das eine absolute 

Ausnahme gewesen sein 

muss. 

Die meisten Songs auf 

Jump erzählen persönliche 

Geschichten, aber auch die 

Tradition des simplen und 

etwas freizügigen Popsongs, 

die Nina Attal auf allen ihren 

Platten pflegt – auf dem Vorgänger 

Wha war es der Song 

„Know Your Name“, in dem es 

schlicht um Sex ging –, wird mit 

„I Wanted to Kiss“ fortgesetzt. 

„Der Text ist tatsächlich ziemlich 

schlicht“, grinst Nina, „es 

ist einfach nur ein Liebeslied.“ 

Auch ihr Debüt-Album Yellow 

6/17 von 2012 geizte nicht mit 

dementsprechenden Liedern: 

Songtitel wie „Do it Right Now“, 

„What a Dirty Night“ und „Macho 

Man“ sprechen für sich. 

Klein-Nina wurde schon 

von ihren Eltern auf die Musik 

von B.B. King, Larry Graham, 

Lenny Kravitz und selbstverständlich 

Prince eingeschworen. 

Schon als junges Mädchen 

fühlte sie den Ehrgeiz, diesen 

Koryphäen nachzueifern. 

Dass sie längst an Gitarre 

und Mikrofon gleichermaßen 

brilliert, lässt viele Kritiker 

immer wieder Vergleiche zu 

Prince ziehen. Dabei vergisst 

man leicht, dass Nina Attal erst 

26 Jahre alt ist. Wie sehr sie in 

der Öffentlichkeit erwachsen 

geworden ist, kann man zum 

Beispiel an ihren Plattencovern 

und an ihrem tätowierten linken 

Arm erkennen: Während die 

Tattoos auf Wha noch relativ 

dezent daherkommen – die 

Platte ist ja auch schon vier 

Jahre alt –, rücken sie auf dem 

Cover von Jump deutlich ins 

Scheinwerferlicht und haben 

sich auch erkennbar rasant 

vermehrt. 

Dass insbesondere das 

deutsche Publikum Nina 

Attal liebt, davon kann man 

sich auf einer ausgedehnten 

Deutschland-Tour im Oktober 

selbst überzeugen, die von 

einem Auftritt beim Hamburger 

Reeperbahn-Festival Ende 

September eröffnet wird. Nina 

Attal wird unter anderem in 

Berlin, München, Dortmund und 

Freiburg zu erleben sein – und 

jeder einzelne dieser Auftritte 

wird zu „Ninas Nacht“. 

Aktuelle CD: 

Nina Attal: Jump (Skip / Soulfood) 


Jan Schreiner 

Was der tanzende Elefant sagen will 

Besser zweimal hinsehen, rät der Titel des Albums. Und vielleicht 

auch mal nachzählen. Denn das Large Ensemble, mit dem Jan 

Schreiner sein Doppelalbum eingespielt hat, ist beileibe keine 

Bigband. Es ist zwar für Jazz-Verhältnisse ein größeres Ensemble, 

aber mit seiner elfköpfigen Besetzung immerhin noch sechs 

Positionen unterhalb der landläufigen Bigband-Größe. Und der 

Unterschied ist nicht nur ein zahlenmäßiger. Auch die Musik, die 

hier gespielt wird, kommt ohne typische Bigband-Merkmale aus. 


Niemand in der Band soll sich so 

verhalten, als säße er etwa im 

Saxofon- oder Posaunen-Satz 

einer Bigband. Man spielt hier 

nicht mit Schwung das, was der 

Bandleader auf die Pulte gelegt 

hat, und man geht nicht zum 

Solo ans Solistenmikrofon. Jan 

Schreiner, der die kompositorische 

Arbeit für dieses Large- 

Ensemble-Album verantwortet, 

will keine orchestrale Disziplin. Er 

braucht für seine Musik etwas, 

was außerhalb der Jazz-Welt 

als Widerspruch erschiene: ein 

Kollektiv aus Individualisten. 

Alle benötigen hier eine Flexibilität, 

die ihnen gestattet, sich 

mal als disziplinierte Gruppe und 

mal wie ein Haufen von Individualisten 

zu verhalten. Das Large 

Ensemble besteht aus Musikern 

und Musikerinnen, die beides 

nicht überbetonen, sondern zum 

professionellen Aushalten dieses 

Widerspruchs in der Lage sind. 

„Ich sehe das Large Ensemble 

am ehesten wie die Jazz-Version 

eines Kammermusik-Ensembles“, 

sagt Jan Schreiner. 

Auch das Berufsbild des 

Komponisten ist in solch einem 

Zusammenhang flexibler gebaut 

als in anderen Zusammenhängen. 

Was ihn daran reizt? Jan 

Schreiners Antwort kommt 

schnell und klar: „Ich kann 

einfach nicht anders. Ich habe 

Ideen im Kopf, und die Ideen 

müssen erklingen.“ Seine Ideen 

beinhalten eine hochgesteckte 

Erwartungshaltung gegenüber 

der Band. Ihre Verantwortung 

für das, was zu hören ist, ist 

groß. Das hängt auch damit 

zusammen, dass Jan Schreiner 

kein Neue-Musik-Komponist ist, 

sondern sich in dem etwas hybriden 

Beruf des Jazz-Komponisten 

versucht. Unter anderem bedeutet 

das, dass er nicht Stimmen 

für Instrumente schreibt und 

miteinander kombiniert, sondern 

dass er individuelle Eigenarten, 

Artikulationsvermögen und auch 

einige Vorlieben seiner Musiker 

kennt und im Kopf hat, während 

er für sie Musik schreibt. 

Die Klangvorstellungen, die er 

in seiner Kompositionsarbeit 

entwickelt, orientieren sich also 

an dem, was ganz bestimmte Ensemblemitglieder 

liefern können 

und sollen. 

Das klingt anspruchsvoll, 

zumal, wenn man bedenkt, dass 


Kolumne 

die Partituren immerhin Material 

nicht nur für vier oder fünf, sondern 

für elf Musiker enthalten. 

Aber es funktioniert. „Oft“, sagt 

Jan Schreiner, „passiert es 

wirklich, dass das, was ich für 

diese Leute geschrieben habe, 

tatsächlich so klingt, wie ich mir 

das vorgestellt habe.“ Das ist 

dann ein Beleg für die gelungene 

Verbindung zwischen dem Komponisten 

und den ausführenden 

Musikern. „Aber manchmal“, 

sagt er, „klingt es einfach noch 

viel besser.“ Das muss mit dem 

oben genannten Widerspruch 

zusammenhängen. 

Proben heißt bei einer so 

konzipierten Band auch immer, 

dass alle ständig aufgefordert 

sind, die Musik mitzugestalten, 

über Alternativen nachzudenken 

und sich den Vorstellungen 

des Bandleaders manchmal 

eben nicht zu fügen. Es gibt ein 

permanentes Mitspracherecht 

und die permanente Bitte, wenn 

es eine Möglichkeit gebe, etwas 

besser zu machen, das dann 

auch zu tun. Als Komponist ist 

Jan Schreiner bereit, zwar nicht 

sein Licht unter den Scheffel zu 

stellen, aber doch auf kollektive 

Mitgestaltung der Musik 

zu setzen. Das sieht er auch in 

einem engen Zusammenhang mit 

seinem bevorzugten Instrument. 

Denn er spielt nicht einfach 

Posaune, sondern Bassposaune, 

manchmal auch Tuba. 

Jan Schreiner liebt den satten, 

runden Klang der tiefen Töne, 

und er schätzt die Eigenschaften 

von Ruhe und Kraft, die solchen 

Klängen allgemein beigemessen 

werden. Selbst gut zu klingen, ist 

ihm – wie jedem Musiker – ein 

natürliches Bedürfnis, aber im 

Bass-Register, meint er, treiben 

sich vor allem auch Musiker 

herum, die es zu schätzen wissen, 

andere gut klingen zu 

lassen. Übrigens verbindet er die 

tiefen Töne auch nicht mit einer 

Vorstellung von Schwerfälligkeit. 

Gerade in den Tiefen komme 

es darauf an, auf Feinheiten zu 

achten und sich eine leichte 

Beweglichkeit zu erarbeiten. Seine 

Lieblingsvorstellung bei der 

Bassposaune ist „ein tanzender 

Elefant“. Einer, dem man gebannt 

zuschaut, weil er im Porzellanladen 

nichts zerbricht. 

So ist ein Doppelalbum 

mit elf Stücken entstanden, die 

sich stilistisch weniger aneinanderlehnen 

als voneinander 

absetzen – in Länge, Stimmung, 

in Klang-Gesten, Solo-Gestaltung 

und Verlaufsformen. Die Sequenz 

der Stücke bildet keine landläufige 

Dramaturgie von Laut 

– Leise – Uptempo – Langsam ab, 

sondern erscheint eher wie ein 

Fächer, der sich nach und nach 

aufblättert. 

Ein exponiertes Stück erscheint 

intensiver verdichtet und 

stellt auch klanglich eine Besonderheit 

dar. Es heißt „For Her“, 

ist das letzte Stück der zweiten 

CD, und das darin eingefasste 

Kleinod ist ein erstaunliches 

Solo von Linus Bernoulli auf dem 

French Horn, auf Deutsch auch 

Waldhorn genannt. So etwas 

würde in keine Bigband passen. 


Aktuelle CD: 

Jan Schreiner Large Ensemble: 

You Better Look Twice 

(Float Music) 

Release-Konzert: 

26.9. Stadtgarten, Köln 

The London Column 

Von Sebastian Scotney 

Die Jazzrocker von Soft Machine sind seit den 70er Jahren nicht 

mehr so aktiv gewesen wie dieses Jahr. Mit Hidden Details 

kommt im September ein neues Album heraus. Ihre Konzerttour 

begann im Juli in Quebec und Japan. Im Herbst spielen sie in 

zahlreichen europäischen Städten, von Ost nach West, einschließlich 

eines Dutzends Konzerte hier im Vereinigten Königreich. 

In Amerika, wo sie seit 1975 nicht mehr aufgetreten sind, 

sind sie Ende 2018 mit einer Tour von Küste zu Küste zu hören. 

Ich wollte herausfinden, wie es zu diesem Aktivitätsschub 

kam. Als ich dem umgänglichen Gitarristen der Band, 

John Etheridge, diese Frage stellte, kamen ihm als Erstes die 

schiere Energie und der außerordentliche Elan des Moonjune- 

Labelgründers Leonardo Pavkovic in den Sinn. Pavkovic, der 

in Jajce in Bosnien-Herzegowina geboren ist, zog es1990 in 

die USA. Dort entwickelte er seit dem Jahr 2000 sein Label, mit 

dem er unter anderem verfolgte, was er seine „verrückte Idee“ 

nannte, „die Idee nämlich, die legendären Soft Machine zu 

reformieren oder wiederaufleben zu lassen“. Er brachte 2002 

das Album Abracadabra heraus mit der Band, die sich damals 

Soft Works nannte. Pavkovic führte diese Arbeit weiter und 

plant und managt jetzt die Entwicklung der Gruppe. 

Aber warum die plötzliche Aktivität gerade in diesem 

Jahr? Etheridge meint, dass dies sicher teilweise damit zusammenhängt, 

dass die Band heute wieder unter ihrem alten 

Namen Soft Machine auftritt und nicht mehr als Soft Machine 

Legacy wie von 2004 bis 2016. „Man fragte uns, ob wir eine 

Art von Tribute Band seien. Dabei sind wir doch alle echte 

Soft-Machine-Mitglieder.“ Er grinst. „Was sicher auch noch 

mitspielt: Man weiß, dass wir alle nicht mehr die Jüngsten 

sind. Also jetzt oder nie!“ 

Ein weiterer Faktor: 2018 ist das 50. Jubiläum des ersten 

Albums der Band The Soft Machine mit Kevin Ayers, Mike 

Ratledge und Robert Wyatt. Aber spielt vielleicht noch etwas 

anderes mit? Der Journalist John Kelman glaubt ja. „Die 

beiden Begriffe ,progressiv‘ und ,Rock‘ sind nach Jahren der 

Verachtung plötzlich wieder salonfähig. Jüngere Musiker, 

die progressiven Rock spielen, wie Big Big Train und Steven 

Wilson, benutzen regelmäßig Klang- und Stilelemente dieses 

Genres. Elbow und Field Music tun es auch.“ 

Aber der wichtigste Grund dafür, wie gefragt Soft Machine 

dieses Jahr sind, ist die schiere Qualität ihrer Musik. Etheridge 

beschreibt den Sound so: „Es ist nicht einfach Fusion, 

da sind auch Grunge-Elemente. Ich bin sicher, dies ist unser 

bisher bestes Album.“ 

Jazzjournalist Sebastian Scotney betreibt die Website www.londonjazznews.com 

und macht Podcasts und Dokumentarberichte fürs Radio. 


61

Alle schmunzeln, wenn sie diesen Albumtitel lesen: The Portrait 

of a Pregnant Bumblebee. Doch für Lada Obradović ist daran 

nichts lustig. Ihre Hummel ist eine Chiffre für quer gestreifte 

Gefängniskleidung, für „den Gefangenen in jedem von uns“. 

Aufwendig hat sie ihre Titel-Hummel inszenieren lassen – sowohl 

in einem kleinen Trickfilm zum ersten Stück der CD als auch im 

Artwork des Booklets: „Jede Seite zeigt eine der neun Positionen 

der Hummel im Weltraum.“ Ein rätselvolles, ein surreales Tier. 

Von Hans-Jürgen Schaal 

Im ersten Pressetext, der 

per E-Mail kam, war viel von 

Gefühlen, Menschen und Ehrlichkeit 

die Rede. Dieser erste 

Pressetext machte noch keine 

Angaben zu Musikinstrumenten 

– er schien ganz offenbar 

von einer Sängerin und ihren 

Songs zu handeln. Aber nein: 

Lada Obradović, 29, geboren in 

Kroatien, spielt Schlagzeug – 

und wie sie das tut! Mit 17 

Jahren zog es sie erstmals zu 

den Trommeln, davor war das 

Sportschwimmen ihre Leidenschaft 

gewesen. Sie studierte 

in Zagreb, Graz und Bern, gab 

Konzerte auch in Frankreich, 

England, den USA. The Portrait 

of a Pregnant Bumblebee ist ihr 

erstes eigenes Album, und ihr 

Bezug zu den rein instrumentalen 

Stücken darauf ist in der Tat 

so persönlich, subjektiv und unmittelbar, 

wie der Pressetext es 

nahelegt. Diese neun Kompositionen 

sind die musikalische 

Ernte ihres bisherigen Lebens. 

Manche der Melodien trug sie 

viele Jahre mit sich herum, ehe 

sie gelernt hatte, sie niederzuschreiben. 

Das jüngste der 

Stücke entstand 2016. 

Was Lada Obradović im 

CD-Booklet über ihre Kompositionen 

schreibt, wirkt schockierend 

düster. In ihren kurzen 

Kommentaren stauen sich negativ 

besetzte Wörter wie Diskriminierung, 

Zerstörung, Vorurteil, 

Einsamkeit, Schwäche, 

Schmerz, Lügen, innere Dämonen, 

Frustration, Angst, Folter, 

Zweifel, Verlust, Depression, 

Täuschung, Hunger, Armut, 

Hoffnungslosigkeit, Erschöpfung, 

Heimatlosigkeit, Verrat, 

Krankheit, Selbstzerstörung, 

Gefangenschaft, Korruption, 

Verzweiflung – es zieht einen 

ziemlich runter. Lada Obradović 

ist ein Kriegskind. „Scream“, 

der Opener des Albums, handle 

von ihren Erinnerungen an den 

Jugoslawien-Krieg und sei der 

Ursprung für die anderen acht 

Stücke, in denen es jeweils um 

Heimatlosigkeit oder Kinderarmut 

gehe. „Jedes Stück entstand 

aus einer Geschichte, die 

Lada 

Obradović 

Das Rätsel 

der Hummel 


ich selbst erlebt oder miterlebt 

habe“, sagt die Schlagzeugerin. 

„Auch wenn es traurige 

Geschichten sind – sie sind die 

Inspiration für meine Musik. 

Ich hoffe, jeder kann zwischen 

den Zeilen lesen und auch den 

Hoffnungsstrahl hören, den ich 

in die Musik gepackt habe. In 

gewissem Sinn hat dieses Album 

mir etwas inneren Frieden 

geschenkt.“ 

Lada Obradovićs Musik 

klingt keineswegs depressiv. 

Vielleicht etwas melancholisch, 

nachdenklich, erwachsen, aber 

nicht traurig. Diese Stücke 

sind oft hoch emotional, enorm 

spannend, geradezu unternehmungslustig, 

überraschend 

farbig und eigenwillig raffiniert. 

Es gibt darin ungewöhnliche 

Stimmverflechtungen, 

großartige Improvisationen, 

einen fesselnden modalen 

Flow, starke dynamische 

Prozesse, häufig wechselnde 

Stimmungen, ungerade Metren, 

überraschende Brüche und 

sogar bizarre, widersprüchliche 

Konstrukte („Lying Stone“, 

„Young Girl’s Dream“). Wie auf 

einer zweiten Ebene schieben 

sich immer wieder perkussive 

Passagen dazwischen – mit 

Vibrafon, Marimbafon, Glockenspiel, 

Kalimba usw. „Mein 

Lieblingsinstrument neben dem 

Schlagzeug ist das Vibrafon“, 

verrät Lada Obradović. „Auf 

ihm habe ich große Teile meiner 

Stücke komponiert. Ich liebe 

diese metallischen Sounds. 

Sie übermitteln Emotionen 

durch Sanftheit – im Gegensatz 

zu den Emotionen durch Kraft.“ 

Die neun Stücke der 

Schlagzeugerin entfalten sich 

organisch, unformalistisch, 

in dichter Verflechtung – ihre 

Band agiert als eine magische 

Einheit. „Es gibt einen Aspekt 

der Musik, der nicht niedergeschrieben 

oder ausgesprochen 

werden kann – genau das 

haben die Musiker in meiner 

Band hier bewiesen“, bestätigt 

Lada Obradović. „Ich habe 

einige Jahre gebraucht, um die 

richtigen Leute zusammenzusuchen.“ 

Der Slowene Miha 

Koren spielt den Bass, der 

Franzose Maxime Berton die 

Saxofone, Matthias Lengner 

aus Österreich das Vibrafon 

und die Marimba – mit ihm zusammen 

meistert Lada auch die 

Percussion-Passagen. David 

Tixier schließlich ist der Pianist 

des Quintetts, hat auch bei den 

Arrangements mitgeholfen 

und arbeitet mit der Kroatin in 

mehreren Bands zusammen. 

Die Frau mit den Dreadlocks 

und dem Stirn-Pony kann 

aber nicht nur komponieren 

– als Schlagzeugerin ist sie ein 

Ereignis. In Graz studierte sie 

bei Howard Curtis, sie hatte 

außerdem Stunden bei Billy 

Hart, Jeff Ballard, Bill Stewart, 

Jimmy Cobb oder John Hollenbeck. 

Lada Obradović hat die 

konventionellen Schlagzeugschulen 

durchlaufen und ihren 

eigenen Weg gefunden – eine 

unverkennbare Orientierung 

gaben auch Aufnahmen von 

Elvin Jones. „Das Schlagzeug 

war für mich nie ein Instrument, 

um meine Wut abzureagieren“, 

sagt Lada Obradović. „Von 

Anfang an versuchte ich, Techniken 

zu entwickeln, um leise 

oder laut spielen zu können, 

ohne viel Kraft aufzuwenden. 

Für mich ist das Schlagzeug 

ein wunderschönes und 

elegantes Instrument. Mein Stil 

heute passt allerdings in keine 

herkömmliche Schule mehr. In 

Graz studierte ich das swingende 

Schlagzeugspiel, und im 

Lauf der Jahre habe ich wichtige 

Grundlagen gelernt, die mir 

halfen, meinen eigenen Pfad 

zu finden. Zu meinen aktuellen 

Helden am Schlagzeug gehören 

Marcus Gilmore, Mark Guiliana, 

Chris „Daddy“ Dave und Ziv 

Ravitz.“ Letzterer übrigens hat 

Ladas Album abgemischt und 

gemastert. 

Aktuelle CD: 

Lada Obradović Project: The Portrait of 

a Pregnant Bumblebee 

(Neuklang / In-Akustik) 

© David Tixier 


63

Mariza 

Nur ein kurzer 

Blick zurück 

Mariza, die „Königin des Fado“, verlässt ihr Reich 

immer häufiger. Auch mit ihrem neuen Album geht 

die 44-Jährige neue Wege, gerät dabei allerdings 

immer wieder auf recht ausgetretene Pfade. Doch 

bei allen Ausflügen in gefälligere musikalische 

Gebiete: Ihre Stimme bleibt im Fado verwurzelt. 

Von Madeleine Wegner 

Kaum eine portugiesische Sängerin 

seit Amália Rodrigues ist 

so erfolgreich wie Mariza. Doch 

anders als die große Fadista 

des vergangenen Jahrhunderts 

kleidet Mariza den Fado in ein 

auffallend modernes Gewand. 

Und es scheint, als ob diese traditionelle, 

oft so schwermütige 

Musik portugiesischer Hafenstädte 

heute nur in genau dieser 

Form längerfristig kommerziellen 

Erfolg haben kann. 

Es ist bezeichnend, dass 

Mariza – gemeinsam mit Ana 

Moura – zur Eröffnungsfeier des 

diesjährigen Eurovision Song 

Contest in Lissabon auftrat. 

Kollaborationen etwa mit Urban- 

Music-Vertretern wie Matias 

Damásio oder Héber Marques 

© Joao Portugal 

sowie mit Pop-Singer-Songwriterin 

Carolina Deslandes auf 

Marizas neuem Album machen 

diese Modernisierungsbemühungen 

ebenfalls deutlich. 

Knapp drei Jahre nach 

ihrem letzten Album hat die 

44-Jährige jetzt eine Platte 

veröffentlicht, die schlicht ihren 

Namen trägt: Mariza. Zwei 

Singles hatte sie der Platte vorausgeschickt, 

eine davon war 

„Quem Me Dera“ („Das wäre 

schön“), die zugleich beispielhaft 

für diese Entwicklung steht. 

Portugiesische und akustische 

Gitarre bereiten zunächst eine 

schöne Atmosphäre für eine 

verträumte Ballade, zu der Marizas 

kraftvolle und klare Stimme 

einen reizvollen Kontrast bildet. 

Im zweiten Teil jedoch entwickelt 

sich das Stück durch 

einen Teppich aus synthetischen 

Streichern und anderen 

Konserven-Klängen beinahe 

zu einem seicht verwaschenen 

Song – wäre da eben nicht die 

großartige Stimme der Fadista. 

Mit Produzent Javier Limón, der 

zudem Klavier und Keyboard 

eingespielt hat, arbeitet Mariza 

bereits zum dritten Mal zusammen. 

Ihr erstes Album, Fado em 

Mim, erschien vor nunmehr 17 

Jahren – in einer Zeit der Renaissance 

des Fado, in der auch 

Sängerinnen wie Ana Moura 

und Cristina Branco populär 

wurden. Nach fünf Studio-Alben, 

drei Live-Zusammenstellungen 

und einem Greatest-Hits-Album 

ist Mariza die zehnte Platte 

der modernen Fadista. Zum 

ersten Mal allerdings hat sie 

einen eigenen Text beigesteuert. 

Tiago Machado, mit dem sie seit 

Beginn ihrer Karriere zusammenarbeitet, 

hat „Oraçao“, das 

„Gebet“, musikalisch umgesetzt. 

Es beginnt mit zart rieselnden 

Gitarren-Klängen, bis auch hier 

eine allzu gefällige Begleitung 

einsetzt und popbewährte 

Harmonie-Wendungen das Lied 

in eine eigenwillige Richtung 

lenken. Marizas Text jedoch 

scheint ganz im Lebensgefühl 

des Fado verwurzelt: „Traurig 

und allein geht mein Herz, wie 

ein verlorenes Blatt im Wind“, 

heißt es da etwa. 

Einen ohrwurmtauglichen 

Gute-Laune-Song von Héber 

Marques hingegen singt sie 

mit dem erfrischenden „Amor 

Perfeito“, das afrikanisch-brasilianische 

Einflüsse erkennen 

lässt. Ziemlich verschmitzt 

kommt „É Mentira“ daher, in 

dem es tatsächlich um Schwindeleien 

geht. Der fein metallische 

Klang der portugiesischen 

Gitarre (José Manuel Neto) 

kommt unter anderem im „Fado 

Refúgio“ besonders gut zur 

Geltung. In „Semente Viva“ ist 

der brasilianische Cellist Jaques 

Morelenbaum zu hören, der 

mit seinem Instrument Marizas 

klagende Stimme widerzuspiegeln 

scheint. Mit „Verde 

Limão“ interpretiert Mariza eine 

populäre Melodie aus der früheren 

portugiesischen Provinz 

Beira Baixa neu, wobei sie dem 

tänzelnden Sechsachteltakt eine 

tropische Brise verpasst. 

Mariza kam als Dreijährige 

nach Portugal, in das Heimatland 

ihres Vaters. Ihre Mutter 

stammt aus Mosambik. Auf 

ihre afrikanischen Wurzeln hat 

sich Mariza explizit bereits in 

dem Lied „Transparente“ vom 

gleichnamigen Album aus dem 

Jahr 2005 bezogen. Schon als 

Jugendliche sang sie Lieder 

verschiedener Musikstile 

wie Gospel, Jazz, Soul und 

entdeckte schließlich auch den 

Fado für sich. Erste Popularität 

erlangte die junge Sängerin 

mit ihren Auftritten zu Ehren 

der großen Fadista Amália 

Rodrigues, deren Lieder Mariza 

überwiegend auf ihren ersten 

Alben neu interpretierte. Nach 

der zunehmenden Erweiterung 

ihres Repertoires in den folgenden 

Jahren erschien die Platte 

Fado tradicional (2010) mit 

Interpretationen verschiedener 

großer Fado-Sängerinnen und 

-Sänger wie eine Selbstvergewisserung, 

noch auf dem 

richtigen Weg zu sein. 

Für ihr aktuelles Album 

konnte sie nun eine Fadista der 

früheren Ära gewinnen: Den 

„Fado Errado“ singt Mariza 

gemeinsam mit der 73-jährigen, 

umwerfend expressiven Maria 

Da Fé. Der „falsche Fado“ ist 

damit zugleich ein akustisches 

Schmuckstück der Platte. Zum 

Abschluss des Albums taucht 

als Bonustrack erneut „Trigueirinha“ 

auf, das die Platte auch 

eröffnet. Nun jedoch in einer 

Version mit den Gast-Sängern 

Carolina Deslandes, Jorge Palma, 

Mafalda Veiga, Marisa Liz, 

Ricardo Ribeiro und Tim. Damit 

schließt sich der Kreis auf dem 

Mariza-Album nicht nur in der 

Abfolge der Titel, sondern auch 

inhaltlich: Den Fado-Klassiker 

von António Vilar da Costa und 

Jorge Fernando interpretiert 

sie erfrischend neu und wirft 

zugleich ein buntes Licht auf 

die aktuelle Lissabonner Musikszene. 

Auf ihrer Tournee kehrt 

Mariza im November für Konzerte 

unter anderem in Köln, 

Dortmund und Lörrach nach 

Deutschland zurück. Weitere 

Auftritte folgen im März 2019. 

Aktuelle CD: 

Mariza: Mariza 

(Parlophone / Warner) 


Zwischen arabischen Melismen, MittelmeerFolklore, Jazz und einer Spur 

Flamenco bewegt sich das Trio NES mit der ungewöhnlichen Besetzung Gesang, 

Cello und Perkussion. Das DebütAlbum Ahlam wird für Aufsehen sorgen, nicht 

nur wegen der charismatischen Sängerin und Cellistin Nesrine Belmokh. 


„Ich bin in Frankreich als Tochter algerischer 

Eltern aufgewachsen“, erzählt die 

Sängerin und Cellistin Nesrine Belmokh an 

einem strahlenden Sommermorgen auf einer 

Terrasse an der Berliner Hardenbergstraße. 

„Jetzt lebe ich in Valencia in Spanien. 

Meine Familie bedeutet mir viel, und ich bin 

sehr behütet aufgewachsen. Die Spanier 

sind allerdings wesentlich freundlicher und 

aufgeschlossener, und es ist viel einfacher, 

neue Leute kennenzulernen. Franzosen sind 

da zurückhaltender.“ Kennengelernt hat sie 

unter anderem den französischen Cellisten 

Matthieu Saglio, mit dem zusammen sie den 

Großteil der Musik für Ahlam geschrieben 

hat, und den spanischen Perkussionisten 

David Gadea, auf den wir noch zu sprechen 

kommen werden. Für die Texte ist Belmokh 

allein zuständig. „Ich schreibe in Französisch 

und Englisch“, führt sie aus. „Manche Texte 

stammen allerdings auch von meiner Mutter, 

die in Arabisch schreibt. Ich liebe es, die 

Texte meiner Mutter zu singen.“ 

Obwohl noch jung an Jahren, hat 

Belmokh schon einiges erlebt. „Ich habe 

schon eine Karriere als klassische Cellistin 

hinter mir“, stellt sie klar, „und habe zum 

Beispiel im Opernhaus von Valencia 

gespielt, das von Lorin Maazel und Zubin 

Mehta gegründet wurde. Im Moment ist 

mir das Trio allerdings wichtiger, denn das 

ist schließlich meine eigene Musik.“ Bei 

NES konzentriert sie sich hauptsächlich auf 

den Gesang. „Die meisten Celloparts spielt 

Matthieu und begleitet sich mit Loops auch 

selbst“, erklärt Belmokh. „Ich spiele nur auf 

‚Houzni‘ und ‚The World Is Blue‘.“ 

Zu ihrem Instrument ist Nesrine Belmokh 

über Umwege gekommen. „Ursprünglich 

habe ich Geige gelernt, da war ich acht“, 

erzählt sie. „Das hat mir allerdings nicht gefallen, 

und als ich das Cello entdeckt habe, habe 

ich gewechselt, denn die mittleren Lagen 

liegen mir viel mehr.“ Nachdem klar war, dass 

sie wegen des Trios ihre klassische Karriere 

erst einmal ruhen lassen würde, wollte 

Belmokh sich zusammen mit ihren beiden Mitstreitern 

auch eine entsprechende Öffentlichkeit 

für ihre Musik erschließen. „Wir haben 

gründlich recherchiert und dann beschlossen, 

das Album auch an ACT zu schicken“, erzählt 

sie grinsend, denn der junge ACT-A&R-Mann 

sitzt nicht weit entfernt. „Das Label erschien 

uns passend, da sie ja auch Weltmusik veröffentlichen 

und nicht so ein striktes Jazz-Label 

sind wie zum Beispiel ECM. Jetzt sind wir 

glücklich, auf ACT zu sein.“ 

Das Label erscheint einem insbesondere 

passend, wenn man bedenkt, dass die 

Kunstsammlung des ACT-Inhabers Siggi Loch 

viel mit der Farbe Blau zu tun hat (wer mehr 

wissen will, greife zu dem Band Art in Music 

– Werke aus der ACT Art Collection oder 

achte mal auf ACT-Platten wie Paint It Blue 

von Nils Landgren, Neon Blue von Muriel Zoe 

oder If (Blue) Then (Blue) von Heinz Sauer) 

und ein herausragender Song auf Ahlam das 

in seiner Schlichtheit berührende „The World 

Is Blue“ ist. „Die Erde ist nun einmal blau, 

da sie hauptsächlich von Ozeanen bedeckt 

ist“, stellt Nesrine Belmokh erst einmal ganz 

profan fest. „Aber natürlich ist sie auch 

traurig oder besser gesagt melancholisch – 

die zweite Bedeutung von ‚blue‘. Und dann 

spielt eine bestimmte Person im Lied noch 

eine Rolle, an die der Protagonist einfach 

ständig denken muss, ohne damit aufhören 

zu können. Aber eigentlich lässt der Song es 

offen, ob diese Person nun wirklich eine gute 

oder nicht so gute Gestalt ist – das gefällt 

mir eigentlich ganz gut, das gibt dem Text ein 

Geheimnis.“ 

NES bewegen sich zwischen traditioneller 

arabischer Musik, Jazz, Pop und einer 

Spur Flamenco. Die rein akustische Musik auf 

Ahlam zieht neben diesen Einflüssen große 

Inspiration aus den Klängen, die Belmokh 

in ihrem Elternhaus hörte, in dem arabische 

Musiker aus dem Mittelmeerraum ein- und 

ausgingen. Die drei Musiker hören sich 

manchmal an wie eine viel größere Band, 

und das liegt vor allem am Einfallsreichtum 

ihres Perkussionisten, der jedem Song ein 

individuelles Klanggewand auf den ursprünglich 

etwas kargen Leib schneidert. 

„David Gadea haben wir in Valencia 

kennengelernt, und er ist wirklich unglaublich 

einfallsreich“, freut sich Nesrine Belmokh 

über ihren Mitstreiter, mit dem zusammen 

sie einst ein Solokonzert von Matthieu Saglio 

besucht hat – der Rest ist Geschichte, wie es 

immer so schön heißt. „Davids Set auf der 

Bühne ist sehenswert, denn es ist sehr individuell 

gestaltet. Wir haben einfach Spaß daran, 

zusammen musikalisch zu wachsen. Und 

er ist natürlich auch für die Flamenco-Anteile 

verantwortlich, denn er ist Spanier. Matthieu 

hat da allerdings auch Erfahrungen.“ 

Ahlam bedeutet Traum, und mit der 

gleichnamigen CD haben sich NES nicht nur 

einen Traum erfüllt – sie klingen auch noch 

traumhaft. 

Aktuelle CD: 

NES: Ahlam (ACT / Edel:Kultur) 

© Nerea Coll 

nes 

zusammen wachsen 

JazzthetIk 09/10-2018 

65

Stanley Clarke Die Botschaft der Liebe 

Stanley Clarke war kaum aus seinen Teenagerjahren heraus, 

als er 1971 in die Jazzwelt einbrach. Frisch von der Philadelphia 

Academy of Music ging er nach New York und bekam schnell 

Jobs bei berühmten Bandleadern wie Horace Silver, Art Blakey, 

Joe Henderson, Pharoah Sanders und Stan Getz. Dann landete 

er als Senkrechtstarter bei Chick Coreas Return to Forever. 

Von Olaf Maikopf 

Auf seinem Album The Message zeigt sich 

Stanley Clarke im Alter von 66 Jahren als 

gelassener Mann, der den jungen Musikern 

das Rampenlicht überlässt. 45 Jahre nach 

seinem Debüt hat Clarkes Vision aus Fusion, 

Funk, Breakbeats und Bass-interpretierten 

Cello-Suiten eine Modernisierung im Sound 

erfahren. Dafür holte er sich Unterstützung 

von dem Rapper/Beatboxer Doug E. Fresh 

und dem Trompeter Mark Isham. Ansonsten 

begleitet von einer vielseitigen jungen Band 

und mit einer Sammlung von Songs versehen, 

die inmitten einer turbulenten Europatournee 

geschrieben wurden, zeigt The Message 

eine Fülle an Kraft, Seele und meisterhafter 

Musikalität. 

Olaf Maikopf: Das neue Album haben Sie mit 

Ihrer Band komponiert, als sie wegen eines 

Terroranschlags nicht in Tunesien spielen 

konnten. 

Stanley Clarke: Wir mussten überlegen, was 

wir mit der freien Zeit machen sollten, die wir 

durch den Anschlag hatten. Also machten wir 

das Beste daraus, entwickelten musikalische 

Ideen, schrieben letztlich das ganze Album 

in Paris und nahmen es danach in Brüssel 

auf. The Message ist in vielerlei Hinsicht ein 

europäisches Projekt. 

Olaf Maikopf: Also bezieht sich der Titel nicht 

auf den Anschlag? 

Stanley Clarke: Er ist Teil eines Kontinuums, 

das seit Jahrtausenden gepredigt wird, ich 

meine die Botschaft der Liebe. Wir glauben, 

dass diese Botschaft, obwohl es eine einfache 

ist und vielfach überstrapaziert, dennoch 

jedem Einzelnen von uns ständig vermittelt 

werden muss. Was in jedem von uns gut ist, 

offenbart sich erst durch die Liebe. 

Olaf Maikopf: Im Booklet danken Sie John 

Coltrane. Was ist Ihr Bezug zu Coltrane? 

Stanley Clarke: John Coltrane ist wahrscheinlich 

der einflussreichste Musiker in meinem 

Leben. Als ich zum ersten Mal seine Musik 

hörte, erkannte ich, dass es etwas in seinem 

Spiel gab, das ich zuvor bei keinem anderen 

gehört hatte. Später fand ich heraus, dass 

es eine starke spirituelle Komponente in 

seiner Musik gibt. In einem Interview sagte 

er einmal, dass er „Gutes in die Welt bringen 

möchte“. Das mag einfach klingen. Aber ich 

glaube, das war eine tiefe Leidenschaft für 

ihn. Für mich wurde es sehr real, als ich erstmals 

A Love Supreme hörte. Es ist eines der 

© Raj Naik 

schönsten Alben, die ich je gehört habe, und 

wenn man den Text auf der Rückseite liest, 

sieht man, dass er kein gewöhnlicher Musiker 

war. Ich hatte das Gefühl, dass er aus einem 

besonderen Grund spielte. Ihm ging es weniger 

um Geld oder Ruhm, sondern um etwas 

Größeres. Er war ein gigantischer Geist. 

Olaf Maikopf: Ihre aktuelle Band ist mit 

jungen Musikern besetzt. Weil deren Energie 

und Musikalität noch nicht abgenutzt oder 

eingefahren ist? 

Stanley Clarke: Die Musiker sind schon lange 

bei mir. Beka [Gochiashvili, p] begann mit 16 

Jahren, mit mir zu spielen, er ist gerade 22 

Jahre alt. Mike Mitchell [dr] war erst 20 Jahre 

alt, als er diese Platte machte, und Cameron 

[Graves, keyb] kenne ich seit seinem 15. 

Lebensjahr. Sie wuchsen mit meinen alten 

Platten auf und hörten auch Return to Forever, 

das Mahavishnu Orchestra und Weather 

Report, ihnen liegt also diese Art von Musik 

im Blut. 

Olaf Maikopf: Auf The Message gibt es auch 

ein Akustik-Bass-Solo, diesmal etwas von 

Bach. Warum Bach? 

Stanley Clarke: Weil es meiner Frau gefällt, 

wenn ich zu Hause die Bach-Cello-Suiten 

auf dem Bass spiele. Sie sagte, wegen der 

Schwierigkeit, das Stück auf dem Bass zu 

spielen, sollte ich meine Hörer wissen lassen, 

dass es wirklich möglich ist. Tatsächlich habe 

ich es auf dem Bass in der gleichen Tonart 

gespielt, wie sie von Bach für das Cello vorgesehen 

wurde, was ein bisschen schwierig 

war. Aber wie kann ein guter Ehemann die 

Bitte seiner Frau ablehnen? 

Olaf Maikopf: Sie haben schon immer einen 

charakteristischen Ton gehabt, etwas, das 

schwer zu erfassen, aber sofort erkennbar ist. 

Stanley Clarke: Ich glaube nicht, dass man 

sich hinsetzen kann und dann seinen persönlichen 

Klang entwickelt. Vielmehr denke ich, 

dass ein eigener Sound eine Kombination 

aus dem ist, was man als Mensch ist, und der 

Bereitschaft, in seinem Spiel völlig ehrlich zu 

sein. Es geht nicht darum, jede Woche einen 

anderen Sound auszuprobieren. Musiker sollten 

immer ihren eigenen Zielen treu bleiben. 

Olaf Maikopf: Haben Sie einen Lieblingsbassisten? 

Stanley Clarke: Ja, Ron Carter, weil er auf 

mehr Platten gespielt hat als jeder andere 

Bassist auf diesem Planeten und weil er mehr 

verschiedene Arten von Musik gespielt hat 

als die meisten Bassisten, auf dem Akustikbass 

wie auch dem E-Bass. Er hat Bassisten 

beeinflusst, die nicht einmal wissen, dass sie 

von Ron beeinflusst sind. 

Aktuelle CD: 

The Stanley Clarke Band: The Message 

(Mack Avenue / In-Akustik) 


Izzard. Drei Jahre später starb 

Grant Green an einem Herzinfarkt. 

Rolf Thomas 

– – – – – – – – – – – – – – – – – – – 

Tonspuren 

Vincent Peirani Living Being II 

Night Walker 

ACT / Edel:Kultur 

W W W W o 

Vincent Peirani hat sich Freunde 

ins Studio eingeladen. Mit dem 

Saxofonisten Emile Parisien 

verbindet ihn eine fast symbiotische 

Partnerschaft, klanglich ist 

es manchmal schwer auszumachen, 

welche Stimme vom 

Sopransaxofon übernommen 

wurde und welche vom hohen 

Register des Akkordeons. Zum 

Duo Infernale kommen Keyboarder 

Tony Paeleman, Bassist 

und Gitarrist Julien Herné und 

Drummer Yoann Serra. CDs 

des Akkordeonisten sind kleine 

Wundertüten, man weiß nie, 

was man genau bekommt, nur, 

dass es qualitativ immer bestens 

ist. Die Zusammenstellung 

des Materials erscheint auf den 

ersten Blick skurril. Wie lassen 

sich Sonny Bono, Henry Purcell 

und Led Zeppelin verbinden? 

„Bang Bang“ von Sonny 

Bono funktioniert bestens als 

langsame Eröffnungsnummer. 

Schräge Eigenkompositionen 

wie „Le Clown Saveur de la 

Fete Foraine“ spielen wild mit 

Stimmungen und Tempi und 

nehmen den Zuhörer in einen 

schwindelerregenden Zirkus 

mit. Henry Purcell bekommt 

ein neoklassisches Gewand 

mit Four-on-the-Floor-Drums, 

schwebendem Rhodes-Klang 

und knackigem E-Bass. Den 

größten Teil der CD nimmt eine 

dreiteilige Led-Zeppelin-Suite, 

„Kashmir To Heaven“, ein. Die 

gibt einen ganz neuen Blick auf 

das Werk der epochalen Band. 

Die gitarrenlose Besetzung 

mit Akkordeon überrascht, 

und im Stück „Kashmir“ spielt 

vor allem Emile Parisien so 

orientalisch, dass man kaum an 

ein Sopransaxofon denkt. Und 

das Akkordeon, das die Melodie 

von „Stairway to Heaven“ ganz 

schlicht und einstimmig spielt, 

ist zum Niederknien. Akkordeonist 

Vincent Peirani findet einen 

tollen Weg, seine sehr breit 

gefächerten Interessen, die er 

absorbiert hat, zu etwas ganz 

Eigenem zu machen. 

Angela Ballhorn 


Grant Green 

Funk in France 

Resonance / H’Art 

W W W W 

Grant Green 

Slick! – Live at Oil Can Harry’s 

Resonance / H’Art 

W W W W W 

Grant Green – man muss es 

leider immer wieder sagen, 

denn der Mann gerät allmählich 

in Vergessenheit – war 

einer besten und innovativsten 

Jazzgitarristen, die je gelebt 

haben; auf einer Stufe mit Wes 

Montgomery, Jim Hall und Pat 

Metheny. Das amerikanische 

Jazzlabel Resonance Records 

hat jetzt drei Konzertmitschnitte 

aufgetan, die noch nie zuvor 

veröffentlicht worden sind, 

und zwei davon zählen zu den 

Höhepunkten in Greens an Höhepunkten 

nicht gerade armer 

Diskografie. 

Aber der Reihe nach: Funk in 

France enthält auf zwei CDs ein 

Konzert eines Trios mit Larry 

Ridley und Don Lamond an Bass 

und Schlagzeug, das im Oktober 

1969 in Paris aufgezeichnet 

wurde. Green ist in Hochform 

und spielt scharfe und schnittige 

Fassungen von „Insensatez“, 

„Oleo“ und dem genialen 

„Untitled Blues“ – knapp vierzig 

Minuten Musik, die fünf Sterne 

verdient haben. Auf der zweiten 

CD ist Green zusammen mit dem 

Tenorsaxofonisten Claude Bartee, 

dem Organisten Clarence 

Palmer und dem Schlagzeuger 

Billy Wilson zu hören, und zwar 

beim Antibes Jazz Festival 1970. 

Leider verdaddelt sich das 

Quartett ein wenig – 27 Minuten 

„Hi-Heel Sneakers“ sind dann 

doch etwas zu viel des Guten. 

Deshalb nur drei Sterne für Antibes, 

macht zusammen vier. 

