Publikation ARTE BRATISLAVA by MIKIZZANER 2025

PUBLIKATION

ARTE BRATISLAVA 2025

powered by Plattform Mikizzaner

Thank you Bratislava

MEISTERWERKE

von KÜNSTLER:INNEN

PLATTFORM MIKIZZANER 2025

ISBN: 978-3-903604-73-5

MASTERPIECES

from Artists

PLATFORM MIKIZZANER 2025

1

Inhaltsverzeichnis

ISBN: 978-3-903604-73-5

Präsident Gerhard Fruhmann, MA 8

Kuratoren Dr. Moza Loboslav und Ing. Michaela Lukmann 9 – 12

Artfacts 13

Arthena MAXX 14-26

Alartea Doro 27-36

Antonia von Gallenstein 37-46

Elli Belli 47-54

Elke Hubmann-Kniely 55-65

Erwin Lind 66-78

Heidrun Kirzenberger 79-89

Gabriele Hirsch 90-101

Gerald Mandl 102-112

Irmgard Götzl 113-122

Kerstin Kager 123-132

Lila Herderberg 133-140

Malo Magic Blue 141-148

Manuela Eibensteiner 149-158

Manfred Thier 159-169

Margot Holzapfel 170-178

Nora Powoden 179-188

Peter Troißinger 189-201

Renata Kunst 202-217

Regina Peier 218-228

Waltraut Chimani 229-239

Woman-ART 2.0 240-257

Artmodel Viktoria MAXX 258-262

Mikizzanerband: LiLa Herderberg & Blue Gecko 263-268

Impressionen 269-274

Pressespiegel und Social Media 275-282

Impressum 283

Plattform Mikizzaner 284

Kontakt 285

ARTE BRATISLAVA 2025 powered by Plattform Mikizzaner

2

Liebe Grüße von ARTE BRATISLAVA 2025 – Best Greetings from ARTE BRATISLAVA 2025

Arthena MAXX

Alartea Doro

Antonia von Galenstein

DieMAXXo

Elli Belli

Elke Hubmann-Kniely

LiLA Herderberg

MaLo Magic Blue

Manuela Eibensteiner

Manfred Thier

Margot Holzapfel

Nora Powoden

Erwin Lind

Heidrun Kirzenberger

Gabriele Hirsch

Gerald Mandl

Irmgard Götzl

Kerstin Kager

Peter Troißinger

Renate Kunst

Regina Peier

Waltraut Chimani

Woman-Art 2.0

ARTWORKS from ARTE BRATISLAVA by MIKIZZANER 2025

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Welcome in BRATISLAVA

www.mikizzaner.at

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6

7

Vorwort Präsident

Gerhard Fruhmann, MA

Liebe Kunstliebhaberinnen und Kunstliebhaber, Freunde der

Plattform Mikizzaner,

als Präsident der Plattform Mikizzaner, Gerhard Fruhmann, MA, ist es

mir eine große Freude, Sie zur Veröffentlichung der Arte Bratislava by

Mikizzaner 2025 willkommen zu heißen. Dieses Werk zelebriert die

Vielfalt und Tiefe der Kunstszene und spiegelt die Vision wider, die

uns alle verbindet: Kreativität als Brücke zwischen Kulturen und

Menschen.Die Arte Bratislava ist mehr als eine Publikation – sie ist

ein Zeugnis für den Dialog der Kunst. Sie gibt den Künstler:innen eine

Bühne, ihre Werke zu präsentieren, ihre Gedanken zu teilen und dabei

Emotionen zu wecken. Gleichzeitig bietet sie den Leser:innen die

Möglichkeit, sich von den zahlreichen Facetten inspirieren zu lassen

und sich in die Welt der Farben, Formen und Gedankenwelten zu

vertiefen.

Mit Stolz blicke ich auf die Zusammenarbeit aller Beteiligten –

Künstler:innen, Förder:innen, Kurator:innen und Unterstützer:innen.

Ihre Hingabe und Leidenschaft sind der Schlüssel zu dieser

beeindruckenden Sammlung, die die Essenz der Arte Bratislava

einfängt und weit über die Grenzen eines bloßen Buches hinausgeht.

Ich lade Sie ein, diese Publikation als Einladung zu betrachten, Kunst

nicht nur zu sehen, sondern zu erleben, und die verbindende Kraft der

Kreativität zu feiern. Möge sie bereichern, inspirieren und dazu

beitragen, Kunst in all ihren Formen und Bedeutungen zu würdigen.

Herzlichen Dank für Ihr Interesse und Ihre Unterstützung.

Gemeinsam machen wir die Arte Bratislava zu einem Leuchtturm der

Kunst und Kultur.

Mit den besten Grüßen,

Gerhard Fruhmann, MA Präsident der Plattform Mikizzaner

Preface by President

Gerhard Fruhmann, MA

Dear art enthusiasts and friends of the Mikizzaner platform,

As President of the Mikizzaner platform, Gerhard Fruhmann,

MA, it is my great pleasure to welcome you to the publication of

Arte Bratislava by Mikizzaner 2025. This work celebrates the

diversity and depth of the art scene and reflects the vision that

unites us all: creativity as a bridge between cultures and

people.

Arte Bratislava is more than a publication—it is a testament to

the dialogue of art. It provides artists with a stage to present

their works, share their thoughts, and evoke emotions. At the

same time, it offers readers the opportunity to be inspired by its

many facets and immerse themselves in the world of colors,

forms, and ideas.

I look back with pride on the collaboration of all those

involved—artists, sponsors, curators, and supporters. Their

dedication and passion are the key to this impressive

collection, which captures the essence of Arte Bratislava and

goes far beyond the boundaries of a mere book.

I invite you to see this publication as an invitation to not only

view art but also experience it, and to celebrate the unifying

power of creativity. May it enrich, inspire, and contribute to

appreciating art in all its forms and meanings.

Thank you for your interest and support. Together, we make

Arte Bratislava a beacon of art and culture.

With best regards,

Gerhard Fruhmann, MA President of the Mikizzaner Platform

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KURATIERT

von

Dr. MOZA LUBOSLAV

und

ING. MICHAELA LUKMANN

9

Vorwort Kurator

Dr. Moza Luboslav

Es ist mir eine besondere Freude, die Arte Bratislava

by Mikizzaner 2025 zu eröffnen – eine

außergewöhnliche Ausstellung, die die Bedeutung

von Kunst als verbindendes Element in unserer

vielfältigen Gesellschaft eindrucksvoll demonstriert.

Kunst hat die einzigartige Fähigkeit, Menschen,

Städte und Länder zu verbinden, und in der heutigen

Europäischen Union ist sie ein wesentlicher

Bestandteil des kulturellen Dialogs.

Die Vielfalt der hier präsentierten Kunststile ist mehr

als nur eine visuelle Erfahrung; sie ist eine Einladung,

über Grenzen und Zeiten hinweg eine geistige

Kommunikation zu pflegen. Die gezeigten Werke,

erschaffen von den talentierten Mitgliedern des

Künstlerkollektivs Plattform Mikizzaner, verkörpern

eine unabhängige, freie Kunst. Diese Werke erinnern

uns an die ursprüngliche und wesentliche Aufgabe

der Kunst: den Austausch von Gedanken, die

Anregung von Inspiration und die Förderung des

Verständnisses zwischen den Kulturen.

Möge diese Ausstellung ein Ort der Begegnung und

des Dialogs sein, der uns alle inspiriert und die Kraft

der Kunst als universelle Sprache bekräftigt.

Dr. Ľuboslav Moza Kurator, Arte Bratislava by

Mikizzaner 2025

Preface by Curator

Dr. Moza Luboslav

It is my great pleasure to open the Arte Bratislava by

Mikizzaner 2025 – an extraordinary exhibition that

impressively highlights the significance of art as a

unifying element in our diverse society.

Art possesses the unique ability to connect people,

cities, and countries, and within today's European

Union, it is a vital component of cultural dialogue.

The diversity of artistic styles presented here is

more than a mere visual experience; it is an

invitation to foster intellectual communication

across borders and eras.

The works showcased, created by the talented

members of the artist collective Plattform

Mikizzaner, embody independent and free art.

These pieces remind us of the original and

essential purpose of art: to exchange ideas, ignite

inspiration, and promote understanding between

cultures.

May this exhibition become a place of connection

and dialogue, inspiring us all and reaffirming the

power of art as a universal language.

Dr. Ľuboslav Moza Curator, Arte Bratislava by

Mikizzaner 2025

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Vorwort Kuratorin

Ing. Michaela Lukmann

Arte Bratislava by Mikizzaner 2025 Von Ing. Michaela Lukmann,

Kuratorin und Organisatorin

Mit großer Freude präsentiere ich Ihnen die Publikation zur Arte

Bratislava by Mikizzaner 2025, einem Projekt, das Kunst, Vision und

kulturelle Vielfalt vereint. Diese Ausstellung ist mehr als nur eine

Sammlung künstlerischer Werke – sie ist ein lebendiger Ausdruck

dessen, was Kunst in unserer modernen Welt bewirken kann.

Die Arte Bratislava 2025 bringt ausgewählte Künstler:innen

zusammen, deren Werke sowohl eine individuelle Handschrift

tragen als auch den Dialog zwischen verschiedenen Kulturen und

Perspektiven fördern. Bratislava, als pulsierende und kulturell

reiche Stadt, dient als perfekte Bühne für diese kreative

Begegnung.

Die präsentierten Werke regen dazu an, über Geschlechterrollen,

Identität und die Kraft der Kreativität nachzudenken.

Ich möchte meinen Dank an alle Künstler:innen, Partner:innen und

Unterstützer:innen aussprechen, die dieses herausragende

Ereignis ermöglicht haben. Ihre Beiträge und Ihr Engagement

machen die Arte Bratislava 2025 zu einem Ort der Inspiration und

Reflexion.

Diese Publikation soll nicht nur dokumentieren, sondern auch

einen bleibenden Eindruck hinterlassen – als Zeugnis einer

Veranstaltung, die die verbindende Kraft der Kunst feiert. Ich lade

Sie ein, sich von den Werken, Geschichten und Ideen inspirieren

zu lassen, die in dieser besonderen Publikation zusammengeführt

wurden.

Mit den besten Wünschen für eine bereichernde und inspirierende

Reise durch die Welt der Arte Bratislava 2025.

Ihre, Ing. Michaela Lukmann Kuratorin und Organisatorin der Arte

Bratislava by Mikizzaner 2025

Preface by Curator

Ing. Michaela Lukmann

Arte Bratislava by Mikizzaner 2025 By Ing. Michaela

Lukmann, Curator and Organizer

It is with great joy that I present to you the publication

of Arte Bratislava by Mikizzaner 2025, a project that

unites art, vision, and cultural diversity. This

exhibition is more than just a collection of artistic

works—it is a vivid expression of what art can achieve

in our modern world.

Arte Bratislava 2025 brings together selected artists

whose works bear unique signatures while fostering

dialogue between different cultures and

perspectives. Bratislava, a vibrant and culturally rich

city, serves as the perfect stage for this creative

encounter.

The featured works encourage reflection on gender

roles, identity, and the power of creativity.

I would like to extend my heartfelt gratitude to all the

artists, partners, and supporters who made this

outstanding event possible. Your contributions and

dedication transform Arte Bratislava 2025 into a

space of inspiration and reflection.

This publication aims not only to document but also

to leave a lasting impression—as a testament to an

event that celebrates the unifying power of art. I invite

you to immerse yourself in the works, stories, and

ideas brought together in this special publication.

With my best wishes for a rewarding and inspiring

journey through the world of Arte Bratislava 2025.

Yours sincerely, Ing. Michaela Lukmann Curator and

Organizer of Arte Bratislava by Mikizzaner 2025 12

ARTFACTS

Arte Bratislava By Mikizzaner 2025 - Masterpieces Of Artist | Group Exhibition | Artfacts

13

DieMaxxo | Artist | Artfacts

Arthena Maxx | Artist | Artfacts

ARTHENA MAXX

DIEMAXXO

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Arthena Maxx alias Michaela Lukmann(*1969 in Bärnbach, Österreich) lebt und arbeitet in Bärnbach.

Arthena Maxx ist international bekannt für ihre ARTDRESS Skulpturen, großflächige öffentliche Installationen, Art &

Musicshows, Fotografie und Arbeiten auf Stoffe, Leinwand sowie Papier, die philosophische Konzepte

herausfordern, indem sie die Lösungen der Grenzen verändert.

Ihre unverwechselbare künstlerische Bildsprache umfasst Reflexion der Zeitgenösse, greift Themen auf rundum

das Wesen Mensch, fordert auf über unsere Realität und soziale Strukturen nachzudenken.

Oft neigt sie zum farbenfrohen kindlich verspielten Absurden und verwandelt ein Kunstwerk bei genauer

Betrachtung und Analyse zum Mahnmal von allgemein akzeptierten. Ihr poetisches Werk der Farbe auf Stoff

gemalt und zu großen Gemälde gewandelt, stört das vertraute Design und sucht mit der Kreativität nach neuen

Erklärungen, um unsere Welt zu verbessern. Mit Ihrer Definition der Frauenkunst als eigene Kunstform, erkennbar

gemacht über einen Dreieckigen Keilrahmen ist ein Meilenstein in der Kunstwelt.

Arthena MAXX hat in zahlreichen international angesehenen Institutionen, Galerien, Kunstmessen ausgestellt,

darunter das Hong Art Museum Chongqing, Museum Bellini in Florenz, auf der Art Miami 2019, Art Muc 2021,

Präsentation auf der 60. Biennale di Venezia im Jahr 2024. In den letzten Jahren hat sie zunehmend im öffentlichen

Raum gearbeitet und den weltgrößten Outdoorfries von Frauenhand, unter dem Titel BÄRN-ART Friess, als

weitläufige Installation mit 38m * 3,5m geschaffen, der auf die aktuellen Krisen der menschlichen Spezies im

Bereich Frieden und Klimakrise reflektiert und beschützend als natürliches Phänomen über ihre Heimatregion

wirkt.

Im Jahr 2021 erhielt Arthena Maxx, die in Serien arbeitet, katalogisiert und quartalweise ihren Marktwert

gutachterlich bewerten ließ, die Wertpapiertauglichkeit zur Verbriefung ihrer Werke, somit können Sammler Werke

von Arthena Maxx ohne Verkauf refinanzieren. Artfacts bestätigt diese werthaltige, stabile Entwicklung der

Künstlerin international.

Zwei Skulpturen als Obelisken und riesige Metallkugeln, die die Lebensspuren unseres Sonnensystems darstellen,

werden dauerhaft in Voitsberg (Österreich) platziert. Sie hat ihre Heimatregion zur Kunstregion gewandelt und mit

ihrem Kunsthaus Mikizzaner, Bärn-Art Kunstobjekte zu einem Hotspot der zeitgenössischen Kunst erhoben, dies

ihr 2021 ins AESTHETICA Magazin verholfen hat.

In den Jahren 2023,2024 entstanden die ersten ART & MUSIC SHOWACTS , wo erstmals in Rahmen einer

Schlagershow, die eigens komponierten Songs, mit Tanzact, Artdresskunst, Videoartshow, Artmodels,

Bodypainting, zu einer Genre übergreifenden Revue ihren Platz in der Welt bekam.

Weitere bemerkenswerte Arbeiten sind der BÄRN-ART INDOOR Fries, der parallel zudem BÄRN-ART OUTDOOR

Fries geschaffen wurde und international auf Kunstmessen in ganz Europa bis zum Ende 2025 gezeigt wird.

Ihre Werke sind Teil einiger privater Sammlungen, darunter Kunstsammlung Redi in Florenz, sowie die umfassende

Sammlung „JULBIAEL“ von ca. 1800 ihrer Werke in 62 Zyklen katalogisiert bzw. beschrieben.

Ihr Anliegen ist es nicht nur die Etablierung am internationalen Kunstmarkt, sondern ihre Kunst zu einem

wertsteigernden Vermögenswert, anerkannt für die Finanzwirtschaft zu Lebzeiten zu etablieren.

ARTHENA MAXX

DIEMAXXO

15

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ARTHENA MAXX

„SCHUTZSCHILD des SCHMERZES“

100*200 cm

Oilfarben,Acrylfarben,

Lack

Schütttechnik, Spachteltechnik

Vergoldet

PREIS: 7.500,00 EUR

(Preis exkl. 13% MWST.)

ARTHENA MAXX

"SHIELD OF PAIN"

Dimensions: 100 x 200 cm

Materials: Oil paints, acrylics, lacquer

Techniques: Pouring technique, palette knife technique,

Gilding

Price: 7,500.00 EUR

(Price excl. 13% VAT)

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© Philosophische Interpretation von Kuratorin Ing. Michaela Lukmann © Philosophical Interpretation by Curator Ing. Michaela Lukmann

WERKBESCHREIBUNG

„SCHUTZSCHILD des SCHMERZES“

Die Artdress-Skulptur "Schutzschild des Schmerzes" von Arthena Maxx ist

eine kraftvolle und tiefgründige Hommage an die Sinnlosigkeit von Krieg und

Gewalt. Sie vereint symbolische Elemente und emotionale Intensität, um die

zerstörerischen Auswirkungen von Macht und Konflikt auf die menschliche

Seele zu reflektieren.

Das zentrale Element der Skulptur ist ein Hochzeitskleid, das mit Szenen von

Blut und Gold bemalt wurde. Diese kontrastierende Farbgebung symbolisiert

sowohl die Brutalität und den Schmerz als auch die Hoffnung und den Wert

des Lebens. Die Darstellung einer jungen Frau, deren Körper von Schmerz

verzerrt ist, verstärkt die emotionale Wirkung des Werkes. Sie steht als

Sinnbild für die Opfer von Gewalt und die Zerbrechlichkeit des menschlichen

Daseins.

Der Kopf der Skulptur, geformt als ein Dreieck mit der Spitze nach vorne und

weiteren Dreiecken mit Spitzen nach oben, dient als Schutzschild. Dieser

Schutzschild scheint den Feind abzuwehren, doch die zentrale Frage bleibt:

Wer ist der Feind? Ist es der Mensch selbst, der sich durch Macht und

Gewalt zerstört?

Die Skulptur fordert den Betrachter auf, über die Sinnlosigkeit von Macht und

die zerstörerischen Konsequenzen ihrer "Teufelskinder" – Krieg und Gewalt –

nachzudenken. Sie stellt die Frage, ob der Mensch in der Lage ist, sich selbst

zu überwinden und die destruktiven Muster zu durchbrechen, die ihn immer

wieder in Konflikte führen.

"Schutzschild des Schmerzes" ist nicht nur ein Kunstwerk, sondern ein

philosophischer Appell. Es lädt dazu ein, die eigene Rolle in der Welt zu

hinterfragen und die Möglichkeit einer friedlicheren und harmonischeren

Existenz zu erkunden. Arthena Maxx gelingt es, mit dieser Skulptur die

Grenzen zwischen Kunst und Philosophie zu verschmelzen und eine

universelle Botschaft zu vermitteln, die weit über den Moment hinaus wirkt.

DESCRIPTION of the ARTWORK:

"SHIELD OF PAIN"

The ArtDress sculpture "Shield of Pain" by Arthena Maxx is a

powerful and profound homage to the futility of war and violence.

It combines symbolic elements and emotional intensity to reflect the

destructive impact of power and conflict on the human soul.

The central element of the sculpture is a wedding dress painted with

scenes of blood and gold. This contrasting use of colors symbolizes

both brutality and pain, as well as hope and the value of life. The

depiction of a young woman, whose body is distorted by pain,

amplifies the emotional depth of the work. She stands as an emblem

of the victims of violence and the fragility of human existence.

The head of the sculpture, shaped like a triangle pointing forward with

additional triangles pointing upward, serves as a shield. This shield

appears to repel the enemy, yet the central question remains: Who is

the enemy? Is it humanity itself, destroying itself through power and

violence?

The sculpture invites viewers to reflect on the senselessness of power

and its "children of evil"—war and violence. It raises the question of

whether humanity can overcome itself and break free from the

destructive patterns that lead to endless conflict.

"Shield of Pain" is not merely an artwork; it is a philosophical call to

action. It urges individuals to examine their role in the world and

explore the possibility of a more peaceful and harmonious existence.

Arthena Maxx succeeds in merging the realms of art and philosophy

with this sculpture, delivering a universal message that resonates far

beyond the present moment.

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Arthena Maxx, also known as Michaela Lukmann (1969 in Bärnbach, Austria), lives and works in Bärnbach.

Arthena Maxx is internationally renowned for her ARTDRESS sculptures, large-scale public installations, Art &

Music shows, photography, and works on fabric, canvas, and paper that challenge philosophical concepts by

redefining boundaries.

Her distinctive artistic language reflects contemporary issues, delves into themes surrounding human nature, and

encourages reflection on reality and social structures. She often gravitates toward colorful, playful absurdity,

turning artworks upon closer inspection and analysis into powerful memorials to commonly accepted norms. Her

poetic creations—painted on fabric and transformed into large-scale paintings—disrupt familiar designs and seek

creative new explanations to improve our world. With her definition of "Women’s Art" as a unique art form,

symbolized through triangular stretcher frames, she has achieved a groundbreaking milestone in the art world.

Arthena Maxx’s works have been exhibited in numerous internationally recognized institutions, galleries, and art

fairs, including the Hong Art Museum Chongqing, Museum Bellini in Florence, Art Miami 2019, Art Muc 2021, and

her presentation at the 60th Biennale di Venezia in 2024. In recent years, she has increasingly worked in public

spaces, creating the world’s largest outdoor frieze by a female artist titled BÄRN-ART Frieze—a sprawling

installation measuring 38 meters by 3.5 meters that reflects current global crises concerning peace and climate

change while serving as a protective natural phenomenon over her home region.

In 2021, Arthena Maxx achieved a significant milestone: her artwork, produced in catalogued series, was

professionally appraised quarterly to determine its market value. Her creations gained eligibility for securitization,

allowing collectors to refinance her works without selling them. Artfacts confirms her valuable and stable

international development as an artist.

Two sculptures—obelisks and large metal spheres that symbolize the life traces of our solar system—are

permanently placed in Voitsberg, Austria. She has transformed her home region into a hub for contemporary art

with her Mikizzaner Art House and BÄRN-ART artistic objects, earning her a feature in AESTHETICA magazine in

2021.

In 2023 and 2024, Arthena Maxx debuted her first Art & Music Show Acts, merging unique compositions, dance

performances, ARTDRESS artistry, video art shows, art models, and body painting into a groundbreaking crossgenre

revue within a Schlager show.

Further noteworthy works include the BÄRN-ART Indoor Frieze, created alongside the BÄRN-ART Outdoor Frieze,

which will be showcased at international art fairs throughout Europe until the end of 2025.

Her pieces form part of several private collections, including the Redi Art Collection in Florence and the

comprehensive JULBIAEL Collection comprising approximately 1,800 of her works catalogued in 62 cycles.

Arthena Maxx’s mission is not only to establish herself in the international art market but also to elevate her art

into a valuable asset recognized by the financial sector during her lifetime.

ARTHENA MAXX

DIEMAXXO

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ARTHENA MAXX

„Frozen Man“

120*120 cm


Kreide, Lack


Vergoldet

PREIS: 7.000,00 EUR


ARTHENA MAXX

„FROZEN MAN"




Gilding

Price: 7,000.00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„FROZENMAN“

Das Gemälde zeigt einen Mann, der von Eis bedeckt ist. Seine Haare

sind zu Eiszapfen gefroren, die von seinem Kopf herabhängen. Seine

Nase ist rot und läuft, als ob er erkältet wäre. Sein Gesichtsausdruck ist

gequält und verzweifelt. Er scheint zu frieren und zu leiden.

Das Gemälde hat einen blauen und grünen Farbton, der die Kälte und

Trostlosigkeit der Szene vermittelt.

Der Titel „Frozenman“ ist eine Anspielung auf die extremen

Klimaschwankungen der letzten Jahre, die zu ungewöhnlichen

Wetterphänomenen wie Schneestürmen, Hitzewellen und Dürren

geführt haben. Das Gemälde ist eine Kritik an der globalen Erwärmung

und ihren Folgen für die Menschen und die Umwelt.

Das Gemälde ist auf einem großen Stück Jeansstoff gemalt, das auf die

Leinwand geklebt wurde und mit einzigartiger Textur umrandet, dies

einen rustikales Flair verleiht.

Die Basis (Schüttelemente) entstanden parallel zu meinem

Lebenswerk Outdoor-Fries BÄRN-ART als 1ster weltgrößter Fries jemals

von einer Frau entworfen und umgesetzt.


“FROZENMAN"

The painting depicts a man covered in ice. His hair has frozen into

icicles hanging from his head. His nose is red and running, as if he has

a cold. His facial expression is anguished and desperate.

He appears to be freezing and suffering. The painting features shades

of blue and green, conveying the cold and desolation of the scene.

The title "Frozenman" is a reference to the extreme climate fluctuations

of recent years, which have led to unusual weather phenomena such

as snowstorms, heatwaves, and droughts.

The painting serves as a critique of global warming and its impact on

people and the environment.

The artwork is painted on a large piece of denim that has been glued to

the canvas and bordered with a unique texture, giving it a rustic flair.

The foundation (pouring elements) was created alongside my life's

work, the Outdoor-Fries BÄRN-ART, the first and largest frieze ever

designed and realized by a woman.

Aus dem abstrakten Gemälde arbeitete Arthena Maxx intuitiv und

spontan die realistischen Elemente heraus.

From the abstract painting, Arthena Maxx intuitively and spontaneously

brought out the realistic elements.

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ARTHENA MAXX

„FACEPUK“

120*120 cm


Kreide, Lack


Vergoldet

PREIS: 7.000,00 EUR


ARTHENA MAXX

„FACEPUK"




Gilding

Price: 7,000.00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„FACEPUK“

Das Gemälde zeigt zwei Gesichter, die sich in ihrer Form und Farbe

unterscheiden, aber beide einen leeren Blick haben. Sie scheinen in

die gleiche Richtung zu schauen, aber nicht aufeinander oder auf

etwas Bestimmtes.

Das Gemälde hat einen dunklen Hintergrund, der die Isolation und

Einsamkeit der Figuren betont.

Der Titel FACEpuk ist eine Anspielung auf die populäre Social-Media-

Plattform Facebook, die oft kritisiert wird, weil sie die Menschen von

der realen Welt ablenkt und ihnen eine falsche Vorstellung von sich

selbst und anderen vermittelt.

Das Gemälde ist eine Hommage an die Besessenheit der heutigen

Generation mit Social Media, aber auch eine Warnung vor den

negativen Folgen dieser Abhängigkeit.

Das Gemälde ist auf einem großen Stück Jeansstoff gemalt, das auf

die Leinwand geklebt wurde und mit einzigartiger Textur umrandet,

dies einen rustikales Flair verleiht.

Die Basis (Schüttelemente) entstanden parallel zu meinem

Lebenswerk Outdoor-Fries BÄRN-ART als 1ster weltgrößter Fries

jemals von einer Frau entworfen und umgesetzt.

Aus dem abstrakten Gemälde arbeitete Arthena Maxx intuitiv und

spontan die realistischen Elemente heraus.


“FACEPUK"

The painting depicts two faces that differ in shape and color, but

both have a vacant gaze.

They seem to look in the same direction but neither at each

other nor at anything specific.

The painting features a dark background, emphasizing the

isolation and loneliness of the figures. The title FACEpuk is a

play on the popular social media platform Facebook, which is

often criticized for distracting people from the real world and

giving them a distorted perception of themselves and others.

The painting serves as both a homage to today's generation's

obsession with social media and a warning about the negative

consequences of this dependence.

The artwork is painted on a large piece of denim, which has

been adhered to the canvas and bordered with a unique texture,

giving it a rustic flair.

The foundation (pouring elements) was developed alongside my

life's work, the Outdoor-Fries BÄRN-ART, the first and largest

frieze ever designed and realized by a woman.

From the abstract painting, Arthena Maxx intuitively and

spontaneously brought out the realistic elements.

24

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ARTE BRATISLAVA by MIKIZZANER 2025

powerd by Plattform Mikizzaner

Teilnahmebestätigung

Wir bescheinigen hiermit, dass

ARTHENA MAXX & DieMAXXo

an der ART BRATISLAVA by MIKIZZANER als etablierte Künstlerin teilgenommen hat,

die vom 18. März 2025 bis 30. März 2025

in der Galerie vom Rathaus Bratislava Primacialny palac, stattfand.

Wir danken der Künstlerin für ihren wertvollen Beitrag zur Förderung der Kunstszene und gratulieren ihr zu ihrer kreativen Schaffenskraft.

Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava

PLATTFORM & KUNSTHAUS MIKIZZANER

Kuratorin Ing. Michaela Lukmann

18. März 2025, Bratislava

Diese Ausstellung wurde auf ARTFACTS gelistet.

Petra Schöpf | Artist | Artfacts

Alartea Doro | Artist | Artfacts

ALARTEA DORO

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Petra Schöpf Puregger Petra Schöpf Puregger ist eine Porträtkünstlerin

aus der Steiermark, die durch ihre präzise und ausdrucksstarke

Darstellung von Gesichtern besticht.

Ihre Werke fangen nicht nur die äußeren Merkmale, sondern auch die

inneren Emotionen und die Persönlichkeit der porträtierten Menschen

ein.

Mit einem geschulten Auge für Details und einem tiefen Verständnis für

menschliche Ausdrucksformen erschafft sie Bilder, die Geschichten

erzählen und den Betrachter berühren.

Ihre Kunst ist geprägt von technischer Raffinesse und einer intuitiven

Herangehensweise.

Petra Schöpf Puregger versteht es, den Charakter und die Seele ihrer

Modelle in ihren Porträts lebendig werden zu lassen, und schafft damit

zeitlose Werke, die weit über das rein Visuelle hinausgehen.

Ihr Fokus liegt darauf, die Individualität und Tiefe jedes einzelnen

Menschen in ihren Gemälden zu erfassen und in einer Verbindung von

Realismus und künstlerischer Freiheit zu verewigen.

ALARTEA DORO

alias Petra Schöpf

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ALARTEA DORO

„POPART I“

50*70 cm

Goucha, Collage auf Leinwand

PREIS: 1.900,00 EUR


ALARTEA DORO

„POPART I“

50*70 cm


Materials: Goucha, Collage on canvas

Price: 1,900.00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„POPART I“

"Andy Warhol: Wurzeln und Vermächtnis" Dieses Porträt, gemalt von

Petra Schöpf Puregger für die Arte Bratislava, steht als beeindruckende

Hommage an Andy Warhol und würdigt seine Herkunft und Verbindung

zur Slowakei. Mit einer meisterhaften Balance aus Schwarz-Weiß-Tönen

greift das Gemälde die Ästhetik der Pop-Art auf – eine Kunstrichtung, die

mit Warhols bahnbrechenden Werken untrennbar verbunden ist – und

enthält kleine, angeklebte Plastikbananen als Tribut an sein ikonisches

Bananenbild, das bei der Art Miami 2019 ausgestellt wurde.

In dieser Komposition erforscht Schöpf Puregger die Dualität Warhols als

Künstler: Der starke Kontrast von Schwarz und Weiß symbolisiert die

Verbindung zwischen Warhols Ursprüngen und seiner

transformierenden Rolle in der modernen Kunst. Es hebt die

Verwurzelung in seiner slowakischen Herkunft hervor und reflektiert

gleichzeitig die Universalität seines Einflusses, der über Grenzen hinweg

wirkt. Die Plastikbananen fügen eine spielerische, aber auch

nachdenkliche Ebene hinzu, die Humor mit Hommage verbindet – ein

Hinweis auf Warhols Fähigkeit, traditionelle Kunstwahrnehmungen

herauszufordern und dabei Ironie und Tiefgang einzubringen.

Das Porträt lädt den Betrachter dazu ein, über Identität und

Transformation nachzudenken. Durch die Gegenüberstellung abstrakter

Pop-Art-Elemente und greifbarer Texturen präsentiert es Warhol sowohl

als Produkt seiner Wurzeln als auch als Schöpfer einer neuen

künstlerischen Sprache. Schöpf Pureggers Werk fängt die Essenz von

Warhols Vermächtnis ein – nicht nur als Künstler, sondern als kulturelles

Phänomen, dessen Einfluss die Kunstwelt weiterhin prägt.

Dieses Werk hallt im Kontext der Arte Bratislava wider, indem es die

historische Verbindung zwischen der Slowakei und ihrem gefeierten

Sohn überbrückt, während es die Betrachter dazu inspiriert, über die

Kraft von Ursprüngen und die grenzenlosen Möglichkeiten

künstlerischen Ausdrucks nachzudenken.


“POPART I"

"Andy Warhol: Roots and Legacy" This portrait, painted by Petra

Schöpf Puregger for Arte Bratislava, stands as a striking homage to

Andy Warhol, celebrating his heritage and connection to Slovakia.

Crafted with a masterful balance of black and white tones, the

painting draws from the aesthetics of pop art—an art movement

synonymous with Warhol’s pioneering works—and features small,

adhered plastic bananas as a tribute to his iconic banana artwork

exhibited at Art Miami 2019.

In this composition, Schöpf Puregger explores Warhol’s duality as

an artist: the stark contrast of black and white symbolizes the

merging of Warhol's origins and his transformative role in modern

art. It emphasizes the rootedness of his Slovak ancestry while

reflecting the universality of his influence that transcends borders.

The inclusion of the plastic bananas adds a playful yet reflective

layer, intertwining humor with homage—a nod to Warhol’s ability

to challenge traditional perceptions of art while embedding irony

and depth.

The portrait invites the viewer to contemplate the idea of identity

and transformation. Through the juxtaposition of abstract pop art

elements and tangible textures, it presents Warhol as both a

product of his roots and a creator of a new artistic language.

Schöpf Puregger’s work captures the essence of Warhol’s

legacy—not merely as an artist but as a cultural phenomenon

whose impact continues to shape the art world.

This piece resonates within the setting of Arte Bratislava, bridging

the historical connection between Slovakia and its celebrated

son, while inspiring the viewers to reflect on the power of origins

and the infinite possibilities of artistic expression.

