Frankfurt in Takt - HfMDK Frankfurt

Frankfurt in Takt
Magazin der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main
Schwerpunktthema:
Nachdenken über die Lehre
Lernen und Institution
Chancen und Konflikte im Spannungsfeld von
Hochschule und Individuum
Vom Kampf gegen die „inneren Kleinmacher“
Mentales Training gewinnt im Musikstudium an Bedeutung
Neumodischer Kram oder sinnvoller Weg
in eine ausgezeichnete Lehre?
Team Teaching für Gesangsstudierende
Hilfreicher Dialog statt sturen Diktierens
Zur Verbesserung der Hörvorstellung haben sich neue
methodische Konzepte etabliert
Auf den Spuren der Körpersprache
Physiodrama ist neues Lehrfach im Schauspiel –
deutschlandweit erste Professur dieser Art
Gesunde Hochleistung bis zur Rente
Ein Mediziner und eine Physiotherapeutin beraten Lehrende und
Studierende zum gesunden Umgang mit ihrem Instrument
9. Jahrgang, Nr. 1 Sommersemester 2009
www.hfmdk-frankfurt.de

Frankfurt in Takt 09/1
Inhalt
2 Editorial - Nachdenken über die Lehre
Dozenten der HfMDK gehen neue Wege in der Lehre
4 Lernen und Institution
Über Chancen und Konflikte im Spannungsfeld von
Hochschulstrukturen und lernendem Individuum
8 Gesunde Hochleistung bis zur Rente
Ein Mediziner und eine Physiotherapeutin beraten Lehrende
und Studierende an der HfMDK zum gesunden Umgang mit
ihrem Instrument
10 Vom Kampf gegen die „inneren Kleinmacher“
Mentales Training, im Sport seit Jahrzehnten üblich, gewinnt
im Musikstudium an Bedeutung
11 Von der Kraft der guten Gedanken
Sänger und ihre Lehrenden entdecken den Chancenreichtum
durch mentales Training
12 Auch in der Vermittlung macht der Ton die Musik
Die Qualität der Kommunikation entscheidet mit
über den Lehrerfolg
16 Neumodischer Kram oder sinnvoller Weg
in eine ausgezeichnete Lehre?
Team Teaching für Gesangsstudierende
17 Lernen unter Produktionsbedingungen
Angehende Opernsänger kommen an der HfMDK mit einer Fülle
von Kompetenzen rund um den Bühnenauftritt in Kontakt
18 Rückmeldung erwünscht
Feedback, Supervision und Kommunikation
Im Projekt „Qualität in der Lehre“ erarbeiten Lehrende und Studierende
des Fachbereichs 2 gemeinsam Angebote, die die Kommunikation
und Vermittlung in der Lehre verbessern sollen
20 Hilfreicher Dialog statt sturen Diktierens
Von der „Gehörbildung“ zur „Hörschulung“
22 „Unterricht ist Vertrauenssache in einer
gemeinsamen Unternehmung“
Klavierprofessor em. Herbert Seidel und Geigenprofessor Walter
Forchert bilanzieren ihre Lehrerfahrung an der HfMDK
24 Auf den Spuren der Körpersprache
Physiodrama ist neues Lehrfach im Schauspiel –
deutschlandweit erste Professur dieser Art
28 Verpflichtung über das Jahr 2009 hinaus
Neue Projekte der Gesellschaft der Freunde und Förderer
28 Stephan Kimmig ist Gastprofessor für Schauspiel und Regie
29 Rotary meets HfMDK
Rotarier erlebten Wandelkonzert an ungewöhnlichen Orten
der Hochschule
29 US-amerikanischer Opernstar wird Ehrenmitglied in der
Gesellschaft der Freunde und Förderer
30 Mit russischem Temperament und kantablem Klangsinn
Klavierprofessorin Irina Edelstein geht in den Ruhestand,
behält aber einen Lehrauftrag
31 Metrisch elastisch statt mechanisch virtuos
Mit seiner Pensionierung endet für Klavierprofessor Bernd
Ickert auch sein Engagement als Ausbildungsdirektor
32 Ästhetische Erfahrungen statt „fester Rezepte“
Dr. Maria Spychiger ist neue Professorin für Musikpädagogik
mit dem Schwerpunkt empirische Forschung
33 „Man singt nur mit dem Herzen gut“
Tenor Thomas Heyer ist seit Oktober Professor für Gesang
an der HfMDK
34 Ein Experte von der Vihuela da Mano bis zur E-Gitarre
Christopher Brandt ist neuer Professor für Gitarre und Methodik
36 Erfolge unserer Studierenden
36 Impressum
Im Innenteil des Heftes befindet sich der
heraustrennbare Veranstaltungskalender der HfMDK
für das Sommersemester 2009.

Dozenten der HfMDK gehen neue Wege in der Lehre
„Nachdenken über die Lehre“, das ist das Schwerpunktthema der vorliegenden Ausgabe der „Frankfurt inTakt“.
Die Vermittlung handwerklicher Grundlagen sowie die Entwick-
lung der künstlerischen Persönlichkeit ihrer Studierenden sind
zentrale Aufgaben der Hochschule für Musik und Darstellende
Kunst Frankfurt am Main (HfMDK). Jedoch auch die Vermittlung
von künstlerisch-kreativen, wissenschaftlichen, pädagogischen,
interpretatorischen und interdisziplinären Kenntnissen und Kom-
petenzen ist als Bestandteil einer zeitgemäßen künstlerischen
Ausbildung wichtige Voraussetzung für eine erfolgversprechende
Berufsperspektive als Künstler.
Viele Dozenten der HfMDK denken intensiv darüber nach, ob sie
„richtig“ lehren und wie sie ihre Lehre verbessern können. So reflektiert
der renommierte Cellist und Musiktheoretiker Prof. Gerhard
Mantel in seinem Leitartikel die besondere Lehrsituation an einer
Kunsthochschule, für die es eigentlich kein starres Raster geben
dürfte, da jeder künstlerische Entwicklungsprozess bei Studierenden
individuell und einzigartig ist. Natürlich sind seine Überlegungen
aus der Sicht des Musikers geschrieben, aber auch die Darstellende
Kunst wird Anregungen aus seinen Vorschlägen ziehen können.
Ich freue mich sehr, dass viele der Überlegungen von Gerhard
Mantel an unserer Hochschule bereits aufgegriffen werden. Über
einige Beispiele und Initiativen in der Lehre wollen wir in diesem
Heft berichten. So berichtet die Gesangsprofessorin Hedwig Fassbender
über die ersten Team Teaching-Erfahrungen im Fachbereich
3. Frank Rosenberger, Geschäftsführer des Fachbereichs 2, schildert
die positiven Auswirkungen auf die Lehre durch das Supervisionsprojekt
seines Fachbereichs. Mit Sibylle Cada (Klavier), Herbert
Seidel (Klavier) und Walter Forchert (Violine) steuern drei erfahrene
Instrumentalprofessoren zentrale Erkenntnisse aus ihrem
langjährigen Unterrichtserleben bei.
Um die Wirkung der Physioprophylaxe geht es in dem Gespräch
mit der Flötistin und Physiotherapeutin Alexandra Türk-Espitalier
und den beiden Professoren Dr. med. Jürgen Blum und Henner
Eppel (Flöte), während Gesangsprofessorin Heidrun Kordes und
Prof. Henrik Rabien (Fagott) von der erfolgreichen Zusammenarbeit
mit externen Profis für mentales Training berichten. Außer-
dem hat die HfMDK mit der Professur von Yurgen Schoora für
Physiodrama als bislang einzige Kunsthochschule in Deutschland
die interdisziplinäre Körperarbeit in ihrem Curriculum verankert.
Und schließlich kommen die Studierenden zu Wort – in O-Tönen
zu den erlebten Lehrformen.
Auch die Gesellschaft der Freunde und Förderer der HfMDK unterstützt
im Jahr 2009 Projekte, die die Lehre bereichern. So ermöglichen
die Freunde und Förderer erstmals eine Gastprofessur: Stephan
Kimmig, Hausregisseur des Thalia Theater Hamburg, verstärkt den
Ausbildungsbereich Theater und Regie. Dazu kommt ab 2009 jährlich
für eine Arbeitsphase mit dem Hochschulorchester ein renommierter
Gastdirigent ans Haus. Den Anfang macht Lothar Zagrosek,
Chefdirigent des Konzerthausorchesters Berlin, im November.
Ein weiteres Anliegen des Freundevereins ist die Förderung Hochbegabter
durch Stipendien. Doch nicht nur Hochbegabung, auch
die Lebens- und Lernbedingungen der Studierenden in entscheidenden
Phasen des Studiums sollen erleichtert werden. Förderer,
die uns hierbei unterstützen wollen, sind herzlich willkommen.
Ein starkes Stipendienprogramm hat darüberhinaus einen weiteren
guten Effekt: Es stärkt die Position der Frankfurter Hochschule
im internationalen Wettbewerb.
Ich lade Sie herzlich ein, recht oft die Hochschule zu besuchen
und die vielfältigen Ergebnisse der Arbeiten unserer Studierenden
und Lehrenden zu erleben. Unseren Semesterveranstaltungsüberblick
finden Sie ab sofort in der Mitte des Heftes – zum Heraustrennen
nach Bedarf.
Ich wünsche Ihnen nun viel Spaß und Anregungen beim Lesen!
Ihr Thomas Rietschel
Präsident der Hochschule für Musik und
Darstellende Kunst Frankfurt am Main
Frankfurt in Takt 09/1

Lernen und Institution
Über Chancen und Konflikte im Spannungsfeld von Hochschulstrukturen
und lernendem Individuum
Seit Jahrzehnten hat sich Prof. em. Gerhard Mantel intensiv mit
den Fragen der Optimierung von Lehre in der Musikausbildung
beschäftigt, Bücher dazu verfasst und zu diesem Thema international
referiert – ein guter Grund, den einstigen Celloprofessor der
HfMDK um einen Leitartikel für diese Ausgabe zu bitten. Was Gerhard
Mantel nachfolgend beschreibt, entstammt der Perspektive
eines Musikers, der lange Jahre an unserer Hochschule unterrichtet
hat. Einige seiner Ausführungen sind sicherlich auch in die Ausbildung
der Darstellenden Kunst übertragbar. Und natürlich freuen
wir uns, dass einige seiner Vorschläge bereits Eingang in die Lehre
an der HfMDK gefunden haben – ein Zeichen dafür, dass sich
unsere Hochschule weiterentwickelt.
Die Redaktion
Die Organisation des Studiums an einer Musikhochschule trifft
auf ein grundsätzliches Problem. Einerseits muss für eine optimale
Verwaltung das Prinzip gelten, dass alle Vorgänge so glatt und reibungslos
wie möglich ablaufen. Dem steht diametral die Tatsache
gegenüber, dass Lernprozesse sich prinzipiell ungleichmäßig, nichtlinear,
in Schüben entwickeln; darüber hinaus weisen sie individuell
gänzlich verschiedene Profile auf.
Dieser Spagat fällt einer Hochschule schwer. Oft hat die Frage,
wie „der Laden am besten läuft“, Vorrang vor der Frage, wie „ein
junger Mensch am besten lernt“. Der Studierende kann sie meist
nicht selbst beantworten; er vertraut auf die Erfahrung der Institution.
So ergibt sich, dass Innovationen es schwer haben, realisiert
zu werden, da sie ja außer an finanzielle Grenzen auch an solche
menschlichen Beharrungswillens stoßen.
Lernphasen
Die Hochschulausbildung eines Studenten beginnt in einer Phase
seiner Lernbiographie, in der die wichtigsten Grundzüge instrumentalen
Könnens eigentlich schon abgeschlossen sein sollten.
Ein Kind braucht die Anleitung durch feste Bezugspersonen. Mit
elf Jahren braucht es die Führung, mit neunzehn hingegen die Anregung,
ja die Herausforderung. Stattdessen bekommt ein junger
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links: Autor Gerhard Mantel
rechts: Einzelunterricht als Spagat
(im Bild der Violinunterricht von
Prof. Walter Forchert): Einerseits soll
der Studierende die fachliche Autorität
des Lehrers schätzen, andererseits
muss er genügend Freiraum spüren,
um seine eigene Künstlerpersönlichkeit
zu entfalten.
Erwachsener oft die Führung, als wäre er ein Kind. So wird die
Entwicklung hin zur Autonomie durch zu große Abhängigkeit vom
Lehrer (von beiden Seiten gewollt) sogar oft gebremst. Eigenverantwortliches
Handeln, autodidaktisches Experimentieren (dazu
gehört auch „produktives partielles Scheitern“) wird behindert.
Das Kommunikations-Muster „Kind – Erwachsener“ (als Verhältnis
zwischen Schüler und Lehrer) wird um acht bis zehn Lebensjahre
„nach oben“ verschoben. In der Lernphase des Studiums müssten
Bewusstseinsprozesse mehr im Vordergrund stehen gegenüber
einer früheren kindlichen Phase, wo unbewusste, „implizite“ Lernkanäle
(Imitation, Bilder, Assoziationen, Ausprobieren durch reine
Wiederholung) die dominierende Rolle spielen. Oft fehlt dann das
Gleichgewicht zwischen Intuition und Reflexion (wir sind eine
künstlerisch-wissenschaftliche Hochschule!).
Zur „Reflexion“ gehören fünf Felder:
1. Kenntnisse lernpsychologischer Bedingungen („Üben“)
im spezifischen instrumentalen Bereich,
2. grundsätzliche physiologische Kenntnisse der
vernetzten instrumentalen Bewegungsabläufe,
3. ästhetisches Wissen über die Wirkung von Musik
(„wie entsteht Ausdruck?“),
4. physikalisches Wissen über das Instrument,
5. kommunikatives Wissen über die Wirkung von Unterricht.
Wir sehen: Der Musikhochschule fällt eine Verantwortung zu,
die über die „Pflege” von Hochbegabungen weit hinausgeht!
Aufnahmeprüfungen
Wie aussagekräftig sind Aufnahmeprüfungen? Sie stellen eine
Querschnittsbeurteilung für den Moment der Prüfung dar. Für den
großen Bereich der Instrumental- und Gesangspädagogik sowie für
den Bereich der Schulmusik jedoch gibt ein kurzes Vorspiel kaum
Hinweise auf die notwendige methodische und kommunikative
Eignung eines Kandidaten für das Studienziel der Lehrtätigkeit.

Frankfurt in Takt 09/1
Bei solchen Aufnahmeprüfungen sollte man deshalb vielleicht ein
Klausurstück, ein Kolloquium, vielleicht eine Volkslieddarstellung,
eine kleine Improvisation, sogar eine Transposition als Aufgabe
stellen – man muss jedenfalls eine andere Prüfungsmodalität suchen
als die der rein instrumentalen Virtuosität (wobei dann oft
die „zweite Wahl“ den zukünftigen Lehrern zugebilligt wird).
Abschlussprüfungen
Es ist fast unvermeidlich, dass das System der Abschlussprüfungen
im künstlerischen Hauptfach einem schematischen Denken in den
Kategorien von „richtig“ oder „falsch“ Vorschub leistet. Ein künstlerisches
Studium erfordert aber ein anderes System der Erfolgsbewertung.
Die Aussagekraft einer künstlerischen Prüfungsnote ist erwiesenermaßen
zweifelhaft. Daher wäre es im Grunde sinnvoll, auf Noten
für Abschlussprüfungen in den künstlerischen Studiengängen im
Hauptfach überhaupt zu verzichten. Beim Konzertexamen gibt es
auch keine Noten.
Ein Grund, keine Hauptfachprüfungsnoten zu vergeben, ist auch
die nicht ganz zu vermeidende Konkurrenz zwischen den Lehrenden,
die sich bewusst oder unbewusst per Prüfungsnoten miteinander
vergleichen. Ein solches Verhalten ist nicht böswillig, sondern
systemimmanent. Würden diese Noten wegfallen, ergäbe sich viel
leichter eine gemeinsame Arbeit von verschiedenen Lehrenden mit
einzelnen Studierenden. Wenn unterschiedliche Blickwinkel sich
ergänzen, erwachsen die wertvollsten Einsichten, denn auch der
beste Lehrer kann niemals alle verschiedenen, dazu auch noch
wechselnden Bedürfnisse in der Lernbiographie eines Studenten
abdecken.
Bei einer künstlerischen Leistung, die sich durch so viele unterschiedliche
Parameter definiert, ist die eindimensionale Differenzierung
einer Note mit Dezimalstellen hinter dem Komma eigentlich
ein Unding. Wichtiger sind Auftrittsmöglichkeiten für die
Studierenden. Auf der Bühne, vor dem Publikum, nicht vor der
Prüfungskommission finden die echten Prüfungen statt.
Pflichtfächer
Die Identifikation der Studierenden mit ihrer Hochschule bezieht
sich auf das Hauptfach und ihren Hauptfachlehrer. Pflichtfächer
werden für das angestrebte kurzfristige Prüfungsprofil vom Studenten
als von untergeordneter Bedeutung wahrgenommen. Dies
ist nicht eine Frage der Kompetenz der Pflichtfachlehrer! Für das
langfristige künstlerische und pädagogische Profil haben diese
Fächer allerdings eine weithin unterschätzte Bedeutung.
An dieser Fehleinschätzung ließe sich etwas ändern, wenn die
Pflichtfächer erkennbar auf das Hauptfach bezogen wären. Tonsatz,
Formenlehre, Gehörbildung, Musikgeschichte, bei Nicht-Pianisten
das Nebenfach Klavier sollten soweit wie irgend möglich auf das
Hauptfach bezogen werden. Eine Möglichkeit, dies zu erreichen,
wäre die Durchführung gemeinsamer Projektaufgaben, an denen
mehrere Lehrende sich beteiligen. Hierfür wäre ein Umdenken in
Richtung gesteigerter organisatorischer Flexibilität nötig.
Ein Musikstudium soll dazu befähigen,
sich selbst ein guter Zuhörer und Beobachter
zu sein. Auch der Spiegel beim
Üben offenbart so manche Entdeckung
am eigenen Musizieren.
Einzelunterricht
Der Einzelunterricht ist die Kernform des Instrumentalunterrichts
an der Hochschule. Die Anerkennung des Lehrers durch den Schüler
als unbezweifelte Autorität birgt allerdings auch eine Gefahr in
sich, denn um eine eigenständige Persönlichkeit zu werden, wenn
Informationen an den Schüler herankommen, die ihm eigene, unabhängige
künstlerische Urteile ermöglichen. Einzelunterricht sollte
auch „öffentlich“ sein: Studenten lernen auch durch Zuhören beim
Unterricht des Kommilitonen und des „fremden“ Lehrers!
Lernen ist Vergleichen
Ästhetisches Lernen geschieht immer im kreativen Vergleich.
1. Beim Üben vergleichen wir zwei verschiedene Versionen
eines Tons, einer Phrase, eines Ausdrucks, einer technischen
oder musikalischen Einheit, einer Bewegung, einer körperlichen
Empfindung.
2. Der Vergleich zwischen dem eigenen Leistungsprofil
und dem von anderen (Künstlern, Kommilitonen) bringt ganz
wesentliche Informationen über den eigenen Stand und
den eigenen Fortschritt.
3. Auch der Vergleich zwischen verschiedenen methodischen
Blickwinkeln ist unverzichtbar. Der Einzelunterricht sollte
deshalb durch „Querverbindungen“ zu anderen Kollegen
ergänzt werden.
4. Oft noch eindrucksvoller ist der kreative Vergleich durch
Hospitation bei Lehrern anderer Fächer. Dies kann bis hin
zum gelegentlichen Klassentausch gehen – zwei Professoren
tauschen einfach einmal ihre Klassen!