Unfassbar gut war Green fünf 

Jahre später Live at Oil Can 

Harry’s – insbesondere das 

30-minütige Medley aus „Vulcan 

Princess“ (Stanley Clarke), „Skin 

Tight“ (Ohio Players), „Woman’s 

Gotta Have It“ (Bobby Womack), 

„Boogie on Reggae Woman“ 

(Stevie Wonder) und „For the 

Love of Money“ von den O’Jays 

ist eine einzige Sternstunde – 

begleitet wird Green hier von 

Emmanuel Riggins am E-Piano, 

Ronnie Ware am Bass, dem 

Schlagzeuger Greg Williams 

und dem Perkussionisten Gerald 

Marc Sinan & Oğuz Büyükberber 

White 

ECM / Universal 

W W W W 

Zwei Musiker begegnen sich 

zwischen europäischer Klassik 

und türkischer Tradition – und 

das tun sie immer wieder seit 

nun schon fast zehn Jahren. 

Marc Sinan, der E-Gitarrist mit 

(auch) türkischen Wurzeln, und 

Oğuz Büyükberber, der (Bass-) 

Klarinettist aus Anatolien, scheinen 

einander diesmal aber im 

Niemandsland zu treffen, frei improvisierend, 

zwischen Tag und 

Traum, zwischen Realem und 

Surrealem. Beide haben eine jeweils 

fünfteilige Suite im Gepäck 

und mischen die zehn Sätze 

bunt durcheinander. Historische 

Tonaufnahmen aus dem Berliner 

Phonogramm-Archiv und 

elektronische Beigaben tragen 

zur Atmosphäre bei – ihre Duette 

sind ein ständiges Suchen und 

Schweben, ein Forschen und 

Fragen. Dabei hilft den beiden 

auch ihre Jazzerfahrung: Sinan 

hat sich einst mit Wes Montgomery 

beschäftigt, Büyükberber 

fühlt sich Monk, Cecil Taylor 

und Butch Morris verbunden. 

An der Bassklarinette war für 

ihn der Einfluss von Eric Dolphy 

„unumgänglich“. Die Musik der 

beiden Grenzgänger braucht 

keine Leitplanken oder festen 

Rhythmen, aber sie transzendiert 

alle Tonalitäten und Stimmungen. 

White ist eine melancholische, 

souveräne Improvisationsmusik, 

deren Intensität sich allmählich 

und unwiderstehlich ausbreitet. 

Ein unscheinbares kleines 

Wunder. 

Hans-Jürgen Schaal 



Andreas Willers 

Derek Plays Eric 

Jazzwerkstatt 

W W W W W 

„Steampunk 69“, das klingt 

programmatisch – und das Stück 

hält, was der Titel verspricht. 

Das gilt auch für Andreas 

Willers’ komplettes Trio-Album. 

Hier werden keine leeren 

Versprechungen gemacht, hier 

geht es zur Sache, und der 

Verzerrer hat einiges zu tun. 

Denn die Sache ist die wunderbare 

E-Gitarren-Revolution der, 

sagen wir, sechziger Jahre, als 

Gitarristen wie Eric Clapton, Jimi 

Hendrix oder John McLaughlin 

vieles über den Haufen warfen 

und diesen Haufen zum Klingen 

brachten. Andreas Willers sieht 

sich einerseits in der Nachfolge 

dieser Rock- und Blues- 

Gitarreros, andererseits ist 

etwa auch der non-idiomatisch 

agierende Derek Bailey einer 

seiner Giganten am Horizont; 

diese Aufzählung beansprucht 

keine Vollständigkeit. Kürzelhaft 

gackert ein „Little Red Rooster“ 

vorbei, Jack Bruces „Politician“ 

steht kurz am Rednerpult, 

McLaughlins „Mayas“ tanzen 

ein paar stampfende Takte. Der 

pointierte Rückblick auf die 

große Zeit der Rockmusik nutzt 

deren Klischees für Stilzitate und 

verpflanzt Sounds und Licks und 

Solisten-Gesten in eine überaus 

aufgeklärte Gitarren-Musik, ohne 

die wirklich schwungvollen und 

mitreißenden Qualitäten dieser 

Musik und ihrer Ära preiszugeben. 

Dass heutige Nachfolgeprodukte 

kalkulierte industrielle 

Massenware sind, benennt der 

Begleittext bündig. So entsteht 

eine sehr umfassende und sympathische 

Hommage, die sich 

von Stück zu Stück an andere 

Vorbilder richtet und von ihnen 

ideenreich absetzt. Jack Bruce, 

Duke Ellington, Charles Mingus 

und John McLaughlin stehen 

nebeneinander und freuen sich 

über Andreas Willers‘ weiträumigen 

Blick auf die Musik, über 

seine fulminante elektrifizierte 

Spielkultur und die ausgebuffte 

Rhythmusgruppe (Jan Roder, 

Christian Marien), mit der zu 

arbeiten ihm vergönnt ist. 

Hans-Jürgen Linke 


Henning Sieverts Symmethree 

Aerea 

Pirouet / NRW 

W W W W 

Angeblich beschäftigt sich der 

Bassist Henning Sieverts gern 

mit Kreuzworträtseln, Schach 

und Sudoku. Denn ihn interessieren 

Querverbindungen von 

Buchstaben und Zahlen. Diese 

Leidenschaft überträgt er auf 

seine Musik, aktuell in seinem 

Trio Symmethree, besetzt mit 

dem Posaunisten Nils Wogram 

und Ronny Graupe an der 

Gitarre. Hier spüren sie dem 

Begriff der Symmetrie nach, 

formen Klänge voller Schönheit. 

Die alten Griechen definierten 

Symmetrie als einen geometrischen 

Begriff, später wurde für 

weniger exakte Entsprechungen 

der Ausdruck „Harmonie“ 

eingeführt, der dann auch in der 

Musik große Bedeutung einnehmen 

sollte. Was uns wieder zu 

Aerea führt (einer poetischen 

Wortneuschöpfung, die Luft und 

Raum verbindet), dem zweiten 

Album des Trios um Henning Sieverts. 

Die Klangfarben ihrer vier 

Instrumente (Sieverts ist auch 

am Cello zu hören) mischen sich 

in den zehn Stücken zu einem 

warmen harmonischen Dreiklang. 

Das ist kraftvoller Kammer-Jazz, 

gespielt in manchmal 

unterschiedlichen Metren von 

Musikern, die ständig ihre Rollen 

zwischen Solist und Begleiter 


Kolumne 

Nickodemus 

A Long Engagement 

Wonderwheel / Groove Attack 

W W W W 

Dubmatix 

King Size Dub Special 

Echo Beach / Indigo 

W W W 

Slightly Stoopid 

Everyday Life, Everyday People 

Stoopid / Membran 

W W 

Miss Red 

K.O. 

Pressure / Rough Trade 

W W W W W 

Yasmine Hamdan 

Jamilat Reprise 

Crammed / Indigo 

W W W o 

The Last Poets 

Understand What Black Is 

Studio Rockers / Groove Attack 

W W W W 

Little Axe 

Champagne & Grits 

W W W W 

Stone Cold Ohio 

W W W W 

Bought for a Dollar, Sold for a 

Dime 

W W W 

Echo Beach / Indigo 

Übersee 

Mit seiner Partyreihe Turntables 

on the Hudson ist Nickodemus 

seit 1998 in NYC präsent, auf 

seinem Label Wonderwheel 

betreut er Künstler wie Chancha 

via Circuito, Alsara & The 

Nubatones und Novalima. Von 

lateinamerikanisch bis nahöstlich 

ist dem global denkenden 

Strippenzieher also kein musikalischer 

Dialekt fremd. Und 

wenn er auf Albumlänge auf 

sein Longtime Engagement mit 

seinen zahlreichen Geistesverwandten 

(u.a. Alsarah, Carol C., 

Jahdan Blakkmore) aus der wilden 

weiten Welt der Musik zurückblickt, 

kommen alle Fäden 

seines Netzwerkes zur Geltung, 

statt, wie zu befürchten wäre, 

in heilloses Chaos auszufransen. 

Der jamaikanische Aspekt 

schlängelt sich dabei gleichberechtigt 

neben Reggaeton, 

Cumbia, House, arabischer 

Popmusik und HipHop durchs 

Bild. Wer mehr der reinen Dub- 

Lehre zugeneigt ist, wird an den 

Versions, Dubs und Remixen 

von Dubmatix aus Toronto seine 

Freude haben, die Echo Beach 

nun mit einer Spezialausgabe 

der King Size Dub-Reihe 

würdigt: Hier treffen bewährte 

Riddims auf eine stark verwurzelte 

No-Bullshit-Einstellung, 

versiertes Versioning, sparsam 

gestreute Sound-Gimmicks und 

ein tiefes Soundverständnis. 

Fruchtbare Arbeit! Eher furchtbar: 

die Sorte Reggae, die sich 

die kalifornische Band Slightly 

Stoopid einfallen lässt und sich 

dafür lebende Legenden wie 

Yellowman und Ali Campbell 

(UB 40), sowie Chali 2na 

(Jurassic 5) und Alborosie ins 

Studio holte. Dem Bandnamen 

gemäßer Scheckheft-Reggae, 

der über Klischees von Weed 

und Sonnenschein kaum hinauskommt 

– die jamaikanische 

Erfahrung aus der postkolonialtouristischen 

Perspektive. 

Stimmen 

Nach einem aufsehenerregenden 

Mixtape und zahlreichen 

Shows mit ihrem Produzenten 

The Bug veröffentlicht Miss 

Red auf dem neuen Bug-Label 

Pressure ihr reguläres Debüt 

Album K.O.: Zwei Vinylplatten 

voller Killer, auf denen die 

Mikrofon-Künstlerin aus Haifa 

ihren Titel als „Superflyweight 

Outernational Champion“ 

Mandel in Dub 

einfordert. Die erhabene Wucht 

und die transparente Dynamik 

der Prouktion von Kevin 

„The Bug“ Martin basiert der 

Legende nach auf den Sounds 

einer russischen Drummachine 

– ein ideales Gelände für 

Miss Reds versatile Stimme und 

ihre in entwaffnendem Patois 

dahergerotzten Textkaskaden. 

Die ungleich zarter arrangierten 

Songs von Yasmine Hamdans 

Album Al Jamilat wurden 

nachträglich von einer Reihe 

interessanter Elektrolurche 

bearbeitet. Auch die Reprise 

kommt zunächst auf Katzenpfoten 

daher (Greg Bauchau), 

bevor Acid Arab mit bewärtem 

Synth-Blubbern eine erste 

Option für den Floor anbieten. 

Im weiteren Verlauf loopt und 

klickert es im Euro-IDM-Stil vor 

sich hin, aufhorchen lassen 

dabei Matias Aguyao (wegen 

der Percussions), La Hamdans 

eigener Remix von „La Chay“ 

(trippy) und der mysteriöse 

Shed (fett). Insgesamt kein 

Riesenwurf, aber ein schönes 

Supplement zum Album. 

Einigermaßen sensationell: die 

Rückkehr der Rap-Pioniere Last 

Poets als Dub-Poeten. Umar 

ibn Hassan, Abidoun Oywole 

und Baba Donn Babatunde 

sind Überlebende: Zuletzt 

starb im Juni 2018 ihr Langzeit-Weggefährte 

Jalal. Auf 

Riddim-Klassikern reimen sie 

über die schwarze Erfahrung in 

den USA und die guten (Prince) 

und bösen (Trump) Geister der 

moralisch maroden Supermacht. 

Die Vielstimmigkeit der 

frühen Poets weicht diesmal 

individuellen Solo-Vorträgen. 

Die so druck- wie respektvolle 

Produktion besorgten Prince 

Fatty und Ben Lamdin (Nostalgia 

77), mit einem Fuß im Dub 

und dem anderen im Jazz. 

Blues in Dub 

Little Axe ist das von Gitarrist 

Skip McDonald initiierte 

Spin-off der Supergruppe 

Tackhead (McDonald, Doug 

Wimbish, Keith Leblanc, Adrian 

Serwood). Das Debüt-Album 

The Wolf That House Built 

(Wired 1994) war unschwer 

zu deuten als Hommage an 

Son House und Howlin‘ Wolf. 

Tatsächlich wandten Little Axe 

das Prinzip Dub auf das System 

Blues an und eröffneten sich 

damit Wege, die es heute noch 

zu erforschen lohnt. Anfang 

der Nuller kamen Little Axe 

auf Peter Gabriels Label Real 

World unter, wurden aber – es 

waren schlechte Zeiten – nur 

auf CD veröffentlicht. Nun sind 

sie endlich auf 180-g-Vinyl zu 

genießen: das besonders sumpfige 

Roots-Album Champagne 

& Grits (2004), auf dem man 

die Hitze des Südens bis aufs 

Grillenzirpen nachempfinden 

kann, sowie das von Gospelstimmungen 

aufgehellte Stone 

Cold Ohio (2006). Sherwood 

fungierte bei beiden als Co- 

Produzent und Mixer und beließ 

es bei einem ausgewogen-plastischen 

Sound, ganz im Dienst 

der schweren Riddims, dem 

Rutschgeräusch der Saiten, 

dem Knarzen der Stimme und 

dem Raunen des Chors. Bought 

for a Dollar, Sold for a Dime 

(2008) dagegen ist eine reine 

Skip-Produktion: Die Basis-Riddims 

entstanden binnen eines 

Tages und wurden anschließend 

mit Bläser-Overdubs und 

etwas zu viel Stadion-Athmo 

abgerundet. Die Freunde des 

schrägen Geräuschs brauchen 

also eher die ersten beiden, 

echte Skip-Fans dagegen alle 

drei Alben. 

Eric Mandel 


wechseln. Eine Musik, die vom 

Publikum einfordert, sich darauf 

einzulassen, denn neben der 

melodischen Hörbarkeit gibt es 

eine Menge an Überraschungen, 

die sich erst bei mehrmaligem 

Goutieren erschließen. 

Olaf Maikopf 


In doppelter Hinsicht führt uns 

der Norweger Tord Gustavsen 

auf die falsche Fährte. So 

ähnelt seine Formation rein 

optisch dem legendären Esbjörn 

Svensson Trio, in musikalischer 

Hinsicht nur entfernt. 

Außerdem stellt der Pianist und 

Komponist mit „The Tunnel“ 

einen Opener voran, der, etwas 

brav und bieder gehalten, noch 

wenig von dem musikalischen 

Kosmos dieser CD vorwegnimmt. 

Gustavsen ist in seinem Herzen 

zwar ein Jazzer, doch sucht er 

sich die Inhalte seiner Tonkunst 

woanders. Das zweite Stück 

„Kirken, den er et gammelt 

hus“ ist eine Bearbeitung von 

Ludvig Mathias Lindeman, einem 

norwegischen Kirchenmusiker 

und Volksliedsammler, der im 

neunzehnten Jahrhundert gelebt 

hat. In ihm mag Gustavsen eine 

verwandte Seele erblickt haben. 

So bilden europäische Kirchenmusik 

und Volkslieder den roten 

Faden des Albums. Drei weitere 

Kompositionen stammen aus 

der Feder Johann Sebastian 

Bachs. Hierbei ist erstaunlich, 

wie frei sich der Pianist und 

seine Kollegen den Vorlagen 

nähern. So gelingt dem Trio eine 

ausdrucksstarke und rhythmisch 

völlig freie Version von „O Traurigkeit“. 

Gustavsens melodische 

Herangehensweise ähnelt in 

seiner Emotionalität und Dramatik 

eher dem eines Sängers als 

eines Pianisten. Fast könnte man 

an Flamenco-Gesang denken. In 

seinem eigenen Solo-Stück „Left 

Over Lullaby No. 4“ zeigt sich 

der Pianist als Meister der leisen 

Töne. Wer skandinavischen Jazz 

mag und dabei gern über den 

Jazz-Tellerrand sieht, der sollte 

sich diese CD genauer anhören. 

Andreas Schneider 


Tord Gustavsen Trio 

The Other Side 


W W W W 

Enrico Pieranunzi / Thomas 

Fonnesbaek 

Blue Waltz 

Stunt / In-Akustik 

W W W W W 

Unlängst in einem Jazzclub in 

Kopenhagen: Zwei erfahrene 

Musiker schwören sich auf ihre 

längst bestehende gemeinsame 

Seelenverwandtschaft ein. Es 

braucht keine hochtrabenden 

Konzepte. Einfach einander 

verstehen und spielen – darum 

geht es dem italienischen Pianisten 

Enrico Pieranunzi und dem 

dänischen Bassisten Thomas 

Fonnesbaek. Und das läuft auf 

Anhieb so was von rund! Große 

Musik findet statt, wenn man 

sich trotz höchster Ansprüche 

immer noch vom unmittelbaren 

Erlebnis überwältigen lassen 

kann. Das Publikum in Kopenhagen 

scheint auf Anhieb mitzuempfinden, 

was dieses Duo hier 

im intimen Rahmen zelebriert. 

Danach klingt zumindest der Applaus 

bei dieser Liveaufnahme. 

Pieranunzi nutzt Cole Porters 

„Everything I Love“ als Sprungbrett, 

dann reihen sich beseelte 

Eigenkompositionen – auch aus 

Fonnesbaeks Feder – wie an 

einer feinen, edlen Perlenkette 

aneinander. Pieranunzi und Fonnesbaek 

demonstrieren, dass 

unter ihren Händen eine riesige 

Verfeinerungsskala nach oben 

hin offen ist. Der Däne ist immer 

extrem nah dran, sein Ton ist 


Tonspuren 

rund und tief. Er setzt melodiöse 

Soli frei, sorgt für brillante 

Spritzlichter, allein, wenn die 

Saiten geräuschhaft auf dem 

Holz des Steges schnurren. 

Je konzentrierter man zuhört, 

desto mehr feinsinnige Bezüge 

und Verzahnugen zwischen den 

beiden Spielern fallen einem 

auf – darin zeigt sich der wahre 

Reichtum. Man hört und spürt: 

Die beiden spielen und haben 

noch mehr Spaß daran, dem 

anderen zuzuhören. 

Stefan Pieper 


John Zorn 

The Interpretation of Dreams 

Tzadik / In-Akustik 

W W W W W 

Kaum ein zeitgenössischer Jazzmusiker 

bedarf weniger der Vorstellung 

als John Zorn. Zumindest 

sollte es so sein, wären kreativer 

Wagemut, Abenteuerlust und Innovationsfreudigkeit 

gültige und 

entscheidende Maßstäbe der 

Jazzkritik. Denn niemand riskiert 

mehr und das entschlossener als 

der Camouflagehose tragende 

Saxofonist, Klarinettist, Bandleader, 

Labelbetreiber und Veranstalter 

aus New York. Seit 35 Jahren. 

Auf The Interpretation of Dreams 

tritt der Tausendsassa lediglich 

als Komponist in Erscheinung. Mit 

ihren Inspirationsquellen – die 

drei neuen Zorn-Stücke verdanken 

sich der Anregung durch 

Arbeiten des surrealistischen 

Regisseurs Luis Buñuel und 

der Schriften des Beat-Poeten 

William S. Burroughs, informiert 

Zorns Label Tzadik, während 

der Titel des Albums auf Freud 

verweisen mag – rufen „Naked 

Lunch“, „Obscure Objects of 

Desire“ und „The Exterminatining 

Angel“ Schlüsselreferenzen der 

Kulturtheorie auf. Bewundernswert, 

wie alle – angefangen mit 

dem Komponisten Zorn, der hier 

zwischen den bereits genannten 

noch auf Zappa, Varese, Bartók 

und sich selbst zurückblickt, über 

die grandiose Vibrafonistin Sae 

Hashimoto, die als Solistin in den 

beiden Burroughs-inspirierten 

Stücken brilliert, bis zu den 

Streichern vom JACK Quartet, die 

in der atemberaubenden Buñuel- 

Hommage gemeinsam mit Pianist 

Stephen Gosling begeistern – 

sich dadurch nicht einschüchtern 

lassen. Wichtiges Album eines 

der wichtigsten Gegenwartskünstler; 

und eines der wenigen 

unserer Zeit, das die Jazz-Welt, 

wie sie ist, wirklich herausfordert. 

Tzadik: Wir brauchen ein Vinyl 

davon. 

Harry Schmidt 


Henry Threadgill 

Double up, Plays Double up Plus 

Pi / Harmonia Mundi 

W W W o 

Henry Threadgill 14 or 15 Kestra 

Dirt … and More Dirt 

Pi / Harmonia Mundi 

W W W W 

Henry Threadgill hat sich schon 

lange von der harmolodischen 

Groove Music entfernt, die er mit 

Bands wie seinem großartigen 

Sextett der späten 80er Jahre, 

dem Very Very Circus oder Zooid 

zelebrierte. Seine neueren Produktionen 

sind zwar kammermusikalischer 

Natur, aber nicht von 

der flüchtigen Leichtigkeit seines 

Chamber Trios Air, mit dem er 

einst seine Laufbahn begann. 

Auf seine alten Tage will der 

Saxofonist Bleibendes schaffen. 

Seine beiden neuen, zeitgleich 

veröffentlichten Alben folgen 

diesem Ziel. Der Unterschied 

liegt weniger in der Musik als in 

den Besetzungen. Auf Double up, 

Plays Double up Plus tritt er mit 

einer achtköpfigen Band an, zu 

der drei Pianisten gehören. Die 

Saxofonparts überlässt er Roman 

Filiu und Robert Curtis McDonald. 

Threadgill selbst tritt nur als Komponist 

in Erscheinung. Die Musik 

ist voller Wucht und gewährt 

dem Ohr auch in stillen Momenten 

keine Erlösung. Threadgill 

geht es in erster Linie um Timbres, 

Dichtegrade, Klangfarben und 

die Variation von Details und 

Nuancen. Hätte Anton Webern 

versucht, ein Blues-Album zu 

komponieren, hätte es wahrscheinlich 

genau so geklungen. 

In den zwei größeren Suiten auf 

Dirt … and More Dirt versammelt 

Threadgill 15 Musiker. Fast alle 

Mitstreiter von Double up, Plays 

Double up Plus sind vertreten, 

und auch er selbst greift diesmal 

zum Saxofon. Die Musik des 

Orchesters groovt im Untergrund 

ein wenig mehr als auf dem 

Zwillingsalbum, ist auch über 

Strecken etwas verspielter, aber 

der Überbau ist auch hier eher 

spröde. Die Doppelbesetzung 

vieler Instrumente (Saxofone, 

Pianos, Trompeten, Posaunen, 

Schlagzeuge) erinnert einmal 

mehr an die Philosophie Ornette 

Colemans, nur dass Threadgills 

Konstruktionen ungleich abstrakter 

erscheinen. Beide Alben lassen 

sich im weitesten Sinne dem 

Third Stream zurechnen, wobei 

Dirt … auch einen gewissen 

M-Base-Charme aufweist. 

Wolf Kampmann 


Booxy‘s Box 

The Game 

Unit / Membran 

W W W o 

Zwei Schweizer und zwei 

Österreicher spielen ein Spiel. 

Die Besetzung steht, die 

Kompositionen auch, doch die 

Regeln werden immer wieder 

geändert, der Spielverlauf nimmt 

nie dieselbe Richtung. Das 

Erstlingswerk von Booxy‘s Box, 

der Band aus Philipp Jagschitz 

am Klavier, Daniel „Booxy“ Aebi 

am Schlagzeug, Andreas Waelti 

am Bass und Martin Gasser am 

Altsaxofon, versucht herauszufinden, 

was passiert, wenn man 

vier Musiker spielen lässt, deren 

musikalische Herzen alle anders 

ticken. Souljazz, freie Musik, 

klare Strukturen und Modern 

Jazz vereinen sich in The Game 

spielerisch. So weit auseinander 

liegen die Jazz-Heimaten der 

vier aber dann nicht, es ist ein 

homogenes Werk entstanden, 

das viel Groove, Soul, Swing 

und kraftvolle Improvisationen 

enthält. Besonders gelungen 

ist „Cripple“ – mit viel Spielwitz, 

einem wimmernden Altsaxofon 

und einem mächtigen Bass-Solo 

macht das Zuhören viel Spaß. 

Bei diesem Spiel kann man nur 

sagen: Die vier gewinnen auf 

jeden Fall! 



Plaza Francia Orchestra 

Plaza Francia Orchestra 

Because / Universal 

W W W o 

Hinter diesem Orchester stecken 

zwei Veteranen der elektronischen 

Tangomusik, Eduardo 

Makaroff und Christoph H. Müller 

vom international erfolgreichen 

Gotan Project. Was ihr Plaza 

Francia Orchestra besonders 

macht, ist die französische Sängerin 

Catherine Ringer, die fast 30 

Jahre mit der Synthie-Pop-Band 

Les Rita Mitsouko gearbeitet 

hat. Zwar erwarb sie außerhalb 

Frankreichs nie mehr als eine 

kleine Fangemeinde, doch das 

könnte sich nun ändern, wenn 

man dieses charmante und unterhaltsame 

Album hört. Ringer, die 

hier hauptsächlich auf Spanisch 

singt, hat ein natürliches Talent 

für die Emotionalität und Theatralik 

des Tangos und einen Ge- 


Kolumne 

Spiritualized 

And Nothing Hurt 

Bella Union / Rough Trade 

W W W o 

Big Red Machine 

Big Red Machine 

Jagjaguwar / Cargo 

W W W W 

Emma Ruth Rundle 

On Dark Horses 

Sargent House / Cargo 

W W W W o 

Alejandro Escovedo 

The Crossing 

Yep Roc / H’Art 

W W W o 

The Punch Brothers 

All Ashore 

Nonesuch / Warner 

W W W W 

Marc Ribot 

Songs of Resistance 

– 1942-2018 

Anti / Indigo 

W W W W o 

Low 

Double Negative 

Sub Pop / Cargo 

W W W W W 

Milliarden 

Berlin 

Vertigo / Universal 

W W W W 

Die einstige Space-Rock-Band 

Spiritualized ist längst zur 

solistischen Selbstzerfleischungsmaschine 

von Jason 

„Spaceman“ Pierce geworden. 

Auf seinem neuen Album 

And Nothing Hurt bringt der 

Brite sich selbst an den Rand 

der Auflösung. Vom Sound 

her versucht er Phil Spector 

nachzueifern, doch all die 

Grandezza täuscht nicht über 

den persönlichen Schmerz 

hinweg. Das Album hat von 

allem ein wenig zu viel, was es 

auf die Dauer etwas anstrengend 

macht. Wer sich auf die 

gnadenlose Völlerei in diesem 

Schlaraffenland der Klänge 

einlässt, wird zumindest nicht 

auszehren. 

Big Red Machine ist ein neues 

Projekt von John Vernon 

(Bon Iver), das er gemeinsam 

mit Aaron Dessner von The 

Body & Soil 

National aufgestellt hat. Auf 

ihrem Debütalbum spielen 

sie mit einem Mosaik aus 

unvorhersehbaren Klängen, 

doch Vernon gibt sich nicht 

so ätherisch wie bei Bon Iver. 

Im Gegenteil, den Songs ist 

eine verführerische Schwere 

eigen. Vieles wirkt zufällig, die 

Grooves und das eingesetzte 

Autotune erinnern zuweilen an 

Trap, ohne dass Vernon auf die 

Fallen dieses Subgenres des 

HipHop reinfallen würde. Ein 

ebenso souveränes wie reifes 

Spiel mit Versatzstücken der 

aktuellen Popkultur. 

Mit jedem neuen Album 

behauptet Emma Ruth Rundle 

besser ihren Ruf als eine der 

eindrucksvollsten jüngeren 

Songwriterinnen Amerikas. 

Auf On Dark Horses behält sie 

die stimmliche Eindringlichkeit 

PJ Harveys bei und garniert 

sie mit urbaner Tribe-Musik à 

la Sonic Youth, My Bloody Valentine 

oder Slowdive. Vieles 

in dieser Art gibt es wahrlich 

nicht mehr. Der tiefschwarze 

Blues dieser CD ist aus einem 

Guss, sodass die einzelnen 

Songs wie Sequenzen eines 

langen Bewusstseinsstroms 

wirken. 

Alejandro Escovedos Tage mit 

der Punkband The Nuns sind 

lange her. Seit vielen Jahren 

ist er als unermüdlicher Singer/Songwriter 

in der Tradition 

Lyle Lovetts unterwegs. Auf 

seinem neuen Album The 

Crossing wird die schleppende 

Schwüle seiner Heimat Texas 

hörbar. Ein Hauch von Aufsässigkeit 

ist ihm zweifellos 

geblieben. Insgesamt vielleicht 

etwas zu lang geraten, birgt 

das Album trotzdem den einen 

oder anderen stimmungsvollen 

Song, der sich für den Soundtrack 

künftiger TV-Mehrteiler 

anbietet. 

Die Punch Brothers bieten 

Americana für Gourmets. Auf 

All Ashore starten sie einmal 

mehr an der Kreuzung von 

Country Music und Bluegrass, 

um ihre spezielle Mixtur mit 

jazzigem Bossa-Flair und launigen 

Grooves zu verschneiden. 

Die Songs erwecken den 

Eindruck, als wäre die Post 

Production stärker in den Vordergrund 

getreten als früher. 

Das mag streckenweise ein 

wenig auf Kosten der organischen 

Unverstelltheit gehen, 

doch wie hier das Banjo 

inszeniert wird, ist einzigartig. 

Chambergrass vom Feinsten. 

Marc Ribot erfüllt sich mit 

Songs of Resistance einen 

lange gehegten Traum und 

stellt eine Reihe von Protestliedern 

zusammen. Damit er 

gehört wird, stehen ihm unter 

anderem Vokalisten wie Tom 

Waits, Syd Straw, Steve Earle 

oder Sam Amidon zur Seite. 

Obwohl er mit den hymnischen 

bis wilden Liedern den Protest 

von mehr als einem dreiviertel 

Jahrhundert abdeckt, 

scheint doch der am häufigsten 

vorkommende Begriff 

„Donald Trump“ zu sein. Der 

Widerstand formiert sich, 

und hoffentlich werden noch 

viele Musiker Ribots Beispiel 

folgen. 

Der amerikanischen Slowcore- 

Band Low gelingt mit Double 

Negative in ihrer an Höhepunkten 

nicht gerade armen 

Discografie ein Coup, der alles 

Bisherige in den Schatten stellt. 

Die von ihrer Anlage her balladesken 

Songs werden in einen 

Mantel von digitalen Störgeräuschen 

verpackt, der 

die Melodien selbst zur 

absoluten Nebensache macht. 

Hier geht es nur noch um die 

De struktion des Klanges. Es 

spricht für das hohe Können 

der Band, dass ihr dabei nicht 

die Poesie verloren geht. Dieser 

Turm aus digitalem Klangschrott 

ist ein ebenso nachdenkliches 

wie spöttisches Sinnbild für 

unsere Zeit. Was von uns bleibt, 

ist unser Abfall, sonst nichts. 

Die Berliner Punkband Milliarden 

ist angetreten, ihre 

Heimatstadt zu porträtieren. 

Im Gegensatz zu ihrem Debüt 

Betrüger kommt sie auf ihrem 

Zweitwerk ohne griffige Parolen 

aus. Sie stellt den Fokus 

scharf und richtet ihn auf 

Menschen und Plätze, die in 

der Hektik des Alltags schnell 

mal übersehen werden. Laut 

eigenem Bekennen geht es 

Milliarden um die innere Architektur 

des Menschen. Mission 

accomplished. 

Wolf Kampmann 


73

Kolumne 

Laufbildkontrolle 

Cynthia Mort 

Nina 

Universum Film 

W W W 

Sophie Huber 

Blue Note Records – Beyond 

the Notes 

Mira Film 

W W W o 

Eric Friedler 

It must Schwing! The Blue 

Note Story 

Neue Road Movies 

W W W W W 

Norah Jones 

Live at Ronnie Scott’s 

Eagle Rock / Universal 

W W W 

Emma Franz 

Bill Frisell – A Portrait 

www.billfrisellfilm.com 

W W W W W 

Emile Parisien Quintet 

Sfumato live in Marciac w. 

Joachim Kühn 


W W W o 

Arno Oehri & Oliver Primus 

Open Land – Meeting John 

Abercrombie 


W W W o 

Lili Fini Zanuck 

Eric Clapton: Life in 12 Bars 

Universum Film 

W W W W W 

Nun liegt mit Nina, nach 2 Dokus, 

auch ein Biopic über Nina 

Simone vor. Die Geschichte von 

Jazz und Popmusik ist voll von 

charismatischen, widersprüchlichen, 

ja depressiven Charakteren. 

Von einem solchen 

erzählt das Drama, 2016 entstanden 

und erst kürzlich auf 

den deutschen Markt gekommen, 

recht gelungen. Ziemlich 

eigenwillig geht er doch wohl 

mit der Faktenlage um, was ihm 

Kritik einhandelte. Unbeeindruckt 

vom Gerangel um die 

Besetzung von Zoe Saldana 

(Avatar, Star Trek, Avengers 

etc.) als Hauptdarstellerin 

etc. schließe ich mich Ninas 

Wegbegleiter und Gitarristen 

Al Schackman an, der auch am 

Film mitarbeitete: Hut ab vor 

Frau Saldanas gesanglicher 

Leistung! 

Manche Autoren arbeiten 

am Rande der Fiktion, andere 

zeichnen gerne scharf und 

erzählen eng am Thema nach. 

Blue Note Records – Beyond 

the Notes der Schweizerin Sophie 

Huber bringt eine Menge 

Bilder, Musik, Interviews und 

Einsichten über die Bedeutung 

des emblematischen Labels. 

Mit Originalstimmen von 

Alfred Lion, Francis Wolff und 

Interviews mit Herbie Hancock, 

Wayne Shorter, Lou Donaldson 

und aktuellen Blue-Note-Stars 

wie Robert Glasper, Ambrose 

Akinmusire, Terrace Martin. 

Man zeigt Wertschätzung 

und erzählt vielfach gehörte 

Geschichten. Blue Note stand 

stets für die Freiheit der Kunst 

und dennoch knietief in unserer 

von Widersprüchen geprägten 

Welt von Rassismus, Kapitalismus 

und Flucht. 

Der zweite Blue-Note-Film 

nimmt sich des Lebens, Wirkens 

und Leidens der Gründer 

Lion und Wolff in wunderbar 

ungewöhnlicher Form an. 

Filmemacher Eric Friedler hat 

mit Produzent Wim Wenders ein 

kleines Meisterwerk des Genres 

geschaffen. It Must Schwing! 

erzählt das reale Märchen von 

zwei exilierten Jazzfanatikern in 

hochinteressanten Interviews, 

animierten Cartoon-Szenen und 

Original-Musikdokumenten, 

alles in exquisiter Optik. Die 

Animationen mischen sich in 

genau der richtigen Dosis in 

die Real-Szenen und wirken zu 

keiner Zeit despektierlich. Der 

Film ist informativ, unterhaltsam, 

ästhetisch wertvoll und sorgfältig 

recherchiert. Demnächst 

im Kino. 

Norah Jones Live at Ronnie 

Scott’s will uns zeigen, dass 

das Genre „Live auf DVD“ 

noch am Leben ist. Schön 

abgefilmt, jedoch ohne große 

Höhepunkte gehen fast 2 

Stunden Laufzeit mit neuen und 

alten Jones-Songs in Londons 

noblem Jazzclub ins Land. Ms. 

Jones ist ihr eigener Klassiker 

geworden, doch gelingt es ihr, 

bestrebt und selbstbewusst, 

wie sie ist, die Begrenztheit 

ihres pianistischen Repertoires 

zum ureigenen Markenzeichen 

zu machen. Engagiert zur Seite 

stehen ihr Brian Blade (dr) und 

Christopher Thomas (b). 

Emma Franz portraitiert in Bill 

Frisell – A Portrait einen lebenden 

Gitarristen, der an so vielen 

Produktionen amerikanischer 

Musik mitwirkte und noch mal 

so vielen zu mehr Bedeutung 

verhalf. Ob Bonnie Raitt, Paul 

Simon, Jim Hall, Joey Baron, 

Joe Lovano, Paul Motian, Ron 

Carter, John Abercrombie 

u.a., es sind sich alle einig – 

„careful and sensitive“ lebt 

dieser Genius in seiner Welt, 

dennoch stets im Hier und 

Jetzt und bereit, sich wie ein 

Kind zu wundern über Dinge, 

die ihm widerfahren. Gedacht 

als Portrait, weckt der Film 

Begeisterung für Musik an sich 

und gibt Einblicke in essenzielle 

Klangkunst. 

Manchmal ist es gut, beim Jazz 

Ohren- und Augenzeuge zu 

sein, z.B. als sich Emile Parisien 

2016 als Artist in Residence 

seine kolossale persönliche 

Allstarband zusammenstellen 

durfte. Sfumato live in Marciac 

verbindet auf schöne Weise die 

Moderne mit diesem speziellen, 

auf kuriose Weise allem französischen 

Jazz innewohnenden 

traditionellen Element. Eines 

der Highlights ist ein wie der 

Teufel swingender, schlagzeugloser 

„Temptation Rag“ 

mit Gastauftritt von Parisiens 

Mentor Wynton Marsalis. 

Nah beieinander, aber doch 

ganz anders: Open Land – 

Meeting John Abercrombie, 

das Portrait des kürzlich 

gestorbenen Gitarristen, kommt 

absichtsloser daher. Manche 

biografischen und Interview- 

Passagen haben Längen und 

leiden etwas unter Belanglosigkeit, 

gelungen mischt der Film 

jedoch viele von Johns meisterhaften 

ECM-Music-Scapes mit 

langsamen Landschafts- und 

Großstadtbildern, allen voran 

das großartig in den Abspann 

mündende „Timeless“. 

Und noch einmal Gitarre: 

Akribisch chronologisch wie 

lebendig erzählt Life in 12 Bars 

das Leben eines Gitarrengottes 

und erweckt stille und bewegte 

Super-8-Bilder zum Leben. 

Eric Clapton und die mit ihm 

befreundete Filmproduzentin Lili 

Fini Zanuck waren sich schnell 

einig darüber, dass es „no talking 

heads“ geben sollte, und 

genau das macht den Film so 

spannend; nur zu Beginn sieht 

man den aktuellen Eric, dann 

verschwindet er als Erzählstimme 

ins Off, hinter das auf Dachböden 

aufgestöberte private 

Archivmaterial. Unzählige musikalische 

Dokumente machen 

den Film zu einer spannenden 

Reise in die Vergangenheit des 

stilprägenden Musikers, auf der 

man, manchmal schonungslos 

offen, „Dinge entdeckt, die man 

noch nicht wusste“. 

Jan Kobrzinowski 


sangsstil, der von hauchdünnen 

Balladen zu lebhaften Hymnen 

wechseln kann. Sie dominiert 

viele der Stücke und behauptet 

sich gegen den Bandoneonisten, 

dessen Instrument im argentinischen 

Tango ja eine Schlüsselrolle 

spielt; gegen Makaroff, 

der zwischen akustischen und 

elektrischen Gitarren wechselt, 

sowie gegen eine eindringliche 

Rhythmusgruppe mit Müller 

hinter den Keyboards, die für so 

manche Effekte und pochende 

elektronische Percussion sorgt. 

Leider sind einige der Arrangements 

dann doch etwas simpel. 

Doch wie das Gotan Project bietet 

auch Plaza Francia dem Fan 

des Electro-Tango eine exotische 

und suggestive Atmosphäre, perfekt 

für romantische Tagträume 

und heiße Sommerabende. 

Olaf Maikopf 


Peter Gall 

Paradox Dreambox 

Traumton / Indigo 

W W W W 

Auf über 30 Alben ist der 

deutsche Drummer Peter Gall zu 

hören, unter anderem im Trio mit 

seinem Bruder, dem Pianisten 

Chris Gall, sowie in diversen 

Bands um den Trompeter Magnus 

Schriefl. Mit Paradox Dreambox 

legt der 35-jährige Absolvent 

der Hochschule der Künste Berlin 

und der Manhattan School of 

Music sein Debüt als Bandleader 

vor. Dass er dort nicht 

nur Schlagzeug, sondern auch 

Komposition studiert hat, kommt 

auf diesem außerordentlich reif 

wirkenden Erstling mehrfach 

zum Tragen: Auf keinem der zehn 

Stücke, die Gall eigens für diesen 

Anlass geschrieben hat, spielt er 

sich in den Vordergrund; vielmehr 

gibt er seinen befreundeten Mitstreitern 

Wanja Slavin (sax, synth, 

fl, cl), Rainer Böhm (p, synth) und 

Matthias Pichler (b), verstärkt um 

den niederländischen Gitarristen 

Reinier Baas, großzügig Raum, 

während er als Autor und Dirigent 

hinter der Combo rhythmische 

Netze knüpft und metrische 

Fäden zieht. Synthesizer, auch 

von Gall persönlich bedient, 

eröffnen eine weitere Dimension: 

Imaginäre Klangfarbenmodulationen 

rücken die vorangegangenen 

Progressionen von „4 West“ oder 

dem Auskl ang „Ambrilla“ in ein 

neues Licht. Was im eröffnenden 

Titeltrack mit kristallinem Flirren 

hypermotorisch und postmodern 

beginnt, entwickelt sich rasch 

zu einem hoch melodiösen 

Tune, dem man fast schon die 

vertrauten Züge eines Standards 

attestieren muss. Das Highlight 

des Albums befindet sich als 

Centertrack aber dennoch 

inmitten der Playlist: Tatsächlich 

beruht das kantable „Yellow 

Heaven“ auf einem Song mit Text, 

der aber mit diesem Instrumental 

Privatsache bleibt. 

Harry Schmidt 


Haruomi Hosono 

5 Original Albums 

Light in the Attic / Cargo 

W W W W o 

Die Alben von Haruomi Hosono, 

Gründer des Yellow Magic 

Orchestra, gab es bisher nur in 

Japan oder über verschlungene 

Wege. Nun bringt das Reissue- 

Label Light in the Attic gleich 

fünf charakteristische Alben 

von Hosono auf den westlichen 

Markt. Fünf Jahre vor dem 

YMO nahm Hosono sein erstes 

Soloalbum Hosono House auf. 

Kurz zuvor hatte er in L.A. Van 

Dyke Parks, Ry Cooder und den 

Americana Sound kennengelernt. 

Diese Begegnung, vereint mit 

seiner Sicht von Calypso, New 

Orleans Cajun und Rumba lässt 

sein Debüt heute noch aufregend 

vibrieren. In den folgenden 

Jahren lebte Hosono seine 

Obsession für Martin Dennys 

Exotica, Sly Stone, balinesische 

und japanische Perkussion aus, 

kongenial kulminiert im traumhaften 

Paraiso. Parallel dazu brachte 

Hosono 1978 Cochin Moon, das 

klingende Tagebuch seiner Reise 

durch Indien, heraus. Erstmals 

verwendete Hosono hier einen 

Synthesizer in seiner Musik. Die 

war nun komplett experimentell. 

Während der Reise gefundene 

Klänge und Feldaufnahmen wurden 

mit Ideen des Krautrock und 

blubbernden Sequenzersounds 

von Hosono zu einer völlig neuen 

„Sightseeing-Music“ verkapselt, 

die den Hörer an einen fremden 

Ort bringt, der so vorher nicht 

existierte. Für vier Jahre konzentrierte 

sich Hosono nun ganz auf 

die Arbeit mit dem YMO. Erst 1982 

erschien Philharmony, ein Meisterwerk, 

das fast ausschließlich 

von Hosono selbst in seinem 

brandneuen LDK Studio mit einer 

Reihe von Synthesizern und den 

neuesten Gadgets eingespielt 

wurde. All diese Erfahrungen und 

Ideen betrachtete er sieben Jahre 

später auf Onni Sight Seeing, 

einer musikalischen Reise um die 

Welt, durch sein kaleidoskopisches 

Objektiv. Weltmusikalische 

Momente aus der arabischen 

Kultur und der japanischen 

Minyo setzte Hosono nun mit 

dem amerikanischen Swing 

und seiner eigenen außerirdischen 

„Ether-Music“ zu einem 

unverkennbaren eklektischen 

Hosono-Sound zusammen. 

Olaf Maikopf 


Protoje 

A Matter of Time 

Mr Bongo / Harmonia Mundi 

W W W 

Protoje heißt eigentlich Oje Ken 

Ollivierre und ist ein Roots- 

neW 

releases 

DT9079 

IngI BJarnI 

trIo 

Fundur 

DT9081 

Joey 

CalDerazzo 

Live From 

The Cotton Club, 

Tokyo 

distributed by 

Dot time records 

Bremen 

info@dottimerecords.com 

JazzthetIk 09/10-2018 75 

www.dottimerecords.com

Tonspuren 

raunender Elektronik oder 

träumerisch-melancholischen 

TripHop-Trips. Die üblichen Vergleiche 

der Journalisten reichen 

von Sax-Ikone John Coltrane bis 

hin zu den Heavy-Legenden von 

Black Sabbath und von Miles 

Davis bis zum Krautrock. Get the 

Blessing haben definitiv einen 

Nerv getroffen. 