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Petra Schöpf Puregger

Petra Schöpf Puregger is a portrait artist from Styria who captivates with

her precise and expressive depiction of faces.

Her works not only capture external features but also the inner emotions

and personality of the individuals she portrays.

With a keen eye for detail and a deep understanding of human

expression, she creates paintings that tell stories and deeply move the

viewer. Her art is characterized by technical sophistication and an

intuitive approach.

Petra Schöpf Puregger has the remarkable ability to bring the character

and soul of her subjects to life in her portraits, creating timeless pieces

that go far beyond mere visual representation.

Her focus lies in capturing the individuality and depth of each person in

her paintings and uniting realism with artistic freedom to immortalize

their essence.

ALARTEA DORO

alias Petra Schöpf

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ALARTEA DORO

„POPART II“

50*70 cm

Goucha, Collage auf Leinwand

PREIS: 1.900,00 EUR


ALARTEA DORO

„POPART II“

50*70 cm


Materials: Goucha, Collage on canvas

Price: 1,900.00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„POPART II“

"Mike Jacker: Die freche Ikone"

Dieses Porträt von Mike Jacker, geschaffen von Petra Schöpf für die Arte Bratislava, feiert das

Wesen von Individualität und Unerschrockenheit, verkörpert durch Jackers ikonischen

Ausdruck. Mit offenem Mund und heraushängender Zunge wird dieses Markenzeichen zu

einer visuellen Metapher für Kühnheit, Rebellion und einen kompromisslos mutigen Geist –

ein Erkennungsmerkmal, das Jackers einzigartige Persönlichkeit symbolisiert.

In diesem Werk interpretiert Schöpf Jackers bekannten Ausdruck durch die Linse der Pop-

Art, ein Stil, der dessen verspielte und provokative Natur verstärkt. Das wiederholte Abbild

des offenen Mundes und der Zunge in verschiedenen leuchtenden Farben zieht sich über die

Leinwand und schafft einen Rhythmus, der die Dynamik von Jackers Persönlichkeit

widerspiegelt. Jede Wiederholung pulsiert vor Energie und spiegelt die Facetten seiner

vielschichtigen Identität wider.

Der markante Kontrast zwischen der zentralen Figur, die mit präzisen Details dargestellt ist,

und den abstrakten, bunten Wiederholungen des Mundmotivs lädt zu einer philosophischen

Reflexion über die Dualität von Individualität und kollektiver Identität ein. Während das

Porträt sich im Realismus verankert, suggerieren die umgebenden Pop-Art-Elemente, dass

wahre Identität nicht statisch ist, sondern ein dynamisches Zusammenspiel aus

Selbstausdruck und öffentlicher Wahrnehmung.

Schöpfs Wahl, den offenen Mund als wiederkehrendes Motiv zu nutzen, positioniert dieses

nicht nur als Bild, sondern als Erzählung – jede farbenfrohe Iteration repräsentiert ein

anderes Echo von Jackers Stimme, ein Zeugnis seines Einflusses, der über das Physische

hinausgeht und zu einem Symbol authentischer Freiheit wird.

Das Werk spricht Betrachter auf mehreren Ebenen an. Es lädt dazu ein, darüber

nachzudenken, was es bedeutet, in einer Welt, die oft Konformität verlangt, authentisch zu

bleiben. Durch ihre meisterhafte Integration von Symbolik und künstlerischen Techniken

fängt Schöpf den Geist von Mike Jacker ein, als ein Sinnbild für Befreiung und kreative

Furchtlosigkeit. Ausgestellt bei der Arte Bratislava, überschreitet dieses Porträt die Grenze

zwischen Hommage und philosophischer Erforschung und hinterlässt beim Publikum nicht

nur ein Bild, sondern ein Erlebnis der Selbstreflexion und Inspiration.


“POPART II"

Mike Jacker: The Audacious Icon"

This portrait of Mike Jacker, created by Petra Schöpf for Arte Bratislava,

celebrates the essence of individuality and defiance, embodied in Jacker’s

iconic expression. With his mouth open and tongue hanging, this signature

feature becomes a visual metaphor for audacity, rebellion, and an

unapologetically bold spirit—a hallmark that has come to symbolize

Jacker’s unique persona.

In this work, Schöpf reimagines Jacker’s renowned expression through the

lens of pop art, a style that amplifies its playful and provocative nature. The

repeated depiction of the open mouth and tongue in various vibrant colors

scatters across the canvas, creating a rhythm that mirrors the dynamism of

Jacker’s personality. Each iteration pulsates with energy, resonating with the

layers of his multifaceted identity.

The stark contrast between the central figure, rendered with precise details,

and the abstract, colorful repetitions of the mouth element invites

philosophical reflection on the duality of individuality and collective identity.

While the portrait anchors itself in realism, the surrounding bursts of pop art

elements suggest that true identity is not static but rather a dynamic

interplay of self-expression and public perception.

Schöpf’s choice of the open mouth as a recurring motif positions it not

merely as an image but as a narrative—each colorful iteration representing a

different echo of Jacker’s voice, a testament to his influence that transcends

the physical and becomes a symbol of free-spirited authenticity.

The piece speaks to viewers on multiple levels. It invites contemplation of

what it means to remain authentic in a world that often demands

conformity. Through her masterful integration of symbolism and artistic

techniques, Schöpf captures the spirit of Mike Jacker as an emblem of

liberation and creative fearlessness. Exhibited at Arte Bratislava, this portrait

bridges the boundary between homage and philosophical exploration,

leaving the audience with not just an image but an experience of selfreflection

and inspiration.

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ALARTEA DORO

an der ART BRATISLAVA by MIKIZZANER als NEWCOMERIN teilgenommen hat,




Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Antonia von Galenstein | Artist | Artfacts

ANTONIA van GALLENSTEIN

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Valerie Strobl (alias Antonia von Gallenstein)

Persönliche Daten:

•Künstlername: Antonia von Gallenstein

•Geburtsname: Valerie Strobl

Künstlerische Ausbildung und Entwicklung:

•Autodidaktische Künstlerin mit einem Fokus auf realistischen Symbolismus.

•Intensive Auseinandersetzung mit der Verbindung von greifbarer Realität und

tiefgehender Symbolik.

Künstlerische Schwerpunkte:

•Monochrome Darstellungen, insbesondere von Frauen in Grau- und Weißtönen, die

innere Stärke und Verletzlichkeit einfangen.

•Verwendung von farbenfrohen Hintergründen, die gesellschaftliche Themen und

Widersprüche reflektieren.

Ausstellungen und Projekte:

•2020: Erste Einzelausstellung in Wien mit dem Titel "Zwischen Licht und Schatten".

•2022: Teilnahme an der Gruppenausstellung "Symbolik der Moderne" in Graz.

•2023: Internationale Ausstellung in Prag, die ihre Werke im Kontext des realistischen

Symbolismus präsentierte.

•2024: Veröffentlichung der Kunstserie "Dualität der Identität", die gesellschaftliche

Reflexionen und emotionale Tiefe thematisiert.

•2025: Teilnahme an der renommierten Ausstellung ARTE Barcelona, bei der sie zwei

Werke präsentierte.

Künstlerisches Statement: "Meine Kunst möchte die Menschen aus ihrer Lethargie

reißen und ermutigen, sich den Widersprüchen in der Welt zu stellen. Sie ist eine

Einladung, die Dualität von Identität und Gesellschaft zu erforschen und die Schönheit in

der Komplexität des Lebens zu entdecken."

Techniken und Materialien:

•Schwerpunkt auf Öl- und Acrylmalerei sowie experimentelle Mischtechniken.

•Integration von symbolischen Elementen, die eine tiefere psychologische Dimension

eröffnen.

Ziele und Visionen:

•Förderung des Dialogs zwischen Kunst und Gesellschaft.

•Schaffung von Werken, die Emotionen wecken und zum Nachdenken anregen.

•Internationale Vernetzung und Präsentation ihrer Kunst, um kulturelle Brücken zu bauen.

ANTONIA

von GALLENSTEIN

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„DIE PUPPE“

70*80 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.500,00 EUR



„The Doll“

Dimensions: 70*80 cm

Acryl on Canvas

Price: 2.500,00 EUR

(Price excl. 13% MWST.)

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WERKBESCHREIBUNG

„DIE PUPPE“


“THE DOLL"

In meinem Werk entfaltet sich eine melancholische Erzählung.

Das Bild zeigt eine Frau, die eine Puppe in der Hand hält – ein

Abbild ihrer selbst, mechanisch und leblos. Die monochrome

Darstellung von Frau und Puppe erzeugt eine surreale

Verfremdung, die den Betrachter in einen Zustand der Irritation

versetzt.

Ihr starrer, trauriger Blick und ihre übertriebene Schminke lassen

sie wie eine Marionette ihrer eigenen Emotionen erscheinen. Sie

wird zur Metapher für die Leere des modernen Daseins, in dem

das Äußere die Kontrolle über den inneren Zustand zu

übernehmen scheint.

Im Kontrast dazu steht das florale Motiv: Ein üppiges Blumenhaar

in lebendigen Farben, das für Vitalität und Perfektion steht.

Schmetterlinge fliegen in paradiesischen Bahnen, fernab der

erstarrten Welt der Frau. Diese Naturdarstellung wirft die Frage

auf, warum der Mensch im Vergleich zur Natur so fragil und

unfertig erscheint.

Warum gelingt es der Natur so mühelos, in sich selbst

vollkommen zu sein, während der Mensch in seiner inneren Leere

verharrt, gefangen in einer künstlichen Inszenierung? Das Bild

lädt dazu ein, über die Entfremdung des Individuums und die

Kluft zwischen äußeren Erwartungen und innerem Chaos

nachzudenken.

In my work, a melancholic narrative unfolds. The image

depicts a woman holding a doll in her hand—a reflection of

herself, mechanical and lifeless. The monochromatic

portrayal of the woman and the doll creates a surreal

distortion, immersing the viewer in a state of disquiet.

Her fixed, sorrowful gaze and exaggerated makeup make

her appear like a puppet of her own emotions. She

becomes a metaphor for the emptiness of modern

existence, where external appearances seem to take

control over the inner state.

In contrast, the floral motif stands out: a lush cascade of

flower-like hair in vibrant colors symbolizes vitality and

perfection. Butterflies dance in paradisiacal paths, far

removed from the frozen world of the woman.

This representation of nature raises the question of why

humans, compared to nature, appear so fragile and

incomplete. Why does nature so effortlessly achieve

inherent perfection, while humans remain trapped in inner

emptiness, bound by artificial staging?

The artwork invites contemplation on the alienation of the

individual and the divide between external expectations

and inner chaos, encouraging the viewer to explore these

layered emotional and existential themes.

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„MÄDCHEN mit BLUMEN“

60*80 cm

Acryl auf Holzplatte

PREIS: 2.300,00 EUR



„GIRL with FLOWERS“

Dimensions: 70*80 cm

Acryl on Canvas

Price: 2.500,00 EUR

(Price excl. 13% MWST.)

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WERKBESCHREIBUNG

„MÄDCHEN mit BLUMEN“


“GIRL with FLOWERS"

In der Mitte des Gemäldes steht eine junge Frau in sanften

monochromen Tönen, deren Blick in eine unergründliche Tiefe

versinkt. Ihre Augen strahlen eine melancholische Traurigkeit

aus, die ihre Jugend zu erdrücken scheint. Um sie herum

breitet sich ein Meer aus bunten Blumen und Schmetterlingen

aus, die im Kontrast zu ihrer inneren Düsternis lebendig und

unbeschwert wirken.

Ihre Gesichtszüge sind hinter einer fast maskenhaften Schicht

von übertriebenem Make-up verborgen, das sie puppenhaft

und entrückt erscheinen lässt. Das wahre Alter bleibt ein

Rätsel, und ihre Perfektion scheint wenig mit der

authentischen Freude der Jugend zu tun zu haben.

At the center of the painting stands a young woman,

depicted in soft monochromatic tones, her gaze sinking

into an unfathomable depth. Her eyes radiate a

melancholic sadness that seems to weigh down her youth.

Surrounding her is a sea of colorful flowers and butterflies,

vibrant and carefree in stark contrast to her inner gloom.

Her facial features are obscured by an almost mask-like

layer of exaggerated makeup, giving her a doll-like and

detached appearance. Her true age remains a mystery, and

her perfection appears disconnected from the genuine joy

of youth.

The painting serves as a profound reflection of modern

times, where many young girls seek their identity in external

appearances.

Das Bild ist eine tiefgründige Reflexion über die heutige Zeit, in

der viele junge Mädchen ihre Identität im äußeren Schein

suchen. Es verdeutlicht den Druck von sozialen Medien und

gesellschaftlichen Erwartungen, die den wahren Glanz des

Lebens – die Freude an der Natur und an sich selbst – in den

Schatten stellen. Die junge Frau, umhüllt von Blumenpracht,

bleibt in ihrer Sehnsucht nach Echtheit gefangen.

It highlights the pressure exerted by social media and

societal expectations, overshadowing the true essence of

life—the joy found in nature and in oneself. The young

woman, enveloped by the splendor of flowers, remains

trapped in her longing for authenticity.

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ANTONIA von GALENSTEIN





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Elli Belli | Artist | Artfacts

ELLI BELLI

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Ellena Lukmann, bekannt unter ihrem Künstlernamen ELLI BELLI, ist ein vielseitiges und

aufgewecktes junges Talent, das eine Leidenschaft für das Malen, Schreiben, Lesen,

Tanzen, Reiten und Klavierspielen hegt.

Ellena lebt in der malerischen Lipizzanerheimat, wo die berühmten weißen Lipizzaner-

Pferde gezüchtet werden. Diese inspirierende Umgebung weckte schon früh ihre

künstlerischen Fähigkeiten, sodass sie bereits im Alter von 16 Monaten ihr erstes Gemälde

auf Leinwand 60 * 80 cm malte.

Ellenas alias ELLI BELLI künstlerischer Stil zeichnet sich durch feine zeichnerische

Techniken und sehr gefühlsstarke Fantasiebilder aus, die die Gefühlswelt von Teenagern

unserer Zeit widerspiegeln. Ihre Werke sind ein Ausdruck ihrer innersten Gedanken und

Emotionen und laden den Betrachter ein, in ihre fantasievolle und gefühlvolle Welt

einzutauchen.

Ellena alias ELLI BELLI ist ein "Trau-Dich-Mikizzaner" und möchte damit andere junge

kreative Talente ermutigen, ebenfalls ein "Trau-Dich-Mikizzaner" zu werden.

Mit ihrem Mut und ihrer Kreativität setzt sie ein leuchtendes Beispiel und zeigt, dass man

seine Träume mit Leidenschaft und Einsatz verwirklichen kann.

2023 veröffentlichte Sie ihr erstes Kinderbuch mit dem Titel: „Unsichtbar in Mikizzanien“

ELLI BELLI

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ELLI BELLI

„YOUTH no SMOKE“

60*80 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 850,00 EUR

(Price exkl. 13% MWST.)

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Ellena Lukmann, known by her artist name ELLI BELLI, is a versatile and spirited young

talent with a passion for painting, writing, reading, dancing, horseback riding, and

playing the piano.

Ellena lives in the picturesque region known as the Lipizzaner homeland, where the famous

white Lipizzaner horses are bred. This inspiring environment awakened her artistic talents

at an early age, leading her to create her first painting on a 60 x 80 cm canvas at the age of

just 16 months.

Ellena, also known as ELLI BELLI, is distinguished by her artistic style, which features fine

drawing techniques and highly emotional fantasy imagery that reflect the emotional world

of today’s teenagers. Her works express her innermost thoughts and emotions, inviting

viewers to immerse themselves in her imaginative and heartfelt world.

Ellena, alias ELLI BELLI, is a “Dare-to-Be Mikizzaner” and aims to encourage other young

creative talents to become “Dare-to-Be Mikizzaners” as well. Through her courage and

creativity, she sets a shining example, demonstrating that dreams can be realized with

passion and dedication.

In 2023, she published her first children’s book titled: “Invisible in Mikizzania.”

ELLI BELLI

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WERKBESCHREIBUNG

„YOUTH NO SMOKE“

"Youth No Smoke: Ein stiller Schrei im Rauch"

In diesem eindringlichen Werk der jungen Künstlerin Elli Belli konfrontiert das Gemälde

die Betrachter mit dem Bild eines jungen Mannes, der vom Rauch umhüllt ist und sich in

einer dunklen und schattigen Umgebung bewegt. Seine Figur, teilweise verdeckt von den

wirbelnden Rauchschwaden, wird zu einer Metapher für die Entscheidungen und

Konsequenzen, mit denen Jugendliche konfrontiert sind – ein Bereich, der sowohl

geheimnisvoll als auch zerbrechlich ist. Die eindringlichen Worte YOUTH NO SMOKE, die

prominent auf der Leinwand stehen, dienen als eindrucksvoller Appell gegen die

sinnlose Verlockung des Rauchens und verdeutlichen sowohl die körperlichen

Auswirkungen als auch die gesellschaftlichen Implikationen.

Der dunkle Hintergrund umhüllt die Figur und symbolisiert die allgegenwärtige Natur

schädlicher Gewohnheiten, während der Rauch selbst eine Erweiterung dieser

Atmosphäre darstellt – ein immaterielles Gefängnis, das Klarheit und Orientierung

verschleiert. Elli Bellis Darstellung des jungen Mannes ist sowohl zart als auch roh,

spiegelt die Verletzlichkeit der Jugend wider, ebenso wie ihr Potenzial für Rebellion und

Bewusstwerdung.

Ausgeführt in einem kühnen Pop-Art-Stil, stellt das Gemälde die Schwere seiner

Botschaft der Lebendigkeit seiner visuellen Sprache gegenüber. Die hellen und

dynamischen Buchstaben durchbrechen die Dunkelheit wie ein Hoffnungsschimmer

und fordern die Betrachter heraus, nicht nur über die Gewohnheit des Rauchens

nachzudenken, sondern auch über das umfassendere Konzept von Wahlfreiheit und

Selbstbestimmung in prägenden Jahren.

Indem Elli Belli das Thema mit sowohl subtiler als auch direkter Ansprache behandelt,

erschafft sie ein Werk, das über bloße Kritik hinausgeht. Es ist eine Hommage an

Bewusstsein und Eigenverantwortung, ein visuelles Manifest, das die junge Generation

auffordert, Klarheit zu umarmen und Schleier der Selbstzerstörung abzulehnen. Durch

ihren lebendigen Ausdruck stellt das Gemälde die Frage: Was sehen wir wirklich, wenn

sich der Rauch verzieht? Und wie können wir, als Individuen und Gesellschaft, der

Jugend helfen, frei zu atmen – sowohl körperlich als auch metaphorisch?

Dieses Gemälde verkörpert Elli Bellis unverwechselbaren Stil: eine tief emotionale

Erkundung, kombiniert mit technischer Finesse. Ihr Werk ist nicht nur Kunst, sondern

eine Einladung zum Dialog, die zur Selbstreflexion über unsere Entscheidungen, deren

Konsequenzen und den kollektiven Einfluss auf kommende Generationen anregt.


“YOUTH NO SMOKE”

"Youth No Smoke: A Silent Cry in the Haze"

In this evocative work by the young artist Elli Belli, the painting

confronts the viewer with the image of a young man engulfed in smoke,

navigating a dark and shadowy environment. His figure, partly obscured

by the swirling smoke, becomes a metaphor for the choices and

consequences faced by youth—a realm both mysterious and fragile.

The haunting words YOUTH NO SMOKE prominently inscribed on the

canvas serve as a poignant call against the futile allure of smoking,

encapsulating both its physical toll and its societal implications.

The dark backdrop envelops the figure, symbolizing the pervasive

nature of harmful habits, while the smoke itself becomes an extension

of this atmosphere—an intangible prison that obscures clarity and

direction. Elli Belli’s portrayal of the young man is both tender and raw,

reflecting the vulnerability of adolescence as well as its potential for

rebellion and awareness.

Executed in a bold pop art style, the painting juxtaposes the gravity of its

message with the vibrancy of its visual language. The bright and

dynamic lettering cuts through the darkness like a beacon of hope,

challenging viewers to reflect not only on the habit of smoking but also

on the broader concept of choice and empowerment during formative

years.

By addressing the subject matter with both subtlety and directness, Elli

Belli crafts a piece that transcends mere critique. It is a homage to

awareness and agency, a visual manifesto urging the younger

generation to embrace clarity and reject veils of self-destruction.

Through her vivid expression, the painting asks: What do we truly see

when the smoke clears? And how do we, as individuals and society,

help the youth breathe freely—both physically and metaphorically?

This painting embodies Elli Belli’s distinctive style: a heartfelt

exploration of emotions combined with technical finesse. Her work is

not just art but an invitation to dialogue, sparking introspection about

our choices, their consequences, and the collective impact on future

generations.

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ELLI BELLI





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Elke Hubmann-Kniely ist eine talentierte Künstlerin, die in Graz geboren wurde und in

Feldkirchen in Vorarlberg lebt. Ihre Werke sind geprägt von abstrakter und nichtgegenständlicher

Malerei, die durch lebendige Farben und innovative Techniken

besticht. Sie experimentiert gerne mit verschiedenen Materialien und Techniken, um

ihre kreativen Visionen zum Ausdruck zu bringen.

Bildung:

•Diplom in Biochemie, Universität Graz, Österreich

•Selbststudium und autodidaktische Entwicklung im Bereich der Malerei

•Kurse bei renommierten Künstlern und Kunstschulen in Europa

Zahlreiche nationale und Internationale Ausstellungen:

2016, Elke Hubmann Kniely: Farbsturm Am Gipfel

Raiffeisenbank Lech am Arlberg – Lech a. Arlberg/Austria

2016, Elke Hubmann Kniely - Sichtpunkte - Malerei

galerie m beck – Homburg/Saar/Germany

2016, Elke Hubmann-Kniely: Ein Jahr auf Leinwand

Kunstraum-65-b – Feldkirch/Austria

2019 Teatro Italia – Rome/Italy

2018, Elke Hubmann Kniely: Passione

Ristorante da Antonio e Pina – Feldkirch/Austria

2022, Elke Hubmann Kniely: Die Kunst des Überstreifens

Q21 – Vienna/Austria

2021, Elke Hubmann Kniely: Jour Fixe - Menschen-Raum-Farbe-mixed Media

Galeriestudio 38 – Vienna/Austria

2024, Elke Hubmann Kniely: Grinsgrün-steingrau Und Abstraktes Rot

Pulverturm Feldkirch – Feldkirch/Austria

Über mich: "Das Malen ist für mich ein Ausdruck meiner innersten Gedanken und

Gefühle. Jedes meiner Werke ist ein Meilenstein auf meinem künstlerischen

Lebensweg und fügt sich harmonisch in das große Ganze meines kreativen Schaffens

ein. Mit Leidenschaft und Kreativität möchte ich die Betrachter meiner Werke dazu

inspirieren, das Leben aus neuen Perspektiven zu sehen und die Schönheit des

Ungeplanten zu schätzen."

ELKE HUBMANN-KNIELY55

Elke Hubmann-Kniely | Artist | Artfacts

ELKE HUBMANN-KNIELY

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ELKE HUBMANN-KNIELY

„SANFTE STÄRKE“

50*50 cm

Mixart auf Leinwand

PREIS: 1.850,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„SANFTE STÄRKE“


“GENTLE STRENGTH“

"Sanfte Stärke: Ein Tanz der Gegensätze"

Elke Hubmann Knielys Sanfte Stärke ist eine tiefgehende Erforschung von Dualität und

Harmonie, präsentiert durch ein ausdrucksstarkes Zusammenspiel von Farben und

Texturen. Das Werk taucht in die philosophische Spannung zwischen Widerstandskraft

und Verletzlichkeit ein, dargestellt durch die Gegenüberstellung von kräftigem Rot und

tiefem Schwarz mit den weicheren Tönen von Rosa, Braun und Weiß. Diese Kontraste

symbolisieren das Gleichgewicht, das in der menschlichen Stärke liegt – das

Zusammenwirken von entschlossener Energie und sanfter Anmut.

Die strukturierten Elemente des Gemäldes laden die Betrachter ein, über die Oberfläche

hinauszusehen und zu erkennen, dass Stärke kein glatter oder linearer Prozess ist.

Stattdessen entsteht sie durch Schichten – komplex, unregelmäßig und geformt durch die

Herausforderungen und Triumphe des Lebens. Die bewusste Verwendung von Strukturen

vermittelt ein Gefühl von Verwurzelung und zeigt, dass selbst in Momenten des Wandels

eine Grundlage existiert, auf der Stärke aufgebaut werden kann.

Das lebendige Rot im Werk pulsiert vor Intensität und verkörpert Leidenschaft, Vitalität und

einen unnachgiebigen Geist. Die schwarzen Elemente verleihen dem Werk Tiefe,

Introspektion und eine Verbindung zum Unbekannten. Die sanften Rosa- und Brauntöne

verweben sich und strahlen Wärme, Mitgefühl und eine Verbindung zur natürlichen Welt

aus, während das Weiß als ein Hauch von Klarheit und Frieden fungiert – ein Raum, in dem

Sanftheit ihre Stimme findet.

Durch diese visuelle Sprache hinterfragt Hubmann Kniely traditionelle Vorstellungen von

Stärke. Sie zeigt sie nicht als eindimensionale Kraft, sondern als dynamisches

Zusammenspiel von Gegensätzen – ein kontinuierlicher Dialog zwischen Macht und

Zartheit, Chaos und Ordnung, Dunkelheit und Licht. Das Gemälde wird zu einem Spiegel

für den Betrachter und ermutigt zur Reflexion über die eigene Reise der Selbstfindung und

die Ausdrucksformen von Stärke im eigenen Leben.

Sanfte Stärke geht über visuelle Schönheit hinaus und wird zu einer Meditation über den

menschlichen Zustand. Es erinnert uns daran, dass wahre Stärke nicht die Abwesenheit

von Verletzlichkeit ist, sondern ihre Integration. In diesem Zusammenspiel von

Gegensätzen lädt Hubmann Kniely uns ein, unsere Komplexität zu umarmen und darin

Harmonie zu finden – ein Zeugnis für die beständige und facettenreiche Natur sanfter

Stärke.

"Gentle Strength: A Dance of Contrasts"

Elke Hubmann Kniely's Sanfte Stärke (Gentle Strength) is a profound exploration

of duality and harmony, presented through an evocative interplay of colors and

textures. The work delves into the philosophical tension between resilience and

vulnerability, represented by the juxtaposition of bold reds and deep blacks

against the softer tones of pink, brown, and white. These contrasts symbolize the

balance inherent in human strength—the coexistence of fierce determination and

gentle grace.

The textured elements in the painting invite viewers to reach beyond the surface,

suggesting that strength is not a smooth or linear experience. Instead, it is shaped

by layers—complex, uneven, and enriched by life's challenges and triumphs. The

deliberate use of structure conveys a sense of groundedness, reminding us that

even in moments of flux, there is a foundation upon which strength is built.

The vivid red in the composition pulses with intensity, embodying passion, vitality,

and an unyielding spirit. Meanwhile, the black elements ground the work,

signifying depth, introspection, and the unknown. Soft hues of pink and brown

interweave, offering warmth, compassion, and a connection to the natural world,

while the presence of white acts as a breath of clarity and peace, a space where

gentleness finds its voice.

Through this visual language, Hubmann Kniely challenges traditional notions of

strength. She portrays it not as a singular force but as a dynamic interplay of

opposites—an ongoing dialogue between power and tenderness, chaos and

order, darkness and light. The painting becomes a mirror for the viewer,

encouraging reflection on their own journey of self-discovery and the ways in

which strength manifests in their lives.

Sanfte Stärke transcends its visual beauty to become a meditation on the human

condition. It reminds us that true strength is not the absence of vulnerability but

the integration of it. In this union of contrasts, Hubmann Kniely invites us to

embrace our complexities and to find harmony within them—a testament to the

enduring and multifaceted nature of gentle strength.

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Elke Hubmann-Kniely Elke Hubmann-Kniely is a talented artist born in Graz and

currently living in Feldkirchen, Vorarlberg. Her works are characterized by abstract and

non-representational painting, distinguished by vibrant colors and innovative

techniques. She enjoys experimenting with various materials and methods to bring her

creative visions to life.

Education: • Diploma in Biochemistry, University of Graz, Austria • Self-study and

autodidactic development in the field of painting • Courses with renowned artists and

art schools across Europe

Numerous National and International Exhibitions: 2016, Elke Hubmann Kniely:

Farbsturm Am Gipfel Raiffeisenbank Lech am Arlberg – Lech a. Arlberg/Austria

2016, Elke Hubmann Kniely: Sichtpunkte - Malerei galerie m beck –

Homburg/Saar/Germany

2016, Elke Hubmann-Kniely: Ein Jahr auf Leinwand Kunstraum-65-b – Feldkirch/Austria

2019, Teatro Italia – Rome/Italy

2018, Elke Hubmann Kniely: Passione Ristorante da Antonio e Pina – Feldkirch/Austria

2022, Elke Hubmann Kniely: Die Kunst des Überstreifens Q21 – Vienna/Austria

2021, Elke Hubmann Kniely: Jour Fixe - Menschen-Raum-Farbe-mixed Media

Galeriestudio 38 – Vienna/Austria

2024, Elke Hubmann Kniely: Grinsgrün-steingrau Und Abstraktes Rot Pulverturm

Feldkirch – Feldkirch/Austria

About Me: "For me, painting is an expression of my innermost thoughts and emotions.

Each of my works is a milestone on my artistic journey, fitting harmoniously into the

larger whole of my creative process. With passion and creativity, I aim to inspire

viewers of my work to see life from new perspectives and appreciate the beauty of the

unplanned."

ELKE HUBMANN-KNIELY61

ELKE HUBMANN-KNIELY

„INS NETZ GEGANGEN“

50*50 cm

Mixart auf Leinwand

PREIS: 1.850,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„INS NETZ GEGANGEN“

"Ins Netz gegangen: Eine Reflexion über Verbindung und Gefangensein"

Elke Hubmann Knielys Ins Netz gegangen ist eine tiefgehende Erforschung des

Zusammenspiels von Freiheit und Verstrickung, von Individualität und Kollektivität,

eingefangen durch die Ausdruckskraft der abstrakten Malerei. Die dominierenden

Farben – Rot und Schwarz – bilden eine kraftvolle Grundlage, die intensive Emotionen,

Leidenschaft und das Gewicht der Existenz ausstrahlt. Diese werden durch Rosa und

Braun abgemildert, die Wärme und Erdung vermitteln, während Weiß Klarheit und einen

Hauch von Raum für Atem innerhalb des Werkes bringt.

Im Zentrum des Werks liegt ein weißes Netz, das über die Leinwand gespannt ist und

sowohl ein buchstäbliches als auch metaphorisches Element darstellt. Das Netz

symbolisiert sowohl Gefangensein als auch Verbindung – eine Dualität, die die

menschliche Erfahrung widerspiegelt. Es lädt die Betrachter dazu ein, darüber

nachzudenken, wie sie durch Netzwerke und Systeme geprägt werden, in denen sie

existieren – sei es sozial, emotional oder existenziell. Sind wir durch die Zwänge dieser

Strukturen gefangen, oder unterstützen und definieren sie uns?

Der abstrakte Hintergrund, voller dynamischer Wechselspiele zwischen lebhaften und

gedämpften Farbtönen, repräsentiert das Chaos und die Komplexität der

Lebensströme. Die ausdrucksstarken Pinselstriche vermitteln Bewegung und Energie,

als ob die Formen unter dem Netz lebendig sind, danach streben, sich zu befreien, aber

dennoch Bedeutung in der Spannung finden, die das Netz erzeugt.

Der Titel Ins Netz gegangen verstärkt diese Spannung noch weiter. Er regt zur Reflexion

an, was es bedeutet, „gefangen“ zu sein: Ist es ein Akt des Einfangens, ein Verlust von

Freiheit, oder vielleicht eine Chance, gesehen, gehalten und verstanden zu werden? Die

filigranen weißen Linien des Netzes, die sich über die intensiven Farben spannen,

verdeutlichen die Zerbrechlichkeit dieses Gleichgewichts und laden den Betrachter

dazu ein, darüber nachzudenken, wie sie ihre eigenen Verstrickungen navigieren – ob sie

diese widerstehen oder umarmen.

Hubmann Knielys Werk ist nicht nur ein visuelles Erlebnis, sondern eine philosophische

Meditation über die Natur der Verbindung. Es fordert die Betrachter auf, über die

Oberfläche hinauszusehen, sowohl die Einschränkungen als auch die Möglichkeiten

der Strukturen zu betrachten, die unser Leben formen. Mit Ins Netz gegangen fängt sie

die Schönheit ein, sich selbst inmitten von Komplexität zu finden – gefangen, doch

unbestreitbar lebendig.


“CAUGTH in the NET“

"Caught in the Net: A Reflection on Connection and Containment"

Elke Hubmann Kniely's Ins Netz gegangen is a profound exploration of the

interplay between freedom and entanglement, individuality and the collective,

captured through the medium of abstract painting. The composition’s

dominant colors—red and black—create a striking foundation that speaks to

intense emotions, passion, and the weight of existence. These are softened by

the inclusion of pink and brown, which bring warmth and grounding, while white

elements introduce clarity and a sense of breath within the work.

At the heart of the piece lies the white net, draped across the canvas, acting as

both a literal and metaphorical element. The net symbolizes both containment

and connection—a duality that reflects the human experience. It invites viewers

to consider how they are shaped by the networks and systems in which they

exist, whether these are social, emotional, or existential. Are we trapped by the

constraints of these structures, or do they support and define us?

The abstract background, full of dynamic interplay between vibrant and

subdued hues, represents the chaos and complexity of life’s undercurrents.

The expressive brushstrokes convey movement and energy, as if the forms

beneath the net are alive, striving to break free yet finding meaning in the

tension it creates.