Korrepetition
Das Ziel von mindestens einer Wochenstunde für jeden Studenten
eines Streich- oder Blasinstruments ist bei uns noch lange nicht
erreicht. Korrepetition sollte ein allgemeines „Musikalisierungsfach“
sein, das weit über eine reine „Serviceleistung“ hinausgeht, nämlich
gerade einmal „dem Ohr eine Begleitung zur musikalischen
Gewöhnung“ anzubieten.
Dabei kann auch die Klavierkammermusik für die Klavier-Hauptfachstudenten
noch stärker ins Blickfeld rücken. Eine Erweiterung der
schmalen Literaturkenntnis vieler Studenten außerhalb ihres engsten
Repertoirebereichs strahlt immer zurück auf das eigene Spiel.
Eine so verstandene Korrepetition könnte ein anderes fehlendes
Fach zumindest teilweise ersetzen, nämlich das Fach „Ästhetik“,
die Lehre von der Wahrnehmung von Musik und ihrer emotionalen
Wirkung – eigentlich ihr zentrales Anliegen, das aber oft vom Streben
nach der rein technischen, prüfungstauglichen Spielperfektion
überstrahlt wird.
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Gastseminare
Eine wichtige Gelegenheit, die Internationalität der Hochschule
nach außen darzustellen und nach innen zu verwirklichen, ist die
Einladung von internationalen Spitzenmusikern zu „Meisterkursen“
– eine Möglichkeit, die eine Musikhochschule finanziell vergleichsweise
wenig belastet.
Nicht nur macht es sich gut im Lebenslauf eines Cellisten, damals
ein Seminar bei Rostropowitsch besucht zu haben, um ein Beispiel
aus Essen zu nennen. An vielen nationalen und internationalen
Hochschulen gibt es derzeit Überlegungen und Initiativen in diese
Richtung. Zu wünschen wäre dabei eine verstärkende Kooperation
der Hauptfachlehrer: Ein fremder Einfluss wird eben doch noch
manchmal als eine Gefährdung der eigenen „corporate identity“
angesehen.
Solche Kurse entsprechen übrigens in hohem Maße der „Nicht-
Linearität“ des Lernens. Gewiss, nicht jeder Kurs passt für jeden
Studenten zu jedem Zeitpunkt seiner Entwicklung, aber darüber
kann man ja in einem guten Vertrauensverhältnis zwischen
Lehrer und Student sprechen.

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Unterrichtslehre
Kommunikationspsychologische Untersuchungen haben längst
gezeigt, dass im Dreieck Sender – sachlicher Inhalt – Empfänger
die Qualität des Senders, also das in der Kommunikation übertra-
gene Menschenbild, die Hauptrolle spielt, noch deutlich vor der
Qualität des gesendeten Inhalts. Wenn ein Lehrer noch so klare und
wertvolle Vorstellungen über künstlerische Inhalte und Methoden
besitzt, aber auf dem Feld der Kommunikation versagt, dann kann
dies sehr wohl auch auf eine fehlende Ausbildung auf diesem
Sektor zurückgehen.
Das Fach Methodik muss auch für alle Studenten der Künstlerischen
Ausbildung (KA) verpflichtend sein, denn jeder KA-Student unter-
richtet später – und er unterrichtet vor allem immer sich selbst!
Ein guter Unterricht ist deshalb immer auch eine Anleitung zu auto-
didaktischem Handeln und Experimentieren. Die Hochschule muss
für alle Studenten einen Spielraum für solches Handeln zur
Verfügung stellen.
Der Gedankenaustausch zwischen Kollegen
Jeder Lehrer hat auch seine Probleme, und sei es nur bei einem
bestimmten Studenten, für dessen Entwicklung er vielleicht keine
weiteren Ideen zur Verfügung hat. Sinnvoll wäre es daher, Fachkolloquien,
auch mit Gästen von außerhalb als Teilnehmer oder
Moderatoren, einzurichten, in denen auch solche Probleme gemeinsam
diskutiert werden können, die unter Kollegen aus Furcht, sich
eine Blöße zu geben, nicht angesprochen werden. Außerdem: Der
lernende Lehrer ist ein ideales Vorbild für den lernenden Schüler!
Zu denken ist auch an einige Team Teaching-Sitzungen pro
Semester. Verschiedene Dozenten des Fachs äußern sich dabei
jeweils über die Darbietung eines Studenten, und jeder Kollege soll
ein Lob und eine Kritik aussprechen und, als Wichtigstes, einen
methodischen Vorschlag machen. Dadurch entsteht neben der
dichten Information für die Studenten implizit auch ein lebendiger
Meinungsaustausch zwischen Kollegen, ja sogar eine Art gegenseitiger
konstruktiver „Supervision“ ohne den beunruhigenden Beigeschmack
von Kontrolle durch Kollegen. Denn der Einzelunterricht
bleibt ja immer unbeobachtet ...
Freiräume organisieren
Anstatt das gesamte Deputat eines Instrumentallehrers mit Einzelstunden
auszuschöpfen, wäre eine zeitliche Freisetzung eines
kleinen Teils davon zu fordern, der zur Organisation von Veranstaltungen
außerhalb des Einzelunterrichts zur Verfügung steht: Gruppenunterricht
(z. B. Thematisierung eines bestimmten Spielproblems,
Interpretationsvergleiche, Stilfragen, Literaturangebote),
Klassenvorspiele, Hospitationen der Klasse bei einem Kollegen
und Ähnliches. Für solche Ziele müssen, trotz Bologna, Rituale
aufgebrochen werden. Hierzu einige Beispiele:
1. Jeder Student hat ein eigenes Begabungsprofil. Müssen
alle Studenten in allen Fächern immer die gleiche Anzahl von
Semestern, von Scheinen, von „Credits“ vorweisen?
2. Gibt es die Möglichkeit, „extracurriculare“ Leistungen der
Studenten (Konzerte, Projekte, Orchesterpraktika), die im
Die Teilnahme an Chor- und Orchesterprojekten
gehört ebenso zum Studienalltag
von angehenden Musikern wie
regelmäßiger Einzelunterricht.
Lehrplan nicht vorgesehen sind, in irgendeiner Form auch
als studienrelevant anzuerkennen?
3. Müssen alle Studienleistungen immer auf Prüfbarkeit
hin angelegt sein?
4. Muss jeder Student jede Woche die gleiche Minutenzahl
Unterricht bekommen? Je nach Lernphase müsste
er vielleicht am Anfang des Studiums jeden Tag 10 oder
15 Minuten, später sogar in unregelmäßigen Abständen
einen halben oder ganzen Tag mit dem Hauptfachlehrer
arbeiten.
Lehrbeauftragte
Eine solche umfassende Lern-Integration aller Lehrenden ist aber
nur in einer Institution möglich, die nicht zum überwiegenden Teil
aus Lehrbeauftragten besteht. Da sie noch andere Beschäftigungen
zur Sicherung ihres Lebensunterhalts haben, können sie sich für
das Haus sowohl zeitlich als auch gedanklich weniger intensiv einbringen
als sie dies vielleicht gerne würden. Hinzu kommt, dass die
gleiche Arbeit und die gleiche Qualität dieser Arbeit nur zu einem
Drittel von der eines Professors vergütet werden!
Um etwas zu verändern, reicht es freilich nicht, an den guten
Willen der Beteiligten zu appellieren. Vieles müsste kontinuierlich
neu durchdacht und dementsprechend flexibilisiert werden. Und
es ist klar, dass nicht nur für die Lehrenden, sondern auch für die
Studierenden die hier formulierten Vorschläge in mancher Hinsicht
unbequem sind: Der junge erwachsene Student ist für seine Ausbildung
in viel höherem Maße selbst verantwortlich, als es ihm
der „Nürnberger Trichter“ eines streng geregelten Curriculums
vorgaukelt! Prof. em. Gerhard Mantel

Gesunde Hochleistung bis zur Rente
Ein Mediziner und eine Physiotherapeutin beraten Lehrende und Studierende an der HfMDK zum
gesunden Umgang mit ihrem Instrument – Erfolgreiches Team Teaching in der Flötenklasse
Frankfurt in Takt Musikphysiologie ist an der HfMDK kein neues
Thema. Wann begann damit an der Frankfurter Hochschule die
Beschäftigung?
Prof. Dr. Jochen Blum Die Veranstaltung „Musikphysiologie“ biete ich
an der Hochschule seit 1992 an. Was als Vorlesung begann, wurde
dann teilweise in Seminarform auf verschiedene Methodikkonzepte
bezogen. Dies betraf beispielsweise die Dozenten und Studenten/
innen der Gitarrenklasse bezüglich ihrer eigenen Unterrichtspraxis:
Wir verglichen gemeinsam verschiedene Methodikkonzepte mitein-
ander unter physiologischen Aspekten – auf der Suche nach physiologisch
riskanten Anteilen. Dabei wurde deutlich, dass es nicht für
jede Bewegungssequenz ein Patentrezept gibt, das für alle Spieler
das Richtige ist. Aber wir haben uns gemeinsam auf den Weg gemacht,
methodisch fundiertes Gitarrespiel mit einer wahrheitsgemäßen
Anatomie zu verbinden.
Frankfurt in Takt Herr Eppel, vor einem Jahr haben Sie sich entschieden,
ein Team Teaching-Projekt mit einem Mediziner und einer
Physiotherapeutin für alle Flötenklassen zu unternehmen.
Aus welchem Grund?
Prof. Henner Eppel Man bedenke, dass Hochleistungssportlern heute
wie selbstverständlich ein Physiotherapeut und ein Masseur zur Verfügung
stehen, die helfen, die bestmöglichen Bedingungen für körperliche
Spitzenleistungen zu schaffen. In meinem Selbstverständnis
sind Berufsmusiker Menschen, die sogar bis ins Alter von 65
Jahren in Berufsorchestern und Musikschulen Top-Leistungen abliefern
sollen. Diese brauchen meiner Ansicht nach ebenfalls derartige
Unterstützung. Die Kooperation im Team Teaching diente vor allem
der Physioprophylaxe. Und genau hier beginnt der Aufgabenbereich
der Physio-Therapeutin Alexandra Türk-Espitalier, die ja selbst
diplomierte Flötistin ist – eine ideale Kombination.
Frankfurt in Takt Was bedeutet Physioprophylaxe?
Alexandra Türk-Espitalier Die Physioprophylaxe in der Musik will mit
Hilfe von körperlichen Übungen späteren Beschwerden vorbeugen.
Es geht also um regelmäßiges und gezieltes Körpertraining für Musiker,
um einen gesunden Ausgleich zu einer oft einseitigen Spielhal-
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Bereits seit 1992 steht der HfMDK mit Prof. Dr. Jochen Blum ein ausgewiesener Facharzt für Fragen der Musikphysiologie zur Seite.
Seitdem lehrt und berät der Facharzt für Hand- und Unfallchirurgie, Professor an der Universitätsklinik Mainz, zugleich Bratschist und
ausgebildeter Geigenbauer, wie Musiker in der täglichen Musizierpraxis anatomisch gesund mit ihrem Instrument arbeiten können.
1995 ernannte ihn die HfMDK ebenfalls zum Professor. An seiner Seite unterstützt Alexandra Türk-Espitalier, selbst diplomierte Flötistin
sowie ausgebildete Physiotherapeutin, diese Arbeit und hat sich dabei auf das Gebiet der Physioprophylaxe spezialisiert. Beide Experten
unternahmen gemeinsam mit Flötenprofessor Henner Eppel und seinen Studierenden ein Team Teaching-Projekt zu diesem Thema.
Im nachfolgenden Interview schildern alle drei ihre dabei gesammelten Erfahrungen.
tung beim Musizieren zu schaffen. Ein weiterer Aspekt ist das Verstehen
komplexerer Bewegungsabläufe und wie diese die musikalische
Interpretation unterstützen oder auch erschweren können.
Frankfurt in Takt Wie muss man sich eine Stunde Team Teaching
vorstellen – eine nicht ganz einfache Situation für Studierende, von
drei Experten beim Spiel beäugt zu werden … ?
Prof. Dr. Jochen Blum Ganz und gar unverfänglich: Team Teaching
ist eher ein dynamisches Geschehen, an dem mehrere Studierende
beteiligt sind, von denen jeder vorspielt und bei dem alle miteinander
ins Gespräch kommen und physiologische wie auch biomechanische
Hintergründe verstehen sollen. Es ist eine Sensibilisierung
für die körperlichen Aspekte des Musizierens, während sonst bei
Musikern erfahrungsgemäß eher Parameter wie Klangbildung und
Interpretation im Fokus der Arbeit stehen.
Alexandra Türk-Espitalier Grundsätzlich finde ich, dass angehende Berufsmusiker
in der Lage sein sollten, offenen Unterricht, bei dem
auch Dritte zuschauen dürfen, auszuhalten. Auf der fachlichen Ebene
schauen wir uns beim Team Teaching gemeinsam aus der Perspektive
des Fachlehrers, des Mediziners und der Physiotherapeutin die
Haltungen und Bewegungsabläufe von Musikern an: Wo finden beispielsweise
beim Querflötespiel Rotationen in der Wirbelsäule statt?
Auf welchen Ebenen können Haltungen korrigiert werden? Die Hilfestellungen,
die wir Studierenden dabei geben, sollen sie übrigens
nicht nur auf sich selbst beziehen. Die Meisten werden ja später
selbst unterrichten und sollen auch im Bezug auf ihre Schüler
einen Blick für derlei Fragen entwickeln.
Prof. Henner Eppel Seine Schüler oder Studienkollegen beim Spielen
zu beobachten, kann auch eine Orientierungshilfe sein, durch die
man seine eigenen methodischen Leistungen zu verbessern lernt.
Aus meiner Lehrerfahrung weiß ich, wie gefährlich es sein kann, nur
eine einzige Idee und Blickrichtung zu kennen. So kann man sich nur
schwer auf andere Körper einstellen.
Frankfurt in Takt Führen denn veränderte Haltungen und Bewegungsabläufe
auch zu einer klanglichen Veränderung?

Frankfurt in Takt 09/1
Prof. Dr. Jochen Blum Ich höre im Laufe des praktischen Seminars
durchaus eine Veränderung, im Idealfall Verbesserung. Der Spieler
verfügt so über eine größere Modulationsfähigkeit im Klang.
Prof. Henner Eppel Wenn jemand verkrampft ist, kann sich beispiels-
weise kein natürliches Vibrato entwickeln – es klingt aufgesetzt und
künstlich. Der freie, obertonreiche Klang mit viel Resonanz ist nur
möglich, wenn der Flötist im Einklang mit seinem Körper ist.
Prof. Dr. Jochen Blum Für ein virtuoses Spiel braucht man natürlich
auch Kraft und Geschwindigkeit. Jemand, der kraftlos ist, kann auch
keine schnellen Passagen spielen. Gesund ist eine Kombination von
konditionierter Muskulatur im Sinne von nicht vernachlässigtem Training
und einem mentalen Verständnis, wie und an welcher Stelle
Kraft und Beweglichkeit am besten einzusetzen sind, um die physischen
Möglichkeiten optimal zu nutzen. Allerdings bedeuten hohe
Kraftreserven allein natürlich nicht, eine besondere feinmotorische
Fähigkeit zu besitzen.
Frankfurt in Takt Frau Türk-Espitalier, was hat Ihnen Ihre fachliche
Verbindung von physiologischem Wissen und musikalischem
Können für Ihr eigenes Musizieren gebracht?
Alexandra Türk-Espitalier Mein Spiel hat von dem Wissen um die körperlichen
Zusammenhänge absolut profitiert – das Bewusstsein
dafür ist mit früher nicht vergleichbar. Vor allem habe ich durch die
Beschäftigung mit Physioprophylaxe noch ein ganz anderes Spektrum
an Übungen kennengelernt, das mir vorher verschlossen war.
Frankfurt in Takt Welche Möglichkeiten bietet die Hochschule
Studierenden ansonsten, sich mit dem Thema Musikphysiologie
zu beschäftigen?
Alexandra Türk-Espitalier Dr. Blum und ich bieten dazu unser Seminar
an, das sich mit Haltung und Bewegung am Instrument beschäftigt.
Weiterhin besteht die Möglichkeit, Termine zum Einzelgespräch
zu vereinbaren. Dort können dann individuelle Probleme gezielt
besprochen werden. Außerdem ist ein Team Teaching-Projekt in
der oben beschriebenen Art auch in anderen Instrumentalklassen
denkbar. bjh
links: Drei Experten und eine Frage: Wie sich gesundes Musizieren
anfühlt und anhört, haben der (von links) Mediziner Dr.
Jochen Blum, die Physiotherapeutin Alexandra Türk-Espitalier und
Flötenprofessor Henner Eppel (rechts) in einem Team Teaching-
Projekt gemeinsam mit Studierenden erarbeitet.
rechts: Physioprophylaxe in der Musik soll falschen Haltungen
beim Musizieren und damit späteren anatomischen Beschwerden
entgegenwirken.
9