über sich hinauswächst und 

beim Publikum völlig zu Recht 

Begeisterungsstürme hervorruft. 

Schön, dass man das jetzt 

alles auch auf einem Tonträger 

genießen kann. Im Booklet zitiert 

Brennan das alte irische Sprichwort 

„You don’t need to be crazy 

to be an artist – but it helps“ und 

er sieht erschüttert ob seiner 

eigenen Courage, dass nur der, 

der wagt, auch gewinnen kann. 

Chapeau! 

Rolf Thomas 


Reggae-Künstler aus Jamaika. 

Aber einer von heute, der seine 

Botschaften in urbane, gerne 

auch pop-affine Gewänder zu 

verpacken weiß. Will sagen: 

Die Band groovt sehr kultiviert, 

so dass sich Protojes unerbittlicher 

Sprechgesang in einem 

anregenden Flow entfaltet. Eben 

um das Publikum zu packen und 

dann auch empfänglich für die 

Botschaft werden zu lassen. 

Denn Protoje geht es um die 

bittere Wirklichkeit an jenem 

sozialen Brennpunkt, zu dem 

sich die Insel Jamaika immer 

mehr entwickelt. Auch hier 

lässt der Turbo-Kapitalismus 

die Massen verelenden, gerade 

in den beiden aus den Nähten 

platzenden Metropolen Kingston 

und Montego Bay. Reiche 

verbrennen ihren Wohlstandsmüll 

dort, wo die Abgehängten 

ums Überleben kämpfen. Protoje 

wurde gewarnt, dass er durch 

die Veröffentlichung solcher 

Texte sein eigenes Leben 

gefährde. Das schreckte den 

unbeugsamen Jamaikaner nicht. 

Seitdem erstürmt das Stück 

„Blood Money“ die Billboard- 

Charts – übrigens ist dies auch 

die stärkste Nummer auf diesem 

Album. Reggae heißt, dass sich 

politische Botschaften mit friedlicher 

Gelassenheit artikulieren. 

Manchmal geschieht das auf 

diesem Album in zu poppiger 

Glätte, wo einige Stücke doch 

mehr vom eindringlichen Biss 

des besagtem „Blood Money“ 

vertragen könnten. Dennoch: 

Man mag beim Hören dieses 

zeitgemäßen Reggae mit 

fließenden Grenzen zu Rap und 

Dub nicht gerne alleine zu Hause 

bleiben. Denn diese Sounds und 

Riddims verlangen nach Hören, 

Tanzen, Fühlen. Schön, wenn so 

etwas dann auch mal mit kritischem 

Gedankengut einhergeht! 

Stefan Pieper 


Get the Blessing 

Bristopia 

Kartel / Indigo 

W W W W 

Seit fast 20 Jahren spielt das 

Quartett Get the Blessing 

aus Bristol in unveränderter 

Besetzung zusammen. Die 

beiden Bläser Jake McMurchie 

(sax) und Pete Judge (tp) sowie 

Jim Barr (b) und Clive Deamer 

(dr), das Rhythmusgespann 

der Band Portishead, erfanden 

1999 den Jazzrock 2.0 aus dem 

Geiste des TripHop – und das 

Ganze funktioniert noch heute. 

Schnarrende Bläsersätze, 

knappe, schmucklose Themen, 

ekstatische Saxofonsoli, kompakte 

Rhythmusfiguren – die 

harte Gangart („If It Can It Will“, 

„Cellophant“) schlägt Brücken 

zwischen Ornette Colemans 

Free Funk und einem heftigen 

Bass- und Synthesizer-Rock. 

Die weichere Variante der 

Bandsprache („Cococloud“, 

„Sunwise“) geht dagegen 

mehr ins Atmosphärische – mit 

poetischen Trompetentönen, 

Pago Libre & Friends 

Got Hard 

Leo / Galileo 

W W W o 

Der Mann ist komplett wahnsinnig: 

Für das Schweizer Festival 

Alpentöne schuf der Schweizer 

Ire John Wolf Brennan ein 

gigantisches Werk, das vom 

24-köpfigen Alpentöne Blasorchester, 

seinem Quartett Pago 

Libre, drei zusätzlichen Solisten 

– Christian Zehnder, Christy 

Doran und Patrice Héral – sowie 

sechs Musikern der Irish World 

Academy of Music and Dance 

musikalisch umgesetzt wurde. 

Was noch viel erstaunlicher ist: 

Die insgesamt über 35 Musiker 

kommen sich kaum ins Gehege, 

und es gibt sogar viel Raum für 

intime Momente – ein besonders 

schöner in der „ma/thema/gical 

fortspinnung“ zwischen Brennan, 

Doran und Héral. Brennan 

erkennt Zusammenhänge zwischen 

alpiner Musik und irischer 

Folklore, besonders hübsch in 

„GruyAIR“, das die Melodie 

von „Au pays de Gruyère“ in 

einen irischen Air überführt und 

Christian Zehnder zu gewagter 

Vokalartistik ermuntert. Zum 

Schluss werden sämtliche 

großorchestralen Kettenhunde 

von der Leine gelassen und Dave 

Brubecks Mega-Hit „Take Five“ 

dient als Ausgangspunkt für 

das euphorisch übersprudelnde 

„Fake Five“, bei dem das ABO 

Trondheim Voices 

Rooms & Rituals 

Grappa / Galileo 

W W W W o 

Rooms & Rituals bietet Musik, 

die einen als HörerIn dazu 

bringen kann, der Welt um einen 

herum anders und intensiver zu 

lauschen: ein- und auszoomen 

auf bestimmte Umgebungsgeräusche, 

sie ineinander übergehen 

lassen, sich hineinsinken 

lassen etc. Ähnliches passiert 

hier in der Musik, allerdings 

mithilfe verfeinerter Technologie, 

die Klang im Live-Geschehen 

mehr als verformen und loopen 

kann. Sie kann Klang durch den 

Raum wandern lassen, kann ihn 

tiefer in den Raum projizieren 

oder näher herankommen lassen, 

und zwar so, dass jede der 

neun weiblichen Stimmen dies 

mit einem mobilen Apparat am 

Körper, dem Maccatrol, während 

der Aufführung selbst kontrollieren 

und verändern kann. Der 

Maccatrol ist eine Entwicklung 

des Toningenieurs Asle Karstad, 

der den Trondheim Voices seit 

Jahren als Mitglied eng verbunden 

ist. Mithilfe der Maccatrols 

können die VokalistInnen genau 

das in höchster Verfeinerung 

effektiv realisieren, was man 

beim mitgestaltenden Hören 

gerne hinkriegen würde. 


Mit dieser Technologie sind 

höchst wundersame magische 

Räume und Klangwelten mit 

einer einzigartigen kosmischen 

Dynamik und Poesie entstanden, 

die ihren sorgfältig gewählten 

Niederschlag in den zwölf 

Stücken des Albums gefunden 

haben. Alles ist live an verschiedenen 

Orten aufgenommen und 

nicht mit Overdubs im Nachhinein 

bearbeitet worden. Zwei 

der Stücke, „Hymn“ und „Berlin 

Memorial“, wurden auf dem 

letztjährigen Berliner JazzFest 

bei einem Konzert in der Kaiser- 

Wilhelm-Gedächtniskirche 

aufgenommen. 

Henning Bolte 


Trio Elf & Marco Lobo 

The Brazilian Album 

Yellowbird / Soulfood 

W W W W 

Seit einiger Zeit spielt das 

deutsche Trio Elf mit dem Brasilianer 

Marco Lobo zusammen, 

tourt mit ihm durch Europa. 

Für das gemeinsame Brazilian 

Album konnten sie neben dem 

berühmten Perkussionisten 

gleich fünf wunderbare brasilianische 

Sängerinnen gewinnen, 

darunter Margareth Menezes, 

Virginia Rodriguez und Maria 

Gadú. Im Zentrum der Musik 

stehen hier die Provinz Bahia 

und deren vielfältige kulturelle 

und religiöse Strömungen, wie 

die von afrikanischen Wurzeln 

geprägte Candomble mit 

ihrer Orisha (Göttin) Nana. Die 

Candomble fußt auf den Riten 

der Bantu und steht von allen 

afrobrasilianischen Religionen 

den westafrikanischen 

Praktiken am nächsten. In ihrer 

rituellen Musik werden drei 

verschiedene Trommeln sowie 

pentatonische und hexatonische 

Tonleitern eingesetzt. Damit arbeiten 

hier auch das Trio Elf und 

Marco Lobo, verbinden diese 

sogar mit heutigem Drum‘n‘Bass 

und Dub-Momenten. Doch meist 

singen die fünf Sängerinnen die 

Texte von Roque Ferreira, Paulo 

Cesar Pinheiro und Milton Nascimento 

über Sklaverei, Mythen 

oder die politischen Zustände 

zu Zeiten der Militärdiktatur 

zu einem akustisch gespielten 

Jazz-Brasil-Konglomerat unter 

Verwendung des umfangreichen 

brasilianischen Perkussionsrepertoires. 

Ganz feine Fusion – 

weit abseits der sonst häufig bei 

uns zu hörenden Klischees von 

Samba und Bossa Nova. 

Olaf Maikopf 


Tia Fuller 

Diamond Cut 

Mack Avenue / In-Akustik 

W W W W 

Bei der Art und Weise, wie die 

amerikanische Saxofonistin Tia 

Fuller sich auf der Vorder- und 

vor allem der Rückseite ihrer 

neuen CD präsentiert, müsste eigentlich 

jede Feministin weinend 

davonlaufen. Wie man mit einem 

sexy Image spielt, hat sie wohl 

von ihrer Arbeitgeberin Beyoncé 

gelernt, aber hier soll es ja um 

die Musik gehen. Und die ist über 

jeden Zweifel erhaben. Unterstützt 

wird Fuller auf Diamond 

Cut von den Schlagzeugern Jack 

DeJohnette, Bill Stewart und 

Terri Lyne Carrington, den Bassisten 

James Genus und Dave 

Holland sowie dem Gitarristen 

Adam Rogers, also der ersten 

Riege der US-Jazz-Szene. Den 

Löwenanteil der zwölf Songs 

hat die Saxofonistin selbst 

geschrieben und die drei Cover 

zeugen von einem exquisiten 

Geschmack: Mal Waldrons „Soul 

Eyes“ klingt sinnlich wie selten, 

Cole Porters „I Love You“ ist von 

PDF in 4c 


Kolumne 

Soul Voices 

Michael Franks 

The Music in My Head 

Shanachie / In-Akustik 

W W W W 

Inger Marie 

Feels Like Home 

Stunt / In-Akustik 

W W W o 

José James 

Lean on Me 

Blue Note / Universal 

W W W W 

Kandace Springs 

Indigo 

Blue Note / Universal 

W W W W 

Basia 

Butterflies 

Shanachie / In-Akustik 

W W W o 

Fola Dada 

Earth 

Künstlerhafen / Edel:Kultur 

W W W W 

Ed Motta 

Criterion of the Senses 

Must Have / Membran 

W W W o 

Roger Nichols 

& The Small Circle of Friends 

Tapete / Indigo 

W W W W W 

The Music in My Head wäre 

auch ein passender Untertitel 

für diese Kolumne, ist aber der 

Name des achtzehnten Albums 

in 45 Jahren von Michael 

Franks. Sieben Jahre nach 

seinem letzten Werk Time Together 

macht Franks auch jetzt 

keine neue Musik – was in seinem 

Fall auch nicht nötig ist. 

Denn als Komponist und Sänger 

schuf der in der Nähe von 

Woodstock lebende Altmeister 

mit Leuten wie Ben Sidran und 

Jon Mark ein eigenes, „Quiet 

Storm“ genanntes Genre. Und 

so lässt er auch auf der neuen 

Platte R&B, Jazz-Fusion und 

Popmusik wunderbar miteinander 

flirten. Franks Melodien 

fließen weiterhin mühelos ins 

Ohr, und dazu die dezente, 

sanfte Dynamik, die langsamen 

Tempi und entspannten Rhythmen, 

das macht immer noch 

Gänsehaut. 

Besonders in Ostasien ist 

die Norwegerin Inger Marie 

recht populär, ihr Debüt-Album 

stieg dort bis an die Spitze 

der Jazzcharts. Was nicht 

verwundert, hat sie doch eine 

ganz eigene Stimme – dunkel, 

warm, herzlich und mitreißend, 

mal schwebend, mal rau. Auf 

Feels Like Home singt sie 

Pop- und Rock-Songs wie Otis 

Reddings’ „Sittin‘ on the Dock 

of the Bay“, aber auch Abbas 

„When All Is Said and Done“ 

und „Long As I Can See the 

Light“ von CCR. Dieses Material 

verwandelt die ehemalige 

Bigbandsängerin mit ihren 

Musikern in tiefgehende, meist 

jazzige Interpretationen. Doch 

irgendwie hat man das so ähnlich 

schon zu häufig gehört, 

und darum hätte etwas Lust 

auf ein Wagnis sicher nicht 

geschadet. 

Einen Ruf als hervorragender 

Jazzsänger hat sich José 

James längst erworben. Mit 

Lean on Me bietet er seine 

ehrfurchtsvolle, aber weitreichende 

Interpretation von Bill- 

Withers-Klassikern wie „Ain‘t 

No Sunshine“, „Use Me“ und 

„Just the Two of Us“. Indem 

er Withers, der mit seinen 

Liedern Millionen von Herzen 

berührte, zwingend zeitgenössisch 

erforscht, offenbart 

er eine tiefe musikalische 

Wertschätzung. 

Prince war ein Fan der jungen 

Sängerin und Pianistin 

Kandace Springs. Auf ihrem 

zweiten Album Indigo bleibt 

sie sich einerseits treu, singt 

viele Midtempoballaden über 

klavierverankerten geschmackvollen 

Arrangements, 

bietet nun aber auch luftige 

Dancehall-Beats, bei „Unsophisticated“ 

einen Auftritt des 

Flügelhornisten Roy Hargrove, 

und sogar Rachmaninoff wird 

kurz zitiert. In der Summe eine 

gelungene, verführerische und 

erwachsene Platte einer Musikerin, 

die sich ihrer Talente 

bewusst ist. 

Der brasilianisch infizierte 

Jazz-Pop begann nicht mit 

Basia und ihrer einstigen Band 

Matt Bianco, bereits zwanzig 

Jahre zuvor legten Sergio 

Mendes & Brasil ‚66 den 

Grundstein. Allerdings ist nun 

auf Butterflies der Jazzanteil 

präsenter. Die Produktion wird 

durch mehr akustische Elemente 

reduziert, der Jazz dadurch 

leichter identifizierbar. 

Was in diesem Fall „Swing“ 

wie im Stück „Be.Bop“ bedeutet. 

Aber dann gibt es noch das 

chinesisch inspirierte Stück 

„Liang & Zhu“, bei dem Basia 

mit ostasiatischer Violine eine 

hübsche asiatische Stimmung 

kreiert. 

Ihre Arbeiten für Helmut Hattler 

und die SWR Bigband sind 

bekannt. Auf Earth, dem Solodebüt 

der nigerianisch-deutschen 

Jazz- und Soulsängerin 

Fola Dada lässt sie ihr eigenes 

musikalisches Herz schlagen. 

Zu hören gibt es erwachsen 

wie gleichzeitig ungemein entspannt 

klingende Songs, die 

Fola und ihr Pianist Ulf Kleiner 

im Spektrum zwischen Jazz, 

Soul, etwas Reggae bis hin zu 

clubtauglicher Tanzmusik im 

meist warmen Vintage-Soundcharakter 

arrangierten. 

Mit AOR huldigte der voluminöse 

Brasilianer Ed Motta vor 

fünf Jahren dem Genre Adult 

Orientated Rock und brachte 

anschließend ein straight jazzsouliges 

Album heraus. Auf 

Criterion of the Senses folgt er 

nun wieder seiner eigentlichen 

Leidenschaft und präsentiert 

Songs, die in Eleganz und 

Beschwingtheit mit seinem 

Vorvorgänger mithalten, 

allerdings fehlt diesmal ein 

zwingender Hit. 

Ein großer Hitschreiber war 

Roger Nichols, dessen Songs 

für The Carpenters, Dionne 

Warwick oder Herb Alpert 

auf vordersten Chartplätzen 

landeten. 1968 erschien mit 

The Small Circle of Friends auf 

A&M sein eigenes Album. Das 

ist inzwischen rar, Originale 

müssen teuer bezahlt werden. 

Da kommt die liebevoll 

gemachte und preiswerte 

Neuausgabe (natürlich auch 

auf Vinyl mit Bonus-Single) 

des Hamburger Labels Tapete 

genau richtig. Nun kann 

das initiierende Album des 

kalifornischen Sunshine-Pop 

mit den so locker pulsierenden 

leichten Arrangements und 

üppigen Gesängen, an dem die 

großartigen Innovatoren Van 

Dyke Parks und Tommi LiPuma 

beteiligt waren, von der nachgewachsenen 

Yacht-Rock- 

Gemeinde entdeckt werden. 

Olaf Maikopf 

78 


kühler Eleganz – und so wollte 

Porter seine Songs auch verstanden 

wissen –, und den Buddy- 

Johnson-Song „Save Your Love 

Me“, den einst Nancy Wilson 

berühmt machte, nutzt Fuller für 

einfallsreiche Saxofon-Girlanden 

quer durch die Skalen. Das halbe 

Song-Dutzend, das Fuller mit dem 

einmaligen Rhythmus-Tandem 

Holland/DeJohnette eingespielt 

hat, ist von überragender 

Delikatesse – wahrlich „a dream 

come true“, wie die Saxofonistin 

in den Danksagungen auf dem 

Innencover der CD schwärmt. 

Rolf Thomas 


Tower of Power 

Soul Side of Town 

Artistry / In-Akustik 

W W W W o 

1968 waren viele der aufstrebenden 

Bläserbands, die Rock spielten, 

vom Jazz beeinflusst: Blood 

Sweat & Tears, Chicago Transit 

Authority, Flock und Dreams. 

Und dann war da noch Tower of 

Power, eine Band, die auf das 

Soul-Funk-Feeling der Mar-Keys, 

des James Brown Orchestra und 

anderer R&B-Horn-Sektionen 

abgestimmt war. Das Besondere 

an Tower of Power war die 

kompakte Bläserabteilung um 

die Saxofonisten Emilio Castillo 

und Stephen „Doc“ Kupka, der 

leidenschaftliche Gesang und 

der herausragende Schlagzeuger 

David Garibaldi. Schon auf 

ihrem Debüt East Bay Grease 

huldigte die Band sowohl dem 

schmierigen Oakland-Sound 

als auch der erdigen Seele von 

Memphis. Als wäre kaum Zeit 

vergangen, zelebrieren ToP auf 

ihrem 25. Album, mit dem sie 

in diesem Jahr ihr 50-jähriges 

Jubiläum feiern, eine kochende 

Funk-Verschmelzung von Soul, 

Vintage R&B, Groove, Jazz und 

Rock. Bestehend aus lebhaften 

funky und aufwendig gewobenen 

Songs, die eine große Bandbreite 

an Musikalität aufweisen, 

taucht Soul Side of Town in den 

goldenen Kanon ihrer Klassiker 

ein. Ein phänomenales Album mit 

einer unglaublichen Sammlung 

roher, kantiger, pausenlos groovender 

Melodien, das zweifelsfrei 

das 50-jährige Bestehen 

von Tower of Power rechtfertigt. 

Worüber Gründungsmitglied, 

Komponist und Saxofonist Emilio 

Castillo kürzlich augenzwinkernd 

reflektierte: „50 Jahre zusammen 

feiern ist wirklich eine surreale 

Erfahrung.“ 

Olaf Maikopf 


Jan Pascal & Alexander Kilian 

Café del Mundo 

Beloved Europa 

GLM / Soulfood 

W W o 

Die beiden Gitarristen Jan Pascal 

und Alexander Killian genießen 

schon ein gutes Jahrzehnt lang 

eine ansehnliche Reputation in 

der europäischen Szene. Eigentlich 

vom Flamenco her kommend, 

kreuzten sich ihre Wege bereits 

mit Jazz-Größen wie dem 

Trompeter Joo Kraus und dem 

Saxofonisten Mulo Francel. Auf 

ihrem aktuellem Album Beloved 

Europa lassen sie sich auf eine 

Gratwanderung zwischen Kunst 

und Kommerz ein, die nicht 

immer gelingt. So durchzieht die 

ersten drei Stücke ein permanenter 

dumpfer Bass-Drum-Beat. 

Auch melodisch ist die Musik zu 

berechenbar, um zu überzeugen. 

Doch dann reißen die beiden 

Gitarristen in dem Track „Dance 

of Joy“ den Kurs herum. Da entlocken 

die beiden ihren Gitarren 

perkussive Klänge und vertrackte 

Rhythmen und lassen die ersten 

Stücke wie Aufwärmübungen 

erscheinen. Wie gut die beiden 

Musiker sind, wenn sie Pop- 

Klischees hinter sich lassen, wird 

aber erst in „Oblivion“ deutlich. 

Das ist Flamenco-Gitarre mit Melodien 

voller lyrischer Schönheit 

– Musik, die atmet. Auch Astor 

Piazzollas „Libertango“ meistern 

Pascal und Killian souverän. Ein 

weiteres Highlight ist der Gastauftritt 

von Rosario La Tremendita 

in „Una Escalera de Vidrio“. 

Umso problematischer erscheinen 

dagegen die Zugeständnisse 

an die Pop-Kultur in vielen 

anderen Stücken dieses Beloved 

Europa. Das ist kein Weg zu neuen 

künstlerischen Ufern, sondern 

reines Kalkül und Anbiederung 

an den Zeitgeschmack. 



Denny Zeitlin 

Wishing on the Moon 

Sunnyside / GoodToGo 

W W W W o 

Fast zehn Jahre alt ist das 

Material dieses Live-Albums des 

US-amerikanischen Pianisten, 

der auch als Psychiater an der 

University of California unterrichtet. 

Mitgeschnitten im Dizzy’s 

Club Coca Cola, dem als allseits 

anerkannte Institution schon seit 

Langem weit vor dem Blue Note 

rangierenden Mekka der New 

Yorker Jazz-Szene im Lincoln 

Center, dokumentiert Wishing on 

the Moon die bemerkenswerten 

Live-Qualitäten eines Klaviertrios, 

dessen Interplay bereits zu diesem 

Zeitpunkt ein Niveau erreicht 

hatte, von dem viele andere nur 

träumen. Acht Jahre bestand die 

Working-Band mit dem Bassisten 

Buster Williams und dem Schlagzeuger 

Matt Wilson damals schon. 

Dreimal kommt Zeitlin auch als 

Komponist zum Tragen – neben 

dem balladesken Titelstück mit der 

vierteiligen Suite „Slickrock“ und 

dem zwischen Funk- und Swing- 

Time alternierende „There and 


Kolumne 

Chet Baker 

The Thrill Is Gone – The 

Complete Studio Master Takes 

1952-1956 (10 CDs) 

Le Chant du Monde / Harmonia 

Mundi 

W W W W 

Chet Baker 

Rebel at Work – The Complete 

Studio Master Takes 1956-1959 

(10 CDs) 


Mundi 

W W W W 

Chet Baker 

Chet Baker Sings – The Complete 

Vocal Studio Recordings 

1953-1962 (3 CDs) 


Mundi 

W W W W 

Die drei massiven Boxen mit 

zusammen 23 CDs, die in diesem 

30. Jahr nach Chet Bakers 

Tod erscheinen, umfassen das 

Werk des Trompeters zwischen 

1952 und 1959; dazu kommen 

„Overdub Sessions“ von 1962: 

Zu einigen Gesangsaufnahmen 

von Baker mit seinem Quartett 

aus den fünfziger Jahren wurden 

Einspielungen des Gitarristen 

Joe Pass hinzugefügt. Die 

ganze Tragik von Bakers Leben 

zeigt sich schon im ersten Jahrzehnt 

seines Schaffens. Wegen 

seiner Drogenabhängigkeit 

zerbricht die Freundschaft 

mit dem gleichfalls süchtigen 

Gerry Mulligan, der Pianist 

Russ Freeman verabschiedet 

sich aus Bakers Quartett, weil 

dessen Chef sich mehr für 

Frauen und schnelle Autos 

interessiert als für seine Musik; 

und Freemans Nachfolger Dick 

Twardzik wird während Bakers 

erster Europa-Tournee in einem 

Pariser Hotel mit der Heroin- 

Spritze im Arm tot aufgefunden. 

Baker selbst hatte immer 

Kontakt mit drogenabhängigen 

Kollegen gesucht und landete 

schon damals mehrfach sowohl 

in Amerika wie auch in Europa 

im Gefängnis. 

In den Liner Notes zu den 

drei Boxen wird das alles 

ausführlich erzählt. Die Musik 

umfasst die ersten sensationell 

erfolgreichen Einspielungen 

mit dem pianolosen Gerry 

Mulligan Quartet und diverse 

Aufnahmen von Baker-Combos 

in verschiedenen Besetzungen, 

einige davon mit Streichern (die 

komplette Chet Baker Sings 

and Plays With Bud Shank, 

Russ Freeman & Strings zum 

Beispiel). Der Großteil der 

Platten wurde in Los Angeles 

aufgenommen, aber es gibt 

auch schon Einspielungen aus 

Paris und Mailand mit europäischen 

Jazzmusikern. In den Boxen 

enthalten sind so populäre 

und erfolgreiche LPs wie The 

Chet Baker Quartet featuring 

Russ Freeman, Playboys mit Art 

Pepper, Embraceable You oder 

Chet Baker and His Quintet 

with Bobby Jaspar (die auch 

einmal unter dem Namen Alone 

Together auf dem Markt war). 

Zu beklagen ist in der Baker- 

Story, dass es keine Tonträger 

von seiner Arbeit mit Charlie 

Parker gibt. Der junge Trompeter 

hatte im April 1952 bei 

dem in Los Angeles gastierenden 

Großmeister vorgespielt 

und war anschließend eine 

Zeit lang als ein Nachfolger 

von Miles Davis Mitglied in 

Reissue 

Wonderland 

Back“. Zur Eröffnung stellen sie 

mit Cole Porters „All of You“ ihre 

Standardkompetenz unter Beweis 

und erwerben sich das Vertrauen 

des Publikums, das man in Pausen 

applaudieren hört. Als Pianist zeigt 

sich Zeitlin an klassischen Jazz- 

Vorbildern orientiert: Bill Evans, 

Lennie Tristano, Bud Powell. Bei 

aller technischen Brillanz und 

Raffinesse wirkt Zeitlin nie angestrengt 

oder exaltiert, sein Spiel 

niemals anstrengend oder selbstgefällig. 

Statt Virtuosität auszustellen, 

nutzt er „Sprungbretter für 

die Improvisation“, wie Zeitlin das 

nennt. Verheimlichte Klaviertrio- 

Sternstunde alter Schule. 

Harry Schmidt 


Lynne Arriale Trio 

Give Us These Days 

Challenge / In-Akustik 

W W W W 

Keith Jarrett und Herbie Hancock 

sei Dank. In jungen Jahren entdeckte 

die ursprünglich klassisch 

ausgebildete Pianistin Lynne 

Arriale den Jazz für sich. Die 

Amerikanerin kann inzwischen 

auf ein Vierteljahrhundert des 

Profi-Daseins zurückblicken. Der 

deutsche Vibraphonist Wolfgang 

Lackerschmid und der Trompeter 

Randy Brecker gehörten zu ihren 

Session-Partnern. Die Pianistin 

lässt sich keiner Sparte eindeutig 

zuordnen. Die Trio-Besetzung 

herrscht bei vielen ihrer Projekte 

vor, wird aber auch schon mal 

verlassen. Obwohl sie eine überaus 

fähige Komponistin ist, bearbeitet 

sie gerne Pop-Klassiker. 

Und so eröffnet sie ihre neue CD 

mit einer energetischen Version 

von Joni Mitchells „Woodstock“. 

Die Melodie wird zwar angespielt, 

ist aber eigentlich nur ein 

Sprungbrett für die lebendigen 

solistischen Interaktionen, in denen 

besonders Drummer Jasper 

van Hulten den Trio-Sound mit 

einer guten Portion Rock-Power 

würzt. Im Songbook anderer Leute 

rumzustöbern ist aber nur eine 

Nebenbaustelle von Arriale. Das 

Stück „Appassionata“ wird von 

Drummer van Hulten im rasanten 

Dreivierteltakt angeschoben. 

Es entfaltet in seiner Melodik 

und Rhythmik ein regelrecht 

andalusisches Temperament. 

Lobenswert, wie die Musikerin 

ihren beiden Mitstreitern dabei 

stets Raum für eigene Improvisationen 

lässt. Leichtgewichtige 

Klänge wie in „Finding Home“ 

wechseln sich ab mit modalen 

Stimmungsbildern wie dem 

Titelsong. „Slightly off Center“ 

ist im Gegensatz dazu erdiger 

bluesiger Swing, den die Band 

mit viel Spielfreude umsetzt. Hier 

brilliert Bassist Jasper Somsen. 

Lediglich die Umsetzung des 

Beatles-Klassikers „Let It Be“ 

fällt etwas unspektakulär nach 

unten ab. Ansonsten ist Give Us 

These Days ein vitales Jazz- 

Statement. 



Sungjae Son 

Near East Quartet 


W W W W 

ECM goes East! Seit 2009 ist 

das Near East Quartet treibende 

Kraft in Koreas kreativer Musikszene. 

Sungjae Son, Saxofonist 

und Bassklarinettist der Band, 

und Gitarrist Suwuk Chung 

trafen sich im Ausland, als die 

beiden Koreaner in Boston 

studierten. Musikalisch lagen sie 

weit auseinander, da der Saxofonist 

zu der Zeit total im Bebop zu 

Hause war, der Gitarrist dagegen 

in Fusion und Third Stream. 

Unter anderem gehörte George 

Russell zu seinen Lehrern. Erst 

als beide wieder nach Korea 


Parkers Quintett. Das brachte 

dem Neuen auch den Respekt 

der Hardcore-Jazzgemeinde. 

Baker wurde popstarhaft 

bekannt, weil er sich auch als 

Sänger profilierte. Dabei hatte 

der Trompeter eine flache, 

zerbrechliche Stimme. Die 

aber konnte er ebenso sicher 

einsetzen wie sein Instrument. 

Der Produzent Dick Bock hatte 

den „rising star“ zum Singen 

animiert; er versprach sich 

davon maximalen Erfolg beim 

weiblichen Publikum. So kam 

es auch, zudem wurde Baker 

ein Idol der Gay Community. 

Später ermöglichte die Singerei 

Baker Konzerte und Tourneen, 

als er seine Trompete wegen 

seiner Zahnprobleme nur 

begrenzt spielen konnte. 

Weil er in den USA als eine 

Art Drogenkrimineller aus dem 

Geschäft war, verdiente der 

Amerikaner seit den sechziger 

Jahren seinen Lebensunterhalt 

vorwiegend in Europa. Es gastierte 

oft mit kaum bekannten 

Begleitmusikern in Kellerclubs 

in Holland, Italien, Deutschland 

und Skandinavien. Die Zeit der 

großen Gagen war vorbei. Beim 

Auftritt im Hamburger „Onkel 

Pö“ 1979 nächtigte der Musiker 

im bescheidenen „Motel Hamburg“ 

in der Hoheluftchaussee. 

Wegen seiner Unzuverlässigkeit 

und seines Gesundheitszustands 

gab es kaum noch große 

Konzerte und Platteneinspielungen 

mit dem umherirrenden 

Amerikaner. Denkbar riskant 

waren denn auch die Voraussetzungen 

für den Termin Ende 

April 1988 in Hannover. Zur 

Probe mit der NDR Bigband und 

dem Rundfunkorchester Hannover 

war Baker nicht erschienen. 

Aber zum Konzert tauchte er 

plötzlich auf und spielte wie in 

seinen besten Tagen. Es war 

der Abgesang eines tragischen 

Helden. 

Zwei Wochen später, am 18. 

Mai 1988, stürzte Chet Baker 

aus dem 3. Stock des Amsterdamer 

Prins Hendrik Hotels. 

Bis heute ist ungeklärt: War er 

im Drogenrausch aus seinem 

Zimmer gefallen? Wollte er sein 

Leben beenden? Oder hatte 

ihn gar jemand gestoßen? Die 

letzte Möglichkeit war nicht 

ausgeschlossen. Denn der 

ständig verschuldete Musiker 

war immer wieder in gewaltsame 

Auseinandersetzungen mit 

Dealern verwickelt. 1966 hatte 

er dabei die Vorderzähne eingebüßt. 

Über eine zusätzliche 

Todes-Variante rätselt Michael 

Laages in den Liner Notes zum 

Album Chet Baker at Onkel Pö’s 

Carnegie Hall, das im letzten 

Jahr auf Jazzline erschienen 

ist: „Vielleicht ist er aber auch 

an der Regenrinne emporgeklettert, 

als ihn die Herberge 

rausgeschmissen und er seine 

Trompete im Zimmer vergessen 

hatte.“ 

Hans Hielscher 

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Kolumne 

The Tiger Lillies 

Corrido de la 

Sangre 

Misery Guts / Cargo 

W W W W W 

Botticelli Baby 

Junk 

Unique / Cargo 

W W W W o 

pure desmond 

Audrey 

Herbie Martin / 

Edel:Kultur 

W W W W o 

Szirmais Fermaten 

Als Fan zweiter 

Stunde der britischen 

Vaudeville- 

Punker The Tiger 

Lillies um Sänger, 

Songschreiber, Akkordeon-, 

Klavier-, 

Harmonika-, Orgel-, 

Ukulele- und Gitarrenspieler 

Martyn 

Jacques ist mir seit 

etwa zwanzig Jahren 

jede ihrer bis 

zu drei Veröffentlichungen 

per anno 

schwarzhumorige 

Sternstunde, 

intellektuelle Stimulanz und 

musikalisches Freudenfest in 

einem. Das gilt auch für das 

jüngste Konzeptalbum Corrido 

de la Sangre, mit dem sich 

das Trio des mexikanischen 

Tages der Toten annimmt – in 

bester Storyteller-Tradition 

per perfektioniertem Zweieinhalbminüter. 

Auch wenn die 

Platte mit ungewohnt zartem 

Varieté-Sound eröffnet, nehmen 

die lateinamerikanischen 

Ferien der „Hauskapelle der 

Hölle“ in ihrer Inkarnation 

als Los Flores del Tigre bald 

schon eine Wendung zum 

Schlechtmöglichsten: Im Alter 

ego des verwaisten 12-jährigen 

Akkordeonisten, der sich 

in schmuddeligen Bars eine 

Rinde Empanada zu erspielen 

trachtet, bevor er samt einem 

ebenso verlorenen Mariachi- 

Trompeter zur Belustigung 

des lokalen Drogenbarons 

engagiert wird, auf dessen 

Hacienda er sich später 

unsterblich in die Gefangene 

Maria verlieben soll. Verflucht 

von einem alten Mütterchen, 

verfängt er sich in einem 

unentrinnbaren Intrigennetz 

– bis die Stunde der Rache 

naht und man gewiss sein 

kann, dass der Tag der Toten 

wörtlich zu nehmen ist. Wie 

so oft, besingen die Tiger 

Lillies auch hier die Verlierer 

der Gesellschaft und ihre 

Mittel: Von der Eingangszeile 

„Welcome to the circus“ bis 

zum bitteren Ende entfesselt 

Jaques Four-Letter-Wordreiche 

Nachtmahr-Szenen 

voller Liebe und Lust, Hölle 

und Verdammnis, Tod und 

Teufel, Prostitution und Sucht, 

Gewalt und (Selbst-)Mord, 

sekundiert von der von Bassund 

Euphonium-Spieler Adrian 

Stout gerührten Singenden 

Säge und dem stoischen 

Rhythmus Andreas Winters. 

Botticelli Baby verströmen 

auf Junk heißen Gipsy-Swing- 

Funk, der klingt, als hätte 

man dem Electric Ballroom 

den Stecker gezogen, ohne 

jedoch Dezibel und Duracell- 

Beat auch nur im Mindesten 

zu reduzieren, derweil ein 

Shouter, der sich nicht zu 

entscheiden vermag, ob er 

jetzt Bluesman oder Punk sein 

will, seine Lakonien entspinnt. 

Doch ist es nicht der Gegensatz 

zwischen anachronistischen 

Django-Reinhardt- 

Sounds und zeitgenössischer 

Lyrik, der die Faszination des 

nordrhein-westfälischen 

Septetts ausmacht. Es ist der 

ungebremste Druck einer 

sich zur gefühlt 20-köpfigen 

Balkan-Brass-Band aufplusternden 

Kapelle, die zu einem 

Tanzgelage animiert, an 

dessen Ende nur Prügeleien 

und Schnapsleichen stehen 

können. Tatsächlich scheint 

sich das Publikum zu Stücken 

wie „Tout abus sera puni“ die 

Seele aus dem Leib und das 

Bier aus der Hand zu pogen, 

bevor mit der tigerlillieesken 

Varieté-Nummer „I 

Don’t Want to Cry“, der als 

Murder Ballad à la Nick Cave 

und PJ Harvey getarnten 

„Romance of the Robin“ oder 

dem sinnlich-synkopierten 

„Cremate Me“ ruhigere 

Töne angeschlagen werden, 

bis auch diese vom allzeit 

bereiten Orkestar gekapert 

werden, dessen wahnwitziger 

Highspeed, im Wechsel mit 

whiskygeschwängerten Tom- 

Waits-Klagen, in „Lucilla“ 

gipfelt. 

Gleich mit den federleichten 

Sambarhythmen von 

„Desmond Time“ läutet das 

Cool-Jazz-Quartett pure desmond 

ein Album ein, das die 

Nicht-Geschichte von Dave- 

Brubeck-Quartet-Altsaxofonist 

Paul Desmond und Schauspielerin 

Audrey Hepburn zum 

romantischen Verwirrspiel mit 

südamerikanischem Flair werden 

lässt. Da wäre etwa das 

girlfromipanemaeske „Ondine 

on 46th Street“, das erzählt, 

wie Desmond in den Columbia 

Studios immer genau dann 

eine Pause einlegte, wenn 

diese auch von der in der 

Nähe arbeitenden Hepburn 

zu erwarten war, damit er ihr, 

ohne auch nur je ein Wort an 

sie zu richten, beim Rauchen 

zusehen konnte. Plötzlich 

aber verfolgt er sie doch mit 

mehr als nur den Augen („The 

Chase“) – und zwar erfolgreich, 

wie der „Jitterburg 

Waltz“ zu beweisen scheint, 

hernach „Punch“ Zweifel sät, 

ob der Hochzeitswalzer nicht 

doch bloß ein schöner Traum 

war. War er, gibt „Desperate 

Desmond“ eine Antwort, die 

dem balladenpräferierenden 

Musiker sicherlich gefallen 

hätte, derweil es „Easy Going“ 

versteht, die einer unerwiderten 

Liebe innewohnende 

Schönheit hervorzukehren. 

Trügerische Nähe vermittelt 

ein Kinogang („Melancholy 

on Broadway“), kongenial 

heraufbeschworen durch die 

Morricone-Adaption „Cinema 

Paradiso“, während die 

Unwirklichkeit evozierende 

Interpretation von John Cages 

minimalistischem „Dream“ 

das Gefühl einfängt, aus dem 

dunklen Saal ans Tageslicht zu 

treten. Selbst zu Wort kommt 

der „Take Five“-Komponist mit 

dem titelgebenden Album- 

Highlight, verpackt in trügerisch 

leichten Tanztee-Groove, 

bis das swingende „Gotta 

Dance“ das vorsichtig optimistische 

Fazit zieht, das sich mit 

einem nicht auf diesem Album 

befindlichen Paul-Desmond- 

Titel am besten ausdrücken 

lässt: „Glad to Be Unhappy“. 

Victoriah Szirmai 

zurückgekehrt waren und einen 

Gig zusammen spielten, fanden 

sich die Instrumentalisten – 

und wollten etwas total Neues 

ausprobieren. So gründeten sie 

die Band Near East Quartet, und 

2015 kamen sowohl die Sängerin 

Yulhee Kim als auch die Schlagzeugerin 

Soojin Suh dazu. 

Kraft- und stimmungsvoll startet 

die CD, im ersten Stück bekommt 

man eine klare Vorstellung, 

warum ECM auf das Near East 

Quartet „abfährt“, eine große 

klangliche Nähe zu den monumentalen 

Soundscapes aus 

Skandinavien ist nicht von der 

Hand zu weisen. „Ewha“ lässt 

Soojin Suh am Schlagzeug geradezu 

explodieren, die verzerrten 

Gitarrensounds unterstützen den 

druckvollen Groove. Kommt der 

Gesang dazu, wird die Musik 

leiser, durchsichtiger. Es ist gut, 

dass die Texte der traditionellen 

Volkslieder im Booklet nachzulesen 

sind. Das Near East 

Quartet bietet eine interessante 

Mischung aus improvisiertem 

Jazz und traditionellen koreanischen 

Volksliedern. Der einzige 

Wermutstropfen der CD: Nach 36 

Minuten ist die Klangfülle schon 

wieder vorbei. 



Hiromi & Edmar Castaneda 

Live in Montreal 

Telarc / In-Akustik 

W W W W 

Eigentlich gehört sie zu der Sorte 

Musiker, vor denen man flieht, 

denn die japanische Pianistin 

Hiromi ist eine ausgewiesene 

Virtuosin, die das auch gern in 

wieselflinken Fusionklängen 

demonstriert. Aber da sie das 

mit viel Charme tut und wohl 

auch einfach nicht anders kann, 

muss man sie lieben (ähnlich wie 

man endloses Gitarrengegniedel 

normalerweise meidet und nur 


von Jerry Garcia liebt). Die gute 

Nachricht: Beim Jazzfestival 

Montreal war nix Fusion, stattdessen 

trat Hiromi im Duo mit 

dem kolumbianischen Harfen- 

Virtuosen Edmar Castaneda an. 

Da haben sich zwei gefunden: 

Hiromi und Castaneda saßen 

sich Aug’ in Aug’ gegenüber – 

wie Cover-Fotos belegen – und 

gaben dem Affen Zucker. „For 

Jaco“ (dreimal darf man raten, 

wem das gewidmet ist) klingt 

geradezu avantgardistisch, und 

neben eigenen Stücken, darunter 

Hiromis (über)ambitionierte 

Suite „The Elements“, gibt’s 

einen Titel von John Williams 

und als Zugabe eine rauschhafte 

und berauschende Fassung von 

Astor Piazzollas „Libertango“. 

Encore! 

Rolf Thomas 


Swingnummern, in denen Sco 

durch geschmeidige Sololinien – 

mit interessanten Reminiszenzen 

an alte Jazzgrößen – wie auch 

durch ganz ungewöhnliche 

Soloverläufe mit unnachahmlichem 

Sound begeistert. Was 

diese Besetzung auszeichnet, ist 

die große dynamische Bandbreite, 

in der die vier miteinander 

spielen. Die Stücke können 

sparsam dezent beginnen, sich 

aber mit viel Energie ins Forte 

aufbauen. Lässig laidback, zupackend 

swingend oder jazzrockig 

mit coolem Retro und Gospel- 

Elementen: Die neue Combo 

von Sco macht Spaß. Herausragend 

sind „I‘m Sleeping In“, 

das trotz wirklich einschläfernd 

langsamen Tempos nicht zum 

Einschlafen taugt, und „King of 

Belgium“, ein wunderschönes 

Bebop-Thema in großer Leichtigkeit 

– John Scofield schlägt 

ein neues Kapitel in seiner schon 

sehr umfassenden musikalischen 

Geschichte auf. 



auf Our Story ist der Pianist 

Laszlo Gardony, ein Alleskönner, 

der schon 1983 den Schritt von 

Europa nach Amerika machte. 

Johannes Weidenmüller (Bass), 

seit 1991 in den USA, und Jeff 

Hirshfield (Drums), ein echter 

New Yorker, komplettieren das 

Quartett. Als Gast in drei Stücken 

ist die Mezzosopranistin Elena 

McEntire mit dabei. Ob es nun 

an der europäischen Herkunft 

liegt, an der Verwurzelung in 

der Klassik, an buddhistischer 

Philosophie oder dem Instrument 

Flöte: Artmanns Musik 

hat auf jeden Fall etwas sehr 

Eigenes, Beherrschtes, Virtuos- 

Kontrolliertes – eine besondere, 

gewollte Ästhetik. Zuweilen 

erinnert die Kombination Flöte/ 

Klavier bzw. Flöte/Stimme sogar 

an alte Aufnahmen von Chick 

Corea. 



John Scofield 

Combo 66 

Verve / Universal 

W W W W 

Schon Udo Jürgens sang „Mit 66 

Jahren, da fängt das Leben an“, 

und das Wort Ruhestand kennt 

ein Jazzmusiker sowieso nicht. 