The work’s title, Ins Netz gegangen ("Caught in the Net"), further amplifies this

tension. It prompts introspection on what it means to be “caught”: Is it an act of

capture, a loss of freedom, or perhaps a chance to be seen, held, and

understood? The net’s delicate white lines, stretched across the intense colors,

highlight the fragility of this balance and invite the viewer to reflect on the ways

they navigate their own entanglements—whether they resist or embrace them.

Hubmann Kniely’s piece is not merely a visual experience but a philosophical

meditation on the nature of interconnection. It challenges the viewer to look

beyond the surface, to consider both the constraints and possibilities offered

by the structures that shape our lives. Through Ins Netz gegangen, she captures

the beauty of finding oneself in the midst of complexity—caught, yet undeniably

alive.

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ELKE HUBMANN-KNIELY





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Künstlerischer Lebenslauf: Erwin Lind Sculpd’or

• Persönliche Daten: Name: Erwin Lind Sculpd’or Geburtsjahr: 1979 Geburtsort: Leoben, Österreich Wohnort: Graz,

Österreich Atelier: Söding-St. Johann, Bezirk Voitsberg

• Beruflicher Werdegang: Erwin Lind Sculpd’or ist ein autodidaktischer Künstler, der seine Berufung in der Anfertigung

von massiven gegossenen Metall-Skulpturen und Designobjekten gefunden hat. Nach einer Lehre als Koch und

verschiedenen beruflichen Stationen, darunter als Chauffeur für Persönlichkeiten aus Wirtschaft und Politik, legte er

2005 den Grundstein für seine Selbstständigkeit im Handel mit Edelsteinen und Schmuckstücken. Im Jahr 2020

wandelte er sein Unternehmen in eine GmbH im Bereich der “Erzeugung von kunstgewerblichen Gegenständen” um

und spezialisierte sich auf seine wahre Leidenschaft – die Kunst.

• Künstlerische Ausrichtung: Erwin Lind Sculpd’or kreiert handgefertigte Unikate, die durch ihre Materialität und

handwerkliche Qualität bestechen. Seine Werke, darunter Reliefdarstellungen und Skulpturen aus Edelmetallen sowie

kunstvolle Lampen aus antikem Holz und handgeschmiedeten Elementen, zeugen von seiner Fähigkeit, traditionelle

Materialien in moderne Kunst zu transformieren.

• Ausstellungen und Projekte:

Jagdmesse – Jagastock u. Wetterfleck, Fassoldsberg (2022)

Kunst u. Antikmesse, Pörtschach am Wörthersee (2022)

Kunst u. Antikmarkt, Mariahilferplatz Graz (2022)

Kunst u. Designmarkt, Seifenfabrik Graz (2023)

ARTE FLOZENZ 2023

ARTE MILANO 2023

ARTE BRATISLAVA 2024, 2025

• Besondere Werke:

“REDUCTION”: Ein Relief eines Kopfes mit Dornenkrone, gefertigt aus massivem Silber.

Stehlampe aus antikem Holz mit LED-Leuchten und handgeschmiedeten Elementen.

“Once in a lifetime”: Eine Skulptur mit Silberdraht und natürlichen Smaragd-Kristallen, kombiniert mit fossilem

und heimischem Holz.

“Balance on the Top”: Eine Skulptur aus massivem Silber auf einem Sockel aus Serpentin.

Kontakt und Atelierbesuche: Erwin Lind Sculpd’or lädt Kunstinteressierte herzlich ein, sein Atelier zu besuchen

und seine Kunstwerke aus nächster Nähe zu erleben.

Mitglied der Plattform Mikizzaner

Mitglied der Kerngruppe Mikizzaner

ERWIN LIND

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Erwin Lind | Artist | Artfacts

ERWIN LIND

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ERWIN LIND

„GREETING - DIE DAME“

140 cm

METALL SKULPTUR

PREIS: 3.400,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„DER GRUSS-DIE DAME“

Philosophische Beschreibung der Skulptur Greeting (Der Gruß) - The Lady

von Erwin Lind Sculpd’or

Die Skulptur Greeting (Der Gruß) - The Lady von Erwin Lind Sculpd’or ist eine

bemerkenswerte Darstellung von Eleganz und moderner Kunst, die Material

und Form meisterhaft vereint. Mit einer Höhe von 140 cm erhebt sich das

Werk von einem robusten Sockel aus Stein, aus dem eine schlanke, anmutig

gegossene Bronzefigur hervorgeht – eine nahtlose Darstellung feinster

Handwerkskunst. Diese moderne Interpretation einer weiblichen Figur strahlt

Schlichtheit und Raffinesse aus und spiegelt zeitlose menschliche

Qualitäten wider.

Der Kontrast zwischen dem soliden Steinsockel und der fließenden

Bronzeplastik fängt die Dualität von Stärke und Anmut ein, die dem

menschlichen Dasein innewohnt. Der Stein verankert das Kunstwerk und

vermittelt ein Gefühl der geerdeten Realität, während die schlanke

Bronzeform nach oben strebt und somit Aspiration, Resilienz und die

ätherische Natur der Weiblichkeit symbolisiert.

Die aufrechte Haltung der Figur und ihr minimalistisches Design laden zur

Auseinandersetzung mit Themen wie Präsenz und Interaktion ein. Getreu

ihrem Titel verkörpert „Greeting“ mehr als eine Geste – sie symbolisiert

Verbindung, Offenheit und Anerkennung. Die Skulptur vermittelt die

tiefgreifende Idee, dass selbst einfache Gesten, wenn sie mit Authentizität

durchdrungen sind, die Macht haben, Gräben zu überwinden und

Verständnis zu fördern.

Dieses Meisterwerk fordert die Betrachter auf, darüber nachzudenken, wie

die moderne Kunst universelle menschliche Emotionen interpretieren und

steigern kann, indem sie Stärke und Schönheit in einer abstrahierten, aber

tief menschlichen Form bietet.


“GREETING –THE LADY“

The sculpture Greeting (Der Gruß) - The Lady by Erwin Lind

Sculpd’or is a compelling embodiment of elegance and modernity,

capturing the interplay between material and form. Standing at 140

cm in height, it features a sturdy stone base, from which rises a

slim, gracefully cast bronze figure—a single seamless creation. This

modern interpretation of a female form evokes both simplicity and

sophistication, reflecting timeless human qualities.

The juxtaposition of the unyielding stone base and the fluidity of the

bronze figure symbolizes the duality of strength and grace inherent

in human existence. The stone anchors the sculpture, grounding it

in the physical world, while the slender bronze form seems to reach

beyond, embodying aspiration, resilience, and the ethereal nature

of femininity.

The poised stance of the figure and its minimalist design invite

viewers to explore themes of presence and interaction. As its title

suggests, “Greeting” represents more than a simple gesture—it is

an act of acknowledgment, connection, and openness. The

sculpture conveys the profound notion that even the simplest

expressions, when imbued with authenticity, have the power to

bridge divides and foster understanding.

This masterful work encourages contemplation of how modern art

can interpret and elevate universal human emotions, offering both

strength and beauty in its abstracted yet profoundly human form.

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Artistic Biography: Erwin Lind Sculpd’or

Personal Information: Name: Erwin Lind Sculpd’or Year of Birth: 1979 Place of Birth: Leoben, Austria Residence: Graz,

Austria Studio: Söding-St. Johann, Voitsberg District

Professional Career: Erwin Lind Sculpd’or is a self-taught artist who has found his calling in creating massive cast metal

sculptures and design objects. After completing an apprenticeship as a chef and working in various professions, including

serving as a chauffeur for prominent figures in business and politics, he laid the foundation for his independence in 2005 by

trading gemstones and jewelry. In 2020, he transitioned his business into a limited liability company focused on the

"production of artistic crafts" and specialized in his true passion—art.

Artistic Direction: Erwin Lind Sculpd’or creates handcrafted unique pieces characterized by their materiality and

craftsmanship. His works include reliefs and sculptures made of precious metals, as well as artistic lamps crafted from

antique wood with hand-forged elements, showcasing his talent for transforming traditional materials into contemporary

art.

Exhibitions and Projects:

•Hunting Fair – Jagastock and Wetterfleck, Fassoldsberg (2022)

•Art and Antique Fair, Pörtschach am Wörthersee (2022)

•Art and Antique Market, Mariahilferplatz Graz (2022)

•Art and Design Market, Seifenfabrik Graz (2023)

•ARTE FLORENCE 2023

•ARTE MILAN 2023

•ARTE BRATISLAVA 2024, 2025

Special Works:

•"REDUCTION": A relief depicting a head with a crown of thorns, crafted from solid silver.

•Floor lamp made of antique wood with LED lights and hand-forged elements.

•"Once in a lifetime": A sculpture made of silver wire and natural emerald crystals, combined with fossilized and local wood.

•"Balance on the Top": A sculpture of solid silver on a serpentine base.

Contact and Studio Visits: Erwin Lind Sculpd’or warmly invites art enthusiasts to visit his studio and experience his

artworks up close.

Memberships:

•Member of the Mikizzaner platform

•Member of the Mikizzaner core group

ERWIN LIND

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ERWIN LIND

„CHOICE“

60 cm

METALL und HOLZ mit NÄGEL SKULPTUR

PREIS: 2.500,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„DIE WAHL“

Die Skulptur Choice von Erwin Lind ist ein faszinierendes Werk, das

durch seine Materialität und Symbolik zum Nachdenken anregt. Mit

einer Höhe von 60 cm erhebt sich das Kunstwerk auf einem

schmalen, hohen Steinsockel—ein Fundament, das Stabilität

vermittelt, während die darüber balancierende, große Wurzel eine

fragile Spannung erzeugt. Die vier großen Nägel, die in der Wurzel

befestigt sind, verstärken das Gefühl von Dualität: Schwere und

Leichtigkeit, Festnageln und Befreiung, Verletzlichkeit und Stärke.

Der Titel Choice weckt Assoziationen von Entscheidungen, die uns

im Leben prägen. Die Wurzel könnte symbolisch für die Basis

unserer Existenz stehen—unsere Herkunft, unsere Erfahrungen,

unsere inneren Werte. Die Nägel hingegen könnten die

Herausforderungen oder Bürden darstellen, die uns fixieren oder

einschränken, aber zugleich unsere Entwicklung beeinflussen. Der

Balanceakt der Skulptur spiegelt die menschliche Fähigkeit wider,

schwierige Entscheidungen zu treffen und inmitten von

Unsicherheiten innere Stabilität zu finden.

Die visuelle Sprache des Werks lädt den Betrachter ein, über die

Bedeutung von Wahlfreiheit und Verantwortung nachzudenken.

Welche Entscheidungen verankern uns, welche befreien uns, und

wie bewahren wir unsere Balance, wenn wir mit den Konsequenzen

unserer Entscheidungen konfrontiert werden?

Choice ermutigt uns, unsere Wurzeln anzuerkennen und

gleichzeitig den Mut zu entwickeln, neue Wege zu gehen, auch

wenn sie uns auf schmale und wackelige Pfade führen.

Dieses Werk verbindet Kraft und Fragilität in einem

ausdrucksstarken Gleichgewicht und erzählt eine universelle

Geschichte über die Essenz menschlicher Existenz und den

lebenslangen Prozess der Entscheidungsfindung.


“ THE CHOICE“

Philosophical Description of the Sculpture Choice by Erwin Lind

The sculpture Choice by Erwin Lind is a thought-provoking work that

captivates through its materiality and symbolism. Standing 60 cm tall, the

artwork rests on a narrow, elevated stone pedestal—a foundation that

conveys stability while the large root balancing atop it creates a sense of

fragile tension. The four large nails embedded in the root heighten this

duality: weight versus lightness, restriction versus liberation, vulnerability

versus strength.

The title Choice evokes associations with the decisions that shape our

lives. The root could symbolically represent the foundation of our

existence—our origins, experiences, and intrinsic values. Meanwhile, the

nails may signify the challenges or burdens that bind or restrain us, yet

also define our growth. The sculpture’s delicate balance mirrors

humanity’s ability to make difficult choices while maintaining internal

stability amidst uncertainty.

The visual language of the piece invites viewers to reflect on the

significance of free will and responsibility. Which choices ground us,

which liberate us, and how do we sustain balance when confronted with

the consequences of our decisions?

Choice encourages us to acknowledge our roots while finding the courage

to forge new paths, even when they lead us to narrow and unsteady

ground.

This artwork masterfully combines strength and fragility in a striking

equilibrium, narrating a universal story about the essence of human

existence and the lifelong process of decision-making.

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ERWIN LIND

„EVOLUTION“

60 cm

METALL und HORN SKULPTUR

PREIS: 4.200,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„EVOLUTION“

Die Skulptur Evolution von Erwin Lind ist ein ausdrucksstarkes Werk, das

die Dynamik und Schönheit des Wandels feiert. Das aus Metall gegossene

Sockel, fest und beständig, dient als Fundament für das Horn, das sich aus

der Mitte erhebt—ein Symbol für Transformation und den Übergang ins

Neue. In seiner Schlichtheit und Stärke verkörpert die Skulptur sowohl die

Ästhetik als auch die ständige Weiterentwicklung, die unsere Zeit prägt.

Das Horn selbst, mit seiner eleganten und zugleich markanten Präsenz,

steht metaphorisch für Wachstum, Fortschritt und den kreativen Prozess

der Evolution. Es fungiert als ein Sprachrohr, das die Geschichte des

Wandels erzählt—die stetige Anpassung und Entwicklung, die sowohl die

Natur als auch die menschliche Gesellschaft durchläuft. Die Wahl des

Horns als zentrales Element lädt den Betrachter dazu ein, über die

Ursprünge und die Zukunft von Veränderung nachzudenken, über ihre

Herausforderungen und Möglichkeiten.

Die Komposition der Skulptur, mit dem Kontrast zwischen dem stabilen

Sockel und dem aufragenden, vitalen Horn, spiegelt die Dualität der

Evolution wider: Die Balance zwischen Bewahrung und Innovation,

zwischen Tradition und Erneuerung. Evolution erinnert daran, dass

Fortschritt nicht nur ein linearer Prozess ist, sondern ein tief verwurzelter

Dialog zwischen Vergangenheit und Zukunft, ein ständiger Fluss, der neue

Formen und Möglichkeiten schafft.

Dieses Werk lädt den Betrachter ein, die ständige Veränderung nicht nur zu

akzeptieren, sondern als integralen Bestandteil unseres Lebens zu

schätzen. Es ist eine philosophische und künstlerische Hommage an die

transformative Kraft der Zeit und die Kreativität, die sie antreibt.


“EVOLUTION“

The sculpture **"Evolution"** by Erwin Lind is a powerful piece

that celebrates the dynamics and beauty of transformation. The

cast metal base, solid and enduring, serves as the foundation for

the horn that rises from its center—a symbol of change and the

transition into the new. In its simplicity and strength, the sculpture

embodies both aesthetics and the constant progression that

defines our times.

The horn itself, with its elegant yet striking presence,

metaphorically represents growth, advancement, and the creative

process of evolution. It acts as a voice, narrating the story of

change—the ongoing adaptation and development that permeates

both nature and human society. The choice of the horn as the

central element invites viewers to reflect on the origins and future

of transformation, its challenges, and its opportunities.

The composition of the sculpture, contrasting the sturdy base with

the vibrant, ascending horn, mirrors the duality of evolution: the

balance between preservation and innovation, tradition and

renewal. **"Evolution"** serves as a reminder that progress is not

merely a linear process but a deeply rooted dialogue between past

and future—a continuous flow that generates new forms and

possibilities.

This artwork encourages viewers not only to accept change but to

value it as an integral part of life. It stands as a philosophical and

artistic tribute to the transformative power of time and the

creativity that drives it.

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ERWIN LIND

an der ART BRATISLAVA by MIKIZZANER als etablierter Künstler teilgenommen hat,



Wir danken dem Künstler für seinen wertvollen Beitrag zur Förderung der Kunstszene und gratulieren ihm zu seiner kreativen Schaffenskraft.

Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava






Persönliche Daten: Name: Heidrun Kirzenberger Beruf: Künstlerin und Naturfotografin Standort:

Köflach, Österreich

Künstlerische Philosophie: Heidrun Kirzenberger ist eine vielseitige Künstlerin, die sich durch ihre

malerischen Kunstformen und naturfotografischen Werke auszeichnet. Ihre Kunst ist eine

Hommage an die Schönheit der Natur und die Kraft visueller Erzählungen.

Beruflicher Werdegang: Heidrun Kirzenberger hat sich im Laufe ihrer Karriere einen Namen als

talentierte Künstlerin und Fotografin gemacht. Ihre Werke wurden in verschiedenen Projekten und

Ausstellungen präsentiert, wobei sie oft mit anderen Künstlern und Gemeinschaften

zusammenarbeitet.

Künstlerische Projekte und Ausstellungen:

•Beteiligung am weltgrößten Gemeinschafts-Fries, präsentiert von Arthena Maxx in Bärnbach.

•Naturfotografische Werke, die in einem 100 Quadratmeter großen Kunstwerk in Bärnbach

integriert wurden.

•Veröffentlichung Sammelband Poesie, Lyrik & Fotografie von Heidrun Kirzenberger

•Besondere Werke und Techniken: Heidrun Kirzenberger ist bekannt für ihre Fähigkeit,

verschiedene künstlerische Medien zu kombinieren. Ihre naturfotografischen Arbeiten sind nicht

nur visuell beeindruckend, sondern auch inhaltlich tiefgründig und laden zum Nachdenken ein.

Engagement und Gemeinschaftsarbeit: Als engagierte Künstlerin trägt Heidrun Kirzenberger zur

kulturellen Bereicherung ihrer Gemeinde bei. Sie ist Teil eines kreativen Netzwerks, das Kunst als

Mittel zur Förderung von sozialen Werten wie Frieden und Toleranz einsetzt.

Zukünftige Projekte: Heidrun Kirzenberger plant, ihre künstlerische Präsenz durch weitere

Ausstellungen und Projekte zu erweitern. Sie strebt danach, ihre Botschaften durch ihre Kunst

einem breiteren Publikum zugänglich zu machen.

Heidrun Kirzenberger ist eine Künstlerin, die durch ihre Werke und ihr Engagement für die

Gemeinschaft Anerkennung findet. Ihre Kunstwerke sind eine Einladung, die Welt durch eine Linse

der Schönheit und des Bewusstseins zu betrachten.

HEIDRUN

KIRZENBERGER

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Heidrun Kirzenberger | Artist | Artfacts

HEIDRUN KIRZENBERGER

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„Konflikt kontroverse Frieden“

60*60 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 1.600,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG „KONFLIKT kontrovers FRIEDEN“

Das Werk "Konflikt, Kontrovers, Frieden" ist ein tief introspektives und

emotionales Kunstwerk, das die inneren Kämpfe und die Suche nach Harmonie

in einer von Konflikten geprägten Welt reflektiert. Es führt die Betrachter:innen

auf eine Reise, die sowohl in die Tiefen des individuellen Seins als auch in die

universelle Frage nach Frieden und Versöhnung eintaucht.

Die Komposition des Werks spiegelt die Dynamik zwischen Unruhe und Klarheit

wider. Der Konflikt wird als ein täglicher Begleiter dargestellt, vergleichbar mit

den wechselhaften Gefühlen eines jeden Morgens. Erinnerungen und innere

Belastungen, die von manchen leicht getragen werden mögen, werden hier

jedoch als unauslöschliche Elemente gezeigt – Spuren, die die Seele prägen und

mit Vorwürfen wieder ins Leben gerufen werden. Dieser Prozess des Loslassens,

des Erinnerns und des Neubeginns formt die Grundlage der künstlerischen

Aussage.

Das zentrale Motiv des Werks ist die Öffnung eines "großen Tores", das

symbolisch für die Überwindung innerer und äußerer Konflikte steht. Der Weg

dorthin ist kein leichter: Es erfordert Mut, sich den eigenen Schatten zu stellen,

tiefer zu graben und die Sonne wieder heller scheinen zu sehen. Die Frage,

warum Frieden so oft hart erkämpft und in unnötigen Konflikten verloren wird,

fordert Betrachter:innen heraus, über die Natur von Streit und Versöhnung

nachzudenken.

Philosophischer Kontext: Das Werk fordert dazu auf, die dualistische Natur von

Konflikt und Frieden zu verstehen. Frieden wird nicht als Zustand definiert,

sondern als Ergebnis eines Prozesses, der tief in der Selbsterkenntnis und

Selbstliebe wurzelt. Es lädt die Betrachter:innen ein, sich selbst zu hinterfragen:

Welche Kämpfe tragen wir in uns? Welche Konflikte sind tatsächlich notwendig,

und wo kämpfen wir nur gegen uns selbst? Die Kontroverse wird hier zum

Katalysator für innere Wandlung und Wachstum.

"Konflikt, Kontrovers, Frieden" ist mehr als ein künstlerisches Statement – es ist

eine Einladung zur Selbstreflexion und zum Verständnis der universellen

Bedingungen, die Frieden ermöglichen. Es vereint Poesie, Symbolik und

tiefgründige Emotionen in einem Werk, das nachhallt und die Betrachter:innen

mit essentiellen Fragen konfrontiert, die über das Kunstwerk hinausgehen.

DESCRIPTION of the ARTWORK: “CONFLICT controvery PEACE“

The artwork "Conflict, Controversy, Peace" is a profoundly introspective and

emotional piece that reflects inner struggles and the quest for harmony in a

world shaped by conflict. It takes the viewer on a journey that delves into

the depths of individual existence while exploring the universal question of

peace and reconciliation.

The composition of the work mirrors the dynamics between unrest and

clarity. Conflict is portrayed as a daily companion, akin to the fluctuating

emotions of each morning. Memories and inner burdens, which some may

carry lightly, are presented here as indelible elements—imprints that shape

the soul and re-emerge as reproaches. This process of letting go,

remembering, and beginning anew forms the foundation of the artistic

statement.

The central motif of the work is the opening of a "great gate," symbolizing the

overcoming of internal and external conflicts. The path to this opening is far

from easy: it requires courage to confront one's shadows, dig deeper, and

see the sunshine brighter once again. The question of why peace is so often

hard-won and lost in unnecessary conflicts challenges viewers to reflect on

the nature of strife and reconciliation.

Philosophical Context: The artwork calls for an understanding of the

dualistic nature of conflict and peace. Peace is not defined as a state, but

as the result of a process rooted in deep self-awareness and self-love. It

invites viewers to question themselves: What battles do we carry within us?

Which conflicts are truly necessary, and where are we merely fighting

against ourselves? Here, controversy becomes the catalyst for inner

transformation and growth.

"Conflict, Controversy, Peace" is more than an artistic statement—it is an

invitation to self-reflection and an exploration of the universal conditions

that make peace possible. It combines poetry, symbolism, and profound

emotions in a work that resonates and confronts viewers with essential

questions extending beyond the artwork itself.

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Personal Information: Name: Heidrun Kirzenberger Profession: Artist and Nature Photographer

Location: Köflach, Austria

Artistic Philosophy: Heidrun Kirzenberger is a versatile artist distinguished by her painterly art forms

and nature photography. Her work is an homage to the beauty of nature and the power of visual

storytelling.

Professional Background: Over the course of her career, Heidrun Kirzenberger has established

herself as a talented artist and photographer. Her creations have been featured in various projects

and exhibitions, often in collaboration with other artists and communities.

Artistic Projects and Exhibitions:

•Participation in the world’s largest collaborative frieze, presented by Arthena Maxx in Bärnbach.

•Nature photographs integrated into a 100-square-meter artwork in Bärnbach.

•Publication of a collected volume of poetry, lyrics, and photography by Heidrun Kirzenberger.

Special Works and Techniques: Heidrun Kirzenberger is known for her ability to combine diverse

artistic media. Her nature photography is not only visually striking but also deeply meaningful, inviting

reflection and thought.

Engagement and Community Work: As a committed artist, Heidrun Kirzenberger contributes to the

cultural enrichment of her community. She is part of a creative network that uses art as a medium to

promote social values such as peace and tolerance.

Future Projects: Heidrun Kirzenberger plans to expand her artistic presence through further

exhibitions and projects. She aims to make her messages accessible to a wider audience through her

art.

Heidrun Kirzenberger is an artist who earns recognition through her works and her dedication to the

community. Her creations are an invitation to view the world through a lens of beauty and awareness.

HEIDRUN

KIRZENBERGER

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„SOMMERWEIDE“

80*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.300,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG „SOMMERWEIDE“

DESCRIPTION of the ARTWORK: “Summer Pasture“

Das Werk "SOMMERWEIDE" von Heidrun Kirzenberger ist ein poetischer

Blick in die Welt der Kindheitserinnerungen, Fantasien und die

besondere Verbindung zur Natur. Es lädt die Betrachter:innen dazu ein,

innezuhalten und den Moment zu spüren, die Farben, die Gräser und

die Lebendigkeit der Natur zu betrachten. Es erzählt von der Unschuld

und den Lektionen der Kindheit, die tief in der Seele verankert bleiben.

Philosophisch steht das Werk für das Spannungsfeld zwischen

Wahrnehmung und Reflexion. Die Sommerwiese wird dabei nicht nur

als physischer Raum, sondern auch als ein emotionaler und geistiger

Rückzugsort dargestellt. In der Farbenpracht und den Geschichten der

Gräser findet sich eine Einladung, die Fantasie wieder zu entdecken –

frei von den Begrenzungen des Alltags.

Ein zentrales Motiv des Werks ist die kindliche Achtung vor der Natur:

Keine Blumen brechen, keine Käfer werfen, keine Schmetterlingsflügel

berühren – es ist ein Aufruf zur Sensibilität und Respekt gegenüber dem

Leben in all seinen Formen. Diese Weisheiten der Kindheit wirken wie

universelle Erinnerungen, die uns daran erinnern, mit Liebe, Neugier

und Behutsamkeit die Welt zu betrachten.

Künstlerische Botschaft: Das Werk spricht von der stillen Magie, die in

kleinen, alltäglichen Dingen verborgen liegt. Es ruft dazu auf, das

Lächeln auf den Lippen und die Lebendigkeit der Fantasie in sich zu

bewahren, um die Schönheit und die Geschichten der Welt, wie sie in

einer Sommerwiese zu finden sind, zu sehen – und zu schätzen.

Mit "SOMMERWEIDE" schenkt Heidrun Kirzenberger einen Moment der

Besinnung und des inneren Friedens. Es ist eine Hommage an die

Einfachheit der Kindheit, die Tiefe von Erinnerungen und die Kraft der

Fantasie, die uns auch als Erwachsene mit der Natur und uns selbst

verbindet.

The artwork "Summer Meadow" by Heidrun Kirzenberger offers a

poetic glimpse into the world of childhood memories, imagination,

and the profound connection to nature. It invites viewers to pause,

embrace the moment, and take in the vibrant colors, the grass, and

the vitality of the natural world. It tells a story of innocence and the

lessons of childhood that remain deeply rooted in the soul.

Philosophically, the artwork represents the interplay between

perception and reflection. The summer meadow is portrayed not

merely as a physical space but also as an emotional and spiritual

retreat. In the richness of its colors and the tales told by the grass,

there lies an invitation to rediscover imagination—free from the

constraints of everyday life.

A central motif of the piece is the childlike respect for nature: not

breaking flowers, not tossing insects, not touching butterfly wings—

a call for sensitivity and respect for all forms of life. These childhood

lessons act as universal reminders to view the world with love,

curiosity, and care.

Artistic Message: The work speaks of the quiet magic hidden in

small, everyday things. It encourages the viewer to maintain a smile

on their lips and preserve the liveliness of their imagination, in order

to see—and cherish—the beauty and stories of the world as they are

found in a summer meadow.

With "Summer Meadow," Heidrun Kirzenberger provides a moment

of introspection and inner peace. It is a tribute to the simplicity of

childhood, the depth of memories, and the power of imagination,

which continues to connect us with nature and ourselves even as

adults.

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Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





GABRIELE HIRSCH

Gabriele Hirsch ist eine talentierte Künstlerin, die in Wien geboren wurde.

Sie lebt jetzt mit ihrer Familie in Wien und hat sich als abstrakte Acrylmalerin einen Namen gemacht.

Ihre Werke sind geprägt von lebendigen Farben und tiefen emotionalen Ausdrücken, die die Betrachter in

eine Welt voller Schönheit und Kreativität entführen.

Bildung:



Besondere Fähigkeiten: Gabriele Hirsch hat sich besonders durch ihre kreative Arbeit im Pointillismus

hervorgetan. Durch ihre präzise Technik und den geschickten Einsatz von Punkten schafft sie

beeindruckende Werke, die durch ihre Detailtiefe und ihre Lebendigkeit bestechen.

Über mich: "Das Malen ist für mich ein Ausdruck meiner innersten Gedanken und Gefühle. Jedes

meiner Werke ist ein Meilenstein auf meinem künstlerischen Lebensweg und fügt sich harmonisch in

das große Ganze meines kreativen Schaffens ein. Mit Leidenschaft und Kreativität möchte ich die

Betrachter meiner Werke dazu inspirieren, das Leben aus neuen Perspektiven zu sehen und die

Schönheit des Ungeplanten zu schätzen."

GABRIELE HIRSCH

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Gabriele Hirsch | Artist | Artfacts

GABRIELE HIRSCH

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GABRIELE HIRSCH

„UNDER WATERWORLD“

70*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.900,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„UNDERWATER WORLD“


“UNDERWATER WORLD“

"Underwater World" entführt den Betrachter in eine faszinierende

Unterwasserlandschaft voller Bewegung und Leben.

Die Leinwand wurde zunächst mit Titanweiß grundiert, um eine

strahlende Basis zu schaffen. Die untere Hälfte des Bildes wurde

mit einer Fluid-Pouring-Technik in verschiedenen Blau- und

Grüntönen gestaltet, wodurch ein fließender, lebendiger

Meeresgrund entsteht.

Mit Spachteln und Zahnspachteln wurden organische, wellenartige

Gräser in die Farbflächen eingearbeitet.

Zusätzlich kamen Pinselstiele und Pinsel zum Einsatz, um

unterschiedliche Strukturen und Tiefenwirkungen zu erzeugen.

Nach dem Trocknen wurden feine Details mit schwarzer Farbe

hervorgehoben und verschiedene Elemente, wie kleine

Meeresbewohner, ergänzt.

Verspielte Linien und Muster verleihen dem Bild eine dynamische

Leichtigkeit. Die bunten Akzente auf den Gräsern bringen

Lebendigkeit und lassen die Szenerie schimmern.

Durch die Kombination verschiedener Techniken und Farben wirkt

das Werk sowohl ruhig als auch energiegeladen.

"Underwater World" takes the viewer into a fascinating underwater

landscape full of motion and life. The canvas was initially primed

with titanium white to create a radiant base.

The lower half of the painting was crafted using a fluid-pouring

technique in various shades of blue and green, resulting in a

flowing, vibrant ocean floor.

Organic, wave-like grasses were worked into the color fields using

palette knives and toothed spatulas.

Additionally, brush handles and brushes were employed to create

diverse textures and depth effects. After drying, fine details were

highlighted with black paint, and various elements, such as small

marine creatures, were added.

Playful lines and patterns imbue the painting with dynamic

lightness. The colorful accents on the grasses bring vitality and

make the scene shimmer.

Through the combination of different techniques and colors, the

work appears both tranquil and energizing. It invites the viewer to

immerse themselves in a mysterious, colorful underwater world.

Es lädt den Betrachter ein, in eine geheimnisvolle, farbenfrohe

Unterwasserwelt einzutauchen.

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GABRIELE HIRSCH

Gabriele Hirsch is a talented artist born in Vienna, Austria.

She currently resides in Vienna with her family and has made a name for herself as an abstract

acrylic painter. Her works are characterized by vibrant colors and profound emotional

expressions that transport viewers into a world full of beauty and creativity.

Education:

•Self-taught and autodidactic development in painting

•Courses with renowned artists and art schools across Europe

Special Skills: Gabriele Hirsch has particularly distinguished herself through her creative work in

Pointillism. With her precise technique and skilled use of dots, she creates impressive works that

captivate with their depth of detail and vibrancy.

About Me: "Painting is an expression of my innermost thoughts and feelings. Each of my works is

a milestone on my artistic journey and integrates harmoniously into the bigger picture of my

creative process. With passion and creativity, I aim to inspire viewers of my works to see life from

new perspectives and to appreciate the beauty of the unexpected."

GABRIELE HIRSCH

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GABRIELE HIRSCH

„BLUE WONDER“

70*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.900,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„BLUE WONDER“


“BLUE WONDER“

Dieses Werk beeindruckt durch seine dynamische Farbgestaltung

und die kraftvolle Komposition.

Die Leinwand wurde zunächst mit Titanweiß grundiert, was eine

helle Basis für die folgenden Farbschichten bildet. Mit

Spachteltechnik wurden Primärcyan, Ultramarinblau, Indigoblau

und Türkis großflächig aufgetragen, wodurch eine lebendige, fast

fließende Struktur entstand.

Ein Hauch von Beige-Rosé wurde hinzugefügt, um sanfte Kontraste

zu setzen und Tiefe zu erzeugen.

Durch die Verwendung von Da Vinci Pinseln Nr. 5 und Nr. 3 wurden

feine Details herausgearbeitet, die die abstrakten Formen

definieren. Linien und Strukturen verleihen dem Bild eine

erzählerische Dimension und wecken Assoziationen mit

Landschaften oder organischen Formen.

Die harmonische Verbindung von kühlen Blautönen mit warmen

Akzenten verleiht dem Werk eine faszinierende Balance. Die

abstrakte Bildsprache lässt viel Raum für Interpretation und zieht

den Betrachter in eine fast meditative Tiefe.

This artwork captivates with its dynamic use of colors and

powerful composition. The canvas was first primed with titanium

white, creating a bright base for the subsequent layers of paint.

Using a palette knife technique, primary cyan, ultramarine blue,

indigo blue, and turquoise were applied in broad strokes,

resulting in a vibrant, almost fluid structure.

A touch of beige-rosé was added to create gentle contrasts and

depth. Fine details were worked out using Da Vinci brushes No.

5 and No. 3, defining the abstract shapes. Lines and structures

lend the piece a narrative dimension, evoking associations with

landscapes or organic forms.