10 Frankfurt in Takt 09/1
oben: Klopftechniken der energetischen
Psychologie können helfen, Nervosität vor
einem Auftritt in den Griff zu bekommen.
unten: Wer mit Selbstvertrauen und positiver
Energie einen Auftritt beginnt, lässt sich
nicht mehr von negativen Glaubenssätzen
aus der Ruhe bringen.
Vom Kampf gegen die
„inneren Kleinmacher“
Mentales Training, im Sport seit Jahrzehnten üblich, gewinnt
im Musikstudium an Bedeutung
Nervosität bei Probespielen und Auftritten
ist nichts grundsätzlich Schlimmes, sondern
kann sich durchaus produktiv und im besten
Falle leistungssteigernd auswirken. Wie bei
so vielen Dingen ist es auch im Falle der
Podiums-Aufregung vor allem eine Frage der
Dosis. Dies zu erkennen und kreativ anzuwenden,
gehört zu den wichtigsten Hilfen,
die die Studierenden im Laufe der letzten
Jahre aus den Workshops mit der Mentaltrainerin
Ulrike Klees oder dem Auftrittscoach
Dr. Michael Bohne (beide Workshopgäste der
HfMDK-Fagottklassen) mitnehmen konnten.
Erfreulich ist dabei vor allem die Erkenntnis,
dass der Weg von lähmendem Lampenfieber
hin zu einer kreativen Nutzung dieser Energien
häufig gar nicht weit ist.
Die Überdosis Nervosität bei Vorspielen rührt
zum einen aus äußeren Umständen wie der
Anwesenheit von Zuhörern, einer Jury oder
einer scharfen Konkurrenzsituation (Probespiele
und Wettbewerbe). Zum anderen sind
es die unsichtbaren „Kritiker im eigenen Kopf“,
die einem gelösten Auftritt häufig entgegenstehen.
Die Workshops in mentalem Training vermittelten
gute Tipps, z. B. mit Hilfe von Klopftechniken
der energetischen Psychologie die
Nervosität zu bekämpfen und durch Bewusstmachung
die „inneren Kleinmacher“ auszuschalten.
Dabei kann es darum gehen, die
Suggestivkraft von stereotypen Glaubenssätzen
auszuhebeln, sich vor sich selbst und
damit auch vor anderen nicht kleiner zu machen,
als man eigentlich ist, und sich seines
bereits Erreichten bewusst zu werden. Es
gilt, die Gedanken und seine Konzentration
ganz auf den Auftritt, die meistens bewundernswert
schöne Musik und auf das Musizieren
zu fokussieren.
Mit Rückenwind zum Probespiel
Einen besonderen Glücksfall erlebte zum
Beispiel der Fagottstudent Stefan Kasper,
der wenige Tage nach einem Mentaltraining-
Workshop in unserer Klasse zum Probespiel
bei der Orchesterakademie des Bayerischen
Rundfunks antrat. Mit dem gerade taufrischen
„Rückenwind“ des intensiven Auftrittstrainings
hatte er sich – selbstverständlich
bei ebenso hervorragender musikalischer
Vorbereitung – solch einen Fundus an Selbstvertrauen
und positiver Energie aufgebaut,
dass er das Probespiel schließlich gewann.
Im Workshop für mentales Training simulierten
die Teilnehmer auch allerhand Störfaktoren
wie Lärm und störende Bewegungen
im Raum, denen zum Trotz ein einzelner Spieler
seinen musikalischen Vortrag durchziehen
musste. Auch die spezielle Auswertung
von Videoaufnahmen des eigenen Auftretens
offenbarte erstaunliche Einsichten. Überhaupt
fördert mentales Training mittelfristig
die Fähigkeit, sich selbst beim aktiven Musizieren
simultan besser wahrzunehmen –
eine weitaus komplexere, aber auch schöpferischere
Fähigkeit als einseitig rückwärtsgewandte
Selbstreflexion, welche nur zu
schnell auch in Selbstzerfleischung oder in
den „Notausgang“ Verdrängung umschlagen
kann. Mentales Training im Studium hat
einen besonders großen Effekt, wenn die
Anregungen aus den Workshops (und der
entsprechenden Literatur) mehr und mehr
einfließen in den Lern- und Lehralltag von
Studierenden und Hauptfachlehrern, so dass
zukünftige Workshops dann als Auffrischung
jeweils zu einer immer größeren inneren
Sicherheit führen können.
Arbeit am positiven Selbstwertgefühl
Ganz wesentlich ist dabei die Erkenntnis,
dass bei einer so konstruktiv gearteten Arbeit
am positiven Selbstwertgefühl nicht
pathologisiert wird, man wird nicht zum
„Patienten“. Im Gegenteil: Durch die geradezu
methodisch-alltägliche Beschäftigung
mit den eigenen inneren Baustellen durchläuft
man auf einmal so selbstverständlich

fühlbare innere Lernprozesse wie sonst
beim äußeren Erarbeiten schwerer tech-
nischer Stellen am Instrument.
Bemerkenswert bleibt für mich, dass mentales
Training für Musiker offenbar noch
immer keine Selbstverständlichkeit darstellt.
Aus dem Leistungssport ist es seit
über 30 Jahren nicht mehr wegzudenken.
Wir Musiker beginnen anscheinend erst
ganz allmählich, diese Form des Lernens
in unseren Berufsalltag zu integrieren.
Henrik Rabien, Professor für Fagott
an der HfMDK
Von der Kraft der guten Gedanken
Sänger und ihre Lehrenden entdecken den Chancenreichtum durch mentales Training
Sie kommen technisch bestens gerüstet aus
einem mehrjährigen Diplomstudium, beseelt
von dem Wunsch, auf der Bühne Emotionen
in Klang zu verwandeln. Und dann, kurz vor
dem Auftritt, steigt das quälende Lampenfieber
auf und unterbricht den künstlerischen
Rausch der jungen Künstler womöglich zu
Gunsten uralter Selbstzweifel. Eine bedauerliche
Vorstellung, der die Gesangsabteilung
der HfMDK mit einem Workshop in mentalem
Training unter professioneller Anleitung
von Petra Keßler begegnet ist: Die jungen
Sängerinnen und Sänger befassten sich dabei
mit mentalen Hilfsmöglichkeiten, die die
studierte Flötistin und Mentaltrainerin den
Studierenden zum täglichen Gebrauch anbot.
Mehr noch: Auch die Lehrenden des Faches
Gesang tauschten bereits im Beisein der
Coacherin ihre Erfahrungen mit mentalen
Blockaden und Hilfen, sie zu lösen, aus. Das
Eingeständnis von eigenem Lampenfieber
schuf eine vertrauensvolle Atmosphäre von
Offenheit, aber auch ein enormes Bewusstsein
für die Verantwortung der Lehrenden:
Der einem Sänger im frühen Semester in
bester Absicht zugeworfene Satz „Die Arie
ist zu schwer für Dich“ gehört beispielsweise
zu jenen negativen Glaubenssätzen, die
Lehrer ungewollt über Jahre im Selbstbild
ihrer Schüler verankern können. Mentales
Training legt das Schadenspotenzial solcher
pädagogischen Faux pas offen und setzt den
Hebel in genau umgekehrter Richtung an:
Eigene, konstruktiv formulierte Glaubenssätze,
die ermutigen und sich den Blick auf
„Petra Keßler hat gezeigt und
bewiesen, wie existentiell das mentale
Training für jeden einzelnen Musiker
ist. Das hat mir eine unglaubliche Ruhe
und Zuversicht gegeben. Zu wissen, dass
ich durch die Stärkung der positiven
Gedanken meine Ängste vor einem Auftritt
überwinden und vor einem Vorsingen
oder bei Krankheit meinen Stimmapparat
rein gedanklich trainieren kann, ist
faszinierend und wunderbar.“
Nohad Becker,
Gesangsstudentin
das bereits Erreichte nicht vom Horizont
des noch nicht Erreichten verstellen lassen,
können helfen, unterbewusst manifestierte
Ängste zu entkräften, sie geradezu ins Gegenteil
zu verkehren. Der Satz „Ich bin gut
und schaffe das“, eingeklebt in die Notenmappe,
mit der ein Sänger zum Vorsingen
erscheint, ist daher mehr als nur eine naive
Dosis eines selbst verabreichten Placebos.
Mentales Training sollte gerade in der Gesangsausbildung
zur Selbstverständlichkeit
im Fächerkanon gehören, zumal Sänger ihr
Instrument stets „bei sich tragen“ und ihr
musikalischer Ausdruck unmittelbarer als
bei Instrumentalisten von der körperlichen
Verfassung des Augenblicks abhängig ist.
Ein durch Aufregung krampfender Atemapparat
kann schlimmstenfalls den Tonansatz
völlig vereiteln. Mentales Üben sollte für
einen Sänger ohnehin zum Übe-Repertoire
gehören: Auch das gedankliche Repetieren
einer Arie nur im Kopf kann eine Form des
Lähmende Auftrittsangst kann bei Sängern die
Atmung und damit unmittelbar den Klang beeinflussen.
Ein Workshop in der Gesangsabteilung
hat geholfen, dem Lampenfieber nicht hilflos
ausgeliefert zu sein.
11
„Ich finde es gut, dass das Thema
Auftrittsangst nicht totgeschwiegen
wird. Mentales Training ergänzt einfach
optimal den Unterricht. Erst, wenn man
auf der Bühne sicher rüberkommt,
kann man das, was man musikalisch
gelernt hat, wirklich präsentieren.“
Sarah Sachs,
KE-Studentin Fagott
Lernens sein. Die Möglichkeiten, Erfolge als
solche vor sich selbst anzuerkennen, mit
Niederlagen selbstbewusst umzugehen und
sich realistische Nah- und Fernziele zu stekken,
lernen die Studierenden im mentalen
Training ebenfalls kennen. Und wer hätte
gedacht, dass eine lang geschwungene Brüstung
im Konzertsaal eine Hilfe beim Gesangsauftritt
sein kann: An ihr während einer ausgedehnten
Legato-Linie optisch entlangzufahren,
kann eine spürbare Hilfe sein, den
Atem in souveräner Ruhe gestützt zu führen.
Ob Lehrende lernen, beim Unterrichten die
Kraft des Lobes einzusetzen oder Studierende
beginnen, ihr eigenes „Erfolgstagebuch“
zu schreiben: Alles, was hilft, einen barrierefreien
Weg zu den eigenen Potenzialen zu
ebnen, ist eine unbedingte Voraussetzung
zur Entfaltung der Künstlerpersönlichkeit.
Ein Kampf der Befreiung, bei dem es keine
Verlierer gibt.
Heidrun Kordes, Professorin für Gesang
an der HfMDK

1 Frankfurt in Takt 09/1
Auch in der Vermittlung
macht der Ton die Musik
Die Qualität der Kommunikation entscheidet mit
über den Lehrerfolg
Von Sibylle Cada, Honorarprofessorin für Klavier und Klaviermethodik
Wenn Sie an Ihren eigenen früheren Unterricht und an Ihre Lehrer
zurückdenken: An was erinnern Sie sich am stärksten? Erinnern Sie
sich spontan an bestimmte konkrete Lerninhalte und Informationen
oder doch eher etwa an eine charakteristische Art des Sprechens oder
typische Gesten Ihrer Lehrer? Mit Sicherheit werden sich vor allem
Emotionen einstellen. Emotionen, die davon geprägt sind, wie akzeptiert
wir uns als Person gefühlt haben, wie viel Vertrauen in unsere
Fähigkeiten wir empfunden und Unterstützung unserer Anstrengungen
wir erlebt haben. Möglicherweise tauchen negative Gefühle auf, Erinnerungen
an Desinteresse, Abhängigkeit oder Demütigungen. In unserem
Gedächtnis sind das Was des Lernens (die Inhalte) und das Wie
des Lernens (der Beziehungsstil, die gelungene ebenso wie die misslungene
Kommunikation) untrennbar miteinander verbunden. Um es
noch pointierter auszudrücken: Die Qualität der Kommunikation ist
Voraussetzung für einen wirkungsvollen, also nachhaltigen Lehrprozess.
Der bekannte Psychologe Paul Watzlawick formuliert: „Der Beziehungsaspekt
definiert den Sachaspekt.“ Wissenschaftliche Belege für diese
Gesetzmäßigkeit finden sich längst auch in den modernen Neurowissenschaften.
Die instrumentalpädagogische Interaktion ruht auf drei Säulen: der
künstlerisch-fachlichen, der didaktisch-methodischen und der kommunikativen
Kompetenz. Der Vermittlungsaspekt gewinnt zunehmend an
Bedeutung (Vom „Primat der Vermittlung“ sprach der Musikrat vor
einigen Jahren in einer Resolution). Diese Fokussierung fand ihren Niederschlag
in einer großen Zahl (häufig vorzüglicher) Veröffentlichungen:
mit kreativen (fach-) didaktischen Konzepten, mit Anregungen für ein
reichhaltigeres Methodenrepertoire sowie mit einer Fülle an lernpsychologisch
fundierten Übe- und Lernstrategien. Kaum etwas findet sich
allerdings zu der entscheidenden Frage: „Wie sag ich’s meinem Kinde?“
Man kann sicher davon ausgehen, dass erfahrene Lehrende z. B. in
ihren Didaktik-Seminaren kommunikative Aspekte thematisieren; spezielle
Seminarangebote zu dieser Thematik sind in Vorlesungsverzeichnissen
jedoch nicht zu finden. Angesichts der komplexen und subtilen
psychologischen Struktur von Schüler-Lehrer-Beziehungen stellt sich
schon die Frage, ob unser Alltagswissen über menschliche Interaktion,
unser „gesunder Menschenverstand“, für eine kompetente und
wirkungsvolle dritte Säule ausreicht.
Macht- und Kompetenzgefälle
Das System Schüler-Lehrer ist im allgemeinen Bewusstsein – und
somit auch im Bewusstsein der Beteiligten – durch eine sozial definierte
Rollenverteilung gekennzeichnet. Daraus kann ein hierarchisches
Machtgefälle entstehen, das beide – Lehrer wie Schüler – oft
nicht in Zweifel ziehen, ja es oft nicht einmal bemerken und es gerade
dadurch stabilisieren. Eine andere Balance kann entstehen, wenn wir

Frankfurt in Takt 09/1
oben links: Kommunikation ist kreisförmige
Interaktion – Die Frankfurter Geigenprofessorin
Julia Fischer bei einem Kammermusikkurs
an der HfMDK, bei dem sie selbst Teil des
musizierenden Ensembles war.
oben rechts: Angeregte musikalische
Kommunikation im Kammermusikkurs von
Prof. Angelika Merkle.
unten: „Man kann nicht nicht kommunizieren“,
behauptet der Kommunikationstheoretiker
Paul Watzlawick. Für die
Musik gilt dies genauso.
stattdessen von einem Kompetenzgefälle sprechen und Lehrende in
der Lage sind, überkommene Rollenmuster zu reflektieren und eine
im besten Sinne partnerschaftliche Interaktion zu gestalten.
13
Im Sommer-Semester 2005 haben wir erstmals an unserer Hochschule
– zunächst als Pilotprojekt – im Rahmen musikpädagogischer Veranstaltungen
ein Seminar zum Thema „Unterrichtskommunikation“ angeboten.
Interesse und Zuspruch seitens der Studierenden waren und
sind bis heute höchst erfreulich. Der folgende kurze Überblick über
Arbeitsinhalte mag einen Eindruck von den komplexen psychologischen
Bedingungen menschlicher Interaktion vermitteln.
Paul Watzlawicks erstes Axiom „Man kann nicht nicht kommunizieren“
trifft für das Miteinander von Lernenden und Lehrenden uneingeschränkt
zu. Dass dieses Miteinander in einem definierten Kontext (Unterricht)
mit definierten Rollen (Schüler und Lehrer) stattfindet, stellt zunächst
einen positiven Rahmen dar, kann dann jedoch für einen erfolgreichen
Interaktionsprozess hinderlich sein, wenn die Beteiligten in ihrem Rollenverhalten
erstarren. Der bekannte Kommunikationspsychologe
Friedemann Schulz von Thun spricht von stimmiger Kommunikation,
wenn sie sowohl situationsadäquat als auch authentisch ist.
Kreisförmige Interaktion
Lehrende haben ein natürliches Interesse, ihr Wissen und Können an
ihre Schüler weiterzugeben, ihnen ihre Sicht der Dinge nahezubringen.
Wenn dies nicht recht gelingt, wenn also Schwierigkeiten auftreten,
stellen sich Lehrende meist zunächst die Frage danach, wie sie den
Schüler, sein Verhalten verändern können. Wir alle wissen, dass wir
mit einem solchen Anliegen häufig scheitern. Die Psychologin Ruth
Cohn, deren Konzept der „Themenzentrierten Interaktion“ ein hervorragendes
Instrument zu pädagogischer Reflexion darstellt, drückt es
so aus: „Was mache ich mit mir, wenn der andere nicht so ist, wie
ich ihn haben möchte?“ Eine Frage, die zunächst einmal deutlich
macht, dass menschliche Interaktion prinzipiell keine „Einbahnstraße“
darstellt, sondern „kreisförmig“ (Watzlawick) verläuft. Zudem bringt
sie den systemischen Gedanken zum Ausdruck, dass wir es bei
jeglicher Kommunikation (auch der pädagogischen!) mit einem
lebendigen, auf Entwicklung und Veränderung ausgerichteten
Wechselspiel zu tun haben. Das „Sinnbild“ des Cohnschen Modells
ist das Dreieck, in dem die Sache, das Ich und das Wir in produktiver
Balance sind: Schüler und Lehrer sind auf ein gemeinsames Interesse,
auf ein gemeinsames Ziel fokussiert, können sich mit ihren Stärken
und Schwächen einbringen und sich mit gegenseitiger Wertschätzung
begegnen. Ein wirkungsvoller und Konsens-orientierter Lernprozess
und die Zufriedenheit der Beteiligten sind Faktoren
gelingender Unterrichtskommunikation.
Jeder von uns kennt aus eigenem Erleben oder aus Beobachtungen,
dass sich die Interaktion zwischen Schüler und Lehrer als problema

1 Frankfurt in Takt 09/1
oben: Die Kommunikationsqualität wird durch die Fähigkeit
der Kommunikationspartner zum Perspektivwechsel positiv
beeinflusst.
unten: Sibylle Cada, hier im Bild mit Studierenden in
ihrem Klavier-Methodikunterricht, hat sich intensiv mit
Fragen der Kommunikation zwischen Lehrer und
Schüler auseinandergesetzt.
tisch darstellen oder auch empfindlich gestört sein kann. Möglicher-
weise tauchen in einer bestimmten Phase Schwierigkeiten auf, die
auf unterschiedlichste aktuelle Einflüsse und Faktoren zurückzuführen
sind. Andererseits können ernsthafte Störungen auch „system-immanent“
sein. Dann benötigen wir Analyse-Instrumente – Erklärungsmodelle
menschlicher Interaktion – um mögliche Ursachen und Hintergründe
besser verstehen zu können. Dabei geht es ausschließlich
darum, das Kommunikationsgeschehen zu betrachten. Menschen
neigen dazu, das Verhalten anderer Menschen „psychologisch“ zu
interpretieren – Pädagogen sind da möglicherweise besonders gefährdet.
Solche Interpretationen sind höchst problematisch: Sie „zementieren“
Einschätzungen und Beurteilungen und stehen im Gegensatz
zum eigentlich dynamischen Charakter von Entwicklung. Wir alle
kennen das ungute Gefühl, uns nicht in unserem jeweiligen Verhalten,
sondern als ganze Person bewertet zu fühlen. Da das Feedback, Rückmeldungen
über Leistungen wie auch Fehler, ein zentraler Faktor von
Unterrichten ist, sollten wir als Pädagogen in unserer Kommunikation
hier besondere Achtsamkeit (Sachbezogenheit) walten lassen.
„Wie meine Botschaft angekommen ist, weiß ich erst, wenn ich die Antwort
kenne.“ Es ist eine Wesenseigenschaft, somit auch eine naturgegebene
Schwierigkeit von Kommunikation, dass wir Mitteilungen
ausschließlich aus unserem eigenen Blickwinkel wahrnehmen können.
Das beginnt schon damit, dass wir keineswegs davon ausgehen können,
dass unsere Kommunikationspartner Wörter und Begriffe verstehen
wie wir. Insbesondere wissen wir zunächst nicht, wie diese beim
anderen aus seiner Lebens- und Lernerfahrung emotional „besetzt“
sind.*) Wollen wir Missverständnisse in der Kommunikation vermeiden
und uns vor allem in der pädagogischen Situation wirkungsvoll mitteilen,
sind Klärung und Verständigung notwendig.
„Vier Münder und vier Ohren“
In der Interaktion sind wir als Kommunikationspartner prinzipiell darauf
angewiesen, Mitteilungen zu entschlüsseln (dekodieren).**) Eine
Inkongruenz zwischen verbaler Äußerung und widersprüchlicher Körpersprache
nehmen wir relativ schnell wahr. Schwieriger ist die Antwort
auf die Frage: Was meint jemand mit dem, was er sagt? Zu was