John Scofield hat jedenfalls 

keine Probleme mit seinem 

Alter. Der Albumtitel Combo 66 

verweist auf das aktuelle des 

Gitarristen, den man am ersten 

Ton erkennt. In neun Stücken 

zeigt er sich sprühend vor 

Energie, Einfallsreichtum und 

Witz. Begleitet wird er dabei von 

Gerald Clayton an Klavier und 

Orgel, Vicente Archer am Bass 

und Bill Stewart am Schlagzeug. 

Die Eigenkompositionen 

sind ausgewogen aufgeteilt 

in ausgetüftelte Themenköpfe 

mit komplexen Harmonien 

(wie zum Beispiel im „Combo 

Theme“) oder bleiben Jambandmäßig 

auf einem Akkord stehen. 

Auffällig ist der hohe Anteil an 

Christian Artmann 

Our Story 

Sunnyside / GoodToGo 

W W W W 

Der typische Jazzmusiker ist 

er nicht. Als Teenager kam 

Christian Artmann erstmals in 

die USA und brillierte dort als 

klassischer Flötist – erst später 

entdeckte er den Jazz für sich. 

Inzwischen lebt er in New York 

und veröffentlichte 2011 sein 

Debütalbum als Jazzer. Sein 

klassisch geschultes Flötenspiel 

ist natürlich technisch frappierend, 

der stimmungsvolle Einsatz 

der dunklen Altflöte bezaubernd. 

Artmanns „visionäre“ Stücke 

überspannen ein stilistisch 

weites Feld zwischen Claude 

Debussy, Edeljazz und sanftem 

Funk. Sein wichtigster Partner 

Mark Turner / Ethan Iverson 

Temporary Kings 


W W W W 

Welch schöner, selbstironischer 

Titel in einer Zeit, die dem Jazz 

schon längst keine Könige mehr 

beschert. Eigentlich hätte es 

gar keines Titels bedurft, denn 

die Namen der beiden Musiker 

sind schon Programm. Die Musik 

hält auch hundertprozentig, was 

Saxofonist Mark Turner und 

Pianist Ethan Iverson versprechen. 

Es ist ein mit allerhöchster 

Spielkultur produziertes Stück 

Kammermusik, das sich zwar 

in seiner Anlage in keiner 

Weise auf Jazz oder klassische 

Moderne festlegen will, in seiner 

Umsetzung und Klangästhetik 

aber deutlich in Richtung Jazz 

tendiert. Trotz europäischer 

Referenzen entstand aus dem 

Material eine zutiefst amerikanische 

Platte. Der Zitate gibt es 


Literatur 

1957 begleitete der Fotograf Jerry Dantzic (1925 – 2006) eine 

Woche lang Billie Holiday. Seine bisher unveröffentlichten 

Fotos der Sängerin liegen nun erstmalig als Buch vor. 

Von Arne Reimer 

Sugar Hill nennt sich nicht nur ein Viertel in Harlem, sondern 

es gab in den 1950er Jahren auch einen Jazzclub mit diesem 

Namen in Newark, New Jersey. Dort hingen Plakate an den 

Wänden, die bevorstehende Konzerte ankündigten: Buck Clayton, 

Max Roach, Hank Jones, Jutta Hipp, Bobby Jaspar, Horace 

Silver, Randy Weston, Cecil Payne und Big Maybelle. Für die 

Osterwoche im April 1957 wurde Billie Holiday engagiert. 

Vielleicht wäre es eine Konzertwoche wie jede andere 

gewesen, hätte nicht der Fotojournalist Jerry Dantzic sie mit 

seiner Kamera begleitet. Er war von der Firma Decca beauftragt 

worden, ein Foto von Billie Holiday für ein Schallplattencover 

anzufertigen. So fotografiert er sie nicht nur jeden Abend 

während ihrer Auftritte, bei denen sie unter anderem von Paul 

Quinichette begleitet wird, sondern er darf ihr auch in die 

Garderobe folgen, wo sie sich schminkt, ihre Haare in Form 

bringt und sich von ihrem neuen Ehemann Louis McKay mit 

dem Reißverschluss ihres Kleides helfen lässt. Immer dabei ist 

Holidays kleiner Hund, ein Chihuahua, den sie „Pepi“ nannte. 

Dantzic dokumentiert mit seiner Kamera glücklicherweise 

auch all diese Momente abseits des Konzerts. Holiday gibt Fans 

Autogramme und verkauft für fünf Dollar ihre Autobiografie 

Lady Sings the Blues, die ein Jahr zuvor erschienen ist. Nach 

ihrem Konzert, während die Dame an der Kasse die Einnahmen 

zählt, sitzt sie im leeren Saal, raucht eine Zigarette und nimmt 

noch einen Drink. Die Fotos von Jerry Dantzic zeigen auf intime 

Weise den Alltag während dieser Konzertwoche. Holiday lacht 

viel, es scheint ihr gut zu gehen, auch als sie die Familie Dufty 

mit ihrem Patenkind besucht. William Dufty war Co-Autor ihrer 

Autobiografie. 

Die meisten dieser 100 Fotos waren bisher unveröffentlicht 

und sind nun erstmalig in einem schönen Buch zu bewundern, 

überwiegend in Schwarz-Weiß, wenige in Farbe. Dantzic folgte 

der Sängerin auch noch zu ihrem Auftritt beim Jazzfestival auf 

Randall’s Island. Eines jener Bilder wurde schließlich von Decca 

für The Blues Are Brewin’ verwendet. Sein Honorar betrug 

25 Dollar und 75 Cent. 

Jerry Dantzic: Billie Holiday at Sugar Hill. 

Thames & Hudson, London 2017, 

144 Seiten, 30 Euro 

Jerry Dantzic 

Abseits des 

Konzerts 

jede Menge, einige mit großem 

Respekt vor der Historie, andere 

mit dem kecken Augenzwinkern 

von Königen auf Zeit. Der Saxofonist 

und der Pianist nehmen 

sich Zeit und lassen auch jedem 

einzelnen Ton die Zeit, die er 

braucht. Es geht um ein Er- und 

Verklingen im durch unsere 

Erinnerung gekrümmten Raum. 

Dabei spricht es für das entspannte 

Selbstverständnis von 

Turner und Iverson, dass sie trotz 

der getragenen Grundstimmung 

von Anfang bis Ende eine unaufdringliche 

Heiterkeit bewahren, 

die einen sanften Hauch von 

Broadway-Atmosphäre schafft. 

Wolf Kampmann 


Jean Michel Pilc 

Parallel 

Challenge / In-Akustik 

W W W 

Der 1960 geborene Franzose 

brachte sich das Piano-Spiel 

selbst bei und wurde in der 

Pariser Szene ein Begriff durch 

seine Zusammenarbeit etwa mit 

dem Drummer Aldo Romano und 

dem Klarinettisten und Saxofonisten 

Michel Portal. Durch die 

geografische Lage und seine 

Kultur brachte Frankreich immer 

schon eigenständige Impulse in 

den Jazz ein. Trotz oder gerade 

wegen dieser Eigenständigkeit 

erregte Pilc zunehmend die 

Aufmerksamkeit der amerikanischen 

Jazz-Szene. Marcus 

Miller, Michael Brecker oder Roy 

Haynes – sie alle waren bereits 

musikalische Weggefährten 

des Pianisten. Seine aktuelle 

CD stellt eine echte Herausforderung 

an die Aufmerksamkeit 

des Zuhörers dar. Der Musiker 

zieht alle Register seines 

Instruments, das über zwei CDs 

ausschließlich solo zu hören 

ist. Beim Zuhören ergeben sich 

viele Assoziationen: Michel 

Petrucciani, McCoy Tyner, Keith 

Tippett und Cecil Taylor – bis 

hin zu Ausflügen in die zeitgenössische 

Musik. Eingängige 

Melodien wechseln sich hier 

mit Clustern und avantgardistischen 

Ausflügen manchmal in 

Minutenschnelle ab. Die beiden 

zentralen Monsterstücke „Cells 

Part 1 / Part 2“ schicken den 

Zuhörer durch ein Labyrinth von 

Stilwechseln, bevor die Suite 

zum Ende hin fast mit einschmeichelnden 

Melodien endet. Der 

Großteil der 27 Stücke wurde 

von Pilc selbst komponiert. 

Wenn dann wie in „Footprints“, 

„Days of Wine and Roses“ oder 

„Someday My Prince Will Come“ 

der Meister ein paar alte Jazz- 

Klassiker radikal umbaut, wird 

das Erkennen der ursprünglichen 

Melodie ein Ratespaß. Allerdings 

verkommt die Musik dann zum 

rein akademischen Vergnügen. 



BROM 

Cardboard Sea 

Tiger Moon Records 

W W W o 

BROM ist wieder unterwegs. 

Tenorsaxofonist Alexander 

Beierbach hat zusammen mit 

seinen jahrelangen Bandkollegen 

Jan Roder am Bass und 

Christian Marien ein neues 

Album eingespielt. Das Berliner 

Trio lotet die verschiedenen 

Möglichkeiten des Saxofontrios 

aus. Die Kompositionen 

stammen beinahe ausnahmslos 

von Beierbach, und es zeigt sich, 

dass das Trio im Laufe der Jahre 

noch vertrauter und eingespielter 

wurde. Doch nicht nur 

Wohlklang und gutes Zusammenspiel 

prägen Cardboard Sea, 

es darf im Kontrabass auch mal 

scheppern, es gibt keine Angst 

vor hässlichen Kratzgeräuschen. 

Auch am Schlagzeug darf es 


knirschen und poltern, während 

das Saxofon alle spielerischen 

Mittel bis hin zu Multiphonics 

ausreizt. Die Kompositionen 

haben starke Themen, oft im 

Unisono von allen dreien vorgetragen. 

Munter swingend geht 

der Titeltrack los und lädt zum 

Fingerschnippen ein, während 

andere Stücke sperriger und wesentlich 

schwieriger zugänglich 

sind. Die einzige Coverversion 

des Albums, „Le Deserteur“ 

von Boris Vian und Harold Berg, 

bringt die Qualität des Trios 

auf den Punkt, ausgeklügelt ist 

die Ausdrucksstärke der drei 

Musiker auf ihren Instrumenten, 

die sich durch verschiedene 

Dynamiken arbeiten, von ganz 

leise und durchsichtig bis massiv 

laut. BROM weist ja auf die 

Anfangsbuchstaben der Musikernachnamen, 

gerne wird auch 

auf das chemische Element mit 

der Ordnungszahl 35 verwiesen 

– die ursprüngliche Bedeutung 

aus dem griechischen: βρῶμος, 

brômos, „Gestank“, kann ich in 

dem Trio nicht finden… 



Ken Thomson 

Sextet 

New Focus / Al!ve 

W W W W W 

Der amerikanische Holzbläser 

Ken Thomson gehört zu den 

profiliertesten Grenzgängern 

zwischen Neuer Musik und Jazz. 

Mit den Bang on a Can All-Stars 

interpretiert er Werke von Glass, 

Nancarrow, Nyman, Reich oder 

Riley, im Quartett Gutbucket bläst 

er heftigen Punk-Jazz, und in seinem 

Crossover-Ensemble Slow/ 

Fast versucht er diese beiden 

Welten miteinander zu verknüpfen. 

Nun hat er Slow/Fast sogar 

zum Sextett vergrößert, zwei 

weitere Bläser sind hinzugekommen, 

und die blastechnischen 

Herausforderungen sind gewaltig. 

Ken Thomson (as), Anna Webber 

(ts), Russ Johnson (tp) und 

Alan Ferber (trb) meistern hier 

Partituren, wie man sie so virtuos 

im Jazz selten hört. Den rasanten 

Jazzdrive unter den freitonal boppenden, 

raffiniert verflochtenen 

Bläserthemen besorgen Adam 

Armstrong (b) und Daniel Dor (dr). 

Thomsons Album orientiert sich 

obendrein an einem Jazzklassiker, 

nämlich der Platte Monk’s 

Music, die 1957 ebenfalls mit 

vier Bläsern eingespielt wurde. 

Während Monk sich damals mit 

der Hymne „Abide with Me“ als 

Opener zufriedengab, hat Thomson 

aber gleich die „Passacaglia 

Ungherese“ von György Ligeti für 

Bläserquartett arrangiert. Er ist 

einfach ein Gipfelstürmer. 


PDF in 4c 


Johannes Bigge Trio 

Imago 

nWog / Edel:Kultur 

W W o 

Mit Lehrern wie Richard Beirach 

und Michael Wollny kann der 

gebürtige Berliner Johannes 

Bigge auf prominente Vorbilder 

verweisen, die auch in seiner 

Musik Spuren hinterlassen 

haben. Die Presse-Informationen 

über den Pianisten führen 

allerdings ein bisschen in die 

Irre. Neben Klassik und Jazz 

war nach eigenen Worten 

Popmusik ein wichtiger Einfluss 

für den Musiker. Nein, „poppig“ 

oder eingängig ist diese Musik 

nicht. Den Kompositionen fehlen 

dafür griffige Melodien. Dafür 

überzeugen Bigge und Co. 

durchaus mit klanglicher und 

harmonischer Erfindungsgabe. 

Ein Stück wie „Irrlicht“ lebt von 

seinen Brüchen. Lyrisches und 

Skurriles wechseln sich hier stetig 

ab. Die Formation orientiert 

sich am kompakten Gesamtklang. 

Solistische Einlagen sind 

selten. Manchmal wünscht man 

sich etwas mehr Akzente von 

Drummer Moritz Baumgärtner 

und Bassistin Athina Kontous, 

die immerhin „Soil“ mit treibend 

funkigen Bassläufen einleitet. 

Sensible Zwischentöne wie 

„Come Home“ werten die zweite 

Hälfte von Imago immerhin 

noch etwas auf. Besonders die 

beiden Schlussstücke „Wogen“ 

und „Labyrinth“ leben von dynamischen 

Interaktionen zwischen 

Kontou, Baumgärtner und Bigge. 

Drummer Baumgärtner darf 

im letzten Stück gut aus sich 

rausgehen. Insgesamt ist Imago 

eine Platte, die sich nicht so gut 

beim oberflächlichen Konsum 

erschließt. Das Potenzial dieser 

Musik wird erst deutlich bei 

mehrmaligem Hören. Bei allen 

interessanten Ansätzen krankt 

die Platte allerdings auch an 

den nicht immer gelungenen 

Kompositionen Bigges. 



Orchestre Tout Puissant Marcel 

Duchamp 

Sauvage Formes 

Bongo Joe / Broken Silence 

W W W o 

Das allmächtige Orchester Marcel 

Duchamp übt sich auf seinem 

vierten Album immer noch 

an einer sagenhaften Mischung 

aus westafrikanischem Soul 

und Funk – ein erklärtes Vorbild 

der Band ist das legendäre 

Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou 

aus Benin, das sich auch

Tonspuren 

gerne „Tout Puissant“ nannte 

–, Easy Listening mit Punkund 

Pop-Appeal und einem 

Ethno-Jazz, der sich jeglichen 

Genre-Zuordnungen widersetzt. 

Auf „Sous Mes Yeux“ klingt die 

Sängerin wie Sally Timms, die 

einst die Mekons vom Punk zu 

lichten Country-Folk-Gefilden 

führte; ein Stück wie „Across 

the Moor“ lebt dagegen von 

einer hypnotischen Bassfigur 

und entzückend schrägem Satzgesang. 

Was Marcel Duchamp, 

der Wegbereiter von Dada 

und Surrealismus, damit zu tun 

haben soll, erschließt sich zum 

Glück überhaupt nicht, ist aber 

auch egal. Mit dem Bandwurm- 

Namen, der für Menschen 

außerhalb des französischen 

PDF 4c 

Sprachraums zudem noch ein 

nahezu unüberwindlicher Zungenbrecher 

ist, tut sich die Band 

sowieso keinen Gefallen – aber 

auch das dürfte dem vierzehnköpfigen 

Kollektiv wohl ziemlich 

egal sein. Produziert hat die 

krude Mischung übrigens John 

Parish, der auch schon PJ 

Harvey und die Eels (fast) massentauglich 

machte – vielleicht 

setzt sich das Großensemble um 

die sagenhaft gute Marimba-Fee 

Anne Cardinaud damit endlich 

durch. Wäre schön. 

Rolf Thomas 


Ola Kvernberg 

Steamdome 

Grappa / Galileo 

W W W W 

In jener Tugend, dass ein 

professioneller Musiker 

möglichst vieles können sollte, 

scheint sich der Norweger 

Ola Kvernberg anscheinend 

selbst immer noch übertreffen 

zu wollen. Nicht nur ist 

er in zahllosen Projekten und 

Stilrichtungen unterwegs, er 

spielt darüber hinaus auch mal 

Violine, Viola, Hammondorgel, 

Gitarre, Schlagzeug bis hin 

zum Theremin, und dies allein 

auf seiner jüngsten Platte: Hier 

steht in Septett-Besetzung 

nichts als die pralle Spielfreude 

auf dem Programm. Dabei 

bringen die Musiker in ihrer 

Gesamtheit noch viel mehr Instrumente 

zum Einsatz. Reisen 

wir mit auf einem bunt schillernden 

fliegenden Teppich, 

sausen dynamisch durchs 

Klanguniversum und kreisen 

haushoch über irgendwelchen 

Stilschubladen – heißen 

sie nun Fusion, Prog- oder 

Krautrock oder was auch immer. 

Ganz richtig verstanden: 

Solistisch oder im Kollektiv 

machen sich diese Spieler 

daran, solche Genres neu zu 

definieren: Drauflossolieren, 

heiße Ritte über weitgespannte 

Ostinati zu absolvieren und 

viel improvisatorische Fantasie 

aus pentatonischen Tonfolgen 

oder morricone-affinen Melodien 

zu schöpfen. Ein dickes 

Kompliment verdient auch die 

Geschmeidigkeit, mit der der 

Bandleader sein elektrifiziertes 

Violinspiel in den brodelnden 

Strömen aufgehen lässt – und 

doch mit hoher melodischer 

Präsenz die Strippen dabei 

zieht. 

Stefan Pieper 

Im Jazz kamen Duos in den 

siebziger Jahren auf und 

waren genau genommen 

schon ein Zeichen der Krise 

des Genres. Produzenten 

und Veranstalter haben die 

Besetzung geliebt, denn sie 

war preisgünstig. Da ACT-Chef 

Siggi Loch auch ein kreativer 

Pragmatiker ist, hat er schon 

seit Längerem eine Duo-Reihe 

im Programm. 

Der italienische Trompeter und 

Flügelhornist Paolo Fresu und 

der schwedische Bassist und 

Cellist Lars Danielsson finden 

schnell eine gemeinsame 

Basis. „Autumn Leaves“, Komedas 

„Sleep Safe and Warm“ 

(aus dem Soundtrack von 

Rosemary’s Baby) und Bachs 

„Wachet auf, ruft uns die Stimme“ 

gehören zu den Stücken, 

auf die sie sich einigen konnten. 

Daneben hat ein knappes 

Dutzend Originale den Weg auf 

Summerwind gefunden. Beide 

Musiker sind lyrische Klangmaler, 

und so nimmt uns die 

eigentümliche Atmosphäre, die 

sie kreieren, schnell gefangen 

und wir lauschen gebannt den 

fünfzehn Songs, die selten länger 

als drei Minuten dauern – 

Fresus „Drexciya“ wird sogar 

in 1:48 abgehandelt. Doch in 

der Kürze liegt die Würze, das 

weiß auch Loch, der die Platte 

produziert hat. Makellos der 

Klang, berückend die Musik – 

was will man mehr. 

Rolf Thomas 



Terje Isungset 

Suites of Nature 

All Ice / Galileo 

W W W o 

Danielsson / Fresu 

Summerwind 


W W W W 

Solo-CD mit Schlagzeug und 

allen möglichen Arten von 

Perkussionsinstrumenten, 

das liest sich erst mal nicht 

so spannend. Stein, Wald, Be- 

86 


Kolumne 

Billy F Gibbons 

The Big Bad Blues 

Concord / Universal 

W W W W 

James Harman 

fineprint 

Electro-Fi 

W W W W 

Curtis Salgado & Alan Hager 

Rough Cut 

Alligator / In-Akustik 

W W W o 

Shemekia Copeland 

America’s Child 


W W W W 

Elvin Bishop’s Big Fun Trio 

Something Smells Funky 

‘Round Here 


W W W W o 

Joe Bonamassa 

Redemption 

Provogue / Mascot / Rough Trade 

W W W o 

Mojo Makers 

Songs for the Sirenes 

Jazzhaus / In-Akustik 

W W 

Jon Cleary 

Dyna-Mite 

Thirty Tigers / Al!ve 

W W W W 

Tony Joe White 

Bad Mouthin’ 

Yep Roc Records / H’art 

W W W W 

Paul Rodgers 

Free Spirit 

Quarto Valley Records / H’art 

W W W 

The Magpie Salute 

High Water I 

Provogue / Mascot / Rough Trade 

W W o 

Billy F Gibbons! Bei diesem 

Namen denkt man sofort an 

lange Rauschebärte, coole 

Sonnenbrillen und lärmende 

E-Gitarren. ZZ Top eben. Aber 

Billy kann auch anders. Mit 

seinem zweiten Soloalbum für 

Concord geht’s zurück zu den 

Wurzeln. Billy bedient sich 

u.a. am musikalischen Erbe 

von Muddy Waters – wie bei 

„Standing Around Crying“ mit 

viel Slide-Gitarre im typischen 

Stil des 1983 verstorbenen Kings 

des Chicago Blues. Hier und da 

greift Gibbons zur Harp. Diesen 

Job übernimmt aber meistens 

James Harman. 

Von diesem Mundharmonika- 

Meister gibt’s auch ein neues 

Album. Er spielt und singt auf 

fineprint in wechselnden Besetzungen 

Blues, Jump, Shuffle 

und Western Swing, teilweise 

schon vor Jahrzehnten aufgenommen 

und jetzt ausgegraben. 

Darunter sind auch rare Tracks 

mit dem Gitarristen Nathan 

James und dem 1999 verstorbenen 

Jazz-Kontrabassisten 

Buddy Clark. Eine Empfehlung. 

Die Rückbesinnung auf die 

Blues-Tradition kommt an. Der 

Harpspieler Curtis Salgado und 

der Gitarrist Alan Hager haben 

für Rough Cut Klassiker von 

Muddy Waters, Elmore James, 

Sonny Boy Williamson II, Son 

House, Robert Wilkins und Big 

Bill Broonzy (wieder-)entdeckt. 

Das Duo samt Combo zeigt, dass 

alte Zwölftakter nicht ausgelutscht 

sein müssen. 

Als America’s Child fühlt sich die 

Sängerin Shemekia Copeland. 

Direkt beim Opener liest sie ihrem 

Land die Leviten: „Ain’t Got 

Time for Hate“. Die Tochter des 

1997 in New York verstorbenen 

Gitarristen Johnny Copeland 

pendelt zwischen Blues, Soul 

und Rock. Von ihrem Vater 

stammt die etwas schmalzige 

Ballade „Promised Myself“, bei 

der Steve Cropper (The Original 

Blues Brothers Band) die 

Gitarre spielt. Bei „Great Rain“ 

bricht die 39-Jährige im Duett 

mit dem Folk-Barden John Prine 

zu einem musikalischen Trip in 

den „alten“ Süden der USA auf. 

Auch Produzent Will Kimbrough 

steigt auf den Aufnahmen ein – 

an Gitarre und Orgel. 

Elvin Bishop (voc/g) ist mit 

75 ein erfahrener Bluesrock- 

Routinier. „Something Smells 

Funky ‘Round Here“ heißt der 

Titelsong der aktuellen Platte, 

mit der sein Big Fun Trio die US- 

Politik unter Donald Trump auf 

die Schippe nimmt. Bob Welsh 

(p/org/g) und Willy Jordan (voc/ 

cajón) komplettieren das Trio, 

das nicht nur mit Good-Time- 

Music („Bob’s Boogie“) Spaß 

bereitet, sondern auch in die 

Blues-Welt abtaucht – wie bei 

„My Soul“ und verstärkt durch 

den Zydeco-Akkordeonisten 

Andre Thierry. 

„Deep in the Blues Again“ 

begibt sich auch Joe Bonamassa 

auf seinem 13. Studioalbum. 

Dieser Song steht für die 

Richtung, die Joe Bonamassa 

bei Redemption einschlägt. Herausragend: 

„Love Is a Gamble“ 

von T-Bone Walker. Bei diesem 

Blues Time 

Slow-Blues glänzt Joe durch 

lange, aber abwechslungsreiche 

Gitarrenläufe. Dazu passen 

mitreißende Bläser-Riffs. 

Die dänischen Mojo Makers 

um Kasper Osman (voc/g) und 

Kristian Hoffmann (g) kommen 

mit ihren Songs of the Sirens 

heraus. Die versprechen nicht 

gerade Blues. Aber einige Titel 

klingen so. Wie „Bless My 

Soul“ und „The Pearl Made of 

Amatyst”, die gar an Worksongs 

erinnern. „You Got Me Blinded“ 

und „An Apology Song“ orientieren 

sich an alten Blues-Vorbildern. 

Akustisch gespielt, aber 

sehr gekünstelt. Der Sound kann 

auf Dauer nerven. Da sollte man 

lieber die Originale des Country 

Blues hören. Pluspunkte für das 

Booklet mit den Texten. 

Eine geballte Ladung R&B 

steckt in Dyna-Mite von Jon 

Cleary. Der Titelsong ist eine 

Funk-Nummer mit wirkungsvollen 

Bläser-Arrangements. Das 

lädt bei Partys zum Tanzen ein. 

Der britische Keyboarder, der 

vor allem in New Orleans wirkt, 

schrieb alle zehn Tracks selbst. 

„21st Century Gypsy Singing 

Lover Man“ komponierte er mit 

Taj Mahal, der bei dieser Soul- 

Ballade dazustößt. 

Ungewöhnlich für den alten 

Swamp-Rocker Tony Joe White: 

Sein Album Bad Mouthin‘ ist 

durch und durch Blues – und 

handgemacht, ohne viel Beiwerk. 

Der Sänger und Gitarrist 

bringt Eigenes und covert 

Charley Patton, Jimmy Reed, 

Lightnin‘ Hopkins und John Lee 

Hooker. Elvis Presleys „Heartbreak 

Hotel“ klingt bei White 

recht archaisch. Elvis hatte 

einst Whites Hit „Polk Salad 

Annie“ übernommen. 

Das Blues-Revival in den 60ern 

prägte ihn. Als Rocksänger 

machte Paul Rodgers dann 

Karriere, aber er interessierte 

sich weiterhin für die Väter 

des Blues. Auf seinem jüngsten 

Album Free Spirit ist er in 

Quintett-Besetzung live in der 

Londoner Royal Albert Hall zu 

hören und zu sehen (auf der 

DVD). Paul hat viel Soul. Auch 

bei „The Hunter“, einem alten 

Hit von Booker T. & the M.G.‘s 

bei Stax in Memphis, kommt das 

rüber. Für Fans der Rock- und 

Pop-Ikone ist das Album wohl 

ein Muss. 

Noch einen Abstecher in den 

Southern Rock: Die Stärke der 

US-Band The Magpie Salute 

auf High Water I sind nur eigene 

Titel, meistens laut und mit 

einigen Blues-Anklängen. Die 

fünf bärtigen Herren kündigen 

für 2019 High Water II an. 

Martin Feldmann 


Kolumne 

Schaal 

ganz Ohr 

Áron Tálas Trio 

Little Beggar 

BMC / Note 1 

Livio Minafra & Roland 

Neffe 

Campo Armónico 

Quinton / Galileo 

Marcin Masecki & Jerzy 

Rogiewicz 

Ragtime 

BMC / Note 1 

Aus Ungarn kommt der 

Pianist Áron Tálas und 

erinnert uns daran, dass Jazz 

vor allem eine Rhythmus- 

Musik ist. Ja, dieses Album 

groovt und groovt. Schon 

dass ein Pianotrio mehr 

schnelle als langsame Stücke 

spielt, grenzt heute ja fast 

an eine Sensation. Fast eine 

Sensation ist auch, dass der 

27-Jährige in vital boppenden 

Single-Note-Läufen durch die 

Harmonien kurvt. Die Stücke 

heißen „Hendersong“, „Ke- 

Bop“, „Chicken Run“ – da hat 

einer trotz der großen Musiktradition 

seines Heimatlandes 

nicht ganz vergessen, wo die 

Wiege des modernen Jazz 

stand. Im Trio mit dem Bassisten 

Jószef Barcza Horváth 

– er ist der Nestor der Band – 

und dem Schlagzeuger Attila 

Gyárfás erforscht Tálas viel 

rhythmisches Gelände zwischen 

Swing und Latin. Und 

zuweilen basteln sich die drei 

auch ein bizarres Kaleidoskop 

aus Stilparodien zusammen. 

Eine wirklich erfrischende 

Entdeckung. 

Der Pianist Livio Minafra ist 

der Sohn eines Jazztrompeters 

und einer klassischen 

Cembalistin. Seit 2009 hat er 

ein technisch virtuoses Duo 

mit Roland Neffe am Laufen, 

dem Berliner Vibrafonisten 

aus Österreich. Klavier 

und Vibrafon – da wartet 

natürlich ein perkussives 

Abenteuer, und zusätzliche 

Klangfarben (Melodica, 

Marimbafon usw.) ergänzen 

noch Pep und Emotion. 

Zwischen südländischem 

Tanz-Temperament, Balkan- 

Figuren und raffinierter 

Neuer Musik entwickeln sich 

rhythmische Etüden, beinahe 

Visionen einer mechanistischen 

Welt – technisch komplex, 

aber unwiderstehlich. 

Stücktitel wie „Adrenalin“, 

„Boomerang“, „Raindrops“ 

und „Tarantella“ verraten 

den rhythmischen Furor. In 

vier Live-Stücken wird das 

italienisch-österreichische 

Duo außerdem ergänzt 

durch den Franzosen Michel 

Godard, der an Tuba, Serpent 

und Bassgitarre seine interessanten, 

warmen Akzente 

setzt. Sternminuten! 

Zum Schluss führt unsere 

Europareise nach Polen. Pianist 

Marcin Masecki gehört 

dort zu den renommiertesten 

Freigeistern. Seinen Alben 

gibt er gerne griffige Titel 

wie Mazurki, Polonezy oder 

Scarlatti. Nun also Ragtime 

– das ist die Musik, die ihn 

als Neunjährigen erstmals 

für den Jazz begeistert hat. 

Masecki spielt den Ragtime 

heute allerdings auf ganz 

eigene Weise – das hat 

nichts von Nostalgie an 

sich, sondern ist augenzwinkernde 

Avantgarde mit 

Understatement. Pianistisch 

ganz reduziert, nur vom 

Schlagzeuger Jerzy Rogiewicz 

begleitet, verfremdet 

und dekonstruiert Masecki 

den guten, alten Rag-Drive 

und lässt dabei Assoziationen 

an kaputte Spieluhren 

aufkommen. Altbekannte 

Ragtime-Stücke gibt es nicht 

zu hören, aber immerhin zwei 

frühe Jazz-Standards, die 

schon ein Thelonious Monk 

gerne mit schräg-humorigem 

Stride verballhornt hat – von 

dort weht hier der Wind. 

„Monk wäre stolz auf ihn“, 

heißt es im Begleittext. „Und 

er würde zu Maseckis Ragtimes 

sogar tanzen.“ 


wegung und Reflexionen sind 

die Themen, mit denen sich 

Schlagzeuger Terje Isungset 

für sein Projekt beschäftigt 

hat. Zu jedem Themenkomplex 

hat er mehrere, nicht weiter 

benannte Titel eingespielt. 

„The Essence of the Stones“ 

wurden die ersten sechs Stücke 

überschrieben, und man 

hört abgeriebene, beklopfte 

und geschlagene Steine, vermischt 

mit allem möglichen anderen 

Geräuschen, die sich in 

einem langen Hall verbinden. 

Der stammt übrigens aus dem 

Emanuel Vigeland Mausoleum 

in Oslo, das die Musik mit diesem 

absolut atemraubenden 

12-Sekunden-Hall verzaubert. 

In der Natur, wie der CD-Titel 

vermuten lässt, wurde nicht 

aufgenommen. Terje Isungset 

verleiht Gegenständen eine 

Stimme. Steine, Gongs, Maultrommel 

– er arbeitet mit den 

unterschiedlichsten Sounds. 

Und gibt allen Tönen, Geräuschen 

und Klängen die Gelegenheit, 

sich zu entwickeln, 

baut im Hall ganze Klangpyramiden 

auf. Suites of Nature 

ist eine sehr atmosphärische 

CD, allerdings kein Album, das 

man nebenher hören sollte. 

Nur im konzentrierten Zuhören 

erschließen sich die kompletten 

Klangwelten. 



Anat Cohen & Fred Hersch 

Live in Healdsburg 

Anzic / GoodToGo 

W W W W 

Fred Hersch Trio 

Live in Europe 

Palmetto / Rough Trade 

W W W W W 

Als Chronist der Werke des 

unermüdlichen Fred Hersch 

hat man zu tun. Schon die 

Liste seiner Kollaborationen 

auf Augenhöhe wird lang und 

länger. 2016 duettierte Hersch 

mit der grandiosen Klarinettistin 

Anat Cohen beim Festival 

im kalifornischen Healdsburg. 

Die beiden Improvisatoren 

befinden sich in springlebendigem 

Dialog und sind derart 

miteinander im Flow, dass 

es relativ unerheblich ist, ob 

sie sich Eigenkompositionen 

oder Klassiker wie „Mood 

Indigo“ oder „Jitterbug Waltz“ 

hernehmen, um ihre große Improvisationskunst 

und Spiellust 

auszuleben. Der Gig riss live 

nicht nur das Publikum mit, 

sondern ist auch als kristallklarer 

Mitschnitt ein echter 

Genuss. 

Das Zuhause von Herschs 

Bandmusik ist jedoch sein 

langjähriges Trio. Wer dessen 

neues Album in Händen hält, 

weiß, warum – im gewissen, 

aber besten Sinne ist es der 

verlängerte Arm des Pianisten. 

Niemand versteht ihn besser 

als Bassist John Hébert und 

Eric McPherson am Schlagzeug. 

Monk (hier „We See“ 

als Opener und Encore „Blue 

Monk“) darf bei keinem von 

Herschs Liveauftritten fehlen, 

doch letztlich lassen seine 

eigenen Stücke ihm und 

seinen Kollegen die größte 

dialogische Freiheit, so z.B. auf 

„Snape Maltings“ oder dem 

kollektiv frei schwingenden 

„Skipping“. Und Fred liebt 

Hommagen. „Bristol Fog“ ist 

sein lyrisches Chapeau vor 

John Taylor, „Newklypso“ 

zwinkert Sonny Rollins zu, 

und mit „The Big Easy“ lässt 

Hersch die amerikanische Musik 

und einen ihrer genauesten 

Beobachter, Tom Piazza, hochleben. 

Prädikat „großartig“. 



Die Hörbucht 

E i n f a l l s l o s 

Einfallslosigkeit muss schlimm sein. 

Etwa wenn man das Intro für eine 

Kolumne schreiben will, ja muss, 

einem aber so gar nichts Passendes 

in den Sinn kommt – außer vielleicht 

etwas Selbstreferenzielles. Schreiben 

über das Schreiben mit nichts in der 

Tasche, niente. Deadline, literally. 

Schlimm. Oder man stelle sich vor, bei 

einer Jamsession versiegen plötzlich 

die Ideen. Free Jazz interruptus. 

Kein Interplay, sogar die Reaktionen 

weg, alles vorgeformt und stereotyp, 

so gar nichts Neues, kein Esprit. Call 

ohne Response. Lähmende Leere. 

Schlimm. Oder man macht „irgendwas 

mit Humor“, vielleicht in Zeiten, 

als der Begriff „Comedy“ noch keine 

üble Nachrede war, aber Charme und 

Pointen bewegen sich zusammen mit 

der Phantasie auf der Nulllinie. Wie 

beruhigend wäre es da, wenn einem 

ein kreativer Gigant wie Robert Gernhardt 

die Gags schreiben könnte. Ein 

sprudelnder Quell des Abseitigen und 

der guten Laune. Die Versöhnung von 

Holzhammer und Poesie. Schön. Jodelahiti! 

In der Hörbucht … Björn Simon 

F.C. Delius 

Die Zukunft der Schönheit 

Parlando / Argon 

W W W W 

Albert Ayler 

Music Is the Healing Force of 

the Universe 

Jazzwerkstatt 

W W W W W 

Die Like a Dog 

Fragments of Music, Life and 

Death of Albert Ayler 

Jazzwerkstatt 

W W 

Voller Sogkraft erzählt F.C. Delius 

eine Geschichte von der Dynamik 

zwischen Vater und Sohn, bei der 

die Musik von Albert Ayler, mit der 

der Protagonist der Geschichte 

zufällig in einer New Yorker Bar 

konfrontiert wird, eine wichtige 

Rolle beim Erkenntnisgewinn 

spielt. Aylers Musik hilft dem 

namenlosen Erzähler, dem 

Christian Brückner seine Stimme 

leiht, das Verhältnis zu seinem 

Vater ins rechte Licht zu rücken. 

Aylers Musik wirkt also befreiend, 

und so wird sie auch von allerlei 

Experten in die Jazzgeschichte 

eingeordnet. 

Wie der Zufall es will, sind gerade 

zwei CDs wieder herausgekommen, 

die Aylers Musik feiern. Die 

eine ist von Ayler selbst, heißt kurioserweise 

Music Is the Healing 

Force of the Universe, enthält 

aber nicht dieses letzte Studio- 

Album Aylers, sondern stattdessen 

die Live-Aufnahme, die auch 

unter dem Namen Live at Slug’s 

Saloon veröffentlicht wurde 

(wen Jazzwerkstatt-Zampano 

Ulli Blobel mit dieser Charade 

verwirren will, ist unklar) und eine 

der besten Live-Aufnahmen von 

Ayler überhaupt ist. Er spielt 1966 

seine Parade-Stücke „Ghosts“, 

„Bells“, „Our Prayer“ und „Truth 

Is Marching In“, und zwar mit 

Bruder Donald an der Trompete 

sowie dem Geiger Michael Sampson, 

dem Bassisten Lewis Worrell 

und dem Schlagzeuger Ronald 

Shannon Jackson. Dass er – auch 

für Delius – als Free-Jazz-Wüterich 

gilt, ist ein Missverständnis, 

das sich lange gehalten hat. Doch 

wie Diedrich Diederichsen einst 

in Der lange Weg nach Mitte 

ganz richtig schrieb: „Albert Ayler 

hatte die musikalische ‚Befreiung‘ 

immer mit dem Aufgehen 

in konventionelle Kollektivismen 

verbunden, vor allem Märsche 

und Spirituals“. Davon hat 

Peter Brötzmann, der sich seit 

Jahrzehnten als Aylers Nachlassverwalter 

aufspielt, aber keine 

Ahnung, denn der Mann ist ja 

nicht in der Lage, einen Marsch 

oder gar ein Spiritual zu spielen. 

Das wird auch in der 25 Jahre 

alten Aufnahme Fragments… von 

Brötzmanns Band Die Like a Dog 

deutlich, in der sogar der Spiritual 

„St. James Infirmary“ zitiert wird 

– allerdings nicht von Brötzmann, 

sondern von Trompeter Toshinoro 

Kondo. Brötzmann kann halt nur 

draufloshupen, und das tut er 

auch hier exzessiv. Unterstützt 

wird er dabei – neben Kondo – 

von Hamid Drake und William 

Parker, die dem Geist Albert 

Aylers aber vergeblich hinterherrennen. 

Mirela Onel 


Otto Waalkes 

Kleinhirn an alle 

Random House Audio / Edel:Kultur 

W W W W W 

„Der Papst soll Selbstmord 

begangen haben. Naja, wenn 

man sich beruflich verbessern 

kann…“ Mit solchen, wenn auch 

meist nicht ganz so bösen, Kalauern, 

vor allem aber mit seiner 

unvergleichlichen Körpersprache 

trat Otto Waalkes – eigentlich hat 

ihm immer der Vorname gereicht 

– ab 1973, als die erste Otto-Show 

im Fernsehen ausgestrahlt wurde 

– übrigens nur einmal im Jahr –, 

seinen unvergleichlichen Siegeszug 

an. Berühmter als Otto kann 

man in Deutschland nicht werden. 

Und womit? Mit Recht (um einmal 

Heinz Erhardt zu zitieren, neben 

Jerry Lewis eines der wenigen 

Vorbilder des Ostfriesen). 

Wer mehr über Deutschlands 

„Lachmann der Nation“ (DER 

SPIEGEL) wissen will, kann seit 

Frühjahr zu dessen Autobiografie 

Kleinhirn an alle greifen, und wer 

damit noch gewartet hat, kann 

sich nun mit Ottos gleichnamigem 

Hörbuch vergnügen. „Die 

große Otto-Biografie“, wie das 

Hörbuch im Untertitel heißt, ist so 

witzig, dass man ab und zu die CD 

anhalten muss, und so ergreifend, 

dass man manchmal gar 

mit den Tränen kämpfen muss, 

denn Ottos Leben hatte auch 

peinliche und traurige Momente, 

die er keineswegs auslässt – das 

würde ja auch nicht zu diesem 

freimütigen Charakter passen. 

Aus seiner Nähe zur Neuen 

Frankfurter Schule hat Otto nie ein 

Hehl gemacht, vom Dreigestirn 

Robert Gernhardt, Pit Knorr und 

Bernd Eilert, die ihn von Anfang 

an mit Texten versorgt haben, ist 

das größte Talent, der Dichter, 

Satiriker und Zeichner Gernhardt, 

leider schon seit Langem verstorben. 

Edo Reents hebt in der FAZ 

vom 21. Juli 2018 anlässlich Ottos 

70. Geburtstag auf die „Gefallsucht“ 

ab, die in seiner Autobiografie 

eine große Rolle spiele und 

die voraussetze, dass jemand 

„gar nicht anders kann“. Um dann 

ganz richtig zusammenzufassen: 

„Es wäre deswegen ein Irrtum, 

Otto für eine ‚Figur‘ zu halten. Es 

gibt nur diesen einen Otto, der so 

viel in sich birgt (…).“ 

Otto, „Deutschlands Komischster“ 

(wiederum die FAZ), ist eben kein 

Komiker, er spielt keine Rolle 

wie Atze Schröder oder Dieter 

Nuhr, er ist einfach, was er ist, 

und wie befreiend das für die 

deutsche Gesellschaft nicht nur 

der siebziger Jahre gewesen ist, 

davon erzählt Kleinhirn an alle 

quasi nebenbei. Der Einzige, der 

ihm die Rolle als „Deutschlands 

Komischster“ jemals streitig 

machen konnte, nämlich Loriot, 

hat sie mit ganz anderen Mitteln 

ausgefüllt. 

Rolf Thomas 


LIVE 

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Ystad Sweden Jazz Festival 

Ystad 

© Py Paavolainen 

Von Frithjof Strauß. Ob 

Jazzstück oder Krimi – Festivalleiter 

Jan Lundgren und 

Camilla Ahlgren, Co-Autorin 

der TV-Serie Die Brücke und 

Mit-Erfinderin von Kommissarin 

Saga Norén, sind 

sich einig: Der gute Einfall 

kommt als Blitz, aber dann 

muss man um Strukturen in 

der Durchführung kämpfen. 

Beide sprechen in einer 

Frühstücksplauderei über die 

Grundlagen ihrer Kreativität. 

Dabei hat Ahlgren familiäre 

Beziehungen zum Jazz; sie ist 

mit Stan Getz’ schwedischer 

Ehefrau verwandt. Lundgren 

berichtet, dass er Musik 

für zwei Wallander-Folgen 

geschrieben habe, die aber in 

der deutschen Fassung von 

den Produzenten rausgekickt 

wurde. Nun sei die Zeit reif für 

Symbiosen von Jazz und Krimi, 

sinnieren beide. 

Die reale Polizei in Ystad 

jagt derweil Bratwurstbrutzler, 

denn wegen Brandgefahr in 

der Sommerhitze gilt Grillverbot. 

Eben dieses Klima, 

verbunden mit der Kleinstadtidylle, 

dem Meer, der 

gemütlichen Lebensart und 

der smoothen Musik nageln 

mich gleich im ersten Konzert 

auf ein Wort fest, das den 

Haupteindruck des Festivals 

beschreibt: Verklighetsextas. 

Der Pianist Martin Berggren 

benutzt es, um seinen in 

Vaterfreude entstandenen 

„Waltz of Joy“ anzukündigen. 