The harmonious blend of cool blue tones with warm accents

gives the artwork a fascinating balance. Its abstract visual

language leaves ample room for interpretation, drawing the

viewer into an almost meditative depth. The impression of

movement and transformation emerges, stimulating the

imagination.

Es entsteht der Eindruck von Bewegung und Transformation, der

die Fantasie anregt.

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GABRIELE HIRSCH





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





GERALD MANDL

Gerald Mandl ist ein talentierter Maler aus Voitsberg, der sich durch seine einzigartigen abstrakten

Werke international einen Namen gemacht hat. Er malt die tiefsten Erlebnisse aus seiner Kindheit

in einer abstrakten Weise, die bereits weltweites Interesse geweckt hat. Seine farbenfrohen

Gemälde mit dem zentralen Mutter-Kind-Thema wirken wie sakrale Popart und zeichnen sich

durch einen unverkennbaren Stil und eine einzigartige Bildkomposition aus.

Bildung:


•Teilnahme an Workshops und Kursen bei renommierten Künstlern

Über mich: "Die tiefsten Erlebnisse meiner Kindheit sind die Quelle meiner Inspiration. Durch

meine abstrakten Werke möchte ich diese Erinnerungen auf eine Weise darstellen, die sowohl

persönlich als auch universell verständlich ist. Die zentrale Rolle des Mutter-Kind-Themas in

meinen Gemälden spiegelt die fundamentale Bedeutung dieser Beziehung in meinem Leben

wider. Mit meinem unverkennbaren Stil und meiner einzigartigen Bildkomposition hoffe ich, den

Betrachtern meiner Kunst eine tiefgehende und berührende Erfahrung zu bieten."

GERALD MANDL

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Gerald Mandl | Artist | Artfacts

GERALD MANDL

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GERALD MANDL

„Mann und Frau mit Kind“

60*80 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.400,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„MUTTER, VATER und KIND“


“MOTHER; FATHER and CHILD“

Das Werk Mutter, Vater und Kind von Gerald Mandl ist ein

beeindruckendes Zeugnis künstlerischen Schaffens und

symbolträchtiger Tiefe. Die Darstellung von drei abstrakten

Figuren in inniger Umarmung ist nicht nur eine Darstellung von

familiären Bindungen, sondern ein universelles Sinnbild für

Einheit, Zusammenhalt und bedingungslose Verbundenheit.

Die abstrahierte Formensprache des Kunstwerks lässt den

Betrachter über die Essenz von Beziehungen nachdenken—über

jene unsichtbaren Bande, die Menschen miteinander verweben.

Die Figuren verschmelzen in einer fast nahtlosen Verbindung und

erinnern an die spirituelle Dimension des Zusammenseins: ein

Raum, in dem Individualität bewahrt wird, aber gleichzeitig eine

kollektive Stärke und Wärme entsteht.

Die Umarmung, zentral in der Komposition, evoziert eine stille,

kraftvolle Präsenz—ein Ausdruck von Schutz, Geborgenheit und

gegenseitiger Hingabe. Es könnte als Metapher für die tiefe

menschliche Sehnsucht nach Harmonie und Stabilität

interpretiert werden, während die abstrakten Formen Raum für

vielfältige Interpretationen schaffen.

Dieses Meisterwerk ermutigt den Betrachter, die Schönheit und

Komplexität von Beziehungen zu würdigen und die zentrale Rolle

von Liebe und Zusammenhalt in unserem Leben zu erkennen. Es

spricht eine universelle Sprache, die von der Essenz des

Menschseins erzählt, und lädt uns ein, darüber zu reflektieren,

wie wir diese Werte in unserer eigenen Welt gestalten können.

Philosophical Description of the Artwork, Mother, Father, and

Child by Gerald Mandl

The artwork Mother, Father, and Child by Gerald Mandl is a

magnificent testament to artistic mastery and symbolic depth.

The depiction of three abstract figures in a loving embrace

transcends the boundaries of mere representation, embodying a

universal symbolism of unity, togetherness, and unconditional

connection.

The abstract visual language of the piece invites viewers to

ponder the essence of relationships—those unseen bonds that

weave individuals together. The figures seamlessly merge,

reminding us of the spiritual dimension of being together: a

space where individuality is preserved while a collective strength

and warmth emerge.

The embrace, central to the composition, conveys a quiet yet

powerful presence—a profound expression of protection,

comfort, and mutual devotion. It can be interpreted as a

metaphor for humanity’s deep longing for harmony and stability,

while the abstract forms leave room for diverse interpretations.

This masterpiece encourages viewers to appreciate the beauty

and complexity of relationships and to recognize the central role

of love and connection in our lives. It speaks a universal

language, narrating the essence of humanity, and invites us to

reflect on how we can nurture these values in our own world.

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GERALD MANDL

Gerald Mandl is a talented painter from Voitsberg who has gained international recognition for his

unique abstract works.

He paints the deepest experiences from his childhood in an abstract manner that has already

sparked worldwide interest. His colorful paintings, centered around the mother-child theme,

resemble sacred pop art and are distinguished by an unmistakable style and unique composition.

Education:


•Participation in workshops and courses with renowned artists

About Me: "The deepest experiences of my childhood are the source of my inspiration. Through

my abstract works, I aim to represent these memories in a way that is both personal and

universally understandable. The central role of the mother-child theme in my paintings reflects the

fundamental significance of this relationship in my life. With my distinctive style and unique

composition, I hope to offer viewers a profound and touching experience through my art."

GERALD MANDL

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GERALD MANDL

„EDUARD“

60*70 cm

Acryl auf Papier

PREIS: 2.200,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„EDUARD“


“EDUARD“

Das Werk Eduard von Gerald Mandl ist eine ergreifende und

symbolische Darstellung, die sowohl persönliche als auch

universelle Themen berührt. In der Darstellung seines Bruders

mit weit geöffneten Augen und einer frechen Zunge wird

Lebendigkeit und Individualität gefeiert, aber auch die tiefe Tragik

angedeutet, die von seiner langjährigen Vermisstenheit

überschattet wird.

Die gelb-rote Hülle um Eduard, in der sich ein roter Apfel

befindet, ruft unweigerlich die Assoziation des vergifteten Apfels

aus dem Märchen Schneewittchen hervor. Dieses Symbol könnte

auf die Dualität des Lebens hinweisen: die Verlockung und

Schönheit einer unberührten Fassade, hinter der Gefahr oder

Verlust lauern können. Diese Spannung wird durch die

Konfrontation mit dem Totenkopf verstärkt, der im Werk

gegenübergestellt ist und die endgültige Grenze des Daseins

markiert.

Das Zusammenspiel dieser Elemente macht das Werk

besonders berührend, indem es Themen wie Verlust, Erinnerung

und die Zerbrechlichkeit des Lebens miteinander verknüpft.

Gleichzeitig regt es dazu an, über die Bedeutung von familiären

Bindungen und die Art, wie wir mit Vergangenheit und Verlust

umgehen, nachzudenken. Gerald Mandl schafft eine tiefgründige

visuelle Erzählung, die den Betrachter auffordert, die komplexen

emotionalen und symbolischen Ebenen des Lebens zu

hinterfragen.

Philosophical Description of the Artwork Eduard by Gerald

Mandl

The artwork Eduard by Gerald Mandl is a touching and

symbolic representation that addresses both personal and

universal themes. The depiction of his brother, with wide-open

eyes and a playful tongue, celebrates vitality and individuality

while hinting at the profound tragedy overshadowed by his

long-standing disappearance.

The yellow-red shell surrounding Eduard, containing a red

apple, evokes the imagery of the poisoned apple from the

Snow White fairy tale. This symbol may reflect the duality of

life—the allure and beauty of an untouched exterior

concealing potential danger or loss. This tension is

heightened by the juxtaposition of the skull, which confronts

the viewer with the ultimate boundary of existence.

The interplay of these elements makes the artwork especially

moving, intertwining themes of loss, memory, and the fragility

of life. At the same time, it encourages reflection on the

significance of familial bonds and the way we cope with the

past and with loss. Gerald Mandl creates a profound visual

narrative that invites the viewer to explore the complex

emotional and symbolic dimensions of life.

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GERALD MANDL

an der ART BRATISLAVA by MIKIZZANER als NEWCOMER teilgenommen hat,




Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Irmgard Götzl | Artist | Artfacts

IRMGARD GÖTZL

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Künstlerische Entwicklung

Mein künstlerisches Wissen habe ich mir autodidaktisch angeeignet. Seit vielen Jahren widme ich mich mit

Leidenschaft verschiedenen handwerklichen und künstlerischen Techniken. Mein Weg führte mich von der

Keramik und Holzbearbeitung über Seidenmalerei und Glaskunst bis hin zur Miniaturmalerei auf Kunstnägeln.

Seit 2003 bin ich als Nageldesignerin in Graz selbstständig und habe mich intensiv der Miniaturmalerei auf

Kunstnägeln gewidmet. Die Präzision und Geschicklichkeit, die meine Kunst erfordert, sind für mich essenziell.

Seit 2023 erfolgt parallel der Übergang von der Nagelfläche zur Bildfläche, wodurch ich meine künstlerische

Ausdrucksweise weiterentwickle und neue Techniken integriere.

Plattform Mikizzaner

‣ Seit 2024 Künstlerin der Plattform Mikizzaner

‣ Seit 2025 aktives Mitglied der Plattform Mikizzaner

Künstlerische Schwerpunkte

‣ Malerei mit Acryltechnik

‣ Miniaturmalerei auf Kunstnägeln

‣ Verbindung von abstrakten und gegenständlichen Elementen

‣ Darstellung von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft

‣ Ausdruck von Emotionen und alltäglichen Einflüssen in der Bildkomposition

Arbeitsweise & Inspiration

Meine Bilder entstehen intuitiv – ohne feste Vorzeichnung oder konkrete Vorstellung. Der erste Farbauftrag ist

der Ausgangspunkt, von dem aus sich die Komposition organisch entwickelt. Erst während des Malprozesses

formen sich Strukturen, Figuren oder Landschaften. Diese freie Herangehensweise ermöglich es mir, ganz im

Moment zu arbeiten und mich von der Dynamik der Farben und Formen leiten zu lassen. Manche Elemente

bleiben bewusst undefiniert und lassen Raum für die individuelle Interpretation des Betrachters.

Ausstellungen & Veröffentlichungen

2025

‣ Arte Bratislava By Mikizzaner 2025 - Masterpieces Of Artist Group Exhibition

Primaciálny palác Bratislava Slovakia

‣ Vernetzte Triaden - Womenismus by Mikizzaner III – Kunsthaus Mikizzaner Voitsberg

‣ Vernetzte Triaden - Womenismus by Mikizzaner II - Kunstvitrine Mikizzaner Graz

‣ Vernetzte Triaden - Womenismus by Mikizzaner I - Steirischer Presseclub Graz

‣ Kunstmesse Womenismus by MIKIZZANER 2024

‣ Kunstaustellung „Gold & Rot mit allen Sinnen“ by Mikizzaner – Kunsthaus Mikizzaner Voitsberg

IRMGARD GÖTZL

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IRMGARD GÖTZL

„Dämmerung 1 – aus der Serie Zeitsprung“

60*80 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.160,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„DÄMMERUNG I“


“TWILIGHT I“

"In Dämmerung 1" entfaltet sich ein philosophisches Schauspiel, in

dem die Grenzen des Sichtbaren und des Möglichen verwischen. Licht

und Schatten, Form und Auflösung, Realität und Möglichkeit treten in

einen Dialog, der den Betrachter auf eine innere Reise mitnimmt. Die

nebulöse Landschaft dient nicht nur als äußeres Motiv, sondern als

tiefgreifendes Symbol des Übergangs – zwischen den Gegensätzen

von Tag und Nacht, Vergangenheit und Zukunft, Gewissheit und

Zweifel.

Die Komposition spielt mit der Symbolik der Gegensätze: Die

angedeuteten Strukturen auf der linken Seite flüstern von

Beständigkeit, während die nebulöse, offene Weite auf der rechten

Seite das Unbekannte repräsentiert. Diese Gegenüberstellung lädt

dazu ein, über die Dualität des Lebens zu reflektieren, in der

Bestimmtheit und Unsicherheit stets nebeneinander existieren.

Die Dämmerung selbst wird zur Metapher für die Vergänglichkeit –

aber ebenso für den stetigen Neubeginn. Sie erinnert uns daran, dass

jeder Abend das Versprechen eines neuen Morgens trägt, dass jeder

Wandel eine Möglichkeit für das Kommende birgt. Die fließenden

Übergänge in der Komposition spiegeln die ständige Bewegung des

Lebens wider, die uns durch Zeit und Raum trägt, ohne je

stillzustehen.

"In Dämmerung 1" evoziert eine meditative Tiefe, die den Betrachter

dazu einlädt, innezuhalten, die Flüchtigkeit des Moments zu spüren

und zugleich die Hoffnung im Wandel zu erkennen. Es ist ein Werk,

das sowohl Vergänglichkeit als auch die unendlichen Möglichkeiten

des Lebens zelebriert.

"In Dämmerung 1" unfolds as a philosophical tableau in which

the boundaries between the visible and the possible blur.

Light and shadow, form and dissolution, reality and possibility

engage in a dialogue that takes the viewer on an inner journey.

The nebulous landscape serves not only as an external motif

but as a profound symbol of transition—between the

opposites of day and night, past and future, certainty and

doubt.

The composition plays with the symbolism of contrasts: The

suggested structures on the left whisper of permanence, while

the nebulous, open expanse on the right embodies the

unknown. This juxtaposition invites reflection on the duality of

life, where determination and uncertainty perpetually coexist.

The twilight itself becomes a metaphor for transience—but

equally for constant renewal. It reminds us that every evening

holds the promise of a new morning and that every

transformation carries the potential for what is yet to come.

The flowing transitions in the composition mirror the perpetual

movement of life, carrying us through time and space without

ever standing still.

"In Dämmerung 1" evokes a meditative depth, inviting the

viewer to pause, feel the fleetingness of the moment, and

simultaneously recognize the hope inherent in change. It is a

work that celebrates both impermanence and the infinite

possibilities of life.

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Artistic Development

I am a self-taught artist who has passionately dedicated myself to various crafts and artistic techniques over many

years. My journey has taken me from ceramics and woodworking to silk painting and glass art, and finally to miniature

painting on artificial nails. Since 2003, I have been self-employed as a nail designer in Graz, where I have focused

intensively on miniature painting on artificial nails. The precision and skill required for my art are essential to me.

Beginning in 2023, I expanded from nail surfaces to painting on canvases, allowing me to further develop my artistic

expression and integrate new techniques.

Mikizzaner Platform

‣ Since 2024: Artist at the Mikizzaner Platform

‣ Since 2025: Active member of the Mikizzaner Platform

Artistic Focus Areas

‣ Acrylic painting techniques

‣ Miniature painting on artificial nails

‣ Blending abstract and representational elements

‣ Depicting past, present, and future

‣ Expressing emotions and everyday influences in compositions

Working Method & Inspiration My paintings are created intuitively—without preliminary sketches or concrete

concepts. The first application of paint serves as the starting point, from which the composition organically evolves.

Structures, figures, or landscapes only emerge during the painting process. This free approach allows me to work

entirely in the moment, guided by the dynamics of colors and forms. Some elements are intentionally left undefined,

leaving room for individual interpretation by the viewer.

Exhibitions & Publications 2025

‣ Arte Bratislava By Mikizzaner 2025 - Masterpieces Of Artist Group Exhibition Primaciálny Palác Bratislava, Slovakia

‣ Vernetzte Triaden - Womenismus by Mikizzaner III – Kunsthaus Mikizzaner, Voitsberg

‣ Vernetzte Triaden - Womenismus by Mikizzaner II – Kunstvitrine Mikizzaner, Graz

‣ Vernetzte Triaden - Womenismus by Mikizzaner I – Styrian Press Club, Graz

‣ Womenismus Art Fair by Mikizzaner

2024

•Art Exhibition "Gold & Red with All Senses" by Mikizzaner – Kunsthaus Mikizzaner, Voitsberg

IRMGARD GÖTZL

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IRMGARD GÖTZL

„Dämmerung 2 – aus der Serie Zeitsprung“

60*80 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.160,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„DÄMMERUNG II“


“TWILIGHT II“

"In Dämmerung 2" entfaltet sich eine stille, nahezu meditative

Szenerie, in der Licht und Farbe ein harmonisches Zusammenspiel

eingehen. Die angedeutete Landschaft am Wasser ist kein greifbarer

Ort, sondern ein Zustand des Übergangs—ein Moment, der zwischen

Sein und Werden, Ruhe und Bewegung, Tag und Nacht schwebt. Der

zentrale Halo-Effekt wirkt wie ein sanftes, pulsierendes Leuchten, das

die gesamte Szene durchdringt und die Betrachter:innen zu einer

inneren Einkehr einlädt.

Die zurückhaltenden Pinselstriche und gedämpften Farbtöne lassen

das Werk wie eine Erinnerung erscheinen: vage, flüchtig und dennoch

von tiefer Bedeutung. Diese unbestimmte Qualität ermöglicht dem

Auge, frei durch das Gemälde zu wandern, sich in dessen Tiefe zu

verlieren und dabei immer neue Details und Strukturen zu

entdecken—ein Spiel zwischen dem Greifbaren und dem Imaginären.

Das Fehlen klarer Konturen in der Komposition ruft dazu auf, das Bild

nicht zu definieren, sondern zu erleben. Es fordert die Betrachter:innen

auf, sich den Momenten der Stille und des Übergangs hinzugeben, die

universelle Dynamik des Lebens und das unaufhaltsame Fließen der

Zeit zu spüren.

"In Dämmerung 2" ist mehr als ein Gemälde; es ist eine Einladung, im

Wandel die Schönheit zu erkennen und die Zeit selbst als Kunstwerk

zu betrachten.

"In Dämmerung 2" unfolds as a tranquil, almost meditative scene

where light and color merge into harmonious interplay. The

suggested waterside landscape is not a tangible place but a state of

transition—a moment suspended between being and becoming,

stillness and movement, day and night. The central halo effect acts

like a gentle, pulsating glow that permeates the entire scene,

inviting viewers to a moment of inner reflection.

The subtle brushstrokes and muted tones give the work the quality

of a memory: vague, fleeting, yet deeply significant. This

indeterminate quality allows the eye to roam freely across the

painting, becoming lost in its depth and discovering new details and

structures—a play between the tangible and the imaginary.

The absence of clear contours in the composition encourages

viewers not to define the image but to experience it. It invites them

to embrace moments of stillness and transition, to sense the

universal flow of life and the relentless passage of time.

"In Dämmerung 2" is more than a painting; it is an invitation to

recognize beauty within transformation and to see time itself as a

work of art.

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IRMGARD GÖTZL





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Kerstin Kager | Artist | Artfacts

KERSTIN KAGER

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Persönliche Daten: Name: Kerstin Kager Geburtsort: Graz, Österreich

Aktueller Wohnort: Wels, Österreich

Künstlerischer Werdegang: Kerstin Kager, geboren 1966, begann ihren kreativen Weg mit

einer frühen Faszination für Farben, Formen und Schatten. Ursprünglich als Sprachlehrerin

tätig, nachdem sie Französisch und Deutsch studiert hatte, führte ihre Leidenschaft für die

Kunst sie 2001 zu einem Abschluss in Kunsttherapie. Dies markierte den Beginn ihres

Engagements für die Malerei als eine Form des Geschichtenerzählens.

Künstlerischer Stil und Themen: Kerstin Kagers Werke zeichnen sich durch

ausdrucksstarke Farben und mutige Kontraste aus, die oft Themen wie Landschaften,

Wasser und dynamische Figuren in Bewegung erforschen. Ihre Kompositionen fangen

alltägliche Momente aus ihren Reisen und Begegnungen ein und verbinden lebendige Bilder

mit emotionaler Tiefe. Sie verwendet Mixed-Media-Techniken, die Stücke schaffen, die vor

Lebendigkeit und narrativer Fülle strotzen.

Ausstellungen und Erfolge: Seit 1997 präsentiert Kerstin Kager ihre Kunst in zahlreichen

Ausstellungen in Österreich und Europa, darunter:

•Einzelausstellungen in Paris, Traun und Wels (2022)

•Teilnahme an internationalen Kunstmessen wie Forli und MUST in Lecce

•Präsentation ihrer Werke an renommierten Orten wie dem Carrousel du Louvre in Paris und

der Biennale in Venedig

Ihre Kunst wurde auch in Städten wie Florenz, Barcelona und New York gezeigt, was ihren

globalen Einfluss und ihre Anerkennung als internationale Künstlerin unterstreicht.

Künstlerische Philosophie: Für Kerstin Kager ist die Malerei eine Form des

Geschichtenerzählens, bei der jedes Kunstwerk ein Kapitel in ihrer Lebensreise darstellt. Sie

lädt die Betrachter ein, aktiv mit ihren Werken in Dialog zu treten, persönliche Verbindungen

zu knüpfen und Gespräche anzuregen. Ihre Kunst dient als Brücke zwischen dem Greifbaren

und dem Emotionalen und bietet eine geteilte Erfahrung, die Herzen berührt und Fantasien

entfacht.

Aktuelle Projekte: Kerstin Kager erweitert weiterhin ihren künstlerischen Horizont, indem

sie an internationalen Ausstellungen teilnimmt und neue kreative Techniken erkundet. Ihre

Werke bleiben ein Zeugnis ihres unerschütterlichen Engagements für ihre Kunst und ihrer

Fähigkeit, komplexe Emotionen durch die Sprache der Kunst auszudrücken.

Kerstin Kagers bewegende Kreationen feiern das Leben, die Bewegung und die

transformative Kraft des künstlerischen Ausdrucks.

KERSTIN KAGER

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KERSTIN KAGER

„CAPRICORN“

50*70 cm

MIXART auf Leinwand

PREIS: 2.900,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„CAPRICORN“

Das Gemälde „Capricorn“ von Kerstin Kager ist eine beeindruckende

Komposition, die die Symbolik des Steinbocks in einer kraftvollen und zugleich

poetischen Form einfängt. Der schwarze Steinbock, dargestellt mit intensiven

Pigmenten, verkörpert Stärke, Entschlossenheit und Resilienz. Sein

eindringlicher Blick verleiht ihm eine fast majestätische Ausstrahlung, die den

Betrachter in seinen Bann zieht und eine tiefe innere Reflexion anregt.

Der Hintergrund aus hochwertigem Papier im Hahnemühle-Stil, kunstvoll als

Collage gestaltet, ergänzt den Steinbock durch seine strukturierte und edle

Ästhetik. Diese Technik, typisch für Kagers unverkennbaren Stil, verbindet

traditionelle und zeitgenössische Elemente zu einer harmonischen Einheit. Die

Collage wirkt nicht nur unterstützend, sondern verstärkt die Präsenz des

Steinbocks und schafft eine Verbindung zwischen der natürlichen Welt und der

künstlerischen Interpretation.

„Capricorn“ steht als Symbol für den ewigen Aufstieg, die Überwindung von

Herausforderungen und die Strebsamkeit, die im Zeichen des Steinbocks

verankert sind. Kagers Wahl der schwarzen Pigmente und die bewusste

Ausarbeitung des intensiven Blicks des Tieres geben dem Werk eine

metaphysische Tiefe. Es spricht von der Balance zwischen Erdverbundenheit

und dem Drang, Höhen zu erklimmen—eine universelle Botschaft von Mut und

Zielstrebigkeit.

Dieses Werk ist nicht nur ein visuelles Erlebnis, sondern auch eine

philosophische Reflexion über innere Stärke und Zielbewusstsein. Kagers

einzigartige Herangehensweise und ihr unverwechselbarer Stil machen

„Capricorn“ zu einem herausragenden Beispiel für die Verschmelzung von

Kunst, Natur und Symbolik, das den Betrachter dazu einlädt, die eigene

Bestimmung und Kraft zu hinterfragen.


“CAPRICORN“

The painting "Capricorn" by Kerstin Kager is an impressive

composition that captures the symbolism of the Capricorn in a

powerful yet poetic form. The black Capricorn, depicted with

intense pigments, embodies strength, determination, and

resilience. Its piercing gaze grants it an almost majestic aura,

drawing viewers in and evoking deep inner reflection.

The background, crafted from high-quality Hahnemühle-style

paper and artfully designed as a collage, complements the

Capricorn with its structured and refined aesthetics. This

technique, characteristic of Kager's distinctive style, merges

traditional and contemporary elements into a harmonious unity.

The collage not only supports but enhances the presence of the

Capricorn, creating a connection between the natural world and

artistic interpretation.

"Capricorn" symbolizes eternal ascent, the overcoming of

challenges, and the perseverance rooted in the essence of the

Capricorn sign. Kager’s choice of black pigments and the

deliberate emphasis on the animal's intense gaze give the work

metaphysical depth. It speaks of the balance between earthly

connection and the drive to reach heights—a universal message of

courage and ambition.

This piece is not only a visual experience but also a philosophical

reflection on inner strength and purposeful determination. Kager’s

unique approach and unmistakable style make "Capricorn" a

remarkable example of the fusion of art, nature, and symbolism,

inviting viewers to question their own purpose and strength.

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Personal Information:

Name: Kerstin Kager Place of Birth: Graz, Austria Current Residence: Wels, Austria

Artistic Journey: Kerstin Kager, born in 1966, began her creative path with a deep

fascination for colors, shapes, and shadows from an early age. Initially pursuing a career

as a language teacher after studying French and German, her passion for art led her to

complete a degree in art therapy in 2001. This marked the beginning of her dedication to

painting as a form of storytelling.

Artistic Style and Themes: Kerstin Kager’s works are characterized by expressive colors

and bold contrasts, often exploring themes of landscapes, water, and dynamic figures in

motion. Her compositions capture everyday moments from her travels and interactions,

blending vivid imagery with emotional depth. She employs mixed media techniques,

creating pieces that resonate with vitality and narrative richness.

Exhibitions and Achievements: Since 1997, Kerstin Kager has showcased her art in

numerous exhibitions across Austria and Europe, including:

•Solo exhibitions in Paris, Traun, and Wels (2022)

•Participation in international art fairs such as Forli and MUST in Lecce

•Featured works at prestigious venues like the Carrousel du Louvre in Paris and the

Biennale in Venice

Her art has also been displayed in cities like Florence, Barcelona, and New York, reflecting

her global reach and recognition as an international artist.

Artistic Philosophy: For Kerstin Kager, painting is a form of storytelling where each

artwork represents a chapter in her life’s journey. She invites viewers to engage actively

with her pieces, fostering personal connections and sparking dialogue. Her art serves as a

bridge between the tangible and the emotional, offering a shared experience that touches

hearts and ignites imaginations.

Current Projects: Kerstin Kager continues to expand her artistic horizons, participating in

international exhibitions and exploring new creative techniques. Her work remains a

testament to her unwavering dedication to her craft and her ability to convey complex

emotions through the language of art.

Kerstin Kager’s evocative creations stand as a celebration of life, movement, and the

transformative power of artistic expression.

KERSTIN KAGER

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KERSTIN KAGER

„GAZELLE“

50*70 cm

MIXART auf Leinwand

PREIS: 2.900,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„GAZELLE“

Das Gemälde „Gazelle“, ein weiteres Meisterwerk von Kerstin Kager, stellt

eine beeindruckende philosophische Auseinandersetzung mit der Symbolik

des weiblichen Steinbocks dar. Die Darstellung in tiefschwarzen Pigmenten

verleiht der Gazelle eine kraftvolle, fast mythische Präsenz, während der

intensive Ausdruck in ihren Augen eine geheimnisvolle Tiefe und Stärke

offenbart. Diese künstlerische Umsetzung zeigt nicht nur die äußere Gestalt,

sondern verkörpert zugleich die innere Kraft und Anmut, die mit dem

Steinbock verbunden werden.

Der Hintergrund, kunstvoll gestaltet aus hochwertigem Hahnemühle-Papier

in Collagetechnik, bietet eine texturierte und edle Kulisse, die die Gazelle in

den Fokus rückt und dabei den symbolischen Dialog zwischen Natur und

künstlerischer Interpretation verstärkt. Die Berge im Hintergrund

verschmelzen subtil mit der Silhouette der Gazelle und schaffen eine

einzigartige Verschmelzung zwischen dem Tier und seiner Umgebung. Ihr

Körper formt den eingebetteten Horizont, der als Sinnbild für den Einklang

zwischen Mensch, Natur und Geist interpretiert werden kann.

In „Gazelle“ verbindet Kager die Erdverbundenheit des Steinbocks mit der

Suche nach spiritueller Höhe, die in der Symbolik des Tierkreiszeichens

verankert ist. Die Verschmelzung von Tier und Landschaft vermittelt eine

universelle Botschaft über Einheit, Anpassung und die Harmonie zwischen

Stärke und Verwundbarkeit. Die Wahl der starken schwarzen Pigmente und

die bewusste Integration des Horizonts betonen die zeitlose und gleichzeitig

erhabene Qualität dieses Werks.

Kagers unverwechselbarer Stil und ihre Fähigkeit, das Essenzielle in den

Symbolen der Natur zu erfassen, machen „Gazelle“ zu einem

philosophischen Werk, das sowohl die Tiefgründigkeit der Kunst als auch die

Macht der Natur in einer poetischen Bildsprache vereint. Es lädt den

Betrachter ein, über die innere Stärke und die Verbindung zur äußeren Welt

nachzudenken, und eröffnet einen Raum für Reflexion über die Balance

zwischen Erdung und dem Streben nach Höherem.


“GAZELLE“

The painting "Gazelle", another masterpiece by Kerstin Kager, presents an

impressive philosophical exploration of the symbolism of the female

Capricorn. Rendered in deep black pigments, the gazelle exudes a

powerful, almost mythical presence, while the intense expression in her

eyes reveals a mysterious depth and strength. This artistic interpretation

captures not only the external form but also the inner grace and resilience

associated with the Capricorn.

The background, artfully created with high-quality Hahnemühle paper in

collage technique, provides a textured and refined setting that emphasizes

the gazelle and enhances the symbolic dialogue between nature and

artistic interpretation. The mountains in the background subtly merge with

the silhouette of the gazelle, creating a unique fusion of the animal and its

environment. Her body forms the embedded horizon, which can be

interpreted as a symbol of harmony between humanity, nature, and spirit.

In "Gazelle", Kager unites the Capricorn’s grounded connection to the

earth with the quest for spiritual heights, a theme deeply rooted in the

symbolism of this zodiac sign. The fusion of the animal and the landscape

conveys a universal message about unity, adaptability, and the harmony

between strength and vulnerability. The choice of bold black pigments and

the deliberate integration of the horizon emphasize the timeless yet

transcendent quality of this artwork.

Kager's distinctive style and her ability to capture the essence of nature’s

symbols make "Gazelle" a philosophical masterpiece that unites the

profundity of art and the power of nature in poetic visual language. It

invites the viewer to reflect on inner strength and their connection to the

outer world, offering a space for contemplation on the balance between

grounding and striving for greater heights.

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KERSTIN KAGER





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





LiLA HERDERBERG (Sylvia A. Fruhmann)

Geboren: 1962 in Graz, Österreich

Wohnorte: Graz, Obersteiermark, Wien, Los Angeles

Beruf: Autorin, Lyrikerin, Kunstphilosophin, Malerin, Sängerin, Liedtexterin

Bildung: Magister der Philosophie (Mag. phil.) an der Karl-Franzens-Universität Graz

Veröffentlichungen:

•Kunst als Sprache (kunstphilosophisches Buch)

•Rose & Wind (Gedichtband)

•Tage & Nächte (Gedichtband)

Auszeichnungen:

•Kleiner-Zeitung-Poetry-Slam Gewinner 2020

Künstlerische Tätigkeiten:

•Malerei: Frühlingserwachen im Botanischen Garten - Teil 1

•Musik: Sängerin und Liedtexterin

LiLa Herderberg, geboren als Sylvia Fruhmann, ist eine vielseitige Künstlerin aus Graz, die

sich in der Malerei einen Namen gemacht hat. Ihre Werke zeichnen sich durch eine

außergewöhnliche Sensibilität und Tiefe aus, die den Betrachter in eine Welt voller

Emotionen und Reflexionen entführt.

Ein zentrales Thema in Herderberg's Arbeiten ist die menschliche Existenz und die damit

verbundenen Emotionen und Erfahrungen. Sie erforscht die verschiedenen Facetten des

Lebens und bringt dabei sowohl Freude als auch Trauer, Hoffnung und Verzweiflung zum

Ausdruck. Ihre Kunst lädt den Betrachter ein, sich auf eine tiefere Ebene der Wahrnehmung

zu begeben und die subtilen Nuancen der menschlichen Seele zu entdecken.

Mit ihren Gemälden hat LiLa Herderberg nicht nur in Österreich, sondern auch international

Anerkennung gefunden. Ihre Werke wurden in zahlreichen Ausstellungen gezeigt und sind in

privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten. Durch ihre einzigartige künstlerische Vision

und ihre Fähigkeit, komplexe Emotionen und Themen auf Leinwand zu bannen, hat sie sich

als herausragende Künstlerin etabliert.

LiLa Herderberg bleibt eine inspirierende Figur in der Kunstwelt, deren Werke die Schönheit

und Komplexität der menschlichen Erfahrung auf unverwechselbare Weise darstellen.

LILA HERDERBERG

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Lila Herderberg | Artist | Artfacts

LiLA HERDERBERG

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WERKBESCHREIBUNG:

„Nachtvision – Der Fluss des Lebens“

„Erdgebet – Pacha Mama Wiedergeburtsritual – Anden Hochland“

In einer Welt, wo die heilsame Qualität der Nacht durch Lichtsmog und

Unterhaltungsmedien ihre generative und regenerative Wirkung kaum mehr

entfalten kann, setze ich mit meinen beiden Bildern – in der Tradition der

„Nachtstücke“ und deren reduzierter Farbigkeit – einen Kontrapunkt zu der auf

Aktion und Reaktion gerichteten Tagesqualität. Auch wenn wir heute durch

Jahrtausende währende zivilisatorische Prozesse mit hoch technologisierten

Werkzeugen hantieren und interagieren, sind die Wirkprinzipien unseres Körpers

und unserer Seele noch dieselben wie beim Auftreten des Homo sapiens sapiens.