Frankfurt in Takt 09/1
möchte mich mein Partner veranlassen? Was teilt mir jemand
über sich selbst mit und darüber, wie er zu mir steht? Von
Friedemann Schulz von Thun stammt die inzwischen wohl
recht bekannte Denkfigur des „Nachrichtenquadrats“. Sie
besagt: Jede sachliche Botschaft enthält auch einen Anteil an
Selbstkundgabe, an Mitteilung über die Einschätzung der
Beziehungsqualität wie auch einen Verhaltensappell. Dass wir
nicht nur mit „vier Mündern“ reden, sondern auch mit „vier
Ohren“ hören, vereinfacht Kommunikationsstrukturen nicht
gerade. Für eine ausführlichere Darstellung ist hier nicht der
Raum. Gleiches gilt für den für die Pädagogik instruktiven
Ansatz, den die Transaktionsanalyse anbietet: Sie geht davon
aus, dass wir aus unterschiedlichen, biografisch erworbenen
Ich-Zuständen heraus interagieren.
Jede Kommunikation hat ihre eigene Wirklichkeit
Fazit: Fachkompetenz vorausgesetzt, ist Kommunikation der
eigentliche Träger des Unterrichtsgeschehens. Jede sachliche
Mitteilung ist persönlich gefärbt. Jede Kommunikation zwischen
Menschen hat ihre eigene Wirklichkeit und ist immer wieder neu
zu gestalten. Kommunikation ist ein dynamisches Wechselspiel
zwischen den Beteiligten. Die Kommunikationsqualität wird
durch die Fähigkeit der Kommunikationspartner zum Perspektivwechsel
positiv beeinflusst. Gelingende Kommunikation ermöglicht
Lehrenden wie Lernenden, im künstlerischen Lernprozess
ihre Ressourcen zu entfalten. Die Qualität der Unterrichtskommunikation
sollte nicht dem Zufall überlassen bleiben. Sie sollte
Gegenstand einer zeitgemäßen Ausbildung sein ebenso wie
des internen kollegialen Austausches.
*) Beim Begriff „Leistung“ beispielsweise sprechen Studierende im
Seminar von Belastung, Druck und Angst einerseits wie von Selbstbewusstsein,
Befriedigung und Motivation andererseits.
**) Wie eine Mitteilung gemeint ist oder sein kann, wird durch Körpersprache
(Mimik, Gestik, Tonfall) qualifiziert. Gerade im Unterrichtsprozess
ist Körpersprache wesentliches Kommunikationsmittel. Jedoch sind auch
nonverbale Mitteilungen mehrdeutig. Wie deuten wir beispielsweise das
Schweigen einer Schülerin? Denkt sie gerade über eine Problemlösung
nach? Ist sie verunsichert? Ist sie im Moment nicht „ganz da“… ? Wie
versteht ein Schüler mein Schweigen? Suche ich nach einer Lösung für
ein Problem? Bin ich enttäuscht von seinem Spiel? Sind meine Gedanken
gerade bei etwas ganz Persönlichem … ? Hier sind eindeutige „Ich-
Botschaften“ geeignet, zur Klärung beizutragen.
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1
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1 Frankfurt in Takt 09/1
Neumodischer Kram oder sinnvoller Weg
in eine ausgezeichnete Lehre?
Team Teaching für Gesangsstudierende
Als Enja Riegel 1997 die Helene-Lange-Schule
in Wiesbaden als Direktorin übernahm, wurde
sie von der Lehrerschaft in Trauerkleidern
empfangen. Als sie im vergangenen Jahr in
den Ruhestand ging, bereitete man der Direktorin
der in der Pisa-Studie als beste deutsche
Schule ausgezeichneten Lehranstalt ein fünftägiges
Abschiedsfest. Was war geschehen?
Enja Riegel hatte neue Formen des Lehrens
auf ihre Schule angewandt – Formen, von
denen sie und ihre Kollegen sagen, sie unterrichteten
nicht die Fächer, sondern die Schüler.
Zu diesen neuen Formen gehörte auch
das Team Teaching.
„Team Teaching ist eine kooperative Lehrmethode,
bei der zwei oder auch mehr Personen
gemeinsam eine Lerngruppe unterrichten. Die
Methode sollte idealtypisch sowohl das Lehrerteam
als auch die Lernenden mit einbeziehen.
(…) Dabei können die unterschiedlichen
didaktischen Erfahrungen den Nährboden für
ein vielfältiges und lernzentriertes methodisches
Vorgehen bilden. Zugleich wird der einzelne
Lehrende durch die Zusammenarbeit
entlastet, aber auch stärker in seinen didaktischen
Gewohnheiten und Verhaltensweisen
kollegial supervidiert. (…) Damit lassen sich
die Lernprozesse der Lerner gezielter fördern,
es kann größere Unterstützung gewährt werden
und der Unterricht kann vielgestaltiger
und interessanter werden. Insbesondere fördern
sich aber auch die Lehrenden untereinander,
wenn sie es zu Teamwork bringen,
d.h. wenn beide oder mehrere ihre Kompetenzen
in einem Mit- und nicht in einem
Gegeneinander einbringen.“ *)
Dieses Modell, welches für Schulen entwickelt
wurde, ist sicher nicht eins zu eins
auf eine Hochschule übertragbar; aber der
Gedanke des besseren Vernetzens von Unterrichten
stand schon lange im Raum und
wurde vor einem Jahr an der HfMDK konkret
in Angriff genommen.
Gesangsstudierende verbringen – wie Studierende
aller Solofächer – einen Großteil ihrer
Hauptfach-Ausbildung im Einzel-Unterricht:
Einzelstunden mit dem Gesangslehrer, Einzelstunden
in der Korrepetition, der Sprech-
Erziehung, Einzelstunden im szenischen
Unterricht.
Die Studierenden sind Einzelunterrichten
„ausgesetzt“, in denen Lehrende nicht wissen,
was in den anderen Unterrichten geschieht
und sich demzufolge auch nicht auf
die Unterrichte ihrer Kollegen beziehen (können).
Folglich erlangt der Studierende zum
Teil sehr unterschiedliche Ansichten zu Tempo
und Interpretation, ohne die Möglichkeit
zu haben, die unterschiedlichen Ansichten
gemeinsam zu diskutieren, gegeneinander
abzuwägen und zu einem zusammenfassenden
Ergebnis zu kommen.
Wir haben im vergangenen Jahr einen ersten
Anfang gemacht, indem sich in der ersten
links: Team Teaching ist bei der
Vorbereitung von szenischen
Abenden und Operninszenierungen
an der HfMDK üblich: Gesangsprofessoren,
Korrepetitoren, Dirigenten
und Regisseure arbeiten mit den
Studierenden gemeinsam Hand in
Hand.
rechts: Im Fachbereich 3 (Darstel-
lende Kunst) gehören Treffen aller
Dozenten mittlerweile fest zum
Terminplan eines Semesters.
Woche vor Beginn der Arbeit an einer Szene
alle Beteiligten, d.h. die Studierenden, der
Lehrende für szenischen Unterricht, die Solorepetitoren,
die Studierenden der Korrepetitionsklassen,
die diese Szenen am Klavier
begleiten, die Dirigenten bzw. musikalischen
Verantwortlichen und die Gesangslehrer zusammensetzten,
um Tempo, dramatische
Grundausrichtung, sängerische Probleme
etc. miteinander zu besprechen. Danach war
es jedem Lehrenden möglich, sich in seinem
Einzelunterricht auf das gemeinsame Ziel
zu beziehen.
Solorepetitoren besuchen ab und zu die
Gesangsunterrichte, um der Lösung der angemessenen
Tempi, der technischen Probleme
und der musikalischen Gestaltung
gemeinsam nachzugehen.
Die Gesangslehrer nahmen an einer Gruppenstunde
im Fach „Atem und Bewegung“ teil,
und die Dozentin für dieses Fach besuchte
wiederum eine Woche lang die Einzelunterrichte
im Fach Gesang, um den Gesangsdozenten
eine Hilfestellung bei der Behebung
von Verspannungen und Haltungsfehlern
zu geben.
Auch die Studierenden müssen bereit sein,
dieses Modell mitzutragen: Ab und zu eine
Gesangsstunde zu „opfern“, damit der Gesangslehrer
im szenischen Unterricht beobachten
kann, ob das in der Gesangsstunde
Erlernte auch in der szenischen Darstellung
„funktioniert“, um es dann im Gesangsunterricht
weiter zu verbessern, verlangt von
Studierenden das Umdenken dahin, dass

Frankfurt in Takt 09/1
„Den Drachen nicht töten, sondern reiten!“ –
Aggressionstraining trägt auf der Bühne
eindrucksvolle Früchte.
dies kein Opfer ist, sondern der künstleri-
schen Entwicklung dient, weil Dozenten auf-
einander bezogen und nicht konkurrierend
arbeiten.
Seit dem Wintersemester 2008/2009 bieten
die Gesangsdozenten „offene Klassenstunden“
an: Ungefähr einmal pro Monat
unterrichtet eine/r der Gesangsdozenten
Studierende ihrer/seiner Klasse vor allen
interessierten Studierenden und Dozenten
der Abteilung. Anschließend findet ein Meinungsaustausch
der Dozenten untereinander
statt. Hier werden Unterrichtsmethoden
kommentiert, Verbesserungsvorschläge gemacht,
Ergebnisse diskutiert.
Wir sind überzeugt davon, dass dieses
Modell, das neben viel Fingerspitzengefühl,
einem respektvollen Umgang und großer
Offenheit miteinander auch die Bereitschaft
verlangt, sich selbst immer wieder in Frage
zu stellen, uns zu besseren Lehrenden macht
und der Frankfurter Gesangsausbildung eine
ganz besondere Qualität verleiht, weil im
Unterricht die Studierenden im Mittelpunkt
stehen und nicht die Fächer.
Hedwig Faßbender, Professorin für Gesang,
Direktorin des Ausbildungsbereichs Gesang/
Musiktheater, Dekanin für Darstellende Kunst
*) www.methodenpool.uni-koeln.de/
teamteaching
Lernen unter
Produktionsbedingungen
Angehende Opernsänger kommen an der HfMDK mit einer Fülle
von Kompetenzen rund um den Bühnenauftritt in Kontakt
Der Ausbildungsbereich Operngesang vereint
mannigfaltige Ansätze, seine Studierenden
auf die Bühnenwelt vorzubereiten. Stefan
Bastians, Professor für Szenischen Unterricht
an der HfMDK, stellt dar, welche Anforderungen
ein Gesangsstudium seiner Ansicht
nach erfüllen muss. Des weiteren erläutert
er das von ihm angebotene Aggressionstraining
als innovative Möglichkeit, den jungen
Darstellern einen optimalen Zugang zu ihren
Ausdrucksmöglichkeiten zu verschaffen.
Künstlerische Arbeit ist gesellschaftliche
Arbeit, und wenn Gesang öffentliche Kunst
ist, trägt Aufführungserfahrung entscheidend
zur Wirksamkeit bei. Der Umgang
mit Publikum ist daher Teil des Unterrichts.
Produktionen und Prüfungsarbeiten werden
nicht nur intern, sondern auch vor Publikum
gezeigt.
Der Vorbereitung auf die Praxis dienen auch
Kenntnisse in Dramaturgie, Ausstattung, Bühnentechnik
und Theaterorganisation, z.B. im
Erstellen und Realisieren von konzeptionell
interessanten, kleineren Projekten. Kompetenz
in diesen Bereichen fördert die Selbständigkeit
und Handlungsfähigkeit und bildet
eine wichtige Voraussetzung für die Lebensfähigkeit
des Künstlers. Die wesentliche
Vorbereitung auf die praktische Arbeit aber
findet im Unterricht selbst statt.
Der Sänger soll sich nicht nur als Rezipient,
sondern auch als kreierender, konzipierender
Künstler verstehen; eine Möglichkeit dazu
bietet schon jetzt ein interdisziplinäres Arbeiten
mit Tanz, Schauspiel und fächerübergreifenden
Projekten. Neue Medien und vor
allem Neue Musik könnten in einem Studio
für experimentelles Musiktheater zum Einsatz
kommen.
1
Aggressionstraining
Aggressionstraining definiert Aggression als
eine konstruktive Triebfeder künstlerischen
Ausdrucks. Mit Aggression ist jedes Verhalten
gemeint, das das Gegenteil von Passivität und
Zurückhaltung darstellt. Sie ist eine Kraft,
die ohne moralische Wertung kennenzulernen
ist, eine uns innewohnende Kraft, die zielgerichtet
etwas wählt, was man wirklich
selbst tun will nach dem Motto: „Den Drachen
nicht töten, sondern reiten!“
In diesem Training sollen die Studierenden
das Bewusstsein für die eigene Mitte schulen
und eine sichere Unterscheidungsfähigkeit
dieses Zustandes von der vertrauten Kopflastigkeit
unserer Zeit erlernen. Außerdem
muss der Sänger unterscheiden und sich
positionieren können zwischen einem Willen,
der als Kraft aus der Mitte nach draußen
stürmt, und dem versammelten Willen, der
als eine Art aktiver Hingabe gegenüber den
Tönen wirkt. Dann erlebt der Sänger seinen
Körper mehr und mehr als Instrument und
seine Stimme wie ein dazugehöriges Wesen.
Bemerkenswert, dass Sänger meist unpersönlich
von ihrer Stimme sprechen. Sie
sagen nicht: „Ich bin heute schlecht drauf“,
sondern: „Die Stimme ist indisponiert“. Im
Aggressionstraining setzt die Initiative den
Inhalt: Der Sänger entdeckt eine gewisse
Wildheit in sich, um archetypische Muster
und Konturen des persönlichen künstlerischen
Ausdrucks aufzuspüren.
Stefan Bastians, Professor für szenischen
Unterricht

1 Frankfurt in Takt 09/1
Rückmeldung erwünscht
Feedback, Supervision und Kommunikation
Im Projekt „Qualität in der Lehre“ erarbeiten Lehrende und Studierende des Fachbereichs 2
gemeinsam Angebote, die die Kommunikation und Vermittlung in der Lehre verbessern sollen
Im Rahmen des vom Hessischen Ministerium für Wissenschaft und
Kunst geförderten Projektes „Qualität in der Lehre“ werden im Fachbereich
2 verschiedene Angebote zur Verbesserung des Lehr- und
Lernklimas entwickelt und angewendet.
Bereits seit Oktober 2006 hat sich eine vom Fachbereichsrat des
FB 2 eingesetzte, aus Studierenden und Lehrenden bestehende
Arbeitsgruppe regelmäßig getroffen, um sich mit dem Themenfeld
„Lehrevaluation“ zu beschäftigen. Schnell zeigte sich im Laufe des
Diskussionsprozesses, dass die üblichen Evaluationsformen zur Qualitätssicherung
der Lehre an einer Musikhochschule unzureichend
sind bzw. die wesentlichen Bereiche der Lehre (insbesondere den
künstlerischen Einzelunterricht) erst gar nicht erreichen. Im Verlauf
der nächsten Sitzungen richteten sich die Überlegungen daher vor
allem auf die Verbesserung der Kommunikation sowie die Entwicklung
einer offenen Feedbackkultur im Fachbereich.
Aufbauend auf diesen Überlegungen, wurden Anfang 2007 von der
Hochschulleitung Gelder aus dem Studienstrukturprogramm des
Hessischen Ministeriums für Wissenschaft und Kunst beantragt, um
im Rahmen eines Projektes bis September 2009 im Fachbereich 2
verschiedene musikhochschulspezifische Ansätze zur Qualitätssicherung
in der Lehre zu entwickeln und anzuwenden. Hierbei werden
die Maßnahmen zur Qualitätssicherung im Rahmen des Projektes
nicht „von oben“ vorgegeben. Vielmehr entspringen sie einem
Bedürfnis der Studierenden und Lehrenden des Fachbereichs und
werden entsprechend direkt von Mitgliedern des Fachbereichs –
Lehrenden und Studierenden – entwickelt.
Gefragte Befragung
Der erste große Projektschritt war eine in Kooperation mit dem
AStA durchgeführte Befragung aller Studierenden der HfMDK, bei
der sämtliche Bereiche des Studienalltags untersucht wurden (die
Beteiligung lag mit 34 % weit über den üblichen Werten bei solchen
Befragungen). Die Ergebnisse der Befragung wurden inzwischen
veröffentlicht, Möglichkeiten zur Verbesserung der Studienbedingungen
wurden im Senat sowie in den Fachbereichsräten diskutiert.
Zeitgleich wurde im Fachbereich 2 eine Befragung aller Lehrenden
durchgeführt. Hierbei wurde vor allem der Themenkomplex Arbeitszufriedenheit
untersucht. 100 Lehrende, fast zwei Drittel aller Lehrenden
im Fachbereich 2, haben an der Befragung teilgenommen,
was zeigt, wie wichtig dieses Thema für Professoren und Lehrbeauftragte
ist. Auch diese Ergebnisse und mögliche Konsequenzen
hieraus wurden im Fachbereichsrat 2 diskutiert.
Auf Grundlage der Befragungsergebnisse konnten auch die weitere
sinnvolle Ausrichtung des Projektes genauer bestimmt und davon
ausgehend verschiedene Angebote entwickelt werden:
1. Wunsch nach Weiterbildung
In der Lehrendenbefragung äußerte ein Großteil der Lehrenden den
Wunsch nach Weiterbildungsangeboten. Daher wurden für verschiedene
Dozentengruppen entsprechende Maßnahmen angeboten. Für
Lehrende des Faches Musiktheorie gab es drei eintägige Veranstaltungen
zu dem Thema „Lebendige Lehre – Fortbildung zur Einführung
in die Hochschuldidaktik“, für Dozenten und Studierende der
Gesangs- und Bläserklassen wurde fachbereichsübergreifend ein
zweitägiger Kurs „typenspezifische Atemarbeit“ angeboten.
2. Supervision mit Kollegen
Für alle Dozenten des Fachbereichs 2 wird eine „Anleitung zur kollegialen
Fallsupervision“ angeboten. Hierbei arbeiten kleine Gruppen
von Lehrenden über einen längeren Zeitraum mit einem Supervisor
zusammen, um Strukturen und Regeln für kollegiale Fallbesprechung
in der Gruppe zu erarbeiten. Sie sollen einer kollegialen Gruppe im
Anschluss daran ermöglichen, mit gelegentlicher externer Begleitung
eigenständig weiterzuarbeiten. Ziel der kollegialen Fallsupervision
ist, Situationen aus der Praxis der Lehrenden zu reflektieren und die
einzelnen Lehrenden zu unterstützen, Problemlagen zu klären und
neue Handlungsoptionen zu entwickeln. Da in den verschiedenen
einzelnen kollegialen Gruppen die gleichen Techniken erlernt werden,
ist zudem ein fachbereichsweiter Austausch hierüber möglich.
3. Anonymes Feedback möglich
Vor dem Hintergrund, dass im Fachbereich ein Großteil der Lehre in
Einzel- oder Kleingruppenunterricht erteilt wird und hierfür klassische
qualitätssichernde Maßnahmen wie etwa Seminarevaluation oder
Ähnliches nicht geeignet sind, wurde ein Feedbackbogen entwickelt,
der ein direktes, anonymes Feedback der Studierenden an ihre Dozenten
zu verschiedenen Themenbereichen (Unterrichtsorganisation,
Unterrichtsqualität, Kommunikation) ermöglicht. Dieser Bogen wird
seit dem Wintersemester 2007/08 regelmäßig eingesetzt.
Hierbei handelt es sich bewusst nicht um eine Evaluationsmaßnahme
mit Auswertung der Daten an zentraler Stelle; vielmehr ist
der Feedbackbogen ein Instrument, welches Dozenten und Studierenden
zur Verfügung gestellt wird, um ein direktes, anonymes
und strukturiertes Feedback zu ermöglichen.
Nach den bisherigen – meist informellen – Rückmeldungen durch
Dozenten des Fachbereichs war das so erhaltene Feedback zumeist
sehr positiv und wurde im Sinne einer positiven Bestätigung der
eigenen Unterrichtsarbeit als wertvoll und hilfreich empfunden. In
einigen Fällen haben eher negative Bewertungen in einzelnen