Ein Jubel, der eben nicht aus 

90 Jazzthetik 09/10-2018 Nils Petter Molvaer

© Markus Fagersten 

der Wirklichkeit heraustritt, 

sondern auf ihrem Erleben 

basiert, sie aufsaugt. Genau 

diese Freude feiern am Abend 

The Manhattan Transfer in 

ihrem Vocalese zu Clifford 

Browns „Joy Spring“. 

Ebenso den Jubel besingt 

Gunnar Erikssons Chor zur Musik 

Lars Gullins – er wäre 90 

geworden – mit biblischen und 

klassischen Texten, u.a. dem 

Hohelied. Die Legenden Georg 

Riedel (84) und Jan Allan (83), 

beide Sidemen Gullins, verleihen 

dem Projekt den authentischen 

Sound des Swedish 

Modern Jazz der 50er. 

Erzschwedisch ist dabei auch 

die Religionsauffassung eines 

frohen Christentums, das allzu 

starke Jenseitsbezüge durch 

Hingabe an die Schönheit des 

Irdischen ablenkt – Wirklichkeitsekstase! 

In umgekehrter 

Richtung mit Musik und Mystik 

das Erleben von Transzendenz 

zu erzeugen, sollte wohl ein 

Anliegen des Konzerts von 

Nils Petter Molvær sein, das 

vor Ales Steinen stattfand. Die 

frühmittelalterliche Schiffssetzung 

mit Meeresblick halten 

manche für einen Sonnenkalender. 

Wo sich sonst Neuhexen 

winden und Yogakurse 

strecken, bespielte Molvær ab 

5.20 Uhr mit Trompete und Laptop 

die aufgehende Sonne vor 

540 Besuchern. Das hinderte 

aber weder die Musik noch 

die Landschaft daran, in ganz 

diesseitiger Eigenschönheit zu 

erstrahlen. 

Monty Alexander sagte 

am Ende seines Auftritts, dass 

ihm der Herr im Himmel die 

Finger geführt habe, denn 

vor fünf Tagen habe ihn ein 

Schlaganfall getroffen. Sein 

komplex im Trio verwobenes 

Klavier klang nichtsdestotrotz 

in verspielter Unbeschwertheit. 

Weitere Höhepunkte 

unter den 44 Konzerten 

waren die Sängerinnen: Cécile 

McLorin Salvant mit feinster 

Nuancensemantik, als würde 

Fischer-Dieskau jazzen. Youn 

Sun Nah mit enormer Pathospalette 

vom Piepsen bis 

zum Röhren. Lizz Wright im 

Gospelspirit mit mildem Lächeln 

und Jesusgestik. Ich sah 

aus dem Orchestergraben aus 

drei Metern Entfernung direkt 

zu ihrer hehren, segnenden, 

singenden Gestalt empor – 

Verklighetsextas! 

Youn Sun Nah Jazzthetik 09/10-2018 91

Live 

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Rivertone 

Straubing 

© Ulli Scharrer 

Von Jan Kobrzinowski. Straubing ist eine 

kleine Stadt in Niederbayern an der Donau, 

einer dieser Orte, in denen man gerne 

hängenbleibt. Im Sommer ist meist schönes 

Wetter und irgendwo immer etwas 

los. Hier ist man nett zu einand’ und die 

Leute verstehen zu feiern. Etwas später im 

Sommer werden die Massen strömen zum 

Gäuboden-Volksfest, dem weithin größten 

denkbaren Volks- und Bierfest, das die Stadt 

mit einer knappen Million Besuchern in zehn 

Tagen überziehen wird. Eines der Zelte, an 

denen seit Wochen gezimmert wird, gehört 

an diesem Wochenende Mitte Juli ganz dem 

Rivertone Festival. Die Vorgänger und großen 

Brüder hießen Bluetone und Jazz an der 

Donau. Rivertone ist kleiner und feiner, die 

Leute sollen sich wohlfühlen. Festivalchefin 

Karin Vuskovic will es wissen und möchte 

Rivertone im kommenden Jahr gerne noch 

größer aufziehen. Die Vorgänger haben 

Maßstäbe gesetzt. Man hat gute Sponsoren, 

viel Geschichte, Unterstützung durch lokale 

Fans und keine Angst vor der Zukunft. Die 

Atmosphäre ist familiär. Umrahmt von Jazz- 

Brunch, Late Night Shows und Sessions in 

der ganzen Stadt, ist das Hauptprogramm 

edel und mit Bedacht ausgesucht. 

Lily Dahab und Band, Opener am 

Freitagabend, stimmten die Leute behutsam 

und charmant auf das ein, was mehr als 

ein Hauch Latino-Flair werden sollte. Kurz 

danach trat ein Argentinier in Erscheinung, 

langhaarig, mit Hut und rosa Brille, der sich 

als roter Faden des Wochenendes erweisen 

sollte: Minino Garay, weltgewandter 

Perkussionist und hier Duopartner des 

französischen Pianisten Baptiste Trotignon. 

Mit viel Hingabe spielten sich die beiden 

durch ihr vorwiegend lateinamerikanisches 

Repertoire. Manu Katchés neues Elektro- 

Fusion-Projekt The Scope war Headliner 

des Freitags. Laut und druckvoll bestätigte 

er samt rockigem Powertrio mit E-Gitarre 

(Patrick Manouguian), Bass (Jérôme Regard) 

und Keyboards (Elvin Galland) seine 

Position als einer der führenden Groove- 

Drummer Europas. 

Andreas Dombert 35 eröffnete den 

zweiten Festivalabend mit filigranem 

Gitarrentrio-Kammerjazz. Gemeinsam mit 

James Maddren (dr) und Andreas Lang 

(b) überzeugte der Echo-Jazz-nominierte, 

übrigens gebürtige Straubinger mit superfeinem 

Ton und außerordentlich inspirierten 

Kompositionen und servierte Rivertone so 

den einzigen lupenreinen Jazz-Gig. Unter 

dem Titel Tribute to Gotan Project wurde 

man anschließend Zeuge eines seltenen 

Ereignisses: Was quasi als Session begann, 

endete als furioser Live-Act, der das 

gesamte Publikum auf die Beine brachte. 

Original-Gotan-Mitglieder (u.a. der erwähnte 

Minino Garay, Sängerin Verónika Silva, 

Bandoneonistin Marisa Mercade) traten 

unter der Leitung der dänischen Geigerin 

Line Kruse zu einer akustischen Version 

des legendären Projektes an. Als Top-Act 

am Samstag leistete sich Rivertone dann 

Till Brönner, der mit seiner siebenköpfigen 

Großbesetzung für einen rauschenden 

Abschluss sorgte. Mit seiner musikalisch 

perfekten Show polierte der Startrompeter 

Rivertone noch einmal richtig auf Hochglanz. 

Er würde sich für Straubing besonders 

ins Zeug legen, sagte er im Vorfeld, 

er möge die Herausforderung, „wenn links 

und rechts musikalische Schwergewichte 

auftreten“. 

92 

Jazzthetik 09/10-2018 Till Brönner

Konfrontationen 

Nickelsdorf 

Von Holger Pauler. Zum 39. Mal 

gab es im Juli die Konfrontationen 

in Nickelsdorf – es könnte 

die letzte Ausgabe gewesen 

sein. Wegen des drohenden 

Konkurses der Jazzgalerie 

– dem zentralen Veranstaltungsort 

des Festivals – ist es 

unsicherer denn je, ob das 

Jubiläum im kommenden Jahr 

stattfinden kann. Im Herbst soll 

über die Zukunft des Restaurants 

verhandelt werden. Das 

endgültige Aus wäre eine 

Schande, zumal die diesjährige 

Auflage des Festivals eine der 

besten der jüngeren Geschichte 

war. 

Der Auftritt der Formation 

Frisque Concordance mit Georg 

Graewe (p), John Butcher 

(sax), Wilbert de Joode (b) 

und Mark Sanders (dr) zeigte, 

dass die Grenzen der freien 

Improvisation noch längst nicht 

ausgelotet sind: Uptempo und 

Crescendo dominierten das 

Konzert. Fließende Kaskaden 

auf dem Klavier wurden 

begleitet von Multiphonics und 

stets wechselnden Harmonien 

auf Tenor- und Sopransaxofon. 

Dazu eine Rhythmusgruppe, 

die den Sound mal verdichtete, 

dann wieder Kontrapunkte 

setzte. Interaktion auf Champions-League-Niveau 

– und 

das Ganze ohne Elektronik und 

präparierte Instrumente. Frank 

Gratkowskis Septett Skein unternahm 

in seinem nächtlichen 

Auftritt Ausflüge in den Dschungel 

und die Exotica, ohne den 

Boden der freien Improvisation 

zu verlassen. Besonders Liz 

Allbee an Trompete und Stimme 

und Kazuhisa Uchihashi an 

Gitarre und Daxofon steuerten 

unerwartete Klangfarben 

bei. Eine elektro-akustische 

Klangreise, die wach hielt, ohne 

zu überfordern. 

Regionale Acts spielen 

in Nickelsdorf glücklicherweise 

ebenfalls eine wichtige 

Rolle. Die Gruppe Möström 

um Susanna Gartmayer (bcl), 

Tamara Wilhelm (electr) und 

Elise Mory (keyb) spielte zum 

ersten Mal bei den Konfrontationen 

und sorgte mit ihrem 

oft mit einem leicht ironischen 

Lächeln vorgetragenen Mix aus 

Elektro, freier Improvisation und 

eingestreuten Standards für 

einen weiteren Höhepunkt: Es 

pulsierte, rauschte, donnerte 

und swingte – per Anhalter 

durch die musikalischen Galaxien. 

Das Tentet der Komponistin 

Angélica Castelló eröffnete 

den Sonntagabend mit einem 

Auftritt voller Überraschungen: 

Teilweise drone-artig wurden 

Spannungsbögen kreiert, mal 

nebeneinander, mal langsam 

aufeinander aufbauend, dann 

wieder wellenförmig, ehe das 

Stück langsam ausfadete – 

zufällig begleitet vom Heulen 

der Sirenen der örtlichen 

Feuerwehr. Christof Kurzmann 

bewegte sich anschließend mit 

der Formation Disquiet in der 

Tradition Robert Wyatts oder 

Fred Friths: fragile Songfragmente 

und Collagen, die zum 

Zuhören aufforderten. Auch 

politische Botschaften durften 

hier nicht fehlen. Gerade jetzt, 

da der Aufstieg der Populisten 

und (Krypto-)Faschisten unaufhaltsam 

scheint, ein mehr als 

notwendiger Schritt. 

Das Festival wurde von 

einem Streicher-Trio abgeschlossen: 

Szilárd Mezei (viola), 

Tristan Honsinger (cello) und 

Joel Grip (b) bewegten sich 

zwischen Dada, Beckett und 

Billie Holiday. Honsinger und 

Grip steigerten ihren Dialog ins 

Absurde, sprangen über die 

Bühne, kletterten auf Stühle 

und tauschten die Instrumente. 

Es gab mehrere Zugaben, an 

deren Ende Festivalmacher 

Hans Falb auf die Bühne geholt 

wurde. Er verabschiedete sich 

sichtlich bewegt vom zahlreich 

erschienenen Publikum. 

Und nicht wenige blickten mit 

Wehmut auf die vergangenen 

vier Tage zurück: Ein Ende der 

Konfrontationen würde bedeuten, 

dass ein weiterer Freiraum, 

der noch nicht vom autoritären 

Zeitgeist kontaminiert ist, 

verschwindet. Hoffen wir das 

Beste. 


Live 

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Morgenland 

Festival 

Osnabrück 

© Andy Spyra 

© Andy Spyra 

Von Ralf Döring. Es zählt zu 

den großen Qualitäten des 

Morgenland Festivals, Jahr für 

Jahr neue Räume zu erschließen. 

Das gilt für kulturelle und 

musikalische Räume, in der 

jüngsten Ausgabe aber auch 

im Wortsinn: Das in Osnabrück 

ansässige VW-Werk wurde 

zum Schauplatz für ein Konzert 

der Morgenland All Star Band. 

Die Gäste in der Werkshalle 

erlebten eine Band, die ungeheure 

Spiellust und Experimentierfreude 

an den Tag legt, sich 

aber stetig von der Session- 

Formation zum festen Ensemble 

entwickelt, ohne die Freude am 

Spiel zu verlieren. Im Gegenteil: 

Musiker wie Serpent- und 

Tubavirtuose Michel Godard, 

Trompeter Frederik Köster, 

Schlagzeuger Bodek Janke, 

vor allem aber der syrischamerikanische 

Klarinettist 

und Komponist Kinan Azmeh, 

(mehr oder weniger heimlich) 

Mastermind der Band, denken 

längst nicht nur in den Kategorien 

des freien Ausdrucks 

via Improvisation, sondern in 

Strukturen komplexer Arrangements. 

Damit formuliert die 

Band mittlerweile so starke 

Positionen, dass es möglich ist, 

das Konzert von Lichtkünstler 

Philipp Geist illuminieren zu 

lassen, ohne die Musik in einer 

Flut starker Videos und Projektionen 

untergehen zu lassen. 

Im Gegenteil, Licht und Musik 

ergänzen sich perfekt. 

Tatsächlich drückt sich 

in dieser Kombination ein 

Experimentierwille aus, der 

zum Kennzeichen des Festivals 

geworden ist. Eine mitreißende 

Kooperation hat sich diesmal 

zwischen dem syrischen Trompeter 

Nezar Omran und seinem 

Kollegen Ingolf Burkhardt 

von der NDR Bigband ergeben: 

Burkhardts expressiver 

Sound trifft den bronzenen 

Ton Omrans, Blue Notes und 

die Mikrotöne der arabischen 

Maqamat treten in Dialog, und 

Florian Weber am Klavier und 

der ebenso sensible wie virtuose 

türkische Perkussionist 

Hogir Göregen erspielen sich 

mathematisch präzis abgezirkelte 

Freiräume – ein starker 

Abend. 

Als Länderschwerpunkt 

hat Festivalleiter Michael 

Dreyer diesmal das riesige 

Steppenland Kasachstan gesetzt 

und locker ins Programm 

eingewebt. Raushan Orozbaeva 

mit der bogengestrichenen 

Laute Kobys und Ulzhan Baibussynova 

mit Obertongesang 

und der zweisaitigen Dombra 

offenbarten dabei, wie neu sich 

die Klänge in unseren Ohren 

ausnehmen, wie nah uns die 

Musik aber gleichzeitig in ihrer 

liedhaften Struktur ist. Diese 

originäre Musik wurde auch 

Teil eines typischen Morgenland-Projekts 

unter dem Titel 

Die neue Seidenstraße. Die 

beiden Kasachinnen trafen 

dabei auf Wu Wei und seine 

chinesische Mundorgel Sheng 

sowie auf den Pianisten Salman 

Gambarov aus Aserbaidschan 

und Perkussionist Bodek Janke, 

seinerseits ein Musiker mit 

polnischen und kasachischen 

Wurzeln. Das Konzert im soziokulturellen 

Zentrum Lagerhalle 

offenbarte zwar, wie schwierig 

es ist, die Kräfteverhältnisse 

zwischen der Ausdruckskraft 

Wu Weis und Jankes und 

den diskreten Kasachinnen 

auszubalancieren. Wenn aber 

Gambarov mit seinem feinsinnigen 

Klavierspiel zwischen 

Jazz, Bach und Polyphonie 

den Ton angab, entfaltete das 

einen zauberhaften Reiz. Und 

wie sehr solche Kooperationen 

lohnen, demonstrierten das 

Ensemble Hewar aus Syrien 

und das Gurdjeff Ensemble aus 

Armenien beim Abschlusskonzert. 

Die Musik Armeniens und 

Einflüsse arabischer Musik, 

Jazz und Spurenelemente 

der zeitgenössischen Musik 

verschmolzen zu einer Einheit, 

die Räume nicht nur erschließt, 

sondern gleich neu schafft. 

Besser kann sich ein Festival 

nicht legitimieren. 

94 

Jazzthetik 09/10-2018 oben: Homayun Sakhi (Rubab) / unten: Ulzhan Baibussynova (Gesang & Dombra), Raushan Orozbaeva (Qobys)

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JazzBaltica 

Von Angela Ballhorn. 2018 

musste das JazzBaltica erneut 

umziehen, die Evers-Werft stand 

nicht mehr zur Verfügung. Das 

Festival wanderte in den Kurpark 

in Timmendorfer Strand. Die 

Open-Air-Konzerte litten – wie 

leider oft – unter dem nasskalten 

Wetter, die Hauptbühne im 

Seehotel Maritim natürlich nicht. 

Leider fehlte im abgedunkelten 

Saal das Am-Meer-Gefühl, man 

hätte in jedem x-beliebigen Hotel 

sein können. Für die Logistik 

ist die neue Location sicher ein 

Gewinn, aber mit den durch 

die Bootshalle kreuzenden 

Schwalben und dem Klackern 

der Schiffswanten war die 

Atmosphäre früher maritimer. 

Dem Publikumszuspruch tat das 

keinen Abbruch, unglaubliche 

17.000 Karten wurden abgesetzt. 

Timmendorfer Strand 

Applaus überwältigt war. Das 

große Orchesterprojekt mit dem 

Englischhorn-Solisten Björn Bohlin 

war spannend, leider tat der 

Tausch der Konzertblöcke Eva 

Kruses toller Band nicht gut. Als 

erster Act wäre ihre On-the-Mo- 

Band besser angekommen. Eva 

Kruse musste ohne Soundcheck 

spielen, und die Oboe in ihrer 

Band, deren Klang erfrischend 

anders ist, ging nach dem klanglich 

ähnlichen Englischhorn im 

Orchester etwas unter. Das dritte 

und letzte Geburtstagskonzert 

zeigte, dass zu viele Köche den 

Brei doch verderben können – zu 

guter Letzt waren zwölf Leute 

auf der Bühne, jeweils zwei 

Drummer, Pianisten, Gitarristen 

und Trompeter. Beim Beatles- 

Stück „Come Together“ war das 

einfach zu viel. 

Programm nicht hören ließ, 

dass er mittlerweile 72 ist. Helge 

Schneider schob seine Hammondorgel 

selbst auf die Bühne 

und zelebrierte sein unfassbares 

Wissen im Jazzrepertoire. Die 

NDR Info Radio Stages boten 

kleine Schätze: Donny McCaslin 

spielte zum ersten Mal mit Lars 

Danielsson, aber auch spontan 

im Quartett mit Ulf Wakenius und 

Magnus Öström, dazwischen 

gab es Interviewblöcke. 

Mit seiner eigenen Band 

wanderte Saxofonist McCaslin 

musikalisch in eine ganz andere 

Richtung – lautstark, mit viel 

Energie und Wut im Bauch. 

Leider musste er mit seiner 

großartigen Band gegen die 

Fußball-WM und einen leerer 

werdenden Saal anspielen. Weitere 

Kleinodien waren Dieter Ilgs 

B-A-C-H-Programm, das Konzert 

von Gitarrist David Grabowski, 

dem diesjährigen Preisträger 

des IB.SH Jazzawards, Hendrika 

Entzian mit ihrem Quartett und 

die JazzBaltica All Stars, denen 

© Rolf Kissling 

Viele altbekannte Gesichter 

gab es zu sehen – der künstlerische 

Leiter Nils Landgren hatte 

Freunde eingeladen. Besonders 

gefeaturt wurde der schwedische 

Bassist Lars Danielsson, 

der in diesem Jahr seinen 60. 

Geburtstag feiert. Gleich dreimal 

durfte er mit unterschiedlichen 

Formationen auf die Bühne. In 

der Band Liberetto liebte das 

Publikum vor allem Pianist Grégory 

Privat, der vom donnernden 

Ulf Wakenius als zweitem 

60er wurde weniger Raum 

eingeräumt, seine Band mit Bill 

Evans an Sax und Klavier (!) ging 

mit Stücken wie Miles‘ „Jean- 

Pierre“ gut los. Ein unerwartetes 

Highlight war die lettische Radio 

Big Band mit ihrem Gastsolisten 

Randy Brecker, die ohne 

Dirigent, tight auf den Punkt, 

dynamisch ausgeklügelt und 

mit einem Trompeter begeisterte, 

der bei dem schweren 

Hildegunn Øiseth Stücke auf den 

Leib geschrieben hatte. 

Auffällig war, wie viele 

Label-Kollegen Nils Landgren 

auf die Bühne brachte. Dass 

ACT als einziges Label mit einem 

CD-Stand vertreten war, passte 

ins Bild. ACT-Künstler haben 

unbestritten Qualität, aber ein 

bisschen mehr Label-Vielfalt täte 

dem Festival gut. 

Nils Landgren Jazzthetik 09/10-2018 

95

Live 

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Jazzdor 

Berlin 

Von Peter Bastian. Da hat Philippe Ochem 

schon recht, gerade in diesen Zeiten, 

wenn er unterstreicht, dass man den 

kulturellen Austausch in Europa forcieren 

müsse, statt nur davon zu sprechen. Das 

tat er bei seiner Berliner Ausgabe von 

Jazzdor jetzt schon im zwölften Jahr. 

Einige dieser Begegnungen haben sich zu 

festen Bands entwickelt, wie das Quartett 

QÖÖLP um Christian Lillinger und Théo 

Ceccaldi oder das Duo Nils Wogram (trb) 

und Bojan Z (keyb). 

Letztere waren in Berlin am ersten 

Tag in eine neue Band des niemals 

rastenden 82-jährigen Klarinettisten 

Michel Portal integriert. Außerdem waren 

hier der Bassist Bruno Chevillon und 

der 30-jährige belgische Schlagzeuger 

Lander Gyselinck mit von der Partie. Die 

beiden Bläser aus verschiedenen Generationen 

– Portal begleitete Anfang der 

60er Jahre Edith Piaf – harmonierten aufs 

Beste, und gespielt wurde wunderbarer 

Modern Jazz mit rockigen Elementen. 

Modern und mitreißend war es auch 

davor bei Dadada, einem Trio mit dem Pianisten 

Roberto Negro, dem Sopransaxofonisten 

Emile Parisien und dem Drummer 

Michele Rabbia. Im Programm hatten sie 

auch eine Bearbeitung von György Ligetis 

„Cantabile“, die natürlich kaum wiederzuerkennen, 

aber sehr faszinierend war. 

Auch Pablo Held zählt zu den besten 

europäischen Pianisten und seine Rhythmusgruppe 

mit Robert Landfermann (b) 

und Jonas Burgwinkel (dr) zu den besten 

ihrer Art. Burgwinkel spielte auch im 

folgenden Trio mit Sebastian Sternal (p) 

und seiner Leiterin Airelle Besson (trp) 

und lieferte sich auch mit ihnen einen 

spannenden Austausch. What If, das 

Quartett des Tenorsaxofonisten Hugues 

Mayot mit Europas vielleicht bestem 

Fender-Rhodes-Spieler Jozef Dumoulin, 

bot sphärisch dichten elektrischen Jazz 

Richtung Weather Report. 

Die Freiheit des Jazz drückt sich 

alleine schon in der Besetzung der ersten 

Band am dritten Tag, Ikui Doki, aus. Mayot 

spielt auch hier wieder Saxofon, Sophie 

Bernado Fagott und Rafaelle Rinaudo 

Harfe. Mit Debussy als Ausgangspunkt 

gelangt das Trio über Minimal Music 

zum Jazz, das war beachtlich. Yorgos 

Dimitriadis (dr), Philippe Lemoine (sax) 

und Andrea Parkins (acc, laptop) trafen in 

Berlin zum ersten Mal zusammen und lieferten 

faszinierende Klänge ab. Das Trans 

Europe Express Ensemble, das mit Yves 

Robert (trb), Silke Eberhard (as, b-cl), Julien 

Pontvianne (sax), Théo Céccaldi (vio), 

Ronny Graupe (g), Sébastien Boisseau 

(b) und dem Schlagzeuger Dejan Terzic 

hervorragend besetzte Oktett des Kölner 

Pianisten Hans Lüdemann, spielte in Berlin 

zum wiederholten Mal seine herrliche 

Musik, zu der alle Beteiligten Stücke 

beitragen. 

Dynamisch und spannend war der 

Auftritt von Novembre, einem Quartett, 

das mit Antonin Tri-Hoang, Romain Clerc- 

Renaud, Thibault Cellier und Elie Duris an 

Saxofon, Klavier, Bass und Schlagzeug 

vier junge faszinierende Musiker vereint. 

Ihre colemaneske Musik überzeugte vom 

ersten Ton an. Genauso wie die Bedmakers 

des Saxofonisten Robin Fincker, 

die mit ihrem Tribute to an Imaginary 

Folkband überzeugten – Folk und freie 

Improvisation, das funktionierte gut. Und 

die unglaubliche Energie des Quintetts 

des Baritonsaxofonisten François Corneloup 

war ein passender Abschluss des 

diesjährigen Festivals. 

Von Christoph Giese. Wenn nach dem ersten 

Konzert noch eilig ein paar zusätzliche Stuhlreihen 

im Saal aufgebaut werden mussten 

aufgrund des unerwartet hohen Zuschauerinteresses, 

und wenn nach eben diesem ersten 

Konzert die Leute sich für stehende Ovationen 

von den Sitzen erhoben, dann konnte man 

schon nach einem Drittel der JazzNacht Zollverein 

von einer gelungenen Veranstaltung 

sprechen. Und dieses Zwischenfazit sollte 

sich bis zum letzten Ton des Abends bestätigen. 

Denn alle drei Acts boten Vorzügliches. 

Die Messlatte legten Shalosh zu Beginn ja 

auch schon hoch. Das israelische Trio, hierzulande 

noch ein kleiner Geheimtipp, spielt ein 

gefühlvolles, melodieverliebtes Amalgam aus 

Jazzfinesse und ohrwurmartigen Linien, die 

sich in vielen Stücken zu hymnenartigen Momenten 

emporschwingen. Dabei blinzelt das 

Trio gerne mal rüber zu Pop und Rock. Und 

Pianist Gadi Stern, Bassist David Michaeli 

und Schlagzeuger Matan Assayag spielten in 

der Halle 12 des Welterbes Zeche Zollverein 

in Essen auch Musik mit viel Augenzwinkern: 

Die Fußballhymne „You‘ll Never Walk Alone“ 

und der weltbekannte Pophit „Take on Me“ 

der norwegischen Band a-ha verwandelten 

sich in den Fingern von Shalosh zu raffiniert 

verschachtelten Jazzhymnen. 

Da liebt es der Top-Act der Veranstaltung 

schon erdiger. Sänger und Trompeter 

Jeff Cascaro fühlt sich in Soul, Jazz und Blues 

gleichermaßen wohl und sang das 

alles mit lässiger Attitüde. Entertainer-Qualitäten 

hat der Mann aus 

Bochum obendrein. Und wie gut 

Cascaro und seine exquisite Band 

musizieren können, zeigte sich 

nicht zuletzt in ihrer Version des 

„Inner City Blues“ von Soullegende 

Marvin Gaye. Der wurde hier 

zur leicht dunkel schimmernden, 

obercoolen Jazznummer. 

Elektronischen Jazz in 

Livebesetzung zu spielen, hatte 

sich dagegen das Trio Bassmati 

auf die Fahnen geschrieben. Das 

Projekt des Gelsenkirchener Musikers 

Martin Furmann sorgte auf 

Zollverein zu bereits vorgerückter 

Stunde mit Samples, Synthie-Bass, 

souligen Trompetensounds von 

Christian Kappe und knalligen 

Beats oder lässigen Reggae-Rhythmen 

von Drummer Hendrik Lensing 

für einen tanzbaren Ausklang. Ein 

DJ entließ danach ein zufriedenes 

Publikum in die Nacht. Zuvor verabschiedete 

Christof Wolf von der 

veranstaltenden Stiftung Zollverein 

noch die Gäste und schürte mit 

seinen Abschiedsworten Hoffnung 

auf eine Fortsetzung der JazzNacht 

Zollverein im kommenden Jahr. Genügend 

Argumente dafür hatte der 

Abend zuvor jedenfalls geliefert. 

JazzNacht Zollverein Essen 

96 Jazzthetik 09/10-2018 Antonin-Tri Hoang, Thibault Cellier

© Niclas Weber 

© Niclas Weber 

Summer Jazz 

Von Achim Ost. Der Sommer 

war groß, aber glücklicherweise 

waren auch die warmen Wochen 

nicht in der Lage, den Jazz 

in Köln ganz trockenfallen zu 

lassen. Im Stadtgarten zum Beispiel 

war der mithilfe von Licht 

begrünte Konzertsaal während 

der drei Abende des Summer 

Jazz ausverkauft. Vielleicht war 

bei diesem kleinen Festival auch 

der Versuch mitgemeint, dem 

mittlerweile überaus erfolgreichen 

Winter Jazz im Stadtgarten 

ein Sommer-Ereignis an die Seite 

zu stellen. Wie auch immer – der 

Erfolg war offenkundig. 

Der Summer Jazz war eine 

Sequenz von drei Konzertabenden, 

von denen ursprünglich 

zwei je einem Trio gehören 

sollten und der dritte einem 

Quartett. Kurz vor dem Festival 

sorgte die Nachricht, dass 

Carla Bley ihr Trio-Konzert und 

ihre komplette Europa-Tournee 

mit Andy Sheppard und Steve 

Swallow aus gesundheitlichen 

Gründen absagen musste, für 

anhaltende Besorgnis. Musikalisch 

fiel dieser Verlust immerhin 

erträglich aus, weil Andy Sheppard 

stattdessen mit dem Espen 

Eriksen Trio auftrat, mit dem er 

vor Kurzem ein gemeinsames 

Album eingespielt hat. So geriet 

an die zweite Position des Festivals 

dann doch ein Quartett. 

Der erste Abend aber 

gehörte dem Klaviertrio The 

Bad Plus. Es besteht schon 

seit Ende des 20. Jahrhunderts 

und gehört damit klar zu den 

alten Hasen der Branche. Das 

Stadtgarten, Köln 

hat sich auch nicht wesentlich 

geändert, seit es vor einiger 

Zeit seinen Pianisten ausgewechselt 

hat. Orrin Evans bringt 

eine enorme Energie und einen 

beständigen, intensiven Groove 

in das Zusammenspiel mit Reid 

Anderson und Dave King ein, 

so dass das Trio streckenweise 

mitten in seinem dritten 

Trio-Lebens-Jahrzehnt wie 

neugeboren und ungebrochen 

spontan und expressiv wirkt. 

Der zweite Konzertabend 

gehörte dann dem Quartett, 

das Andy Sheppard mit dem 

Espen Eriksen Trio bildet – ein 

deutlicher Kontrast zum Auftakt- 

Abend. Das neu formierte und 

eigens für diesen exklusiven 

Abend aus London und Oslo 

zusammengeholte Quartett 

spielt ein insgesamt eher ruhiges, 

dabei klangintensives und 

melodisches Konzert. Etliche 

Stücke von Carla Bley waren 

darin enthalten, und der Abend 

wirkte auch deshalb ein wenig 

melancholisch grundiert. 

Den Festival-Abschluss 

machte dann das Quartett 

Endangered Blood, das mit 

Chris Speed, Oscar Noriega, 

Trevor Dunn und Jim Black vier 

der einflussreichsten Musiker 

der US-amerikanischen 

Szene versammelt. Das Konzert 

erreichte mit seiner aufregenden 

und abwechslungsreichen 

Dramaturgie und dem enorm 

verdichteten Zusammenspiel 

der vier ein Niveau, das sich 

wie ein krönender Abschluss 

an das Ende des kleinen und 

alles andere als beschaulichen 

Sommerfestivals setzte. 

links: Chris Speed (Endangered Blood) / rechts: Andy Sheppard & Espen Eriksen Trio

Live 

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Bingen 

swingt 

Bingen 

Von Norbert Krampf. Jedes 

Jahr im Juni breitet sich der 

Jazz für ein Wochenende im 

beschaulichen Bingen aus. 

Seit 2016 sorgt Christiane 

Böhnke-Geisse, ehemals Programmchefin 

der Münchener 

Unterfahrt , als künstlerische 

Leiterin des Festivals dafür, 

dass Bingen nicht nur traditionell 

swingt (und soulpopt), 

sondern auch einige Bands mit 

avancierteren Konzepten präsentiert. 

Die 23. Ausgabe trug 

den Untertitel Guitar Vibes, 

folglich gab es auf den sechs 

Hauptbühnen neben rockigen 

PDF in 4c 

© Norbert Krampf 

Anklängen einige Ausflüge 

in die Jazzgeschichte zu 

besichtigen. Etwa von Bands 

wie dem Münchener Hot Club 

de M Belleville, die Django 

Reinhardts Sinti-Swing-Erbe 

weitertragen. Oder durch 

die Akustik-Gitarristen Diknu 

Schneeberger und Joscho 

Stephan. Modernere Akzente 

setzte das Kölner Trio um E- 

Gitarrist Tobias Hoffmann, der 

Jazz-Ideen, Rock-Einflüsse und 

humorvolle Surf-Erinnerungen 

vereint. 

Couragiertere Künstler 

und Künstlerinnen liefen 

diesmal kaum Gefahr, sich 

gegenseitig Konkurrenz zu machen. 

Am entschiedensten aus 

gängigen Rahmen fiel Hervé 

Samb. Als versierter E-Gitarrist 

hat sich der Teilzeit-Kalifornier 

aus Dakar schon neben 

Stars wie Marcus Miller und 

Salif Keita profiliert. In Bingen 

spielte er nun vor allem eine 

Sinti-Gitarre, die im Kontext 

von Afro- und Funkjazz bislang 

wohl kaum zu hören war. Eine 

vermeintlich schräge Kombination, 

die unter Sambs virtuosen 

Fingern ebenso stimmig wie 

spannend klang. Zumal er mit 

dem Perkussionisten Alioune 

Seck aus Dakar einen Großmeister 

der Sabar-Trommeln 

und -Rhythmen hinter sich und 

darüber hinaus noch Sänger 

Alpha Dieng vom Orchestra 

Baobab dabeihatte. 

Die Österreicher Herbert 

Pirker (dr) und Raphael Preuschl 

(b) genießen hierzulande 

einen hervorragenden Ruf, 

seitdem sie bei Pianist David 

Helbock und Mario Rom‘s 

Interzone (Pirker) spiel(t)en. Im 

Fabulous Austrian Trio FAT mit 

dem seit 2004 in Los Angeles 

ansässigen E-Gitarristen Alex 

Machacek kommen ihre Qualitäten 

ebenfalls zum Zug. Die 

größtenteils von Machacek 

stammenden Kompositionen 

changieren zwischen 

geschmack- und klangvollen 

ruhigeren Stücken und 

Funk- bzw. Rockjazz-Titeln mit 

Groove und gängigen Phrasen, 

komplexen Breaks und diversen 

Soundeffekten. 

Susan Weinert, Nina Attal 

und Monika Roscher vertraten 

in Bingen die weibliche 

Sicht auf die Gitarre. Wobei 

Roschers unkonventionelle 

Bigband-Kompositionen und 

mal opulente, mal gewitzte 

Arrangements noch mehr 

bestechen als ihre eingeflochtenen, 

teils ruppigen Soli auf 

der Stratocaster. Von König 

Fußball auf den frühen Termin 

um 18 Uhr verdrängt, mussten 

neue Stücke, die an eine Lichtshow 

und einen klingenden 

Anzug gekoppelt sind, wegen 

des Tageslichts gestrichen 

werden. Aber auch das Repertoire 

der beiden CDs Of Monsters 

And Birds und Failure in 

Wonderland bietet immer noch 

viel Raum für überraschende 

Wendungen, Sounds (inklusive 

Elektronik) und Soli der 13 (!) 

Bläser. Mit Roschers unprätentiös-erzählerischem 

Gesang, 

dem Wechsel von Melodien, 

interessanten Details und weit 

ausholenden Bögen nimmt 

die Bigband der Münchenerin 

weiterhin eine Sonderstellung 

unter den Großformationen 

ein. 


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1 

Fola Dada & 

Rainer Tempel 

Boston, MA 

(Rodenstein 

Records) 

4 

Tord Gustavsen Trio 

The Other Side 


2 

5o Jahre MPS 

Sampler 

(Edel) 

5 

John Zorn 

The Interpretation 

of Dreams 

(Tzadik / 

InAkustik) 

3 

Henning Sieverts 

Symmethree 

Aerea 

(Pirouet / NRW) 

6 

Peter Gall 

Paradox Dreambox 

(Traumton / Indigo) 

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Clubs 09 

Raum 00000 

Chemnitz 

11.09. J. Butcher, W. de Joode- 

M. Blume; Jazzclub Fuchs e.V. 

26.09. Markus Stockhausen; 

Jazzclub Fuchs e.V. 

Dresden 

01.09. Daniel Puente Encina & 

Band; Tonne 

08.09. Hyleen; Tonne 

14.09. Phronesis/support: 

Richard Ebert Quartett; Tonne 

21.09. Günther “Baby” Sommers 

Party; Tonne 

22.09. Mathias Eick; Tonne 

25.09. Svavar K´nutur; Tonne 

28.09. Erna Rot; Tonne 

29.09. Susan Weinert W.O.W. Trio 

feat. Andrzej Olegniczak; Tonne 

30.09. Pixel; Tonne 

Halle 

08.09. Still in the Woods feat. 

Hagelslag; Pierre Grasse 

20.09. Randi Tytingvåg Trio; 

Objekt 5 

Jena 

19.09. Soft Machine; Jena, 

Kulturbahnhof 

Leipzig 

06.09. Johannes Bigge Trio; naTo 

19.09. David Helbock Random 

Control; Museum d. bildenden 

Künste 

21.09. LeipJAZZig: Zwio 

Plus: Eckart Gleim-Michael 

Arnold-Clemens Oerding-Jonas 

Schneider; Schille-Theater 

23.09. Hans Anselm Big Band; 

naTo 

26.09. Stefanie Boltz; UT 

Connewitz 

Neupetersheim 

23.09. Maria Baptist; Gut 

Geisendorf 

Pohrsdorf 

01.09. Das rosa Rauschen; 

Saxstall 

02.09. Thomas Walter Maria & 

Kapelle; Saxstall 

07.09. Trio Skulski/Gerigk/Roth; 

Saxstall 

09.09. Clemens Pötzsch; Saxstall 

15.09. “SKlation” Trio; Saxstall 

16.09. June Coco; Saxstall 

21.09. Alexander von Schlippenbach/Rudi 

Mahal/Kasper Tom; 

Saxstall 

23.09. Sensor; Saxstall 

28.09. Matov Trio; Saxstall 

29.09. Edith Steyer Trio; Saxstall 

30.09. Christian Rien “Swing is 

here”; Saxstall 

Zwickau 

01.09. Josh Hoyer & Soul Colossal; 

St Barbara Lichtentanne 

Raum 10000 

Berlin 

01.09. KUU!; Klunkerkranich 

01.09. Savoy Satellites All Stars; 

Schlot 

01.09. Ben Mayson and Friends; 

B-Flat 

02.09. Esther Kaiser „Songs of 

Termine 09/10 

Courage“; B-Flat 

03.09. Tasso Savvopoulos 

„Auftrieb“; B-Flat 

02./03.09. Chreis Bennett Group; 

A-Trane 

03.09. Aliens In The Woods; 

Schlot 

04.09. Johannes Bigge Trio; 

A-Trane 

04.09. Eyal Lovett Trio; Schlot 

04.09. Maria Baptist & Jan von 

Klewitz; B-Flat 

05.09. Robin´s Nest Jam Session; 

B-Flat 

05.09. Eva Fernández; Schlot 


Control; A-Trane 

05.09. De-Phazz; Lido 

06.-08.09. Eb Davis & The Superband; 

A-Trane 

06.09. Alphonso Williams; 

Quasimodo 


Hagelslag; Donau 115 

06.09. Berkel-Lehmann-Griese; 

Schlot 

06.09. Friedhelm Schönfeld 

Quartett; B-Flat 

07.09. „Sketchtes of Jazz“; B-Flat 

07.09. Queen II Magic Tribute; 

Quasimodo 

07.09. Duo Dorado „Sweet Biel- 

Bienne“; Schlot 

08.09. International Fusion 

Quintett; Schlot 

08.09. Ntjam Rosie; Quasimodo 

08.09. Tal Balshai Quintett; B-Flat 

08./09.09. UM:LAUT – Henrik 

Schwarz & Bugge Wesseltoft; 

Radialsystem V 

09.09. Jan Prax Quartet; A-Trane 

09.09. Quintessence; B-Flat 

10.09. Ben Miller Band; 

Quasimodo 

10.09. low Loris Quartet; Schlot 

10.09. Andreas Schmidt & 

Friends; A-Trane 

11.09. BLAER; Schlot 

11.09. Daniel Kahn & The Painted 

Bird; Quasimodo 

12.09. Vandojam meets Robin`s 

Nest; B-Flat 

12.09. ZÔSH Sophie Tassignon/ 

Julie Sassoon; Schlot 

12.09. Tal Arditi; A-Trane 

12.09. Tami Neilson; Quasimodo 

13.09. Quasimodo Club Band 

feat. Cosmo Klein; Quasimodo 

JAZZTHETIK präsentiert: 

13.09. Ezra Collective; Gretchen 

13.09. José James celebrates 

Bill Withers; Heimathafen 

13.09. Dangerous Beans feat. 

Marc Doffey; A-Trane 

13.09. Sun Dew; Zig Zag Jazzclub 

14./15.09. Torsten Goods feat. 

Kim Sanders & Benni Freibott; 

A-Trane 

14.09. Lucia Fodde Elektro 

Projekt “My Songs”; B-Flat 

15.09. Rolf Zielke Trio meets 

Peter Weniger; B-Flat 

15.09. Kampflieder Quartett; 

Schlot 

15.09. Godzilla; Quasimodo 

16.09. Maria Baptist; Piano Salon 

Christophori 

16.09. Yakou Tribe; A-Trane 

16.09. The Pretty Things; 

Quasimodo 

16.09. Nils Wogram´s “Nostalgia”; 

B-Flat 

17.09. Giorgio Crobu Trio; B-Flat 



18./19.09. Jessica Gall; A-Trane 

18.09. Maria Baptist – Resonance; 

Schlot 

18.09. Jessica Gall; A-Trane 

18.09. Samuel Leipold Quartett; 

B-Flat 


B-Flat 

19.09. Alcaz, Christiane Courvoisier 

& Christophe Brillaud; Schlot 

19.09. Nes; Jazz at Berlin Philharmonic 

“Mediterraneo” 

19.09. Shakatak; Quasimodo 

19.09. ACT: Julian & Roman Wasserfuhr 

/ Nes; Philharmonie 

20.09. The Silent Jazz Ensemble; 

Schlot 

20.09. Andreas Schaerer & A 

Novel Of Anomaly; A-Trane 

20.09. Organism Band; B-Flat 

21./22.09. Ed Partyka Jazz 

Orchestra 2018; B-Flat 

21.09. Texas Italian Guitar Battle 

w/ Rob Mo & Willie J. Laws; 

Quasimodo 

21.09. Bobo & Herzfeld; Stummfilmkino 

Delphi 

21.09. MOVE String Quartet; 

Mutter Fourage 

21.09. Maria Baptist Orchestra; 

Schlot 

21./22.09. Ingrid Arthur & The 

Players Club; A-Trane 

22.09. Pablo Woiz & Milonga 

Roots; Schlot 

22.09. Fee; Privatclub 



23.09. Mathias Eick; A-Trane 

23.09. Musikschule City-West: 

Choro City West Ensemble/ 

Dozentenkonzert: Elisabeth 

Tuchmann Quintett; Schlot 

23.09. Randi Tytingvåg Trio; B-Flat 

24.09. Alison Rayner Quintett & 

Sir Bradley Quartett; B-Flat 

24.09. Nebula; Schlot 



24.09. Laurence Jones; 

Quasimodo 

25.09. Marcus Klossek Electric 

Trio + Special Guest; Schlot 

25.09. Das Neue Rosa Rauschen; 

A-Trane 

25.09. Earshot Quartett; B-Flat 


B-Flat 

26.09. Lars Redlich; Schlot 

27.09. Pixel; Quasimodo 

27.09. Erna Rot; Konzerthaus 

27.09. Lionel Loueke Trio; A-Trane 

27.09. tktrio; Schlot 

27.09. Ranin Oriental Jazz; B-Flat 

28./29.09. BAJAZZO/40 “Ten 


Ezra Collective 

Wishes”; B-Flat 

28.09. Michael Scheunemann 

5; Schlot 

28.09. David Haynes & Friends; 

A-Trane 

28.09. Stephan Eicher & Martin 

Suter; Universität der Künste 

29.09. For Free Hands; Schlot 

28./29.09. #bebeethoven 

Showcase – Konzerte und Performances; 

Radialsystem V 

28./29.09. Wolfgang Haffner & 

Band; Quasimodo 

30.09. Julia Hülsmann Trio; B-Flat 

Neuruppin 

23.09. Trio Laccasax; Herbst- 

Aequinox 

Neustrelitz 

07.09. Bobo & Herzfeld; 

Borwinheim 

Potsdam 

21.09. Electro Deluxe; Nikolaisaal 

Rostock 

25.09. Jazz Jam Session im Carlo 

615; Jazzclub 

Stralsund 

08.09. Bobo & Herzfeld; Kulturkirche 

Jacobi 

Wandlitz 

02.09. Trio Laccasax; Goldener 

Löwe 

Raum 20000 

Agathenburg 

08.09. Ensemble Tityre: Weibermusik; 

Schloss 

15.09. Anna-Lena Schnabel 

Quartett; Schloss 

Aurich 

08.09. Three Fall & Melane; 

North Boung Beach 

Bad Bevensen 

16.09. Jin Jim; Vakuum 

Bremen 

07.09. Ceccaldi & Negro; 

MusikFest 

07.09. Ola Onabule; Sendesaal 

12.09. Jason Herbert & Small 

World Band; MIB Initiative 

19.09. Holly Schlott; Sendesaal 

27.09. Uwe Kropinski Trio; 

Kulturwerkstatt Westend 


Sendesaal 

Bunderhee-Bunde 


Steinhaus 

Freiburg/Elbe 

13.09. Marco Ambrosini & 

Jean Louis Matinier; Hist. 