Darum greift die Bildsprache meiner beiden Ölpastelle „Nachtvision – Der Fluss des

Lebens“ und „Erdgebet – Pacha Mama Wiedergeburtsritual – Anden Hochland“

heute noch praktizierte Rituale und kollektiv verinnerlichte Symbole von Stämmen

nord- und südamerikanischer Indigener auf.

„Nachtvision – Der Fluss des Lebens“: Wie ein Fluss windet sich die

schimmernde Schlange als Lebenssymbol am Menschen entlang, der

eingebunden ist, in einen unendlichen Strom, eine Bewegung durch die Zeit.

Keiner weiß, ob dieser Fluss von oben nach unten oder von unten nach oben

fließt. Aber mit uns sind die Kräfte der Natur, die es anzunehmen gilt und

mithilfe derer wir das Leben und den Tod meistern, um den „Sternenpfad“ zu

betreten.

„Erdgebet – Pacha Mama Wiedergeburtsritual – Anden Hochland“: In natürlichen

Wassermulden, in denen im kargen, kalten Andenhochland, auf mehr als 3600 m

Seehöhe einige Algen ihr Auskommen finden, wird von Indios ein Initiationsritus zur

Rückverbindung mit Mutter Erde, Pacha Mama, vollzogen. Aus den Bergen in der

Ferne versorgt ein mäanderndes Rinnsal – einer Nabelschnur gleich – das

lebensspendende Reservoir mit Nahrung und Wasser. Der Mensch kehrt in die

„Gebärmutter“ der Erde zurück und erneuert sich dadurch.


“Night Vision – The Flow of Life“

„Earth Prayer - Pacha Mama Rebirth Ritual“

In a world, where the night hardly can unfold its generative and

regenerative healing quality because of light pollution and entertainment

media, I set a counterpoint to the day’s dynamics of action and reaction

with my two pastels in reduced chromaticity - rooted in the tradition of

„Nocturnes“. Though today we handle and interact with high-tech utilities

thanks to millenia of civilizing processes, the active principles of our

bodies and souls are still the same as when homo sapiens sapiens

appeared.

That’s why the pictorial language of my two oil pastels „Night Vision – The

Flow of Life“ and „Earth Prayer - Pacha Mama Rebirth Ritual“ picks up

still practiced rituals and collectively internalized symbols of North- and

South American indigenous tribes.

„Night Vision – The Flow of Life“: The shimmering snake – as a symbol of

life – entwines the human being, who is contained by this infinite

movement through time. Does this flow come from above to go downward

or does it take its course from the bottom up? Nobody knows. But distinct

forces of nature coexist in our realm to be accepted. In communion with

them we can master life and death to tread the “starry path”.

„Earth Prayer – Pacha Mama Rebirth Ritual – Highlands of the Andes“:

Above more than 3600 m sea level of the sparce and cold highlands of the

Andes an Indio practices an initiation rite in a natural water containing

hallow to rejoin with Mother Earth, Pacha Mama. From the distant

mountains a meandering streamlet – alike an umbilical cord – provides the

water basin, in which some algae get along, with nutrients and live-giving

liquid. The human being returns to the womb of Earth and renews by that.

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LiLA HERDERBERG

„Nachtvision – Der Fluss des Lebens“

60*80 cm

Ölpastell auf Papier

PREIS: 2.200,00 EUR


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LiLA HERDERBERG

„Erdgebet – Wiedergeburtsritual – Anden Hochland“

60*80 cm

Ölpastell auf Papier

PREIS: 2.200,00 EUR


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LILA HERDERBERG





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





MaLo Magic Blue | Artist | Artfacts

MALO MAGIC BLUE

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MALO MAGIC BLUE

"Wir müssen die Augen offen halten, unsere Trägheit ein- für allemal ablegen und jetzt aktiv

werden, um unseren fantastischen Planeten mit all seinen wunderbaren Geschöpfen für uns

selbst und die Nachwelt in lebens- und liebenswerter Form zu erhalten." - MaLo

Der österreichische Künstler MaLo Magic Blue erschafft traumartige, magisch-surreale

Bildwelten auf Leinwand, die eine starke Naturverbundenheit und Liebe zum Leben sichtbar

machen.

MaLo, dessen Künstlername sich von Mario Lorenz ableitet, ist seit 2012 in seiner Heimatstadt

Graz als freischaffender Künstler tätig. Nach zwei abgeschlossenen Studien –

Rechtswissenschaften und Pädagogik – begann er sich die Acrylmalerei autodidaktisch

anzueignen. MaLos Leidenschaft zum individuellen visuellen Ausdruck zeigte sich schon in

frühester Kindheit. Im Jugendalter wechselte er zur Musik - sein Schaffensdrang galt nunmehr

dem Schreiben und Singen seiner eigenen Songs, bis er im Jahr 2012 zur Malerei zurückkehrte.

Member der Plattform Mikizzaner

MALO MAGIC BLUE

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WERKBESCHREIBUNG:

„THE DREAM of PEACE I and II“


“THE DREAM of PEACE I and II“

Das Diptychon The Dream of Peace I und II von MaLo ist eine

tiefgründige und symbolträchtige künstlerische Reflexion über

die Zerbrechlichkeit des Friedens und die Resilienz der

Hoffnung. Im ersten Bild wird die Einsamkeit und Verletzlichkeit

der Friedenstaube spürbar, die auf einem verkohlten Ast sitzt—

ein Sinnbild für das Überleben inmitten der Zerstörung. Die

geschlossenen Augen der Taube suggerieren eine innere Einkehr,

ein Rückzug in die Welt des Traumes, während um sie herum die

grauenvolle Realität des Krieges wütet, dargestellt durch

brennende Ruinen und ein apokalyptisches Szenario.

Das zweite Bild zeigt den Traum der Taube und öffnet den Blick in

eine andere Dimension—eine Vision des Friedens, die das

Gegenstück zur gezeigten Verwüstung bildet. Diese

Gegenüberstellung zwischen Alptraum und Traum, zwischen

Realität und Hoffnung, verdeutlicht die Dualität der

menschlichen Existenz und die Sehnsucht nach Harmonie, die

selbst in den dunkelsten Momenten überlebt.

Dieses Werk lädt die Betrachter ein, über die Kraft der inneren

Stärke und der Vorstellungskraft nachzudenken, die als Quelle

für Hoffnung und Transformation dienen können. Die Taube wird

so nicht nur zum Symbol des Friedens, sondern auch für die

Fähigkeit, aus dem Leid schöpferische Visionen zu entwickeln

und eine bessere Zukunft zu erträumen. Das Diptychon stellt die

Frage, ob Frieden ein unerreichbarer Traum bleibt oder ein Ziel,

das mit menschlichem Willen und Mut Wirklichkeit werden kann.

Philosophical Description of the Diptych The Dream of

Peace I and II by MaLo

The diptych The Dream of Peace I and II by MaLo presents a

profound and symbolic reflection on the fragility of peace and

the resilience of hope. In the first painting, the viewer is drawn

to the loneliness and vulnerability of the dove of peace,

perched on a charred branch—a striking emblem of survival

amid destruction. With its eyes closed, the dove appears

withdrawn, retreating into a world of dreams while the harsh

reality of war rages around it, depicted through burning ruins

and an apocalyptic setting.

The second painting unveils the dove's dream, offering a

glimpse into a realm of peace—contrasting sharply with the

devastation portrayed in the first image. This juxtaposition

between nightmare and dream, reality and hope, highlights the

duality of human existence and the deep yearning for harmony

that endures even in the darkest moments.

The artwork invites viewers to contemplate the strength of inner

resilience and imagination, which serve as sources of hope and

transformation. The dove is not merely a symbol of peace but

also of the ability to create visionary ideas out of suffering and

to dream of a better future. Ultimately, the diptych poses the

question of whether peace remains an unattainable dream or a

goal that can be realized through human determination and

courage.

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MaLO MAGIC BLUE

„The dream of peace I“

60*70 cm

Mixart auf Leinwand

PREIS: 1.800,00 EUR


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MaLO MAGIC BLUE

„The dream of peace II“

60*70 cm

Mixart auf Leinwand

PREIS: 1.800,00 EUR


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MALO MAGIC BLUE





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





MANUELA EIBENSTEINER

Künstlerische Philosophie: Manuela Eibensteiner ist eine Künstlerin, die sich durch das tiefe

Eintauchen in die Magie der Farben auszeichnet. Ihre Kunst entsteht aus einer Mischung von

Unschuld, Lebendigkeit und einer fragenden Neugier, die Spuren hinterlässt und den Betrachter in

eine emotionale Erlebniswelt entführt.

Beruflicher Werdegang: Neben ihrer Tätigkeit als Tourismusfachfrau entwickelte Manuela eine

stetig wachsende künstlerische Neugierde. Ihre Faszination für Farben und deren Ausdruckskraft

führte sie zu einer intensiven Auseinandersetzung mit verschiedensten Materialien und Techniken,

darunter die Hinterglasmalerei, Hohlglasmalerei sowie das Arbeiten mit Öl, Acryl und Kohle auf

unterschiedlichen Untergründen.

Ausstellungen und Anerkennungen: Manuela Eibensteiner hat an zahlreichen internationalen

Kunstveranstaltungen teilgenommen, darunter:

•ART Monaco

•ART Shanghai

•Miami

•New York

•ART Fashion Show in Wien Sie wurde für ihre Werke mehrfach nominiert und ausgezeichnet, unter

anderem mit dem Duc de Richelieu-Preis für Freiheit in der Ukraine und dem Palm ART Award.

Besondere Werke und Techniken: In ihren Werken setzt Manuela Eibensteiner auf eine

impressionistische und teils fantastische Darstellung, die von Begegnungen mit Bäumen, Steinen

und Menschen beeinflusst wird. Sie macht sich Gedanken darüber, wie man die Natur in Bildern

festhalten kann, und schöpft ihre Inspiration aus dem schönen Mühlviertel sowie aus der Liebe zu

ihrer Familie und ihren Freunden.

Engagement und Gemeinschaftsarbeit: Als Mitglied zahlreicher Kulturvernetzungen und

Künstlernetzwerke engagiert sich Manuela Eibensteiner in der Kunstgemeinschaft und trägt zur

kulturellen Bereicherung bei.

Zukünftige Projekte: Manuela Eibensteiner plant, ihre Kunst weiterhin als verbindende Kraft

einzusetzen, die Menschen weltweit verbindet. Ihr Traum ist es, ein mit ihrer Kunst geschmücktes

Hotel zu entwerfen, um Gästen immersive künstlerische Erlebnisse zu bieten.

MANUELA

EIBENSTEINER

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Manuela Eibensteiner | Artist | Artfacts


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„Die Pilger der Hoffnung“

80*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 3.000,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„DIE PILGER DER HOFFNUNG“

Das Gemälde „Pilger der Hoffnung“ von Manuela Eibensteiner

verkörpert eine tiefgreifende philosophische Botschaft über den

gemeinschaftlichen Weg hin zu Hoffnung und Erneuerung. Die

Komposition, geprägt von spirituellen Violetttönen, goldenen

Akzenten und strahlendem Weiß, zeigt fragile Menschengruppen, die

gemeinsam auf einem symbolischen Pfad unterwegs sind, getragen

von der Sehnsucht nach einer besseren Zukunft.

Die violetten Nuancen verleihen dem Werk eine mystische und

meditative Qualität und repräsentieren spirituelle Tiefe und

Transformation. Gold, ein Sinnbild für Erleuchtung und Wert, wird

gekonnt eingesetzt, um Momente der Hoffnung und des Glaubens

hervorzuheben, während das Weiß die Reinheit und den Neubeginn

symbolisiert. Diese Farbkombination schafft eine Atmosphäre von

positiver Energie und einem verbindenden Gefühl des Trostes.

Eibensteiner gelingt es, die Zerbrechlichkeit der menschlichen

Existenz darzustellen, indem sie die Figuren in zarten Formen und

ruhigen Bewegungen einfängt. Ihr gemeinsamer Weg steht als

Metapher für die Kraft der Gemeinschaft, in der es möglich ist, Leid

zu teilen und Trost zu finden. Das Gemälde strahlt eine positive

Stimmung aus, die Hoffnung als heilende Kraft zelebriert und die

Bedeutung von Solidarität und Zusammenhalt in schwierigen Zeiten

unterstreicht.

„Pilger der Hoffnung“ lädt den Betrachter ein, sich mit der

universellen Suche nach Hoffnung und Heilung

auseinanderzusetzen. Es ist ein Werk, das nicht nur ästhetisch

beeindruckt, sondern auch eine philosophische Reflexion über die

Rolle der Gemeinschaft und die transformative Kraft von Hoffnung

bietet. In seiner poetischen Darstellung erinnert es daran, dass der

Weg zu Hoffnung und Heilung oft im gemeinsamen Erleben und

Teilen liegt.


“THE PILGRIMS of HOPE“

The painting "Pilgrims of Hope" by Manuela Eibensteiner embodies a

profound philosophical message about the communal journey toward hope

and renewal. The composition, characterized by spiritual shades of violet,

golden accents, and radiant white, depicts fragile groups of people traveling

together on a symbolic path, driven by the yearning for a better future.

The violet tones imbue the work with a mystical and meditative quality,

representing spiritual depth and transformation. Gold, a symbol of

enlightenment and value, is skillfully used to highlight moments of hope and

faith, while the white signifies purity and new beginnings. This combination of

colors creates an atmosphere of positive energy and a unifying sense of

comfort.

Eibensteiner masterfully captures the fragility of human existence, portraying

the figures with delicate forms and tranquil movements. Their shared journey

stands as a metaphor for the power of community, where it becomes

possible to share suffering and find solace. The painting exudes a sense of

positivity, celebrating hope as a healing force and emphasizing the

importance of solidarity and togetherness in challenging times.

"Pilgrims of Hope" invites the viewer to engage with the universal search for

hope and healing. It is a work that not only impresses aesthetically but also

offers a philosophical reflection on the role of community and the

transformative power of hope. Through its poetic representation, it reminds

us that the path to hope and healing often lies in shared experiences and

mutual support.

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Artistic Philosophy: Manuela Eibensteiner is an artist distinguished by her profound immersion in

the magic of colors. Her art is born from a blend of innocence, vibrancy, and an inquisitive curiosity

that leaves lasting impressions and transports viewers into an emotional realm.

Professional Background: In addition to her career as a tourism specialist, Manuela developed an

ever-growing artistic curiosity. Her fascination with colors and their expressive power led her to an

intensive exploration of various materials and techniques, including reverse glass painting, hollow

glass painting, and working with oil, acrylic, and charcoal on diverse surfaces.

Exhibitions and Recognition: Manuela Eibensteiner has participated in numerous international

art events, including:

•ART Monaco

•ART Shanghai

•Miami

•New York

•ART Fashion Show in Vienna

She has been nominated and awarded multiple times for her works, including receiving the Duc de

Richelieu Prize for Freedom in Ukraine and the Palm ART Award.

Special Works and Techniques: In her creations, Manuela employs impressionistic and

occasionally fantastical representations influenced by encounters with trees, stones, and people.

She reflects deeply on how nature can be captured in images, drawing inspiration from the

beautiful Mühlviertel region and her love for her family and friends.

Engagement and Community Work: As a member of numerous cultural networks and artist

communities, Manuela Eibensteiner is actively involved in the art community, contributing to

cultural enrichment.

Future Projects: Manuela Eibensteiner plans to continue using her art as a unifying force that

connects people worldwide. Her dream is to design a hotel adorned with her artwork, offering

guests immersive artistic experiences.

MANUELA

EIBENSTEINER

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„Erleuchtung“

80*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 3.000,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„ERLEUCHTUNG“


“ENLIGHTMENT“

Das Gemälde „Erleuchtung“ von Manuela Eibensteiner ist eine tief

spirituelle Darstellung von innerer Erkenntnis und

Glaubensgemeinschaft, die den Weg zur Erleuchtung und Orientierung

thematisiert. In den kraftvollen Farbtönen von Violett, Gold, Weiß und

einem zarten Zitronengelb erschafft die Künstlerin eine visuelle

Symphonie, die Hoffnung und Transzendenz ausstrahlt.

Die dominierenden Violetttöne vermitteln eine meditative Tiefe und

symbolisieren die spirituelle Suche und Transformation. Gold steht für

die göttliche Erkenntnis und Erhabenheit, während Weiß Reinheit und

Klarheit verkörpert. Das Zitronengelb, das am Himmel sanft erscheint,

wird zur Verkörperung des Moments der Erleuchtung—ein Licht, das den

Himmel öffnet und eine himmlische Dimension schafft, in der Hoffnung

und Trost gedeihen.

Die fragile Menschengruppen, teilweise kniend, spiegeln die

Verletzlichkeit und zugleich die Stärke der Gemeinschaft wider. Ihre

Körperhaltungen und Bewegungen vermitteln eine tiefe Hingabe, die

durch das Zusammensein eine spirituelle Erleichterung bringt. Das Werk

zelebriert die Kraft der gemeinsamen Suche nach Wahrheit und

Orientierung und stellt die erlösende Wirkung von Glauben und Hoffnung

in den Mittelpunkt.

„Erleuchtung“ wirkt nicht nur als Kunstwerk, sondern als

philosophischer Ausdruck für die menschliche Sehnsucht nach Licht und

Sinn in dunklen Zeiten. Es lädt den Betrachter ein, sich mit der

universellen Suche nach Glauben und dem heilenden Einfluss der

Gemeinschaft auseinanderzusetzen. Durch die zarte Farbgebung und die

berührende Darstellung transportiert Eibensteiner eine Botschaft von

tiefem Vertrauen und einem harmonischen Miteinander, die das Werk zu

einer spirituellen Reise für die Seele macht.

The painting "Enlightenment" by Manuela Eibensteiner is a deeply

spiritual depiction of inner realization and communal faith, exploring

the journey toward enlightenment and guidance. Through its powerful

tones of violet, gold, white, and delicate lemon yellow, the artist

creates a visual symphony that radiates hope and transcendence.

The dominant violet hues convey meditative depth, symbolizing

spiritual exploration and transformation. Gold represents divine insight

and majesty, while white embodies purity and clarity. The delicate

lemon yellow, softly appearing in the sky, becomes the manifestation

of enlightenment—a light that opens the heavens and introduces a

celestial dimension where hope and solace thrive.

The fragile groups of people, some kneeling, reflect the vulnerability

and strength of human connection. Their postures and movements

express profound devotion, bringing a sense of spiritual relief through

shared presence. The artwork celebrates the collective pursuit of truth

and guidance, emphasizing the redemptive power of faith and hope.

"Enlightenment" is not merely a piece of art but a philosophical

expression of humanity's yearning for light and meaning in times of

darkness. It invites viewers to engage with the universal quest for faith

and the healing influence of community. Through its delicate use of

color and touching portrayal, Eibensteiner conveys a message of deep

trust and harmonious togetherness, making the painting a spiritual

journey for the soul.

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Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Manfred Thier (Honky Tonk Ink)

Kurzbeschreibung: Manfred Thier, auch bekannt als Honky Tonk Ink, ist ein talentierter Künstler,

der fantastische Porträts schafft. In seinen Werken verarbeitet er sein künstlerisches und

zeichnerisches Können und lässt Botschaften aus seinen gegenwärtigen menschlichen

Begegnungen wirken. Seine Kunst zeichnet sich durch eine einzigartige Mischung aus Realismus

und Symbolik aus, die die Betrachter in eine Welt voller Tiefe und Bedeutung entführt.

Bildung:



Über mich: "Das Malen ist für mich ein Ausdruck meiner innersten Gedanken und Gefühle. Jedes

meiner Werke ist ein Meilenstein auf meinem künstlerischen Lebensweg und fügt sich harmonisch

in das große Ganze meines kreativen Schaffens ein. Mit Leidenschaft und Kreativität möchte ich die

Betrachter meiner Werke dazu inspirieren, das Leben aus neuen Perspektiven zu sehen und die

Schönheit des Ungeplanten zu schätzen."

MANFRED THIER

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https://artfacts.net/artist/manfred-thier/1092958

MANFRED THIER

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MANFRED THIER

„Die hohe Priesterin“

80*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 1.800,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG „DIE HOHE PRIESTERIN“

Das Gemälde „Die Hohe Priesterin“ von Manfred Thier ist eine

visuelle Ode an die Tarotkarte, die ihre tiefgründige Symbolik und

spirituelle Bedeutung auf faszinierende Weise in malerischer Form

interpretiert. Die zentrale Frauenfigur, mit ihren leuchtend blauen

Haaren, schafft eine symbiotische Verbindung zum Himmel, der sie

umgibt. Diese Verbindung symbolisiert Weisheit, Intuition und das

göttliche Gleichgewicht zwischen den materiellen und spirituellen

Welten, wie es in der Symbolik der Tarotkarte verankert ist.

Der Himmel, in seiner lebendigen Darstellung, wird nicht nur zur

Kulisse, sondern auch zum Spiegel ihrer inneren Kraft und Erkenntnis.

Die blaue Farbe ihrer Haare ist ein Sinnbild für Spiritualität und Ruhe,

während ihre Haltung eine schützende und zugleich inspirierende

Präsenz ausstrahlt. Die Landschaft, die sie behütet, scheint eine Oase

des Friedens und der Harmonie zu sein—ein Raum, in dem Natur und

Seele sich in vollkommenem Einklang begegnen.

Manfred Thier gelingt es, durch die Komposition dieses Werkes eine

tiefgehende Verbindung zwischen der Figur und ihrer Umgebung zu

schaffen. Das Gemälde lädt den Betrachter dazu ein, die Essenz der

Hohepriesterin als Vermittlerin zwischen Himmel und Erde, zwischen

Wissen und Gefühl zu erfassen. Es ist eine Einladung, die Welt durch

die Linse der Spiritualität zu sehen und die Kraft der inneren Ruhe und

Weisheit zu würdigen.

„Die Hohe Priesterin“ ist nicht nur eine Darstellung der Tarotkarte,

sondern auch eine philosophische Reflexion über die Rolle von

Harmonie und Schutz in einer Welt, die oft nach Gleichgewicht sucht.

Es steht als zeitloses Zeugnis für die Macht der Kunst, spirituelle

Konzepte in einer greifbaren und inspirierenden Form zu präsentieren.

DESCRIPTION of the ARTWORK: “THE HIGH PRIESTESS“

The painting “The High Priestess” by Manfred Thier is a visual ode

to the tarot card, beautifully interpreting its profound symbolism

and spiritual significance in artistic form. The central female figure,

with her radiant blue hair, creates a symbiotic connection to the

sky surrounding her. This connection symbolizes wisdom, intuition,

and the divine balance between the material and spiritual realms,

as rooted in the tarot's symbolism.

The sky, vividly depicted, serves not only as a backdrop but also as

a mirror of her inner strength and insight. The blue color of her hair

stands as a representation of spirituality and tranquility, while her

posture radiates a protective yet inspiring presence. The landscape

she nurtures appears to be an oasis of peace and harmony—a

space where nature and soul meet in perfect concord.

Through the composition of this work, Manfred Thier masterfully

creates a profound relationship between the figure and her

environment. The painting invites the viewer to grasp the essence

of the High Priestess as a mediator between heaven and earth,

between knowledge and emotion. It is an invitation to see the world

through the lens of spirituality and to appreciate the power of inner

calm and wisdom.

“The High Priestess” is not only a depiction of a tarot card but

also a philosophical reflection on the role of harmony and

protection in a world often seeking balance. It stands as a timeless

testament to the ability of art to present spiritual concepts in a

tangible and inspiring form.

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Manfred Thier (Honky Tonk Ink)

Brief Description: Manfred Thier, also known as Honky Tonk Ink, is a talented artist who creates

stunning portraits. His works incorporate his artistic and drawing skills, while conveying messages

derived from his present human interactions. His art is characterized by a unique blend of realism

and symbolism, drawing viewers into a world full of depth and meaning.

Education:


•Courses with renowned artists and art schools across Europe

About Me: "Painting is an expression of my innermost thoughts and feelings. Each of my works is a

milestone on my artistic journey and integrates harmoniously into the bigger picture of my creative

process. With passion and creativity, I aim to inspire viewers of my works to see life from new

perspectives and to appreciate the beauty of the unexpected."

MANFRED THIER

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MANFRED THIER

„Be your own master“

80*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 1.800,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG „BE YOUR OWN MASTER“

Das Gemälde „Be Your Own Master“ von Manfred Thier ist ein eindrucksvolles

und zum Nachdenken anregendes Werk, das sich mit Themen wie Autonomie,

Kontrolle und Befreiung auseinandersetzt. Die Darstellung der gesichtslosen

Malpuppe mit ihren fragmentierten Gliedmaßen dient als kraftvolle Metapher

für die Verletzlichkeit und Passivität, die entstehen können, wenn man die

Kontrolle über das eigene Schicksal aufgibt. Das Fehlen eines Gesichts betont

den Verlust von Identität und Individualität, wodurch die Puppe zu einer

Darstellung für jeden wird, der sich als Spielball äußerer Kräfte fühlt.

Die leuchtend kaminroten Hände, die über der Figur greifend erscheinen,

verstärken die Spannung und Dramatik der Komposition. Diese Hände

symbolisieren den unerbittlichen Griff äußerer Einflüsse—Gesellschaft,

Autorität, Erwartungen—die versuchen zu manipulieren und zu dominieren. Ihre

feurige rote Farbe vermittelt Dringlichkeit und Intensität, was den ständigen

Kampf widerspiegelt, diesen äußeren Kräften zu widerstehen.

Der zentrale Text „Be your own master. No longer a puppet of anyone“

verwandelt das Gemälde in einen aufrüttelnden Appell zur Selbstbestimmung.

Er fordert den Betrachter auf, seine Eigenständigkeit zurückzuerlangen, die

Fäden zu erkennen, die seine Handlungen steuern, und diese zu durchtrennen,

um seinen eigenen Weg zu gehen. Die Botschaft harmoniert perfekt mit der

visuellen Erzählung und schafft einen Dialog zwischen der Kunst und den

inneren Gedanken des Betrachters.

Die Kombination aus symbolischen Bildern und kraftvollen Worten fordert den

Einzelnen heraus, sich mit den Kräften auseinanderzusetzen, die seine

Entscheidungen bestimmen. Thiers Gemälde wird zu mehr als einem

Kunstwerk—es ist eine philosophische Reflexion über den menschlichen

Zustand und die ewige Suche nach Freiheit und Selbstbestimmung. Es fordert

den Betrachter auf, innere Stärke zu erkennen und sein Leben selbst in die

Hand zu nehmen, um Passivität in Selbstbeherrschung zu verwandeln.

DESCRIPTION of the ARTWORK: “BE YOUR OWN MASTER“

The painting “Be Your Own Master” by Manfred Thier is a striking and

thought-provoking work that delves into themes of autonomy, control,

and liberation. The depiction of the faceless mannequin, with its

fragmented limbs, serves as a powerful metaphor for the vulnerability

and passivity that can emerge when one relinquishes control over their

own destiny. The absence of a face emphasizes the loss of identity and

individuality, turning the mannequin into a representation of anyone

and everyone who has felt like a pawn in external forces’ hands.

The vivid crimson hands reaching out above the figure add to the

tension and drama of the composition. These hands symbolize the

relentless grasp of external influences—society, authority,

expectations—that seek to manipulate and dominate. Their fiery red

hue conveys urgency and intensity, reflecting the constant struggle to

resist these external forces.

The central text, “Be your own master. No longer a puppet of

anyone,” transforms the painting into an empowering call to action. It

invites viewers to reclaim their agency, to recognize the strings that

might control their actions, and to cut them to forge their own path. The

message pairs harmoniously with the visual narrative, creating a

dialogue between the art and the viewer’s inner thoughts.

The combination of symbolic imagery and powerful text challenges

individuals to confront the forces that dictate their choices. Thier’s

painting becomes more than an artwork; it is a philosophical reflection

on the human condition and the eternal quest for freedom and selfdefinition.

It urges viewers to embrace their inner strength and take

ownership of their lives, transforming passivity into self-mastery.

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MANFRED THIER

an der ART BRATISLAVA by MIKIZZANER als NEWCOMER teilgenommen hat,




Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Margot Holzapfel lebt und arbeitet in Ybbs an der Donau.

Sie ist Künstlerin aus Leidenschaft.

Als Tischlermeisterin und Möbeldesignerin liebte sie es, Lebens- und Wohnräume, die exakt auf die

Wünsche ihrer Kunden abgestimmt waren, zu gestalten. Mit ihrem breitgefächertem Know How

blieben auch in Sachen Materialien und Farben keine Wünsche offen.

So verwundert es nicht, dass sie nunmehr seit über 20 Jahren als freischaffende Künstlerin mit ihren

farbkräftigen und dynamischen Bildern auf dem Kunstmarkt präsent ist.

Ihr Strich ist einzigartig! Ihre Bildsprache unverwechselbar. Ihre Themen vielfältig. Sie lässt sich in

kein Genre einordnen, erschafft immer wieder phantastisches Neues. Ihre Intention ist es,

Menschen mit ihrer Kunst glücklich zu machen und Freude und gute Gefühle auf den Betrachter

überspringen zu lassen.

Anfangs Autodidakt

Seit 2003 zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland, u.a.

2024 Biennale Venedig 2024 3 –mal ausgestellt

2023 PAN-Kunstforum MUSEUM Niederrhein / EMMERICH am Rhein, Deutschland

2023 AQUA ART MIAMI / MIAMI, FLORIDA, USA

2021 ART BASEL MIAMI – RED DOT / MIAMI, FLORIDA, USA

2021 MEISTERWERKE DER KUNST / ARTFACTORY, Graz

2019 ANNNIIIME SENZS VOCE, Int. Ausstellung zeitgen. Kunst / Ferrara,

2018 KEY WEST, FLORIDA, USA

2017 GEMALTES BROT – Diplomausstellung Studium Prof. C.L. ATTERSEE / Schloss LAMBERG

2017 Galerie DER KUNSTRAUM in den Ringstraßengalerien / Wien

2016 KUNSTMESSE PARIS-LOUVRE, Paris, Frankreich

2013 KEY WEST, FLORIDA, USA

50-jähriges Jubiläum VERBUND – AUSTRIAN HYDRO POWER AG, Kraftwerk Ybbs/Persenbeug

- 2012 Studium Malerie und Grafik an der Leonardo Kunstakademie Salzburg

2015 – 2017 Atelier Studiummalerie bei Prof. Christian Ludwig Attersee

Ihre Werke befinden sich im Privat- und Firmenbesitz und öffentlichem Bereich im In- und Ausland.

Auszeichnungen: 2015 Verleihung des Awards „APPLAUS“ durch die Stadtgemeinde Ybbs

2019 1. Platz ANIME SENZA VOCE, Ferrara

MARGOT

HOLZAPFEL

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Margot Holzapfel | Artist | Artfacts

MARGOT HOLZAPFEL

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WERKBESCHREIBUNG „LANZAROTE –

WO GISCHT AUF LAVA TRIFFT #2 und #3“

Das Gemälde „Lanzarote – Wo Gischt auf Lava trifft #2 und # 3“ von

Margot Holzapfel ist eine abstrakte Hommage an die gewaltige Dynamik

und die ästhetische Anziehungskraft der Naturkräfte. Die Künstlerin,

bekannt für ihre internationalen Aufenthalte, die ihre Werke mit

Inspiration und Tiefe bereichern, hat hier eine monumentale

Komposition geschaffen, die die raue Schönheit und die unbändige

Energie der Kanarischen Insel einfängt.

Die Werke spiegeln die Interaktion zwischen Wasser und Feuer wider—

zwei elementare Kräfte, die Gegensätze verkörpern und doch

harmonisch miteinander verschmelzen. Die Gischt, die an den schroffen

Lavafeldern bricht, symbolisiert das ewige Streben der Natur nach

Ausgleich und Bewegung. Dieses beeindruckende Naturschauspiel, das

zugleich Zerstörung und Schöpfung in sich trägt, wird durch Holzapfels

außergewöhnliche MIXART-Technik auf die Leinwand übertragen.

Die verwendeten Strukturen und Farbkombinationen transportieren die

Textur und Lebendigkeit der Landschaft: Die eruptiven Formen der Lava

treffen auf die lebendige, fast tänzerische Leichtigkeit der Gischt. In

dieser Harmonie der Gegensätze findet der Betrachter eine tiefere

Botschaft über die Dualität der Existenz—über Konflikt und Frieden, über

Zerstörung und Erneuerung.

„Lanzarote – Wo Gischt auf Lava trifft #2 und #3“ ist mehr als nur ein

Gemälde; es ist ein Ausdruck von Können, Schönheit und Kraft, das die

beeindruckenden Naturgewalten Lanzarotes in ein zeitloses Kunstwerk

übersetzt. Holzapfels Werk lädt den Betrachter dazu ein, sich mit den

Urkräften der Erde auseinanderzusetzen und die Symbolik in den wilden

und doch poetischen Bewegungen der Natur zu erkennen. Es ist eine

meditative Reise zu den Ursprüngen des Lebens und ein Zeugnis dafür,

wie Kunst uns dazu inspirieren kann, die Welt mit neuen Augen zu sehen.


“LANZAROTE – WHERE SPARY meets LAVA #2 and #3“

The painting "Lanzarote – Where Spray Meets Lava #2 and # 3" by Margot

Holzapfel is an abstract homage to the immense dynamics and aesthetic

appeal of nature's forces. The artist, renowned for her international

residencies that enrich her works with inspiration and depth, has created a

monumental composition that captures the raw beauty and untamed

energy of the Canary Island.

The artworks reflect the interaction between water and fire—two elemental

forces that embody opposites yet harmoniously merge. The spray, breaking

against the rugged lava fields, symbolizes nature's eternal pursuit of

balance and movement. This impressive natural spectacle, which

simultaneously encompasses destruction and creation, has been

transferred onto the canvas through Holzapfel's extraordinary MIXART

technique.