Frankfurt in Takt 09/1
oben links: Beratung inklusive: Prof. Ralph Abelein berät Studienaspiranten beim
„Infotag der Schulmusik“.
oben rechts: Kommunizieren hat sich im Fachbereich 2 mehr denn je zu einem bewussten Merkmal
der Qualitätssicherung entwickelt – auch unter Studierenden.
unten: Auch körperlich eine vermittelnde Stütze im Unterricht: Gesangsprofessorin Melinda Paulsen,
Dekanin im Fachbereich 2, bei Stimmübungen mit Gesangsstudentin Mareike Winkel.
Bereichen dazu geführt, dass Dozenten ihr Lehrverhalten reflektieren
wollten. Hier setzt die vierte Maßnahme im Rahmen des Projektes an.
4. Supervision in Kooperation mit der Fachhochschule
Im Rahmen der durchgeführten Befragungen wurde von Seiten der
Studierenden wie der Lehrenden sehr deutlich der Wunsch nach
einem Angebot externer, hochschulunabhängiger Beratung geäußert.
Auf Grundlage dieser Befragungsergebnisse wurde für alle Mitglieder
des Fachbereichs ein kostenloses Supervisionsangebot
entwickelt, das Lehrenden wie Studierenden bei der Reflexion von
Fragen, Problemfeldern, Konflikten und Fallbeispielen aus dem eigenen
Hochschulalltag helfen soll. Bei der seit dem Wintersemester
angebotenen Einzelsupervision handelt es sich um eine Beratungsform,
die zur Sicherung und Verbesserung der Qualität beruflicher
Arbeit eingesetzt wird. Hierbei kooperiert die HfMDK mit der Fachhochschule
Frankfurt und dem dortigen Lehrstuhl für Coaching und
Beratung in der Arbeitswelt. Im Rahmen der Kooperation wird den
Studierenden und Lehrenden ein kostenloses Beratungsangebot zur
Verfügung gestellt; bis zu fünf Einzeltermine bei einem professionellen,
unabhängigen Supervisor können in Anspruch genommen
werden. Ziel ist die Kompetenzerweiterung und die persönliche
Unterstützung bei der Gestaltung des Hochschulalltags sowie die
Erweiterung der Handlungskompetenz zur emotionalen Entlastung
und zur Erhöhung der Arbeitszufriedenheit.
Eingeschlagener Weg wird fortgesetzt
Die im Fachbereich 2 in den letzten anderthalb Jahren angestoßenen
Maßnahmen sind ein erster Versuch, die Kommunikation und
damit das Lehr- und Lernklima im Fachbereich nachhaltig zu verbessern.
Die überwiegend positiven Rückmeldungen zu den im
Rahmen des Projektes durchgeführten Maßnahmen geben bereits
vor der abschließenden Projektauswertung Grund zu der Annahme,
dass der eingeschlagene Weg ein richtiger und sinnvoller ist: Die
verschiedenen Angebote werden von Studierenden wie Lehrenden
wahrgenommen; darüber hinaus zeigt sich, dass, selbst wenn bei
Einzelnen kein konkretes Bedürfnis beispielsweise nach Supervision
herrscht, bereits das Vorhandensein eines solchen Angebots
und die mögliche Inanspruchnahme als ein Qualitätsmerkmal
gesehen werden.
Die hier beschriebenen Maßnahmen sollen dauerhaft fortgesetzt
und um weitere Angebote ergänzt werden – mit dem Ziel, das
Lehr- und Lernklima im Fachbereich kontinuierlich zu verbessern.
Frank Rosenberger, Geschäftsführer des Fachbereichs 2 der HfMDK,
Koordinator des Projekts „Qualität in der Lehre“
19

0 Frankfurt in Takt 09/1
Hilfreicher Dialog statt sturen Diktierens
Von der „Gehörbildung“ zur „Hörschulung“: Zur Verbesserung der Hörvorstellung haben sich in der HfMDK
neue methodische und didaktische Konzepte etabliert
Beim Studium älterer Prüfungsordnungen findet man zum Fach
Gehörbildung Eintragungen wie „einstimmiges Diktat, zweistimmiges
Diktat, vierstimmiges Diktat“. Was genau damit gemeint war, bleibt
allerdings offen. Das Hauptziel der Hörschulung, wie sie heute praktiziert
wird, ist die Ausbildung der inneren, verstehenden Hörvorstellung
(Audiation nach Edwin Gordon). Die Fähigkeiten, die ein
Musiker dadurch für seine tägliche Praxis erlangt, reichen vom sicheren
Erkennen von Fehlern über das bewusste Wahrnehmen von klanglichen
Situationen beim Musizieren bis zu der Fähigkeit, gedruckte
Musik sich innerlich klanglich vorzustellen oder vom Blatt zu singen.
Ferner wird die Fähigkeit ausgebildet, Musik über das Hören allein
zu analysieren und zu verstehen. Dieser Vorgang wird als
Höranalyse bezeichnet.
Im Hörtraining beschäftigt man sich mit verschiedenen Teilbereichen
der Musik, wobei das Hören selbstverständlich nicht auf die Einzelparameter
Rhythmus, Intervalle und Akkorde beschränkt ist: Melodie,
harmonischer Verlauf, Mehrstimmigkeit und musikalische Form
sind von Anfang an Gegenstand der Hörschulung. Unter den verwendeten
Methoden wird den praktischen Übungen ein wichtiger
Platz eingeräumt, wobei das Singen eine zentrale Rolle einnimmt.
Rhythmen werden durch Klopfen geübt; Tonstufen, Intervalle und
Akkorde werden sowohl in der Gruppe als auch individuell unter Verwendung
der Stimmgabel gesungen. Grundsätzlich wird alles, was
in der Stunde gehört wird, sei es vom Klavier oder von der Stereoanlage,
nachgesungen, analysiert und erklärt. Das musiktheoretische
Verständnis ist dabei besonders wichtig. Das Übertragen in Notenschrift
dient der individuellen Konkretisierung und der Kontrolle.
Wechselspiel von Fragen und Antworten
Eminent wichtig für die heutige Hörschulung ist das Unterrichtsgespräch.
Ältere Musiker werden sich noch an das „einstimmige Diktat“
erinnern, bei dem früher eine Melodie am Klavier „diktiert“
wurde, jedoch nicht in ihrer Gesamtheit, sondern in zweitaktige Abschnitte
zerstückelt, welche endlos wiederholt wurden. Heute wird
zur Erarbeitung z. B. eines Themas aus einer Sinfonie von Haydn
eine CD-Aufnahme verwendet. Durch ein Wechselspiel von Fragen
und Antworten entwickelt sich ein Gespräch, durch welches das
gehörte Thema analysiert, verstanden und vollständig erfasst wird.
Während dieses Gesprächs wird das Thema einige Male als Ganzes
angehört und memoriert. Es wird dann aus dem Gedächtnis nachgesungen.
Im Verlauf dieser höranalytischen Arbeit werden die charakteristischen
Eigenschaften des Themas besprochen. Die Form
und die Kompositionsweise werden beschrieben; auch die Instrumentation
und die Harmonik sind Bestandteile dieser Arbeit. Anschließend
wird zur Konkretisierung der inneren Vorstellung und zur
individuellen Überprüfung das Thema notiert. Zum Schluss wird das
an die Wand projizierte Orchesterpartiturbild der entsprechenden
Stelle mit der eigenen Notation verglichen und gemeinsam kommentiert.
Hinzu kommt noch die Kritik der verwendeten Aufnahme.
Diese höranalytische Schulung findet ihre Fortsetzung in den Höranalyseseminaren
des Hauptstudiums: In diesem Rahmen werden
nun keine Fragmente mehr, sondern ganze Sätze durchgehört. Diese
werden in der eben beschriebenen Weise allein über das Hören analysiert
mit dem Ziel des konkreten Durchdringens und des
besseren Verstehens.
In anderen Hörseminaren des Hauptstudiums werden praktische
Fähigkeiten wie Nachspielen gehörter Musik, Intonationshören oder
Blattsingen auf einem höheren Niveau weitergeübt.
Interdisziplinäre Begegnungen
Der Computer ist fester Bestandteil des heutigen Lebens. Im Zusammenhang
mit der Hörschulung kann er als Trainingsmaschine für
Einzelparameter eingesetzt werden und für „Diktate“ dienlich sein.

Frankfurt in Takt 09/1
Allerdings kann der Computer die Kurssituation mit der ihr eigenen
Dynamik, das Singen in der Gruppe, das gezielt moderierte Gespräch
über die gehörte Musik sowie die konkreten Hilfestellungen und
Erklärungen nicht ersetzen. Dennoch ist der Einsatz eines Computers
in manchen Bereichen der Hörschulung durchaus sinnvoll: Mit einem
entsprechenden Intonationsprogramm z. B. ist das kontrollierte Üben
des Intonierens möglich. Außerdem können akustische Phänomene
mithilfe eines Computers sichtbar gemacht werden, wie dies im
Sommersemester 2008 in dem gemeinsam mit der Kompositionsklasse
gestalteten fächerübergreifenden Seminar „Spektrales Hören“
praktiziert wurde.
Ein weiteres Beispiel interdisziplinärer Aktivitäten: Im Sommersemester
2007 wurde in Zusammenarbeit mit der Musikpädagogik das
Seminar „Methoden der Analyse – mit und ohne Noten“ veranstaltet,
in dessen Rahmen den Studierenden ermöglicht wurde, eine eigene
Höranalysestunde unter Anleitung eines Professors zu entwickeln
und zu halten.
Hörschulung als Hauptfach
Welche Möglichkeiten der Weiterentwicklung und Vertiefung ihrer
Fähigkeiten haben Studierende, wenn sie ihre Begabung und Neigung
zum Hören entdecken? Im Rahmen des modularisierten Lehramtsstudiums
können sie Hörschulung als Schwerpunktfach studieren,
was drei Studentinnen seit dem Wintersemester 2008/2009
bereits tun. Ferner wird an der Einrichtung des Hauptfachstudiengangs
Hörschulung an der HfMDK eifrig gearbeitet. Doch scheint
dies ein länger dauernder Prozess zu werden …
Ohne regelmäßiges Training kein Erfolg
Was auch immer im Rahmen der Hörschulungskurse erarbeitet wird
– es handelt sich stets um eine Auswahl, denn es ist schier unmöglich,
in den wenigen Stunden, die im Rahmen des Studiums zur Verfügung
stehen, das gesamte Spektrum dessen, was geübt werden
könnte, abzudecken. Darüber hinaus ist Hörschulung ein Trainingsfach:
Wichtig sind Fleiß, Regelmäßigkeit, Kontinuität, Ausdauer und
nicht zuletzt eine positive Einstellung. Daran hat sich trotz neuer Formen
des Lehrens nichts geändert. Wer sporadisch arbeitet, Unterbrechungen
einplant oder meint, in „Intensivphasen“ oder „kompakt“
das „Fach belegen“ zu müssen, wird wohl kaum seine Hörfähigkeit
entwickeln. Hier soll also ermutigt werden, dranzubleiben – und
den Spaß dabei zu entdecken!
Sollte jemand aufgrund dieser knappen Ausführungen neugierig
geworden sein und sich ein konkreteres Bild heutiger Hörschulung
machen wollen, sei er hiermit zum Hospitieren herzlich eingeladen!
Hervé Laclau, Professor für Hörschulung an der HfMDK
oben: Prof. Hervé Laclau ist der Dialog über das
Gehörte ebenso wichtig wie das eigene Singen der
Studierenden im Hörschulungs-Unterricht.
unten: Mit der Stimmgabel auf Intervallsuche.
1

Mit Herbert Seidel und Walter Forchert berichten im folgenden
Interview zwei gestandene Instrumentalprofessoren der HfMDK aus
ihrer langjährigen Lehrerfahrung: Klavierprofessor Herbert Seidel ist
seit 1978 am Haus tätig. Dem gingen Lehraufträge in Saarbrücken
und Stuttgart voraus. In den 90-er Jahren arbeitete er zwei Jahre
als Gastprofessor an der Indiana University Bloomington, USA. Seit
drei Jahren ist er an der HfMDK nach seinem Ausscheiden als Professor
weiter als Lehrbeauftragter tätig. Walter Forchert leitet seit
1992 als Professor eine eigene Violinklasse an der HfMDK. Seiner
Professorentätigkeit gingen Konzertmeister-Erfahrungen beim Sinfonischen
Orchester Berlin und bei den Bamberger Symphonikern voraus.
Als Konzertmeister war er auch an der Gesamt-Einspielung der
Bach-Kantaten unter Leitung von Helmuth Rilling beteiligt.
Frankfurt in Takt Wie lautet Ihr persönliches Lehr-Credo nach
jeweils über 30 Jahren Unterrichtserfahrung?
Prof. Herbert Seidel Meine wesentliche Aufgabe als Lehrer sehe ich
in der Erziehung zur Eigenständigkeit. Es gilt, dem Studierenden nicht
nur die nötigen methodischen Arbeitspläne an die Hand zu geben,
sondern auch seinen Mut, sein Stehvermögen und seine Umsicht zu
stärken, damit er den vielfältigen Anforderungen des Studiums genügen
und den bisweilen korrumpierenden Anfechtungen der beruflichen
Praxis widerstehen kann. Er soll zudem lernen, dass Spontaneität
nicht heißt, sich bedenkenlos vom musikantischen Temperament
hinreißen zu lassen, lernen, dass künstlerische Intuition fortwährend
intellektueller Kontrolle unterworfen und der Aufbau von
Vertrauen in das eigene künstlerische Vermögen, der unabdingbaren
Grundvoraussetzung jeglichen Gelingens, vom Respekt vor dem
Kunstwerk als solchem getragen sein muss.
Frankfurt in Takt 09/1
Walter Forchert blickt auf jahrelange Konzertmeistererfahrung zurück
und leitet seit 1992 eine eigene Violinklasse an der HfMDK.
„Unterricht ist Vertrauenssache in
einer gemeinsamen Unternehmung“
Klavierprofessor em. Herbert Seidel und Geigenprofessor Walter Forchert bilanzieren ihre Lehrerfahrung an der HfMDK
Prof. Walter Forchert Diesem Credo kann ich nur beipflichten. Wichtig
erscheint mir, im Miteinander von Lehrer und Schüler stets die Frage
im Blick zu haben: Wo komme ich her, woher der Schüler? Jeder
Mensch hat ja einen persönlichen Hintergrund. Bei mir studierte beispielsweise
eine junge russische Geigerin aus Usbekistan – ein wahres
Naturtalent mit einer unglaublichen Aura. Schwierig war dabei,
sie von einer anderen Technik zu überzeugen, denn sie brachte zunächst
selbstbewusst „ihr Russland“ mit und ihr Bewusstsein der
Überlegenheit russischen Geigenspiels. Aber ihre Bogen-Technik
zum Beispiel war keineswegs optimal (Anschlagen von Akkorden
mit diversen Nebengeräuschen). Und zu Spannungen zwischen uns
kam es, als sie ablehnte, den Beginn des Sibelius-Violinkonzertes
durchaus mal „senza vibrato“ zu probieren („Oistrach spielt das auch
mit Vibrato!“ war ihr Hinweis). Nun bin ich zwar der Auffassung,
der Lernende sollte grundsätzlich seine persönliche Auffassung einbringen.
Er muss aber auch bereit sein, das Angebot des Lehrers
zumindest einmal auszuprobieren. Das erweitert seinen Horizont.
Und in der Auseinandersetzung mit verschiedenen Ansichten entsteht
ja vielleicht sogar etwas Neues – so wie auch ich gelegentlich
schon Interpretationsvorschläge meiner Studenten
übernommen habe.
Frankfurt in Takt Können Sie aus Ihrer Biografie eine Art
individueller Evolution des Lehrens beschreiben?
Prof. Walter Forchert Zunächst ganz einfach: Mit zunehmender Unterrichts-Erfahrung
kommt man schneller auf den Punkt. Habe ich zum
Beispiel ein Musikstück schon mehrmals unterrichtet, sind mir auch
die gängigen Problem-Stellen bekannt. Ich habe also beim nächsten
Studenten schon erprobte Lösungen bereit. Und dass man sicherer

Frankfurt in Takt 09/1
wird mit zunehmender Unterrichts-Erfahrung und Erfolg, ist auch
nur logisch. Tatsächlich verändert habe ich in meinem Unterricht:
mehr als früher auf die Bewegungen des Geigenspielers zu achten.
Der Einfluss der Körper-Haltung und seine Beweglichkeit auf den Ton
des Spielers und auf die Ausdrucksstärke einer Interpretation sind ja
enorm. In diesem Zusammenhang ist übrigens höchst erfreulich zu
nennen das Angebot unserer Hochschule zum Thema Bewegung.
Prof. Herbert Seidel Ich glaube schon, dass ich als Lehrer im Laufe
der Zeit toleranter geworden bin und mehr gelten lasse als früher.
Ich selbst habe ja meine Ansichten auch immer wieder geändert.
Aus dieser Erfahrung schließe ich, dass man in einer bestimmten
Phase der eigenen Entwicklung zu Einsichten gelangen kann, die zu
diesem Zeitpunkt ihre volle Berechtigung, ihre temporäre Wahrheit
haben, einer späteren Revision aber nicht standhalten. Diese Erkenntnis
hat mein Urteilen zurückhaltender, umsichtiger gemacht. An
einer Hochschule haben wir aber gleichfalls die Verpflichtung, in
gewisser Weise „akademisch“ zu unterrichten, das heißt, zunächst
einmal der gestalterischen Freiheit klar definierte Grenzen zu setzen
und den Studierenden Ordnungsmodelle zur eigenen Orientierung
anzubieten. Selbstverständlich darf er diese Grenzen dann in eigener
Verantwortung überschreiten, schließlich tue ich dies auch. Aber ich
hüte mich, meine stilistischen Grenzverletzungen und musikalischen
Marotten als künstlerische Grundnahrungsmittel zu empfehlen.
Frankfurt in Takt Wie hat sich Ihr Unterrichten im Laufe von rund
drei Jahrzehnten durch sich wandelnde gesellschaftliche Strömungen
und musikalische Stilpräferenzen geändert?
Prof. Herbert Seidel Ich unterrichte ja ein Instrument, das relativ jung
ist und auf dem wir zu einem großen Teil Musik spielen, die ursprünglich
gar nicht für dieses Instrument geschrieben wurde – das gilt
zumindest für die Klaviermusik bis einschließlich Schumann. Daran
finde ich nichts Verwerfliches. Die mannigfaltigen Neuerungen in
der Geschichte des Klavierbaus resultierten sicherlich nicht aus der
völligen Zufriedenheit der zeitgenössischen Protagonisten mit dem
Herbert Seidel ist seit drei Jahren als Professor emeritiert, unterhält aber
als Lehrbeauftragter weiterhin eine Klavierklasse an der HfMDK.
vorhandenen Instrumentarium. Sie waren auch nicht ausschließlich
Vergröberungstendenzen und einer Vulgarisierung des Geschmacks
geschuldet (Im übrigen gäbe es auch am modernen Flügel
Manches zu verbessern). All dies befreit aber nicht den Pianisten
von der Pflicht, sich mit der Klanglichkeit historischer Klavierinstrumente
vertraut zu machen und diese Vertrautheit klangformend beim
Spiel auf dem heutigen Klavier wirken zu lassen. Und selbstverständlich
gibt es eine legitime maßstabsetzende Einflussnahme der historisierenden
Aufführungspraxis, die ich als höchst anregend und
fruchtbar zu schätzen weiß. Meine eigene Haltung ist allerdings eher
eine ahistorische. Ich fühle mich musikalisch ganz wohl als der, der
ich bin, nämlich ein Mensch des 20. Jahrhunderts, der seine Wurzeln
im 19. Jahrhundert hat. Ideologisierung und Dogmatisierung
eines Interpretationsansatzes sind mir ein Ärgernis. Es erscheint mir
vermessen, einen rebellischen Geist wie Beethoven in eine von wem
auch immer gefertigte Grammatik zu sperren. Mir ist eher am Austragen
eines bewussten Spannungsverhältnisses gelegen, nämlich
zwischen einem von uns immer präziser erkennbaren historischen
Zeitstil und der Lebens- und Kulturerfahrung des heutigen Menschen,
der diese Erfahrung in seine Interpretation mit einbringt. Ich
weigere mich, diese Erfahrung beiseite zu wischen und mich stilbewusst
zu kostümieren. Ein echtes Kunstwerk reicht weit über seine
Entstehungszeit hinaus, in die Vergangenheit wie in die Zukunft.
Prof. Walter Forchert Der Zeitgeschmack verändert sich fließend (von
Karajan zu Harnoncourt), und auch ich denke, man sollte bei der Interpretation
von Werken aus vergangenen Jahrhunderten nicht nur
in die Vergangenheit schauen. Es scheint mir aber für den heutigen
Musiker unabdingbar, sich auch als „klassische Geiger“ mit barocker
Spielweise auseinander zu setzen. Ich selbst spiele seit langem bei
der Bach-Akademie Stuttgart unter Helmuth Rilling – in den Anfängen
mit modernem Instrumentarium und dem damals üblichen
„satten“ Vibrato. Über das Spielen auf einer Viola d’amore , bei der
mich das Mitschwingen der Resonanz-Saiten faszinierte, habe ich
den Reiz eines vibratolos gespielten, dennoch lebendigen Tones
entdeckt. Später wurde mir ein Barockbogen gebaut, durch dessen
3