Kornspeicher 

Gedelitz 

15.09. Jin Jim; Gasthaus Wiese 

Hamburg 

03.09. Avishai Cohen; Elbphilharmonie 

04.09. Ulrike Haage & Christian 

Meyer; Elbphilharmonie 

04.09. Remembering Al Jarreau 

m. Vladyslav Sendecki-Ken 

Norris-Jürgen Attig-Matthias 

Meusel; Stage Club 

05.09. Fatjazz: Dan Gottshall 

11.9. Zürich, Exil 

12.9. Köln, Yuca 

13.9. Berlin, Gretchen 

14.9. Hamburg, Knust 

15.9. Erfurt, Franz Mehlhose 

16.9. Wien, B72 

18.9. Frankfurt/M, Brotfabrik/Zoom 

19.9. Mannheim, Alte Feuerwache 

Artfull Earfull; Turmzimmer Uebel 

& Gefährlich 

06.09. Dionne Warwick; Elbphilharmonie 

07.09. De-Phazz; Mojo Club 


Hagelslag; Birdland 

07.09. Jazzwerkstatt: Uwe 

Oberg & Heinz Sauer/Wolfgang 

Schmidtke-Kelvin Sholar-Joh. 

Fink-Ernst Bier; Elbphilharmonie 

Kl. Saal 

09.09. XL 1 - Doppeljazz: 

Downtown Big Band & Cherry 

Blossom; Stage Club 

11.09. XL 2 - Operation Grand 

Slam-Jazz at the Movies; Stage 

Club 

12.09. Fatjazz: Gabriel Coburger 

Band; Turmzimmer Uebel & 

Gefährlich 

13.09. XL - 3 Landesjugendjazzorchester 

Hamburg; Stage Club 

13./14.09. Markus Stockhausen 

u.a.; NDR-Rolf Liebermann 

Studio 


14.09. Ezra Collective; Knust 

13.09. Herbert Pixner Projekt; 

Elbphilharmonie 

15.09. Jazzwerkstatt: Julia 

Kadel Trio/Lucia Cadotsch/ 

Julie Sassoon/Pablo Held/A. 

Schlippenbach/J. Burgwinkel 

Medusa Beats; Elbphilharmonie 

Kl. Saal 

15.09. Lucia Cadotsch Speak Low 

feat. Kit Downes; Elbphilharmonie 

17.09. Les Négresses Vertes; 

Fabrik 

18.09. Trilok Gurtu Special m. 

Frederik Köster u.a.; Stage Club 

19.09. Fatjazz: Niels Klein Tubes 

& Wires; Turmzimmer Uebel & 

Gefährlich 

19.09. Vdelli; Downtown 

Bluesclub 

20.09. Jan Lundgren Mare 

Nostrum; Elbphilharmonie 

21.09. Lücker/Schickentanz; Alte 

Druckerei Ottensen 

22.09. 4fakultät!: Andrea Belfi; 

Künstlerhaus Faktor e.V. 

22.09. Nes; Elbfest 

26.09. Fatjazz: Winnitzki/Lücker/ 

Hughes, feat. Tobias Delius; 

Turmzimmer Uebel & Gefährlich 

28.09. Vocal Nites; Elbphilharmonie 

28.09. James Rhodes; Laieszhalle 

29.09. Yul Anderson; Elbphilharmonie 


Suter; Laeiszhalle 

Keitum/Sylt 

13./14.09. Markus Stockhausen; 

Teekontor 

Kiel 

19.09. Maria Baptist; Kulturforum 

Leer 

16.09. Pablo Held Trio; Speicher 

Lübeck 

2009. Maria Baptist; CVJM 

Lüneburg 

06.09. Pablo Held Trio; Kulturforum 

20.09. Maybebop; Kulturforum 

Lutterbek 

20.09. Nes; Lutterbeker 

Neumünster 

28.09. Echoes Of Swing; 

Werkhalle 

30.09. Gregory Porter; Kunstflecken 

Theater Stadthalle 

Oldenburg 

07.09. David Helbock’s Random/ 

Control; Wilhelm13 

14.09. “Gehörgänge”: Christoph 

Irmer & HCL; Wilhelm13 

15.09. Northwest Concert Band; 

Wilhelm13 

20.09. Jazzsession Jazzclub 

Alluvium/JMO; Wilhelm13 

21.09. Elmar Braß Trio; Wilhelm13 

22.09. Heavy Therapy; Wilhelm13 

27.09. Clubabend Jazzclub 

Alluvium; Wilhelm13 

28.09. Britta Dinkelbach & Band; 

Wilhelm13 

Reinbek 

02.09. Trio Macchiato; Schloss 

Spiekeroog 

25.09. Uwe Kropinski Trio; 

Spiekeroog 


Stade 


Control; Seminarturnhalle 

Tosterglope 

22.09. MOVE String Quartet; 

Kunstraum 


Verden 

22.09. The Hamburg Blues Band 

& Friends; Jazz & Bluesnight 

Raum 30000 

Aerzen 

21.09. Marina & The Kats; 

Domänenburg 

Bad Meinberg 


Control; Red Horn District 

Bielefeld 

01.09. Lisa Stick; Bunker 

Ulmenwall 

06.09. Nick & June; Bunker 

Ulmenwall 

08.09. Yellow Bird; Kultursommer 

Waldhof/Bunker Ulmenwall 

11.09. Soundtrips #40: Laubrock- 

Rainey-Duo; Bunker Ulmenwall 

12.09. Jason Bartsch; Bunker 

Ulmenwall 

13.09. Jazz Session; Bunker 

Ulmenwall 

14.09. BEATZ4OWL ReleaseParty; 

Bunker Ulmenwall 

21.09. Doppelkonzert Vanoli & 

Kreysing-Brügge-Duo; Bunker 

Ulmenwall 

22.09. Analogue Birds feat. 

Gianluca Scagliarini; Bunker 

Ulmenwall 

25.09. Electric Ulmenwall; 


27./28.09. Minute Masters; 

Autokulturwerkstatt 

28.09. The Fugitives; Bunker 

Ulmenwall 

Einbeck 

01.09. Tri Continental: Bill Bourne, 

Lester Quitzau, Madagascar 

Slim; Esel 

Enger 

01.09. Leptophonics & Michael 

Gruner - Projekt Heimat; Widukind 

Museum 

Eschwege 

08.09. Echoes Of Swing; E-Werk 

Fritzlar 

22.09. Deep Schrott; Kulturscheune 

Fulda 

14.09. Still in the Woods; 

Kulturkeller 


Control; Kulturkeller 

Hannover 

06.09. Etta Scollo; Pavillon 

06.09. De-Phaz; MuZ 

09.09. Nils Wülker; Entdeckertag 

14.09. Vdelli; Blues Garage 

14.09. Pablo Held Trio; Jazzclub 

15.09. Teresa Bergmann; 28. 

Internationaler Feuerwerkswettbewerb 

18.09. Fee; LUX 

19.09. Seitwärts Avantgarde 

Session; Kulturpalast Linden 

Hidden Orchestra 

16.10.18 UT Connewitz, 

Leipziger Jazztage 2018 

21.09. Chiara Raimondi Quintett; 

Jazzclub 

29.09. Pablo Ziegler; Jazzclub 

Hardegsen 

30.09. Eric Schaefer Kyoto mon 

Amour; Burg Hardegsen 

Herford 

07.09. SONIQ South America 

- m. Jarry Singla, Ramesh 

Shootham, Christina Fuchs u.a.; 

Logensaal 

Homberg 


Stadthalle 

Kassel 

04.09. Sven Krug Quartett; 

Theaterstübchen 

13.09. Quinteto Tango Norte; 


20.09. David Helbock´s Random/ 

Control; Theaterstübchen 

23.09. Christian Muthspiel & Steve 

Swallow; Theaterstübchen 

27.09. Omer Klein Trio; Theaterstübchen 

Lauenau 


Control; Kesselhaus 

Magdeburg 

21.09. Auftakt 17. Chorfest: Stefan 

Schultze: Our Voices; Kloster 

Unser Lieben Frauen 

Minden 

08.09. Torsten Goods & Band; 

Jazzclub 

15.09. Shakatak; Jazzclub 

29.09. Ka Ma Quartet; Jazzclub 

Neustadt a. R. 

26.09. Omer Klein Trio; Schloss 

Landestrost 

Salzhemmendorf 

29.09. Cajun Roosters; Okal Café 

Wolfsburg 

28.09. Electro Deluxe; Hallenbad 

Raum 40000 

Bochum 

07./08.09. Tatort Jazz Hausband 

feat. Gastsolisten; Innenstadt 

08.09. Soundtrips NRW 40: Ingrid 

Laubrock-Tom Rainey meeting 

Georges Paul-Martin Blume; 

Kunstmuseum 

09.09. Tatort Jazz Schule; Uwe 

Kellerhoff/Padi/The Clap Club; 

Innenstadt 

15.09. Coolibri, Groove & CT: 

Klangsphäre DJ&SPACE: Raphaël 

Marionneau; Planetarium 

21.09. Mammal Hands; Christuskirche 

30.09. Fine Art Jazz: Markus 

Stockhausen’s Quadrivium; 

Christuskirche 

Brüggen 

14.09. Joscho Stephan; Burg 

Brüggen 

Dortmund 

06.09. SONIQ - South America 

feat. Laura Robles, Demiàn Ornstein, 

Sabeth Perez; Domicil 

07.09. Katrin Scherer “Cluster 

Quartet”; Domicil 

13.09. The Dorf; Domicil 

15.09. Phronesis; Domicil 

20.09. Vdelli; Musiktheater Piano 

21.09. Mathias Eick; Domicil 

23.09. Chris Hopkins & Judy 

Carmichael; Konzerthaus 

25.09. Spain; Domicil 

Dorsten 

14.09. Fine Art Jazz: Triosence; 

Das LEO 

Düren 

22.09. Lazarev Project Group; 

KOMM 

Düsseldorf 

05.09. Sebastian Gahler meets 

Uli Beckerhoff; Steinway-Haus 

09.09. De-Phazz; Capitol 

14.09. Groovin High; Jazzschmiede 

15.09. Tap Jam Düsseldorf; 

Jazzschmiede 

19.09. Sepideh Raissadat; 

Jazzschmiede 

21.09. Jotam Silberstein Quartet; 

Jazzschmiede 

22.09. Jugendjazzorchester 

NRW; Jazzschmiede 

22.09. Der Sandmann; Schauspielhaus 

25.09. Jam Session – Nils Eikmeier 

Quartett; Jazzschmiede 

29.09. New Faces; Jazzschmiede 

Duisburg 

21.09. Barbara Dennerlein; 

Salvatorkirche 

29./30.09. The Voices - It’s Part- 

Time; Explorado Kindermuseum 

Erkelenz 

23.09. Barbara Dennerlein; Kath. 

Pfarrkirche St. Lambertus 

Essen 

02.09. B.S.E. Jazzclub: Axel 

Zynowski Trio; Villa Rü 

05.09. Soundtrip NRW #40: Ingrid 

Laubrock, Tom Rainey & Others; 

Goethebunker 

19.09. B.S.E. Jazzclub: Jazzfilmmix; 

Villa Rü 

21.09. Johanna Borchert; RWE 

Pavillon 

30.09. Joscho Stephan; Bürgermeisterhaus 

Werden 

Gelsenkirchen 

27.09. Fine Art Jazz: Le Bang 

Bang; Nordsternturm 

Heiligenhaus 

21.09. Gabriel Merlino & Vanina 

Tagini; Der Club 

Herne 

28.09. Le Bang Bang; Literaturhaus 

Kempen 

16.09. Joscho Stephan; 

Haltestelle 


Paterskirche 

Krefeld 

01.09. Jazz an einem Sommerabend; 

Vorburg der Burg Linn 


Kulturrampe 

13.09. Jazzattack; Jazzkeller 

24.09. Krefelder Jazzherbst 2018: 

Anna-Lena Schnabel Quartett; 

Theater 

26.09. Jazz-Session; Jazzkeller 


28.09. Quadrivium; Musikschule 

30.09. Free Session frei improvisierte 

Musik; Jazzkeller 

Münster 

01.09. Astpai/Crush; Gleis 22 

08.09. Lou Canova; Hot Jazz Club 

09.09. Laubrock - Rainey Duo; 

Blackbox Cuba 

14.09. Dave Goodman & Groove 


Termine 

Minister; Hot Jazz Club 

16.09. Heinz Strunk; Gleis 22/ 

Cineplex 

17.09. TON/\RT: Malojian/Sophie 

Hutchings; LWL-Museum für 

Kunst und Kultur/Gleis 22 

21.09. Cosmo Klein; Hot Jazz Club 

22.09. Eläkeläiset; Gleis 22 

26.09. Danger Dan; Gleis 22 

28.09. Fotocrime/ Kali Masi; 

Gleis 22 

28.09. Miu; Hot Jazz Club 

29.09. Juse Ju; Gleis 22 

29.09. Lady Aga feat. Christian 

Kappe; Hot Jazz Club 

Mülheim 

05.09. Joscho Stephan; Freilichtbühne 

Neuss 

19.09. HAUS: Mathias Haus-Hendrik 

Soll-Mirek Pyschny-Andre 

Nendza; Kulturforum Alte Post 

Osnabrück 

08.09. De-Phazz; Lagerhalle 

25.09. Omer Klein; Blue Note 

Recklinghausen 

01.09. Joscho Stephan; Borente 

28./29.09. Barbara Barth / Manuel 

Krass; Planetarium 

Viersen 

14.09. Klare/Bektas/Ak; 

Weberhaus 

30.09. Echoes Of Swing; Tho- 

Rieth-Hof 

Visbek 

28.09. Les Brünettes; Rathaussaal 

Wermelskirchen 

16.09. Jazzmatinee: Die 

Jazzpoeten XXL; Haus Eifgen, 

Kulturinitiative 

Wuppertal 

05.09. Mount Meander Musikerkollektiv; 

Ort 

21.09. Randi Tytingvåg Trio; Kultur 

im Kontor 

22.09. grünen: Achim Kaufmann/ 

Robert Landfermann/ Christian 

Lillinger; Ort 

Raum 50000 

Aachen 

09.09. Soft Machine; Musikbunker 

Bergneustadt 

08.09. Anna Piechotta; SchauspielHaus 

17.09. Denis Gäbel/Stefan 

Heidtmann/Reza Askari/Fabian 

Arends; SchauspielHaus 

29.09. Superthousand: Fabian 

Arends/Mick Mertens; SchauspielHaus 

Bonn 

04.09. Soundtrips NRW 40: Ingrid 

Laubrock / Tom Rainey + Erhard 

Hirt; Dialograum Kreuzung St. 

Helena 

07.09. Torsten Goods; Dottendorfer 

Jazznacht 

13.09. Emil Brandqvist Trio; 

Beethovenfest 

14.09. Anna Carewe & Oli Bott 

Duo; Beethovenfest 

15.09. Il Lusorius; Beethovenfest 

20.09. Omer Klein; Beethovenfest 

28.09. VocColours Plus „Brassimilation“; 

Dialograum Kreuzung 

St. Helena 

Hagen 

06.09. JIGS – Sammy M. and 

the Beyond; Emil Schumacher 

Museum 

13.09. Soundtrips NRW: Ingrid 

Laubrock/Tom Rainey m. Achim 

Tang, Martin Verborg; Villa Post 

Hamm 

29.09. Echoes Of Swing; Kurhaus 

Bad Hamm 

Herdecke 

09.09. Carlos Núñez; Werner 

Richard Saal 

Hilchenbach 

06.09. Carlos Núñez; Ev. Kirche 

Höhr-Grenzhausen 

23.09. Renato Borghetti; Ev. 

Kirche 

Hürth 

07.09. Caspar van Meel Quintett; 

Jazzkeller 

21.09. Marius Peters & Heiner 

Wiberny; Jazzkeller 

29.09. Pangea Ultima, Hürther 

Jazznacht 

Koblenz 


Control; Cafe Hahn 

29.09. Guru Guru; Cafe Hahn 

Köln 

03.09. David Helbock; Altes 

Pfandhaus 

04.09. The Grand Piano at Stadtgarten: 

Philip Zoubek Trio/ Clara 

Haberkamp Trio; Stadtgarten 

05.09. House of Waters; Altes 

Pfandhaus 

06.09. JazzTrane: Gäbel/Heidenreich 

Quintett; Stadtgarten 

06.09. Reconstructing Song 

Geheimklub Special; Stadtgarten 

Studio 672 

06.09. Tom Liwa; Blue Shell 

07.09. Yellow Bird/Lagerfeuer 

Deluxe: Planschemalöör, Flinte, 

Sofia Stark; Stadtgarten 

07.09. „The art of the duo“ Philip 

Catherine / Martin Sasse; Altes 

Pfandhaus 

08.09. Andreas Schaerer & A Novel 

Of Anomaly; Philharmonie 

09.09. Soniq South America feat. 

Demián Ornstein, Laura Robles, 

Sabeth Perez; Stadtgarten 

09.09. Simon Rummel Ensemble; 

Museumsinsel Hombroich 

11.09. De-Phazz/The Wood 

Brothers; Stadtgarten 

Giovanni 

Costello 

12.09. Gratkowski / Nabatov / 

Moore; Loft 


12.09. Ezra Collective; Yuca 

12.09. KLAENG: Hubert Nuss 

Trio/Tanrikulu/Kosack/Banner / 

Brent Cobb; Stadtgarten 

13.09. JazzTrane: Stefan Rey Trio 

feat. Johan Hörlen; Stadtgarten 

14.09. ensemble FisFüz; Bistro 

Verde Rodenkirchen 

14.09. Modularfield: Ströme, 

An on bast, Hhnoi, Chogori; 

Stadtgarten 

15.09. Pascal Klewer Bigband 

feat. Hagen Horn; Altes 

Pfandhaus 

16.09. CCJO plays Homer’s 

Odyssee; Stadtgarten 

16.09. Erna Rot; Goldmund 

16.09. Speak like a Child - 

Michael Rüsenberg im Gespräch 

m. Manfred Schoof; Stadtgarten 

Studio 672 

18.09. Kommunikation 9 – Blind 

Date; Salon de Jazz 

19.09. Svavar Knutur/Cleopatrick; 

Stadtgarten 

20.09. Fee; Stereo Wonderland 

20.09. Raumklänge: Lazara 

Rosell Albear: Unsurrounded; 

Temporary Gallery/Zentrum f. 

zeitgen. Kunst 

20.09. JazzTrane: Martin Schulte 

Trio; Stadtgarten 

21.09. Sabine Kühlich & Laia 

Genc; Kunstsalon Freiraum 

21.09. Three Nations Under One 

Groove; Stadtgarten 

22.09. Late Night Show mit 

Wolfgang Hildebrandt; Altes 

Pfandhaus 

23.09. Hans Lüdemann solo; 

Stadtgarten 

25.09. Preisträgerkonzert Horstu. 

Gretl Will-Stipendium f. Jazz u. 

improvisierte Musik; Stadtgarten 


Suter; Gürzenich 

25.09. Meltem Cumbul - Emre 

Yavuz; Altes Pfandhaus 

26.09. Ayca Mirac; Urania 

Theater 

26.09. Jan Schreiner Large 

Ensemble; Stadtgarten 

26.09. Emre Yavuz; Altes 

Pfandhaus 

27.09. Jenny And The Mexicats/ 

JazzTrane3: Norbert Scholly 

OrganTrio; Stadtgarten 

27.09. Urbex - Antoine Pierre 

Urbex; Altes Pfandhaus 

28./29.09. JazzTrane3: Norbert 

Scholly OrganTrio; Stadtgarten 

28.09. Jazz-Rock-Pop Tage 2018: 

Rheinische Musikschule Köln; 

Julian Bossert Trio, Cello Combo, 

Weindorf & Brodersen, What the 

Funk; Altes Pfandhaus 

29.09. Jazz-Rock-Pop Tage 

2018: Matchbox, The Ladies & 

Homme play Sax, Freetime; Altes 

Pfandhaus 

30.09. Jazz-Rock-Pop Tage 

2018: Chilli Voices Unlimited, 

Sprung-Steinecke-Zolotov, RMS 

JazzOrchester & friends; Altes 

Pfandhaus 

30.09. Mahnig/Manderscheid/ 

Sternal/Valk-Johannes Pfingsten; 

Stadtgarten 

Kreuztal 

21.09. Les Brünettes; Ev. Kirche 

Buschhütten 

Lüdinghausen 

27.09. Joscho Stephan; Ricordo 

Mainz 


Hagelslag; Schon Schön 

24.09. Salomea; Schon schön 

27.09. Ladysmith Black Mambazo; 

Frankfurter Hof 

Siegburg 

26.09. Le Bang Bang; Jazz Cube 

im R2 

Wawern 

12.09. Mulo Francel; Synagoge 

Wesseling 

22.09. Martin Schulte Trio; 

Rheinforum 

Wiltingen 

22.09. Caroussel; Bürgerhaus 


13.09.18 Spiegelsaal, 

Jazztage Dresden 

Würselen 

07.09. Tingvall Trio; Burg 

Wilhelmstein 

Raum 60000 

Aschaffenburg 

11.09. Svavar Knútur; Colos Saal 

20.09. Ulla Meinecke Band; 

Colos Saal 

26.09. Mothers Finest; Colos 

Saal 


Stadttheater 

28.09. Jessica Born & Band; 

Colos Saal 

Darmstadt 


01.09. Mammal Hands; Golden 

Leaves Festival 

09.09. Yellow Bird; Stadtkirche 

16.09. Still in the Woods; 

Stadtkirche23.09. Les Brünettes; 

Centralstation 

Frankfurt a. Main 

14.09. JazzIni: Sass-Puschnig; 

Gethsemanekirche 

15.09. Still in the Woods; Mampf 

18.09. Michael Wollny feat. Emile 

Parisien; Alte Oper 


18.09. Ezra Collective; Brotfabrik/ 

Zoom 

19.09. JazzIni: Alison Rayner 

Quintet ARQ & Sir Bradley 

Quartett; Fabrik 

20.09. JazzIni: Jochen Nix/ Thomas 

Cremer: DADA, Schwitters, 

MERZKunst; Romanfabrik 

23.09. Soul am Römer: hr 

Bigband; Open Air Am Römer, 

Festakt 

26.09. JazzIni: Henning Sieverts 

Symmethree; Stadtbücherei 

28.09. JazzIni: Jürgen Wuchner 

New Quartet; Club Voltaire 

29.09. hr Bigband: Soul am 

Römer; OpenAir am Römer 

29.09. Eric Schaefer Kyoto mon 

Amour; Brotfabrik 


Suter; hr Sendesaal 

Friedberg 

08.09. StummFilmLiveJazz: „Küspert 

& Kollegen“ & „Nosferatu“; 

Theater Altes Hallenbad 

15.09. Hattler; Theater Altes 

Hallenbad 

Heidelberg 

14.09. Stefanie Boltz; Karlstorbahnhof 

Illingen 

24.09. Jazz & Talk im Rathaussaal: 

Lisa Wulff Trio; Illipse 

Kaiserslautern 

12.09. Stefanie Boltz; Kammgarn 

Lorsch 

09.09. Fabrizio Consoli; Theater 

Sapperlot 

Mannheim 

13.09. Nils Wogram; Ella & Louis 


19.09. Ezra Collective; Alte 

Feuerwache 

25.09. Henning Sieverts Symmethree; 

Klapsmühl’ am Rathaus 

26.09. Eugene Chadbourne; Alte 

Feuerwache 

Neunkirchen 

23.09. Jazzmeeting: Saarlandmeets-Stuttgart, 

60 Jahre 

Michael Jackson; Stummsche 

Reithalle 

Saarbrücken 

19.09. Fee; Garage 

27.09. Gabriel Merlino & Vanina 

Tagini; ZBB Breite 63 

Weinheim 

23.09. Caroussel; Café Central 

Wiesbaden 

07.09. Achter 1: Hendrika Entzian 

Quartet @ Jazzarchitekt; Musikbibliothek 

Mauritius-Mediathek 

17.09. Fee; Kesselhaus 

Raum 70000 

Allensbach 

24./25.09. Till Brönner & Dieter 

Ilg; Gnadenkirche 

25.09. Dieter Ilg & Leszek Mozdzer; 

Gnadenkirche 

26.09. Emil Parisien „Sfumato“ 

feat. Joachim Kühn; Gnadenkirche 

Backnang 

28.09. Fola Dada; Kulturgut 

Bad Imnau 

23.09. Schlossfestspiele: Marina 

& the Cats; Fürstensaal 

Bietigheim-Bissingen 

12.09. Echoes Of Swing; Kelter 

Esslingen 


Novel Of Anomaly; Kulturzentrum 

Dieselstraße 

Freiburg 

16.09. Stefanie Boltz; Jazzhaus 


Merzhausen Forum 

21.09. Jan Lundgren; E-Werk 

Göppingen 

19.09. Still in the Woods; Jazz-iG 

28.09. Christof Lauer Trio; Odeon 

Heilbronn 

13.09. Chris Gall Trio feat. Frank 

Möbus; Cave61 

20.09. Tony Lakatos Quintett; 

Cave61 

27.09. Mayito Rivera & Sons of 

Cuba; Cave61 

Karlsruhe 

13.09. De-Phazz; Tollhaus 

21.09. Salomea; KOHI 

30.09. The Trouble Notes; Tollhaus 

Kornwestheim 

26.09. Fola Dada, Hübner & 

Fischer; Casino 

Lörrach 

21.09. Tony Lakatos / Christoph 

Spendel Quartet; Jazztone 

28.09. Sarah Buechi; Jazztone 

Ludwigsburg 

14.09. Jasmin Bayer & Band; 

Podium Musikhalle 

15.09. Stefanie Boltz; Scala 

21.09. Jazz à la Flut present 

“Mrs Bo’s Cookbook”; Podium 

Musikhalle 

22.09. David Tixier Trio; Die Luke 

28.09. September: Adi Mürdter 

& Andreas Spätgens; Podium 

Musikhalle 

Mosbach 


Stiftskirche 

Nagold 

21.09. Rieke Katz; Seminarturnhalle 


Nimburg 

23.09. DuckTapeTicket; 

Bergkirche 

Offenburg 

27.09. hr Bigband & Gianluigi 

Trovesi; Alte Schlosserei 

Ostfildern 

08.09. Joscho Stephan; Zinsholz 

Radolfzell 

06.09. Les Brünettes; Milchwerk 

Reichenbach/Fils 

21.09. Vdelli; Die Halle 

Rottweil 

13.09. Mulo Francel; Badhaus 

Schorndorf 

01.09. Erb / Baker / Rosaly Trio; 

Club Manufaktur 

13.09. Lithics; Club Manufaktur 

14.09. September: Adi Mürdter, 

Andreas Spätgens u. Gäste; 

Session 88 

14.09. Eugene Chadbourne & 

Schroeder; Club Manufaktur 

21.09. Wolfgang Müller & Band; 

Club Manufaktur 

29.09. Any Other; Club Manufaktur 

Schwäbisch-Hall 


Novel Of Anomaly; Jazzclub 

Singen 

12.09. Phronesis; Gems 

27.09. Empirical; Gems 

Stuttgart 

08.09. Jütz; Theaterhaus 

14.09. Sun Dew (Héloïse Lefebvre 

& Paul Audoynaud); Bix 

15.09. Linda Kyei Swing Combo; 

Bix 

16.09. Barbara Dennerlein; Ev. 

Stadtkirche Vaihingen 

20.09. Jochen Neuffer – Tobias 

Becker Bigband; Bix 

19.09. Shalosh; Bix 

21.09. Lars Danielsson Liberetto 

III; Theaterhaus 

21.09. Ull Möck; Bechstein 

Centrum 

26.09. Bega Blues Band; Bix 

26.09. Fabian Schöne Quartett; 

Club Voltaire 

27.09. Souldiamonds feat. Fola 

Dada; Bix 

29.09. Jacob Karlzon & Viktoria 

Tolstoy & Stuttgarter Philh.; 

Gustav-Siegle-Haus 

Tübingen 

12.09. Antonio Cuadros de Béjar 

& Latin Affairs; Club Voltaire 

15.09. Mulo Francel; SWT 

KulturWerk 

23.09. Dieter Ilg BACH m. 

Rainer Böhm & Patrice Heral; 

Stiftskirche 

Uhingen 

23.09. Fola Dada & Friends; 

Schloss Filseck 

Villingen 

08.09. Rolf Kühn m. Frank 

Chastenier, Lisa-Rebecca Wulff, 

Tupac Mantilla; Franziskaner 

Konzerthaus 

Waldkirch 

14.09. Mulo Francel; Elztalmuseum 

Weinstadt-Beutelsbach 

20.09. Regina Büchner Quartett; 

JAK 

27.09. Fauzia Maria Beg; JAK 

28.09. Opportunity; JAK 

Raum 80000 

Augsburg 

13.09. Echoes Of Swing; Jazzclub 

21.09. Still in the Woods; Grandhotel 

Cosmopolis 

Baienfurt 

22.09. Manfred Junker Organ 

Trio; Speidlerhaus 

Friedrichshafen 

22.09. Stefanie Boltz; Bahnhof 

Fischbach 

Füssen 

05.09. Les Brünettes; Benediktinerkloster 

St. Mang 

Germering 

21.09. Jason Seizer Quartet; 

Stadthalle 

Habach 

07.09.18 The Hamburg Blues 

BAND & Friends; Village 

Heidenheim 

21.09. Joscho Stephan; Duale 

Hochschule 

Ingolstadt 

13.09. Swing IN Big Band 

Ingolstadt; Audi Forum 

Ismaning 

14.09. Claus Boesser-Ferrari m. 

Thomas Siffling; Kallmann- 

Museum 

Landsberg 

23.09. Mathias Eick; Theater 

Moosburg /Isar 

08.09. Jazzkantine; Stadthalle 

Mühldorf 

24.09. Mulo Francel; Haberkasten 

München 

01.09. Matthias Gmelin Quintet 

feat. Joe Chambers; Unterfahrt 

03.09. Al di Meola; Circus Krone 

04.-08.09. Shake Stew; 

Unterfahrt 

11.09. Harold Mabern; Unterfahrt 

12.09. Gilad Hekselman ZuperOctave 

feat. Aaron Parks & 

Kendrick Scott; Unterfahrt 

13.09. DuckTapeTicket; Augustinum 

München-Nord 

15.09. Kiki Manders; Unterfahrt 

17.09. Christian Elsässer Jazz 

Orch.; Unterfahrt 

20.09. Lionel Loueke; Unterfahrt 

20.09. Still in the Woods; Rennbahn 

Schwabing 

21.09. Stefanie Boltz; Ampere 

21.09. Torun Erksen; Unterfahrt 


Suter; Prinzregententheater 

24.09. The Munich Uptown Jazz 

Bigband; Unterfahrt 

27.09. Vdelli; Backstage 

27.09. Symmethree; Unterfahrt 

29.09. Omer Klein Trio; Unterfahrt 

Neuburg 

14.09. Dusko Goykovich Quintet; 

Birdland 

Ravensburg 

28.09. Caroussel; Zehntscheuer 

Sonthofen 


Control; Kulturwerkstatt 

Ulm 

15.09. Quintessence plus 

sauSchall; c 

15.09. Kunstwerk: Mobile Instabile; 

Nikolauskapelle 

23.09. Matthias Kurth & Maike 

Lindemann; Sauschdall 

Raum 90000 

Bamberg 


Jazz Club 

Eisenach 

21.09. Holly Schlott; Jazzclub 

Erfurt 

01.09. Holger Arndt Connexion; 

Jazzkeller 

06.09. A Perfect Pair; Jazzkeller 

07.09. Vesna Pisarovic Petit 

Standard; Jazzkeller 

15.09. Vorwärts/Rückwärts; 

Jazzkeller 


15.09. Ezra Collective; Franz 

Mehlhose 

20.09. Jam Session; Jazzkeller 

22.09. John Idan; Jazzkeller 

23.09. 10. Jazzwanderung im 

Steiger 

26.09. Rotem Sivan Trio; Achava 

Festival Jazzkeller 

27.09. Jazz-Filmabend; Jazzkeller 

29.09. Freedoms Trio; Jazzkeller 

28.09. Jasmin Tabatabai; Achava 

Festspiele 

29.09. Erna Rot; Haus Dacheröden 

Erlangen 


E-Werk 

Fürth 

25.09. Vdelli; Kofferfabrik 

Haßfurt 


Rathaushalle 

Helmbrechts 

28.09. Omer Klein; Textil 

Museum 

Herzogenaurach 

29.09. Barbara Dennerlein; St. 

Magdalena Kirche 

Nürnberg 

14.09. Flut; Jazz Studio 

15.09. Tigaburger; Jazz Studio 

20.09. Salomea; Brozzi Jazz 

21.09. Matthieu Bordenave 

Quartett; Jazz Studio 

22.09. Pata Messengers; Jazz 

Studio 

28.09. Pollon; Jazz Studio 

29.09. Mario Rom’s Interzone; 

Jazz Studio 

Regensburg 

20.09. Joe Sachse & Heiner 

Reinhart; Jazzclub 

27.09. Tribute to Stevie Wonder; 

Jazzclub 

Schweinfurt 

23.09. Michael Wollny; Nachsommer 

Schweinfurt 

Viechtach 

23.09. Still in the Woods; Altes 

Spital 

Würzburg 

07.09. Teresa Bergmann; Stramu 

Frankreich 

Schiltigheim 

11.09. Indra Rios-Moore; Salle 

des Fêtes 

Italien 

Merano 

23.09. Dieter Ilg BACH m. 

Rainer Böhm & Patrice Heral; 

Musikwochen 

Luxembourg 

Ettelbrück 

28.09. CaboCubaJazz; Centre 

des Arts Pluriels 

Niederlande 

Amsterdam 

14.09. Ikarai - Muhaamad; 

Bimhuis 

15.09. Mehmet Polat & Alper 

Kekeç; Teatro Munganga 

15.09. Once Upon A Time 

Orchestra; Bimhuis 

17.09. Jazz Orchestra of the 

Concertgebouw/Jazz Factory; 

Bimhuis 

21.09. Mehmet Polat Trio; 

Mixtree 

23.09. Zakir Hussein; Bimhuis 

23.09. Three Nations Under One 

Groove; Bimhuis 

26.09. Lionel Loueke Group; 

Bimhuis 

29.09. Oum; Bimhuis 

Dordrecht 

09.09. Mehmet Polat Trio; Nationaal 

Monumenten Dag 

Leiden 

30.09. Mehmet Polat & Embracing 

Colours; De X 

Tilburg 



Kendrick Scott; Paradox Jazz 

Wageningen 



Kendrick Scott; Jazz in Vrede 

Vreeland 


Kekeç; Grote Kerk 

Österreich 

Dornbirn 


Control; Spielboden 

Graz 

28.09. Berndt Luef & Jazztett; 

WIST 

Innsbruck 

01.09. Trio Ivoire feat. Dobet 

Gnahoré; Treibhaus 

07.09. Branko Galocic; 

Treibhaus 

19.09. Renato Borghetti; 

Treibhaus 

20.09. Stefanie Boltz; Treibhaus 

30.09. Oum; Treibhaus 

Klosterneuburg 

14.09. Amira Medunjanin; 

Stiftskirche 

Lustenau 

21.09. Renato Borghetti; 

Freudenhaus 

Salzburg 

04.09. Franz Trattners Funkorchestra; 

Jazzit 

07.09. Barcelona Gypsy Balkan 

Orchestra; Jazzit 

07.09. Jütz; Petersbrunnhof 

08.09. Poulpe; Jazzit 

11.09. Klaus Brennsteiner & 

Friends; Jazzit 

13.09. Gewürztraminer & der 

gmischte Satz; Jazzit 

14.09. Cari Cari/ Mop Mop & 

Anthony Joseph; Jazzit 

15.09. Thomas Gansch & Ballaststofforchester; 

Jazzit 

16.09. Aeham Ahmad; Jazzit 

21.09. Christian Muthspiel & 

Steve Swallow; Jazzit 

22.09. Rhythmic Tramp Orchestra; 

Jazzit 

25.09. Peter Bachmayer & 

Friends; Jazzit 

Schwaz 


Control; Eremitage 

Seefeld 


Kultur im Schloss 

Straden 

06.09. Donauwellenreiter; Glatt 

& Schräg 

St. Veit 


& Friends; Herzogburg 

Ulrichsberg 

28.09. Kern: Edith Steyer/Matthias 

Müller/Yorgos Dimitriadis; 

Jazzatelier 

Weiz 

07.09. Donauwellenreiter; 

Kunsthaus 

Wien 

01.09. Barracuda: Dennis Quaid 

& The Sharks; Porgy & Bess 

02.09. Nik Bärtsch’s Ronin; 

Porgy & Bess 

03.09. Azymuth & Marcos Valle; 

Porgy & Bess 

04.09. Doug Hammond’s 75th 

Birthday Concert; Porgy & Bess 

05.09. The Stone NYC presents: 

Mary Halvorson 4tet; Porgy 

& Bess 

06.09. Intercultural Achievement 

Award; Porgy & Bess 

08./09.09. Mund.Art.Wien; Porgy 

& Bess 

10.09. Gilad Hekselman & Aaron 

Parks & Kendrick Scott; Porgy 

& Bess 

11.09. Georg Graewe & Sonic 

Fiction Orchestra; Porgy & Bess 

12.09. The Pool (Sonar Kollektiv/ 

k7!); Porgy & Bess 

13.09. Sophie Hunger; Porgy 

& Bess 

14.09. Martin Breinschmid & 

Radio Kings feat. Nicki Parrott; 

Porgy & Bess 

15.09. Franz Koglmann Sextett; 

Porgy & Bess 


16.09. Ezra Collective; B72 

16.09. Soft Machine 50 Years 

Tour; Porgy & Bess 

17.09. Renato Borghetti Quartet; 

Porgy & Bess 

18.09. Still Experienced XL 

Band; Porgy & Bess 

19.09. Benny Sharoni & Oliver 

Kent Trio; Porgy & Bess 

20./21.09. Christoph Cech Jazz 

Orchestra Project; Porgy & 

Bess 

22.09. Gerry Hemingway & 


Termine 

fronTTon; Porgy & Bess 

23.09. Dan Reinstein / Vana 

Gierig Quintet; Porgy & Bess 

24.09. 20 Jahre DePhazz; Porgy 

& Bess 

24.09. Still in the Woods; Tunnel 

25.09. Gabriele Mirabassi/ 

Nando Di Modugno/Pierluigi 

Balducci; Porgy & Bess 

27.09. Café Drechser; Porgy 

& Bess 

28.-30.09. Portrait Ewald Oberleitner: 

Karlheinz Miklin Trio / 

Neighbours & Friends / Tori Tango 

& D.I.V.A.; Porgy & Bess 

Wörgl 

16.09. Mulo Francel; Kulturverein 

Nischenklänge 

Schweiz 

Bern 

16.09. Jütz; Zentrum Paul Klee 

Geneve 

15.09. Rita Marcotulli Quartet; 

AMR 

Luzern 

23.09. hr Bigband: Swing, 

Swing, Swing!: Kultur- und 

Kongresszentrum 

Martigny 

20.09. KiKu; Les Caves Du 

Manoir 

Münsterlingen 

22.09. Jan Lundgren; Psych. 

Klinik 

29.09. Vdelli; Bäckerstübli 

Rubigen 

12.09. Soft Machine; Mühle 

Hunziken 

22.09. Vdelli; Mühle Hunziken 

St. Gallen 

26.09. Lucia Cadotsch Speak 

Low; Palace 

Thusis 

28.09. Vdelli; Alte Brauerei 

Uster 


Control; Jazzclub 

Winterthur 

24.09. Son Lux; Salzhaus 

Zürich 


11.09. Ezra Collective; Exil 

12.09. Dionne Warwick; 

Theater 11 

13.09. Stiller Has; Kaufleuten 

14.09. The Aristocrats; 

Kaufleuten 

14.09. Rhoda Scott Lady Quartet; 

Moods 

16.09. Mother’s Finest; Moods 

13.09. Stiller Has; Kaufleuten 

14.09. The Aristocrats; 

Kaufleuten 

17.09. Marie Kruttli Trio feat. 

Jonathan Barber/Dave Gisler 

Trio; Moods 

18.09. Guitar Night: Sönke Meinen/Antoine 

Boyer & Samuelito; 

Moods 

20.09. Zurich Jazz Orchestra 

Brazil! feat. Nelson Faria; 

Moods 

21.09. Jazzanova (live) presents 

«The Pool» (Sonar Kollektiv); 

Moods 

21.09. Daara J Family feat. 

Faady Freddy & Ndongo D.; 

Moods 

22.09. Lionel Loueke Trio; Moods 

23./24.09. Monsterjazz: Karl 

Seglem & Christoph Stiefel 

Group; Moods 

23.09. Max Petersen Solo/Simon 

Spiess Trio; Moods 

25.09. Lucia Cadotsch Speak 

Low; Jazz im Seefeld 

25.09. José González; Volkshaus 

25.09. Bombino; Moods 

27.09. Marc Amacher; Moods 

27.09. Spain; Bogen 

28.09. Blues Night: The Two/Big 

Daddy Wilson; Moods 

Zug 

20.09. Renato Borghetti; Akkordeontage 

Clubs 10 

Raum 00000 

Altenburg 

12.10. Jin Jim; Jazzclub 

Cottbus 

06.10. Kamchatka; Zum Faulen 

August 

19.10. Jasmin Tabatabai; 

Staatstheater 

Dessau 

27.10. Lily Dahab; Marienkirche 

Dresden 

05.10. 20 Jahre Drugmiller’s 

Bigband feat. Dresden Hepcats; 

Tonne 

06.10. Wenzel; Tonne 

07.10. Bobo & Herzfeld; Kl. 

Staatsschauspiel 

09.10. Spain; Tonne 

12.10. Magris Uhlir Helsic aka 

The Muh Trio; Tonne 

13.10. Vdelli; Tante Ju 

13.10. Sönke Meinen & Bjarke 

Falgren; Tonne 

16.10. Sven Helbig Forrklang 

Quartett; Kleines Haus 

19.10. Kinga Głyk; Tonne 

19.10. Gogo Penguin; Beatpol 

20.10. Contrast Trio; Tonne 

23.10. Prag; Tonne 

24.10. Forq; Tonne 

25./26.10. Helmut „Joe“ Sachse 

meets Nils Wogram; Tonne 

26.10. Punkt3; Tonne 

27.10. Dominic J. Marshall Trio; 

Tonne 

28.10. Ondrej Havelka & his 

Melody Makers; Tonne 

Forst 

27.10. Popa Chubby; Manitu 

Jena 

03.10. Holly Schlott; Jazzmeile 

Leipzig 


Telegraph 

10.10. Ólafur Arnalds; Gewandhaus 

13.10. Leipziger Jazztage: Michael 

Wollny; Kunstkraftwerk 


Quartett; UT Connewitz 

28.10. David August; UT 

Connewitz 

Plauen 

04.10. Holly Schlott; Malzhaus 

Pohrsdorf 

21.10. František Uhlír Quartett; 

Saxstall 

Raum 10000 

Berlin 

01.10. Timo Lassy Band; Kantine 

am Berghain 

05.10. Samuel Torres Agua’Bajo 

Special Guest: Maria Raquel; 