The textures and color combinations used convey the vibrancy and

essence of the landscape: the eruptive forms of lava collide with the lively,

almost dance-like lightness of the spray. In this harmony of contrasts, the

viewer finds a profound message about the duality of existence—about

conflict and peace, destruction and renewal.

"Lanzarote – Where Spray Meets Lava #2 and #3" is more than just a

painting; it is an expression of skill, beauty, and power that translates the

impressive natural forces of Lanzarote into a timeless work of art.

Holzapfel’s painting invites viewers to engage with the primordial forces of

the earth and to recognize the symbolism in the wild yet poetic movements

of nature. It is a meditative journey to the origins of life and a testament to

how art can inspire us to see the world with new eyes.

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Margot Holzapfel lives and works in Ybbs an der Donau.

She is an artist driven by passion.

As a master carpenter and furniture designer, she loved creating living and working spaces that were

precisely tailored to her clients' wishes. With her extensive knowledge, no desires regarding

materials or colors were left unfulfilled.

It comes as no surprise that she has now been active as a freelance artist for over 20 years,

presenting her vibrant and dynamic paintings in the art market. Her brushwork is unique! Her visual

language unmistakable. Her themes are diverse. She defies categorization into any single genre,

constantly creating fantastical new works. Her intention is to bring happiness to people through her

art, allowing joy and positive emotions to resonate with viewers.

Initially Self-Taught Since 2003, she has participated in numerous exhibitions both nationally and

internationally, including:

•2024: Biennale di Venezia (exhibited three times)

•2023: PAN-Kunstforum MUSEUM Niederrhein / Emmerich am Rhein, Germany

•2023: AQUA ART MIAMI / Miami, Florida, USA

•2021: ART BASEL MIAMI – RED DOT / Miami, Florida, USA

•2021: MEISTERWERKE DER KUNST / ARTFACTORY, Graz, Austria

•2019: ANNNIIIME SENZS VOCE, International Contemporary Art Exhibition / Ferrara, Italy

•2018: KEY WEST / Florida, USA

•2017: GEMALTES BROT, Diploma Exhibition under Prof. C.L. Attersee / Schloss Lamberg, Austria

•2017: Galerie DER KUNSTRAUM in the Ringstraßengalerien / Vienna, Austria

•2016: KUNSTMESSE PARIS-LOUVRE / Paris, France

•2013: KEY WEST / Florida, USA

•2012: 50th Anniversary of VERBUND – AUSTRIAN HYDRO POWER AG / Ybbs-Persenbeug Power

Plant

Education:

•2012: Studies in Painting and Graphics at the Leonardo Art Academy Salzburg

•2015–2017: Studio Painting Studies under Prof. Christian Ludwig Attersee

Recognition and Awards:

•2015: Awarded the "APPLAUS" prize by the Municipality of Ybbs

•2019: 1st place in ANIME SENZA VOCE, Ferrara, Italy

MARGOT

HOLZAPFEL

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MARGOT HOLZAPFEL

„LANZAROTE - WO GISCHT AUF LAVA TRIFFT #2“

100*100 cm

Mischtechnik auf Leinwand

PREIS: 3.200,00 EUR


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MARGOT HOLZAPFEL

„LANZAROTE - WO GISCHT AUF LAVA TRIFFT #3 “

100*100 cm

Mischtechnik auf Leinwand

PREIS: 3.200,00 EUR


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MARGOT HOLZAPFEL





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Nora Powoden | Artist | Artfacts

NORA POWODEN

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2010-14 VS Deutschlandsberg

Freifach „Kunst und Philosophieren“, Gestaltung der Einladungskarte von 2 VS-

Theaterstücken

2014-18 NMS1 Deutschlandsberg

Wahlfach „Kunst“, Gestaltung der Einladungskarten für die NMS-Sommerfeste, Raiffeisen

Mal-Wettbewerbe gewonnen

2018-2023 HTBLVA Ortweinschule Graz

2018 im Zweig „Grafik- und Kommunikationsdesign“ aufgenommen

Feb 2020 „La Biennale di Venezia“: 4 FacePainting Workshops

2021 Universität Graz: Grafikdesign zur Lernapp „Digital? Sicher!“

Aug 2021 Praktikum „Hartinger Consulting GmbH“: Gestaltung einer K&Ö HOME

Kampagne

2021 erster Verkauf eines meiner Gemälde

2022 Ausstellung des Selbstportraits im Steiermarkhof Graz

2022 Gestaltung der eigenen Maturazeitung

2022 „Im Gseis“ (das Nationalpark Gesäuse Magazin): Illustrationen

2023 Diplomarbeit: Gestaltung eines Durchganges in der Karlauerstraße Graz

Aug 2022+23 „LaStrada“ Graz

Info, Publikumsdienst, Bewachung

2022-25 4 Kunstauktionen von „Schule Äthiopien“

insgesamt 6 Werke versteigert, ausgestellt im Steiermarkhof Graz und der Stadtgalerie

Deutschlandsberg

2025 Teil der Kunstsammlung MIKIZZANER mit 1 Werk

2.-28.2.2025 „Womenismus“-Ausstellung Kunsthaus Mikizzaner Voitsberg

NORA POWODEN

18.-30.3.2025 Ausstellung ARTE BRATISLAVA by MIKIZZANER 2025

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NORA POWODEN

„Der weiße WEIN“

50*50 cm

Aquarell auf Papier

PREIS: 1.200,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„DER WIESSE WEIN“

Philosophische Beschreibung

Die grüne Traube im Aquarell strahlt eine subtile

Lebendigkeit aus – frisch und zugleich zart. Ihre Oberfläche,

durchzogen von sanften Farbverläufen, wirkt wie ein

flüchtiger Moment der Natur, eingefangen in einem Zustand

von zeitloser Schönheit. Das Licht, das sich auf ihr

niederlässt, enthüllt feine Nuancen und hebt ihre Fragilität

hervor, als sei sie ein Symbol für die Vergänglichkeit des

Lebens.

Das Werk, ausgeführt in der Technik des Aquarells, betont

die Ephemerität der Erscheinung. Die Transparenz und die

Weichheit der Farben erschaffen eine Atmosphäre der Ruhe

und Kontemplation, in der die Traube nicht nur eine Frucht,

sondern eine Idee verkörpert – die Verbindung zwischen

Natur und Mensch, zwischen Fülle und Leere, zwischen Sein

und Werden.

Mit seiner Größe von 50x50cm lädt das Aquarell die

Betrachtenden dazu ein, die Traube nicht als bloßes Objekt,

sondern als Ausdruck philosophischer Tiefe zu sehen. Es ist

ein Werk, das die Flüchtigkeit des Augenblicks zelebriert

und gleichzeitig dazu anregt, die feinen Verbindungen im

Leben zu erkennen – zwischen Licht und Schatten, zwischen

Struktur und Auflösung, zwischen den Schichten der

Bedeutung.

Entstanden im Jahr 2025, zeigt dieses Werk, wie Kunst die

scheinbar einfachen Dinge des Lebens transformieren kann,

um sie in einen Kontext von Schönheit und Reflexion zu

setzen. Es ist eine Einladung, innezuhalten und die leise

Leuchtkraft des Augenblicks zu würdigen.


“THE WHITE WINE“

Philosophical Description

The green grape in the watercolor exudes a subtle vitality—

fresh yet delicate. Its surface, marked by gentle gradients of

color, appears as a fleeting moment of nature, captured in a

state of timeless beauty. The light resting upon it reveals fine

nuances and highlights its fragility, as if it were a symbol of

life's transience.

Executed in the watercolor technique, the piece emphasizes

the ephemeral nature of its subject. The transparency and

softness of the colors create an atmosphere of calm and

contemplation, where the grape is not merely a fruit but an

idea—a connection between nature and humanity, between

abundance and emptiness, between being and becoming.

With its dimensions of 50x50 cm, the watercolor invites

viewers to perceive the grape not as a mere object but as an

expression of philosophical depth. It is a work that celebrates

the transience of the moment while encouraging reflection on

the intricate connections in life—between light and shadow,

between structure and dissolution, between layers of

meaning.

Created in 2025,

this piece showcases how art can transform seemingly simple

elements of life into a context of beauty and introspection. It

is an invitation to pause and appreciate the quiet radiance of

the moment.

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2010-14 VS Deutschlandsberg Elective subject "Art and Philosophizing", designed

invitation cards for 2 VS theater productions

2014-18 NMS1 Deutschlandsberg Elective subject "Art", designed invitation cards for

NMS summer festivals, won Raiffeisen painting competitions

2018-2023 HTBLVA Ortweinschule Graz 2018 enrolled in the "Graphic and

Communication Design" department February 2020: "La Biennale di Venezia" - conducted

4 face painting workshops 2021: University of Graz - graphic design for the learning app

"Digital? Sicher!" August 2021: Internship at "Hartinger Consulting GmbH" - designed a

K&Ö HOME campaign 2021: First sale of one of my paintings 2022: Exhibition of a selfportrait

at Steiermarkhof Graz 2022: Designed my own graduation newspaper 2022:

Illustrated for "Im Gseis" (the Nationalpark Gesäuse magazine) 2023: Diploma thesis -

designed a passageway on Karlauerstraße, Graz

August 2022 & 2023 - "LaStrada" Graz Information, audience service, supervision

2022-2025 Four art auctions for "Schule Äthiopien" A total of six works auctioned,

exhibited at Steiermarkhof Graz and Stadtgalerie Deutschlandsberg

2025 Part of the MIKIZZANER art collection with one work

February 2-28, 2025: "Womenismus" exhibition at Kunsthaus Mikizzaner Voitsberg

March 15-30, 2025: Exhibition in Bratislava

NORA POWODEN

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NORA POWODEN

„Der rote WEIN“

50*50 cm

Aquarell auf Papier

PREIS: 1.200,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„DER ROTE WEIN“


“THE RED WINE“

Die dunkle Traube entfaltet eine geheimnisvolle Präsenz, die tief

verwurzelt ist in der Harmonie von Licht und Schatten. Ihre dunkle

Oberfläche strahlt Tiefe und Charakter aus, während die feinen Details,

geschaffen durch den Aquarellstift, wie flüchtige Lichtreflexe auf der

Schale wirken. Diese feine Struktur lässt das Werk lebendig erscheinen

– als atme es den Raum.

Jeder Blick auf die Traube offenbart neue Nuancen, die sich in ihrer

Ausdruckskraft und Vitalität entfalten. Diese Nuancen laden dazu ein,

über die Substanz und die Vergänglichkeit nachzudenken, über die

Balance zwischen Fülle und Zerbrechlichkeit, die das Leben selbst

verkörpert.

Das Werk, entstanden im Jahr 2025, misst 50x50cm und nutzt die

Technik des Aquarells, um die Transparenz und Sanftheit des Mediums

zu betonen. Diese künstlerische Entscheidung schafft eine ruhige,

meditative Atmosphäre, in der die Dunkelheit der Traube nicht als

schwer, sondern als sinnlich und tief empfunden wird.

The dark grape unfolds a mysterious presence, deeply rooted in the harmony

of light and shadow. Its dark surface exudes depth and character, while the

fine details created with the watercolor pencil resemble fleeting light

reflections on its skin. This delicate structure brings the piece to life—as if it

breathes within the space.

Each glance at the grape reveals new nuances, unfolding in its expression

and vitality. These nuances invite contemplation on substance and

transience, on the balance between abundance and fragility that life itself

embodies.

Created in 2025, the work measures 50x50cm and employs the watercolor

technique, emphasizing the transparency and softness of the medium. This

artistic choice creates a calm, meditative atmosphere, where the darkness of

the grape is perceived not as heavy, but as sensual and profound.

"Die dunkle Traube" steht als Symbol für das Wesentliche: die Kraft,

Schönheit in der Einfachheit zu entdecken, und die Fähigkeit, in jeder

Schicht eine Bedeutung zu finden. Es ist eine Einladung, sich dem

Moment hinzugeben, die Struktur zu erforschen und sich von der

leisen, aber beständigen Kraft des Werkes berühren zu lassen.

"The Dark Grape" stands as a symbol of the essential: the power to find

beauty in simplicity and the ability to uncover meaning within every layer. It is

an invitation to surrender to the moment, to explore its structure, and to be

touched by the quiet yet enduring strength of the piece.

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NORA POWODEN





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





https://artfacts.net/artist/peter-troissinger/941274

PETER TROIßINGER

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Peter Troißinger Autodidakter Anerkannter Künstler der Berufsvereinigung

der Bildenden Künste Österreichs

Seit 45 Jahren Kunst rund um den Malerwinkl, mit Kunstgarten

Atelier am Bauernhof

Gelernter Koch und Gastronom in Hatzendorf

Wechselspiel zwischen Kunst und Küche mit zeitkritischer Betrachtung

und zukunftsbezogen Themen

Werdegang:

ich arbeitete als "Meisterkoch" in renommierten Hotels wie dem Hotel 4 Jahreszeiten

in Hamburg und dem Intercontinental in Köln. Parallel dazu hatte ich eine tiefe

Leidenschaft für Kunst: Anfangs Butterskulpturen, dann mit Materialien wie Ton,

Metall, Bronze und Holz, Bilder in Öl, Pastellkreide

Nationale und internale erfolgreiche Beteiligungs-sowie Gemeinschaftsausstellungen

folgten.

Peter Troißinger ist ein vielseitiger Künstler, der die Grenzen zwischen Kunst, Kulinarik

und Natur auf einzigartige Weise verschmelzen lässt. Seine Werke, die von Skulpturen

bis hin zu Installationen reichen, spiegeln eine tiefe Verbundenheit mit der steirischen

Landschaft und ihrer kulturellen Identität wider.

Troißinger schöpft seine Inspiration aus der Natur und dem Alltag, wobei er

Materialien wie Holz, Metall und Ton verwendet, um Werke zu schaffen, die sowohl

kraftvoll als auch poetisch sind. Seine Kunst ist geprägt von einer klaren Formsprache,

die oft symbolische Elemente integriert und den Betrachter dazu einlädt, über

Themen wie Nachhaltigkeit, Vergänglichkeit und die Beziehung zwischen Mensch und

Umwelt nachzudenken.

Als Gründer des Kunsthotels Malerwinkl in Hatzendorf hat Troißinger nicht nur einen

Ort geschaffen, an dem Kunst und Gastfreundschaft aufeinandertreffen, sondern

auch eine Plattform für kulturellen Austausch und kreative Begegnungen. Seine

Werke sind nicht nur in Galerien, sondern auch im öffentlichen Raum präsent, wo sie

als Brücken zwischen Kunst und Gesellschaft fungieren.

PETER TROIßINGER

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PETER TROISSINGER

„Skulptur - Die Poesie des Löffels“

40*40 cm

Metallskulptur

PREIS: 2.250,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„DIE POESIE DES LÖFFELS“

Die Skulptur Die Poesie des Löffels von Peter Troissinger ist eine

eindrucksvolle Verkörperung von Kunst und Handwerk, die die Verbindung

zwischen Kulinarik und künstlerischer Ausdruckskraft feiert. Als gelernter

Koch zeigt Troissinger mit diesem Werk, wie kreativ und ästhetisch

Essenselemente als Inspirationsquelle genutzt werden können, und hebt

damit die Kunst des Kochens auf eine symbolische Ebene.

Das Werk, ein wachsendes Gebilde aus roter metallischer Struktur und

filigranen Ästen, endet in ovalen Blättern, die in Gold gehalten sind. Diese

Kombination von Materialien und Formen symbolisiert die Entwicklung und

Verwandlung – die rote metallische Struktur als Grundlage und die goldenen

metallischen Blätter als Krönung, ein Sinnbild für Wachstum, Reife und die

kostbare Vollendung eines kreativen Prozesses. Die Farbe Gold, traditionell

als Zeichen für Wert und Perfektion, verstärkt die poetische und ehrfürchtige

Aura des Werkes.

Der Titel Die Poesie des Löffels impliziert eine metaphorische Bedeutung, die

weit über die physische Funktion eines Löffels hinausgeht. Der Löffel, oft ein

Werkzeug des Nährens und Teil eines alltäglichen Rituals, wird hier zu einem

poetischen Symbol – für Transformation, Harmonie und die stille Schönheit,

die sowohl im Essen als auch in der Kunst zu finden ist. Durch das Gießen der

Werke, eine physisch und geistig verbindende Handlung, lässt Troissinger

seine Kunststücke selbst entstehen und verleiht ihnen eine persönliche, fast

intime Dimension.

Das Werk lädt den Betrachter dazu ein, die alltägliche Bedeutung von

Essensobjekten neu zu überdenken und in der Verbindung von Material, Idee

und Symbolik den tieferen Wert von Kreativität und Nährung zu erkennen.

Die Poesie des Löffels steht für die subtile Interaktion zwischen der

physikalischen Welt und der sinnlichen und ästhetischen Erfahrung, die Kunst

möglich macht, und erinnert uns daran, dass selbst das Alltägliche eine

Quelle für Poesie und Schönheit sein kann.


“THE POETRY of the SPOON“

The sculpture The Poetry of the Spoon by Peter Troissinger is an

impressive embodiment of artistry and craftsmanship, celebrating

the connection between culinary elements and artistic expression.

As a trained chef, Troissinger demonstrates with this work how

food-related components can serve as sources of inspiration,

elevating the art of cooking to a symbolic level.

The piece, a growing structure made of red metallic forms and

delicate branches, culminates in oval leaves adorned in gold. This

combination of materials and shapes symbolizes development and

transformation—the red metallic structure as the foundation and

the golden leaves as the culmination, an emblem of growth,

maturity, and the precious completion of a creative process. The

use of gold, traditionally a symbol of value and perfection,

enhances the poetic and reverent aura of the sculpture.

The title The Poetry of the Spoon suggests a metaphorical

meaning that extends far beyond the physical function of a spoon.

Often seen as a tool for nourishment and part of everyday rituals,

the spoon is transformed into a poetic symbol—representing

transformation, harmony, and the quiet beauty found in both food

and art. By casting his works himself, a process that is both

physical and contemplative, Troissinger imbues his creations with

a personal, almost intimate dimension.

This artwork invites viewers to reconsider the everyday significance

of food-related objects and recognize the deeper value of creativity

and nourishment in the interplay of material, idea, and symbolism.

The Poetry of the Spoon reflects the subtle interaction between

the physical world and the sensory and aesthetic experiences

made possible by art, reminding us that even the ordinary can be a

source of poetry and beauty.

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PETER TROISSINGER

„Melodien des Alltags – Die Poesie des Bestecks I“

90*90 cm

Metall 3D Gemälde

PREIS: 2.250,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„DIE POESIE DES BESTECKS I“


“THE POETRY of the CUTLERY I“

Dieses außergewöhnliche Werk, geschaffen aus der metallischen Front

einer Großküche, ist eine eindrucksvolle Symbiose von Funktionalität

und künstlerischer Ästhetik. Der Künstler, der die metallischen

Elemente kunstvoll verschweißt hat, verwandelt ein utilitaristisches

Material, das einst in einem geschäftigen Küchenumfeld genutzt

wurde, in ein tief symbolisches Kunstwerk.

Die aufgeschweißten Löffelmuster, die stilvoll und präzise in das

Material integriert sind, schaffen ein rhythmisches Spiel aus Struktur

und Form. Sie erinnern an das tägliche Ritual des Essens und zugleich

an die Kunst des Kochens als schöpferischen Akt. Der Löffel, ein

einfaches Werkzeug, wird in diesem Kontext zum Symbol für Nahrung,

Gemeinschaft und sogar für die Verbindung zwischen Mensch und

Materie.

Das Werk spielt mit der Dualität von industrieller Härte und feinfühliger

Kreativität. Die metallische Oberfläche bewahrt Spuren ihres

ursprünglichen Zwecks, während die kunstvollen Verschweißungen

eine neue Bedeutungsebene hinzufügen. Es entsteht eine poetische

Spannung zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Funktion

und Kunst.

In seiner Gesamtheit lädt dieses Gemälde den Betrachter ein, über den

Wandel von Alltäglichem in Kunst nachzudenken. Es regt dazu an, die

Schönheit in scheinbar gewöhnlichen Objekten zu entdecken und die

Bedeutung von Kunst als transformative Kraft zu würdigen. Dieses

Werk verkörpert nicht nur ästhetische Eleganz, sondern auch die

Philosophie, dass selbst in der Funktionalität Poesie verborgen liegt.

This extraordinary artwork, crafted from the metallic front of an

industrial kitchen, represents a compelling symbiosis of functionality

and artistic aesthetics. The artist, who masterfully welded metallic

elements, transforms a utilitarian material—once a part of a bustling

kitchen environment—into a deeply symbolic piece of art.

The welded spoon patterns, stylishly and precisely incorporated into

the material, create a rhythmic interplay of structure and form. They

evoke the daily ritual of eating while simultaneously celebrating the

culinary arts as an act of creation. The spoon, a simple tool, becomes

a symbol within this context—representing nourishment, community,

and the profound connection between humanity and materiality.

The artwork juxtaposes industrial strength with delicate creativity. The

metallic surface retains traces of its original purpose, while the artful

welding adds a new layer of meaning. This creates a poetic tension

between past and present, functionality and artistry.

As a whole, this artwork invites viewers to rethink the transformation

of everyday objects into art. It encourages the discovery of beauty in

seemingly ordinary items and the appreciation of art as a

transformative force. This creation embodies not only aesthetic

elegance but also a philosophy that reveals the poetry hidden within

functionality.

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Self-taught, recognized artist and member of the Association of Fine

Artists of Austria.

For 45 years, Peter Troißinger has been creating art around the

Malerwinkl, which features an art garden and his studio on the family

farm.

A trained chef and gastronomist based in Hatzendorf, Troißinger

explores the interplay between art and cuisine with a focus on

contemporary issues and forward-thinking themes.

Peter Troißinger is a multifaceted artist who uniquely blends the

boundaries between art, culinary craftsmanship, and nature. His

works, ranging from sculptures to installations, reflect a deep

connection to the Styrian landscape and its cultural identity.

Drawing inspiration from nature and everyday life, Troißinger uses

materials such as wood, metal, and clay to create pieces that are both

powerful and poetic. His art is defined by a clear visual language that

often incorporates symbolic elements, inviting viewers to reflect on

topics such as sustainability, transience, and the relationship between

humans and the environment.

As the founder of the art hotel Malerwinkl in Hatzendorf, Troißinger has

created a space where art and hospitality converge, providing a

platform for cultural exchange and creative encounters. His works are

not only displayed in galleries but also in public spaces, serving as

bridges between art and society.

Peter Troißinger has a remarkable ability to evoke emotions and tell

stories through his creations. His art is an invitation to pause, discover

the beauty in the ordinary, and celebrate the profound connection

between art and life.

PETER TROIßINGER

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PETER TROISSINGER

„Melodien des Alltags – Die Poesie des Bestecks I“

90*90 cm

Metall 3D Gemälde

PREIS: 2.250,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„DIE POESIE DES BESTECKS II“

Das Kunstwerk von Peter Troissinger, gefertigt aus der metallischen

Front einer Großküche, verkörpert einen tiefgründigen philosophischen

Dialog zwischen Funktionalität und Kunst. Die gebürsteten, groben

Muster auf der Oberfläche strahlen eine rohe und bodenständige

Ästhetik aus, die an die utilitaristischen Ursprünge des Materials

erinnert. Doch durch die visionäre und handwerklich meisterhafte

Herangehensweise des Künstlers wird dieses materialistische Objekt

zu einem Symbol der Transformation und Kreativität erhoben.

Die verschweißten metallischen Elemente, die in einem dreifachen

Bogen geformt sind, symbolisieren eine harmonische Einheit –

möglicherweise die Balance von Vergangenheit, Gegenwart und

Zukunft oder die Verbindung von Handwerkskunst, Kunst und Kulinarik.

Die stilvoll aufgeschweißten Muster von Löffeln und Messern auf der

Oberfläche verleihen dem Werk eine weitere Bedeutungsebene, die

Troissingers enge Verbindung zu seinen kulinarischen Wurzeln

widerspiegelt. Diese Utensilien, traditionell mit Nahrung und

Gemeinschaft verbunden, nehmen hier eine symbolische Rolle ein, als

Vermittler von Kreativität und kulturellem Gedächtnis.

Das Zusammenspiel von industrieller Härte und filigraner Kreativität in

diesem Werk spiegelt die Spannung zwischen Funktionalität und

Schönheit wider und lädt den Betrachter ein, über die transformative

Kraft künstlerischer Eingriffe nachzudenken. Durch seine Fähigkeit,

alltägliche Materialien in tiefgründige Kompositionen zu verwandeln,

fordert Troissinger uns heraus, das verborgene Potenzial und die Poesie

im Alltäglichen zu erkennen.

Dieses Kunstwerk ist nicht nur eine Hommage an die Werkzeuge der

Nahrung, sondern auch ein Zeugnis der grenzenlosen Möglichkeiten

menschlicher Kreativität. Es regt dazu an, die tiefere Narrative in den

uns umgebenden Objekten wahrzunehmen. Es ist nicht nur ein

Kunststück, sondern eine Meditation über die Beziehung zwischen

Materialität, Funktion und der andauernden Suche nach Sinn.


“THE POETRY of the CUTLERY II“

The artwork by Peter Troissinger, crafted from the metallic front

of an industrial kitchen, embodies a profound philosophical

dialogue between function and artistry. The brushed, coarse

patterns across the surface exude a raw and grounded

aesthetic, reminding viewers of the utilitarian origins of the

material. Yet, through the artist’s vision and skilled

craftsmanship, this utilitarian object transcends its original

purpose to become an emblem of transformation and

creativity.

The welded metallic elements, formed into a threefold arch,

symbolize a harmonious unity—perhaps the balance of past,

present, and future, or the intersection of craftsmanship,

artistry, and the culinary arts. The addition of spoon and knife

patterns, elegantly and precisely welded onto the surface,

introduces a layer of meaning that resonates with Troissinger’s

deep connection to his culinary roots. These utensils,

traditionally associated with nourishment and community, take

on a symbolic role as conduits of creativity and cultural

memory.

The interplay of the industrial and the artistic in this piece

mirrors the tension between functionality and beauty, inviting

viewers to reflect on the transformative power of artistic

intervention. Through his ability to reshape everyday materials

into thought-provoking compositions, Troissinger challenges us

to see the hidden potential and poetry within the mundane.

This work stands as both an homage to the tools of sustenance

and a testament to the boundless possibilities of human

creativity, urging us to consider the deeper narratives

embedded in objects that surround us. It is not merely a piece

of art, but a meditation on the dialogue between materiality,

function, and the enduring quest for meaning. 200





PETER TROIßINGER





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Renate Kunst / Re*NATA

Künstlerischer Lebenslauf: Renate Kunst / Re*NATA

Persönliche Daten: Name: Renate Kunst / Re*NATA Geburtsjahr: 1955 Geburtsort: Graz, Österreich

Beruflicher Werdegang: Renate Kunst, auch bekannt als Re*NATA, blickt auf eine 42-jährige

erfolgreiche Laufbahn im pädagogischen Bereich zurück, wobei sie 35 Jahre an der Pädagogischen

Hochschule Steiermark tätig war. Ihr beruflicher Weg ist geprägt von einem reichen Spektrum an

Eindrücken und Begegnungen, die sie sowohl als Hürden als auch als Wegbegleiter betrachtet.

Künstlerische Philosophie: Re*NATA sieht ihre Schöpferkraft als zentrales Element ihres Lebens und

Wirkens. Sie hat es sich zur Aufgabe gemacht, kreatives Potenzial zu fördern und in sich selbst sowie in

anderen zu wecken. Ihre künstlerische Arbeit ist eine ART-Transition, die den Alltag mit kreativem

Gestalten verbindet und dabei Wahrnehmen, Verändern, Staunen, Freude und Zuversicht als

Lebenskompetenzen hervorhebt.

Kreative Projekte und Zusammenarbeit: Re*NATA hat zahlreiche Projekte initiiert und begleitet, sowohl

im beruflichen Umfeld als auch im privaten Bereich. Sie arbeitet eng mit Kindern, Studierenden,

Kollegen und Künstlern zusammen, wobei Persönlichkeiten wie Edith Temmel, Ingrid Stern und viele

andere als entscheidende Gefährten und Inspirationsquellen dienen.

Handwerk und Technologie: Mit einer Vorliebe für handwerkliche Gestaltung und Fotografie hat

Re*NATA den Übergang von der analogen zur digitalen Kamera miterlebt und integriert neue

Technologien in ihr künstlerisches Schaffen. Dies ermöglicht ihr, stets neue Perspektiven und

Ausdrucksweisen zu erforschen.

Lebensansicht und Inspiration: Für Re*NATA ist das Leben ein grenzenloses Potenzial ohne feste

Punkte. Sie versteht Inspiration als eine Arbeit des Herzens, die ihre Leidenschaft zum Ausdruck bringt.

Ihre Hingabe manifestiert sich in Bildern und Worten, die sie als Herzschlag der Zeit und Geist des

Augenblicks empfindet.

Motto und Überzeugung: Re*NATAs Motto “#CYP CREATE YOUR PERSONALITY” spiegelt ihre

Überzeugung wider, dass Persönlichkeit durch Leidenschaft, Geduld und Übung geformt wird – ein

mächtiger Pool für kreative Entfaltung. Sie lebt nach dem Zitat von Max Ernst: “Kreativität ist das

lebendige Experiment mit dem Leben.

RE*NATA KUNST

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Re*NATA | Artist | Artfacts

RE*NATA KUNST

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RENATA KUNST

„Luma - verwurzelte Schöpfung“

80*80 cm

Digital Art auf ACRYLGLAS

PREIS: 2.100,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„LUMA – VERWURZELTE SCHÖPFUNG“

Essenzen femininer Schöpfungskraft

‣ 1. Balance der Polaritäten – Das Gesicht mit geschlossenen Augen symbolisiert die Reise nach innen, um das Gleichgewicht zwischen femininer und maskuliner Essenz zu finden.

‣ 2. Verwurzelte Schöpfung – Die organischen Formen, die sich aus dem Körper herauswinden, stehen für tiefgehende Verankerung, spirituelle Verwurzelung und schöpferische

Entfaltung.

‣ 3. Farbsymbolik der Transformation –

o Purpur & Indigo: Verbindung zum Geistigen, tiefe Weisheit, kosmische Verbundenheit.

o Gold & Orange: Kreative Lebensenergie, Manifestation, alchemistische Verwandlung.

o Grün & Gelb: Heilung, Herzöffnung, Wachstum.

‣ 4. Strukturen als Manifestation – Die surreal fließenden Formen suggerieren, dass kreative Kräfte in der Person leben und in sichtbare Realität geführt werden können.

‣ 5. Der verinnerlichte Blick – Die geschlossenen Augen deuten auf eine innere Reise hin, fernab von äußeren Einflüssen, um die eigene Essenz sinnlich wahrzunehmen.

Eine kurze Reise durch das Bild

Eintritt in den Raum der inneren Wahrnehmung – Das Bild lädt ein, die bewusste Aufmerksamkeit nach innen zu lenken. In dieser Tiefe entsteht das Verständnis für die eigenen

Wurzeln und das Gleichgewicht der Kräfte.

o Fühlendes Erleben – Formen und Farben fließen ineinander, ohne starre Grenzen, ähnlich wie Bewusstsein und Kreativität. Die Person im Bild zeigt uns, dass durch Loslassen und

Hingabe eine authentische Selbstwahrnehmung entsteht.

o Das kreative Schöpfungsprinzip – Die Mischung aus Foto, KI-gestützten Tools und manueller Malerei mit digitalem Werkzeug ist ein Ausdruck des Zusammenwirkens von Intuition

und Struktur – ein Spiegelbild des Femininen im schöpferischen Akt.

Dieses Bild ist eine Einladung sich dem offenen Geist hinzugeben, Strukturen und Grenzen sanft aufzulösen und in die sinnliche Wahrnehmung der eigenen Weiblichkeit (die jeder Mensch in

sich trägt) einzutauchen. Die Balance zwischen innerem Sein und äußerer Manifestation ist der Schlüssel zur kreativen ganzheitlichen Entfaltung.

Lumas Reise in eine unbekannte Welt

In einer Welt, in der Licht und Schatten miteinander tanzen, existiert Luma – eine Wesenheit zwischen den Polen, geboren aus der Essenz des Gleichgewichts. Einst war sie ein Mensch aus

Fleisch und Blut, doch auf ihrer Reise durch die Tiefen der Selbstwahrnehmung wurde sie zu mehr als einer Gestalt. Ihr Körper verwandelte sich in lebendige Wurzeln, die nicht nur den

Boden berührten, sondern auch die unsichtbaren Strukturen der Wirklichkeit durchdrangen.

Luma bewegt sich nicht nur mit den Füßen, sondern wandelt angetrieben von den Impulsen ihres Herzens. Ihre Augen sind geschlossen, nicht aus Blindheit, sondern weil sie sieht, was sich

jenseits der sichtbaren Welt entfaltet. In ihren Farben glüht das Geheimnis der Transformation: Gold für Erkenntnis, Indigo für Tiefe, Purpur für Weisheit und Transformation und Grün für

Heilung.

Dieses Geschöpf ruht in sich, schläft nicht, spürt, greift nicht ein. Luma manifestiert und erzwingt nichts. Wer ihr begegnet, wird eingeladen, nicht nur zu betrachten, sondern zu fühlen. Titel

der Figur: “LUMA – Verwurzelte Schöpfung”

Im Museum ist Luma zwischen anderen Werken ausgestellt, doch sie spricht auf eine besondere Weise: nicht laut, nicht durch klare Antworten, sondern durch die Einladung, selbst auf eine

Reise zu gehen. Vielleicht trägt jede Betrachterin und jeder Betrachter ein Stück von Lumas Geschichte mit sich fort – und fügt ihr eine neue Dimension hinzu.

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“LUMA-ROOTED CREATION“

Essences of Feminine Creative Power

1.Balance of Polarities – The face with closed eyes symbolizes the journey inward to find balance between the feminine and masculine essence.

2.Rooted Creation – The organic shapes spiraling out from the body represent deep grounding, spiritual rooting, and creative unfolding.