Gebrauch ich gelernt habe, für barocke Musik – auf klassischer Geige
– einen anderen Klang zu formen. Diese Erfahrung gebe ich seither
auch an meine Studierenden weiter.
Frankfurt in Takt Hat sich aus Ihrer Sicht auch die Rolle des
Instrumentalprofessors als Autorität verändert?
Prof. Herbert Seidel Einen grundsätzlichen Wandel kann ich da nicht
erkennen. Das hängt wohl auch damit zusammen, dass die Musikstudenten
einer besonderen Spezies anzugehören scheinen. Allerdings
musste ich zur Kenntnis nehmen, dass die Wirkung meines
Verhaltens den Studierenden gegenüber keineswegs immer meinen
guten Absichten entsprach. Ich hatte geglaubt, alles in allem als
gemütlicher Zeitgenosse wahrgenommen zu werden – weit gefehlt.
Natürlich will ich im Unterricht keine Atmosphäre eines behaglichen
„Laisser-faire“ schaffen, auch die Wahrung einer gewissen Distanz
ist mir wichtig (Ich habe niemals einen Studenten geduzt), aber
Musizieren unter Angst, nein das geht nicht.
Prof. Walter Forchert Unterricht ist eine Vertrauenssache in einer
gemeinsamen Unternehmung. Der Neu-Student erwartet, mit Hilfe
des Lehrers instrumental möglichst komplett ausgebildet zu werden,
und der Lehrer seinerseits versucht, diesen Studenten von den
eigenen handwerklichen, klanglichen und stilistischen Idealen zu überzeugen.
Mit Verbesserung des Spiels durch den Unterricht wächst
das Vertrauen. Und wer vertraut, anerkennt die Autorität.
Frankfurt in Takt Welche Voraussetzungen muss Ihrer Meinung nach
eine Hochschule schaffen, um bestmögliche Lehr- und Lernbedingungen
zu bieten?
Prof. Walter Forchert Musik hat immer mit Menschen zu tun. Deshalb
sollte eine Hochschule ihre Lehrkräfte nicht allein nach instrumentalen
Kriterien berufen. Achtung und Toleranz vor dem Lernenden
gehören gleichberechtigt zum fachlichen Können. Für eine grundsätzliche
Änderung des Einzel-Unterrichts sehe ich keinen Bedarf.
Denn jeder von uns Lehrenden gibt auf individuelle Weise sein Bestes,
um aus den Schülern eigenständige Persönlichkeiten werden zu
lassen. Zu bestmöglichen Lernbedingungen gehört aber nicht nur
eine ausreichende Anzahl von Übe-Räumen, sondern auch eine akustisch
optimale Einrichtung dieser Räume. In diesen Räumen verbringt
der Student die wichtigste Zeit seines Studiums. Hier modelliert
er an seinem Ton. Es geht um sensible Nuancen der Tonbildung.
Denn schließlich macht der Ton die Musik!
Prof. Herbert Seidel Es wäre gut, wenn die Hochschulen nicht immer
danach schielen würden, was der Markt aktuell verlangt. Im Gegenteil:
Die Schulen müssen mit ihrem an der Idealität ausgerichteten
Programm versuchen, den Markt zu steuern. Eine andere Aufgabe
sowohl der Hochschule als auch der Lehrenden sehe ich darin, den
Gedanken der intrinsischen Motivation ins Zentrum aller Bemühungen
zu stellen: Der Impetus zum Musizieren muss ausschließlich
aus der Musik selbst kommen. bjh
Auf den Spuren
der Körpersprache
HfMDK besetzt die deutschlandweit erste
Professur für Physiodrama
Frankfurt in Takt 09/1
Seit dem Wintersemester 2008/2009 ist „Physiodrama“ als Lehrfach
im Fachbereich 3 mit einer Professur verankert. Damit hat die
HfMDK als deutschlandweit erste Hochschule nicht nur eine wichtige
Basis zur Professionalisierung des Schauspielberufes ermöglicht,
sondern zugleich eine neue Positionierung des Körpers in der Kunst
überhaupt eröffnet. Yurgen Schoora, der die Professur innehat,
erläutert in seinem nachfolgenden Text den Begriff „Physiodrama“,
das daraus entwickelte Unterrichtsfach und dessen Bedeutsamkeit
in der Ausbildung.
Wir befinden uns in einer spannenden Umbruchzeit: Durch die wissenschaftlichen
Entwicklungen der letzten Jahre (Neurobiologie, Hirnphysiologie)
erhielt das Bewusstsein für den Körper auf gesellschaftlicher
Ebene eine völlig neue Relevanz. Welche Bedeutung hat dies
für Studierende an Hochschulen?
Die Frage, welchen Anteil Anlage und Umwelt bei der Entwicklung
des Menschen haben, konnte quasi ad acta gelegt werden. Eine
starke Trennung von Körper und Geist wurde inzwischen aufgehoben.
Felder, die mit der Entwicklung und Wahrnehmung des Menschen
zu tun haben, wie z. B. die (Lern-) Psychologie, die Physiologie
und die Pädagogik, definieren sich gegenwärtig neu und werden
miteinander verknüpft.
Heutzutage hat Bildung weniger damit zu tun, „jemanden etwas
zu lehren“. Es geht viel eher um lernmethodische Strategien, Selbständigkeit,
Selbstreflexion und die Entwicklung von Kompetenzen.
Dabei erarbeitet eine Person ihr Wissen unter Impuls eines so

Frankfurt in Takt 09/1
Schauspielstudierende beim Physiodrama-Training.
genannten „Ermöglichers“ selbst und „konstruiert“ eine individuelle
Realität. Das Internet beeinflusst den Informationsfluss und die Be-
ziehung zwischen Lehrenden und Lernenden maßgeblich. Der schnelle
Wandel erfordert eine innere Beweglichkeit. Lernen vollzieht sich
ein Leben lang. Die Frage wird angegangen, was die heutigen Kos-
ten im Gesundheitssektor mit früheren Lernmethoden zu tun hatten.
Dabei spielen zwischenmenschliche Beziehungen eine große Rolle.
Als Berater im Bereich von Bildungsentwicklung für die Verknüp-
fung von Wahrnehmung, Bewegung, Logik und Sprachentwicklung
konnte ich mich früh mit den aktuellen Qualitätsstandards, mit der
sich Bildungsprozesse heute betrachten lassen, bekannt machen.
In den Bildungsplänen des frühkindlichen Bereiches sind Wahrneh-
mung und zwischenmenschliche Beziehung (Bindungstheorie) eine
wesentliche Grundlage. Lernen, Beziehung, Motivation, Emotion,
Ausdruck und innere Balance hängen hier selbstredend zusammen.
Vor allem die eigene Körperstruktur kann heute direkt und sichtbar
in Verbindung gebracht werden mit dem Einfluss von Wahrnehmung
und zwischenmenschlicher Beziehung. Sie sind an der Entwicklung
eines Menschen viel maßgeblicher beteiligt als bisher gedacht. Die
Wissenschaften fordern uns dazu heraus, sich nicht hinter der eigenen
Geschichte zu verstecken („Ich habe es immer so gemacht“),
sondern sich aktiv mit ihr auseinander zu setzen. Der Körper in den
Künsten steht heute für die Selbstverständlichkeit einer immer
mehr nach Verknüpfung strebenden Suchhaltung.

Vorgeschichte und Möglichkeiten
des Physiodrama-Trainings
Die Studierenden im Fach Physiodrama zu begleiten, erfordert die
nötige Erfahrung. Meine eigene Ausbildung als Mimograph fand
bereits Mitte der achtziger Jahre in Antwerpen statt. Trainingseinheiten
waren unter anderem:
– Bewegungsanalytisches Training nach dem so genannten
„Großvater“ der modernen Mime, Étienne Decroux;
– Bewegungsdynamisches Training, eine Weiterentwicklung
des Trainings von Jerzy Grotowski;
– Psychotechnik, eine Weiterentwicklung nach Konstantin
Sergejwitsch Stanislawski und Lee Strassberg;
– Bewegungs- und Objektimprovisation;
– Stimmtraining, kombiniert mit Bewegung;
– Komposition und Inszenierung;
– Akrobatik.
Hierzulande ruft der Begriff Mime oft noch das einseitige naive
Bild des weiß geschminkten Pantomimen mit hohler Gestik auf.
Der oben benannte Trainingskomplex führt zu einem weitaus differenzierteren
Begriffsverständnis, als wenn ein Darsteller auf einer
Bühne mal wütend sein Hemd auszieht bzw. eine Kampfszene angeht,
und hat nichts zu tun mit „Fitness für Schauspieler“. In der
Hochschule für Bühnenkünste in Amsterdam gibt es seit mehr als
20 Jahren eine Abteilung „Mime“. Daraus kommen immer wieder
Schauspieler, die Top-Positionen besetzen, hervor. Auch in meiner
eigenen künstlerischen Arbeit reicht die Erfahrung von rein körperlicher
Darstellung bis zur Zusammenarbeit mit Künstlern aus
unterschiedlichen Bereichen.
Frankfurt in Takt 09/1
Nachdem sich mancher Student an der HfMDK am Anfang des letzten
Semesters noch gewundert hat, was Physiodrama denn wohl
sein könnte, formen die Trainingseinheiten nach und nach neue praktische
und verständliche Zugänge zur Erarbeitung und Verfeinerung
von Rollen und Figuren, differenziertere Zugänge zur Eigenwahrnehmung
und dienen als Basis für die Begegnung mit Menschen aus
anderen Disziplinen und Ländern.
Für die Trainings von Physiodrama lassen sich heute eigentlich
immer noch ähnliche Voraussetzungen formulieren, wie ich sie
damals schon formuliert habe:
– Du willst dich unbedingt mit Drama beschäftigen,
jedoch nicht nur literarisch oder verbal.
– Du identifizierst dich künstlerisch nicht grundsätzlich als
Tänzer, möchtest dich aber gern bewegen und einen spieltechnischen
und künstlerischen Umgang mit dem Körper
und dem Raum entwickeln.
– Manches kann oder will man nicht sagen oder tanzen. Die
Arbeit soll rein aus dem Bereich des Visuellen und Körperlichen
entstehen, eine visuelle Wirkung haben und körperlich sein.
– Es werden Möglichkeiten gesucht, wie Bewegung und Körper
vor bzw. nach dem Tanzen und Sprechen aussehen würden,
wenn der Körper nicht in der Lage ist zu tanzen oder
zu sprechen.
– Du möchtest z. B. mit der Auflösung der natürlichen Körperhierarchie
(so genannte Defiguration, non-frontale Kommunikation)
Handlungen in andere künstlerische und stilistische
Dimensionen hinein ziehen, mehr als „realistisch“ arbeiten
und damit einem einseitigen Naturalismus auf der Bühne
etwas entgegen setzen.

Frankfurt in Takt 09/1
– Du willst ein selbst schaffender Künstler sein, interdisziplinär
verknüpfende Arbeit machen und andere Bereiche als
Zugang für Entwicklungen auf Körperebene entdecken.
– Du siehst den Körper als Zugang, um auch auf
internationaler Ebene zu arbeiten.
Yurgen Schoora hat an der HfMDK
deutschlandweit die erste Professor für
Physiodrama inne.
Durch spezialisierte Möglichkeiten, dramatische Konflikte visuell auf
eine Weise darzustellen, die sie nicht einfach durch verbale oder
tänzerische Techniken ersetzt, erweist sich das Mimisch-Gestische
tatsächlich als Gebiet par excellence.
Inzwischen sind die oben genannten Trainings durch viele neue praktische
Übungen zeitgenössisch verknüpft worden. Für die Bühnenpraxis
lassen sich dementsprechend folgende Fragen stellen: Was
ist das Schauspielerische in Tanz, Mime, Gesang, was das Körperlich-Mimische
in Gesang, Schauspiel und Tanz, was das Tänzerische
in Schauspiel und Mime und was das Musikalisch-Rhythmische in
Schauspiel und Mime? In der in Berlin zusammen mit meiner Frau
organisierten Werkstatt „Planipedes“ (alt-römisch für barfuß) und
in Kursen andernorts trafen sich Menschen aus den unterschiedlichsten
Disziplinen. Für uns war es immer selbstverständlich, an der
Psychologie, Neurobiologie oder Quantenphysik anzuknüpfen. Unsere
Erfahrungen verdichteten wir in der Entwicklung der „Methodischen
Integration“ – der so genannten Lehre der Einflüsse – wo wir wichtige
Erkenntnisse zusammenfassten und systematisierten. Dadurch
entstanden völlig neue Zugänge, Herangehensweisen und Trainingsformen.
Der Aspekt der Begegnung und gegenseitigen Beeinflussung
hat in den letzten zehn Jahren für uns an Bedeutung gewonnen.
Für das Physiodrama sehe ich im Moment vier Aktivitätsfelder, die
ich aus meiner Erfahrung und, an die heutigen Bildungsstandards
anknüpfend, weiterentwickeln möchte:
– Vermittlung von körperlichen Darstellungsmethoden
und „Technologien“;
– der Körper als besonderer Zugang für das Kreieren
von Rollen und Figuren;
– der Körper als „Begegnungszentrale“ für unterschiedliche
Erfahrungen und Wege, eine interdisziplinäre, künstlerische
Begegnung und praktische Verknüpfung von Disziplinen;
– der grundsätzlich von Körperlichkeit geprägte heutige
Lernbegriff (somatischer Bereich, ganzheitliche Betrachtung)
und qualitativ fachlicher Zugang zur Entwicklung von persönlichen
und zwischenmenschlichen Handlungskompetenzen.
Der Unterricht der Studierenden verläuft stark prozessorientiert. Der
Unterrichtsinhalt wird darauf abgestimmt, wer welchen strategischmethodischen
„Schlüssel“ braucht. Die Entwicklung des verknüpfenden
Denkens, das „Wandern“ von einer Trainingsart in eine
andere, ist genauso wichtig wie die persönliche, mentale und künstlerische
Konsequenz, die Entwicklung von Selbstverantwortung und
Reflexionsfähigkeit sowie die Betrachtung von gesellschaftlichen
und wissenschaftlichen Zusammenhängen. Verhaltenseigenschaften
wie Eitelkeit und Kritiklosigkeit sollen überflüssig werden. Der sich
entwickelnde Künstler hat eine Verantwortung in alle Richtungen:
gegenüber sich selbst und den anderen, allen Künsten und auch
der Gesellschaft.
Yurgen Schoora, Professor für Physiodrama im Fachbereich 3

Verpflichtung über
das Jahr 009 hinaus
Neue Projekte der Gesellschaft der Freunde
und Förderer
100 persönliche und 25 Unternehmensmitglieder zählt die Gesellschaft
der Freunde und Förderer der Hochschule für Musik
und Darstellende Kunst Frankfurt am Main e.V. (GdFuF) mittlerweile.
Der Unterstützerkreis der Frankfurter Hochschule wächst
kontinuierlich, und die GdFuF ist erstmals in der Lage, ab 2009
drei große mehrjährige Förderprojekte zu übernehmen.
So ermöglichen die Freunde und Förderer eine erste Gastprofessur:
Stephan Kimmig, Hausregisseur des Thalia Theater Hamburg,
verstärkt den Ausbildungsbereich Theater und Regie (siehe auch
den Artikel „Stephan Kimmig ist Gastprofessor für Schauspiel
und Regie“). Ebenfalls zum ersten Mal ermöglichen die Freunde
und Förderer das Engagement eines renommierten Gastdirigenten
für eine Arbeitsphase mit dem Hochschulorchester. Den
Anfang im jährlichen Dirigentenzyklus macht Lothar Zagrosek,
Chefdirigent des Konzerthausorchesters Berlin, im kommenden
November. Mit dem Generalmusikdirektor der Oper Frankfurt,
Sebastian Weigle, ist die Arbeitsphase im Jahr 2010 angedacht.
Künstlerisch aufgewertet werden soll auch der höchste an Sänger
oder Instrumentalisten zu vergebende Abschluss, das „Konzertexamen“.
Dazu begleiten, finanziert von den Freunden und Förderern,
zukünftig hessische Landesorchester die Abschlusskonzerte,
die so endlich zum hochklassigen Konzerterlebnis für
die „KEler“ und ihre Zuhörer werden.
Schon gute Tradition hat die Förderung einer Opernproduktion
der HfMDK. Nach dem Orfeo von 2007 im Kloster Eberbach
beim Rheingau Musik Festival und der Fledermaus im Gallus
Theater Frankfurt 2008 wird in diesem Jahr mit dem Rinaldo
von Georg Friedrich Händel erneut eine von den Freunden der
Hochschule unterstützte Opernproduktion aufgeführt. Die Premiere
ist am 25. Oktober im Theater Rüsselsheim. Weitere Aufführungen
in Bensheim und Frankfurt folgen.
Bereits heute engagieren sich Freunde und Förderer mit eigenen
Stipendien; dazu kommen die Starter-Stipendien der GdFuF,
mit denen begabte Studierende am Anfang ihres Studiums gefördert
werden. Ein starkes Stipendienprogramm unterstützt die
HfMDK im internationalen Wettbewerb um die begabtesten
Studierenden; Stipendien nützen Hochbegabten und erleichtern
die Lebens- und Lernbedingungen der Studierenden in entscheidenden
Phasen des Studiums. So möchte die Gesellschaft der
Freunde 2009 verstärkt daran mitwirken, das Stipendienprogramm
der Hochschule aufzubauen und so deren positive Entwicklung
zu flankieren.
Frankfurt in Takt 09/1
Stephan Kimmig ist Gastprofessor
für Schauspiel und Regie
Spätestens mit dem Faust-Preis für seine Inszenierung Maria
Stuart als beste Regiearbeit des Jahres 2007 hat sich Stephan
Kimmig an die Spitze der wichtigsten deutschsprachigen Regisseure
gesetzt. In den letzten fünf Jahren arbeitete er kontinuierlich
an den drei wichtigsten großen Häusern: am Wiener Burgtheater,
an den Münchner Kammerspielen und am Hamburger
Thalia Theater. Zur nächsten Spielzeit wird er als fester Hausregisseur
an das Deutsche Theater Berlin wechseln. Er zeichnet
sich durch eine exzellente Schauspielarbeit aus. Stephan Kimmig
genoss selber eine Ausbildung als Schauspieler und lebte
acht Jahre in Holland. Dort konnte er die aktuellen
flämischen Entwicklungen verfolgen.
Dank der großzügigen Unterstützung der Gesellschaft der
Freunde und Förderer der Hochschule konnte er nun für das
Sommersemester 2009 als Gastprofessor gewonnen werden –
ein Novum an der Hochschule, was unmittelbar die Qualität der
Lehre in Schauspiel und Regie auszeichnet. Kimmig wird in
Frankfurt und Hamburg mit den Studierenden des fünften Semesters
Schauspiel arbeiten sowie Inszenierungen besuchen
und auswerten, um so zugleich den Blick der Studierenden zu
schulen. Einige der Regiestudierenden sind wiederum als kritische
Beobachter dabei, um seine Arbeitsweise zu verfolgen.
Thema sind die Liebesszenen der deutschen klassischen Literatur,
mithin das Schwerste, was es überzeugend darzustellen
gilt. Schon jetzt, nach den ersten Vorgesprächen, sind die Studierenden
begeistert, denn Kimmig gilt als Spezialist der Beziehungskatastrophen,
die er mit seinem feinsinnigen Gespür immer
wieder neu und anders auslotet. Am 23. und 24. Mai wird das
Ergebnis im Schauspielstudio der HfMDK zu sehen sein: als
kleine Aufführung zu einem ganz großen Thema!