A-Trane 

05.10. Guitar Crusher & The 

Mellowtones; Quasimodo 

05.10. Indra Rios-Moore; 

Apostel-Paulus-Kirche 

07.10. Lissie; Heimathafen 

Neukölln 

09.10. Lisa Lystam Family Band; 

Quasimodo 

09.10. Aline Frazao; Kantine am 

Berghain 

09.10. Derek plays Eric; 

Maschinenhaus der Kulturbrauerei 

10.10. Daniel Brandt; Gretchen 

11.10. Donny McCaslin; 

Quasimodo 

11.10. Ólafur Arnalds; Tempodrom 

11.10. Adam Nussbaum`s 

Leadbelly Project; A-Trane 

12.10. Alana; A-Trane 

12.10. Nina Attal; Quasimodo 

12.10. Jack White; Verti Music 

Hall 

13.10. Della Miles; Quasimodo 

13.10. Son Lux; Funkhaus 

14.10. Preston Reed; Quasimodo 

14.10. Tom Rainey Obligato with 

Ingrid Laubrock; A-Trane 

15.10. Gogo Penguin; Astra 

Kulturhaus 

15.10. Christine And the Queens; 

Columbiahalle 

15.10. FiDO plays Zappa; 

Quasimodo 


16.10. Judi Jackson; Frannz Club 

16.10. Kovacs; Huxleys 

16.10. The Doors Alive; 

Quasimodo 

17.10. Henrik Freischlader Band; 

Quasimodo 



19.10. Big Daddy Wilson; 

Quasimodo 

20.10. David Eugene Edwards & 

Alexander Hacke; Lido 

20.10. Phosphorescent; Frannz 

Club 

20.10. Rocket Men; Kultstätte 

Keller 

20.10. FatsO; Quasimodo 

21.10. Vincent Peirani “Living 

Being”; A-Trane 


Quartett; Volksbühne 

21.10. John Butler Trio; Huxley’s 

21.10. Zeitkratzer; Haus der 

Kulturen der Welt 

22.10. Cuig; Quasimodo 

23.10. Yellowjackets; Quasimodo 

23.10. Wood & Steel Trio feat. 

Michael Schiefel; Pianosalon 

23.10. Rainer Böhm; A-Trane 

24.10. The Electric Nomads feat. 

Dave Weckl, Chris Minh Doky, 

George Whitty; A-Trane 

24.10. Master Drummers of 

Burundi; Huxley’s 

24.10. Matt Bianco; Quasimodo 

25.10. Sharon Shannon; 

Quasimodo 

26.10. Popa Chubby; Columbia 

Theater 

26./27.10. Joscho Stephan; 

Kulturhof Gitarrentage 

26.10. Layla Zoe; Quasimodo 

26.10. Fola Dada Album Tour 

Earth; A-Trane 

27.10. Nils Wülker; Quasimodo 

28.10. Cat Power; Astra 

Kulturhaus 

30.10. Kennedy Administration; 

Quasimodo 

30.10. Tonbruket; A-Trane 

31.10. Ida Nielsen & Band; 

Quasimodo 

Neuhardenberg 

14.10. Avishai Cohen Trio; 

Schinkel Kirche 

Schwerin 

10.10. Jazzwerkstatt: Willers- 

Roder-Marien/Derek plays Eric; 

Angler II 

Raum 20000 

Agathenburg 

20.10. Joo Kraus & Tales in Tones 

Trio; Schloss 

Bad Zwischenahn 

26.10. Helmut Eisel & JEM; Alte 

Motormühle Rostrup 

Bremen 

14.10. Diego El Cigala; Glocke 

21.10. Kinga Głyk; Schlachthof 

25.10. Fatso; Sendesaal 

Bücken 

27.10. Helmut Eisel & JEM; 

Kleinkunstdiele 

Hamburg 

01.10. The Other Shi; Elbphilharmonie 

02.10. Don McLean; Fabrik 

02.10. Django Bates Belovèd; 

Stage Club 

03.10. Echo Collective »Amnesiac«; 


03.10. Fatjazz: Die Enttäuschung; 

Turmzimmer Uebel & Gefährlich 

05.10. Lissie; Mojo Club 

05.10. Ólafur Arnalds; Elbphilharmonie 

06.10. Tears for Esbjörn: Viktoria 

Tolstoy, Iiro Rantala, Adam 

Bałdych u.a.; Elbphilharmonie 

08.10. Trio de Lucs; Jazzraum 

09.10. Daniel Brandt; Mojo Club 

11.10. Per Gessle’s Roxette; 

Laeiszhalle 

11.10. CMA Songwriters Series; 

Laeiszhalle 

12.10. Koinstantin Wecker; 


12.10. Rocket Men; Knust 

13.10. Diego el Cigala; Elbphilharmonie 

15.10. Donny McCaslin; Elbphilharmonie 


17.10. Judi Jackson; Mojo 

Jazz Café 

17.10. Kovacs; Gruenspan 

17.10. Fatjazz: KUU!; Turmzimmer 

Uebel & Gefährlich 

18.10. DuckTapeTicket; Kukuun 

18.10. 60 Jahre NDR-Jazz-Konzerte: 

Nils Wogram u. NDR Bigband, 

Omar Sosa & Company, 

James Farm; Elbphilharmonie 

18.10. Lisa Wulff Quartett; 

Elbphilharmonie Kulturcafé 

19.10. Phosphorescent; Nochtspeicher 

19.10. Pablo y Ludmila & Cuarteto 

Rotterdam; Laeiszhalle 

20.10. Klezmerata; Laeiszhalle 

22.10. Kudsi Erguner; Elbphilharmonie 

20.10. John Butler Trio; Mehr! 

Theater 

23.10. Leszek Możdżer; Elbphilharmonie 

24.10. Stefan Gwildis & Orchester; 


24.10. Fatso; Knust 

25.10. Angelika Milster; 

Laeiszhalle 

25.10. Andreas Schaerer & A Novel 

Of Anomaly; Elbphilharmonie 

26.10. Blind Date (Überraschungskonzert); 


27.10. Aziza: Potter / Loueke / 

Holland / Harland; Elbphilharmonie 

27.10. Angelo Branduardi; 

Laeiszhalle 

27.10. »Viva el tango«; 

Laeiszhalle 

27.10. Bretagne Rock & Folk Fest 

Noz; Fabrik 

28.10. Hagen Rether; Laeiszhalle 

31.10. Tribalistas: Marisa Monte, 

Arnaldo Antunes, Carlinhos 

Brown; Elbphilharmonie 

31.10. Voices of Aotearoa – 

Stimmen aus Neuseeland; 

Laeiszhalle 

31.10. Fatjazz: FUSK; Turmzimmer 

Uebel & Gefährlich 

31.10. Meridian Brothers; Fabrik 

Keitum/Sylt 


III; Kontorhaus 

Leer 

07.10. Made To Break; Speicher 

21.10. Ab Baars & Kaja Draksler; 

Speicher 

Lüneburg 

14.10. Curly Strings; Wasserturm 

25.10. Miu; Ritterakademie 

Neumünster 

02.10. Miu; Altes Stahlwerk 

Norddorf (Amrum) 

15.10. Curly Strings; Gemeindehaus 

Oldenburg 

12.10. Kamchatka; Cadillac 

19.10. DuckTapeTicket; Haus 

des Hörens 

23.10. Scott Matthew; Kulturetage 

Syke 


Bird; Konzertsaal Kreissparkasse 

Raum 30000 

Bielefeld 

09.10. Reza Askari’s ROAR; 


10.10. Quichotte; Bunker 

Ulmenwall 

16.10. Das Tobias Held IndieJazz- 

Project; Bunker Ulmenwall 

19.10. Oberg/Eberhard/Hemingway; 


24.10. Scott Matthew; Hechelei 

(Bielefelder Songtage) 

27.10. Tante Polly; Bunker 

Ulmenwall 

30.10. Trumann New York Quartet 

feat. Gress, Peters & Rueckert; 


31.10. Trails; Bunker Ulmenwall 

Fulda 

12.10. Trio de Lucs; Backstage 

Gießen 

06.10. hr-Bigband & Enrico 

Pieranunzi: Ode to Chet Baker; 

Stadttheater 

27.10. Jan Garbarek Group; 

Kongresshalle 

Gütersloh 


Novel Of Anomaly; Theater 

Hannover 

25.10. Popa Chubby; Bluesgarage 

27.10. Vincent Peirani „Living 

Being“; Jazzclub 

Kassel 

04.10. Jasper Van´t Hoofs Pili Pili; 


05.10. Wojtek Mazolewski 

Quintet; Theaterstübchen 

07.10. Brian Auger’s Oblivion 

Express; Theaterstübchen 



16.10. Fables of Jazz; Theaterstübchen 

18.10. Pe Werner/Frank Chastenier; 


19.10. Michael Wollny Trio; 



feat. Maggie Bell & Krissy 

Matthews; Theaterstübchen 

25.10. Tango-Trio Mano a Mano; 


28.10. James Armstrong Band; 


30.10. Julian & Roman Wasserfuhr; 


Magdeburg 


Bird; Forum Gestaltung 

Nienburg 

20.10. Lisa Wulff Quartett; 

Jazzclub 

Wetzlar 


Pianohaus 

Raum 40000 

Bocholt 

12.10. Jessica Gall; Alte Molkerei 

Bochum 

03.10. Tatort Jazz Hausband feat. 

Günter Baby Sommer; Bahnhof 

Langendreer 

06.10. Jazzwerkstatt: Houtkamp/ 

Beresford/Blume Trio; Kunstmuseum 

12.10. Andreas Willers Trio; 

Kunstmuseum 

26.10. Akua Naru; Bahnhof 

Langendreer 

Cloppenburg 


& Friends; Kulturbahnhof 

Dinslaken 

12.10. Céline Bonacina Quartet; 

Ledigenheim 

18.10. Ed Motta; Ledigenheim 

Dortmund 

06.10. Ólafur Arnalds; Konzerthaus 

09.10. Nina Attal; Blue Notez 

14.10. Jack White; Warsteiner 

Music Hall 

15.10. Hollywood Hits: War and 

Peace; Theater 

18.10. Gogo Penguin; FZW 

20.10. Ben Wendel; Domicil 

26.10. Susan Weinert Rainbow 

Trio; Domicil 

27.10. Django Bates‘ Belovèd; 

Domicil 


31.10. 13. Jazzband Ball feat. 

Mel Maroon & Swingin’ Mallets 

& Gäste; Domicil 

Düsseldorf 

04.10. Iiro Rantala/Ulf Wakenius; 

Schloss Jägerhof, Goethe 

Museum 

05.10. Kamchatka; Pitcher 

11.10. Vdelli; Pitcher 

11.10. Joe Krieg Quartet feat. 

Johannes Geiß; VVV 

27.10. Erna Rot; Hausmusik 

Duisburg 

03.10. Die entfesselte Droste; 

Steinbruch 

Essen 

05.10. Jo; Schloß Borbeck 


Mariengymnasium 

06.10. Jazz Pott 2018: Theo Jörgensmann 

Oktett; Grillo-Theater 


Marien-Gymnasium/Schmitz 

Buch 

07.10. B.S.E. Jazzclub: Amanda 

Kapsch/Igor Zawatckii; Villa Rü 


Duo; Bürgermeisterhaus 

11.10. Klaus Doldinger & Friends; 

Alfried Krupp Saal 

17.10. B.S.E. Jazzclub: Swinging 

Trumpets, Jazztrompeter im 

Film; Villa Rü 

28.10. Jazz in Essen: The Bad 

Plus; Grillo-Theater 

Gelsenkirchen 

02.10. Ayca Mirac; Die Flora 

Gladbeck 

12.10. FineArtJazz: About 

Aphrodite; Magazin 

Hasbergen 


13.10. Dean Brown & Band; 

Gaste Garage 


24.10. Simon Phillips/Bill Evans 

& Zen Amadeus; Gaste Garage 

Hilden 


Duo; Reformationskirche 

Kleve 


Jazzfreunde 

Krefeld 



29.10. Krefelder Jazzherbst 2018: 

Thomas Bracht Band feat. Sven 

Decker & Nils Wogram; Theater 

31.10. Jazz-Session; Jazzkeller 

Münster 

02.10. Pete Astor & Band & 

Support; Gleis 22 

04.10. Thee Cavemen; Gleis 22 


Hot Jazz Club 

06.10. Jesper Munk; Gleis 22 


Hot Jazz Club 

11.10. Joscho Stephan; Museum 

für Lackkunst 

12.10. Bukahara; Skaters Palace 

13.10. Kamchatka; Hot Jazz Club 

13.10. Lygo & Support; Gleis 22 

18.10. All The Luck In The World; 

Gleis 22 

20.10. Big Daddy Wilson; Hot 

Jazz Club 

20.10. The Spitfires; Gleis 22 

21.10. Die Nerven; Gleis 22 

24.10. Nils Wülker; Jovel Club 

24.10. Cosmo Sheldrake; Gleis 22 

25.10. Hundreds; Gleis 22 

27.10. Ätna; Gleis 22 

27.10. Manou Gallo; Hot Jazz 

Club 

27.10. Akua Naru; Skaters 

Palace 

Neuss 

17.10. Joscha Oetz: Perfektomat 

Nuevo; Kulturforum Alte Post 

Osnabrück 

11.10. Erna Rot; Blue Note 

Rheinberg 

14.10. Vdelli; Schwarzer Adler 

Rheine 

12.10. Vdelli; Hypothalamus 

Raum 50000 

Aachen 


Bird; Franz 

Arnsberg 

31.10. Frederik Köster - Die 

Verwandlung/Johannes Enders 

& Nils Wogram; Sauerland 

Herbst Ratssaal 

Bergneustadt 

05.10. Astrid Barth & Philipp 

Roemer; SchauspielHaus 

07.10. Andreas Gundlach; 

SchauspielHaus 

13.10. JO-BAND; Schauspiel- 

Haus 

27.10. Mellow Mark; SchauspielHaus 

Bingen 

13.10. Hattler; Binger Bühne 

Bonn 

29.10. Manou Gallo; Harmonie 

Brilon 

20.10. Michael Wollny/Kinga Głyk; 

Jazznacht, Aula Schulzentrum 

Burscheid 

14.10. Maria Baptist; Badehaus 

Fröndenberg 

13.10. Tango Ensemble Contrabajando; 

Kulturschmiede 

Hagen 

31.10. Soundtrips NRW: Sofia 

Jernberg m. Carl Ludwig Hübsch, 

Martin Verborg; Villa Post 

Hamm 


Pauluskirche 

26.10. Erna Rot; Jazzclub 

Heinsberg 

11.10. Hattler; Jazz im Rondell 

Herdecke 

26.10. Nils Wülker; Werner- 

Richard-Saal 

Hürth 

19.10. Django meets Wes - Matthias 

Strucken, Joscho Stephan 

und Volkern Kamp; Jazzkeller 

Koblenz 

07.10. Mike Reinhardt Quartett; 

Café Hahn 

08.10. Emil Brandkvist Trio; Café 

Hahn 

16.10. Les Brünettes; Stadttheater 

Köln 

01.10. Echoes Of Swing; Volksbühne 

am Rudolphplatz 

02.10. Eric Schaefer - Kyoto 

Mon Amour/Potsa Lotsa plus 

play Love Suit by Eric Dolphy; 

Stadtgarten 

03.10. Anat Cohen & Trio Brasileiro 

/ Gabriele Mirabassi & Trio 

Correnteza; Stadtgarten 

03.10. Michael Wollny; Philharmonie 

03.10. David Helbock's Random/ 

Control; Altes Pfandhaus 

04.10. Lissie; Kulturkirche 

05.10. Tuija Komi Quartett; Altes 

Pfandhaus 

05.10. CCJO; WDR-Sendesaal 

05.10. Erna Rot; Loft 

06.10. Norma Winstone Quartet / 

Naqsh Duo; Stadtgarten 

06.10. JO; Salon de Jazz 

06.10. Marialy Pacheco ft. Rhani 

Krija; Klavierhaus Schocke 

07.10. Paul Heller invites Anat 

Cohen feat. NLJ All Star Big 

Band; Stadtgarten 

07.10. Next Level Jazz: Paul 

Heller m. Anat Cohen feat. NLJ 

All Star Big Band; Stadtgarten 


Salon De Jazz 

09.10. Kommunikation 9 - Blind 

Date; Salon de Jazz 

10.10. Sylvie Courvoisier & Mary 

Halvorson; Stadtgarten 

10.10. Gratkowski / Zoubek / 

Landfermann / Mahnig; Loft 

11.10. Samuel Torres & Agua 

Bajo; Altes Pfandhaus 

11.10. The Idumea Quartet: 

Appalachia trifft Kammermusik; 

Stadtgarten 

12.10. Samuel Hope; Stadtgarten 

13.10. Celsant & Reza Samani; 

Altes Pfandhaus 

13.10. Daniel Brandt; Stadtgarten 

14.10. Schntzl; Altes Pfandhaus 

14.10. Gogo Penguin; Gloria 

Theater 

18.10. Diego El Cigala; Philharmonie 

18.10. Multiple Joy[ce] Orchestra; 

Loft 

18.10. Kovacs; Gloria 

19.10. John Butler Trio; Palladium 

21.10. Palace Winter; Stadtgarten 

21.10. Nes; Altes Pfandhaus 

22.10. Albin Lee Meldau; 

Stadtgarten 

24.10. Hinrich Franck Band; 

Stadtgarten 

25.10. Mark Guiliana Jazz 

Quartet; Stadtgarten 

26.10. Elina Duni & Jean-Paul 

Brodbeck; Altes Pfandhaus 

27.10. Laura Veirs/David Eugene 

Edwards & Alexander Hack; 

Stadtgarten 

27.10. Tabadoul Orchestra; 

Zirkusfabrik Deutz 

28.10. Cologne Contemporary 

Jazz Orchestra - Ltg. Darcy 

James Argue; Stadtgarten 

29.10. Petal; Stadtgarten 


Tersteegenhaus 

30.10. Beata Korioth; Altes 

Pfandhaus 

30.10. Stephen Malkmus & The 

Jicks; Stadtgarten 

Leverkusen 

05.10. Raumklänge: Albrecht 

Maurer & Norbert Rodenkirchen; 

Kunstnacht im Museum 

Morsbroich 

Mainz 

13.10. Haberecht 4; Club M8 

21.10. Jüdische Kulturwoche 

2018: Daniel Kahn & The Painted 

Bird; Synagoge 

Soest 

07.10. Cello meets Jazz – deep 

strings; Brasserie Lamäng 

Witten 

09.10. Trio de Lucs; Jazzcafé 

Wissen 


& Friends; Kulturwerk 

Raum 60000 

Aschaffenburg 

24.10. Popa Chubby; Colos Saal 

26.10. Simon Phillips & Bill Evans; 

Colos Saal 

Bad Nauheim 

26.10. The Oh!chestra; Trinkkuranlage 

Bad Vilbel 

26.10. Echoes Of Swing; Kulturforum 

Dortelweil 

Darmstadt 

05.10. Holly Schlott; JazzInstitut 

07.10. Rainer Böhm; Stadtkirche 

10.10. Nina Attal; Centralstation 

11.10. Gogo Penguin; Centralstation 

27.10. Scott Matthew; Friedensgemeinde 

31.10. Sarah Ferri; Centralstation 

Eppstein 

04.10. Vdelli; Wunderbar Weite 

Welt 

Frankfurt am Main 

01.10. Spain; Brotfabrik 

04.10. JazzIni: Plandé-Phillips; 

Romanfabrik 

05.10. hr Bigband & Enrico 

Pieranunzi: Ode to Cet Baker; hr 

Sendesaal 

05.10. JazzIni: Jazzgeschichten 

m. Gustl Mayer & Daniella Burmeister; 

Gethsemanekirche 

10.10. Kamchatka; Das Bett 

11.10. Maria Baptist; Jazzkeller 

11.10. JazzIni: Lorenz Kellhuber 

solo; Steinway & Sons 

17.10. Tom Bourgeois; Mampf 

17.10. Rocket Men; Ponyhof 

18.10. JazzIni: Olivia Trummer; 

Romanfabrik 


Quartett; Brotfabrik 

23.10. Akua Naru; Brotfabrik 

23.10. Fatso; Horst 

25.10. JazzIni: United Colours of 

Bessungen; Romanfabrik 

27.10. Echoes Of Swing; Lindner 

Hotel & Residence 

31.10. JazzIni: Thomas Bachmann 

Trio; Frankfurt Art Bar 

Gelnhausen 

19.10. Trio Macchiato; Alte 

Synagoge 


Johannes Geiß; Jazzclub 

Heidelberg 

05.10. Trio de Lucs; Courage 

Benefiz 


Being“; Karlstorbahnhof 

Hemsbach 

15.10. Claus Boesser-Ferrari; 

Synagoge 

Hettenleidelheim 

12.10. Hattler; KS Audio Theater 

Illingen 

19.10. Illinger Jazz Lounge: Nils 

Wülker; Illipse 

Kaiserslautern 

27.10. JCM feat. Clem Clempson, 

Mark Clarke & Ralph Salmins; 

Kammgarn 

Ludwigshafen 

12.10. Enjoy Jazz: Daniel Brandt; 

Das Haus 

16.10. Andreas Martin Hofmeir 

& Benjamin Schmid; BASF 

Gesellschaftshaus 


Liszt 

Mannheim 


04.10. Enjoy Jazz: James Farm; 

Alte Feuerwache 

13.10. Trio de Lucs; Kazwoo 


21.10. Enjoy Jazz: Nicole Johaenntgen; 



22.10. Enjoy Jazz: Aaron Parks 

Trio feat. Ben Street & Billy Hart; 



26.10. Enjoy Jazz: Black Milk 

& Nat Turner Band; Alte 

Feuerwache 


29.10. Enjoy Jazz: Rainer 

Böhm und Jörg Achim; Alte 

Feuerwache 

30.10. Haz’Art Trio & Beyond 

Borders; Alte Feuerwache 

Saarburg 

14.10. Nina Attal; Stadthalle 

28.10. Sarah Ferri; Evangelische 

Kirche 

Weinheim 

07.10. Kamchatka; Cafe Zentral 

Wiesbaden 

06.10. Erna Rot; Walhalla Theater 

06.10. Hans Lüdemann Trio Ivoir; 

Kulturforum 

07.10. Ólafur Arnalds; Kurhaus 

26.10. Nes; Walhalla im Exil 

Raum 70000 

Ellwangen 

06.10. Hattler; Ballroom 

Esslingen 

10.10. Aeham Ahmad; Dieselstraße 

26.10. September; 4peh 

28.10. Django Bates´ Beloved; 

Dieselstraße 

Freiburg 

09.10. Gogo Penguin; Jazzhaus 

12.10. Trio Elf; Forum Merzhausen 

15.10. Nina Attal; Jazzhaus 

17.10. Curly Strings; Jazzhaus 

21.10. Nils Wülker; Jazzhaus 


Being“; Jazzhaus 

24.10. Akua Naru; Jazzhaus 

Hechingen 

21.10. Rainer Böhm; Alte 

Synagoge 


Termine 

Heilbronn 

04.10. Werner Acker Organ Trio 

feat. Fola Dada; Cave61 

07.10. Hattler; Kiliansplatz 

11.10. Wolfgang Lackerschmid 

Connection; Cave61 

18.10. Krisch/Höfler/Elgart feat. L. 

Newton; Cave61 

20.10. Ensemble FisFüz; Türkische 

Kulturtage 

25.10. Playground; Cave61 

Idar-Oberstein 


Bird; Stadttheater 

Karlsruhe 

28.10. Tonbruket; Tollhaus 

Konstanz 

19.10. Mulo Francel; K 9 

Kulturzentrum 

Lörrach 

05.10. Peter Protschka Quintet 

feat. Rick Margitza; Jazztone 

12.10. Arne Huber Quartett; 

Jazztone 


Connection; Jazztone 

26.10. Christian Dietkron & Uli 

Niedermüller feat. Conny Bauer; 

Jazztone 

26.10. Jazzchor Freiburg; Burghof 


Guitar Night 

Ludwigsburg 

05.10. Phone B Trio in New 

Orleans; Podium Musikhalle 

12.10. Session; Podium 

Musikhalle 

19.10. Ferenc und Magnus Mehl 

Quartett; Podium Musikhalle 

26.10. Playground Quartett; 

Podium Musikhalle 

Müllheim 

26.10. Lisette Spinnler; Martinskirche 

Rastatt 

12.10. Jazzchor Freiburg; Kirche 

St. Alexander 

26.10. Lisette Spinnler; Martinskirche 

Reutlingen 

16.10. Rocket Men; Franz K 

Schorndorf 

05.10. Luc Houtkamp / Steve 

Beresford / Martin Blume; Club 

Manufaktur 

05.10. Ulf Wakenius; Barbara- 

Künkelin-Halle 

05.10. Iiro Rantala & Ulf Wakenius; 

Jazzclub Session 88 

06.10. Swutscher; Club Manufaktur 

17.10. Jo Passed; Club Manufaktur 

19.10. Jess Williamson; Club 

Manufaktur 

25.10. Thabilé & Band; Club 

Manufaktur 

26.10. Ken Vandermark / Mark 

Tokar / Klaus Kugel; Club 

Manufaktur 

31.10. Riverside; Club Manufaktur 

Singen 

11.10. Mahiko Hirabashi Trio; 

Gems 

21.10. Matinee: Choice Band; 

Gems 

26.10. Julian Lage Trio; Gems 

Stuttgart 

03.10. Werner Acker Organ Trio 

feat. Fola Dada; Bix 

06.10. „Mela“ Maria Spaemann; 

Kulturkabinett 

09.10. Kamchatka; Keller Klub 


Connection; Bix 

12.10. Eva Kruse “On the Mo”; Bix 

13.10. Aline Frazão; Bix 

17.10. André Weiß Trio feat. Tony 

Lakatos; Bix 

19.10. Ka Ma Quartet; Bix 

22.10. Akua Naru; clubCANN 


Theaterhaus 

27.10. Fola Dada Album Tour 

Earth; Bix 

30.10. David August; Wizemann 

Tiefenbronn 

20.10. Jessica Gall; Musikverein 

Mühlhausen 

Tübingen 

© Francesco Desmaele 

03.10. Der Weise Panda; Club 

Voltaire 

12.10. Eyal Lovett Quartet; Bechstein 

Centrum 

16.10. Mingus 21; SWR-Studio 

20.10. Kühn - Humair - Chevillon; 

Sudhaus 

21.10. Lukas Pfeil Big Band feat. 

Fola Dada; Jazz und Klassiktage 

24.10. Martin Sörös Quartett; Club 

Voltaire 


Johannes Geiß; Kiste 

Tuttlingen 

05.10. Vdelli; Rittergarten 

Bluesnight 

Urbach 

20.10. September m. Andreas 

Pastorek u. Max Gerwien; 

Schlosskeller 

Raum 80000 

Augsburg 

04.10. All Swing Big Band; 

Parktheater Göggingen 

Bad Reichenhall 


Spielbank 

Bad Wörishofen 

21.10. Echoes Of Swing; Jazz 

Time, Filmhaus Huber 

Elmau 

02.10. Janoska Ensemble; 

Schloss Elmau 


III; Schloss Elmau 

12.10. Viktoria Tolstoy & Claes 

Crona Trio; Schloss Elmau 

18.10. Espen Eriksen Trio; 

Schloss Elmau 

20.10. David Helbock’s Random/ 

Control; Schloss Elmau 

26.10. Omer Klein Trio; Schloss 

Elmau 

27.10. Tamar Halperin-Guy 

Sternberg; Schloss Elmau 

Feldafing 


III; Bürgersaal 

Germering 

26.10. Joris Roelofs Trio; 

Stadthalle 

Ismaning 


Michael Schiefel; Kallmann 

Museum 

Kaufbeuren 


Michael Schiefel; Stiftsterrassen 

Lenggries 

05.10. DuckTapeTicket; Kleinkunst 

& Kultur 

Monheim 

04.10. Joscho Stephan; Jazzclub 

Moosach 

12.10. David Gazarov Trio feat. 

Stefanie Boltz; Pelkovenschlösschen 

Mühldorf/Inn 


Haberkasten 

München 

01.10. Jazz Big Band Association; 

Unterfahrt 

02.10. Tuija Komi Quartet; 

Unterfahrt 

04.10. DuckTapeTicket; Pasinger 

Fabrik 


Unterfahrt 

08.10. Matthias Bublath Eight 

Cylinder Bigband; Unterfahrt 

09.10. Joanna Wallfisch; 

Unterfahrt 

11.10. Daniel Brandt; Blitz 

11.10. Jasmin Bayer; Kulturzentrum 

Trudering 

13.10. Nina Attal; Unterfahrt 

13.10. Jack White; Zenith 

15.10. Kovacs; Muffathalle 


Philharmonie 

15.10. Jazzrausch Bigband; 

Unterfahrt 

19.10. Ed Motta; 20.10. Dino 

Saluzzi Quintett; Unterfahrt 

20.10. Dino Saluzzi Quintett; 

Unterfahrt 

22.10. Big Band Night: Earforce; 

Unterfahrt 

22.10. John Butler Trio; Tonhalle 

23.10. Nils Wülker; Ampere 

24.10. Vincent Peirani Quintet – 

Living Being II; Unterfahrt 

26.10. Yazz Ahmed; Unterfahrt 

29.10. David August; Technikum 

29.10. Sunday Night Orchestra; 

Unterfahrt 

31.10. Tonbruket; Unterfahrt 

Neuried 


Kirche St. Nikolaus 

Oberschleißheim 

18.10. Mulo Francel; Bürgerzentrum 

Ravensburg 

05.10. Christian Muthspiel & 

Steve Swallow; Konzerthaus 

18.10. JMO; Kulturzentrum Linse 

Schwabmünchen 

12.10. Les Brünettes; Stadthalle 

Starnberg 


Novel Of Anomaly; Schlossberghalle 

Ulm 

06.10. Dirk Maassen; Stadthaus 

07.10. Silke Eberhard Trio: “I am 

Three”; Stadthaus 

22.10. Michael Wollny Trio; 

Stadthaus 

Raum 90000 

Bayreuth 


Jazzforum 

Erlangen 

10.10. Gogo Penguin; E-Werk 

14.10. Les Brünettes; Redoutensaal 

Erfurt 

04.10. Reel 2 Reel; Jazzkeller 

06.10. Dresdener Musikbrigade; 

Jazzkeller 

11.10. Kamchatka; Museumskeller 

12.10. Raphael Wressnig/Marcus 

Horn; Jazzkeller 

18.10. Vortrag: Mario Schneeberger: 

Geschichte des Jazz; 

Jazzkeller 

19.10. NerlySmallband; Jazzkeller 

20.10. 10 Jahre Nerly Bigband; 

Gewerkschaftshaus 

25.10. Jazz-Filmabend; Jazzkeller 

27.10. Uwe Kropinski; Jazzkeller 

Fürth 


Control; Kulturforum 

27.10. Exit Universe; Fürther 

Jazzvariationen 

Helmbrechts 

18./19.10. Curly Strings; 

Kulturwelten 

Höchstadt 

19.10. Markus Stockhausen 

& Florian Weber INSIDE OUT; 

Jazz!3 

Nordhausen 

06.10. Holly Schlott; Jazzclub 

13.10. Jin Jim; Jazzclub 

Nürnberg 

04.10. Trio de Lucs; Tante Betty 

05.10. Latin Funk Factory; Jazz 

Studio 

06.10. Das letzte Känguru; Jazz 

Studio 

12.10. Chris Gall Trio feat. Frank 

Möbus; Jazz Studio 

13.10. Axel Kühn Trio; Jazz Studio 


Simon Phillips & 

Bill Evans & 

Zen Amadeus 

24.10.18 

Hasbergen, Gaste Garage 

19.10. Klaus Brandl /Chris 

Schmitt; Jazz Studio 

20.10. Peer Baierlein South 

Quartet 

21.10. Hübscher, Hauber & 

Friends; Jazz Studio 

22.10. Peter van Huffel Octet; 

Jazz Studio 

24.10. Fola Dada und Band; Jazz 

Studio 

26.10. Saxofour; Jazz Studio 

27.10. Johannes Enders Quartett; 

Jazz Studio 

Ochsenfurt 


Johannes Geiß; Kulturherbst 

Passau 


Control; Café Museum 

Regensburg 

04.10. Wolfgang Schmidt Trio; 

Jazzclub 

11.10. Eva Kruse; Jazzclub 

13.10. Maria Baptist; Piano Metz 

17.10. Jim Mullen; Jazzclub 

21.10. Isle Of Swing; Jazzclub 

23.10. Nicole Johänntgen; 

Jazzclub 

27.10. Teresa Bergmann; Sternschnuppennacht 

31.10. Tokunbo; Jazzclub 

Weimar 


Michael Schiefel; Fürstensaal 

Würzburg 


Johannes Geiß; Omnibus 

Belgien 

Antwerpen 

25.10. Ólafur Arnalds; Queen 

Elisabeth Hall 

Brüssel 

13.10. Tom Bourgeois; Jazz- 

Station 

Luxembourg 

Luxembourg-Stadt 

11.10. Aline Frazao; Philharmonie 

Niederlande 

Alkmaar 

20.10. Mehmet Polat with 

Dragonfly; Theater de Veste 

Amsterdam 

03.10. Mehmet Polat feat. Lenneke 

van Staalen & Heiko Dijker; 

De Meevaart 

04.10. David Helbock´s Random/ 

Control; Bimhuis 

05.10. Benjamin Herman’s 

Bughouse; Bimhuis 

06.10. Pandit Rajan & Pandit 

Sajan Mishra; Bimhuis 

07.10. BCUC; Bimhuis 

08.10. James Farm: Joshua Redman, 

Aaron Parks, Matt Penman, 

Eric Harland; Bimhuis 

11.10. Nick Mancini Collective; 

Bimhuis 

12.10. Brian Marsella Trio; 

Bimhuis 

13.10. Festival ColorEs Colombia; 

Bimhuis 

14.10. Donny McCaslin – Blow; 

Bimhuis 


17.10. Wacław Zimpel + Saagara; 

Bimhuis 

18.10. KUU! feat. Kalle Kalima, 

Frank Möbus & Christian 

Lillinger; Bimhuis 

19.10. CelloFest: The Visit/BartolomeyBittmann; 

Bimhuis 

20.10. CelloFest: Cello Warriors; 

Bimhuis 

20.10. CelloFest: Mela Marie 

Spaemann/NES; Bimhuis 

21.10. CelloFest: Kamancello/ 

The Eric Longsworth Project; 

Bimhuis 

21.10. CelloFest: Masterclass 

Colin Carr/The Comparison – 

Cello makers; Bimhuis 

22.10. CelloFest: Weijenberg 

& Kliphuis/Svante Henryson 

Quartet; Bimhuis 


Jordi Savall; Bimhuis 

23.10. Workshop Arnold Dooyeweerd/Jam 

Session led by Emile 

Visser & Annie Tångberg 

23.10. Cello Warriors; Bimhuis 

24.10. CelloFest: Harald Austbø 

Quartet/Ecce Cello/Masterclass 

Jean-Guihen Queyras; Bimhuis 

25.10. CelloFest: Chesaba/Jörg 

Brinkmann Trio; Bimhuis 


Nicolas Altstaedt; Bimhuis 

26.10. CelloFest: Maya Beiser/ 

Maarten Vos/ Masterclass Roel 

Dieltiens; Bimhuis 


Matt Haimovitz/Cello Warriors; 

Bimhuis 

27.10. Theo Croker ‘Star People 

Nation’; Bimhuis 

28.10. Ben Wendel Seasons 

Band; Bimhuis 

31.10. John Scofield Quartet; 

Bimhuis 

Deventer 


Kekeç; Fermerie 

Groningen 

28.10. Ólafur Arnalds; Oosterpoort 

Haarlem 

09.10. Mehmet Polat Trio; 

Philharmonie 

Nijmegen 

27.10. Ólafur Arnalds; Concertgebouw 

De Vereeniging 

Rotterdam 

29.10. Ólafur Arnalds; Schouwburg 

Utrecht 

05.10. Mehmet Polat with 

Dragonfly; Barbeton 

Österreich 

Bad Hofgastein 


Control; Jazz im Sägewerk 

Dornbirn 

20.10. KUU!; Spielboden 

Fehring 

16.10. Mulo Francel; Gerberhaus 

Graz 

01.10. Nicolas Hodges; KUG 

11.10. Malcolm Braff Trio; 

Stockwerk 

17.10. On Keys; Forum Stadtpark 

19.10. Miller´s Tale; WIST 

26.10. Strase & Das wilde Trio; 

Forum Stadtpark 

Hallein 

05.10. Holler My Dear; Kulturforum 

Hard 

06.10. Vdelli; Kammgarn 

Innsbruck 

31.10. Akua Naru; Treibhaus 

Linz 

15.10. Ólafur Arnalds; Posthof 

21.10. Jütz; Brucknerhaus 

Salzburg 

27.10. Renato Unterberg & 

Mildenburg Smallstars; Jazzit 

29.10. Popa Chubby; Rockhouse 

29.10. Giorgio Conte; Jazzit 

Ulrichsberg 

26.10. Fish-Scale Sunrise: 

Ab Baars/Kaja Draksler/Joe 

Williamson; Jazzatelier 

Wien 

01.10. Mario Biondi; Porgy 

& Bess 

07.10. Django Bates’ Belovèd w. 

Petter Eldh & Peter Bruun; Porgy 

& Bess 

08.10. Adam Nussbaum’s Leadbelly 

Project; Porgy & Bess 

10.10. Spain; Chelsea 

11.10. Jesper Munk; Porgy 

& Bess 

12./13.10. Jeunesse Special I: 

Lukas König; Porgy & Bess 

15.10. Brian Marsella Trio; Porgy 

& Bess 

18.10. Courvoisier/Feldman/Parker/Mori; 

Porgy & Bess 

19.10. Karen Asatrian & Armenian 

Spirit; Porgy & Bess 

20.10. Renato Borghetti & Yamandu 

Costa; Konzerthaus 

21.10. Nouvelle Cuisine Bigband; 

Porgy & Bess 

22.10. Amira Medunjanin & 

Bojan Z.; Porgy & Bess 

23.10. Nes; Sargfabrik 

23.10. John Butler Trio; Arena 

23.10. The Bad Plus; Porgy 

& Bess 

24.10. Nes; Sargfabrik 

25.10. Vincent Peirani ‘Living 

Being 2’; Porgy & Bess 

30.10 Popa Chubby; Reigen 

31.10. Youn Sun Nah; Porgy 

& Bess 

Zwettl 

06.10. Holler My Dear; Syrnau 

Schweiz 

Bern 

10.10. BKO; Musigbistrot 

Lausanne 

11.10. BKO; Le Romandie 

Neuenegg 

28.10. Jütz; Kirchgemeinde 

Niederrohrdorf 

25.10. Jütz; Flute Trends Atelier 

Schaffhausen 

17.10. Bombino; Kammgarn 

Stans 

16.10. Spain; Chäslager 

Sursee 

26.10. Jütz; Somehuus 

Thalwil 

26.10. Renato Borghetti; Jazzclub 

Walkringen 

27.10. Jütz; Kirche 

Vevey 

13.10. Bombino; Le Bout du 

Monde 

Zürich 

01.10. Artists in Residence: Ute 

Kanngieser/Silvan Schmid/ 

Valentin Dietrich; Moods 

02.10. ZKB Special: James Farm 

feat. Joshua Redman, Aaron 

Parks, Matt Penman & Eric 

Harland; Moods 

05.10. Colin Stetson – Greg Fox – 

Trevor Dunn; Moods 

05.10. William Fitzsimmons & 

Joshua Radin; Kaufleuten 

06.10. Camille Bertault; Moods 

07.10. Sophie Hunger; Moods 

09.10. Django Bates; Moods 

11.10. Raphael Jost & Lots of 

Horns; Moods 

12.10. Ana Carla Maza/Omar 

Sosa & Yilian Canizares feat. 

Gustavo Ovalles; Moods 

14.10. Gisela João/Aline Frazão; 

Moods 

15.10. Kristel; Moods 

16.10. Iety/Silvan Schmid Quintet; 

Moods 

16.10. The Marcus King Band; 

Kaufleuten 

17.10. Ólafur Arnalds; Volkshaus 

18.10. Nicole Johänntgen; 

Moods 

19.10. Cory Wong; Moods 

19.10. Diego El Cigala; Volkshaus 

20.10. Angelo Branduardi; 

Volkshaus 

21.10. Marco Masini; Kaufleuten 

21.10. Nitai Hershkovits; Moods 

22.10. Josef Leimnberg; Moiods 

23. & 25.10. Steff La Cheffe; 

Moods 

26.10. Nuit Électronique; Moods 

27.10. Joe Louis Walker; Moods 

28.10. Yumi Ito-Yves Theiler/Carla 

Bley; Moods 

29.10. Khouri-Glanzmann- 

Schmid/Félicie Bazlaire; Moods 

30.10. Kamaal Williams; Moods 

Festivals 

44. Jazz Festival Willisau 

Noch bis 2.9.2018 

Willisau/CH 

Oliver Lake Organ Quartet, 

The Thing feat. James Blood 

Ulmer, Jaimie Branch’s Fly or 

Die, Fischermanns Orchestra, 

Irina & Jones, Stoffner/Lovens/ 

Mahall, The Young Mothers, 

Hanreti, Nate Wooley Battle Pieces, 

Fredy Studer, Spill, Celea/ 

Reisinger/Parisien u.a. 

www.jazzfestivalwillisau.ch 

powered by Sommerton-Festival 

2018 


Schlossanlage 

Diersfordt, Wesel 

Die „Muziek Biennale 

Nierderhein“ ist mit ihrer 

Auftaktveranstaltung Gast des 

Sommerton-Festivals. Mit dem 

dreitägigen Festivalauftakt 

unter dem Titel „Ein Fenster zur 

Freiheit - Musikkulturen dieser 

Welt“ werden wir Sie auf eine 

besondere musikalische Reise 

mitnehmen: „The Astounding 

Eyes of Rita“ des tunesischen 

Oud-Virtuosen Anouar Brahem 

mit Khaled Yassine-Klaus 

Gesing-Björn Meyer. 

www.sommerton.de 

Ruhrtriennale 


Im gesamten Ruhrgebiet 

Zum ersten Mal unter der 

Intendanz von Stefanie Carp 

mit Artiste associé Christoph 

Marthaler. 33 Produktionen und 

Projekte, davon 20 Eigen- und 

Koproduktionen, 16 Uraufführungen, 

Neuinszenierungen, 

Deutschlandpremieren und 

Installationen werden in den 

ehemaligen Industriehallen des 

Ruhrgebietes und an weiteren 

Orten gezeigt. 

www.ruhrtriennale.de 

Monat der zeitgenössischen 

Musik 


Berlin 

Musikfest der Berliner Festspiele, 

BAM! Berliner Festival 

für aktuelles Musiktheater, 

NordiConTempo, Dystopie 

Sound Art Festival. Beteiligt 

sind insgesamt rund 1.500 

Musiker*innen bei weit über 

100 Veranstaltungen. 

www.inm-berlin.de 

Jazztube Festival 


Bonn, U-Bahnhaltestellen, 

Pantheon Theater etc. 

Dad’s Phonkey, Yassmo‘ & the 

Phonk Diggers, Band Bungalow, 

Martin Berner Quintett, Starke 

& Gorter, Thiago Gois Band u.a. 

und dem Finale des Votings 

im Pantheon Theater: Jan 

Alexander Trio feat. Heidi Bayer, 

Mengamo Trio, Simin Tander & 

Jörg Brinkmann u.a. 

www.jazz-tube-bonn.de 

Niedersächsische Musiktage 

1.-30.9.2018 

Ganz Niedersachsen 

Motto: „Beziehungen“. Musik aller 

Genres, u.a. mit NDR-Bigband 

m. Thomas Quasthoff, China Moses, 

Avi Avital, Wallis Bird u.a. 

www.musiktage.de 

Talos Festival 


Ruvo di Puglia, IT 

Live-Musik, zeitgenössischer 

Tanz, alle Originalproduktionen, 

CD- und Buchpräsentationen, 

Thementreffen, Meisterkurse, 

Fotoausstellungen. 

www.talosfestival.it 

Jazz an einem Sommerabend 

1.9.2018 

Burg Linn, Krefeld 

Mit Kinga Glyk, Makiko Hirabashi 

Trio, Horst Hansen Trio. 

www.jazz-an-einem-sommerabend.de 

Jazzhátíd Reykjavikur - Reykjavik 

Jazzfestival 


Reykjavik/ISL 

www.reykjavikjazz.is 

Trave Jazz Festival 


Lübeck, versch. Orte 

Mit KaMA Quartet u.a. 

www.travejazz.de 

b o n n h o e r e n 

6.9.-30.11.2018 

Kunstmuseum Bonn, Museumsmeile 

Eröffnung: Akio Suzuki (JP) – 

Stadtklangkünstler Bonn 2018: 

“Observatory of Spirits” / “ko 

da ma” Zwei Installationen im 

Innenhof des Kunstmuseum 

Bonn, “Space in the Sun” – Eine 

Dokumentationsausstellung im 

unteren Foyer des Kunstmuseum 

Bonn u.a. 

www.bonnhoeren.de 

JazzWerkstatt Wien Festival 

2018 „before we die“ 


Wien, versch. Orte 

Wer mit dem Entdecken neuer 

Musik nicht warten möchte, bis 

die Politik Denkmäler errichtet, 

oder ein flüchtiger Medienhype 

umgeistert, ist beim JazzWerkstatt 

Wien Festival am richtigen Ort. 