1.Color Symbolism of Transformation:

1. Purple & Indigo: Connection to the spiritual, deep wisdom, cosmic unity.

2. Gold & Orange: Creative life energy, manifestation, alchemical transformation.

3. Green & Yellow: Healing, heart opening, growth.

2.Structures as Manifestation – The surreal, flowing forms suggest that creative forces live within the individual and can be brought into visible reality.

1.The Internal Gaze – The closed eyes indicate an inner journey, free from external influences, to sensually perceive one’s own essence.

A Short Journey Through the Painting Entering the Space of Inner Perception – The painting invites the viewer to consciously turn their attention inward. In this depth arises an

understanding of one’s roots and the balance of forces.

•Emotive Experience – Forms and colors flow into one another without rigid boundaries, akin to consciousness and creativity. The figure in the painting shows that through letting go

and surrendering, authentic self-awareness is achieved.

•The Creative Principle – The blend of photography, AI-assisted tools, and manual painting with digital instruments reflects the interplay of intuition and structure – a mirror of the

feminine in the act of creation.

This painting is an invitation to surrender to an open mind, gently dissolve structures and boundaries, and dive into the sensual perception of one’s femininity (which every person

carries within). The balance between inner being and outer manifestation is the key to holistic creative development.

Luma's Journey into an Unknown World In a world where light and shadow dance together, Luma exists—a being between the poles, born from the essence of balance. She was once

a human of flesh and blood, but on her journey through the depths of self-perception, she became more than a figure. Her body transformed into living roots, which not only touched the

ground but also penetrated the invisible structures of reality.

Luma moves not only with her feet but is driven by the impulses of her heart. Her eyes are closed, not out of blindness, but because she sees what unfolds beyond the visible world. In

her colors glows the secret of transformation: gold for insight, indigo for depth, purple for wisdom and transformation, and green for healing.

This being rests within herself, does not sleep, senses, does not intervene. Luma neither manifests nor forces anything. Those who encounter her are invited not only to observe but to

feel. Title of the figure: “LUMA – Rooted Creation”

In the museum, Luma is displayed among other works, yet she speaks in a unique way: not loudly, not through clear answers, but through an invitation to embark on a journey

themselves. Perhaps every viewer carries a piece of Luma’s story with them – adding a new dimension to it.

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WERKBESCHREIBUNG:

„LUMA – VERWURZELTE SCHÖPFUNG“

Du stehst vor mir, doch siehst du mich wirklich?

Schließe deine Augen – traust du dich?

Spürst du, wo du endest und ich beginne?

Ich bin keine Antwort. Ich bin eine Einladung.

Tritt ein in die Stille, wo Farben atmen, und Formen fließen.

Dort, wo du nichts festhältst, entsteht das, wonach du suchst.

Bist du bereit, dich selbst zu sehen?“

Das schafft möglicherweise eine noch tiefere Verbindung zwischen Luma und den

Schauenden – als ob sich Grenzen auflösen und das Werk lebendig wird.

Fragen an Kinder mit dem besonderen Blick

• Stell dir vor, Luma könnte sprechen. Was erzählt sie dir?

• Wenn du durch ihre geschlossenen Augen schauen könntest, welche Welt

entdeckst du dahinter?

• Ihre Arme sind aus Wurzeln – vielleicht kann sie durch die Erde reisen und mit

anderen Lebewesen sprechen? Mit wem könnte sie sich unterhalten?

• Woher kommen die Farben in ihrem Gesicht? Hat sie sie von einem Abenteuer

mitgebracht?

Fragen zum Eintauchen

1. Was passiert, wenn du deine Augen schließt – was kannst du dann sehen, was

vorher verborgen blieb?

2. Wo bist du verwurzelt? Sind es Traditionen, Erinnerungen, Visionen?

3. Wenn du eine Farbe wärst – welche wäre es heute? Und warum?

4. Gibt es in dir einen Ort, an dem sich Gegensätze in Harmonie vereinen? Wie fühlt

sich das an?

5. Welche Form hätte deine eigene innere Balance, wenn du sie malen würdest?

6. ?


“LUMA-ROOTED CREATION“

You stand before me, but do you truly see me?

Close your eyes – do you dare?

Can you feel where you end and I begin?

I am not an answer. I am an invitation.

Step into the stillness, where colors breathe and shapes flow.

Where you hold onto nothing, what you seek begins to emerge.

Are you ready to see yourself?

This might create an even deeper connection between Luma and the viewers –

as if boundaries dissolve and the work comes alive.

Questions for children with a special perspective

Imagine Luma could speak. What would she tell you?

If you could see through her closed eyes, what world would you discover

behind them?

Her arms are made of roots – perhaps she can travel through the earth and

speak to other living beings. Who might she talk to?

Where do the colors on her face come from? Did she bring them back from an

adventure?

Questions for immersion

1. What happens when you close your eyes – what can you see that was

previously hidden?

2. Where are you rooted? Is it in traditions, memories, or visions?

3. If you were a color, which one would you be today? And why?

4. Is there a place within you where opposites unite in harmony? What does it

feel like?

5. What shape would your own inner balance take if you were to paint it?

6. ?

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Renate Kunst / Re*NATA

Artistic Biography: Renate Kunst / ReNATA*

Personal Information: Name: Renate Kunst / Re*NATA Year of Birth: 1955 Place of Birth: Graz, Austria

Professional Career: Renate Kunst, also known as Re*NATA, has enjoyed a successful 42-year career in

the field of education, including 35 years at the University College of Teacher Education Styria. Her

professional journey is enriched by a wide array of impressions and encounters, which she views as both

challenges and companions on her path.

Artistic Philosophy: Re*NATA perceives her creative power as a central element of her life and work.

She is dedicated to nurturing creative potential within herself and others. Her artistic work represents an

“ART-Transition,” blending everyday life with creative expression, and emphasizing perception, change,

wonder, joy, and optimism as essential life skills.

Creative Projects and Collaboration: Re*NATA has initiated and led numerous projects both in her

professional and personal spheres. She collaborates closely with children, students, colleagues, and

artists, drawing inspiration from notable individuals such as Edith Temmel, Ingrid Stern, and others who

have played pivotal roles in her creative journey.

Craft and Technology: With a passion for handmade creations and photography, Re*NATA has

embraced the transition from analog to digital cameras. She incorporates new technologies into her

artistic endeavors, enabling her to continuously explore fresh perspectives and modes of expression.

View on Life and Inspiration: To Re*NATA, life is a limitless potential without fixed points. She considers

inspiration as heartfelt work that expresses her passion. Her dedication is embodied in her images and

words, which she regards as the heartbeat of the time and the spirit of the moment.

Motto and Belief: Re*NATA’s motto, “#CYP CREATE YOUR PERSONALITY,” reflects her conviction that

personality is shaped through passion, patience, and practice—a powerful reservoir for creative growth.

She lives by the words of Max Ernst: “Creativity is the living experiment with life.”

RE*NATA KUNST

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RENATA KUNST

„Verwurzelt in Weiblichkeit und Transformation“

80*80 cm

Digital Art auf ACRYLGLAS

PREIS: 2.100,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG

„VERWURZELTE WEIBLICHKEIT in der TRANSFORMATION“

Verwurzelte Weiblichkeit in der Transformation Das digitale Kunstwerk

Verwurzelte Weiblichkeit in der Transformation von Renata Kunst ist eine

visuelle Hommage an die Stärke, Verwundbarkeit und tiefgreifende

Verbindung der weiblichen Existenz. Im Zentrum des Werks steht eine

heroische Darstellung des weiblichen Körpers – ein Symbol für Resilienz und

Wachstum.

Die Füße der Figur sind fest im Boden verwurzelt, was eine tiefe Verbindung

zur Natur und zur Erde verdeutlicht. Die Wurzeln repräsentieren die

Ursprünge, die Geschichte und die untrennbare Bindung an die physische

und emotionale Welt. Gleichzeitig erhebt sich die Figur durch den Kopf und

in eine komplexe, vernetzte Struktur, die einem Wurzelwerk ähnelt. Diese

Verkettung symbolisiert den Übergang in eine transzendente Dimension –

eine Metapher für Transformation und die Verbindung zu einer höheren

Sphäre des Denkens, Wissens und der Gemeinschaft.

Der weibliche Körper wird in diesem Werk zum Bindeglied zwischen

Ursprung und Zukunft, zwischen Individualität und universeller Vernetzung.

Er drückt aus, dass wahre Stärke und Wandel durch das Bewusstsein der

eigenen Wurzeln entstehen und durch die Fähigkeit, neue Verbindungen zu

schaffen und sich weiterzuentwickeln.

Das Werk fordert den Betrachter dazu auf, über die Rolle der Weiblichkeit in

einer sich wandelnden Welt nachzudenken. Es eröffnet einen Dialog über die

Bedeutung von Verwurzelung und Verbindung, nicht nur als physische,

sondern auch als soziale und spirituelle Konzepte.

Mit einem ästhetischen Ansatz, der den digitalen Raum nutzt, um zeitlose

Philosophien auszudrücken, ist dieses Kunstwerk eine Einladung zur

Reflexion und Bewunderung der Kraft der Transformation – eine Feier der

Verwurzelung und der Vernetzung, die die Essenz der Weiblichkeit ausmacht.


“THE ROOTED FEMINITY in TRANSFORMATION“

Rooted Femininity in Transformation The digital artwork Rooted

Femininity in Transformation by Renata Kunst is a visual homage to

the strength, vulnerability, and profound connection of feminine

existence. At the center of the piece is a heroic portrayal of the

female body—a symbol of resilience and growth.

The figure's feet are firmly rooted in the ground, emphasizing a deep

connection to nature and the earth. The roots represent origins,

history, and an inseparable bond with the physical and emotional

world. At the same time, the figure ascends through the head into a

complex, interconnected structure resembling a network of roots.

This network symbolizes the transition to a transcendent

dimension—a metaphor for transformation and connection to a

higher realm of thought, knowledge, and community.

The female body in this work becomes a bridge between origins and

the future, between individuality and universal interconnection. It

expresses that true strength and change emerge from the awareness

of one's roots and the ability to forge new connections and evolve.

The artwork invites the viewer to reflect on the role of femininity in a

changing world. It opens a dialogue about the significance of being

rooted and interconnected, not only as physical but also as social

and spiritual concepts.

With an aesthetic approach that utilizes the digital medium to

convey timeless philosophies, this artwork is an invitation to

contemplate and admire the power of transformation—a celebration

of rootedness and interconnectedness that embodies the essence

of femininity.

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RENATE KUNST





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Regina Peier, eine vielseitige Künstlerin aus der Steiermark,

verbindet in ihrem Schaffen die Elemente von Bildhauerei, Keramik

und Malerei zu einer einzigartigen künstlerischen Sprache. Ihre

Werke zeichnen sich durch eine harmonische Balance zwischen

organischen Formen und struktureller Präzision aus, die sowohl die

Natur als auch die menschliche Kreativität widerspiegeln.

Mit einer fundierten Ausbildung, darunter Meisterklassen in

Bildhauerei und keramischer Formgebung, hat Regina Peier eine

Technik entwickelt, die sowohl traditionelle als auch experimentelle

Ansätze umfasst. Ihre Arbeiten sind geprägt von einer tiefen

Auseinandersetzung mit Materialien und deren Transformation, sei

es Holz, Ton oder Farbe. Dabei entstehen Werke, die Geschichten

erzählen und den Betrachter in eine Welt voller Texturen, Formen

und Emotionen entführen.

Regina Peier ist nicht nur in der Steiermark, sondern auch

international aktiv. Ihre Werke wurden in Österreich, Serbien, Polen,

Italien und sogar in Shanghai ausgestellt. Diese globale Präsenz

unterstreicht die universelle Anziehungskraft ihrer Kunst, die

kulturelle und geografische Grenzen überschreitet.

Ihre Kunst lädt dazu ein, innezuhalten und die Schönheit im Detail

zu entdecken. Sie schafft es, mit ihren Werken eine Verbindung

zwischen dem Betrachter und der Essenz des Materials

herzustellen, und regt dazu an, die Welt mit neuen Augen zu sehen.

Regina Peier ist eine Künstlerin, deren Arbeiten sowohl inspirieren

als auch zum Nachdenken anregen.

REGINA PEIER

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Regina Peier | Artist | Artfacts

REGINA PEIER

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Biographie

1961 in Graz

Ausbildung und wichtige Ereignisse in der künstlerischen Entwicklung

ab 1995 Kurse Holzbildhauerei bei Wladimir Zlatkov;

2001-2003 Meisterklasse Ortweinschule Kunst und Gestaltung Bildhauerei; Praktikum

Bühnenwerkstatt Graz;

2004-2006 Meisterklasse Ortweinschule Kunst und Gestaltung Keramische

Formgebung; 2007 KiG Fortbildung;

2008-2010 Lehrgang KPH Ästhetische Spurensuche;

Mitglied:

seit 2008 BVBK; Kunst Ost (Pomale);

seit 2017 deutschsprachiger Urban Sketchers;

seit 2024 Grazer Urban Sketchers;

seit 2025 Plattform Mikizzaner;

seit 2025 gelistet in Artfacts;

Symposien:

mother earth in Pöllau; Halbenrain; Lenti; Weiz; Groznjan; IAEA texanische Künstler Uni

Graz;

Biennalen:

Serbien; Skulpturen Biennale im botanischer Garten Graz;

2012 Texas meets Austria Intercultural Seminar and Exchange Project for Students and

Artists;

2024 Kunst und Natur Szombathely;

2024 Contemporary Art Exposition ARTE Bratislava;

2024 kleinste Biennale der Welt Graz (Miniaturgemälde);

2025 Arboreteum botanischer Garten Graz;

Ausstellungen:

Österreich; Serbien; Marburg; Polen; Italien; Groznjan; Berlin; Shanghai; Bratislava;

Kunstauktion Schule Äthiopien; Steiermarkhof; Wirtschaftskammer-Graz; Schloss

Dornhofen Eggersdorf; Berchtoldsvilla Salzburg „Atem der Kunst“; Galerie Centrum

Graz;

BVBK Glockenturm Liesl Graz „Landschaften „

Kunstvitrine NO 1 Joanneum Graz by Mikizzaner: „Kleinste Biennale der Welt“; „Angel´s

for Peace“ „Vernetzte Triaden“

WOMENISMUS Galerie Mikizzaner Voitsberg;

Kunstauktion Steiermarkhof 20.Schule in Äthiopien;

Arte Bratislava by Mikizzaner „Masterpieces of Artist“

Biography

Born: 1961 in Graz

Education and Key Events in Artistic Development

•From 1995: Wood sculpture courses with Wladimir Zlatkov

•2001–2003: Master class at Ortweinschule for Art and Design in Sculpture; Internship at

Bühnenwerkstatt Graz

•2004–2006: Master class at Ortweinschule for Art and Design in Ceramic Forming

•2007: KiG advanced training

•2008–2010: Aesthetic Trace Discovery program at KPH

Memberships

•Since 2008: Member of BVBK; Kunst Ost (Pomale)

•Since 2017: Member of German-speaking Urban Sketchers

•Since 2024: Member of Graz Urban Sketchers

•Since 2025: Member of Mikizzaner platform

•Since 2025: Listed in Artfacts

Symposia

•Mother Earth in Pöllau; Halbenrain; Lenti; Weiz; Groznjan

•IAEA Texan Artists, University of Graz

Biennials

•Serbia; Sculpture Biennial at the Botanical Garden Graz

•2012: Texas meets Austria Intercultural Seminar and Exchange Project for Students and

Artists

•2024: Art and Nature, Szombathely

•2024: Contemporary Art Exposition, ARTE Bratislava

•2024: Smallest Biennial in the World, Graz (Miniature Paintings)

•2025: Arboretum at the Botanical Garden Graz

Exhibitions

•Austria; Serbia; Marburg; Poland; Italy; Groznjan; Berlin; Shanghai; Bratislava

•School Ethiopia Art Auction; Steiermarkhof; Wirtschaftskammer-Graz; Schloss Dornhofen

Eggersdorf

•Berchtold Villa Salzburg, "Breath of Art"; Galerie Centrum Graz

•BVBK Glockenturm Liesl Graz, "Landscapes"

•Kunstvitrine NO 1, Joanneum Graz by Mikizzaner: "Smallest Biennial in the World"; "Angels

for Peace"; "Connected Triads"

•WOMENISMUS Galerie Mikizzaner, Voitsberg

•Steiermarkhof Art Auction for the 20th School in Ethiopia

•Arte Bratislava by Mikizzaner, "Masterpieces of Artist"

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WERKBESCHREIBUNG:

„KOPFWELTEN I und KOPFWELTEN II“

„KOPFWELTEN I“ ist ein Werk, das die Grenzen der Wahrnehmung und

die Konstrukte unseres Verstandes philosophisch hinterfragt. Die starke

Farbgebung, die sich vom Betrachter abwendet und dennoch in

Augenhöhe präsentiert wird, lädt zur Reflexion über die Dualität von

Nähe und Distanz ein. Es handelt sich nicht nur um eine visuelle,

sondern auch um eine mentale Reise in die Abstraktion unserer inneren

Welten.

Die Platzierung auf Augenhöhe ist kein zufälliges Element, sondern ein

bewusstes Statement. Es verweist auf die universelle Ebene, auf der

Wahrnehmung stattfindet – ein Dialog zwischen Werk und Betrachter,

bei dem jede Interpretation subjektiv bleibt. Die Farben wirken wie

Impulse, die aus dem Blickfeld zu entfliehen scheinen, und erinnern

daran, dass Realität immer durch den Filter des Gehirns interpretiert

wird.

Die Abstraktheit der Formen und Farben ist ein Sinnbild für das

Unbegreifliche im menschlichen Denken. Sie symbolisiert die

Unschärfe, mit der Erinnerungen, Emotionen und Vorstellungen in

unseren Köpfen geformt werden. Die abgewandte Position des

Farbgeschehens fordert dazu auf, nicht das Offensichtliche zu suchen,

sondern hinter die sichtbare Ebene zu blicken – eine Herausforderung,

die die Grenzen der menschlichen Wahrnehmung hinterfragt.

„KOPFWELTEN“ regt an, die Verbindung zwischen visueller Kunst und

Philosophie zu entdecken. Es fordert den Betrachter dazu auf, die

scheinbare Realität zu hinterfragen und sich den Fragen zu stellen: Wie

viel von dem, was wir sehen, ist „wirklich“? Und wie viel ist ein

Konstrukt unseres Geistes?

Ein Werk, das in seiner Tiefe sowohl meditativ als auch herausfordernd

ist und die Vorstellungskraft anregt, ohne sie jemals vollständig zu

definieren.


“MINDSCAPES I and MINDSCAPES II“

"KOPFWELTEN I" is a work that philosophically challenges the

boundaries of perception and the constructs of our minds. The

intense use of color, which turns away from the viewer while

being presented at eye level, invites reflection on the duality of

proximity and distance. It is not only a visual journey but also a

mental exploration into the abstraction of our inner worlds.

The placement at eye level is no coincidence; it is a deliberate

statement. It points to the universal plane where perception

occurs—a dialogue between the artwork and the viewer, where

every interpretation remains subjective. The colors act as

impulses, seeming to escape the field of vision, reminding us

that reality is always interpreted through the brain's filter.

The abstraction of shapes and colors serves as a symbol of the

incomprehensible nature of human thought. It embodies the

blurriness with which memories, emotions, and ideas are formed

in our minds. The turned-away position of the color elements

encourages us not to seek the obvious but to look beyond the

visible layer—a challenge that questions the limits of human

perception.

"KOPFWELTEN" inspires the discovery of the connection between

visual art and philosophy. It urges the viewer to question the

apparent reality and confront these questions: How much of

what we see is "real"? And how much is a construct of our mind?

A work that is both meditative and challenging in its depth,

sparking the imagination without ever fully defining it.

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Regina Peier, a versatile artist from Styria, combines the elements

of sculpture, ceramics, and painting in her work to create a unique

artistic language. Her creations are characterized by a harmonious

balance between organic forms and structural precision, reflecting

both the beauty of nature and human creativity.

With a solid education that includes master classes in sculpture

and ceramic design, Regina Peier has developed a technique that

blends both traditional and experimental approaches. Her works

are deeply rooted in an exploration of materials and their

transformation, whether it is wood, clay, or paint. The result is

pieces that tell stories and transport viewers into a world full of

textures, shapes, and emotions.

Regina Peier is active not only in Styria but also internationally. Her

works have been exhibited in Austria, Serbia, Poland, Italy, and even

Shanghai. This global presence highlights the universal appeal of

her art, which transcends cultural and geographical boundaries.

Her art invites viewers to pause and discover the beauty in detail.

Through her work, she establishes a connection between the viewer

and the essence of the materials, encouraging a fresh perspective

on the world. Regina Peier is an artist whose creations inspire and

provoke thoughtful reflection.

REGINA PEIER

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REGINA PEIER

„Kopfwelten I“

80*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.900,00 EUR


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REGINA PEIER

„Kopfwelten II“

80*100 cm

Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.900,00 EUR


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REGINA PEIER





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





Waltraut Chimani | Artist | Artfacts

WALTRAUT CHIMANI

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Waltraut Chimani ist eine talentierte Künstlerin, deren Werke tief

in der unmittelbaren Erfahrung des Lebens wurzeln. Ihre Gemälde

spiegeln Prozesse und Themen wider, die oft erst durch die Kunst

sichtbar und bewusst werden. Chimani nutzt verschiedene

künstlerische Methoden und Maltechniken, um sowohl konkret als

auch abstrakt ihre Gefühle und Erlebnisse auszudrücken. Ihre

Arbeiten reichen von gegenstandslosen Darstellungen bis hin zu

detaillierten Porträts, die oft eine emotionale Tiefe und eine

besondere Ausdruckskraft besitzen.

Ihre Ausbildung umfasst unter anderem ein Diplom in klinischer

Mal- und Gestaltungstherapie sowie ein Studium der Anglistik und

Germanistik. Chimani hat in verschiedenen Galerien und

Ausstellungen im In- und Ausland gezeigt und ihre Werke werden

sowohl in öffentlichen als auch in privaten Sammlungen geschätzt.

Chimani sieht die Malerei als Ventil, um ihren freien Inspirationen

und persönlichen Erlebnissen Raum zu geben. Oft wird

Unbewusstes erst in einem Bild sichtbar und dadurch bewusst,

sowohl für die Künstlerin selbst als auch für den Betrachter. Ihre

Kunst ist somit ein Spiegel der menschlichen Seele und ein

Ausdruck der inneren Welt.

WALTRAUT CHIMANI

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Die Kunst fungiert unter anderem als Ventil hineinzuversetzen

ebenso wie persönlichen Erlebnissen einen Darstellungsraum

zugeben. Oft wird Unbewusstes erst in einem Werk sichtbar und

dadurch bewusst: mir selbst oder auch dem Betrachter. Es dient

dazu etwas auszudrücken, das ich fühle und dem ich keine andere

Sprache geben will.

Meine abstrakten Porträts betonen weniger die physische

Ähnlichkeit der Person als ihre Persönlichkeit, Emotionen und

innere Welt. Expressive Farben und dynamische Pinselstriche

vermitteln eine tiefere psychologische Dimension und bewegen

den Betrachter, eine Verbindung zu dieser Person herzustellen.

Meine Kunstwerke sollen dazu beitragen, verschiedene

Lebensrealitäten und Standpunkte zu verstehen und zu schätzen,

indem sie den Betrachter dazu bringen, sich in die Perspektiven

anderer hineinzuversetzen und Empathie zu entwickeln.

Meine Kunst soll eine Quelle der Inspiration, des Verständnisses

und der Bereicherung für unsere Gesellschaft sein.

Art functions as a channel, providing a space for free

inspirations as well as personal experiences to be

expressed. Often, the unconscious becomes visible for the

first time in a work, thus becoming conscious—both to

myself and to the viewer. It serves as a means to express

something I feel and for which I wish to find no other

language.

My abstract portraits emphasize less the physical

resemblance of the person and more their personality,

emotions, and inner world. Expressive colors and dynamic

brushstrokes convey a deeper psychological dimension,

prompting the viewer to form a connection with that

individual.

My artworks aim to contribute to understanding and

appreciating various life realities and perspectives by

encouraging the viewer to step into others' viewpoints and

develop empathy.

My art strives to be a source of inspiration, understanding,

and enrichment for our society.

WALTRAUT CHIMANI

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WALTRAUT CHIMANI

„BLACK & WHITE“

70*90 cm

Oil, Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.900,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG: „BLACK & WHITE“

Das Werk Black & White von Waltraut Chimani ist eine bewegende und

zugleich vielschichtige Darstellung, die von Symbolik und emotionaler

Tiefe geprägt ist. Im Zentrum steht die schulterfreie weiße Frau, deren

Haltung und Blick über die Schulter eine Verbindung zwischen

Vergangenheit und Gegenwart herstellen. Auf ihrer Schulter ruht der Kopf

eines schwarzen Kindes, ein Anker des Ausdrucks und der emotionalen

Spannung, der das Gemälde mit Leben und Bedeutung erfüllt.

Der Kontrast zwischen der Hautfarbe der Frau und des Kindes, wie auch

zwischen ihren Blicken, eröffnet eine visuelle und symbolische Dualität:

Die Frau wirkt in ihrem zurückhaltenden Blick wie eine bewusste

Beobachterin—still und nachdenklich—während das Kind einen offenen,

hoffnungsvollen und hilfesuchenden Ausdruck zeigt. Dieser Blick ruft

nach Harmonie und Frieden, eine universelle Sehnsucht, die uns alle

verbindet. Das Zusammenspiel dieser Figuren drückt die fragile Balance

zwischen Empathie, Schutz und einem tiefen menschlichen Bedürfnis

nach Versöhnung aus.

Im Hintergrund fügt sich die traditionelle Tapete als harmonisches

Element ein, das die zeitlose und kulturelle Komplexität der Szene

unterstreicht. Sie dient als ruhige Kulisse, die die Intimität zwischen den

Figuren betont, ohne sie zu überschatten, und gleichzeitig Raum für

Interpretationen schafft—die Tradition als Symbol für die Wurzeln und

Geschichte der Menschheit.

Das Werk Black & White lädt den Betrachter ein, über die universelle

Bedeutung von Mitgefühl, kulturellen Verbindungen und der Vision einer

friedlichen Koexistenz nachzudenken. In seiner subtilen Ästhetik und

tiefgründigen Symbolik verkörpert es die Kunst als Brücke zwischen

Emotionen und Erkenntnis und fordert uns auf, unsere eigene Rolle in der

Suche nach Harmonie zu reflektieren. Es ist nicht nur ein Bild, sondern

ein Dialog über Menschlichkeit.

DESCRIPTION of the ARTWORK: “BLACK & WHITE“

The artwork Black & White by Waltraut Chimani is an emotionally

charged and multi-layered depiction filled with symbolism and depth.

At its center is the shoulder-baring white woman, whose posture and

glance over her shoulder create a connection between the past and

present. Resting on her shoulder is the head of a black child—a

poignant focal point that infuses the painting with life and meaning.

The contrast between the skin colors of the woman and the child, as

well as their expressions, introduces a visual and symbolic duality: the

woman, with her restrained gaze, appears as a conscious observer—

calm and reflective—while the child’s open, hopeful, and pleading

expression conveys a longing for harmony and peace, a universal

desire that unites us all. The interplay of these figures expresses the

fragile balance of empathy, protection, and the deep human need for

reconciliation.

In the background, the traditional wallpaper serves as a harmonious

element, highlighting the timeless and cultural complexity of the

scene. It acts as a serene backdrop that emphasizes the intimacy

between the figures without overpowering them, while also creating

space for interpretation—tradition as a symbol of humanity’s roots and

history.

The artwork Black & White invites viewers to reflect on the universal

significance of compassion, cultural connections, and the vision of

peaceful coexistence. Through its subtle aesthetics and profound

symbolism, it embodies art as a bridge between emotion and

understanding, challenging us to examine our own roles in the pursuit

of harmony. It is not just an image but a dialogue about humanity.

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Waltraut Chimani is a talented artist whose works are deeply

rooted in the immediate experience of life. Her paintings reflect

processes and themes that often become visible and conscious

only through art. Chimani employs various artistic methods and

painting techniques to express her feelings and experiences both

concretely and abstractly. Her creations range from non-objective

representations to detailed portraits, often characterized by

emotional depth and remarkable expressiveness.

Education: Her educational background includes a diploma in

Clinical Painting and Design Therapy as well as studies in English

and German language and literature.

Exhibitions: Chimani has exhibited her work in various galleries

and exhibitions both nationally and internationally, and her pieces

are appreciated in public and private collections alike.

Artistic Philosophy: For Chimani, painting serves as a channel to

give space to her free inspirations and personal experiences. Often,

unconscious elements become visible in her works, thus becoming

conscious—both for herself and for the viewer. Her art stands as a

mirror of the human soul and an expression of the inner world.

WALTRAUT CHIMANI

236

WALTRAUT CHIMANI

„SOLITUDE“

80*100 cm

Oil, Acryl auf Leinwand

PREIS: 2.900,00 EUR


237


WERKBESCHREIBUNG: „SOLITUDE“

DESCRIPTION of the ARTWORK: “SOLITUDE“

Das Gemälde Solitude von Waltraut Chimani ist eine zutiefst

eindringliche Darstellung, die die Einsamkeit und die innere Reflexion

eines Individuums einfängt. Der kleine schwarze Junge, barfuß und

nachdenklich, wandert über eine weitläufige Landschaft aus

Wüstenfeldern oder Steinplateaus bis zu einem Abgrund, an dem er

innehält. Seine Haltung—mit der Hand am Kinn und einem

nachdenklichen Ausdruck—strahlt eine stille Introspektion aus, die

den Betrachter in seinen Bann zieht.

Die leere und karge Umgebung verstärkt das Gefühl von Isolation und

die Weite des Raumes spiegelt die Grenzenlosigkeit der Gedanken

des Jungen wider. Der Abgrund, an dem er stehen bleibt, könnte

metaphorisch für die Schwelle zur Selbsterkenntnis oder die

Herausforderungen des Lebens stehen—ein Moment des Innehaltens,

des Nachdenkens über die nächsten Schritte, oder sogar über die

unausweichlichen Abgründe der Existenz.

Die innovative Technik, mit der Waltraut Chimani das Werk geschaffen

hat, bringt zusätzliche Tiefe und Struktur in die Darstellung. Die Textur

der Landschaft unterstreicht die Härte und Rauheit der Reise, die der

Junge durchlebt, während seine Körperhaltung und Gesichtsausdruck

die emotionale Komplexität seiner Gedankenwelt reflektieren.

Solitude ist mehr als nur ein Bild; es ist eine philosophische

Erzählung über die menschliche Erfahrung von Einsamkeit, die Suche

nach Sinn und die Begegnung mit der Unendlichkeit des Lebens. Das

Werk lädt den Betrachter ein, sich mit seiner eigenen inneren Reise

auseinanderzusetzen und die Schönheit und Tiefe solcher Momente

der Selbstreflexion zu würdigen. Waltraut Chimani erschafft ein Bild,

das nicht nur visuell beeindruckt, sondern auch existenzielle Fragen

aufwirft.

The painting Solitude by Waltraut Chimani is a deeply evocative

portrayal that captures the loneliness and inner reflection of an

individual. The small black boy, barefoot and pensive, traverses a vast

landscape of desert fields or rocky plateaus, stopping at the edge of a

precipice. His posture—with his hand to his chin and a contemplative

expression—exudes quiet introspection, drawing the viewer into the

emotional depth of the scene.

The barren and desolate environment amplifies the sense of isolation,

while the vastness of the space mirrors the boundlessness of the boy's

thoughts. The precipice where he halts could metaphorically represent

the threshold of self-awareness or the challenges of life—a moment to

pause, to ponder the next steps, or even to confront the inevitable

abysses of existence.

The innovative technique developed by Waltraut Chimani to create this

work adds further depth and structure to the representation. The texture

of the landscape emphasizes the harshness and roughness of the

journey the boy undergoes, while his posture and expression reflect the

emotional complexity of his inner world.

Solitude is more than just a painting; it is a philosophical narrative

about the human experience of loneliness, the search for meaning, and

the encounter with the infinite aspects of life. The work invites the

viewer to engage with their own inner journey and to appreciate the

beauty and depth of such moments of self-reflection. Waltraut Chimani

creates a piece that not only impresses visually but also raises

existential questions.

238





WALTRAUT CHIMANI





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





WOMAN-ART 2.0

Formation 2025/2026

‣ Re*NATA KUNST

‣ ARTHENA MAXX

‣ HEIDRUN KIRZENBERGER

240

WOMAN-ART MIKIZZANER 2.0

WOMAN-ART MIKIZZANER 2.0

WOMAN-ART 2.0: Neue künstlerische Formationen bei Mikizzaner

WOMAN-ART 2.0: 2025/2026 Für das Jahr 2025/2026 wurden die talentierten Künstlerinnen Renate Kunst

und Heidrun Kirzenberger neben der internationalen Künstlerin Arthena Maxx zur neuen Formation

WOMAN-ART 2.0 ernannt. Unter dem Titel "Verwurzelte Weiblichkeit = Rooted Womenismus" werden sie

ihre beeindruckenden Werke präsentieren, die tief in den Themen der weiblichen Identität und

Verwurzelung verankert sind.

Auftakt in der ARTE BRATISLAVA: Der Auftakt der neuen Formation wird im März 2025 auf der ARTE

BRATISLAVA stattfinden. Dort werden die drei Künstlerinnen ihre Werke präsentieren und damit an den

Erfolg des vergangenen Jahres anknüpfen, bei dem 20 großartige Künstlerinnen jeweils zwei Werke

ausstellten.

Renate Kunst: Die Grazerin Renate Kunst ist bekannt für ihre eindrucksvollen Fotografien, lyrischen Werke

und Gemälde. Ihre Kunst ist tief verwurzelt in den Themen Weiblichkeit und Natur, und sie erforscht die

komplexen Beziehungen zwischen Menschen und Umwelt.