Frankfurt in Takt 09/1
US-amerikanischer Opernstar
wird Ehrenmitglied der Gesellschaft
der Freunde und Förderer
Die Sopranistin Renée Fleming hat die erste Ehrenmitgliedschaft
in der Gesellschaft der Freunde und Förderer der Hochschule angenommen.
Fleming ist Alumna, ehemalige Studentin der Frankfurter
Hochschule; sie hatte in den 80er Jahren als Fulbright-Stipendiatin
bei Arleen Auger in Frankfurt studiert und in dieser Zeit auch mit
Hartmut Höll und Rainer Hoffmann im Bereich der Liedgestaltung
gearbeitet. Renée Fleming ist unter anderem an der Wiener Staatsoper,
an der Bayerischen Staatsoper in München, am Royal Opera
House Covent Garden in London, an der Mailänder Scala, an der
Opéra Bastille in Paris und an der New Yorker Metropolitan Opera
aufgetreten. Während ihres Auftritts als Marschallin im Rosenkavalier,
der Ende Januar im Festspielhaus Baden-Baden ein großer
Erfolg war, konnte Andreas Mölich-Zebhauser, Kuratoriumsmitglied
der Gesellschaft der Freunde und Intendant des Festspielhauses,
Renée Fleming die Ehrenmitgliedschaft vorschlagen. Unter ihren
Fans befindet sich übrigens auch US-Präsident Barack Obama. Er
bat sie, ihre Proben zum Rosenkavalier zu unterbrechen, um auf
dem Konzert zu seiner Amtseinführung You‘ll never walk alone
zu singen. be
HfMDK JazzFest 2009
Höhepunkt des wie im Vorjahr von der DZ BANK gesponserten
HfMDK JazzFest 2009 waren die Auftritte der 80jährigen New Yorker
Jazzlegende Sheila Jordan und der HfMDK-Bigband im ausverkauften
Abendkonzert am 21. Januar. Konzipiert und geleitet wurde das
Jazzfest von Allen Jacobson. Jacobson ließ neben Jordan und den
Ensembles im Weiterbildungsstudiengang Jazz der HfMDK auch zwei
Jazz-Gruppen der Musikkonservatorien Wien und Paris auftreten.
Das zweitägige HfMDK JazzFest richtet sich an Studierende, Lehrende
und Gastmusiker und ist für das Frankfurter Publikum geöffnet.
Rotary meets HfMDK
Rotarier kennen sich aus in ihrer Stadt und lassen sich nicht so
leicht aus der Reserve locken. Umso überraschter erlebten viele der
70 rotarischen Freunde, die am 18. Februar Gäste der Hochschule
für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main waren, die
Qualität und Originalität der künstlerischen Darbietungen der Studierenden
der Frankfurter Hochschule. Die Clubs Frankfurt/Main, Frankfurt/Main
Paulskirche und Frankfurt/Main Alte Oper waren einer
Einladung zur musikalisch-künstlerischen Entdeckungstour durch
die Hochschule gefolgt, wo Station gemacht wurde bei Posaunisten
im Dachstuhl, in der von einer Percussionistin bespielten Tiefgarage
und in einem von Opernsängern eingenommenen Tanzsaal. Im Keller
hatte sich ein Kontrabassquartett aufgebaut, und im Büro des Präsidenten
gab es Alte Musik mit Blockflöte und Cembalo. Letzte Destination
für die fünf unterschiedlich gestarteten Reisegruppen war
die „ROCKPARTY“ mit acht Tänzern im Foyer der Hochschule.
Sich vor Publikum zu erproben und zu bewähren, ist für die Studierenden
wichtiger Bestandteil ihres Studiums. Mit über 100 öffentlichen
Konzerten und Aufführungen im Semester zählt die mitten in
Frankfurt gelegene Hochschule zu den größten Kulturveranstaltern
der Stadt. be
9

30 Frankfurt in Takt 09/1
Mit russischem Temperament
und kantablem Klangsinn
Klavierprofessorin Irina Edelstein geht in den
Ruhestand, behält aber einen Lehrauftrag
Der einstige Hochschuldirektor Hans-Dieter Resch war es, der Irina
Edelstein in einem Konzert des Frankfurter Hindemith-Instituts im
Duo mit dem Cellisten Viktor Yoran als pädagogisches Potenzial für
die HfMDK entdeckte und sie 1980 als Lehrbeauftragte für Klavier
engagierte. Er war es auch, der wenig später Post von der belgischen
Königin erhielt, die den Hochschulrektor darin bat, eine junge belgische
Pianistin doch bei Irina Edelstein studieren zu lassen, obwohl
diese zu dieser Zeit noch keine Professorin, sondern Dozentin sei.
Dass es 1987 an der Zeit war, der russischen Pianistin in Frankfurt
eine Klavierprofessur zuzusprechen, untermauerten Empfehlungsschreiben
von August Leopolder, Vladimir Ashkenazy und Radu Lupu.
Nach 27 Jahren Lehrtätigkeit an der HfMDK geht Irina Edelstein nun
in den Ruhestand, bleibt aber mit einem Lehrauftrag an der Hochschule
präsent.
„Als ich die Professur bekommen habe, habe ich zu kämpfen begonnen
– für die Demokratie“, erinnert sich Irina Edelstein. Damit meint
sie vor allem ihren Einsatz für die fachliche Gleichberechtigung von
Lehrbeauftragten und Professoren in einer Zeit, als noch ausschließlich
Professoren in Prüfungskommissionen Platz nehmen durften.
Doch auch jenseits dieses Kampfes um mehr Liberalität waren in der
Hochschule ihre argumentative Offenheit und ihr wortreiches Temperament
geschätzt. „Der damalige Klavierprofessor August Leopolder
fand, dass ich einen neuen Wind in die Hochschule gebracht
habe“, erinnert sich Irina Edelstein. In der Fachgruppe Klavier setzte
sie sich für ein kollegiales Miteinander und den Austausch von Erfahrungen
unter ihresgleichen ein. Einen familienähnlichen Kontakt
untereinander aufzubauen, gelang ihr in ihrer eigenen Klavierklasse.
Die pädagogische Erfolgsgeschichte, die sie damit verbinden kann,
besteht aus Namen vieler arrivierter Absolventen, darunter über 20
internationale Preisträger – von Ohad Ben-Ari, der im ARD-Wettbewerb
den 2. Preis errang, über den Mainzer Chorleitungs-Professor
Ralf Otto, Chantelle Elpida Nassiopulos (Grand Prix beim internationalen
Klavierwettbewerb in Athen), Ekaterina und Alexander
Kolodochka (Sieger als Klavierduo in Verona 2008) sowie die
jetzigen HfMDK-Lehrbeauftragten Jan Polivka, Dietrich von Knebel,
Thorsten Larbig, Lars Jönsson, Martin Schmalz und Jean-Michel
van Craenem.
Irina Edelstein beschreibt sich selber als „sehr pedantisch in der
Kenntnis der Notenliteratur“ – sicher eine wichtige Voraussetzung
für ihr erfolgreiches Arbeiten sowohl als Solistin als auch mit ihren
Studierenden. Die hat sie stets gelehrt, „menschlich und musikalisch
im guten Sinne professionell zu sein, ehrgeizig mit einer gesunden
Dosis solistischem Bewusstsein“. Die pädagogische Begabung dürfte
ihr ihre Mutter, selbst einstige Violin-Professorin am Moskauer Konservatorium,
in die Wiege gelegt haben. Am Moskauer Tschaikowsky-Konservatorium
wurde Irina Edelstein als Studentin vor allem von
ihrem Lehrer Jacov Milstein musikalisch geprägt. Das damit einhergehende
Grundprinzip, als Pianist das Klavier zum Singen zu bringen,
bescherte ihr eine beachtliche Konzertkarriere: zuerst in ihrer russischen
Heimat, nach ihrer Emigration nach Israel auch in Jerusalem,
Tel Aviv, Haifa und Beersheva. Bis in die 80-er Jahre erarbeitete der
englische Sender BBC zahlreiche Rundfunk- und Fernsehaufnahmen
mit Irina Edelstein. Seit 1979 produzierte der Hessische Rundfunk
etliche Aufnahmen mit ihr, von denen es viele in den Katalog der
besten HR-Musikproduktionen schafften. Konzerte als Solistin mit
Orchester oder als Kammermusikpartnerin führten die Pianistin nach
Spanien, Frankreich, England, Korea, Litauen, Dänemark, Tschechien,
Israel, Belgien, Holland und in die USA. 1986 gründete sie das Kammerorchester
„Concerto Grosso Frankfurt“, das sie bis heute künstlerisch
leitet und in dem sie mit renommierten Frankfurter Berufsmusikern
konzertiert.
Die Zeit, die Irina Edelstein fortan durch ihren Ruhestand für andere
Dinge als die Musik gewinnt, weiß sie gut zu investieren: Ihre Tochter
Eliser Lein, Studentin für Theater-, Film- und Medienwissenschaft,
freut sich jedenfalls, wenn sie ihre Mutter ab und an und in aller
Ruhe in Wien besuchen kann. bjh

Frankfurt in Takt 09/1
Metrisch elastisch statt
mechanisch virtuos
Mit seiner Pensionierung endet für Klavierprofessor Bernd Ickert auch sein
Engagement als Ausbildungsdirektor – seine Klavierklasse führt er weiter
Die Regel, wonach das Milieu der frühen
Jugend einen Menschen musikalisch und
sprachlich gleichermaßen ein für allemal
prägt, scheint Bernd Ickert nur zur Hälfte zu
bestätigen. 1943 als Sohn musikliebender
Eltern in Chemnitz geboren, erhielt er noch
vor der Einschulung den ersten Klavierun-
terricht, wurde bald von seinem Lehrer als
Klavier- und Improvisationstalent gefördert
und sammelte im Zusammenspiel mit sei-
nem geigespielenden Vater erste Podiums-
erfahrungen. Die sächsische Mundart jedoch,
deren Bannkreis er erst im Alter von 16 Jah-
ren durch Übersiedlung der Familie in den
Westen entkam, hat er so gut wie ganz ab-
gelegt und pflegt er nur noch in Ausnahme-
situationen. Und auch der südhessische Dia-
lekt, dem er im Westen ausgesetzt war, hat
seinem standfesten Charakter wenig anhaben
können.
Wirklichen Einfluss auf Bernd Ickert aber
hatte die Hochschule für Musik und Darstellende
Kunst Frankfurt am Main. Hier studierte
er zunächst Schulmusik und später
Klavier, hier empfing er entscheidende künstlerische
Impulse von Lehrerpersönlichkeiten
wie Karl Weiß, Gisela Sott und Kurt Hessenberg,
und hier lernte er seine Frau, die Flötistin
Heide Henrich, kennen. Ihr beider musikalisches
Erbgut haben sie an drei Kinder
weitergegeben.
Nach den pianistischen begannen 1971
seine pädagogischen Lehrjahre am Institut
für Musikerziehung der Universität Frankfurt.
Dort betreute Bernd Ickert Studierende
mit höchst verschiedenen Voraussetzungen:
zum Teil veritable Musiker mit künstlerischem
Gestaltungswillen, zum Teil Anfänger, die
weder Noten lesen noch ein Instrument spielen
konnten. Die Erfahrungen und methodischen
Herausforderungen dieser Zeit haben
seine Einstellung zum Unterrichten und zur
Arbeit an der musikalischen Basis nachhaltig
geprägt, so dass er es sich nach seiner
Berufung an die Musikhochschule – 1976
als Dozent, 1979 als Professor – weiterhin
zur Aufgabe machte, nicht nur für das pianistische
Hauptfach, sondern auch für das
Nebenfach Klavier auszubilden. Denn ihm
ging es um die Erziehung zur Musik: um das
Erfassen von musikalischen Gestalten, um
die gestische Wiedergabe kompositorischer
Kontexte, um rhythmische und metrische
Elastizität, aber nie um mechanische
Virtuosität!
Immer dem Werk verpflichtet
Dass dem Konzertpianisten Bernd Ickert technische
Effekthascherei und selbstzweckhafte
Manierismen fremd sind, versteht sich beinahe
von selbst; als Interpret ist er immer
dem Werk verpflichtet geblieben. Sein vielseitiges
Repertoire als versierter Solist und
Kammermusiker hat seinen Schwerpunkt in
der Wiener Klassik und deutschen Romantik,
umfasst jedoch auch Kompositionen von
Janaček, Bartok, Hindemith oder Messiaen.
Unvergesslich bleibt seine Wiedergabe der
gesamten Klaviersonaten von Mozart, die er
1991 an je vier Klavierabenden in Frankfurt
und Bad Homburg spielte.
Ebenso beeindruckend aber ist die Selbstverständlichkeit,
mit der er andere Genres
des Metiers beherrscht: souverän im klassischen
Stil improvisiert, vom Blatt spielt,
transponiert und sogar, wenn Not am Mann
ist, bei Aufnahmeprüfungen zur Verblüffung
der Kollegen Popsongs korrepetiert! Die Zeit
von 2002 bis heute bezeichnet Bernd Ickert
selbst als seine „sieben mageren Jahre“.
Zum Ausbildungsdirektor für die Lehramtsstudiengänge
gewählt, war ihm ein arbeitsintensives
Amt zugefallen, das nur wenig
Zeit zum Üben, geschweige denn zum Konzertieren
ließ. Oft sah man spät abends in
seinem Büro noch Licht brennen, wenn es
im Haus sonst schon überall dunkel war.
Proben statt Sitzungen
Mit dem Ende des Wintersemesters 2008/
2009 geht Bernd Ickert in Pension. Es ist
kein totaler Abschied, da er dem Haus als
Lehrbeauftragter noch erhalten bleiben wird.
31
Die Kollegen danken ihm und wünschen ihm
nun eine Zeit von mindestens sieben fetten
Jahren mit dem Studium musikalischer Werke
anstelle von Studienordnungen und mit
Kammermusikproben anstelle von Senatsund
Dekanatssitzungen.
Eike Wernhard, Professor für Klavier
an der HfMDK

3 Frankfurt in Takt 09/1
Ästhetische Erfahrungen
statt „fester Rezepte“
Dr. Maria Spychiger ist neue Professorin für Musikpädagogik
mit dem Schwerpunkt empirische Forschung
„Die Musik kann bei Menschen die Kraft einer chemischen Substanz
entfalten und das bewirken, was sonst nur Medikamente vermögen.“
Dr. Maria Spychiger sagt es ruhig, aber mit einer unüberhörbaren Eindringlichkeit.
„Ein enormes Instrument“ habe ein Musiklehrer also in
der Hand, wenn er vor seinen Schülern stehe. „Wir wissen darum“,
fährt die Schweizerin im Gespräch über ihre Arbeit fort; „wir arbeiten
aber zu wenig bewusst und systematisch damit.“ Dass sich dies ändern
soll, versteht Maria Spychiger als ein wichtiges Ziel ihrer Arbeit an der
HfMDK: Seit Oktober 2008 hat sie hier die Professur für Musikpädagogik
mit dem Schwerpunkt empirische Forschung inne. Mit ihr ist die
erste von drei Professuren besetzt, die die Musikpädagogik an der
Hochschule dauerhaft als bundesweites Kompetenzzentrum in
dieser Disziplin etablieren sollen.
Entscheidend ist für die promovierte und habilitierte Wissenschaftlerin,
die Musikpädagogik aus einem „Modernitätsdefizit“ zu befreien.
Als angewandte Wissenschaft dürfe sie nicht nur normative Aussagen
treffen, denen „feste Rezepte“ für die Anwendung im Unterricht
folgen. Vielmehr habe sie sich als moderne Disziplin der empirischen
Überprüfung zu stellen und selbst im Handwerk der sozialwissenschaftlichen
Forschung mitzuarbeiten. Was die allgemeine Pädagogik
als Wissenschaft vor 30 Jahren als Identität stiftenden Aufbruch
erlebte, habe die Musikpädagogik nun auch dringend in
Angriff zu nehmen: „In der Musikpädagogik ist dieser Zug jetzt
auch angekommen.“ Entsprechend hat die Forscherin auch ein
Drittmittelprojekt zum Thema „Musikalische Selbstkonzepte“
mit an die HfMDK gebracht, welches seit Februar läuft.
Die von Maria Spychiger als notwendig beschriebene Wende sei
allein schon dafür erforderlich, die Musikpädagogik dauerhaft als
akademische Disziplin zu legitimieren. Um der spannenden Antwort
näher zu kommen, wie musikalisches Lernen funktioniert,
müssten Musiklehrer an die Erfahrungswelt der Schüler anknüpfen.
Ästhetische Erfahrung als ein Bildungsziel erlebbar zu machen,
„das sollten wir ins Klassenzimmer hineinnehmen, ohne
Angst davor zu haben“, findet die Professorin.
„Primacanta“, das Projekt des aufbauenden Musikunterrichts, mit
dem die HfMDK dauerhaft alle Frankfurter Grundschüler zum
Singen anleiten will, nutzt Maria Spychiger bereits für eine empirische
Datensammlung. Beispielhaft für ihre Forschungshaltung
ist ihr aktuelles Hochschul-Seminar „Ästhetische Erfahrung und
ästhetische Entwicklung“: Studierende lernen hier empirisches
Arbeiten, indem sie unter anderem Interviews über ästhetische
Werte in ausgesuchten Familien führen und die Ergebnisse in
gemeinsamen Diskursen auswerten.
Die neue Musikpädagogik-Professorin kann ihre wissenschaftlichen
Erkenntnisse mit eigener praktischer Unterrichtserfahrung
verbinden: Mit dem Schweizer Lehrpatent für die Klassen eins
bis sechs hat sie mehrere Jahre als Lehrerin gearbeitet und auch
täglich Musik unterrichtet. Einige Jahre lehrte sie außerdem an
der Musikhochschule Luzern und war Forschungsbeauftragte der
Pädagogischen Hochschule Bern sowie Leiterin des Nachdiplomstudiums
„Didaktik der Musik“ der Universität Bern. Nach ihrem
Doktoratsstudium in Deutschland und den USA erfolgte 1995 die
Dissertation mit dem Titel „Mehr Musikunterricht an der öffentlichen
Schule? Entwicklung eines zeichentheoretischen Begründungsansatzes
als Alternative zur außermusikalischen Argumentation“.
Von 2002 bis 2007 arbeitete sie als Oberassistentin am Departement
Erziehungswissenschaften der Universität Fribourg, zuletzt
mit einem Forschungsaufenthalt im Rahmen eines Projektes
„Zur Entwicklung des professionellen Selbst von Musiklehrer/
innen“ an der Universität Mozarteum in Salzburg im Sommersemester
2007. Ihre Habilitationsschrift mit dem Thema „Musikalische
Aktivität und Bildung. Beiträge zu deren pädagogischpsychologischen
Grundlagen und Wirkungen“ wurde im Sommer
2008 von der Universität Potsdam angenommen. Darauf erhielt
Maria Spychiger die Doppelvenia Musikpädagogik / Musikpsychologie.
Ein anderes Spezialgebiet von ihr ist das Lernen aus
Fehlern und die Entwicklung von Fehlerkultur, weitere Lehrgebiete
die Pädagogische Kommunikation und Interaktion, die Psychologie
des Person-Welt Bezugs sowie die Qualitative Forschungsmethodik.
bjh