Wien hat abseits der Kulturtanker 

und Tourismus-Musikevents eine 

lebendige Szene und ein zeitgenössisches 

und interessiertes 

Publikum. JameszooQuartett, 

FLXS Jzzzwrsttt, Fluxus DJs; 10 

Acts á 10 Min. Lucia Leena/Judith 

Ferstl, Kenji Herbert/Vinicius 

Ciccone Cajado, MonaLena & The 

Queen, Bernd Satzinger. David 

Gratzers Teheran trifft Wien, 

Fraufeld Fieldwork, Max Nagl5, 

Embracing Shitstorm u.a. 

www.jazzwerkstatt.at 

powered by Jazzin’ the Black 

Forest 


Villingen-Schwenningen 

Man feiert 50 Jahre MPS im 

Franziskaner und im Jazzclub 

VS. Mit Rolf & Joachim Kühn, 

Rob Mazurek & Immortal Birds 

Bright Wings, James Braddell 

aka Funki Porcini. 

www.mps-villingen.de 

powered by 

Hö.mma Jazzfestival 

13.-16.9.2018 

Oberhausen 

Markus Stockhausen 

“Quadrivium”, 


termine 

Igor Lazarev Group, Jeff 

Cascaro, Shatabdi, Bima & 

Triobravo, Talking Horns, “Jazz 

beim Frisör”, Jazz Pool NRW, 

Das Karussell Quintett, Junges 

Orchester Oberhausen Ltg. Mike 

Szadzik, Klassik meets Jazz, 

WDR Big Band feat. Liz Wright 

cond. by Vince Mendoza u.a. 

www.jazz-in-oberhausen.de 

5. European Jazz Conference 

13.16.9.2018 

Lissabon, PT, Centro Cultural 

de Belém 

Die European Jazz Conference 

ist die führende jährliche Zusammenkunft 

von Fachleuten des 

Jazz in Europa, insbesondere 

von Veranstaltern, Kulturmanagern, 

Agenten und nationalen 

/ regionalen Organisationen. 

Die Generalversammlung des 

Europe Jazz Network (seit 2014) 

ist nun auch für jeden Musikprofi 

unter dem Namen European 

Jazz Conference zugänglich. Die 

EJC besteht aus inspirierenden 

Keynote-Reden, hochrangigen 

Diskussionsgruppen und Workshops, 

Networking-Sessions 

für Fachleute des kreativen 

Musiksektors, kulturellen Besuchen 

und Showcase-Festival der 

besten neuen Künstler aus dem 

Gastgeberland Italien für 2019. 

www.europejazz.net 

Take the ATrain Festival 


Salzburg/AT 

Music Festival @ Hauptbahnhof 

Salzburg und in der Euregio 

Salzburg-Berchtesgadener 

Land. Mit Cari Cari, Aeham 

Ahmad, Mop Mop & Anthony 

Joseph, Gewürztraminer & 

der gmischte Satz, Les Lapins 

Superstars, Thomas Gansch & 

Ballaststofforchester, Eljot & 

CongaHead, Sophie Hassfurther 

& Oguz Büyükberber, Soulbabe, 

Radian, Hackedepicciotto, Buntspecht, 

Hanuschplatzflow, Selim 

von Salzburg, Batuhan & Almina 

Demirel + Senay Özdemir, Herb 

Berger & Heli Punzenberger, 

Gudrun Plaichinger & Tobias 

Ott, O Sole Mio Trio, Blechsalat, 

Muddy What?, Los del Sur u.a. 

www.ttat.at 

IMPRESSUM 

JAZZTHETIK 

Magazin für Jazz 

und Anderes 

ISSN 0933-8926 

Redaktion, Vertrieb, 

Anzeigenabteilung: 

Frie-Vendt-Str. 16 (Hinterhaus) 

48153 Münster, 

Tel. 0251 / 53 34-20 

(Redaktion), 

-23 (Anzeigen / Vertrieb), 

-85 (Abos / Vertrieb), 


www.JAZZTHETIK.de 

Jazzfestival Freiburg 2018 

15.-23.9.2018 

Freiburg; Jazzhaus, EWerk 

Mit De-Phazz, Lars Danielsson, 

Mare Nostrum, Michael Wollny 

Trio u.a. 

www.jazzfestival-freiburg.de 

Dresdner Drum & Bass Festival 


Dresden, Scheune, Groovestation 

& Katy’s Garage 

Mit Aaron Spears, Poogie Bell 

& Band, den Rhythmusgruppen 

von Jamiroquai und Dirty Loops, 

Horacio Hernandez, Richard 

Spaven & Band, Pete Lockett, 

Jost Nickel u.v.a. 

www.dresdner-drum-bassfestival.de 

25. Usedomer Musikfestival 

22.9.13.10. 

Seebad Heringsdorf 

www.usedomer-musikfestival.de 

powered by 32. Internationale 

Sonneberger 

Jazztage 2018 

Zwischen 23.9. und 


Sonneberg, versch. Spielorte 

Prolog: Jazz in der Villa: Arkady 

Shilkloper & Vadim Neselovskyi; 

Texte & Sounds Vol. 10: Thilo 

Wolf Quartet feat. Johanna Iser 

„The Spirit of Ella Fitzgerald“ 

m. Schriftsteller Ewald Arenz; 

Sazerac Swingers, Carlos Reisch, 

Daniel Hoffmann Quartett, 

Peter Mante & his New Life 

Gospel Choirs, Funkydumbstuff; 

“Funk’n Soul”. Veranstalter: 

Sonneberger Jazzfreunde e.V., 

Thüringisch-Fränkischer Verein 

zur Förderung und Pflege der 

Jazzmusik und Kleinkunst. 

www.son-jazz.de 

Festival Les Emouvantes 


Théâtre des Bernardines, 

Marseille 

Mit Barre Phillips / Julyen Hamilton, 

Dominique Pifarély Septet, 

The Henze Workshop invite 

Charlotte Testu, Andy Emler, 

Joce Mienniel, Trio Tomassenko, 

Lê Quan Ninh, Régis Huby Big 

Band. 

www.tchamitchian.fr/emouvantes/ 

Herausgeberin und Verlegerin: 

Christine Stephan, Frie-Vendt-Str. 16 

(Hinterhaus links), 48143 Münster, 

Tel. 0251 / 53 34-32 

Chefredaktion + v.i.S.d.P.: 

Hans-Jürgen Linke 

Schlussredaktion: 

Guido Diesing 

JAZZTHETIK erscheint 6 x im Jahr 

und kostet 8,20 €, 

im Jahresabo 41,- €, 

in Europa 71,- €, 

im nicht europ. Ausland 75,- € 

inkl. Mwst. und Zustellgebühr 

Multiphonics Festival 2018 

27.9.7.10.2018 

Köln, Düsseldorf, Dortmund, 

Frankfurt, Berlin 

www.multiphonics-festival.com 

powered by Jazzfestival 

Leibnitz 2018 Jazz 

& Wein 


Leibnitz/AT 

Mit Daniel Herskedal & Maius 

Neset, Wadada Leo Smith´s 

Great Lakes Quartet, Marialy 

Pacheco & Omar Sosa, Renaud 

Garcia-Fons Trio - Revoir Paris, 

The Kandinsky Effect, Synesthetic 

Octet, Gabriele Mirabassi, 

Nando Di Modugno, Pierluigi 

Balducci, The Whammies, Jazz 

for Kids. 

www.jazzfestivalleibnitz.at 

Jazz an der Burg 

28./29.9.2018 

Dinslaken 

Mit The Busquito’s, Small is 

beautiful, Marius Peters Trio 

feat. Heiner Wiberny, Edgar 

Knecht Trio, Jan Luley, Joe 

Wulf & Brenda Boykin, Carl & 

the Hurricanes feat. Gregor 

Hilden, Gjertrud Lunde „The 

Space between“, Jazz Initiative 

Dinslaken e.V. 

www.din-jazz.de 

25. Jazzmeile Thüringen 

28.9.8.12.2018 

Diverse Spielorte in ganz 

Thüringen 

29.9. Eröffnung im Audimax der 

TU Ilmenau mit The Dorf. 

www.jazzmeile.org 

11. Generations International 

Jazzfestival 2018 

29.9.6.10.2018 

Frauenfeld, CH 

Mit der First Lady of Jazz 

Orchestra Maria Schneider (2 

Konzerte und Kompositionsklasse), 

Kaleidoscope String 

Quartet, Marie Kruttli, Michael 

Arbenz (Vein), Joe Haider, 

Adrian Mears Electric Trio, 

Aphrotek m. Eliyah Reichen, 

Nathalie Loriers, Ari Hoenig, 

Kate McGarry m. Gary Versace, 

Adam Pierończyk m. mit 

Miroslav Vitouš, Trilok Gurtu 

Redaktionsschluss: 

1. des Vormonats 

Redaktion: 

Christine Stephan, 

Hans-Jürgen Linke, 

Guido Diesing 

Terminredaktion: 


Anzeigen: 

Christine Stephan 

Korrektorat: 

Björn Simon 

Abo und Vertriebsleitung: 

Ute Ußler, 

Reyhan Özdemir 

und Adrian Mears, Antonio 

Lizana, Donny McCaslin, Masterclasses 

etc. 

www.generations.ch 

powered by 20. Enjoy Jazz 

2.10.17.11.2018 

Mannheim, Heidelberg, 

Ludwigshafen 

Ein musikalischer 

Mix aus Jazz, Soul und Hip-Hop 

über Klassik, Avant-Garde und 

Electro in der Metropolregion. 

Die Jubiläumsausgabe 

bringt neben experimentellen 

Geheimtipps etablierte 

Weltstars. Rahmenprogramm 

mit Jugendförderung von Enjoy 

Jazz in Zusammenarbeit mit der 

BASF SE. Mit Joshua Redman, 

Aaron Parks, Matt Penman, Eric 

Harland: James Farm, Portico 

Quartet, Nikolas Anadolis Trio, 

Kaja Draksler & Eve Risser, Richie 

Beirach Quartet feat Gregor 

Huebner, Marcin Wasilewski 

Trio, Aruán Ortiz & Don Byron, 

SWR Jazzpreis 2018: Sebastian 

Gille, Ambrose Akinmusire Quartet, 

The Necks, Schwetzinger 

Jazztage: Egberto Gismonti, Max 

Andrzejewski´s Hütte, Nicole 

Johänntgen, Aaron Parks Trio 

featuring Ben Street & Billy Hart, 

Vincent Peirani Quintet, Michael 

Wollny Trio, Lucas Niggli Solo, 

Haz’art Trio & Beyond Borders 

Band, Clayton-Hamilton Jazz 

Orchestra & Cécile McLorin 

Salvant, Esmerine, Elena Mindru 

Quartett & Adam Baldych, Pablo 

Held Trio, ECM Jazznights: Vijay 

Iyer Sextet & Nik Bärtsch’s 

Ronin, Avery*Sunshine, Jan 

Garbarek Group feat. Trilok Gurtu, 

Sons Of Kemet, Kari Ikonen 

Trio u.v.a.m. 

www.enjoyjazz.de 

Landesjazzfestival Friedrichshafen 


Friedrichshafen, Graf Zeppelin 

Haus/Kulturhaus Caserne 

Mit Klaus Doldinger’s Passport, 

Jasper van’t Hof’s Pili Pili, Renaud 

Garcia-Fons, Samo Salamon 

Bassless Trio feat. Howard Levy 

u.v.a.m. Veranstalter: JazzPort 

Friedrichshafen e.V. 

www.jazzport-fn.de 

Graf. Konzeption / Gestaltung: 

M4 Media: Martin Trunz 

Titelgrafik: 

Norbert Bresch 

unter Verwendung eines 

Fotos von Chuck Stewart 

Internetausgabe: 

Ingo Ebel 

Internetredaktion: 

Christine Stephan 

Herstellung: 

D+L Reichenberg GmbH, 

Bocholt 

Mitarbeiter / Mitarbeiterinnen dieser Ausgabe: Marlen Albrecht, Angela Ballhorn, Peter Bastian, Dirk Bleiker, Henning Bolte, 

Sebastian Brandt, Knut Bry, Thomas Bugert, Nerea Coll, Andreas Collet, Francesco Desmaele, Guido Diesing, Gerd Döring, 

Ralf Döring, Markus Fagersten, Martin Feldmann, Christoph Giese, Benjamin Hardman, Hans Hielscher, Ben Huggler, Wolf 

Kampmann, Kaupo Kikkas, Rolf Kissling, Jesse Kitt, Jan Kobrzinowski, 

Eberhard Koll, Thomas Kölsch, Iza Korsak, Norbert Krampf, Hans 

Kumpf, Marcin Kydrynski, Jean-Pierre Leloir, Zbigniew Lewandowski, 

Hans-Jürgen Linke, Olaf Maikopf, Eric Mandel, Stefanie Marcus, 

Masahiro Mochida, Raj Naik, Mirela Onel, Achim Ost, Py Paavolainen, 

Elias Patrikainen, Holger Pauler, Stefan Pieper, Joao Portugal, Thomas 

Radlwimmer, Arne Reimer, Bernard Rie, Oliver Rockle, Hans-Jürgen 

Schaal, York Schaefer, Ulli Scharrer, Jennifer Scherler, Don Schlitten, 

Harry Schmidt, Andreas Schneider, Sebastian Scotney, Dovile 

Sermokas, Wolfgang Siesing, Björn Simon, Tobias Sommer, Andy Spyra, 

Peter Steinfadt, Chuck Steward, Frithjof Strauß, Victoriah Szirmai, 

Rolf Thomas, David Tixier, Niclas Weber, Madeleine Wegner 

 

39. Konstanzer Jazzherbst 


Konstanz; K9, Kulturzentrum am 

Münster 

Mit Kalle Kalima, Lucas Niggli, 

Ralf Kleinehanding, Johannes 

Grütter, Berenike Derbridge, 

Olivier Potratz, Oliver Steidle, 

Leila Martial, Eric Perez, Pierre 

Tereygeol, Laura Schuler, Philipp 

Gropper, Hanspeter Pfammatter, 

Lionel Friedli, Roberto Negro, 

Émile Parisien, Michele Rabbia, 

Vera Kappeler, Peter Conradin 

Zumthor, Christian Lillinger, 

Tobias Delius, Pierre Borel, 

Achim Kaufmann, Christpher 

Dell, Jonas Westergaard, Robert 

Landfermann, Hannes Reich. 

www.jazzclub-konstanz.de 

powered by AngraJazz Festival 

International de 

Jazz de Angra do 

Heroísmo 


Angra do Heroísmo, Terceira 

Island, Azoren/PT 

Das einzige Festival auf einer Insel 

mitten im Atlantik. Angra wird 

organisiert von der Non-Profit 

Organisation Associação Cultural 

Angrajazz, mit Unterstützung des 

Angra do Heroísmo City Council, 

dem regionalen Department für 

Kultur und Tourismus, der portugiesischen 

Tourismusbehörde 

und privaten Sponsoren. 

www.angrajazz.com 

Galway Jazz Festival 


Galway/IRL 

Mit Trondheim Voices, Emil 

Brandqvist Trio, Koko Ensemble, 

Haz’art Trio, Simon Nabatov, 

Paul McIntyre, Arve Henriksen 

u.v.a.m. 

www.galwayjazzfest.ie 

15. OUT.FEST 2018 

5./6.10.2018 

Barreiro/PT 

Mit Jimi Tenor, Clotilde (Sofia 

Mestre), Nídia, Rafael Toral 

Space Collective u.a. 

www.outfest.pt 

Reims Sunnyside Festival 

10.20.10.2018 

Reims, F 

Einem Teil dieser Auflage liegt ein 

Prospekt von „Jazzclub Hürth“ bei. 

Namentlich gekennzeichnete Texte 

und Fotos geben nicht unbedingt 

die Meinung der Redaktion wieder. 

Für unverlangt eingesandte Fotos, 

Illustrationen oder Manuskripte 

übernehmen wir keine Gewähr. 

Nachdruck von Texten, Bildern und 

vom Verlag gestalteter Anzeigen 

nur mit schriftlicher Genehmigung. 

Bei allen Verlosungen im Heft ist 

der Rechtsweg ausgeschlossen. 

MitarbeiterInnen sind von den 

Verlosungen ausgeschlossen. 

Gerichtsstand ist Münster. 

Member of the European 

Jazz Mediagroup 

Mit Roy Hargrove, Stacey Kent & 

Armel Dupas Trio, James Farm, 

Franck Tortillier, Émile Parisien 

Quartet u.a. 

www.sunnyside.fr 

7. Jazz sur Seine 

12.27.10.2018 

Club Festival in Paris 

25 Clubs, 180 Konzerte, 450 

Musiker, 1 Pass. Mit Stéphane 

Kerecki, Arnaud Dolmen, The 

Greenwich Sessions by Luigi 

Grasso invite Alain Jean-Marie, 

Florian Pellissier Quintet, Aïrès 

Trio – Airelle Besson – Edouard 

Ferlet – Stéphane Kerecki, 

Romain Pilon, Fiona Monbet 

Quartet, Simon Chivallon, 

Baptiste Herbin, Géraud 

Portal Sextet, Vincent Payen, 

Matthis Pascauf «Square One» 

invite Tony Paeleman, Timothée 

Robert, David Linx, Jean-Pierre 

Como u.a. 

www.perisjazzclub.net 

powered by Leipziger Jazztage 

2018 „Fish and 

Chips“ 

11.20.10.2018 

Leipzig, versch. 

Spielorte 

Unter der Schirmherrschaft von 

Leipzigs Oberbürgermeister 

Burkhard Jung bringt das 

Festival an zehn Tagen und 

zehn Spielorten weit über 

100 britische und deutsche 

Musiker*innen zusammen 

auf die Bühne, die sich nicht 

nur dem musikalischen Erbe 

Großbritanniens, sondern auch 

seiner jungen, vielversprechenden 

Jazzszene widmen. Bisher 

bestätigt: Norma Winstone, 

Norma Winstone Trio, Hidden 

Orchestra, Dave Holland’s Aziza 

w/ Chris Potter, Lionel Loueke 

& Eric Harland, Avishai Cohen 

Quartet, Joshua Redman’s 

James Farm w/ Aaron Parks, 

Matt Penman & Eric Harland, 

Empirical, Michael Wollny, 

Leafcutter John & Alex Nowitz 

„Goldberg-Tangenten“, Yazz 

Ahmed, Max Andrzejewsk’s 

Hütte and Guests play Robert 

Wyatt, Elliot Galvin Trio, Lucia 

Cadotsch w/ Lucy Railton & 

Kit Downes, Kit Downes solo, 

Helmut ‚Joe‘ Sachse & Maggie 

Nicols „Nevergreens“, Oli 

Steidle & The Killing Popes, 

Matthias Boghuts Milk Wood 

„Dylan Thomas“, Queens 

„Jazz“ w/ Christian Kögel, Kai 

Brückner, Peter Ehwald & Uli 

Kempendorff u.a. 

www.jazzclub-leipzig.de 

27. Fiesta Des Suds 2018 

11.17.10.2018 

Marseille/F 

Mit Ibeyi, Masailia Sound System, 

Oumou Sagaré, Camille, 

Hyphen-Hyphen u.a 

www.dock-des-suds.org/ 

fiesta2018 

Star Jazz Festival 

12./13.10.2018 

Hamburg, MirallesSaal 

Schauplatz eines musikalisch 

konzeptionellen Highlights, das 

in diesem Jahr über ein rein 

konzertantes Jazzerleben weit 

hinaus geht und sich den Möglichkeiten 

der multimedialen 

Performance öffnet. Veranstalter: 

Star-Tankstellen/Jazz 

Federation Hamburg e.V. Mit 

Motion Ensemble of Hamburg, 

The Club of Continents m. Nils 

Petter Molvaer, Mino Cinelu, 

Vladyslav Sendecki u.a. 

www.jazzfederation.de 

108 JazzthetIk 09/10-2018

Jazzwoche Hannover 

12.-20.10.2018 

Hannover, versch. Orte 

Die Jazz Musiker Initiative 

Hannover bietet einem breiten 

Publikum exzellente Jazzmusik. 

www.jmihannover.de 

powered by Gaste Garage 

13.10.-10.11.2018 

Gaste Garage, 

Hasbergen Bei 

Osnabrück 

13.10. Dean Brown & Band 

24.10. Simon Phillips/Bill Evans & 

Zen Amadeus 

02.11. Chris Beckers & Band 

10.11. Greg Howe & Band 

www.gaste-garage.de 

4. Jazzfestival Esslingen 2018 

14.-28.10.2018 

Esslingen, Stuttgart 

In diesem Jahr steht das Festival 

ganz im Zeichen von „50 Jahre 

ECM Records“. Mit Egberto 

Gismonti, Tarkovsky Quartet, 

Ralph Towner feat. Pablo Held 

Trio, Carla Bley Trios feat. 

Steve Swallow, Andy Sheppard, 

Eleni Karaindrou feat. Sokratis 

Sinopoulos u.a., AZIZA Holland / 

Potter / Loueke / Harland, Martin 

Wind Light Blue Quartet, Django 

Bates‘ »Belovèd« 

www.jazzfestival-esslingen.de 

Baku Jazz Festival 

14.-28.10.2018 

Baku/Aserbaidschan 

Mit Helge Lien Trio, Ruben Hein 

Trio, Music Music Music, Martin 

Salemi u.a. 

www.bakujazzfestival.com 

28. Blues- und Jazzfestival „Jazz 

goes Kur“ 

16.-21.10.2018 

Bad Wörishofen 

www.jazzgoestokur.de 

Donaueschinger Musiktage 

18.-21.10.2018 

Donaueschingen, versch. Orte 

www.swr.de/donaueschingen 

Krokus Jazz Festival 

20./21.10.2018 

Jelenia Góra, PL 

www.krokusjazzfestiwal.pl 

powered by 49. Deutsches 

Jazzfestival 

Frankfurt 

22.-28.10.2018 

Frankfurt, versch. 

Spielorte 

Mit „Hut ab!“ - Albert Mangelsdorff@90: 

Christof Lauer, 

Joachim Kühn, Pierre Favre, 

Nils Wogram, Samuel Blaser, 

Shake Stew, Echoes of Swing, 

Draksler-Santos Duo, Kamal 

Williams, Mark Guiliana, Stefan 

Lottermann, Bruno Chevillon, 

Daniel Humair, hr-Bigband & 

Sarah Buechi, Amith Nadig, 

Sunaad Anoor, hr Bigband Ltg. 

Jim McNeely: Allgäu meets 

India, Sfumato, Besson-Sternal- 

Burgwinkel, Oddarrang, Helbock, 

SFJazz Collective u.a. 

www.jazzfestival.hr2-kultur.de 

Jazz & Wine of Peace 

23.-28.10.2018 

Cormòns, IT 

www.controtempo.org 

powered by 18. WOMEX - World 

Music Expo 

24.-28.10.2018 

Las Palmas de Gran 

Canaria/E 

Das vielseitigste World Music 

Treffen der Welt mit Messe, 

Networking, Showcase Festival, 

Konferenz, Filmen, Awards, 

virtualWOMEX u.a. Mit Kronos 

Quartet, Ana Alcaide, El Septeto 

Santiaguero, Emily Dust, Etenesh 

Wassie Trio, Gulaza, Harouna 

Samake ‘Kamale Blues’, Hernán 

Reinaudo Quartet, Invisible 

World, Kel Assouf, Kim So 

Ra, Manolito Simonet y su 

Trabuco, Marinah, Nelida Karr, 

Norayr Kartashyan & Menua, 

Olga Cerpa & Mestisay, Rob 

Thorne Toi Puoro, Ta Dhom 

Project – Viveick Rajagopalan, 

The Turbans, Timples y Otras 

Pequeñas Guitarras del Mundo, 

Vishtèn, and more artists to be 

announced soon... 

www.womex.com 

Umeå Jazz Festival 

24.-28.10.2018 

Umeå/SWE 

Mit Goran Kajfeš Subtropic 

Arkestra, Sonica Sequence: 

Lisa Nordström feat. Michala 

Østergaard-Nielsen, Johan 

Lindström Septett, Trondheim 

Jazz Orchestra & The MaxX, 

Elena Wolay, Bo Sundström, 

Maria Faust och Kira Skov, 

Kjell Nordeson, Dhafer Youssef, 

Julian Lage, Naoko Sakata, 

Thomas de Pourquery and 

Supersonic u.a. 

www.umeajazzfestival.se 

New Fall Festival 

25.-28.10.2018 

Düsseldorf 

Mit Mac DeMarco, Ibeyi, Die 

Nerven, Tamikrest, Der Plan, 

Scott Matthew u.a. 

www.new-fall-festival.de 

34. Würzburger Jazzfestival 

3. Landesjazzfestival Bayern 


27./28.10.2018 

Würzburg, Felix-Fechenbach- 

Haus 

Mit Tiktaalik, Lines for Ladies 

feat. Sheila Jordan, Thomas 

Siffling Flow, dem Bayerischen 

Landesjazzensemble, Three Fall 

& Melane, Jazzrausch Bigband. 

Veranstalter: Jazzinitiative 

Würzburg e. V. 

www.jazzini-wuerzburg.de 

20th Zurich JazznoJazz Festival 


31.10.–3.11.2018 

Gessnerallee Zürich, ZKB Club 

im Theater der Künste 

Mit The Manhattan Transfer, 

Avishai Cohen «1970», Jimmy 

Cliff, Clayton-Hamilton Jazz 

Orchestra feat. Cécile McLorin 

Salvant, Tingvall Trio, Lisa Simone, 

Victor Wooten Trio, Kennedy 

Administration, Mario Biondi, 

GoGo Penguin, Incognito, Jojo 

Mayer Nerve, Andreas Schaerer 

- Familien-Konzert, Maceo Parker, 

Macy Gray, Raphael Saadiq, 

Fred Wesley & the New JB’s, 

Kennedy Administration u.a. 

www.jazznojazz.ch 

powered by Jazztage Dresden - 

World & Vision 

1.-29.11.2018 

Dresden, Erlwein- 

Capitol u.a. 

Bereits im letzten Jahr haben 

sich die Jazztage Dresden als 

größtes Jazzfestival Deutschlands 

weit über die Grenzen des 

Landes hinaus einen Namen gemacht. 

Bisher bestätigt: Gregory 

Porter, Al DiMeola, Jan Garbarek 

& Trilok Gurtu, Avishai Cohen 

(b), Rebekka Bakken, Candy 

Dulfer, Tom Gaebel, Macxeo 

Parker, Ed Motta, James Carter, 

Rebekka Bakken, Billy Cobham, 

Niok Bärtsch’s Ronin, Mnozil 

Brass, Klazz Brothers & Cuba 

Percussion, Cristin Claas Trio, 

Luca Stricagnoli, Martin Tingvall, 

Quadro Nuevo, „Nacht der 

Gitarren“ mit Luca Stricagnoli, 

Antoine Boyer, Cenk Erdogan 

und Samuelito; Blues Night mit 

Sharrie Williams, Tad Robinson, 

The Wise Guys etc. 

www.jazztage-dresden.de 

Tampere Jazz Happening 


Tampere/FI 

In jedem Jahr bietet das internationale 

Programm des Tampere 

Jazz Happenings bekannte 

Namen des internationalen Jazz 

und Pioniere der Zukunft. Das 

4-tägige Festival ist bekannt für 

seine warme Atmosphäre und 

seinen offenen Zugang zum 

modernen Jazz. Mit hochkarätigen 

finnischen Musikern sowie 

weltbekannten Künstler auf 3 

Bühnen. Empfehlenswert. 

www.tamperemusicfestivals.fi/jazz 

29. Vredener Jazznacht 

2.11.18 

Vreden, Kulturcafe N‘Joy 

Mit Three Fall & Melane, Pimpy 

Panda. 

www.hamaland-jazz-club.de 

Jazz Tage Erding 


Erding 

www.kms-erding.de 

powered by Trans4JAZZ-Festival 


Ravensburg- 

Weingarten 

7.-11.2018 

Mit Al Di Meola, Avishai Cohen 

1970, Kinga Głyk, Mathias Eick 

„Ravensburg“, Jacob Manz 

Project, Jonah Nilsson (Dirty 

Loops), Electro Deluxe, Florian 

Kings Heartbeat, Anna-Lucia 

Rupp & Oicia, Manfred Juncker 

Organ Trio, Christian Muthspiel & 

Steve Swallow, Mike Stern Band 

feat. Darryl Jones, Keith Carlock 

& Bob Malach, Essichessenz, 

Martin Auer Quintett, The Chive 

Sisters, Rose Ann Dimalanta 

Trio u.a. 

www.jazztime-ravensburg.de 

Danish Vibes - New music from 

the North 


Köln, Stadtgarten 

Einen Abend lang steht der 

Stadtgarten musikalisch 

ganz im Zeichen des Hohen 

Nordens. Ein Minifestival mit 

angegliedertem Branchentreff 

- und seit Jahren in Hamburg 

zu Gast - schlägt seine Zelte 

erstmalig auch am Rhein auf. 

Gleich 4 außergewöhnliche 

Formationen, ausgewählt von 

einer Fachjury, repräsentieren 

die enorme Bandbreite zwischen 

Jazz, Worldmusic und Pop made 

in Denmark. Mit Janne Mark, 

Basco feat. Jullie Hjetland, 

Kenneth Dahl Knudsen, Mambe 

& Danochilango. 

www.danishvibes.com 

www.stadtgarten.de 

powered by Unlimited 32 

9.-11.11.2018 

Wels, AT 

Mit Fire! Orchestra 

„Arrival“, Mats 

Gustafsson, Alexander Zethson/ 

Susana Santos Silva/Johan 

Berthling/Andreas Werliin/Mikael 

Werliin, Pkt.Vrt.Plastik, Kaja 

Draksler/Petter Eldh/Christian Lillinger, 

Jaimie Branch, Lester St. 

Louis & Jason Ajemian & Chad 

Taylor, Martin Eberle & Benny 

Omerzell & Manu Mayr & Lukas 

König, Maja Osojnik & Matija 

Schellander, Sophie Agnel & 

Joke Lanz & Michael Vatcher, 

Agnes Hvizdalek & Susanna 

Gartmayer, Ingrid Schmoliner 

& Hamid Drake, Hannah 

Marshall & Veryan Weston & 

Alison Blunt & Trevor Watts, 

Darren Johnston’s „Reasons For 

Moving“ feat. Larry Ochs & Fred 

Frith, Sébastien Jeser & Samuel 

Dühsler u.v.a. 

www.musicunlimited.at 

NUE Jazz Festival 

9.-18.11.2018 

Kulturwerkstatt Auf AEG & 

Opernhaus, Nürnberg 

www.nuejazz.de 

15. Jazztopad Festival 

16.-25.11.2018 

Wrocław (POL), National Forum 

of Music 

Mit Chick Corea Solo, Sons 

of Kemet, Melting Pot, Jaimie 

Branch, TD Vancouver Jazz 

Festival Presents: Sick Boss, 

Australian Art Orchestra/ Jamie 

Baum Septet, Simon Barker 

& Hamid Drake Duo, Bigger 

Vicious feat. Avishai Cohen 

(tp), Brad Mehldau & NFM 

Wrocław Philharmonic, Roots 

Magic: Amir ElSaffar, Ksawery 

Wójciński, Wacław Zimpel, 

Lutosławski Quartet, Esperanza 

Spalding. 

www.jazztopad.pl 

2. Taunus Jazz Fest - Taunusstein 

16.-17.11.2018 

Salon-Theater, Taunusstein 

Mit Volker Rebell & Moritz 

Stöpel, Uli Partheil/Hans Höhn/ 

Hermann Kock/Jörg Steinhardt 

Superfro, Klangcraft feat. Heinz- 

Dieter Sauerborn & Ramesh 

Shotham. 

www.salon-theater.de 

powered by 21. Akut-Festival 

23./24.11.2018 

Frankfurter Hof, 

Mainz 

Mit Die Enttäuschung, 

Uwe Oberg-Silke 

Eberhard, Mette Rasmussen 

Quintet, Julia Kadel Trio, 

Ditzner & Lömsch, Atomic. 

Das Akut - ein Festival, das 

international besetzt, spannende 

und innovative musikalische 

Projekte aus dem Grenzbereich 

zwischen Jazz, Avantgarde und 

Rock präsentiert, danach sind 

diese oft auf ganz großen europäischen 

Festivals endgültig zu 

sehen. Veranstaltet vom Verein 

upArt e. V. 

www.akut-festival.de 

powered by Internationales 

Jazzfestival 

Münster 

4.-6.1.2019 

Theater Münster 

Drei Tage Jazz mit rund 20 

Konzerten. Es wird eine 

Geburtstagsfeier sein: Das erste 

Festival im Jahr wird 40 Jahre 

alt! Vorverkauf ab November. 

www.jazzfestival-muenster.de 

15th Annual Winter Jazzfest 

4.-12.1.2019 

NYC/USA 

Artist-in-Residence Meshell 

Ndegeocello, Keychange Initiative, 

And Return of British Jazz 

Stage Hosted by Gilles Peterson 

u.a., programme soon. 

www.winterjazzfest.com 


Termine 

The Jazz Cruise 

19.-26.1.2019 

Kreuzfahrt Ft. Lauderdale - St. 

Maarten - St.Thomas - Bahamas 

“Not just a cruise - a legend”; mit 

Chucho Valdez, Joey Alexander, 

Joey DeFrancesco, Brecker 

Band, Eliane Elias, SFJazz Collective, 

Jeff Hamilton Trio u.a. 

www.thejazzcruise.com 

Blue Note At Sea -The Now 

of Jazz 

26.1.-2.2.2019 

Kreuzfahrt Ft. Lauderdale - Nassau 

- Cozumel - Belize - Key West 

www.bluenoteatsea.com 

powered by Just Music ’19 - 

Beyond Jazz 

Festival Wiesbaden 

22./23.2.2019 

Wiesbaden, 

Kulturforum 

www.justmusic-festival.de 

Das Zitat 

powered by 

Mr. M’s Jazz Club 

14.-16.3.2019 

Kurhaus Baden- 

Baden 

www.mister-ms.de 

13. JazzArtFestival Schwäbisch 

Hall 

20.-24.3.2019 

Schwäbisch Hall 

Seit 2007 sind Kulturbüro, 

Jazzclub, Goethe-Institut 

und Konzertkreis Triangel 

Gastgeber dieses kleinen, 

feinen Festivals in familiärer 

Atmosphäre. 

www.jazzart-hall.de 

powered by 50. Internationale 

Jazzwoche 

Burghausen 

26.-31.3.2019 

Burghausen 

www.b-jazz.com 

37. Cully Jazz Festival 

5.-13.4.2019 

Cully/CH, Théâtre De Vevey 

Mit Rokia Traoré u.a. 

www.cullyjazz.ch 

Bodø Jazz 2019 

8.-11.5.2019 

Bodø/Norwegen 

www.bodojazzopen.no 

13th Bucharest International 

Jazz Competition 2019 

11.-18.5.2019 

Bukuresti, RO 

Competition, concerts, 

workshops, master-class, 

jam sessions, platform for 

jazz meetings with artists 

from all over the world. For 

instrumentalists and vocalists 

of all nationalities. Age up to 40 

years (born after May 1, 1979). 

Prizes, total amount 7.000 Euro, 

cash and concerts. Application 

until Feb. 10, 2019 

www.jazzcompetition.ro 

24. Jazz Cerkno 

16.-18.5.2019 

Cerkno, Slowenien 

www.jazzcerkno.si 

powered by 25. Jazz in e. 

“Ritual” 

29.5.-1.6.2019 

Eberswalde 

Ein Festival aktueller 

Musik. 

www.mescal.de 

powered by Moers Festival 

7.-10.6.2019 

Moers, Festivalhalle 

Es gibt es wieder 

viele Gründe, nach 

Moers zu kommen oder in Moers 

zu bleiben: neben Konzerten 

hochklassiger internationaler 

[...] der klassische Miau-Laut: Katzen kommunizieren untereinander nicht 

auf diese Weise. Das Miauen ist allein uns Menschen vorbehalten. Eine 

Theorie besagt, dass Katzen damit in Wahrheit das Schreien von Menschenbabys 

nachahmen. 

– https://cat-news.net (Blog), Eintrag vom 12.07.2018 

Haben Sie eine Hauskatze? Dann haben Sie sicherlich gelernt, ihre verschiedenen Miau-Laute zu 

unterscheiden. Das aggressive „Maunz“, wenn sie hungrig ist, das klägliche „Mauuu“, wenn sie 

Streicheleinheiten braucht, das dringliche „Maao“, wenn sie ins Freie will, oder das unwirsche 

„Moi“, wenn sie einfach schlechte Laune hat. Katzen haben ihr eigenes Kommunikationssystem 

speziell für den Umgang mit Menschen. Eine Sprache in unserem Sinn aber ist das nicht. Oder 

kennen Sie die Miau-Übersetzung für „Kauf doch bitte wieder das Futter in der gelben Packung“ 

oder „Stell doch mein Körbchen ins andere Zimmer“ oder „Schick bloß diesen Hund schnell wieder 

aus dem Haus“? Die „Sprache“ der Katze beschränkt sich ganz auf die emotionale Färbung des 

„Miau“-Lauts. Es gibt diesen Laut in verschiedenen Varianten wie „dringlich“, „relaxt“, „abweisend“, 

„ungeduldig“ usw. Die näheren Details regelt die Situation. 

So in etwa funktioniert auch die emotionale „Sprache“ der Musik. Töne sind keine Begriffe 

und nicht in irgendeine Wortsprache übersetzbar. Der Musikprofessor Nicholas Cook nennt 

Musikwerke „instabile Aggregate potenzieller Bedeutung“ – sie warten im Grunde ständig darauf, 

dass wir ihre dringlichen oder wohligen Klänge mit irgendeiner situativen Bedeutung füllen. Zum 

Beispiel in der Kombination mit bewegten Bildern. Probieren Sie es einmal aus: Ein paar Takte 

ruhiger Musik können tragische ebenso gut wie idyllische Szenen untermalen. Sie passen zu einem 

Begräbniszug, zum Anblick einer glücklichen Familie, einer Seelandschaft, einer Herde Wildtiere, 

zu Tod oder Leben, Zerstörung oder Frieden, Problem oder Lösung. Auch das „Miau“ der Musik 

lässt sich sehr flexibel deuten. 

Das Musikgenre mit dem stärksten „Miau“-Effekt ist zweifellos der Jazz. In unserer Lieblingsmusik 

schnurren die Saxofone, growlen die Trompeten, brummeln die Bässe. Die Instrumente 

werben, schmeicheln, betteln, predigen, fordern, prahlen – sie wollen ständig etwas von uns. 

Worum es letztlich geht, bleibt zwar unklar, aber das emotionale Signal ist stark und unverkennbar. 

Gerade weil die „Sprache“ des Jazz so mimetisch ist, so kommunikativ und intonativ, verträgt diese 

Musik aber auch viel Komplexität, also Struktur und Kontrapunkt. Anders gesagt: Wäre da nur 

diese Komplexität, empfänden wir Jazz vielleicht als kalte Mathematik. Wäre da nur die Emotionalität, 

empfänden wir ihn als sentimentalen Kitsch. Natürlich ziehen jede Hörerin und jeder Hörer die 

Grenze ein wenig anders. Was der einen als (zu) verkopft gilt, erscheint dem anderen vielleicht als 

(zu) gefühlig. Eines aber scheint festzustehen: Im Jazz können sich das Komplexe und das Kommunikative 

auf magische Weise vereinen. Mathe und Miau am Gipfelpunkt. 

Sebastian Brant 

Künstler in der Festivalhalle 

wird es auch 2019 wieder ein 

Programm mit zusätzlichen 

Konzerten und Veranstaltungen 

im Festivaldorf geben. 

www.moers-festival.de 

60. Ljubljana Jazz Festival 

18.-22.6.2019 

Ljubljana, Slowenien 

www.ljubljanajazz.si 

Workshops 

Exploratorium Berlin 

Workshops, Theorie & 

Forschung, Sessions, Konzerte. 

2004 gegründet, widmet sich 

Exploratorium der Förderung 

einer facettenreichen, aktiven 

Improvisationskultur. 

www.exploratorium-berlin.de 

Jazz-Ausbildung Sommersemester 


Frankfurter Musikwerkstatt 

FMW 

Die FMW bildet Jazz und Populäre 

Musik in verschiedenen 

Qualifizierungsformen aus: 

ein- oder mehrsemestriges 

Vorstudium oder 8-semestriges 

Studium zum/zur staatlich anerkannten 

Berufsmusiker/in und 

Instrumentalpädagogen/in mit 

Jazz- oder Popschwerpunkt. 

Ohne Altersbeschränkung, 

Studiengang BAFöG-gefördert. 

www.fmw-jazzschool.de 

Vorstudium Jazz 

Offene Jazzhaus Schule Köln 

Ab 1.9.2018 

Einjähriger Fortbildungskurs 

für Musiker, die an einer 

zielgerichteten, intensiven 

Ausbildung unter Anleitung 

profilierter Dozenten interessiert 

sind. Besonders zur 

direkten Vorbereitung auf die 

Aufnahmeprüfung an einer 

Hochschule. Leitung: André 

Nendza. 

www.jazzhausschule.de/j3/ 

angebot/vorstudium-jazz 

Rhythmusworkshop TaKeTiNa 

1./2.9.2018 

Hamburg, Lichthof Theater 

Mit Jan Kobrzinowski (TaKeTi- 

Na Advanced Rhythm Teacher). 

Profundes Rhythmustraining als 

Selbsterfahrung. Rhythmisches 

Lernen mit dem Körper für 

Anfänger und Profis. 

www.kobrzinowski.com 

Ettlinger Jazz-Workshop 2018 


Musikschule Ettlingen/Birdland59-Jazzkeller 

Jazzweiterbildung für Ensemble- 

Spiel und Improvisation. Leitung: 

Christian Eckert. Dozenten: Peter 

Lehel (sax), Steffen Weber (sax), 

Felix Fromm (tb, tpt), Christian 

Eckert (g), Anke Helfrich (p), 

Thomas Katz (b), Markus 

Faller (dr), Eva Mayerhofer (voc). 

Veranstalter: Jazz-Club Ettlingen 

e.V. in Zusammenarbeit mit der 

Musikschule Ettlingen 

www.birdland59.de 

Barry Harris Jazz Workshop 

Roma, IT 

10.-14.9.2018 

For all instruments and singers, 

10.-13.9.2018 every night 

concerts, the workshop jam 

session, Barry Harris Trio Concert 

in trio. Inscription: Anna Pantuso, 

E-Mail: 

annapantuso@hotmail.com 

Workshops “Musik der 17 Hippies” 


29./30.9.2018 - Tollhaus, Karlsruhe 

1./2.12.2018 - Landesmusikakademie 

Berlin (im FEZ) 

www.17hippies.de 

5. Jazz Workshop Friedrichshafen 


Friedrichshafen, Zeppelin 

Universität 

Mit Barbara Bürkle (voc), 

Alexander “Sandi” Kuhn (sax), 

Jens Loh (e-/b), Thomas Bauser 

(p, keyb), Christoph Neuhaus 

(g), Axel Pape (dr), Daniel Nösig 

(tp); Veranstalter: Kulturbüro 

Friedrichshafen. 

www.facebook.com/jazzandmoreworkshop 

www.kultur-friedrichshafen.de 

Workshop Vocal Improvisation, A 

Capella Gesang, Circle Songs 

10./11.11.2018 

Münster, Weltmusik-Initiative 

Mit Johanna Seiler. Improvisation, 

Ausdruck. Für Menschen, 

die gern singen - Profis und Anfänger. 

Anmeldung: m.i.schulte@ 

web.de 

www.johannaseiler.com 

Freie Improvisation – Workshop 

mit Urs Leimgruber 

17./18.11.2018 

VHS Ulm, EinsteinHaus 

Hören klingt! Wie entdecke ich 

meinen eigenen Klang? 

Info/ Anmeldung: pflueger@ 

vh-ulm.de 

Schlusspunkt 

Die nächste JAZZTHETIK erscheint am: Samstag, 27.10.2018

JAZZTHETIK 284 – September / Oktober 2018

Verwandeln Sie Ihre PDFs in ePaper und steigern Sie Ihre Umsätze!

JAZZTHETIK 284 – September / Oktober 2018

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