Heidrun Kirzenberger: Heidrun Kirzenberger, Fotografin, Lyrikerin und Malerin, bringt eine einzigartige

Mischung aus visueller und sprachlicher Kunst in die neue Formation ein. Ihre Werke sind geprägt von einer

tiefen emotionalen Verbindung zur Natur und zur weiblichen Identität.

Arthena Maxx: Arthena Maxx, eine international anerkannte Künstlerin, bringt ihre faszinierende Kunst des

phantastischen Realismus in die Formation ein. Ihre Werke sind bekannt für ihre lebendigen Farben,

komplexen Strukturen und tiefgründigen Themen.

Die Kunstform WOMENISMUS und die Initiative WOMAN-ART bieten eine einzigartige Plattform, um die

kreative Schaffenskraft und die vielfältigen Ausdrucksformen von Künstlerinnen zu feiern und zu fördern.

Diese neue Formation verspricht, ein weiterer Meilenstein in der Förderung und Wertschätzung der

Frauenkunst zu werden.

Wir laden Sie herzlich ein, diese beeindruckenden Werke zu entdecken und sich von der kreativen Energie

und Ausdruckskraft der Künstlerinnen inspirieren zu lassen.

241

Woman-Art | Artist | Artfacts

WOMAN-ART 2.0

242

VERWURZELTE WEIBLICHKEIT – ROOTED FEMINITY

243

TRIPTYCHON VERWURZELTE WEIBLICHKEIT – ROOTED FEMINITY

WERKBESCHREIBUNG - DESCRIPTION of the ARTWORK

"Eine philosophische Reflexion über das Triptychon von Woman-ART 2.0"

Dieses Triptychon, erschaffen von dem visionären Kollektiv Woman-ART 2.0, vereint drei gleichseitige Dreiecke, von denen jedes eine eigene, jedoch miteinander

verbundene Erforschung menschlicher Erfahrungen und Selbstwahrnehmung darstellt. Jedes Stück steht als eigenständige Erzählung, trägt aber gleichzeitig zum

umfassenderen philosophischen Dialog des Gesamtwerks bei.

1. Synaptische Verwurzelung des intellektuellen Friedens von Arthena MAXX Dieses Werk taucht tief in ein nuanciertes Zusammenspiel aus Symbolik, Form und

Selbstreflexion ein. Die dreieckige Form repräsentiert sowohl Stabilität als auch Harmonie und verkörpert den Wunsch der Künstlerin nach intellektuellem und

emotionalem Gleichgewicht. Die komplexe Schichtung synaptischer Verbindungen deutet auf den Wunsch hin, Gedanken und Emotionen in Einklang zu bringen.

Jede Linie und Schnittstelle reflektiert das Konzept der Verbundenheit – eine meditative Erforschung, wie innerer Frieden und intellektuelle Klarheit im Individuum

verwurzelt sein können.

2. Verwurzelte Weiblichkeit im Fortschritt von Renata Kunst Das Dreieck von Renata Kunst wird zu einem persönlichen und kollektiven Manifest weiblicher

Essenz und Transformation. Durch natürliche Materialien und fließendes Haar, das symbolisch ihre Verbindung zu ihren Vorfahrinnen darstellt, reflektiert das Werk

tief verwurzelte Bindungen an Herkunft und Identität. Die leisen Stimmen von Großmüttern und Müttern flüstern Sicherheit und Weisheit in die Komposition,

während die Künstlerin gleichzeitig ihre Unabhängigkeit in der modernen Welt anerkennt. Diese Dualität wird in der Balance zwischen natürlichen Texturen und der

Integration von Materialien wie Draht ausgedrückt, was die Herausforderungen und Werkzeuge des technologischen Fortschritts repräsentiert. Die Farben – Rosa,

Gold und Gelb – schwingen im Geiste der Zusammenarbeit der Triade mit, während die Künstlerin dennoch ihrer individuellen Ausdrucksweise treu bleibt. Dieses

Werk schlägt eine Brücke zwischen Natur und Technologie, Vergangenheit und Zukunft, und dient als tief persönliche Meditation über Wachstum und

Selbstausdruck.

3. Verwurzelung meines Ich‘s von Heidrun Kirzenberger Der Beitrag von Heidrun Kirzenberger ist eine zutiefst intime Reflexion über Selbstakzeptanz und

persönliches Wachstum. Die Darstellung des „dornigen Gestrüpps“ wird zu einer kraftvollen Metapher für die Hindernisse und Herausforderungen des Lebens, die

das Selbst formen und stärken. Dieses Dreieck lädt die Betrachter ein, ihre eigene Geschichte mit all ihren Licht- und Schattenseiten zu konfrontieren und eine

Reise der Selbstanerkennung und -akzeptanz zu beginnen. Die emotionale Kraft des Werks liegt in seiner rohen Ehrlichkeit – eine Darstellung von Verletzlichkeit und

Widerstandsfähigkeit, die zeigt, wie Kämpfe das innere Wesen prägen und verfeinern können. Die organischen Formen und symbolischen Texturen schaffen einen

Dialog zwischen innerem Chaos und entstehender Klarheit, der den zarten und transformativen Prozess beschreibt, sich fest in Identität und Wahrheit zu

verwurzeln.

Das einheitliche Ganze Zusammen bilden die drei Dreiecke eine kohärente, jedoch facettenreiche Erforschung menschlicher Erfahrungen. Sie verweben eine

Erzählung, die intellektuelle Harmonie, die Verschmelzung weiblicher Wurzeln und Fortschritt sowie die transformative Reise der Selbstakzeptanz umfasst. Das

Triptychon steht als Emblem für Balance, Zusammenarbeit und Individualität. Durch ihre vereinte Energie überschreiten diese Werke ihre materiellen Formen und

laden die Betrachter dazu ein, über Fragen von Identität, Verbindung und Entwicklung nachzudenken. Woman-ART 2.0 hat nicht nur eine physische Manifestation

von Kunst geschaffen, sondern auch einen philosophischen Dialog, in dem die Grenzen von Zeit, Essenz und Fortschritt in ein dynamisches Zusammenspiel

menschlicher Kreativität übergehen.

244

© Philosophische Interpretation von Kuratorin Ing. Michaela Lukmann

245

TRIPTYCHON VERWURZELTE WEIBLICHKEIT – ROOTED FEMINITY

WERKBESCHREIBUNG - DESCRIPTION of the ARTWORK

A Philosophical Reflection on the Triptych by Woman-ART 2.0

This triptych, created by the visionary collective Woman-ART 2.0, brings together three equilateral triangles, each a distinct yet interconnected exploration of human

experience and self-awareness. Each piece serves as a standalone narrative while contributing to the larger philosophical dialogue of the work as a whole.

1. Synaptische Verwurzelung des intellektuellen Friedens by Arthena MAXX This piece delves into a nuanced interplay of symbolism, form, and introspection.

The triangular shape represents both stability and harmony, embodying the artist’s quest for intellectual and emotional balance. The work’s intricate layering of

synaptic connections suggests an underlying desire to harmonize thought and emotion. Each line and intersection reflects the idea of interconnectedness—a

meditative exploration of how inner peace and intellectual clarity can be rooted within an individual.

2. Verwurzelte Weiblichkeit im Fortschritt by Renata Kunst Renata Kunst’s triangle becomes a personal and collective manifesto of feminine essence and

transformation. Through natural materials and flowing hair that symbolically connects her to her ancestors, the work reflects deep-rooted connections to lineage

and identity. The whispers of grandmothers and mothers breathe security and wisdom into the composition, even as the artist acknowledges her independence in

the modern world. This duality is expressed in the balance between natural textures and the integration of materials like wire, representing the challenges and tools

of technological progression. The colors—pink, gold, and yellow—resonate with the triad’s collaborative spirit while maintaining individuality. This piece bridges the

natural and the technological, the past and the future, serving as a deeply personal meditation on growth and self-expression.

3. Verwurzelung meines Ich‘s by Heidrun Kirzenberger Heidrun Kirzenberger’s contribution is a deeply intimate reflection on self-acceptance and personal

growth. The depiction of “thorny underbrush” becomes a powerful metaphor for life’s obstacles and challenges, shaping and strengthening the self. This triangle

invites viewers to confront their own histories with all their light and shadow, encouraging a journey of self-recognition and self-embrace. The emotional resonance

of the work lies in its raw honesty—a portrayal of vulnerability and resilience, demonstrating how struggles can define and refine one’s inner essence. The organic

forms and symbolic textures create a dialogue between the inner chaos and emerging clarity, illustrating the delicate and transformative process of rooting oneself

firmly in identity and truth.

The Unified Whole Together, the three triangles form a cohesive yet multifaceted exploration of human experience. They weave a narrative that spans intellectual

harmony, the fusion of feminine roots and progress, and the transformative journey of self-acceptance. The triptych stands as an emblem of balance, collaboration,

and individuality. Through their combined energy, these works transcend their material forms, inviting the viewer to ponder questions of identity, connection, and

evolution. Woman-ART 2.0 has created not only a physical manifestation of art but also a philosophical dialogue, where the boundaries of time, essence, and

progress dissolve into a dynamic interplay of human creativity.

© Philosophical Interpretation by Curator Ing. Michaela Lukmann

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RENATE KUNST

WOMAN-ART 2.0 „Verwurzelte Weiblichkeit“





Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





RENATA KUNST

„Verwurzelte Weiblichkeit im Fortschritt“

80 cm Triangel

MixMedia ART auf Holzplatte

PREIS: 2.100,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„VERWURZELTE WEIBLICHKEIT im FORTSCHRITT“

Dieses Dreieck ist mein Versuch, die beiden Anteile in mir zu vereinen und sichtbar zu

machen. Es repräsentiert meine ursprüngliche Verwurzelung, die sich in den

Naturmaterialien zeigt – ein fließendes Haar, das mich mit meinen Ahninnen verbindet.

Ich spüre die Berührung meiner Großmutter, meiner Mutter, meiner weiblichen Essenz,

die mir Geborgenheit und Weisheit ins Ohr flüstern.

Sie haben mich früh verlassen, vielleicht, weil es meine Aufgabe ist, selbstständig in

dieser Welt zu sein. Natürlich und authentisch zeige ich mich mit all meinen Mustern.

Die andere Seite meines Porträts symbolisiert meine Auseinandersetzung mit der

neuen Zeit und den Technologien. Ohne Angst vor ihnen, erkenne ich sie als ein

Werkzeug, das mir hilft und mich erweitert. In meinem Malprozess habe ich mich in die

Farben Pink, Gold und Gelb vertieft. Pink und Gold waren ein bewusster Auftrag, um

mich mit den anderen Dreiecken unserer Triade zu vereinen – eine Verbindung dreier

Künstlerinnen.

Doch in diesem Zusammenspiel bleibe ich meiner individuellen Ausdrucksform treu.

Ich arbeite mit verschiedenen Materialien, um meine Vielfalt darzustellen, und

integriere Draht als Symbol meiner technischen Seite.

Diese Verbindung zwischen Natur und Technik, zwischen weiblicher Essenz und den

Herausforderungen des modernen Wandels, ist der Kern meines Werkes.

Die Makel, die durch Technik überdeckt werden sollen, bleiben dennoch sichtbar – sie

sind Teil des lebendigen Wandels. So arbeite ich mit dem Zeitgeist, lasse mich von der

Natur und dem Fortschritt gleichermaßen inspirieren, um das Beste meines Selbst zu

formen.

Mein Werk ist ein Dialog zwischen Vergangenheit und Zukunft, zwischen Berührung und

Transformation. Es fragt, was es braucht, um sich weiter zu verfeinern, um die tiefste

Wahrheit der eigenen Existenz zu ergründen.

Der Blick ist tiefgründig – sowohl durch technische Hilfsmittel als auch durch die

naturverbundene, unschuldige Neugier, die mich antreibt.

Ich lasse mich vom sanften Wind berühren, von der Verbindung zur Erde und zum Geist

der Zeit, um zu erschaffen und zu entdecken.


“ROOTED FEMINITY in PROGRESS“

This triangle is my attempt to unite and make visible the two parts within

me. It represents my original rootedness, reflected in the natural

materials—a flowing strand of hair that connects me with my ancestors. I

feel the touch of my grandmother, my mother, my feminine essence,

whispering security and wisdom into my ear.

They left me early, perhaps because it is my task to be independent in this

world. Naturally and authentically, I show myself with all my patterns.

The other side of my portrait symbolizes my engagement with the new era

and technologies. Without fear, I recognize them as tools that help and

expand me.

During my painting process, I immersed myself in the colors pink, gold, and

yellow. Pink and gold were conscious choices to unite with the other

triangles of our triad—a connection of three artists. Yet within this

collaboration, I remain true to my individual expression. I work with various

materials to portray my diversity and integrate wire as a symbol of my

technical side.

This connection between nature and technology, between feminine essence

and the challenges of modern transformation, is the core of my work. The

flaws that are meant to be covered by technology remain visible—they are

part of the living transformation. Thus, I work with the spirit of the times,

allowing myself to be inspired equally by nature and progress to shape the

best version of myself. My work is a dialogue between past and future,

between touch and transformation. It asks what is needed to further refine

oneself, to explore the deepest truth of one's existence. The gaze is

profound—achieved through both technical tools and the innocent curiosity

rooted in nature that drives me. I let myself be touched by the gentle wind,

by the connection to the earth and the spirit of the times, to create and to

discover.

249





ARTHENA MAXX






Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





ARTHENA MAXX

„Synaptische Verwurzelung

des intellektuellen Friedens“

80 cm Triangel

Acryl, Oil auf Holzplatte

PREIS: 2.100,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG:

„SYNAPTISCHE VERWURZELUNG des

INTELLEKTUELLEN FRIEDEN“

Das Gemälde "Synaptische Verwurzelung des intellektuellen Friedens" entfaltet ein

komplexes und philosophisches Spiel mit Symbolik, Form und innerer Reflexion. Die

zentrale Triangelform steht dabei als Sinnbild für Stabilität und Harmonie, während sie

zugleich das Streben nach intellektueller und emotionaler Balance verkörpert.

In der Mitte der Triangel befindet sich eine um 90 Grad gedrehte Lippe, aus der das

Gesicht eines jungen Mädchens herausblickt. Diese Darstellung symbolisiert die

Verbindung zwischen Ausdruck und Innenschau. Die Lippe, als Tor zur Sprache und

Kommunikation, vermittelt zwischen der inneren Welt der Gedanken und der äußeren

Realität. Das Mädchen selbst repräsentiert Unschuld, Neugier und die Offenheit des

Geistes – essentielle Elemente auf der Suche nach Frieden.

Um die Lippe herum entfaltet sich ein Geflecht, das sowohl wie Wurzeln als auch wie

synaptische Verbindungen im Gehirn erscheint. Dieses Geflecht steht für die

Verankerung intellektueller Prozesse sowie für das Netzwerk der Gedanken,

Erinnerungen und inneren Verbindungen, die unser Verständnis von Welt und Selbst

formen. Die Symbiose zwischen Wurzeln und Synapsen betont die Verbindung von

Natur und Intellekt, von tief verwurzelter Weisheit und der Dynamik kognitiver Prozesse.

Philosophische Dimension: Das Werk lädt ein, über die Beziehung zwischen Intellekt

und Frieden nachzudenken. Es zeigt, dass Frieden nicht nur ein emotionaler Zustand,

sondern auch das Ergebnis einer bewussten intellektuellen Auseinandersetzung ist.

Die Verwurzelung in der eigenen geistigen Welt ist ein notwendiger Schritt, um den

Zustand von Harmonie und innerem Gleichgewicht zu erreichen. Die synaptischen

Verbindungen im Werk illustrieren die interaktive Natur dieses Prozesses: Gedanken

sind keine isolierten Elemente, sondern Teil eines größeren Netzwerks, das sich stetig

verändert und entwickelt.

"Synaptische Verwurzelung des intellektuellen Friedens" ist eine künstlerische

Einladung, den Dialog zwischen Geist, Seele und Welt zu erforschen. Es fordert

Betrachter:innen dazu auf, in die Tiefe der eigenen Gedankenwelt einzutauchen und die

Verbindungen zu erkennen, die letztlich intellektuelle Ruhe und emotionale Harmonie

ermöglichen. Ein Werk, das durch seine Vielschichtigkeit inspiriert und nachdenklich

macht.


“SYNAPTIC ROOTING of INTELLECTUAL PEACE”

The painting "Synaptic Rooting of Intellectual Peace" unfolds a complex and

philosophical interplay of symbolism, form, and inner reflection. The central

triangular shape serves as a symbol of stability and harmony while

simultaneously embodying the pursuit of intellectual and emotional balance.

At the center of the triangle is a 90-degree rotated lip, from which the face of a

young girl peers out. This depiction symbolizes the connection between

expression and introspection. The lip, as a gateway to speech and

communication, bridges the inner world of thoughts and the external reality.

The girl herself represents innocence, curiosity, and openness of mind—

essential elements in the quest for peace.

Surrounding the lip is a network resembling both roots and synaptic

connections in the brain. This network represents the anchoring of

intellectual processes and the intricate web of thoughts, memories, and

inner connections that shape our understanding of the world and self. The

symbiosis between roots and synapses emphasizes the fusion of nature and

intellect, deep-seated wisdom, and the dynamic processes of cognition.

Philosophical Dimension: The artwork invites viewers to contemplate the

relationship between intellect and peace. It illustrates that peace is not

merely an emotional state but also the result of conscious intellectual

engagement. Rooting oneself in one’s intellectual world is an essential step

toward achieving harmony and inner balance. The synaptic connections

depicted in the work highlight the interactive nature of this process: thoughts

are not isolated elements but part of a larger, ever-evolving network.

"Synaptic Rooting of Intellectual Peace" serves as an artistic invitation to

explore the dialogue between mind, soul, and the world. It encourages

viewers to delve into the depths of their own mental landscape and recognize

the connections that ultimately enable intellectual tranquility and emotional

harmony. A work that inspires through its layers and provokes deep thought.

252

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Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava






„Verwurzelung meines ICH's“

80 cm Triangel

MixMedia ART auf Holzplatte

PREIS: 2.100,00 EUR


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WERKBESCHREIBUNG: „VERWURZELUNG meines ICHS“

DESCRIPTION of the ARTWORK: “GROUNDING of my IDENTITY”

Das Werk „Verwurzelung meines Ich‘s" ist eine intime Reflexion

über den inneren Prozess der Selbstakzeptanz und des

persönlichen Wachstums. Es beschreibt die Reise, sich selbst ins

Auge zu sehen und die eigene Geschichte – mit allen Licht- und

Schattenseiten – in ihrer Tiefe zu erkennen und anzunehmen. Die

Darstellung ist geprägt von der emotionalen Auseinandersetzung

mit den Hindernissen und Herausforderungen des Lebens, hier

symbolisiert durch "Dornengestrüpp", das jedoch zugleich die

Form und Stärke des eigenen Wesens prägt.

Philosophisch betrachtet thematisiert das Werk die Verwurzelung

als eine Metapher für Beständigkeit und Wandel zugleich. Es zeigt,

wie ein Mensch, selbst wenn er nicht mehr jung ist, in der Liebe

zum Leben eine tiefe Verankerung findet – sei es durch bewusste

Entscheidungen oder verborgen in den unbewussten Ebenen des

Seins. Die Verwurzelung wird dabei nicht als starres Element

verstanden, sondern als Grundlage für neues Wachstum und den

inneren Aufbruch.

Das zentrale Thema des Werks ist der Übergang in einen Zustand

des inneren Friedens. Der symbolische "Aufbruch in Voller

Auflösung des Seins" verweist auf die transformative Kraft des

Lebens und die Sehnsucht der Seele nach Erfüllung und

authentischem Sein. Das Werk gipfelt in der kraftvollen Aussage:

"Hier bin ich." Es ist ein Bekenntnis zur eigenen Identität und zur

Annahme der Lebensreise, wie sie ist.

„Verwurzelung meines Ich‘s" lädt die Betrachter:innen dazu ein,

über die eigene Verwurzelung, die Herausforderungen des Lebens

und die Kraft der Selbstakzeptanz nachzudenken. Es ist ein Werk,

das inspiriert und dazu ermutigt, die innere Stärke und den Mut zu

finden, sich selbst in der Tiefe zu begegnen und die eigene

Authentizität zu leben.

The artwork “Grounding of my Identity" is an intimate

reflection on the process of self-acceptance and personal

growth. It depicts the journey of looking oneself in the eye,

acknowledging one’s own history—with all its light and

shadow—and embracing it deeply. The portrayal is filled with

emotional exploration of the challenges and obstacles of life,

symbolized here by "thorny brambles," which at the same

time shape and strengthen one’s being.

Philosophically, the piece delves into rootedness as a

metaphor for both stability and transformation. It shows how

a person, no longer young, can find deep grounding in their

love for life—whether through deliberate choices or hidden

layers of existence. Rootedness here is not seen as rigid but

as a foundation for new growth and inner breakthroughs.

The central theme of the artwork is the transition toward inner

peace. The symbolic "breaking through in the full dissolution

of being" reflects the transformative power of life and the

soul's longing for fulfillment and authentic existence. The

work culminates in the powerful declaration: "Here I am." This

phrase stands as an affirmation of self-love and acceptance

of one’s life journey, with all its complexities.

“Grounding of my Identity" invites viewers to reflect on their

own grounding, life’s challenges, and the power of selfacceptance.

It is a work that inspires and encourages the

strength and courage needed to confront oneself deeply and

live authentically.

257

Künstlerischer Lebenslauf Viktoria Maxx (Eine Kunstfigur erschaffen von Arthena Maxx)

Hintergrund: Viktoria Maxx ist ein einzigartiges Artmodel, entwickelt von der Künstlerin

Arthena Maxx, um Kunst auf innovative Weise zu präsentieren. Als lebendes Kunstwerk

vereint Viktoria Maxx Elemente von Artdressfashion und Performance, um die Werke der

Plattform Mikizzaner in einer neuen und faszinierenden Dimension darzustellen.

Künstlerische Schwerpunkte:

•Präsentation von Kunstwerken in Verbindung mit außergewöhnlicher Mode

(Artdressfashion).

•Verkörperung eines lebendigen Kunstkonzepts, das die Grenzen zwischen Mode,

Performance und bildender Kunst verschwimmen lässt.

•Förderung der Kunstwerke der Plattform Mikizzaner durch visuelle und emotionale

Inszenierungen.

Bedeutende Projekte und Auftritte:

•"Mikizzaner Visionen" (Jahr): Präsentation von Artdressfashion im Rahmen einer

Ausstellung der Plattform Mikizzaner.

•Internationale Ausstellung: Auftritte bei verschiedenen internationalen Kunst-Events,

bei denen Viktoria Maxx die Kunstwerke als lebendige Leinwand interpretierte.

•Kooperationen mit Künstler:innen: Zusammenarbeit mit mehreren Mitgliedern der

Mikizzaner-Plattform, um ihre Werke durch avantgardistische Präsentationen in den Fokus

zu rücken.

Philosophie: Viktoria Maxx repräsentiert die Vision der Künstlerin Arthena Maxx, Kunst

nicht nur als statisches Objekt, sondern als dynamische Erfahrung wahrzunehmen. Sie

zeigt, wie Mode und Kunst in einem Dialog stehen können, der traditionelle

Betrachtungsweisen herausfordert und neue Perspektiven eröffnet.

Ziele:

•Fortführung der Präsentation von Kunstwerken durch innovative und performative

Ansätze.

•Inspiration eines breiten Publikums durch die Verbindung von Kreativität, Ausdruck und

künstlerischer Freiheit.

ARTMODEL

VIKTORIA MAXX

258





VIKTORIA GREINIX

an der ART BRATISLAVA by MIKIZZANER als etabliertes Artmodel teilgenommen hat,




Dr. MOZA LUBOSLAV

Kurator Bratislava





ARTMODEL VIKTORIA MAXX

führte durch die Ausstellung

Plattform Mikizzaner sagt:

„Herzlichen Dank“

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ARTE BRATISLAVA 2025 by MIKIZZANER

SHOWN BY ARTMODEL VIKTORIA MAXX

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ARTE BRATISLAVA 2025 by MIKIZZANER

SHOWN BY ARTMODEL VIKTORIA MAXX

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LiLa Herderberg & Blue Gecko ist ein dynamisches und

vielseitiges Musikensemble, das mit seiner einzigartigen

Mischung aus Stilrichtungen und lebendigen Performances

das Publikum begeistert. Die Band, bekannt für ihre

Leidenschaft und Kreativität, vereint Elemente von

Flamenco, Latin und internationalen Musikgenres zu einem

reichen Klangteppich, der die Zuhörer berührt.

Die talentierte Sängerin LiLa Herderberg beeindruckt mit

ausdrucksstarken Gesangsdarbietungen, die ihren Liedern

Tiefe und Emotion verleihen. Begleitet von den versierten

Musikern von Blue Gecko präsentiert die Gruppe ein

vielfältiges Repertoire, das von gefühlvollen

Akustikmelodien bis hin zu energiegeladenen, rockigen

Tracks reicht. Ihre Auftritte zeichnen sich durch ein

harmonisches Zusammenspiel von Rhythmus und Melodie

aus und demonstrieren ihre Fähigkeit, sich innerhalb

verschiedener musikalischer Traditionen anzupassen und

innovativ zu sein.

LiLa Herderberg & Blue Gecko haben sich durch ihre

mitreißenden Live-Performances einen Namen gemacht,

die oft eine Mischung aus spanischen und

südamerikanischen Einflüssen sowie populären Hits aus

Genres wie Pop, Rock und Country enthalten. Ihre Musik ist

voller Temperament und Gefühl und macht jede Aufführung

zu einem unvergesslichen Erlebnis.

Ob bei intimen Veranstaltungsorten oder groß angelegten

Ausstellungen wie ARTE BRATISLAVA, die Band inspiriert

und unterhält weiterhin, hinterlässt einen bleibenden

Eindruck durch ihre Kunstfertigkeit und Leidenschaft für

Musik.

MUSICBAND MIKIZZANER:

LiLA HERBERG & BLUE GECKO

263

264

MIKIZZANERSONG

Mikizzanersong:

Mikizzaner Song (youtube.com)

Powered by:

LiLa Herderberg

Romy Verun

Barbara Reisinger

Richard Dopler

Arthena Maxx

265


Songbeschreibung: „Mikizzanersong - „A Day of Art Awakes“

Der Song „A Day of Art Awakes“, performt vom Trio „LiLA y Geckos“, ist weit

mehr als eine musikalische Komposition – er ist eine bewegende Ode an die

transformative Kraft der Kunst. Präsentiert in einer akustischen Version sowie

einer atmosphärischen und rockigen Auswahl, begleitete der Song die

Ausstellung ARTE BRATISLAVA mit einem Soundtrack, der Emotionen und

Bedeutungen verbindet und sowohl Künstler als auch Zuschauer tief berührt.

Im Kern beleuchtet der Song die Essenz der Kunst als Kraft der Erweckung

und Erneuerung. Er feiert die Rolle von Arthena Maxx als Katalysator, als

„Eisbrecher“, der durch die Starre der Konventionen bricht, um Kreativität

freizusetzen und Künstler dazu zu inspirieren, die Wahrnehmung

zeitgenössischer Kunst neu zu definieren und zu erhöhen. Die Musik dient als

Aufruf zum Handeln, Künstler und Publikum auf eine Reise der Entdeckung

und Transformation einzuladen, um die Welt durch den Ausdruck der Kunst

neu zu betrachten.

Durch seine Texte und Melodien verkörpert „A Day of Art Awakes“ das

Zusammenspiel von Tradition und Innovation und reflektiert die ewige

Relevanz der Kunst in wechselnden Zeiten. Der Song spricht den Mut an, den

es braucht, um Veränderungen zu akzeptieren, kulturelle Normen neu zu

interpretieren und ein neues Bewusstsein zu wecken, das die innere Vision

des Künstlers mit der kollektiven Erfahrung der Gesellschaft verbindet.

Auf diese Weise wird der Song nicht nur zu einer Feier der Bedeutung der

Kunst, sondern auch zu einer philosophischen Erkundung ihrer Rolle als

Brücke zwischen persönlicher Reflexion und universellem Verständnis – eine

Hymne auf die Kraft der Schöpfung, die unsere Zeit prägen und neu definieren

kann.

Songdescription: „Mikizzanersong - „A Day of Art Awakes“

Der Song "A Day of Art Awakes", performed by the trio "LiLA y

Geckos," is much more than a musical composition—it is a stirring ode

to the transformative power of art. Presented in both an acoustic

version and an atmospheric, rock-inspired selection, the song

accompanied the exhibition ARTE BRATISLAVA with a soundtrack that

bridges emotion and meaning, resonating deeply with artists and

viewers alike.

At its core, the song delves into the essence of art as a force of

awakening and renewal. It celebrates the role of Arthena Maxx as a

catalyst, an "icebreaker" that breaks through the stagnation of

convention to unleash creativity and inspire artists to redefine and

elevate the perception of contemporary art. The music serves as a call

to action, inviting artists and audiences to embark on a journey of

discovery and transformation, to view the world through the lens of

artistic expression.

Through its lyrics and melodies, "A Day of Art Awakes" embodies the

interplay between tradition and innovation, reflecting the eternal

relevance of art in shifting times. It speaks to the courage required to

embrace change, to reinterpret cultural norms, and to awaken a new

consciousness that connects the artist's inner vision with the

collective experience of society.

In this way, the song becomes not only a celebration of art’s

significance but also a philosophical exploration of its role as a bridge

between personal introspection and universal understanding—an

anthem for the power of creation to shape and redefine the current

era.

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LiLa Herderberg & Blue Gecko is a dynamic and versatile

music ensemble that captivates audiences with its unique

blend of styles and vibrant performances. Known for their

passion and creativity, the band combines elements of

Flamenco, Latin, and international music genres, creating a

rich tapestry of sound that resonates with listeners.

The group features the talented singer LiLa Herderberg,

whose expressive vocals bring depth and emotion to their

music. Accompanied by the skilled musicians of Blue

Gecko, the band delivers a diverse repertoire that spans

from soulful acoustic melodies to energetic rock-inspired

tracks. Their performances are characterized by a

harmonious interplay of rhythm and melody, showcasing

their ability to adapt and innovate within various musical

traditions.

LiLa Herderberg & Blue Gecko have gained recognition for

their engaging live shows, which often include a mix of

Spanish and South American influences, as well as popular

hits from genres like pop, rock, and country. Their music is

infused with temperament and feeling, making each

performance a memorable experience.

Whether performing at intimate venues or large-scale

exhibitions like ARTE BRATISLAVA, the band continues to

inspire and entertain, leaving a lasting impression on

audiences with their artistry and passion for music.

MUSICBAND MIKIZZANER:

LiLA HERBERG & BLUE GECKO

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IMPRESSIONEN

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IMPRESSIONEN

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IMPRESSIONEN

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IMPRESSIONEN

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IMPRESSIONEN

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IMPRESSIONEN AFTER SHOW PARTY ;-)

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PRESSESPIEGEL

Plattform Mikizzaner: 22-köpfiges Mikizzaner-Team stellt in Bratislava aus - Voitsberg

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PRESSESPIEGEL

THANK YOU BRATISLAVA - "ARTE BRATISLAVA by

MIKIZZANER"

THANK YOU BRATISLAVA - "ARTE BRATISLAVA by

MIKIZZANER"

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PRESSESPIEGEL

AUSTRIAN MASTERPIECES bei ARTE BRATISLAVA by

Mikizzaner 2025

AUSTRIAN MASTERPIECES bei ARTE BRATISLAVA by

Mikizzaner 2025

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SOCIAL MEDIA

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Impressum und Offenlegung gemäß §§ 24, 25 Mediengesetz (MedG) iVm § 5 E-Commerce-Gesetz (ECG) für (Blue) Romus-Project GMBH.

Herausgeber:

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Kontakt Redaktion:

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Die Künstler, Verfasser, Veranstalter, Organisator, Sponsoren oder Vereine bzw. Vorstand haben mit der Akzeptanz bzw. Teilnahme bei den Ausstellungen, Vernissagen daher

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• Logos in Zusammenhang der Veranstaltungen, Vernissagen, Ausstellungen veröffentlicht werden dürfen und für Publikationen und Presseberichte verwendet werden dürfen.

• Diese Ausgabe vom Art 4 Investment Magazin wird digital erstellt, einzeln gedruckt im Auftrag an die Redaktion und bereitgestellt. Ein Nachdruck, Entnahme von Abbildungen, der Funksendung, der

Wiedergabe auf fotomechanischem oder ähnlichem Wege und der Speicherung in Datenverarbeitungsanlagen bleiben, auch bei nur auszugweiser Verwertung obliegt exklusiv dem Herausgeber und

Redakteur vorbehalten.

Die BLUE ROMUS-PROJECT GMBH.

ist Mitglied der Fachgruppen: Allgemeines Gewerbe, Einzelhandel sowie Unternehmensberatung und Informationstechnologie der Wirtschaftskammer Steiermark, sowie Kunsthandwerk und Galerien.

Medium: Veröffentlichte Artikel sind nicht lektoriert. Namentlich ausgewiesene Inhalte müssen nicht unbedingt der Meinung des Herausgebers, Verfasser, Veranstalter, Organisator oder Verein bzw.

Vorstand entsprechen. Der Herausgeber, Verfasser, Veranstalter, Organisator oder Verein bzw. Vorstand übernimmt auch keine Verantwortung für Inhalt, Zitate oder Zahlen.

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PLATTFORM MIKIZZANER

Österreichs größtes Genre übergreifendes Künstlerkollektiv

Kunst bewegt uns……

….Wir bewegen die Kunst

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‣ Tel: +43 664 88907999

‣ www.arthena-maxx.com

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Wir sind für dich jederzeit erreichbar!

PUBLIKATION

ARTE BRATISLAVA 2025

powered by Plattform Mikizzaner

MEISTERWERKE

von KÜNSTLER:INNEN

PLATTFORM MIKIZZANER 2025

ISBN: 978-3-903604-73-5

Thank you Bratislava

MASTERPIECES

from Artists

PLATFORM MIKIZZANER 2025

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Publikation ARTE BRATISLAVA by MIKIZZANER 2025

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