Frankfurt in Takt 09/1
„Man singt nur mit dem Herzen gut“
Tenor Thomas Heyer ist seit Oktober Professor für Gesang an der HfMDK
Thomas Heyer dürfte gerade neun Jahre alt
gewesen sein, als man ihn im niederrheinischen
Waldniel immer wieder auf Festen und Feiern
entdeckte – mit einem umgeschnallten Akkordeon
und der Freude, zum eigenen Spiel nach
Herzenslust zu singen. Sich musikalisch zu
äußern, war für ihn schon damals „so selbstverständlich
wie schwimmen oder Rad fahren“,
sagt er. Diese Haltung ist ihm auch noch heute
zu eigen. Seit Oktober 2008 ist der Tenor Thomas
Heyer Professor für Gesang an der HfMDK.
Sicher ist seine musikalische Sozialisation mitverantwortlich
für seine Überzeugung, dass
Singen „kein intellektueller Zustand ist. Das
Wesentliche beim Singen ist, dass man es emotional
macht. Sobald ich es wirklich emotional
steuere, wird es Musik.“
Schon in der Zeit seines Kölner Studiums der
Schulmusik war er von der Neugier getrieben,
die physiologischen Zusammenhänge des
Stimmapparates zu verstehen. Er hospitierte
bei unzähligen Sängern, leitete mit 18 Jahren
seinen eigenen Jugendchor und hatte sich als
20-jähriger Student bereits seine private Gesangsklasse
aufgebaut. Mit 23 Jahren, noch
während seines Lehramtsstudiums, holte ihn
die Hagener Oper zu seinem ersten Bühnenengagement
als Solist. Mit Mitte 20 besang der
Tenorsolist in der Kölner Philharmonie bereits
Beethovens „Ode an die Freude“ und sammelte
reichlich Erfahrung in der Oper und auf dem
Konzertpodium. „Als Student habe ich mir mein
Studium selbst finanziert“, erinnert er sich an
seine Studienzeit; „am Samstagabend bin ich
mit `Love me tender` aufgetreten, am Sonntagnachmittag
dann mit Haydns Schöpfung.“ Seine
Studien in Gesang und Gesangspädagogik
komplettierte er bei Prof. Arthur Janzen, Judith
Lindenbaum sowie bei den Kammersängern Prof.
Reinhard Leisenheimer und Kurt Moll. Internationale
Engagements folgten.
Die ersten Musikstudenten, die von Thomas
Heyers pädagogischer Begabung profitierten,
erlebten ihn als Lehrbeauftragten an der Universität
Siegen. Die dort von ihm initiierten Aufführungen
von Humperdincks Hänsel und Gretel
und Figaros Hochzeit, besetzt mit Studierenden
seiner Gesangsklasse, ließen erahnen, dass
33
Unterrichten für Thomas Heyer mehr mit Leidenschaft
als mit Pflicht zu tun hat. Mehrere
Semester unterrichtete er als Lehrbeauftragter
an der HfMDK, bevor er schließlich auf die
Professur von Karl Markus als sein Nachfolger
berufen wurde.
„Die Welt ist so, wie wir sie sehen“ und „Man
singt nur mit dem Herzen gut“ lauten zwei wichtige
Leitsätze von Thomas Heyer. Damit formuliert
er sein pädagogisches Selbstverständnis,
an stimmlichen Defiziten physiologisch – eher
im Sinne eines Trainings – zu arbeiten und gute
Anlagen zu verstärken. „Eine Stimme kann das,
was sie kann. Was sie nicht kann, muss man
zunächst der Muskulatur im Unterricht zeigen.
Eben eine klare Kompetenzverteilung zwischen
Schüler und Lehrer!“ Er ist sich sicher: „Ein
Mensch, der sich für ein Musikstudium entschlossen
hat, ist ja voll mit Musik. Wir müssen
ihn nur noch öffnen.“
Im Unterricht ist es dem Tenor wichtig, „als Lehrender
selbst Lernender zu bleiben“. In den ersten
Semestern eines Gesangsstudiums möchte
er für die Studierenden eine Bezugsperson sein:
Viermal pro Woche bekommt ein Gesangsstudent
bei ihm Unterricht: technische Einheiten
und jede Woche eine Klassenstunde. Aus stimmphysiologischer
Sicht sei ein junger Sänger anfangs
nicht in der Lage, so Heyers Überzeugung,
sich selbst zu unterrichten. Daher können in
seinem Unterricht so sinnfällige Sätze fallen wie:
„Hör auf zu üben und fang an zu singen!“
Für den mit einer Musikpädagogin verheirateten
Rheinländer ist die Gesangsprofessur schlicht
„sein Traumberuf“. Bis zu fünfmal im Jahr gibt
er zusätzlich Masterclasses in Europa und USA;
2010 folgt er einer Einladung zu einem Meisterkurs
in Kanada. Außerdem „gibt es für mich
keinen Tag, an dem ich nicht singe – das ist für
mich schlichtweg eine Lebensäußerung.“ Ganz
privat kann er das Musizieren übrigens auch
nicht lassen: Dann vertieft er sich am Klavier
in einen Band mit Schubert-Liedern. bjh

3 Frankfurt in Takt 09/1
Ein Experte von der
Vihuela da Mano bis zur E-Gitarre
Christopher Brandt ist neuer Professor für Gitarre und Methodik
Internationale Konzerttätigkeit, eine weitreichende, vom Anfängerbis
zum Hochschulbereich sich erstreckende musikpädagogische
Praxis, kompositorische Aktivitäten, Theaterarbeit und nicht zuletzt
eine Repertoirepflege von Renaissance bis Pop auf einem der vielseitigsten
Instrumente überhaupt: Das Beschäftigungsprofil von Christopher
Brandt, seit 2001 der Hochschule als Dozent und Vertretungsprofessor
verbunden und jetzt zum Professor für Gitarre und Methodik
sowie zum stellvertretenden Ausbildungsdirektor IGP ernannt, ist
vielfältig. „Man muss gut organisiert sein und sich Prioritäten setzen
können”, antwortet Brandt auf die Frage, wie er seine künstlerischen
und pädagogischen Aktivitäten unter einen Hut bekommt – „Eigenschaften,
die ich auch in der studentischen Ausbildung für essentiell
halte.” Gerade in der IGP sei es wichtig, sich möglichst vielfältig zu
qualifizieren, ohne an künstlerischer Professionalität und pädagogischem
Profil einzubüßen.
Dass Brandt selbst immer bemüht ist, dieser Prämisse zu folgen, lässt
sich aus seinem Werdegang ablesen: Dem Schulmusik- und Germanistikstudium
an der Frankfurter Musikhochschule und der Johann
Wolfgang Goethe-Universität schloss sich ein KA-Aufbaustudium
bei Prof. Michael Teuchert, ebenfalls in Frankfurt, an; ergänzt wird
es durch Musiktheoretische Studien bei Prof. Dr. Jürgen Blume
einerseits und E-Gitarrenunterricht bei Prof. Michael Sagmeister
andererseits. Nach „mit Auszeichnung“ absolviertem Staatsexamen
und Diplom schloss sich ein Konzertexamensstudium bei Prof.
Jürgen Ruck an der Musikhochschule Würzburg und ein Kompositionstudium
bei Toni Völker an der Akademie für Tonkunst in Darmstadt
an. Brandt erhielt darüber hinaus Preise als Gitarrist und
Komponist (u.a. Karl-Scheit-Gitarrenwettbewerb in Wien sowie
Carl-v.-Ossietzky-Kompositionspreis) und nahm an den Darmstädter
Ferienkursen und Meisterkursen unter anderen bei Karlheinz
Stockhausen teil.
Mit Ende seines Studiums setzte seine rege Konzerttätigkeit ein:
Vor allem bei den führenden Solistenensembles für Zeitgenössische
Musik (Ensemble Modern, Klangforum Wien, Musikfabrik
NRW) ist Brandt regelmäßig zu Gast, darüber hinaus bei vielen
deutschen Sinfonieorchestern und Opernhäusern. Brandt spielte
Ur- und Erstaufführungen von Olga Neuwirth, Wolfgang Rihm,
Helmut Lachenmann, Helmut Oehring, Moritz Eggert, Clemens
Gadenstätter und anderen und war bei den Wiener Festwochen,
der RuhrTriennale, dem New Yorker Lincoln Center Festival und
den Dresdner Tagen für zeitgenössische Musik zu Gast. „Wenn
man kompetent zeitgenössische Musik spielt, gilt man natürlich
schnell als ausschließlicher Neue Musik-Spezialist“, sagt Brandt
schmunzelnd. Deshalb sei ihm die Pflege des traditionellen Repertoires,
auch hinsichtlich seiner Unterrichtstätigkeit, ebenso
wichtig. Vor allem die Alte Musik und dort die Vihuela da Mano
haben es ihm angetan. Darüber hinaus ist Brandt seit langem im
Bereich der Musikvermittlung tätig, beispielsweise als Stipendiat
der Stiftung Live Music Now und im Rahmen des Projektes
Response – Neue Musik macht Schule.
„Meine erste Unterrichtsstunde gab ich, als ich selber gerade
erst zwei oder drei bekommen hatte. Seitdem ist das Unterrichten
eine Konstante in meinem Leben”, erklärt Christopher Brandt. Die
langjährige obligatorische Musikschultätigkeit in den Fächern
Gitarre, E-Gitarre und Theorie wurde ab 2001 ergänzt durch einen
Lehrauftrag an der Frankfurter Musikhochschule, anfangs für Theorie
und Musizierpraxis, bald natürlich vor allem für Gitarre. „Das
Instrument ist – schon allein des Übeaufwands wegen – immer
Zentrum meines Musikerlebens, und ich hoffe sehr, dass spätere
Studentengenerationen im IGP- und IuD-Bereich weiterhin die
Erfahrung machen, dass es wenig Beglückenderes gibt, als sich
an einem Instrument wirklich professionell auszubilden und die
Freiräume, die es dafür braucht, in Anspruch nehmen zu können.”

Frankfurt in Takt 09/1
Veranstaltungskalender 09 19.02.2009 11:49 Uhr Seite 1
Bühnenbildner, Dirigenten,
Dramaturgen, Komponisten,
Kulturmanager, Regisseure
BEWERBUNG
BIS
31. MAI 2009
Wir bieten interdisziplinären Austausch, Inszenierungsbesuche, Festival-
besuche, ein breites Netzwerk Musiktheaterbegeisterter, Unterstützung bei
praktischen Projekten
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die an Teamarbeit interessiert sind, in der Oper Verantwortung übernehmen
und Erfahrungen teilen möchten
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Altersgrenze: Jahrgang 1977
Akademie Musiktheater
heute
Stipendium 2009 – 2011
3

3 Frankfurt in Takt 09/1
Erfolge unserer Studierenden
Janine Neugebauer, Klarinette (Klasse Anton
Hollich), hat das Probespiel bei der Jungen
Deutschen Philharmonie gewonnen und fährt
im April auf ihre erste Probephase. Seit Januar
2009 ist sie außerdem Volontärin im
Staatstheater Darmstadt.
Oliver Krenz, Trompete (Klasse Prof. Klaus
Schuhwerk), ist in diesem Jahr Mitglied
des Gustav Mahler Orchesters.
Eva Haug, Harfe (Klasse Prof. Francoise
Friedrich), hat im Pariser Wettbewerb Clé d`Or
den ersten Preis mit Auszeichnung gewonnen.
Luisa Hoberg, Janine Neugebauer, Thomas
Sattel und Maxi Schulze, Klarinette (alle Klasse
Anton Hollich), wurden mit ihrem Klarinettenquartett
bei Live Music Now aufgenommen.
Miljan Milovic, Bariton (Klasse Prof. Hedwig
Fassbender), hat ein Festengagement in
Wuppertal erhalten.
Impressum
Frankfurt in Takt – Magazin der Hochschule für Musik
und Darstellende Kunst Frankfurt am Main
Eschersheimer Landstraße 29–39, 60322 Frankfurt am Main,
www.hfmdk-frankfurt.de
Herausgeber Thomas Rietschel, Präsident der HfMDK
Idee und Konzept Dr. Sylvia Dennerle
sylvia.dennerle@hfmdk-frankfurt.de; Telefon 069/154 007 170
Redaktion Björn Hadem (bjh) bhadem@arcor.de
Redaktionsbeirat Dr. Sylvia Dennerle, Christin Groß-Narten, Björn
Hadem, Thomas Rietschel, Frank Rosenberger, Prof. Marion Tiedtke
Autoren Prof. Stefan Bastians, Prof. Sibylle Cada, Dr. Julia Cloot,
Dr. Sylvia Dennerle, Beate Eichenberg (be), Prof. Hedwig Fassbender,
Björn Hadem, Lydia Hasselbach, Prof. Heidrun Kordes,
Prof. Hervé Laclau, Jonas Löffler, Prof. em. Gerhard Mantel,
Henrik Rabien, Frank Rosenberger, Thomas Rietschel,
Any Sargsyan, Sopran, und Sören Richter,
Tenor (beide Klasse Prof. Thomas Heyer),
werden im Sommer im Rahmen der Schlossfestspiele
Haldenstein die Partien der Micaela
bzw. des Dan Cairo in der Neuproduktion
der Carmen übernehmen.
Victor Perchyk, Klarinette (Klasse Anton Hollich),
hat das Probespiel für die Aushilfsstelle
der Soloklarinette beim SWR Baden-Baden
/ Freiburg gewonnen.
Katharina Wildermuth, Violine (Jungstudentin
Klasse Prof. Susanne Stoodt), und Karolina
Weltrowska, Violine (Klasse Prof. Priya
Mitchell), errangen je einen zweiten Preis bei
der Vergabe des Manfred-Grommek-Förderpreises
mit einem Preisgeld von je
2.500 Euro.
Karolina Weltrowska gewann mit ihrem
Quarrel Quartett den ersten Preis beim
Joseph Joachim Kammermusikwettbewerb
2008 in Weimar.
Friederike Ott, Schauspiel, hat ein Festengagement
am Staatstheater Wiesbaden erhalten.
Sebastian Klein, Schauspiel, hat ein Festengagement
an der Landesbühne Esslingen
erhalten.
Sebastian Kohlhepp, Gesang (Klasse Prof.
Hedwig Fassbender), ist seit Januar Stipendiat
der Frankfurter ArteMusica-Stiftung für
Kunst und Kultur. Die 2001 gegründete Stiftung
fördert unter anderem junge Künstler
wie Musiker/Innen und Sänger/Innen.
Martin Hiendl, Komposition (Klasse Prof.
Gerhard Müller-Hornbach), erhält das zweite,
mit 10.000 Euro ausgestattete Bernhard
Scheuble-Stipendium der HfMDK für ein
Akademisches Auslandsjahr. Er studiert
ab dem Herbst an der University of San
Diego, USA.
Prof. Yurgen Schoora, Prof. Eike Wernhard
Titelmotiv Violinstudentin Marianne Sohler im Unterricht
bei Prof. Walter Forchert
Fotos Björn Hadem (47), Andreas Kober (1)
Layout Opak Werbeagentur GmbH, Münchener Str. 45,
60329 Frankfurt am Main
Anzeigen Björn Hadem (es gilt die Preisliste 02/2009)
Erscheinungsweise jeweils zu Beginn des Semesters
Druck VARIO PLUS Druck GmbH, Flinschstr. 61,
60388 Frankfurt am Main
Spendenkonto 200 138 090, BLZ 500 502 01, Fraspa 1822
Überweisungen aus dem Ausland International Payments
IBAN: DE71 5005 0201 0200 1380 90;
SWIFT-BIC: HELADEF1822

gegr. 1868
WEINKELLEREI • WEINBRENNEREI • RÜDESHEIM AM RHEIN
Wir sind ein Unternehmen mit mehr als 125jähriger Tradition.
Auf Schloß Boosenburg, dem Sitz der Familie Carl Jung, widmen wir
uns der Pflege von Wein und Erzeugnissen aus Wein.
ALKOHOLFREIE WEINE
Eine Spezialität, die wir aus ausgesuchten Weinen durch schonenden
Entzug des Alkohols herstellen. Unsere alkoholfreien Weine
sind eine elegante und wohlschmeckende Alternative für alle, die
auf Alkohol verzichten wollen oder müssen, den Genuß eines guten
Glases Wein aber zu schätzen wissen.
RHEINGAUER ERZEUGERABFÜLLUNGEN
Zum Weingut Schloß Boosenberg gehören Schiefersteillagen von Lorch,
Assmannshausen sowie in Rüdesheim die weltberühmte, direkt
am Ufer des Rheins gelegene Weinbergslage „Rüdesheimer Rosengarten“.
Es werden ausschließlich Riesling und Spätburgunder Weine
von hoher Qualität ausgebaut, die bei Weinprämierungen zahlreiche
Auszeichnungen erhielten.
WEINBRAND
Ausgesuchte Grundweine und ein spezielles Vakuum-Destillationsverfahren
begründen die Sonderstellung unserer Weinbrände als Spitzenerzeugnisse
von besonders milder und weiniger Art.
CARL JUNG GMBH
Rheinstraße 3 • D-65385 Rüdesheim am Rhein
Telefon 06722 904 90 • Fax 06722 475 36